Shin production | Agnellini Arte Moderna poeticamente astratto poetically abstract

a cura di_curated by Philippe Daverio Dominique Stella MARK TOBEY Poeticamente astratto_Poetically abstract

Mostra_Exhibition Ringraziamenti_Thanks to: Catalogo pubblicato da_Catalogue published by sommario_summary Galleria Agnellini Arte Moderna, Brescia On. Avv. Adriano Paroli, Sindaco della Città SHIN production 28 marzo_march – 26 settembre_ di Brescia september 2009 Avv. Andrea Arcai, Assessore alla Cultura Editore_Publisher della Città di Brescia Massimo Tantardini Mostra e catalogo a cura di_Exhibition and Avv. Riccardo Minini, Assessore alla 8 | Philippe Daverio | Mark Tobey catalogue curated by Cultura della Provincia di Brescia Coordinamento di redazione_ Philippe Daverio, Dominique Stella Dr. Heiner Hachmeister, Muenster Editing coordination Elena Serpotta

Direttore_Director Crediti fotografici_Photographic credits: Assistente di redazione_Editing Assistant 16 | Dominique Stella | Mark Tobey. Al di là della forma e dell’essere Roberto Agnellini Fotografie di MarkT obey_Photographs of Claudia Parola Mark Tobey. Beyond form and being Direttrice artistica_Artistic director Mark Tobey: © CMT (Committee Mark Tobey) Graphic designer Dominique Stella Fotografie opere_Photographs of the works: Walter Almici Coordinamento_Coordination Fabio Cattabiani 40 | Mark Tobey | Corrispondenza e note Eriberto Bettini, Giancarlo Patuzzi Traduzioni_Translations: Correspondance and notes Segreteria_Secretary Crediti dei testi_Texts credits: Mark Tobey by Philippe Daverio: Michela Franzelli, Cinzia Zanetti © gli autori_the authours Simon Turner Ufficio Stampa_Press Office Corrispondenza e note_Correspondance Mark Tobey - Al di là della forma e Irma Bianchi Communicazione and notes; Biografia_Biography; Biliografia_ dell’essere_Beyond form and being by Bibliography: © CMT (Committee Mark Tobey) Dominique Stella: La mostra è stata realizzata con il patrocinio from French to Italian Silvia Denicolai di_the exhibition is under the patronage of from French to English Timothy Stroud 65 Opere_Works Corrispondenza e note_Correspondance and notes: Soget Srl Provincia di Brescia Assessorato alle Attività e Beni Culturali, Valorizzazione delle Identità, Culture e Lingue locali Stampato da_Printed by Color Art, Rodengo Saiano (BS) 233 Biografia_Biography

Comune di Brescia 249 Bibliografia_Bibliography

Agnellini Arte Moderna Via Soldini, 6/a Brescia - Italia www.agnelliniartemoderna.it

© SHIN production, 2009 All Right Reserved. No part of this publication may be reproduced or transmitted in any form or by any means, electronic or mechanical, including photocopy, recording SHIN Production or other information storage and retrieval system, without prior permisison in writing from the publisher www.shinart.it L’Arte deriva dall’Arte, così come gli uomini derivano dagli uomini e i fiori dai fiori; c’è un’Arte Pacifica che sembra stia fiorendo, sebbene sia stata notata dapprima a Parigi, e di cui sono stato designato l’autore, che ritengo sia vero. L’Arte, se Pacifica, deve avere le proprie radici in Oriente o nell’America Indiana, poiché nessun ambiente di per sé stesso dà “Arte”. Il linguaggio dell’Arte deriva da un uomo e si sposta dove l’uomo si trasferisce. Come ha detto Malraux: “Giotto non imparò a dipingere guardando le pecore – ma osservando Cimabue“.

Art comes from Art, as men come from men and flowers from flowers, and there is a Pacific Art which seems to be rising, although first noticed inP aris, and myself named as originator, which I feel is true. Art, if Pacific, must have roots either in the Orient or the American Indian as no environment per se gives “Art”. The language of Art comes from man and migrates as man does. As Malraux said: “Giotto didn’t learn to paint by looking at sheep – but by looking at Cimabue”. [Mark Tobey, 1956]

7 m a r k t o b e y Philippe Daverio Ripercorrere, anzi rivedere, oggi il caso Mark Tobey è innegabilmente una delle avventure d’indagine fra le più interessanti che si possa compiere in un momento di mutazione del gusto fra i più forti che la storia recente stia subendo. Nato ancora nel diciannovesimo secolo, protagonista della modernità americana, dichiarato artista dell’anno nel 1961, è caduto per un lungo tempo in una sorta di oblio rispettato e sonnolento, mentre decine di personalità ben più fragili della sua venivano trascinate verso una fama milionaria nel ventennio del boom appena conclusosi in una catastrofe economica dalle dimensioni bibliche. Uomo schivo, poeta sottile destinato con le sue opere piccole ad un collezionismo analogo a quello intellettuale che raccoglieva le opere di Paul Klee, era egli sicuramente inadatto al fracasso della giostra dell’arte recente quanto lo fu pure l’altro poeta della leggerezza, quel Joseph Cornell suo cadetto di tredici anni. Commise un reato terribile, perdonato solo a Cy Twombly: abbandonò gli Stati Uniti per l’Europa e se ne andò a morire a Basilea. Ma forse Cy, dalla sua, ha avuto la fortuna dei grandi formati, quelli così necessari alle enormi pareti dei musei recenti, e la crescita d’una rete d’interconnessioni che rende attualmente gli spostamenti temporanei, e non definitivi come allora. Mark Tobey, l’artista inadatto alla baraonda, è la personalità necessaria per capire l’altro lato dell’America, il lato riflessivo, responsabile, indagatore e come tale capace di seguire i sentieri

Mark Tobey Retracing the story of Mark Tobey’s works, or rather, looking at them again, is undoubtedly one of the most fascinating investigative adventures one can embark during one of the greatest shifts in taste that recent history has experienced. Born in what was still the nineteenth century, a leading name in American modernity, and proclaimed Artist of the Year in 1961, he fell into a sort of long, respected, and somnolent oblivion as dozens of far more fragile personalities were dragged off to millionaire stardom in the two decades of economic boom that have just ended in a cataclysm of Biblical proportions. A self-effacing man, and a sensitive poet whose small works were destined to a form of collecting comparable to the intellectual gathering of works by Paul Klee, he was certainly as unsuited to the turmoil of the art carousel in recent years as was another poet of ethereality, Joseph Cornell, thirteen years his junior. He committed a terrible offence, and one that only Cy Twombly has been forgiven for: he abandoned the United States for Europe, and he went to die in Basle. But possibly Cy had the good fortune of large formats on his side, as these are desperately needed for the enormous walls of recent museums, and he was helped by the expanding web of connections that now make travel temporary, and not definitive as it was then. Mark Tobey, an artist ill-suited to hustle and bustle, has the personality one needs to understand the other side of America. The thoughtful, responsible, interested side and, as

9 m a r k t o b e y stretti d’una ricerca d’avanguardia che nei suoi anni era auspicata come riscatto d’un paese d’essere entrato lì in contatto con un giovane artista cinese che gli mescolò tutta la formazione che guardava ancora al mondo delle culture esterne con una garbata riservatezza. pregressa lasciandogli sommare letteratura araba, pensiero persiano e calligrafie. Queste “Penso che la pittura debba passare dalle vie della meditazione, e non lungo i canali andrà a studiarle, poi, nei paesi arabi e in Palestina dopo avere (era ovviamente compreso nel dell’azione”. Questa sua frase spiega in realtà tutto d’un viaggio artistico che nasce dalla copione!) incontrato Gertrude Stein a Parigi. Si capisce che Alfred Barr, la mente critica più più americana delle qualità, quella della narrazione, e che porta inesorabilmente verso la fine diN ew York, lo abbia notato in una piccola mostra nella galleria-cafè di Romany Marie ed decantazione della forma, quell’astrazione che le mode dell’epoca volevano assolutamente abbia acquistato le sue opere per il MoMA che stava per aprire. E poi riparte nel 1934 per la catalogare come espressionismo astratto ma che, nel caso suo, ben poco aveva a che vedere Cina e il Giappone, per compiere come per caso lo stesso viaggio che nello stesso anno stava con il dramma viscerale e sublime di Jackson Pollok, con le sciccherie di Rauchenberg o intraprendendo il surrealista Henri Michaux. L’artista belga muterà la scrittura automatica le vacuità trendy di Jasper Johns. Narratore lo era della città, in versione ancora figurativa in segni grafici minimi andando successivamente nel nuovo continente, dove la mescalina ma già evaporante, quando disegnava grattacieli, strade e suonatori di jazz in modo simile e messicana avrà sulla sua mente e la sua creatività visiva gli stessi effetti che la meditazione contemporaneo ai racconti di Henry Miller (lo scrittore nato un anno dopo di lui e morto poco zen in oriente avrà su Tobey. Curiosi incroci di percorso delle grandi intelligenze… dopo di lui e, come lui, ultraottantenne) nella sua trilogia della Rosy Crucifiction dove l’ultimo E gli Stati Uniti d’allora, quelli di Franklin Delano Roosevelt, quelli convinti che l’arte volume, quello di Nexus, si conclude sul transatlantico che salpa da New York verso l’Europa. possa servire ad uscire dalla grande depressione, gli offrono, come a molti suoi colleghi, Narratore lo fu quanto lo erano allora in musica l’altro suo coetaneo George Gerschwin, l’opportunità dell’affermazione. La mostra personale al museo di , la mostra all’Art Charles Ives o Aaron Copland. Narratore quanto lo fu il cinema in bianco e nero di quegli Club di Chicago, al Whitney di New York. Nel frattempo s’era formato questo suo particolare anni. Ma con una sottigliezza in più, quella d’essersi convertito ventottenne alla fine della modo di dipingere dove la calligrafia diventava una curiosa semiotica che si caricava di luce, prima guerra alla religione Bahà’i, d’avere abbandonato subito dopo New York per Seattle e di bianco, di trasparenze e di velature leggere. Sicché diventa, lui, negli anni della seconda

such, the one that is able to go along the narrow path of an avant-garde research which, one further subtlety, which was that of having converted at the age of twenty-eight to the at the time, was looked forward to as the redemption of a country that was still observing Bahá’í faith and, shortly after, abandoning New York for Seattle, where he came into contact foreign cultures with courteous reserve. with a young Chinese artist who mixed up all his previous education, leaving him to add in “I believe that painting should come through the avenues of meditation rather than the Arabic literature, Persian thinking, and calligraphy. He later went off to study these in Arab canals of action.” This phrase of his actually explains a whole artistic journey that comes countries and in Palestine after (and this was naturally included in the script) meeting with from narrative – the most American of qualities and one that inexorably leads towards the Gertrude Stein in Paris. We can see why Alfred Barr, the most acute critical mind in New decantation of form. It comes from the abstraction that the changing fashions of his age York, noticed him in a little exhibition at Romany Marie’s café-gallery, and bought his works felt an absolute need to classify as abstract but that, in his case, had very for MoMA, which was about to open. He then left again in 1934 for China and Japan, to little to do with the visceral and sublime drama of Jackson Pollock, the chic creations of embark as though by coincidence on the same trip that the surrealist Henri Michaux was Rauschenberg, or the trendy vacuousness of Jasper Johns. And indeed he was a narrator of making that very year. The Belgian artist subsequently changed his automatic writing into the city, in a still figurative but already evaporating way, when he drew skyscrapers, streets, minimalist graphic signs and later moved to the New World, where Mexican mescaline was and jazz musicians in a manner that was similar and contemporary to the novels of Henry to have on his mind and on his visual creativity the same effects that Zen meditation in the Miller (who was born a year after him and died, also over the age of eighty, shortly after East was to have on Tobey. Curious crossings of great minds... him), in his Rosy Crucifixion trilogy in which the last volume, Nexus, ends on a transatlantic And the United States of those years, the world of Franklin Delano Roosevelt, so convinced liner sailing off from New York to Europe. He was just as much of a narrator as other that art could help the country rise up out of the Great Depression, offered him too the contemporaries of his, such as George Gershwin, Charles Ives, or Aaron Copland, were in opportunity to make his mark. And thus came the solo exhibition at the museum in Seattle, . As much of a narrator as black-and-white cinema was in those years. But he had the show at the Art Club in Chicago, and at the Whitney in New York. His characteristic way

m a r k t o b e y 10 11 m a r k t o b e y guerra, una sorta di maestro storico per gli artisti che passano, l’uno dopo l’altro, dalla figurazione narrativa all’astrazione. Fornisce una esperienza complessa, quella del viaggio e dell’approfondimento, dell’indagine e della sua sublimazione. Percorso rinfrescante per gli europei, anche, che sono allora alla ricerca d’una soluzione per abbandonare il vuoto d’un estetismo totalizzante. Forse tutta roba troppo complicata per i roaring eighties, gli anni ’80 del greed, della corsa al danaro decretata come fondamento etico dalla prima amministrazione Reagan. Intollerabili allora i pensatori, figuriamoci quelli della meditazione! Ora quel ciclo sembra essersi chiuso nelle scatolette di cartone che i giovani eroi della speculazione hanno riportato a casa della mamma. Inizia un ciclo nuovo, diverso nella sostanza stessa dei suoi valori. La depressione rischia d’essere più intima ancora che economica, almeno quella dei profeti che per trent’anni hanno dettato le leggi del bene e del male, nei bond come nell’arte. L’Occidente tornerà a meditare sui suoi pionieri.

of painting, in which calligraphy becomes a curious semeiology filled with light, whiteness, transparencies and ethereal veilings, had come of age. As a result, during the last war, he became a sort of historic master for those artists who, one after the other, were shifting from narrative representation to abstraction. He brought in his complex experience of travel and in-depth study, of investigation and of its sublimation. It was a refreshing process for the Europeans too, as they were then seeking a way to abandon the emptiness of an all-embracing aestheticism. This may have been all too complicated for the greedy “Roaring Eighties” with their race for money decreed to be a fundamental ethical principle by the firstR eagan administration. Thinkers were out of the question, so there was no way meditators could be tolerated! That cycle now appears to be packed away in the cardboard boxes that young speculator heroes have been carting back to their mamma’s homes. A new cycle is beginning, different in the very substance of its values. The depression may well be more inward and personal than economic – at least for those prophets who for thirty years dictated the laws of good and evil, in bonds as in art. The West will once again reflect on its pioneers.

m a r k t o b e y 12 13 m a r k t o b e y

Dominique Stella La mostra presenta numerose opere provenienti dalla collezione di Mark Ritter - amico e segretario di Mark Tobey - la maggior parte delle quali risale agli anni ’60. Questo insieme riflette il lavoro meticoloso e brillante di un artista che si è liberato del gesto per giungere ad una scrittura pittorica in cui lo spirito domina il segno, in una tradizione prossima alla calligrafia giapponese. I suoi quadri, spazi densi di aplats e linee ripetitive, sono semplici e al tempo stesso complessi, intricati ed intuitivi. Le marcate tonalità di marrone e di grigio, le sottili pennellate di colore, richiamano spesso il mondo naturale ed in particolare la natura viene messa in primo piano. Esse evocano l’immagine di un reticolo di cellule visto attraverso il microscopio, una superficie rocciosa erosa dalle intemperie, o le striature sulla corteccia di un albero. Mark Tobey, nato nel 1890 a Centerville nel Wisconsin, nel Midwest degli Stati Uniti, trascorre un’infanzia felice lungo le rive del Mississipi. Disegnatore di talento, nel 1911 si stabilisce a New York dove si avvia alla carriera di illustratore di moda. La sua vera vocazione si rivela nel corso del decennio seguente, quando si converte alla fede Bahá’í che da allora trasforma la sua visione del mondo e la sua pratica artistica. La sua vita è caratterizzata da numerosi viaggi e prolungati soggiorni in Europa, Oriente e Asia. Dopo aver divorziato, nel 1922 si trasferisce a Seattle dove, nel 1923, incontra Teng Kuei, studente e pittore cinese che lo inizia Mark Tobey. Al di là della forma e dell’essere Mark Tobey: Beyond form and being The exhibition presents a large number of works, which mostly date from the 1960s, from the collection of Mark Ritter, the friend and secretary of Mark Tobey. The set of works reflects the meticulous and luminous work of an artist who freed himself from gesture in favour of a pictorial script in which the spirit dominates the sign in a tradition close to Japanese calligraphy. His canvases, spaces dense with flat tints and repetitive lines, are both simple and complex, intellectual and intuitive. Their prominent browns and greys, and the subtle touches of colour are often suggestive of the natural world and, in particular, of nature seen close up. They are reminiscent of networks of cells seen through a microscope, a rocky surface furrowed by the elements, or the wrinkles on the bark of a tree. Mark Tobey was born in 1890 in the American Midwest, in Centerville, Wisconsin, and spent a happy childhood on the banks of the Mississippi. A talented draughtsman, he settled in New York in 1911, where he planned to become a fashion illustrator. However, his real vocation was to become apparent during the following decade when he converted to the Bahá’í Faith, which altered his view of the world and artistic practice. Throughout his life he travelled and enjoyed prolonged stays in Europe, the Orient and Asia. After his divorce, he settled in Seattle in 1922, where a year later he met Teng Kuei, a Chinese

17 m a r k t o b e y alla calligrafia. Insegna arte fino al 1925, poi compie viaggi in Francia (Parigi, Châteaudun), che costituisce uno dei punti di riferimento dell’arte informale americana. Tobey la descrive in Catalogna (Barcellona), in Grecia, a Costantinopoli, Beirut, Haïfa, dove s’interessa alla così: “Il tratto prevale sulla massa, ma io provo a compenetrarlo con un’esistenza spaziale. scrittura persiana e a quella araba. Nel 1927 Tobey torna a Seattle e partecipa, nel 1928, “Scrivere” la pittura, sia essa colorata o in toni neutri, diventa una necessità. Spesso ho alla fondazione della Free and Creative Art School. Nel 1929, Alfred Barr presenta le sue pensato che il mio modo di lavorare fosse una performance, nel senso che il mio quadro opere al Museum of Modern Art di New York. Tra il 1930 e il 1937 si stabilisce nel Devonshire, doveva essere realizzato tutto in una volta o non essere realizzato affatto. Era esattamente il dove insegna presso la Dartington Hall School; compie alcuni viaggi in Europa ma anche in contrario del “costruire”, principo al quale mi ero attenuto tempo addietro”1. Messico, nel 1931, e in Palestina, nel 1932. La sua arte evolve nel corso degli anni passando da una raffigurazione accademica e Conversione alla fede Bahá’í diligente, che caratterizza le sue opere degli anni ’20 e dei primi anni ’30 (come Still life on Informale fuori della norma, Mark Tobey è un artista totalmente a parte nel panorama a table, in catalogo, oppure Man with closed eyes, 1925, anch’esso in catalogo, o Exécution, dell’arte americana del XX secolo. La sua pittura ci offre una visione di una grande sensibilità 1932), a una forma espressiva e gestuale che egli svilupperà a partire dal 1934-35, al suo e, al pari di artisti come Masson in Francia o Pollock suo compatriota, ci propone un’opera ritorno dai soggiorni in Cina e soprattutto in Giappone. Tobey diventerà allora l’artista che si concentra nello sviluppo del segno, al di là della sua interpretazione o perfino della sua brillante e libero il cui talento sbocciò realmente alla fine degli anni ’30, quando raggiunse lettura. L’espressione visiva di Mark Tobey segue un progetto di ricerca che va oltre qualsiasi quell’immaginario infinito, libero dai principi concreti e costruttivi che inquadrano un’arte soluzione grafica o estetica, e raggiunge una ricerca che si ricollega a problematiche occidentale di cui egli percepisce i limiti. Di ritorno dall’Inghilterra, nei mesi di novembre filosofico-religiose alle quali l’artista fa realmente riferimento.L a sua appartenenza alla 1 citato in Mark Tobey, catalogo e dicembre del 1935, dipinge numerose tele (Broadway, Welcome Hero, Broadway Norm) fede Bahá’í, alla quale aderì nel 1918, lo condusse ad uno studio approfondito dei suoi della mostra omonima presso il Palais du Louvre, Ed. Musée des utilizzando una “scrittura bianca” che sarà la caratteristica principale della sua opera e insegnamenti che sarebbe durato sino alla fine della sua vita, trasformando radicalmente Arts Décoratifs, Parigi, 1961 student and painter, who initiated him into the world of calligraphy. Tobey taught art until be the essential characteristic of his oeuvre, and which became one of the landmarks of 1925, when he travelled to France (Paris, Châteaudun), Catalonia (Barcelona), Greece, American Informal art. He described it as follows, “The lines prevail over the mass but I try Constantinople, Beirut and Haifa, during which time he became interested in the Persian to interpenetrate it with a spatial existence. “Writing” the painting, whether it is coloured and Arabic scripts. He returned to Seattle in 1927 and the next year was involved in the or in neutral tones, becomes a necessity. I have often thought that my way of working was foundation of the Free and Creative Art School. In 1929 Alfred Barr presented his works to a performance in the sense that my painting had to be executed all at once or not at all. It the Museum of Modern Art in New York. Between 1930 and 1937 Tobey lived in Devonshire, was absolutely opposed to the concept of “building” that I had used previously”1. England, where he taught at the school Dartington Hall, but took time out to travel in Europe as well as to Mexico in 1931 and Palestine in 1932. Conversion to the Bahá’í Faith His art evolved over the years, passing from the assiduous, academic figuration that Mark Tobey’s unconventional Informal art set him completely apart in the panorama marked his works of the 1920s and early ‘30s (Still-Life on a Table, published here, or Man of twentieth-century American art. His painting offers a vision of great sensibility, and, with Closed Eyes, 1925, also in the catalogue Exécution, 1932) to an expressive, gestural matched by Masson in France and even by his compatriot Jackson Pollock, his production form that he was to develop from 1934–35 on his return from China and, above all, Japan. focuses on the development of the sign, going beyond its interpretation. Mark Tobey’s He was then to become the luminous and free artist whose talent blossomed at the exploration into visual expression transcends all graphical and aesthetic solutions to make end of the 1930s, when his imagination achieved a boundlessness freed from concrete, reference to the philosophical-religious issues with which the artist was concerned. His 1 cited in Mark Tobey, constructive principles, and encompassed a Western art whose limits he discerned. membership of the Bahá’í Faith, which he joined in 1918, led him to make deep studies catalogue of the exhibition of Returning to England in 1935, he painted several canvases in November and December of its teachings throughout his life, which revolutionised his being and his art. The Bahá’í the same name at the Palais du Louvre, Ed. Musée des Arts (Broadway; Welcome Hero; Broadway Norm) using his “white-writing” style that was to Faith is a universal doctrine that attempts to lead humanity towards an acute awareness Décoratifs, Paris, 1961

