ABBA

Abba. A principios de los años setenta, cuatro suecos llamados Anni-Frid, Agnetha, Bjorn y Benny formaron uno de los grupos de más éxito de los setenta y principios de los ochenta. Bautizaron el grupo jugando con las iniciales de sus cuatro integrantes. El resultado: ABBA. El salto a la fama de Abba ocurrió en 1974, cuando ganaron el festival de Eurovisión, en su mejor edición, con la canción Waterloo. A partir de ese momento, todos sus discos se situaron en las listas de los más vendidos en toda Europa.

El álbum completo de 'Waterloo' incluye temas de muy diversos estilos, intentando descubrir aquellos que más podían agradar al público.

En su siguiente disco, 'Arrival', Abba muestra ya su propio estilo de música, que se vio continuado en 'Abba', en el que se incluyen algunos de sus temas de mayor éxito, como 'Mamma mia', 'I do, I do, I do' y 'S.O.S.'.

Tras varios discos de éxitos y en pleno apogeo triunfal por Europa, Abba decide conquistar el mercado norteamericano. Para ello diseñan un nuevo disco, 'Voulez-Vous', con ritmos totalmente discotequeros. El resultado es un sonoro fracaso, ya que no consiguieron despertar de su indiferencia al público americano.

Los componentes de Abba formaban dos parejas sentimentales. Por un lado, Bjorn y Agnetha y por otro Anni-Frid y Benny.

A finales de 1978, Bjorn y Agnetha anunciaron su ruptura sentimental, lo que repercutió seriamente en las relaciones entre los miembros de Abba, lo que motivó el inicio del declive del grupo.

Posteriormente, en 1980 la otra pareja de Abba también se divorció, y esta vez sí que la situación fue insostenible como para mantener en pie un grupo en el que es imprescindible la armonía entre sus integrantes.

Abba se disolvió en 1981, no sin antes publicar 'Super trouper', uno de sus mejores trabajos, donde demuestran toda su madurez profesional y donde hay temas que tratan de desamor y de tristeza.

Su último disco antes de la disolución es 'The visitors', un álbum intimista y profundo que no consiguió gran aceptación por parte del público pero que resultó un notable trabajo.

Fuente: Todomusica En 1974 un grupo sueco ganaba el festival de Eurovisión con una exultante declaración de amor, “Waterloo”. Sus cuatro componentes ya eran músicos reputados en su país de origen pero nadie podría haber anticipado su meteórico ascenso al estrellato internacional. En menos de una década de existencia ABBA sembró las listas de medio mundo con sus sencillos multiventas. Las hábiles melodías vitalistas de Benny y Bjorn cristalizadas por las hermosas armonías de Agnetha y Frida han continuado seduciendo a generación tras generación. Quizá el secreto del éxito de ABBA radique en su apasionada manera de trasmitir tanto las alegrías como las penas y demostrarnos así que “nada puede cautivar un corazón como lo hace una melodía”, según ellos mismos se encargarían de recordarnos. En este volumen de canciones de ABBA se recogen las letras originales con su traducción al castellano de los cincuenta temas más conocidos del grupo, incluidos todos sus sencillos de éxito. AC DC.

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AC DC. Su historia se puede dividir en dos etapas: la etapa de Bon Scott (1974- 1979) y la etapa de Brian Johnson (1980- actualidad). Algunos fans tienen una preferencia, otros valoran por igual los méritos de ambos cantantes.

La etapa con Bon Scott El núcleo de la banda se formó básicamente por los hermanos Young, dos jóvenes australianos de origen escocés que decidieron crear una banda de rock and roll. Gracias a su hermano mayor George Young, que alcanzó la fama con su grupo pop The Easybeats en los 60', Malcolm y Angus pudieron introducirse en la música. Después de que desapareciera su grupo "The Velvet Underground" (nada que ver con Lou Reed), Malcolm formó en 1973 AC/DC en Sydney. Angus sólo tenía 15 años en esa época y su hermana Margaret le sugirió que saliera al escenario disfrazado de colegial. También le sugirió el nombre de la banda, AC/DC, que vio escrito en el enchufe de una aspiradora.

Tras diversas variaciones, la formación quedó formada por Angus y Malcolm Young a las guitarras, Mark Evans (sustituido posteriormente por Cliff Williams) al bajo, Phil Rudd a la batería y Bon Scott a la voz reemplazando a Dave Evans. Scott había formado parte de otros grupos, como Fraternity y The Valentines. Más importante, ayudó a fomentar la imagen violenta del grupo. Tenía varios delitos menores y fue rechazado del ejército por estar desadaptado socialmente. Y AC/DC estaba desadaptada socialmente. Durante su carrera combinaron la agresividad y la imaginería violenta, todo ello salpicado de un peculiar sentido del humor.

El grupo realizó en Australia dos discos: High Voltage y TNT, en 1974 y 1975. El material de ambos discos sirvió para elaborar el High Voltage en Estados Unidos y en el Reino Unido. Dirty Deeds Done Dirt Cheap apareció al año siguiente y en otoño de 1977 AC/DC lanzó Let There Be Rock. Al año siguiente se incorporó Cliff Williams con Powerage (1978). Todos estos álbumes fueron producidos por Vanda y George Young. El ambiente de sus conciertos fue captado en "If you want blood, you've got it". AC/ DC se fue de gira con artistas como Alice Cooper, Rush, Aerosmith, Ted Nugent, Boston, Black Sabbath, Cheap Trick, Heart, The Scorpions, Molly Hatchet, Ronnie Montrose, Nazareth, UFO, Journey, Foreigner, Van Halen, Styx, Blue Öyster Cult, Alvin Lee, Rainbow, Savoy Brown, REO Speedwagon, The Doobie Brothers, Thin Lizzy o The Who.

Lo que realmente les abrió las puertas del éxito fue Highway To Hell (1979), pruducido por Mutt Langue, para muchos el mejor álbum de los australianos y que alzanzó el puesto 17 en las listas americanas y el 8 en las británicas, convirtiéndose en su primer trabajo en conseguir un millón de copias vendidas. Este álbum figura en la lista de los 200 álbumes indispensables elaborada por la revista Rolling Stone. El tema principal del LP, la canción "Highway to Hell", se acabaría convirtiendo para muchos en todo un himno del Rock and Roll de finales de los 70.

Cuando todo parecía ir muy bien (AC/DC tenían éxito en ventas en Europa y los Estados Unidos) la desgracia cayó sobre el grupo una noche londinense el 19 de febrero de 1980 en que perdieron a su vocalista. La causa de la defunción de Scott fue de ahogamiento en su propio vómito a consecuencia de una intoxicación etílica, pero las circunstancias que rodean esta trágica muerte no han sido esclarecidas aún.

[editar] La etapa con Brian Johnson Tras la muerte de Bon Scott la banda se plantea su continuidad pero finalmente reclutaron a Brian Johnson. El inglés provenía de la popular banda británica Geordie y se dice que era el vocalista preferido de Scott. Johnson se encontraba sin grupo y meditaba si continuar en el mundo musical.

Sin embargo, aceptó el reto y entró con el resto de compañeros a grabar lo que sería uno de los discos de los años 80: "Back In Black", disco dedicado a Bon Scott y también bajo la producción de Mutt Langue. Las cifras alcanzadas por este álbum son notables: en Estados Unidos, encabezó la lista de ventas durante 5 semanas, manteniéndose durante otras 20 en el Top 10, y estando en total 131 en el Top 40. Transcurrido un año, había rebasado los 5 millones de ventas en este país, y hasta la fecha la RIAA certifica 19 álbumes de platino para Back in Black, lo que se traduce en más de 19 millones de copias vendidas en EEUU. A nivel mundial, las ventas de este LP se estiman superiores a los 40 millones de copias. Por todo ello figura en la cuarta posición de la lista de los LPs más vendidos de la historia.

El éxito del Back in Black disparó las ventas de todos sus álbumes anteriores, desatando una "fiebre" por AC/DC. Aprovechando el boom, el disco "Dirty Deeds Done Dirt Cheap" fue relanzado en marzo de 1981 en EEUU (donde no había sido publicado en 1976, como se hizo en Australia y Gran Bretaña), permaneciendo 55 semanas en la lista de los 40 más vendidos, y obteniendo en 2001 su sexto disco de platino. Asimismo, todos los álbumes anteriores de la banda habían superado el millón de copias en julio del mismo año. En noviembre de 1981, salió a la calle For Those About To Rock: We Salute You, producido al igual que los dos álbumes anteriores por Mutt Langue. Recibió una buena acogida entre los fans, pero no así entre la crítica. Obtuvo también buenas cifras de ventas, con 1 millón de copias vendidas en su primera semana, y en 2001 confirmó su cuarto álbum de platino en EEUU.

En mayo de 1983, Phil Rudd (batería) fue sustituido por Simon Wright. Los motivos por los que Phil dejó AC/DC no se aclararon del todo, rumoreándose que había tenido una pelea con Malcolm a causa de sus problemas con el alcohol. Tras este relevo, en agosto vería la luz un nuevo LP: "Flick Off the Switch". Sería el primer disco producido por Angus y Malcolm. Este álbum hizo decaer el status comercial del grupo de manera muy notable. En octubre de 1984 editarían "'74 Jailbreak" un mini-LP con varias canciones inéditas y que conmemoraba los 10 años de existencia de la banda. En junio de 1985 aparece "Fly On the Wall" , considerado por algunos como el peor disco de AC/DC, también producido por los hermanos Young.

En mayo de 1986 se publica "Who Made Who", primer recopilatorio de AC/DC especialmente realizado para la película de Stephen King "Maximum Overdrive", y que obtuvo unas ventas razonablemente buenas. En enero de 1988 volverían a la carga con "Blow Up Your Video", producido por Vanda y George Young. El disco no obtuvo el éxito de principios de los 80. Durante el tour de 1988, por causas personales, Malcolm Young es sustituido por su sobrino Stevie Young (Stevie solo sustituiría a Malcolm durante esta gira). En noviembre de 1989 Simon Wright abandona el grupo y es sustituido por Chrish Slade.

Con The Razor's Edge (1990), producido por Bruce Fairbairn volvieron, casi 10 años después, a todo lo alto de las listas de ventas (77 semanas en la lista de los 40 de EEUU y 4 millones de copias vendidas hasta la actualidad) lanzandos por el éxito "Thunderstruck".

En verano de 1994 vuelve Phil Rudd a la batería, y en otoño de 1995 lanzaron Ballbreaker, producido por Rick Rubin, entró en las listas en el número 4 y vendió un millón de copias en los primeros seis meses. "Stiff Upper Lip" le siguió a principios de 2000, álbum con el que volvieron a los sonidos que más les influenciaron durante su juventud. Actualmente están a punto de publicar un nuevo álbum de estudio.

Desde el 22 de marzo del 2000, AC/DC tiene una calle en Leganés (Madrid) llamada "Calle de AC/DC", a cuya inauguración asistieron Malcolm y Angus con gran expectación de público y fans. El mismo día de la inauguración la placa fue robada y repuesta a las dos horas. Tres días después fue de nuevo robada y actualmente es incontable el número de veces que ha sido sustraída. Ante esta situación el Ayuntamiento de Leganés decidió sacar a la venta dichas placas para satisfacer las ansias de los fans. Esta anécdota fue expuesta en la película española "ISI/DISI, Amor a lo bestia" dirigida por Chema de la Peña y protagonizada por Santiago Segura y Florentino Fernández.

En octubre de 2004 la ciudad de Melbourne también hizo honor a la banda con una calle, la "ACDC Lane", al aprobar el Ayuntamiento la sustitución del nombre anterior: "Corporation Lane". Inscribieron "ACDC" porque la normativa de la ciudad no permite usar determinados símbolos como la barra / en los nombres de sus calles.

Fuente: Wikipedia Adriano Celentano

Datos generales

Nacimiento 6 de enero de 1938 (75 años)

Origen Milán, Italia

Estado Activo

Ocupación Cantante, Compositor. Músico,Actor, Director, Productor de televisión

Información artística Género(s) Pop, Rock

Instrumento(s) Voz, Guitarra

Período de 1957 - Presente actividad

Artistas I Ribelli, Mina Mazzini relacionados

Adriano Celentano (Milán, Italia, 6 de enero de 1938); es un cantante, actor ycineasta italiano. Ha vendido más de 150 millones de álbumes en todo el mundo. Muy a menudo es el autor de la música de sus canciones (a veces, es co-autor de la música y letras inclusive, si se les permitió firmar a otros).1 Gracias a su trayectoria de cincuenta años y sus grandes éxitos en la nación mediterránea, es considerado uno de los pilares de la música italiana. Su carácter ha hecho que Celentano se haya convertido en un personaje símbolo e icono de la sociedad de su país después de la Segunda Guerra Mundial. Adriano Celentano nació en Milán en el 14 Via Gluck, calle sobre la que más tarde escribió la famosa canción "Il ragazzo della via Gluck" ("El chico de la calle Gluck") de 1966. Sus padres eran de Foggia, en la región sureña de Apulia, y se habían trasladado al norte para trabajar.2 De carácter inquieto y extrovertido, Adriano incursionó con éxito en varios campos artísticos. Celentano se inició en el mundo del espectáculo actuando como imitador y cómico en los cabarets de su ciudad natal. Su debut oficial como cantante tuvo lugar en 1957 en el transcurso del Primer Festival del Rock And Roll celebrado en el palacio de hielo de Milán. Según una leyenda urbana, antes de comenzar su carrera como cantante, Celentano era un estudiante de Ghigo Agosti (pionero del rock europeo) durante su gira de 1955- 1956 por el norte de Italia, donde también era el debut del guitarrista Giorgio Gaber. Fuertemente influenciado por su ídolo Elvis Presley así como la revolución del rock la década de 1950, también conoció el baile de moda del Hula hoop. Desde entonces, empezó a interpretar canciones inspiradas en géneros tan diversos como la música soul, el tango, los valses, etc. A partir del año 1965, empieza a dedicarse al cine, trabajando como director y como actor. Durante los últimos 40 años ha mantenido su popularidad en Italia, vendiendo millones de discos y aparece en numerosos programas de televisión y películas. En este último sentido, también ha sido un creador de un género cómico, con su andar característico y sus expresiones faciales. En su mayor parte, sus películas fueron un éxito comercial y, de hecho en la década de 1970 y parte de la década de 1980, él era el rey de la taquilla italiana en películas de bajo presupuesto. Como actor, los críticos señalan a "Serafino" (1968), dirigida por Pietro Germi, como su mejor trabajo. Allí, Celentano encarnó a un joven napolitano, que cada vez que lo llamaban por su nombre, respondía siempre cantando las estrofas de "Mamma", una vieja tonada de dicho pueblo. Como un director de cine, con frecuencia contrata a Ornella Muti, Eleonora Giorgi y a su esposa Claudia Mori. Él y Claudia tienen tres hijos, Rosita, Giacomo y Rosalinda Celentano. Con respecto a Rosalinda, lo más notable para las audiencias en todo el mundo fue su papel de Satanás en La Pasión de Cristo (2004) de Mel Gibson. Adriano también trabaja a menudo como una serie en varios programas de televisión italianos. En su extensa y prolífica carrera musical, ha publicado cuarenta álbumes, que comprenden veintinueve álbumes de estudio, tres álbumes en vivo y ocho compilaciones. Entre sus canciones más famosas son "La coppia piu' bella del mondo" (1967), que vendió más de un millón de copias, y le fue concedido un disco de oro;3 "Azzurro" (1968), con letra de Paolo Conte, y su gran éxito internacional, "Prisencolinensinainciusol" (1972). Celentano fue referencia en 1979 en la canción y sencillo del cantante británico Ian Dury y The Blockheads, "Reasons to be Cheerful, Part 3" ("Razones para estar Alegre, Parte 3") , como una de las antes mencionadas "razones para estar alegre”. Adriano Celentano ha sido vegetariano desde 2005 y defiende los derechos de los animales.4 En la música, a principios de los setenta vio a Adriano casi constantemente en las listas de éxitos italianas con canciones como "Viola" (años más tarde la interpretó como un dúo con Ivano Fossati). “Sotto le lenzuola” ("En virtud de las hojas", la última canción con la que participó en el Festival de San Remo en 1971), y “Er più”, escrita por Carlo Rustichelli y que figuran en la banda sonora de la película del mismo nombre. El año 1972 fue en el que Celentano toma abiertamente una posición ecologista con la canción “Un albero di trenta piani“ ("Un arbòl de 30 pisos”), con la que consiguió el éxito tanto en la Península Ibérica como en el mercado de América Latina. La canción está contenida en un LP, “I mali del secolo” (“Los males del siglo”), donde cada tema aborda un problema social (crisis de la droga de la familia). En el disco colabora en el coro Giuni Russo. Pero es con "Prisencolinensinainciusol", publicado el 3 de noviembre 1972, en una canción escrita en lengua extraña "celentanesca", cantada con sonidos laberínticos en pseudo-inglés que conquistó un récord mundial: la canción, de hecho (considerado por Celentano como el primer rap italiano, la semilla de rap, como ha definido la canción en un remake de 1994), entró en las listas en los Estados Unidos. (Nº 70 en Billboard) antes que en Italia,5 aspecto más que singular para un cantante italiano. Celentano motivó la letra de la canción diciendo que "acababa de grabar un álbum de canciones en las que quería decir algo, y quería hacer algo que no significaba nada".6 En Italia, el éxito no llegó pronto (fue hasta 1974), cuando el tema se convertirá en símbolo del programa radiofónico Gran Varietà, El single entró en las listas en ese momento, y logró escalar hasta la quinta posición de discos más vendidos,7 resultando al final el decimocuarto single más vendido en Italia para ese año.7 En 1995 los hermanos Visnadi (en ese entonces compositores y productores de música house) remezclaron la canción y dejaron algunas otras versiones, una de ellas (que reflejan el espíritu y la estructura de la original, pero el ritmo inyecta nueva energía y sonido) y se incluyó en la colección de tres discos "Únicamente Celentano" (2006). Prisencolinensinainciusol fue reinterpretada en esta nueva versión en un episodio del programa Francamente me ne infischio de Rai 3en 2006, junto a los cantantes Manu Chao y Piero Pelù.

 Celentano está casado con Claudia Mori, actriz italiana, desde 1964. Ambos se casaron en secreto por la noche, en la Iglesia de San Francisco en Grosseto, Toscana y son padres de Rosita Celentano (1965), Giacomo Celentano (1966) y de la actriz Rosalinda Celentano (1968).  Celentano fue apodado en su país "Il molleggiato" ("El elástico") por su forma de bailar. Esa vitalidad explosiva y espontánea alegría encontraba en Celentano un intérprete muy especial porque desde siempre unió a la de cantante su condición de 'showman', frecuentemente con un punto histriónico a lo Jerry Lewis.

 Desde 1991, Claudia Mori es la administradora delegada de la compañía discográfica de familia, Clan Celentano S.R.L.. Entre su discografía de éxitos están: "Non succederà più", "La coppia più bella del mondo" (en dueto con su marido), "Buonasera dottore", "Il principe" y "Chiudi la porta".

 Claudia participó en varias películas de Adriano, pero desde 1994 se dedicó completamente a la administración del Clan, sucediendo al hermano de su esposo, Alessandro Celentano.

 Entre las canciones de Adriano Celentano destacan: "Azzurro" (con letra de Paolo Conte), "Yupi Du" y "Chi non lavora non fa l'amore" (Quien no trabaja, no hace el amor), con la que participó junto a su esposa en el Festival de la Canción de San Remo. Otros éxitos: "Il ragazzo della Via Gluck" (El muchacho de la calle Gluck), "Io non so parlar d'amore" (Yo no sé hablar de amor), y su mayor éxito en Latinoamérica, Susana (Susanna, en italiano), que sería versionada años después por Ricky Mart Aerosmith.

Aerosmith. Aerosmith comenzó cuando Steven Tyler formó una banda, 'The Strangers', en 1964, en Sunapee, un pequeño pueble de New Hampshire, donde tocaba la batería. Poco después, el nombre del grupo pasó a ser 'Chain Reaction'. Tocaban temas compuestos por Steven y hacían versiones de temas de los Beatles y los Rolling Stones.

Entre 1967 y 1969 graban un par de sencillos y hacen pequeños trabajos de teloneo para grupos como los 'Yardbirds' y los 'Beach Boys'.

Finalmente, en 1970, se unen a la banda Joe Perry y Tom Hamilton, que formaban parte del grupo 'Jam Band', con el que interpretaban temas de blues. De esta manera surgió una banda con un nuevo nombre: 'Aerosmith'. El grupo lo completaban Brad Whitford, en la guitarra y Joey Kramer en la batería. El estilo era una mezcla de rock y blues con su imagen de niños malos.

Tras darse a conocer en locales nocturnos de Boston, en 1973 editan su primer disco, 'Aerosmith', con el que consiguieron bastante renombre y que les sirvió para realizar una gira.

En 1974 Aerosmith publican el segundo disco, 'Get Your Wings' y, un año más tarde, el tercero: 'Toys in The Atic', uno de sus mayores éxitos.

En 1976 Aerosmith publica 'Rocks', con el que llegaron al tercer puesto en las listas de éxitos. Un año después repitieron la proeza con el álbum 'Draw the Line', con el que consiguieron un disco de platino.

En 1979 publican el disco 'Night in the Ruts', y poco después Joe Perry y Brad Whitford dejan la banda y son sustituídos por Jimmy Crespo y Rick Dufay. Por fin, en 1982 editan 'Rock In a Hard Place'

En 1984 Perry y Whitford regresan a Aerosmith y publican 'Done With Mirrors', en 1986. Un año después sale a la luz 'Permanent Vacation' y en 1989 'Pump'. Con estos discos confirmaron que no siempre es verdad aquello de que segundas partes no son buenas y que había 'Aerosmith' para largo. En 1993 publican 'Get a Grip', con el que consiguieron varios números uno y que les valió el reconocimiento de dos premios Grammy.

En 1994 publican una recopilación, 'Big Ones' y en 1997 'Nine Lives', con el que iniciaron una gran gira por todo el mundo.

También participaron en la banda sonora de la pelícila 'Armageddon', de Bruce Willis.

Fuente: Todomusica Al Caiola

Nom Alexander Emil Caiola de naixem ent

Nascut 7 setembre 1920 (93 edat) Jersey City, Nova Jersey

Gènere Jazz , país , roca , pop s

Ocupa El guitarrista , arranjador ,compositor cions Instru Guitarra ments

Anys 1955-1969; actius 1980-present

Les Atco , Canceller , Coral , HMV ,RCA , Roule etiquet tte , Savoy , Temps ,United Artists es

Actes Bobby Shad i el dolent dels homes, les associ guitarres Il · limitat Plus 7, les guitarres de ats Vida, de Tony Mottola i les guitarres Quad, The Living Trio, l'Orquestra Columbia Musicals bons del Tresor, Roy Ross And The Ragamuffins amb Dizzy Gillespie, The Village Stompers, Els Ragtimers

Instruments notables

Guitarra, mandolina, banjo

En Caiola (nascut Alexander Emil Caiola , 7 de setembre de 1920, Jersey City, Nova Jersey ) és un guitarrista que toca jazz , país , roca , occidental , i la música pop . Ha estat alhora un músic d'estudi i executant de l'etapa. Ha gravat més de cinquanta discos i ha treballat amb algunes de les estrelles més grans del segle 20, incloent Elvis Presley ,Frank Sinatra , Percy Faith , Buddy Holly , Mitch Miller i Tony Bennett . Durant la Segona Guerra Mundial Caiola juga amb el Cos de Marines dels Estats Units Divisió cinquè Marina (Estats Units) Band que també incloïa Bob Crosby . [ 1 ] Caiola serveix a la batalla d'Iwo Jima com portalliteres. [ 2 ] Caiola era un músic d'estudi actiu en la dècada de 1950 es van centrar en la ciutat de Nova York àrea. Va deixar anar alguns menors registres sota el seu propi nom en aquesta dècada. A més, es porta a terme sota la direcció musical de John Serry, Sr en un àlbum per Dot Records el 1956 ( Squeeze Play ). El 1960 es va convertir en una gravació de l'estrella a la United Artists (UA) etiqueta almenys durant deu anys. Tenia pop destacatsèxits en 1961 amb " The Magnificent Seven "i" Bonanza ". L'estil va ser inspirat per Duane Eddy so guitarra sota gangoso 's. Els arranjaments eren típicament per Don Costautilitzant un gran suport orquestral. Caiola allibera contínuament senzills i àlbums al llarg de la dècada de 1960 i més enllà, encara que no altres van aparèixer en les llistes d'excepció d'una entrada en 1964 amb " Des de Rússia amb amor ". UA li usa per fer enregistraments comercials de moltes pel · lícules i televisió temes . Un àlbum popular i cobejat és de 1961 Instrumentals cop de TV Themes occidentals , que van incloure "Wagon Train (Wagons Ho)", "Paladin", "El rebel" i "Pistoler". S'ha reeditat en altres formes des de llavors. Solid Gold Guitar , probablement la seva obra més impressionant àlbum, conté emocionants grans arranjaments de "Jezabel", "Two Guitars", "Big Guitar", " I Walk the Line "i" Guitar Boogie " . The Seven Magnificent àlbum, a part de la cançó principal, consistia en una varietat de cançons pop amb una inclinació de jazz.Guitarres Guitarres Guitarres era similar. Hi havia una gran varietat dels seus àlbums - pop suau, italià, hawaià, country, jazz. A principis de la dècada de 1970, va continuar en la Avalanche Registres etiqueta, produint un treball similar que inclou l'àlbum Tema De la 'Magnificent 7 Ride' '73 . Més tard, en altres etiquetes, van venir algunes ètnies amb temes instrumentals àlbums com en un humor espanyol el 1982, i els instruments italians. El 1976, l'Caiola acompanyat Sergio Franchi , Dana Valery , i Wayne J. Kirby (director musical de Franchi) en una gira de concerts a Johannesburg, Sud-àfrica. [ 3 ] Alan Parsons

Dades biogràfiques i tècniques

Naixement 20 de desembre del 1948

Gènere(s) Rock progressiu

Ocupació Enginyer, compositor, músic,productor, director

Anys en actiu 1967-present

Discogràfiques Sony Legacy, Arista

Lloc web oficial alanparsonsmusic.com

Instruments destacats

Teclats, orgue, guitarra acústica Alan Parsons és un compositor, enginyer de so i cofundador del grup The Alan Parsons Project nascut el 20 de desembre de 1948 a Londres, Anglaterra. Ja de nen Alan Parsons demostrà un gran talent pel fet musical. Ràpidament va aprendre a tocar el piano, la flauta i la guitarra. Es diu que de jove tocava aquest últim instrument en una banda de blues. El seu entusiasme per la música el portà a ser enginyer de gravació en els estudis EMI i posteriorment als mítics estudis Abbey Road. Precisament aquest era el nom de l'onzè i penúltim àlbum dels The Beatles en el que el jove Alan Parsons va poder fer la seva primera participació com a enginyer de so d'un treball dels nois de Liverpool. La següent col·laboració va resultar ser en l'últim treball dels The Beatles, Let It Be (1970), just abans de la seva traumàtica dissolució.

La seva relació amb els estudis Abbey Road va continuar i hi va poder treballar ambPaul McCartney i amb els grups Wings, Hollies i Pilot, on Parsons va conèixer el guitarrista Ian Barnison. Si bé és cert que el seu innegable talent ja era molt reconegut pels seus companys de professió, la seva participació en la gravació del disc The Dark Side of the Moon (1973) de Pink Floyd, li va servir per posar al descobert la seva capacitat per produir i treballar amb el so. La seva aportació va ser premiada amb una nominació als Grammy d'aquell any.

Amb tots aquests èxits a l'esquena, Alan Parsons va considerar que necessitava una bona administració de la seva carrera i un guia en el negoci musical, del que també participava com a ocasional productor. Aleshores va decidir trucar (1975) a Eric Woolfson, un antic company i enginyer de so que va conèixer als estudis Abbey Road. L'objectiu no era altre que crear una empresa que es dediqués al negoci de la música però la passió que ambdós tenien per l'estudi i la investigació de les possibilitats que oferia el so els va fer posar ràpidament a compondre plegats.

D'aquesta col·laboració en va sorgir el grup The Alan Parsons Project, que va fer el seu debut amb el treball Tales of Mystery and Imagination of Edgar Allan Poe (1976), un disc que va resultar ser un inesperat èxit tant per a la crítica com per al públic en general. Posteriorment el grup va compondre 10 projectes més, entre els que cal destacar I Robot(1977), Eye in the Sky (1982) i Ammonia Avenue (1984).

L'any 1987, Eric Woolfson va abandonar el grup per dedicar-se a compondre per a musicals de teatre. Davant d'aquesta nova situació Alan Parsons va continuar la seva carrera en solitari amb els treballs Try Anything Once (1993), On Air (1996) i The Time Machine(1999). Aquests àlbums no van poder portar la denominació de Project a causa de problemes amb la part dels drets que conservava Woolfson.

Durant l'existència del grup The Alan Parsons Project, els seu dos fundadors, tot i el seu èxit, mai es van decidir a fer gires en bona part pel fet que la seva música d'estudi no estava pensada per a ésser reproduida en un concert. Però després de l'àlbum The Time Machine, amb el qual Alan Parsons va tornar a estar a la primera línia mediàtica des del final de The Alan Parsons Project, el músic londinenc va comprendre que era el moment de correspondre amb els seus fans i va dur a terme la primera de les gires mundials que ha realitzat (1999, 2003 i 2006). En aquestes gires, Parsons va poder utilitzar amb el permís d'Eric Woolfson, el lema Alan Parsons Live Project. La darrera gira va servir per presentar el seu últim treball A Valid Path, un treball en el que hi col·laboren el músic P.J. Olsson i el guitarrista de Pink Floyd David Gilmour en el que recupera el so dels seus millors moments, els orígens de The Alan Parsons Project.

En l'actualitat, a més de gravar i presentar-se en directe, Alan Parsons produeix per altres artistes, compon bandes sonores i té una companyia que es dedica a millorar el so de pel·lícules de cine i sèries de televisió.

Alan Parsons ha rebut en la seva carrera tretze nominacions als Grammy per l'enginyeria de gravació i la producció dels seus discos. No n'ha guanyat cap. Té el rècord de nominacions a Grammy sense premi final. Alanis Morissette

......

Alanis Morissette. Alanis Morissette nació el 1 de junio de 1974 en Ottawa, Canadá. De pequeña ya le gustaba el ballet y la música. A los once años lanzó su primer tema, 'Fate Stay With Me', y a los trece publicó su primer álbum, 'Alanis', en 1990, con una mezcla de sonido pop y dance, con el que tuvo un cierto éxito en su país y que le valió ser nominada como joven promesa del año.

En 1992 Alanis Morissette publicó su segundo disco, 'Now Is The Time', que no tuvo tanta acogida como el primero, aunque supuso un gran paso en su evolución artística, con temas más trabajados.

Hubo que esperar hasta 1995 para que Alanis Morissette se diera a conocer muldialmente con su tercer y exitoso álbum 'Jagged Little Pill', con el que consiguió varios discos de platino y algunos premios Grammy. En este disco se nota una gran madurez en sus composiciones, con letras más inteligentes y agresivas. Consiguió vender más de 30 millones de copias en todo el mundo.

En 1998 publicó su cuardo disco, 'Supposed Former Infatuation Junkie', en el que seguimos viendo evolucionar a Alanis, desde aquella niña que le gustaba cantar hasta esta de ahora a la que le gusta contar cosas.

En 1999 salió el disco 'Alanis Morissette MTV Unplugged', con el que también ha obtenido grandes ventas por todo el mundo.

Fuente: Todomusica Alaska.

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Alaska. Olvido Gara, más conocida como Alaska, nació el 13 de junio de 1963 en Ciudad de México. Elige el nombre de Alaska, tomado de una canción de Lou Reed.

Alaska se inició en el mundo del rock en 1978, año en que se formó Kaka de Luxe, banda de orientación punk que desaparece en 1979.

Ese año, con Nacho Canut, Carlos García Berlanga y Manolo Campoamor crea Los Pegamoides. Además acompaña a Radio Futura y al dúo formado por Pedro Almodóvar y Fabio McNamar (Almodóvar & McNamara).

En 1980, Alaska entra en el grupo Ana Curra y Eduardo Benavente, consolidándose así Alaska y Los Pegamoides, que se disolverá en el otoño de 1982 para dar lugar a Parálisis Permanente (con Benavente, Canut y Ana Curra) y a Dinarama (con García Berlanga, Canut, ángel Altolaguirre y Alaska como miembros). Alaska y Dinarama conseguirán un notable éxito y gran popularidad a partir de 1984, año en el que publican un álbum titulado 'Deseo carnal', un disco superventas que consagra su personalidad como 'reina de la movida' y le lleva, tras su intervención en el film de Almodóvar 'Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón', a participar en diversos programas televisivos, entre lo que destacó su labor en el programa infantil 'La bola de cristal'. Algunos de los discos destacados de esta época de Alaska son, aparte de 'Deseo carnal', 'Fan fatal', 'canciones profanas', 'No es pecado' y 'Diez'.

En los noventa reanudó su trabajo conjunto con Nacho Canut, del que resultó la banda Fangoria. Ha colaborado en muchos programas de TV, debates, tertulias, publicaciones, prensa, etc…

A finales de 2004 se publica el álbum recopilatorio "De Alaska a Fangoria". En el se recorre toda la trayectoria musical de Alaska, desde su etapa con los Pegamoides hasta Fangoria. Además del CD, con 20 temas, se incluye un DVD con 29 actuaciones de la reina de la movida, entre conciertos y actuaciones en televisión.

Fuente: Todomusica Alejandro Sanz.

Alejandro Sanz. El nombre completo de Alejandro Sanz es Alejandro Sánchez Pizarro y nació en Madrid el 18 de diciembre de 1968, de padres gaditanos, de donde le viene ese aire andaluz. El padrino de Alejandro Sanz fue el compositor Manuel Alejandro, por lo que la pasión musical le viene de muy pequeñito.

Con apenas siete años, Alejandro Sanz comienza a tocar la guitarra y a los diez compone sus propias canciones.

Siendo todavía muy joven, la familia de Alejandro Sanz se mudó a Moratalaz, en Madrid y es de destacar que en su adolescencia lo expulsaron del instituto por meterle mano a las chicas, a pesar de que él argumentara que ellas se dejaban.

A partir de entonces Alejandro Sanz comenzó a estudiar para administrativo. Mientras tanto, daba clases de guitarra con su tío Miguel Angel, el que hoy es su productor. Grababa coros en un estudio y suerte tenía si conseguía que le pagaran. Años después, su caché se elevaría considerablemente, por fortuna para su economía. Tras realizar una maqueta, Alejandro Sanz se fue con ella a Hispavox, donde fue rechazada por los responsables del lugar. Curiosamente, aquellos temas triunfarían posteriormente en un álbum titulado 'Viviendo deprisa'.

Afortunadamente, en la Warner le hicieron más caso y pusieron en marcha la maquinaria del márketing. Lo primero fue cambiar su apellido Sánchez por Sanz (más corto y fácil de recordar).

Y en 1991 publicó el primer disco, 'Viviendo deprisa', con el que consiguió siete discos de platino en España.

En 1993 Alejandro Sanz editó 'Si tu me miras', con la colaboración de artistas de gran talla. También salió a la luz 'Básico', una pequeña recopilación con los mejores temas de los discos anteriores pero con un sonido más acústico.

Otros discos publicados en su todavía corta pero fructífera carrera han sido ´3´' y 'Mas' Y en el otoño del 2000 publicó un nuevo disco: 'El alma al aire', del que se vendieron miles de copias antes incluso del lanzamiento oficial, y que supuso su mayor éxito comercial.

