Bregenzer Mei ster kon zerte

JAHRESPROGRAMM 2021 | 2022 GRUSSWORT Herzlich willkommen

Die Bregenzer Meisterkonzerte werden seit Zum ersten Mal dürfen wir Igor Levit als Inter- über 25 Jahren von großartigen Dirigent:in- preten der „Passacaglia on DSCH“ begrüßen, nen, Solist:innen und Orchestern getragen – den wohl wichtigsten Pianisten der jüngeren künstlerische Vielfalt, mitreißende Virtuosi- Generation, der ein 85-minütiges Klavier- tät, monumentale Klangerlebnisse, lebendig werk von immensen spieltechnischen Anfor- und authentisch. Historische Werke, neue derungen darbieten wird, geschrieben vom Interpretationen und die Einbindung zeit- schottischen Komponisten und Pianisten genössischer Kompositionen bilden die hohe Ronald Stevenson in Verehrung für Dmitri Qualität der Bregenzer Meisterkonzerte ab. Schostakowitsch. Den Auftakt zur Saison 2021/2022 ge- Dessen Violinkonzert folgt im nächsten staltet das italienische Ensemble „Europa Abokonzert, gespielt von der prominenten Galante“ unter der Leitung von Fabio Biondi Geigerin Julia Fischer zusammen mit dem mit Werken des großen Violinvirtuosen Radio Sinfonieorchester Berlin unter Antonio Vivaldi, interpretiert nach den Vor- Vladimir Jurowski. Weiters im Programm ist gaben der historischen Aufführungspraxis ein „Andante“ von Sergej Prokofjew sowie und mit viel Italianità. Philippe Herreweghe die „Sinfonischen Tänze“ Opus 45 von Sergej dirigiert mit seinem „Orchestre des Champs- Rachmaninoff. Élysées“ und dem „Collegium Vocale Gent“ Den Abschluss der Saison gestalten die eine der großartigsten Sinfonien Mozarts, Nürnberger Symphoniker unter Ari Rasilainen seine Nr. 40 in g-Moll und die wunderbare, der eine Tondichtung seines Landsmannes unvollendete Große Messe in c-Moll des Jean Sibelius mitbringt, dazu die „Rokoko- Salzburger Meisters. Die berufene Inter- Variationen“ und ein „Andante cantabile“ pretin der zentralen Sopranarie in der Messe von Tschaikowski und die „Dritte Symphonie“ wird die schweizerische Starsängerin Regula des Schweden Kurt Atterberg im spätroman- Mühlemann sein. tischen Stil. Für ihr traditionelles Gastspiel im Jänner haben die Wiener Symphoniker unter Musik bricht unseren Alltag auf. ihrem neuen Chef Andrés Orozco-Estrada Musik schenkt uns Leichtigkeit und Freiheit. die zauberhafte Symphonia concertante für Violine, Violoncello, Oboe und Fagott im Ge- Wir wünschen Ihnen unvergessliche Momente päck, dazu Erich Wolfgang Korngolds Suite bei den Bregenzer Meisterkonzerten! „Märchenbilder“ und die berühmten „Bilder einer Ausstellung“ von Modest Mussorgski.

Michael Ritsch, MBA Mag. Michael Rauth Bürgermeister Stadtrat für Kultur

2 3 1. MEISTERKONZERT DONNERSTAG, 14. OKTOBER 2021

Europa Galante 4. MEISTERKONZERT ProFabio Biondi – Violine und Leitung SAMSTAG, 19. MÄRZ 2022 Igor Levit – Klavier

2. MEISTERKONZERT DONNERSTAG, 25. NOVEMBER 2021 5. MEISTERKONZERT DIENSTAG, 29. MÄRZ 2022 Orchestre des Champs-Élysées Collegium Vocale Gent Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin Philippe Herreweghe – Leitung Vladimir Jurowski – Leitung Regula Mühlemann – Sopran Julia Fischer – Violine Sophie Harmsen – Mezzosopran David Fischer – Tenor 6. MEISTERKONZERT Krešimir Stražanac – Bass SAMSTAG, 30. APRIL 2022 Nürnberger Symphoniker Ari Rasilainen – Leitung 3. MEISTERKONZERT FREITAG, 21. JANUAR 2022 Raphaela Gromes – Violoncello Wiener Symphoniker

Andrés Orozco-Estrada – Leitung Vor allen Konzerten findet um 18.45 Uhr eine Anton Sorokow – Violine Einführung mit der Moderatorin Bettina Barnay im Christoph Stradner – Violoncello Saal Bodensee des Bregenzer Festspielhauses statt. Paul Kaiser – Oboe Patrick de Ritis – Fagott gramm

4 5 In the music you can find a brilliant number of emotions: love, fear, sadness – it’s a kaleidoscope of human feeling.

FABIO BIONDI

6 7 1. MEISTERKONZERT PROGRAMM Europa Galante Antonio Vivaldi Fabio Biondi – Violine und Leitung

Donnerstag, Antonio Vivaldi (1678 – 1741) Aus unserem Konzertleben ist die Musik von Camilla und Giovanni Battista Vivaldi gebo- 14. Oktober 2021 Antonio Vivaldi nicht mehr wegzudenken. ren, ein Frühchen, kränklich, aber er über- Ouverture zu „Dorilla in Tempe“ RV 709 Selbstverständlich haben die ausgewiesenen lebte. Und Antonio erbte von seinem Vater 18.45 Uhr Violinkonzert in C-Dur RV 189 Originalklangorchester seine Konzerte im nicht nur die roten Haare, sondern auch Konzerteinführung Sinfonia aus „Ercole sul Termodonte“ Repertoire, aber es interpretieren sie auch das musikalische Talent. Denn dieser gehörte im Saal Bodensee Violinkonzert in F-Dur RV 286 traditionelle Formationen. Besonders der dem Orchester der Basilika di San Marco, des Konzertzyklus Le quattro stagioni, Die vier Markusdoms, an, verdiente aber zusätzliches 19.30 Uhr Streichkonzert in g-Moll RV 152 Jahreszeiten also, ist weit über die Welt der Geld als Barbier. Schon als 10-Jähriger konnte Großer Saal Violinkonzert in B-Dur RV 371 Klassik hinaus bekannt geworden, und zwar Antonio den Vater im Orchester vertreten, Violinkonzert in h-Moll RV 390 rund um den Globus. Diese Popularität ge- das sicher ein hohes Niveau hatte, war noss Antonio Vivaldis Oeuvre jedoch nicht doch der heute noch prominente Giovanni immer. Zwar war der Komponist zu seinen Legrenzi der Leiter. Doch anders als sein Lebzeiten eine europäische Berühmtheit, vor Vater strebte der junge Vivaldi das Priester- allem dank der Verbreitung seiner Werke amt an, das damals eher eine Art Lehrberuf im Notendruck. So hat Johann Sebastian Bach war, weniger eine universitäre Ausbildung. Vivaldis Kompositionen studiert und fünf Der Beweggrund für diese Berufswahl war, Konzerte aus der Sammlung L’Estro armonico, als Angehöriger der Kirche eine Grundver- (was man in etwa mit „die harmonische sorgung zu haben, weniger eine geistliche Eingebung“ übersetzen könnte) für Orgel Neigung. Denn immer stand die Musik im beziehungsweise Cembalo bearbeitet. Doch Mittelpunkt von Vivaldis Leben. So erzählt bald nach seinem Tod geriet Vivaldi weit- man sich, dass er mitten während der Zele- gehend in Vergessenheit. bration einer Messe den Altar verließ, weil Dann geschah, im Jahr 1926, also vor ihm gerade ein gutes Fugenthema eingefallen knapp hundert Jahren, eine musikalische war, das er in der Sakristei auch sofort Sensation. Auf dem Dachboden eines kleinen notierte. Klosters im Piemont fand man vierzehn Bald ließ er sich, offiziell aus gesund- Bände mit bis dahin unbekannten Werken heitlichen Gründen, vom Messelesen suspen- Vivaldis. Diese Opern und Konzerte, die man dieren und nahm die Stellung des Maestro da fand, erlebten eine rasche Verbreitung in di Violino am Waisenhaus Ospedale della Pietà der Musikwelt. Und selbst bis heute tauchen an, wo er rasch zum Leiter dieses hochbe- immer wieder Werke Vivaldis auf, die bis rühmten Mädchenorchesters aufstieg. Denn dato unbekannt sind. dieses Waisenhaus war keines in unserem heutigen Sinne. Vielfach wurden dort adelige Das Leben des „Prete rosso“ junge Mädchen untergebracht, weil ihre Familien sie auf die Klosterlaufbahn vorberei- Angeblich während eines Erdbebens, näm- ten wollten, um sich die Mitgift zu ersparen. lich am 4. März 1678, wurde Antonio Vivaldi Solche Ospedali gab es mehrere in Venedig, als erstes von neun Kindern des Ehepaares und ihre Konzerte, die regelmäßig sonn- und

8 9 PROGRAMM PROGRAMM

feiertags stattfanden, zogen viele Reisende leben der damaligen Zeit kann nicht vergli- Wien in der Hoffnung auf eine Anstellung an. Ein solcher, Peter Tostalgo, berichtet: chen werden mit dem heutigen. In Venedig am Kaiserhof. Doch als sie dort eintrafen, „In Venedig gibt es Frauenklöster, deren gab es zu Vivaldis Zeiten an die fünfzehn war Kaiser Karl VI tot und Erbfolgekriege im Bewohner Orgel und andere Instrumente Operntheater, die miteinander konkurrier- Gange. Vivaldi starb im Jahr 1741 verarmt spielen und auch singen, so schön, dass ten. Eine Oper zu besuchen war das angesagte in Wien, genau fünfzig Jahre vor Mozart, und man nirgendwo auf der Welt so süße und Vergnügen schlechthin. Ständig mussten wie dieser erhielt er nur ein Begräbnis der harmonische Musik findet. Deshalb kommt die Theater Neues zeigen, und so stellte man niedersten Klasse. „Mit kleinem Geläut“, wie man von überall nach Venedig, um diese immer wieder auch eine Collage aus eigenen es hieß. Engelsmusik zu hören.“ und fremden Werken, also eine Pasticcio Diese Mädchen traten nur unter ihrem zusammen – ein Urheberrecht in unserem Vornamen auf. So nannte man die führende Sinne gab es nicht. Ein Opernbesuch be- Geigerin an der Pietà, für die Vivaldi ver- deutete nicht in erster Linie Kunstgenuss, mutlich viele seiner Violinkonzerte schrieb, vielmehr jegliche Art von Amüsement. Vi Anna Maria dal Violin. Ihr Können muss Die Adeligen und vermögenden Leute der enorm gewesen sein, denn wenn Vivaldi Gesellschaft hatten eine Loge, in der wäh- Konzerte, die er für Anna Maria geschrieben rend der Aufführung gegessen, getrunken hatte, in Druck gab, musste er sie verein- und geflirtet wurde. Nur wenn der Primo Uomo, fachen. Anna Maria dal Violin verbachte die meist ein Kastrat, oder die Primadonna ihre ganzen siebzig Jahre ihres Lebens im Ospedale Arien sangen, trat man an die Brüstung della Pietà, später natürlich als Maestra, als und hörte zu. Das Parkett war nicht bestuhlt, val Lehrerin. Das wirft ein vielsagendes Schlag- da standen die einfachen Leute, und nicht licht auf die Rolle der Frauen im Musik- selten geschah es, dass Speisereste aus geschehen der früheren Zeit. den Logen auf sie herabfielen oder sie gar Doch die Königsdisziplin für einen bespuckt wurden. jeden Komponisten im Barock war die Oper, Es war auch eine Opernsängerin, näm- und so schrieb auch Vivaldi, erst als er lich Anna Girò, die die Lebensgefährtin fünfunddreißig Jahre alt war, eine solche. Antonio Vivaldis in seinen letzten zwanzig Ottone in villa wurde in Vicenza mit Erfolg Jahren werden sollte. Eigentlich hieß sie uraufgeführt. Das gab dem Prete rosso, Giraud, denn sie war Französin. Dass ein ge- di dem rothaarigen Priester, wie Vivaldi gern weihter Priester mit einer Frau zusammen- genannt wurde, den Mut, die Leitung des lebte, regte im damaligen Venedig kaum Opernhauses Sant’Angelo zu übernehmen. jemanden auf. Der Vatikan war weit und die Von da an schrieb er zwei Opern pro Jahr. Moral in der Lagunenstadt sowieso ziemlich Er selbst gab in einem Brief an, vierund- locker. Doch als ein neuer, sittenstrenger neunzig Opern komponiert zu haben. Das Kardinal in Venedig antrat, war es zu Ende war entweder bewusst übertrieben, oder er mit den Opernvergnügungen und weltlichen hat seine Bearbeitungen, damals genannt Konzerten. Vivaldi und seine Frau mussten Pasticci, mit dazugerechnet. Denn das Opern- ihr Glück anderswo suchen und gingen nach

10 11 PROGRAMM PROGRAMM Die Opern Vivaldis Die Konzerte Vivaldis

Die Musikwissenschaft kennt heute neun- frohen Ende also, nichts mehr im Wege. Zweifelsohne war Antonio Vivaldi einer In der Regel werden die Ritornelle vom gesam- undvierzig Opern des Prete rosso. Zweiund- Ercole sul Termodonte erklang zum ersten der ganz großen Violinvirtuosen seiner Zeit. ten Orchester, also tutti, gespielt, während zwanzig liegen uns in vollständigen Parti- Mal im Jahr 1723 in Rom. Da es in der Lassen wir wieder einen Zeitgenossen zu die Zwischenspiele dem Solo anvertraut sind. turen vor, sechzehn davon in der eigenen „heiligen Stadt“ untersagt war, dass Frauen Wort kommen, diesmal Johann von Uffen- Die langsamen Sätze haben normalerweise Handschrift Vivaldis. Die Stoffe sind sehr auf der Bühne stehen, wurden alle weib- bach: „Gegen Ende spielte der Vivaldi ein keine Ritornellform, sondern die dreiteilige häufig verbunden mit der Sagenwelt der lichen Rollen sowie auch die Rollen der accompagnement Solo, woran er zuletzt eine Liedform. Über einer schlichten Orchesterbe- Antike, so auch bei den beiden Werken, die drei Begleiter des Herkules, mit Kastraten Phantasie anhing, die mich recht erschrecket, gleitung kann sich das Soloinstrument quasi im heutigen Konzert anklingen. Wir hören besetzt. Nur Herkules selbst war ein Tenor. denn dergleichen ohnmöglich so jemals ist gesanglich entfalten. die Ouvertüre zu Dorilla in Tempe, einer so Dass somit am Ende zwei rein männliche gespielt worden noch kann gespielet werden, Uns Heutigen erscheint das Oeuvre genannten Pastoral-Oper nach einem Text Paare von einer Göttin gesegnet wurden, denn er kahm mit den Fingern nur einen Vivaldis fast unüberschaubar. Und auch, wenn von Antonio Maria Lucchini, die im November störte die Sittenwächter des Vatikan ebenso Strohhalm breit an den Steg daß der Bogen Igor Strawinsky einmal boshaft bemerkt 1726 in Vivaldis eigenem Operntheater wenig wie die Tatsache, dass mit Vivaldi keinen Platz hatte und das auf allen vier habe, dass dieser nicht fünfhundert Konzerte, Sant’ Angelo zum ersten Mal gegeben wurde. ein Priester, der seine Berufung nicht allzu Saiten und mit einer Geschwindigkeit, die sondern dasselbe Konzert fünfhundert Mal Die Geschichte erzählt von der Königstoch- genau nahm, am Dirigentenpult stand. unglaublich ist.“ geschrieben habe, so ist die Musik des rot- ter Dorilla aus dem Landstrich Tempe im Von diesen beiden Opern Antonio Vivaldis haarigen Priesters aus Venedig beim heutigen griechischen Thessalien, die in heimlicher hören wir das instrumentale Eröffnungs- Seine Violinkonzerte schrieb Vivaldi ent- Publikum äußerst beliebt. Und gerade jetzt, Liebe mit einem Schäfer verbunden ist. stück, Ouvertüre oder auch Sinfonia genannt weder für sich selbst oder seine begabtesten wo nach der Durststrecke der Pandemie das Der Gott Apollo greift in menschlicher Ge- – diese beiden Begriffe waren zur damaligen Schülerinnen am Ospedale dellá Pietà, deren kulturelle Leben wieder in Schwung kommt, stalt in die Geschehnisse ein, die sich sehr Zeit austauschbar. Jedoch herrschen von Niveau, wie wir bereits erfahren haben, erfreuen uns diese frischen, strahlenden dramatisch gestalten, um sich schließlich Land zu Land verschiedene formale Gepflogen- ebenfalls atemberauend war. Wenn Vivaldi Klänge ganz besonders. in seiner wahren Natur zu erkennen zu heiten für eine Ouvertüre oder Sinfonia. seine Konzerte in Druck gab, so vereinfachte geben und alles zum Guten zu wenden – Die italienische Variante ist in der Regel drei- er sie in der Regel spieltechnisch. das liebende Paar wird vereint. Ein Deus ex teilig, mit einem schnellen ersten Teil, einem Zweihundertdreißig Violinkonzerte sind machina führt auch das glückliche Ende der getragenen zweiten und einem erneut raschen uns von Antonio Vivaldi überliefert, dazu anderen Oper Vivaldis herbei, nämlich die Finale. Dieses ist bei der Sinfonia zu Ercole weitere für zwei oder mehrere Violinen oder Göttin Diana. Die Oper Ercole sul Termodonte sul Termodonte ganz erstaunlich, Sie alle, ge- eine Violine unter Beteiligung eines anderen erzählt uns die neunte der zwölf Heldentaten schätzte Hörer:innen, werden es kennen. Instrumentes. Was ihre Form betrifft, so des Herkules. Dieser reist mit seinen drei Lassen Sie sich überraschen! konnte er auf die Concerti und Concerti grossi Gefährten Theseus, Alceste und Telamon zu eines Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni den Amazonen, um das magische Schwert oder Giuseppe Torelli zurückgreifen, so- von deren Königin Antiope zu rauben. Doch dass sich bei Vivaldi bald auch der dreisätzige sowohl Alceste, der König von Sparta, als Aufbau herausbildete, mit der Satzfolge auch Theseus, der König von Athen, verlieben schnell – langsam – schnell. Für die raschen sich in jeweils eine dieser kriegerischen Sätze entwickelte Vivaldi die Ritornell-Form Damen, was allerhand Aufregungen hervor- (Il ritorno heißt die Wiederkehr). Das be- ruft. Doch die Göttin Diana führt die Paare deutet, dass ein feststehendes, einprägsames zusammen, so steht einem happy end, oder Thema immer wieder erscheint, abwechselnd wie es damals hieß, einem lieto fine, einem mit jeweils neuen Zwischenspielen.

12 13 BIOGRAFIE Europa Galante

Europa Galante wurde 1989 von Fabio Biondi Europa Galante erlangte besondere Aufmerk- gegründet mit dem Wunsch, ein italienisches samkeit mit seinen revolutionären Interpre- Ensemble für die Interpretation von großen tationen wichtiger Werke italienischer Barock- und Klassikrepertoires auf Original- Barockmusik, wie etwa Vivaldis Vier Jahres- instrumenten zusammenzustellen. Die Er- zeiten, aber auch mit der Wiederentdeckung schließung alter Musik war damals fast aus- verborgener Schätz des 17. Jahrhunderts. In schließlich eine Domäne Nordeuropäischer einer Kooperation mit der National Academy MusikerInnen, und die Notwendigkeit einer of Santa Cecilia in Italien arbeitete das En- ausschließlich italienischen Interpretation semble an der Rekonstruktion von Oratorien dieses Repertoires war daher ausschlaggebend von Antonio Caldara, Leonardo Leo und Gian für die Gründung des Ensembles. Francesco de Mayo und an mehreren Arbeiten von Scarlatti, was ihnen viele Preise und Schon mit ihrer ersten Aufnahme der internationale Anerkennung einbrachte. Im Konzerte von Antonio Vivaldi fand Europa Jahr 2002 erhielten Fabio Biondi und sein En- Galante große Beachtung und erhielt u.a. semble den von italienischen Musikkritikern den Cine Award in Venedig und den Choc verliehenen Abbiati Preis für ihre Konzert- de la Musique in Frankreich. Von Anbeginn aktivitäten und im Besonderen für ihre Auf- beeindruckte das Ensemble durch seine führung des Il Trionfo dell’Onore. neuen und lebendigen Interpretationen von In 2008 wurden Fabio Biondi und Europa häufig gespielten Repertoires und „indem sie Galante zusammen mit der Compagnia Colla oft beschrittene Wege mit intimen Modula- nochmals der Abbiati special prize verliehen tionen und viel Expressivität neu beleuchten“ für „Filemone e Bauci“ von Haydn, für die (Gramophone). Originalität und den Wert der Wiederent- In den folgenden Jahren konnte Europa deckung dieses Werkes von Haydn, das das Galante ihren einzigartigen Charakter durch Ensemble in seinem gesamten instrumen- eine steigende Anzahl an wichtigen Auszeich- talen und vokalen Glanz wieder zum Leben Europa Galante, Foto: Anne de Labra nungen für ihre Aufnahmen bestätigen, u.a. erweckte. mehrere Musikpreise wie Diapason d’Or und Europa Galante wird in der Saison 21/22 Choc du Monde, aber auch BBC-Selections ihre Aktivitäten mit mehreren Projekten und RTL-Auszeichnungen sowie drei Nominie- wieder aufnehmen, etwa die Aufführung von rungen für den Grammy Award. Besondere Monteverdis Orfeo am Theater an der Wien Bekanntheit erlangte das Ensemble aber durch und in der Elbphilharmonie in Hamburg, seine Auftritte in den bedeutendsten Opern- ein Kammermusikprogramm von Haydn in häusern und Konzerthallen der Welt sowie in Italien (Rom, Turin, Verona und Florenz) und vielen der wichtigsten internationalen Vivaldis Oper „Argippo“, das kürzlich für die Musikfestivals. Europa Galante tritt auf allen neue Naïve discography Company in Asien Kontinenten auf. aufgenommen wurde.

