DOCSLIB.ORG

Tomás Marco Escuchar La Música De Los Siglos Xx Y Xxi

Total Page：16

File Type：pdf, Size：1020Kb

Download full-text PDF Read full-text
Tomás Marco Escuchar La Música De Los Siglos Xx Y Xxi Tomás Marco Escuchar la música de los siglos XX y XXI Tomás Marco Escuchar la música de los siglos XX y XXI Tomás Marco Escuchar la música de los siglos XX y XXI Primera edición: septiembre 2017 © Tomás Marco, 2017 © Fundación BBVA, 2017 Plaza de San Nicolás 4, 48005 Bilbao www.fbbva.es Imagen de cubierta: © Anto Rabzas, Serie Rodalquilar, PA. 1, 2015 collage sobre papel 50 x 50 cm ISBN: 978-84-92937-71-4 Depósito legal: BI-1264-2017 Edición y producción: Moonbook Impreso en España Printed in Spain Los libros editados por la Fundación BBVA están elaborados sobre papel con un 100% de fibras recicladas, según las más exigentes normas ambientales europeas. Índice 9 Introducción Capítulo 1 13 Los sonidos musicales y las notas 13 Nacimiento de las escalas 16 Monodia, homofonía, heterofonía, polifonía, armonía 17 Fronteras de la armonía tonal 20 Fin de la armonía tonal 21 Dodecafonismo 24 Microtonalismo 26 Otras escalas 28 El ascenso de la percusión 30 Bruitismo 32 Hacia una electrónica musical Capítulo 2 37 Ritmo, timbre, intensidad 37 Nacimiento del ritmo 38 Distinciones terminológicas 39 Rítmica griega 40 El ritmo stravinskyano 43 Otras aportaciones rítmicas 45 Ritmo y folclore en América 47 Nuevos aportes rítmicos 51 La ascensión de timbre 55 Timbre e instrumento 60 Dinámica del sonido 62 Densidad, textura Capítulo 3 65 Formas 66 Formas históricas 70 Aportación de Debussy 71 La forma de bloques 74 Estructuras en forma narrativa 76 Serialismo integral 80 Formas aleatorias Índice 7 Capítulo 4 91 Síntesis: continuidad y transvanguardia 92 La continuidad 94 Neoclasicismos 97 Neoclasicismo germánico 98 Neoclasicismo dodecafónico 99 Música soviética 105 Música de la Alemania nazi 106 Conservadores norteamericanos 108 Transvanguardia 112 Borrowing 114 Borrowing folclórico Capítulo 5 117 Simple y complejo 118 Las consecuencias del serialismo integral 120 Complejidad y matemáticas 121 Nueva complejidad 123 Fractales y fórmulas proporcionales 125 Complejidad y bruitismo 127 Nueva vocalidad y nuevo teatro 130 Happening y Fluxus 132 Nueva simplicidad 134 Minimalismo repetitivo 138 Minimalismo místico 143 Del minimalismo independiente a los elementos prácticos de la escucha Capítulo 6 151 Desde otros ámbitos 152 El flujo americano 161 Raíces europeas 163 Hacia Oriente 166 Desde Oriente 168 Oceanía y África 170 Intertextualidad 173 Interculturalidad 175 Música de la naturaleza 179 Arte sónico 181 Acusmática 183 España: del arte sónico al multimedia 187 Bibliografía 191 Índice alfabético 213 Glosario 219 Créditos de ilustraciones 221 Nota sobre el autor 8 Tomás Marco Escuchar la música de los siglos XX y XXI Introducción En abril y mayo de 2016 desarrollé en Madrid que seguramente será distinto de lo que otras y Bilbao, por encargo de la Fundación BBVA, nos ofrecen. Eso es algo que ha ocurrido un ciclo de conferencias que llevaba por título siempre, de forma que no podemos acercarnos Escuchar la música de los siglos XX y XXI. Desde a una pieza de gregoriano de la misma manera el primer momento, la idea de la Fundación que a un motete de Palestrina, ni a este como como la mía propia fue que las charlas que a una fuga de Bach o a una sinfonía de Mahler. lo integraban se convirtieran en un libro. De la misma manera que no disfrutamos igual Naturalmente, el formato escrito requiere un fresco de Giotto que una pintura negra de elementos distintos de los que precisa una Goya, o un poema de Garcilaso de la Vega que exposición oral, pero la base del mismo son las uno de Vicente Aleixandre. conferencias de origen, que se han seguido de Lo que aquí se pretende es ofrecer algunas la manera más fiel posible. pistas para escuchar las músicas cultas, El porqué de esta iniciativa hay que buscarlo en en plural, porque son varias y diferentes, la