Industria Musical en Colombia: una aproximación desde los artistas, las disqueras, los medios de comunicación y las organizaciones.
Por: Andrea Arcos Vargas
Trabajo de grado para optar por el título de comunicadora social
Director José Miguel Pereira G.
Pontificia Universidad Javeriana Facultad de Comunicación y Lenguaje Carrera de Comunicación Social
Bogota, 2008
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Reglamento de la Pontificia Universidad Javeriana Artículo 23
“La Universidad no se hace responsable por los conceptos emitidos por los alumnos en sus trabajos de grado, solo velará porque no se publique nada contrario al dogma y la moral católicos y porque el trabajo no contenga ataques y polémicas puramente personales, antes bien, se vean en ellas el anhelo de buscar la verdad y la justicia”
2 Bogotá, enero 31 de 2008
Dr. Jürgen Horlbeck Decano Académico
Estimado Jürgen:
Con la presente remito el trabajo de grado “Industria musical en Colombia: una aproximación desde los artistas, las disqueras, los medios de comunicación y las organizaciones”, realizado por la estudiante Andrea Arcos Vargas de Comunicación Social. El trabajo hace un estudio descriptivo sobre la industria musical en Colombia desde sus actores centrales, sus percepciones y puntos de vista y sugiere nuevos temas para seguir profundizando en el conocimiento de la industria musical en el país.
Considero que además de cumplir con los requisitos exigidos por la Facultad, es un trabajo riguroso que amplía el conocimiento y comprensión de la manera como se hace y produce la música en el país en la perspectiva de los estudios de las industrias culturales.
Cordialmente,
José Miguel Pereira G. Profesor
3 Bogotá, enero 30 de 2008
ASUNTO: Presentación Trabajo de Grado
AL: Señor Jürgen Horlbeck Decano Académico Facultad de Comunicación y Lenguaje Pontifica Universidad Javeriana Ciudad
De la manera más atenta me dirijo a usted con el fin de presentar el trabajote grado “Industria Musical en Colombia: una aproximación desde los artistas, las disqueras, los medios de comunicación y las organizaciones.”, requerido por la universidad para el grado de Comunicadora Social, con la dirección del profesor José Miguel Pereira.
Cordialmente,
______Andrea Arcos Vargas CC: 52 966 783
4 Agradecimientos
Si bien este trabajo de tesis ha requerido de mi esfuerzo y dedicación como autora, no hubiese sido posible su finalización sin la cooperación y paciencia del director de la misma, el profesor José Miguel Pereira, al igual que el apoyo brindado por mi familia en cada una de las etapas.
Agradezco a Dios por fortalecer e iluminar mi mente y por haber puesto en mi camino a las personas que directa o indirectamente contribuyeron a mi desarrollo profesional. Así mismo, agradezco la voluntad e interés de las personas que contribuyeron de manera significativa, narrando sus experiencias y conocimientos acerca del tema de este estudio, siendo fuentes fundamentales en el desarrollo del mismo.
Finalmente, a todas y cada una de las personas que han vivido conmigo la realización de esta tesis, con sus altos y bajos, no necesito nombrarlas, porque ellas saben que desde lo más profundo de mi corazón les agradezco el haberme brindado todo el apoyo, colaboración, ánimo y sobre todo cariño y amistad.
5 TABLA DE CONTENIDO
INTRODUCCIÓN...... 8 1. Música e industrias musicales ...... 11 1.1 ¿Qué es la música? ...... 11 1.2 Historia de la música en Colombia...... 18 1.3 Industria musical ...... 24 1. 4 La música, sus formatos y soportes tecnológicos...... 27 2. Los Artistas...... 32 2.1 Los pioneros ...... 33 2.2 En la actualidad ...... 37 2.3 Perspectiva de los artitas ...... 41 2.3.1 ¿Cómo es el trabajo del artista?...... 41 2.3.2 Relación con las disqueras, los medios y las organizaciones...... 44 2.3.3 Vigencia del artista ...... 51 2.3.4 Destacados de la industria musical...... 54 2.3.5 Piratería...... 56 3. Las Disqueras ...... 58 3.1 La industria fonográfica y su evolución ...... 61 3.2 Hablan los expertos ...... 63 3.2.1 Relaciones con los artistas, los medios y las organizaciones...... 64 3.2.2 Como funcionan las disqueras...... 67 3.2.3 Disqueras, majors e indies...... 69 3.2.4 Vigencia y adaptación a la industria...... 69 3.2.5 Management – Mercadeo y promoción...... 71 3.2.6 Aspectos Legales ...... 72 4. Los Medios de comunicación...... 75 4.1 La Radio ...... 75 4.2 En la actualidad ...... 78 4.3 La televisión incursiona en la música...... 79 4.4 Mirada de los Medios de comunicación...... 83 4.4.1 Sus fuentes...... 84 4.4.2 Día tras día...... 85 4.4.3 Desde la perspectiva periodística ...... 90 4.4.4 Destacados en la industria ...... 92 4.4.5 Música y eventos alternativos ...... 93 4.4.6 Piratería...... 94 5. Las Organizaciones ...... 96 5.1 Quienes son ...... 96 5.2 Surgió una necesidad...... 98 5.3 Como funcionan ...... 99 5.4 Mirada de las organizaciones ...... 100 5.4.1 Relaciones con los artistas, las disqueras y los medios ...... 101 5.4.2 Recaudos...... 105 5.4.3 Adaptación a la industria ...... 105
6 6. Conclusiones...... 107 6.1 Los Artistas...... 109 6.2 Las Disqueras ...... 111 6.3 Los Medios de Comunicación...... 118 6.4 Las Organizaciones ...... 121 6.5 Para continuar investigando...... 122 REFERENCIAS Y BIBLIOGRAFIA ...... 125 ANEXOS...... 128 Anexo 1: Reseñas personajes entrevistados ...... 128 Anexo 2: El 'sube y baja' en la música colombiana...... 132 Anexo 3: Productores Fonográficos en Colombia...... 141 Anexo 4: Ranquing de Emisoras EGM Julio - 2006 ...... 142
7 INTRODUCCIÓN
El objetivo de esta investigación, constituye una aproximación a la Industria Musical en Colombia no desde el aspecto económico o teórico como ya existen estudios1, sino como desarrollo interno de la misma, de sus actores, su evolución y permanencia, a partir de la experiencia de cada uno de ellos, exploración no realizada anteriormente desde un ámbito general y con cuatro actores elegidos como los principales protagonistas de este escenario como lo son los artistas, las disqueras, los medios de comunicación y las organizaciones.
Teniendo en cuenta que la industria musical es una de las industrias culturales de gran importancia en el mundo entero, es importante destacar como en Colombia ha ido adquiriendo igualmente un gran aporte al PIB (CAB, 2003b) y a la construcción de identidad, lo cual motivó esta exploración, pues es partir de sus actores que esta se desarrolla y evoluciona sumándose a los indicadores económicos que puedan generar.
Para contextualizar esta exploración, el primer capítulo de Músicas e Industrias musicales muestra un panorama general sobre la historia de la música en el mundo y en Colombia, las funciones que cumple dentro de una sociedad y como el término industria cultural y el estudio teórico, pueden catalogar a la industria musical como otra de sus vertientes de gran desarrollo. Así mismo, se pone en evidencia el desarrollo de la industria fonográfica y los medios de comunicación en los países donde anteceden, hasta la llegada de toda la industria a Colombia. Finalmente como las nuevas tecnologías se convierten en un elemento fundamental en el crecimiento y cobertura global de la industria.
A partir de ese panorama teórico e histórico de la música y las industrias musicales, los siguientes cuatro capítulos corresponden a los actores elegidos como protagonistas, reconociéndolos como eslabones indispensables en el desarrollo del negocio: desde el
1 Estudios económicos realizados por El Convenio Andrés Bello en el aspecto económico al igual que estudios sobre industria musical e industrias culturales desarrollados por varios teóricos como Jesús Martín Barbero y Ana María Ochoa, por mencionar solo algunos que serán citados posteriormente.
8 proceso de creación, los artistas; producción, las disqueras; difusión, medios de comunicación; organización y protección, asociaciones y sociedades.
Cada capítulo de los actores, tiene un contexto puramente nacional, historia, desarrollo y evolución de cada uno de ellos, hasta llegar a la experiencia y exploración del día tras día a través de entrevistas e inserción en la industria musical por la autora de este trabajo. Para lo cual es importante aclarar las fortalezas y limitaciones de la exploración, siendo en su mayoría un trabajo de campo.
Cabe anotar que la obtención de la información en la industria es bastante limitada. Las políticas de confidencialidad y reserva de información son altísimas. Al realizar la investigación fue necesario insertarse en la industria de diferentes maneras, pues como estudiante, las limitaciones aumentan, porque los actores no consideran que tenga alguna ganancia, pues como se evidenciará más adelante la industria musical es un negocio y por ende insertarse en este mundo debe generar para quienes lideran u organizan un beneficio de una u otra manera.
Por esto, fue necesario recurrir a relaciones públicas y contactos en los diferentes ámbitos para poder acceder a los protagonistas, acceder como recomendado o insertarse como parte de la industria, debido que en este mundo tan dinámico y de actividades tan cambiantes, todos aseguran no tener la disponibilidad de tiempo para conceder una entrevista. Así fue como se logró acceder a las fuentes de este trabajo, a través de contactos y accediendo a una disquera que igualmente es representante de artistas, teniendo una experiencia práctica que generó reconocimiento y acceso con mayor facilidad.
Finalmente, los cuatro frentes elegidos, participaron de manera activa en la investigación, realizando una descripción del proceso desde su vinculación hasta su permanencia, relacionados con los otros actores, su perspectiva de la industria en el país, las falencias de su gremio, los personajes que consideran destacados y las claves para el sostenimiento en una mercado fugaz.
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De los cuatro actores surgieron conclusiones separadas, otras generales y temas a desarrollar a partir de este trabajo. Entre tantas se evidenció la dificultad de encontrar la información relacionada con manejo de precios, salarios y comisiones de las personas involucradas en el negocio, participación monetaria o acuerdos entre empresarios, disqueras y medios, por ser en su mayoría información confidencial que principalmente los medios y las disqueras tienen frente a su competencia y el mercado en general.
Se logró identificar otros roles tan importantes como el representante o manager, las agencias de conciertos y relaciones públicas, también denominadas booking, lo cual evidentemente puede ser objeto de estudio de manera más detallada, por la importancia que han adquirido en las nuevas políticas y movimientos de la industria.
Esta aproximación a la industria musical, arroja varias investigaciones de carácter teórico y práctico que será necesario desarrollar, y que gracias a esta se tendrá una plataforma para las diferentes vertientes a investigar, como los ya mencionados nuevos roles dentro de la industria, las nuevas tecnologías y la adaptación inmediata y estratégica por parte de todos los actores para un dinámica benéfica para ellos, además de los procesos e instrumentos para que los artistas colombianos tengan un desarrollo global y con propuestas más novedosas en el mercado musical, investigaciones que se lograrán exitosamente con más herramientas y respaldo de entes privados o públicos interesados en el tema.
10 1. Música e industrias musicales
La música puede considerarse hoy en día como la expresión artística y la forma de comunicación con mayor impacto en el mundo entero. Es gracias a ella que los seres humanos, en el transcurrir de la historia, han logrado manifestar sus sentimientos, emociones e ideas, plasmar sus creencias, tradiciones, legados, protestas, deseos y esperanzas de integración e identificación entre los pueblos, naciones y continentes.
Este primer capítulo resalta aquellos momentos claves de la historia en que la música se fue apoderando no solo de cada individuo y de cada hogar, sino también de la economía de un país y de grandes movimientos en masa, dando origen a la industria musical. Industria con un futuro promisorio y con grandes retos por resolver frente a los avances del mundo moderno.
1.1 ¿Qué es la música?
La música comienza donde acaba el lenguaje. Ernest Theodor Amdeus
La música en un diccionario enciclopédico, puede definirse como el movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo o simplemente como el arte de combinar sonidos de un modo agradable al oído (García, 1992). O tal vez se encuentren definiciones más elaboradas y técnicas, sin embargo, cada una de ellas puede quedarse corta frente a la dimensión histórica que trae consigo.
La música es tan amplia y diversa como las teorías de su origen o su definición misma. Lo que entendemos bajo el concepto de música, no es el resultado de inventos ni de descubrimientos personales, sino que constituye desde el principio una función de la naturaleza viva. Puede decirse entonces, que es tan antigua como la humanidad misma (Hamel, 1981).
11 Haciendo alusión a los orígenes de la música, puede decirse que existen innumerables hipótesis. Las leyendas de la mitología griega, por ejemplo, relatan las historias de aquellos dioses que la naturaleza dotaba de poderes sobrenaturales y talentos artísticos, como la poesía, la danza, el arte y la música. Orfeo2 y Anfión, son algunos de los principales dioses que poseían el don de la música.
Para algunos historiadores, el origen de la música data desde la prehistoria, donde los hombres primitivos realizaban ritos alusivos a sus actividades cotidianas y rudimentarias como la caza, a través de sonidos cercanos a lo que hoy podrían ser cantos y otros, interpretación de instrumentos. Estas conclusiones surgen a partir de la asociación de los hallazgos arqueológicos que muestran la existencia de instrumentos que corresponden a esa etapa.
Sin embargo, los primeros registros escritos que pueden evidenciar la existencia de la música, aparecen después de varios años. Varias hipótesis coinciden en el origen asiático, por la época que datan sus manuscritos y por la complejidad polifónica que de este se origina, además de la relación de varios lugares geográficos como el Mar Amarillo, el Golfo de Vizcaya, Sahara y Península Escandinava (Hamel, 1981).
La primera noticia de una práctica musical, proviene entonces de China, tres mil años antes de Cristo, con un sistema musical bastante antiguo. En las excavaciones de este territorio, se han encontrado campanas y flautas de piedra y bronce (1766 – 1122 antes de Cristo), evidencias que confirma su antigüedad. No obstante, algunos hallazgos antropológicos, han revelado algunos instrumentos como arpas de siete cuerdas y percusión, que proceden de finales de la Edad de piedra, correspondientes a los sumerios en la Mesopotamia, en el siglo XVIII antes de Cristo. Se unen igualmente los cantos sagrados
2 Orfeo, en la mitología griega, poeta y músico, hijo de la musa Calíope y de Apolo, Dios de la música, o de Eagro, rey de Tracia. Recibió la lira de Apolo y llegó a ser un músico tan excelente que no tuvo rival entre los mortales. Cuando Orfeo tocaba y cantaba, conmovía a todas las cosas, tanto animadas como inanimadas. Su música encantaba a los árboles y las rocas, amansaba las fieras y hasta los ríos cambiaban su curso para seguirlo.
12 de la India, del siglo XV antes de Cristo y los egipcios, quienes creían que la voz humana era el instrumento más poderoso para comunicarse con los dioses (Planeta, 1991).
Años más tarde, gracias al Imperio Romano, se desarrolló otra corriente muy fuerte y religiosa: la música griega, la cual se expandió por toda Europa y se desprendió lo que hoy podemos llamar música religiosa cristiana, inspirada en salmos y melodías hebreas (Planeta, 1991). Al tiempo que esta música adquiría mayor fortaleza en los clérigos y las cortes, se desarrollaban nuevas formas de música profana: danzas y canciones populares; se suman, entre los siglos XI y XIII, las canciones de los goliardos, juglares y trovadores, lo que denominaron, Ars Antiqua. Posteriormente, surgió el Ars Nova que con su concepción humanística y laica en la época del Renacimiento, logró un cambio trascendental para el papel de la música dentro de las artes; aún cuando el renacimiento musical es posterior al pictórico y arquitectónico, ocupa casi todo el siglo XVI.
A partir de este momento, aparecen los primeros indicios de industria musical en la historia, pues se comienzan a fabricar instrumentos como flautas y violines, dando origen a empleos que fueron enriqueciendo cultural y económicamente las sociedades, llegando cada vez más a toda la población. Las élites y la iglesia ya no eran las únicas privilegiadas de poseer dichos instrumentos y la instrucción básica de su interpretación, de tal manera, que el aprendizaje y el acercamiento a la música en general se comenzó a masificar.
La historia continúa en los países europeos y luego la migración de los mismos a los países americanos, y aunque no es tema de esta investigación, se trata de ubicar al lector acerca de los movimientos más importantes e influyentes en la historia de la música antigua en el mundo, sin profundizar en la historia especifica de cada región, ni de cada época, pues el objetivo va dirigido al caso colombiano, a las tendencias y manifestaciones que incidieron e influenciaron la música y en especial la industria musical colombiana que como en todas las sociedades se ha visto afectada por las trasformaciones sociales, políticas y económicas.
13 De esta migración de músicas se generan las diferentes corrientes y géneros musicales que con el pasar del tiempo se han ido trasformando y fusionando, dando paso a lo que hoy podemos clasificar como tipos o géneros musicales. La diferenciación entre tipo, género y clase de música, aún no se ha logrado identificar, pues son muchas las maneras como los expertos catalogan la diversidad musical. Esto se refiere específicamente a la variedad de música que existe en el mundo y sus innumerables creaciones y fusiones. Dentro de estas clasificaciones o tipos de acuerdo a la Enciclopedia de la Música de Hamel (1981), se encuentra la música concreta y la música aleatoria. La primera corresponde a lo real, lo que existe, en este caso, los sonidos reales producidos por instrumentos o sonidos de la naturaleza; la segunda, es producto de la improvisación y capacidad creativa del autor. Así mismo, unida a la historia, se encuentra la música coral, cantada por un grupo de más de dos personas que actúan (cantan) como una unidad, utilizando únicamente la voz. Igualmente aparece la música religiosa, que nace en Europa occidental y es utilizada en ceremonias religiosas como parte de su culto. También se encuentra la música de cámara, interpretada por un grupo de más de dos personas en adelante, formando dúos, tríos, cuartetos, etc., haciendo uso de instrumentos3. Posteriormente, está la música popular y la música disco, que tuvieron lugar en el siglo XX, de la mano con el avance mediático y tecnológico, circulando en forma de impresos (partituras y cancioneros), grabaciones (discos de acetato, disco compacto, películas, entre otros) y emisiones (medios de comunicación masivos). Con la llegada de las nuevas tecnologías llegó la música electrónica y tecno, que con medios electrónicos y sintetizadores, crean sonidos innovadores de la nueva generación.
Por otra parte, existen músicas propias de cada región o continente: la música china, africana, afro americana, árabe, caribeña, estadounidense, islámica, japonesa, judía, latinoamericana, occidental y en cada una de ellas, otras variaciones. Dentro de la música latinoamericana, por ejemplo, hay géneros que caracterizan a todo el continente suramericano y centro América como el bolero, la salsa, el merengue, la balada, la ranchera
3 Esta música estaba destinada a presentaciones privadas y comenzaron a tener lugar en lo público a partir del siglo XIX.
14 y el rock en español; no obstante, en cada uno de los países, existe la música folclórica o tradicional. En el caso colombiano, además de estos géneros típicos del continente, cada región del país cuenta con gran variedad de ritmos autóctonos y populares. Lo ritmos tradicionales, por mencionar algunos, son: la guabina, el bambuco, el currulao, el torbellino, la pulla, el sanjuanero, el vals y la contra danza, entre otros.
De igual manera, están los ritmos populares, que generalmente gracias a los medios de comunicación se “universalizan” y por décadas y en algunos casos por siglos, como la música clásica o también llamada culta, seguirán siendo mundialmente conocidas. Entre estas músicas de gran trayectoria y evolución histórica y estilística, está como bien se nombró anteriormente, la música clásica, el blues, el jazz, el rock y un sin número de novedades musicales que generan controversia social y/o cultural, al igual que nuevas dinámicas de composición, como el pop, el rap, el reguetón, la música electrónica y la fusión de todas ellas.
Es a partir de esa interacción cultural y social que la música ha sido un agente dinamizador en todas las sociedades y ha tenido funciones sobresalientes, desempeñándose no solo como componente de celebraciones religiosas o festivas, sino también como desahogo de sentimientos, pensamientos personales, sociales y hasta políticos, en el transcurso de la historia. En sus inicios por ejemplo, su función en las antiguas civilizaciones correspondía adorar a los dioses y como medio de comunicación con los seres sobrenaturales. Ha simbolizado igualmente, los sentimientos y sucesos militares, patrióticos o fúnebres. En un sentido más amplio, la música puede expresar los valores sociales centrales de una sociedad.
En la música occidental, la interrelación entre el director y la orquesta simboliza la necesidad en la moderna sociedad industrial, de una cooperación fuertemente coordinada. A finales del siglo XX, se encontró en las manifestaciones masivas un uso lúdico y cultural, a través de conciertos, de emisiones por la radio, grabaciones, o simplemente como forma de entretenimiento. Así mismo, la música se ha convertido en elemento primordial en
15 diferentes expresiones artísticas no relacionadas con la misma, como acompañamiento de obras literarias, cine, teatro, comerciales, entre otras actividades que generalmente están relacionadas con los medios masivos de comunicación.
Otra función, menos obvia, de la música es la integración social. Para la mayoría de los grupos sociales, la música puede servir de símbolo poderoso. Los miembros de muchas sociedades comparten sentimientos de pertenencia relacionados con cierta música y esta se convierte en símbolo central de identidad del mismo. Autores como Pitágoras y Rameau4, dieron las bases para la compresión de la música desde el aspecto matemático y físico, con pretensiones de universalización (Barbero, 2001). De esto parte precisamente el afán inconciente de universalizar la música y encontrarle un sentido de integración ecuménico.
En la actualidad, existen diversas políticas de integración y universalización de normas y reglas económicas a través de tratados y acuerdos entre estados nacionales, implicando acciones que comprometen y trastornan la soberanía, además de autodeterminar a los pueblos. De igual manera, la música ha ido elaborando sus propias políticas acordes a las necesidades y deseos de los escuchas, las dinámicas del mercado y la protección de las obras como tal, generando así un espacio organizado que igualmente contribuye de la mejor manera al libre desarrollo y soberanía de cada país, que puede traducirse como identidad cultural ( Barbero, 1992).
Es ahora, donde la música se une al proceso de globalización, que actúa efectivamente a favor de la fragmentación y la desintegración, factores que constituyen, el motor de cambio para situar las industrias culturales en un nuevo escenario, como el resultado de actos colectivos en los que las comunidades y los grupos condensan su identidad y su visión del mundo (Solís, 1992). En otras palabras, la globalización ha permitido no solo una integración económica diversa, sino también un proceso de homogenización de formas culturales, tecnologías, mecanismos de organización social y de
4 Pitágoras, Filósofo y matemático que habló de la relación entre la música y las personas; Jean Philipe Rameau, músico francés de la época del Barroco.
16 trabajo que se perfilan como un intento para integrar naciones y así, permitir el libre flujo de diversidad integral5.
“En Colombia, los hechos que transforman el papel de las políticas culturales en el espacio público son en primer lugar, la oficialización del país “pluriétnico y multicultural” a través de la Constitución de 1991, la cual se redefine en el marco social y político donde se articula lo cultural en relación al estado-sociedad civil; y el segundo, es la creación del Ministerio de Cultura en 1997, dando soporte político a la cultura, al constituirla en parte de las políticas de desarrollo del Estado y en eje de la política de paz, abriéndole además, un espacio propio de demanda presupuestal ante el Ministerio de Hacienda” ( Ochoa, 2003).
Se entiende entonces la “política cultural como la movilización e integración de diferentes agentes o movimientos sociales, industriales, culturales e institucionales que con fines políticos, organizacionales, económicos y/o sociales trasforman productivamente la sociedad”. En todos estos aspectos, la música tiene cabida, debido a que esta conecta la política cultural en dos registros: lo artístico y lo cotidiano, elementos que para Toby Miller, son esenciales en lo que se refiere a los procesos organizativos que canalizan la creatividad estética, como los modos de vida colectivos (Millar T., citado por Yúdice G., 2004).
Estas implicaciones que tiene la música en la sociedad fueron el punto de partida de los estudios de música que van más allá del aprendizaje práctico o teórico en su máxima expresión artística, es decir, los conservatorios, universidades y academias, sino que existe otra ciencia destinada a estudiar el sentido de la música desde una perspectiva histórica y social. Esta ciencia es denominada musicología. Surgió durante el siglo XIX, que posteriormente acompañada de la antropología y desarrollándose durante todo el siglo XX originaron la Etnomusicología (Hamel, 1981), un nuevo nombre que abarca la música en aspectos más complejos.
5 Tales como: el dinero, información, mercancías, circulación de personas y objetos integrados en el espacio y en el tiempo.
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La etnomusicología, es una ciencia que analiza las músicas vivas de culturas no europeas, caracterizadas principalmente por una tradición oral, en ausencia de sistemas de notación equivalentes al occidental (Hamel, 1981). Según Bárbara Krader, los temas de investigación de esta ciencia son: la música de los pueblos no letrados ( o músicas tribales); la música transmitida oralmente de las altas culturas de Asia (de las cortes, máximos sacerdotes y altos estratos de la sociedad) tales como China, Japón, Corea, Indonesia, India, Irán y los países árabes; y la música folklórica. A partir de la década de los setenta y ochenta, hasta nuestros días, la etnomusicología observa con atención el acelerado adelanto de las tecnologías que determinan muchos de los aspectos de la misma. Tal es el caso de la industria discográfica, lo cual dio origen a nuevos cuestionamientos y enfoques de dicha ciencia.
Hoy en día los avances tecnológicos facilitan, agilizan y fortalecen las relaciones sociales y por ende proporcionan la circulación de efectos de identidad. La música es entonces un elemento fundamental en la creación de realidad social e industrial, que debe ser cada día complementada acorde con los deseos y necesidades de sus escuchas.
1.2 Historia de la música en Colombia
Gracias a los historiadores Juan Castellanos, Pedro Simón y Fernández Piedrahita, quienes a través de sus crónicas y relatos ilustran las primeras manifestaciones de la música en Colombia, podemos dar cuenta del origen de la música precolombina y tradicional (Hamel, 1981).
Así como en las antiguas y grandes civilizaciones, en el territorio colombiano también se han encontrado muestras arqueológicas que evidencian la existencia de instrumentos musicales rústicos, que hilándolas con los análisis históricos, muestran la conexión musical con el rito y la veneración a los dioses (Hamel, 1981). Las celebraciones religiosas, las fiestas y la vida cotidiana de épocas pasadas, tales como la cosecha y la
18 recolección, entre otras actividades, fueron aquellas manifestaciones que siempre han estado acompañadas de ritmo y melodía.
Los indígenas estaban impregnados de superstición y terror de aquellos a quienes veneraban, por tener algún acercamiento divino o simplemente por las posesiones que tuvieran, tal es el caso de los Chibchas, “quienes conmemoraban la llegada de Bochica con procesiones rogativas; venían más de mil indios de los reinos de Tunja, Bogotá y Sogamoso, y al son de caracoles marinos guarnecidos de oro, flautas y tambores, celebraban las memorias religiosas entonando cantares alusivos a los designios de la vida futura y la inmortalidad del alma” (Perdomo, 1980, p.5).
Las manifestaciones de agradecimiento, veneración, dolor y gozo, eran los motivos de creación musical de ese entonces. Pero no solo se hacían presentes en las festividades y celebraciones religiosas, en las que entonaban cantos al ritmo de instrumentos rústicos tradicionales, pues también eran motivo de creación musical los funerales y exorcismos, convirtiéndose la música en el medio para canalizar las energías y espíritus del mal, tal como lo manifiesta Perdomo (1980, p.6) : “El Mohan conjuraba a los espíritus malignos para que salieran del difunto; tocaba tambor, flautas, correteaba alrededor del bohío y levantaba gran algarabía para que salieran los espíritus del mal”.
A estas manifestaciones místicas y religiosas se les suman las militares, que aun en la época más primitiva, ya existían. La guerra por territorios ha perdurado hasta nuestros días y esa época no fue la excepción, durante los enfrentamientos, los pueblos se abatían y los guerreros estaban siempre acompañados de los músicos militantes quienes “tronaban la tierra y el aire en estruendo de trompetas, bocinas y caracoles” para darles ánimo y demostrar el poder para alcanzar la victoria (Fray Pedro Simón, citado en Perdomo, 1980). La música se trasformaba en aquel sonido alentador del espíritu y se le tenía tal fe que llegaba a ser el mágico antídoto para curar enfermedades, dándole un poder sobrenatural.
19 En Colombia los primeros instrumentos encontrados, corresponden a la familia de la percusión y los vientos, seguramente de los indígenas, quienes aún conservan sus instrumentos típicos6, su cultura y tradición, agredida posteriormente por la conquista y la colonia europea, marcando un cambio importante en la música latinoamericana, disminuyendo en gran parte aquella música tradicional primitiva e introduciendo cantos en voces y piano, propios de la música religiosa europea del siglo XIX.
Los conquistadores, buscadores de tesoros y fortuna, guiados por la ambición, llegaron al Nuevo Reino de Granada en busca del dorado y en esas largas travesías, buscaban en sus momentos de descanso y esparcimiento, regocijarse con la interpretación de la guitarra andaluza, las castañuelas, la pandereta, los cascabeles y los pitos, propios de la cultura Española ( Perdomo, 1980).
Con el transcurrir del tiempo, los conquistadores enseñaban a los indígenas a venerar a su Dios y enseñaban los cantos religiosos europeos. En ese entonces, la enseñanza y práctica en los centros musicales neogranadinos eran apenas discretas y tenían su sede principalmente en lo que hoy es la capital del país, Bogotá, convirtiéndose en la primera ciudad en desarrollar la polifonía religiosa. “Los indios de Cajicá, fueron los primeros en aprender a leer nota y el pueblo de Fontibón, tuvo el primer órgano del Nuevo Reino, fabricado con guaduas y canutos de cañabrava, por el Padre José Dadey” (Perdomo, 1980, p.18). Este jesuita fue un de los precursores de la enseñanza musical en el Nuevo Reino de Granada, mandó traer instrumentos y así emprendió la formación de músicos, los cuales amenizaban las ceremonias religiosas y demás fiestas de la época.
La iglesia y las costumbres europeas siguieron dominando la tradición musical en el país a través de las escuelas jesuitas y conventos, sin embargo, la primera organización de este fenómeno musical, un poco apartada del ámbito religioso y eclesiástico en Colombia,
6 Construcción de instrumentos con guaduas, cañas bravas, conchas, placas de metal, piedra y semillas secas, algunas se utilizaban como collares o pulseras que con el movimiento del cuerpo producían sonidos melódicos.
20 la motivó el inglés Henry Price, quien fundó la sociedad filarmónica en 1846, que posteriormente se convertiría en el actual conservatorio. Guillermo Holguín, es igualmente uno de los fundadores del Conservatorio Nacional en 1910, quien luego organizó y dirigió la sociedad de conciertos del conservatorio (Hamel, 1981).
Así se fueron creando más y más escuelas de música que se iban especializando y enriqueciendo de los avances que llegaban de Europa. Destacados músicos y compositores se formaron en esta época y tuvieron igualmente una formación en el exterior, dejando posteriormente su legado y fortaleciendo el desarrollo musical, en un principio la llamada música clásica o culta y paralelamente en la música popular.
