Para los creativos, inquietos y disonantes que han sido parte de El Eco,

Para Begoña, Guillermo y Enrique,

Para Iraís La disonancia D.R. © 2017 Universidad Nacional Autónoma de México Ciudad Universitaria, delegación Coyoacán, de El Eco C.P. 04510, México, Distrito Federal Museo Experimental el Eco www.eleco.unam.mx

Primera edición: septiembre de 2015 Segunda edición: agosto de 2017 Un ensayo D.R. © 2017 por los textos sus autores de David Miranda Se ha hecho todo lo posible por encontrar a los titulares de los derechos de los textos e imágenes aquí publicados.

Queda prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio de la presente obra, sin contar previamente con la autorización escrita del titular de los derechos patrimoniales. Todos los derechos reservados.

Ciudad de México Agosto de 2017 Impreso y hecho en México

Agradecimientos: Issa Benítez, Patricia Brambila, Rodrigo Bazaldúa, Daniel Garza Usabiaga, Jennifer Josten, Lily S. de Kassner, Ana Xanic López, Jill Meissner y a la Frederick and Lillian Kiesler Foundation, Mariana Munguía, Ricardo Nikolayevsky, Juan José Ramírez Escarza.

Agradecemos el apoyo para este proyecto a: Patrick Charpenel, Patronato de Arte Contemporáneo A.C., Fundación Jumex A.C. La disonancia de El Eco

7 Dentro de una arquitectura emocional 17 Patria y museo 25 La disonancia de El Eco 35 Una modernidad disociada 43 Escenarios contingentes o la arquitectura sin fin 57 La búsqueda de libertad de creación 65 EL ECO, un museo universitario 95 Una conclusión abierta

Anexos

100 Contrato entre Mathias Goeritz y Daniel Mont, 1952 101 Manifiesto de la Arquitectura Emocional, 1953 104 Sobre la libertad de creación, 1954 115 Boletín –DGCS-697, 2005

120 Cronología del Museo Experimental el Eco

123 Bibliografía Dentro de una arquitectura emocional

David Miranda

Ya pasaron muchos días, semanas, meses y años, y las jacarandas siguen dando flores en primavera, a pesar de que las temporadas ya no son las mismas y que en todas las estaciones del año llueve por aquí. La imagen más reconocida de este lugar es el patio interior que nos separa de la ciudad por la disposición de sus muros, los cuales sólo permiten ver el asomo de las copas de los árboles que, sin duda, tienen poco más de 50 años. Existen las fotografías en las que se ven con claridad, frente a la fachada del edificio, las varas de los árboles recién sembrados. Son 1 El concepto de oración plástica, una muestra de las intenciones de quien acuñado por Mathias Goeritz en el texto Estoy harto, de 1960, los sembró, de depositar ahí los deseos de manifiesto leído y distribuido transformar la arquitectura en el futuro, en la exposición “El realismo de Mathias Goeritz”, en la al pensar en el lugar como un organismo Galería Antonio Souza en vivo, como un recinto que tiene sus propias noviembre del mismo año, refiere como colofón de la idea celebraciones, más allá de nuestra presencia. central lo siguiente: “Habrá Si vuelves a este patio entre marzo y abril que rectificar a fondo todos los podrás ver que el suelo se llena de flores valores establecidos: ¡Creer sin preguntar en qué! Hacer o, por moradas —como si fuera parte del luto de lo menos, intentar que la obra Semana Santa—, que evocan la imagen de las del hombre se convierta en una ORACIÓN PLÁSTICA”. esculturas de madera policromada dentro de Este texto fue publicado las parroquias católicas, cubiertas con un velo en Olivia Zúñiga, Mathias Goeritz, México, Ediciones Continental, del mismo color en señal de respeto y duelo, 1963, p. 45. en una suerte de oración plástica.1

7 Mathias Goeritz, Torre amarilla, Aquella torre en la esquina del patio es una 1953. Fotografía de David Miranda. columna amarilla que no sostiene nada; en todo caso, es una especie de obelisco trunco que conecta el piso con el cielo y nos recuerda, al entrar aquí, lo pequeños que somos. Lo mismo pasa en la arquitectura gótica, pero sin sus alegorías decorativas, porque en este caso todas las paredes tienen un carácter pétreo, rugoso, geométricamente burdo, con el mismo encanto de un vestigio prehispánico que evoca su esplendor desde el deterioro, generando la incógnita de su pasado. Quizá por ello a la sociedad contemporánea le interesan tanto los sitios arqueológicos, porque nos incitan a imaginar algo ajeno a nosotros, pero cercano en términos antropológicos; porque cada muro, 2 Talud-tablero es el binomio cada textura, cada techumbre o elemento que constructivo que genera vemos en ese tipo de lugares tuvo que ser obra distintas gradaciones de claroscuros con la luz del sol, de manos como las nuestras y, en ese sentido, a partir de la combinación el tiempo se vuelve corto, pues el hecho de dos planos horizontales que recubrían los basamentos ocurre en una dimensión similar al presente. de las pirámides, en donde Este patio podría ser una interpretación el plano inferior reconocido del sistema prehispánico conocido como como talud reposa con una 2 inclinación cercana a los talud-tablero usado en el altiplano central; 45 grados, y el superior, la diferencia es que se entrecruzan dichos llamado tablero, va recto sobre el anterior proyectando elementos: al sustituir el talud sólo con la los efectos del claroscuro. dirección diagonal del muro, que hace de la

3 En el texto “The sculpture arquitectura un sistema no ortogonal, es como ‘The Serpent of El Eco’: si viéramos el talud invertido en planta y no en A Primary Structure of 1953”, alzado. Todas las líneas, relaciones y ángulos de Mathias Goeritz manifestó su interés por la irregularidad de los muros de este edificio se proponen romper las formas arquitectónicas con los 90°, y ofrecen una irregularidad en sus de El Eco, subrayando lo siguiente: “Traté de evitar los perspectivas y vistas, aludiendo a la singularidad ángulos de 90° en la planta de un universo natural y orgánico, desde una del edificio para proyectar una 3 asimetría casi imperceptible, configuración abstracta. como la que se encuentra en la estructura de un rostro o de Este mundo cerrado y misterioso,4 custodiado cualquier ser viviente”. Este texto fue publicado en Leonardo, por una torre que articula el vestíbulo de vol. 3, Londres, Pergamon Press, uno de los accesos al lugar, quebranta 1970, pp. 63-65. su atmósfera gris y blanca con su propia 4 Ibid. luminosidad amarilla, como si un rayo de luz

9 cayera del cielo o una centella se elevara curiosidad que provoca como mampara desde el suelo. En cualquier caso, es un siempre entreabierta; una invitación espacio que cambia su apariencia con el escultórica al paso, a transgredir y a paso del día, como sucede en el templo cambiar de atmósfera. Lo que se puede ver de Kukulkán, en Yucatán, al descender la desde la calle es un pasillo que juega con sombra de una serpiente de la pirámide nuestra percepción visual y que provoca como efecto de la sombra de los equinoccios la sensación de profunda lejanía, debido a y solsticios del año. que sus muros blancos de paredes ásperas se van cerrando hasta llegar a un punto de En este lugar también habitó una serpiente, desahogo, el cual se percibe con un remate una estructura primaria compuesta por iluminado en el fondo del recorrido. Se varios volúmenes de placas de acero negras; experimentan contrastes de luz y sombra en su forma se asemejaba a las crestas de un mismo espacio, y aun en ese momento un electrocardiograma o a las formas no se sabe lo que se encontrará al final descendientes y ascendentes de una gráfica de del camino. Dicho acceso, que deviene temperatura, una estructura agresiva e inquieta,5 en monumentalidad desde un espacio que le daba al lugar un sentido místico, aun más limitado, ha sido desde hace muchos años amenazador que ahora, porque esa estructura una invitación a la sorpresa a partir de su expresaba, según su autor, la angustia del hombre ocupación y de su transgresión. en el universo en medio de la tranquilidad del patio. Hoy sólo queda la quietud del sitio, El Museo Experimental el Eco es una escultura en espera de que alguien lo contemple o lo penetrable y habitable en espera de ser transforme con los actos de su presencia. transitada y ocupada de maneras distintas a Para llegar al patio hay que pasar por las que acostumbran los modelos utilitarios otras experiencias arquitectónicas igual de urbanos de la actualidad, por ser un lugar de singulares, que anteceden a su luminosidad. encuentro y una plataforma de generación De manera que, para notar las posibilidades de conocimiento y expresión cultural que de la luz sobre la arquitectura, hay que en mucho ha colaborado al desahogo de las experimentar la oscuridad, y este lugar inquietudes de los actores y partícipes de la ofrece continuamente contrastes de dichos escena artístico-cultural que representa. fenómenos para quien recorre sus espacios. El presente ensayo se erige como una En el recorrido de la calle James Sullivan, en reflexión específica de lo que implica un la Ciudad de México, hay un silencio, museo de arte experimental en nuestros un muro negro que rompe con el muestrario días a partir del análisis crítico de su arquitectónico del lugar. Una barda contexto inmediato, señalando al Museo suprime la línea de edificaciones de la Experimental el Eco como espacio cultural calle y amplía la acera, enmarcando un diseñado ex profeso para la especulación acceso casi cuadrado que da espacio a del suceso artístico y social, asumiéndolo una puerta giratoria de lámina que altera como un dispositivo arquitectónico creado la experiencia del tránsito local por la 5 Ibid. para provocar “la emoción” en sus visitantes.

10 11 Este texto presenta algunos de los hechos Acceso principal del Museo Experimental el Eco, 2010. relacionados con la historia de tan singular Fotografía de Ramiro Chaves. museo, y lo propone como un acontecimiento cultural y artístico que contrasta con los modelos de producción de la sociedad de consumo en el mundo actual; coincidente, de manera tardía, con el espíritu de vanguardia europeo que apareció en la escena del arte desde principios del siglo xx, pero cuyo lugar de nacimiento es un territorio donde la construcción del enunciado artístico estaba sujeta a la emisión del relato del imaginario local del Estado-nación: la Ciudad de México. El Eco, entonces, se presenta como un hecho en la historia del arte mexicano que debe tomarse en cuenta como consecuencia del pensamiento de vanguardia occidental y, al mismo tiempo, como una obra que absorbió su fundamento del germen de libertad artística y aspiración moderna que ya resonaba en México desde principios del siglo pasado.

En su vida actual, el Museo Experimental el Eco se ostenta como un lugar que “constituye una caja de resonancia y tensión entre los aportes de la modernidad y la cultura 6 Durante los años de 6 funcionamiento de El Eco como contemporánea”. El Eco es un espacio museo universitario, se han cultural conquistado por la Universidad revisado tres veces la misión y la Nacional Autónoma de México (unam) visión del proyecto, actualizando sus intereses con los tiempos desde 2005. En la última década ha forjado su en los que se desarrolla. En 2012, vocación a partir de colaboraciones y diálogos se redefinió la misión de El Eco, durante una reunión en continuos entre las personas encargadas de la que participaron, como parte dirigir el espacio y la comunidad interesada de la revisión entre la digav y el equipo de El Eco, Graciela de la en las posibles líneas de relación que su Torre, Claudia Barrón, Patricia legado artístico e histórico ofrece. Sloane, Jorge Reynoso Pohlenz, Paola Santoscoy, Begoña Inchaurrandieta, Macarena La disonancia de El Eco es como se decidió Hernández, David Miranda nombrar a este análisis sobre la distinción y los integrantes del actual consejo del museo, Tatiana y singularidad de dicho edificio. Con una Cuevas, Jorge Munguía estructura de siete capítulos más sus y Luis Felipe Ortega.

12 13 correspondientes anexos documentales, se pretende hacer una exposición general de la historia, las influencias y las acciones que al cierre de la edición de este documento enuncian la apuesta actual de la unam, que por medio de la Coordinación de Difusión Cultura y de la Dirección General de Artes Visuales (digav), ha devuelto al campo del arte mexicano este proyecto tan especial. Todo con la intención de sumar nuevas genealogías y nodos conceptuales de lectura que completen la narración de este suceso escultórico. El presente ensayo cuenta además con una línea de tiempo, parte de la investigación documental, que ayudará a los lectores a ubicar de manera gráfica las coincidencias de El Eco en el plano temporal con otros proyectos de arquitectura relevantes, en sus distintos momentos como espacio cultural; esta última herramienta es un dispositivo de análisis historiográfico diverso, junto con las demás partes del ensayo.

Sirva pues este documento como un testimonio de quienes, durante los últimos 10 años, hemos sido partícipes del resurgimiento de uno de los proyectos culturales más importantes de la segunda mitad del siglo xx, y que nos ha permitido hacer ecos de nuestra propia emoción.

Pasillo del Museo Experimental El Eco, 2010. Fotografía de Ramiro Chaves.

14 15 Patria y museo

Tradicionalmente el museo conserva; está entendido, en general, para dicha función. Su concepción clásica se vincula con el interés de restituir el pasado de un pueblo a partir del vínculo existente entre museografía e historiografía —derivado de las reflexiones detonadas del acto de coleccionar imágenes y objetos, a los cuales les ha sido otorgado un valor simbólico, material y singular—, y con ello se distingue y congrega a la comunidad a la que pertenecen y se generan espacios para la reflexión antropológica, histórica, artística o científica.

En México, las colecciones precolombinas 1 Ambos modelos pertenecieron adquirieron relevancia por su valor estético a un mismo proceso de formación del Estado moderno, desde la época de Porfirio Díaz, cuando se porque el Museo Nacional ponía énfasis en una naciente generación de México, creado en 1825 y precursor de los museos de mitos fundacionales que ayudaron al Estado mexicanos, desempeñó un en la construcción de una identidad nacional silencioso papel en el proceso de y, al mismo tiempo, se dieron las pautas para secularización de la mirada devota a la mirada curiosa. la aparición y coexistencia de dos modelos Luis Gerardo Morales Moreno, de funcionamiento de museo: el museo templo “Museológicas. Problemas 1 y vertientes de investigación y el museo foro. Estos modelos devinieron en México”, en Relaciones. en la materialización de la institución llamada Estudios de Historia y Sociedad, México, núm. 111, vol. XXVIII, Museo Nacional, mismo que promovió en la verano 2007, p. 33. práctica el culto moderno de los vestigios

17 constitución actual fue en 1964; sin embargo, la manera en que se presentó el proyecto arquitectónico —del arquitecto Pedro Ramírez Vásquez—, quedó de manifiesto en letras talladas en mármol y deja ver que esa institución museística mantendría cierto anclaje en la idea de museo político, a pesar de las muchas discusiones que en su momento se suscitaron para replantear el paradigma de la institución:

El pueblo mexicano levanta este monumento en honor de las culturas que florecieron durante la era Precolombina en regiones que son ahora territorio de la República. Frente a los Salón de monolitos en el antiguo testimonios de aquellas culturas el México de Museo Nacional (finales del siglo xix). Archivo del Museo Nacional hoy rinde homenaje al México indígena, en cuyo de Antropología-conaculta-inah. ejemplo reconoce características esenciales de su originalidad nacional.2

El proyecto nacional de modernidad en México está representado por el imaginario político. De esta manera, puede hablarse de cómo y relatos que ayudaron a dar forma a la el surgimiento del museo como “templo idea del origen ancestral de los ciudadanos sagrado” durante el periodo 1887-1967 mexicanos de finales del siglo xix. Desde entonces, pretendía neutralidad frente a la intención México se percibe a sí mismo como un país de la ciencia, identificando al hecho como una con una sociedad secular, que se sobrepuso subordinación del conocimiento conceptual a su herencia colonial y europea por medio de la museografía a la monumentalización de la creación de símbolos promovidos y sobreponiendo los fines cívicos a los del por el Estado-nación en sus distintos 2 Presidente Adolfo López conocimiento científico.3 momentos de independencia y revolución. Mateos, 17 de septiembre de 1964, Museo Nacional de Por su parte, la historia de la museografía La figura del Museo Nacional de México, Antropología, México DF; muro de mármol con letras grabadas del arte en México es transversal en relación creado en 1825, sufrió varias modificaciones en la entrada del museo. con la que corresponde a la antropología y la ya entrado el siglo xx, cuando cambió de 3 Acerca del concepto de historia natural. El Museo de Artes Plásticas nombre, en 1909, a Museo Nacional de museopatria, véase: Luis Gerardo se inauguró el 29 de noviembre de 1934 Arqueología, Historia y Etnografía, para Morales Moreno, “Museopatria revolucionaria”, en Memoria del y fue el primer museo en el país que exhibió después convertirse, en 1945, en el Museo Congreso Internacional sobre la objetos artísticos para su contemplación Nacional de Antropología y mantenerse con Revolución Mexicana, México, estética, teniendo como único precedente las esa denominación durante casi medio siglo. Gobierno de San Luis Potosí/ inehrm, tomo I, 1991, galerías de la Academia de San Carlos. La última renovación que da forma a su pp. 398-411.

18 19 en ese momento, lo que permitió el establecimiento de un programa educativo y un plan de publicaciones para promover los valores artísticos del país, más allá de los límites de la escena local de la Ciudad de México.

A pesar del singular esfuerzo que en ese momento la museología mexicana había desplegado, el museo de arte seguía funcionando bajo la percepción de la conservación, y las expresiones culturales expuestas en la institución oficial seguían circunscritas a los lenguajes de las artes clásicas europeas, que dejaban al hecho artístico como un enunciado en pasado, como un hecho que se presentaba en

Sala Mexica, Museo Nacional de salas después de la experiencia del taller del Antropología, 2015. Fotografía artista, desvinculando la historia de la obra cortesía del Museo Nacional de arte de su contexto original y revistiéndola de Antropología-conaculta-inah. con el aura del objeto sagrado. Esto se diferenciaba de los nuevos salones de pintura En la arquitectura que años antes y de las galerías independientes que en esa proyectara Adamo Boari se exponían piezas época organizaban actividades paralelas a las pertenecientes a periodos desde el siglo xvi de las grandes salas de los museos. Un ejemplo hasta los murales de Diego Rivera y José fue la Galería Mont-Orendáin, espacio dedicado Clemente Orozco, sin que hubiera en realidad a la exhibición de obra de artistas de su tiempo, mucha diferencia en el tratamiento de la reconocido por una mayor apertura en el selección de las muestras en términos del formato de los eventos que sucedían en sus modelo nacionalista antes descrito en el salas. Ubicada en la calle de Puebla número proyecto de museo antropológico. Éste 154, Mont-Orendáin representaba uno de los incluía una sala de escultura mesoamericana proyectos alternos al museo de arte que más y otra de estampa mexicana, además de significaron en su momento. Esta galería fue un museo de arte popular que albergaba, idea de los empresarios Daniel Mont y Gabriel en el proyecto, la colección de Roberto Orendáin, que a su vez contaban con negocios Montenegro. En 1947, cuando se creó el de restaurantes y bares en la ciudad, lo que les Instituto Nacional de Bellas Artes (inba), dio la oportunidad de conocer, de manera más Fernando Gamboa, Julio Prieto y Julio cercana, a muchos de los artistas de la época Castellanos modificaron el proyecto para generar, junto con otros espacios, museográfico y lo transformaron en el Museo como la Galería de Arte Mexicano (gam), Nacional de Artes Plásticas, otorgándole la un circuito comercial que ayudase a los misión de mostrar un panorama general de creadores a desarrollar una visión paralela los procesos de la creación artística nacional a la que se había propuesto desde el Estado.

20 21 Cuando finalizó la sociedad Mont-Orendáin, el futuro recurriendo a formas de poder, con en 1949, el museógrafo Fernando Gamboa la intención de proponer maneras de narrar y la comisión integrada por el jefe del trascendentales; sin embargo, al referirse a Departamento de Artes Plásticas, el director los principios trascendentales, estos modelos de la Escuela de Pintura Escultura y Grabado, explican que su espectro de relación simbólica el director de la Escuela Nacional de Artes señala, por definición, a otro mundo, mas Plásticas y el presidente de la Asociación no a éste. Si bien en México no hubo una de Críticos e Investigadores de las Artes especialización en el diseño del espacio Plásticas decidieron que sería ese mismo museográfico hasta después de los años sesenta, lugar el espacio para que se abriera el Salón podemos aventurarnos a decir que los límites de la Plástica Mexicana, que beneficiaría, del espacio galerístico no eran exclusivamente por medio de la venta de obras de arte, a los espaciales, y las exploraciones formales de artistas mexicanos que fuesen aceptados muchos de los artistas de la primera mitad del por dicha comisión.4 siglo pasado en México no estaban vinculadas con el interés de transgredir el espacio de Por lo general la configuración del espacio 4 Los artistas que comenzaron significación y recepción de los dispositivos de en este proyecto, según el texto galerístico mexicano (a excepción de la Galería de Raquel Tibol “Homenaje a los exhibición. Por mucho, el interés —al parecer— Mont-Orendáin y de la gam) obedecía más miembros fundadores”, escrito fue sacralizarlo y formar parte de éste para para el Catálogo conmemorativo a las necesidades de propaganda del Estado, de los 25 años del Salón de la obtener reconocimiento en el futuro. las cuales se manifestaban en el esquema Plástica Mexicana, en 1974, son los siguientes: Ignacio Aguirre, de sacralización de “templo” o “salón de David Alfaro Siqueiros, Raúl enseñanza” de los valores sociales y cívicos Anguiano, Luis Arenal, Dr. Atl, del poder federal. Lo que en Estados Unidos Abelardo Ávila, Angelina Beloff, Alberto Beltrán, Ángel Bracho, era el mercado y la especulación económica, Celia Calderón, Federico Cantú, al proponer nuevos modelos de exhibición Fernando Castro Pacheco, José Chávez Morado, Erasto Cortés y producción artística mediante la promoción Juárez, Olga Costa, Dolores Cueto, de colecciones particulares de un Estado liberal, Germán Cueto, Gonzalo de la Paz Pérez, Francisco Dosamantes, en México fue la promoción de una ideología Jesús Escobedo, Arturo García nacionalista que determinó, con su influencia, Bustos, Jorge González Camarena, la narrativa formal de los artistas del periodo Jesús Guerrero Galván, Xavier Guerrero, Frida Kahlo, Agustín posrevolucionario, y constriñó, por mucho, Lazo, Amador Lugo, Leopoldo la identificación de la práctica artística local Méndez, Carlos Mérida, Gustavo Montoya, Francisco como una glosa social y partidista que restó Mora, Nicolás Moreno, Nefero, importancia pública a las exploraciones Luis Nishizawa, Juan O’Gorman, Pablo O’Higgins, Carlos Orozco de los lenguajes y formatos de la vanguardia Romero, Luis Ortiz Monasterio, local de la primera mitad del siglo xx. Feliciano Peña, Fanny Rabel, Everardo Ramírez, Jesús Reyes Ferreira, Manuel Rodríguez Por su parte, el problema del espacio museal Lozano, Diego Rivera, Antonio en este contexto es que se comportó como Ruiz, Juan Soriano, Rufino Tamayo, Cordelia Urueta, Héctor un mecanismo para “blanquear el pasado”, Xavier, Desiderio Hernández el cual, al mismo tiempo, intentaba controlar Xochitiotzin y Alfredo Zalce.

22 23 La disonancia de El Eco

Mathias Goeritz llegó a México en 1948 proveniente de España, invitado por el ingeniero Ignacio Díaz Morales. Residió en Guadalajara, Jalisco, donde empezó a trabajar en la Escuela de Arquitectura, impartiendo el curso de Educación Visual, por medio del cual llamó la atención en la escena cultural local. Fue en ese contexto donde conoció al ingeniero Luis Barragán y al pintor Jesús Reyes Ferreira, con quienes en los siguientes años realizó varios proyectos de relevancia para la historia del arte y la arquitectura mexicanas, como las Torres de Satélite y el Convento de las Capuchinas en Tlalpan.

En una exposición de sus pinturas y esculturas en la Galería de Arte Mexicano, en 1949, Mathias Goeritz conoció a Daniel Mont. En el contexto de esa inauguración fue que Mont realizó uno de los ofrecimientos más arriesgados y singulares para la carrera del artista de origen alemán. Según lo que Goeritz refiere en diferentes relatos, Daniel Mont se acercó a ofrecerle un terreno en las calles de Sullivan, 1 “¿Arquitectura Emocional?”, en la Ciudad de México, y una cuadrilla en Arquitectura, México, núm. 8-9, mayo-junio de trabajadores para que hiciera “lo que le de 1960, pp. 17-22. diera la gana”.1 Goeritz replicó que él no era

25 arquitecto y que eso sería un problema, a lo cual Mont respondió que justo era esa la razón por lo cual quería que fuese él quien llevase a cabo tan especial empresa. De la función de ese espacio hablarían después. Tiempo más tarde, tras un sinnúmero de pláticas alrededor de este proyecto, nació la idea de realizar un museo experimental que empezara sus actividades, o experimentos, a partir de la obra arquitectónica de su propio edificio. Para Mathias, eran de particular interés las obras arquitectónicas donde pudiesen confluir todas las artes, por ser historiador del arte; la idea de un santuario para la creación artística fue una constante en la concepción del proyecto. Le interesaban las catedrales, pagodas y mezquitas, lugares donde el espacio arquitectónico dejaba suceder a otras manifestaciones artísticas en tiempo presente, donde la pintura del sitio se Alfonso Soto Soria y Mathias Goeritz, reproduciendo un dibujo podía reinterpretar con las voces de los coros de Henry Moore en formato de y la danza iba acorde con la configuración del mural, en 1953. Fotografía sin crédito, Archivo cenidiap-inba, espacio, a diferencia de un foro o un teatro. Fondo Mathias Goeritz. Goeritz decidió entonces realizar el Museo Experimental el Eco. El nombre correspondía a la intención de que fuese un espacio que relacionado de tal manera que, según palabras sirviera como lugar de resonancia para la de Goeritz, el lugar tuviera “la emoción” como 2 expresión artística de su tiempo. principal función.

Comenzó con una serie de dibujos que llamó Empezó la obra levantando muros que 2 El doctor Daniel Garza Usabiaga separaron el terreno de la imagen urbana de ideogramas, una suerte de ejercicios que le ha propuesto vincular, en sus permitieron visualizar el espacio que iba a investigaciones, el término la ciudad; con esto, se generó un patio interior arquitectura emocional con la donde todo lo que pudiera verse fuese una construir. Al no ser arquitecto, Goeritz decidió idea en torno a lo “sublime” generar un sistema propio de construcción desarrollada por Edmund Burke torre que señalaría el lugar donde la creación (A Philosophical Enquiry into the artística sucedería. El pasillo, que constituía y planeación que lo ayudara a comprender esa Origin of our Ideas of the Sublime obra, no como un edificio, sino como una and Beautiful), la cual nos ayuda la entrada principal del recinto, se cerraba escultura habitable; esta diferencia aclararía a profundizar la diferencia en la conforme se iba avanzando por el corredor, concepción de museo de Goeritz debido a la inclinación e irregularidad de la en el futuro por qué Goeritz y Mont nunca y Mont, que se relaciona más quisieron entender ese lugar como una sala con la intención de generar la planta arquitectónica, elemento distintivo de experiencia del asombro, lo cual esa arquitectura, que en todo momento trató de exposiciones convencionales, ni como también podría entenderse un salón aséptico de museo. Todo estaría como misterio. de evitar los ángulos de 90 grados para crear

26 27 un juego más atrevido en el espacio, así como La única condición que Daniel Mont le impuso perspectivas y efectos de monumentalidad en a Goeritz en el proyecto fue la creación de un una área reducida. Se trataba de un intento de bar, un lugar donde las personas asistentes apelar a la experiencia derivada del tránsito pudieran encontrarse; para ir y venir de la del visitante, que se distanció de las tendencias convivencia social a la emancipación estética. funcionalistas de la época, las cuales restringían Los juegos de luz y sombra en el espacio a un uso específico la interacción con el corresponderían a la disposición de los espacio arquitectónico. muros interiores y a su vestibulación. Para la creación del bar, Goeritz invitó a otro Goeritz introdujo una escultura de metal que personaje relevante de la escena cultural del identificó como “estructura base”, la cual momento que, al igual que Cueto, con su sola representaba una serpiente. Ésta ayudaría presencia significaría otro punto de partida, a darle escala al patio y serviría de marco más cercano a la abstracción. Fue a Carlos para el ballet que se presentaría en el lugar. Mérida a quien dieron el encargo de realizar Dicha serpiente fue motivo de reflexiones una intervención en los muros del bar muy amplias y, al igual que otros elementos con una cenefa geométrica que representaba del museo, en el futuro formaría parte del peces y rostros que se perdían entre triángulos legado modernista del país: años después, la y trapecios de madera policromada, los cuales estructura de la serpiente se convertiría en fueron adosados a los muros para darle el logotipo del Museo de Arte Moderno de la movimiento a la envolvente lineal y rugosa Ciudad de México.3 de las paredes del bar de El Eco. Mérida supo perfectamente qué hacer, pues varios años Al igual que un constructor de catedrales, antes ya había realizado proyectos importantes Goeritz invitó a otros creadores a sumarse al para ampliar la experiencia arquitectónica, proyecto para ampliar su ejercicio y no tener reconfigurando geométricamente motivos completo control del resultado final. Invitó de la cultura mexicana, sin llegar a las a artistas con mayor experiencia que él, a representaciones apolíneas de Diego Rivera. los cuales admiraba profundamente; tal es Mérida siempre entendió, al igual que Goeritz, el caso del escultor y pintor Germán Cueto, que las culturas madres en Latinoamérica quien había participado antes en movimientos estaban más relacionadas con la geometría de vanguardia y experimentación, como el de las imágenes y la abstracción del mundo, llamado Movimiento Estridentista, uno de que lo que se entendió después en las los más importantes de México tanto en vanguardias europeas. artes plásticas como en literatura y activismo político. Cueto propuso, para los pasillos que Goeritz había decidido, junto con Mont, que conducían hacia una pequeña sala en la parte todas las superficies del lugar tuvieran una superior del lugar, un par de esculto-pinturas, textura rugosa, elemento que conceptualmente que es como denominaron a unos relieves lo separara de los grandes salones de pintura sobre material pétreo que funcionaban como 3 El Museo de Arte Moderno y, al mismo tiempo, lo relacionara con los prominencias adosadas a los muros. de la Ciudad de México se muros hechos de estuco que tanto lo habían inauguró hasta 1964. sorprendido en su visita a Teotihuacan en 1948.

28 29 de Lan Adomian, y esculturas de madera en pequeño formato creadas por Goeritz y talladas por el maestro Romualdo de la Cruz, en Guadalajara. En su primer mes, el recinto acogió a diferentes personajes relevantes de la cultura nacional e internacional, y ofreció a sus asistentes desde conciertos y exposiciones de arte, hasta rituales tribales que tanto atraían el gusto de Daniel Mont.

El 26 de octubre de 1953 Daniel Mont murió a causa de un paro cardiaco. Después de esa fecha todo el proyecto relacionado con el museo experimental se desvaneció, tras Ballet de Walter Nicks durante perder al corazón de la operación en tan la inauguración del Museo temprano momento. Goeritz publicó en 1954 Experimental el Eco en 1953. Fotografía sin crédito, el Manifiesto de la Arquitectura Emocional, Archivo cenidiap-inba, como una suerte de justificación para todos Fondo Mathias Goeritz. aquellos que cuestionaron el proyecto durante ese año y que nunca entendieron las En efecto, Mathias Goeritz había realizado intenciones de tan misterioso lugar. un proyecto con Daniel Mont que mucho se distanciaba de la idea de conservación El Eco no tuvo la vida que se esperaba y cambió de una colección o de la custodia de un de rumbo en diferentes ocasiones: se convirtió acervo: El Eco había sido construido para en restaurante, en cabaret; se sabe que fue el que otros artistas lo ocuparan y las obras que primer bar gay de la ciudad y, después, acompañaron a su apertura se concibieron lo rentó la Universidad Nacional Autónoma como dispositivos para provocar la emoción de México (unam), por iniciativa del maestro esperada en el espectador, pero nunca como Héctor Azar, y en sus espacios vio nacer elementos autónomos y, probablemente, no al Centro Universitario de Teatro (cut). permanentes; según Goeritz, esto relacionaría Más adelante fue tomado por un grupo al museo con obras de la Antigüedad, donde el de activistas que estuvieron en el lugar objetivo principal fue el engrandecimiento de durante los siguientes 25 años, y cuando una comunidad por medio de sus obras con un el Centro Libre de Experimentación Teatral fin común: la idea de pensar en tal lugar como (cleta) se separó por una pelea de sus líderes, un sitio de encuentro entre seres humanos. el lugar se convirtió en El Tecolote, un centro de eventos diversos, donde la oferta cultural El Museo Experimental el Eco se inauguró el se relacionaba más con la propaganda política 7 de septiembre de 1953, con una gran expectativa y el rock urbano. A finales de los años noventa, por parte de sus invitados. Se presentó un el lugar cayó en abandono. En todos esos ballet dirigido por Walter Nicks, con música años, Goeritz nunca pudo hacer nada por

30 31 cuales fue erigido; el tiempo y sus actuales intérpretes darán cuenta de cómo es habitar y vivir dentro de una escultura habitable y de cómo la arquitectura emocional materializada por Goeritz repercute o no en los modelos de producción artística del futuro dentro de su escena.

Paradójicamente, en la actualidad podría hablarse de El Eco como un espacio que recupera la esencia del periodo modernista en México y podría afirmarse que sus espacios de exhibición —que en ningún momento se han conducido de manera El restaurante El Eco,1955. estricta como cubo blanco— comulgan con Fotografía anónima. las exploraciones de los lenguajes formales de la narrativa que la vanguardia heredó de el proyecto que, para él, había modificado los años cincuenta como producto estético. para siempre su forma de hacer arte, y que Esto es contrario al espacio controlado, sin influyera en otros trabajos subsecuentes, sombras, aséptico y artificial de las salas de entre los que se destacan las Torres de Satélite, museos contemporáneos, que hoy día destinan la Ruta de la amistad, el Espacio escultórico sus esfuerzos a la tecnología de la estética, de la unam y el Laberinto de Jerusalén. aplicada a la certera lectura y visualización del hecho artístico. Lo que se puede decir de En 2004 el lugar fue recuperado por la El Eco en este momento (al igual que de unam para su restauración, luego de haber otros espacios hermanos, en lo que toca a la gestionado su rescate, pues se hallaba a institución, por su carácter universitario) es punto de ser demolido por sus últimos que se encuentra en un época de oportunidad dueños para construir un estacionamiento. para poder ampliar el interés de las prácticas El 7 de septiembre de 2005, 52 años después culturales en las que concurre, si se mantiene de su inauguración original, el Museo y se procura principalmente como un sitio Experimental el Eco reabrió sus puertas con de situaciones y producción efímera y sito- la vocación original de sus creadores, para especifica, como ha venido ocurriendo desde ser espacio de resonancia de los artistas de 2005. El Eco puede alcanzar disonancias amplias su tiempo, dejando en la escena la pregunta en el campo al que pertenece, generando de si la experimentación en el arte implica distancias creativas respecto de nuestro un distanciamiento de la idea del objeto presente inmediato, ampliando los caminos terminado y, por ende, de su consumo como de reflexión de nuestra Mnemósine como un producto o valor de intercambio económico. acto colectivo y dramático por su carácter de El Museo Experimental el Eco es un proyecto producción museal transitoria, porque quizá, que apenas en el comienzo del siglo xxi después de todo, lo único que podemos conservar está realizando las líneas de acción para las es lo que alimentamos en nuestra memoria.

32 33 Una modernidad disociada

¿Qué encontraba de fascinante Charles Baudelaire en los infiernos representados por Eugène Delacroix? Quizás el drama de Dante y Virgilio en un mismo lienzo, admirando la desgracia y la hecatombe del mundo —de todos los mundos— como una experiencia del tiempo que no puede entenderse desde otra perspectiva que no sea la emocional. O quizá le fascinaba la sensación de superioridad que genera la representación de la salvación de los personajes conducidos por Caronte, abriéndose paso entre la muchedumbre que se abalanza alrededor de su barca, provocando la sorpresa de los espectadores del salón en 1846, como si fuesen parte de los condenados a la oscuridad eterna. El deleite de la finitud y lo sublime de presenciar al mundo de los muertos es tal vez la conciencia de la humanidad representada con la imagen de Dante, que se aterroriza con la desgracia de los condenados, pero a su vez agradece ser el iluminado en el mundo de las tinieblas. Para Baudelaire, podía considerarse “moderno” alguien que daba forma al “instante 1 Referente a la definición del fugaz detonando la experiencia de uno mismo y término “moderno” de Félix de de los demás con sus acciones en un instante Azúa, dentro de su Diccionario 1 de las Artes, Planeta, 1999. sucesivo”, generando abismos en lo cotidiano.

