ANGELIKA MARKUL
GALERIE LAURENCE BERNARD
37 rue des Bains I 1205 Genève I +41 76 329 60 28 [email protected] I www.galerielaurencebernard.ch Cultura
Tres muestras sobre la naturaleza hecha arte, en el ex Zoo porteño
La exposición de Muntref-Centro de Arte y Naturaleza reúne la obra de la polaca Angelika Markul, el colombiano Larry Muñoz y el argentino Sebastián Díaz Morales. Propuestas sobre cómo la vida avanza aún después del abandono y las tragedias humanas
Por Marina Oybin / 24 de abril de 2018
Las muestras ponen en el centro al avance de la naturaleza, aùn después de abondonos y tragedias
Una ironía macabra. Eso es lo primero que uno piensa al ver una antigua rueda de la for- tuna en un parque de diversiones en Prípiat, ciudad devastada tras la explosión del reac- tor número 4 de la central nuclear de Chernobyl. El accidente nuclear más grave de la his- toria generó una radiación 200 veces superior al de las bombas de Hiroshima y Nagasaki combinadas. La radioactividad emitida se extendió por más de una decena de países de Euro- pa central y oriental; provocó muertes, trastornos genéticos, malformaciones y enfermedades.
En ese sitio que hoy es una ciudad fantasma, la artista polaca Angelika Markul filmó a ritmo ver- tiginoso durante cuatro días una de sus videoinstalaciones inmersivas. En ellas, imagen, silencio y sonidos (compuestos especialmente para sus trabajos) se articulan con precisión potenciando el efecto dramático. Junto con un video realizado en Naica (un pueblo del estado mexicano de Chihuahua) y otro, en las ruinas de un castillo construido hace unos 10 mil años, que hoy está sumergido en el mar en Yonaguni (Japón), integran Naturaleza reimaginada, con curaduría de Diana Wechsler. Muntref Centro de Arte y Naturaleza (Nicolas Villalobos)
"En sus obras, Markul alude a la tensión entre vida y muerte: en el caso de Chernobyl, registra cómo esa ruina contemporánea es avasallada por la sobrevivencia de la naturaleza", señala Wechsler.
Estamos en Muntref-Centro de Arte y Naturaleza, futuro Ecoparque (en el ex zoológico porteño), que abrió sus puertas a finales del 2017 durante BIENALSUR y que suma artistas nacionales e internacionales para abordar temáticas vinculadas con la naturaleza desde la mirada del arte.
Desde hace una década Markul elige para sus filmaciones sitios peligrosos, misterio- sos, alejados y de muy difícil acceso para el hombre. "Con mis trabajos busco respues- tas a las preguntas que me hago a mí misma sobre la vida, la muerte y el nacimien- to: ¿por qué estamos aquí en la tierra?, ¿estamos solos en el universo?", dice la artista.
Markul, que vive y trabaja entre Polonia y Francia, se nutre de investigaciones científicas y -tra diciones del lugar para crear una cosmogonía propia, lindante con la ciencia ficción. Recorre y analiza el lugar, documenta, toma registros fotográficos, dibuja, conversa y hace contactos con la gente del lugar. Decide cuál es la zona que le interesa iluminar y de qué modo. No hay en sus filmaciones un interés documental o naturalista: Markul desata mitos, crea nuevos universos.
Filmar en Chernobyl significó uno de sus mayores desafíos "físicos y espirituales". Con un aparato que mide la radiación, recorrió con su equipo de trabajo distintos sitios hasta la zona denominada I, la más contaminada y donde filmó. Durmieron en Prípiat, en un edificio con un grupo de soldados, el único lu- gar disponible cerca de la zona 1: "La radiación –cuenta la artista– era muy alta en ese lugar que funciona como base de las milicias: tuve dolores de cabeza agudos, vómitos y nauseas, pasé cuatro días sin comer" Antigua rueda de la fortuna en un parque de diversiones en Prípiat, Chernobyl
El rodaje tuvo que hacer frente a las tormentas de nieve. "Si bien el gobierno nos autorizó a entrar, tuvimos que pagar muy caro: Ucrania es un país muy corrupto, se manejan de ese modo. Pagar es una práctica generalizada", dice la artista, quien pasó todo el tiempo controlada por las milicias: "Fuimos tratados como periodistas: ellos querían saber exactamente qué íbamos a decir y qué filmábamos".
Markul revela un hecho estremecedor: "Muchos periodistas van en verano. Cuando llegamos nos ex- plicaron que nunca hay que ir en esa temporada porque es extremadamente peligroso: el átomo que está sobre la tierra se activa. Las partículas que se desprenden pueden entrar por las orejas, la boca, la nariz y los ojos y provocar la muerte. En cambio, durante el invierno, la nieve provee una capa de protección. Muchos periodistas van en verano porque desconocen esta situación; yo tampoco lo sabía hasta que cuando llegué los militares ucranianos me contaron esto. Para entrar en la zona, es obli- gatorio firmar un documento en el que uno se hace absolutamente responsable de lo que te ocurra".
Yonaguchi, la misteriosa ciudad subacuática de Japón
También en Fukushima, donde filmó dos meses después del accidente nuclear, Markul- ar riesgó su vida. "Allí la intensidad de la radiación era mucho mayor que en Prípiat", afirma la artista. Llevó agua, no probó bocado, sólo se quedó un día para el rodaje y se fue a paso fugaz.
"Sentí olor a muerte: aún había cuerpos bajo los edificios y la tierra", recuerda. Hay alquimia en su obra: Markul convierte tragedia agónica, destrucción y fragilidad en un universo misterioso, hipnótico. Cueva de Naica Chihuahua, México
También requirió coraje su trabajo en la cueva de Naica Chihuahua, México), conectada a la mina de Naica, a 300 metros de profundidad, donde se encuentran los cristales más grandes del mun- do. El resultado del trabajo es como un filme de ciencia ficción de otros tiempos, con sello vintage.
Para soportar los casi sesenta grados de temperatura que hay en la cueva, usaron trajes espe- ciales refrigerados. Además, la artista y su equipo se hicieron chequeos médicos y realiza- ron un entrenamiento físico previo. En la cueva, cuenta Markul, hay cabinas acondiciona- das por científicos donde es posible usar máscaras de oxígeno para aliviar las altas temperaturas.
Para soportar los casi sesenta grados de temperatura que hay en la cueva, usaron trajes especiales refrigerados
Con acciones breves y absurdas, En un futuro no muy lejano, de Sebastián Díaz Morales, pone el eje con una serie de videos en una pareja que hace frente a un viento huracanado en la Patagonia. Con curaduría de Benedetta Casini, en La eterna novedad del mundo, con ramas secas, esqueletos de animales, piedras, plumas, semillas de cardo e insectos encontrados en el zoo, el artista colom- biano Larry Muñoz presenta obras leves y efímeras. Son tan frágiles que da la impresión de que un suspiro puede dañarlas. La eterna novedad del mundo (Larry Muñoz)
Un fabuloso video pone el foco en la tenue respiración de un rinoceronte que aún está en el zoo junto con otros animales que no pudieron reubicarse y que, tras varias generaciones en cautiverio, no podrían sobrevivir en su hábitat natural. Resulta difícil despegarse de esa imagen monumental. Sólo se percibe el movimiento suave del lomo; la piel gruesa, agrietada, gris. Triste y solitario final: permanecerá en el zoo hasta su muerte.
*Naturaleza reimaginada, de Angelika Markul; En un futuro no muy lejano, de Sebastián Díaz Morales, y La eterna novedad del mundo, de Larry Muñoz, Muntref-Centro de Arte y Naturaleza (Ecoparque, Avenida Sarmiento 2725). Hasta el 5 de agosto. Entrada gratis http://www.telam.com.ar/notas/201804/270588-tres-muestras-reflexionan- sobre-el-medio-ambiente-en-el-ecoparque-porteno.html
A passion for what is hidden from human sight by Virginia Greco. Published: 12 March 2018 http://alicematters.web.cern.ch/?q=content/node/1085
Last January, visual artist Angelika Markul visited the ALICE experiment to get inspiration for a project about the
Universe and its origin. We talked with her about her work.
ALICE’s study of the infancy of the Universe attracted the attention and the interest of visual artist Angelika
Markul, who came to CERN last January to visit the experimental site and see our detector. Of Polish origins, Markul has lived and worked in Paris since 1997, where she studied arts.
Her artistic production counts many multimedia installations including video projections, which are inspired by nature and her investigation of what is mysterious and hidden from human sight. Lately she became interested in big machines built by physicists and engineers to study the Universe under different points of view. One of these is the ALICE detector, which she wanted to see with her eyes to get more inspiration for a piece of art she is working on in this period. We interviewed her to learn more about this experience and her projects.
Ms Markul, how did you become interested in particle physics in general and, in particular, in the ALICE experiment? In the framework of my current research and my work, I oriented my attention towards three scientific machines – the largest and the most complex ones – which allow us to learn more about our origin and where we come from.
The first machine I got interested in is the ALMA telescope in Chile, which looks towards the sky. Then, I became interested in the ALICE experiment and the research concerning our creation, as well as in how particles are used to recreate the conditions after the Big Bang to shed light on the functioning and the origin of our universe. Finally, the third machine is the FAST radio telescope in China, which aims at detecting potential forms of life in other galaxies.
You visited CERN and went underground in the ALICE cavern to see our detector. What are your impressions? What did you get from that experience?
It was a unique experience. The capacity and complexity of the machine is immense. I could not imagine how it can work, it is overwhelming. I was disappointed, however, because the magnet doors were closed. I would have loved to discover the heart of the machine and its technology, to see her bowels more closely.
Do you think that this visit will inspire you to produce some piece of art? If yes, what do you think you would like to realize?
Yes of course. I came back to my studio to make a video about the three topics and places I mentioned before: the Atacama Observatory, the Alice Experiment and the FAST radio telescope. I hope to be able to complete this project by early 2019 and I would like to go back to CERN to film and have access to the heart of the machine.
This means that you want to learn more about CERN and ALICE, don’t you?
Yes! As I said, I would like to return for a second shooting, as well as to discover other places and discuss more with scientists on the operation of the machine and what it tells us about our origin.
From where do you normally take your inspiration?
I am very interested in technology and, more generally, I work a lot on nature. My artistic work has always been rooted and involved with places that are missing, unknown or dangerous. I associate real facts and fiction or even science fiction. My latest film projects took me to the south of Japan on the Yonaguni Island to discover a monument buried under the sea the exact origin of which is unknown, as well as to the north of Mexico in the crystal mine of Naica, which it is now impossible to visit, and to Chernobyl to evoke this nature rebuilt on its own ruins. My last film, “The Memory of the Glaciers”, continues a process of reflection which started more than ten years ago around questions about memory, bodies and places, destruction and the cycle of life. Stretched between these paradoxes, my approach is always motivated by a desire to capture the images but also to carve them and make visible what is dark and hidden.
ARTE 01.03.2018
Despegando SOLO: La nueva GALERÍA de Madrid Una pareja hispanofrancesa abre su nueva galería de arte en Madrid, atraída por el potencial de la ciudad. Algo está pasando en Madrid, y ellos quieren ser parte de ello. Y se sienten bienvenidos.
POR IANKO LOPEZ FOTOS D.R. HTTP://WWW.REVISTAAD.ES/ARTE/ARTICULOS/SOLO-GALERIE-NUEVA-APERTURA-MADRID/20113
No todos los días abre una galería de arte en Madrid, y menos aún con semejante despliegue. La pareja formada por Eva Albarrán y Christian Bourdais ya poseía en París el espacio Solo Galerie, especializado en arquitectura, además de una empresa de producción de grandes instalaciones y eventos artísticos que les sirvió para crear y fortalecer sus vínculos con algunos importantes creadores de la escena contemporánea. En España llevan tiempo desarrollando en la región turolense de la Matarraña (limítrofe con Tarragona y Castellón) el proyecto Solo Houses, un conjunto de viviendas vacacionales
diseñadas por distintos arquitectos internacionales. Ambos se ocupan de gestionar al alimón cada una de sus líneas de actividad (“los dos estamos implicados en todo, la producción de arte, la arquitectura, las galerías, como lo está una pareja”), y ahora centran sus esfuerzos en Galería Solo, ubicada en un espectacular local de tres plantas en la calle Jorge Juan de Madrid, que abre con una exposición llamada Départ (“despegue” en francés). Se trata de una colectiva repleta de grandes nombres de distintas generaciones: Christian Boltanski, Carlos Amorales, Iván Argote, Dominique González- Foerster, Douglas Gordon, Bertrand Lavier, Angelika Markul y Morgane Tschiember. Las fechas de ARCO les han servido de meta, y acaban de llegar a ella. Y esto solo el principio. O, si se prefiere, el despegue.
¿Por qué os decidisteis justamente por Madrid para abrir una segunda galería? Sobre todo nos atrajo lo que pasaba en la ciudad, lo que hemos visto aquí en los últimos años. Pensamos que clarísimamente era el momento. Y por otro lado fue una decisión empujada por los propios artistas con los que trabajamos de forma habitual desde hace mucho tiempo en la empresa de producción. A un artista le hablas ahora de Madrid y está feliz de la vida por venir.
Respecto a eso, la verdad es que empezáis trayendo unos nombres muy potentes. ¿No fue entonces complicado reunirlos para la ocasión? Realmente no ha sido tan complicado, porque a la mayoría de ellos los conocíamos ya, algunos desde hace quince o veinte años, así que confiaban en nosotros. Saben lo que hemos estado haciendo durante todo este tiempo, y en ese sentido ha resultado fácil. La relación artista-galería es esencial para nosotros. Y eso estaba ganado.
Es cierto que en Madrid han ocurrido cosas en el ámbito artístico recientemente. La presencia de coleccionistas latinoamericanos, la llegada de la colección Sandretto y quizá de otras que suenan con insistencia. ¿Es eso un aliciente? El vínculo Madrid-América Latina nos resulta especialmente interesante. Nosotros hemos hecho bastantes exposiciones en Sudamérica, en especial con Boltanski: En Sao Paulo, Buenos Aires y Monterrey (México). Y evidentemente está también el vínculo personal, el hecho de que yo [Eva] sea madrileña.
Y luego está la zona específica por la que habéis optado. Es la parte del barrio de Salamanca más próxima a Colón y el Retiro, donde ya había varias galerías, pero también otros puntos interesantes para los sectores artístico y de negocios. Para ser honestos, fue una coincidencia que encontráramos el local exactamente donde queríamos. Buscábamos justo a dos bloques alrededor esta zona. Si no hubiéramos encontrado este espacio, nunca habríamos venido.
¿Y por qué os interesaba tanto esta ubicación? Mucha gente tiene en esta zona un pied-à-terre, en especial coleccionistas de Sudamérica muy informados en arte contemporáneo. No hicimos un estudio ni nada similar, pero nos pareció algo obvio. Llevamos años viniendo a Madrid, hemos realizado ya acciones durante ARCO en el Club Matador y comidas en el restaurante El Paraguas, ambos aquí al lado. Así que esta zona la considerábamos nuestra sede natural. A lo mejor podíamos haber optado por abrir un espacio más lejos pero muy grande, que permitiera realizar otro tipo de acciones, pero es que eso no nos hacía falta porque de todas formas también vamos a hacer esas cosas en otros lugares. Nosotros tenemos esta cultura del arte más allá de los muros de una galería.
EVA Y CHRISTIAN BOURDAIS.
¿Podríais avanzar algo en este sentido? De momento, con Dominique González-Foerster, que está en la exposición, queremos hacer una performance-concierto en marzo o abril. Fuera de la galería, claro. Y en la finca de Solo Houses nos gustaría hacer también algunas exposiciones con artistas de la galería y otros. También porque a los artistas con los que trabajamos, que son muy importantes y les han dedicado ya muchas exposiciones, les apetece hacer otras cosas. Hay incluso artistas a los que no les interesa para nada exponer en una galería, y a nosotros eso nos interpela. Lo comercial es importante, pero hay otras dimensiones que debemos atender. Respecto a Solo Houses, vuestro proyecto arquitectónico, da la impresión de que os lo planteasteis como una relación con los autores más próxima a la de galerista-artista que a la de promotor-arquitecto. Así es exactamente. El proceso por el que comenzó Solo Houses vino de nuestra forma de trabajar con los artistas. Esta libertad del proceso de creación decidimos aplicarla a la arquitectura para escapar de la relación promotor-arquitecto, e ir un poco más allá impulsando el proceso creativo.
De hecho, vuestra galería de París está especializada en arquitectura. ¿Vais a mantener esa separación entre proyectos estrictamente artísticos en Madrid y más arquitectónicos en París? En París hay muchísimas galerías y no creemos que quede espacio para transformar nuestro espacio de arquitectura en otro de arte. Aquella galería llegó como consecuencia del proyecto Solo Houses, porque nos permitía seguir trabajando con estos arquitectos que son muy conceptuales y que en algunos casos tienen una forma de expresión plástica. Y también invitamos artistas que tienen un lenguaje arquitectónico, porque nos interesa ese eco entre las dos disciplinas. Hemos tenido por ejemplo la exposición de Los Carpinteros, que justamente son artistas, pero nosotros mostramos su trabajo más enfocado a la arquitectura. Y vamos a seguir juntando arquitectura con arte como hicimos con el pabellón de Christian Boltanski en el museo MAC VAL, a las afueras de París, en colaboración con unos arquitectos [los chilenos Mauricio Pezo y Sofia Von Ellrichshausen]. Esto resulta muy interesante para ambas partes.
¿Está cerrada la programación de este año para la nueva galería? La verdad es que ARCO suponía un deadline casi imposible de cumplir, y lo hemos conseguido. Pero aún no hemos tenido tiempo de cerrar el programa. Aunque tenemos muchas ideas en las que estamos trabajando.
¿Qué esperáis de Madrid y de sus distintos agentes? Es decir, de coleccionistas, artistas, instituciones, el resto de galerías… Por el contacto que estamos teniendo con los actores del arte, detectamos que están contentos de ver llegar gente joven y con mucha energía. La verdad es que sentimos que somos bienvenidos. Y que hay espacio para unos artistas que no están hoy en día representados en España. Queremos cubrir ese hueco.
¿Creéis que el terreno es propicio, entonces? Madrid tiene muy buena energía y las instituciones presentan muy buenas programaciones. Hay mucha gente interesada en el arte aquí: detectamos una curiosidad muy fresca, mientras en París nos parece que la gente está más blasé [hastiada, de vuelta de todo].
Resulta curioso que digáis eso, porque se habla de que sigue existiendo prevención a entrar en las galerías, como si eso intimidara, y también cierta dificultad para impulsar el coleccionismo joven. Aunque quizá no sea ese vuestro público objetivo, claro. Pero eso ocurre cada vez menos, ¿no? Nos parece que en el fondo pasa igual en París. También tiene que ver con el arte contemporáneo en general, que está poco a poco democratizándose cuando antes era una cuestión de elite. Vemos ya en París una generación mucho más joven, y esperamos encontrarla aquí también. Nosotros tenemos cuarenta años, y nos dirigimos a la gente de nuestra generación. También a ella.
• #Portraits en Art Contemporain, #TrendArt Rencontre avec Angelika Markul, archiviste d’un temps lointain
by Marie-Elisabeth de La Fresnaye on 19 février 2018
https://www.mowwgli.com/33812/2018/02/19/rencontre-angelika-markul-archiviste-dun-temps
Prix Maif sculpture 2017 pour « Mylodon de Terre », Angelika Markul nous reçoit à son atelier à Malakoff, sa ville d’adoption. Née en Pologne en 1977 elle vit en France. Diplômée des Beaux Arts de Paris, le public l’avait découverte à l’occasion de son exposition au Palais de Tokyo dans le cadre du Prix Sam Art projects en 2012. Malgré une actualité chargée et des expositions prévues dans le monde entier pour 2018 elle prend le temps de nous décrypter les multiples enjeux à l’œuvre dans ces projets hors normes réalisés dans des lieux hostiles ou oubliés de l’histoire. Des paysages en train de disparaître sous l’action de l’homme qu’elle tente de fossiliser dans des symphonies crépusculaires qui convoquent le sublime et sa perte.
A quand remonte votre 1ère émotion esthétique ?