En el 2001 Alejandro Sanz se convierte en el primer español que participa en la prestigiosa serie acústica de la MTV con su propio Unplugged, grabado en Miami y en el que se incluyen sus principales temas.

El 2 de septiembre del 2003, se estrenó a nivel mundial un nuevo disco de Alejandro Sanz, titulado 'No es lo mismo'. Este disco fue grabado y mezclado entre los meses de febrero y julio de 2003 entre Madrid y Miami. Alejandro Sanz se rodeó para la ocasión de músicos americanos de primer nivel como Anthony Jackson, Michael Landau o Vinnie Colaiuta además de músicos cubanos como Horacio 'El Negro' y contó con la colaboración especial de Paco de Lucía en una de las canciones. Por primera vez, Alejandro Sanz asume las labores de producción de uno de sus discos, junto con el arreglista y productor cubano Lulo Pérez, colaborador habitual de Alejandro Sanz en sus últimas giras.

El 16 de noviembre de 2004 se publica el primer recopilatorio de Alejandro Sanz, llevando por título "Grandes exitos: 91-04", reuniendo todo lo mejor de una carrera de trece años, con temas que van desde "Mi soledad y yo" a "No es lo mismo", e incluye catorce rarezas y dos canciones inéditas.

Para este triple CD, Alejandro Sanz ha compuesto dos temas nuevos, "Tú no tienes alma", una canción en la que hace una reclamación a alguien que se abandonó a su suerte, elegida como single de presentación, y "Cuando sea espacio".

En este resumen de su carrera no pueden faltar títulos como: "Corazón partío", Y, "¿Si fuera ella?", "La fuerza del corazón", "Amiga Mía", "Pisando fuerte", "Viviendo deprisa", "Amiga mía", "Quisiera ser" y "Cuando nadie me ve".

Además incluye rarezas como dúos con Niña Pastori, Paolo Vallesi, Omara Portuondo, Ketama, The Corrs, Moncho, Pepe de Lucía y versiones inéditas de "Corazón partío" o "Seremos libres".

Fuente: Todomusica Alex Ubago.

Alex Ubago. Alex Ubago nació en 1982 en San Sebastian. Con 18 años compuso varias canciones con la intención de regalárselas a su novia en una casette. Esas canciones se convirtieron casi dos años después en uno de los discos de mayor éxito de la temporada. El padre de Alex Ubago llevó la cassette a un amigo suyo que era mánager de otros grupos donostiarras, como La Oreja de Van Gogh y Duncan Dhu. El mánager queda tan impresionado por la voz y la fuerza de las canciones del joven compositor que remite la grabación a un amigo (Alfonso Pérez), quien también queda prendado por la voz de Alex. A partir de ese momento, Alex Ubago ficha por la discográfica DRO.

Unos meses después, Alex entra en contacto con el productor Jesús N. Gómez, quien le ayuda a seleccionar las canciones que compondrán su primer álbum. Este trabajo les requiere varios meses de trabajo debido a la cantidad de canciones compuestas por Alex.

Por fin, en septiembre del 2001 se publica su primer disco, titulado '¿Qué pides tú?'. En el disco podemos encontrar baladas como "Sabes", ritmos más bailables, pasando por medios tiempos como el primer single "Qué Pides Tú" o el tema grabado a dúo con Amaia Montero de La Oreja de Van Gogh.

Tras dos años desde la publicación de "¿Qué pides tú?", vuelve Alex Ubago a sorprendernos con su nuevo disco "Fantasía o realidad" con canciones donde se mezclan excelentes baladas como "Otro día más", o temas más rápidos como "Salida".

Fuente: Todomusica Amália Rodrigues

Amália Rodrigues. (Lisboa, 1920) Cantante portuguesa. A lo largo de su carrera, iniciada en 1939, estuvo considerada la mejor intérprete mundial de fados, hasta que se retiró en el año 1990. También ha participado en varias películas.

Fuente: Biografias y Vidas Ana Belén

Ana Belén. (María Pilar Cuesta, Madrid, 1950) Actriz y cantante española. Debutó en el cine con Zampo y yo (L. Lucía, 1965). Ha alternado la interpretación con la música. Destacan sus trabajos con M. Gutiérrez Aragón (Demonios en el jardín, 1982), M. Camus (La colmena, 1982; La casa de Bernarda Alba, 1987) y J.L. García Sánchez (Divinas palabras, 1987; El vuelo de la paloma, 1989). En 1990 dirigió su primera película (Cómo ser mujer y no morir en el intento). Sus grabaciones más representativas son Para la ternura siempre hay tiempo (1986) y Como una novia (1991). En los años noventa interpretó La pasión turca (1994), El amor perjudica seriamente la salud (1996), Mírame (1997). En 1998 colaboró en el doble álbum Lorquiana. Ana Torroja

Ana Torroja. Ana Torroja ponía su espléndida voz. Mecano se convirtió en el grupo más importante durante la década que va de 1982 a 1992.

Tras la separación de Mecano en 1993, Ana Torroja se traslada a vivir en Nueva York durante dos años, en los que tomó clases de baile. Tras ese tiempo de relax, Ana siente nuevamente el deseo de cantar y publicar un disco, con un estilo nuevo y diferente del de Mecano. Pero los hermanos Cano estaban ocupados en sus propios proyectos en solitario, así que se decidió a buscar un productor que se atreviera a darle su oportunidad en solitario.

Tras dos años de trabajo en Londres, Ana Torroja publica en 1997 'Puntos Cardinales', su primer álbum en solitario. Ese mismo año, los tres miembros de Mecano deciden regresar a los estudios para grabar un nuevo disco. El disco ve la luz en 1998, con el título de 'Ana José Nacho'. El disco resulta un fracaso, ya que José María Cano decide abandonar el grupo, dejándolo todo abandonado sin ni siquiera realizar la gira promocional.

Volviendo a Ana Torroja, en el 2000 publica un nuevo álbum, titulado 'Pasajes de un sueño', con un sonido más latino que el anterior y dando más importancia a la acústica. En ese mismo año se publica el disco 'Girados', un doble disco grabado junto a Miguel Bosé, de la gira conjunta que ámbos realizaron, donde se recogen los temas más importantes de los dos cantantes y algunos de los temas más conocidos de Mecano.

Fuente: Todomusica André Rieu

André Rieu

André Rieu (Maastricht, 1 de octubre de 1949) es un violinista, director de orquesta ycompositor n eerlandés. Inició su carrera musical siendo niño y perteneció a diversas orquestas hasta que en1987 fundó la suya propia, con el nombre neerlandés de "Johann Strauss Orkest" y a partir del año siguiente Rieu en Amsterdam (2009) empezó su fulgurante carrera de éxitos por Datos generales todo el mundo, comenzando por su propia patria, y Nombre real André Léon Marie Nicolas convirtiéndose en una Rieu de las grandes estrellas de la música al nivel de Nacimiento 1 de los más prestigiosos octubre de 1949 (64 años) artistas de pop o de rock, al tiempo que Origen Maastricht, Países Bajos ganó multitud de adeptos y aficionados a Ocupación Violinista, director, compositor su música. Con su característico Información artística estilo de difundir la música clásica, que otrora parecía Género(s) Música clásica reservada a las clases de élite o acomodadas, Instrumento(s) Violín

Período de 1978-presente actividad André Rieu decidió ponerla al servicio de un público joven y en aquellos lugares que dichos jóvenes suelen frecuentar, bien sean de ocio o culturales, tales como plazas públicas y estadios deportivos. Y lo consiguió con gran éxito, pues ganó diversos premios como el Top 10 o el Top 100, este último ostentando un número uno. En sus propias palabras: "Pero no sólo mi corazón de músico está en Maastricht. También como persona, como esposo, como padre me siento aquí en casa. Estoy casado con una persona que ya conocéis “Marjorie Rieu, Mestreechs Meitske” (una chica de Maastricht) y mis dos hijos han nacido aquí. Tenemos una vida de lo más normal, a pesar de la agitación que a veces conlleva la vida de artistas. Cuando paseo por la ciudad, me saludan con un “ha jong, hoofste neet te wèrreke vandaog?” (¡eh, chico! ¿es que no trabajas hoy?) ¡Me encanta! Ni me piden autógrafos, ni fotos, ¡así es la gente de Maastricht! Pero hay algo que sí hacen, y me siento a veces muy cohibido. Me lanzan aquel piropo que sólo la gente de Maastricht sabe decir así: 'Sjiek jong, totste eine vaan us bis!' (¡Fantástico, chico, que seas uno de nosotros!). Entonces me saltan las lágrimas y me siento superorgulloso." El violín que utiliza en la actualidad es un Stradivarius, construido en 1667 por este famoso laudero.1 Annie Lennox

Annie Lennox promocionando su campaña SING, a favor de la lucha contra el sida.

Datos generales

Nombre Ann Lennox real

Nacimient 25 de diciembre de 1954(58 años) o

Origen Aberdeen (Escocia, Reino Unido)

Ocupación Cantautora, activista, embajadora de buena voluntad

Información artística

Tipo contralto de voz

Otros Annie Lennox nombres

Género(s) Pop, Rock, Soul y Blues

Instrumen Voz, teclado, piano, guitarra,acordeón, ar to(s) mónica y salterio

Período de 1974 - presente actividad

Artistas Eurythmics relacionad os

Ann Lennox, OBE (n. Aberdeen, Escocia; 25 de diciembre de 1954), más conocida como Annie Lennox, es una cantautora y activista británica de renombre internacional. Inició su carrera en la década de 1970 en The Tourists, junto con su colega David A. Stewart y otros miembros. Años más tarde se alió con Stewart para formar Eurythmics, uno de los dúos musicales más reconocidos durante los década de 1980.1 Lennox inició su carrera en solitario en 1992 con su álbum debut Diva, del cual salieron los sencillos de éxito: «Why», «Little Bird» y «Walking on Broken Glass», entre otros. Ha lanzado cinco álbumes de estudio y un único álbum recopilatorio: The Annie Lennox Collection, en 2009. Ha recibido ocho premios BRIT, siendo la artista femenina con más galardones. En 2004 ganó el Globo de Oro y el Óscar en lacategoría de mejor canción original por «Into the West», escrita especialmente para la banda sonora de la película El Señor de los Anillos: el retorno del Rey.2 Adicional a su carrera como cantante, Lennox es una activista política y social. Ha emprendido campañas arraigadas en obras de caridad para el África y de conciencia del VIH. También estuvo en contra del uso de la canción «I Saved the World Today» -grabada por Eurythmics en 1999- en la campaña electoral de la ministra de asuntos exteriores israelí, Tzipi Livni, en 2009. Conocida por ser un ícono pop, por su profundo registro vocal de contralto y por sus extravagantes presentaciones en vivo, Lennox fue considerada como «La mejor cantante viva de soul blanco» por VH1 y fue incluida en la lista de «Los 100 vocalistas más grandes de todos los tiempos» por la revista Rolling Stone. También ha sido considerada como «la cantante británica de mayor éxito» en la historia musical de aquel país por su éxito comercial a nivel mundial desde principios de 1980. Tras vender más de ochenta millones de discos en todo el mundo -incluido su trabajo con Eurythmics- fue considerada como una de las artistas más exitosas de todos los tiempos.3 Sale a la venta el 1 de octubre de 2007 editado por Sony BMG, incluye el himno feminista 'Sing', nacido del compromiso de Lennox con la fundación Nelson Mandela46664 y con la Treatment Action Campaign (TAC), organizaciones que luchan a favor de los derechos humanos, la educación y la salud de los afectados por el virus VIH. 'Sing', uno de los temas ha reunido a 23 cantantes femeninas de todo el mundo, quienes hacen coros a la "diva" con la intención de reclamar la atención sobre la labor de estas organizaciones y recaudar fondos para las iniciativas del TAC. Entre estas artistas, además de Madonna, Céline Dion, Anastacia y Shakira, está el grupo vocal del TAC conocido como The Generics, cuyo álbum inspiró a Annie Lennox para componer esta canción. Para este trabajo Lennox abandona a su habitual colaborador Steve Lipson para trabajar en Los Ángeles con el productor Glenn Ballard, conocido por sus grabaciones con Anastacia, Christina Aguilera, Shakira, Alanis Morissette o Aretha Franklin.

De la inquietud de 'Sing' en favor de los más necesitados, Annie Lennox ve la necesidad de tomar acción y crea Sing campaign, que plantea hacer conciencia ante la problemática del VIH Sida, recaudando fondos y previniendo la propagación de la enfermedad en niños y mujeres. Antonio Aguilar

Nombre José Pascual Antonio Aguilar Márquez real Barraza

Nacimiento Villanueva, Zacatecas, México 17 de mayo de 1919

Fallecimient Ciudad de México, México. o 19 de junio de 2007 (88 años)

Nacionalida Mexicano d

Apodo(s) El Charro de México

Ocupación Cantante Actor Productor

Años activo/ 1950-1994 a

Familia Cónyuge Flor Silvestre 1959-2007

Antonio Aguilar

Datos generales

Nombre real José Pascual Antonio Aguilar Márquez Barraza

Información artística

Instrumento(s) voz

Discográfica(s) Discos Musart

Pascual Antonio Aguilar Barraza1 (n. 17 de mayo de 1919-f.19 de junio de 2007)2 fue un actor, cantante, productor, guionista y charro mexicano. Su discografía sobrepasa los 100 álbumes con ventas de más de 25 millones de copias.3 Al despuntar la década de los cincuenta debutó como actor en el cine, al tiempo que se inició como cantante, faceta de su carrera que se extiende hasta los primeros años de la década de 2000. Es considerado una leyenda de la música popular mexicana. Actuó en 167 películas y recorrió el mundo en diversas giras junto a su esposa Flor Silvestre y sus hijos Antonio Aguilar Jr. y Pepe Aguilar. Es reconocido como la persona que dio un gran impulso al deporte y talento mexicano de la charrería a nivel nacional como internacional, y es por esto que lo apodan «El Charro de México».4 5 6 Pascual Antonio Aguilar Barraza nació el 17 de mayo de 1919 en la ciudad deVillanueva, Zacatecas. En su infancia vivió en una hacienda de Tayahua, adquirida por sus ancestros a principios del siglo XIX. La hacienda, conocida como La Casa Grande de Tayahua, fue construida en 1596. Su madre, Ángela Barraza, cantaba en una iglesia en Villanueva, y es ella a quien atribuye Antonio su vocación por el canto. Su padre fue Jesús Aguilar. Mariano, un tío de Antonio, intentó pagarle la carrera de aviación enNueva York pero éste le retiró su apoyo al enterarse que cambió su carrera por una beca para cantantes en La Gran Manzana (Nueva York). Fue a Hollywood para estudiar canto de 1940 a 1941 y cuando empezó a trabajar en Tijuana ganaba a la semana 12 dólares. Regresó a la Ciudad de México en 1945 y, desde entonces siguió estudiando canto, de tal manera que podía interpretar lo mismo canciones del género popular que operístico. Al principio empezó cantando boleros pero después se cambió al traje de charro cuando en Puerto Rico le sugirieron que cantara la música del campo. Recibió del Bachiller Álvaro Gálvez la oportunidad de cantar en la XEW en julio de 1950, y a partir de ahí empezó a despuntar como estrella. En los inicios de la televisión hizo para el Canal 2 el programa Música a Bordo.7 Incursionó en el cine, en pequeños papeles: en 1952 obtuvo su primera parte importante, en El casto Susano; en 1953 fue contratado como actor exclusivo de Filmex: “Diez películas lleva hechas Antonio Aguilar, entre ellas dos coestelares: Un rincón cerca del cielo (1952) y Ahora soy rico (1952); las demás estelares”.8 En 1956 recibió su primera oportunidad estelar, en Tierra de hombres, de Ismael Rodríguez. En su trayectoria destacaron sus múltiples comedias rancheras y su reiterada caracterización de personajes populares e históricos, como Heraclio Bernal,Pánfilo Natera, Benjamín Argumedo, Emiliano Zapata, Felipe Carrillo Puerto, Gabino Barrera, Lucio Vázquez y Elíseo Jarquin Sánchez. Igualmente, resaltó su interés por dar la oportunidad a realizadores y temas poco convencionales o alejados de la vena puramente comercial. Desde mediados de los años sesenta fue argumentista y guionista, y produjo un número importante de cintas, entre ellas varias de las que fue protagonista. De enorme fama como cantante, tanto en México como en muchos sitios del continente americano, también realizó múltiples presentaciones de su espectáculo ecuestre, acompañado de su esposa, Flor Silvestre, y de sus vástagos, quienes ya incursionaron en el cine al lado de su padre. Como actor se cuentan títulos como Ahora soy rico (1952), La cama de piedra (1957), La cucaracha (1958), Ahí vienen los Argumedo (1961), Los hermanos del Hierro (1961), El Alazán y el Rosillo (1964), Peregrina / El asesinato de Carrillo Puerto (1973), Albur de amor (1979) y Astucia (1985). Dentro de la veintena de filmes que produjo se encuentran El ojo de vidrio (1967), Volver, volver, volver (1975), Benjamín Argumedo / El rebelde (1978), Los triunfadores (1978), Los gemelos alborotados (1981), Noche de carnaval (1981), El tonto que hacía milagros (1982),Lamberto Quintero (1987), Triste recuerdo (1990) y La güera Chabela (1992). En el año de 1992 grabó a dueto el corrido Bandido de amores con Joan Sebastian que resultó todo un éxito,en la contraportada del disco Bandido de amores del mismo año el guerrerense hizo un agradecimiento especial al Charro de México. Hasta la fecha, Antonio Aguilar ha sido el único hispano en llenar el Madison Square Garden de Nueva York en seis noches consecutivas.9 Cuenta con su estrella en Paseo de la Fama de Hollywood, más precisamente en el número 7060 de Hollywood Blvd.10 Los padres de Antonio, Jesús Aguilar, mexicano de Tayahua, Zacatecas y Ángela Barraza, nacida en Colombia, tuvieron otros seis hijos: José Roque, Salvador, Guadalupe, Luis Tomás, Mariano y Josefina. Antonio se casó con la también actriz y cantante Flor Silvestre. Su hijo menor, José "Pepe" Aguilar, es también cantante y múltiple ganador de Grammy Latino. El hermano mayor de Pepe, Antonio Jr., también es destacado cantante y excelente jinete. Josefina Aguilar, la hermana de Antonio, es madre de la cantanteGuadalupe Pineda. El 5 de junio de 2007, Antonio Aguilar fue internado en Médica Sur, un hospital al sur de la Ciudad de México, debido a una infección pulmonar y su situación se hacía cada vez más grave. Jaime Arriaga, el médico del artista, aseguró "Lo que sucede es que cuando llegó venía sumamente grave, en estado de shock y en muy malas condiciones generales, por lo que desde un principio se le inició tratamiento muy intenso y se le intubó para que pudiera respirar y saliera adelante”.11 Después de 15 días de hospitalización, la madrugada del 19 de junio de 2007, a las 11:45 p.m., hora de México, el "Charro de México" dejó de existir como consecuencia de complicaciones de una neumonía, la cual fue controlada, pero que le llevó a un cuadro de agotamiento agudo y que afectó su funcionamiento renal y pulmonar. También fue homenajeado en el Palacio de Bellas Artes, sitio en el que han sido homenajeados sólo los más grandes artistas de México.12 Tras expresar su profundo agradecimiento por la solidaridad y apoyo, Pepe Aguilar, a través de un comunicado por su casa disquera EMI Music, informó que "se oficiará una misa de cuerpo presente en la Basílica de Guadalupe, donde estará toda su familia".13 La ceremonia religiosa fue oficiada por el Cardenal Norberto Rivera a las 15:00 horas y a ella asistieron los seguidores de "El Charro de México".13 Más de 8.000 personas se dieron cita para la misa en la Basílica de Guadalupe a pesar de que había una lluvia muy fuerte. El presidente de México Felipe Calderón junto a su esposa estuvo entre los asistentes.14 Después de la misa los restos del cantante fueron trasladados a la ciudad capital de Zacatecas, donde fueron velados. De acuerdo a un comunicado, este acto estuvo abierto al público "para que den el último adiós al actor, quien deja un legado de más de 150 películas".13 En la misa estuvieron presentes artistas como Vicente Fernández junto con su esposa, Pedro Fernández y José Guadalupe Esparza, vocalista del grupo Bronco. Al término de la ceremonia religiosa, de alrededor de hora y media, el cortejo fúnebre se dirigió al rancho del cantante, El Soyate, que se ubica a unos 5 km del pueblo de Tayahua, municipio deVillanueva. Antes del Soyate, el cortejo fúnebre pasó por Villanueva, sitio que lo vio nacer y donde las campanas de la iglesia local redoblaron durante todo su paso. Luego, el cortejo siguió al pueblo Tayahua, donde Don Antonio vivió su infancia y adolescencia, y donde se realizó una brevísima ceremonia religiosa, para finalmente dirigirse al El Soyate, donde fue sepultado esa tarde (jueves 21 de junio). Antonio Machín.

Antonio Machín. (1903-77) Cantante popular cubano, n. en Sagua la Grande y m. en Madrid. Comenzó a cantar en La Habana y, luego de una gira artística realizada en 1930 por Estados Unidos, en 1939 llegó a España y se estableció definitivamente. De voz delicada y melodiosa, a partir de 1947 en que hizo famoso su bolero Angelitos negros, dio a conocer unos cuantos títulos de canciones ligeras de gran éxito popular, como El manisero, Dos gardenias, Madrecita, etc.

Fuente: Biografias y Vidas Aretha Franklin

En el Nokia Theater de Dallas. 21 de abril del 2007.

Datos generales

Nombre Aretha Louis Franklin real

Nacimient 25 de marzo de 1942 (71 años) o Estados Unidos, Memphis (Tennessee)

Origen estadounidense Información artística

Tipo Soprano de voz dramática,Mezzosoprano, Contralto, Tenor, Barítono ligero.

Otros Lady Soul / Queen of Soul nombres

Género(s) Soul / R&B / Gospel / Quiet Storm

Instrument Voz / Piano o(s)

Período de 1956 - actualidad actividad

Discográfi Cheker, Columbia, Atlantic, Arista, ca(s) Aretha Records

Artistas The Sweet Inspirations,Carolyn relacionad Franklin, Erma Franklin, Ray os Charles, Cissy Houston, King Curtis, Luther Vandross, Whitney Houston,Clarence LeVaughn Franklin,Barbara Franklin, Christina Aguilera.

Aretha Franklin es una cantante de soul, R&B y gospel. Nació el 25 de marzo de1942 en Memphis (Tennessee). Apodada como «Lady Soul» o «Queen of soul» («La Dama del Soul» o «La Reina del Soul»), es para algunos una de las artistas más influyentes en la música contemporánea, en el puesto número uno de Los 100 cantantes más grandes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.1 A mediados de la década de 1960 se consolidó como estrella femenina del soul, algo que usó en favor de los derechos raciales en Estados Unidos, siendo un elemento influyente dentro del movimiento racial y de la liberación femenina. En 1987, Franklin se convierte en la primera mujer en entrar en el Rock and Roll Hall of Fame.2 Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee), y creció en Detroit. Es hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y la cantante de gospel Barbara Franklin. Su madre abandonó a su familia cuando Aretha era una niña, y poco tiempo después, murió. Su padre vio pronto el talento de Aretha, por lo que quiso que tomara clases de piano, pero ella lo rechazó y prefirió aprender por sí sola con la ayuda de grabaciones. En este tiempo, permanecía en un tour itinerante de gospel, donde uno de los primeros temas que interpretó fue «Precious Lord». Los genios del gospelClara Ward, James Cleveland y Mahalia Jackson eran íntimos de su familia, por lo que Aretha creció rodeada de ellos. Con quince años tuvo a su primer hijo, y dos años después tuvo el segundo. Las raíces gospel de Franklin son una de las huellas más personales e influyentes en su carrera. Con sus hermanas Carolyn Franklin y Erma Franklin (ambas mantuvieron también carreras en solitario) cantaba en la Iglesia Bautista de Detroit (First Baptiste Church), que estaba regentada por su padre, C.L. Franklin, un predicador baptista, apodado "La voz del millón de dólares" y uno de los principales confidentes del líderMartin Luther King. Aretha pasó toda su infancia dentro de este ambiente gospel y rodeada de voces del jazz como Dinah Washington y Ella Fitzgerald. Con tan solo 14 años hizo su primera grabación para el sello JVB/Battle Records, luego reeditado porChecker, The gospel soul of Aretha Franklin, en el que se podían oír composiciones gospel con un potente sonido soul, lleno de melodías a piano, instrumento que dominaba desde su infancia. En 1960, viajó hasta Nueva York para tomar clases de técnica vocal y danza. En este tiempo, empezó a grabar demos para enviar a las discográficas. Tras un tiempo en el que Aretha comenzó a ser considerada una joven prodigio, se comentaba que Motown estaba interesada en ficharla, pero finalmente firmó con el selloColumbia Records, bajo la dirección de John Hammond. Aretha entró en Columbia como una artista soul, pero con el tiempo, la compañía comenzó a adentrarla en su catálogo de jazz, como se demuestra en Unforgettable: a tribute to Dinah Washington (1964), en el que rinde homenaje a una de sus grandes ídolos. Aretha no estaba de acuerdo con esta guía, ya que se sentía como una artista soul y no como una dama del jazz, aunque en esa época se pudo comprobar la versatilidad musical que poseía y en donde se pueden encontrar muchas de sus más bellas melodías como por ejemplo "Sweet bitter love", «Skylark», «Try a little Tenderness» y muchas otras. Esto fue lo que motivo la salida por decisión propia de Aretha en 1964. En esta época, consiguió éxitos menores entre los que destacan «Operation heartbreak», «Rock-a-bye Your Baby With a Dixie Melody», «Lee Cross» y «Soulville». Tras su marcha de Columbia, editó Songs of faith (1964) con la discográfica en que debutó y donde continuaba ese sentimiento gospel. Un año más tarde, salió Once in a lifetime, bajo el sello Harmony. Cuando Aretha abandonó Columbia para fichar por la compañía discográfica Atlantic Records, el productor Jerry Wexler se propuso sacarle todo el soul que llevaba dentro. El primer single que grabó para Atlantic Records fue «I never loved a man the way I love you», para lo que contaron con el acompañamiento de la Muscle Shoals Rhythm Section, en Alabama. Este tema ha sido avalado por muchos críticos como una de las grandes canciones del soul, y la revista Rolling Stone escribió: «Franklin ha grabado su versión de la maravilla soul, un lamento sobre qué-mal-me-has-tratado, con la Muscle Shoals Rhythm Section, unos chicos blancos de Alabama». El single irrumpió en todas las radios, pero aún lo harían con mucha más fuerza «Respect» -versión de la canción que Otis Redding había grabado en 1965- con el cual Aretha se consagraba definitivamente. La canción se grabó en los estudios de Atlantic, en Nueva York, el 14 de febrero de 1967. A la versión original de Redding se le añadió un puente y un solo de saxo, de la mano de King Curtis; también se le añadieron los cambios de acordes del tema "When something is wrong with my baby", de Sam & Dave. El 10 de marzo de 1967 se editaba el álbum I never loved a man the way I love you, que contenía los dos singles anteriores, además de temas como la versión de la canción de Ray Charles "Drown in my own tears" o las canciones de Sam Cooke "Good times" y "A change is gonna come". Pero Aretha también contribuyó a este álbum como compositora, con los temas "Don't Let Me Lose This Dream", "Baby, Baby, Baby", "Save Me" y "Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business)". Ese mismo año, consiguió dos premiosGrammy, siendo la segunda mujer en hacerlo. También en 1967 (4 de agosto), editó el disco Aretha arrives, del que se pueden destacar los temas "Satisfaction" y "Baby, I love you". Este segundo álbum en Atlantic alcanzó el número uno, pero no fue tan popular como su predecesor. En 1968 lanzó Lady soul, con el que volvería a conocer el éxito masivo. El disco contenía éxitos de la música soul como "Chain of fools", "A natural woman" o "Ain't no way". También había colaboraciones de Eric Clapton en el tema "Good to me as I am to you", temas de Ray Charles "Come back baby", James Brown "Money won't change you" y el clásico de Curtis Mayfield "People get ready". En el álbum, colaboraban en los coros de The Sweet Inspirations, compuesto por Doris Troy, Dionne Warwick, su hermana Dee Dee Warwick y la prima de ambas Cissy Houston (madre de Whitney Houston). Seis meses después, se lanzó Aretha now, que continuaba una cadena de éxitos con "Think" y el popular tema de Burt Bacharach "I say a little prayer", y que con anterioridad había interpretadoDionne Warwick. En 1969, el álbum Soul'69 cerraba la década con el éxito de los singles "River's invitation" y "Bring it on home to me". A finales de la década de los 60 y principios de los 70, Aretha empezó a hacer versiones de temas rock, pop y soul que ya habían sido grandes éxitos; entre ellos, temas de The Beatles como "Let it be" o "Eleanor Rigby", de Simon & Garfunkel, como su versión tan famosa como la original de "Bridge over troubled water"; o artistas soul como Sam Cooke o The Drifters. A principios de los 70, el éxito de Aretha continuaba sin decaer, siendo ya una artista totalmente consagrada dentro del panorama musical internacional. En 1970 editó dos álbumes. El primero fue This Girl's in Love With You, un álbum cargado de versiones: "Share Your Love With Me", deBobby Blue Band, el ya múltiplemente versionado "Son of A Preacher Man", los éxitos de The Beatles "Let it be" y "Eleanor Rigby", el tema interpretado por Rotary Connection o The Staple Singers "The weight", "Dark end of the street", de James Carr. Pero en este álbum uno de los mayores hits fue "Call me", escrito por la propia Aretha. El título del álbum era un remake del tema de Burt Bacharach"This Guy's in Love With You". Ese mismo año, (1970) editó también Spirit in the dark, en el que vuelve a hacer versiones de B.B. King,Jimmy Reed y Dr. John. En este álbum contó con una instrumentación de lujo por parte de The Muscle Shoals, The Dixie Flyers y el guitarrista Duane Allman. Los dos singles extraídos del álbum fueron "Don't play that song" y el tema escrito por Aretha que daba nombre al álbum. En 1971 salió al mercado la grabación de una actuación en vivo: Aretha Live at Fillmore West, donde cantaba sus grandes éxitos, a la vez que las versiones de Stephen Stills "Love the One You're With" y de Bread "Make It With You". En este álbum aparecen el saxofonista King Curtis, y una versión de "Spirit in the dark" junto a Ray Charles. Hasta este momento, Aretha seguía haciendo su soul sesentero, con tan solo algunas variaciones como la inclusión de versiones de temas rock; pero, en 1971, con "Young, gifted and black", su sonido empezó a adecuarse a los 70, con un sonido que precedía a la música disco y la inclusión de nuevos ritmos, además de una nueva imagen. Tres de los mayores éxitos de este álbum están escritos por Aretha: "Day dreaming", "Rock steady" y "All the king's horses". Incluyó de nuevo versiones, como "The long and winding road" de The Beatles y "I've been loving you too long" de Otis Redding. En 1972, llegó el primer álbum totalmente gospel de su carrera, grabado en directo junto a The Southern California Community Choir y James Cleveland. De este disco son famosas su versiones gospel de "You've got a friend", "Wholy Holy" de Marvin Gaye, "How I got Over" de Clara Ward o la tradicional "Precious memories". Un año después, en 1973, llegó Hey Now Hey (The Other Side of the Sky), el último álbum de Aretha antes de sucumbir casi totalmente a la música disco. Aparte de hits como "Angel" (compuesta por Carolyn Franklin), "Somewhere" (del compositor y pianistaLeonard Bernstein) o "Master of Eyes (The Deepness of Your Eyes)" (escrita por Aretha y Bernice Hart), uno de los mayores impactos que produjo el álbum fue por su original y extraña portada. "Let Me in Your Life", de 1974, mostraba una nueva imagen de Aretha, con una portada en la que ya aparecía como una "diva", envuelta en un abrigo de piel. Seguía sonando a soul, pero su inclusión en la música disco era cada vez mayor. De este álbum salieron dos hits: "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)", interpretada anteriormente por Stevie Wonder, y "I'm in love", escrita por Bobby Womack y convertida en éxito en 1968 por Wilson Pickett. Ese mismo año editó With Everything I Feel in Me, con el que, de cierta forma, empezó el declive de la artista, saliendo airosos tan solo dos modestos temas: "Without love" y la canción escrita por Aretha que da título al disco. Con "You", en 1975, llegó la caída momentánea; era un álbum en el que el esplendor vocal continuaba, pero la producción y composición no tenían nada que ver con lo anteriormente hecho, y de ahí que sólo se escuchara por muy poco tiempo el primer single, "It Only Happens (When I Look At You)". Pero, tras un año de trabajo, Aretha se cruzó en el camino de Curtis Mayfield, y junto a él creó la banda sonora de la película "Sparkle", con lo que la cantante recuperaba en cierta forma su estatus musical. El single "Sparkle" fue un genial hit; "Giving Him Something He Can Feel" se convertía en un himno; y "Jump to it" rompía en las pistas de baile. Parte del éxito del disco fue por las letras creadas por Mayfield, además de por una buena producción y los coros de Kitty Haywood Singers. En el año 1977, lanzó dos álbumes que tuvieron un modesto éxito, siendo bastante fugaces: Satisfaction y Sweet passion (de este último destaca el single "Break It to Me Gently"). En esta época de escasos éxitos para la cantante, en 1978 se juntó de nuevo conCurtis Mayfield, quien escribió "I needed baby" dentro del álbum "Almighty Fire". Aretha cerró la década con un álbum que llevaba por nombre aquello que en cierta manera le había hecho caer ,La diva (1979), en el cual se incluían temas escritos por la propia Aretha como "Ladies Only", "Only star", "I was made for you" o "Honey I need your love", de los que ninguno consiguió éxito. Este declive musical se debía sobre todo a la producción de sus álbumes, a la mala promoción y al poco empeño por parte de Atlantic en la carrera de Aretha; por lo que, en 1979, decidió abandonar la compañía para firmar con Arista y el productor Clive Davis. El 25 de octubre de 1980 comienza una nueva etapa para Aretha Franklin; ese día, se lanza su primer álbum en Arista, Aretha. El álbum fue producido por Clive Davis y Chuck Jackson, y la promoción fue muy amplia, ya que ella era la primera artista importante que esta discográfica llevaba. Hay versiones, al igual que hizo años antes, pero esta vez con un sonido bastante más pop, y totalmente acorde con los 80; entre estas versiones, están "What a Fool Believes", de The Doobie Brothers y "I Can't Turn You Loose" Otis Redding. El mayor hit extraído del disco fue el tema "United together". En 1981, llegó Love All the Hurt Away, que se abría paso en el mercado con el single que da título al disco, un dueto entre Aretha yGeorge Benson. Con este álbum, Aretha volvía a los primeros puestos del panorama musical con un nuevo sonido que mezclaba el soul, rock, urban y quiet storm. Del álbum entraron en las listas de ventas dos temas más, aparte del primer single: "It's my turn" y "Hold on! I'm comin'!", gracias al cual consiguió un Grammy. Pero en 1982, con el disco "Jump to it", llegó de nuevo el gran éxito. Con el tema "Jump to it" consiguió su primer número uno en más de media década. "Love me right" fue otro de los temas que salieron del álbum, consiguiendo también una buena aceptación. En este disco habían trabajado en la composición Luther Vandross, The Isley Brothers, Smokey Robinson y la propia Aretha; además, todos ellos bajo la producción de Clive Davis, lo que hizo que este fuera el mayor éxito de Aretha tras mucho tiempo en la sombra. Debido al éxito del álbum anterior en "Get it right" (1983) Luther Vandross creó la mayoría del material para el disco. "Every girl" y "Get it right", ambos temas escritos por Vandross gozaron de gran audiencia, al igual que, en menor medida, la versión del tema de The Temptations "I Wish It Would Rain". En 1984, la discográfica Chess, con la que Aretha había empezado a trabajar en el gospel, editó un álbum grabado junto a su padre, Clarence LeVaughn Franklin, en vivo durante una sesión gospel. Llevaba por título "Never Grow Old". En 1985, Aretha vino con un álbum mucho más pop, Who's Zoomin' Who?. Puesto que la carrera de Luther Vandross por este tiempo tomaba sus propias riendas como solista, el trabajo de composición que realizó en los dos últimos álbumes, en este lo hacía Narada Michael Walden. Este álbum fue hasta el momento el más laureado de Aretha en la compañía. Contiene algunos de los hits más fuertes de la década, como el reivindicativo "Sisters are doin' it for themselves" junto a Eurythmics. Otros tres singles tuvieron gran impacto en el público: "Freeway of love", "Another night" y "Who's zommin' who?". Por el tema "Freeway of love consiguió ganar dos Grammy. En 1986 se editó otro álbum titulado Aretha, pero ésta vez con un ambiente mucho más rockero, visible además en su aspecto. Cosechó dos grandes hits con este disco: la canción "Jumpin' Jack Flash" producida por Keith Richards y perteneciente a la banda sonora del mismo nombre; y el dúo junto a George Michael "I Knew You Were Waiting (For Me)". Otros temas con bastante menos repercusión fueron "Jimmy Lee" y el dúo junto a Larry Graham "If You Need My Love Tonight". Quince años después de la grabación de "Amazing grace", en 1987 lanzó "One Lord, One Faith, One Baptism", el segundo álbum íntegramente gospel de su carrera. En él colaboran Erma Franklin, Carolyn Franklin, Mavis Staples, C.L. Franklin, Joe Ligon, Jesse Jackson y Jasper Williams. Tras dos años de descanso, en 1989 editó Through the storm, un álbum en el que se incluían duetos con grandes estrellas del momento: "Through the storm" con Elton John, "It isn't, it wasn't, it ain't never gonna be" con Whitney Houston, "Gimme your love" junto a James Brown y "If ever a love there was" en compañía de The Four Tops y Kenny G. El trabajo y la presencia en los escenarios de Aretha ya empezaba a ser menos constante, y sus álbumes no eran tan frecuentes como antes. En 1991 lanzó "What you see is what you sweat", del que salieron tres singles con alguna repercusión: "Everyday people", "Someone else's eyes" y "Every changing times" con Michael McDonald. En el álbum se incluye también la versión de "I dreamed a dream" que cantaría ante Bill Clinton. Contenía también un tema junto a Luther Vandross "Doctor's orders". Tras este álbum Aretha tardaría más de siete años en editar un álbum con temas nuevos, pero su paseo por los escenarios nunca cesó. Desde la edición de su anterior álbum, Aretha tardó mucho en ir de nuevo al estudio a grabar, pero en ese tiempo tuvo una intensa actividad sobre los escenarios estadounidenses. En 1993 y en 1997 cantó en las ceremonias de apertura del gobierno de Bill Clinton; y en 1995 recibiría un Grammy por toda su carrera. También en esa época grabó un dueto con Frank Sinatra, "What Now My Love". En 1998 demostró que era una de las estrellas de la música de nuestro siglo en el espectáculo de VH1, Divas Live, donde actuó con algunas de las artistas que habían roto las listas de ventas en la última década como Mariah Carey, Céline Dion o Shania Twain. "The Queen of Soul", con tan sólo dos actuaciones se convirtió en la estrella de la gala, rindiendo al público a sus pies. A finales de los '90, Aretha se había trasladado de forma definitiva a Detroit, y hablaba de comenzar a formar una discográfica propia. Uno de los principales motivos de esto era el promover las carreras musicales de sus hijos; Kecalf Cunningham, Eddy Richards y Teddy Richards. En 1998 lanzó A rose is still a rose, producido por P. Diddy y Lauryn Hill; siendo el primer álbum de Aretha dentro del R&B contemporáneo y el neo soul, con tendencias hip-hop. En 2003 volvió con "So damn happy", colaborando con Mary J. Blige y con un sonido totalmente neo soul que en cierta forma volvía a sus raíces. Desde entonces está embarcada en el tour "The Queen Is On", que la lleva por todo Estados Unidos con gran éxito. En 2007 estaba previsto el lanzamiento de A woman falling out of love, el primer álbum editado en Aretha Records, y en el que colaborarían artistas gospel como Shirley Caesar o The Clark Sisters, Fantasia Barrino y la estrella del country-pop Faith Hill; pero aún se está a la espera de confirmación de una nueva fecha para el lanzamiento. En noviembre de 2007 lanza "Jewels in the Crown of the Queen", un álbum de duetos, que incluye dos temas nuevos conFantasia Barrino y John Legend, y en el cual aparecen colaboraciones anteriores con artistas como Whitney Houston, George Michael, George Benson, Luther Vandross o Mary J. Blige. Al mismo tiempo comienza a realizar castings para encontrar cantantes para encarnar su vida en un musical autobiográfico, rumoreándose que algunas de las posibles podrían ser Jennifer Hudson o Fantasia Barrino. En 2008 ha sido elegida como personaje Musicales del año en el 50 Aniversario de los Premios Grammy, en los cuales ha conseguido su vigésimo galardón gracias al dueto con Mary J. Blige, "You never gonna change my faith". También durante 2008 ha grabado el tema promocional de una empresa privada titulado "Stand up yourself", el cual al mismo tiempo sirve como adelanto para el álbum que prepara. El martes 20 de enero de 2009 se presentó en el acto de asunción al mando del presidente de los EE.UU., Barack Obama, para cantar el tema "My Country This of Thee". Está divorciada dos veces, y es madre de cuatro hijos. Dos de ellos, Kecalf y Teddy, son personajes activos dentro del mundo de la música. Teddy es el director artístico y de la banda de músicos de Aretha en sus giras, además de tocar la guitarra eléctrica. Desde 1962 hasta 1969 estuvo casada con Teddy White. En 1978 se casó con el actor Glynn Turman, del que se divorciaría en 1984.[cita requerida] Aretha Franklin fue operada a principios de diciembre de 2010, de una enfermedad de la cual no quiso ofrecer más detalles.3 Armando Manzanero