35 Tal consideración presume que hay un del Estado alemán durante la guerra. Caligari, campo de recepción para la pertinencia de entonces, era el equivalente al régimen que dicho término, el cual aglutina las formas indujo a un pueblo dócil a cometer crímenes. de experiencia vital de las sociedades en Y su momento más álgido fue en la Segunda transformación continua, lo que podemos Guerra Mundial. identificar como modernidad.2 El expresionismo alemán, junto a otros Para el filósofo Marshall Berman la movimientos de vanguardia, dio origen modernidad puede entenderse como unidad a muchas otras reflexiones y formas de paradójica, unidad de la desunión que arrojó a comprensión del mundo que suponían a todos los hombres a una vorágine de perpetua la modernidad como una serie de actitudes desintegración y renovación, al renegar del presente, como crítica del pasado, al y añorar situaciones del pasado como un representar el entorno como una forma acto superlativo. Esta paradoja distingue a la maleable y constante, nunca definida en su modernidad del siglo xx de otros momentos totalidad. El misterio, el grito y el ataque de la historia de la humanidad, y la destaca en contra la sociedad industrial fueron el eje virtud de su ansiedad por definir una fatalidad de un lenguaje que dio amplitud a las distintas que justificara preguntas en el presente, y maneras de manifestación de la expresión abstrajera sus formas, concluyendo sus relatos artística de la modernidad, mediante en narrativas que sugieren el predominio la sofisticación de su poética. del inconsciente sobre nuestros actos, al exacerbar los contrastes de la humanidad en Uno de los herederos más singulares una dualidad que podía representar al mundo, de las formas poéticas del expresionismo no sólo en mitos, sino también en sucesos alemán fue Mathias Goeritz con su trabajo y ficciones. Ya no eran Dante y Virgilio escultórico temprano, quien desde la década arrastrados por Caronte, ahora podía ser Jane de los cincuenta desarrolló un lenguaje secuestrada por el sonámbulo Cesare, bajo la artístico anclado en formas cargadas de voluntad del Dr. Caligari. Esta representación los principios modernistas, adaptando su de la angustia moderna concebida por Robert práctica a una escena cultural mexicana Wiene en 1920, en una película titulada en desarrollo. La llamada arquitectura emocional El gabinete del doctor Caligari, propone una de El Eco constituyó uno de los intentos más atmosfera expresionista, definida por el significativos en México por sacudir la escena contraste de su paisaje urbano y rural, que se cultural de su tiempo, al proponer un museo que funde en formas irregulares y en claroscuro, 3 En este sentido, la no conservaría ni coleccionaría objetos, sino arquitectura emocional las cuales manifiestan la tensión entre un buscaba emparentarse con los experiencias derivadas de las situaciones 3 mundo tradicional y otro consumido por principios del expresionismo sucedidas en el lugar. La representación de una perversión psiquiátrica personificada alemán que fijó sus postulados ese interés quedó registrado en una sesión en la alteración de las formas por Caligari. La idea de esta película, de la naturaleza para poder fotográfica llevada a cabo por Marianne Gast, concebida por sus guionistas, de imaginar expresar la subjetividad de los donde Goeritz dirige a la bailarina Pilar 2 Marshall Berman, Todo lo sólido hombres, contraponiéndose de a un sonámbulo inducido para cometer se desvanece en el aire, México, esta manera al pensamiento Pellicer para demostrar las posibilidades Siglo xxi, 1998. crímenes, era la denuncia del proceder positivista del siglo xix. multidisciplinarias del espacio cultural.

36 37 Eugène Delacroix, Dante y Virgilio en los infiernos, 1822. © rmn (Museé du Louvre) /Jean-Gilles Berizzi.

Robert Wiene, El gabinete del doctor Caligari, 1920. Still de la película, fotografía de Willy Hameister.

El artista es al mismo tiempo el genio y el Pensado como una escultura penetrable, sonámbulo que secuestran temporalmente El Eco es una obra que se reescribe cada a la doncella, pero esta vez a partir de la vez que se interviene y que se habita, de experiencia significativa del lugar donde ahí la justificación a la antonimia museo- se encuentran, en un tiempo y espacio experimento, en una deliberada búsqueda compartidos, donde lo sólido de la obra se por definir la conservación de la memoria de desvanece en el aire de la situación que la expresión humana y no sólo sus productos. generan sus acciones. Se erigió sobre un terreno pequeño, con El Eco se construye como una escisión en el muros que van de los 7 a los 11 metros de ámbito de las instituciones culturales que no altura, y sus líneas angustiadas, justas y se resuelve sólo como un proyecto definido fugadas proponen un recorrido dramático por su historia y su relato; se pensó como un no utilitario, que se contrapone con la organismo vivo debido a las actividades que concepción de espacio aséptico y estable ahí podrían suceder. El Eco, según palabras que se reconoce hoy como cubo blanco. de Goeritz, se abrió para ofrecer un lugar a Al emerger como una de las piedras angulares 4 Manifiesto de la Arquitectura 4 las inquietudes del mundo actual, donde la Emocional en los anexos de del modernismo en México, El Eco se planteó integración plástica no fuera comprendida esta publicación establece como una sorpresa, un lugar de encuentro que: “EL ECO fue abierto a las como un programa, sino como un acto natural inquietudes artísticas del mundo que presenta sus espacios como contenedores de la situación espacial-arquitectónica. actual”. de contrastes de luz y oscuridad, siempre

38 39 pensando en las circunstancias emotivas del hombre actual, secuestrado en el funcionalismo, en la lógica y utilidad de la arquitectura funcional.

En poco más de 60 años, y como consecuencia de la inesperada muerte temprana de su impulsor, Daniel Mont, el espacio tuvo distintas vidas en función de sus diversos momentos como inmueble encallado en una ciudad como el Distrito Federal. En su última etapa, después de 13 años de desuso (1990- 2003) y con el prospecto de convertirse en un estacionamiento, la Universidad Nacional Autónoma de México (unam) promovió su rescate en 2004 y restauró su arquitectura original, devolviéndole su vocación inicial: la búsqueda de la emoción en los hombres vinculadas a prácticas interdisciplinarias del arte. En los últimos 10 años (2005-2015), la escena del arte mexicano ha podido presenciar sus impulsos, siempre en espera de dialogar con nuevos visitantes, transformándolos, llevándolos de la mano como Virgilio lo hizo con Dante, arrastrados por Caronte, mirando a la realidad del oscuro mundo de frente, con la barca abierta para quien quiera subirse y salir temporalmente de las tinieblas, del mundo espectacular que nos consume; un lugar en el cual la emoción no se paga, no se colecciona ni se especula: se experimenta.

Mathias Goeritz y Pilar Pellicer en El Eco, 1953. Fotografía de Marianne Gast, Archivo Mathias Goeritz de la Dra. Lily S. de Kassner.

40 41 Escenarios contingentes o la arquitectura sin fin

¿Cuáles son los orígenes para la búsqueda de la emoción en la arquitectura y en la obra de Mathias Goeritz? Mucho puede elucubrarse al respecto, pero sería un error obviar posibles líneas de relación con procesos, personajes y proyectos que anteceden en la escena internacional al proyecto de El Eco, con respecto a lo que a la reflexión sobre el espacio de exhibición se refiere y en relación con lo que sustenta a la obra de Goeritz como escultura habitable. Es muy sabida y citada la influencia del expresionismo alemán y de los lenguajes vinculados a desarrollos de vanguardia en las artes y el diseño en los modelos de producción de Goeritz, pero es necesario situar a la escena mexicana del arte en relación con otras en lo que concierne a la construcción de museos nacionales. Sin embargo, lejos de entender este proyecto como una institución abierta, creada por el deseo de ser un espacio de oferta cultural promovido por intereses comerciales de un empresario, podríamos regresar un par de pasos para descubrir lo que pudo estar detrás de las decisiones de Goeritz para la creación del lugar como dispositivo para la emoción.

43 Si bien Goeritz tuvo como formación la de historiador del arte, con el interés particular de analizar el fenómeno artístico en sus formas clásicas, como consta en su tesis doctoral sobre el trabajo del pintor Ferdinand von Rayski publicada en 19421 (Ferdinand von Rayski und die Kunst des neunzehnten Jahrhunderts [Ferdinand von Rayski y el arte del siglo xix]), se puede también entender su inclinación por conocer movimientos de vanguardia como el expresionismo alemán, resultado de su tránsito por distintas ciudades de Europa y como consecuencia de la repentina negación de los patrones estéticos que promovió el Estado alemán después de la Segunda Guerra Mundial, en razón de su deslinde con dicho régimen. Goeritz no sólo dejó de ser delegado del Consulado alemán por parte del Instituto Alemán de Cultura de Madrid con sede en Tetúan, y profesor del idioma alemán (ca. 1945), sino que también decidió tomar la alternativa del oficio del arte desde la producción como artista, para verter su experiencia como espectador del arte a la par de su producción, y dejar de lado sus primeras influencias y desempeñar actividades diferentes que le permitieron salir de su país.

Mathias Goeritz, Ideograma Para 1948, Mathias Goeritz ya había contraído de El Eco, 1953. Archivo cenidiap- nupcias con la fotógrafa Marianne Gast, inba, Fondo Mathias Goeritz. con quien viajó a Altamira para conocer las pinturas rupestres, como parte de una encomienda para documentar con imágenes tan importante patrimonio cultural. Este hecho, a la par de su amistad con los artistas 1 La investigadora Chus Tudelilla Ángel Ferrant, Ricardo Gullón y Pablo propone este documento en su tesis sobre Mathias Goeritz Beltrán de Heredia, cambió sustancialmente en España como contrapunto la dirección de la mirada de Goeritz sobre de sus intereses con el arte de el campo del arte y lo hizo redireccionar su vanguardia, antes de conocer a los artistas españoles con los que concepción plástica a un espectro prehistórico coincidió en Santillana del Mar. de la forma de representación del mundo,

44 45 lo que tuvo como consecuencia una Todos ellos expusieron su trabajo en la complejidad visual que tomaba como punto galería de Guggenheim que, con una singular de partida la abstracción y la apropiación de propuesta para presentar la obra de los formas, igual que otros artistas que en ese artistas, configuró uno de los momentos momento definían el rumbo del arte pictórico más importantes de la historia del arte de la de Europa y habían tomado por asalto las zona. Este proyecto contrastaba con las líneas 2 El proyecto pedagógico tendencias estéticas de América del Norte, lo llamado Escuela de Altamira conceptuales y arquitectónicas que en ese cual fue detonado por el flujo de exhibiciones emergió en la comunidad periodo estaban reconfigurando la misión de Santillana del Mar como de obras provenientes de la escena artística resultado de una exposición del Museo de Arte Moderno (MoMA), parisina, enmarcada en exposiciones de colectiva de obra pictórica. también en Nueva York, cuya posición se arte abstracto de artistas vinculados a los Mathias Goeritz, que años antes oponía a los discursos de presentación había mostrado un particular lenguajes que hoy se identifican como las interés por la pedagogía como del hecho artístico orientados a la revisión últimas vanguardias en Europa. Mientras, un proceso amplio de producción analítica del suceso plástico, que se traducían artística paralelo a las técnicas en Estados Unidos, un año antes de que clásicas de la academia del arte, en una arquitectura aséptica y blanqueada Goeritz, Ferrant, Gullón y Beltrán de Heredia buscaba confrontar conceptos con luz cenital —consecuente con la filosofía filosóficos con la experiencia hicieran público el proyecto denominado obtenida de estudiar movimientos de su entonces director Alfred H. Barr— Escuela de Altamira2 en Santillana del Mar, de vanguardia europea, en los dirigida a visibilizar trabajos artísticos concluía en la ciudad de Nueva York una de que la emoción y el misterio mediante su deconstrucción. La obra de arte de la forma pudieran devenir las iniciativas galerísticas más significativas en un estado de ánimo que se distinguía de la arquitectura y situaba para el arte de la época, cuya intención hermanara a los seres humanos al museo como una suerte de cámara de desde su experiencia con el principal fue mostrar al mundo el mayor alcance hecho artístico. La guerra, que conservación, sin sombras, blanco, limpio, de la sofisticación de los lenguajes del arte acababa de abatir la tranquilidad artificial, enfocado, de esa manera, a la de buena parte del mundo, no internacional frente a las restricciones de dejaba más espacio que para las función del espacio arquitectónico por las libertades estéticas ocurridas durante ideas de progreso y modernidad. completo, hacia la tecnología de la estética.3 la Segunda Guerra Mundial en Europa. El Los “ismos” y el espíritu de Barr creía que el museo de arte debía ser un vanguardia se transformaron proyecto de galería de arte de la coleccionista en deseos humanitarios que espacio de concentración de los lenguajes de Peggy Guggenheim en 1947, conocido como mucho colaboraron en la su tiempo, que pudiese estar al servicio disolución de la condición Art of This Century, presentó diferentes momentos lineal de la historia del arte. de la sociedad en general para promover de la expresión artística de su época, al promover No es raro entonces que aquel su inclusión en los acontecimientos más proyecto pedagógico, que tenía durante cinco años la producción de artistas que como una de sus principales 3 La descripción arquitectónica relevantes, y cuyo lema de instrucción hoy son símbolo de la historia del arte del siglo xx. misiones la ampliación de los del Museo de Arte Moderno, pedagógica sería: “Capacitar al pueblo para lenguajes, las técnicas y los relacionada con la opinión que pueda enfrentarse con la civilización modelos de representación de la de Brian O’Doherty aparece 4 Artistas como Jean Arp, Georges Braque, expresión de los artistas de una en el capítulo “Notes on the contemporánea”. Giorgio de Chirico, Salvador Dalí, Marx localidad provincial, sostuviera Gallery Space”, del ensayo el lema “Todos los hombres, titulado Inside in the White Cube, Ernst, Alberto Gironella, Wassily Kandinsky, por fin hermanos, se convierten publicado por primera vez en la Peggy Guggenheim, por su parte, había Fernand Léger, André Masson, Roberto Matta, en artistas”. Un sector de la revista Art Forum, en 1976. traducido sus inquietudes por el arte en una academia percibió el júbilo de Joan Miró, Pablo Picasso, Yves Tanguy, entre varios pintores del lugar por 4 Fernando Gamboa refiere posición que contrastaba con la de Barr, al otros, habían desplazado su escenario a los participar en la propuesta de dicho lema cuando redacta la invertir parte del dinero de su herencia en horizontes estadounidenses, lo cual representó Goeritz y sus camaradas, la cual, entrevista que le realizó a Alfred coleccionar arte y promover una galería de en su momento, se consideró H. Barr en México, publicada un aire fresco que generó muchas iniciativas un proyecto que revitalizaría la el 14 de agosto de 1942 en la vanguardia, ubicada en el número 30 de la relevantes en la escena neoyorquina. práctica artística local. revista Tiempo. calle 57 de Manhattan. Para ese proyecto,

46 47 Biblioteca de pintura, en Art of This Century, 1942. © 2017 Austrian Frederick and Lilian Kiesler Private Foundation, Viena.

Frederick Kiesler en la sala presentadas a partir de un dispositivo surrealista de Art of This Century, escenográfico que deformaba la arquitectura en 1942. Fotografía de Berenice Abbott. © 2017 Austrian en el lugar y separaba las obras de los artistas Frederick and Lilian Kiesler de las paredes y del piso, para trastornar Private Foundation, Viena. continuamente la manera convencional de exhibirlas, de modo que los visitantes no Guggenheim convocó al escenógrafo, escultor serían sólo espectadores, como en el caso y arquitecto de origen austriaco Frederick del museo, sino que también participarían Kiesler,5 quien recibió la encomienda de en experiencias en tiempo presente, en una transformar el espacio comercial —donde atmósfera diseñada ex profeso para vincular antes había una sastrería— en un espacio la expresión artística con la experiencia singular de exhibición de arte. Kiesler partió espacial del tránsito en el sitio, intentando de una idea particular del concepto de unidad, con ello lograr de nuevo la unidad entre la traduciendo el diseño espacial del proyecto experiencia de la imagen y la experiencia de en una reflexión social sobre la “conciencia la realidad en los hombres como una misma emotiva” de los seres humanos frente a cosa, y así recuperar la emotividad que, 5 Frederick John Kiesler de teatro, de exposiciones de su entorno cotidiano, con la intención de (Imperio austro-húngaro, 22 diseño y de arte en la década de según Kiesler, pudo haber experimentado el restituir el acto de ver de las personas como de septiembre de 1890-Nueva 1920 en Viena y Berlín. En 1920 hombre primitivo. Kiesler dividió el espacio en York, 27 de diciembre de 1965). comenzó una breve colaboración un hecho que se vincula con la acción humilde Diseñador teatral, artista, con el arquitecto Adolf Loos. diferentes áreas en función de las necesidades de recibir y aceptar la visión de los demás. teórico y arquitecto. A partir A partir de 1926, tras la de la colección de Guggenheim, entre las de 1908-1909 estudió en la invitación de participar en la cuales se contemplaron: una sala para arte Esta posición contrasta claramente con la Technische Hochschule, y de Exposición Internacional de idea de la instrucción educativa de Barr, si se 1910 a 1912 asistió a clases Teatro de Nueva York, decide abstracto, una para arte surrealista, otra para considera que el espacio que diseñó Kiesler de pintura y grabado en la cambiar su residencia a dicha arte cinético y una con iluminación natural, Akademie der Künste Bildenden, ciudad, donde permanece hasta afectaba por completo a las obras expuestas, en Viena. Kiesler fue productor su muerte. concebida como biblioteca de pintura;

48 49 asimismo, se diseñó específicamente un 6 En sus notas para el diseño de también podía servir como su obra. Su obsesión por el diseño del espacio, la galería, Kiesler puso énfasis mampara para obra de caballete sistema de exposición para cada segmento en los diferentes aspectos y, de esa manera, se contemplaba derivado del estudio de las escalas y del del espacio.6 que consideró clave para la economizar los costos de futuros tiempo relacionado con el diseño ambiental, construcción del proyecto: montajes de la galería; 7. En 1. Sobre la movilidad de las una de las salas del proyecto, le dieron la posibilidad de transformar su La pretensión de la mancuerna de instalaciones museográficas la que fue denominada como propuesta, porque la forma de sus proyectos Guggenheim-Kiesler iba más allá de la sola y sus posibilidades según la galería surrealista, se procuró no obedecía a un desarrollo formal derivado de exhibición; 2. La sistematización romper con el carácter plano exhibición de obra artística: contemplaba la de los métodos de montaje de las paredes, adaptando una una evolución de vanguardia estética, sino creación de un espacio de recreación estética como un modelo de exhibición serie de brazos metálicos para de procesos de integración interdisciplinaria específica que promovía la sujetar los cuadros que se fueran e intercambio social en varios niveles, lo que economía de recursos; a exhibir y, con ello, tener la en muchos de los aspectos que conciernen a daría como resultado un lugar de encuentro 3. La “coordinación espacial” posibilidad de inclinar las piezas un uso multimodal del espacio arquitectónico, mediante un dispositivo de al gusto de los espectadores singular y atractivo para la escena de la montaje que permitía que para su contemplación de pie o como un pensamiento relacionado con época, al proponer un uso más amplio del la obra bidimensional y sentados, según fuese el caso, la transitoriedad de sus habitantes Tales espacio de exhibición de arte y trastocar el tridimensional fusionara sus de manera que la exhibición de las inquietudes se materializaron en el diseño cualidades en un mismo espacio, piezas se acoplaba a la posición aura del objeto artístico que durante siglos se interviniendo el sitio de manera y corporeidad de los visitantes; utópico de la Endless House, proyecto que había construido del fenómeno en Occidente. diferente a la lógica del salón y, además se contempló un juego empezó su realización desde la época de los con ello, promover un tipo de de iluminación que integraba Todo esto sobre la base de ampliar los experiencia sensorial-ambiental a la lectura de las piezas, el años veinte (con múltiples versiones) y que posibles usos de la arquitectura en un sentido y menos monográfica; 4. La fondo de las paredes, las cuales se presentó en público como propuesta hasta interpretación del espacio de generaban diferentes juegos de conceptualmente distante de lo que se había exhibición a partir del diseño de luz y sombras con las piezas, 1964, en la célebre exposición de arquitectura propuesto hasta ese momento en el campo la iluminación, similar al diseño comportándose de forma titulada “Environmental Sculpture”, realizada museográfico. de una puesta en escena, ya lúdica con cada propuesta; en el moma de Nueva York por el arquitecto que finalmente la construcción 8. En la zona destinada a de una atmosfera depende, en presentar proyectos de arte Philip Johnson, quien años antes fundó el ¿De dónde provienen las inquietudes visionarias mucho, de su iluminación; abstracto se colocaron columnas Departamento de Arquitectura y Diseño en 5. Promover diferentes formas de suspensión, que consistían sobre la relación extendida del hombre con el de uso de las salas de exhibición, en un sistema museográfico a esa misma institución. espacio y cuáles han sido sus consecuencias? en este caso, también como partir de tensores, el cual permitía archivo en un sentido figurado, sujetar la obra en el espacio, En 1925, en el marco de la Exposición Internacional al destinar una sala de la duplicando el área de exhibición Años antes, cuando Kiesler acuñó por primera de las Artes Decorativas e Industriales Modernas galería como biblioteca o sala y los posibles juegos de relación vez el concepto de Endless —vinculado al diseño celebrada en 1925 en París, Frederick Kiesler de consulta de pinturas, donde formal entre las piezas que ahí se de otros proyectos para exponer al mundo los visitantes podrían ver la presentaban, además de ofrecer tuvo a su cargo la instalación del pabellón obra que les interesara en la posibilidad de cambiar su sus inquietudes en la arquitectura, la ciencia austriaco, donde expuso por primera vez su detalle, sentados o de pie, con ordenamiento en cada proyecto y el arte, hacía referencia a la posibilidad de la posibilidad de intercambiar museográfico, contemplando idea de “la ciudad en el espacio” (Raumstadt), piezas de lugar, y con una un sinfín de combinaciones afectación de sus obras, entendidas como un que seguía las líneas ideológicas desarrolladas proximidad nunca antes vista de montaje y, por último, enunciado inacabado—, lo cual coincidía con con la obra; 6. El diseño de 9. En la cuarta sala de la galería por el grupo holandés De Stijl y ampliaba las mobiliario, para evitar la fatiga había un sistema rotativo en la posición duchampeana de la producción problemáticas sobre el estudio del espacio, de las personas al visitar el lugar, espiral, que proponía mostrar “definitivamente inacabada del arte” y, al mismo su diseño y manipulación en relación con estaba formado por tres tipos de obra bidimensional al gusto tiempo, posicionaba, en la escena artística diseños de asientos que le daban del visitante, automatizando las artes, como conocimiento aplicado en la al espacio una dimensión la presentación de la obra y, al y arquitectónica, un nuevo uso para el espacio vida cotidiana. Kiesler propuso diferentes doméstica y permitían a los mismo tiempo, ampliando el de exhibición del arte paralelo a las exploraciones artistas modificar la estructura número de obras para exponer aproximaciones en sus proyectos de diseño interna del lugar y provocar en un mismo lugar, sin la espaciales que los movimientos de vanguardia arquitectónico y escenográfico, con los zonas de relación personal necesidad de sacralizar la habían ejecutado con anterioridad. Cuando Kiesler 7 distintas a las de los museos, relación obra-espectador. Este conceptos: correlación, correalismo y biotecnia, sobre todo en los eventos de último dispositivo provocó una advierte la paradoja que contiene al desarrollo de y la intención de extender su idea sobre el apertura de cada exposición; uno serie muy amplia de revisiones la arquitectura en sus formas constructivas, dinamismo, el infinito y la continuidad en de los tres diseños de asientos de trabajos, que tenían como debido a su funcionalidad, trata de compensar

50 51 esa constante de la época, al preocuparse de manera integral por la función utilitaria de la arquitectura como tema central de la disminución de la capacidad artística de ser una solución espacial real. Esto dio como resultado alternativas distintas a sus contemporáneos en lo que a diseño de las formas compete. Kiesler idea entonces el concepto de la psicofunción en la arquitectura, derivado de la siguiente premisa, que él mismo describió así: “Sólo la función y la eficiencia pueden no crear obras de arte. La psicofunción es ese suplemento más allá de la eficacia que puede convertir una solución funcional en arte”. Lo anterior también precisa que se potencien los valores materiales que se encuentran en la arquitectura y que, al final, son los que afectan la percepción de los hombres al referencia para la activación de dicha maquinaria museográfica habitarla: valores de escala, color, textura, la presentación de una serie peso, masa, iluminación, etc., vinculados de trabajos de Paul Klee y, con la razón de ser de los espacios diseñados. subsecuentemente, de la obra de Marcel Duchamp. Durante años, Kiesler especuló sobre el espacio interior de su Endless House con la intención 7 Javier Maderuelo Raso, en su investigación sobre la de crear un espacio fluido y continuo, sin “idea del espacio” (La idea de muros divisorios interiores, pensando en la espacio en la arquitectura y el arte contemporáneos, 1960-1989, posibilidad de extender el uso y función Akal, 2008, p. 61) propone de las áreas de manera orgánica al tiempo de la relación de Kiesler con la vanguardia legítima, en el desarrollo de las vida de sus habitantes, al igual que un ser vivo correlación consecuente con la plataformas donde pueden suceder las derivas idea de continuidad del tiempo- en sí mismo, simbiótico con sus habitantes. espacio, al describir este principio sociales que el fenómeno provoca en sus como la columna vertebral de su distintos ámbitos. Las ideas de lo inacabado pensamiento en lo que respecta y de la posibilidad de lo infinito en los Lo singular de revisar el proyecto de a sus proyectos arquitectónicos. Guggenheim y Kiesler para notar una posible Según Maderuelo, Kiesler definía proyectos arquitectónicos y escultóricos de la correlación como cualquier Kiesler coinciden con las líneas expresadas influencia en El Eco es espejear ambos ejemplos relación significativa entre las como proyectos que suceden de manera similar ideas, los objetos, las personas por Goeritz acerca de la posibilidad de detonar en su génesis. Art of This Century surge a partir o los espacios; correalism experiencias netamente “humanas” en la (correalismo) como la exploración del encargo de transformación de un local en la dinámica de la interacción arquitectura, señalando la emoción como una comercial por parte de una coleccionista, continua entre el hombre y nueva premisa para la concepción arquitectónica. los ambientes naturales y La emoción, como una sustancia que vincularía y mediante ello se pudo dar una revolución tecnológicos; mientras que en cuanto a los escenarios de visibilidad biotecnia lo define como la entonces la obra arquitectónica con quienes la aplicación del conocimiento habitaran temporalmente, y no como un valor y concepción del arte de la época, al combinar del correalismo a los problemas intereses comerciales con aquellos de específicos de la arquitectura. desarrollado por el arquitecto para sus usuarios

52 53 —en este sentido se entiende la arquitectura emocional de Goeritz—, es un enunciado que se diferencia de los proyectos arquitectónicos de su época, sobre todo en el uso y función de los espacios que suceden dentro de El Eco; éstos no provienen de la búsqueda de efectos estéticos del ambiente para hacer una postal, ni de una coloración decorativa del lugar. La emoción 8 Mathias Goeritz, en su Manifiesto de la Arquitectura de la cual habla Goeritz coincide con el uso Emocional, asume que el en tiempo presente del sitio, más allá de su individuo creador de la era actual exige de la arquitectura conservación física. Las catedrales góticas no algo más que estética de sus son magnánimas sólo porque son formalmente materiales: exige una idea de 8 elevación espiritual al momento impresionantes, lo son porque siguen siendo de ser concebida; una emoción, lugares rituales y siguen habitadas de la manera como se le dio a los hombres en que fueron concebidas, con las mismas en su tiempo la arquitectura de la pirámide, del templo griego, premisas, evolucionando a la par de la razón de la catedral románica o gótica. y el pensamiento de sus visitantes, así como “Sólo recibiendo de la arquitectura emociones verdaderas, el hombre del tiempo de sus materiales. En su texto puede volver a considerarla Sobre la libertad de creación9 Goeritz afirma: como un arte”.

9 Ideales, Guadalajara, El verdadero arte es vivo; aunque sus creadores México, núm. 5, año 1, 1950. hayan muerto hace miles de años. Se reconoce Reproducido por Leonor Frederick Kiesler, modelo la obra de arte por su vida propia. La obra que Cuahonte en 2007 dentro de para Endless House,1950-60; la compilación de textos de maqueta de 1958. Fotografía de no tiene vida no es obra de arte. Mathias Goeritz, en el libro Georg Barrows © 2017 Austrian titulado: El Eco de Mathias Frederick and Lillian Kiesler Goeritz, publicado por el iie-unam. Private Foundation, Viena.

54 55 La búsqueda de libertad de creación

Mathias Goeritz no sólo coincidió con Frederick Kiesler en sus premisas de producción arquitectónica con respecto al tiempo y al espacio continuo y emocional. También lo hizo en la economía de recursos formales para realizarlos, amparado en la claridad y especificidad de su función. En el caso de Kiesler, este ideal de producción y abstracción de la forma obedeció al influjo de los escritos del arquitecto y teórico Adolf Loos,1 de quien fuese asistente en su juventud y quien 1 Adolf Loos (Moravia tuvo un peso determinante en los postulados de 1870-Viena 1933) revolucionó la arquitectura vienesa en 1899 la arquitectura del movimiento moderno del con la construcción del Café siglo xx, procurando la des-ornamentación como Museum; en 1908 escribió Ornamento y delito, un texto en una suerte de ruptura con el historicismo el que anunciaba la evolución arquitectural, lo que revolucionó para siempre estética de la arquitectura, y su deslinde del adorno y el los modelos de construcción de la época. ornamento. Este pensamiento Su concepto Raumplan, que significaba dotar progresista provenía a su vez de y señalar la importancia particular y distinta los postulados de justicia social de Karl Marx y Federico Engels, de cada uno de los espacios de una edificación para en los que se critica el ornamento su óptima habitabilidad, generó un sistema por ser un trabajo mal pagado, innecesario estructuralmente y para vestibular la planta arquitectónica de sus porque acentúa las diferencias proyectos donde el espacio de representación sociales. Loos se refirió al ornamento de la siguiente de una casa habitación —la sala, por ejemplo— manera: “Como el ornamento ya articulaba a su alrededor un eje imaginario no está unido orgánicamente a que definía diferencias de escala y alturas en nuestra cultura, tampoco es ya la expresión de ésta”. las habitaciones, otorgándoles una función

57 especifica a partir del ambiente que se perspectiva de la construcción de la narrativa procuraba en las mismas, como una espiral nacionalista, y solicitaba a los partícipes imaginaria en la que el movimiento de los de la escena local desdeñar el proyecto por ser habitantes se desplegara de acuerdo con parte de una falsa propuesta artística. el espacio.2 Kiesler retoma dicho concepto En el caso de El Eco, el dilema de la integración y lo revoluciona al imaginar su arquitectura plástica en la arquitectura quedaba superado escultórica Endless House como un espacio al concebir su arquitectura desde un continuo de subespacios ubicados en diferentes planteamiento escultórico y no utilitario, que niveles, con incidencias diversas de luz y, a la permitiera —como en el caso de los proyectos vez, en la creación de espacios con carácter de Kiesler— una mayor interacción de los distinto, como es el caso de Art of This Century. usuarios dentro de ésta, en una atmósfera total, Todas estas ideas ya habían permeado concebida para la experiencia sensorial globalmente los lenguajes de la arquitectura y social de los visitantes.5 Al revisar ambas y habían levantado también reacciones propuestas de producción y concepción encontradas con respecto a la racionalización espacial —Endless y arquitectura emocional—, de los espacios arquitectónicos en su versión se hacen evidentes las dificultades que el más utilitaria desde la época de Loos, al mismo medio provoca cuando un proyecto servir sus planteamientos de pretexto para atenta contra el plusvalor del objeto artístico, la austeridad de los espacios de posguerra, cuando se propone como una experiencia señalando dicha tendencia como parte de la participativa y no sólo como un acto de decadencia de la arquitectura en general, contemplación. La búsqueda de la experiencia lo que la separa del problema del arte. Esto era total del arte y no de la obra de arte total parte de lo que opinaban grupos detractores3 implica un desplazamiento de la figura del de ese movimiento, que criticaban la forma artista a la del mediador y promotor del racional y utilitaria de los espacios, aunque hoy suceso artístico, de maneras mucho más sabemos que tales problemas no son propios sólo abiertas de lo que permitieron las cofradías de la arquitectura contemporánea, sino de la gremiales en los movimientos de vanguardia. sociedad de consumo en general, la cual diluye Goeritz el historiador y Kiesler el escenógrafo cualquier postulado artístico, y banaliza y disuelve boicotearon continuamente su ego artístico la sustancia del pensamiento de sus precursores. al promover iniciativas en las que su gestión 2 Como ejemplo véase el diseño para la casa del escritor francés y diseño de plataformas y dispositivos de Por su parte, en México Mathias Goeritz de origen rumano Tristan Tzara, exhibición cobraban protagonismo sólo a enfrentó un conflicto similar al inaugurar construida en 1926. partir de dar espacio a la obra y opinión con Daniel Mont el Museo Experimental 3 Grupo de arquitectos de la de otros, a favor de la transitoriedad y la El Eco, cuando un grupo de artistas Secesión de Viena. construcción de campos de recepción para encabezados por David Alfaro Siqueiros 4 Mauricio Gómez Mayorga su ideología y práctica. En consecuencia con se refirió al proyecto de forma peyorativa, opina sobre el estado de ánimo lo anterior, Goeritz afirmaría en una de sus del momento en su artículo como “Escuela de París, abstraccionismo homónimo al texto de Goeritz, 5 “Nuevo enfoque al problema tantas advertencias: imperialista y neoporfirismo”,4 por su clara “Sobre la libertad de creación”, de la integración plástica”, Arquitectura México, México, publicado en Arquitectura México, Visto desde otro planeta, el hombre debe parecer oposición con el modelo de integración plástica México, núm. 45, marzo de 1954, núm. 80, diciembre de 1962, que el muralismo mexicano suponía, desde la pp. 38-45. pp. 294-295. una escultura móvil que vive, piensa y actúa.

58 59 Entre sus muchas capacidades productivas, Goeritz en la escena mexicana del arte, en una u otra forma relacionadas con el es necesario hacer visible esta otra línea pensamiento, la mayor que posee es su capacidad de reflexión consecuente con la mirada de elevarse espiritualmente. Esta fuerza es la que creativa de Frederick Kiesler, que ayude le ha hecho crear la metafísica y el arte. a desahogar y vincular mucho de lo que El arte le ha servido para ambientarse, en todos había sucedido en Europa en términos de sentidos, por lo cual sus obras reflejan, mejor vanguardia artística y que, de algún modo, que otra cosa, la historia del hombre a través sirve a Goeritz para emparentar dentro del de las épocas. El arte de hoy, por lo tanto, debe proyecto de El Eco a otros actores que en reflejar la época actual. Queda, sin embargo, su momento representaron la resistencia por investigar cuál es y dónde se encuentra ante los designios del movimiento muralista ese “arte de hoy”.6 en México desde sus postulados y modelos de producción.7 Mathias Goeritz observó La pregunta sobre el arte de la “actualidad” y recuperó parte de los planteamientos de que Goeritz planteó, se asemeja a las Kiesler como punto de referencia para su premisas de Kiesler sobre la función del arte producción multidisciplinaria, lo cual afectó y la arquitectura, y definitivamente ambos sin duda lo que tiempo después conoceríamos creadores no sólo se referían a la actualidad como arquitectura emocional, y amplió el campo del arte desde la novedad de los lenguajes de de recepción de su trabajo artístico a una la forma o su eficiencia técnica; la actualidad esfera más extensa que la que corresponde en el arte, para Kiesler y Goeritz, suponía únicamente a las artes plásticas. En el número percibir la expresión artística como un acto 93 de la revista Arquitectura México, de marzo en tiempo presente, un enunciado abierto en de 1966, Mathias Goeritz redactó el texto espera de ser ejecutado por otras personas editorial que presentaba la publicación, como propósito fundamental. El arte de dedicando sus esfuerzos y el de sus compañeros “hoy” tendría entonces que ser una búsqueda a la memoria de Frederick Kiesler, quien tenía continua que contemple dicha premisa como poco tiempo de haber fallecido. Orientó la un suceso legítimamente humano: coexistir en lectura del hecho de la siguiente manera: formas más amplias a las que marca el consumo de la sociedad contemporánea. Lo relevante de El arquitecto, escultor y pintor Friederick vincular hoy ambos procesos “modernistas” Kiesler, uno de los visionarios más importantes es redimensionar el carácter social del de la arquitectura moderna, murió el día 27 de pensamiento de la época que, en nuestros días, diciembre de 1965 a los 75 años de edad en la ciudad de Nueva York. emerge como posible respuesta a las paradojas 7 Hago referencia concretamente que el sistema del arte y su producción material de la participación de Rufino Tamayo, Carlos Mérida y Germán Kiesler era relativamente poco conocido enuncian, como resultado de la enajenación Cueto en el proyecto del Museo y aún menos valorado a pesar de que propuso actual de las sociedades de consumo. Experimental el Eco en 1953, considerando que mucho antes “rascacielos horizontales”, mucho antes de que de que Goeritz hubiese llegado Le Corbusier los concibiera y realizara. También Además de otras influencias ya conocidas y 6 Fragmento de Mathias Goeritz, a México, dichos personajes inventó la “espiral edificio”, adelantándose citadas por los especialistas en el entramado “Advertencia-cuestionario”, representaban ya trayectorias considerablemente a Frank Lloyd Wright en el publicada en Arquitectura México, notables, consecuentes con los que concierne a la trayectoria de Mathias México, núm. 85, marzo de 1964. sucesos de vanguardia del país. museo Guggenheim neoyorkino.