circunstancia de que la música de creación de los siglos xx-xxi sin tener la mareante artística ha sufrido una profunda evolución sensación de que son un magma tan desde comienzos del siglo xx y ello, unido a una impenetrable como complejo. No se ha limitada penetración en el repertorio de los pretendido hacer una historia de la música de conciertos al uso, ha hecho que surjan algunas ese tiempo. Historias de la música moderna dificultades para muchos públicos a la hora de y contemporánea hay varias a disposición acceder a ella y disfrutarla plenamente. del público, y se pueden encontrar en la bibliografía que se adjunta en este trabajo. Está No se trata de enseñar a entender la música de claro que, al final de todo, esa historia acabará estos tiempos, porque en realidad ninguna reflejándose en estas páginas, pero el modo de música tiene nada en que ser comprendida abordarla pretende ser diferente. Por esa razón como experiencia sonora puramente abstracta. no se trata de que estén todos los compositores El público habitual ni entiende ni deja de posibles. Algunos acabarán apareciendo entender la música de Mozart, ya que esta reiteradamente en distintas partes del libro no tiene por qué comprenderse en absoluto. porque sea pertinente para la materia concreta Hay que escucharla, apreciarla, sentirla y hacer de que se trate. Incluso podría darse el caso de que levante nuestras emociones. Cuestión que algún compositor importante ni siquiera distinta es que su lenguaje esté ya plenamente se mencione, pues este es un trabajo no sobre asumido y nos sea más familiar. nombres, que indudablemente tienen que Sin embargo, no hay ninguna razón por la aparecer, sino sobre materias. Eso sí, dirigido que otros lenguajes distintos no puedan ser al lector español, por lo que se ha procurado asimilados y disfrutados con algo de hábito, dar bastantes ejemplos de autores propios buena voluntad y, sobre todo, sabiendo escuchar que tienen más posibilidades de encontrarse y pidiendo a cada música lo que puede aportar, en nuestros conciertos. Pero ni siquiera ahí Introducción 9 hay que considerar que la lista de nombres sea El destinatario último es cualquier persona exhaustiva. La exposición general es la que interesada en la música o en los temas se sigue linealmente en el texto principal, si culturales y que desee acercarse, de alguna bien va engrosada por un importante número manera, a las músicas de creación culta más de notas que complementan la información recientes. sobre autores y obras sin que se sobrecargue Habría que insistir también en que la música el discurso central. Las notas son un subtexto no es una actividad aislada de lo que sucede con datos particulares sobre autores y obras, en otras materias artísticas y, por ello, aunque o sus circunstancias, que se ofrecen de este es un tratado específicamente musical y no esta manera para no enmarañar el discurso cultural en general, se ponen de relieve algunas principal y permitir otro acercamiento a relaciones existentes entre el desarrollo de la materia. La noticia biográfica y autoral, la música y la evolución de otras artes en los imprescindiblemente concisa, se da solamente mismos momentos, ya que existe un ambiente la primera vez que aparece el nombre, aunque estético muy general a todas ellas y no pocos sea de manera circunstancial. paralelismos en la manera en que cada una Cada uno de los seis capítulos del libro, que aplica esas estéticas e incluso las técnicas que se corresponden con las seis conferencias les son propias. del ciclo mencionado, pueden recorrer toda Estimamos que no existe ninguna la historia del período contemplado si bien contradicción en el hecho de que la música desde la perspectiva que se está estudiando pueda ser una fuente de goce sonoro, o incluso en cada momento. Nos ha parecido que era de entretenimiento, y al mismo tiempo una más útil ver qué elementos han cambiado reflexión cultural o filosófica desde el sonido. en la música de este tiempo