14 15 BIOGRAFIE Fabio Biondi

Nach intensiver Arbeit mit Ensembles wie oper Unter den Linden wurde unter seinem Les Musiciens du Louvre und The English Dirigat aufgeführt. Von 2015 bis 2018 war Concert gründete Fabio Biondi 1989 Europa Biondi als Musikdirektor tätig und dirigierte Galante, das sich schnell als eines der be- Produktionen von Donizetti, Rossini, Haydn deutendsten italienischen Barockorchester und Verdi. Als Violinist genießt Biondi den etablierte. Biondi und Europa Galante sind Ruf, ein Virtuose zu sein, „der über jeden vor allem für ihre „frischen, lebendigen Dar- Vorwurf erhaben ist“ (The Guardian) und in bietungen“ (New York Times) bekannt; aber renommierten Konzertsälen auf der ganzen auch dafür, dem Barock-, Klassik- und dem Welt gastiert, unter anderem in der Carne- frühen Romantikrepertoire neues Leben gie und der Wigmore Hall, dem Auditorio einzuhauchen. Beide treten bei führenden Nacional de Música Madrid und der Cité de internationalen Festivals (u.a. beim Enescu la Musique. Seine Diskographie bei Warner und dem Edinburgh International Festival) Classics, Virgin und Glossa wurde mit zahl- und in den bekanntesten Konzertsälen der reichen Preisen, darunter dem Diapason Welt auf (u.a. im Berliner Pierre Boulez Saal, d’Or de l’Année und dem Choc de Musique, der Elbphilharmonie Hamburg und dem ausgezeichnet. Wiener Konzerthaus). Biondis authentische, Biondis vielbeachtete Aufnahme von engagierte Arbeitsweise wird auch in der Vivaldis Vier Jahreszeiten mit Europa Galante Zusammenarbeit mit anderen Kammer- und wurde in über fünf Ländern zur CD des Jah- Symphonieorchestern sichtbar, unter anderem res, seine jüngste Aufnahme von Paganinis mit dem Chicago Symphony Orchestra, dem Sonaten für Violine und Gitarre vom Gramo- Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa phone sowie dem BBC Music Magazine zum Cecilia, dem RAI Turin, der NDR Radio- Editor’s Choice gewählt. Weitere Aufnahmen philharmonie, der Frankfurter Radiosinfonie, beinhalten Kollaborationen mit Opernstars Fabio Biondi, Foto: James Rajotte dem Philharmonischen Orchester Bergen, wie Joyce DiDonato, Diana Damrau, Philippe dem Finnish Radio Symphony Orchestra, Jaroussky, Vivica Genaux und Rolando dem Mahler Chamber Orchestra sowie dem Villazón. Biondi ist seit 2011 Akademiemit- Mozarteumorchester Salzburg. Darüber hin- glied der Accademia Nazionale di Santa aus war Biondi bis 2016 elf Jahre lang als Cecilia. Er wurde 2015 vom französischen künstlerischer Leiter für Barockmusik beim Kulturministerium zum Offizier des Nationa- Stavanger Symphony Orchestra tätig. Biondis len Ordens der Künste und Briefe ernannt; Begeisterung für und Erfahrung mit Opern- 2019 erhielt er die Medaille für Mut und produktionen führten ihn an so bedeutende Wahrhaftigkeit der polnischen Regierung als Häuser wie das Grand Théâtre de Genève, Anerkennung seiner herausragenden kultu- um dort Luk Percevals neue Produktion von rellen Leistungen. Mozarts Entführung aus dem Serail zu diri- gieren. Auch Scarlattis La Vergine Addolorata bei den Barocktagen der Berliner Staats-

16 17 Ein Konzert ist immer ein Gespräch zwischen dem Komponisten, den Künstlern und dem Publikum.

Und so freue ich mich auf das Gespräch mit dem Publikum der Bregenzer Meisterkonzerte.

PHILIPPE HERREWEGHE

18 19 2. MEISTERKONZERT PROGRAMM Orchestre des Champs-Élysées Das Phänomen Mozart Collegium Vocale Gent Philippe Herreweghe – Leitung

Regula Mühlemann – Sopran Sophie Harmsen – Mezzosopran David Fischer – Tenor Krešimir Stražanac – Bass Es gibt wohl keinen Komponisten der euro- politische Umstände dürften der Hauptgrund päischen Musikgeschichte, der Menschen gewesen sein. Obwohl er eine Anstellung bei mehr erstaunt hat als Wolfgang Amadeus Hofe hatte, geriet die Familie immer mehr Mozart. Bis heute gibt sein Leben und Schaffen in Schulden, auch weil Frau Constanze zu den gegensätzlichsten Spekulationen kränklich wurde und teure Kuren beanspruch- Donnerstag, Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791) Anlass, von der subjektivistisch überhöhen- te. Im September 1791 erlebte Mozart einen 25. November 2021 Sinfonie Nr. 40 in g-Moll KV 550 den Schau des frühen 19. Jahrhunderts seiner größten Erfolge mit der Uraufführung über Verniedlichungen, die sich in Begriffen seiner Oper Die Zauberflöte. Einige Wochen 18.45 Uhr Molto allegro wie „Wolferl“, „mozärtlich“ oder in der nur später erkrankte er schwer und starb am Konzerteinführung Andante allzu bekannten kugelrunden Süßigkeit 5. Dezember 1791. im Saal Bodensee Menuetto: Allegretto manifestieren bis hin zu der ernüchterten, In Hinblick auf die Werke dieses Allegro assai psychoanalytischen Sichtweise, mit der man Programmes darf eine Tatsache nicht un- 19.30 Uhr heute vor allem auf die Rolle von Vater erwähnt bleiben, nämlich der Einfluss Großer Saal Leopold und dessen Umgang mit Wolfgang der Musik von Johann Sebastian Bach auf Große c-Moll Messe, KV 427 Amadeus’ Status als Wunderkind blickt. Mozart. Für uns Heutige ist es kaum mehr Die Werke des heutigen Konzertes, die nachvollziehbar, dass Bachs Oeuvre zur Zeit Kyrie (Chor) Sinfonie in g-Moll wie auch die Große Messe in Mozarts so gut wie unbekannt war. Sprach Gloria in excelsis (Chor) c-Moll, sind jedoch im Erwachsenenalter man von Bach, so meinte man in der Regel Laudamus te (Sopran II) entstanden, und zwar in Wien. Dorthin war Johann Sebastian Bachs Sohn Carl Philipp Gratias (Chor) Mozart im Jahr 1781 gegangen, um in der Emanuel. Zwar hatte der 9-jährige Mozart Domine (Duett Sopran I und II) Kaiserstadt als freischaffender Musiker sein in London engen Kontakt mit dem jüngsten Qui tollis (Chor) Glück zu suchen. In der damaligen Zeit, wo Bach-Sohn Johann Christian, doch dieser ver- Quoniam (Terzett Sopran I, II und Tenor) Musiker fast nur im Dienst vom Hof, vom mittelte ihm den klassischen Stil und nicht Jesu Christe/ Cum sancto spiritu (Chor) Adel oder von der Kirche leben konnten, den Stil des Barocks. Erst als Mozart in Wien Credo (Fragment) ein Wagnis. Die ersten Jahre hatte Mozart ab 1782 regelmäßig an Konzerten teilnahm, Et incarnatus est (Sopran I) großen Erfolg in Wien, er feierte mit der die der Diplomat und Musiker Gottfried Sanctus (Chor) Aufführung seiner eigenen Klavierkonzerte van Swieten ausrichtete, lernte er die Musik Benedictus (Chor und Soli) Triumphe und war ein gesuchter Lehrer. Bachs wie auch die von Händel kennen. Agnus Dei (unvollendet) Auch seine größten Opern komponierte „Ich gehe alle Sonntag um 12 Uhr zum Baron Mozart in seiner Wiener Zeit, und diese van Swieten und da wird nichts gespielt als sehen wir heute als den Gipfelpunkt seines Händel und Bach – ich mach mir eben eine Schaffens an. Jedoch standen die Wiener Collection von den bachischen Fugen“, den Opern Mozarts reserviert gegenüber, schreibt Wolfgang an seinen Vater. Gerade während in Prag ein wahres Mozart-Fieber in den späteren Sinfonien Mozarts wie auch herrschte. „Meine Prager verstehen mich“, in den Chören der Großen Messe in c-Moll sagte der Komponist. ist der Einfluss von Johann Sebastian Bach Nach einigen Jahren in Wien begann unverkennbar. Mozarts Stern aber zu sinken, gesellschafts-

20 21 PROGRAMM PROGRAMM Die Sinfonie Nr. 40 in g-Moll

Im Jahr 1788 übersiedelte die Familie Mozart Freilich kann man die Tatsache, dass Mozart Klingen kommen. Der zweite Satz Andante von ihrer zentral gelegenen Wohnung in diese drei Sinfonien ohne Auftrag schrieb, bietet dem Hörer keine Erholung. Wiewohl den Alsergrund, den neunten Wiener Bezirk. auch nüchtern betrachten. Möglicherweise im wiegenden Siciliano-Rhythmus, ist es be- Gerade war das Töchterchen Theresia ge- wollte er für allfällige Gelegenheiten schon stimmt vom „großen Seufzermotiv“, eines g– boren, das allerdings nicht lange zu leben etwas im Ärmel haben, oder er dachte an die feststehenden Tongebildes der damals gültigen hatte – nur zwei Söhne von den sechs Veröffentlichung bei einem Verlag – es war Klangrhetorik: ein lang angehaltener und Kindern, die Constanze gebar, erreichten üblich, drei Werke in einer Ausgabe zusam- dann drei rasch absteigende Töne. Die Eck- das Erwachsenenalter. Der Hauptgrund für menzufassen. teile des Menuetts verstören mit harsch die Übersiedlung war der wesentlich günsti- Mozart erlebte noch mehrere Aufführun- dreinfahrenden Synkopen, während das Trio gere Mietzins, denn gerade in diesem Jahr gen der g-Moll Sinfonie, wie sie im Gegensatz endlich etwas Frieden aufkommen lässt. waren die finanziellen Probleme der Familie zum kleineren Schwesterwerk in derselben Es war übrigens Mozart, der das Menuett in eklatant, wie mehrere Bettelbriefe Mozarts Tonart KV 183 gerne genannt wird. Diese die Satzfolge einer Sinfonie eingeführt hat. belegen. Und genau in dieser Zeit schreibt bei den Konzerten von Gottfried van Swieten Somit ist ein tänzerisches Element, ja eine Mozart seine drei großartigsten Sinfonien. fand er jedoch so unzulänglich, dass er sie Körperlichkeit in diese bis dahin eher intel- Denn obwohl die mittlere der Trias, die vorzeitig verließ. Vermutlich für eine Auf- lektuelle Kunstform gekommen.Moll Mozarts Sinfonie in g-Moll, tatsächlich eine belastete führung, die Antonio Salieri dirigierte, fügte g-Moll Sinfonie ist eine der ersten so genannten Stimmung wiedergibt, vermitteln die beiden Mozart noch Klarinettenstimmen hinzu. Final-Sinfonien der Musikgeschichte. anderen Sinfonien, nämlich die in Es-Dur Es wird berichtet, dass bei diesem Konzert im Das heißt, dass der vierte Satz nicht mehr KV 543 und die in C-Dur KV 551, die Jupiter- April 1791 einhundertsechzig Musiker im nur, wie bisher, eine Art Rausschmeißer- Sinfonie genannt wird, eine positiv-strahlen- Orchester saßen. Und bei einer Aufführung Funktion hat, sondern die Sinfonie gewichtig de Atmosphäre. Mozart hat mit seiner Musik im Jahr 1830 im deutschen Halle bestand überhöht. Wir erleben wieder das nahezu eben nicht seine persönliche Befindlichkeit das Orchester gar aus fünfhundert Musikern. durchgehende Agitato des ersten Satzes, das in die Welt hinausgetragen, vielmehr ist sie Die g-Moll Sinfonie hat vier Sätze, wie zweimal dramatisch unterbrochen wird von völlig unabhängig von dieser. Für die Kom- üblich. Denn die großen Neuerungen waren einer Art Orchester-Rezitativ. position dieser drei großartigen Sinfonien, nicht Mozarts Sache, seine Besonderheit, Endlich sei auf die Tonart g-Moll ein- die seine bisher komponierten an Bedeutung sein Genie liegt im Detail. So am gänzlichen gegangen. Nach Mozarts Zeitgenossen weit übertreffen, gibt es keinen äußeren Beginn dieser Sinfonie, der mit seinem in Christian Friedrich Daniel Schubart drückt Anlass und keinen Auftrag. Gerade die Piano einsetzenden, von den Bratschen ge- sie „Missvergnügen und Unbehaglichkeit“ verklärenden Mozart-Exegeten sehen hierin, tragenen Hauptthema sofort dieses Agitato, aus. In der Zauberflöte beklagt Pamina den wie Mozart-Biograf Alfred Einstein, ein also diese Erregung vermittelt, die den ganzen Verlust ihrer Liebe in g-Moll: „Ach, ich fühls, „Vermächtnis an die Nachwelt“ oder gar Satz bestimmt. Lassen wir die Verballhornung es ist verschwunden, ewig hin der Liebe einen „Appell an die Ewigkeit“. Und vor dieses Themas durch Handy-Klingeltöne Glück.“ Nichtsdestotrotz ist Mozarts KV 550 wenigen Jahren ließ Nikolaus Harnoncourt und ähnliches einmal beiseite und schauen, eine der beliebtesten Sinfonien beim Publi- aufhorchen mit der Aussage, dass diese drei wo Mozart dieses Motiv noch verwendet. Da kum. Keine andere Sinfonie liegt in so vielen Sinfonien in einem engen formalen und finden wir es nahezu identisch in der ersten Einspielungen vor. Und keine, so will man motivlichen Zusammenhang stehen. So Arie des Cherubino aus Le nozze di Figaro, hinzufügen, ist so oft missverstanden worden. sehr, dass er sie alle drei zusammen als ein wo dessen pubertäre Verwirrtheit, aber auch „instrumentales Oratorium“ bezeichnete. sein weiteres tragisches Schicksal zum

22 23 PROGRAMM PROGRAMM Die Große Messe in c-Moll

Es ist nicht zuletzt die Kirchenmusik, mit unvollendete Partitur der Messe in c-Moll und Nach der Arie Et incarnatus est, der musikalisch der Mozart heute bei einem breiten Publi- gedachten, sie, beziehungsweise Teile daraus, ungemein frei schweifenden Liebeserklärung kum bekannt ist, denn welcher katholische in der Kirche der Erzabtei Sankt Peter zur Auf- an seine Frau also, schien Mozart die Messe GrosseKirchenchor hat nicht die eine oder andere führung zu bringen. Ob es zu einer solchen nicht mehr groß interessiert zu haben. Der „Mozart-Messe“ im Repertoire? gekommen ist, wissen wir nicht – Aufzeich- Rest des Credo fehlt, Sanctus und Benedictus nungen darüber sind nicht bekannt. liegen nur in wenigen Stimmen vor und Diese so beliebten Messen, Litaneien, Vespern Mit größter Sicherheit ist aber anzu- wurden immer wieder von Bearbeitern ver- und ähnliches sind alle in Salzburg im Dienst nehmen, dass Constanze Mozart eine hervor- vollständigt, sodass sie bei Aufführungen des Fürsterzbischofs entstanden. Durch ragende Sängerin gewesen sein muss. Das normalerweise erklingen. Das Agnus Dei fehlt ein päpstliches Dekret und die Tatsache, dass Herzstück der Komposition ist nämlich die gänzlich. Dass Mozart nach der Salzburg- Fürsterzbischof Colloredo es nicht gerne Sopranarie Et incarnatus est, und diese sollte Reise die Messe nicht vollendet hat, ist nach- hatte, wenn Gottesdienste zu lang dauerten, sie bei der Aufführung in Salzburg singen. vollziehbar. Eine derart enorme Kirchen- waren der Kreativität des jungen Mozarts Wolfgang hat seiner Frau somit eine brillante komposition im Stil einer neapolitanischen harte Bandagen angelegt. Er litt unter diesen Visitenkarte verschafft, denn nach dem Vor- Kantatenmesse, wie es die Messe in c-Moll dar- Beschränkungen, es zeugt aber von seinem trag dieser unglaublich schönen Arie musste stellt, war im aufgeklärten Wien des Kaisers Genie, dass er auch hier Großes schuf. der Vater sie ja ins Herz schließen. Joseph II im Gottesdienst undenkbar, und In den Wiener Jahren, also von 1781 an, Der Vater, der im Leben Wolfangs eine die Aufführung einer Messe im Konzertsaal schrieb Mozart dann kaum mehr liturgische so entscheidende Rolle spielt, kommt nach damals nicht üblich. Teile der c-Moll Messe Musik. Nur die Große Messe in c-Moll, das Meinung des profunden Mozart-Kenners verwendete Mozart später für sein Oratorium Requiem und der schlichte, aber wunderbare Nikolaus Harnoncourt ebenfalls in der c-Moll Davide penitente. Chorsatz Ave verum corpus fallen in diese Messe vor. Es ist ja auffällig, dass in dieser So liegt uns mit der Großen Messe in c-Moll Zeit, wobei die Messe und das Requiem, Messe dem Sopran I – wir nehmen also an, ein monumentaler Torso vor, der in seiner freilich aus jeweils verschiedenem Grund, er repräsentiert Constanze – ein gleichwer- musikalischen Aussage höchst vielschichtig unvollendet geblieben sind. Er habe „in tiger Sopran II an die Seite gestellt ist, und ist. Barocke Wucht im Stile Händels bei den seinem Herzen versprochen, wenn er sie als dieser eben sei der Vater Leopold. Auch der Chören und der Arie des Soprans II, große seine Frau nach Salzburg brächte, dort eine Sopran II hat eine gewichtige Arie, nämlich musikalische Freiheit der Arie des Soprans I, neukomponierte Messe zur Aufführung das Laudamus te des Glorias. Diese Arie ist und vielleicht verborgen in alledem Mozarts zu bringen.“ So schrieb Mozart, der sich im ein echtes Bravourstück in barocker Tradition, ureigenste Konflikte und Sehnsüchte. August 1782 mit Constanze Weber verhei- sie steht für das Althergebrachte in aller- ratete. Es war eine echte Liebesbeziehung, größter Kunstfertigkeit: der Vater also, der doch Vater Leopold war gegen die Verbin- zwar in seinem Können überragend ist, aber dung. Er hatte etwas gegen „die Weberischen“, doch zu sehr am Alten, Starren hängt. Und die Wolfgang schon aus Mannheim kannte im Duett Domine Deus treten die beiden und die nun in Wien lebten. Nun, im Herbst miteinander an, was, so Harnoncourt, nicht 1783 reisten Wolfgang Amadeus und zuletzt als „Bitte um Versöhnung“ zu ver- Messe Constanze Mozart nach Salzburg, um die stehen ist. Frau mit dem Vater persönlich bekannt zu machen. Im Gepäck hatten die beiden die

24 25 BIOGRAFIE Orchestre des Champs-Élysées

Das Orchestre des Champs-Élysées ist die Mit diesem aufsehenerregenden Debüt legte erste auf Originalinstrumenten spielende das Orchestre des Champs-Élysées das Fun- französische Formation von internationalem dament zu einer internationalen Karriere, Renommee. Seit seiner Gründung im Juni die das junge, überaus enthusiastische 1991 durch Philippe Herreweghe hat sich Instrumentalensemble mittlerweile nicht das Ensemble vordringlich der Erarbeitung nur in nahezu alle namhaften Konzertsäle des sinfonischen Repertoires von Klassik, des Kontinents geführt hat (nach Brüssel, Romantik und klassischer Moderne verschrie- Wien, Amsterdam, London, Berlin, Frank- ben, das auf der Basis aktueller wissenschaft- furt, München, Leipzig, Rom oder Luzern) licher Erkenntnisse und mit den Mitteln sondern auch zu vielen musikalischen einer um historische Stiltreue bemühten Auf- Brennpunkten weltweit – wie etwa ins New führungspraxis einer grundlegenden Neu- Yorker Lincoln Center oder auf Tourneen wertung unterzogen werden soll. Dies ist ein durch Japan, Korea, China und Australien. Anliegen, das sich auch in der Beteiligung Neben Philippe Herreweghe, der dem Or- des Orchesters an musikwissenschaftlichen chester bis heute als Künstlerischer Leiter Forschungen und pädagogischen Projekten vorsteht und seine nicht selten preisgekrön- niederschlägt. Signifikant ist schon das Pro- ten CD-Einspielungen betreut, stehen auch gramm des ersten Konzerts, das zunächst in zunehmend Gastdirigenten am Pult: Poitiers, später dann im Pariser Théâtre des unter ihnen Daniel Harding, Louis Langrée, Champs-Élysées gegeben wurde: Die Schöp- Christophe Coin oder René Jacobs. fung von Joseph Haydn. Das Orchestre des Champs-Élysées wird vom Kulturministerium und der Region Poitou-Charentes gefördert.

Orchestre des Champs-Élysées, Foto: Joscelin Renaud

26 27 BIOGRAFIE Collegium Vocale Gent

Im Jahr 1970 beschloss eine Gruppe befreun- Heutzutage führt das Collegium Vocale Gent deter Studenten auf Initiative von Philippe diese Musik vorzugsweise mit einem kleinen Herreweghe, das Collegium Vocale Gent zu Ensemble auf, wobei die Sänger sowohl Chor, gründen. Das Ensemble wendete als eines als auch solistische Partien ausführen. der ersten die neuen Erkenntnisse in der Auf- Immer mehr beschäftigt sich das Collegium führungspraxis von Barockmusik auf Vokal- Vocale Gent auch mit dem romantischen, musik an. Dieser authentische, textgerichtete modernen und zeitgenössischen Chorreper- und rhetorische Ansatz achtete auf einen toire. Das Collegium wird dabei seit 2011 durchsichtigen Klang, wodurch das Ensemble vom EU-Kulturprogramm unterstützt, und schon bald auf allen wichtigen Konzertpodien so konnte ein gemischter symphonischer und Musikfestivals weltweit gastierte. Konzertchor entstehen, in dem junge Inzwischen entwickelte sich das Talente aus ganz Europa Seite an Seite mit Collegium Vocale Gent auf organische Weise erfahrenen Kollegen singen. Zur Verwirkli- zu einem äußerst flexiblen Ensemble mit chung dieser Projekte arbeitet das Collegium einem breiten Repertoire aus verschiedenen Vocale Gent mit verschiedenen historisch Stilepochen. Der größte Trumpf besteht darin, informierten Ensembles wie dem Orchestre dass für jedes Projekt eine bestmögliche des Champs-Élysées, dem Freiburger Barock- Besetzung zusammengebracht wird. Musik orchester, der Akademie für Alte Musik der Renaissance wird durch ein Ensemble Berlin, aber auch mit international renom- von sechs bis zwölf Sängern ausgeführt. Die mierten Sinfonieorchestern zusammen. deutsche Barockmusik und insbesondere Das Collegium Vocale Gent wird unter- die Vokalwerke von Johann Sebastian Bach stützt durch die Flämische Gemeinschaft, waren und bleiben ein Herzstück. die Provinz Ostflandern und die Stadt Gent. Von 2011 bis 2013 war das Ensemble Bot- schafter der Europäischen Union.

