Julio Calvo Dirección: Gestión de Infraestructuras Culturales, Turísticas y Deportivas del Principado de Asturias Equipo del Teatro de la Laboral: Dirección de programación: Mateo Feijóo Coordinación: María José Manzaneque Mamen Adeva Almudena Olalla Prensa: Cristina Cabeza Irene Jiménez Mediación cultural: Borja Ibaseta Administración y control: Uxía Romero Jefa de sala: Susana Quirós Ana Iglesias Dirección técnica: Rafael Javier Mojas Coordinación técnica: José Miguel Díaz Sonido: Javier García Roberto Lorenzo Iluminación: José Félix Garma Víctor Vivar Maquinaria: Luís Andrés Tiercín Montserrat Arias
Fotografía de portada: Julio Calvo
Diseño y maquetación: Grupo Bittia Rosana Cabal Sevilla
Impresión y filmación: Gráficas Covadonga
Depósito Legal: AS-6803-08 Julio Calvo Índice
Enrique Morente 8 Pablo de Málaga
Paloma Calle 10 100 cosas que hacer mejor que ver este espectáculo
Victoria - Tim Etchells 12 That Night Follows Day
Jan Lauwers & Needcompany 14 Isabella’s Room
Marc Rees 16 En Residencia
S.P.A.C.E. UK 20 Showcasing Performance in Alternative Creative Environments
Michael Nyman Band & Marie Angel 22 Mozart 252 & I Sonetti Lussoriosi
PALABRA Y MÚSICA 24 V FESTIVAL INTERNACIONAL DE SPOKEN WORD
La Maison du Sourd (La Casa del Sordo) 26 Catherine Diverrès
Centro Coreográfico Galego 28 Giseliña
Rachid Ouramdane 30 Loin...
Christian Rizzo / l’association fragile 32 b.c, janvier 1545, fontainebleau 4 5
L.E.V. Festival 34 anoukvandijk dc 36 STAU
Marina Abramovic´ 38 8 Lessons on Emptiness with a Happy End
Philip Glass 40 Una velada de Música de Cámara
Rodrigo García 42 Versus
Mugatxoan 2009 44
Edurne Rubio 48 desde . La Laboral
Gisèle Vienne 50 Jerk
KODÔ 52 ekkyo: trans-border
TALLERES
Taller de Danza e Improvisación con Músicos 56 Principios de Unidad y Acumulación Impartido por Catherine Diverrès
INFORMACIÓN PRÁCTICA
Julio Calvo Voz: Enrique Morente; Percusión: José Manuel Ruiz “Bandolero”; Batería: Ernesto Jiménez “Eric”; Guitarra: Juan José Suárez “Paquete” y Ramón David Cerreduela “David”; Pal- mas: Pedro Gabarre “El Popo”, Ángel Gabarre “Ángel”, José Enrique Morente “José E. Morente”; Alfonso Losa “Alfonso”; P.A.: Alfonso Enrique Almiñana “Alfons”; Luces: Gustavo; Monitores: Enrique Soriano “Enrique”. 8 9
7 Enrique Morente febrero 20.30 h Pablo de Málaga PAÍS España DURACIÓN 75 min. LUGAR Teatro de la Laboral
Morente homenajea a Pablo Picasso en su faceta más desconocida, la de escritor, en Pablo de Málaga. Del deseo de indagar, Morente recupera poe- mas, textos y escritos del genial pintor y pone melodía y voz a los recuerdos de la Málaga natal de Picasso, al olor a puchero, al sabor de casa, a los recuerdos de la infancia que Morente transforma en gotas de arte, en alientos sonoros avanzados para su tiempo.
Esta obra surge del contacto del genial cantaor con los textos escritos por Pablo Picasso, textos que, redactados de su puño y letra, cuentan cómo fue la infancia del gran pintor.
Pablo de Málaga son trece colores que componen la imagen de un gran genio, trece sabores que recuerdan al sur, a una ciudad que vio crecer al pintor y que nos llega reconstruida en imágenes geométricas superpues- tas. Trece ofrendas sonoras, trece regalos que nos deja una voz prodigiosa y nos evoca la belleza en sí misma, en los que aparece la voz del pintor en uno de los temas, Autorretrato, dando forma así a todos esos textos originales e inéditos hasta el momento.
Enrique Morente, cantaor granadino, es el icono actual de la cultura fla- menca tras la muerte de Camarón. Nació en tiempos en los que las sacudidas de la post-guerra convertían a los españoles de a pie en super- vivientes del orden, expertos en la vergüenza ajena, y enigmáticos compañeros de la carencia.
La enfebrecida espiral de aprendizaje y autoafirmación le llevan a Madrid con 14 años de edad. Su debut tiene lugar en la Peña Flamenca Charlot, que tantas veces fue refugio de voces desamparadas y tantas otras aula magna de clases magistrales; pero debemos considerar su salto a la pro- fesionalidad cuando es contratado por el ballet de Mariemma, con el que actúa en el pabellón español de la Feria Mundial de Nueva York y en la Embajada Española en Washington.