m a r k t o b e y 18 19 m a r k t o b e y il suo essere e la sua arte. La fede mondiale Bahá’í è una dottrina universale. Essa alla compatibilità della scienza e della religione, alla relatività della verità (compresa quella accompagna l’umanità verso una coscienza profonda della propria condizione, nel rispetto religiosa) e all’unicità assoluta del genere umano. Se questi principi costituivano una sfida – al dell’essere e della natura. L’unità è il suo principio fondamentale. Per raggiungerla, essa liberalismo europeo del XIX secolo, tra gli altri – che dire dello shock di cui risentì il mondo auspica la fondazione di una comunità universale in cui tutte le nazioni, razze, classi e islamico, allora ripiegato sul proprio assolutismo. Tre personaggi illustri hanno condotto religioni siano strettamente e inderogabilmente unite, in cui l’autonomia degli Stati membri questa rivoluzione nata dall’Islam. Il primo si chiamava ’Ali-Muhammad Shirazi (1819-1850), e la libertà personale, così come l’iniziativa degli individui che la compongono, siano noto come “il Bab” (la Porta, intendendo “la porta aperta sulla nuova era”). Ci fu poi Mirza pienamente e per sempre tutelate. Essa aspira all’abolizione dei pregiudizi, intende stabilire Husayn-’Ali (1817-1892), che avrebbe preso il titolo di “Baha’u’llah” (Gloria di Dio), e a cui l’uguaglianza dei sessi, lottare contro la schiavitù e distribuire equamente le ricchezze di subentrò il primogenito ’Abdu’l-Baha (Servo di Dio, 1844-1921). Tutto ha inizio nel 1844, nella questo mondo. Questa comunità universale comporta una legislatura universale i cui membri, città persiana di Shiraz. “Il Bab” dichiara di essere “il Mihdi” (“Colui che è guidato da Dio”). Il in quanto rappresentanti della razza umana, hanno il controllo supremo su tutte le risorse suo insegnamento, in un primo tempo, si limita a un gruppo di diciotto discepoli. Grazie alla delle nazioni che la compongono ed emanano le leggi necessarie a regolamentare la vita, diffusione dei suoi scritti, tuttavia, esso raggiunge un numero sempre più grande di persone, rispondere alle necessità e armonizzare le relazioni di tutti i popoli e di tutti le razze. I baha’ié di ogni estrazione sociale, sino a coinvolgere il grande pubblico. Il grottesco processo a cui credono in un Dio universale e a-temporale, che avrebbe eletto fra gli uomini alcune guide sarà sottoposto a Tabriz, nel 1848, per “deviazione religiosa” , alla conclusione del quale egli spirituali appartenenti a diversi credo. Che si tratti di Gesù, Maometto, Buddha o Confucio, viene severamente bastonato, non farà che accrescere la sua notorietà. tutti i profeti rappresentano un medesimo spirito, una medesima forza divina superiore, Questa nuova religione avrebbe esercitato un forte impatto sull’opera dell’artista: “Fu davvero la cui conoscenza e rivelazione è accessibile a tutti. Sin dai suoi esordi, la fede Bahá’í un bivio spirituale cruciale nella vita di Tobey e nella sua opera”, scriveva William Seitz, in professa insegnamenti rivoluzionari per l’epoca: essa richiama all’uguaglianza fra i sessi, un articolo del catalogo alla mostra di Mark Tobey presso il Museo d’Arte Moderna di New of its condition in accordance with being and nature. Its fundamental principle is unity. To Islamic world, which fell back on its absolutist nature. The Baha’í revolution, which grew achieve that unity, it advocates the establishment of a universal community in which all out of Islam, was led by three individuals: the first was ’Ali-Muhammad Shirazi (1819–50), nations, peoples, classes and religions are closely and definitively united, and in which known as “El-Bab” (The Gate, signifying “the gate that opens onto a new era”); the second the autonomy of the member States and personal freedom, as well as the initiative of was Mirza Husayn-’Ali (1817–92), who took the title of “Baha’u’llah” (meaning “the Glory its individual members, are completely and permanently upheld. Its goals are to abolish of God”); and the third was his eldest son ’Abdu’l-Baha (Servant of God, 1844–1921). It prejudice, to establish sexual equality, to fight slavery, and to share the riches of the all began in 1844 in the small Persian town of Shiraz. El-Bab declared himself to be world equally. This universal community entails a universal legislature whose members, “the Mihdi” (“He who is guided by God”). Originally his teaching was limited to a circle of as representatives of the human race, have supreme control of all the resources of its eighteen disciples but, once his writings began to circulate, a growing number of people member nations, and enact the laws necessary for governing life, meeting needs, and from all social strata began to follow him, to the extent that he finished by attracting a harmonising relations between all peoples. Members of the Bahá’í Faith believe in a large public. The ludicrous legal case brought against him in Tabriz in 1848 for “religious universal and timeless God who chose the individuals who became the spiritual guides for deviance”, for which his punishment was a severe beating, only served to increase his the different faiths. Jesus, Muhammad, the Buddha, Confucius and all prophets represent fame. the same spirit, the same divine force that is available to all. At the time of its foundation, Tobey’s new religion must have had a strong impact on his work: “It was truly a crucial the Bahá’í Faith preached revolutionary teachings: it called for gender equality, the spiritual junction in Tobey’s life and in his work”, wrote William Seitz in the catalogue of compatibility of science and religion, the relativity of truth (including religious truth), and the exhibition of the artist’s works in New York’s Museum of Modern Art (1962). Tobey’s the absolute uniqueness of the human race. If these principles represented a challenge, world is subjective and his art essentially tied to a mental attitude that presides over the even to the liberalism of nineteenth-century Europe, the shock was much greater to the construction of his painting, resulting in a form that expresses interior contemplation

m a r k t o b e y 20 21 m a r k t o b e y York (1962). Il mondo di Tobey è soggettivo e la sua arte è essenzialmente legata ad un ma credo che nell’avvenire si parlerà di stili universali... L’avvenire del mondo deve essere atteggiamento mentale che presiede alla costruzione della sua pittura, forma manifesta di la materializzazione della sua unicità, questo è l’insegnamento principale della fede Bahá’í una contemplazione interiore e di un’esperienza di vita. Domina nella sua opera il concetto come la intendo io, e a partire da questa unicità emergerà un nuovo spirito nell’arte”. di unicità, in riferimento alla sua credenza che auspica l’unione di tutti i popoli e di tutte le religioni. Anche i suoi viaggi, soprattutto in Cina e in Giappone, dove trascorse diversi mesi L’Estremo Oriente e la sua influenza in un monastero zen, conferirono al suo lavoro un respiro particolare, ben lontano dalle Attorno al 1920 Tobey intraprende le sue prime realizzazioni di ritmo nello spazio, la cui forme espressioniste di un’arte americana già segnata dall’agitazione del mondo artistico. ispirazione gli derivò dalla riflessione sul volo di una mosca, e che alcuni anni dopo Max Il raccoglimento costituisce il principio fondamentale della sua arte e questo stato d’animo, Ernst, senza saperlo, avrebbe ripreso nel suo quadro Jeune homme intrigué par le vol d’une che guida il gesto e l’azione, è molto lontano dalle inquietudini mediatiche coltivate dai suoi mouche non euclidienne (1942-47). È la base di un concetto che, molto più avanti, avrebbe compatrioti, i quali fecero dello spettacolo un principio di creazione. Come Kandinsky, Klee portato al dripping. Vi è, in queste due ricerche, un tentativo di liberarsi dell’ascendente o Mondrian, anche Tobey trae ispirazione da una realtà più spirituale che fisica, ed i suoi razionale e di appropriarsi dei territori inesplorati legati alla conquista dello spazio, che riferimenti sono teologici quanto estetici. La filosofiaB ahá’í modifica i suoi concetti estetici diviene elemento inconscio del quadro ma anche elemento di costruzione e di riferimento. quanto i suoi principi sociali e religiosi. “La fede di Tobey traspare dalla densità, intensità Questa riflessione è evocata dall’artista: U“ na notte ero nel mio atelier e stavo facendo il e luminosità delle sue tele”, sostiene M. Ottenbrite. “I suoi quadri sono estremamente mio autoritratto. Sul soffitto era accesa una luce. A un tratto mi sono detto: supponiamo umani”. Lo stesso Mark Tobey è stato esplicito riguardo all’influenza della sua fede sulla che io sia una mosca; potrei volare sul cavalletto, volteggiare tutto intorno, camminare sua opera. Nel 1962 affermava: “Devo dire che mi ha dato una forza straordinaria e io ho sottosopra, arrivare fino al muro etc…I n quello spazio chiuso, proiettavo il percorso compiuto cercato di utilizzarla senza fare propaganda. È vero che oggi si parla di stili internazionali, dalla mosca: non vi era più alcuna cornice, non vi era più alcun Rinascimento”. Tobey

and life experience. The dominating element in his painting is the idea of uniqueness, the basis of the Bahá’í Faith as I understand it, and a new spirit in art will emerge from which was derived from his belief that extols the union of all peoples and religions. And that uniqueness”. the journeys he made, notably in China and Japan, where he spent many months in a Zen monastery, gave his work a phrasing far removed from the expressionist forms of an The Far East and its influence American art already denoted by the agitation extant in the art world. Meditation was the Around 1920 Tobey began his first attempts at depicting rhythm in space, the inspiration basic principle of his art, and this state of mind, which governed the gesture and action, is for which was given by his thinking of a fly. Unbeknownst to him, this was taken up very distant from the media-attractive and agitated behaviour his compatriots cultivated, some years later by Max Ernst in the painting Young Man Intrigued by the of a which made spectacle into a principle of creation. Like Kandinsky, Klee and Mondrian, non-Euclidean Fly (1942–47). This was the basis of thinking that would later lead to the Tobey took his inspiration from a reality that was more spiritual than physical, and his dripping technique. In Ernst’s and Tobey’s explorations in rhythm, both artists attempted references are theological as well as aesthetic. The Bahá’í philosophy altered his aesthetic to free themselves from the hold of the rational and to appropriate unknown territories concepts as well as his social and religious principles. “Tobey’s faith shone through in the linked to the conquest of space, which becomes the paintings’ unconscious element, but qualities of density, intensity and luminosity of his canvases”, declared M. Ottenbrite. “His also an element of construction and reference. This notion was recalled by Tobey: “One paintings are very human”. Mark Tobey, himself, was clear with regard to the extent of night I was in my studio doing my own portrait. On the ceiling there was a light. All at the influence of his beliefs on his work. In 1962 he stated, “I must say that it gave me an once I said to myself, suppose I was a fly: I could fly on the easel, buzz around myself, extraordinary strength and I tried to use it without making propaganda. It is true that today walk on my back, go to the wall, etc… In this closed space I projected the path followed by we talk about international styles but I think that in the future we will talk about universal the fly: no more frame, no more Renaissance”. Tobey discovered the track of his “multiple styles… The future of the world must be the materialisation of its uniqueness, which forms space, in which depth is something more perceptible than visual”. This provided the basis

m a r k t o b e y 22 23 m a r k t o b e y scopre in quel momento la via del suo “spazio multiplo, in cui la profondità è un elemento rivelazione nasce in Tobey la coscienza di un mondo sensibile. Egli scopre la linea che si più sensibile che visivo”. Qui risiede il fondamento della sua riflessione e questo pensiero dispiega nello spazio, senza confine, che esclude ogni carattere di costruzione e di razionalità. racchiude il preludio di un’arte che egli svilupperà realmente dopo il suo soggiorno in Cina e Contano solo l’immaginario, l’infinito dello spazio e l’energia necessaria a catturarlo.I n Asia in Giappone nel 1934. L’arte e gli oggetti artigianali del mondo orientale lo affascinano. Tobey orientale il tratto è fondamentale. Esso rappresenta la struttura dell’espressione umana. studia l’arte calligrafica e la tecnica del pennello praticata inC ina. L’attenzione al dettaglio Laddove, nella cultura occidentale, il “verbo” caratterizza l’espressione fondamentale del e la concentrazione dello spirito che egli apprende, influenzano la sua opera.I l suo lavoro nostro essere e del nostro sentire, incorniciato da una struttura di parole e di frasi necessarie acquisisce un dinamismo e una capacità di ricostruzione fuggevole ed espressiva di scene all’espressione concettuale, i paesi orientali hanno adottato un universo di caratteri di vita, personaggi, natura; il suo tratto diventa più rapido, probabilmente per influenza complessi, in grado di esprimere concetti astratti, realtà materiali o mondi immaginari. della pratica dell’arte calligrafica, della quale acquisisce le basi in Oriente. Il suo lavoro La scrittura e la lettura di questi segni comporta un atto d’interpretazione soggettiva, una contiene anche le caratteristiche di un’intensa meditazione, alla quale si avvicinò in Giappone necessità di trasposizione visiva attraverso tracciati figurativi, chiamati pittogrammi, o segni in occasione di un soggiorno di un mese in un monastero zen. A seguito di una lunga più astratti, come gli ideogrammi. Questa necessità trascende ogni idea, concetto o oggetto conversazione con un monaco, un pittore che gli insegna l’alfabeto giapponese, Tobey scrive: in una forma astratta, che s’identifica con un tratto il cui sviluppo costituisce l’espressione. “Un giorno mi trovavo sulla terrazza della mia camera, che dava su un piccolo giardino, Il tratto, così, è il veicolo principale della conoscenza e della trasmissione, ecco perché un angolino intimo, pieno di boccioli in fiore sui quali planavano danzando le libellule, e ho in Estremo Oriente la calligrafia fu considerata l’arte più riuscita di tutti i tempi.L ’Europa sentito che questo piccolo mondo, quasi al di sotto dei nostri piedi, ha il proprio valore e e gli Stati Uniti hanno da tempo riconosciuto l’importanza dell’influenza della calligrafia che noi dobbiamo realizzarlo e apprezzarlo al suo livello nello spazio. D’un tratto ho sentito sull’arte occidentale, in particolare sull’Action painting negli Stati Uniti e sull’Astrazione che troppo a lungo non avevo fatto altro che rimanere al di sopra dei miei piedi”. Da questa lirica in Francia, benché concettualmente l’approccio occidentale e quello orientale siano

of his thinking and bore the fruits of the art that he was to develop after his 1934 stay in Asia lines are fundamental. They represent the structure of human expression. Whereas China and Japan. He was captivated by the art and crafts of the Oriental world. He studied in the West words are the means that provide the fundamental expression of our being the calligraphy and brush-painting practised in China, and his work was influenced by and our experiences, framed by a structure of words and phrases necessary to conceptual attention to detail and the mental concentration he learnt there. His painting took on a expression, Eastern countries have adopted a universe of complex characters capable of dynamism and a capacity for the transient yet expressive reconstruction of scenes of life, expressing abstract concepts, material realities and imaginary worlds. The writing and people or nature, whilst the speed of application of the brush increased, probably under reading of these signs involve subjective interpretation, a need for visual transposition the influence of the calligraphic art he had begun to study in the Far East. His work was through figurative designs called pictograms, or more abstract signs that are ideograms. also affected by the meditation he had practised in Japan while staying for a month in This necessity transcends all idea, concept or object in an abstract form that is identified a Zen monastery. He spent a long time talking to a monk, a painter who taught him the with a line whose development constitutes the expression. The line is therefore the Japanese alphabet, and he noted: “Once I was seated on the terrace of my chamber principal vehicle for knowledge and transmission, which is why in the Far East calligraphy which looked over a small, intimate garden filled with blossoms, over which dragonflies has always been considered the most accomplished art. Europe and the United States performed whirling ballets, I felt that this little world almost beneath our feet had its own have long admitted the extent of the influence of calligraphy on Western art, notably in the value, that we had to realise this and appreciate it at its own level in space. All of a sudden Action painting of the USA or the Abstraction lyrique of France, although conceptually the I felt that for too long I had only lived above my feet”. This realisation led Tobey to become Western and Eastern approaches are completely separate. In fact the aesthetic of Western aware of a sensitive universe. He discovers the line he deploys in the space, excluding gesture is based on movement in which the body occupies a physical space, resulting in all reference to construction and rationality. The only elements of importance are the a sign the expression of which is more the result of chance than awareness. The mind imaginary, the infinity of space, and the energy necessary to capture that space. In East is drowned out in the action. The separation of body and mind, matter and thought, is

m a r k t o b e y 24 25 m a r k t o b e y completamente diversi. Infatti, l’estetica del gesto occidentale dipende da un movimento in un tempio a Kyoto, pensai alla stessa forza ritmica di Michelangelo: la rappresentazione delle cui il corpo occupa uno spazio fisico, determinando un segno la cui espressione risulta più forme era diversa, le nuvole vorticose che accompagnavano il suo maestoso volo nella sfera dal caso che dalla conoscenza. Lo spirito si disperde nell’azione. La separazione fra corpo celeste erano diverse, ma vi era la medesima forza spirituale… “Lascia che la natura assuma e spirito, pensiero e materia, è evidente nell’approccio occidentale alla pittura gestuale. In il controllo del tuo lavoro” queste parole del mio amico Takïzaki in un primo momento mi Oriente, l’unità dei sensi e l’armonia dell’essere presiedono alla realizzazione dell’opera. disorientarono, ma poi si esemplificarono nel concetto di L“ asciar libero il passaggio”. L’emozione, il pensiero e l’azione devono unirsi per raggiungere lo stato d’illuminazione Oggi alcuni artisti parlano dell’“atto del dipingere”. Questo, nel migliore dei suoi significati, (Satori) che permettere di giungere alla conoscenza zen. Tobey si è accostato a queste potrebbe comprendere ciò che il mio vecchio amico intendeva. Ma la preparazione principale pratiche e, senza parlare di conversione, possiamo sottolineare l’influenza, su di sé e sulla è lo Stato d’Animo e l’azione procede da questo. La “pace interiore” è un altro ideale, forse lo sua opera, di questo soggiorno in Giappone. Lo sottolinea egli stesso nel corso di un’intervista stato ideale da ricercare nella pittura, e certamente è preparatorio all’atto del dipingere”2. con Katharine Kuh: “Al monastero zen mi fu dato un dipinto Sumi su cui riflettere; si trattava di un grande cerchio vuoto, eseguito con il pennello. Che cosa rappresentava? Lo guardavo Mark Tobey e la storia dell’Informale ogni giorno. Indicava l’altruismo? Rappresentava l’Universo, nel quale avrei potuto perdere In questa lettera Tobey fa riferimento agli artisti americani dell’Action painting. Certe forme della la mia identità? Forse non riuscivo a cogliere l’estetica e la raffinatezza del tratto, che ad sua arte possono suggerire una similitudine con alcune opere di Pollock ma, come egli stesso un allenato sguardo orientale avrebbe invece rivelato molto sul carattere dell’uomo che lo sottolinea, lo spirito che guida la creazione è completamente diverso, addirittura antinomico. I aveva dipinto. Dopo quel soggiorno, tuttavia, mi accorsi di avere nuovi occhi; ciò che prima mi 2 Kuh, Katharine, Conversation drippings di Pollock sono costruiti a partire da proiezioni di pittura sulla tela. I quadri prendono la avec Mark Tobey in Mark Tobey, appariva di poca importanza diveniva amplificato, e le riflessioni non erano più basate sul mio forma di arabeschi colorati, realizzati su una tela posta direttamente per terra, in cui non prevale catalogo della mostra omonima precedente modo di vedere. Osservando un grande drago dipinto con il pennello sul soffitto di presso la Whitechapel Gallery , alcun senso di lettura. Jackson Pollock è uno dei rappresentanti di ciò che il critico Harold Londra, 1962 flagrant in the Western approach to gestural painting. In the East the union of the senses cleared to the idea, “Get out of the way”. We hear some artists speak today of the “act of and the harmony of being govern the realization of the work. Emotion, thought and action painting”. This in its best sense could include the meaning of my old friend. But a State of have to be united to achieve a state of enlightenment (Satori), allowing the individual to Mind is the first preparation and from this the action proceeds. “Peace of Mind” is another be blessed with Zen awareness. Tobey studied these practices and, though conversion ideal, perhaps the ideal state to be sought for in the painting and certainly preparatory to did not enter into it, the influence of his stay in Japan on both himself and his art is clear. the act”2. He emphasised this fact in an interview with Katherine Kuh: “When I resided at the Zen monastery I was given a Sumi-ink painting of a large free-brush circle to meditate upon. Mark Tobey and the history of Informal art What was it? Day after day I would look at it. Was it selflessness? Was it theU niverse, In this interview Tobey makes reference to the American action painters. Certain forms in where I could lose my identity? Perhaps I didn’t see its aesthetic and missed the fine his art bear affinities to the works ofP ollock but, as he himself underlines, the mind that points of the brush, which to a trained oriental eye would reveal much about the character guides the creation is totally different and even antinomic. Pollock’s drippings are built up of the man who painted it. But after my visit I found I had new eyes and that which seemed starting from splashes of paint on the canvas. The paintings take the form of interlaced of little importance became magnified in words, and considerations not based on my colours, applied to the canvas stretched out on the ground, in which there is no up or down, former vision. When I saw a great dragon painted in free-brush style on a ceiling in a right or left. Jackson Pollock was one of the adherents to what the critic Harold Rosenberg temple in Kyoto I thought of the same rhythmical power of Michelangelo, the rending called action painting, gestural painting that implicates the artist’s physical involvement of the forms was different, the swirling clouds accompanying its majestic flight in the 2 Kuh, Katharine, Conversation with the surface of the work. As Tobey stressed, peace of mind and meditation do not with Mark Tobey in Mark Tobey, heavenly sphere was different but the same power of the spirit pervaded both… “Let nature preside over its creation: on the contrary, restless physical movement and mental excitation catalogue of the exhibition of the take over in your work”: these words from my old friend Takïzaki were at first confusing but same name at the Whitechapel underlie the creative action, very remote from the precepts used by Tobey. On the other Gallery, London, 1962

m a r k t o b e y 26 27 m a r k t o b e y Rosenberg ha definitoAction painting, una pittura gestuale che richiede un coinvolgimento questo popolo, forse il più raffinato del mondo”.P erché, in effetti, è difficile raggiungere i fisico dell’artista con la superficie dell’opera.E , come sottolinea Tobey, la pace interiore e la principi millenari di una civiltà così complessa. Si può solamente sfiorarne gli aspetti più meditazione non presiedono alla creazione; al contrario, alla base dell’azione creatrice vi è immediatamente accessibili, avendo la coscienza di una forza che, per noi occidentali, resta un’irrequietudine corporea e un’esaltazione mentale lontane dai precetti ai quali Tobey aderisce. misteriosa e incredibilmente lontana. Sia Mathieu che Tobey sono stati apprezzati in Giappone. In Europa, alcuni rappresentanti dell’Astrazione lirica mostrano parallelismi più evidenti con i Il riconoscimento delle astrazioni occidentali da parte degli artisti giapponesi ha contribuito a suoi concetti fondamentali. Georges Mathieu, in particolare, ha arricchito la sua opera con la determinare un’influenza reciproca. Del resto, nel 1937 Saburô Hasegawa pubblicò un libro conoscenza della calligrafia e dell’arte giapponese. Tramite i suoi amici Imaï e Teshigahara, egli intitolato L’Art abstrait (L’arte astratta, ndr) nel quale sottolineava già i legami fra l’arte astratta si era avvicinato a questa filosofia di cui comprendeva l’interesse superiore, definendo se stesso e la calligrafia. Nel 1951, in una rivista specializzata della regione di Kyoto – Bokubi (Estetica un “calligrafo intuitivo”. Nella Abstraction prophétique Mathieu sottolinea i legami profondi che dell’inchiostro, ndr) – presentò alcuni artisti occidentali fra cui Franz Kline, Pierre Tal Coat e uniscono l’Oriente e l’Occidente, e affronta l’aspetto di complementarità dei pensieri occidentale e Mark Tobey, preconizzando futuri progetti condivisi. Fu così che nella prima metà degli anni ‘50 orientale: “Lo Zen, via dell’illuminazione repentina, ci invita a cogliere la Verità come un’intuizione nacque in Giappone una calligrafia non figurativa, che non rappresentava un carattere avente un diretta e non come un’astrazione intellettuale. Non derivando dal ragionamento, essa appare significato letterale.C ome gli oggetti di ceramica privi di ogni funzione pratica e come le mostre come una presenza, una visione nel vuoto, che suscita una morale dinamica vicina (…) a queste di ikebana in cui non vengono utilizzati vegetali “viventi”, questa calligrafia fece parlare di sé parole del Maestro Eckart: “Più che me stesso, io sono ciò che mi assorbe”3. Così, l’Astrazione come di una creazione rivoluzionaria. 3 lirica integra la nozione di rischio e suggerisce una disciplina e un’ascesi ignote alle estetiche citato in Aimé, Jacqueline, Sottolineiamo anche il ruolo svolto da Michel Tapié, critico francese autore di Un art autre L’aventure prométhéenne de anteriori del nostro Occidente. Nel 1957, Georges Mathieu compì un viaggio decisivo in Giappone, Georges Mathieu, pag. 59, Ed. Du (Un’arte altra, ndr) e promotore dell’arte Informale attraverso l’accostamento di artisti Garde-temps, Parigi, 2005 che confermò le sue intuizioni ma che gli rivelò anche “la grande distanza che ci separa da europei, americani e giapponesi quali Tobey, Kline, Francis, Dubuffet, Fautrier, Mathieu, Wols,