Actualmente, son innumerables las academias y centros culturales que promueven el desarrollo musical; el Estado y la iglesia no son los únicos promotores de la conciencia cultural artística, sino también particulares con capital e ingenio que se interesan por el desarrollo continuo de la tradición musical y la creación de nuevas tendencias a partir de la experiencia patriota.
No obstante, más allá del talento y las posibilidades del estudio artístico, la música se fue adaptando a los avances tecnológicos que sacudían al mundo entero. Fue la llegada del telégrafo y luego la transmisión inalámbrica, la que abrió las puertas a la música en un contexto masivo. Lo que es hoy en día la radio en Colombia, medio de comunicación pionero en la transmisión de información y posteriormente de música popular, hizo su aparición hace casi un siglo atrás, 1923 hasta 1929 cuando nacen las primeras estaciones. Con esta apertura tecnológica, las firmas norteamericanas [RCA Víctor, Silver y Philco] comienzan a invadir con el mercado de los radiorreceptores y en general se construye la industria nacional de la mano del desarrollo del capitalismo, entre otras pioneras (López, 1992).
21 Luís López Forero (1992)7 divide acertadamente las diferentes etapas de este medio de comunicación masivo que abre las puertas a la difusión de la música para todos los colombianos. En primera instancia está el despegue (1929 -1930) correspondiente a la búsqueda de producción y financiación, la cual se genera a través de la publicidad de la industria nacional que necesita ser consumida, como la telas, bebidas, etc. y en cuanto a la programación se comienza a evaluar las tendencias de las audiencias; luego se da la consolidación comercial (1934 – 1940) donde los empresarios compran estaciones y promocionan sus productos y al convertirse en medio empresarial se organiza de manera coherente la división de trabajo y funciones tales como: los locutores, productores, operadores y periodistas; la politización y búsqueda de audiencia (1940 – 1950) fueron los elementos claves para la captura de más público, por lo que se crean estrategias que cautiven a los oyentes para que se sientan a gusto y tengan a su disposición una programación variada, amena y original; consolidación de cadenas radiales (1950-1960), consideradas las primeras industrias musicales, en las que los empresarios crean monopolios y cadenas de emisoras de alto prestigio y audiencia, las cuales beneficiarían los costos de programación y aseguramiento del volumen de publicidad; y por último, la consolidación de monopolios de los medios (década de los sesenta) crecimiento abismal de emisoras nacionales y la innovación en las canciones modernas, abriendo camino a la juventud. Pero es precisamente luego de esta consolidación de monopolios que el crecimiento especialmente radial, es contundente. Las cadenas radiales divididas en dos grandes monopolios, Caracol Radio, RCN Radio y las Gubernamentales lideran actualmente la programación. Cada una de ellas con una cobertura amplísima y diversidad de temáticas y géneros, desde la emisoras de carácter noticioso en su mayoría, hasta las musicales comerciales y no comerciales, también denominadas underground.
De igual manera la televisión ha tenido un avance significativo en las dos últimas décadas del siglo pasado y comienzos del nuevo milenio, creando en el caso musical variedad de espacios especializados de música y mayor importancia en el campo noticioso
7 Licenciado en Filosofía de la U. San Buenaventura y Ciencias de la Comunicación de la U. Jorge Tadeo Lozano.
22 o de farándula; así como también en los canales de televisión por cable, en los que los medios internacionales, desarrollan canales completamente musicales con franjas de realities, videos, noticias musicales, biografías, especiales, espectáculos en vivo, premios internacionales y demás escenarios que tiene lugar la música y que son masivamente conocidos gracias a la televisión.
Y finalmente el desarrollo de los medios impresos, que siempre han tenido una participación significativa en cuanto a la información e importancia dada, desde los inicios de la música comercial, siendo generadores de opinión. La prensa tuvo un avance independiente indicador de nuevos espacios de participación y especializada en el ámbito cultural, en el que se incluye lo correspondiente al movimiento musical que evolucionó igual que los medios, en la últimas décadas, en el caso colombiano.
Las etapas de cada uno de los medios de comunicación serán estudiadas en el siguiente capítulo con mayor profundidad y análisis, al igual que el papel de los mismos en el desarrollo de la música, sumándose a estos, las nuevas tecnologías y demás espacios de expresión en el país.
Es fundamental conocer la razón por la cual es importante la historia de la música y la incursión de esta en los medios masivos. Principalmente se debe a que hoy en día una de las industrias más poderosas en términos de material simbólico y en crecimiento económico, es la industria musical (CAB, 2003ª), la cual ha tenido una evolución destacada en los ámbitos culturales, sociales, políticos y económicos de la gran mayoría de las naciones del mundo, por lo que se requiere entender el término de industria cultural y como la música se cataloga como una de ellas.
23 1.3 Industria musical
El término industria cultural ha tenido diversas significaciones e interpretaciones, iniciando por Adorno8 y Horkheimer9, quienes analizan el proceso de las industrias desde las manifestaciones culturales en las que se realiza la lógica de la mercancía, es decir, se entiende a la industria como “mercantilización” de la existencia social de la cual se busca una legitimación constante (Barbero, 2001). De esto surge la lógica del sistema social entendida por los mismos autores, como el lugar donde se origina un debate entre la producción de cosas y la producción de necesidades, siendo esta última donde radica la fuerza de las industrias culturales.
Algunas de las características principales de las industrias culturales son: obras o creaciones protegidas por derechos de autor; producen bienes y servicios culturales fijados sobre soportes tangibles o electrónicos; se encuentran articuladas a lógicas de mercado y comercialización; son lugares de integración y producción de imaginarios sociales; conforman identidades; y promueven a la ciudadanía (CAB, 2003a). Se catalogan como industrias culturales a los medios masivos de comunicación (radio, televisión y prensa), libros y revistas, artes escénicas, artes visuales (como el cine), publicidad, nuevas tecnologías, educación artística, patrimonio material e inmaterial y la música.
El termino en plural de industrias culturales, se origina a partir de tres momentos fundamentales de desarrollo, desde el pensamiento critico de la Escuela de Frankfurt, los apartes del filósofo Edgar Morin10 y las implicaciones del giro de la UNESCO, quienes
8 Theodor Adorno. (1903-1969), filósofo marxista, sociólogo y musicólogo alemán. Escribió artículos en los que aplicaba los conceptos marxistas a la filosofía y la música. En 1938 emigró a Estados Unidos, donde colaboró con Max Horkheimer en la redacción de Dialéctica del Iluminismo (1947) y otras obras.
9 Max Horkheimer (1895-1973), filósofo y sociólogo alemán. Sus teorías rechazaban el empirismo y el positivismo, y afirmaban que la tecnología supone una amenaza para la cultura y la civilización, y que las ciencias físicas (en las que se sustenta la tecnología) ignoran los valores humanos.
10 Autor Francés dice: “en las sociedades de hoy es imposible pensar en la creación sin tener en cuenta las lógicas de producción”.
24 convirtieron el mencionado concepto en plural; de industria cultural, pasó a ser Industrias Culturales ( Barbero, 2001).
Dichas industrias culturales, luego de estar subordinadas tanto al poder religioso como al poder político, inician un proceso de separación a partir del siglo XVII. La producción editorial gana autonomía cuando su distribución ya no dependía de quienes estaban en el poder o quienes tenían la facilidad adquisitiva, sino de la gente del común, que comienza a consumir los libros y generar demanda de los mismos (Barbero, 2001). Esto encuentra su esplendor en el siglo XIX, cuando aparecen los públicos, las audiencias y los mercados que ofrecen la variedad de productos culturales, como los libros y la música.
Las industrias culturales encuentran una expresión más humana a partir del arte, donde se logra una ritualización de sucesos y acciones sociales que se incorporan en la cotidianidad y en el mercado como un bien cultural que se adecua a las necesidades y deseos de expresar, participar de un espacio y relacionarse con las diversas manifestaciones culturales que especialmente convergen en las capitales, para dar forma a ciudades cosmopolitas y libres de toda restricción social y cultural. Por esta razón, la música es catalogada como una industria cultural, con creadores y productores de obras, que respaldados por las nuevas tecnologías realizan la distribución en masa que permite fortalecer la dinámica de la identidad e integración cultural en las sociedades, así como el impulso del mercado económico.
Las industrias culturales son las encargadas de regular, controlar y difundir la música, incorporando normas y códigos que rigen el comportamiento cotidiano en el que se constituyen y renuevan las técnicas de producción, las creencias, los actos del lenguaje y las formas de organización colectivas (Solís, 1992).
En la clasificación de los oficios de Adam Smith, experto en economía, incluyó dentro de las profesiones aquellas en las que sus productos se desvanecen en el instante mismo en que son consumidos. A estas profesiones las llama “Sinuosas”, partiendo de su
25 teoría en la que existen sectores improductivos, como la religión y las artes (Rey, 2004, Nº 67, p.95). Pero este gran experto económico, careció de una mirada más analítica, pues con el pasar de los años y en el desarrollo mismo de la economía y las transformaciones que trajo consigo, las artes se convirtieron en uno de los grandes pilares del movimiento económico de los países. Numerosos productos culturales se insertaron en las lógicas comerciales, mientras se masificaban y adoptaban intricadas estructuras industriales.
Desde la segunda mitad del siglo XIX, se desarrolló una de las industrias musicales más poderosas, no solo por la ampliación de su repertorio, sino también por la inversión de materiales de soporte, equipos de grabación y producción: la industria discográfica. Así como las industrias musicales han ido de la mano de las nuevas tecnologías y de ahí surge parte de su definición, para la UNESCO, estas industrias surgen igualmente a partir de su soporte, creación, masificación y derechos de autor. Sin estos elementos, el sentido de la industria habría sido endeble y limitado (CAB, 2003a).
Afortunadamente, los soportes variaron drásticamente, las formas de reproducción se tornaron rápidas y eficientes, los sistemas de transmisión permitieron llegar hasta los lugares más recónditos y los instrumentos facilitaron la expresión múltiple de la creatividad. “En Estados Unidos por ejemplo, la producción en masa, arrojó tales ganancias, que se convirtió en una de las mayores contribuyentes al Producto Interno Bruto (PIB). Las industrias culturales facturaron en el 2001, 791,2 miles de millones de dólares y su aporte al producto interno bruto fue de 7,8 %” (Rey, 2004, Nº 67). Su industria más destacada fue sin duda la cinematográfica, sin embargo, la música tuvo un aporte importante en esta estadística
Los derechos de autor y la comercialización de la producción cultural son las dos dimensiones centrales de las industrias culturales, y a la vez, de las relaciones entre economía y cultura, lazo ahora inseparable en los países concientes de su importancia. En el caso latinoamericano se hace evidente con múltiples manifestaciones culturales, como las
26 novelas, los libros y más aún la música con sus ídolos, quienes reafirman el poder de identidad y riqueza cultural para todo el mundo.
1. 4 La música, sus formatos y soportes tecnológicos
El avance tecnológico que fue haciendo una aparición rápida y contundente, cambió en su momento las diferentes formas de difusión y reproducción sonora, antes no imaginadas. En el caso latinoamericano por ejemplo, la primera señal de industria musical fue el disco, que llegó inicialmente a México en 1902 con las marcas Edison, Víctor, Columbia, Odeón y Zonófono. La aparición de estas industrias, que producían y distribuían el producto sonoro, guió a las radiodifusoras a modificar y ampliar sus horarios de programación y así mismo, motivó la creación de otros espacios que mostraran estas tendencias musicales, como los bares y restaurantes, los cuales instalaron rockolas y sinfonolas (Ochoa, 2002). La música se fue convirtiendo entonces en parte de la vida cotidiana, como fondo y acompañamiento de las actividades diarias.
Su cobertura y acogida era cada vez mayor. “El crecimiento de la industria no dependía solamente de los artistas, su capacidad de creación y los espacios que se adecuaban para sus presentaciones, sino que empezó a depender de otras corrientes muy importantes: la primera, en lo concerniente a los instrumentos musicales y tecnología de la amplificación; la segunda, la nueva tecnología de grabación de los medios de comunicación” (Ochoa, 2002), quienes serían los encargados de ahí en delante de transmitir y propagar. La velocidad con la que la música se introdujo en los hogares fue abismal, pues de los años cincuenta en el que la música tuvo papel fundamental en el cine, paso a las emisoras y posteriormente, a los programas de televisión.
El primer soporte comercializado11 abiertamente de la música fue el acetato o disco de vinilo. Ha sido el medio de distribución con más años en el mercado, ya que los
11 La bibliografía de los soportes tecnológicos del acetato o disco de vinilo, cassette, CDs, DVDs, Minidisc, MP3 y Atrac fue tomado de: La música y la informática, (2007).
27 primeros discos aparecieron a principios del siglo XX y hoy todavía se siguen comercializando, más no produciendo, para público coleccionista. Los acetatos y sus aparatos reproductores (los tocadiscos) llegaron a alcanzar altos niveles de calidad en el sonido, pero tenían algunas desventajas; por lo que fueron desplazados en favor de otros medios. La primera de ellas, es que como la reproducción de los acetatos dependía de que una aguja pasara por sus surcos, el constante uso generaba tal desgaste que la calidad del sonido acababa por ser deficiente; otro inconveniente, fue la dificultad para hacer que los tocadiscos fueran portátiles, tanto por el tamaño de los discos como por el mecanismo de reproducción, altamente sensible al movimiento.
Años más tarde, las grabadoras de cassette resolvieron varios de estos problemas exitosamente, pues usaban cinta magnetofónica para plasmar las señales de audio. La aguja se sustituyó por una cabeza lectora de cargas magnéticas. No tardó mucho tiempo para que surgieran las primeras grabadoras reproductoras de cassette portátiles, de las cuales, el modelo más conocido fue el walkman, aún vigente. Sin embargo, estos reproductores de sonido, también presentaron sus inconvenientes, pues el roce de la cinta y la cabeza lectora, con el tiempo pierden calidad, además de tener el riesgo de perder su contenido, si son desmagnetizados.
Los inconvenientes de las cintas magnéticas llevaron a la industria de la comercialización musical a inventar nuevas alternativas (el CD, CD regrabable o quemado, y los ahora bien conocidos DVD’s) para abatir el problema del deterioro físico. Estos formatos alternativos funcionan a partir de un haz de luz que lee una información digital, eliminando así el contacto directo que desgasta las superficies y permitiendo reducir el tamaño del soporte. Así mismo, este nuevo medio, permite seleccionar casi en forma inmediata el punto exacto de la grabación que se desea escuchar; su capacidad de almacenamiento es de hasta 76 minutos de audio.
Philips como una de las pioneras en la industria fonográfica en el mundo, incursionó igualmente en la producción del primer Compact Disc o CD en 1982, logrando con ello un
28 avance tecnológico que aún no ha sido remplazado totalmente, con más de dos décadas posteriores. Este invento motivó a empresas como Sony y otras compañías discográficas a realizar convenios con Philips, con el fin de explotar las posibilidades y beneficios del Compact Disc. Como era de esperarse, se buscó la manera de escuchar este nuevo formato de manera portátil desarrollándose el discman, que aún a pesar de su gran acogida, no logró desplazar definitivamente al walkman. La aceptación de ésta nueva tecnología no fue tan fácil como se podría creer, se necesitaron fuertes inversiones en campañas publicitarias antes que el público se animara a dejar sus LP’s y cassettes.
El Minidisc o MD es ahora el sucesor del CD, inventado por Sony. Su comercialización inició en el año 1992 y con un comienzo muy difícil, aun no logra tener una participación significativa en el mercado. Este formato, cuenta con un tamaño menor al CD, ofrece buena calidad musical y es a prueba de rayones y temperaturas extremas. Cuenta también, con la posibilidad de grabar, borrar y volver a grabar cuantas veces se quiera, sin perder calidad; así como cambiar, combinar, separar y volver a ordenar los títulos musicales como se desee, gracias a sus funciones especializadas de edición.
Así mismo, en la década de los noventa, se insertó otra modalidad de producción, el DVD, tecnología de compresión de música y videos. No obstante, el formato que revolucionó la industria musical introduciendo la posibilidad de su distribución a través de Internet fue el MP3, cuyo nombre proviene de un algoritmo de codificación llamado MPEG 1 Layer 3. El MP3 se caracteriza por su alta calidad, facilidad de almacenamiento y transmisión, inclusive en conexiones de bajo ancho de banda. Inevitablemente, el impacto social del MP3 se ha convertido en la puerta para que millones de usuarios de Internet puedan intercambiar música a través de la red, de forma gratuita y sin la intervención de la industria disquera.
El éxito de este formato ha llevado a que los fabricantes de aparatos de sonido empiecen a desarrollar reproductores portátiles de MP3 con capacidad para 120 minutos de música, que posteriormente se denominan iPods. Las canciones se descargan de Internet y
29 los usuarios pueden cambiar el orden de ejecución de las canciones, escribir y borrarlas cuantas veces deseen. Napster, pionera en este campo, cambió paradigmas al permitir que miles de personas tuvieran un motivo para conectarse a Internet y puso en aprietos a la poderosa industria de la música. Se enfrentó a serios problemas legales durante todo un año, obligando a suspender el servicio después de treinta meses en funcionamiento.
Por último, como extremo tecnológico, se encuentra el ATRAC (Adaptive Transform Acoustic Coding), que en búsqueda de un método de compresión musical más avanzado, entró a competir con los dos últimos formatos. Pero aún no se hablado mucho de ello en el ámbito masivo y menos aún en Colombia, donde generalmente los formatos y tecnologías, llegan con años de retraso12.
Durante el proceso, las industrias nacionales reaccionaron positivamente frente a la competencia, adoptando las nuevas tecnologías y estrategias de mercado favorablemente. Pero fue en el nuevo siglo, donde la tecnología deslumbrante arrebató la tranquilidad de la industria, pues así como favorecía procesos de producción reflejadas en la calidad de los discos, se generaban paralelamente, nuevos mecanismos que facilitarían al usuario tener un acceso más fácil y económico diferentes a la compra del producto: el acceso a Internet, los aparatos de copiado, los CD gravables, el aumento de la piratería y la crisis económica fueron los elementos que condujeron a que los índices en ventas alcanzados en la última década, bajaran notablemente. Este progreso desbordado y apresurado, ha traído un sin número de dificultades y peligros para la industria, producto de la gran demanda y de la ampliación de las audiencias.
La piratería y la copia indiscriminada de los temas musicales, que luego del avance tecnológico, y el paso de los formatos en LP a CD, se convirtió en una gran amenaza para los artistas y la industria legal en general (Grey M., 1997). Los CDS, MP3 y los sites13
12 La bibliografía de los soportes tecnológicos del acetato o disco de vinilo, cassette, CDs, DVDs, Minidisc, MP3 y Atrac fue tomado de: La música y la informática, (2007).
13 Sitios del ciberespacio o también llamados sitios web.
30 ilegales, son los amigos de la difusión y distribución en masa de dichos bienes culturales, pero son a su vez los adversos de todos los que trabajan en la industria musical como los intérpretes, compositores, productores, músicos, ingenieros, vendedores, técnicos y muchos más expertos en el negocio y el arte de la música, hasta que se logre el control adecuado.
Se espera, que la industria musical, siga teniendo el mismo auge y evolución que ha tenido hasta ahora, con políticas y normas que la protejan no solo como un bien económico, sino como un bien cultural y social, que día tras día las asociaciones y sociedades de productores, compositores, editoriales e intérpretes en Colombia velan por su protección.
Igualmente se espera que la contextualización histórica y teórica de este primer capítulo de las bases para comprender como ya se mencionó, la dinámica e importancia de la industria musical en Colombia específicamente, identificando en el trabajo de campo y en la experiencia de los actores, el desarrollo en diferentes ámbitos dignos de profundizar como el económico, social, político y cultural.
31 2. Los Artistas
Como se plantea en el primer capítulo, abordar la industria musical es una labor compleja que requiere de múltiples herramientas para el acceso a la información respecto a su desarrollo, así mismo, son bastantes los actores involucrados en la dinámica musical por lo cual este trabajo ha delimitado a los que considera son los principales en el avance del negocio y corresponderán a los cuatro capítulos siguientes: los artistas, las disqueras, los medios de comunicación y las organizaciones14.
Dentro de este grupo se incluyen no solo a los músicos profesionales, sino también a compositores, intérpretes y arreglistas quienes crean música para diferentes ámbitos sociales y económicos siendo parte de la industria musical, pues para ellos más que una pasión, un talento y una profesión, la música es su fuente de ingreso. En la industria musical, estos músicos, realmente son considerados artistas, pues son figuras públicas que se convierten en ídolos y objeto de admiración, que encaminados en la industria fonográfica o comercial reúnen varias características que los hacen merecedores de este título. Tales características hacen parte del estilo de vida que dicho personaje adquiere al hacerse una figura pública.
La vida del artista en la industria musical, puede comenzar desde el músico empírico que se sube a los buses, hasta el artista nacional que realiza giras y conciertos; desde los jóvenes que cantan covers15 en bares, hasta los jingleros16 profesionales dedicados a la publicidad; todos ellos constituyen una cantidad de creaciones musicales desarrolladas en diferentes ámbitos que construyen de manera globalizada toda la industria musical colombiana. Sin embargo, aún cuando hay muchas vertientes, la más conocida y de mayor movimiento son los músicos que siguen un mismo proceso de creación y distribución con las disqueras y de los cuales se profundizará en el tema.
14 Ver anexo N° 1 15 En música popular, Cover es una canción versionada o una nueva interpretación (en directo, o una grabación) de una canción grabada previamente. 16 Cuña o spot cuyo contenido es enteramente musical.
32 Pero antes, hay que realizar una distinción importante, y se trata de reconocer qué músicos hacen parte de la industria musical o bien llamado negocio de la música. Quienes pertenecen a este negocio hacen parte de géneros musicales que se catalogan como comerciales, traducido a la música de moda y que como resultado se “vende” más en la industria y en los medios masivos. En Colombia los géneros que hacen parte de la industria comercial en su orden de impacto según el Estudio General de Medios son: el vallenato, reguetón, balada en español, merengue, pop en español y rock.
Así mismo está la música menos comercial y popular que se cataloga como alternativa o no comercial, que en general venden menos, tienen un público selecto y del cual no se profundizará en el transcurso de la investigación. Ejemplo de esta música no comercial citamos el jazz, contemporánea, funk, tradicional y folklore, aunque estas dos últimas están dando de que hablar en el mercado comercial, en Colombia y Europa.
2.1 Los pioneros
El proceso de un artista que quisiera incursionar en la industria hace décadas, grabando su primer disco, consistía en presentarse a la disquera y audicionar. En los años treinta y cuarenta, los artistas carecían de los recursos económicos para producir su propuesta sonora o demo17, además de no tener las facilidades tecnológicas que hoy día se tienen para realizar una grabación casera, por lo que todo lo referente al artista debía ser en vivo, desde la audición en la disquera, hasta las presentaciones en medios de comunicación y espectáculos en general. De esta muestra en vivo en medios de comunicación o en audiciones, las disqueras decidían arriesgarse o no, a firmar un contrato y elaborar el producto fonográfico.
En la misma época, la radio en Colombia estaba adquiriendo mayor popularidad y adeptos, por lo que fue un camino significativo en el surgimiento de las revelaciones. Las
17 Variante de demostración.- Versión reducida del producto musical, un sencillo o una canción para ser evaluada y mostrada a un representante para que pueda conocer las características del mismo.
33 emisoras que aumentaban con el tiempo, daban el espacio para que las canciones nuevas e inéditas fueran escuchadas por su audiencia en vivo y en directo. Las presentaciones y conciertos eran un regalo para quien pudiera estar presente en los mismos, pues tan solo la radio en los tiempos que mencionamos, podía acercar dichas manifestaciones artísticas a un público más amplio del que pudiera asistir, aún conociendo que su cobertura no era tan amplia como lo es actualmente. Estos personajes que accedían a la radio, tenían en su mayoría una trayectoria artística en diferentes escenarios de ciudades pequeñas, eventos sociales o bares y solo les restaba que su música fuera escuchada, traspasando tiempo y espacio. Se convertía entonces en un trabajo bastante dispendioso, los artistas nacionales debían ponerse a la par con los internacionales que a través de la radio estaban ganando adeptos y público, por lo que empezaban el arduo proceso de convertirse en artistas.
Mientras la radio se encargaba de hacer cada vez más populares a sus artistas, paralelamente, la disquera y el artista debían trabajar varios frentes: La preproducción, producción, promoción y distribución del disco. En ese entonces, las disqueras tenían todas las herramientas para este proceso pues firmaba al artista, conseguía a los músicos o bandas, realizaban el manejo de imagen, tenían estudios, profesionales en el proceso de producción del disco y sus propios métodos de distribución, situación que ha cambiado rotundamente con el tiempo, pues ahora las disqueras en muy pocas ocasiones hacen todo el proceso, limitándose al seguimiento de la preproducción del producto en conjunto, es decir tanto el disco como el artista, contratando especialistas en cada paso y realizando únicamente la distribución y promoción del fonograma ya concluido. Esto debido a que ya no tiene, ni sostiene estudios de grabación, para lo cual contratan estudios independientes, empresas especializadas en promoción y otras en manejo de imagen, arriesgando poco capital con propuestas locales, apostando en su mayoría al producto extranjero, el cual sostiene a las disqueras extranjeras y tiene asegurado un porcentaje de ventas en el exterior.
Antes del desarrollo acelerado de medios de comunicación y creación de nuevos roles que impulsan el desarrollo del artista, la historia muestra el proceso y las experiencias de muchos que lograron entrar en la dinámica de la industria musical, aún antes que esta se
34 considerara algo más que entretenimiento. Los comienzos musicales del artista colombiano se gestaban en las presentaciones en vivo, así, alcanzar el éxito se representaba en el número de presentaciones que tenía el artista dentro de los innumerables recintos que para ello estaban destinados, remembrando así por ejemplo a Pedro Morales Pino quien organizó junto a Vicente Pizarro un dueto que debutó en 1885 en el Teatro Maldonado, con tal éxito que un mes más tarde realizaron un segundo concierto al que asistió el cuerpo diplomático acreditado en Bogotá y así sucesivamente este músico se convirtió en uno de los pioneros, realizando giras nacionales con una estudiantina y dando las primeras bases de la escritura musical junto al maestro Luis A. Calvo, entre otros (Panamericana, 1995).
Décadas más adelante y luego de experimentar la vida artística en escenarios en vivo privados y públicos, los compositores y artistas colombianos tuvieron que adaptarse paulatinamente a la llegada de la radio, que especialmente en Estados Unidos se desarrollaba vertiginosamente, pasando de las programaciones radiales en vivo, a pregrabadas con los primeros mecanismos de registro sonoro. Por otra parte, al no existir en Colombia una empresa para poder realizar dichas grabaciones, los artistas debían grabar fuera del país (Pareja, 1984)18.
En 1934 con la creación de la primera industria fonográfica de Colombia, se grabó el disco "Cuerdas que lloran" de Toño Fuentes donde su guitarra hawaiana era talvez el primer instrumento que se grabó en Colombia. Así mismo, le sucedieron varios artistas exitosos en el momento, como José Benito Barros, quien en 1935 grabó para el sello Fuentes "la Momposina"; Guillermo de Jesús Buitrago Henríquez, maestro de la música folclórica de Colombia, logró con su guitarra la grabación de sus primeros sencillos "Las mujeres a mi no me quieren" y " Compae´ Heliodoro" en junio de 1936, para la misma disquera; entre otros, quienes realizaban el master en Cartagena para enviarlas a Estados Unidos para su duplicación, proceso que duraba en llegar al país cuatro semanas. En 1943 con la llegada de la
18Como el tema "Masato", una rumba, compuesta por Pacho Galán, “el Rey del merecumbé”, grabado en junio de 1929, por la Orquesta Panamericana en el sello Columbia, de los Estados Unidos.
35 primera máquina para prensar discos, se grabaron discos pilotos y para inaugurar los estudios de grabación y de prensaje de discos, el propietario de las emisoras Fuentes de Cartagena, el músico y empresario, Antonio Fuentes, invitó a Buitrago y personajes populares en la costa Atlántica por sus presentaciones en teatros y emisoras locales, para que participaran en la primera grabación hecha totalmente en Colombia (“El inicio: Nace Discos Fuentes (1934 - 1954)”,2007).
Otros artistas como Esther Forero, dieron paso a la internacionalización de la música colombiana en el caribe grabando no sólo en Colombia sino también en Puerto Rico, junto al maestro Rafael Hernández en 1950. Sumándose a ellos, y por nombrar solo algunos, el maestro José A. Morales, graba la primera canción protesta en Colombia, llamada "Ayer me echaron del pueblo”, la cual mostraba la violencia y la crudeza de la época. Y para finalizar lo que se podría denominar los pioneros de la industria, en la década de los sesenta, se destacaron artistas como los Corraleros del Majagual y Gustavo Quintero; además de la salsa como género de moda con la llegada de Richie Ray & Bobby Cruz, que tuvieron gran acogida en Barranquilla, Cartagena y Cali (Panamericana, 1995).
En la década siguiente, en los años setenta surgió en Colombia “el club del clan” o también “llamados nueva ola” que junto a los artistas internacionales de la balada y el rock and roll como Paul Anka y Elvis Presley lograron posicionar la época del gogo y el yeyé, impulsados igualmente por dos personajes influyentes en los medios de comunicación; Carlos Pinzón con el “Show de los Frenéticos” y Alfonso Lizarazo con “Estudio 15”. Los artistas que conformaban el “club del clan” fueron Harold, Vicky, Maryluz, Claudia de Colombia y Oscar Golden (Golden, 2007).
En las dos décadas siguientes es sin duda el momento más difícil para los artistas colombianos, pues es cuando la música extranjera entra con mayor fuerza y con grandes ídolos musicales como Michael Jackson y artistas del rock suramericano como Fito Páez y Soda Stereo por nombrar solo algunos que marcaron sin duda el inició para nuevos artistas colombianos que comenzaban a incursionar en otros géneros musicales más globales, como el
36 pop, el rock y nuevas propuestas de música tradicional colombiana como lo fue Carlos Vives en su momento con su disco de “Escalona” y “Clásicos de la Provincia” convirtiéndose en el pionero de la música y los artistas colombianos en el mundo (Revista Semana, 2002, 15 de junio) y del cual parte la actualidad y desarrollo acelerado de la industria en Colombia.
2.2 En la actualidad
La vida del artista con todo el proceso que implica convertirse en una figura con excelente desempeño musical y social, por mencionar solo algunas de las vertientes que se deben tener en cuenta para su desarrollo como tal, ha tenido significativos cambios correspondientes a la demanda del mercado, los medios de comunicación y el negocio fonográfico. Anteriormente, el trabajo del artista consistía casi exclusivamente a cantar en su mayoría presentaciones en vivo y recibir la remuneración correspondiente. Eran ellos mismos quienes manejaban sus finanzas acordes claro esta, con el contrato establecido por la disquera, fueron los pioneros quienes hicieron una significativa alianza de artistas, aunque no numerosa, para proteger sus derechos de autor e interrelación. Sin embargo, el desarrollo y crecimiento del artista en los medios de comunicación y en la industria era más simple y no debían preocuparse de tantos frentes como ahora.