El Morente de ahora es el Morente de siempre, aquel al que iba a visitar el desaparecido Camarón acompañado de un joven Tomatito en Madrid: “Tomate, vamos a acercarnos a la casa de Enrique, a ver en qué anda
Manuel Montaño ahora…” Pieza de: Paloma Calle; Proyecto original: Paloma Calle + monoperro; Adaptación: Paloma Calle; Iluminación: Iván Martín; Fotografías: Maite Camacho; Distribución: Paloma Chueca Management 10 11 MUJERES ABANDONADAS EN UN CENTRO DE ARTE
12 Paloma Calle febrero 16.30 h 100 cosas que hacer mejor que ver este espectáculo PAÍS España DURACIÓN 150 min. aprox. LUGAR LABoral Centro de Arte Entrada libre
Poco hay que decir sobre esta pieza puesto que el título lo dice todo. Se trata de profundizar en lo banal, en lo cotidiano, lo de andar por casa, lo naif, lo que nadie en general consideraría actos artísticos, y elevarlos a la categoría de tal.
¿Elevarlos? ¿Desde cuándo es más elevado ir a un centro de arte que pin- tarse las uñas? ¿Y qué pasa cuándo te pintas las uñas como parte de una
Maite Camacho obra de arte? Al fin y al cabo no deja de ser eso, pintarse las uñas, ¿o es que hacerlo en un museo cambia la esencia de la acción por el simple hecho del contexto en el que ésta viene realizada?
Esta pieza se organiza en torno a este tipo de reflexiones y lo hace desde un punto de vista irónico y ligero. En realidad lo que le está diciendo al espectador a lo largo de las cuatro horas de duración es: mira todo lo que podrías estar haciendo en lugar de venir a verme a mí hacerlo.
Se trata de una propuesta que se va definiendo en el tiempo al azar, ya que el orden de lo que se hace, las 100 acciones, viene definido por números que van saliendo de un bombo de esta manera, al azar. Y de una manera cóm- plice con el espectador se va desgranando esta pieza que repite una misma estructura que nunca es igual para todas y cada una de las 100 acciones.
Ganadora del 9º Premio de Artes Escénicas del Teatre l’Escorxador y Ayun- tamiento de Lleida con el proyecto hello myself , Paloma Calle se forma y trabaja durante más de diez años en España, Alemania e Italia como intér- prete para diferentes compañías de teatro y de danza experimental. Comienza, a partir del año 2004, a trabajar en su propias creaciones den- tro del ámbito de la performance, las artes escénicas y el vídeo.
La pregunta y experimentación sobre la convención espacial está siempre presente; esto da lugar a piezas de diferentes formatos pensadas para espacios absolutamente diversos, desde un teatro a un paseo con el público por la periferia de una ciudad. Concepto, texto y dirección: Tim Etchells; Asistente de dirección: Pascale Petralia; Interpretación: Tessa Acar, Hannah Bailliu, Michiel Bogaert, Spencer Bogaert, Lina Boudry, Taha Boudry, Tristan Claus, Amber Coone, Tineke De Baere, Florian De Temmerman, Yen Kaci, Lana Lippens, Jérôme Marynissen, Aswin Van de Cotte, Viktor Van Wynendaele e Ineke Verhaegen; Diseño de escenografía: Richard Lowdon; Vestuario: Ann Weckx; Asistente de vestuario: Eva Van Kerkhove; Diseño de luz: Nigel Edwards; Coordinación artísti- ca: Marika Ingels; Concepto de imagen: Mathilde Geens; Traducción holandesa: Catherine Thys, Pascale Petralia, Marika Ingels; Traducción francesa: Monique Nagielkopf; Responsable de producción: Wim Clapdorp; Responsable de niños: Lotte de Vulks, Hannelore Bonami; Técnica vocal: Françoise Vanhecke; Técnicos: Piet Depoortere, Niels Ieven; Representante de la gira: Leen De Broe; Responsable de ventas: Kristof Blom; Agradecimientos: Isotta Mergaert; Producido por Victoria Gante; Coproducción: Festival d´Automne de Paris, Les Spactacles vivants – Centro George Pompidou, Paris, steirischer erbst Graz, Productiehuis Rotterdam. Con el apoyo de KunstenFESTIVALdesArts Brussel, Fierce Earth Birmingham, Emilia Romagna Teatro Fondazione, Theaterfestival Spielart Münche. CAMPO recibe el apoyo de De Vlaamse Gemeenschap. 12 13
13 . 14 Victoria - Tim Etchells febrero 20.30 h That Night Follows Day
PAÍS Bélgica DURACIÓN 70 min. LUGAR Caja Escénica del Teatro AFORO limitado Espectáculo subtitulado en inglés y en español
'Vosotros nos alimentáis. Vosotros nos laváis. Vosotros nos vestís. Vosotros nos cantáis. Vosotros nos miráis cuando dormimos. Vosotros nos hacéis promesas que pensáis que no recordaremos. Vosotros nos contáis historias con finales felices, historias con finales infelices e his- torias con finales inacabados. Vosotros nos explicáis en qué consiste el amor, cuáles son las causas de la enfermedad y las que provocan una guerra. Vosotros nos susurráis pensando que no nos enteramos. Vosotros nos explicáis que la noche sigue al día'
Dieciséis niños de edades entre los ocho y los catorce años se alinean delante del gimnasio de la escuela. Silenciosos. Tranquilos. Disciplina- dos. Hasta que se abren sus bocas para desvelar cómo los adultos transforman a los niños con sus palabras. Para mejorar, para empeorar. Ternura, ansiedad, intrusión, dominación, abuso, educación.
