15.–18. 10. 2020

15.– 18.10.2020 Donaueschinger Musiktage 15.–18. 10. 2020

Schirmherr S. D. Heinrich Fürst zu Fürstenberg

Veranstalter Gesellschaft der Musikfreunde Donaueschingen Donau- in Zusammenarbeit mit der Stadt Donaueschingen, dem Südwestrundfunk und dem SWR Experimentalstudio. eschin- Förderer Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und das Land Baden-Württemberg. ger Musik- tage

Inhaltsverzeichnis

6 Vorwort 56 4 124 7 Klangkunst Jason Yarde Thomas Lehn/ 182 Mike Cooper THE PROBLEM WITH HUMANS Marcus Schmickler 192 Jan Jelinek Veranstaltungen 1–10 Volume 1 – An Overview Neues Werk (Uraufführung) 198 Sergej Maingardt /Jens Standke From Under 208 Christian Skjødt 12 1 Matana Roberts 132 8 Podiumsdiskussion “Gasping for air considering Donaueschingen Lectures Geschichte(n) und Gegenwart your purpose Dissolving …” Holly Herndon Rahmenprogramm vergrößern sich – Archive als Laure M. Hiendl Artificial Intelligence 218 Sonderveranstaltungen Kulturmaterial White RadianceTM – For voice, and 21st Century Music Wissen, lehren, speichern ensemble and electronics Tansy Davies 136 9 228 Interpreten 14 2 The rule is love Rebecca Saunders 282 Förderer und Unterstützer Paul Hindemith George Lewis to an utterance – study 283 Impressum Kammermusik Nr. 1 H. Narrans James Clarke 288 Spielplan und Lageplan Klaus Lang Piano Sonata No. 2 ionisches Licht 88 5 André Boucourechliev Cathy Milliken Akustische Spielformen Archipel 5D PIECE 43 FOR NOW Karl-Sczuka-Preis Rolf Riehm Oliver Schneller Frédéric Acquaviva Ciao, carissimo Claudio The New City. ANTIPODES for voices and oder Die Steel Drums Hommage à Lebbeus Woods dead electronics von San Marco Lula Romero displaced 98 6 160 10 Mica Levi Malte Giesen Carola Bauckholt BOUND stock footage piece 2: Implicit Knowledge Michael Wertmüller type beats Gerald Barry The Blade Dancer Artur Zagajewski No people. Danses Polonaises Peter Ablinger 48 3 Sasha J. Blondeau Concerto Wojtek Blecharz They Symphony No. 3 Nigel Osborne A Short History of Polish Philosophy 6 Vorwort 7

Verehrtes Publikum der Donaueschinger Musiktage, Uns war es wichtig, dass wir, ohne gesundheitliche Risiken einzugehen, Musik wieder live erlebbar machen. schon immer haben äußere Umstände Konzertprogramme beeinflusst. Sicherheitsbestimmungen regulieren den Konzertbetrieb. Oftmals Das Festivalprogramm setzt viele Diskussionen und Debatten fort, muss man nach Kompromissen suchen, um künstlerische Ideen um- die für die Neue Musik derzeit existenziell sind: die Frage nach zusetzen. Infolge der derzeit geltenden Hygiene-Vorschriften mussten Herkunft, Gender, Diversität und Inklusion, die Frage nach den ästhe- wir in diesem Jahr aber ein besonders strenges Reglement befolgen. tischen Implikationen technischer Innovationen wie die der künstli- Covid-19 macht es der Musik nicht leicht, ja man könnte sogar sagen, chen Intelligenz und der virtuellen Realität, die Frage nach neuen die Krankheit macht es der Musik besonders schwer. Chorgesang Konzertformaten und Präsentationsformen – die Frage nach der und große Orchesterbesetzungen lassen sich heuer auf der Bühne nicht Offenheit der Genres und den Übergängen der Neuen Musik zur Pop- umsetzen. Musiker, die sich im Raum bewegen? Fehlanzeige. musik, zur improvisierten Musik, – die Frage, wie ein seinem Ein Publikum, das sich auf engem Raum der Musik aussetzt? Undenkbar. Selbstverständnis nach immer nach vorne schauendes Festival mit Geschichte, der eigenen zumal, umgeht. An erster Stelle müssen wir den Künstler*innen danken, die ihre Konzepte fortwährend angepasst und umgestellt und sich auf die res- Über allem aber steht die Gesundheit aller Beteiligten, die der Mit triktiven Bedingungen eingestellt haben, um ihre künstlerischen arbeiter*innen, der Künstler*innen und natürlich Ihre Gesundheit. Ideen umzusetzen. Es waren zum Teil schmerzhafte Entscheidungen, Wir haben alles getan, um uns an den vier Festivaltagen einen die getroffen werden mussten. Umso größer ist die Freude über ein möglichst unbeeinträchtigten Musikgenuss zu ermöglichen. Wir hoffen, doch vielseitiges Programm, in dem viele verschiedene Formate zur dass Sie ein an- und aufregendes Wochenende erleben. Geltung kommen – vom klassischen Orchester- und Ensemble konzert des SWR Symphonieorchesters und des Ensemble Musik fabrik über intime Kammer- und Klaviermusik beim Ensemble Björn Gottstein Ekkehard Ehlers Kwadrofonik und Nicolas Hodges, über die choreografierte Performance (Künstlerischer Leiter (Gastkurator) bei Elaine Mitchener und Dam Van Huynh bis hin zur Konzert der Donaueschinger Musiktage) installation bei Wojtek Blecharz.

Dann muss die Leistung der zahlreichen Mitarbeiter des Festivals hervorgehoben werden, die die besondere Herausforderung, die Hygiene-Konzepte vor Ort umzusetzen, mit großer Souveränität und Umsicht gemeistert haben. Von der komplizierten Sitzplatzregelung beim Kartenverkauf bis zu den Laufwegen von Musikern und Publikum musste in diesem Jahr viel Neues bedacht werden. Bei alledem stand der Wunsch, das Festivalwochenende unbedingt mit Livekonzerten vor Ort stattfinden zu lassen, im Mittelpunkt. Denn wenn sich in den vergangenen sechs Monaten eines lernen ließ, dann das: Der live im Saal erlebte Klang verfügt über eine eigene Aura, die durch kein Kon zerterlebnis am Computer oder am Fernsehgerät zu ersetzen ist.

Deutsch 8 Vorwort 9

Dear visitors of the Donaueschinger Musiktage, The festival programme continues many discussions and debates that are currently existential for New Music: the question of origin, External circumstances have always influenced concert programmes. gender, diversity and inclusion, the question of the aesthetic implica- Safety requirements regulate the operation of concerts. Often one tions of technical innovations such as artificial intelligence and virtual has to look for compromises in order to implement artistic ideas. reality, the question of new concert formats and forms of presenta- However, due to the current hygiene regulations, we had to follow tion – of the openness of genres and the transitions from New Music particularly strict rules this year. Covid-19 does not make it easy for to pop music, to improvised music. The question of how a festival music, one could even say that this illness makes it particularly that is always looking ahead deals with history, especially its own. difficult for music. Choral singing and large orchestras cannot be performed on stage this year. Musicians who move around in space? The most important thing, however, is the health of everyone involved: No chance. An audience that exposes itself to music in a confined space? the employees, the artists and of course your health. We have done Unthinkable. everything possible to ensure that we can enjoy music as undisturbed as possible during the four days of the festival. We hope that you will First and foremost, we must thank the artists who have continually experience an exciting and stimulating weekend. adapted and redesigned their concepts and adjusted to the restrictive conditions in order to implement their artistic ideas. Some of the decisions that had to be made were painful. All the more reason to be Björn Gottstein Ekkehard Ehlers pleased with a programme that is nevertheless varied and in which (Artistic Director of (Guest curator) many different formats are brought to bear – from the classical the Donaueschinger Musiktage) orchestral and ensemble concerts of the SWR Symphony Orchestra and the Ensemble Musikfabrik, to intimate chamber and piano music with the Ensemble Kwadrofonik and Nicolas Hodges, to choreographed performances with Elaine Mitchener and Dam Van Huynh, to the concert installation of Wojtek Blecharz.

Then the efforts of the festival’s numerous staff must be highlighted, who have mastered the special challenge of implementing the hygiene concepts on site with great aplomb and prudence. From the complicated seating arrangements for ticket sales to the walking routes of musicians and the audience, many new things had to be considered this year. In all of this, the desire to have the festival weekend with live concerts on site was central. Because if there is one thing that could be learned in the past six months, it is this: the sound experienced live in the hall has its own aura, which cannot be replaced by any concert experience on the computer or television. It was important to us to make music live again, without taking health risks.

English Veranstaltungen 1–10 12 Konzert 5 13 Museum Art.Plus, 15.10.2020, 20 Uhr 1 Museum Art.Plus Podiumsdiskussion Donnerstag, 15.10.2020, 20 Uhr Geschichte(n) und Gegenwart vergrößern sich – Archive als Kulturmaterial Wissen, lehren, speichern Stefan Fricke, Moderation Podium mit Titus Engel (Dirigent) Markus Müller (Kurator) Iris ter Schiphorst (Komponistin) Marie-Claire Schneider (Archivarin)

In Zusammenarbeit mit BR-Klassik und hr2-Kultur

BR-Klassik live Sendung in SWR2, 17.10.2020, ca. 15.25 Uhr Sendung in hr2-kultur, 12.11.2020, 20.04 Uhr

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 14 15 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b) 2 Baar-Sporthalle Cathy Milliken Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) und 21 Uhr (2b) PIECE 43 FOR NOW für Orchester (2020) Uraufführung, 8 Min., Kompositionsauftrag des SWR SWR Symphonieorchester Titus Engel, Dirigent Oliver Schneller The New City. Hommage à Lebbeus Woods für Orchester und Elektronik (2020) Uraufführung, 8 Min., Kompositionsauftrag des SWR

Lula Romero SWR2 und SWRClassic.de live displaced für Kammerorchester (2020) Uraufführung, 7 Min., Kompositionsauftrag des SWR

Paul Hindemith Mica Levi Kammermusik Nr. 1 BOUND. 9 Minuets (1922) für zwei kleine Trommeln und Ensemble Uraufführung, 9 Min., Kompositionsauftrag des SWR 1. Sehr schnell und wild 2. Mäßig schnelle Halbe. Sehr streng im Rhythmus 3. Quartett. Sehr langsam und mit viel Ausdruck Michael Wertmüller 4. Finale: 1921. Äußerst lebhaft The Blade Dancer für Orchester (2020) 15 Min. Uraufführung, 8 Min., Kompositionsauftrag des SWR

Klaus Lang ionisches Licht für Orchester (2020) Uraufführung, 9 Min., Kompositionsauftrag des SWR Mit freundlicher Unterstützung von ProHelvetia

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 16 Konzert 2 17 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Paul Hindemith musikaufführungen zur Förderung zeitgenössischer Tonkunst“; Kammermusik Nr. 1 so legte er mit seinen Kammermusiken Nr. 1–7 eine Werkreihe vor, die prägend für die Musik der 20er Jahre wurde und die sich vom Prekäre Aufführungsbedingungen bestehen nicht nur in Zeiten der Gattungsbegriff der „Kammermusik“ einerseits distanziert, ihm an- Pandemie. Auch in Kriegs- oder unmittelbaren Nachkriegszeiten sind dererseits neue Bedeutung verleiht. Theater und Konzertsäle in der Regel geschlossen, müssen alternative Exemplarisch dafür steht Hindemiths Kammermusik Nr. 1, die bei Formen des öffentlichen Musizierens gefunden werden. Dass eine solche den „Donaueschinger Kammermusikaufführungen“ 1922 – gemeinsam erzwungene Beschränkung der Mittel bedeutende und stilbildende mit seinem Liederzyklus Die junge Magd op. 23, sowie Werken von Werke hervorbringen kann, beweist Igor Strawinsky L’Histoire du soldat. Fidelio F. Finke und Max Butting – unter der Leitung von Hermann 1917 im schweizerischen Exil für eine Art Wanderbühne konzipiert, Scherchen und mit Hindemith als Bratscher zur Uraufführung kam. setzt das Werk jedes der beteiligten sieben Instrumente in je ganz Das – gebrochene bzw. differenzierte – Gattungsbewusstsein Hinde- individueller Weise in Szene. Formal bildet es ein Sammelsurium aus miths lässt sich an der Korrespondenz mit seinem Verlag Schott Märschen, alten und neuen Tänzen, Liedern und Chorälen. ablesen: In Abgrenzung zu Werken der klassischen Kammermusik- Ein weiterer, halb erzwungener, halb gewollter Rückzug auf die „kleine gattungen nennt er seine Kammermusik Nr. 1 zwar häufiger „Kammer Besetzung“ zeigt sich in zahlreichen Initiativen und institutionellen symphonie“, betont aber andererseits, dass die Kleine Kammermusik Neugründungen der Zeit um 1920. Am prominentesten ist hier der für 5 Bläser op. 24/2 – ein „klassisches“ Bläserquintett – nicht in Wiener „Verein für musikalische Privataufführungen“ um Arnold die Reihe der Kammermusiken aufgenommen werden solle. Genauso Schönberg, der neben neuen Werken auch Sinfonien von Bruckner wehrt er sich gegen die Bezeichnung „Kammerkonzert für Klavier und Mahler in stark reduzierter Besetzung darbot. Auch zahlreiche und Instrumente“, die der Verlag für praktikabler hält als Kammer Kammermusikfeste, die sich explizit der Neuen Musik widmeten, musik Nr. 2 (Klavierkonzert). wurden gegründet, etwa in Köln, Salzburg und Donaueschingen. Weniger die Kammersinfonien von Schönberg oder Schreker, die die Gemeinsam war all diesen Initiativen die Wiederbelebung der Grund romantische Orchesterbesetzung lediglich reduzieren, das sinfonische ideen von „Kammermusik“: das kompositorische Labor; der kleine Prinzip aber beibehalten, waren sein Vorbild, als vielmehr Werke (elitäre?) Kreis; eine Gemeinschaft von Interpreten und Zuhörern; wie die Cinq Symphonies pour petit orchestre (1917–22) von Milhaud, das weitgehende Fehlen kommerzieller Interessen. das Ensemble des Pierrot Lunaire, oder eben die L’Histoire du soldat, Der Abkehr vom großen Orchesterapparat und seinen zwar differen- deren Trompete und deren Schlagzeugklänge deutlich in die Kammer zierten, aber sehr normierten Klangfarben, lag nicht zuletzt die musik Nr. 1 herübertönen. ästhetische Idee zugrunde, jedem Werk seine individuelle Klang- und Zwar komponiert Hindemith das Werk erkennbar vor der Folie der Ausdrucksgestalt zu verleihen. klassisch-romantischen Tradition, unterläuft sie aber meist auf ironi- sche Weise. Selbst der Hinweis in der Partitur, das Ensemble möge Paul Hindemith, zu Beginn der 1920er Jahre Konzertmeister im dem Publikum verborgen bleiben, gemahnt augenzwinkernd an das Frankfurter Opernorchester, stand, als sich etablierender Komponist, verborgene Orchester Wagners, das Unsichtbarmachen der Maschi- als Interpret und als Organisator, inmitten all dieser Entwicklungen. nerie. Die klassische Viersätzigkeit bleibt zwar gewahrt, doch ähnelt So war er 1923 als Geiger an der deutschen Erstaufführung der der erste Satz in seiner Kürze mehr einer eröffnenden Fanfare. L’Histoire du soldat beteiligt; so gründete er 1922 in Frankfurt nach Der langsame dritte Satz, „Quartett“ überschrieben, ist in Wahrheit dem Vorbild des Wiener „Vereins“ eine „Gemeinschaft für Musik“; kein Quartett, Es ist ein Trio von Flöte, Klarinette und Fagott, so war er von Anfang an als Komponist wie Interpret eine Schlüssel das durch den immer gleichen Glockenspielton (fis) gegliedert wird. figur der von 1921–1926 stattfindenden „Donaueschinger Kammer- Es ist eine Musik der Verweigerung und von großer Melancholie.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 18 Konzert 2 19 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Die Holzbläser spielen nur in vier Takten als Trio zusammen, die restlichen 41 Takte sind solistisch oder als Duett angelegt. Auch wird das von der Klarinette intonierte Thema zwar von allen Instrumenten aufgegriffen, dabei aber beständig fragmentiert. Das Finale schließ- lich ist ein in permanenter Motorik voranpeitschendes „Allegro barbaro“. An die Stelle der Apothese der klassischen Sinfonie tritt hier der Einbruch des zeitgebunden Trivialen, das Zitat des damals popu- lären Fox Trot von Wilm-Wilm (Wilhelm Wieninger) in der Trompete. Durch die programmatische Benennung dieses im Februar 1922 komponierten Satzes als „Finale 1921“ greift Hindemith einen weiteren inhaltlichen Aspekt von „Kammermusik“ auf und weitet ihn: War vor allem das Streichquartett oft Übermittler auskomponierter Autobiographie – Smetanas Quartett e-Moll, Schönbergs 1. Quartett, Bergs Lyrische Suite, Janácˇeks Intime Briefe – benannten Komponisten Klaviersonaten nach dem Datum sie bewegender Ereignisse – Karl Amadeus Hartmann (27. April 1945) und Leoš Janácˇeks (1.X.1905) –, so weitet Hindemith den programmatischen Bezug mit dem „Finale 1921“ ins zeitgeschichtlich Allgemeine. Die zeitgenössischen Kritiken empfanden die Musik als durchaus passenden, wenn auch ästhetisch nicht befriedigenden Ausdruck jenes Jahres, das in Deutschland noch ganz von den Nachwirkungen des Krieges und den Schwierig- keiten der jungen Republik geprägt war (Reparationsverhandlungen, Besetzung von Teilen Westfalens durch Frankreich, Ermordung Erzbergers, Teilung Oberschlesiens):

„Das Finale ‚1921‘ war jenes Jahres würdig; wir Armen, die wir dies erlebten und nun hören!“ (Die Musik)

„Man wähnt sich nach Aztekenland versetzt (was nicht Hindemiths, sondern dieser Zeit Schuld ist…). Der Witz ist mit Frechheit und Virtuosität gelungen. Ob es Aufgabe der Musik, Bilder von George Grosz zu vertonen, den Schiebergeist sinfonisch zu illustrieren, auf diese Frage kann der Kunstästhet nur ein glattes Nein antworten. (Hamburger Fremdenblatt)

(Holger Slowik)

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 20 Konzert 2 21 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Klaus Lang Cathy Milliken ionisches Licht PIECE 43 FOR NOW

Beim Betrachten der Portale der Kathedrale von Chartres fällt eine Wut, Verlust, Dankbarkeit, Einsamkeit, Gemeinschaftsgefühl, ein Figur ins Auge, die unter all dem heiligen Personal ein wenig fehl am angenehmes Gefühl der Zerbrechlichkeit und teilweise sogar eine Platze wirkt: Pythagoras stimmt sein Monochord. Hochstimmung haben für mich die letzten Monate seit März 2020 Beim Betreten eines Raumes, dessen ganze Struktur der sinnlichen geprägt. Deutlich geworden ist, wie dringlich Veränderungen sind – Erfahrung von Licht und Farbe dient, wird man auf die abstrakte gesellschaftliches Umdenken, etwa im Umgang mit Ungleichheit, Schönheit der Zahlen verwiesen. Hier zeigt sich ein Grundproblem aber auch ein anderes Verhältnis zur Umwelt. der gesamten Kunstgeschichte: Wie lassen sich sinnliche Erfahrung und intellektuelle Konzeption miteinander vereinbaren? Wie bewerkstelligen wir den Wandel? „Temporal Distancing“ – oder In einem wissenschaftlichen oder philosophischen Text steht der der Blick in die Zukunft – ist anscheinend das Werkzeug, das wir an- Gedanke im Vordergrund, auch wenn er getragen wird von einer setzen sollten, und Slavoj Žižeks Forderung nach einer internation- mehr oder weniger eleganten sprachlichen Form, ohne die er nicht alen gesellschaftlichen Umgestaltung, einer alternativen Gesellschaft, existieren könnte. kommt mir in den Sinn. Ebenso Heiner Müllers Brief an Robert Wilson, Umgekehrt muss für mich in der Musik die sinnliche Erfahrung von in dem er die Überzeugung zum Ausdruck bringt, dass „es keine klanglichen Gestalten im Vordergrund stehen. Der Intellekt dient der Revolution ohne Erinnerung gibt“. Bereits mitten im Schreiben, traf Form des Klanges – Musik ist kein pädagogisch-didaktisches Trans- ich den Entschluss dieses Stück durch sieben kurze Ausbrüche portmittel für Gedanken. Sie kann, wenn man sie nur lässt, tiefe – „Schüsse“ – zu strukturieren, in Erinnerung an Jacob Blake, der am Einsichten gewähren und unser Innerstes berühren wie sonst nichts. 23. August 2020 in Kenosha, Wisconsin, von einem Polizisten durch sieben Schüsse in den Rücken schwer verletzt wurde. Es war mir ein Anliegen beim Schreiben dieses Stückes, dem Individuum in seiner Gemeinschaft musikalisch eine Stimme zu verleihen, und ich bin dankbar für das Privileg, wieder für die reale Konzertsituation kompo nieren zu dürfen. Zustände des Flows und der Erregung, aber auch der Unbeständigkeit haben mich begleitet, und ich habe keine Antwort darauf, außer dass wir uns in den Strudel der Ereignisse stürzen, gemeinsam schwimmen und dabei Trägheit und Angst überwinden, um eine Veränderung zum Besseren herbeizuführen. Die erste Inspiration für dieses Werk war das Sonnet 43 von Shakespeare, das in die Widersprüche der Liebe, in die Helligkeit der Nacht eintaucht. Irgendwie hat dieses Werk jedoch seinen eigenen Weg durch all das gefunden, was uns und mich im Moment umgibt.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 22 Konzert 2 23 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Oliver Schneller The New City. Hommage à Lebbeus Woods

Mit ihren überwiegend unrealisierten (und zum Teil bewusst unreali sierbaren) Entwürfen hat mich die Arbeit des experimentellen Architekten Lebbeus Woods (1940–2012) gerade in dieser Zeit des Einbruchs sehr berührt: Architektur als einzigartige, wandelbare und kritische Sprache gedacht, in der sich die Erschütterungen und Sonett 43 Krisen der Gegenwart unmittelbar ein- und abzeichnen; Räume und Mein Auge sieht nie besser, als wenn zu- Flächen, die sich den vorherrschenden Geometrien und gnadenlosen Weil tags es Dinge sieht, die es nicht achtet, Rhythmen unserer urbanen und industrialisierten Umgebung wider- Doch schließt es sich im Schlaf, erscheinst ihm du, setzen; ein Vokabular, in dem das Altern des Neuen und die Erneuer- Und dunkel-hell, erhellt es sich, umnachtet. ung des Alten fluide ineinander greifen; das Licht und die Form in Du, dessen Schatten Schatten Licht verleiht, Woods’ Zeichnungen, der Rhythmus und immer wieder: die sorgfältig Wie würde deines Schattens Form bestehn gewählte Wahrnehmungsperspektive – als Portal. Erst vor dem Tag mit deiner Helligkeit – Durchscheint er doch selbst Augen, die nicht sehn! Aber wo setzt eine komponierte Reaktion oder gar der Versuch einer Was würde meinen Augen erst für Lohn, transmedialen Paraphrasierung an? Über Foucault und dessen Dürften im vollen Tage sie dir nahn, Konzept der ‚hétérotopie‘, das für Woods’ Denken prägend war: eine Wenn sie in toter Nacht den Schatten schon, Manifestation, die - wie z.B. ein Spiegelbild - zugleich wirklich und Blind und durch schweren Schlaf so lichtvoll sahn! unwirklich ist. So wie Foucault im Angesicht der Krise des Raumes Tag gleicht der Nacht, bis ich dich seh, für mich, das „Heterotop“ als einen zugleich wirklichen und unwirklichen Ort Und Nacht dem Tage, zeigt der Traum mir dich. der Utopie (als rein Unwirkliches) entgegensetzt, so ist meine als strukturierte Klangprojektion gefasste Partitur als konkret-akustische (Übertragung von Hedwig Lachmann) Manifestation von Woods Entwürfen intendiert.

„Als die Welt alt war, waren alle Dinge möglich. Die Gegen sätze blieben einander entgegengesetzt, fanden aber darin zur Einheit. Gleiches war nicht mehr das gleiche, sondern bei jeder Wendung anders. Die Zeit blieb unendlich, aber abgeschlossen in endlichen Zyklen mit ausgeprägten Abwei- chungen. Es gab Versöhnung ohne Kompromisse oder Kapitulation. Jedes Ding blieb sich selbst treu, aber es verband sich mit vielen anderen. Der Konflikt wurde zu einer Form der Harmonie. Dementsprechend umarmten Mensch und

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 24 Konzert 2 25 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Natur einander, fast zufällig. Es geschah eines Tages auf dem Lula Romero Weg zur Autonomie, als die Menschen schließlich ihre displaced Spiegelbilder sahen und verstanden. Das, was von ihnen kontrolliert werden kann, versöhnte sich mit dem, was nicht Stellen Sie sich ein Geräusch vor, einen akustischen Impuls in einem kontrolliert werden kann.“ Raum. Zusammen mit der anfänglichen Schallwelle hören Sie einen Nachhall und die unterschiedlichen Reflexionen des Impulses durch – Lebbeus Woods: When the World Was Old (2009) die Wände und Flächen des Raumes. Dank der Reflexionen werden Sie den Raum wahrnehmen und sich ein Bild von seiner Größe, seinem Inhalt und seinen Eigenschaften machen können. Darüber hinaus bilden diese Reflexionen ein konkretes rhythmisches Muster der Verzögerungen des Anfangsimpulses. In diesem Sinne können wir Klang als eine Beziehung zwischen Raum und Zeit verstehen und der Raum wird zu einer Reihe rhythmischer Muster.

displaced ist eine ästhetische Weiterentwicklung dieser Idee in Form einer Miniatur für Kammerorchester. Das Stück ist die Abbildung, Projektion und zeitliche Dehnung der Reflexionen eines imaginären Klangs von zwei verschiedenen Punkten im Raum der Donaueschinger Baar-Sporthalle unter Verwendung eines akustischen Raytracing- Algorithmus, eines Programms zur Berechnung dieser sehr schnellen Reflexionen und ihrer Muster.

Die räumliche Dimension des Stückes displaced liegt nicht in der Anordnung der Instrumente – alle Instrumente befinden sich in der üblichen Orchesterformation auf der Bühne –, sondern in der Raumauffassung des Stückes in Bezug auf die Zeit und in der ästhe tischen Wahrnehmung eines konkreten „erlebten Raums“ (‚éspace vécu‘), in dem wir, die Zuhörer*innen uns befinden. Aus den unzähli- gen möglichen Positionen der Schallemissionen und ihren unzähligen Reflexionsmustern in der Baar-Sporthalle nehme ich einige aus einem akustischen Modell des Raumes, um sie kompositorisch zu nutzen. Diese Auswahl ist eine bewusste kompositorische Geste, um einen bestimmten Aspekt eines Ortes ästhetisch zu erkunden. Anstatt einen Ort akustisch abzubilden, macht das Stück den Hörer auf diesen Ort aufmerksam, indem es ihn musikalisch transformiert, vergrößert und projiziert. Dieser Ort wird auch auf die Bühne und in das Ensemble verlagert. Das heißt, der Ort, den wir im Moment der Aufführung erleben, wird erkundet und hörbar gemacht, indem

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 26 Konzert 2 27 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b) seine Gesamtheit auf den Bereich der Bühne transportiert wird. Mica Levi Der utopische Topos des Raumes in der Musik wird dann in displaced BOUND. 9 Minuets wieder aufgegriffen. Utopie ist kein idealer unerreichbarer Ort, für zwei kleine Trommeln und Ensemble sondern der Ort, den wir bewohnen und erleben, der ästhetisch über dacht und neu aufgeteilt wird, wodurch neue Möglichkeiten auf gedeckt werden.

Michael Wertmüller The Blade Dancer

The Blade Dancer ist ein New Bolero, ein Orchesterstück als Experiment: Ein Grundtempo und eine explizite Tonart werden durch diverse Tempo- und Harmoniemodulationen stetig beschleunigt und finden zum Abschluss in einem gemeinsamen, harmonisch wie rhythmisch stark veränderten Finale wieder zusammen. Es ist ein hochvirtuoses Konstrukt mit intendierter größtmöglicher Wirkung. Einerseits fast tanz- und singbar, andererseits eine klassische Komposition ein- gedenk ihrer Tradition.

Bedingungsloser Einsatz, Streben nach höchster Qualität, „out of the box and the system“ sind das Thema. Das Stück ist fordernd, maliziös, lässig, ungehorsam und auf Effekt bedacht, bis hin zu einer großen Schießerei am Ende. Es gibt diese Liebe für die Details und die fein ausgearbeiteten, zuweilen völlig überdrehten Dialoge. Und diese spielen mit Hybris, Versatzstücken und Genres. Man sollte verstehen: Hier läuft das eine Tempo noch weiter, während dort sich bereits das neue darüberlegt. Die Anforderungen an die Musiker*innen in diesem Stück sind riesig, der Geltungsdrang ist es ebenfalls: Hier soll eine harmonisch wie rhythmisch aufgeblasene Ästhetik ihren Auftritt bekommen. Entgrenzung ist das Ziel, die Überwindung von Raum und Zeit, eine heitere und beschwingte Ungebundenheit, das Brodeln und Wüten des ungebremsten Gefühls.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 28 Konzert 2 29 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Hier prallt einiges gleichzeitig aufeinander. Der Dirigent muss poly- metrisch dirigieren, weil sich sowohl die Tempi als auch die Metren fortwährend in allen Stimmen verändern. The Blade Dancer will alles gleichzeitig in kurzer Zeit erreichen. Er ist voller Sehnsüchte, Lüste und Komplexität. Er will auf einer Klinge tanzen, balancieren, Energie auf engstem Raum erzeugen.

Ausgangspunkt ist der Grundbeat des Bolero, welcher von einem zwei ten, ähnlich gearteten, schnelleren Beat überholt wird. Durch Tempo modulationen wird die Geschwindigkeit dieser Beats verändert. Es gibt drei „Basicbeats“ in verschiedenen Tempi übereinander, welche einander immer wieder überholen oder welche überholt werden können. Es ist ein polymetrischer Bolero.

Darüber – in den Melodie-Instrumenten – entstehen Schichtungen, orchestrierte Loops. Jede Schicht kann zusätzlich in einem anderen Tempo stattfinden. Ein Thema erscheint immer wieder in verschiedenen Tempi, es kommt vor, dass ein Instrument (A) das andere Instrument (B) überholt, (B) aber (A) wieder einholt und beide sich synchronisieren. Dieses kompositorische Mittel verhandelt energi- sches Erweitern, Verkürzen und Verwandeln der rhythmischen und orchestralen Struktur der Musik.

In diesem Stück geht es nicht zuletzt auch um die Selbstbehauptung des Einzelnen in der Masse. Alle Instrumente werden solistisch behandelt, so dass jeder einzelne Musiker im Orchester herausfor- dernde Aufgaben hat. Und die Idee der Polymetrik und deren Umset- zung: Die Parallelität unterschiedlicher Tempi, kombiniert mit solistischen Aktionen der Musiker. Oder mit gegenläufiger Dynamik schneller Bewegung zu balladesker Musik. Fliegende Arme, kreisende Hüftstöße, jazzig synkopiert und dabei hoffentlich sexy. Es baut auf individuelle Attacke, auf Drive und auf Spannung, die zwischen den Musikern durch schnellen Wechsel von Nähe und Distanz entsteht.

Wer auf dieser scharfen Klinge tanzt, sollte fortwährend höchst kon- zentriert bleiben – bei einem Absturz wäre es nämlich vorbei, man fliegt raus, „way way out in a universe where no one can hear you scream“.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 30 Konzert 2 31 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Paul Hindemith Kammermusik Nr. 1

Precarious performance conditions do not only exist in times of a pandemic. Also in times of war or in the immediate post-war period, theatres and concert halls are usually closed, and alternative forms of public music-making must be found. Igor Stravinsky’s L’Histoire du Soldat proves that such a forced restriction of means can produce significant and groundbreaking works. Conceived while in exile in Switzerland in 1917 as a kind of travelling stage, the work presents each of the seven instruments involved in a very individual way. Formally it is a conglomeration of marches, old and new dances, songs and chorales. A further – partly situational, partly intentional – retreat to smaller groupings or instrumentation is evident in the foundation of numerous initiatives and institutions around 1920, the most prominent of which is the Viennese “Verein für musikalische Privataufführungen” centered around Arnold Schönberg, which, in addition to new works, also presented symphonies by Bruckner and Mahler with greatly reduced instrumentation. Numerous chamber music festivals explicitly dedicated to New Music were also founded, for example in Cologne, Salzburg and Donaueschingen. What all these initiatives had in common was the revival of the basic ideas of “chamber music”: the compositional laboratory, the small (elite?) circle, a community of performers and listeners, and the widespread lack of commercial interests. The turning away from the large orchestral apparatus and its differentiated but highly standardized timbres was based not least of all on the aesthetic idea of giving each work its individual sound and expressive form.

Paul Hindemith, concertmaster for the Frankfurt Opera Orchestra at the beginning of the 1920s, was in the midst of all these developments as an established composer, performer and organizer. For example, in 1923 he participated as a violinist in the German premiere of L’Histoire du soldat; in 1922 he founded a “Gemeinschaft für Musik” Paul Hindemith and Hermann Scherchen in Frankfurt, following the example of the Viennese “Verein”. And 1922 in Donaueschingen from the very beginning he was a key figure, both as composer and

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 32 Konzert 2 33 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b) interpreter, in the “Donaueschingen Chamber Music Performances by all instruments, but is constantly fragmented. Lastly, the finale for the Promotion of Contemporary Music”, which took place from is an “Allegro barbaro”, which lashes ahead with relentless activity. 1921-1926. With his Chamber Music Nos. 1–7 he presented a series of The apotheosis of the classical symphony is replaced here with the works which were formative for the music of the 1920s and which, intrusion of a contemporary triviality: the quotation of the then- on the one hand, distanced themselves from the generic term “cham- popular Fox Trot by Wilm-Wilm (Wilhelm Wieninger) on trumpet. ber music” and, on the other hand, gave the term new meaning. By naming this movement, composed in February 1922, as the One example of this is Hindemith’s Chamber Music No. 1, which was “Finale 1921”, Hindemith takes up another aspect of “chamber music” premiered at the “Donaueschingen Chamber Music Performances” and expands upon it: Above all, the string quartet was often a trans- in 1922 (together with his song cycle Die junge Magd op. 23, as well as mitter of a composed autobiography – Smetana’s Quartett e-Moll, works by Fidelio F. Finke and Max Butting) under the direction of Schönberg’s 1. Quartett, Berg’s Lyrical Suite, Janácˇeks Intime Briefe. Hermann Scherchen and with Hindemith as violist. Composers also named piano sonatas after the date of events that Hindemith’s – articulated or differentiated – conception of genre can moved them – Karl Amadeus Hartmann (April 27, 1945) and Leoš be seen in his correspondence with his publisher Schott: In contrast Janácˇeks (1.X.1905). In this way, Hindemith expands these program- to works of the classical chamber music genres, he more often calls matic references to include the general context of contemporary his Chamber Music No. 1 “chamber symphony”, but on the other hand history with his “Finale 1921”. Contemporary critics found the music he emphasizes that the Small Chamber Music for 5 Winds op. 24/2 to be a thoroughly appropriate, albeit aesthetically unsatisfactory, – a “classical” wind quintet – should not be included in the chamber expression of that year, which in Germany was still completely shaped music series. In the same way, he defends himself against the desig- by the aftermath of the war and the difficulties of the young republic nation “Chamber Concerto for Piano and Instruments”, which the pub- (reparations negotiations, occupation of parts of Westphalia by France, lisher considers more viable than Chamber Music No. 2 (Piano Concerto). the assassination of Erzberger, and the division of Upper Silesia): He was less inspired by the chamber symphonies of Schönberg or Schreker, which merely reduce the Romantic orchestration while re- “The finale ‘1921’ was worthy of that year; taining the symphonic principle, than by works such as the Cinq we poor people who experienced this and now hear it!“ Symphonies pour petit orchestre (1917–22) by Milhaud, the ensemble (Die Musik) of Pierrot Lunaire, or even L’Histoire du soldat, whose trumpet and percussion sounds can clearly be heard in Chamber Music No. 1. “One imagines oneself transferred to Aztec country (which is Although Hindemith composes the work against the recognizable not Hindemith’s fault, but the time’s...). The joke succeeded backdrop of the Classical-Romantic tradition, he manages to subvert with cheekiness and virtuosity. Whether it is the task of it in an ironic way. Even the note in the score that the ensemble may music to set George Grosz’s images, to illustrate the shifting remain hidden from the audience reminds one with a wink of Wagner’s spirit symphonically, the art aesthete can only answer this hidden orchestra, the invisibility of the machinery. Although the question with a resounding no.“ classical four-movement structure remains intact, the first movement (Hamburger Fremdenblatt) resembles more of an opening fanfare in its brevity. The slow third movement, titled “Quartet”, is in fact not a quartet, but a trio of flute, (Holger Slowik) clarinet and bassoon, articulated by the ever-same chime (F-sharp). It is a music of refusal and of great melancholy. The woodwinds play together as a trio in only four bars, the remaining 41 bars are arranged solo or as a duet. The theme intoned by the clarinet is also taken up

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 34 Konzert 2 35 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Klaus Lang Cathy Milliken ionisches Licht PIECE 43 FOR NOW

Looking at the arches of Chartres Cathedral, one figure catches the Outrage, loss, thankfulness, aloneness, sense of community, a welcome eye that seems slightly out of place among all the sacred personages: sense of fragility and even exhilaration have marked the last months Pythagoras tunes his monochord. for me, in the events since March 2020. The need for change is most On entering a room whose entire structure serves the sensual experi- urgent – this includes societal change such as the addressing of ence of light and colour, one is referred to the abstract beauty of the inequality, as well as change in our relation to the environment. How numbers. Here a basic problem of the entire history of art becomes does change come about? “Temporal Distancing” – or looking to the apparent: How can sensual experience and intellectual conception be future – is apparently the tool we should employ, and Slavoj Žižek’s reconciled? call for a new societal and international re-organisation, an alternate In a scientific or philosophical text the thought is in the foreground, society, comes to mind. So does Heiner Müller’s letter to Robert even if it is supported by a more or less elegant linguistic form, Wilson, in which he expresses the belief that “there is no revolution without which it could not exist. without memory”. I decided, whilst in the middle of writing, to Conversely, in music, the sensual experience of tonal forms must be structure this piece with seven short eruptions, or shots, in memory in the foreground. The intellect serves the form of sound – music is not of Jacob Blake, who was shot seven times by police on August 23rd a pedagogical-didactic means of transporting thoughts. It can, if 2020 in Kenosha, Wisconsin. Underlying the writing of this piece for only you let it, provide deep insights and touch our innermost being orchestra was an overall quest to musically highlight the individual like nothing else. and their communities during this time, and I feel grateful and privi- leged to be given the opportunity to write now for real live people in a concert hall. I have felt states of flow and exhilaration but also of transience, and I have no answer except that we throw ourselves into the maelstrom of events and swim together, overcoming inertia and fear to bring about change for the better. The initial inspiration for this work was the Sonnet 43 of Shakespeare, which delves into the contradictions of love, into the brightness of night. However, this work has somehow found its own way through all that surrounds us, and me, for now.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 36 Konzert 2 37 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Oliver Schneller The New City. Hommage à Lebbeus Woods

With their predominantly unrealised (and in some cases deliberately unrealisable) drafts, the work of the experimental architect Lebbeus Woods (1940–2012) has touched me deeply, especially during this period of collapse. Architecture conceived as a unique, changeable and critical language, in which the shocks and crises of the present are Sonnet 43 immediately visible and evident; spaces and surfaces that defy the When most I wink, then do mine eyes best see, prevailing geometries and merciless rhythms of our urban and indus- For all the day they view things unrespected; trialised environment; a vocabulary in which the ageing of the But when I sleep, in dreams they look on thee, new and the renewal of the old fluidly intertwine; the light and form And, darkly bright, are bright in dark directed. in Woods’ drawings, the rhythm and, again and again, the carefully Then thou, whose shadow shadows doth make bright, chosen perspective of perception – as a portal. How would thy shadow’s form form happy show To the clear day with thy much clearer light, But where does a composed reaction or even the attempt at trans When to unseeing eyes thy shade shines so? medial paraphrasing begin? On Foucault and his concept of ‘hétéro- How would, I say, mine eyes be blessed made topie‘, which was a defining feature of Woods’ thinking: A manifest By looking on thee in the living day, ation that is both real and unreal at the same time – like a mirror When in dead night thy fair imperfect shade image, for example. Just as Foucault, in the face of the crisis of space, Through heavy sleep on sightless eyes doth stay! contrasts the “hétérotopie” as a simultaneously real and unreal All days are nights to see till I see thee, place of utopia (as the purely unreal), so my score, conceived as a And nights bright days when dreams do show thee me. structured sound projection, is intended as a concrete-acoustic manifestation of Woods’ designs.

“When the world was old, all things became possible. Opposites remained opposed, yet found a unity in being so. Sameness was no longer the same, but different at each turn. Time remained infinite, but closed in finite cycles with distinct variations. There was reconciliation without com- promise or surrender. Each thing remained true to itself, but joined with many others. Conflict became a form of harmony. Accordingly, the human and the natural embraced

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 38 Konzert 2 39 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

one another, almost by accident. It happened one day on Lula Romero the way to autonomy, when people finally saw and under- displaced stood their reflections in ‘the mirror.’ That which can be controlled by them became reconciled with that which cannot.” Think of a sound, an acoustic impulse in a room. Together with the initial sound wave, you will hear its reverberation, the different – Lebbeus Woods: When the World Was Old (2009) reflections of the impulse by the concrete walls and surfaces of the room. Thanks to the reflections, you will perceive the room and will be able to get an idea of its size, content and characteristics. Moreover, these reflections constitute a concrete rhythmical pattern of delays of the initial impulse. In this sense, we can conceive sound as a relation between space and time by understanding space as a series of rhythmical patterns.

displaced is an aesthetic development of this idea in the form of a miniature for chamber orchestra. The piece is the mapping, projecting and time-stretching of the reflections of an imagined sound from two different points in the space of the Donaueschingen Baar- Sporthalle using an acoustic raytracing algorithm, i.e., a program to calculate these very fast reflections and their patterns.

