01·Revista de colección

AGOSTO 2011 3 DanzaBallet 01.06.2011 16:46:18 Uhr Passion. Danced by Passion. HHB1105_CS3_39L_230x300_Ballett_Leidenschaft.indd 1 iscopy Producción 1909 - 1929 Producción 1909 – 1929. The National Gallery of Australia. Léon Baskt. (Rusia, 1866 – Francia 1924) Léon Baskt. (Rusia, 1866 – Francia The National Gallery of Australia, Canberra. Alexandre Benois (Rusia 1870 - Francia 1960) Licenciado por V © Alexandre Benois / ADAGP. utú de vestuario para Aurora (Le Mariage d’Aurore) c.1922 T (Le Dieu Bleu) c.1912. Túnica de vestuario para El Dios Azul, Adquirido por la National Gallery of Australia, Canberra en 1973 ustralia, Canberra en 1987. Adquirido por la National Gallery of A

2 DanzaBallet Danza Ballet Revista de Colección

STAFF EDITORIAL

Director: Rubén Worcel [email protected] Editora: Carolina de Pedro Pascual 004 019 096 072 072 [email protected] Secretaria de dirección: Luisa Abellan Barbé [email protected] SUMARIO Nº 1 COLABORADORES Danza Ballet Revista de Colección

Nueva York: Célida Villalón París: Isis Wirth CARTA DE LA EDITORA 004 Carta de la editora. Por Carolina de Pedro Pascual Berlín: Juan Carlos Tellechea PORTADA 006 Nuestros trajes de portada. Danza Ballet & The National Gallery of Australia. Japón: Yukihiko Yoshida 010 Los Ángeles de Apolo. Una historia del ballet. Por Célida Villalón Barcelona: Isabel Felguera Arias Madrid: Arantxa Aguirre 018 : The Art of Costume. The National Gallery of Australia. Valencia: Gemma Gil Tellols FILM 022 Pina by Wim Wenders.

INTERVIEW 026 Manuel Legris director del Ballet Estatal de la Opera de Viena. Por Isis Wirth Publicidad: [email protected] Colaboradora en Madrid: Natacha Bolaños 032 El expresionismo y la prehistoria de la danza moderna. Por Juan Carlos Tellechea Directora ejecutiva de Spazio Ballet [email protected] YSL 038 Yves Saint Laurent. Haute Couture en escena . Por Carolina de Pedro Pascual Fotografía: Material cedido o adquirido especialmente para la publicación. 042 Invitation to the Ballet: and the story of . Diseño y maquetación: Macgrafic The Royal Opera House and The Lowry, Salford. Arte: Paco Castilla Sáez - www.macgrafic.com 050 El Festival Wagner de Bayreuth y el Gran Teatre del Liceu. Teatre Liceu de Barcelona. Corrección: Mercedes Tabuyo Hemos de agradecer la ayuda que nos han prestado desde el principio y con total dedicación: 054 El Ballet de la Ópera de París durante la Revolución francesa. Por Isis Wirth Maïwenn Rebours (HEYMANN, RENOULT ASSOCIEES, Paris), 058 Nuestro Béjart. Por Aranxta Aguirre Imprenta: ########### Laurie A. Olivieri, David Edghill y Dominique Nagy (National Gallery of Australia is an Australian Government Agency, Australia) Distribución Quioscos y librerías: SGEL ÓPERA 066 y Kitty Greenleaf (Royal Opera House, Londres). Première “I Capuleti e i Montecchi”. Bavarian State Opera.

072 Los Ballets Suecos -Les Ballets Suédois-. PRIMERA PARTE. Por Isabel Felguera Aria Suscripción: [email protected] También nos dieron muestra de una gran amabilidad y ofrecieron generosa cooperación: ASIA 078 in Japanese Dance. The Dawn of Western dance. By Yukihiko Yoshida

Danza Ballet Revista de Colección Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent (París) 084 Aleksander I. Pushkin. Por Gemma Gil Tellols Fundada en 2011 Christiane Zimmermann (Musée Rath, Genève) Barcelona – España 098 Set in Style: La Joyería de Van Cleef & Arpels. The Cooper-Hewitt, National Design Museum. Moderna Museet (Suecia) BALLET PRÉCIEUX Nº1 - Julio/Agosto 2011 Victoria & Albert Museum (London) 104 Colagge con Sonia Delaunay-Terk. Por Carolina de Pedro Pascual ISSN en trámite Béjart Ballet Lausanne (Lausanne, Suisse) 112 Exposición: L’art du costume à la Comédie-Française. Bayerische Staatsoper (Munich) Le Centre National du Costume de scène de Moulins. www.danzaballet.com Laurie A. Olivieri. (Cooper-Hewitt, National Design Museum, New York) 128 Algunas frases celebres. Prohibida su cita, reproducción, edición o transmisión total o parcial por RECOPILACIÓN Stadtgeschichtliches Museum Leipzig (Leipzig) cualquier medio y en cualquier soporte sin la autorización escrita de Danza 138 Costume for a Sylph in Fokine’s ballet Les Sylphides. Ballet Revista de Colección aún citando la procedencia. El contenido de FIN Centre National du Costume de Scène et de la Scénographie, Danza Ballet & Victoria and Albert Museum. Danza Ballet Revista de Colección esta bajo Copyright. Moulins (France) Danza Ballet Revista de Colección respeta la opinión de sus colaboradores y los textos son responsabilidad de quienes los firman. Wim Wenders Büro. Road Movies Filmproduktion/ (Berlin) CARTA DE LA EDITORA

Resulta increíble que en una época tan difícil nuestra mas adorada y admirada compañía en como esta hayamos cumplido el sueño de lanzar donde todas las artes han ocupado un lugar des- una revista en papel. tacado. Cinco años han pasado desde que Danza Ballet Durante veinte años los Ballets Russes de vio la luz como web, y actualmente está posicio- Diaghilev deslumbraron al mundo con nuevos nada como un verdadero referente serio, actual estándares estéticos y excepcionales produccio- y profesional del universo de la danza y el ballet. nes artísticas donde los talentos más relevantes Otros pocos años han pasado desde que deseaba de una era fueron los protagonistas absolutos en convertir Danza Ballet en una revista y hoy el crear la compañía de ballet mas importante de sueño se hace realidad con esta línea editorial tan todos los tiempos. especial. Leonid Massine, , Giorgio Di Contará con entrevistas exclusivas a personali- Chirico, Léon Bakst, Tamara Karsavina, Natalia Gontcharova, Serge Lifar, , Olga Spessitseva, Nicholas Roerich, , Danza Ballet Revista de Colección, Ida Rubinstein y tantos otros (la crème de la será una publicación, que contará crème de la época) contribuyeron a crear la ambiciosa empresa de Serge Diaghilev que no principalmente con material inédito. solo cambió el arte del ballet sino que marco el comienzo de una nueva era y ese hito marcó el nacimiento del ballet moderno, del cual sin duda dades del mundo de la danza, la moda, la música, alguna, Diágilev es el fundador. el arte; tendrá notas de opinión, historia, análisis, Pocos han hecho evolucionar el arte como él. y material sin fecha de caducidad, que converti- Un importante innovador de todas los aspectos rá cada ejemplar en algo valioso para guardar y artísticos, que hizo una enorme contribución al atesorar. siglo XX y cuya influencia ha llegado a nuestros En la web Danza Ballet podrá encontrar las habi- días. tuales primicias diarias y los sucesos del momento, Por todos ellos nuestra tapa y nuestros próximos y en la versión impresa, material no perecedero. trabajos. Soy alguien que apuesta por el talento, la seriedad, la alta calidad y, sobre todo, por la En cuanto a mis colaboradores, con el número exclusividad; cualidades todas que se refleja- 1 de Danza Ballet Revista de Colección solo rán en estas páginas y se convertirán en esencia puedo estar llena de agradecimiento hacia todos absoluta de esta nueva revista de colección. ellos, que nunca jamás han dudado a la hora de brindar lo mejor de sí mismos. Pocas personas Tengo la suerte de haber encontrado estas cua- tienen la suerte de contar con amigos tan mara- lidades en mis colaboradores amigos. Todos villosos como los que poseo. ellos personas inteligentes, generosas con su conocimiento y experiencia, llenas de ideas in- Siempre guiándome por el mejor de los caminos, teresantes, estimulantes y, por encima de todo, a mi lado Célida Villalón, quien con toda la sa- aprecian el trabajo serio y la amistad. biduría que se adquiere con la experiencia, me entrega lo mejor de sí. La generosidad y el respeto son valores esen- ciales en nuestro modo cotidiano de trabajar, y Gracias también a Isis Wirth, una especial amiga nuestro método es bien simple, y tal vez por eso, de este tiempo, viajera y lectora incansable, sumamente eficaz. La cooperación, el respeto valiente protagonista y generosa en historias, y y la generosidad son nuestros valores primor- a Juan Carlos Tellechea, a quien su profunda y diales. Siempre hemos compartido un mismo amplia visión profesional le permite dar siempre horizonte: el del trabajo serio, el del amor y la las mejores y más acertadas opiniones. veneración del ballet como pasión que nos une Por último, un párrafo aparte para mi esposo. Mi y enriquece. agradecimiento a este hombre extraordinario y Entiendo por generosidad actuar en favor de noble como un caballero medieval. otros desinteresadamente y con alegría. El Gracias a todos los que habéis arriesgado respeto hacia los demás es otra de las cualida- conmigo. Gracias a mi maravilloso equipo que ha des básicas en este grupo de amigos que hoy hecho posible este proyecto y los que vendrán. Roger Desormiere, Serge Diaghilev, Serge Lifar, Boris inicia este proyecto. No solo respeto a la persona Kochno, Alexandra Danilova, Lubov Tchernicheva and misma, sino también a sus opiniones, a sus sen- Felia Doubrovska arriving at Liverpool, photo Liver- Gracias por haber cumplido conmigo este sueño pool Press. Photograph. Liverpool, UK, 1928. timientos y a su privacidad. Todos ellos poseen grandes valores. compartido. © Victoria and Albert Museum, London. Estrenamos número en Danza Ballet Revista de Colección con los Ballets Russes de Diaghilev, Carolina de Pedro Pascual 9 DanzaBallet oyage au Cambodge: ydia he Blue God subdues the monsters, the the God subdues The Blue amara Karsavina, L © The National Gallery of Australia, Canberra. Nuestros trajes de portada trajes Nuestros fter the high priest arrives the ceremony begins but begins ceremony the arrives priest high the After oyage to Cambodia: Khmer architecture), published in ijinsky, T aslav Nijinsky, races of this blue make-up are impregnated in the lining of the emple of Angkor Thom in Cambodia, which had been populari- ijinsky’s performance of sculptural poses rather than active dancing. active than rather poses sculptural of performance Nijinsky’s The Blue God The Blue in one act Hindu legend es Ballets Russes de Serge Diaghilev Producer: Les Ballets Russes de Théâtre du Châtelet, París Premiere: 13 May 1912, Samoilovitch Bakst Costume design: Léon Costumier: M. Landoff and Marie Muelle Scenery design: Léon Samoilovitch Bakst Music: Reynaldo Hahn Choreography: Libretto: Jean Cocteau and Federico de Madrazo Girl, characters: the Blue God, the Bayadere, the Young Main Bearers. Peacock the Priest, High the Youth, the Goddess, the dancers: V Principal Nelidova, Max Frohman. Paris in 1880. The French fascination with the cultures of its colonies had given audiences the opportunity to see several troupes of Cambodian court dancers in 1900 in performance at the 1906 Colonial Exposition in Marseille.3 Earlier, - a troupe of Siamese dancers had performed in St Petersburg, forming an im ieu pression on Fokine that would take form in his choreographic work on Le D bleu. These influences are design encapsulated of in the Bakst’s original skirted of watered silk Made costume for the Blue God (Krishna) worn by Nijinsky. and satin, it is embroidered with a closed lotus flower and rays of gold thread background fabric is a contemporary and metallic studs. The stiff conical skirt’s - printed pattern, overlaid with embroidered arabesques, while its hem is decora ted with pearlised pink and white gelatin discs. The intricately decorated bodice was most likely designed to suggest the body was jewellery seen in Hindu sculpture, while the stiff formality of the costume in echoed As Krishna, Nijinsky had worn bright blue make-up in continuance of the skin being turned blue as a result of being bitten by a poi- tradition of the god’s sonous serpent. T costume, giving it a particularly intimate connection to Nijinsky. ndia, the ballet opens at a shrine of the Blue God, which is su- Set in mythical India, the ballet opens at a shrine of the and pond in the centre. Worshippers rrounded by rocks and cliffs with a lotus priest, gather and wait for the ordination a young neophyte, soon to become a commence. to ceremony priesthood. from him rescue to attempting lover, novice’s the by interrupted is shrine, where she threatened by its She is captured and imprisoned in the she inadvertently lets loose a plethora resident monsters. While trying to escape God and deity for help and the Blue of monsters. She appeals to the shrine’s lotus pond. from the both rise Goddess lovers are reunited and the gods return to their celestial abodes. ieu The orientalist exoticism of Cléopâtre and Schéhérazade continued in Le D bleu. Bakst’s set, with its massive carved faces, showed the influence of those of the Bayon T V sed in France through engravings in Louis Delaporte’s l’architecture Khmer (V Le Dieu Bleu oyage au: ydia amara Karsavina, L as huellas de este maquillaje azul impreg- azul maquillaje este de huellas Las raducido por Danza Ballet Revista de Colección. © The National Gallery of Australia, Canberra. T amboya: la arquitectura jemer), publicado en jemer), publicado iaje a Camboya: la arquitectura ijinsky, T aslav Nijinsky, Leyenda hindú en un acto Leyenda hindú Serge Diaghilev Productor: Ballets Russos de Théâtre du Châtelet, París Estreno: 13 de mayo de 1912, éon Samoilovitch Bakst Diseño de vestuario: L de vestuario: M. Landoff y Marie Muelle Encargado Diseño de decorados: Léon Samoilovitch Bakst Música: Reynaldo Hahn Coreografía: Mijaíl Fokín Libreto: Jean Cocteau y Federico de Madrazo Chica Joven, la Personajes principales: el Dios Azul, la Bayadera, la Diosa, la Juventud, el Sumo Sacerdote, los Portadores del Pavo Real. Bailarines principales: V El Dios Azul El Dios ndia mítica, el ballet se abre en el santuario del Dios Azul, que Situado en la India mítica, el ballet se abre en el santuario que cuenta con un estanque de loto en el está rodeado por rocas y acantilados y y esperan reúnen se sacerdote, ser de antes neófito, joven un y fieles Los centro. Sacerdote inicia el rito, pero es interrum- el comienzo de la ceremonia. El Sumo trata de impedir que se consagre. La pido por la amante del muchacho, que los monstruos la acechan. En vistas capturan y encierran en el santuario, donde desesperadamente ayuda a la deidad del del peligro que corre su vida, ruega santuario y al Dios y la Diosa Azul, quienes finalmente la socorren y la unen a su amante. zul. El exotismo orientalista de Cleopatra y Schéhérazade continuó en El Dios A El equipo de Bakst, con sus caras talladas, fue un fiel reflejo- de las del templo Bayon de Angkor Thom, en Camboya, que se habían popu de la influencia larizado en Francia a través de los grabados de Louis Delaporte de V (V Khmer l’arquitectura París en 1880. La fascinación francesa por las culturas de sus colonias había camboya- bailarines de comparsas varias ver de oportunidad la público al dado nos en la Exposición Colonial de 1906, en Marseille. Anteriormente, en 1900, un grupo de bailarines siameses había llevado a cabo en San Petersburgo la escenificación de una de las danzas de Fokine que sería el germen del trabajo coreográfico de El Dios Azul. falda de traje original del Bakst de diseño el en materializan se influencias Estas De seda y satén regado, está azul para el Dios (Krishna) usado por Nijinsky. metálicas. tachuelas y oro de hilo de rayas cerrada, loto de flor una con bordado - La falda, de tela rígida trabajada con forma cónica, es un modelo contemporá con neo cubierto con arabescos bordados, mientras que su borde está decorado - discos de gelatina de color rosa y blanco cubiertos de perlas. El corpiño, intrica damente ornamentado con pedrería, se diseñó para recordar los de la escultura hindú; mientras, Nijinsky se hizo eco de la rígida formalidad de la vestimenta activo. baile el sobre escultóricas poses las predominan que la en danzas, sus en Como Krishna, Nijinsky se había maquillado de color azul brillante, recogiendo del la tradición que cuenta que la piel del dios se volvió azul como resultado venenosa. serpiente una de mordisco nan las paredes del vestuario, dándole una conexión especialmente íntima con nan las paredes del vestuario, dándole una conexión especialmente íntima Nijinsky. Nelidova, Max Frohman.

8 DanzaBallet 11 DanzaBallet e Pavillon Le harles Perrault’s Perrault’s Charles © The National Gallery of Australia, Canberra. sevolozhsky, after Vsevolozhsky, Nuestros trajes de portada trajes Nuestros I ikoláyevich Benois (from Benois Nikoláyevich chaikovsky, partly re-orchestrated by Ígor chaikovsky, Aurora’s Wedding Aurora’s act Ballet in one iaghilev Producer: Les Ballets Russes de Serge D Opéra, París Premiere: 18 May 1922, Théâtre National de l’ Costume design: Alexandre Sergeevna Goncharova d’Armide) with new costumes by Natalia Costumier: Ivan Caffi (Imperialrmide re-used costumes from Le Pavillon d’A Theatres, St Petersburg) for Le Pavillon Scenery design: Alexandre Nikoláyevich Benois (from d’Armide) Music: Pyotr Ilyich T Fiódorovich Stravinski Choreography: after and Petipa Marius Libretto: fairytale Shéhérazade, Main characters: Princess Aurora, Prince Florestan, Bluebird, Little Red Riding Hood, Blue Beard, Buffoons, Ivan and his brothers. This ballet confines itself to the final- marriage feast of Aurora and her prince. It consists of a series of novelty charac part of the ballet Sleeping beauty, the ter dances performed by the wedding guests, among which are nobles, a retinue of fairies (from the earlier production of The sleeping princess), the Bluebird and Little Red Riding Hood, who join the awakened Princess Aurora dancing with her new groom Prince Florestan in an enchanted setting. After the financial failure of The sleeping princess, Diaghilev returned to Paris he in very reduced circumstances, unable to bring the production to the city as little money to create entirely new works, but with a loyal had planned. With to cohort of experienced dancers looking to him for employment, he decided stage the final act of The sleeping princess as Le Mariage d’Aurore using the music score that he had retained. He decided to re-use a mélange of costumes from his stock, including a number of key eighteenth-century style outfits from his 1909 production of Le Pavillon d’Armide. Premiered with the new work, Le Le Renard (The fox), developed by Stravinsky and designed by Larionov, produc- compromised, artistically if popular, a be to proved d’Aurore Mariage Russes successors Ballets tion that would remain in the repertoire of Diaghilev’s during the 1930s. d’Aurore Le Mariage Le Mariage - Shéhéra- e Pavillon Le raducido por Danza Ballet Revista de Colección. © The National Gallery of Australia, Canberra. T urora, Príncipe Florestán, Príncipe Aurora, ikoláyevich Benois (desde Benois Nikoláyevich chaikovsky, en parte reorquestada por Ígor Fió- chaikovsky, Armide. go) para volver a utilizar trajes de Le Pavillon d’ Diseño de decorados: Alexandre Ballet en un acto Ballet en un Productor: Ballets Russes de Serge Diaghilev ational de l’Opéra, París Estreno: 18 de mayo de 1922, Théâtre N (desde Le Pavillon Benois Diseño de vestuario: Alexandre Nikoláyevich Sergeevna Goncharova d’Armide) con nuevos trajes de Natalia Petersbur San en Imperiales (Teatros Caffi Ivan de vestuario: Encargado Las Bodas de Aurora Las Bodas d’Armide) Música: Pyotr Ilyich T dorovich Stravinski Coreografía: Marius Petipa después de cuento de hadas de Libreto: Marius Petipa y Vsevolozhsky, Charles Perrault Personajes principales: Princesa zade, Bluebird, Caperucita Roja, Barba Azul, Bufones, Iván y sus hermanos. Este ballet pertenece a la parte final del ballet La bella durmiente, la boda de Aurora y su príncipe. Consiste en una serie de danzas de carácter novedoso (de la produc- nobles, un séquito de hadas realizadas por los invitados, entre ción anterior de La bella durmiente), Bluebird y Caperucita Roja, se unen a la en un lugar Florestán y bailando con el príncipe princesa Aurora despertándola encantado. el Tras fracaso financiero de La bella durmiente, Diaghilev regresó a París con Con estrecheces, incapaz de presentar la producción tal como él hubiera querido. poco dinero para crear obras totalmente nuevas, pero con una cohorte de fieles determinó a él en busca de empleo, bailarines experimentados que acudieron con d’Aurore» mariage «Le como durmiente bella La de final acto el cabo a llevar la partitura que había conservado. Decidió volver a utilizar trajes de varias de sus representaciones, incluyendo un número con trajes de estilo del siglo XVIII de su producción de 1909 Le Pavillon d’Armide. Estrenado con el nuevo trabajo, «Le Larionov, por diseñado y Stravinsky por desarrollado zorro), (El Renard Le Mariage d’Aurore» ha demostrado ser una producción popular y artísticamente de los Ballets Russes repertorio de en el que ha permanecido comprometida Diaghilev desde la década de 1930.

10 DanzaBallet 13 DanzaBallet - Su iena, ictoria. La obra aglioni abandonó aglioni. Con la pieza titulada ovenskjold (1815-1870). Lovenskjold openhague ocurrió en 1836, con Grahn y el propio el y Grahn con 1836, en ocurrió Copenhague us nombres: nombres: quatre. Sus de Pas titulada la ocasión, para camente —la primera de la historia—), Carlota Grisi (1819-1899 y la danesa errito (1817-1909) Lucille Grahn la italiana Fanny C - un ballet-divertimiento coreo (1819-1907). El Pas de quatre es de coreografía y (1805-1879) Pugni Cesare de música con gráfico Majesty´s Her en 1845 en estrenado (1810-1892), Perrot Jules de la reina V Theatre de Londres, con la asistencia subiría a escena solamente cuatro veces. subiría a escena solamente del romanticismo, Giselle (1841), Si fue el prototipo Heine (1797-1856), con inspirado en una leyenda de Heinrich de coreografía de Jean Coralli (1779-1854) y Perrot y música de la Adolphe Adam (1803-1856), estrenada en el escenario romántica en Ópera parisina, sería el epítome de la sensibilidad la danza. París, T Después de sus incontables triunfos en importantes plazas de la gran ciudad para llevar su arte a varias en el gusto del público Europa y Rusia. Pronto sería sucedida Nacida en V por la bailarina Fanny Ellsler (1810-1884). llsler era dueña de un estilo apasionado, casi sensual, muy dife- Ellsler era dueña de un estilo apasionado, rente a la manera casta y etérea de T - La cachucha, baile típico de España, la bailarina obtendría in a Estados aplausos. En sus múltiples viajes llegaría numerables Unidos, de donde pasó a Cuba en 1841 y 1842; allí se vio colmada de flores y joyas valiosas, que según cuentan los historiadores, la isla caribeña. fueron otorgadas por los naturales de Auguste La sylphide fue transportada a Dinamarca por el bailarín hizo una nueva coreogra- Bournonville (1805-1879), quien le Herman de música la usando fía en estreno Bournonville en los papeles principales. «Nadie ha preservado ni usado con más cariño la historia de este antiguo ballet francés que los daneses», escribe Homans. Es necesario apuntar que la enorme cantidad de ballets creados por Bournonville en su par ticular estilo han sido conservados por el Real Ballet Danés con gran exactitud y respeto. Homans dedica un capítulo a Bournonville, que titula «Scandi- navian orthodoxy: the danish style». En esta sección, el aprende cómo el coreógrafo danés, según la opinión de la autora, lector adquirió fama en el siglo xx, cuando su estilo de danza y sus obras fueron «interpretadas por otras City Ballet (NYCB), American Ballet Theatre (ABT), New York compañías, especialmente el Ballet de la Ópera Nacional de París (BONP) y Real Ballet de Londres (RBL)». El público de Nueva York, actual capital del del estilo las virtudes mundo de la danza, ha podido comprobar creado por Bournonville en las visitas que el Real Ballet Danés ha hecho a esta ciudad y a través de los bailarines que, como Erik Bruhn (1928-1986), han paseado su perfección técnica por los escenarios neoyorquinos. Después de la era romántica, el ballet tuvo un periodo de de- cadencia. No obstante, tres obras de relevancia, de distintos coreógrafos, verían la luz en París en esos años: Le corsaire (1856), creado por Joseph Mazilier (1801-1868), sobre música de Adam y varios autores más, y otras dos con música de Leo Delibes (1836-1891): Coppelia, con coreografía de Arthur Saint- Léon (1821-1870), en 1870 (el coreógrafo murió poco después del El aglioni erdi y (el eatro de la Ópera de París (hoy eatro de la Ópera (conocida como aglioni (1777-1871). Con los bailes diseñados talia produjo tan importantes óperas y tan me- y tan óperas importantes tan produjo Italia aglioni no tuvo rival peses a haber surgido otras iganò (1769-1821) fue una personalidad en la iganò (1769-1821) aglioni obtendría su máximo triunfo en 1832, en el Salvatore V actua- la danza clásica. La autora analiza la temprana historia de ción de Viganò y Rossini en La Scala de Milán: «representaban de la a la “aridez” y el “falso brillo” un bienvenido abandono y la cínica política de la Restauración ópera y el ballet parisinos francesa». Viganò, discípulo de Noverre, ampliaría aún más las en los cuales en vez espectáculos creando ideas de su maestro, en un con la mímica combinaba ambos de alternar la música exage- del movimiento dramático (sin caer en continuo desarrollo «¿Por pregunta: interesante una expone Homans Aquí raciones). en el ballet qué diocres ballets?». La contestación es larga y variada, pero en el siguiente pensamiento encontramos una buena explicación: «El existía entre V enorme espacio de cultura e intelecto que circunstancia». o oportunidad que más era Manzotti, coreógrafo) de la barra en Muy importante en esa época fue la introducción las clases, método ideado por Carlo Blasis (1795-1878), igual que de Bologna. Sin embargo, el attitude, inspirado en el Mercurio la influencia de Blasis sería de corta duración.Francia, especialmente en francesa no solo dislocó la vida en La Revolución París, sino en los predios del T cademia Real hasta 1875) y sus bailarines, pero como la autora la como pero bailarines, sus y 1875) hasta Real Academia apunta, «si los hombres distorsionaron el ballet merías de en la Revolución las francesa, las postri- mujeres lo preservarían», cambiadas por movimien- obviando las exageraciones, que serían tos suaves y recatados. román- ballet del nacimiento el consigo trajo romántica era La escenarios. los en mujer la de reinado el ende, por y, tico, por primera vez en la ballet quedaría transformado radicalmente: sobre la punta de los pies historia, la bailarina no solo se subiría sino que se deslizaría sobre ella, manifestando abiertamente de esa manera el anhelo de la época de adquirir nuevas alturas, eva- diendo contacto con lo terrenal. Con esos principios, la técnica se enriqueció con nuevos pasos y con más destreza en su ejecución. La máxima exponente de ese estilo fue la sueca Marie T (1804-1884), nacida en una dinastía de bailarines. De limitadas facultades para la danza que «logró vencer por su sorprenden- te fortaleza física», su primer triunfo, en 1831, fue en Robert le Diable, de Giacomo Meyerbeer (1791-1864), en la la ópera escena de las monjas del segundo acto, que llevaba coreografía de su padre, Filippo T especialmente para ella, la bailarina demostró que podía parecer tan etérea como una brisa primaveral. Marie T estreno La Sylphide, que llevaba nuevamente coreografía de su padre. La obra, presentada en el T también conocido como Palais Garnier), estaba basada en un libreto del tenor Adolphe Nourrit, con «evocativos» decorados (1785-1852), de Cicéri y música original de Jean Schneitzhoffer que Homans llama «una partitura poco distinguida». de pintores y escritores de «musa la en éxitos sus por Convertida la época, así como en el ideal que toda mujer deseaba alcanzar», la fama de T bailarinas en esa época, entre las que estaban las tres primeras figuras que danzarían Taglionicon una pieza creada específi- Dios estris (1760- overre (1727-1810), Noverre iena, Copenhague y San Petersburgo. estris (1728-1808), quien provenía de estris (1728-1808), quien provenía de a relevancia de Jean-Georges de relevancia La aFontaine (1655-1738), de quien se dijo que componía sus componía que dijo se quien de (1655-1738), LaFontaine erpsícore, renuncien a los brincos elaborados, entrechats, y entrechats, elaborados, brincos los a renuncien erpsícore, convertido por sí mismo en crítico y autor del primer tratado sobre la danza, Lettres sur la danse et sur le ballet, publicado en 1760, aparece ampliamente detallado en el libro. Este importante si traducciones, de infinidad en días nuestros a llegado ha tratado bien con algunas añadiduras. de después 1776, en Real Academia la de maître fin al Nombrado haber pasado tiempo en Londres, Noverre logró su mayor triunfo siempre no «ideas imponiendo «ciego»), de califica autora la (que danza la a aplicarlas de incansable determinación su originales… lo apartaron de todos sus colegas». Esas ideas las máxima de Noverre que Homans sitúa al comienzo de su capítulo explica esta 2, titulado «The enlightment and the story ballet»: «Criaturas de T otros pasos complicados; abandonen las afectaciones por el senti- miento, la gracia simple y la expresividad». de acción. ballet del nacimiento el consigo normas traerían Esas La fille mal gardée (1789) sería la primera obra con argumento que apareciera en la Academia Real. Compuesta por Jean Dau- berval (1742-1806) e interpretada por Mme. Théodore, la acción se desarrollaba con el acompañamiento de melodías populares de la época. Pronto la danza de escuela trascendería fronteras y se exten- dería por toda Europa —comenzando por Milán, donde había suce- se que italianos maestros varios de mano la de nacido— dieron, uno tras otro, en V 1842), magnífico bailarín como su padre y similarmente engreído, similarmente y padre su como bailarín magnífico 1842), hacia apuntando los pies de colocación perfecta exigía una quien fuera. quien ocupó el cargo de director del ballet de la recién fundada quien ocupó el cargo de director del básicas Academia. En 1670 instituyó el uso de las cinco posiciones su nombre original en de los pies en la danza clásica, que guardan se enseñe y practique. La f rancés, en cualquier país que ese arte de que se permitiese Academia existiría durante doce años, antes Una de las primeras a ninguna bailarina aparecer en el escenario. en ese arte fue Mlle. a quien correspondió el título de profesional de propios pasos. llamado del el aparece históricos, nombres más Barajando de la Danza, Gaetano V que dominaron la una distinguida familia italiana de bailarines Pompadour hasta la era Academia Real desde los días de Mme. Auguste V Napoleónica. No podía faltar el de su hijo, - erpsícore, muchas Los Ángeles de Apolo Ángeles de Los yric Opera Ballet, San audemont, hermana de la de hermana audemont, V imes, The International Herald ol, quien durante su reinado (1643- reinado su durante quien Sol, UNA HISTORIA DEL BALLET UNA HISTORIA ew York Review of Books y The Australian. ribune, The New York reina, con el duque de Joyeuse. Casi cien años más tarde, el más dedicado practicante de la nueva modalidad sería el rey Luis XIV rey llamado el (1638-1715), ballet o cour de ballet llamados festejos de infinidad celebró 1715) años doce los desde parte tomaría mismo él en los que la corte, de de edad. Estos espectáculos, que a veces duraban hasta 13 horas salones en sino escenarios, los en presentaban se no consecutivas, palaciegos, y combinaban recitativos, coros y bailables. En 1661, el propio Luis XIV estableció la Academia Real de la Danza, y en 1669 fundó la Academia Real de Música y Danza, de donde surgió el maestro Pierre Beauchamp (1636-1705), history of ballet, un nuevo libro sobre la ´s angels - A history of ballet, un nuevo libro sobre editado por historia de la danza académica, elegantemente en Estados Unidos. La Random House, acaba de ser publicado historia de la danza autora, Jennifer Homans, narra la hermosa fueron sus inicios en la clásica, contando en 643 páginas cómo llegar a nuestros días. corte francesa, en la era renacentista, hasta graduada con un docto- Homans posee un respetable currículo: perteneció anteriormente a tres University, rado de la New York L compañías de danza, a saber: Chicago Por Célida Villalón Francisco Ballet y Pacific Northwest Ballet. En la actualidad es - la crítica de danza de The New Republic, además de haber publi T cado artículos en The New York T en declarado Homans ha propia según la ambicioso proyecto, El le supuso aproximadamen- la prensa y en entrevistas televisadas, revisar pudo donde distintas ciudades, a y la llevó años diez te infinidad de escritos y libros que la guiaron a través de tan fasci- nante propósito. Los que desconocen el divino arte de la musa T veces preguntan qué es, a fin de cuentas, el ballet.lo define La historia como un arte aristocrático por su elegancia,exquisitas costumbres; en otras palabras, es un arte de reyes que finura y tuvo sus orígenes en 1489 como un banquete coreográfico cele- brado en el Castillo de Sforza, en Milán, con motivo de la boda del duque de Milán con Isabel de Aragón. Casi un siglo después, en 1581, Catalina de Medici (1519-1590), esposa de Enrique II de Francia, trasladaría la nueva modalidad a la corte francesa. El primer ballet del que existen referencias fue un espectáculo esplendoroso llamado Ballet comique de la reine, compuesto por Balthasar de Beaujoyeulx (†1587) y presentado en el Petit-Bour de Mlle. de boda la de motivo con bon