hand, certain followers of Abstraction lyrique in Europe seem to have points in common and incredibly distant. Like Tobey, Mathieu was held in high esteem in Japan. The recognition with Tobey’s fundamental concepts. Georges Mathieu, among others, enriched his work of Western abstraction by Japanese artists helped to produce a mutual influence. As early with his knowledge of calligraphy and Japanese art. Through the mediation of his friends as 1937 Saburô Hasegawa published a book called L’art abstrait, in which he underlines Imaï and Teshigahara he had studied this philosophy, of which he understood its heightened the links that abstract art has with calligraphy. In a journal called Bokubi (The aesthetics importance, defining himself an “intuitive calligrapher”. In his Abstraction prophétique, of ink, ndr) a specialised review from the region of Kyoto, in 1951 he introduced the work of Mathieu emphasises the bonds that unite East and West and tackles the complementarity Western artists, including Franz Kline, Pierre Tal Coat and Mark Tobey, envisaging that ties of Western and Eastern thought: “Zen, the steep path to enlightenment, invites us to grasp could be struck up with them. Thus it was that in the first half of the 1950s a non-figurative the Truth like a direct intuition and not at all like an intellectual abstraction. Not stemming calligraphy was born in Japan that did not use characters with a literal significance. from the thought processes, it appears like a presence, a vision in the void, bringing about Following the example of ceramic objects lacking any practical function, and ikebana a dynamic ethic close… to these words of Meister Eckhart: “I am what absorbs me rather exhibitions that made no use at all of “living” plants, this calligraphy became widely talked 3 than myself” . Abstraction lyrique integrates the notion of risk and suggests a discipline about as a revolutionary innovation. and an asceticism that did not exist in earlier Western aesthetics. In 1957 Georges Mathieu Also deserving mention is the role played by Michel Tapié, a French critic who wrote Un art made a critical trip to Japan that confirmed his intuitions, but during which he also autre and promoted Informal art through the bringing together of European, American and understood “the immense distance that separates us from this people, probably the most Japanese artists, such as Tobey, Kline, Francis, Dubuffet, Fautrier, Mathieu, Wols, Hartung, 3 refined in the world”.I t is indeed difficult to attain the level of the millenary principles of cited in Aimé, Jacqueline, Capogrossi, Fontana, Burri, Accardi, les Lettristes français, Domoto, Arai, Imai, Onishi, Suzuki, L’Aventure prométhéenne de such a complex civilisation. We can do no more than touch lightly on the most immediately Georges Mathieu, p. 59, Paris, Teshigahara and the Gutaï group. Between 1950 and 1960 Tapié essentially devoted himself accessible aspects, and to be aware of a force that, to us Westerners, remains mysterious Ed. du Garde-temps, 2005 to the cultural promotion of this “other art”, a current identified in 1952 at the heart of the

m a r k t o b e y 28 29 m a r k t o b e y Hartung, Capogrossi, Fontana, Burri, Accardi, i Lettristi francesi, Domoto, Arai, Imai, Onishi, da sette anni e lo obbliga a ricominciare da zero. Nonostante le difficoltà economiche che Suzuki, Teshigahara e il gruppo Gutaï. Nel corso degli anni 1950-1960, Michel Tapié si dedica lo tormentano, Tobey trae grandi soddisfazioni dal suo lavoro e dalla scoperta della musica. essenzialmente alla promozione culturale di questa Art autre, corrente identificata nel 1952 Studia pianoforte e teoria della musica, approfondisce le sue ricerche sulla “scrittura bianca”, all’interno del movimento Informale, della quale assicurerà la diffusione nell’ambiente artistico che egli ha adottato dal 1935, e sviluppa nel 1942 la sua esperienza calligrafica. Questo e dei collezionisti durante tutto il decennio. A partire dal 1946, egli sostiene questi giovani artisti periodo è segnato da numerose esposizioni: a New York, nel 1944 e nel 1951, a Parigi, presso informali, che altri non sono che Dubuffet, Hartung, Mathieu, Wols, Michaux, Riopelle, Bryen, la Galerie Jeanne Bucher, nel 1955. Nel 1956 riceve il Guggenheim International Award; Pollock e gli italiani Capogrossi e Burri. Si reca a Torino per organizzare la mostra internazionale nel 1958 presenta una retrospettiva presso il e riceve il Gran Premio Arte Nuova nel 1956 e presentare per la prima volta, nel 1959 al Circolo degli Artisti, l’Action Internazionale per la Pittura alla Biennale di Venezia. painting americana, la Scuola del Pacifico e il gruppo giapponese Gutaï. Al di là di questa Il periodo di Seattle è ricco di composizioni pittoriche ispirate alla città e alla vita cittadina: alleanza universale proposta dal critico francese, Tobey è più spesso associato ad alcuni artisti scene di mercato, temi religiosi, eseguiti con la tecnica della “white writing”. Uno dei primi americani fra cui in particolare , e , con i quali esempi è la tempera Atmosphère de Broadway (1936, New York, M.o.M.A.), seguita da una costituisce quella che si decise di chiamare . serie di dipinti della stessa ispirazione, gli uni descrittivi, gli altri puramente ritmici. Sempre nello stesso periodo, Tobey ebbe l’intuizione dell’all over, la tela interamente ricoperta di segni senza centro né profondità, in cui la leggibilità del motivo scompare. Ciononostante 1938-1950: gli anni a Seattle, la “white writing” egli rimane fedele alla figurazione fino al 1945, come dimostraT orse balafré del 1945 Nel 1939, dopo un viaggio in Turchia, Tobey torna a Seattle, pensando di rimanervi solo per un (Parigi, M.N.A.M.) o Bearded man with hat, 1948, presente in mostra. Egli scrive: “Sentivo di breve periodo. A causa degli eventi internazionali, tuttavia, egli è costretto a rimandare il suo aver trovato un’equivalenza tecnica che mi permetteva di catturare ciò che mi interessava ritorno a Londra. Questo imprevisto della storia lo blocca in una regione che egli ha lasciato

Informal movement, whose influence he ensured in the art world and amongst collectors And in 1942 he furthered his experience in calligraphy. This period was marked by various throughout the decade. From 1946 he supported these young Informal artists – Dubuffet, exhibitions: in New York in 1944 and 1951, and in Paris in 1955 at the Galerie Jeanne Hartung, Mathieu, Wols, Michaux, Riopelle, Bryen, Pollock and the Italians Capogrossi and Bucher. In 1956 he was awarded the Guggenheim International Award, and two years later Burri. In 1956 he went to Turin to organise the international exhibition Arte Nuova and, received the Gran Premio for painting at the Venice Biennale and was given a retrospective three years later, to present American Action painting, the Pacific School and the Japanese exhibition at Seattle Art Museum. Gutaï group to the Circolo degli Artisti for the first time.I n addition to this universal alliance The Seattle period was rich in paintings inspired by the city and city life, such as organised by the French critic, Tobey became increasingly associated with other American market scenes, and religious themes that he produced using white writing. One of the artists, notably Morris Graves, Kenneth Callahan and Guy Anderson, with whom he formed first examples is the tempera workB roadway (1936, M.o.M.A.), which was followed by what is conventionally referred to as the Northwest School. a series of similarly inspired paintings, some of which are descriptive, others purely rhythmical. It was also around this period in which, anticipating Pollock, he originated 1938-1950: the Seattle years and “white writing” the notion of the all-over painting style in which the entire canvas is covered with signs, Following a trip to Turkey, in 1939 Tobey returned to Seattle for what he thought would be without either a centre or depth, resulting in the disappearance of the legibility of the a short period, but due to international events he postponed his return to London. This motif. Nevertheless, he still remained faithful to figuration up until 1945, as evidenced unexpected historical development obliged him to remain in a country he had left seven by Scarred Torso of 1945 (M.N.A.M., Paris), and Bearded Man with Hat (1948), which years earlier and to start again from zero. He was troubled by money problems but his is presented in this exhibition. He wrote, “I had finally felt that I had found a technical work enthused him and he discovered the joys of music. He studied the piano and musical equivalence that allowed me to capture what especially interested me. The lights, theory, and deepened his exploration of “white writing”, which he had adopted in 1935. the electric cables of the trolleys, the human stream that passes through, across and

m a r k t o b e y 30 31 m a r k t o b e y in modo particolare. Le luci, i cavi elettrici dei tram, quel flusso umano diretto che passa ispira sempre alla sua osservazione della natura e rifiuta l’“astratto”, che non avrebbe alcuna attraverso e attorno, tracciano delle linee in fondo non molto diverse da quelle della clorofilla affinità con la vita, predilige differenziare i mezzi e gli stili della sua scrittura pittorica per tra le nervature di una foglia. (…) Come i primi cubisti, non osavo utilizzare il colore perché i scoprire le più recondite corrispondenze fra i suoi impulsi interiorizzati e i ritmi dell’universo. problemi erano già abbastanza complicati così. Il colore, naturalmente, torna in un secondo L’arte di Mark Tobey cerca di abolire i confini spaziali e temporali dell’opera. Lo spazio è un momento”4. La linea bianca disegna un movimento di luce, un messaggio dinamico che concetto visivo che Tobey può suggerire attraverso la densità dei fili intrecciati, ma anche ispira una lettura globale e, più che una lettura, un sentire che va oltre la costruzione e la attraverso il vuoto. Perché l’arte di Tobey rinuncia alla terza dimensione e all’illusione rappresentazione sino a raggiungere una visione nello spazio. Tobey spiega: “Striature di luce: della prospettiva che l’Umanesimo del Rinascimento - ancorato ad un materialismo che i movimenti delle linee bianche simboleggiano la luce come concetto unificante che scorre Tobey intende evitare - ci insegna. L’arte di Tobey supera la vocazione visiva dell’opera per attraverso unità vitali separate, restituendo agli intelletti umani una dinamica che espande raggiungere l’immaterialità e il vuoto che ha appreso dai calligrafi cinesi e giapponesi, continuamente la loro energia verso una relatività più grande”. In linea generale, queste linee i quali nel vuoto vedono il grado più elevato della forza creativa. Lo spazio è un concetto bianche sono applicate su uno sfondo scuro che fa risaltare la moltiplicazione delle linee, che supera il visivo e che lo interessa più della sfera materiale della tela. Al di là della suggerendo una struttura che può richiamare alla mente l’immagine di un’architettura, una rappresentazione tridimensionale, egli ricerca ciò che “potrebbe davvero toccare”. In natura morta, un paesaggio... Queste opere sono eseguite su carta, a pastello o a tempera; questo, è molto vicino alle idee sviluppate in Europa, in particolare da Fontana nella sua alcune fra esse mescolano la sottigliezza della linea allo spessore del tratto realizzato con il 4 citato in Mark Tobey, teoria dello Spazialismo. La ricerca di una quarta dimensione, di un’energia immateriale, biografia, catalogo della mostra pennello, che di conseguenza è più largo e modulato. più suggerita che tangibile, deriva dal desiderio di raggiungere tutti i sensi al di là della omonima presso il Palais du Presto Tobey rinuncia alla scrittura bianca per adottare una nuova maniera, scura, che egli Louvre, Ed. Musée des Arts visione analitica e razionale. Décoratifs, Parigi, 1961 approfondirà fino al 1953, anno in cui il bianco riappare come elemento dominante. Se egli si

around, imposes limits, when all is said and done, not so very different than those varying his technique and the style of his pictorial writing in order to discover the hidden of chlorophyll among the veins of a leaf… Just like the first Cubists, I didn’t dare use correlations between his interiorised impulses and the rhythms of the universe. colour as the problems were sufficiently complicated as they were, without adding Mark Tobey’s art attempts to do away with the spatial and temporal limits of the work. The that. The colour clearly returns later”4 .The white line provides a movement of light, space is a visual concept that Tobey suggests by means of the densely interlaced threads a dynamic message that encourages an overall reading of the work and, more than as well as empty space; his art rejects depth and the illusion of perspective as taught by that, to experience it in a way that goes beyond appreciation of its construction and Renaissance humanism, which are anchored in a material dimension that he prefers to representation, but becomes a vision in space. Tobey explains, “Threading light: white avoid. He goes beyond the visual vocation of the work to achieve a state of immateriality lines movement symbolise light as a unifying idea which flows through compartmented and emptiness that he learnt from Chinese and Japanese calligraphy, as these disciplines units of life, bringing a dynamic to men’s minds, ever expanding their energies toward a consider the void as the acme of the creative force. Space is a concept that goes beyond larger relativity”. In a general way these lines are placed on a dark ground, which makes the visual dimension and interests him more than the material field of the canvas. He the multiple lines emerge and suggests a structure that might signify architectures, a attempted to attain what “he really could touch” beyond three-dimensionality. In that he still life, a landscape… These works were made in pastel or tempera on paper. Some was very close to the ideas developed in Europe by, in particular, Lucio Fontana with his theory of Spatialism. His search for a fourth dimension and an immaterial energy – more of them blend the subtlety of lines with the thickness of signs applied by brush, and 4 suggested than tangible – was the result of his desire to make contact with all the senses cited in Mark Tobey, which are therefore broader and more modulated. Soon he abandoned white writing biography, in the catalogue of beyond simple analytical and rational vision. the exhibition of the same name to adopt a new, dark manner that he would develop until 1953, the year in which white at the Palais du Louvre, Paris, reappeared as the dominant element. Whereas he continued to be inspired by nature Ed. Musée des Arts Décoratifs, in 1961 and repudiated “abstraction”, which for him had no affinity with life, he took pleasure in

m a r k t o b e y 32 33 m a r k t o b e y Il periodo della maturità pittura occidentale, il suggerimento sostituisce il realismo. Tobey utilizza quindi solo Dopo il 1950 i quadri di Mark Tobey evolvono. Egli abbandona la “scrittura bianca” a l’inchiostro nero che, secondo l’insegnamento dei maestri zen, corrisponde alla più elevata vantaggio della tonalità scura. La sua pittura fluttua tra una “rappresentazione” relativa semplificazione del colore. Questa pratica gli permette di affinare la propria ricerca della (il suo attaccamento all’elemento umano, che egli esprime in alcuni ritratti, autoritratti struttura e del ritmo, sublimando la sua arte in un’esperienza mentale e metafisica. e scene religiose) e opere più informali nelle quali i paesaggi sono trattati con tecniche lineari secondo un disegno tattile e percepibile. La sua tecnica è basata su piccoli gesti Durante questo periodo, Tobey vive a New York, viaggia in Svezia, soggiorna a Nizza e a ben controllati della mano e del polso; egli dipinge, disegna o graffia la superficie della Parigi dove ha luogo la sua prima esposizione parigina presso la Galleria Jeanne Bucher carta e della tela. Nel 1952 Tobey s’immerge nella maniera scura, poi, nel 1953, il bianco (1955), trascorre un breve periodo a Seattle per poi tornare a New York. Nel 1958 riceve torna ad essere dominante. Le composizioni diventano verticali e si ordinano attorno il Gran Premio della Biennale di Venezia. Nel 1959 soggiorna nuovamente a Parigi e nel all’elemento unico che suggerisce una sagoma, un elemento naturale, un totem. Dancer 1960 si stabilisce definitivamente a Basilea. Sembra che questo eterno vagabondo abbia (1954), presente in mostra, è alquanto caratteristico di questo periodo. infine raggiunto un porto, dove trova il sostegno incondizionato della galleria Beyeler. Nel 1957 realizza una serie di Sumi (alcuni presenti in mostra) secondo la tecnica Intraprende allora una vita solitaria, ritirata dal mondo, situazione privilegiata che gli giapponese. Il Sumi-e è un disegno eseguito a inchiostro, secondo una tecnica monocroma permette di sperimentare, nella calma e nel silenzio, molteplici tecniche sempre nuove. nata in Cina e poi ripresa, grazie ai monaci buddisti zen, dagli artisti giapponesi nel Lavora con diversi materiali, dall’olio all’acquerello, dalla carta fabbricata a mano alla XIV secolo. Il Sumi-e rappresenta una forma d’arte a se stante e corrisponde ad una pelle di camoscio, dalla foglia d’oro alla pittura a colla. Sperimenta la stampa litografica filosofia. Il Sumi-e è l’espressione della percezione dell’artista e trasmette l’essenza in un desiderio di rinnovamento e di ricerca continua. Si lascia distrarre solamente dalla di ciò che rappresenta, pianta, animale, etc. Contrariamente a ciò che accade nella sua passione per la musica, alla quale dedica diverse ore al giorno. Bach, Beethoven,

Tobey’s mature period place of . Therefore Tobey used only black ink which, according to the teaching After 1950 Mark Tobey’s paintings evolved. He moved on from white writing to darker he had received from Zen masters, represented the greatest simplification of colour. This tonalities. His painting navigated between a relative “figuration” (his attachment to the practice allowed him to refine his studies into texture and rhythm, while elevating his art human element, which he expresses in his portraits, self-portraits and religious scenes) into a mental and metaphysical experience. and more informal works in which he attempts linear investigations of the landscapes During this period he lived in New York, travelled to Sweden, stayed in Nice and Paris (he on the basis of a tactile and delicate outline. His technique is founded on small, well had his first Paris exhibition at the Galerie Jeanne Bucher in 1955), then briefly returned controlled movements of the hand and wrist; he paints, draws or scratches on the surface to Seattle and then once again New York. In 1958 he was awarded the Gran Premio for of the paper or canvas. In 1952 he immersed himself in his dark manner but the following painting at the Venice Biennale. A year later he returned to Paris, then settled permanently year white once again became dominant. His compositions became vertical and arranged in Basel in 1960. It seems that this eternal vagabond had finally found a home base, in around a single feature that suggests a silhouette, a totem or a natural element. Dancer this case where he had the unconditional support of the Galerie Beyeler. He took up a (1954, in the exhibition) is typical of this period. solitary life, sheltered from the world. This privileged situation allowed him to experiment In 1957 he produced a series of Sumi works (some are represented in the exhibition) using with a variety of new techniques in peace. He worked with different materials, switching the Japanese technique. A Sumi-e is a monochrome ink drawing. The technique originated between oils, watercolours, handmade paper, chamois leather, gold foil and distemper. in China and was taken up by Japanese artists in the fourteenth century thanks to Zen He experimented with lithography in a desire for renewal and continuous research, but did Buddhist monks. Sumi-e is a form of art in its own right and corresponds to a philosophy. not allow his passion for music – to which he devoted several hours a day – to distract him. Sumi-e expresses the artist’s perception and transmits the essence of what it represents, In particular he loved Bach, Beethoven, Schumann, Debussy, Gershwin and of course the whether a plant, an animal, etc. Unlike Western painting, in Sumi-e suggestion takes the blues. Jazz musicians were the subject of a series of drawings in which vitality and rhythm

m a r k t o b e y 34 35 m a r k t o b e y Schumann, Debussy, Gershwin e naturalmente il Blues. I musicisti jazz diventano e la sua arte sono indissociabili, secondo quella caratteristica di unità alla quale il suo oggetto di una serie di disegni nei quali la vitalità e il ritmo accompagnano una musica universo religioso esorta. Nella filosofia di Tobey non c’è alcun confine fra l’estetica e gli impercettibile ma presente nella vivacità e nello slancio del tratto. imperativi materiali e spirituali. Ogni divisione deve essere superata e ogni antagonismo Le opere di questo periodo, numerose delle quali sono presenti in mostra, illustrano la risolto. La sua ricerca si manifesta sia nella sua arte sia nella sua pratica religiosa molteplicità delle ricerche e dei supporti. Così, ad esempio, (buste de femme) e mistica. Questo lo rese una persona difficile ed esigente, poco incline a scendere a è un pastello misto su carta pregiata. Eseguita nel 1960, quest’opera trasmette una compromessi con la società, il che forse spiega la sua prolungata assenza dalla scena sensazione leggera, quasi umoristica. Alcune linee tracciate delicatamente, a forma di internazionale. La sua opera, malgrado il posto indiscutibile che essa occupa nella storia, onde, permettono di intravvedere i vortici obliqui e la grana della carta. Trees in autum, non ha dato luogo alle speculazioni che determinano la posterità di un’opera attraverso tempera su papier froissé, utilizza anch’esso la superficie della carta per aggiungere i profitti che ne risultano. Benché sempre presente nelle gallerie rinomate (Beyeler, all’opera dettagli e struttura. È una composizione astratta in blu, grigio e bianco, la cui Jeanne Bucher…), i suoi ultimi anni in Europa lo hanno escluso dal predominante mercato luminescenza – benché l’immagine scaturisca piuttosto dal titolo – evoca la forma dei rami americano, che stabilisce le quotazioni e la notorietà e che mai gli perdonò di aver spogli sullo sfondo di un cielo autunnale sbiadito. Mark Tobey riceve numerosi riconoscimenti internazionali. Nel 1961 riceve il Primo Premio abbandonato gli Stati Uniti. del Carnegie Institute di Pittsburgh ed espone a Parigi al Musée des Arts Décoratifs. Nel Mark Tobey, definito “il vecchio maestro della giovane pittura americana”, muore a Basilea 1962 il Museum of Modern Art di New York organizza una nuova retrospettiva della sua il 24 aprile 1976, lasciando un’opera di importanza internazionale che resta ancora da opera. Nel 1966 Tobey compie un viaggio ad Haïfa e a Madrid, dove la visita al Prado lo scoprire. segna profondamente, turbando il suo spirito e amplificando le sue esigenze. La sua vita accompany an inaudible sound track made present by the life and fervour of the line. was founded upon. In Tobey’s philosophy there is no separation between aesthetics and the The works of this period, many of which are included in the exhibition, illustrate the material and spiritual imperatives. All divisions must be transcended and all antagonism multiplicity of his research and materials. For example, Untitled (Bust of a Woman) is resolved. His quest is apparent as much in his art as in his religious and mystical practice. a mixed pastel on high quality paper. Executed in 1960, this work transmits a feeling of It was this that made him a difficult and demanding individual little inclined to compromise lightness, almost humorousness. The delicately traced lines, in forms of waves, enable with society. That probably explains his prolonged absence from the international scene. us to see the oblique swirls and grain of the paper. Trees in Autumn is a tempera painting on crumpled paper that takes advantage of the paper surface to add details and texture Despite its unquestioned place in art history, his work never was the object of the to the work. It is an abstract composition in blue, grey and white, whose luminescence is marketing games that decide their posterity on the basis of the profits they generate. evocative of bare branches set against the colourless autumn sky, though this image is Although always present in reputed galleries (Beyeler, Jeanne Bucher…), the last years suggested more from the title. of life that he spent in Europe effectively cut him out of the dominant American market, Mark Tobey received many international awards. In 1961 he won First Prize at the Carnegie which governs an artist’s market price and renown, and which did not forgive him his Institute in Pittsburgh, and showed at the Musée des Arts Décoratifs in Paris. A year later departure from the United States. the Museum of Modern Art in New York organised a new retrospective of his work, and in Mark Tobey, who was referred to as “the old master of the young American painters”, died 1966 he travelled to Haifa and Madrid, where he was strongly impressed by his visit to the Prado. in Basel on 24 April 1976, leaving an oeuvre of international importance that is yet to be He was an artist with an emotional spirit, whose needs became increasingly greater. His discovered. life and art are indissociable, in keeping with the concept of unity his religious universe