60 61 En los años veinte perteneció al grupo holandés de Goeritz y en su legado como impulsor de De Stijl y fue amigo de Mondrian. Sin embargo, proyectos multidisciplinarios, provocando concebía lo contrario de su amigo, es decir, con ello una historia paralela a la narración creaba espacios sin ángulos, sin esquinas (la casa del arte oficial y de la arquitectura modernista sinfín, véase arquitectura núm. 73 marzo de 1961) en México. en la cual no existía “ni principio ni término, como en el cuerpo humano”.

Luchó toda su vida porque la arquitectura volviera a ser arte. Fue el más lírico y quizás el más atrevido entre los arquitectos: un poeta solitario, creador de espacios, de formas, de ambientes. En cierto sentido fue el padre espiritual de numerosos esfuerzos que hoy pretenden ser revolucionarios.

Es mi deseo dedicar este número especial de la revista ARQUITECTURA MÉXICO a la memoria del admirado maestro y querido amigo Frederick Kiesler.

El Eco, por su parte y después del infortunado deceso de Daniel Mont en 1953, entró en una pausa —que duró más de cinco décadas— como museo experimental, aunque como espacio cultural su vida fue continua y hasta cierto punto orgánica con los cambios que su contexto inmediato generó, dando lugar a muchos sucesos que hoy se entienden como parte de la historia cultural y contemporánea del país.

Mathias Goeritz falleció en 1990 con la idea fija de que su proyecto más arriesgado no había podido materializarse del todo, pues las condiciones para su recepción jamás ocurrieron en un país en el que lo más importante siempre ha sido construir la justificación oficial de los agravios al pueblo, en lugar de la emancipación colectiva de sus conflictos, El Eco se convirtió en el relato constante de aquellos interesados en la obra

62 63 EL ECO, un museo universitario

La estética sin un soporte ético seguro puede producir soportes interesantes, incluso bellos, pero no arte. El arte es un servicio y, si el arte no tiene función espiritual, todos nuestros esfuerzos están condenados a llevarnos a una clase de arte egocéntrico hecho por intelectuales para intelectuales.

Mathias Goeritz, El arte es un servicio, 1964.

Del Foro Isabelino al museo experimental

En 2004, el rescate del predio ubicado en la calle Sullivan número 43 de la Ciudad de México fue uno de los proyectos más esperados por aquellos que conocían la historia del Museo Experimental el Eco. Nació como una iniciativa que contemplaba la recuperación de un inmueble que en algún momento de los años cincuenta había representado la reconsideración de las inquietudes de las vanguardias en cuanto a modelos de visibilidad del hecho artístico, así como plataforma multidisciplinaria para una comunidad formada por representantes de distintas generaciones, afines por su

64 65 Programa del Centro Universitario de Teatro de la unam, 1964. Archivo cenidiap-inba, Fondo Mathias Goeritz.

El Eco era un caso singular en todos los aspectos que corresponden a su historia como “arquitectura escultórica”, ya conocida por Fachada del cut, Excélsior, 18 de junio de 1972. muchos de los responsables universitarios, Archivo cenidiap-inba, a razón de los momentos en que el museo Fondo Mathias Goeritz. tuvo que ver con dicha institución, cuando se convirtió en teatro durante la gestión quehacer creativo, que confrontaba los del maestro Héctor Azar, en 1967. Fue el mismo principios que el proyecto del muralismo maestro Azar quien inaugurara el entonces mexicano insistía en promover en la sociedad Centro Universitario de Teatro (cut) —conocido 1 1 Como movimiento, después como el Teatro Isabelino— con una mexicana. Para la Universidad Nacional el muralismo mexicano buscó Autónoma de México (unam), dicho rescate consolidar los ideales sociales de puesta en escena a su cargo que tuvo como significó contribuir a la historia de la ciudad, la Revolución, entre los que título: La higiene de los placeres y de los dolores. destacaba formalmente el y reactivar un espacio que, además de ser un nacionalismo estético dentro hecho importante dentro de las iniciativas de sus líneas de representación En el mismo año, 1967, la Universidad intervino plástica, que asumía una el lugar y aprovechó la arquitectura creada por modernistas del arte de la primera mitad del revaloración de los signos y siglo xx, constituía uno de los emblemas más emblemas de las culturas locales, Goeritz para la creación de un foro en el patio, frente a las conquistas realizadas alterando el lugar con un techo que aportaría significativos de la arquitectura moderna del por extranjeros en el periodo periodo, propuesta en este caso por un escultor. colonial. el área necesaria para la función. Se modificó

66 67 el proyecto arquitectónico original con el fin una escisión definitiva entre los principios de promover un programa que, además de modernistas que dieron origen a El Eco y las incluir puestas en escena, promovía la cultura cualidades del espacio que las representaban. relacionada con el fenómeno del teatro La organización de artistas denominada mediante cursos y talleres, al combinar los Centro Libre de Experimentación Teatral usos y las funciones del espacio, destinando y Artística (cleta) tomó el lugar y logró áreas para tener un salón de clases, una sala organizarse como un grupo de teatro político de diseño para los montajes y un espacio para a partir de febrero de 1974, con un conjunto la realización de los proyectos escénicos. de estudiantes de arte y con apoyo de personas que realizaron teatro independiente La Universidad siempre reconoció la con anterioridad.3 importancia del lugar como centro cultural y su reactivación en ese momento como espacio Después de ocho años de actividad y en destinado al estudio y experimentación de las medio de diferencias internas de los grupos artes escénicas parecía no contraponerse con que dirigían las actividades del entonces lo que se conocía sobre el proyecto original “Foro Isabelino”, en 1981 se decide concluir de El Eco. Aunque años antes del proyecto 2 “¿Arquitectura Emocional?”, las actividades del cleta dentro del predio de universitario del cut, en 1960, Goeritz ya en Arquitectura, México, números Sullivan 43,4 y quedan como responsables 8-9, mayo-junio de 1960, había escrito una opinión con respecto a la pp.17-22. del lugar los grupos identificados como Los modificación de su proyecto, en la revista Chidos y el Tecolote, mismos que ampliaron 3 Años antes, en 1960, el colectivo Arquitectura, al publicar de nueva cuenta pionero Los Mascarones, las actividades del recinto más allá de lo su Manifiesto de la Arquitectura Emocional y, organización de donde provino correspondiente al teatro e integraron a la vez, su sentir sobre el hecho: cleta, había convencido a decenas actividades de corte político social. Para de jóvenes para formar grupos teatrales y hacer teatro callejero enero de 1983, el espacio ya era conocido Con pocos acondicionamientos y cambios en la en contra de lo establecido dentro como el Centro Cultural Tecolote, donde se decoración, el mismo edificio hubiera podido de los lenguajes formales que la escena manejaba en el momento, realizaban actividades culturales diversas. servir perfectamente de tienda de decoración, con la intención de buscar por Cabe destacar que durante todo el tiempo sala de exposiciones de automóviles o incluso medio de su trabajo actoral “la que el lugar estuvo ocupado por iniciativas de casa de estudio de un arquitecto. Según transformación política y social del país”, según manifestó el artístico-teatrales, la unam colaboró mis informaciones, hoy día resta bien poco del grupo en distintos medios de auspiciando los proyectos, pero la relación edificio. Los propietarios de cabarets, bajo la la época. refinada batuta del propietario del terreno, entre estos últimos terminó al fracturarse lograron la destrucción o vulgarización total 4 Sobresale la separación los intereses de corte académico dentro de los grupos dirigidos por de mis ilusiones. Desde luego la obra no era, ni Luis Cisneros y por su hermano del recinto y al concluir con la oferta que 2 quería ser, más que un experimento. Enrique Cisneros, conocido también relacionaba el lugar con la dirección del cut. como el Llanero solitito. En septiembre de 1983 el periódico Excélsior Como se sabe, el proyecto del cut también 5 María Idalia escribió la nota publicó un artículo sobre los 30 años de la tuvo una vida corta en relación con su referente al estado del edificio inauguración de El Eco,5 y comenzaba su y proyecto de El Eco: “Hace historia posterior. Con apenas seis años de 30 años se inauguró el Museo reflexión resaltando lo siguiente: “Hoy actividades como espacio de la Universidad, Experimental ‘El Eco’, de Mathias se cumplen 30 años de la inauguración de Goeritz, hoy destruido”, en Excélsior, este proyecto saldría del lugar a mediados de Sección B de la 1 a la 12 del ‘El Eco’, en la calle Sullivan. Y es vergonzoso 1973 por el ingreso de otro grupo que marcó 7 de septiembre de 1983. ver en lo que se ha convertido […].”

68 69 La nota hacía énfasis en la pérdida de la vocación La mayor preocupación e inquietud de los del espacio construido 30 años antes y señalaba ocupantes del inmueble es que se haga realidad los daños y los cambios del inmueble por la sugerencia de la Sociedad Defensora del Teatro parte de los actores que en ese momento Artístico de México en el sentido de que el Museo Experimental el Eco, diseñado hace más hacían uso del lugar, señalándolos como de 30 años por Mathias Goeritz vaya a recrearse, “bárbaros”, al transgredir y desdeñar el proyecto ya que en ese caso, Tecolote podría ser lanzado a referido. María Idalia, la autora del reportaje, la calle.7 hacía un apunte a los cambios del proyecto de Daniel Mont y Mathias Goeritz, pues reconocía Para 1991, el entonces Tecolote cierra sus la importancia de los valores artísticos y puertas por falta de recursos y por agotamiento arquitectónicos perdidos en la transición de un de su organización. Con ello empieza un proyecto a otro, pero obviaba al mismo tiempo periodo de abandono del predio durante más la primera etapa de transformación del inmueble de una década, lo que da origen a una serie de por parte de la Universidad, señalando como especulaciones en torno al terreno que en ese responsables directos a los actores ocupantes momento enmarcaba la decadencia de la zona, del sitio. En respuesta a este caso, los sujetos junto con el notable deterioro del parque señalados publicaron en el mismo periódico, adjunto y otras calles del rumbo. una semana después, su opinión con respecto a la nota en un artículo que llevaba por título: “No La apuesta universitaria somos bárbaros”. En éste, los actores exponían su preocupación por la posibilidad de ser Fue el tiempo y la memoria de muchos desalojados por falta de apoyo al proyecto especialistas en el tema, impulsados y por los rumores de restauración del recinto por el rumor de la demolición del edificio como museo experimental; se deslindaban de la para la construcción de un estacionamiento, responsabilidad por la alteración del lugar, y lo que provocó el inicio de las gestiones para le atribuían las modificaciones al arquitecto poder recuperar el predio y adquirirlo como y escenógrafo Alejandro Luna. En el resto del propiedad de la unam; y fueron muchas las cuerpo del texto publicado el 14 de septiembre discusiones con respecto a cómo se definiría del mismo año, se destacó que los cambios del la vocación del espacio, en función de la patio del centro cultural habían sucedido desde realidad del momento, en 2003. A sugerencia la época del maestro Héctor Azar, años antes.6 del historiador del arte Olivier Debroise, y como Esta nota resume de manera clara el proceso parte del primer programa de trabajo de por el cual las características del espacio la maestra Graciela de la Torre, al frente correspondiente a El Eco estuvieron sometidas a de la Dirección General de Artes Visuales las transiciones de dirección del lugar, alterando (digav), se propuso la compra y rescate su habitabilidad, y expone cómo el sentido 6 Los jóvenes que entonces del Museo Experimental el Eco al rector institucional oscilante del teatro determinó su expresaron su protesta en la Sección B dominical de Excélsior, Juan Ramón de la Fuente y al entonces morfología y carácter frente a la comunidad fueron: Luis Cisneros, Margarita coordinador de Difusión Cultural. asidua a tan disputado lugar, en ese momento. Argott, Jesús Cancino, Alejandra Álvarez, Amada Quintero, La iniciativa del rescate arquitectónico fue El último punto del desplegado de los jóvenes Alejandro Montes, Margarita aceptada de inmediato y se dieron a la tarea actores afirma: Camacho y Francisco Muñoz. 7 Ibid.

70 71 Escultura de Ernesto Paulsen en abandono en el Jardín del Arte de Sullivan en el año 2000. Fotografía de David Miranda

de buscar a los propietarios del inmueble. La recuperación del museo constituyó un reto en términos de gestión. En 2004, la Dirección de Proyectos Especiales de la unam, encabezada por el arquitecto Felipe Leal, dio inicio a la restauración de El Eco bajo la supervisión del arquitecto Víctor Jiménez, quien además de haber sido alumno de Mathias Goeritz en el Taller de Diseño de la Facultad de Arquitectura, contaba con una amplia experiencia en la Sullivan 43 en abandono en el año 2000. Fotografía restauración y estudio de los edificios del de David Miranda. periodo modernista en México.

72 73 Los trabajos correspondientes se realizaron actividades que se llevaron a cabo en el en tiempo récord en el transcurso de los recinto desde 1953, recordó el trabajo de meses de 2004, y las decisiones formales para Mathias Goeritz y sostuvo, asimismo, que el la restauración del inmueble se tomaron en museo sería un espacio poético y un lugar de función de los documentos proporcionados encuentro, reencuentro, discusiones, prácticas por el Centro Nacional de Investigación, experimentales y “todo lo que en el futuro Documentación e Información de Artes pudieran imaginar para esas tareas”. Plásticas del inba (cenidiap) y otros archivos De la Torre presentó, en el marco del relacionados con la trayectoria de Mathias protocolo inaugural, al que sería el Goeritz, consultados por el equipo de responsable de echar a andar a tan esperado restauración del arquitecto Víctor Jiménez. proyecto, al curador y artista: Guillermo Sin otra opción de fecha para reinaugurar Santamarina,9 quien hizo un apunte sobre el recinto que la que conmemoraba la el carácter del lugar a partir de su historia apertura original del sitio en 1953, el 7 de y su legado, y recordó la importancia de septiembre de 2005 el Museo Experimental Daniel Mont dentro de las decisiones del el Eco reabrió sus puertas al público, en un proyecto; afirmó también que el nuevo 9 Guillermo Santamarina (México, evento en el que se congregaron diversas 1957) es artista y curador de espacio universitario se perfilaría en la escena autoridades de instituciones de gobierno, arte contemporáneo desde 1980. como un lugar de vanguardia que promovería Desde el inicio de su carrera educación y cultura del país, las cuales dieron colaboró en la proyección, un diálogo entre las artes y, al mismo tiempo, fe de la importancia del rescate del museo emergencia y promoción de conservaría la esencia del lugar y su memoria artistas, principalmente de México como patrimonio cultural, al reconocer con el y América Latina. A lo largo de mediante su estudio. Aseguró que en la sala acto la necesidad de reactivar esa plataforma su profesión ha organizado más del primer piso del museo se realizarían de experimentación artística e intercambio de 200 exhibiciones, en espacios proyectos de revisión y análisis histórico, institucionales e independientes, social para colaborar en la diversidad de así como varios festivales y que permanecería con el nombre de su expresiones y reflexiones culturales de la y encuentros de música, promotor Daniel Mont. Con la nostalgia del performance, arte sonoro sociedad contemporánea. Asistieron a la y teoría. Actualmente da clases pasado a favor y no a cuestas, El Eco reabrió ceremonia inaugural el rector de la unam, de Historia del Arte, Teoría sus puertas al público como una institución y Estudios Interdisciplinarios Juan Ramón de la Fuente; el secretario de en diversas universidades y viva, lejos de la intención de consagrarse Educación Pública (sep), Reyes Tamez Guerra; el escuelas de arte en México. como monumento histórico, en un certero jefe de gobierno del Distrito Federal, Alejandro Fue director de Ex Teresa Arte afán de cumplir la vocación original para la Actual (inba) de 1998 a 2004, Encinas; el coordinador general de Difusión y hoy día es el curador en jefe cual fue construido en 1953. Paradójicamente, Cultural de la unam, Gerardo Estrada; la directora del Museo de Arte Carrillo Gil. buena parte de las transiciones y cambios Su participación en el Museo general de Artes Visuales de la unam, Graciela Experimental el Eco (2005-2009) arquitectónicos de El Eco se hicieron de la Torre, y los arquitectos responsables del fue clave para entender la por iniciativa de la unam, y fue esta misma proyecto de restauración, Felipe Leal y Víctor institución en la actualidad. institución la que, con un amplio carácter Jiménez.8 Asistió también la presidenta del 10 El primer diálogo con el que y sensibilidad sobre el tema, decidió tomar Consejo Nacional para la Cultura y la Artes 8 Esta información quedó se abrieron los espacios del como propia la responsabilidad de restaurar documentada en el boletín museo en 2005 fue el denominado (conaculta), Sari Bermúdez. En medio de varios de prensa emitido por Proyecto inaugural del artista y dar continuidad al proyecto. La historia discursos que reconocieron la importancia del la Dirección General de mexicano Gabriel Orozco, del lugar imaginado por Daniel Mont Comunicación Social (dgcs) de en colaboración con los nuevo inmueble universitario, Graciela de la unam, el 8 de septiembre creadores Carlos Amorales y Mathias Goeritz comenzaría de nueva la Torre hizo un recuento de las diversas de 2005 (unam-dgcs-697). y Damián Ortega. cuenta el 7 de septiembre de 2005.10

74 75 De vuelta a los experimentos

El reto más grande para Guillermo Santamarina fue recomenzar, de nueva cuenta, la vida de El Eco, después de su historia y sonada reapertura, que atrajo todos los reflectores del medio por la incidencia de la obra de Gabriel Orozco, quien decidió hacer de la invitación a colaborar en el lugar un enunciado colectivo: convocó al ejercicio a los artistas Damián Ortega y Carlos Amorales porque no le interesaba realizar un homenaje a la memoria de Goeritz, ni una reflexión a partir de la historia del lugar; quería colaborar con la Universidad en la actualización de los enunciados del museo, para provocar un impulso hacia un futuro posible, negando como alternativa del proyecto la nostalgia sobre el sitio. En una conversación transcrita con motivo del Proyecto inaugural que sostuvieron Guillermo Santamarina y Gabriel Orozco el 1º de agosto de 2005, se propusieron los puntos de partida por medio de los cuales la propuesta en turno tenía sentido en El Eco. La aproximación para ocupar el lugar estaría en sintonía con la experiencia del espacio arquitectónico, mas no como un acto de conmemoración del mismo. Orozco cerró dicha conversación con el siguiente comentario al respecto:

Mi entusiasmo por participar en su reinauguración es por compartir la experiencia de un espacio único y complejo, donde desde la entrada se percibe una arquitectura que está pensando en el Gabriel Orozco, Balones arte. Evidentemente la arquitectura de El Eco es acelerados, 2005. Imagen cortesía la gran protagonista, pero creo que deja espacio del artista y Kurimanzutto, Ciudad de México. a lo posible, a la obra nueva. Eso me parece un acierto que permite que artistas del siglo xxi Siguiente página: logren comunicarse con un espacio que, al parecer, Damián Ortega, Crítica al estado filosófico. Papalotes sigue vigente. Hay que tomar en cuenta que este Negros, 2004. Imagen cortesía fenómeno no siempre sucede. La arquitectura del artista y Kurimanzutto, también es específica como recipiente de obras de Ciudad de México.

76 77 arte, y puede dejar de funcionar en un momento dado. Pero ahora podremos experimentar hasta

qué punto este espacio arquitectónico, que se 11 Fragmento de la conversación autodenomina emocional, estético y místico (tres entre Gabriel Orozco y Guillermo términos que por cierto yo preferiría no aplicar a mi Santamarina, 1° de agosto de obra) sigue funcionando. Lo que es cierto es que 2005, publicada en el marco del Proyecto Inaugural de El Eco. El Eco es un experimento emocionante y no veo por qué no continuar sus emociones, sobre todo 12 El Convento de San José si se sigue proponiendo como un espacio para y el Templo de Santa Teresa la Antigua, actualmente la contemporaneidad artística y no como un Ex Teresa Arte Actual, se mausoleo del rescate arquitectónico o un museo de construyeron gradualmente sitio condenado al polvo.11 desde los primeros años del siglo xvii. De 1678 a 1684 adquirió la fisonomía barroca La crítica de Orozco había sido clara que conserva hasta nuestros días, con respecto a otros modelos de museo, gracias a la intervención del arquitecto Cristóbal de Medina y Guillermo Santamarina era el indicado y Vargas, en la que prevalece para proponer un modelo de trabajo que un diseño austero acorde con los principios de la orden de liberara al proyecto del El Eco de la exigencia las carmelitas descalzas que constante de enaltecer el pasado inmediato entonces lo habitaban. Los primeros óleos que decoraron de la memoria del lugar. Santamarina había sus muros estuvieron a cargo de logrado años antes crear una metodología Luis Juárez. Tras las Leyes de trabajo a partir de condiciones que nada de Reforma, el convento cerró para dar cabida a la primera tienen que ver con la museología convencional, Escuela Normal, la Escuela de ni con la conservación de una colección. Entre Odontología y la de Iniciación Universitaria sucesivamente. 1998 y 2004, en el templo de Santa Teresa La iglesia de Santa Teresa la la Antigua,12 conocido como Ex Teresa Arte Antigua fue clausurada al culto hasta 1930 y desde entonces Actual, Santamarina, entonces director de varios han sido sus usos y ese centro cultural, generó una serie de remodelaciones. A partir de programas y actividades que colaboraron 1993, alberga el proyecto cultural del Instituto Nacional en la ampliación de la oferta de los museos de Bellas Artes denominado Ex del inba, seguido por la documentación y Teresa Arte Actual. En 1994, el edificio se transforma para estudio del fenómeno del performance y arte dotarlo de espacios y equipo de procesos, heredada de los directores previos, adecuados para la presentación de las manifestaciones del arte procurando la creación de más plataformas actual. Una estructura ligera para la investigación y ampliación de los de acero y vidrio diseñada por el lenguajes actuales del arte, manifiestas en arquitecto Luis Vicente Flores se anexó al edificio sin intervenir su programas de cine, conferencias, conciertos, estructura original. exposiciones, residencias artísticas y, sobre 13 El Festival de Arte Sonoro todo, en los festivales celebrados en ese es uno de los ejemplos más lugar que congregaron a centenares de notables de la gestión de 13 Santamarina, que realizó en personas en cada evento. Esta experiencia, colaboración con Manuel Rocha aunada a muchos otros proyectos de arte que Iturbide en 1999-2002.

78 79 Santamarina realizó, permitieron que tuviera sentido la propuesta de dirección para El Eco en torno a los procesos de experimentación de las prácticas expandidas del arte dentro de una arquitectura singular y emblemática, con un carácter sitio-específico.

En este caso, la oxigenación del legado de Mont y Goeritz había quedado en manos de alguien que no sólo conocía a fondo la historia del lugar, sino que además contaba con una experiencia muy similar a la de Goeritz, en lo que concierne a la gestión cultural y a la creación artística en un mismo personaje. Santamarina promovió Carlos Amorales, Manimal, 2005. (y ha seguido promoviendo) distintas sinergias Imagen cortesía del artista y que contemplaban la creación colectiva, Kurimanzutto, Ciudad de México. el experimento espacial y la expansión de los lenguajes poéticos en nuestro tiempo, propiciando siempre incidencias 15 Para esta función Santamarina convocó a un de colaboradores de diferentes disciplinas equipo de colaboradores, para un mismo proyecto. A pesar de todo 14 Entre muchas de las entre los que se encontraban diversos eventos de carácter multidisciplinario lo dicho por Orozco en la conversación con inquietudes que Santamarina Begoña Inchaurrandieta, y social que, como una válvula de escape tuvo para El Eco estuvo la de actual subdirectora de El Eco Santamarina, y de los aportes formales y crear una editorial del mismo y responsable de muchas de las a las imposiciones de la maquinaria emblemáticos de las obras expuestas en nombre, que reprodujera los decisiones del museo en lo que cultural institucionalizada, fueron formando intereses de Mont y Goeritz respecta a la dirección y orden el carácter, la vocación y la misión de este dicho proyecto, el ritmo de las inquietudes cuando intentaron lanzar su del espacio; puente fundamental 15 que dentro del lugar fueron emergiendo, propio sello editorial en 1953. entre la administración nuevo museo universitario. Guillermo confirmaron los posibles usos del edificio, Dicho sello sólo publicó una universitaria y las necesidades Santamarina dirigió el Museo Experimental colección de poemas de Olivia del programa del museo hasta al proponerlo como una plataforma para Zúñiga, inspirados en esculturas la fecha. David Miranda (autor el Eco desde 2005 hasta mediados de 2008, la experiencia sensible. Las obras situadas y dibujos de Goeritz, que llevó de este texto) encargado de año en que la digav lo requiere para formar por nombre Los amantes y la apoyar en el proceso curatorial en el espacio en proyectos posteriores no noche. Santamarina publicó y la supervisión de la producción parte del equipo del nuevo museo de arte contenían un aura museal y estática, sino a su vez un ensayo de Miguel de las exhibiciones, y Christian del contemporáneo de la dependencia: el Museo González Virgen, que se propuso Castillo, estudiante de Universitario de Arte Contemporáneo (muac). temporal y transitoria, consecuente con la como una reflexión en torno al arquitectura que brindó su idea del arte como suceso derivado de la Proyecto inaugural de 2005 que, servicio social en el museo Santamarina dejó tras de sí una misión y experiencia sensorial en relación con el sitio, según Santamarina, ayudaría y visitas guiadas al recinto. una vocación de museo, consecuente con a identificar la “dilatación Meses después se incorporaron que proponían la arquitectura emocional de sito-especifica” a la que El Eco a la estructura Andrea Ferreyra, la idea original de Mont y Goeritz, una Goeritz como un contenedor dinámico del se abocaría en sus proyectos. quien se encargó de crear identidad institucional relacionada con el Dicho ensayo es un tendido de espacios de reflexión para el cuerpo humano y sus desplazamientos, no especulación fenomenológica y público y Enrique Minjares, espíritu universitario y la ampliación de las sólo de “objetos de arte”.14 De ahí que en este de historia del arte de vanguardia en diseño y producción de la instalaciones del lugar, al promover como que ubica al museo en una imagen del museo, que junto con parte de los proyectos de la digav periodo de gestión sucedieran continuamente, transición consecuente con los Santamarina realizará también a la par de las exposiciones temporales, postulados de Merleau-Ponty. el Foro de Selección Musical. y de la Coordinación de Difusión Cultural

80 81 Carlos Amorales, Bosque, 2005. Imagen cortesía del artista y Kurimanzutto, Ciudad de México.

Edificio anexo al museo, 2007. Arquitecto Fernando Romero y arquitecto Juan Pablo Maza. Fotografía de David Miranda.

16 El diseño del anexo del museo fue resultado de un concurso de arquitectura promovido por la Coordinación de Difusión un concurso para la ampliación del museo, Cultural y la Dirección General de Artes Visuales, por medio de en un predio anexo que la Universidad había la Dirección de Proyectos podido comprar años antes, teniendo en Especiales de la Universidad. mente un equipamiento consecuente con las El proyecto ganador lo llevó a cabo LAR + Fernando Romero 16 necesidades de un museo contemporáneo. y FRENTE Arquitectura, de Juan Pablo Maza, y se realizó durante 2007. El edificio anexo Después de esta época, la pregunta sobre consta de un área de oficinas, qué dirección tomaría El Eco, ahora como sala de juntas, auditorio, taller de trabajo y bodega de tránsito proyecto de museo universitario, implicaba para las exhibiciones temporales. más contenidos y necesidades después de la Estos espacios liberaron la activa gestión de Santamarina. La Universidad utilización de las áreas de la arquitectura de Goeritz para se dio a la tarea de pensar en un sucesor que necesidades administrativas pudiera ampliar las iniciativas del museo propias de un museo actual, lo que ayuda a la preservación sin olvidar lo logrado por Santamarina y su del inmueble para su función equipo de trabajo durante los años señalados. original.

82 83 La abstracción temporal fue muy importante articular una lectura crítica del legado artístico de Goeritz A finales de 2008, la digav se pronunció por el y generar una estructura en la que se pudiese curador estadounidense Tobias Ostrander,17 identificar la vinculación de los lenguajes para la dirección del Museo Experimental del arte contemporáneo con otras áreas de El Eco. Esta selección pretendía colocar la producción cultural, relacionadas con la las líneas de acción del museo dentro de construcción de sentido en nuestros días y con un tendido de relaciones internacionales, la historia del lugar, en una dialéctica entre la consecuentes e inspiradas en la red de trabajo memoria proveniente de los años cincuenta que Mathias Goeritz había realizado a lo largo en México y lo que había ocurrido en otras de su vida como artista y como gestor de escenas importantes del arte en el mundo. proyectos culturales en México. Para Tobias Tobias Ostrander articuló un programa que Ostrander era importante aportar contenidos incluía, además de los proyectos artísticos de para el público de El Eco, entendiendo su carácter sito-especifico, uno de residencias trabajo de director como mediación 17 Tobias Ostrander (Boston, y otro de actividades transversales, que Estados Unidos, 1970) es, desde comprendieron distintas acciones para una y puente entre los sucesos que ocurrían septiembre de 2011, curador en en la escena internacional y las posibilidades jefe del Miami Art Museum-mam, oferta diversa de producción de contenidos. ahora rebautizado con el nombre de producción que el país podría ofrecer Esto hizo visible los resultados de los proyectos Pérez Art Museum Miami en una estructura mucho más clara para el para personas ajenas al territorio nacional, (pamm), que estrenó nueva sede diseñada por los suizos Herzog público. En este periodo de gestión de a la par de lo ya conquistado por la pasada & De Meuron a principios de El Eco, Ostrander buscó construir un espacio gestión del museo con la comunidad local. diciembre de 2013. Ostrander 18 Tobias Ostrander destinó es también miembro del Comité un espacio dentro de las salas de visibilidad externa a las instalaciones del Sin intenciones de una internacionalización del museo para la memoria e Asesor de cifo. De 2001 a julio museo, destinando y consiguiendo recursos como tal, y consciente de la vocación de servicio de 2009, Tobias Ostrander se historias transversales, con el nombre de Archivo Vivo. económicos y humanos para la construcción que una institución universitaria debe tener, desempeñó como curador de arte contemporáneo del Museo En este lugar se presentaron de un website, lo cual permitió insertar Ostrander propuso como parte de su esquema Tamayo Arte Contemporáneo, investigaciones históricas materializadas en documentos sus actividades en una red más amplia de de trabajo un programa que articuló las de la Ciudad de México. Durante sus ocho años en el Museo fotográficos y audiovisuales, colaboración. En este espacio no sólo se actividades del museo a partir de un calendario que formaron diferentes ensayos Tamayo, Ostrander desarrolla proyectaba una imagen de las especulaciones dividido en cuatro temporadas al año, mismas un amplio programa de académicos y tuvieron su espacio artistas internacionales. Sus de recepción en una publicación artísticas ocurridas, sino que también que contemplaban dos proyectos de exhibición anual impresa, entendida como proyectos tuvieron exposiciones se estableció el carácter operativo de la y una serie de eventos paralelos que ayudarían individuales de Liliana Porter memoria y entrega final del año (2009), Jeff Wall (2008), Artur del museo. Ostrander vinculó institución en relación con otros proyectos de a contextualizar las tareas del museo dentro de Barrio (2008) y Lisa Yuskavage a diversos colaboradores vocación similar en el mundo, de acuerdo con un marco conceptual. La idea de Ostrander era (2006). Antes de su trabajo en la académicos para este programa. El Archivo Vivo se considera sus dimensiones como joven institución y a su que el museo se dedicara a resolver preguntas Ciudad de México se desempeñó como curador asociado para un dispositivo de investigación manera de producir contenidos. Asimismo se especificas por año, a partir de su programa inSITE 2000 / 01, un proyecto y exhibición centrado en la historia del museo y en el legado pudo presentar parte de la historia del lugar de exhibiciones y de sus actividades paralelas, de arte de sitio específico en San Diego y Tijuana. Ostrander de su creador, Mathias Goeritz. para que fuese consultada por aquellos que logrando con ello una serie de enunciados que realizó sus estudios de maestría Es un archivo en desarrollo no sabían nada del museo, sin la pretensión a futuro construyeran una lectura conceptual en el Curatorial Studies del que se seguirá alimentando, Center for Curatorial Studies, al tiempo que se plantea pueda de erigirse como museo de arte moderno, de las decisiones curatoriales de El Eco Bard College, de Nueva York. tener algunos cruces con otros sino como un museo de la memoria del espíritu y su forma de operar como institución Tobias Ostrander fue director programas del museo, como del Museo Experimental el Eco por ejemplo las Ediciones moderno en la contemporaneidad, articulando universitaria contemporánea. Para Ostrander de 2008 a 2010. Eco (2013). un relato vivo de sus procesos.18 Ostrander

84 85 también logró asociar al museo con otros espacios que estaban emergiendo en sus modos de operación, como es el caso del New Museum en Nueva York, institución con la cual El Eco compartió el programa Museum as Hub,19 que implicaba un intercambio de redes de visibilidad del trabajo de ambas instituciones, a partir de situar una estación de consulta virtual en una de las áreas del museo, para poder notar el intercambio de propuestas expositivas en ambos espacios, y con la intención de ampliar la oferta para un público diverso y especializado en lo que compete al ejercicio curatorial en la actualidad. En este espacio de visibilidad y aprendizaje de la institución con respecto a otros modelos similares de prácticas de producción, se encuentra lo que constituye quizá la propuesta más visible del programa de trabajo de Ostrander, conocida hasta el día de hoy como Pabellón Eco.

Otra de las acciones que se llevaron a cabo dentro de la gestión que corresponde a este periodo fue la incorporación de modelos de 19 “Museum as Hub” es un exhibición y análisis de la producción sitio- nuevo modelo para la práctica especifica, más allá de las que corresponden al curatorial y la colaboración institucional, establecido para ámbito del arte contemporáneo, en este caso mejorar la comprensión del Ostrander, junto con el consejo de asesores arte contemporáneo por parte de los usuarios del museo. Es que había dispuesto como comité académico una red de relaciones y un sitio del museo,20 resolvieron la posibilidad de físico real situado en el quinto llevar a cabo un programa para la comunidad piso del centro de educación del New Museum; y es también de arquitectos, insertada en el legado de un espacio flexible y social, El Eco como patrimonio arquitectónico, diseñado para atraer al público por medio de las estaciones promoviendo un concurso para despachos de trabajo multimedia, de jóvenes de arquitectos que pudieran intervenir exposición, proyecciones, Estudio Macías Peredo, proyecto coloquios y eventos. para el Pabellón Eco, 2013. temporalmente el patio del museo, con Fotografía cortesía de los proyectos de arquitectura efímera durante 20 El comité académico de El Eco arquitectos. tres meses. La intención era poner otro nicho que Tobias Ostrander convocó estaba formado por Ana Elena Exposición de proyectos para de activación de arquitectura de Goeritz, Mallet, Carlos Amorales el Pabellón Eco 2011. ahora como un laboratorio de producción y Jorge Munguía. Fotografía de Ramiro Chaves.