Datos generales

Nombre real Armando Manzanero Canché

Nacimiento 7 de diciembre de 1935(78 años)

Origen Mérida, Yucatán, México

Ocupación compositor cantante productor actor

Información artística

Instrumento(s) piano, acordeón

Período de 1950 - presente actividad

Discográfica(s) RCA Víctor

Artistas Luis Miguel relacionados José José Manoella Torres Pedro Vargas Lucho Gatica Javier Caumont Alejandro Fernández Susana Zabaleta Dulce Myriam Montemayor.

Armando Manzanero Canché (Ticul, Yucatán, 7 de diciembre de 1935), cantautor,músico, compositor y productor musical mexicano. Ha escrito más de 400 canciones, de las cuales más de 50 han alcanzado fama internacional, como "Somos novios" y "Esta tarde vi llover". Ha participado en numerosos programas de radio y televisión, ha grabado más de 30 discos y musicalizado numerosas películas. Fue bautizado por sus padres con el nombre de Armando Manzanero Canché. A los 8 años inició estudios de música en la escuela de Bellas Artes de su ciudad natal, completando su formación musical en la Ciudad de México. En 1950 compone su primera melodía titulada Nunca en el mundo y al año siguiente inicia su actividad profesional como pianista y seis años más tarde comienza a trabajar como director musical de la casa filial mexicana de la compañía discográfica [[Columbia Broadcasting System|CBS Internacional En 1962 obtiene el quinto lugar en el festival de la Canción en México. En 1965 gana el primer lugar del Festival de la Canción en Miami con el tema "Cuando estoy contigo". En 1966 Carlos Lico pone en primeras posiciones de radio su canción No; En 1967, animado por un ejecutivo de la filial mexicana del sello RCA Víctor, graba su primer disco, titulado Mi primera grabación, con canciones propias donde destaca el romanticismo que lo caracterizarán más adelante. En 1970, el cantautor estadounidense Sid Wayne quien componía canciones paraElvis Presley versionó su canción "Somos novios" en idioma inglés, titulándola "It’s impossible". Sin embargo, el compositor estadounidense denunció a Manzanero por plagio; Manzanero perdió la demanda y tuvo que entregar todo lo que había ganado en regalías de esa canción. Posteriormente, el cantante estadounidense Perry Comograbó esa canción, que fue nominada para un premio Grammy. En 1978 obtiene el primer lugar del Festival de Mallorca en España con el tema "Señor amor". En 1982, la canción "Corazón amigo" se lleva los honores en elFestival Yamaha. En su incursión como productor, se destaca la realizada en el álbum Romance de Luis Miguel, editado en 1991, en el que incluyen canciones de su autoría como «Te extraño» y «No sé tú».1 En 1993 la revista Billboard le otorgó el Premio a la Excelencia por su trayectoria artística. En septiembre de 2010, tras la muerte de Roberto Cantoral, asumió la presidencia del comité directivo de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM).2 En 2011, el legendario cantante norteamericano Tony Bennett grabó con el español Alejandro Sanz una versión bilingüe de "Esta tarde vi llover" (titulada en inglés "Yesterday I Heard The Rain") para su álbum superventas Duets II. En 2012, colabora a en el disco "Orígenes: El bolero", de los españoles "Café Quijano". Concretamente, canta mano a mano con ellos en la canción "Quiero que mi boca se desnude", que cierra el nuevo trabajo de los leoneses. En 2013, participa en la grabación de la segunda parte del disco Gracias a Vosotros de la legendaria cantante española María Dolores Pradera "La Gran Señora de la Canción", interpretando a dúo "Esta tarde vi llover".3 Atahualpa Yupanqui

Atahualpa Yupanqui a Cosquín.

Dades biogràfiques i tècniques

Naixement 31 de gener del 1908

Lloc d'origen Pergamino, Argentina

Defunció 23 de maig del 1992 Nimes, França

Gènere(s) Cantautor, Folk

Ocupació Cantant, Compositor, Escriptor

Anys en actiu 1935–1992 Atahualpa Yupanqui, pseudònim d'Hèctor Roberto Chavero (Pergamino, 1908 -Nimes, 1992) va ser un cantautor, guitarrista, antropòleg i escriptor argentí. Quan era jove va viatjar per les zones rurals del nord-oest d'Argentina i de l'altiplà andíestudiant els costums dels pobles indígenes d'Amèrica. Va recollir importants dades etnogràfiques i, indignat amb la pobresa que veia, va passar a formar part del Partit Comunista d'Argentina. El seu nom artístic el va adoptar en honor de dos reis inquesllegendaris. Se'l considera el músic argentí més important de folklore. Les seves composicions han estat cantades per reconeguts intèrprets, com Mercedes Sosa, Los Chalchaleros, Horacio Guarany, Jorge Cafrune, Alfredo Zitarrosa, José Larralde,Víctor Jara, Ángel Parra i Marie Laforêt, entre molts d'altres, i segueixen formant part del repertori d'innombrables artistes, a Argentina i en diferents parts del món. De les 325 cançons que consten oficialment registrades, [1] les més rellevants són:La alabanza, La añera, El arriero, Basta ya, Cachilo dormido, Camino del indio,Coplas del payador perseguido, Los ejes de mi carreta, Los hermanos, Indiecito dormido, Le tengo rabia al silencio, Luna tucumana, Milonga del solitario, Piedra y camino, El poeta, Las preguntitas, Sin caballo y en Montiel, Tú que puedes, vuélvete,Viene clareando i Zamba del grillo, entre moltes altres. Backstreet Boys.

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Backstreet Boys. La historia de Backstreet Boys comienza en Orlando, Estados Unidos, en 1993, cuando unos estudiantes de secundaria llamados A.J. McLean y Howie Dorough coinciden con Nick Carter en audiciones locales para música y televisión. Los tres, unidos por su pasión por la música y el baile, deciden crear un grupo. Invitan también a participar con ellso a Kevin Richardson y Brian Lattrell. Con la formación ya completa, los Backstreet Boys comenzaron a tocar por la ciudad de Orlando.

Backstreet Boys tenían un repertorio de canciones pegadizas y poseían una gran habilidad para el baile. Ello supuso que un millonario llamado Lou Pearlman se fijara en ellos y quisiera aprovechar el filón para hacer negocio. Pearlman creó una empresa llamada TransCon, que se hizo cargo de las tareas de promoción del grupo.

Los Backstreet Boys, gracias a las tareas de promoción de Lou Pearlman, consiguieron firmar un contrato con la discográfica Jive. Corría el año 1995 y los Backstreet Boys comenzaron a darse a conocer, curiosamente, fuera de Estados Unidos, en Europa. Allí, los Backstreet llegaron a conseguir varios discos de oro con temas como "We've Got It Goin' On" y "I'll Never Break Your Heart". En 1996 Backstreet Boys publica su primer álbum, que les supone conquistar los mercados de Europa y Asia, cautivando los corazones de millones de quinceañeras. El título del disco sería, como no, "Backstreet Boys".

Para llegar a triunfar en Estados Unidos, los Backstreet Boys se encierran en un estudio con varios productores. El resultado fue un trabajo repleto con los principales temas del grupo que ya habían triunfado por Europa.

Muy pronto los Backstreet Boys se convirtieron en un referente para una generación de adolescentes en Estados Unidos. Para ello, los expertos en marketing que trabajaban con el grupo les otorgaron diversos roles a los miembros de la banda: Nick , el simpático, A.J. el loco, Brain el dulce, Howie el honesto y Kevin el guaperas. De esta manera todos los fans tenían un miembro de la banda con el que identificarse.

En 1996 Backstreet Boys deciden romper el contrato que les unía con Lou Pearlman, acusándole de quedarse con parte de las ganancias que les correspondía a los miembros de la banda y poco después Brian fue sometido a una delicado operación de corazón, para resolver un problema genético que padecía.

Pero en 1999 Backstreet Boys regresan con un nuevo trabajo, titulado "Millennium", su segundo álbum en Estados Unidos. El sonido del disco en de una grandísima calidad y mantenía todo el estilo Backstreet. Com "Millennium" los Backstrret Boys alcanzan el número uno en las listas de éxitos de innumerables países, tanto de América, como de Europa y Asia, llegando a vender más de 10 millones de copias en todo el mundo.

En el año 2000 la banda de Orlando publica "Black & Blue", un trabajo más maduro que los anteriores. Este trabajo fue seguido por un recopilatorio de grandes éxitos, titulado "The Hits: Chapter One". Fuente: Todomusica Bad Manners

Datos generales

Origen Londres, Inglaterra

Estado En activo

Información artística

Género(s) ska, Two tone Skinhead Reggae Período de 1976 –Actualidad actividad

Miembros

Buster Bloodvessel - Voz Simon Cuell - Guitarra Lee Thompson - Bajo Richie Downs - Teclados Matt Goodwin - Saxofón Matt Bane - Batería Colin Graham - Trompeta Russel Wynn - Percusión

Bad Manners es un grupo inglés de Ska, de la denominada "Two Tone". Grupo formado hacia 1978 y en el cual cabe destacar el protagonismo del vocalista y líder del grupo, Douglas Trendle, más conocido como Buster Bloodvessel, que es unskinhead y auténtico showman en directo. Junto a él, encontramos a Louis Cook a la guitarra, a Brian Tuitt a la batería, Alan Sayag a la armónica, Paul Hyman como trompeta, Andrew Marson como saxo alto, Chris Kane como saxo tenor, Dave Farren al bajo y Martin Stewart a los teclados. Esta será la formación de 1980, con la cual sacarán al mercado su primer single "Ne-Ne Na-Na Na-Na Nu-Nu / Holidays" y poco después su primer Lp, "Ska'n'B", título que anticipa que tipo de música es la por la que están influidos, el ska y el rythm 'n' blues. Ese mismo año, en noviembre sacarán a la venta su segundo disco, "Looney Tunes". A partir de este momento, las giras por toda Europa son continuas. En 1981 grabarán su tercer álbum, "Gosh It's", último disco de Bad Manners englobado en el período Two Tone. A partir de este momento, Bad Manners seguirá editando material durante toda la década de los ochenta: "Forging Ahead" (1982), "The Height of Bad Manners" (1983), "Mental Notes" (1985), "Shake a Leg" (1987), "Eat The Beat" (1988), "Return of The Ugly (1989) y ya en los años noventa, "Fat Sound" (1992) y "Don't Knock The Balhead" (1997). Actualmente (2006) Bad Manners siguen dando conciertos, aunque de la formación inicial solo sobrevive Fatty "Buster" Bloodvessel.

Barbara Streisand.

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Barbara Streisand. (Barbara Joan Streisand, Nueva York, 1942) Cantante, actriz y directora de cine estadounidense. Inició su carrera en el cabaret y en la revista musical, y triunfó en Broadway con Funny girl (1964), comedia musical con la que debutó en el cine bajo la dirección de W. Wyler (1968). Entre sus interpretaciones cabe mencionar Hello Dolly (G. Kelly, 1969), ¿Qué me pasa, doctor? (P. Bogdanovich, 1971), Tal como éramos (S. Pollack, 1972), Ha nacido una estrella (F. Pierson, 1976), Toda la noche (J.C. Tramont, 1981) y Loca (M. Ritt, 1987). Ha dirigido, producido e interpretado dos películas: Yentl (1983) y El príncipe de las mareas (1992). Posteriormente produjo para la televisión Rescuers- Storys of Courage-Two Women (1997) y The Long Island Incident (1998), y para el cine el documental City at Peace (1998), de S. Koch.

Fuente: Biografias y Vidas Benny Goodman

Dades biogràfiques i tècniques

Nom de Benjamin David Goodman naixem ent

Altres Benny Goodman noms

Naixem 30 de maig de 1909 ent

Lloc Chicago d'orige n

Defunci 13 de juny de 1986 (als 77 anys) ó

Gènere( Swing, Big band s)

Ocupac Músic, Compositor ió

Instrum Clarinet ents

Anys en 1926-1986 actiu

Discogr Bluebird, Brunswick, Columbia,Capitol, Decc àfiques a, Melotone,Musicmasters, Vocalion

Lloc BennyGoodman.com web oficial

Instruments destacats

Clarinet

Benjamin David Goodman (Chicago, 30 de maig de 1909 - Nova York, 13 de junyde 1986), Benny Goodman, fou un clarinetista i director de jazz estatunidenc. Conegut com El rei del swing, és, juntament amb Glenn Miller i Count Basie, el màxim representant d'aquest estil de jazz. Director d'una de les big band més populars de la seva època, desenvolupà sobretot la varietat més suau del gènere, la de les sweet bands, i fou l'iniciador de la coneguda era del swing. Una de les seves cançons més famoses és, per exemple, "Sing, sing, sing (with a swing)", emprada en moltes bandes sonores, obres de teatre i musicals, a més d'ésser una de les cançons destacades entre les millors pels Grammy. Goodman, novè de dotze germans i fill d'emigrants jueus procedents de Polònia, va néixer en Chicago, on vivien al barri Maxwell Street. El seu pare, David Goodman, era sastre procedent de Varsòvia, la seva mare Daura Rezinski, era de Kaunas. Els seus pares es van conèixer en Baltimore, Maryland i es van traslladar a Chicago abans que naixés Benny. [1] Va començar a tocar el clarinet a l'edat de deu anys en lasinagoga, després del que es va unir a una banda local. Va fer el seu debut professional als dotze anys i va abandonar l'escola als catorze per fer-se músic professional. Als 16 anys, a l'agost de 1925, es va unir a la banda de Ben Pollack, amb la qual va fer els seus primers enregistraments al desembre de 1926. Els seus primers enregistraments sota el seu propi nom les va realitzar al gener de 1928. Als 20 anys, al setembre de 1929, va abandonar a Pollack per dirigir-se a Nova York on va treballar com a músic independent, treballant en sessions d'enregistrament, espectacles radiofònics i en les orquestres dels musicals de Broadway. Va fer també enregistraments sota el seu propi nom amb orquestres llogades, aconseguint grans èxits amb "He's Not Worth Your Tears" (cantada per Scrappy Lambert) en Melotone Records al gener de 1931. Va signar amb Columbia Records en l'hivern de 1934 i va aconseguir el top tingues al començament de 1934 amb "Ain't Cha Glad?" (cantada per Jack Teagarden), "Riffin' the Scotch" (cantada per Billie Holiday) i "Ol' Pappy" (cantada per Mildred Bailey), i a la primavera amb "I Ain't Lazy, I'm Just Dreamin'" (cantada per Jack Teagarden). Benny Moré

Datos generales

Nombre real Bartolomé Maximiliano Moré Gutiérrez

Nacimiento 24 de agosto de 1919

Origen Cuba, Santa Isabel de las Lajas

Muerte 19 de febrero de 1963, (43 años)

Ocupación Cantante y compositor

Información artística

Otros nombres El Bárbaro del Ritmo El Sonero Mayor

Instrumento(s) Voz, Guitarra

Período de 1940 - 1963 actividad

Discográfica(s) Orfeón, RCA Victor

Artistas Trío Matamoros, La Banda relacionados Gigante,Pacho Alonso, Fernando Álvarez,Mariano Mercerón

Bartolomé Maximiliano Moré Gutiérrez (Santa Isabel de las Lajas, 24 de agosto de 1919 - La Habana, 19 de febrero de 1963), conocido como Beny Moré o El Bárbaro del Ritmo o El Sonero Mayor de Cuba, fue un cantante ycompositor cubano. Además de un innato sentido musical, estaba dotado con una fluida voz detenor que coloreaba y fraseaba con gran expresividad. Moré fue un maestro en todos los géneros de la música cubana, pero destacó particularmente en el son montuno, el mambo, y el bolero. ació en el barrio de Pueblo Nuevo de la ciudad de Santa Isabel de las Lajas, en la entonces provincia de Las Villas, hoy en la Provincia de Cienfuegos, en el centro de Cuba. Era el mayor de 18 hermanos de una familia afrocubana humilde y campesina. Se dice que su tatarabuelo materno, Gundo, era descendiente del rey de una tribu del Congo que fue capturado a los nueve años por traficantes de esclavos y vendido al propietario de una plantación cubana, llamado Ramón Paredes. Gundo pasó a llamarse entonces Ta Ramón Gundo Paredes. Al pasar a ser propiedad del conde Moré, dueño del central La Santísima Trinidad, se le cambió el nombre a Ta Ramón Gundo Moré. Posteriormente fue emancipado y murió como liberto a la edad de 94 años. El apellido del tatarabuelo materno se conservó por ser todos las ascendientes maternas de Moré —su bisabuela, Julia; su abuela, Patricia, y su madre, Virginia—, así como el propio músico, fruto de uniones ilegítimas, la mayoría de ellas con blancos, que no reconocieron a sus hijos. El padre de Beny Moré fue un tal Silvestre Gutiérrez. Bartolomé aprendió a tocar la guitarra en su infancia. Según el testimonio de su madre, Virginia Moré, se fabricó su primer instrumento, a la edad de seis años, con una tabla y un carrete de hilo. Abandonó la escuela a edad muy temprana para dedicarse a las labores del campo. A los 16 años, en 1935, formó parte de su primer conjunto musical. En 1936, cuando contaba con 17 años, dejó su ciudad natal y se trasladó a La Habana, donde se ganaba la vida vendiendo "averías", es decir, frutas y verduras estropeadas, así como hierbas medicinales. Seis meses más tarde regresó a Las Lajas, donde trabajó cortando caña con su hermano Teodoro. Con el dinero obtenido y los ahorros de su hermano, compró su primera guitarra decente. En 1940 regresó a La Habana. Vivía precariamente, tocando en bares y cafés y pasando después el sombrero. Su primer éxito fue ganar un concurso en la radio. En los primeros 40, la emisora de radio CMQ tenía un programa llamado Corte Suprema del Arte, cuyos ganadores eran contratados y se les daba la posibilidad de grabar y cantar sus canciones. Los perdedores eran interrumpidos, con el sonido de una campana, sin dejarles terminar su actuación. En su primera aparición, la campana sonó apenas Benny había empezado a cantar. Sin embargo, volvió a competir más tarde y obtuvo el primer premio. Entonces consiguió su primer trabajo estable con el Conjunto "Cauto", liderado por Mozo Borgellá. Cantó también con éxito en la emisora CMZ con el Sexteto "Fígaro" de Lázaro Cordero. En 1944 debutó en la emisora 1010 con el Cuarteto "Cuato". Siro Rodríguez, del famoso Trío Matamoros, oyó cantar a Benny Moré en el bar El Templete y quedó gratamente impresionado. Poco después, a causa de una indisposición de Miguel Matamoros poco antes de una actuación, Borgellá envió a Beny para sustituirlo. Tras esta incorporación poco menos que casual, Beny permanecería ligado durante años a los Matamoros, con los que realizó numerosas grabaciones. Reemplazó como cantante principal a Miguel Matamoros, quien se dedicó en exclusiva a dirigir el conjunto. En junio de 1945 viajó con el Conjunto Matamoros a México, donde actuó en dos de los más famosos cabarets de la época, elMontparnasse y el Río Rosa. Realizó varias grabaciones. Aunque el Conjunto Matamoros regresó a La Habana, Moré permaneció en México. Según parece, allí adquirió su nombre artístico, a sugerencia de Rafael Cueto. En 1946 Beny Moré se casó con la enfermera mexicana Juana Bocanegra Durán y su padrino de boda fue el afamado cantante mexicano Miguel Aceves Mejía. Durante un tiempo actuó en el Río Rosa formando parte del Dueto Fantasma, con Lalo Montané. También en esta época grabó para la compañía discográfica RCA Victor los temas "Me voy pal pueblo" y Desdichado, junto a la orquesta de Mariano Mercerón. Con Dámaso Pérez Prado grabó "babarabatiri, anabacoa, locas por el mambo ,viejo cañengo ,el suave,maria cristina,pachito eche entre otros temas. Empezó a conocérsele como El Príncipe del Mambo. Con Pérez Prado grabó también "Dolor carabalí", que el propio Beny Moré consideraba su mejor grabación con el rey del mambo, y no quiso nunca volver a grabar. A finales de 1950 regresó a Cuba. Aunque era una estrella en varios países latinoamericanos, como México, Panamá, Colombia, Brasily Puerto Rico, apenas era conocido en su patria. La canción Bonito y sabroso fue su primera grabación en Cuba y su primer éxito. Alternó actuaciones en vivo para la emisora Cadena Oriental con viajes a La Habana para grabar en los estudios de la RCA. Entre 1950 y 1951 grabó muchas otras canciones, como La cholanguengue, Candelina Alé, Rabo y oreja, entre otras. En La Habana trabajó también para la emisora RHC Cadena Azul, con la orquesta de Bebo Valdés, quien le inició en un nuevo estilo llamado batanga. El presentador del programa, Ibrahim Urbino, le dio el sobrenombre de El Bárbaro del Ritmo (la razón parece ser que Benny interpretaba para esta emisora un número titulado "¡Ah, Bárbara!"). Tuvo la oportunidad de grabar con Sonora Matancera, pero declinó la oferta por no estar especialmente interesado en su estilo musical ("porque a él esa Sonora, nunca le había sonado", segúnLeonardo Acosta). Cuando pasó la moda del batanga, Moré fue contratado por Radio Progreso para actuar con la orquesta de Ernesto Duarte Brito, con cuya orquesta grabó el célebre bolero "Cómo fue". Además de en la radio, actuó en salas de baile, cabarets y fiestas. En 1952 grabó con la Orquesta Aragón, de Cienfuegos, a la que ayudó a introducirse en el mundo musical habanero. La primera actuación de la Banda Gigante de Beny Moré tuvo lugar en el programa Cascabeles Candado de la emisora CMQ. La banda estaba compuesta por más de 40 músicos y sólo era comparable en tamaño con la big band de Xavier Cugat. Cabe destacar, que la Banda Gigante, aunque grande, contaba con una organización melódica única en su tipo, además de que contaban con el talento de saber improvisar al momento que su director Benny Moré lo decidía. Entre 1954 y 1955 la Banda Gigante se hizo inmensamente popular. Entre 1956 y 1957 hizo una gira por Venezuela, Jamaica, Haití,Colombia, Panamá, México y Estados Unidos, donde actuó en la ceremonia de entrega de los Oscar. En La Habana actuaron en las más célebres salas de baile, como La Tropical y La Sierra. Al triunfar la Revolución Cubana, Benny Moré, a diferencia de otros músicos e intelectuales cubanos, optó por permanecer en la isla. En 1960 empezó a actuar también en el cabaret Night and Day. Se le ofreció una gira por Europa, que Moré rechazó por miedo a volar (nada extraño si se tiene en cuenta que anteriormente se había visto envuelto en tres accidentes aéreos). Murió en Cuba un 19 de febrero de 1963 de cirrosis hepática. Beny Moré aparece como personaje dentro de la novela La isla de los amores infinitos (Grijalbo 2006), de la escritora cubana Daína Chaviano, quien además concluye su novela con un capítulo titulado "Hoy como ayer", una de las mejores interpretaciones de quien fue llamado El Sonero Mayor de Cuba, aunque también era conocido como El Bárbaro del Ritmo. También en 2006 salió la película El Beny que es una ficción sobre la vida de Moré. La música es de Los Van Van, Chucho Valdés y el grupo Orishas, entre otros. Bert Kaempfert

Naixement Berthold Kämpfert 16 d'octubre de 1923 Barmbek-Nord,[1] Hamburg

Defunció 21 de juny de 1980 (als 56 anys) Cala Blava-Llucmajor, Mallorca

Causa de la Accident vascular cerebral mort

Sepultura Cendres dispersats al Parc Nacional dels Everglades

Nacionalitat Alemanya Ocupació compositor i director de orquestra

Conegut per Strangers in the night Spanish Eyes

Bert Kaempfert (Barmbek-Nord (Hamburg, Alemanya), 16 d'octubre de 1923 - Cala Blava-Llucmajor, Mallorca, Illes Balears, 21 de juny de 1980) fou un compositor idirector d'orquestra alemany. Va ser un pioner del jazz easy listening i va obtenir un renom mundial amb cançons com Strangers in the Night i Spanish Eyes. Va compondre 400 melodies i escriure més de 750 arranjaments orquestrals i a l'any de la seva mort el 1980 ja havia venut més de 150 milions de discs[2] tot arreu al món.[3] Va néixer a Hamburg i va estudiar a l'Escola de Música de la ciutat. Tocà molts instruments: piano, clarinet,saxòfon i acordió. La revista Die Zeit va parlar d'ell com «el so de la República Federal d’Alemanya».[4] Va començar com a director d'orquestra durant la Segona Guerra Mundial al servei de Hans Busch. Després de la guerra, va crear la seva pròpia orquestra. A més va fer arranjaments per a Freddy Quinn i Ivo Robic. Jimi Hendrix va incloure la melodia Strangers in the night al seu solo de guitarra improvisat a la seva versió de Wild Thing el 1967 al Monterey Pop Festival. Kaempfert va arreglar la cançó La,la,la de Manuel de la Calva i Ramón Arcusa, que va guanyar per a l'Estat Espanyol el Festival de la Cançó d'Eurovisió el 1968 aLondres. A la cerimonia d'adéu al Cementiri d'Ohlsdorf, Freddy Quinn va dir: «Les sevesmelodies van fer el nom d'aquest home talentós i amic meu, serà inoblidable per dècades a venir. No només era un compositor magnífic, era un home magnífic, sempremodest, sempre amable. Un home per a qui la seva família i la música sempre van tenir una prioritat absoluta.»[5] El 15 d'octubre del 2008 [6] , el consell del districte d'Hamburg-Nord va nomenar l'esplanadanova creada davant del Museu del Treball entre l'Osterbek i el carrer Wiesendamm «Plaça Bert Kaempfert».[7] Ich möchte Musik machen, die nicht stört. « Sempre volia fer música que no incomoda.[8] »

— Bert Kaempfert

 Strangers in the Night (amb lletra de Charles Singleton i Eddie Snyder), una cançó escrita per Ivo Robic per a la pel·lícula A man could get killed el 1966 i convertit en número u per Frank Sinatra el 1966.  Wooden Heart cantat per Elvis Presley a la pel·lícula GI Blues el 1961.[9]  Va ser el productor de My Bonnie i les altres cançons que els Beatles van gravar durant el seu estiueig a Hamburg el 1961- 62.[10] BOB DILAN

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Bob Dylan. (Robert Alan Zimmerman; Duluth, EEUU, 1941) Cantante y compositor estadounidense de folk y rock. Su admiración por el poeta Dylan Thomas le llevó a adoptar el apellido artístico por el que se ha hecho popular. En la década de 1960 creó un estilo propio a partir de la recuperación de la música folk, a la cual añadió unas letras cargadas de simbolismo y reivindicaciones, que le convirtieron en un líder para la juventud contestataria de su país. Canciones como Blowin’ in the Wind, Maters of war o Talkin’ World War III blues revolucionaron el pop mundial y abrieron nuevos caminos tanto para cantautores como para bandas de rock. En 1965 recurrió a los instrumentos eléctricos e inició una serie de bruscos virajes, tanto estilísticos como espirituales, que le valieron numerosas críticas de los seguidores más puristas del folk. Tras un largo período de silencio discográfico, volvió a llamar la atención con un trabajo recopilatorio grabado en directo y sin instrumentos eléctricos, Unplugged (1995).

Fuente: Biografias y Vidas BOB JOVI

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Bon Jovi. Jon Francis Bongiovi, más conocido como Jon Bon Jovi, nace en 1962 en Perth Amboy, New Jersey. Su madre, una antigua miss, intenta adentrarle en el mundo de la música, pero el tema no le atrae hasta varios años después, tras asistir a algunos conciertos.

Comienza a tocar en una banda de rythm 'n' blues, 'Atlantic City Expressway', conocida en el ambiente musical de New Jersey. Aquí conoce a Dave Bryan, con quien colaborará después en proyectos de mayor calado.

Unos años después, Jon entró en el grupo 'The Rest', pero problemas con el jefe del grupo hacen que lo deje al poco tiempo.

Entonces decide irse a Nueva York, a trabajar a unos conocidos estudios de grabación. Aquí tiene la posibilidad de ver grabar a los más grandes artistas del momento y aprender de ellos. Consigue grabar una maqueta con un tema, 'Runaway', que tiempo después sería un gran éxito.

Junto a Dave Bryan crea un grupo, 'Wild Ones', que resultó ser un fracaso en sus actuaciones en directo y que no fue capaz de conseguir el patrocinio de ninguna discográfica.

Gracias al éxito de 'Runaway', Polygram se fijó en Jon y le hizo un gran contrato, dándole libertad absoluta para contratar a los músicos que deseara para un nuevo grupo. Entonces se puso en contacto con David Bryan y contrataron a Alen John Such, Tico Torres, como batería, y Richie Sambora como guitarrista.

El primer disco, 'Bon Jovi', salió en 1984, y el primer single fue precisamente 'Runaway', su primer éxito. Consiguieron un notable resultado en ventas, a pesar de ser un grupo de rock duro, menos acostumbrados a vender.

El segundo disco, '7800º Fahrenheit' tuvo un resultado más discreto y hubo que esperar al tercer álbum, 'Slippery When Wet', para ver el triunfo definitivo del grupo. Con este trabajo consiguieron llegar al número uno de las listas de éxitos y propició una gira de más de un año por todo el mundo.