The spatial dimension in displaced does not reside in the disposition of the instruments – all instruments are in the usual orchestra formation on stage – but in the piece’s conception of space in relation to time, and in the aesthetic perception of a ‘lived space’ (‘éspace vécu’), in which we as listeners reside and which we all experience. From the innumerable possible positions of sound emissions – and their innumerable reflection patterns in the Baar-Sporthalle – I take a few from an acoustic model of the space to use compositionally. This selection is a conscious compositional gesture intended to aesthetically explore a specific aspect of a place. Rather than acoustically representing a place, the piece makes the listener aware of the place by musically transforming, magnifying and projecting it. This place is also displaced to the stage and into the ensemble. That is, the place that we are experiencing at the moment of the performance is being explored and made audible by displacing its entirety to the area of the stage. The utopian topos of space in music is then revisited in dis placed. Utopia is not an ideal unreachable place but is rather the place that we inhabit and experience, which, having been aesthetically rethought and redistributed, can reveal new possibilities.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 40 Konzert 2 41 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Mica Levi A lot of things collide here at the same time. The conductor must BOUND. 9 Minuets conduct polymetrically, because both tempi and metres are constantly für zwei kleine Trommeln und Ensemble changing in all voices. The Blade Dancer wants to achieve everything simultaneously within a short time. He is full of longing, desires and complexity. He wants to dance on one blade, to balance, to generate energy in a confined space.

The starting point is the basic beat of the bolero, which is overtaken by a second, similar, faster beat. Tempo modulations change the speed of these beats. There are three “basic beats” in different tempos, one on top of the other, which overtake each other again and again and which can be overtaken. It is a polymetric bolero. Above this – in the melody instruments – layers and orchestrated Michael Wertmüller loops are created. Each layer can additionally take place in a different The Blade Dancer tempo. A theme appears again and again in different tempos: it happens that one instrument (A) overtakes the other instrument (B), but The Blade Dancer is a new bolero, an orchestral piece as an experiment: (B) catches up with (A) again and both synchronise. This composi- A basic tempo and an explicit key are constantly accelerated by tional strategy negotiates energetic expansion, compression and trans various tempo and harmonic modulations and finally come together formation of the rhythmic and orchestral structure of the music. again in a collective finale that is strongly altered both harmonically and rhythmically. It is a highly virtuosic construct with an intended Last but not least, this piece is about the self-assertion of the individual maximum effect. On the one hand it is almost danceable and singable, in the crowd. All instruments are treated as soloists, so that every on the other hand it is a classical composition, with this tradition in single musician in the orchestra has challenging tasks. The piece mind. plays with the idea of polymetrics and its implementation: the paral- lelism of different tempos, combined with the soloistic actions of Unconditional commitment, striving for the highest quality, “out of the musicians, with counteracting dynamics of fast movement to bal- the box and the system” are the themes. The piece is demanding, ladic music. Flying arms, circling hip movements, jazzily syncopated malicious, nonchalant, disobedient and intent on effect, to the point and hopefully sexy. It builds on individual attack, on drive and on of a big gunfight at the end. There is this love for detail and the tension, which is created between the musicians by the rapid change finely-crafted, sometimes completely over-the-top dialogues. And these of proximity and distance. play with hubris, set pieces and genres. One should understand: Here one tempo continues, while over there Whoever dances on this sharp blade should remain highly con the new one is already being considered. The demands on the musi- centrated at all times – in the event of a crash it would be all over, cians in this piece are enormous, and so is the urge to show off: you would be thrown out, “way way out into an universe where in this case, a harmonically- and rhythmically-inflated aesthetic should no one can hear you scream”. make its appearance. The aim is to break down boundaries, to over- come space and time, to achieve a cheerful and exhilarating freedom, the bubbling and raging of unrestrained feeling.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 42 Konzert 2 43 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Paul Hindemith EN Klaus Lang EN “I was born in 1895 in Hanau. Studying born in Graz in 1971. He studied composi- music since my 12th year. As a violinist, tion, music theory and organ. viola player, piano player and percussionist, Klaus Lang loves tea and dislikes lawn- I have worked extensively in the following mowers and Richard Wagner. He does not musical fields: chamber music of all kinds, use music as a means to convey extra- cinema, dance music, operetta, jazz band, musical content, such as affect, philosoph- and military music. Since 1916 I have been ical or religious ideas, political propaganda, concertmaster of the Frankfurt Opera. As a advertising slogans etc. For him, music is composer, I have mostly written pieces that not a language that serves to communicate I no longer like: chamber music in various non-musical content., it is a free and instrumentations, songs and piano stuff. self-standing acoustical object. Sound is Also three one-act operas, which will not used in his work, it is explored through DT probably remain the only ones, because due DT listening, and given the opportunity to „Ich bin 1895 zu Hanau geboren. Seit to the continuous price increases on the geboren 1971 in Graz. Er studierte Kompo- unfold its own rich and inherent beauties. meinem 12. Jahre Musikstudium. Habe als music paper market, only small scores can sition, Musiktheorie und Orgel. Only when sound is just sound can it be Geiger, Bratscher, Klavierspieler oder be written”. Klaus Lang liebt Tee. Was er nicht mag sind perceived as that which it really is, namely Schlagzeuger folgende musikalische Rasenmäher und Richard Wagner. Musik a temporal phenomenon: audible time. Gebiete ausführlich ‚beackert‘: Kammermu- (Special issue for the II Donaueschinger wird von ihm nicht als Mittel gebraucht, For Klaus Lang, time – as the composer’s sik aller Art, Kino, Tanzmusik, Operette, Kammermusikfest zur Förderung zeitgenössi um außermusikalische Inhalte zu transpor- actual material – is the fundamental Jazz-Band, Militärmusik. Seit 1916 bin ich scher Tonkunst of the music magazine Neue tieren, seien es Affekte, philosophische oder subject of music. In his view, musical Konzertmeister der Frankfurter Oper. Als Musik-Zeitung (43) 1922, Issue 20) religiöse Ideen, politische Programme, material is time perceived through sound; Komponist habe ich meist Stücke geschrie- Werbeslogans etc. Musik ist für ihn keine the object of music is the experience of ben, die mir nicht mehr gefallen: Kammer- Sprache, die der Kommunikation außer time through listening; music is time made musik in den verschiedensten Besetzungen, musikalischer Inhalte dient, sie ist ein freies, audible. Lieder und Klaviersachen. Auch drei für sich stehendes, akustisches Objekt. einaktige Opern, die wahrscheinlich die In seinen Arbeiten wird Klang nicht benutzt, einzigen bleiben werden, da infolge der er wird hörend erforscht und ihm wird die fortwährenden Preissteigerungen auf dem Möglichkeit gegeben seine ihm innewoh- Notenpapiermarkt nur noch kleine nende reiche Schönheit zu entfalten. Wenn Partituren geschrieben werden können.“ Klang nur Klang ist (und auf nichts anderes verweisen soll), gerade dann wird er als (Sonder-Heft zum II. Donaueschinger das wahrnehmbar, was er eigentlich ist, näm- Kammermusikfest zur Förderung zeitgenössi lich ein zeitliches Phänomen, hörbare Zeit. scher Tonkunst der Musikzeitschrift Neue Die Zeit als das eigentliche Material des Musik-Zeitung (43) 1922, Heft 20) Komponisten ist für Klaus Lang also auch zugleich zentraler Gegenstand der Musik. Musikalisches Material ist durch das Klingen wahrgenommene Zeit, der Gegen- stand von Musik das hörende Erlebnis von Zeit, Musik ist hörbar gemachte Zeit.

Biografien/Biographies 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 44 Konzert 2 45 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Cathy Milliken prizes. Commissioned works have been Paul Fromm Award der Harvard University Lula Romero written for the Staatsoper Berlin, Ensemble und das Britten Fellowship des Tanglewood Modern, Neue Vocalsolisten, Ensemble Music Center. Professuren für Komposition Resonanz, Adelaide Festival, Arte, SWR2 führten ihn nach Stuttgart (2009–10), and HR2, Adelaide Symphony Orchestra, Hannover (2012–15) und an die Eastman Southbank Centre London and musica viva, School of Music (2015–2019). Seit 2019 ist among others. From 2005 to 2011, she er Professor für Komposition und Direktor directed the education programme of the des SoundCube an der Robert Schumann Berlin Philharmonic. She brings her Hochschule Düsseldorf. compositional experience to international collaborative contexts. She has conceived EN and directed participatory art projects for born in Cologne in 1966, studied composi- Future Labo Tohoku (Japan), Umculo tion in Boston and at Columbia University, DT Festival (South Africa), Artology (Sydney) New York. In 2002–04 he was compositeur DT geboren in Australien, ist Komponistin, and the Melbourne Symphony Orchestra. en recherche at IRCAM. His works are studierte Komposition, Klavier und Kunst- Ideengeberin und Oboistin. Sie studierte in performed at international music festivals. geschichte. 2010 schloss sie ein Master ihrer Heimat sowie in Europa bei Heinz His teaching and curatorial activities have studium in Komposition am Königlichen Holliger und Maurice Bourgue. Sie war Oliver Schneller taken him to the Middle East and East Asia. Konservatorium in Den Haag bei Gilius van Gründungsmitglied des Ensemble Modern. In 2010 he was the winner of the Composer Bergeijk und Cornelis de Bondt ab. Sie Ihre Werke wurden mehrfach durch Prize of the Ernst von Siemens Music erforscht in ihrer kompositorischen Arbeit Preise ausgezeichnet. Auftragswerke sind Foundation. He has received a scholarship den Raum in der Musik in Hinsicht auf u.a. für die Staatsoper Berlin, das Ensemble from the German Academy Rome Villa musikalische Struktur und Klangmaterial Modern, die Neuen Vocalsolisten, das Massimo, the Edgar-Varèse-Visiting Profes- sowie deren Beziehung zu feministischen Ensemble Resonanz, Adelaide Festival, sorship from the DAAD in 2018/19, the Theorien und Praktiken und zu Fragen Arte, SWR2 und HR2, Adelaide Symphony Paul Fromm Award from Harvard University sozialer Gleichberechtigung. Sie wurde u.a. Orchestra, Southbank Centre London and the Britten Fellowship from the mit dem GIGA-HERTZ-Produktionspreis und die musica viva entstanden. Von 2005 Tanglewood Music Center. Professorships (2014) und mit dem Berlin-Rheinsberger bis 2011 leitete sie das Education-Pro- in composition have taken him to Stuttgart Kompositionspreis (2011) ausgezeichnet gramm der Berliner Philharmoniker. Ihre (2009–10), Hannover (2012–15) and the und war Stipendiatin des Deutschen Kompositionserfahrungen bringt sie in Eastman School of Music (2015–2019). Studienzentrums in Venedig (2017). 2019 internationalen kollaborativen Kontexte DT Since 2019 he has been Professor of Compo- erschien ihre Portrait-CD ins Offene in ein. So konzipierte und leitete sie partizipa- 1966 in Köln geboren, studierte Komposition sition and Director of the SoundCube der Edition Zeitgenössische Musik beim torisch gestaltete Kunstprojekte für das in Boston und an der Columbia University, at the Robert Schumann Hochschule in Label WERGO. Future Labo Tohoku (Japan), das Umculo New York. 2002–04 war er compositeur en Düsseldorf. Festival (Sudafrika), Artology (Sydney) und recherche am IRCAM. Seine Werke werden EN für das Melbourne Symphony Orchestra. bei internationalen Musikfestivals aufge- holds degrees in Composition, Piano, führt. Unterrichts- und kuratorische Tätig- and Art History. She has finished a Master’s keiten führten ihn in den Nahen Osten und degree in Composition at the Royal EN nach Ostasien. 2010 war er Preisträger des Conservatory in The Hague with Gilius van born in Australia, is a composer, creative Komponistenpreises der Ernst von Siemens Bergeijk and Cornelis de Bondt. In her director and oboist. She studied in her Musikstiftung. Er erhielt ein Stipendium compositional work she explores the space home country and in Europe with Heinz der Villa Massimo in Rom, die Edgar-Varèse- within music – both in terms of musical Holliger and Maurice Bourgue. She was a Gastprofessur des DAAD 2018/19, den structure and sound material, as well as its founding member of the Ensemble Modern. relationship to feminist theories and Her works have been awarded several practices, and to questions of social equality. She has been awarded the GIGA-HERTZ

Biografien/Biographies 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 46 Konzert 2 47 Baar-Sporthalle, Freitag, 16.10.2020 18 Uhr (2a) + 21 Uhr (2b)

Production Award (2014) and the Berlin– Michael Wertmüller EN Rheinsberger Kompositionpreis (2011), composer and percussionist, was born in among others. In 2017 she was a fellow 1966 in Thun, Switzerland. He graduated of the Deutsches Studienzentrum Venedig from the Swiss Jazz School, the Universität (Centro Tedesco di Studi Veneziani). der Künste Bern and the Sweelinck Conser- The portrait CD ins Offene was released in vatory in Amsterdam, where he studied 2019 in the “Edition Zeitgenössische Musik” composition with Misha Mengelberg, on the WERGO label. among others. From 1995 to 1999 he was a student of Dieter Schnebel at the Uni- versität der Künste Berlin. His works are performed at festivals such as the Mica Levi Donaueschinger Musiktage, MaerzMusik, Lucerne Festival, musica viva, Ultraschall DT Festival, Akademie der Künste Berlin, Komponist und Schlagzeuger, wurde 1966 Biennale Tel Aviv, JazzFest Berlin, Klang- in Thun, Schweiz, geboren. Seine Ausbil- spuren Schwaz, Wien Modern, Hudder- dung absolvierte er an der Swiss Jazz sfield Contemporary Music Festival and the School, an der Hochschule der Künste Bern London Jazz Festival. He has composed und am Sweelinck-Konservatorium for Christoph Schlingensief as well as for Amsterdam, wo er unter anderem bei the Theater Köln, the Schauspiel Stuttgart Misha Mengelberg Komposition studierte. and the Schauspielhaus Zürich. As a Von 1995 bis 1999 war er Schüler von Dieter percussionist he was a member of the Bern Schnebel an der Universität der Künste Symphony Orchestra and a guest of the Berlin. Seine Werke werden bei Festivals Concertgebouw Orkest Amsterdam, and DT wie den Donaueschinger Musiktagen, has played with numerous chamber music ist eine im Südosten Londons lebende MaerzMusik, Lucerne Festival, musica viva, ensembles. He has played concerts and Musikerin und Komponistin, die mit Hilfe Ultraschall Festival, Akademie der Künste festivals in Europe and around the world von Programmiersoftware, schriftlicher Berlin, Biennale Tel Aviv, JazzFest Berlin, with the band Alboth!, in the 1990s, and Notation und Improvisation Musik produ- Klangspuren Schwaz, Wien Modern, since 2004 with the trio Full Blast (together ziert. Neben ihrer Tätigkeit als Komponistin Huddersfield Contemporary Music Festival with Peter Brötzmann and Marino Pliakas). für Ensembles, Film- und Theaterproduk- oder am London Jazz Festival aufgeführt. tionen ist sie derzeit Mitglied der Gruppen Er komponierte für Christoph Schlingensief CURL, Good Sad Happy Bad und Tirzah. sowie u.a. das Theater Köln, das Schauspiel Stuttgart und das Schauspielhaus Zürich. EN Er war als Schlagzeuger Mitglied im Berner is a musician and composer living in South Sinfonieorchester sowie Gast beim Concert- East London who uses programming gebouw Orkest Amsterdam und spielte mit software, written notation and improvisation zahlreichen Kammermusikenensembles. to produce music. As well as being a In den 1990er Jahren mit der Band Alboth! composer for ensembles, film and theatrical und seit 2004 mit dem Trio Full Blast (zu- productions, they are currently a member sammen mit Peter Brötzmann und Marino of the groups CURL, Good Sad Happy Bad Pliakas) führten ihn Konzerte zu Festivals and Tirzah. in Europa und der ganzen Welt.

Biografien/Biographies 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 48 Konzert 5 49 Erich-Kästner-Halle, 16.10.2020, 20–22 Uhr (3a) + 17.10.2020, 18–22 Uhr (3b) 3 Erich-Kästner-Halle Wojtek Blecharz Freitag, 16.10.2020, 20–22 Uhr (3a) Symphony No. 3 und Samstag, 17.10.2020, 18–22 Uhr (3b) für 200 kabellose Lautsprecher und fünf Performer*innen (2019–2020)

Einlass während der 1. Synthesis gesamten Aufführungsdauer 2. Sound fields empfohlene Verweildauer: 30 Min. 3. Drones 4. Scherzo 5. Theme with variations Przemek Kamiński, Tanz Anna Faber, Violine Uraufführung, Kompositionsauftrag des SWR Olga Holdorff, Violine Ines Hu, Violine Lil Ulmann, Violine

Sendung in SWR2 JetztMusik, 18.11.2020, 23.03 Uhr

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 50 Konzert 3 51 Erich-Kästner-Halle, 16.10.2020, 20–22 Uhr (3a) + 17.10.2020, 18–22 Uhr (3b)

Wojtek Blecharz Symphony No. 3

Symphony No. 1 (2019) ist eine performative Installation für ein Kammerorchester in vier Gruppen. Das Stück besteht aus 12 Modulen, die in verschiedenen räumlichen Anordnungen gespielt werden können. Die Gruppen finden sich an unterschiedlichen Orten des Aufführungsraumes, so dass das Publikum sich frei zwischen „Ein neuer Typ von Orchester ohne Streicher kam aus den USA. den Gruppen bewegen kann. Die Musiker*innen sollten auf mehreren Seine Besetzung war beeinflusst von der Popkultur, Ebenen und in den verschiedenen Ecken des Raumes platziert vom Jazz und vor allem von der afro-amerikanischen Kultur.“ werden, das Publikum soll sich langsam zwischen den Klängen (Paul Bekker) bewegen, immer auf die Musik „dazwischen“ hörend, mal nah an den Musikern, mal weit entfernt, ohne das Orchester zu sehen. „Neue musikalische Geräte sind in der Lage, alle Arten von Symphonie No. 2 (2019) kann als ein Raum verstanden werden, Klängen und Frequenzen zu übertragen, Register zu der den Dialog zwischen den Beteiligten und dem Klang in einer ganz erweitern und somit neue Arten von vertikalen und räumlichen heitlicheren Weise ermöglicht als in einer regulären Konzertsituation. Akkorden zu erzeugen.“ (Edgar Varèse) Symphonie No. 2 ist eine aus 16 Szenen bestehende Performance, komponiert für eine neue Art von Orchester: zusammengesetzt aus ausgebildeten Musikern und Musikern ohne besondere Vorerfahrungen. „Wir sind auf dem Weg, Silikonwesen zu werden; wir wandeln Das Stück sollte in Räumen aufgeführt werden, in denen es keine uns von kohlenstoffbasierten zu silikonbasierten Wesen.“ Trennung zwischen Bühne und Publikum gibt und die einen (sehr) (Pauline Oliveros) langen oder „problematischen“ Nachhall aufweisen. Im Lateinischen bedeutet ‚sympho¯nia‘ „eine Übereinstimmung der Klänge, eine Harmonie“, und Symphonie No. 2 bietet – für die Musiker wie für das „Wir können Systeme nicht kontrollieren oder durchschauen, Publikum – die Möglichkeit, unabhängig von Vorerfahrung, Back- aber wir können mit ihnen tanzen.“ ground oder Herkunft, gemeinsam Klängen und Harmonien zu begeg- (Donella H. Meadows) nen, sie spielen und betrachten zu können.

Symphony No. 3 (2019–2020) besteht aus fünf Sätzen. Sie verbindet jeden Punkt mit jedem anderen Punkt, sie erlaubt eine unein geschränkte Bewegung zwischen den verschiedenen Feldern der Möglichkeiten, Themen, Kategorien. Sie gibt der Klanglandschaft einen Ort – und entzieht ihn ihr wieder.

Symphonies No. 1–3 können in jedweder Zusammensetzung auch simultan aufgeführt werden.

Werkeinführung 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 52 Konzert 3 53 Erich-Kästner-Halle, 16.10.2020, 20–22 Uhr (3a) + 17.10.2020, 18–22 Uhr (3b)

Wojtek Blecharz Symphony No. 3

Symphony No. 1 (ww) is a performative installation composed for chamber orchestra in 4 groups. The structure of the piece consists of 12 modules that can be played in different spatial arrangements. The groups of musicians are located in different spaces of the venue, which should allow the visitor to move freely between the groups. The musicians should be situated among different floors/levels/ corners of the venue, the audience shall move slowly between the masses of sound, always listening to the music “in between”, very close to the musicians, sitting next to them or far away, without seeing the orchestra.

Symphony No. 2 (2019) can be understood as a space that activates dialogue between the participant and the sound in a more holistic way than in a regular concert situation. Symphony No. 2 is a durational performance, made of 16 scenes, composed for a new type of orchestra: consisting of trained musicians and musicians without prior musical experience. The piece should be performed in spaces without a division between stage and the audience, and with rather (very) long or “problematic” reverbs. In Latin ‘sympho¯nia’ means “an agree- ment of sounds, a harmony” and Symphony No. 2 offers a safe place, where both the orchestra and the audience can meet, play and contemplate sounds and harmonies together, regardless their experience, background or origin.

Symphony No. 3 (2019–2020) consists of five movements. It connects any point to any other point, it allows unrestricted movement between fields of possibilities, themes, categories. It territorializes and deterritorializes the soundscape.

Symphonies No. 1–3 can be performed simultaneously in any arrangement.

Introduction to the work 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 54 Konzert 3 55 Erich-Kästner-Halle, 16.10.2020, 20–22 Uhr (3a) + 17.10.2020, 18–22 Uhr (3b)

Wojtek Blecharz a Ph. D. in music composition from the University of California San Diego. He is currently living in Berlin. Since 2012 Blecharz has been curating the Instalakcje music festival at Warsaw’s Nowy Theater, featuring non-concert music: sound installations, performance installations, sound sculptures, music videos, music “New type of orchestra without strings came from the USA theater and others. Blecharz has also directed three of his opera-installations: and its shape was influenced by pop culture, jazz music and Transcryptum (2013) commissioned by most importantly Afro-American culture.” Grand Theater National Opera in Warsaw, (Paul Bekker) Park-Opera (2016) commissioned by DT Theater Powszechny in Warsaw, and Body- wurde 1981 in Gdynia (Polen) geboren Opera commissioned by Huddersfield und lebt in Berlin. 2006 schloss er sein Contemporary Music Festival (2016). “New musical devices are able to transmit all types of sounds Studium an der Frederic Chopin Akademie In 2018 he composed the opera FIASKO, and frequencies, to expand registers, therefore, to arrange in Warschau mit Auszeichnung ab, 2015 commissioned by Staatstheater Darm- new types of vertical and spatial chords.” erwarb er den Abschluss Ph.D. an der stadt, and in 2019 the Rechnitz.Opera for (Edgard Varèse) Universität von Kalifornien in San Diego. 6 actors and 4 cellos, based on Elfriede Seit 2012 kuratiert er das Musikfestival Jelinek’s text, commissioned by Warsaw Instalakcje im Warschauer Nowy-Theater, Autumn Festival and TR Warszawa. das Klang- und Performance-Installationen, “We are on our way to becoming silicone beings, we are Klangskulpturen, Musikvideos, Musik transforming from carbon-based to silicone-based beings.” theater und andere Formate präsentiert. (Pauline Oliveros) Er hat auch bei drei seiner Opern-Installa- tionen selbst Regie geführt: Transcryptum (2013) im Auftrag der Grand Theater National Opera in Warschau, Park-Opera “We can’t control systems or figure them out, (2016) im Auftrag des Theater Powszechny but we can dance with them.” in Warschau und Body-Opera im Auftrag (Donella H. Meadows). des Huddersfield Contemporary Music Festival (2016). 2018 komponierte er die Oper FIASKO für das Staatstheater Darm- stadt und 2019 Rechnitz.Opera für sechs Schauspieler und vier Violoncelli nach dem Drama Rechnitz – Der Würgeengel von Elfriede Jelinek im Auftrag des Festivals Warschauer Herbst und des Theaters TR Warszawa.

EN was born in Gdynia (Poland) in 1981. In 2006 he graduated with honors from the Frederic Chopin Music Academy in Warsaw (Master of Arts), and in 2015 he received

Introduction to the work 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 56 Konzert 5 57 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

4 Jason Yarde THE PROBLEM WITH HUMANS Volume 1 – An Overview Realschule, große Sporthalle From Under Freitag, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) für Stimme und Ensemble (2020) Samstag, 17.10.2020, 11 Uhr (4b) und 17 Uhr (4c) Uraufführung, 10 Min., Kompositionsauftrag des SWR

Elaine Mitchener, Alt und Gesamtkonzept Matana Roberts Ieva Navickaite, Tanz “Gasping for air considering your purpose Dissolving …” Tommaso Petrolo, Tanz für Stimme und Ensemble (2020) Dam Van Huynh, Choreografie Uraufführung, 10 Min., Kompositionsauftrag des SWR Antony Hately, Lichtdesign MAM.manufaktur für aktuelle Musik Laure M. Hiendl MAM.manufaktur für aktuelle Musik: White Radiance™ Richard Haynes, Klarinette für Stimme, Ensemble und Elektronik (2020) Paul Hübner, Trompete Uraufführung, 10 Min., Kompositionsauftrag des SWR Sabrina Ma, Schlagwerk Sarah Saviet, Violine Caleb Salgado, Kontrabass Tansy Davies The rule is love a song cycle for contralto and chamber ensemble (2019)

1. Music Began 2. High Priestess 3. Bios and Logos 4. Spinning in Infinity

Uraufführung, 10 Min., Kompositionsauftrag der London Sinfonietta und des SWR

George Lewis H. Narrans für Stimme und Ensemble (2020) Sendung in SWR2 JetztMusik, 25.11.2020, 23.03 Uhr Uraufführung, 9 Min., Kompositionsauftrag des SWR

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 58 Konzert 4 59 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

On Being Human as Praxis geformt – was ich als die Funktionsweise des Stückes ansehe - und so ermöglicht, die verschiedenen Teile des Werkes zu einem kohärenten Das Konzept dieses Projekts geht auf den Titel einer von Katherine Ganzen zusammenzufügen. McKittrick herausgegebenen Sammlung von Werken der jamaika nischen feministischen Schriftstellerin und Kulturtheoretikerin Sylvia Unsere Gruppe hat auf Wynters verblüffende Rekonzeptualisierung Wynter zurück. Ich finde Wynters tiefe und kritische Einsichten, die des Menschlichen und ihre Versuche, das Menschliche als Praxis zu re- beschreiben, wie Herkunft, Geographie und Zeit zusammen darüber historisieren, kreativ reagiert. Die musikalische Erforschung des Auskunft geben, was es bedeutet, Mensch zu sein, absolut inspirierend. Menschseins kann auch als eine Freilegung des Selbst erlebt werden, indem wir unsere Masken (die in unserer Covid-19-Welt existentiell Nach Gesprächen mit Björn Gottstein im Jahr 2017 wurde mir klar: und real sind) abnehmen und unsere Verwundbarkeiten und Stärken Jetzt war es an der Zeit zu handeln und mein Verständnis des Ideen- offenlegen: um sie zurückzunehmen, wiederherzustellen, zu erneuern gebäudes in Wynter's Werk bei den Musiktagen im Jahr 2020 zu und wieder ins Gleichgewicht zu bringen. präsentieren. Meine Arbeit kreist um Begegnung, Teilhabe und Enact- (Elaine Mitchener) ment, sei es körperlich, emotional, politisch oder spirituell, und sie ist immer der Versuch, diese Erfahrung für den Performer und den Zu- schauer zu einer Synthese zu bringen. Für mich war es auch von „Menschliche Wesen sind magisch. Bios und Logos. entscheidender Bedeutung, ein Werk zu präsentieren, das die breite Worte machen Fleisch, Muskel und Knochen animiert von Öffentlichkeit der neuen Musik im 21. Jahrhundert widerspiegelt. Hoffnung und Verlangen, Glauben materialisiert als Taten, Deshalb habe ich fünf Komponisten mit afrikanischem und europäi Taten, die unsere Aktualitäten kristallisieren. schem Background eingeladen, Werke zu komponieren, die von [...] Und die Karten der Quelle müssen immer neu Wynters Texten und Ideen inspiriert sind, und die von mir und dem gezeichnet werden, in ungewagten Formen.“ Ensemble MAM.manufaktur für aktuelle musik aufgeführt werden. (Sylvia Winter) Jedes dieser Werke stellt Fragen: über die Bedeutung des Menschseins; über den Wettstreit zwischen den westlichen Vorstellungen von ‚Mensch‘ vs. ‚menschlich‘; über den Einfluss dieses Wettstreits auf die strukturelle Ungerechtigkeit in unserer Welt. Die Komponisten haben darauf reagiert, indem sie vielschichtige Werke komponiert haben, die zahlreiche kreative und intellektuelle Ausdrucksformen umfassen: Hoffnung, Schmerz, Freude...

Um eine einstündige Aufführung zu konzipieren, bei der sowohl ich als auch das Ensemble im Raum agieren würden, zog ich meinen langjährigen Mitstreiter, den vietnamesisch-amerikanischen Choreo- grafen und Regisseur Dam Van Huynh hinzu. Zusammen mit zwei Mitgliedern seiner Compagnie hat er den Raum geschaffen und

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 60 Konzert 4 61 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

Jason Yarde In gewisser Weise habe ich versucht, den Weg des geringsten Wider- THE PROBLEM WITH HUMANS Volume 1 standes zu gehen und habe Korrelationen hergestellt, wo immer ich – An Overview From Under konnte. Es war sinnvoll, das zehnminütige Stück mit den zehn Kapiteln des Buches (Sylvia Wynter: On Being Human As Practice) zu verknüp- Um ehrlich zu sein, ist THE PROBLEM WITH HUMANS Volume 1 ein fen. Das erlaubte es mir, an zehn diskreten, aber klar miteinander Titel, den ich lange herumliegen ließ, und ich wusste zu Beginn der verbundenen Sätzen auf ganz bestimmte Weise zu arbeiten. Des wei- Komposition nicht, ob Musik und Titel wirklich zusammenpassen teren nahm ich die Titel aus jedem Kapitel und wandte sie auf ein würden. Ich habe eine fortlaufende Sammlung von Titeln und Ideen, auf den Text zurückgehendes Notensystem an. Die sich daraus erge- manchmal sogar losgelöst von der Musik, in die ich gelegentlich benden Phrasen bilden die Sprache und prägen den Inhalt eines eintauche, um mich inspirieren zu lassen. Bei einigen (in diesem Fall) jeden Kapitels respektive eines jeden Satzes, während sich der eigent- weiß ich, dass ich viele Dinge zusammenbringen möchte oder sollte, liche Text im Liedtext wiederfindet. bevor ich versuche, sie in einer Komposition umzusetzen. Und während ich mich mit diesem Prozess befasse, bin ich mir voll und Wie in einer schönen Demokratie habe ich versucht, die Schätze ganz bewusst, dass er eigentlich Teil des ständigen Dialogs zwischen (das musikalische Sprechen) gerecht zu verteilen, so dass jeder Musiker mir, der Musik und dem Leben ist. Mit anderen Worten: Es ist zu etwa gleich viel Klang und Stille erhält. Ohne erklärte Absicht war viel für eine Sitzung, und ich muss weitere Entdeckungen und Ent- das auch etwas, das sich in einem Aspekt der Inszenierung nieder- wicklungen einplanen. schlagen kann. Obwohl ich es wie eine exakte Wissenschaft begann, wurde mir beim Schreiben des Stückes klar, dass ich diese Regel Der Untertitel „Ein Überblick von unten“ hat mindestens zwei Bedeu- tungen. Er spricht von der Position des Underdogs, die ich als schwarzer Brite und mit meiner karibischen Herkunft oft eingenommen habe. Genauer gesagt, beim Schreiben des Stückes war es an gesichts der Bedeutung des Quellenmaterials von Sylvia Wynter klar, dass ich das Stück vielleicht fertig schreibe, bevor ich das Buch zu Ende gelesen habe. Ich habe auch die mögliche Perspektive eines Außenstehenden eingenommen, der unbemerkt beobachtet, wie ein Außerirdischer oder eine Meereskreatur bei einem Tagesausflug aufs Festland.

Angesichts dieser Gelegenheit, die Arbeit von Sylvia Wynter als Aus- gangspunkt zu nehmen, war klar, dass es viele Überschneidungen mit den Dingen gab, die ich bei der Umsetzung meines Titels anspre- chen wollte. Sicherlich ist mein Titel in gewisser Weise fragwürdig. Gibt es da wirklich nur ein Problem? Wie viele Bände werde ich schreiben müssen? In gewisser Weise ist es zu umfangreich und zu kompliziert, doch wenn man es an einem anderen Tag, aus einem anderen Blickwinkel betrachtet, könnte (und sollte) es sich sehr einfach darstellen.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 62 Konzert 4 63 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c) aus verschiedenen Gründen brechen musste, aber ich beschloss, dass es in Ordnung war, diese Regeln auf sehr spezifische und begrenzte Weise zu brechen, wenn es dem Gesamtbild dienlich war. Zusätzlich zu den Solomomomenten darf jeder Interpret (mit Ausnahme des „nicht gestimmten“ Schlagzeugers – es gibt immer Ausnahmen) kleine klangliche Beiträge leisten. Die Musiker*innen werden dazu aufge fordert, Hässlichkeit und Schönheit auszudrücken, aber selbst das ist mit gewissen Einschränkungen verbunden.

Es ist vielleicht erwähnenswert, dass die erste Hälfte des Jahres 2020 durch verschiedene Ereignisse gefiltert wird, die alle auf der Erde Anwesenden betreffen. Es ist eine Momentaufnahme oder sind viele Momentaufnahmen. Angesichts dessen, was ich von Elaine Mitcheners künstlerischem Können als Improvisatorin weiß, hatte ich ursprüng lich ein viel größeres Maß an Improvisation für alle Beteiligten geplant, aber es gab in diesem Jahr offensichtlich viele Dinge, über die es zu schreiben galt. Covid-19 hat den Verlauf dieser Komposition beeinflusst und hat einige Themen hervorgehoben. Und dann, gerade Matana Roberts als ich glaubte, das Stück vollendet zu haben, wurde das Video von “Gasping for air considering your purpose George Floyds Tod durch das Knie eines Polizeibeamten in den USA Dissolving …” viral. Es wäre mir fahrlässig erschienen, nicht einige der Reaktionen (sowohl persönliche als auch globale) in das Stück einfließen zu lassen. “Gasping for air considering your purpose Dissolving …” (für E. Mitchener) ist eine konzeptuelle Textpartitur, die einen etwas minimalistischen Als Ergebnis all dessen ist diese Komposition dem Werk von Rahmen aus Textanweisung, Visualisierung, Atemarbeit, Stille und Im- Sylvia Wynter, dem Leben und Tod von George Floyd und dem positiven provisation verwendet, um ein unverwechselbares, einzigartiges Wandel in der Welt gewidmet. Klanggewebe zu schaffen. Dieses Stück steht auf der Grundlage der Schriften von Sylvia Wynter (vorgeschlagen von E. Mitchner) und der musikalischen Pionierarbeit des Fluxus-Komponisten Ben Patter- son. Es wurde auch geschrieben, um Zeugnis von der anhaltenden Polizeibrutalität in den Vereinigten Staaten und darüber hinaus ab- zulegen. Gewidmet ist es dem Gedenken an Rodney King, Trayvon Martin, Michael Brown, Sandra Bland, Philando Castille, Eric Garner, Oscar Grant, Breonna Taylor, Botham Jean, Ahmaud Arbery – und wer auch immer der oder die Nächste sein mag… Es sei angemerkt, dass der Amerikaner George Floyd nur wenige Tage, nachdem ich diese Partitur fertiggestellt hatte, ermordet wurde. „Land der Freien, Heimat der Tapferen, mit Freiheit und Gerechtigkeit für“ – einige.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 64 Konzert 4 65 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

Laure M. Hiendl Interpellation“ subjektiver Handlungsfähigkeit nennt, und nicht eine White Radiance™ „vertikale Interpellation“ entlang hierarchischer Strukturen. Insbe- sondere bietet das Stück gegen Ende keine synchronisierte Partitur In meiner Arbeit versuche ich, die generativen Kräfte der strukturellen mit einer „Master-Timeline“, der alle Interpret*innen unterworfen Gewalt in unserer gegenwärtigen rassistisch-kapitalistischen sind. Vielmehr verwendet es einzelne Teile, die nicht synchronisiert Weltwirtschaft unter die Lupe zu nehmen. Ich erforsche, kopiere und sind und die die Interpret*innen auffordern, ihre musikalischen benutze die Symbol- und Musiksprache, die in der Werbung und in Aktionen horizontal miteinander zu verflechten und untereinander anderen öffentlichen Kontexten verwendet wird, um die in ihr auszuhandeln. Diese Wechselwirkungen ermöglichen ein kollektives enthaltene Gewalt aufzudecken. Das Duo für Stimmen Ten Bullets Sich-Bewegen durch die Zeit, anstatt einer einzelnen Timeline/ Through One Hole will aufzeigen, wie nahe sich die hetero-maskuline Erzählung/Geschichte zu folgen, die das individuelle Tun als etwas Pornografiesprache und Werbesprache von Waffenherstellern sind. würdigt, das das naturgemäß aufeinander angewiesen ist – eine Praxis, Das Bratschensolo The Body of Work spricht über das herrschende die immer nur im Machen, aber nicht im Erreichen besteht. Regime von Fitness und Selbstoptimierung unter der Regie des Marktes.

White Radiance TM befasst sich mit der Frage der Hautbleichcremes, wie sie von der jamaikanischen Philosophin und Schriftstellerin Sylvia Wynter herausgearbeitet wird. Von großen westlichen Kosmetik konzernen auf den Markt gebracht, stellen diese Bleichcremes – in Wynter’s Worten – „das Aufkommen eines globalen, vom freien Markt angestachelten und konsumorientierten mimetischen Be gehrens dar, das in einem einzigen genrespezifischen westeuropäischen bürgerlichen Seinsmodell verankert ist“. (Katherine McKittrick, Hrsg., Sylvia Wynter: On Being Human as Praxis, Durham: Duke Uni- versity Press, 2015, S. 18.) Indem es die Sprache dieser Werbespots kopiert und sie gegen Wynters eigene kraftvolle Worte setzt, versucht White Radiance TM die Mechanik der Strategien zur Erzeugung dieses mimetischen Begehrens offenzulegen.

Aber das Stück beschränkt sich nicht nur auf eine Geste der Dekon struktion; es versucht auch, eine neue Art des Zusammenseins zu rekonstruieren – „des Menschseins als Praxis“ („of being human as praxis“), ein Leitsatz in Wynters Schreiben. Ausgehend von Michelle M. Wrights Konzept einer „Epiphänomenalen Zeit“ (Michelle M. Wright, Physics of Blackness: Beyond the Middle Passage Epistemology, Minneapolis: University of Minnesota Press, 2015), das im Jetzt verwurzelt ist – im Gegensatz zur Vorstellung einer linearen Zeit, die einen Ursprung hat und Geschichtlichkeit ausprägt – versucht dieses Stück das zu manifestieren, was Wright eine „horizontale

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 66 Konzert 4 67 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

Tansy Davies The rule is love

Ich habe bei zahlreichen Gelegenheiten gern mit der Sängerin Elaine Mitchener zusammengearbeitet, insbesondere in der Rolle der Hannah in meiner Kammeroper Cave.

Ich war begeistert, als Elaine mich einlud, ein 10-minütiges Werk als Teil eines 60-minütigen, choreographierten Konzerts zu schreiben. Elaine wies mich auf die Arbeit von Sylvia Wynter hin, deren Schriften den Kontext für die gesamte Veranstaltung bilden sollten. Ich las verschiedene Essays von Wynter und entschied mich für ein Fragment aus The Pope must have been drunk, the King Castile a madman: culture as actuality, and the Caribbean rethinking modernity (1995).

Etwa zu dieser Zeit dachte ich auch darüber nach, das Werk eines anderen Schriftstellers, John Berger, zu vertonen, nachdem ein anderer Sänger – der Tenor Mark Padmore, der die Rolle des Mannes, ebenfalls in Cave, übernommen hatte – meine Aufmerksamkeit auf einen bestimmten Abschnitt seines Romans To The Wedding gelenkt hatte.

Wie bei vielen meiner Stücke bin ich auch bei The rule is love anfangs systematisch vorgegangen: Ich gewann aus beiden Texten musikalische Alphabete und fand Wege, mit den daraus resultierenden Mustern zu arbeiten, aus denen ich das Stück fast Buchstabe für Buchstabe aufbaute. Dann trat ich einen Schritt zurück und gestaltete intuitiv weiter.