86 87 arquitectónica, nunca antes visto en un museo Esta publicación fue concluida sin la dirección en México, que se asemejara al ejercicio de de Ostrander, que en ese momento había análisis de los proyectos de los pabellones de dejado ya la dirección de El Eco para empezar la Serpentine Gallery en Londres y del MoMA labores como curador en jefe del nuevo PS1 en Nueva York, instituciones con un corte proyecto de arte de Miami, rebautizado con el de actividades consecuente con la vocación de nombre de Pérez Art Museum Miami (pamm). El Eco en cuanto a la producción de proyectos de sitio. Este último programa permanece Noche de alegría hasta la fecha y ha sido uno de los emblemas del museo durante más de seis años, ya que Para 2012 El Eco ya es considerado un colabora en la reflexión sobre los usos y las punto de referencia dentro de las prácticas prácticas de la arquitectura en la actualidad, contemporáneas del arte y la arquitectura al servir de plataforma de producción frente a otras instituciones del país experimental para esa disciplina, alcanzando e instituciones internacionales que lo una proyección internacional. 21 Para los procesos vinculados consideran como un lugar para proponer con las redes y la imagen del museo, Tobias Ostrander invitó proyectos de exposición y desarrollo de Todos los procesos mencionados, además a colaborar en el museo a procesos multidisciplinarios. El aura histórica de la oferta interdisciplinaria del programa Jesús Cruz Caba, quien hasta la fecha se ha hecho cargo de la del sitio, vinculada a la memoria de los propuesto por Ostrander, quedaron imagen visual del museo y le años cincuenta en México, y el aura de debidamente documentados en el website ha dado carácter al espacio en vanguardia tardía que arropa su arquitectura, distintos momentos según las y en una memoria impresa, que se editó al inquietudes que el propio ritmo le permitieron no sedimentarse en los final de cada periodo anual de trabajo y se de la institución ha provocado. procesos en que las instituciones del Estado presentó como un ensayo textual y visual, También invitó a Mónica Amieva, quien sería la responsable comúnmente recaen. Sus dimensiones en el que se articulaban las preguntas eje de dar seguimiento oportuno y alcances como plataforma de creación y por medio de las cuales se habían tomado las a las redes del museo y su reflexión del enunciado artístico han sido 21 vinculación con otros espacios. decisiones curatoriales. Amieva, después de algunas legitimadas por la escena a la que pertenece, colaboraciones, dejó en su lugar y es cada vez más difícil pensar qué es lo a Macarena Hernández, quien Como un resultado que es posible consultar, potencializó definitivamente que le corresponde cubrir como oferta de quedan dos libros: Abstracción temporal, que el trabajo de redes en el lugar cara a los tiempos en los que se manifiesta presenta la reflexión del trabajo y los cruces y tomó entre sus proyectos la edición de la memoria anual del su programación. La digav, de nueva cuenta, conceptuales que sucedieron en El Eco durante museo, buscando colaboradores se vio ante la decisión de quién llevaría la 2010, y en el que Ostrander buscaba verter y contenidos paralelos al programa que sucede en salas. dirección del proyecto en los próximos años las distintas aproximaciones contemporáneas Coordina actualmente las y seguía manteniendo la confianza en los del problema de la abstracción en la práctica publicaciones de El Eco y lleva a integrantes del equipo del museo, que han cabo el proyecto de las Ediciones actual del arte, en relación con el legado de Eco, que comprende la edición trabajado desde su reapertura para custodiar Mathias Goeritz. Y la segunda publicación de una carpeta de serigrafías en el espíritu de la vocación original del lugar es Arquitectura Emocional, que integra la honor al movimiento de Poesía Concreta —del cual Mathias y ayudar a los nuevos miembros del equipo memoria y las intenciones sobre las distintas Goeritz fue parte— y hace énfasis a reconocerse dentro de las lógicas de asociaciones en los términos propuestos por en las maneras en que sus postulados permean la cultura producción que se han construido hasta Goeritz en 1953 para nombrar su ejercicio contemporánea, con artistas la fecha. La opción que propuso la Universidad arquitectónico en la actualidad. de diferentes generaciones.

88 89 para dirigir al museo fue la historiadora del y ha dirigido sus esfuerzos en una plataforma arte y curadora Paola Santoscoy,22 quien horizontal en lo que respecta a la construcción contaba ya con una amplia experiencia 23 Para este objetivo, de sentido dentro del museo, y acepta lo que en cuanto a modelos experimentales de Paola Santoscoy amplía de nueva orgánicamente la comunidad artística cuenta el equipo de trabajo del producción en instituciones museísticas y museo y convoca a Mauricio y cultural ha construido a lo largo de estos había llevado a cabo diversos proyectos de Marcin Álvarez para colaborar años para el sitio, al acrecentar su resonancia. en procesos de investigación identificación de escenas alternativas del arte documental y para realizar de Latinoamérica. Santoscoy llegó con una idea curadurías en el museo junto con clara de establecer nuevas rutas de relación David Miranda. Marcin realiza la exhibición los “Los hartos que apoyaran la vinculación de El Eco y su (otra vez)” y con ello emerge historia, con otras latitudes que ayudaran a una nueva forma de trabajo en exhibiciones de revisión de comprender este proyecto como un enunciado 22 Paola Santoscoy (México, 1974) casos de estudio, que dan como asociado a otros procesos colectivos del fue curadora de la exhibición resultado una publicación para central de la primera Bienal el público interesado en sucesos lenguaje poético contemporáneo. Es a lo largo de las Américas, en Denver y derivas relacionadas con el de esta gestión que se empiezan a abrir las (Colorado, Estados Unidos), espíritu del lugar. Hoy día, este puertas para realizar lecturas completas de titulada “La naturaleza de las procedimiento es una forma que cosas”. Se ha desempeñado como el museo ha asumido dentro de casos de estudio específicos, correspondientes curadora en distintos espacios su metodología y ha ocupado a la historia del arte reciente de la zona, en de exhibición en la Ciudad de mucho el interés de la institución México: “La Panadería” (2000- por su valor de trascendencia. una suerte de tendido que ha servido para 2001), Museo de Arte Carrillo Gil También se sumaron al proyecto vincular al museo con otros sucesos del (2001-2003) y el Museo Tamayo del museo Gabriel Escalante Arte Contemporáneo (2004-2007). como jefe de producción de arte del sur del continente y del sur global, En 2005 comenzó, junto con proyectos en salas, y Guillermo entendiendo esta última idea como un Willy Kautz y Sebastián Romo, Rosas, encargado de la difusión concepto de relación que podría identificar el proyecto curatorial “111 (un día, y proyección en redes sociales. un artista, una obra)” con la misión muchas de las prácticas artísticas, históricas de presentar en una situación 24 Entre las que se encuentran y pedagógicas que en ese momento sucedían doméstica los trabajos de artistas el proyecto citado de Ediciones 23 locales e internacionales. Eco, que se erige como una alrededor del campo del arte. Hoy, el Museo Algunos de sus proyectos estrategia que funciona en dos Experimental el Eco es un espacio que cuenta de exhibición incluyen: “Todo va frentes: proyecto de producción a estar bien” (2004); “Jesús Rafael de obra y herramienta de con una oferta diversa de programas entre los Soto, Visión en Movimiento” financiamiento y difusión. que se encuentran: exhibiciones con artistas (cocurada con Tatiana Cuevas); internacionales y locales, residencias artísticas “Come closer” (2005); “Outside 25 Barra Eco es un proyecto que In, Robin Minard”; (2006). plantea la reactivación del bar de 24 y curatoriales, publicaciones, un concurso También ha realizado proyectos El Eco, un espacio originalmente de reflexión arquitectónica y un programa y ensayos curatoriales para pensado como lugar de encuentro 25 instituciones internacionales y socialización. La Barra Eco para activar la barra del museo, que tiene como Künstlerhaus Bethanien funciona desde 2012 como como intención favorecer la expansión de (Berlín, Alemania); Fundación un espacio intermitente para Proa (Buenos Aires, Argentina); la generación e intercambio los campos de relación social y artístico en GAMeC (Bérgamo, Italia) y de ideas entre creadores a un evento que pone como participantes a los Piano Nobile (Ginebra, Suiza) partir de una intervención que visitantes, en una atmósfera propuesta por un y colabora regularmente le dé un carácter específico en publicaciones de arte en cada edición; por ejemplo, personaje del campo del arte interesado en los contemporáneo. En 2007 ambientación, música, procesos abiertos de su práctica.La historia y 2008 participó como comisaria performance, poesía, etc. Este de la sección Solo Projects de la proyecto se vincula con el legado que corresponde a esta última gestión se sigue feria de arte contemporáneo del Cabaret Voltaire, relevante escribiendo de muchas maneras, de Madrid, España, ARCO. para Mathias Goeritz.

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4 10 Una conclusión abierta

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1. Alan Poma, La victoria sobre el sol, 2014. 2. Julián Lede y Natalia Ibáñez Lario, Fama, Proponer una lectura sobre un espacio tan maratón de baile, dentro del Pabellón Eco, 2012. 3. Jaques Tati, Mon Oncle, especial y cargado de historia como El Eco, proyección cinematográfica a 10 años de su reapertura, en un ensayo dentro del Pabellón Eco, 2011. 4. Luis Orozco, Noche de Alegría, como el presente, presume entender el dentro del Bar Eco, 2012. desplazamiento de una obra escultórica y 5. Residencia de Marcio Harum, 2013. 6. Mariana Castillo Deball, arquitectónica hacia una institución dinámica Este desorden construido, autoriza geológicas sorpresas y abierta, a la transformación continua de sus a la memoria más abandonada, 2011. principios, en favor de mantenerlos a salvo en 7. Ricardo Rendón, Debussy, 2011. 8 y 9. Exposición colectiva, una sociedad en la que cada vez es más difícil En hombros de gigantes, 2014. existir de forma paralela a la maquinaria del 10. Gabriel Santamarina, Iglesia Gnóstica del fin de la personalidad, consumo espectacular. A diferencia de otros dentro del Bar Eco, 2012. espacios que existen hoy para dar visibilidad 11. Georgina Bringas, Veinticuatro horas, 2010. al enunciado artístico, El Eco tiene una relación 12. Simon Starling en colaboración incluyente, como obra de arte, con las personas con Pilar Pellicer y Yasuo Miichi en El Eco, que proponen situaciones y proyectos en sus El Eco, 2015. 13. My Barbarian, espacios. Relaciona de manera sustancial Ecos de los ecos de los ecos, 2010. los preceptos que Goeritz describió en su manifiesto, y que de algún modo se cumplen a lo largo de la historia de la existencia del 12 lugar, a pesar de que durante mucho tiempo el espacio arquitectónico no estuvo vinculado con el proyecto original de su autor. Sin embargo, por sus características físicas, acogió otras propuestas también de corte cultural.

En sus diferentes “vidas”, la arquitectura de El Eco propone usos infinitos para sus espacios.

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13 El reto para la comunidad que la acoge es al identificar, de manera continua, el porqué preservar su función con iniciativas que de la existencia de un lugar como éste. De logren ampliar los códigos de relación esta manera se establece una lectura crítica formal, conceptual e histórica con el lugar. del trabajo realizado por la Universidad En este sentido, la arquitectura de Goeritz Nacional Autónoma de México. Desde una puede entenderse como un dispositivo para de sus sedes representada en el Museo la emoción, mismo que se relaciona de Experimental el Eco, nos hace una invitación manera concreta con el trabajo que Kiesler a preguntarnos cómo pueden ocuparse, había creado dentro de su concepción en la actualidad, las instituciones públicas arquitectónica en Endless House, donde responsables de recibir y promover el relato propone la arquitectura como un suceso y la expresión artística de las personas que escultórico, alterando los modos de habitación hoy forman una comunidad dispuesta a poner temporal al jugar con la estructura de todas sus esfuerzos, a favor de la provocación de sus superficies para articular un estado de experiencias significativas en otros. ánimo, decisión que devino en un aspecto pétreo similar al de las cuevas de Altamira y en El caso de El Eco es relevante en lo concerniente al las que se inspirara Goeritz para su museo compromiso que ha detonado en la comunidad experimental, que en este caso también que lo visita, al aparecer como plataforma de coincide con la talla de piedra prehispánica de posibilidades tanto de experimentación espacial las culturas mesoamericanas. De modo que el como de confrontación de lenguajes artísticos, carácter y la funcionalidad de El Eco podría siempre con el propósito de ser un lugar de leerse desde una perspectiva más antigua y resonancia para sus usuarios. De ahí que el fenomenológica de la forma arquitectónica, vínculo que se propuso en este ensayo con el además de su linaje vanguardista reconocido proyecto de galería de Peggy Guggenheim y por muchos de los expertos en el tema y en Frederick Kiesler en Art of This Century tenga la vida de Goeritz. Desde este punto de vista, sentido en relación con el ejercicio de Daniel puede atribuirse a dicho proyecto un perfil Mont y Mathias Goeritz, en su coincidencia en prehistórico imbuido en el carácter pétreo del la intención de crear un aparato de reflexión edificio, en sus distintos estados posibles de y visibilidad “singular” del enunciado artístico habitabilidad y en la abstracción de formas con diferentes autores, a manera de dispositivo de la naturaleza, haciendo hincapié en un arquitectónico y escenográfico, como modelos aspecto fundamental y constante del hombre: de experimentación dentro del campo de la la emoción. exhibición y producción de obras de arte.

El trabajo desempeñado por las diferentes Cuando se visita El Eco, se participa de una personas que se han hecho cargo de preservar de las expresiones de constante transformación la memoria del museo por medio de sus y memoria (en términos de institución cultural), propuestas y de su labor diaria, ha logrado más importantes de la historia del arte actual dibujar en la escena del arte mexicano un del país, y su “disonancia inicial”, consecuente modelo de producción cultural consecuente con el encuentro de las personas a partir de con las manifestaciones de nuestro tiempo, sus experimentos artísticos y sociales en 1953.

96 97 Este espacio ha sido entendido a medida que la sociedad contemporánea a la que pertenece emancipa buena parte de las ideas que existían en la escena de los conceptos obra de arte y museo. Con ello, se han liberado muchas otras estructuras relacionadas con lo que hoy se entiende como el campo del arte en México. El Eco, como museo contemporáneo, puede entonces entenderse como un “organismo vivo”, que alberga vida sin conservar objetos, que genera para sus usuarios, con su función universitaria, memoria y conocimiento en los lenguajes de la poética actual, ampliando en su entorno las categorías referentes al término “museal” que lo enuncia como institución artística, como lugar de encuentro para todos Anexos aquellos que deseen participar de la fiesta de lo colectivo, a través del arte actual.

Los documentos de esta sección son transcripciones literales de los documentos originales y los publicamos tal y como aparecieron en su momento, sin alterar ningún vocablo, puntuación o redacción de los mismos.

98 Contrato entre Mathias Goeritz y Daniel Mont, 1952 Manifiesto de la Arquitectura Emocional cenidiap-inba, Fondo Mathias Goeritz Mathias Goeritz, 1953

Cuadernos de Arquitectura, núm. 1, Guadalajara, 1954, s.p. Leído por primera vez durante la inauguración del Museo Experimental el Eco en septiembre de 1953, el Manifiesto de la Arquitectura Emocional no es publicado sino hasta marzo de 1954 en el artículo de Mathias Goeritz: “Arquitectura Emocional: El Eco”, Cuadernos de Arquitectura, núm. 1, Guadalajara, 1954, s.p.

REFERENTE A LA CONSTRUCCIÓN mexicanos, al empezar la construcción MANIFIESTO DE LA ARQUITECTURA Pide —o tendrá que pedir un día— de la DE EL ECO (o sea antes del día 30 de junio EMOCIONAL arquitectura y de sus medios materiales de 1952); luego 5,000 (cinco mil) pesos modernos, una elevación espiritual; mexicanos al entregarse la primera simplemente dicho: una emoción, como CONTRATO establecido entre los escultura realizada por Mathias Goeritz El nuevo “museo experimental”: El ECO, se la dio en su tiempo la arquitectura de Sres. Daniel Mont y Mathias Goeritz, referente (o sea antes del 31 de diciembre de en la Ciudad de México, empieza sus la pirámide, la del templo griego, la de la a la construcción de un edificio (Galería de 1952); y finalmente 5,000 (cinco actividades, es decir sus experimentos, catedral románica o gótica —o incluso— Arte, Restaurant y Bar) en la calle de Sullivan mil) pesos mexicanos al entregarse la con la obra arquitectónica de su propio edificio. la del palacio barroco. Sólo recibiendo número 43/45 de la Ciudad de México D.F., segunda escultura de Mathias Goeritz, Esta obra fue comprendida como ejemplo de la arquitectura emociones verdaderas, según las cláusulas siguientes: o al terminarse la obra arquitectónica (o de una arquitectura cuya principal función es el hombre puede volver a considerarla sea antes del día 31 de marzo de 1953). LA EMOCIÓN. como arte. Mathias Goeritz se compromete a proyectar los planos del edificio mencionado, y de Independientemente de estos pagos, El arte en general, y naturalmente también Saliendo de la convicción de que nuestro vigilar la realización de la obra con el Daniel Mont se compromete a pagar la arquitectura es un reflejo del estado tiempo está lleno de altas inquietudes, mayor interés posible. (En caso necesario los gastos de un dibujante profesional espiritual del hombre en su tiempo. Pero existe EL ECO no quiere ser más que una empleará la ayuda de un arquitecto o empleado por Mathias Goeritz, así la impresión de que el arquitecto moderno, expresión de éstas, aspirando —no tan dibujante profesional.) como todos aquellos gastos que individualizado e intelectual, está exagerando conscientemente, sino automáticamente— puedan ser causados por los viajes de a veces —quizá por haber perdido el contacto a la integración plástica para causar al Mathias Goeritz se compromete igualmente Mathias Goeritz, entre las ciudades estrecho con la comunidad—, al querer hombre moderno una máxima emoción. de realizar y entregar al Sr. Mont, dos obras de Guadalajara, Jalisco, y México, D.F., destacar demasiado la parte racional de escultóricas, en relación con el mismo edificio. siempre que estos viajes se realicen la arquitectura. El terreno de EL ECO es pequeño, pero por expresa voluntad de Daniel Mont. a base de muros de 7 a 11 metros de Daniel Mont se compromete a respetar Se establece para el costo de cada El resultado es que el hombre del siglo xx altura, de un pasillo largo que se estrecha los planos artísticos de Mathias Goeritz, uno de esos viajes la suma fija de 200 se siente aplastado por tanto “funcionalismo”, (además subiendo el suelo y bajando el en todos sus detalles, siempre que éstos (doscientos) pesos mexicanos. por tanta lógica y utilidad dentro de la techo) al final, se ha intentado causar la sean realizables, y de aceptar y hacer arquitectura moderna. Busca una salida, impresión de una mayor profundidad. Las realizar todas las correcciones posteriores Los Sres. Daniel Mont y Mathias Goeritz pero ni el esteticismo exterior comprendido tablas de madera del piso de este pasillo que Mathias Goeritz estime necesarias que firman este contrato se comprometen como “formalismo”, ni el regionalismo siguen la misma tendencia, angostándose por razones estéticas. Igualmente se de cumplir cada uno de sus puntos orgánico, ni aquel confusionismo dogmático cada vez más, llegando a terminar casi compromete Daniel Mont de entregar a establecidos en él, y de coordinar se han enfrentado a fondo al problema de en un punto. En ese punto final del pasillo, Mathias Goeritz la suma de 18,000 pesos sus esfuerzos armónicamente para que que el hombre —creador o receptor— de visible desde la entrada principal, mexicanos. Esta suma se divide en tres se realice lo antes y lo mejor posible. nuestro tiempo aspira a algo más que a se proyecta una escultura: un GRITO, pagos, es decir: 5,000 (cinco mil) pesos una casa bonita, agradable y adecuada. que debe tener su ECO en un mural México, D.F., 27 de junio de 1952.

100 “grisaille” de aproximadamente 100 m2 como un programa, sino en un sentido de crear nuevamente, dentro de la arquitectura obtenido posiblemente por la sombra de absolutamente natural. No se trataba de moderna, emociones psíquicas al hombre, la escultura, que ha de realizarse en el sobreponer cuadros o esculturas al edificio, sin caer en un decorativismo vacío y teatral. muro principal del gran salón. como se suele hacer con los carteles del Quiere ser la expresión de una libre voluntad cine o con las alfombras colocadas desde de creación, que —sin negar los valores del Sin duda —desde el punto de vista balcones de los palacios, sino había que “funcionalismo”— intenta someterlos bajo una funcional— se perdió espacio en la comprender el espacio arquitectónico como concepción espiritual moderna. construcción de un patio grande, elemento escultórico grande, sin caer en el pero éste era necesario para culminar romanticismo de Gaudí o en el neoclasicismo La idea de EL ECO nació del entusiasmo la emoción una vez obtenida desde la vacío alemán o italiano. desinteresado de unos hombres que querían entrada. Debe servir, además, para dar a México el primer “museo experimental” exposiciones de esculturas al aire La escultura, como por ejemplo la Serpiente abierto a las inquietudes artísticas del mundo libre. Debe causar la impresión de una del patio, tenía que volverse construcción actual. Ayudaron con consejos valiosos pequeña plaza cerrada y misteriosa, arquitectónica casi funcional (con aperturas los arquitectos Luis Barragán y Ruth Rivera. dominada por una inmensa cruz que para el ballet) —sin dejar de ser escultura— Un gran estímulo salió también de los alumnos forma la única ventana-puerta. Si en el ligándose y dando un acento de movimiento de los cursos de “educación visual” de la interior un muro alto y negro, despegado inquieto a los muros lisos. No hay casi ningún escuela de arquitectura de Guadalajara. de los otros muros y del techo, tiene vínculo de 90º en la planta del edificio. Habría que agradecer a todos ellos, que dar la sensación real de una altura Incluso algunos muros son delgados y más e igualmente a los ingenieros Francisco exagerada fuera de la “medida humana”, anchos en lo opuesto. Se ha buscado esta Hernández Macedo, Víctor Guerrero y Rafael en el patio faltaba un muro aún mucho extraña y casi imperceptible asimetría que se Benítez, a los pintores Carlos Mérida más alto, comprendido como elemento observa con la construcción de cualquier cara, y Rufino Tamayo, al músico Lan Adomian, escultórico, de color amarillo, que —como en cualquier árbol, en cualquier ser vivo. No a los albañiles y pintores, a los fontaneros y a un rayo del sol— entrara en el conjunto, existen curvas amables ni vértices agudos: los muchos otros obreros. Todos ellos gastaron en el cual no se hallan otros colores que el total fue realizado en el mismo lugar, sin su tiempo allí, ayudando con consejos o con blanco y gris. planos exactos. Arquitecto, albañil y escultor intervenciones directas cuando hacía falta. eran una misma persona. Repito que toda esta Creo que, tampoco para ellos, no ha sido En el experimento de EL ECO la arquitectura es un experimento. No quiere tiempo perdido. integración plástica no fue comprendida ser más que esto. Un experimento con el fin

102 SOBRE LA LIBERTAD DE CREACIÓN Por el Arq. Mauricio Gómez Mayorga Miembro de la Asociación Mexicana de Críticos de Arte Arquitectura México, núm. 45, pp. 38-45

He dado a estas líneas, con toda intención los ídolos, los judas, las huecas piñatas de la izquierda, en sospechosa “mensaje social”en términos zapatistas y el mismo título de una brillante conferencia y los falsos valores que pretenden haberse complicidad con el de la derecha cardenistas. Y si dice su propio mensaje, el que Mathias Goeritz sustentó alguna vez convertido en profetas y ministros del arte (¿sería cierto aquello de los jesuitas que sale insobornablemente de su conciencia en Guadalajara. El propósito aquí es hablar en México. y los comunistas?). Nos sofocan el de artista, entonces los dictadores y los sobre un centro de arte, creado e impulsado nacionalismo, el regionalismo y el costureros del arte lo condenarán por no por Goeritz: pero, antes de ello, me interesa Son, pues, estas líneas, la primera piedra. chauvinismo emanados de lo anterior: ser ese mensaje el que ellos han aprobado más aún exponer por fin desde esta abierta Pueden estar seguros los lectores de que nos aletarga el provincialismo infantilista, y jurado obedecer e imponer en la última tribuna —ésta, sí— ideas que necesitan salir no será la última. dominical y llorón sobre el que fundan sesión del Partido. y ser dichas. Sobre la libertad de creación ese nacionalismo: nos petrifica el mucho puede hablarse: gran doctrina ética arqueologismo precortesiano con Ellos ordenan —¡y desde qué tan lejos vendrá puede ser expuesta. Pero lo que debe su pretendido señalamiento de rutas la orden!— que en arquitectura tengan que decirse ahora mismo en México es mucho artísticas por seguir, y con su falsificación imitarse las pirámides toltecas y las formas más importante que lo que pueda tratarse en de tradiciones; nos compra y nos vende de los volcanes: que en música haya de general y en teoría. Cuando la demagogia, el alquiler y la a su gusto el izquierdismo político a lo componerse pentáfona y percusivamente, y con consigna hacen irrespirable el ambiente 1938 —¡todavía!— que usa del arte a su temas populares; que en literatura tengan Hago notar que no estoy solo. Somos muchos artístico; cuando las grandes fuerzas antojo y que pretende alquilar y dirigir a que escribirse “corridos”, cuentos regionales ya los arquitectos, los artistas plásticos, matrices de la creación y de la expresión todos los artistas para sus propios fines. y novelas de la Revolución; que en danza se los músicos y escritores, los críticos y teóricos ceden su lugar a la conveniencia y al hagan ballets sólo con temas del zapatismo del arte que no estamos de acuerdo con oportunismo, y con esos elementos se Dentro de ese ambiente, con la clara y de la expropiación petrolera; que en la situación artística en México. Que no prepara el cartabón que obligatoriamente amenaza de un arte de Partido y de escultura no haya otro camino que seguir estamos de acuerdo, mejor dicho —y es ha de seguir la producción artística para Estado, pintar y escribir, hacer danza copiando (cada vez con menor éxito) lo más importante ser muy claro— con la dirección estar de acuerdo con una determinada y arquitectura, realizar obra musical y accesible de las formas precortesianas. Si se que, una camarilla pretende dar al arte en “ideología” política, entonces el hombre escultórica. Pero, si se trabaja libre intenta otra cosa, la pena es la excomunión, México: desde la arquitectura pública hasta libre, el verdadero artista, el critico imparcial y sinceramente y, especialmente, si lanzada con fuerte apoyo económico desde la poesía lírica. Continuando la trayectoria y el contemplador sincero sienten un ansia se tiene éxito —el caso de Tamayo—, elevadas posiciones oficiales, y desde que inicié en esta misma revista en unas de ruptura y de liberación, y esperan el Entonces se indignan 10 “grandes” del los sólidos púlpitos de la elocuente y bien notas sobre el Museo de Arte Moderno de surgimiento de una circunstancia, de un arte, o los pequeños —generalmente muy nutrida izquierda mexicana. Y si uno insiste Nueva York, hoy quiero seguir con un tema grupo, de una revista, de un movimiento, pequeños— que viven olfateando los en combatir, y en decir la verdad, entonces de gran aliento: ese otro centro que podría que abran puertas y ventanas, permitan alientos de los grandes. Al creador libre la diligente gendarmería de los alquilados llegar a ser el Museo de Arte Moderno en la renovación del aire y hagan posible, se le llama dandy, descastado, burgués, se encarga de cerrar las tribunas, y de México. del que mucho necesitamos, no sólo de nuevo, la vida y la expresión. falangista, malinchista, imperialista. hacer imposible la libertad de expresión. para atesorar y exponer lo nuevo, sino para Si el artista experimenta, si inventa; si Es muy curioso: todo esto ocurre en un país mantener viva, encendida y en alto la libertad En México, por ahora, nos ahogan investiga en arte; si sacrifica su tiempo y democrático y artista que ha levantado muy de creación: para sembrar la rebeldía, el muchas cosas, y muchas formas de la su ganancia personal para ir más allá alto la bandera de la libertad de expresión y espíritu de combate y de desobediencia en demagogia artística y de la dictadura y ser más capaz, y abrir brecha hacia el que se ha distinguido siempre, frente a toda los jóvenes. y en todos aquellos capaces de nos cierran el paso —hábiles y bien futuro, la camarilla lo techa de formalista, clase de amagos y de imposiciones, por su certidumbre y de pasión artística, y también financiadas— por muchas partes. Nos afrancesado, frívolo y traidor a la patria, fe en los valores del espíritu. Pero es que la para desinflar, quemar y romper ante ellos sofocan el sorprendente tradicionalismo y le reprocha el no ser portador de un camarilla recibe órdenes de otra parte.

104 Las líneas anteriores, escritas muy deliberadamente ahondar en la línea de Joyce, de Kafka, a ustedes desde luego que hagan un proponerme la construcción de ‘algo’, con y con un gran conocimiento de causa, o de Borges, y trabajar en una poesía que gesto de asco ante la sola mención de absoluta libertad artística, en un terreno de las denuncian por primera vez un estado de ya por fin se desprenda del empalagoso este centro artístico. Ya ese pintor, con calles de Sullivan en la Ciudad de México. cosas que no es nuevo, y que nos sabemos y afeminado López Velarde, y de los mínimos una verba que no por falaz resulta menos Todavía no era seguro entonces que Daniel de memoria. En México no hay libertad fabricantes de corridos, y tome para sí las envidiable, anatematizó desde el púlpito: Mont spiritus rector de aquella idea de dar artística, en la medida en que cualquier grandes corrientes mundiales abiertas por “Escuela de París, Abstraccionismo a un artista la posibilidad de construir ‘lo que intento creador que rompa con la ortodoxia Mallarmé, por Valéry o por Rilke. Y frente imperialista: Neoporfirismo.” Explicó que le diera la gana’, obtuviese prestado aquel dominante, es violentamente censurado y a la escultura y a la pintura —sobre todo por allí se abría el camino de regreso terreno, propiedad del ingeniero Francisco ahogado en su nacimiento, y en la medida la pintura— de estos repetitorios, de las compañías petroleras, junto con el Hernández Macedo: pero su genio de en que la camarilla de agitadores profesionales académicos y maniáticos políticos del arte, derrumbe del agrarismo. coordinador ya había logrado convencer a que mantienen ese clima de amenaza y se siente la urgencia de ir contra ellos, de varios capitalistas de confiar su dinero a esta de opresión, cuenta con todos los recursos marchar adelante; de experimentar, de No es para tanto. No se trata más que locura, de la cual nadie sabía en realidad lo necesarios para comprar y controlar los innovar, de abrir nuevas brechas por los de un casi modesto, pero ambicioso, que llegaría a ser. medios de expresión y de comunicación. El rumbos del arte abstracto y de vanguardia. centro de experimentación y de ideal de ellos sería establecer una dictadura En todo caso, los espíritus libres. Aquellos vanguardia: El Eco. “¡El Eco de París!”, ”Entonces, durante una estancia en Fortín del arte con apoyo oficial del Estado para a quienes ningún dinero puede comprar, y rugió el predicador. No. El eco de de las Flores, hice unos bocetos para un que las cosas marchasen como en la Unión que no cambian su dignidad humana por aquí: de lo más juvenil de nuestro ‘Museo Imaginario’, o experimental, que Soviética; para que entonces volviésemos un destajo en el mundillo del arte dirigido, medio artístico; el eco de los deseos de no existía aun ni en París, ni en Nueva York, verdaderamente al porfirismo como en Rusia quieren expresar su independencia y su libre respiración que hemos apuntado ni en México. Al mostrar los dibujos a Daniel han vuelto al zarismo, y para que la increíble resolución de mantener el eterno fuego del arriba. Mathias Goeritz —¡Horror, un Mont, éste se entusiasmó con ellos y empezó paradoja burgués-marxista se cerrase sobre arte verdadero, que es el del espíritu, por extranjero!—, creador y animador de este a convencer a SUS capitalistas en la obra sí propia. encima de la pseudocreación oportunista y centro, dice: “El nombre de ‘El Eco’ le fue propuesta. Para que aquella locura produjese calculada de los gerentes. dado por ser eco de las posibilidades dinero, tuvieron que incluirse en el plan un bar Entonces, repetimos, frente a este ahogo, se artísticas actuales, y por ser resonancia y un restaurante. experimenta un vital y saludable deseo de Se necesita, en resumen, hacer arte auténtico contra los constantes ataques al arte hacer violentamente todo lo contrario de lo que valga por si, que abra vías hacia el moderno”. Es decir, que se trata de un ”En septiembre de 52 se inició la construcción que los dictadores quieren. Si los telúricos f u t u r o; que trascienda de las limitaciones lugar de reflejo y rebote. a una marcha muy lenta, teniendo que pretenden que la arquitectura surja costosa regionales y nacionales; que se desborde interrumpirse durante cuatro meses por y volcánicamente de la tierra, dan ganas de ampliamente de los conceptos de clase Pero, dejemos hablar aquí a ese gran falta de dinero. En esa construcción trabajé realizar una ingrávida arquitectura de cristal y y partido. Eso queremos que se haga en artista experimental, quien ya alguna vez más como albañil que como arquitecto, aluminio que dé la impresión de ir a levantar México, y pretenderlo así es tanto como se ha expresado desde las páginas de corrigiendo constantemente las ideas el vuelo; si pretenden obligar a una música levantarse en armas. esta misma revista (ARQUITECTURA, primitivas: componiendo in situ; indicando indigenista y primitiva, se siente el deseo de número 40). Dice el citado escultor sobre la marcha la posición de cada muro. lanzarse a los más atrevidos experimentos Vamos a hablar de un Museo Experimental: Goeritz: En efecto, entendí el edificio en conjunto de contrapunto atonal o dodecafónico; si los de un “Cabaret de Arte”. El impetuoso como una inmensa escultura. inquisidores consideran de ley no tener más David Alfaro Siqueiros —por otra parte, “En abril de 1952 Daniel Mont (fallecido tema literario que la revolución y sus estrechos la única persona que vale en esa el 25 de octubre del año pasado) y ”El terreno era pequeño: poco más de 500 límites regionales, se necesita entonces colección de judas y piñatas— ordena Gabriel Orendáin me buscaron para metros cuadrados. Evitando ángulos rectos

106 y empleando muros de 7 a 11 metros de una parte del cual está en la hoja de una más que una cosa ‘bonita’, agradable y ”Sin duda, desde el punto de vista estrictamente altura, traté de hacer olvidar la pequeñez puerta, lo que representa una novedad adecuada. Pide, o por lo menos tendrá funcional, se ha perdido mucho espacio del lote. Como entrada dispuse un pasillo como concepto de integración plástica. que pedir un día, que la arquitectura, útil a causa del patio del Museo (véase el que se estrecha hacia el fondo, subiendo el En el pasillo que conduce a la galería de y sus modernos procedimientos y plano), pero a juicio mío éste era necesario piso inclusive y bajando ligeramente el techo. exposiciones que hemos llamado Sala materiales, le den además elevación para hacer culminar la serie de impresiones Para acentuar la impresión cónica, las duelas Daniel Mont, Germán Cueto realizó un espiritual, es decir, emoción, como en su obtenidas desde la entrada. Se persiguió del piso se estrechan también, llegando a un objeto escultórico, asociado al muro. época pudieron aportarla la pirámide, el causar el efecto de una pequeña plaza punto de fuga en el fondo del pasillo, con En la propia sala existe la mascarilla de templo griego, las catedrales románicas cerrada y misteriosa, dominada por la una sensación de profundidad que recuerda Daniel Mont que tomó Ignacio Asúnsolo o góticas e incluso el palacio barroco. La inmensa cruz de hierro que forma la puerta- algunas composiciones de Chirico. Ahí se con mi auxilio, y que recordará para arquitectura moderna sólo podrá volver ventana del salón principal. Además este ha colocado una escultura mía llamada siempre a una de las personalidades a ser considerada como un arte cuando patio se destina a exposiciones de escultura ‘El Grito’. Que obtiene del ‘eco’ en un mural más geniales y vigorosas que yo haya vuelva a proporcionarnos emociones al aire libre. Una de ellas ya se encuentra a la grisalla, de unos cien metros cuadrados. conocido en toda la vida. verdaderas. como parte permanente de la composición: una serpiente de lámina soldada que puede ”Este mural implicó la realización de varios ”La obra de este Museo fue entendida ”Y partiendo de la convicción de que ser entendida indistintamente como un objeto proyectos. Los pintores Rufino Tamayo, desde un principio como ejemplo de una nuestra época está llena de elevadas arquitectónico o escultórico. Un muro-columna Alfonso Soto Soria, Jesús Reyes Ferreira, y yo arquitectura cuya función es la emoción. inquietudes espirituales. ‘El Eco’ no de gran altura pintado de amarillo, completa mismo, hicimos proyectos. Decidí aceptar el El arte en general y la arquitectura pretende ser más que una expresión de la composición contrastando con el blanco, de Tamayo, pero nos ha faltado dinero para también, naturalmente, constituyen un ésta, aspirando, en forma automática gris y negro usados exclusivamente en todo ejecutarlo. Mientras tanto, durante la estancia reflejo —un eco del estado espiritual del y no deliberada ni obligatoria, a la el resto del edificio. En una de las caras de en México de Henry Moore, en diciembre hombre de su tiempo. Pero el arquitecto llamada ‘integración plástica’, para este muro, y frente a una pequeña puerta del año pasado, este escultor hizo unos de la actualidad, individualista e producir en el hombre moderno máximos que da a la entrada, hice colocar mi Poema croquis inspirados en las figuras de los ‘judas’ intelectual, exagera a veces por haber valores emotivos. Plástico, en hierro: una composición visual de populares mexicanos. que vio en casa de perdido el contacto con la comunidad tipografía abstracta que se dirige sólo a la Diego Rivera, y me los regaló para ‘El Eco’. (como existía por ejemplo en la ”Toda esta arquitectura fue entendida sensibilidad del espectador. Así se realizó en México el primer mural del Edad Media) y por querer destacar precisamente como experimento. A escultor más famoso del mundo actualmente; constantemente sólo la parte racional juicio mío, un museo experimental ”En todo este experimento la ‘integración uno de los ‘grandes’ de la Escuela de París, y lógica de la arquitectura. El resultado debía iniciar sus actividades con plástica’ no fue tomada como un punto tan admirada y atacada. Acepté el mural es que el hombre del siglo xx se siente un experimento arquitectónico que del programa, sino que se la dejó ocurrir de Moore tan sólo provisionalmente, hasta aplastado por tanto funcionalismo, por produjese emociones humanas dentro en forma espontánea. No se trataba de que contásemos con el dinero para realizar tanta lógica y utilidad de lo que enseñan de un concepto moderno, y sin caer en sobreponer pinturas a los muros, como se la ya proyectada obra de Tamayo. Para la como ‘arquitectura moderna’, y busca un decorativismo vacío y teatral. ‘El Eco’ suele hacer con los carteles de cine. Se realización material de la de Moore, contraté una salida. Pero ni el esteticismo exterior quiere ser expresión de una libre voluntad intentó concebir el espacio arquitectónico al pintor mexicano Alfonso Soto Soria, o formalismo, ni el regionalismo orgánico, de creación que, sin negar los valores como un gran elemento escultórico con colaborador de Carlos Mérida en sus frescos ni el confusionismo dogmático de ciertos aportados por el funcionalismo, pretenda valor propio, sin caer en el romanticismo de del Multifamiliar Presidente Juárez. Yo actué pintores, han podido enfrentarse al incorporarlos y someterlos dentro de un Gaudí, o en el vacío neoclasicismo alemán, solamente como supervisor. En el bar de ‘El problema de que el hombre, creador y concepto espiritual moderno. italiano o ruso.” Eco’, Carlos Mérida realizó también un mural, receptor de nuestro siglo, aspira a algo