y analizar por En todo caso, la consideramos como un separado algunos de los más relevantes. medio de completar la sensibilidad humana Cierto que la música será luego un resultado y de abrir horizontes sensoriales y emotivos global de todos ellos, pero cada autor, época a la percepción de las personas. Así, estamos y estilo pueden incidir o cambiar más unos convencidos de que el disfrute de las músicas elementos que otros, y por eso nos parece útil ya plenamente aceptadas se aumenta con la esta compartimentación. Asumimos que es un posibilidad de extenderlo a otras más recientes planteamiento bastante novedoso o, cuando y, por ello, distintas. No se trata de elegir entre menos, bastante poco habitual, pero nos unas y otras, tampoco de oponerlas, sino de parece práctico y útil a la hora de ayudar a la considerar que las músicas, desde su origen a la escucha, que es el principal motivo por el que actualidad, son un producto cultural humano este trabajo se emprende. que los hombres han practicado para su propia Esta obra no va dirigida a profesionales de realización como seres sensibles e inteligentes, la música, aunque tengo la sospecha de que y que contribuyen a aumentar su experiencia, a algunos podría serles de cierta utilidad. su receptividad y su sentido creativo. Ayudar Se escribe para personas interesadas en la a poder integrar en ello a los últimos tramos música, pero sin ser necesario que tengan una temporales de este arte es el objetivo básico formación musical previa. Por esa razón se de este libro. ha reducido al mínimo la terminología propia Cada capítulo va acompañado de sugerencias de la técnica musical, y en los casos en que para la audición de algunas obras concretas. resulte imprescindible usarla, se ha procurado Ello no es de manera alguna exhaustivo, hacerlo de manera simplificada y clara. Al final sino que trata de ofrecer ejemplos sonoros de la obra se incluye un glosario, además de asequibles al lector sobre lo tratado en un índice de materias, obras y autores, con el capítulo correspondiente.
Load more

Recommended publications
  • Abstracts Papers Read
    ABSTRACTS of- PAPERS READ at the THIRTY-FIFTH ANNUAL MEETING of the AMERICAN MUSICOLOGICAL SOCIETY SAINT LOUIS, MISSOURI DECEMBER 27-29, 1969 Contents Introductory Notes ix Opera The Role of the Neapolitan Intermezzo in the Evolution of the Symphonic Idiom Gordana Lazarevich Barnard College The Cabaletta Principle Philip Gossett · University of Chicago 2 Gluck's Treasure Chest-The Opera Telemacco Karl Geiringer · University of California, Santa Barbara 3 Liturgical Chant-East and West The Degrees of Stability in the Transmission of the Byzantine Melodies Milos Velimirovic · University of Wisconsin, Madison 5 An 8th-Century(?) Tale of the Dissemination of Musico­ Liturgical Practice: the Ratio decursus qui fuerunt ex auctores Lawrence A. Gushee · University of Wisconsin, Madison 6 A Byzantine Ars nova: The 14th-Century Reforms of John Koukouzeles in the Chanting of the Great Vespers Edward V. Williams . University of Kansas 7 iii Unpublished Antiphons and Antiphon Series Found in the Dodecaphony Gradual of St. Yrieix Some Notes on the Prehist Clyde W. Brockett, Jr. · University of Wisconsin, Milwaukee 9 Mark DeVoto · Unive Ist es genug? A Considerat Criticism and Stylistic Analysis-Aims, Similarities, and Differences PeterS. Odegard · Uni· Some Concrete Suggestions for More Comprehensive Style Analysis The Variation Structure in Jan LaRue · New York University 11 Philip Friedheim · Stat Binghamton An Analysis of the Beginning of the First Movement of Beethoven's Piano Sonata, Op. 8la Serialism in Latin America Leonard B. Meyer · University of Chicago 12 Juan A. Orrego-Salas · Renaissance Topics Problems in Classic Music A Severed Head: Notes on a Lost English Caput Mass Larger Formal Structures 1 Johann Christian Bach Thomas Walker · State University of New York, Buffalo 14 Marie Ann Heiberg Vos Piracy on the Italian Main-Gardane vs.