Los frentes a los que se hace referencia, corresponden además de la exigencia musical, a las relaciones cuidadosas y constantes con los medios de comunicación, relaciones públicas con empresarios para la contratación de presentaciones en vivo, lo que sostiene en gran parte económicamente a todo el equipo (artistas y representantes) y el sostenimiento en el mundo del espectáculo, donde se han visto los cambios más significativos. Tanto ha cambiado la industria, que los artistas no necesitaban que nadie los representará, pero fue cuando su fama comenzaba a crecer, los contratos a involucrar mayores intereses y la competencia de artistas nacionales y locales a llegar, que vieron la necesidad de crear personas especializadas en la negociación y promoción, lo que hoy día se denomina manager.
37 Y aún cuando en la actualidad la vida del músico es más dura, la competencia se ha intensificado, ya no solo hay un rey vallenato, una reina del pop, un grupo de rock, cada día aparecen artistas que quieren ganarse su lugar en la industria. Sin embargo, el proceso está claro para ellos, deben sacar tiempo para componer, ensayar, buscar oportunidades y a su vez trabajar en algo que les de sustento económico estable. Hay diferentes caminos para los que empiezan y depende mucho de su trayectoria musical o artística.
Quienes no han tenido contacto con el medio artístico hasta su juventud, es muy posible que sean aquellos que tienen un grupo de amigos que cantan en concursos universitarios y en bares, pero no se han puesto a la tarea de componer o sacar un demo con su estilo propio. Pero hay otros que son quienes van encaminados a la industria musical y son aquellos que desde pequeños han tenido una formación artística y musical, haciendo contactos que finalmente ayudarán a sacar su proyecto adelante. Hay muchos que lo intentan y no lo logran, no se conoce exactamente el porqué del triunfo de algunos y el intento fallido de otros, pero igual es un camino arduo.
Se hace esta salvedad por que la educación y formación del artista o músico, juega un papel importante en el desarrollo de la industria más adelante. Empezando a explicar detenidamente, se encuentra que la persona que ha tenido esta formación está vinculada con los medios de comunicación o el medio artístico en general, por lo que aparentemente el camino para llegar a producir un producto discográfico es menos difícil, sin embargo, esto no acorta su carrera. Remontándonos a los músicos, compositores e intérpretes de la vieja guardia, ellos eran talento innato, todo era natural, espontáneo y mucho de suerte, de pronto alguien los escuchaba en un bar, en un club o en una tienda cantar y estaban en el momento indicado, pues los llamaban a participar de grabaciones y su fama llegaba de inmediato. Otro factor radica en que la oferta de grupos y artistas no era tan amplia como ahora, pues en los colegios y universidades no había conciencia musical y mucho menos del negocio que podía generar. Las disqueras que eran más nacionales que extranjeras, vendían los discos de acetato y no tenían el enemigo de la piratería, por lo que sus ganancias eran satisfactorias tanto para esta como para el artista.
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Actualmente el artista mientras trabaja en sus composiciones y arreglos, debe conseguir quien lo escuche, encontrar el representante que se mencionó anteriormente o también llamado manager y un productor, personajes indispensables en el proceso y a su vez, debe buscar caminos para subsistir, mientras llega a ser reconocido y sostenerse gracias a su producto musical, por lo que algunos siguen el camino de la enseñanza, otros cantan en bares reconocidos por la farándula, lo cual no ha cambiado mucho desde hace varios años, y otros tantos se vinculan al mundo de la música desde la perspectiva del mercadeo y la publicidad, como estudios de grabación, alquiler de sonido para grandes eventos, estudian una carrera alterna, entre otras actividades.
Una de las razones por las que a estos artistas se les llame como tal y no se les llame músicos, interpretes y demás, es porque deben desempeñarse en escenarios diferentes a los musicales y en su mayoría tienen el talento, son personas versátiles y multifacéticos rompiendo esquemas no solo en su música y shows, sino también en las actividades que realizan, para adquirir nuevos mecanismos de vida pública que permitan un reconocimiento económico. Todo esto se refiere a que los artistas además de las presentaciones en vivo y plan de promoción, realizan campañas publicitarias que finalmente les darán un sustento significativo, como comerciales de televisión, alianzas estratégicas con grandes marcas que quieran posicionar su marca con la imagen del artista, correspondiendo obviamente al target19 o público estratégico, tanto del artista como del producto.
En el caso colombiano hay varios ejemplos de artistas que han logrado tener todo esto y han sobrepasado la barrera nacional, convirtiéndose en artistas internacionales con gran reconocimiento en el mundo entero, no solo por su música y mensajes sino también, por su autenticidad, colaboración social y mercadeo, además de los que se generan continuamente en un ámbito internacional en donde la demanda de los ídolos musicales es mayor. Tal es el caso de Carlos Vives, Aterciopelados, Shakira, Juanes y Fonseca, artistas que han logrado reconocimientos en premios tan importantes como los Grammy y
19 Anglicismo también denominad como público objetivo, mercado objetivo o mercado meta.
39 Billboard, que han logrado destacarse con la música colombiana en lugares donde antes no habían escuchado música representativa. Quien logró esta apertura en primera instancia, sin duda alguna fue el intérprete Carlos Vives, con una trayectoria musical importante y una experiencia en medios de comunicación como protagonista de novelas, teniendo a nivel nacional un reconocimiento que serviría luego de catapulta para el éxito en el exterior. Con “Clásicos de la Provincia” logró posicionar no solo la imagen de un artista colombiano con un público latino y extranjero en el mundo entero, sino que también implantó un estilo, que con el transcurrir de los años se vería reflejado en la mayoría de los artistas que tomarían como ejemplo su forma informal, los ritmos tradicionales como el vallenato, con un toque juvenil y moderno, así como la necesidad de tener un manager que permita la conexión con todos los frentes comerciales, sean empresarios, o medios de comunicación, necesarios para darse a conocer y el deseo de la mayoría, conseguir ese reconocimiento internacional (Revista Semana, 2002).
Es así como se logran identificar los diferentes caminos que un artista colombiano debe pasar y depende mucho del staff o equipo de trabajo, incluyendo la disquera que lo acompañe en el proceso. Los artistas destacados en el ámbito internacional en el año 2007 (El Tiempo)20 fueron Shakira, quien luego de haber obtenido dos Grammys en años anteriores, fue nominada al Globo de Oro por su canción para la película “El amor en los tiempos del cólera”; Juanes, que luego de los rumores generados en su vida personal, alcanzó un record significativo en ventas de su último disco. Los artistas que han tendido un reconocimiento nacional y local, que han tenido igualmente sus primeros inicios en el ámbito internacional y se espera sigan proyectándose son Los Gaiteros de San Jacinto21, Fanny Lu, Jorge Celedón, Fonseca y Aterciopelados. Por otra parte están los que seguramente en el 2008 serán sobresalientes por sus producciones prometedoras como el legendario Carlos Vives, San Alejo, Bonka, Andrés Cepeda, Ilona, La 33, The Hall Effect, Peter Manajerrés, entre otros22. Es así como artitas revelaciones hacen que la industria
20 Ver anexo N° 2 21 Nominados Premios Grammy Latino 2007
40 musical en el país crezca y se fortalezca, sin embargo, habrá que esperar que géneros y propuestas realmente permanezcan en el tiempo.
2.3 Perspectiva de los artitas
Cada actor de esta industria musical es indispensable para el desarrollo de la misma, sin embargo, sin el músico, compositor, intérprete o artista, es imposible pensar en la música. En este apartado se incluyen los testimonios del músico y arreglista, Gabriel Rondón; Enrique Ardila, flautista profesional; cantautores como Oscar Agudelo, Juan Consuegra, Natalia Bedoya, Isa Katherine; y el cantante Oscar Golden. Cada uno con historias y caminos diferentes en la música, combinando innovación y experiencia. Para cada uno de estos artistas el camino ha sido tortuoso y dispendioso, y aún cuando se tomó la experiencia de los primeros que incursionaron, también está el testimonio de quienes aún no han sido famosos y esperan serlo.
2.3.1 ¿Cómo es el trabajo del artista?
En el mundo del espectáculo hay muchísimos roles en el escenario y en el campo musical hay quienes son los artistas como tal y otros la banda que los acompaña, así como en otros casos, son los artistas su misma banda, es decir, instrumentos y voces. Es por eso que los músicos que no son los artistas como tal, llevan un ritmo diferente respecto a los conciertos, pues mucho de ellos, que son arreglistas, acompañan al artista en las presentaciones de la ciudad, en el caso de Bogotá, pero cuando estos salen de gira pocas veces los llevan dentro su banda por el costo. Este es el caso de Gabriel Rondón, quien ha grabado en estudio todos los discos de artistas como Andrés Cepeda, pero no lo acompaña a ninguna de sus presentaciones, porque no tiene tiempo debido a la docencia musical y porque cobra más que otro joven que este aprendiendo y pueda irse de gira, lo cual disminuye notablemente sus honorarios.
De esto surge el cuestionamiento general: ¿la música si da para vivir? Enrique Ardila asegura que es posible aún cuando no se le remunera al músico el trabajo empleado para el
41 resultado final. Pero para obtener beneficios económicos, se debe estudiar, tener constancia y preferiblemente en el caso del músico o artista, componer, pues a partir de las creaciones es que se abren nuevos caminos en la industria. La vida del músico radica igualmente en hacer conciencia de la educación y la enseñanza como tal, la cual jamás debe ser negada por un músico, afirma Ardila, quien se ha desempeñado por varios años a la docencia. Claro está que además de la remuneración fija por así decirlo, se complementa con lo que este músico denomina “música recreativa “es decir la que ameniza lugares como bares y demás lugares de reunión. Así mismo, con su trabajo independiente titulado igual que el nombre de su banda Guaxaro23, recurre a la búsqueda de espacios en que su música pueda tocarse (música venezolana, brasilera y colombiana). Sin embargo, estos aspectos dentro de la industria no son de afanarse, pues para Guaxaro, no existe la premura que si no cantan no comen, pues todos son músicos profesionales que a su vez son profesores universitarios y que por su trayectoria, tocan en eventos sociales y bares de la ciudad.
Pero no a todos les sucede lo mismo, pues quienes han surgido tal vez de manera más espontánea y menos ortodoxa musicalmente, tienen el afán de la imagen, del momento, de lo que suena, estando el tiempo y el dinero latentes cada instante. Quienes no son músicos de academia generalmente si tienen la prisa de ser escuchados, que su música se vuelva popular y puedan obtener ganancias de ella, lo cual es satisfactorio para la industria como tal. Pero este asunto requiere de muchos procesos que se mencionarán más adelante, pero para el artista significa un “rebusque” constante de apoyo y credibilidad de su trabajo.
Dentro de las muchas maneras de darse a conocer la mayoría de los artistas entrevistados coinciden en que “hay que subirse gratis a la tarima muchas veces, ser humilde y despojarse de muchos perjuicios y barreras, como el pensar que es el mejor artista y tiene la mejor canción” (Consuegra, 2007). Ya sea que estén apoyados de una disquera o no, deben cantar en diferentes lugares, horas y escenarios sin recibir remuneración, tan solo esperando la aceptación de un público que luego va a comprar el disco, opinar y votar en encuestas o a
23 - Guaxaro nombre proveniente de un pájaro latinoamericano.
42 pedir la canción muchas veces en la radio, para obtener popularidad y reconocimiento en el medio.
Natalia Bedoya toma otro campo importante y es que antes del trabajo del músico como tal, debe haber un trabajo anterior relacionado con el medio, pues para ella “no basta que alguien sea talentoso, lindo o que tenga algo especial”, tienen que tener muchas cualidades y fortalezas, empezando por trabajar en un nombre en el medio musical o artístico en Colombia, para generar posicionamiento. En su caso particular como muchos de los artistas de la actualidad, Natalia trabajaba en covers que le permitieran tener una exigencia musical alta, tocar en bares y finalmente componer en los géneros de su preferencia, rock y pop, en los que se mueve inconcientemente por las influencias que tuvo cuando estaba pequeña, siendo este un síntoma de la mayoría de los artistas revelación como Bonka, que tienen géneros similares porque pertenecen a una misma generación y crecieron escuchando Carlos Vives y Shakira por dar un ejemplo.
Pero están también aquellos artistas con un posicionamiento bastante amplio. Son por supuesto aquellos que llevan más de diez años en la industria musical y se manejan de la misma manera. Para un intérprete y compositor como Oscar Agudelo, artista de gran trayectoria, su trabajo consiste en dar conciertos en diferentes lugares del país, convirtiéndose la música en el sustento necesario para vivir cómodamente. Agudelo cobra por concierto diez millones de pesos, siendo uno de los más baratos dentro de su género y generación, anotando que Darío Gómez, cobra veinticinco millones; el Charrito Negro dieciocho, al igual que Luís Alberto Posada; y Jhonny Rivera cobra dieciséis millones. Y si se hiciera referencia a grupos más actuales quienes pudieran cobrar ese dinero aproximado, serían quienes han posicionado sus canciones en los primeros lugares por un tiempo record o llevan bastante tiempo intentándolo como por ejemplo Bonka y Doctor Krápula, quienes cobran por concierto de aproximadamente diez canciones, veinte y veinticinco millones de pesos respectivamente.
43 2.3.2 Relación con las disqueras, los medios y las organizaciones
El artista aún cuando existe en la actualidad la figura del manager o agencia de management que se encarga de prácticamente todo lo que se refiere al artista, hay quienes tuvieron representante en su momento y ahora ya la experiencia les permite asumir la relación con medios, disqueras y organizaciones por su cuenta, pero otros tantos que son nuevos en el oficio, definitivamente deben tener esta asesoría y acompañamiento constante. Por lo tanto aún cuando los representantes de los artistas sean sus voceros en todos los escenarios, al ser figuras públicas, hay momentos en los que deben enfrentarse a cada uno de los actores que mencionamos, en varias oportunidades. No existe un orden establecido de con quien el artista debe entablar primero una relación, si con la disquera, los medios de comunicación o las organizaciones que protegerán sus derechos, tal vez se necesitan de todas a la vez, durante el proceso de ascenso en la carrera artística. Es por eso que cada uno tiene una experiencia, un camino y una fórmula diferente para llegar al éxito en este escenario tan competitivo.
Tal vez varios coinciden en que antes de tener una disquera y un manager es necesario que se escuche su música y sea reconocida poco a poco entre la gente y para esto es esencial los medios de comunicación en especial la radio. Como se mencionó anteriormente la manera más efectiva de darse a conocer y generar un voz a voz dentro del medio del espectáculo es tocando en bares donde asista gente de la farándula y los medios, como tuvieron la experiencia la mayoría de los artistas citados.
Todos ellos han tenido que tocar puertas en las disqueras para que estas faciliten y pongan sus sellos en sus producciones y tengan un respaldo. En los años cuarenta cuando Oscar Agudelo comenzaba su carrera, se unió a un dueto que ya tenía más reconocimiento que él como solista e intentó por medio de ellos y su amistad llegar a disqueras como Sonolux y Silver, sin obtener éxito, pero finalmente fue aceptado por Codiscos, en una audición con los ejecutivos de la disquera. Luego de su primer éxito, que aunque no fue de su autoría, fue su disco insignia “China hereje”, las disqueras comenzaron a disputárselo, ofreciéndole el doble de dinero por la exclusividad, en esa época era alrededor de ochenta pesos, lo que significaba
44 bastantes ganancias. En ese momento él no tenía manager y en realidad el cargo no existía como tal, el proceso para grabar un disco en los años cuarenta consistía en que un ejecutivo de la disquera, en este caso Sonolux, escogía el repertorio y el artista tenía la última palabra sobre el mismo.
Ese proceso continuó hasta los años setenta, Oscar Golden comenta que en esta década coincidencialmente tampoco tenía representante y llegó por sus medios a la disquera gracias a la popularidad de su género (la balada), y las relaciones con los medios de comunicación de la época. Las disqueras no tenían gran influencia en el aspecto monetario, tanto como ahora y asegura que algo que definitivamente jugó a su favor fue el género que interpretó, pues la balada tuvo la misma acogida que en su momento el bolero, que llegó y se quedo traspasando generaciones y quedándose como clásicos de la música. Y son estos clásicos lo que para él sostienen a las disqueras, lo que en la industria fonográfica se denomina música de catálogo, que en otras palabras es la música de una década hacia atrás y que en su momento fueron grandes éxitos, como lo son The Beatles, Rollings Stone, Elvis Presley, por mencionar algunos artistas internacionales.
Al pasar el tiempo y queriendo obtener más, sin invertir lo suficiente, las disqueras sin otra intención que su propio negocio, dificultan el acceso de los artistas hacia ellas, pues ya no graban a los artistas a los que desean firmar, esperan que el artista llegue con el trabajo prácticamente hecho, con maquetas o demos bien conformados y experiencia en el medio. Así son los casos de los artistas que desde Juan Consuegra, hasta Isa Catherine, han tenido que trabajar bastante antes de llegar a una disquera.
En el caso de Juan Consuegra, antes de llegar a la disquera tuvo que componer treinta temas aproximadamente, para luego descartar la mitad, pero antes debía grabar dos canciones para tocar puertas y como tenía pocos recursos económicos, recurrió a canjes con sus colegas para producir el sencillo. Intentó en Sony y Warner que en Colombia están representadas por KDiscos y no obtuvo respuesta. Su puerta se abrió finalmente cuando gracias a una colega comunicadora, mostró su material en la multinacional West Plus Entreteiment, empresa
45 española organizadora de eventos, y lo llamaron para firmar contrato de promoción para el disco, como editorial e intérprete.
Natalia Bedoya aunque lleva desde pequeña en el mundo del espectáculo y la música no ha tenido tanta suerte respecto a las disqueras. Ha grabado varios discos para proyectos independientes, en Colombia y Argentina, pero su acercamiento real con la industria musical lo logró cuando ganó el reality show “Popstars”, siendo Sony quien estuvo en frente del proyecto. En el primer disco, las canciones pertenecían a Kike Santander y otros compositores, por lo que la participación y opinión del grupo de jóvenes, fue nula, colocando únicamente su voz. Sin embargo, en el segundo disco fue más significativa, tanto en composiciones, como en arreglos y estilos, pero el proyecto no duró mucho, ya no había apoyo del canal de televisión que había liderado el Realty y la multinacional decidió apostar todo a otro género musical que estaba de moda, dejando el pop y grupos juveniles a un lado y dándole prioridad al vallenato, por lo que Natalia, paralelo a la actuación decide abrirse camino para su primer disco como solista, esperando que una disquera le abra las puertas, pero ya con varios elementos a favor, como el tener un productor de reconocimiento y trayectoria en el medio, Iván Benavides y un manager que aunque no se desempeña en el escenario musical sino actoral, quiere seguir apoyándola con sus contactos en la farándula en Latinoamérica y lograr su ascenso musical.
Si para los artistas jóvenes y con un género que se acomoda a los estándares de la música comercial ha sido difícil, para un músico de academia, con música opuesta a lo comercial es prácticamente imposible. Enrique Ardila, realizó su primer disco en el estudio de su apartamento, todo de manera independiente y financiado por los integrantes de su grupo Guaxaro. Para él al contrario de muchos artistas que quisieran trabajar en grandes estudios y que tuviera la oportunidad de hacerlo, Enrique prefiere trabajar “sin taxímetro” sin presiones de tiempo y dinero, pues opta por trabajar tranquilamente de manera independiente, debido que las disqueras no dan oportunidades para mostrar y desarrollar diferentes proyectos, intentando confiar más en el músico, y en el punto de vista artístico, más que del negocio. Pero Ardila es consciente que el objetivo de las disqueras es hacer dinero y no elevar la
46 cultura del país ni nada que se le parezca. Por eso para este grupo de músicos profesionales que interpretan bambucos y pasillos, la salida comercial es bastante compleja y más un cuando su producción fue “rudimentaria”, por lo que ni los medios, ni disqueras se arriesgan a este tipo de productos.
Es evidente entonces, que los géneros musicales marcan épocas, tendencias y el negocio del momento. Para las disqueras su ejercicio radica en generar música de moda o de época y todo lo que patrocinen con los estilos del momento les dará resultados. Rondón asegura que la música comercial se genera a partir de varias propuestas similares, con el fin que las disqueras apoyen algo que saben que va a funcionar, como la balada, que en los años sesenta y setenta era la música de moda y todos apostaban al mismo género, ahora el vallenato es a lo que le apuestan las disqueras con más certeza.
La relación de los artistas con los medios se da en varias etapas, pues quienes primero hacen contacto con los medios son los promotores de radio, jefes de prensa y managers que trabajen con el artista. Los promotores de radio son generalmente de la disquera a la cual pertenecen, los jefes de prensa y manager si pertenecen a un mismo grupo o staff24 del artista. Sin embargo, estas nuevas figuras son bastante actuales y se crearon por la competencia en general del mercado artístico, pero desde los inicios de la radio, hasta los ochenta aproximadamente, en el caso de Colombia, los artistas eran quienes manejaban su imagen y relación con los medios, pero fueron las diferentes circunstancias las que hicieron que otro personaje los asesora y llevara por buen camino.
En el caso de Oscar Golden, afirma que era el mismo quien se inventaba los rumores frente a los medios para adquirir popularidad, como por ejemplo que le llegaban cien cartas de fans, cuando en realidad le llegaban diez; o cuando Oscar Agudelo gracias a su carisma había obtenido gran relación con los medios y en un desorden en su comportamiento en público, por alcohol, los mismos amigos periodistas y gente cercana lo aconsejaron que debía ser ejemplo por ser un personaje destacado y así reivindicarse con su público. Pero ahora son los manager
24 Conjunto de recursos que asesoran y colaboran con un componente específico dentro de una organización
47 quienes inventan escenarios diferentes como estrategia para que su artista sea noticia, la gente lo vea, escuche y lea en los medios, sin importar si es en el aspecto musical, pues la mayoría de los medios que hablan del espectáculo se dedican a indagar sobre la vida privada de los artistas, más que en su música y sus nuevas propuestas.
Respecto a los medios, Rondón cree que estos no tienen nada que ver con los músicos, solo con los cantantes o artistas y la vida de los mismos, pero hay menos interés por conocer quienes están detrás de la figura a no ser que sean melómanos de la música. Los medios no tienen ingerencia con los músicos sino las disqueras, la publicidad o los jingles. Relata además, que anteriormente la televisión era uno de los medios más influyentes y con varios espacios musicales, había mucha música en vivo, pero eso ya no existe.
Sin embargo, para otros artistas el trabajo es directamente proporcional al proceso de escucha de un producto musical comercial, y además depende de este para sobresalir; Juan Consuegra explica el proceso de un artista en los medios, que es de lo que parten realmente para que su música llegué a su futuro público:
“Se escucha por primera vez la canción por radio, como el oído es frágil, se repite varias veces la canción para que pegue, seis veces al día aproximadamente; la gente empieza a tener de referencia la canción, la recuerda y cuando menos piensa, la está tarareando; luego aprecia la voz del cantante, ve el video clip o un comunicado en el periódico con foto incluida y reconoce visualmente al grupo; luego con la distribución del disco, lo encuentra en policarbonato; lo compra y lo agrega al iPod, empezando así, el proceso de apropiación de la música comercial de la mano con las nuevas tecnologías; la gente transforma la música y la trasporta a muy bajo costo y de eso es conciente la industria; la persona posteriormente quiere ver el artista en vivo y por esto la importancia de la tarima, dando un reconocimiento emotivo o una conmemoración… de ahí parte todo nuestro trabajo” .
Es sin lugar a dudas un pequeño resumen de lo que es el proceso de escucha y apropiación de la música desde el ámbito consumista, pero volviendo a los medios como dinamizadores de la industria, y no de caza talentos, son ellos quienes pueden dar vida a los artistas desconocidos, pero quieren igualmente productos garantizados, con respaldo de una
48 disquera, que les garantice que van a tener un impacto grande, razón por la cual las emisoras transmiten más tranquilos lo extranjero que lo nacional, como Robin Williams o Madonna que tienen un plan de mercadeo establecido desde su casa matriz y ha tenido éxito en otros lugares ( Roldón, 2007).
Por otra parte Natalia Bedoya, cree que la relación con los medios es trabajo del artista mismo, pues es quien debe estar atento para descubrir la fórmula correcta para acceder a ellos con impacto y credibilidad, pues aunque no aseguran el éxito si son parte fundamental del mismo y para esto hay que estar dispuestos y atentos a eventos sociales como fiestas y rumbas o eventos culturales como lanzamientos de películas, novelas, conciertos, etc., para que la reconozcan y haya una vigencia de su imagen así no sea la protagonista del vento como tal.
En resumen el artista debe llegar a los medios por su cuenta o el de su staff, pues tan solo los medios musicales alternativos o especializados están en búsqueda de nuevas tendencias y novedades musicales más académicas o de un grupo selecto de personas y géneros, tal como le sucedió a Guaxaro, que debido a la participación en eventos universitarios, logró el reconocimiento de programas especializados de emisoras no comerciales como la Radiodifusora Nacional; programa “Músicas del mundo” de la emisora Javeriana; Laúd estéreo de la Universidad Distrital; y Universidad Nacional, dando fe que la música alternativa si tiene un espacio en los medios de comunicación de una forma y camino diferente, aunque no niega querer estar en una emisora comercial, es conciente que es un arma de doble filo, pues se puede “quemar” su música rápidamente o tendrían que cambiar el formato y su idea es disfrutar un poco más de su estilo.
Respecto a las organizaciones Sayco – Sociedad de autores y compositores colombianos - y Acinpro - Asociación de gestión colectiva de derechos conexos - que aplica en este caso para los intérpretes, hay variedad de opiniones, pues para Gabriel Rondón, Jorge Villamil y Oscar Golden que han pertenecido a las juntas directivas de las mismas recientemente, su opinión es positiva y aseguran que el funcionamiento es el correspondiente
49 al objetivo de su creación, el de proteger y velar por los derechos de los autores e intérpretes, recaudando sus ganancias correspondientes a la ley.
Por su vinculación directa no especifican mucho en el tema, pero si hay una diferencia evidente entre las dos organizaciones, pues Acinpro se lleva mejor reconocimiento y reputación que Sayco, traducido a lo que reciben de recaudos semestrales. Agudelo por ejemplo manifestando el gran respaldo y apropiación que tiene por ambas, asegura que la diferencia económica es demasiado evidente pues mientras Acinpro le paga cada seis meses de tres a cinco millones de pesos, Sayco en ese mismo lapso de tiempo, no supera los ciento cuarenta mil pesos.
Por otra parte se sigue cuestionando el funcionamiento y proceder de las mismas, pero es muy posible que sea falta de conocimiento por lo que se encontró más adelante en el apartado de las organizaciones. Golden por ejemplo cree que Acinpro - Asociación de intérpretes y productores fonográficos – no debería estar dividida entre los intérpretes y productores fonográficos, por el cincuenta por ciento, “pues los productores deberían obtener el dinero por sus producciones físicas, cassettes, videos y discos, mientras que el intérprete debería obtener su dinero por la ejecución pública y la difusión en medios sonoros, pero los productores reciben aún en esos ámbitos”, él se lo cuestiona y deja la intervención sin concluir. No obstante, todos los artistas reconocen que gracias a las dos organizaciones, tienen salud, seguro de vida y demás gastos de calamidad familiar.
Los demás artistas entrevistados debido a su corta experiencia, en general no aplican para pertenecer a la asociación por los requisitos que estas requieren al inscribirlos, sin embargo, es evidente de igual manera la falta de información sobre el proceso y funcionamiento de las mismas, lo cual no genera mayor interés en los más jóvenes, pues tienen otras actividades que se complementan a nivel económico y de seguridad social en general.
50 2.3.3 Vigencia del artista
Un factor importante en la vida de los músicos, en los cuales incluimos, compositores e intérpretes, es la vigencia en el mundo del espectáculo. Es preciso aclarar que la vida artística no es solo una canción o un disco, es un trabajo de años y de varias producciones dentro de la industria para mantenerse vigente. Cada personaje citado en este estudio, revela lo que para ellos es el secreto de estar siempre actualizado, coincidiendo en una expresión que resume sus intervenciones: “La reinvención”.
En el caso de un arreglista, quien no es un personaje totalmente público y vive no de la imagen física, sino del reconocimiento puramente profesional, Rondón hace énfasis que en Colombia no es válida la experiencia respecto a países desarrollados, donde la experiencia es el mayor tesoro, la edad de un músico en Colombia caduca y los contratos disminuyen. Contrario a Rondón, Enrique Ardila considera que la caducidad del artista depende de su estado físico y mental, pero hace dos distinciones: si es un artista que combate medios masivos, necesita inyección para mantenerse vigente y retirarse en determinado momento, mientras que un artista popular o del bien llamado pueblo, siguen tocando su música hasta los setenta años, como la música de Alfredo Gutiérrez, lo cual es común con la música tradicional o el mismo Oscar Agudelo, aún vigente con un público de su época o público que ha heredado el gusto por su música. Agudelo señala con humildad que no cree en estrellas, cree en canciones que gustan, el artista pasa y es efímero, debe tener un buen repertorio y canciones con mensajes que se conviertan en éxitos como lo fue en su momento “La cama vacía” y “El redentor”, contrarias a la música actual, que para el compositor e intérprete, son composiciones efímeras que no perdurarán “como las canciones interpretadas por una Helenita Vargas, Olimpo Cárdenas, Julio Jaramillo, que siempre serán perdurables e inmortales”.
Son precisamente estas dos distinciones las que tienen en cuenta los artistas, pues quienes son figuras públicas y están en continuo contacto con los medios masivos, deben buscar mecanismos para mantenerse en vigor, reinventarse e innovarse con el tiempo,
51 renovando su música, sin cambiar de estilo, generando noticias en escenarios musicales, sociales, políticos, hasta en el plano sentimental, donde reposa la prensa rosa y son en últimas las noticias más fugaces pero de mayor impacto y actualidad.
El futuro del músico para algunos es su propio presente o el de sus sucesores y para otros es algo lejano. Artistas como Oscar Agudelo, Oscar Golden y Gabriel Rondón, han vivido de la música durante toda su vida, ya tienen familia, vivienda y en general una vida cómoda; y aún los siguen contratando para diferentes eventos en ciudades pequeñas, eventos culturales o giras internacionales a través de intermediarios que buscan complacer un público colombiano en tierras extranjeras.
En el caso de estos tres artistas, han elaborado ediciones de sus éxitos de forma independiente para venderlos en sus conciertos y así obtener algunas ganancias extras, aún cuando conocen que es un poco riesgoso, pues las versiones incluidas en los CDs y DVDs son de grabaciones en vivo y cintas antiguas que pertenecían, por ejemplo en el caso de Agudelo, a cintas de “ la hora Philips”, donde cantó junto a excelentes orquestas latinoamericanas; entonces si los vendiera en almacenes, le llegarían denuncias de locutores, orquestas y demás, aunque con sarcasmo y estilo burlesco dice “no me caería mal un escándalo, pues de eso también vivimos los artistas”. Y precisamente de la publicidad siguen viviendo, pues aún cuando su música sigue vigente con el público que creció y vivió con ellos su momento, aún se dan conciertos con grandes revelaciones del momento, como en el caso de Oscar Golden, quien sigue dando de que hablar y compartiendo escenario con cantantes de trayectoria como Piero, Leo Dann, Lo Galos y Palito Ortega; viaja a Europa en cualquier oportunidad dando aproximadamente tres conciertos para colombianos en su gran mayoría y se queda siete días más. Este intérprete de baladas cobra por concierto entre diez y quince millones de pesos y hace aproximadamente tres o cuatro al mes, para los cuales se va preparado con brochure25, CD y DVD, en cada uno de ellos; Oscar Agudelo cobra ocho millones de pesos; y Roldón de tres a cinco según el evento.