m a r k t o b e y 36 37 m a r k t o b e y

Mark Tobey Secondo me, il futuro della scrittura bianca non è promettente. sono vincolate al tempo e allo spazio solo se desideriamo che Questa ha suscitato un certo interesse, e spesso mi pongo sia così. (Seattle, 21 dicembre 1948)

domande relative ai suoi temi centrali, che in qualche modo

devono esistere – forse mi rifiuto di accettarne i limiti e di Non ho dipinto molto – mi sono sentito confuso e su una strada venirne a patti; amo comunque ritrarre una bella gamba-coscia in salita, ma spero di uscirne quest’estate. Devo disporre di o altre parti del corpo umano. (Seattle, 15 maggio 1945) maggior contenuto. Probabilmente sono interessato solo a soggetti religiosi, questa è la mia esperienza. So di aver Non sto cercando di dipingere tutta l’estate, sperando di maggiormente bisogno di ciò che c’è là fuori. (Seattle, 27 assumere un approccio maggiormente profondo più avanti. maggio 1949) […] Sentite, la Primavera è a New York. Spesso vorrei essere e poi non lo vorrei più. Non fin quando l’umanità in subbuglio si Sto provando a rilassarmi, devo farlo per conto mio – assesterà un po’. (Seattle, 2 aprile 1946) essenzialmente suonando il piano – Schumann – Scarlatti – Debussy – la musica inglese del primo periodo – Suonare Ahimè, ne ho venduto uno solo dopo la mostra, mi rendo conto un po’ di Lully e perfino qualche compositore a lui di aver troppo deviato dal centro. […] La pittura in America è una antecedente. Perfino quando non ci si riesce, è bellissimo strada così solitaria. [...] Non so molto – il tempo qui è stato così muoversi nella musica! Probabilmente questo è il vero piovoso e cupo. Temo di passare troppo tempo in compagnia di Paradiso! Mi smaterializzo in alcune note sfolgoranti. Scarlatti, Bach e Debussy. (Seattle, 7 aprile 1948) (Seattle, 14 ottobre 1949) Per un po’ di tempo, guarderemo alla calligrafia cinese con ammirazione. Non oso pensare al futuro. Beh, le nostre anime Corrispondenza e note Correspondance and notes I must say I don’t see much future for the white-writing. It Chinese calligraphy will be looked up for some time. I dare has been interesting but I often wonder about its themes not think of the future. Well our spirits are only time – and which in someways must be - perhaps I refuse to accept – space bound if we so wish. (December 21, Seattle 1948) its limitations and make something of them but I do still like to paint a good leg-thigh or some part of the human I haven’t painted much - felt confused and up an alley organism. (May 15, Seattle 1945) but hope to come out of it this summer. Must have more content. Guess I’m only really interested in religious I am trying not to paint all summer hoping for a deeper subjects as far as my experience goes. I know I need more attitude later on. […] Hear Spring is in New York. Often out of doors. (May 27, Seattle 1949) wish I were and then again I don’t. Not until the seething humanity settles a little. (April 2, Seattle 1946) I am trying to relax a little must do it on my own – mostly piano playing – Schumann – Scarlatti – Debussy – early Alas I didn’t sell but one after my show I am, I realize too English music – Blow some Lully and still earlier ones. far from the centre. […] Such a lonely road - this painting This not accomplished but oh! To move in sound! Guess in America. [...] Don’t know much - the weather here been that is Heaven! Dematerialize myself into some flaring so rainy and dark. I am afraid I spend much too much time notes. (October 14, Seattle 1949) with Scarlatti, Bach and Debussy. (April 7, Seattle 1948) I did try to return to portrait but after a few sensitive pastels – I have only one desire to pound a surface to pieces. What this is I don’t know. Perhaps I want paint

Stralci della Corrispondenza inviata da Tobey a Lyonel Feininger: Feininger and Tobey. Years of Friendship 1944-1956. The Complete Correspondence, Achim Moeller Fine Art, New York, 1991 Excerpts from the Correspondance of Tobey to Lyonel Feininger Feininger and Tobey. Years of Friendship 1944-1956. The Complete Correspondence, Achim Moeller Fine Art, New York, 1991 41 m a r k t o b e y Ho provato a ritornare ai ritratti, ma dopo qualche sensibile Certamente, abbiamo sempre una scusa – l’essere così I giorni sono cupi – niente sole – poca pioggia – niente sole Mark Tobey, Note selezionate pastello – ho solo un desiderio, quello di infrangere una giovani – ma poi disponiamo di una scusa anche per la nostra – Gran parte dei musei non sono illuminati dall’elettricità, così superficie in mille pezzi.C he cosa significa tutto questo?N on decadenza ed il nostro materialismo. Offenderei la parola nessuno più vi si reca. Non posso andare alle mostre moderne, I vecchi cinesi dicevano: “È meglio sentire un dipinto che lo so. Forse voglio della carta e della pittura da sondare, chi lo decadenza perché questa non può esistere quando qualcosa ne traggo così poco. Tutto è diventato una “cosa” e ciò che si guardarlo”. Vi è talmente tanto oggi che possa essere solo sa! [...] Sono un qualcosa di nuovo e giovane con un volto da di grande si rilassa, lasciando grandi monumenti a costituire possiede è senza valore – senza concetto – e mentre le tecniche guardato. Una cosa è dipingere un quadro e un’altra è averne vecchio. [...] Sento di dover ricominciare a dipingere, ma cosa la realtà. Il materialismo ci ha ricoperto con il suo manto si avvolgono e contorcono per affascinarci – non vi è alcuna voce esperienza; nel cercare di trovare a quale livello si accetti tale c’è al di là di questa dannata spinta strutturale – non ho niente frettoloso e ci accontentiamo del fatto che questo costituisca nascosta nelle stesse da ascoltare, ed il sentimento, la grazia e esperienza, si scopre ciò che si vede e su quale livello avviene la da dire in realtà! (Seattle, 9 aprile 1952) giusto un altro gadget! Per il nostro piacere. (Parigi, settembre l’umanità sono state esiliate. (Parigi, 20 dicembre 1954) scoperta. Cristoforo Colombo abbandonò un mondo alla ricerca 1954) di un altro. Presumo abbiate visto la mostra di Rembrandt – ahimè, sono Stanno iniziando le prime tempeste improvvise di neve. Ho così carente, così tanto, specialmente nei confronti del mio caro Sono stato a vedere i manoscritti illuminati del VII-XII secolo molte idee nuove per le luci. Alla notte, dipingerò solo luci. Il culto dello spazio può diventare tanto tedioso quanto quello Rembrandt – un disco di Mozart mi emoziona e quando ascolto presso la Bibliothèque Nationale, ed è stato piacevole vedere (Seattle, 10 agosto 1955) il quintetto di Schubert – due violoncelli, benedico la sua vita, un’arte intera incentrata sullo stesso tema. Sono stato due Che visione mi si prospetta. Concorrerò con l’organo del colore. dell’oggetto. La dimensione che veramente conta per il creativo ma riprodurre Rembrandt è davvero difficile – voglio essere volte a Chartres e mi sono perso nelle sue finestre e nella sua Ieri notte, ho visto uno degli otto quadri; davvero, avverto una è lo Spazio che questi crea in sé stesso. Tale spazio interno vicino – vicino ai dipinti come nel Louvre – vicino alla sua mano, meravigliosa struttura – Il colore del vetro sulle bellissime nuova e meravigliosa forma d’arte, uno spazio meraviglioso con è più vicino all’infinito rispetto allo spazio esterno, e l’essere in realtà – vicino alla sua spalla, come suo figlio – vicino alla sua pareti grigie e sugli enormi pilastri è qualcosa che tenterò di il blu che si solleva in alto in ulteriori attività spaziali. consapevoli di tale spazio interno quanto di quello esterno è il anima, sebbene sappia che questi è talmente grande da essere riprodurre. Penso che la mia prossima avventura pittorica sarà “Ma perché mai non hai dipinto un quadro di 7 piedi per 4? privilegio di una mente bilanciata – e la ricerca di equilibrio è ovunque – quasi ovunque. (Seattle, 28 novembre 1952) basata sul colore! [...] Ogni attimo della vita sembra misterioso Io compro solo quadri grandi”. Rendili così grandi che non essenziale. e…! (Parigi, 5 ottobre 1954) possano più respirare – dei semplici relitti senza vita! (Seattle, agosto 1955) and paper to sound who knows! [...] A new young thing I spread its hasty sheets on us and we are content it seems – grace and the humanities have, it seems to me, been Mark Tobey, Selected notes am with an old face. [...] I must paint again I feel but what – just another gadget! For delight. (September, Paris 1954) exiled. (December 20, Paris 1954) except this damned textural urge - nothing to say really! The old Chinese used to say: “It is better to feel a painting (April 9, Seattle 1952) I have been to see the 7th to 12th centuries illuminated The snow flurries are beginning. I have many new ideas for than to look at it”. So much today is only to look at. It is manuscripts in their Bibliotheque Nationale and it lights. I will paint only lights at night. (August 10, Seattle one thing to paint a picture and another to experience I presume you have seen the Rembrandt show – alas I miss was good to see an art all on one theme. I have been 1955) it; in attempting to find on what level one accepts this so much, so much and particularly my beloved Rembrandt to Chartres twice and reveled into the windows and What a vision I’ll have. I shall compete with the color experience, one discovers what one sees and on what level – a record of Mozart thrills me and when I hear Schuberts magnificent structure – The color of the glass on the organ. Saw one of the eight sets last night – truly – a the discovery takes place. Christopher Columbus left in Quintet – two cellos I bless his life but a reproduction of beautiful greywalls and huge pillars is some I shall try to wonderful new art I feel, wonderful space with the blue search of one world and discovered another. Rembrandt is a pain in the neck – I want to be close – close do. I believe my next painting bout will be based on color! lifting one above into other space activities. to the paints as in the Louvre – close to his hand really [...] Every moment of living seems mysterious and and “But why in Hell didn’t you paint in 7 by 4 feet. I only buy The cult of space can become as dull as that of the object. – near his shoulder like his son – close to his soul altho I and! (October 5, Paris 1954) large ones.” Make them so big they can’t breath anymore The dimension that counts for the creative person is know that he is great enough to be everywhere – anywhere – just lifeless relics! (August, Seattle 1955) the Space he creates within himself. This inner space is almost. (November 28, Seattle 1952) The days are dark – no sun – little rain – no sun – the closer to the infinite than the other, and it is the privilege museums are mostly unlit by electricity so one goes there of a balanced mind – and the search for an equilibrium is Of course there is always the excuse – that we are so no more. I can’t go into modern exhibitions there is so essential – to be as aware of inner space as he is of outer young – but is there an excuse then for our decadence and little reward. Everything has become a “thing” and the space. materialism. I would insult the word decadence because it possessions are without value - without concept – and can not be when something great is relaxing leaving great while techniques whirl and twist to fascinate us – there monuments to form reality I thought. Materialism has is no voice hidden there that I can listen to and feeling

m a r k t o b e y 42 43 m a r k t o b e y Tutta la mia esperienza fino ai sedici anni è stata Indubbiamente, li ho realizzati perché sono un pittore Ora mi è apparsa all’orizzonte la bellezza di tale arte – e non ad ammirare un giardino privato con i fiori che sbocciavano e le semplicemente la “natura”. Non la mente, solo la natura. americano. Non posso essere indifferente alle frotte di gente, solo di quella, ma anche dell’arte dei neri, dell’arte copta, di libellule che si libravano nello spazio, ho avvertito la sensazione alle moltitudini, alle insegne al neon, ai cinema, ai rumori tutta l’arte orientale e di tutto ciò che ha sommerso il mondo. che questo piccolo mondo, direi un mondo quasi sotto i nostri Gli artisti non ripetono, anzi cambiano sempre, così come la intolleranti delle città moderne. (relativamente ai Dipinti di città) Mi sembra che stiamo vivendo in un periodo universalizzante. piedi, ha una validità tutta sua […] che deve essere conosciuta natura. […] Se vogliamo raggiungere la pace mondiale, dobbiamo capire ed apprezzata a partire dal suo livello nello spazio. Certamente, quando ho fatto Broadway, l’ho fatto perché lo tutti gli idiomi della bellezza, poiché i componenti dell’umanità Nel momento in cui la sperimentazione si manifesta in tutte le amavo, perché ne avevo avuto esperienza. Era nelle mie ossa, che hanno creato tali idiomi di bellezza faranno parte di noi. In alto, a galleggiare libere sopra l’erba intrecciata, strutture forme di vita, la ricerca diventa l’unica valida espressione dello sebbene lo potessi dipingere al meglio nel momento in cui vi Direi che viviamo in un periodo in cui stiamo scoprendo e delicate simili a fili si ergono e galleggiano, trasportate dal spirito. ero più lontano. conoscendo questi idiomi per la prima volta. vento mentre trascorre l’estate. (Relativamente a Drift of

summer, 1942) Ho vissuto ovunque in America, tranne che nel sud; […] ho avuto Vengo accusato di eccessiva sperimentazione, ma cos’altro […] una palude universale, in cui risiedono forme di antiche esperienza di quelle dannate strade di domenica, in cui non dovrei fare quando tutti gli altri fattori umani sono sempre gli idee e culture apparentemente non collegate alla nostra, che Edge of August tenta di esprimere ciò che esiste tra due c’era neanche l’ombra di un gatto. […] È quel tipo di vita che può stessi? Mi spingo con forza nello spazio, così come fanno la attendono solo il momento giusto per rivelarsi nell’arco della condizioni di natura, ossia l’estate e l’autunno. Cerca di essere vissuta senza dilazioni. L’isolazionismo. Ma non isolata scienza ed il resto. Le divinità del passato sono morte così come nostra coscienza. […] catturare tale passaggio e di renderlo tangibile. Di farlo cantare. dai continenti o dall’acqua – piuttosto, dalle correnti spirituali. lo erano quando la cristianità ha preso il sopravvento sul mondo Vedi, all’epoca in cui ho realizzato queste cose, nessuno stava Potreste dire che porta l’intangibile nel tangibile. […] Il dipinto è pagano. Il tempo è simile, solo l’arena è il nuovo mondo. Non esiste un artista realmente originale. Ogni artista ha i propri creando lavori simili, e non avevo alcun sostegno, non sapevo scritto. Ho costruito il muro di nebbia in una bozza, piuttosto che Viviamo in un’epoca in cui neghiamo tutto tranne l’esistenza santi patroni, che questi li riconosca o meno. Quando un’influenza dove fossi. Eppure dovevo farle, ed è stato difficile portarle con pennellate strutturali. fisica. Ciò per cui dobbiamo combattere è l’umanesimo – è la è sufficientemente forte, bisogna arrendersi alla stessa. avanti, ma sono stato spinto dal mio amore per le figure e le cosa più alta che conosciamo; non possiamo meccanizzarci Da giovane, non avevo mai sentito parlare di arte bizantina. […] persone. Turner è più bravo degli Impressionisti […] ha sciolto tutto fuori dall’esistenza. Mentre ero in Giappone, seduto sul pavimento di una stanza, nella luce.

My whole experience until I was sixteen was just purely No doubt I did them because I am an American painter. When I was a young man, I never heard of Byzantine of my love of figures, not to carry that along, because I like nature. Not the mind at all, just nature. I cannot be indifferent to the swarming crowds, multitudes, art. [...] Now, above the horizon has come the beauty of figures and I like people. neon signs, movie theatres, to the noises that I hate of Byzantine art – not only that, but the art the coloured Artists don’t repeat but always change as nature does. modern cities. (Concerning City paintings) people have, and the art of the Coptics, and all of the While in Japan sitting on the floor of a room and looking Orient and everything that has flooded the world. over an intimate garden with flowers blooming and At a time when experimentation expresses itself in all Of course when I did Broadway I did it because I loved it, Now it seems to me that we are in an universalizing dragonflies hovering in space, I sensed that this small forms of life, search becomes the only valid expression of because I had experienced it. It was in my bones, but I period. [...] If we are to have world peace, we should have world almost under foot, shall I say, had a validity all its the spirit. could paint it best when I was farthest from it. an understanding of all the idioms of beauty because the own [...] which must be realized and appreciated from its members of humanity who have created these idioms of own level in space. I am accused often of too much experimentation, but what I have lived all over America except the South; [...] actually beauty are going to be a part of us. And I would say that else should I do when all other factors of man are in the lived these damned streets on Sunday where not even a we are in a period when we are discovering and becoming Above and floating free above matted grasses, delicate same condition? I thrust forward into space as science and cat is seen. [...] It’s that kind of a life that can live without acquainted with these idioms for the first time. thread-like structures rise and , wind-blown as the the rest do. The gods of the past are as dead today as they extensions. Isolationism. But not isolated by continents summer passes. (Concerning Drift of summer, 1942) were when Christianity overcame the pagan world. The and water – isolated from spiritual currents. [...] universal marshland, wherein lie forms of ancient time is similar, only the arena is the whole world. There is no such thing as a distinctly original artist. Every ideas and cultures apparently unrelated to us but only Edge of August is trying to express the thing that lies We’re in the age of denial of everything but physical artist has its patron saints whether or not he is willing to waiting for time to reveal themselves upon the arc of our between two conditions of nature, summer and fall. It’s existence. The thing we’ve got to fight for is humanism acknowledge them. When an influence is strong enough, consciousness. [...] trying to capture that transition and make it tangible. Make – it’s the highest thing we know; we can’t mechanize give in to it. You see when I did all of these things nobody was doing it sing. You might say that it’s bringing the intangible into ourselves out of existence. them, and I had no support so I didn’t know where I was, the tangible. [...] The painting is written. I built up the wall you see. And yet I had to do it, and I had a hard time, out of fog in minute, rather than structural stroke.

m a r k t o b e y 44 45 m a r k t o b e y Non mi importa se si tratti di un quadro alto otto piedi o otto tramite deduzioni intellettuali. Il mio lavoro è una sorta di menti umane, espandendo sempre le loro energie verso una qualcuno ha fatto di fronte ad uno dei miei lavori: “Ma pollici; per me, deve avere una gradazione […] se non ce l’ha, contemplazione discreta. maggiore relatività. dov’è il centro?”. Cerco di trasformare ciascun dipinto in un allora si tratta di una semplice ripetizione di esperienze uguali. mondo a sé; forse questo quadro non sembra interessante, Indubbiamente, oggi vengono gettati nuovi semi, il che Negli ultimi 15 anni, è cambiato il mio approccio alla indipendentemente dal numero di volte in cui ci si sofferma È possibile vedere l’essere umano in astratto? San Francesco significa nuove civiltà e, speriamo, anche nuove culture. pittura, talvolta dipendente dall’arte del pennello, sulle variazioni delle linee e sui diversi tocchi utilizzati nel è un verticale. L’umanesimo non è solo una figurazione. Il Se riesco a fare qualcosa d’importante nella pittura, una talvolta dalle linee, da pennellate bianche dinamiche centro. Qui è possibile rinvenire un mondo molto più ampio “ritorno alla figura” non ti rende un umanista.P iuttosto, può qualche epoca futura la svilupperà ulteriormente e la in spazi geometrici. Non ho mai tentato di seguire di quello che appare a prima vista. L’utilizzo di molti ritmi trasformarti in un anti-umanista. comprenderà. Ovviamente, uno si auspica un’epoca in cui uno stile particolare nel mio lavoro. Il mio percorso è intersecanti indica la mia ricerca di altezza e profondità. Tale non prevalgano più gli assolutismi e in cui qualsiasi arte stato un continuo zig-zag dentro e fuori le civiltà, alla ricerca deve essere condotta durante la contemplazione del Un artista deve trovare una propria espressione strettamente sia ritenuta valida. [...] Mentre vediamo un cielo sempre più ricerca di nuovi orizzonti tramite la meditazione e la quadro, altrimenti non si è premiati. connessa alla sua esperienza individuale; altrimenti, segue cupo, perché non sperare per una Bisanzio, qualche luogo contemplazione. Le mie fonti di ispirazione hanno spaziato le vecchie abitudini che risultano in forme senza vita. […] che tenga accesi i valori culturali? Per cos’altro dobbiamo dal Middle West delle mie origini ai mondi microscopici. Ho utilizzato alcune forme identiche nell’improvvisazione, così L’idea chiave della mia pittura è di vivere la mia vita nella vivere? Ho scoperto un’infinità di universi sui ciottoli stradali e come i musicisti usano un motivo composto da musicisti a pittura. sulle cortecce degli alberi. Non so molto su ciò che viene loro antecedenti o contemporanei. Ho lavorato senza avere Per me, un artista è colui che […] ritrae lo spirito di un uomo, […] Le luci, i cavi elettrici sui carrelli, i flussi umani diretti da, generalmente chiamata pittura “astratta”. L’astrazione un quadro specifico in mente, quanto la “sensazione” di tali indipendentemente dalla condizione di tale spirito. Non attraverso e attorno a limiti prescritti. pura significherebbe un tipo di pittura completamente quadri, sui quali e nei quali ho costruito una struttura moderna possiamo aspettarci molto dall’artista quando il resto del sconnessa dalla vita, una cosa per me inaccettabile. e complessa. mondo è povero di valori spirituali, come accade oggigiorno. Threading Light: Le linee bianche in movimento rappresentano Ho cercato di creare una pittura “intera”, ma per farlo Ritengo che l’evoluzione del mio lavoro sia stata più la luce come idea unificante che scorre attraverso i ho utilizzato una massa vorticosa. Non assumo alcuna Rifuggivo ciò che era definitivo, ero alla ricerca di estensioni subconscia che realmente consapevole. Non opero compartimenti della vita, conferendo una dinamica alle posizione definitiva. Forse ciò spiega l’osservazione che senza fine. Non potevo più sopportare la separazione tra spazio