    [Show full text]
  • Dante Anzolini
    Music at MIT Oral History Project Dante Anzolini Interviewed by Forrest Larson March 28, 2005 Interview no. 1 Massachusetts Institute of Technology Lewis Music Library Transcribed by: Mediascribe, Clifton Park, NY. From the audio recording. Transcript Proof Reader: Lois Beattie, Jennifer Peterson Transcript Editor: Forrest Larson ©2011 Massachusetts Institute of Technology Lewis Music Library, Cambridge, MA ii Table of Contents 1. Family background (00:25—CD1 00:25) ......................................................................1 Berisso, Argentina—on languages and dialects—paternal grandfather’s passion for music— early aptitude for piano—music and soccer—on learning Italian and Chilean music 2. Early musical experiences and training (19:26—CD1 19:26) ............................................. 7 Argentina’s National Radio—self-guided study in contemporary music—decision to become a conductor—piano lessons in Berisso—Gilardo Gilardi Conservatory of Music in La Plata, Argentina—Martha Argerich—María Rosa Oubiña “Cucucha” Castro—Nikita Magaloff— Carmen Scalcione—Gerardo Gandini 3. Interest in contemporary music (38:42—CD2 00:00) .................................................14 Enrique Girardi—Pierre Boulez—Anton Webern—Charles Ives—Carl Ruggles’ Men and Mountains—Joseph Machlis—piano training at Gilardo Gilardi Conservatory of Music—private conductor training with Mariano Drago Sijanec—Hermann Scherchen—Carlos Kleiber— importance of gesture in conducting—São Paolo municipal library 4. Undergraduate education (1:05:34–CD2 26:55)
    [Show full text]
  • A Heretic in the Schoenberg Circle: Roberto Gerhard's First Engagement with Twelve-Tone Procedures in Andantino
    Twentieth-Century Music 16/3, 557–588 © Cambridge University Press 2019. This is an Open Access article, distributed under the terms of the Creative Commons Attribution licence (http://creativecommons.org/licenses/by/4.0/), which permits unrestricted re-use, distribution, and reproduction in any medium, provided the original work is properly cited. doi: 10.1017/S1478572219000306 A Heretic in the Schoenberg Circle: Roberto Gerhard’s First Engagement with Twelve-Tone Procedures in Andantino DIEGO ALONSO TOMÁS Abstract Shortly before finishing his studies with Arnold Schoenberg, Roberto Gerhard composed Andantino,a short piece in which he used for the first time a compositional technique for the systematic circu- lation of all pitch classes in both the melodic and the harmonic dimensions of the music. He mod- elled this technique on the tri-tetrachordal procedure in Schoenberg’s Prelude from the Suite for Piano, Op. 25 but, unlike his teacher, Gerhard treated the tetrachords as internally unordered pitch-class collections. This decision was possibly encouraged by his exposure from the mid- 1920s onwards to Josef Matthias Hauer’s writings on ‘trope theory’. Although rarely discussed by scholars, Andantino occupies a special place in Gerhard’s creative output for being his first attempt at ‘twelve-tone composition’ and foreshadowing the permutation techniques that would become a distinctive feature of his later serial compositions. This article analyses Andantino within the context of the early history of twelve-tone music and theory. How well I do remember our Berlin days, what a couple we made, you and I; you (at that time) the anti-Schoenberguian [sic], or the very reluctant Schoenberguian, and I, the non-conformist, or the Schoenberguian malgré moi.