12 DanzaBallet 15 DanzaBallet - - eatro a bella La ecchetti en los roles en los Cecchetti e ese grupo han so- De ese grupo chaikowsky, y [Petipa] lo chaikowsky, chaikowsky (1840-1893). chaikowsky tendría una enorme impor . A. Hoffman, que contó con la colaboración del maestro vanov. La italiana también colaboraría Ivanov. donde chaikowsky, an Petersburgo, fueron el resultado, muy en San Petersburgo, fueron el resultado, muy eatro Mariinsky, sabía». Tres sabía». de Tres las gloriosas piezas que subieron a la escena del T genios: dos estos de colaboración la de repetir, de difícil —con la música de hadas de Perrault sobre un cuento durmiente, escrita según los diseños específicos del coreógrafo—, estrenada en 1890 con Carlota Brianza (1867-1930), (1844- y Enrico (1857-1930) Petipa 1917), Maria tancia en la historia del ballet. «Tchaikowsky», señala Homans, «fue el primer compositor de gran significancia que vio el ballet como un arte esencial», añadiendo después: «Petipa se convir tió en un gran coreógrafo gracias a T principales; siguió Cascanueces, en 1892, sobre una historia de E. T ruso en la coreografía y la actuación de Antonietta Dell’Era (1865-?) , Gerdt y Sergei Legat (1875-1905), en los papeles principales. El tercer lugar lo ocupa la más famosa de las tres, El lago de los cisnes, basada en una historia de Begitchev fallecimiento del después años dos 1895, en estrenada Geltser, y de T Pierina Legnani, con Gerdt de compañero, pasó a la historia por su sorprendente entrega de los treinta y dos fouettés en el famoso del tercer acto, conocido mundialmente como «El cisne negro». «Petipa, en Rusia» según continúa narrando Homans, «se volvió más francés que los propios franceses, nunca aprendió a hablar y años— cincuenta de más allí vivido haber de pesar —a ruso nunca abandonó la fe otros compositores. muchas más obras de católica». Sus coreografías incluirían «Bajo la dirección de Petipa», continúa diciendo la autora, «el eje «el autora, la diciendo continúa Petipa», de dirección la «Bajo del ballet clásico cambiaría. Durante dos siglos, ese arte había Petipa de llegada la desde francés, pero quintaesencialmente sido las sobre detalladamente Leer ruso». sería clásico ballet el Rusia, a Imperial traslada al lector obras que Petipa creara para el Ballet marse- maître del unión la por lugar tuvo que maravillosa era la a musicales para ballet llés, con el mejor compositor de partituras que jamás haya existido: Pyotr I. T en 1847. Sus trabajos Petipa no era famoso cuando llegó a Rusia no habían sido relevantes, anteriores en distintos teatros europeos pero su encuentro con T brevivido hasta el presente, La fille du pharaon, con música de Pugni (su primer gran triunfo en Rusia), estrenada en el T Bolshoi de San Petersburgo en 1869; Don Quijote, en el Bolshoi de Moscú, en 1869, y La Bayadére, en el Mariinsky , en 1877, las dos últimas con música del vienés Ludwig (León) Minkus (1827-1907), y , con música de Alexander Glazunov (1865-1936), en 1898, en el Mariinsky. uropa, re- Europa, ecchetti abandonó Rusia abandonó Cecchetti llí había llegado en 1847, en llegado había Allí idelot marchó a marchó Didelot Odile. dette u Odette irginia Zucchi (1847-1930), Carlota Brianza - eatro Mariinsky de 1801 a 1811. Extremadamen en 1910, cuando fue contratado por Diaghilev para trabajar como en 1910, cuando fue contratado maestro en su Ballets Russes. En 1918, Cecchetti abrió su propia escuela de danza en Londres, años después regresó a Milán para dirigir la escuela de ballet de La Scala y allí falleció. ouis Mérante (1828-1887), en 1876, todas (1828-1887), en y , de Louis Mérante estreno), continúan la Ópera. Estos ballets en el escenario de presentadas coreográficos cambios con compañías, algunas de repertorio el en los han escenificado en el presente. de los maestros que de cómo omanH el coreógrafo italiano Es interesante el relato Luigi Manzotti (1835-1905), estrenado en 1881 enLa Scala «salvaría Excelsior, montaje de su ballet el momento» con de Milán, «obra monstruosa que el incluía un descomunal reparto de más de 500, incluyendo 12 caballos, 2 más de cien presentacio- l estreno recibiría cuenta Homans. E vacas y 1 elefante», nes; después, el ballet viajó por infinidad de países, incluyendo los Estados Unidos, escenificado por alumnos de Manzotti. Bien entrado el siglo xx, Excelsior incluyó motivos fascistas. del enorme triunfo de Homans considera que la posdata Manzotti, es irónica: «La revolución causada por el coreógrafo, del ballet, no en sin duda alguna, precipitó la radical renovación Italia, sino en Rusia, a miles de millas de distancia» (en donde la decadencia). experimentaba no danza (1818-1910), de quien el coreógrafo marsellés Marius Petipa el Ballet Imperial y los otros escritores han apuntado que dirigía Imperiales como «dictador» absoluto. Teatros imperial por otro gran Petipa había sido precedido en la Rusia Charles-Louis Didelot maestro francés, discípulo de Noverre, de director del Ballet (1767-1837), quien ocuparía el cargo Imperial del T cuatro horas), Didelot, te exigente (las clases duraban hasta sin embargo, rechazaba que los «bailarines ejecutaran vueltas o con la etiqueta, elevando saltos, o que las mujeres no cumplieran las piernas indecorosamente sobre la cabeza». Poco antes de la 1812, de napoleónica invasión sus reformas. Sus gresando a Rusia en 1816, donde continuaría Cesare coreografías —Flore et Zéphire (1776), con música de a su regreso, se basaron en temas Bossi, es la más recordada— rusos, pero siempre guardando la elegancia francesa. Otro gran maestro italiano, Enrico Cecchetti (1850-1928), co- laborador de Manzotti, hizo su aparición en Rusia en 1887 para montar Excelsior en San Petersburgo, y por su éxito logró una plaza junto a Petipa en la Escuela del Ballet Imperial. La presen- cia de Cecchetti en Rusia, que duraría quince años, propició «la primera invasión italiana» en la tierra de los zares, con el arribo de las bailarinas V (1867-1930), la primera Princesa Aurora, y Pierina Legnani, primera (1864-1923), ictoria and Albert Museum, Londres. © V E. Chalon. Given by Dame Marie Rambert. Marie Taglioni in La Sylphide (Souvenir d’adieu, No. 3) Marie Taglioni Lithograph coloured by hand by Edward Morton after a drawing by A.

14 DanzaBallet 17 DanzaBallet “Le Pavillon d’Armide”. “Le Pavillon aslav Nijinsky en Ballet Russes de Diaguileff, París, 1909. de Diaguileff, París, Ballet Russes y V Anna Pavlova Coreografía: M. Fokine ondres, con Londres, travinsky (1882-1971), (1882-1971), Stravinsky ebussy (1862-1918), y Maurice Ravel (1875-1937); (1862-1918), de su y bailarines desconocidos fuera coreógrafos como Fokine a los que puede Karsavina y Nijinsky, tierra natal, como Pavlova, amante de Matilda Kschessinska (1872-1971), añadirse el nombre Por la posición adquirida de Nicolás II cuando era el zarevitch. tem- actuaría con Ballets Russes una por la bailarina, solamente que Kschessinska, por Es interesante señalar porada (1911-12). siempre sería reconocida como por el zar, la distinción otorgada título un obtener en bailarina primera assoluta», ballerina «prima tal. que la acreditara como La fama adquirida por Nijinsky lo convertiría en otro «dios de la danza», no solo por su técnica excepcional, fortaleza física y mostró principalmente en control absoluto de sus pasos —como Carl Maria von 1911 en Le spectre de la rose sobre música de por las , sino también Fokine— otra joya de (1786-1826), Weber obras controversiales que creara en sus intentos coreográficos: Debussy , en 1912, y Le L´aprés-midi d´un faune, con música de en 1913. sacre du printemps, de Stravinsky, en París, en sus Ambos ballets fueron motivo de escándalo tra- la «romper por rechazaba las público el estrenos: respectivos «es añade: Homans Fauno, al Referente clásico». ballet del dición recordado por ver a Nijinsky masturbarse en escena…», y sobre Le sacre, añade: «Nijinsky luchaba por encontrar algún sentido ritmos y estructura en los extraños nuevos sonidos, complicados tonal de la música de Stravinsky». por poco tiempo. Su Pavlova sería miembro de Ballets Russes en 1911; no obstante, última aparición con la compañía sucedió se mantuvo en las filas del Ballet Imperial hasta 1913; después llevar en bailarina la primera sería y mundo el todo por viajaría tierra. A consecuencia de la danza clásica a regiones lejanas de la hacia el hemisferio oc- la primera guerra mundial, se desplazó Cuba en tres de actuar en donde tuvo la oportunidad cidental, ocasiones diferentes (1914, 1917 y 1918). Su inesperado falleci- miento ocurrió en 1931 a su llegada a Holanda, en cumplimiento más vista de un contrato. Pavlova fue, sin duda alguna, la artista y admirada de su generación. La espectacular carrera de Nijinsky no duraría mucho tiempo. Su inesperado matrimonio con Romola de Pulszky en 1913 lo las señales de trastornos mentales y pronto separó de Diaghilev, que mostraba desde mucho tiempo antes se agudizaron; no obstante, regresó a Ballets Russes para llenspiegel de Richard Strauss (1864-1949), en 1916. Después coreografiar Till Eu- solitario en aparición su última ofreció donde en Suiza, radicaría en un hotel. A pesar de su dolencia, mantuvo su sueño de crear un nuevo sistema de anotaciones sobre la danza, hizo planes para en Murió pintar. intentó e academia una establecer su esposa y sus dos hijas a su lado. lexander Benois lexander (1866-1924) y A como Leon Bakst señadores gor como I compositores (1870-1960); - San Esta Saint-Saëns eatro Bolshoi, obles de Nobles Camille a danza de Pavlova de danza La ala de los de Sala aganova (1879-1951), ambos amara Karsavina (1885-1978), Mijail Karsavina (1885-1978), amara aslav Nijinsky (1889-1950) y su hermana iaghilev, si se quiere, fue lograr agrupar lograr fue quiere, se si Diaghilev, lexander Borodin (1833-1887). Es lamenta- Borodin Alexander gor, de Igor, hâtelet de París, ante un asombrado público que con- que público asombrado un ante París, de Châtelet iaghilev (1872-1929), gran amante de las artes rusas, artes las de amante gran (1872-1929), Diaghilev ”La mort du cygne [...] cygne du mort ”La el primer fue eatro chrepnin (1873-1945), las Danzas Polovtzianas de Borodin, y fo Fokine en el panteón de los inmortales.” fo Fokine en - el nombre del coreógra trabajo que colocaría mientras Fokine estaría al frente del Mariinsky. The dying swan o La La mort du cygne (más conocida como de cello para música con cisne), del muerte decisión fue precipitada por su último fracaso, a pesar de todos decisión fue precipitada por su último los triunfos que había conseguido anteriormente. los bailarines que ya se Petipa había entrenado a muchos de Alexander Gorsky destacaban en el Ballet Imperial; entre ellos, (1871-1924) y Agrippina V y los bailarines Anna maestros de reconocidas cualidades, (1891-1931), T Pavlova Fokine (1880-1942), V más. A la (1891-1972), entre otros muchos cargo del T destitución de Petipa, Gorsky se haría espués de que Petipa pasara treinta años dirigiendo el ballet en pasara treinta años dirigiendo el ballet Después de que Petipa 1903. en posición alta su a renunciar a obligado fue Rusia, (1835-1921), estrenada en 1905 en la en 1905 en estrenada (1835-1921), Petersburgo, fue el primer trabajo que colocaría el nombre del Petersburgo, fue el primer trabajo que los inmortales. Compuesto coreógrafo Fokine en el panteón de “exhibicionismos” los «evita que solo un es pieza la Pavlova, para bailarina. la de característicos “rigidez” la y era casi una improvisación, sorprendentemente simple», relata presente no muchas en el baile, que Homans. Con este admirable primeras figuras femeninas se atreven a ejecutar, el nombre de Pavlova ha quedado grabado en la historia de la danza con letras de oro. Algunos de los ballets de Fokine han sido reproducidos en la época actual (como Les sylphides, con música de Fryderyk Chopin —1810-1849—, y las Danzas Polovitzianas de la ópera Príncipe uropa, al formar, en alteró el concepto que existía del ballet en Europa, al formar, el comienzo del siglo xx, una compañía de danza que llamaría Ballets Russes. Con el recién formado conjunto —integrado por un grupo de bailarines del Ballet Imperial—, se lanzó a presentar una temporada de ballet en París, como lo había hecho anterior ble que en el presente no se revivan otras obras de este insigne renovador. Sergei mente con una exhibición de arte ruso, la cual había obtenido había cual la ruso, arte de exhibición una con mente muy buena acogida. el en 1909, de mayo en lugar tuvo Russes Ballets de debut El T virtió en estrellas, de la noche a la mañana, a los bailarines que aparecieron en el primer programa, mente por Fokine: Le pavillon d’Armide, con música de Nicolai coreografiado exclusiva- T Le festin, con música de varios compositores rusos. de mayor triunfo El - como (1881-1973); di en su derredor a pintores

16 DanzaBallet 19 DanzaBallet oronto, Ashton, T elibes, la in- Delibes, rmando (1965), Armando eymour. ynn Seymour. Sylvia de shton (1904-1988), siempre lumino- siempre (1904-1988), Ashton stos tres colosos de la danza, con sus espectaculares sus con danza, la de colosos tres Estos “La Unión Soviética haría del “La Unión ballet su estandarte mayor.” ballet su estandarte sas y hechiceras, brillan con especial fulgor. Entre estas sobresale sas y hechiceras, brillan con especial fulgor. Shakespea- The dream, sobre El sueño de una noche de verano de Mendelssohn (1809-1847). re, con la arrobadora música de Félix La aportación de Ashton a la danza ha sido inmensa, creando otras hermosas piezas como la primorosa las obras de sir Frederick sir de obras las La trigante Monotones, de (1866-1925) y la deliciosa fille mal gardée, con música de Ferdinand Herold (1791-1833) entre otras muchas más. Sibley y Anthony Homans llama a los bailarines Antoinette de Ashton. Dowell, los «más apreciados intérpretes» (1929-1992), que co- Las coreografías de Kenneth MacMillan primeros años de la década menzaron a tomar importancia en los de las con comparación en resultan, sesenta, los de - Proko de Julieta y Romeo con aunque fluidas, tan no y sombrías en importante lugar un ganó MacMillan 1965, en compuesta fiev, el gusto del público. Otras obras suyas merecedoras de atención estrenada en 1974, y son Manón de Jules Massenet (1842-1912) Mayerling, sobre música de Franz Liszt (1811-1886) en 1978, en L las que ha aparecido su musa, la bailarina el seno del RBL, Margot Entre las estrellas inglesas forjadas en Fonteyn (1919-1991), delicada y elegante bailarina, reinaría ab- solutamente por varias décadas. Si bien la técnica de la bailarina no podía llamarse virtuosa, sus interpretaciones, invariablemente excelsas, serían originarias en muchos de los trabajos de Ashton. Bien llegada a la edad del retiro, la larga asociación artística de Fonteyn con el primer gran desertor ruso de nuestra era, Rudolf Nureyev (1938-1993), daría tema a la prensa sensacionalista, y Margarita carrera. su alargar de además con música de Liszt, sería el mejor tributo de Ashton a la pareja dorada formada por estos insignes artistas. en París en 1961, siguieron otras ocurrida A la huída de Nureyev, dos fugas espectaculares: Natalia Makarova, en gira por Londres, en igual hizo Baryshnikov Mijail y 1970, en asilo pediría 1974. en actuaciones, cambiaron la forma en la que se interpretaba y apre- ciaba la danza de escuela en el mundo occidental. Sus técnicas incomparables despertaron de nuevo gran interés por el ballet. de- que personalidades otras a historia su en recuerda Homans sarrollaron (o desarrollan) sus carreras en Europa. Entre ellas ocupa el primer lugar John Cranko (1927-1973), quien fuera y el RBL, antes de partir a Stuttgart miembro del Sadler´s Wells en 1961, donde su trabajos realizarían lo que otros críticos de ballet llamaron «el milagro de Stuttgart», al convertir el Ballet de Stuttgart en una compañía de primera categoría. Sus mayores y Romeo para coreografías soberbias con sus alcanzó los triunfos Julieta (1962) de Prokofiev; Eugene Onegin(1965) con música - n esa En eatro Kirov eatro Mariins- Cuando el Ballet eatro Covent Garden. ic-Wells Opera Ballet de ic-Wells iaghilev e intentar hacer intentar e Diaghilev alois (1898-2001) había per había (1898-2001) alois V eatro Mariinsky de nuevo, por más por nuevo, de Mariinsky eatro , para el que compuso Peter and the and Peter compuso que el para , T inette de Ninette alois sería el alma iniciadora —junto al coreó- al —junto iniciadora alma el sería alois V nglaterra (llámela Gran Bretaña o Reino Unido). o Reino Gran Bretaña (llámela Inglaterra oviética haría del ballet su estandarte mayor. mayor. estandarte su ballet del haría Soviética alois dirigió el Royal Ballet desde su fundación hasta su hasta desde su fundación alois dirigió el Royal Ballet asiliev (1940). etc. eatro Bolshoi de Moscú y su Ballet, mantuvieron sus nombres eatro Bolshoi de Moscú y su Ballet, mantuvieron ueva York harían carrera como profesores varios bailarines harían carrera como En Nueva York Vladimiroff (1893- también huidos de la URSS; entre ellos, Pierre del School of American 1970), quien formó parte de la facultad SAB) hasta poco antes Ballet (Escuela Americana de Ballet o de su muerte; Anatole Oboukhoff (1896-1962), también profesor en SAB, desde 1940 hasta el finalde su vida; Michael Mordkin núcleo el sería que conjunto propio su formó quien (1880-1944), inicial del Ballet Theatre (BT), y Adolphe Bolm, establecido en para algunas cintas. En Hollywood, donde creó coreografías BT al unió se Bolm 1939, (1891-1953). wolf, con música de Unión La T y el era, el Ballet Imperial de San Petersburgo Kirov y T ky serían llamados, respectivamente, Ballet llamado es (actualmente de Kirov), mientras el que la compañía ha conservado el nombre T en el presente). originales (que conservan Londres) en 1956, y Bolshoi hizo su primera visita a Occidente ( en 1959 (Nueva York), los críticos estimaron que la «compañía producía grandes bailarines, pero terribles considera que «la ballets». prominencia alcanzada Homans por el ballet Bolshoi, señalaba la decadencia del arte de la danza». Sin embargo, se podía ignorar a las grandes estrellas producto de esa época: no Galina Ulanova (1910-1998), Maya Plisetskaya (1925), Vladimir V La segunda década del siglo xx cambió una vez más el mapa del ballet clásico. «Por más de dos centurias… el ballet había últimamente, ruso, pero nunca un arte sido francés, italiano, danés y, inglés nativo», explica Homans en su magníficatodos los que escritura.integraban las filas de Ballets No Russes de Diaghilev inglesa la eslavos: eran tenecido a ese grupo, si bien se inclinaba más a la modernidad. de compañía la abandonar de Después de coreografías, grafo Ashton y el economista John M. Keynes— de la tradición ballet en del De V retiro en 1964, año en que sería reemplazada por Ashton. El puro estilo de la danza en el Reino Unido se ha mantenido rele- vante, y la compañía sostiene una posición respetable a través de todo el mundo. Nacida primero como V Londres en 1931, cambiaría su nombre por el de Sadlers Well´s Ballet Royal en definitivamente convertirse para tarde, más Ballet de Londres en 1956, con residencia en el T El actual RBL cuenta con una plantilla de estupendos bailarines y un impresionante repertorio, donde el estilo límpido y grácil de anaquil LeClerq, , (C) T City Ballet cortesía del New York - Como Imperial mérica, se América, Doubrovska uropa y Europa anilova (1903-1995) y Felia y (1903-1995) Danilova arios más, establecidos en establecidos más, arios V ifar sería contratado en su lugar, y Homans cuenta: Homans y lugar, su en contratado sería Lifar Alexandra n las décadas de 1910 a 1920, la convulsionada Rusia y el 1910 a 1920, la convulsionada En las décadas de Soviética cambiaron subsiguiente establecimiento de la Unión entonces. hasta conocido había se que vida la radicalmente consecuencia de ello, muchos bailarines huyeron y se situaron en consecuencia de ello, muchos bailarines distintos países. Varios de ellos continuaron llenando las filas de Ballets Russes: Leonide Massine entre los más memorables se encontraban propio; Serge Lifar (1896-1979), gran coreógrafo por derecho Anton Dolin (1904- (1895-1991); (1904-1886); Olga Spessitseva 1983); (1896-1981). dedicaron a enseñar los fundamentos de la danza clásica. dedicaron a enseñar los fundamentos en Este fue el caso de (1871-1962), ubicada en entrenadora de París durante largos años, quien se convirtió - toda una generación. Lubov Egorova (1880-1972) es también re en París y su especial cordada en el libro, que detalla su estudio atención por parte de enseñanza de los adagios, que merecieron muchas primeras figuras de la danza. Kchessinska,palacio en San Petersbur imperio zarista le había asignado un a quien el tierra natal para residir en go, también abandonó prontamente su hasta su muerte. París, donde fue una reconocida maestra El BONP pronto se beneficiaría del éxodo de losbailarines del Ballet Imperial de Rusia. En 1929, Balanchine fue invitado a pudo aceptar y no enfermó pero la compañía francesa, dirigir cargo. el «Lifar traería consigo encanto y disciplina a la más que resultaba una elección extraña… tenía pobre entrena- compañía, por miento y técnica clásica —no era original de San Petersburgo— y su fama descansaba en que podía alardear de una fuerte cons- titución física, cuerpo de bellas proporciones y carismática acompañamien- con Icare ballet el creó Lifar Cuando presencia». to de ritmos suyos propios, los parisinos acudieron al estreno en tropel. Con la toma de la ciudad por las tropas alemanas en 1940, la vida en ella tuvo un paro total. No obstante, Lifar continuó re- autoridades las con congraciarse en tardó «no y París en sidiendo alemanas». Durante la ocupación, el Ballet de la Ópera volvería a brillar (los alemanes lo consideraban un buen entretenimiento, dice Homans), pero al terminar la guerra, Lifar sería separado de la dirección de la compañía. En 1947, Balanchine respondió a una invitación de la Ópera para hacer una coreografía suya, y de ella nacería una de sus más exquisitas obras: Le palais de crystal (hoy llamada ), sobre música de Georges Bizet (1875-1938), concebida en el estilo grandioso del Ballet de su amada Rusia. Después de tener varios directores, BONP ha estado desde 1992 bajo la dirección de Brigitte Lefévre, quien más aplaudidos los algunos de repertorio en el mantenido ha clásicos, además de piezas contemporáneas de coreógrafos de la actualidad.

18 DanzaBallet 21 DanzaBallet “A la huída de Nureyev, Nureyev, “A la huída de ocurrida en París en 1961, ocurrida en París en 1961, espec- siguieron otras dos fugas taculares: Natalia Makarova, asilo en gira por Londres, pediría en 1970, y Mijail Baryshnikov en 1974. hizo igual en Toronto, Estos tres colosos de la danza, - con sus espectaculares actuacio la nes, cambiaron la forma en que se interpretaba y apreciaba la danza de escuela en el mundo occidental.” n la En Stravinsky. n the night (1972) night the In bandonando ese año Rusia, ya Rusia, año ese Abandonando chaikowsky para solos de piano, un delicado oviética, Balanchine encontró a Diaghilev encontró Balanchine Soviética, iaghilev en 1924. en Diaghilev ther dances (1976), delicadas y primorosas, así como Piano como así primorosas, y Other dances (1976), delicadas - 1950, amenazado con que sus preferen En la década de los años Robbins se presentó cias sexuales fueran expuestas al mundo, a declarar como «testigo amistoso» ante el House Un-American Anti-Americanas Activities Committee (Comité de Actividades que investigaba a de la Cámara de Representantes), entidad Sus declaraciones los sospechosos de abrigar ideas comunistas. artistas del mundo acusaron a varios de sus amigos, mayormente de la danza. «¿Por qué hizo esto?» pregunta Homans. Robbins de del Partido Comunista era homosexual, había sido miembro la con 1947 y vivía horrorizado años 1943 y entre los los EE.UU. parte es carrera…», floreciente su cortara McCarthy que de idea de la respuesta. toda a sus amigos lo persiguieron de Robbins Las acusaciones hombre de teatro y co- su vida; no obstante, era demasiado buen que su nombre nunca fue reógrafo para no ser perdonado, por lo sucediendo, continuaron triunfos Sus negra». «lista la en incluido de sus ballets, que con- si bien, según aparece en el libro, algunos T y otras compañías, son tinúan en el repertorio del NYCB, AB carrera, su de parte mayor La Tudor. de los como conflictivos tan al lado del NYCB la desarrolló Robbins en dos etapas diferentes, Para esa compañía como coreógrafo y director artístico asociado. y repe- sórdidos autora considera la que algunos trabajos creó No obstante, como lentes, como The cage (1951), de Stravinsky. apostilla, califica también la obra como «un gran ballet». convertida en Unión convertida en Europa, hizo una audición para el gran promotor e inmediata- mente fue contratado como coreógrafo. Sus dos primeras obras para Ballets Russes, ambas en 1925, serían Barabau, de Rieti, y su amigo de música con du rossignol, chant Le larga historia que Homans dedica al gran maestro ruso, muestra detalla y trabajo su por veneración) (casi admiración inmensa una de infinidad conocer a dando carrera, extraordinaria su amor con interesantes detalles. l nombre de Georgi Balanchivadze, hoy George Balanchine George hoy Balanchivadze, de Georgi El nombre (1903-1983), resonaría por primera vez en los predios de Ballets de Russes Es importante añadir las maravillosas piezas que Robbins creó sobre la romántica música para piano de Chopin: The concert (1956), una bufonada del mejor gusto; Dances at a gathering (1969), joya digna de compartir la «corona real» donde la autora las obras de Balanchine: solamente coloca y pieces, con música de T trabajo que incluye ciertas características folclóricas. La última coreografía de Robbins, llamada Brandenburg e inspirada en los famosos concertos de J. S. Bach (1685-1750) del mismo nombre, tendría su estreno en 1997. Una adiós a la escena del mejor gusto. ally-Ho de Glück, vorák (1841-1904) es un ballet de ballet un Dvorák (1841-1904) es , en el cual tomó parte como bailarín, obra que udor son descarnadas en su mayoría, y según udor son descarnadas en su mayoría, udor no fue el único coreógrafo extranjero de importancia en udor no fue el único coreógrafo extranjero trabajo, Pillar of fire(Verklärte Nacht) con música de Arnold el BT en 1942. Schoenberg (1874-1951), fue creado para Las obras de T sangre «a interpretarlas que tenían bailarines los Homans, cuenta fría», sin personalidad. Para lograrlo, «destruía emocionalmente a los intérpretes». a tentado siente se «uno ocasión: una en dijo coreógrafo propio El tirar [al bailarín] al suelo y caminar sobre él…». Su última obra, The leaves are fadingo- estrenada por el ABT en 1975, titulada música de Antonín jas, con on este bucólico trabajo, el escenas pastorales de gran frescura. C su estilo sombrío coreógrafo parecía haber cambiado totalmente y complicado. T (1907- Chase Lucia por 1939 en fundado BT, del filas las integrar 1986). Bronislava Nijinska engrosaría por corto tiempo las filas de propia versión su crearía la cual para compañía, la nueva de es- plantilla nueva una subsiguientes, años En gardée. mal fille La en importancia ganar a comenzaría coreógrafos de tadounidense (1904-1993), Mille de Agnes ellos, entre conjunto, ese de filas las T con triunfos como Rodeo de Aaron Copland, y Fall river legend, de Morton Gould (1913-1996), entre varios más, así como Michael Kidd (1915-2007) con On stage (1945), con música de Norman Dello Joio (1913-2008). Ambos coreó- grafos triunfaron igualmente en Broadway y en el cine. coreógrafo gran al dedicadas están libro del páginas cuantas Unas estadounidense Jerome Rabinowitz (1918-1998), conocido mun- dialmente como , desde 1944. Si su paso por los side teatros de Broadway (en donde su triunfo máximo sería West de Leonard Berenstein —1918-1990—, musical con música story, Óscar) premios de infinidad ganaría y cine al pasaría 1961 en que devengó enormes éxitos, no menos importante debe considerarse su magnífica labor como coreógrafo de ballets clásicos, arte que siempre consideró como «la roca de su vida». En Robbins inició un pequeño medio trabajo en los musicales de Broadway, de su grupo de corta duración, llamado Ballet U.S.A., que viajó por Europa y el Lejano Oriente. Su primer triunfo coreográfico, no obstante, tuvo lugar en 1944, con Fancy free de Berenstein, com- puesto para el BT daría inicio a la larga asociación del bailarín con el compositor. de Otra pieza compuesta por Robbins para el BT fue Interplay, Gould, estrenada en 1945. La vida de Robbins, en general, estuvo repleta de contradicciones (como era Tudor, considerado un «sádico»). Sus padres, judíos rusos, emigraron a este país a principios del siglo xx, y aunque Robbins se sentía unido a sus raíces, vivía dominado por grandes deseos de adaptarse a las normas de su patria y ser aceptado. - Nueva ueva York, York, Nueva udor (1909-1981) Opera House de n 1940 se trasladó a trasladó se 1940 En adler´s Wells. Wells. Sadler´s La shrew (1969), sobre chaikowsky; The taming of the , al cual le daría forma e importancia en los inicios, con sus donde ingresó como bailarín y coreógrafo en el recién formado BT ballets «psicológicos» y «sensuales», que incluyen dos para el Ballet Rambert: Jardin aux lilas, estrenado en 1936 creados sobre música de Ernest Chausson (1855-1899), y Dark elegies, de Gustav Mahler (1860-1911), en 1937. Sin embargo, su mejor con la danza de su país, aunque su carrera como bailarín tomó importancia cuando se separó del conjunto de la gran modernis- ta Dame Marie Rambert (1888-1982) y por corto tiempo formó del parte John Neumeier (1942) natural de Estados Unidos, radica en Hamburgo desde 1972, donde dirige con gran éxito el Ballet de Hamburgo. Sus trabajos para la compañía no han tenido reso- nancia en su propio país; no obstante, su coreografía para La dama de las camelias, con música de Liszt, fue incorporada al repertorio del ABT en la temporada del 2010. El coreógrafo francés (1924) también ha dejado su ellos entre conjuntos, diferentes Para escenarios. en los huella el Ballet des Champs- Elysées, el Ballet de Marsella y el Ballet de París, ha creado infinidad de trabajos. Su mayor notoriedad, no obstante, fue adquirida con el estreno de Carmen, sobre la ópera del mismo nombre, vista en Londres en 1947. De esa obra pudiera decirse (igual que de la mayoría de los trabajos de Petit) que es más vodevil que ballet en sí. Poco se asocia el nombre del inglés Antony T l coreógrafo francés Maurice Béjart (1927-2007), que perte- El coreógrafo francés Maurice Béjart surgidas en las décadas necería a la nueva ola de personalidades un párrafo en esta de los años sesenta y setenta, ocupa también el Théâtre de en historia. Su reconocimiento tuvo sus comienzos la Monnaie en Bruselas, sede de su compañía llamada «Ballet para el siglo veinte». El conjunto «principalmente formado por hombres», atrajo la atención de más sexistas. Homans esos años, por considerar sus trabajos la descontenta juventud de añade, parafraseando a un crítico: «Para añadir a la desolación y con nosotros mismos, de nuestro descontento con el mundo, [Béjart] ofrece la sinceridad de la insinceridad». De Bruselas, conjunto Béjart pasó a Lausana, donde formaría otro nuevo llamado Béjart Ballet de Lausana, con el que trabajaría hasta su muerte. fierecilla domada de Shakespeare, que utiliza partituras de Scar Brahms Johannes de música con (1972) E R.B.M. y latti-Stölze, (1833-1897). - La inesperada muerte de Cranko, después de una exitosa tempo Metropolitan en el rada de la compañía de la danza. fue motivo de gran desolación en el mundo York, de T