Collegium Vocale Gent, Foto: Michiel Hendryckx

28 29 BIOGRAFIE Philippe Herreweghe

Philippe Herreweghe wurde in Gent geboren Johann Sebastian Bach auf Europatournee. und kombinierte dort sein Universitätsstu- Im September 2021 folgt Philippe Herreweghe dium mit einer musikalischen Ausbildung mit Konzerten gemeinsam mit dem Orchestre am Konservatorium. Zur selben Zeit begann des Champs-Élysées und Collegium Vocale er zu dirigieren und gründete 1970 das Gent einer Wiedereinladung zum Musikfest Collegium Vocale Gent. Bremen. Nachdem er bereits 1996 sein Schon bald wurde Philippe Herreweghes Musikfest-Debüt mit dem Chor und Orchester lebendiger, authentischer und rhetorischer des Collegium Vocale Gent gab, wird er in Ansatz der Barockmusik gelobt. 1977 grün- 2021 mit dem Musikfest-Preis Bremen für dete er in Paris das Ensemble La Chapelle sein herausragendes künstlerisches Wirken Royale, mit dem er Musik des französischen geehrt. Goldenen Zeitalters zur Aufführung brachte. Er schuf verschiedene Ensembles, mit denen Wegen seiner konsequenten künstlerischen er eine adäquate und gründliche Lesart Vision und seines Engagements wurde eines Repertoires von der Renaissance bis Philippe Herreweghe verschiedentlich geehrt. zu zeitgenössischer Musik zu geben wusste. 1990 wählte ihn die europäische Musik- So war das Ensemble Vocal Européen auf Re- presse zur „Musikpersönlichkeit des Jahres.“ naissancepolyphonie spezialisiert und das Zusammen mit dem Collegium Vocale Gent 1991 gegründete Orchestre des Champs-Élysées wurde Philippe Herreweghe zum „Kultur- zur Interpretation des romantischen und botschafter Flanderns“ ernannt. Ein Jahr später vorromantischen Repertoires auf Original- wurde ihm der Orden des Officier des Arts et instrumenten. Lettres zuerkannt und 1997 erhielt er einen Zu den Höhepunkten der Saison 2021/22 Doktor honoris causa der Katholischen Univer- zählen Gastdirigate bei den Wiener Sym- sität Leuven. 2003 empfing er in Frankreich phonikern, dem Orchestra dell’Accademia den Titel des Chevalier de la Légion d’Honneur. Nazionale di Santa Cecilia, den Münchner Im Jahr 2010 verlieh die Stadt Leipzig Philharmonikern, der Sächsischen Staats- Philippe Herreweghe die Bach-Medaille für kapelle Dresden, dem Orchestre Philharmo- seine großen Verdienste als Bach-Interpret. nique de Radio France, dem Philharmonia 2017 erhielt Philippe Herreweghe die Ehren- Orchestra London sowie der Mahler Chamber doktorwürde der Universität Gent. Orchestra Academy. Des Weiteren wird Philippe Herreweghe im Mai 2022 anlässlich seines 75. Geburtstages gemeinsam mit dem Orchestre des Champs-Élysées Mahlers Das Lied von der Erde auf den Konzertbühnen Europas präsentieren. Zusammen mit dem Collegium Vocale Gent begibt er sich Philippe Herreweghe, Foto: Michiel Hendryckx unter anderem mit der Matthäus-Passion von

30 31 BIOGRAFIE Regula Mühlemann

Die Spielzeit 2020/21 birgt ein ganz besonde- der Leitung von Franz Welser-Möst. Sie gas- res Highlight für Regula Mühlemann: als Teil tierte als Gretel (Hänsel und Gretel) am Teatro des wiederbelebten Mozart Ensembles, für Regio in Turin, als Blonde (Entführung aus welches das Haus am Ring weltweit berühmt dem Serail) im Teatro San Carlo in Neapel und war, ist die junge Sopranistin gleich zweifach sang die Partie der Rosina in Mozarts La finta an der Wiener Staatsoper zu erleben: den semplice in der Queen Elisabeth Hall in London. Beginn macht die Partie der Blonde in einer Außerdem verkörperte sie u.a. Serpetta in Neuproduktion der Entführung aus dem Serail einer Neuproduktion in Mozarts Oper von Hans Neuenfels, gefolgt von Pamina La finta giardiniera an der Berliner Staatsoper, (Die Zauberflöte), mit der sie früher in der Spiel- den Isolier in Rossinis Le Comte Ory an der zeit am Theater Basel debütiert hatte. Die Seite von Cecilia Bartoli am Theater an der dritte Partie an der Wiener Staatsoper ist ihr Wien und die Susanna in Mozarts Le Nozze Rollendebüt als Adele, die sie auch in der di Figaro im Grand Théâtre de Genève sowie berühmten Silvestervorstellung von Strauß’ 2019 im Opernhaus Zürich. Regula Mühle- Die Fledermaus singt. Auch auf der Konzert- mann sang diverse Opernpartien auch bühne ist Regula Mühlemann eine gefragte in konzertanten Aufführungen. Zuletzt war Interpretin: so singt sie erneut im Rahmen dies die Susanna in semi-konzertanten der Mozartwoche Salzburg, diesmal mit Vorstellungen im Rahmen der Salzburger dem Chamber Orchestra of Europe unter der Mozartwoche unter der Leitung von András Leitung von Robin Ticciati Mozarts Exsultate Schiff. Sie war bereits in mehreren Filmen Jubilate, gefolgt von Konzerten mit dem zu sehen und widmet sich neben dem Balthasar-Neumann-Ensemble unter der Opernrepertoire auch dem Liedgesang Leitung von Thomas Hengelbrock in Spanien. und dem Konzertfach. Regula Mühlemann Weitere Konzerte und Liederabende führen ist Exklusivkünstlerin von Sony Classical. Regula Mühlemann ins Gewandhaus Leipzig Das in Kritiken hoch gelobte Debütalbum (Johannes Passion), in den Kammermusiksaal „Mozart Arias“ (2016) gewann den Preis der der Hamburger Elbphilharmonie, sowie Deutschen Schallplattenkritik (Bestenliste). für Liederabende mit dem Programm ihres Ihr zweites Album „Cleopatra“ (2017) erntete Albums Lieder der Heimat in verschiedene ebenfalls beste Besprechungen. 2018 erhielt Regula Mühlemann, Foto: Mischa Christen Schweizer Konzertsäle. Im Februar 2020 Regula Mühlemann den OPUS Klassik als gab Regula Mühlemann als Adina in Otto „Nachwuchskünstlerin des Jahres“. Schenks legendärerer Inszenierung von Im Herbst 2019 wurde ihr drittes Solo-Album Donizettis L’Elisir d’amore ihr Haus- und Rollen- „Lieder der Heimat“ mit einer Auswahl wun- debüt an der Wiener Staatsoper. In vergan- derbarer Lieder von Schubert und Schweizer genen Spielzeiten sang sie Juliette (Roméo Komponisten veröffentlicht. et Juliette) von Charles Gounod am Luzerner Regula Mühlemann wurde in Luzern geboren. Theater sowie die Partie des Echo (Ariadne auf Sie studierte an der dortigen Hochschule bei Naxos) am Mailänder Teatro alla Scala unter Prof. Barbara Locher.

32 33 BIOGRAFIE Sophie Harmsen

Sophie Harmsen ist als Kind deutscher Diplo- Currentzis, Pablo Heras-Casado) sind in- maten schon früh weit gereist und setzt das zwischen gleichsam in ihrer künstlerischen auch mit ihrem Werdegang als international Arbeit vertreten. Etliche ihrer CD-Einspie- erfolgreiche und renommierte Mezzosopra- lungen sind mit internationalen Preisen nistin fort. ausgezeichnet worden. Konzerte und Opernproduktionen er- Nach ihren Anfängen an der Cape Town möglichen es ihr, die schönsten Konzertsäle Opera mit Partien wie Hermia (Britten A und Opernhäuser der Welt zu erleben, wie Midsummer Night’s Dream), Graf Orlowsky zum Beispiel das Teatro Colón in Buenos (J. Strauss Die Fledermaus), Mercedes (Bizet Aires, das Teatro Real in Madrid, das Palau Carmen) und Cherubino (Mozart Le nozze de la Música in Barcelona, die Wigmore Hall di Figaro) erweiterte sie ihr Repertoire um in London, das Concertgebouw Amsterdam, Partien wie Annio (Mozart La clemenza di Tito) das Konzerthaus Wien, die Philharmonie de am Teatro Real Madrid, Dorabella (Mozart Paris, das Shanghai Grand Theatre und die Cosi fan tutte) an der Opéra de Dijon und Elbphilharmonie Hamburg. Opéra de Luxembourg, Stephano (Gounod Symphonieorchester wie das Gewand- Romeo et Juliette) am Tiroler Landestheater in hausorchester Leipzig, das SWR Symphonie- Innsbruck, Argene (Myslivecek L’Olimpiade) orchester, Royal Stockholm Philharmonic an den Opernhäusern in Prag, Caen und am Orchestra, Helsinki Philharmonic Orchestra, Theater an der Wien, bis hin zum Repertoire Rotterdams Philharmonisch Orkest, Orchestre von Richard Strauss (Der Komponist Ariadne National de France, musicAeterna, Konzert- auf Naxos). Ihre überzeugende und viel ge- hausorchester Berlin, Düsseldorfer Sym- lobte Darstellungskraft auf der Opernbühne phoniker, NDR Elbphilharmonie Orchester, konnte Sophie Harmsen mit Regisseur:innen Deutsches Symphonie-Orchester Berlin und wie Andreas Dresen, Abbas Kiarostami, Ursel das Freiburger Barockorchester laden sie und Karl-Ernst Herrmann, William Kentridge Sophie Harmsen, Foto: Tatjana Dachsel immer wieder gerne ein. und Robert Wilson vervollkommnen. In den letzten Jahren hat sie ihr Reper- Auf Festivals wie den Salzburger Festspielen, toire ständig erweitert. Nach vielen Konzer- der Mozartwoche Salzburg, dem Schleswig- ten, Solo-Abenden und CD Aufnahmen mit Holstein Musik Festival, dem Rheingau den renommiertesten Barockensembles Musikfestival, den Internationalen Händel- freut sie sich nun sehr, auch im romantischen festspielen Göttingen und Halle und dem Repertoire zu Hause zu sein. Konzerte und Bachfest Leipzig ist sie gern gesehener Gast. CD Aufnahmen mit Wagners Wesendonck Sophie Harmsen studierte an der Univer- Liedern (Kent Nagano), Mahlers Das Lied von sity of Cape Town und danach bei Prof. Dr. der Erde sowie die Rückert Lieder (Markus Stenz), Edith Wiens. Sie lebt heute mit ihrer Familie Dvoráks Requiem (Philippe Herreweghe) in Berlin. sowie Beethovens Missa Solemnis (Frieder Bernius, René Jacobs) und 9. Sinfonie (Theodor

34 35 BIOGRAFIE David Fischer

David Fischer debütierte im Februar 2021 Bisherige Engagements führten ihn unter am Salzburger Landestheater in der Rolle René Jacobs mit dem FBO auf Asien-Tournée des Tamino (Die Zauberflöte). (Don Giovanni), unter Sylvain Cambreling Seit der Spielzeit 2019/20 gehört er zum in die Berliner Philharmonie (Pulcinella), zum Ensemble der Deutschen Oper am Rhein, wo NDR Hannover (Johannes-Passion, Andrew er in der vergangenen Saison u.a. als Tybalt Manze), in den Kunstpalast Budapest (Ádám in Roméo et Juliette und Dritter Jude in der Fischer, Die Schöpfung) und mit Frieder Bernius Salome auftrat. In der laufenden Spielzeit auf Deutschland-Tournée (Die erste Walpurgis- wird er vorerst als Harlekin im Kaiser von nacht). Aus dieser Produktion entstand eine Atlantis und Junger Seemann in Tristan und bei Carus erschienene Einspielung. Isolde zu sehen sein. Einen Auftritt als Eine Europa-Tournée mit der Schöpfung Tamino und Alfred (Die Fledermaus) verhin- unter Philippe Herreweghe, Die Jahreszeiten derte die aktuelle Corona-Pandemie. mit Ádám Fischer in der Tonhalle Düsseldorf, Vor seinem Engagement in Düsseldorf die Matthäus-Passion mit dem Windsbacher sang David Fischer zwei Jahre lang im Knabenchor und in St. Michaelis Hamburg, Ensemble der Oper Bonn, u.a. die Rollen des Pulcinella in der Concert Hall Warschau – all Jaquino (Fidelio), Horace Adams (Peter Grimes), diese Konzerte konnten aufgrund der Corona- Remendado (Carmen), Pang (Turandot) und Pandemie nicht stattfinden. viele mehr. Außerdem ist er regelmäßiger Gast am Leipziger Opernhaus. Eine enge Zusammenarbeit pflegt David Im Konzertbereich kommt auf David Fischer mit seiner finnischen Lied-Partnerin Fischer in der Saison 2020/21 unter anderem Pauliina Tukiainen, mit der er Liederabende eine Europa-Tournée mit René Jacobs beim Schweizer Festival classique des Haudères, (Orpheus, Telemann) und eine weitere mit in Genf und beim Bonner Schumannfest gab. Philippe Herreweghe (Missa in C, Mozart) zu.

David Fischer, Foto: Moritz Fischer

36 37 BIOGRAFIE Krešimir Stražanac

Der kroatische Bassbariton wurde nach dem In der Saison 2022/2023 gibt er sein Debüt Studium zum festen Ensemblemitglied des mit den Berliner Philharmonikern unter Opernhauses Zürich, wo er unter anderem als der Leitung von Kirill Petrenko. Er trat bei Baron Tusenbach (Eötvös „Drei Schwestern“), den Salzburger Festspielen, im Wiener Ping („Turandot“) und Harlekin („Ariadne Musikverein, dem Londoner Barbican Center, auf Naxos“) unter der Leitung von Nello dem Suntory Hall und Muza Kawasaki Hall Santi, Peter Schneider, Franz Welser-Möst, in Tokyo, der Berliner Philharmonie, der Bernard Haitink und Placido Domingo, zu Victoria Hall Singapore, dem Pariser Audito- sehen war. rium, dem Festspielhaus Baden-Baden, dem 2017 debütierte er an der Bayerischen Auditorio Nacional de Música Madrid und Staatsoper in Giordanos „Andrea Chénier“, dem Leipziger Gewandhaus auf. wo er wiederholt im Jahr 2019 auftrat. 2018 Sehr bedeutend für seinen musikalischen war er als Baron Tusenbach an der Oper Werdegang ist die Zusammenarbeit mit dem Frankfurt zu sehen. 2019 sang er u.a. die Dirigenten Philippe Herreweghe; er singt Partie des Frank (Die Fledermaus) mit den mit ihm und seinen Ensembles regelmäßig Bamberger Symphonikern. In der Saison als Bass-Solist in Bachs Passionen, der h-moll 2021/2022 wird er als Orpheus (Telemanns Messe, Brahms „Vier ernsten Gesängen“, „Orpheus“) mit dem B’Rock Orchester unter dem Requiem, Schumanns Paradies und die der Leitung von René Jacobs, als Ambrosio Peri, Dvoráks Requiem, den Messen von in Carl Maria von Webers „Die drei Pintos“ Schubert, Beethovens 9. Sinfonie und vielen mit dem Gewandhausorchester unter der anderen Werken. Leitung von Omer Meir Wellber und als St. Peter in Carl Orffs „Der Mond“ unter der Darüber hinaus arbeitet er regelmäßig im Leitung von Hans-Christoph Rademann Barockfach und widmet sich besonders gerne auftreten. dem Kunstlied. In Zusammenarbeit mit Als Konzertsolist trat Krešimir Stražanac renommierten Ensembles und Orchestern Krešimir Stražanac, Foto: Patrick Vogel mit Orchestern, wie dem Sinfonieorchester sind zahlreiche CD- und DVD-Produktionen des Bayerischen Rundfunks, Royal Concert- erschienen. gebouworchestra Amsterdam, Sächsische Staatskapelle Dresden, WDR-, mdr- und hr-Sinfonieorchester, Gewandhausorchester Leipzig, Tokyo und Singapore Symphony Orchestra und Dirigenten wie Herbert Blomstedt, Manfred Honeck, Jukka-Pekka Saraste und Jonathan Nott, in vielen be- deutenden Werken von der Klassik bis zur zeitgenössischen Musik, auf.

38 39 So wie die Musik ist die Sprache ein Geschenk.

Sie ist dazu da, die Menschen einander näherzubringen.

ANDRÉS OROZCO-ESTRADA

40 41 3. MEISTERKONZERT Wiener Symphoniker Andrés Orozco-Estrada – Leitung

Anton Sorokow – Violine Christoph Stradner – Violoncello Paul Kaiser – Oboe Patrick de Ritis – Fagott

Freitag, Erich Wolfgang Korngold (1897 – 1957) Der Markt von Limoges 21. Januar 2022 Märchenbilder op. 3 Catacombae. Sepulchrum Romanum Cum mortuis in lingua mortua 18.45 Uhr Die verzauberte Prinzessin (Gemäßigt) Die Hütte der Baba Yaga Konzerteinführung Rübezahl (Immer leicht und rasch, doch nicht zu schnell) Das große Tor von Kiew im Saal Bodensee Wichtelmännlein (Rasch dahinhuschend, aber deutlich) Ball beim Märchenkönig (Anschmiegsames Walzerzeitmaß) 19.30 Uhr Das tapfere Schneiderlein (Andantino amabile) Zwei „Bilderzyklen“ umrahmen eine klassische Sympho- Großer Saal Das Märchen spricht den Epilog (Getragen, doch nicht zu nie, die zugleich ein Konzertstück für vier Solisten ist. langsam) Der junge Erich Wolfgang Korngold ließ sich von Märchen inspirieren, Modest Mussorgski von Bildern seines verstorbenen Freundes. Eine Verbindung zwischen diesen Joseph Haydn (1732 – 1809) beiden Werken zu Haydns Sinfonia Concertante zu Sinfonia Concertante für Violine, Violoncello, Oboe, finden, fällt schwer. Für die Konzertmeister und Stimm- Fagott und Orchester, B-Dur Hob.I: 105 führer der Wiener Symphoniker aber ergibt sich die Ge- legenheit, auf besondere Weise mit ihren Kolleg:innen Allegro zu kommunizieren. Andante Allegro con spirito

Modest Mussorgski (1839 – 1881) Bilder einer Ausstellung Instrumentation von Maurice Ravel

Promenade Gnomus Promenade Das alte Schloss Promenade Tuilerien Bydlo Promenade Ballett der Küken in ihren Eierschalen Samuel Goldenberg und Schmuyle

42 43 PROGRAMM PROGRAMM Erich Wolfgang Korngold Märchenbilder

Musikalisches Wunderkind, Opernkomponist, „Der Schneemann“ wurde 1910 an der Wiener Die Märchenbilder op. 3 komponierte Korn- preisgekrönter Filmmusikkomponist in Hofoper uraufgeführt, danach trat er mit gold im Jahr 1911, zunächst als Klavierstücke. Hollywood, nach dem Krieg mit der Rück- Klavierwerken und kleineren Orchester- In der Klavierfassung sind es sieben Sätze, kehr zur absoluten Musik aus der Zeit ge- stücken hervor. Mit seinen Opern hatte er vom zweiten Satz „Die Prinzessin auf der fallen, bei seinem Tod im Alter von 60 Jahren großen Erfolg – man muss sich vor Augen Erbse“ sind die Noten zur Orchesterfassung fast vergessen: Erich Wolfgang Korngold, der halten, dass Korngold bei der Komposition verschollen. Schon im Notenbild der Klavier- 1897 in Brünn geborene Komponist, scheint von „Die tote Stadt“ auch erst 23 Jahre alt fassung fallen die reiche Harmonik und mehrere Leben gelebt zu haben. Heute er- war –, in den 1920er Jahren war er neben Chromatik in einem vollgriffigen Satz auf. leben seine Oper „Die tote Stadt“, ein Psycho- Richard Strauss der meistgespielte Opern- In der Instrumentation für großes Orchester krimi mit dem berühmten Lied der Marietta komponist im deutschsprachigen Raum. mit einer großen Bläsergruppe und reich- („Glück, das mir verblieb“), und das Violin- Noch in Europa arbeitete Korngold mit haltigem Schlagwerk werden die Charaktere konzert eine Art Renaissance, auch Kammer- dem Regisseur Max Reinhardt zusammen, und Stimmungen der einzelnen Märchen musikwerke und Orchesterstücke werden 1934 folgte er ihm nach Hollywood und sehr farbig und bildhaft herausgearbeitet. aufgeführt und neu eingespielt. Mit den schuf für dessen Film „A Midsummer Night’s Hier hat der junge Komponist sicher Hilfe- „Märchenbildern“ op. 3 stellen die Wiener Dream“ eine Bearbeitung von Mendelssohns stellung von seinem Lehrer Alexander von Symphoniker ein Werk des 14-jährigen bekannter Schauspielmusik, in die weitere Zemlinsky bekommen. In manchem, etwa Wunderkinds vor, das am 27. Juni 1911 von Werke von Mendelssohn einflossen. Korngold in den flink bewegten Schilderungen der der Kurkapelle in Karlsbad uraufgeführt blieb in Kalifornien, holte nach dem Heinzelmännchen, werden vielleicht einige wurde. „Anschluss“ seine Familie nach Amerika und an die „Bilder einer Ausstellung“ denken, Erich Wolfgang Korngold war der Sohn arbeitete bis 1946 für die Warner Brothers. die heute als letztes Werk erklingen – Ravel von Julius Korngold, dem gefürchteten Zu neunzehn Filmen (für die Filmmusik zu schuf seine Orchesterfassung aber erst elf Wiener Musikkritiker, der jede musikalische „The Adventures of Robin Hood“ erhielt er Jahre später. Korngold stellte den einzelnen Moderne etwa der zweiten Wiener Schule einen „Oscar“) schuf er die Musik, mit seinen Sätzen kurze Gedichtzeilen zur Einstimmung um Arnold Schönberg ablehnte und mit groß besetzten Orchesterpartituren wurde voran, bei den Hörerinnen und Hörern wer- dieser Haltung auch das kompositorische er stilbildend für die ganze Branche, was den sich sicherlich zahlreiche Assoziationen Schaffen seines Sohns prägte. Der hoch- bis heute anhält. Als er nach dem Ende des zu den Märchenszenen einstellen. musikalische Junge lernte früh Klavier und zweiten Weltkriegs nach Europa und zur schuf im Kindesalter erste Kompositionen. klassischen Orchestermusik zurückkehrte – Er erhielt Unterricht bei Robert Fuchs und unter anderem entstanden sein Violinkonzert, Alexander von Zemlinsky, Gustav Mahler das Violoncellokonzert und seine einzige setzte sich für ihn ein. Der Einfluss des Symphonie – hatte sich nicht nur die Musik- Vaters auf diese berühmten Zeitgenossen welt verändert, seine Werke in der üppigen Korn und Förderer dürfte nicht gering gewesen spätromantischen Orchestersprache kamen sein, doch zeigen die Partituren schon des bei der Kritik nicht mehr gut an. Ein Schick- jungen Komponisten seinen Sinn für Klang- sal, das er mit anderen Komponisten wie farben, Charakterzeichnung und spätroman- Walter Braunfels teilte. tische Harmonik. Seine im Alter von 11 Jahren komponierte Ballettpantomime gold