¿Por qué tratamos a los niños de la manera en que lo hacemos? ¿Por qué les protegemos tanto? ¿Por qué les enseñamos del modo que lo hacemos? That Night Follows Day refleja el mundo infantil desde el punto de vista de la influencia de los adultos. Con gran claridad y humor, Tim Etchells, director y creador de la obra, trata de reflejar, mediante un espectáculo ingenioso e inquietante, la situación real, las expectativas y los problemas del mundo infantil y adolescente, así como la proyección que hacen los adultos sobre los niños.
Victoria es una plataforma de producción polivalente dedicada a las artes escénicas con sede en Gante; un lugar donde los artistas pueden crear y experimentar, un semillero de nuevas tendencias internaciona- les y una residencia para los artistas.
A principios de 2008, Victoria se unió a Nieuwpoorttheater. La experien- cia artística de ambas organizaciones se consolida en un nuevo centro de arte llamado CAMPO. CAMPO se define como un amplio paraguas artístico que abarca la producción, la creación, la muestra de espectá-
Phile Deprez culos y la formación. Director: Jan Lauwers; Actores: Viviane De Muynck, Anneke Bonnema, Benoît Gob, Hans Petter Dahl, Maarten Seghers, Julien Faure, Yumiko Funaya, Tijen Lawton, Ludde Hagberg; Guión: Jan Lauwers; The Liar´s Monologue fue escrito por Anneke Bonnema; Música: Hans Petter Dahl, Maarten Seghers; Letra de las canciones: Jan Lauwers, Anneke Bonnema; Coreografía: Julien Faure, Ludde Hagberg, Tijen Lawton, Louise Peterhoff; Vestuario: Lemm&Barkey; Escenografía: Jan Lauwers, Lieven De Mayere o Ken Hioco; Diseño de sonido: Dré Schneider; Subtítulos: Elke Janssens; Responsable de producción: Luc Galle; Producción técnica: Lieven de Meyere; Auxi- liares técnicos: Jelle Moerman, Dorus Daneels; Introducción dramatúrgica: Erwin Jans; Fotografía: Eveline Vanassche, Maarten Vanden Abeele; Producción: Needcompany; Coproduc- ción: Festival d´Avignon, Théâtre de la Ville (París), Théâtre Garonne (Toulouse), La Rosa des Vents (Scéne Nationale de Villeneuve d´Ascq), Brooklyn Academy of Music (Nueva York) y Theatre Festival Welt in Basel Con la colaboración de: Kaaitheater (Bruselas). Con el apoyo de: Flemish Authorities. 14 15
27 . 28 Jan Lauwers & Needcompany febrero 20.30 h Isabella’s Room
PAÍS Bélgica DURACIÓN 120 min. LUGAR espacio por confirmar Espectáculo subtitulado en español
La habitación de Isabella contiene un secreto. Una mentira que domina la existencia de Isabella. Esta mentira es una imagen. Una imagen exótica. La imagen de un príncipe del desierto.
Eveline Vanassche Isabella es hija de un príncipe del desierto desaparecido en una expedición. Ésta es la historia que sus padres adoptivos, Arthur y Anna, le han contado y que ha marca- do su vida. La muerte de sus padres adoptivos, y la búsqueda de su verdadero padre la conducen a una habi- tación de París llena de objetos antropológicos, etnológicos y exóticos traídos de África y Egipto. A lo largo de la obra Isabella relata su historia, pero no lo hace sola; la acompa- ñan cantando todos los que han sido importantes para ella.
Needcompany es una compañía de performance que, desde su inicio en 1986, ha destacado por ser una com- pañía internacional, multilingüe y multidisciplinaria. Durante una trayectoria de más de 20 años, Needcom- pany ha creado una gran cantidad de producciones que han viajado por todo el mundo.