20 DanzaBallet 23 DanzaBallet - El propio pollo en París, en Apollo en eatro City Center de emperaments distorsiona a los intérpretes — Giselle— e igualmente no perdonaba la danza americana contem- la danza americana e igualmente no perdonaba Giselle— poránea, que le parecía una flagrante muestra de ego disfrazado de arte». «El arte de Martha Graham (1894-1991)», continuaba diciendo Kirstein, «es como una mezcla de deseos eructar». Sobre de estos conceptos, dar Homans explica: de «el ballet cuerpo era y encon- una tradición europea que tenía que un territorio virgen; trabajo el en resonó voz esa Pronto americana». voz una aún trar en su SAB, fundada en Nueva York que Balanchine desarrollaría res- poco después de su llegada a este país, en enero 2 de 1934, de Kirstein. pondiendo a una invitación La primera compañía fundada por el gran maître merican Ballet. Con el grupo que la formaba, llevó el nombre de A en América junio de 10 de estrenó el de SAB, Balanchine todos alumnos (que más hermosa de todas sus creaciones 1934 una de las piezas Serenata para Cuerdas sobre la fueron más de 400): Serenade, Warburg, E.M. de propiedad la en escenificada Tchaikowsky, de en White Plains, acaudalado hombre de negocios estadounidense, lugar tuvo embargo, sin obra, la de oficial estreno El York. Nueva 1935. en el teatro Adelphi de Manhattan, el 1 de marzo de Ba- y Kirstein por 1948 en formado sería conjunto nuevo Otro y ese de Ballet Society, lanchine, que respondería al nombre del T mismo año, al serle concedido el uso ew York City Ballet. por New York Manhattan, el nombre fue cambiado años después: en 1964, Una nueva concesión tendría lugar pocos Lincoln Center (hoy el recién construido State Theatre del conocido como Teatro Koch) pasó a ser la residencia oficial de la compañía, que desde entonces es llamada, en la jerga, «la casa de Balanchine». ¿En que qué consistía el llamado «estilo Balanchine» que tanto éxito aportó a sus coreografías? En las clases que impartió por muchos años en las aulas del SAB o en las de los miembros de comenzando con exactitud, maestro demandaba la compañía. El infinidad de tendús y grand battements, que no debían desviar se ni un milímetro de sus exigencias. concep- «Precisión aclara y Homans, tercia arte», y su de corazón el musicalidad formaban tos sobre el estilo de sus coreografías, añadiendo: «Unos pocos críticos —del pasado o también del presente— han caracteriza- do a sus bailarines como poseedores de técnicas impresionantes, sin alma o individualidad. pero fríos y sin sentimientos; Balanchine parecía dar aliento a estas opiniones… cuando repetía esta doctrina: “No actúen, bailen solamente”». Cuando era inquirido sobre por qué no hacía más ballets con historia, declaraba una y otra vez, «¿Debe ser todo definido por historias?». dio comienzo con Si su creatividad moderna 1928, en América Balanchine daría rienda suelta a su modernis- mo, creando obras que aún causan asombro. Entre las primeras aparecería The four temperamentes, con música de Paul Hinde- mith (1895-1958), estrenada en 1946 por Ballet Society. La coreografía de T de ambos sexos— con movimientos abruptos y pies flexionados que no habían sido vistos hasta entonces en la danza clásica. El vestuario y los decorados ostentosos desaparecieron para dar paso a trajes de ejercicios en colores blancos o negros en las bailarinas y a camisetas y mallas en los hombres. Los opulentos decorados también fueron sustituidos por telones sencillos, con bambalinas de un solo color. Balanchine parecía querer que el público no se viera distraído por los telones y en cambio se concentrara más en apreciar la amara Geva enecia, sembró eatro Sarah Bern- pollon Musagète, Apollon - en la ado Apenas entrado chaikowsky: Mozartiana, admirable por Alice Nikitina chernicheva (1890-1786), Doubrovska y Balanchine fue educado en la solemne y elegante tradición de en la solemne y elegante tradición Balanchine fue educado fueron realizados en la la Rusia zarista, y sus estudios de ballet Escuela del Ballet Imperial, con maestros que a su vez habían Petipa. por el propio sido instruidos al que estaba adherido y lescencia, vio derrumbarse el sistema que atesoraría en que admiraba, así como los iconos religiosos la Iglesia Ortodoxa rusa y su mente toda su vida (pertenecía a en repetir que creía en no tuvo menoscabo, a través de su vida, con un Weimar Dios). En 1924, con 21 años de edad, partió hacia joven esposa T grupo de bailarines que incluían a su funcio- (1908-1997) y a Danilova, para ofrecer allí una serie de para huir del sistema nes. Pronto aprovecharía la oportunidad donde se unió a un grupo soviético que odiaba, llegando a París, del comunismo. de exiliados rusos, que, como él, escapaban fue en Ballets Russes triunfo primer gran Su presentado en el T con música de Stravinsky, con Lifar en el rol titular y hardt, de París, el 12 de junio de 1928, Lubov T el con ballet combinaba «Apollo musas. tres las como (1909-1978) clásico mito griego, e imágenes de movimientos de jazz», explica Homans, añadiendo que «Balanchine consideró Apollo como el presen- Russes Ballet año, siguiente Al vida». su de decisivo paso taría otra obra del gran maestro, Le fils prodigue, con música de Prokofiev, igualmente en la escenaTeatro del Sarah Bernhardt, con Lifar y Doubrovska en los roles centrales. en V ocurrida La inesperada muerte de Diaghilev, un total desconcierto entre los miembros de Ballets Russes. Los artistas se encontraban de vacaciones, y Balanchine se hallaba en Londres en ese momento. Pronto René Blum, prominente hombre ligado al teatro en París, formaría una compañía con los artistas que estaban desbandados, a la que daría el nombre de se unió no no obstante, Balanchine, de Montecarlo. Russe Ballet W. a compañía la de dirigencia la pasó Blum cuando grupo al de Basil (1888-1951), y por su parte, decidió formar su propio conjunto con la ayuda de un mecenas poco constante. El conjunto, llamado Les Ballets 1933, duraría pocos meses. A pesar de su corta duración, Balanchine crearía para Les Ballets, su primera obra con música de T su recogimiento y belleza, que aún aparece en el repertorio de NYCB y otras compañías del presente. En el mismo año 1933, Balanchine tuvo su primer encuentro fortuito con Lincoln Kirstein (1907-1996), heredero de una vasta fortuna estadounidense. «Como el BT (y su directora artística)», cuenta Homans, «los orígenes del NYCB descansaron en un im- predecible encuentro ruso-americano… Kirstein despreciaba en la danza lo que él consideraba excesos propios del romanticismo —como sucedía con los rituales de suicidio de la bailarina diva en “Balanchine fue educado en la solemne y elegante tradición de la de tradición elegante y solemne la en educado fue “Balanchine , de George Balanchine. Jenifer Ringer en primer plano. ”Serenade”, de George Balanchine. Jenifer Ringer en City Ballet Foto de Paul Kolnik, cortesía del New York Rusia zarista, y sus estudios de ballet fueron realizados en la Escuela realizados en fueron estudios de ballet zarista, y sus Rusia su vez habían sido instruidos con maestros que a del Ballet Imperial, Petipa.” por el propio

22 DanzaBallet 25 DanzaBallet Homenaje a la montaña a la montaña Homenaje más alta de Europa, con delicados grabados de los picos alpinos en la boquilla. la boquilla. alpinos en de los picos grabados con delicados de Europa, más alta belleza de la celebración platinada, de esta atemporal versión en una Inmortalizada montañosa. única región tribute to the mont blanc. blanc. mont the to tribute ” imes hasta hasta imes Balanchine ew York T York New The chaikowsky que el coreógrafo chaikowsky que el chaikowsky que él se hace a sí chaikowsky, y terminaron en 1981, con un trabajo y terminaron en 1981, chaikowsky, No actúen, bailen solamente chaikowsky lo esperaba en ese otro mundo, con los brazos los con mundo, otro ese en esperaba lo chaikowsky su retiro, del que transcribo un párrafo (traducido libremente) a un párrafo (traducido libremente) su retiro, del que transcribo continuación: desastrosa, que reta al Adagio lamentoso ofrece una imagen público a aceptar las emociones que la gente prefiere que estén escondidas. Es el funeral de T también extendido hasta mismo, no solamente visualizado, sino universal, un lamento por convertirse en un grito de angustia más la paz por búsqueda y su tierra sobre la del hombre vida infeliz la eterna en algún otro mundo… Quiero pensar que Dos años después, el gran coreógrafo moría. T abiertos. termina con un El sobresaliente trabajo de Jennifer Homans la autora hace una elegía epílogo que puede confundir al lector: final en la que da casi por muerta la danza clásica. Esta afirma- ción es demasiado lúgubre y no la comparto. en su reseña del libro, Como dijo otro respetado crítico de ballet «el ballet ha decaído varias veces más en épocas anteriores, pero siempre resurge». Aquí caben varias preguntas: ¿es que la admi- trabajo de Balanchine ración que Homans siente por el inmenso su desaparición, el ballet la ciega hasta el punto de creer que, con se ha marchado de este mundo de su están apenas que jóvenes coreógrafos otros de existencia la mano? ¿Decide ignorar probando sus capacidades? me atrevo a aventurar otra pregunta: si Sergei Antes de terminar, Ratmansky (1968) o (1973), dos de los más aplaudidos coreógrafos del momento (aunque existen otros), tuvieran un mecenas que los respaldara económicamente, así como un teatro a su disposición, como le sucedió a Balanchine, ¿no aceptaría Homans una redención a su sombrío augurio? De todas maneras, Apollo´s angels es fascinante y merece ser leído varias veces. Recomiendo su lectura de todo corazón, especial- mente a los que aman ese arte de fantasía y elegancia supremas que se llama ballet. “ mérica dieron comienzo con su comienzo con América dieron de Balanchine en Las creaciones de su gloriosa también, en la música, erenade inspirada gloriosa S compatriota T uarto Movimiento de la el Cuarto Movimiento que tituló Adagio lamentoso, sobre compositor ruso, poema Sexta Sinfonía del inconmensurable musical majestuoso pero triste, que parece augurar un final que que estaba cercano. Adagio lamentoso fue Balanchine presentía en el Festival T estrenado en 1981 un artículo de Anna Kissel- He encontrado dedicó al compositor. de ballet de fuera crítica quien goff, - Ese allchief chaikows- , de Bizet; Ballet Bizet; C, de eatro Bolshoi] habían eatro travinsky, estrenadas Stravinsky, T amara Geva, a esta siguió travinsky violin concerto Stravinsky infonía en Sinfonía anaquil LeClerq (1929-2009). Duo concertante, n el segundo acto, con música de En el segundo acto, chaikowsky. era Zorina (1917-2003), seguido por el de María T omo dato histórico hay que añadir que Farrell contrajo matri- añadir que Farrell histórico hay que Como dato monio con Paul Mejía (1944) en 1969, abandonando el NYCB en (después de haber pertenecido 1970, al cual regresaría en 1975 al Ballet de Béjart durante cuatro años). Después de su regreso, Balanchine únicamente crearía solos de baile para ella. Farrell se retiró de la danza en la década de los ochenta, poco tiempo después Actualmente dirige su propio de la muerte de su amado mentor. D.C. conjunto, adherido al Kennedy Center de Washington ulcinea que solo El sexto ángel, Suzanne Farrell (1945), fue la Dulcinea que existió en los sueños de Don Quijote… ballet que el maestro crearía en 1965, con música de Nicholas Nabokov (1903-1978), sobre la leyenda de Cervantes, especialmente hecho para ella Según rol titular. el quien interpretaría coreógrafo, propio y el Homans amplía en su historia, Farrell amaba locamente a Balan- chine, sentimiento que en él era recíproco, sin que el amor entre ambos jamás fuera consumado. su liaison amorosa con Danilova; después vino su matrimonio con V (1925), y su última esposa sería T No hay duda de que los bailarines (especialmente las bailarinas) del NYCB y de la escuela adoraban a Balanchine con reveren- cia y con un amor que él devolvía. «Ballet is es mujer), repetía el maestro una y otra vez. Sus bailarinas eran woman» (el ballet «ángeles», y amó a seis de esos ángeles aunque uno se le escapó. Contrajo matrimonio cuatro veces, todas sobre todos los demás, de poca duración: la primera esposa fue T travinsky, que Balanchine hiciera en honor de su que Balanchine hiciera en el Festival Stravinsky, compositor. del muerte la de después año un 1972, en amigo hay interesantes, más los entre trabajos, varios produjo festival Balanchine: tres de fuera poses ni tan distorsionados, movimientos ballet en el visto de balance». El coreógrafo consideraba esta obra «una máquina, pero una máquina que piensa». Al final de cos la gira,adoraron al gran los soviéti- maître en todas las ciudades, gritando su aplaudían y pateaban el nombre acompasadamente, mientras piso después de cada pieza. danza. Por ese mismo motivo no se anunciaban en los rotativos no se anunciaban ese mismo motivo danza. Por la actuali- vigente en que continúa (disposición con anterioridad del día. bailarían en la función de quienes dad) los nombres astringen- que pueden llamarse del coreógrafo Entre las obras de música sobre creadas las aparecen tes travinsky, llamado Rubies, el coreógrafo sigue los ritmos sinco- llamado Rubies, el coreógrafo sigue los ritmos Stravinsky, pados del estilo jazzy estadounidense. En octubre de 1962, el NYCB hizo una gira por cinco ciudades de la URSS: Moscú, Leningrado, Tbilisi, Kiev y Baku, en un inter - movements, que continúan en el reperto y Symphony in three otras del estilo clásico que el gran coreógrafo rio, mezcladas con que las con piezas magníficas las especialmente abandonó, nunca añorada: patria a su tributo rendía (1956), ambas de T (1941) y Allegro brillante Imperial (1845-1924), Fauré Gabriel de (1967), como así ky, Stravinsky y T sufrió una horrible cambio cultural de ambos países. Balanchine venerada que su comprobar y a Moscú llegar al desilusión Rusia ya no existía. La gira llevaba un repertorio bien escogido: de Balan- symphony, de Robbins; Western Serenade, Interplay, 1981), y (1957), chine, con música de Hershy Kay (1919- atonal de Stravinsky. obra de Balanchine, sobre la partitura «Este último ballet», explica Homans, «dejó totalmente las funciones. Nunca los brados a todos los que asistieron a asom- en el comienzo daría [la gira moscovitas

24 DanzaBallet 27 DanzaBallet

- vant-garde ater it was revealed that it had that it revealed it was Later ustralia three times during the 1930s, during times Australia three ijinsky, a riot erupted. The orchestra aslav Nijinsky, choreography by V had set the audience off – not primarily been the music which Afterwards, Diaghilev but the choreography and the costumes. he wanted. A claimed that the scandal was just what Ballets Russes: the art of costume is only on show in Canberra, and we would like to thank our Presenting Partner ActewAGL for supporting this exhibition”. had barely begun to play when the audience erupted. Anarchy had barely begun to play when the audience followed. Shouting turned into fist fighting. The police had to be Diaghilev tried turning called. Stravinsky retreated backstage; Nijinsky continued be- the lights on and off to quell the masses. dancers. to the counts llowing heady days, where art is just too weak a term to describe these reigned supreme. collabora- actively encouraged artistic and composers. And tion between painters, choreographers All of new art-modern ballet came at a crucial time. Diaghilev’s here was a new feeling – the arts were in a state of turmoil. T breaking. Anything one of liberation, of freedom, of boundary away from was possible. In ballet there was a conscious move the classical repertoire. Male dancers were featured in ways they Diaghilev harnessed the new powerful had not been previously. expressiveness of post- and the visionary elements of and linked these to a new form of music – a music built around atonalism and primitive rhythms. death in 1929, several new companies untimely After Diaghilev’s the most impor were formed to continue and develop his legacy, tant being Les Ballets Russes de Monte Carlo, formed in Monaco de Basil. in 1932 by the Russian entrepreneur Colonel Wassily in company toured This enthralling audiences with its productions. “In this exhibition you will see works of art by some of the greatest modern artists such as Henri Matisse, Georges Braque, Natalia Goncharova, Léon Bakst, André Derain, Giorgio de Chirico and Pablo Picasso, but these works are costumes that were designed to be lived and breathed in on the stage” said Ron Radford AM, Director of the National Gallery of Australia. “This collection of Ballets Russes costumes which is one of the largest and finest in the world is incredibly significantNational Gallery of Australia. One of the central aims of the for the National Gallery is to celebrate and to show how arts across all media contribute to an understanding of its influence. Léon Bakst Nijinsky as the Faun from d’un Faune L’Après-midi Ballet Russe p 23 in Souvenir programme for Serge Diaghilev’s 1916. Metropolitan Opera, New York National Gallery of Australia, Canberra. The National Gallery of Australia is an Australian Government Agency

travinsky (who launched his career his launched (who Stravinsky Igor ebussy; choreographers, Michele Fokine, Fokine, Michele choreographers, Debussy; Claude aslav Njinksy. THE NATIONAL GALLERY OF AUSTRALIA GALLERY THE NATIONAL collection of Ballets Russes The National Gallery of Australia’s stunning and features costumes is one of the largest in the world century, 20th the of artists famous most the of some by designs Henri Matisse, Natalia including Georges Braque, Pablo Picasso, Goncharova, and André Derain. When the National Gallery of Australia was established, one of and to show how arts its central aims was to celebrate modernism across all media contribute to an understanding of its pieces purchase of nearly 400 Ballets Russes ce. The Gallery’s influen- early in at auction in London in 1973 was a major acquisition a This important commitment to forming its collecting history. with a substan- major Ballets Russes collection was reinforced in 1976. Since then tial group of costumes purchased at auction - the National Gallery of Australia has focused on further develo it is now one of the world’s ping and conserving these pieces and premier collections. period of European The Ballets Russes spans a revolutionary decorative arts, craft, design, creating potent links between painting and photography - they are the most important group of International Decorative Arts and Design works in the Gallery’s collection. Ballets Russes: the art of costume celebrates the centenary of the first Paris seasons of Sergei Ballets Diaghilev’s Russes (), the dance company that revolutionised ballet with its sen- sational fusion of art, movement and music. These costumes retain the power to evoke the intimacy and emotional charge between Russes Ballets was the that audiences and performers designers, experience. Serge Diaghilev was instrumental in bringing together the finest artists of the early 20th century including visual artists, com- posers and choreographers to create a new form. - charisma under Diaghilev’s in The company originated tic leadership – but they never performed there. They toured throughout Europe and America and brought together the talents composers such as of musical colla- closest with the Ballets Russes and was Diaghilev’s and borator), Leonide Massine and George Balanchine and dancers such as V or visual – whether art century, 20th of the beginning the At ballet – had become a blood sport. At the 1913 music or literary, Le sacre du printemps (The rite of premiere of Igor Stravinsky’s Russes dancing to a Ballets spring), featuring Sergei Diaghilev’s the art of costume the art Russes Ballets Léon Bakst Illustration of the Blue God Costume p 29 in Official programme of the Ballets Russes at the Théatre du Chatelet May-June 1912 National Gallery of Australia, Canberra The National Gallery of Australia is an Australian Government Agency

26 DanzaBallet 29 DanzaBallet ’Oiseau de Feu - M. Was 1. Unknown photographer law Nijinski (Le Dieu) - p 36 in Comœdia Illustré, special edi tion, no 16, 15 May 1912 ustralia, National Gallery of A Canberra Australia is an The National Gallery of Agency Australian Government 2. Aleksandr Golovin and Léon Bakst Costume for an attendant of Immortal Kostchei 1910 from L National Gallery of Australia, Canbe- rra, purchased 1973 The National Gallery of Australia is an Australian Government Agency 3. Pavel Tchelitchev Costume for a star c 1928 from Ode National Gallery of Australia, Canberra, purchased 1973. The National Gallery of Australia is an Australian Government Agency. 3 Ballets Russes: the art of costume celebrates the centenary of the first Paris seasons with artistic director Sergei Diaghilev. ActewAGL is the Principal Partner for Ballets Russes: the art of costume. exhibitions and acquisitions for 10 years. ActewAGL has been a major supporter of the National Gallery of Australia’s ActewAGL is celebrating its 10th Anniversary in 2010 and continues its commitment to supporting the from artistic and cultural events to charities, schools, community groups and sporting teams. community, Pablo Picasso, Natalia Goncharova, Giorgio de Chirico, and André Derain. 2 Australia. Ballets Russes: the art of costume is on show in Canberra only at the National Gallery of ostumes are designed by renowned early 20th century artists including Henri Matisse, Georges Braque, Costumes are designed by renowned early 20th century artists including Henri Matisse, Ballets Russes: the art of costume exhibition is open from Friday 10 December to Sunday 20 March 2011. The exhibition features 150 costumes and accessories as well as original drawings, photos, film and programs. Ballets Russes (or Russian Ballet) revolutionised ballet with its sensational fusion of art, movement and music. Ballets Russes (or Russian Ballet) revolutionised ballet with its sensational fusion of art, r Robert Bell Bell Robert Dr 1 he costumes designed and made for the Ballets “The costumes designed in the context of powerful Russes were conceived collaboration and command and emotional artistic works of art in their own attention as persuasive ceased to be worn on stage. right, long after they in- cut and construction, Their ingenious design, patterns, the use of a variety novative colours and materials, come together with of fabrics and trim worn in complex action by the purpose of being on visual impact dancers for maximum athletic Arts and stage,” said Senor Curator of Decorative curator exhibition and Design AM.

28 DanzaBallet 31 DanzaBallet 1. Léon Bakst 1. Léon Bakst the Chief Eunuch Costume for Schéhérazade. 1910 from of Australia, National Gallery 1973. Canberra, purchased Australia is The National Gallery of Agency. an Australian Government 2. Léon Bakst Costume for Chiarina c 1910 from Carnaval. National Gallery of Australia, Canberra, purchased 1973. The National Gallery of Australia is an Australian Government Agency. 3. Henri Matisse Costume for a mourner c 1920 from Le Chant du Rossignol. National Gallery of Australia, Canberra, purchased 1973. The National Gallery of Australia is an Australian Government Agency. 4. Natalia Goncharova Costume for a squid c 1916 from Sadko. National Gallery of Australia, Canberra, purchased 1995. © Natalia Goncharova The National Gallery of Australia is an Australian Government Agency. 5. Mikhail Larionov wife c 1921 Costume for a buffoon’s from Chout. National Gallery of Australia, Canberra, purchased 1973. © Mikhail Larionov The National Gallery of Australia is an Australian Government Agency. 5 4 2 3 1

30 DanzaBallet 33 DanzaBallet © Giorgio de Chirico Canberra, purchased 1984. National Gallery of Australia, an Australian Government Agency. The National Gallery of Australia is Giorgio de Chirico Costume for a male guest c 1929 from Le Bal

32 DanzaBallet 35 DanzaBallet out out ab enders Pina is, as you know, W let alone choreography.

and cried unrestrainedly. that swept across the stage, No, there was no hurricane I simply let go of my feelings nor ballet and not at all opera. who moved differently then I knew there were just … people performing This was not theatre, nor pantomime, im maybe in life, sometimes in the cinema, the creator of a new art. Dance theatre. This had never happened to me before… Pina Bausch Pina INVENTOR OF A NEW ART FORM but not when watching a rehearsed production, and after a few minutes of unbelieving amazement W After only a few moments I had a lump in my throat, and who moved me as I had never been moved before. PINA. Thusnelda und Dominique Mercy und Clementine Deluy photograph by Donata Wenders © NEUE ROAD MOVIES GmbH, PINA, Damiano Ottavio Bigi und Silvia Farias Heredia PINA, Fabian Prioville und Azusa Seyama © NEUE ROAD MOVIES GmbH. © NEUE ROAD MOVIES GmbH. photograph by Donata Wenders photograph by Donata Wenders 39 DanzaBallet épaulements; los . Pero, in- Pero, bas de jambe. iena, nota de IW]. He s como un aprendizaje, un como Es - iena. Hay tantas cuestiones adminis Se podría decir que no es la primera vez que dirige una la primera vez que decir que no es Se podría experien- es la estricta primera en cuanto que no compañía, Ballet el dirigir para usted en pensaron pocos no incluso e cia, ¿Estuvo siempre presente esa vocación de la Ópera de París. de dirigir? que sea un No creo, sin embargo, Sí, me gusta organizar. mí, en lo que respecta a la Ópera de buen momento para de se conoce, las historias vienen París: allí todo el mundo antes». de «historias las conozco no yo Viena, en Aquí, antes. en la llego, veo y actúo. Si yo hubiese permanecido Yo habría sido eso. No habría dirigido el Ópera de París, no primer momento. Hay que Ballet de la Ópera de París en un dirigir. ama uno realmente si saber digamos, aquí, en V cinco años no sé cómo será mi vida de aquí a trativas… Yo en V [cuando se termine su contrato ¿La años. cinco a aquí de haré qué saber para Viena a venido dirección del Ballet de la Ópera de París estará libre de aquí No se la de dirigir. a cinco años? Quizás mi carrera no sea Dirigir es la sabe. Pero adoro hacer trabajar a los bailarines. de trabajar para los bailarines, de escoger, libertad de guiar, de poder transmitirles algo. Es un trabajo creativo. Y sobre resultado. también creativo, de lograr un todo, el placer, de lo que sucede en Un director tiene que ser responsable Cuando yo vi escena. Es como el coreógrafo, que te da todo. en su estudio, obtuve a Jiri Kylian trabajar personalmente Es un click, las claves de cómo debía bailar sus coreografías. la comprensión. El director es como el coreógrafo. técnica del Ballet de ¿Cómo va a desarrollar la excelencia encontró a ¿Qué nivel técnico e incluso interpretativo Viena? su llegada? franceses, con los pies, con el trabajo de con pies, franceses, con los terpretativamente, están bien. Para mí es muy interesante. Al siempre trato Yo ellos. con problemas tengo no tiempo, mismo de respetar la personalidad de cada cual. Soy muy exigente, pero respeto la personalidad y a la persona. Exijo que se hagan cosas, pero no exijo hacer una copia de Manuel Legris. Desde luego, una quinta posición es una quinta posición. De lo que se trata es de que encuentren la adaptación a su personalidad, que sea un medio para descubrirse ellos mismos, la alegría de bailar… Es el medio para descubrir esta alegría. Algo que sale que se proyecta, una felicidad, incluso, la felicidad del interior, física. Si no hay nada de esto, es aterrador. Ciertamente, el nivel técnico era ya bastante elevado. Luego de un gusto. Hay se trata, sobre todo, de una forma de bailar, (pro- la escuela rusa o formados en muchos bailarines rusos venientes de los países del Este), no es esa mi escuela, pero hay que «contemporizar». Los rusos, con sus - iena iena, exdanseur étoile iena), rebautizado de esa ureyev —que hacía 26 años 26 hacía —que Nureyev iena, pude comprobar, con la iena, pude comprobar, egris fue incluir en la organiza- la en incluir fue Legris iena sea una agrupación contemporánea. harp, George Balanchine, William wyla Tharp, George Balanchine, William iena es una compañía clásica. Yo soy un bailarín soy un Yo compañía clásica. es una iena on Quijote de de Quijote Don V premières (T pera de París, uno de los más grandes bailarines de bailarines grandes más los de uno París, de Ópera o es el objetivo, pero tampoco lo es que la compañía haga la compañía es que tampoco lo pero el objetivo, No es solamente clásico. Por el contrario, se impone un equilibrio. sala, la llenar a van no que títulos programar puedo no Yo una sala en la que el costo de los asientos de primera categoría muy es de 130 euros. Por otra parte, se trata de un público además, Y, conservador. muy «musical». ¿Cómo programar obras cuya música no sea interpretada por la orquesta sino que sea una grabación? Hay que actuar con suavidad, lenta- mente, no imponer por la fuerza. Forsythe, entre otros; el estreno mundial de Marie-Antoinette otros; el estreno Forsythe, entre —una referencia estilística para Legris— de Patrick de Bana; mientras planifica una Gala Nureyev el junio próximo), in- el arte del ballet cidiendo en que el público vienés revalorice en una ciudad que es, probablemente, la capital mundial de la música y la ópera. La entrevista transcurre en los locales de la Ópera de V quién sabe si bajo la advocación de los fantasmas de Fanny o sobre todo del más cercano en el tiempo, el de Elssler, Rudolf Nureyev… a los grandes coreógrafos contemporáneos a privilegiar ¿Va con respecto al repertorio clásico o va a efectuar un balance entre ambos? El Ballet de clásico. Me gusta mucho lo contemporáneo, pero no quiero que el Ballet de V esde septiembre de 2010, Manuel Legris, de 2010, Manuel septiembre Desde la de de la Ópera de V las últimas décadas, dirige el Ballet Wiener Staatsoper Ballett), mejor dicho: el actual (Wiener Staatsballett (Ballet Estatal de V manera desde que Legris tomó posesión de su cargo. Durante mi estancia en V del première hace, remontado por que no subía a escena, y ahora lo ha meses, seis apenas en francesa, estrella la que Legris—, convertido a la troupe de la otrora capital de los Habsburgo poco que envidiar en una de primer nivel mundial, con muy le a las más señeras. de movimiento primer El solistas», «primeros de categoría la elenco del jerárquica ción que antes no existía, y que es equivalente a la pals» de «princi- en las compañías anglosajonas. Y, sin le ha cesar, insuflado Legris un ritmo trepidante a la programación, con ocho Manuel Legris © Wiener Staatsballett /Michael Poehn © Wiener Manuel Legris Legris Manuel Director del Ballet Estatal de la Opera de Viena de la Opera del Ballet Estatal Director Por Isis Wirth

38 DanzaBallet 41 DanzaBallet Manuel Legris Legris Manuel iena (Opernball), que iena [fue Austria quien le dio la iena donde, por ejemplo, estrenó esa misma odo está abierto. La vida dirá, tanto como la carrera W], él les daba todos sus ballets, pero dos o tres veces le dos o tres pero sus ballets, les daba todos IW], él Por lo pronto, en el Baile de la Ópera de V es un interés particular aquí. Habrá, probablemente, espectá- culos en Japón. Para mí, no obstante, mi carrera de bailarín ha in- proyectos espectáculos, otros encuentro yo si Pero finalizado. teresantes… Es una nueva vida, en definitiva, como la dirección misma. T en sí. Por el momento, me siento bien. Pero continúo el trabajo diario, tomo la clase cada mañana con la compañía. Bailaré en la el último espectáculo de la temporada. en junio, Gala Nureyev, ¿Cuándo tendremos de nuevo a Manuel Legris sobre la escena? í, como maestro, como ejemplo. Y él contribuyó a desarrollar Sí, como maestro, como ejemplo. Y él historia», «pequeña la Para tanto... dio él que Es carrera. mi toda nunca quiso dirigir el Ballet de V versión de Don Quijote, en 1966, que ahora ha remontado Legris; nota de propusieron dirigir la compañía, y lo rechazaba. Porque Nureyev, prepon- la de Producto «desventaja». cierta en sentía se Viena, en un se consideraba ballet el aquí, y operística musical derancia «arte menor». Pero vamos a ver cómo va a continuar 2011, si es el buen ascenso. El público está ya muy receptivo. este año La presencia del gran Manuel Legris en Viena hace pensar, de hace pensar, en Viena La presencia del gran Manuel Legris refe- su Nureyev ¿Es Nureyev. Rudolf en también manera, cierta compañía? rencia inspiradora como director de una s un poco complicado. Uno no puede renegar de sus orígenes. Es un poco complicado. Uno no puede Ballet de la Ópera de No tengo el deseo de hacer un segundo resultado, nunca. Los París, porque eso nunca daría el mismo - bailarines no son los mismos. Cuando uno baila mucho con temporáneo, se quiebra lo clásico. Yo no quiero «romper» a los contempo- no quiero destruirlos, si bailan mucho bailarines. Yo un y ser, hacer, ráneo. Soy un bailarín clásico. Y es muy difícil bailarín clásico. No es útil… Es muy delicado. nacionalidad a Nureyev, el «apátrida», cuando nadie se atrevía a dársela por miedo a represalias diplomáticas de la entonces URSS, y fue en V ¿Pensó en traer consigo el espíritu actual del Ballet de la Ópera ¿Pensó en traer consigo el espíritu actual de, digamos, ese «estado de de París? ¿Cuál es su visión personal cosas»? arafanov viene dentro ejemplo, Leonid Sarafanov viene dentro Sí, habrá invitados, por representación de Don Quijote. Al principio, de poco para otra había no que comprendería vienés público el que pensado había - pero la invitación tampoco es sistemáti necesidad de invitados, que los especiales. Lo que pretendo es ca, sino solo para soirées de su compañía. vieneses estén orgullosos ¿Va a contar con estrellas invitadas para ciertas producciones, o a contar con estrellas invitadas ¿Va de talentos ya es suficiente? por el contrario la reserva