Turner is greater than the Impressionists [...] he dissolved The development of my work has been I feel more units of life bringing a dynamic to men’s minds, ever I try to make of each picture a world in itself, and everything into light. subconscious than conscious. I do not work by intellectual expanding their energies toward a larger relativity. perhaps this one seems uninteresting however much deductions. My work is a kind of self-contained one looks at the variations in the relations of lines I don’t care if it’s a picture eight feet high or eight inches contemplation. Over the past 15 years, my approach to painting has varied, and in the accents of touch which I have used in the high; to me it should have scale [...] if it doesn’t have that, sometimes being depend on brush-work, sometimes centre. A much vaster world can be found here than then it’s a repetition of experiences that are the same. New seeds are no doubt being sown which mean new on lines, dynamic white strokes in geometric space. I would appear at first glance. The use of many entwining civilizations and, let us hope, cultures too. If I do anything have never tried to pursue a particular style in my work. rhythms indicates my search for height and depth. One Can the human be seen in the abstract? Saint Francis is important in painting some age will bring it forth and For me, the road has been a zigzag into and out of old must search while one is contemplating or else there a vertical. Humanism is not just figuration. The “return to understand. One naturally looks forward to the time when civilizations, seeking new horizons through meditation and will be no reward. the figure” does not make you a humanist. It may make absolutes will reign no more and all art will be seen as contemplation. My sources of inspiration have gone from you an anti-humanist. valid. [...] Shall we, as we view the increasingly darkening those of my native Middle West to those of microscopic I have used some of the identical forms in improvisation sky, not hope for a Byzantium, some spot to keep alight worlds. I have discovered many a universe on paving similar to the musicians using a motif by earlier or An artist must find his expression closely linked to his the cultural values? For what else shall we live? stones and tree barks. I know very little about what is contemporary musicians. I did not have any specific individual experience or else follow in the old grooves generally called “abstract” painting. Pure abstraction painting in mind, rather more or less the feeling of these resulting in lifeless forms. [...] My whole idea of my [...] The lights, the electric cables on the trolleys, the would mean a type of painting completely unrelated to life, paintings upon and into which I built a modern complex painting is experiencing my life in paint. human streams directed by, through and round prescribed which is unacceptable to me. I have sought to make my structure. To me an artist is one who [...] portrays the spirit of man in limits. painting “whole“, but to attain this I have used a whirling whatever condition that spirit may be. We can’t expect too mass. I take up no definite position. Maybe this explains I didn’t want finalities anymore, I wanted the endless much of him when the rest is negligent of spiritual values Threading Light: White lines in movement symbolize light someone’s remark while looking at one of my paintings: extensions. I couldn’t stand the separation between space such as today. as a unifying idea which flows through the compartmented “Where is the center?” and figures anymore. I had to demolish it in some way with

m a r k t o b e y 46 47 m a r k t o b e y e figure. Dovevo demolirla in qualche modo, con linee e vortici richiede che sia osservato a lungo. Penso che racchiuda lo oggigiorno – era molto più semplice 25 anni fa. Sento È da tanto tempo che non ti sento, la mia unica scusa è la mia in movimento. L’idea è quella di avere un piano, con diverse spirito dei dipinti più figurativi in tuo possesso, ma è più difficile di dover fare molti più schizzi che in passato se voglio salute e il maledetto “business” di essere un artista famoso. dimensioni all’interno di quel piano. da apprezzare visivamente. Ad ogni modo, te lo mando perché mantenere un certo standard – ma dove? (1955) La richiesta di lezioni, idee, suggerimenti, consigli per borse di penso sia molto rappresentativo del mio lavoro attuale. [...] Ho studio sta diventando rivoltante. (1957) Casualmente, non so davvero come sia iniziato questo periodo tentato di conferire radiosità e cambiamenti spaziali, riflessi I miei progetti sono molto incerti. Amo la terra quassù – un giorno è semplicemente iniziato, una suggestione di un molto sottili. – e la mia scelta sembra vertere tra qui e New York. Trovo Sento di dover percorrere una nuova strada – dipinto marrone-nero che sentivo potesse declinarsi nelle varie stimoli a New York, lì posso concentrarmi e lavorare di indipendentemente dai miei anni che si riducono sempre più. sfumature del nero. Non so davvero per quanto tempo abbia Mi piacerebbe molto avere un posto tranquillo dove poter vivere più, ma tutti i miei quadri religiosi sono stati realizzati È difficile ma penso sia possibile. (1957) avuto questo dipinti Sumi congelati nella mia mente o per e lavorare, ma non l’ho ancora trovato. qui o in Inghilterra. New York emoziona la mia mente, quanto tempo abbia avuto questo desiderio posticipato-non Sento, come mai prima, di essere spronato a cercare qualcosa e poiché posso dipingere in quasi ogni luogo, posso L’Arte deriva dall’Arte, così come gli uomini derivano dagli realizzato di dipingerli. Era quasi una febbre, come la terra a di più nel mio lavoro, e penso che l’anno prossimo sarà gestirmela fino ad un certo punto, ma raramente vi ho uomini e i fiori dai fiori; c’è un’ArteP acifica che sembra stia primavera o un uragano. [...] Posso dire di aver dipinto i Sumi probabilmente il più difficile. [...] Al momento mi attende il trovato condizioni di lavoro decenti. L’Inghilterra ha dato i fiorendo, sebbene sia stata notata dapprima aP arigi, e di cui per provare un “vivere” più elevato. compito più arduo, ossia trovare ciò che posso dire e fare, e suoi frutti per il lavoro Bahà’ì, e lì ho avuto molte idee sui sono stato designato l’autore, che ritengo sia vero. L’Arte, se quindi farlo. Ecco perché penso che un ritiro sia necessario. soggetti Bahà’ì. (1956) Pacifica, deve avere le proprie radici inO riente o nell’America Mi sono chiesto quale dipinto inviarti e ho appena scelto New (1955) Indiana, poiché nessun ambiente di per sé stesso dà “Arte”. Il Crescent. È diverso dagli altri in tuo possesso, ma ha un colore Sono ancora confuso sul da farsi – sembra che il pubblico linguaggio dell’Arte deriva da un uomo e si sposta dove l’uomo ed un’armonia leggera che, secondo me, lo rendono uno Compio 65 anni il prossimo mese – le mie cose sono migliore si trovi a Parigi o Tokyo [...] in qualche modo, penso di si trasferisce. Come ha detto Malraux: “Giotto non imparò a dei migliori. È molto meno programmatico ma ha lo stesso distribuite tra i miei amici e il mio lavoro richiede maggiore doverci ritornare – potrei sicuramente guadagnarmi da vivere lì dipingere guardando le pecore – ma osservando Cimabue.“ spirito. [...] l’ho realizzato all’inizio dell’estate scorsa. [...] Questo, concentrazione e contemplazione di prima, avverto [...] [...] Non posso dipingere solo per i soldi o per piacere agli altri. (1956) Arthur, è uno dei miei migliori dipinti dal mio punto di vista ma difficoltà interne ed esterne – non è facile essere artisti (1956) moveable lines and vortexes. My idea is to have one plane eye. Anyhow, I send it as I feel it’s very representative of My plans are very uncertain. I love the land up here - and I feel I must strike new ground – regardless of declining with different dimensions within that plane. my work now. [...] I have tried for radiance and very subtle it seems either this or New York. The stimulus is in New years. It’s difficult but I guess can be done. (1957) Offhand, I really don’t know how I began this period – it space changes, reflections etc. York, that is, one can concentrate and get more work happened one day, a suggestion of a brown-black painting done, but all my religious paintings were made here or in Art comes from Art, as men come from men and flowers which I felt could be carried on in blacks. How long I had I look forward to some quiet place to live and work but I England. New York excites my mind and given almost any from flowers, and there is a Pacific Art which seems to be this Sumi paintings in cold storage or had the delayed- don’t see it anywhere as yet. place to paint I can manage up to a point, but I have rarely rising, although first noticed in Paris, and myself named unrealized desire to paint them I don’t know. It was a kind I feel I’m challenged as never before to find something ever had decent working conditions in New York. England as originator, which I feel is true. Art, if Pacific, must have of fever, like the earth in spring or a hurricane. [...] I could greater in my work and feel the next year will probably be was fruitful as regards Bahà’ì work all around and I had roots either in the Orient or the American Indian as no say I painted the Sumis to experience a heightened sense the most difficult. [...] I have the hardest work to do now many ideas there as regards Bahà’ì subjects. (1956) environment per se gives “Art”. The language of Art comes of living. to find just what I can say and do and do it. Therefore the from man and migrates as man does. As Malraux said: withdrawal I feel is necessary. (1955) I am still at 6’s and 7’s what to do – it seems my best “Giotto didn’t learn to paint by looking at sheep - but by I have been meditating which painting to send you audience is in Paris or Tokyo [...] somehow I think I should looking at Cimabue.“ (1956) and have about decided to send you New Crescent. It I am sixty-five next month – my things are scattered with return - as I could, I am sure, make some kind of a living I presume “current painting” must be looked at for what is different than your others but carries a colour and friends and my work calls for greater concentration and there [...] I can’t just paint for money or to please. (1956) the Orientals would admire – the original energies. This is light harmony which makes it a top one as far as I am contemplation than ever before, I feel [...] there are many so much admired in calligraphy. (1957) concerned. It is very much less programmatic but has inner as well as outer difficulties – it is not easy being an A long time has elapsed since I heard from you and my the same spirit. [...] I made it this last early summer. [...] artist these days – much easier twenty-five years ago. I only excuse is the health and the doggoned “business“ I remember when I saw a water spider and it brought down This, Arthur, is one of my best from my point of view but feel I must draw in now more than ever if I am to keep up of being a famous artist. The demands for lectures, a bubble of air and placed it over its nest – a magical and it takes some looking. I think it contains the spirit of the any kind of a standard - but where? (1955) ideas, suggestions, recommendations for scholarships is fantastic thing. more figurative ones you have but it’s less easy on the growing sickening. (1957)

m a r k t o b e y 48 49 m a r k t o b e y Presumo che la “pittura attuale” debba essere osservata per [...] la smaterializzazione della forma tramite penetrazione complicata senza dover affrontare questo ulteriore problema. successivo mi sono ritrovato a danzare per la strada; è stata ciò che gli Orientali apprezzerebbero – le energie originali. Ciò è spaziale. [...] Ho creato linee nella massa [...] Voglio creare (Relativamente all’inizio della scrittura bianca) l’unica volta in cui mi sono totalmente integrato con lo spirito molto apprezzato in calligrafia. (1957) vibrazioni nella stessa, ecco perché ci vuole così tanto tempo della massa. (Relativamente alla fine della Seconda Guerra per realizzare un lavoro; perché voglio che abbia tasche d’aria. Il problema di ogni artista oggigiorno è “Cosa facciamo con Mondiale) Ricordo di quando vidi un ragno d’acqua che calava una bolla [...] Prima di arrivare al dipinto vero e proprio, devo creare una l’Essere Umano?“ d’aria e la poggiava sulla sua rete – una cosa davvero magica e massa di linee. Certamente posso fornire molte motivazioni, che questi “i dipinti fantastica. Volevo distruggere quest’immagine nello spazio e volevo dare ad inchiostro Sumi” fossero uno sviluppo naturale della mia Copro completamente la superficie e pongo gli elementi sollievo alla luce che era nella forma nello spazio. [...] esperienza col pennello e con l’inchiostro Sumi in Giappone e Frammenti – caratteri orientali che si contorcono e girano plastici in movimento nei quattro angoli. Tutto gira, tutto si Volevo frantumare la forma, fonderla in modo più mobile e in Cina, ma perché ho atteso vent’anni prima di realizzarli? Ci migrando verso aree occidentali, simboleggiando per sempre muove, tutto diventa animato. dinamico. [...] sono così tante ipotesi in merito che potrei riempire un intero l’unità dello spirito umano. (Relativamente a Extensions from “le forme” dovrebbero essere più libere e non così disgiunte libro. Forse, nel dipingere in quel modo, mi sono liberato o Bagdad) È quel tipo di dipinto su cui non ti è consentito di fermarti dallo spazio che le circonda. (Relativamente agli anni 1919- pensavo di liberarmi. Forse volevo dipingere senza pensare su niente: ne vieni rimbalzato via oppure devi continuare a 1921) troppo. Non penso fossi nel vuoto, quel posto piuttosto popolare Potevo davvero toccare lo spazio [...] divenne una sorta di cosa muoverti con lo stesso. (Relativamente a Drift of Summer, oggigiorno. Ma forse volevo esserlo – è difficile essere più vivente [...] come un sesto senso. 1942) Quella è stata l’unica volta in cui mi sono sentito perso nella veloci del pensiero. Quale schermo di noi stessi viene prima? nebbia. Non so davvero cosa abbia fatto tutto quel giorno, ma Forse quello interno, quando si vuole affermare una condizione La coscienza tridimensionale è, secondo me, un vero tipo di Uno spazio multiplo delimitato da linee bianche tra loro so cosa significhi non avere nessuna consapevolezza ed essere interna, sapendo che deve necessariamente prendere corpo coscienza; ma se si giungesse in uno spazio quadrimensionale, intrecciate indica uno stato più elevato di coscienza. nella nebbia. [...] per poter essere capito e sapendo inoltre che, a causa del la coscienza sarebbe una cosa piuttosto diversa, ed allora non Come i primi cubisti, non potevo usare molto colore in Poi è arrivato l’Armistizio e la Pace Mondiale, finalmente. rivestimento esterno, sarà sviato e rimarrà lì per alcuni, visto penso che avremmo il senso temporale tra gli spazi. quella fase, poiché la situazione era già sufficientemente È successo un mattino, alle 11 circa; alle due del mattino come un simbolo senza realtà? Penso di essermi già spinto

Oriental fragments – characters which twist and turn I cover my surface completely and I put my plastic I really wanted to smash form, to melt it in a more moving Perhaps I wanted to paint without too much thought. I drifting into Western zones forever speaking of the unity of elements into motion up to the four corners. Everything and dynamic way. [...] “forms” should be freer and not so don’t think I was in the void, that rather popular place man’s spirit. (Concerning Extensions from Bagdad) stirs, everything moves, everything becomes animated. separated from the space around them. (Concerning the today. But then maybe I wanted to be – it’s difficult to be years 1919-1921) faster than thought. Which screen of ourselves comes first I really could touch space [...] it became a kind of living That type of painting in which you are not allowed to rest – the inner when one wants to state an inner condition, thing [...] like a sixth sense. on anything: you’re bounced off it or you have to keep That’s the only time I was ever lost in fog. Whatever I did knowing it has to take flesh to be understood and knowing Three-dimensional space consciousness is a real type moving with it. (Concerning Drift of Summer, 1942) that entire day I haven’t any idea but I know what it is to also that, because of the outer covering, it will be side- of consciousness to me; but if you got in a fourth- have no consciousness at all and be in a fog. [...] tracked and sit there for ones understood as a symbol dimensional space consciousness it would be something Multiple space bounded by involved white lines symbolizes Then the Armistice came and World Peace at last. It without reality? Already I have gone too far, but I feel I have quite different, and then I don’t think you would have the higher states of consciousness. happened about eleven o’clock one morning; at two A.M. kept the problem in view. time sense between spaces. Like the early cubists, I couldn’t use much colour at this the next morning I found myself dancing in the streets; How can I state in an understanding way why I did the point as the problems were complicated enough without it was the one time I was completely integrated with the Sumi paintings? Then, too, why after white writing should [...] the dematerialization of form by space penetration. [...] this additional one. (Concerning the begin of white writing) mass spirit. (Concerning the end of World War II) I turn to black ink? Well, the other side of the coin can be I made lines into mass [...] I want vibration in it so that’s just as interesting, but to make myself simple I should why it takes so long to build this up; because I want it to Every artist’s problem today is “What will we do with the Of course I can give many reasons, that they “Sumi ink remain a coin with only one side showing the imprint of have air pockets. [...] Before I get to the actual painting I Human?“ paintings” were a natural growth from my experience with man. It wouldn’t be necessary to turn me over then – no have to build up mass of line. the brush and Sumi ink in Japan and China, but why did need to order or compare. Ibsen expressed it very well I wanted to smash this image that was in space and I I wait some twenty years before doing them? There are when he said: “Where I was ten years ago, you are now wanted to give the light that was in the form in space a so many suggestions on this question I could fill a book. there but I am not with you”. release. [...] Perhaps painting that way I freed myself or thought I did. The Nude descending the Staircase looked to me like

m a r k t o b e y 50 51 m a r k t o b e y oltre, ma sento comunque di aver tenuto il problema ben in erano tali da trasformare qualsiasi cuore creativo in un organo grandi, solo colore e spazio. Ritengo che la mostra di Pollock (a I miei sono l’oriente, l’occidente, la scienza, la religione, le vista. senza sangue. Poi ho visto il Nude nuovamente ad Hollywood. Janis) sia stata terribile […]. Sento di voler essere lasciato solo. città, lo spazio, e lo scrivere un dipinto. Come posso spiegare, in modo comprensibile, perché ho Sembrava ricolmo dei dolori del Figlio dell’Uomo. Ho pensato, è Ho i miei sogni. (marzo 1954) realizzato i dipinti Sumi? Inoltre, perché dopo la scrittura la Crocifissione.N on l’ho più visto da allora. [...] la visione giapponese dà importanza a forme così minuscole bianca, dovrei ritornare all’inchiostro nero? Beh, l’altro rovescio (Relativamente al Nude Descending a Staircase di Marcel Non sono un pittore del nord-ovest così come non sono un di vita – dà loro la dignità di un kakemono, [...] è questa della medaglia può essere ugualmente interessante, ma per Duchamp, 1912) gatto. consapevolezza nei confronti della natura e di tutto ciò che spiegarmi bene, devo essere una moneta con un solo lato manifesta che sembra caratterizzare lo spirito giapponese. che mostri l’impronta umana. Non sarebbe allora necessario Quel giorno siamo andati a Colmar [...] ed ho visto finalmente la Sono stato condizionato dalla religione Bahà’i, che ritiene La consapevolezza del dettaglio più piccolo della vastità della voltarmi dall’altra parte – non ci sarebbe alcun bisogno di grande pala Grünewald. Non posso dirti quanto ne fui colpito. vi sia un’unica religione che si rinnova sotto nomi diversi. natura, come se questa contenesse il tutto e come se una ordinare o confrontare. Ibsen ha espresso questo concetto [...] Il corpo di Cristo, mutilato in uno stato orribile, evoca tutti La radice di tutte le religioni, secondo quella Bahà’i, si foglia, un insetto richiudessero un universo. (1934) molto bene quando ha detto, “Ora vi trovate dov’ero io dieci anni i campi nazisti che uno possa immaginare. Il suo corpo, che basa sulla teoria secondo cui l’uomo gradualmente capirà fa, ma ora non sono con voi”. diventava sempre più pesante, e la vita umana scomparsa l’unità del mondo e l’unicità del genere umano. Questa Sono a – sono qui per dieci giorni a lavorare Il Nude descending the Staircase mi sembrava simile ad quasi del tutto, tranne che nella figura di San Giovanni Battista insegna che tutti i profeti sono uno solo – che la scienza duramente. [...] La città è incredibilmente bella – molto più di un’esplosione in un mulino dove si macinano sassi, e pensai – sereno e col dito puntato, un testimone con una coscienza e la religione sono i due grandi poteri che devono essere altre città che ho visitato. [...] Mi sento stranamente ben inserito questo sarebbe stato il giusto tipo di prospettiva da adottare per che va al di là del dramma umano, una visione indisturbata che bilanciati se l’uomo desidera maturare. Ritengo che il mio da quando sono ritornato [...] forse più completo che mai, più sempre. Ma più avanti, dopo lo slancio di Bellows e Henri, l’ho conosce la rotazione chiaro-scura della terra, e ove il dramma lavoro sia stato condizionato da questi credi. Ho cercato di concentrato e più tranquillo. (1934) visto nuovamente nello studio del pittore, giudicandolo stavolta umano è solo una copertura della verità, che è senza morte. decentralizzare ed interpenetrare lo stesso affinché tutte come una meravigliosa astrazione. le componenti del quadro avessero un valore relativo. In passato osservavo la luce e le persone che vi entravano ed La mia nave si è agitata molte volte, e molte volte il cielo è stato Mi tengo molto sulle mie. Odio tutto ciò che è all’avanguardia, Forse ho perfino sperato di penetrare la prospettiva e di uscivano. Si creava un focus di luce [...] queste volevano la luce. troppo cupo per sapere dove stava andando l’arte. Gli anni ’20 tranne che per Mark Rothko, ma questi realizza cose così portare ciò era lontano vicino. [...] Questi foci di luce erano molto magnetici. (Parigi 1925/26) an explosion in a shingle mill, which I thought was the human life practically gone except in John the Baptist the prophets are one – vthat science and religion are the ever seen anywhere. [...] I feel strangely in space since right kind of reasoning to settle it for all time. But later, - serene and pointing, a witness with a consciousness two great powers which must be balanced if man is to returning [...] somehow more complete than ever, more after the blaze of Bellows and Henri, I saw it again in beyond human drama, a vision undisturbed which knows become mature. I feel my work has been influenced by concentrated and more quiet. (1934) the painter’s studio, thinking this time what a wonderful the light-dark spinning of the earth, and human drama is these beliefs. I’ve tried to decentralize and interpenetrate abstraction. only a covering for the truth which is deathless. so that all parts of a painting are of related value. I used to go and look at light with people going into it and Many times my ship has almost floundered, many times Perhaps I‘ve hoped even to penetrate perspective and coming out of it. It made a light focus [...] they wanted the sky has been too dark to know where art was going. I keep very much to myself. I hate the avant-garde stuff, bring the far near. light. [...] Those foci of light are highly magnetic. (Paris The 1920’s were enough to turn any creative heart into except for Mark Rothko, but he makes things so big and Mine are the Orient, the Occident, science, religion, cities, 1925/26) an organ without blood. Then I saw the Nude again in just colour and space. The Pollock show (at Janis) was space, and writing a picture. Hollywood. It seemed full of the sorrows of the Son of awful as far as I am concerned. [...] I feel and want to be [...] Sirens, dynamic lights, brilliant parades and returning Man. It’s the Crucifixion, I thought. I have never seen it left alone. I have my own dreams. (March 1954) [...] Japanese vision which takes into account such small heroes. An age of confusion and stepped-up rhythms. since. forms of life – gives them the dignity of a kakemono [...] it (Remembering the 20’s) (Concerning Marcel Duchamp’s Nude Descending a I am no more a Northwest painter than a cat. is this awareness to nature and everything she manifests Staircase, 1912) which seems to characterize the Japanese spirit. An [...] The most revolutionary sensations I have ever had I have been influenced by the Bahà’ì religion which awareness of the smallest detail of her vastness as though in art, because while one part of me was creating these That day we went to Colmar [...] and I saw at last believes there has been but one religion which renews the whole were contained therein and that from a leaf, an two works, another was trying to hold me back. The old the great Grünewald Altarpiece. I can’t tell you how itself under different names. The root of all religions, insect, a universe appeared. (1934) and the new were in battle. It may be difficult for one who impressed I was. [...] The Christ’s body, mutilated to a from the Bahà’ì point of view, is based on the theory that doesn’t paint to visualize the ordeal an artist goes through state of horror, suggested all the Nazi camps one could man will gradually come to understand the unity of the Am in San Francisco – here ten days painting hard. [...] The when his angle of vision is being shifted. (Concerning imagine. His body growing heavier and heavier, all world and the oneness of mankind. It teaches that all town is incredibly beautiful - more so than any other I have Broadway and Welcome Hero, both 1935)

m a r k t o b e y 52 53 m a r k t o b e y [...] Sirene, luci dinamiche, parate brillanti ed eroi che ritornano. Non esiste l’arte astratta. Si deve sempre cominciare con un Quando suono il pianoforte per diverse ore, tutto diventa chiaro specificamente interessato.L e luci, il traffico pervadente, il Un’era di confusione e di ritmi intensificati. (A proposito degli qualcosa. Solo allora si possono rimuovere tutte le tracce della nella mia immaginazione visiva. Tutto ciò che esiste, ogni flusso dell’umanità [...] viaggiavano e fluttuavano attraverso ed anni ‘20) realtà. Ad ogni modo, a quel punto non c’è più alcun rischio, essere umano è una vibrazione. attorno ai propri limiti auto-imposti, non diversamente dalla poiché l’idea dell’oggetto avrà lasciato un segno indelebile. È clorofilla che scorre attraverso i canali di una foglia. [...] Le sensazioni più rivoluzionarie che io abbia mai avuto ciò che muove l’artista, affascina le sue idee e coinvolge le sue Poiché tento di rendere i miei dipinti organici, ritengo esista Volevo un dipinto che fosse da “sentire” più che da guardare. nell’arte, perché mentre una parte di me creava queste due emozioni. L’uomo è lo strumento della natura, che gli piaccia una relazione tra gli stessi e la natura. Ad esempio, in Drift of [...] I cinesi hanno sempre parlato del sentimento che emana opere, un’altra tentava di trattenermi. Il vecchio e il nuovo erano o meno. Non ho copiato la luce delle rupi di Dieppe, né vi ho Summer, volevo provare, tramite la pittura, la sensazione del da un dipinto; e per molto tempo ho ricercato un qualcosa in conflitto.P uò essere difficile per chi non dipinge visualizzare prestato particolare attenzione. Vi ero semplicemente immerso. movimento dell’erba e dei semi fluttuanti. Per raggiungere che, gradualmente, arrivasse all’osservatore. Questa cosa il travaglio vissuto da ciascun artista allorché cambia il suo l’impatto ritmico necessario, ho dovuto costruire il corpo del deve stabilirsi tra il dipinto e chi lo osserva. Questi vi si può angolo di visione. (Relativamente a Broadway e Welcome Hero, [...] Quella gente dipingeva la luce – prendeva la luce e la dipinto tramite una molteplicità di linee. avvicinare, e il dipinto può apparire come la cosa più noiosa entrambi del 1935) congelava su diversi piani. Così avevano un piano di luce e uno sulla faccia della terra poiché non ha alcun colore. Tuttavia, scuro. Disponevano di piani intermedi ma non operavano in un: Spesso penso a Chopin mentre lavoro. Alcune volte ho qualche ammirando il dipinto a lungo, il colore eventualmente giunge Ma poi, quando sono arrivate le folle, c’erano così tante persone nero, bianco e grigio. (Relativamente al Cubismo) idea, mentre talvolta non ne ho alcuna. Sviluppo idee durante il a chi lo osserva. che ho cominciato a dipingere le folle stesse, perché queste processo creativo. Un compositore, una volta scelta una serie riempivano i mercati, le strade, e lavoravano tutta la notte. Ecco Si dice che io abbia definito la mia pittura “scrittura bianca”. di suoni come suo punto di partenza, è in grado di comporre L’America, la mia terra con i suoi grandi paralleli oriente- quando ho realizzato i dipinti sulle folle, che tu conosci. E questo Non è vero. Qualcun’altro l’ha fatto. Io ero semplicemente un’intera sinfonia. occidente, con le sue torri altissime e con le luci che divorano mi ha dato anche la possibilità di intrecciare anche le piccolo interessato ad un’idea: perché le strutture non possono essere lo spazio – milioni di luci nel vasto cielo notturno. forme. Questa forma astratta di agitazione di punti nello spazio bianche? [...] Le ho dipinte di quel colore perché ho pensato che Per molto tempo, ho voluto combinare le città e la vita e così via. Questo mi ha dato l’opportunità di fare la stessa cosa le strutture potessero, anzi dovessero essere luce. Ciò che mi urbana nei miei lavori. Alla fine, ho ritenuto di aver trovato un La nostra terra oggi non è tanto la terra nazionale o regionale, anche con le figure. (Relativamente a Seattle at night) interessava a quel tempo era essenzialmente la luce. approccio tecnico che mi consentisse di catturare ciò a cui ero quanto la comprensione di una terra unica. La terra è sferica