Dès lʼâge de 4 ans à travers lʼodeur de la peinture à lʼhuile utilisée par ma mère, peintre amateur. Elle travaillait avec de grands formats dans sa cuisine, beaucoup autour de la thématique du cosmos dans des tonalités bleues. Je regrette de ne pas avoir ne serait- ce quʼune photo de cela. Je pense que nous portons en nous des ancêtres qui continuent à guider et influencer nos choix présents. Je chipais des appareils photo de mon père, russes à lʼépoque qui coutaient très cher en développement. Je me livrais à des expérimentations sur la lumière. La première exposition vue en Pologne était très abstraite et jʼai tout de suite détesté la couleur en peinture, ce qui continue aujourdʼhui. Après je nʼai jamais arrêté dans cette voie.
Comment décrire votre pratique ?
Je suis une artiste vidéaste entretenant un lien très proche avec la sculpture. La vidéo devient sculpture dans des installations immersives où lʼarchitecture a une place essentielle. Le spectateur doit se sentir enveloppé dans mon univers tout en restant libre de ses mouvements. Je préfère convoquer des phénomènes plutôt que de chercher à les expliquer. Révéler ce qui est paradoxal ou caché. Je vais partir dʼun projet concret pour mieux décrire ma méthodologie, « la Trilogie », un corpus filmique en 3 volets autour des étapes ambivalentes et tragiques de lʼévolution de la nature humaine. « La Mémoire des Glaciers », déjà réalisé a été montré et exposé dans le cadre de la Bienalsur à Buenos Aires. Lʼinstallation vidéo retranscrit le possible effondrement dʼun glacier au Sud de la Patagonie à Perito Moreno, le 2ème chapitre, « Mir » (en cours de réalisation) capté sur des sites miniers en Sibérie orientale révèle vu du ciel, dʼimmenses béances faites par lʼhomme, que je rapproche des lignes archéologiques de Nazca étudiées par la mathématicienne Maria Reiche. Le 3ème et dernier volet « BepiColombo », porte le nom de la sonde qui sera envoyée sur la planète Mercure à la fin de lʼannée 2018. Une mission scientifique destinée à étudier la genèse du soleil. Le lancement de ces machines ouvre la porte à une dimension imaginaire de lʼordre du fantastique croisée avec une réalité technologique fortement tangible. Ainsi de la comète des origines nous bouclons la boucle dans cette trilogie à lʼinfini. Ce qui est passionnant et formidable avec les scientifiques est de partager cette quête originelle.
Déroulé et préparation des projets
Temps long :
Mes projets sʼinscrivent toujours à long terme engageant de nombreux paramètres. Je commence déjà par faire énormément de recherches sur internet sur des endroits difficilement accessibles, des mythes, par exemple le mythe de Yonaguni au Japon. Puis je construis de nombreuses rencontres et échanges avec les scientifiques.
Notons que « 400 milliards de planètes », tourné dans le plus grand observatoire du Chili dans le désert dʼAtacama, a commencé il y a 6 ans. Le travail en amont est colossal avec les autorisations de tournage à obtenir comme pour le projet du nouveau télescope ouvert en Chine, lʼun des plus grands au monde que lʼon filmera en octobre.
En parallèle je me livre à une intense préparation physique à lʼaide dʼun coach, que ce soit pour plonger en eau profonde ou escalader des glaciers. Un régime de fer qui demande beaucoup de discipline avant le départ.
Quels sont vos sources d’influence, artistes référents ?
Jʼai beaucoup dʼestime pour Alina Szapocznikow, Joseph Beuys, Yannis Kounellis, Louise Bourgeois, Anselm Kieffer,Tatiana Trouvé ou Matthew Barney même sʼils nʼont pas de rapport direct avec mon travail. Jʼavais 20 ans quand jʼai vu les premières installations de Barney et cʼest lui qui a été le vrai déclic avec cette matière organique que lʼon retrouve aujourdʼhui à travers la cire que jʼinsuffle à mes environnements.
Même si je me sens plus française que polonaise aujourdʼhui jʼai une certaine difficulté à me reconnaître dans la scène française contemporaine. Mes références se nourrissent plus que de citations, de mes rencontres comme avec Mr Kimura, professeur de géologie de lʼUniversité de Ryūkyū sur lʼîle dʼOkinawa que jʼai interviewé sur ses recherches pendant 30 ans. Jʼai besoin dʼune aventure humaine.
Projets à venir
Je dois toujours me confronter à la question du financement des projets. Jʼai réalisé 10 films avec des partenaires, lauréate du Prix Coal 2016, lʼinstitut Polonais a soutenu la post-production du film « La mémoire des glaciers ». Pour ce second volet, jʼai déjà reçu le soutien de mes galeries, la Galerie Leto et la galerie Laurence Bernard. Ma société de production française Eva Albaran & co me soutient ainsi que lʼInstitut Polonais. Malheureusement la trilogie risque de se terminer en 2019 faute de soutien financier suffisant pour le 3ème volet. Mais les expositions pour 2018 seront nombreuses avec pour commencer lʼouverture de Tierra del Fuego, à la Leto Gallery de Varsovie, en parallèle de Après, Kewenig gallery, à Palma de Mallorca, (Espagne), ma participation à la foire Arco (Madrid) avec la nouvelle galerie dʼEva Albaran, puis lʼArgentine…
Angelika Markul est représentée par la galerie Leto (Varsovie), la galerie Laurence Bernard (Genève) et la galerie Eva Albarran, productrice (Solo galerie à Paris) qui va ouvrir à Madrid à lʼoccasion dʼARCO.
Journal de Bord de lʼartiste : http://www.angelikamarkul.net/fr/journal-de-bord/
Prochaines expositions : Centre international dʼart et de paysage de lʼîle de Vassivière, Vassivière, France, 2019 ; «If the hours were already counted », Sector 2337, Chicago, Etats-Unis, 2018 ; Muntref – Centro de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentine, 2018 ; Galerie Leto, Varsovie, Pologne, 2018 http://www.angelikamarkul.net/fr/
Schau zeigt: Ohne Zeit und Erinnerung kein „Danach” Martin Breuninger | Palma de Mallorca | 27.02.2018 https://mallorcamagazin.com/nachrichten/kultur/2018/02/27/60645/ausstellung-zeigt-ohne-zeit-und-erinnerung- kein-danach.html
Angelika Markul: Ihre Arbeit ist Teil des Projektes "Ausgrabungen aus der Zukunft". Foto: Patricia Lozano
Ein Danach gibt es weder ohne Zeit noch ohne Erinnerung. Mit eben diesen beiden Begriffen spielt die Schau: "Après" (Danach). Unter diesem Titel stellen mit Christian Boltanski, Bertrand Lavier und
Angelika Markul drei international renommierte Künstler in der Galería Kewenig in Palma aus.
Das "Danach" bezieht sich zunächst auf den Tod des Galeristen Michael Kewenig am Ostersonntag
2017. "Das ist zwar keine Hommage an Michael, aber etwas, das mit ihm in Zusammenhang steht", erklärt Boltanski den Ausstellungstitel. „Danach” ist auch ein Anfang nach einem Ende. "Die Galerie macht weiter und die Künstler machen weiter, aber eben danach." Boltanski, geboren 1944 in Malakoff bei Paris, ist einer der anerkanntesten Künstler seiner
Generation, was sich auch in seinen internationalen Ausstellungen widerspiegelt. Die Galerie Kewenig sei eine der wenigen Galerien, die stets einen familiären Umgang mit den Künstlern gepflegt habe, sagt Boltanski. Angesichts der engen Freundschaft, die er zu seinem Galeristen pflegte, bezeichnet er
"Après" als "eine Art Familienausstellung". Da spricht er für seine Kollegen mit: "Und wir entschieden, das zu machen, um zu sagen: Wir sind hier, und die Dinge gehen weiter."
Die Installation, die Boltanski in der Galerie zeigt, besteht aus zwölf blass und geisterhaft wirkenden
Kinderporträts, Fotografien, die auf seiner Arbeit "Écoliers d'Oiron" aus dem Jahr 1993 basieren. Die
Porträts sind auf einen transparenten Untergrund aufgebracht und in Metallrahmen, die ihrerseits auf vertikalen Metallstangen fixiert sind. Wie Standbilder sind sie um eine große Glühbirne angeordnet.
Wirken die Kindergesichter wie Geistererscheinungen, dann wird der Betrachter in zwei Spiegeln von
Bertrand Lavier selbst zum schemenhaften Geist. Lavier, der 1949 in Châtillon-sur-Seine geboren wurde, kommt eigentlich aus dem Gartenbau und hat es als Autodidakt in die bedeutenden internationalen Kunstmuseen geschafft.
Seine beiden Arbeiten der Ausstellung sind vor Ort im Ausstellungsraum der Galerie, eine alten gotischen Kapelle, entstanden. Auf zwei Spiegel hat er mit dicken Pinselstrichen ein farbloses Gel aufgetragen. Nur die Ränder ließ er frei, nur in ihnen spiegelt sich die Wirklichkeit wider. An seinen
Rändern kann man die Reflexion der Realität sehen. "Ein Gemälde stellt gewöhnlich etwas dar, aber dieses Gemälde stellt den Spiegel selbst dar. Und der Betrachter ist selbst im Bild, wie gefroren, wie ein Geist", präsentiert Lavier seine Arbeit.
Der Kommunikation zwischen den Arbeiten von Boltanski und Lavier kann man sich nicht entziehen.
Wer in den fast opaken Spiegel von Lavier schaut, wird zum Geist. Durch die transparenten
Fotografien Boltanskis dagegen erscheinen die porträtierten Kinder wie Geister, entsteht gar eine
Geisterwelt, da hinter einem Bild auch die anderen zu sehen sind. "Christian und ich sind seit Langem enge Freunde. Deshalb ist es einfach für uns, zu tanzen", kommentiert Lavier mit sichtlichem
Vergnügen die Kommunikation der Arbeiten.
Auch die Installation von Angelika Markul ist in diese Kommunikation eingebunden. Die mehrfach ausgezeichnete Film- und Installationskünstlerin wurde 1977 in Szczecin geboren. Sie studierte in
Paris Kunst, lebt und arbeitet in Paris und Polen und hat in internationalen Museen ausgestellt. Aus Filz und Seilen, die sie mit einem schwarz pigmentierten Wachs überzogen hat, schuf sie zwei
Arbeiten, die auf dem Altar der ehemaligen Kapelle liegen. Über ihnen strahlt das Licht eines blauen
Neonkreises.
Wie mumifizierte Objekte wirken die Exponate, wiedergefundene Mumien, deren Kopf und Glieder unter der Wachsplane verborgen zu sein scheinen. Ein Zufall ist dies nicht. Die Arbeit ist Teil ihres
Projektes "Excavations of the Future" (Ausgrabungen aus der Zukunft), zu dem die Künstlerin durch eine Reise nach Mexiko in die prähistorische Ruinenstadt Teoptihuacán mit ihren Stufentempeln inspiriert wurde.
Mir ihren Arbeiten zeigen die drei Künstler drei unterschiedliche Sichtweisen auf das "Danach", die
Lavier als "Unterhaltung" bezeichnet. Und Markul sagt: "Wir haben eine Art Theaterstück, eine
Geschichte geschaffen."
INFOS ZUR AUSSTELLUNG
Dauer: Bis Samstag, 17. März
Öffnungszeiten: MO bis FR 10-14 Uhr und 16 bis 20 Uhr, SA 10-14 Uhr
Ort: Galería Kewenig, Oratori de Sant Feliu, Carrer de Sant F. Feliu s/n, Palma
Feb 17, 2018 GONE WITH THE WIND Collective memory, imperfect human being and nature in the works of Angelika Markul http://contemporarylynx.co.uk/gone-with-the-wind
Angelika Markul, Delprat Nicolas, ʻIn the Middle of the Nightʼ, 2012, Galeria Labirynt, Lublin, courtesy of the artist
Small, white-transparent, unobtrusive, yet not irrelevant among other 56 international works of art displayed, the installation Gone With the Wind (2016) by Angelika Markul was presented in Pirelli Hangar Bicocca in Milan between 1st November 2017 – 14th January 2018. The group exhibition entitled Take Me (Iʼm Yours) curated by Hans Ulrich Obrist, Christian Boltanski, Chiara Parisi and Roberta Tenconi took place in the enormous, contemporary art space in Milan, in the very heart of Northern Italy. The gallery is commonly known to be in the constant search for novelty and so are curatorʼs ideas.
Angelika Markul, Take Me Iʼm Yours, Pirelli Hangar Bicocca, Milano, photo Agostino Osio, courtesy of the artist
This time, visitors were faced with the slightly rebellious curatorial concept, as for the rather consumerist European artworld. Guests were invited not only to take home, but also play with and bring to the exhibition their own pieces of art to add them to the already exposed set of artworks. And this game was not only for funny players – Christian Boltanski, Félix González-
Torres, Bruce Nauman, Wolfgang Tillmans, Douglas Gordon, Carsten Höller – to mention only a few, are nothing about insignificant gestures. And so is not Angelika Markul. In her practice, she uses video, drawings, video installations and objects. Her works and exhibitions such as Les Oubliées (The Forgotten, 2006), A Dream of a Fly (2006), Terre de depart (Land of departure, 2014), Z Ziemi do Gwiazd (From Earth to Stars, 2014), New
Moon (2012), La chasse (The Hunt, 2012), Tristan da Cunha (2013), Gorge du diable (Devilʼs Throat, 2013), W środku nocy (In the middle of the night, 2012), Lʼétat du ciel (The state of the sky, 2014), Excavations of the future (2016) or the recent one Terra del
Fuego presented 3.02 — 17.03.2018 at Leto Gallery in Warsaw, all appear to be nonchalantly out of space and time. This sensation, however, comes not only from their cosmic-exotic, fairytale-like titles. Markul spits out a blackish, inward matter like a medium, but the subject of her works comes neither from faraway lands nor the netherworld. Her body and mind penetrating forms emerge from nature. The meaning of life uncovers candidly from the wind blowing gently, conscientiously prepared deep underwater excursions or from tremendous thunders of Iguazu Waterfalls, unravelling their secrets – only in front of her eyes and solely for her ears. Genotypes of past generations filled with physical and mental suffering: wars, slavery and hurt, expose their deeply troubled vibes only through her thin skin, exclusively for her sensors, ready to take the burden of collective memory on their shoulders.
Angelika Markul, Take Me Iʼm Yours, Pirelli Hangar Bicocca, Milano, photo Agostino Osio,
courtesy Pirelli Hangar Bicocca
Angelika Markul, Take Me Iʼm Yours, Pirelli Hangar Bicocca, Milano, photo Agostino Osio, courtesy Pirelli Hangar Bicocca
Markul claims to be influenced by artists such as Mirosław Bałka, Tadeusz Kantor, Joseph
Beuys, Tatiana Trouvé, finally Christian Boltanski – her Parisian professor. Boltanski is preoccupied with death and human tragedies such as mass murder of Jews by Nazis, he creates works commemorating the victims of crimes committed in Cambodia, Bosnia,
Rwanda or Darfur. His works resemble para-religious and martyrological monuments, altars or places of remembrance. Comparable experience of entering the saint place, church or sanctuary, share participants of Angelika Markulʼs exhibitions. Her works are forcefully auratic. What she brings from her wide world trips reaching up to archipelago Riukiu or Atakami desert are not visual or spatial postcards, but the living, vivid energy, processed and digested by the built-in sensory-emotional machines she possesses. The energy circulation is endless, but for the very moment of forming and exposing her art pieces, all spirits seem to be located there. As if an artist wished to finally close the story and let us sooth, even if, in fact, the real nature of energy is to float continuously. Boltanski is known for his references to autobiographical motifs, which, though significant for every artist, play an exceptionally important role only for some. Markul refers to the childhood memories. She creates worlds full of mysteries, intuition, imagination, emotions. In one of their common projects Monuments Noirs & La Clarté Souterraine exhibited in Kewenig
Gallery in 2008, she built in the galleryʼs arch cellar an architecture of black covered frames which seem to be piled accidentally. With the help of light and air coming out of fans, they resembled an abandoned stage scenery. Videos screened at the back of the cellar showed the bloodthirsty handling of killed tunnies in a Japanese fish hall. “The work of Markul, influenced by the nature and biographical experiences, touches multifariously the imagination of the beholder and appears at the same time partly poetic and partly threatening”.[1]
Angelika Markul, The Unleashed Forces, Muzeum Sztuki in Łódź, courtesy of the artist
The metaphysical, energy-focused attitude, as well as distant journeys and constant desire to conquer undiscovered lands, resembles Marina Abramović life and work. However, Markul treats an outcome ponderously, results of her work are rather long-lasting pieces of art. They take the form of sacred trophies, whereas Abramović doesnʼt care about objects, they come and they go. But Markul also frequently creates site-specific installations, such as an Iceberg in Centre of Contemporary Art „Znaki Czasu” (CoCA) in Torun (2008). A piece made of foam, presented inside a pool inlaid with black marble, was inspired by isolated icebergs floating around the Polar Circles. Similarly to them, the sculpture gradually faded away in time.
Other site-specific work, referring to nature, approached with the same mindfulness, care and respect towards natural history is Gone with the Wind, prepared especially for the exhibition in Milan. It fits precisely, yet naturally, in the democratic concept of the exhibition. Here, we have a casual white ventilator and a set of biodegradable bags. A participant is free to take a bag and fill it with the air blow produced by the ventilator placed nearby. Afterwards, he or she can take the self-made product home, dispose the bag in the corner, or let the air go back to the ambient, simultaneously wishing a dream to come true.
Angelika Markul, Terre de departe, Palais de Tokyo, 2014, courtesy the artist
Itʼs somehow unlike the previous, dark, haptic, organic forms from What is lost, is at the beginning (2016) that seemed to be excavated directly from the murky ocean depths. Gone with the Wind is more conceptual, compared to the previous works, but the core idea is utterly alike. Being part of nature, common natural wealth, uncanny innocence, all wrapped in the bizarre atmosphere of infinity.
Markulʼs works are simple, precise and dignified, there is just enough of both matter and idea. She claims “The nature that I show is just me, my interior” and “I do what I feel. For the last ten years, I wasnʼt inspired by anything else. My feelings are the only points of reference for me”.[2]The important issue of the general concept of her works is also an impact human has on nature. This is why the lost civilisations and lands never touched by humans attract her like a magnet. “She recognises forces of nature as such, which canʼt be easily subordinated to the categories of good and evil”.[3] – says Jarosław Lubiak, curator of one of her exhibitions. She transfers the autonomy of an artist to nature, as when she went to
Fukushima to observe cities devastated by the tsunami, when she called the result of a catastrophe a sculpture. There is no black and white, and we are not at all powerful with our sophisticated machines. The most meaningful that we can do is to observe and respect.
Rules that nature follows arenʼt and will never be comprehensible for us, still we need to surrender to them. Needless to say, her works are overloaded with anxiety and fear, but also with curiosity, acceptance and appreciation for the world of science. On the other hand, subconsciousness is what plays first fiddle. When we enter her exhibition, we donʼt understand, but feel, we lose sense of time and space, we uncritically create our own network of associations that triggers inconvenient emotions. We crave to be there, facing, however, an overwhelming fear of their vastness, and receiving messages that remain beyond our limits of understanding.
Written by: Dobrosława Nowak
infomag baleares 31 enero, 2018 Arte & artistas https://infomag.es/2018/01/31/la-galeria-kewenig-presenta-la-exposicion-apres-reuniendo-a-los-artistas-christian-boltanski-bertrand-lavier-y- angelika-markul-en-el-oratori-de-sant-feliu/
La Galería Kewenig presenta la exposición “Après”, reuniendo a los artistas Christian Boltanski, Bertrand Lavier y Angelika Markul en el Oratori de Sant Feliu.
En esta exposición se cuestionan el tiempo y la memoria como forma de supervivencia, se reta al despertar del recuerdo, a la lucha contra el tiempo. Marcel Proust proclamó “El olvido no existe sin alterar profundamente la noción del tiempo”, el mismo autor que manifestó que el estado de las cosas no pertenece únicamente al presente. Boltanski, Lavier y Markul, afincados en París, rinden homenaje a estas palabras. Juegan con la noción del tiempo, implantando el pasado en el presente, se mueven entre la línea de la realidad y lo artístico y cortejan con la idea de la muerte para darle vida.