Jan Lauwers y Grace Ellen Barkey forman el núcleo de Needcompany. Jan Lauwers, artista visual y creador escé- nico, es el director artístico, considerado como uno de los artistas más multidisciplinares del momento. Aunque sea conocido por su trabajo teatral, siempre compagina las artes escénicas con la soledad de su estudio, donde se concentra en el arte visual y en la escritura. Grace Ellen Bar- key ha estado implicada con la compañía desde su fundación. Concepto/Comisario/Director artístico: Marc Rees; Colaborador creativo/Dramaturgo: Benedict Anderson; Artistas: Nel Amaro, John Collingswood, Holly Davey, Fiumfoto, Mónica García, Melville Mitchell, Richard Morgan, Montse Penela, Tanja Råman, John Rowley, Avelino Sala, Orson San Pedro, Anthony Shapland, Cai Tomos, Pelayo Varela, Simon Whitehead; Productora creativa: Siân Thomas; Jefe Técnico: Dean Woolford; Ayudante técnico: Richard Robinson; Diseño gráfico: Smorgasbord 16 17
Marc Rees En Residencia FECHAS 28 de febrero, 1, 3, 4, 5, 6, 7 y 8 de marzo, a las 12.00 h PAIS Reino Unido / España DURACIÓN 120 min. LUGAR diferentes espacios Laboral Ciudad de la Cultura
En Residencia es un proyecto especialmente concebido y comisa- riado por Marc Rees en colaboración con su socio creativo y dramaturgo, Benedict Anderson. Consta de una serie de acciones performativas y espaciales creada por una veintena de artistas plás- ticos y del movimiento, procedentes de Gales y Asturias, bajo la dirección artística de Rees.
Esta instalación ‘site-specific’ es el resultado de un laboratorio de trabajo in situ, donde el grupo de artistas ha tomado como punto de
Warren Orchard partida los entornos interiores y exteriores de una zona medio aban- donada de la Laboral. Las intervenciones de cada artista se inspiran en este entorno único y los objetos particulares del lugar: materiales del archivo, artefactos abandonados y la extraordinaria historia del edificio. La parte central del ala meridional del complejo de la Labo- ral permanece sin restaurar y muchas de sus zonas (aulas, escaleras, oficinas, recibidores, descansillos, etc.) están sembradas de objetos tirados y de centenares de muebles en diferentes confi- guraciones, algunos ordenados, otros esparcidos por doquier. Estos espacios han sido asignados a los artistas por Rees y Ander- son con la tarea de re-imaginar y re-animarlos para crear En Residencia.
Muchas de las zonas accesibles al público durante las presentacio- nes han estado, hasta ahora, cerradas y algunas de ellas han permanecido intactas durante años. Para contemplar y experimentar las intervenciones multimedia, el público navegará y descubrirá los espacios guiado por un plano y por señalización orgánica en los sue- los, paredes y otras superficies.
Con esta residencia temporal, el proyecto pretende explorar los pro- cesos en los que el arte, la historia, el cuerpo y el comportamiento espacial se entrecruzan para establecer nuevas formas y territorios. Para Rees y Anderson, no es el espacio lo que define el cuerpo, sino el cuerpo lo que define el espacio, su presencia y su resonancia; este concepto constituye la propia esencia de En Residencia. Marc Rees es uno de los mayores expo- Lugar: Pasillo nentes de la performance y la Artista: Simon Whitehead instalación contemporáneas de Gales. Acompañado por niños y padres Sus obras, innovadoras e interdiscipli- asturianos, Whitehead se inspira en nares, son célebres por sus un manual de educación física de interpretaciones exuberantes, humorísti- 1952 y en juegos tradicionales de la cas y a menudo extremas, de la historia, zona para explorar la exuberancia de la cultura y la experiencia personal. la infancia masculina a través del Benedict Anderson es un creador inter- movimiento. disciplinar nacido en Australia que trabaja en los campos de la arquitectu- Lugar: Paraninfo ra, las artes visuales, el cine y la Artista: John Rowley dramaturgia de la danza. Los dos crea- Rowley se instala en un paraninfo dores han colaborado en numerosos desierto para impartir una improvisada proyectos, centrándose, ante todo, en la conferencia-demostración, empleando investigación del espacio, del lugar y de cintas de sonido encontradas y la identidad, construyendo nuevos extraños artefactos y curiosidades entornos espaciales, instalaciones y procedentes del archivo. obras escénicas. Lugar: Aula y Almacén Lugar: Iglesia Artistas: Montse Penela y Artistas: Benedict Anderson, Tanja Mónica García Råman, John Collingswood. Dos bailarinas trabajan juntas para El enorme volumen de la Iglesia se elaborar una coreografía compartida llena con la recreación vertical de un que explora e intercambia elementos bosque natural creado por Anderson, entre espacios totalmente opuestos. interpretado y animado por la bailari- Inspirándose en la historia del lugar na Råman y el artista sonoro como un antiguo convento, las artis- Collingswood. tas referencian, abstraen y destilan sus intervenciones conjuntas y su Lugar: Pasillo de la cripta vocabulario del movimiento para Artistas: Anthony Shapland crear un lenguaje común. La cripta es el punto de vigilancia cen- tral de todo el complejo de la Laboral. Lugar: Pasillo del archivo Shapland crea una vídeo instalación Artista: Pelayo Varela basada en los recuerdos y la experien- Inventándose su propio archivo fílmi- cia de algunos de los guardias de co, Varela capta la velocidad y el seguridad que han trabajado en la poder mediante una película de for- Laboral durante los últimos treinta mato Súper 8 titulada ‘Quemando años. rueda’.