108 el pasado. Ahora ellos, y los alquilados a la reproducción de las cosas. ¿Está formalismo, pero ¿hay arte sin forma? ¿y ex niños bien que los siguen, lloriquean claro? ¿Hay en ello asechanza del no es la forma el vehículo de expresión de sobre la tradición, desentierran muertos, imperialismo? La idea y la intención del cualquier idea? En aquellos tiempos, el autor Ya verá el lector con claridad qué persigue coleccionan ídolos y tepalcates, se abstraccionismo no son nuevas: tanto de este artículo intentó inclusive algunas este centro de arte. Experimentar con libertad; disfrazan de huehuenches, adoran en el cubismo como en el futurismo pequeñas obras abstractas que conserva, y recuperar para la gente de hoy y de mañana el las cursilerías y se emocionan con las existen en tono de percusión las ideas de las que no se avergüenza (una de ellas, abierto campo de la invención. Se persigue curiosidades para turistas en las ferias de de un arte “intrínseco”, de un arte no en estas páginas). Las que pinta hoy no son el gran derecho, la grave responsabilidad de los pueblos. Eso se llama menopausia: figurativo. Así, los conceptos de una menos abstractas: sí, mucho más libres y abrir brecha hacia el futuro; de no quedarse no les hubiera sucedido nunca, de haber pintura o de una escultura “absolutas”, y apasionadas. Y en cuanto a la doctrina, se donde estamos. Pretender que eso sea un sido fieles a una viril trayectoria de de una poesía “pura”, se abren paso a ha transformado, de una opinión juvenil, en nuevo academismo y un nuevo porfirismo, auténtica creación. lo largo de cuarenta años hasta llegar una actitud llena de militante certidumbre. como quieren los pintores comunistas, es hoy, expresados en muchas escuelas de ignorar profunda (y sospechosamente) la Treinta años después, la consigna Europa, América y Asia, a una claridad Con toda intención he asimilado en un solo historia del arte y de la cultura, y sabotear pretende que el arte de vanguardia de doctrina y de conducta no logradas concepto el arte abstracto, el experimental persecutoriamente los caminos de la libertad. ya no tiene caso; que ya pasó de antes. El autor cree oportuno recordar a y el de vanguardia. Creo que el clima Académicos y neofósiles son los que insisten moda. Se nos quiere hacer creer que el este respecto sus experimentos y del abstraccionismo es precisamente de estereotípicamente en la repetición de llamado neorrealismo —¡qué novedad!— discusiones de hace casi veinte años. búsqueda y de laboratorio, y que en el fórmulas, temas y recetas que fueron buenas, “integrado” con mensaje social, y surgido experimento —con todos sus riesgos— radica o por lo menos tolerables, hace 25 ó 30 cósmico-telúricamente de la tradición y Entonces creímos descubrir, en compañía la única posibilidad de progreso en el años. Y burguesas y burgueses hasta la de la tierra, según el dogma del Partido, de Alberto T. Arai, el arte abstracto, arte. Porque —¡oh herejía!— creemos en el náusea, son los enriquecidos traficantes de no tiene nada que aprender, nada que y formulamos una teoría en términos “progreso” del arte, entendido éste como esos clichés y de esas fórmulas que ellos investigar. El tema ha de ser social de de música. Decíamos entonces, y lo el engrandecimiento de la capacidad de perpetúan, contra la libertad del espíritu, para izquierda; el procedimiento, realista; las cito ahora en refrendo de aquella intuir, de inventar y de expresar; como el que sus ingresos no mengüen, y para formas, Precortesianas; los personajes, convicción, que el copiar, reproducir o ahondamiento en las fuerzas que provocan la no ver debilitadas sus posiciones políticas lacandones. No hay más que hacer: ésa imitar formas en pintura y escultura no producción artística. Si en arte no se indaga, y burocráticas. es la verdad absoluta y eterna. Anatema tenía un sentido intrínsecamente artístico: si no se hace ejercicio, si no se plantean para quienes crean lo contrario. que la reproducción fiel del modelo no nuevos problemas formales y expresivos; si Eso es todo. Los enemigos actuales del arte pertenecía al mundo de la creación no se trata de trascender creadoramente moderno —enfants terribles hace treinta años— Pausa para sonreír. Después de ello, (mucho menos aún, por supuesto, la de lo ya hecho y dicho, por bien hecho y no son ahora sino los clásicos reaccionarios hablemos un poco de arte anécdota o el “mensaje”). Entonces, el dicho que esté, no hay la menor posibilidad que no aceptan el advenimiento de abstraccionista, de arte minoritario, arte se nos presentaba como el modelo de enriquecer el acervo humano con obra generaciones jóvenes, porque los temen; experimental y de vanguardia: de ese supremo, la música; como la creación ex realmente nueva y valiosa. Lo nuevo contiene porque saben bien que los que valen entre arte valioso y necesario cuyo cultivo nihilo de formas bellas por sí; significativas por sí, sólo por ser nuevo, un valor positivo: estos últimos, lo harán mejor que ellos. ¡Cómo nos prohíben los dictadores de la y expresivas por sí; dotadas de una la posibilidad de ser mejor, más rico y más se han desinflado estos revolucionarios de moda. No caigamos en nominalismos intrínseca vigencia artística, dentro del profundo que lo anterior. El tiempo, que ayer! Lejos están los días en que la izquierda ni en sutilezas. El arte abstraccionista marco de posibilidades impuesto por las es vida humana, y que no existe fuera del artística ponía un ejemplo de fuerza y de se opone al realista; la creación de las limitaciones del cuadro o de la escultura. hombre, es justamente el portador de esa rebeldía, y de ruptura con las tradiciones y formas por las formas mismas se opone Caíamos, sí, en un hedonismo y en un renovada posibilidad. Por eso vale; por eso

110 transcurre; por eso es irreversible; por eso ellas lo que no son capaces de crear. “una gran escultura” que no debe ser artísticas, ya que las soluciones que el mundo debe ser aprovechado en la creación y no en Pero, producir lo mejor, no lo peor; juzgada ortodoxamente como arquitectura. espera de lo arquitectónico pertenecen a otro la copia de los modelos consagrados. Quien hacerlas subir un poso a fuerza, por ¿Emociona? Sí, a juicio nuestro y tomando dominio diferente. Pero estas consideraciones retorna a los clásicos es un farsante o un medio de la educación; no rebajarlas en como testigo nuestra propia emoción. no prohíben en modo alguno que, de vez en suicida. Es necesario ya asociar la invención la demagogia halagando sus instintos. Emociona la soledad de las formas, la cuando, tengan que realizarse obras solamente científica con la creación artística, mucho más Elevarlas hasta Bach y Mozart, como ascética aridez de los paños, la grave emotivas: un monumento, o un museo tan semejantes de lo que parece, y hacer valer hizo José Ives Limantour en Poza Rica y entonación de la paleta, la glacial especial como el que nos ocupa. para ambas el concepto de “deseabilidad” Coatzacoalcos; no mantenerlas en los —y apasionada— monumentalidad. La de la marcha del tiempo: así como en sótanos del mariachi y el corrido, como influencia de Luis Barragán —ese gran Goeritz y sus colaboradores no tomaron la el universo físico la entropía aumenta quieren los arte populistas. Y recordemos artista— es evidente en Goeritz: ese integración plástica como una obligación constantemente, y eso señala la dirección del que todo arte que surge de las minorías franciscanismo, esa vertical humildad y o como una bandera para su experimento. tiempo, en el universo de la cultura la riqueza llega al fin a los grandes grupos, lo mismo esa honda reserva proceden de él; esas Mathias el pintor, como ya lo ha dicho en del espíritu también aumenta continuamente. que toda ciencia pura desemboca en la formas lacónicas son suyas, y (para quien esta misma revista, cree en ella, pero confía en Toda obra futura será mejor. tecnología. Allí radica la necesidad de esté en plan nacionalista) son hondamente que resulte por sí sola, y espera que se vaya laboratorios de arte, donde con toda mexicanas, sin anécdota, sin grito cumpliendo y lográndose espontáneamente Pero el arte experimental, ese arte que se libertad, y en forma totalmente libre de alcohólico y sin bandera tricolor. Quizá el en el curso de la vida del Museo, más como siente con el derecho y la obligación de dogma y prejuicio, maestros y discípulos efecto final sea triste y trágico: el artista lo consecuencia de una fluyente unidad de indagar, es arriesgado y difícil, y por eso, y investiguen con la pasión, la perseverancia ha sentido así, y así ha querido expresarlo. sentimiento, y como una cuajada madurez por la responsabilidad que implica, es, y tiene y la imaginación que se pone en la de propósito, que como obligación ritual que ser, minoritario. Todo lo que es nuevo y tarea científica. La intención contraria, la No estamos de acuerdo con el animador y dogmática. Por otra parte —comentamos avanzado, lo mismo en arte que en ciencia, que hemos denunciado aquí, se llama de “El Eco” en que la arquitectura moderna, nosotros—, la tan llevada y traída “integración” es obra de pequeños grupos selectos. dictadura: bastante malas son en lo político, en general, carezca de valores emotivos y ha llegado al paradójico extremo de Sobre ellos, y no sobre las masas, pesa la para que ahora —¡y en México!— fuéramos humanos. Los tiene para quien sea capaz enemistarse con la arquitectura, y ha fracasado obligación de inventar y de revolucionar, y a tolerarlas en lo artístico. de percibirlos, si bien se defienden de lo bastante escandalosamente como para de educar a los demás en lo nuevo. ¿Ha sido una captación inmediata, como ocurre no dejarla en paz un poco, hasta que surjan otra la tarea de los profetas y reformadores, Ahora, veamos la obra de Mathias Goeritz, con todas las virtudes del arte moderno artistas con la suficiente cultura, con la suficiente políticos y religiosos? ¿Cuándo han surgido objeto de este escrito. Desde luego, el ser en conjunto. La aparente frialdad y la calidad espiritual, talento creador y pasión por de otro modo que de hombres solos —solos y esta obra de arquitectura la realización de complejidad de muchas de las actuales el arte, para que en sus manos pueda ponerse solitarios— y de breves minorías, las ideas que un pintor, aunque haya sido asesorado por producciones del espíritu (la ciencia este problema hasta hoy intacto. luego han llegado a ser colectivas? arquitectos, nos obliga a entenderla como incluida) resultan cálidas y transparentes escenografía, y no como arquitectura. Esto cuando llega uno a ligarse íntimamente Las mayorías en general, y mucho más no tiene nada de particular cuando se con la época actual; con las profundas aún nuestras mayorías indocatólicas, son persiguen fines fundamentalmente emotivos, fuerzas que hoy justifican y dan forma a conservadoras por excelencia. Su clásico como Goeritz señala. Malo, cuando los lo mejor de las tareas humanas. Por otra arraigo al suelo y al pasado es un terrible arquitectos hacen escenografía con la parte, y nos cansaremos de insistir en ¿”El Eco”? No; debiera llevar ese nombre, lastre, un pétreo factor de inmovilidad. habitación colectiva, con los hospitales o ello, la arquitectura actual tiene buenas y sí creemos que la designación sea poco La actitud auténticamente democrática, con las plantas industriales. Así pues, razones para no proponerse, más que afortunada, si este lugar de arte ha de “demófila” mejor dicho, es producir para “El Eco” es una cosa “antifuncional”, excepcionalmente, finalidades meramente cumplir con la misión que se ha señalado,

112 Boletín unam-dgcs-697 Museo El Eco 06:00 hrs. 08 de septiembre de 2005 Boletín de prensa emitido por la Dirección General de Comunicación Social (dgcs) de la unam, el 08 de septiembre de 2005. y con la que esperamos que cumpla. www.dgcs.unam.mx/boletin/bdboletin/2005/2005_697.html Nosotros le hubiéramos llamado El Grito o el Clamor. Y en honor del futuro, y de todo lo que se propone, y de la gallardía del gesto que hay en esta creación, colgaríamos en su puerta una campana simbólica, para que su presencia y su repiqueteo invitasen a la asonada y a la libertad.

REABRE SUS PUERTAS EL MUSEO EXPERIMENTAL EL ECO

• Lo inauguró el rector Juan Ramón de la Fuente, quien estuvo acompañado por el secretario de Educación Pública, Reyes Tamez.

• De la Fuente afirmó que ese espacio es un verdadero icono de la cultura, las artes y de la audacia de artistas mexicanos.

• Reyes Tamez Guerra se congratuló por el esfuerzo realizado por la unam, para reiniciar un proyecto en donde se llevarán a cabo actividades del más alto nivel.

El rector de la unam, Juan Ramón de la Esta obra, puntualizó, muestra que en Fuente, reinauguró el Museo Experimental la Universidad, la cultura y las artes el Eco, luego de más de medio siglo de son fundamentales, al igual que las permanecer cerrado. Así, la Universidad humanidades y otras disciplinas que Nacional recuperó uno de los edificios más no siempre son comprendidas, sobre significativos de la arquitectura mexicana todo cuando se ven estrictamente con del siglo xx para devolverle su sentido la óptica lucrativa y mercantil. original: ser un espacio para el diálogo de las artes visuales de nuestro tiempo. De la Fuente insistió en que la cultura es esencial para nuestra convivencia cotidiana, Ante el secretario de Educación Pública, entendernos mejor y darnos cuenta de su Reyes Tamez Guerra, y el jefe de gobierno dimensión más profunda, pero también nos del Distrito Federal, Alejandro Encinas, une y permite realizar proyectos conjuntos. el rector afirmó que El Eco es un verdadero icono de la cultura, las artes y de la audacia Se preguntó qué sería de México sin de artistas mexicanos que se atreven a su rica historia cultural, sin expresiones experimentar, transmiten emociones intensas artísticas y sin humanidades, así como qué y recrean espíritus. sería de la Ciudad de México sin El Eco.

114 A su vez, el secretario de Educación artistas más dinámicos y creativos del arte de papel, madera y alambre que semeja plásticas y visuales de nuestro país. Pública, Reyes Tamez Guerra, se contemporáneo, para establecer un primer un cráneo humano, interactúan entre sí A cargo de la Dirección General de Artes congratuló por el esfuerzo realizado diálogo intergeneracional e interdisciplinario y plantean un diálogo con la arquitectura de Visuales de la Coordinación de Difusión por la unam para reiniciar un proyecto entre la arquitectura de El Eco y los un espacio que, en principio, fue concebido Cultural, el espacio se perfila, según su que mantiene el espíritu, donde se destacados artistas Carlos Amorales por el joven Mathias Goeritz como quien director, el curador y comunicólogo llevarán a cabo actividades que y Damián Ortega. esculpe un edificio: muros paralelos que se Guillermo Santamarina, como un lugar producirán polémica del más alto nivel. vuelven más angostos, líneas oblicuas que se de vanguardia para el diálogo de las Después de una ardua labor de restauración, alejan del ángulo recto; la experiencia de lo artes visuales que conservará un lugar Dijo que este desarrollo realzará a con esta reapertura, se da el triunfo del arte monumental que sobrepasa la escala humana especial: la Sala Daniel Mont, en esta casa de estudios y a los artistas frente al abandono y el inexorable paso y provoca un sentimiento de elevación espiritual. homenaje al personaje que financió y mexicanos, al afirmar que la institución es del tiempo. solicitó el proyecto a Mathias Goeritz. la mejor en la investigación, la docencia Ayer, los asistentes todavía podían percibir y la difusión de la cultura. Así, ayer por la noche la unam volvió a los olores de la pintura fresca, del concreto Ahí, se presentarán exposiciones formales inaugurar el legendario museo, como lo que no ha terminado de secar, característico y revisionistas de la obra de artistas En su intervención, el jefe de gobierno hiciera en 1953, el escultor y arquitecto de de los edificios nuevos, y pudieron transitar relacionados directamente con Mathias del Distrito Federal, Alejandro Encinas, origen alemán Mathias Goeritz, autor del por los corredores y pasillos sobre la duela Goeritz o de las escuelas de vanguardia señaló que para la capital del país es mítico edificio. impecable de esta simbólica construcción, que influyeron en el trabajo del escultor y de suma importancia la recuperación de donde observaron su gran muro amarillo, arquitecto alemán. este espacio. También asistieron la presidenta del Consejo el cual nuevamente parece saludar, desde el Nacional para la Cultura y la Artes, Sari interior, a quienes se encuentran en su interior Finalmente se concreta un proyecto que También, agregó, representa la Bermúdez; el jefe de Gobierno del Distrito y a los transeúntes de la calle de Sullivan; durante varias décadas fue demanda consolidación de la Universidad porque Federal, Alejandro Encinas, y el coordinador ese famoso “muro de las lamentaciones”, constante de un destacado grupo de permitirá expandir las actividades de Difusión Cultural de esta casa de estudios, donde Mathias Goeritz incrustó su “poema investigadores del arte universitarios, culturales en la Ciudad de México. Gerardo Estrada. plástico”, escrito con letras de su propia encabezados por la doctora Ida invención y compuesto de tres estrofas: Rodríguez Prampolini, viuda de Goeritz. Por su parte, la directora general de Artes Sin la nostalgia del pasado, lejos de la escultórica, la pictórica y la emocional. Visuales de la unam, Graciela de la Torre, consagrarse como un monumento histórico, También se recupera para el patrimonio expresó que durante los 52 años que El Eco inicia una nueva etapa de vida como lo Los espacios de singular trazo arquitectónico de la Universidad Nacional y del país tiene de existencia el Museo Experimental hubiera deseado su creador, a quien siempre que concibió fueron recuperados con la una de las pocas obras del expresionismo el Eco se convirtió en una leyenda le dolió la inminente pérdida del edificio. mayor fidelidad por los arquitectos Felipe Leal mundial que, junto con la Casa de Frida que hoy termina, al abrir sus puertas y Víctor Jiménez, responsables del proyecto Kahlo y Diego Rivera, construida por prácticamente en su estado original. Se volvió a presenciar otra vez en este de restauración. Juan O’Gorman en el tradicional barrio de espacio una experiencia artística, que en esta San Ángel y la Casa de Luis Barragán, en Luego de hacer un recuento de las ocasión involucra la obra de tres destacados En tanto no menos digna de ser admirada la Tacubaya, forman la trilogía de edificios diversas actividades que en este recinto creadores contemporáneos de prestigio obra de los artistas invitados ocupa el patio emblemáticos del arte arquitectónico del se llevaron a cabo desde 1953, y de internacional: Gabriel Orozco, artista interior del edificio y parte de la sala de siglo xx, como bien lo señaló Felipe Leal. recordar a su fundador el artista Mathias egresado de la Escuela Nacional de Artes mayor dimensión. Goeritz, sostuvo que el museo será un Plásticas y sus invitados: Damián Ortega El Museo Experimental el Eco —ubicado espacio poético y un lugar de encuentro, y Carlos Amorales, todos en franco diálogo Concebido por su creador como un templo en Sullivan 43, col. San Rafael— abrirá reencuentro, discusiones, prácticas con la arquitectura singular del inmueble. para la experimentación artística, El Museo sus puertas al público a partir del 9 de experimentales y “todo lo que en el futuro Experimental el Eco, dotado ya con los recursos septiembre, de martes a domingo, de se nos ocurra imaginar para estas tareas”. Animaciones geométricas, balones de fútbol tecnológicos más avanzados, en congruencia 10:00 a 18:00 horas, y la entrada es libre. usados y trabajados plásticos, así como con el espíritu del autor, habrá de convertirse, Informó que al iniciar su programación, piezas escultóricas de distintos materiales de acuerdo con Gerardo Estrada, en uno de se invitó a Gabriel Orozco, uno de los y formatos, además de una gran estructura los espacios más importantes de las artes

116

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122 UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO

Dr. Enrique Luis Graue Wiechers Rector MUSEO EXPERIMENTAL EL ECO

Dr. Leonardo Lomelí Vanegas Secretario General Paola Santoscoy Fernández de Lara Directora Ing. Leopoldo Silva Gutiérrez Secretario Administrativo Begoña Inchaurrandieta Aramburu Coordinación Editorial Subdirectora Macarena Hernández Estrada Dr. Alberto Ken Oyama Nakagawa Secretario de Desarrollo Institucional David Miranda Flores Diseño Curaduría y programación Jesús Cruz Caba Lic. César Iván Astudillo Reyes Secretario de Servicios a la Comunidad Macarena Hernández Estrada Corrección de estilo Publicaciones Diana Goldberg, Claudia Priani Dra. Mónica González Contró Abogado General Guillermo Rosas Sánchez Textos © Difusión y prensa David Miranda Mathias Goeritz Jesús Cruz Caba Mauricio Gómez Mayorga COORDINACIÓN DE DIFUSIÓN CULTURAL Diseño Dr. Jorge Volpi Escalante Fotografías © Coordinador Gabriel Escalante Dávila David Miranda, pp. 8, 20, 72, 73, 83, 118-119, 126 Producción y montaje Museo Experimental el Eco, fotografías de Ramiro Chaves y de Rodrigo Valero Puertas, pp. 13, 15, 87, Mtra. Graciela de la Torre 92, 93, 94 Directora General de Artes Visuales Archivo Histórico del Museo Nacional de Antropología, inah, pp. 18 Archivo cenidiap-inba, pp. 27, 30, 44, 66 (fotografía del Excélsior), 67 D.R. © 2017 Mathias Goeritz Bajo licencia de L.M. Daniel Goeritz y Galería la caja negra, Madrid D.R. © rmn-Musée du Louvre/Jean-Gilles Berizzi, pp. 38 Archivo de la Dra. Lily S. de Kassner, fotografía de Marianne Gast, pp. 41 Frederick and Lillian Kiesler Foundation, pp. 48, 49, 53, 55 D.R. © 2017 Austrian Frederick and Lilian Kiesler Private Foundation, Viena Kurimanzutto, Ciudad de México, pp. 77, 79, 81, 82 Estudio Macías Peredo, pp. 87 The Dissonance of El Eco

An essay by David Miranda

David E. Miranda Flores (Ciudad de México, 1977) Artista y curador

Su trabajo artístico ha sido expuesto en Ha desempeñado una intensa labor en el campo diversas instituciones culturales de México, de la educación y la enseñanza de las artes, en Colombia, Chile, España y Estados Unidos. diversas instituciones culturales de México y es Desde 2005 combina su actividad creativa profesor del área de docencia de las artes de la con su labor como curador en el Museo Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado Experimental el Eco, donde ha curado La Esmeralda. proyectos de artistas como Abraham Cruzvillegas, Georgina Bringas, Roberto Turnbull, Fue coordinador del proyecto de Educación Ricardo Rendón, Miguel Monroy, Javier M. Estética en la Ciudad de México, por parte del Rodríguez, entre otros. Instituto Mexicano del Arte al Servicio de la David Miranda es miembro fundador de la Educación (imase) en colaboración con el Lincoln Plataforma Arte Educación (pae). Center Institute de Nueva York (2003-2005). To the creative, restless and dissonant who have been part of El Eco,

To Begoña, Guillermo and Enrique,

To Iraís The Dissonance of El Eco

132 Inside “Emotional Architecture” 135 Homeland and Museum 139 The Dissonance of El Eco 144 A Dissociated Modernity 147 Conceivable Scenarios, or Architecture without End 152 The Search for Freedom of Creation 156 El Eco: A University Museum 167 An Open Conclusion

Appendices

172 Contract between Mathias Goeritz and Daniel Mont, 1952 173 Manifesto of Emotional Architecture, 1953 176 On Freedom of Creation, 1954 184 Press Release –DGCS-697, 2005

* Timeline and Bibliography, pages 120 and 123. Inside “Emotional mourning—that evoke the image elements are crossed: by replacing even more threatening than it is now, of the polychrome wood sculptures the talud with only the diagonal because according to its author, that Architecture” inside catholic parish churches, direction of the wall, which makes the structure expressed the anguish of covered with a veil of the same architecture a non-orthogonal system, man in the universe, in the midst of the color in sign of respect and it’s as if we could see the inverted courtyard’s tranquility. Today, only the bereavement, in a “visual prayer” talud on the ground rather than calm of the place remains, waiting for of sorts.1 elevated. All the lines, relationships someone to contemplate or transform it and angles in the building’s walls aim with the act of their presence. To reach The tower in the courtyard’s corner to break with 90 degrees and offer the courtyard, you have to undergo is a yellow column that supports irregularity in their perspectives and other architectural experiences that are nothing. In any event, it’s a truncated vistas, alluding to the singularity of just as singular and precede its glow. Days, weeks, months and years have obelisk of sorts that connects the a natural, organic universe from and Therefore, to notice the possibilities of passed, and the jacaranda trees still floor and the sky and reminds us abstract configuration.3 light on the architecture you have to flower in the springtime, even though when we enter just how small we are. experience darkness, and such contrasting the seasons aren’t the same anymore It’s the same thing that happens in This closed, mysterious world,4 phenomena continually appear to anyone and it rains around here any time gothic architecture, but without its guarded by a tower that articulates who moves through its spaces. of the year. The best-known image of decorative allegories, because in this the vestibule of one of the venue’s this place is the inner courtyard that case all walls have a rock-hard, rough, entryways, breaks its gray-and-white As you wander down James Sullivan separates us from the city through geometrically coarse character, with atmosphere with its own yellow glow, Street in Mexico City there is silence, the layout of its walls, which only the same charm of a pre-Hispanic as if a ray of sunlight fell from the sky a black wall that breaks with the provide us with a glimpse of treetops vestige that evokes its splendor from or a spark rose from the floor. In any architectural catalogue of the place. that are unquestionably over fifty deterioration and generates the case, it’s a space that changes its An outdoor wall suppresses the line years old. You can see them clearly mystery of its past. This might be why appearance as the day goes by, just of buildings on the street and widens in some photos, in front of the contemporary society is so interested in as in Kukulkan’s temple, in Yucatán, the sidewalk, framing an almost building’s façade—recently planted archeological sites, because they incite when a serpent’s shadow slithers down square entrance that provides space saplings looking like rods. They’re us to imagine something alien yet close the pyramid as an effect produced for a revolving door built of sheet an indication of the intentions of in anthropological terms; because each during equinoxes and solstices. metal, which alters the experience of whoever planted them, depositing their wall, texture, roof or element we see in local traffic because of the curiosity wishes of transforming architecture these kinds of places had to be the work A serpent lived here too, a primary it provokes as an eternally half-open into future by thinking of the place of hands like ours. In this sense, time structure composed of several volumes screen—a sculptural invitation as a living organism, as a venue with is shortened, as the fact takes place in of black steel plaques; its shape to enter, transgress and change its own celebrations, beyond our a similar dimension to the present. This was similar to the peaks of an atmospheres. What can be seen from presence. If you return to this courtyard courtyard could be an interpretation electrocardiogram or the up-and-down the street is a hallway that plays with between March and April you’ll notice of the pre-Hispanic system known shapes of a temperature chart, our visual perception and rouses a that the floor is covered with purple as talud-tablero2 used in the central an “aggressive and restless” structure 5 sense of profound distance, because flowers—as if it were a part of Easter highlands. The difference is that these that gave the place a mystical sense, its rough white walls begin to close

1 Coined by Mathias Goeritz in the text This text was published in Olivia Zúñiga, and the upper one, called tablero, lies straight on or on any living soul.” This text was published in Estoy harto [I’m Fed Up] in 1960—a manifesto Mathias Goeritz, México, Ediciones Continental, top of it, projecting chiaroscuro effects. Leonardo, vol. 3, London, Pergamon Press, 1970, read and distributed in exhibition “The Realism 1963, p. 45. pp. 63-65. of Mathias Goeritz” at the Antonio Souza 3 In “The ‘La Serpiente de El Eco’ Sculpture: Gallery in November of that year—the notion 2 Talud-tablero, or slope-and-panel, is the A Primary Structure of 1953”, Mathias Goeritz 4 Ibid. of “visual prayer” concludes its central idea as construction pairing that creates distinct expressed his interest in El Eco’s irregular follows: “All established values must be rectified chiaroscuro progressions with sunlight, with two architectural shapes, and highlighted the following: 5 Ibid. in depth, believing without asking what you horizontal planes that cover the pyramids’ base, “I tried to avoid 90-degree angles in the building’s believe in! Have the work of mankind become where the lower plane, known as talud, rests floor plan, to project a nearly imperceptible a VISUAL PRAYER, or at least attempt it.” with an inclination of nearly 45 degrees, asymmetry like the one found on a face

132 in until they reach a point of relief, of the facts related to the history of so interested in the possible relationships Homeland perceived through a well-lit finishing unique a museum and suggests it as a offered by its artistic and historic legacy. at the end. Contrasts between light and cultural and artistic event that contrasts and Museum shadow are experienced in a single space, with consumer society’s production I titled this analysis of the building’s and even at that moment you don’t models in today’s world. At the later distinction and singularity The Dissonance know what you’ll find at the end of end, it coincides with the European spirit of El Eco. Structured with seven the path. From its occupation and of vanguard that appeared on the art chapters plus its corresponding transgression, this entryway—which scene in the early twentieth century, documentary appendices, the purpose evolves into monumentality from a but its place of birth is a territory where is to provide a general explanation limited space—has been an invitation the construction of artistic statements of the history, influences and actions to surprise for many years. was subjected to the narrative issued by that until this document went to press Museums traditionally preserve, that the local imagery of the Nation-State: state unam’s current commitment, generally being understood to be their Museo Experimental el Eco Mexico City. El Eco, then, presents which, through the Difusión Cultural purpose. Their classic conception (Echo Experimental Museum) is a itself as an occurrence in the history of Department (Cultural Affairs) and the is linked to the interest in restoring penetrable and habitable sculpture Mexican art that must be considered a Dirección General de Artes Visuales a people’s past through an existing waiting to be traveled through and consequence of Western avant-garde (digav, Visual Arts Office), has returned connection between museography and occupied in ways different from those thought and at the same time as a work this extremely special project to the historiography—derived from thoughts that current utilitarian urban models are that absorbed its foundation from the field of Mexican art. This all aspires to triggered when collecting images and used to, for it’s a meeting place and a germ of artistic freedom and modern add new genealogies and conceptual objects, which have been granted platform for generating knowledge and aspiration that already resounded reading nodes that will complete a symbolic, material and singular cultural expression that has, in many in Mexico since the beginning of the story of this sculptural event. As value—, thereby bringing together and ways, contributed to venting the concerns last century. part of its documentary research, the distinguishing the community they of actors and participants in the artistic Spanish version of the essay has a belong to and generating spaces for and cultural scene it represents. In its current life, Museo Experimental timeline to help readers see how El Eco anthropological, historical, artistic el Eco is a place that “constitutes the coincides time-wise with other relevant or scientific reflection. This essay stands as a specific resonance box and tension between architecture projects; along with the other reflection on the implications the contributions of modernity and parts of the text, this tool is a device for The aesthetic value of pre-Columbian of an experimental art museum contemporary culture.”6 El Eco is a diverse historiographical analysis. collections gained importance during in our days, starting from a critical cultural space that was taken over by the Porfirio Díaz era in Mexico, when analysis of its immediate context and the Universidad Nacional Autónoma de May this document serve, then, emphasis was placed on a nascent signaling Museo Experimental el Eco México (unam, National Autonomous as testimony of those who over the generation of foundational myths as a cultural space expressly for the University of Mexico), in 2005. In the past ten years have participated in the that helped the State to create a speculation on artistic and social last decade it has forged its vocation resurgence of one of the most important national identity. At the same time, events, accepting it as an architectural from continuous collaborations and cultural projects of the second half they established the guidelines device created to provoke “emotion” dialogue among the people in charge of the twentieth century, allowing us for the appearance and co-existence in its visitors. This text presents some of directing the space and a community to echo our own excitement. of two working models for museums:

6 In the years that El Eco has been a University Begoña Inchaurrandieta, Macarena Hernández, museum, the project’s mission and vision David Miranda and the members of the museum’s have been revised three times, and its current board, Tatiana Cuevas, Jorge Munguía interests have been updated to fit the times and Luis Felipe Ortega. it is developing in. In 2012, El Eco’s mission was redefined during a meeting. The following people participated as part of the review between digav and the El Eco team: Graciela de la Torre, Claudia Barrón, Jorge Reynoso Pohlenz, Patricia Sloane, Paola Santoscoy,

134 the temple museum and the forum an institution, the museum would for aesthetic contemplation, with art museums continued to operate museum.1 These models evolved into an continue to be grounded, to a degree, only the galleries in the San Carlos with a conservation orientation, institution called the Museo Nacional in the notion of “political museum”, Academy as a precedent. Pieces and cultural expressions exhibited (National Museum), which in practice despite the many discussions around belonging to periods beginning with in the official institution were still promoted the modern veneration that time aimed at reconsidering the the sixteenth century up to murals constrained to the languages of of vestiges and stories that helped paradigm of the institution: by Diego Rivera and José Clemente European classical arts, leaving the shape the notion of an ancestral Orozco were exhibited in a building artistic event as a sentence in the past origin for late nineteenth-century The people of Mexico erect this designed years earlier by Adamo tense—as something presented in halls Mexican citizens. Since then, Mexico monument to honor the cultures that Boari, without there actually being after the artist’s workshop experience, has perceived itself as a country flourished during the pre-Columbian era much difference in the way sample disconnecting the history of the work with a secular society that overcame in regions that are now the territory of selection was treated in terms of the of art from its original context and its colonial and European heritage Mexico. Today’s Mexico pays homage to nationalist model previously described enveloping it with the aura of a sacred through the creation of symbols indigenous Mexico with the testimonies in the anthropology museum project. object. This was different from the promoted by the Nation-State in its of those cultures, in whose example it It included a Mesoamerican sculpture new painting salons and independent separate periods of independence recognizes the essential features of its hall and another one for Mexican galleries that were then organizing and revolution. national originality.2 prints, as well as a folk art museum activities parallel to those taking containing the Roberto Montenegro place in the large museum halls. Created in 1825, the Museo Nacional Mexico’s national project of collection. In 1947, when the Instituto An example was the Mont-Orendáin de Mexico underwent several modernity is represented by political Nacional de Bellas Artes (inba, National gallery, a space devoted to exhibiting modifications in the twentieth imagery. Thus, we can speak of the Institute of Fine Arts) was created, works by artists of the time, known for century, having had its name changed way in which the emergence of Fernando Gamboa, Julio Prieto hosting events that were more to Museo Nacional de Arqueología, the museum as a “sacred temple” and Julio Castellanos modified the open in terms of format. Located at Historia y Etnografía (National during the 1887-1967 period sought museographical project, turning it 154 Puebla Street, Mont-Orendáin Museum of Archaeology, History neutrality vis-à-vis scientific intention, into the Museo Nacional de Artes was, in its day, one of the most and Ethnography) in 1909 and later identifying it as the subordination of Plásticas (National Museum of Fine prominent alternatives to the art becoming the Museo Nacional de museography’s conceptual knowledge to Arts) and assigning it the mission of museum. It was the brainchild of Antropología (National Museum monumentalization and superimposing displaying an overview of the processes entrepreneurs Daniel Mont and of Anthropology), in 1945, which it civic ends on scientific knowledge.3 of national artistic creation at the Gabriel Orendáin, who also owned would remain for nearly half a century. time. This led to an educational restaurants and bars in town, giving The most recent renovation, which The history of art museography in program and the establishment of them the chance to get to know many involved the construction of its Mexico, on the other hand, cuts across a publication plans to promote the of the contemporary artists and, along current structure, designed by that of anthropology and natural history. country’s artistic values beyond the with other spaces such as the Galería architect Pedro Ramírez Vásquez, Inaugurated on November 29, 1934, limits of Mexico City’s local scene. de Arte Mexicano (gam), to create a took place in 1964. The idea behind the Museo de Artes Plásticas (Museum commercial sphere that would help the architectural project was carved of Plastic Arts) was the first museum Despite the singular effort made by creators develop a parallel vision to in marble and made it clear that as in the country to exhibit art objects Mexican museology at the time, that provided by the State.