40 DanzaBallet 43 DanzaBallet iaja a iena, donde es admirada y uncan trata de impulsar el renaci- el impulsar de trata Duncan Sudamérica. orte y Norte ondres, con su madre y sus hermanas, y después a París, donde Londres, con su madre y sus hermanas, Loïe Fuller, alcanza mayor reconocimiento. La promueve allí en la danza, quien actriz de teatro de variedades con experiencia en el teatro de revistas en 1892 estrena con gran aceptación La Serpentin”, poco antes Folies-Bergère su nueva coreografía “ recibida con escaso entusiasmo en Nueva York. el legendario quien tuvo también un breve pasaje por Fuller, aquel entonces, de Berlín en teatro de variedades “Wintergarten” el en también sino danza, la en innovadora gran una solo no es arte de la iluminación escénica. Berlín, Moscú Más tarde Duncan emprende una gira europea por consagrada, ya continuar, de antes francesa capital la a regresa y por Berlín Gru- de berlinés residencial distrito del villa elegante una En newald inaugura en 1904 junto con su hermana, Elizabeth Duncan (1871-1948), un internado gratuito para formar a niños con este objetivo. El proyecto es apoyado por el compositor alemán Engelbert Humperdinck (1854-1921), autor de la ópera “Hänsel und Gretel”. Ruth St. Denis, con su modalidad de danza de estilo espiritual- partir a receptividad buena tiene oriental, influencia de y esotérico de 1906 en los círculos artísticos de V poeta y dramaturgo Hugo von Hof- respaldada por el escritor, mannstahl (1874-1929). Otro tanto ocurre en Berlín con el apoyo y simpatías del coleccio- nista de arte, director de museo, mecenas, ensayista, publicista, (1868-1937), Kessler Graf Harry pacifista y diplomático político, así como del director teatral (1873-1943), el mismo que formó también a Marlene Dietrich. En la capital alemana, St. Denis cosecha en aquellos primeros años del siglo y en la “Komische Oper”. XX enorme éxito en el “Wintergarten” Escaso éxito de inmigran- Nacida en San Francisco en el seno de una familia sus tres tes irlandeses, Duncan crece en la pobreza junto con pero en una atmósfe- hermanas, tras la separación de sus padres, gracias a su madre que es ra muy receptiva a las artes escénicas, profesora de música. V tiene poco éxito al principio. En Chicago y Nueva York, miento de la danza tal como era interpretada en la Antigüedad, inspirándose en las estilizadas imágenes pintadas sobre las vasijas clásicas de Grecia. Ruth St. Denis Library of Congress Prints and Photographs Division D.C. USA Washington, y la prehistoria de la danza moderna de la danza y la prehistoria erp- Isadora rea una Crea ed Shawn aban (1879-1958) y al actor aus- actor al y (1879-1958) Laban eus y Mnemósine) y adapta la danza a la a la danza adapta y Mnemósine) y Zeus anza moderna” “Danza libro su en Berlín, de Libre anz”, editorial Rowohlt/Hamburgo). uncan, quien rechaza el ballet clásico desde su niñez su desde clásico ballet el rechaza quien Duncan, Progenitores también los baila- Entre aquellos jóvenes creadores, se sublevan que se le da a la perfección rines contra la exagerada importancia Buscan nuevos caminos, tratando de técnica del ballet clásico. naturales en la unir la expresión espiritual con los movimientos danza. el cuerpo en la que “especialmente Se trata de una revolución es cuestionado y redefinido en su naturalidad cultural, su valor presentación y representa- económico, así como en sus formas de Huschka, Sabine danza la de historia de profesora la afirma ción”, Universidad la de (“Moderner T y el surgimiento de la Paradójicamente, la reforma del ballet parte a las enseñanzas danza expresionista se debe en buena sino educador, de alguien que no es ni bailarín ni coreógrafo, francés François Delsarte pedagogo, cantante y compositor: el (1811-1871), formado en el Conservatorio de París y tío por vía materna del compositor Georges Bizet. System of Expression”, Ironía de la historia, “The Delsarte un libro que alcanzó gran éxito en 1885, no fue escrito por el del actor Steele maestro, sino por Geneviève Stebbins, alumna McKaye, discípulo y protegido de Delsarte. como los estadounidenses a bailarines La obra inspiró Duncan (1877-1927), Ruth St. Denis (1879-1968) y T (1891-1972), estos dos últimos fundadores de la “Denishawn School of Dancing and Related Arts”, de Los Angeles, en 1915, Hollywood, de cine del época primera la en influjo gran tuvo que Rudolph húngaro al como así traliano Frederick Matthias Alexander 1869-1955. “La danza moderna tiene su inicio en Europa con la denominada bailarinas-so- las por acuñada decisivamente libre, y nueva danza listas Loïe Fuller (1862-1928), Isadora Duncan y Ruth St. Denis que viajan desde Estados Unidos” entre finales del sigloXIX y comienzos del XX, apunta Huschka en su libro. Isadora y desarrolla su estilo propio, es la primera exponente, la gran moderna. sinfónica expresionista danza la de pionera nueva sensibilidad estética del cuerpo y del movimiento orientada hacia el ideal de belleza de los antiguos griegos (el mito de T sícore, la musa hija de hija musa la sícore, música clásica de conciertos. El expresionismo El ienen entre 20 y 25 años de edad y se han doctorado han se y edad de años 25 y 20 entre ienen T Durarán poco, se desintegrarán y de ellos saldrán socialistas, comunistas, funcionarios, salvadores del mundo, reformadores sociales, líderes juveniles, sionistas y hasta un par de liberales. Primero vendrá la catástrofe de la Gran Guerra (1914-1918). Después, el nazismo, en la década de 1930, los estigmatizará “comunis- “judíos”, ser por perseguirá los y “degenerados” como tas” o seguidores de todos ellos. El resto de la historia, con el hundimiento del III Reich y el Ho- locausto de seis millones de judíos en Europa en la primera mitad del siglo XX, es ya conocido. La persecución El nacimiento la primera corriente Así surgen los profetas del expresionismo, de su estilo artístico, que inventa y propaga ella misma el nombre y estética. social, técnica en medio de una fase de transformación osados frente a Son renovadores opuestos al provincianismo, los burgueses, expresan sus sentimientos más profundos frente a quienes se muestran fríos y sólo interesados por la apariencia exterior de las cosas (impresionistas). Comparten ideas con otros de su misma generación, como los “fauvistas” en Francia, y de diversos países europeos. Pero, sobre todo se sienten un movimiento de vanguardia que --como la subcultura de la década de 1960-- desata un empuje de modernización trascendente, a veces contra su propia voluntad. artistas pintores, poetas, tantos unido habían se antes Nunca de humanidad la a salvar de misión la con intelectuales e gráficos la catástrofe que se avecinaba. Alemania a principios del siglo XX La lírica y la literatura comienzan a hablar del fin la Humanidad. Son in- Sus autores advierten contra el ocaso de del mundo. se unen otros jóvenes dividualistas apasionados a los que pronto creadores. o están en vías de hacerlo. la burguesía, sus padres Sociológicamente hablando, surgen de ellos profesan la fe judía y son también académicos, muchos de Forman un grupo están perfectamente integrados en la sociedad. red de contactos discurre muy activo y con gran identidad, su que frecuenta la bohemia. en los cafés literarios o en los lugares cabarets y teatros de Crean clubes, círculos de discusión, teatros, variedades. Por Juan Carlos Tellechea Por Juan Carlos

42 DanzaBallet 45 DanzaBallet l bailar, pone el pone bailar, Al Gret Palucca with Double Shadow. Fotografie Charlotte Rudolph, 1925 Staatliche Kunstsammlungen Dresden. © Gemäldegalerie Alte Meister, (1878-1927), Isadora Duncan (1869-1942). by Arnold Gente in a picture Martha Graham, por el contrario, formada en la “Denishawn Martha Graham, por Arts”, de Los Angeles, eslabón School of Dancing and Related de François Delsarte y los empeños de unión entre las enseñanzas de ideas las por influída es XX, siglo el en ballet del renovación de y Carl Gustav Jung (1875-1961). Sigmund Freud (1856-1939) surge en Manhattan en 1926, de la que Graham funda su escuela danza inspirándose la radicalmente su compañía, y transforma símbolos oníricos. En sus en aspectos psicológicos, historias o no de la realidad exterior, danzas habla de procesos íntimos y simbólico. y místico Hombre al así muestra y para la época es una revo- acento en la pelvis como centro, lo que lución, algo escandaloso y obsceno. El influjo de Wigman emigra de Mary Wigman, Por otro lado, Hanya Holm, asistente funda en como solista, Unidos, donde trabaja en 1931 a Estados Nueva una York escuela filial de la de su maestra, y en 1936 su enter of the Dance in the propia compañía. En 1941 crea el C - en Colorado Springs, donde hasta 1983 dicta anualmen West, al género de las te cursos de verano, y se dedica intensamente The Eccentricities comedias musicales. Crea en 1948 el ballet “ Kate” (1948), of Davey Crockett” y las coreografías de “Kiss me Lady” (1956), “Where’s “My Darlin’ Aida” (1952), “My Fair - Charley” (1957) y “Camelot” (1960), y dicta clases en la renom brada Julliard School de Nueva York. La reunificación alemana muy gordas, Esta es una historia trazada con pinceladas muy, tratando de no perdernos en miles de detalles sobre la vida y obra impulsaron e gestaron que figuras importantes las de una cada de la danza expresionista y moderna hasta nuestros días, así como su densísima red de interrelaciones. A finales del siglo grupos de danza cuyas coreografías están influídas de una u otra XX y comienzos delforma por la danza expresionista alemana de aquellos años. “Sus XXI hay diferentes huellas, guardadas en la memoria (...), siempre críticas hacia la sociedad (...), siguen presentes hasta hoy en el ballet moderno”, señala Huschka. Muchos solistas son hoy también coreógrafos, como Susanne Linke, Reinhild Hoffmann, Ismael Ivo y Arila Siegert. Entre los coreógrafos más importantes que trabajan actualmente en William Forsythe, Sergej Gleithmann, Daniela Alemania figuran Kurz, Raimund Hofhe, Constanza Macras, Felix Ruckert, Arila Siegert y Sasha Waltz. Dresde, límpicos de Olímpicos Isadora Duncan Nolde el pintor expresionista alemán Emil dación de su amigo, del expresionismo fueron de (1867-1956). Los artistas plásticos pintura la en academicismo el contra sublevarse en primeros los y la escultura. los Juegos de coreografía la ideó quien Laban, en que huir asimismo de los nazis y exiliarse Berlín en 1936, tiene funda un estudio cerca Manchester (Gran Bretaña), tras lo cual en 1958. de Londres, donde permanece hasta su fallecimiento En la danza expresionista se reflejan tanto una conciencia eman- individual y espiritual cipada del cuerpo como una libertad personal y artístico. dentro de los límites del condicionamiento desa- para medio como descubierta es libre improvisación La rrollar coreografías. La danza sale del cuerpo y no de la mente. con las realidades Los movimientos deben estar en consonancia natura en pos de una anatómicas de los bailarines y no ir contra belleza estética meramente exterior. En Estados Unidos la rebelión contra el “aristocrático ballet” sin rupturas. transcurre, en cambio, clásico baila temas serios, como el de los efectos del capitalismo sobre los trabajadores, y utiliza escenografías y vestuarios no demasiado costosos. En relación con su técnica de la danza, el acento lo pone por considerarlo centro de partida de a la altura del plexo solar, los impulsos del movimiento. a forma en que se expresa la danza moderna no es arbitra- “La forma en que se expresa la danza cualquiera, sino que ria, inventada por alguien con un propósito crece en la época en que vivimos”, afirma MaryWigman, quien de Bautznerstrasse calle la en 1920 en escuela su abre La República de Weimar Dresde fue en las décadas de 1920 y 1930 la Meca de la danza expresionista alemana. Bailarinas y bailarines de todo el mundo y peregrinan a la capital de Sajonia para estudiar con Wigman Palucca. El japonés Ōno Kazuo ve bailar a Wigman, Kreutzberg desarrollar para inspira se otros, entre influjo, este con y Hoyer y el Butoh, la danza expresionista nipona. La nueva tendencia en el arte de la danza tiene, sin embargo, muchas dificultades para alcanzar un justo reconocimientodominante de la Alemania. Esto se debe, por un lado, al papel en por interpuestos impedimentos los a otro por pero clásica, danza del derivadas circunstancias difíciles las a y (1933-1945) nazis los estallido de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Norteamérica La época y la capital de Sajonia. Allí conoce al estudiante de arquitectura pintor alemán Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), cofundador ie Brücke” (1905-1913), al del destacado grupo expresionista “D que se suma también Emil Nolde entre 1906 y 1907. El eidre, que que Deidre, ogtland (región enclavada ogtland (región enclavada uringia y Baviera, así como Bohemia, hoy Re- uringia y Baviera, eritá, en la comunidad suiza de Ascona, por recomen- heca)-- la primera representante de la danza moderna danza la de representante primera la Checa)-- El concepto asiste primero a las clases de Jaques-Dalcroze en Wigman Hellerau, pero después se inscribe (1913) en la escuela de Laban en Monte V Laban y Pilates emo- y ideas comunicar de tratando bullía artes las de mundo El al individuo antes que a la ciones, así como de dar preeminencia la obra sociedad. Rudolf Laban, formado en París, donde conoció de Delsarte, antes de establecerse en Suiza y Alemania (director del Ballet de la Staatsoper de Berlin entre 1930 y 1934), y su (1883-1976) se sienten estrechamente alumna Mary Wigman de antecesora “danza expresionista”, de la concepto con el unidos lo que hoy conocemos como danza moderna. En aquella época Laban mantiene asimismo una estrecha cooperación con el entrenador Joseph Hubert Pilates (Mön- 1967), creador del método chengladbach 1883 - Nueva York homónimo de entrenamiento y fortalecimiento de la musculatura que él mismo denomina primeramente “Contrology”, entre cuyos clientes más famosos se encuentran George Balanchine (San 1983), Martha Graham (1894- Petersburgo 1904 - Nueva York 1991), y Hanya Holm (1893-1992). uncan se enamora en Berlín del escenó- enamora en Berlín Isadora Duncan se Por su parte, con quien Craig (1872-1966), Edward Gordon grafo británico y tiene una hija, lapso un breve convive durante muere pocos años después (1913) en París, junto a su hermano después (1913) en París, junto a su hermano muere pocos años en el Singer), en un accidente Patrick (hijo de Paris menor, de Isadora en la vida negativamente Sena. El hecho impacta muy Duncan, y parece premonitorio del trágico fin quesufre 14 años más tarde. Roma 1974) lotilde von Derp (Berlín 1892 - En Alemania, es C en la residente el seno de una familia aristocrática --nacida en originaria de V capital alemana, pero entre Sajonia, T pública en 1910, en Múnich, vinculada además al entorno del influyen- “Die artes plásticas) alemán (en movimiento expresionista te Marianne von Kandinski, Franz Marc, Blaue Reiter” (Wassily Werefkin). - Paralelamente, Émile Jaques-Dalcroze (1865-1950), un compo el creador del método sitor y pedagogo suizo, considerado como mo- del través a música la y experimentar estudiar permite que su célebre instituto de vimiento, “eurhythmics”, abre en 1911 de formación (hoy Casa de los Festivales) en Hellerau, cerca de santuario un en siglo XXI el en de nuevo convertido Dresde, mundo. el todo de bailarines y bailarinas para peregrinación fun- método Jaques-Dalcroze contempla entre sus elementos del solfeo y la gimnasia damentales la improvisación, además rítmica.

44 DanzaBallet 47 DanzaBallet 16.06.11 13:33 Anzeige 1 dB.indd 1 n la primera parte, los vocalistas acompañan el he- el acompañan vocalistas los parte, primera la En en un sonoros con efectos relato fílmico terogéneo contrapunto muy ajustado. En la segunda parte, ese relato se transforma y ofrece un entorno misterioso, invisible del que se desarrolla una coreografía contra- puntística realizada por los mismos bailarines. En esto estamos, la evolución continúa sin detenerse hasta hoy. Otra vez Dresde Hellerau, cerca de Dresde, se convierte en un centro europeo de las artes y hasta allí llegan de nuevo bailarinas y bailarines de todo el mundo, para ver anualmente las nuevas coreografías de un moderno (1949), ex Forsythe William neoyorquino de la danza: el “gurú” temporada esta en que compañía su y Francfort, de Ballet del director 2010/2011 presenta su nueva obra: “Theatrical Arsenal II”, compues- ta a partir de dos estructuras musicales, una vocal y otra visual. © André Rival Sasha Waltz

46 DanzaBallet 49 DanzaBallet eres Photo: Laszlo V Yves Saint Laurent Yves 1996. Cordon Press. Por Carolina de Pedro Pascual HAUTE COUTURE EN ESCENA Yves Saint Laurent Saint Yves

48 DanzaBallet decembre 1961. © Cordon Press. et Zizi Jeanmaire, Yves Saint Laurent Yves an Gogh Cornelis reeland, a sus 47 años. La muestra se celebró en honor a sus Mondriaan (1872 -1944), conocido como Piet Mondrian. Saint ho- y verticales líneas de diseños sus de base la extrae Laurent rizontales de Composition en rouge, bleu et blanc II, de 1937, y utiliza la tela como una especie de lienzo creada por el pintor, para realizar uno de los vestidos más trascendentes, artísticos Seducido por personalidades como Goya, Matisse, Braque, V Lichtenstein, Wesselmann, Picasso, Bonnard, Léger, desarrolló colecciones en homenaje y su estimado Andy Warhol, a la obra pictórica de estos grandes maestros de la tela. Pieter holandés al la dedicada ellos destacamos Entre Yves Saint Laurent (Orán, Argelia, 1936 - París, 2008) fue Yves más destacadas de la una de las personalidades artísticas historia de la moda. Creador de algunos de los estilos más influyentes del siglo xx, en su carrera y su estilo su admiración por el arte se materializó destaca- de vida. De hecho, pasará a las historia, entre otros modisto que exhibió dos acontecimientos, por ser el primer Metropo- Museo el en retrospectiva gran una en diseños sus Diana en 1983, de la mano de litano de Arte de Nueva York V oro de la inauguración 25 años de carrera y fue el broche de del departamento de moda del museo. del mundo, como A este le seguirían otros en diversos museos por ejemplo el Museo de Bellas Artes de Pekín en 1985, y el dentro del Museo del Museo de la Moda de París, ubicado Louvre, en 1986. era objetivo gran su oficio, su en mejor el ser con Obsesionado Su dedicación al trabajo fue total. Recibió elevados triunfar. honores durante toda su vida, hasta su muerte en 2008. visionario y emprendedor con No solo fue un gran creador, un extraordinario e innato sentido de la elegancia, el color y la femineidad, sino que su interés por las bellas artes fue absoluta- mente auténtico. Conocido coleccionista de arte y apasionado Saint Laurent poseía una alta sensibilidad por la pintura, Yves hacia lo puramente artístico, que perduró a lo largo de toda su vida y que expresó a través de la costura. La creación le era innata. Fue una persona dotada de un ex- traordinario talento creativo que tuvo el interés, el ingenio y la habilidad suficientes para plasmarlo en sus colecciones. En 1992 declaró públicamente ser «un pintor frustrado». (1)

50 DanzaBallet 53 DanzaBallet Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent Fondation Pierre Bergé - Yves 1, rue Léonce Raynaud, 75116 Paris Saint Laurent. © Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent Courtesy of the Foundation Pierre Bergé-Yves hacen vibrar los abanicos de plumas de avestruz rosa al agitado ritmo de la canción hacen vibrar los abanicos de plumas de avestruz rosa al agitado ritmo de la con música de Jean Constantin y letra del poeta Bernard Dimey (1931-1981). La esencia del vestuario de Saint Laurent para los music- halls de Zizie Janmaire - pone de relieve la versatilidad y habilidad del modisto. Como creador de las elegan femenino tes y sobrias líneas y los trajes más opulentos —su gran clásico esmoquin produjo un éxito clamoroso—, en los que predominan el exceso y la sofisticación, donde ideal un lugar Saint Laurent encuentra en la noche y las luces del escenario hacer volar su imaginación, siempre unida a la más rigurosa perfección. Saint Alrededor de la personalidad artística de la reina de París Zizi Jeanmaire, apliques en el que los grandes inigualable de vestuario Laurent creó un despliegue el equili- de plumas y brillos junto a un dominio maestro de la simetría, la armonía y - - Champs- ’Alhambra, con l que sería el ballet el sería que El eatro L yrano de Bergerac (1959) fue un éxito un fue (1959) Bergerac de Cyrano ogue, se rindió inmediatamente ante el talento de la ecléctica ogue, se rindió inmediatamente ante izi Jeanmaire, formó una de las parejas ar formó una de esposa, Zizi Jeanmaire, Junto a su en 1945 por el propio Petit. Elysées, grupo formado el Théâtre des Champs Elysées, un joven El 26 junio de 1946 en su par (Jean Gutman, 1923) junto a y acrobático Jean Babille tísticas más importantes del momento. Formados en la escuela de escuela la en Formados momento. del importantes más tísticas y posteriormente bailarines ballet de la Ópera de París, en 1933, deciden francesa, institución prestigiosa la de ballet de cuerpo del unirse a Les Opera Garnier para abandonar la jerarquizada des Ballets los a tarde, más y, Monte-Carlo de Ballets (1926), pasaba a la inmortalidad tenaire, Nathalie Philippart día de fuera de serie que hasta el gracias a una interpretación Jean Le En colaboración con Cocteau, hoy resulta incomparable. coreográfico estilo un trasciende (1946) mort’ la et homme jeune de sus movimientos elaborado que impactó por la modernidad interpretaciones. sus de dramatismo el y francés fue una de las arquetipo del nuevo espíritu existencialista grandes obras maestras de Petit. En 1945 crea su nueva compañía, Les Ballets de Roland Petit, y más bellas siendo Carmen, en 1948, uno de sus mayores éxitos duda, enriquecerían la creaciones repletas de erotismo que, sin historia de la danza. fueron áreas donde El music hall, la chanson, el cine y la televisión arte. Pero hasta 1959 no Petit plasmó, junto a su esposa, todo su couturier de la moda. unieron su nombre al del extraordinario El 17 de abril, en el Théâtre de l’Alhambra, Jeanmaire interpretó su esposo en lo que sería el papel de Roxana en la coreografía de uniría los que amistad y colaboración larga una la comienzo el con Saint Laurent. años a Christian El que fue presentado con tan solo diecisiete la edición francesa de Dior por Michael Brunhoff, director de V pareja. Con un presupuesto en vestuario de diez millones de dólares, un cuerpo de baile integrado por cincuenta bailarines, acróbatas, ballet el actores, y niños que elevó a Petit al puesto de Conseiller pour le Corps de Ballet, nombramiento que le fue otorgado por André Malraux (1901 -1976), ministro de Cultura del general De Gaulle (1890-1970). En 1962, La revue, nuevamente en el T Jeanmaire y toda la producción vestida por Saint Laurent y el siempre famoso Mon truc en plumes (1962), se convierte en una de sus creaciones más célebres y que más grandes satisfacciones ha aportado a la carrera de la bailarina. En él, Jeanmaire luce un pequeño vestido bordado de paillet- tes negros que deja al descubierto unas estilizadas y hermosas piernas; a su lado se mueven sus bailarines, ataviados de negro (Saint Laurent utiliza con frecuencia los colores brillantes en que de invisibles con el negro), dando así el efecto contraste Laurent Saint estido Mondrian, estido de cóctel, homenaje a Piet estido de cóctel, homenaje rgelia—, a los 13 años, cuando 13 años, a los Argelia—, odas estas colecciones se han creado a partir de reproducciones odas estas colecciones se han creado a y actuales de todos los tiempos, V y actuales de todos Mondrian (2), sencillamente conocido como V Mondrian (2), sencillamente prenda de la colección de otoño de 1965. el vestido fue calificado por la revista en Bazaar, septiembre Harper’s de 1965, como «el vestido del mañana». a Picasso y colección homenaje En 1979 llega la tan esperada último rusos del ballets los ropa inspirada en con Diaghilev, Picasso, que obtendría Diaghilev y en las obras del genial Pablo un un éxito extraordinario. T resultado un conjunto de pictóricas universales que dieron como trajes extravagantes y brillantes. Arte y diseños exclusivos. Una sublime fusión del arte y la moda. de Orán —colonia Fue durante un recorrido por la ciudad de francesa recibió una lección del más puro arte escénico que marcaría su recibió una lección del más puro arte decisiva. Durante una re- trayectoria vital y artística de manera a escuela de las mujeres, presentación de la obra de Molière L francés teatro de director y escenógrafo actor, el por dirigida y vestuarios del gran Louis Jouvet (1887-1951), con decorados el (1902-1949), Bérard moda Christian de diseñador y ilustrador y comprende cuál será joven genio descubre su sentido espiritual su destino. del arte quienes enseñaron Fueron estos dos grandes exponentes y transmitieron a Laurent «qué es el teatro y qué es el arte». Sus aportaciones a obras de teatro y películas como La pantera rosa (1962), de Blake Edwards; Stavisky (1974), de Alain (1983), Subway y de Luis Buñuel, Belle de jour (1967), Resnais; de Luc Besson, entre otras, fueron muy conocidas. No tanto así artísti- para eventos especialmente sus vestidos y trajes creados cos como el ballet y el music - hall, donde la pareja formada por Zizi Jeanmaire (1924) y el coreógrafo Roland Petit (1924-2011) fueron sus modelos de inspiración. Durante el período 1958 - 1979 Saint Laurent emprendió la rea- lización de decorados y trajes escénicos de una gran mayoría de las obras de Petit, quien, ya consolidado como coreógafo de pres- tigio internacional y habiendo trabajado en Hollywood, regresa francés al gusto americano el musical adapta donde a Francia, pro- y momento, del conocido estilo el y estética la trascendiendo duciendo así un giro hacia un nuevo concepto artístico concreto, resultante de un enfoque estilístico, y también estético más sofis- cultural identidad su de propio vanguardia de y elegante ticado, y artística. Petit cuenta con la amistad y la admiración de talentosos creadores como Jean Cocteau (1889- 1963), Christian Dior (1905-1957), Jacques Pervert (1900-1977) y Pablo Ruiz Picasso (1881-1973). Saint Laurent a este grupo Pronto se uniría el nombre de Yves de elegidos, quienes, a través de sus trabajos, elevan y sellan la agrupación con éxito y lujo creativo.

52 DanzaBallet 55 DanzaBallet Les Monstres sacrés de Jean Cocteau, 1966 Mise en scène de Henri Rollan, Théâtre des Ambassadeurs Croquis pour les costumes d’Arletty Saint Laurent Croquis © Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent - Yves Courtesy of the Foundation Pierre Bergé , 1 The Observer «Sayings of the Week», pág. 22. de noviembre de 1992, day Saint Laurent: “Mondrian” «Yves Heilbrunn Timeline dress (C.I.69.23)», en de of Art History. Museo Metropolitano Referencias: 1. 2 2000. arte de Nueva York, Bibliografía: Saint Laurent: “Mondrian” day «Yves of Art dress (C.I.69.23)», en Heilbrunn Timeline History. Museo Metropolitano de Arte 2000. de Nueva York, et le théâtre, Herscher, Saint Laurent Yves «Yves 1986. Eugenia de la Torrente, Saint Laurent. Retrato íntimo de un adiós», El País, 22 de junio de 2008, España. Las a pre- La ior. Dior. us cualidades cualidades Sus Christian Yves Saint Laurent Saint Yves enard (1944) como actores. (1944) como Denard héhérezade (1974), con música de Maurice Ravel (1875- de Maurice Ravel (1974), con música Shéhérezade hesmar (1943) y Michaël (1943) Thesmar aurent comenzó a trabajar en la Maison la en trabajar a comenzó Laurent Saint pera Garnier. Ópera Garnier. dos obras fueron trabajos de Petit en la vestidos y trajes utilizados por la pareja más Como alhajas exhibidas en palacio, los glamurosa de la escena francesa de entre los años cincuenta y ochenta ha reafirmado diseño Laurent poseía un talento nato hacia el algo que algunos sabíamos: que Saint de códigos artísticos y técnicos junto a la valo- escénico, donde la correcta utilización fruto de la más valorada tradición, desvela ración de un trabajado lenguaje artesanal, la belleza trasciende la estética. a través de cada uno de sus vestidos que Yves 1955 En de mi propio métier” de ser un artista “Trato son la pulcritud, sus acabados sobresalientes en el detalle y su capacidad para reflejar para capacidad su y detalle el en sobresalientes acabados sus pulcritud, la son su autor. la profesionalidad de Les forains (1950), La chaloupée (1961), Obras como La croqueuse de diamantes et diamants Zizi (1968) y Plumes (1961) Notre-Dame de Paris (1965), bendecidos no solo por el de los muchos éxitos que han sido (1982) son algunos como de Laurent, quien sabía carisma de Zizi, sino por el genio talento de Petit y el la tela Orán, a un paso de la adolescencia, que ningún otro desde aquel encuentro en codiciado de los vestidos y que la ropa creada más simple puede convertirse en el más por y lucir, de potenciar intención estricta más con la nace ballet el y el teatro para los personajes. encima de la estética, la psicología de el mundo del ballet. Por un lado, es digna de Realizó dos últimas colaboraciones con Mahler (1860-1911), creada mención La rose malade (1973), con música de Gustav y con una joven Maya Pliséts- Blake (1757-1827) a partir del poema de William su partenaire, el francés Bernat Gaudet, más kaia (1925) en el rol principal, junto a conocido como Rudy Bryans (1945). Por otro lado, destaca 1937), con Ghislaine brio en las prendas produjeron verdaderas joyas que encandilaron al más exigente y produjeron verdaderas joyas que encandilaron brio en las prendas carácter universal y demuestran que Sus prendas poseen un exquisito de los públicos. durabilidad. y calidad gran de arte de objetos como creadas sido han matura muerte de Dior lo colocó con tan solo 21 años al frente de la célebre Maison, pasando a convertirse en el modisto más joven de la alta costura francesa. Su vida personal estuvo repleta de momentos oscuros que contribuyeron a aumentar había su leyenda. Pierre Bergé (1930) fue su inseparable compañero. Quien también pero acabó convertido en empresario y forjó un imperio fue anhelado ser pintor, proble- quien lo guió, apoyo y protegió del mundo exterior (no exento de grandes mas), hasta sus últimos días. a lo largo Que su obra, plagada de gloria y convertida en leyenda, se haya mantenido sin demuestra, la caracterizó siempre que éxito clamoroso el mismo tiempo con del duda, que su nombre perdura y perdurará como sinónimo de refinamiento y exqui- la Alta sita elegancia, coronándose como uno de los grandes y eternos maestros de que ha dejado una profunda huella en el Costura, tesoro intocable del arte del vestir, vestuario de la danza y el music-hall.

54 DanzaBallet 57 DanzaBallet Dutilleux, héâtre de Théâtre ictor Hugo. Música de Maurice de Hugo. Música ictor artan, Théâtre de l’Olympia. artan, Théâtre de l’Olympia. azotte. Música de Henri de Música Cazotte. elevisión francesa. , música de Maurice Ravel, coreografía de Shéhérazade, música de Maurice Ravel, coreografía , de V Paris, de Notre-Dame , de Le diable amoureux, . Música de Francis Poulenc, coreografía et variations. Música de Francis Poulenc, coreografía Adages izi Jeanmaire, dirigido por Roland Petit, por dirigido Jeanmaire, Show Zizi auguet, coreografía de Roland Sauguet, coreografía Les forains, música de Henri spectáculo de Johnny Halliday, Palais des Sports de 1971 Espectáculo de Johnny Halliday, Paris. 1972 Revista Zizi Je t’aime, dirigida por Roland Petit, Casino de Paris. 1972 Espectáculo de Sylvie V 1977 Revista Zizi Jeanmaire, dirigida por Roland Petit, Théâtre Bobino de Paris. 1978 Show Ingrid Caven, Cabaret Le Pigall’s. l’Olympia. 1970 Revista Zizi Jeanmaire, dirigida por Roland Petit. Casino de Saint Laurent. Paris, escenario y vestuarios de Yves 1970 Espectáculo de Sylvie V Saint Laurent y music hall Saint Laurent y el Ballet Saint Laurent dmond Rostand. rac, de E 1959 Cyrano de Berge Petit. Théâtre de l’Alhambra. Coreografía de Roland 1961 Petit. T Un violon, (Palais de Chaillot, Maldoror, Petit Roland Ballets 1962 ational Petit. Théâtre N Rapsodie Espagnole), coreografía de Roland Populaire. 1965 Opéra de Paris. de Roland Petit. Théâtre National de l’ 1965 héâtre National de l’Opéra Jarre, coreografía de Roland Petit. T de Paris. 1965 1961 Espectáculo Zizi Jeanmaire, dirigido por Roland Petit, Théâtre de l’Alhambra. 1963 Espectáculo Zizi Jeanmaire, dirigido por Roland Petit, Théâtre National Populaire. 1968 puesta en escena de Roland Petit y Jean Anouilh. Proyecto no puesta en escena de Roland Petit y Jean realizado. 1973 La rose malade, música de Gustav Mahler, Sports de París. coreografía de Roland Petit. Palais des 1974 Roland Petit. Théâtre de l’Opéra National. Agradecimientos: Mlle. Maïwenn Rebours (HEYMANN, RENOULT ASSOCIEES, Paris) Moderna Museet (Suecia) Saint Laurent (Paris) Fondation Pierre Bergé - Yves Centre National du Costume de Scène et de la Scénographie, Moulins Musée Rath (Genève) Yves Saint Laurent Yves ©The Estate of Jeanloup Sieff 1971 music Laurent Saint Pierre Bergé-Yves 2008, la Fundación En enero de abordó su 7ª exposición titulada «YDL: Théâtre, cinéma, hall, ballet», donde se exhibió el amplio universo creado por el modisto para la escena. Centre trabajo de dirección artística, el En 2010, con un excelso Francia, presentó Scene de Moulins, National du Costume de las de vestido del mundo el en recorrido un Divas» de «Vestuario los y el music hall donde teatro cine, ópera, de la divas grandes un Zizie Janemaire tuvieron Saint Laurent para trajes de Yves lugar destacado. ibujos, bocetos, lienzos, trajes y proyectos ofrecie- proyectos y trajes lienzos, bocetos, Dibujos, arias fueron las muestras que se crearon en torno a la versa- se crearon en torno las muestras que arias fueron Planche haute couture 1988 Saint Laurent (c)Fondation Pierre Bergé - Yves ©Alexandre Guirkinger V de Saint y los trajes Roland Petit, Zizie Janemaire tilidad de Laurent. «Zizi Jeanmaire-Roland Petit, un patrimonio de au- Una muestra que tuvo gran éxito Museo Rath en Ginebra. para la danza» un gran número de sus diencia en 2007. Esta exposición presentó otros de sus encuentros artísticos con creaciones y dio testimonio creadores. ron un amplio panorama de todas las obras de la pareja, donde de todas las obras de la pareja, ron un amplio panorama y ocuparon un Laurent estuvieron presentes los trabajos de Saint lugar destacado.