Après (2000) es la obra que presenta Christian Boltanski, la cual da título a la exposición que se sumerge en un análisis de la existencia, de su inexorable fin y de su búsqueda ulterior. El artista inicia este recorrido a través de doce fotografías impresas sobre lino, basadas en su trabajo Les Écoliers d’Oiron(1993), enmarcadas en metal sobre una vara y una base del mismo material. En el momento en el que se disparó la cámara para retratar a los niños, esa realidad se convirtió en inmodificable, el pasado siempre será presente. Así, este medio de expresión representa el soporte a través del cual ver, recordar y preservar la memoria. Boltanski busca contínuamente en su obra el reflejo de la existencia individual y evidencia a menudo en el espectador una especie de melancolía relacionada con la pérdida de la inocencia.
En 1993 Boltanski pronunció estas palabras: “Como artista yo poseía un espejo; quienquiera que se refleje en el espejo vive, pero aquel que sujeta el espejo, el artista, es nada. El espejo lo esconde. Soy una máquina que realiza los deseos de otros”. Es aquí cuando entra en juego Bertrand Lavier, uno de los artistas franceses más influyentes de su generación. Desde la década de los setenta se ha encargado de abordar la relación entre el arte y la realidad, cómo tornar borrosa la línea que separa la pintura de la escultura. Quien dijo una vez “Yo hago exposiciones, no fabrico imágenes, no tengo estudio” presenta uno de sus conocidos miroirs que pinta in situ en el Oratori, días previos a la inauguración. Un espejo “manifiesta la imagen de lo que piensas que ves”, asegura Lavier. Pero en su obra, uno no puede ver, ni puede verse. Sus densas pinceladas de gel sobre el cristal, llegan a una nueva dimensión en Après, formando una falsa proyección. Crean el reflejo de una ficción, situando al espectador en un tiempo inmóvil, como si nuestro cuerpo estuviera en una nueva atmósfera, flotando entre dos mundos.
Este viaje culmina con Angelika Markul. En la obra de esta artista multidisciplinar abunda la creación de vídeo e instalaciones en las cuales predominan materiales naturales donde la luz es un elemento esencial. Para la ocasión selecciona una instalación de fieltro, cera y cuerda que posiciona sobre el altar junto a una pieza de neón azul que la ilumina. Esta obra forma parte de su proyecto Excavations of the Future, (2016). Tras viajar a México y visitar la arquitectura ceremonial de Mesoamérica, en Teotihuacán, nace en ella la necesidad de evocar estos lugares y representar su simbología para encontrar el balance en el estrato temporal que separa lo natural de lo intangible. Inicia la búsqueda de la imagen que está escondida al ojo del ser humano, se mueve a través del espacio antes del après. Christian Boltanski nacido en 1944 en Malakoff, Francia, es uno de los artistas contemporáneos más reconocidos de su generación. Ha representado a Francia en la Biennale de Venecia en 2011 y ha participado en tres ocasiones en la Documenta de Kassel. Su trabajo ha sido expuesto en grandes museos e instituciones internacionales como el MoMA de New York; Centre Georges Pompidou, París; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Espace Louis Vuitton, Munich; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires; Teien Art Museum Metropolitan, Tokyo; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; Museo Nacional Bellas Artes, Santiago de Chile; Palais de Tokyo, París – entre muchos otros.
Bertrand Lavier nacido en Châtillon-sur-Seine, Francia, en 1949, vive y trabaja en París. Es un artista autodidacta que obra instalación, escultura y pintura. Trabajaba como paisajista antes de formar parte de sus primeras exposiciones colectivas en torno a 1971. En 2012 tuvo una gran retrospectiva en Centre Georges Pompidou, París, y su trabajo ha sido expuesto regularmente en renombrados museos internacionales como Kunstmuseum Luzern, Luzern; Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz; Palais de Tokyo, París; MAMC, Musée d’Art Moderne de Saint-Étienne; Fondation Vincent van Gogh, Arles; Villa Medici, Roma; Musée d’Orsay, París; Musée du Louvre, París; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; Musée d’Art Moderne et Contemporain, Ginebra; M.C.A. San Diego; Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna, Kunsthalle Bern – entre otros.
Angelika Markul, nacida en Szczecin, Polonia, en 1977, vive y trabaja entre Francia y Polonia. Se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París en 2004. En 2017 recibió el premio MAIF de la escultura contemporánea por Mylodon de Terre. En 2016 fue galardonada con el Premio COAL du Art et Environnement por su proyecto Tierra de Fuego. Su obra se ha expuesto en el Jewish Museum, New York; National Art Museum of China, Beijing; CSW Zahme Ujazdowski, Varsovia; Palais de Tokyo, París; Museo Sztuki, Polonia; Domaine de Chamarande, Chamarande; MAC/VAL, Musée d’Art Contemporain du Val-de-Marne, Vitry-sur-Seine; Fondation Cartier, París – entre otros.
KEWENIG // Duración de la exposición: 25 de enero – 17 de marzo de 2018 Oratori de Sant Feliu C/ Sant Feliu s/n E-07012 Palma de [email protected] www.kewenig.com
http://www.arteinformado.com/magazine/n/interes-galeristico-internacional-por-madrid-5850
27 FEB DE 2018
Interés galerístico internacional por Madrid
La mexicana Sofía Mariscal, impulsora de MARSO, anuncia su llegada a la capital durante 2018.
Nueva sede de KOW Madrid en el Rastro madrileño
Durante la pasada semana ferial madrileña, dos galerías internacionales, la francesa Solo y la alemana KOW, han abierto respectivas sedes en Madrid, un tanto alejadas de los circuitos galerísticos habituales de la capital. También ha mostrado su interés por abrir en Madrid, Sofía Mariscal, responsable de la galería mexicana MARSO, que ha acudido por primera vez a la feria ARCOmadrid.
Inauguración de Galería Solo en Madrid - Foto ARTEINFORMADO
La primera en abrir, el día 21, fue la galería francesa Solo, en un callejón de la madrileña calle Jorge Juan, donde en su día se ubicó uno de los restaurantes de más nivel de la capital, y lo hizo con una muestra en la que dio cabida a relevantes obras de Angelika Markul, Bertrand Lavier, Carlos Amorales, Christian Boltanski, Dominique Gonzalez-Foerster, Douglas Gordon, Iván Argote, Morgane Tschiember y Ugo Rondinone. La galería, con sede en París desde hace años donde acaba de hacer una exposición a Los Carpinteros, está dirigida por la pareja formada por el promotor inmobiliario Christian Bourdais y la gestora cultural de origen español Eva Albarrán, que juntos promueven también "Solo Houses", colección de casas de vacaciones a medida diseñadas por una nueva generación de jóvenes arquitectos internacionales, según explican en su web.
Por su parte, la galería berlinesa KOW, presente en las dos últimas ediciones de ARCOmadrid, ha abierto nueva sede en el Rastro madrileño, bajo el nombre deKOW Madrid, donde el día 23 inauguraba su primera muestra colectiva con obras de Barbara Hammer, Eugenio Dittborn, Franz Erhard Walther, Hiwa K, Los Carpinteros y Michael E. Smith.
Sofía Mariscal - Cortesía Sofía Mariscal
Finalmente, Sofía Mariscal, impulsora desde 2011 del proyecto curatorial primero Marso y después galería de arte con el mismo nombre en Ciudad de México, ha participado por primera vez en ARCOmadrid, ciudad donde ha anunciado, según recoge su gabinete de comunicación, que “estamos proyectando abrir una extensión de MARSO en Madrid dedicada a exhibir arte latinoamericano con especial atención en México. Creo que Madrid se está volviendo cada vez más la puerta natural a Europa para las prácticas artísticas latinoamericanas y eso me parece súper interesante”. Mariscal ha colaborado, junto a Guillermo Penso, coleccionista y director de la Bodega Otazu, en la muestra “Pre(-)Textos”, inaugurada unos días antes de la feria en la sede de laColección Kablanc.
ENTREVISTA Boltanski, Lavier i Markul: La intel·ligència de lʼatzar, una trobada entre tres artistes arribats de París
Els artistes conversen de les obres que componen Après, una exposició que recorda el galerista Michael Kewenig, que va morir a Palma el mes dʼabril de 2017
CRISTINA ROS Palma 02/02/2018 22:39
https://www.arabalears.cat/cultura/Boltanski-Lavier-Markul-intelligencia- Paris_0_1954604633.html
Boltanski, Lavier i Markul: La intel·ligència de lʼatzar, una trobada entre tres artistes arribats de París / FOTOS: ISAAC BUJ Arribats de París -on viuen-, asseguts entre les seves obres, al bell mig de lʼOratori de Sant Feliu -seu de la galeria Kewenig, a Palma-, Christian Boltanski, Bertrand Lavier i Angelika Markul conversen de les obres que componen Après, una exposició que recorda el galerista Michael Kewenig, que va morir a Palma el mes dʼabril de 2017.
Quin significat té Après per vosaltres?
Christian Boltanski- Aquest espai, aquests carrers, aquesta ciutat, tot ens recorda Michael Kewenig. És ell qui ens reuneix aquí. Après és després de Michael, perquè no hi és, però a la vegada és del tot present per nosaltres.
Angelika Markul- Après és, més enllà de la reunió dʼobres, allò que queda després, lʼamistat, la família...
Bertrand Lavier- Michael Kewenig ens coneixia bé a tots tres. Estam segurs que si ell hi fos i hagués volgut reunir-nos en una exposició, hauria fet aquesta mostra, hauria triat aquestes mateixes peces que ara sʼexhibeixen.
És la primera vegada que exposau els tres sols en un mateix espai. Heu triat les obres pensant en els altres?
C.B.- Jo coneixia lʼoratori, hi he exposat, i sé que és un espai que no sʼha dʼincomodar. Pensant en lʼespai he triat lʼobra. I per un atzar, ara que hi són les peces de tots tres, sʼha establert una gran relació entre elles, com si formassin una sola obra. Lʼatzar és intel·ligent.
B.L.- He fet les obres aquí, afavorint el reflex de lʼespai, de les peces i també de lʼespectador. Ara bé, vist el resultat, la mostra esdevé una mena de dansa al lloc i entre nosaltres, sense trepitjar-nos.
A.M.- Jo també vaig triar lʼobra pensant en lʼespai, concretament partint de lʼaltar, un ritu, un cos animal o home sense una significació específica. I sí, trob que hi ha un diàleg fructífer que, entre els miralls de Lavier i els retrats de Boltanski, ens remeten a les ànimes. C.B.- Sí, a través de les obres ens convertim en ànimes. El passat és present sempre en el després.
Com afrontau el després en la vostra obra? Què hi ha del passat i què de prospecció cap al futur?
A.M.- Em situu entre la realitat i la ficció i, especialment en la meva obra cinematogràfica, intent trobar significats i respostes a través de la ciència. Mʼinteressa aprofundir en la nostra fragilitat, i fer-ho a través de processos gairebé arqueològics. De fet, crec que ens cal fer un treball dʼarqueologia prospectiva per saber què quedarà de nosaltres.
B.L.- A mi mʼinteressa canviar la naturalesa de les coses, manipular una cosa per convertir-la en una altra de diferent. Vaig fer horticultura i vaig aprendre a fer empelts com a unió de dues branques per aconseguir nous fruits. Empeltar em sembla un bon recurs per a la creació artística i una imatge molt gràfica del passat i el futur.
C.B.- El futur és sempre una esperança. Hem de tenir en compte el passat, sempre és present, però no ens hi podem instal·lar. Com conta Kundera que deia un guardià del cementeri, hem de deixar que els vells morts deixin lloc als morts joves. O allò de ʻhem de perdonar als vius que siguin feliços perquè són els propers mortsʼ.
Quin és, per cadascun de vosaltres, el motor per a la dedicació a la vostra obra artística?
A.M.- Em fascina el descobriment de llocs ignots, fer recerca sobre el terreny, transitar la memòria dels cossos i dels llocs i situar-me entre la destrucció i el cicle de la vida. Em motiva captar les imatges de les grans paradoxes que nosaltres mateixos hem creat.
B.L.- Jo mai no sé què faré demà, i això és un gran motor per a la meva obra. Com passa sempre a la vida, a tothom, qualsevol cosa em du a una altra. Això és extraordinàriament excitant per a mi. Dins la trajectòria dels éssers humans, tot és imprevisible. C.B.- Treball per fer i, sobretot, per fer-me preguntes. I mai no trob les respostes. Per mi, intentar comprendre és el gran motor de lʼart. En el sentit que apunta Bertrand, una pregunta en crea una altra. La recerca de la comprensió ens du a no compredre i, tanmateix, mai acabam de comprendre. Això és com si tens un munt de claus i un munt de portes, però mai no trobes cap clau que pugui obrir. Aquesta recerca constant ens fa humans. De fet, és el gran motor de les nostres vides.
Nuit Blanche 2017 : comme un seul homme
Auteur Grégoire Caron 6 octobre 2017 http://artshebdomedias.com/article/nuit-blanche-2017-seul-homme/
Extrait
Déjà quinze ans que, chaque année, la ville de Paris sʼillumine le temps dʼune nuit, pour le plus grand plaisir des amateurs dʼart et autres vagabonds curieux en tous genres. Pour cette 16e édition de Nuit Blanche, dirigée par Charlotte Laubard, lʼaccent a été mis sur la nécessité de « faire œuvre commune ». Ce samedi 7 octobre, la manifestation invite les Parisiens à suivre deux circuits reliant les 28 œuvres sélectionnées pour le « In » de lʼévènement, reconnaissables par un marquage au sol ; lʼun se déploie dans le Nord de la capitale, lʼautre en son centre. Heureux les égarés, puisquʼils auront la possibilité de tomber sur quelque 85 propositions « Off » au hasard des rues environnant les parcours « officiels ». Bonne(s) balade(s) !
Zone Yonaguni, Angelika Markul. Nature qui se caractérise aussi par les nombreux mystères qu’elle renferme. Un sujet qu’Angelika
Markul n’a de cesse d’explorer. La plasticienne propose une plongée au cœur de l’un d’eux, qui suscite encore aujourd’hui incompréhension et fascination. Ça se passe au Carreau du Temple, 4 rue
Eugène Spuller. Découverte en 1986 au large des côtes de l’île japonaise éponyme, la Zone
Yonaguni est une énigme. Haute de 25 mètres et longue de 250, elle prend la forme d’une immense structure sous-marine qui se dresse à moins de 30 mètres de profondeur et attise un questionnement resté sans réponse catégorique : la main de l’homme est-elle passée par là ? Née en 1977, Angelika
Markul s’interroge depuis plus de 10 ans sur la question des lieux, de leur mémoire, de leur destruction et du cycle de la vie en général. Après avoir reçu le prix Coal en 2016 qui récompense les artistes pour leur travail sur l’art et l’environnement – et, tout récemment, la dixième édition du Prix
MAIF pour la sculpture –, elle prépare un nouveau projet intitulé Tierra de Fuego. Zone Yonaguni est une installation vidéo qui immerge le regardeur dans ce lieu hors du commun, accompagnée par une pièce en cire rappelant le détail du bloc de pierre sous-marin, surmontée d’un néon. L’œuvre soulève la question de la place de l’Homme face à la nature, mais également face à l’ignorance et au néant,
Angelika Markul s’attachant à créer une forme d’incertitude, tant sur le lieu que sur nos origines.
ARTE, MILANO OCT. 2017
PIRELLI HANGARBICOCCA: TAKE ME (I’M YOURS), L’ARTE DA PORTARE A CASA http://www.mam-e.it/arte/pirelli-hangarbicocca-take-im-yours/
DAL 1 NOVEMBRE 2017 AL 14 GENNAIO 2018 LA PIRELLI HANGARBICOCCA DI MILANO INAUGURA UNA MOSTRA “PARTECIPATIVA”.
Parallelamente allʼincredibile successo della mostra di Lucio Fontana, Pirelli HangarBicocca inaugurerà una mostra eccezionalmente partecipativa.
Lʼidea della mostra fu concepita nel 1995 da Hans Ulrich Obrist e Christian Boltanski.
Curata da Christian Boltanski, Hans Ulrich Obrist, Chiara Parisi e Roberta Tenconi, prevede artisti di fama mondiale.
Aaajiao, Etel Adnan, Rosa Aiello, Giorgio Andreotta Calò, Micol Assaël, Gianfranco Baruchello, Christian Boltanski, Mohamed Bourouissa, James Lee Byars. Con Luis Camnitzer, Maurizio Cattelan, Ian Cheng e Rachel Rose, Heman Chong, Jeremy Deller, Patrizio Di Massimo, Simone Fattal. Ancora Hans-Peter Feldmann, Yona Friedman, Martino Gamper, Mario García Torres, Alberto Garutti, Gilbert & George, Dominique Gonzalez-Foerster.
Félix González-Torres, Douglas Gordon, Carsten Höller, Jonathan Horowitz, David Horvitz, Adelita Husni-Bey, Pierre Huyghe, Alex Israel, Koo Jeong A.
La lista continua con Alison Knowles, Ugo La Pietra, Armin Linke, Angelika Markul, Annette Messager, Gustav Metzger, Bruce Nauman.
Otobong Nkanga, Yoko Ono, Luigi Ontani, Sarah Ortmeyer e Friederike Mayröcker, Riccardo Paratore, Sondra Perry, Cesare Pietroiusti, point dʼironie. Ho Rui An, Anri Sala, Tino Sehgal, Daniel Spoerri, Wolfgang Tillmans, Rirkrit Tiravanija, Franco Vaccari, Francesco Vezzoli e Lawrence Weiner.
Non manca proprio nessuno. SCOPRIAMO PERCHE UNA MOSTRA DIVERSA DALLE ALTRE.
Si è parlato di mostra “partecipativa”, “Take Me (Iʼm Yours)” è una collettiva diversa dalle altre, stravolge le regole con cui si fa esperienza visiva e museale.
Infatti i fruitori sono invitati a toccare, usare e modificare così come indossare, consumare, comprare e portare a casa gratuitamente i lavori dʼarte.
Comprendiamo bene che questo è un progetto dʼarte che è “costretto” a evolversi e a rigenerarsi nel tempo.
Svuotare lo spazio dagli oggetti, modificarne lʼassetto e lʼaspetto produce quasi una performance. Riflettendo sul fatto che quello che compiamo in questa mostra avviene nel mondo dellʼarte contemporanea da un pezzo e nella vita di tutti i giorni.
Immaterialità, svuotamento e modificazione: tre fattori su cui pensare.
Questa mostra fu allestita inizialmente nel 1995 alla Serpentine Gallery di Londra, dal 2015 ha iniziato a coinvolgere il mondo intero, Parigi, Copenaghen, New York e Buenos Aires. Ora arriva in Italia in una versione ancora una volta differente dalla precedente.
Pensata da Hans Ulrich Obrist e dallʼartista Christian Boltanski sulla necessità di rivedere lʼesposizione delle opere dʼarte.
Lʼingresso alla mostra è gratuito, ma per portare a casa gli oggetti è previsto lʼacquisto della borsa creata dallʼartista Christian Boltanski. In vendita presso lʼInfo Point o al Bookshop al costo di 10 euro, che contribuiranno alla rigenerazione delle opere distribuite.
BELGIQUE
LE KANAAL D’AXEL VERVOORDT SE PRÉCISE À ANVERS P. 3
LUNDI 25 SEPTEMBRE 2017 NUMÉRO 1346
BIENNALE DE LYON : ANGELIKA MARKUL, APPROCHE, CONTEMPLER LAURÉATE UN NOUVEAU SALON FACE À L’ABÎME DU PRIX MAIF PENDANT PARIS PHOTO ART CONTEMPORAIN page 06 POUR LA SCULPTURE SALON page 04 BRONZE page 02
HAUSER & WIRTH SE LANCE À L’ASSAUT DE L’ASIE page 05
WWW.LEQUOTIDIENDELART.COM 2 euros BRÈVES PAGE LE QUOTIDIEN DE L’ART | LUNDI 25 SEPTEMBRE 2017 NUMÉRO 1346 02
ANGELIKA MARKUL, LAURÉATE DU PRIX MAIF POUR LA SCULPTURE > Le Prix Maif pour la Sculpture 2017 a été décerné à Angelika Markul. Née en 1977, l’artiste vit et travaille en France et en Pologne. Diplômée de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, elle a reçu le prix SAM Art Projects en 2012 et son travail a fait l’objet d’une exposition au Palais de Tokyo à Paris en 2014. Elle participe actuellement à « Sans Réserves », exposition des œuvres de la collection au Mac-Val (Vitry-sur-Seine, Val- de-Marne). Sa pièce Mylodon de Terre conçue pour le prix s’inspire des légendes autour de cet animal préhistorique dont les traces ont été découvertes au XIXe siècle en Patagonie (Argentine). Son œuvre sera réalisée grâce au soutien du Prix Maif en deux exemplaires en bronze au cours de l’année. Son projet a été retenu parmi ceux d’Alfredo Aceto, Brice Chatenoud, Nicolas Boulard et Thomas Waroquier, ce dernier recevant – à l’occasion des 10 ans du Prix Maif - le Prix spécial du public avec une dotation de 3 000 euros. www.maif.fr/prix-sculpture
Angelika Markul, Mylodon de Terre, maquette, 150 x 50 x 30 cm. © D. R.