44 45 PROGRAMM PROGRAMM Joseph Haydn Sinfonia Concertante

Während seiner langen Jahre im Dienste des Zeit, schuf, noch weiter: hier erntet er die handelte: Während Haydn für Johann Peter So schrieb Haydn in einem Brief: „ … allein, Fürsten Esterházy hatte Haydn gleichsam Früchte seiner drei Jahrzehnte dauernden Salomon arbeitete, hatte das Konkurrenz- mir scheint, es wird bald Allianz werden, unbehelligt von der musikalischen Welt Beschäftigung mit der Gattung Symphonie. unternehmen „Professsional concerts“ weil mein credit zu fest gebaut ist. Pleyel seinen eigenen, manchmal kantigen, oft Konzentriert, abgeklärt, heiter und mit HaydnsHay ehemaligen Schüler Ignaz Pleyel zeugte sich bei seiner ankunft gegen mich humoristischen Stil entwickelt: „Mein Fürst sicherer Hand gesetzt, bildet sich ein klarer verpflichtet, der eine Sinfonia Concertante so bescheiden, daß er neuerdings meine war mit allen meinen Arbeiten zufrieden, musikalischer Satz heraus. für sechs Soloinstrumente und Orchester zur liebe gewann, wür werden unseren Ruhm ich erhielt Beifall, ich konnte als Chef eines Nach seinem Weggang vom ungarischen Uraufführung brachte. In Paris, wo Pleyel gleich theillen und jeder vergnügt nach Orchesters Versuche machen, beobachten, Fürstenhof Esterháza – der Sohn des Fürsten lebte (nach ihm ist ein berühmter Konzert- hause gehen.“ was den Eindruck verstärkt, und was ihn Nikolaus hatte keinerlei Interesse für die saal benannt), waren solche Konzerte, in schwächt, also verbessern, zusetzen, weg- Musik und löste die Hofkapelle auf – in die denen Solisten aus dem Kreis des Orchesters schneiden, wagen; ich war von der Welt ab- Kulturmetropole Wien standen Haydn dort hervortreten dürfen, sehr beliebt. Haydn gesondert. Niemand in meiner Nähe konnte viele Möglichkeiten offen: Ein besonders komponierte also binnen kurzem eine Art mich an mir selbst irre machen und quälen, attraktives Angebot kam aus London: der Gegenstück zu Pleyels Sinfonia Concertante und so mußte ich original werden.“ An die deutschstämmige Geiger und Konzertunter- und rückte außerdem den Veranstalter neunzig Symphonien hatte er in diesen Jah- nehmer Johann Peter Salomon lud ihn für Salomon mit einem anspruchsvollen Violin- ren geschaffen, viele davon von besonderem eine Reihe von Konzerten und Auftragskom- solo ins rechte Licht. Charakter und einzigartig in der komposito- positionen nach England ein, wo sich schon Haydn gelingt es mit diesem Werk, die rischen Ausformung. Schon in den „Pariser damals ein äußerst lebendiges Musikleben Formen des älteren Concerto grosso, des Symphonien“ (Nr. 82 – 87, entstanden 1785/86 herausgebildet hatte. Haydn wurde dazu ver- modernen Instrumentalkonzerts und der für die Concerts de la Loge Olympique) hatte pflichtet, zu auch finanziell sehr günstigen Symphonie miteinander zu verschmelzen. er seine Kompositionstechnik so verfeinert, Bedingungen für jedes Konzert der Salomon- Im ersten Satz z.B. wächst das Soloquartett dass ein zeitgenössischer Kritiker schrieb: Reihe – immerhin jeden Freitag – ein neues so zusagen aus dem Orchester-Tutti heraus, „Mit jedem Tag wächst das Verständnis und Werk zu schreiben, einzustudieren und zu die ausgeschriebene Kadenz arbeitet die dn damit die Bewunderung für die Werke dieses leiten: Mit Kammermusik, Vokalmusik und Charaktere der Instrumente wunderbar her- großen Genies. Wie gut versteht er sich auch den ersten sechs der „12 Londoner aus. Im zweiten Satz sind die vier Solisten in darauf, einem einzigen Thema die reichsten Symphonien“ stand Haydn im Mittelpunkt einem Kammermusikensemble verbunden, und verschiedenartigsten Entwicklungen der Konzertsaison 1791/92. Vom Erlös der die Orchesterbegleitung ist äußerst sparsam. abzugewinnen, im Gegensatz zu den sterilen erfolgreichen, aber auch an die Grenze der Im abschließenden Rondo führt die Solo- Komponisten, die dauernd von einem Thema Belastbarkeit gehenden Konzerte konnte er violine den Reigen an, sie gebärdet sich mit zum andern übergehen, weil sie nicht sich ein Haus in Wien kaufen, folgte aber einem ausdrucksvollen Rezitativ und virtuo- imstande sind, einen Gedanken in variierter einer neuerlichen Einladung Salomons für sen Passagen wie ein Opernsänger, der seinen Gestalt darzustellen und deshalb mecha- die Saison 1794/95 gerne. Kolleginnen und Kollegen imponieren will. nisch und geschmacklos Effekte ohne inne- Auch die Sinfonia Concertante mit der In diesem Abschlusssatz kommt auch wieder ren Zusammenhang anhäufen.“ Den hier außergewöhnlichen Besetzung für vier Haydns kompositorischer Witz in Form von eingeschlagenen Weg ging Haydn mit seinen Soloinstrumente und Orchester entstand im überraschenden Wendungen und Modulatio- insgesamt zwölf Londoner Symphonien, die Jahr 1792 in London. Der Anlass wirft ein nen zum Tragen. Pleyel und Haydn verstan- er nach dem Tod seines Fürsten, gefeiert als Licht darauf, wie man seinerzeit nach dem den sich übrigens hervorragend, trafen sich einer der bedeutendsten Komponisten seiner Motto „Konkurrenz belebt das Geschäft“ in London öfters zum Essen:

46 47 PROGRAMM PROGRAMM Modest Mussorgski Bilder einer Ausstellung

In der Nachfolge Michail Glinkas fanden sich folgenden Jahres eine Gedenkausstellung gewohnten Alltagsgang, dann werden die der Wagen dem Blick des Betrachters und in den späten 1850er Jahren fünf Musiker mit ca. vierhundert Werken ein: Reiseskizzen, Schritte eiliger und damit unregelmäßiger dem Ohr des Hörers. Überrascht wendet er zusammen, die zum Teil auch anderen, Architektur- und Kostümentwürfe, auch und unkontrollierter, bis die letzten Takte sich dem nächsten Bild zu. bürgerlichen Berufen nachgingen: Kopf kunsthandwerkliche Arbeiten waren hier einen grotesken Schlusslauf bringen. Promenade 4: Sie setzt mitten im Thema der Gruppe mit dem Namen „Das Mächtige vereint. Tief bewegt von der Ausstellung Promenade 2: verkürztes Motiv, die ein: Dessen Intervallfolge ist außerdem Häuflein“ war der Pianist und Dirigent komponierte Mussorgski in den Sommer- Anweisung „con delicatezza“ bereitet auf verfremdet und nimmt das parodistische Mili Balakirew, die heute wohl bekanntesten monaten des Jahres 1874 seine Suite nach die melancholische Stimmung des zweiten Element der folgenden Bilder vorweg. Mitglieder waren Modest Mussorgski und zehn „Bildern einer Ausstellung“ und voll- Bildes vor. Bild 5: Ballett der Küken in ihren Eier- Alexander Borodin. endete sie genau ein Jahr nach dem Tod Bild 2: „Il vecchio castello“ – Das alte schalen. Ein kleines Bild Hartmanns für die Grundlage einer nationalen russischen des Malerfreundes. Der ersten gedruckten Schloss: „Ein mittelalterliches Schloss, vor Inszenierung einer malerischen Szene in Schule (im Gegensatz zum „akademisch“ Notenausgabe waren Bildbeschreibungen dem ein singender Troubadour steht.“ In dem Ballett „Trilbi.“ Federleichte, zierlich ausgerichteten Peter I. Tschaikowski) sollte von Stassov beigefügt, die die Hörer:innen Instrumentalbegleitung und Liedmelodie trippelnde, fröhliche Bewegung, Staccato- ausschließlich die Volksmusik sein, musik- auch heute auf dem Weg durch die tönende deutet der Komponist eher russisches als und Vorschlagsfiguren, die jeweils von theoretische Grundlagen und kompositorische Ausstellung begleiten sollen und vielleicht südländisches Kolorit an. Ein Sänger begleitet einem Ton aufgefangen werden. Dazwischen Schulung wurden ausgeklammert. Zu den oft Gehörtes neu beleuchten können. sich scheinbar in mehreren Liedstrophen ein gleichmäßig gebauter „Trio“-Satz. Freunden des Komponistenkreises zählten Eine Promenade leitet den Zyklus ein selbst auf einem Instrument, sein Liebes- Bild 6: Samuel Goldenberg und Schmuyle: auch zahlreiche Maler, Architekten und und gliedert ihn mehrfach: Mussorgski zeigt werben findet in der dritten Strophe seinen „Zwei polnische Juden, der eine reich, der Literaten: Schöpferische Tätigkeit bedeutete sich selbst in der Rolle des Betrachters, wie Höhepunkt. andere arm.“ Diese beiden Bilder Hartmanns für sie alle „Übersetzung der Ereignisse aus er „hin und her geht, manchmal stehen Promenade 3: Wiederum verkürzt: wie waren im Besitz Mussorgskis. In der Kom- der Sprache des Lebens in die Sprache der bleibt, dann rasch weitergeht, um näher in der russischen Chormusik wechseln sich position strebte er die „künstlerische Wieder- Malerei, Bildhauerei, Musik oder Dichtung“. an ein Bild heranzutreten. Manchmal stockt zwei „Gruppen“ in hoher und tiefer Lage ab. gabe der menschlichen Redeweise in allen Für Mussorgski hieß das zum Beispiel, mit sein Gang – er denkt voll Trauer an den toten Bild 3: Les Tuileries: „Streit der Kinder ihren feinsten Biegungen“ an. Die Unterhal- den Mitteln der Musik unmittelbare Wahr- Freund.“ Die Melodie verwendet alle cha- nach dem Spiel. Ein Spaziergang im Garten tung der beiden Figuren wird uns geradezu haftigkeit des Ausdrucks zu erzielen. Immer rakteristischen Elemente eines russischen der Tuilerien mit einer Gruppe von Kindern plastisch vorgeführt: Der Reiche „spricht“ wieder ließ er sich in seinen Liedern, den Kirchenlieds und orientiert sich an der und Nurses.“ Mussorgski fängt wieder die ruhig, selbstbewusst, in normaler Tonlage „Bildern einer Ausstellung“ oder in seinen Sprachmelodik. In den folgenden Varianten Bewegung der Kinder ein: Hüpfen, Springen, und mit Pausen, bestimmt und energisch. Opern „Boris Godunow“ und „Chowanscht- der Promenade spiegelt sich die Reaktion Laufen, dazu die rufende, neckende Ganz anders der arme Jude: keifend, zeternd, schina“ von Bildhaftem, von Wort und der Betrachter:innen auf die Bilder und die Kinderliedmelodik, die an den Liederzyklus unruhig, aufgeregt, sich zwanghaft wieder- Szene anregen. Erinnerung an den Künstler. „Kinderstube“ erinnert: Die begleitenden holend, versucht er, zu Wort zu kommen, Zum engen Kreis der Künstlergruppe und Bild 1: „Gnomus“: „Die Zeichnung stellt Kindermädchen versuchen in einer Espressivo- bis der Reiche der Diskussion ein knappes zu den Freunden Mussorgskis gehörten auch einen kleinen Zwerg dar, der linkisch auf Melodie, den Streit zu schlichten. Ende setzt. der Kunstkritiker Vladimir Stassov und der missgestalteten Beinen einher geht.“ Die Bild 4: Bydlo: „Ein polnischer Wagen Promenade 5 bringt eine Wiederholung Maler und Architekt Viktor Hartmann, beide Musik fängt die hinkende stolpernde Bewe- mit riesigen Rädern, von Ochsen gezogen.“ der ersten Promenade mit wenigen Verände- sind eng mit Mussorgskis musikalischem gung ein, die sich gleichsam auf einem lang Das monotone Rollen der Räder spiegelt sich rungen. Bilderzyklus verbunden: Erst 39-jährig, ausgehaltenen Ton „fängt“. Synkopierende in einer gleichförmigen Figur in der Unter- Bild 7: Der Marktplatz von Limoges. war Viktor Hartmann am 23.7.1873 einem Akkorde zeichnen eine grotesk verfremdete stimme, darüber breitet sich eine dreiteilige „Französische Frauen, heftig streitend auf Herzanfall erlegen. Zu Ehren des Freundes Kadenz nach, auch die Promenade erklingt Melodie aus, die vielleicht dem Wagenlenker dem Marktplatz.“ Wie im vorherigen Bild richtete Vladimir Stassov im Frühjahr des parodiert. Der Zwerg läuft zunächst in seinem zuzuordnen ist. Schließlich entschwindet führt uns Mussorgski in verblüffender Weise

48 49 PROGRAMM PROGRAMM

seine Kunst der musikalisch charakterisie- eines slawischen Helms.“ Das Promenaden- renden „Rhetorik“ vor, um das geschwätzige thema wird hier überhöht und harmonisch Durcheinanderreden der Frauen nachzu- ausgeweitet. Eine slawische Choralmelodie zeichnen. und mächtiges Glockengeläute beschwören Bild 8: Catacombae wird mit der anschlie- ein groß angelegtes Opernfinale herauf, ßenden Promenadenvariation „Cum mortuis das der großen Krönungsszene aus „Boris in lingua mortua“ zur erschütternden Zwie- Godunow“ (die Oper war wenige Monate sprache des Musikers mit dem toten Maler. zuvor, im Februar 1874, uraufgeführt worden) Mus Es zeigt das „Innere der Katakomben in Paris sehr nahe ist. In diesem Schlussbild bündelt mit den Gestalten Hartmanns, des Architekten Mussorgski alle russischen Elemente Kennel und des Wächters, der eine Lampe seiner Musik. in der Hand hält.“ „Der schöpferische Geist des dahingegangenen Hartmann führt mich Der Klavierzyklus „Bilder einer Ausstellung“ zu den Totenschädeln und redet sie an – ein wurde viele Male bearbeitet und zum Teil bleiches Licht strahlt vom Innern der Schädel kurios für allerlei Besetzungen instrumen- aus“, musikalisch in ein flirrendes, über- tiert – am Bekanntesten ist wahrscheinlich die irdisches Licht getaucht. Orchesterfassung von Ravel. In Mussorgskis In den beiden letzten Bildern dringt der ursprünglicher Klavierversion kommt die Komponist tief in die russische Volksseele Transparenz und Farbigkeit des Satzes besser sorgski ein: Bild 9: Die Hütte der Baba Yaga: „Hart- zur Geltung. Zweifellos aber ist Maurice manns Zeichnung stellt eine Uhr dar, in Ravel eine fulminante Orchesterbearbeitung der Form von Baba Yagas Hütte auf Hühner- mit vielen Farben und Effekten gelungen. krallen.“ Mussorgski fügte den Hexenritt der Er schuf sie im Jahr 1922 auf Anregung Baba Yaga auf ihrem Mörser hinzu. Wieder des Dirigenten Serge Kussewitzky. Hervor- ist der Komponist von der Bewegung und zuheben sind der Einsatz des Altsaxophons dem wilden, erbarmungslosen Ritt der für das Liebeslied des Troubadours in russischen Hexe fasziniert. Was im „Ballett „Das alte Schloss“, das Solo der Tuba für die der Küken“ angedeutet und in spielerischer Darstellung des Ochsenkarrens in „Bydlo“ Leichtigkeit vorgebracht wurde, wendet sich oder die unheimlichen Blechbläserklänge nun in den Ausdruck der Kraft und Energie. in den „Katakomben“. Vierzig Jahre nach Im tremolierenden Mittelteil scheint die Mussorgskis Tod aber hatten sich die Musik- Hexe Atem zu holen, bevor sie sich erneut sprache und der Umgang mit dem Orchester dem Taumel ihres Ritts hingibt. Er geht freilich verändert. direkt in das großartige Schlussbild über. Bild 10: Das große Tor von Kiew: „Hart- manns Zeichnung stellte seinen Entwurf für ein Tor der Stadt Kiew im massiven alt- russischen Stil dar, mit einer Kuppel in Form

50 51 BIOGRAFIE Wiener Symphoniker

Seit mehr als 120 Jahren prägen die Wiener Hans Swarowsky, Herbert von Karajan, Symphoniker die Geschichte der Klassik- Wolfgang Sawallisch und Georges Prêtre) metropole Wien und verknüpfen dabei Ver- finden sich zahlreiche Visionäre, die die gangenheit, Gegenwart und Zukunft. Mit Zukunft der globalen Klassikszene nach- Chefdirigent Andrés Orozco-Estrada leitet haltig prägten. ein langjähriger Wahl-Wiener seit 2020 die Mit den sogenannten „volksthümlichen Geschicke des Ensembles. Concerten“ im Wiener Volksgarten und den legendären Arbeiter-Symphoniekonzerten Die Geburtsstunde der Wiener Symphoniker sorgten die Symphoniker von Beginn an im Jahr 1900 erklärt sich aus dem Kontext dafür, dass klassische Musik nicht länger der Wiener Moderne, die den Herausforde- einer schmalen Elite vorenthalten blieb. rungen des 20. Jahrhunderts visionär entge- Heute konzertiert das Orchester im Rahmen gentrat. So waren die Wiener Symphoniker der Grätzl-Konzerte an ungewöhnlichen auch das erste Orchester Wiens, das alle Orten in allen Wiener Gemeindebezirken. Symphonien Beethovens in einem Zyklus Auch in der Saison 2021 – 22 erschließen präsentierte. die Wiener Symphoniker neue Spielstätten Der Pioniergeist der Wiener Symphoniker in der Stadt: So wird das Wiener Traditionsor- offenbart sich auch in ihren Uraufführungs- chester erstmals im Volkstheater zu erleben Orchestern: Meilensteine der Musikgeschichte sein und bei einer neu ins Leben gerufenen wie Anton Bruckners Neunte Symphonie, Kammermusik-Reihe im Kunsthistorischen Arnold Schönbergs Gurre-Lieder, Maurice Museum Wien tritt die Musik in Dialog mit Ravels Konzert für die linke Hand und Franz ausgewählten Exponaten. Seit 2013 gestalten Schmidts Das Buch mit sieben Siegeln wurden die Symphoniker außerdem das „Fest der erstmals von den Symphonikern aufgeführt. Freude“ am Wiener Heldenplatz, und seit Es waren Konzerte, die den Weg für voll- 2017 sind sie bei der Sommer-Eröffnung im kommen neue Klangwelten ebneten und MuseumsQuartier live zu erleben. Im Sommer diese der breiten Masse zugänglich machten. 2022 kommt erstmals auch ein Freiluft- Bis heute legen die Wiener Symphoniker Konzert im Wiener Prater dazu. großen Wert auf die Zusammenarbeit mit zeitgenössischen Komponist:innen wie Als Orchestra in Residence der Bregenzer Olga Neuwirth, Wolfgang Rihm, HK Gruber, Festspiele begeistern die Wiener Symphoniker Thomas Larcher, Johanns Maria Staud, seit vielen Jahrzehnten zudem ein bunt ge- Michael Jarrell, Guillaume Connesson, Dieter mischtes Opernpublikum. Ammann oder Jörg Widman und gehören damit zu den wichtigen Antriebskräften der Musik der Gegenwart im In- und Ausland. Unter den Chefdirigenten der vergangenen 120 Jahre (u.a. Wilhelm Furtwängler, Wiener Symphoniker, Foto: Peter Rigaud

52 53 BIOGRAFIE Andrés Orozco-Estrada

Energie, Eleganz und Esprit – das ist es, was 2019 ging er mit den Filarmónica Joven de den Chefdirigenten der Wiener Symphoniker Colombia, deren Chefdirigent er seit 2021 Andrés Orozco-Estrada als Musiker besonders ist, auf Europatournee. Seit November 2018 auszeichnet. Seit der Spielzeit 2020 – 21 ist Andrés Orozco-Estrada außerdem Chef- leitet er die künstlerischen Geschicke des dirigent des Freixenet Symphony Orchestra Orchesters. Zusätzlich ist er seit der Spielzeit der Reina Sofía School of Music in Madrid, 2014 – 15 Chefdirigent des hr-Sinfonie- Spanien. orchesters Frankfurt und Music Director des Große Aufmerksamkeit finden seine Houston Symphony Orchestra. CD-Veröffentlichungen bei Pentatone: Mit dem hr-Sinfonieorchester Frankfurt legte er Andrés Orozco-Estrada dirigiert regelmäßig Aufnahmen von Strawinskis Feuervogel und die führenden Orchester Europas, darunter Sacre du Printemps vor, die von der Kritik als die Wiener Symphoniker, die Wiener Philhar- „betörend“ (Gramophone) gelobt wurden. moniker, die Berliner Philharmoniker, die Ebenfalls großen Erfolges erfreuen sich die Sächsische Staatskapelle Dresden, das Ge- Konzertaufnahmen von Richard Strauss’ wandhausorchester Leipzig, das Koninklijk Opern Salome und Elektra. Mit dem Houston Concertgebouw-Orkest, das Orchestra Symphony Orchestra spielte er einen dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia Dvorák-Zyklus ein – laut Pizzicato ein „vitaler und das Orchestre National de France, Dvorák mit warmen Farben“. Außerdem ebenso wie bedeutende US-amerikanische liegen mit ihm sämtliche Brahms- und Orchester, wie das Chicago Symphony und Mendelssohn-Symphonien auf Tonträger vor. das Philadelphia Orchestra. An der Berliner In Medellín (Kolumbien) geboren, be- Staatsoper und bei den Salzburger Fest- gann Andrés Orozco-Estrada seine musika- spielen leitete er erfolgreiche Konzerte und lische Ausbildung mit dem Violinspiel. Als Opernaufführungen. 15-Jähriger erhielt er seinen ersten Dirigier- Orozco-Estrada engagiert sich besonders unterricht. 1997 ging er zum Studium nach für Uraufführungen junger Komponist:innen Wien, wo er an der renommierten Hoch- und neue Konzert- und Vermittlungsformate. schule für Musik und Darstellende Kunst in Bei seinen partizipativen „Hauskonzerten“ die Dirigierklasse von Uroš Lajovic, einem ist das Publikum eingeladen, in der intimen Schüler des legendären Hans Swarowsky, Atmosphäre eines Gesprächkonzerts bei lau- aufgenommen wurde. Orozco-Estrada lebt fendem Motor einen Blick in den Orchester- in Wien. Andrés Orozco-Estrada, Foto: Peter Rigaud apparat zu werfen. Die Arbeit mit dem musikalischen Nachwuchs liegt ihm besonders am Herzen, wovon auch der neue Nachwuchs- preis der Wiener Symphoniker zur Förderung junger Talente zwischen 14 und 19 Jahren „WSY-Talent“ zeugt.