56 DanzaBallet 59 DanzaBallet (c)Pascal François/CNCS. Zizi Jeanmaire,”Mon Truc en plumes” Zizi Jeanmaire,”Mon Truc Zizi Jeanmaire, 1963 Zizi je t’aime, revue, 1972 Théâtre National Populaire. Jorge Lago dans «le Sultan». Chorégraphie de Roland Petit, Croquis pour le tableau «Champagne rosé». Chorégraphie de Roland Petit, Casino de Paris. © Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent © Fondation Pierre Bergé - Yves Courtesy of the Foundation Pierre Bergé-Yves Saint Laurent Courtesy of the Foundation Pierre Bergé-Yves Courtesy of the Foundation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent - Yves Courtesy of the Foundation Pierre Bergé roquis ©Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent Croquis ©Fondation Pierre Bergé - Yves

58 DanzaBallet 61 DanzaBallet Cocktail Dress (tribute to Mondrian) Fall-Winter 1965 - ©Alexandre Guirkinger Fall-Winter Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent Fondation Pierre Bergé – Yves Zizi Jeanmaire (c)Pascal François/CNCS

60 DanzaBallet 63 DanzaBallet Moderna Museet Captions: Jeanloup Sieff Yves Saint Laurent, Paris, 1971 Yves © The Estate of Jeanloup Sieff, Paris de la sala, el espejismo, el sueño. Yves Saint Laurent Yves Saint Mademoiselle Jeanmaire brilla. Es el privilegio de las reinas del Mademoiselle Jeanmaire brilla. Es Zizi Jeanmaire music hall: el solo dibujo de su silueta consigue provocar el incendio music hall: el solo dibujo de su silueta ¿Qué puede usted decir sobre Yves? ¿Qué puede usted decir sobre Yves? ¡Es la belleza, es el talento, es París, es el teatro entero! ¡Es la belleza, es el talento, es París, Roland Petit Es inmenso; ¡es tan importante para mí, le debo tantas cosas maravillosas! Es inmenso; ¡es tan importante para Yves Saint Laurent es el único hombre desde Berard que ha sido dotado con es el único hombre desde Berard Saint Laurent Yves simples a través de su del vestuario. Con los efectos mas el estupendo sentido sublime. de su creatividad, alcanza lo inteligencia y la precisión

62 DanzaBallet 65 DanzaBallet Opera Ninette de Valois Ninette de Valois copyright Germaine Kanova he Royal Ballet, Royal Ballet, Royal The irector of Director alois but also illustrates the work of The Royal Ballet and the story of The Royal Ballet Royal story of The and the the very best in visual art, performance and community and edu- the very best in visual art, performance ideal cation activities. Our birthday year presented us with the which celebrated both the opportunity to stage a major project delighted when Royal performing and visual arts so we were exciting exhibition.” Opera House agreed to collaborate on this Mason, Monica - House, commented “I am thrilled that we are able to collabo one that rate with The Lowry on such a large scale exhibition, and legacy of not only explores the remarkable achievements Ninette de V with This partnership through the eight decades of its existence. ompany and its history to The Lowry enables us to bring the C so many connections.” Salford and Manchester where we have - amara Lowry ibley, Sibley, amara Rojo, rts & Enga- Arts ureyev, Robert Nureyev, Antoinette isual eymour, Christo- ynn Seymour, Nerina, alois ran parallel with that of with that alois ran parallel arcey Bussell and Jonathan Bussell and Darcey V Nadia Coppélia and other productions that owry’s Head of V Head Lowry’s Linden, shton, Kenneth MacMillan and Wayne Wayne and MacMillan Kenneth Ashton, The Anya owell, Monica Mason, Dowell, Simpson, large number of never seen before photographs . A large number of never seen before photographs alois, Frederick alois, o coincide with the opening of the exhibition, and as part of part as and exhibition, the of opening the with coincide o Fonteyn’s dressing room as it was at the Royal Opera House with Fonteyn’s kit, practice clothes, her make-up cases, mascot, shoe darning spare shoe ribbons and the Odette tutu from the 1952 production of history and including of The Royal Ballet taken over its 80 year are also featured. many rehearsal and backstage images inclu- displayed be will costume historic of items 40 Over Rudolf Fonteyn, Margot by worn those ding Michael Somes, L Helpmann, Beryl Grey, pher Gable, pher he Royal Ballet’s current repertory there will be Cope. From The Royal Ballet’s Alina Cojocaru, T costumes worn by Principal dancers Nuñez, Mara Galeazzi, Rojo, Leanne Benjamin, Marianela Carlos Acosta, and Edward Watson. Zenaida Yanowsky, desig- by exhibited be will designs costume and set of variety A Pablo Picasso, Edward Burra, William ners and artists including Sonnabend Oliver Messel and Yolanda Chappell, Rex Whistler, music manuscripts alongside numerous letters, press cuttings, memorabilia. dance notation scores, posters and other of Ninette de and career The life perform on many occasions Royal Ballet LS Lowry who saw The that War World the Second It is during in Manchester. is believed to have first seen were to influence some aspects of his later art, notably his ‘man- nequin’ works and his portraits of ‘Ann’ (thought by some to be a persona based on the doll character Swanhilda from the ballet Coppélia). A series of LS Lowry ‘mannequin’ drawings on loan from The Lowry Estate will be shown for the first time. T dancers residency at The Lowry, mini the Royal Opera House’s from The Royal Ballet will pay a special visit to The Lowry with eight an hour long programme of highlights from the Company’s Devised by Director of The Royal Ballet, decades of history. Monica Mason, The Royal Ballet – Step by Step will include extracts from works by choreographers including Ninette de V Dancers who will perform at this unique perfor McGregor. mance on Thursday 21 October 2010 will include Royal Ballet Principals, Federico Bonelli, Alina Cojocaru, Mara Galeazzi, Johan Kobborg, Laura Morera, Steven McRae, T dward Watson and Lauren Cutherbertson. Sergei Polunin, Edward Watson Michael gement comments “The Lowry has spent ten years delighting, engaging and challenging both local and national audiences with Anthony and The Rake’s pera House’s House’s Opera Ninette de Valois de Ninette alois’s early years, and early years, alois’s alford, and part of the Royal the of part and Salford,

alois, and is the most comprehensive exhibition on alois, and is the most comprehensive alois’ own ballets including Checkmate,

owry, Lowry, , and a recreation of Margot Job and Don John Piper for The Quest, Leslie Hurry for Hamlet The

6 MARCH 2011 A new retrospective exhibition Invitation to the Ballet: Ninette de The Royal and the story of The Royal Ballet, tells the story of Valois 1920s to the present day. Ballet from its foundations in the late It is the first exhibition to pay tribute founder, to the Company’s Ninette de V The Royal Ballet to be staged outside London. This is the first time that photographs, programmes and other materials have been brought together to illustrate De V 23 OCTOBER 2010 / 23 OCTOBER 2010 to trace the influences that informed her later career as dancer, choreographer and Founder Director of The Royal Ballet. This unique exhibition, a Royal Opera House collaboration with - in ongoing work in the region, will also illustrate LS Lowry’s volvement with ballet in Britain and how his appreciation of art, music and dance affected his work. A highlight of The Lowry’s this exhibition will include some unseen tenth anniversary year, Lowry drawings which are thought to have been influenced by his love of ballet. Items from The Royal Ballet collection which will be on display for the first time will includeMargot Fonteyn including Ophelia, Aurora, Cinderella, Odette, a number of costumes worn by , Ondine and Kitri (Don Quixote). Designs for ballets II will also be shown War created during the years of World together for the first timeby several war artists, including Graham Sutherland for The in many years, and includeWanderer, work AND THE LOWRY, SALFORD SALFORD AND THE LOWRY, ERA HOUSE OP THE ROYAL COLLABORATION BETWEEN COLLABORATION OR NEW EXHIBITION A MAJOR NEW EXHIBITION Edward Burra for Miracle in the Gorbals. Other highlights of the exhibition include a selection of material from De V Progress, Invitation to the Ballet: Invitation

64 DanzaBallet SCHLOSSHOTEL IM GRUNEWALD AlmaBerlin +49 030 89 58 40 Tel www.almahotels.com pera House seeks House Opera www.roh.org.uk/press he Royal The For all Royal Opera House press releases visit n the Road programme. Road the On heatres and Galleries programme, the care and display of display and care the programme, Galleries and Theatres The exhibition and related activity forms part of the Royal Opera House’s to make its work as widely available as possible both on the Covent Garden stages and elsewhere across the UK and beyond through its On the Road programme, BP Summer Big Screens, cinema screenings, live broadcasts, CDs and DVDs and digital activity. The On the Road programme is focused primarily in the North the East regions and includes touring productions, edu- and West cation projects and exhibitions. The is Lowry a Centre not-for-profitTrust charitable organisation and registered charity (no. 1053962). All income supports its world- class the LS Lowry Collection and its life-changing Community and Chief Executive, Julia Fawcett was Education work. The Lowry’s 2010 New awarded an OBE for services to the Arts in the Queen’s Honours list. Year The Lowry is delighted to present Invitation to the Ballet with the generous support of Arts Council England Sustain Fund. Dance- section of the exhibition focussing on focussing exhibition the of section A own Hall Galleries, the Jerwood the Galleries, Hall own T alois can then be seen at the Royal Opera House from pswich in the in the Ipswich Ballet Cinderella, 1949-50 Margot Fonteyn and Michael Somes ROH Collections © Roger Wood. The exhibition will be opened by Dame Monica Mason DBE, Director of The Royal Ballet and Julia Fawcett OBE, The Lowry’s of the chairman co-hosted by view private a at Chief Executive Salford and will both organisations on 21 October at The Lowry, 2011. March 6 until run Notes to Editors: Ninette de V 1 April to 1 August 2011. Further sections of the exhibition focus- sing on can also be seen from June to October in 2011 House and Christchurch Mansions. The exhibition is drawn almost exclusively from the extensive Co- llections of the Royal Opera House with additional key items being loaned by private collectors and public institutions. The Lowry Estate is supporting the exhibition with new loans and material interest in ballet. relating to Lowry’s A full Introduction and Brief Gallery by Gallery Guide by ROH Cristina Franchi are available on request. Curator,

66 DanzaBallet El Festival Wagner de Bayreuth y el Gran Teatre del Liceu

EL FESTIVAL DE BAYREUTH 2012 EN EL TEATRE LICEU DE BARCELONA

Bayreuth fue la ciudad escogida por Richard Wagner como sede En septiembre de 2012 el Liceu volvió a escoger a la orquesta, de los festivales dedicados a su obra y en donde hizo construir el coro y los solistas de Bayreuth con tres dramas de Wagner un teatro –de madera y ladrillo, grada de tipo griego, acústica en versión concierto: Der fliegende Holländer (El holandés perfecta y con la orquesta en un foso debajo del escenario – errante), basado en una leyenda divulgada por Heine, un adaptado a sus teorías sobre el drama musical. La construcción marinero holandés está condenado a vagar eternamente con su del Bayreuther Festspielhaus se inició el año 1874, gracias a las barco hasta encontrar a una mujer capaz de profesarle fidelidad aportaciones privadas y del rey Luís II de Baviera y el año 1876 se absoluta y de abandonar su mundo –familia, estatus, afectos– inauguró el Festival, dedicado íntegramente a la obra de Wagner. para seguirle; Lohengrin, basado en poemas medievales del ciclo Por este motivo Bayreuth se convirtió en la ciudad mítica del artúrico, que explica el fracaso de la gesta del caballero Lohen- wagnerismo. Desde entonces hasta nuestros días se han mante- grin, de la orden del Santo Graal; y , que narra nido sus festivales de verano, por donde han pasado las grandes los trágicos amores de los protagonistas, de los que Wagner hizo figuras del canto, de la dirección de orquesta y de la dirección de la expresión más poderosa de la pasión amorosa que se afianza, escena de todo el mundo, y está reconocido internacionalmente incontenible, a despecho de la propia voluntad, de sus normas por su extraordinaria calidad musical y por la capacidad innova- morales y de las leyes divinas, y que sólo encuentra en la muerte dora de sus montajes. su desempeño. El año 1951, para dar a conocer nuevamente el Festival que había El Festival de Bayreuth en el Liceu será el acto con el que se quedado muy reducido después de los estragos que causó la II iniciará el bicentenario del nacimiento de Richard Wagner (1813- Guerra Mundial y recuperar el público, los nietos de Wagner 1883) que se celebrará el año 2013. reemprenden –con espíritu renovador en las puestas en escena- un nuevo camino para relanzar el Festival. Festival Bayreuth 2012 en el Liceu: Ese mismo año, el Ayuntamiento de Barcelona, invitó a los nietos de Wagner a presentar, en otoño, su exposición “Wagner • Der fliegende Holländer (El holandés errante) en el mundo” que se inauguró el noviembre de 1951 en el Saló 1 y 4 de septiembre de 2012 del Tinell y que fue todo un éxito ciudadano. Coincidiendo con Director musical: Sebastian Weigle esta exposición se celebró el 50 aniversario de la creación de la • Lohengrin Asociación Wagneriana; un homenaje al destacado wagneriano 2 y 5 de septiembre de 2012 Joaquin Pena y al tenor Francesc Viñas, un ciclo de conferen- Director musical: Sebastian Weigle cias, la instalación en el Liceu de una placa conmemorativa y un • Tristan und Isolde concierto de la Orquesta Municipal de Barcelona dirigida por 6 de septiembre de 2012 Eduardo Toldrà y Antoni Ribera en el Palau de la Música. Director musical: Peter Schneider Todo esto se vio reforzado por la creación del Patronato pro festi- vales Wagner que se encargó de montar el Festival Wagner en el Liceu, el 1955, acto que conmocionó a la ciudad. El Festival Wagner fue un verdadero escaparate de Wagner en Barcelona con actos y actividades de todo tipo relacionados con el compositor que culminaría con las representaciones en el Liceu de las puestas en escena de Wieland Wagner de Parsifal, Tristan Richard Wagner. White marble portrait bust of Richard Wagner (1813-1833). und Isolde y Die Walküre con la Orquesta Sinfónica de Bamberg Photo courtesy Stadtgeschichtliches Museum, Leipzig Credit Line: Purchased from Christie’s, South Kensington. y el Coro del Festival de Bayreuth, dirigidas por Joseph Keilber- Foto © Victoria and Albert Museum, Londres. th y Eugen Jochum. 71 DanzaBallet Danza Ballet Palais Garnier © Colección Privada durante la Revolución francesa la Revolución durante Comuna hénier no lo podía lo no Chénier pera no es la propie- la no es Ópera e siente también la intriga –que intriga la siente también Se e lo segundo, con la citación de con la citación De lo segundo, hénier propone: uno, que la que uno, propone: Chénier “placeres de la aristocracia”, como la ópera y el ballet. “En un país “placeres de la aristocracia”, como la ópera libre, dice, hacen falta buenas costumbres: ¿es en la Ópera en lo que deux de pas y arias con ¿es ello?, para pensar debería se que ciudadanos?” formarán los se en definitiva lo que hacen las revoluciones, entre otras cosas, es un pues humanas-, mezquindades y las pasiones las bajas azuzar de comisario de la Comuna de París, encargado por el momento de la Comedia la Ópera, pretendía favorizar a ésta por encima francés): teatro del templo (el Francesa pues sus obras se representaban en ese teatro. tragar, resumen, En Ópera no deben dad de la Comuna; dos, que los miembros de la sólo como cualquier otro estar sometidos a la municipalidad, sino la que tres, policía; la a respecta que lo en ciudadano, no debe participar en los gastos de la Ópera, ni en sus beneficios le espectáculo ningún que cuarto, pérdidas; sus por resarcirla ni - tiene que pagar un impuesto a la Ópera por el derecho de repre como todo, a pertenece, espectáculo el y canto; que sentar baile permitir a todo ciudadano los empresarios; sexto, que se le debe determi- cantar y bailar públicamente por un precio el declamar, nado, que para ello debe obtener el acuerdo de los autores vivos, y en lo que respecta a los muertos, atenerse a los decretos que la Asamblea Nacional legislará sobre las leyes de la propiedad intelectual. y no participación lettre, avant la liberalismo En otras palabras: del estado en los “gastos culturales”. Danton hace discutir las que todo sea se aprueban y concluye que de Chénier, propuestas impreso y enviado a los mandatarios provisionales de la Comuna, al alcalde, asi como a los 59 otros distritos. Ha nacido la Ópera “burguesa” La Revolución va avanzando, y por lo tanto, radicalizándose. El concesionarios de la 8 de marzo de 1792, Francoeur y Cellerier, Ópera, se dirigen a los “ciudadanos” (“citoyens”) que forman una de encargarse para municipal cuerpo el por nombrada comisión los asuntos relativos a la Ópera. Se les acusa de de desviar los fondos, y más grave aún, quizás, el haberse negado a poner en escena “obras patrióticas”. Francoeur y Cellerier se defienden de la primera acusación con- y cuentas. signando números al menos siete títulos (entre óperas y ballets) que son “obras pa- pero también revolucionaria), propaganda (o sea, de trióticas” otras “hirvientes de patriotismo”, aunque no son estrictamente de encargo, pero alegóricas en su temática a la “actualidad revo- lucionaria”, en tanto se han eliminado del repertorio los títulos del Ancien Régime (por ello destacaba más arriba la valentía de aunque ello se Gardel en mantener ballets del período anterior, - ambién ordeliers un Cordeliers lub, hace un hace Club, ille de París, con lub des Club l ser uno de los grandes Al ser uno anton, el presidente del presidente el Danton, hénier estimaba que el pueblo no tenía por tenía no pueblo el que estimaba Chénier El Ballet de la Ópera de París de la El Ballet Ópera. pera de París tuvo la suerte de estar dirigido por dirigido estar de suerte la tuvo París de Ópera se obedecía a una intriga, pues los “premiers sujets” se habían dirigido sin consultar con ellos al Hotel de V urante los tumultuosos años de la Revolución francesa, el Durante los tumultuosos años de la la de Ballet Gardel. Pierre circunstancias: las necesitaban que hombre el bailarina una (sólo enfrentamiento el evitó cauto, Prudente, realista, en tanto fue arrestada por haber usado una escarapela y escapaban de milagro actores, por ejemplo, eran encarcelados a la guillotina), lo que desde luego significó también que tuviera de regímenes de los propagandísticos los dictados plegarse a que programación, la uno observar al tiempo, mismo al Pero, turno. del repertorio tradicio- Gardel, no sin valentía, mantuvo títulos de Gardel la conducción nal del Ancien Régime. Estilísticamente, y hacia el ulterior na- permitió la transición hacia el romanticismo impulsar el desarrollo de cimiento del baile en puntas (además de durante el Imperio, pero esto la técnica), cuyos albores se sitúan ya es otra historia: o Gardel, uno de “los hombres de confianza” de Napoléon en la Ópera… de autor en 1797 (bajo Un pequeño libro publicado por cuenta la Ópera, Ballet de el Directorio), constataba el buen estado del con contraste en integrantes, sus de artístico y técnico nivel el y de la propia institución. los cantantes y el género lírico dentro a la mayor lo atribuía y se por las causas de ello, Se preguntaba disciplina de los bailarines, algo que los cantantes debían adoptar. Sin duda, la otra causa, que el autor no menciona, fue la acertada dirección de Gardel. peuple” se dirigió Apenas dos días antes del 14 de julio de 1789, “le a la Ópera (entonces situada en la sala Saint-Martin), exigiendo de la nación”. su cierre “en nombre símbolos del Ancien Régime, tempranamente fue un objeto de preocupación- y de rechazo- por parte de los hombres que encar naban las “nuevas ideas”. El 14 de septiembre de 1789 los “sujetos” (“les sujets”, o sea, los de sin jerarquización músicos y los ballet el la ópera, de miembros declaran donde Asamblea, la en discurso un presentan “figuras”) que si bien son desiguales en medios (salarios) y roles, todos son iguales en derechos. La “igualdad” llegaba a la Ópera. T Real de de la Academia la intención de cambiar la constitución la Música (todavía se llamaba así a la Ópera; pronto cambiaría, naturalmente, de nombre) . Un año más tarde, el 29 de abril de 1790, el dramaturgo, escritor y político Marie-Joseph Chénier (el primer “intelectual com- al presenta le izquierdas”) de prometido Por Isis Wirth informe sobre la sobre informe extracto del mismo. del extracto qué, de acuerdo con las nuevas ideas, continuar pagando por los

70 DanzaBallet 73 DanzaBallet eatro estris y Coulon, irectorio había Directorio error. La programaron ¡24 veces! error. as instrucciones son tajantes: el tajantes: son instrucciones Las La fanfarria militar era moneda era militar fanfarria La nterior le da instrucciones a éste para que le ordene a la Ópera para que a éste da instrucciones Interior le l canto de las venganzas”, destinado sobre todo contra destinado sobre venganzas”, canto de las Lisle, “El corriente en las “obras patrióticas” corriente en las quien luego como profesor se encargaría de una clase de perfec- quien luego como profesor se encargaría de la técnica que se cionamiento, la cual incidió en el desarrollo manifestó en toda su pujanza en el romanticismo. Ópera donde tuvieron los No fue solamente en la escena de la “evangelistas” del mismo) bailarines que rendirle culto (y hacerse obligaron a representarla a la diosa Razón. A Julie Aubry la nueva la de fiesta gran la en guillotina) la a ir de pena (so desnuda deidad en Notre-Dame. Al menos, Gardel le pudo ahorrar a su Mademoiselle esta vergüenza. esposa, ex - Mademoiselle Miller, Maillard también volvió a representar a la “diosa” en otra fiesta, las “ac- fuera de la Ópera. Que las celebraciones revolucionarias, orquestadas por David, se tividades culturales” de propaganda y los artistas de la Ópera estaban compelidos sucedían sin cesar, a participar en ellas. Podría pensarse que con la caída de Robespierre y la instauración del Directorio, ese régimen de propaganda incesante y represivo finalizaría del todo.Cierto, terminó yTerror, el los tratos de los dirigentes con los ciudadanos fueron de otra índole. Quizás la obra más “estúpida” (sic, de un cronista posterior) un cronista (sic, de más “estúpida” la obra Quizás fue “Al pueblo subida a escena bajo el régimen de Robespierre, la historia de la Re- soberano”, donde en cinco actos se narraba (el primer acto) hasta el volución, desde la toma de la Bastilla momento actual del T “La Rosière républicai- Otra “notable” pieza de propaganda fue fe nueva la enarbolaba que ballet un Razón”, la de fiesta “La o ne” desaparecer ridículamente en la “diosa Razón”. Hacían en la obra un altar a la “diosa”. a una iglesia para en su lugar construirle por V Los “sans-culottes” eran interpretados decidido que ese canto debía ser representado, tras el “melodra- el tras representado, ser debía canto ese que decidido ma” en cuestión que correspondía en la programación, y que por lo tanto el ministro del interior tenía que ocuparse del asunto con la Ópera. El ministro escribió de su mano al margen de la carta que le hacía copia de la misma al comisario encargado del “T Pero en 1797, una carta del secretario del Directorio al ministro del que incluya en su repertorio un nuevo canto de guerra de Rouget de Inglaterra. de la República y las Artes” (la Ópera), y que ya a su vez había ordenado escenificar “Le chant du retour”, otro canto de guerra. Y sucedió que esa noche el público fue muy escaso, por lo que los administradores de la Ópera le exigieron al Directorio que los recompesara monetariamente por las pérdidas ocasionadas, debidas a los gastos en la escenificación de “El canto de las ven- ganzas”. Detallan: las pelucas, las plumas de los uniformes, los soldados comparsas, la decoración, las pinturas, las copias de la música, “los ensayos extraordinarios de la danza”. olón” Napoléon Bonaparte Napoléon Bonaparte by Jacques-Louis David (1748–1825) D.C. National Gallery of Art Washington, olón” (aunque este “sitio” musical y dancístico no fue el único; guiente, una ópera en un acto (coreografiada por Gardel): “La de T sitio “El ópera la más tarde, año Un agradecida”. patria (donde por primera vez se destacó un cierto oficial de artillería llamado Buonaparte), cuyo ballet estaba firmado porVestris y de sitio de “El después poco tiempo en 1794, también Y Beaupré. T si había victoria del ejército de la República había que dramática” carlo en la escena de la Ópera), una “sans-culottide glorifi- (nuevo género revolucionario), ¡en cinco actos!, denominada República la de inauguración la o agosto de 10 del reunión “La francesa”, con versos, declamaciones, cantos, danzas y evolucio- nes militares. quien le Pública Salvación de el Comité sido había Justamente había ordenado a la Ópera trasladarse desde la Puerta Saint- Martin hacia un nuevo teatro en la en calle un de edificio la Ley, que habían expropiado: “tomado por requisición”. error jacobino cuando la profusión corriente en las “obras patrióticas”. Se trató de “La ofrenda a la libertad”, “escena religiosa (sic) sobre La canción de los marse- lleses”. Dijeron que “había electrizado a todos los espectadores”. La canción o marcha de los marselleses no era sino La marsellesa (Canto de guerra para el ejército del Rhin) de Rouget de Lisle, arreglada musicalmente por Gossec, y coreografiada por Gardel. Mademoiselle Maillard, del Ballet de la Ópera, encarnaba a la “Libertad”. Fue durante el período del T sotto atrevidos, más los por (calificados propaganda de títulos de más circuns- de tragar”, y por los difíciles voce, como “bodrios pectos como “piezas de circunstancia”) alcanzó su cenit. El 27 de enero de 1793 sube a escena el ballet en un acto de Gardel, “El triunfo de la República” (también denominado “El triunfo Marie-Joseph de textos y Gossec de música con libertad”), la de que alcanzó 10 representaciones. El 3 de febrero si- Chénier, Ópera on grandilocuencia, Fran- grandilocuencia, Con debiera de la otra parte a su prudencia para no enemistarse con las autoridades). Francoeur y Cellerier desde luego que no osan referirse a la censura que se ejercía en la programación, la cual, además de las consignas del día, desterraba las producciones sos- pechosas de mostrar alguna simpatía con los aristócratas, como fue el caso de los actores arrestados, entre ellos 7 mujeres, que se salvaron de la guillotina porque un actor de cuarta categoría, solidario con los suyos, fungía como empleado del Comité de Salvación Pública y durante la noche escamoteaba las pruebas juicio. el postergar para acusatorias coeur y Cellerier piden: “Ciudadanos, en nombre de la justicia y de la humanidad, júzguennos”. la de escena la a subió 1792 de octubre de 2 el Ciertamente, una de esas piezas propagandísticas que, entre otras muchas, hizo “historia” por su profusión de caballos y otras parafernalias sobre las tablas, aunque toda esa fanfarria militar era moneda La Libertad guiando al Pueblo Eugène Delacroix 1833 Musée du Louvre, Paris.

72 DanzaBallet 75 DanzaBallet 30 y 31 de julio Romano Teatro D'ESTIU FESTIVAL SAGUNT A ESCENA 2011 de Ramón Oller BALLET DE TEATRES DE LA GENERALITAT 1. Pierre-Gabriel Gardel 1790). Télémaque dans l´Ile de Calypso (Miller, ©Collection Privee. 2. Dansomanie La dansomanie par Pasquier. Paris, 1817; 2. éd. 1827. Editeur: Librairie Denis 3. Ferdinand Académie Royale de Musique. Gravure, 19e Siècle. Opéra national de Paris. © Collection privée o sabemos, al no haber el documento correspondiente en los correspondiente al no haber el documento No sabemos, si el Directorio la Ópera de París, la Biblioteca de archivos de que el Directorio es posible que sí, la Ópera, pero resarció a pagaba. cuando podía, Pero el control estricto –aunque la fiebre propagandística había institucionalizado en la Ópera permanecía, bajado- sobre la menos, Napoléon, no haría del interior. persona del ministro es otra historia. pero, ya lo decía, esto 3 2 1

74 DanzaBallet 77 DanzaBallet Entrevista para el documental «El esfuerzo y el ánimo» Entrevista para el documental «El esfuerzo la compañía absolutamente involucrado en lo que está haciendo, la compañía absolutamente involucrado moverse, entonces se crea aunque solo se trate de estar de pie sin una atmósfera en muy escena especial». Como que es decía muy, sabe». el verso de Lope: «Quien lo probó, lo estaba en un El origen, la fuente de esa energía integradora que perdió a su madre a hombre que nació en Marsella en 1927, le tocó vivir en un los siete años y a quien en plena adolescencia país desangrado por la Segunda Guerra Mundial. Un hombre, muy duras. Figura por consiguiente, forjado en circunstancias esencial en su vida fue su padre, el auto- filósofo Gaston Berger, aguda inteligencia y una didacta, héroe de la Resistencia, con una a fondo la historia, las curiosidad briosa que le lleva a estudiar lenguas, las artes... La influencia paterna es imprescindible para in- su curiosidad cultura, su inmensa a Maurice Béjart, entender agotable, su disciplina, su falta de autocomplacencia y su íntimo respeto por el prójimo, que no tiene nada que ver con las conce- la en expresión la es exigente» «Muy calientes. paños los o siones que todos sus colaboradores coinciden cuando intentan definir a este hombre, por lo demás inabarcable. o circunstancias sus en está no Béjart Maurice de clave la Pero por supuesto, el talento es sino en su talento. Y, en su carácter, un misterio. Constatemos únicamente que supo conjugar su pe- culiaridad, sus defectos y virtudes y lo que aprendió de la vida en el crisol del trabajo encarnizado y la exigencia extrema hasta conseguir sacar de ahí la verdad y la belleza, ni más ni menos, para entregárselas sin intermediarios al público. Y el público, na- turalmente, estuvo a la altura: «amor con amor se paga». En una escena del documental de près Nils «Tout des Tavernier étoiles», el director aborda a Béjart a la salida de un ensayo de su Novena Sinfonía y le pide que le cuente la «historia» de esta cuenta. se no danza («La principio al resiste se Béjart coreografía. ¿Contarías tú un cuadro?»), pero acaba accediendo: los «Todos hombres son hermanos», responde. De los sistemas unos fraternité, égalité, liberté, Francesa: Revolución tres ideales de la políticos abogaron por la libertad, y otros, por la igualdad, pero la fraternidad fue siempre la gran olvidada. De una manera muy profunda, Maurice Béjart el humanista hace suya esa bandera y tal vez es esa una razón de por qué nos llega tan dentro. - «He has a way of touching people. […] There have been some wonderful choreogra- […] There have been some people. of touching «He has a way phers of the 20th century and no doubt there will be more: there are choreographers who have who choreographers are there more: be will there doubt no and century the 20th of phers bodies, who can tell a with steps, who use dancer’s with steps, very original been very clever it». gift that Béjart had I don’t think anyone can equal story very well… but this n primer lugar, conviene establecer mi punto de partida. No conviene establecer mi punto de En primer lugar, en Maurice Béjart. escribo este artículo en calidad de especialista danza la de reivindicación decisiva de su pues, hablar, voy a No de su soberbia interpreta- masculina en el siglo XX, tampoco el gran humanista que ción de las músicas más diversas (porque latina la célebre sentencia es Béjart podía haber parafraseado diciendo «ninguna música me es ajena») ni de su destreza para contribución a hacer del mover los conjuntos, ni siquiera de su los guetos pretendidamen- ballet un arte para todos, sacándolo de te exquisitos en que estaba confinado, a pesar de que este último De lo que quiero contar. rasgo es el que más tiene que ver con sino solo en calidad modo que no escribo en calidad de experta, de enamorada. «Maurice Béjart has a way of touching people», Puedo atestiguarlo: yo resumió certeramente Maina Gielgud. misma soy una más entre la legión de personas a quienes Béjart alcanzó en el corazón. Hoy nos encontramos entre nosotros e intercambiamos señas de identidad como los miembros de una Donn». Jorge Bolero, el Deportes, los de «Palacio masónica: logia estado ese revivimos inmediato de Y allí». estaba también Yo «Sí. de energía expansiva que desbordaba el escenario y alcanzaba al último de los espectadores, fundidos público y bailarines en un mismo y poderoso sentimiento. Ese era Béjart. Cuando entrevisté a Shonach Mirk, su bailarina estrella en los años ochenta, ella me reveló una de las claves para entender el misterio: «Lograba eso Para coreografía». la de parte sentirse a llegara público el que hacía falta otra proeza previa: todos y cada uno de los bailarines de su compañía creían plena y orgullosamente en lo que estaban haciendo. Béjart fulminó el sistema jerárquico propio de las com- pañías de ballet desde el nacimiento de este arte en el seno de la corte absolutista francesa. Abajo el escalafón, adiós al cuerpo de baile, a los corifeos y solistas. Los programas del ya legenda- rio «Ballet del siglo XX» presentaban por orden alfabético a los danseurs y danseuses. Pero lo más pasmoso de todo esto es que no niveló por abajo, como suele suceder cuando desaparecen las jerarquías, sino que lo hizo por arriba. En los años dorados del Bortoluzzi, Paolo estaban que supuesto por XX», Siglo del «Ballet Suzanne Farrell o Jorge Donn, pero lo cierto era que mirases a donde mirases te encontrabas con una estrella que irradiaba per sonalidad y belleza. Esto nos lleva de vuelta al punto de vista de una vez más, a las esclarecedoras palabras de los espectadores y, Madame Gielgud: «Si tú tienes a cada uno de los bailarines de Maurice Béjart. © BBL, Philippe Pache 1995 Eric-Emmanuel Schmitt Hizo inteligente a la danza. La desembarazó de narrativa y la enriqueció de espiritualidad. La belleza del gesto no es nada si no traduce una emoción o una idea. Maurice Béjart

Por Arantxa Aguirre Por Arantxa Nuestro Béjart Béjart Nuestro

76 DanzaBallet - incent incenzo IMAGES: Wilfried Hösl © Wilfried www.bayerische.staatsoper.de Christian Lacroix: Kostümskizze zu “I Capuleti e i Montecchi” © Christian Lacroix ationaltheater, with costumes by couturier by costumes with Nationaltheater, ur house photographer, Wilfried Wilfried house photographer, ur blog. O Opera’s State esselina Kasarova, one of the great mezzo sopranos of our time, esselina Kasarova, one of the great mezzo Hösl, accompanied the stage director, the soloists and the chorus Hösl, accompanied the stage director, and, even before the at stage rehearsals in the Nationaltheater, production. Bellini once described his artistic credo. When his adaptation of Bellini once described his artistic credo. I Capuleti e i Montecchi is premièred the Romeo and Juliet story, on March 27 in the Nationaltheater – returning for the first time since its first performance here in 1834 – the magnetic power of under its spell. this masterwork will put Munich audiences It will also mark French stage director Vincent Boussard’s first the at production Christian Lacroix. The musical direction has also been entrusted Abel. to a conductor of French origin, Canadian maestro Yves V Opera in the trouser role will be returning to the Bavarian State of Romeo, alongside Eri Nakamura as Giulietta. 20, General Manager A week before the première, on March artists to an In- Nikolaus Bachler has invited the participating V Besides troductory Matinee at the Nationaltheater. pera should evoke tears, which make people shudder and cause “Opera should evoke tears, which make people V them to die through song.” This was how composer Abel and production dramaturgist Rainer Kar Boussard, Yves litschek, the two stars of the production, Eri Nakamura and Vesselina Kasarova, have also confirmed their presence at this event to tell the audience about the concept of the new produc- tion. you can see some photos of rehearsals on the But even now, Bavarian

ationaltheater. Première on 27 March 2011. Nationaltheater. Co-production with the San Francisco Opera. The Bavarian State Orchestra. The Chorus of the Bavarian State Opera.