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LA TRAÇABILITÉ 200 INVITÉS DE L’ŒUVRE D’ART EXPERTS DU MONDE OU LA FORCE DE SON HISTOIRE DE LA CULTURE ET 20 DU DROIT D’AUTEUR
COLLOQUE ORGANISÉ 2 TABLES-RONDES PAR L’ADAGP Le 28 septembre 2017 à 14h 1 APRÈS-MIDI Auditorium de l’institut national d’histoire de l’art 6 Rue des Petits Champs, 75002 Paris
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ADAGP-PUB-QUOTIDIEN-V2.indd 1 18/09/2017 12:00 EXPOSITION PAGE LE QUOTIDIEN DE L’ART | LUNDI 25 SEPTEMBRE 2017 NUMÉRO 1346 08
SUITE DE LA PAGE 07 présent aussi dans la vidéo post-utopique de Julien BIENNALE Discrit) ; de la Sonic Fountain de Doug Aitken, lac laiteux excavé au sol dans DE LYON : lequel vient résonner une partition de goutes amplifiées ; de l’immense tissu CONTEMPLER FACE À L’ABÎME de soie flottant de Hans Haacke (deux succès imparables sur Instagram) ; des hélices de Susanna Fritscher créant une composition sonore uniquement avec la vitesse et la résonance de l’architecture ; de la toile d’araignée de Tomás Saraceno sous la lumière projetée du Nuage de Magellan avec le son des anneaux de Saturne ; ou de la vidéo de Fernando Ortega où un requiem joué par une flutiste dans une soufflerie gigantesque sera brutalement interrompu dans la dernière salle du musée d’art contemporain. C’est cependant en toute CETTE ÉDITION simplicité que certaines œuvres s’en détachent : qu’il s’agisse de la jungle DE LA BIENNALE hybride d’humains et d’animaux de pierre, projetées comme des fantômes DE LYON AURAIT (Apichatpong Weerasethakul) ; de l’actualité surprenante de photos de corps PU DÉJÀ AVOIR marginaux, imprimées sur des matières chimiques (Darío Villalba) ; ou de EU LIEU IL Y la partition hypnotique pour piano de Davide Balula (avec la poétesse Mei- A QUELQUES ANNÉES, PORTÉE mei Berssenbrugge). Il n’est absolument pas étonnant, au vu du parcours de PRESQUE la curatrice Emma Lavigne, que l’un des principaux traits de la Biennale de ENTIÈREMENT Lyon soit l’expérimentation sonore et la poésie visuelle – ce qui l’est plus est SUR L’ASPECT l’inclusion au musée d’art contemporain de très nombreux chefs-d’œuvre SENSORIEL ET historiques issus des collections nationales (au détriment du volet prospectif RÉTINIEN DES ou d’une relecture radicale de l’histoire de l’art). Ceci est contrebalancé par la ŒUVRES maîtrise évidente de l’accrochage, dans le choix très politique de ne pas ajouter de murs (« quand le monde les construit »), atteignant même la virtuosité dans la salle où une matrice biomorphique d’Ernesto Neto enveloppe des œuvres de Calder ou de Hans Arp. Mais dans une biennale placée sous la référence à deux lieux phare de l’avant-garde new-yorkaise – le loft de Yoko Ono où se tenaient des performances Fluxus et la Factory d’Andy Warhol –, il paraît évident que l’harmonie pacifiée de la première remporte largement sur le chaos vertigineux du second. Malgré des références aux philosophes de la tradition analytique anglo-saxonne (Nelson Goodman) et quelques évocations à des penseurs plus contemporains (l’intelligence artificielle chez Kevin Kelly ou la critique de l’abstraction par le post-colonialisme de Gurminder K. Bhambra), cette édition de la Biennale de Lyon aurait pu déjà avoir eu lieu il y a quelques années, portée presque entièrement sur l’aspect sensoriel et rétinien des œuvres (et méritant pour cela un succès attendu) mais délaissant les préoccupations d’une période historique mise face à l’abîme.
Tomás Saraceno, Hyperweb of the present, 2017. Courtesy de l’artiste, de la Biennale de Lyon 2017, Anya Bonakdar Gallery, New York ; Andersen’s Contemporary, Copenhague ; Pink Summer Contemporary Art, Gènes ; Esther Schipper, Berlin ; Ruth Benzacar, Buenos Aires. © Blaise Adilon.
MONDES FLOTTANTS. 14E BIENNALE DE LYON, jusqu’au 7 janvier 2018, La Sucrière et le Musée d’art contemporain de Lyon ; jusqu’au 5 novembre 2017, Le dôme, place Antonin Poncet, 69002 Lyon, http://www.biennaledelyon.com/
22.09.2017 par Anne-Sophie Lesage-Münch Angelika Markul remporte le Prix MAIF pour la Sculpture 2017
Angelika Markul, lauréate 2017, "Mylodon de Terre", 2017 150 x 50 x 30 cm, métal, cire, bois, feutre et corde © Sylvie Humbert / MAIF
Hier soir, au MAIF social Club à Paris, le jury a annoncé en présence des finalistes le nom de la lauréate de la 10e édition de ce Prix qui permet chaque année à un artiste plasticien de réaliser une première œuvre en bronze. Le projet lauréat Mylodon de Terre, proposé par lʼartiste Angelika Markul, donnera naissance à deux exemplaires de sculptures en bronze, réalisé au cours du 1er semestre de lʼannée 2018. Diplômée de lʼÉcole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, lʼartiste, qui vit et travaille en France et en Pologne, a déjà reçu différents prix et a bénéficié dʼexpositions au Palais de Tokyo à Paris en 2014 ainsi quʼau CSW Zamek Ujazdowski de Varsovie en 2016. En 2017, elle a participé à la Bienalsur à Buenos Aires ainsi quʼà lʼexposition « Sans Réserves » au Mac-Val. Associant les faits réels et la fiction, voire la science-fiction, elle travaille actuellement sur un nouveau projet intitulé « Tierra del Fuego », dont fait partie sa proposition récompensée par le Prix MAIF. Celle-ci sʼinscrit dans un processus de réflexion entamé depuis plus de dix ans par lʼartiste autour des thèmes de la mémoire, des corps et des lieux, mais également de la destruction et du cycle de la vie. Mylodon de Terre sʼinspire des mythes et légendes liés à la créature du mylodon, un animal préhistorique découvert en Patagonie à la fin du XIXe siècle. Angelika Markul a travaillé à partir de recherches scientifiques et archéologiques pour créer une forme abstraite, impossible à identifier, qui semble momifiée dans le temps. En outre, pour célébrer la dixième année dʼexistence du Prix, la MAIF a également attribué un Prix spécial du public à Thomas Waroquier, le plus jeune finaliste de cette édition 2017 (21 ans), spécialisé dans la sculpture en métal.
! ! http://www.lacritique.org/article3angelika3markul3une3archeologie3des3mondes3futurs! ! Angelika!Markul,!une!archéologie!des!mondes!futurs! 16!septembre!2016!/!Texte!de!Victor!Mazière! ! !
! ! Vue d’exposition
Des premiers travaux présentés à la Fondation Cartier jusqu’à Terre de Départ et Excavations of the Future (1), à la galerie Laurence Bernard, chaque projet d’Angelika Markul construit un éther sensoriel spécifique, immergeant le visiteur dans un « milieu expérimental » sans début ni fin, traversé par un Dehors insituable : d’où peut-être ce sentiment, que l’on ressent devant ses installations, de basculer dans un espace-temps autre, où, par une liturgie inconnue, seraient convoquées jusqu’à nous les reliques futures de mondes perdus dès l’origine. !
Voir en ligne : www.angelikamarkul.net/
Explorant les profondeurs stellaires, terrestres ou sous-marines, ses films évoquent souvent une archive immémoriale de l’univers, comme une fiction qui se déploierait depuis l’inconscient de la science, non vers une généalogie linéaire, mais vers la géologie d’un temps spectral, en réserve dans ce que Timothy Morton nommerait l’« archi-lithique »(2). Ce temps que l’on pourrait dire fossile, comme l’on parle d’énergie fossile, n’est pas chronologiquement (plus) reculé, mais diachronique, perturbant, non seulement la causalité linéaire, mais aussi la distinction entre la nature et la culture, l’humain et le non-humain ; dans Dark Ecology, Timothy Morton, se fondant entre autre sur le fait que les bactéries auraient déjà possédées des gênes qui pouvaient activer une résistance aux antibiotiques, avance ainsi l’hypothèse qu’une relation aurait toujours-déjà été ouverte entre les formes de vies les plus simples et les substances présentes dans un écosystème, ou synthétisées plus tard par les humains (3).
Car de même que l’archi-écriture(4) suppose un élément inconnaissable qui fonde toute différenciation sémiotique, l’archi-lithique postule une relation élémentale à « quelque chose » qui a toujours été là, fondamentalement autre, comparable métaphoriquement à une vibration invisible connectant tout existant à un réseau sans centre ni bordure. Un des films les plus récents d’Angelika Markul, Yonaguni Area (5), montre un gigantesque archipel de roches sous-marines, dont les reliefs et les degrés semblent sculptés, comme des pyramides maya, rendant ainsi indécidable leur origine : s’agit-il des ruines d’une Atlantide engloutie, d’une œuvre de la nature, ou d’une Cité cyclopéenne extra-terrestre, issue de l’imagination d’un Lovecraft ? Nul ne saurait le dire, pas plus que l’on ne saurait expliquer l’apparente lévitation d’immenses blocs de pierre, les lumières fugitives qui traversent le champ, ou les couleurs irréelles des concrétions végétales et salines : seul demeure le mystère de l’opacité d’un réel, où comme dans les « fictions hors science »(6) dont parle Quentin Meillassoux, les constantes naturelles et les lois de la physique auraient cessé d’opérer.
À cette (ex)croissance d’un autre monde au sein du nôtre, répondent les cristallisations gigantesques de If the hours were already counted (7), découvertes par hasard, proliférant sous la surface, depuis la chute probable d’une météorite ; par la singularité d’un point d’impact se trouvent ainsi corrélés des espaces-temps profondèment dissymétriques : des images saisissantes montrent des hommes s’enfonçant vers les profondeurs de cette cathédrale de cristal, marchant sur ses arêtes, comme des voyageurs en transit dans une géode temporelle. A ce décentrement de l’anthropocentrisme se greffe ainsi un nouveau paradigme : celui d’une écologie spectrale, qui constituerait le point de pivotement conceptuel et plastique des travaux d’Angelika Markul, et peut-être aussi son inquiétante étrangeté. Des scénographies silencieuses aux plans étonnamment calmes de Bambi à Tchernobyl (8), où l’on devine à peine l’horreur nucléaire, son travail possède une aura complexe, qui ne relève pas de la simple mélancolie, mais plutôt d’une forme de recueillement sans pesanteur, d’un interstice sensoriel oscillant entre la joie et l’effroi, où l’immémorial et l’hyper-présent seraient enchâssés symboliquement l’un dans l’autre, comme le sont physiquement les néons à ses sculptures, devenus ainsi les fétiches obscurs d’un chamanisme sans nature (9).
Car la noirceur désigne ici tout autre chose que l’absence de lumière : elle est l’aveuglement à partir duquel s’ouvre la Vision. Comme par une inversion du paradigme solaire vers la nuit qu’il contient, les formes sculptées par Angelika Markul, semblent capturer quelque chose d’une hétéromorphie primitive, invaginée dans la matrice indifférenciée des formes, avant qu’un regard et une conscience ne viennent en extraire les figures et les essences fixes. Retournant la peau du monde phénoménal vers sa nuit, vers sa face chtonienne, elles évoquent ainsi les métamorphoses d’une chair nucléale, où une nigredo (10) maintenue sans fin, aurait décomposé et recomposé toute chose : animal, végétal, minéral, jusqu’à en rendre la nature indistincte. Jusqu’à rendre la nature indistincte, indifférenciée de son double spectral, du négatif de son principe naturant ; à cet état indifférencié des objets répond alors celui, ductile, de la matière, ou plutôt d’une matière qu’Angelika Markul s’est appropriée jusqu’à la rendre soyeuse, luisante, organique : la cire, en effet, prend chez elle une dimension presque sacrée. Comme si s’offrait dans sa matérialité insaisissable le corps oint et transfiguré de la nuit, concréfié dans l’entre-deux d’un presque fluide qui ne serait pas non plus tout-à-fait solide : un mercure instable et mouvant, un milieu d’« inter-ferrance », (dé)portant inlassablement la forme de/vers l’informe ; et c’est peut-être en cela que l’effet de réel n’est jamais aussi fort dans le travail d’Angelika Markul que lorsqu’il oscille indistinctement entre le fantastique et l’investigation documentaire, épousant dans son mouvement de balancier, l’irraison (11) fondatrice de toute émergence de monde.
Si, pour reprendre les mots de David Lynch, « nous vivons à l’intérieur d’un rêve » (11), ne pourrions-nous pas alors imaginer que la lumière et l’obscurité puissent échanger sans fin leurs polarités ? Dans les travaux qu’elle expose à la galerie Laurence Bernard, apparaissent pour la première fois des œuvres blanches, ou plutôt blanchies, comme si elles retenaient encore un peu des cendres d’une nuit brûlée : l’albedo ne serait-elle ainsi que l’autre face de la nigredo, la peau du monde retournée dans l’autre sens, transmutée ? Car ce serait peut-être au fond, au-delà de toute dimension biographique, vers une origine manquante ou vers le (re)commencement spectral d’un adamisme inversé, que tendrait Excavations of the Future : est-ce un hasard alors si deux visages nous regardent en silence, un homme et une femme, comme des idoles soudain exposées au jour, depuis les ruines d’un Eden futur ? De nouveaux hôtes très anciens des cités sans nom, cheminant dans l’archi-lithique, vers la destination sans adresse des aubes fantômes.
(1) Ma nature, Fondation Cartier, Paris, 2005 ; Terre de Départ, Palais de Tokyo, Paris, février-mai 2014 ; Excavations of the Future, Exposition personnelle, Galerie Laurence Bernard, Genève, septembre-novembre 2016. (2) Timothy Morton, Dark Ecology, Columbia University Press, New York, 2016, pp.77-84 : en anglais « arche-lithic » que nous traduisons ici par « archi-lithique ». (3) Op.cit., p. 83. (4) Jacques Derrida, De la Grammatologie, Minuit, Paris,1967, passim. (5) Angelika Markul, Yonaguni Area, 2016, installation vidéo (6) Quentin Meillassoux, Métaphysique et fiction des mondes hors-science, Aux forges de vulcain, Paris, 2013. (7) Angelika Markul, If The Hours were Already Counted, 2016. (8) Angelika Markul, Bambi à Tchernobyl, 2014 (9) Au sens où Timothy Morton parle d’ « écologie sans nature ». (10) Le terme nigredo désigne en alchimie la première phase du Grand Oeuvre (11) Quentin Meillassoux, Après la finitude, Seuil, 2006 (12) David Lynch, Twin Peaks, Fire Walk with Me, 1992 : « it’s a dream, we live inside a dream ! » haut de page ++INFO++ http://www.btwgallery.com Excavations of the Future, Galerie Laurence Bernard, Genève, septembre-novembre 2016
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! ! http://www.bilan.ch/etienne0dumont/courants0dart/geneveles0bains0y0etiez0choix0 lautomne! !
ETIENNE DUMONT CRITIQUE D'ART Né en 1948, Etienne Dumont a fait à Genève des études qui lui ont été peu utiles. Latin, grec, droit. Juriste raté, il a bifurqué vers le journalisme. Le plus souvent aux rubriques culturelles, il a travaillé de mars 1974 à mai 2013 à la "Tribune de Genève", en commençant par parler de cinéma. Sont ensuite venus les beaux-arts et les livres. A part ça, comme vous pouvez le voir, rien à signaler.
15 Septembre 2016 GENÈVE/Les Bains comme si vous y étiez. Mon libre choix pour l'automne
Crédits: Angelika Markul ! C'était une bonne soirée. Je ne parle pas de la «Nuit des Bains» d'hier en termes climatiques. Je veux juste dire que cette édition automnale s'est révélée supérieure à la moyenne, avec quelques accrochages forts, dédiés à des créateurs souvent peu vus ou peu connus. Une anti foire d'art en quelque sorte, où chaque stand table sur un seul audimat: le tiroir-caisse. Il fallait oser remettre en évidence le Genevois Pierre- André Ferrand, comme le fait après bien des années Pierre-Henri Jaccaud chez Skopia. Montrer une plasticienne aussi ardue et déprimante (même pour une Polonaise) qu'Angelika Markul exigeait un certain toupet de la part de Laurence Bernard. Cela prouve au moins qu'il existe ici des galeristes capables de maintenir une ligne. Biscuit sec pour Jaccaud. Pain dur pour Laurence. On a de la peine à croire qu'il s'agisse dans les deux cas de personnes avenantes dans la vie de tous les jours. ! Plutôt que de vous infliger un long article un peu désordonné, j'ai décidé de vous proposer un choix de cinq expositions. Choix arbitraire, puisqu'il a dépendu de mon libre arbitre. J'en ai exclus deux manifestations hors Association, sur lesquelles je reviendrai. Pierre Huber s'est fait plaisir, chez Art & Public, en réunissant une poignée d’œuvres un peu agressives sous le titre d'«Insolite». Joseph Farine, lui, fête les 35 ans d'Andata Ritorno. Une éternité pour une galerie actuelle. Il a décidé de le faire en compagnie de Bill Culbert. Je ne vous raconterai pas non plus la performance de Sophie Calle, que je n'ai pas vue, dans le cadre parallèle du vernissage de l'exposition collective «Open End». La photographe française était au cimetière des Rois. Voilà qui devait être d'un ennui mortel. Sur ce, c'est parti! ! Philippe Favier chez Art Bärtschi & Cie C'est une longue histoire. L'artiste stéphanois est sans doute celui qui aura présenté le plus souvent été chez Guy Bärtschi avec Jan Fabre. Malicieux, Favier est cette fois parti d'un tableau de Picabia conservé dans sa ville, «Le Fiancé». Picabia l'a mené aux machines, parfois célibataires, des années 1920 et à la mariée de Marcel Duchamp. Ajoutez au mélange les apports littéraires de James Joyce et d'Ezra Pound et vous aurez un cocktail à la fois fantaisiste et respectueux, d'où l'érotisme n'est jamais absent. Il y a là des dentelles noires trouvées aux Puces comme des descriptions héraldiques. La maison de lingerie Caline de Valence, ville près de laquelle vit Philippe Favier, peut ainsi rejoindre la grande aventure de l'art moderne. (www.bartschi.ch)
Antonio Saura chez Patrick Cramer Il a passé l'été à la Fondation Jan Michalski de Montricher. Le revoici à Genève, cité avec laquelle il a entretenu des liens très forts (sa fondation se trouve du reste à Meinier). Mort en 1998, l'Espagnol est présent dans la galerie biscornue de Patrick Cramer avec un certain nombre de «Dames». Toutes font résolument partie de son univers austère, où la couleur vive reste absente. Ce sont des femmes en gris, marron et noir. Il y en a de toutes tailles, parfois regroupées par couples dans le même cadre. L'accrochage propose également deux toiles assez spectaculaires de celui qui devient, lentement, un classique de l'art moderne, au même titre que ses compatriotes Antoni Tàpies ou Eduardo Chillida. (www.cramer.ch) ! Miriam Cahn chez Blondeau & Cie Contrairement à Silvia Bächli, Miriam Cahn garde une certaine peine à franchie la Sarine. Exposée en grande pompe au Kunsthaus d'Aarau en 2015, la Bâloise se retrouve étrangement, à 67 ans, chez Marc Blondeau qu'on pensait plus intéressé par les gloires internationales. Elle a droit à deux étages. Le sous-sol regroupe de manière aérée ses toiles, à la sexualité souvent agressive. Seins lourds et pendants. Sexes largement ouverts. Couleurs baveuses. Le second contient ses dessins, proposés en rafales. Il y a là du crayon comme du fusain, le second mode d'expression lui convenant nettement mieux. L'art de Miriam ne peut susciter que l'adhésion du spectateur ou son rejet. Il ne supporte pas la tiédeur. (www.blondeau.ch) ! Takis chez Xippas L'an dernier, le Palais de Tokyo offrait au Grec une superbe rétrospective pour ses 90 ans. Un hommage que l'on aurait bien aimé au Centre Pompidou, qui l'a un peu oublié depuis les célébrations des années 1980. Trois thèmes traversent la créations de Takis. Il y a d'abord les «Signaux», perchés sur des tiges. Xippas en montre aujourd'hui 25, réalisés entre 1968 et 1982. C'est le petit modèle. Environ 60 centimètres. Il y a ensuite les «Magnetic Walls», avec des rubans métalliques posées sur des monochromes noirs, blancs, rouges ou jaunes. Il s'en trouve un certain nombre d'exemplaires récents aux murs. Takis continue à produire. Il fallait enfin un «Musical», qui produit des sons un brin énervants de manière aléatoire. Il est là! (www.xippas.com) ! Angelika Markul chez Laurence Bernard Ce sont des «excavations du futur», autrement dit des fouilles archéologiques d'un temps restant à venir. L'artiste occupe deux salles, plus ou moins conçues comme des installations. Après avoir vu les œuvres à travers un filtre jaune posé sur les vitres, le visiteur se retrouve dans un monde inquiétant. Il s'y trouve d'autres vitrines, où reposent des choses. Fragmentaires comme le veut le petit jeu des archéologues, qui doivent faire parler fragments et débris informes. Un pied. Un organe. Un amas de tissus noircis. On ne peut pas dire que l'ensemble, éclairé par quelques ronds de néon, soit spécialement gai. Il suinte la mort. Il exsude la décomposition. Laurence Bernard montre ce qui lui parle sans trop se soucier de débouchés commerciaux. (www.btwgallery.com) ! Voilà pour aujourd'hui. «That's all folks», comme on disait jadis à la fin des dessins animés de la Warner Bros. Je dirai juste que l'arcade de Jancou, qui a fermé boutique à Genève, porte désormais un écriteau, «A louer, 50 mètres carrés pour galerie d'art». Il se trouve juste en face de celui cherchant depuis des mois un repreneur pour les locaux de Mitterrand & Cramer... ! Photo (DR): Une pièce d'Angelika Markul chez Laurence Bernard. L'archéologie d'un temps restant à venir.