25 Folleto, catálogo, manual, prospecto.
52 Para Juan Consuegra el futuro no viene con afán, pues tiene la convicción que para poder tener uno próspero es necesario tomarse el tiempo para hacer un buen trabajo, refiriéndose a las composiciones, que más allá de crear un ritmo agradable, tenga convicción en sus letras, dejen un mensaje y sean profundas. A este pensamiento se le une Natalia, pues cree que para el proceso de composiciones debe tomarse el tiempo suficiente, así como planear su estrategia para conseguir el apoyo económico suficiente para financiar su primera producción discográfica como solista. Por esta razón hace parte del presente y futuro de la joven cantante, trabajar duro aún en espacios que no sean de su total agrado, para adquirir experiencia y dinero, tocando con bandas en diferentes bares de la ciudad, interpretando covers y no sus canciones inéditas; haciendo jingles o música para televisión, lo cual ratifica que es bien remunerado en el país.
Por otra parte y haciendo referencia al gremio de los músicos en general y su futuro, los artistas más jóvenes aquí entrevistados, creen indispensable establecer un sindicato u organización que defienda más allá de los derechos que por ley les atañen, pero más de políticas e intereses que surgen en el día a día con el cambio de la industria porque están desprotegidos frente a tarifas, manejo de imagen, solidaridad entre ellos mismos, la competencia e intereses económicos. Ninguno tiene ideas claras respecto a una organización o sindicato, pero es evidente que aun sin señalar injusticias a los que se han visto enfrentados, se sienten vulnerables frente al mundo del espectáculo y en comparación con otros gremios de profesionales.
Así mismo este cole gaje entre músicos es lo que ha futuro ayudará al progreso de los mismos, pues el tradicional “canje” en el que se intercambian favores musicales para sus proyectos musicales, es la manera más eficaz de gastar menos dinero, con alta calidad musical y ayudar a un músico para que su plan de vida se haga realidad. Con la figura del canje y el trabajo alterno en bares coincide Isa Catherine, afirmando que la mayoría de los músicos trabajan en bares desde hace décadas, en donde gente de estratos altos y de la farándula nacional asiste, generando un posicionamiento en el medio artístico y del espectáculo en general.
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El futuro del músico consiste en algo que ya se mencionó anteriormente, en reinventarse en ir un paso adelante de lo que la gente cree que va a llegar en tres años, así mismo mantener el espíritu del concierto en vivo, que a pesar de las nuevas tecnologías y la interactividad que estas ofrecen, las personas prefieren seguir teniendo la experiencia de un concierto y todo lo que este conlleva, para lo que Isa agrega que en Colombia debido que el porcentaje de la población que tiene acceso a Internet o un iPod es muy pequeña, el público seguirá escuchando radio y esto conducirá a que se venda la música ya sea en el producto fonográfico como tal o en concierto.
Para el oficio de artista hay que tener paciencia y trabajar con disciplina pues todos estos músicos de academia o empíricos coinciden que para tener un buen futuro deben trabajar fuerte y como generalmente no es con horarios establecidos, se debe ser bastante constante y tener fuerza de voluntad, trazándose logros, afirman todos los entrevistados. Por otra parte lo primordial es la solidaridad entre los colegas en un ámbito estratégico y de convivencia, pues Ardila por ejemplo afirma que si entre los músicos, sin importar el género se reunieran con cierta periodicidad y hablaran sobre sus carreras y sus logros, seguramente facilitarían el proceso a los sucesores y mejorarían el estilo de vida de ellos mismos, pero existe el hermetismo por cuestión de estrategia y celos profesionales. A pesar de esta barrera y reserva, la brecha entre los géneros se esta rompiendo gracias a la globalización y a esto se le suma la educación como vehículo para tener oportunidades y variedades para poder escoger, por lo que retoma Ardila el tema de la educación, donde se debe preparar el oído musical de los colombianos desde niños y para eso se necesita escuchar, tener variedad en el mercado y oportunidad de aprender.
2.3.4 Destacados de la industria musical
Los artistas al igual que los medios, tienen personajes u organizaciones predilectos que sobresalen y se destacan en la industria musical prevaleciendo en el mundo del espectáculo como son:
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Acinpro, no solo por su proceder fue la asociación con mejor imagen, sino también por el trabajo conmemorativo de quienes la conforman. Gabriel Rondón quien hace parte de su junta directiva, rescata un libro de cincuenta obras que narran la trayectoria de la música colombiana, destacando la labor de intérpretes y productores del mundo de la música.
Los artistas más elogiados fueron sin duda alguna Carlos Vives y Shakira, pues definitivamente ellos abrieron el camino de la industria musical colombiana al mundo entero, abriendo puertas a otros talentos como Juanes, Aterciopelados, Maia, Ilona y Fonseca, que luchan por mantenerse también en el campo social, como lo hace Juanes con su labor humanitaria. Así mismo coincidiendo con los medios de comunicación que se mencionarán más adelante, Natalia menciona y elogia a los grupos que trabajan con el folklore latinoamericano y colombiano en lo que ahora se denomina fusión que tiene gran acogida en Europa y públicos especializados, como “Side Steper”, “Pernet”, y “La 33”,
Y por último quienes no figuran en medios, pero se llevan mucho del reconocimiento del resultado final de un artista, son los productores y managers, quienes imprimen la fuerza y la estrategia para que el objetivo se lleve a cabo y la gente que recibe el producto musical sea satisfactoria. Juan Consuegra destaca a Quince Johns productor de Michael Jackson, quien revolucionó la historia del pop en el mundo; y el argentino Guillermo Santa Olaya productor musical del disco “Mi sangre” de Juanes, quien le imprimió el triple de fuerza que podrían tener las composiciones del artista. Natalia por su parte menciona al productor Iván Benavides, pues lo considera una de las personas más influyentes en la industria en el país, resaltando su trabajo como productor de Carlos Vives, con la “Tierra del olvido” y de Ana y Jaime, quienes tuvieron mucha fuerza y fueron populares por mucho tiempo; sumándose a esta lista los managers Fernán Martínez, mexicano, y el colombiano Gonzalo Gutiérrez quien fue el primer manager de Juanes y la banda juvenil Bonka que actualmente maneja el mexicano.
55 2.3.5 Piratería
Para los artistas la piratería es una amenaza tan grande o mayor como para los demás actores de la industria musical, siendo sus creaciones y su trabajo el que finalmente están plagiando. Por ello todos tienen diferentes iniciativas para erradicarlas, algunas las hacen en forma de crítica y otro como una posibilidad. Rondón por ejemplo asevera que no hay espacios abiertos especializados, no virtuales, aclara, para que la gente tenga una experiencia y una perspectiva diferente.
Natalia opina que el problema se solucionaría con educación, tal como lo mencionó en el apartado anterior, pues si se lograra tener una concientización desde la infancia, de respeto y del valor por la creación y los derechos de autor no se presentaría este problema, que entre otras para ella es afectivo y cultural, pues la gente más cercana o conocedora respeta y prevalece lo original a lo pirata. Alusivo al tema de la educación Enrique Ardila se imagina una “Feria de la Música” así como hay Feria del libro, donde eduquen oyentes, tal como educan a los lectores
Sin embargo, aún cuando todos los artistas opinan y proponen, de la teoría a la practica hay una distancia muy amplia, pues hasta el momento no se ha desarrollado una estrategia por parte de este grupo en particular por mejorar la situación y si no comienza por los directamente afectados ¿qué se puede esperar de los demás actores y de los consumidores? Habrá que esperar que otros actores de la industria actúen rápidamente, antes que los presagios que la industria musical terminará se vuelvan realidad.
Así mismo, con las propuestas novedosas y el ritmo acelerado de la industria en el mundo, se espera que más artistas colombianos tengan la posibilidad de proyectarse internacionalmente y lograr que la música les de para vivir y que siga siendo igualmente un aporte social, cultural y en gran parte económico para el país, lo cual se logrará como se concluye en este apartado, con la organización y unión conjunta en un principio de los artistas
56 y luego de los demás actores de la industria para lograr productos musicales que se destaquen y tengan características propias y sobresalientes en el mundo entero.
57 3. Las Disqueras
La Industria Fonográfica en Colombia llegó del exterior al igual que los medios de comunicación, pero el proceso fue paulatino, pues en un principio como se mencionó anteriormente, los artistas debían grabar en Estados Unidos a principios de los años veinte siendo la Costa Caribe la precursora de la industria musical en el país.
El primer antecedente de la industria fonográfica colombiana data de 1934, cuando Antonio Fuentes luego de dirigir la emisora Fuentes de Cartagena, como una de las precursoras en la radio nacional, se atreve a grabar con equipos rudimentarios el disco "Cuerdas que lloran". Sin embrago, aún con esta primera incursión, debían viajar al extranjero a reproducir las copias de los discos. En tanto, la paciencia era la mejor aliada para este empresario y demás personajes interesados en incursionar en esta industria que en otros países tenían cada vez más auge (El inicio: Nace Discos Fuentes (1934 - 1954), 2006). El sello Fuentes logró grabar los músicos y canciones más representativas en la historia colombiana como “La Momposina” de José Benito Barros; Guillermo de Jesús Buitrago Henríquez, con el sencillo "Las mujeres a mi no me quieren" y " Compae´ Heliodoro"; Lucho Bermúdez y el porro "Marbella", entre otros. En 1943, llegó finalmente la primera máquina para prensar discos, lo que permitía la reproducción del disco, para lo cual el empresario conocido como “Toño Fuentes”, realizó una celebración por la primera grabación y producción totalmente colombiana, con los sencillos ya reconocidos.
Paralelamente, Alfredo Díaz, emprendió una nueva industria musical, la cual comenzó con la importación de música extranjera, dando origen a la conocida tienda Codiscos. Sumándose años más tarde, Sonolux 1949, fundada por Antonio Botero Peláez y Rabel Acosta, ingresando posteriormente como accionistas, la Familia Bedut, hasta 1974, convirtiéndose esta última en gran representante de sellos internacionales en el país, lo cual representaba la distribución y difusión de los productos extranjeros. Sonolux, fue en la década del setenta, adquirida por la Organización Ardila Lule, lo que tradujo en poco tiempo a más sellos internacionales como RCA Víctor Por otra parte, en los años sesenta,
58 la actividad fonográfica recibe otros participantes de la industria, Philips de Colombia y Discos Victoria, concentrándose en la distribución de discos al por mayor, primero con equipos de grabación pequeñas de tan solo cuatro canales, para luego cuatro décadas más adelante, con un excelente equipo de trabajo y organización empresarial, lograron mantenerse en el mercado y ampliar su infraestructura tecnológica posicionándose en la industria de manera considerable (Pareja, 1984).
El mercado colombiano experimentó un rápido crecimiento durante el periodo de 1992 y 1997 en el producto del disco con una tasa de crecimiento anual del 21% en unidades vendidas y con un crecimiento anual promedio del 48%, lo cual corresponde a la sustitución del vinilo y el cassette por CDs, cuya sustitución comenzó en Colombia en la década del noventa y en países desarrollados en la década del ochenta. La industria fonográfica ha tenido un desarrollo acelerado en el campo de creación, producción y difusión en todo el mundo y en Colombia aunque el avance es un poco más lento, igualmente se ha permeado de este desarrollo (CAB, 2003b, p.51).
Luego de la llegada en la década de los ochenta de la grandes multinacionales también denominadas majors (Sony, Emi, Universal, BMG y Warner26), la industria comenzó a fortalecerse (CAB, 2003b). Los pequeños artistas que obtenían cierto reconocimiento local y habían tendido un despegue, por así decirlo, con las pequeñas empresas o también denominadas indies (Discos Fuentes, Codiscos, Sonolux, entre otras) comenzaban a tener un camino más claro con estas grandes empresas. Así mismo el reemplazo de los discos de vinilo y acetato por los discos compactos fue la gran revolución de dicha industria alrededor de los años ochenta y con pleno impacto en los noventa.
26 Conglomerados: Universal – Holanda; Sony – Japón; Warner – Estados Unido; BMG – Alemania; EMI – Inglaterra.
59 Participación de las Disqueras Julio 2007 – EGM Sello Porcentaje Sony BMG 23% Universal 22% EMI 10% Codiscos 8% Origin 7% Warner/K Discos 7% FM 3% Fuentes 3% Gracia Music 1% Total Management 1% N/A 14%
60 Dichas empresas nacionales se dieron a la tarea de realizar alianzas estratégicas con las grandes empresas, pues a nivel económico y tecnológico tenían gran ventaja, dedicándose de esta manera al producto local, a la búsqueda de nuevas revelaciones musicales locales, que luego de terminar el proceso de producción con la indies, ceden a través de licencias especializadas la promoción y distribución del producto fonográfico ya finalizado.
3.1 La industria fonográfica y su evolución
La música ha tenido un cambio notable respecto a la distribución y producción, desde presentaciones en vivo hasta la transmisión de la misma a través de aparatos reproductores. Del acetato con el tocadiscos, al cassette con las grabadoras reproductoras y finalmente, los formatos digitales (dentro de los cuales el más conocido es el disco compacto o CD), que revolucionaron los procesos de reproducción y distribución de la industria musical. Dicha evolución tecnológica obligó a los músicos y a los compositores a entrar al negocio, dadas las ganancias económicas generadas en el proceso de comercialización y distribución del formato que soportaba sus creaciones, involucrando a diferentes profesionales para el proceso de adaptación y renovación constante de la producción, reproducción, promoción y distribución.
El negocio musical, que con el paso del tiempo se denominó industria musical, tuvo que adaptarse rápidamente a los avances tecnológicos, pero sobre todo tuvo que especializarse en su proceso mismo. Las personas vinculadas a la industria debieron pasar por el mismo camino, la transición de un producto tangible, a un producto global que irremediablemente fuera de la mano de las tecnologías y nuevos medios de comunicación. A partir de esta evolución vertiginosa, las disqueras tomaron la batuta de la industria, cubriendo en su inicio prácticamente todo lo relacionado con el artista que firmaban, grabación del disco en sus estudios, manejo de imagen, promoción, distribución y conciertos. Pero hubo otros factores que influyeron a que las disqueras se concentraran en el producto final, más que en el proceso y fue el avance tecnológico de la industria
61 discográfica en el mundo entero, mencionado anteriormente, pues en la época del acetato los discos se vendían proporcionalmente a su producción, mientras que con los nuevos medios y su ventajas de reproducción casera, apareció la piratería y por ende la decadencia en la ventas, sumándose a estos eventos los cambios culturales, sociales y políticos de cada país. Con esta transformación, tanto los artistas como las disqueras se estancaron, dando paso a empresarios que vieron esta crisis como oportunidades de negocio en escenarios que antes no se habían explorado con profesionalismo y detenimiento, tal como sucedió en Estados Unidos a partir de la década de los setenta convirtiéndose en referente principal de la industria musical en el mundo entero.
Las empresas de países globalizados y potencias mundiales como Estados Unidos, fortalecieron sus disqueras que posteriormente se denominaron en el mundo musical como majors. Dichas multinacionales tenían el dominio sobre todo lo relacionado al artista y al producto musical como tal, pero cuando la industria tuvo su descenso y tomó un rumbo de negocio diferente a partir de las nuevas tecnologías, todos estos frentes se dirigieron a empresarios y gente reconocida en el medio que podía dedicarse a realizar funciones más específicas de promoción, management y manejo de imagen. Por esta razón el proceso de formación del artista, el manejo de su imagen, la agenda de eventos y promoción en los medios de comunicación fueron actividades susceptibles de independencia organizacional.
En el caso colombiano, antes de la llegada de grandes multinacionales, ya existían empresas nacionales productoras y editoras que cubrían la gran mayoría del mercado nacional, cabe mencionar a Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos, Victoria y pequeñas empresas con nichos específicos, además, con el advenimiento de las multinacionales llamadas igualmente majors y la aparición del formato en CD, el auge en la década de los noventa se incrementó (CAB, 2003b). Pero a Colombia igualmente la afectó los formatos grabables, generando una crisis en las disqueras, convirtiéndose en una oportunidad para nuevos empresarios, quienes comenzaron a importar equipos para equipar grandes salas de grabación y trabajar en sociedad con las grandes disqueras, lo cual resultaba bastante rentable para el empresario y un ahorro considerable para la disquera. El servicio consiste
62 en convenios de grabación y en algunos casos distribución del producto terminado, reduciendo a la disquera grandes costos de producción y generando nuevas herramientas de trabajo e industria especializada.
A estas nuevas oportunidades o industria especializada, se le suman el manejo de eventos o también denominado en la industria como booking, gente especializada en relaciones públicas que se encarga de realizar contratos de presentaciones y eventos que incluyan la imagen y música del artista con reconocidos empresarios, industrias y gente del espectáculo. En algunas ocasiones, el booking maneja también la parte de medios, aún cuando existen empresas especializadas para estos, que al igual que en la grandes multinacionales se encargan de hacer un seguimiento detenido del manejo de prensa y televisión del artista, buscando nuevas oportunidades de posicionamiento. Y por último, se encuentran los especialistas en asesoría de imagen, correspondiente a vestuario, look, fogueo periodístico y protocolo. Los especialistas en moda y estética, encontraron en el ámbito musical un camino perfecto para su desempeño, pues además de toda la moda que se impone gracias a grandes diseñadores y marcas, está la oportunidad de marcar tendencias con celebridades del cine y la música, dando origen a empresas especializadas en asesoría de imagen, dinamizando otras industrias y mercados a través de la música.
3.2 Hablan los expertos
Las disqueras son realmente el motor de la industria musical, pues es a partir de ellas que la música se comercializa y distribuye a su audiencia. Aunque ha variado notablemente su funcionamiento en el transcurso de los años, las disqueras o también denominada industria fonográfica, tiene un proceso para cada producto y unas cláusulas diferentes para cada artista.
En este apartado se logró tener las experiencias de personas que trabajan en indies asociadas a majors permitiendo tener una perspectiva crítica y cercana en todos los niveles de la industria fonográfica. Esta mirada se logró obtener gracias a entrevistas formales y también
63 a trabajo de campo, haciendo una introducción en la disquera como tal que permitiría una invectiva más real y próxima a la situación actual.
3.2.1 Relaciones con los artistas, los medios y las organizaciones.
Las disqueras se sostienen gracias a las ventas de los discos y esto se genera a partir de la emisión en radio, que en la disqueras se conoce como promoción, siendo la principal función de las mismas, a cargo de personas con experiencia en el medio de comunicación que dan a conocer los sencillos de un nuevo artista o el sostenimiento de otro ya posicionado, sin embargo es necesario remitirse un poco antes de la promoción, para conocer la importancia de las relaciones públicas que se realizan con los demás actores. Conociendo con anterioridad los pasos que debe realizar el artista para llegar a la disquera, la perspectiva en este caso es diferente, pues normalmente a una disquera llegan entre dos y cinco propuestas diarias de artistas que desean ser escuchados y tener la posibilidad de tener un sello discográfico que los represente.
Desde el punto de vista empresarial de la disquera este es un trabajo dispendioso y no muy halagador, pues se trata de descartar desde que llegan un material o propuesta musical para escuchar e identificar elementos diferenciadores que puedan generar un impacto en el mercado comercial. Diariamente una disquera no permite tomarse el tiempo de realizar clasificaciones o dar respuestas a aquellos artistas que se han tomado el trabajo de realizar una producción, que en muchas ocasiones es primaria o tal vez algunas muy bien logradas en términos musicales y técnicos.
Cuando una disquera decide apoyar como lo ven los artistas, o invertir como lo ven las disqueras es por varias razones: el artista ya tiene un público y “mueve gente” como dicen en el medio, por lo que ya tendrían un terreno ganado, espectadores, oyentes y compradores; de otro lado, están los artistas que han sonado en radio por contactos en el medio o por algún concurso generalmente universitario o de colegio; finalmente quienes han tenido la suerte de
64 ser escuchados por alguien de la disquera e impactado de tal forma que genere la atención suficiente para lograr entrar en el negocio musical.
Finalmente, sea cual sea el camino por el cual llegó el artista, la disquera se interesa en él y procede a realizar la firma de los contratos que son bastante complejos, pues son incontables las variables que hay entre uno y otro, dependiendo el artista, el género, la competencia y lo que la disquera está dispuesta a realizar, desde poner su sello discográfico únicamente, hasta realizar la promoción, distribución y management del mismo, aunque éste último normalmente funciona como outsorcing, o servicio especializado contratado. Todo lo anterior puede ir conformado en paquetes de forma aleatoria, dependiendo principalmente de los estudios de mercado y el Estudio General de Medios (EGM) por el cual se basan los medios de comunicación y la industria en general pues es lo que escucha la gente y genera publicidad en los medios. De este primer paso, surgirán cantidad de actividades relacionadas con lo mencionado pero totalmente incierto para cada artista en particular, comenzando por el tiempo que se estipule debe existir la exclusividad del artistas con la disquera y los derechos que los vinculen, como las canciones registradas en las editoras de la misma.
Posteriormente y haciendo alusión a los derechos de autor, las disqueras deben dar información a Sayco y Acinpro respecto a sus nuevas adquisiciones en el repertorio nacional e internacional para el recaudo semestral. Así mismo para aquellos artistas con los que inician, tiene convenios acordes al número de canciones que se van a producir y que serán posibles sencillos en la radio, para que este comience a generar ganancias, antes de cumplir con los requisitos establecidos hace algún tiempo, dando la posibilidad de un recaudo inicial aún con pocas canciones.
Igualmente, está el sostenimiento de la industria en los medios. Es evidente que la radio es para la disquera el medio más importante, sin embargo, la televisión está tomando una participación significativa debido a la masificación de la misma y el impacto que produce cada día, con los espacios noticiosos, del espectáculo, los interactivos y musicales. Para esta relación existen personas altamente experimentadas en el medio, que conocen a las personas
65 más influyentes en el campo de la programación radial y televisiva. Los Jefes de prensa y promotores de radio son los encargados de mantener una relación vigente y cordial con los medios de comunicación, pues son ellos quienes darán a conocer a los artistas que estos representen. Diana Cubillos Jefe de prensa de Sonido Comercial Publicitario (SCP) Music, disquera independiente aliada a Universal Music y Sony BMG, quien ha trabajo en las dos anteriores multinacionales en el mismo cargo, comenta que es necesario mantener una comunicación constante en la que se envíe la mayor información posible acerca del artista, en el caso que sea nuevo, o de algún evento de lanzamiento o premio que este haya recibido, en el caso de ser ya un artista con trayectoria, así como también enfocarse siempre en el target y en la información que se maneja para cada medio.
Cada disquera tiene políticas y estrategias para sus artistas, tienen un género al cual le apuestan, compiten no con artistas de diferentes géneros, sino con géneros musicales y artistas en diferentes países. Sony por ejemplo, tiene la mayoría de artistas de regeetón, Universal Music, tropipop, Warner pop y así entre otros géneros de los cuales se apropian cada una de ellas. De esta manera le apuntan estratégicamente a géneros que se pongan de moda y así lograr una mayor cobertura (Ramírez, 2007).
Así mismo las disqueras buscan y estudian el momento propicio para lanzamientos de acuerdo al EGM y el mercado en general, un ejemplo claro es cuando realizan lanzamientos de música bailable que generalmente se realizan en el segundo semestre o a finales de año debido a las fiestas navideñas, respondiendo a las demandas del mercado.
Por otra parte las estrategias entre disqueras y medios de comunicación son vitales a la hora de planear el posicionamiento o sostenimiento de un artista, así como se mencionó anteriormente, la música que no suene en radio, no es comercial y actualmente se le suma el factor importante de la televisión, afirmando Diana Cubillos que el impacto que ésta tiene en el público está incidiendo de manera notable en la industria musical, porque además de la radio, debe tener una proyección en televisión, con lo que el cantante Juan Consuegra cita al
66 productor musical Emilio Estefan, quien dice que “la música debe ser mantequilla para los oídos”, en otras palabras, debe pegar y volverse un “chicle” para sus escuchas.
3.2.2 Como funcionan las disqueras
En las disqueras y en la industria en general, hay personas especializadas en cada uno de los frentes que se deben trabajar, para lo cual se mostrará un organigrama de los cargos.
• Presidente de la disquera • Label manager • Promotor • Jefe de prensa • Manager • Productor • Personal manager • Road Manager • Stage manager
El procedimiento para una producción fonográfica en Colombia es el siguiente: En primer lugar el Productor fonográfico como también se le conoce a las disqueras, deberá contratar las obras musicales que se van a incluir en el fonograma. Para ello se realiza un contrato de licencia general con los titulares o administradores de las obras musicales, en el caso colombiano lo son las empresas editoras de música. Este Contrato permite a los productores incluir en sus fonogramas las obras musicales representadas por los editores contratantes e introducirles arreglos o modificaciones. Igualmente deberá contratar a los artistas, intérpretes o ejecutantes, arreglistas, coros y ejecutantes acompañantes. En muchas oportunidades es el propio productor quien integra y organiza las orquestas, capacita sus miembros y le asigna un nombre apropiado al grupo. Una vez que se han seleccionado las obras musicales, realizado los arreglos a las mismas y se cuenta con los artistas interpretes o ejecutantes, se procede a citarlos a los estudios de grabación para iniciar el trabajo de
67 producción del disco bajo la orientación de los directores artísticos quienes son subalternos o contratados por el productor, siguiendo luego con los ingenieros de sonido, quienes mezclan los sonidos en una consola, hasta alcanzar la textura, intensidad y brillo que requiere la grabación para competir con posibilidades en el merado. Finalmente una vez se alcanza la calidad esperada, se realiza la copia del trabajo discográfico en el CD master, que constituye el ejemplar original, que posteriormente se copiará en soportes materiales y se distribuirá al público.
Cleiver Espítia, promotor de radio de una nueva disquera SCP Music, agrega detalles acerca del sencillo. Es el tema musical con el cual se promociona al artista en los medios de comunicación, este es elegido por el manager, el staff, el artista o el grupo y un focus group que en el caso de esta compañía realiza con el target determinado para obtener un mayor impacto, actividad que usualmente no realizan las grandes disqueras, pues estas prefieren realizar conciertos y medir reacción del público en los mismos, antes de la copia del sencillo y su posterior promoción.
Cuando se realizan las copias de los sencillos, el promotor debe realizar una estrategia para llevar el material a todas las emisoras, con visitas personalizadas semanales, las relaciones públicas que se han construido anteriormente deben ser el fundamento para que el sencillo suene en la emisora prevista. Así mismo, se realiza una exhaustiva entrega de sencillo en las principales discotecas de las ciudades, pues es allí en donde la gente que asiste percibe la música novedosa y que este de moda (Espitia, 2007).
Cabe anotar que en la radio las canciones tienen un ciclo y aunque lo primordial y como primer paso funciona este método de promoción, los especialistas se basan en el ciclo de las canciones para sus estrategias de sostenimiento, pues luego de algunos meses, según el éxito de la canción se debe planear el lanzamiento del disco y posterior posicionamiento de un segundo, tercer y hasta cuarto sencillo en algunos casos.
68 3.2.3 Disqueras, majors e indies
Tendiendo la oportunidad de conocer el medio de las disqueras o productoras fonográficas muy de cerca, se logró identificar que existen varias alianzas entre ellas, al igual que diferencias y contradicciones. Una de éstas diferencias consiste en que las majors anteriormente tenían estudios de grabación como Sony, sin embrago ahora por su trayectoria e inversión de los mismo, prefieren que los artistas lleguen con el trabajo adelantado, que en algunas ocasiones solo tengan que masterizar , mejorar algunas mezclas y realizar el arte del disco; entre tanto, las indies como SCP, son buscadoras constantes de talento y trabajan con el artista desde la elaboración de las maquetas hasta la masterización completa del disco, pues se vuelve un producto totalmente propio, prácticamente con todos los derechos y la autonomía para sacarlo adelante.
Otra diferencia que justifica de alguna manera lo anterior, es que las majors le dan mayor importancia a sus productos internacionales, por los estándares internos a los que deben responder, regidos por la región de Latinoamérica, mientras que las indies, no tienen que rendir cuentas internacionales y por lo tanto su mercado local es más importante27.
3.2.4 Vigencia y adaptación a la industria
La vigencia de la industria no es tema de discusión para los entrevistados en este apartado, es claro que aún cuando el problema de la piratería es evidente y cada día aumentan los grupos musicales y los escenarios para su desarrollo, la industria musical es bastante selecta y marca tendencias, así mismo se adapta a las nuevas tecnologías que aparecen y se adapta a los cambios de los medios de comunicación.
Actualmente Diana cubillos, menciona que es necesario tener mayor interés en la televisión que anteriormente, pues es un medio que en el ámbito de la industria musical ha aumentado el porcentaje de impacto, pese a que se encuentra en segundo lugar luego de la
27 Ver anexo N° 3
69 radio, el 90% de los productos musicales, entra por la parte visual y auditiva, causando mayor impacto. Así mismo, respecto a la adaptación de la industria en este campo de los medios de comunicación, es importante afirma Diana, “tener paciencia y buenas relaciones con los medios aún cuando hagan comentarios que desfavorezcan a quienes representan, haciendo valer la libertad de expresión, por lo que se debe tener tacto, prudencia y mantener una relación constante desde tiempo atrás”. Lo que indica que la vigencia y permanencia además de la adaptación al mercado y nuevas tecnologías como los tonos de teléfono y canciones que bajan por Internet, es la relación con los medios, quienes sostienen finalmente la imagen y sonoridad del artista hacia el público.
El futuro de la grandes disqueras se encuentra en las nuevas tecnologías y adaptaciones de compra. Las tiendas de discos están buscando nuevos mecanismos para atraer compradores, aumentando la experiencia de venta en las mismas, sin embargo, lo que realmente afecta la adquisición son los costos, por lo que las disqueras han optado por facilitar al oyente a través de nuevas tecnologías tener parte de sus canciones favoritas por un timbre de teléfono móvil o por descargas que ahora tiene diferentes controles para que esta descarga se ejecute luego de un pago anticipado. El futuro de la industria está en adaptarse a las nuevas tecnologías y demandas de los usuarios que ya no quieren un álbum completo, sino canciones exitosas de diferentes artistas, opción que será viable hasta que no se disminuyan los precios de los discos, lo cual esta sujeto a la economía nacional, negocios internos, políticas y derechos, entre muchos otros factores que tardarán en resolverse.
Así mismo, empresas que manejan booking, también denominado como negociadores de conciertos o los managers, tendrán grandes ventajas, pues como se mencionó anteriormente es lo que realmente da en el negocio de la música, los conciertos. En el caso de los intermediarios negociadores o los managers, se llevan un porcentaje considerable en cada negociación por lo que resulta bastante rentable cuando el artista ha ido adquiriendo reconocimiento. Generalmente el representante o manager recibe del 25% al 50% del ingreso total de una presentación luego de cubrir los gastos logísticos y de nómina que estos demandan y un booking dependiendo de su intervención del 5% al 25% del total del mismo.