En 1988 publican 'New Jersey', una repetición de la fórmula empleada en el disco anterior y que les sirvió para repetir con un rotundo éxito.

En 1990 sale a la luz 'Blaze Of Glory', la banda sonora de la película 'Arma Joven', con la que Jon optó al Oscar de Hollywood y con el que ganó el premio al mejor single de los premios Award.

En 1991, tras cambiar de mánager, publican 'Keep The Faith', un nuevo éxito para el grupo, llegando nuevamente a ser número uno y quizás el mejor del grupo. El ritmo se endureció un poco y las letras maduraron.

Después de ello, han publicado un disco recopilatorio, 'Crossroad', y un disco de estudio, 'These Days'. Sus últimos trabajos hasta la fecha han sido 'Destination Anywhere' y 'Crush'.

En 2002 publican un nuevo álbum, titulado 'Bounce'. 12 nuevas composiciones, tanto baladas como temas rockeros, hacen uso de la narrativa y música de éxitos anteriores del grupo. Grabado en el Estado natal del grupo, Nueva Jersey, el altamente esperado "Bounce" muestra a Jon Bon Jovi y a Richie Sambora como productores junto a Luke Ebbin, el cual produjo "Crush", disco que fue doble platino en USA y que vendió más de 8 millones de copias en todo el mundo.

Fuente: Todomusica BOB MARLEY

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Bob Marley. (Nesta Robert Marley; St. Anns, Jamaica, 1945 - Miami, Estados Unidos, 1981) Cantante jamaicano, principal figura y difusor de la música reggae, una mezcla de ritmos folclóricos jamaicanos, rock, rhythm and blues y soul.

En 1960, con sólo quince años, Bob Marley formó un grupo vocal, entre cuyos miembros estaba también Peter Tosh, otro de los importantes del género. En 1962, Jimmy Cliff (otra futura gran estrella) presentó Bob Marley a un productor y grabaron su primer disco: Judge Not.

Con el nombre de The Wailing Wailers grabaron más de una veintena de singles de éxito a nivel nacional, entre 1963 y 1967. En 1967 Bob Marley renegó del cristianismo para abrazar la religión rastafari, un movimiento político religioso caribeño que debe su nombre a Ras Tafari, es decir, el emperador Hailé Selassié de Etiopía, y que proclama que los habitantes de las Indias Occidentales proceden de Etiopía y allí volverán.

Ese mismo año la banda se disolvió, y ya constituidos como los futuros Wailers, rodaron de aquí para allá, de sello independiente en sello independiente y escribiendo canciones para otros, hasta que en 1972 firmaron un buen contrato con Island records y editaron Catch A Fire.

Ése sería el primer L.P. reggae de grupo como tal, un trabajo que recibió grandes elogios por parte de la crítica, al que le siguió una larga gira por el Reino Unido y América. Burnin´ se editó en 1973, incluyendo el que más tarde sería un gran éxito de Eric Clapton, I Shoot The Sheriff. Las ediciones de álbumes se sucedieron con éxito creciente, convirtiendo a Bob Marley en una de las personas más apreciadas en su país. Pese a sus constantes viajes, Bob Marley nunca olvidó su preocupación por las diferencias sociales de la población de la isla, hasta el punto de ser herido por un disparo en 1976, atentado de claro origen político. En un esfuerzo por colaborar en la eliminación de la violencia existente entre las distintas facciones, Bob Marley organizó conciertos de reconciliación con un éxito que aun agrandó más su imagen pública, no ya sólo como músico, sino como líder social.

En 1972 retomó su carrera de músico, aunque no fue hasta 1977 cuando editó un nuevo disco de larga duración: Exodus -que contó con dos singles de éxito en Gran Bretaña-, al que le siguieron Kaya y su segundo álbum en directo, Babylon By Bus.

En 1978, un tour mundial le acerca a África, referencia de inspiración para su siguiente L.P.: Survival. Constantes giras de conciertos le mantenían activo, pero en septiembre de 1980 desfalleció en el escenario, y poco después le diagnosticaron cáncer. Acababa de editar Uprising, y a pesar de someterse a tratamiento, falleció en 1981. Fue enterrado en Jamaica con honores de Jefe de Estado y se puede decir que ha pasado a ser uno de los mitos de la música del siglo XX.

Fuente: Biografias y Vidas Bob Sinclar

Datos generales

Nombre real Christophe Le Friant

Nacimiento 10 de mayo de 1969 (44 años)

Origen Francia

Información artística

Otros nombres Bob Sinclar, Bob From Paris, Chris The French Kiss, Desmond K

Género(s) House, Electro house, Dance,French house, Reggae fusion,Hip house

Período de 1986 – presente actividad Discográfica(s) Yellow Productions

Artistas Africanism All Stars, The relacionados Mighty Bop, Martin Solveig, Michael Calfan, Ron Carroll, Steve Edwards, Reminiscence Quartet

Bob Sinclar, erróneamente reconocido como Sinclair, (10 de mayo de 1969) también conocido como The Mighty Bop, Africanism, Chris the French kiss oReminiscence Quartet, es un músico francés del llamado French touch, subgéneromusical nacido de la música house y el dancehall. De nombre real Christophe Le Friant aparte de DJ, mezclador y productor discográfico es co-propietario (junto a DJ Yellow) del sello discográfico «Yellow Productions». Ha logrado alcanzar la popularidad a nivel mundial, con sus temas Love Generationy World, Hold On de su álbum Western Dream del año 2006. Los temas son cantados por Gary Nesta Pine en «Love Generation» y Steve Edwards en «World Hold On». Sinclar comenzó su carrera como DJ cuando tenía 18 años de edad, con el nombre de Chris The French Kiss. Su primer éxito fue "Gym Tonic", que fue coproducido porThomas Bangalter de Daft Punk, y cuyo coro fue sacado de un video de ejercicios deJane Fonda. Pero no fue hasta 2005 cuando alcanzó su mayor éxito con su tema "Love Generation", que llegó a los primeros puestos de las listas de popularidad de todo el mundo, además de ser una de las canciones oficiales de la Copa Mundial de Fútbol 2006. Sus siguientes sencillos, World, Hold On y Rock this Party (Everybody Dance Now) también llegaron al top 10 de muchos países. Además, creó el proyecto Africanism, donde varios artistas (David Guetta, Tim Deluxe, Joachim Garraud, Denis Ferrer, Martin Solveig, entre otros.) produjeron música house con una combinación de sonidos latinos, techno, tribales y de jazz. Finalmente el 7 de mayo de 2009 Bob Sinclar edita Lala Song con The Sugarhill Gang y vuelve a producir música house con nuevo material discográfico con el álbumBorn in 69. En 2011, realizó junto a la diva italiana Raffaella Carrà una nueva versión de su clásico de los años 70 "A far l'amore comincia tu", renombrado como: "Far l'amore (Making Love)" de gran éxito a nivel comercial.1 Fue incluido en su álbum Disco Crash, lanzado en 2012, del que se despreden sencillos como "Rock the Boat" y "F*** With You". Boney M.

Información artística

Género(s) Pop, Disco, Dance-pop, Hi- NRG, Eurodance

Período de actividad 1975 - 1985 1986 - 2010

Discográfica(s) Sony BMG

Artistas Eruption relacionados

Miembros

Marcia Barrett Bobby Farrell Maizie Williams Liz Mitchell la década de los 70. Fue creado por el productor alemán Frank Farian en 1975, que por entonces trabajaba para la discográfica alemana Hansa, una compañía que en la década siguiente lanzaría a Modern Talking. Boney M estaba compuesto por cuatro artistas de las Antillas que trabajaban enLondres, Alemania y Holanda: las cantantes Marcia Barrett (Santa Catalina, Jamaica,14 de octubre de 1948), y Liz Mitchell (Clarendon, Jamaica, 12 de julio de 1952), la modelo Maizie Williams (Montserrat, Antillas Británicas, 25 de marzo de 1951) y el ex DJ Bobby Farrell (Aruba, Antillas Holandesas, 6 de octubre de 1949 – San Petersburgo, 30 de diciembre de 2010). El origen del grupo está en un experimento que realizó Frank Farian lanzando la canción Baby Do You Wanna Bump? con músicos arreglistas y cantantes de estudio de imagen desconocida. El experimento alcanzó tal éxito en Holanda que Farian decidió sacarlo a la luz en forma de grupo, con el nombre de Boney M (Boney era el nombre del personaje de una serie de televisión de Australia). Aunque el grupo tuvo cambios en sus miembros, Maizie Williams siempre estuvo desde el principio. Claudia Barry, una de las primeras integrantes, no satisfecha con ser simplemente cantante de estudio, lo abandonó de forma inesperada en febrero de 1976, días antes de que el grupo apareciera en un programa de televisión enSarrebruck. Marcia Barret recomendó a Liz Mitchell, que entonces estaba en paro y había sido miembro de Les Humphries Singers, para que reemplazara a Claudia en el programa. Farian quedó impresionado con su actuación y entró a formar parte del grupo y de la grabación de su primer LP, Take The Heat Off Me. Otras canciones que Farian había grabado previamente con Marcia Barrett, la otra vocalista, fueron Lovin' Or Leavin' y Daddy Cool, que también entraron a formar parte de aquel primer LP. La respuesta comercial al álbum fue tibia. Sin embargo, el grupo actuó por clubs y ferias del país para promocionarse y ganar reputación. La gran oportunidad vino al final de ese verano cuando el productor musical de TV Michael “Mike” Leckebusch, de Bremen, solicitó una actuación para su programa Musikladen. Boney M apareció en directo el 18 de septiembre de 1976 a las 10 de la noche con su propio espectáculo. Al final de la semana siguiente Daddy Cool fue nº 1 enAlemania. A partir de entonces todo vino rodado. A pesar de que Bobby Farrell aparecía como el vocalista masculino del grupo, Farian reveló después que era él quien cantaba en el estudio y que Farrell no hizo ninguna contribución vocal en las grabaciones. Liz Mitchell aseguró que solo ella, Marcia Barrett y Frank Farian habían cantado en sus éxitos. El 30 de diciembre del 2010 Bobby Farrell de 61 años fue encontrado muerto debido a un ataque al corazón, en una habitación de hotel en San Petersburgo, ciudad en la que se encontraba de gira. Su cuerpo fue repatriado a Holanda el 3 de enero de 2011, sus funerales se realizaron el 8 de enero y por primera vez en más de 20 años, Liz Mitchell, Maizie Williams y Marcia Barret se juntaron para despedir a Bobby Farrell. Rivers Of Babylon, originalmente del grupo jamaicano The Melodians y con letras parcialmente basadas en el salmo 137, se convirtió en el segundo mayor éxito de ventas en el Reino Unido en 1978. Después de que Rivers of Babylon empezara a bajar, vino Brown Girl in the Ring que llegó al número 2 de las listas de ventas. El grupo también alcanzó el número 2 de ventas en el Reino Unido con Mary's Boy Child/O My Lord, anteriormente grabado por Harry Belafonte. Otro éxito fue Ma Baker, sobre la criminal americana del mismo nombre, y fueron relevantes éxitos en España otros temas como el dedicado a El Lute y Feliz Navidad. En 1986, diez años después de su lanzamiento con su formación original, el grupo acumulaba 18 discos de platino, 15 discos de oro y cerca de 150 millones de unidades vendidas por el mundo. Ese mismo año el grupo desaparece; sin embargo se reunia de vez en cuando para apariciones esporádicas en televisión y recordar sus éxitos más populares. En un ranking de ventas en 2010 dentro del Reino Unido, Boney M aparece en el quinto y décimo lugar con los dos temas anteriores. son el único grupo que aparece dos veces en los diez primeros puestos de las listas; una hazaña solo igualada por Los Beatles. Boney M con sus sonidos sensuales y ritmos pegadizos, se convirtió en uno de los grupos más conocidos en todo el mundo, incluyendo África y Asia. Brad Paisley

Brad Paisley es realitza en 19 agost 2007

La informació d'antecedents

Nom de Brad Paisley Douglas naixement

Nascut 28 octubre 1972 (41 anys)

Origen Glen Dale, West Virginia , Estats Units

Gèneres País

Ocupacions El cantant i compositor

Instruments Vocals, guitarra

Anys actius 1999-present

Les etiquetes Aresta Nashville Actes associats Chris DuBois , Ashley Gorley ,Kelley Lovelace , Tim Owens

Brad Douglas Paisley (nascut el 28 d'octubre de 1972) és un cantautor i músic nord-americà. Les seves cançons vénen de la mà amb freqüència amb l'humor i la cultura pop referències. Paisley va ser el 2008 CMA i ACM Vocalista Masculí de l'Any guanyador. Començant amb el llançament del seu àlbum de 1999 Qui necessita Pictures , Paisley ha gravat nou àlbums d'estudi i un recull de Nadal a la Arista Nashville etiqueta, amb tots els seus discos d'or certificat o superior per la RIAA . [ 1 ] A més, a partir de 2013 ha anotat 32 Top 10 singles als EUA Billboard Hot Country Songs chart, 18 dels quals han arribat a nombre 1 amb un rècord de 10 senzills consecutius aconseguint el primer lloc en la taula. [ 2 ] El 10 de novembre de 2010, Paisley va guanyar el Artista de l'Any en la 44a edició dels Premis CMA. [ 3 ] Paisley va néixer el 28 d'octubre de 1972 a Glen Dale, Virgínia Occidental , a Douglas Edward "Doug" Paisley, que treballava per al Departament de Transport de Virgínia Occidental , i Sandra Jean "Sandy" (persona | Jarvis) Paisley, un mestre. [ 4 ] Es va criar en Glen Dale, Virgínia Occidental . Ell ha declarat que el seu amor per la música country es deu al seu avi matern, Warren Jarvis, qui li va donar la seva primera guitarra Paisley, 1 Sears Danelectro Silvertone [ 5 ] als 8 anys d'edat i li va ensenyar a jugar. Als 10 anys, es va presentar per primera vegada en públic en cantar a la seva església. Més tard va recordar que, "Molt aviat, jo estava actuant en totes les festes de Nadal i de la Mare Dia de l'esdeveniment. El millor d'una petita ciutat és que quan es vol ser artista, ves per on, et fan un". [ 5 ] Als 13 anys, Paisley va escriure la seva primera cançó, titulada, "Nascut el dia de Nadal". [ 5 ] Ell havia estat prenent classes amb el guitarrista local de Clarence "Hank" Goddard. [ 5 ] Als 13 anys, Paisley Goddard i van formar una banda anomenada "Brad Paisley i els C-Notes", amb l'addició de dos dels amics de Paisley adults. [ 5 ] Mentre que a la secundària, el seu director va sentir fer "va néixer el dia de Nadal" i el va convidar a tocar al local de Rotary Club dereunió. Entre els assistents hi havia Tom Miller, el director del programa d'una estació de ràdio a Wheeling, West Virginia . Miller li va preguntar si li agradaria ser un convidat al Jamboree EUA . Després de la seva primera actuació, se li va preguntar a convertir-se en un membre de l'alineació de la setmana de la sèrie. Durant els següents vuit anys, va obrir de cantants country com The Judds , Ricky Skaggs i George Jones . Es convertiria en la persona més jove admès al Jamboree EUA Saló de la Fama. També va actuar en elJamboree als turons . [ 6 ] Paisley es va graduar de la John Marshall High School a Glen Dale, Virgínia Occidental , el 1991, [ 7 ] estudiat durant 2 anys en West Liberty State College (Virgínia Occidental) i més tard va ser guardonat amb un total pagat ASCAP beca per la Universitat de Belmont , en Nashville , Tennessee (de 1993 a 1995). Es va internar en la ASCAP , Atlantic Records , i l'empresa de gestió de Fitzgerald- Hartley.A la universitat, va conèixer a Frank Rogers , un company d'estudis que va passar a servir com el seu productor. Paisley es va reunir també Kelley Lovelace, qui es va convertir en el seu company de composició. També es va reunir amb Chris DuBois a la universitat, i ell també escriuria cançons per a ell. [ 6 ] Després de graduar de Belmont amb una llicenciatura en negoci de la música , dins d'una setmana Paisley va signar un contracte de composició de cançons amb EMI Music Publishing , [ 6 ] i, va escriure David Kersh hit "Top 5" 's ", que et crec ", així com David Ball 's 1999 només, "Watching My Baby no tornis." Aquesta última cançó també va ser co-escrita per Ball. [ 8 ] El seu debut com cantant va ser amb el segell Arista Nashville , amb la cançó " Who Needs Pictures "(llançat el 22 de febrer de 1999).Al maig d'aquest mateix any, va fer la seva primera aparició en el Grand Ole Opry . [ 1 ] Set mesos més tard va tenir el seu primer No 1 amb " Ell no ha de ser ", que detalla la història de Paisley freqüents coguionista Kelley Lovelace i el fillastre de Lovelace, McCain Merren. [ 9 ] ballem també va ser un èxit per Paisley l'àlbum debut, aconseguint el número 1 en el Billboard Hot Country Singles US & Tracks. Al febrer de 2001, l'àlbum va ser certificat disc de platí. [ 10 ] El 2000, la notorietat del corrent principal Paisley va rebre un gran impuls quan se li exposa a la seva primera audiència orientada a la música nacional sense ànim de país al TLC especial "Ruta 66:. Main Street America" Productor, forner de Todd , va colpejar al jove músic a aparèixer en aquest espectacle quan era un desconegut fora del món de la música country. Comptava amb Paisley i banda fent versions en viu i acústics rars de la ruta 66 . Les versions internacionals de vídeo i d'origen d'aquest programa acaba amb una versió acústica completa, sense tallar de la peça, que es va realitzar en viu en Pont de l'Arc Iris a Riverton, Kansas . [ 11 ] El programa preveu que Paisley es convertiria en un músic llegendari i artista de blues també va comptar, Buddy Guy . [ 12 ] Més tard, el 2000, Paisley va guanyar la Associació de Música Country 's (CMA) Horizon Award i l'Acadèmia de millor nou trofeu vocalista masculí de música country. Va rebre el seu primer premi Grammy nominació un any més tard per Millor Nou Artista. El 17 de febrer de 2001, Paisley va ser inclòs en el Grand Ole Opry [ 1 ] Tenia 28 anys quan va acceptar la invitació, i era el membre més jove a unir-se. PBS va fer un concert de 75 aniversari especial, que va veure Paisley s'aparellen amb Chely Wright i cantar una cançó anomenada dur per ser un espòs, dur per ser una dona , i s'inclourà en l'àlbum de Bebo al Opry , que obtindria una nominació per al CMA Vocal Esdeveniment de l'Any. [ 13 ] El 2002, va guanyar el CMA Music vídeo de l'any per " Vaig a Miss Her (La Fishin 'Song) ". Diverses celebritats van fer aparicions notables en el vídeo, incloent Little Jimmy Dickens , Kimberly Williams , Dan Patrick , i Jerry Springer . Els seus tres singles davant lasegona part de l'àlbum, " I Wish You em quedaria "," embolicat al voltant ", i" Dues persones es van enamorar ", tot el traçat en el top 10. L'àlbum es va mantenir en les llistes durant més de 70 setmanes i va ser certificat platí a l'agost de 2002. Per donar suport el seu àlbum, realitza una gira pel país com l'acte d'obertura de Lonestar . [ 14 ] Paisley va llançar el seu tercer àlbum, fang a les rodes (2003), arran de Who Needs Pictures i Part II. L'àlbum inclou la cançó "Celebrity ", el vídeo del qual parodia els reality shows com Fear Factor , American Idol , The Bachelorette i D'acord amb Jim , i s'inclouen celebritats com Jason Alexander , James Belushi , Little Jimmy Dickens , Trista Rehn i William Shatner . (Paisley més tard va contribuir a l'àlbum de Shatner ha estat el .) la pista del títol de l'àlbum, " fang a les rodes ", va aconseguir el número 1 en Billboard 2004. [ 15 ] A més, la novena pista de fang a les rodes , " Whiskey Lullaby ", un duo amb Alison Krauss va aconseguir el número 3 en les escull i les pistes (ara Hot Country Songs) llistes de Billboard Hot Country, i N º 41 en el Billboard Hot 100. El vídeo musical de Whiskey Lullaby també va guanyar diversos premis i va ser classificada en el número 2 dels 100 millors vídeos musicals per la CMT el 2008.L'àlbum seria certificat doble platí. [ 14 ] El 2005, després de recórrer amb Reba McEntire i Terri Clark en els "dos barrets i un tour Redhead", va llançar Temps Bé Wasted , que conté 15 pistes. Aquest àlbum inclou " Alcohol ", dues duets -" When I Get a on vaig ", amb Dolly Parton i "Out in the Aparcament Lot" amb Alan Jackson - i un bonus track, "Cornography", un tema de la comèdia que ofereix "el Kung Pao Buckaroos: " Little Jimmy Dickens , George Jones i Bill Anderson . El 6 de novembre de 2006, l'àlbum "Temps Bé Wasted" va guanyar la Country Music Association Award CMA al Millor Àlbum. "Temps Bé Wasted" àlbum també va guanyar l'any en els premis ACM 2006. Paisley també va contribuir amb dues cançons originals de la pel · lícula de Disney Cars . Aquests es poden trobar a la pel · lícula la banda sonora . Això va ser en reconeixement a la seva contribució a la "Route 66: Main Street America" especial de televisió. En els premis Grammy 2006, Paisley va rebre quatre nominacions: Millor Àlbum País (per Temps Bé Wasted ), Millor Cançó Country (per a "Alcohol"), Millor País instrumentals (per a "Time Warp") i Millor País Vocal, Male (per " L'alcohol "). Cinquè àlbum d'estudi de Paisley, 5th Gear , va ser llançat a Estats Units el 19 de juny de 2007. Els quatre primers senzills de l'àlbum, " paparres "," en línia "," Letter to Em ", i" Jo segueixo sent un noi ", tot va aconseguir el número u en les llistes individuals de la música country, fent set consecutius èxits número u per Paisley ". [ 16 ] " en línia "va comptar amb la banda de música Brentwood High School secundària de jugar cap al final de la cançó, un cameo de Jason Alexander, i de nou va comptar amb un cameo de William Shatner. Throttleneck també aconseguir el número u, que seria aconseguir Paisley . seu primer Grammy [ 17 ] El cinquè single d' 5th Gear en realitat procedien d'una versió reeditada de l'àlbum - un nou enregistrament de " waitin 'on a Woman ", un tall de pista . Temps Bé Wasted La versió reeditada van ser posats a l'aire no sol · licitat a finals de 2006, i les característiques menys prominent guitarra de cordes i peces de violí i un "silenciat" to més musical. A la setmana la carta de 20 de setembre de 2008, la cançó es va convertir en dotzè single número ui el seu vuitè recta hit número u de Paisley, convertint-se en l'artista amb més consecutiu país número u colpeja des de l'inici de Nielsen SoundScan el 1990. [ 18 ] Al juliol de 2006, el productor Todd Baker, va colpejar Brad per a una aparició a la televisió com a personatge animat en The Wonder Pets , pare Armadillo. L'episodi encara-a-ser difusió i disposen de la dona de Brad, Kimberly Williams-Paisley , com Mama Armadillo. Paisley va recórrer 26 abril 2007, fins al 24 de febrer de 2008 a suport de 5th Gear al Fogueres i Amplificadors Tour. La gira va visitar 94 ciutats durant un període de 10 mesos i va jugar per més de 1.000.000 fans. La gira va tenir tant èxit que es va estendre més enllà de la seva data de finalització original a febrer de 2008. Alguns dels actes d'obertura que es van presentar durant la gira van ser Taylor Swift ,Kellie Pickler , Jack Ingram , Rodney Atkins i feltres del tiratge . Paisley va ser nominada a tres Premis Grammy 2008 relacionats amb la 5th Gear : Millor Àlbum País (per 5th Gear ), Millor Col · laboració País (per "Oh Love" amb Carrie Underwood ), i Millor País Instrumental (per "Throttleneck"). El 10 de febrer de 2008, va guanyar el seu primer Grammy premi al Millor País Instrumental per a "Throttleneck". Al març de 2008, Brad Paisley va anunciar la seva pròxima gira, "El partit de Paisley," un 42-data de la gira patrocinada per Hershey. La gira va començar l'11 de juny de 2008 a Albuquerque, Nou Mèxic amb metxes , Julianne Hough i la joia com els actes d'obertura. [ 16 ] Un sisè, àlbum majorment instrumental, titulat Joc , va ser llançat el 4 de novembre de 2008. [ 19 ] Brad Paisley i Keith Urban llançat a la ràdio del país el seu primer duet junts el 8 de setembre de 2008, " formar una banda . " Va ser el primer i únic single de l' joc, i va passar a convertir-se en tretzena èxit número u de Paisley i el seu novè consecutiu. L'àlbum també compta amb col · laboracions ambJames Burton , Little Jimmy Dickens , Vince Gill , John Jorgenson , BB King , Albert Lee , Brent Mason , Buck Owens , Redd Volkaerti Steve Wariner . Paisley i Urban tots dos van rebre Artista de l'any les nominacions de la CMA, el 10 de setembre de 2008. El 12 de novembre de 2008, Brad Paisley va guanyar Vocalista Masculí de l'Any i Video Musical de l'Any per "waitin 'on a Woman" en els CMA.

Brad Paisley va anunciar el 26 de gener de 2009, el seu nou tour anomenat "American Saturday Night". Dierks Bentley i Jimmy Wayne s'obrirà en la majoria dels espectacles. El nou àlbum de Brad Paisley, American Saturday Night va ser llançat el 30 de juny de 2009.Plom de l'àlbum fos únic, " Llavors "va ser llançat al març de 2009 i es va presentar per primera vegada a American Idol el 18 de març. Es va passar a convertir-se de Paisley 14a nombre un de sol i el seu desè consecutiu. El 6 de maig de 2009, Paisley va donar una actuació exclusiva [ 20 ] a un petit grup de membres del seu club de fans a Studio A de Grand Ole Opry a Nashville, TN, mentre ell i la seva banda va gravar un episodi de la invitació de la CMT únicament . L'espectacle dóna als fans l'oportunitat de veure els seus artistes favorits en un ambient més íntim de prop i personal. Hi va haver una sessió Q & A i la interacció entre Paisley i els seus fans. El xou va sortir a l'aire el dilluns 3 d'agost a les 21:00 a CMT . El 21 de juliol de 2009, Paisley realitza a la Casa Blanca en la celebració de la música country. "Country Music a la Casa Blanca" va ser presentat en viu en el lloc web de la Casa Blanca, així com un especial a Great American Country. L'11 de novembre de 2009, Paisley va coorganitzar els Premis CMA, per segon any consecutiu. Ell també es va realitzar " Benvingut al futur ", i va guanyar tant Vocalista Masculí de l'Any i Esdeveniment Musical de l'Any per formar una banda amb Keith Urban. L'1 de març de 2010, Paisley va ser la primera actuació musical amb "American Saturday Night" per al segon mandat de The Tonight Show amb Jay Leno . El divendres 5 de març de 2010, Paisley va relliscar i va caure de realitzar la seva última cançó del set, " alcohol ", en un concert alCharleston Coliseum Nord a Charleston, Carolina del Sud , en la data final de l'American Saturday Night Tour. Davant la por d'una fractura de costella , que es va dur a terme durant la nit a una àrea de l'hospital , però va ser alliberat quan un TAC va ser negativa. [ 21 ] El 31 de juliol de 2010, va actuar al costat de Brad Carrie Underwood en la inauguració del Greenbrier Classic del PGA Tour Esdeveniment en Lewisburg, Virgínia Occidental Un estimat de 60,000 persones van assistir a l'esdeveniment a l'aire lliure per veure Underwood i Paisley realitzen sota la pluja torrencial. El 4 d'agost de 2010, es va anunciar a la seva web oficial que Paisley llançaria el seu primer gran paquet oficial èxits, titulat Impactes Alive . Publicat el 2 de novembre de 2010, Impactes Alive és un conjunt de dos discos, amb un disc que conté versions d'estudi de singles d'èxit de Paisley, mentre que el disc complementari compta amb versions en viu inèdites de les seves cançons. [ 22 ] Brad Paisley copatrocinó la 44a Lliurament Anual del CMA el 10 de novembre de 2010, en la qual també va ser guardonat amb el màxim guardó de la CMA, Artista de l'Any. [ 23 ] Durant el seu discurs d'acceptació, Paisley honrat emocionalment al seu avi, qui ho va inspirar a tocar la guitarra . El 2012, MSN.com llistat American Saturday Night com un dels 21 àlbums essencials del segle 21. [ 24 ] Al desembre de 2010, Paisley va llançar " This Is Country Music "com el tema que dóna títol al seu vuitè àlbum d'estudi , llançat el 23 de maig de 2011. Segon senzill de l'àlbum, " Old Alabama "(amb Alabama ), llançat a la ràdio del país el 14 de març de 2011, i es va convertir en dinovè hit número u de Paisley. " Remind Em ", amb Carrie Underwood , va ser llançat el 23 de maig de 2011, a la ràdio. El 22 de març de 2011, el lloc web de Paisley ha anunciat un nou joc beta titulat "Brad Paisley Mundial." El joc segueix el model d'altres de Facebook jocs com Farmville o Màfia Wars i compta amb animació original. El joc ofereix una nova manera perquè els fans interactuen entre si i veure material exclusiu que d'altra manera no estigui disponible. El 12 de maig de 2011, el lloc web de Paisley va anunciar que llançaria dues cançons a la banda sonora de la pel · lícula Cars 2 . Un d'ells seria una col · laboració amb la cantant pop britànic Robbie Williams . El 21 de setembre de 2011, Mailboat Registres alliberats Mark Twain: Words & Music , un doble CD dient Mark Twain vida 's en la paraula parlada i el cant, que inclou una nova cançó de Paisley titulat "Huck Finn Blues." El lloc web de Paisley va anunciar que ell era un fan de Twain, el que va provocar la seva col · laboració en el projecte, amb Clint Eastwood , Jimmy Buffett , Sheryl Crow , Vince Gill , i altres. [ 25 ] El 19 d'octubre de 2011, Paisley va fer un cameo de veu com diversos personatges de fons en el South Park episodi " Sota a Boca ".[ 26 ] El 14 de gener de 2012, Paisley va ser un convidat a Garrison Keillor 's Prairie Home Companion , durant la qual es va fer una versió de " tren de vida al Cel ", de Charles Davis Tillman . [ 27 ] El 25 d'abril de 2012, Paisley es va presentar al South Park episodi " Cartman troba l'amor ", en la qual es va expressar a si mateix, [ 28 ] va cantar " The National Anthem ", i va ajudar a Cartman canta els anys 90 va colpejar cançó" I Swear ", que va ser popularitzat el 1994 pel país músic John Michael Montgomery i el grup pop All-4- One . [ 29 ] Paisley va estendre la " Realitat Virtual World Tour "fins a mitjans de 2012. Realitza una gira pel país i va fer parades a boxes en els festivals de música country locals. L'objectiu d'aquests concerts a l'aire lliure era per donar al públic l'experiència completa de la música de Brad Paisley, ja que moltes de les seves cançons contenen elements a l'aire lliure. [ 30 ] El 20 de setembre de 2012, Paisley va llançar un nou single, " Zona Southern Comfort ". La cançó va debutar en el número 25 en el Hot Country Songs chart, convertint-se en el debut més alt de Paisley fins ara. [ 31 ] Va aconseguir el número 2 al País Airplay gràfic en 2013. La cançó va ser el primer senzill del seu novè àlbum d'estudi, timonera , publicat el 9 d'abril de 2013. [ 32 ] [ 33 ] del segon single de l'àlbum, " Batre aquest estiu ", va ser llançat a la ràdio del país el 4 de març de 2013. També va aconseguir el número 2 a la llista País Airplay al juliol de 2013. Tercer senzill de l'àlbum, " Jo no puc canviar el món ", va ser llançat a la ràdio del país el 19 d'agost de 2013. Quart single de l'àlbum, "La Mona Lisa", va ser llançat a la ràdio del país el 9 de desembre de 2013. El 12 de juny de 2013, Paisley va anunciar en el seu Twitter pàgina que s'uniria a The Rolling Stones a l'escenari durant el concert de la banda a Filadèlfia . [ 34 ] Brad Paisley llançat el seu llibre Diari d'un jugador: Com els meus herois musicals fets a Guitar Man Out of Em el 2011 sota Howard Books Publishing. Ell co-va escriure el llibre amb l'autor David Wild , editor col · laborador de la revista Rolling Stone la revista i un Emmy nominat guionista de televisió i productor. [ 35 ] El llibre és una autobiografia i parla sobre la introducció de Brad a la indústria de la música i com els esdeveniments en el seu la vida el va ajudar a preparar-se per el que va ser més endavant. El llibre compta amb temes com la primera guitarra de Brad que el seu avi li va donar, la seva primera banda la C-notes, la primera cançó que va escriure, i molts més temes relacionats amb la música / de la guitarra. Encara que el llibre no parla breument de la seva vida personal, l'atenció se centra en la música i l'inici de la seva carrera. El llibre ret homenatge a totes les persones que es van prendre el temps per invertir en la seva vida i el que la persona i el músic que és avui dia. [ 36 ] Paisley grava els seus discos d'estudi, en la seva major part, amb el suport de la seva banda en viu, Els reis del drama. El seu primer concert junts va ser de 7 maig de 1999. Membres actuals [ editar ]

 Brad Paisley - veu principal , guitarra solista  Gary Hooker - guitarra rítmica  Randle Currie - guitarra d'acer  Kendal Marcy - teclats , banjo , mandolina  Justin Williamson - violí , la mandolina  Kenny Lewis - guitarra baixa  Ben Sesar - tambors Antics membres [ edit ]

 Jimmy Heffernan - guitarra d'acer  Ken Lush - Teclat  Earl Clark - guitarra d'acer  Jody Harris - guitarra, mandolina, banjo En els últims mesos de 2000, Paisley tenia una relació amb la cantant de música compatriota i Richard Marx protegida Chely Wright . [ 37 ] [ 38 ] [ 39 ] Sense el coneixement de Paisley, Wright i el seu amant lesbiana s'havien traslladat al costat d'una casa nova abans a any. En la seva autobiografia, Wright va expressar remordiment per la forma en què ella el va tractar. [ 40 ] Paisley i Kimberly Williams van començar a sortir el 2001. Paisley havia vist primer a Williams en pare de la núvia a la qual va assistir amb una exnòvia. Paisley i el seu ex núvia van acabar la seva relació abans de l'alliberament del pare de la núvia Part II , que Paisley va anar a veure sol. [ 41 ] Paisley ha declarat que va veure el rendiment de Williams i va pensar "Sembla una gran noia - intel · ligent i divertit, i totes aquestes coses que són tan difícils de trobar ". [ 41 ] El 2002, Williams va aparèixer en un vídeo per a la cançó "Jo sóc Gonna Miss Her (La cançó del remull)," l'última versió del seu Part II àlbum. Els dos es van casar el 15 de març de 2003, a la capella de Stauffer al campus de la Universitat de Pepperdine després d'un compromís de nou mesos. Viuen en Franklin, Tennessee , i tenia una altra casa enPacific Palisades que es va vendre el 2013. Paisley i el primer fill de Williams, William Huckleberry, o "Huck", va néixer el 22 de febrer de 2007, en Nashville . [ 42 ] El seu segon fill, Jasper Warren (el nom del seu avi, qui va comprar la seva primera guitarra Brad), va ser nascut el 17 d'abril de 2009. [ 43 ] Paisley és un membre de la Jurisdicció del Sud del Ritu Escocès de la Maçoneria , [ 44 ] i un noble del AAONMS , [ 45 ] també coneguda com Shriners. Va estar acompanyat pel seu pare, Doug Paisley ( 33 º ), [ 46 ] per a la cerimònia el 28 d'octubre de 2006. [ 44 ] Ell és també un fan de tota la vida dels Browns de Cleveland . Paisley va cantar l'himne nacional abans d'un partit durant la temporada de 1999, i va declarar en una entrevista amb ESPN seu treball ideal seria la de jugar a futbol per a ells. [ 47 ] Així mateix, va convidar els Browns l'ex mariscal de camp Brady Quinn per a un concert al Centre de Blossom Music , el 2008. [ 48 ] Paisley és també un fan de West Virginia l'atletisme i els Cadells de Chicago . [ 49 ] A finals de 2009, es va anunciar en Variety que Paisley entraria en el món de la televisió amb guió com a productor executiu d'una nova sèrie dramàtica d'una hora de durada per The CW de xarxa anomenat, apropiadament, de Nashville . [ 50 ] La trama va ser escrita i creada per Neal Dodson i l'actor Matt Bomer . El creador de la sèrie One Tree Hill , Mark Schwahn dirigirà el pilot i supervisar la sèrie.Actor Zachary Cinquè és també productor executiu de la sèrie, juntament amb Dodson, Bomer, i Corey Moosa. [ 51 ] El pilot no va ser recollit per una sèrie a l'horari del CW caiguda va ser anunciat al maig de 2010. El projecte CW té cap relació amb l'actual ABC sèries, també anomenat Nashville . Primera guitarra de Paisley, un regal del seu avi, va ser una Silvertone Danelectro 1451, que venia amb un "amplificador per si de cas" .[ 52 ] El seu següent guitarra, que va arribar a l'edat de 10 o 11, també del seu avi , era una còpia Sekova d'un Gibson ES- 335 , amb unFender Deluxe Reverb . L'instrument més sovint associada amb ell és un 1968 Pink Paisley Fender Telecaster . [ 52 ] Igual que molts Nashville músics basats, va perdre una sèrie d'instruments i altres equips en la inundació de 2010 a Nashville , incloent un 1970 Gibson Els Paul i el prototip d'un Naufragi Z, una de les firmes dels amplificadors de Paisley Dr Z. Els diners de l'assegurança, però, li va permetre comprar (de George Gruhn botiga 's) una exclusiva 1937 d'espiga Martin D-28 . [ 52 ] El 2010, Brad Paisley i Wampler Pedals llançar l'Brad Paisley signatura Paisley Drive, un pedal de overdrive guitarra dissenyada amb les especificacions de Brad Paisley. [ 53 ] Paisley també ha utilitzat Audiotech productes Guitarra ABY Selector de pel control de les seves unitats de recepció sense fils. Britney Spears

Britney Spears en la ciudad de Carson,California, el 11 de mayo de 2013.