But then when the crowds came, there were so many [...] Those fellows painted light - they took light and they feeling of the movement of grass and floating seeds. To wanted something to come slowly to you. This thing has to people I began to paint crowds, because they flooded the congealed it to planes. So they had a light plane and they achieve the rhythmic impact of such I had to build the body be established between the painting and you. You can go markets, and they flooded the streets, and they worked all had a dark plane. They had medium planes but they were of painting by multitudinous lines. up to it, looks like the dullest thing on earth as though no night. That’s when I made all the crowd pictures you know. working in not an: black, white, and grey. (Concerning colour at all. And you stand there a while and that colour And then of course it gave me a chance for interlacing of ) I often think of Chopin when I work. From time to time I will come out to you. small forms also. This abstract form of agitation of points have ideas; sometimes I don’t have any at all. Ideas come in space and so on and so forth. This gave me a chance People say I called my painting “white writing”. I didn’t. to me in the course of my creative work. A composer, once America, my land with its great East-West parallels, with to do the same thing with figures. (Concerning Seattle at Somebody else did. I was interested in an idea - why he has as his point of departure a series of sounds he can its shooting-up towers and space-eating lights – millions night). couldn’t structures be in white? [...] I painted them in white compose an entire symphony. of them in the vast night sky. because I thought structures could be, should be light. There is no abstract art. You must always start with What I was fundamentally interested in at the time was For a long time I had wanted to unite cities and city-life Our ground today is not so much the national or the something. Afterwards you can remove all traces of reality. light. in my work. At last I now felt that I had found a technical regional ground as it is the understanding of this There’s no danger then, anyway, because the idea of the approach which enabled me to capture what I was single earth. The earth has been round for some time object will have left an indelible mark. It is what started the When I play the piano for several hours, everything is specifically interested in. Lights, threading traffic, the river now, but not in man’s relations neither to man nor in artist off, excited his ideas, and stirred up his emotions. clarified in my visual imagination afterwards. Everything of humanity [...] chartered and flowing through and around the understanding of the arts of each as a part of the Man is the instrument of nature, whether he likes it or not. that exists, every human being is a vibration. its self-imposed limitations not unlike chlorophyll flowing roundness. As usual we have occupied ourselves too much I didn’t copy the light of the Dieppe cliffs, nor did I pay any through the canals in a leaf. with the outer, the objective, at the expense of the inner special attention. I was simply soaked in it. Since I try to make my paintings organic, I feel that there I wanted a picture that one felt more than one looked world wherein the true roundness lies. [...] is a relation with nature. In Drift of Summer for instance, at. [...] The Chinese always talked about this feeling that Ours is a universal time and the significances of such I wanted to experience through the medium of paint a exudes from a painting, you know; and I for a long time a time all point to the need for the universalizing of the

m a r k t o b e y 54 55 m a r k t o b e y da diverso tempo, ma non nei rapporti umani, né verso Non ho un mio sistema – Non so mai quando posso lo stato ideale da ricercare nella pittura, e sicuramente Penso che il problema maggiore nella pittura sia il ritmo e la l’uomo né verso la comprensione delle arti di ciascuno quali dipingere; devo semplicemente scuotermi – trovarmi in uno stato preparatorio all’atto. plasticità, spesso la sensibilità del tocco che definiamo come un componenti di tale sfericità. Come sempre, ci siamo occupati una data condizione e dimenticare tutto, se possibile, certo “feeling per la materia”. Poiché non ho idee fisse o eccessivamente di ciò che è esterno, obiettivo, a scapito del per creare una simbiosi con ciò che sto facendo, e meno [...] “scrivere” la pittura [...] divenne una necessità. Ho spesso nessuna affinità fisica che dia origine a metodi definiti, il mio mondo interno ove risiede la vera sfericità […]. ci penso – alle pitture e a me stesso - meglio è. C’è un pensato al mio modo di lavorare come ad uno spettacolo poiché lavoro è sempre un flusso costante o, quanto meno, questo è Il nostro tempo è universale e la rilevanza di tale tempo famoso verso Zen o Tao – che tradotto diventa: doveva realizzarsi all’istante o per niente. (ca. 1954) quello che appare ai miei occhi. punta alla necessità di universalizzare la consapevolezza Dietro la tecnica, sappiate che c’è lo spirito (ri) e la coscienza umana. Il nostro futuro dipende dalla Sta albeggiando ora; Penso che la pittura debba arrivare attraverso i viali della Sempre in movimento – così i filosofi greci consideravano consapevolezza di ciò. [...] L’America, più di ogni altro aprite lo schermo, meditazione piuttosto che i canali dell’azione. (Dagli anni ‘60) l’essere essenziale dell’anima – così ho cercato di estrapolare paese, ha una posizione geografica tale da promuovere ed ecco, la luce della luna qualche frammento di quella bellezza che ha dato origine ai tale comprensione. Esaminando come si è comportata sta brillando all’interno. Lavorare orientati verso e, al contempo, lontano da quel miracoli del Cosmo e che risiede nell’aspetto plurisfaccettato in passato, questa ha sempre guardato all’Europa; oggi, Penso che questa poesia, lo Zen e l’arte del tiro con momento critico che si verifica in una sorta di trance, ove si della vita. invece, deve assumere una propria posizione e, come Giano l’arco siano tutto ciò che occorre sapere per dipingere esprimono soluzioni mai sognate prima d’ora dalla mente bifronte, guardare anche verso l’Asia, poiché a breve le onde – dipingere e dipingere, esprimersi e poi giudicare, se cosciente – il momento in cui tutto si fonde. Alcuni critici mi hanno accusato di essere ciò che chiamano un dell’Oriente solcheranno abbondantemente le nostre coste. possibile. La poesia è tratta da Zen and Japanese Culture orientalista e di aver adoperato modelli orientali nel mio lavoro. Tutto ciò è profondamente connesso al suo sviluppo nell’arte, di Suzuki. L’artista non copia più la natura. È interessato a ciò che pensa Ma si sbagliano. Perché mentre “battagliavo” in Giappone e specialmente sui versanti pacifici.D i ciò sono consapevole. di essa. Cina con l’inchiostro Sumi e col pennello, cercando di Naturalmente, il mio lavoro rifletterà tale condizione, e non mi Oggigiorno, alcuni artisti parlano dell’atto del dipingere Preferisco vedere nella natura ciò che voglio realizzare nel mio capire la calligrafia dell’Estremo oriente, mi resi conto che sorprende che un orientale reagisca nei confronti di un mio ma, in realtà, uno Stato Mentale è il primo passo da cui quadro. Quando troviamo l’astratto in natura, troviamo l’arte più non sarei mai stato nient’altro altro che un occidentale. dipinto proprio come un americano o un europeo. (1946) procede l’azione. La Pace Mentale è un altro ideale, forse profonda. Ciò che ho davvero sviluppato in quell’occasione è stato consciousness and the conscience of man. It is in the translation thus: I believe that painting should come through the avenues methods, my work is obviously in a state of constant flux or awareness of this that our future depends. [...] America Behind the technique, know that there is the spirit (ri) of meditation rather than the canals of action. (From the at least that is how it seems to me. more than any other country is placed geographically to It is dawning now; 60’s) lead in this understanding, and if from past methods of open the screen, Always in movement – that is how the Greek philosophers behaviour she has constantly looked toward Europe, today and lo, the moonlight is Work towards and away from that critical moment which saw the essential being of the soul – so, I have tried to tear she must assume her position, Janus-faced, toward Asia, shining in. takes place in a kind of trance, where solutions happen out just a few scraps of that beauty which makes up the for in not too long a time the waves of the Orient shall I think this poem and Zen and the art of archery is all one undreamed-of by conscious mind – the moment when miracles of the Cosmos and which is in the multi-faceted wash heavily upon her shores. needs to know and go ahead and paint – and paint and everything fuses. ness of life. All this is deeply related with her growth in the arts, paint and let out and then judge – if possible. This poem particularly upon the Pacific slopes. Of this I am aware. comes from Suzuki’s Zen and Japanese Culture. The artist no longer copies nature. He is interested in what Some critics have criticized me for being what they called Naturally my work will reflect such a condition and so it he feels about it. an Orientalist and for using Oriental models for my work. is not surprising to me when an Oriental responds to a We hear some artists speak today of the act of painting, But they were wrong. Because when I was struggling painting of mine as well as an American or a European. but a State of Mind is the first preparation and from this I like best to see in nature what I want in my painting. in Japan and China with Sumi-ink and the brush, trying (1946) the action proceeds. Peace of Mind is another ideal, When we can find the abstract in nature we find the to understand the calligraphy of the Far-East, I became perhaps the ideal state to be sought for in the painting and deepest art. aware that I would never be anything other than the I have no system – I never know when I can paint; I just certainly preparatory to the act. Westerner that I am. But what did develop there was what have to arouse myself – get into a state and forget all My main problem in painting is, I believe, rhythm and I call the calligraphic impulse that has opened out new things if possible to make a union with what I am doing [...] “writing” the painting [...] became a necessity. I often plasticity, often the sensitivity of touch which one calls a horizons for my work. Now I could paint the turmoil and and the less I think of it – the paintings and myself, the thought of my way of working as a performance in that it feeling for texture. Because I don’t have any fixed ideas, tumult of the great cities, the intertwining of the lights and better the result. There is a famous Zen or Tao verse – in had to be achieved all at once or not at all. (c. 1954) I should say, no philosophical affinity which conceived the streams of people caught up in the mesh of their net.

m a r k t o b e y 56 57 m a r k t o b e y ciò che chiamo l’impulso calligrafico che ha aperto nuovi è una concezione totale, in cui nessuna parte è valida senza L’Oceano Pacifico, quel grande blocco che per anni ha fatto lungimiranti e piene di promesse per un mondo migliore. orizzonti per il mio lavoro. Così ho potuto dipingere il l’altra. credere che l’orientale fosse un mistero dagli occhi a mandorla, L’uomo sembra aver scoperto tutto quanto sia necessario disordine e il tumulto delle grandi città, l’intersecarsi di sta crollando. A partire dall’ultimo conflitto mondiale, per creare un nuovo mondo coraggioso, ma ha trascurato e luci ed il flusso di persone catturate nella maglia della Quando un uomo lascia il suo luogo natio, le forme che ha probabilmente stiamo cominciando a vedere gli orientali come sta trascurando se stesso. Se vogliamo sfuggire ai pericoli loro rete. creato lo seguono, vanno con lui, ed il loro stile si modifica nel esseri umani, come noi stessi, con un background culturale imminenti, ciò sarà possibile solo rinnovando i poteri spirituali nuovo ambiente. Tali forme compaiono nei dipinti, che a loro importante tanto quello dei paesi europei. Che ciò non fosse o, piuttosto, svegliandoci dagli abissi del materialismo dal quale Cosa possiamo fare con qualcosa che abbiamo se non ne volta sono dislocati e si stabiliscono in un ambiente nuovo. stato approfondito molto tempo fa era indubbiamente dovuto al siamo circondati. Continuando a credere nel materialismo, non abbiamo coscienza e non abbiamo alcun rapporto con lo fatto che coloro che immigravano verso le aree della costa si può che continuare a percorrere i vecchi tracciati, e queste stesso? Se quell’essenza sottile, ma potente, che lega tutte Le linee bianche in movimento simbolizzano la luce, il pensiero pacifica, arrivavano senza un background religioso, il che non ci modalità di pensiero sovrautilizzate ci faranno sprofondare le cose e le rende tutte figlie di sé stesse deve trovare posto unificante che scorre attraverso i compartimenti della vita, e consentiva di apprezzare gli stessi e le loro grandi risorse ulteriormente nelle difficoltà, poiché la vera essenza del solo nei nostri cuori e nelle nostre menti! queste danno forza allo spirito e rinnovano costantemente le culturali. Chi poteva dubitare del fatto che il centro della loro materialista è la competizione, la sfiducia e lo scetticismo.I l loro energie affinché vi sia una maggiore comprensione della verità, il Cristo, non l’avrebbe pensata proprio così? La sfida vero mondo dell’uomo è il proprio pensiero, e questo è riflesso Tutto si spiega se ci si prende la briga di osservare. vita. (Relativamente ad Agate World, 1945) dell’uomo oggi, nella mia parte del mondo, è di accettare nell’arte così come in tutto ciò che fa. Così come la nuova musica moderna richiede un nuovo questo processo di svezzamento, rimuovendolo dai limiti del Che cosa sarà l’arte? Se l’uomo riuscirà mai a trovare valori orecchio, la nuova arte richiede un nuovo occhio. Non La sola cosa peggiore rispetto a muoversi è stare dove si è. passato con i suoi relativi nazionalismi e regionalismi. fondamentali, strutture durature, per una vita libera da guerre, posso insegnare alla maggior parte delle persone a lo farà solo nell’ambito dello spirito, e non allargando le proprie dipingere, ma posso aiutarle a vedere ciò che io ho visto. Gli artisti imparano solo da altri artisti e dall’arte. Possiamo solo augurarci che dalla confusione della cosiddetta conoscenze sulla luna o perfino sul sole.P uò certamente Lo stile della scrittura non è un’astrazione. Ogni linea Nessun giovane artista può crescere a meno che non emuli era moderna sorga l’inizio di un nuovo mondo o, nel migliore continuare a dividere atomi, ma a meno che non rivendichi il ha uno scopo ed un significato rilevante per l’insieme. E, qualcosa più grande di se stesso. dei casi, una transizione ad un mondo migliore. È indubitabile diritto di nascita, che è dello spirito, questi è spacciato. Senza i sottolineo, è l’insieme che conta. La pittura contemporanea Un dipinto deve emanare molto di più che un semplice effetto. che i benefici materiali siano notevoli e che le scoperte siano poteri curativi dello spirito, rimane ammalato di antagonismi,

What can we really ever do with anything we have if we The moving white lines symbolize the light, the unifying Coast areas came without a religious background which of thought will sink him deeper and deeper in troubles have no consciousness of it and no relations to it; if that thought which flows across the compartments of life, allowed for any appreciation of the oriental and his great for the very essence of the materialistic is competition, subtle but powerful essence with binds all things together and these give strength to the spirit and are constantly cultural recourses. Who could doubt that the center mistrust and unbelief. Man’s true world is his thought and and makes them all children of itself is to find no place in renewing their energies so that there can be a greater of their truth, the Christ, would have thought so? The his thought is reflected in art as well as everything else he our hearts and in our minds! understanding of life. (Concerning Agate World, 1945) challenge of man today in my part of the world is to accept does. the weaning process away from the limitations of his past What art will be if man ever finds fundamental values as All things are easily explained if persons will take the trouble The only thing worse than moving is staying where you are. with its accompanying nationalism and regionalism. lasting structures for living freed from wars he will have to to see. Just as the new music of today needs a new ear, the find those values in the realm of the spirit and not in more new art needs a new eye. I can’t teach most people to paint, Artists learn only from other artists and from art. What can we hope out of the confusion of modern life that knowledge of the moon, nay even the sun. He can go on but I can help them to see what I have seen. The writing style No young artist can grow unless he emulates someone this so called modern age is the beginning of a new world splitting atoms but unless he claims his birthright which is not an abstraction. Each line has a purpose and a meaning bigger than himself. or at best an age of transition to a better one. That the is of the spirit he is doomed. Without the healing powers important to the whole. And here I must emphasize it is the A painting has to exude more than an effect. material benefits are great cannot be denied nor that the of the spirit he remains sick with antagonisms, fears whole which is important. Contemporary painting is a total discoveries are far reaching and manifold with promise of and hatreds which degrade him to a station below that of conception no part of which is valid without the other. The Pacific Ocean, that great block which for so long has a better world. Man seems to have discovered everything animals. kept the oriental as a slant-eyed mystery, is breaking to make a brave new world but has and is neglecting When man leaves his native place the forms which he down. Since the last world war we can now perhaps himself. If we are to escape from the imminent dangers Man today is challenged to extend his mental and spiritual has created follow him. They go with him and their style see the orientals as human beings, as ourselves, with it is to a renewal of spiritual powers or rather that man horizons. Geographical barriers have given way before becomes modified in the new environment. These forms a cultural background as great as that of European shall awake from the depths of materialism with which the light of science, invention and psychology. The great appear in the pictures, in turn being displaced and countries. That it was not tapped long ago was due no he has surrounded himself. In his belief in materialism he inventions that have demolished the former sense of establishing themselves in the fresh surroundings. doubt to the fact that those who migrated to the Pacific can but continue along old lines and these outworn modes special difference must await a new man who will use

m a r k t o b e y 58 59 m a r k t o b e y paure ed odi che lo riducono ad uno stato inferiore a quello degli Il profeta non è mai astratto. Non so che farmene Senza una sua fede subconscia, San Giovanni della Croce non [...] La forma più semplice di insegnamento consiste nell’iniziare animali. dell’impersonalità. Ci deve essere qualcosa dietro la retina avrebbe mai iniziato il proprio viaggio. La sua ricerca lo ha una persona al livello della sua immaginazione. Ciò rivela le – associazioni nella mente prima che inizi l’arte. condotto ove lui non sapeva, tramite una via a lui sconosciuta. sue capacità – o incapacità di osservazione. La sua coscienza Oggigiorno l’uomo è posto di fronte ad una sfida, ossia quella Ciò non significa che la ricerca venga o non venga realizzata o la mancanza della stessa stimola la sua osservazione, che di allargare i propri orizzonti mentali e spirituali. Le barriere L’artista deve esagerare. Deve de-formare per poter far – poiché la ricerca è una condizione interna legata alla fede a sua volta stimola la sua ottima memoria, associandola geografiche sono crollate prima dell’avvento della luce della muovere la forma. subconscia. Ciò che conta maggiormente è tenere gli occhi all’immaginazione al tentativo successivo. Tale approccio scienza, dell’invenzione e della psicologia. Le grandi invenzioni aperti all’esperienza in nuovi settori. Forse l’Oriente comprende all’insegnamento sembra essere molto lento, ma in realtà è un che hanno demolito l’antica idea di una differenza speciale Voglio dipingere ciò che nessuno vede. Le cose dimenticate e ciò che definiamo “fortuito”.I l “fortuito” può riportarci indietro percorso molto più vero rispetto ai metodi standard insegnati devono attendere l’avvento di un nuovo uomo, che le sfrutterà ignorate. Ciò che non viene visto. verso la coscienza qualora questa venga accettata ed utilizzata; oggigiorno da pigri docenti. positivamente. Questi avrà colto una grande luce che brucia ci può condurre verso l’arte. ed elimina le barriere del pregiudizio e l’antagonismo religioso. Prima di tutto, devo avere il desiderio di creare; perché in esso L’arte del futuro non può sorgere dall’antagonismo e dalla risiede la volontà di continuare a vivere in un nuovo modo rivalità nazionale; piuttosto, potrà scaturire con nuovo vigore – di aggiungere al tuo mondo più visioni dell’essere. Perché se l’uomo, in generale, assumerà la levatura della cittadinanza ritengo che alla base di tutti i grandi successi vi sia la ricchezza universale. dell’essere. [...] Ciò che sto cercando in te, sforzandomi di aiutarti quanto più posso, è di avvicinarti all’ambito o all’identità Se l’arte è lo specchio dell’uomo, oggigiorno questi deve aver dell’essere; affinché possiamo essere maggiormente pronti a rotto lo specchio prima di guardarsi nello stesso. Vi sono molte sapere ciò di cui sia realmente composta un’unità vera - non prove del fatto che questi sia stufo del proprio riflesso. l’uniformità, ma l’unità di parti collegate.

them positively. But this new will have seen a great light First of all I want the desire to create; for therein lies the lack of powers - of observation. His consciousness or lack which burns away the barriers of prejudice and religious will to continue to live in a new way – to add to your house stimulates his observation, which in turn stimulates his antagonism. The art of the future cannot germinate in more vistas of being. For I believe that back of all great retentive memory, and unites with imagination in the next antagonism and national rivalry but will spring forth with a achievement is a richness of being. [...] What I am seeking attempt. This approach to teaching would appear very slow renewed growth if man in general will grow to the stature in you, and endeavouring to help as much as I can, is the but it is a much truer path than the recipe methods taught of universal citizenship. furthering towards the realm or identity of being; so that by lazy teachers. we maybe better equipped to know of what a real unity is If art is the mirror of man he must have in this day cracked composed - not uniformity, but unity of related parts. the mirror before he gazed upon himself. There are Without subconscious faith, St. John of the Cross would certainly many evidences that he is sick of his reflection. not have started the journey. His quest leads him toward where he knows not by a way he knows not. It does not The prophet is never abstract. I have no use for necessarily follow that the quest is, or is not, fulfilled - the impersonality. There has to be something behind the retina quest being an inner condition related to subconscious – associations in the mind before art can start. faith. What matters most is keeping the eyes open for (Note tratte da_notes selected from: Arthur L. Dahl (ed.), Mark Tobey. Art, , 1984; Northwest Traditions, Seattle Art Museum, 1978; Art and Belief, George Ronald, Oxford, 1984; Mark Tobey. Works on experience in new directions. Perhaps the Orient is Mark Tobey. Tempera, Gouaches, Aquarelle, Zeichnungen, Erker-Galerie, Paper from Northern California and Seattle Collections. Celebrating St. Gallen, 1986/87; Mark Tobey. Between worlds. Opere 1935-1975, The artist has to exaggerate. He has to de-form in order to inclusive what we term the accidental. The accidental can the centenary of the artist’s birth, Stanford University Museum of Art, Museo d’Arte Mendrisio/Museum Folkwang, Essen, 1989; Tobey’s 80. make form move. lead one back toward the conscious again if accepted and Stanford Art Gallery, 1990; Mark Tobey. Paintings from the collection A Retrospective, Seattle Art Museum, 1970; Tobey. Exhibition on the used; it can lead to art. of Joyce and Arthur Dahl, Stanford University, Stanford Art Gallery, Occasion of his 80th Birthday, Galerie Beyeler, Basel, 1970/71; Mark 1967/68; William C. Seitz, Mark Tobey, The Museum of Modern Art, New Tobey, Editions Beyeler, Basel, 1971; Mark Tobey, The Dot and the Circle, I want to paint what nobody else sees. The ignored and [...] The simplest form of teaching is to start a person on York, 1962; Mark Tobey. Paintings 1920-1960, Yoshii Gallery, New York in World Order, A Bahà’ì Magazine, Wilmette/Ill., Spring, 1977; Colette forgotten things. The unregarded. the plane of his imagination. This discloses his powers – or 1994; Eliza Rathbone, Mark Tobey. City Paintings, National Gallery of Roberts, Mark Tobey, Grove Press Inc., New York, 1959).