Elaine Mitchener ist eine Künstlerin, deren Energie mich zutiefst anregt; sie ist geerdet und gleichzeitig wild, in den von ihr erzeugten Klängen findet sich eine selbstverständliche Flexibilität sowie eine große Vielfalt an Farben und Texturen. Für dieses Werk sah ich sie als die Stimme der „alten weisen Frau“, die zu Beginn in kurzen Tönen und Lauten vokalisiert. Ich stellte sie mir als eine Mischung aus Stimme und Trommel vor – den frühesten Formen des menschlichen musikalischen Ausdrucks.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 68 Konzert 4 69 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

Der perkussive Charakter der Gesangsstimme hängt für mich mit der Wynters Darstellung des Menschen, die die Grundlage für meinen Idee einer Haut oder Membran (wie das Fell einer Trommel) zusam- zusammengestelltenText bildet, ist in drei aufeinanderfolgende men, die sowohl als Schutzschicht als auch als Wand der Unter- „Ereignisse” gegliedert. Das erste Ereignis war natürlich der Urknall. drückung gesehen werden kann. Manchmal ist es, als wäre ihre Stimme Das zweite Ereignis war das, was sie „die Explosion des biologischen blockiert; ihre Worte werden zurückgehalten oder verdeckt und Lebens” nennt. Hier schreibt Wynter dem aus Martinique stammenden müssen durch diese Haut oder „gläserne Decke“ ausbrechen, um Schriftsteller Aimé Césaire die Einsicht zu, dass „wir in keinem gehört zu werden. anderen als in einem universell anwendbaren Begriff vollständig menschlich sein können (…) der darwinistische Mensch ist nicht uni- Die vier Lieder vertonen denselben Text zweimal, jeweils in einer versell anwendbar, weil wir keine rein biologischen Wesen sind”. körperlicheren, perkussiveren und einer verträumteren, lyrischeren Wynters Argument gegen den biologischen Determinismus stützt sich Version. Es ist, als hätte sie geheime Träume, Dinge zu enthüllen, auf Frantz Fanons Begriff der soziogenen Phänomene, die durch die so mächtig sind, dass sie am Ende Blockaden durchbrechen und soziale Kräfte hervorgerufen werden, ein Konzept, das der Koevolution verlangen gehört zu werden, egal was passiert. bemerkenswert ähnlich ist, bei der adaptive Verhaltensfähig- keiten (einschließlich, in der Konzeption des Genetikers Stephen Oppenheimer, der Musiknotation) genetische Veränderungen voran George Lewis treiben. Daher Wynters drittes Ereignis, der eigentliche Ursprung H. Narrans des modernen Menschen: nicht die Opposition des Daumens, sondern die Fähigkeit des Erzählens. Die Sängerin und Performerin Elaine Mitchener wählte den Titel eines einflussreichen Essays der jamaikanisch-britischen Kultur Ich leihe mir ihren Begriff für den modernen Menschen, „Homo theoretikerin Sylvia Wynter (geb. 1928), On Being Human as Praxis, narrans“, als Titel meiner Komposition. In H. narrans fungiert der als Thema ihres Konzertprojekts für Donaueschingen 2020. Vokalist als Herold, der das dritte Ereignis ankündigt als Mitchener bat mich und die anderen Komponisten in diesem Projekt, mit Texten von Wynter zu arbeiten, und bei der Gestaltung sowohl eine Mutationssingularität / unser Bruch mit dem rein des Librettos als auch des klanglichen Affekts meines Stücks konzen- organischen Leben trierte ich mich auf eines von Wynters übergreifenden Anliegen nicht mehr untergeordnet / unserem Genom – das Potenzial des Humanen. Wir haben eine Schwelle überschritten / durch das Wort Anstatt einen einzelnen Text zu nutzen, wurde das Libretto für dieses das Wort aus Fleisch / Muskeln und Knochen neue Werk aus Wynters massivem interdisziplinären Korpus kritischer Essays und Interviews zusammengefügt – eine altmodische Die Höhlenmalereien aus dem europäischen Jungpaläolithikum galten lineare Erzählung sollte entstehen. Die Herausforderung der Arbeit lange Zeit als Beweis dafür, dass das moderne abstrakte Denken mit diesen Texten erinnerte mich an meine Oper Afterword aus und die Verwendung von Symbolen in Europa seinen Anfang nahm. dem Jahr 2015, in der ich mein eigenes wissenschaftliches Schreiben Im Jahr 1999 wurde jedoch eine abstrakte Zeichnung, die in der aus meinem 2008 erschienenen Buch A Power Stronger Than Itself: Blombos-Höhle in Südafrika entdeckt wurde, zuverlässig auf ein Alter The AACM and American Experimental Music (University of Chicago von etwa 73.000 Jahren datiert, also ungefähr auf die Zeit, als die Press, 2008) in Poesie verwandelte. Auswanderungswelle des modernen Menschen aus Afrika begann.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 70 Konzert 4 71 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

Diese Zeichnung und andere Materialien, die an diesem Ort gefunden Während dies zu Spekulationen über eine uralte und fortdauernde wurden und die den europäischen Malereien um mindestens 30.000 kulturelle Einheit Schwarzafrikas Anlass geben könnte, wie sie der Jahre vorausgingen, bildeten die wissenschaftliche Grundlage für die senegalesische Wissenschaftler und Kulturtheoretiker Cheikh Anta Abkehr von Europa als Wiege der „symbolic revolution“. Diop vorschlägt, ist Wynters Projekt noch weitreichender: Er liest die Blombos-Höhle als eine neuartige Möglichkeit für ein Menschenbild, Das Libretto nutzt Wynters Würdigung der Entdeckungen in der das seine interkulturellen Wurzeln zur Geltung bringen könnte. Blombos-Höhle, um diesen Paradigmenwechsel dramaturgisch an- In diesem Zusammenhang ist die Frage, ob Wynters Ideen die archä zukündigen, der mit dem Konzept der Kunst als grundlegend für die ologische Prüfung bestehen, von weitaus geringerer Bedeutung als Konzeption des Menschen zu tun hat. Wie in Karel Çapeks Theater- ihre Entlarvung der den seit langem bestehenden Eurozentrismus stück R.U.R. von 1920, in dem Roboter versuchen, menschlicher als stützende Theorie des Menschen und ihr Aufruf an die Vorfahren, ihre Schöpfer zu werden, gilt das Kunstschaffen – in R.U.R. das Klavier ein Korrektiv zu schaffen. spielen – als ein wesentliches Merkmal des Menschen. Oppenheimer bringt es in seinem Buch Out of Eden auf den Punkt: Angesichts dieser beunruhigenden neuen Erkenntnisse aus Afrika „Der Grund, warum wir so viele Beweise für den Ruhm des Jung- heraus versuchten sich einige Wissenschaftler plötzlich im Metier des paläolithikums in Europa haben, ist, dass Europa genau dort zu finden Kunstkritikers. Zeigend, dass auch Wissenschaftler Identitäts ist, wo die Menschen es gesucht haben.” Im Gegensatz dazu verfolgt politik betreiben können, versuchten einige Archäologen, die an den H. narrans ein Projekt der „Creolization” in der zeitgenössischen hergebrachten Datierungen festhalten wollten, die alte afrikanische Musik, wie in meinem 2017 in Donaueschingen gehaltenen Vortrag Zeichnung als „Gekritzel” abzutun und nicht als wahre Kunst an New Music, New Subjects: The Situation of a Creole angekündigt. zuerkennen. Christopher Henshilwood, dessen Team die Zeichnung Das Projekt von Elaine Mitchener bekräftigt, dass der „kreolisierende” (und die riesige, 100.000 Jahre alte Malerwerkstatt, aus der sie stammt) Humanismus von Sylvia Wynter ein guter Wegweiser sein könnte, entdeckte, bemerkte jedoch: „Wir wissen nicht, ob es überhaupt diese neuen Themen aufzufinden. Kunst ist… Wir wissen, dass es ein Symbol ist… Sehen Sie sich einige von Picassos abstrakten Werken an. Ist das Kunst? Wer will Ihnen Eine Wissenschaft des Menschseins / Das ist es, was wir nicht haben sagen, ob es Kunst ist oder nicht?” Verantwortung übernehmen / den Menschen befreien

Henshilwood bemerkte, dass die Zeichnung ähnliche Kreuzschraf- Diese Wissenschaft zu entwickeln, glaubt Wynter, wäre das entschei- furen aufwies wie die, die auf Knochen und Ockerresten in der Blom- dende Projekt unserer Zeit, dessen erfolgreiche Umsetzung den bos-Höhle gefunden wurden. Dort fanden sich auch zahlreiche Menschen endlich dazu befreien könnte, wirklich Mensch zu sein persönliche Ornamente, was darauf hinweist, dass die Narration für – „Thank God Almighty, we’re free at last.” den Austausch und die Übertragung von symbolischer Bedeutung in diesen prähistorischen afrikanischen Gemeinschaften wesentlich war. Darüber hinaus ist aus meiner Laienperspektive die Kunst- schöpfung in Blombos den heutigen schraffierten visuellen Entwürfen der Mande-Kultur bemerkenswert ähnlich, die der Kunsthistoriker Robert Farris Thompson einprägsam als „rhythmisierte Textilien” beschrieb.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 72 Konzert 4 73 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

On being human as praxis

The concept behind this project comes from the title of a collection of works by the Jamaican feminist writer and cultural theorist Sylvia Wynter which was edited by Katherine McKittrick. I find Wynter’s deep and critical insights – which describe how race, geography, and time together inform what it means to be human – completely inspirational.

Following conversations with Björn Gottstein in 2017, I realised that now was the time to act on my understanding of the complex of ideas in Wynter’s work and to present the results at the festival in 2020. My work is centred around encounter/engagement and enactment, be it physical/emotional/political/spiritual, and is always an attempt to synthesise this experience for performer/observer (audience members). It was also vitally important for me to present a work that reflected the broad church that is contemporary new music in the 21st Century. So I invited five composers from African-Diasporic and European backgrounds to compose works inspired by Wynter’s texts and ideas, to be performed by myself and Ensemble MAM.manufaktur für aktuelle musik. Each work poses questions on what it means to be human, as well as the struggle between western ideas of ‘Man’ v Human and how this struggle is fundamental to patterns of injustice throughout the world. The composers have responded by composing works on multiple levels, encompassing numerous creative and intellectual modes of expression: hope, pain, joy…

In order to construct an hour-long performance where both myself and the ensemble would be physically working the space, I recruited my long-term collaborator, the Vietnamese-American choreographer/director Dam Van Huynh. Along with two members of his dance company, he has crafted and shaped space – what I view as the working mechanisms of the piece – and constructed a way to fuse the different pieces of the work together to create a coherent whole. Our group have creatively responded to Wynter’s startling reconceptu- alization of the human and her attempts to re-historicize human- ness as praxis. This musical exploration of what it means to be human can also be experienced as an excavation of the self, removing our

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 74 Konzert 4 75 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c) masks (existential and real in our Covid-19 world) and exposing the Given this opportunity of taking Sylvia Wynter’s work as a point vulnerabilities and strengths to reset, restore, renew, rebalance. of impetus it was clear there was a lot of crossover with the things (Elaine Mitchener) I wanted to address in the implementation of my chosen title. Certainly my chosen title is in someways quite flippant – is there just “Human beings are magical. Bios and Logos. Words made flesh, one problem? How many volumes will I have to write? In some ways muscle and bone animated by hope and desire, belief it’s too vast and complicated yet if looked at on another day, from materialized in deeds, deeds which crystallize our actualities a different angle, it might (and probably should) present very simply. […] And the maps of spring always have to be redrawn again, in undared forms.” In some ways trying to find the path of least resistance I drew cor- (Sylvia Wynter) relations wherever I could. It made good sense to link the 10 minute piece to the 10 chapters of the book (Sylvia Wynter: On Being Human As Praxis). This allowed me to work on 10 discrete but clearly linked movements in very particular ways. Going further, I took the titles Jason Yarde from each chapter and employed a note system based on the text. THE PROBLEM WITH HUMANS Volume 1 The resultant phrases form the language and inform the content for – An Overview From Under each chapter/movement while the text itself informs the lyrics.

To be honest, THE PROBLEM WITH HUMANS Volume 1. is a title Considering a beautiful democracy I attempted to share the wealth I had lying in wait for quite a long time and I didn’t know the music (musical speaking) so everyone gets a roughly equal amount of and title would be a match when starting the composition. In fact sound and silence to play with. Although not asked for, this was also I have an ongoing collection of titles and ideas even away from the a consideration for any element of staging that might occur after actually sounds of music that I occasionally dip into for inspiration. the fact. While this started out as an exact science, as I wrote the piece With some, (as in this case) I know there are other things I’d like it became more apparent I might need to break this rule for various or need to get together before attempting to turn them into composi- reasons, but I decided it was ok to break these rules in very specific tions and even in addressing that process, I’m fully aware it will and limited ways if it helped the overall picture. actually form part of the ongoing dialogue between myself, music and life. In other words It’s too much for one sitting and I have to make an In addition to solo moments, each performer (with the exception of allowance for further discovery and development. the ‘non pitched’ percussionist – there are always exceptions) gets to make small sonic contributions in being asked to express ugliness The meaning of the subtitle ‘An Overview From Under’ is at least and beauty but even this comes with given limitations. twofold. It’s speaks of the position of the underdog I’m often assumed to take as a black Briton and direct descendant of the Caribbean and Lately it might be worth noting that everything in the filtered through more specifically, in writing the piece, given the depth of the source various events effecting any and everybody present on Earth in the material it was clear I might have to finish writing the piece before first part of 2020. It’s a snapshot or series thereof. Given what I know I finished reading the book. I also considered the potential perspective of Elaine Mitchener’s artistry as an improvisor I had initially planned of an outsider looking in whether an alien observing unnoticed or for a much larger degree of improvisation for all involved but clearly maybe a sea creature with a day pass on dry land. there were many things to write about this year.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 76 Konzert 4 77 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

Covid-19 certainly effected the trajectory of this composition and Laure M. Hiendl again highlighted some of the subject matter, then just when I thought White Radiance™ I was near completing the piece the video of George Floyd’s death at the knee of a police officer in the USA went viral... It seemed to me In my work I try to examine the generative force of structural violence it would be nothing less than grossly negligent not to filter some of in our present racial capitalist global economy. I research, appro the reaction (both personal and global) through the piece. priate and coopt the symbolic and musical language used in advertise- ment and other public contexts to expose the violence enclosed As a result of all of the above this composition is dedicated to the in it. The voice duo Ten Bullets Through One Hole looks at the proximity work of Sylvia Wynter, the life and death of George Floyd and to posi- of hetero-masculine pornographic language to the language of tive change in the world. weapon manufacturers’ commercials. The viola solo The Body of Work talks about the regime of fitness and self-optimization under the rule of the market. Matana Roberts “Gasping for air considering your purpose White Radiance TM looks at the politics of skin bleaching creams, as it Dissolving …” is elaborated upon by the Jamaican philosopher and writer Sylvia Wynter. Pushed by major Western cosmetic corporations, they cons- “Gasping for air considering your purpose Dissolving…” (for E. Mitchener) titute – in Wynter’s words – „the emergence of a global free-market- is a conceptual text score, using a somewhat minimalist framework driven and consumer-oriented mimetic desire that is anchored to of text instruction, visualization, breath work, silence and improvisa- a single genre-specific Western European bourgeois model of being“. tion for the purpose of creating a one-of-a-kind unique sonic fabric. (Katherine McKittrick, ed., Sylvia Wynter: On Being Human as Praxis, This piece was written based on the writings of Sylvia Wynter (sugges- Durham: Duke University Press, 2015, 18.) By coopting the language ted by E. Mitchner) and the music pioneering of Fluxus composer of these commercials and putting it against Wynter’s own powerful Ben Patterson. It was also written to lay witness to ongoing modes of words, White Radiance TM tries to expose the mechanics of the strate- police brutality in the United States and beyond. It is dedicated to gies to generate this mimetic desire. the memories of Rodney King, Trayvon Martin, Michael Brown, Sandra Bland, Philando Castille, Eric Garner, Oscar Grant, Breonna Taylor, But the piece does not limit itself to a deconstructive gesture; it also Botham Jean, Ahmaud Arbery, and whomever is next… It should be seeks to reconstruct a new way of being together – „of being human noted that American George Floyd was murdered only days after I as praxis“, a guiding phrase in Wynter’s writing. Taking Michelle turned in this score. „Land of the free, home of the brave, with liberty M. Wright’s concept of an „Epiphenomenal time“ (Michelle M. Wright, and justice for“ – some. Physics of Blackness: Beyond the Middle Passage Epistemology, Minneapolis: University of Minnesota Press, 2015) that is rooted in the now – in contrast to the notion of a linear time that is rooted in an origin and history – this piece tries to manifest what Wright calls a “horizontal interpellation” of subjective agency, rather than a “vertical interpellation” along hierarchical structures. Specifically, towards the end, the piece does not provide a synchronized score with a “master-timeline” that all performers are subjected to. Rather, it em- ploys individual parts that are not synchronized and which encourage

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 78 Konzert 4 79 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c) the performers to interpellate their musical agency through horizontal, Tansy Davies rhizomatic negotiations among one another. These interdependencies The rule is love manifest a way of moving through time collectively, rather than following a single timeline/narrative/history, that honors individual I’ve enjoyed working with vocalist Elaine Mitchener on numerous agency as something inherently dependent on one another – a praxis occasions, notably in the role of Hannah, in my chamber opera Cave. that can only ever be done in the making of it, not in the achieving of it. I was thrilled when Elaine invited me to create a 10-minute work, as part of a 60-minute, choreographed performance. Elaine directed me towards the work of Sylvia Wynter, whose writings were to create a context for the whole event. I read various essays by Wynter, and settled on a fragment from The Pope must have been drunk, the King Castile a madman: culture as actuality, and the Caribbean rethinking modernity (1995).

At around that time I was thinking about setting the work of another writer, John Berger, after having been directed towards a particular section of his novel To The Wedding by another singer – the tenor Mark Padmore, who created the role of the Man, also in Cave. The rule is love, like many of my pieces, was created systematically at first; I made musical alphabets out of both texts, and found ways of working with the resulting patterns from which to build the piece, almost letter by letter, before stepping back and shaping it intuitively.

Elaine Mitchener is an artist whose energy excites me deeply; there’s an earthiness and a ferociousness about her, as well as the obvious flexibility and huge variety colour and texture in the sounds she makes. For this work I saw her as a voice of ‘ancient woman and wis- dom‘, vocalising at the start in short sounds and utterances. I imagined her as a hybrid of voice and drum – the earliest forms of human musical expression.

The percussive nature of the vocal part, to me, is linked to the idea of a skin or membrane (like the skin of a drum), which can be seen as both a protective layer and a wall of repression. Sometimes it’s as if her voice is blocked; her words are withheld or covered up and must break out through this skin or ‚glass ceiling’ in order to be heard.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 80 Konzert 4 81 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

The four songs set the same text twice, each with a more physical, per- Oppenheimer’s conception, musical notation) drive genetic changes. cussive version and a more dreamy, lyrical one. It’s as if she has Hence, Wynter’s Third Event, the real origin of the modern human: secret dreams of revealing things that are so powerful, in the end they not the opposable thumb, but the development of the human capacity push through blockages and demand to be heard, no matter what. for narrative.

I borrow her term for the modern human, “Homo narrans”, as the George Lewis title of my composition. In H. narrans, the vocal performer acts as a H. Narrans herald, announcing the Third Event as

The vocalist and performer Elaine Mitchener chose the title of an in- a mutational singularity / our rupture with purely organic life fluential essay by the Jamaican-British cultural theorist Sylvia Wynter no longer subordinated / to our genome (b. 1928), On Being Human as Praxis, as the theme for her project for Donaueschingen 2020. Mitchener asked me and the other composers We crossed a threshold / through the Word in this project to work with texts by Wynter, and in constructing the Word made flesh / muscle and bone both the libretto and the sonic affect of my piece, I centered on one of Wynter’s overarching concerns – the promise and potential of the The existence of cave paintings dating from the European Upper human. Paleolithic had long been deployed to mark Europe as the origin point of modern abstract symbolic thought in humans. In 1999, however, Rather than drawing from a single text, the libretto for this new work an abstract drawing discovered in Blombos Cave in South Africa was is concatenated from Wynter’s massively interdisciplinary corpus of reliably dated at around 73,000 years old, or about the time that critical essays and interviews, with the goal of creating a good the most recent wave of modern humans began migrating out of old-fashioned linear narrative. One challenge that I faced in working Africa. This drawing and other materials found at the site, which pre- with these texts recalled my 2015 AACM opera Afterword, in which ceded the European paintings by at least 30,000 years, provided I transformed into poetic utterance my own scholarly writing from the scientific basis for the decentering of Europe from the origin of my 2008 book, A Power Stronger Than Itself: The AACM and American the “human symbolic revolution.” Experimental Music (University of Chicago Press, 2008). The libretto uses Wynter’s celebration of the Blombos Cave discoveries Wynter’s account of the human, which forms the basis for my con- to dramaturgically herald this paradigm shift, which has everything structed text, is structured as three consequential “Events.” The First to do with the concept of art as fundamental to the conception of the Event, of course, was the Big Bang. The Second Event was what she human. As with Karel Çapek’s 1920 play R.U.R, in which robots try to calls “the explosion of biological life.” Here, Wynter credits Martinican become more human than their makers, it is art-making – in R.U.R, writer Aime Cesaire with the insight that “we cannot be fully human playing the piano – that is regarded as a quintessential characteristic in any other terms except in a universally applicable one…the Dar- of the human. winian man is not universally applicable because we are not purely Faced with these unsettling new developments out of Africa, some biological beings.” Wynter’s argument against biological determinism scientists suddenly developed a new metiér as art critics. Showing that draws upon Frantz Fanon’s notion of sociogenic phenomena, those even scientists can engage in identity politics, some archaeologists, produced by social forces, a concept remarkably similar to coevolution, bound to the earlier datings of modern human behavior, sought to in which adaptive behavioral skills (including, in geneticist Stephen dismiss the ancient African drawing as “a doodle,” rather than true art.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 82 Konzert 4 83 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

Oppenheimer said it best in his book Out of Eden: “The reason why we have so much evidence for the glory of the Upper Paleolithic in Europe is that Europe is precisely where people have looked for it.” In contrast, H. narrans pursues a creolizing project in contemporary music, as announced in my 2017 Donaueschingen lecture, “New Music, New Subjects: The Situation of a Creole.” What Elaine Mitchener’s project affirms is that the creolizing humanism of Sylvia Wynter would be a fine guide to where those new subjects might be found.

A science of being human / That is what we do not have Accept responsibility / to set the human free

To develop that science, Wynter believes, is the crucial project of our age, the successful pursuit of which could finally free the human However, Christopher Henshilwood, whose team discovered the to be truly human – “Thank God Almighty, we’re free at last.” drawing (and the vast, 100,000-year-old paint-making workshop from which it came), remarked: “We don’t know that it’s art at all…. We know that it’s a symbol…Look at some of Picasso’s abstracts. Is that art? Who’s going to tell you it’s art or not?”

Henshilwood noticed that the drawing displayed similar cross-hatch- ings to those found on bones and pieces of ochre at Blombos Cave. Numerous personal ornaments were also found there, indicating that narrative was essential for the sharing and transmission of symbolic meaning in these prehistoric African communities. Moreover, from my lay perspective, the artmaking at Blombos is remarkably similar to today’s cross-hatched Mande-culture visual designs, which art histor- ian Robert Farris Thompson memorably described as “rhythmized t e xti l e s .” While this might prompt speculation about an ancient and abiding cultural unity of black Africa, as proposed by the Senegalese scientist and cultural theorist Cheikh Anta Diop, Wynter’s project is even more expansive, reading Blombos Cave as providing a new opportunity for a conception of the human that could celebrate its intercultural roots. In this context, whether Wynter’s ideas pass archaeological muster is of far less importance than her exposé of the longstanding Eurocentrism surrounding humanist theory, and her call to the ancients to provide a corrective.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 84 Konzert 4 85 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

Jason Yarde for Contemporary Jazz Composition for his the early 2000s and has gone on to release a EN BBC Proms compositional debut. He is also diverse body of solo and ensemble work works as a composer and performer in the a renowned producer with award winning under her own name on Constellation and intermediate areas of concert music, albums for Soweto Kinch, Gwilym Simcock, Central Control over the past decade. performance, music theatre and installation. Denys Baptiste, Empirical and Seed She is perhaps best known for her acclaimed Hiendl’s works have been performed at Ensemble. multi-chapter project Coin Coin. many international festivals and institutions. For the composition Ten Bullets Through One Hole Hiendl received the 1st prize of Matana Roberts Laure M. Hiendl the Kompositionspreis der Landeshaupt stadt Stuttgart 2020. As 1st prize winner of the Johann-Joseph-Fux Opera Composi- tion Competition, the installation opera PARADISE was premiered at the Musikpro- DT tokoll in the Steirischer Herbst 2016. Der Komponist und Saxophonist Jason Current works include a new opera for Yarde ist einer der gefragtesten Musiker Radialsystem Berlin, a new string quartet seiner Generation. Er ist seit fast drei for NeoQuartet and the MEN Festival Jahrzehnten Mitglied von Bands, die u. a. Wrocław and new works for Ensemble von Andrew Hill, Tony Allen und Jack Mosaik and Ensemble KNM Berlin. Laure DeJohnette geleitet wurden. Er hat zahl- M. Hiendl studied composition with Beat reiche Kompositionsaufträge erhalten Furrer, among others, and is currently (u. a. von Hugh Masekela, dem London DT DT completing a doctorate at Columbia Uni- Symphony Orchestra, dem BBC Symphony ist eine international angesehene Kompo- arbeitet als Komponist* und Performer* versity in New York with George E. Lewis. Orchestra), und erhielt unter anderem nistin, Bandleaderin, Saxophonistin, in den Zwischenbereichen von Konzert ein Civitella-Ranieri-Stipendium, einen Klangexperimentatorin und Mixed-Media- musik, Performance, Musiktheater und Paul-Hamlyn-Preis und den ersten BASCA Spezialistin. Sie arbeitet u. a. in den Installation. Hiendls Werke wurden auf für zeitgenössische Jazzkomposition für Bereichen Improvisation, Tanz, Poesie und vielen internationalen Festivals und sein kompositorisches Debüt bei den BBC Theater. Anfang der 2000er Jahre nahm Institutionen aufgeführt. Für die Komposi- Proms. Er ist auch ein renommierter sie zwei Schallplatten als Mitglied des Sticks tion Ten Bullets Through One Hole erhielt Produzent mit preisgekrönten Alben für And Stones Quartetts auf und veröffentlichte xier den 1. Preis des Kompositionspreises Soweto Kinch, Gwilym Simcock, Denys in den letzten zehn Jahren unter ihrem der Landeshauptstadt Stuttgart 2020. Baptiste, Empirical und Seed Ensemble. eigenen Namen eine Vielzahl von Solo- und Als 1. Preistrager des Johann-Joseph-Fux Ensemblewerken auf Constellation and Opernkompositionswettbewerbes wurde EN Central Control. Am bekanntesten ist sie die Installationsoper PARADISE beim The composer and saxophonist Jason Yarde vielleicht für ihr mehrteiliges Projekt Musikprotokoll im Steirischen Herbst 2016 is one of the most sought-after musicians Coin Coin. uraufgefuhrt. Aktuelle Arbeiten beinhalten of his generation. A member of bands led u. a. eine neue Oper für das Radialsystem by Andrew Hill, Tony Allen, Jack DeJohnette EN Berlin, ein neues Streichquartett für das and many others for near 3 decades. Having is an internationally renowned composer, NeoQuartet und das MEN Festival Wrocław been widely commissioned (including Hugh band leader, saxophonist, sound experi- und neue Werke für das Ensemble Mosaik Masekela, the London Symphony Orches- mentalist and mixed-media practitioner. und das Ensemble KNM Berlin. Laure tra, BBC Symphony Orchestra) his Awards She works in many contexts and mediums, M. Hiendl studierte u.a. Komposition bei include a Civitella Ranieri Fellowship, including improvisation, dance, poetry, Beat Furrer und promoviert derzeit an der a Paul Hamlyn Award and the first BASCA and theater. She made two records as a core Columbia University in New York bei member of the Sticks And Stones quartet in George E. Lewis.

Biografies / Biographies 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 86 Konzert 4 87 Realschule, Sporthalle, 16.10.2020, 21 Uhr (4a) + 17.10.2020, 11 Uhr (4b) + 17 Uhr (4c)

Tansy Davies premiered by Mark Padmore, Elaine Academy, Lewis’s other honors include a Mitchener, and the London Sinfonietta in MacArthur Fellowship, a Guggenheim 2018. During the 2018/19 season Davies Fellowship, and a Doris Duke Artist Award. was Composer in Residence at Amsterdam’s A member of the Association for the Concertgebouw. Advancement of Creative Musicians, his compositions have been presented worldwide, published by Edition Peters. George Lewis He holds honorary doctorates from the University of Edinburgh, New College of Florida, and Harvard University.

DT wurde 1973 in Bristol geboren. Ihre Musik wurde von Ensembles wie dem New York Philharmonic, dem Ensemble Intercontem- porain und dem Tokyo Symphony Orchestra sowie bei Festivals wie Ultima, Présences und dem Warschauer Herbst aufgeführt. Between Worlds, eine Oper als Reaktion auf DT 9/11, wurde 2015 vom ENO uraufgeführt. 1952 in Chicago geboren, ist Case Professor Zu den neueren Werken gehört Forest, ein of American Music an der Columbia Konzert für vier Hörner, das vom Philhar- University. Er ist Fellow der American monia Orchestra unter Esa-Pekka Salonen Academy of Arts and Sciences, der American uraufgeführt wurde. Ihre Kammeroper Academy of Arts and Letters und korre- Cave wurde 2018 von Mark Padmore, Elaine spondierender Fellow der British Academy. Mitchener und der London Sinfonietta ur- Zu Lewis’ weiteren Auszeichnungen zählen aufgeführt. In der Saison 2018/19 war ein MacArthur-Stipendium, ein Guggen- Davies Composer in Residence im Amster- heim-Stipendium und ein Doris Duke Artist damer Concertgebouw. Award. Als Mitglied der Association for the Advancement of Creative Musicians wur- EN den seine Kompositionen weltweit präsen- was born in 1973 in Bristol. Her music has tiert. Sie werden von der Edition Peters been championed by ensembles including verlegt. Er ist Ehrendoktor der Universität the New York Philharmonic, Ensemble Edinburgh, des New College of Florida Intercontemporain, and the Tokyo Sym- und der Harvard University. phony Orchestra and at festivals including Ultima, Présences, and the Warsaw EN Autumn. Between Worlds, an operatic born in 1952 in Chicago, is the Case response to 9/11, was premiered by ENO in Professor of American Music at Columbia 2015. Recent works include Forest, a University. A Fellow of the American concerto for four horns premiered by the Academy of Arts and Sciences, the Amer- Philharmonia Orchestra under Esa-Pekka ican Academy of Arts and Letters, and a Salonen. Her chamber opera Cave was Corresponding Fellow of the British

Biografies / Biographies 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 88 Konzert 5 89 Donauhallen, Strawinsky Saal Samstag, 17.10.2020, 11 Uhr 5 Donauhallen, Strawinsky Saal Akustische Spielformen Samstag, 17.10.2020, 11 Uhr Karl-Sczuka-Preis

Verleihung des Karl-Sczuka-Preises Mit: Joël Hubaut, Dorothy Iannone und Loré Lixenberg für Hörspiel als Radiokunst 2020 Text: Joël Hubaut an Frédéric Acquaviva Komposition und Realisation: Frédéric Acquaviva für ANTIPODES Autorenproduktion 2019 durch die Programmdirektorin Kultur des Südwestrundfunks Anke Mai

Podiumsgespräch mit dem Vorsitzenden der Jury Olaf Nicolai und dem Preisträger Frédéric Acquaviva Moderation: Walter Filz

Teilvorführung (ca. 20 Min.) des Preiswerks

Frédéric Acquaviva ANTIPODES for voices and dead electronics Ein Hörstück 69 Min.

Sendung in SWR2, 18. Oktober 2020, 20.03 Uhr Weitere Sendung: Das Hörspiel vom Hörspiel 2020 Werke aus dem Wettbewerb um den Karl-Sczuka-Preis, vorgestellt vom Jurymitglied Julia Mihály 3. November 2020, 23.03 Uhr in SWR2 ars acustica

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 90 Konzert 5 91 Donauhallen, Strawinsky Saal Samstag, 17.10.2020, 11 Uhr

Karl-Sczuka-Preis Frédéric Acquaviva ANTIPODES for voices and dead electronics Seit 1972 wird er bei den Donaueschinger Musiktagen verliehen und ist seitdem zur international wichtigsten Auszeichnung für avancierte Frédéric Acquaviva schreibt über sein Stück: Werke der Radiokunst geworden: der 1955 vom damaligen Südwest- „Ich wollte schon lange eine groß angelegte Arbeit machen, die auf funk gestiftete Karl-Sczuka-Preis. Ausgezeichnet werden soll die Arbeiten meines Freundes, des Dichters und Künstlers Joël Hubaut, „beste Produktion eines Hörwerks, das in akustischen Spielformen basiert. Ich bat Joël, einige Worte zu performen, die auf Zeichnungen musikalische Materialien und Strukturen benutzt“. Mauricio Kagel, seiner Serie Epidemik Diary erscheinen. Die Aufnahmen fanden im Luc Ferrari, Gerhard Rühm, John Cage, Heiner Goebbels, Friederike Juli 2019 im Londoner Resident Studio statt. Die Titel von Joëls Bild- Mayröcker, Pierre Henry, Oswald Egger, Christina Kubisch oder tafeln werden von der amerikanischen Künstlerin Dorothy Iannone Olaf Nicolai waren im Laufe der Jahre Preisträger, die nach Donau- gesprochen, deren hypnotische Stimme ich einige Wochen zuvor in eschingen kamen. ihrem Berliner Studio aufnehmen konnte. Die Umsetzung der Partitur und Komposition von ANTIPODES fand im legendären EMS Studio Mitglieder der Jury: Olaf Nicolai (Vorsitz), Julia Cloot, Michael Grote, in Stockholm statt und wurde im November 2019 in meinem eigenen Thomas Meinecke und Julia Mihály Studio in London fertiggestellt. Das Stück basiert auf meiner zehn Jahre währenden Zusammenarbeit mit Loré Lixenberg, die mit meinem Die Jury gab für ihre Entscheidung folgende Begründung: Projekt AATIE (2010-2011) begann. ANTIPODES nutzt das groß artige Stimmspektrum der britischen Mezzosopranistin. Joël Hubaut Der Karl-Sczuka-Preis des Jahres 2020 geht an Frédéric Acquaviva kontrastiert ihre Parts mit seiner dunklen und kraftvollen Stimme. für sein polarisierendes Hörstück ANTIPODES for voices and dead Alle visuellen Arbeiten von Joël Hubaut befassen sich mit dem Begriff electronics, ein vielschichtiges Werk, das seine klanglichen Inspirationen des Virus und dem Konzept der Epidemie. Die aktuelle Corona-Krise aus heterogenen Kontexten der klassischen Avantgarden bezieht: war nicht ihr Anlass.“ der Tradition akustischer und Bildender Kunst, des experimentellen Musiktheaters und der Literatur (von Dante bis Isidore Isou). Kunstansprüche und die Position des Autors werden unterlaufen, ANTIPODES besteht aus drei Teilen: indem avantgardistische Purismen in Pasticcio-Form collagiert und in eine Burleske überführt werden. Auf der musikalischen Ebene I. Hölle / II. Fegefeuer / III. Paradies findet sich diese Haltung in der Polarität von menschlicher Stimme und synthetisch erzeugten Klängen. Die Jury versteht seine Arbeit als Jeder Teil ist wiederum in sechs Abschnitte unterteilt, analog zu den ein provokantes Zeichen vor dem Hintergrund der heutigen Hör- Zeichnungen, die den Ausgangspunkt des Werks bilden. landschaft. „Anfangs dachte ich daran, viel einfacher zu komponieren als üblich, nach dem Motto ‚never repeat yourself‘. Wenn es mir gelungen ist, etwas Neues zu schaffen, dann durch eine Komposition, die sowohl Einfachheit als auch Komplexität miteinander verbindet. Eine merk- würdige Komplexität, in der sich vermeintlich einfache Elemente wechselseitig verstärken und ANTIPODES zu einer Art Hölle einer Göttlichen Komödie machen.“

Werkeinführung 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 92 Konzert 5 93 Donauhallen, Strawinsky Saal Samstag, 17.10.2020, 11 Uhr

ANTIPODES existiert in unterschiedlichen Werkausgaben, Karl-Sczuka-Preis wie häufig bei Acquaviva: The Karl Sczuka Prize – founded in 1955 by the former Südwestfunk – als QR-Code Plattenhülle ohne Platte and awarded at the Donaueschingen Festival since 1972 – has become – als Serigraphie mit QR-Codes auf Leinwand (50x70cm) the most important international award for advanced works of radio – als Raumklangkonzert (Erstaufführungen: CMMAS, Mexico art. The official aim has been to honour “the best production of an und Experimental Intermedia, New York) audio work using musical materials and structures in an acoustic – als radiophonic diffusion performance.” Over the years, winners who came to Donaueschingen have included Mauricio Kagel, Luc Ferrari, Gerhard Rühm, John Im April 2020 hatte ANTIPODES seine Premiere auf der Website Cage, Heiner Goebbels, Friederike Mayröcker, Pierre Henry, Oswald studioconcreto.net. Das Stück lief als Loop über 24 Stunden. Egger, Christina Kubisch and Olaf Nicolai.

Members of the jury: Olaf Nicolai (Chair), Julia Cloot, Michael Grote, Thomas Meinecke und Julia Mihály

The jury explained its decision as follows:

The 2020 Karl Sczuka Prize is awarded to Frédéric Acquaviva for his polarising audio piece ANTIPODES for voices and dead electronics, a multi-layered work that draws its sonic inspiration from hetero geneous contexts of the classical avant-gardes: the tradition of acoustic and visual arts, experimental music theatre and literature (from Dante to Isidore Isou). Artistic claims and the position of the author are undermined by collaging avant-garde purisms into pastiche forms and transforming them into a burlesque. On the musical level, this attitude is found in the juxtaposition of the human voice with synthetically produced sounds. The jury sees his work as a provocative symbol against the background of today’s aural landscape.

Werkeinführung / Introduction to the work 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 94 Konzert 5 95 Donauhallen, Strawinsky Saal Samstag, 17.10.2020, 11 Uhr

Frédéric Acquaviva ANTIPODES exists in different editions, as is often the case ANTIPODES for voices and dead electronics with Acquaviva:

Acquaviva writes about his piece: – as a QR-Code record sleeve without record “I have long wanted to do a large-scale piece based on works by my – as a serigraph with QR-codes on canvas (50x70cm) friend, the poet and artist Joël Hubaut. I asked Joël to perform some – as a spatialised concert (first performances: CMMAS, Mexico words that appear on drawings from his series Epidemic Diary. and Experimental Intermedia, New York) The recordings took place in July 2019 at the Resident Studio in London. – as a radiophonic diffusion The titles of Joël’s panels are spoken by the American artist Dorothy Iannone, whose hypnotic voice I was able to record in her Berlin In April 2020 ANTIPODES had its premiere on the website studio a few weeks earlier. The realisation of the score and composition studioconcreto.net. The piece ran as a loop over 24 hours. of ANTIPODES took place in the legendary EMS Studio in Stockholm and was completed in November 2019 in my own studio in London. The piece is based on my ten-year collaboration with Loré Lixenberg, which began with my project AATIE (2010-2011). ANTIPODES uses the great vocal range of the British mezzo-soprano, while Joël Hubaut contrasts her parts with his dark and powerful voice. All visual works by Joël Hubaut deal with the concept of the virus and the concept of epidemic, realized before the current corona crisis.“

ANTIPODES consists of three parts:

I. Hell / II. Purgatory / III. Paradise

Each part is in turn divided into six sections, analogous to the drawings that form the starting point of the work.

“I initially thought about composing in a much more simple way than usual, following the motto ‚never repeat yourself‘. If I have succeeded in creating something new however, it is through a composition that combines both simplicity and complexity – a strange complexity in which supposedly simple elements mutually reinforce each other, making ANTIPODES a kind of hell of Divine Comedy“.