70 3.2.5 Management – Mercadeo y promoción
Los productores independientes o indies como es el caso de SCP, se dedican a explotar el mercado local y encontrar nuevos talentos que luego serán vendidos o licenciados a las majors como Sony BMG y Universal Music, para que realicen la promoción y distribución. El licenciado se hace cargo del marketing y la promoción del producto que recibe. Estos gastos, que suponen una inversión en dinero realmente importante para los volúmenes de negocio que se manejan, se reflejan directamente en el monto de regalías. Se considera que es venta del licenciado a los fines del market share28.
En SCP una empresa con una trayectoria de diecisiete años en la música para cine y música publicitaria para radio y televisión, a cargo de Miguel de Narváez, quien además de ser reconocido en el medio publicitario, equipó uno de los mejores estudios de grabación del país y cuando Gonzalo Gutiérrez, quien había sido Subgerente de Mercadeo de Caracol Radio, fue actor principal en la apertura de Universal Music en Colombia, Costa Rica y México, además de trabajar en BMG, decide crear un espacio musical artístico, SCP Music, como la compañía única en desarrollo de la industria en todos los campos, pues además de producir los discos desde los estudios de Sonido Comercial Publicitario junto a todo su equipo de músicos e ingenieros, realiza el management, con la experiencia de gente vinculada al medio hace varios años, realizando además, la promoción y la distribución a través de alianzas con Universal Music y Sony BMG. Como se mencionó anteriormente empresas como estas se dedican a explotar el talento local, marcando tendencias en su mayoría en la gente joven, con grupos por nombrar algunos como Jorge Celedón, Bonka, Sin Ánimo de Lucro, Tinto, Fannylú y Jerau entre otros.
En el negocio del management, lo que más ganancias produce son los shows y los toques en vivo en fiestas privadas, festividades regionales, actividades universitarias y alianzas con marcas para posicionamiento, esto es realmente lo rentable, no el producto
28 Participación, porcentaje o cuota de mercado; porcentaje de ventas que alcanza un producto o compañía dentro de una categoría.
71 fonográfico, afirma Gonzalo Gutiérrez, Gerente SCP Music. Todo lo anterior, se resume en mercadeo de artistas, producción, posicionamiento, distribución y sostenimiento, con estrategias de mercado y relaciones públicas en un 100%.
3.2.6 Aspectos Legales
Las disqueras son en la industria el ente que más precaución debe tener a la hora de realizar contratos y licencias, siendo la ley quien finalmente velará por el fiel cumplimiento de los deberes y derechos de todas las partes. La disquera, según a lo que se comprometa, debe tener contrato con: artistas, músicos, editoras, managers, medios de comunicación, organizaciones o sociedades, por lo que se deben tener en cuenta varios aspectos:
Las licencias por una parte son los instrumentos que permiten a unas compañías explotar los fonogramas desarrollados por otras, lo que ha permitido a grandes compañías discográficas mantenerse presentes durante la crisis (1998) y grabar sus producciones. En varias ocasiones esas licencias se convirtieron luego en contratos de artistas. Caso cercano las licencias que SCP Music le otorga a Universal Music y Sony BMG para la distribución y promoción en algunos casos de los artistas que produjo y representa artísticamente.
Estas se dividen en Licencias de catálogo, utilizadas tanto por productores internacionales como por productores independientes o nacionales; Licencias de álbum o master, dan derechos sobre un catálogo entero, con sus dos, cuatro, seis, ocho, quince, cien o miles de masters, o algunas que se refieren a un solo álbum; Licencias de track, otorgadas para reproducir un track específico en un álbum determinado. Es el caso típico de los “compilados”.
Universal Music explica que otorgar una licencia es, ceder a alguien la facultad de explotar de determinada manera uno o más fonogramas que se controlan o de los que se es titular. Actualmente, las licencias para reproducir música grabada en discos y venderlos, comienzan a incluir en sus contratos la difusión de los fonogramas en Internet o en telefonía
72 móvil, concediendo los derechos de ejecución pública. Es muy factible que quien toma un producto en licencia, cuya instalación implique un esfuerzo de marketing, comercialización y difusión, quiera asegurar el segundo y hasta el tercer disco de un artista, o quien esté dispuesto a invertir busque la transferencia del contrato del artista. En la negociación de una licencia se discuten ese tipo de opciones, afirma Universal.
El plazo de las licencias son de aproximadamente tres años, pues apostar e invertir en un producto menos tiempo es arriesgado y poco rentable, aunque existen una por dos años que garantizan un sell-off 29, es decir, la posibilidad de vender los ejemplares reproducidos durante la vigencia del contrato por un periodo de tiempo que permita la salida del stock 30 remanente.
Existen igualmente otros bienes fuera del producto fonográfico, de los cuales también se obtienen licencias de video gramas o más conocidos como videos musicales, que hacen parte del contrato, ya sean para un uso exclusivamente promocional o, eventualmente, para comercializarlos.
Así mismo, es de vital importancia para la distribución comercial de los discos, se reúnan los derechos de intérpretes y productores para evitar el proceso dispendioso de solicitar autorización a cada uno de ellos en el caso de tomar decisiones para su comercialización, dando por hecho que se respetaran sus derechos y se le remunerará de la manera acordada previamente. Es importante aclarar que los intérpretes a los que se refirió no solo corresponden al artista principal, con quien se realiza el contrato, sino también a los músicos y cantantes que los acompañan. La distinción entre intérpretes principales y secundarios no figura en la ley de propiedad intelectual, únicamente en algunos decretos y en el estatuto de la Asociación Argentina de Intérpretes (AADI) la cual para ellos es intérprete principal aquel cuyo nombre aparece en la carátula del disco, generalmente es quien firma contrato de exclusividad para grabaciones sonoras y audiovisuales. Para todos estos contratos
29 Período de intensificación de la venta en el mercado lo cual empuja hacia abajo los precios. 30 Acervo o cantidad acumulada de una variable determinada en un momento dado
73 se debe ceder por parte de los intérpretes sus derechos a los productores de fonogramas, dicha cesión es necesaria para la adecuada comercialización del fonograma y los intérpretes no deben preocuparse por darlas. La cesión debe incluir también la posibilidad que el productor utilice el nombre, la imagen y los datos biográficos de los intérpretes, para cada una de las actividades a realizar (CAB, 2003b).
Finalmente en Colombia así como en el mundo entero, la industria fonográfica crece día tras día de manera exorbitante, adaptándose a las nuevas tecnologías de manera inmediata, respondiendo a las necesidades de los consumidores. Las indies cobran mayor fuerza ofreciendo a las majors el producto terminado, la grabación del sencillo o del disco completo, además de empresas asociadas de management y booking de artistas y conciertos, respectivamente. Las disqueras están en el momento preciso para crear nuevas herramientas que les permitan mantenerse en el mercado dinámico y adaptarse estratégicamente al mercado ilegal que los aqueja para así perdurar en la industria.
74
4. Los Medios de comunicación
Es evidente que en el mundo entero la música fue reconocida masivamente a través de los medios de comunicación. Conociendo anteriormente un poco de los antecedentes históricos, es necesario aclarar que aún cuando los primeros artistas iniciaron su vida artística con presentaciones en vivo en plazas, bares y clubes de las ciudades, fue con la llegada de la radio, la promoción en prensa y posteriormente la televisión, que lograron su popularidad, difusión y distribución en masa, fue por esto que a través de los medios se difundieron sus discos y se logró un mayor alcance de público en todo el país. De acá parte este apartado histórico colombiano de los medios de comunicación y su influencia en el desarrollo de la industria musical colombiana.
4.1 La Radio
Tanto el medio radial como el televisivo, fueron importados y articulados (Pareja 1984). Y fue la primera la que dio paso al movimiento mediático musical, introducida por los radioaficionados, quienes desde 1923 trajeron los primeros receptores/ transmisores de baja potencia. Ellos fueron los responsables que se popularizara la transmisión en onda corta por medio de la fabricación casera de radiorreceptores de galena.
Desde 1928 la radiodifusión en Colombia era un privilegio que tenían muy pocos en el país, se reunían para escuchar emisiones provenientes de Estados Unidos, Alemania y Eindhoven (Holanda, sede de la casa Phillips) así como las emisiones de la BBC de Londres y Radio Francia (Pareja, 1984). Esta minoría, junto a la revista Chapinero, fueron quienes presionaron al gobierno para fundar la primera emisora de Colombia, a cual surgió luego de la espera del desarrollo de la difusión mundial de onda larga, dando origen a la emisora HJN (más tarde la Radiodifusora Nacional). Sus siglas se representaban de la siguiente manera HJ” que identifican a Colombia y “N”, de nacional (“Historia de la radio”, 2007). Los primeros colombianos que manejaron la “HJN” fueron: el señor Manuel J.
75 Gaitán, personaje que más tarde formaría parte de los pioneros de la radio colombiana con su emisora la Voz de la Víctor; el Doctor. Daniel Samper Ortega; José de Jesús García, Ministro de Comunicaciones de la época; el técnico Karl Klemp, Gustavo Santos y Eduardo Umaña Bernal, todos ellos directores.
La primera emisora privada liderada por Jesús Amórtegui y Elías Pellet Buitrago en 1929, HKD, cuyo nombre más tarde sería “La Voz de Barranquilla” fue la primera emisora comercial, que operaba en una frecuencia de la banda media y con un formato influenciado por el entorno marítimo de la Costa Caribe. En 1930 la HKF “Colombia Radio & Electric Corporation”; HKA “Voz de Colombia”; y HKB “Voz de Tunja”, fueron de carácter experimental, porque las condiciones legales impuestas por la existencia del Decreto 1132 de 1928, hacían casi imposible el establecimiento de una emisora comercial. Aún cuando la primera emisora comercial conocida fue “La Voz de Barranquilla”, la HKF siendo la primera emisora comercial que tuvo vida en el espacio electromagnético colombiano (“Historia de la radio en un país extranjero”, 2007).
Al principio, estas emisoras eran dirigidas por una sola persona, quien se encargaba de operarlas y en general, de llevar a cabo todas las tareas que exigía cada una de ellas, por esta razón funcionaban intermitentemente, dependiendo de la disponibilidad de tiempo y recursos de sus dueños. Para el sostenimiento económico de las emisoras, los propietarios comenzaron a realizar pautas publicitarias de productos de consumo masivo, convirtiéndose en el medio predilecto de las marcas y empresarios para darse a conocer y la mejor herramienta para sostener el espacio radial económicamente, aún haciéndolo de manera empírica y experimental ( Pareja, 1984).
Por otro lado, los primeros años de la radio, estuvieron perturbados por problemas financieros, pues si los músicos se negaban a tocar por falta de pago, los programas en vivo, que eran la gran mayoría, la programación se detenía y se debía reprogramar en minutos, por lo tanto, buscando nuevas oportunidades de negocio y con el gran auge de los medios de comunicación, los dueños de las emisoras, quienes hasta entonces lo hacían todo
76 solos, buscaron establecer sus estaciones de una manera empresarial para darle más calidad a las transmisiones e innovar en nuevos programas como encuentros deportivos en vivo, programación con obras humorísticas, y programas especiales que cubrían los acontecimientos más importantes ( Pareja, 1984).
El 24 de Junio de 1935, debido a la caída del avión de Scadta en la que murió el cantante Carlos Gardel, se inaugura el radio-periodismo, que consistía en que cada emisora mandaba un reportero que se comunicaba telefónicamente con la estación y narraba el acontecimiento que estaba cubriendo. En el año de 1937, no solo se presentaban problemas políticos, sino también financieros, pues los costos para el sostenimiento de las emisoras eran cada vez más altos, lo que llevó a la HJN, suspender labores, la cual volvió a operar luego de tres años, en febrero de 1940 con el nuevo nombre de Radiodifusora Nacional, la cual transmite hoy día en diferentes frecuencias, con programas culturales, populares y recreativos de diferente orden. Es entonces, en el transcurso de una década de 1935 a 1945, que se importaron modelos radiales de Estados Unidos, incrementando la inversión por parte de la empresa privada y del sector público en los medios radiofónicos como RCN radio, Caracol y Modelar (Pareja, 1984).
De los años setenta a los noventa los grupos económicos entran a la radio. En Barranquilla se hizo el primer pacto de emisoras que obligaba a cada emisora a no arrebatar los locutores a su competencia31. A la vez se incrementan el número de emisoras en cada ciudad. Las cadenas radiales ahogan las emisoras independientes, se cree más en lo ratings32 y la radio pierde su connotación cultural para volverse eminentemente comercial. En 1991 RCN y Caracol, comienzan a utilizar satélites en sus modernas instalaciones,
31 La radio como dinamizadora de procesos sociales y culturales en Barranquilla (Colombia). Juan Carlos Antequera Ripio y Rafael Obregón. Pág. 17
32 Es el porcentaje de aparatos sintonizados a un canal o estación en un momento dado, en comparación con el total de aparatos existentes en un área determinada.
77 pasando por diversas innovaciones tecnológicas como la digitalización y el ciberespacio (Pareja, 1984).
4.2 En la actualidad
Existen emisoras que incluyen programación especial para niños, jóvenes y adultos. La programación es variada y tiene los diferentes géneros musicales que se puedan esperar como, religiosa, folklóricos, tropicales y contemporáneos. La mayoría de las emisoras noticiosas y de programación hablada se encuentran en la banda de AM, mientras que las musicales, se encuentran en FM. No obstante, esto no significa que falten emisoras de formato musical definido en AM como por ejemplo Beverly Hills 1580 kHz, de puro pop y rock; Radio K 1130 kHz, especializada en salsa clásica; Corazón AM 1310 kHz, con baladas romántica; y RCN Bolero 610 kHz, dedicada al bolero exclusivamente. En AM también se encuentran, cuatro emisoras cristianas. MCI Radio 1550 kHz, por ejemplo, transmite un formato de gospel juvenil o música rock cristiana. Se encuentran también varias emisoras del formato llamado "música del recuerdo" o "añoranza", como Radio Reloj 1100 kHz, de la cadena Caracol, y Radio Cordillera 1190 kHz, de la cadena Todelar; La Voz de Bogotá 930 kHz, emisora que pertenece a Todelar, se ha especializado en las baladas de los años sesenta; Radio Capital 1250 kHz y Radio Recuerdos 850 kHz – ésta última de la cadena Caracol transmiten "música guasca" o "carrilera"33.
En cuanto a la FM, en Bogotá hay equilibrio numérico entre las emisoras de formato tropical y de la línea juvenil que incluye rock y pop. También hay emisoras de otros cortes como el clásico en la HJCK que lleva cuarenta y seis años ininterrumpidos al aire; corte instrumental como Melodía Stereo, que se escucha en Miami como Easy listening; la emisora "la frecuencia joven" de la Radiodifusora Nacional de Colombia, la única emisora estatal y libre de anuncios comerciales y emisoras como Tropicana, Olímpica, La Vallenata, Los 40 principales, La Mega y Vibra Bogotá entre otras de géneros tropical y pop, con mayor audiencia en el país (Klemetz, 1996).
33 Ver anexo N° 4
78 El listado de las principales emisoras en FM del país lo revela el Estudio General de Medios realizado por la Asociación para la Investigación de Medios de Comunicación (AIMC) está compuesta por ciento sesenta empresas asociadas, entre las que destacan los medios de comunicación (televisión, radio, periódico, revistas y sitios de Internet) al igual que las empresas vinculadas al sector publicitario (anunciantes, agencias de publicidad, consultores, etc.), muestran las preferencias y altibajos de los medios de comunicación cada seis meses. De esta lista se desprenden las estrategias de promoción de las disqueras o representantes de artistas, pues a partir de estas logra conocer la posición de la competencia, las emisoras mejor posicionadas y el target del artista. Así mismo, es partir de la información del Estudio General de Medios, que se guía la promoción del artista que se convierte en últimas en un canje constante entre el representante del artista o promotor y la emisora, pues diferente a algunos años atrás donde se le pagaba al artista por participar de programas en vivo o entrevistas, actualmente no se le da dinero al artista, a cambio de promoción en la emisora y emisión constante de algún sencillo, debe participar de eventos promocionales de la emisora, como por ejemplo presentaciones con pista en colegios y universidades, también llamados playbacks. Este es el canje que además de efectuarse entre empresas y artistas, se realiza entre medios y artistas.
4.3 La televisión incursiona en la música
La televisión en Colombia nace como un proyecto de Estado, liderado por el General Gustavo Rojas Pinilla, quien había subido al poder el 13 de junio de 1953. El interés de Rojas Pinilla por la televisión nace años atrás en 1936, cuando siendo entonces Teniente del Ejercito Nacional, viaja a Alemania en una misión encomendada por el gobierno de Alfonso López Pumarejo para adquirir municiones para enfrentar la guerra contra Perú. En Berlín, conoció el novedoso invento de la televisión, que ya estaba siendo desarrollado en distintas partes del mundo; la idea quedó fija en la mente del militar, quien al subir a la Presidencia de la Nación siendo General, encomienda al joven Fernando Gómez Agudelo, quien en ese momento era el director de la Radio Difusora Nacional para gestionar todo lo relacionado a la puesta en marcha del proyecto, realizando labores para conseguir las tecnologías y los insumos necesarios para poner en marcha la transmisión de
79 la televisión en todo el territorio nacional (Historia de la televisión en Colombia (2005, diciembre)).
La orden entonces era inaugurar la Televisión en Colombia el día del primer aniversario del gobierno militar de la nación, el 13 de junio de 1954. Días antes de esa fecha, y ante dicho reto operativo, Gómez Agudelo viaja a Cuba a contratar técnicos especialistas en manejo de cámaras filmadoras y expertos en producción de televisión, en lo cual no tenía experiencia en el país, contratando finalmente a unos especialistas de un canal que acababa de liquidar, pues en general, los cubanos no querían colaborar por la dictadura colombiana (Morales, 2004). El 13 de junio de 1954 es inaugurada oficialmente la Televisión en Colombia34, en el marco de la celebración del primer año de gobierno del General Gustavo Rojas Pinilla. Luego del acto de inauguración se pasó a la emisión de los primeros intentos de programas de entretenimiento.
Los programas se hacían en vivo, así como los comerciales. Los cubanos decían que era la televisión de los tolimenses, porque ellos fueron un grupo que repetían todos los días a falta de programas, esos fueron los primeros espacios musicales, que eran hechos por los grandes músicos de la época. El primer programa de concurso se llamó: Ganen el Real con Phillips presentado por Álvaro Monroy Guzmán. Poco a poco se fueron ampliando los espacios televisivos, que eran trabajados casi siempre bajo la improvisación, pues no había una programación instituida. Generalmente se emitía un programa en directo seguido de un pregrabado, esto con el fin de tener un espacio para acondicionar las escenografías y los vestuarios para la siguiente emisión. Unos meses después se abrieron los espacios para la propaganda, todo esto incluyendo los inicios de la música publicitaria (Lápiz mágico, 2007)35.
34 Era un servicio gratuito y prestado directamente por el estado. 35 Se pusieron cuñas (en vivo) al principio y al final de los programas en Noticiero gráfico, creado para hacerle propaganda al gobierno; en el Lápiz mágico, con los mejores caricaturistas y patrocinado por el Banco Popular. .
80 En el ámbito televisivo musical, Gloria Valencia de Castaño, se destacó en 1955 haciéndose merecedora del premio a la mejor presentadora de televisión, por su programa musical “Conozca a los autores”. Otro programa pionero en la industria musical de la televisión fue el conducido por Fernando González Pacheco llamado Agencia de artistas en el año 1957 y Compre la orquesta en la misma década. Aparecieron también las empresas de publicidad como Atlas, MacCann, Colseguros y Suramericana (Pareja, 1984). Quienes alquilaban espacios para patrocinar como obras teatrales, musicales o noticieros, todo esto en formato en vivo (Musicales INRAVISION, 2007).
En la década de los sesenta nace INRAVISION, (1963), Instituto Nacional de Radio y Televisión, Esta institución nace como consecuencia de la crisis económica de los fondos de la televisión estatal, dejando que el sistema de televisión fuera eminentemente estatal para convertirse en un sistema mixto, el estado seguía siendo el dueño de la televisión pero alquilaba espacios a las empresas privadas (Pareja, 1984).
Durante los primeros años solo existía una canal de televisión, y toda la programación era emitida por este, pero en el año de 1967 nace un nuevo canal, que inicialmente se llamó Tele tigre, canal local para Bogotá creado por Consuelo de Montejo, una popular politóloga de la ciudad. El canal funcionó durante tres años y pasó a ser el anteriormente conocido Canal 9, después Canal A y ahora Institucional. De esta época se destacan el primer programa de televisión que duró todo un día al aire, y la participación en shows (Lucho Bermúdez INRAVISION, 2007) en vivo de la Orquesta de Lucho Bermúdez, Matilde Díaz y El club del Clan, conducido por Oscar Golden, entre otros artistas, como la cuota artística representativa de la década del sesenta.
INRAVISION adjudicó en 1965, por medio de una licitación a la entonces programadora Caracol Televisión, cuarenta y cinco horas de programación a la semana, por lo cual en 1969 la entonces división de televisión de Caracol Radio se dividió y pasó a ser Caracol Televisión S.A., con el objetivo primordial de comercializar y producir programas de televisión (Historia Caracol Televisión, 2007).
81
Del programa caza talentos de la programadora Punch, “Mano a Mano Musical” conducido por el luego legendario presentador, Fernando González Pacheco, surgió Jimmy Salcedo con su agrupación musical La Onda Tres, y el reconocido intérprete Mario Gareña por destacar alguno. Así mismo La Onda Tres continuó con su éxito, siendo contratada para varios eventos, como el Festival Enka Moda, donde se reunieron los mejores de la moda en 1976, donde Jimmy y su orquesta fueron el show central con Pacheco, Gloria Valencia, Billy Pontoni y Carmenza Duque, personajes destacados de la farándula nacional del momento. Con la creación de Do Re Creativa TV como programadora, a finales de los setenta, Jimmy se planteó tres retos: hacer una tribuna que les hiciera un poco más fácil el camino de la fama a los artistas, plasmar la mezcla de humor y música en la televisión convirtiendo sus emisiones en la plataforma que acercara al famoso con el pueblo, además de afianzar las relaciones con quienes tuvieran el dominio y poder de los medios de comunicación.
Entre 1974 y 1979 se instituye la televisión a color, pero solo es hasta el primero de diciembre del último año, que se transmite el primer programa oficialmente, anotando que este programa era extranjero. En la siguiente década, se funda la televisión regional con canales como Teleantioquia, Tele pacífico y Tele Caribe. La primera empresa de televisión por cable llega a Colombia en 1987. Con la entrada en vigencia de la Constitución de 1991, el panorama cambió, y se abrió paso a la competencia entre las programadoras, si bien, antes un noticiero a las siete de la noche se podía enfrentar con un musical en el otro canal, desde 1992, se instauraron las franjas, equilibrando la programación, traducido a los programas de un mismo enfoque en el mismo horario. Los espacios continuaban alquilándose y se igualaban las franjas correspondientes a las programadoras.
En el año de 1995 se crea bajo el gobierno de Ernesto Samper, la Comisión Nacional de Televisión (CNTV), respondiendo a la necesidad de un ente autónomo que vigilara la televisión en todos sus procesos. En 1997 la CNTV adjudica la licitación de los
82 dos canales privados Caracol y RCN, que entran en funcionamiento en 1998, lo que dio paso a la creación de la televisión privada (Pareja, 1984)36.
En el año de 2003 desparece por completo Canal A dando paso a Señal Colombia hoy conocido como Institucional y quedando como el único canal estatal del país. En la actualidad los que rigen la televisión son los canales privados y la televisión por cable, en los cuales se encuentran los canales especializados en música que en caso colombiano esta el canal trece con una franja considerable de videos y noticias musicales, además de canales extranjeros como MTV, HTV, VH1 y Pluma, entre otros.
4.4 Mirada de los Medios de comunicación
Los medios masivos de comunicación son los principales actores en la industria de la música para su difusión, pues es gracias a ellos que la música se escucha y se expande por todos los rincones dando la oportunidad de conocer el mundo de una manera diferente. Los medios de comunicación estipulados son la radio, televisión, medios impresos y electrónicos, nombrados en este orden no de forma aleatoria, sino de importancia en la industria según los protagonistas, quienes además de contarnos su vinculación al medio y relación con la música, tienen su perspectiva frente a su papel en la industria musical.
El periodista y comunicador vinculado tiene una perspectiva diferente al músico que igualmente esté en el medio. Quienes colaboraron en este apartado fueron: Juan Carlos Garay, columnista de la revista Semana, Daniel Fraua, productor Caracol radio, Andrés Zambrano, Jefe sección cultural y entretenimiento diario El Tiempo e Isa Catherine Mosquera, DJ 40 principales y cantante, son los actores que cuentan su experiencia y percepción del mundo de los medios de comunicación y la relación con la industria. Cabe anotar que en su mayoría son apasionados de la música o de la labor periodística y por lo mismo su entrega, interés y destreza es notable.
36 La opción mayoritaria era otorgar concesiones en los espacios a las programadoras sobrevivientes.
83 4.4.1 Sus fuentes
Para los tres periodistas y una DJ, lo más importante es estar atentos frente a todo lo que pasa en el mundo de la música y como cada medio se maneja de manera diferente, es necesario mostrar su diferencia.
Las fuentes son las mismas, pero la manera de abordarlas es diferente. Para Juan Carlos Garay, tiene como preferencia previamente a escuchar en medios o leer en periódicos, ir a los conciertos en vivo, conocer la vida musical, que especialmente en Bogotá es muy variada. Sin embargo, aún cuando las noches se convierten en las aliadas intermediarias con los artistas y gente del medio, la relación que este periodista entabla con sus fuentes no es muy profunda, la información que recibe es principalmente de las disqueras grandes o majors, quienes envían información de los artistas que representan, sin embargo, con las indies o disqueras pequeñas son los medios quienes buscan la información de nuevos talentos y propuestas musicales que llegan a estas.
Pero de aquellos de quien se es amigo es bastante diferente, pues con algunos músicos se tiene un contacto más de amistad y por ende su fuente es más directa, pero esto ocurre solo en algunos casos, afirma el periodista. Otra manera de tener un acceso directo a la información detallada es con Sayco, por su amplio archivo histórico y estadístico de la industria musical. Sin embargo, respecto a la búsqueda de la información, hace un análisis crítico de su misma profesión, pues cree que los periodistas deberían dejar de ser menos perezosos y buscar más información, investigar más y tener fuente directa con los actores.
A este periodista se le suma otro experto en el tema, el jefe de la sección de cultura y entretenimiento del diario el Tiempo, Andrés Zambrano. Este periodista, acierta con Garay respecto a que la información relacionada con música, llega de la mano de las pequeñas y grandes disqueras, por medio de comunicados, material sonoro, gráfico, de prensa y ocasionalmente los invitan a entrevistar artistas que tienen considerable presupuesto de producción. Otra forma menos frecuente de acceder a información musical, es estar atentos a
84 lo que sucede fuera de lo previsible, es decir, lo que suena en otros países o los grupos que se están dando a conocer sin tener aun apoyo discográfico, en lo cual coincide nuevamente con Garay.
Las fuentes en la radio resultan siendo las mismas, solo que la relación del medio con ellas es muy diferente. En la industria musical la radio es el medio con mayor impacto e importancia para las disqueras pues es gracias a ellas que la música llega a oídos del público objetivo o target en primera instancia, antes que el disco este en las tiendas. Por esta razón las fuentes de este medio realizan un seguimiento más minucioso y cordial con ellos. El joven Daniel Fraua, ratifica igualmente que la información de los artistas llega de las disqueras, quienes cada martes y jueves, realizan visitas al medio para contarles sobre avances de los artistas que representan, llevarles los discos y el manejo de las relaciones públicas en general. Sin embargo, Fraua explica que mucha de la información que también se maneja es a través de Internet y por medio de empresas que manejan prensa y medios. Respecto a las fuentes en la industria musical, Fraua considera importante retomar la reportería en la radio, que permita conocer la opinión del público frente a la música y la industria en general.
Isa Catherine Mosquera, respecto a sus fuentes no tiene mucho contacto con ellas, pues afirma que sus principales fuentes son los músicos que ella ha tenido la oportunidad de conocer como artista y las disqueras que tienen contacto directamente con el director de programación.
4.4.2 Día tras día
Los medios de comunicación tienen un sistema de operación estandarizado, lo que quiere decir que la información siempre llega de las mismas fuentes y depende del periodista si se amplía, se indaga y confronta. Para Juan Carlos Garay por ejemplo, considera indispensable reflexionar sobre el papel de los medios y especialmente quienes manejan la parte musical, pues para él muchas veces no se da importancia a lo musical y si a la vida personal de un artista, lo que considera finalmente que no es información musical, pero igual
85 hace la salvedad, que a la hora de escribir de música todo se vale, porque al medio lo que le interesa es la noticia. Por esta razón considera que los medios deben buscar mas información y darse a la tarea de conocer un artista que a su parecer sea bueno y no esperar que del exterior lo reconozcan como un artista colombiano que sobresalió, apostándole entonces a nuevos talentos, ampliando la visión de toda la música que sucede en el mundo a parte de las cuatro grandes disqueras, refiriéndose a Sony, EMI, Universal y Warner.
Andrés Zambrano por su parte, demuestra menos interés en lo musical, manifestando que su objetivo como periodista no es la industria musical y tampoco los artistas, porque el medio escribe a un público en específico, no para los artistas, ni para disqueras, aclarando que el target del periódico es bastante amplio, entre los veinte y cincuenta y cinco años. Aclara igualmente que la información que se maneja es de interés puramente informativo y más aun sabiendo que dentro de las prioridades de la industria, los medios impresos son los que menos interés despiertan en la misma, teniendo por tanto menos contagio a la labor periodística, pero más cercanas al mercadeo, explicando sin embargo, que en el caso del diario El Tiempo, no se hace en ningún momento promoción, pero hay ediciones y revistas especializadas como Eskpe que si dan un poco más de atención a todo el ámbito musical y de entretenimiento en general.
La manera como Zambrano trabaja, consiste en encontrar productos de buena calidad, y posicionar música que no ha sonado en el país y ya esta posicionada, entonces conocer el personaje, porque está sonando tanto, pensando siempre en el lector. Claro está, que aunque su apoyo no es Internet, se documenta con guías y listados de popularidad, sondeos de disqueras e información de la región, teniendo siempre la capacidad de anticiparse a los hechos.