Lugar: Plaza Lugar: Comunidad Artista: Cai Tomos Artista: Richard Morgan Evocando memorias de exhibiciones Morgan interviene en las antiguas gimnásticas en la plaza de la Laboral dependencias sacerdotales, incor- en 1957, el artista toma frases y accio- porando bicicletas y otros objetos nes del material fílmico original del abandonados en la estancia. Una archivo y construye nuevos movimien- bicicleta estática genera sonido, tos, interpretándolos en solitario en el música y texto al ponerse en mar- espacio enorme y abierto de la plaza. cha. 18 19
Lugar: Archivo Artista: Nel Amaro Instalado en una caótica sala de archivo, el poeta de acción Amaro remueve recuerdos asociados al propio espacio, al complejo de la Laboral y su entrama- do político.
Lugar: Herbario Inspirado en el trabajo del Padre Laínz, quien recogió semillas por todo el mundo y creó el herbario de la Laboral, dos jardineros ancianos se ocupan de plantas germinadas a partir de semillas autóctonas y cultivadas en el Jardín Botánico Atlántico de Gijón.
Lugar: Aula de Arte Artistas: Fiumfoto Fiumfoto ocupan un aula de arte salpicada de maquetas y modelos abandona- dos donde la memoria y la tecnología se funden para crear una instalación de vídeo y sonido que juega con la representación y la nostalgia de antiguos sis- temas y prácticas educativas.
Lugar: Pasillo / porche Artista: Avelino Sala Una figura solitaria juega reflexivamente con una pelota de fútbol en llamas en un espacio estrecho y con poca luz. La intervención se presenta simultánea- mente en dos espacios como presencia en vivo y virtual, como performance y proyección.
Lugar: Aula Artistas: Melville Mitchell En este ala deportiva inventada, este dúo interactúa obsesiva y competitiva- mente dentro de una performance de alto impacto empleando parafernalia deportiva procedente del archivo.
Lugar: Piscina Artista: Holly Davey Ocupando la piscina abandonada y deteriorada, Davey está conectada a un aula de artesanas locales que elaboran encajes y tejidos mientras charlan y cantan. Un sistema de poleas les sirve para transportar materiales desde el aula hasta la piscina.
Lugar: Despacho Artista: Marc Rees Rees crea una instalación audiovisual que examina las escaleras, pasillos y pasadizos laberínticos de la Laboral, incorporando un destartalado sillón de orejas y una serie de zapatos desechados.
Lugar: Despacho del Orientador Artista: Orson San Pedro Orson San Pedro ofrece apoyo y consejo para el futuro a quienes entren en su oficina de orientación vocacional, compartiendo con ellos fragmentos de su experiencia y sus propios recuerdos como antiguo alumno de la Laboral.
20 21
6 . 7 S.P.A.C.E. UK marzo Showcasing Performance in Alternative Creative Environments
PAIS Reino Unido HORARIO por confirmar LUGAR diferentes espacios Laboral Ciudad de la Cultura
El British Council y el Teatro de la Laboral presentan S.P.A.C.E. UK, una muestra que dialoga con el espacio a través de su programación y que se vincula a las par- ticularidades y posibilidades que éste presenta. Son múltiples los espacios que hacen de la Laboral un lugar único para programar proyectos de site specific y para generar trabajos vinculados al edificio y a su memoria histórica.
La idea del Teatro de la Laboral y del British Council es crear lazos y generar redes que faciliten la movilidad y la creación de vínculos entre artistas de diferentes discipli- nas y países. S.P.A.C.E. UK es una muestra de la última generación de artistas británicos contemporáneos que desarrollan su trabajo en el ámbito de la performance. Todos ellos son creadores cuya obra está pensada para ser vista en una variedad de espacios y no sólo en el escenario teatral convencional.
Las propuestas que el público y los programadores podrán ver en el Teatro de la Laboral durante dos inten- sos días comparten diferentes formas de expresión. El live art, action art, intervenciones, manoeuvres, se nos presentarán de la mano de artistas como Kira O’Reilly, Rajni Shah, Peter Reder, Marc Rees…
S.P.A.C.E. UK será además un lugar de discusión para los profesionales que dialogarán sobre los usos de los espacios públicos para las artes escénicas a la vez que servirá como catalizador y punto de encuentro para los
Debbie Kermode creadores locales. Dirección y piano: Michael Nyman; Soprano: Marie Angel; Violín: Gabrielle Lester y Catherine Thompson; Viola: Catherine Musker; Chelo: Anthony Hinnigan; Bajo, Guitarra: Martin Elliott; Saxofón soprano, Saxofón alto: David Roach y Simon Haram; Saxofón barítono, Flauta travesera, Flautín: Andrew Findon; Trompa: David Lee; Trompeta: Steven Sidwell; Trombón bajo, Bombardino: Nigel Barr; Ingeniero de sonido: Ralph Harrison; Ingeniero de monitores: John Greenough 22 23
14 Michael Nyman Band marzo 20.30 h & Marie Angel Mozart 252 & I Sonetti Lussoriosi
PAÍS Reino Unido DURACIÓN 90 min. aprox. con intermedio LUGAR Teatro de la Laboral
Michael Nyman es pianista, musicólogo y compositor minimalista, conocido sobre todo por las obras escritas durante su larga colaboración con el cineasta británico Peter Greenaway. Su popularidad se disparó después de componer la banda sonora de la galardonada pelí- cula de Jane Campion, El piano (1993).