Introduction to the work 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 96 Konzert 5 97 Donauhallen, Strawinsky Saal Samstag, 17.10.2020, 11 Uhr

Frédéric Acquaviva White Box in New York City, dem Zentrum Oliveros' Deep Listening Institute and Phill für zeitgenössische Kunst Le Lieu in Québec, Niblock's Experimental Intermedia in dem Spor Festival in Aarhus, dem Futura New York, the Lara Vincy Gallery in Paris, Festival in Crest, dem Licences Festival in the White Box Gallery in New York City, Paris, dem ZKM in Karlsruhe, XP in Beijing, the Le Lieu Centre for Contemporary Art in Hamburger Bahnhof und der Kantine im Quebec, the Spor Festival in Aarhus, Berghain in Berlin und dem Palazzo Berta- the Futura Festival in Crest, the Licences lazzone in Turin aufgeführt. Festival in Paris, the ZKM in Karlsruhe, Er hat zudem Werke für Radiostationen auf XP in Beijing, Hamburger Bahnhof and the der ganzen Welt geschaffen: France Culture, Kantine im Berghain in Berlin and the Radio Libertaire, BBC Radio3, Resonance FM, Palazzo Bertalazzone in Turin. WGXC Radio New York, Deutschlandradio He has also created works for radio stations Kultur, RadioWebMacba, Radio Canada. around the world: France Culture, Radio DT Eine Liste seiner zahlreichen Publikationen Libertaire, BBC Radio3, Resonance FM, geboren 1967 in der Nähe von Paris, ist Auto- findet sich unter: WGXC Radio New York, Deutschlandradio didakt, experimenteller Komponist und http://www.frederic-acquaviva.net. Kultur, RadioWebMacba, Radio Canada. avantgardistischer Klangkünstler, der in A list of his numerous publications can be Paris, Berlin und London lebt. Er arbeitet mit found at http://www.frederic-acquaviva.net. Stimme, Instrumenten, Elektronik, Film- EN und Körpergeräuschen. born near Paris in 1967, is a self-taught, Acquaviva ist seit 1990 in der Underground- experimental composer and avant-garde und Experimentalmusikszene tätig. Er hat sound artist who lives in Paris, Berlin mit bedeutenden Persönlichkeiten der and London. He works with voice, instru- historischen Avantgarde zusammengear- ments, electronics, film and body sounds. beitet, darunter Isidor Isou, Marcel Hanoun, Acquaviva has been active in the under- Pierre Guyotat, Bernard Heidsieck, ground and experimental music scenes Maurice Lemaître und Henri Chopin sowie since 1990. He has collaborated with mit Kreativen der neueren experimentellen important figures of the historical avant- Szene wie den Dichter-Künstlern Jean-Luc garde, including Isidor Isou, Marcel Parant und Joël Hubaut, dem Dichter- Hanoun, Pierre Guyotat, Bernard Heidsieck, Filmemacher F. J. Ossang, dem Cellisten Maurice Lemaître and Henri Chopin, as Anton Lukoszewieze, der Geigerin Chihiro well as with creatives of the newer experi- Ono, dem Posaunisten Thierry Madiot, mental scene such as the poet-artists dem Pianisten Mark Knoop und der Mezzo- Jean-Luc Parant and Joël Hubaut, the poet- sopranistin Loré Lixenberg. filmmaker F. J. Ossang, cellist Anton Seine Arbeiten wurden in Konzertsälen und Lukoszewieze, violinist Chihiro Ono, Galerien wie dem Palais de Tokyo und dem trombonist Thierry Madiot, pianist Mark Centre Pompidou in Paris, dem Moderna Knoop and mezzo-soprano Loré Lixenberg. Museet Stockholm, dem Weserburg Museum His work has been presented in concert in Bremen, der Turbinenhalle in der Tate halls and galleries such as the Palais de Tokyo Modern in London, La Fenice in Venedig, and the Centre Pompidou in Paris, the Fylkingen in Stockholm, Pauline Oliveros' Moderna Museet Stockholm, the Weserburg Deep Listening Institute und Phill Niblocks Museum in Bremen, the Turbine Hall at Experimental Intermedia in New York, the Tate Modern in London, La Fenice in der Galerie Lara Vincy in Paris, der Galerie Venice, Fylkingen in Stockholm, Pauline

Biografie/Biography 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 98 Konzert 5 99 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b) 6 Donauhallen, Mozart Saal Malte Giesen Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) und 20 Uhr (6b) stock footage piece 2: type beats für Ensemble (2020) Uraufführung, 10 Min., Kompositionsauftrag des SWR Barbara Kinga Majewska, Sopran Ensemble Kwadrofonik Artur Zagajewski Ensemble Kwadrofonik Danses Polonaises Emilia Sitarz, Klavier für Ensemble (2020) Bartek Wąsik, Klavier Uraufführung, 15 Min., Kompositionsauftrag des SWR Magdalena Kordylasińska-Pękala, Schlagzeug Piotr Maślanka, Schlagzeug Sasha J. Blondeau They für Sopran, zwei Klaviere, zwei Schlagzeuger und Elektronik Uraufführung, 20 Min., Kompositionsauftrag des SWR

Nigel Osborne A Short History of Polish Philosophy für Ensemble (2019–2020)

1. Witelo and Copernicus: solar wind, aurora borealis, yellow, green, blue, violet. 2. Jan Łukasiewicz: Prime Number Funk 3. Bronisław Malinowski: Functional anthropology: The Trobriand Sunset Islanders, The Bemba of Zambia 4. Roman Ingarden: Intersubjectivity, Transcendental Phenomenology 5. Zygmunt Bauman, Leszek Kołakowski: critical and moral Marxism; Warsaw, Gdansk 1970–72; Polish Radio Experimental Studio: Patkowski, Mazurek, Knittel; Materials Service Corporation: Bieżan, Kobrin, Malicki, Osborne, Thommessen

SWR2 live (Konzert 6a) Uraufführung, 20 Min., Kompositionsauftrag des SWR

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 100 Konzert 6 101 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b)

Malte Giesen stock footage piece 2: type beats

Das Stück ist das zweite in einer Reihe, in der ich mit vorgefertigtem Material arbeite, so genanntem „stock footage“. Die Funktion von stock footage ist weniger die des Zitats, als das Erfüllen bekannter Muster und Schematismen. Der Begriff stammt ursprünglich aus dem Filmbereich, hat mittlerweile aber schon lange in der Musik Ein- zug gehalten, als „Muzak“ oder seit neuestem als sogenannte „Type Beats“: Im Hiphop und Electronic-Bereich ist es seit einigen Jahren üblich, die Musik zu den eigenen Texten nicht selbst zu kreieren, sondern stattdessen auf Type Beats zurückzugreifen. Type Beats sind musikalische Schablonen, quasi Karaoke-Versionen nach dem Schema bekannter Hits, meistens mit dem Ziel, den Sound eines bestimmten berühmten Künstlers zu imitieren. Das Material hat also explizit keinen Originalitätsanspruch, es muss lediglich urheberrechtlich unbedenklich sein.

Grundsätzlich sehe ich es als interessante Herausforderung, mit Material zu arbeiten, das ursprünglich für andere Zwecke gedacht war, und welches auch im Idealfall ursprünglich keinen hohen künstleri- schen Anspruch hatte. Es ist reines Klangoberflächenmaterial, welches auf verschiedene Art und Weise verarbeitet und variiert werden kann – mit den „klassischen“ Techniken des Remixings: Sampeln, Zerschneiden, Loopen, Shuffeln. Durch das Scratchen wird der Charakter des physisch fixierten Mediums nach außen gekehrt.

Hiphop, in den afroamerikanischen Ghettos aus Funk und Soul entstanden, ist der Sound der Underdogs, der Subkultur, das Gegen- teil von institutionalisierter Musik. Es ist auch der Sound der west lichen Kolonialgeschichte, inklusive Unterdrückung und Aneignung. Auch beim „Export“ in andere Länder ist es immer das Genre der „Straße“ gewesen, sei es in den Banlieus von Paris oder den sozialen Brennpunkten deutscher Großstädte.

Heute ist das erfolgreichste Genre bei deutschen Jugendlichen der Gangster-Rap, obwohl die Textinhalte alles andere als politisch korrekt sind. Hier hat sich das Genre die Provokation als Strategie – eigentlich

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 102 Konzert 6 103 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b) eine Eigenheit der zeitgenössischen Kunst – zu eigen und (auf litera- Artur Zagajewski rischer, nicht musikalischer Ebene) zum Maßstab gemacht. Da in den Danses Polonaises type beats die literarische Provokation erst hinzugefügt werden muss, benutze ich in diesem Sinne lediglich die starre Hülle, die viel- POLEN IST EINE INSEL DER FREIHEIT UND TOLERANZ. leicht noch den „Geruch“ der Provokation, die vage Vorstellung VERACHTUNG FÜR POLNISCHE TRADITION UND WERTE. von aufdringlich aus Bluetooth-Boxen oder aus getunten Auto-Hifi- EIN ANGRIFF AUF DIE POLNISCHE TRADITION UND DIE Anlagen wummernder Gangster-Mukke transportiert. POLNISCHEN WERTE. ES ENTSTEHT EINE BEWEGUNG ZUR VERTEIDIGUNG DER WERTE. EIN ANGRIFF AUF DIE POLNISCHE Durch die Gegenüberstellung dieser Klänge und eher „klassischer“ IDENTITÄT UND IHRE SYMBOLE. EINE BEWEGUNG ZUR Ensembleklänge, die deutlich in der Nachkriegsavantgarde verwurzelt VERTEIDIGUNG DER POLNISCHEN HEIMAT UND IDENTITÄT. sind, treffen auch verschiedene Kulturräume aufeinander – jeweils EIN ANGRIFF VON LGBT-AKTIVISTEN ZUR VERTEIDIGUNG DER aus meiner eigenen Perspektive mit entsprechenden Erinnerungen FAMILIE. IN SPANIEN WERDEN KINDER IHREN ELTERN DURCH und Reminiszenzen an bestimmte Topoi des jeweiligen Genres. DIE LGBT-IDEOLOGIE WEGGENOMMEN. ANGRIFFE VON Dadurch bleibt das Ganze kleinteilig, dynamisch, nicht auf eine LIBERALEN UND LINKSRADIKALEN AUF POLEN. EINE WEITERE Großform hin ausgerichtet. Die verschiedenen Stilmittel infiltrieren ABSCHEULICHE PROVOKATION DURCH DIE LGBT. DIE LGBT- sich gegenseitig: So werden zum Beispiel die Minimalabweichungen IDEOLOGIE ZERSTÖRT DIE FAMILIE. ALARM! SEXUALKUNDE- vom Pulsraster, die typisch für die „drunk beats“ des früher Hiphop UNTERRICHT FÜR KINDER. DER PRÄSIDENT VERTEIDIGT sind (z.B.: Hihat und Snare sind leicht gegeneinander verschoben) POLNISCHE FAMILIEN. SCHUTZ DER FRAUEN ODER EIN IDEOLO auch auf die Harmonik übertragen; die beiden Keyboards erweitern GISCHER KAMPF. WER WIRD DIE LINKSRADIKALE REVOLUTION die Klaviere mikrotonal. Von Rappern wie Haftbefehl, der oft eine UNTERSTÜTZEN? WER WILL NICHT DAS SOUVERÄNE UND Variante des „scotch snaps“ (Sechzehntel mit darauffolgender punk- STARKE POLEN? WER ÄRGERT SICH ÜBER DEN POLNISCHEN tierter Achtelnote) in seinem Sprechgesang integriert, ist zum Teil PATRIOTISMUS? DIE PATRIOTEN WERDEN VERUNGLIMPFT, die komplexe Rhythmik hergeleitet. Dabei entsteht eine Art virtueller DIE POLEN WERDEN VERACHTET. EINWANDERER GEBEN EINER Remix: Es klingt wie aus bestehenden Stücken neu montiert, es sind AGGRESSIONSSPIRALE AUFTRIEB. POLEN WACHT ÜBER DIE jedoch immer durchkomponierte Versatzstücke. Also reine „Voraus- GRENZEN DER EU. FÜNF JAHRE DES KAMPFES UM SOUVERÄNI- kopplungseinheiten“, die ihrem Anschein nach aus anderen Zusammen TÄT UND WOHLSTAND. POLEN SICHER WIE NIE ZUVOR IN DER hängen gerissen wurden. GESCHICHTE. EUROPA NEIDISCH AUF DEN ERFOLG POLENS. DIE STÄRKE DER POLNISCHEN WIRTSCHAFT SCHÜRT NEID. Der KI-Forscher Hans Briegel bezeichnete das zufällige Kombinieren DIE DEUTSCHEN IRRITIERT DURCH DAS STARKE POLEN. von Erinnerungen einmal als die „Saat des Neuen“, welche sich DIE TOTALE OPPOSITION UND DIE ABSICHT DER DEUTSCHEN, vielleicht auch hier durch die Durchmischung der vermeintlich kon- POLEN ZU BESTRAFEN. BRÜSSEL, BERLIN UND DIE OPPOSITION sistenten Klangwelten einstellen könnte. GEGEN POLEN. WIRD DIE OPPOSITION DEN JÜDISCHEN FOR- DERUNGEN NACHKOMMEN? DIE RUSSEN WERDEN FÜR DIE MISS Interessant ist darüber hinaus der Transfer des Sounds eines gesell- ACHTUNG DES POLNISCHEN VOLKES BEZAHLEN. WER WILL schaftlichen Milieus in ein Setting wie die Donaueschinger Musiktage POLEN MILLIARDEN VON EURO VORENTHALTEN? FRANKREICH – auf den Prüfstand gestellt wird dabei die These, dass neue Musik STREIKT BEI DER GRÜNDUNG DER EUROPÄISCHEN UNION. sich nicht darüber definiert, wie sie gemacht ist, sondern wie sie rezi- EIN ANGRIFF AUF DIE GRUNDLAGEN UNSERER ZIVILISATION. piert wird. (Quelle: polnische Fernsehnachrichten)

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 104 Konzert 6 105 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b)

Wir können davon ausgehen, dass ihre Beziehung zur Welt durch die Konfiguration der Räume, in denen sie leben – ob aufgezwungen oder nicht –, bestimmt wird.

Diese Überlegungen haben sowohl die kompositorische Arbeit, als auch eine gewisse Textmontage angeregt, und, der Natur der Dinge entsprechend, bestimmte Resonanzen hervorgerufen. Das Stück beginnt mit einigen Auszügen aus Becketts Kurzgeschichte The Lost Ones, die einen geschlossenen Raum beschreibt, in dem sich eine ganze Gesellschaft organisiert (und desorganisiert), um einen Aus- weg zu finden. Später wird Michel Foucaults Von anderen Räumen: Utopien und Heterotopien beschworen. Der Philosoph beschreibt das, was er „Heterotopien“ nennt – Gegenräume, die als konkrete Utopien gedacht sind, die innerhalb der normierten Räume unserer Gesell- schaften existieren und deren Funktion unter anderem darin besteht, Das Stück Danses Polonaises wurde für das Ensemble Kwadrofonik sie zu neutralisieren. geschrieben. Es stützt sich auf Parolen der Gegendemonstration polnischer Patrioten und Verteidiger polnischer Werte gegen die Im Lichte dieser Heterotopien wollte ich eine Auswahl von Auszügen Pride Parades. aus Donna Haraways Cyborg-Manifest platzieren, das zu einem wesentlichen Text innerhalb der Geschlechterforschung geworden ist. Haraway argumentiert „für den Cyborg als eine Fiktion, die unsere Sasha J. Blondeau soziale und körperliche Realität abbildet“ und für eine Gesellschaft, They die frei von Geschlechterkategorien ist. Die hybride Gestalt des Cyborg macht die ontologischen Kategorien, die sie schafft, bedeutungslos, Seit einigen Jahren beschäftige ich mich mit der Idee des komposito- indem sie die Unterscheidungen zwischen Mensch und Tier, rischen Raums. Für jedes Stück, das ich komponiere, verwende ich zwischen Organismus und Maschine, zwischen Mann und Frau topologische Strukturen, in denen ich mich umherbewege, um mir die unterwandert. Form sowie die verschiedenen Verläufe, aus denen sie bestehen wird, vorzustellen und zu gestalten. Für Haraway haben „Monster in der westlichen Vorstellung immer die Grenzen der Gemeinschaft definiert. Die Zentauren und Amazonen Für dieses Stück wollte ich diesen Ansatz um eine allgemeinere des antiken Griechenlands definierten die Grenzen der zentralen Reflexion über den Begriff des Raums ergänzen. Folglich haben die Polis des griechischen Mannes, indem sie die Ehe bedrohten und die verschiedenen Räume, die in diesem Stück „durchquert“ werden, Abgrenzung des Kriegers zum Animalischen und zum Weiblichen sehr ausgeprägte Eigenschaften und verweisen manchmal direkt auf verwischten.“ Vor diesem Hintergrund wollte ich – durch unmittelba- ganz bestimmte Arten von Räumen (städtisch, überwacht, Wüste, re Nähe und durch die Anrufung eines meiner „Gefährten“ („Er, dessen metallisch, „andere“...). Die Konfiguration eines Raumes hat für Gesicht, Körper und Gewohnheiten noch nicht als wahr angesehen diejenigen, die in ihm leben, eine ganze Reihe von Konsequenzen für werden können“) – Paul B. Preciado und sein Buch Je suis un monstre ihr tägliches Leben und die Organisation ihres sozialen Lebens. qui vous parle („Ich bin ein Ungeheuer, das zu dir spricht“) evozieren.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 106 Konzert 6 107 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b)

So können die Räume, aus denen Heterotopien entstehen, zuweilen modulieren. Es gibt auch die Frequenzen des Polarlichts (das mit auch ihren Bewohnern dabei zusehen, wie diese zu heterotopischen dem Sonnenwind zusammenhängt), die in Radiowellen und Körpern werden. Frequenzen des Farbspektrums aufgezeichnet werden. Schließlich gibt es intuitive „solare“ Klänge, die 1970 von der Musikgruppe Die verstärkte Stimme der Sopranistin ist fesselnd; die Beziehungen Materials Service Corporation (Biez˙an, Kobrin, Malicki, Osborne, zwischen Tonhöhe, Klangfarbe oder Rhythmus haben nichts mehr Thommessen, Wodiczko) in Warschau erzeugt wurden. mit kategorialen Grenzen zu tun; die Fremdheit wird zur schützen- den Gestalt. 2. Jan Łukasiewicz: Prime Number Funk

Nigel Osborne Dies ist funky Musik, die auf Łukasiewicz’ Theorien über Primzahlen A Short History of Polish Philosophy basiert. Jede Dauer, jede Proportion, jeder Takt, jede Phrase und jeder Strukturabschnitt – alles basiert auf ineinandergreifenden Prim A Short History of Polish Philosophy ist eine musikalische Betrachtung zahlen. Ich entdeckte, dass Primzahlen, die auf einer Basis von 12 der weltverändernden Ideen einer Reihe polnischer Philosophen (den 12 Halbtönen gleicher Temperatur) erzeugt werden, harmonische und Denker: Witelo, Kopernikus, Jan Łukasiewicz, Bronisław Malinow Beziehungen erzeugen – bis hin zur Unendlichkeit. Es ist also auch ski, Roman Ingarden, Zygmunt Bauman und Leszek Kołakowski. eine Übung in unendlicher spektraler Harmonik. Gleichzeitig ist das Stück ein Zeugnis meiner eigenen Lebensreise als Komponist: von meinem Interesse an der Beschaffenheit von Energie und Wellenformen, über Mathematik und Rock’n’Roll bis hin zu 3. Bronisław Malinowski: Functional anthropology: The Trobriand Musik verschiedener Kulturen, zu Biologie und Musikmedizin und Sunset Islanders, The Bemba of Zambia schließlich zu Musik und revolutionärem politischem Wandel. Ich bin Davor Rocco dankbar, der während des Lockdowns meine Roh- Ich habe in vielen Musikkulturen gearbeitet – einschließlich der daten in Form von Audiodateien in einer 2500 Kilometer überspan- Arbeit mit Flüchtlingen auf dem Balkan, im Nahen Osten, in Ostafrika, nenden elektronischen Studio-Zusammenarbeit zwischen Edinburgh Südamerika und Südostasien. Außerdem unterrichte ich Musik- und Zagreb mit „magischem Staub“ bestreut hat, und meinem Sohn Sonderpädagogik und Palliativpflege in Indien sowie chinesische Ruaraidh für die Unterstützung bei der wissenschaftlichen Arbeit. Musikkomposition am Chinese Music Institute der Peking Universität. Malinowski war eine frühe Inspiration für mich. Hier gedenke ich seiner mit Szenen aus dem täglichen Leben unter den in sexueller Das Stück besteht aus fünf Sätzen: Freizügigkeit lebenden Bewohnern der Trobriand-Inseln und mit Geschichten, wie man sie sich unter den Bemba von Sambia erzählt 1. Witelo and Copernicus: solar wind, aurora borealis, yellow, green, – Gesellschaften, in denen Malinowski lebte und die er erforschte. blue, violet.

Der elektroakustische Teil des Stückes verwendet Sonifikationen 4. Roman Ingarden: Intersubjectivity, Transcendental Phenomenology der Temperatur, Dichte und Geschwindigkeit von Ionen im Sonnen- wind, des „Wetters auf der Sonne“ (Daten vom NASA-Satelliten Proton Der elektroakustische Teil des Stückes ist eine Aufzeichnung der Monitor SOHO CELIAS), um die Klänge von Gongs und Becken zu Atemphasen, der Herzfrequenz (EKG) und der elektrischen Gehirn

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 108 Konzert 6 109 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b) aktivität (EEG) von Musikern, gemessen während sie dieses Stück gemeinsam spielen. Es entwickelt sich in drei Phasen – Atmung, Gehirn, Herz. Die Daten werden verwendet, um den Klang eines Instruments zu modulieren – eine Mischung aus Klavier und Schlaginstrument –, das ich (mit Ambrose Seddon) im Svaram in Südindien aufgenommen habe. Die biologischen Daten beziehen sich „in Echtzeit“ auf die Aufführung. Soweit ich weiß, ist dies das erste vollständige Experiment zur Intersubjektivität in der Musik unter Verwendung einer Vielzahl phy siologischer Daten. Ich bin Dr. Aneta Stefanovska und ihrem Team an der Lancaster University dankbar, dass sie dieses Experiment ermög licht haben.

5. Zygmunt Bauman, Leszek Kołakowski: critical and moral Marxism; Warsaw, Gdansk 1970–72; Polish Radio Experimental Studio: Patkowski, Mazurek, Knittel; Materials Service Corporation: Biez˙an, Kobrin, Malicki, Osborne, Thommessen

1970–71 war ich Mitglied der intuitiven elektronischen Live-Musik- gruppe Materials Service Corporation (MSC) in Warschau. Wir haben die Grenzen der musikalischen und sozialen Orthodoxie verschoben, während Arbeiter und Studenten in Polen die Grenzen der politischen Orthodoxie verschoben haben. Die elektroakustische Partitur enthält Aufnahmen von MSC mit Fragmenten von Radioansagen aus dem Arbeiteraufstand vom Dezember 1970 in Polen, die Stimmen von Politikern sowie die Stimmen von Jacek Kuron´ und Adam Michnik, Gründungsmitglieder des Komitee zur Verteidigung der Arbeiter – eine linksgerichtete Bürgerrechtsbewegung und eine der intellektu- ellen Keimzellen der Gewerkschaft Solidarnos´´c, wesentlich beeinflusst von Leszek Kołakowski, den ich kannte, und Zygmunt Bauman, mit dem ich später noch mehrmals öffentlich auftrat.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 110 Konzert 6 111 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b)

Malte Giesen added to the type beats, I use in this sense only the rigid shell, which stock footage piece 2: type beats perhaps still conveys the “smell” of provocation, the vague idea of gangster rap booming obtrusively from Bluetooth boxes or tweaked This piece is the second in a series in which I work with prefabricated auto hi-fi systems. material, so-called “stock footage”. The function of stock footage is not so much to quote, but to fulfil known patterns and schemas. By juxtaposing these sounds with more „classical“ ensemble sounds The term originally comes from the film industry, but has now long that are clearly rooted in the post-war avant-garde, different cultural since found its way into music, as “muzak” or more recently as areas also meet – from my own perspective each with corresponding so-called “type beats”. In hiphop and electronic music, it has been memories and reminiscences of certain topoi from their respective common practice for some years now not to create the music for genres. In this way, the whole remains small-scale, dynamic, and not your own lyrics yourself, but to use type beats instead. Type beats are geared towards a large form. The different stylistic devices infiltrate musical templates, quasi-karaoke versions based on the pattern each other: for example, the minimal deviations from the pulse grid, of well-known hits, mostly with the aim of imitating the sound of a which are typical for the „drunk beats“ of early hiphop (e.g.: hihat and certain famous artist. snare are slightly shifted against each other) are also transferred to The material thus explicitly has no claim to originality, it must simply the harmonics; the two keyboards expand the pianos microtonally. be unobjectionable under copyright law. The complex rhythm is partly derived from rappers such as Haftbefehl, who often integrate a variant of the „scotch snap“ (sixteenth note Basically, I see it as an interesting challenge to work with material followed by a dotted eighth note) into their rapping. The result is a that was originally intended for other purposes and which, ideally, kind of virtual remix: it sounds as if it has been newly assembled from did not originally have a high artistic standard. It is purely sound existing pieces, but they are always through-composed set pieces. source material which can be processed and altered in various ways In other words, it is as if they are pre-released as ‚singles‘, which seem – with the “classic” techniques of remixing: sampling, cutting, to have been torn out of other contexts. looping, shuffle. Scratching turns the character of the physically-fixed medium outwards. The AI researcher Hans Briegel once described the random combina- tion of memories as the „seed of the new“, which could perhaps also Hiphop, born in the African-American ghettos of funk and soul, be created here by mixing the supposedly consistent sound worlds. is the sound of the underdog, the subculture, the opposite of institu- Another interesting aspect is the transfer of the sound of a social milieu tionalised music. It is also the sound of Western colonial history, into a setting such as the Donaueschinger Musiktage – the thesis including oppression and appropriation. Even when “exported” to that new music is not defined by how it is made, rather by how it is other countries, it has always been the genre of the “street”, whether received, is put to the test. in the banlieus of Paris or the social hotspots of German cities.

Today the most successful genre among German youths is gangster rap, although the lyrics are anything but politically correct. Here, the genre has adopted provocation as a strategy – actually a peculiarity of contemporary art – and has made that its own standard (on a literary, not musical level). Since the literary provocation must first be

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 112 Konzert 6 113 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b)

Artur Zagajewski Danses Polonaises

“POLAND IS AN ISLAND OF FREEDOM AND TOLERANCE. CONTEMPT FOR POLISH TRADITION AND VALUES. AN ATTACK ON POLISH TRADITION AND VALUES. A MOVEMENT IN DEFENSE OF VALUES IS COMING INTO EXISTENCE. AN ATTACK ON THE POLISH IDENTITY AND SYMBOLS. IN DEFENSE OF THE POLISH HOMELAND AND IDENTITY. LGBT ACTIVISTS’ ATTACK FOR DEFENDING THE FAMILY. CHILDREN BEING TAKEN AWAY FROM THEIR PARENTS BY LGBT IDEOLOGY IN SPAIN. LIBERALS AND LEFTISTS’ ATTACKS ON POLAND. ANOTHER REVOLTING PROVOCATION BY LGBT. LGBT IDEOLOGY DESTROYS THE FAMILY. ALARM! SEX LESSONS FOR CHILDREN. THE PRESI- DENT DEFENDS POLISH FAMILIES. PROTECTION OF WOMEN OR AN IDEOLOGICAL BATTLE. WHO WILL SUPPORT THE RADICAL LEFTIST REVOLUTION? WHO DOES NOT WANT THE SOVER- EIGN AND STRONG POLAND? WHO IS ANNOYED BY POLISH PATRIOTISM? PATRIOTS ARE BEING VILIFIED, POLES ARE BEING DESPISED. IMMIGRANTS GIVE IMPETUS TO A SPIRAL OF AGGRESSION. POLES ON GUARD OVER THE EU BORDERS. FIVE YEARS OF STRUGGLING FOR SOVEREIGNTY AND PROSPERITY. POLAND SAFE AS NEVER BEFORE IN HISTORY. THE POLISH SUCCESS ENVIED IN EUROPE. THE STRENGTH OF THE POLISH ECONOMY STIRRING UP ENVY. GERMANS IRRITATED BY THE STRONG POLAND. THE TOTAL OPPOSITION AND GERMANS INTENT ON PUNISHING POLAND. BRUSSELS, BERLIN AND THE OPPOSITION AGAINST POLAND. WILL THE OPPOSITION MEET THE JEWISH DEMANDS? RUSSIANS WILL PAY FOR DISREGARDING POLISH PEOPLE. WHO WISHES TO DEPRIVE POLAND OF BILLIONS OF EUROS? FRANCE STRIKES AT THE FOUNDATION OF THE EUROPEAN UNION. AN ATTACK ON THE FOUNDATIONS OF OUR CIVILIZATION.” Source: Polish Television, Newscast.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 114 Konzert 6 115 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b)

The piece Danses Polonaises was written for the Ensemble Kwadrofonik. It draws on the fragments of the counter-demonstration of Polish patriots and defenders of Polish values against the pride parades.

Sasha J. Blondeau They

For several years I have been working with the idea of compositional space. For each piece I compose, I use topological structures in which I wander, in order to imagine and build the form as well as the different trajectories which will constitute it.

For this piece, I wanted to augment this approach with a more general reflection on the notion of space. Consequently, the different spaces that will be “traversed” in this piece have very marked characteristics, and sometimes make direct reference to very particular types of spaces (urban, controlled, desert, metallic, “other”…). The configuration of a space implies, for those who live there, a whole set of con- sequences for their daily life and the organization of their social life. We can consider that their relationship to the world is controlled by the configuration of the spaces – whether imposed or not angeregt in which they live.

These considerations have both innervated the compositional work and involved a certain montage of texts and, by the nature of things, certain resonances. The piece opens with a few excerpts from Beckett’s The Lost Ones, which describes an enclosed space in which a whole society organizes (and disorganizes) itself in order to find a way out. Later, Michel Foucault’s Of Other Spaces: Utopias and Hetero topias is summoned. The philosopher describes what he calls „heterotopias“ – counterspaces thought to be concrete utopias that exist within the normalized spaces of our societies and whose function is, among other things, to neutralize them.

In light of these heterotopias, I wanted to place a selection of excerpts from Donna Haraway’s Cyborg Manifesto, which has become an essential text within gender studies. Haraway is „making an argument

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 116 Konzert 6 117 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b) for the cyborg as a fiction mapping our social and bodily reality“ and Nigel Osborne for a society free of gender categories. The hybrid figure of the cyborg, A Short History of Polish Philosophy by undermining the distinctions between human and animal, between organism and machine, between man and woman, renders A Short History of Polish Philosophy is a musical contemplation on the the ontological categories it creates meaningless. world-changing ideas of a number of Polish philosophers and thinkers: Witelo, Copernicus, Jan Łukasiewicz, Bronisław Malinowski, For Haraway, “monsters have always defined the limits of community Roman Ingarden, Zygmunt Bauman and Leszek Kołakowski. At the in Western imaginations. The Centaurs and Amazons of ancient same time it is a testimony of my own life’s journey as a composer: Greece established the limits of the centered polis of the Greek male from my interest in the nature of energy and wave forms, to mathem- human by their disruption of marriage and boundary pollutions of atics and rock’n’roll, to music of different cultures, to biology and the warrior with animality and woman”. With this in mind, I wanted music medicine and finally to music and revolutionary political change. to evoke – by direct proximity and by calling upon one of my ‘fellow I am grateful to Davor Rocco who sprinkled magic dust on my raw men’ („He whose face, body and practices cannot yet be considered audio files in a “2500-kilometre-wide” electronic studio collaboration true“) – Paul B. Preciado and his book Je suis un monstre qui vous parle stretching from Edinburgh to Zagreb during lockdown, to Aneta (I am a monster talking to you). Stefanovska (see below) and to my son Ruaraidh for assisting with scientific work. Thus, the spaces from which heterotopias emerge also sometimes see their inhabitants become heterotopic bodies. There are five movements: The soprano’s amplified voice is intriguing; the relationships between pitch, timbre or rhythm no longer have anything to do with categorical 1. Witelo and Copernicus: solar wind, aurora borealis, yellow, green, boundaries; strangeness becomes a tutelary figure. blue, violet.

The electroacoustic score uses sonifications of the temperature, density and speed of ions in solar wind, the “weather on the sun” (data from NASA SOHO CELIAS satellite Proton Monitor) in order to modulate the sounds of gongs and cymbals. There are also the frequencies of the aurora borealis (which is related to solar wind), tracked in radio waves and frequencies of the colour spectrum. Finally there are intuitive “solar” sounds created by the live electronic intuitive music group Materials Service Corporation (Biez˙an, Kobrin, Malicki, Osborne, Thommessen, Wodiczko), in Warsaw in 1970.

2. Jan Łukasiewicz: Prime Number Funk

This is funky music based on Łukasiewicz’s theories of prime numbers. Every duration, proportion, bar, phrase, and structural section

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 118 Konzert 6 119 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b) is based on interlocking prime numbers. I discovered that prime In 1970–71 I was a member of the intuitive live electronic music group numbers generated on a base of 12 (the 12 semitones of equal tem- Materials Service Corporation (MSC) in Warsaw. We were pushing perament) produce harmonic relations – to infinity. So it is also the boundaries of musical and social orthodoxy at the same time as an exercise in infinite spectral harmonicity. workers in Poland were pushing the boundaries of political orthodoxy. Sometimes we converged – we even had a riot outside one of our concerts in Lublin. The electroacoustic score includes recordings 3. Bronisław Malinowski: Functional anthropology: The Trobriand of MSC, with fragments of radio announcements from the Gdansk Sunset Islanders, The Bemba of Zambia uprising and atrocities of 1970, the voices of politicians, and also the voices of Jacek Kuron´ and Adam Michnik, founding members of Com- I have worked in many musical cultures – including with refugees in mittee for the Defence of the Workers – a leftward leaning reformist the Balkans, Middle East, East Africa, South America and South organisation which was the intellectual wing of Solidarity, very much East Asia. I also teach music special education and musical palliative inspired by Leszek Kołakowski, whom I knew, and by Zygmunt care in India, and Chinese music composition at the Chinese Music Bauman with whom I shared public platforms on several occasions Institute of Peking University. Malinowski was an early inspiration for in later years. me. Here I celebrate him with scenes from daily life among the free- loving Trobriand Sunset Islanders and storytelling among the Bemba of Zambia – societies that Malinowski lived among and studied.

4. Roman Ingarden: Intersubjectivity, Transcendental Phenomenology

The electroacoustic score is a recording of breathing phases, heart rate (ECG) and electrical brain activity (EEG) of musicians while playing this piece together. It evolves in three phases – breath, brain then heart. The biological data is used to modulate the sound of an instrument which is a mixture of piano and percussion which I recorded (with Ambrose Seddon) at the Svaram in South India. The bio logical data relate “in real time” to the performance. As far as I know this is the first full experiment in intersubjectivity in music using a wide range of physiological data. I am grateful to Dr Aneta Stefanovska and her team at Lancaster University for making this experiment possible.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 120 Konzert 6 121 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b)

Malte Giesen Festivals, u.a. Donaueschinger Musiktage, Artur Zagajewski bewerben und Festivals und Lehrer an der ECLAT Stuttgart, Wien Modern, Klangwerk Musikakademie und der Musikschule statt Berlin, AchtBrücken Köln, Ars Nova S. Moniuszko in Łód´z sowie Mitglied des Rottweil, blurred edges Hamburg und bei den Polnischen Komponistenverbandes und Wittener Tagen für neue Kammermusik. des Programmkomitees des Internatio nalen Festivals für zeitgenössische Musik EN beim Warschauer Herbst. born in 1988, studied composition/computer music at the Hochschule für Musik und EN Darstellende Kunst Stuttgart with Marco born in 1978, composer and music theoreti- Stroppa and Oliver Schneller. Further studies cian, is the winner of numerous prizes followed at the CNSM Paris with Gérard and awards in composition competitions. Pesson and Hanspeter Kyburz, as well as In 2017 his piece brut took top place at the DT electroacoustic music with Wolfgang DT International Rostrum of Composers in Jahrgang 1988, studierte Komposition/ Heiniger at the Hochschule für Musik geboren 1978, Komponist und Musiktheo- Palermo. His compositions are presented Computermusik an der Hochschule für "Hanns Eisler" Berlin. There he now teaches retiker, ist Träger zahlreicher Preise und on a regular basis at Poland’s major music Musik und Darstellende Kunst Stuttgart bei electroacoustic music himself, with a guest Auszeichnungen bei Kompositionswett festivals (Warsaw Autumn, Musica Polonica Marco Stroppa und Oliver Schneller. professorship in 2019. Among other things, bewerben. 2017 errang sein Stück brut den Nova, Festival of Premieres, KODY Festival Es folgten weitere Studien am CNSM Paris he was awarded 1st Prize in the German ersten Platz beim International Rostrum of Musical Tradition and Avantgarde, Sacrum bei Gérard Pesson und Hanspeter Kyburz, Musikwettbewerb Komposition, a prize of Composers in Palermo. Seine Kompositio- Profanum, Poznan Music Spring), as well as sowie elektroakustische Musik bei from the Master Course in Orchestral nen werden regelmäßig bei den wichtigsten at international festivals (Loop Festival, Wolfgang Heiniger an der Hochschule für Composition of the SWR 2012, the Carl von Musikfestivals Polens (Warschauer Herbst, Brussels; Internationaal Kamermuziekfest- Musik „Hanns Eisler“ Berlin. Dort unter- Ossietzky-Prize of the City of Oldenburg Musica Polonica Nova, Festival of Pre- ival, Schiermonnikoog, Netherlands; 33rd richtet er mittlerweile selbst elektroakusti- 2016, the Neue Szenen III from the Deutsche mieres, KODY Festival of Musical Tradition International Ankara Music Festival, Turkey; sche Musik, 2019 im Rahmen einer Oper Berlin and the 2nd Prize of the and Avantgarde, Sacrum Profanum, Asiago Festival, Italy). He has collaborated Gastprofessur. Stuttgarter Kompositionspreis 2017. Posener Musikfrühling) sowie bei interna- with the cellist Dominik Połon´ski, the Er erhielt u.a. den 1. Preis des deutschen Performances of his music have taken place tionalen Festivals (Loop Festival, Brüssel; choreographer Paulina Wycichowska, the Musikwettbewerbs Komposition 2009, with the Radio-Sinfonieorchester Stuttgart Internationaal Kamermuziekfestival, performance artist Zorka Wollny, the video einen Preis des Meisterkurses Orchester- des SWR Stuttgart, Decoder Ensemble, Schiermonnikoog, Niederlande; 33. Inter- artist Michał Brzezin´ski, the actor Arkadiusz komposition des SWR 2012, den Carl von oh-ton Ensemble, Sonar Quartet, Quatuor nationales Musikfestival Ankara, Türkei; Jakubik, and with the ensembles: New Ossietzky-Preis der Stadt Oldenburg 2016, Diotima, sonic.art Saxophon-Quartett, Asiago Festival, Italien) präsentiert. Er hat Music Orchestra, Bang on a Can All-Stars, Neue Szenen III der Deutschen Oper Ensemble Ascolta, ensemble recherche, mit dem Cellisten Dominik Połon´ski, der Kwartludium, Arte dei Suonatori, Polish Berlin und den 2. Preis des Stuttgarter ensemble mosaik, ensemble adapter, l'instant Choreografin Paulina Wycichowska, der Cello Quartet, and the punk group Han´ba. Kompositionspreises 2017. Aufführungen donnée, Ensemble Kuraia, Neue Vocal Performance-Künstlerin Zorka Wollny, der Furthermore, he conducts research on rock seiner Musik fanden statt unter anderem solisten Stuttgart, Ardey Saxophon-Quartett, Videokünstlerin Michał Brzezin´ski, dem music, presenting it in lectures and publica- mit dem Radio-Sinfonieorchester Stuttgart, Namascae Lemanic Modern Ensemble, Schauspieler Arkadiusz Jakubik und mit tions. As part of his popularizing work, he Decoder Ensemble, oh-ton Ensemble, SUONO MOBILE global, as well as at various den folgenden Ensembles zusammengear- gives lectures and runs workshops for youth Sonar Quartett, Quatuor Diotima, Sonic. festivals, among others Donaueschinger beitet: New Music Orchestra, Bang on a Can on 20th- and 21st-century music. He is a Art Saxophon-Quartett, Ensemble Musiktage, ECLAT Stuttgart, Wien Modern, All-Stars, Kwartludium, Arte dei Suonatori, member of the jury at composition competi- Ascolta, ensemble recherche, ensemble Klangwerkstatt Berlin, AchtBrücken Polish Cello Quartet und der Punkgruppe tions and festivals. He is a teacher at the mosaik, ensemble adapter, l'instant Cologne, Ars Nova Rottweil, blurred edges Han´ba. Darüber hinaus forscht und publiziert Academy of Music in Łód´z and S. Moniuszko donnée, Ensemble Kuraia, Neue Vocal Hamburg and at the Wittener Tage für neue er über Rockmusik. Als Musikvermittler Music School in Łód´z, as well as a member solisten Stuttgart, Ardey Saxophon-Quartett, Kammermusik. hält er Vorträge und leitet Workshops für of the Polish Composers’ Union and the Namascae Lemanic Modern Ensemble, Jugendliche über die Musik des 20. und 21. Program Committee of the Warsaw Autumn SUONO MOBILE global, sowie auf diversen Er ist Jurymitglied bei Kompositionswett- International Festival of Contemporary Music.

Biografien/Biographies 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 122 Konzert 6 123 Donauhallen, Mozart Saal, Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (6a) + 20 Uhr (6b)

Sasha J. Blondeau Villa Médicis, Académie de France à Rome, er syrische Flüchtlinge im Bekaa-Tal im East Africa and South East Asia, and is for the year 2018–2019. Libanon. Sowohl als Praktiker als auch als currently a field officer supporting Syrian Forscher hat er intensiv auf dem Gebiet refugees in the Bekaa Valley Lebanon. der kreativen Künste und der Medizin He has worked extensively in the field of Nigel Osborne gearbeitet, Technologien für behinderte creative arts and medicine as both practi- Musiker miterfunden und ein Modell des tioner and researcher, and has co-invented musikalischen Gehirns entwickelt, das technology for disabled musicians and neurophysiologische Wirkungen von Musik developed a model of the musical brain vorhersagen kann und das heute in der that can predict neurophysiological effects medizinischen Versorgung weit verbreitet of music, now used widely in medical care. ist. Er war Vorsitzender des Arts Global He was Chair of the Arts Global Agenda Agenda Committee des Weltwirtschafts- Committee of the World Economic Forum, forums Davos (2014–15) und ist derzeit Davos (2014–15), currently chairs the DT Vorsitzender der Inclusion Knowledge Inclusion Knowledge Base, Sweden and geboren 1986, promovierte 2017 am IRCAM Base, Schweden. Von 1989 bis 2012 war er served as Reid Professor of Music at the in Komposition. Er erhielt Kompositions- als Reid-Professor für Musik an der University of Edinburgh from 1989 until aufträge von den Donaueschinger Musik Universität Edinburgh tätig, außerdem als 2012, as a professor at Hannover University, tagen, den Wittener Tagen für Neue DT Professor an der Universität Hannover, der Rijeka University and Nottingham Kammermusik, dem Ensemble Intercon- geboren 1948, ist Komponist und Entwick- Universität Rijeka und der Universität University, and consultant to Peking temporain, dem Théâtre du Châtelet, dem lungshelfer. Er studierte bei Kenneth Nottingham sowie als Berater der Universi- University. IRCAM, dem Musica Festival, Radio France, Leighton und Egon Wellesz, dem ersten tät Peking. dem französischen Kulturminister, Schüler Schönbergs, und arbeitete sowohl Les Percussions de Strasbourg, dem GMEM im Experimentalstudio des Polnischen EN sowie von Françoise und Jean-Philippe Rundfunks als auch am IRCAM in Paris. is a composer and aid worker. He studied Billarant. Zu den künftigen Projekten gehö- Als Komponist hat er breite internationale with Kenneth Leighton and Egon Wellesz, ren die Zusammenarbeit mit dem Ensemble Anerkennung erfahren, u.a. den Nieder the first pupil of Schoenberg, and worked at Intercontemporain und ein Stück für das ländischen Gaudeamus-Preis, den Opern- both The Polish Radio Experimental Studio Diotima Quartett (Witten 2021). Er war preis von Radio Suisse Romande, den and at IRCAM in Paris. As a composer he Stipendiat der Villa Médicis, Académie de Koussevitzky Award der Library of Congress has received wide international recognition, France à Rome, für die Jahre 2018–2019. Washington und den British Academy of including the Netherlands Gaudeamus Songwriters and Composers Inspiration prize, the Opera Prize of Radio Suisse EN Award (BASCA); als Komponist für Theater, Romande, the Koussevitzky Award of the was born in 1986, and obtained his PhD in Tanz und Film hat er einen Olivier Award, Library of Congress Washington and the composition at IRCAM in 2017. He has eine EMMY, zwei BAFTAs und viele Preise British Academy of Songwriters and received commissions from the SWR for bei Filmfestivals erhalten. Für seine Composers Inspiration Award (BASCA); Donaueschinger Musiktage, the Wittener humanitäre Arbeit und sein Engagement as a composer for theatre, dance and film Tage Für Neue Kammermusik, the Ensemble für die Menschenrechte wurde er mit he has shared an Olivier Award, an EMMY, Intercontemporain, Théâtre du Châtelet, einem Queen’s Prize und dem Freiheits two BAFTAs and many prizes at film IRCAM, Musica Festival, Radio France, the preis des Friedensinstituts Sarajevo aus- festivals. For his humanitarian work and French Culture Minister, Les Percussions gezeichnet. Er hat Pionierarbeit geleistet activities for human rights he has been de Strasbourg, the GMEM and Françoise bei der Verwendung von Musik zur awarded a Queen’s Prize and the Freedom and Jean-Philippe Billarant. Future projects Unterstützung von Kindern, die Opfer von Prize of the Peace Institute Sarajevo. He has include collaborations with Ensemble Konflikten auf dem Balkan, im Kaukasus, pioneered methods of using music to Intercontemporain, and a piece for Diotima im Nahen Osten, in Ostafrika und in Süd- support children who are victims of conflict Quartet (Witten 2021). He was a fellow at ostasien geworden sind. Derzeit unterstützt in the Balkans, Caucasus, Middle East,

Biografien/Biographies 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 124 Konzert 5 125 Donauhallen, Bartók Saal, 17.10.2020, 14 Uhr (7a) + 20 Uhr (7b) 7 Donauhallen, Bartók Saal Thomas Lehn/ Marcus Schmickler Samstag, 17.10.2020, 14 Uhr (7a) und 20 Uhr (7b) Neues Werk (Uraufführung) Uraufführung, 40 Min.