Datos generales

Nombre Britney Jean Spears real

Nacimiento 2 de diciembre de 1981(32 años)

Origen McComb, Misisipi,Estados Unidos

Cónyuge Jason Allen Alexander (2004) Kevin Federline (2004-2007; divorciados)

Hijos Sean Preston (n. 14 de septiembre de 2005) Jayden James (n. 12 de septiembre de 2006)

Ocupación Cantante, bailarina, actriz,compositora, modelo,diseña dora y empresaria

Información artística

Tipo Soprano soubrette de voz

Otros La Princesa del Pop nombres

Género(s) Pop, dance-pop, electro-pop,teen pop, R&B

Instrument Voz, piano o(s)

Período de 1992-presente actividad

Discográfi Jive Records, RCA Records,Sony BMG Music ca(s) Entertainment (1997-presente)

Artistas Ver lista[mostrar] relacionad os Britney Jean Spears, más conocida como Britney Spears (McComb, Estados Unidos, 2 de diciembre de 1981), es una cantante, bailarina, actriz, compositora,modelo, diseñadora y e mpresaria estadounidense. Comenzó a actuar desde niña, a través de papeles en producciones teatrales y programas de televisión. En 1997 firmó con Jive Records y dos años más tarde lanzó su álbum debut, ...Baby One More Time, el álbum más vendido de una solista adolescente. Durante su primera década en la industria, Spears se convirtió en una figura prominente en la música pop y en la cultura popular, con una vida personal muy publicitada.2 Sus primeros dos álbumes la establecieron como un icono pop y rompieron récords de ventas, mientras que canciones como «...Baby One More Time» y «Oops!... I Did It Again» se tornaron en éxitos internacionales. Los especialistas la acreditaron como la principal fuerza impulsora detrás del renacimiento que experimentó el pop adolescentedurante la década de 1990 y la catalogaron como la mejor artista adolescente de todos los tiempos antes de que cumpliera 20 años, por lo que la honorificaron como «Princesa del Pop». En 2001, lanzó su tercer álbum, Britney, del que se desprendió «I'm a Slave 4 U», y debutó en el cine con un papel protagónico en la película Crossroads. Dos años después asumió el control creativo de su cuarto álbum, In the Zone, el que produjo los éxitos «Me Against the Music», «Toxic» y «Everytime». Tras el lanzamiento de dos álbumes compilatorios y de sencillos como «My Prerogative», Spears sufrió una serie de problemas personales y su carrera entró en receso.3 4 5 En 2007, volvió a la industria con su quinto álbum de estudio, Blackout, el que además de ser elogiado por la crítica, generó los éxitos «Gimme More» y «Piece of Me», pese a recibir una escasa promoción. En 2008, su comportamiento errático y sus hospitalizaciones la llevaron a estar bajo tutela. A finales del mismo año, lanzó su sexto álbum de estudio, Circus, el que antecedió con el éxito «Womanizer». Al año siguiente se embarcó en su gira más ambiciosa, The Circus Starring: Britney Spears, y lanzó su segundo álbum recopilatorio, liderado por el sencillo «3». En 2011, lanzó su séptimo álbum de estudio, Femme Fatale, el que generó los éxitos «Hold It Against Me», «Till the World Ends» y «I Wanna Go»,6 7 8 y colaboró en una remezcla del éxito «S&M» de Rihanna. En 2012 fue juez enThe X Factor USA y colaboró con will.i.am en el éxito «Scream & Shout», mientras que en 2013 editó «Ooh La La», tema de Los Pitufos 2,9 lanzó «Work Bitch», el primer sencillo su octavo álbum de estudio,10 Britney Jean,11 y estrenó «SMS (Bangerz)», una colaboración con Miley Cyrus.12 A nivel mundial, Spears ha vendido más de 100 millones de grabaciones, lo que le convierte en una de las artistas más vendedoras en la historia.13 14 15 Según RIAA, desde su debut es la artista femenina que ha vendido más álbumes y la octava mujer a nivel general, con 34 millones de copias certificadas.16 17 Hasta mayo de 2012, había vendido más de 32,5 millones de álbumes y 29 millones de descargas de canciones solo en los Estados Unidos,18 19 donde además fue la artista femenina que vendió más álbumes durante la primera década de 2000.20 21 22 En el Reino Unido ha vendido 4 millones de álbumes y 7,324 millones de sencillos, y es la sexta solista femenina con mayores ventas de sencillos en la historia.23 24 25 Britney ocupó el sexto lugar en la lista Forbes de las 100 celebridades más poderosas e influyentes en el mundo, es también la tercera cantante más mencionada en Internet, según la revista Forbes,26 y una de las artistas más buscada en la historia de YouTube.27 Su éxito en la industria de la música, le ha llevado a incursionar en la industria de los perfumes.28 1981-1997: primeros años e inicios de su carrera Britney Jean Spears nació el 2 de diciembre de 1981 en McComb (Misisipí), ciudad cercana a Kentwood (Luisiana), donde vivió gran parte de su infancia. Es la segunda hija de Lynne Irene (née Bridges) y James Spears Parnell. Ella es de ascendencia inglesa por parte de su abuela materna, que nació en Londres, y tiene ascendencia maltesadistante.29 30 Tiene un hermano mayor Bryan James (n.1977) y una hermana menorJamie Lynn (n.1991).31 A los tres años, comenzó a asistir a clases de baile en su ciudad y fue seleccionada para realizar un solo en el recital anual. Durante su infancia, también asistió a clases de gimnasia y de canto, y ganó varios concursos a nivel estatal y en programas para niños talento.32 33 34 Spears hizo su debut en los escenarios locales a los cinco años, cantando "What Child Is This?" en su graduación de kínder. Ella dijo acerca de su ambición cuando era niña, "yo estaba en mi propio mundo, [...] me enteraba de lo que debía hacer a una edad temprana".33 A la edad de ocho años, Spears y su madre Lynne viajaron a Atlanta para una audición para la nueva temporada del programa The All New Mickey Mouse Club. La directora de casting Matt Cassella, la rechazó por ser demasiado joven para unirse a la serie en ese tiempo, pero le presentó a Nancy Carson, una agente de talentos deNueva York. Carson estaba impresionada con la voz de Spears y sugirió su inscripción en la Professional Performing Arts School de Nueva York, poco después, Lynne y sus hijas se mudaron a un apartamento de esa ciudad.35 Spears fue contratada para su primer papel profesional, como suplente para el papel principal de Tina Denmark en el musical Off-Broadway!, Ruthless. En 1992 hizo su primera aparición en televisión como concursante en el popular programa Star Search cantando "Love Can Built a Bridge" donde perdió y "I Don't Care" con la cual ganó, a la vez apareció en una serie de comerciales.36 37 Britney realizó una segunda audición a los 11 años de edad, para la temporada 6 de The All New Mickey Mouse Club (M.M.C) donde esta vez fue aceptada en diciembre de 1992. El programa se estrenó con gran éxito en el cual Britney fue una Mouseketeerpresentadora de sketches de comedia y múltiples canciones en vivo junto al elenco, donde conoció a las futuras estrellas pop Christina Aguilera y Justin Timberlake, desgraciadamente el programa fue cancelado al final de la temporada 7 en 1994. Britney regresó aKentwood y se matriculó en la Academia Parklane en las cercanías de McComb, Misisipi. A pesar de que hizo amistad con la mayoría de sus compañeros de clase, ella comparó su escuela con "la escena de apertura de Clueless con todos los grupos sociales. [...] Yo estaba tan aburrida. Yo era la armadora del equipo de baloncesto. Tuve mi novio, y me fui al baile de Navidad formal. Pero yo quería más."33 38 En junio de 1997, Britney estaba en conversaciones con el mánager Lou Pearlman para unirse a un grupo de teen pop femenino llamado, Innosense. Lynne su madre, le preguntó a un amigo de la familia y abogado del mundo del entretenimiento Larry Rudolph por su opinión y presentó una cinta de Britney cantando en una canción karaoke de Whitney Houston, junto con algunas fotos. Rudolph decidió que quería que audicionará para las discográficas, por lo que necesitaba un demo profesional.39 Él envió a Spears una canción no utilizada de Toni Braxton, que ensayó durante una semana y grabó su voz en un estudio con un ingeniero de sonido. Spears viajó aNueva York con el demo y se reunió con ejecutivos de cuatro discográficas, volvió a Kentwood el mismo día. Tres de las etiquetas la rechazaron, argumentando que el público quería bandas de pop como los Backstreet Boys y las Spice Girls, y "no iba a ser otraMadonna, otra Debbie Gibson, o otra Tiffany" Dos semanas más tarde, los ejecutivos de Jive Records le devolvieron la llamada a Rudolph.40 El vicepresidente de A&R, Jeff Fenster señaló sobre la audición de Spears: "Es muy raro escuchar a alguien de esa edad que pueda entregar el contenido emocional y el atractivo comercial. [... ] Para cualquier artista, la motivación, el -'ojo de tigre'- es extremadamente importante. Y Britney tiene eso."33 Empezó a trabajar con el productor Eric Foster White durante un mes, quien dijo formó su voz "más baja y menos popera", sin lugar a dudas es Britney."41 Después de escuchar el material grabado, el presidente Clive Calder, ordenó un álbum completo. Spears había previsto originalmente música como la de Sheryl Crow, pero un adult contemporanymás joven", pero se sentía bien con su cita con el sello de los productores, puesto que "tenía más sentido irme hacia el pop, porque puedo bailar con ella, es más yo." Ella voló a los Cheiron Studios en Estocolmo, Suecia, donde se registró parte de la mitad del álbum, de marzo a abril de 1998, con los productores Max Martin, Denniz Pop y Rami, entre otros.33 42 43 1998-2000: surgimiento de un fenómeno pop Véanse también: ...Baby One More Time (álbum) y Oops!... I Did It Again (álbum). A finales de 1998, el sello Jive Records lanzó a "...Baby One More Time", el sencillo debut de Britney Spears, escrito y producido por el prestigioso letrista y productor sueco Max Martin. Respaldado por un video musical dirigido por Nigel Dick, en el que la cantante, de entonces 16 años de edad, fue mostrada cantando y bailando como una alumna de un colegio católico; "...Baby One More Time" se convirtió en un éxito Nº 1 en más de 20 países, incluyendo a Estados Unidos, donde Britney Spears se convirtió en la primera cantante que logra que su sencillo debut alcance la cima de la Billboard Hot 100 , la principal lista musical de canciones del país. Tras ello, a principios de 1999, fue lanzado su álbum debut, ...Baby One More Time, un álbum de baladas y canciones dance-pop, respaldadas, en su mayoría, por Eric Foster White y Max Martin. De ...Baby One More Time se desprendieron otros dos sencillos: "Sometimes" y "(You Drive Me) Crazy", de los cuales éste último, además de formar parte de la banda sonora de la película Drive Me Crazy, se convirtió en el segundo top 10 de la cantante en laBillboard Hot 100. A éstos le siguieron "Born to Make You Happy", fuera de Estados Unidos, y "From the Bottom of My Broken Heart", de los cuales el primero se alzó como el segundo éxito Nº 1 de Britney Spears en el Reino Unido. El sencillo ...Baby One More Timealcanzó el N°1 en más de veinte países, gracias a sus millones de ventas físicas a nivel mundial. Con todo, ...Baby One More Time vendió más de 22 millones de álbumes alrededor del mundo,44 con 14 millones de ellos certificados por la RIAA, en Estados Unidos. El éxito de Britney Spears desencadenó el surgimiento de varias cantantes jóvenes de pop, como Christina Aguilera, con quien sería rivalizada constantemente por los medios. Por su parte, Britney Spears se convirtió en una superestrella solicitada por innumerables revistas y en la cantante más joven que logra que tanto su sencillo como su álbum debut alcancen la cima de los rankings de Billboard. Tras ello, la cantante recibió dos nominaciones en los Grammy 2000: Mejor Intérprete Pop Femenina y Mejor Artista Nuevo, que no ganó ninguna de ellas. Tras el arrollador éxito de su debut, a mediados de 2000 la cantante lanzó su segundo álbum de estudio, Oops!... I Did It Again, el que siguió la misma línea de su antecesor, con baladas sentimentales pegadizas y canciones dance-pop. Por su parte, los créditos de éste reclutaron a Max Martin, nuevamente, aRodney "Darkchild" Jerkins y a la cantante Shania Twain y a su productor Robert "Mutt" Lange. Su promoción involucró a cuatro sencillos: "Oops!... I Did It Again", "Lucky", "Stronger" y, fuera de Estados Unidos, "Don't Let Me Be the Last to Know"; además de la primera gira musical internacional de la cantante: Oops!... I Did It Again World Tour, la que generó ganancias mayores a los $40,5 millones. Por su parte, "Oops!... I Did It Again", además de convertirse en un éxito Nº 1 en 27 países y en el tercer top 10 de Britney Spears en la Billboard Hot 100, se convirtió en el 6º sencillo más vendido de la década, tras registrar ventas superiores a los 8 millones de copias. En suma, las ventas mundiales de Oops!... I Did It Again ascendieron a más de 17 millones de álbumes,45 de los cuales 10 millones de ellos fueron certificados de Diamante por la RIAA, en Estados Unidos. A ello le siguieron dos nuevas nominaciones en los Grammy 2001: Mejor Álbum Pop Femenino y Mejor Intérprete Pop Femenina, que tampoco ganó ninguna de ellas. 2001-2004: éxito mediático Véanse también: Britney (álbum) e In the Zone. Tras consolidarse en la industria musical del pop con ...Baby One More Time y Oops!... I Did It Again, a finales del año 2001 la cantante lanzó su tercer álbum de estudio, Britney, el que de acuerdo a los críticos, reflejó su etapa de transición hacia una mujer joven más madura, con leves indicios de que su vida particular no fue siempre totalmente puritana. Por su parte, la producción de Britney, además de incluir a los prestigiosos Max Martin y Rodney "Darkchild" Jerkins, quienes ya habían trabajado con Britney Spears, incluyó de manera clave al dúo The Neptunes, el que hasta entonces sólo era reconocido en la industria musical del rap. La parte más importante de la promoción de Britney la conformaron sus cinco sencillos: "I'm a Slave 4 U", "I'm Not a Girl, Not Yet a Woman", "Overprotected", "Boys" y, fuera de Estados Unidos, "I Love Rock 'N' Roll"; además de la gira musical internacional Dream Within a Dream Tour, la que generó ganancias mayores a los $43,7 millones. Pese a que los lanzamientos de sus sencillos fueron realizados en un orden cronológico distinto alrededor del mundo, ninguno de ellos consiguió asolar a la industria musical. Ello, también pese a que en dicho período la cantante hizo su debut como actriz en Crossroads y a que contribuyó en la banda sonora de Austin Powers in Goldmember. Por su parte, "I'm a Slave 4 U" sobresalió por su sugestivo video musical, dirigido por Francis Lawrence, y por su estreno en los MTV Video Music Awards 2001, en los que Britney Spears le interpretó con una serpiente en su cuello. Con todo, Britney debutó como un éxito Nº 1 en ventas en la Billboard 200 de Estados Unidos, donde se convirtió en el tercer álbum Nº 1 consecutivo de la cantante, y como un éxito Nº 2 en Europa, donde logró desbancar del Nº 1 a Invincible de Michael Jackson. En suma, Britney vendió más de 9 millones de copias alrededor del mundo, con más de 4,4 millones vendidas sólo en Estados Unidos, donde fue certificado cuatro veces de Platino por la RIAA. Aunque sus ventas fueron elevadas, éstas fueron inferiores con respecto a las registradas por sus dos antecesores. Britney cantando "Me Against the Music" en el concierto NFL Kickoff Live en septiembre de 2003 Tras unos meses fuera de la industria musical, Britney Spears se presentó junto a Madonnay Christina Aguilera en los MTV Video Music Awards 2003. En medio de la presentación, Madonna besó a Britney Spears y Christina Aguilera, lo que inmediatamente hizo noticia alrededor del mundo. Tras el polémico beso, a finales del año 2003, Britney Spears lanzó su cuarto álbum de estudio, In the Zone, el que, de acuerdo a los críticos, finalizó su período de transición y reflejó su deseo de ser considerada una mujer adulta. Por su parte, In the Zoneincluyó la estratégica colaboración de Madonna, y abarcó a una variada gama de productores, entre quienes se incluye a R. Kelly y Guy Sigsworth, y a los dúos RedZone yBloodshy & Avant. Por su parte, la promoción de In the Zone involucró el lanzamiento de cuatro sencillos: "Me Against the Music" (cantado a dúo con Madonna), "Toxic", "Everytime" y, sólo en Estados Unidos, "Outrageous" debido a que la cantante se lesionó la pierna en la grabación del video musical; además de la controversial y altamente sexualizada gira musical internacional The Onyx Hotel Tour, la que pese a haber sido cancelada a medio camino, generó ganancias mayores a los $34 millones. Pese a que sus tres primeros sencillos se convirtieron en éxitos Nº 1 a nivel mundial, de ellos sobresalió "Toxic", el primer video censurado de britney que tras asolar a la industria musical, se convirtió en el 4º sencillo más vendido de la década, con ventas mundiales superiores a los 5 millones de copias. Por su parte, su video musical, dirigido por Joseph Kahn, consolidó como un «ícono sexual» a Britney Spears, quien gracias a "Toxic" ganó su primer y hasta ahora único Grammy. Similar a como lo hizo Britney, In the Zone debutó como un éxito Nº 1 en ventas en la Billboard 200 , donde se convirtió en el cuarto álbum Nº 1 de la cantante. Además de ello, vendió aproximadamente 3 millones de copias en Estados Unidos, donde fue certificado dos veces de Platino por la RIAA. Por su parte, a nivel mundial vendió más de 6 millones de copias, de las cuales las registradas sólo en sus seis primeras semanas, le convirtieron en el 8º álbum más vendido alrededor del mundo en el año 2003. 2004-2007: período de recesión Véanse también: Greatest Hits: My Prerogative, Chaotic (EP), Key Cuts from Remixed y B in the Mix: The Remixes. A finales del año 2004, meses después del accidente que le impidió continuar promocionando a In the Zone, Britney Spears lanzó su primer álbum recopilatorio, Greatest Hits: My Prerogative, el que además de incluir a casi todos sus sencillos hasta entonces lanzados, incluyó otras tres canciones producidas por el dúo Bloodshy & Avant. Por su parte, los críticos le dieron revisiones favorables y le compararon con el exitoso álbum recopilatorio The Immaculate Collection de Madonna. La promoción del álbum comprendió el lanzamiento de dos sencillos: "My Prerogative" y "Do Somethin'"; siendo solo el primero de ellos lanzado en Estados Unidos, y un sencillo promocional: "I've Just Begun (Having My Fun)". Por su parte, "My Prerogative"; un cover del principal sencillo del cantante de R&B de los años 80, Bobby Brown; fue un éxito Nº 1 en Finlandia, Irlanda, Italia y Noruega, que fracasó en ingresar en la Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Ello, pese a que su video musical fue escogido como el mejor del año 2004 por la revista Rolling Stone. En suma, Greatest Hits: My Prerogative debutó en la posición Nº 4 de la Billboard 200 y vendió más de 1,4 millones de copias en Estados Unidos, donde fue certificado de Platino por la RIAA. Por su parte, sus ventas mundiales se estiman en más de 5,6 millones de copias; de las cuales las registradas solo en sus dos primeros meses, le convirtieron en el 13º álbum más vendido alrededor del mundo en el año 2004. A mediados del año 2005, en un primer intento por no dejar a Britney Spears fuera de la industria musical, en algunos países de Europa fue lanzada la balada "Someday (I Will Understand)". En el mismo período, el reality show Britney & Kevin: Chaotic fue lanzado en formato DVD con el primer EP de la cantante, Chaotic. A finales de ese mismo año, en un nuevo intento, Sony BMG Music Entertainment, la nueva compañía discográfica de la cantante, lanzó Key Cuts from Remixed, una pincelada de lo que sería su primer álbum de remixes, B in the Mix: The Remixes, el que dado a su nula promoción, solo debutó en la posición Nº 40 de la Billboard 200 de Estados Unidos, donde vendió unas escasas 131 mil copias. Por su parte, a nivel mundial vendió 274 mil copias. 2007-2009: regreso a la industria musical Véanse también: Blackout (álbum de Britney Spears), Circus (álbum de Britney Spears) y The Singles Collection (álbum de Britney Spears). Pese a sus abundantes problemas personales, a finales del año 2007 Britney Spears lanzó su quinto álbum de estudio, Blackout, el que fue producido, en su mayoría, por el dúoBloodshy & Avant y por el surgiente productor estadounidense Danja. Aunque la entonces dañada imagen de Britney Spears hacía creer que no ofrecería un buen álbum de estudio,Blackout terminó siendo ampliamente elogiado por los críticos, quienes catalogaron de «elegante, brillante y adictivo» a su sonido electropop inmerso en letras de índole sexual y sensacionalista. En suma, éste fue catalogado, anticipadamente, como el álbum de estudio del regreso de Britney Spears a la industria musical, después de cuatro largos años desde el lanzamiento de In the Zone. Pese a los elogios, la promoción de Blackout solo comprendió una única presentación de Britney Spears y el lanzamiento de tres sencillos: "Gimme More", "Piece of Me" y "Break the Ice"; de los cuales sobresalieron los dos primeros, por sus variados logros comerciales. De ellos, "Gimme More" alcanzó la posición N° 3 de la Billboard Hot 100 de Estados Unidos y se alzó como el entonces segundo sencillo mejor posicionado de Britney Spears en dicho ranking. Por su parte, la presentación en cuestión fue realizada en la apertura de los MTV Video Music Awards 2007. En ella, la cantante se mostró desganada y desinteresada en seguir, a cabalidad, elplayback y la coreografía, lo que generó un revuelo inmediato en la audiencia y los medios. Pese a la controversia, Blackout debutó en las primeras posiciones de numerosos rankings de ventas de álbumes, llegando a convertirse en un éxito Nº 1 en Europa y, en solo dos meses, en el 32° álbum más vendido en todo el mundo en el año 2007. Todo, pese a haberse filtrado antes de su lanzamiento en internet. Por su parte, en Estados Unidos éste debutó en la posición N° 2 de la Billboard 200 , tras un controvertido cambio de políticas realizado a último hora por la revista Billboard, que le impidió debutar como un éxito Nº 1 en dicho ranking. No obstante, sus ventas mundiales se estancaron en 2,3 millones de copias, sin conseguir devolverle a Britney Spears el apogeo comercial que disfrutó a comienzos de su carrera. Finalmente, en el año 2012 fue certificado disco de platino por la RIAA. Pese a todo, gracias a Blackout la cantante ganó numerosos premios, incluyendo tres MTV Video Music Awards 2008 por el video musical de "Piece of Me", lo que, con la superación de sus problemas personales y la reivindicación de su imagen, le serviría de plataforma para iniciar el que sería catalogado como su definitivo regreso a la industria musical. En un nuevo y definitivo intento por recuperar su apogeo, a finales del año 2008, en fechas cercanas al día de su vigésimo séptimo cumpleaños, Spears lanzó su sexto álbum de estudio, Circus, para cuya producción reclutó al dúo novato The Outsyders, al elogiado productor estadounidense Dr. Luke y a cuatro productores prestigiosos que habían respaldado etapas diferentes de la carrera de la cantante: Max Martin, Bloodshy & Avant,Guy Sigsworth y Danja. Los críticos sostuvieron que sus baladas y pistas bailables estaban diseñadas para marcar el regreso definitivo de Spears. La promoción del álbum involucró cuatro sencillos: «Womanizer», «Circus», «If U Seek Amy» y «Radar»; de los cuales el primero se alzó, casi una década después, como el segundo éxito número uno de Spears en la Billboard Hot 100 de Estados Unidos, donde rompió récords de ventas de descargas. Su promoción también abarcó presentaciones en cinco países, siendo la principal la realizada en los Bambi Awards 2008 de Alemania, además de Britney: For the Record, documental en el que la cantante se refirió a la superación de sus problemas, y de The Circus Starring: Britney Spears, la quinta gira más exitosa del año 2009, tras recaudar 131,8 millones de dólares con noventa y siete espectáculos.46 Con todo, Circus debutó y figuró durante varias semanas entre los álbumes más vendidos, llegando a convertirse en éxito número uno en Estados Unidos y Europa, y en menos de un mes, en el 15º álbum más vendido en todo el mundo en el año 2008. En Estados Unidos debutó como el quinto número uno de Spears en la Billboard 200 , donde la convirtió en la única artista que ha hecho debutar a cuatro álbumes con ventas récords superiores a las 500 mil copias.47 A nivel mundial vendió más de 3,4 millones de copias, con 1,7 millones vendidas solo en Estados Unidos, donde fue certificado de platino por la RIAA. A finales del año 2009, la cantante lanzó su segundo álbum recopilatorio, The Singles Collection, a modo de celebración de diez años de carrera. El único sencillo inédito del álbum, «3», fue producido por Max Martin y Shellback, y debutó, directa y paradójicamente, como el tercer éxito número uno de Spears en la Billboard Hot 100 de Estados Unidos, donde ningún sencillo había conseguido debutar como tal en tres años. Por su parte, The Singles Collection alcanzó la vigésimo segunda posición de la Billboard 200 de Estados Unidos y vendió 172 mil copias en el país y 755 mil copias en todo el mundo.48 Luego, con 38,8 millones, Spears fue ubicada en la quinta posición de la lista Money Makers 2009 de Billboard.49 50 2010-2012: inicios de una nueva década Véanse también: Femme Fatale (álbum de Britney Spears) y B in the Mix: The Remixes Vol. 2. Tras consolidar su regreso a la industria de la música, en el año 2010 Britney Spears se mantuvo en un bajo perfil público. Pese a ello, la revista Forbes la ubicó en la posición Nº 13 de su ranking del año, con $64 millones, siendo la segunda artista musical con mayores ingresos anuales en el ranking, después de Beyoncé.51 En marzo de 2011, la cantante lanzó su séptimo álbum de estudio, Femme Fatale, un álbum de dance-pop contemporáneo con influencias de géneros de música electrónicacomo el dubstep, que fue catalogado por los críticos como uno de los mejores de su carrera. Spears se lo dedicó a sus fans y lo describió como «un tributo para las mujeres y los hombres poderosos, llenos de confianza, divertidos y sexies».52 53 54 Su lanzamiento fue antecedido por sus dos primeros sencillos: «Hold It Against Me» y «Till the World Ends». El primero debutó como el cuarto éxito Nº 1 de Spears en la listaBillboard Hot 100 de Estados Unidos, luego de romper récords en las radios y en ventas de descargas.55 El segundo alcanzó la posición Nº 3 de dicha lista y se convirtió en uno de sus mayores éxitos radiales en el país.56 En el mismo período Spears colaboró en una remezcla del sencillo «S&M» de la cantante barbadenseRihanna, el que le valió a ambas un nuevo éxito Nº 1 en la Billboard Hot 100.57 Con el respaldo de sus sencillos, Femme Fatale debutó entre los diez álbumes más vendidos en las listas de numerosos países. La principal fue la Billboard 200 de Estados Unidos, donde debutó como el sexto álbum Nº 1 de Spears, luego de vender 276 mil copias durante su semana de publicación.58 Tras ello, fue certificado disco de platino por RIAA, acreditando un millón de copias comercializadas en el país;59dándole a la cantante parte de un total de 34 millones de álbumes certificados por la asociación y consolidando su lugar como la octava solista con mayores niveles de álbumes comercializados en la historia de la industria de la música de Estados Unidos. Los sencillos siguientes fueron «I Wanna Go» y «Criminal». El primero se convirtió en su décimo segundo éxito top 10 en Estados Unidos, donde registró la primera instancia en su carrera en la que ubicó cinco temas como tal de manera consecutiva. El acontecimiento convirtió a Femme Fatale en su primer álbum con tres éxitos top 10 en el país y a ella en la tercera artista femenina con más top 10 desde su debut.6061 Paralelamente, entre junio y diciembre de 2011, realizó la gira internacional Femme Fatale Tour, la onceava más exitosa del año, con $68,7 millones recaudados con ochenta espectáculos.62 Entre aquellos meses fue homenajeada en los MTV Video Music Awards 2011, lanzó su segundo álbum de remezclas, B in the Mix: The Remixes Vol. 2, y su primera gira en DVD en nueve años, Britney Spears Live: The Femme Fatale Tour, la que fue certificada de platino por la RIAA, tras comercializar más de 100 mil copias en Estados Unidos.63 En abril de 2012, firmó como rostro del juego Twister Dance de Hasbro, marca para la que grabó un comercial dirigido por Ray Kay, en el que interpreta una remezcla exclusiva de «Till the World Ends».64Luego de varios rumores, el 14 de mayo de 2012, Fox confirmó que Spears firmó por $15 millones como jueza de la segunda temporada de la versión estadounidense del programa The X Factor, junto a Simon Cowell, L.A. Reid y Demi Lovato.19 65 66 67 68 La competencia culminó el 20 de diciembre de 2012 con la victoria del cantante country Tate Stevens, mientras que el segundo lugar lo obtuvo una de las protegidas de Spears, la adolescente Carly Rose Sonenclar.69 Hasta principios de agosto de 2012, Spears tenía 19 millones de seguidores en Twitter, siendo la quinta artista con más seguidores en la red social. Paul Grein de Yahoo! la destacó por ser la artista más longeva de los cinco y citó: «Su continua capacidad de fascinar es notable».70 En noviembre de 2012, will.i.am y Spears estrenaron el sencillo «Scream & Shout», el que desprendieron del futuro cuarto álbum de estudio del rapero, #willpower (2013).71 72 73 74 75 El tema se convirtió en el sexto número uno de Spears en el Reino Unido y en su décimo tercer sencillo que figuró entre los diez primeros lugares en Estados Unidos,76donde alcanzó el número tres.77 En diciembre de 2012, Forbes la nombró la artista femenina que tuvo mayores ingresos durante el año, con $58 millones de dólares.78 Posteriormente, Spears dio a conocer su salida de The X Factor USAa través de un comunicado de prensa en el que expresó: He tomado la difícil decisión de no regresar para otra temporada. Tuve un tiempo increíble haciendo el programa, amo a los otros jueces (Simon Cowell, L.A. Reid y Demi Lovato) y estoy muy orgullosa de mis adolescentes (Carly Rose Sonenclar, Diamond White, Beatrice Miller y Arin Ray), pero es el momento de que vuelva al estudio de grabación. El verlos a todos hacer lo suyo en ese escenario todas las semanas, me hizo extrañar mucho hacer presentaciones. No puedo esperar a volver allí y hacer lo que más me gusta. Spears declaró sobre su salida de The X Factor USA.79 2013: octavo álbum de estudio y residencia en Las Vegas

«Todo lo que termine haciendo en el octavo álbum [de estudio] de Britney será con una atención real y seria. Cuando hablé con Britney, Adam [Leber] y Larry [Rudolph], pensé que Britney y yo necesitábamos tener conversaciones sobre la vida y convertirlas en canciones. No se trata solo de conseguir un buen ritmo y un buen estribillo. Podría hacer eso todo el día. Pero, ¿cómo hacemos para que sea personal, cuando se sangra desde el corazón? ¿Cómo nos tomamos el tiempo y la atención, y lo conectamos? Eso es lo que hemos estado haciendo. Hemos estado en conversaciones y almorzando, conociéndonos y divertiéndonos. Entonces, pensaremos en la música, después de que tengamos todas esas conexiones». —will.i.am reveló sobre el proceso creativo del álbum.80

Justo antes de que acabara 2012, Spears comenzó a grabar su octavo álbum de estudio,8182 Britney Jean,11 correspondiente al último trabajo que acordó por contrato con Jive Records.83 En respuesta, MTV y los lectores de Rolling Stone y Billboard lo catalogaron como uno de los álbumes más esperados de 2013.84 85 86 En enero de 2013, Spears firmó con Creative Artists Agency, agencia que desde entonces la representa.87 88 89 Respecto al álbum, diez productores confirmaron personalmente que trabajan en canciones potenciales para él. Ellos son: Hit- Boy,90 91 Danja,92 93 94 Rodney Jerkins,95 96 William Orbit —quien señaló que el álbum será «épico»—,97 98 99 100 Mike Will Made It — quien produce una canción titulada «Outta Control»—,101 Naughty Boy,102 103 104 DJ Replay,105 Scoop DeVille,106 Jeff Dandurand,107 Evan Voytas 108 y will.i.am,109 quien en mayo confirmó que será el productor ejecutivo.110 111 Respecto a esto último, especificó que intentará ser el «vehículo» entre la cantante y sus seguidores, y que el álbum tendrá un enfoque mucho más personal.110 Además, diversos medios confirmaron producciones de Lindal Andre, 112 Ammo ,113 114 Savan Kotecha 114 y Ojike,115 mientras que Diplo y Dr. Luke son otros posibles productores del álbum.110 116 114 Paralelamente, confirmaron a trece compositores: Sia Furler,117 118 119 Emeli Sandé,120 Charli XCX,121 Claude Kelly,113 Ester Dean,122 Ina Wroldsen,112 Candice Pillay,123 Khaled Rahime —quien compuso la balada «Old City of Mine»—,124 Karl Broderick,125 Bonnie McKee,126 Dev Hynes,127 Danny Mercer,128 Samantha Urbani,127 Elijah Blake,129 Sean Garrett 130 y Jean Baptiste,131 quien insinuó una posible colaboración con Christina Aguilera 132 y cuyas publicaciones hacen creer que trabaja en canciones tituladas «Feed the Wolves» y «You Ain't Even Know It».133Hasta mayo, el único colaborador vocal confirmado era el rapero Wiz Khalifa.134 Por su lado, Blake anticipó: «Creo que sus seguidores se sorprenderán. Yo diría que es definitivamente la Britney "inesperada" en muchos sentidos, pues está jugando con nuevas texturas y pisando fuerte sobre nuevas bases y géneros».129 «Definitivamente, quiero tomar este álbum y tener un nuevo enfoque, [para] que sea un poco diferente que cualquier cosa que haya hecho antes. Hay varias pistas diferentes muy interesantes que he escuchado, que son realmente geniales y que aún no he escrito, pero hay un montón de guitarras y creo que la gente se sorprenderá con este álbum. Será muy diferente». —Spears declaró que su octavo álbum de estudio será muy diferente a sus trabajos anteriores.9