Muchas de las obras de Nyman han sido escritas para su propio conjunto, la Michael Nyman Band, creado en 1976 para una producción de Carlo Goldoni. Compuesto origi- nalmente por instrumentos antiguos como el rebec y la chirimía junto a instrumentos modernos como el saxofón, pasó a usar un cuarteto de cuerda amplificado, tres saxo- fones, trombón bajo, bajo y piano, formación que ha sido modificada para algunos trabajos.
Reconocido por haber sido el primero en aplicar el térmi- no "minimalismo" a la música, en 2005 crea su propio sello discográfico, MN Records, con el que ha editado obras instrumentales, óperas y bandas sonoras originales, así como re-ediciones de sus más célebres bandas sonoras.
En 2008 edita su álbum más reciente, Mozart 252, como resultado del encargo realizado por la BBC con motivo del 250 aniversario de Mozart, y ahora lo presenta en el Teatro de la Laboral.
Michael Nyman siempre se ha caracterizado por ser un artista abierto y colaborativo, con un marcado sentido del humor y una enorme imaginación literaria, lo cual le ha permitido conectar con una gran audiencia en todo el mundo. Concepto: Colis&Jalbas Entertainment; Dirección: Silvia Grijalba y Javier Colis; Producción: Joan Vich y Sebastián Rosselló (Primeros Pasitos); Comunicación: Lorena Jiménez (La Trinchera) y Joan Vich; Coordinación: Bárbara Sanzano; Diseño Web: www.lapielsuave.com 24 25
20 . 21 . 22 PALABRA Y MÚSICA marzo 20.30 h V FESTIVAL INTERNACIONAL DE SPOKEN WORD PAÍS España LUGAR Teatro de la Laboral
Tras cuatro ediciones que han visto momentos estelares como los prota- gonizados por Alessandro Baricco y Leonor Watling, Julian Cope o Blixa Bargeld, entre otros, el Festival Internacional de Spoken Word Palabra y Música se ha consolidado definitivamente como una de las citas esencia- les de este género en Europa. En su quinta edición, la segunda que se celebra en el Teatro de la Laboral de Gijón, da un paso más allá, siguien- do las líneas maestras de su filosofía, en la que grandes pioneros de este género híbrido, artistas esenciales dentro de la experimentación de van- guardia y escritores de culto que pocas veces han visitado nuestro país, se unen en un cóctel que desgrana otra forma de entender la literatura, la música, el videoarte y las artes escénicas.
Este año, el “repaso” por la historia del spoken word llega con la gran dama del género, Diamanda Galás, quien ofrecerá un espectáculo centra- do en la palabra, sin olvidar sus canciones de terror y pasión. La gran apuesta literaria corre a cargo del escritor Irvine Welsh, un autor esencial dentro de la literatura con tintes pop y contraculturales de los últimos tiem- pos. La visita del autor de Trainspotting coincide con la publicación del libro de relatos If you liked school, you’ll like work.Y la querencia por leyendas de la experimentación y la música y literatura de vanguardia llega de la mano del miembro de Einstürzende Neubauten Alexander Hacke y de Danielle de Picciotto, con su espectáculo Ship of Fools, un show basado en la obra del autor del siglo XV Sebastian Brant. Estas tres son las prime- ras confirmaciones de un festival por el que han pasado artistas míticos quienes, en muchos casos visitaban por primera vez nuestro país. Tal es el caso de Jello Biafra, Henry Rollins, John Sinclair o Richard Hell, sin olvidar a Lydia Lunch, John Cooper Clarke, Julian Cope, Lee Ranaldo, David J con Roberto Mendoza, Jarboe, Blixa Bargeld o Nick Hornby con el grupo nor- teamericano Marah. Pero en este encuentro también se ha apostado por producciones propias como la de Barry Gifford con Strand, Baricco con Marlango o John Giorno con Nacho Vegas.
Este año, la presencia asturiana se materializa con la producción "Per- formance lírica-recital trifásico” dirigida por el poeta Carlos Barral Álvarez (poesía y recitado), en colaboración con el músico Sergio Rodríguez (corpus sonoro) y el vídeojockey Rob Loren (visuales). Coreografía: Catherine Diverrès; Colaboración artística/escenografía: Laurent Peduzzi; Bailari- nes: Fabrice Dasse, Julien Fouché, Emilio Urbina, Thierry Micouin, Mónica García, Pilar Andrés Contreras; Músicos: Seijiro Murayama (percusiones), Jean-Luc Guionnet (ordenador), Mattin (ordena- dor y voz); Artistas invitados: Mónica Valenciano (coreógrafa), Chus Domínguez (videasta); Iluminación: Marie-Christine Soma; Vestuario: Cidalia da Costa; Producción: Centre Chorégraphique National de Rennes et de Bretagne; Coproducción: Théâtre National de Bretagne, Teatro de la Laboral de Gijón (España), DeMon - Ambassade de France en Madrid, Ville de Lorient / Grand Théâtre. Con el apoyo de: Cultures France / Ministère des Affaires Etrangères / Ville de Rennes (Francia), INAEM – Ministerio de Cultura (España). Agradecimentos al Institut Français de Madrid. Estreno el 12, 13, 14 y 15 noviembre 2008 Festival Mettre en Scène – Théâtre National de Bretagne salle Vilar. 26 27
27 . 28 La Maison du Sourd marzo 20.30 h (La Casa del Sordo) Catherine Diverrès Una producción del Centre Chorégraphique National de Rennes et de Bretagne en coproducción con el Teatro de la Laboral.