http://www.e-flux.com/client/centre_for_contemporary_ar4/ Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw, Poland March 24 – July 31 2016
Angelika Markul, Yonaguni Area, 2016. Video installation. Courtesy of the artist.
Angelika Markul What is lost is at the beginning
The exhibition of Angelika Markul touches on the desire of immersion, on the extraction of what is hidden in the depths, reaching the sources. However, the source or the beginning is always lost. Exploring, therefore, means plunging into uncertainty, but at the same time, immersion into that which is unrecognizable or oblivious to us. The answer to the emerging uncertainty usually arises in the form of a phantasm or myth. Instead of hasty attempts to fill or compensate for the loss, the artist suggests exactly the opposite. She proposes to stop on the threshold, to immerse oneself in the uncertainty and to commence a certain game.
Angelika Markul focuses on places or situations in which what might be called “liminal phenomena” manifest. Some of them only have trace potency, but others exceed the moment of extreme or are suspended in a pending state. In the What is lost is at the beginning exhibition, the artist explores The Yonaguni Monument in Japan, the scientific observatory in the Atacama Desert in Chile, as well as the cave in the Mexican Naica Mine.
Historical settlements, geological creations or technological devices become Markul’s resources for her own unique aesthetical exploitation. By strengthening ambiguity, vacillations or distortions, the artist extracts from them a sensory experience, and then shares it with viewers. Arranged in spatial sequences, Markul’s monumental installations become a medium for conveying stories about the desire to explore, which is driven by what was lost in the beginning—a certainty that knowledge will be acquired.
Angelika Markul, b. 1977, a graduate of the École Nationale des Beaux Arts in Paris, with a diploma in Christian Boltanski’s multimedia studio. Since 1997, she has been permanently living and working in Paris. Angelika Markul’s individual shows were displayed in the Palais de Tokyo in Paris, Muzeum Sztuki in Lodz, Kewenig Galerie in Cologne, and Foksal Gallery in Warsaw.
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! ! http://www.newsweek.pl/plus/kultura/angelika3markul3to3co3stracone3jest3na3 poczatku3recenzja,artykuly,383107,1,z.html! ! N°15!/!2016! !
! ! PokazaC tajemnice kosmosu
Joanna Ruszczyk
Angelika Markul, „To, co stracone, jest na początku”, CSW Zamek Ujazdowski, do 31.07.2016
Wzdłuż zaciemnionej sali ciągnie się metalowa konstrukcja, na której zawieszone są obłe formy. Kombinezony, pozostałości po jakichś organizmach? Tajemniczy, niepokojący magazyn. A dalej wielki ekran z filmem z podwodnego świata, za którym natykamy się na dziwny krajobraz, trochę księżycowy, z wielkimi płytami, nad którymi dynda niebieska żarówka. Obok neon – żółta linia wchodząca w wiszący na ścianie tryptyk z wylaną brunatną masą. Lawa? Atmosfera tajemnicy nie opuszcza nas do końca wystawy Angeliki Markul. Są tu trzy wideo z trzech miejsc: głębin na wschód od Tajwanu, gdzie odkryto w 1985 r. wielkie struktury kamienne, z obserwatorium astronomicznego na pustyni Atakama w Chile i tzw. Kryształowej Jaskini w Naica w Meksyku – kopalni cynku, srebra i ołowiu. Pięknym, hipnotyzującym obrazom filmowym odpowiadają instalacje, jakby Markul chciała zmaterializować, unaocznić niezrozumiałe do końca zjawiska. Interesują ją skamieliny, procesy geologiczne, tajemnice kosmosu, życia pozaziemskiego. Jest napięcie, jak w filmie sf. ! ! !
! ! http://www.polskieradio.pl/8/404/Artykul/1598722,Angelika@Markul@Zdjecia@ japonskiej@Atlantydy! Angelika Markul. Zdjęcia japońskiej Atlantydy
24.03.2016 16:42
- Fascynują mnie niedostępne i dziwne miejsca na Ziemi – podkreślała Angelika Markul, opowiadając o swojej warszawskiej wystawie "To, co stracone, jest na początku".
! Kadr%z%wideoinstalacji%Angeliki%Markul%"Obszar%Yonaguni"%(2016)Foto:%materiały%prasowe%CSW/dzięki% uprzejmości%artystki% % Posłuchaj%% 17'05%Rozmowa%z%Angeliką%Markul%i%Jarosławem%Lubiakiem%nt.%wystawy%"To,%co%stracone,%jest%na%początku"% (Poranek%Dwójki)%% Ekspozycja%Angeliki%Markul%w%Centrum%Sztuki%Współczesnej%Zamek%Ujazdowski%jest%efektem%wielu%wypraw% artystki%w%najdalsze%oraz%najbardziej%nieoczywiste%zakątki%świata:%na%pustynię%Atakama%w%Chile,%w%okolice% meksykańskiego%miasta%Chihuahua%czy%–%właśnie%–%japońskiej%Okinawy.%
Nasza%wystawa%zaczęła%się%od%zainteresowania%tym,%co%się%dzieje%przy%wyspie%Yonaguni.%W%1986%odkryto% bowiem%nieopodal%jej%brzegów%zdumiewający%obiekt%–%mówił%Jarosław%Lubiak,%kurator%ekspozycji.%
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Jak%się%przygotowuje%wideoinstalację%pod,%często%wzburzoną,%wodą?%d%Mieliśmy%szczęście,%że%na%dwa%dni%przed% końcem%pracy%morze%się%uspokoiło.%Mogłam%zanurkować,%sprawdzić%i%przygotować%swoją%własną%teorię,%czym%są% te%monumenty%d%opowiadała%Angelika%Markul.%
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Tytuł&audycji:!Poranek%Dwójki%
Prowadzi:!Paweł%Siwek%
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Data&emisji:!24.03.2016%
Godzina&emisji:%8.10% mat.%pras.%CSW/jp/mc%
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! ! http://www.modzik.com/culture4clash/art424culture4clash/expo4take4me4im4yours4a4 la4monnaie4de4paris/! !
! ! ! ! Leila!Chik!!|!!14!Sep!2015!à!14:33!! Expo: « Take me (I’m yours) » à la Monnaie de Paris
Vingt ans après son immense succès à la Serpentine Gallery, l’exposition conçue par Christian Boltanski et Hans Ulrich Obrist, Take Me (I’m Yours) est récréée. Ainsi chaque visiteur sera invité, pour ne pas dire encouragé, à toucher, utiliser ou emporter avec lui les projets et les idées des artistes invités.
Take me (I’m yours) est donc une exposition collective et participative lors de laquelle les artistes invités retravaillent des installations, que le public peut emporter. Pour cette édition parisienne, plus de 30 artistes, dont certains ont participé à la première édition, ont décidé de jouer le jeu. Parmi eux, Yoko Ono, Christian Boltanski, Angelika Markul ou encore Wolfgang Tillmans. Yoko Ono, d’ailleurs, proposera que l’on reparte avec quelque chose que nous partageons tous, une « capsule d’air ».
Take Me, I’m Yours Du 16 septembre au 25 octobre 2015 Lieu : Monnaie de Paris, 11 quai de Conti, 75006 Paris
! ATELIER D'ANGELIKA MARKUL - Follow Art With Me http://followartwithme.com/codeless_portfolio/atelier-dangeli...
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ATELIER D’ANGELIKA MARKUL
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1 sur 3 13.09.16 12:15 ATELIER D'ANGELIKA MARKUL - Follow Art With Me http://followartwithme.com/codeless_portfolio/atelier-dangeli...
DESCRIPTIF INFORMATIONS PRATIQUES L’atelier d’Angelika Markul se trouve au sous-sol de sa maison de Malako!. Eclairé par deux puits de lumière, l’endroit ressemble à une «"caverne"» lumineuse, dans NOM DE L'ÉVÈNEMENT laquelle Angélika aime à se réfugier pour travailler des heures et des heures ATELIER D'ANGELIKA durant. En pénétrant dans l’atelier, on découvre à gauche ses dernières oeuvres, MARKUL celles qu’elle réserve à sa galerie suisse, la Galerie Laurence Bernard, qui exposera DATE DE L'ÉVÈNEMENT son travail à la prochaine FIAC. Il s’agit de nouvelles sculptures, de peintures et de 14 SEPTEMBRE 2015 dessins. Les encadrements de ces derniers trônent au centre de l’espace. Angélika a réalisé une série de 14 dessins exécutés à la cire, qu’elle souhaite encadrer dans LIEU des cadres blancs. Par terre, je découvre le rouleau de feutre qu’Angélika utilise MALAKOFF dans son travail. Ce feutre elle le découpe, le recouvre de cire à l’aide de pinceaux brosses "et en#n le sculpte pour lui donner di!érentes formes qu’elle assemble ensuite et auxquelles elle ajoute des cordes et des objets également recouverts de ( cire et huilés. Dans la partie droite de l’atelier, espace dédié au travail, Angélika me ) montre les pavés de cire qu’elle fait fondre dans de grands fait-tout et auquel elle ajoute di!érents pigments pour leur donner tantôt une couleur « " terre rougeâtre"», comme dans ses panneaux placés le long du mur, partie d’une oeuvre exposée au Palais de Tokyo, tantôt une couleur plus noire, comme celle d’un pelage d’animal…Elle aime l’odeur de la cire, sa texture et les aspérités du feutre. Dans ses oeuvres on est irrésistiblement attiré par la matière, leur sensibilité tactile, le noir ou le blanc. Elle m’avoue admirer le travail d’Anselm Kiefer, l’épaisseur de ses oeuvres, leur rugosité. Elles ont parfois en commun des références à l’holocauste, une certaine dureté, noirceur, mais la technique et les rendus sont di!érents dans les oeuvres d’Angélika. La part laissée à l’imagination y est plus grande, ses oeuvres gardent une part de mystère… A découvrir lors de la prochaine FIAC!
KEEP IN TOUCH ARTICLES LES PLUS BLOG ROLL ABONNEZ-VOUS À LUS NOTRE NEWSLETTER # $ % & Art Addict - Artfacts - PATIO FONDATION Artports.com - Artreview ' MAISON ROUGE 2017: 3 - Artsper - Slash - Sleek E-mail * FINALISTES Mag - Souvenirs from
2 sur 3 13.09.16 12:15 ! ! http://www.huffingtonpost.fr/2015/09/16/take:me:im:yours:exposition: art_n_8145180.html! ! PHOTOS. "Take Me (I'm Yours)", l'exposition où vous pouvez toucher les oeuvres
Par!Joanna!Thevenot!!
16/09/2015!
ARTS - Vous avez toujours rêvé de pouvoir braver l'interdit en touchant une œuvre quand vous êtes à une exposition? "Take Me (I'm Yours)" est faite pour vous!
Ce projet artistique collectif prend place à la Monnaie de Paris du 16 septembre jusqu'au 8 novembre 2015. Rassemblant une quarantaine d'artistes , son principe est simple: vous pouvez toucher les œuvres, les modifier ou même en emporter des morceaux sans avoir peur de l'agent de sécurité qui vous surveille dans le coin de la pièce.
Cette exposition hors du commun est centrée sur le spectateur qui devient lui-même un artiste. Les commissaires d'un jour Christian Boltanski et Hans Ulrich qui exposent leurs propres œuvres ont souhaité présenter cette exposition qui avait été déjà proposée au Serpentine Gallery à Londres en 1995.
Bien qu'elle conserve les mêmes artistes qu'à l'époque, l'exposition a été entièrement repensée. En déambulant de pièce en pièce comme d'un appartement, le visiteur découvre donc ces œuvres déroutantes dont "Dispersion" de Boltanski
Un art plus généreux
Cet amas de vêtements est en libre-service. Ce petit pull mauve vous intéresse? Rien ne vous empêche de le prendre. Des sacs en papiers sont même distribués à l'entrée pour ramener vos trouvailles.
Dans une autre salle, des pilules tombent du ciel. Des gobelets et de l'eau posés près du tas, vous incite à en prendre une. Attention, l'effet est cependant inconnu... À vos risques et périls.
Le parcours continue avec une salle remplie de cartes postales à l'effigie de Paris, là aussi tout est à prendre. Tout comme ces journaux dont vous pouvez découper des morceaux pour les coller sur le mur. Le but est que l'exposition soit différente chaque jour grâce aux passages des visiteurs. "L'art devient alors généreux en inversant les codes" rapporte Christian Boltanski.
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La chemise que vous avez bougée ou le bracelet que vous avez laissé ne seront peut-être plus là demain. Alors pourquoi ne pas laisser une trace plus permanente avec une photo prise dans le photomaton installé par l'artiste Franco Vaccari? Vous pourrez ensuite la coller sur le mur comme une véritable œuvre d'art.
Puisque l'objectif est de laisser son empreinte, vous ne pourrez pas repartir sans laisser un petit message de paix sur l'arbre à souhait de Yoko Ono.
En tout, ce sont plus d'une quarantaine d'objets que vous pourrez emporter chez vous. Un moyen selon Hans Ulrich "d'emporter l'exposition, comme ça, chacun a sa galerie chez soi".
Mais ce projet un peu fou n'a pas révélé tous ses secrets puisque vous pouvez assister gratuitement à l'exposition sous une condition: Lorsque vous apercevez une publicité pour "Take Me (I'm Yours)" dans le métro, vous pouvez retirer une languette de l'affiche crée par l'agence TBWA et l'emmener avec vous, ce qui vous donnera un accès libre. Un autre moyen d'emporter un souvenir tout droit venu cette fois des transports en commun.
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http://www.happening.media/en/category/interviews/1630/angelika-markul-explore-before-it-s-too-late Angelika Markul: explore, before it’s too late
Angelika Markul actively seeks her challenges. An attentive witness of our time, humanity and our slow demise, — Angelika is not someone with an optimistic outlook for the future — she travels to the most hostile corners of the planet, or those most scarred by human activity.
When we meet in Markul in her Paris studio she is getting ready to leave for Argentina for the inauguration of a collective exhibition at Muntref – Centro de Arte Contemporáneo. This comes just three weeks after the opening of “Take me I’m yours” at the Monnaie de Paris where she is presenting a 3D printed work.
Technology, one of the most representative signs of the times, is closely intertwined with her practice. Markul also enjoys the company of scientists and during our conversation an ambitious project is on her mind.
Having already realized films in Fukushima and Chernobyl, Markel is going on a 15-day filming expedition in Yonaguni. For those who enamoured with locations that are difficult to access, this Japanese island is the dream. Here, 20 metres below the sea, the Yonaguni Monument can be found. This pyramid, a man-made construction dating back five to ten thousand years, is to be the focus of the artist’s next project. She will be teaming up with Japanese scientist Masaaki Kimura the leading expert on these islands. Why the interest? “Because we haven’t been able to swim there for the last 20 years due to Fukushima.”
Sponsored by Agnès B and her galleries Leto and Laurence Bernard, she will head out to Yonaguni to realize a film which will be exhibited for the first time in March 2016 at the Muzeum Zamek Ujazdowski in Warsaw. Part of the structure, 30 metres long and 3 metres tall, will be reconstructed using two tonnes of wax, with the aid of 10 assistants over the course of a week. The exhibition will feature four new works, including Yonaguni and 4000 milliards de planètes.
“Angelika looks to provoke uncertainty, objects onto which viewers are able to project their own fantasies of what is lost and what is original,” explains curator Jaroslaw Lubiak.
It is impossible to separate the artist’s process from the final project with a personal engagement which precedes it. “All my work is very physical, it is not just a film, I have to train. Each work is born of a kind of performance that the spectator will never see, but is vital for me as an artist.”
When discussing human activity and the accelerating expansion of our universe, “we are already condemned” says Markul. But there is still time to analyse and react.
Where do we come from? Why are we here? What purpose does my life serve? What can I give? Are we alone? It is from science and action that the artist looks to respond to these questions. Having realized spectacular films in Fukushima, Chernobyl and Iguacu falls, Markul does not intend on stopping here. !!! ! !
Henri&Robert& Based!in!Paris!|!Journalist!|!Art!! 21.10.2015! ! !
! ! http://tracks.arte.tv/fr/rechauffement3sur3lart#!
02 octobre 2015 - 14:00 Réchauffement sur l'art
Alors que ce tient ce samedi à Paris une édition 2015 de la Nuit Blanche consacrée au climat, Tracks a joué les stations météo. L'orage arrive, mais une poignée d'artistes jouent les lanceurs d'alerte du réchauffement global.
Le premier effet pervers de la crise économique et financière ? Elle a fini par éclipser d'autres questions essentielles, la question du climat global en premier lieu. Or, l'horloge tourne à une vitesse folle. Et si Berlin et Paris devraient rester au sec, d'autres régions du monde préparent déjà leurs canots de sauvetage, malgré la tenue en décembre de la COP21, qui ne fera que limiter la casse. Le propre de l'Art étant de refléter son époque, la Nuit Blanche, qui prend place à Paris depuis 14 ans et dont les rejetons ne se comptent plus (de Montréal à Toronto), a décidé de consacrer son édition 2015 à « l'art climatique ». Sortez les paratonnerres, Tracks a été pêcher ceux qui tirent la sonnette d'alarme à leur manière, qu'ils soient présents dans les rues parisiennes ce samedi ou pas.