m a r k t o b e y 60 61 m a r k t o b e y

Opere_Works Still life on a table 1930 ca 96 x 86 cm olio su tela_oil on canvas

m a r k t o b e y 66 67 m a r k t o b e y Man with closed eyes 1925 36 x 29 cm carboncino su carta_charcoal on paper

m a r k t o b e y 68 69 m a r k t o b e y L’execution 1932 46,5 x 37,5 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 70 Bearded man with hat 1948 ca 33 x 24 cm tecnica mista su carta-mixed media on paper

m a r k t o b e y 72 73 m a r k t o b e y

Landscape with animals 1934 ca 27,5 x 37,5 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 74 75 m a r k t o b e y Sitting nude from the back 1932 cm 42,5 x 57 matita su carta_pencil on paper

m a r k t o b e y 76 77 m a r k t o b e y

Hornblower 1950 ca Hornblower 73,5 x 53 cm 1952 tecnica mista su carta_ 73,5 x 53 cm mixed media on paper inchiostro su carta_ink on paper

m a r k t o b e y 78 79 m a r k t o b e y Hornblower 1952 74 x 48 cm inchiostro su carta_ink on paper

Hornblower (verso) 1952 74 x 48 cm inchiostro su carta_ink on paper

m a r k t o b e y 80 81 m a r k t o b e y Hornblower Hornblower 1952 1952 73,5 x 53 cm 84 x 60 cm inchiostro su carta_ink on paper inchiostro su carta_ink on paper

m a r k t o b e y 82 83 m a r k t o b e y Studies for hornblower Hornblower 1952 1952 84,5 x 60 cm 84 x 60 cm inchiostro marrone su carta_ inchiostro marrone su carta_ brown ink on paper brown ink on paper

m a r k t o b e y 84 85 m a r k t o b e y Two men fighting 1952 58 x 44 cm penna a sfera su carta_pen on paper

m a r k t o b e y 86 Figurative drawings 50 x 76 cm inchiostro e tempera su carta_ink, and distemper onpaper

m a r k t o b e y 88 89 m a r k t o b e y Man lying on the back 1952 58,5 x 44 cm penna a sfera su carta_pen onpaper

m a r k t o b e y 90 Man falling back 1952 84 x 60 cm penna a sfera su carta_pen on paper

m a r k t o b e y 92 Bernar Leach portrait of a woman 1955 21,5 x 16,5 cm inchiostro su carta_ink on paper Bernar Leach portrait of a woman (verso) 1955 21,5 x 16,5 cm inchiostro su carta_ink on paper

m a r k t o b e y 94 95 m a r k t o b e y Figuratives drawings (portrait d’homme) 48 x 42,5 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 96 97 m a r k t o b e y Figurative drawings Figurative drawings (étude d’après l’antique) (étude d’après l’antique) 65 x 50 cm 61 x 46 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 98 99 m a r k t o b e y Figuratives drawings (étude d’après l’antique) 65 x 50 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 100 Untitled (composition aux bulles blanches) 1953 45 x 54 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 102 103 m a r k t o b e y Dancer 1954 33,7 x 18,4 cm inchiostro e tempera su carta_ink and distemper on paper

m a r k t o b e y 104 Untitled (composition) 1956-58 ca 68 x 18,5 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 106 107 m a r k t o b e y Three Signs from the Totem series 1954 27 x 21 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 108 Untitled ( figure orange sur fond vert) 1956 26 x 19 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 110 111 m a r k t o b e y Untitled (man’s head in profile) 1960 30 x 23 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 112 113 m a r k t o b e y Untitled (woman’s head in profile) 1960 32 x 23,5 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 114 Untitled (Sumi) 1957 59 x 88,5 cm inchiostro sumi su carta_sumi ink on paper

m a r k t o b e y 116 117 m a r k t o b e y Untitled (Sumi) 1957 86 x 60 cm inchiostro sumi su carta_sumi ink on paper

m a r k t o b e y 118 Untitled (Sumi) 1957 67 x 49 cm inchiostro sumi su carta_sumi ink on paper

m a r k t o b e y 120 Sumi VII 1957 57 x 86,5 cm inchiostro sumi su carta_sumi ink on paper

m a r k t o b e y 122 123 m a r k t o b e y Sumi 1957 74,5 x 64,5 cm inchiostro sumi su carta_sumi ink on paper

m a r k t o b e y 124 125 m a r k t o b e y Etude 1957 ca 47,5 x 26,5 cm inchiostro sumi su carta_sumi ink on paper

m a r k t o b e y 126 Sumi 1957 ca 44,5 x 61 cm inchiostro sumi su carta_sumi ink on paper

m a r k t o b e y 128 129 m a r k t o b e y Sumi 1958 9 x 37 cm inchiostro sumi su carta_sumi ink on paper

m a r k t o b e y 130 131 m a r k t o b e y Untitled (forme violine et verte) 1960 54 x 39 cm acquerello su carta_watercolour on paper

m a r k t o b e y 132 Untitled (bust of a woman) 1960 35 x 24,5 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 134 Untitled (red sign) 1960 32 x 24 tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 136

Untitled (composition) 1960 37 x 28 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 138 Untitled (graphisme rouge) 1960 32 x 24,5 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 140 Untitled (composition brune et jaune) 1960 11 x 15,5 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 142 143 m a r k t o b e y

Light and shadow 1960 11,5 x 11 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 144 145 m a r k t o b e y Untitled (multicolor composition) 1960 16 x 11 cm tecmpera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 146 Untitled (composition) 1960 20 x 15 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 148

Untitled 1960 29 x 20,5 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 150 151 m a r k t o b e y Untitled (ocre sur fond blanc) 1960 95 x 63 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 152 Untitled (Sumi) 1961 22 x 22 cm inchiostro su carta_ink on paper

m a r k t o b e y 154 155 m a r k t o b e y Untitled (composition) 1961 55 x 43 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 156

Untitled (composition brune) 1961 53 x 42 cm acquarello su carta_watercolour on paper

m a r k t o b e y 158 Untitled 1961 50 x 26 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 160 Untitled (Brown composition) 1961 51 x 28,5 cm acquarello su carta_watercolour on paper

m a r k t o b e y 162 Untitled (Black composition ) 1961 52 x 28,5 cm acquarello su carta_watercolour on paper

m a r k t o b e y 164 Untitled (ligne et boucles) 1961 18 x 53 cm tempera su carta_distemper on paper

Untitled (ligne et boucles) 1961 19,5 x 53,5 cm tempera su carta_distemper on paper

Untitled (ligne et boucles violines) 1961 14,5 x 56 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 166 167 m a r k t o b e y

Untiteld (ligne sur fond violine) 1961 54 x 10 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 168

Untitled 1961 50 x 26 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 170

Untitled (figures) 1961 45 x 30 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 172

Untitle (for Clavé) 1961 47 x 37,5 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 174 Untitled 1961 49 x 39 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 176 Venise 1962 86 x 45 cm tempera su carta montata su tela_distemper on paper…

m a r k t o b e y 178 Untitled 1962 50 x 27,5 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 180 Untitled (tress in automn) 1962 40 x 29 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 182 Untitled (rose and brown composition) 1962 40 x 29 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 184 Untitled (Brown composition) 1962 48 x 27,5 cm tecnica mista su carta

m a r k t o b e y 186 Untitled (blue night) 1962 38 x 28 cm tempera su carta

m a r k t o b e y 188 Untitled (multicolor composition) 1962 15,5 x 11,5 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 190 191 m a r k t o b e y Untitled (multicolor composition) 1962 15,5 x 11,5 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 192 193 m a r k t o b e y Untitled 1964 51 x 30,5 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 194 Untitled (orange and blue composition) 1964 32 x 24 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 196 Untitled (composition aux taches bleues) 1966 42 x 31 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 198 199 m a r k t o b e y Untitled (composition brune) 1966 32 x 21 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 200 Untitled (composition) 1966 15,5 x 11 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 202 203 m a r k t o b e y Palette 1966 21 x 25 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 204 205 m a r k t o b e y Palette et composition 1966 26 x 33 cm tempera su carta_distemper on paper

Palette et composition (verso) 1966 26 x 33 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 206 Untitled 1966 31,5 x 25 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 208 Untitled ( composition jaune et brune) 1967 15 x 11 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 210 Flower desert 1967 25,5 x 16,8 cm tempera su carta_distemperon paper

m a r k t o b e y 212 Untitled (harmony) 1968-69 93 x 55 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 214 Untitled (cratere) 1968 38 x 26,5 cm tempera collage su carta_distemper and collage on paper

m a r k t o b e y 216 Untitled ( brush-work) 1968 14,5 x 21 cm tempera su carta_distemper on paper

m a r k t o b e y 218 219 m a r k t o b e y Untitled (brown and yellow composition) 1970 113 x 66 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 220 Untitled (multicolor composition) 1970 ca 31 x 28 cm tecnica mista su carta-mixed media on paper

m a r k t o b e y 222 223 m a r k t o b e y Untitled ( composition orange et violine) 1973 47,5 x 29 cm tecnica mista su carta-mixed media on paper

m a r k t o b e y 224 Untitled Untitled 1970 ca 1970 ca 82 x 42 cm 82 x 42 cm vetrata_glass window vetrata_glass window

m a r k t o b e y 226 227 m a r k t o b e y Untitled 1970 ca 82 x 42 cm vetratavetrata_glass window

m a r k t o b e y 228 Untitled (deux figures) 1974 36 x 33 cm tecnica mista su carta_mixed media on paper

m a r k t o b e y 230 231 m a r k t o b e y

Biografia_Biographie 1890 1928 1934 il suo primo premio_ Tobey Mark Tobey nasce l’11 dicembre a Paintings, Watercolours and Viaggia in Europa e in Asia. receives his first Award Centerville, Wisconsin, USA_Mark Drawings by Mark Tobey, mostra Trascorre diversi mesi in un Baker Memorial Award, Tobey is born in Centerville, personale_solo exhibition in The monastero zen nei pressi di Kyoto, Northwest Annual Exhibition, Wisconsin, USA on December 11th. Arts Club, Chicago, US. Giappone. Studia gli insegnamenti Seattle Art Museum. e la pittura zen, si dedica alla 1911 1928/29 meditazione e all’apprendimento 1941 Si stabilisce a New York dove Paintings and Drawings by Mark della calligrafia.I n Giappone La musica, che svolge un ruolo lavora come disegnatore di Tobey, Romany Marie’s Café Tobey trova, citando le sue parole, importantissimo nella sua vita moda_Tobey moves to New York Gallery, New York, US. “l’impulso più decisivo verso e nella sua pittura, lo assorbe as a fashion illustrator. la calligrafia” che più tardi lo sempre di più_The music which 1929 avrebbe condotto alla scrittura plays such an important role in his 1913 Alfred Barr Jr. lo invita a bianca, la “white writing”. Allo life and his paintings increasingly Studia all’Art Institute di Chicago_ partecipare alla mostra stesso tempo, tuttavia, è cosciente absorbs him. He studies at the Art Institute, Painting and Sculpture by Living di essere e rimanere un uomo Chicago. Americans, programmata dell’Occidente_Trip to Europe and 1942 per l’inverno 1930/31 presso il Asia. He spends a month in a Zen Riceve un premio acquisto per il 1917 Museum of Modern Art di New monastery near Kyoto, Japan. suo lavoro Broadway, in occasione Portraits by Mark Tobey, M. York, US_Alfred Barr Jr. invites He studies Zen teachings, Zen della mostra Artists for Victory Knoedler & Co. Gallery, New York, him to take part in the exhibition painting, meditates and spends presso il Museum of Modern Art, US. Painting and Sculpture by Living much time studying calligraphy. New York_For his work Broadway Americans planned for the Winter In Japan Tobey finds – as he later he is awarded a purchase prize 1918 of 1930/31 at The Museum of described it himself – the “most on the occasion of the exhibition Tobey entra a far parte della Modern Art, New York. decisive calligraphic impulse” Artists for Victory at The Museum comunità religiosa Bahà’ì_Tobey which would later lead him to the of Modern Art, New York. enters the Bahà’ì religious 1930 “white writing”. At the same time, Seattle Art Museum, Seattle, US. community. Cornish School, Seattle, US. however, he is aware that he is and will always be a man of the 1944 1922 1931 West. Mostra personale presso la Insegna presso la Cornish School Retrospective, Contemporary Arts Prima mostra personale presso Willard Gallery di New York, of Allied Arts di Seattle_He Gallery, New York, US. il Seattle Art Museum, US_ First con la quale d’ora in poi l’artista teaches at the Cornish School of Drawings and Watercolours by museum solo exhibition at the collabora regolarmente. La Allied Arts in Seattle. Mark Tobey, Harry Hartman Seattle Art Museum. prefazione del catalogo della Bookstore and Gallery, Seattle, Paintings and Drawings by Mark mostra è redatta da Sidney Janis. 1923/24 US. Tobey, Beaux-Arts Gallery, Bruton Questo esordio segna anche In questo periodo fa il più Place, London, GB; Paul Elder l’inizio del suo riconoscimento a 1931/37 importante incontro della sua vita, Gallery, San Francisco. livello nazionale_Solo exhibition Tobey è resident artist alla avvicinandosi sempre di più agli at Willard Gallery, New York. Dartington Hall, Devonshire, insegnamenti Bahà’ì. Instaura 1935 Catalogue introduced by Sidney Gran Bretagna. Conosce Pearl un legame di amicizia con Dipinge Broadway e Welcome Janis. This gallery continues S. Buck, Aldous Huxley, Bernard Teng Kuei, uno studente cinese Hero alla Dartington Hall, to exhibit his work at regular Leach, Rabindranath Tagore, dell’Università di Washington, Devonshire, Gran Bretagna. In intervals. This period also Rudi Shankar e molti altri che che gli insegna la spiritualità e questi lavori Tobey utilizza per la marks the start of his national insegnano in questo stesso istituto le tecniche pittoriche dell’Asia prima volta la “white writing”_He recognition. e che, come lui, considerano orientale (tecnica del pennello, paints the works Broadway and estremamente importante arte calligrafica e metodi di Welcome Hero in Dartington Hall, 1945 l’incontro fra il pensiero orientale composizione)_During this period Devonshire, Great Britain. In these Willard Gallery, New York, US. e quello occidentale_Tobey is he makes the most important works Tobey uses the “white “resident artist” in Dartington encounter of his life following his writing” style for the first time. 1945/46 Hall, Devonshire, Great Britain. contact with the Bahà’ì teachings. Stanley Rose Gallery, Hollywood, Paintings by Mark Tobey. Mostra He gets to know Pearl S. Buck, He becomes friendly with Teng US. personale_Solo exhibition in Aldous Huxley, Bernard Leach, Portland Art Museum, US; San Kuei, a Chinese student at the Rabindranath Tagore, Rudi University of Washington, who 1940 Francisco Museum of Art, US; Shankar and many others who are Baker Memorial Award, The Arts Club, Chicago, US; Alger teaches him the techniques of also teaching there and for whom, East Asian painting (brushwork, Northwest Annual Exhibition, House, Detroit Institute of Arts, as for himself, the connection of Seattle Art Museum: Tobey riceve US. calligraphy and compositional oriental and western ideas is very methods) and spirituality. important.

237 m a r k t o b e y Si moltiplicano le mostre 1952 des Arts et Lettres, Parigi, 1960 Mark Tobey. Retrospective: 1967 1971 Washington, US; Seattle Art personali di Tobey e aumentano gli Renaissance Society, University of Francia, e inizia la serie Above Tempere e inchiostri di Mark Paintings and Drawings 1925- Mark Tobey. Oils, Temperas, Small Tobey. Prints, Whitney Museum of Museum, US; City Art Museum, inviti alle mostre collettive_Tobey’s Chicago, US. the Earth_Tobey becomes a Tobey, Notizie, Associazione Arti 1961, Whitechapel Art Gallery, Monotypes, Willard Gallery, New American Art, New York, US. St. Louis, US. solo exhibitions and invitations Zoe Dusanne Gallery, San permanent member of the Institut Figurative, Turine, Italy. London, GB; Palais des Beaux- York, US. Galleria d’Arte il Fauno, Turine, to national group exhibitions Francisco, US National des Arts et Lettres, Paris, Galerie Jeanne Bucher, Paris, Arts, Bruxelles, Belgium. Mark Tobey. Monoprints, Galerie Italy 1975 increase. France, and he begins the series France. World’s Fair, Seattle, US. Nordquist, Malmö, Sweden. Galleria dell’Ariete, Milan, Italy Tobey. Rückblick auf harmonische 1953 Above the Earth. Masterworks by Mark Tobey. 16 Phillips Collection, Washington, Mark Tobey. Peintures, Temperas Weltbilder, Museum Haus Lange, 1946 Willard Gallery, New York, US Margaret Brown Gallery, Boston, Masterpieces on Loan from the US. 1967/68 et Aquatintes de 1942-1971, Krefeld, Germany. Willard Gallery, New York, US. US. Arthur and Joyce Dahl Collection, Otto Seligman Gallery, Seattle, US. Mark Tobey. Paintings from the Galerie Alice Pauli, Lausanne, Galerie Ursus-Presse, Düsseldorf, The Arts Club, Chicago, US. 1954 Riceve il_He receives the Frederic Hobbs Fine Art Gallery, Mark Tobey: Recent Paintings, collection of Joyce and Arthur Switzerland. Germany. Alger House, Detroit Institute of Tobey comincia la serie Meditative. Guggenheim International Award. San Francisco, US. Willard Gallery, New York, US. Dahl, Stanford University, Stanford Mark Tobey. Temperabilder, Arts, US. Prima mostra personale presso la Tobey è nominato membro della Konstsalongen Samlaren, Art Gallery, US; University of Lithographien, Baukunst-Galerie, 1976 Otto Seligman Gallery, Seattle, che 1957 American Academy of Arts and Stoccolma, Sweden Nebraska Art Galleries, Lincoln, Cologne, Germany. Il 24 aprile Mark Tobey muore a 1947 rappresenta i lavori di Tobey sulla L’anno degli inchiostri Sumi_The Sciences, ma rifiuta la nomina. US; Roosevelt University, Chicago, Mark Tobey. Monotypien, Tempera, Basilea, Svizzera_ Mark Tobey Willard Gallery, New York, US. West Coast_Start of the Meditative year of the Sumi inks. Nel mese di luglio si stabilisce a 1962/63 US; University of California, The Mischtechniken, Druckgrafik, dies in Basel, Switzerland, on Phillips Academy, Andover, US. Series. First solo exhibition at Otto Otto Seligman Gallery, Seattle, US. Basilea, Svizzera_He is nominated Retrospective, Cleveland Art Gallery, Santa Barbara, US. Frankfurter, Germany. April 24th. Albany Gallery, Buffalo, US. Seligman Gallery, Seattle, which Sumi Paintings by Mark Tobey, as member of the American Museum of Art and the Art Kunstkabinett Hanna Bekker vom M. Knoedler & Co. Gallery, New Baltimore Museum of Art, US. represents Tobey’s works on the Willard Gallery, New York, US. Academy of Arts and Sciences. Institute, Chicago, US; Göteborgs 1968 Rath, Frankfurter, Germany. York, US. West Coast. Art Gallery of Greater Victoria, Tobey rejects this nomination. In Konstmuseum, Sweden. A Parigi, riceve il riconoscimento National Academy of Design, New Ruth Schaffner Gallery, New York, 1948 Margaret Brown Gallery, Boston, Canada. July he moves to and settles in come Cavaliere dell’Ordine delle York, US. US. Partecipa alla Biennale di Venezia US. Basel, Switzerland. 1963 Arti e delle Lettere_He gets Willard Gallery, New York, Galerie Eliane Ganz Gallery, San (a cui parteciperà anche nel 1956, Willard Gallery, New York, US. 1958 Mark Tobey and the Seattle Public honoured in Paris with the title Marbach, Paris, France Francisco, US. nel 1958 e nel 1964)_He takes Tobey riceve il Gran Premio 1960/61 Market, Seattle Art Museum, US. Commandeur de l’Ordre des Arts Mark Tobey. Paintings and La Nuova Città, Brescia, Italy. part in the Venice Biennale, Italy 1955 Internazionale per la Pittura Tobey Retrospektive, Kunsthalle Mark Tobey, American Federation et des Lettres. Drawings from 1935 to the (also in 1956, 1958 and 1964). Gallery of Art Interpretation, Art alla XXIX Biennale di Venezia, Mannheim, Germany. of Arts Galleries, Carmel, Israel. Retrospective at the Dallas Present, Humboldt Galleries, San 1978 Institute, Chicago, US. Italia_Tobey receives the Major Museum of Fine Arts, US. Francisco, US. Omaggio a Mark Tobey, Galleria 1949 Gump’s Gallery, San Francisco, International Award for Painting at 1961 1964 State Capitol Museum, Olympia, Navigliovenezia, Venice, Italy. Margaret Brown Gallery, Boston, US. the XXIX. Biennale, Venice, Italy. Riceve il Primo Premio_He Mark Tobey. Seattle Market US. 1972 US. Recent Paintings by Mark Tobey, Mark Tobey, San José State receives the first prize at the Gouaches, Long Beach Museum Galerie Jeanne Bucher, Paris, Mark Tobey. A Decade of 1979 Willard Gallery, New York, US. Paul Kantor Gallery, Los Angeles, College, US. International Exhibition of of Art, US. France. Printmaking, The Cincinnati Art Mark Tobey. Graphics, Museum of US. Œuvres récentes de Mark Tobey, Contemporary Painting and Hanover Gallery, London, GB. Museum, US. Art, Indianapolis, US. 1950 Tobey comincia ad essere Galerie Stadler, Paris, France. Sculpture, Carnegie Institute, 1965 Tacoma Art Museum, US. Mark Tobey. Watercolors, Willard riconosciuto anche a livello St. Albans School, Washington, Museum of Art, Pittsburgh, US. Les monotypes de Tobey, Galerie 1969 Mark Tobey Graphics. Selected 1982 Gallery, New York, US. internazionale e si apre per lui un US. Mostra personale presso Jeanne Bucher, Paris, France; Paintings and Drawings by Mark Works on Paper from the Gallery Galerie Jacqueline Schotland, periodo di mostre europee. Tobey partecipa all’esposizione la Galerie Beyeler, Basilea, Galerie Alice Pauli, Lausanne, Tobey, Peale House Galleries, Collection, Martha Jackson Basel, Switzerland. 1951 Prima mostra personale in Europa mondiale_ Tobey takes part in Svizzera. Da questo momento, Switzerland. Pennsylvania Academy of the Fine Gallery, New York, US. Mark Tobey Retrospective, Whitney presso la Galerie Jeanne Bucher, the world exhibition 50 ans d’art collabora con la galleria in modo Recent Paintings by Mark Tobey, Arts, Philadelfia,U S. 1983 Museum of American Art, New Parigi, Francia. moderne, Bruxelles, Belgium. continuativo_Solo exhibition Willard Gallery, New York, US. Mark Tobey. Paintings from 1973 Galerie Vömel, Düsseldorf, York, US; California Palace of the Retrospective presso The Institute at Galerie Beyeler, Basel, Otto Seligman Gallery, Seattle, US. Private Collectors, Bon Marché, Galerie Beyeler, Basel, Germany. Legion of Honor, San Francisco, of Contemporary Arts, Londra, 1959/60 Switzerland. From this point on Mark Tobey, Fresno Arts Center, Seattle, US. Switzerland. Tribute to Mark Tobey, Goldman- US; the University of Washington, Gran Bretagna_Start of his Mark Tobey. A Retrospective he works with the gallery on a US. Willard Gallery, New York, US. Kraft Gallery, Chicago, US. US; Henry Gallery, Seattle, US; international recognition and a exhibition from Northwest regular basis. 1970/71 Foster/White Gallery, Seattle, US. Santa Barbara Museum of Art, US. period of regular exhibitions in Collections, Seattle Art Museum, Retrospective, Musée des Arts 1966 Riceve il premio_He receives the 1984 Questa mostra personale Europe. First solo exhibition in US; Portland Art Museum, Décoratifs, Palais du Louvre, Mark Tobey: Works 1933-1966, Skowhegan School of Painting 1974 Mark Tobey – City Paintings, determina il suo successo in Europe at the Galerie Jeanne US; Colorado Springs Fine Paris, France. retrospettiva_retrospective at the and Sculpture Award. Tobey’s Small Paintings and Graphics by Retrospective at the National America_This brings about his Bucher, Paris, France Arts Center, US; Pasadena Staatliche Kunsthalle Baden- Stedeljik Museum, Amsterdam, 80. A Retrospective, Seattle Art Mark Tobey, Humboldt Galleries, Gallery of Art, Washington, US. American breakthrough. Retrospective at the Institute of Art Museum, US; M.H. De Baden, Germany. Netherlands; Kunsthalle Bern, Museum, US. San Francisco, US. Margaret Brown Gallery, Boston, Contemporary Arts, London, Great Young Memorial Museum, San AFA, Monterey Peninsula College Switzrland; Kestner-Gesellschaft, Mark Tobey. Tempera- Tobey. Sumi Paintings 1957, 1985 US. Britain. Francisco, US. Tobey partecipa a Library Gallery, US. Hannover, and Kunstverein für Blätter, Aquatinten von 1970, Willard Gallery, New York, US. The Contemporary Art Gallery, Willard Gallery, New York, US. Documenta II, Kassel, Germania Royal S. Marks Gallery, New York, die Rheinlande und Westfalen, Lithographien 1961-1970, Mark Tobey – paintings, Steinberg Seibu, Tokyo, Japan. Tobey partecipa alla Biennale 1956 (parteciperà anche a Documenta US. Düsseldorf, Germany. Galerie Günther Franke, Munich, Hall, Washington University, US. di San Paolo, Brasile (a cui Mostra collettiva_with Kline, de III, nel 1964)_Tobey takes part in Galerie Beyeler, Basel, Germany. 1986/87 1962 1974/75 parteciperà anche nel 1955)_ Kooning, Motherwell, Pollock, Documenta II, Kassel, Germany Switzerland. Tobey. Exhibition on the Occasion Mark Tobey. Tempera, Gouaches, Tobey takes part in the São Paulo Rothko e Still. (also in Documenta III, 1964). Retrospective, Museum of Modern of his 80th Birthday, Galerie Tribute to Mark Tobey, Aquarelle, Zeichnungen, Erker- Tobey diventa membro Art, New York, US; Phillips Beyeler, Basel, Switzerland. Smithsonian Institution, Galerie, St. Gallen, Switzerland Biennale, Brazil (also in 1955) permanente dell’Institut National Collection, Washington; US. National Collection of Fine Arts,