PAÍS Francia-España DURACIÓN 80 min. LUGAR por confirmar AFORO limitado
Esta pieza se articula a partir de intérpretes coreográfi- cos franceses y españoles y de tres músicos: un francés, un japonés y un español con el propósito de conseguir la relación entre la danza y la música, ni escrita ni erudita, sino imprevisible e insolente.
En este sentido, el escenario se convierte en un espa- cio de intercambio de artistas invitados que podrán estar presentes o no en la representación, elegir o no el trabajar con el núcleo de intérpretes, o intervenir a par- David Sauveur tir de otros medios: textos, imágenes…
El título de la pieza hace referencia a Goya, a sus pintu- ras negras realizadas en Madrid hacia el final de su vida, en el momento de quedarse sordo. A partir de esta reflexión, Catherine profundiza en las diferentes simbo- logías relacionadas con la sordera, se pregunta qué desarrollamos cuando perdemos uno de nuestro senti- dos. La Maison, la Casa, considerada como sitio de intimidad, del sueño inconsciente, lugar de interrupción o al menos de límite con el rumor del mundo.
Catherine Diverrès hace su aparición en el mundo de la danza contemporánea a mediados de los años 80. Como otros coreógrafos de su generación, crea su propio len- guaje, inventa un universo. La trayectoria de Catherine está marcada por obras de visiones fulgurantes y por tomas de posición polémicas. Melancolía, sentimiento trá- gico, enfoque del vacío, abstracción, terrenos escarpados. Todo esto y una profunda interioridad marcan su danza y su carrera artística y están presentes en todas sus piezas. Concepción, coreografía y dirección: Cisco Aznar; Composición Musical: Pablo Palacio; Asis- tente de coreografía: Laure Dupont; Iluminación: Antón Vázquez; Escenografía: Luis Lara; Vestuario y máscaras: Luis Lara; Asistentes en vestuario y máscaras: Estefanía Fernández García, José Fernández Lago y Noelia Pose Antelo; Cámara y montaje de video: Andreas Pfifnner; Banda de sonido y ambientes: Andreas Pfifnner y Cisco Aznar; Repetidor: Erick Jiménez; Baila- rines: Noemi Alberganti, Jorge Brea, Katja J. Geiger, Álvaro Esteban, Alba Fernández, Carmela García, Satoko Kojima, Amparo Novás, Ana Beatriz Pérez, Miguel Ángel Ponte, Julio César Quintanilla, Hannah Shakti y Jordi Vilaseca; Coproducido por: Teatro de la Laboral 28 29
3 . 4 Centro Coreográfico Galego abril 20.30 h Dirección y coreografía: Cisco Aznar Giseliña
PAÍS España LUGAR Caja Escénica del Teatro AFORO limitado
Giseliña es una libre adaptación de Giselle, del coreó- grafo catalán residente en Suiza Cisco Aznar, quien con esta obra pretende insuflar algunos de los ideales del
Luis Lara y Andreas Pfifnner romanticismo a la época cargada de racionalismo snob en la que vivimos. En Giseliña se mezclan los ideales románticos como la demanda de libertad de expresión para su sensibilidad, el culto a los estados primitivos, a la inspiración espontánea y las pasiones violentas, con ciertos códigos de la cultura popular gallega.
Cisco Aznar trabaja como bailarín, coreógrafo y profe- sor a nivel internacional. Profesional de reconocido prestigio, en el 2003 fue galardonado con el Premio Jeunes Créateurs pour la Danse de la Fondation Vau- doise y en 2007 obtuvo el contrato de confianza de Lausanne, en el estado de Vaud e Pro Helvetia, para for- mar parte del equipo del Project Danse. Desarrolla también su actividad en el ámbito pedagógico. Fue pro- fesor de danza clásica y contemporánea y director de diversos talleres coreográficos en la Academie Nationa- le d'Art Dramatique et de Cinema de Sofia, en el Conservatorio de Bienne (Suiza), y en diversos espa- cios de Barcelona y Brasil. Concepto y performance: Rachid Ouramdane; Música: Alexandre Meyer; Video Aldo Lee; Diseño de luces: Pierre Leblanc; Escenografía: Sylvain Giraudeau; Producción L’A: Théâtre Bonlieu Scène nationale Annecy, Théâtre de la Ville París, Biennale de danse de Lyon with the support of the Fanal, Scène nationale de Saint-Nazaire, dans le cadre d’une résidence de création; Con el apoyo de: Cultures France, Wonderful district à Hô-chi-minh (Vietnam), La embajada de Francia en Vietnam, L’Espace, Centre culturel à Hanoï et le service de coopération et d’action culturelle à Hô-Chi-Minh, Théâtre 2 Gennevilliers. 30 31
17 . 18 Rachid Ouramdane abril 20.30 h Loin...