Entre mayo y junio, Spears grabó dos canciones para el álbum,135 136 137 y fue portada de la revista Shape, a la que anticipó que el álbum «será más hip hop que pop»,138 mientras que en julio declaró que será el álbum más personal que ha hecho.139 140 141 Por otro lado, su publicista sostuvo: «Britney ha estado yendo a sesiones regulares con un entrenador vocal y también ha estado trabajando duro con su coreógrafo, preparando lo que se viene».142 En junio de 2013, Spears lanzó un tema que grabó para la banda sonora de Los Pitufos 2, «Ooh La La»,9 cuyo video musical contó con la aparición de sus dos hijos.143Previo al estreno, la cantante anticipó en un comunicado: «Siempre he amado a los Pitufos, desde que era niña, y ahora mis hijos son los mayores fans de la serie. [Así que] quería sorprenderlos con una canción en la película. ¡Sé que van a pensar que es Pitufástica!».144 A mediados de septiembre de 2013, Spears lanzó el primer sencillo del álbum, «Work Bitch»,145 146 147 148 y anunció su residencia de dos años en Planet Hollywood en Las Vegas, Britney: Piece of Me, la que se rumoreó durante meses.149 150 151 152 153 154 155156 157 Según el comunicado de la residencia: «El teatro totalmente reconstruido en Planet Hollywood Resort & Casino en Las Vegas albergará la más inmersiva sala de proyección interior del mundo y va a crear la experiencia más avanzada de conciertos nunca antes vista. En consonancia con el estilo y la innovación de Britney, este épico espectáculo en Las Vegas es un matrimonio entre la moda de alta costura, el estado de la tecnología y el estilo de las discotecas».158 159 160 En el mismo mes, se confirmó que Spears colaboró en «SMS (Bangerz)», tema que dio su título al álbum más reciente de Miley Cyrus, Bangerz.161 145 162 163 164 12 Por otro lado, Larry Rudolph, mánager de la cantante, sostuvo que la balada que Spears compuso con Sia, «Perfume», será el segundo o tercer sencillo del álbum.165 Al respecto, adelantó: «Es una canción de ruptura que habla sobre el deseo de una chica de que la nueva pareja de su ex huela el perfume de ella. La letra es realmente única. [...] Creo que todo el mundo estará muy impresionado con la canción».165 Tras su debut, Britney fue acreditando con los principales del restablecimiento de la población adolescente en la década de 1990. El diario Yomiuri informó que "los críticos musicales han aclamado como su ídolo del pop para adolescentes con más talento de muchos años, pero Spears ha puesto sus ojos un poco más alto «se propone para el nivel de estrellato que se ha logrado por Madonna y Janet Jackson».166 Rolling Stone escribió: "Britney Spears lleva a cabo el arquetipo clásico del rock & roll y reina adolescente, la muñeca de peto, la niña ángel que sólo tiene que hacer una escena.167 Rami Yacoub co-productor del álbum debut junto al escritor Max Martin, comentó: "Sé por Denniz Pop y por las producciones anteriores de Max, cuando hacemos canciones, hay una especie de cosa nasal. Con N Sync y los Backstreet Boys, hemos tenido que presionar para obtener el tipo de voz nasal. Cuando Britney lo hizo, ella consiguió este tipo de voz ronca, sexy". Después del lanzamiento de su álbum debut, Chuck Taylor de Billboard observó," Britney se ha convertido en un artista consumado, con movimientos de baile ágil, un evidente y real- aunque los jóvenes-y la voz funkdified... "(You Drive Me) Crazy", su tercer sencillo... demuestra el propio desarrollo de Spears, mostrando que a los 17 años de edad, ella está encontrando su personalidad vocal después de muchos meses de práctica y trabajo constante.168 " Stephen Thomas Erlewine de All Music Guide que se refiere a su música como una mezcla" de enfermedades infecciosas, rap-dance-pop y de inflexión baladas suaves."169 Britney más tarde comentó:" Con... Baby One More Time, no me va a publicar mi voz en off. Las canciones eran grandes, pero no eran muy difíciles ". "Oops!... I Did It Again" y "Britney", sus álbumes posteriores, se vieron trabajados con varios productoresR&B y Rock-Pop, dando lugar a "una combinación de goma de mascar, soul urbano y raga.".170 Su tercer álbum, "Britney" derivó del nicho teen pop, "rítmica y metódicamente... más nítida, más agresiva de lo que se vio anteriormente. Lo que solía ser descaradamente espumoso con algunos elementos de música disco, apoyado por la propia determinación valiente de Spears que son más atractivos y ayuda a vender los ganchos que ya , en general, poblaban sus dos anteriores discos."171 El crítico Allan Raible se burla de su excesiva dependencia en el Circo de los efectos digitales y el efecto robot que crea. "Ella nunca ha sido un gran vocalista..." escribe Raible, "¿Podría manejar estas canciones con arreglos y desmontado sin efectos vocales? Más importante aún, ¿alguien quiere oír su intento de una actuación? ¿Acaso importa? El objetivo sigue siendo N º imagen sobre la sustancia."172

Spears interpretando «Freakshow» en su The Circus Starring: Britney Spears, gira en la cual Britney tuvo grandes críticas por el uso de playback. Su capacidad vocal, así como su imagen y su personalidad han sido comparadas a menudo con la de su rival, pop, Christina Aguilera. David Browne de Entertainment Weekly observado "Christina Aguilera puede parpadear la piel y el ombligo, pero en su música y su forma, es demasiado ansioso de no ofender - es una chica buena fingiendo ser malo. Spears, sin embargo, aparece como una niña mala calidad bueno... artificiales Spears voz edulcorante es mucho menos interesante que la configuración, sin embargo, que la suavidad es de hecho un alivio en comparación con la gimnasia de adormecer los vocales de Aguilera.173 En contraste, los comentarios All Music Guide: "Al igual que sus pares Christina Aguilera, Britney iguala la madurez con la sexualidad y los sonidos transparentes latidos de discotecas... Cuando viene a través de Christina como un Skank nato, Britney es la chica de al lado de corte suelto en la universidad, beber y fumar y el baile y sexo sólo un poco sin cuidado, puesto que esta es la primera vez que puede permitirse a sí misma.174 Sal Cinquemani de notas Slant Magazine, "La disparidad entre Aguilera y Britney no puede medirse únicamente por el rango de timbre y octava de sus voces... la popularidad de Aguilera nunca ha alcanzado el punto álgido de Britney.175 Igual que la danza de otras estrellas del pop orientado, se ha informado ampliamente de que los labios se sincroniza Spears en concierto. Autor Gary Giddins escribió en su libro "La selección natural: Gary Giddins en la comedia, cine, música y libros (2006) que" entre los artistas de muchos otros acusados de mover los labios mientras la máquina hace el trabajo son Britney Spears, Luciano Pavarotti, Shania Twain, Beyoncé, y Madonna."176 Rashod D. Ollison de The Baltimore Sun, observa:" las estrellas del pop... Muchos sienten que no tienen más opción que buscar la mejora vocal. Desde el advenimiento de MTV y la música de otros vídeos canales, las audiencias pop han sido alimentados con vídeos elaborados de espesor con boquiabierto efectos, impresionante coreografía, ropa fabulosa, los organismos de maravilla. Y el mismo nivel de perfección se espera que más allá de la serie de vídeo a la etapa de conciertos. Así que si Britney Spears, Janet Jackson o Madonna sonidos estridentes y plano sin una pista de acompañamiento, los fans no va a pagar hasta $ 300 por un boleto de concierto.176 Giddins añade," se informó de los fans de Britney Spears prefiere la sincronización de labios, a pesar de su negación de hacerlo (en contradicción con su propio director)- porque esperan que la digitalización impecable cuando pagan mucho dinero para un concierto."176 Tomando nota de la presencia de playback, Los Ángeles Daily News" en el contexto de una Britney Spears concierto, ¿realmente importa? como un programa de revista Vegas, no vas a oír la música, usted va para el espectáculo un tanto ridículo-de todo ".177 Del mismo modo, Aline Mendelsohn del Orlando Sentinel señaló:" Pongamos las cosas claras: Un concierto de Britney Spears no se trata de la música... hay que recordar que se trata de la vista, no el sonido."178 El crítico Glenn Gamboa comentarios de su gira de conciertos son" como su vida-a masiva cantidad de dinero de toma de riesgo diseñado para jugar a sus talentos y distraer la atención de sus defectos con una mezcla de techno-teñido de sex-appeal y disco flash de sabor. Y, como su vida, que es, más o menos, un éxito.179 De acuerdo a Spears, las tres influencias que realmente la inspiraron son: Madonna, Michael Jackson y Janet Jackson.180 A lo largo de su carrera, Britney Spears ha sido comparada, frecuentemente, con las cantantes Madonna y Janet Jackson. Ello, en términos de voz, coreografía y presencia escénica, y dado a que la propia Britney Spears les ha citado como «influencias», debido a que desde que era pequeña que le gustaba apreciarlas. Pese a ello, desde un comienzo la cantante consideró que también tuvo su propia identidad.181 Aunque Britney Spears también ha catalogado al cantante Michael Jackson como una «fuente de inspiración» para sí, los críticos han sido categóricos y han señalado que «el Jackson que persigue Britney no es Michael, sino Janet». Respecto a Madonna, en el libro Madonnastyle, de Carol Clerk, se cita una declaración de Britney Spears: «He sido una gran fan de Madonna desde que era una niña. Realmente me gustaría ser una leyenda como ella. Sus coreografías, definitivamente, dieron la oportunidad a las niñas para atreverse a hacer lo suyo».182 Varios críticos han argumentado que Britney Spears no debe ser encasillada en la misma categoría de talento de Madonna o Janet Jackson. Ello, dado a que al examinar su nivel de habilidad, se cuestiona lo que tiene en común con dichas cantantes.183 Al respecto, periodistas como Erika Montalvo y Jackie Sheppard, del periódico Rocky Mountain Collegian, han señalado que algunos pueden argumentar que más que una buena cantante, Britney Spears es un «ícono cultural importante». Paralelamente, Joan Anderman, deBoston Globe, sostiene que «trece cambios de ropa en 90 minutos no la bendicen con la inteligencia o el barómetro cultural de Madonna»; y que «en el proceso de creación de un ejército de cortes R&B, sus productores no la harán acreedora ni del sentido del humor, ni de la sonrrisa sincera de Janet Jackson». En suma, sostiene que pese a que las influencias de Britney Spears no son grandes cantantes, son cantantes de verdad; no así ella, quien suena de manera robótica y casi inhumana en sus canciones, dado a lo precesada que es su voz.184 De manera particular, en las reseñas de su tercer álbum de estudio, Britney, reporteros como Ed Bumgardner señalaron que la cantante tomó señales de Madonna y Janet Jackson para iniciar su definitiva transición de cantante de pop adolescente a símbolo sexual.185Paralelamente, editores como Shane Harrison señalaron que desde el lanzamiento de dicho álbum se sentía que Britney Spears había tomado tanto la habilidad de Janet Jackson para incorporar cuestiones personales y sociales en su trabajo, como la capacidad de Madonna para redefinir, de manera constante, los límites de un material socialmente aceptable en la industria musical. Britney Spears, se convirtió en un icono del pop inmediatamente después de haber lanzado su álbum debut. La revista Rolling Stone escribió: "Spears es una de las artistas más controvertidas y exitosas del siglo XXI, Britney Spears no solamente es un ídolo del pop... ella creó la inocencia con un poco de sexualidad.186 La Revista Billboard escribió: "Britney es más que una cantante pop, su legado es comparado al de los más grandes como, Michael Jackson, Elvis Presley, The Doors y The Beatles, probablemente ella y Madonna son las mujeres más grandes en la historia"187 Britney ha sido referida en canciones de Eminem, Busta Rhymes, Missy Elliott, Pink,DMX, Busted, Miley Cyrus, Jay- Z y Ricardo Arjona. El famoso Museo de cera de Madame Tussauds tiene figuras de Britney en sus museos en diferentes partes del mundo. La más reciente fue la inspirada en el vestuario de la cantante el MTV Video Music Awards 2008 donde ganó tres estatuillas.188 El artista Daniel Edwards creó una escultura de Britney Spears desnuda dando a luz a su primer hijo Sean Preston. La escultura ha sido nombrada "Monument to Pro-Life: The Birth of Sean Preston" "Monumento a la Pro- 189 Vida: El Nacimiento de Sean Preston". Britney Spears fue parodiada en la película Stewie Griffin: La historia jamás contada 190 la cual fue lanzada en 2005 en DVD. También fue parodiada en la serie de televisión animada Los padrinos mágicos con el nombre de Britney Britney que se parece y actúa como Spears. También fue parodiada en la película de "Meet the Spartans" que se lanzó en 2008. El programa de televisión South Park creó un episodio llamado El Nuevo Look de Britney el cual hizo referencias a los problemas de Britney y su hospitalización en 2008. En el episodio, Spears comete suicidio puesto que se pone un rifle en la boca y dispara.191 Pero Britney no muere en el disparo (sobrevive, pero sin la mitad de su cabeza, y su cerebro perdido) y trata de retornar a la música en losMTV Video Music Awards con muy malas críticas.192 Britney fue referenciada en dos episodios más, uno en 2003 y el otro en 2004. Jenn Harris hará el papel de Britney en la obra off-Broadway en el teatro Ace of Clubs en la ciudad de Nueva York.193 Pero debido a problemas de último minuto, el show fue pospuesto para el invierno de 2008, la fecha original era para el 11 de mayo de 2008. Spears ha sido declarada un icono del pop desde los inicios de su carrera como solista, además en la actualidad fue nombrada una de las 3 mejores cantantes del género pop obteniendo así el puesto número 2 de éste, y fue Madonna quien obtuvo el puesto número uno. En el año 2010 Britney Spears fue escogida como la cantante femenina más sexy de todos los tiempos por los lectores de la revista Billboard 194 tras recibir más del doble de los votos del segundo lugar obtenido por Beyoncé. En el mismo año volvió a convertirse en el rostro publicitario de la marca Candie's, para la que diseñó su propia línea de ropa. El 28 de septiembre de 2010, la cadena de televisión por cable Fox, transmitió el segundo capítulo de la segunda temporada de la exitosa serie Glee: Britney/Brittany. Éste, un tributo a Britney Spears, registró 13,3 millones de espectadores, récord de audiencia en Estados Unidos y superó incluso al episodio tributo que la serie hizo a Madonna.195 196 Tras ello, Glee Cast superó a la banda The Beatles, al registrar más ingresos que ésta en la Billboard Hot 100 . Esto último, después de que las versiones de Glee Cast de los 5 sencillos de Britney Spears interpretados en el capítulo, ingresaran la semana del 16 de octubre de 2010 a la Billboard Hot 100. Por su parte, la versión de "Toxic" de Glee Cast se alzó como la más exitosa de todas ellas, después de vender 109.000 descargas digitales en su primera semana en Estados Unidos, las cuales entonces le hicieron debutar en la posición Nº 16 de la Billboard Hot 100, con lo que registró el mejor debut de dicha semana en el ranking.197 En el año 2011, el periodista James Montgomery, de MTV, publicó un artículo titulado «Britney Spears: The Origin Of The Super-Pop Species». En él catalogó a artistas como Lady Gaga y Katy Perry como derivadas diversas y profundizadas de Britney Spears, a quien citó como el «origen» de todas las «estrellas pop» contemporáneas.198 En el mismo año, la periodista Jocelyn Vena publicó un artículo aludiendo a algunas de todas las artistas pop con las que Britney Spears ha sido rivalizada por los medios durante su carrera, incluyendo a Christina Aguilera y Lady Gaga. Al respecto, especialistas de la industria sostuvieron que se sentía como si dichas artistas tuvieran rivalidad con Spears, pero no ella con las aludidas, pues, de una u otra forma, «siempre ha permanecido en la cima».199 Un artículo similar, publicó Vibe.200 El 9 de mayo de 2000 lanza su primer libro llamado Britney Spears Heart to Heart que fue co-escrito por su madre, Lynne Spears. Se basa principalmente en torno a la fama de Spears, sus antecedentes, y la familia. Asimismo, las características nunca antes vistas, docenas de fotos, actuaciones, apariciones en premios y mucho más. Fue nombrado best-seller en 2000 por el New York Times. Su segundo libro llamado A Mother's Gift, el cual también fue co-escrito por su madre, Lynne Spears. La historia es acerca de una niña de 14 años de edad, llamada Holly Faye de un pequeño pueblo en Misisipi. Ella acepta una beca como estudiante en la exclusiva Escuela Haverty de Artes Escénicas. Del libro se hizo más tarde una película para televisión en la cadena ABC llamada Brave New Girl, sin embargo, la historia fue cambiada drásticamente, el New York Times los nombró best seller. Stages fue lanzado como tercer libro de Britney junto con un DVD sobre su gira, Dream Within a Dream Tour. El libro fue publicado en 2002. El libro se suministra con un DVD que muestra a la intérprete 3 días en México. El tipo de cine documental, muestra a su llegada a México, a una conferencia de prensa donde se niega hablar de su vida privada también de su último concierto, que fue cancelado debido al mal tiempo, como los primeros dos libros Stages logró ser nombrado best-seller por el New York Times. En 2004 se puso a la venta su primera fragancia que lleva por nombre Curious,201 202 que registró ventas de más de cien millones de dólares de acuerdo con el sitio web BrandWeek.com.203 Un año más tarde, se emprendió la campaña publicitaria del lanzamiento de la que se convertiría en su segunda fragancia, la cual lleva por nombre Fantasy, el comercial de televisión tiene como banda sonora la canción Breathe on Me de su cuarto álbum de estudio In the Zone. Finalmente después de dos años de exitosas fragancias, en el mes de abril de 2006 su tercera fragancia In Control fue puesta a la venta en las principales tiendas departamentales de los Estados Unidos y Europa. Según declaraciones de la propia Britney, su más reciente esencia se define como la gemela deCurious. El día 22 de noviembre de 2006, confirmó en su página de fragancias, que pronto saldría a la venta la nueva esencia llamada Midnight Fantasy, este nombre rompió con el rumor de que el nuevo álbum de Britney Spears se llamaría de la misma manera. El envase del perfume es igual al de Fantasy nada más que en color azul, y la foto promocional que se dio a conocer en la página está en una noche de luna lloviendo. En 2007, Spears sacó al mercado su quinta fragancia, llamada Believe. La publicidad de esta fragancia fue bastante polémica, puesto que mostraba a Spears más esbelta y bella que nunca, siendo que pocos días después se mostró a una Britney con un poco de sobrepeso. Por esto, muchos dijeron que la mujer de la publicidad no era Britney. En enero de 2008, cerca del Día de San Valentín, se puso a la venta Curious Heart con el slogan "¿Tu ya encontraste el tuyo?", el envase de Curious Heart es una combinación única con el perfume Curious original. Por ser una edición especial para coleccionistas, la fragancia fue lanzada en Estados Unidos en tiendas seleccionadas como Macy's, Belk y Ulta.204 En el año 2009 sacó a la venta dos fragancias: Hidden Fantasy, un perfume floral gourmand, que se caracteriza por las notas de mandarina, flor de naranja, jazmin de Sambac, vainilla, sándalo y cereza. "La inspiración original para esta fragancia viene del amor de Britney por florales blancos, vainilla y deliciosos postres," dijo el creador Rodrigo-Flores Roux, y Circus Fantasy. Fue la primera fragancia que la empresa Elizabeth Arden creó específicamente para el álbum de un artista. Circus Fantasy, cuarta fragancia en llevar el nombre Fantasy, llegó al mercado en septiembre de 2009.205 En septiembre de 2010 Radiance es lanzada al mercado con aroma de frutos silvestres y de pétalos de flores, además de toques de jazmín. Fue promocionada en un video musical de la cantante (Hold It Against Me) siendo muy criticada por el uso de la publicidad por emplazamiento. En 2011, lanzó Cosmic Radiance, una reedición del perfume que mezcla nuevos aromas, como también un nuevo diseño.206 El término de su relación sentimental con Justin Timberlake causó un gran revuelo en los medios de comunicación en marzo de 2002,207 no obstante y rodeados de muchos rumores de infidelidad, ninguno de los dos especificó la razón de la separación.208 Cuando Justin lanzó el sencillo "Cry Me a River" en 2003, se especuló que la letra de la canción tenía relación directa con su separación con Britney y una supuesta infidelidad por parte de ésta. La versión cobró importancia al estrenarse el video musical de la canción, puesto que aparecía un triste Justin, acompañado de una mujer rubia, muy similar a Britney, en un ambiente lluvioso y melancólico. Con respecto a la enigmática virginidad de Spears, todo quedó claro cuando Timberlake le concedió una entrevista a Barbara Walters en noviembre de 2002, donde aseguró que él había sido el primer hombre de Britney.209 En agosto de 2003, Spears hizo sus descargos en la revista W, aclarando: "Solo me he acostado con una persona en toda mi vida. Fue al cabo de dos años de haber comenzado mi relación con Justin. Yo pensé que él era el elegido, pero me equivoqué. Nunca pensé que iría a lo de Bárbara Walters para traicionarme".210 Meses más tarde, cuando ella promocionaba su álbum In the Zone en el programa especial de MTV, In the zone and out all night, sugirió que el pene de Timberlake tenía un reducido tamaño, no como los medios de comunicación creían.211 El 3 de enero de 2004, Britney se casó en Las Vegas con Jason Allen Alexander, un viejo amigo de toda la vida. La boda tuvo lugar en la Little White Wedding Chapel. 55 horas más tarde, la pareja anuló su matrimonio. Muchas fuentes afirman que Britney y Jason habían bebido demasiado aquella noche, por lo que no eran conscientes de lo que hacían. Se casó con el bailarín Kevin Federline el 18 de septiembre de 2004 en Los Ángeles, California, del que pidió el divorcio en noviembre de 2006, el proceso de divorcio terminó a mediados de 2007. La legitimidad de la boda fue criticada. Un representante del condado de Los Ángeles confirmó que la pareja había registrado su licencia matrimonial dentro de diez días tras la fecha de la ceremonia y que estaban legalmente casados. Britney anunció en su página web en abril de 2005 que estaba embarazada de su esposo, Kevin, naciendo su hijo Sean Preston el 14 de septiembre de 2005. Posteriormente, en mayo de 2005 fue emitido por el canal UPN su reality show, en el que sus seguidores pudieron ser testigos de cómo conoció a Kevin Federline y finalmente se casaron. Dicho reality lleva el título Britney and Kevin: Chaotic, utilizando el eslogan Can you handle our truth? (¿puedes soportar nuestra realidad?). El programa cuenta con 6 episodios, el primero y el último de 1 hora y los demás de media hora cada uno. Su segundo hijo, Jayden James, nació el 12 de septiembre de 2006 en Los Ángeles mediante una cesárea pesando alrededor de tres kilos. La cantante, estuvo acompañada por su madre, Lynne Spears; y su hermana, Jamie Lynn Spears. Además, también estuvo a su lado su esposo.212 Actualmente Spears se encontraba planeando su boda con su comprometido y exrepresentante, Jason Trawick, sin embargo anularon su compromiso en enero del 2013.213 Después que la artista se casara con el bailarín Kevin Federline, su vida fue un blanco muy demandado de la prensa rosa y lospaparazzis, los cuales ya seguían cada uno de sus movimientos desde sus inicios y aún más luego de su divorcio y sus posteriores problemas.214 El 2007 fue declarado el año de Britney por sus problemas personales (salidas nocturnas insanas, descuidada apariencia personal, consumo de sustancias nocivas, entrada y salida a clínicas de rehabilitación, pérdida de la custodia de sus hijos, tutela propia concedida a su padre). Su presentación en los MTV Video Music Awards de ese año, demostró qué sus problemas personales también se vieron reflejados en su carrera. Creo que me casé por las razones equivocadas. En lugar de seguir mi corazón y hacer algo que me hiciera realmente feliz. Solamente lo hice porque...por la idea del matrimonio y todas esas cosas.215 Britney Spears Britney logró salir adelante durante los siguientes años y dejó atrás todos sus problemas para retomar su carrera y la custodia de sus hijos, es considerada como un ejemplo de supervivencia y superación personal dentro y fuera del mundo del espectáculo.216 217 Bruce Springsteen. (Llamado The Boss; Freehold, EE UU, 1949) Cantante estadounidense de rock. La intensidad de sus grabaciones y conciertos con la E. Street Band lo convierten en uno de los artistas más carismáticos del mundo del rock. Un primer éxito de público y crítica fue el álbum Born to run (1975), aunque fue en los años ochenta cuando se convirtió en una estrella internacional y en un ídolo de la cultura popular de Estados Unidos, gracias a su disco Born in the U.S.A. (1985). A partir de 1991 un camino más acústico e intimista, a imagen de Bob Dylan, por quien el cantante siente gran admiración, que se refleja en discos como Human touch (1992) o Lucky town (1997), y en 1992 CAFE QUIJANO

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Cafe Quijano. Café Quijano, el grupo leonés formado por los tres hermanos Quijano (Manuel, Oscar y Raúl), comenzó a despuntar allá por 1996, inspirados por el ejemplo de su padre, profesor de música y que tocaba de vez en cuando la guitarra en pequeños locales. Ese año graban una maqueta que reparten entre discográficas y representantes. Esa maqueta llegó a los directivos de la Warner Music, que deciden dar un voto de confianza al nuevo grupo.

En 1998 Café Quijano publica su primer disco, titulado precisamente 'Café Quijano', con el que realizan una gira por toda España.

Con su segundo álbum logran la consagración como grupo musical puntero. 'La extraordinaria paradoja del sonido Quijano' es una mezcla de sonidos rock con ritmos latinos como la rumba o el mambo. Consiguen un disco de platino y optan a los Grammy como mejor banda de rock latino. La canción más destacada del disco es la titulada 'La Lola', número uno en numerosos países y que les abrió las puertas del mercado latino y colaborar en la película 'Torrente 2', interpretando algunos de los temas de la banda sonora.

El tercer álbum, publicado en 2001 lleva el título de 'La taberna del Buda' y repite la fórmula de su anterior trabajo. Como dicen ellos, en el mundo de Café Quijano, cada canción es una historia completa.

El cuarto trabajo de Café Quijano incluye participaciones especiales con artistas como Joaquín Sabina y Celine Dion. 11 temas nuevos con la producción de Humberto Gatica en Los Angeles, con la crema de los músicos californianos: Michael Landau, Tim Pierce y Mike Thompson. Este disco es un tributo entusiasta y personalísimo a lo mejor de la historia del rock.

Fuente: Todomusica Camilo Sesto

Datos generales

Nombre real Camilo Blanes Cortés

Nacimiento 16 de septiembre de 1946(67 años)

Origen Alcoy, Alicante, España

Ocupación Cantante compositor productor

Información artística

Otros nombres Camilo Sesto Género(s) Balada, pop, rock

Instrumento(s) Voz, guitarra, batería

Período de 1964 - 2012 actividad

Camilo Sesto (n. Alcoy, 16 de septiembre de 1946) es el nombre artístico de Camilo Blanes Cortés, cantautor, productor musical y compositor de balada romántica, pop yrock. Es uno de los principales cantantes españoles, galardonado en el 2011 con la medalla "Máximo orgullo Hispano" entregado en la ciudad de Las Vegas en Estados Unidos. Ha editado álbumes en idioma inglés, y algunas de sus canciones clasicas las ha interpretado en italiano, portugués y alemán. Gracias a su frenética actividaddiscográfica en las décadas de 1970 y 1980, continúa siendo uno de los artistas con mayor cantidad de números 1, en total 52, y en la lista de los 40 principales es de 18.1 . Como compositor ha escrito canciones para artistas como Miguel Bosé, Cristina,Francisco, Ángela Carrasco, Lani Hall, Audrey Landers, Lucía Méndez, Manolo Otero,Sergio Fachelli, Charytín Goyco, José José, Federico Cabo entre otros, además produjo y tradujo al español las letras de uno de los álbumes de Air Supply.2 3 En 1975 protagonizó el papel de Jesús en la Ópera rock Jesucristo Superstar,4 que él mismo financió en su adaptación al español. [cita requerida]