    [Show full text]
  • Pitch-Class Set Theory: an Overture
    Chapter One Pitch-Class Set Theory: An Overture A Tale of Two Continents In the late afternoon of October 24, 1999, about one hundred people were gathered in a large rehearsal room of the Rotterdam Conservatory. They were listening to a discussion between representatives of nine European countries about the teaching of music theory and music analysis. It was the third day of the Fourth European Music Analysis Conference.1 Most participants in the conference (which included a number of music theorists from Canada and the United States) had been looking forward to this session: meetings about the various analytical traditions and pedagogical practices in Europe were rare, and a broad survey of teaching methods was lacking. Most felt a need for information from beyond their country’s borders. This need was reinforced by the mobility of music students and the resulting hodgepodge of nationalities at renowned conservatories and music schools. Moreover, the European systems of higher education were on the threshold of a harmoni- zation operation. Earlier that year, on June 19, the governments of 29 coun- tries had ratifi ed the “Bologna Declaration,” a document that envisaged a unifi ed European area for higher education. Its enforcement added to the urgency of the meeting in Rotterdam. However, this meeting would not be remembered for the unusually broad rep- resentation of nationalities or for its political timeliness. What would be remem- bered was an incident which took place shortly after the audience had been invited to join in the discussion. Somebody had raised a question about classroom analysis of twentieth-century music, a recurring topic among music theory teach- ers: whereas the music of the eighteenth and nineteenth centuries lent itself to general analytical methodologies, the extremely diverse repertoire of the twen- tieth century seemed only to invite ad hoc approaches; how could the analysis of 1.
    [Show full text]
  • Fundación Juan March
    TEMPORADA DE CONCIERTOS 2015 / 2016 DE CONCIERTOS TEMPORADA Fundación Juan March TEMPORADA DE CONCIERTOS 2015/2016 FUNDACIÓN JUAN MARCH www.march.es Fundación Juan March TEMPORADA DE CONCIERTOS 2015/2016 Fundación Juan March TEMPORADA DE CONCIERTOS 2015/2016 Madrid, 2015 FUNDACIÓN JUAN MARCH www.march.es Presentación Pulsión teatral Cuando se conmemora el 60 aniversario de su creación en 1955, y tras cuatro décadas ininterrumpidas de programación musical, la Fundación Juan March presenta una nueva temporada de conciertos con más de 150 recitales distribuidos en 27 proyectos musicales. Esta propuesta sigue fiel al principio rector de organizar ciclos articulados por conceptos o perspectivas que induzcan al oyente a experimentar nuevos modos de escucha. Distintos criterios sirven de base para la concepción de estos proyectos: la intensa relación con la música de literatos y pintores (como Boris Vian, Bertolt Brecht, Julio Cortázar, Max Bill o Paul Klee); la presentación de repertorios hispanos enmarcados en su contexto histórico y cultural (los Scarlatti en Nápoles, obras inéditas del Madrid de Carlos IV o la Renaixença y el Noucentisme en Barcelona); la visión de la contemporaneidad (a través de jóvenes compositores españoles, de autores estadounidenses o de la influyente figura de George Benjamin); o la interpretación de estilos infrecuentes en la sala de conciertos (Aflamencados, Polifonías del mundo). También la propia historia de la música sirve de inspiración en otros casos, como Chopin y la posteridad, Las pasiones del alma o Reciclar, reutilizar, recomponer. Pero es en el ámbito de la representación teatral donde esta temporada pone un particular énfasis con dos nuevas coproducciones: una trilogía de tonadillas inéditas de Blas de Laserna, figura clave del teatro breve español de quien se conmemora el bicentenario de su fallecimiento, y el programa doble conformado por Mavra de Igor Stravinsky y El Pelele de Julio Gómez, en las versiones para canto y piano de los propios compositores.
    [Show full text]
  • Thesis Submission
    Rebuilding a Culture: Studies in Italian Music after Fascism, 1943-1953 Peter Roderick PhD Music Department of Music, University of York March 2010 Abstract The devastation enacted on the Italian nation by Mussolini’s ventennio and the Second World War had cultural as well as political effects. Combined with the fading careers of the leading generazione dell’ottanta composers (Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero and Ildebrando Pizzetti), it led to a historical moment of perceived crisis and artistic vulnerability within Italian contemporary music. Yet by 1953, dodecaphony had swept the artistic establishment, musical theatre was beginning a renaissance, Italian composers featured prominently at the Darmstadt Ferienkurse , Milan was a pioneering frontier for electronic composition, and contemporary music journals and concerts had become major cultural loci. What happened to effect these monumental stylistic and historical transitions? In addressing this question, this thesis provides a series of studies on music and the politics of musical culture in this ten-year period. It charts Italy’s musical journey from the cultural destruction of the post-war period to its role in the early fifties within the meteoric international rise of the avant-garde artist as institutionally and governmentally-endorsed superman. Integrating stylistic and aesthetic analysis within a historicist framework, its chapters deal with topics such as the collective memory of fascism, internationalism, anti- fascist reaction, the appropriation of serialist aesthetics, the nature of Italian modernism in the ‘aftermath’, the Italian realist/formalist debates, the contradictory politics of musical ‘commitment’, and the growth of a ‘new-music’ culture. In demonstrating how the conflict of the Second World War and its diverse aftermath precipitated a pluralistic and increasingly avant-garde musical society in Italy, this study offers new insights into the transition between pre- and post-war modernist aesthetics and brings musicological focus onto an important but little-studied era.