1 Both models belong to one same process 2 President Adolfo López Mateos, Mexico City, of formation of the modern state, because September 17, 1964, Museo Nacional de the Museo Nacional de Mexico, created in 1825 Antropología. Engraved on a marble wall at the and the precursors of Mexican museums, played museum entrance. a silent role in the process of secularization from devout gaze to curious gaze. Luis Gerardo 3 For more on the concept of museopatria Morales Moreno, “Museológicas. Problemas [“museum/homeland”], see: Luis Gerardo Morales y vertientes de investigación en México”, Moreno, “Museopatria revolucionaria”, in Memoria in Relaciones. Estudios de Historia y Sociedad, del Congreso Internacional sobre la Revolución México, no. 111, vol. XXVIII, summer 2007, p. 33. Mexicana, Mexico, Gobierno de San Luis Potosí/ inehrm, vol I, 1991, pp. 398-411.

136 When the Mont-Orendáin partnership of artists in the post-revolutionary The Dissonance Daniel Mont approached him to offer ended in 1949, museographer Fernando period and greatly constrained the a plot of land on Sullivan Street, Gamboa and the commission formed identification of local artistic practice of El Eco in Mexico City, and a crew of workers, by the head of the Departamento as a social and partisan gloss that so he could do “whatever he felt like”.1 de Artes Plásticas (Department of Fine removed public importance from Goeritz replied that he was not Arts) the director of the Escuela de the explorations of vocabularies and an architect, and that would be a Pintura, Escultura y Grabado (School formats by the local vanguard in the problem, to which Mont responded of Painting, Sculpture and Engraving) first half of the twentieth century. that was precisely why he wanted him the director of the Escuela Nacional As for the problem of museum space to be the person to undertake such a de Artes Plásticas (National School within this scenario, it served as a special enterprise. They would speak of Fine Arts) and the president of the mechanism to “whitewash the past”, Mathias Goeritz came to Mexico in subsequently about the function of the Asociación de Críticos e Investigadores while also attempting to control the 1948, from Spain, after an invitation space. Some time later, after endless de las Artes Plásticas (Association future by resorting to forms of power by engineer Ignacio Díaz Morales. He conversations about the project, they of Fine Arts Critics and Researchers) intended to suggest transcendental lived in Guadalajara, Jalisco, where he came up with the idea of creating an chose to open the Salón de la Plástica narratives. However, by referring started off working in the Escuela de experimental museum whose Mexicana on the very same property. to transcendental principles, such Arquitectura (School of Architecture), activities, or experiments, started Here, Mexican artists accepted by the models explain that by definition their teaching a course called “Visual off with the building’s own design commission would benefit from the spectrum of symbolic relationship Education” and catching the eye of and construction. As a doctor in art sale of artwork.4 indicates another world rather than the local cultural scene. Consequently, history, Mathias was fascinated by this one. Although specialization in he met the engineer Luis Barragán architectural works that inspired all In general, the configuration of museum space design did not exist and painter Jesús Reyes Ferreira, with the arts to converge, and the notion of Mexican gallery space (with the in Mexico until after the sixties, we can whom he undertook several projects a sanctuary for artistic creation was a exception of the Galería Mont-Orendáin venture to say that exhibition space over the next few years that were constant in the project’s conception. and gam) tended to bend to the needs limits were not exclusively spatial in significant within the development of He was interested in cathedrals, of state propaganda, which were nature, and formal explorations by Mexican art and architecture. Among pagodas and mosques, spaces where reflected in the attempt at sacralizing many of the artists in the first half of them were the Satélite Towers and the architectural space allowed other the “temple” or “classroom” with the the last century in Mexico were not Convent of Capuchin Nuns in Tlalpan, artistic expressions to happen in the social and civic values of federal power. related to an interest in transgressing both in greater Mexico City. present, where choir voices could Whereas in the United States market the space of signification and reception reinterpret the place’s painting and and economic speculation ensued when of exhibition devices. At most, the Mathias Goeritz met Daniel Mont at dance could move in synch with new models for exhibition and artistic interest—it seems—was to sacralize an exhibition of his paintings and its configuration, unlike stages and production were introduced through and become part of it so as to achieve sculptures in the Galería de Arte theaters. Goeritz then decided to the promotion of private collections recognition in the future. Mexicano, in 1949. At the opening, create Museo Experimental el Eco. within a liberal state, in Mexico the Mont made the German artist one of The name suited its intention promotion of a nationalist ideology the riskiest, most unusual offers. of being a space that resonated with determined the formal narrative Later on, Goeritz would recount how the artistic expression of its times.

4 According to the text by Raquel Tibol Erasto Cortés Juárez, Olga Costa, Dolores Cueto, Luis Ortiz Monasterio, Feliciano Peña, 1 “¿Arquitectura Emocional?”, written for Homenaje a los miembros fundadores Germán Cueto, Gonzalo de la Paz Pérez, Francisco Fanny Rabel, Everardo Ramírez, Jesús Reyes Ferreira, in Arquitectura, no. 8-9, Mexico, (commemorative catalogue for the Dosamantes, Jesús Escobedo, Arturo García Manuel Rodríguez Lozano, Diego Rivera, May-June 1960, pp. 17-22. 25th anniversary of the Salón de la Plástica Bustos, Jorge González Camarena, Antonio Ruiz, Juan Soriano, Rufino Tamayo, Mexicana), 1974, the artists that began this Jesús Guerrero Galván, Xavier Guerrero, Cordelia Urueta, Héctor Xavier, Desiderio project were: Ignacio Aguirre, David Alfaro Frida Kahlo, Agustín Lazo, Amador Lugo, Hernández Xochitiotzin and Alfredo Zalce. Siqueiros, Raúl Anguiano, Luis Arenal, Dr Átl, Leopoldo Méndez, Carlos Mérida, Gustavo Abelardo Ávila, Angelina Beloff, Alberto Beltrán, Montoya, Francisco Mora, Nicolás Moreno, Ángel Bracho, Celia Calderón, Federico Cantú, Nefero, Luis Nishizawa, Juan O’Gorman, Fernando Castro Pacheco, José Chávez Morado, Pablo O’Higgins, Carlos Orozco Romero,

138 He began with a series of drawings he the experience visitors had as they or “sculpture-paintings”, the name images and the abstraction of the named ideogramas or “ideagrams”, moved around while distancing itself they gave the stone relief work that world than what was grasped by the exercises that allowed him to visualize from the functionalist trends of projected out off of the walls. European vanguards later on. the space he was going to build. the time that restricted interaction Because Goertiz was not an architect, with architectural space to a single, Daniel Mont’s sole condition for With Mont, Goeritz had decided he decided to develop his own system specific use. Goeritz in the project was that it have that all the surfaces should have of planning and construction that a bar, a place where people could meet a rough texture, an element that would help him understand this work Goeritz introduced a metal sculpture and move back and forth between would separate it conceptually from not as a building but as a livable of a snake. This “base structure”, as he socializing and esthetic emancipation. the grand painting salons and also sculpture. In the future, this termed it, would provide some scale to The effects of light and shadow here relate it to the stucco walls that had difference would shed light on why the patio and serve as a frame for the should follow the layout of the inner surprised him so much when he visited Goeritz and Mont never wanted ballet that would be performed walls and their creation of a passageway. Teotihuacan in 1948. to see the structure as a conventional there. The snake led to many broad For the bar design, Goeritz invited exhibition hall or an aseptic museum reflections and, like other elements another personality of note within In fact, Mathias Goeritz’s project gallery. Everything was to be of the museum, would become part of the cultural scene at the time, whose with Daniel Mont was very far from related, so that—as Goertiz himself the country’s modernist legacy. very presence would, as was the case the notion of preservation or custody said— “emotion” would be a main In fact, years later, the snake structure with Cueto, mean another approach, of a collection: El Eco had been function of the place.2 would be adopted as the logo of one much closer to abstraction. made for other artists to occupy, Mexico City’s Museo de Arte Moderno Carlos Mérida was commissioned to and the works that accompanied its Goeritz began the construction by (Modern Art Museum).3 do the intervention on the bar walls. opening were conceived as devices for putting up walls that separated the plot His geometrical figures of fishes and provoking the anticipated emotion of land from the city’s urban image. Like a cathedral builder, Goeritz invited faces that got lost among triangles in the spectator, although never as This created an inner patio where only other creators to join the project, and trapezoids of polychrome wood autonomous elements, and probably a tower could be seen, indicating the in order to broaden his exercise and hugged the walls of the bar in El Eco, not permanent. According to Goeritz, place where artistic creation would not have utter control of the final providing movement to their rough this would connect the museum with take place. The hallway that was the result. He invited more experienced linear surface. Mérida knew just what works of antiquity, where the main venue’s main entrance would close in artists that he greatly admired, such as to do, since several years earlier he goal was to exalt the community as one walked down the corridor, due sculptor and painter Germán Cueto, who had carried out some major projects through works with a shared to the inclination and irregularity of had participated earlier in avant-garde to expand the architectural experience purpose—the notion of considering the ground plan—a distinctive element and experimental movements such as through geometrically reconfiguring it as a meeting place between of an architectural approach that estridentismo, recognized as one of the motifs from Mexican culture without, human beings. constantly tried to avoid 90-degree most important in Mexico within however, reaching Diego Rivera’s angles and create a bold interplay in the fine arts, literature and political Apollonian depictions. Mérida, like Museo Experimental el Eco opened the space, as well as perspectives and activism. For the hallways that led Goeritz, always understood that Latin on September 7, 1953, with great effects of monumentality within a small to a small room upstairs, Cueto American mother cultures were more expectations from its guests. A ballet, area. It was an attempt to appeal to suggested a pair of esculto-pinturas closely related to the geometry of directed by Walter Nicks with music

2 In his research, Dr. Daniel Garza Usabiaga has 3 Mexico City’s Museo de Arte Moderno was suggested linking the term Emotional Architecture inaugurated in 1964. with the idea of the sublime developed by Edmund Burke (A Philosophical Enquiry into the Origin of Our Ideas of the Sublime and Beautiful), which helps us delve into the different concept of museum held by Goeritz and Mont, which was more related to the intention of generating an experience of awe that could also be understood as mystery.

140 by Lan Adomian, was performed, and and when the Centro Libre de Experimental el Eco is a project that in remains primarily a site of ephemeral, small wood sculptures designed by Experimentación Teatral (cleta, Free the early twenty-first century is barely location-specific situations and Goeritz and carved in Guadalajara by Center for Theater Experimentation) beginning to test out the framework production, as it has been doing maestro Romualdo de la Cruz, were split up due to disagreements of activities for which it was built. since 2005. As “transitory museum” displayed. During its first month, the among its leaders, the place became Time and its current artists will find production, El Eco can achieve extensive venue welcomed an array of renowned El Tecolote, a center for a variety of out what it’s like to inhabit and exist dissonances in its field, generating personalities from national and events where cultural offerings had within a livable sculpture, and what, creative distances in terms of our international cultural life and offered more to do with political propaganda if any repercussions the “Emotional immediate present, broadening our its visitors a range that went from and urban rock. Finally, in the late Architecture” created by Goeritz has Mnemosyne’s paths of reflection as a concerts and art shows to the tribal nineties, the place fell into disrepair. on models of artistic production in the collective, dramatic act—because rituals that so intrigued Daniel Mont. In all those years, Goeritz could never future within their sphere. after all, perhaps all we can preserve do anything for the project that he is what gets fed within our memory. On October 26, 1953, Daniel Mont felt had not only changed his way of Strangely enough, today we could suffered a fatal heart attack. From doing art forever but influenced other speak of El Eco as a space that then on, having lost the core of the subsequent works, such as the Satélite recovers the essence of Mexico’s operation at such an untimely Towers, the Route of Friendship, modernist period, and we could claim moment, all the projects related to the Sculptural Space in the unam that its exhibition spaces—which have the experimental museum petered out. and the Jerusalem Labyrinth. never been strictly run as a “white Goeritz published the “Manifesto cube”—agree with the explorations of Emotional Architecture” in 1954, In 2004, on the verge of being demolished of formal languages of narrative that a justification of sorts for all those by its latest owners and turned into a the vanguard inherited from the fifties who had questioned the project in parking lot, the property was rescued as an aesthetic product. This is that year and never understood the by unam, with an eye to restoration. the opposite of the controlled, intentions of such an enigmatic venue. On September 7, 2005, 52 years flat, aseptic and artificial spaces of after it was first inaugurated, Museo contemporary museum galleries that El Eco did not live up to expectations Experimental el Eco reopened, currently devote their efforts to the and changed course more than once. with the original intention of its technology of aesthetics applied to It became a restaurant and cabaret creators—as a space that would an accurate reading and visualization and is even known for having been resonate with the expression of the of the artistic event. Right now, what the city’s first gay bar. Later, it was artists of its time. Once again it has can be said of El Eco (and other rented by unam and housed the Centro brought to the fore the question sister spaces as well, as far as the Universitario de Teatro (cut, University of whether experimentation in art institution is concerned, given its Theater Center), thanks to maestro implies distancing from the notion university connection) is that it has Héctor Azar’s initiative. It was taken of the finished object and therefore the opportunity to expand interest over afterwards by a group of activists from its consumption as a product in the cultural practices it takes that had it for the next 25 years, and financial exchange value. Museo part in, as long as it makes sure it

142 A Dissociated view, those that shaped the fleeting the sleepwalking Caesare, under the was Mathias Goertiz, with his instant could be considered “modern”, spell of Dr. Caligari. This depiction of early sculptural work. From the Modernity sparking off their own experience and modern anguish conceived by Robert fifties onwards, he developed an that of others through their actions Wiene in the 1920 film The Cabinet of artistic vocabulary rooted in forms in a “successive instant” and generating Dr. Caligari suggests an expressionist charged with modernist principles, abysses in everyday life. This kind atmosphere defined by the contrast adapting his practice to a developing of consideration assumes there is a of its urban and rural landscape Mexican cultural scene. “Emotional “field of reception” that makes this blended in irregular, chiaroscuro shapes Architecture”, as he termed it in term pertinent, bringing together the that express the tension between a El Eco, was one of the most significant forms of vital experience in societies traditional world and one consumed by attempts in Mexico to shake up the Why was Charles Baudelaire so in constant transformation that we a psychiatric perversion personified cultural scene of the day by proposing captivated by the infernos painted could identify as “modernity”.1 by Caligari. While imagining a a museum that would not preserve or by Eugène Delacroix? Maybe it was sleepwalker induced to commit crimes, collect objects but rather experiences Dante and Virgil’s drama on a single For philosopher Marshall Berman, the screenwriters were denouncing the derived from situations that took 2 canvas as they admire the misfortune modernity can be understood as German state’s acts during the war. place there. Marianne Gast recorded and calamity of the world—of all the a paradoxical unit, a “unity of Caligari, then, stood for the regime that interest in action during a worlds—as an “experience of time” disunity” that threw all humankind that manipulated a docile people to photo session where Goeritz directed that can only be understood from an into a maelstrom of perpetual commit crimes, the most critical being dancer Pilar Pellicer, demonstrating emotional perspective. Perhaps he was disintegration and renewal by yearning during World War II. the multidisciplinary possibilities fascinated by the feeling of superiority for and rejecting past situations, of the cultural space. The artist is triggered by the depiction of the as a superlative act. This paradox German expressionism, together with simultaneously genius and sleepwalker salvation of the individuals led by Charon distinguishes twentieth-century other avant-garde movements, led to and temporarily kidnaps the and making their way through a swarm modernity from other times in human many other reflections and ways of damsel—this time, from the meaningful of people who throw themselves at history and highlights it in virtue of understanding the world that looked experience of the place they are in, their boat, provoking surprise among its anxiousness to define a fatality at modernity as a series of attitudes in a shared time and space, where the salon spectators in 1846, as if they that justified questions in the present regarding the present, as criticism of the “work’s” solidity vanishes into the air of were among those condemned to and abstracted its forms, concluding past, by representing the environment the situation generated by their actions. eternal darkness. A delight in the its stories in narratives that suggest as a malleable, constant form that was finite quality and sublimeness of the predominance of the unconscious never fully defined. Possibilities for El Eco emerged as a rift within the realm witnessing the world of the dead over our acts by exacerbating the artistic expression of modernity grew of cultural institutions, not resolved is perhaps the consciousness of contrasts of humanity in a duality through the sophisticated poetry of merely as a project defined by its history humanity represented by Dante’s that could represent the world, a language that centered on mystery, and narrative but conceived as a living image, horrified by the misfortune not only in myths, but also in events screams and attacks on industrial society. organism growing out of the activities of the damned but also thankful and fictions. They were no longer that could take place there. In Goeritz’s for being the enlightened one in the Dante and Virgil dragged by Charon; One of the most unique heirs to the words, El Eco was opened to offer a 3 world of darkness. In Baudelaire’s now they could be Jane kidnapped by poetic forms of German expressionism place for present-day concerns,

1 Marshall Berman, All That Is Solid Melts 3 See Manifesto of Emotional Architecture in into Air: The Experience of Modernity. Verso, the appendices to this book: “EL ECO was London, 1983. opened to the artistic concerns of the present world.”positivists thought. 2 In this sense, Emotional Architecture tried to join in with the principles of German expressionism that fixed its postulates in the alteration of forms of nature in order to express human subjectivity, thus contrasting with nineteenth-century positivists thought.

144 where the integration of visual arts was like Mexico City. In its most recent Conceivable Scenarios, been behind Goeritz’s decisions in not understood as a program but as a stage, after 13 years (1990-2003) of conceiving of the venue as a medium natural act of the spatial-architectural neglect and faced with the prospect or Architecture for emotion. situation. Conceived as a penetrable of becoming a parking lot, the unam, without End sculpture, El Eco is a work that rewrites sponsored its rescue in 2004, restored Although Goeritz trained as an itself each time it is intervened and its original architecture and gave it art historian and was particularly inhabited—thus the justification of back its initial vocation—the search interested in analyzing the art the museum-experiment antonym, for human emotion linked to phenomenon in its classical in a deliberate search to define the interdisciplinary art practices. forms—as reflected in his doctoral preservation of the memory of human In the past 10 years (2005-2015), thesis on the work of painter expression and not only its products. the Mexican art scene has been able Ferdinand von Rayski, published to witness its efforts, always looking Where did the search for emotion in 19421 (Ferdinand von Rayski It was built on a small piece of land, its forward to dialogues with new visitors, in Mathias Goeritz’s architecture und die Kunst des neunzehnten walls ranging from 23 to 36 feet transforming them, leading them and work begin? Much can be Jahrhunderts [Ferdinand von Rayski tall, and its anguished, tight-fitting, by the hand as Virgil did with Dante, said about it, but we must not and Nineteenth-Century Art])—, his runaway lines propose a dramatic, transported by Charon, looking ignore possible relationships interest in exploring vanguard non-utilitarian visit that contrasts straight at the reality of the dark world with international processes, movements such as German with the idea of an aseptic, stable with the boat open to whoever wishes personalities and projects prior expressionism, too, can be space known today as “white cube”. to climb in and briefly abandon the to El Eco regarding ideas about understood as a result of his travels Emerging as one of the cornerstones darkness of the spectacular world that exhibition spaces and in terms of through several European cities and of modernism in Mexico, El Eco saw consumes us; a place where emotion the underpinnings of Goeritz’s work the sudden disavowal of esthetic itself as a surprise, a place of encounter is not paid for, collected or speculated as a livable sculpture. The influence patterns promoted by the German that presents its spaces as containers on: it is experienced. of German expressionism and state after World War II, as he of contrasting light and darkness, vocabularies connected with disassociated himself from that thinking always of the emotive avant-garde development in art regime. Around 1945, Goeritz not circumstances of contemporary and design on Goeritz’s production only left his post as delegate with humankind, sequestered by models is well known and has been the German Consulate in Tetuán, functionalism and the logic and utility broadly cited. The Mexican arts scene, appointed by the German Cultural of functional architecture. however, must be situated within the Institute in Madrid, and stopped context of others that were concerned teaching German, he decided to take In slightly more than 60 years, and with creating national museums. up art as a trade. He would put his due to the untimely death of its prime Rather than viewing this project as experience in art viewing to use, mover, Daniel Mont, the structure an “open institution” emerging out now as a producing artist. He set underwent a series of different of a businessman’s desire for a venue aside earlier influences and devoted existences over time, given its reality with cultural offerings, we might step himself to various activities that as a building stranded in a place back a bit to discover what may have enabled him to leave his country.

1 In her thesis on Mathias Goeritz in Spain, researcher Chus Tudelilla proposes this document as a counterpoint for his interests in avant-garde art before meeting the Spanish artists with whom he worked in Santillana del Mar.

146 By 1948, Mathias Goeritz had married the languages of international art at making artworks visible through translating the project’s spatial design photographer Marianne Gast and compared to the restriction of their deconstruction. The work of art into a social reflection on human traveled with her to Altamira, to see the esthetic freedom in Europe during was distinguished from architecture “emotional conscience” regarding cave paintings, on an assignment World War II. Known as Art of This and the museum considered a sort everyday surroundings. The aim was to document its significant cultural Century, collector Peggy Guggenheim’s of conservation chamber—shadowless, to reintroduce the humble act of legacy through images. This, plus his art endeavor had, by 1947, presented white, clean, artificial—, entirely receiving and accepting the vision of friendship with artists Ángel Ferrant, various aspects of artistic expression focused on the function of others to people’s act of seeing. Ricardo Gullón and Pablo Beltrán from her times. For over five years, architectural space and on the de Heredia, led to a major shift she had promoted the work of artists technology of esthetics. This was This position starkly opposes Barr’s in the direction of Goeritz’s gaze who stand today as the symbols of all consistent with the philosophy notion of educational instruction, on fine art and made him redirect twentieth-century art history. of MoMA director at the time, if we consider that the space Kiesler it to the spectrum of prehistoric Alfred H. Barr, who believed that designed completely affected the representations of the world. Artists such as Jean Arp, Georges Braque, art museums should be spaces that works exhibited, presented through The result was visual complexity that Giorgio de Chirico, Salvador Dalí, concentrate the languages of their a staging device that warped the started from abstraction and the Marx Ernst, Alberto Gironella, Wassily times, at the service of society architecture and separated artists’ works appropriation of forms, similar to Kandinsky, Fernand Léger, André as a whole and thus ensure their from the walls and floor as a constant other artists who were then defining Masson, Roberto Matta, Joan Miró, inclusion in the most relevant events. disruption of conventional ways of the path of pictorial art in Europe Pablo Picasso and Yves Tanguy had Furthermore, their educational motto exhibiting them. In contrast with and had taken American esthetic explored American horizons, providing should be: “Prepare the masses to deal the museum experience, visitors tendencies by storm. This was sparked a breath of fresh air that produced with contemporary civilization”. were not mere spectators; they also off by the influx of works from the many relevant initiatives on the New participated in real-time experiences, Paris art scene, framed by abstract York scene. They all, at some point, Peggy Guggenheim had transformed in an atmosphere designed expressly art shows by artists working in what showed their work in Guggenheim’s her interests in art into a position to link artistic expression with is identified today as the last of the gallery, which shaped one of the most that contrasted with Barr’s by the spatial experience of on-site avant-garde in Europe. pivotal periods for art history in the investing part of her inheritance movement, trying to unite the area by means of a unique concept in art collecting and promoting an experience of the image with that of Meanwhile, in the United States, a for presenting artists’ work. The avant-garde gallery at 30 West 57th human reality, as a single thing once year before Goeritz, Ferrant, Gullón gallery’s approach contrasted with Street in Manhattan. To plan it, again, thus recovering the emotional and Beltrán de Heredia announced the conceptual and architectural lines Guggenheim called on Austrian-born charge that Kiesler claimed primitive their Escuela de Altamira (School that were then reshaping the mission stage designer, sculptor and architect man may have experienced. Kiesler of Altamira)2 project in Santillana of New York’s Museum of Modern Art Frederick Kiesler,3 who welcomed split the space into different areas del Mar, in New York City, one of (MoMA), which opposed discourses the assignment of transforming a revolving around the Guggenheim the galleries that had done the most on art geared toward analytically commercial space (formerly a tailor collection’s needs, such as a hall for art at the time was closing. Its reviewing artistic production, and shop) into a unique art exhibition for abstract art, one for surrealist main goal was to show the world the were reflected in aseptic architecture facility. Kiesler started from a particular art, another for kinetic art and one greater breadth of sophistication in whitened with zenith lighting aimed notion of the concept of “unity”, with natural lighting conceived as a

2 The educational project known as Escuela form could evolve into a mood that connected in Goeritz and his comrades’ undertaking, moved to New York in 1926, where he lived de Altamira emerged in the community of human beings with artistic events, starting from considered at the time to be a project that would until his death. Santillana del Mar after a collective painting their experiences. The war had destroyed a large revitalize artistic practice in the region. exhibition. Years earlier, Mathias Goeritz had part of the world’s tranquility and did not leave 4 In his gallery design notes, Kiesler emphasized shown a keen interest in pedagogy as a broad space for much other than notions of progress 3 Frederick John Kiesler (Austro-Hungarian different aspects he considered fundamental for process of artistic production parallel to the and modernity. “Isms” and the vanguard spirit Empire, September 22, 1890-New York, December building the project: 1. Mobility of museographic art academy’s classic techniques; he sought to were transformed into humanitarian desires 27, 1965). A stage designer, artist, theorist installations and their possibilities depending compare philosophical concepts with the lessons that contributed greatly to the dissolution and architect, he studied at the Technische on the exhibition; 2. Systematizing mounting he learned when studying European avant-garde of linearity in art history. One of the main Hochschule from 1908 to 1909. Between 1910 methods as a model of specific exhibition movements, where emotion and mystery of missions in this educational project was the and 1912, he studied painting and printmaking that promoted resource economy; 3. “Spatial expansion of languages, techniques and models at the Akademie der Künste Bildenden, in coordination” by means of a mounting device of representation for artists’ expression in a Vienna. Kiesler produced theater, art and design that allowed for two- and three-dimensional provincial setting, and it is not surprising that exhibitions in the 1920s in Vienna and Berlin. works to blend their qualities within a single its motto was: “All men, brothers at last, become In 1920, he began a brief collaboration with space, intervening the site in a way that was 148 artists.” A sector of academia perceived the architect Adolf Loos. After being invited to different from the logic of the salon, thus joy of several local painters after participating participate in the National Theater Exhibition, he promoting a type of sensorial/environmental painting library; an exhibition system relationship to the arts and as applied design of other projects to present values of scale, color, texture, weight, was also specifically designed for each knowledge in everyday life. Kiesler his concerns in architecture, science mass, lighting and so forth, related to of the venue’s segments.4 proposed different approaches in his and arts to the world, he made many the raison d’être of designed spaces. architectural and stage design projects, references to possible affectation in For years, Kiesler speculated on the The Guggenheim-Kiesler pairing with the concepts of “correlation”, his works, understood as unfinished inner space of his Endless House, with hoped to go beyond merely exhibiting “correalism” and “biotechnique”5 statements—which coincided with the intention of creating a fluid and artwork. It considered the creation and his intention to expand on his the Duchampian position of the continuous area without interior of a space for esthetic recreation and notions of “dynamism”, “infinity” “definitively unfinished” art product dividing walls, thinking of the possibility social exchange on several levels, and “continuity” in his work. His and also positioned a new use for of organically extending the use and which would result in an attractive, obsession with space design, which exhibition spaces in the artistic and function of the parts to the lifetime unique meeting place for the art scene originated from the study of scales architectural scenes, parallel to the of the inhabitants, like a living at the time by suggesting broader and time related to environmental spatial explorations that avant-garde being within itself, symbiotic with uses of art exhibition venues and design, made it possible for him to movements had carried out its inhabitants. disrupting the aura built up over transform his concept. The shape of his previously. When Kiesler noticed that centuries around the art object in the projects did not develop formally from the development of constructive The unique thing about reviewing West. This was all based on expanding the evolution of esthetic vanguard architecture is paradoxically contained Guggenheim and Kiesler’s project to the possible uses of architecture in a but rather grew out of processes by its functionality, he tried to discover a possible influence on sense that was conceptually distant of interdisciplinary integration in compensate that constant of the El Eco is mirroring both examples from what had been proposed until many of the aspects that concerned times by comprehensively tackling the as projects that initially came about then in the field of museography. the multimodal use of architectural utilitarian function of architecture as in a similar way. Art of This Century space, as a thought related to the a core theme in the decrease of artistic emerged from a collector’s commission Where do visionary interests on the transience of its inhabitants. These capacity to be a real spatial solution. to transform a business; by combining extended relationship of humans interests took shape in the utopian This resulted in different shape commercial with legitimately with space come from, and what design of the Endless House, a project design alternatives from those of his avant-garde interests, a revolution have their consequences been? At that began back in the 1920s (with contemporaries. Kiesler then came up took place in terms of scenarios of the 1925 International Exposition of multiple versions) yet wasn’t presented with the concept of “psychofunction” visibility and conceptions of art of the Modern Industrial and Decorative publically as a proposal until 1964, in architecture, derived from the times, in the development of platforms Arts held in Paris, Frederick Kiesler in the famous “Environmental premise that he described by saying: where social trends produced in was in charge of setting up the Sculpture” architecture exhibition “Only function and efficiency cannot different spheres by this phenomenon Austrian pavilion. That is where he held in New York’s MoMA by architect create works of art. Psychofunction is could take place. Notions of the first presented his notion of “the city Philip Johnson, who had founded that supplement beyond efficacy that “unfinished” and the possibility of “the in space” (Raumstadt), following the its Department of Architecture and can turn a functional solution into infinite” in Kiesler’s architectural and ideological lines developed by the Design a few years earlier. art.” This also required that material sculptural works coincide with the lines Dutch De Stijl group and expanding values in architecture be bolstered; expressed by Goeritz on the possibility on the issues of the study of space, Years before, Kiesler first coined in the end, they affect the perception of triggering genuinely “human” its design and manipulation in the “endless” concept—linked to the of the people when inhabiting it: experiences within architecture, and less monographic experience; 4. Interpreting they could move the piece around and as spectators wished, so they could gaze at to the taste of visitors, automatizing the work’s exhibition space through lighting design (similar enjoyed unheard of proximity to the work; them sitting or standing. Exhibition of the presentation while expanding the number of to designing a mise en scène), for ultimately, 6. To prevent fatigue among visitors, furniture pieces thereby adapted to visitors’ position works exhibited in a single place, without having creating an atmosphere depends greatly on design included three types of seats that gave and body types. Plus, the interplay of lighting to sacralize the artwork-spectator relationship. its lighting; 5. Promoting different ways of the space a domestic dimension and let artists incorporated the background of the walls into This last device led to a broad review of works: using exhibition halls. In this case, it became modify the venue’s internal structure, generating the reading of the pieces, generating different the point of reference for activating this a figurative archive by devoting one hall of zones for personal relationships different from playful contrasts of lights and shadows with each machinery was the presentation of a series by the gallery to a library or consulting room for those in museums, especially during opening piece; 8. Suspension columns were placed in the Paul Klee and later the work of Marcel Duchamp. paintings, where visitors could observe in detail events for each exhibition. One of the seat designs abstract art area. This system of tensors that the work that interested them, as they sat or stood; could also serve as a partition or screen for easel held artworks in space doubled the exhibition 5 In his research on the “notion of space” work, thus taking into account savings for future area and possible formal combinations among (La idea de espacio en la arquitectura y el arte exhibits; 7. In one of the project rooms known as the pieces shown and allowed for changing their contemporáneos, 1960-1989, Akal, 2008, p. 61), Javier “The Surrealist Gallery”, the flatness of the walls order with each project, making for endless Maderuelo Raso proposes Kiesler’s relationship was broken up by adapting a series of metal combinations for mounting, and finally, 9. In the with the “correlation” resulting from the idea 150 arms that could hold the paintings to be shown. fourth hall of the gallery there was a spiraling of a “space-time” continuum, by describing This further allowed for pieces to be tipped system aimed at displaying two-dimensional work this principle as the backbone of his thought signaling “emotion” as a new premise The Search for dividing and organizing space in the specific only to contemporary for architectural conception: “emotion” architectural plan through a series architecture but rather to consumer as a substance that would then link Freedom of Creation of connecting rooms. To depict the society in general, which dilutes any an architectural piece with those who space in a home, the living room, for artistic postulate and trivializes and will temporarily inhabit it, and not example, he articulated an imaginary dissolves its predecessors’ substance as a value developed by the architect axis around it that defined differences of thought. for his users—Goeritz’s “Emotional in heights and scales in the rooms, Architecture” can be understood in giving them specific functions based As for Mathias Goeritz in Mexico, this sense—is a statement that differs on the atmosphere sought for each, he faced a similar conflict when from the architectural projects of like an imaginary spiral in which inaugurating Museo Experimental its era, especially in terms of the the movement of the inhabitants el Eco with Daniel Mont, as a use and function of spaces inside Mathias Goeritz concurred with were more in tune with the space.2 group of artists led by David Alfaro El Eco, which do not emerge from a Frederick Kiesler on his architectural Kiesler adopted this concept and Siqueiros disparagingly referred search for esthetic effects from the production premises in terms of revolutionized it by imagining his to the project as “School of Paris, atmosphere to make a postcard or continuous and emotional space Endless House sculptural architecture imperialist abstractionism and from decoratively coloring the place. and time. He also agreed on the as a continuous space with subspaces ‘neo-Porfirism’”4 because of its clear The “emotion” Goeritz refers to economy of formal resources to placed on different levels with various opposition to Mexican muralism’s coincides with the present-tense use of execute them, aided by the clarity lighting effects and also by creating “plastic integration” model, from the the place that goes beyond its physical and specificity of their function. In areas with distinct character, as in the perspective of building a nationalist preservation. Gothic cathedrals are not Kiesler’s case, this ideal of production case of Art of This Century. All these narrative. They requested participants magnanimous simply because they are and abstraction of form resulted ideas had already permeated the from the local scene to spurn the formally awesome;6 they are so because from the influence of writings by languages of architecture around project, as it belonged to a false they continue to be ritual places architect and theorist Adolf Loos 1, the world and had also provoked artistic concept. In El Eco’s case, and are still inhabited as they were whose assistant he had been in his reactions regarding the rationalization the dilemma of “plastic integration” designed to, with the same premises, youth. Loos had a decisive impact of architectural spaces in their most in architecture was overcome by evolving alongside their visitors’ reason on the twentieth-century modern utilitarian version, since Loos’ times, conceiving architecture from a and thought, as well as the time of movement’s postulates on architecture, as these approaches served as pretexts sculptural rather than utilitarian their materials. In his essay “Sobre seeking “de-ornamentation” as a for the austerity of post-war spaces, approach, allowing—as with Kiesler’s la libertad de creación” (On Freedom rupture of sorts with architectural pointing to the trend as part of the projects—greater user interaction of Creation)7 Goeritz states: historicism and forever revolutionizing decadence of architecture in general within it, in a “total atmosphere” the construction models of the time. and separating it from the problem conceived for visitors’ sensorial and Real art is alive, even if its creators died His concept of Raumplan—which of art. This was part of what groups of social experience.5 When reviewing thousands of years ago. A work of art meant providing and pointing out the the movement’s detractors thought,3 both proposals of spatial production and is recognized because it has a life of its particular, distinct importance of each criticizing the rational, utilitarian conception—“Endless Architecture” own. A work that is lifeless is not a work space in a building, for its optimal shape of the spaces. We know today, and “Emotional Architecture”—, the of art. habitability—led him to a system for however, that these issues are not difficulties the medium itself causes in terms of his architectural projects. According 6 In his Manifesto of Emotional Architecture, Mathias 1 Adolf Loos (Moravia 1870-Vienna 1933) 2 As an example, see the design for Romanian-born to Maderuelo, Kiesler defined “correlation” as any Goeritz assumes that today’s creating individual revolutionized Viennese architecture in 1899 French writer Tristan Tzara’s house, built in 1926. significant relationship between ideas, objects, demands something more from architecture than with the construction of the Café Museum, people or spaces; “correalism” as an exploration the esthetics from its materials. He demands a and in 1908 he wrote Ornament and Crime, a text 3 The group of Vienna Secession architects. of dynamics of continuous interaction between notion of spiritual elevation during its conception; in which he announced architecture’s esthetic people and their natural and technological an “emotion” as humans were given from evolution and its separation from adornment 4 Mauricio Gómez Mayorga gives his opinion on environments, whereas biotechnique he defined pyramid architecture in its time, or a Greek temple, and ornament. This kind of progressive thinking the mood of the time in his article titled just as as the application of knowledge of “correalism” a Romanesque or Gothic cathedral: “Only by came from Karl Marx and Frederick Engels’ Goeritz’s text “Sobre la libertad de creación” [On to specific problems of architecture. receiving true emotions from architecture can man postulates on social justice, where ornaments Freedom of Creation], published in Arquitectura consider it to be an art once more.” were criticized for being badly paid work, México, no. 45, March 1954, pp. 38-45. structurally unnecessary and for accentuating 7 Ideales, year 1, no. 5, Guadalajara, 1950. social differences. Referring to ornament, Loos 5 “Nuevo enfoque al problema de la integración Reproduced by Leonor Cuahonte in 2007 in said: “Because ornament is no longer linked plástica”, Arquitectura México, no. 80, December a compilation of texts on Mathias Goeritz, organically to our culture, it is also no longer 1962, pp. 294-295. 152 in the book El Eco de Mathias Goeritz published the expression of our culture.” by iie-unam. are made evident when a project reflects, better than anything else, the Mexican arts scene, another line proposed “horizontal skyscrapers” much infringes on the surplus value of an the history of man through the ages. of reflection must be made visible. earlier than Le Corbusier conceived artistic object, when proposed as a Today’s art must, therefore, reflect the Consistent with Frederick Kiesler’s and built them. He also invented the participative experience and not merely present era. It remains to be investigated creative gaze and giving vent to the “building spiral”, considerably preceding as an act of contemplation. The search what that “art of today” is and where it is.6 artistic vanguards that took place in Frank Lloyd Wright and the Guggenheim for the “total experience of art” and Europe, it somehow served Goeritz Museum in New York. not “the total work of art” implies The question of “present-day” art posed as a way of linking other actors into shifting the figure of the artist to that by Goeritz resembles Kiesler’s premises El Eco’s project, who in due course In the 1920s, he belonged to the Dutch of mediator and promoter of the artistic on the function of art and architecture, represented the resistance to the group De Stijl and was a friend of Mondrian. event in ways that are much more and both creators definitely referred designs of the muralist movement in However, his conceptions were unlike open than what was allowed by guilds to more than “present-day art” in terms Mexico, starting from its postulates his friend’s: in other words, he created and associations in the avant-garde of the novelty of languages of form or and models of production. Mathias spaces without angles, without corners movements. Goeritz the historian and technical efficiency. For Kiesler and Goeritz observed and recovered part (the Endless House, see Arquitectura no. 73, Kiesler the stage designer constantly Goeritz, “present-day art” meant of Kiesler’s proposals as a point of March 1961) where there was “neither boycotted their own artistic egos to perceiving artistic expression as an reference for his multidisciplinary beginning nor end, like in the human body”. promote initiatives in which their act in the present, an open statement production, doubtlessly affecting what management and design of exhibition whose fundamental purpose is waiting we would later know as “Emotional He fought his whole life for architecture platforms and devices became prominent to be executed by others. “Today’s” art Architecture”, and he broadened the to become an art again. He was the only after providing space for the would then have to be a constant scope of reception of his artistic work most lyrical and perhaps the boldest of works and opinions of others, in favor search contemplating that very premise to a sphere beyond the visual arts. architects: a solitary poet, creator of spaces, of transience and the construction of as a legitimately human event: to co-exist Mathias Goeritz wrote the editorial for shapes, environments. In a sense, he was fields of reception for their ideology and in broader ways than those marked issue 93 of the magazine Arquitectura the spiritual father of numerous efforts practice. In accordance with this, Goeritz by the consumption of contemporary México (March 1966), dedicating attempting to be revolutionary today. stated in one of his many warnings: society. Linking both “modernist” his efforts and those of his colleagues processes today is relevant, because to the memory of Frederick Kiesler, I would like to dedicate this special issue Seen from another planet, man must seem it means rationalizing the social who had passed away not long before. of ARQUITECTURA MÉXICO magazine like a mobile sculpture that lives, thinks, character of thought of the period He worded the text as follows: to the memory of my admired teacher and acts. Among his many productive that, in our days, appears as a possible and dear friend Frederick Kiesler. capacities, related in one way or another response to the paradoxes outlined Architect, sculptor and painter to thought, his greatest one is his by the art system and its material Friederick Kiesler, one of the major As for El Eco, after Daniel Mont’s ability to elevate himself spiritually. production, as a result of the current visionaries of modern architecture, died unfortunate death in 1953, it underwent This strength is what made him create alienation of consumer societies. on December 27, 1965 at the age of 75, a hiatus—which lasted over five metaphysics and art. in New York City. decades—as an experimental museum. Besides other well-known influences As a cultural space, however, its life was In all senses, art has been useful for quoted by specialists in the tangle Kiesler was relatively unknown and even constant and to a point organic, him to adapt, and therefore his artwork of Mathias Goeritz’s trajectory in less valued, despite the fact that he with the changes generated by

6 Fragment of Advertencia-cuestionario, published in Arquitectura México, no. 85, March 1964.

7 Here I am referring concretely to the participation of Rufino Tamayo, Carlos Mérida, and Germán Cueto in the El Eco Experimental Museum project in 1953, considering that before Goeritz arrived in the country these personalities already had noteworthy careers within Mexico’s avant-garde developments.