! ! ! ! http://contemporarylynx.co.uk/in5crisis5between5past5and5present5angelika5markul5at5palais5de5tokyo! IN CRISIS BETWEEN PAST AND PRESENT. ANGELIKA MARKUL AT PALAIS DE TOKYO
Mar 25, 2014
The newest exhibition season inaugurated in mid-February at Palais de Tokyo, will present ten exhibitions in three guises under the common title L’Etat du ciel. Artists, curators, writers, philosophers will demonstrate their critical point of view on the contemporary condition of the human being and the world they inhabit, as well as the form employed to describe it. One of the responses to the presented themes is offered by an exhibition by Angelika Markul, a young Polish artist, who has been living in Paris since 1997. Her artistic sensitivity, which was discovered at Christian Boltański’s studio, is also focused around themes close to him: time, remembrance and the human being. Her newest exhibition at Palais de Tokyo is the first large exhibition of Polish art organised at this venue.
Markul’s exhibition has, quite untypically for Palais de Tokyo, a closed form. It is more like a one syncretic installation in which the key role is played by the scenography and the choreography enforced on the viewer. Markul’s exhibition can be found on the lowest level of the gallery and the very process of descending the spiralling stairs and walking through a labyrinth of corridors contributes to an atmosphere of disquiet. To get to the exhibition and enter the world of the artist, you have to push sizable doors. The five rooms tell us a story of the world as told by Markul. It represents an aesthetic essence of her minimalistic style.
Angelika Markul, Bambi à Tchernobyl, 2013-2014, a video installation with music by Franck Krawczyk, film, color, sound, 13’26” loop, sculptures (felt, wax, metal) ! The Bambi at Chernobyl installation, which opens the voyage, may be described as a total work. The showing of a short film recorded by the artist during the three days she spent on the scene of the 1986 catastrophe is arranged in a white room with a low ceiling. The screen, placed on a platform, has been supported with a white structure made of metal rods, some of them laying in shapeless forms, which seem to have been squashed under falling beams. The apparent chaos of white lines reconstructs geometric forms, which were filmed by Markul: spiky rooftops, falling trees in the forests in the vicinity of Chernobyl and the expanses of white snow covering the scenery. The camera shows the viewer the endless landscape of a deserted city and a virgin forest. The shots are fractured with shots of bright light. It alarms and irritates. The impact is reinforced with a symphony by Franck Krawczyk, inspired by music from the Disney film Bambi. A solidly framed radioactive plant brought from the set hangs on the wall. All this contributes to a futuristic post-catastrophic imagery, it is a depressing vision of all-encompassing nature and fate, to which the human being is totally subjected .
Angelika Markul, Bambi à Tchernobyl, 2013-2014, a video installation with music by Franck Krawczyk, film, color, sound, 13’26” loop, sculptures (felt, wax, metal) ! Piece du Silence (Room of silence or The silent room) which follows is just a temporary stopover or maybe a voyage in time. Markul is receding, going deep into the ground like an archaeologist. For that reason Gorge du Diable a video of Iguazu Falls is played backwards, it is a leap into the past. The artist turns back the tons of water which have been flowing through the waterfall for thousands of years, to find the remnants of the past world – shapeless forms, half animal half plant remains of fallen worlds. Markul creates them from her own imagination and places them on the platform next to the screen, because the film for her is also a sculpture.
Angelika Markul, Pièce du silence, 2013-2014, installation felt, wax, steel plates, fluorescent tubes ! And where is the human being? You can’t see them. Will they too soon become another layer of soil? Will nature conquer? What home may they find in that? Markul seems to be a stoic wise man observing the lost viewer with her finger pointing to the sky. It is where the past civilisations looked to . And it is where people still look to, armed with increasingly powerful machines allowing us to see your past in the stars and to build a future. The biggest observatories of the sky are built in Chile. It is where it is the clearest and it is where a long tradition of native mythologies comes from, for whom the cosmos, the sky or simply speaking “that which is up there” is another stage of the journey of the human being, who stays on earth but for a moment. It is their Terre de depart (Land of Departure). The 400 miliardes de planetes video is a short recording of a Chilean telescope preparing for the observation of the sky, which the viewer does not get to see. A feeling of want, frustration and curiosity emerges.
Angelika Markul, 400 milliards de planètes, 2104, video, color, sound, 4’27” loop
Foil, animal and plant remains, darkness, fluorescent lamps barely shedding light on elements chosen by the artist create an otherworldly landscape, inhospitable, inhuman. Dominated by powers stronger than us. These are the forces to which the artist succumbs when making her films. Subjected to radiation in Chernobyl or Fukushima, pushed by the crowds by Iguazu waterfall or in Bagdad, she records everything she manages to perceive. Physical sacrifice or harm to her health are not relevant for the end result of her work. But she does not expose herself to danger. The transgressive experience is with her and it is projected by her onto her installations. The space created by Markul is disquieting. It does not leave the viewer in meditative peace. Human fear is the lifeblood of Markul’s works, as it is the lifeblood of a man in constant crisis. Fear of the forces of nature, fear of being forgotten, fear of oneself, fear of auto-destruction, and finally fear of the future. In the end human beings are alone in the face of their fate and in the face of nature. And nature in Markul’s works is very powerful, it becomes the horror of humanity. It covers the impenetrable forest of Chernobyl with snow, it thrives over the houses in the town of Prypeć, covers the past with masses of water and then it vanishes with the speed of light. And paradoxically it becomes the hope of the human being. History turns a full circle.
Bambi in Chernobyl or Gorge du Diable, the whiteness of the Chernobyl snow and the blackness of the dug out remains which are thousands of years old, remind the viewer about their heritage. People in their existential loneliness, look to the past. While the future, seen in the stars is unknown, so the artist limits only to showing it only as a video recording. Markul’s l’etat du ciel is depressing, marked by evolution and natural selection. The cyclical concept of time which may be appreciated in her works presents us with hope, but also with a vision of future catastrophes. Hundreds of years of history of human civilisation steeped in incessant conflicts aiming to strengthen the areas of influence (of all kinds: cultural, religious, economic…) are but a moment, a minute on Markul’s clock. It is not what counts, it is not what will decide our fate.
Words: Anna Tomczak
Translation: Ewa Tomankiewicz
! ! http://www.artistikrezo.com/2014011415105/actualites/art/angelika Actualités! After last year’s success in the Museum of Art in Łódź (Poland), Angelika Markul opens her first solo exhibition in Paris. At the Palais de Tokyo, she will present her latest work as well as previous compositions which show how natural and industrial disasters affect our world – usually with devastating power. To reflect on the destiny of humanity, Angelika Markul’s work combines the forces of nature with the upheavals caused by the actions of mankind. Her video installations and sculptures lead us through natural and industrial disasters, such as the radioactively contaminated “exclusion zone” in Chernobyl, the Martian landscape of the Atacama Desert in Chile or tsunami-ravaged Fukushima. In these places, she finds manifestations of forces of unknown origin or liberated by human error. In her works, Markul shows how these forces interact with our world, usually with devastating power. ! ! Angelika!Markul,!A!Throat!of!The!Devil,!2013,!photo.!Bartosz!Górka,!courtesy!of!artist/!! The!Art!Museum!in!Łódź!(Poland)! ! I reconstruct a memory by associating actual remembrances with other images, which I encounter and film, – explains the artist. - My relationship to memory stems from my obsession with death and with my own history. For her first major solo exhibition in France, Angelika Markul is presenting a body of recent work – in some cases for the first time. Terre de départ (Land of Departure) - the title of this exhibition- refers to a belief held by Native Americans in Chile that man is only temporarily a transit zone or a simple starting point, before heading towards the stars. Angelika!Markul,!shot!action!from!Bambi!in!Chernobyl,!2013,!photo.!courtesy!of!the!Leto!Gallery! For!her!first!major!solo!exhibition!in!France,!Angelika!Markul!is!presenting!a!body!of! recent!work!–!in!some!cases!for!the!first!time.!Terre$de$départ$(Land$of$Departure)!2! the!title!of!this!exhibition2!refers!to!a!belief!held!by!Native!Americans!in!Chile!that!man!is! only!temporarily!a!transit!zone!or!a!simple!starting!point,!before!heading!towards!the! stars.! The exhibition will also include, among others, the installation titled Bambi in Chernobyl, which was awarded the Prix SAM 2012. This work was based on the footage of the artist’s expedition to the exclusion zone of the Chernobyl nuclear power station. ! The exhibition is a part of L’État du ciel series, ongoing from 14th February to 7th September, 2014 at the Parisian Palais de Tokyo. The partners of the display are: SAM Art Projects, Fondation Nationale des Arts Graphiques et Plastiques, the Polish Institute in Paris, the Museum of Art in Łódź, Eva Albarran & co. Angelika$Markul$"Terre$de$départ$(Land$of$Departure)"! Palais$de$Tokyo! Paris! 14.02$–$12.08.2014! Curator:$Daria$de$Beauvais! !! Sources:!Palais!de!Tokyo,!The!Polish!Institute!in!Paris,!The!Art!Museum!in!Łódź,!Leto! Gallery,!own!materials,!ed.!AS,!11.02.2014,!translated:!Katarzyna!Maksimiuk,!13.02.2014! Tags:!angelika!markulkatastrophypalais!de!tokyo! ! FEV 14 Mensuel 117 RUE DE LA TOUR Surface approx. (cm²) : 1086 75116 PARIS - 01 45 03 80 00 N° de page : 102-103 Page 1/2 What'sup? modernité du x x i * siècle. Rien -cet hiver, David Douard et de rétro donc, mais une belle énergie Angelika Markul, entre autres- Artiste féministe, MeretOpptnheim On se souvient des collages au service de chansons pop à exprimer l'état du monde et a s'est refusée ii ètre réduite au rôle de Richard Hamilton, de sa série brisant les conventions du genre. interroger notre temps. de muse du surréalisme pour Swingeing London, a v e c u n M i c k Sun Structures, Temples (Heavenly Observer notre époque, prendre affirmer, avec succès, son statut Jagger menotte, de son utilisation FUcordings/PIAS). Disponible conscience de ses réalités mais d'artiste majeure du mouvement. précoce de l'ordinateur, de ses le 1O février. également agir sur elle, tels sont les "La liberté n'est pas donnée, o n doit positions politiques engagées... enjeux de cette programmation /aprendra", aimait-elle répéter. Et si, par malheur, on les avait poétiquement intitulée Cette liberté inventive, à l'œuvre oubliés, la rétrospective que la Tat L'État O u ciel. À p a r t i r d u 13 f é v r i e r . dans ses réalisations protéiformes, Modem de Londres consacre Quel temps fait-il? C'est la www.palaisdetokyo.com. est au cœur de la rétrospective au père et grand théoricien du pop question, pas si triviale, que pose le que lui consacre le musée d'Art art britannique devrait Palais de Tokyo en 2014. A cette moderne et contemporain de Lille opportunément les rappeler à notre occasion, l'institution parisienne métropole du 14févri«rau 1"juin. bon souvenir. Du 13févri*r invite des artistes contemporains www.mustt-lam.fr. au 26 mai. www.tate.org.uk. 3. HALLUCINANT Petits protégés d es plus grandes rock stars britanniques (Johnny Man-, Robert W y a t t , Noel Gallagher...],les A n g l a i s de Temples s'inscrivent dans le revival folk psychédélique actuel auquel ils parviennent a insuffler la SAM Eléments de recherche : ANGELIKA MARKUL : artiste/plasticienne/vidéaste, toutes citations 4971409300502/GBM/OTO/2 ! Angelika Markul, Terre de!Départ | Grey Magazine http://grey-magazine.com/angelika-markul-terre-de-depart 2!34&5" 65*.3 7$!+-8 !*- -*!9$% &"-$*&5*3 7/*!"-3 :4*5"&:%$ 3451 !"#$%&'!()!*'+%,(-$**$(.$/.01!*- photography ARYANÀ FRANCESCA URBANI coordination CLAUDIA VITARELLI 5 April 2014 Share 71 Tweet ! " Palais de Tokyo presents a solo exhibition by multimedia artist Angelika Markul. Preoccupied by concepts of memory, time, and human nature, the Polish artist displays a series of large-scale installations, interacting with one another to create a seemingly immersive environment. The title of the exhibition refers to a belief held by Chilean Native Americans, for whom the planet Earth is only a transit zone, a "land of departure" for men ultimately heading to the stars. We spoke with Sandra Hegedus Mulliez, founder of SAM Art Projects, the non-profit foundation who sponsored Markul's artistic project presented in Terre de Départ. SAM Art Projects has helped in furthering the career of many young artists. How important is the role of patrons for young or emerging artists in today's context? The role of patrons has always been important since the beginning of art. It is thanks to them—members of the aristocracy, the bourgeoisie and the church—that we have art to see in museums today. Patrons should support the art of our time. Being a patron is like being a facilitator, who makes sure things happen. I am an aid, I help the artist cross the river before he can grow wings and fly on his own. It’s an immense satisfaction. We have to work today to leave a trace of our passage for generations to come. 1 sur 7 13.09.16 16:54 Angelika Markul, Terre de!Départ | Grey Magazine http://grey-magazine.com/angelika-markul-terre-de-depart Why do you think it’s important to highlight a cultural exchange of the arts for developing countries? It is not that easy for artists of a certain axis to have visibility in places like Europe or the US. Some of the artists I bring over are very confirmed in their areas but totally unknown here. SAM Art Projects works closely with Parisian institutions, especially Palais de Tokyo, in order to make known to a wider public the work of artists selected by our committee. 2 sur 7 13.09.16 16:54 Angelika Markul, Terre de!Départ | Grey Magazine http://grey-magazine.com/angelika-markul-terre-de-depart We support the artists directly. The objective is to uphold the reputation of our artists by promoting their recognition by art professionals, giving more visibility to their work at national and international level. How does the interaction between French art and art from southern or developing countries benefit from one another? 3 sur 7 13.09.16 16:54 Angelika Markul, Terre de!Départ | Grey Magazine http://grey-magazine.com/angelika-markul-terre-de-depart I strongly believe that these exchanges bring a lot to all the ones involved. I have noticed how all the artists who came to us have developed solid ties with France, and with the people they met. A lot comes out of it: projects, friendships… When choosing artists for the SAM Art Projects’ prizes and residencies, what characteristics do you look for? Artists and projects are selected by a scientific committee composed of eight renowned personalities from the world of art, elected every three years.! The annual prize is open to all artists that are 25 years old and up, who’ve lived in France for at least two years, and have a contract with a European gallery. The project has to be realized in a country outside Europe and North America. The call for proposals opens in June and ends in September, and the winner is announced in December. The artist is then awarded a monetary prize to realize the work, which will be exhibited at Palais de Tokyo accompanied by a catalogue. SAM Art Projects also finances and manages two artist residencies in Paris per year. The recipients are chosen by a rotating committee, and get to exhibit their work at Palais de Tokyo at the end of the residency. 4 sur 7 13.09.16 16:54 Angelika Markul, Terre de!Départ | Grey Magazine http://grey-magazine.com/angelika-markul-terre-de-depart Angelika Markul, winner of the SAM Art Projects prize in 2012, is currently showing at Palais de Tokyo. Markul’s current exhibition displays the forces of natural and industrial catastrophes—such as Fukushima, Chernobyl, Bagdad—and focuses on the themes of time, memory, man, and nature. How important is it for art to address challenging historical moments or current events, especially on an international scale? The artists’ eyes see things we do not see. They give us a very intense point of view on our times. It is this vision that will stay as a testimony of our current times in the future. Bambi in Chernobyl, a work featured in the exhibition, is the artwork created by Markul that won the SAM Art Prize in 2012.!What aspect of this work stood out to you? Looking at it, I felt as if I were in Pompeii—a catastrophe that emptied a town of its life and its inhabitants. Life stopped.! The video installation Bambi à Tchernobyl takes us inside ourselves, as if we were endlessly swallowing all our inner shadows and deepening their impenetrable density. Contaminated nature, the Chernobyl site filmed in winter by the artist, becomes the focus of a gradual but helpless reclaiming process. In a sense, the work involves an exploration of consciousness on the ruined terrain of its own suppressed anxieties.! The focus here is not the 1986 disaster itself, but the way it speaks to us of the bleakest chasms of industrial society, which the viewer can recognize in the innermost 5 sur 7 13.09.16 16:54 Angelika Markul, Terre de!Départ | Grey Magazine http://grey-magazine.com/angelika-markul-terre-de-depart reaches of his own body and consciousness.! The artist has reverted to the status of a visionary demiurge, producing catastrophic situations where we are all invited to formulate our own hypothesis. Terre de Départ is on view through May 12, 2014. Palais de Tokyo is located at 13, Avenue du Président Wilson, Paris. Share 71 Tweet ! " )5*$(2*5)(#*$8 %!"9&"(3;3(<=>? %!/:4&:! !3-&$*(.$(9&%%!--$(@/1!*&3 1!&"-(-4$(7*&.$(+1.!-$A @/)$"36$!* )$33$"#$*(&"/%!9$".