Thomas Lehn, Analogsynthesizer Marcus Schmickler, Computer

Sendung in SWR2 NOWJazz, 13.11.2020, 23.03 Uhr

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 126 Konzert 7 127 Donauhallen, Bartók Saal, 17.10.2020, 14 Uhr (7a) + 20 Uhr (7b)

Thomas Lehn/ Marcus Schmickler Die ontologische Wirklichkeit der Musik wird in unserem Fall nicht Neues Werk (Uraufführung) bestimmt durch das, was gespielt wird („Werk“), sondern dadurch, wer spielt. Das individuelle Vokabular der Musiker bestimmt den Seit dem Jahr 2000 haben wir gemeinsam ca. 80 Konzerte gegeben Charakter des Ensembles, unsere spezifischen Instrumente, modifi- und dabei immer wieder Antinomien verkörpert: analog-digital, zierter EMS Synthi und Supercollider Code, geben dabei viel vor. historisch-aktuell, real-virtuell, intuitiv-strategisch, expressiv- Wenn überhaupt sprechen wir von einem „Werk“, wenn die Audio formalisiert, Mensch-Maschine. Dieses Narrativ ist einfach verständ- aufnahme einer Improvisation der genaueren Überprüfung im Studio lich und überprüfbar. Solch vereinfachende Zuweisung ist ebenso standhält, gemischt, editiert, re-arrangiert und abgehakt wurde. legitim wie lückenhaft, sind wir doch vor allem an der Überwindung Die Audioaufnahme eines Mehrkanal-Raumkonzertes ist ohnehin ein scheinbarer Dichotomien und an der Synthese jeweils unterschied problematisches Unterfangen, da die Aufnahmen vom Mehrkanal- licher Ausgangspunkte, Klänge und Spielkonzepte interessiert. Konzert in Stereoton gedownmixed werden müssen. Das Ontische Vielleicht erscheint diese Synthese im Jahr 2020, im Spiegel der gesell der Musik muss bei diesem Transfer neu gefunden werden. Raum und schaftlichen Notwendigkeiten als Überwindung manch anderer Kairos spielen hier eine besondere Rolle und lassen sich nur schwer binärer Zuweisungen plausibel, doch die synthetisierte Einheit exis- in ein anderes Medium übersetzen. Eine Ausnahme bildet die völlig tiert ebenso wenig wie die simple Gegenüberstellung. Das singuläre unredigierte Veröffentlichung unseres Konzertes in Helsinki Live Ereignis findet sich allein als Kohärenz des Fragmentarischen, Double Séance (editionsMego, 2014) als LP mit einliegender 5.1 DVD. im Prozess und als Geflecht von Erfahrungen von Hörer*innen und Musiker*innen. Der ästhetische Prozess wird bei einer Aufnahme zwar über das veröffentlichende Label und dessen Mechanismen an ein erweitertes Wenn man im Rahmen des NOW-Jazz-Konzerts der Donaueschinger Publikum fortgeführt, endet zugleich in Bezug auf das „Werk“ und Musiktage und im Kontext improvisierter Musik, aus praktischen führt von hier aus maximal zu einem anderen neuen „Werk“. Der Titel Gründen oder aus Begeisterung für die ewig wiederkehrende Aktuali- Neues Werk (Uraufführung)bezieht sich damit implizit auf das, was sierung einer Musiktradition von der Kreation eines „Werkes“ aus- vorausging: unsere bisher letzte CD-Veröffentlichung Neue Bilder geht, ist der Begriff „Werk“ wenn schon nicht anachronistisch, dann (Mikroton 2018). (Neue Bilder war gleichzeitig der Titel einer Gerhard doch zumindest alles andere als selbstverständlich. In unserem Richter-Ausstellung im Albertinum in Dresden, bei dem Schmicklers Fall ist die Begriffshälfte -Jazz als Kategorie wenigstens ebenso irre- Komposition Richters Patterns 2017 aufgeführt wurde.) führend, auch wenn bei uns die Freude über die Möglichkeit zur negierenden Überschreitung der Bezeichnungen immer wieder vor- herrscht. Sein/Nichtsein, NOW und Jazz zeigen sich als dialektische Verschränkung.

„Als Ontologie wollen wir das Resultat einer Beobachtungsweise bezeichnen, die von der Unterscheidung Sein/Nichtsein ausgeht und alle anderen Unterscheidungen dieser Unterscheidung nachordnet.“ (Niklas Luhmann: Die Gesellschaft der Gesellschaft, Band 2, Suhrkamp, 1998, S. 895)

Werkeinführung 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 128 Konzert 7 129 Donauhallen, Bartók Saal, 17.10.2020, 14 Uhr (7a) + 20 Uhr (7b)

Thomas Lehn/ Marcus Schmickler Neues Werk (Uraufführung)

Since the year 2000 we have given about 80 concerts together and have embodied antinomies again and again: analogue-digital, historical-actual, real-virtual, intuitive-strategic, expressive-formalised, human-machine. This narrative is easy to understand. But such simplifying attributions are as legitimate as they are incomplete, since we are primarily interested in overcoming apparent dichotomies, and in the synthesis of different starting points, sounds and playing concepts. Perhaps the synthesis may seem plausible in 2020, in the light of social necessities, as an overcoming of some binary attributions, but the synthesized entity does not exist, nor does the simple juxtaposition: the singular event is found only as a coherence of the fragment- ary, in the process and as a network of experiences of listeners and musicians.

If the creation of a ‘work’ of art is assumed in the contexts of the NOW- Jazz concert of the Donaueschinger Musiktage and of improvised music (for practical reasons or out of enthusiasm for the eternally recurring actualisation of a musical tradition) the term ‘work’ is, if not anachronistic, then at least anything but self-evident. In our case, the term ‘jazz’ as a category is at least as misleading, even if the joy of the possibility of negatively transgressing the terms always prevails with us. Being/Non-being, NOW and Jazz show themselves to be dia- lectically intertwined.

„We want to call ontology the result of a way of observation that starts from the distinction between being and not being and subordinates all other distinctions to this distinction.“ (Niklas Luhmann, Theory of Society)

In our case, the ontological reality of music is not determined by what is played (‘work‘), but by who plays. The individual vocabulary of the musicians determines the character of the ensemble, and our specific instruments – modified EMS Synthi and Supercollider code – provide a lot. If at all, we speak of a ‘work’ when the audio recording of an improvisation withstands the scrutiny of the studio, has been mixed,

Introduction to the work 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 130 Konzert 7 131 Donauhallen, Bartók Saal, 17.10.2020, 14 Uhr (7a) + 20 Uhr (7b) edited, re-arranged and checked off the list. The audio recording of a Thomas Lehn Marcus Schmickler multi-channel room concert is a problematic undertaking anyway, as the recordings of the multi-channel concert have to be mixed down into stereo sound. The ontic of the music has to be found again during this transfer. Space and kairos play a special role here and are difficult to translate into another medium. An exception is the completely unedited release of our concert in Helsinki Live Double Séance (editionsMego, 2014) as LP with an enclosed 5.1 DVD.

Although the aesthetic process is continued in a recording to a wider audience – via the publishing label and its mechanisms – it ends at the same time in relation to the ‘work’, and from here at most leads to DT DT another new ‘work’. The title Neues Werk (Uraufführung)(‘New Work 1958 geborener Klavier- und Synthesizer- geboren 1968, studierte elektronische Musik, interpret, wurde an den Musikhochschulen Komposition bei Johannes Fritsch und (premiere)‘) thus implicitly refers to what preceded it: our last CD in Detmold und Köln zum Tonmeister und Hans-Ulrich Humpert und Musikwissen- release to date, Neue Bilder (Mikroton 2018). (Neue Bilder was also the Pianisten ausgebildet. Neben seiner eigenen schaft in Köln. In seinen Kompositionen title of a Gerhard Richter exhibition in the Albertinum in Dresden, analog-elektronischen Musik realisierte er erforscht er wahrnehmungsspezifische where Schmickler’s composition Richter’s Patterns 2017 was performed). live und im Studio Werke von Élaine Radigue, Besonderheiten im Klang, algorithmische Bogusław Schaeffer, Roman Haubenstock- Systeme, Mikrotonalität und Sonifikation. Ramati, Zbigniew Karkowski, Anthony Neben seinen Werken der Elektronik Pateras und Peter Jakober. Festivalgastspiele arbeitet er mit Ensembles Neuer Musik und und Konzertreisen als Solist sowie als gemeinsam mit Thomas Lehn im Kontext Mitglied international besetzter, kontinuier von Improvisation. Er erhielt zahlreiche lich arbeitender Ensembles führten ihn Preise und Stipendien. durch ganz Europa und andere Kontinente. Sein Wirken ist auf ca. 100 Tonträgermedien EN dokumentiert. born in 1968, studied electronic music and composition with Johannes Fritsch and EN Hans-Ulrich Humpert, and musicology in piano and synthesizer performer, born in Cologne. In his compositions he explores 1958, was trained as sound engineer and perceptual peculiarities in sound, algorith- pianist at the music academies in Detmold mic systems, microtonality and sonification. and Cologne. In addition to his own In addition to his electronic works, he electronic music, he has realised live and works with ensembles of New Music and to- in-studio works by Élaine Radigue, gether with Thomas Lehn in the context Bogusław Schaeffer, Roman Haubenstock- of improvisation. He has received numerous Ramati, Zbigniew Karkowski, Anthony prizes and scholarships. Pateras and Peter Jakober. Festival appear- ances and concert tours as a soloist and as a member of international, continuously working ensembles have taken him throughout Europe and other continents. His work is documented on about 100 sound media.

Introduction to the work 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 132 Konzert 5 133 Donauhallen, Strawinsky Saal, 17.10.2020, 17 Uhr 8 Donauhallen, Strawinsky Saal Donaueschingen Lectures Samstag, 17.10.2020, 17 Uhr Holly Herndon Artificial Intelligence and 21st Century Music Lecture-Performance (in englischer Sprache)

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 134 Konzert 8 135 Donauhallen, Strawinsky Saal, 17.10.2020, 17 Uhr

Holly Herndon Holly Herndon EN Artificial Intelligence and 21st Century Music born in 1980, is an American composer, musician, and sound artist based in Berlin, Germany. After studying composition at Der Vortrag wird sowohl die Grenzen des maschinellen Lernens Stanford University and completing her Ph.D. untersuchen als auch die Möglichkeiten, die es für die Musik des at Stanford University’s Center for Com- 21. Jahrhunderts bietet. puter Research in Music and Acoustics, she pursued a music career internationally. Herndon's music often includes human singing voices (including her own), is Holly Herndon primarily computer-based, and regularly Artificial Intelligence and 21st Century Music uses the visual programming language Max/MSP to create custom instruments This lecture will explore the limitations of machine learning as DT and vocal processes. She has released music well as the opportunities it might reveal for a 21st century approach geboren 1980, ist eine in Berlin lebende on the labels RVNG Intl. and 4AD. Her amerikanische Komponistin, Musikerin und most recent full-length album Proto was to music. Klangkünstlerin. Nach ihrem Kompositions released on May 10, 2019. studium an der Stanford University und ihrer Promotion am Center for Computer Research in Music and Acoustics der Stan- ford University verfolgte sie eine internationale Karriere. Herndons Musik bezieht oft menschliche Singstimmen mit ein (einschließlich ihrer eigenen), ist haupt- sächlich computerbasiert und verwendet häufig die visuelle Programmiersprache Max/MSP, um individuelle Instrumente und Stimmprozesse zu schaffen. Sie hat Musik auf den Labels RVNG Intl. und 4AD ver- öffentlicht. Ihr letztes Full-Length-Album Proto wurde am 10. Mai 2019 veröffentlicht.

Werkeinführung / Introduction to the work 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 136 Konzert 5 137 Donauhallen, Mozart Saal, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) + 15 Uhr (9b) 9 Donauhallen, Mozart Saal Rebecca Saunders Sonntag, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) und 15 Uhr (9b) to an utterance – study (2020) 8 Min. Nicolas Hodges, Klavier

James Clarke Piano Sonata No. 2 (2019) Uraufführung, 16 Min., Kompositionsauftrag des SWR

André Boucourechliev Archipel 5D (1970) Deutsche Erstaufführung, 7–20 Min.

Rolf Riehm Ciao, carissimo Claudio oder Die Steel Drums von San Marco für Klavier und Zuspielungen (2017) Deutsche Erstaufführung, 10 Min.

Sendung in SWR2 JetztMusik, 2.12.2020, 23.03 Uhr

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 138 Konzert 9 139 Donauhallen, Mozart Saal, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) + 15 Uhr (9b)

Rebecca Saunders to an utterance – study utterance /ˈʌt(ə)r(ə)ns/ n.

1. etwas Gesagtes, ein gesprochenes Wort, ein Geraune, eine Verlaut- barung, eine Aussage oder ein stimmliches Geräusch; ein Sprechakt; stimmlicher Ausdruck; die Art und die Fähigkeit zu sprechen; eine Sprachsequenz, die aus einem oder mehreren Wörtern besteht und der Stille vorausgeht und folgt; 2. die äußerste oder letzte Grenze – bis an den Rand, an den Abgrund to an utterance: veraltet + literarisch: das bittere Ende

Etymologie: ‚oultrance‘, von ‚oultrer‘, bis zum Exzess treiben, zu weit gehen; lat.: ultra- darüber hinaus

Das Soloklavier als körperlose Stimme, die versucht, ihre eigene Geschichte zu erzählen, schwankend, auf einer unsicheren Suche. Sie trachtet, durch exzessives Sprechen, nach ihrem endgültigen Verstummen: ein unaufhörliches und zwanghaftes Selbstgespräch. Ein musikalischer Protagonist als Wesen, am Abgrund des Nicht- seins.

James Clarke Piano Sonata No. 2

Ein Komponist kennt das Bedürfnis nach Einsamkeit als Vorausset- zung für die Entstehung eines neuen Werks. Die Interaktion mit Musikern ist in seinem Fall viel weniger ausgeprägt als etwa bei einem Dirigenten oder einem Interpreten (ganz zu schweigen von zahlreichen anderen Berufen, in denen soziale Kontakte eine wichtige Rolle spielen). Aber von Zeit zu Zeit entstehen zu einzelnen Musikern besondere Verbindungen – aus denen oft ganz besondere Werke des Komponisten entstehen. Ich habe neun Werke für das Arditti Quartett sowie zwei weitere Solostücke für Irvine Arditti, und ich habe sieben Werke für Nicolas Hodges komponiert, darunter zwei mit Sinfonie

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 140 Konzert 9 141 Donauhallen, Mozart Saal, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) + 15 Uhr (9b)

orchester. Die Tatsache, dass wir alle drei – Arditti, Hodges und ich – zwar Briten sind, aber hauptsächlich außerhalb Großbritanniens tätig, ist angesichts der jüngsten politischen Entwicklungen ein zu- sätzliches amüsantes Detail, das uns verbindet.

Meine Beziehungen mit beiden begannen in den 90er Jahren. Im darauffolgenden Jahrzehnt habe ich beschlossen, für meine Werke keine Titel mehr zu verwenden. Sie werden seitdem „Untitled“ („Ohne Titel“) benannt, oder mit einem ähnlichen Begriff, verbunden mit der Jahreszahl und einer Ordnungszahl. ‚Symphonie‘ und ‚Sonate‘ fallen für mich auch in diese Kategorie. Mit diesen Begriffen sind nicht mehr unbedingt die herkömmlichen Formen gemeint, vielmehr wurde ihre ursprüngliche etymologische Bedeutung wiederhergestellt. Dass mit diesen Begriffen allerdings eine Verbindung zur Tradition der westlichen klassischen Musik gegeben ist, begrüße ich ebenso wie den Umstand, dass ich durch ihre Verwendung, wenn auch in bescheidenem Maße, in die Fußstapfen von Scarlatti, Beethoven, Boulez und Barraqué trete. Andere Werke ohne Titel verbinden meine Arbeit mit der abstrakten bildenden Kunst, insbesondere mit Clyfford Still, Hans Hartung und Pierre Soulages. Aber darüber hinaus wird nichts über das musikalische Werk selbst gesagt.

Der Verzicht auf einen Titel und einen Werkkommentar ist ein Ver- such, ein unmittelbares und unverstelltes Reagieren zu ermöglichen, ohne Anspielungen auf etwas Unwichtiges oder Ablenkendes. Wenn Leute fragen: „Worum es in dieser Musik?“, verfehlen sie den Sinn abstrakter Musik und Kunst. Titel lenken den Zuhörer oder Betrachter in eine bestimmte Richtung und nehmen der Musik und der Kunst ihr Potential an Komplexität und Bedeutungsvielfalt. Das Werk wird dann kaum mehr als ein Kreuzworträtsel; es wird zur Illustration einer aus Worten zusammengesetzten Idee. Für mich besteht die Rolle der Musik darin, darüber hinauszugehen. Dort ist der Bereich, in dem ich arbeite. Damit die Bedeutung, die Musik in anderen Bereichen haben kann – Film, Video, Tanz oder Gesang – nicht in Frage gestellt; diese sind die Domäne anderer, oft hervorragender Komponisten. Mein eigener Ansatz ist: So gut die Musik in diesen anderen Bereichen auch sein mag – und wie gesagt, sie ist oft ausgezeichnet –, sie kann sich der illustrierenden Funktion nicht entziehen; und ich strebe eine

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 142 Konzert 9 143 Donauhallen, Mozart Saal, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) + 15 Uhr (9b)

Musik an, die davon frei ist, zumindest was Etikettierungen und len Graphik in ein Zeitgebilde verwandelnd und anders erlebbar Zuschreibungen betrifft: Eine Musik, die es dem Hörer erlaubt, machend. Dieser Prozess vervielfacht sich dann im großen Werk Anar- in Bereiche zu gelangen, die nicht mehr mit Worten verbunden sind chipel, innerhalb dessen sich ein Netzwerk von Kommunikationen – und darüber hinaus.. zwischen den einzelnen „Archipelen“ beziehungsweise zwischen deren Akteuren entfaltet.

André Boucourechliev Boucourechliev hielt zeitlebens am Prinzip der Offenen Form fest Archipel 5D und ließ auch nicht davon ab, als dieses längst aus der Mode gekom- men war. Seine Beweggründe waren nicht affirmativer Natur, wie Die Musik von André Boucourechliev ist heute kaum bekannt. er 1980 in einem Interview darlegte: „Wir leben in einer Zeit, in der Der gebürtige Bulgare, der ab 1948 bis zu seinem Tod in Paris lebte die Dinge nicht sicher oder definitiv sind, wo Hierarchien de facto und wirkte, befindet sich heute etwas im Windschatten der Geschich- nicht legitim sind. Beethoven war der erste, der diese klassische Ord- te. Er hat das Pech, dass historische Konzepte wie „Offene Form“ nung herausforderte: Er führte den Zweifel ein.“ Was der Musik von oder „Mobile Form“ vorschnell mit einschlägigen Autoren wie Boulez, Boucourechlievs Idol Beethoven im Musikleben widerfuhr, ist bekannt. Stockhausen oder Pousseur assoziiert werden. Hinzu kommt, dass Trotzdem lohnt sich die Auseinandersetzung auch mit den geschei- das Interesse an einst revolutionären Entwicklungen in der Neuen terten Revolutionen. Nicht unbedingt ausschließlich aus Wehmut, Musik schon seit Jahrzehnten enorm nachgelassen hat. Gerade jene sondern auch, um die heutige Situation aus historischer Perspektive Konzepte der Nachkriegszeit, die sich den Aufführungstraditionen neu zu befragen. und arbeitsteiligen Produktionsroutinen auf passionierte Art wider- (Michael Kunkel) setzen, sind im Musikleben kaum mehr präsent.

Boucourechlievs Klavierkomposition Archipel 5D entstand 1970, Rolf Riehm und damit zu einer Zeit, in der eine Rückkehr zu hergebrachten Hier- Ciao, carissimo Claudio oder Die Steel Drums archiegefällen und Mitteilungsformen sich bereits abzeichnete. von San Marco Dieses Stück ist zunächst der Klavierpart des größeren Ensemble- werks Anarchipel für verstärkte Harfe, verstärktes Cembalo, Orgel, „Das Aroma herkömmlicher Harmonik schwängert die Gassen Klavier und zwei Schlagzeuger, das seinerseits den Schlusspunkt Venedigs“ (Takt 47) einer ganzen Reihe von Archipel-Kompositionen bildet. Archipel 5D kann als Solostück wie auch als Teil des Ensemblewerks aufgeführt Im April 2017 waren wir in Venedig. Ich habe versucht, die starken und werden. Ein Blick in die Partitur macht sofort sinnfällig, was mit auch sehr widersprüchlichen Impulse dieser rätselhaften Stadt die „Archipel“ gemeint ist: Wir sehen keinen linearen oder stabilen Noten- kompositorische Erfindung bestimmen zu lassen: Ein vielgestaltiges text, sondern viele unterschiedlich gestaltete Notationsgruppen, Gemenge aus bunten Plätzen, intimen Gassen, aufdringliche wie zarte die sich wie eine Vielzahl von Klanginseln zu einem großen losen Gegenwart, immerzu das Bewusstsein von mythischer Umhegung Komplex verbinden – beziehungsweise die verbunden werden müssen: des täglichen Lebens. Man schlendert durch verwinkelte Gassen, Sei es vom Betrachter, dem schon beim Anschauen der graphisch in denen es nach Essenszubereitung riecht und steht unversehens vor attraktiven Partitur eine Musik lebendig erklingen mag, oder von einem einer strahlend weißen klassizistischen Fassade mit der Aufschrift Performer, der die Zeichenkonstellation in physisch erfahrbaren „Teatro La Fenice“, das Theater des aufsteigenden Phönix’. (Bei der Klang übersetzen kann, dabei die räumliche Ordnung der notationel- Biennale 1969 wurde dort mein Stück Leonce und und aufgeführt, hoher

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 144 Konzert 9 145 Donauhallen, Mozart Saal, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) + 15 Uhr (9b)

Sopran, Tenor, Bariton und Orchester, Ettore Gracis dirigierte.) Und dann die virtuose Architektur der Paläste am Canal Grande! Und all dies übersteigend der Dogenpalast, für mich geradezu die steingewordene Epiphanie der Aporie von brutaler Machtfülle (die riesigen Ausmaße! Sitz der Signoria und des Dogen) und unfass barer Schönheit.

„… in der Frari; plötzlich am Grab von Monteverdi“ (Takt 69)

Und dort lebte Monteverdi, war lange Zeit Kapellmeister des Markus doms, und dort starb er. Wir schlenderten durch die Stadt. Das be- törende, herzzerreißende Madrigal Interrotte speranze ging mir nicht mehr aus dem Ohr. Es ist in die ästhetische „Schaumbildung“ meines Stückes hineingezogen. In einer der linken Seitenkapellen der Frari stieß ich zu Füßen einer pompösen Dogengedächtnisskultpur auf eine kleine Platteneinlassung: das Grab von Monteverdi. Und als wir dann draußen einen caffè tranken, belebte ein Straßenmusiker den Platz mit seinen steel drums, alles eine ebenso zauberische wie verwirrend wehmütige Atmosphäre. Als einen fordernden Fingerzeig hatte ich es zudem empfunden, dass diese steel drums, die wir mit dem Smartphone unserer Freundin aufnehmen konnten, in der Ton art auf d stehen, wie das Interrotte speranze! Diese beiden Sphären wölben sich, per Zuspielung, mal mehr mal weniger in den Klaviersatz hinein. Und der Klaviersatz nimmt auf, was er hört, oder er sperrt sich vehement dagegen, weil er noch einiges aus dem Vorhergehenden genauer zur Geltung bringen wollte. Ein Herzensanliegen war mir natürlich, in meiner Hommage an Monteverdi nicht nur den zurückhaltenden Ton der Ehrerbietung an- zuschlagen, sondern auch der enormen Kontraste und Ausdrucks- breite seiner Musik inne zu sein.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 146 Konzert 9 147 Donauhallen, Mozart Saal, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) + 15 Uhr (9b)

„wenn die Klauseln Trauer tragen“ (Takt 94) Rebecca Saunders to an utterance – study Die beiden Schlusswendungen (Klauseln) in Interrotte speranze bilden den Nährboden für weite Bereiche der Komposition; und zwar nicht utterance /ˈʌt(ə)r(ə)ns/ n. nur in harmonischer Hinsicht, sondern auch in punkto Phrasenbildung, formaler Dynamik u.ä. 1. something uttered, a spoken word, murmured, disclosed, a statement, or vocal sound; an act of uttering; vocal expression; the manner and power of speaking; a speech sequence consisting of one or more words and preceded and followed by silence; 2. the utmost, or last, extremity – to the brink of, at the precipice

Auch aus Werken von Brahms, Bach und Liszt sind satztechnische to an utterance: archaic + literary: the bitter end und ausdrucksspezifische Zurufe zu vernehmen. oultrance, from oultrer, to carry to excess, to pass beyond; L.: ultra- Hommage, Threnodie („wenn die Klauseln Trauer tragen“), aber beyond auch eine Art Wahrnehmungsprotokoll von Monteverdis Musik und dies alles in der Luft dieses irre machenden Venedigs („Das Aroma The solo piano as a disembodied voice, it seeks to tell its own story, herkömmlicher Harmonik schwängert die Gassen Venedigs“) – auf wavering, on an uncertain quest. ein solch komplexes Konglomerat habe ich versucht hinzuarbeiten. It seeks its final silence through its own excess of speaking: an inces- sant and compulsive soliloquy. A musical protagonist as being, on the precipice of non-being.

James Clarke Piano Sonata No. 2

In the life of a composer the need for solitude in order to create musical works is well known and interaction with musicians is far less than in the case of a conductor or performer (not to mention numerous other professions in which social connection is a major feature). But it happens sometimes that a bond is created with particular musicians and the relationship leads to some of the composer’s most significant work. I have written nine works for the Arditti Quartet, together with two others for Irvine Arditti as soloist, and have composed seven for Nicolas Hodges, including two with symphony orchestra. That Arditti, Hodges and I share the fact of being British

Werkeinführungen / Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 148 Konzert 9 149 Donauhallen, Mozart Saal, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) + 15 Uhr (9b) but are mostly active outside Britain is an amusing extra connection in the light of recent political developments.

Both relationships began in the 1990s. It was in the following decade that I decided to remove titles from my musical works. They have since been designated as untitled, by a term equivalent to untitled, or by the year of composition plus a code letter. I regard symphony and sonata as falling into the second category. No longer are ancient forms necessarily implied by them; their original etymological meanings have been regained. That the words provide a connection with the tradition of Western classical music, however, is something I welcome, as is the implication that I presume to follow, albeit modestly, in the footsteps of Scarlatti, Beethoven, Boulez and Barraqué. Other non-titles connect my work with the abstract visual arts, especially Clyfford Still, Hans Hartung and Pierre Soulages. But other than that, nothing about the musical work itself is said.

The lack of a title and of a programme note is an attempt to create the possibility of an immediacy and directness of response, without allusions being made to anything irrelevant or distracting. When people ask ‘what the music is about’, they miss the point of abstract music and art. Titles channel the listener or viewer into a particular area and deny music and art their potential to have complexity and multiplicity of meaning. The work then becomes little more than a crossword puzzle; it becomes an illustration of an idea composed of words. For me, music’s role is to go beyond that. It is the area I work in. It does not deny the value of music’s other manifestations, in, for example, film, video, dance or song; these are the province of other, often excellent composers. My own conclusion is that, however good music in these other areas is, and, as I say, it is frequently excellent, it cannot escape the illustrative, and I aim for a music that is free of that, at least as far as labels and partial descriptions are concerned: music which allows the listener to enter areas unconnected with words, and beyond them.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 150 Konzert 9 151 Donauhallen, Mozart Saal, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) + 15 Uhr (9b)

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 152 Konzert 9 153 Donauhallen, Mozart Saal, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) + 15 Uhr (9b)

André Boucourechliev in an interview in 1980: “We live in an age where things are not cer- Archipel 5D tain or definitive, where hierarchies are in fact not legitimate. Beeth- oven was the first to challenge this classical order: he introduced The music of André Boucourechliev is hardly known today. The native doubt”. What happened to the music of Boucourechliev’s idol Beeth- Bulgarian, who lived and worked in Paris from 1948 until his death, oven in musical life is well known. Nevertheless, it is also worthwhile is now somewhat in the shadows of history. He has had the misfortune dealing with the failed revolutions. Not necessarily exclusively out of that historical concepts like ‘open form’ or ‘mobile form’ are more melancholy, but also in order to question the present situation anew readily associated with relevant authors like Boulez, Stockhausen or from a historical perspective. Pousseur. In addition, the interest in what were once revolutionary (Michael Kunkel) developments in New Music has been diminishing enormously for decades. Hardly present in musical life any more are precisely those concepts of the post-war period which passionately resist performance Rolf Riehm traditions and production routines based on the division of labour. Ciao, carissimo Claudio oder Die Steel Drums von San Marco Boucourechliev’s piano composition Archipel 5D was composed in 1970, at a time when a return to traditional hierarchical differences “The scent of ancient harmonies permeats the narrow streets and forms of communication was already becoming apparent. This of Venice” (measure 47) piece is initially the piano part of the larger ensemble work Anarchipel for amplified harp, amplified harpsichord, organ, piano and two per- In April 2017 we were in Venice. I tried to let the strong and contra- cussionists, which in turn forms the final point of a whole series of dictory impulses of this mysterious place determine the course of my Archipel compositions. Archipel 5D can be performed as a solo piece composition: a multifarious mixture of busy squares and intimate as well as part of the ensemble work. A glance at the score makes it alleyways, a brash yet tender atmosphere, and always the awareness immediately clear what is meant by ‘Archipel’ (archipelago): we do not of a mythical aura surrounding daily life. One wanders through narrow see a linear or stable musical text, but rather many differently streets filled with the smells of cooking and suddenly finds oneself in designed groups of notation. Like a multitude of sound islands, these front of a blindingly white, classical façade with the inscription “Teatro groups combine to form a large, loose complex – or rather, they are La Fenice”: the theater of the rising phoenix. (During the Biennale inherently connected: be it by the observer, who may hear a music in 1969, my piece Leonce und und was performed there – it is written sounding alive just by looking at the graphically attractive score, or for high soprano, tenor, baritone, and orchestra; Ettore Gracis con- by a performer who can translate the constellation of signs into phys- ducted.) Then the virtuosic architecture of the palaces along the Grand ically perceptible sound, thereby transforming the spatial order of Canal! And surpassing all this, the Doge’s Palace: for me, an epiphany the notational graphics into a time structure and making it experien- in stone of the paradox between brutal power (the gigantic dimen- tial in a different way. This process is then multiplied in the large sions, its function as the palace of the Signoria and the Doge) and work Anarchipel, within which a network of communication unfolds incredible beauty. between the various individual ‘archipelagos’ or actors. “…in the Frari church; suddenly the grave of Monteverdi” (measure 69) Throughout his life Boucourechliev adhered to the principle of open form and did not abandon it when it had long since become out of This is where Monteverdi lived, where he was maestro di cappella at fashion. His motives were not of an affirmative nature, as he explained the basilica of San Marco for a long time, and where he died.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 154 Konzert 9 155 Donauhallen, Mozart Saal, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) + 15 Uhr (9b)

We wandered through the city. I could not forget the haunting, heart- breaking madrigal Interrotte speranze (from Monteverdi’s Seventh Book of Madrigals, 1619). It became part of the aesthetic “froth” of my piece. At the base of a pompous memorial statue to one of the Doges, in a chapel on the left side of the Frari church, I noticed a simple plaque on the floor: the grave of Monteverdi. Later, as we drank our caffè in the piazza, the sound of a street musician’s steel drums filled the air. The whole thing had a magical yet oddly melancholy atmosphere. In addition, I took it as a suggestive omen that the steel drum music – which we recorded on our friend’s smartphone – was in the key of d, just like Interrotte speranze! These two spheres weave themselves as recorded inserts into the piano texture, sometimes more, sometimes less. The piano texture either takes up what it hears or else vehemently rejects it because it still wishes to emphasize something from the previous section. In my homage to Monteverdi, it was not only important to me to achieve a restrained tone of reverence, but also to enter into the enormous contrasts and expressive range of his music.

“When the Clauses Are Draped in Mourning” (measure 94)

The two final cadential figures (“clauses”) in Interrotte speranze provide the basis for large sections of the piece, not only in a harmonic sense, but also in relation to phrasing, formal articulation, etc.

There are also textural and expressive interjections from works by Brahms, Bach, and Liszt.

It is an homage, a threnody (“When the Clauses Are Draped in Mourning”), but also a kind of protocol of my reactions to Monteverdi’s music, and all of this in the intoxicating atmosphere of Venice (“The scent of ancient harmonies permeats the narrow streets of Venice”) – I tried to work toward such a complex conglomerate.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 156 Konzert 9 157 Donauhallen, Mozart Saal, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) + 15 Uhr (9b)

Rebecca Saunders James Clarke André Boucourechliev Als Lehrer war Boucourechliev Messiaens Stellvertreter am Pariser Konservatorium, bevor er Dozent für zeitgenössische Musikwissenschaft an der Universität von Aix en Provence (1978-1985) wurde und Seminare an der École Normale Supérieure de Paris leitete (1985-1987). Boucourechliev ist Autor von Büchern über Schumann, Beethoven, Strawinsky, Chopin und Debussy, die in mehrere Sprachen übersetzt wurden, sowie eines Werkes, das eine Zusammenfassung seiner Forschungen zur musikalischen Sprache darstellt, DT DT DT Le Langage Musical (Fayard, 1993). In seinen 1967 in London geboren, studierte Kompo- wurde 1957 in London geboren. Er erhielt geboren am 28. Juli 1925 in Sofia, Bulgarien, zahlreichen Aufsätzen war er ein Chronist sition bei Nigel Osborne in Edinburgh Kompositionsaufträge von der BBC, dem lebte von 1949 bis zu seinem Tod am des musikalischen Schaffens seiner Zeit, sowie bei Wolfgang Rihm in Karlsruhe. Im französischen Ministerium für Kultur, vom 13. November 1997 in Paris. Nach dem und er gestaltete auch viele Radio- und Fern- Fokus ihres Werks liegen die plastischen SWR und WDR, vom Beethovenfest Bonn, Studium der Musiktheorie und des Klaviers sehsendungen. und räumlichen Eigenschaften von der Stadt Darmstadt, Gaudeamus Stiftung, an der Musikakademie von Sofia, dann an Er wurde 1984 mit dem Grand Prix National organisierten Klängen sowie kollaboratives Musik i Skåne, University of Cambridge, der École Normale de Musique in Paris de Musique ausgezeichnet. Außerdem Arbeiten im Dialog mit verschiedenen The Wigmore Hall, Wien Modern, außerdem (Konzertdiplom) und bei Walter Gieseking war er ‚Chevalier‘ der Ehrenlegion und ‚Com- Musikern und Künstlern. Für ihre Komposi- von Festivals in Amsterdam, Basel, Berlin, widmete er sich neben der Komposition mandeur‘ des Ordre des Arts et Lettres tionen hat sie zahlreiche Preise erhalten, Bludenz, Dresden, Huddersfield, Leuven, auch dem Unterricht und einem sehr darunter den Ernst von Siemens Musik- Luxemburg, Riga, St. Petersburg und Witten. individuellen Studium der musikalischen EN preis 2019. Sie hat eine Professur an der Uraufführungen fanden statt bei der Sprache. born on 28 July 1925 in Sofia, Bulgaria, lived Hochschule für Musik, Theater und Medien Biennale Venedig, bei den Donaueschinger Nach der Aufführung mehrerer elektro in Paris from 1949 until his death on Hannover inne und ist Mitglied der Aka- Musiktagen, am Lincoln Center (New York), akustischer und instrumentaler Werke bei 13 November 1997. After studying music demien der Künste in Berlin und Dresden. Southbank and Barbican centres (London). der Pariser Konzertreihe Domaine Musical, theory and the piano at the Music Academy erlangte Boucourechliev mit der Serie von of Sofia, then at the École Normale de EN EN fünf Archipel betitelten, „offenen“ Werken Musique in Paris (concert degree) and with born in London in 1967, she studied compos- was born in London in 1957. He has received für verschiedene Instrumente (1967–1970), Walter Gieseking, he devoted himself to ition with Nigel Osborne in Edinburgh and commissions from the BBC, French Ministry Ruhm als Komponist. Nach Ombres für composition as well as to teaching and to a Wolfgang Rihm in Karlsruhe. She pursues an of Culture, SWR, WDR, Beethovenfest Streichorchester, Faces und dem Piano highly individual study of musical language. intense interest in the sculptural and spatial Bonn, the City of Darmstadt, Gaudeamus Concerto (1970–1975) komponierte er eine After several electro-acoustic and instru- properties of organised sound, as well as Foundation, Musik i Skåne, the University Oper, Le nom d‘Œdipe (1978), gefolgt von mental works had been played at the collaborative work in dialogue with various of Cambridge, The Wigmore Hall, Wien Lit de Neige (1984) und Le Miroir für Stimme Domaine Musical in Paris, Boucourechliev musicians and artists. Her compositions Modern, and festivals in Amsterdam, Basel, und Orchester (1987). achieved fame as a composer with have been recognised with numerous Berlin, Bludenz, Dresden, Huddersfield, Er komponierte auch viele Werke für Klavier, the series of five Archipel, ‘open’ works for international prestigious awards, including Leuven, Luxembourg, Riga, St. Petersburg darunter Six Études d‘après Piranèse (1975), various instruments (1967-1970). After the 2019 Ernst von Siemens Music Prize. and Witten. Premieres have taken place und Kammermusik, darunter drei Streich- Ombres for string orchestra, Faces, and the She is professor at the Hannover University at the Venice Biennale, in Donaueschingen, quartette. Im Bereich der elektroakustischen Piano Concerto (1970-1975), he composed of Music, Theatre and Media and is a at the Lincoln Center (New York), and Musik arbeitete Boucourechliev im Studio an opera, Le nom d’Œdipe (1978) followed member of the Berlin Academy of Arts and at the Southbank and Barbican centres di Fonologia der RAI-Mailand und am GRM by Lit de Neige (1984) and Le Miroir for the Sachsen Academy of Arts in Dresden. (London). in Paris, wo er Thrènenach einem unvoll voice and orchestra (1987). endeten Gedicht von Mallarmé (1974) komponierte.

Biografien/Biographies 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 158 Konzert 9 159 Donauhallen, Mozart Saal, 18.10.2020, 11 Uhr (9a) + 15 Uhr (9b)

He also composed many works for the Rolf Riehm founder of the Frankfurter Vereinigung für piano, including Six Études d’après Piranèse Musik (Frankfurt Music Association), which (1975) and also chamber music, including existed from 1964 to 1970. After a short three string quartets. In the electro-acoustic period of teaching, he was a lecturer at the domain, Boucourechliev worked at the Rheinische Musikschule in Cologne from Studio di Fonologia of the RAI-Milan and at 1968, where he was also a member of the GRM in Paris where he composed “Gruppe 8”, an association of Cologne Thrèneto an unfinished poem by Mallarmé composers, until 1972. In 1968 he received (1974). the Premio Marzotto per la Musica award As a teacher, Boucourechliev was Messiaen’s and a scholarship from the Villa Massimo deputy at the Paris Conservatory before in Rome. From 1974 to 2000 he was becoming lecturer on contemporary professor for composition at the Musik- musicology at the University of Aix en hochschule Frankfurt. From 1976 to 1981 Provence (1978–1985) and directing DT he was a member of the “Sogenanntes seminars at the École Normale Supérieure wurde 1937 in Saarbrücken geboren. Er Linksradikales Blasorchester” (So-called de Paris (1985–1987). studierte Schulmusik in Frankfurt am Main Left Radical Wind Orchestra) Frankfurt. Boucourechliev is the author of books on und Komposition bei Wolfgang Fortner in Concert tours, lectures and workshops took Schumann, Beethoven, Stravinsky, Chopin Freiburg. Danach Tätigkeit als Solo-Oboist. him to Sweden, Central and South America and Debussy that have been translated Er ist Mitbegründer der Frankfurter and Japan, among other places. In 1992 into several languages, and also of a work Vereinigung für Musik, die von 1964 bis he received the Kunstpreis Saarland, in 2002 that is a synthesis of his researches into 1970 existierte. Nach kurzem Schuldienst the Paul-Hindemith-Preis of the city of musical language, Le Langage Musical war er ab 1968 Dozent an der Rheinischen Hanau, since 2010 he is a member of the (Fayard, 1993). In his many articles he was Musikschule Köln, wo er bis 1972 auch Berlin Academy of Arts. a chronicler of the musical creativity of Mitglied der „Gruppe 8”, einem Zusammen- his time and he also gave many radio and schluss Kölner Komponisten, war. 1968 television broadcasts. erhielt er die Auszeichnung Premio He was awarded the Grand Prix National Marzotto per la Musica und ein Stipendium de Musique in 1984. He was ‘Chevalier’ der Villa Massimo in Rom. Von 1974 bis of the Légion d’Honneur and ‘Commandeur’ 2000 war Rolf Riehm Professor für Kompo- of the Ordre des Arts et Lettres. sition und Tonsatz an der Musikhochschule Frankfurt am Main. Von 1976 bis 1981 war er Mitglied des „Sogenannten Linksradikalen Blasorchesters” Frankfurt. Konzertreisen, Vorträge und Workshops führten ihn u.a. nach Schweden, Mittel- bzw. Südamerika und Japan. 1992 erhielt er den Kunstpreis des Saarlandes, 2002 den Paul-Hindemith- Preis der Stadt Hanau, seit 2010 ist er Mitglied der Berliner Akademie der Künste.