154 its immediate contexts, leading to EL ECO: A University a community that represented program that included plays, as well many events understood today as different generations brought as theater courses and workshops; part of our country’s cultural and Museum together by their creative endeavors the uses of the premises were contemporary history. and by challenging the principles combined, devoting sections to a that the Mexican muralist movement classroom, a staging design room Mathias Goeritz died in 1990 sure insisted on promoting in society.1 and a space for theatrical projects. that his riskiest project had not fully For the unam this rescue meant materialized, as the conditions for contributing to the city’s history and The University always recognized the its reception never took place in a reactivating an important space for importance of the place as a cultural country where constructing an official Esthetics without ethical foundations modernist art initiatives from the first center, and its revival at the time for justification of affronts to the people can surely produce interesting, even half of the twentieth century and one theater study and experimentation has always been more important beautiful frameworks, but not art. Art of the most significant emblems of did not seem to contradict what than collective emancipation from its is a service, and when art does not have modern architecture of the period, was known about the original El Eco conflicts. El Eco became the constant a spiritual function, all our efforts are designed, in this case, by a sculptor. project. Notwithstanding, years narration of everyone interested condemned to lead to egocentric art made before the cut University project, in Goeritz’s work and his legacy as by intellectuals for intellectuals. In every aspect of its history as in 1960, Goeritz had already written a promoter of multidisciplinary “sculptural architecture”, El Eco an opinion regarding changes to his projects, thus producing a history mathias goeritz, El arte es un servicio was sui generis but also familiar to project, when he republished his parallel to the official story of art and (Art is a service), 1964 many University officials, due to the Manifesto of Emotional Architecture modernist architecture in Mexico. occasions the museum was involved and added his feelings on the issue, with Mexico’s oldest institute of in the magazine Arquitectura: From Elizabethan Forum higher learning, such as when it became a theater, during Héctor With few changes or décor refurbishing, to Experimental Museum Azar’s administration, in 1967. Azar the same building could have worked himself inaugurated what was at perfectly as a decoration shop, car In 2004, anyone who knew the history the time the Centro Universitario de showroom or even an architect’s studio. of Museo Experimental el Eco Teatro—known later as the Teatro From what I’ve heard, very little is left eagerly awaited the property at 43 Isabelino—with a play he directed, of the building. Following the property Sullivan Street, in Mexico City, to be La higiene de los placeres y de los dolores. owner’s refined lead, cabaret owners rescued. The initiative was meant managed the complete destruction or to recover the building that had, Also in 1967, the University stepped cheapening of my illusions. Of course, at some point in the fifties, stood for in and used Goeritz’s architecture to the work was not and did not wish to be the vanguard’s reconsideration of create a forum in the courtyard, adding more than an experiment.2 avant-garde concerns vis-à-vis models a roof to define a performance area. of visibility for art, as well as The original architectural plan was The cut project was also short-lived, a multidisciplinary platform for altered to accommodate a cultural in relation to its subsequent history.

1 As a movement, Mexican muralism sought to consolidate the Revolution’s social ideals: esthetic nationalism that stood out formally in its lines of plastic representation and a reassessment of local signs and emblems in the context of foreign conquests in the colonial period.

2“¿Arquitectura Emocional?” in Arquitectura, nos. 8-9, Mexico, May-June 1960, pp.17-22.

156 After barely six years operating as a In September 1983, the newspaper alterations to the place and attributed that lasted over a decade, leading University facility, the project was Excélsior published an article on the modifications to architect and to a series of conjectures about the to take its leave in mid-1973, with the the thirtieth anniversary of El Eco’s stage designer Alejandro Luna. The rest piece of land, framed at the time by arrival of another group that marked inauguration.5 The narrative began of the text published on September 14, the area’s decline and the noticeable the final split between the modernist by pointing out: “Thirty years ago, 1983 stressed that the changes in deterioration of the park next to it principles that inspired El Eco and the El Eco was inaugurated on Sullivan the cultural center’s courtyard had and of other streets in the zone. qualities of the space representing Street. It’s a shame to see what it taken place during Héctor Azar’s them. The artists’ organization has become […].” administration, years earlier.6 The The University’s Gamble known as cleta moved in and, in article clearly summed up the February 1974, managed to organize The article by María Idalia process through which the features Encouraged by rumors of the as a political theater troupe, with a emphasized the loss of vocation of El Eco’s space were subjected to building’s demolition to build a group of art students and support of the structure built thirty years transitions in direction that altered parking lot, the time and memories from people who had previously done earlier and mentioned damages and its habitability, and explained how of many specialists on the subject independent theater.3 changes made to the building by the the theater’s fluctuating institutional motivated the first steps taken actors using the place at the time, character determined its morphology toward recovering the property and After eight years, in the midst of singling them out as “barbarians” for and character in the context of the acquiring it for unam. There were many internal differences within the group violating and scorning the project. community that had been loyal to the discussions on how to define at the helm of the “Foro Isabelino”, Recognizing the importance of the venue then under dispute. The final the vocation of the space in line the decision was made to wrap up cleta’s artistic and architectural values lost point in the young actors’ newspaper with the reality of the moment, 2003. activities at Sullivan 43.4 Two groups, in the transition from one project to spread stated: By suggestion of art historian Olivier Los Chidos and Tecolote, took over the next, Idalia noted the changes Debroise and as part of Graciela and expanded the venue’s realm made to Daniel Mont and Mathias For the building’s occupants, the greatest de la Torre’s first work program as beyond theater, incorporating Goeritz’s project; however, she left concern and anxiety is that the suggestion head of the digav, a proposal was socio-political events. By January out the building’s first stage of made by Sociedad Defensora del Teatro made to the rector Juan Ramón de 1983, it was known as the Tecolote transformation by the University and Artístico de México (Mexico’s Society of la Fuente and the coordinator of Cultural Center and sponsored considered the actors occupying the Defense of Artistic Theater) become a Difusión Cultural Department to a variety of cultural activities. space as directly responsible. Those reality—that Museo Experimental el Eco, buy and revive El Eco museum. The Throughout the entire time the place accused responded by publishing designed over thirty years ago by Mathias architectural recovery initiative was was occupied by artistic and theatrical their opinion in the same paper Goeritz, will be re-created, since in that accepted straightaway, and a search initiatives, the unam collaborated a week later in an article titled “We case, Tecolote could be thrown out into for the building’s owners ensued. by funding projects. The relationship Are Not Barbarians,” where they set the street.7 Administratively, the recovery of the ended, however, when there was a break forth their concerns about being museum was challenging. In 2004, with academic interests in the venue evicted due to lack of support for In 1991, Tecolote closed its doors, due unam’s Special Projects Department, by these last two groups, who no longer the project and rumors that the venue to lack of resources and the depletion led by architect Felipe Leal, began had theatrical offerings, cutting the would be restored as an experimental of its organization. Thus began a restoring El Eco, under the supervision final ties with the cut’s direction. museum. They denied responsibility for period of neglect for the property of Víctor Jiménez, who had been

3 Years before, in 1960, the pioneering collective 4 The separation of the groups directed by 7 Ibid. Los Mascarones (the organization that cleta Luis Cisneros and his brother Enrique Cisneros, emerged from) convinced dozens of young also known as “Llanero solitito” [“The Very people to form theater groups, perform street Lonely Ranger”] is particularly noteworthy. theater and go against the formal languages of the scene at the time. Their aim was to seek 5 María Idalia wrote the article that made “the political and social transformation of the reference to the state of El Eco’s building country” through their acting work, according to and project: “Hace 30 años se inauguró el Museo statements by the group in different media Experimental ‘El Eco’, de Mathias Goeritz, hoy at the time. destruido”, in the newspaper Excélsior, Sección B, 1-12, September 7, 1983.

6 The young people that protested in the Sunday “Seccion B” in the newspaper Excélsior were 158 Luis Cisneros, Margarita Argott, Jesús Cancino, Alejandra Álvarez, Amada Quintero, Alejandro Montes, Margarita Camacho and Francisco Muñoz. Mathias Goeritz’s student in the of contemporary society. Among the stand out on the scene as being on into a collective statement: he called Design Workshop, at the Faculty participants in the opening ceremony the cutting edge and would promote on artists Damián Ortega and Carlos of Architecture, and had extensive were unam rector Juan Ramón de la dialogue in the arts and also preserve Amorales, as he wasn’t interested in experience in the restoration and Fuente; secretary of Public Education its essence and memory by studying it. doing an homage to Goeritz’s memory study of buildings from the modernist Reyes Tamez Guerra; Mexico City He noted that historical analysis and or a reflection that began from the period in Mexico. mayor Alejandro Encinas; the unam review projects would be carried out history of the place—he wanted to general coordinator of Difusión in the first floor hall of the museum, work with the University on updating All the necessary work was carried Cultural Gerardo Estrada; the unam to be named for its original sponsor the museum’s statements and provoke out in record time, throughout general director of digav, Graciela de Daniel Mont. With nostalgia for the a thrust towards a possible future, 2004, and formal decisions for la Torre, and the architects in charge past in its favor rather than weighing rejecting nostalgia as an alternative restoring the property were based of the restoration project, Felipe Leal it down, and distancing itself from for the project. In a transcribed on documents provided by inba’s and Víctor Jiménez.8 Sari Bermúdez, the intention of being established as a conversation on the Proyecto inaugural Centro Nacional de Investigación, president of Consejo Nacional para historical monument, El Eco reopened (Opening Project) that Guillermo Documentación e Información de la Cultura y las Artes (conaculta, as a living institution with an unerring Santamarina and Gabriel Orozco had Artes Plásticas (cenidiap, National National Council for Culture and the desire to comply with the original on August 1, 2005, they brought up Center for Research, Documentation Arts) also attended. Amidst speeches vocation for which it was built in 1953. the initial points through which the and Information on Plastic Arts) and recognizing the importance of the Strangely enough, while a good many current concept made sense for El Eco; other archives related to Mathias new University building, Graciela of the transitions and architectural the approach for occupying it was Goeritz’s career, which architect de la Torre recounted the various changes to El Eco took place through in sync with the experience of the Víctor Jiménez’s restoration team activities that held in the venue unam initiative, the very same institution architectural space, but not as an act consulted. With only one possible since 1953; she recalled Mathias took on the responsibility of restoring of commemoration. Orozco closed date for reopening the venue—the Goeritz’s work and also declared and following through with the project that conversation with the following commemoration of the original the museum would be a poetic comprehensively and sensitively. The comment: opening in 1953—Museo Experimental space and a place for encounters, idea behind the place, as imagined by el Eco was reopened on September 7, reunions, discussions, experimental Daniel Mont and Mathias Goeritz, would I am enthusiastic about participating 2005, with an event that brought practices and “anything that may be begin once more on September 7, 2005.10 in its reopening because of sharing together government, educational imagined for these endeavors in the the experience of a unique, complex and cultural authorities from future.” De la Torre also introduced A Return to Experiments space where right when you enter, institutions around the country, who the person selected to start up the you perceive architecture that is attested to the importance of rescuing keenly awaited project, curator and The greatest challenge for Guillermo thinking about art. Evidently the great the museum as cultural heritage. artist Guillermo Santamarina,9 who Santamarina was beginning El Eco’s protagonist is El Eco’s architecture, With this act, they recognized the described the character of the place life again after its history and much but I think it leaves room for possibility, need to reactivate this platform of through its history and legacy and talked-about reopening. The impact of for new work. It seems to be a good artistic experimentation and social recalled Daniel Mont’s important role Gabriel Orozco’s work had placed it in move that allows twenty-first-century exchange and collaborate in diverse in project decisions. He also declared the limelight; Orozco had decided to artists to communicate with a space cultural expressions and reflections that the new University space would transform the invitation to collaborate that is still current. We should keep

8 unam’s Dirección General de Comunicación and promotion of artists, mainly in Mexico Social (dgcs, General Social Communication and Latin America. He has organized over 200 Office) documented this information exhibitions in institutional and independent in a press release on September 8, 2005 spaces and several music, performance, sound art and theory events and festivals. He currently (unam-dgcs-697). teaches art history, theory and interdisciplinary studies in several universities and art schools. He 9 Guillermo Santamarina (México, 1957) has was the director of Ex Teresa Arte Actual (inba) been an artist and contemporary art curator from 1998 to 2004, and is now curator in chief since 1980. Ever since the outset of his career, of the Carrillo Gil Art Museum. His participation he has collaborated in the projection, emergence in Museo Experimental el Eco (2005-2009) was key to understanding the institution today.

10 Proyecto inaugural, by Mexican artist Gabriel Orozco in collaboration with creators 160 Carlos Amorales and Damián Ortega, was the first dialogue with which the museum’s space opened in 2005. in mind that this does not always center, that helped expand the Despite everything Orozco said in a museum mission and vocation happen. Architecture is also specific as offerings of inba‘s museums; these his conversation with Santamarina, consistent with Mont and Goeritz’s a container for artworks and can stop were followed by documentation and the formal and emblematic original notion, an institutional functioning at a particular time. But and the study of performance and contributions of works exhibited in this identity connected with the University right now we will be able to experience process art passed on by previous project, a rhythm of interests in the spirit and the expansion of the venue’s how far this architectural space that directors, and ensured the creation place began to emerge, confirming facilities: as part of the digav and the calls itself emotional, esthetic and of more platforms for research and the building’s possible uses by Difusión Cultural Office projects, mystical (three terms that I would rather the expansion of present-day art proposing it as a platform for sensitive he promoted a competition for not apply to my work, by the way) keeps languages by means of film programs, experience. The works placed in the expanding the museum into an working. Certainly, El Eco is an exciting conferences, concerts, exhibitions, space for subsequent projects did adjacent lot that the University had experiment, and I don’t see why its artistic residencies and especially not have a static museum aura but been able to purchase a few years earlier, emotions should not go on, especially if on-site festivals, each one attended by rather felt temporary and transitory, with features consistent with the it continues to be proposed as a space hundreds of people.13 This experience, consistent with the idea of art as needs of a contemporary museum.16 for artistic contemporaneity and not as alongside many other art projects an event derived from site-related a mausoleum of architectural rescue undertaken by Santamarina, meant sensorial experience, which proposed After this period, questions regarding or a site museum condemned to turn that the direction proposed for El Eco Goeritz’s “Emotional Architecture” as the direction El Eco would take as a to dust.11 revolving around experimentation a dynamic container for the human University museum project implied processes of expanded art practices body and its shifts, and not only greater contents and needs after Orozco’s critique had been clear with within a unique, emblematic, “art objects.”14 Thus, during this Santamarina’s active administration. regards to other museum models, site-specific architecture made sense. administration period, a variety of The University began to consider and Guillermo Santamarina was multidisciplinary and social events successors that could expand the just the one to propose a work model In this case, the fresh air breathed took place successively, alongside museum’s endeavors and build that would free El Eco from the into Mont and Goeritz’s legacy had temporary exhibitions—an escape upon Santamarina and his team’s constant demand for exalting the been placed in the hands of someone valve of sorts from the impositions of achievements from the previous years. memory of the place’s immediate who combined a profound knowledge institutionalized cultural machinery—, past. Years earlier, Santamarina had of the venue’s history with very similar and they began to shape the character, Temporary Abstraction successfully created a work method experiences to Goeritz’s in terms vocation and mission of this new with conditions that were completely of cultural management and artistic “University museum.”15 Guillermo In late 2008, digav announced its unrelated to conventional museology creation. Santamarina promoted Santamarina directed Museo interest in American curator Tobias or preserving a collection. Between (and has continued to do so) different Experimental el Eco from 2005 until Ostrander17 as director of Museo 1998 and 2004, in the Santa Teresa synergies that envision collective mid-2008, when the digav summoned Experimental el Eco, a choice meant la Antigua Church,12 known then as creation, spatial experiments and him to join the team for their new to connect the museum’s lines of Ex Teresa Arte Actual (literally, Former the expansion of poetic languages contemporary art museum: Museo action with a network of international Teresa Current Art), Santamarina in our time, constantly fostering Universitario de Arte Contemporáneo relations consistent with (and inspired created a series of programs and events where different disciplines (muac, University Contemporary Art by) the one created by Mathias Goeritz activities, as director of the cultural collaborate together on a single project. Museum). Santamarina left behind throughout his life as an artist and

11 Fragment of the conversation between it still has today, thanks to the intervention of art in the manifold ways it is expressed today. which only published a poetry collection by Gabriel Orozco and Guillermo Santamarina, architect Cristóbal de Medina y Vargas. The Architect Luis Vicente Flores designed the light Olivia Zúñiga, inspired in Goeritz’s sculptures August 1, 2005, published in the context austere design is in keeping with the principles of steel and glass structure that was attached to the and sketches, called Los amantes y la noche of El Eco’s Proyecto Inaugural. the Barefoot Carmelite religious order that lived building without affecting the original structure. (Lovers and Night). Santamarina published an there at the time. Luis Juárez created the first essay by Miguel González Virgen, proposed as a 12 The San José Convent and Santa Teresa oil paintings that hung on the walls. After the 13 The Festival de Arte Sonoro (Sound Art speculation around the 2005 Proyecto inaugural, la Antigua Church (now Ex Teresa Arte Actual) Reform Laws were applied, the convent closed Festival) is one of the most noteworthy examples which Santamarina claimed would help identify were built gradually beginning in the early and was occupied by the first Normal School, of Santamarina’s administration, created in the “site-specific dilation” that El Eco would seventeenth century. From 1678 to 1684, the the School of Dentistry and University Initiation, collaboration with Manuel Rocha Iturbide in focus on in its projects. This essay is a network of architecture took on the baroque appearance successively. The Santa Teresa la Antigua Church 1999-2002. phenomenological speculation and avant-garde was closed to worship in 1930 and has been art history, situating the museum in a transition remodeled and used for various purposes ever 14 One of the many ideas that Santamarina consistent with Merleau-Ponty’s postulates. since. As of 1993, it has housed the inba cultural had for El Eco was the creation of a publishing project known as Ex Teresa Arte Actual and house by the same name that would reflect 15 For this function, Santamarina convened 162 in 1994 was refurbished, providing it with the Mont and Goeritz’s interests when they tried to a team of collaborators, among them Begoña adequate spaces and equipment for presenting launch their own publishing imprint in 1953, Inchaurrandieta, current assistant director administrator of cultural projects a structure that could identify the nothing about the museum, without the museum’s academic committee20 in Mexico. For Tobias Ostrander, connection between contemporary aspiring to proclaim itself a modern —made a program possible for the it was important to contribute art vocabularies and other areas of art museum but rather as a museum community of architects within contents for El Eco’s public, for he cultural production related to creating of the “memory of the modern the context of El Eco’s legacy as understood his job of director as sense today and to the history of spirit within contemporaneity”, architectural heritage, promoting a mediating and bridging events that the place, in a dialectic between the putting together a live narration of its competition for young architectural took place on the international scene memory coming from 1950s Mexico processes.18 Ostrander was also able to firms that could temporarily and production possibilities that and what had taken place in other associate the museum’s modes of intervene the museum’s courtyard Mexico could offer people outside major art scenes in the world. Tobias operation with other emerging spaces, with ephemeral, three-month the country, along with the museum’s Ostrander designed a program that such as the New Museum in New York, architectural projects. The aim was to previous administration’s gains in included site-specific artistic projects, with which El Eco shared the Museum provide another Goeritz architecture the local community. Not intending as well as one of residencies and as Hub program,19 involving an activation niche, now as a laboratory to internationalize per se and aware another of intersecting activities. exchange of networks of visibility of architectural production, of the service vocation a university They encompassed a range of actions for the work of both institutions by something never before seen in a institution must have, Ostrander for a varied offering of contents placing a virtual consulting station museum in Mexico and resembling proposed a program, within the production. This made project results somewhere in the museum in order the project analysis exercise at the outline he put together, based on visible in a structure that was much to take note of the exchange of pavilions in the Serpentine Gallery in a calendar for museum activities clearer for the public. During this exhibition proposals in both spaces. London and MoMA PS1 in New York, divided into four seasons a year, administration period in El Eco, The aim was to expand offerings for institutions with activities consistent each encompassing two exhibition Ostrander sought to create a zone a diverse, specialized public in terms with El Eco’s vocation for producing ventures and a series of parallel of visibility outside the museum of present-day curatorial exercises. site projects. This last program remains events to help contextualize the facilities, obtaining and devoting Known to date as Pabellón Eco (Eco to date and has been one of the museum’s endeavors in a conceptual financial and human resources to Pavilion), this space of visibility and museum’s hallmarks for more than six framework. Ostrander’s idea was that the construction of a website that learning in relation to other similar years, since it contributes to reflection each year the museum concentrate allowed him to insert activities within models of production practices is on the uses and practices of architecture on answering specific questions, a wider collaboration network. Besides perhaps the most visible concept in today by serving as an experimental based on the exhibition schedule and projecting images of artistic ventures Ostrander’s work program. production platform for the discipline, its parallel activities, thus achieving that had taken place there, the with international projection. a series of statements that would institution’s operational character was Another accomplishment during eventually form a conceptual reading also established in relation to other this period’s administration was All the processes discussed here, of curatorial decisions at El Eco and similar endeavors the world over, in the incorporation of models of plus the interdisciplinary offerings its operation as a contemporary step with its dimensions as a young exhibition and analysis of site-specific in Ostrander’s program were duly university institution. For Ostrander, institution and its way of producing production beyond those belonging recorded in the website and in printed it was very important to articulate contents. Also, part of the history to the contemporary art arena. In form, published at the end of each a critical reading of Goeritz’s of the venue could be presented this case, Ostrander—along with the yearly work period and presented as artistic legacy and come up with and consulted by those who knew board of advisors he convened as a textual and visual essay that stated of El Eco and responsible for many of the by Andrea Ferreyra, responsible for creating spaces up areas in Goeritz’s structure for the administrative included solo shows by Liliana Porter (2009), museum’s decisions regarding the direction and of reflection for the public, and Enrique Minjares, needs of a present-day museum, helping preserve Jeff Wall (2008), Artur Barrio (2008) and Lisa order of space—a fundamental bridge between in charge of designing and producing the museum’s the building for its original function. Yuskavage (2006). Before working in Mexico City, University administration and the program’s image, who also worked on the Foro de Selección Ostrander was associate curator for inSITE 2000 / 01, needs to date. David Miranda, author of this Musical (Music Selection Forum) with Santamarina. 17 Since 2011, Tobias Ostrander (Boston, United a site-specific art project in San Diego and Tijuana. article, is in charge of supporting curatorial process States, 1970) has been chief curator of the Miami He studied a Masters in Curatorial Studies at the and supervising the production of exhibitions, and 16 The design of the museum annex came about Art Museum-MAM, which was renamed the Center for Curatorial Studies, Bard College, New York. Christian del Castillo is an architecture student who as the result of an architecture contest promoted Pérez Art Museum Miami (PAMM) in early Furthermore, Tobias Ostrander was director of Museo did his social service in the museum and gave guided by the Difusión Cultural Department and December 2013, when it moved into a new Experimental el Eco from 2008 to 2010. tours of the venue. Months later, they were joined digav through the University’s Special Projects complex designed by Swiss architects Herzog & Department. The winning project was created by de Meuron. Ostrander is also member of CIFO’s 18 Tobias Ostrander devoted a space in the museum LAR + Fernando Romero and Juan Pablo Maza’s Advising Committee. From 2001 to July 2009, halls named Archivo Vivo, or Living Archive, to FRENTE Arquitectura in 2007. The annex consists Tobias Ostrander was contemporary art curator crosscutting memory and histories. Historical of an office area, a meeting room, auditorium, for the Museo Tamayo in Mexico City. In his eight research was presented there, materialized in 164 workshop and temporary workshop and storage years there, Ostrander developed an extensive photographic and audiovisual documents that area for temporary exhibitions. These spaces freed program involving international artists. His projects were part of different academic essays and had a the key questions around which and the aura of late vanguard that Throughout this administration, An Open Conclusion curatorial decisions had been made.21 covers its architecture, helped it doors began to open for full readings avoid settling into processes that of specific case studies of recent art Two books can be consulted as a state-owned institutions normally fall history in the area, within a network result: Abstracción temporal (Temporal into. Its own scene has legitimized its that has linked the museum with Abstraction) reflects on the work dimensions and scope as a platform other art events from the “south of and conceptual intersections that for creation and reflection of the the continent” and “from the global took place at El Eco in 2010, where artistic statement, and it becomes south”, understanding the latter idea Ostrander sought to express different increasingly more difficult to think as a relationship concept that could In an essay like this one, the contemporary approaches to the what offerings it should cover in identify many of the artistic, historical suggestion of reading about such a problem of abstraction in present-day the context of the times in which its and educational practices that were special and history-laden space as art practice, in relation to Mathias programs are carried out. The digav taking place in the field of art at the El Eco ten years after its reopening 23 Goeritz’s legacy; while Arquitectura once again had to decide who would time. Today, Museo Experimental presumes an understanding of Emocional (Emotional Arquitecture) direct the project over the following El Eco is a space with a diverse how this work of architecture and includes the memory and intentions years and still felt confident in the offering of programs, such as sculpture gradually turned into a of different present-day associations museum’s team, which has worked exhibitions with international and dynamic, open institution, constantly regarding the term proposed by Goeritz since its reopening to safeguard local artists, artistic and curatorial transforming its principles so as to 24 in 1953 to name his architectural El Eco’s original spirit and vocation, residencies, publications, an safeguard them in a society where it is exercise. When this book was finished, helping new team members to see architectural reflection competition increasingly harder to exist alongside Ostrander had already left El Eco and themselves in the logics of production and a program for activating the the machinery of spectacular 25 was working as curator in chief of the established to date. The University museum’s bar as a way of expanding consumption. In contrast with other new art project in Miami, renamed the proposed art historian and curator social and artistic relationship fields spaces that make artistic statements Pérez Art Museum Miami (pamm). Paola Santoscoy as museum in an event that makes museum visible today, El Eco as “work of art” 22 director. She already had ample visitors participants in an atmosphere has an inclusive relationship with An Evening of Joy experience with experimental conceived by an art personality the people who propose situations production models in museums and interested in the open processes of and projects in its space. It does By 2012, El Eco had become a point had undertaken several projects his or her practice. In many ways, the so by substantially relating the of reference for contemporary art identifying alternative art scenes in history of this last administration is precepts that Goeritz described in his and architecture practices for other Latin America. Santoscoy arrived with still being written; its efforts have manifesto, accomplished somehow national and international institutions a clear idea of establishing new been directed to a horizontal platform throughout the history of the place’s that consider it a place for proposing routes of relations that would help with regard to the “construction existence, despite the fact that projects related to exhibitions and El Eco link its history with other places of sense” within it, accepting what for a long time the architectural the development of multidisciplinary that could enhance understanding the artistic and cultural community venue was not associated with its processes. The venue’s historical of the project as a statement related has organically built for the place author’s original project. Because atmosphere, connected to the to other collective processes of throughout the years, by increasing of its physical features, however, it memory of the 1950s in Mexico contemporary poetic language. its resonance. embraced other cultural propositions. space in a yearly print publication conceived as the 19 Museum as Hub is a new model for curatorial 21 For processes related to networks and the went along with the programs taking place in museum’s memory and end-of-year presentation. practice and institutional collaboration museum’s image, Tobias Ostrander invited the halls. She currently coordinates museum Ostrander linked different academic contributors established to improve museum users’ Jesús Cruz Caba to collaborate with the museum. publications and is in charge of the Ediciones Eco for this program. The Archivo Vivo is considered understanding of contemporary art. It is a To date, he has been responsible for the museum’s project, which comprises publishing a file of prints a research and exhibition device centered on the network of relationships and a real physical visual image and given character to the space in honor of the Concrete Poetry movement that museum’s history and the legacy of its creator, setting on the fifth floor of the New Museum’s at different times, depending on the interests Mathias Goeritz belonged to and emphasizes Mathias Goeritz. It is an archive in development education center, as well as a flexible, social provoked by the institution’s own rhythm. the ways in which his postulates permeate that will continue to grow, the idea being for it space designed to attract the public through Ostrander also invited Mónica Amieva to take contemporary culture with different generations to intersect with other programs in the museum, multimedia workstations, exhibitions, charge of providing follow-up to the museum’s of artists. such as Ediciones Eco (2013). projections, colloquiums and events. networks and connect it with other spaces. After a few collaborations in the museum, Amieva 22 Paola Santoscoy (México, 1974) was the 20 Ana Elena Mallet, Carlos Amorales and Jorge left Macarena Hernández in her place. She curator of “La naturaleza de las cosas”, the central Munguía Matute formed the El Eco academic has definitely enhanced work in the museum’s exhibition in the first Biennial of the Americas committee convened by Tobias Ostrander. networks and among her projects took on in Denver, Colorado. She has been a curator in 166 publishing the museum’s annual memory, various exhibition spaces in Mexico City: searching for contributors and contents that “La Panadería” (2000-2001), Museo de Arte In its different “lives”, El Eco’s forms, stressing a fundamental, Frederick Kiesler’s Art of This Century memory and knowledge for its users architecture has offered myriad uses constant aspect of humans: emotions. gallery project makes sense in relation in the languages of today’s poetics, for its spaces. For the community it to Daniel Mont and Mathias Goeritz’s expanding categories around it welcomes, the challenge lies in By constantly identifying the whys exercise, coinciding as they do in their that involve the term “museum” preserving its function with initiatives and wherefores of a place like this, intention of creating an apparatus stated as an artistic institution, a that manage to expand the formal, the work undertaken by all the for the “singular” reflection and meeting place for all those who wish conceptual and historical codes individuals responsible for preserving visibility of artistic statements with to participate in the celebration of the within the place. In this sense, the museum’s memory through their different authors, in the manner of collective through current art. Goeritz’s architecture can be daily efforts and suggestions, has an architectural and scenographic understood as a “device for emotion” successfully drawn a model of cultural device, as experimentation models concretely related to Kiesler’s work production on the Mexican art scene, within the field of exhibition and in his Endless House architectural consistent with the expressions of production of works of art. concept, where he proposed our times. A critical reading of the architecture as a sculptural event, work carried out by the unam is thus Visiting El Eco means participating altering temporary dwelling modes established. From one of its sites, in one of the most important by playing with the structure of all its Museo Experimental el Eco, we are expressions of constant surfaces in order to articulate invited to think about how public transformation and memory in the a mood. This decision evolved into a institutions that are responsible for history of current art in Mexico rocklike appearance similar to the receiving and promoting the artistic (in terms of cultural institutions) Altamira caves, where Goeritz would accounts and expressions of people and also in its “initial dissonance”, find inspiration for his experimental who now form a community willing consistent with the encounters museum—which in this case also to pitch in with their efforts can between people based on its artistic coincides with pre-Hispanic stone work to provoke significant and social experiments in 1953. carvings from Mesoamerican cultures. experiences in others. As the contemporary society to The character and functionality of which it belongs has let go of many El Eco, then, could be read from a Because of the commitment it of the concepts of “work of art” more ancient, phenomenological has ignited in the community and “museum” that existed on the perspective of the architectural form, that visits it, El Eco’s case is scene, this space has begun to be as well as its avant-garde lineage relevant by appearing as a understood. Along with it, many other recognized by many experts on the platform of possibilities for spatial structures related to the field of art subject and on Goeritz’s life. In this experimentation and for the in Mexico, as it is known today, have sense, a pre-Historic profile imbued confrontation of artistic languages, been set free. As a contemporary in the building’s rocklike nature could always aiming to be a place that museum, El Eco can be understood be attributed to this project, in its resonates for its users. That is why then as a “living organism” that hosts various possible states of habitability the connection suggested in this life without preserving objects, that and in the abstraction of nature’s essay with Peggy Guggenheim and through its university role generates

Carrillo Gil (2001-2003) and Museo Tamayo In, Robin Minard”; (2006). She has also created Marcin did the “Los hartos (otra vez)” exhibition; 25 Barra Eco is a project for reactivating El Eco’s Arte Contemporáneo (2004-2007). She began projects and curatorial essays for international with this, a new work system for shows was bar, a space originally conceived as a place for the curatorial project “111 (one day, one artist, institutions such as Künstlerhaus Bethanien devised where case studies were reviewed, leading meeting and socializing. Barra Eco has been one work)” with Willy Kautz and Sebastián Romo (Berlin, Germany); Fundación Proa (Buenos to a publication for the public interested in events working since 2012 as an intermittent space for in 2005, with the mission of showing work by Aires, Argentina); GAMeC (Bergamo, Italy) and and diversions related to the spirit of the place. This generating and exchanging ideas among creators, local and international artists in a domestic Piano Nobile (Geneva, Switzerland) and regularly procedure has now been assumed by the museum’s from an intervention that provides a specific setting. Some of her exhibition projects include: contributes to contemporary art publications. methodology and has held its interest because of character in each edition: for example, set design, “Todo va a estar bien” (2004); “Jesús Rafael In 2007 and 2008 she participated as a curator its value for transcendence. Gabriel Escalante, as music, performance, poetry, etc. This project Soto, Visión en Movimiento” (co-curated with of the Solo Projects section at the ARCO head of project productions in halls, and Guillermo is connected to the Cabaret Voltaire legacy Tatiana Cuevas); “Come closer” (2005); “Outside contemporary art fair in Madrid, Spain. Rosas, in charge of outreach and projection in that was so important to Mathias Goeritz. social networks, also joined the project. 23 With this in mind, Paola Santoscoy expanded the work team at the museum once more and 24 Among them is the project cited as Ediciones called on Mauricio Marcin Álvarez to participate Eco, developed as a strategy working on two 168 in documentary research processes and carry out fronts: as a artwork production project and a tool curatorships in the museum with David Miranda. for financing and dissemination. Appendices

170 Contract between Mathias Goeritz and Daniel Mont, 1952 Manifesto of Emotional Architecture cenidiap-inba, Fondo Mathias Goeritz Mathias Goeritz, 1953

Cuadernos de Arquitectura, no. 1, Guadalajara, 1954, no page no. First read at the opening of El Eco museum in September 1953, the Manifesto of Emotional Architecture was not published until March 1954 in the article “Arquitectura Emocional: El Eco” by Mathias Goeritz, Cuadernos de Arquitectura, no. 1, Guadalajara, 1954, no page number.