$* HOME FASHION WORDS ART BEAUTY & FRAGRANCE TRAVEL INTERIORS SPORT CHRONICLE SHOP CONTRIBUTORS ABOUT & CONTACT SUBMISSIONS ADVERTISING XML FEED 6 sur 7 13.09.16 16:54 ! ! http://polish+artcontemporain.com/angelika+markul+un+nouveau+voyage+vers+les+ etoiles/! ! Angelika Markul – un nouveau voyage vers les étoiles !Posted!on!September!16,!2014!!!!! !by!irmina!! Angelika Markul dans une exposition-voyage “Z ziemi do gwiazd” du 20 sept au 16 nov 2014, à la Maison des Arts de Malakoff… Pour son exposition personnelle à la Maison des Arts de Malakoff, Angelika Markul propose un parcours unique conduisant le spectateur de la Terre jusqu’au Ciel – Z ziemi do gwiazd. Le thème en est – comme souvent chez l’artiste – la nature, la rencontre de l’homme avec la nature et du spectateur avec l’oeuvre. +++ Dans la première salle qui représente la Terre, l’artiste a créé une grande carte avec des formes organiques en cire qui rappellent les cours d’eau ou des paysages de sable (carte de navigation, carte d’itinéraire). L’artiste évoque ainsi le thème du voyage et de la recherche (réel ou mental) qui n’est ici pas lié à l’aventure mais à la recherche et à l’incertitude. Derrière la table figure la silhouette d’un paysage montagneux comme métaphore pour un désir inassouvi, un rêve lointain proche et en même temps inaccessible. Dans la deuxième salle qui représente le ciel, l’artiste présente la vidéo intitulée “Terre de départ” qui offre l’image d’un ciel étoilé. Au lieu d’un regard de haut en bas comme dans la première salle, l’artiste nous propose ici un regard de bas en haut. La ligne d’horizon dans la vidéo “Terre de départ” crée une analogie avec la silhouette du paysage montagneux dans la première salle. Angelika Markul Florian Gaité écrit, août 2014 L’œuvre d’Angelika Markul se présente comme une cosmographie alerte et poétique, une représentation plastique du monde inspirée par une conscience écologique et le goût des formes stellaires. Avec Z ziemi do gwiazd (« De la Terre aux étoiles » en polonais), la plasticienne trace un axe vertical entre l’humanité et l’univers pour se focaliser sur le lien ténu, parfois rompu, qui unit le sol terrestre et la voûte céleste, l’ici-bas et l’ailleurs astral. Empruntant à l’astrophysique, aux croyances des indiens d’Amérique du Sud et à sa propre expérience du ciel, elle pose ici les bases d’un questionnement métaphysique qui marque un retour à une certaine transcendance païenne, valorisant l’intuition du cosmos comme tout organique. Invocatoires et prophétiques tout à la fois, ces installations confrontent l’œil du public à la beauté astronomique tout en l’engageant sur la voie d’une méditation post-humaniste : de la terre, que peut-on réellement savoir des étoiles ? Au-delà de son écosystème, quelle place est réservée à l’homme dans le macrocosme ? Si l’origine de notre planète est placée dans le ciel, peut-on imaginer y trouver refuge ? La lourdeur de ces interrogations tranche radicalement avec la simplicité du dispositif scénographique : minimal, sobre, élégant, l’univers d’Angelika Markul est empreint d’une poésie sombre, tantôt sereine, tantôt inquiétante, qui restitue la texture de la terre et la brillance des étoiles. Dans cette singulière représentation du monde, atemporelle et amorphe, l’expérience se vit sur un mode contemplatif, dans une intimité ou une solitude propice au recueillement et à la réflexion. La plasticienne aménage en effet des temporalités distendues ou dilatées, invitant à la découverte patiente de ses œuvres. Dans un parcours en deux temps, elle organise un lent basculement, transforme cette expérience empirique en acte critique et conjure la frénésie de la vie contemporaine en la confrontant aux cycles de l’infini. La première salle, blanche et silencieuse, évoquant avec simplicité l’esthétique du laboratoire d’astronomie, est consacrée à l’élément terrestre. Au fond, une surface d’observation – bureau d’orientation, vue de belvédère ou table d’examen – présente une carte de cire noire, brune et rouge. Sorte de minéral mou, organique et lunaire, la matière laisse apparaître des traces, des sillages, des nervures, des cratères et des traînées. Possibles itinéraires d’animaux errants ou empreintes d’activités naturelles, ces graphes d’une terre désaffectée symbolisent tout autant la désorientation des hommes modernes, perdus face à l’avenir du monde et aux mystères de l’espace sidéral. Seule la lumière d’un projecteur joue le rôle de repère, rappelant le spectateur à l’héliocentrisme le plus élémentaire : en plaçant le soleil au cœur de son interprétation du monde, Angelika Markul fait signe vers l’éternité de l‘ordre cosmique. Entre les deux, un paysage de montagne se dresse en ligne d’horizon. Liante et séparatrice, cette silhouette incarne la perspective d’un désir d’avenir comme la menace d’un mauvais augure. Cet horizon fait écho à celui qui cadre l’action de la vidéo Terre de départ, projetée à l’étage. Dans cette seconde pièce, le public doit apprivoiser le noir total et s’imprégner de son ambiance lynchienne, portée par un mixage sonore, celui de l’air et du champ magnétique des planètes. La vidéo représente une nuit étoilée, un cycle nocturne monté en accéléré. D’une netteté scientifique, elle laisse apparaître toute la vitalité du monde céleste à travers ses micro-événements astrophysiques : variations chromatiques, associations d’étoiles, trajectoires d’astéroïdes. En donnant à l‘écologie une dimension littéralement universelle, la vidéaste renoue avec une tradition ancestrale dont elle s’inspire. Ici, elle mobilise une croyance des indiens du Chili selon laquelle notre planète n’est qu’un lieu de passage avant un départ sur les étoiles. Le moment de contemplation devient alors une réflexion sur les sagesses anciennes, les dérives du monde industriel et les faiblesses du savoir moderne, comme un pèlerinage éthéré vers un futur à réinventer. ! ! https://turbulencesvideo.wordpress.com/2014/12/17/de;la;terre;aux;etoiles/! De la Terre aux étoiles 17 décembre 2014 · par redacturbu · dans Chroniques en mouvement. · Par Pascal Lièvre. S’il%n’y%avait%rien%pour%penser%le%monde,%s’il%n’y%avait%rien%pour%en%être%conscient,%s’il% n’y%avait%rien%même%pour%le%voir,%le%sentir,%y%aurait6il%seulement%un%monde%?!! Tristan!Garcia,!Forme%et%objet,%un%traité%des%choses.! ! La maison des arts de Malakoff existe dans un monde qui n’existe pas avec ou sans nous, un monde ou tous les objets du monde existeraient sauf le monde qu’il nous est impossible de pouvoir nous représenter dans son absoluité. Terre de départ, Angelika Markul, 2013. Angelika Markul cherche toujours à transformer le lieu où elle expose ses œuvres, lui ôter toute identité, anéantir sa forme première, le reconstruire de telle manière qu’il soit lieu de présentation d’un travail qui explose les questions physiques et matérielles du monde. C’est ce qui arrive à la Maison des arts de Malakoff dont deux tiers de l’espace d’exposition ont disparu, les fenêtres et les portes sont maintenant recouvertes d’un film noir, rendant inaccessible au public, mais aussi à ceux qui y travaillent, un autre accès que celui de l’exposition De la terre aux étoiles. Surgit alors le souvenir d’une autre exposition, plus ancienne, celle de l’artiste Alain Declercq à Transpalettes (Bourges, 2001) Panoptique. L’artiste avait alors transformé l’espace d’exposition en prison, qui se révélait être le décor d’un film où un détenu s’habillait avec les vêtements d’un gardien pour s’enfuir par le ciel en hélicoptère, matérialisant ainsi le lieu d’art en un espace carcéral. Le mode du panoptique se proposait en ce début de millénaire de montrer aussi un anthropocentrisme paroxystique aliénant le réel à cette seule position de regarder, de surveiller et de punir. C’est un tout autre espace dont il est question aujourd’hui. Plus de dix ans ont passé, une révolution philosophique a eu le temps de se mettre en place et les œuvres d’Angelika Markul en traduisent toutes les potentialités. Terre de départ, Angelika Markul, 2013. De la terre aux étoiles métamorphose le centre d’art en un vaisseau spatial. Une tour de contrôle où une vigie, située à l’extrême gauche du bâtiment, condamne le centre d’art à ne plus seulement présenter l’art contemporain à travers les formes plastiques crées par des corps plasticiens, mais à subir lui même une transformation constitutive pour lui permettre d’accompagner la révolution spéculative en marche. Celle qui avance la possibilité d‘abandonner la post modernité à l’histoire des idées, d’abandonner un monde fondé sur l’anthropocentrisme, au profit d’un tournant spéculatif accueillant les choses, la matière, la science, et le réel comme des objets autant sinon plus importants que le langage, la pensée, le phénoménal et le social. C’est en 2006 que la parution d’un livre va mettre le monde de la philosophie mondiale en émoi : Après la finitude de Quentin Meillassoux. Ce livre affirme que la philosophie postkantienne est dominée par ce qu’il appelle le postulat du correlationisme, c’est-à-dire l’idée selon laquelle nous ne pouvons pas penser les choses de façon absolue, mais toujours relativement aux conditions de la donation de l’objet dans une conscience présente. Il propose donc une philosophie spéculative, où l’on ne doit pas penser ce qui est, mais ce qui peut être : la réalité qui le préoccupe n’implique pas tant les choses telles qu’elles sont, que la possibilité qu’elles puissent toujours être autrement. Terre$de$départ,!Angelika!Markul,!2013. Selon Quentin Meillassoux le problème contemporain serait que les philosophes se refusent à penser une chose en dehors de la relation qu’ils ont avec elle. C’est la définition même du correlationisme : L’homme est au centre de ce qu’il lui est possible de connaître et rien ne serait pensable en dehors de cette corrélation. Meillassoux rappelle que notre philosophie contemporaine se limite à la perception des limites fondamentales de la pensée. Alors qu’à la Renaissance, dit-il, la science donne aux hommes la possibilité de penser un monde qui pourrait exister sans sa présence et que l’astronomie lui révèle que la Terre n’est pas au centre de l’univers, pourquoi la philosophie continue-t-elle de placer l’humain au centre de tout ? Comment sortir du correlationisme, comment imaginer un dehors de la raison ? Quentin Meillassoux propose de trouver un absolu sur lequel refonder la pensée, et cet absolu est la contingence, ce serait pour lui l’unique nécessité. Tout ce qui existe est susceptible d’être ou de ne pas être. Selon lui, il est possible que tout arrive et ce, sans qu’on puisse le prévenir. !!L’exposition De la terre aux étoiles se divise en deux espaces reliés par un ascenseur. Un premier, par lequel entre le corps du spectateur, propose un espace circulaire, où se trouve à l’avant, une sorte de console avec des éléments recouverts de matière noire éclairés par un globe lumineux orange. Il faut d’ailleurs quelques minutes pour percevoir les différents éléments qui habitent cet espace tant la lumière est faible, avant de trouver comment accéder aux étoiles par un ascenseur qui nous conduit à l’étage où est projeté sur un très grand écran ce qui s’apparente à une vidéo : Terre de départ, 2013. L’artiste présente près de deux mille images prises par son appareil photo dans une séquence d’une minute et vingt cinq secondes qu’elle propose de regarder en boucle. Son appareil posé sur un pied, sans jamais bouger, prend une image toutes les quatre secondes d’un paysage constitué d’une ligne d’horizon et d’un ciel où les étoiles semblent être en mouvement, pendant toute la durée d’une nuit dans le désert d’Atacama, au Chili. Ce désert a la particularité d’être surnommé le plus extraterrestre des déserts terriens, c’est là en effet que la N.A.S.A. teste ses véhicules avant de les envoyer sur Mars. C’est une sorte de diaporama frénétique ou rien, ou presque, ne semble bouger, à part les étoiles filantes qui traversent un ciel où les étoiles bougent d’une étrange façon. La bande-son qui accompagne ces images provient de la base de données sonore de la N.A.S.A. Ces sons viennent de l’espace ou plutôt sont la traduction sonore d’ondes électromagnétiques qui traversent l’Univers, non perceptibles par l’oreille humaine. Le son est une onde, c’est-à-dire un déplacement d’énergie sans déplacement de matière de même que la lumière, mais contrairement à celle-ci, qui se déplace aisément dans le vide, l’onde sonore a besoin d’un support (l’air) pour se propager. Les êtres humains, comme beaucoup d’animaux, perçoivent cette vibration grâce au sens de l’ouïe. Dans l’univers, le son ne se propage pas, l’univers serait donc silencieux. Ces ondes électromagnétiques qui traversent et structurent l’univers sont des fossiles ou traces d’un monde qu’il est encore presque impossible de penser, des informations qui pourraient venir d’un temps où l’homme, voire la Terre, n’existerait pas. Terre de départ, Angelika Markul, 2013. Comment alors saisir le sens d’un énoncé scientifique portant explicitement sur une donnée du monde posée comme antérieure à l’émergence de la pensée, et même de la vie – c’est-à-dire posée comme antérieure à toute forme humaine de rapport au monde ? […] Comment la science peut elle simplement penser de tels énoncés, et en quel sens peut-on attribuer une éventuelle vérité à ceux-ci ? Quentin Meillassoux, Après la finitude. L’artiste réussit à orchestrer cette archive traduite de telle manière que nos corps puissent l’entendre avec des images du lieu d’où elles pourraient provenir. L’artiste correlationne ainsi de manière presque absurde ces éléments, démontrant à la fois l’aspect illusoire que la science nous donne dans ses représentations du monde et notre vaine tentative de nous représenter un monde sachant que de ce monde nous ne percevons presque rien. Un monde composé essentiellement de matière noire, de trous noirs ou d’énergie noire, un monde où, semble t- il, nous percevons et arrivons à traduire un pourcentage si réduit qu’il met en doute toute idée d’une représentation, sinon celle de la manipulation, du trucage, du mensonge. Cette carte postale sonore imaginée par Angelika Markul provenant d’un monde inconnu dont nous ne pouvons qu’à peine imaginer son possible, est un monde qu’elle nomme Terre de départ. En effet le titre de l’œuvre signifie autant une Terre originelle où tout pourrait commencer qu’une Terre que l’on quitterait pour un ailleurs impensé. Il s’agit dans les deux cas d’un monde a priori ou a posteriori, où l’artiste manipule des informations qu’elle tente de corréler afin d’en traduire une représentation. Sortir du panoptique hystérique de l’anthropocentrisme pour installer un espace où le monde se définirait par lui- même dans une absoluité impensée, De la terre aux étoiles affirme qu’une hétérotopie spéculative peut aussi se constituer dans le champ de l’art aux côtés de la philosophie et des mathématiques. Une terre de départ qui propose la possibilité d’être également ceci ou cela ou son contraire sans que ceci ou cela importe plutôt qu’autre chose. © Pascal Lièvre, septembre 2014 ! http://inhalemag.com/archaic2forms2angelika2markul/! ! 2014! ANGELIKA MARKUL belongs to a young generation of artists, which has emerged over the last few years. Fluctuating between the fields of film and installation, she works using a vocabulary of simple, or even archaic forms, constructed of glass, wood, black foil, eye irritating lamps, or industrial ventilators. Certain elements constantly appear in her works, forming new configurations and arranging the space differently. Tinged with contemporary romanticism and gloomy minimalism, her work is rigorously black, dynamic and unexpectedly contemplative. The artist treats space as a luminous sculpture you can walk inside. ANGELIKA MARKUL’s installations play with viewers’ perceptions in two ways. On the one hand, they show the world of the imagination blended with reality. They disorient the viewer to such a degree that it can be hard to say what is reality and what is artistic fiction. On the other hand, their three-dimensionality and lighting disrupt the feeling of spatial comfort. ANGELIKA MARKUL’s work is equally inspired by the world of nature, the atmosphere of places that do not bear the stamp of the past. The tales she heard in childhood also intrigue her and stimulate her imagination. Sometimes terrifying, other times poetic – much like fairy tales and legends themselves – her works deal with the most pressing aspects of human existence. ANGELIKA MARKUL was born in Szczecin. She has lived and worked in Paris since 1997. In 2003 she graduated from Paris Ecole Nationale Superieure des Beaux Arts in multimedia, directed by CHRISTIAN BOLTANSKI. She collaborates with the Galerie Frédéric Giroux in Paris and Kewenig Galerie in Koln. In Paris, Galerie Suzanne Tarasieve is representing her work. She has participated in many international exhibitions, both group and individual. photo angelikamarkul.netaa And good news: Her solo-show at Palais de Tokyo takes place from 13/02- 12/05.(www.palaisdetokyo.com/en/exhibition/terre-de-depart-land-departure). She was awarded with the SAM Art Prize in 2012. via we-find-wildness.com http://www.artistikrezo.com/2013022011642/actualites/art/angelika-markul-domaine-departemental-de- chamarande.html 20 février 2013 Jean David Bousmaer Angelika Markul - Domaine départemental de Chamarande Actualités - Art ! Du!17!mars!au!12!mai!2013!! ! L’artiste)d’origine)polonaise)Angelika)Markul)place)le)vivant)en)regard)de)la) violence)de)la)nature,)et)de)celle)de)l’Homme.)Brouillant)les)frontières)entre)les) disciplines)artistiques)et)usant)d’un)sens)aigu)de)la)mise)en)espace,)elle)provoque) l’imagination)et)la)perception)du)visiteur)le)plaçant)au)cœur)d’une)nouvelle) dimension)spatio@temporelle.! ! Pour!l’Orangerie!du!Domaine!de!Chamarande,!l’artiste!réalise!une! installation!monumentale!inédite,!puisant!sa!source!dans!les!cabinets!de!curiosités,!les! tableaux!de!chasse!et!les!gisants!médiévaux.!!! ! Forte!de!ses!récents!succès,!l’artiste!choisit!ici!de!célébrer!l’ensemble!de!son! processus!créatif!par!une!démarche!accumulative!et!commémorative,!qui!rappelle!et! célèbre!le!caractère!précaire!des!existences!et!nos!tentatives!pour!en!garder!la!trace.!! ! Panthéon!éphémère,!l’orangerie!devient!l’écrin!des!vanités!de!l’artiste.!Elle!y!exhibe! les!trophées!d’une!activité!incessante,!faite!de!réussites!et!d’hésitations,!traces! tangibles!d’une!voracité!rabelaisienne!d’expérimentation.!L’artiste!redéploie!sa! grammaire!des!formes!et!ses!matériaux!de!prédilection!que!sont!le!plastique,!le!néon,!le! béton,!le!feutre!et!la!cire.!Elle!les!expose!avec!ostentation,!comme!autant!de!symboles! érigés!en!mémoire!du!chemin!parcouru.!! ! ! Le)crépuscule)de)la)fureur)! ! L’espace!est!ici!entièrement!investi.!Un!imposant!drapé!de!plastique!s’érige!et!surgit! du!mur!pour!venir!s’écraser!sur!le!sol.!Les!jeux!d’ombre!sont!accentués!par!la! lumière!franche!des!néons!disposés!ça!et!là.!Le!béton!vient!se!faufiler!entre!les!plis!du! plastique,!où!la!lumière!ne!peut!pénétrer,!soulignant!et!immortalisant!l’œuvre!par!sa! lourdeur,!sa!pesanteur.!! ! Au!mur,!de!part!et!d’autre,!des!plaques!de!cire!et!de!feutre!sont!agencées!telles! une!galerie!de!portraits.!La!dimension!organique!de!ces!matériaux!contraste!avec!la! stérilité!de!ceux!qui!nivellent!le!sol.!L’œuvre!se!fait!métaphore!d’un!réseau!trophique!où! chaque!élément!maintient!la!cohérence!et!la!stabilité!de!l'ensemble.!Alternant!entre!le! vertical!et!l’horizontal,!l’ancien!et!le!nouveau,!les!formes!s’entremêlent!pour!créer!un! ensemble!unique,!sublimé!par!le!bain!de!lumière!ocre!d’un!coucher!de!soleil!qui! s’étirerait!indéfiniment.!Cette!anticipation!de!la!pénombre!plonge!le!visiteur!dans!une! intimité!troublante,!un!cocon!néanmoins!bienveillant!où!bouillonne!une!fureur!de!vivre.!! ! Une)métaphore)de)la)pratique)artistique)! ! Angelika!Markul!propose!une!mise!en!scène!de!son!processus!créatif.!Les!objets! qu’elle!investit!errent!entre!le!sommeil!et!l’éveil,!à!l’image!des!trésors!jonchant!les! tombes!des!gisants!médiévaux,!gardiens!éternels!de!leurs!pouvoirs!et!de!leurs!secrets.!! ! L’œuvre!devient!la!collection!éphémère!de!souvenirs!et!d’archives!mises!en!scène.! À!l'instar!de!la!tête!du!sanglier!vaincu!ou!des!photographies!de!famille!accrochées!au! mur!par!affection!ou!par!peur!de!l’oubli,!elle!scelle!la!mémoire!des!fortunes!antérieures!:! elle!devient!la!gardienne!du!culte!de!l’artiste.!! ! La!prédation,!composante!essentielle!de!la!vie,!interroge!aussi!sur!la!quantité!de! matière!et!de!ressources!détruites,!transformées,!perdues!par!l’activité!humaine.!Les! matériaux!utilisés!par!Angelika!Markul,!au!cœur!des!problématiques!environnementales! liées!aux!ressources!et!