m a r k t o b e y 238 239 m a r k t o b e y 1987 1991 1997 Hachmeister Galerie, Münster, Esposizioni collettive_ 31st Annual Exhibition of Knox Art Gallery, Buffalo; Museum 1949/50 Mark Tobey. Graphische Arbeiten, Mark Tobey – Paintings from the Mark Tobey 1890-1976. Peintures Germany. Group shows Northwest Artists, Seattle Art of Art, Baltimore, US. Annual Exhibition, Whitney Baukunst-Galerie, Cologne, 1950s, Philippe Daverio Gallery, et monotypes, gravures, Musée Galerie Carzaniga + Ueker, Basel, Museum, US. 58th Annual Exhibition of Museum of American Art, New Germany. New York, US. Hébert, La Tronche/Grenoble, Switzerland. 1921 2nd Annual Portrait of America Watercolors and Drawings, Art York, US. Galerie Giancarlo Apicella, Bonn, Valley , France. Mark Tobey - Inneres Betrachten, Drawings, Cotton Club, New York, Exhibition, Rockefeller Center, Institute, Chicago, US. Germany. La Conner, US. Graphische Sammlung, US. New York, US. 2nd Annual Exhibition of Painting, 1950 Mark Tobey. Werke/Œuvres 1997/98 Staatsgalerie Stuttgart, Germany. 19 American Painters, The California Palace of the Legion of Exhibition of Contemporary 1988 1945-1975, Hachmeister Galerie, Retrospective at the Museo Mark Tobey. Bilder von 1940 bis Museum of Modern Art, New 1945/46 Honor, San Francisco, US. American Painting, University of Mark Tobey, Hachmeister Galerie, Münster, Germany. Nacional Centro de Arte Reina 1975, Baukunst-Galerie, Cologne, York, US. Annual Exhibition, Whitney Illinois, Urbana, US. Münster, Germany. Sofía, curated by C. de Barañano Germany. Museum of American Art, New 1948 From the Armory Show to the Mark Tobey – A New Look, Cheney 1991/92 and M. Bärmann, Madrid, Spain. 1930/31 York, US. Samuel Kootz Gallery, New York Present, Society of the Four Arts, Cowles Museum, Spokane, US. Mark Tobey - Malerei auf Mark Tobey - Temperabilder, 2002/03 Painting and Sculpture by Living (with Reinhardt, Rothko, Pollock, Palm Beach, US. Papier, Graphik, curated by H. Graphik, curated by H. Mark Tobey - Smashing Forms Americans, The Museum of 1946 Motherwell a.o.), US. American Painting 1950, Virginia 1989 Hachmeister, Galerie Lea Gredt, Hachmeister, Kunstverein Villa and Mark Tobey and Friends, Modern Art, New York, US. Modern Religious Paintings, Rotunda Gallery, San Francisco Museum of Fine Arts, Richmond, Mark Tobey. Between worlds. Luxembourg, Belgium. Wessel, Iserlohn, Germany. Seattle Art Museum, US Durand-Ruel Galleries, New York, (with Anderson, Callahan, Isaacs US. th Opere 1935-1975, Retrospective Mark Tobey - Space lines, 1931 US. Patterson, Smith), US. 36 Annual Exhibition of at the Museo d’Arte, Mendrisio, 1992 Baukunst-Galerie, Cologne, 2003 Americans, Havard Society for Fourteen Americans, The 10th Annual Exhibition of Paintings Northwest Artists, Seattle Art Switzerland; Museum Folkwang, Mark Tobey - Originale und Germany. Mark Tobey - Paintings, drawings, Contemporary Art, Cambridge, US. Museum of Modern Art, New by Artists West of the Mississippi, Museum, US. Essen, Germany. Graphik, Baukunst-Galerie, orginal graphik work, Jack York, US. Fine Art Center, Colorado Springs, Contemporary American Painting, 1939 Galerie Döbele, Stuttgart, Cologne, Germany. 1998 Rutberg Fine Arts, Los Angeles, Annual Exhibition, Whitney US. Walker Art Center, Minneapolis, American Art Today, New York Germany. Mark Tobey - Retrospective, Kurt US. Museum of American Art, New New York private collections, The US. World’s Fair, New York, US. Callahan, Tobey and Graves, Galerie Beyeler, Basel, 1993 Lidtke Galleries, Seattle, US. York, US. Museum of Modern Art, New th Portland Art Museum, US. Switzerland. Mark Tobey - Retrospektive, 2003/04 8 Annual Exhibition of Paintings York, US. 1940 curated by H. Hachmeister, 1998/99 Mark Tobey, Galerie Pudelko, by Artists West of the Mississippi, 19th International Exhibition of 1950/51 1990 Schloß Cappenberg, Selm, Closeness of Distance. Khmer Bonn, Germany. Fine Art Center, Colorado Springs, 1948/49 Watercolors, Art Institute, Chicago, th , California Palace of the Philippe Daverio Gallery, New York. Germany. sculptures and Mark Tobey US. 59 Annual American Exhibition US. Legion of Honor, San Francisco, Mark Tobey – Späte Werke. Mark Tobey, Henie-Onstad paintings, Emil Mirzakhanian, 2004 Contemporary American of Watercolors and Drawings, Art US; Art League, Tacoma, US; Bilder auf Styropor, Radierungen, Kunstsenter, Oslo, Norway. Milan, Italy; Hachmeister Galerie, Mark Tobey, Baukunst Galerie, Paintings, Virginia Museum of Institute, Chicago, US. 1942 rd Museum of Los Angeles, US; Stadtmuseum Siegburg; Münster, Germany. Colongne, Germany. Fine Arts, Richmond, US. 3 Annual Exhibition of Painting, Artists for Victory, The Portland Art Museum, US; Hachmeister Galerie, Münster, 1993/94 American Paintings from the California Palace of the Legion of Metropolitan Museum of Art, New th University of British Columbia, Germany. Mark Tobey – Works from Five 1999 18 Century to the Present, Tate Honor, San Francisco, US. 2005 York, US. Vancouver, US. Mark Tobey - Das graphische Decades, Kurt Lidtke Galleries, Die Nähe des Entfernten - Mark Mark Tobey – works from 1954 to Gallery, London, Great Britain 57th Annual American Exhibition 1949 American Painting Today, The Werk, curated by H. Hachmeister, Seattle, US. Tobey, curated by H. Hachmeister, 1970, Robert Sandelson Gallery, Linden-Museum, Stuttgart, 1943 of Watercolors and Drawings, Art 11st Annual Exhibition of Paintings Metropolitan Museum of Art, New Galerie Siegert, Basel, London, Great Britain. Germany. Contemporary American Oil Institute, Chicago, US. by Artists West of the Mississippi, York, US. Switzerland. 1994 Mark Tobey - Light - Space, th Mark Tobey - Important works Painting, Corcoran Gallery of Art, New Accessions U.S.A., Fine Art Fine Art Center, Colorado Springs, 4 Annual Exhibition of Mark Tobey. Works on Paper Galería Jorge Mara, Madrid, Spain. Hachmeister Galerie, Münster, from a friend, Kurt Lidtke Washington, US. Center, Colorado Springs, US. US. Contemporary American Painting, from Northern California and Mark Tobey. Paintings 1920-1960, Germany. Galleries, Seattle. Romantic Painting in America, Exhibition of Contemporary California Palace of the Legion of Seattle Collections. Celebrating Yoshii Gallery, New York, US. Mark Tobey, Movimento arte Galerie Carzaniga + Ueker, Basel, The Museum of Modern Art, New 1946/47 American Paintings, University of Honor, San Francisco, US. the centenary of the artist’s birth, contemporanea, Milan, Italy. Switzerland. York, US. Annual Exhibition, Whitney Illinois, Urbana, US. Stanford University Museum of 1995 Museum of American Art, New Annual Exhibition, Whitney 1951 Art, Stanford Art Gallery, US. Institute of Contemporary Art, 2006 2000 1944 York, US. Museum of American Art, New Tokyo Independent Art Exhibition, London, Great Britain. Night Sounds - Nocturnal Visions Mark Tobey – Sam Francis, Galerie Exhibition of Abstract and York, US. Ueno Art Gallery, Tokyo, Japan. 1990/91 Fundação Arpad Szenes - Vieira of Mark Tobey and Morris Graves, Döbele, Dresden, Germany. Surrealist Art in America, 1947 Special Exhibition in conjunction Exhibition of Contemporary Mark Tobey. Pour un centenaire. da Silva, Lisboa, Portuga.l Seattle Art Museum, Seattle, US. Mark Tobey – Selected works, Mortimer Brandt Gallery, New American Art, Whitney Museum of with the Western Round Table American Painting, University of Peintures, monotypes, encres Mark Tobey - Myriad Lights, Mark Tobey, Galerie Carzaniga, Kurt Lidtke Galleries, Seattle. York, US. American Art, New York, US. on Modern Art, San Francisco Illinois, Urbana, US. de Chine, Galerie Alice Pauli, Hachmeister Galerie, Münster, Mark Tobey, Galerie Biedermann, Basel, Switzerland. 40 American Moderns, Putzel’s 9th Annual Exhibition of Paintings Museum of Art, US. Annual Exhibition, Whitney Lausanne, Switzerland. Germany. Munich, Germany. The 67 Gallery, New York, US. by Artists West of the Mississippi, The Intrasubjectives, Samuel M. Museum of American Art, New Mark Tobey. A Centennial st 1 Annual Portrait of America Fine Art Center, Colorado Springs, Kootz Gallery, New York, US. York, US. Exhibition, Galerie Beyeler, Basel, 1995/96 th 2001 Exhibition, The Metropolitan US. Contemporary Paintings from 16 International Watercolor Switzerland. Baukunst-Galerie, Cologne, Schnittstellen - Westliche Museum of Art, New York, US. Great Britain, the U.S. and France, Exhibition, Brooklyn Museum, Jahrgang 1890. Mark Tobey, Germany. Moderne und die Kulturen Asiens 1947/48 Art Gallery, Toronto, Canada. New York, US. Kunstmuseum Basel, 1945 II: Mark Tobey, curated by H. Ten Painters of the Pacific Morris Graves, Mark Tobey, 40 Americans. 1940-1950, Switzerland. 1996 rd Hachmeister, Museum Villa Rot, 13 International Watercolor Northwest, Munson-Williams Margaret Brown Gallery, Boston, University of Minnesota, Luhring Augustine, New York, US. Exhibition, Brooklyn Museum, Burgrieden-Rot, Germany. Proctor Institut, Utica, US; Philipps US. Minneapolis, US. New York, US. Mark Tobey. Das graphische Werk, Academy, US, Andover; Albright Exhibition of Paintings, University

m a r k t o b e y 240 241 m a r k t o b e y of Colorado, Boulder, US. 1953 Bern; Kunstmuseum Basel, Pacific Coast Art - United 1958 Some Contemporary Works of Art, travelling tour: Cedar Rapids, Des Moderne Malerei seit 1945 aus Significant American Painting, Modern Painting, Ways and Switzerland (with Pollock, States’ Representation at the IIIrd Contemporary American Painters, Cleveland Museum of Art, US. Moines, Sacramento, Nashville, der Sammlung Dotremont, University of Wisconsin, Madison, Means, Contemporary Art Matthieu, Michaux, Riopelle, Biennial of São Paulo, Cincinnati Museum of Fine Arts, Montreal, Roanoke, New York, Columbia, Kunstmuseum Düsseldorf, US. Association, Houston, US. Trancredi and Wols). Art Museum; Fine Arts Center, Canada. 1959 Josyln, Fort Lauderdale, Germany; Kunsthalle Basel, Abstract Painting and Sculpture in 14th Annual Exhibition of Paintings Exhibition of Contemporary Colorado Springs; San Francisco Nature in Abstraction, Whitney V. 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Internationale di Pittura e Décoratifs, Paris, France. 30th Anniversary Exhibition. 60th Annual American Exhibition, exposé au Japon, The Museum 41st Annual Exhibition of Moderne Kunst aus USA. Aus den The Museum and its Friends, Scultura, Circolo degli Artisti, Art from Ingres to Pollock, American Art of our Century, Art Institute, Chicago, US. of Modern Art, New York, Northwest Artists, Seattle Art Sammlungen des MoMa, New Whitney Museum of American Art, Turine, Italy. University of California, Berkeley, Whitney Museum of American Art, Contemporary American Painting, subsequently travelling to Tokyo, Museum, US. York, Wiener Secession, Wien, New York, US. Paintings and Sculptures of the US. New York, US. City Art Museum, St. Louis, US. Osake, Ube, Fukuoka, Sasey, Austria. 10th Anniversary Exhibition. Pacific Northwest, Portland Art Buisiness buys American Art, Pittsburgh International Exhibition Revolution and Tradition, Brooklyn Nagoy, Takamatsu, Japan. 1955/56 Paintings, Sculpture and Prints. Current Painting Styles and their Museum, US. Whitney Museum of American Art, of Contemporary Painting and Museum, New York, US. Annual Exhibition, Whitney Modern Art in the United States, Sources, Art Center, Des Moines, American National Exhibition, New York, US. Sculpture, International Center of American Vanguard for Paris, 1954 Museum of American Art, New The Tate Gallery, London, Great US. Moscow, Russia. 60 American Painters, Walker Art Aesthetic Research, Turine, Italy; Sidney Janis Gallery, New York, 9 American Painters of Today, York, US. Britain. 9 Generations of American Twentyfive years of american Center, Minneapolis, US. Carnegie Institute, Pittsburgh, US. 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Contemporary th 10 American Abstract Painters, June Nye-Fay Chong Exhibition, Graves, Contemporary Arts 16 Annual Exhibition of Paintings Paintings and Sculptures at the living american artists, Whitney M. Knoedler & Co. Gallery, New American Painting, Whitney Rose Fried Gallery, New York, US. Otto Seligman Gallery, Seattle, US. Museum, Houston, US. by Artists West of the Mississippi, Venice Biennale, Italy. Museum of American Art, New York, US. Museum of American Art, New th Saint Louis Collects, City Art High Spots, Contemporary Arts Annual Exhibition, Whitney Fine Art Center, Colorado Springs, 44 Annual Exhibition of York, US. Collection Thompson, Kunsthaus York, US. Museum, St. Louis, US. Inc., New York, US. Museum of American Art, New US. Northwest Artists, Seattle Art Paintings and Sculpture from Zürich, Switzerland. Expressionism in American Mark Tobey, Morris Graves, York, US. 1884-1956 an American Collector: Museum, US. the American National Exhibition The Current Scene. American 1962 Painting, Albright Knox Art Gallery, Margaret Brown Gallery, Boston, Pictures collected by Yale Alumni, Edward Wales Root, Munson- A Decade of Contemporary in Moscow, Whitney Museum of Painting, Esther Stuttman Gallery, The Artist’s Environment - West Buffalo, US. US. Yale University, New Haven, US. Williams, Proctor Institute, Utica, American Drawings, Museum of American Art, New York, US. New York, US. Coast, Amon Carter Museum of th Light and the Painter, Fine Art Caratteri della Pittura d’oggi, Exhibition of Works by newly US. Fine Arts, Houston, US. Signposts of 20 Century Art, Paths of Abstract Art, Cleveland Western Art, Fort Worth, US. Center, Colorado Springs, US. Galleria dello Spazio, Rome, Italy. elected Members of the National American Paintings, 1945-1957, Moderne Kunst in Wuppertaler Museum of Contemporary Arts, Museum of Art, US. 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m a r k t o b e y 242 243 m a r k t o b e y tour: Knoedler, New York; Marlborough Fine Art Limited, An Anthology of Modern American Carnegie Institute, Pittsburgh, US. 1967 1968 1969 1970/71 Currier Gallery, New Hampshire; London, Great Britain. Painting, High Museum of Art, Malerei des zwanzigsten Selected Works from two The Sidney Janis and Harriet The Disappearance and Pittsburgh International Exhibition Carnegie Institute, Pittsburgh; Twenty-Six American Artists from Atlanta Art Association, US. Jahrhunderts, Kunstsammlung Generations of European and Janis Collection, The Museum of Reappearance of the Image, of Contemporary Art, Museum of Evansv. and Science, Indiana; the Collections of the Whitney Exhibition of Gallery Artists, Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, American Artists, Sidney Janis Modern Art, New York; Cleveland International Art Program, Art, Carnegie Institute, Pittsburgh, Munson Williams Proctor Museum of American Art, Whitney Willard Gallery, New York, US. Germany. 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Art, International Council, New Annual Exhibition of Collection of Morris Graves, Pennsylvania, Philadelphia, US. Twenty-Third National Exhibition Museum, US. US. New York, US. York; Tokyo and Kyoto, Japan; The New Tradition - Modern The Friends Collect. Recent Art in Science, Albany Institute of Contemporary American Painting, Humboldt Galleries, San L’art vivant aux Etats-Unis, of Prints, National Collection of New Delhi, India; Victoria and New Whitney Museum of American Art, Francisco, US. Fondation Maeght, Saint Paul de Fine Arts, Smithsonian Institution, Americans before 1940, Acquisitions, Whitney Museum of History and Art, New York, US. South Wales, Australia. The Corcoran Gallery of Art, American Art, New York, US. The Seashore. Paintings of New York. Vence, France. in collaboration with the Library of Thirtieth Anniversary. Prints, Petits Formats, Galerie Beyeler, Congress, Washington, US. Washington, US. Gallery Group, Willard Gallery, the Nineteenth and Twentieth Drawings, Paintings, Sculpture, Aspects of Twentieth Century Art, New York, US. Centuries, Museum of Art, Basel, Switzerland Contemporary Drawings, Willard Willard Gallery, New York, US.

m a r k t o b e y 244 245 m a r k t o b e y Gallery, New York, US. Leonid, Mark Tobey, The American américains 1930 - 1980, Ecole 1992 Museum of Art and Municipal 2002 de Arte de Salamanca; Kiosco L’Espace lyrique - L’action Academy and Institute of Arts and nationale supérieure des Beaux- Kunst als Grenzbeschreitung - Museum of Art, Kyoto; Mitsukoshi Klänge des Inneren Auges - Mark Alfonso, La Coruna, Spain. painting, l’abstraction lyrique Letters, New York; Arts, Paris, France. John Cage und die Moderne, Neue Museum of Art, Tokyo, Japan. Tobey, Morris Graves, John Cage, Onbegrensd - Unbegrenzt, et leurs environs: le signe, la American Art in Belgium, Palais Amerikanische Zeichnungen Pinakothek München, Bayerische Kunsthalle Bremen, Germany. curated by H. Hachmeister, tache, le nuage… Des années des Beaux-Arts, Brussels, 1930 - 1980, Städtische Galerie Staatsgemäldesammlungen, 1996 Sounds of the Inner Eye - Roger Raveelmuseum, Machelen, cinquante à nos jours, Centre Belgium. im Städelschen Kunstinstitut, Munich, Germany. Signs & Symbols, Barbara Mathes Mark Tobey, Morris Graves, Belgium. d’Art Contemporain de l’Abbaye de Frankfurt, Germany. Auf Papier, Kunstmuseum Gallery, New York, US. John Cage, The Museum of Chine - Occident ou l’aventure du Beaulieu, Ginals-Lexos, France. 1978 Winterthur, Switzerland. Glass, International Center for signe. Michaux, Tobey, Degottex, Northwest Traditions, Seattle Art 1987 1997 Contemporary Art, Tacoma, US. Zao Wou-Ki, Shan Sa, Galerie 1973/74 Museum, US. Seattle Style, Musée des Beaux- 1992/93 Affinities with the East, Robert Mark Tobey and Sam Francis - Berthet-Aittouarès, Paris, France. 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m a r k t o b e y 252 253 m a r k t o b e y seit 1950, Kunsthalle Basel, Focus on Light, The New Jersey American Artists, Baltimore Northwest, University of de Dunkerque, France, 1987 Mark Tobey, Morris Graves, Switzerland, 1964 State Museum Cultural Center, Museum of Art, US, 1968 Washington, Henry Art Gallery, Abstract Expressionism. 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m a r k t o b e y 254 255 m a r k t o b e y © SHIN production marzo 2009 isbn 88 89005 00 0