Vincenzo Bellini Vincenzo remière “I Capuleti e i Montecchi” Capuleti e i Montecchi” Première “I Bavarian State Opera State Bavarian

78 DanzaBallet 81 DanzaBallet esselina Kasarova and Eri Nakamura. I Capuleti e i Montecchi Bayerische Staatsoper. V Hösl © Wilfried Christian Lacroix Bavarian State Opera Hösl © Wilfried

80 DanzaBallet 83 DanzaBallet esselina Kasarova and Ensemble. esselina Kasarova I Capuleti e i Montecchi Bayerische e i Montecchi Bayerische I Capuleti Staatsoper V Hösl © Wilfried

82 DanzaBallet 85 DanzaBallet Ensemble. Wilfried Hösl © Wilfried Bayerische Staatsoper Bayerische I Capuleti e i Montecchi I Capuleti

84 DanzaBallet Rolf de Maré, fundador de Dansmuseet. © Dansmuseet. BEAUMONT, C. W.: The Complete Book of Ballets, London, 1937. Citado en HÄGER, B.: Ballets The Complete Book of Ballets, London, 1937. Citado en HÄGER, B.: Ballets C. W.: 1. BEAUMONT, Suédois, London, Thames and Hudson, 1990, p. 9. . 1 » odos Les ballets suédois ballets Les e Maré estaba cautivado por la noción de una compañía de una compañía por la noción de De Maré estaba cautivado lejos preguntándose si una ballet sueca. Pero él fue un paso más sueco. Entonces compañía de ballet sueca requería un coreógrafo a través de él, conoció a Börlin. pidió consejo a Nils Dardel y, escuela de baile en los De Maré ayudó a Fokine a abrir su propia que dejar alrededores de Copenhague y convenció a Börlin para mientras la Opera de Estocolmo, prometiendo pagarle un sueldo Durante las vacaciones, él estudiaba la coreografía con Fokine. en Jenny Hasselquist y Carina Ari, que se habían convertido Fokine. maestras, se unieron a la aventura de Decidió abrir un teatro de baile en París que reflejaría el nuevo serían reclutados espíritu artístico francés, pero cuyos miembros de Fokine. De Maré en Suecia gracias a las recomendaciones convencido de su talento. enfocó su atención en Jean Börlin, Fokine describió como Börlin «cruzó el escenario con grandes saltos, la pasarela entre el grupo de cayendo con toda su fuerza y se deslizó sobre una revelación para mí bacantes. ¡Qué carácter! ¡Qué éxtasis!... Fue Cuando Börlin preparó su primer solo en París, Rolf de Maré discretamente empezaba a reunir una empresa, evitando la publica- ción de sus proyectos tanto como fuera posible. Necesitó un agente la de lejos mantenerlos bien más o, bailarines a contratar para Royal Opera, y en Jacques Hébertot encontró al hombre perfecto para el trabajo. Hébertot era un joven periodista ambicioso francés que había venido a Estocolmo a la cabeza de una empresa turística teatral. Se convirtió en el secretario privado de Maré y estableció contacto con aquellas bailarinas jóvenes del Royal Ballet que de Maré y Börlin habían seleccionado. A pesar de su competencia, la mayor parte de estas muchachas tenía pocas esperanzas en es- tablecer una carrera profesional, ya que sus salarios eran bajos y realizaban escasas e inferiores representaciones de ballets. T los bailarines jóvenes con ambición artística se sintieron frustra- dos por el hecho de que el breve renacimiento de Fokine se había convirtido en nada. Hébertot cambió este ambiente de descontento general al ofrecerles el doble de sus salarios corrientes. Lo que él podría ofrecer por encima de todo era aventura, la oportunidad de marcharse y conquistar el mundo bailando. A excepción de un par de corazones débiles, todos aquellos que se acercaron firmaron el contrato enseguida. Hébertot entonces completó su tarea contra- tando a un número de bailarines masculinos de primera clase del Royal Theatre de Copenhague, que siempre tenía, y todavía tiene, bailarines talentosos por doquier. ospechando que Fokine ya había dicho todo lo que tenía que ya había dicho todo lo que que Fokine Sospechando de él -y el tiempo decir y sin esperar grandes ideas innovadoras lo sustituyó por Börlin. demostró que tenía razón- de Maré o es- dijera nunca aunque decepcionado, sin duda estuvo Fokine cribiera una palabra al respecto. Careciendo en las espués de la revolución rusa, los Fokine los rusa, revolución la de Después uecia, cruzando el helado Báltico en trineo, pero trineo, en Báltico helado el cruzando Suecia, era estuvieron en el ojo público y naturalmente fueron recibi- era estuvieron en el ojo público y naturalmente dándole carta blanca para organizar la compañía como él deci- dándole carta blanca para organizar con Diaghilev, diera (él acababa de tener algunos desacuerdos años, había creado con quien, durante un período de cuatro Al llegar a Suecia, los enormemente acertados Ballets Rusos). que había sido entrena- Fokine encontró una compañía de ballet Gracias francesa. clásica tradición la de líneas las de partir a da tenían un alto potencial a su alto nivel de técnica, sus bailarines artístico, pero su reputación era inexistente. de verdadero talento, generaciones anteriores de un coreógrafo para aparecer en las partes principalmente habían sido empleados de ballet clásico de las óperas. de compañía esta modernizar a empezó inmediatamente Fokine estilo, dramático y mucho ballet, estableciendo su propio nuevo fueron un éxito inmediato más libre. Su Cléopâtre y Les Sylphides con Sheherazade en un y al año siguiente consolidó este triunfo todo Estocolmo de repente decorado de Bakst, consiguiendo que se enamorase del ballet. superiores a los Ballets Afirmando que los suecos eran por ahora habían estado realizando Rusos (desde su marcha, decía, que entonces a la dirección peor sus obras maestras), Fokine sugirió de la Opera que la compañía podría salir de gira para mostrar sus trabajos en el extranjero. Él esperó así propiciar la competición él no había perdonado por preferir a quien seria con Diaghilev, de la conservadora dirección la Pero él. que a antes a Nijinsky Royal Opera retrocedió ante un proyecto tan atrevido. Durante su tiempo en Estocolmo, Michel Fokine y su esposa V dos por la alta sociedad. Fue aquí donde la pareja encontró y comenzó a forjar su amistad con Rolf de Maré, un gran viajero y coleccionista de arte contemporáneo parisino. Él era nieto de un noble suizo, el Conde Hallwyl, que había emigrado a Suecia y se había casado con la hija de una familia muy rica de clase media. - en la Opera de Estocol Durante la guerra la carrera de Fokine interrumpida. fue mo a volvieron cuando regresaron se encontraron con la sorpresa de que la como medida económica, a Opera había preferido contratar, así a la Redujeron equipo. su propio de maestra de ballet una famosa pareja rusa a ganarse la vida viajando por las provincias con un programa de recitales. Rolf de Maré, enterado de estos hechos, los invitó a quedarse en su estado en el sur de Suecia. Allí Fokine le habló sobre su proyecto de realizar una gira extranje- ra, acentuando que Estocolmo poseía a bailarines de capacidad y de categoría mundial: especialmente Carina Ari, Jenny Hassel- de todos, el sumamente talentoso Jean Börlin, por encima quist y, quien Fokine había convertido en solista en el ballet de la Opera. - a tercera La Los ballets suecos ballets Los odos ellos descubrieron a los uecos supusieron toda una revolución de cinco revolución toda una Los Ballet Suecos supusieron de tiempo (1920-1924), años uniendo, en este periodo tan corto artística de la vanguar a los músicos más famosos y a la élite grandísimo de geniales dia francesa, y organizando un número trabajos realizados por artistas franceses. hamps-Élysées –construi- Su sede principal fue el Théâtre des C considerado como do en 1913 pero cerrado durante la guerra-, esos cinco años, el de París. Durante uno de los indispensables aventura Théâtre des Champs-Élysées debía ser la escena de una suecos: un coreógrafo increíble, gracias a un grupo de jóvenes nacido cerca del Círculo Polar Ártico, cuarenta y tanto bailarines inadvertida pasado bastante había ópera que de escuela de una expe- desde el siglo XVIII, y un director que no tenía ninguna riencia anterior en los escenarios. T artística francesa -poetas, genios aún desconocidos de la vida este teatro abandonado pintores y músicos- y transformaron en la capital cultural del en un foro de arte de vanguardia; esto, creativamente la más rica mundo, y durante una década que fue que vio el siglo XX. unas pocas compañías de sólo había del siglo XX, A principios ballet existentes, y todas ellas estaban conectadas a teatros de ópera, atrapadas en un sistema rígido que las segregó del arte el mundo está lleno de compañías indepen- contemporáneo. Hoy, dientes. En el espacio de un período no más largo que una vida útil media, el baile, más que cualquier otro arte, ha experimentado una explosión absoluta. Este desarrollo, destinado a convertirse de un arte menor a uno de los más importantes, uno de los más re- presentativos de nuestra edad, comenzó por la iniciativa privada formar un de tomaron el paso valiente de unos individuos que equipo de baile, itinerante, viviendo al día, autónomos, para ser capaces de expresarse con libertad extrema. La primera compañía innovadora para asombrar París, en 1909, cuales el brillan- con los fueron los Ballets Rusos de Diaghilev, te Fokine y el legendario y funesto Nijinsky fueron asociados. por Pavlova, también fue creada Una compañía más modesta entero. mundo el en adorada fue personalidad cuya compañía independiente, la de los Ballets Suecos, parece estar quién Maré, de Rolf director, su a recuerda ¿Quién hoy. olvidada juntó a Claudel, Cocteau, Picabia, Cendrars, Satie, Debussy, no Bonnard, de Chirico, Dardel y, Milhaud, Léger, Honegger, representa- tan total’ ‘arte ese creó Clair, René importante, menos tivo del siglo XX? ¿O a Jean Börlin, el coreógrafo que suprimió las fronteras tradicionales entre los diferentes tipos de danzas y ensanchó su alcance? Realmente todo comenzó en 1913, cuando la Royal Opera de Estocolmo contrató a Michel Fokine como director de ballet, Por Isabel Felguera Arias Por Isabel Felguera

86 DanzaBallet 89 DanzaBallet oledo y © Dansmuseet Nils Von Dardel, Nils Von © Colección Privada Musica de Erik Satie. Los Ballet Suecos, 1920 úrich en 1919 por 1919 en Zúrich Escenografía de Picabia. Coreografía de Jean Börlin. diseño para “Midsommarvaka” Théâtre des Champs Elysées, París 1924 Película “ENTREACTO” de René Clair. Ballet Relâche (1924) de Francis Picabia Iberia. Las pinturas de El Greco en T Madrid completaron las impresiones que él se habría formado Madrid completaron las impresiones de su escuela) vistas en la de las cuatro pinturas (del maestro o colección de Rolf de finalmente,Maré. elY, distribuidor de arte expre- la pintura ojos de Börlin hacia abrió los Alfred Flechtheim inspiración la proporcionaron que futurista, y abstracta sionista para sus pioneros Ballets Expresionistas. e indicaciones de los con- Podemos encontrar numerosos rastros de intensivo estudio en el tactos que Börlin hizo durante este año en el extranjero. Se orientó sobre las tendencias contemporáneas aquello que Fokine le arte de la danza, pero aprovechó también como un trampolín había enseñado para usar sus conocimientos y original. desde el cual crear su propio trabajo distinto Jean Börlin era la modestia en sí misma, aparte de lo cual, desde en sí misma, aparte era la modestia Jean Börlin Mary Wigman en el extranjero. todavía desconocido luego, era ella con estuvo y vino él 1919, en y, recordaba, lo se vagamente un este mismo momento disfrutaba de en Zúrich, donde ella en baile en solista, antes de abrir su escuela de éxito decisivo como haber entrado En Zúrich, Börlin pudo Dresde al año siguiente. Dadaístas, como Suzanne Perrottet (entonces en contacto con los la esposa de Laban), más tarde aclamada. dejó tanto, mientras von Laban, Rudolf Alemania. Los conceptos de Laban habían sido influidos por las había danzantes que dan vueltas. Börlin danzas de los derviches sobre África del norte, y estaba trabajando atestiguado éstos en para cinco hombres, uno este mismo tema cuando creó un ballet de sus éxitos en los Ballets Suecos abriendo el programa en París incluyeron el en 1920. Las investigaciones de Börlin también Otero y que se ve re- baile español, que él estudió con el gran flejado en su ballet - Suecos enía un uecos (1919) para Suecos stocolmo publicó un publicó Estocolmo pera en sí misma había sí en Ópera pera de Opera a dirección de la de dirección La nfrentada a una corriente de dimisiones, la dirección de la de dimisiones, la a una corriente Enfrentada pero presa del pánico estaba al principio Estocolmo Opera de pensar que alguien había tenido la temeridad luego enfureció al la que bailarines los en interesarse de cual- extremo y a quienes ésta rechazó mantenido en el desprecio quier tipo de promoción. La dirección aportó su influencia para cuando fue descubier prensa de derechas y, relacionarse con la to que el joven aristócrata Rolf de Maré, un desconocido en el desconocido Rolf de Maré, un to que el joven aristócrata de estaba detrás de todo esto, una campaña mundo del teatro, fue lanzada contra él. difamación violenta a Es- para operar en París, comunicando El teatro alquiló a espías a de indicio de crítica que concerniese tocolmo cualquier pequeño Rolf de Maré fue Maré, incluyendo la invención de escándalos. fueron donde los Ballets Suecos así perseguido en su propio país, descritos como un fiasco total. pudo para llevar a los Ballets hizo todo cuanto también La burocracia sueca en París al descrédito. al de privada compañía la que declaraban que el en comunicado M. de Maré no tenía en absoluto ninguna afinidad con el Royal cierto. Exiliado Ballet -lo cual, en sí mismo, era absolutamente apenas podría mostrar de su país de nacimiento, Rolf de Maré su casa en París, debía su cara allí otra vez: obligado a establecer para el resto de su vida. permanecer domiciliado en el extranjero ciudad pequeña una 1893 en nació en parte, su por Börlin, Jean los al norte de Suecia. Su padre, un maestro marinero, viajó en uno de estos viajes fue mares a lo largo y ancho del planeta, y a su hijo. La madre que decidió darle un nombre de pila francés por otro hombre. Un de Jean de repente abandonó a su marido pariente que vivía en Estocolmo, se ofreció a criar uno de los Los medios de su numerosos niños Börlin y Jean fue adoptado. Jean mostrara su don nueva familia eran escasos, y desde que de ballet de la Opera, para la música, fue matriculado en la escuela también podrían donde la instrucción era libre; los estudiantes ganar un poco de dinero apareciendo como extras en las óperas. Como adolescente, Jean dejó el baile un tiempo para estudiar canto, para más tarde volver al ballet, que le aseguró honorarios modestos pero más frecuentes. Su receptividad y su sed de co- nocimiento eran algo bastante fuera de lo común. Leyó mucho y estudió idiomas extranjeros de manera autodidacta. T don para adaptarse a nuevas situaciones o modos de pensar dife- rentes. A este respecto, se parecía mucho a Rolf de Maré, su jefe durante cinco años. Durante sus años parisinos, rodeados por el talento pero también por la gente con frecuencia egocéntrica y pretenciosa del entorno artístico, el joven coreógrafo provinciano estaba completamente en su entorno, transponiendo sus conceptos brillantes sobre el es- cenario con una exactitud palpable. Dominando la técnica clásica tradición; ninguna ni raíces ningunas necesitó no perfección, la a él era, al contrario, un hombre de su tiempo, listo para contribuir a una renovación artística que sintió como una necesidad. Ballets de los inicio al año anterior el Utilizó viajar y estudiar en todas partes de Europa, gracias al pago rea- lizado por de Maré. Su objetivo era familiarizarse con las nuevas corrientes artísticas, principalmente las de la Europa Central. En Estocolmo, había visto a Isadora Duncan en 1906 y Émile Jacques-Dalcroze en 1911 que le proporcionaron una gran in- a que Fokine, sobre mantenido habían ellos que la -como fluencia menudo mencionaba la importancia que estos dos artistas habían tenido para él.

88 DanzaBallet 91 DanzaBallet - extos de Fokine, Ha rianon, 1931 Svenska Baletten. K.; HÄGER, B.: Svenska Baletten. EN, LINDEGR Archivos Internacionales de la danza, 1932 © Archives internationales de la danse Jean Börlin (1893-1930) Théâtre des Champs Elysées, París 1925. Paul Colin. © Colección Privada Casella, [et al.]. Contribuciones de Claudel, quinius, de Maré… Bonnard, de Chirico, Láminas en color de Cendrars… [et al.]. Éditions du T Colin… [et al.], París, BIBLIOGRAFIA IST BERGQU , Stockholm, Dansmuseets samlingar Suédois 1920-1925. Ur Les Ballets Museet, 1969 Moderna 1990 , London, Thames and Hudson, HÄGER, B.: Ballets Suédois l’art contemporain, T Les Ballets Suédois dans

90 DanzaBallet hanghai, as Shanghai, agore. aiwan, through the piece achibana. Many of the ballet sian countries. For example, For countries. Asian panish dance and performed and dance Spanish ot limited to this, Japanese dance Japanese this, to Not limited ance culture existed in existed culture Dance oinkai 50th Anniversary Memorial publication, Shanghai. at 1931, which was Tribe)” “Impression of Seiban (Takasago olinsky, stayed and taught in Japan, and educated pioneers stayed and taught in Japan, and educated olinsky, ompany’s Company’s achibana, who participated in Eliana Pavlova Ballet sought for the theme on T aiwan tour, Shizue Fujikage and Toshi Komori Poster: Shizue Fujikage and Toshi Nishimiya eds. From Yasuichiro “Seiju Fujikage”, T Kawai Gakufu 1965 an influence fromWestern dance. Those who were performing came back to Japan. well known and abroad became The Sacharoffs (Alexander Sacharoff and In 1931 and 1934 Harald Kreutzberg and Ruth Clotilde von Derp), hence in1934, artists Performances and tours by those Page danced in Japan. came to Japan. were sucessful. In 1937, Rolf de Marè Japanese dance on became visible The effect of modernization as the produced such critics and researchers history as well, and dance, see new Western Asada, who tried to following: Masuno dance time paying attention to the Japanese while at the same influenced was who Ashihara, Eiryo period; pre-modern the from ballet and Japanese dance and located by French dance history, ; and and criticized as Japanese classical dance Natsuya Mitsuyoshi, who, from the influence of dance history in traditions the UK and US, insisted that both classic and modern dance. The activities exist in Japanese dance, ballet, and modern media as well. Western of these writers began to be noticed in performers with Western Japanese dance had a close contact ballet dancers within Asia. From the 1920s to the 30s, various It was came to Japan. In 1922, Anna Pavlova danced in Japan. Eliana Pavlova and Oliga sensational news in Japan at that time. dance critic Akim Saphire, who were praised by the famous V in Japanese ballet such as Akiko T dancers who came to Japan at this early moment left Russia due dancers who came to Japan at this early revolution. Russian to the other with relationship close a had T T called the first Japanese-composed ballet. Tachibana’s partner Mikio T Maki studied with Indian philosopher studied Kawakami Suzuko in Flamenco Margot Fonteyn wrote in her publication, “Autobiography”(1976) Alfred A. Knopf. New York: suda okyo. Then, suda is also a Gendai Buyö has atsumi Hijikata and erpis. T merican modern dance. modern American anz into Japan at that time. shii performed abroad and abroad performed Ishii tates from 1936 to 1938, had a had 1938, to 1936 from States suda studied with Max T riticism of Kabuki and Japanese dance existed Spain. Criticism of Kabuki and Japanese dance dolf Bolm in the United the in Bolm Adolf akada studied abroad as well. Baku well. as abroad studied akada Gendai Buyö, modern dance by taking suda proposed the term Gendai to’s activity was activity Ito’s Japan. Especially, outside performed actively ” (1916) Well piece “Hawk’s notable; he performed his well-known Nimura worked in Butler Yeats. based on the script of William of a pioneer became and York New Komori gathered attention by his Oriental style and occasionally Alice Bourgat in taught “Oriental Dance” to Liane Daydé and Masao and Seiko Lifar. Paris Opéra Ballet, hence popular Serge T shii notes, “they probably evaluated the at- received applause. Ishii notes, “they probably evaluated I.” War mosphere of Eastern dance soon after World (Play and Song) in Japanese Yügi Dance used to be called Shoka to it started schools. Then, teachers who had questions about Child Song Döyö Undö ( Jidö Buyö (Children Dance). Finally, teachers. and poets, composers, driven by emerged, Movement) New Dance Movement) In Japanese dance, Shin-buyö-Undo ( Shizue Fujikage (1880- occurred. The representative dancer Europe, 1966, until 1931 named Shizue Fujima) performed in including from the Edo to the Meiji period, but the firstcritic also emerged around this period. Western dance Then, the next dancers followed as the second generation, and Misako and (1900-1977) Eguchi Takaya as figures such included Nobutoshi T Miya (1902-2009), who studied in Germany, (1910-1984), and Masami Kuni (1908-2007). Kuni was from Korean Peninsula and he graduated University of T He went to Europe, and had learned and worked he got dancer. he 1945, Until Mary Wigman. and von Laban Rudolf with Eguchi and Miya studied with Mary had worked in Germany. and T Wigman, a researcher of T master of Miki Wakamatsu, dance. Eguchi had introduced Neue T T the idea from Max Terpis at first. Nowadays, known the equivalent of modern and contemporary dance. with Ruth St. Denis Kenji Hinoki (1908-1983), who studied and great influence on his student KeiTakei, a renowned post-mo- the are dance Japanese in figures main current The dancer. dern students of this generation. Although this second generation is often criticized due to the different viewpoints between the ge- nerations, this second generation was undeniably distinguished. In modern dance, knowledge came both from Germany and the receive to began artists) Buyö (Nihon dancers Japanese U.S. akada: occurred, oshi Komori uguste Rodin, Auguste oshi Komori (1887- . (Dance books LTD,1992) “Ballet in Leicester Square:

akada: 1895-1929, Seiko T shii about the movement style known style movement the about Ishii

akada (Masao T

akada performed at such places. At the same time, The Alhambra and the Empire 1860-1915” He is also known as the first teacher of Gisella Caccialanzapioneers in educated American ballet history at present. Rosi in Ishii (1886-1962), Masao Japanese modern dance such as Baku and Seiko T 1951). Ishii performed for the opera choreographed by Rosi and learned ballet, although he later turned to a search for other ins- pirations for his movement, having developed questions about about 20 years before this time, Isadora ballet. In the West, Duncan and Émile Jaques-Dalcroze were active in their dance performance, and their news was introduced into Japan. Ishii, having left Rosi, started to look for his own style of dance. over the all emerged dance modern of form time, the this Around modern dance also emerged as imitating the West, world. Without an internal movement in Japan. Then Ishii met Kösaku Yamada (1886-1965), a pioneer of Japanese modern music who had told and abroad studied Isadora about and Jaques-Dalcroze as Eurhymics by Émile Duncan—the instance of communication between pioneers in modern dance and modern music. In 1916, Baku Ishii performed “Meian (Light and Darkness)”, which is considered as the origin of Japanese modern dance but which was too cutting-edge to be understood at that moment. Elena Smirnova and Boris Romanov made In the same year, their first ballet tour of Japan. Unfortunately, the cultural soil dance was still unprepared. However, to understand Western Opera around this time, the movement called Asakusa music, drama, and dance started and arts such as opera, Western to become popular among the public. Ishii as well as Seiko and Masao T Nimura (1893-1979), and T Michio Ito, Yeichi T 1895-1977), Michio Ito (1893-1961), and the rapid modernization, renewed their love of the Edo arts the rapid modernization, renewed their as Japanese dance. developed before the Meiji period, such years Then, the Imperial Theater was opened at 1911, exactly 100 (1871-1946), who had danced in Sada Yacco ago. At the theater, with communication had a and at 1900 Paris lso, an opera group was formed due to coached the actresses. Also, an opera group was formed due the high interest of young people in opera. who was working in the Giovanni Rosi, a ballet instructor Ivor Guest United Kingdom, was invited. On the carrier of Rosi, touched his record shortly in his book; - After Asian During

Japanese Dance Japanese

uropean languages, it was a natural consequen- natural a was it languages, European

Modernity in Modernity the Meiji Restoration at 1868, the young people of Japan, who longed modernity, of auspices the under cultures new for sought cultural forms as the opera. for such Western Many talents participated in the Iwakura Embassy (the leaders of early modern Japan), which was dispatched to learn the new at 1871. While ways of the societies and cultures of the West there, they witnessed the performance of an opera at diplomatic nation states in the late 19th century. events of various Western the Imperial to establish Back in Japan, in 1911, they started Japan. in venues have similar to a wish of out Theater, he word “Japan” still evokes an image of a stereotypical a of image an evokes still “Japan” word The By Yukihiko Yoshida By Yukihiko of Western dance The Dawn ce that many young people yearned for opera, which was quite popular in Europe at that time. Due to these trends of moderni- Kabuki, as such arts performing Japanese traditional the zation, Japanese dance, and Noh theater faced the danger of dying out. foreign and foreign intellectuals, such as diplomats However, advisors hired by the Japanese government called oyatoi-gaikou- jin, insisted upon the importance of the distinguished art of Noh and Kabuki, with the result that these became important again in against reaction a as people, Japanese Japanese. the eyes of the s a nation, Japan has had exchanges with countries As a nation, Japan has had exchanges country. Nether such as Portugal, Spain, the United Kingdom, and the lands since the medieval age of Europe. Under the process of forms of cultural fusion, globalization, where we witness various those of Spain and China and where historical viewpoints such as have passed since the become a discussable subject, 100 years which represents one milestone opening of the Imperial Theater, Now is the time to in the development of modernity in Japan. a vantage point that re-think this historical viewpoint, from would reflect the contemporary global age. Japan was perhaps the earliest country in Asia to experience Edo period, under its policy of national During the modernity. countries. foreign with contact limited Japan had isolation, this period, when a lot of knowledge was being translated into from Japanese

92 DanzaBallet 95 DanzaBallet Shizue Fujikage, “Koizakura Hangonkou” - They sia-oe. aiwan. T o mark the passing of passing the mark o aiwan led by Lee T shii, created a path in path a created Ishii, aiwanese modern dance.T modern aiwanese T shii and Baku and Ishii n the post-war era, ballet became widely recogni- became ballet era, post-war In the akaya Eguchi and Suzuko Kawakami Memorial 2010.1.10 I will Masahide Komaki) in 1946. okyo Ballet Company (leader, Baku Ishii and Konami Ishii “Meian” © Noriko Sato. Suzuko Kawakami in NHK TV, Serenata (year unknown) Suzuko Kawakami in NHK TV, From T Contemporary Dance Association of Japan both Midori Midori both 50 years in 2012 since the death of Baku Ishii, a memorial per 50 years in 2012 since in T formance for Ishii was performed in this current is that a completely different The important point one. at that time than the contemporary society existed in Japan popular more was much dance Japanese era, the pre-war In modern dance was more important dance, and than Western ballet. than the performance of “Swan Lake” zed in Japan after by the first T discuss this era in the following section. are the origin of origin the are sia-Oe, he had three artist three had She aiwan, and published okyo at the age of 30 in ulture and was the founder was the and Culture sai Jui-yueh, who studied with sai Jui-yueh, Shang-hui. egovia came to Japan in 1929. in Japan to came Segovia Andean heater (at present in Chinese, yceum Theater (at present in Andrés akada. She made Dance Department in uni- merica in ”. She also toured to Europe and A eresina Bolognato. At 1933, Asuncion Granados 王蘭 his theater took an important role in the history ). This theater took an akaya Eguchi and Misako Miya. He got the pioneer akada, T of colony and Western performing arts in this city for years. city for years. in this performing arts Western of colony and II, Masahide War World pre and during Later in the 1940’s, for “Shang-hui of Japanese ballet, danced Komaki, a pioneer learned ballet and Spanish dance Ballet Rousse”. Kawakami dance teachers Western Clasico Español. She learned ballet from (Mariinsky). She sometimes Klavdia Kulichevskaya including she was popular from appeared in Japanese magazine, because alome”, which was a great the young. In 1935, she performed “S United States. New York, hit. She danced at Paramount Theater, in dancer star young a was She Chinese name, names, Suzuko Kawakami, Ida Kawakami, and Lan;“ Wang 蘭心大戯院 988) was born in Kobe,Japan, and at 988) was born in Kobe,Japan, Suzuko Kawakami (1902-1 to Shang-hui with her parents.She started the age of 4, she went dancing at the age of 10 in 1912, and she made her first profes- L sional stage at Shang-hui n these days, at Philipine, she could see a Argentina In these days, at Philipine, she could seeL her 20’s. Kawakami decided (Antonia Merc). By seeing her performance, She got back to T to get Spanish dancer. 1932 and started the first Spanish dance studio inTokyo. Her (1929) by Andrè photo in her youth was in “La Danse d’jourd’huit” Levinson. in Japan. At that time, Spanish dance boom had just appeared legend, in guitarist The Spanish dance (her In 1929, La Argentina came to Japan. Her specialty is also Clasico Kazuo Ohno saw that stage and was impressed. Español, noticed. Young not flamenco) was widely - in 1977, he performed “Admiring La Argentina”, he histo Later, rical work in Butoh. Teresina were Japan in performed who artists flamenco first The Bolognato and Carlos Montoya (Guitarist) in 1932. Kawakami learned with T came to Japan. dance movement in Japan. Those artists triggered new Western Kawakami taught young dancers, toured T Spanish dance magazine titled “Castanet” in 1935. She toured Amano. He South America as well. Her husband was Yoshitaro study in his known as was of Museo Amano in Peru. In 1960, Pilar Lopez came to Japan with Antonio Gades. The stage shocked young generation including Shoji Kojima and Komatsubara. These artists have led Japanese Spanish Yoko dance and flamenco. Their efforts have taken root of flamenco “The second Home of in Japan. Nowadays, Japan is called Flamenco”. The celebrated top star dancer was Kojima. In 2009, he got Encomienda de la Orden del Mérito Civil from Spain. dance. In dance had a root in Japanese Western Asian Western modern dance, Seug-Hee Choi, who studied with Baku Ishii, We-sun Park Peninsula. Korean the in dance modern originated studied with Seiko T University. versity at Korea, Dance Department, Ehwa Womans Xiaobang learned with Masao She had taught since 1963. Wu T with Baku Ishii, and T who studied of modern dance in China and Chinese folk dance. Lee T