En ocasiones, cuenta Zambrano, la disquera llega al medio con la información, pero hay eventualidades como primicias de videos o canciones, a las cuales invitan al medio y se convierte en una oportunidad, pues es el momento ideal para indagar sobre nuevos artistas, mejorar material gráfico o sonoro y actualizarlo. El papel de los medios es capital, porque los
86 artistas no se dan a conocer sino a través de los medios, por eso cualquier empresa tiene su departamento de prensa o de comunicación, encargado de hacer que sus artistas sean noticia y en ese aspecto hay dos planos: que la gente conozca la música y al artista, lo cual es bien diferente. La primera consiste en que el disco rote varias veces en radio; la segunda, dar a conocer su trayectoria, premios y reconocimientos, e incluso, llegan a estrategias, que para Zambrano son éticamente poco profesionales, pero en la industria son válidas, como inventar y crear romances y escándalos. Cita el caso leyenda del manager de Frank Sinatra que les pagaba a jóvenes que llorarán en las presentaciones. Por esas acciones de la industria, el medio debe estar muy atento, afirma Zambrano; “el oyente es ingenuo y cree que las canciones son número uno por las canciones que llaman y votan, pero eso es mentira”, agrega con certeza, sin dar más detalle.
En la radio la situación es bastante diferente, Daniel Fraua, afirma que las emisoras no pelean con el talento, pero que los grupos o artistas que no tiene el respaldo de una disquera, generalmente tiene mala calidad de sonido, entonces pueden haber muy buenas propuestas, pero si el sonido no está masterizado no se puede transmitir en la emisora, haciendo énfasis que el negocio de las emisoras es vender y por ende no se puede vender mal sonido.
Las emisoras comerciales musicales, no se dan el lujo de probar. Si la música viene con el respaldo de una disquera, es porque se llega a la fija, si es extranjero se sabe que va tener acogida, si es nacional, que vendrá con buena calidad de sonido, lo que genera ganancias para ambas partes, medio y disquera. Esta falta de apertura se basa mucho en los permisos que rigen los medios sonoros para conocer el mercado de la música, como es el Estudio General de Medios (EGM), cuando el estudio no está tan vigente y sale cuatro o cinco meses después del último publicado, se puede intentar probar con un artista sin sello discográfico, pero con el estudio vigente, la radio no corre el riesgo, nadie recibe nuevas canciones sin respaldo y esa decisión la toma el Director de Programación.
Fraua en este punto cita como ejemplo a Antonio Casales, antiguo director de programación, quien asegura apoyaba bastante a los nuevos talentos, como el caso de Bonka,
87 un grupo que llegó con un sencillo de garaje, sonó en la emisora por que al director le gusto la propuesta y se arriesgó, los escuchó una disquera y al igual que Sin ánimo de Lucro, los reclutó y obtuvo un producto.
Este periodista explica igualmente, los parámetros de programación, los cuales consisten en convenios y acuerdos, previamente establecidos, es decir, si son artistas o grupos que pertenecen por ejemplo al Grupo Prisa, dueño de Caracol radio en Colombia, como es David Visual, artista internacional, hay que rotarlo con cierta frecuencia, al igual que Adriana Botina con la que también tiene acuerdos y dentro del convenio esta además, que la cantante debe estar en todos los eventos y conciertos que realice Caracol, por que es un artista que el medio radial está desarrollando junto al grupo Prisa, “todo es un negocio”.
Este periodista tuvo la oportunidad, como se mencionó anteriormente, de trabajar con un director de programación, pero luego llegó Alberto Marchena, actual director de la emisora 40 principales, quien además de ser el programador, tiene la directriz de toda la emisora, es quien siempre le apuesta al Estudio General de Medios algunas veces igual que su antecesor o le apuesta a nuevos artistas, por instinto y experiencia en el medio.
Fraua tiene claro que el papel del medio no es desarrollar la industria, pues para eso, anota, están las disqueras. Son estas las que visitan la emisora, muestran nuevo material e intentan convencer que sus artistas tienen las mejores propuestas. Pero tienen claro que su función es hacer dinero, no desarrollar música. El joven periodista agrega que la radio busca clientes grandes que pauten y desarrollar así la parte comercial de la emisora, para cumplir con un presupuesto de venta al mes, por ejemplo, una emisora como Tropicana de Caracol radio, vende setecientos millones al mes, por lo que no se puede arriesgar a promocionar canciones sin respaldo o recién salidas.
Para la selección de canciones, Fraua explica la metodología, que se basa en un programa o software llamado Selector que funciona como un reloj por categorías: A, B, C y D. La categoría A es en el que la canción rota cinco o seis veces al día, lo cual es lo más
88 favorable para la emisora; B ya esta un poco pasada de moda pero que es un “palo”, lo que quiere decir, que fue número uno en su momento; C y D son recurrencias, canciones que fueron éxitos en el pasado, pero que a la gente le gusta escuchar. Así mismo se tiene en cuenta el horario relacionado con lo que más se vende o pautan y no con lo que más escuchan. La hora que más vende es la mañana de 5:00 a.m. - 10:00 a.m., llamados morning shows la pauta es del triple respecto a otros horarios; de 4:00 p.m. – 7:00 p.m. es el segundo horario con más venta; de 10:00 p.m. – 1:00 a.m., tienen buena audiencia, pero no pautan, es la menos rentable.
Al igual que en los medios impresos, cada medio tiene su target, entonces la información o la música en el caso de la radio, debe responder a las demandas de ese target. Y en Colombia esto es de gran importancia, pues para Fraua, la radio en los diferentes públicos, tiene lugar para mucho tiempo. Aun con la llegada de nuevas tecnologías como iPods e Internet, en el país son pocas las personas que tienen la posibilidad de acceder a estos medios, caso contrario a Norte América o Europa. Sin embargo, en Colombia, anota el periodista, se han hecho cada vez más frecuentes los negocios por Internet y citando el caso particular de Caracol, cada vez más se apoya la incursión a estas nuevas herramientas y en cuestión de dinero es notorio el apoyo, debido que la emisora recibía menos de setenta millones en pautas y convenios publicitarios, utilizando nuevas tecnologías, ahora recibe alrededor de quinientos millones de pesos. El ideal, es tomar modelos como el de España, líder en mensajes cortos de texto y descargas por Internet, dando como resultado el 70% de ingresos a las emisoras, mientras que en Colombia no es ni el 5%, pero con la intención, que en el caso de Caracol y aproximadamente en el 2013, se ejecutarán las estrategias de nuevas tecnologías.
Fraua ha tenido la oportunidad de trabajar en televisión y su opinión es bastante sesgada, sin embargo, habría que dejar abierta a investigación, el funcionamiento específico de la televisión respecto a los canales y programas musicales. El impacto musical en la radio se mide por pre-encuestas, grandes encuestas y el Estudio General de Medios, la televisión se mide por rating; en esto Fraua opina que se malversan las emisiones musicales, en este caso audio y video, pues las franjas de música no son de nuevos talentos sino de “payola”, es decir,
89 que se transmiten por dinero anteriormente negociado. Siguiendo con el paralelo, añade, que la radio es inmediata y la producción es más barata que la televisión.
Isa Catherine, actualmente DJ de 40 principales en diversos horarios muestra el funcionamiento del medio, desde otra perspectiva. Antes que nada explica que el nombre de la emisora se debe a la rotación de las cuarenta canciones más importantes del momento. Coincide con Fraua, respecto a las decisiones de la programación, que las toma finalmente el director, sin embargo, agrega que los DJs, proponen y sugieren con criterio musical las canciones que podrían colocarse, siempre tendiendo en cuenta el target de la emisora. Algo que guía bastante son los programas de sondeos, como la “batalla de canciones” en donde se enfrentan dos grupos de un mismo género, preferiblemente una canción nueva y otra más conocida, para saber si la nueva entra a rotación o no. Sin embargo Isa opina que “debería sonar en todo el mundo”, pero esa gestión la hace a disquera con el director de la emisora.
Isa no toca el tema del Estudio General de Medios, tan solo cuenta que cuando la emisora se arriesga con un nuevo artista, surgen apuestas y negocios, como por ejemplo sonar una canción cada hora para saber si pega o no, pero la disquera antes debe pagar un dinero. Las relaciones entre disquera y medio son cordiales, pero en ocasiones hay desacuerdos y eso no es provechoso especialmente para las disqueras.
Volviendo al funcionamiento de esta emisora en particular, Isa destaca que suena lo que les gusta y esté pegando en el momento, volviendo un poco a los sondeos, por intermedio de Internet o llamadas al aire, se conoce esta información que finalmente es analizada por el director, conociendo quien subió, quien bajo y quien salió del top diez.
4.4.3 Desde la perspectiva periodística
El periodista Andrés Zambrano fue uno de los pocos entrevistados que opinó acerca de la industria como tal. Para él, el sistema funciona de la siguiente manera: de un artista que tuvo éxito, tratan de buscar diez más que hagan lo mismo y así sucesivamente, refiriéndose a
90 las disqueras. Por ejemplo si pega el reguetón buscan diez personajes del mismo género y pocas veces se basan en productos de buena calidad, sin embargo hay casos en que hay calidad y se le apuesta todo a un artista, pero no funciona la parte fundamental del negocio, el público. En conclusión, este periodista considera que la industria musical colombiana está pasando por su mejor momento, aún cuando coincide con la decadencia general de la industria musical a causa de la piratería.
Los medios necesitan noticias y el público está siempre ávido de nuevas experiencias a través de la música. Por eso, los periodistas opinan acerca de cómo los artistas deben adaptarse a la industria rápidamente y reinventarse, término en el que todos coincidieron: la reinvención. De esos nuevos talentos y fusiones se desprende la necesidad de “reinventarse”, pues según Garay solo de esa forma se mantiene un artista, da entonces el ejemplo de Madonna, la cual sigue vigente desde el año 83, gracias a su cambio de apariencia, escándalos y estrategias en general, además de su música. Caso contrario, cita a Michael Jackson, quién sigue haciendo lo mismo y actualmente ya no gusta. En Colombia, Garay cree que en este aspecto a los artistas les falta mucho al igual que hacer parte del juego con en el medio de comunicación, pues este por definición propia, siempre esta buscando algo nuevo y sobresaliente.
Fraua por su parte toca un punto aislado, haciendo referencia a los artistas de género alternativo, entendiendo como alternativo, a la música que no es comercial. En una de sus experiencias como DJ, comenta que llegan artistas con música alternativa, con una canción muy comercial, la cual puede sonar y pegar en radio, pero el público siempre pide más y como no hay más canciones comerciales, no tendrá más oportunidad en el medio comercial, como el caso de las emisoras musicales de Caracol. Fraua está seguro que eso es un problema de management y estrategia, sacar primero una canción comercial que pegue, pero que la segunda canción de lanzamiento se aún más comercial y buena, para que el público quede seducido, esa es una de las tantas estrategias rentables tanto para la emisora como para los artistas.
91 La industria, haciendo referencia a las disqueras y el negocio en general, ha tenido que reinventarse y adaptarse en el transcurso de los años, debido que los mercados internacionales se mueven a pasos agigantados respecto al colombiano, por el desarrollo de nuevas tecnologías especialmente. Garay opina frente a esto, que la industria musical ha tenido cambios drásticos en el transcurso de la historia, anota por ejemplo, que hubo un cambió brusco respecto al consumo musical, desde lo tangible, como el acetato, el cassette y el disco compacto que tienen un número limitado de canciones y una duración máximo de una hora a setenta y cinco minutos, hasta un universo virtual en el que se puede bajar la canción que se quiera desde Internet, cambiando el término de disco a canción únicamente; las nuevas generaciones ya no hablan de discos como álbum, hablan de canciones, perdiendo un poco el “romanticismo”, de tener una carátula, letras, fotos, etc.
Por esta razón, el periodista se atreve a decir que la industria no está siendo muy arriesgada y está en búsqueda de un segundo Carlos Vives, dejando a un lado la adaptación a las nuevas tecnologías, porque para Garay, quizá el negocio no sea ya el vender discos, sino en vender “tarjetas electrónicas codificadas”, que se ingresan por Internet para elegir una canción y con eso han pagado los derechos de autor y demás, pero no se tiene el medio físico, todo está en el computador, el disco será entonces para coleccionistas y como artículo de lujo.
4.4.4 Destacados en la industria
Luego del análisis de la industria musical es importante conocer para los medios a que personas destacan, teniendo en cuenta cualquier actor de la misma, de los medios, artistas u organizaciones.
Garay resalta a los artistas Carlos Vives y Totó la Momposina. El primero, porque rescató la música colombiana que venía siendo desplazado, con una propuesta muy interesante del folklore, con elementos que lo hacían más llamativo. Así mismo, Totó con un estilo más tradicional, hizo “A Candela viva” que se unió al rescate del folklore. En los años noventa; había una cultura del rock y la música extranjera, cuando de repente llega el bulle
92 rengue y el porro, citando a grupos nuevos como Mojarra Eléctrica, Cabuya, Huevo Atómico, Curupira, representantes del folklore moderno, que en la escena musical, no industrial, aclara, hay muchos músicos con talento, que están haciendo música que tuvieron como punto de partida esos dos discos “La tierra del olvido” de Carlos Vives y “A Candela Viva” de Totó la Momposina. Rescata igualmente a Otto de Greiff con su columna en el diario El Tiempo en 1955 sobre temas musicales, que realmente marcaron la diferencia frente a la música en Colombia y su impacto de la época.
Fraua rescata al comentarista y periodista, Manolo Belón, pues para él es una persona conocedora de música y siempre trata de agregarle contenido a sus presentaciones en radio, sin limitarse como las nuevas generaciones de DJs. Antonio Casales también lo suma a esta corta lista, pues agrega que es un programador admirable y con bastante iniciativa en la radio actual.
Andrés Zambrano, destaca de la industria musical a Carlos Gutiérrez, que fue presidente de Sony Music durante mucho tiempo y a Humberto Moreno actual presidente de MTM. En el primer caso, Carlos Gutiérrez, logró dirigir durante treinta años la empresa y es la que tiene el 70% del mercado local, acción que no sucede en el resto del mundo, así mismo consolidó el movimiento del vallenato en Colombia, Shakira y demás artistas sobresalientes; y el segundo, Humberto Moreno, es una persona que conoce muy bien el mercado y logró pegar mucha música en los años sesenta y setenta, manteniéndose luego en sello independiente dando de que hablar con productos pequeños, que volvió grandes.
4.4.5 Música y eventos alternativos
Otro aspecto que es factible de ser investigado a profundidad, son los eventos y festivales musicales que alejados de los géneros comerciales, también pueden llegar a considerarse industria y este es el primer paso, conociendo como perciben los diferentes actores estas manifestaciones.
93 Para Garay estas manifestaciones no hacen parte de la industria, pues el considera como industria musical, al disco específicamente en producción, distribución y comercialización del producto como tal, mientras que otras manifestaciones culturales desarrolladas por la Alcaldía y el Estado en general, como rock al parque, Festivales de música especializada, concursos y demás son para él “regalos” que el Estado hace a la comunidad.
Contrario a Garay, Fraua cree que estos eventos realizados por la alcaldía, hacen parte de la industria musical, pues han destacado y colaborado con el crecimiento de grupos, como Doctor Krápula, ya que en los conciertos que realizan en el Simón Bolívar y demás espacios públicos, se logra publicidad y popularidad a través de los medios que cubren los eventos.
4.4.6 Piratería
La piratería es uno de los temas en que todos los actores de la industria musical opinan, a algunos les afecta y a otros no tanto, pero los periodistas, aunque no demuestran mucho interés por esto, creen que es algo importante de comenzar a trabajar con mayor empeño.
Garay hace la aclaración que la piratería no es tan nueva como parece pues esta empieza desde el cassette cuando Philips se lo inventa, el cual permite grabar canciones de la radio, o grabar de discos y hacerlos circular. Sin embargo, con este fenómeno se pensaba que se iba acabar la industria musical y sucedió realmente todo lo contrario, se inició la venta de cassettes originales y la industria enriqueció. Si se hace entonces la comparación, con el mp3 y los formatos comprimidos, Garay piensa que a lo mejor, esto tampoco va a pasar, que la industria musical no se va a acabar, pero en ese punto habría que empezar a cambiar esquemas y tener más información acerca de los formatos y su utilidad.
Si las disqueras le apostaran a ganar menos, Garay creería que habría una diferencia no tan grande entre el disco pirata y un original. Pero existe otro factor que corresponde a la
94 música que piratean que no es precisamente Bach, el periodista cataloga como música desechable o la música sencillamente que no es clásica, para la cual nunca ha representado un problema la piratería, pero si géneros como el pop.
La piratería es algo que también toca los medios, pero para este periodista no es asunto de los medios, sino de las disqueras, y los artistas, quienes hacen campaña de no piratería. Fraua dice abiertamente que a los medios no les interesa la piratería, porque no les afecta su negocio, para él la industria debe hacer nuevas propuestas y alternativas, el negocio de los discos va a cambiar, con canciones codificadas que no se puedan copiar, la industria debe reinventarse igual que los artistas.
Es evidente en este apartado de historia y experiencias actuales de quienes conforman los medios de comunicación en el país, que estos dejaron de lado el carácter puramente informativo para convertirse en grandes industrias y tener un carácter comercial y económico en su gran mayoría. De este negocio, por así llamarlo, de los medios de comunicación y la música, se desprenden todas las variables imaginables de promoción, venta, comercialización y masificación de la industria musical, siendo los medios el principal peldaño para el crecimiento de la misma. Sin embargo, en un sentido más emotivo y conciente de la labor de los medios en su sentido mismo, debe revaluar el valor y el enfoque que se le da al música como tal y la importancia que esta tiene para la educación, la formación de identidad y la integración social, de lo cual son concientes muy pocos profesionales que trabajan en la materia y que consideran necesario un enfoque más juicioso, detallado y responsable de la información y manejo de la música en los diferentes medios acá mencionados.
95 5. Las Organizaciones
Las industrias culturales que gozan de la protección de derechos de autor son el libro, la música, el cine, la radio y el software. Y desde la perspectiva económica, se traduce a la protección de una obra durante un tiempo determinado, el cual se maneja la misma de tal manera que se recibe remuneración que lo incentive a seguir creando y a la disquera recuperar la inversión realizada, aún con el riesgo de éxito o fracaso. Para este mecanismo de protección, los países en desarrollo, implementan normativas estrictas para la protección de la propiedad intelectual (CAB, 2003b), esperando que en Colombia se implementen igualmente, acomodándose a las políticas nacionales.
En Colombia existen cuatro organizaciones encargadas de velar por los derechos de los actores de la industria. Asincol, Asociación Colombiana de productores fonográficos; Acodem, Asociación Colombiana de editoras de música; SAYCO, Sociedad de Autores y Compositores; y ACINPRO, Asociación Colombiana de Intérpretes y Productores Fonográficos. Estas dos últimas serán las que en el transcurso del estudio se profundizarán.
5.1 Quienes son
Asincol, Asociación de Productores Fonográficos, es la cámara o asociación de productores fonográficos de Colombia, sin ánimo de lucro, cuyo objetivo principal se concentra en la defensa de los derechos de los productores fonográficos o conocidos como disqueras. Trabaja constantemente en optimizar los convenios de protección a nivel internacional y en la promulgación de leyes sobre derechos de propiedad intelectual en el país, como lo ha venido haciendo durante treinta años aproximadamente (CAB, 2003b).
Fundada por disqueras, que aún cuando algunas no existen o están fusionadas con las grandes multinacionales, muchas de ellas aún siguen afiliadas a la asociación. Estas son: Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos, Victoria, Metrópoli, Ondina, Daro, Fonotón, Phillips, Ajover, Vergara, Tropical, Disco Curro. En la actualidad son socios: Sony BMG, Discos Fuentes, Codiscos, Sonolux, EMI Colombia, Discos Victoria, Universal Music, Balboa
96 Records de Colombia S.A., Jam Music Ltda., FM. Discos, Warner Music, Discos Dago, Fonocaribe, Discos Orbe, Felito Records y Americana de discos.
Acodem, Asociación de Editoras Musicales, reúne al gremio editorial musical. Participa en la negociación entre autor y editora, reglamenta tarifas que los usuarios de las obras musicales deben pagar por uso secundario en sincronizaciones y mantiene una relación constante con los repertorios de sus miembros, en las actividades de SAYCO, velando por la distribución equitativa de sus ingresos y una participación proporcionada en su consejo de administración.
La editora, es una sociedad comercial que recibe el poder del autor para administrar los derechos patrimoniales de las obras de sus afiliados. Los autores, entregan para su administración, registro, recaudo de sus derechos en el ámbito nacional e internacional. Es la entidad o persona jurídica que realiza inversión económica para crear una infraestructura administrativa que haga posible tomar en administración las obras musicales y proceder al seguimiento de los derechos económicos que se generan nacional e internacionalmente en sus diferentes usos.
ORSA, Organización SAYCO & ACINPRO, fundada por estas dos organizaciones, para recibir el pago de la comunicación pública de la música en todos los establecimientos y entidades usuarias de la misma. De acuerdo a la ley actual, estos ingresos brutos, menos los gastos de administración, recaudo y control, arrojan unos ingresos netos que se distribuyen el 60% para SAYCO y el 40% para ACINPRO, que posteriormente cada una dividirá de la siguiente manera:
• 60% distribución equitativa entre autores y compositores. • 40% divido en 50% productores / 50% intérpretes ( Moya, 2007)
97 5.2 Surgió una necesidad
En Colombia los derechos de quienes están en la industria musical están protegidos y supervisados por SAYCO y ACINPRO. Dichas asociaciones surgieron de la necesidad de proteger los derechos de autor, y así mismo, de la búsqueda de estabilidad y reconocimiento a su trabajo. Esta remuneración y estabilidad se traduce al recaudo que obtienen por la difusión de la música de cada artista, correspondientes claramente a una tarifas establecidas anteriormente en acuerdo con las partes, es decir, con los medios de comunicación y representantes de los lugares de difusión pública, logrando cada seis meses que quienes invierten material intelectual o material en la industria musical reciban sus dividendos.
En estas dos principales organizaciones, quienes supervisan y dirigen las políticas de las mismas, son las personas directamente responsables y beneficiarias de la misma. Según el caso deben estar compuestas por los intérpretes, productores fonográficos, editoras y compositores. ACINPRO con sede principal en Medellín y Bogotá, tiene como junta directiva a intérpretes y productores fonográficos; SAYCO, está conformado por autores y compositores colombianos.
En la historia de estas dos organizaciones, se encuentra plasmada además de la ley para la protección de cada uno de los derechos que estos aplican, el sostenimiento y futuro de un gremio, por así decirlo, de profesionales artistas y empresarios que le apuestan a un escenario conocido desde la antigüedad, perfeccionado con el tiempo y con múltiples vertientes para el futuro como es la música, cada una de las profesiones antiguas, el derecho, la medicina, las ingenierías etc., los músicos no podían quedarse atrás frente a organizaciones que los representen y protejan sus derechos. De la necesidad de protección de los derechos, en un principio de autores y compositores, surgió SAYCO, única sociedad de gestión colectiva de derechos de autor37 existente en Colombia para recaudar los
37 El derecho de autor es una forma de propiedad privada que reconoce una protección jurídica especial al autor como creador de una obra literaria o artística, entendiendo por tal, toda expresión personal de la inteligencia manifestada en forma perceptible y original.
98 derechos de sus afiliados, nacionales y extranjeros. De los primeros por el simple acto de la afiliación y de los segundos por virtud de los contratos de representación recíproca con Sociedades Internacionales con los que tienen acuerdos.
SAYCO, Sociedad de Autores y Compositores, fue creada el primero de junio de 1946, en el teatro Municipal de Bogotá, por un grupo de reconocidos autores teatrales y compositores musicales, como los maestros: Antonio Álvarez Lleras (primer presidente), Jorge Olaya Muñoz, José Benito Barros, Lucho Bermúdez, Bernardo Romero Lozano, entre otros, con el fin de garantizar la protección a aquellos compositores y autores que necesitaban validar sus derechos y que su esfuerzo fuera recompensado, pues finalmente era el trabajo de años, garantizando así, el sustento y bienestar a futuro (Sayco, 2007).
Veintiséis años después, el Congreso de la República reconoció los derechos de artistas intérpretes y de productores fonográficos, llamados "conexos", dando en 1982 la ley que permitió la creación de ACINPRO, Asociación de Intérpretes y Productores Fonográficos. Para el acto de fundación de la sociedad concurrieron trece artistas y doce productores de fonogramas, que eran la imagen artística de la nación. Hoy día, la sociedad cuenta con cerca de cuatrocientos artistas y los mismos productores fundadores (Acinpro, 2007).
5.3 Como funcionan
Ambas organizaciones tienen la labor de crear las políticas de recaudación de los derechos correspondientes a los actores que representan. En el caso de SAYCO, recauda los derechos de autor correspondientes a la comunicación pública de las obras musicales en televisión abierta y cerrada, distribuyéndolos posteriormente a sus asociados nacionales por el simple acto de su afiliación. De igual manera, con los autores y compositores extranjeros en virtud de los contratos de representación recíproca, suscritos con las sociedades hermanas afiliadas38, hace efectiva la recaudación y protección de sus derechos en territorio
38 Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores CISAC con sede en París
99 extranjero, en este caso el colombiano. Así mismo, esta Sociedad se asegura del bienestar social, pensiones, reconocimientos económicos, bonificaciones, auxilios por salud, pensiones subsidiadas, auxilio por muerte, recreación y demás beneficios para sus afiliados, lo cual garantiza a los artistas los mismos beneficios que un empleo de cualquier otra índole. Para pertenecer a SAYCO como afiliado debe ser autor o compositor con mínimo diez obras originales, explotadas públicamente mediante reproducción o comunicación y así mismo las editoras que acrediten representar un número de obras suficientes.
ACINPRO es igualmente una organización o asociación sin ánimo de lucro, que gestiona los derechos conexos anteriormente nombrados, correspondientes a los intérpretes y productores fonográficos, cuya misión es recaudar y distribuir de igual manera los derechos patrimoniales derivados de la comunicación o ejecución pública del fonograma o de sus reproducciones, afiliados a la entidad. Estos espacios abiertos se traducen en establecimientos abiertos al público tales como teatros, cines, salas de concierto, baile, bares, clubes de cualquier naturaleza, estadios, circos, hoteles, restaurantes, establecimientos comerciales, bancarios e industriales y, en fin, donde quiera que se interpreten o ejecuten obras musicales, transmitan por radio, televisión, audiovisuales, a través de procesos mecánicos, electrónicos, computarizados, cable, fibra óptica, satélite, o por cualquier otro medio conocido o por conocerse, en forma permanente u ocasional.
5.4 Mirada de las organizaciones
Las organizaciones se crearon con el fin de garantizar a todos a quienes hacen parte de la industria discográfica y aportan su capital intelectual o material en la misma, la protección de sus derechos y entre ellos está la remuneración al trabajo. Es evidente que la música, en especial para los músicos, intérpretes y compositores no es igual a la de una persona que trabaje para una empresa cualquiera, pues se difunde por todas partes e independientemente del alcance que pueda llegar a tener, local, nacional o internacional, sus bienes que es el resultado de su trabajo debe verse reflejado de alguna manera en la parte económica. De esto
100 parte la creación y la necesidad de fundar organizaciones que de cierta manera aseguren la estabilidad y futuro de todos quienes hacen parte de esta industria.
De este tema parte la creación en Colombia de las diversas organizaciones que surgen de la necesidad de defender sus derechos: Sayco, Acinpro, Asincol, y Acodem Asociación colombiana de editoras. Para cada uno de los actores que aquí hemos enumerado existe una asociación. Los compositores y autores tienen a Sayco; los intérpretes dentro de los que se incluyen los músicos de una banda que hayan participado de la grabación de un fonograma de algún artista, hasta el mismo cantante, junto a los productores fonográficos tiene la oportunidad de pertenecer a Acinpro; las editoras que son quienes registran las canciones tienen su asociación Acodem y finalmente los mismos medios por su necesidad de representación frente a entidades como estas y demás aspectos pertenecen a Asomedios. De esta manera todos están protegidos por la ley en cuanto a sus derechos, sin embargo, existen varias contradicciones, inconsistencias y dificultades para acceder a las mismas por lo que será parte de la conclusión dentro de este estudio.
Cabe anotar que la información aquí suministrada por parte de personas directas que brindarán información, fue prácticamente imposible, pues no revelan detalles acerca de su funcionamiento más que estricta y superficialmente de lo que en sus objetivos, misión y visión estipulan, correspondientes a lo que exige la ley.
5.4.1 Relaciones con los artistas, las disqueras y los medios
Las organizaciones no son quienes se dirigen a los artistas, ni a las disqueras, pues son ellos los interesados en que sus derechos no sean vulnerados. Si estos actores fueran a cada uno de los medios en que su música es emitida, no habría control real de la emisión, sin contar lo dispendioso o imposible que podría resultar, teniendo en cuenta el número de emisoras, canales de televisión, establecimientos públicos de espacio abierto, publicidad y eventos de todo el país.
101 La ley 23 del 82 dice que los artistas tienen derecho sobre la comunicación pública de la música, cada vez que ésta se emita, de ahí parte la necesidad de Acinpro que nace como gremio y reúne a todas las personas que tienen el derecho como intérpretes, artistas y productores fonográficos; Sayco con los autores y compositores; Y Asodem con las editoriales.
Lucero Moya, Directora de oficina Bogotá Acinpro contextualiza el funcionamiento y responsabilidad de esta entidad en la industria musical. Son los artistas como compositores o intérpretes y las disqueras como productores fonográficos y editoriales en algunos casos, quienes deben acercarse a las diferentes organizaciones a inscribirse, para así comenzar a recaudar lo que les corresponde a cada uno. Como se mencionó en el apartado anterior, en el lapso de seis meses se recauda lo correspondiente a cada medio de comunicación, o establecimiento público y se entrega al beneficiado. En algunos casos es la propia disquera la que se acerca como intermediario con sus artistas, comúnmente en el inicio de sus carreras para que estos se afilien a la asociación.
Debido a las políticas de las organizaciones respecto al número de canciones que deben tener compuestas en el caso de Sayco, o grabadas en el caso de Acinpro para poder pertenecer a la asociación, restringía considerablemente a los artistas que no cumplían por diferencias mínimas los requisitos, fomentando la vulnerabilidad de sus derechos. Pero ahora las organizaciones hacen excepciones con artistas nuevos que estén vinculados con las majors, pues de cierta manera les garantizan permanencia y posible éxito en el periodo de exclusividad que realizan las disqueras y contando desde su primer sencillo, la recaudación del mismo.
Por la importancia de las políticas que rigen cada año las organizaciones, deben estar conformadas por los implicados es decir, por los artistas, intérpretes (personas naturales) y los productores fonográficos (personas jurídicas), quienes pertenecen a la asamblea general. En el caso de Acinpro son alrededor de mil quinientos aristas y veinte productores fonográficos que eligen una junta directiva que constituida por tres productores y dos artistas
102 y a los dos años, tres artistas y dos productores. Es la Junta directiva quien da las directrices, las tarifas, orientación de usuarios y seguridad social para los mismos asociados; igualmente así funciona Sayco. A partir de estas directrices los medios de comunicación y los establecimientos públicos deben pagar su tarifa correspondiente y luego distribuirla a los beneficiarios.
Arranca la gestión y se reúne con los radiodifusores, es decir radio y televisión, a través de la asociación que los representa, Asomedios, con la que se hace la negociación. Los medios que no pertenecen a esta, se rigen a las mismas tarifas, por ser la mayor negociación la que los cobija. El ingreso base cuando hacen la negociación con Asomedios, se dicta a partir del consumo musical de cada emisora, una tarifa no tan alta como para no permitir a las emisoras poner la música, ni tan baja que no permita que lleguen los derechos a los intérpretes y productores.