Desde el 2008, Camilo anunció su retiro de los escenarios, dando inicio a una "Gira del Adiós" que se prolongo por tres años. En este tour se editó un DVD en vivo llamado "Todo de mí" el cual se grabó en Madrid. En mayo del 2011 Camilo hace sus últimas presentaciones en directo en Estados Unidos, durante esa visita las autoridades estatales proclamaron el día 28 de Mayo "Día de Camilo Sesto"5 Nace en una familia de clase humilde. Sus padres son Eliseo Blanes y Joaquina Cortés (fallecidos). Las lenguas maternas de Camilo Sesto son el castellano y el valenciano. Además habla inglés, idioma que estudió en Los Ángeles. Sus primeros pasos como cantante los da en el coro de su colegio en Alcoy, pero no comienza a interesarse realmente por la música hasta los 16 años. Desde mediados de los años 60 Camilo Sesto (entonces aún Camilo Blanes) forma parte del grupo pop Los Dayson, con el que canta en bodas y bautizos por la comarca de su natal Alcoy. Interpretaban canciones de The Beatles, los Bee Gees, el Dúo Dinámico y otros, además de las primeras composiciones del propio Camilo. Después de editar un disco, en 1965 viajan a Madrid para participar en el concurso de Televisión Española Salto a la Fama. Interpretan "Flamenco", de Los Brincos. Después de esa actuación, los restantes miembros del grupo regresaron a Alcoy, pero Sesto se quedó en la capital. Tuvo que dedicarse a tocar instrumentos, a hacer coros para otros músicos y a pintar (su otra gran pasión), para poder sobrevivir.6 En 1966 Sesto entra en las filas de otro grupo, Los Botines, que a partir de entonces pasa a llamarse Camilo y Los Botines.7 El grupo participa en 1967 en el rodaje de la versión cinematográfica española de El flautista de Hamelín (protagonizada por el cantante españolMiguel Ríos). Sesto llega a estar entre los protagonistas principales en Los chicos del Preu (dirigida por Pedro Lazaga), una de las 100 películas más vistas de la historia del cine español. El papel de Camilo en ella contiene retazos autobiográficos, y su profética frase guitarra en mano "Con esta la voy a armar, seré famoso, grabaré discos que se venderán por millones". En otoño de 1970 grabó un sencillo con los temas Llegará el verano y Sin dirección, aún bajo el nombre artístico "Camilo Sexto". En 1970 inició su carrera en solitario como "Camilo Sexto",7 ganó el premio "Revelación", en el Festival de los Olés de la Canción. Participó en el concurso Canción 71 con el tema Buenas noches. En el mes de marzo de ese mismo año grabó su álbum Algo de mídirigido y realizado por Juan Pardo, ya como Camilo Sesto y con algunas de sus composiciones. Comenzó a hacerse popular con títulos como "Lanza tu voz", "A ti, Manuela", "Ay, ay, Rosseta" y "Mendigo de amor". En 1971 modificó su nombre artístico para pasar en lo sucesivo a llamarse "Camilo Sesto" (con "s" y no con "x").7 Su primera aparición en Televisión Española como solista fue interpretando el tema Buenas noches, adaptación pop de la célebre canción de cuna deBrahms. Gracias al gran éxito que le proporcionó su composición Algo de mí (su primer número 1), contenida en el disco homónimo, se consagró definitivamente y para siempre a nivel popular. En mayo participó en el Festival de la Canción del Atlántico en Puerto de la Cruz, Tenerife, donde obtuvo el segundo lugar, con la canción "Mendigo de amor" compuesta por Juan Pardo. En 1972 su carrera cruzó el Océano Atlántico y llegó a Argentina en donde recibió su primer disco de Oro y comenzó una serie de exitosas presentaciones en Buenos Aires, Argentina y otros países. Ese año editó su álbum "Solo un hombre" también dirigido y producido por Juan Pardo ,con éxitos tales como: Amor amar, Fresa salvaje, Como cada noche, Con razón o sin razón y To be a manel cual fue nominado al Grammy como "Mejor canción extranjera" . En 1973 en el II Festival OTI de la Canción, llevado a cabo en Bello Horizonte (Brasil), logró el 5º puesto con el tema Algo más, el cual llegaría a convertirse, paradójicamente, en un éxito de ventas en el ámbito de la OTI. En el Festival del Atlántico le entregaron el premio al "Mejor Show" en este año. Creó la música para la obra de teatro Quédate a desayunar, de Marisol. Obtuvo, entre otros, el premio "Aro de oro" al mejor cantante. En el Maratón 1973 de la cadena de emisoras de la COPE se le entregó el galardón al "Mejor cantante del año". Asimismo, obtuvo un premio de la cadena de emisoras de la REN y el "Trofeo a la Popularidad" del Diario Pueblo. La revistaRecord World y la revista El gran musical le otorgaron premios. En noviembre de ese año salió a la venta uno de sus discos más vendidos: Algo más, con los temas: "Algo más", "Sin remedio" y "Todo por nada", que llegaron a los primeros lugares en todo el mundo. En febrero de 1974 participó en el Festival de Viña del Mar, Chile. Después editó su álbum Camilo y temas como "¿Quieres ser mi amante?", "Llueve sobre mojado", "Ayudadme" , "Isabel" , "Déjame participar en tu juego" y un clásico infaltable cada año y en la misma fecha "Madre", comenzaron a subir en las listas de éxitos radiales en todo el mundo. Recibió discos de oro en Chile, México yVenezuela por sus millonarias ventas con el tema "¿Quieres ser mi amante?". Luego de hacer una gira por Hispanoamérica, al regresar a España recibió un Disco de Oro. El 6 de noviembre de 1975 Camilo comenzó a protagonizar la Ópera rock Jesucristo Superstar en el Teatro Alcalá- Palace de Madrid(España). También la produjo, costeándola en su totalidad. Había decidido realizarla en España tras asistir a varias representaciones enLondres. El proyecto resultaba sumamente complejo y caro, por lo que se dudaba acerca de su viabilidad. Pero una vez en marcha, las funciones se prolongaron por cuatro meses con un gran éxito de público. La magnitud y calidad general de la obra (el compositor de la música, Andrew Lloyd Webber, reconoció que la única producción de todas las realizadas a lo largo del mundo equiparable a la original, norteamericana, fue la española[cita requerida]) contribuyó a elevar a Camilo Sesto en España hasta la categoría de mejor artista del momento. Y además dio inicio al fenómeno de los musicales en España, hasta entonces inexistentes. Sesto representó el papel deJesús de Nazaret. También participaron en el elenco Ángela Carrasco, en el papel de María Magdalena; Teddy Bautista, como Judas(también se encargó de la dirección musical); Alfonso Nadal, como Poncio Pilato, y Dick Zappala, como Herodes Antipas, entre otros. La dirección y la adaptación de las letras originales corrió a cargo de Jaime Azpilicueta. La producción fue del propio Camilo Sesto, invirtiendo en el proyecto más de 12 millones de pesetas. En este año edita y produce su álbum Amor libre con grandes éxitos como "Jamás", "Piel de ángel", "Melina" entre otros, además sale al mercado Jesucristo Superstar. Al finalizar la obra, la empresa Gillette ofrece a Sesto cincuenta mil dólares por afeitarse la barba para uno de sus anuncios. El cantante acepta, pero dona el dinero a un asilo de niños huérfanos. En "Estados Unidos" el tema "¿Quieres ser mi amante?" es nominado al Grammy. Además, consigue el premio a la mejor atracción, otorgado por la revista Show Spress, así como el Premio Vips de Oro por su destacada labor. En 1976 lanza el álbum Memorias con éxitos tales como "Alguien" , y el rockero "Solo tú" donde alcanza registros altísimos. Entre los éxitos que contiene destaca el primer tema, Memorias cuyo video promocional tiene la peculiaridad de ser grabado en la NASA. Durante ese año compone dos canciones para Miguel Bosé, a quien lanza como cantante al producir y componer su primer disco. En mayo de 1977 sale a la venta su álbum Rasgos con grandes éxitos "Si tú te vas", "Con el viento a tu favor" y "Mi buen amor". Ese mismo año edita otro álbum llamado Entre amigos con éxitos de la talla de "Miénteme" y "Celos". El título hace referencia a los compositores, a los cuales se abre Camilo Sesto, invitándolos a este disco. Entre ellos destaca el compositor español Juan Carlos Calderón, quien entre otros temas le compone "Celos", uno de los escasos grandes éxitos suyos de los que él no es autor. Realiza un memorable recital en vísperas de la fiesta de Reyes, dando un recital benéfico en el escenario del Teatro Alcalá-Palace a beneficio deniños con capacidades diferentes. Le otorgan el título de "Cantante español más importante de 1977". En 1978 se edita su álbum Sentimientos. Al mismo tiempo,"Vivir así es morir de amor" y su tema "El amor de mi vida", del mismo álbum, se transforma en el sencillo más vendido de toda la década y en todo un clásico. Ese año recibe el Premio "Atracción" por ser el cantante más contratado durante ese año. Además, se le hace entrega de un Disco de Platino, por haber vendido más de un millón de discos. En noviembre realiza una gira por Estados Unidos y México. En 1979 Sesto efectúa presentaciones con gran éxito en Alemania, Francia e Italia. Toma 3 meses de vacaciones en Los Ángeles, fijando allí su residencia, con la intención de conquistar el mercado norteamericano y mejorar su inglés. En abril se le otorga un Disco de Platino por haber vendido la cifra récord de 13 millones de discos durante ese año en todo el mundo. El 6 de noviembre se presenta en el Madison Square Garden de Nueva York, ante más de 45.000 personas, bajo el reclamo de ser "The Sinatra of Spain". Actúa invitada por él Ángela Carrasco. El 27 de junio, en el Auditorium de Palma de Mallorca, participa junto con otros cantantes en el Festival a beneficio de Unicef. Escribe una canción especial para el afamado cantante mexicano José José, "Si me dejas ahora" la cual le da el nombre al álbum de este intérprete, al igual que otra canción: "Donde vas"; ese disco, producido en mancuerna por el señor Camilo Blanes e interpretado Magistralmente por José José. Sesto produce en diciembre su álbum Horas de amor y se disparan a los primeros lugares "La culpa ha sido mía", "Has nacido libre" y "Si me dejas ahora". A finales de este año, compone y produce quizás uno de los temas a dúo más importantes de la década "Callados" . En los años 80 Camilo Sesto prosigue con gran éxito su carrera, pero sin dejar de adaptarse a los nuevos tiempos, principalmente a través de la actualización de los arreglos de sus composiciones. El tema fundamental de sus creaciones seguirá siendo el amor. En enero de 1980, realiza en Madrid y Barcelona galas benéficas en favor de la Cruz Roja. Desde marzo hasta junio habita en Los Ángeles, en la mansión perteneciente al actor Carrol O'Connor. Después regresa a España para actuar. En mayo le entrega una canción a José José, "Insaciable amante", que vendría incluida en el álbum Amor, amor del cantante mexicano. A finales de junio visitaArgentina con Ángela Carrasco. Su presencia es aprovechada para ser incluidos en la película argentina La discoteca del amor. En agosto hace la primera gala de verano en Madrid. El 1 de octubre realiza las galas OTA 80 en Palma de Mallorca. Canta con el dedo meñique derecho escayolado, a causa de una lesión que había sufrido durante un partido de tenis. En verano regresa a Madrid para reaparecer en una serie de galas. A finales de ese año edita su álbum Amaneciendo con el que se ubica como n° 1 en toda América, Latinoamérica y España, vendiendo más de 10 millones de copias del álbum, con 5 sencillos editados, destacando, "Perdóname", "Vivir sin ti", "Días de vino y rosas", "Donde estés, con quien estés" y "Un amor no muere así como así". En enero de 1981 triunfa en el programa de máxima audiencia holandesa Telebingo. En febrero 1981 es invitado al "Festival de Viña del Mar", Chile, le entregan a pedido del público el Premio "Gaviota de Plata". Es el primer artista al que se le concede este galardón. Este premio quedará desde entonces consagrado como el símbolo de ese festival. Después de una gira Camilo se presenta nuevamente en el Casino Las Vegas con nueva exhibición , producción y arreglos, entre el público se encuentran "Priscilla Presley", "Julio Iglesias", "Miguel Bosé", "José Luis Rodríguez" y "KC and the Sunshine Band", entre otros. En septiembre se va a vivir a Los Ángeles, a una mansión cuyo dueño es el actor Michael York. En octubre sale al mercado su álbum Más y más los temas Amor no me ignores, Tarde o temprano y el clásico No sabes cuánto te quiero llegan a los primeros lugares . El Día de la Hispanidad vuelve a actuar en el Madison Square Garden de Nueva York, participando en el Festival de la Hispanidad. En 1982 ofrece un recital en Palma de Mallorca ante 16.000 personas, con un emocionante cierre: cuando Camilo le dedica el temaPerdóname a su madre, y ambos rompen en llanto, el público se pone de pie. Ese mismo año saca al mercado su álbum Camilo, grabado totalmente en inglés. A finales de este año produce su álbum Con ganas con grandes éxitos "Mi mundo tú", "Terciopelo y piedra", "Mientras tú me sigas necesitando" y "Devúelveme mi libertad", entre otros. En 1983 se presenta con extraordinario éxito en la BBC de Londres, en el Show de Grace Kennedy. La presentadora lo nombra "Camilo Sesto Superstar"; ambos interpretan a dúo "You don't bring me flowers", y Camilo canta sus más recientes éxitos, incluyendo "Shoulder to Shoulder". El 14 y 15 de mayo de ese año Camilo Sesto se presenta en el Felt Forum de Nueva York. A finales de mayo, en su gira por los Estados Unidos, se presenta en el The Universal Amphitheatre. Camilo Sesto incursiona en Hollywood al presentarse en los Estudios Universal, en dos horas de actuación ante más de 16.000 personas, lo coloca como el artista extranjero más importante de ese año (Disco Show). Ese año produce además un LP para Ángela Carrasco, Unidos, compuesto y producido por él mismo y otro para la mexicana Lucía Méndez, intitulado Cerca de ti, también producido y escrito por él. A comienzos de noviembre realiza en México más de una decena de galas benéficas, donde todo lo recaudado va en beneficio de los más desposeídos, entre otras: la Asociación Mexicana de Asistencia Cardiovascular, la Asociación de Niños Huérfanos "El Mexicanito", la Fundación Rotaria de Rehabilitación, la Cruz Roja Mexicana y la Casa Cuna "La Paz", entre muchas otras. Camilo hace entrega de los cheques personalmente. El 24 de noviembre nace su hijo Camilo Míchel, fruto de una relación con la mexicana Lourdes Ornellas. A finales de año se edita su álbum Amanecer 84. Éxitos como "Paloma blanca, paloma mía" y "Amor de mujer" llega a los primeros lugares en los 40 principales. En 1984, el 14 de febrero, coincidiendo con el día de San Valentín, Camilo recibe de manos de Odette Pinto, en la discoteca Muntaner 4 de Barcelona, el premio "Romeo de la Canción". A finales de febrero a Camilo se le brinda un homenaje en el lujoso restaurante "La Bastilla" por el gran éxito conseguido en los "Estados Unidos" ese año recibe el premio A.C.E "Mejor artista extranjero" y "Mejor espectáculo extranjero" en Nueva York, en Japón y en Europa. El 11 de mayo Sesto actúa en Chicago, donde reúne a más de 15 mil personas en Le Pavillon. El sencillo "My love", interpretado a dúo con la actriz y cantante Audrey Landers (de la serie Dallas), se transforma en todo un éxito en los Estados Unidos, en Alemania y en los Países Bajos. El 15 de octubre, en la sala madrileña Florida Park, se entregan los discos de Oro y de Platino a los cantantes más importantes. Estos galardones están garantizados por la Sociedad General de Autores de España y por la Asociación Fonográfica del Video. Sesto estaba de gira, pero se le otorgan 7 Discos de Oro y otro de Platino. Entre el 8 de octubre y el 13 de noviembre realiza una gira por Venezuela, Argentina y Ecuador. En 1985 edita el álbum Tuyo donde destacan "Contigo soy capaz de todo" y "Ven o voy". En febrero Camilo Sesto llega a la isla de Puerto Rico, y es tanta la euforia de los millares de fans que el gobernador Rafael Hernández Colón declara el 21 de febrero de 1985 "Día Tributo a Camilo Sesto". En marzo recibe un galardón por ser el artista que más ha contribuido a la defensa y divulgación de la cultura española. En mayo lleva a cabo una exitosa gira por Japón: 7 conciertos en total, en los que reúne a más de 40.000 personas en cada Show, que además es transmitido a millones de radioescuchas y se presenta en la televisión Japonesa con gran éxito. En septiembre obtiene el "Premio Ricard de la Canción 1984" al cantante más popular. Escribe su autobiografía, titulada Biografía y memorias, editada por Plaza & Janés. En ella plasma toda su vida: sus experiencias, sus amores, sus inquietudes, su familia, sus referencias musicales y sus intimidades.8 En 1986 lanza su álbum "Agenda de baile" y su nueva versión de " Quererte a tì". En febrero se lleva a cabo la entrega de Premios "Grammy" el single " Corazón encadenado" producido y escrito por Camilo e interpretado a dúo junto a "Lany Hall" es el ganador enLos Ángeles. En octubre realiza una gira por México durante poco más de un mes. A finales de octubre realiza una exitosa gira por los Estados Unidos. Además, se presenta en Disneylandia, tras participar en el desfile de muñecos de Disney; da un recital para más de seis mil personas y graba un video junto a Blancanieves. Este es, sin embargo, el año de su retiro voluntario de los escenarios. En marzo de 1987 declarará en la revista ¡Hola!: "Me voy porque quiero hacerme mayor viendo hacerse mayor a mi hijo". Siendo esa la principal razón, también pueden señalarse como causas para su adiós el cansancio de Camilo tras su larga y densa trayectoria artística, y los más de 6000 conciertos desde 1970 a 1987 por todo el mundo sin parar. Traslada su residencia a Miami (Florida). En 1988, desde marzo alterna el uso de su residencia norteamericana con la de su chalé en Torrelodones, Madrid (España), siempre junto con su hijo. Realiza algunas actuaciones esporádicas por España: el 15 de julio en La Eliana (Valencia); el 27 de agosto en Santa Pola (Alicante); el 5 de septiembre en Rocafort (Valencia), y el 8 de septiembre en Monóvar (Alicante). En 1991 regresa al mundo de la música con el álbum "A voluntad del cielo" con nuevos sonidos y éxitos "Bienvenido amor", "Vuelve" y el ya clásico "Amor mío, ¿qué me has hecho?", que además viene acompañado con un vídeo promocional, catalogado por muchos como el mejor de su carrera, y que rompe récords de ventas en América, y de permanencia en el primer lugar en la revista Billboard. Lleva a cabo actuaciones en Caracas (Venezuela) y en Bogotá (Colombia), tras las cuales es ovacionado de pie durante más de media hora. Llega a Argentina para promover su álbum A voluntad del cielo, presentándose en los programas de Susana Giménez ademásMirtha Legrand y Raúl Matas en Chile. A finales de ese año, el tema Amor mío, ¿qué me has hecho? ostenta el récord de 18 semanas consecutivas en el puesto número 1 de la revista "Billboard. Además es nominado al "Grammy" , categoría Mejor producción. En 1992 sale a la venta el álbum Huracán de amor. En marzo de 1993 se presenta en México en la celebración de los 30 años de carrera de José José, recitándole unas palabras y cantándole la canción que 14 años atrás le escribió: "Si me dejas ahora". En 1994sale al mercado el álbum Amor sin vértigo en donde se incluye una canción cantada con su hijo Sentimientos de amor. Sigue viviendo en su mansión de Coconut Grove. El 21 de abril de 1997, en el programa Hoy es Posible, de Televisión Española, actúa junto a su admiradora la mexicana nacionalizada española Alaska, líder entonces del grupo Fangoria. Interpretan dos de los grandes éxitos de Camilo: Vivir así es morir de amor y El amor de mi vida. El 2 de diciembre de ese año le entregan el premio honorífico por sus 25 años de carrera artística, y por haber vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. Sale al mercado con un récord rotundo de ventas el recopilatorio con 30 grandes éxitos Camilo Superstar. En 1998 se editan en América las recopilaciones denominadas The Best, volúmenes I y II. En el año 2000 logra grabar el que había sido uno de los proyectos musicales que más le ilusionaban: el musical El fantasma de la ópera, de Andrew Lloyd Webber. Colabora en él la cantante Isabel Patton. Pero problemas legales le impiden la publicación del disco. En 2001 se le trasplanta el hígado, a causa de una hepatitis que había contraído en los años 80. En 2002 después de recuperarse de la operación, Camilo Sesto vuelve a componer: surge la canción Duda de amor para el primer álbum de David Bustamante. Uno de los temas que había cantado Bustamante durante su participación en el programa Operación Triunfo fue Perdóname, de Camilo. Ese mismo año lanza el álbum Alma, con el sencillo Mola mazo (expresión coloquial española que significa "Es estupendo" o "Me gusta mucho") gana popularidad entre el público joven español. En ese disco incluye su versión de "Duda de amor" que llega rápidamente al n.° 1 en América; también su nueva versión de su clásico Fresa salvaje y Mi ángel azul, el cual lo sitúa nuevamente como primera figura. En 2003 lleva a cabo una gira por varios países americanos Chile, Perú, Colombia y México. En 2004 participa en la segunda jornada del "Festival de Viña del Mar". Allí recorre sus éxitos de ayer y hoy. Su actuación le vale retirarse del escenario con "dos antorchas", una de "plata" y otra de "oro", y una "Gaviota de Plata". En diciembre de ese mismo año se edita un recopilatorio llamado Camilo Sesto n.º 1, con un inmenso éxito de ventas "50 discos de diamantes". En él, junto a sus grandes éxitos, ven la luz los temas "Nada ocurrirá" y "Quién será", inéditos hasta entonces; sólo dos temas de por lo menos un centenar de inéditos que se han transformado en verdaderas, únicas e invaluables piezas de colección catalogados hoy por los coleccionistas como "duros de hallar" y que según "Universal Music" podrían ver la luz. En 2005 se reedita el álbum Jesucristo Superstar, remasterizado digitalmente a partir de las grabaciones originales, para conmemorar los 30 años desde la puesta en escena en Madrid de la ópera rock homónima. El disco incluye fotos de la representación y las letras de las canciones. A finales de 2006 compone el Himno a Bujalance, dedicado inicialmente al equipo de fútbol sala "Maderas Miguel Pérez" de la ciudad de Bujalance, Córdoba (España). Camilo cede todos los derechos del tema a su ayuntamiento, con lo cual las ganancias íntegras de la venta del disco se destinan a beneficiar al deporte local. El 1 de febrero de 2007, en el marco de la Feria Internacional de Turismo (FITUR), la Mancomunidad del Alto Guadalquivir, a la que pertenece la población de Bujalance, nombra a Camilo Sesto su "Embajador Cultural". En ese acto se le hace entrega de una placa con motivo de tal nombramiento, la cual reza: «Se nombró a don Camilo Blanes Cortés, “Camilo Sesto”, Embajador Cultural de la Comarca del Alto Guadalquivir, en reconocimiento a la extraordinaria y desinteresada labor que viene desarrollando en pro de la cultura y el deporte en la comarca del Alto Guadalquivir.» Ese año Camilo Sesto fue elegido «el famoso español más famoso de la historia» por votación telefónica en el programa español "Sé lo que hicisteis", dejando muy atrás a otros como Julio Iglesias, Raphael, Miguel Bosé y Nino Bravo, entre muchos más. En 2008 inicia su gira "Camilo Pura Vida" que es el inicio de su Tour de Despedida con presentaciones en América.. y cientos de localidades vendidas. En 2009 continúa con exitosas presentaciones en EE. UU.: el 9 de octubre, Nueva York en el The United Palace; el 10 de octubre, Nueva Jersey en el Teatro Ritz; el 17 de octubre, Miami en el monumental estadio "American Airlines Arena" con todas las localidades vendidas; y prosigue por México (Arena Monterrey, Auditorio D. F., Auditorio Chiapas, Guadalajara), Venezuela, Perú, con llenos totales en todas y cada uno de los megaeventos, todas las entradas agotadas a los pocos días. «Quiero visitar los países que he visto casi como una pincelada, como un cuadro entero, algo que el escenario, el hotel y los camerinos no me lo permiten. Quiero conocer las playas, la gente, la comida, las raíces y todo, pero encima del escenario no puedo.» En su gira Pura vida llenó cada uno de los conciertos. En mayo de 2010, firma un contrato con la disquera "Universal Music Spain" para hacer un álbum en vivo que fue grabado en dos conciertos que ofreció en Madrid. Dicho material en directo versión "DVD" del artista salió a la venta a finales del 2010. Este fue el primero en formato DVD, pues anteriormente en directo había editado sus conciertos en otros formatos: Betamax, VHS y otros que también podrían volver a ser reeditados en formato DVD; conciertos hitos en su carrera, como "En el Casino Las vegas", "Palmas de Mallorca" , "De Madrid con amor", "Historia de un triunfador" entre los tantos. El 6 de julio del 2010, Camilo en conferencia de prensa con medios españoles e internacionales. anuncia que actuará en Madrid después de 20 años, y que se editará el último disco de su carrera, llamado "Todo de mí", CD/DVD en directo que saldrá a la venta a finales de ese mismo año. Al iniciar el mes de octubre, Camilo actúa en Madrid luego de 20 años, en dos conciertos en el Palacio de los congresos de Madrid el artista interpreta en un apoteósico, emotivo concierto con más de 30 canciones y cuyo material es grabado en DVD. El álbum Todo de mí de Camilo, salió a la venta el 30 de noviembre, conteniendo un libro con un resumen de la vida de Camilo, con fotografías de su carrera. Esta producción contiene 2 CD con 29 canciones y un DVD grabadas en los conciertos de los días 1 y 2 de octubre en Madrid. El 12 de enero de 2013 fue atracado en su chalet de Madrid donde los ladrones entraron y amordazaron al cantante. Se sustrayeron diferentes objetos de valor y una cantidad de dinero.9 Camilo Sesto empezó la "Gira de despedida" de lo escenarios, el día 30 de abril de 2008 en Costa Rica. La gira ha tenido varias etapas: Primera (2008): Costa Rica, Guatemala, Honduras, Ecuador y Chile. Segunda etapa (2008): Colombia y Ecuador. Tercera etapa (2009): Estados Unidos, México, Venezuela y Perú. Cuarta etapa (2010): Despedida en España, 2 últimos conciertos en Madrid (1 y 2 de octubre de 2010). Quinta etapa (2011): Comienza su éxitosa gira por América: "Tour USA": 14 de mayo en Miami (Florida); 15 de mayo en Los Angeles (California),(Gibson Anphitheater); 20 de mayo en Houston, (Texas) (Toyota Center); 21 de mayo en El Paso, (Texas) (County Colliseum); 22 de mayo San Diego, (California) (Cricket Wireless Anphitheater); 26 de mayo en San Juan, Puerto Rico (Coliseo); 28 de mayo en Las Vegas (Nevada) (Planet Hollywood); 29 de mayo en Chicago (Illinois)(Rosemont Theater); 4 de junio en Nueva York (Izod Center); 9 de junio en Antofagasta, Chile; 11 de junio en Lima, Perú 2013(Jockey Club). El 28 de mayo Las Vegas se le concede el premio "Máximo orgullo hispano" en reconocimiento a sus casi 50 años de carrera musical. [cita requerida]

Además de la presea, en Nevada, las autoridades estatales proclamaron el día 28 de mayo "Día de Camilo Sesto".[cita requerida] El 1 de julio de 2011. Camilo Sesto ha recibido un premio en reconocimiento a su trayectoria musical. Ha recibido el galardón en la Plaza de Callao de Madrid. Dedicando a los allí presentes unas emotivas palabras, y cantando su famosa canción "Vivir así, es morir de amor".[cita requerida] El 29 de octubre de 2012, después de 2 meses de votaciones en un concurso radial en Perú, se eligio a Camilo Sesto como "El más grande de la música en español"10 . Caravelli

Caravelli , veritable nom Claude Vasori (12 de setembre de 1930, París ) és un director d'orquestra francès , compositor i arranjador de la música orquestral .

Fill de pare italià i mare francesa , Vasori va estudia inicialment la música per la seva mare al piano i la sonoritat / harmonia als set anys d'edat , i més tard , quan tenia tretze anys va començar a assistir al Conservatori de París .

Als vint anys estava de gira professional , acompanyant a cantants al piano , i en 26 anys es va iniciar com a director d'orquestra . Vasori prenge el seu nom artístic l'any 1956 de la recent introducció de doble jet Caravelle Caravelle de Aerospatiale . Aquest avió va ser el primer jet creat per al mercat a curt termini . La primera Caravelle va entrar en servei per Air France el 9 de maig de 1959. Ell va fer més italianitzant en honor als orígens del seu pare , de canviar l'última lletra : " CARAVELLI et són Violons Màgiques / i els seus Cordes Magnífics " .

El 1959 amb l'ajuda del músic de jazz francès Ray Ventura , va obtenir un contracte per formar la seva pròpia orquestra orientada a la música popular . Ell va signar un contracte amb el segell discogràfic francès Versalles . El seu primer àlbum Dance Party va ser gravat . Sota llicències aquestes primeres gravacions van ser llançades a nivell internacional ( Segle 20 registres als EUA , d'Ariel a Argentina , al Brasil i Fermata Discophon a Espanya) .

El 1962 va compondre Et Satanàs condueix el ball banda sonora original amb el seu nom real , la pel · lícula francesa protagonitzada per la jove Catherine Deneuve . El 1963 va compondre Accroche - toi Caroline ! que va ser utilitzat per la BBC com el tema de la visió sobre la sèrie de televisió .

L'etiqueta de Versalles va ser adquirida per Columbia Records el 1964 . La major distribució del seu producte aconseguint discos d'or a França , Japó , Israel i Amèrica del Sud . Al Brasil el seu primer àlbum en CBS alliberat es titula Voyage Musical , a l'Argentina Merci Cherie . Amb la seva orquestra també va fer enregistraments amb Maurice Chevalier i Charles Trenet ( La mer / Més enllà del mar ) , entre d'altres cantants . El 1970 va compondre la música per a la pel · lícula L'Homme Qui Vient De La Nuit , protagonitzada per Ivan Rebroff , i en el mateix període va registrar un àlbum als EUA . El seu primer concert en directe es grava al Japó el 1972 per la cadena CBS .

El 1973 una de les seves pròpies composicions es va incloure al Frank Sinatra àlbum Old Blue Eyes esquena és : " laisse moi le temps " / " Déjam intentar-o una altra vegada" , les cançons franceses originals per Michel Jourdan , lletres en anglès de Paul Anka . Aquesta cançó va ser presentada anteriorment en competició al " Festival Internacional de la Cançó de Vinya del Mar" , Xile , pel cantant Romuald representació de França i obtenint el segon premi ( una cançó de Xile va ser el guanyador ) , encara que es va considerar la millor cançó d' crítics i persones . Fent una justícia tardana , fa uns anys , es va proclamar la millor cançó de la història d'aquest Festival , en el seu aniversari número 41 , cosa inusual per a un 1r premi no en qualsevol concurs de la cançó . Aquesta cançó també va ser coberta per Raymond Lefevre .

El 1978 va compondre i va gravar la cançó del títol de " Goldorak et els Mazingers 2" , per l'animi de Japó / de dibuixos animats . El 1981 realitza una gira per la Unió Soviètica amb la seva orquestra tocant a Riga i Moscou amb gran èxit ( tots els concerts es van esgotar ) . L'estiu de l'any següent , va tornar al país , en aquesta ocasió per fer un disc per al segell Melodia amb Russos músics i cantants ( en el seu estil sense lletra ) . Aquest registre Caravelli a Moscou inclou 12 cançons , la majoria escrites per joves compositors russos del pop , amb un parell de cançons tradicionals . Dues de les peces van ser gravades a París amb la seva pròpia orquestra . El 1983 Caravelli juga Seiko Matsuda es va registrar al Japó . A mitjans de 1980 amb la finalitat d'actualitzar el vostre so que va utilitzar arranjaments de ritme pel seu fill Patrick Vasori ( c.1950 nascut) amb músics com Gilles Gambus i Serge Planchon , que també tocava el teclat amb l'orquestra . Al novembre i desembre de 2002 va gravar un àlbum titulat Un nou dia ha arribat " , amb el seu Gran Orquestra a Brussel · les , Bèlgica , per al Resum dels lectors .

Japó és un país en el qual té molts seguidors , Caravelli és un dels pocs artistes occidentals que han estat convidats per dur a terme de l'Orquestra NHK de la Xarxa de la televisió japonesa , Al novembre de 2001 va ser de gira per Japó amb una orquestra integrada per 32 músics ( Tour N ° 7 ) , convidat per la Fundació de Sony ( el tour anterior va ser el 1996 ) . En aquest moment , Sony Music Japan va reunir un conjunt de 2 CD Caravelli juga Michel Polnareff i ABBA , sent el primer ( Polnareff ) una selecció de 60 i 70 àlbums ( incloent la seva versió de " Ámame , si us plau Ámame " ) i el segon ( ABBA ) una selecció dels 70 enregistraments . Al desembre de 2003 va realitzar una gira per Japó de nou, els 6 concerts es van esgotar . CARLOS GARDEL ......

Carlos Gardel. (Charles Romuald Gardès; Toulouse, Francia, 1890-Medellín, Colombia, 1935) Cantante de tangos, compositor y actor argentino de origen francés. Su madre emigró a Uruguay cuando el joven Gardès contaba tres años de edad, momento en el que lo inscribió en el censo de Montevideo; dicha circunstancia explica la polémica que durante años se mantuvo acerca de su origen. En su primera época como cantante, establecido en Buenos Aires y con el apodo de el Morocho (el Moreno), se dedicó a dar recitales privados en domicilios particulares, casas de amigos y cafés de barrio. Su debut en el teatro Esmeralda (hoy teatro Maipo) de la capital argentina supuso un fuerte impulso a su carrera. En 1915 formó dúo con José Razzano y dos años más tarde viajó a Europa, donde consiguió grabar sus primeros discos. En 1920 su fama se había extendido ya por todo el continente latinoamericano, y ello le permitió rodar diversos filmes, entre los que cabe mencionar Luces de Buenos Aires y Melodía de arrabal, sus dos películas más destacadas.

En el año 1925, una afección en la garganta obligó a Razzano a abandonar su carrera musical; Gardel, ya en solitario, volvió a Europa y debutó en París y en el Teatro Apolo de Madrid. A finales de la década de 1920, la identificación de Gardel con el tango era ya un fenómeno de ámbito universal.

Para promocionar su carrera y abrirla a otros mercados, el cantante se trasladó a Estados Unidos, donde su música y sus películas fueron muy bien recibidas. Sin embargo, su añoranza por el público latinoamericano le indujo a realizar una gira por América del Sur, durante la cual sufrió un accidente aéreo (en el trayecto Bogotá-Cali) que le costó la vida. Entre los temas de su copiosa producción destacan El día que me quieras, Mi Buenos Aires querido, Volver, Caminito y La cumparsita.

Fuente: Biografias y Vidas CARLOS NUÑEZ ______

Carlos Nunez. Carlos Núñez nació en Vigo en 1971 y comenzó a tocar la gaita gallega a los ocho años. A los doce años colaboró con la Orquesta Sinfónica de Lorient y en 1989 grabó junto al grupo irlandés The Chieftains la banda sonora de la película La Isla del Tesoro. Con dicho grupo seguiría colaborando hasta ser conocido como el séptimo Chieftain.

Carlos Núñez, además, completó sus estudios musicales, especializándose en la flauta de pico, en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Carlos Núñez es un estudioso incansable de la música celta y está considerado mundialmente como un experto en la materia. Sus estudios buscan el origen de la música celta y su fusión con las músicas actuales. Su interés por el tema le ha llevado a recorrer todo el mundo y a relacionarse con músicos y artistas de los países que ha visitado, para luego plasmar sus conocimientos y experiencias en su amplia discografía.

En 1996 Carlos Núñez publica su primer disco, A Irmandade das Estrelas que supuso el boom de la música celta en España. En este disco, Núñez se centra sobre todo en la exploración de su Galicia natal con aportes irlandeses.

En su siguiente disco, Os amores libres, Carlos Núñez presenta una reflexión en torno al concepto celta explorando, entre otras, las conexiones existentes entre la música tradicional gallega y el flamenco. Los textos que acompañan a las canciones de este disco están redactados por el escritor Manuel Rivas.

Ya en 2000 y con la publicación de Mayo Longo, con Carlos Núñez ya consagrado como músico de renombre y proyección internacional, el gaitero compuso una canción con el ex- Supertramp Roger Hodgson. Este disco es un retorno a la tradición galaica y a la sencillez y destacó principalmente por introducirse en las radiofórmulas del momento.

Su último álbum de estudio es Almas de Fisterra publicado en 2003 en España y en Francia como Un Galicien en Bretagne con una lista de cortes ligeramente diferente. Este disco es el resultado de una larga permanencia del músico en Bretaña, Francia, en el que se muestran músicas tradicionales bretonas grabadas junto a músicos de renombre de la Bretaña francesa.

Carlos Núñez también ha editado un álbum recopilatorio de grandes éxitos con varios cortes nuevos llamado Todos os mundos y en 2004 ha editado un CD+DVD conteniendo un concierto grabado en Vigo con el título de Carlos Núñez & Amigos con sus canciones más emblemáticas. Núñez también participa en la banda sonora de la película de Alejandro Amenábar Mar Adentro.

Fuente: Todomusica CARLOS SANTANA

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Carlos Santana. (Autlan de Navarro, México, 1947) Guitarrista mexicano de rock nacionalizado estadounidense. A finales de la década de 1960, San Francisco hervía musicalmente con el movimiento hippy, y fue allí donde Santana desarrolló su peculiar estilo como guitarrista, hecho de una mezcla de la música latina con el rock, sin desdeñar el jazz ni el funk. En 1969 participó en el mítico festival de Woodstock y triunfó con Evil Ways, que revela la influencia de la salsa y el funk, y uno de sus temas más conocidos, Oye cómo va, un ejemplo de música caribeña con ese toque rockero de la guitarra de Santana. En 1980 presentó el proyecto The swing of delighbt, en el que domina claramente el jazz. Su gran interés por diversos estilos musicales, tanto de Estados Unidos como sudamericanos, le ha permitido trabajar con músicos reputados, como el cantante country Willie Nelson o el músico de blues John Lee Hooker, el guitarrista John McLaulin o la brasileña Flora Purim.

Fuente: Biografias y Vidas CELIA CRUZ ;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;;

Celia Cruz. (La Habana, 1924 - Fort Lee, Estados Unidos, 2003) Celia Caridad Cruz Alfonso nació en el barrio de Santos Suárez de La Habana el 21 de octubre de 1924, si bien algunas fuentes señalan su nacimiento cuatro años antes, y otras en 1925, datos todos ellos de difícil comprobación dada la persistente negativa de la estrella a confesar su edad.

Segunda hija de un fogonero de los ferrocarriles, Simón Cruz, y del ama de casa Catalina Alfonso, Celia Cruz compartió su infancia con sus tres hermanos -Dolores, Gladys y Barbarito- y once primos, y sus quehaceres incluían arrullar con canciones de cuna a los más pequeños; así empezó a cantar. Su madre, que tenía una voz espléndida, supo reconocer en ella la herencia de ese don cuando, con once o doce años, la niña cantó para un turista que, encantado con la interpretación, le compró un par de zapatos.

Con otras canciones y nuevos forasteros calzó a todos los niños de la casa. Después se dedicó a observar los bailes y a las orquestas a través de las ventanas de los cafés cantantes, y no veía la hora de saltar al interior. Sin embargo, sólo su madre aprobaba esa afición: su padre quería que fuese maestra, y no sin pesar intentó satisfacerle y estudiar magisterio, pero pudo más el corazón cuando estaba a punto de terminar la carrera y la abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música.

Mientras tanto, Celia Cruz cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en programas radiofónicos para aficionados, como La Hora del Té o La Corte Suprema del Aire, en los que obtenía primeros premios tales como un pastel o una cadena de plata, hasta que por su interpretación del tango Nostalgias recibió en pago 15 dólares en Radio García Cerrá.

Más tarde cantó en las orquestas Gloria Matancera y Sonora Caracas y formó parte del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió Venezuela y México. En 1950 ya había intervenido en varias emisoras cuando pasó a integrar el elenco del cabaret Tropicana, donde la descubrió el director de la Sonora Matancera, el guitarrista Rogelio Martínez, y la contrató para reemplazar a Mirta Silva, la solista oficial de la orquesta.

A lo largo de los años cincuenta Celia Cruz y la Sonora Matancera brillaron en la Cuba de Pío Leyva, Tito Gómez y Barbarito Díez; del irrepetible Benny Moré, del dúo Los Compadres, con Compay Primo (Lorenzo Hierrezuelo) y Compay Segundo... La Cuba de Chico O’Farril y su Sun sun babae, la de La conga de los Habana Cuban Boys, la de Miguel Matamoros con su Mamá, yo quiero saber de dónde son los cantantes, la de Miguelito Valdés con su Babalú... Celia aportó su Cao Cao Maní Picao y se convirtió en un éxito, y otro posterior, Burundanga, la llevó a Nueva York en abril de 1957 para recoger su primer disco de oro.

Celia Cruz se había ganado ya varios de los apodos y títulos con que quisieron distinguirla. Fue la Reina Rumba, la Guarachera de Oriente y, desde las primeras giras -por México, Argentina, Venezuela, Colombia...-, la Guarachera de Cuba.

Era la Cuba corrupta y bullanguera de Fulgencio Batista. Cuando el dictador se vio obligado a refugiarse en la República Dominicana ante el triunfo de los castristas, el 1 de enero de 1959, la orquesta tuvo que andar otros caminos. Según la cantante, desde entonces soportaba mal que le dijeran qué y dónde tenía que cantar. El 15 de julio de 1960 la banda en pleno consiguió el permiso para presentarse en México y, una vez allí, en parte impulsada por el agravamiento de las relaciones entre Estados Unidos y Cuba, decidió no regresar.