EN was born in Saarbrücken in 1937. He studied School Music in Frankfurt and composition with Wolfgang Fortner in Freiburg. After- wards he worked as a solo oboist. He is co-

Biografien/Biographies 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 160 Konzert 5 161 Baar-Sporthalle, 18.10.2020, 11 Uhr (10a) + 15 Uhr (10b) 10 Baar-Sporthalle Carola Bauckholt Sonntag, 18.10.2020, 11 Uhr (10a) und 15 Uhr (10b) Implicit Knowledge für Ensemble und Samples (2019/2020) Uraufführung, 16 Min., Kompositionsauftrag des SWR Dafne Vicente-Sandoval, Fagott Diedrich Diederichsen, Musikwissenschaftler Theresa Beyer, Musikwissenschaftlerin Gerald Barry Ensemble Musikfabrik No people. Mariano Chiacchiarini, Dirigent Fassung für Ensemble (2013/2020) Uraufführung, 18 Min., Kompositionsauftrag des SWR

Ensemble Musikfabrik: Susanne Peters, Flöte Karen Lorenz, Viola Peter Ablinger Peter Veale, Oboe Dirk Wietheger, Violoncello Concerto Carl Rosman, Klarinette Florentin Ginot, Kontrabass für Fagott, zwei Musikwissenschaftler*innen und Ensemble James Aylward, Fagott Paul Jeukendrup, Sound Design (2016/2020) Christine Chapman, Horn Uraufführung der revidierten Fassung, 34 Min., Kompositions Deepa Goonetilleke, Horn auftrag des SWR Marco Blaauw, Trompete Stephen Menotti, Posaune Melvyn Poore, Tuba Ulrich Löffler, Klavier Benjamin Kobler, Klavier Dirk Rothbrust, Schlagzeug Hannah Weirich, Violine Sara Cubarsi, Violine Xenia Gogu, Violine Juditha Haeberlin, Violine

SWR2 live (Konzert 10a)

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 162 Konzert 10 163 Baar-Sporthalle, 18.10.2020, 11 Uhr (10a) + 15 Uhr (10b)

Carola Bauckholt Implicit Knowledge

Schon lange, bevor er durch ASMR (Autonomous Sensory Meridian Response) populär wurde, interessierte mich der mikroskopische Blick auf Klänge. Jeder kennt die optische Erfahrung, wie verblüffend es ist, zum Beispiel ein Haar unter dem Mikroskop zu betrachten. Der mikroskopische Blick fasziniert und schafft eine große Distanz zu dem Gewohnten.

Das Zentrum meiner Arbeit ist das genaue Hinhören. Zum Beispiel kennen wir den Klang einer Sirene nur von Weitem. Nähert man sich allerdings mit dem Ohr und hört sich die leisen tiefen Frequenzen an, ist man erstaunt über die Wärme, die dieser Klang ausstrahlt. Auch aus dieser Hörperspektive ist der instabile Klang, der keine Tonhöhe zu halten vermag, unverkennbar der einer Sirene. Um diese Art von Klängen in einen musikalischen Kontext einweben zu können, habe ich Aufnahmen gemacht, die als Samples wieder gegeben werden. Es reizte mich, für diese neu gehörten und als ausdrucksstark empfundenen Klänge einen musikalischen Zusammen hang zu gestalten. Ein anderes Beispiel ist der Klang eines Wassermelone fressenden Kaninchens. Schnell ist der Puls des Beißens dieses kleinen Kiefers und von unermüdlicher Vitalität. In der Inszenierung dieses spezi fischen Klanges geht es nicht um Imitation, sondern um das Heraus arbeiten dieser Charakteristik. Auch Aufnahmen der menschlichen Stimme (Truike van der Poel) sind eingewoben. In der Mischung mit dem Instrumentalklang werden ausdrucksstarke Klangfarben und Bedeutungen erreicht, die über den konkreten Klang hinausweisen. Die Klänge werden durch die Mischung noch spezifischer und erlangen eine verbindliche Persönlichkeit, die uns direkt anspricht. Die Samples verändern den Fokus der Instrumentalklänge und lassen uns genauer hinhören.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 164 Konzert 10 165 Baar-Sporthalle, 18.10.2020, 11 Uhr (10a) + 15 Uhr (10b)

Der Begriff des ‚Implicit Knowledge’ geht auf den Naturwissenschaftler Gerald Barry und Philosophen Michael Polanyi zurück. „Wir wissen mehr, als wir No people. zu sagen vermögen“, schreibt er. Implizites Wissen wird als eine Art lebenspraktische Fertigkeit begriffen, die erfolgreiches Handeln Den Titel No people. habe ich vom Surrealisten Raymond Roussel ermöglicht. Der bzw. die Handelnde versteht sie in wesentlichen Teilen übernommen. Ein passender Titel in Zeiten der Pandemie. Im Jahr selber nicht. 1932 hat er ein langes Gedicht, New Impressions of Africa, veröffent- licht. Zur Illustration des Textes beauftragte er einen Künstler mit Es ist die große Stärke der Kunst, Gegenwärtiges aufzuspüren, noch 59 Zeichnungen. Dieser Auftrag wurde dem Künstler durch ein bevor es ins rationale Bewusstsein gelangt. Dieses geschulte Detektivbüro übermittelt – er kannte also weder den Auftraggeber, Bewusstsein wird auch nur Aspekte des instinktiven Wissens erfassen noch das Gedicht, das er illustrieren sollte. Allerdings bekam er können. Insbesondere die Musik in ihrer Unsichtbarkeit und genaue Anweisungen für jede Zeichnung. Eine solche lautete etwa Unfasslichkeit vermag es, Gehirnbewegungen und Unbewusstes dar- „Nächtliche Landschaft. Sternenklarer Himmel mit einer dünnen zustellen. Mondsichel. (Keine Menschen.)“

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 166 Konzert 10 167 Baar-Sporthalle, 18.10.2020, 11 Uhr (10a) + 15 Uhr (10b) oder „Ein Wanderer lässt mit erhobenem Arm und ausgebreiteten Fingern einen (noch sichtbaren) Kieselstein in einen Brunnen fallen und lauscht in gespannter Erwartung des Geplätschers. (Keine anderen Leute.)“ Als Roussel Zeichnungen und Text zusammenfügte, nahmen die gewöhnlichen Alltagszeichnungen eine Eigentümlichkeit an, die sie sonst vielleicht nicht gehabt hätten, wenn der Künstler mit dem Text des Gedichts vor Augen gezeichnet hätte. Es ist die Gegenüber- stellung der beiden Unbekannten – Gedicht/Zeichnungen –, die dem endgültigen Werk seine seltsame Qualität verleiht.

Peter Ablinger Concerto

Das Solofagott befindet sich idealerweise nicht auf der Bühne, sondern sollte aus dem Publikum heraus agieren. Die beiden Musikwissenschaftler*innen und das Ensemble sind auf der Bühne platziert.

Die beiden „Musikwissenschaftler*innen“ sollen mit professionellen Musikwissenschaftler*innen oder zumindest mit Studierenden der Musikwissenschaft besetzt werden. Die beiden führen über die gesamte Dauer des Stücks eine Diskussion. Die vorgegebenen Themen sind meist selbstreferentiell und beziehen sich auf die Konzertsituation, deren Teil sie sind. ‚Concertare‘ bedeutet auch ‚Disput‘/‚Streit‘/ ‚Wettbewerb‘. Der ursprüngliche Ablaufplan des Stücks gibt sieben Themen vor. Um jedes von ihnen sollte sich die Diskussion etwa einige Minuten drehen. (Das bedeutet aber nicht, das einzelne Themen nicht auch schon früher mit einbezogen oder später nochmals aufgegriffen werden könnten, oder dass eine Angelegenheit nicht in einem anderen Kontext nochmal vorkommen dürfte.)

Die Zeitangaben in diesem Schema beziehen sich auf die originale Länge des Werkes von 42 Minuten.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 168 Konzert 10 169 Baar-Sporthalle, 18.10.2020, 11 Uhr (10a) + 15 Uhr (10b)

Die Themen im Einzelnen: Aber die Idee der „Publikums-Porträts“ ist selbstverständlich offen für differenziertere Interpretationen: Finde für jede Person eine spezi- – „Das Konzert an sich“ fische Klangfarbe oder -atmosphäre o.ä. – „Das aktuelle Konzert“ Während „Vivaldi“ und „Vortrag“ sich auf erklingende Inhalte des – „Der Solopart“ „Concerto“ beziehen, ist das Publikum (in der Regel) ein wenig – „Das Ensemble“ „klangvoller“, aber doch konstituierender Bestandteil eines Konzerts. – „Antonio Vivaldi“ (Vivaldis Fagottkonzert B-Dur „La Notte“ RV 501 Ein „stiller“ Part, der von der Solistin hier zum Klingen gebracht wird. bildet eine Schicht des Ensemble-Parts, allerdings ohne Solist, als eine Art „Vivaldi-Karaoke“. Der anderen Schicht liegt ein Ausschnitt „Vortrag“ kann sich auf zweierlei beziehen: zum einen auf die zwei eines Vortrags von Adorno zugrunde. Beide Schichten wurden unter diskutierenden Musikwissenschaftler*innen, die an manchen Stellen Verwendung einer von Thomas Musil entwickelten Software zu ja auch über die Solistin sprechen, zum anderen aber auch auf eine einer Spur vereinigt, aus der die Ensemblepartitur generiert wurde.) der beiden Schichten des Ensemble-Parts, nämlich den Adorno-Vor- – „Theodor W. Adorno“ (Verwendet wird sein Vortrag Das Altern der trag und seine Umsetzung in Musik durch das Ensemble. Neuen Musik aus dem Jahr 1955, in dem er die serielle Musik der Nachkriegszeit von einem ziemlich konservativen Standpunkt aus „Vivaldi“ bezieht sich auf das erwähnte Fagottkonzert. Die Solistin kritisiert. Er beklagt das Verschwinden von „Musiksprachlichkeit“, kann sich – irgendwie – zum Material der Vivaldi-Partitur verhalten. für ihn das einzige Konzept zur Stiftung musikalischen Sinns, wie es Ob das erkennbare Zitate miteinschließt, die sich teilweise mehr von Beethoven bis Schönberg gültig war. Hier muss ich anmerken: oder weniger sogar in das „Vivaldi-Karaoke“ einklinken könnten, soll Einer der Gründe, diesen Vortrag mit Vivaldi zu kombinieren, war, hier offenbleiben. dass Vivaldi (meiner Meinung nach) das Konzept der „Musiksprach- lichkeit“ noch nicht vollständig umgesetzt hat, und die Musik der Nachkriegszeit es wieder aufgibt. So markieren beide, Vivaldi und Adorno, eine Position kurz bevor respektive kurz nach der „Musik- sprachlichkeit“). – „Sprechen über Musik“

Hauptgegenstand der Improvisation des Solo-Fagotts sollen sogenannte „Publikums-Porträts“ sein. Außerdem sollen auch die Themen „Vortrag“ und „Vivaldi“ Teil des Solos sein. „Publikums-Porträts“ bedeutet im Idealfall, dass..., dass die Solistin mit ihrem Instrument auf eine(n) bestimmte(n) Zuhörer*in zugeht und ein Porträt der ausgewählten Person „nachzeichnet“. Während der 18 Minuten ihres Auftretens sollte die Solistin eine größere Anzahl an verschiedenen Personen „porträtiert“ haben.

Eine sehr einfache Anweisung für ein solches „Publikums-Porträt“ wäre: Interpretiere den Umriss der ausgewählten Person, etwa durch unregelmäßige Linien oder Glissandi auf- und abwärts.

Werkeinführungen 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 170 Konzert 10 171 Baar-Sporthalle, 18.10.2020, 11 Uhr (10a) + 15 Uhr (10b)

To be able to weave this kind of sound into a musical context, I have made recordings that are played back as samples. It appealed to me to create a musical context for these newly heard sounds, which are perceived as expressive. Another example is the sound of a watermelon-eating rabbit. The biting pulse of its small jaw is fast, and of untiring vitality. The staging of this specific sound is not about imitation, but about working out this particular characteristic. Recordings of the human voice (Truike van der Poel) are also woven in. When mixed with the instrumental sound, expressive timbres and meanings are achieved that go beyond the concrete sound. The sounds become even more specific via this mixture, and acquire a binding personality that speaks directly to us. The samples change the focus of the instrumental sounds and allow us listen more closely.

The term ‘implicit knowledge’ goes back to the natural scientist and philosopher Michael Polanyi. „We know more than we can say,“ he writes. Implicit knowledge is understood as a kind of practical life skill that enables successful action. The acting person does not even understand essential parts of that skill.

It is the great strength of art to detect the present even before it Carola Bauckholt reaches the rational consciousness. This trained consciousness will Implicit Knowledge be able to grasp only aspects of instinctive knowledge. Music in particular – in its invisibility and incomprehensibility – is able to Long before ASMR (Autonomous Sensory Meridian Response) made represent brain movements and the unconscious. it popular, I was interested in the microscopic view of sounds. Everyone knows the optical experience of how amazing it is to look at a hair under a microscope, for example. The microscopic view fascinates and creates distance from the familiar.

The centre of my work is listening carefully. For example, we know the sound of a siren only from afar. But if you approach with your ear and listen to the quiet low frequencies, you will be amazed at the warmth that this sound radiates. Even in this situation, the unstable sound, which cannot hold a pitch, is unmistakably that of a siren.

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 172 Konzert 10 173 Baar-Sporthalle, 18.10.2020, 11 Uhr (10a) + 15 Uhr (10b)

Gerald Barry No people.

The title No people. comes from the surrealist Raymond Roussel. A good plague title. In 1932 he published a long poem called New Impressions of Africa. For this he commissioned 59 drawings to illustrate the text. The commission was given to the artist through a detective agency so the artist never knew who the commissioner was or saw the text he was supposed to illustrate. All he got was instruc- tions for each drawing and he had to make the drawings accordingly. A typical instruction might be “Nocturnal landscape. Very starry sky with a thin crescent of moon. (No people.)“

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 174 Konzert 10 175 Baar-Sporthalle, 18.10.2020, 11 Uhr (10a) + 15 Uhr (10b) or Vivaldi-Karaoke. The other layer is a section of a speech by Adorno. “A rambler, arm raised and fingers outspread, dropping a pebble Both materials were initially merged into one track – using software (still visible) down a well and seemingly straining to hear the sound written by Thomas Musil – which was then used as basic material of its splash. (No other people.)“ to generate the ensemble-score.) – „Theodor W. Adorno“ (The speech in use is Das Altern der Neuen When Roussel put the drawings and text together, the ordinary every Musik („The Aging of New Music“) from 1955, in which he attacks post- day drawings took on a strangeness they might otherwise not have war serial music from a quite conservative standpoint, complaining had if the artist had drawn with the poem’s text in front of him. about the loss of „Musiksprachlichkeit“, or the concept of ‚music as It’s the juxtaposition of both unknowns – poem/drawings – that gives language‘, which for him is the only sense-guaranteeing concept, the final work its strange quality. as was true from Beethoven to Schoenberg. I need to add here: one of the reasons for combining this speech with Vivaldi was that Vivaldi (for me) has not yet fully arrived at the concept of ‚music as language‘, Peter Ablinger while post-war music is about leaving it; therefore both Vivaldi Concerto and Adorno mark a position shortly before and shortly after ‚music as language‘.) Ideally the solo-bassoon should not be on stage but acting within or – „speaking about music“ around the audience area. The two musicologists and the ensemble are positioned on stage. The main subject of the improvisation of the solo bassoon will be a series of „Audience Portraits“. Secondly, the topics „Speech“ and The two musicologists should be true professional musicologists or „Vivaldi“ should also be part of the solo. at least student musicologists. They will have a discussion and will „Audience Portraits“ ideally means that the soloist walks with her talk throughout the piece. The topics are mostly self-referential and instrument towards an individual member of the audience and per- have to do with the situation of which they are a part. „Concertare“ forms a short portrait of the selected person. During the 18 minutes also means „dispute“/“quarrel“/“contest“. The original scheme lists of appearance the soloist should have portrayed a long series of seven main topics, each of them dominating the discussion for about different people. somee minutes. (But this does not mean that later topics cannot appear within earlier situations, or that the same issues might not come up again within different contexts.)

The topics in detail:

– „the concert as such“ – „the actual concert“ – „the solo part“ – „the ensemble“ – „Antonio Vivaldi“ (One layer of the ensemble part is Vivaldi’s Bassoon-Concerto in Bb-Mayor, „La Notte“, RV 501; or, to be more precise: it is the concerto without the soloist, therefore a sort of

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 176 Konzert 10 177 Baar-Sporthalle, 18.10.2020, 11 Uhr (10a) + 15 Uhr (10b)

A very simple interpretation of such audience portraits could include Carola Bauckholt Gerald Barry interpreting the silhouette of the chosen person using a (somewhat irregular) line or gliss upwards and downwards for each person. However, the idea of „Audience Portraits“ is certainly open for more sophisticated interpretations, like finding a specific sonoric colour or atmosphere for each person, etc.

While „Speech“ and „Vivaldi“ are referring to the sonic content of the „Concerto“, the audience is (usually) a less sonic, but still constituting contribution within a concert setting. Therefore the soloist is creating some sort of sonification of this („silent“) part. „Speech“ can refer to both the two speaking musicologists (and at DT DT wurde 1959 in Krefeld geboren. Nach mehr- wurde 1952 in Irland geboren und studierte some points the two might even speak about the soloist herself) jähriger Mitarbeit im Krefelder Theater bei Karlheinz Stockhausen und Mauricio as well as to one of the two layers of the ensemble part, which are the am Marienplatz studierte sie von 1978 bis Kagel. Orchester wie das City of Birmingham Adorno speech and its translation into ensemble music. 1984 an der Musikhochschule Köln bei Symphony Orchestra, das London Symphony Mauricio Kagel. 1985 gründete sie mit Orchestra, New York Philharmonic, „Vivaldi“ is referring to the above-mentioned bassoon concerto. Caspar Johannes Walter den Thürmchen das Philharmonia Orchestra, das Sympho- Verlag, 1991 das Thürmchen Ensemble. nieorchester des Bayerischen Rundfunks, The soloist could (somehow) react to or work with the material of the 2013 wurde sie zum Mitglied der Akademie Los Angeles Philharmonic und das Vivaldi score. Whether or not this would mean recognisable quota der Künste in Berlin und 2020 zum Mitglied hr-Sinfonieorchester haben seine Werke tions of the Vivaldi concerto is not decided here. Together with the der Nordrhein-Westfälische Akademie aufgeführt. Zu den jüngsten Auftragswerken knowledge of the source material and its „Vivaldi Karaoke“, it would der Wissenschaften und der Künste gehört das Piano Concerto, geschrieben theoretically even be possible to fit (more or less precisely) excerpts or gewählt. Seit 2015 lehrt sie als Professorin für Nicolas Hodges und bei der Münchner für Komposition mit Schwerpunkt szeni- Musica Viva uraufgeführt. Bekannt sind hints of the Vivaldi-solo part (or any transformation of it) into the scher Komposition an der Anton Bruckner seine fünf Opern: The Intelligence Park, right spot. Privatuniversität in Linz, Österreich. The Triumph of Beauty and Deceit, The Bitter Tears of Petra von Kant, La Plus Forte EN und The Importance of Being Earnest. 2020 was born in Krefeld in 1959. After working erfolgte die szenische Uraufführung for several years at the Theater am Marien- von Alice’s Adventures Under Ground am platz in Krefeld, she studied at the Cologne Royal Opera House, Covent Garden. Seine Music Academy with Mauricio Kagel neue Oper Salome wird 2021 von Barbara from 1978 to 1984. In 1985 she founded the Hannigan in Los Angeles, Amsterdam, Thürmchen Verlag with Caspar Johannes London und Paris gesungen und dirigiert. Walter, and in 1991 the Thürmchen Ensemble. In 2013 she was elected member EN of the Akademie der Künste in Berlin and was born in Ireland in 1952, and studied in 2020 member of the The North Rhine- with Karlheinz Stockhausen and Mauricio Westphalian Academy of Sciences, Human- Kagel. His works have been commissioned ities and the Arts. Since 2015 she has been and performed by orchestras including teaching as professor of composition with a City of Birmingham Symphony Orchestra, focus on scenic composition at the Anton London Symphony Orchestra, New York Bruckner Privatuniversität in Linz, Austria. Philharmonic, Philharmonia Orchestra,

Introduction to the works 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 178 Konzert 10

Symphonieorchester des Bayerischen of Music, in Yale und Harvard/Cambridge. Rundfunks, Los Angeles Philharmonic and 2012–2017 war er Research Professor an Frankfurt Radio Symphony Orchestra. der Universität Huddersfield. Neben seiner Recent commissions include the Piano kompositorischen Tätigkeit initiierte und Concerto, written for Nicolas Hodges and leitete er etliche Festivals, u.a. die Klang- premiered in Munich’s Musica Viva series. werkstatt 1990–1992, 1997 Insel Musik, Well-known are his five operas The Intelli 1998 Zehn Jahre Zwischentöne, 1999 Musik gence Park, The Triumph of Beauty and Deceit, für Orte 1–3. 2012 wurde er zum Mitglied The Bitter Tears of Petra von Kant, La Plus der Akademie der Künste Berlin ernannt. Forte and The Importance of Being Earnest. Im selben Jahr wurde das Peter-Ablinger- In 2020, Alice’s Adventures Under Ground Archiv der Akademie der Künste Berlin received its stage premiere at the Royal Opera eröffnet. House, Covent Garden. His new opera Salome will be sung and conducted by EN Barbara Hannigan in 2021 in Los Angeles, born in Schwanenstadt, Austria, in 1959, Amsterdam, London and Paris. has lived in Berlin since 1982. After studying graphics he studied jazz piano as well as composition with Gösta Neuwirth and Peter Ablinger Roman Haubenstock-Ramati. In 1988 he founded the Ensemble Zwischentöne, which he led until 2007. Since 1992 he has been a frequent guest professor and lecturer at various universities and institutes. In recent years he has been repeatedly invited by US universities such as Columbia University, BARD College, Manhattan School of Music, Yale and Harvard. From 2012–2017 he was Research Professor at the University of Huddersfield. In addition to his compositional activities, he initiated and directed several festivals, including DT the Klangwerkstatt 1990–1992, 1997 Insel geboren 1959 in Schwanenstadt, Österreich, Musik, 1998 Zehn Jahre Zwischentöne, lebt seit 1982 in Berlin. Nach einem 1999 Musik für Orte 1–3. In 2012 he was Graphikstudium studierte er Jazz-Klavier, appointed a member of the Berlin Academy sowie Komposition bei Gösta Neuwirth und of Arts. In the same year the Peter Ablinger Roman Haubenstock-Ramati. 1988 Archive of the Berlin Academy of Arts gründete er das Ensemble Zwischentöne, was opened. das er bis 2007 leitete. Seit 1992 war er immer wieder als Gastprofessor und Dozent an verschiedenen Universitäten und Instituten tätig. In den letzten Jahren gab es wiederholt Einladungen von US-amerikanischen Universitäten wie der Columbia University New York City, dem BARD College, der Manhattan School

Biografien/Biographies Klangkunst 182 KonzertKlangkunst 5 183 Alte Hofbibliothek

Alte Hofbibliothek Mike Cooper Freitag, 16.10.2020, 17–20 Uhr Playing With Water Samstag, 17.10.2020, 10–20 Uhr Audio-Video-Installation (2020) Sonntag, 18.10.2020, 10–17 Uhr Uraufführung, Auftragswerk des SWR

Sendung in SWR2 JetztMusik, 4.11.2020, 23.03 Uhr

Introduction to the works Klangkunst 184 Klangkunst 185 Alte Hofbibliothek

Mike Cooper Mehrere meiner Alben seit Kiribati – Globe Notes, Rayon Hula, Reluctant Playing With Water Swimmer/Virtual Surfer, Fratello Mare, Raft, Oceanic Feeling-Like (mit Chris Abrahams) und jetzt Playing With Water – befassen sich Playing With Water: Passion And Solitude On A Philippine Island ist ein konzeptionell alle mit genau diesem Thema. Roman von James Hamilton-Paterson. Auf ihn aufmerksam gemacht wurde ich von dem australischen Dichter Peter Bakowski, der mir Ein weiterer konzeptioneller Leitfaden, der alle diese Arbeiten durch- ein Exemplar seines Buches Seven Tenths - The Sea And Its Thresholds zieht, ist meine Sorge um das Zusammenleben der menschlichen schenkte. Dieses Buch hat mein Album Globe Notes und meine und nicht-menschlichen Welt, die ich durch die Verwendung unbear- darauffolgenden Arbeiten immens beeinflusst. Playing With Water beiteter Feldaufnahmen des Gesangs und der Signale von Vögeln und behandelt genau das, was der Titel beschreibt – deshalb habe ich Insekten zum Ausdruck bringe. Der Klimawandel sowie die Zerstö- es auch als Titel dieser Installation und des gleichnamigen Albums rung des natürlichen Lebensraums vieler Arten durch den Menschen gewählt. bringen die Balance in unserem Verhältnis zur Natur aus dem Gleich- gewicht. Indigene und kleine, oft nomadisch an den Küsten lebende Die erste Veröffentlichung auf meinem Label Hipshot im Jahr 1999 Gemeinschaften sind sich der Bedeutung dieses Gleichgewichts sehr trug den Titel Kiribati und war den Bewohnern dieses pazifischen wohl bewusst, und das Eindringen der industriellen Welt in ihre Inselstaates gewidmet. Ich teilte – damals wie heute – ihre Besorgnis Lebensweise hat katastrophale Auswirkungen – Auswirkungen, die, über den unleugbaren Anstieg des Meeresspiegels aufgrund der wenn sie nicht bereits eingetreten sind, auch in unserem Leben zu globalen Erwärmung, wodurch ihre tief gelegenen Inselhäuser drohen, spüren sein werden. zerstört oder unbewohnbar zu werden. Dieses Album war für mich der Beginn einer langen musikalischen und künstlerischen Reise. In dieser Installation finden sich Feldaufnahmen, die ich in Pulau Ubin, In den folgenden Jahren habe ich viele Orte im Nord- und Südpazifik, Ko Phayan, Ko Lanta, Sri Lanka, Bangkok, St. Lucia und Martinique in Südostasien und in der Karibik besucht, Orte, die ebenfalls Gefahr gesammelt habe: Alles Orte, die sich auf eine „Zukunft nach der Sint- laufen, überflutet zu werden, wenn der Wasserspiegel ansteigt flut“ einstellen müssen – oder bereits von ihr Zeugnis ablegen können. – sowohl an der Küste als auch im Landesinneren – aufgrund schmel- zenden Eises oder drastisch veränderter Wetterlagen, die untypische Möglicherweise können wir uns in dieser Zukunft alle an einem Insel Niederschlagsmengen mit sich bringen. dasein erfreuen, in dem alle unsere Städte schwimmende Welten von Städte wie Venedig, Bangkok, Jakarta, London, Manhattan – eigentlich „Aquarchitekturen“ und „Aquakulturen“ sein werden, die unsere ge- jede Stadt an der Küste oder in der Nähe eines großen Flusses – werden samte Nahrung liefern und die durch Wind-, Sonnen- oder mechanische schwerwiegenden Überschwemmungen und Bodensenkungen aus Energie, gewonnen aus dem Wechsel der Gezeiten und dem Spiel der gesetzt sein und könnten in sehr naher Zukunft unbewohnbar werden. Wellen, angetrieben werden. Die Ozeane bedecken 70 Prozent der Erdoberfläche, was sie zum größten Sonnenkollektor der Welt macht. Bangkok war früher als „das Venedig Südostasiens“ bekannt, und wo heute Straßen sind, waren auch dort einst Kanäle. Ich war während 1957 überschwemmte der Rio Turia, der damals noch durch Valencia der Monsunzeit in Bangkok und habe gesehen, wie Wasser durch die floss, die Stadt so stark (60 Menschen kamen ums Leben), dass er Fußböden von Geschäften und Häusern nach oben drang und durch nach Süden umgelenkt wurde. Das alte Flussbett wurde in einen Park die Türen auf die Straße strömte. Jakarta sinkt derzeit in einem so umgewandelt, der nun durch das Zentrum verläuft und die Altstadt alarmierenden Tempo, dass die indonesische Regierung tatsächlich umgibt. Innerhalb weniger Wochen nach Abschluss der Aufnahmen eine neue Hauptstadt in Kalimantan (Borneo) baut. dieser Sammlung in meinem Studio in Valencia erlebte die Stadt den

Werkeinführung Klangkunst 186 Klangkunst 187 Alte Hofbibliothek größten Sturm seit über hundert Jahren. Innerhalb eines Tages wurden Mike Cooper der normalerweise 135 Meter breite und mehrere Kilometer lange Playing With Water Strand von Malverosa, der 10 Meter lange Paseo und die Straße da- hinter, sowie alle Restaurants, die ihn säumten, vollständig überflutet. Playing With Water: Passion And Solitude On A Philippine Island is Nach einigen Wochen war alles gereinigt und die Schäden repariert, a novel written by James Hamilton-Paterson. I was introduced to his die Lokale öffneten wieder – nur um zwei Wochen später wegen der writing by the Australian poet Peter Bakowski, who gave me a copy Pandemie und dem Lockdown wieder geschlossen zu werden. of his book Seven Tenths - The Sea And Its Thresholds. That book influenced my record Globe Notes and subsequent works immensely. Während ich dies in der Isolation des Lockdowns schreibe, hat sich die Viruspandemie auf der ganzen Welt verbreitet. Die einzigen Playing With Water is about exactly what the title describes, and has Länder, die bisher keine Krankheits- oder Todesfälle gemeldet haben, provided me with the title of this installation and the album oft he sind genau die genannten pazifischen Inselnationen – nicht uner same name. fahren in Sachen Isolation, wurde ihre Bevölkerung in der Vergangen heit doch oft durch Krankheiten dezimiert, die von den „Weißen The first edition on my Hipshot cd-r label in 1999 was titled Kiribati Schatten“, die sie besuchten, eingeschleppt worden waren. Hoffentlich and was dedicated to the people of that Pacific Island nation. I shared wird die Krankheit dieses Mal weiterhin an ihnen vorbeigehen. their concern, then as now, with the fact of rising sea levels due to global warming, which threatens to destroy or make uninhabitable Mein Gitarrenspiel hier schöpft wie immer aus einer Reihe von Stilen their low-lying island homes. That album was the start of a long musical und Genres, die von der hawaiianischen Slack-Key- und Lap-Steel- and artistic journey for me. Gitarre beeinflusst sind. Danke an Steve Feld, denn meine komposito In the years that followed I have visited many places around the North rischen und improvisatorischen Ausdrucksormen sind wie immer von and South Pacific, South East Asia and the Caribbean, places that are meinem Verständnis von „lift up over sounding“ beeinflusst. also in danger of being inundated as water levels rise – both coastal and inland – due to melting ice or drastically changing weather patterns which bring untypical amounts of rainfall. Cities such as Venice, Bangkok, Jakarta, London, Manhattan – in fact, any city on the coast or near a major river – will be subject to serious flooding and subsidence, and may well become uninhabitable in the very near future.

Bangkok was previously known as ‘The Venice of South East Asia’ and its current roads were once canals. I have been in Bangkok during the monsoon season and seen water coming up through the floors of shops and houses, exiting out to the street through the door. Jakarta is currently sinking at such an alarming rate that the Indonesian government is actually building a new capital city in Kalimantan (Borneo).

Werkeinführung Klangkunst 188 Klangkunst 189 Alte Hofbibliothek

Several of my albums since Kiribati – Globe Notes, Rayon Hula, closed again two weeks after by the pandemic and subsequent lock- Reluctant Swimmer/Virtual Surfer, Fratello Mare, Raft, Oceanic Feeling- down in which I am now writing this. Like (with Chris Abrahams) and now Playing With Water, are all conceptually concerned with this same subject. As I write this in lockdown-isolation the virus pandemic has spread around the world. The only countries which have so far not reported Another conceptual thread connecting these works is my concern any cases or deaths are those same Pacific Island Nations: no strangers for the co-habitation of the human and non-human world, expressed to isolation but whose populations in the past were often decimated through my use of unprocessed avian or insect field recordings of by the diseases carried to them by the ‘white shadows’ that visited them. song, signs and signals. Climate change, as well as the destruction by Hopefully this one will continue to pass them by. humans of the natural habitat of many species, is disturbing the balanced relationship we need to have with nature. Indigenous and My guitar playing here, as always, draws on a number of styles and small, often nomadic, coastal communities are very aware of this genres influenced by Hawaiian Slack Key and Lap Steel guitar. balance, and the incursion of the industrial world into their way of Thanks to Steve Feld as my compositional/improvisational forms are, life is having disastrous effects – these disastrous effects will (if they as always, influenced by my understanding of ‘lift up over sounding’. have not already) be felt in our live as well.

There are field recordings in this installation that I collected from Pulau Ubin, Ko Phayan, Ko Lanta, Sri Lanka, Bangkok, St. Lucia and Martinique: all places that can look forward to – or are already witnessing – the ‘Postdiluvian Future’.

We could quite possibly all be looking forward to an island existence in that future, one where all of our cities, or ‘Wetropolis’, will be floating worlds of ‘Aquatecture’ and ‘Aquaculture’, will provide all of our food, and will be powered by wind, solar or mechanical energy derived from the tides and the waves. Oceans cover 70 percent of the Earth’s surface, making it the world’s largest solar collector.

In 1957, the Rio Turia which ran through the city of Valencia flooded to such an extent (killing 60 people) that it was diverted to the south. The old riverbed was turned into a park which now runs through the centre and surrounds the old part of the city. Within a few weeks after finishing recording this collection in my studio in Valencia, the city experienced the biggest storm recorded in over a hundred years. Within a day the normally 135 metre wide, several kilometres long Malverosa beach, the 10 metre paseo and road beyond it and all the restaurants lining it, were completely flooded. After some weeks spent cleaning and repairing the damage they re-opened, only to be

Introduction to the work Klangkunst 190 Klangkunst 191 Alte Hofbibliothek

Mike Cooper Coxhill und Roger Turner gründete er das He then concentrated on more experimental Improvisationstrio The Recedents. improvisational music, working with Daneben experimentierte er mit den ersten Eddie Prévost, Keith Rowe, David Toop, Turntable-Musikern, spielte Rembetiko Steve Beresford, Max Eastley, Paul Burwell, mit Viv Corringham, Country Blues mit der dancer Jo-Anna Pyne and Viv Corringham. Band National Gallery und gründete With Lol Coxhill and Roger Turner he 1987 mit Cyril Lefebvre die Uptown Hawaiian. founded the improvisation trio The Recedents. 1994 unternahm er seine erste Pazifik- He also experimented with the first turn- Tournee, bei der er u. a. mit dem Neusee- table musicians, played Rembetiko with Viv länder Richard Nunns, dem Australier Corringham, country blues with the band Chris Abrahams, dem Quartett Tu Fuego National Gallery and founded the Uptown (mit Jeff Henderson, Tom Callwood, Anthony Hawaiian with Cyril Lefebvre in 1987. Donaldson), der Filmemacherin Louise In 1994 he made his first tour of the Pacific, DT Curham und dem Aktionskünstler John working with New Zealander Richard geboren 1942, ist ein englischer Gitarrist Wolseley zusammenarbeitete. Zunehmend Nunns, Australian Chris Abrahams, quartet und Sänger. Er gründete 1962 als Sänger bezieht er seit den 1990er Jahren elektro Tu Fuego (with Jeff Henderson, Tom und Mundharmonikaspieler mit dem nische Musik und digitale Klangbearbeitung Callwood, Anthony Donaldson), filmmaker Gitarristen Paul Manning, dem Gitarristen in seine Musik ein. Louise Curham and action artist John Dicky Reeves und dem Schlagzeuger Eddie Wolseley, among others. Since the 1990s he Page die Rhythm-and-Blues-Gruppe The EN has increasingly incorporated electronic Blues Committee, die mit Gästen wie John born 1942, is an English guitarist and music and digital sound processing into his Lee Hooker, Jimmy Reed, Howlin’ Wolf singer-songwriter. In 1962, as a singer and music. und Alexis Korners Blues Incorporated auf- harmonica player, he formed the rhythm trat. Seine erste Platte Out Of The Shades and blues group The Blues Committee with nahm er 1966 mit dem Sänger und Gitar guitarist Paul Manning, guitarist Dicky risten Derek Hall auf. Er arbeitete dann mit Reeves and drummer Eddie Page, which Vertretern des Acoustic Blues wie Jo Ann performed with guests such as John Lee Kelly, Dave Kelly, Tony McPhee und Ian Hooker, Jimmy Reed, Howlin’ Wolf and Alexis A. Anderson zusammen und nahm 1969 Korners’ Blues Incorporated. He recorded das Album Oh Really auf. his first album Out Of The Shades in 1966 In den 1970er Jahren öffnete er sich der Jazz- with singer and guitarist Derek Hall. musik und arbeitete u. a. mit Dudu He then collaborated with representatives Pukwana, Harry Miller, Louis Moholo of the acoustic blues such as Jo Ann Kelly, und Mongezi Feza aus Südafrika, dem Kom- Dave Kelly, Tony McPhee and Ian A. ponisten Michael Gibbs und dem Saxo Anderson and recorded the album Oh Really phonisten Mike Osborne zusammen. in 1969. Mit Geoff Hawkins, Alan Cook, Les Calvert In the 1970s he opened up to jazz music und Tim Richardson gründete er die and worked with Dudu Pukwana, Harry Machine Gun Company. Miller, Louis Moholo and Mongezi Feza Er konzentrierte sich dann auf experimen- from South Africa, composer Michael Gibbs tellere Improvisationsmusik und arbeitete and saxophonist Mike Osborne, among mit Eddie Prévost, Keith Rowe, David others. With Geoff Hawkins, Alan Cook, Toop, Steve Beresford, Max Eastley, Paul Les Calvert and Tim Richardson he founded Burwell, der Tänzerin Jo-Anna Pyne the Machine Gun Company. und Viv Corringham zusammen. Mit Lol

Biografie/Biography Klangkunst 192 KonzertKlangkunst 5 193 Museum Art.Plus

Museum Art.Plus Jan Jelinek Freitag, 16.10.2020, 17–20 Uhr Hyperion Samstag, 17.10.2020, 10–20 Uhr 4-Kanal-Komposition und Videoinstallation (2020) Sonntag, 18.10.2020, 10–17 Uhr Uraufführung, Auftragswerk des SWR technische Assistenz: Karl Kliem

Die Donaueschinger Musiktage sind Projektpartner Sendung in SWR2 JetztMusik, 4.11.2020, 23.03 Uhr des Jubiläumsjahres Hölderlin 20/21

Introduction to the works Klangkunst 194 Klangkunst 195 Museum Art.Plus

Jan Jelinek Die Filminstallation Hyperion blickt auf Pikionis’ Pfadpflasterung, Hyperion die sich eklektisch aus Versatzstücken antiker Bauten und klassizisti- scher Wohnhäuser, modernem Beton und vor Ort gefundenem Komposition Hyperion Naturstein zusammensetzt. Die Filme werden von der Komposition Kann man Friedrich Hölderlins Hyperion rein algorithmisch interpre- gesteuert. tieren? Die Komposition Hyperion nähert sich dem gleichnamigen Roman mittels Computerlinguistik, indem sie Hölderlins Text auf Wortwiederholungen mit jeweiligen Kontextwörtern analysiert. Die einzige in sich abgeschlossene unter den mehrmals vorkommenden Wortfolgen ist „Eines zu sein mit Allem“. Die Komposition konzen- triert sich auf dieses Wortpentagramm, interpretiert es als inhaltliches Destillat des Romans und lässt es von einem Online-Sprachprogramm (Natural Readers, Stimme: Berta) einsprechen. Durch Manipulation und extreme Verzögerung der Abspielgeschwindigkeit (Time-Stretch- Algorithmen) verdichten sich die Wortwiederholungen „allem“, „eins“ und „sein“ zu monumentalen Verhallungsartefakten.

Installation Hyperion Der Architekt Dimitris Pikionis entwarf von 1954-1958 ein System aus natürlichen Pfaden für die Akropolis und den angrenzenden Philopappos-Hügel. Hölderlins Roman und Pikionis’ sensible, während des Baus entwickelte Landschaftsgestaltung eint die Sehnsucht nach einem imaginären Griechentum. Beide glauben im antiken Athen einen Naturzustand zu finden, der den Mensch als Subjekt nicht von der Natur als Objekt trennte. Als Rationalismuskritiker suchen sowohl Pikionis als auch Hölderlin nach dieser Einheitserfahrung:

„Wir sind zerfallen mit der Natur, und was einst, wie man glauben kann, Jan Jelinek Eins war, widerstreitet sich jetzt … Jenen ewigen Widerstreit Hyperion zwischen unserem Selbst und der Welt zu endigen, den Frieden alles Friedens, der höher ist, denn alle Vernunft, den wiederzubringen, Composition Hyperion uns mit der Natur zu vereinigen zu Einem unendlichen Ganzen, das Is it possible to interpret Friedrich Hölderlin’s Hyperion purely algorith- ist das Ziel all unseres Strebens.“ (F. Hölderlin) mically? The composition Hyperion approaches the novel of the same name by means of computer linguistics, analysing Hölderlin’s „…was die Natur, scheint mir, uns lehren möchte: Dass nichts text for word repetitions with respective context words. The only für sich allein existiert, sondern dass alles Teil einer übergeordneten self-contained word sequence among those that appear several times Harmonie ist.“ (D. Pikionis) is “Eines zu sein mit Allem“ (“to be one with everything“). The composition concentrates on this word pentagram, interpreting it as a

Werkeinführung / Introduction to the work Klangkunst 196 Klangkunst 197 Museum Art.Plus distillation of the novel’s content and having it spoken by an online Jan Jelinek he founded the improvisation trio Group language programme (Natural Readers, voice: Berta). By manipulating show with Hanno Leichtmann and Andrew and delaying the playback speed to an extreme (time-stretch Pekler. Since 2012 Jelinek has been writing and producing experimental radio pieces algorithms), the word repetitions of “allem“, “eins“ and “sein“ condense for SWR, which deal with fictional identities into monumental reverberation artefacts. and soundscapes.