En la actualidad hay control, autoridades competentes como el Ministerio de Comunicaciones para lo relacionado con radio, o la Comisión Nacional de televisión, así como también las Secretarias de Gobierno de los municipios. Las autoridades le colaboran a las organizaciones por que es una obligación legal velar por los derechos de autor. Así mismo trabajan mancomunadamente con el Ministerio de Comunicaciones, el cual les facilita los listados de los medios y tienen que rendir cuentas directamente con Sayco y Acinpro. Esto se regula a través del Ministerio, porque cada emisora, debe mostrar su paz y salvo cada que hacen trámites ante el mismo, lo que asegura que los recaudos se han realizado.
Respecto a los artistas e intérpretes, cuando se firma el contrato con el usuario, dentro de las condiciones, “tienen que enviar una programación en donde indiquen la planilla de musicalización de la siguiente manera: el quince de enero a las tres de la tarde, sonó Alejandro Sanz” (Moya, 2007). El departamento de afiliados y distribución de Acinpro, recibe todos los meses los detalles correspondientes a la fecha, hora, artista y canción emitida, los digita y codifica, para tener el compilado en el mes de junio y diciembre cuando se entrega la distribución del recaudo. Lucero Moya, aclara que no se llama pago, ni regalías, se llama
103 distribución, “se tiene un dinero y se distribuye, no es algo que se genere diferente a la comunicación pública”. Un ejemplo cotidiano de resultados de la distribución, es que en diciembre recauda más el género tropical, mientras que en el primer semestre se mueven más los lanzamientos, lo cual depende de los productores fonográficos.
En Acinpro el porcentaje de distribución es de un (50% - 50%), uno es para el productor fonográfico y el otro para los artistas e intérpretes. Cada distribución se da por canción y acorde al impacto, el cual se conoce cuando se realiza la codificación. Es evidente que el productor recibe más dinero porque representa varios artistas, mientras que el artista solo recibe lo de su impacto. El artista que no este vinculado no recibe distribución, no hay recaudación, pero su productor si recibe el cien por ciento de la distribución. Por ejemplo, esta Universal Music, pero no esta Sin ánimo de lucro, porque para afiliarse un artista debe tener cincuenta temas grabados o cien si es ejecutante, también esta la opción por una estatutaria que rige a partir de este año que pueden ser veinte y cuarenta respectivamente, pero no tendrían beneficio social, sistema de salud, seguro de vida y exequias, lo que se llama afiliación con o sin garantía plena. Siguiendo con el ejemplo, para que una productora fonográfica como Universal este en la asociación debe tener ciento cincuenta temas grabados, fijados en Colombia.
La sociedad no se ocupa de asuntos artísticos y por ende no tiene relación con los medios, diferente a la ya mencionada, se tienen buenas relaciones con ellos, pero son comerciales. Con Sayco la relación también existe, pero hay diferencias que vale la pena aclarar. Sayco es una sociedad y Acinpro es una asociación y en efecto comercial tiene efectos diferentes. Primero nació Sayco, pero en términos de derechos, este solo cubría dos actores, los autores y compositores, pero los intérpretes y productores quedaban sueltos. Los usuarios de los dos son los mismos, por lo que el punto de encuentro seda en los establecimientos abiertos al público.
104 5.4.2 Recaudos
Los derechos de autor son algo complejos y cuando se hace una reunión con radio, por ejemplo, se debe explicar que son derechos diferentes y en la reunión están presentes abogados y demás ejecutivos, el tema es complejo de entender. Lucero señala además, que es más difícil aún explicarle a un tendero que venda cerveza y que igual debe cancelar su cuota respectiva. Por esta razón hace aproximadamente veintidós años, Acinpro y Sayco, por una autorización legal formó la. Organización Sayco & Acinpro (O.S.A.) para el recaudo de los establecimientos abiertos al público, convirtiéndose en una entidad recaudadora, que actúa en nombre de los terceros.
Cabe mencionar que el dinero recaudado por Acinpro, tiene aplicabilidad únicamente el territorio colombiano, es decir que los productores fonográficos en Colombia reciben ganancias aún de artistas extranjeros que suenen en el país. Por el contrario Sayco recauda de igual manera, pero si es un producto del exterior, la sociedad envía el recaudo correspondiente, de ahí parte el que recauden más poco los artistas nacionales que los artistas internacionales.
5.4.3 Adaptación a la industria
Respecto a los recaudos y las diversas polémicas que se generan por los porcentajes recibidos y el envío al extranjero del dinero que se produce en el país, las asociaciones y sociedades buscan la mejor manera de optimizar el servicio, pero esto requiere de tiempo, debido que si se quiere realizar un cambio frente al sistema ya establecido de recaudación, se deben modificar leyes y los demás países también exigirán sus derechos. Se convierte entonces en un movimiento legal y político de mayor magnitud que no es fácil de solucionar.
Por ahora Acinpro esta optimizando dichas políticas hacia el beneficio del producto nacional rigiéndose en dos tipos de contratos: A y B. El primero es el que rige a la asociación en su mayoría y es de mutuo beneficio, que en otras palabras lo que se escucha en cada país, se recauda y distribuye en cada uno, “lo de México se queda en México y lo de Colombia en
105 Colombia”. Sin embargo, el contrato tipo B, responde a los cambios constantes de la industria y el mundo globalizado, en donde las relaciones en la industria da apertura a música de todas las partes del mundo. Con el contrato tipo B, lo que se escucha acá de Alejandro Sanz, se le manda Alejandro Sanz y lo mismo con un artista nacional que le llegue su dinero desde cualquier parte del mundo, pues ahora lo que se gana lo recibe todo el productor.
En general, aunque en este estudio tan solo se profundizó en dos de las Organizaciones, con mayor reconocimiento y además que involucra a la mayoría de los actores mencionados, es importante reconocer el aporte significativo de las mismas dentro de la industria musical tan variante y tan dispersa en algunos momentos, haciendo referencia a la dimensión de sus consumidores y nuevas tecnologías, que en un momento del desarrollo de la misma, convergen y afectan de manera significativa los intereses de quienes pertenecen a estas organizaciones. Por lo tanto, es de vital importancia que además de la información que puedan suministrar estas organizaciones a sus posibles apoderados, la relación entre los mismos debería ser mas cercana y crítica, evaluando diferentes factores sociales y económicos que permitan un equilibrio de intereses y así ninguna de las partes sentirse vulneradas y lograr un desenvolvimiento satisfactorio para la industria nacional.
106 6. Conclusiones
Esta aproximación a la industria musical en Colombia, desde sus inicios hasta nuestros días, muestra claramente la evolución industrial, tecnológica y mediática que el mundo en general ha desarrollado y que en el país, aún en forma tardía, presenta cambios representativos desde las diferentes perspectivas que abarca.
Es evidente que las experiencias de los actores entrevistados y la historia que acompaña cada atmósfera en que se encuentran, tiene diferentes perspectivas y es necesario concluir cuales son los puntos álgidos y las oportunidades que se presentan en la actualidad en la industria musical. Para lo cual, hay que aclarar que algunas de estas conclusiones pueden estar sujetas a omisiones importantes debido a la restricción de información, lo cual ocurre específicamente con las disqueras, quienes en el momento de la recolección de información se mostraron renuentes, por las diferentes estrategias internas de mercadeo y opiniones parcializadas frente a su competencia. Sin embrago, son los intérpretes, compositores, disqueras y medios, quienes arrojan las principales conclusiones y perspectivas de la situación en Colombia.
La investigación, tiene como fin que otros la tomen como punto de referencia para profundizar aspectos que superficialmente se mencionaron, enriquecer los datos que no pudieron ser recolectados, organizar en mayor detalle momentos, etapas y modificaciones que haya sufrido la industria musical en determinadas instancias históricas39, debido que es un medio vulnerable a los cambios tecnológicos, económicos y mediáticos, además de temas que han adquirido bastante fuerza y requieren de un trabajo de campo profundo para su comprensión y análisis, como es el de los managers y el booking.
Haciendo alusión a los datos faltantes, es necesario aclarar, que la información proveniente de las disqueras y la asociación Sayco, fue complicada y en el caso de la última, imposible, pues respecto a sus políticas internas en cuanto a tarifas, ganancias y
39 Tal como lo menciona Pareja (1948)
107 demás elementos que solo se conocen trabajando en el medio y con un voto de confianza, se pueden identificar, en mi caso, específicamente como estudiante de Comunicación Social y aún habiendo incursionado en la industria dentro de mi experiencia por algún tiempo no me fue posible acceder a tal información, que seguramente hubiera podido brindar datos más específicos que explicarán a nivel interno de contratación, ganancias y licencias que no son claras a simple vista.
Sin embargo, sin ahondar en lo que no se logró conseguir y de lo cual no se debe especular, los datos y testimonios encontrados permiten identificar entre quienes estructuran el mercado de la industria.
• Más de 5000 autores y 2200 intérpretes, algunos inscritos en Sayco – Sociedad de autores y compositores - & Acinpro – Asociación colombiana e intérpretes y productores fonográficos.
• 9 empresas editoras de música agrupadas en Acodem (Asociación Colombiana de Editores de música); 5 empresas que no pertenecen a dicha agremiación.
• 20 compañías productoras fonográficas representadas por Asincol (Asociación colombiana de productores fonográficos)40
Habiendo realizado las divisiones de los actores que intervienen en la industria, es necesario resaltar los resultados independientemente, aunque estos se unan en diferentes puntos, para luego tener una mirada global de la aproximación de la industria.
40 Ver anexo N° 3
108 6.1 Los Artistas
Respecto a los intérpretes y compositores, también denominados durante esta investigación, como artistas, tienen varios aspectos que estudiar y desarrollar, de lo cual depende su futuro prospero en la industria internacional y con un objetivo diferenciador y significativo frente a la industria latinoamericana, en primera instancia.
Los artistas tienen un dilema respecto a lo que quisieran hacer y lo que realmente están haciendo por defender sus intereses. Muchos de ellos afirman, que si fueran un grupo unido y fuerte en un sindicato por ejemplo, podrían tener el dominio de las políticas de precios, marcando considerablemente las diferencias con artistas extranjeros, asegurando además, la eliminación de brechas entre ellos, originadas por géneros y subculturas musicales, que ayudarían a fortalecer los vínculos y organización de los mismos. Pero lo que no han considerado, es que su interés de unificación es bastante idealista y subjetiva, pues la primera necesidad de un artista, no es que tan bien estén las relaciones con sus colegas, o cuantas organizaciones los congreguen, sino el beneficio propio, la satisfacción personal del trabajo recompensado y la movilidad del negocio, porque es su “empresa” su producto el que debe subsistir para trabajar en aquello que es tan efímero y tortuoso de alcanzar.
Esta ingenuidad y esperanza de organización conjunta, se debe en parte a la carencia de herramientas que se imparte respecto a la industria desde la educación hasta los mimos canales de comunicación para acceder a ella. En Colombia, la educación musical no tiene el valor que se requiere en este mundo globalizado y necesitado de las artes para su desarrollo integral, comenzando por el número de horas dedicadas al mismo y las oportunidades limitadas de estudio particular de este oficio de la música. Si así fuera, en el sentido idealista de los intérpretes y compositores, seguramente ellos mismos, conocerían antes de su experiencia, la importancia social, económica y política que esta genera; tendrían las armas tangibles e intangibles para lograr la excelencia musical, dando paso finalmente a una competencia sana, con conocimiento del mercado y mayor calidad musical.
109
A esto se suma y lo cual es evidente en estos tiempos, el talento, el cual le da fuerza a la industria, proporcionando herramientas conjuntas, como es el caso del folklore, que ha tomado fuerzas con nuevas propuestas de interpretación que bien desarrolladas y apoyadas, podrían exportarse como producto autóctono que el mundo entero quisiera escuchar.
Es en esta variedad y multiplicidad que se tienen por tradición en el país, es que la industria se ha ido dando cuenta poco a poco que puede explorar e invertir, teniendo en cuenta que además del disco o producto tangible fonográfico, entrelaza, un sin número de actividades que dinamizan el negocio como tal. En Bogotá, como capital, por ejemplo, cada día son más los grupos y solistas que se arriesgan a explorar géneros antes no desenvueltos, como el jazz, el reggae, la música fusión41, así como las diferentes vertientes del rock, entre otros, géneros que el músico y profesor, Enrique Ardila denomina como “tribus urbanas”, generando espacios reconocidos para la apreciación de música en vivo, que adquiere un público y finalmente logra un posicionamiento en la industria, siendo este un proceso lento, pero muy halagador y de exploración. Sitios más reconocidos son, “Anónimo” “Casa de citas” “Casa Buena Vista” y otras tantas que le apuestan a estas nuevas expresiones y que pueden desarrollarse como industria comercial musical, apoyadas por grupos sectorizados y especializados que han adquirido bastante fuerza actualmente. Esto es lo realmente destacado, pues esta música que para muchos aún no es comercial, poco a poco se ha ido convirtiendo en música comercial; el reggae ha ganado adeptos y la música fusión se escucha en todas las discotecas y ha generado voz a voz, que sin saberlo se ha dispersado en todo un público juvenil y adultos jóvenes, lo que se parecería a países del mundo, como Estados Unidos, Gran Bretaña, Francia y España, que desarrollan estilos, que décadas más tarde llegan a otros países como el nuestro y se apoderan de la iniciativa de aquellos que también quieren explorar con el toque local, cada género nuevo. Tal es el caso del rock, del cual se comienzan a ver composiciones destacadas en español veinte años después de los fenómenos rockeros como el funk, el esk y el reggae.
41 Fusión de varios géneros confirmando uno nuevo. En Colombia se distingue la fusión entre folklore o latín y electrónica.
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Para adquirir el valor de arriesgarse y defender sus creaciones a todo nivel y en eso coincidieron todos los entrevistados, es indispensable recuperar la dignidad y posición del artista, iniciando por ellos mismos. Esto también es parte del trabajo que se puede vigorizar con la educación, pues a partir de esta, los artistas manejarían de manera practica los valores que en algunos casos profesan o que simplemente deberían tener al ser personajes públicos, dignos de reconocimiento y ejemplo para la sociedad en cada caso. Lo cual indica que el mismo músico no se vea como la persona que bebe licor sin control, el que no tuvo una formación académica y demás preconceptos que hay con relación al músico en general. Defendiendo con argumentos y constancia, las exploraciones que se realicen de nuevas propuestas musicales, obstaculizando de cierta manera las dinámicas del mercado que encuadran y encasillan los gustos no solo de los consumidores, sino también de los artistas.
Para esta fortaleza en el mercado musical, el artista no debe estar solo, necesariamente debe recurrir a personas especializadas en diferentes campos que de manera integral logren posicionar su música. Un intérprete o compositor por si solo, no logra en ninguna parte del mundo, incursionar en la dinámica de la industria. Aún cuando existan concursos abiertos al público como los realities, en los que tienen acceso a todas las personas que deseen llegar rápidamente a la fama, que es lo que buscan la mayoría de aficionados a la música. Independientemente de los caminos cortos o largos, finalmente el artista, debe valerse de delegados y otorgar licencias para su representación, porque si bien puede grabar un disco, aún con ayuda de expertos en el tema, no conoce la operación de la industria en los medios masivos necesarios para comercializar el disco, mantenerse y/o posicionarse en el mercado.
6.2 Las Disqueras
Respecto a las disqueras es evidente el cambio que han tenido en las tres últimas décadas gracias al desarrollo tecnológico. Como se mencionó en los capítulos anteriores, fueron los avances tecnológicos los que emprendieron un movimiento comercial
111 descomunal, con el soporte de los aparatos de reproducción, como la interacción de la industria con Internet. Este avance y adaptación a nuevos mecanismos de comercialización, se convirtieron en la oportunidad perfecta de negocio, acompañados de estrategias de mercado dirigidos a la reinvención de artistas. Para esto los roles que día tras día se fueron incluyendo, se hicieron parte indispensable, de tal forma que existen cargos especializados y únicos para cada aspecto, mercadeo, publicidad, distribución, promoción, entre otros ya mencionados en apartados anteriores.
Igualmente, esta adaptación responde no solo a los avances tecnológicos, sino también a las necesidades de los consumidores, que están relacionadas directamente con la tecnología, siendo ellos quienes demandan el producto a través de las nuevas tecnologías y del ciberespacio, además de ser quienes han generado la mayor de las crisis de la industria: la piratería. Las disqueras se han visto avocadas por este fenómeno ilegal que aún cuando se pensó iba a ser el fin de la industria fonográfica con la llegada del cassette, no sucedió, actualmente se sigue teniendo el mismo recelo y prevención respecto a los formatos regrabables y los programas que permiten su descarga en la red, pero para esto las disqueras buscan a diario nuevas estrategias que sopesen la situación. Las barreras del conglomerado musical abarcan entonces desde la incertidumbre respecto a la demanda, estrategias de inversiones en promoción, distribución, publicidad y estructura oligopólica, hasta la adaptación a nuevas tecnologías.
Según el estudio del convenio Andrés Bello del Impacto del sector fonográfico en la economía colombiana, evidencia que el acceso a la música es limitado, por lo que disminuye la demanda del mercado y por ende la competencia entre los actores. En el caso latinoamericano, el volumen de discos y cassettes vendidos en el 2001 es solo 10% mayor que el alcanzado en 1993, lo que indica que la gente en el país no tiene los recursos económicos suficientes para comprar música original, mientras que Internet, luego de ser para uso de una minoría, este medio se masificó, logrando el acceso rápido y económico, facilitando a los programas de descargas de música algo asequible a todas las personas.
112 El CD o MP3 son las herramientas más conocidas de grabación y descarga de música que luego del cierre del gran programa mundial Napster, surgieron nuevas redes descentralizadas de intercambio de archivos, que al no tener un servidor central, no son vulnerables de ser demandadas por las disqueras.
Esto corresponde no solo a la diferencia de precios, entre la música pirata y la original, sino también que la gente ya no consume un disco completo de un artista, prefiriere tener varias canciones favoritas de varios artistas, lo que ha llevado a replantear la distribución y difusión de la música. La situación ha generado además de nuevos caminos como los celulares, ha nivel del producto discográfico, considerar con considerables etapas del año, realizar compilados de las canciones más populares en un año, lo que genera indiscutiblemente más ganancias en la compra de CDS originales.
Realmente aunque de cierta manera la piratería afecta a las disqueras, ellas siempre están buscando mecanismos que den equilibrio a sus ganancias, como las mencionadas alianzas con compañías, que de cierta manera puedan interactuar con la música y que seguramente surgirán nuevas ideas, los compilados y la música de catálogo que realmente sostienen a la industria en todos los países del mundo, pues venden más la música éxito en décadas pasadas o también denominados clásicos, que los artistas de moda, que son clonados fácilmente y no se conoce la dimensión de su permanencia en el mercado de la música. sin embrago, la piratería afecta de manera considerable al artista, pues son ellos quienes reciben la menor parte de las ganancias en inversiones que requieran riesgo o estén amenazadas por este flagelo, pues con lo que se recupera o gana, se cubren los gastos de producción, promoción, derechos y demás, dejando en último lugar los beneficios para el artista. Así mismo, el artista latinoamericano y colombiano, por supuesto, es quien recibe menos regalías de parte de las majors, quienes a pesar de invertir bastante en artistas locales, reciben grandes ganancias respectos a los artistas anglosajones, que exigen regalías más altas, viéndose en desventaja, nuevamente los artistas.
113 Esta adaptación y continuo cambio se ve reflejada de igual manera en una de las actividades principales de las disqueras, la distribución. Según Guillem Baladia Puche, Licenciado en Geografía por la Universidad de Barcelona, “lo más sensato, en este momento de cambio, sería adaptar las leyes a los nuevos sistemas de distribución de la industria musical, dado que se ha constatado la incapacidad de las leyes actuales para afrontar los desafíos de las nuevas tecnologías y de los nuevos procesos de distribución”, lo cual se puede lograr respetando los derechos de autor y los derechos de privacidad, tendido en cuenta los intereses tanto de la industria como de los consumidores. La cuestión es como se logrará. Las descargas por la red ahora tiene nuevos mecanismos para cobrar las mimas, sin embrago, no pasará mucho tiempo, antes que expertos en la red, descubran la manera de hacerlo, sin costo alguno.
Otro aspecto a destacar además de las nuevas tecnologías, es el avance mediático y de relaciones publicas tan extenso que deben manejar día a día para generar el impacto y la cobertura que se requiere para obtener lo esperado con cada artista o producto. Son precisamente las Relaciones Públicas y los Medios de Comunicación, los promotores de la creación y desarrollo de la industria. Las disqueras se preocupan ahora más que antes, por mantener relaciones sólidas con los medios de comunicación al igual que con los grandes empresarios, con los cuales constituyen dinámicas y alianzas de mercado que favorecen mutuamente cada industria, por alejadas que parezcan.
Claramente, las estrategias en la industria musical en todo el mundo, funcionan apostando a los géneros que se imponen como moda, en Colombia el tropipop, vallenato y regeeton, son los géneros de moda que impulsan cualquier inversión en lo que comprendió el año 2006 y lo que resta del 2007. Apostarle a otro género es un riesgo y requiere de estrategias fuertes de promoción, difusión, distribución y publicidad para poder destacarse y acceder al mercado comercial, que finalmente si tiene éxito, será igual que los demás géneros de moda.
114 Muchos de los elementos ya mencionados, como géneros, disqueras majors o indies, estrategias de mercado, surgen las competencias locales de la industria que corresponden a: los intérpretes y compositores de éxito, en esta categoría se destacan comos se mencionó anteriormente la música de catalogo, es decir, de gran auge, en décadas pasadas; la novedad o éxito repentino, como el caso de Bonka, que abrió puertas a bandas de tropipop, alejándose de los solistas como Fonseca y Carlos Vives y generando además participación masiva de colegios y universidades, con ayuda de los medios de comunicación y audiencia juvenil, lo que se traduce en un movimiento considerable para un grupo nuevo, que genero novedad; el soporte tecnológico con el que puedan contar en la producción del disco, que se refleja en calidad de sonido, respaldo y aceptación por medios y oyentes; y por último la temporada del año, que generalmente corresponde al género identificando, por ejemplo, la música tropical o bailable, como el vallenato, la salsa, el merengue, tropipop, entre otros, propicia para los meses de fiesta como final de año, y los lanzamientos y música en su mayoría pop y balada en el primer semestre del año.
Otro elemento importante que tienen en cuenta las disqueras para el posicionamiento y mantenimiento de un producto, es el establecimiento de precios, los cuales responden a la demanda, que como bien se mencionó, se vende más la música de catálogo, que la música actual. Generalmente por la difusión radial se pensaría que los artistas más populares y sonados, son los que mayor ventas representan y aunque evidentemente logran tener un número considerable de copias vendidas, luego de su auge, que en general siendo un artista local, dura cinco meses, antes de salir un nuevo disco, los internacionales lo logran en un año, contando las giras, no representan a largo plazo ventas considerables. Los grandes ídolos musicales, son quienes mantienen a largo plazo las ventas en tiendas musicales y dan reconocimiento a las disqueras. En el exterior se pueden nombrar a los ingleses Beatles, irlandeses U2, mexicano Vicente Fernández, Elvis Presley, Pink Floyd, Let Zeppeling, entre una larga lista de celebridades; y en Colombia, Darío Gómez, Gali Galeano, Oscar Golden, Carlos Vives y Diomedes Díaz, entre otros. Son ellos quienes con su música de catálogo, logran la mayor venta para las disqueras, lo cual se evidencia en cada país, con artistas de gran trayectoria.
115
Estos elementos son los que en resumen, clasifican la música y le dan un valor económico, teniendo en cuenta si pertenecen o no a la música de catálogo o son novedad; composición o artista; marca comercial; localización de la tienda; canal de ventas; temporada del año; número de productos; gancho de producto, componentes que entrarán en la dinámica de la distribución y manejo de ventas, en lo cual la industria musical, ha entrado en dinámica con las tiendas de música, que buscan una experiencia de compra, cada vez más agradable, con mayor calidad de servicio, variedad de productos relacionados con la música, clasificaciones, especificaciones y variedad, que motivan a los consumidores a invertir no solo por una experiencia de compra, sino también por calidad de producto.
Entre los intérpretes, compositores y disqueras, se identificó un actor de vital importancia en la industria musical. El Manager como se le conoce mundialmente y que también podría llamarse, Representante artístico, es el motor del desarrollo del artista en el mundo complejo del negocio de la música.
El manager actúa como un “Money maker42” que trabaja constantemente por la vigencia del artista, tendiendo en cuenta que la música es efímera, no tangible y quien la interpreta es igualmente efímero. En Colombia hay muy pocos managers reconocidos, son personajes que han tenido experiencia con grandes artistas que finalmente se internacionalizan. Tal es el caso de Julio Correal, con Aterciopelados, Gonzalo Gutiérrez, con Juanes y Bonka, por nombrar algunos, siendo en su mayoría los artistas colombianos sus propios manager, o amigos y conocidos, la misma familia o personas del extranjero que acompañados de artistas de otros países reconocen el talento colombiano y los “apadrinan” por así decirlo. En Otras oportunidades han sido personas con un gran dominio de las relaciones públicas que posiblemente hayan trabajado en medios o eventos, conociendo la dinámica interna del negocio y los contactos necesarios para el mismo.
42 Fabricante de dinero.
116 Para que un artista acceda a un manager de mayor o menor categoría o experiencia, debe tener el producto listo, o unas maquetas bastante convincentes para que se arriesguen a representarlo y comenzar a conseguir contactos que generen el éxito esperado. Los managers son personajes que han trabajado en la mayoría de los frentes de la industria musical, muchos de ellos son en esencia músicos o con carreras afines, han trabajo en medios, en asociaciones o simplemente como empresarios en grandes disqueras. En la mayoría de los casos, los promotores de radio, funcionan como manager, porque conocen el producto, el medio de la radio y tienen los contactos necesarios para que el artista se destaque y logre un posicionamiento notable. Sin embargo, se queda corto cuando ha de expandirse en otros campos, como en la contratación con grandes empresarios, alianzas estratégicas empresariales y contactos en el exterior, que abrirán el mercado en otras plazas para generar mayores ganancias y reconocimiento.
La labor de los managers es fundamental, pues son ellos quienes se encargan de mover los hilos de la industria, las relaciones públicas y negociaciones, en tanto que el artista se dedica a la parte espiritual y de talento, creando un equilibrio entre lo artístico y el negocio. Al ser parte fundamental y ser el mentor del artista que se convertirá en ídolo, los managers reciben una remuneración considerable buena tanto o más que el artista. Los acuerdos entre las dos partes son generalmente del 30% para el manager y el 70 % para el artista, sin embargo, mientras más famoso sea el artista, mayor porcentaje recibe el manager. Mientras que un promotor que ejerce esta misma función o que también se hace llamar intermediario en contrataciones y representaciones del artista, recibe entre el 10% ó el 20% como máximo. Los artistas de la vieja guardia, trabajan principalmente con intermediarios y promotores, el manager son ellos mismo, pues ya conocen las dinámicas de la industria, mientras que para un artista nuevo, debe someterse a la experiencia de un manager, que por supuesto, impondrá sus políticas de ganancias.
El manager se encarga igualmente de manejar los conciertos y contrataciones de presentaciones en diferentes formatos, lo que se denomina en el medio como Booking. En estas negociaciones el manager obtiene el 25% y lo restante el artista. La negociación de
117 los contratos depende del formato y el lugar, entiéndase como formato si es en acústico, media banda o banda completa y playback43; así mismo el tiempo de interpretación, que puede ser de 45 minutos diez canciones ó 30 minutos cinco canciones.
Los artistas colombianos dependiendo del género oscilan entre cuarenta millones de pesos, Iván Villazón; veinticinco millones, Bonka o Fonseca; diez millones Tinto; cinco millones Wamba, lo que corresponde no solo a la trayectoria sino al éxito obtenido y los premios recibidos. Estas cifras pueden varían aproximadamente cada tres meses en un caso de gran éxito, pues si el artista ha tenido en la radio cuatro canciones exitosas, ha ocupado un lugar entre los veinte primeros durante seis meses y posiblemente haya tenido alguna nominación a un premio musical, su valor se incrementará y es en el transcurso de este tiempo que las cifras pueden subir de tres a cuatro millones de pesos. Así mismo pueden mantenerse por un año, si el sencillo o el disco no han tenido el éxito esperado, manteniendo un valor considerable que permita obtener las ganancias esperadas.
6.3 Los Medios de Comunicación
Los medios de comunicación en la industria musical juegan un papel fundamental y prácticamente indispensable en el desarrollo de la misma. Fueron el primer camino de difusión de la música comercial, de hecho lo que no se escuche en radio, sea nombrado en periódicos, revistas y salga en televisión no es comercial y no se vende. Además de todas las ventajas en el aspecto económico, los medios de comunicación, son los generadores de participación ciudadana y por ende de las audiencias.
Sin profundizar los ámbitos que interactúan en los medios, en lo relacionado a la industria musical, se encuentran en la misma dinámica que las disqueras, aunque tal vez de manera más frívola, pues en el caso de la radio específicamente, no es tan importante en la esfera musical tanto como en el negocio. Aún con la variedad de actividades y programas radiales que mueven la industria musical diariamente y la televisión con los espacios
43 Pista y voz
118 nuevos que ha generado, Internet con su distribución masiva, acceso rápido y económico, además de los medios escritos, que generan opinión de diferentes personajes representativos o melómanos, la radio sigue siendo el medio por excelencia de la industria musical, hasta que las nuevas tecnologías tal vez, la opaquen.
La radio es la que marca las pautas de difusión y popularidad de las principales canciones en la semana, del mes y el año, haciendo una competencia cada vez mayor entre las emisoras, y los géneros musicales. Sin embargo, más allá de la variedad, versatilidad, creatividad e improvisación de la programación, son las alianzas estratégicas de las emisoras con las disqueras, managers y empresarios, las que pautan cada una de las franjas que conducen al éxito de la emisora y por ende de los artistas. Toda la industria es un todo entre medios y empresas, es la unión importante que justifica a la misma.
Cabe anotar, que la televisión tiene actualmente una participación importante en la industria musical. Lo que se ve y escucha en televisión, tiene más audiencia y por ende se vende más, que lo que únicamente escucha en la radio, debido tal vez, a que interactúa la imagen del artista lo cual ayuda a una identificación más próxima al público y mayor recordación. Así mismo en la televisión pueden mostrar diferentes versiones de una misma canción, en concierto, en show de televisión, en playback, en media banda y en video, lo cual genera, con mayor fuerza el posicionamiento y apego de un sencillo. El fonograma como el video grama se convierten en dos maneras de explotar una sola canción, logrando mayor cobertura. Esto solo en el caso de un sencillo o aun álbum como tal, pero a esto se le une los formatos que la televisión se ha ingeniado para crear ídolos musicales, con la continua interacción del público. Los realities Show, son actualmente los programas de televisión con un porcentaje considerable de rating en todo el mundo, que integran un solo país, o continentes con señal por cable para todo el mundo. Tal es el caso de American Idol, Latin American Idol, de la cadena Sony Entreteiment Televition, Rock Star de People and Arts, que tiene transmisión internacional, e integran concursantes de continentes enteros; como también, Operación Triunfo en España, como reality local, y Factor X en el caso de Colombia.