54 55 BIOGRAFIE Anton Sorokow

Seit 2005 ist Anton Sorokow Erster Konzert- Von 2008 bis 2011 unterrichtete er am Kon- meister der Wiener Symphoniker. Anton servatorium Wien – Privatuniversität; seit Sorokow wurde 1978 als Sohn einer Musiker- 2011 ist er Universitätsprofessor an der Uni- familie in Moskau geboren. Er erhielt seinen versität für Musik und darstellende Kunst ersten Violinunterricht im Alter von vier in Wien. Seit 2013 ist er auch Gastprofessor Jahren bei seiner Mutter. 1991 übersiedelte an der Mailänder Bicocca Universität sowie er nach Wien und nahm 1996 die österreichi- Mitgründer des Eisenstädter Osterseminars sche Staatsbürgerschaft an. und Meisterkursen in Sozopol, Bulgarien. Sein 1991 an der Universität für Musik Außerdem wurde er in die Jurys mehrerer und darstellende Kunst Wien fortgesetztes internationaler Wettbewerbe berufen und Studium bei Prof. Dora Schwarzberg schloss zu zahlreichen Meisterkursen im In- und er im März 2004 mit Auszeichnung ab. Ausland eingeladen. Anton Sorokow konzertiert regelmäßig mit renommierten Orchestern wie den Anton Sorokow spielt auf einer Violine Wiener Symphonikern, Berliner Symphonikern, von Giuseppe Guarneri del Gesù, Cremona Nürnberger Philharmonikern, Nürnberger 1741, mit dem Beinamen „Ex Carrodus“ Symphonikern, Sung-nam Philharmonikern, aus der Sammlung der Oesterreichischen Janàcek Philharmonie Ostrava, der Bayeri- Nationalbank. schen Kammerphilharmonie, dem Wiener Concert-Verein, dem Philharmonia Orchestra London u.a. Solistische Auftritte führten unter ande- rem zu einer Zusammenarbeit mit Dirigenten wie Mstislav Rostropovich, Fabio Luisi, Myung Whun Chung, Ulf Schirmer, Lior Shambadal, Philippe Auguin und Alexander Shelley. Seit 2005 ist er 1. Konzertmeister der Wiener Symphoniker.

Anton Sorokow, Foto: Julia Wesely

56 57 BIOGRAFIE Christoph Stradner

Der in Wien geborene Cellist Christoph Stradner entstammt einer österreichischen Musikerfamilie. Als Solist konzertiert er mit zahlreichen bedeutenden Orchestern gemeinsam mit Dirigenten wie Adam Fischer, Fabio Luisi oder Vladimir Fedosejev. Zahlreiche Konzert- reisen führen ihn in viele Länder Europas und Asiens. Ersten Unterricht hatte er bei Frieda Litschauer und später an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien bei Wolfgang Herzer. Es folgte ein einjähriges Auslandsstudium in London bei William Pleeth. Wesentliche künsterlische Impulse erhielt er anschließend bei Meisterkursen mit Mischa Maisky, Daniel Schafran, Steven Isserlis und David Geringas. Christoph Stradner ist Cellist des Altenberg Trio Wien und Erster Solocellist der Wiener Symphoniker. Zuvor war er Solocellist des Tonkünstlers-Orchester, der Camerata Salzburg und des Concentus Musicus Wien. Die Kammermusik bildete schon immer einen wesentlichen Zweig seines künstle- rischen Schaffens. Das Ensemble Acht Cellis- ten der Wiener Symphoniker ist für ihn da genauso bedeutend wie das Zusammenspiel mit Kollegen wie Lahav Shani, Janine Jansen, Julian Rachlin und Benjamin Schmid. Von 2006 bis 2019 hatte Stradner eine Professur an der Musik und Kunst Privatuniversität der Stadt Wien.

Er spielt ein Violoncello von Antonio Stradivari aus dem Jahre 1680. Christoph Stradner, Foto: Julia Wesely

58 59 BIOGRAFIE Paul Kaiser

Paul Kaiser ist seit 1999 Solooboist der Wiener Symphoniker. Paul Kaiser, geboren 1973 in Wien, studierte an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien bei Manfred Kautzky und Klaus Lienbacher. Er erhielt Förderungsstipendien der Wanas- Stiftung und der Nippon-Foundation und wirkte in zahlreichen Orchestern mit, u.a. bei den Wiener Philharmonikern, im Orchester der Wiener Volksoper, im Nieder- österreichischen Tonkünstlerorchester, im Gustav Mahler-Jugendorchester und im Wiener Jeunesseorchester. Er ist Mitglied der Kammermusik- ensembles „triple tongue vienna“, „Ensemble 1080“, „Ensemble Reconsil“ und der Wiener Bläsersolisten, darüber hinaus zahlreiche Engagements als Kammermusiker und Solist sowie für Meisterklassen im In- und Ausland. Als Solist zeichnet er für zahlreiche Urauf- führungen verantwortlich, u.a. von Roland Freisitzer, Erland M. Freudenthaler, Thomas Heinisch, Christoph Herndler und Lukas Haselböck sowie die Uraufführung der „Sequenza VII“ von Luciano Berio in der Fassung für Wiener Oboe.

Paul Kaiser ist seit 1999 Solooboist der Wiener Symphoniker und seit 2008 unter- richtet er als Lehrbeauftragter an der Uni- versität für Musik und darstellende Kunst in Wien.

Paul Kaiser, Foto: Maja Kaiser

60 61 BIOGRAFIE Patrick de Ritis

1990 gewann er den internationalen Kammer- musikwettbewerb in Martigny. Patrick de Ritis widmet sich der Musik seit seinem sechsten Lebensjahr, als er mit dem Klavier- spiel begann und mit 14 Jahren sein Inter- esse für Musik durch das Fagottstudium am Conservatorio di S. Cecilia in Rom bei Marco Costantini fortsetzte. In derselben Zeit stu- dierte er bei Milan Turkovic am Mozarteum in Salzburg. 1990 gewann er den internationalen Kammermusikwettbewerb in Martigny (Schweiz) und machte eine Reihe von Auf- nahmen für Radio Svizzera. Im selben Jahr gewann er das Probespiel der Wiener Sym- phoniker, bei denen er bis heute die Position des ersten Fagottisten inne hat. Zusammen mit letzteren absolvierte er – auch als Solist – zahlreiche Auslandstourneen mit Auftritten rund um den Globus. Patrick De Ritis unterrichtete an ver- schiedenen Konservatorien in Italien – heute ist er Dozent für Kammermusikspiel von Blasinstrumenten am Conservatorio L. d’Annunzio in Pescara. Gleichzeitig gastiert er weltweit bei verschiedenen Meisterkursen. Die solistischen Aktivitäten wechseln sich mit seinen Auftritten als Dirigent ab. So diri- gierte er verschiedene italienische Orchester – L’Orchestra di Pesaro, L’Orchestra Sinfonica di Bari, L’Orchestra da Camera die Fiesole, das Razumovsky Orchester in Bratislava und das Orchestra da Camera.

Patrick De Ritis, Foto: Nestor Pieroni

62 63 Du hast eine Milliarde Möglichkeiten, was diese Musik mit dir machen kann.

Du musst es nur zulassen.

Du kannst das Ironische in ihr finden. Ich kann dir ein Stück vorspielen, das finde ich fröhlich, und du findest es vielleicht tragisch.

Mei, kann sein.

Und das sehe ich als meine Lieblings- aufgabe in der Art, wie ich Musik vermittle, ich gehe nicht nur über Emotionen, Emotionen, Emotionen, sondern ich sage:

Was du hörst, ist wahr.

IGOR LEVIT

64 65 4. MEISTERKONZERT Igor Levit – Klavier

Samstag, Ronald Stevenson (1928 – 2015) Dieses Meisterkonzert wird in mehrerlei Hinsicht ein 19. März 2022 Passacaglia on DSCH Abend der Superlative. Igor Levit live erleben zu können, ist ein herausragendes Erlebnis. Ihn als Interpreten eines 18.45 Uhr Pars prima Jahrhundertwerkes, der „Passacaglia on DSCH“ von Konzerteinführung Sonata allegro Ronald Stevenson zu hören, wird eine Grenzerfahrung im Saal Bodensee Waltz in rondo-form für uns alle. So wie der schottische Komponist mit seinem Episode Opus Magnum Maßstäbe setzte und eine Zeitläufte und 19.30 Uhr Suite (Prelude, Sarabande, Jig, Sarabande, Minuet, Jig, Kulturkreise umspannende Musik schuf, agiert auch der Großer Saal Gavotte, Polonaise) deutsch-russische Pianist Igor Levit. Das etwa 85 Minuten Pibroch (Lament for the Children) dauernde Klavierwerk stellt sowohl den Musiker als auch Episode: arabesque die Zuhörenden vor große Aufgaben. Nocturne Lassen Sie sich in den Bann dieser höchst emotional er- Pars altera zählten Musik ziehen und erleben sie die musikalische Reverie-Fantasie Aussagekraft in all ihrer Mitteilsamkeit, mit voller Wucht Fanfare – Forebodings: Alarm – Glimpse of a War-Vision und intimer Klangsinnlichkeit. Variations on „Peace, Bread & the Land“ (1917) Symphonic March Episode Fandango Pedal-point: „To emergent Africa“ Central Episode: études Variations in C minor

Pars Tertia Adagio: tribute to Bach Triple Fugue over ground-bass: Subj. I: andamento Subj. II: B A C H Subj. III: Dies Irae

Final variations on theme derived from ground (adagissimo barocco)

66 67 PROGRAMM PROGRAMM Ronald Stevenson Passacaglia on DSCH

Der Komponist und Pianist Ronald Stevenson politische Weitsicht sind in viele Werke ein- Die europäische Musikszene war damals Motto D-Es-C-H ist auch bekannt als eigene (1928 – 2015) hat mit seiner Passacaglia ein geflossen. Weil er jedoch keinen Verlag fand von den Serialisten der Darmstädter Schule „Signatur“, von Schostakowitsch, die er in Jahrhundertwerk komponiert, doch inter- und sich nur gelegentlich über Aufträge geprägt, als Gegenpol wirkte der Geist der seinem achten Streichquartett, dem 1. Violin- national bekannt ist der schottische Künstler freuen konnte, verdiente er wenig. Ronald Neoklassizisten. konzert oder auch der 10. Sinfonie ver- deshalb aber keineswegs. Das 20. Jahrhun- Stevensons langjährige Ehefrau Marjorie Dass sich Ronald Stevenson der Gattung wendet. Das Kernmotiv erklingt in mehr als dert prägte der vielfach tätige Musiker vor Spedding ermöglichte es dem Musiker, sich der Passacaglia zugewendet hat, ist kein sechshundert Wiederholungen sowie in un- allem als Pianist, als Experte für die Musik ganz auf die Kunst zu konzentrieren, denn Zufall. Denn nachdem sich die Komponisten zähligen Gestalten, Rhythmen, Tempi, Stilen von Ferruccio Busoni und als „Entdecker“ sie brachte das Einkommen für die fünf- in der musikalischen Ausgestaltung mehr und Texturen. und Förderer der Werke des australischen köpfige Familie auf. und mehr von der traditionellen Dur-Moll- Innerhalb von zwei Jahren komponierte Komponisten Percy Grainger. Ronald Stevenson pflegte viele Bekannt- Harmonik abgewendet haben, suchten sie Ronald Stevenson sein Opus Magnum. Für Ronald Stevenson war ein herausragen- schaften in allen Teilen der Welt. Im Grunde mit anderen Mitteln nach dem inneren seinen Musikerfreund John Ogdon skizzierte der Pianist mit individuellen Interpretations- seines Wesens war er aber ein Individualist Zusammenhalt. Diesen bot die Passacaglia, er die musikalische Grundidee mit folgenden ansätzen. Durchaus kritisch äußerte er sich und Einzelgänger. Die meiste Zeit verbrachte denn hier dient ein immer wiederkehrendes Worten. „Betrachten Sie das Werk als eine über die eher engstirnige Werkauswahl vieler und arbeitete er in West Linton, südlich von Motiv mit einem einprägsamen Wiederer- Landkarte in der Musik. Das Terrain: eine Musiker:innen und Intendant:innen in den Edinburgh. Dort engagierte er sich auch für kennungswert als Zusammenhang stiftendes Lebensspanne. Der Maßstab: eine Minute Konzerthäusern der Welt und bemängelte das Laienmusikwesen und die schottische Moment. entspricht einem Jahr. Die Dauer: achtzig fehlende individuelle Qualitäten. Folkmusic. Erst in den vergangenen Jahren Minuten. Es gibt einen physischen Höhepunkt Die differenzierte Anschlagskultur gilt und seit im Jahr 1993 die „Stevenson Society“ Mit der Passacaglia gelang Stevenson eher nach fünfunddreißig Minuten, wie es ihn als Markenzeichen des Pianisten. In einem gegründet wurde, wird sein musikalisches unbeabsichtigt sein Opus Magnum. Das im Leben mit etwa fünfunddreißig Jahren gibt. Porträt strich der schottische Schriftsteller Werk einer breiteren Öffentlichkeit auch 85-minütige Klavierwerk ist zwar nicht Der endgültige Höhepunkt ist psychisch, und Musikpublizist Martin Anderson die außerhalb von Schottland bekannt. repräsentativ für den Stil des Komponisten, nicht physisch: psychisch im griechischen Qualität von Stevensons Technik am Klavier Ein Grund, warum die Kompositionen es zeigt aber meisterhaft seine kompositori- Sinne – des Geistes, nicht des Körpers.“ hervor, die darauf beruhte, „die Tasten von Ronald Stevenson nicht weit verbreitet sche Raffinesse auf. Musikalisch verbunden Die formale Werkanlage gibt eine Ge- zu streichen, nicht zu schlagen, was ihm sind, liegt wohl in der Tatsache begründet, erklingen unterschiedliche Genres der samtrichtung vor und zeichnet sich, in eine einzigartige Beherrschung der subtilsten dass sein Kompositionsstil schwierig zu Musikgeschichte und vielerlei musikalische den Worten von Igor Levit, als ein „starkes Klangfarben verlieh. Manche virtuosen fassen ist. Das Oeuvre des Komponisten um- Stilrichtungen. Ein wesentliches Qualitäts- Narrativ“ aus. In drei groß angelegten Teilen Pianisten schreien einen an, aber Stevenson fasst mehr als fünfhundert Werke, darunter merkmal besteht darin, dass Ronald Steven- entfaltet der Komponist die musikalischen konnte flüstern.“ auch ein Violinkonzert sowie zwei Klavier- son mit seiner Passacaglia auch einen gesell- Felder und führt die Zuhörenden zunächst Ronald Stevenson hatte Lehraufträge an konzerte. Der Großteil besteht aus kleineren schaftspolitischen Anspruch erfüllt. mit barocken Tänzen in musikalische Universitäten in Kapstadt, Melbourne und Klavierstücken und vor allem Liedern. Die Initialen von Dmitri Schostakowitsch, Formenwelten einer Suite. Shanghai inne, unterrichtete an der Juilliard Als sich Ronald Stevenson im Jahr 1962 das sind die Töne D-Es-C-H, bilden das Im zweiten Abschnitt wird Ronald School in New York und gestaltete für die an die Arbeit der Passacaglia machte, hatte musikalische Grundmaterial für das gigan- Stevenson, der aus einer Landarbeiterfamilie BBC Radiosendungen. Sein Hauptaugenmerk er nicht den Vorsatz, ein derart gigantisches tische Klavierstück. Stevenson widmete die stammt, politisch. Ursprünglich war er ein legte er sein Leben lang auf sein kompositori- Werk zu realisieren. Mit seinem musikali- Passacaglia Dmitri Schostakowitsch mit Anhänger von Karl Marx, doch den real- sches Schaffen. Sein gesellschaftspolitisches schen Weltbürgertum war Ronald Stevenson einem Verweis darauf, dass sein Kollege politischen Sozialismus lehnte er ab und Engagement, sein pazifistisches Denken, sein in einem gewissen Sinn seiner Zeit voraus, sein Leben lang unter den Repressalien der distanzierte sich davon. Seine pazifistische Interesse für die ethnischen Volksmusiken denn der in die Passacaglia integrierte musi- sowjetischen Machthaber gelitten hat und Gesinnung lebte der Musiker mit allen Kon- aus allen Kontinenten und seine gesellschafts- kalische Stilmix wurde erst später en vogue. massiv eingeschränkt war. Das musikalische sequenzen. Weil er den Militärdienst ver-

68 69 PROGRAMM D PROGRAMM

weigerte, saß er von 1951 – 1952 im Gefäng- intensive Konzentration der thematischen dem Thema im Walzer soll der Klang eines nis. Ein auf einem Kinderlied beruhendes Entwicklung mit einigen der schönsten Violoncellos assoziiert werden, später soll Lamento erinnert an „all die kindlichen Musiken des Werkes. Es ist auch bemerkens- das Spiel an eine Orgel erinnern und beim Opfer des Nationalsozialismus“. Auf das wert, dass er eine Fuge über einem Ostinato- Nocturne an eine Gitarre gedacht werden. Apartheidregime in Südafrika, das Ronald Motiv entfalten kann, das selbst das gleiche Die düsteren Vorahnungen und der Krieg Stevenson als Senior Lecturer in Music Material verwendet“, führt der Pianist nach werden mit Trommelschlägen im Korpus an der Universität in Kapstadt in den Jahr einem Gespräch mit dem Komponisten aus. des Instruments angedeutet, ebenso 1963 – 65 miterlebt hat, verweist eine per- Ebenso deutet der mittelalterliche Hymnus werden afrikanische Trommeln im Abschnitt kussiv gestaltete Passage. Diesen Abschnitt über das Jüngste Gericht, „Dies Irae“, auf „To emergent Africa“ nachgezeichnet. hat Stevenson im Nachhinein der Passacaglia den Zweiten Weltkrieg hin. Es ist aber auch Den symphonischen Marsch im Pars altera hinzugefügt. eine Anspielung auf die verhärteten Fronten wünscht sich Stevenson mit dem Klang von Es Mit aufbrausend wüsten Clustern stellt am Höhepunkt des Kalten Krieges Anfang Hörnern und Trompeten verbunden. Im Ronald Stevenson kriegerische Auseinander- der 1960er Jahre. „Dies Irae“ versinnbildlichen Posaunen die setzungen dar und illustriert diese mit Die Pole zwischen atemberaubender Bedrohung und der Klang von Flöten und grollend tiefen Pedaltönen und teilweise Aktivität und entspannter Ruhe lotet der Violinen soll im abschließenden „Adagissimo im Korpus gespielten Passagen. Doch dann Komponist mit einem guten Gespür für barocco“ eine weiche Tongebung bewirken. kehrt ein konstruktiver Geist ein und die die Proportionen der Erzählstränge und die Erneuerung findet in einem musikalisch mentale Kraft der Ausführenden und Zu- Ganz am Schluss, nach fulminanten Fugen- symbolischen Wiederaufbau statt, der in hörenden aus. Weiters beinhaltet das Werk kompositionen, wird eine harmonische einen symphonischen Marsch und später zahlreiche volksmusikalische Anspielungen. Klammer erfahrbar. Der Komponist leitet das in einen Fantango mündet. Einen Verweis auf Schottland stellt beispiels- Werk mit einem D ein und endet auf eine D Im dritten Abschnitt der Passacaglia weise eine Dudelsackmelodie aus dem in der Kontraoktave. Tonal changiert die Coda zollt der Komponist Johann Sebastian Bach 17. Jahrhundert dar. unbestimmt zwischen Dur und Moll und sug- Tribut, indem er das berühmte B-A-C-H Als Pianist war Ronald Stevenson für geriert damit einen offenen Schluss. Damit Motiv äußerst kunstvoll in mehreren Fugen sein klangfarbenreiches Spiel bekannt. überlässt es der Komponist den Zuhörenden, verarbeitet und in Beziehung zum Ausgangs- Sämtliche auf dem Klavier möglichen pianis- in welcher emotionalen Grundstimmung sie motiv D-Es-C-H stellt. tischen Techniken und Effekte integrierte das Werk enden lassen wollen. Mit dieser Kombination der Motive ver- er in die musikalischen Themengestalten. weist Stevenson auf das Verbindende zwi- In der Partitur stechen zahlreiche Vermerke schen den Menschen und formuliert damit auf Instrumente ins Auge. Diese fügte die Hoffnung, dass unterschiedliche Nationen Stevenson wohl ein, um den Interpret:innen und Kulturkreise in Frieden miteinander Klangassoziationen zu vermitteln. So C-H leben könnten. „Die schlichte Darstellung strahlt die Musik eine für die Zuhörenden der Motive macht ihre Ähnlichkeiten sofort gut nachvollziehbare, symphonische Farb- deutlich“, erklärt Raymond Clarke, der die gebung aus. Beispielsweise notiert der Kom- Passacaglia 1994 bei Naxos eingespielt hat. ponist im ersten Abschnitt, dass Passagen „Stevenson nutzt diese Zweideutigkeiten klingen sollen wie von Pauken gespielt oder der Identität voll aus und kombiniert eine als ob Trompeten erklingen würden. Mit

70 71 BIOGRAFIE Igor Levit

Stevensons Passacaglia scheint wie geschaffen Seine im September 2019 von Sony Classical für den Pianisten Igor Levit. Er hat die veröffentlichte Gesamteinspielung der Beet- musikalische Aussagekraft, Virtuosität und hoven-Klaviersonaten erreichte umgehend vereint künstlerisches Understatement mit Platz 1 der offiziellen Klassik Charts. Zyklen dem Wissen um die Dimensionen, die dieses der gesamten Klaviersonaten Beethovens prä- Werk absteckt. Mit wachem und kritischem sentierte Igor Levit bei international renom- Geist stellt Igor Levit seine Kunst in den mierten Festivals, unter anderem in Salzburg, Kontext des gesellschaftlichen Geschehens Lucerne und Berlin. Rezitale führen ihn regel- und begreift sie mit diesem als untrennbar mäßig zur Carnegie Hall in New York, zum verbunden. „Und alles, was er anpackt, hat Concertgebouw Amsterdam und dem Wiener eine zweite Dimension. Er tut es nicht für Musikverein. Er gastiert regelmäßig mit den sich allein, seine Passion ist es, dem Publi- weltweit führenden Orchestern an den inter- kum Einblicke zu geben in diese seine Welt, national bedeutendsten Konzerthäusern. Über- um auch anderen neue Perspektiven zu dies ist Igor Levit künstlerischer Leiter der eröffnen“, merkt die Koluministin Lisa Soen Kammermusikakademie und des Standpunkte über den Pianisten an. Die New York Times Festival des Heidelberger Frühlings. beschreibt Igor Levit als einen der „bedeu- Während des Lockdowns im Frühling tendsten Künstler seiner Generation“. 2020 entstanden Igor Levits aktuelle Alben 1987 in Nizhni Nowgorod geboren, über- für Sony Classical – „Encounter“ sowie „On siedelte Igor Levit im Alter von acht Jahren DSCH“ mit Schostakowitschs 24 Präludien mit seiner Familie nach Deutschland. Sein und Fugen op. 87 und Stevensons „Passacaglia Klavierstudium an der Hochschule für on DSCH“. Musik, Theater und Medien Hannover absol- Für sein politisches Engagement wurde vierte er mit der höchsten Punktzahl in der Igor Levit 2019 der 5. Internationale Beet- Geschichte des Instituts. Im Frühjahr 2019 hovenpreis verliehen. Im Januar 2020 folgte erfolgte der Ruf als Professor für Klavier an die Auszeichnung mit der „Statue B“ des seine Alma Mater, der Hochschule für Musik, Internationalen Auschwitz Komitees anläss- Theater und Medien Hannover. lich des 75. Jahrestages der Befreiung von Igor Levit ist „Artist of the Year 2020“ der Auschwitz. Gramophone Classical Music Awards, Musical Einen großen Kreis von Musikbegeister- America’s „Recording Artist of the Year 2020“ ten erreicht der Pianist mit dem Klavier- und Preisträger des „2018 Gilmore Artist podcast „Beethoven bewegt. 32x Beethoven“. Award“. Im November 2020 erfolgte die Nomi- Kürzlich ist im Hanser-Verlag das gemeinsam nierung für einen Grammy in der Kategorie mit dem Ko-Autor Florian Zinnecker verfasste „Best Classical Instrumental Solo“. Buch „Hauskonzert“ erschienen.