Installation Hyperion The architect Dimitris Pikionis designed a system of natural paths for the Acropolis and the neighbouring Philopappos Hill from 1954–1958. Hölderlin’s novel and Pikionis’ sensitive landscape design – developed during the process of its construction – are united by the longing for an imaginary Greece. Both believe they found a state of nature in DT ancient Athens that did not separate man as a subject from nature as Seine Arbeiten befassen sich mit der Übersetzung von populären Musikquellen an object. As critics of rationalism, both Pikionis and Hölderlin in abstrakte Texturen. Dabei kommen keine search for this experience of unity: traditionellen Musikinstrumente zum Einsatz – vielmehr werden Collagen aus “We have disintegrated with nature, and what was once, as one can winzigen Klangpartikeln konstruiert. Seit believe, unity, is now in conflict … To end that eternal conflict 2000 veröffentlicht er sowohl unter seinem Namen als auch unter diversen Pseudony- between ourselves and the world, to bring back the peace of all peace, men (u.a. Ursula Bogner). Er arbeitete which is higher than all reason, to unite us with nature into one zusammen mit Sven-Åke Johansson, infinite whole, that is the goal of all our striving.“ (F. Hölderlin) Sarah Morris, Masayoshi Fujita und vielen anderen. 2007 gründete er mit Hanno “…what nature, it seems to me, wants to teach us: That nothing Leichtmann und Andrew Pekler das Improvisationstrio Groupshow. Seit 2012 exists on its own, but that everything is part of a superior harmony.“ schreibt und produziert Jelinek für den (D. Pikionis) SWR experimentelle Radiostücke, die sich mit fiktionalen Identitäten und Klang The film installation Hyperion looks at Pikionis’ stone path network, landschaften beschäftigen. which is eclectically comprised of pieces of ancient buildings EN and classicist dwellings, modern concrete and natural stone found His work deals with the transformation of on site. The films are directed by the composition. popular music sources into abstract textures. He does not use traditional musical instruments – instead, collages are constructed from tiny sound particles. Since 2000 he has been publishing under his own name as well as under various pseudonyms (including Ursula Bogner). He has worked together with Sven-Åke Johansson, Sarah Morris, Masayoshi Fujita and many others. In 2007

Introduction to the work Klangkunst 198 KonzertKlangkunst 5 199 Realschul-Sporthalle

Realschul-Sporthalle Sergej Maingardt /Jens Standke Freitag, 16.10.2020, 17–21 Uhr BLINDFOLDED Samstag, 17.10.2020, 10–22 Uhr Immersive audio-visuelle Skulptur für VR-Brille, Sonntag, 18.10.2020, 10–16 Uhr Kopfhörer und Lautpsrecher (2020) Uraufführung, Auftragswerk des SWR Anfangszeiten: Freitag: 17, 19 und 21 Uhr Samstag: 10, 12, 14, 16, 18, 20 und 22 Uhr Sonntag: 10, 12, 14 und 16 Uhr Einlass nur mit gültiger Eintrittskarte

Sendung in SWR2 JetztMusik, 4.11.2020, 23.03 Uhr

Introduction to the works Klangkunst 200 Klangkunst 201 Realschul-Sporthalle

Sergej Maingardt /Jens Standke Es stellt sich die Frage nach der Wirklichkeit. Was ist Wirklichkeit? BLINDFOLDED Jede Sichtweise der Welt ist eher individuell und subjektiv konstruiert. Das Gehirn kreiert einen virtuellen Akteur (das Ich), der in der BLINDFOLDED ist ein reflexives Stück über Medienrezeption und Alltagswirklichkeit agiert. Das, was wir als Wirklichkeit verstehen, Selbst-Wahrnehmung und dabei eine „sich selbst reflektierende ist ein Ausschnitt von etwas Großem. Das Stuck BLINDFOLDED Allegorie“ der Medienrezeption. Es stellt Fragen: „Wie nehmen wir fasst diesen Gedanken auf und nähert sich dieser Vorstellung mit Hilfe Inhalte in der sogenannten virtuellen Maschine wahr?“, „Wie korreliert von VR-Technik an. diese Wahrnehmung mit unserem Körpergefuhl und wo trennt sie sich ab?“. Die Antwort ist ein Zusammenspiel aus realem Gefühl und Was passiert mit dem Konstrukt „Körper“ in diesem System? Wir sind virtuellem Impuls – was immer noch eine reale Wahrnehmung ist. fleischliche Wesen, die ein Bedürfnis nach physischer Präsenz haben. Was passiert, wenn der physische Raum vom Virtuellen dominiert BLINDFOLDED ist eine audiovisuelle Expedition: Das Ziel dieser Reise wird? Ebenso wie die virtuelle Umgebung unterliegt der Avatar keinen ist kein konkreter Ort, sondern viel mehr das Entstehen eines real-physikalischen Bedingungen und kann sich deshalb genau wie bestimmten Gefühls, die Entwicklung und das Bewusstwerden eines die Umgebung bis ins Unendliche verformen, Körperteile vervielfachen, virtuellen Ichs – die Erfahrung der Avatarisierung der eigenen auflösen oder sie abspalten. Person. Die Darstellung möglicher Welten und möglicher Verkör perungen des eigenen Ichs stehen im Fokus. Der Prozess des Die Veränderung der neuronalen Aktivität ist ausschließlich quan- Wahrnehmens wird als konstruktiver Akt angesehen und als solcher titativer Art. Jede Wahrnehmung verursacht eine Entladung der Nerven behandelt. So wird das Publikum im Stück BLINDFOLDED einem zellen, die je nach Intensität des Reizes verschieden stark ausfällt. Prozess der Wissenssammlung unterworfen. Das autopoietische Das Gehirn empfängt keine qualitative Information über die Art der Prinzip wird auf das Stück übertragen. Ein System, das zirkulär die Erregung. Die Sinnesorgane übermitteln eine quantitative Verände- Komponenten produziert, aus denen es selbst besteht, das sich uber rung. Die qualitativen Eigenschaften werden daraufhin im Gehirn die Herstellung seiner Bestandteile selbst herstellt und erhält. Ein konstruiert. Die Sinnesorgane sind spezifischen Arealen des Gehirns Wesen existiert nicht einfach, sondern es entwickelt sich andauernd angeschlossen. Durch Versuche an Patienten mit geöffneter aus sich selbst heraus weiter. Schädeldecke wurde veranschaulicht, dass z.B. eine Stimulation im Sehzentrum eine optische Halluzination hervorruft. Das Stück Die Frage nach Gehirn und Geist, Bewusstsein und Unbewusstem BLINDFOLDED versucht gezielt das Gehirn mit Informationen zu beschäftigt die Menschen schon seit der Antike. Ergebnisse der Hirn- „befeuern“: auditiv und visuell. forschung der letzten Jahrzehnte stellen das verbreitete Selbstver- ständnis des Menschen als ein von bewussten Mechanismen gesteu- Place Illusion, Illusion of Embodiement und Body Transfer Illusion ertes Wesen in Frage. Gerhard Roth prägte in den 80ern Jahren sind die bekannten Themen der VR-Medien. Man findet sich audio den neurobiologischen Konstruktivismus, in dem das Gehirn und visuell an anderen Orten wieder, nimmt eine andere Perspektive ein nicht das bewusste Ich, wie es subjektiv wahrgenommen wird, und kann sich sogar in andere Körper hineinversetzt fühlen. Doch als Konstrukteur unserer Realität dargestellt wird. Unsere Weltsicht meist bricht sich die Illusion des Virtuellen an dem Punkt, da das ist demnach keine Abbildung der Realität, sondern eine Konstruktion. Körpergefuhl nicht dem entspricht, was man sieht und hört. In Extrem Die unbewussten Prozesse im Gehirn bilden dabei die Grundlage fällen spricht man von der sogenannten VR-Sickness. Genau an für unser Denken und Handeln. Ein Grundgedanke des Konstruktivis- dieser Bruchstelle setzt BLINDFOLDED an. mus ist, dass es keine vom Menschen unabhängige Wahrheit gibt.

Werkeinführung Klangkunst 202 Klangkunst 203 Realschul-Sporthalle

Die Wahrnehmung des eigenen Körpergefuhls wirft die Zuschauer*innen Sergej Maingardt /Jens Standke letztendlich auf sich selbst zuruck. Denn jede*r hat ein absolut BLINDFOLDED individuelles Körpergefuhl. Umso spannender ist die Selbstwahrneh- mung in der kollektiven VR-Erfahrung. Es gibt bereits viele Möglich- BLINDFOLDED is a reflexive piece about media reception and self- keiten kollektive VR-Erlebnisse zu erfahren, doch zielen die meist perception and thereby a “self-reflective allegory“ of media reception. filmischen oder spielerischen Inhalte nicht auf die Medienreflexion ab, It poses questions: “How do we perceive content in the so-called sondern auf Unterhaltung. virtual machine?“, “How does this perception correlate with our body perception and in what way does it uncouple?“ The answer is an interplay of real feeling and virtual impulse – which is still real perception.

BLINDFOLDED is an audiovisual expedition: the aim of this journey is not a concrete place, but rather the emergence of a certain feeling, the development and awareness of a virtual self – the experience of the avatarization of one's own person. The focus is on the representation of possible worlds and possible embodiments of one's own self. The process of perception is seen as a constructive act and treated as such. Thus, in the pieceBLINDFOLDED the audience is subjected to a process of knowledge gathering. The autopoietic principle is transferred to the piece: a system that circularly produces the components of which it is itself composed, that produces and maintains itself through the production of its components. A being does not simply exist, but is constantly evolving out of itself.

The questions of brain and mind, of consciousness and unconscious- ness, have occupied people since ancient times. The results of brain research in recent decades call into question the widespread understanding of the human as a being controlled by conscious mechanisms. Gerhard Roth coined neurobiological constructivism in the 1980s, a theory which posits that the brain – and not the conscious ego, as perceived subjectively – is the constructor of our reality. Our world- view is therefore not a representation of reality, but a construction. The unconscious processes in the brain form the basis for our thinking and acting. A basic idea of constructivism is that there is no truth independent of the human being. The question of reality arises. What is reality? Every view of the world is rather individually and subjectively constructed. The brain creates a virtual actor (the ego) that acts in everyday reality. Thus, what we understand as reality is an excerpt

Werkeinführung / Introduction to the Work Klangkunst 204 Klangkunst 205 Realschul-Sporthalle of something bigger. The pieceBLINDFOLDED takes up this idea and approaches it with the help of VR technology.

What happens to the construct ‘body’ in this system? We are carnal beings who have a need for physical presence. What happens when physical space is dominated by the virtual? Just like the virtual environment, the avatar is not subject to any real-world physical conditions and therefore, just like the environment, it can warp to infinity, can multiply, dissolve or split off body parts.

The change in neuronal activity is exclusively quantitative. Each perception causes a discharge of the nerve cells, which varies in intensity depending on the intensity of the stimulus. The brain does not receive any qualitative information about the type of excitation. The sensory organs transmit a quantitative change. The qualitative characteristics are then constructed in the brain. The sensory organs are connected to specific areas of the brain. Experiments on patients with an open skull cap have shown that, for example, stimulation in the visual centre causes an optical hallucination. The piece BLINDFOLDED attempts to “fire“ the brain with information in a targeted manner: auditory and visual.

Place illusion, embodiment illusion and body transfer illusion are the familiar themes of VR media. One finds oneself audiovisually in other places, able to take on different perspectives and even to feel transported into other bodies. But usually the illusion of the virtual breaks at the point where the body feeling does not correspond to what one sees and hears. In extreme cases one speaks of the so-called VR sickness. This is exactly whereBLINDFOLDED comes in.

The perception of one's own bodily sensations ultimately throws the viewer back on him or herself, for everyone has an absolutely individual body feeling. All the more exciting is the self-perception in the collective VR experience. There are already many possibilities to have collective VR experiences, however the mostly cinematic or play- ful contents are not aimed at media reflection but rather at enter- tainment.

Introduction to the work Klangkunst 206 Klangkunst 207 Realschul-Sporthalle

Sergej Maingardt ways in which they change human percep- kunstpreis oder bei „critical make“ tion. Issues surrounding various social and im Haus der elektronischen Künste Basel cultural phenomena permeate his music. präsentiert. In addition to his solo projects, he collabo- rates with choreographers, video and pop EN artists. As well as performances in Germany born 1982 in Georgsmarienhütte, works as and Europe, most of his pieces can be media artist and designer in Cologne. experienced internationally and in very He studied at the Academy of Media Arts different contexts: from Canada, Panama Cologne and received his diploma with and Mexico to Pakistan, Vietnam, Laos distinction in 2013. His graduating project and South Africa. Vinylaktiten/Vinylagmiten was awarded the Kölner Design Preis 2013. Since 2015 he has been working as a video artist for the DT Jens Standke independent theatre ensemble WEHR51, Jahrgang 1981, studierte an der Hochschule together with Sergej Maingardt. Thus, in 2019 für Musik und Tanz Köln elektronische the piece IS – Deutsche Räuber im Dschihad Komposition sowie an der Heinrich-Heine- (freely adapted from Schiller) was created, Universität in Düsseldorf Medien und which is nominated for the Cologne Theater Kulturanalyse. Er versteht Musik als wichtige preis 2020. His artistic works have been Zeitkunst, um die rasante globale Ver presented in galleries, museums and at änderung der Welt zu reflektieren. Seine festivals, including the Museum für Ange- Musik ist von modernen Technologien wandte Kunst Cologne, the European beeinflusst, sowie von der Art und Weise Media Art Festival, the Marler Medien wie diese die menschliche Wahrnehmung kunstpreis and “critical make“ at the Haus verändern. Die Auseinandersetzung mit der elektronischen Künste Basel. gesellschaftlichen und kulturellen Phäno- menen durchzieht seine Musik. Neben DT seinen Soloprojekten kollaboriert er mit geboren 1982 in Georgsmarienhütte, Choreographen, Video- und Popkünstlern. arbeitet als Medienkünstler und Gestalter Die meisten seiner Stücke wurden neben in Köln. Er studierte an der Kunsthoch- zahlreichen Aufführungen in Deutschland schule für Medien Köln und erhielt 2013 und Europa international in sehr unter- das Diplom mit Auszeichnung. Sein schiedlichen Kontexten gespielt: von Abschluss-Projekt Vinylaktiten/Vinylagmiten Kanada, Panama und Mexico bis Pakistan, wurde mit dem Kölner Design Preis 2013 Vietnam, Laos und Südafrika. ausgezeichnet. Seit 2015 arbeitet er als Videokünstler für das freie Theater-Ensemble EN WEHR51 zusammen mit Sergej Maingardt. born in 1981, studied electronic composition So entstand 2019 das Stück IS – Deutsche at the Cologne Hochschule für Musik und Räuber im Dschihad (frei nach Schiller), Tanz and media and cultural analysis at welches für den Kölner Theaterpreis 2020 the Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf. nominiert ist. Seine künstlerischen He understands music as an important Arbeiten wurden in Galerien, in Museen contemporary art that can reflect the rapid und auf Festivals, z.B. im Museum für global changes in the world. His music is Angewandte Kunst Köln, beim European influenced by modern technologies and the Media Art Festival, beim Marler Medien-

Biografien/Biographies Klangkunst 208 KonzertKlangkunst 5 209 Fischhaus

Fischhaus Christian Skjødt Freitag, 16.10.2020, 17–20 Uhr Beneath Samstag, 17.10.2020, 10–20 Uhr Klanginstallation (2020) Sonntag, 18.10.2020, 10–17 Uhr Uraufführung, Kompositionsauftrag des SWR, mit freundlicher Unterstützung des Dänischen Kulturinstituts

Sendung in SWR2 JetztMusik, 4.11.2020, 23.03 Uhr

Introduction to the works Klangkunst 210 Klangkunst 211 Fischhaus

Christian Skjødt Für mich ist die Interaktion von Kunst und Wissenschaft eine grund Beneath legende Möglichkeit, die Welt zu verstehen. In einer Zeit, in der technologische Innovation die Grenzen unseres begrifflichen Fassungs An der Schnittstelle von Klang, bildender Kunst und Wissenschaft vermögens exponentiell erweitert, scheinen wir als Menschen den will die Installation Beneath unsere Sinne durch das Ausloten magne- Kontakt zu unserer Umgebung zu verlieren. Mit meiner Arbeit tischer Energien im Boden auf die Probe stellen. Während wir Stille möchte ich Räume und Situationen schaffen, die neue oder andere wahrnehmen, haben wir faktisch teil an einem hektischen Austausch Möglichkeiten bieten, unsere Umgebung wahrzunehmen und mit ihr unsichtbarer Energien. Diese Installation macht für uns als Publikum in Beziehung zu treten. Der Klang ist das Prisma, durch das ich den ständigen Wechsel von autonomen elektromagnetischen Feldern unsere menschliche Wahrnehmungsfähigkeit – und ihre Grenzen – und fließenden Magnetfeldern hörbar. Untersucht werden die untersuche und herausfordere. Ich bin daran interessiert, die kognitive magnetische Energie und die geophysische Beschaffenheit an einem Beziehung des Menschen zur Welt durch Technologie zu unter- bestimmten Ort, dem „Fischhaus”, einem Gebäude aus dem 19. Jahr- suchen, ein post-phänomenologischer Ansatz. hundert im Fürstlich Fürstenbergischen Schlosspark.

Alle sich bewegenden geladenen Teilchen erzeugen Magnetfelder unterschiedlicher Stärke. Ein außerordentlich starkes Magnetfeld wird durch elektrische Ströme gebildet, die durch die Konvektion von flüssigem Eisen im äußeren Erdkern erzeugt werden. Dieses Magnet- feld, unsere planetare Magnetosphäre, erstreckt sich vom Planeten- kern aus in den Weltraum und schirmt uns vor geladenen Teilchen des Sonnenwindes und der kosmischen Strahlung ab. Magnetfelder sind eine unsichtbare Kraft und bedingen menschliche und planeta- rische Aktivitäten. Sie sind integraler Bestandteil der modernen Technologie, von der Technik über die Mechanik bis hin zur Naviga tion – ohne sie wäre unser Planet nicht bewohnbar.

Technisches Herzstück der Installation ist ein Netz von Sonden mit speziell angefertigten Magnetometern, einem Instrument zur Messung des Erdmagnetfelds. Diese autonomen Sonden sind im Erd- boden des Pavillons installiert und direkt mit einem entsprechenden Netz von Lautsprechern im Inneren des Pavillons verbunden. Jede Sonde fungiert als Live-Empfänger des jeweiligen Magnetfeldes. Kompositionsdaten des Bodens, der jede Sonde umgibt, beeinflussen und verändern jedes magnetische Live-Signal. (Ein technologischer Ansatz, wie er sich auch bei archäologischen und geophysischen Vermessungsarbeiten findet). Beneath ist eine offene und dynamische Arbeit, die durch maßgeschneiderte Systeme die unsichtbaren Verschiebungsenergien des Erdmagnetfeldes erforscht.

Werkeinführung Klangkunst 212 Klangkunst 213 Fischhaus

Christian Skjødt Beneath

At the intersection of sound, visual art, and science, the installation Beneath, aims to challenge our sensory perception through the sounding of magnetic energies underground. In our perception of stillness, we are in fact participating in a frenetic exchange of invisible energies. Through this work, we the audience can listen to the auditory ‘result’ of autonomous electro-magnetic systems that are constantly changing with fluid magnetic fields. This installation examines the particular magnetic energy and geophysical composition at the site-specific location, ’Fischhaus’, a 19th-century pavilion in Fürstlich Fürstenbergischer Schlosspark.

All moving charged particles produce magnetic fields of varying strength. An immensely powerful magnetic field is formed by electric currents that are generated from liquid iron convection within the Earth’s core. Known also as our planetary magnetosphere, this magnetic field extends out from the planet’s core into space, shielding us from charged particles of solar wind and cosmic rays. An invisible force, magnetic fields necessitate human and planetary function. They are integral to modern technology – from engineering and mechanics, to navigation – and are essential in making our planet habitable.

At the technical heart of the installation are a grid of probes contain- ing custom made magnetometers, an instrument used to measure Earth’s magnetic field. These autonomous probes are installed in the ground of the pavilion, and are directly connected to a corresponding grid of loudspeakers inside of the pavilion. Each probe acts as a live receiver of the current magnetic field. Compositional data of the soil surrounding each probe informs and alters each live magnetic signal (a technological approach that can be found in archaeological and geophysical survey operations). Beneath is an open and dynamic work, whereby these custom-built systems explore the invisible shifting energies of the Earth’s magnetic field.

Introduction to the work Klangkunst 214 Klangkunst 215 Fischhaus

I see the interaction of art and science as an essential way of under- Christian Skjødt festivals, internationally. He has been standing the world. In a time where technological innovation awarded from the Prix Ars Electronica and exponentially expands the boundaries of our conceptual understand- Japan Media Arts Festival, and holds a degree from The Royal Academy of Music ing, we as humans seem to be out of touch with our surroundings. in Denmark. With my work, I want to create spaces and situations that can provide new or different ways of sensing and relating to our surroundings. Sound is the prism through which I examine and challenge our human perception – and our limitations. I am interested in examining the human cognitive relationship to the world through technology, a post-phenomenological approach.

DT geboren 1980, ist ein dänischer Künstler und Komponist. Er lebt in Kopenhagen und arbeitet an der Schnittstelle von Klang, bildender Kunst und Wissenschaft, mit der Zielsetzung, die Sinneswahrnehmung herauszufordern und die Grenzen der menschlichen Wahrnehmung aufzuzeigen. Seine oft ortsgebundenen Arbeiten erschaffen großformatige Installationen und immersive Umgebungen. Seine Werke werden weltweit in Museen, Galerien, Konzertsälen und Festivals präsentiert. Er wurde mit dem Prix Ars Electronica und beim Japan Media Arts Festival ausge zeichnet und ist Absolvent der Königlichen Musikakademie in Dänemark.

EN born in 1980, is a Danish artist and composer based in Copenhagen. Working at the intersection of sound, visual art and science, his work aim to challenge our sensory perception and point towards the limits of human perception. His work is often site- specific, creating large scale installations and immersive environments. His compo sitional practice consists of durational and multi channel electronic or electro-acoustic sound. He has exhibited and performed at museums, galleries, concert venues, and

Introduction to the work Klangkunst Rahmen programm 218 KonzertSonderveranstaltungen 5 219 Sonder- Freitag, 16. Oktober 2020, 17 Uhr veranstal tungen Donauhallen, Mozart Foyer Verleihung der FEM-Nadel

Samstag, 17. Oktober 2020, 13 Uhr und 16 Uhr Sonntag, 18. Oktober 2020, 13 Uhr Museum Art.Plus Konzerte mit Saar Berger

Sonntag, 18. Oktober 2020, 9 Uhr Katholische Stadtkirche St. Johann Gottesdienst

Introduction to the works Sonderveranstaltungen 220 Sonderveranstaltungen 221

Freitag, 16. Oktober 2020, 17 Uhr Samstag, 17. Oktober 2020, 13 Uhr und 16 Uhr Donauhallen, Mozart Foyer Sonntag, 18. Oktober 2020, 13 Uhr Verleihung der FEM-Nadel Museum Art.Plus Konzerte mit Saar Berger Die diesjährige Trägerin der Nadel der Fachgruppe E-Musik im Deutschen Komponistenverband, kurz auch als FEM-Nadel bezeichnet, Eine Veranstaltung des Museum Art.Plus und der Musikhochschule ist die langjährige SWR-Musikredakteurin, Produzentin, Lektorin, Trossingen Kuratorin, Musikwissenschaftlerin und Autorin Lotte Thaler(*1953). Saar Berger, Hornist des Ensemble Modern und Professor an der Nach dem Studium der Musikwissenschaft, Kunstgeschichte und Staatlichen Hochschule für Musik Trossingen, ist fasziniert von der Ent Romanistik in Freiburg wurde die gebürtige Baden-Badenerin bei wicklung und Auseinandersetzung mit Neuer Musik im intensiven Carl Dahlhaus an der TU Berlin promoviert. Es folgten Tätigkeiten als Austausch mit Komponist*innen aus der ganzen Welt mit ihren unter Musikreferentin am Deutschen Rundfunkarchiv in Frankfurt a. M., schiedlichen Sprachen und Kulturen. Gemeinsam gehen sie dem als Musikkritikerin bei der FAZ, Redakteurin der „Neuen Zeitschrift facettenreichen Klang des Horns auf die Spur und entwickeln das für Musik“ im Schott-Verlag Mainz, Verlagsredakteurin bei Breitkopf Hornrepertoire weiter. & Härtel Wiesbaden und Musikredakteurin im Kulturprogramm des SWR in Baden-Baden. Seit 2017 ist sie Mitglied in der Jury des Prei- In den drei etwa 30-minütigen Konzerten im Museum Art.Plus spielt ses der deutschen Schallplattenkritik im Fach Kammermusik. Saar Berger zwölf Kompositionen für Horn solo, die fast ausschließlich für diese Konzerte entstanden sind. Als langjährige Musikredakteurin des SWR hat sie unzählige Auf nahmen produziert, Programme gestaltet, moderiert und Veranstal- tungen begleitet. Auch wenn ihr Schwerpunkt die Kammermusik Samstag, 17. Oktober 2020 ist, holte sie im Rahmen ihrer redaktionellen Verantwortung immer wieder namhafte Formationen Neuer Musik für Produktions 13.00 Uhr aufnahmen nach Baden-Baden. Sven Ingo Koch (Deutschland) Uraufführung Bernhard Gander (Österreich) Uraufführung Auch als Kuratorin der Ettlinger Schlosskonzerte, der Ansbacher Chris Gendall (Neuseeland) deutsche Erstaufführung Bach-Tage und als künstlerische Leiterin der Musiktage in Badenweiler Valentin Garvie (Argentinien) Uraufführung hat sie sich beständig für Neue Musik eingesetzt. 16.00 Uhr „Sie ist uns ein leuchtendes Vorbild und ein Beispiel für die Möglich- Cathy Milliken (Australien) Uraufführung keiten, die ein(e) couragierte(r) Kurator(in) haben kann – wenn Zeynep Gedizlioglu (Türkei) Uraufführung sie/er es wirklich will“, so die Jury (Kathrin Denner, Theo Geißler, Robert Olga Rayeva (Russland) Uraufführung HP Platz) in ihrer Begründung für die diesjährige FEM-Nadel. Elnaz Seyedi (Iran) Uraufführung

Deutsch Sonderveranstaltungen 222 Sonderveranstaltungen 223

Sonntag, 18. Oktober 2020 zum Sanctus: Chorimprovisation über Gotteslob Nr. 110 13.00 Uhr Dan Yuhas (Israel) Uraufführung zur Kommunion: Márton Illes (Ungarn) Uraufführung Jehan Alain (1911-1940) Geoffrey Gordon (USA) Uraufführung Aria für Orgel Nicholas Olsen (Schottland/Wales) Uraufführung zum Auszug: Hermann Schroeder (1904-1984) Nun lobet Gott im hohen Thron, Sonntag, 18. Oktober 2020, 9 Uhr aus: Acht Orgelchoräle im Kirchenjahr Katholische Stadtkirche St. Johann Gottesdienst

Die Stadtkirche St. Johann Donaueschingen und die Gesellschaft der Musikfreunde laden herzlich ein zum Festgottesdienst zu den Donaueschinger Musiktagen 2020.

Cappella Musicale Felicia Wieland, Leitung und Orgel zum Einzug: Robert M. Helmschrott (1938) Quodlibet Meine Seele zum Gloria: Chorimprovisation über Gotteslob Nr. 109

Zwischengesang: Ingo Schulz (1962) Korn, das in die Erde – eine Improvisation zur Gabenbereitung: Enjott Schneider (1950) Befiehl du deine Wege

Deutsch Sonderveranstaltungen 224 Sonderveranstaltungen 225

As long-standing music editor at SWR, she has produced countless Samstag, 17. Oktober 2020 recordings, designed and presented programmes and accompanied events. Even though her main focus is chamber music, she has 13.00 Uhr repeatedly brought renowned New Music ensembles to Baden-Baden Sven Ingo Koch (Germany) premiere for recordings as part of her editorial responsibilities. She has also Bernhard Gander (Austria) premiere consistently championed New Music as curator of the Ettlinger Chris Gendall (New Zealand) German premiere Schlosskonzerte, the Ansbacher Bachtage and as artistic director of Valentin Garvie (Argentina) premiere the Musitage Badenweiler. 16.00 Uhr “She is a shining example for us and an example for the possibilities Cathy Milliken (Australia) premiere that a courageous curator can have, if he/she really wants to”, Zeynep Gedizlioglu (Turkey) premiere said the jury (Kathrin Denner, Theo Geißler, Robert HP Platz) in their Olga Rayeva (Russia) premiere justification for this year's FEM-Nadel. Elnaz Seyedi (Iran) premiere

English Sonderveranstaltungen 226 Sonderveranstaltungen 227

Sonntag, 18. Oktober 2020 Sanctus: Chorimprovisation über Gotteslob Nr. 110 13.00 Uhr Dan Yuhas (Israel) premiere Communion: Márton Illes (Hungary) premiere Jehan Alain (1911-1940) Geoffrey Gordon (U.S.A.) premiere Aria für Orgel Nicholas Olsen (Scotland/Wales) premiere Exit: Hermann Schroeder (1904-1984) Nun lobet Gott im hohen Thron Sonntag, 20.10.2019, 10 Uhr aus: Acht Orgelchoräle im Kirchenjahr Katholische Stadtkirche St. Johann Gottesdienst

The parish of St. Johann Donaueschingen and the Gesellschaft der Musikfreunde cordially invite you to the church service of the Donaueschinger Musiktage 2020.

Cappella Musicale Felicia Wieland, organ and conductor

Entrance: Robert M. Helmschrott (1938) Quodlibet Meine Seele

Gloria: Chorimprovisation über Gotteslob Nr. 109

Responsorial Psalm: Ingo Schulz (1962) Korn, das in die Erde – eine Improvisation

Offertory: Enjott Schneider (1950) Befiehl du deine Wege

English Sonderveranstaltungen 228 Konzert 5 229

Saar Berger und experimenteller Musik (Sendung Musik unserer Zeit) sowie zu Pop-, Sub- und DT Netzkultur (Kontext/Passage). Im Kernteam Interpreten geb.1980, ist seit 2007 Mitglied des Ensem- von Norient – Performing Music Research ble Modern. Er studierte an der Rubin-Mu- kuratiert sie gemeinsam mit internatio sikakademie in Tel Aviv, in Berlin bei nalen Denker*innen Ausstellungen Performers Marie-Luise Neunecker und in Frankfurt (u.a. DisOrient, 2020) und gibt sowohl online, bei Erich Penzel und Esa Tapani. Er als auch offline Publikationen heraus kooperiert eng mit vielen jungen und (u.a. Seismographic Sounds, 2015). Theresa international etablierten Komponist*innen Beyer hält regelmäßig Lehrveranstaltungen, und brachte bereits viele Werke für Horn u.a. an der Hochschule der Künste Bern, zur Uraufführung. Seit 2017 gehört er zum der Musikakademie Basel und an der Lehrerteam der Luzerner Festival-Akademie. Popakademie Mannheim. 2016 erhielt sie Darüber hinaus lehrt er an der Ensemble den Reinhard-Schulz-Preis für zeitgenössi- Modern Akademie und wird regelmäßig zu sche Musikpublizistik. Meisterkursen und Konzerten in der ganzen Welt eingeladen. Er ist seit Oktober EN 2019 Professor für Horn an der Staatlichen studied musicology in Florence and Bern Hochschule für Musik Trossingen. and is a journalist and curator. With Swiss Public Radio SRF 2 Kultur she produces EN long formats about contemporary music, born 1980, has been a member of the experimental music as well as pop culture Ensemble Modern since 2007. He studied at and digitalisation. She is part of the core the Rubin Music Academy in Tel Aviv, in team of Norient – The Now in Sound and in Berlin with Marie-Luise Neunecker and in collaboration with international thinkers Frankfurt with Erich Penzel and Esa curates projects on- and offline, e.g. the Tapani. He cooperates closely with many exhibitions Seismographic Sounds (2015/16) young and internationally established and DisOrient (2020). Beyer teaches composers and has already premiered regularly, e.g. at Hochschule der Künste many works for horn. Since 2017 he has Bern, Musikakademie Basel and Pop- been a member of the teaching team of the akademie Mannheim. In 2016 she won the Lucerne Festival Academy. He also teaches Reinhard-Schulz-Preis for contemporary at the Ensemble Modern Academy and is music journalism. regularly invited to give master classes and concerts all over the world. He has been Professor of Horn at the Trossingen State Cappella Musicale Academy of Music since October 2019. DT ist der Kirchenchor der katholischen Theresa Beyer Pfarrgemeinde Heilige Dreifaltigkeit in Donaueschingen und ging 2003 aus den DT ehemaligen Chören der beiden Stadt hat in Florenz und Bern Musikwissenschaft pfarrgemeinden St. Marien und St. Johann studiert und ist Musikredakteurin beim hervor. Die 35 Sängerinnen und Sänger Schweizer Radio SRF 2 Kultur. Sie produziert gestalten regelmäßig Gottesdienste mit Hintergrundformate zu zeitgenössischer

Introduction to the works 230 Interpreten / Performers 231

Musik aller Stilepochen und traten in den Tonhalle Zurich, the WDR Symphony among others. From 1998 – 2007 he was and Berlin, Frankfurt Opera, the Grand vergangenen Jahren bei zahlreichen Kon- Orchestra, the Orchestre Philharmonique Professor for Aesthetic Theory/Cultural Théâtre de Genève and the Opéra national zerten im In- und Ausland in Erscheinung. de Radio France, the Deutsche Radio Studies at the Merz Academy, Stuttgart, and de Lyon, amongst others. Regarding Dabei legen sie großen Wert auf die enge Philharmonie, the Lucerne Festival, the since 2006 has been Professor for Theory, concerts, he has a strong artistic relation- Zusammenarbeit mit internationalen Elbphilharmonie, the Konzerthaus Berlin Practice and Communication of Contem- ship to the symphony orchestras of the Ensembles und Musikern. and others. He is Music Director of the porary Art at the Institute for Art and SWR and the WDR as well as to the Klang- University of Trier, permanent conductor of Cultural Studies at the Academy of Fine Arts, forum Wien. In addition to his fascination EN the Ensemble Garage and one of the Vienna. The list of his publications can be with symphonic repertoire of the 19th is the church choir of the Catholic parish principal conductors of the National found at http://diedrich-diederichsen.de. and 20th centuries, he has a deep passion of the Holy Trinity in Donaueschingen and Symphony in Argentina. In 2018 he was a for baroque music and historically informed emerged in 2003 from the former choirs laureate of the ECHO, the Preis der performance. of the two city parishes of St. Marien and Deutschen Schallplattenkritik and the Titus Engel St. Johann. The 35 singers regularly hold KONEX Prize. He is a member of the church services with music from all stylistic advisory board of the Deutscher Musikrat. DT Anna Faber periods and have appeared in numerous geboren 1975 in Zürich, studierte Musik- concerts in Germany and abroad in recent wissenschaft und Philosophie in Zürich DT years. They attach great importance to Diedrich Diederichsen und Berlin sowie Dirigieren in Dresden. am Bodensee aufgewachsen, studierte bei close cooperation with international Seine internationale Laufbahn führte ihn u. Nora Chastain, Ana Chumachenco und ensembles and musicians. DT a. an das Teatro Real Madrid, das Theater David Takeno und schloss 2005 mit war in den 1980er Jahren Redakteur und Basel (Stockhausens Donnerstag aus Licht, Auszeichnung ab. Sie hat mit Ensembles Herausgeber von Musikzeitschriften Aufführung des Jahres 2016), die Vlaamse wie Britten Sinfonia, Chamber Orchestra of Mariano Chiacchiarini („Sounds“, „Spex“), in den 90ern Hochschul- Opera (Czernowins Infinite now, Urauffüh- Europe und Ensemble Modern gearbeitet lehrer als Gastprofessor oder Lehrbeauf- rung des Jahres 2017), die Staatsopern und neben ihrer Tätigkeit als Stimmführe- DT tragter u.a. in Frankfurt, Stuttgart, Pasadena, Stuttgart, Hamburg und Berlin, die Oper rin beim Kammerorchester Basel ist sie startete nach dem 1. Preis beim Teatro Offenbach, München, Weimar, Bremen, Frankfurt, das Grand Théâtre de Genève Mitglied des Solistenensemble Kaleidoskop Colón Dirigenten-Wettbewerb seine Gießen, Wien, Gainesville, Florida, und die Opéra national de Lyon. Im in Berlin. Sie arbeitet mit Künstler*innen internationale Karriere. Er dirigierte in der St. Louis, Köln, Salzburg, Los Angeles. Konzertbereich hat er eine enge künstleri- wie Sasha Waltz, Laurent Chetouane, Tonhalle Zürich, beim WDR Sinfonie 1998 – 2007 Professor für Ästhetische sche Beziehung zu den Sinfonieorchestern Susanne Kennedy und Georg Nussbaumer orchester, beim Orchestre Philharmonique Theorie/Kulturwissenschaften an der Merz- des SWR und des WDR, sowie zum zusammen und ist als Musikerin und de Radio France, bei der Deutsche Radio Akademie, Stuttgart, seit 2006 Professor Klangforum Wien. Neben seiner Beschäfti- Performerin auf diversen Festivals wie dem Philharmonie, beim Lucerne Festival, in der für Theorie, Praxis und Vermittlung von gung mit neuester Musik und sinfonischen Sydney Festival, Wien Modern, Hitzacker, Elbphilharmonie, im Konzerthaus Berlin Gegenwartskunst am Institut für Kunst- und Werken des 19. und 20. Jahrhunderts hegt Donaueschinger Musiktage, Holland u.a. Er ist Musikdirektor der Universität Kulturwissenschaften der Akademie der er eine große Leidenschaft für Barockmusik Festival und bei der Ruhrtriennale aufgetre- Trier, ständiger Dirigent des Ensemble bildenden Künste, Wien. Die Liste seiner und historische Aufführungspraxis. ten. Garage und einer der Hauptdirigenten der Publikationen ist zu finden unter National Symphony in Argentinien. Im http://diedrich-diederichsen.de. EN EN Jahre 2018 war er Preisträter beim ECHO, born 1975 in Zurich, he studied musicology after growing up in the south of Germany, beim Preis der Deutschen Schallplatten EN and philosophy in Zurich and Berlin as studied with Nora Chastain, Ana Chu- kritik sowie beim KONEX Preis. Er ist was editor and publisher of music journals well as conducting in Dresden. His inter- machenco and David Takeno in London, Mitglied im Beirat des Deutschen Musikrates. („Sounds“, „Spex“) in the 1980s; in the 90s national career led him to the Teatro Real graduating with distinction in 2005. She has he was guest professor or university Madrid, the Theater Basel (Stockhausen’s worked with groups such as Britten Sinfonia, EN lecturer in Frankfurt, Stuttgart, Pasadena, Donnerstag , “Performance of the Year”, Chamber Orchestra of Europe and Ensemble began his international career after winning Offenbach, Munich, Weimar, Bremen, 2016), the Vlaamse Opera (Czernowin’s Modern, has been a member and section first prize at the Teatro Colón Conducting Gießen, Vienna, Gainesville, Florida, St. Infinite now, “Performance of the Year”, leader of Kammerorchester Basel since 2011 Competition. He has conducted at the Louis, Cologne, Salzburg, and Los Angeles, 2017), the State Operas in Stuttgart, Hamburg as well as a member of Solistenensemble 232 Interpreten / Performers 233