WITH REGARDS TO THE upon starting construction (i.e, before June MANIFESTO OF EMOTIONAL modern material and means, he seeks CONSTRUCTION OF EL ECO 30, 1952); then 5,000 (five thousand) ARCHITECTURE (or will have to someday) spiritual Mexican pesos, to be paid when the elevation—simply stated, an emotion, first sculpture made by Mathias Goeritz as the one provided in their days by CONTRACT established between Mr. is delivered (i.e., before December 31, the architecture of the pyramid, of the Daniel Mont and Mr. Mathias Goeritz for 1952); and finally 5,000 (five thousand) The new El ECO “experimental museum”, Greek temple, the Romanesque or gothic the construction of a building (art gallery, Mexican pesos to be paid when Mathias in Mexico City, begins its activities—in other cathedral, or even the baroque palace. restaurant and bar) at number 43/45 Goertiz’s second sculpture is delivered, words, its experiments—with its own building’s Only when architecture affords him real Sullivan Street in Mexico City, wherein: or when the architectural work is finished architecture. This work was understood as emotions can man consider it an art again. (i.e, before March 31, 1953). an example of architecture whose main Mathias Goeritz agrees to project the function is to evoke EMOTION. Born from the conviction that our times are plans of the aforesaid building and Apart from these payments, Daniel Mont filled with high-flying concerns, EL ECO wishes supervise its completion with the greatest agrees to cover the expenses of a Art, and architecture, of course, are only to express them, and aspires—not interest possible. (If necessary, he will professional draughtsman employed generally reflections of the spiritual condition consciously, but automatically—to plastic employ the assistance of an architect or by Mathias Goeritz and all expenses that of man at a particular time. However, the integration in order to evoke the deepest professional draughtsman.) may be incurred through trips made by impression exists that sometimes modern, emotions in modern man. Mathias Goeritz between the cities individualized and intellectual architects Mathias Goeritz also agrees to create of Guadalajara, Jalisco and Mexico City, (perhaps because they have lost close EL ECO stands on a small plot of land, two sculptural works related to said as long as these trips are made due to the contact with their community) exaggerate but its seven- to 11-meter-tall walls and long building and submit them to Mr. Mont. express wishes of Daniel Mont. The cost by wanting to highlight the rational part hallway that narrows at the end (bringing for each such trip is set at the fixed sum of architecture. As a result, twentieth- the floor up and the roof down) are meant Daniel Mont agrees to respect Mathias of 200 (two hundred) Mexican pesos. century man feels crushed by so much to create an impression of greater depth. Goeritz’s artistic plans in every detail, as “functionalism”, so much logic and utility The wood planks in the hallway’s floor follow long as they are achievable, accepting Mr. Daniel Mont and Mr. Mathias in modern architecture. He looks for a this same model, becoming narrower and and undertaking all subsequent Goeritz, the undersigned, agree to comply way out, but neither outside estheticism narrower and almost ending in a point. At this final corrections that Mathias Goeritz considers with each and every point established understood as “formalism” nor organic point of the hallway, which is visible from the necessary for esthetic reasons. Daniel Mont herein, and harmoniously coordinate their regionalism nor dogmatic confusion have main entrance, a sculpture will be placed—a also agrees to pay Mathias Goeritz efforts for the project to be carried out delved deeply into the problem that man SCREAM that must ECHO on a grisaille the sum of 18,000 Mexican pesos, as soon and as well as possible. of our times, be it as creator or receiver, mural of approximately 100 m2, possibly to be divided into three payments: aspires to something more pretty, pleasant cast by the sculpture’s shadow, that will be 5,000 (five thousand) Mexican pesos Mexico City, June 27, 1952. and adequate. From architecture and its created on the main wall of the grand salon.

172 From a functional point of view, space was (with openings for ballet)—while still being a Guadalajara’s school of architecture. undoubtedly lost when the large courtyard sculpture—connecting with the smooth walls We wish to thank them all, as well as was built, but it was necessary, to culminate and giving them restless movement. There is engineers Francisco Hernández Macedo, the emotion evoked at the entrance. It will almost no 90-degree angle on the building’s Víctor Guerrero and Rafael Benítez, also be used for outdoor sculpture exhibitions. floor plan. What’s more, some of the walls painters Carlos Mérida and Rufino It must give the impression of being a small, are thin and wider on the opposite side. The Tamayo, musician Lan Adomian, bricklayers enclosed, mysterious courtyard dominated strange, almost imperceptible asymmetry and painters, plumbers and many other by an immense cross, formed by the only that can be observed in the construction of workmen. They all spent their time there window-door. While on the inside a tall, black any face, any tree, any living being, was helping with advice or direct interventions wall detached from the other walls and ceiling sought. There are no pleasing curves or whenever needed. I believe it wasn’t has to create a genuine sense of exaggerated sharp angles: the whole was created on a waste of time for them either. height beyond “human scale”, the courtyard site, without exact floor plans. Architect, needed an even taller wall, conceived as a bricklayer and sculptor were one and the sculptural element and painted yellow that, same person. I repeat, all this architecture like a ray of sunlight, would enter the complex is an experiment. It is not intended to be where there are no colors other than white more than that—an experiment aimed at and gray. creating psychic emotions in man once again, through modern architecture, without In the EL ECO experiment, plastic integration falling into empty, decorative theatricality. It was viewed entirely naturally, not as a plan. aspires to be the expression of a free will of Paintings and sculptures were not placed on creation that does not deny the values the building, as often done with movie posters of “functionalism” but tries to subject them to or tapestries hung from palace balconies. a modern spiritual conception. Rather, architectural space was understood as a large sculptural element without falling victim EL ECO grew out of the unselfish enthusiasm to Gaudí’s romanticism or empty German or of a few men who wanted to give Mexico Italian neoclassicism. its first “experimental museum”, open to the artistic concerns of today’s world. Architects Sculpture—for example, the Serpent in Luis Barragán and Ruth Rivera offered the courtyard—had to become an almost valuable advice. Great stimulation also functional architectural construction came from the “visual education” students in

174 On Freedom of Creation and whiny provincialism that makes us be danced; the only option for sculpture lethargic; we are petrified by pre-Cortesian is to continue to copy (less successfully By architect Mauricio Gómez Mayorga “archeologism”, with its attempt to indicate all the time) the most accessible aspects Member of the Mexican Association of Art Critics the artistic routes to follow and its falsified of pre-Cortesian forms. Any other attempt Arquitectura México, México, no. 45, pp.38-45 traditions; 1938-style political leftism buys is punished by excommunication, hurled and sells us to its heart’s content—even out with strong financial support from now!—using art at whim and expecting to high official positions and from the solid To write these lines, I very deliberately used values that claim to have become the hire and direct all artists for its own ends. soapboxes of an eloquent, sizable the title of a brilliant talk Mathias once prophets and ministers of art in Mexico. Mexican Left. And if anyone insists on gave in Guadalajara. My purpose here is In this atmosphere, with the clear threat of a fighting or telling the truth, then the diligent to speak about an art center created and These lines are, then, the first stone, and Party and State art, we attempt painting and gendarmerie of hired men makes sure promoted by Goeritz. Before that, however, readers can rest assured that it won’t be writing, dancing and architecture, creating that platforms are closed and freedom I’m even more interested in using this open the last. music and sculpture. However, when of expression is impossible. Oddly enough: forum—yes, this one—to finally explain ideas working freely and sincerely, and especially this all happens in an artistic, democratic that must be uttered. A great deal can be if it’s successful—Tamayo’s case—, then ten art country that has flown the banner of said about freedom of expression; grand “greats” (or a few small ones—generally very freedom of expression very highly and ethical doctrines can be expounded on. small—who live by nosing after the greats) through ruses and impositions always Nevertheless, what must be said right now get upset. Free creators are called dandies, distinguished itself for its faith in the values in Mexico is much more important than When demagoguery, hiring and slogans outcasts, bourgeois, Falangists, malinchistas of the spirit. The coterie gets its orders from what can be dealt with generally and make an artistic environment unbreathable; (xenophiles, of sorts), imperialists. If an elsewhere, however. in theory. when the great original forces of creation artist experiments, invents or investigates and expression yield to convenience and through art; if (s)he sacrifices his/her time The previous lines, written very deliberately I must draw attention to the fact that I am opportunism, and those elements are used and personal earnings to go beyond and and with full awareness, denounce for the not alone. There are many of us—architects, to prepare the set square that artistic become more accomplished and breaks first time a state of affairs that is not new and visual artists, musicians and writers, art production inevitably has to follow so new ground into the future, the coterie that we know by heart. In Mexico there is critics and theorists—who do not agree with that it agrees with a particular political brands him/her a formalist, Frenchified, no artistic freedom, insofar as any attempt at the situation of the arts in Mexico. Better “ideology”, then the free man, the true artist, frivolous and a traitor to the homeland; (s) breaking with dominant orthodoxy is violently yet, we do not agree—and we must be the impartial critic and the genuine observer he’s reproached for not bearing a “social censored and drowned at birth, as the coterie very clear—with the direction in which a yearn for rupture and liberation, and message” in Zapatista and Cardenista of professional agitators that maintain that coterie intends to lead art in Mexico: from await a circumstance, group, magazine or terms. And if (s)he states his/her own climate of threat and oppression has all the public architecture to lyrical poetry. In the movement to emerge that will throw doors message, the one that emerges incorruptibly necessary resources to buy and control same vein as the short pieces I wrote on and windows open and let in fresh air, from the artist’s conscience, then dictators the means of expression and communication. the Museum of Modern Art in New York making life and expression possible again. and tailors of art condemn it for not being Their ideal would be to establish a dictatorship for this very magazine, I wish to follow up the one they approved and swore to obey of art with official State support, so that things today with a very inspiring subject: that Many things are drowning us in Mexico, and uphold during the last Party session. could function as if it were the Soviet Union; other center that the Museum of Modern at the moment, and many clever and well- and then we could truly return to Porfirismo, Art could become in Mexico, which we financed forms of artistic demagoguery and They command—and that order must just as Russia returned to czarism, and the need so much, not just to store and exhibit dictatorship stand in our way at many turns. come from afar!—that architecture should incredible bourgeois-Marxist paradox could new work but also to keep freedom of The Left’s surprising traditionalism smothers imitate Toltec pyramids and the shapes seal itself off. expression alive, ablaze and held high; to us, in suspicious complicity with the Right of volcanoes; music must use popular sow rebellion, a combative and disobedient (could what they say about the Jesuits and themes with pentatonic and percussive Then, once again, this drowning produces spirit in youth and anyone capable of the Communists be true?). The nationalism, compositions; in literature, corridos, regional a vital, healthy desire to do exactly the certainty and artistic passion; and also to regionalism and chauvinism that emerge stories and novels from the Revolution must opposite of what the dictators want and puncture, burn and shatter before them out of this smother us more: this nationalism be written; only ballets with subjects of to do so violently. If terrestrials expect the idols, traitors, hollow piñatas and false is founded on infantilizing, dominical Zapatismo and the oil expropriation must architecture to emerge expensively and

176 volcanically from the ground, we feel like you to express disgust at the mere mention several investors to trust their money to this to do it. Meanwhile, when sculptor Henry creating weightless crystal-and-aluminum of this artistic center. And that painter, madness, which nobody really knew what it Moore was in Mexico last December, he architecture that looks like it will take flight; with a glibness that may be deceitful but would end up being. made some sketches inspired in the Judas if they want to force primitive indigenous is enviable nevertheless, cursed it from figures from Mexican popular art that he music on us, we feel like launching into the the pulpit: “School of Paris, imperialist “Then, during a trip to Fortín de las Flores, saw in Diego Rivera’s house, and he gave boldest atonal or dodecaphonic counterpoint abstractionism: neo-Porfirismo.” He I made a few sketches of an ‘Imaginary’ them to me for El Eco. That’s how the first experiments; if these inquisitors consider explained that it opened the way for the oil or ‘Experimental Museum’ that did not yet mural by the world’s most famous sculptor that there absolutely should be no other companies to return, along with the downfall exist in Paris, New York or Mexico. When today was made in Mexico; one of the literary theme than the revolution and its of the agrarian reform movement. I showed them to Daniel, they excited him, ‘greats’ of the School of Paris, so admired narrow regional limits, then we need to and he began to convince his investors and reviled. I accepted Moore’s mural delve into Joyce, Kafka or Borges, and work It’s not as bad as all that. It’s simply an about the work I had suggested. For that only provisionally, until we had the money on poetry that finally breaks free from the almost modest, albeit ambitious, center of lunacy to produce money, a bar and a to undertake Tamayo’s projected work. I cloying and effeminate López Velarde and experimentation and vanguard: El Eco. restaurant had to be included in the plan. hired Mexican painter Alfonso Soto Soria the minor composers of corridos, assuming “The Echo of Paris!”, roared the preacher. to make Moore’s; he had worked on for ourselves the grand universal currents No—the echo comes from here: from the “The construction began very slowly in Carlos Mérida’s frescos for the Multifamiliar opened by Mallarmé, Valéry and Rilke. youngest in our artistic scene; the echo of September 1952 and had to be interrupted Presidente Juárez apartment complex. And with sculpture and painting—especially desires for breathing freely we mentioned for four months because of lack of money. I acted merely as a supervisor. Carlos painting—of these repetitive, academic earlier. Mathias Goeritz (the horror of it, I worked on the construction more as a Mérida also did a mural in El Eco’s bar, a and maniacal politicians of art, there is an a foreigner!), creator and presenter of this bricklayer than an architect, constantly part of which is on one section of the door, urgency to go against them and march on center, says: “We named it El Eco because correcting the primitive ideas, fixing on-site, a novelty as a concept of artistic integration. ahead; to experiment, innovate, break new it was an echo of present-day artistic and specifying the position of each wall In the hallway leading to the exhibition ground in abstract and cutting-edge art. possibilities and because of its resonance as we went along. In effect, I grasped the gallery we have named Daniel Mont Hall, And no matter what, free spirits: those who through constant attacks against modern overall building as an immense sculpture. Germán Cueto created a sculptural object money cannot buy and will not exchange art.” In other words, it’s a place of reflection connected to the wall. In the hall itself is their human dignity for piecework in the and rebounding. “The lot was small, slightly over 500 square the mask of Daniel Mont made by Ignacio circle of directed art wish to express their meters. Avoiding straight angles and using Asúnsolo with my help, and which will independence and resolution of maintaining But let us allow this great experimental artist seven- to 11-meter-high walls, I tried to get forever remind us of one of the most brilliant, the eternal fire of true art, art from the spirit to speak here, as he expressed himself the smallness of the lot to be forgotten. vigorous individuals I ever met. and above the opportunistic, calculated already in the pages of this very magazine As an entrance, I set down a hallway that pseudo-creation of the managers. (ARQUITECTURA, no. 40). Says the quoted narrows towards the end, even heightening “This museum’s work was understood from sculptor Goeritz: the floor and slightly lowering the ceiling. the outset as an example of architecture In short, what we need is to create genuine To accentuate the conical impression, the whose main function is evoking emotion. Art art that is worth something on its own and “In April 1952, Daniel Mont (who just floorboards also narrowed to a vanishing in general and architecture, too, naturally, opens routes to the future, transcending passed away on October 25 last year) point at the end of the hallway, giving a are a reflection, an echo of the spiritual state regional and national restrictions and and Gabriel Orendáin sought me out to sensation of depth reminiscent of some of of man of its time. Present-day architects, overflowing far beyond concepts of class propose the construction of ‘something’, with De Chirico’s compositions. A sculpture of however, individualists and intellectuals, and party. That is what we want to happen total artistic freedom, on a plot of land on mine named ‘El Grito’ (The Scream) was sometimes exaggerate, because they’ve in Mexico, and to go after it is like taking Sullivan Street in Mexico City. At the time, placed there, echoed in a grisaille mural of lost contact with the community (as it was, up arms. it wasn’t certain yet that Daniel Mont, some 100 square meters. for example, in the Middle Ages) and want (spiritus rector behind the idea of giving to constantly highlight only the rational, Let’s talk about an experimental museum, an artist the opportunity to build ‘whatever “This mural involved carrying out several logical part of architecture. The result is that an “Art Cabaret”. The impetuous David he wants’) would be lent the land, which projects. Painters Rufino Tamayo, Alfonso twentieth-century man feels crushed by so Alfaro Siqueiros—the only person worth belonged to engineer Francisco Hernández Soto Soria, Jesús Reyes Ferreira and I much functionalism, so much logic and utility anything in that bunch of traitors and Macedo. Yet with his spirit for coordinating, did some of them. I decided to accept of what is shown as ‘modern architecture’, piñatas, nevertheless—of course orders he had already managed to convince Tamayo’s, but we haven’t had the money and seeks a way out. Yet neither exterior

178 estheticism nor formalism nor organic the main hall’s window-door was sought. or at least tolerable, 25 or 30 years ago. Lets pause for a smile. After that, let’s talk regionalism nor the dogmatic confusion of This courtyard is also used for exhibiting And the bourgeois ad nauseam are the a little about abstract art, minority art, certain painters have been able to face the sculptures outside. One of them is already rich traffickers of those clichés and formulas experimental and vanguard art—that problem that man, as creator and receiver a permanent part of the composition: a they perpetuate against freedom of spirit, valuable, necessary art that dictators of of our century, aspires to have more than snake of soldered sheet metal that can be so their incomes do not diminish and their fashion forbid us to cultivate. Let’s avoid something ‘pretty’, pleasant and adequate. understood as an architectural object or political and bureaucratic positions nominalisms and subtleties: abstract art He asks (or will have to some day, at a sculpture. A tall wall/column, painted are not weakened. is opposed to realist art; the creation of least) that architecture and its modern yellow, completes the composition, forms for their own sake is the opposite procedures and materials also give him contrasting with the white, gray and black That’s it. The current enemies of modern of reproduction of things. Is that clear? Is spiritual elevation (in other words, emotion), used exclusively in the rest of the building. art—enfants terribles 30 years ago—are now there an imperialist trap in that? The idea in the way pyramids, Greek temples, On one side of this wall, in front of a small nothing more than classic reactionaries and intention of abstractionism are not Romanesque or gothic cathedrals or even door that opens to the entrance, I had that don’t accept the coming of young new: both in cubism and futurism, ideas baroque palaces were able to do in their my Plastic Poem applied in iron: a visual generations, because they fear them; about “intrinsic” art, non-figurative art are days. Modern architecture can only be composition of abstract typography that because they are well aware that the repeated, percussion-like. Thus, the concepts considered an art again when it provides us addresses only the spectator’s sensibility. worthwhile among this latter group will do it of an “absolute” painting or sculpture or with real emotions once more. better than they. How these revolutionaries “pure” poetry (expressed in many schools in “In this experiment, plastic integration was of yesterday have deflated! The days when Europe, America and Asia) have made their “Born from the conviction that our era is not understood as a point in the program, the artistic Left gave an example of strength, way over 40 years to a clarity of doctrine full of high-flown spiritual concerns, El Eco but was allowed to happen spontaneously. rebellion and a break with traditions and the and conduct never before attained. As I wishes only to be an expression of that and It wasn’t about placing paintings on walls, past are long gone. Now they and the hired write this, I think it is fitting to remember my aspires—not deliberately or forcefully, but as tends to be done with movie posters. former rich kids that follow them whine about experiments and discussions from nearly automatically—to ‘plastic integration’ as a Architectural space was conceived as a tradition, dig up the dead, collect idols and 20 years ago. way of producing the deepest emotional large sculptural element with intrinsic value, tepalcates [pieces of broken earthenware], values in modern man. without falling victim to Gaudí’s romanticism dress up as huehuenches [traditional At the time, Alberto T. Arai and I thought or empty German or Italian neoclassicism.” dancers], adore pretentiousness and get we had discovered abstract art, and we “All this architecture was precisely excited with tourist curios at village fairs. This devised a musical theory for it. We said understood as an experiment. In my opinion, is called menopause: had they been faithful then (and I quote this now to support that an experimental museum had to begin its to a virile path of authentic creation, it would conviction) that copying, reproducing or activities with an architectural experiment never have happened to them. imitating forms in painting and sculpture did that produced human emotions within a not make “intrinsic” artistic sense. Faithful modern concept, without falling into empty, Readers will clearly see what this art Thirty years later, the mandate expects reproduction of the model did not belong to decorative theatricality. El Eco aspires to be center is after. “To experiment” with freedom; vanguard art not to matter anymore, for the world of creation (and even less so, of the expression of a free will of creation that to recover for the people of today and it to have gone out of style. They want us course, anecdotes or “messages”). We saw does not deny the values of functionalism tomorrow the open field of invention. The to believe that so-called neorealism—how art then as the supreme model, as music; as yet tries to incorporate and submit them to a great right is sought, the grave responsibility original!—‘integrated’ with a social message the ex nihilo creation of beautiful shapes for modern spiritual conception. of breaking ground into the future, of not and cosmically-tellurically emerging out of their own sakes; significant and expressive remaining where we are. To suggest that this tradition and the earth, according to Party on their own; endowed with intrinsic artistic “From a strictly functional point of view, is a new academism and new Porfirismo, dogma, has nothing to learn, nothing to currency within the framework of possibilities useful space was undoubtedly lost because as the communist painters would like, is to research. The subject has to be social, from imposed by the painting or sculpture’s of the museum courtyard (see blueprint), but profoundly (and suspiciously) ignore the the Left; the procedure, realist; the forms, limitations. Yes, we fell into hedonism and in my opinion this was necessary in order to history of art and culture and sabotage pre-Cortesian; the characters, indigenous formalism, but is there art without form? finalize the series of impressions that start at with cruel persecution the ways of freedom. Lacandón people. There is nothing else And, isn’t form the vehicle of expression the entrance. The effect of having a small, Academics and old fogies stereotypically to do: that is the absolute and eternal for any idea? In those times, I even tried enclosed, mysterious courtyard dominated insist on the repetition of formulas, themes truth—anathema for those who believe a few abstract pieces that I still have and by the immense iron cross that is shaped by and recipes that were good, the opposite. am not ashamed of (one of them is in this

180 magazine). The ones I paint today are no the responsibility it implies, it is—and has to a painter created this architectural work, These considerations, however, do not in any less abstract, just freer and more passionate. be—by a minority. Anything that is new and even if architects advised him, which forces way prevent solely emotional works from As for doctrine, it has transformed from advanced, be it in art or science, is the work us to understand it as scenography and not being built every now and then—a monument, youthful opinion into an attitude full of of small, select groups. The obligation of architecture. There’s nothing unusual about or a museum as special as the one we are militant certainty. inventing and revolutionizing, and educating this when fundamentally emotional ends discussing here. the others about what is new, rests on them, are pursued, as Goeritz notes. It’s bad when I have deliberately assimilated abstract, and not on the masses. Have the endeavors architects make scenography out of collective Goeritz and his collaborators did not take experimental and avant-garde art into a single of prophets and reformers, politicians and dwelling, hospitals or industrial plants. El Eco plastic integration as an obligation or a concept. I think the climate of abstractionism the pious ever been different? When have is thus “anti-functional”, a “great sculpture” banner for their experiment. Mathias the is one precisely of search, a laboratory, and ideas that later became collective emerged that must not be judged as architecture painter, as he stated in this very magazine, the only possibility for art’s progress lies in otherwise, not from men that are alone—alone in an orthodox fashion. Does it provoke believes in it but trusts that it will develop on experimentation, with all its risks. Because—oh, and solitary—or small minorities? emotion? Yes, in our opinion and using our its own and hopes it will fulfill and achieve heresy!—we believe in the “progress” of art, own emotions as witness. The solitude of itself spontaneously in the course of the understood as the exaltation of the capacity Most majorities, and even more our the shapes, the ascetic aridity of the fabrics, museum’s life, more as a consequence of of sensing, inventing and expressing; as a Indo-Catholic majorities, are conservative the palette’s solemn tone, its glacial—and a flowing unity of feeling and a solidified delving into the forces provoked by artistic par excellence. Their classic rooting into their passionate—monumentality all evoke emotion. maturity of purpose than as a ritual and production. If in art there is no probing; soil and their past is a terrible burden, a The influence of the great artist Luis Barragán dogmatic obligation. On the other hand—in if exercises are not done; if new formal, stone-like factor of immobility. The genuinely is evident in Goeritz. The Franciscanism, the our opinion—that much debated “integration” expressive problems are not posed; if no democratic—better yet, “demophilic”—attitude is vertical humility and deep reserve come has reached a paradoxical extreme, attempt is made to inventively transcend what to produce for them what they are incapable from him. Those laconic shapes are his, causing a rift with architecture and failing has been said and done, however well said of creating—but to produce the best, not the and (for those feeling nationalistic) they are scandalously enough that it can be left alone and done it may be, there isn’t the slightest worst; make them rise somewhat by force, profoundly Mexican, minus the anecdotes, for a while, until artists with enough culture, possibility of enriching human heritage with through education; not lower them with the alcoholic scream and the green, white enough spiritual quality, creative talent and really new and valuable work. Because it is demagoguery that flatters their instincts. and red flag. Perhaps the final effect is sad passion for art emerge. This problem, intact new, novelty contains a positive value: the Elevate them to Bach and to Mozart, as and tragic: the artist felt it this way, and until today, can be placed in their hands. possibility of being better, richer and deeper José Ives Limantour did in Poza Rica and wanted to express it this way. than what came before. Time is human life Coatzacoalcos, not keep them in the cellars and does not exist outside man and is justly of mariachis and corridos, as art populists We do not agree with El Eco’s creator the bearer of that renewed possibility. That would like. And let’s not forget that all art that modern architecture in general lacks is why it is worth something; why it passes; is that springs from minorities finally reaches emotional and human values. It has them for irreversible; must be used for creation, and the larger groups, in the same way that all anyone capable of perceiving them, even El Eco? No. It shouldn’t have that name. not for copying acclaimed models. Anyone pure science leads to technology. There if they fend off immediate understanding, as And we do believe it’s unfortunate if this who returns to the classics is an impostor, lies the need for art laboratories where, happens with all the virtues of modern art place of art is to fulfill its designated mission or suicidal. It is now necessary to associate with complete liberty and wholly free as a whole. Many present-day productions and the one that we hope it accomplishes. scientific invention with artistic creation, which from dogma and prejudice, maestros and of the spirit (including science) that appear We would have called it “The Scream,” are much more similar than might appear, disciples can investigate with the passion, cold and complex are warm and transparent or “The Outcry”. And, in honor of the future and use the concept of the “desirability” of perseverance and imagination that scientific when one relates intimately with the and everything proposed and the bravery the passage of time for both. Just as in the endeavor requires. The opposite intention, present day, with the profound forces that of the gesture that this creation contains, we physical universe entropy increases constantly, the one we are denouncing here, is called currently justify and shape the best human would hang a symbolic bell on its doorway, indicating the direction of time, in the universe dictatorship: its bad enough in politics, endeavors. On the other hand—and we insist so its presence and ringing would invite of culture, wealth of spirit also increases without having to tolerate it—and in on this—, present-day architecture is right in revolts and freedom. continuously. All future art will be better. México!—in the arts. not suggesting merely artistic ends, barring But experimental art—that art that feels it exceptional occasions, for the solutions the has the right and obligation to probe—is Now, let’s look at the work of Mathias world expects from architecture pertain risky and difficult. Therefore, and due to Goeritz, the subject of this text. After all, to a wholly different domain.

182 Press release artistic expressions and humanities, and outstanding artists Carlos Amorales what would be of Mexico City without and Damián Ortega. unam-dgcs-697 El Eco. Museo El Eco After arduous restoration work, this 06:00 hrs. 08 de septiembre de 2005 For his part, secretary of Public Education reopening is the triumph of art in the Press release issued by the Dirección General Reyes Tamez Guerra applauded unam’s context of neglect and the inevitable de Comunicación Social (dgcs), unam, September 8th, 2005. efforts to reinitiate a project that has passage of time. www.dgcs.unam.mx/boletin/bdboletin/2005/2005_697.html preserved its spirit, where activities will take place that will produce top-level debates. Thus, last night the unam opened the legendary museum once more, as He stated that this development will exalt German-born sculptor and architect the University and Mexican artists, declaring Mathias Goeritz, author of the mythical THE MUSEO EXPERIMENTAL EL ECO REOPENS that the institution is the best in research, building, did in 1953. teaching and cultural outreach. Also present were Sari Bermúdez, president • Inaugurated by rector Juan Ramón de la Fuente, in the company of Mexico City mayor Alejandro Encinas of the National Council for Culture and the secretary of Public Education Reyes Tamez pointed out that the recovery of this space Arts; Mexico City mayor Alejandro Encinas; • De la Fuente declared this space a true icon of culture and the arts and of is of the utmost importance for the country’s and Gerardo Estrada, the University’s the boldness of Mexican artists capital city. He added that it indicates the Cultural Affairs coordinator. University’s consolidation, allowing for • Reyes Tamez Guerra applauded the effort made by the unam to reinitiate the expansion of cultural activities in Far from establishing itself as a historical a project where top-level activities will be carried out Mexico City. monument and setting nostalgia for the past aside, El Eco embarks on a new stage The unam’s General Director of Visual of life, as its creator would have wished, Arts, Graciela de la Torre, explained that unhappy as he was with the imminent loss during its 52 years of existence, Museo of the building. Experimental el Eco became a legend that ends today as it opens its doors nearly in its An artistic experience was witnessed here original shape. again, this time involving the work of three Juan Ramón de la Fuente, rector of the He pointed out that this work proves that outstanding contemporary creators of After describing the range of activities that international renown: Gabriel Orozco, who unam, reopened Museo Experimental culture and the arts are fundamental for El Eco, closed for more than half a century. the University, like the humanities and other have taken place in this venue since 1953 graduated from the National School of The National University thus recovered one disciplines that are not always understood, and remembering its founder, artist Mathias Visual Arts, and his guests Damián Ortega of the most significant buildings of twentieth- especially when viewed from a strictly Goeritz, she stated that the museum will be and Carlos Amorales, all in open dialogue century Mexican architecture and returned lucrative, commercial perspective. a poetic space and a place for encounters, with the building’s singular architecture. its original sense to it, as a space for reunions, discussions, experimental practices dialogue among present-day visual arts. De la Fuente reiterated that culture is and “anything that may be imagined for Geometric animations, used soccer balls essential for our daily coexistence, these endeavors in the future.” and art work, sculptural pieces of different Alongside secretary of Education Reyes to understand each other better and materials and formats, as well as a large paper, Tamez Guerra and Mexico City mayor understand its deeper dimensions, but that She reported that to kick off the wood and wire structure resembling a Alejandro Encinas, the rector stated that it also unites us and enables us to carry out programming, Gabriel Orozco—one human skull interact amongst themselves El Eco is a true icon of culture and the arts joint projects. of the most dynamic, creative artists in and suggest dialogue with the architecture and of the boldness of Mexican artists who contemporary arts—was invited to establish of a space conceived by young Mathias dare to experiment, convey intense emotions He wondered what would have been of a first intergenerational and interdisciplinary Goeritz in principle as a sculpted building: and recreate spirits. Mexico without its rich cultural history, its dialogue between El Eco’s architecture and parallel walls that become narrower,

184 oblique lines that move away from straight has been set aside in tribute to the person angles; an experience of the monumental who financed the project and commissioned that goes beyond human scale and evokes Mathias Goeritz to create it. a feeling of spiritual elevation. Formal and revisionist exhibitions of works Yesterday, as is usually the case in new by artists directly related to Mathias Goeritz buildings, everyone who was here or the avant-garde schools that influenced noticed the smell of fresh paint and still his work will be presented there. damp concrete, and they moved through corridors and hallways on the impeccable An important group of university art floorboards of this symbolic construction. researchers led by Goeritz’s widow, Doctor They observed its great yellow wall, which Ida Rodríguez Prampolini insisted on the once again seems to greet those inside project for several decades, and it has and passersby on Sullivan Street from finally taken shape. within—that famous “wailing wall” where Mathias Goeritz embedded his “plastic One of the few works of global poem”, written with words he invented and expressionism, it has also been recovered structured in three verses: sculptural, pictorial as part of the National University and the and emotional. nation’s heritage. As Felipe Leal rightly pointed out, along with Frida Kahlo The uniquely drawn architectural spaces and Diego Rivera’s house (built by Juan he conceived were faithfully recovered by O’Gorman in the traditional neighborhood architects Felipe Leal and Víctor Jiménez, who of San Ángel) and Luis Barragán’s house were responsible for the restoration project. in Tacubaya, it is part of a trilogy of emblematic buildings for twentieth-century Equally worthy of admiration is the work architectural art. by the guest artists in the building’s inner courtyard and part of the large gallery. Museo Experimental el Eco—located at Sullivan 43, Col. San Rafael—opens it Goeritz conceived El Eco museum as doors to the public as of September 9, a temple for artistic experimentation; Tuesday - Sunday, 10 am - 6 pm, and in the spirit of its creator, it has already admission is free. been equipped with the most advanced technological resources and, according to Gerardo Estrada, will become one of the most important spaces for plastic and visual arts in the country.

According to its director, curator and communication theorist Guillermo Santamarina, under the umbrella of the Visual Arts Office in the Department of Cultural Affairs, the space is profiled to be at the forefront of visual arts dialogue, and a special area: the Daniel Mont Hall,

186 No part of this book may be reproduced in any form, except where authorized by the intelectual property rights holders and the publishers. No animals must be harmed in any case.

First edition: September 2015 UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA 2nd edition: August 2017 DE MÉXICO Ciudad de México, 2017 Printed and bounded in Mexico Dr. Enrique Luis Graue Wiechers Rector Acknowledgements: Issa Benítez, Patricia Brambila, Rodrigo Bazaldúa, Dr. Leonardo Lomelí Vanegas MUSEO EXPERIMENTAL EL ECO Daniel Garza Usabiaga, Jennifer Josten, Lily S. de Kassner, Secretary General Ana Xanic López, Jill Meissner y a la Frederick and Lillian Kiesler Foundation, Mariana Munguía, Ing. Leopoldo Silva Gutiérrez Paola Santoscoy Fernández de Lara Ricardo Nikolayevsky, Juan José Ramírez Escarza. Administrative Secretary Director

We wish to thank for the support on this project to: Dr. Alberto Ken Oyama Nakagawa Begoña Inchaurrandieta Aramburu Patrick Charpenel Secretary of Institutional Development Subdirector Patronato de Arte Contemporáneo A.C. Fundación Jumex A.C. Lic. César Iván Astudillo Reyes David Miranda Flores Secretary of Community Service Curatorship and Programming

Dra. Mónica González Contró Macarena Hernández Estrada General Counsel Publications

Guillermo Rosas Sánchez COORDINACIÓN DE DIFUSIÓN CULTURAL Media The Dissonance of El eco Dr. Jorge Volpi Escalante Jesús Cruz Caba An essay by David Miranda Coordinator Design

Edition Mtra. Graciela de la Torre Gabriel Escalante Dávila Macarena Hernández Estrada General Director, Visual Arts Installation

Design Jesús Cruz Caba

Proofreading Lisa Heller

Translation Sonia Verjovsky

Texts © David Miranda Mathias Goeritz Mauricio Gómez Mayorga La disonancia de El Eco fue editado The Dissonance of El Eco was published by por la Dirección General de Artes Visuales de Dirección General de Artes Visuales, unam. la unam. Se terminó de imprimir en agosto It was printed in August 2017 at Tecnographics, de 2017, en los talleres de Tecnographics, Giotto 221, col. Alfonso xiii, C. P. 01460. Giotto 221, col. Alfonso xiii, C. P. 01460. The edition consisted of 500 copies Se tiraron 500 ejemplares sobre papel Bond printed on Bond paper, 90 g. The composition de 90 g. En su formación se utilizaron tipos de and layouts were made with Futura and las familias Futura y Resavska de 6 -18 pts. Resavska typefaces, 6 -18 pts. Offset printing. Tipo de impresión offset. El cuidado The production was in charge of de la edición estuvo a cargo del Museo Museo Experimental el Eco. Experimental el Eco.