Después de un año de aplausos en la capital azteca, Celia Cruz se mudaba a Estados Unidos y sellaba su primer compromiso para actuar en el Palladium de Hollywood. Si bien declaró en aquellos días «he abandonado todo lo que más quería porque intuí enseguida que Fidel Castro quería implantar una dictadura comunista», su furibunda militancia anticastrista nació después, a partir del 7 de abril de 1962, cuando supo de la muerte de su madre y no pudo entrar en la isla para asistir al entierro. Llegó a confesar incluso que estaba dispuesta a inmolarse haciendo estallar una bomba si con ello hacía desaparecer «al Comandante».

Tres meses después, el 14 de julio de 1962, Celia Cruz se casó con el primer trompetista de la orquesta, Pedro Knight, quien a partir de 1965, en que ambos dejaron la Sonora, se convirtió en su representante. Celia Cruz inició su trayectoria como solista junto al percusionista Tito Puente, con el que grabó ocho álbumes. Los jóvenes hispanos de Nueva York la descubrieron en 1973 en el Carnegie Hall, cuando integraba el elenco de la «salsópera» Hommy, de Larry Harlow.

Posteriormente, participó en un legendario concierto grabado en vivo en el Yanquee Stadium con The Fania All-Stars, un conjunto integrado por líderes de grupos latinos que grababan para el sello Fania. Ya era famosa en 1974, cuando grabó el disco Celia & Johnny con el flautista dominicano Johnny Pacheco, considerado el primer clásico del género.

Desde entonces, el éxito fue una constante en centenares de conciertos coreados por un público entregado al grito de su Bemba colorá. Esa voz electrizante, su alegría contagiosa y el llamativo vestuario fueron pronto una bandera de identidad de los inmigrantes. Ella, a su vez, terminó por asumir el rol de estandarte del anticastrismo.

Como tal, Celia Cruz quiso dejar su impronta también en el cine, y participó como actriz - ya lo había hecho varias veces como cantante- en Los reyes del mambo (1992) y Cuando salí de Cuba (1995), porque ambas películas reflejaban historias de los primeros exiliados cubanos, en parte cercanas a la suya. Aunque la suya fue única, y así lo entendieron los miles de compatriotas que desfilaron ante sus restos despues de que falleciese el 16 de julio de 2003, a los setenta y ocho años de edad, en Miami y Nueva York, donde recibió sepultura.

También los cubanos de la isla, pese a la prohibición oficial de su música después de más de cuarenta años, reconocían su valor de guarachera universal, la más grande embajadora musical de Cuba. Pocos días después de su fallecimiento fue homenajeada por sus compañeros de profesión en la gala de entrega de los Grammy latinos.

«¡Azúcar!» era su potente grito infeccioso, la contraseña de apertura y cierre de sus conciertos y la clave para hacerse entender en todo el mundo. Difícilmente alguien ha bailado más -y ha hecho bailar más- que esta cubana de sonrisa contagiosa y persistente que conquistó adeptos de todas las latitudes a lo largo de más de cincuenta años de exitosa trayectoria. Cantante de guarachas, danzones, sones y rumbas en sus comienzos, Celia Cruz siempre estuvo abierta a nuevas experiencias que la llevaron a abordar otros ritmos y a unirse a proyectos en principio arriesgados para una artista consagrada.

Así se erigió en la imagen distintiva de la salsa con orquestas como las de Tito Puente, Willie Colón, Ray Barretto o Johnny Pacheco, y así llegó a cantar incluso rock o tango, y a unir su poderosa voz a la de intérpretes tan dispares como el británico David Byrne, el rumbero gitano Azuquita, el grupo argentino Los Fabulosos Cadillacs, los españoles Jarabe de Palo y el rapero haitiano Wyclef Jean, además de improvisar duetos con sus amigas Lola Flores y Gloria Estefan, y con Dionne Warwick o Patti Labelle.

Enfundada en sus fastuosos y extravagantes vestidos, tocada con pelucas imposibles y encaramada sobre esos zapatos únicos de alto tacón inexistente, Celia Cruz conservó hasta casi el último momento una vitalidad insólita. Feliz con su flamante Grammy al mejor álbum de salsa por La negra tiene tumbao, en el verano de 2002 celebró su 40º aniversario de matrimonio con una fiesta que le organizó la cantante Lolita Flores en Madrid.

En noviembre, durante un concierto en el Hipódromo de las Américas de México, D. F., empezó a perder el control del habla. Al regresar a Estados Unidos se sometió a la extirpación de un tumor cerebral, pero al final no hubo remedio. Aun así, el 13 de marzo apareció por última vez en público cuando la comunidad latina le tributó un homenaje en el teatro Jackie Gleason de Miami, que ella rogó que no fuera como una despedida. Se sentía optimista y con fuerzas. Por esos días, entre febrero y marzo, grabó un último disco que no llegó a ver editado, Te entrego el alma.

Fuente: Biografias y Vidas CELIA GAMEZ

Celia Gámez. (Buenos Aires, 1905- id., 1992) Cantante y artista española nacida en Argentina. Debutó en Madrid en 1925 como cantante de tangos, y posteriormente, ya como vedette, creó su propia compañía de revistas. Fue la vedette de revista más popular durante los años cuarenta, y prolongó su actividad de forma interrumpida hasta 1966, aunque todavía haría apariciones esporádicas en los escenarios. Los espectáculos de su compañía, entre los que cabe destacar Las Leandras, se distinguían por la fastuosidad del montaje y del vestuario, y fueron un vivero de artistas.

Fuente: Biografias y Vidas CELINE DION &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Celine Dion. Celine Dion nació en Charlemagne (Quebec-Canadá), el 30 de marzo de 1968, siendo la menor de 14 hermanos. Sus padres, ambos músicos, regentaban un local donde, de vez en cuando, se ofrecían conciertos e improvisaciones musicales realizadas por algunos miembros de la familia.

Celine comenzó a cantar desde muy pequeñita, con apenas cinco años, y a los catorce se fijó en ella un mánager llamado René Angelil, quien decidió darla a conocer por todo el mundo. Sus primeros frutos los consiguieron un año después, en 1982, cuando Celine ganó el festival Yamaha, en Tokio. En 1988 obtuvo un nuevo éxito en su carrera, al ganar el festival de Eurovisión, lo que le abrió las puertas de todo el mundo. Su siguiente triunfo lo obtuvo al interpretar la canción principal de la película 'La bella y la bestia', tema que introdujo en su disco titulado 'Celine Dion'.

En 1994 se casó con su mánager, tras más de trece años de relación profesional. Su carrera discográfica resulta imparable en esa época. En 1996 publica 'Falling into you', nominado en los Grammy de ese año. Un año después edita 'Let's talk about love', ganador de dos Grammys. Ese mismo año publica la banda sonora de la película 'Titanic', con el tema estrella 'My heart will go on', con el que obtuvo el oscar a la mejor banda sonora, además de batir todos los records de ventas, con más de 25 millones de copias vendidas en todo el mundo.

En 1999 publica un recopilatorio con sus mejores temas, titulado 'All the way... a decade of song'.

El 25 de enero del 2001 nace su primer hijo, fruto de su matrimonio con René Angelil. Tras su maternidad, Celine Dion decide darse un receso en su trabajo para dedicarse un poco a su familia, especialmente a su bebé, aunque sigue preparando temas para un próximo lanzamiento.

Fuente: Todomusica CELTAS CORTOS

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Celtas Cortos. Los inicios Celtas Cortos se remontan a octubre de 1984 en el Instituto Delicias de Valladolid. En el colectivo del instituto se conocen por primera vez Goyo, César y Carlos. Casualmente, en la misma clase que César y Goyo hay también un tío nuevo de Palencia que siempre se sienta detrás: Oscar. Los cuatro, con cierto interés por la música celta y la música tradicional, se hacen colegas y Oscar se une al trío tocando la guitarra acústica. Al cuarteto también se une el profesor de francés y empiezan a tocar bajo el nombre de Colectivo de Música del Instituto Delicias.

La música que tocan es un estilo folk, con piezas tradicionales bretonas, jigas irlandesas, jotas castellanas y un par de versiones de Gwendal. Al poco tiempo se unen con tres chicas y forman Páramo, un grupo de música castellana que duró poco. Carlos compaginaba el grupo con actuaciones en grupo Almenara, otro grupo de la ciudad, donde también trabajaba Jesús Hernández Cifuentes.

Carlos sigue en Almenara (tocando además la bandurria y el charango) pero el grupo se amplía; entra Jesús Cifuentes (guitarra española y bajo) y colaboran Luis M. de Tejada con el violín y Nacho Castro con la batería. Tenemos en Almenara a cuatro de los que después serán Celtas Cortos.

A partir de este disco Almenara, hacia 1985, da un cambio desde el folklore comunero hacia un sonido más moderno y marchoso, con una línea de mezcla de rock y música popular que era además seguida por toda Europa, con grupos como el sueco Groupa. Un buen día Goyo se presenta al instituto decidido a convencer a los otros cuatro (Carlos, César y Oscar) de que deben presentarse al concurso de música que organiza la Discoteca Sheraton. Después de mucho insistir, aceptan con la condición de llevar a algunos amigos más para que ayuden. Entonces Carlos decide llamar al Cifuentes (bajista de Almenara por entonces) y al entonces ex-batería de Almenara: Nacho. También entonces César convence a un colega suyo llamado Fernando que tocaría como teclista.

Tras un par de días de ensayo se presentan al concurso bajo el nombre de Colectivo Eurofolk. Como es de suponer, ganan el primer premio. Tras este éxito, deciden cambiarse el nombre. Nacho, que es un adicto a los Celtas Cortos, propone, medio en broma, el nuevo nombre. Se acepta por unanimidad, naciendo así el grupo llamado Celtas Cortos.

En Abril de 1987, tocan en las fiestas de Villalar de los Comuneros y allí son seleccionados para participar en un concurso organizado por la Junta de Castilla y León y Radio Nacional. El premio consistía en la grabación de un disco, con los otros dos ganadores del concurso. Los Celtas Cortos vuelven a ganar y graban tres temas. El disco se titula "Así es como suena: folk joven" y en él el joven grupo toca sólo temas instrumentales: "Duendes", "Riaño vivo" y "Buscando el Norte". Tras el éxito cosechado, deciden tomarse las cosas en serio y se buscan un manager, contactando con Eduardo Pérez López. Los miembros del grupo tienen que seguir trabajando para ganarse la vida y el mánager abandona el grupo. Su puesto es ocupado por un historiador en paro, amigo de Nacho Castro que se llama Ignacio Martín (Nacho).

En 1988 graban una maqueta con diez temas, que hacen llegar a todas las discográficas del país. Solo un par de ellas les contestan agradecidamente, pero sin darles la oportunidad que buscaban. Desilusionados se plantean disolverse, hasta que reciben una llamada de Paco Martín, director de una nueva casa independiente de Madrid, que busca grupos nuevos.

Firman con Twins y poco después, a principios de 1989 graban en sólo diez días 'Salida de emergencia'. Aunque ellos querían llamarlo solamente Celtas Cortos, al final al título se le añadió "Rock Celta". Con el tiempo se vendería 60.000 copias del disco.

Entre febrero y marzo de 1990 graban 'Gente Impresentable', en el cual cinco de los once temas tenían letra, y se acerca un poco más a lo que son los Celtas actuales. '¿Qué puedo hacer yo?' y 'Si no me veo no me creo' son un gran éxito, pero no triunfan ni mucho menos como 'La senda del tiempo'. En este disco además de letra había una gran variedad de influencias: new age, rap, reggae o incluso hasta heavy en "Hacha de guerra", llegaría a las 180.000 copias vendidas. El éxito masivo supera de largo el disco de platino. Más de 100 conciertos durante ese año de 1990 y 126 al siguiente lo confirman. Paco Martín tuvo entonces que vender Twins al grupo DRO-GASA, que se lanzan a tope con Celtas Cortos. Esta ayuda los llevó a los primeros puestos de las radio- formulas. En el 91 tocaron en 126 actuaciones y 140 en el 92.

El tercer disco 'Cuéntame un cuento', lo prepararon en los quince primeros días de Marzo de 1991, en su retiro al pueblo soriano de Abioncillo de Catalañazor. Este disco les valió el Premio Ondas al grupo revelación de ese año y batió todos los records de ventas del grupo.

En 1992 un accidente doméstico hizo temer que el grupo fuera a perder a Alberto como violinista del grupo. Afortunadamente, todo quedó en un susto y el músico pudo recuperarse de su rotura de tendones. Ese mismo verano vuelven a Abioncillo de Catalañazor para preparar su cuarto disco, el cual lo graban en el sur de Inglaterra, en los estudios Parkgate (situados en Sussex).

Así nace 'Tranquilo Majete' a principios de 1993. Nueve temas cantados y cuatro instrumentales; destacan la que da titulo al disco o la lírica "Carta a Rigoberta Menchú". Ese mismo año la multinacional WEA había comprado al Grupo DRO con lo que la promoción del grupo se amplía aún más. Es considerado como el mejor disco de Celtas Cortos hasta la fecha, con temas tan famosos como 'Tranquilo Majete', 'Lluvia en Soledad', 'Romance de Rosabella y Domingo' o 'Madera de Colleja', que triunfan en toda España.

Después del éxito de 'Tranquilo Majete' se van de gira por toda Europa, pero no obtienen el mismo éxito que en su país de origen.

En 1996 sacan 'En estos días inciertos... en que vivir es un arte' , tuvo una gran acogida por los fans del grupo. El disco contiene temas con letras críticas con la sociedad y con estilos muy diversos.

En 1997, Celtas Cortos saca a la venta su primer disco en directo, 'Nos vemos en los bares'. Es un disco compuesto por 25 temas de los cuales hay 2 inéditos (Blues del Rosario y Le Strade), un tema de El Caimán Verde interpretado por Jesús Cifuentes y José Sendino (¿Qué dirá la gente?), y alguna que otra nueva versión, como la de El Emigrante (sensacional) o ¿Qué voy a hacer yo?.

Gracias al ofrecimiento de la Junta de Castilla y León para hacer una gira instrumental por los teatros de la comunidad, los Celtas se embarcaron en la primavera de 1998 en un proyecto instrumental bajo el nombre de 'El Alquimista Loco'. En veinte días sacaron siete temas nuevos y en Octubre se subieron a los escenarios.

Debido al éxito, deciden grabar un nuevo disco en Francia, y en verano del '99 ya estaba a la venta por toda España. En el mismo año, en Noviembre del 1999 sacan, su disco 'Tienes la puerta abierta', grabado en Málaga, Madrid y Lyon (Francia). El aparente paso tecnológico anunciado por Celtas Cortos hace unos años se hace notar, con abundantes arreglos cercanos a la música culta sin perder del todo las raíces celtas, y utilizando nuevas tendencias musicales.

El año 2002 Jesús H. Cifuentes anuncia su separación del grupo para buscar nuevas experiencias musicales. En el año 2003, los Celtas Cortos sacan un disco titulado C´est la Vie.

Fuente: Todomusica CHAMBAO

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Chambao. El grupo malagueño Chambao surgió de la fusión de los sonidos del flamenco con la música electrónica, una apuesta arriesgada con la que crearon un estilo propio, el estilo Chambao.

La apuesta fue acertada y hoy Chambao, tras varios años de singladura musical, continúa su triunfal carrera, recogiendo el favor del público y el reconocimiento de la crítica con varios galardones, tales como el Premio Ondas. Chambao debe su nombre de los tenderetes que se montan en la playa para resguardarse del sol y el viento. Inicialmente Chambao se creó como un trío, compueto por María del Mar Rodríguez, "LaMari", Eduardo Casañ, "Edi" y Dani. Juntos colaboraron en un doble disco titulado "Flamenco Chill", en 2003, en el que Chambao participa con ocho temas.

En el año 2003 aparece un disco ya en solitario de Chambao, titulado "Endorfinas en la mente", con el que obtivieron el Premio Ondas a la mejor creación musical.

En el 2005 Chambao publica un nuevo álbum, bajo el título de "Pokito a poko", ya sin Dani. El disco, que ha obtenido un sonado éxito, sigue en la línea creada por Chambao, con sonidos cálidos y envolventes de lo que puede ser un nuevo estilo musical: El flamenco-chill.

Fuente: Todomusica Charles Aznavour

Charles Aznavour en 1999.

Datos generales

Nombre real Shahnourh Varinag Aznavourian

Nacimiento 22 de mayo de 1924(89 años)

Origen París, Francia

Ocupación cantante, compositor, actor

Información artística

Género(s) Pop, Chanson, Jazz Período de actividad 1936 - presente

Discográfica(s) EMI MusArm Records

Artistas Claude Lombard relacionados Katia Aznavour

Charles Aznavour (París, Francia, 22 de mayo de 1924), nacido con el nombre deShahnourh Varinag Aznavourian (Շահնուր Վաղինակ Ազնավուրյան) es un cantante, compositor y actor francés de origen armenio, considerado en todo el mundo como «el embajador de la canción francesa». Se trata de uno de los cantantes franceses más populares y de carrera más extensa, y el más conocido internacionalmente; ha vendido más de 100 millones de discos.1 Aznavour es conocido por críticos y admiradores con el apodo de «Charles Aznavoice». Se le atribuye la frase "El show debe continuar".[cita requerida] Nació en París de padres armenios, y su verdadero nombre es Shahnourh Varinag Aznavourian. Debutó en la canción junto a su hermana Aída, al mismo tiempo que en el teatro, donde interpretó desde los 11 años diferentes papeles infantiles. Su encuentro en 1941 con Pierre Roche fue decisivo para él: los dos hombres escribieron juntos canciones y las interpretaron a dúo. J'ai bu, cantada por Georges Ulmer, ganó en 1947 el Grand Prix. El dúo actuaba entonces en la primera parte de los conciertos de Édith Piaf, hasta que Roche se fue a Quebec. Aznavour escribió canciones para estrellas como la Piaf (Jézébel), Juliette Gréco (Je hais les dimanches), Eddie Constantine (Et bâiller, et dormir), pero al principio de su carrera tuvo muchas dificultades para triunfar. Más tarde, supo explotar este periodo de su vida en una canción que recoge el estado de ánimo de un fracasado en el mundo de la canción: Je m'voyais déjà. Su primer triunfo data de 1953, cuando actuó en el teatro Olympia: Sur ma vie se convirtió en su primer gran éxito. Canciones como Viens pleurer au creux de mon épaule, Tu t'laisses aller, La mamma, Comme ils disent, son cada una de ellas un pequeño bosquejo de la vida cotidiana, un fragmento de vida. Aznavour posee una capacidad especial para resumir en pocas frases una situación en la que se encuentran muchas personas. También ha sabido explotar muy bien su persona, su talla, su voz: sus defectos se han convertido en cualidades. Muy pronto conquistó al público estadounidense y, más tarde, recorrió el mundo con su música. Paralelamente ha mantenido una carrera cinematográfica, demasiado discreta para su gusto, revelándose como un actor de talento en Tirez sur le pianiste (Disparen sobre el pianista) (1960) de François Truffaut, Un taxi pour Tobrouk (1961) de Denys de La Patellière,la prueba de valor (1970) de Michael Winner, Diez negritos (1974) de Peter Collinson y en El tambor de hojalata (1979) de Volker Schlöndorff. En 2009 una de sus canciones (For me, formidable) sonaba en la banda sonora de la película Siete almas protagonizada por Will Smith. También en este año, Aznavour ha publicado un álbum doble, Dúos, donde canta con estrellas de varias generaciones como Liza Minnelli, Elton John y Laura Pausini. Gracias al uso de nuevas tecnologías, Aznavour ha podido grabar un dueto con la difunta Édith Piaf, con quien actuó «cientos de veces» pero sin llegar a registrar dichas actuaciones. Reside habitualmente en Ginebra (Suiza), donde trabaja como embajador de Armenia. Casado en tres ocasiones, tiene en total seis hijos: Seda (1946), Charles (1952), Patrick (1956, muerto a los 25 años), Katia (1969, corista junto a él desde 1996), Misha (1971) y Nicolás (1977), y una nieta llamada Leila. A comienzos de 2011 circularon por Internet fuertes rumores sobre su fallecimiento, que con buen humor se encargó de desmentir él mismo.2 A los 87 años de edad ofreció, entre septiembre y octubre de 2011, una larga serie conciertos de despedida, en el teatroOlympia de París y en otras ciudades francesas CHAVELA VARGAS

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Chavela Vargas. (Costa Rica, 1919) Cantante mexicana de origen costarricense. Su manera particular de implicarse en las letras de las canciones rancheras y hacerlas suyas y de retar al público desde el escenario, le han valido la admiración de sus seguidores. Entre ellas destacan Macorina, La llorona, La china y Volver, volver....

Fuente: Biografias y Vidas CHAYANE

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Chayanne. (Nombre artístico de Elmer Figueroa Arce; Puerto Rico, 1968) Cantante y actor puertorriqueño. Hijo de una maestra y de un representante, era el tercero de una humilde familia de cinco hermanos. El nombre artístico se lo debe a su madre, quien lo eligió como homenaje a una serie de televisión muy popular en los años 60. Debutó como cantante a principios de los 80 con sólo diez años de edad, como integrante del grupo Los Chicos, con el que llegó a grabar cinco discos.

Su carrera en solitario comenzó en 1987. De su primer álbum, titulado genéricamente Chayanne (1988), las canciones Tu pirata soy yo y Este ritmo se baila así alcanzaron los primeros puestos en las listas de éxitos latinas. En 1989 apareció su segundo álbum, también titulado Chayanne; fueron grandes éxitos los temas Fiesta en América y Peligro de amor. Ese mismo año fue nominado para los Grammy.

Entre sus otros álbumes destacan Sangre latina, Tiempo de vals (que le valió una nueva nominación), Provócame (que supuso un giro hacia un estilo más sensual), Influencias (un homenaje a los grandes cantantes latinos) Volver a nacer, Atado a tu amor (también nominado para los Grammy de 1998), Simplemente y Sincero.

En su faceta de actor, la carrera de Chayanne comenzó en la serie de televisión mexicana Pobre Juventud, a la que siguieron las series Tormento y Sombras del Pasado, ahora con la televisión puertorriqueña. Saltó a la gran pantalla con Linda Sara, de Jacobo Morales En 1998 coprotagonizó Dance with me con Vanessa Williams.

Fuente: Biografias y Vidas Chenoa. María Laura Corradini, nombre verdadero de la cantante Chenoa nació en Argentina el 25 de junio de 1975. Sus padres, Tati y Patricia, músicos de profesión, le pusieron ese nombre en honor a una de las coristas que actuaban en los conciertos de Julio Iglesias.

Su pasión por la musica le viene desde muy pequeña. Con tan solo 3 años, ya acompañaba a sus padres en sus galas. Por esa epoca cantó su primera canción, un tema de la popular Nikka Costa.

El 10 de diciembre de 1983, cuando Chenoa tenía 8 años, sus padres se trasladan a España, para vivir en Palma de mallorca. Allí aprendieron el mallorquín con la ayuda de un profesor particular y enseguida se adaptaron a tierras españolas.

A los 12 años comenzó a tomar clases de baile y de canto, y su primera actuación se produjo en un club de jazz.

Chenoa se diplomó en educación infantil y a los 20 años comenzó a trabajar en una guardería y se independizó de sus padres. Fue entonces cuando comenzó a recoger los frutos de su carrera artística. El Gran Casino de Mallorca la contrató para formar parte de su espectáculo, donde era la cantante solista y actuaba tres noches a la semana.

Un día, Chenoa llegó de actuar en el Casino y vio un anuncio en la televisión en el que se buscaban nuevos talentos para un concurso y no dudó en llamar para presentarse al casting. Después de pasar muchas pruebas, recibió con gran alegría la noticia de que había sido elegida para formar parte de Operación Triunfo, ese programa que ha arrasado en índices de audiencia, que ha colocado a los 16 participantes como los máximos vendedores de discos del país y que la ha convertido en una nueva estrella de la canción.

Chenoa fue una de los 6 concursantes finalistas. Y el hecho de que el jurado no la nominara nunca, demuestra su calidad musical e indudable profesionalidad, es considerada por muchos la gran perdedora del concurso.

De todos los temas interpretados por los cantantes de Operación Triunfo, "Sueña" (Chenoa-Rosa) y "Escondidos" (Chenoa- Bisbal) han sido las dos canciones preferidas por el público. ¿El denominador común de estos dos éxitos? Chenoa.

Firmó un contrato con la discográfica Zomba Records, responsable de artistas como Britney Spears o Backstreet Boys. El primer disco en solitario de la artista ya está a la venta y su título es, precisamente, 'Chenoa'. Contiene 14 canciones que muestran su gran calidad interpretativa, temas con mucha fuerza producto de la mezcla de sonidos latinos y ritmos r & b. En el encontrarás, "Atrévete" su primer single y "Love Story". Además también hay baladas como la mágica canción a dúo con David Bisbal, "El alma en pie".

El segundo álbum de Chenoa lleva por título "Soy Mujer". El disco, producido por Carlos Quintero, ha sido grabado en estudios de Madrid y de Miami, y en él Chenoa se atreve con todo tipo de sonidos, sin abandonar nunca su estilo tan personal, ese estilo que le ha convertido en una de las artistas con más personalidad de nuestro país y que le ha llevado a vender más de 500.000 copias.

"Nada es igual" es el título del tercer trabajo de estudio de Chenoa. El álbum ha sido grabado en Italia y producido por Dado Parisini. En este disco Chenoa nos ofrece 11 temas con un estilo más pop y ciertos aires rockeros. Además de cantar, Chenoa ha compuesto la letra de 5 temas, dándole un aire más personal al disco.

Fuente: Todomusica Chic Gary

CHICK COREA GARY BURTON. Chick Corea (p), Gary Burton (p)

Chick Corea se situó hace ya varias décadas en el olimpo de los pianistas de jazz y desde entonces la crítica y el público le han mantenido en la cima. El Festival de Jazz de San Sebastián reconoció su trayectoria otorgándole el Premio Donostiako Jazzaldia en 1998. Corea ha hecho una sobresaliente contribución a la historia del jazz y a la del Jazzaldia, pues sus conciertos de 1981 y 1983 fueron entonces récords de asistencia de espectadores, y siempre ha cautivado al público donostiarra en sus recitales posteriores, en 1998 y 2002. Ha compuesto numerosas piezas convertidas en clásicas, como Spain, La fiesta y Windows. Además de dirigir sus propios grupos, Corea ha participado en algunas de las bandas que han dejado una huella más profunda en el jazz moderno, como la de Miles Davis en la época de Bitches Brew o el conjunto Circle, coliderado con el multiinstrumentista Anthony Braxton. Gary Burton, que causó sensación ya desde los comienzos de su carrera con el disco Alone at Last, un concierto de vibráfono en solitario grabado en Montreux en 1971, ha colaborado con Chick Corea, Pat Metheny, Roy Haynes, Richard Galliano y Dave Holland, ha grabado dos discos con tangos de Piazzolla y ha protagonizado un proyecto único con el pianista Makoto Ozone, explorando las posibilidades de improvisación sobre temas de Brahms, Ravel, Scarlatti, Barber y otros compositores clásicos. Chick Corea (Armando Anthony de nombre auténtico) nació en Chelsea (Massachusetts) en 1941, en el seno de una familia originaria de Italia. Su padre era trompetista, bajista, arreglista y compositor y en su casa se escuchaba a Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Bud Powell y Horace Silver, pero también a Beethoven, Chopin, Bach y Mozart, cuya música influyó asimismo profundamente en el joven Chick. Además, conoció pronto los ritmos latinoamericanos en las primeras orquestas con las que trabajó, las de Phil Barboza y Mongo Santamaría. Empezó a destacar en la banda de Blue Mitchell y entró, en 1966, en el cuarteto de Stan Getz. Ese mismo año grabó su primer disco, Tones for Joan’s Bones. En 1968, dejó el grupo de Getz, grabó Now He Sings, Now He Sobs con Miroslav Vitous y Roy Haynes, acompañó a Sarah Vaughan y vivió uno de los momentos más decisivos de su carrera cuando le llamó Miles Davis. Corea se pasó entonces al piano eléctrico y participó en los trascendentales discos de aquella época de Miles (In a Silent Way, Bitches Brew). En 1970, se asoció con Dave Holland y Barry Altschul para crear el trío Circle, convertido al año siguiente en cuarteto con la adición de Anthony Braxton. Mientras tanto, seguía tocando con frecuencia junto a Elvin Jones y Stan Getz. En 1972, dio un nuevo giro a su carrera formando Return to Forever con Stanley Clarke, Joe Farrell, Airto Moreira y Flora Purim, un grupo que unía muy adecuadamente el jazz de fusión y la música brasileña. Return to Forever experimentó varios cambios en su formación, por la que pasaron también Bill Connors, Lenny White, Mingo Lewis y Al Di Meola. Al mismo tiempo, grabó con Eddie Gómez, Joe Farrell, Steve Gadd y Jean-Luc Ponty. The Leprechaun, My Spanish Heart, The Mad Hatter y Secret Agent son los discos característicos de esa época. No Mystery logró el Grammy en 1975. A comienzos de los 80, Corea abandonó Nueva York para instalarse en California. Regresó al piano acústico y tocó en dúos, tríos y cuartetos con Herbie Hancock, Gary Burton, Keith Jarrett, Roy Haynes, Miroslav Vitous, Gary Peacock, Michael Brecker, Lee Konitz, Joe Henderson, Freddie Hubbard, Paco de Lucía, Eddie Gómez, John McLaughlin y otros. En Donostia, concretamente, tocó acompañado por Gary Peacock, Roy Haynes y Joe Henderson en 1981, y dos años después lo hizo con Miroslav Vitous y Roy Haynes. En 1985, retornó a los teclados eléctricos y montó un trío con David Weckl a la batería y John Patitucci al bajo. Ese trío desembocó en la formación de la Elektric Band, con la que Corea desarrolló sus ideas musicales a finales de los años 80. Poco después, en esa alternancia entre lo eléctrico y lo acústico que ha sido una constante en la carrera de Chick Corea, formó con Patitucci y Weckl el Akoustic Trio. Hizo también incursiones en el campo de la música clásica, como el Concierto para piano y orquesta en tres movimientos que estrenó en 1986. En la temporada 1996-1997, hizo una gira con un quinteto all-stars en el que también estaban Kenny Garrett y Wallace Roney. Inmediatamente después formó el grupo Origin, con el que Corea regresó a sus raíces como pianista de jazz con una formación acústica, dejando de lado los teclados electrónicos, y actuó en San Sebastián en 1998. Siempre dispuesto a explorar nuevos terrenos y a aportar su colaboración en los proyectos más dispares, dejó una vez más constancia de ello con su actuación en San Sebastián en 2002, compartiendo el escenario con prominentes figuras del flamenco y del jazz español en el recital que conmemoraba el vigésimo aniversario del sello Nuevos Medios. Sus últimas aventuras musicales incluyen su dinámica Elektric Band, su grupo Touchstone, que tiene un toque flamenco, y un concierto de piano que estrenó en Viena en julio de 2006 (poco después de cumplir 65 años) en el marco de los actos del Año Mozart. Corea es uno de los compositores más prolíficos de los últimos tiempos y su discografía es muy abundante. Entre sus discos que han aparecido más recientemente están Remembering Bud Powell (1997), Native Sense: The New Duets (1997), Live from Blue Note Tokyo (2000), Past, Present & Futures (2001), Sea Breeze (2002), Rendez-vous in New York (2003), To the Stars (2004), The Ultimate Adventure (2006), The Enchantment (2007) y Before Forever (2007), además de varios recopilatorios. Gary Burton, nacido en 1943 y educado en Indiana, aprendió de forma autodidacta a tocar el vibráfono y, a los 17 años, debutó con su primer disco en Nashville (Tennessee), junto a los guitarristas Hank Garland y Chet Atkins. Dos años después, Burton abandona sus estudios de música en el Instituto Berklee para unirse a George Shearing y posteriormente a Stan Getz, con quien trabaja desde 1964 a 1966. Como miembro del Getz Quartet, en el que coincidió con Chick Corea, Burton ganó el premio Talento Merecedor de un Reconocimiento Mayor de la revista Down Beat, en 1965. Al tiempo que abandona a Getz para formar su propio cuarteto en 1967, Burton graba tres álbumes bajo su nombre para RCA. Tomando prestados los ritmos y sonoridades de la música rock, mientras mantiene la complejidad armónica y el énfasis en la improvisación del jazz, el primer cuarteto de Burton atrae a una numerosa audiencia de ambos lados del espectro del jazz-rock. Algunos de esos discos, como Duster y Lofty Fake Anagram, sitúan a Burton y su banda como los progenitores del fenómeno del jazz-fusión. La popularidad de Burton fue rápidamente validada por la revista Down Beat, la cual le otorga el premio al Jazzista del Año en 1968. Posteriormente, el Burton Quartet se amplía para incluir al joven Pat Metheny en la guitarra, y la banda comienza a explorar un repertorio de composiciones modernas. En los años 70, Burton empezó también a centrar su música en contextos más íntimos. Su álbum Alone at Last, un concierto de vibráfono solo grabado en el Festival de Jazz de Montreal en 1971, fue reconocido con el premio Grammy. Asimismo, Burton dio un giro hacia el inusual formato de dúo, grabando con el bajista Steve Swallow, el guitarrista Ralph Towner y el propio Chick Corea, con el que cimentó una sólida y larga relación personal y profesional, recompensada con dos premios Grammy. En 1971, Burton comienza su carrera en el Instituto Berklee de Boston como profesor de percusión e improvisación. En 1985, es nombrado Decano de Estudios. En 1989, recibe del instituto un doctorado de honor en música, y en 1996, es designado Vicepresidente Ejecutivo. Por otra parte, Burton empezó a grabar discos para GRP durante los años 80 y 90. En 1990, volvió a formar pareja con Pat Metheny para Reunion, que le lleva a lo más alto de la lista de éxitos de la revista de jazz Billboard. Departure (Gary Burton & Friends) fue editado por Concord Records en 1997, así como Native Sense, una nueva colaboración en dúo con Chick Corea, con el cual gana un Grammy en 1998. También en 1997, grabó su segunda colección de música de tango, Astor Piazzolla Reunion, con la participación de los mejores músicos de tango argentinos. A ésta le sigue Libertango en 2000, otra colección de la música de Piazzolla. Like Minds, grabado en 1998 y realizado con sus frecuentes colaboradores, el elenco de geniales estrellas Chick Corea, Pat Metheny, Roy Haynes y Dave Holland, fue premiado con un Grammy, el quinto de Burton. El CD homenaje al Burton vibrafonista, For Hamp, Red, Bags and Cal, fue puesto en venta en marzo de 2001 por Concord y supuso la 12ª nominación del jazzista a los Grammy. En 2002, firma un proyecto singular con Makoto Ozone, su pianista colaborador durante los pasados 20 años. En Virtuosi, la pareja explora las posibilidades de temas clásicos, incluyendo los trabajos realizados por Brahms, Scarlatti, Ravel, Barber y otros. En una iniciativa inusual, la Recording Academy nominó ese disco en la categoría de música clásica de los premios Grammy, un auténtico honor único para Burton. Recientemente, Burton ha estado concentrado en tocar con la banda Next Generations (el disco Next Generations fue publicado en marzo de 2005 por Concord), así como en sus colaboraciones con Pat Metheny, Chick Corea, Richard Galliano y Paolo Ortiz.

Fuente: JazzAlDia.com