94 DanzaBallet 97 DanzaBallet anuncio sami Maki Ballet © Asami Maki Eliana Pavlova Ballet Company’s Taiwan tour at 1931 tour at Taiwan Ballet Company’s Eliana Pavlova rchive, Japanese Women’s College of Physical Educations akaya Eguchi Archive, Japanese Women’s Takaya Eguchi and Misako Miya with Harald Kreutzberg and Ruth Page in 1934. Takaya © T

96 DanzaBallet - Nevs- l apartamento era apartamento El egún las notas del joven del notas las Según ikolai Kovmir, solista del Mariins- del solista Kovmir, Nikolai egunda Guerra Mundial, del posterior traslado posterior del Mundial, Guerra Segunda ran habituales los paseos por la Prospectiva por la los paseos Eran habituales an Petersburgo) conocía todos los rincones los todos conocía Petersburgo) (San Leningrado stado les concedió otra habitación más. habitación otra concedió les Estado cación: que el alumno sea capaz de darse cuenta de sus propias de darse cuenta el alumno sea capaz cación: que limitaciones. realizando chicos, en plena adolescencia, era habitual ver a “En su clase En unos por los otros. los sin preocuparse independiente pasos de forma que preocupar por modo, tú te tienes es del mismo la danza profesional a estos era enseñar lo que pretendía Pushkin esa individualidad. encontrar pensantes” (Bar bailarines crear decisiones: propias sus tomar a chicos de la compañía del Kirov a la ciudad de Perm y de los años de posguerra de nuevo en Leningrado, donde las cartas de raciona- miento marcaban las pautas de la vida soviética. Pero sus mejores recuerdos iban dedicados a su mentor Vladimir e quien aprendió no sólo la técnica para formarse D Ponomarev. como bailarín, sino también como saber transmitir sus conoci- y amena. fácil manera una de mientos Aleksandr en sus diarios, el primer año de clase con Ponomarev mucho gustaba “Me paso volando. día, primer un como pareció le formarme con él, cada día nos enseñaba nuevos pasos, nunca es- tábamos en la misma posición”. del Kirov se casó en 1937 con la bailarina Pushkin Aleksander Xenia Jurgenson. El matrimonio vivía en un típico apartamen- y cuadrados metros 25 de habitación sola una de comunal to siguiendo las pautas de habitaje implantadas después de 1917, compartían la cocina y el baño con otras seis familias. En 1956 el bara Aria, 1985) Allí exigido en sus clases era muy elevado. Es cierto que el nivel apreciar y para poder aprender, Pero había mucho que aprender. cono- este compendio de saber era necesario sobre todo entender como persona. cer como era Pushkin im- no era el típico pedagogo de ballet que Según Baryshnikov Era por medio de una ardua disciplina. ponía sus conocimientos palabra, mala una disgustaba, le algo cuando cuenta darse fácil cara cambia- de su un paso mal ejecutado. Entonces la expresión grosera o Pero nunca empleo una palabra ba al igual que el color. recriminarlos. Su voz era un tono de voz más alto que el otro para placentera donde los pausada y relajada creando una atmósfera presiones. Como recuerda estudiantes se sentían liberados y sin alumnos últimos de sus uno hacia la Strelka, pasando por el puente del palacio,o por el ky, Fontanka, o el Moika, donde se hablaba de música, de la arqui- tectura de la ciudad, de los acontecimientos históricos ocurridos durante sus años de estudiante, o sus primeros años como profe- sor en el Instituto Coreográfico y en el teatro, interrumpidos por la de inicio el urante toda la lección nos lección toda la y ochenta: “Durante setenta los años entre ky erro- nuestros por interesaba se nosotros, de uno cada a inspiraba res como si fueran los suyos propios”. las representaciones en el Pushkin, después de las clases o de bien realizados como los teatro, siempre anotaba tanto los pasos del fallo y así evitar que se fallados, para poder buscar el origen era uno de los éxitos de repitiera. Buscar el porqué de un error su método. acaba en el aula. Pushkin Pero la formación de sus alumnos no amaba situada a orillas del Neva. y secretos de esta majestuosa ciudad quería que la sintiesen La misma pasión que sentía por su ciudad pupilos. sus increíblemente caluroso en los meses de verano, pero todas estas caluroso en los meses de verano, pero todas estas increíblemente incomodidades se veían compensadas por la acogedora y cultiva- da atmosfera que el matrimonio creó en su hogar. aganova eatro Kirov (Mariinsky). Fue en sus ituación que se repetía cuando impartía las impartía cuando repetía se que Situación Aleksandr Ivanovich Pushkin Era habitual que los alumnos se concentraran alrededor del aula donde Aleksandr Pushkin impartía sus clases. Las puertas esta- Bajo el marco de la puerta, sin ban siempre abiertas de par en par. moverse, como si estuvieran en el palco del teatro, se agolpaban no sólo los alumnos, sino también los bailarines de los teatros de la ciudad, estudiantes que estaban de visita o participaban en algún curso impartido por el Instituto o los profesionales que es- taban de paso por Leningrado. Como recuerda uno de sus alum- que acudían al V nos, era habitual que los interesados preguntarán en la entrada por la clase del profesor Aleksandr Pushkin. Ivanovich clases para los solistas del T últimos años de enseñanza, cuando Pushkin se hizo famoso, por la manera de entender la danza y trasmitirla, el tipo de ejercicios que asignaba, y como lo ejecutaban los alumnos o los solistas con la máxima perfección era algo que maravilló al resto de los pro- fesionales del ballet. Si bien es verdad que, algunos de sus alumnos, sobre todo los que asistían a sus clases por primera vez no encontraban nada de especial en su método, ya que la simplicidad a la hora de explicar un paso y su ejecución era la clave de su magnífico método. Es lo que Mikhail Baryshnikov denomina el método de la autoedu- Du- olinsky. olinsky. reinta y aganova.” V aganova junto a su junto a aganova V Agripina reinta y ocho años dedica- reinta y ocho años eatro. aila y Pushkin en el papel el en Pushkin y hada Naila como Semenova hekygin, quienes lo recomendaron en la audición para audición la en recomendaron lo quienes Chekygin, aganova no ha cambiado, aún se mantienen los mismos ho- naría durante sus treinta y ocho años de enseñanza. ¡T naría durante sus treinta ballet clásico! ¡T ocho años enseñando bondad, fuerza y pasión! dos a este arte, con la siglo, todas las mañanas fueron iguales, Durante más de medio alumno, después como entrada en el aula de ballet, primero como aban- tarde Cada profesor. como finalmente y teatro, del bailarín el pasado Había feliz. pero exhausto cansado, estudio el donaba Los días podían ser distin- día dedicándose a lo que más quería. y unos pocos dramáticos. tristes, otros tos, algunos divertidos, consigo mismo, por poder Pero en el fondo él se sentía contento dedicarse a este maravilloso arte. iguiendo sus anotaciones, fue la propia fue la anotaciones, sus Siguiendo profesor pero por desgracia no lo poder ingresar en la prestigiosa escuela, cogieron. No sería hasta dos años después cuando sería aceptado como alumno del Instituto coreográfico de Leningrado, situado en la calle del T Desde 1923 hasta 1925 estuvo bajo la tutela del gran pedagogo Se graduó en 1925, con el ballet the Brook, Vladimir Ponomarev. a Marina junto del cazador Dzhamil. La coreografía corrió a cargo del propio Bro- Yuri de por parte crítica gran una recibiendo Ponomarev, deisen. En 1935 entró a formar parte del cuerpo de docentes del Instituto Coreográfico de Leningrado, comoprofesor de Pass de deux y de danza clásica para chicos. en mantiene se cual aún la tradición, la como manda general, En los centros de enseñanza artística de San Petersburgo, las clases de danza clásica empiezan por la mañana temprano. En los pa- sillos de la escuela, reina un monótono silencio, sólo perturbado o que marcan los ejercicios matutinos por la voz de los enseñantes corrigen a algún alumno, o por la melodía de la música que arran- ca de los pianos. Mientras uno pasea por estos desolados pasillos, rodeado por esta melodía incansable que atraviesa las puertas de las aulas, parece como si el tiempo se hubiera detenido, que haya- podamos momento algún en que y siglo, medio retrocedido mos toparnos con nuestro protagonista. Porque la vida en la Acade- mia V mismo el alumnos, los endosan que uniformes mismos los rarios, método de enseñanza, método que ha hecho inconfundible a los bailarines formados en tal prestigiosa institución. Ya desde la niñez Pushkin profesaba ese amor incondicional hacia desde la niñez Pushkin profesaba ese amor incondicional Ya danza. Sus inicios en este el ballet, no concebía su día a día sin la Petrogra- de Ruso Ballet del la Escuela en fueron arte complicado de arte Akim V do, fundada y dirigida por el famoso crítico Nikolaievna Legat, mujer Sus primeros profesores fueron Natalia Cherygin y L.N. Pa- del famoso bailarín Nikolai Legat, Aleksandr “Nikolai Legat vlova. Como anotó el joven Pushkin en su diario: que igual al escuela la en clases dos dio rante el verano de 1921 se inscribió a las clases de ballet impartidas rante el verano de 1921 se inscribió a las Vaganova). en el Instituto Coreográfico (actual Academia odas elepina, secretaria

aganova de San Petersburgo, Leningrado, 5 de febrero de 1932. aganova, la de las ventanas ovaladas, Semion Ivanovich Pushkin, 31 de marzo de 1923. aganova. “El 5 de febrero se designa a Alexander “El 5 de febrero se designa “Por favor os confío y pido que acepten “Por favor os confío y pido Extracto de la orden N 20 del Estado Técnico coreográfico de Extracto de la orden N 20 del Estado Academia V Fuente: Archivo de la su ayuda a Julia T Rusia. Agradecimiento por toda conservadora y Olga Nikolaevna Makarova, del gabinete de prensa del Museo V Son sólo unas breves frases de una solicitud y de un extracto oficial, pero detrás de todo esto se esconde un artista, un maître de la danza. El comienzo de dos carreras. Una concluida después a dedicada la segunda, Y escenarios. los sobre 27 años pasar de sus alumnos, muchos de los cuales llegaron a lo más alto esparci- dos por el mundo a causa del “creativo” control impuesto por la Unión Soviética. Es difícil olvidar a Alexander Ivanovich Pushkin. Sus antiguos alumnos siempre lo recordaran así, impecablemente vestido, en otoño e invierno con su camisa blanca, corbata y traje oscuro, que en primavera, lo cambiaba por uno de color grisáceo. T donde el piano, hacia y silenciosamente acercarse en ella entrar lanzaba se saludaban, se encontraba ya esperándole el pianista, una afable mirada alrededor de la sala y empezaba la clase. Con voz pausada dictaba la tarea diaria, el primer cuarto de hora se realizaban los ejercicios en la barra, a continuación los alumnos se reunían en el centro de la sala, se formaban grupos de a tres y se procedía a la ejecución de los pasos. Como recuerda Gennady Albert, alumno de Pushkin en la déca- da de los 60, su frase habitual era: “como siempre, en todas las posiciones, dos grands plies”. Después de la ejecución de los battements tendus, colgaba la cha- queta en el respaldo de la silla. Costumbre que nunca le abando- las mañanas era habitual verlo abrir la puerta de la sala del quin- de la sala del abrir la puerta era habitual verlo las mañanas to piso de la Academia V

Por Gemma Gil Tellols Por Gemma Gil Aleksander I. Pushkin I. Aleksander Ivanovich Pushkin como instructor de ballet como instructor Pushkin Ivanovich clásico”. Alexander Pushkin, de 15 años”. entre los alumnos de la escuela a mi hermano, entre los alumnos de la escuela

98 DanzaBallet DanzaBallet 101 agánova y el director Selkov uropa occidental, que les llevaría por distintas ciuda- distintas por llevaría les que occidental, Europa ureyev fue uno de los alumnos más apreciados por Pus- por apreciados más alumnos los de uno fue Nureyev des. En París, Nureyev decidió no seguir acompañándoles y pidió asilo político al gobierno francés. Esa fue la última vez que Pus- hkin vio a su querido alumno. Cuando las noticias llegaron a Le- ningrado, tanto Sacha como Xenia no lo creyeron, pensaron que sólo eran rumores, infundidos por el clima político del gobierno sus temores se hicieron realidad cuando Pus- Pero de Jrushchov. hkin llegó, como cada mañana, al V Rudolf en vida su de día último el hasta matrimonio el con vivió hkin, suelo soviético antes de desertar hacia Paris en 1961. Barysh- fue uno de sus protegidos, señalaba que quien también nikov, cuando llegó por primera vez al apartamento de Sacha y Xenia, vio un tren de juguete que presidía el mueble del salón, durante un tiempo so se atrevió a preguntarles a quien pertenecía, hasta Sobre Nu- que un día Aleksandr le contó la historia de Nureyev. reyev no sé volvió a hablar más en presencia de Pushkin. Una tarde del verano de 1961, Sacha, Xenia y unos amigos acom- pañaron al joven Rudik al aeropuerto de Pulkovo para que em- barcara hacia París. La compañía del Kirov tenía contratada una por gira Clase de 1935. Instituto Coreográfico de Leningrado. Aleksandr Pushkin junto a su esposa Xenia Jurgenson (derecha). ureyev se recuperó se Nureyev Leningrado circa 1960 del Instituto Coreográfico de Pushkin. En la sala de ensayos antes de lo previsto. Era habitual ver todas las mañanas a Xenia yendo al mercado para comprar verduras frescas y carne del día para preparar des- pués la comida. Xenia también se comportaba como una madre y maestra para estos jóvenes, sobre todo para los que se encontra- ban alejados de sus familias y vivían en el internado de la escuela. Ella se encargaba de coserles las mallas rotas, de alimentarles, les hacía leer novelas interesantes de las que tenían que analizar y sacar conclusiones. La bailarina Galina Barunchukova recuerda lo amable que fue con ella, nada más llegar a Leningrado procedente de Siberia. “Ella me llevó de tiendas y me enseñó cómo vestirme y que artículos debía comprar”. (Julie Kavanagh, 2007) El matrimonio nunca tuvo hijos propios, pero sus alumnos más allegados se convirtieron en hijos adoptivos para la familia. Cuan- do Nureyev se lesionó durante los ensayos de “Laurencia”, Ale- ksander Pushkin lo acogió como un hijo en su casa, siguiendo los consejos de los médicos, quienes le recomendaron un largo periodo de reposo, que lo alejaría de la danza durante más de tres familia, la de cuidados a los Gracias meses. res veces al año se reunían todos sus alumnos en todos sus año se reunían veces al res o músicos e iniciasen algún debate sobre arte, cine,... a los cuales prestaba la máxima atención. De estas reuniones aprendí las maneras cultas ca- Ansioso por pertenecer a racterísticas de la intelligentsia peterburgesas. atrás el dejando de Leningrado, ruso el verdadero aprendí pronto círculo su ruso provinciano adquirido durante mi niñez en Riga, respetar tu lengua es no sólo me forjé como encuentros Gracias a estos a uno mismo. respetarse bailarín sino también como persona.” (Barbara Aria, 1985) Desde 1950 Pushkin implantó una tradición que continuaría has- muerte. T ta su casa del matrimonio, el 13 de setiembre con motivo del cumplea- ños de Sacha, en Año Nuevo y después de los exámenes finales, y se les honraba con una exquisita comida elaborada por Xenia. Cada comida en la casa de los Pushkin era una lección de buenos modales en la mesa. Por muy simple que fuese la comida, ésta siem- pre iba acompañada de una elegante vajilla, donde nunca faltaban los platos de porcelana china, las copas y botellas de cristal (todo un lujo en aquellos tiempos). Un mantel blanco de ganchillo cubría la mesa del salón dormitorio y las velas amenizaban la velada. lo im- Misha. The Mikhail Baryshnikov story lo “El matrimonio Pushkin era un claro ejemplo de la hospitalidad piterbur- literario salón de ambiente un respirar podía se aún hogar su en y guesa, los de lecturas las habituales eran XIX, siglo del Rusia la de característico Boris contemporáneas, poetas los de y Dosvstoevsky, Gógol, rusos, clásicos de las cuales Aleksandr Pasternak, Anna Ajmatova y Marina Tsvetaeva Pushkin sentía verdadera admiración, siempre amenizadas estas charlas Glinka, Rim- por la música de los maestros rusos y europeos, Txaikovsky, Bach,... sky-Korsakov, Casi todas las noches era habitual que se reunieran en el apartamento de los Pushkin algunos de sus amigos, profesores de la universidad, artistas Baryshnikov señala en Baryshnikov señala portante que fueron el matrimonio Pushkin para forjarse como persona. Los Pushkin se convirtieron en unos segundos padres para él. Aquí en la vivienda de la calle Rossi, algunos de sus alumnos más Soloviev o Baryshnikov allegados, como fue el caso de Nureyev, entre otros, no sólo aprendieron a apreciar las tradiciones de San Petersburgo sino que también lo convirtieron en su segunda casa donde las charlas sobre ballet y arte estaban a la orden del día.

DanzaBallet 100 DanzaBallet 103 - Cuando Revista. (1923) BIBLIOGRAFÍA: iktor Semenov o sto supuso un duro un duro Esto supuso lbert se encontraba en su camerino en su se encontraba Albert eatro Kirov (Mariinsky), donde la clase de eatro Kirov (Mariinsky), donde la clase Nureyev. The life. Pantheon books. New York Julie Kavanagh. (2007) Nureyev. unque ya no nos acompañe, con este artículo quiero rendirle quiero artículo este con acompañe, nos no ya Aunque los bailarines fueron trasladados al Kirov se rompió uno de los al Kirov se rompió fueron trasladados los bailarines y el teatro. la escuela entre lazos de unión - cla las de después que significaba que ya Pushkin para hándicap ses en el Instituto Coreográfico debía trasladarse hacia la plaza del teatro. aca- en la calle del arquitecto Rossi. Pushkin Una tarde, una más a iba donde teatro el hacia dirigía se y clase, su impartir de ba orsario del pas de deux del ballet el C continuar con la variación acor Como cada tarde habían con el bailarín Nikolai Kovmir. ese día, por alguna razón pero del Kirov, dado verse en la sala Coreo- Mientras, en la puerta del Instituto Sacha se retrasaba. gráfico, Pushkin se encontró con una amiga de la familia, Larisa hablando un rato sobre el inconveniente Ermolova, estuvieron de los solistas al teatro, que suponía el nuevo traslado de las clases de un bailarín. Después y también sobre los problemas en la vida se despidieron. Gennady misma tarde, Esa Lenin- cuando recibió un telegrama desde del teatro en Saratov, sería alguna feli- grado. Los trabajadores del teatro creyeron que del Ballet Don Quijote citación para desearle suerte en la permier donde interpretaba el rol de Basil. Cuando leyó el telegrama, su en su libro Aleksandr vida se bloqueó, como él mismo recuerda Pushkin. Master of Teacher Dance, ¿cómo poder salir a escena amigo y padre Su mentor, después de conocer tan dura noticia? ataque al co- Aleksandr Ivanovich Pushkin había fallecido de un del canal de la Fon- razón mientras cruzaba uno de los puentes tanka. implantó se muerte su de aniversario cada entonces, partir de A una tradición en el T clase. los solistas representaba y recordaba su y un años de su pérdi- El pasado 20 de marzo se cumplió cuarenta da. que hizo por la danza y homenaje y agradecerle el gran trabajo por mantener la prestigiosa tradición rusa del ballet. Abriéndose una puerta hacia la inmortalidad. La mayoría de sus alumnos, hoy en día ocupan altos cargos dentro del mundo de la danza, no sólo dentro Rusia sino también a nivel mundial. Sólo con observarles, Gennady con compartir unas horas con Mikhail Baryshnikov, V Nikolai Kovmir, Albert, Vladlen Semyonov, que significaba un gran aliciente para sus alumnos, ya que esas teatro. del profesionales los con compartían las mañanas los fallecidos Rudolf Nureyev o Soloviev es como si Pushkin es- y una fuente tuviera ahí, son el mejor recuerdo de su gran mentor, de inspiración no sólo para los profesionales de la danza. Aleksander Ivanovich Pushkin se encuentra enterrado, junto a su esposa Xenia, que le sobrevivió tres años en el cementerio Bol- sheokhtinsky de San Petersburgo. Las ramas de un frondoso y robusto abedul son su eterno protector. . Holt Rinehart and Winston New York Nina Alovert. (1984) Baryshnikov in Russia. Holt Rinehart and Winston t Martin’s Press. New York Barbara Aria. (1985) Misha. The Mikhail Baryshnikov Story. St Martin’s Aleksandr Cuando Academia Vaganova de San Petersburgo Material fotográfico y bibliográfico procedente del archivo de la Academia Vaganova ibrary. New York Public Library. of dance. The New York Gennady Albert. (2001) Alexander Pushkin: Master Teacher eatro Kirov había amplia- había Kirov eatro T ureyev había desertado de desertado había Nureyev El a relación con sus alumnos no alumnos sus con relación La uvo que hacer frente a una serie de problemas que a recuperación fue larga. fue recuperación La oviética y acababa de convertir se en enemigo del pue se en enemigo del- acababa de convertir oviética y la Unión S blo soviético. Pushkin cam- vida de Aleksandr momento la Desde ese mismo por parte de la los interrogatorios Se suceden bia por completo, KGB, al ser considerado uno de los máximos influyentes en la de sus amigos, a La enemistad con algunos deserción de Nureyev. algunos padres El recelo que mostraron raíz de estas acusaciones. le in- profesor de sus hijos, por temor que que continuara siendo todos estos factores desencadenaron culcase ideas anticomunista, en un fatal suceso. un infartó. Los médicos le aconsejaron En 1962 Pushkin sufrió ya enseñanza, pero él se negó rotundamente, que abandonara la ballet, no entendía la vida sin sus clases de que si durante su niñez prefería ya que como el mismo dijo, ahora tampoco la concebía, postrado como un ve- morir en la sala de danza que en la cama, getal. a dispuesto y atento mostrase se él aunque misma, la ser a volvió especial. Fueron unos años ayudarles, ninguno ocupaba un lugar compartir su camino hacia duros y tristes, nunca más volvería a sesiones vespertinas en las la escuela con Rudik, ni a asistir a las Artes. salas de la filarmónica en la plaza de las Pushkin conoció a No fue hasta la primavera de 1964, cuando La encargada de pre- un joven excepcional procedente de Riga. suya y en aquellos sentárselo fue Bella Kovarskaya, ex alumna escuela de La Opera y del años profesora de danza clásica en la junto a Kapralis, fueron los ballet del teatro de Riga. Kovarskaya Baryshnikov. Mikhail de pedagogos primeros le comunicó la fatal noticia. Rudolf noticia. fatal la comunicó le conoció al joven Misha, quedó maravillado con la técnica que técnica con la maravillado quedó al joven Misha, conoció a su esposa que poseía. Aquella tarde al llegar a casa le comunicó su tutelaje. Xenia escép- había aceptado a un nuevo alumno bajo a lo que Pushkin le tica le preguntó si era mejor que Nureyev, talento”. Esta respondio “es distinto, pero no por eso posee menos que fue Pushkin, respuesta me hace pensar en lo buen pedagogo iguales, no se tenía el ya que no veía a sus alumnos como seres buenos considerados ser para cánones mismos los repetir porqué bailarines. Sabía ver donde se escondía la técnica en el cuerpo de un chaval de doce años y como potenciarla. es bien sabido por todos, inmediatamente se como Baryshnikov, convirtió en su protegido. Y a la muerte de Pushkin en marzo de 1970, con sólo 19 años, se le encargó que preparara a los alumnos de último curso para su graduación en junio. Los últimos meses en la vida de Pushkin, fueron bastantes com- plicados. T aguantar. podía no salud frágil su do las salas de ensaño, por lo que todas las clases dedicadas a la se de baile, solistas o del cuerpo de los bailarines preparación realizarían en las nuevas salas. Con anterioridad estos ensayos se realizaban en una de las aulas del instituto de la calle Rossi, lo

DanzaBallet 102 DanzaBallet 105 ueva York durante el comienzo el durante York Nueva 4 an Cleef & Arpels. za Naturale Los diseños curiosos de la empresa son estilizados para celebrar el espíritu del mundo natural en lugar de la realidad, y como tal, garras. tienen no aves sus y espinas con aparecen nunca rosas sus Obras en exposición en esta sección incluyen el broche “Ramo” de 1937, que demuestra las combinaciones de color de piedras a su mejor provecho, sin preocuparse por la botánica, así como el broche “Copo de nieve” de 1948, que captura en oro y dia- mantes lo cual es un momento fugaz del brillo resplandeciente en el mundo natural y ejemplifica el estilo de fantasíaVan Cleef & Arpels. Las mariposas son un diseño recurrente a lo largo de la historia de la empresa y las alas de los insectos se han encrestado con una serie de materiales desde la madre-perla hasta el esmalte. El conservatorio del museo será el hogar de una serie de ma- riposas de laca japonesa, aplicada en Japón con las técnicas tradicionales. El tema de la transformación también se refiere a la transforma- de los Estados Unidos. al mercado empresa parisina ción de una a familia la de traslado el Con de la Segunda Guerra Mundial, la idea de un estilo americano se apoderó y los principios de alta calidad de la ejecución fueron manifestados en los objetos que reflejaron el gusto americano. 4. Indu Necklace owned by Maharani of Baroda. 4. Indu Necklace owned by Maharani of Designed by V Paris, France, 1950 Diamonds, emeralds, platinum. Maharani of Baroda ’ COLLECTION CLEEF & ARPELS VAN Photo: Katharina Faerber rpels, el Arpels, an Cleef & Louis an Cleef & Arpels, es el an Cleef & Arpels an Cleef & Arpels. 3 rpels. Un punto culminante de las obras de an Cleef & Arpels. Un punto culminante de las obras aruna,” campana para el mayordomo de 1908. Un modelo mi- el mayordomo de 1908. Un modelo aruna,” campana para fundador de la empresa, el cual inspiró su diseño. fundador de la empresa, el cual inspiró muy cualificado y un especialista en piedras preciosas, tal y como y tal preciosas, piedras en especialista un y cualificado muy para adaptarse a exactamente deban de ser cortadas las piedras ir acompañadas canal y tienen que y a su montura de los diseños incluyen el broche de Ejemplos extraordinarios del mismo color. “Boule” de misterio “Peonía” de 1937 y el rubíes con montura montura misterio de 1959. anillo con zafiros con conocido de V El objeto más antiguo, “V lo picado, jaspe por acentuado un mar en un barco de nucioso - estadouni el yate, del propietario el por comisionado fue cuyo habilidades de los El trabajo requiere las dense Eugene Higgins. con las técnicas milenarias de esmaltado artesanos familiarizados y de tallado de piedra. hebilla de cierre con pulsera una fue estilística innovación Otra para un apodo la “Ludo,” como conocida 3. Peony brooch Designed by V Paris, France, 1937. Gold, platinum, diamonds, Mystery Set rubies. CLEEF & ARPELS COLLECTION VAN Photo: Patrick Gries/V Transformación objetos, como un collar Los objetos que se transforman en otros en un broche, son un sello con un colgante que puede convertido de V las cual el en ave de broche un es exhibición en transformación y la cola se convierte en alas del ave pueden convertirse en aretes el primer hijo un broche. El broche fue encargado para celebrar de 95 quilates “Walska” del dueño, cuenta con la impresionante del ave. de diamante amarillo colgado del pico por V Otra celebrada innovación técnica desarrollada cerrado ser puede collar un cual en “Zip”, joyas las son Arpels producción la en técnicas dificultades Las pulsera. una crear para se que tiempo de longitud por la demuestran se trabajo este de tomó entre su concepción a finales de 1930, cuando la Duquesa que pudiese propuso la idea de una pieza de joyería de Windsor cerrarse, hasta su producción en 1951. - In- rpels an Cleef & Arpels an Cleef & Arpels an Cleef & Arpels. an Cleef & Arpels. 2. Manchette (cuff) bracelet/necklace owned by Daisy Fellowes. Designed by V 1. Bouquet brooch Designed by V Paris, France, ca. 1937. Platinum, Mystery Set rubies, diamonds. CALIFORNIA COLLECTION Photo: Patrick Gries/V Paris, France, 1926 (bracelet), 1928 (second bracelet to form necklace) Platinum, emeralds, diamonds. CALIFORNIA COLLECTION Photo: Patrick Gries/V an Cleef & Arpels, desde sus primeros ransformación, Naturaleza, Exotismo, Moda y 1 Comisiones especiales han constituido una parte importante de la historia del diseño de V días, algunas veces combinando la imaginación (y las piedras pre- ciosas) del cliente y la del diseñador. La técnica innovadora perfeccionado y avanzada para las super ficies curvas de Van Cleef & Arpelstécnica en la que el ajuste no aparece entre los piedras, creando es la “Montura Misterio” un campo de color solido. Esta técnica requiere de un artesano pectiva de un museo de diseño y se centran en el establecimiento en el establecimiento pectiva de un museo de diseño y se centran y el papel de estilo americano de la casa de diseño en Nueva York y el gusto en el mercado.” temas principales: por seis organizado será in Style” “Set ón Innovaci novación, T Personalidades. an an Cleef & Arpels,

endôme en París, V an Cleef & Arpels,” dijo Bill

an Cleef & Arpels, desde la pers- rpels” examina las examina & Arpels” an Cleef V

écnicas y diseños pioneros, en conjunto en pioneros, y diseños Técnicas

a Joyería de La Joyería The Jewelry of Van Cleef & Arpels of Van The Jewelry

2

Style:

” an Cleef & Arpels

an Cleef & Arpels y en pequeños objetos preciosos. Set in Style: in Set importante contribuciones históricas al diseño de joyas y la inno- importante contribuciones históricas al siglo el durante particular en empresa, renombrada la de vación XX. Organizado por Sarah Coffin, curadora y jefe de- departa Decorativas, la exposición mento de Diseño de Producto y Artes hasta el 05 de junio 2011. se abre el 18 de febrero y se extenderá V Desde su apertura en 1906 en el Place en el estilo y la Cleef & Arpels ha desempeñado su protagonismo diseño. del innovación con una atención a la artesanía, están en el centro de la joyería V alhajas, incluyendo obras, 300 de más con cuenta exposición La relojes, accesorios de moda y objets d’art de V muchos de los cuales fueron creados exclusivamente para clientes americanos, junto con los dibujos de diseño, libros de comisión, tarjetas de fabricación y las imágenes de los archivos de la empresa. se “Como el museo de diseño de nacional, El Cooper-Hewitt complace en presentar las obras de V Moggridge, director del museo. “Esta es la primera exposición que se enfoque en las obras de V

V oyería de “Set in Style: La J in “Set ño Nacional de Dise el Museo del Smithsonian, El Cooper-Hewitt

DanzaBallet 104 DanzaBallet 107 6 8 5 10 9 7 ut aylor, aylor, leef & Cleef an V ribune, y Ruth ut arribo al Museo ut arribo al Museo an Cleef & Arpels, el Mi- an Cleef & Arpels, y de nuevo rpels a producir Arpels a producir an Cleef & rpels que diseñen un an Cleef & Arpels que diseñen un trusca” parecida a los que a los parecida “Etrusca” muñequera pulsera una Perón; Eva Peltason, historiadora de joyería, editora y autora. de Exposición Materiales Patrick francés diseñador el por creada será específica instalación Una Jouin. “Set in Style” estará acompañado por instrumentos interpre- tativos que se extienden más allá de la exposición de las galerías del museo. Un catálogo completamente ilustrado acompañará a la ex- posición, con ensayos de la curadora de la exposición Coffin;Menkes, crítico de moda de The International Herald T Suzy - propie usaba Jacqueline Kennedy Onassis; y la pulsera “Jarretière”, dad de Marlene Dietrich, que la lució en la película Stage Fright. Personalidades Concentrándose en aquellos con una conexión americana, la exposi- tenido. han estadounidenses mujeres las que impacto el mostrará ción Objetos a la vista incluyen una tiara usada por S.A.S la Princesa Gracia de Mónaco, junto con su conjunto de compromiso; el “Man- chette”, pulsera de esmeraldas, propiedad de Daisy Fellowes, que puede ser convertido en un collar; la amatista de Elizabeth T pulsera de coral y diamantes y aretes colgantes; una pulsera y collar de Moda 1900, de tempranos años los en establecimiento su Desde rpels elaboraron accesorios en el más alto nivel, como el necessaire Arpels elaboraron accesorios en el más llamado “Minaudière”, y más tarde un bolso sin asas acondicionado, tales como un labial, una que contiene compartimento para artículos de llamadas o de baile, una caja polvera, un peine, un espejo, un tarjeta cigarri- de caja pañuelo, un para o dinero el para espacio píldoras, de en el lado y muchos de ellos llos, a menudo con un encendedor oculto de V con un reloj escondido. Una invención limpias de Chanel y otros naudière emparejo muy bien con las líneas en la década de 1930. diseñadores en el apogeo de su popularidad la pulsera el “Bronx Otras obras a la vista en esta sección incluyen de los cócteles durante los Cocktail”, que proclama la popularidad años 1920 y 1930, que contiene colgantes de todos los ingredientes así como varios bolsos para la noche, gemelos utilizado para la bebida, y otros accesorios. a egiptomanía de la La egiptomanía partes del mundo. de todas objetos inspirados T la tumba del Rey la excavación de los 20, causada por década de Exotismo cada vez mayor y una fuente de los viajes exóticos La seducción a V internacionales inspiro de clientes en 1922, fue utilizada de inmediato en V en 1922, fue utilizada 70 cuando el viaje del Rey T en la década de los están la pulsera rte. Entre las obras en exhibición Metropolitano de A una ave en lo alto diseñada en esmeraldas, “Egipcia” de 1924, con el colgante con símbolos jeroglíficos. zafiros y rubíes, y y el clientes, el estilo indio no fue olvidado, Con maharajás como encargo a V Maharaní de Baroda corte el con pasados siglos de joyas a acuerdo de bello y refinada collar y aspecto indio. utilizar la laca y el jade en China y Japón produjeron las fuentes para diseños los para inspiración la también como cigarrillos, de cajas las un conjunto de collar, de joyería, incluyendo el clip “Jardín Japonés”, Chino”, un conjunto de pulsera anillo y pulsera llamado el “Sombrero “Mago llamado el reloj de bolsillo y un “Espada Japonesa”; y anillo; la Chino”.