    [Show full text]
  • Paz, Schoenberg, Y Abel: Una Indagación De Sus Recorridos Hacia La Atonalidad Basada En Atributos Estadísticos De La Música
    Paz, Schoenberg, y Abel: una indagación de sus recorridos hacia la atonalidad basada en atributos estadísticos de la música J. Fernando Anta y Alejandro Martínez Revista Argentina de Musicología 15-16 (2014-2015), 231-250. ISSN 1660-1060 Revista de Musicología 15-16.indd 231 04/08/2016 10:16:48 p.m. 232 Revista Argentina de Musicología 2014-2015 Paz, Schoenberg, y Abel: una indagación de sus recorridos hacia la atonalidad basada en atributos estadísticos de la música Las vinculaciones existentes entre Juan Carlos Paz y Arnold Schoenberg son bien conocidas, y muy estrechas. Sin embargo, la trayectoria recorrida por Paz hacia el abandono de la tonalidad ha sido solo parcialmente documentada, y las relaciones existentes entre dicha trayectoria y aquella recorrida por Schoenberg, su referente, han sido aún menos exploradas. El objetivo del presente estudio fue clarificar es- tos dos puntos focalizando en el tipo de composición lineal de ambos compositores, particularmente en el monto de dispersión de las notas en el registro, y comparando cómo uno y otro avanzó hacia la atonalidad a través de dicho parámetro. Para ello, analizamos cómo en la melodía (vocal) de sus canciones se distribuyen y organizan los intervalos. Los resultados sugieren que, en el marco de sus canciones, los modos en que uno y otro compositor se aproximaron a la atonalidad fueron diferentes: Paz organizó la arquitectura melódica sobre niveles de dispersión menores que los utiliza- dos por Schoenberg, y atendiendo a “reglas de conducción de voces” propias de la música tonal en mayor medida que este último. Palabras clave: Juan Carlos Paz, Arnold Schoenberg, tonalidad, atonalidad, disper- sión de las alturas.
    [Show full text]
  • Segall, Prokofiev's Symphony ..., and the Theory Of
    Prokofiev’s Symphony no. 2, Yuri Kholopov, and the Theory of Twelve-Tone Chords Christopher Segall NOTE: The examples for the (text-only) PDF version of this item are available online at: http://www.mtosmt.org/issues/mto.18.24.2/mto.18.24.2.segall.php KEYWORDS: Sergei Prokofiev, twelve-tone technique, twelve-tone chord, aggregate chord, Russian music theory, Yuri Kholopov ABSTRACT: A small collection of works, including Prokofiev’s Symphony no. 2 (1924), include chords with all twelve pitch classes. Yuri Kholopov, the foremost late-Soviet theorist, considered twelve-tone chords a branch of twelve-tone technique. Taking Prokofiev and Kholopov as a starting point, and building on prior scholarship by Martina Homma, I assemble a history and theory of twelve-tone chords. The central theoretical problem is that of differentiation: as all twelve-tone chords contain the same twelve pitch classes, there is essentially only one twelve-tone chord. Yet twelve-tone chords can be categorized on the basis of their deployment in pitch space. Twelve-tone chords tend to exhibit three common features: they avoid doublings, they have a range of about 3 to 5.5 octaves, and their vertical interval structure follows some sort of pattern. This article contextualizes twelve-tone chords within the broader early-twentieth-century experimentation with aggregate-based composition. Received May 2017 Volume 24, Number 2, July 2018 Copyright © 2018 Society for Music Theory Introduction [1] This paper bases a history and theory of twelve-tone chords around an unlikely starting point: Sergei Prokofiev, whose Symphony no. 2 (1924) features a chord with all twelve pitch classes.(1) Scholars have developed sophisticated models for various aspects of twelve-tone technique—such as tone-row structure, invariance, hexachordal combinatoriality, and rotation—but with isolated exceptions have not to date examined the phenomenon of twelve-tone verticals.