à!l’énergie,!comme!le!plastique,!le!béton!ou!les!néons,! s’entremêlent!avec!des!matériaux!naturels!transformés!par!la!main!de!l’homme,!le!feutre! et!la!cire,!dans!un!dialogue!sur!la!part!destructive!de!la!création,!et!sur!la!part!morbide! de!toute!mythification.!! ! La!programmation!artistique!du!Domaine!de!Chamarande,!réalisée!en!collaboration!avec! l’association!COAL,!s’attache!à!soulever!les!questions!relatives!aux!nouveaux!enjeux! écologiques!et!au!vivant.!Ainsi!l’Installation!Monumentale!d’Angelika!Markul!faitelle! écho!à!l’exposition!spécimens!présentée!au!château!jusqu’au!31!mars!;!elle!annonce! également!celle!de!printempsZété!qui!s’intéressera!aux!différents!Milieux!du!Domaine! départemental.!! ! ! Angelika)Markul!(née!en!1977!en!Pologne,!!vit!et!travaille!en!France!et!en!Pologne)! ! L'artiste!est!représentée!par!la!galerie!Suzanne!Tarasieve!(Paris,!France)!et!la!galerie! Kewenig!(Cologne,!Allemagne).!! ! Diplômée!de!l’École!nationale!supérieure!des!BeauxZArts!de!Paris!Z!dans!l’atelier!de! Christian!Boltanski,!elle!est!aujourd’hui!une!artiste!reconnue!sur!la!scène!internationale.! Elle!est!la!lauréate!du!Prix)SAM)pour)l’art)contemporain)2012!avec!son!projet!«!Bambi! à!Tchernobyl!»!qui!sera!exposé!en!décembre!2013!au!Palais!de!Tokyo.!Le!Musée!Sztuki!à! Lodz!(Pologne)!lui!consacrera!également!en!2013!une!importante! exposition!personnelle.! ! Le!travail!d'Angelika!Markul!a!été!exposé!à!la!Labyrinth!Gallery!à!Lublin!(2012),!à! l’Arsenal!Gallery!à!Białystok!(2012),!à!l’Espace!culturel!Louis!Vuitton!aux!ChampsZ Élysées!(2011),!au!Mac/Val!(2010),!au!Théâtre!National!de!Chaillot!(2009),!au!Centre! d’Art!Contemporain!CSW!Znaki!Czasu!à!Toruń,!Pologne!(2009),!à!La!Force!de!l’Art!au! Grand!Palais!(2006),!à!la!Fondation!Cartier!(2005)!et!au!musée!d’Art!moderne!et! contemporain!de!la!Ville!de!Paris!(2005).! ! ! ! Domaine)départemental)de)Chamarande! 38,!rue!du!Commandant!Arnoux! 91730!Chamarande! ! chamarande.essonne.fr! NATURE & FUTUR Par Daria de Beauvais « Nature naturante » et nature dénaturée Conçues comme autant de moments de « saisissement », les œuvres d’Angelika Markul placent le visiteur au cœur d’un jeu de forces qui provoque le vertige. La nature y joue un rôle prédominant et prend la forme d’un acteur souterrain, oublié par les errances du temps présent et qui, à la faveur d’une situation exceptionnelle, se déchaîne. On est saisi par la puissance des éléments ou par les ravages d’une dévastation dont les conséquences sont visibles in medias res à l’échelle d’un paysage ou d’un écosystème. Le travail de la nature reprend ses droits mythologiques sur la trans- formation du monde. Ce que, au XVIIe siècle, Spinoza appelait la « nature naturante » pour désigner l’agent actif qui fait de la nature sa propre force de transformation est non seulement sublimé, lui. La « nature naturante » devient une nature dénaturée. La désolation qui en résulte prend un tour métaphysique : l’homme lui-même – et son action irréversible sur les éléments – semble être le jouet d’une force plus sourde, plus puissante qui, à l’échelle d’une terre en perpétuelle métamorphose, redimensionne le sens même de la destinée. Ne voir que ce qui semble accusatoire dans la démarche de l’artiste réduirait le sens une hypothèse esthétique qui donne tout leur relief à des forces qui nous dépassent. les autres et c’est l’ensemble – expérimenté sensiblement par le visiteur – qui, à la manière classique d’un Aristote, relève d’un art qui prolonge le travail de la nature. De ce point de vue, l’installation vidéo Gorge du diable (2013-2014) est emblématique. L’artiste capte une situation « naturelle », les chutes d’Iguaçu, dont elle détourne le sens en inversant le cours de la chute : l’effet produit est le résultat d’une intervention minimale dont les conséquences sont pourtant immenses. Le regard est littéralement « aspiré » et indique un retour vers une origine qu’on ne parvient jamais Gorge du diable, 2013. Installation vidéo (détail). Courtesy Galerie Suzanne Tarasieve, Paris 21 à saisir. Cet effet serait incomplet si cette capacité de l’image à nous « avaler » dans la Gorge du diable n’était pas accompagnée d’un dispositif sculptural qui, en raison de relève du vestige comme d’une mise en garde ou d’une prémonition. Ce qui doit advenir est déjà là. Les boucles temporelles s’entrecroisent, le passé immémorial leur organisation sont comme les résidus produits par le mouvement des chutes d’eau : rejoint un futur possible et c’est toute notre perception du présent qui s’en trouve le visiteur, non seulement face à un paysage innommable, est d’abord face à sa propre part d’ombre. Gorge du diable nous ramène à l’intérieur de nous-mêmes, comme et Rewind de notre conscience : un sentiment de « déjà-vu » s’empare de nous et c’est à la lueur d’un néon posé là de biais que l’on découvre des scènes à l’inquiétante la densité impénétrable. Ce jeu entre la nature extérieure qui nous submerge et l’inté- riorisation que l’artiste rend possible est un face-à-face terrible : dans le miroir tendu sa familiarité. Est-ce au détour d’un rêve, à la faveur d’une extase, que d’un coup L’installation vidéo Bambi à Tchernobyl (2013) produit le même genre de confron- du néon qui se colle irrémédiablement à la rétine ? devient l’objet d’une reconquête progressive mais désemparée : il s’agit presque d’une exploration de la conscience sur le terrain détruit de ses propres refoulements. du renouveau, il s’agit plutôt d’une hybridation complexe entre la peur et quelques sursauts d’un « avant » perdu. Des mutations ne cessent de se produire, les traces Angelika Markul réussit à inventer un paysage qui, outre qu’il révèle une fascination persistantes de l’irréversible sont des stigmates qui prennent des formes que seule pour la nature, semble être le paysage des âmes. La lumière crépusculaire des néons l’artiste rend visibles : la zone interdite de Tchernobyl devient paradigmatique. fait apparaître un art consommé d’une sorte de démonologie contemporaine où les Ce n’est pas la catastrophe de 1986 qui est pointée du doigt, c’est la manière dont elle « forces du mal » étudiées par les plus illustres théologiens sont déconnectées de nous parle des abîmes de la société industrielle, que chaque visiteur retrouve dans les replis de son propre corps et de sa conscience. Bambi à Tchernobyl se situe là exactement où la « nature naturante » croise la nature dénaturée. C’est un endroit où l’artiste exerce son droit d’inventaire, celui des catastrophes qui structurent – sans pas tant le salut qu’un point d’arrêt : Pièce du silence (2013) permet, entre autres, cette qu’on ne puisse plus rien y faire – notre rapport au monde. pause dans le déchaînement qui nous entoure. Ce que le silence offre alors appartient à l’inarticulé ou au cri. Il n’y a plus de phrases Entre anticipation et effets de réel possibles, seulement entre deux étouffements une respiration profonde. Le doute alors s’immisce : ce qui respire, est-ce encore humain ? Est-ce, à l’image des 400 milliards Ce monde pourtant n’est ni tout à fait le nôtre ni tout à fait un autre. Il dessine des de planètes (2014), une ambiguïté irrésolue entre le cosmologique et le mécanique ? contours qui ne sont ni documentaires ni purement fantasmés. C’est un monde créé par Angelika Markul tient le réel par deux bouts : d’un côté la technologie la plus froide, l’artiste, tel un scénario d’anticipation, produisant ses propres effets de réel. Lorsque de l’autre la matière la plus informe. Entre les deux, elle fait passer au visiteur le visiteur se trouve face à l’installation La Chasse (2012), rien n’indique la cause de des épreuves successives qui sont autant de façons de tester sa résistance visuelle et mentale. L’anxiogène devient un état stationnaire, en suspens avant, peut-être, un d’une traque que d’un déchaînement de boue. Ce qui est présent , c’est presque dernier plongeon en son âme et conscience. une scène de crime et la question qui surgit est : qu’est-ce qui a rendu cela possible ? Avec la série des Frozen (2010), où des formes animales similaires, mutantes et étran- gement familières, sont logées dans des congélateurs qui oscillent entre cercueils high-tech pour une civilisation qui aurait maîtrisé la cryogénisation et garde-manger sinistres, se pose la même question : qu’est-ce qui a rendu cela possible ? La réponse s’impose : c’est l’artiste. Daria de Beauvais est curatrice au Palais de Tokyo. Elle est commissaire de la première exposition L’artiste est redevenue démiurge visionnaire qui produit des situations abyssales où monographique d’envergure d’Angelika Markul en France, « Terre de départ », et mène par ailleurs une chacun est invité à projeter ses propres hypothèses. Quand l’artiste donne à voir ses pratique de commissaire d’exposition indépendante. 22 23 ! 15 avril 2013, par Lunettes Rouges http://lunettesrouges.blog.lemonde.fr/2013/04/15/de:la:noirceur:et:des:trophees: angelika:markul/! De la noirceur et des trophées (Angelika Markul) Angelika!Markul,!Installation!Monumentale,!2013! ! Pourquoi!le!noir!domine:t:il!ainsi!le!travail!d’Angelika)Markul!?!Au!Château!de! Chamarande,!dans!l’Orangerie!(jusqu’au!12!mai)!elle!présente!une!installation! spectaculaire!ré:agençant!plusieurs!de!ses!éléments!de!travail.!L’étrangeté,!le!malaise! même!viennent!ici!de!l’impression!d’un!suintement!noir,!gluant,!brillant!qui!recouvrirait! tout!;!il!y!a!là!du!plastique,!du!charbon,!de!la!cire!de!fonderie,!des!plumes!et!des!poils,!un! sanglier!semble:t:il.!! ! ! ! ! ! Angelika!Markul,!Installation!Monumentale,!2013! ! ! Immergé!dans!la!pénombre!à!peine!trouée!par!les!néons!blafards,!on!erre,!dérangé!trop! souvent!par!l’éclat!de!lumière!de!la!porte!du!bâtiment!qu’un!visiteur!ouvre.!Si!le! monument!au!sol!est!un!gisant!organique,!confus,!massif,!les!éléments!au!mur,!croix,! totems!ou!plaques!mémorielles,!tiennent!du!constructivisme!géométrique,!de!la!forme: tableau!et!de!la!frontière,!selon!un!agencement!épuré!et!mathématique.! ! Angelika!Markul,!Installation!Monumentale,!2013! ! C’est!là!une!caverne,!un!antre,!un!giron,!un!‘ventre!archaïque!et!originaire’!(Jeanne! Truong)!qui!induit!un!retour!à!l’origine,!de!l’homme,!comme!du!monde,!un!confort! incertain,!chaud!et!sirupeux.!On!l’expérimentera!de!nouveau!au!Palais!de!Tokyo!à!la!fin! de!l’année.! ! Angelika!Markul,!Installation!Monumentale,!2013! ! ! herman!de!vries,!holy!days,!2007:2008! ! Au!même!moment!(mais!l’exposition!est!désormais!terminée),!dans!le!château!même,!on! avait!une!sorte!de!Muséum!d’histoire!naturelle,!onze!artistes!inventant!des!spécimens! minéraux,!biologiques!ou!végétaux.!Outre!la!bibliothèque!de!terres!de!Koichi!Kurita,!les! galipettes!naturistes!du!patriarche!herman)de)vries!avec!sa!jeune!et!jolie!assistante! marion!reiβner!(holy%days),!la!pirogue!de!Noé!de!Jorge!et!Lucy!Orta,!la!sombre!cabane: musée!de!Mark!Dion,!la!pièce!qui!m’a!le!plus!impressionné!est!Elephant%Tent!de!Douglas) White!(2012),!assemblage!de!pans!d’argile!suspendus!à!des!câbles!et!reposant!sur!des! poteaux,!comme!un!chapiteau!de!cirque!ou!un!tipi!indien,!évoquant!la!peau!d’un! éléphant!mort,!desséché!servant!d’abri!à!ses!chasseurs,!trophée!vertical!et!blanchâtre!en! écho!au!gisant!noir!d’Angelika!Markul.! ! ! ! ! ! ! http://culture.pl/en/artist/angelika3markul! Angelika Markul Angelika!Markul!was!born!on!15th!December,!1977,!in!Szczecin.!She!authors!videos,! video!installations,!drawings,!and!art!objects.! ! In!2003,!Angelika!Markul!graduated!from!the!École!Nationale!Supérieure!des!Beaux!Arts! in!Paris,!where!she!studied!in!Christian!Boltanski’s!multimedia!studio.!She!collaborates! with!the!Parisian!Galerie!Frédéric!Giroux,!and!has!lived!and!worked!in!Paris!since!1997.! ! The!artist!constructs!meticulous!installations,!most!of!which!constitute!video! projections.!She!particularly!likes!working!in#situ!(as!in!the!case!of!Szkoła'nr'17'(School! No.!17).!The!installations!are!built!mainly!using!natural!materials!–!above!all!wood!(e.g.! Les'Oubliées'(The!Forgotten,!2006)),!but!also!black!foil.!Light!is!always!an!important! element!of!Markul’s!works,!and!she!often!uses!fluorescent!lamps.!The!starting!point!for! her!artistic!quests!is!the!natural!world!full!of!mysteries!and!hidden!from!human!sight,!as! well!as!the!secret!life!of!plants!and!animals!which!passes!unnoticed!by!man.!Anne!Laure! Stolz!argues!that:! ! Angelika)Markul)is)a)visionary.)With)the)eye)of)a)video)artist,)she)is)always)on)the) look9out,)observing)everyday)life)and)the)world)that)surrounds)her,)in)a)constant) search)for)images.)She)uses)these)materials)which)are)sometimes)simple)sketches) and)sometimes)complete)videos,)adding)them)to)her)works)and)thoughts)with) unquestionable)enthusiasm.) ) In!Markul’s!works!Michał!Jachuła!sees:! ) a)desire)to)feel)and)absorb)the)atmosphere)of)fear)and)anxiety,)of)the)untold,)of)the) state)of)uncertainty)and)of)critical)moments)through)different)senses.) ) ) Casela!(2006)!by!Angelika!Markul,!Salvador!Diaz!Gallery,!Madrid!2007,!! photo:!Angelika!Markul!! ! Angelika!Markul’s!videos!are!strikingly!understated,!leaving!open!the!question!of! whether!the!observed!images!recorded!by!the!artist!are!real!or!were!artificially!created! by!her.!This!ambiguity!is!present!even!in!the!film!Ma'nature!(My!Nature,!2005),! showing!an!extremely!fast3growing!exotic!plant!(the!video!was!presented!in!a!small! room!with!a!wet!floor.!The!purpose!of!Markul’s!works!is!always!to!build!of!a!special! atmosphere!and!to!arouse!a!feeling!of!danger!and!anxiety,!as!well!as!irresistible!curiosity! (for!example!The'Bath,!2004,!a!video!screened!during!the!Nuit!Blanche!in!October!2005,! on!the!walls!of!the!Pierre!and!Marie!Curie!University!in!Paris).! ! ) Fire!in!Water!by!Angelika!Markul,!Prix!Altadis,!Cosmic!Gallery,!Paris!2007,!!photo:!Angelika!Markul!! ! In!2005!Markul!returned!to!her!primary3school!memories!from!Poland!in!the!Spazio! Culturale!La!Rada!in!the!Italian!Locarno,!a!cultural!institution!located!in!an!abandoned! school.!The!artist!transformed!the!shelves,!school!desks,!and!tables!left!in!the! classrooms,!the!staff!room,!and!the!corridors,!turning!them!into!sculptures!and! installations!and!changing!their!meaning!and!purpose.!She!built!containers!for!wood! from!benches!and!black!foil,!she!scattered!powdered!chalk!under!a!blackboard,!and!she! screened!her!videos!in!surprising!places.!Anne!Laure!Stolz!defined!!School'No.'17'as:! ! an)attic)with)souvenirs)of)childhood,)of)her)school)days)spent)in)Poland,)and)of) dreams)born)in)the)classroom)which)helped)her)[the)artist])escape)from)the) existence)in)a)harsh)and)punitive)system)devoid)of)games)and)toys.) ) Markul’s!interventions!evoked!an!atmosphere!of!school!discipline,!but!broken!by!the! world!of!imagination.! The!Pantagruel!video!installation,!created!for!an!exhibition!in!Turin!in!2006,!was!placed! in!a!small!room.!On!the!ceiling!the!artist!projected!the!interiors!of!a!body!(an!artificial! one,!created!by!Markul!in!her!studio),!which!performed!its!duties!of!chewing!and! digesting!by!constantly!inflating!and!deflating.!Visitors!entering!the!room!got!the! disturbing!impression!of!being!inside!it. ) A!Dream!of!a!Fly,!Angelika!Markul,!Foksal!Gallery,!Warsaw!2006,!photo:!Jacek!Gładykowski! ! At!the!exhibition!Sen!muchy!/!A!Dream!of!a!Fly!in!the!Foksal!Gallery!in!Warsaw!in!2006,! Markul!turned!the!exhibition!space!into!a!fragment!of!an!enigmatic!world.!She!lowered! the!entrance!to!the!gallery!significantly,!and!placed!dried!insects!inside!fluorescent! lamps!on!the!corridor,!while!the!main!hall!was!dominated!by!a!wooden!installation.!As!a! whole,!it!seemed!like!reality!viewed!under!a!magnifying!glass!or!a!microscope.! ! It)is)a)land)of)children’s)imagination,)fairy)tales)and)fears.)Filled)with)scary)visions,) but)also)a)kind)of)poetry)of)ordinary)life.)The)spectator)is)confronted)with)the) marginalised)reality)which)exists)around)us,)but)that)we)often)choose)to)ignore.) –)wrote)Katarzyna)Krysiak)about)the)exhibition.) ) ! ! TIGER!from!Angelika!Markul!on!Vimeo.! ! In!2005!two!of!Markul’s!films:!Les'Oubliées'/'The'Forgotten'and!Choses'vues'/' Things'Seen,!were!shown!on!a!hanging!screen!and!a!monitor!hidden!among!wooden! boards.!The!first!one!presented!an!abandoned!attic,!which!was!brought!back!to!life! thanks!to!the!birds.!The!new!inhabitants!covered!the!floor!with!droppings,!but!also! introduced!the!ruthless!struggle!for!survival!typical!of!nature.!Choses'vues!/!Things' Seen!was!a!compilation!of!short!sequences,!also!dedicated!to!animals,!their!daily! struggles,!the!never3ending!fight,!and!the!omnipresent!death!and!decomposition!(a!bird! tearing!a!rat!into!pieces,!pigeon!corpses,!a!confused!fly,!a!cockroach!with!a!dead!insect).! The!world!of!insects!was!also!the!main!theme!of!the!Parole!d’insecte!exhibition!(2006).! The!installation!created!by!Markul!consisted!of!a!seemingly!abandoned!wooden!shed,! casting!a!greenish!light,!lamps!placed!at!various!points!of!the!room,!and!living!insects.! The!sounds!emitted!by!the!imprisoned!cicadas!were!electronically!enhanced.!The! parallel!world!of!insects!surrounding!men!is!also!a!recurring!motif!in!the!artist’s! drawings.! ! Author:!Karol!Sienkiewicz,!December!2007,!transl.!Bozhana!Nikolova,!May!2015! Photos!courtesy!of!the!Foksal!Gallery! Official!website!of!the!artist:!www.angelikamarkul.net.! ! Le Quotidien de l’Art 18 DEC 12 Presse française quotidien Page 1/1 blogs.artinfo.com Date : 17/12/12 “Bambi à Tchernobyl” : Angelika Markul remporte le Prix SAM pour l'Art Contemporain 2012 Destination l'Ukraine pour Angelika Markul. L'artiste, née en 1977 et travaillant à Malakoff, remporte le prix 2012 de l' organisme SAM Art Projects de Sandra et Amaury Mulliez . Une récompense pour son idée de projet autour de Tchernobyl, le site de l'accident historique racheté à coup d'images et musiques adaptées depuis le “Bambi” de Walt Disney, « pour faire écho à une peur d'enfant que l'on enfouit, un souvenir refoulé par les mémoires individuelles et collectives. » L'œuvre sera en forme d'une vidéo au centre d'une installation multi-sens, mélangeant l'idylle doux-amer du conte de Disney aux images prises à Tchernobyl, montrant « les traces architecturales et industrielles d'un passé abandonné laissant ce lieu dans un suspend spatial et temporel, un monde quasi onirique, devenu zone interdite depuis l'accident nucléaire de 1986. » Évaluation du site Ce site est édité par le groupe Louise Blouin Media. Il diffuse des articles concernant l'actualité de l'art au sens large (expositions, marché, artistes, ventes aux enchères, etc.) Cible Dynamisme* : 8 Spécialisée * pages nouvelles en moyenne sur une semaine SAM / 10712509 copyright © 2011, Argus de la presse Tous droits réservés Ceci aussi pour « entamer une conversation avec le temps, la mémoire, l'extinction des choses et leur renaissance, » selon les explications de l'artiste. Le résultat sera à découvrir dans le cadre des “Modules” du Palais de Tokyo, en décembre 2013. Angelika Markul suit alors dans les pas d'anciens lauréats du Prix SAM ; Laurent Pernot, Zineb Sedira, et le plus récemment, Iván Argote. Les autres nommé(e)s pour le prix 2012 étaient Camille Henrot, Adrian Missika, Louidgi Beltrame, Charwei Tsai et Clement Cogitore. NH (Image : “La Chasse”, vue d'installation à la Galerie Arsenal Centre d'art Contemporain, Bialystok, Pologne. Courtesy l'artiste, le Arsenal et la Galerie Suzanne Tarasieve) SAM / 10712509 copyright © 2011, Argus de la presse Tous droits réservés