Igor Levit, Foto: Felix Broede

72 73 Ich freue mich sehr, nach so langer Zeit wieder nach Bregenz zurück zu kehren.

Zum ersten Mal spielte ich hier vor mehr als zwanzig Jahren das Violinkonzert von Peter Tschaikowski.

Dieses Mal kehre ich wieder mit einem großen russischen Werk, dem ersten Konzert von Dmitri Schostakowitsch, zurück.

JULIA FISCHER

74 75 5. MEISTERKONZERT Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin Vladimir Jurowski – Leitung

Julia Fischer – Violine

Dienstag, Sergej Prokofjew Mit den Komponisten Sergej Prokofjew, Dmitri Prokofjew, Schostakowitsch und Rachmani- 29. März 2022 Andante aus der Klaviersonate Nr. 4 für Schostakowitsch und Sergej Rachmaninoff noff waren nicht nur kompositorisch sehr Orchester, op. 29a wenden wir den Blick nach Russland und aktiv, sondern genossen auch als Pianisten 18.45 Uhr in eine kompositionshistorisch aufregende international höchste Anerkennung. Wie die Konzerteinführung Zeit. Die Verhältnisse brachten es mit sich, heute zur Aufführung gelangenden Kompo- im Saal Bodensee Dmitri Schostakowitsch dass neue Musik fast zwangsläufig eine gesell- sitionen eindrücklich zeigen, waren sie auch Konzert für Violine und Orchester Nr. 1, a-Moll, op. 77 schaftspolitische Aussage in sich trug. wahre Meister der Kunst einer farbenreichen 19.30 Uhr Die drei Komponisten und deren Werke Instrumentation. Großer Saal Nocturne zeichnen exemplarisch Lebenslinien nach, Auch im Vergleich der kompositorischen Scherzo die eng mit den politischen Wirren des Stilmittel gibt es interessante Parallelen zu Passacaglia Cadenza 20. Jahrhunderts verknüpft und von Emigra- entdecken. Alle drei etablierten ihre Kompo- Burlesque tion bestimmt sind. Sergej Prokofjew wan- sitionen auf einer tonalen Basis. Insbesonde- derte aus Russland aus, lebte in Paris, und re Schostakowitsch und auch Rachmaninoff konzertierte in ganz Europa und Amerika. stellten außermusikalische Inhalte mittels Sergej Rachmaninoff Jedoch konnte er persönlich im westeuropäi- Analogien und Zitaten in Beziehung zur Musik Symphonische Tänze, op. 45 schen Kulturkreis nie richtig Fuß fassen. So und legten ihren Kompositionen dadurch oft entschloss er sich, mit seiner Familie wieder mehrere Deutungsebenen zugrunde. Non allegro – Lento – Tempo I nach Russland zurückzukehren. Dmitri Andante con moto Schostakowitsch, fünfzehn Jahre jünger als Lento assai – Allegro vivace – Lento assai come prima – Prokofjew und dreiunddreißig Jahre jünger Allegro vivace als Rachmaninoff, war ärgsten Repressalien der sowjetischen Machthaber ausgesetzt. Ihm wichtige Kompositionen wurden alle- samt vernichtend beurteilt, verboten oder ignoriert. Er durchlebte die Zeit in einer Art „inneren Emigration“. Sergej Rachmaninoff musste ebenfalls emigrieren. Er wurde in Amerika als anerkannter Künstler gefeiert. Dort starb er mit siebzig Jahren, doch sein Leben lang sehnte er sich zurück in seine Heimat.

76 77 PROGRAMM PROGRAMM Sergej Prokofjew Andante aus der Klaviersonate Nr. 4 für Orchester

Als der russische Komponist Sergej Prokofjew Immer öfter und ausgedehnter ging Sergej Orchestersuiten. Auch zahlreiche Film- lich aus den tiefen Registern nach oben trans- (1891 – 1953) Ende Mai 1918 von Wladiwostok Prokofjew als Pianist auf Tournee quer musiken und zeit- sowie gesellschaftsbezo- feriert wird. Doch die in die Höhe strebende aus ein Schiff mit Kurs auf Japan und in die durch Europa und in die USA, aber auch in gene Musiken wie Massenlieder stammen melodische Linie wird immer wieder in USA nahm, notierte er in sein Tagebuch: die Sowjetunion. Besonders dort feierte er aus seiner Feder. Er liebte objektiv-eindeutige die Tiefe gezogen. Der zweite thematische „So lebt denn wohl, Bolschewiken! Lebt wohl, grandiose Erfolge und so reifte allmählich Ordnungen und Gesetzmäßigkeiten. Stets Gedanke ist ein lyrisches Thema mit einem ‚Genossen‘! Von jetzt an werde ich mich der Entschluss, wieder in die alte Heimat betonte der Komponist die Einfachheit schwebenden Charakter. Er wird von den nicht mehr schämen müssen, eine Krawatte zurückzukehren. seiner Kunst, denn „in allem, was ich schreibe, Violinen eingeführt, die Holzbläser über- zu tragen, und niemand wird mir mehr auf Im Jahr 1936 ließ sich Prokofjew wieder halte ich mich an zwei hauptsächliche Grund- nehmen und entfalten ihn. Sodann werden die Füße treten.“ in Moskau nieder. Schostakowitsch soll sätze. Klarheit in der Darlegung meiner Varianten des ernsten und des lyrischen Sergej Prokofjew führte ein ruheloses dazu bemerkt haben, Prokofjew fiel „wie Ideen und lakonische Kürze, unter Vermei- Themas miteinander kombiniert und in un- Leben. Als Sohn eines Gutverwalters in ein Huhn in die Suppe“. Auch im Jahr 1948, dung alles Überflüssigen im Ausdruck.“ Ob- terschiedliche emotionale Felder geführt. der Ukraine geboren, kristallisierte sich das nach den schwierigen Kriegsjahren, wurde wohl Werke mit weitläufigen Modulationen, Im Widerstreit setzt sich eher die schwelende besondere musikalische Talent schon früh sein Name mit dem von Schostakowitsch scharfen Dissonanzen und polytonale The- Unruhe durch, doch das versöhnlich, natur- heraus. Seine Mutter, eine Amateurpianistin, und anderen in einer offiziellen Verurteilung menbildungen entstanden sind, wurde die hafte Thema stemmt sich dagegen. Das Werk erkannte das Talent ihres einzigen Kindes und als „formalistisch“ diskreditiert. Die letzten Tonalität an sich nie in Frage gestellt, denn endet mit einem Schlusspunkt, der den Kreis förderte es. Im Alter von fünf Jahren schrieb zwanzig Lebensjahre stellte Sergej Prokofjew Prokofjew war überzeugt von der tonalen zum Ausdrucksgehalt des Beginns schließt. Prokofjew erste kleine Kompositionen. Auf seine Musik in die russische Tradition und Basis in der Musik. Anraten von Alexander Glasunow erlaubten in den Dienst des Sowjetstaates. die Eltern 1904 den Eintritt in das St. Peters- Prokofjew lebte praktisch in drei unter- Das Andante erhielt seine Gestalt als Or- burger Konservatorium, wo Prokofjew bis schiedlichen kulturellen Welten. Seine Jugend chesterkomposition in drei Schritten. Im 1914 Klavier und Komposition studierte und verbrachte er im zaristischen Russland, bis Jahr 1917 komponierte Sergej Prokofjew unter anderem von Rimski-Korsakow und er 1918 in die Emigration nach Amerika seine 4. Klaviersonate. Weil ihm noch ein Anatoli Ljadow unterrichtet wurde. aufbrach, die ihn schließlich nach Paris langsamer Mittelteil fehlte, suchte er in Früh wurde dem erfolgreichen Pianisten führte. Sein letztes Lebensdrittel verbrachte Notizbüchern und älteren Werken und stieß und Komponisten klar, dass er Russland ver- er von 1936 bis zu seinem Tod im Jahr 1953 auf eine Arbeit, die während seines Studiums lassen musste, wenn er mit seinen Werken in der von Stalin geprägten Sowjetunion. entstanden war. Er habe sich gefreut, er- Beachtung finden wollte. Diese Aussicht Die bewegten politischen Zeiten, in denen innerte sich Prokofjew in seinen Memoiren, sowie die Wirren der Oktoberrevolution Prokofjew wirkte, bilden zumeist auch die als er sich an das Andante aus der e-Moll veranlassten ihn zur Emigration nach New Grundlage für Diskussionen über seine Art Symphonie erinnert habe, das auch hervor- York. Als Pianist wurde Sergej Prokofjew des Komponierens, über Zugeständnisse an ragend auf dem Klavier funktionieren würde. gefeiert, doch als Komponist konnte er sich Machthaber und Auflehnung gegenüber Jahre später, 1934, brachte Prokofjew das vorerst nicht etablieren. Eine Zeit lang lebte bestehenden Normen. Andante wieder in seine ursprüngliche Form der Musiker in den Bayerischen Alpen und Prokofjews Komponieren nahm seinen zurück, indem er eine Version für großes 1923 zog er schließlich mit seiner Frau Ausgang vom Klavier, das auch immer „sein“ Orchester schuf. nach Paris, getragen vom Wunsch, mit dem Instrument blieb. Er komponierte für sämt- Das Andante wird geprägt von zwei Ge- berühmten Ballettmeister Sergei Diaghilew liche musikalische Gattungen, besonders danken. Über dunklen Tonrepetitionen er- Projekte realisieren zu können. bekannt sind seine zahlreichen Ballettkom- hebt sich ein ernster melodischer Gedanke, positionen und die daraus entstandenen Andanteder immer wieder neu ansetzt und schließ-

78 79 PROGRAMM PROGRAMM Dmitri Schostakowitsch Violinkonzert Nr. 1 in a-Moll

Dmitri Schostakowitsch wurde 1906 in Musik. Namentlich erwähnt wurden Dmitri der Atonalität gegangen ist.“ Das Prinzip der Das Werk beginnt mit einem einsamen Ge- St. Petersburg geboren, im Jahr 1975 starb Schostakowitsch, Sergej Prokofjew, Aram Sinfonie mit den widerstreitenden Themen sang, der sich zu einem melodischen Fluss er in Moskau. Dazwischen liegt ein reiches Chatschaturjan und weitere sowjetische und der dualistischen Anlage beeinflusste verdichtet, in dem die Namensinitialen des kompositorisches Schaffen und ein von Komponisten. Ihnen wurden „formalistische Viodie künstlerische Denkweise des Kompo- Komponisten D-Es-C-H in den Vordergrund schwerwiegenden Repressalien, innerer Verzerrungen und antidemokratische nisten. Oft wurde er auch als „Meister der treten. Es wird unter anderem vermutet, Emigration und bissiger Ironie und Krank- Tendenzen, die dem Sowjetvolk und seinem sinfonischen Tragödie“ bezeichnet. Dies gilt dass im zweiten Satz die stotternde Sprech- heit gekennzeichnetes Künstlerleben in künstlerischen Geschmack fremd sind“, auch für das erste Violinkonzert, denn die art des Kulturfunktionärs Schdanow nach- politisch sehr unruhigen Zeiten. vorgeworfen. Schostakowitsch verlor darauf- symphonische Struktur ist ein charakteristi- geahmt wird. Schostakowitschs Engagement Als Kind wurde Schostakowitsch von hin seine Lehrämter am Konservatorium in sches Merkmal des Werkes. für die jüdische Volksmusik, die ihm eine Alexander Glasunow gefördert, anschließend Leningrad und in Moskau. Bedeutende kompositorische Stilmerk- wesentliche Inspirationsquelle war, kommt studierte er am Konservatorium in St. Peters- Erst nach Stalins Tod 1953 wurde male resultieren aus Schostakowitschs vor allem in der Passacaglia des Violin- burg. In der Musikgeschichte des 20. Jahr- Schostakowitsch rehabilitiert und im Jahr Interesse für die Instrumentierung. Seine konzerts zum Ausdruck. Weitschweifend hunderts nimmt er als Komponist eine be- 1962 sogar zum Obersten Sowjet gewählt. Melodien mit ihren häufigen großen Sprün- wird das Thema aus dem Eröffnungssatz deutende Schlüsselrolle ein. Er schuf überaus Doch bereits in dieser Zeit war er gesund- gen und schroffen Richtungswechseln sind wieder aufgenommen und über dem immer eindrückliche Kompositionen, verknüpfte heitlich beeinträchtigt, denn seit 1959 meistens von der Eigenart der Instrumente gleichbleibenden Bass bäumt sich der politische Inhalte mit musikalischen Aus- wurde er von einer chronischen Entzündung her gedacht. Sie erklingen oft in ihren äu- musikalische Fluss hin zur Kadenz auf. Sie sagen wie kein anderer und zeigte, in des Rückenmarks geplagt. ßersten Lagen, weit voneinander getrennt. setzt mit einer einfachen Liedmelodie ein, welcher Art ein Künstler trotz widrigster Schostakowitsch verstand es meister- Schostakowitsch setzt auch instrumentale die Bewegung wächst, wird dominanter und Umstände eine eigene Haltung bewahren haft, musikalische Themen zu pervertieren, Rezitative ein, um die Wirkung bestimmter brillanter, bis sie überbordend kulminiert kann. Schostakowitsch war zudem auch Motive in die Irre zu führen und sarkastisch Passagen zu intensivieren. Überdies ist er und direkt in den grotesken Tanz im Finale ein herausragender Pianist. zu deformieren. Vor allem diese Ausdrucks- ein Meister des Kontrapunkts. mündet. Hier zeigt Schostakowitsch, wie Bereits die erste Symphonie, die Schosta- formen verleihen seiner Musik einen höchst meisterhaft er es versteht, hinter einer kowitsch zum Abschluss seiner Studien politischen Charakter. In den „Memoiren“, Mit dem ersten Violinkonzert schuf Schos- vermeintlich fröhlichen, fast überdrehten komponierte, begründete seinen internatio- die Solomon Volkow aufgezeichnet hat, takowitsch einen Markstein in der Komposi- Atmosphäre, Abgründe abzubilden. „Das ist nalen Ruf. Sogleich schloss sich der Kompo- sagte der Komponist, „es gibt ja bei uns eine tionsgeschichte, und es gibt kaum ein Stück, Musik des Grauens“, beschreibt Daniel Hope nist der „Assoziation für zeitgenössische spezielle Form der Selbstverteidigung: Um „das so eine Power mit sich bringt oder in das Finale von Schostakowitschs erstem Musik“ an und pflegte einen regen Austausch nicht gesteinigt zu werden, behauptet man, so einem Maße solch eine Konzentration Violinkonzert. mit der westlichen Avantgarde. Persönlich an dem und dem Werk zu arbeiten, der Titel von dem Solisten verlangt. Vierzig Minuten lernte er Alban Berg, Darius Milhaud und muss natürlich bombastisch klingen. Dabei dauert das Stück. Du spielst als Solist un- Arthur Honegger kennen. schreibt man ein Quartett und empfindet unterbrochen“, erzählt der Violinist Daniel Die Rezeption des kompositorischen leise Befriedigung. Den Potentaten erklärt Hope und bezeichnet das Violinkonzert als Schaffens von Schostakowitsch in der Sowjet- man aber, eine Oper ‚Karl Marx‘ oder ‚Junge „eine Symphonie mit obligater Geige. Eine union ist ein abstoßendes Beispiel für die Garde‘ reife heran. Dann verzeihen sie dir erzählende Musik. Düstere Trauerklage. Sar- Einflussnahme der Politik auf die Kunst. das Quartett als Freizeitbeschäftigung, lassen kastisches Gespött. Übertriebenes Gelächter. Anfang der 1930er Jahre und insbesondere dich in Ruhe.“ Für mich hört sich das an wie ein älterer im Februar 1948 kam es zu einem Beschluss Schostakowitschs Kompositionsstil be- Mann, der über sein Leben erzählt.“ des Zentralkommitees der KPdSU gegen zeichnete der Musikwissenschaftler Gojowy „Formalismus und Volksfremdheit“ in der treffend als „Tonalität, die durch die Schule line

80 81 PROGRAMM PROGRAMM Sergej Rachmaninoff Symphonische Tänze

Sergej Rachmaninoff (1873 – 1943) hat ein Nach mehreren Stationen in Europa ließ Die Zitattechnik bot Rachmaninoff die Mög- Im Lento assai beschwört Rachmaninoff reiches Schaffen mit virtuosen Klavier- und sich Sergej Rachmaninoff 1935 in Beverly lichkeiten, auf Vorbilder und frühe, eigene Bilder der Verzweiflung herauf. Scharfen Orchesterwerken hinterlassen. Gemeinhin Hills in Kalifornien nieder, wo er als an- Kompositionen zu verweisen. Im ersten Tanz Sforzati in allen Stimmen folgen matte und wird seine Musik als „spätromantisch“ erkannter Künstler und gefeierter Pianist erinnert er an seinen ehemaligen Lehrer unscharfe Akkorde, und das sich abwärts qualifiziert und in einen Gegensatz zum ein gutes Leben führte. Nikolai Rimski-Korsakow und dessen Oper bewegende „Dies Irae“ aus dem gregoriani- Kompositionsstil von Alexander Skrjabin „Das goldene Hähnchen“ sowie an die eigene, schen Choral erklingt. Doch unvermittelt oder Igor Strawinsky gestellt. Schon in Ungerade Rhythmuseinteilungen mit erste Sinfonie. Der zweite Satz in Form eines ändert sich der Tonfall mit dem Einsatz der seinen Jugendjahren lernte Rachmaninoff wechselnden Schwerpunkten, an Glocken- Walzers steht in Verbindung zu Maurice Röhrenglocken. Aus einer lebhaften Gigue Peter I. Tschaikowski kennen, der ihm ein klänge erinnernde Klangkonstellationen Ravels „La Valse“. Das gregorianische „Dies wird ein Triumphgesang heraus kristalli- großes Vorbild war. auf tonaler Basis und eine sehr farbenreiche Irae“ bestimmt den dritten Tanzsatz, der als siert, der an die russisch-orthodoxe Kirchen- Sein ganzes Leben lang war der als Instrumentierung sind die Grundlagen des Totentanz gesteigert wird. tradition erinnert. Pianist und Dirigent hoch gerühmte aber kompositorischen Ausdrucks in Rachmani- Sehr außergewöhnlich ist ein Altsaxo- als Komponist wenig bekannte Künstler auf noffs Werken. In viele Kompositionen sind phon als Soloinstrument eingesetzt und Die Schlusspassage der „Symphonischen der Suche nach einem Vaterersatz, denn der auch philosophische und weltanschauliche stellt damit auffällige Klangmischungen mit Tänze“ op. 45 hat viele Deutungen erfahren, eigene Vater war ein Spieler und tauchte Überlegungen eingebunden, die oft Schwer- den Bläsern, einstimmig geführten Streichern denn in den letzten Takten erklingt das unter. So verlor die im zaristischen Russ- mut und leidenschaftliches Aufbegehren und dem Klavier her. „Dies Irae“ Motiv nicht mehr. Rachmaninoff land eigentlich wohlhabende Familie ihren zum Ausdruck bringen. Die „Symphonischen Der Eröffnungstanz wird wie eine bringt das Halleluja aus seiner 1915 entstan- Landsitz. Das Talent des Kindes wurde zwar Tänze“ sind ein Paradebeispiel für alle diese Toccata von einer hartnäckigen Motorik ge- denen „Ganznächtlichen Vesper“ ins Spiel erkannt, allerdings war eine Offizierslaufbahn charakterisierenden Stilmerkmale. Das Werk tragen und Motive werden zu gegenläufigen und sechsmal erklingt ein Gong. Gedanken vorgesehen. Doch die vorbestimmten Pläne ist 1940 auf Long Island entstanden und Themen zusammengefügt. Es erklingt ein dazu formuliert Nicolas Furchert: „Das kann schlugen fehl und schließlich trat Sergej die letzte Komposition Rachmaninoffs. Er graziöser melodischer Gedanke, der von un- schlicht als raffinierte Klangfarbe gedacht Rachmaninoff ins Moskauer Konservatorium selbst bezeichnete sein Opus 45 als „letzten heilverkündenden Akkorden unterbrochen sein, aber auch ganz bewusst als Todessymbol, ein und beendete dieses mit großem Erfolg. Funken“. wird. Helle Fanfaren, auch eine Hirtenweise in Anlehnung an eine Tradition, die sich Sergej Rachmaninoff erlebte zahlreiche Ursprünglich nannte Rachmaninoff die und das Lento des Saxophons, das an russische in der Spätromantik gebildet hat. Ist dieser Höhen und Tiefen, denn psychisch war er dreiteilig angelegte Komposition „fantastische Volkslieder erinnert, bilden musikalische Schluss also gerade kein Bekenntnis zum äußerst labil. Von Natur aus und seit seiner Tänze“, denn er erdachte das symphonische Klanginseln, doch herrscht weitgehend eine Glauben, sondern wird das Halleluja ver- Jugend neigte er zu Depressionen, jede Werk als Ballettmusik und wollte den Ballett- unterschwellig bedrückende Stimmung vor. drängt von der Gewissheit, dass es vorm Tod Kritik oder ablehnende Haltung von Künst- meister Michael Fokis dafür interessieren. Auch im Walzer übernehmen die Blech- letztlich kein Entrinnen gibt?“ lerkollegen stürzte ihn in tiefe Krisen und In der Musik bildet sich ein großer dra- bläserakkorde eine wichtige dramaturgische hemmte sein künstlerisches Schaffen. Hilfe maturgischer Bogen ab, der am Beginn einen Rolle. Auffallend ist, dass vorerst nur die konnte ihm der legendäre Psychiater Nikolai Rückblick auf die erste Symphonie bietet Walzerbegleitung intoniert wird, bevor das Dahl mit seiner Hypnosetherapie verschaffen. und mit dem mittelalterlichen Hymnus Englischhorn mit dem Thema einsetzt. Im Die Oktoberrevolution verbrachte der „Dies Irae“ (Tag des Zorns) im Finale endet. Verlauf nimmt dieses zunehmend gespensti- Musiker mit seiner Familie zuerst in Moskau, Den drei Sätzen sind die Untertitel „Mittag“, sche Züge an. doch eine Einladung zu einem Konzertauf- „Abenddämmerung“ und „Nacht“ zugrunde enthalt in Schweden bot die Gelegenheit zur gelegt. Damit verwies der Komponist sowohl Emigration. auf autobiografische Bezüge als auch auf die allgemeinen politischen Verhältnisse. Tänze 82 83 BIOGRAFIE Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin

Das Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin (RSB) Peter Maxwell Davies, Friedrich Goldmann, besitzt eine international anerkannte Berthold Goldschmidt, Siegfried Matthus, Position in der ersten Reihe der deutschen Matthias Pintscher, Peter Ruzicka, Heinz Rundfunkorchester und der Berliner Spitzen- Holliger, Jörg Widmann, Thomas Adès und orchester. Seit Herbst 2017 ist Vladimir Brett Dean. Brett Dean und Marko Nikodijevic Jurowski Chefdirigent und Künstlerischer waren zuletzt als Composer in Residence Leiter. An seiner Seite agiert seit 2019 Karina beim RSB präsent. Canellakis als Erste Gastdirigentin. Dank der engen Verbindung mit den beiden Das RSB geht zurück auf die erste musikali- Sendern vom Deutschlandfunk sowie mit sche Funkstunde des deutschen Rundfunks dem Rundfunk Berlin-Brandenburg (rbb) im Oktober 1923. Die früheren Chefdirigen- werden alle Sinfoniekonzerte des RSB im ten, u.a. Sergiu Celibidache, Eugen Jochum, Rundfunk übertragen. Die Zusammenarbeit Hermann Abendroth, Rolf Kleinert, Heinz mit Deutschlandradio trägt unvermindert Rögner, Rafael Frühbeck de Burgos und reiche Früchte auf CD. Fünf Einspielungen Marek Janowski, formten einen Klangkörper, unter der Leitung von Vladimir Jurowski der in besonderer Weise die Wechselfälle haben seit 2015 ein neues Kapitel der Auf- der deutschen Geschichte im 20. Jahrhundert nahmetätigkeit aufgeschlagen. Seit mehr durchlebt hat. als 50 Jahren gastiert das RSB regelmäßig in Mittlerweile ist das RSB zu einer Japan und Korea sowie bei deutschen und ersten Adresse für hervorragende junge Diri- europäischen Festivals und in Musikzentren gent:innen der internationalen Musikszene weltweit. Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, Foto: Simon Pauly geworden: Andris Nelsons, Yannick Nézet- Séguin, Vasily Petrenko, Jakub Hruša, Alain Altinoglu, Omer Meir Wellber, Lahav Shani oder Nicholas Carter. Viele von ihnen haben ihr jeweiliges Berlin-Debüt mit dem RSB absolviert und dirigieren es inzwischen regelmäßig. Seit 1923 traten bedeutende Komponisten des 20. und inzwischen auch des 21. Jahr- hunderts ans Pult des RSB oder führten als Solisten eigene Werke auf: Paul Hindemith, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Sergei Prokofjew, Richard Strauss, Arnold Schön- berg, Igor Strawinsky, Wladimir Vogel, Kurt Weill und Alexander Zemlinsky ebenso wie in jüngerer Zeit Krzysztof Penderecki,

84 85 BIOGRAFIE Vladimir Jurowski

Vladimir Jurowski ist seit 2017 Chefdirigent die vereinbarte Position des Generalmusik- und Künstlerischer Leiter des Rundfunk- direktors der Bayerischen Staatsoper in Sinfonieorchesters Berlin (RSB). Der Dirigent, München antreten. Jurowski ist rund um die Pianist und Musikwissenschaftler stellt sich Welt als Gastdirigent gefragt. Er hat Konzerte allen musikgeschichtlichen, stilistischen der bedeutenden Orchester Europas und oder dirigiertechnischen Herausforderungen. Nordamerikas geleitet, darunter die Berliner, Wiener und New Yorker Philharmoniker, das Ausgebildet zunächst an der Musikhoch- Königliche Concertgebouworchester Amster- schule des Konservatoriums in Moskau, kam dam, die Sinfonieorchester von Boston und Vladimir Jurowski 1990 nach Deutschland, Chicago, das Tonhalle-Orchester Zürich und wo er sein Studium an den Musikhochschulen das Gewandhausorchester Leipzig. Er gab in Dresden und Berlin fortsetzte. 1995 de- sein Debüt bei den Salzburger Osterfestspielen bütierte er auf internationaler Ebene beim mit der Staatskapelle Dresden und trat britischen Wexford Festival mit Rimski- mit dem Mahler Chamber Orchestra beim Korsakows „Mainacht“ und im selben Jahr Lucerne Festival auf. am Royal Opera House Covent Garden mit Die erste gemeinsame CD von Jurowski „Nabucco“. Anschließend war er u.a. Erster und dem RSB aus dem Jahre 2015 wurde Kapellmeister der Komischen Oper Berlin sogleich zu einem Meilenstein. Alfred und Musikdirektor der Glyndebourne Festival Schnittkes Sinfonie Nr. 3 folgten 2017 eine Opera. 2003 wurde Jurowski zum Ersten Strauss-Mahler-Aufnahme und Violinkonzerte Gastdirigenten des London Philharmonic von Britten und Hindemith mit Arabella Orchestra ernannt und ist seit 2007 und noch Steinbacher. Zuletzt erschienen 2020 eine bis Sommer 2021 dessen Principal Conductor. von der Kritik hochgelobte Einspielung von Darüber hinaus ist er noch bis Sommer Mahlers „Das Lied von der Erde“ und im 2021 Künstlerischer Leiter des Staatlichen Sommer 2021 Strauss’ „Alpensinfonie“. Akademischen Sinfonieorchesters „Jewgeni Swetlanow“ der Russischen Föderation, Vladimir Jurowski wurde vielfach für seine Künstlerischer Leiter des Internationalen Leistungen ausgezeichnet. 2018 kürte ihn George-Enescu-Festivals in Bukarest und die Jury der Royal Philharmonie Society Principal Artist des Orchestra of the Age of Music Awards zum Dirigenten des Jahres. Enlightenment in Großbritannien. Er arbeitet 2016 erhielt er aus den Händen von Prince regelmäßig mit dem Chamber Orchestra of Charles die Ehrendoktorwürde des Royal Vladimir Jurowski, Foto: Simon Pauly Europe und dem ensemble unitedberlin. College of Music in London. 2020 wurde Mit Beginn der Saison 21/22 wird Vladimir Jurowski in Anerkennung seiner Tätigkeit Jurowski zusätzlich zu seinem Engagement als Künstlerischer Leiter des George-Enescu- beim Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin Festivals vom Rumänischen Präsidenten eine der renommiertesten Aufgaben im mit dem Kulturverdienstorden ausgezeichnet. deutschen Musikleben übernehmen und

86 87 BIOGRAFIE Julia Fischer

Julia Fischer gehört schon seit 20 Jahren zur Zuvor brachte Julia Fischer zahlreiche CD- Spitze der Geigenelite weltweit. Ihre künst- und DVD-Aufnahmen zunächst bei dem lerische Vielfältigkeit bringt sie außerdem Label Pentatone und dann bei Decca heraus. als Pianistin, Kammermusikerin und Profes- Ihre Einspielungen stießen auf höchstes sorin zum Ausdruck. Als erste Künstlerin im Lob bei den international wegweisenden Bereich der klassischen Musik gründete sie Medien und wurden mit zahlreichen Aus- ihre eigene Musikplattform, den JF CLUB. zeichnungen bedacht, darunter der BBC Music Mit drei Jahren erhielt die in München ge- Magazine Award, der Choc der Monde de la borene Tochter deutsch-slowakischer Eltern Musique, der Diapason d’Or de l’Année oder den ersten Unterricht zunächst auf der der Preis der Deutschen Schallplattenkritik. Geige, kurz darauf begann ihre Mutter Viera Das Unterrichten liegt Julia Fischer Fischer mit dem ersten Klavierunterricht. besonders am Herzen. Es ist ihr ein großes Bereits im Alter von neun Jahren wurde Bedürfnis etwas von dem weitergeben zu sie als Jungstudentin der renommierten können, was sie selbst als Kind erfahren Geigenprofessorin Ana Chumachenco an die durfte. Im Sommer 2019 rief Julia Fischer Hochschule für Musik und Theater München außerdem die Kindersinfoniker ins Leben, aufgenommen. 2011 übernahm Julia Fischer ein Orchester für Kinder im Alter von deren Nachfolge. 6 bis 14 Jahren, das sie zusammen mit dem Julia Fischer spielt mit den großen Pianisten Henri Bonamy und dem Dirigenten Orchestern weltweit, ist aber nicht weniger Johannes X. Schachtner leitet. Regelmäßig eine enthusiastische Kammermusikerin. gibt Julia Fischer zudem Meisterkurse bei Das Julia Fischer Quartett mit ihren lang- den Musikferien am Starnberger See. jährigen Kammermusikpartnern Alexander Viele Auszeichnungen ehren die Künst- Sitkovetsky, Nils Mönkemeyer und Benjamin lerin, so erhielt sie das Bundesverdienstkreuz Nyffenegger ist im Januar 2022 wieder und Preise wie den international hoch an- auf Reisen. Im November 2021 geht sie auf gesehenen Gramophone Award oder den Rezitaltournee mit Yulianna Avdeeva. Deutschen Kulturpreis. Sie wurde in die Jahr- 2017 gründete Julia Fischer den JF CLUB, hundert-Geiger-CD-Edition der Süddeutschen ihre eigene Musikplattform, auf der ihre Zeitung aufgenommen. neuen Aufnahmen exklusiv zu hören sind und in dem sie mit eigenen Artikeln, Videos Julia Fischer spielt auf einer Geige von oder auch bei persönlichen Treffen Einblicke Giovanni Battista Guadagnini (1742) in ihre Arbeit gibt. Damit schlägt sie einen sowie auf einer neuen Violine von Philipp neuen Weg im Klassik-Markt ein. Als Limited Augustin (2018). Edition erscheinen im August 2021 die Sona- ten von Eugène Ysaye in einer exklusiven JF CLUB Edition bei Hänssler Classic auf Vinyl. Julia Fischer, Foto: Uwe Arens

88 89 Es ist mir eine besondere Ehre, erstmals in Bregenz mit den Nürnberger Symponikern unter der Leitung von Ari Rasilainen konzertieren zu dürfen.

Dazu noch eines meiner Lieblings- werke, die Rokoko-Variationen von Tschaikowski.

RAPHAELA GROMES

90 91 6. MEISTERKONZERT Nürnberger Symphoniker Ari Rasilainen – Leitung

Raphaela Gromes – Violoncello

Samstag, Jean Sibelius (1865 – 1957) In den Norden führt uns der finnische Dirigent 30. April 2022 Pohjolas Tochter, Sinfonische Fantasie op. 49 (1906) Ari Rasilainen in diesem Konzert mit den Nürnberger Symphonikern: Mit Sibelius in ein Land der Sagen 18.45 Uhr und Mythen, wo eine Göttin der Lüfte an ihrem Spinn- Konzerteinführung Peter I. Tschaikowski (1840 – 1893) rad goldene Fäden spinnt und einen Helden verführt. im Saal Bodensee Variationen über ein Rokoko-Thema für Violoncello Mit Tschaikowski in die Welt des Rokoko und der und Orchester A-Dur, op. 33 prächtig verzierten Petersburger Palais, in denen eine 19.30 Uhr junge Cellistin einen fantasievollen Reigen anführt. Großer Saal Moderato assai quasi Andante – Tema. Moderato semplice Schließlich macht uns Ari Rasilainen mit dem hier- Variation I: Tempo del tema zulande wahrscheinlich kaum bekannten schwedischen Variation II: Tempo del tema Komponisten Kurt Atterberg bekannt: Seine dritte Variation III: Andante Symphonie fängt die Stimmungen am Meer an der Variation IV: Allegro vivo Westküste Schwedens ein. Variation V: Andante grazioso Variation VI: Allegro moderato Variation VII: Andante sostenuto Variation VIII e Coda: Allegro moderato con anima

Peter I. Tschaikowski (1840 – 1893) Andante cantabile für Violoncello und Streicher (nach dem Streichquartett op. 11)

Kurt Atterberg (1887 – 1974) Symphonie Nr. 3 op. 10 (Västkustbilder)

Soldis (Sonnendunst) Lento – Un poco più mosso – Molto tranquillo – Un poco più mosso – Lento

Sturm Con fuoco (non troppo presto, largamente) – Più mosso – Con fuoco (Tempo I) – ( ) – A tempo I (un poco più vivo) – Più mosso (molto) – Tempo I – Adagio molto tranquillo

Sommernacht Adagio – Molto vivace – Più mosso – Più mosso sempre – Tempo I – Tranquillo – Largamente – Lento

92 93 PROGRAMM PROGRAMM Jean Sibelius Pohjolas Tochter

Dem finnischen Nationalkomponisten Jean zweifeln, bis zu seinem Tod im hohen Alter Held unmögliche Aufgaben erfüllen, etwa, Sibelius gelang es, die Natur, das Licht und von 91 Jahren zurückgezogen auf dem Land indem er aus den Splittern ihrer Spindel ein die Weite des Nordens in seiner Musik ein- in Järvenpää, wo heute noch ein Museum an Schiff bauen soll. VäinämöinenPoh scheitert, zufangen, und er ist eng verbunden mit der ihn erinnert. wird von Pohjolas Tochter ausgelacht und finnischen Sagenwelt. Ursprünglich wollte In einer Stellungnahme aus dem Jahr kehrt wütend zurück. Sibelius Geiger werden und studierte an der 1934 schreibt Sibelius: „Meine Symphonien In der glänzend instrumentierten Fantasie Hochschule in Helsinki Violine und Kompo- sind Musik, die als musikalischer Ausdruck kann man die Geschichte wunderbar nach- sition. Später wechselte er nach Berlin und ohne jedwede literarische Grundlage erdacht vollziehen: Aus dunklem Beginn von tiefen Wien und nahm dort vor allem auch das und ausgearbeitet worden ist. Ich bin kein Streichern und Holzbläsern hebt sich das Musik- und Konzertleben intensiv in sich literarischer Musiker. Für mich fängt die Solocello als Erzähler und Stimme des Barden. auf. Als er 1892 nach Finnland zurückkehrte, Musik dort an, wo das Wort aufhört. Eine Die Streicherstimmen geraten in Bewegung, erhielt er eine Stelle als Lehrer für Musik- Szene kann in einem Gemälde, ein Drama in immer mehr Stimmen von Oboen, Englisch- theorie, Komposition und Violine, später er- Worten ausgedrückt werden; eine Symphonie horn, Hörnern und Klarinetten werden dazu möglichte es ihm eine Staatsrente, sich ganz soll zuerst und zuletzt Musik sein. Natürlich gemischt, ein Reitrhythmus begleitet den jolas dem Komponieren zu widmen. Er engagierte habe ich es erlebt, dass im Zusammenhang Helden auf seinem Weg ins mythische Land. sich sehr in der nationalfinnischen Be- mit einem musikalischen Satz, den ich Als Göttin der Lüfte wird Pohjolas Tochter wegung, die nach der Unabhängigkeit von schrieb, sich mir innerlich ganz unfreiwillig durch die Holzbläser, ihr Spinnrad durch die Schweden und Russland strebte (diese wurde ein Bild aufdrängte, aber das Samenkorn Harfe charakterisiert. Die Motive des Helden erst 1917 erreicht). Musikalische Zeugnisse und die Befruchtung meiner Symphonien und der ihn verführenden Frau sind mitein- davon sind die Karelia-Suite (1893), die lagen im rein Musikalischen. Als ich sym- ander verwandt, deutlich sind das eifrige Tondichtung En Saga (1893, zweite Fassung phonische Dichtungen schrieb, war das Ver- Bemühen Väinämöinens und das spöttische 1902), die Suite Lemminkäinen (mit dem be- hältnis natürlich anders. ‚Tapiola‘, ‚Pohjolas Gelächter der Göttin herausgearbeitet. Auf liebten „Schwan von Tuonela“, 1893 – 97) und Tochter‘, ‚Lemminkäinen‘ oder ‚Der Schwan dem Ritt zurück will sich der Held die Erinne- die bekannte Tondichtung „Finlandia“, die zu von Tuonela‘ sind Eingebungen aus unserer rung an die Frau aus dem Herzen herausrei- einer Art inoffizieller Nationalhymne wurde. nationalen Dichtung, aber ich erhebe keinen ßen – so eine Deutung für die emphatischen In diesen Werken behandelt er Stoffe aus Anspruch darauf, dass sie als Symphonien zu Blechbläserakkorde. Das Stück verlangsamt dem finnischen National-Epos „Kalevala“, das betrachten seien.“ sich, zuletzt erheben sich die Geigen in Volksdichtung, Mythologie und Geschichte Zu seiner Sinfonischen Fantasie (so der silbrige Höhen, bevor die Schlusstakte die verbindet. Tondichtungen, also Stücke, die in Untertitel) „Pohjolas Tochter“ op. 49 aus dem Düsternis des Anfangs wiederaufgreifen. gewisser Weise eine Geschichte erzählen, und Jahre 1906 wurde Sibelius, wie erwähnt, Die Tondichtungen von Jean Sibelius Symphonien in der Tradition der Spätroman- durch das finnische Nationalgedicht Kalevala werden gerne mit den entsprechenden tik bilden den größten Teil seines Schaffens, inspiriert. Beschrieben wird die Reise des Werken von Richard Strauss verglichen, dazu kommen das Violinkonzert (1903/05) alten Barden und Helden Väinämöinen ins seine Klangfarben und seine Tonsprache ist und weitere kleinere Stücke für Violine und düstere Nordland Pohjola. Dieser Name kann allerdings dunkler. Der Komponist selbst Orchester. Nach der Komposition seiner allerdings auch für den Gott der Lüfte stehen, brachte das Werk am 29. Dezember 1906 siebten Symphonie (1918 – 24) und der Ton- dessen wunderschön anzuschauende Tochter im Marinskij Theater in St. Petersburg mit dichtung „Tapiola“ (1925/26) hörte er auf zu im Himmel mit ihrem Spinnrad goldene großem Erfolg zur Uraufführung. komponieren und lebte, geplagt von Selbst- Fäden spinnt. Um sie zu gewinnen, muss der

94 95 PROGRAMM PROGRAMM Peter Tschaikowski Variationen über ein Rokoko-Thema Andante Cantabile aus dem Streichquartett