119
De este fenómeno de realities, se logra dinamizar la industria musical de manera exorbitante en diferentes ámbitos, desde el encuentro de nuevos talentos que no pertenecen a la dinámica de la industria como muchos de los artistas consagrados llevan en el medio, sino como cualquier ciudadano que tiene el talento y desea tener una carrera musical o simplemente fama, como las alianzas y apoyos publicitarios que patrocinan cada programa, y también el refuerzo de canciones éxito de diferentes artistas ya reconocidos que los concursantes interpretan como covers en cada presentación.
Por ende entran en la dinámica de la industria musical, impactando masas y generando dinero. Incursionando igualmente Internet en cada uno de estos medios masivos de comunicación, pues sea radio o televisión, ambos tienen enlace con Internet. Hoy es impensable que haya una empresa y en este caso, medio de comunicación, sin un sitio web. Cada emisora, cada reality, tiene una página que permite una interacción, aún más cercana, con mayor información e interactividad, que la que puede ofrecer el medio en si mimo. En radio no bastan las llamadas al aire, para participar en concursos y pedir canciones, hay chat de opiniones, avisos publicitarios de nuevos discos, biografías de artistas, noticias de farándula; en televisión páginas enteras de los concursos y sus participantes, opinión, videos musicales, entrevistas, desconectados y demás.
La radio se ve igualmente amenazada por las emisoras virtuales, las cuales además de tener un bajo costo, comparados con las tradicionales no requieren licencias de operación y tienen cobertura mundial. Por esto las emisoras tomado la amenaza como una oportunidad intentan adaptarse rápidamente a la transmisión por Internet.
Los medios además de su aplicación a la tecnología, son generadores y promotores de nuevas industrias por su misma razón de ser. Los medios que transmiten y promocionan la música comercial, muestran imágenes y sonidos que con cada repetición, se convierten en moda, rápidamente, por lo que finalmente es el medio, el que impone no solo al artista, sino un género musical en conjunto, impulsando varios artistas de un mismo género si uno
120 de ellos tuvo éxito, convirtiéndolo en moda; y en el caso de la imagen, ocurre exactamente lo mismo, en cuanto mas se vea un artista, su público comenzará a seguirlo y a imitarlo, lo que lo posiciona como un ídolo musical.
Pero así como el medio genera modas, estilos de vida y preferencias, el público también modifica la industria constantemente, pues este se cansa y demanda novedades continuamente, exigiendo en ambas partes la adaptación igualmente al público que crece, a las sub-culturas que se crean, a la tecnología, como ya se mencionó y a la realidad nacional, con formatos y estilos que reflejen lo que el público quiere escuchar.
6.4 Las Organizaciones
Referente a las asociaciones o sociedades de la industria existen varias discusiones respecto a la información suministrada por las mimas, pues tanto los artistas principalmente, autores, compositores e intérpretes no conocen o no se toman el trabajo de conocer los derechos que cubren dichas organizaciones y las implicaciones que estas responden. Alegan igualmente el porcentaje “injusto” (Golden) del cincuenta, cincuenta entre productores fonográficos e intérpretes, pues considera que los productores deberían recibir el porcentaje correspondiente a su producción, más no a toda la ejecución pública durante años, con un mismo producto tangible, o que tal vez el porcentaje fuera menor, a favor de los intérpretes. Es importante aclarar que Oscar Golden quien realiza dichas afirmaciones, ha pertenecido por varios años a la junta de la Acinpro, asociación a la cual se refiere, pero el mismo anota que el proceso para cambiar políticas de carácter económico son bastante complejas, más aún cuando son los poderes monetarios los que dominan la industria, como son las majors.
Por otra parte, están los diferentes requisitos que debían cumplir el caso de Acinpro, de tener mínimo veinte canciones grabadas por una empresa independiente o disquera reconocida avalada por ellos, para pertenecer como afiliados, sabiendo que el panorama nacional no tiene tal cobertura que responda a la cantidad de artistas que tienen la
121 oportunidad de grabar, y quienes lo han hecho tendrán por mucho, un disco de doce canciones, lo cual es insólito solicitar para acceder a la protección de sus derechos. Sin embargo, esto hace parte del pasado, pues algunos de estos casos juveniles en los que los artistas con un único sencillo o tres máximo alcanzaban un éxito sobresaliente en medios y ventas, fue necesario hacer concesiones a estos, como el caso de Bonka, grupo juvenil que en menos de un año logro disco de oro en ventas y un reconocimiento nacional significativo, tanto como para comenzar a recaudar sus ganancias.
Por esta razón las organizaciones han comenzado a adaptarse a las dinámicas del mercado musical, conociendo sus deficiencias y limitaciones, manteniendo sus políticas y procedimientos para acceder a ellos, pero con mayor comunicación y facilidades según los casos, para facilitar la obtención de sus derechos como compositores, intérpretes y disqueras o sellos. Están adoptando procesos de organizaciones internacionales para realizar las condiciones acordes a Colombia, pero es un proceso que llevará algún tiempo.
6.5 Para continuar investigando
Es evidente que hay temas que requieren mayor profundidad en los nuevos campos que se están desarrollando, así como tareas, roles y procedimientos que parecen día a día en esta industria cambiante.
Un campo que ya es evidente y de estudio continuo para los teóricos, es el papel de la industria en la construcción de identidad, reconociendo que además de las diferentes vertientes económicas que se despliegan de la misma, la importancia social, cultural y simbólica es igualmente importante. Tal como lo manifiesta Omar Rincón en la Cátedra UNESCO44, cuando se refiere a la música como un agente dinamizador de sociedad, donde toma sentido y se convierte en mecanismo para la industria gracias al disfrute y aceptación, identificando la ambigüedad entre la economía y la cultura que señala Germán Rey en la
44 Cátedra UNESCO 2007, Músicas e identidades. Pontificia Universidad Javeriana. Facultad de Comunicación y lenguaje, Bogotá.
122 misma cátedra, haciendo referencia a que las naciones y regiones del mundo se encuentran e identifican a través de la música, los deportes y demás actividades que requieran interacción humana, cumpliendo al final, un papel democratizador. Este campo teórico continúa en un permanente entendimiento de las expresiones culturales e industriales que permiten una interacción social y una construcción de identidad cada vez más fuerte.
Por otra parte, esta el manejo de los medios internamente, pues aún cuando algunos personajes del medio brindaron información importante, cabría indagar más a fondo las dinámicas internas para que la industria musical progrese con unos u otros productos, lo cual se lograría con un estudio de campo en las diferentes temporadas del año y en especial en la radio, medio principal de la industria musical, como se evidencio en este trabajo.
Otro medio que es vital resaltar en todos las ramas de estudio y en este caso no es la excepción, es Internet, porque es gracias a esta que la música tiene cada vez mayor cobertura en información y acceso, por lo que sería importante conocer los diferentes campos de acción que tiene abarcando prácticamente toda la dinámica de la industria, desde la promoción, con pop ups en portales, información personalizada al correo electrónico, artículos en páginas especializadas, entre otros; distribución, páginas que descargan música, portales de venta y compra de artículos de productos musicales; posicionamiento, nuevamente con información en medios electrónicos, videos, chats con artistas, entre muchas otras herramientas que se generan continuamente. Así como la información que existe en red de cada uno de los actores acá mencionados, pues los artistas, las disqueras, los medios y las organizaciones, todas tienen su lugar en el ciberespacio, por lo que no se puede ignorar de que manera están interactuando entre ellas por este medio y que ventajas y desventajas se presentan en el mismo.
Para continuar investigando, es interesante estudiar los roles que han surgido de la industria musical y que sin ellos en la actualidad es casi imposible mantenerse: los managers o representantes artísticos, de los cuales sería interesante indagar más afondo sobre como es su formación, su proceso para entrar en la industria y conseguir sus pupilos o
123 clientes, y la permanencia como uno de los principales dinamizadores de la industria en la actualidad.
Así mismo están las audiencias, actores fundamentales en el negocio que es preciso estudiar con detenimiento, pues es a través de ellas que se genera la dinámica del mercado y se puede tener toda la información de las tendencias del consumo, formas de acceso, procesos de identidades y de socialización que genera la música.
Por otra parte está el proceso de adaptación como se mencionó anteriormente, que corresponde no solamente a los creadores y empresarios, sino a todos los actores en conjunto, quienes buscan en la actualidad los mecanismos que se acoplen a la industria para vincularse o sostenerse en la misma. Seguramente esta articulación dirija las propuestas a una homogenización de formatos y estandarización de géneros musicales convirtiéndose en un reto mayor, pues será necesario destacarse dentro de lo semejante, interactuando los demás factores como la publicidad, el mercadeo, las estrategias comerciales y demás herramientas que sumadas al talento y aporte musical juegan un papel importante dentro del negocio, no solamente en el ámbito local o nacional sino en el marco de los procesos de globalización de la economía y mundialización de la cultura. Desde esta perspectiva se requerirá un estudio multidisciplinario que abarque todas las dinámicas de la industria musical en Colombia: talento humano, recursos económicos y tecnológicos.
124 REFERENCIAS Y BIBLIOGRAFIA
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45 Ex funcionario de Universal Music que pidió no se revelara su nombre.
127 ANEXOS
Anexo 1: Reseñas personajes entrevistados
El músico y arreglista Gabriel Rondón inició su carrera musical alrededor de los años sesenta. Siempre se inclinó por los instrumentos de cuerda y a interpretar música colombiana, específicamente bambucos y pasillos, incursionando luego en el bolero, música folklórica suramericana y jazz. Luego de realizar estudios de música en los Estados Unidos, regresó a Colombia en 1974, vinculándose a grupos y estudios de grabación, que en esa época eran muy pocos siendo el más importante del momento, “Ingeson”. El pico más alto de su carrera, refiriéndose a la gran demanda de contratos, lo tuvo en el año noventa y siete, el cual le fue reconocido por haber realizado estudios en el exterior, por lo que Rondón cataloga al medio y al país en general, como extranjeristas y en parte tercermundistas. De esta premisa concluye que por eso no se entienden bien las dinámicas del negocio, pues es consciente que la herramienta para ascender vertiginosamente en un año se debió a esto y al dominio del inglés.
Su talento fue identificado en un bar, como la mayoría de los músicos citados en este apartado, donde asistían personajes de la farándula del momento, locutores de radio y televisión; fue en el bar Hipocampo donde lo contrataron, permitiéndole acompañar y grabar al lado de varios artistas, al igual que los arreglistas que conoció, pues para él, ellos son quienes eligen la gente para trabajar, añadiendo como experiencia, que lo más sonado en los setentas era la balada.
Oscar Agudelo, inició su carrera en 1952 cuando participó en un concurso de Radio Girardot llamado “Príncipes de la canción”. La vida del cantautor es bastante diferente, pues además ya no es solo quien hace composiciones y arreglos, sino también la figura pública y así se caracteriza un poco la trayectoria de este compositor y cantante, que luego de esa primera experiencia en el concurso radial, se trasladó a Cajamarca a trabajar en una sastrería, bastante alejado de la vida artística. Posteriormente por azares de la vida llegó a la ciudad una compañía Nacional Martín de dramas y comedia, quien lo reclutó como cantante.
128 Luego de una gira por Venezuela y países cercanos, su destino final en Colombia fue Pereira, donde en una noche alegre, llegó al “El Cestiadero”, lugar de encuentro de artistas, tríos y solistas entre otros, en el cual debutó junto al dueto Ibarra y Medina a quienes llamaron a grabar en Sonolux; a los tres meses siguientes de ese encuentro, el cantautor también fue llamado por la disquera comenzando así su carrera en la industria musical.
Oscar Golden, cantante representativo de la década de los setenta, inició desde joven junto a su amigo Harold, también cantante y quien luego al igual que Oscar se convertiría en gran estrella de la balada. Su padre fue uno de los médicos pioneros en cirugía plástica, siendo ejemplo para Oscar, quien siguió igualmente la carrera de medicina, teniendo que trasladarse de Cali a Bogotá a continuar con sus estudios. Pero la amistad con Harold, lo llevó a conocer a personas influyentes en el mundo radial como Carlos Pinzón y Alfonso Lizarazo, los cuales ayudaron a posicionar en el país la época del gogo y el yeye, y famosos como Elvis Presley y Paul Anka. En Colombia, surgieron artistas como Harold, Vicky, Maryluz, Claudia de Colombia y Oscar Golden, quienes se denominaron “la nueva ola” o el “club del clan” y surgieron de “Estudio 15”, que dirigía Alfonso Lizarazo y Carlos Pinzón en el Show de los Frenéticos. Esa nueva ola abrió el camino a este intérprete baladista de los años setenta y aún vigente en el público colombiano en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica.
Enrique Ardila, flautista profesional, bastante alejado de la música comercial, está egresado de la Universidad Nacional de Colombia. Vivió cinco años en Sao Pablo (Brasil), donde se graduó como flautista profesional. Al realizar su labor pedagógica en la Pontificia Universidad Javeriana, tuvo un primer acercamiento a la producción fonográfica, de carácter académico. Nació el proyecto “Decibeliun”, dedicado a la investigación de música contemporánea en Colombia, siendo un intento de empresa cultural con bastante visión y actualidad, interpretando obras de compositores contemporáneos jóvenes (menores de 36 años). Posterior a este trabajo Enrique incursiona en su primer trabajo discográfico independiente, Guaxaro, de lo cual se hablará más adelante como perspectiva diferente al ámbito industrial y comercial.
129 Juan Consuegra, Comunicador Social con énfasis en publicidad, compositor e intérprete. Siempre tuvo la vocación musical y aún durante su carrera participa en festivales y concursos musicales con sus composiciones; ejerció como comunicador en el campo de la publicidad y el mercadeo, se especializó en jingles, lo cual se acerca en gran parte a la industria y a la música en general y finalmente se posiciona como marca, convirtiéndose en Juan Consuegra, el artista. Saca su primer sencillo “Un nuevo amanecer”, incursionando comercialmente y ya por completo en la industria musical, como artista.
La cantante y actriz Natalia Bedoya, es una artista que está en el proceso de preproducción de su primer disco como solista. Cantaba desde pequeña en las fincas cafeteras y posteriormente en los coros de la casa de la cultura en Manizales y show musical infantil de Maria Angélica Mallarino; continuó en el Ballet de Colombia de Sonia Osorio, dos años como cantante y bailarina; gira internacional con el musical Fama; luego se radicó en Argentina durante tres años, participando en musicales, tuvo una banda y era conductora de un canal infantil. Esta artista polifacética regreso a Colombia, participó en el reality de televisión “Popstar”, donde luego de varias audiciones fue una de las cinco ganadoras, formando el grupo Escarcha, con el que grabaron dos discos. Este fue el acercamiento más grande de la cantante con la industria y lo enfrentó de una manera muy consciente, pues afirma que los riesgos que traían eran grandes, como el de ser catalogada siempre con una “Popstar” o figura infantil y juvenil, pues aún cuando ya han pasado cuatro años desde el concurso y de haber participado en telenovelas y musicales, la recuerdan primero como “Popstar” y considera este factor como algo riesgoso para su primer trabajo como solista. Natalia dará en este apartado su perspectiva como artista integral y el arduo trabajo para incursionar en el medio artístico y musical.
Isa Katherine tiene una trayectoria artística, que es en realidad su gran pasión. Participó en el grupo musical infantil y juvenil “Canto alegre” en Medellín, donde tuvo su primer contacto con el mundo artístico, realizando giras y recibiendo remuneración por su trabajo. Al igual que Natalia, participó y clasifico en el grupo Escarcha del reality show; cuando el grupo se desvaneció, Isa comenzó sus estudios de música en la universidad y
130 trabajo en la emisora, luego de un concurso, hasta la oportunidad de otro reality de talla internacional, Latin American Idol, donde clasificó hasta los últimos diez finalistas, dándole un reconocimiento internacional y ratificando su enorme talento. Actualmente trabaja en una cadena radial y prepara su primer disco. Isa Catherine Mosquera es igualmente DJ de 40 principales, antes de llegar a este medio, trabajó como presentadora en CityTV, en Señal Colombia y luego llego a 40 principales con el concurso de disck jockey.
Juan Carlos Garay, columnista de la revista semana, especializado en temas musicales, se vinculó al medio impreso por su profesión, Comunicador Social y Periodista; es bastante crítico y conocedor de varias corrientes,
Daniel Fraua ha estado siempre en los medios de comunicación y logró vincularse con una de las más grandes cadenas del país gracias a contactos, por lo cual dice, que en tanto en los medios de comunicación como en la industria musical, se necesitan para poder obtener información de primera mano y porque no, asensos. Ingresó a Caracol radio produciendo un programa de la cadena “Los 40 principales”, su labor consistía precisamente en conseguir los artistas y desarrollar contenidos para el programa. Cuando paso a ser DJ de la cadena, acordó con el medio impreso en la medida, que
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Anexo 2: El 'sube y baja' en la música colombiana
(2007, 28 de diciembre), El Tiempo.
Con comentarios de:
Sergio Villamizar (SV), editor de cultura Colprensa
Andrés Zambrano (AZ) EL TIEMPO
Liliana Martínez P (LMP) EL TIEMPO
Gustavo Gómez (GG), Caracol Radio
Jaime Andrés Monsalve (JAM), revista Soho
Liliana Ramírez (LR), revista Plan B.
Shakira
Mientras el tropipop se desgasta, hubo revelaciones en otros géneros como The Hall Effect, Pipe Peláez y María mulata. Así quedó la pirámide anual de EL TIEMPO.
Shakira
"Terminó el año en punta: cumplió su sueño de hacer música para cine y fue nominada al Globo de Oro. ¿A dónde más podrá subir Shakira? Pero sigue subiendo", SV.
Juanes
"Lanzó su CD cuando a la gente le interesaba más el chisme de la infidelidad. Manejó tan bien el chisme que todo el mundo lo excusa, la mala fue la otra y él terminó el año hablando de música y rompiendo récords de la industria", SV.
Consagrados en casa que buscan en el exterior
Gaiteros de San Jacinto
132 "Son la mención especial. Fuera de concurso en esta pirámide pues su leyenda está por encima de cualquier Grammy. Sin embargo, celebramos su Grammy Latino, porque volvió a iluminarlos en la escena musical nacional", LMP.
Fanny Lu
"No son buenos tiempos para el tropipop, pero ella seguirá aferrada a ese estilo", AZ "Está por verse si sobrevivirá al hundimiento del tropi-valle-pop", GG "Su nominación al Grammy me pareció la cosa más extraña del mundo. Creo que ha logrado más de lo que realmente debía", LR
Jorge Celedón
"Aparte del Grammy, incluso a la gente que no le gusta el vallenato le cae bien. Así que no genera divisiones", SV. "Le toca buscar nuevos mercados, porque en Colombia ya lo hizo todo", AZ.
Fonseca
"Está en el receso obvio de la antesala de un nuevo CD. La canción de adelanto augura sorpresas", AZ. "Con talento y mesura ha fabricado un nombre. Corrijo: con talento y mesura ha fabricado un apellido", GG.
Aterciopelados
"'Oye' tuvo más respaldo fuera de Colombia", SV. "Su disco me pareció de transición. Letras demasiado rosa. De pronto viene otro mucho mejor", JAM
Lo tienen todo para brillar afuera
Carlos Vives
"Está arriba por sus grandes glorias pasadas", LMP. "Prometió un álbum de Rafael Pombo, iba a ser un disco, ¿Qué hizo? Vi nublado el 2007 para Vives y el 2008 parece más incierto". SV
San alejo
"Es un grupo inquieto, cada álbum es diferente al otro", SV. "Banda de proyección, coquetea con el tropipop y el rock guasquero de Juanes, pero tiene personalidad propia", AZD. "Su disco es de sonido internacional y merece ser escuchado afuera", LR
133 Bonka
"Su año fue el 2006, en este no sonaron, pero están con Fernán Martínez", SV. "Se espera su nuevo disco con Fernán, Miami y todo lo demás", AZD.
Andrés Cepeda
"Apareció en los premios. Subió, porque uno se preguntaba por qué no aparecía", SV. "Una buena persona que hace buena música. Larga vida a Cepeda", GG.
Ilona
"Su segundo álbum amenaza con ser un fracaso en ventas", AZ. "Sabe que su público es menos juvenil de lo que quisiera. Al parecer, cambiará de estrategia", LMP
Aplaudidos adentro, que están a un paso del salto
La 33
"La orquesta de mostrar. Tuvo un año de consolidación absoluta. Recorrieron los sitios más importantes de Colombia y el mundo. Y el disco es buenísimo", JAM. "Solo les falta un buen manager", LR.
The Hall Effect
"Están logrando consolidar una escena que no existía: la de las bandas locales que cantan en inglés", JAM. "Revelación roquera de este año. Nominados a los premios Mtv y los Shock. Pasaron del 'underground' a ser masivos", LR.
Peter Manjarrés
"Sería el único vallenato que podría evocar el trabajo que hace ahora Jorge Celedón", LMP. "Es arriesgado, sabe para dónde va", SV.
Koyi K Utho
"Su presentación en el concierto de Marilyn Manson fue igual o mejor que la de él", LR. "Buen disco, buen respaldo, pero su música no es para todo público", AZ.
134 Jerau
"Muy buen año. A Jerau uno lo escucha y sabe que es él. Aunque puede entrar en el tropipop, se aleja, porque tiene un sonido propio", SV.
Choc Quib Town
"Tuvieron una gran explosión internacional este año", AZ.
Sidestepper
"Un año estable para un grupo bueno, pero de laboratorio", AZ. "Un año sin impacto en emisoras. Se espera una nueva propuesta", SV.
Naty Botero
"El exceso de expectativa desencantó. El 2008 deberá ser su año de reivindicación, con nuevo álbum y cambio de estrategia", SV. "La verdad, no me mata. Cosa que me alegra: no quiero que nadie me mate", GG.
Andrés Cabas
"Este año lo único que hizo fue casarse", SV. "Todo se espera de su nuevo disco Made in España", AZ.
La Pestilencia
"En el 2007 fueron, absolutamente, un producto desaparecido", SV. "No sonaron, pero mantienen el referente de ser de los grandes del rock local", LR
Verónica Orozco
"Promete, pero hay que esperar si se decide entre la música y la actuación", AZ "Los videoclips están mejor que su música", LR.
Dr Krápula
"Escuché un adelanto del disco que viene y me parece excelente. Necesita una buena disquera", SV.
María Mulata
"Un trabajo serio, todavía puede alargar el cuarto de hora de Viña del Mar. Debe mejorar sus presentaciones en vivo", LMP.
135 Superlitio
"Es necesario que graben algo pronto. Es bueno que estén representándonos. Muy bueno que hayan cerrado Rock al Parque", JAM.
Exitosos en el consumo interno
Felipe Peláez
"Artista revelación en tropical y vallenato", LMP. "Subió como intérprete y como compositor es asediado. Si alguien puede darle nuevos aires al vallenato es él", SV.
Odio a Botero
"El disco es buenísimo, una continuidad de lo que hacían. Hay madurez extrema. Eso no significa perder el humor. Su música se goza, es contestataria y humorística", JAM.
Giovanni Ayala
"Cada año surge una nueva estrella de la música popular. Este año, Ayala fue la revelación del género", LMP.
Silvestre
"Actúa como si el mundo estuviera en su contra y les da visibilidad a sus contradictores", SV. "Si se sigue creyendo el cuento del Silvestrismo, puede no entender que Piolín tiene tanta fanaticada como Silvestre", GG.
Diva Gash
“Son el grupo más importante de electrónica en Colombia, pero no tienen plataforma para desarrollarse acá", LR.
Sin ánimo de lucro
"Al principio sonaron, después se apagaron", SV. "Otros damnificados del tropipop", AZ.
Wendy / Botinna
"Wendy hizo que todos conocieran a Adriana Bottina, pero la alejó de su sueño de ser artista pop", LR.
136 Los conocimos este año y esperamos que sigan subiendo
Alerta
"Sacaron una edición especial de su disco donde incluyen 'Princesa', canción que sonó mucho este año", LR.
Ratón Pérez
"Son como nuestros Arctic Monkeys. Sorprendieron al entrar en los Shock y en Rock al Parque. Y apenas empiezan. Gran futuro", JAM.
Don Tetto
"Tienen un grupo de fans que los sigue a todo lado y un sonido que funciona para Latinoamérica. Dieron a conocer una propuesta interesante", SV.
Arsenal
"Este grupo apenas comienza a sonar su primera canción, pero promete sorpresas para el 2008", SV.
Gusi y Beto
"Se han destacado entre el público juvenil vallenato. Su canción 'La mandarina' se ubicó bien", LR.
Katamarán
"Nuevo grupo de ska de Bucaramanga. Su canción 'No pasa nada' se ubicó en el primer lugar de Los 40 Principales. Están por lanzar su primer disco", LR.
Tres de corazón
"El respaldo de Juanes no le alcanzó a esta banda antioqueña para ser un éxito arrollador", AZ.
Naif
"Nominados a Mtv, pero están en proceso de ir tanteando el terreno", SV. "El grupo es Connie Camelo", LR.
137 Gato Blanco
"Les va mejor afuera. Si tienen la oportunidad de salir, que se vayan, porque aquí no los tienen muy en cuenta", SV.
Pop Corn
"La nominación a los Mtv fue una sorpresa para el neopunk cuando toda la gente tenía los ojos en Ratón Pérez y Don Tetto", LR.
Wamba
"Quisieron ser Bonka, pero no lo lograron. Lo más nefasto fue su versión de un clásico de Willie Colón", LR.
Kiya
"Son de los pocos artistas rock pop completos que tuvieron la oportunidad de sonar y les fue bien", SV.
Todos los conocemos, pero esperábamos más de ellos
Moris
"Estable. Aunque su reciente contrato con los alicaídos Estefan lo puede ayudar", AZ. "Su segundo disco fue mejor", SV.
Julio Nava
"Otro personaje desaparecido. No sé si está en un momento de transición. Necesitaba renovar su sonido", SV.
Lucas Arnau
"Se esperaba que su segundo álbum, en el que tomó distancia del tropipop, pegara más que el primero. Sin embargo no logró lo mismo", LMP
Palodeagua
"Ni lanzó disco ni se supo qué hizo este año. Pasó de ser la bandera del tropipop a perder su cuarto de hora", LR.
138 Santiago Cruz
"No pasó nada con su disco", AZ. "Vendió para irse a Miami, pero aún no lo veo, gracias al cielo, por estos lados. Tipazo", GG
Maía
"Otra de las grandes promesas que hasta ahora no ha cumplido. Debe estar haciendo algo en su casa, porque este año se desapareció", SV.
Pernett
"Perdido debajo del afro. ¿Todavía tiene el afro? Ni idea", GG. "Pensé que iba a pasar algo bueno con él y no pasó nada", AZ.
Kema
"Nada. No sonaron este año. Tengo entendido que cambiaron de vocalista", SV. "Me encantan. Estuvieron estables", LR.
Los que se destacaron en el 'underground'
Raíz
"Banda de metal. Fue telonera de Deftones, sacó su primer disco y tiene fuertes seguidores", LR
El Sie7e
"El Sie7e es de las bandas que trabajan por años y abren nuevas posibilidades para que el rock se escuche", SV.
Al D-Tal
"Grupo de punk paisa que salió del anonimato por un concurso de MTV. Ojalá aprovechen", LR.
El Sexto Sentido
"También los descubrió Mtv, entre las finales de un concurso, en una larga eliminatoria", LR.
139 Bajo Tierra
"Con su reencuentro nos demostró que era un grupo adelantado a su época y que mostrarán otra cosa", SV.
En la mala...
Karoll Márquez
"Tiene dos opciones: o firma con los Estefan para hacerles canciones a otros, o firma con canales para novelas", AZ.
Farina y Julio
"Hasta ahora no conocemos en Colombia a la primera estrella musical salida de un reality". AZ
Los de Adentro
"¿Cuántas bandas han resurgido tras cambiar su cantante? 2008 será empezar de cero", SV.
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Anexo 3: Productores Fonográficos en Colombia
Principales productores fonográficos en Colombia. Cabe anotar que día a día nacen más estudios de grabación y empresas independientes que comienzan a cumplir funciones de los mismos y aún no están registradas en las organizaciones como Acinpro, Acodem y Asincol.
PRODUCTOTRES FONOGRAFICOS AMERICANA DE DISCOS G.A. LTDA BALBOA RECORDS DE COLOMBIA S.A. BMG CODISCOS COLMUSICA DAGO DISCOMODA DE COLOMBIA EMI MUSIC COLOMBIA S.A F.M. FUENTES INDUSTRIAS FONOGRAFICAS EL DORADO JAN MUSIC K DISCOS LTDA L.G MUSIC MAYO PRODUCCIONES LTDA ORBE ORIGIN ENTERTAINMENT S.A. ROCHA DISC EU SONOLUX SONY MUSIC COLOMBIA S.A. UNIVERSAL MUSIC COLOMBIA S.A. VICTORIA WARNER MUSIC COLOMBIA S.A. YOYO MUSIC
141 Anexo 4: Ranquing de Emisoras EGM Julio - 2006
EGM 2006 BOGOTA FRECUENCIA
1 Candela Stereo FM 2 Rumba Stereo FM 3 Tropicana Stereo FM 4 Los 40 Principales FM 5 Radioactiva FM 6 Radio Uno FM 7 W Radio FM FM 8 Amor Stereo FM 9 La Vallenata FM 10 La Mega FM 11 Vibra Bogotá 104.9 FM 12 Oxigeno FM 13 Caracol Radio AM 14 R.C.N Radio AM 15 Radio Recuerdos AM 16 Caracol Radio FM FM 17 Melodía Stereo FM 18 Olímpica Stereo FM 19 La FM 94.9 FM 20 Vida AM AM 21 La Cariñosa AM 22 El Sol FM 23 La X FM 24 Policía Nacional FM 25 Radio Súper AM 26 Manantial de Vida Eterna AM 27 Radionica FM 28 El Minuto de Dios FM 29 Antena 2 AM 30 Radio Rumbos Estéreos FM 31 M.C.I Radio AM 32 W Radio AM AM 33 Radio Líder AM 34 Kokoriko Stereo Zipaquira FM 35 Radio Reloj AM 36 Javeriana Stereo FM 37 Radio Autentica AM 38 La Z FM 39 Radio Continental AM 40 Radio Santafé AM 41 Radio María AM 42 U.N Radio FM 43 Bolero 610 FM 44 La Voz de Bogotá AM 45 Jorge Tadeo Lozano HJUT FM
142 46 Sabana Stereo FM 47 emisora Laúd U. Distrital FM 48 Radio Cordillera AM 49 Emisora Mariana AM 50 Despecho Stereo FM 51 Colmundo Bogotá AM 52 Nuevo Continente AM 53 Radio Capital AM 54 Colombia Stereo FM 55 Radio Mundial AM 56 Estación Latina AM 57 Colorín Coloradio AM 58 Radio Nacional de Colombia AM 59 Emisora Punto Cinco AM 60 Radio Nacional de Colombia FM 61 Radio Única AM 62 dios es Amor AM 63 Alternativa Stereo FM
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