Kaleidoskop in Berlin. She has enjoyed a Antony Hateley Clarke, Hugues Dufourt, Pascal Dusapin, Olga Holdorff varied career as a musician and performer, Beat Furrer, Wolfgang Rihm, Rebecca working with artists such as Sasha Waltz, DT Saunders und Salvatore Sciarrino haben DT Susanne Kennedy, Laurent Chetouane and ist Lichtdesigner und arbeitet hauptsäch- ihm Werke gewidmet. Als Solist konzertierte studierte an der Universität der Künste Georg Nussbaumer and has been invited to lich in der Tanzszene. Er lebt in London er an der Seite von Dirigenten wie Daniel Berlin und an der Hochschule für Musik festivals internationally such as the Sydney und absolvierte eine Ausbildung in Bilden- Barenboim, James Levine, Jonathan Nott und Theater Leipzig. Sie spielte u.a. am Festival, Tongyeong International Music der Kunst an der University of Central und Leonard Slatkin u. a. mit den Berliner Staatstheater Braunschweig, an der Staats- Festival, Ruhrtriennale, Wien Modern and England. Zu einer Auswahl der Künstler Philharmonikern, dem Tonhalle Orchester oper Hannover, Komische Oper Berlin, others. und Organisationen, für die er gearbeitet Zürich, dem Tokyo Philharmonic und den mit den Brandenburger Symphonikern, den hat, gehören Ivan Putrov, Viviana Durante großen amerikanischen Orchestern. Neben Berliner Symphonikern, sowie in verschie- Company, Birdgang Dance Company, seiner solistischen Tätigkeit ist er auch denen Kammermusikformationen, u.a. als Stefan Fricke Dance Art Foundation, London College of ein gefragter Kammermusiker. Zu seinen Konzertmeisterin bei der Ensemble Fashion, Botis Seva, Martin Creed, Partnern gehören u. a. Adrian Brendel, Modern Sommerakademie. Zudem wirkte DT Tavaziva, East London Dance und Avant Anssi Karttunen, das Trio Accanto und das sie regelmäßig beim Infektion Festival geboren 1966 in Unna (Westfalen), studierte Garde Dance. Arditti Quartet. für Neues Musiktheater an der Staatsoper nach dem Zivildienst Musikwissenschaft Berlin mit. und Germanistik an der Universität des EN EN Für die Barenboim-Said-Foundation unter- Saarlandes in Saarbrücken. 1989 war er Mit- is a lighting designer working primarily was born in London and studied at Christ richtete sie in Palästina. Lehrtätigkeit, begründer des auf Literatur zur zeitgenös- within the dance scene Now based in Church Cathedral School in Oxford, Konzerte und Meisterkurse führten sie für sischen Musik spezialisierten Pfau-Verlages. London he trained in fine art at University Winchester College and the University of „El Sistema“ nach Venezuela. Sie ist Seit 2008 ist er Redakteur für Neue Musik / of Central England. A selection of the Cambridge with Robert Bottone, Susan Gründerin des Chios Music Festivals und Klangkunst beim Hessischen Rundfunk artists and organisations he has previously Bradshaw and Sulamita Aronovsky. He des Berlin Music Ensembles, welches (hr2-kultur) in Frankfurt am Main und lehrt worked for includes Ivan Putrov, Vivi- teaches as a professor at the Staatliche 2018 den Preis der Deutschen Schallplatten als Honorarprofessor an der Hochschule ana Durante Company, Birdgang Dance Hochschule für Musik und Darstellende kritik erhielt. für Musik Mainz der Johannes Gutenberg- Company, Dance Art Foundation, London Kunst in Stuttgart and is considered one of Universität Mainz. Er ist Mitherausgeber College of Fashion, Botis Seva, Martin the most distinguished interpreters of EN der Zeitschrift „MusikTexte“. Creed, Tavaziva, East London Dance and contemporary piano music. Composers like studied at the Universität der Künste Berlin Avant Garde Dance. Georges Aperghis, Harrison Birtwistle, and the Hochschule für Musik und Theater EN Elliott Carter, James Clarke, Hugues Dufourt, Leipzig. She has performed at the Staats Pascal Dusapin, Beat Furrer, Wolfgang theater Braunschweig, at the Staatsoper born in Unna (Westphalia) in 1966, studied Nicolas Hodges Rihm, Rebecca Saunders and Salvatore Hanover, Komische Oper Berlin, with the musicology and German at Saarland Sciarrino have dedicated works to him. As a Brandenburger Sinfoniker, Berliner University in Saarbrücken. In 1989 he DT soloist he has performed alongside Sinfoniker, and in various chamber music co-founded Pfau Verlag, a publishing house conductors such as Daniel Barenboim, formations, among others as concert specializing in literature on contemporary wurde in London geboren und erhielt seine James Levine, Jonathan Nott and Leonard master at the Ensemble Modern Summer music. Since 2008 he has been an editor for Ausbildung an der Christ Church Cathed- Slatkin with the Berlin Philharmonic, the Academy. In addition, she has regularly new music and sound art at Hessischen ral School in Oxford, am Winchester Tonhalle Orchester Zurich, the Tokyo participated in the Infektion Festival for Rundfunk (hr2-kultur) in Frankfurt, as well College und an der University of Cambridge Philharmonic and the great American New Music Theater at the Staatsoper Berlin. as Honorary Professor at the Mainz bei Robert Bottone, Susan Bradshaw und orchestras, among others. In addition to his For the Barenboim-Said-Foundation she Academy of Music, part of the Johannes Sulamita Aronovsky. Er unterrichtet als work as a soloist, he is also a sought-after taught in Palestine. Teaching, concerts and Gutenberg University. He is co-publisher of Professor an der Staatlichen Hochschule chamber musician. His partners include master classes took her to Venezuela for the journal “MusicTexte”. für Musik und Darstellende Kunst in Adrian Brendel, Anssi Karttunen, the Trio “El Sistema”. She is the founder of the Chios Stuttgart und gilt als einer der profiliertes- Accanto and the Arditti Quartet. Music Festival and the Berlin Music ten Interpreten zeitgenössischer Klavier- musik. Komponisten wie Georges Aperghis, Ensemble, which received the German Harrison Birtwistle, Elliott Carter, James Record Critics’ Prize in 2018. 234 Interpreten / Performers 235

Ines Hu of the feminist performance artist Vanessa Dança Contemporânea, Richard Alston, in Warsaw, Sophiensaele in Berlin, the Stern. In 2019 her directorial work for and Phoenix Dance Theatre. He founded his PQ Prague Quadrennial of Performance DT „The Fluteman Show“ won the „Best Small own dance company in 2008, Van Huynh Design and Space and the Tanztage Festival geboren in Wien, Studium der Violine am Ensemble“ category at the international Company. He was appointed Artistic in Berlin. He is currently a choreographer in Konservatorium Wien und an der Hoch- YAMS Awards. Director of Centre 151 – a vibrant hub for residence at K3 | Tanzplan Hamburg. As a schule für Musik und Theater Hannover. culture, arts and community in 2016. He is performer, he has collaborated with Juan Studium Physical Theater an der internatio the Associate Director of Dance Bridges Dominguez Rojo, Isabelle Schad, Nicole Sei- nalen De Kleine Academie in Brüssel. Dam Van Huynh Festival – a biennial dance festival taking ler, Jeremy Shaw and Julian Weber, amongst Stipendiatin der Internationalen Ensemble place in Kolkata, India. He currently works others. Modern Akademie der Klangspuren Schwaz DT between the UK and Hong Kong, where he 2004 und 2005 sowie dem Zermatt Festival stammt ursprünglich aus Südvietnam und is head of the Contemporary Dance 2005 mit dem Sharoun Ensemble, Akade- ist ein in Großbritannien/Hongkong department at the Hong Kong Academy for Ensemble Kwadrofonik mistin der Essener Philharmoniker 2005/06. ansässiger Tänzer/Choreograf. Als Kinder Performing Arts. Seither arbeitet sie freischaffend als floh er mit seiner Familie vor dem Krieg aus DT Geigerin, Performerin und Regisseurin/ Vietnam in die USA. Er schloss sein Kwadrofonik wurde 2006 gegründet, Dramaturgin. Zusammenarbeiten mit u.a. Studium am Boston Conservatory in Przemek Kamiński als sich zwei Duos zusammenschlossen: Solistenensemble Kaleidoskop, Ensemble Berklee ab und arbeitete als Performer mit Magdalena Kordylasińska und Miłosz Mosaik, Opernkompanie Novoflot, verschiedenen Kompanien, darunter das DT Pe˛kalas Schlagzeugduo (Hob-Beats Duo) ENSEMBLE LUX:NM, BrandtBrauerFrick Nevada Ballet, Merce Cunningham, ist ein in Polen geborener und in Berlin und Emilia Sitarz und Bartłomiej W˛asiks Ensemble, Warschauer Herbst, Gabor Portugals Companhia de Dança Contem- lebender Performer und Choreograph. Er Klavierduo (Lutosławski Klavierduo). Vosteen und dem Kollektiv der feministi- porânea, Richard Alston, Phoenix Dance absolvierte das Hochschulübergreifende Gemeinsam spielen sie Musik des 20. und schen Performance-Künstlerin Vanessa Theatre. 2008 gründete er seine eigene Zentrum Tanz Berlin (HZT). Seine jüngsten des 21. Jahrhunderts, Transkriptionen Stern. 2019 wurde ihre Regiearbeit für „The Tanzkompanie, die Van Huynh Company. choreografischen Arbeiten wurden u. a. an und eigene Kompositionen, die von tra- Fluteman Show“ bei den internationalen Im Jahr 2016 wurde er zum Künstlerischen folgenden Orten präsentiert: Art Stations ditioneller, zeitgenössischer und populärer YAMS Awards in der Kategorie „Best Small Leiter des Centre 151 ernannt – einem Foundation in Poznań, HAU Hebbel am Musik inspiriert sind. Beim Volksmusik Ensemble“ ausgezeichnet. pulsierenden Zentrum für Kultur, Kunst Ufer in Berlin, Kunsthalle Zürich, Kunst festival „Neue Tradition“ erhielten die und Gesellschaft. Er ist stellvertretender museum in Łód´z, Nowy Teatr in Warschau, Musiker 2006 den Grand Prix, den Publi- EN Direktor des Dance Bridges Festival – ein Sophiensäle in Berlin, PQ Prague Quadren- kumspreis und den Preis des Präsidenten born in Vienna, studied violin at the Conser- alle zwei Jahre stattfindendes Tanzfestival nial of Performance Design and Space oder von Warschau. Die Gruppe erhielt den vatory in Vienna and the Hochschule in Kalkutta, Indien. Derzeit pendelt er Tanztage Festival in Berlin. Zurzeit ist er prestigeträchtigen Sonderpreis im Rahmen for Music and Drama Hanover, as well as zwischen Großbritannien und Hongkong, Choreographer in Residence bei K3 | des Grand-Prix-Wettbewerbs von Svetozár physical theater at the international De wo er Leiter der Abteilung für Zeitgenös Tanzplan Hamburg. Als Performer arbeitete Stracˇina in Bratislava. Kwadrofoniks Kleine Academie in Brussels. Scholarship sischen Tanz an der Hong Kong Academy er unter anderem mit Juan Dominguez Debütalbum Folklove aus dem Jahr 2008 holder from the International Ensemble for Performing Arts ist. Rojo, Isabelle Schad, Nicole Seiler, Jeremy wurde beim Polskie Radio veröffentlicht Modern Academy at Klangspuren Schwaz Shaw und Julian Weber zusammen. und erhielt die Auszeichnung Folk Phono- in 2005 and 2006, from the Zermatt Festival EN gram of the Year. Seitdem hat die Gruppe 2005 with the Sharoun Ensemble, and of originally from Southern Vietnam, is a EN in der New Yorker Carnegie Hall und in der the Academy of the Essener Philharmoniker UK/Hong Kong based dancer/choreo- is a Polish-born, Berlin-based performer Chicago Symphony Hall, in der Berliner 2005/2006. Works as a freelance violinist, grapher. As a child refugee, his family and and choreographer. He graduated from the Philharmonie, in der Izumi Hall in Osaka performer and director/dramaturg. Collabor- he fled Vietnam after the war and settled HZT Inter-University Centre for Dance sowie bei Festivals in Moskau und ations with, among others, Solistenensemble in the USA. He graduated from The Boston Berlin (HZT). His recent choreographic Peking gespielt. Kaleidoskop, Ensemble Mosaik, Opera Conservatory at Berklee and has worked works have been presented at, amongst Company Novoflot, Ensemble LUX:NM, as a performer with various companies others: Art Stations Foundation in Poznań, EN BrandtBrauerFrick Ensemble, Warsaw including The Nevada Ballet, Merce HAU Hebbel am Ufer in Berlin, Kunsthalle Kwadrofonik was formed in 2006, when two Autumn, Gabor Vosteen and the collective Cunningham, Portugal’s Companhia de Zurich, Museum of Art in Łód´z, Nowy Teatr duos combined: Magdalena Kordylasińska 236 Interpreten / Performers 237 and Miłosz Pe˛kala’s percussion duo wird so zu einem Ort von Experimenten, EN MAM.manufaktur für aktuelle), and (Hob-Beats Duo), and Emilia Sitarz and Grenzüberschreitungen und ungeahnten is a vocalist, performer, composer and William Parker. She is founder of the Bartłomiej W˛asik’s piano duo (Lutosławski Zusammenführungen publicist based in Warsaw. She is the author collective electroacoustic trio The Rolling Piano Duo). Together they have been of Critical Vocal Guide and New Cantability Calf with Jason Yarde and Neil Charles. For playing music from the 20th and 21st EN in Contemporary Music. Since 2018 2021/22 Elaine is one 50 selected artists centuries, transcriptions of symphonies, was founded by International Ensemble she co-curates the CD series TAL for Bôłt whose work will feature in the British Art and their own compositions inspired by Modern Academy scholarship holders in Records. Her repertoire ranges from Show’s touring exhibition. traditional, contemporary, and popular 2010, in response to a common passion for medieval to both contemporary classical music. At the “New Tradition” Folk Music new forms of expression and performance and pop, with performance, text and video. Festival 2006 the musicians received the in today’s music. The musicians see Using voice as a tool, she researches Markus Müller Grand Prix, the Audience Award, and the themselves as a liberal and internation- non-musical contexts of singing practice. Award of the President of Warsaw. The ally-positioned collective, one that extends DT group received the prestigious Special the idea of an ensemble through interdis- ist Gründer und Direktor des BUREAU Award in the Svetozár Stracˇina Grand Prix ciplinary engagement, bringing new sounds Elaine Mitchener MUELLER, einer Kommunikations- und Competition in Bratislava. Kwadrofonik’s and sound concepts to life. In addition to Beratungsagentur in Berlin. Er hat u.a. 2008 debut album, Folklove, was published the cultivation of contemporary repertoire, DT gearbeitet für Skulptur. Projekte in Münster by Polskie Radio and received the Folk the musicians are committed to the geboren und aufgewachsen im Osten 1997, Documenta11, Stiftung Gwangju Phonogram of the Year award. Sinc the the development and extension of alternative Londons und von jamaikanischer Herkunft, Biennale, Nationales Kunstmuseum der group has played at New York’s Carnegie and/or experimental playing techniques at ist Sängerin, Performerin und Kompo Ukraine (Kiew), Meeting Point 6 (Beirut, Hall and in Chicago Symphony Hall, at the the nexus of performance, improvisation nistin. Sie hat mit zahlreichen Künstlern Brüssel, Berlin), mehrfach bei der Berlin Philharmonic, in Izumi Hall in and the interpretation of composed music. zusammengearbeitet, darunter Camae Internationalen Kunstausstellung – Biennale Osaka, as well as festivals in Moscow and Within the framework of its concerts, Ayewa (Moor Mother), Mark Padmore, Venedig, Documenta (13), Prince Claus Beijing. the ensemble juxtaposes music of manifold George E. Lewis, The Otolith Group, Sonia Fund (Amsterdam), RAY Photographie origins, eras and disciplines. MAM is a Boyce, Tansy Davies, Hamid Drake, Van Projekte Frankfurt, Ernst Leitz Museum place of experimentation, boundary Huynh Company, Apartment House, David Wetzlar, EXPO 2020 (Dubai), Monheim MAM.manufaktur für aktuelle Musik crossing and improbable confluences. Toop, London Sinfonietta, Christian Triennale. Seit November 2019 ist er Mitglied Marclay, Ensemble MAM.manufaktur für des Vorstands der Villa Romana, Florenz. DT aktuelle musik und William Parker. Sie ist wurde 2010 von Stipendiaten der Interna- Barbara Kinga Majewska Gründerin des elektroakustischen Trios EN tionalen Ensemble Modern Akademie The Rolling Calf mit Jason Yarde und Neil is the Founder and Director of BUREAU gegründet, aus der Begeisterung für neue DT Charles. In der Saison 2021/22 wurde MUELLER, a boutique communication and Spielformen heutiger Musik heraus, als ist Sängerin, Performerin, Komponistin Elaine Mitchener als eine von 50 Künst- consultancy firm in Berlin. He has worked offenes und international ausgerichtetes und Publizistin. Sie lebt in Warschau und ler*innen eingeladen, ihre Arbeit im Rahmen for, among others: Skulptur. Projekte in Kollektiv, das den Ensemblegedanken hin ist Autorin von Critical Vocal Guide und der British Art Show zu präsentieren. Münster 1997, Documenta 11, Gwangju zu anderen Kunstformen erweitert. New Cantability in Contemporary Music. Seit Biennale Foundation, National Art Museum Neben der Pflege eines zeitgenössischen 2018 ist sie Co-Kuratorin der CD-Reihe EN of Ukraine (Kiev), Meeting Point 6 (Beirut, Repertoires auf höchstem Niveau fühlen TAL für Bôłt Records. Ihr Repertoire reicht born and raised in East London of Jamaican Brussels, Berlin), several times at sich die Musiker*innen vor allem alternati vom Mittelalter bis zur zeitgenössischen heritage, is a contemporary vocalist, the International Art Exhibition– Venice ven und experimentellen Spielpraktiken Musik und zum Pop mit Performance, Text movement artist and composer. She has Biennale, at Documenta (13), Prince Claus an der Schnittstelle zwischen Performance, und Video. Sie erforscht die Stimme als performed and collaborated with numer- Fund (Amsterdam), RAY Photographie Improvisation und der Interpretation „Werkzeug“ und die nicht-musikalischen ous artists including Camae Ayewa (Moor Projekte Frankfurt, Ernst Leitz Museum komponierter Musik verpflichtet. In seinen Kontexte der Gesangspraxis. Mother), Mark Padmore, George E. Lewis, Wetzlar, EXPO 2020 (Dubai), and Monheim Konzerten kontrastiert das Ensemble The Otolith Group, Sonia Boyce, Tansy Triennale. Since November 2019 he is a regelmäßig Musiken unterschiedlicher Davies, Hamid Drake, Van Huynh Company, member of the Managing Committee for Herkunft, Epochen und Disziplinen. MAM Apartment House, David Toop, London Villa Romana, Florence. Sinfonietta, Christian Marclay, Ensemble 238 Interpreten / Performers 239

Ensemble Musikfabrik Ieva Navickaite Er ist auch als Lehrer tätig und unterrichtet EN an renommierten Instituten in Großbri is influenced, as a composer, by her many DT DT tannien, Europa, den USA, Lateinamerika, years of experience as a musician (both in zählt seit seiner Gründung 1990 zu den wurde in Kaunas, Litauen, geboren. Sie Indien und China. the classical field and in various rock/pop führenden Klangkörpern der zeitgenössi- absolvierte die Idyllwild Arts Academy in CA formations). Her catalogue of works includes schen Musik. Dem Anspruch des eigenen (USA), wo sie Tanz und Bildende Kunst EN 13 major orchestral works, music theatre, Namens folgend, ist das Ensemble in studierte. Sie arbeitete mit dem Aura Dance born in Rome, graduated at Balletto di film music and multimedia works. She has besonderem Maße der künstlerischen Theatre, der Reut Shemesh Dance Company, Roma and completed his studies in worked with all leading ensembles. Her Innovation verpflichtet. Neue, unbekannte, der Kibbutz Contemporary Dance Com contemporary dance at Peridance Capezio pieces often respond to socio-political in ihrer medialen Form ungewöhnliche und pany, Jerome Meyer, Lillian Barbeito, Amos Center, New York. He joined the Peridance themes. She has received numerous awards, oft erst eigens in Auftrag gegebene Werke Ben-Tal, Cienfuegos Danza und anderen. Contemporary Dance Company, under including the Heidelberger Künstlerinnen- sind sein eigentliches Produktionsfeld. Die Gegenwärtig arbeitet sie mit der Van Huynh the direction of Igal Perry. He has worked preis (2015). She has been a member of the Ergebnisse dieser häufig in enger Koopera- Company zusammen und lebt in Vilnius, with choreographers such as Sidra Bell, Berlin Academy of Arts since 2013, a member tion mit den Komponisten geleisteten Litauen. Francesca Harper (Forsythe), Charlotta Hof- of the Bavarian Academy of Fine Arts since Arbeit präsentiert das in Köln beheimatete verholm (DV8), Manuel Vignoulle (Cedar 2017 and Professor of Media Composition internationale Solistenensemble in jährlich EN Lake), Gregory Dolbashian (The Ensemble). at the Universität für Musik und darstellende bis zu 80 Konzerten im In- und Ausland, was born in Kaunas, Lithuania. She gradu- He moved to the UK in 2016 and currently Kunst Vienna since 2015. auf Festivals, in der eigenen Abonnement ated from Idyllwild Arts Academy in works as dancer and Assistant Director for reihe Musikfabrik im WDR und in regel CA (USA) where she majored in Dance and Dam Van Huynh. He has also worked with mäßigen Audioproduktionen für den Rund- Visual Art. She worked with Aura Dance Tavaziva and Rob Heaslip Dance Company. Marie-Claire Schneider funk und den CD-Markt. Ensemble Theatre, Reut Shemesh Dance Company, He is an active teacher in renown insti- Musikfabrik wird vom Land Nordrhein- Kibbutz Contemporary Dance Company, tutes in the UK, across Europe, U.S.A., Latin DT Westfalen unterstützt. Jerome Meyer, Lillian Barbeito, Amos America, India and China. wurde 1988 in Villingen-Schwenningen Ben-Tal, Cienfuegos Danza and others. geboren und wuchs in Donaueschingen auf. EN Currently she works with Van Huynh Com- Nach dem Abitur studierte sie zwischen has been one of the leading orchestras of pany and is based in Vilnius, Lithuania. Iris ter Schiphorst 2009 und 2016 Geschichte an der Universität contemporary music since its foundation in Konstanz. 2017 begann sie ein postgra 1990. Following the literal meaning of its DT duales Volontariat zur wissenschaftlichen name, Ensemble Musikfabrik is particularly Tommaso Petrolo ist als Komponistin durch ihre langjährigen Dokumentarin beim Südwestrundfunk dedicated to artistic innovation. New, Erfahrungen als Musikerin geprägt (sowohl in Baden-Baden. Seit Januar 2019 ist sie als unknown, and often personally-commis- DT im klassischen Bereich als auch in diversen Dokumentationsredakteurin in der Haupt- sioned works in unusual media are typical geboren in Rom, studierte am Balletto di Rock-/Popformationen). Ihr Werkverzeichnis abteilung Information, Dokumentation und of their productions. The results of their Roma und schloss sein Studium des zeit- umfasst 13 große Orchesterwerke, Musik Archive des Südwestrundfunks in Baden- extensive work, usually taking place in genössischen Tanzes am Peridance Capezio theater, Filmmusiken und multimediale Baden tätig. In dieser Funktion leitet sie seit close collaboration with the composers, are Center, New York, ab. Er trat der Peridance Werke. Dabei arbeitete sie mit allen führen- Sommer 2020 ein Projekt zur Entwicklung presented by the Cologne-based interna- Contemporary Dance Company unter der den Ensembles zusammen. Ihre Stücke eines Online-Archives für die Donaueschin- tional soloist ensemble in up to 80 concerts Leitung von Igal Perry bei und arbeitete mit reagieren häufig auf gesellschaftspolitische ger Musiktage. a year in both Germany and abroad, at Choreographen wie Sidra Bell, Francesca Themen. Immer wieder sucht sie die Zu- festivals, in their own series Musikfabrik in Harper (Forsythe), Charlotta Hofverholm sammenarbeit mit anderen Künstler*innen. EN WDR and in regular radio recordings and (DV8), Manuel Vignoulle (Cedar Lake), Sie erhielt zahlreiche Auszeichnungen, was born in Villingen-Schwenningen in CD productions. Ensemble Musikfabrik is Gregory Dolbashian (Das Ensemble). Er zog u. a. den Heidelberger Künstlerinnenpreis 1988 and grew up in Donaueschingen. After supported by the state of North Rhine- 2016 nach Großbritannien und arbeitet (2015). Seit 2013 ist sie Mitglied der Akade- graduating from high school, she studied Westphalia. derzeit als Tänzer und Regieassistent bei mie der Künste Berlin, seit 2017 Mitglied an history at the University of Konstanz Dam Van Huynh. Darüber hinaus hat er mit der Bayerischen Akademie der Schönen between 2009 and 2016. In 2017 she began a Tavaziva und der Rob Heaslip Dance Künste und seit 2015 Professorin für postgraduate traineeship as a scientific Company gearbeitet. Medienkomposition an der Universität für documentalist at the SWR in Baden-Baden. Musik und darstellende Kunst Wien. 240 Interpreten / Performers 241

Since January 2019 she has been working EN geschichte geschrieben. Die bedeutenden Lil Ulmann as documentation editor in the Department sees itself as an interface between music Traditionslinien aus den beiden Vor- of Information, Documentation and and technology. In addition to the produc- gänger-Ensembles kommen in ihm überein. DT Archives of SWR in Baden-Baden. In this tion of new works, it is also active as an Zum Profil des SWR Symphonieorchesters ist Geigerin und Komponistin. Seit ihrem function she has been leading a project to ensemble in the worldwide performance of gehören neben der Neuen Musik die Studium der klassischen Violine am develop an online archive for the Donau- these works. With almost 50 years of sinfonische Orchesterliteratur vorangegan- Königlichen Konservatorium in Brüssel hat eschinger Musiktage since summer 2020. presence in the international music business, gener Epochen sowie Interpretations sie eine eigene musikalische Sprache it has established itself as one of the leading ansätze aus der historisch informierten entwickelt, die aus einem breiten Spektrum orchestras for ambitious works with live Aufführungspraxis. Die Vermittlung an Stilen schöpft, von zeitgenössischer SWR Experimentalstudio electronics and gives concerts at almost anspruchsvoller Musik an alle Altersstufen Klassik, Rock, Jazz und Folk bis hin zu ana- all major festivals (such as the BBC Proms, ist ebenfalls ein wichtiges Anliegen. Das logen Ambient-Soundscapes. DT the Berliner Festwochen, the Biennale di Orchester ist in den SWR-eigenen Konzert versteht sich als Schnittstelle zwischen Venezia, the Festival d’Automne à Paris, reihen in Stuttgart, Freiburg und Mann- EN Musik und Technik. Neben der Herstellung the Lucerne Festival, the Salzburg Festival, heim präsent, ebenso bei den Donaueschin- is a violinist and composer. Since studying neuer Werke ist es als Klangkörper auch the Wiener Festwochen etc.).) as well as ger Musiktagen, den Schwetzinger Fest classical violin at the Royal Conservatory in bei der weltweiten Aufführung eben dieser several renowned music theatres (such as spielen sowie in bedeutenden Musikmetro Brussels, she has developed a unique aktiv. Mit beinahe 50 Jahren Präsenz im the Teatro alla Scala Milan, the Teatro polen im In- und Ausland. Seit Beginn der musical language that draws on a broad internationalen Musikbetrieb hat es sich als Colon in Buenos Aires, the Teatro Real Saison 2018/19 ist Teodor Currentzis Chef- range on styles, from contemporary einer der führenden Klangkörper für Madrid, the Théâtre de la Monnaie in dirigent des SWR Symphonieorchesters. classical, rock, jazz and folk, to ambient ambitionierte Werke mit Live-Elektronik Brussels, the Stuttgart State Opera, the analog soundscapes. etabliert und konzertiert fortwährend bei Vienna State Opera etc.). Among the EN nahezu allen bedeutenden Festivals (wie outstanding productions in the history of The SWR Symphonieorchester Stuttgart is den BBC Proms, den Berliner Festwochen, the SWR Experimental Studio are works by the result of the merger between the Dafne Vicente-Sandoval der Biennale di Venezia, dem Festival such renowned composers as Karlheinz Stuttgart Radio Symphony Orchestra (SWR) d’Automne à Paris, Lucerne Festival, Stockhausen, Pierre Boulez and Luigi Nono. and the SWR Symphony Orchestra Baden- DT den Salzburger Festspielen, den Wiener Among the younger generation, Mark Baden and Freiburg in September 2016. geboren 1979 in Paris, ist Fagottistin im Be- Festwochen etc.) wie auch etlichen Andre, Chaya Czernowin and Georg Although the SWR Symphonieorchester reich der zeitgenössischen Musik, der renommierten Musiktheatern (wie dem Friedrich Haas in particular stood out as Stuttgart is still relatively new, it has Improvisation und Klanginstallation. Ihre Teatro alla Scala Mailand, dem Teatro the composers who produced pioneering already made its mark. Distinguished lines Arbeit hat zu einer langfristigen Zusam- Colon in Buenos Aires, dem Teatro Real works in co-production with the SWR of musical traditions continued by its two menarbeit mit einer Handvoll Komponisten Madrid, dem Théâtre de la Monnaie in Experimentalstudio. Following Hans-Peter predecessors converge in it. The profile geführt, deren Musik ein hohes Maß an Brüssel, der Stuttgarter Staatsoper, Wiener Haller and André Richard, Detlef Heusinger of the SWR Symphonieorchester comprises kritischer Interpretation erfordert (Éliane Staatsoper etc.). Zu den herausragenden has been artistic director of the SWR new music, the symphonic orchestral Radigue, Jakob Ullmann, Peter Ablinger, Produktionen in der Geschichte des SWR Experimental Studio since 2006. literature of bygone eras as well as inter- Klaus Lang). Daraus ist bereits ein bedeuten Experimentalstudios gehören Arbeiten so pretative approaches from historically des Repertoire an Solostücken entstanden. namhafter Komponisten wie Karlheinz informed performance practice. Making Als Improvisatorin hat sie zwei CDs, remoto Stockhausen, Pierre Boulez und Luigi Nono. SWR Symphonieorchester demanding music attractive to all ages is und marne/seine, auf dem französischen Aus der jüngeren Generation sind insbe- also an important objective. The orchestra Label für experimentelle Musik Potlatch sondere Mark Andre, Chaya Czernowin und DT is present in the SWR’s own series of veröffentlicht. Bei der Edition RZ erschien Georg Friedrich Haas als die Komponisten Das SWR Symphonieorchester ist hervor concerts in Stuttgart, Freiburg and Mann- im Frühjahr 2018 eine Doppel-CD, Müntzers aufgefallen, welche zukunftsweisende gegangen aus der Zusammenführung des heim, as well as the Donaueschingen stern. solo II, mit zwei eigens für sie kom- Werke in Koproduktion mit dem SWR Radio-Sinfonieorchesters Stuttgart des Festival, the Schwetzingen Festival and in ponierten Stücken von Jakob Ullmann. Seit Experimentalstudio hervorgebracht haben. SWR und des SWR Sinfonieorchesters major music metropolises at home and 2018 leitet sie die Fagottklasse bei den Nach Hans-Peter Haller und André Richard Baden-Baden und Freiburg im September abroad. With the beginning of the season Darmstädter Ferienkursen. ist Detlef Heusinger seit 2006 künstleri- 2016. Das SWR Symphonieorchester ist 2018/19 Teodor Currentzis has taken scher Leiter des SWR Experimentalstudio. zwar noch neu, es hat aber bereits Musik the reigns as the first Principal Conductor of the SWR Symphonieorchester Stuttgart. 242 Interpreten / Performers

EN (organ) completed her studies. She attended born 1979 in Paris, is a bassoon player in master classes with Michael Radulescu, the fields of contemporary music perform- Franz-Josef Stoiber, Hans-Ola Ericsson and ance, improvisation and sound installa- Francesca Canali. She is also active in tions. Her work has translated into long- musicology and publishes about the com- term collaborations with a handful of poser and theorist Georg Joseph Vogler, composers engaged in music that demands among others. Since August 2019, she has a high degree of critical interpretation held the office of church musician in (Éliane Radigue, Jakob Ullmann, Peter Donaueschingen. Ablinger, Klaus Lang), leading to the creation of a significant body of solo pieces. As an improviser, she has released two CDs, remoto and marne/seine, on the French experimental music label Potlatch. In Spring 2018 Edition RZ released a double CD, Müntzers stern. solo II, with two pieces of Jakob Ullmann composed expressly for her. Since 2018 she has been leading the bassoon studio at the Darmstädter Ferienkurse.

Felicia Wieland

DT studierte katholische Kirchenmusik an der Hochschule für Kirchenmusik in Regens- burg bei Gerhard Siegl (Orgel), Franz Fink (Querflöte) und Richard Beyer (Kompo sition). Ein Auslandssemester in Prag bei Jaroslav Tuma (Orgel) komplettierte ihre Studien. Außerdem besuchte sie Kurse bei Michael Radulescu, Franz-Josef Stoiber, Hans-Ola Ericsson und Francesca Canali. Sie ist auch musikwissenschaftlich tätig und publiziert u. a. über den Komponisten und Orgelbautheoretiker Georg Joseph Vogler. Seit August 2019 übt sie das Amt der Kirchenmusikerin in Donaueschingen aus.

EN studied Catholic church music at the Hochschule für Kirchenmusik in Regens- burg with Gerhard Siegl (organ), Franz Fink (flute) and Richard Beyer (composition). A semester in Prague with Jaroslav Tuma

282 Förderer und Unterstützer 283 Impressum

Schirmherr Veranstalter S. D. Heinrich Fürst zu Fürstenberg Gesellschaft der Musikfreunde Donaueschingen in Zusammenarbeit mit der Stadt Donaueschingen, dem Südwestrundfunk Veranstalter und dem SWR Experimentalstudio. Gesellschaft der Musikfreunde Donaueschingen in Zusammenarbeit mit der Stadt Donaueschingen, dem Südwestrundfunk und dem SWR Experimentalstudio. Stadt Donaueschingen

Kulturamt: Kerstin Rüllke (Leitung), Heike Föhrenbach, Sabine Rothfuß, Anita Schneider

Amt Tourismus und Marketing: Andreas Haller (Leitung), Stefanie Feger, Simone Göttler, Andrea Ketterer, Nadine Krejcir, Angelika Müller, Förderer Aileen Rechtsteiner, Sonja Süß, Elena Schneck Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und das Land Baden-Württemberg. Donauhallen: Eva-Maria Hirt (Leitung), Sebastian Bauhof, Franziska Bumann, Rosemarie Lohmüller, Alexander Schmid, Jasmin Schmid, Luca Römer, Romain Swit

Weitere Spielstätten: Laurin Baumann (Baar-Sporthalle & Erich-Kästner- Halle), Mathias Gasser (Realschule), Tomislav Pavrlisak (Museum Art.Plus), Bea Hoffmann-Heyden (Alte Hofbibliothek)

Mit freundlicher Unterstützung von Südwestrundfunk

Gesamtverantwortlich: Anke Mai (Programmdirektor Kultur, Junge Formate)

Leitung: Wolfgang Gushurst (Wellenleitung SWR2), Martin Roth (Leitung SWR2 Musik), Lydia Jeschke (Leitung Redaktion Neue Musik und Jazz)

Programm: Björn Gottstein und Ekkehard Ehlers (Gastkurator) in Zusammenarbeit mit Julia Neupert (NowJazz) und Ekkehard Skoruppa (Akustische Spielformen)

Assistenz: Frank Halbig, Chariklia Michel, Lydia Münster

Spielstättenleitung: Ecem Çelik, Sabrina Chiappetta, Hans Fischer, Marc Ferrum, Lukas Fricker, Manu Mühl, Iris Steimle IN VR Moderation: Lydia Jeschke, Bernd Künzig, Michael Rebhahn, Leonie Reineke

Videostreaming: Nana Schmidt, Christoph Schmid, Alexander Radulescu, Jan Stoll, Torsten Dünow 284 Impressum 285 Impressum

Tonmeister: Malgorzata Albinska, Thomas Angelkorte, Alfred Habelitz, Programmbuch Tobias Hoff, Roland Kistner, Roland Rublé, Michael Sandner Redaktion: Holger Slowik Hörfunk-Technik: Tobias Neumann, Robert Müller, Jan Zöller, Peter Brettel, Björn Lautenschlager, Mark Löffler, Markus Reginek, Michael Müller, Mitarbeit: Liz Allbee Tim Hunkel, Christian Müller, Catalin Schlosser, Andreas Nusbaum, Rosemarie Neumeister, Philipp Stein, Johannes Grosch, Henrietta Berkel, Grafik: Volker Schartner, Ronald Kolb (Biotop 3000) David Lock, Angelika Heubach, Wolfgang Rein, Ralf Schnellbach, Susanne Zinke, Doris Hauser, Alex Mewes Druck: Druckerei Herrmann, Donaueschingen Gedruckt auf Munken Lynx Online: Marc Bürkle (SWR2), Jan-Philippe Schlüter (SWRClassic), Teodora Bala-Ciolanescu, Oliver Reuther, Tilman Stamer, Julia Wieland Bildnachweis: Leah Walker (Mica Levi), Manu Theobald (Oliver Schneller), Manuela Romero (Lula Romero), M. Liebeskind (Michael Wertmüller), Pressearbeit: Ursula Foelsch, Matthias Claudi, Stefan Stahnke Jacintha Nolte (Cathy Milliken), Civitella Ranieri (Wojtek Blecharz), Paula Court (Matana Roberts), Martin W. Maier (Laure M. Hiendl), Rikard Österlund Marketing: Ellen Mazurek (SWR2), Matthias Claudi (SWRClassic), (Tansy Davies), Eileen Barroso (George Lewis), Bastian Thiery (Malte Giesen), Volker Brzezinski, Raphaela Matthias Dariusz Kolesza (Artur Zagajewski), Ulysses Theatre (Nigel Osborne), Markus Werner und Sylvia Steinhäuser (Duo Lehn/Schmickler), Alain Julien Lizenzen: Christian Danneil (Thomas Lehn), Albrecht Fuchs (Marcus Schmickler), Boris Camaca (Holly Herndon), Astrid Ackermann (Rebecca Saunders, Carola Bauckholt), Christiane Robin (André Boucourechliev), Hans Reinard (Rolf Riehm), Gesellschaft der Musikfreunde Donaueschingen Betty Freeman (Gerald Barry), Siegfried Ablinger (Peter Ablinger); alle anderen privat. Vorstand: Andreas Wilts (Präsident), Heinz Bunse, Horst Fischer, Friedemann Kawohl, Rainer Koßmann, Sabine Milbradt Die Abbildungen aus Lebbeus Woods, The New City, Touchstone New York, 1992, erscheinen mit freundlicher Genehmigung von Byron Preiss Visual Geschäftsführung: Kerstin Rüllke Publications, Inc.

Mitarbeit: Karin Kienzle, Beate Reichert-Klaus Die Skizzen von Paul Hindemith, das Foto von Paul Hindemith und Hermann Scherchen sowie das Porträt von Paul Hindemith erscheinen mit freundlicher Veranstaltungstechnik: littlebit | Produktionsbüro für zeitgenössische Kunst Genehmigung der Fondation Hindemith.

Videodokumentation: nmzMedia Der Abdruck von André Boucourechliev: Anarchipel 5D erscheint mit freundlicher Genehmigung der Editions Alphonse Leduc, Paris.

Texte: Die Werkkommentare der Komponist*innen sowie die Texte von Michael Kunkel und Holger Slowik sind Originalbeiträge. Nachdruck nur mit Genehmigung.

swr.de/donaueschingen #domt20 Donaueschinger Musiktage 2021 14.– 17. Oktober

Rodolfo Acosta, Juan Arroyo, Ragnild Berstad, Annesley Black, Pierre Boulez, Eivind Buene, Sylvain Cambreling, Chaya Czernowin, Milica Djordevic, Diamanda Dramm, Onur Dülger, Ensemble CG, Ensemble Maleza, Ensemble Phace, Francesco Filidei, Beat Furrer, Alois Haba, Adriana Hölszky, Hasan Hujairi, Ictus Ensemble, Lisa Illean, Martin Illes, IRCAM, Pierre Jodlowski, Klangforum Wien, Yair Klartag, Johannes Kreidler, Mikołaj Laskowski, Liza Lim, Piyawat Louilarpprasert, Brad Lubman, Lucerne Festival Academy Alumni Orchestra, Christian Mason, Misato Mochizuki, Carlos Nina, Carolina Noguera, Omnibus Ensemble, Daniel Ott, Canela Palacios, Philharmonisches Orchester von Luxemburg, Enno Poppe, Stefan Prins, Quatuor Diotima, Maja S. Ratkje, David Robertson, Nima E. Roshwan, François Sarhan, Rebecca Saunders, Hannes Seidl, José Sosaya, mathias spahllnger, Enrico Stolzen- burg, SWR Experimentalstudio, SWR Symphonieorchester, SWR Vokalensemble, Øyvind Torvund, Trio Accanto, Ilan Volkov, Qin Yi

Programmänderungen vorbehalten Donnerstag, 15.10.2020 11h, Realschule, große Sporthalle (C) 4b Konzert Jason Yarde, Matana Roberts, 20h, Museum Art.Plus (M) Laure M. Hiendl, Tansy Davies, 1 Podiumsdiskussion George Lewis Geschichte(n) und Gegenwart vergrößern 11h, Donauhallen, Strawinsky Saal (A) sich – Archive als Kunstmaterial 5 Preisverleihung Karl-Sczuka-Preis 12h, Realschul-Sporthalle (C) Klangkunst Sergej Maingardt/ Freitag, 16.10.2020 Jens Standke 14h, Donauhallen, Mozart Saal (A) 17h, Donauhallen (A) 6a Konzert Malte Giesen, Artur Zagajewski, Preisverleihung Verleihung Sasha Blondeau, Nigel Osborne der FEM-Nadel 14h, Donauhallen, Bartók Saal (A) 17h, Realschul-Sporthalle (C) 7a Konzert NOWJazz-Session Klangkunst Sergej Maingardt/ 14h, Realschul-Sporthalle (C) Jens Standke Klangkunst Sergej Maingardt/ 18h, Baar-Sporthalle (B) Jens Standke 2a Konzert Paul Hindemith, Klaus Lang, 16h, Realschul-Sporthalle (C) Cathy Milliken, Oliver Schneller, Lula Klangkunst Sergej Maingardt/ Romero, Mica Levi, Michael Wertmüller Jens Standke 19h, Realschul-Sporthalle (C) 17h, Realschule, große Sporthalle (C) Klangkunst Sergej Maingardt/ 4c Konzert Jason Yarde, Matana Roberts, Jens Standke Laure M. Hiendl, Tansy Davies, 20–22h, Erich-Kästner-Halle (F) George Lewis 3a Konzert-Installation Wojtek Blecharz 17h, Donauhallen, Strawinsky Saal (A) 21h, Baar-Sporthalle (B) 8 Lecture Performance Holly Herndon 2b Konzert Paul Hindemith, Klaus Lang, 18–22h, Erich-Kästner-Halle (F) Cathy Milliken, Oliver Schneller, Lula 3b Konzert-Installation Wojtek Blecharz Romero, Mica Levi, Michael Wertmüller 18h, Realschul-Sporthalle (C) 21h, Realschule, große Sporthalle (C) Klangkunst Sergej Maingardt/ 4a Konzert Jason Yarde, Matana Roberts, Jens Standke Laure M. Hiendl, Tansy Davies, 20h, Donauhallen, Mozart Saal (A) George Lewis 6b Konzert Malte Giesen, 21h, Realschul-Sporthalle (C) Artur Zagajewski, Sasha Blondeau, Klangkunst Sergej Maingardt/ Nigel Osborne Jens Standke 20h, Donauhallen, Bartók Saal (A) 7b Konzert NOWJazz-Session 20h, Realschul-Sporthalle (C) Samstag, 17.10.2020 Klangkunst Sergej Maingardt/ Jens Standke 10h, Realschul-Sporthalle (C) 22h, Realschul-Sporthalle (C) Klangkunst Sergej Maingardt/ Klangkunst Sergej Maingardt/ Jens Standke Jens Standke