DanzaBallet 106 anuncio an Cleef & ancret’s eighteenth-century Lancret’s Nicolas - an Cleef & Arpels in 1942, and was manu Arpels an Cleef & Arpels, N.Y. Les Ca- Paris Opéra debut occurred in 1726 in Maria Camargo’s quickly into stardom; ractères de la danse. Her career blossomed im- for a spectacular high praise on one occasion, she received to enter on cue. Widely promptu solo when another dancer failed admired for her style, Camargo set the trends in shoes, hairstyles she was the and firstclothing. ballerinaMost tonotably, shorten her skirt enough to permit intricate footwork, and her fitted un- tights. derpinnings inspired the creation of modern-day of rendition miniature A A DIAMOND, RUBY AND EMERALD “BALLERINA” A DIAMOND, RUBY CLEEF & ARPELS BROOCH, BY VAN arabesque, set with an amargo, posed in an Depicting Maria C diamond face and circular-cut diamond inverted pear-shaped her a rose-cut diamond full-skirted tutu, bodice, extending rubies and decorated with circular-cut headband and costume Signed V emeralds, mounted in platinum, 1942. painting La Camargo Dancing, this brooch was designed by Maurice Duvalet for V factured by John Rubel Co. 10. Camargo brooch 10. Camargo V Designed by 1942 NY, New York, rubies, emeralds Platinum, diamonds, Private Collection Design Museum National Cooper-Hewitt, © 2011 Photo: Christie’s BALLET PRÉCIEUX an Cleef & Arpels Arpels an Cleef & an Cleef & Arpels an Cleef & Arpels an Cleef & Arpels an Cleef & Arpels an Cleef & Arpels an Cleef & Arpels Arpels an Cleef & an Cleef & Arpels Buscando su “pas de deux” (paso a dos), Van Cleef & Arpels ofrece un excelente homenaje al Arte de Buscando su “pas de deux” (paso a dos), Van En 1967, después de conocer a Claude Arpels, el coreógrafo George Balanchine creó el ballet de las Joyas En 1967, después de conocer a Claude Arpels, el coreógrafo George Van Cleef & Arpels ha hecho de la danza una de sus mayores fuentes de inspiración. Desde los tempranos Cleef & Arpels ha hecho de la danza una Van “Set in Style: La Joyería de Van Cleef & Arpels” es posible gracias a Van Cleef & Arpels. Apoyo adicional brindado por Sofitel Luxury Hotels / Media Cleef & Arpels” es posible gracias a Van “Set in Style: La Joyería de Van magazine. sponsorship is provided by New York COOPER-HEWITT DEL SMITHSONIAN, el Museo Nacional de Diseño. www.cooperhewitt.org 7. Orchid brooch Designed by V 8. Scylla necklace with detachable clip Designed by V Paris, France, 1971 gold, carved emeralds, diamonds Yellow CLEEF & ARPELS COLLECTION VAN Photo: V Paris, France, 1928 Platinum, diamonds COLLECTION CLEEF & ARPELS VAN Photo: Guy Lucas de Peslouan/V Paris, France, 2008 Diamonds, white gold Courtesy of Private Collection Photo: Patrick Gries/V Paris, France, ca. 1937 Diamonds, rubies, platinum Courtesy of private collection, New York Photo: Patrick Gries/V 6. Necklace with pendant owned 6. Necklace with pendant by Begum Aga Khan Designed by V Dietrich 9. Jarretière bracelet owned by Marlene Designed by V 5. Volutes Minaudière 5. Volutes V Designed by 1935 Paris, France, diamonds lacquer, gold, black Yellow ARPELS COLLECTION CLEEF & VAN Gries/V Photo: Patrick la danza con su colección de Alta Joyería “Ballet Précieux”, mostrando piezas espectaculares y únicas que la danza con su colección de Alta Joyería “Ballet Précieux”, plasman una armonía, poesía y elegancia sin fin. inspirado por las tres piedras preciosas: esmeralda, rubí y diamante. inspirado por las tres piedras preciosas: esmeralda, rubí y diamante. 1940, la Casa creó fragmentos elegantes y poéticos de ballet.

DanzaBallet 108 DanzaBallet 111 ille Barcelona, 2006, p. 132. Murió en París, en 1979. Delaunay, Ed. Galería Manuel Barbié, Blaise Cendrars, Richard Riss, Sonia & Robert «Sur la robe elle a un «Sur la robe elle a corps... Les couleurs dés- corps... Les couleurs est un habillent... Le ventre disque qui bouge... La double conque des seins passe Sous le pont des arcs-en-ciel». BIBLIOGRAFÍA Juliet Bellow. «Fashioning Cléopâtre: Sonia Art Journal. 22 de junio de New Woman». Delaunay’s 2009 del Smithsonian, Museo Nacional de Cooper-Hewitt Diseño. Color Moves: Arte y Moda de Sonia Delaunay, 2011. Nueva York. The National Gallery of Australia, Australian Govern- Ballets Russes: the art of costume. 2010. ment Agency. y que, a medida que avanza la representación, se la representación, que avanza y que, a medida finalmente, que, multicolores chales en convierten - con discos multi un vestido realizado descubren distintos tamaños». colores de Delaunay expuso de su vida Sonia A lo largo guaches), encuaderna- pinturas (óleos, acuarelas, diseños de ropa y vestuarios ciones y multitud de sus telas pintadas a mano para teatro, así como el diseño que revolucionaron con bellos colores reina del art decó». textil. Se la llamó «la Nacional de Arte Moderno de En 1964, el Museo que suyas, obras 58 de donación una recibió París el Museo del Louvre, con lo fueron expuestas en vida, en que, mujer la primera en convirtió se que en esa galería de París. vio sus cuadros expuestos En 1975 fue condecorada con la Legión de Honor. en los mejores apreciarse Sus trabajos pueden Musée des museos y galerías del mundo, como el V Arts Décoratifs, el Musée de la Mode de la de Étoffes sur l’Impression de Musée el Paris, de Mulhouse, la Bibliothèque Nationale de Francia y colecciones privadas de Europa y Estados Unidos. ranssi- La Prose du Transsibérien et de la petite La Prose du Transsibérien Jehanne de France (The Prose of the T berian and of Little Jeannie of France) Paris: Editions des Hommes Nouveaux, 1913. Sonia Delaunay, Costumes for Le Coeur a Gaz, 1923. Cléopâtre. Sketch of a costume for the ballet «Cleopatra» Ballets Russes, 1918 Boutique simultánea. Paris, 1925 Cléopâtre. Sketch of a costume for the ballet «Cleopatra» Ballets Russes.1918 Diaghilev amara Karsa- Sergei Cléopâtre, en 1909, eatro Mariinsky, San eatro Mariinsky, adopta un significativo un adopta , seductor y exótico, consistía en una en consistía exótico, y seductor , 1 aslaw Nijinsky como los esclavos. ittle Jeannie of France, Paris: and of Little Jeannie ranssiberian a-Hor, Mikhail Fokine como Amoun y T a-Hor, fue la producción más extraordinaria de la temporada chernicheva (1890-1976) es la bailarina que luce los Prose of the T Editions des Hommes Nouveaux, 1913), ella iluminó con las formas abstractas de varios colores. con conecta que la la ciudad es 1918 Madrid En Richard Riss, Sonia & Robert Delaunay, Ed. Galería Manuel Barbié, 1. Richard Riss, Sonia & Robert Delaunay, Barcelona, 2006, p. 132 serie de «vendas que envuelven todo el cuerpo, como una momia, una como cuerpo, el todo envuelven que «vendas de serie Atrapados (1872-1929), refugiado en España desde el año 1916. al empresario y su nuevo en tiempos de guerra, se sumerge junto y coreógrafo, Leonide Massine (1896-1979), en la preparación del ballet Cléopâtre nueva versión de los decorados y el vestuario (Cleopatra). T Estrenado el 2 de marzo de 1908, en el , se (Noches egipcias) Petersburgo, con el nombre de Nuit d’Egypte 2 de junio de 1909, en el presentó por primera vez en París el Théâtre du Châtelet. de 1918, en el Su renacimiento se produjo el 5 de septiembre Coliseo Theatre de Londres, con un gran éxito. del estreno de El vestuario y la escenografía Sus protagonistas prin- fue creación de Léon Bakst (1866-1924). , Anna Pavlova en el cipales fueron Rubinstein como Cléopâtre papel de T vina junto a V Cléopâtre 1909 de los Ballets Rusos y marcó el dominio de Bakst con sus diseños lujosos y exóticos. La glamorosa bailarina Ida Rubinstein (1885-1960), en el papel principal, transmitía una sensualidad fascinante. Danzando una especie de strip-tease lucía los trajes diseñados por el estereotipo orientalista de Bakst de una manera cautivante. y Robert por formado matrimonio 1918, el en Posteriormente, Sonia Delaunay modernizó el vestuario y la escenografía. La innovaciones coreográficas de Michel Fokine (1880-1942) y los reveladores trajes de Bakst facilitaron a Delaunay una pos- terior renovación de los trajes de ballet. La ropa de la nueva producción adquirió un papel activo en estas vanguardias. luz y movimiento a las telas y los dis- Delaunay incorporó color, tintos modelos. Lubov T nuevos vestidos de Delaunay tras el rediseño del vestuario completo del ballet en 1918. Asociada a el estilo de Delaunay para Cléopâtre la mujer, figura de la nueva rechazo de los roles femeninos tradicionales. de Cléopâtre vestuario El erk, Por Carolina de Pedro Pascual Por Carolina erk en Rusia, en el seno de una erk la década de 1920 fue gloriosa. erk (Gradzihsk, Ucrania 1885-París, 1979) erk (Gradzihsk, Ucrania

erk se trasladó a París cuando era muy joven y permane- erk se trasladó a París cuando era muy La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France (The La Prose du Transsibérien

vivió intensamente la exploración del movimiento y del color y vivió intensamente la exploración del fueron y los textiles contemporáneo de vestir; el arte las prendas su fuerte. Nacida con el nombre de Sonia T fue adoptada por un tío familia judía, a la edad de cinco años T materno, el coleccionista de arte de San Petersburgo Henry de quien tomaría el nombre. Sonia T ció allí la mayor parte de su vida. En 1910 se casó con el pintor de francés Robert Delaunay (1885-1947), y durante la década 1910 colaboraron estrechamente en su neidad» teoría o de la la sensación de «simulta- movimiento y contrastes simultáneos de ciertos colores. ritmo creado por los Para Sonia Delaunay-T y de moda abarcaron dos Las artes decorativas y el diseño textil de 1920, cuando fundó su grandes períodos en su vida: la década textiles propio Atelier Simultané en París, y 1930, cuando diseñó El sentido para la tienda de moda Metz & Co en Ámsterdam. Delaunay sintoni- de la creación de indumentaria que introduce za con las inquietudes sociales. Colorista avanzada y rompedora para su época, sus diseños son rectos y funcionales y buscan, sobre todo, la comodidad. La Boutique Simultánea (Atelier Simultané) se inauguró en conjunto con la Exposición de París de Artes Decorativas de extensio- resultaron prendas que las exhibió allí donde 1925. Fue nes de su práctica pictórica. Los vestidos, y su ropa en general, son puras formas geométri- cas. Los patrones tienen un diseño rítmico y se confeccionan a gran escala en colores brillantes que precisamente complementan el espíritu moderno: gorros, trajes de baño, vestidos, etc. Coco Chanel y Greta Garbo formaron parte de su clientela. ex- colorista y abstracta pintora una como todo sobre Conocida traordinaria, Delaunay aplicaba sus talentos y teorías para todos interiores, gráficos, incluyendo visual, expresión la de ámbitos los el teatro y el cine y la moda. Hizo pocas distinciones entre sus todo era que y su trabajo de diseño, pues consideraba pinturas una práctica diaria para traer arte a la vida cotidiana. Sus obras son un abanico de formas, colores y texturas que componen los tejidos con que están elaborados. Sus «vestidos poemas» experimentales de la década de 1910 re- presentan una síntesis de la palabra, el cuerpo y el movimiento. El concepto, quizá por primera vez, se formó para ella en el trabajo del poeta Blaise Cendrars (1887-1961), cuyos poemas, como Sonia Delaunay-T Collage con Sonia Delaunay-Terk con Sonia Collage

DanzaBallet 110 DanzaBallet 113 ork City. Junio 5, 2011. 2 East 91st Street at MUSEUM PHOTOGRAPHY “Color Moves: Arte National Design Museum Donde: Cooper-Hewitt, Cuando: Marzo 18, 2011 National Design Museum. ifth Avenue, New Y Fifth Avenue, hoto: Andrew Garn. Courtesy of Cooper-Hewitt, Photo: Andrew Garn. Courtesy of Cooper-Hewitt, y Moda de Sonia Delaunay” Bibliothèque Nationale de France © L & M SERVICES B.V. The Hague 20100623 © L & M SERVICES B.V. SONIA DELAUNAY IN HER STUDIO AT BOULEVARD MALESHERBES, BOULEVARD IN HER STUDIO AT SONIA DELAUNAY Photo: © private collection Sonia Delaunay. France, 1946. Sonia Delaunay. Oil on canvas. Private collection Paris, France 1925. Photographed by Germaine Krull (German, 1897–1985) RYTHME COLORÉ (COLORED RHYTHM) RYTHME © L & M SERVICES B.V. The Hague 20100623. © L & M SERVICES B.V. Bibliothèque Nationale de France Bibliothèque Nationale aris Luigi Diaz for Presse P Photographed by © L & M SERVICES B.V. The Hague 20100623 The B.V. © L & M SERVICES Model wearing swimsuit designed by Sonia Delaunay, 1929 by Sonia Delaunay, designed swimsuit Model wearing DESIGN 1044 Photo: © private collection Designed by Sonia Delaunay France, 1930–31. Produced by Metz & Co. Printed cotton georgette - Private collection © L & M SERVICES B.V. The Hague 20100623. © L & M SERVICES B.V. DRIVING CAPS GAL 1971.24.3 c,d. BATHING SUIT BATHING The Hague 20100623 © L & M SERVICES B.V. B.V. © L & M SERVICES Silk and wool embroidery on cotton Designed by Sonia Delaunay Designed Musée Galliera, GAL 1971.24.7 Musée Galliera, GAL France, ca. 1928. Knitted wool France, ca. 1928. © L & M SERVICES B.V. The Hague 20100623 © L & M SERVICES B.V. Musée de la Mode de la Ville de Paris,Musée de la Mode Designed by Sonia Delaunay. France, 1924–28. Designed by Sonia Delaunay. Musée de la Mode de la Ville de Paris, Musée Galliera, France, 1924-25 Mulhouse, 980.629.1 The Hague 20100623 BATHING SUIT (TUNIC) BATHING © L & M SERVICES B.V. © L & M SERVICES B.V. Designed by Sonia Delaunay. Designed by Sonia Delaunay. Silk embroidery on wool jersey Musée de l’Impression sur Étoffes, ROBE POÈME NO. 1328 Licensed by SCALA/ Art Resource, NY Photo: © The Museum of Modern Art/ Private collection Designed by Sonia Delaunay. France, 1923 Designed by Sonia Delaunay. Watercolor, gouache, and pencil on paper. gouache, and pencil on paper. Watercolor, Museum of Modern Art, New York 304.1980 Museum of Modern Art, New York © L & M SERVICES B.V. The Hague 20100623 © L & M SERVICES B.V. Photo: © private collection © L & M SERVICES B.V. The Hague 20100623 © L & M SERVICES B.V. Models wearing beachwear designed by Sonia Delaunay, 1928 Models wearing beachwear designed by Sonia Delaunay, 1926. DESIGN 253 Photo: © private collection Block-printed cotton Collection of Antoine Blanchette . É NO. 186 TISSU SIMULTAN The Hague 20100623 © L & M SERVICES B.V. STILL PHOTO FROM THE FILM LE P’TIT PARIGOT Designed by Sonia Delaunay. France, 1926 Designed by Sonia Delaunay. © L & M SERVICES B.V. The Hague 20100623 © L & M SERVICES B.V. aul Cartoux. Directed by René Le Somptier. France, Written by Paul Cartoux. Directed by René Le Somptier. rivate collection © L & M SERVICES B.V. The Hague 20100623 L & M SERVICES B.V. Private collection © Musée de l’Impression sur Étoffes, Mulhouse, 980.549.17. DanzaBallet 112 Designed by Sonia Delaunay. France, 1928-30 Gouache, ink, and pencil on paper. ink, and pencil on paper. France, 1928-30 Gouache, Designed by Sonia Delaunay. 2 3 1 © CNCS / Jean-Marc Teissonier, © CNCS / Jean-Marc Teissonier, de Moulins Ville © CNCS / Christine Pulvery Conception : Atalante-Paris “Les Fausses confidences” Photo: Pascal François. 1. 2. 3. costume d’après Renato Bianchi comédie-Française 1996. coll. CNCS / C-F © CNCS alma, ’Orphelin , en 1680, manda la creación de una compañía oltaire (1755). ntre los actores, se evocará a los más famosos: Lekain, T Entre los actores, se evocará a los más por citar algunos. Rachel, Mounet-Sully, siglo el en decisiva influencia la de también tratará exposición La y de algunos sastres en el XX de algunos directores de escena Los sastres de la casa, arte del vestuario en la Comedie-Française. entre otros Suzanne Lalique y Renato Bianchi, que han dejado los talleres y creadores de su huella a la vez como directores de Chris- Sonia Delaunay, vestuario, y los sastres invitados, como Christian Lacroix, Boris tian Bérard, Carzou, o Cecil Beaton, Thierry Mugler y muchos más. Zaborov, Co- la de talleres los de oficios los a consagrada estará parte Une medie-Française, esos oficios en la sombra, algunos de los cuales han desaparecidos en la «ciudad», que se colocan en la frontera entre la artesanía y el trabajo de creación. única, eligiendo para constituirla a los mejores actores de las dos compañías rivales, tiene por objetivo «hacer comedias más perfectas». La Comedie-Française nunca ha dejado de lado esta preocupación de excelencia a la hora de constituir su repertorio, su interpretación y su puesta en escena. Algunas fechas: La compañía más antigua de Francia Desde hace más de tres siglos, la compañía de la Comedie- Ha y contemporáneo. clásico repertorio interpreta el Française participado en todas las revoluciones escénicas que han marcado la historia del teatro en Francia y el arte del vestuario de escena. Cuando Louis XIV La «tienda de ropa» Sitio privado de los actores responsables de sus roperos, el ves- tuario teatral se convierte, poco a poco, en responsabilidad de la institución a partir del siglo XVIII, momento que coincide con ropa» de «tienda La vestuario. del estéticas reformas primeras las nace en esta época a partir de stock de vestuarios del que quedan los famosos vestuarios de L especialmente vestigios hoy, de la Chine de V

ol, hace más de tres Sol, hace ostume de du Costume National , el Rey Centre Comédie-Française

siglos, la Comedie-Française cumple la misión por la cual fue creada: medir los caminos de la excelencia en todos los campos del espectáculo, incluido el del vestuario. Homenaje a la Comedie-Française, esta exposición está dedicada, a sus talleres de vestuario y a sus directores, y en primer lugar, también a las personas que han marcado su historia al ofrecer una excepcional colección de más de 200 trajes, de los fondos de la Comedie-Française depositados en el CNCS, y de los del teatro. directa- está escenografía cuya espectacular manifestación Una mente inspirada en la famosa aula Richelieu, una parte teatralizado camino un «aula», en público al arrastra que «bastidor», otra del universo de la Comedie-Française. En medio del panorama histórico propuesto, del siglo XVIII a nuestros días, este espacio será consagrado al vestuario de Racine y sobre todo famosos autores del teatro clásico, Corneille, de falta a último, Del Comedie-Française. la de «jefe» el Molière, emblemático un conservado han actores los época, de vestuario mueble de escena, la butaca en la cual Molière hacía la última representación de su última obra, Le malade imaginaire. Scène et de la Scénographie (CNCS) rinde homenaje a una de sus instituciones fundadoras: la Comedie-Française. el emblemático, teatro este de mayores obras las exponer Al CNCS reconstituye la historia del vestuario de escena, de los talleres de costura, a través de las grandes personalidades que han dejado huella en él: autores, actores, guionistas, sastres. XIV por Louis su fundación Desde Para su quinto cumpleaños, el cumpleaños, Para su quinto Iluminación Jacques Rouveyrollis Roberto Platé Escenografía Comisaría Renato Bianchi, director del vestuario. Agathe Sanjuan, conservadora y archivista. L’art du costume à la du costume L’art ÓN EXPOSICI

DanzaBallet 114 DanzaBallet 117 6. Le Bal masqué. Costume d’après Zaborov porté par Sophie Caffarel. Comédie Française 1992. Photo © CNCS / Pascal François 6 4 5 4. Ondine de Giraudoux. Mis en scne par Raymond Rouleau. Rle, La reine. Interprte, Claude Winter. Comdie Franaise 1974. Obolensky, Costumier, Photo © CNCS / Pascal François de Versailles. 5. L’Impromptu Costume de Mademoiselle du Parc, d’après Bercut. Comédie Française 1993. Photo © CNCS / Pascal François 2 3 2. Cyrano de Bergerac. Mise en scne de Denis Podalyds, costume d’aprs Christian Lacroix port par Sylvia Berg. Comdie Franaise 2006. Photo © CNCS / Pascal François 3. Sophonisbe. Costume porté par Mounet Sully d’après Fabius Lorenzi. Comédie Française 1913. Photo © CNCS / Pascal François 1 1. L’école de la médisance, de Sheridan, mis en scène 1. L’école par Raymond Jérôme. Costume de Cécil Beaton. Rôle M.Grabtree. Comédie Française 1962. Interprète Michel Etcheverry. Photo © CNCS / Pascal François

DanzaBallet 116

TOMAR”. TOMAR”. OS DE ORO, “TIENE UNAS MANOS DE ORO, sobre León Baskt, (1866-1924) POSEE UN GUSTO EXQUISISTO Y Alexandre Benois, (1870- 1960) Alexandre Benois, (1870- 1960) EMBARGO, ÉL SIN EMBARGO, ÉL POR EL ARTE; O QUE HA DE INO QUE HA DE NTE EL CAM TAME Margot Fonteyn (1919 - 1991) Margot Fonteyn - (1919 “Mi vida como bailarina estuvo como bailarina “Mi vida una Valois, Ninette de regida por mujer. e impredecible maravillosa bailaba, días ella En aquellos coreografiaba y dirigía la escuela y la compañía. Después de nosotros con día el todo durante ensayar y de administrativos ocuparse en de su ponía la ropa de oficina, práctica los y hacía su se asuntos barra para prepararse para la propia función de la noche. la sobresalía en roles como De Valois para los roles de Coppelia, Swanilda un fuerte sentido del que contaba con humor y de la caracterización. Tenía cabeza hermosa una y piernas bellas Sus que llevaba con gran distinción. que movimientos eran rápidos, igual su temperamento. Una vez me contó que tomaba dos aspirinas, un baño caliente antes relajarse para cherry de copita y una recuerdo la yo así Aun función. la de en el escenario haciendo brisés que parecían más veloces que la luz.” TE, NTE, SU TÉCNICA ES SORPRENDE EXTREMADA IÓN EXTREMADA MUESTRA UNA PAS Marie Rambert (1888 –1982) MISMO DESCONOCE CUÁL ES EXAC- introdujo principios completamente nuevos.” “En cuanto a sus coreografías yo no vacilaría en y se adelantó en cincuenta años a su época. Fokin afirmar que fue él quien revolucionó el ballet clásico fue una lógica continuación de Petipa pero Nijinsky )

” 1936 - 2008 ( (1932) Serge Lifar (1905-1986) “Mira, hija mía, esto es la danza” “Mira, hija mía, esto “Debemos reanimar el gran repertorio, reanimar el gran repertorio, “Debemos traen al clásicos románticos los ballets ensueño ballet la calidad de mundo del que se necesita.“ representación de Roland Petit (1924 - 2011) representación de Roland Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) a su hija en una a su hija en una Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) LA DANZA ES MI AMANTE ES MI DANZA LA Igor Stravinsky, (1882-1971) (1882-1971) Igor Stravinsky, Nijinsky (1890 -1950) sobre Vaslav “Su ignorancia de las más elementales “Su ignorancia de las más elementales nociones de la música era flagrante. El pobre muchacho no sabía leer música ni tocar ningún instrumento. Sus reacciones o musicales se revelaban por frases banales por la repetición de lo que oía a su alrededor. Al no poder descubrir en él impresiones personales uno se veía llevado a sospechar que de verdad no existían.” “La moda no es un arte, pero para para pero es un arte, moda no “La artista.” que ser un ella hay a dedicarse Laurent Saint Yves del arte en el que nosotros mismos somos el material “La danza es el único que el arte está hecho” Ted Shawn (1891-1972) “

francesa.” DEJAR QUE Y QUE Pierre Lacotte (1932) Egorova en la tradición utilicé para mis trabajos Ninguno de los escritos y poseía el patrimonio de la en mi infancia en la Ópera documentos originales que con Gustave Ricaux, quien Sergei Diaghilev (1872 - 1929) pura tradición de la escuela francesa y rusa del siglo 19. en el estilo italiano y Lubov inmortal, una Obra de Arte debe inmortal, una Obra de el estilo y el vocabulario que Giorgio de Chirico (1888 – 1978) yo perfectamente conocia de escuela de Saint-León, Jules la formación que he recibido “Carlotta Zambelli me educó Tuve que terminar las obras en Tuve poseían suficiente información. Perrot y Louis Mérante; la más “Para llegar a ser verdaderamente . exceder todos los límites humanos.” HA ARA ELLO Richard Wagner (1813 – 1883) – 1883) (1813 Wagner Richard N” ÁN” FICO CHARLAT “¿QUÉ SOY YO? UN MAGNÍ a este artea este de él.” y jamás supremo renegará “Creo que quien ha disfrutado con los sublimes los sublimes con quien ha disfrutado que “Creo placeres de la música deberá ser eternamente adicto eternamente ser deberá de la música placeres

“NO BASTA CON OÍR LA MÚSICA; OÍR LA MÚSICA; CON “NO BASTA QUE VERLA” ADEMÁS HAY Igor Stravinski (1882-1971) Rudolf Nureyev (1938 -1993) “TODOS MIS “TODOS PROFESORES ANTERIORES PUSHKIN A ERAN UNOS IMPLACABLES BURÓCRATAS GOGOLIANOS QUE REPRIMÍAN CUANTO DE MÍ” SALÍA ” Pina Bausch (1940-2009) ”. Pina Bausch ETOCA R NADA Y QUE R

IDAD, P SINCER SALIR CON TODA DEBE “LA ACCIÓN UNA . DESPUÉS VIENE INTERNAS SUS MOTIVACIONES ESE SEGÚN UAL SE EXPR CADA C CHAS VECES RE HACER. MU QUE SE QUIE IENTO A LO QUEL SENTIM ACIÓN DE A ADECU NO HA Frédéric Chopin (1810 - 1849) - (1810 Chopin Frédéric Diaghilev fue conocido Diaghilev fue conocido París, es todo lo que queremos París, “En su clase era habitual ver a chicos, en plena adolescencia, realizando n pasos de forma independiente sin preocuparse los unos por los otros. E la danza profesional es del mismo modo, tú te tienes que preocupar por encontrar esa individualidad. Pushkin lo que pretendía era enseñar a estos chicos a tomar sus propias decisiones: crear bailarines pensantes” Barbara Aria sobre una clase de Alexander Pushkin (1907-1970)

Diaghilev and the Ballets 2010. Russes Exhibition, Victoria & Albert Museum, London. “

USE, DECIA “YO COMPUSE, DECIA UN SATIE, MODESTAMETE RUIDOS FONDO DE CIERTOS JUZGA QUE EL LIBRETISTA PARA INDISPENSABLES ÓSFERA DE PRECISAR LA ATM SUS PERSONAJES” Erik Satie (1866 -1925) sobre el ballet Parade (1917) como un estricto, exigente exigente un estricto, como y hasta absorbente director. Ninette de Valois, comen- tó que era demasiado difícil a veces el mirarle a la cara. George Balanchine dijo que durante los ensayos llevaba un bastón con que podía golpear el suelo ai- radamente si algo le dis- gustaba. Otros bailarines afirmaban que los podía una simple con congelar mirada o un comentario.” “

DanzaBallet 118 DanzaBallet 121 ydia Lopokova ca. ictoria and Albert Museum, Costume for a Sylph in Fokine's ballet LES SYLPHIDES, Diaghilev Ballet, 1909. by L Worn 1920. © V London. Romantic tutu with white fitted bodice overlaid net, loose net cap sleeves, a long white multi- layered net skirt and small wings fixed at the back. aslav

heatre took up took Theatre amara Karsavina, V merican Ballet American

n 1940, the 1940, In era Fokina, danced the leading roles themselves Performance history Even identifying the ‘première’ of the fuller ballet poses a cha- at the Maryinsky llenge. One might say that it premièred in 1907 Ballet sur Theatre in St. Petersburg as Rêverie Romantique: this also formed the basis of la musique de Chopin. However, even in the ballet, Chopiniana, which took on different forms, Sylphades hands. The work that is considered to be Les Fokine’s Ballets Russes on 2 June was premièrde by Sergei Diaghilev’s The Diaghilev première 1909 at the Théâtre du Châtelet in Paris. T is the most famous, as its soloists were Anna Pavlova, or young man), Nijinsky (as the poet, dreamer, and Alexandra Baldina. Ballets Diaghilev the of season first the in première, London The House in Covent Garden. took place at the Royal Opera Russes, sylph-like elusiveness, the North American première more With Garden, might be dated by an unauthorized version in the Winter on 14 June 1911 New York, (featuring Baldina alone from the Diaghelev cast). However, its authorized première in the States, by the Diaghilev Ballets City on 20 Russes, was at the Century Theater in New York January 1916, with Lopokova (who also featured in the un- authorized production five years earlier). Nijinsky danced it with this company at the Metropolitan Opera on 14 April 1916, where it was paired with a similar work, a piano suite (by Robert Schumann), Papillons, also choreogra- phed by Fokine. Fokine also set the ballet for several other companies, and he and his wife, V years. some for the production, and opened it on 11 January of that year at the Center Theatre in Rockefeller Center. ©Danza Ballet.

Les Sylphides Les

hopin was a Polish composer and pianist, born on Frederic Chopin was a Polish composer and pianist, He now Poland. in what is selazowa Wola 1810 in 1st March Chopin was one of died on 17 October 1849 in Paris. Frederic 19th century and a suc- the most famous virtuoso pianists of the still are works musical His music. Romantic of composer cessful wanting anyone for key works are and played the most of some of piano music. Along with comprehension to have an in depth piano tech- Franz Liszt, Chopin was the founder of the modern composers such nique and inspired a whole host of successive Scriabine. Rachmaninov and as Gabriel Fauré, Ravel, Debussy, blanc. Its original Les Sylphides is a short, non-narrative ballet with music by Chopin and choreography was by Michel Fokine, Glazunov had already set orchestrated by Alexander Glazunov. orchestral suite, under the some of the music in 1892 as a purely title Chopiniana, Op. 46. It was in this form that it was first in- troduced to the public in December 1893, conducted by Nikolai Rimsky-Korsakov. The ballet, often described as a “romantic reverie”, was indeed the first ballet ever to be simply that. Les Sylphides has no plot, in the dancing sylphs white-clad of many consists instead but moonlight with the poet or young man dressed in white tights and a black top. Les Sylphides Costume for a Sylph in Fokine’s ballet in Fokine’s for a Sylph Costume

DanzaBallet 120 DanzaBallet 123 y 2011 and the Golden Exhibition: Diaghilev Age of the Ballets Russes 1909-1929 Museum, London Victoria and Albert 25 September 2010 - 9 Januar Photo © V&A Images Photo © V&A Images

DanzaBallet 122 AGOSTO 2011 aún citando la procedencia. El contenido de Danza Ballet Revista de Colección esta bajo Copyright. Revista de colección NUM.01 Revista ña de Colección. Fundada en 2011. Barcelona - Espa Danza Ballet Revista Danza Ballet Revista de Colección respeta la opinión de sus colaboradores y los textos son responsabilidad de quienes los firman. Danza Ballet Revista de Colección respeta la opinión de sus colaboradores y los textos son responsabilidad zación escrita de Danza Ballet Revista de Colección soporte sin la autorización escrita de Danza Ballet Revista de Colección Prohibida su cita, reproducción, edición o transmisión total o parcial por cualquier medio y en cualquier

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