    [Show full text]
  • 19 by Gianmario Borio* Among the Early Sources Preserved in The
    Beiträge Mauricio Kagel’s Analysis of Schoenberg’s Phantasy for Violin with Piano Accompaniment op. 47 by Gianmario Borio* Among the early sources preserved in the Mauricio Kagel Collection is a dossier dedicated to Schoenberg’s Phantasy op. 47, containing an annotated copy of the score, a series of notes on various aspects of its compositional technique, some annotated samples, and a rough draft of a text most likely intended for publication. This material can only be dated hypothetically on the basis of historical evidence. On August 7, 1953, the Phantasy was per- formed at a concert organized by the Agrupación Nueva Música, in which Kagel participated as a pianist; a fleeting reference to the first book by Allen Forte, seen at the bottom of the table of transpositions, allows us to define the dossier’s terminus post quem; lastly, the language used in the notes, considered along with their underlying topics, seems to rule out the possi- bility that they were written during his early years in Germany.1 Kagel’s analysis reveals much about the set of problems with which he was dealing during the composition of Sexteto de cuerdas and the first version of Anagra- ma.2 It also sheds light on the origin of some of the more durable premises of his thought and, on a more general level, represents a significant episode in the reception of the Phantasy itself. * This article originated as part of the project Composers Analysing Other Composers, on which I have been working for a number of years. The first results of the project were pub- lished in “L’analyse musicale comme processus d’appropriation historique: Webern à Darmstadt,” in Circuit: Musiques contemporaines, 15 (2005), no.
    [Show full text]
  • WHAT USE IS MUSIC in an OCEAN of SOUND? Towards an Object-Orientated Arts Practice
    View metadata, citation and similar papers at core.ac.uk brought to you by CORE provided by Oxford Brookes University: RADAR WHAT USE IS MUSIC IN AN OCEAN OF SOUND? Towards an object-orientated arts practice AUSTIN SHERLAW-JOHNSON OXFORD BROOKES UNIVERSITY Submitted for PhD DECEMBER 2016 Contents Declaration 5 Abstract 7 Preface 9 1 Running South in as Straight a Line as Possible 12 2.1 Running is Better than Walking 18 2.2 What You See Is What You Get 22 3 Filling (and Emptying) Musical Spaces 28 4.1 On the Superficial Reading of Art Objects 36 4.2 Exhibiting Boxes 40 5 Making Sounds Happen is More Important than Careful Listening 48 6.1 Little or No Input 59 6.2 What Use is Art if it is No Different from Life? 63 7 A Short Ride in a Fast Machine 72 Conclusion 79 Chronological List of Selected Works 82 Bibliography 84 Picture Credits 91 Declaration I declare that the work contained in this thesis has not been submitted for any other award and that it is all my own work. Name: Austin Sherlaw-Johnson Signature: Date: 23/01/18 Abstract What Use is Music in an Ocean of Sound? is a reflective statement upon a body of artistic work created over approximately five years. This work, which I will refer to as "object- orientated", was specifically carried out to find out how I might fill artistic spaces with art objects that do not rely upon expanded notions of art or music nor upon explanations as to their meaning undertaken after the fact of the moment of encounter with them.