Mit seinem 1. Klavierkonzert aus den Jahren sie in den Briefen anspricht, unternehmen. er vier einzelne Mozartsätze, in seiner Oper virtuos, aber auch melancholisch verschattet. 1874/75, dem Violinkonzert (1878), seinen Der zum Teil durchaus vertraut wirkende „Pique Dame“ gibt es als Einschub auf einem Das Orchester ist Partner, kommentiert, Balletten „Schwanensee“ (1876), „Dornrös- Briefwechsel der beiden Menschen, die sich RoFest eine Art Schäferspiel mit Rokoko- verstärkt die Solistin, übt sich aber auch in chen“ (1890) und „Nussknacker“ (1892), nie persönlich sahen, aber sich in vielen Kostümen. Auch die Variationen über ein Zurückhaltung. Eine ausgeschriebene (also den drei letzten Symphonien und den Opern Briefen über Fragen der Musik austauschten, Rokoko-Thema für Violoncello und Orchester nicht improvisierte) Solokadenz ist Teil der „Eugen Onegin“ (1878) und „Pique Dame“ gehört zu den interessantesten Dokumenten aus dem Jahr 1876 wirken wie eine kleine fünften Variation, bevor eine besinnliche (1890) hat der russische Komponist Peter I. der schwierigen Künstlerpersönlichkeit. Flucht in eine vergangene Welt und sind für Moll-Variation und eine funkelnde Schluss- Tschaikowski Werke geschaffen, die zu den Denn der Komponist, der homosexuell ver- den Cellisten Wilhelm Fitzenhagen geschrie- runde beeindrucken. Neben den berühmten beliebtesten des 19. Jahrhunderts gehören. anlagt war, flüchtete sich in eine katastro- ben. Der Cellist Jan Vogler sieht außerdem Solokonzerten Tschaikowskis für Klavier und Zunächst war der im Jahre 1840 Geborene phal endende Ehe und war trotz seiner gro- eine Verbindung Tschaikowskis zu St. Peters- für Violine nehmen die Rokoko-Variationen, als Jurist im Staatsdienst tätig und wandte ßen Erfolge oft deprimiert. Wenige Wochen burg und schreibt im Booklet zu seiner Neu- auch an Beliebtheit für die Cellisten, den sich erst ab 1863 im Studium am St. Peters- nach der Uraufführung seiner sechsten einspielung: „Nicht zuletzt die Aufführungs- gleichen Rang ein. burger Konservatorium bei Anton Rubin- Symphonie im Oktober 1893 starb er unter praxis des 19. Jahrhunderts lehrt uns, das stein ganz der Musik zu. Im Gegensatz zu nicht ganz geklärten Umständen: Führte Tschaikowski ganz sicher in einem stilisti- Andante cantabile den Komponistenkollegen des so genannten man früher die Cholera an, die er sich nach schen Kontext komponierte und dass er in „Mächtigen Häufleins“ rund um Mussorgski dem Trinken von nicht abgekochtem Fluss- seinem Stil vielleicht klassischer und klassi- Dieses träumerische Stück entstammt ur- oder Borodin, die das urtümlich Russische wasser eingefangen habe, so weisen jüngere zistischer beeinflusst war, als wir es in der sprünglich dem ersten Streichquartett op. 11 in der Musik bevorzugten, orientierte sich Erkenntnisse aus früher nicht zugänglichen Vergangenheit angenommen haben. aus dem Jahr 1871, Tschaikowski löste es als Tschaikowski an den Kompositionen des Quellen darauf hin, dass er Selbstmord … Vor einigen Jahren entdeckte ich die Einzelsatz in einer Bearbeitung für Violon- Westens, wie er sie etwa bei Schumann oder begangen hat oder auch wegen der allzu in- Heimatstadt Tschaikowskis für mich neu. cello und Streichorchester bzw. Klavier aus Brahms fand. So entwickelte er seine ur- timen Kontakte zu seinem Neffen Wladimir Was für eine beeindruckende Rokoko-Pracht: dem Quartett heraus. Die Melodie des ersten eigene, melodiöse und oft leidenschaftlich Dawidow vergiftet oder zum Selbstmord die wunderschönen Palais stehen wie auf- Teils ist ein russisches Volkslied, im Mittel- aufwallende Tonsprache, die zwischen west- gezwungen worden sei. gereiht am Flussufer und inspirieren jeden teil bezaubert im Original ein feinsinniger, europäischer und slawischer Musikkultur Besucher. Was, wenn Tschaikowski sich von zart begleiteter Dialog zwischen Violine und vermittelt. Nach seiner Studienzeit wurde Variationen über ein Rokoko-Thema für der Rokoko-Architektur seiner Heimatstadt Violoncello. Doch die sehnsüchtige Melodie Tschaikowski gleich zum Lehrer für Musik- Violoncello und Orchester A-Dur zu seinen Variationen inspirieren ließ? passt auch hervorragend für diese Romanze theorie am Moskauer Konservatorium beru- Was, wenn all die Verzierungen und verspiel- für Violoncello solo und Streicherbegleitung. fen, seine eigenen Werke entstanden zum Die Rokoko-Variationen entstammen jener ten Floskeln dieses Werkes Anklänge an die Teil unter großen Anstrengungen neben seiner schwierigen Zeit Mitte der 1870er Jahre, als eleganten Möbel, die gewundenen Fassaden- Lehrtätigkeit. Erst durch die Begegnung mit der Komponist, vielleicht um seine Homo- Linien oder den galanten Stil der höfischen seiner Gönnerin Nadeshda von Meck, einer sexualität zu verbergen, die Ehe mit einer Kleider dieser Zeit wären?“ adeligen Witwe, die seine Kompositionen ihn bedrängenden Studentin einging. Nach Wenige Einleitungstakte des Orchesters verehrte und ihn finanziell unterstützte, drei Monaten floh er aus dieser Beziehung bereiten den Boden für ein galantes Thema hatte Tschaikowski nach 1878 die Freiheit, und konnte am Genfer See Ruhe und im Geiste Mozarts. Nach Art der klassischen ohne weitere Lehrverpflichtungen zu kom- Inspiration finden. Zum Rokoko und zur Charaktervariationen bietet sich der Solistin ponieren. Auch Konzertreisen ins europäi- Zeit Mozarts schien Tschaikowski eine beson- die Gelegenheit, dieses Thema in sieben sche Ausland als Dirigent konnte er durch dere Verbindung zu haben: In seiner Suite Variationen immer mehr auszuschmücken,koko die Hilfe der „geliebten Freundin“, wie er „Mozartiana“ instrumentierte und bearbeitete traumtänzerisch, fantasievoll, durchaus

96 97 PROGRAMM PROGRAMM Kurt Atterberg Symphonie Nr. 3

Kurt Atterberg kam 1887 in Göteborg zur die seitdem den Titel „Dollarsinfonie“ trägt zuführen. Im Kommentar zu einer CD-Ein- Welt, sein Vater war Ingenieur und Erfinder, (die ausgelobte Prämie betrug 10.000 US-$). spielung heißt es: „Im Mai 1916 mietete die sein Großvater ein berühmter Opernsänger. Die „Bilder der Westküste“, komponiert Familie Atterberg abermals ein Ferienhaus Als 15-Jähriger begann er mit dem Cellospiel 1914/16, sind farbige Tongemälde voller in der Nähe von Lysekil. Aus diesem Aufent- und schuf erste Kompositionen. Für kurze Leuchtkraft und Naturstimmungen, der halt erwuchs das dritte Bild. Die glühenden Zeit nahm er Kompositionsunterricht am Mittelsatz zeichnet einen dramatisch aufge- Himmelsfarben der Sommerdämmerung Stockholmer Konservatorium, verkehrte in wühlten Sturm nach. Kurt Atterberg war im verblassen gen Mitternacht. Die Luft verharrt Musikerkreisen und komponierte ein erstes Juli 1914 mit seiner Familie in den Schären- in absoluter Stille. Im Nordosten beginnt Streichquartett. Sein eigentliches Studium inseln nördlich von Göteborg in Ferien. der Himmel wieder zu leuchten, eine Brise absolvierte er allerdings an der Technischen Das Gebiet lag die ganze Zeit über unter kommt auf, die Sonne erhebt sich majes- Hochschule in Stockholm, er arbeitete von einer heißen Dunstglocke: Diese Atmosphäre tätisch über die Berge – zunächst in kalten 1912 bis 1968, also bis zu seinem 81. Lebens- hat Atterberg im ersten Satz „Sonnendunst“ Farben, dann immer wärmer. In diesem jahr, am Königlichen Patentamt. Dazu wirkte eingefangen mit einem Motiv in den tiefen Moment, im einleitenden Adagio des dritten er als Dirigent seiner eigenen Werke in Streichern, das von der Harfe und einem Bildes, haben die Hörer:innen die seltene Ge- Schweden und im Ausland (etwa mehrfach hellen Celestaklang akzentuiert wird. Es legenheit, eine Altflöte zu hören. Das Morgen- bei den Berliner Philharmonikern), er grün- scheint eine drückende Stimmung zu grauen schwillt zu einer Hymne an, aber dete und leitete die Vereinigung schwedischer herrschen, Bläserstimmen von Englischhorn das Bild, und damit die dritte Sinfonie, endet Komponist:innen und war fast 40 Jahre lang und Oboe erzählen von Sehnsucht und pianissimo.“ Diese „Sommernacht“ beginnt Musikkritiker einer Stockholmer Zeitung. Seufzern, vielleicht auch von Meeresstille in friedlicher Stille, nur einzelne Stimmen In erster Ehe war er mit einer Pianistin und Vogelrufen. Kurz bäumt sich die Musik durchbrechen die Ruhe. In einem hymnischen verheiratet. auf, bevor die lastende Atmosphäre wieder Aufschwung gibt es einen breiten Strom Zusammen mit Ture Rangström war überwiegt. Als Atterberg diesen Satz in von Melodien und starken Emotionen, kraft- Atterberg der führende Tonsetzer der zweiten Göteborg zur Uraufführung brachte, wollte voll und poetisch instrumentiert. (Ein Kom- Generation schwedischer Spätromantiker er danach ein Gegenstück dazu schaffen: mentator sieht/hört den Flug eines Albatros und damit mit diesem zusammen gleichsam Am 22. Juni 1915 war „Sturm“ abgeschlossen, …) Solobläser erheben sich, majestätische Fortsetzer der durch Wilhelm Peterson- ein aufgepeitschtes, dramatisches Stück Themen schwingen sich zu einem weiteren Berger, Wilhelm Stenhammar und Hugo mit Schlagwerkexplosionen und treibenden Höhepunkt empor, bevor die Musik ganzSym Alfvén begründeten Tradition. Während Rhythmen. Im Mittelteil gibt es Momente verklärt mit der Harfe ausklingt. seine fünf Opern in Vergessenheit gerieten, der Ruhe und Sicherheit, dargestellt in sind seine neun Symphonien wieder häufiger Instrumentalsoli und Volksweisen, der Auch wenn wir hier am Bodensee nicht die zu hören. Ari Rasilainen, der Dirigent dieses Betrachter befindet sich in einem ruhigeren hellen Nächte Skandinaviens genießen – von Konzerts, setzt sich immer wieder für seine Fjord, umgeben vom aufgewühlten Meer. Stürmen und Sonnenauf- und -untergängen Werke ein und hat die Symphonien auf Die poetischen Einschübe wirken so, als verstehen auch wir etwas! CD eingespielt. Besonderen Ruhm erlangte täten sich Sonnenfenster am stürmischen Atterbergs sechste Symphonie, mit der er Himmel auf. Wieder kam Atterberg bei der den Internationalen Schubert-Wettbewerb Uraufführung dieses Satzes der Gedanke, 1928 der Schallplattenfirma Columbia zum noch einen dritten Teil zu komponieren und 100. Todestag Franz Schuberts gewann und zu einer dreisätzigen Symphonie zusammen- phonie

98 99 BIOGRAFIE Nürnberger Symphoniker

Künstlerische Qualität und stilistische Band- International anerkanntes Symphonie- breite sind die Markenzeichen der Nürnberger orchester mit außergewöhnlichen Symphoniker. Seit ihrer Gründung 1946 Dirigenten begeistern sie ihr Publikum mit zahlreichen Musikstilen: Oper, Operette, Oratorium, Seit der Gründung der Nürnberger Sympho- Film und vor allem das Symphoniekonzert. niker haben namhafte Dirigent:innen den An die 200.000 Menschen genießen pro Takt vorgegeben. Einer davon ist der gleicher- Saison die rund 100 Auftritte der Nürnberger maßen brillante wie charismatische Brite Symphoniker. Bei den Symphonischen Kon- Alexander Shelley. Er führte in seiner bis zerten in der Nürnberger Meistersingerhalle zum Sommer 2017 dauernden achtjährigen liegt der Schwerpunkt auf dem klassisch- Tätigkeit als Chefdirigent das Orchester zu romantischen Repertoire. Im hauseigenen neuen Höhen und zu einer außergewöhn- Musiksaal in der Kongresshalle widmen sie lichen Beliebtheit. Ab der Saison 2018/19 hat sich spannenden genreübergreifenden der international von Publikum und Presse Projekten aus Pop, Jazz, Film und Literatur. gefeierte Nachwuchsstar Kahchun Wong die Stabführung übernommen. Das Orchester Gesellschaftliches Engagement für bewegt sich auch auf internationalem Parkett. klassische Musik Weltstars wie Cecilia Bartoli, Cheryl Studer, Edita Gruberova und José Carreras musizier- Junge Menschen für die klassische Musik ten bereits mit ihnen. zu gewinnen, liegt den Nürnberger Sym- phonikern besonders am Herzen. Dafür Intendant für konstante und gelungene Nürnberger Symphoniker, Foto: Torsten Hönig engagieren sie sich mit altersgerechten und Entwicklung interaktiven Projekten und Konzerten. So sitzen bei den Kooperationskonzerten mit Seit 2003 ist Professor Lucius A. Hemmer MUBIKIN (Musikalische Bildung für Kinder Intendant der Nürnberger Symphoniker. und Jugendliche in Nürnberg) die Kleinsten Unter seiner Leitung gewann das Orchester neben den Orchesterprofis. Bei der Koope- deutlich an Profil. Er baute das musikalische ration mit dem Förderprogramm Klasse. Angebot aus und schaffte gleichzeitig eine Im.Puls dürfen Jugendliche sogar gemeinsam erfolgreiche Balance zwischen höchstem mit ihnen auf der Bühne musizieren. Qualitätsanspruch und erfolgreicher Pub- „Symphoniker im Klassenzimmer“ heißt das likumsorientierung. Diese Neuausrichtung Projekt, bei dem Musiker:innen in die Schule führt das Ensemble auch regelmäßig zu oder in den Kindergarten gehen und ihre In- internationalen Gastspielen in Wien, Prag, strumente vorstellen. Neue Konzertformate Mailand, Japan oder nach China. Zuletzt wie Angebote für Menschen mit Demenz oder gingen die Nürnberger Symphoniker auf genreübergreifende Produktionen mit Jazz- eine erfolgreiche Gastspielreise nach und Popmusik runden das Engagement ab. Singapur, der Heimat ihres Chefdirigenten.

100 101 BIOGRAFIE Ari Rasilainen

Ari Rasilainen gilt heute als einer der heraus- Seit 1995 hat Ari Rasilainen auch pädago- ragenden Dirigenten seiner Generation. gisch seine Kenntnisse im Dirigieren weiter- Er studierte in der renommierten Dirigenten- gegeben, indem er entweder zusammen klasse von Jorma Panula an der Sibelius- mit Jorma Panula oder aber auch allein Akademie in Helsinki sowie bei Arvid Jansons zahlreiche Dirigier-Kurse geleitet hat. Mit (Dirigieren) und Aleksander Labko (Violine) wichtigen deutschen Radio-Sinfonieorches- in Berlin. tern, u.a. dem Rundfunk-Sinfonieorchester Vor seiner Tätigkeit als Dirigent spielte Berlin, dem hr-Sinfonieorchester, dem Ari Rasilainen im Finnischen Radio-Sinfonie- Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR, Orchester und war von 1980 bis 1986 Stimm- dem MDR-Sinfonieorchester Leipzig, der führer der 2. Violinen im Helsinki Philhar- NDR Radiophilharmonie Hannover und dem monic Orchestra. Weiterhin trat er als Solist WDR Rundfunkorchester Köln hat er intensiv sowie als Kammermusiker auf, wobei die zusammengearbeitet. Kammermusik auch heute noch zu seinen Er arbeitet mit Solist:innen wie Lucia Leidenschaften zählt. Von 1985 bis 1989 war Aliberti, Juliane Banse, Claudio Bohorquez, Ari Rasilainen Chefdirigent des Lappeenran- Montserrat Caballé, José Carreras, Julia ta City Orchestra (Finnland), anschließend Fischer, Andrej Gavrilov, Hilary Hahn, Nigel bis 1994 Principal Guest Conductor des Kennedy, Shlomo Mintz, Daniel Müller- Tampere Philharmonic Orchestra und von Schott, Johannes Moser, Olli Mustonen, 1994 bis 2002 Chefdirigent des Norwegischen Grigory Sokolov, Christian Tetzlaff, Arcadi Radioorchesters Oslo. 1994 bis 1998 über- Volodos, Frank-Peter Zimmerman und nahm er diese Position auch bei der Jyväskylä Nikolaj Znaider. Sinfonia (Finnland). Ebenfalls als Chefdirigent leitete er von 1999 bis 2004 die Sinfonietta Zahlreiche CD-Einspielungen unterstreichen im finnischen Pori. Von 2002 bis 2009 war die Vielfalt seiner künstlerischen Arbeit. er Generalmusikdirektor der Deutschen Dabei kann Ari Rasilainen auf eine erfolg- Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz. Darüber reiche Zusammenarbeit mit verschiedenen hinaus arbeitet er regelmäßig mit weiteren Labels zurückblicken. Insgesamt wurden bedeutenden Orchestern in Europa und unter seiner musikalischen Leitung bisher Nordamerika. Das Aalborg Symfoniorkester über fünfzig Tonträger eingespielt, darunter hat Ari Rasilainen ab der Saison 2002/03 zum Aufnahmen von Jean Sibelius, Edward Ständigen Gastdirigenten gewählt. An der Grieg, Carl Nielsen, Aulis Sallinen, Christian finnischen Nationaloper in Helsinki dirigierte Sinding, Kurt Atterberg und Natanael Berg. er u.a. Lohengrin, Die Zauberflöte und Sowie das 1. Cellokonzert von Saint-Saëns Tosca, beim Opera Festival im finnischen mit Sol Gabetta. Savonlinna übernahm er 2005 die Leitung von Sallinens Oper Der Reitersmann. Ari Rasilainen, Foto: Lukas Beck

102 103 BIOGRAFIE Raphaela Gromes

„(…) immer wieder Momente reiner Poesie.“ Neben ihrem festen Duo-Partner Julian Riem zählen auch Christian Altenburger, Isabelle Hochvirtuos und schwungvoll, leidenschaft- von Keulen, Alexander Lubimov, Patrick lich und technisch brillant, vielseitig und Demenga und Mischa Maisky zu Gromes’ charmant – kaum ein Cellist begeistert Kammermusikpartnern. sein Publikum wie Raphaela Gromes. Ob als Im Herbst 2017 erschien mit „Serenata Solistin mit Orchester, bei Kammermusik Italiana“ ihr vielbeachtetes, erstes Album im Duo oder gemeinsam mit einem Bläser- als Exklusivkünstlerin bei SONY. Ihre zweite quartett, die junge Cellistin zieht stets mit SONY-CD „Hommage à Rossini“, die im ihrem gleichzeitig fantastisch anspruchs- November 2018 erschien, und ihre dritte im vollen wie außergewöhnlich leichtfüßigen Mai 2019 veröffentlichte CD mit dem Titel Spiel in den Bann. „Offenbach“ zum 200. Geburtstag des Unübersehbar ist auch ihre mitreißende Komponisten waren unter den Top Ten der Spielfreude, die sich sofort auf ihr Publikum Klassikcharts und ernteten großes Lob bei überträgt. „Mit dem ersten Ton stellt sie der Presse. „Richard Strauss – Cello Sonatas“ eine ungeheure Intimität her, ihr Spiel ist ist das vierte Album mit ihrem Duo-Partner vom Fleck weg sehr persönlich, nichts wirkt Julian Riem, das im Februar 2020 erschien. gemacht“, beschreibt die „Süddeutsche Mit der Urfassung der Strauss-Sonate op. 6 Zeitung“ ihren Auftritt mit den Münchner präsentiert Raphaela Gromes wie auch in Symphonikern 2018. „Mit leicht heiserem ihren vorherigen Alben eine Weltersteinspie- Celloton erzählt sie die Musik, empfindet lung. Auf ihrer aktuellen CD vom Oktober sie. (…) Gromes begeistert mit ihrer Freude, 2020 mit dem Rundfunk-Sinfonieorchester paart eine gesunde Erdigkeit mit federleich- Berlin unter Nicholas Carter sind Cello- ten Ausflügen. In der ersten Kadenz probiert konzerte von Schumann, Klengel (Welterst- sie ein paar interessante Dissonanzen aus, einspielung) und die Strauss Romanze zu verwirft sie, präsentiert dann ganz locker hören. stupende Virtuosität, kehrt zur Klangexegese zurück und schafft immer wieder Momente Raphaela Gromes ist Kulturbotschafterin der reiner Poesie.“ SOS-Kinderdörfer weltweit. Raphaela Gromes’ Auftritte mit ihrem Klavierpartner Julian Riem werden als per- fekte Duette gefeiert: „Tatsächlich definieren die beiden das instrumentale Duettieren auf ihre Weise neu: Gromes und Riem machen Kammermusik auf symbiotische Art“, schwärmt „Die Presse“ nach ihrem Debüt im Wiener Konzerthaus. Raphaela Gromes, Foto: Sammy Hart

104 105 Bregenzer Mei 2021 Saisonster 2022 kon zerte

106 107 KARTEN SITZPLAN Abonnement und Einzelkarten

Abbonnementverkauf

Kat. 1 – EUR 355 Kat. 2 – EUR 300 Kat. 3 – EUR 250 Nehmen Kat. 4 – EUR 200 Kat. 5 – EUR 180

Jugendliche und Studierende bis 27 Jahre – ab EUR 102

Alle Abonnementkonzerte finden im Festspielhaus Bregenz statt. Erhältlich bei Bregenz Tourismus & Stadtmarketing GmbH, Rathausstr. 35a, 6900 Bregenz, T + 5574 4080, [email protected]

Einzelkartenverkauf Sie Der Einzelkartenverkauf startet ab 13. September 2021 bei Bregenz Tourismus & Stadtmarketing GmbH und events-vorarlberg.at

Die Ermäßigung für Ö1-Clubmitglieder gilt nur für Einzelkarten (nicht für Sonderkonzerte)

Jede Eintrittskarte und Abonnementkarte inkludiert die Garderoben- gebühr, das Abendprogrammheft, die Einführung sowie die Hin- und Rückfahrt mit dem Verkehrsverbund Vorarlberg.

14.10.21 25.11.21 21.1.22 19.3.22 29.3.22 30.4.22

Kat. 1 66,– 76,– 76,– 65,– 76,– 67,–

Kat. 2 52,– 68,– 68,– 52,– 68,– 52,–

Kat. 3 45,– 55,– 55,– 45,– 55,– 45,–

Kat. 4 34,– 42,– 42,– 40,– 42,– 40,– Kat. 5 32,– 38,– 38,– 35,– 38,– 35,– 108Platz 109 IMPRESSUM

Landeshauptstadt Bregenz Abteilung Kulturservice und Veranstaltungen Bergmannstrasse 6, 6900 Bregenz +43 5574 410 1511, [email protected]

Konzeption und Programmplanung: Mag. Judith Reichart Projektmanagement: Petra Buchmann Ticketing: Selma Dünser

Texte: Vivaldi | Mozart: Prof. Anna Mika

Prokofjew | Schostakowitsch | Rachmaninoff | Stevenson: Dr. Silvia Thurner

Sibelius | Tschaikowski | Atterberg | Korngold | Haydn | Mussorgski: Katharina von Glasenapp, M. A.

Titelbild: Henry Dick

Gestaltung: Sägenvier DesignKommunikation, Dornbirn Druck: Hecht Druck, Hard Dank an: Dr. Wolfgang Fetz

Termin- und Programmänderungen vorbehalten. Bild- und Tonaufnahmen des Konzerts sind nicht gestattet.

110 111 Kulturfreude braucht Kulturfreund:innen. Ein herzliches Dankeschön an

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