    [Show full text]
  • Claudia Maurer Zenck
    Claudia Maurer Zenck Publikationsliste A: Bücher Verfolgungsgrund: „Zigeuner“. Unbekannte Musiker und ihr Schicksal im „Dritten Reich“ (= Antifaschistische Literatur und Exilliteratur – Studien und Texte, Bd. 25, hg. v. Verein zur Förderung und Erforschung der antifaschistischen Literatur), Wien: Verlag der Theodor Kramer Gesellschaft, 2016 Mozarts Così fan tutte: dramma giocoso und deutsches Singspiel. Frühe Abschriften und frühe Aufführungen, Schliengen: edition argus, 2007 Vom Takt. Untersuchungen zur Theorie und kompositorischen Praxis im ausgehenden 18. und beginnenden 19. Jahrhundert, Wien / Köln / Weimar: Böhlau, 2001 Ernst Krenek – ein Komponist im Exil, Wien: Lafite, 1980 Versuch über die wahre Art, Debussy zu analysieren (= Berliner musikwissenschaftliche Arbeiten 8), München / Salzburg: Katzbichler, 1974 B: Editionen Ernst Krenek. Frühe Lieder für Gesang und Klavier, 3 Hefte, Wien: Universal Edition, 2015 (mit Einleitung, Textteil, Kritischem Bericht) Ernst Krenek - Briefwechsel mit der Universal Edition (1921-1941), 2 Teile, Köln / Weimar / Wien: Böhlau, 2010 „'...la di Ella inaudita finezza'. Zur Entstehung der Varianti. Briefwechsel Luigi Nono – Rudolf Kolisch 1954–1957/58“, in: Schönberg & Nono. A Birthday Offering to Nuria on May 7, 2002, hg. v. Anna Maria Morazzoni, Florenz: Olschki, 2002, S. 267–315 Ernst Krenek: Die amerikanischen Tagebücher 1937–1942. Dokumente aus dem Exil (Hg. u. Übers.), Wien / Köln / Weimar: Böhlau, 1992 Der hoffnungslose Radikalismus der Mitte. Briefwechsel Ernst Krenek – Friedrich T. Gubler 1928–1939 (Hg.), Wien / Köln: Böhlau, 1989 C: Herausgabe Younghi Pagh-Paan. Auf dem Weg zur musikalischen Symbiose, Mainz: Schott, 2020 (wird im Mai/Juni 2020 erscheinen) (zus. mit Gernot Gruber u. Matthias Schmidt:) Ernst Krenek – nicht nur Komponist (= Ernst Krenek Studien 7), Schliengen: edition argus, 2018 Musik, Bühne und Publikum.
    [Show full text]
  • 18 CONTACTE INTERNACIONAL Dedicat a Francisco Correa De Arauxo Associació Amics Dels Orgues De Les Valls D’Andorra Massanaorgue 2018 CONTACTE
    CONCURS Qui Som INTERNACIONAL CONCURS Qui Som MassanaOrgue 2018 CONTACTE INTERNACIONAL Dedicat a Francisco Correa de Arauxo Associació Amics dels Orgues de les Valls d’Andorra MassanaOrgue 2018 CONTACTE Dedicat a Francisco Correa de Arauxo Associació Amics dels Orgues de les Valls [email protected] d’Andorra [email protected] 5-6 d’octubre 5-6 d’octubre Concurs internacional d’orgue, participants internacionals Concurs internacional d’orgue, participants internacionals 22 23 22 23 1st International Organ Competition dedicated to Francisco Correa de Arauxo 5-6th of October 2018. la Massana, Principality of Andorra ___________________ Program 1st Round * th th 1) A work of iberian music (16 -17 centuries). Recommended composers: Antonio de Cabezón, Manuel Rodrigues Coelho, Francisco Correa de Arauxo, Pablo Bruna. 2) A work of (chose one): Jan Pieterszoon Sweelinck, Georg Muffat, or Girolamo Frescobaldi. 3) A work of Johann Sebastian Bach: a movement of a trio sonata, a prelude or a fugue. (*) pre-selection on video (wmv, mpg. o .mov. Max. 20’) The name of the candidates should not appear on the video. The jury will favorably rate the program selections that prove to be suited for a competition. nd 2 Round (face-to-face) 1) 6 candidates will be selected. 2) The 6 organists selected will play a public concert of 30'. 3) Concerts will be in two sessions of 1h30’ each, with three candidates in every session. 4) The program of the concert will be up to every participant, and should be fitting for the features of the instrument. It should include at least: a) A work of Francisco Correa de Arauxo.
    [Show full text]