PAÍS Francia DURACIÓN 60 min. LUGAR Caja Escénica del Teatro AFORO limitado
El viaje es a menudo una ocasión para revisitarse, el momento para hacer una revisión de nuestra identidad o, más bien, de nuestras identidades: las que heredamos, las que llevamos en la mirada del otro y las que nos proyec- tamos, las que intentamos emancipar. El viaje cuestiona estos estratos identitarios que se reconfiguran en todos nuestros desplazamientos. En estos movimientos es cuando aparece el sentimiento de ser EXTRANJERO.
Durante un viaje reciente a Vietnam y a Camboya descubrí otra manera de ahondar en este sentimiento de ser extranjero. En el curso de una conver- sación sobre la violencia de los conflictos que sacudieron estos países recordé las páginas de la cartilla militar de mi padre, que tuvo que pisar el suelo de esa antigua Indochina. A medida que la conversación avanzaba, veía que por el hecho de mi nacionalidad francesa me asignaban el papel del hijo de un antiguo colono, aunque lo que vinculó a mi padre con aque- EM lla Indochina fue el legado de otra colonización, la suya en Argelia.
Me sorprendió que la conmoción y la devastación provocada por la violen- cia de los conflictos armados nos llevara a reflexionar sobre la imagen de “el extranjero” en muchas partes del mundo. ¿De qué manera la violencia de los conflictos armados nos convierte en extranjeros? ¿Qué sensibilidad nace de esa violencia? Esa es la pregunta que aborda este proyecto itine- rante, siguiendo los pasos de un viaje realizado hace más de 50 años. (Rachid Ouramdane)
Rachid Ouramdane vivió su infancia en un humilde barrio de la localidad de Annecy, donde bailaba en la calle y aprendía de los mayores. A los 15 años empezó a ir a clases de baile contemporáneo y continuó hasta que se incorporó al prestigioso Centre National de Danse Contemporaine en Angers. Desde entonces ha trabajado como bailarín y asesor artístico. En la actualidad está considerado como un artista multimedia. En 2007, Rachid Ouramdane crea L'A. como lugar para la exploración artística en la creación contemporánea. De forma paralela a la creación de proyec- tos, Rachid Ouramdane está involucrado en la educación mediante la impartición de talleres artísticos y de investigación, y como moderador de encuentros artísticos internacionales. Propuesta de Christian Rizzo; Realización: Julie Guibert; Música: Géromé Nox; Iluminación: Caty Olive; Coreografía, escenografía y vestuario: Christian Rizzo; Dirección de escena: Jean-Michel Hugo; Producción: l’association fragile; Co-producción: Festival de Danza de Montpellier - Centro Nacional de Danza de Pantin (creación en residencia); Con el apoyo de Passarelle, Scene Nationale de Saint-Brieuc. L’association fragile recibe el apoyo de DRAC Ile de France, del Ministerio de Cultura y de la Comunicación y de Culturesfrance para todas sus giras. Desde 2007, l’association fragile / Christian Rizzo ha estado en residencia en la Opéra de Lille. 32 33
24 . 25 Christian Rizzo / l’association abril 20.30 h fragile b.c, janvier 1545, fontainebleau
PAÍS Francia DURACIÓN 120 min. LUGAR Caja Escénica del Teatro AFORO limitado
Solo de danza que se materializa en una suntuosa caja blanca que contiene objetos, materiales reciclados de otras obras, y algunos nuevos… una caja que reluce bajo la suma de la iluminación de Caty Olive, el paisaje sonoro de Géromé Nox y la danza de Julie Guibert. Todo ello configura una danza proyectada en el espa- cio, nocturna, que ahonda en la idea de lentitud. Los gestos estilizados de la bailarina, sus lentos pasos, sus curvas conforman la única humanidad visible en la blan- cura de este vacío. Todo esto resuena con la plasticidad de la estructura, el sonido y la iluminación en el juego.
Para b.c, janvier 1545, fontainebleau, Christian Rizzo ha reunido a Caty Olive, creadora de la iluminación de la pieza, y Géromé Nox, creador del sonido del singular proyecto. El coreógrafo vuelca su talento en la creación de un universo adaptado a Julie Guibert, bailarina clási- ca a la que conoció en el Ballet de la Ópera de Lyon.
En 1996 Christian Rizzo fundó l’association fragile y comenzó a presentar eventos, solos y piezas de grupo, además de varios proyectos y trabajos por encargo en el campo de la moda y artes visuales. Desde entonces, más de treinta proyectos han surgido de esta asocia- ción, sin contar sus actividades pedagógicas. Christian Rizzo imparte clases en escuelas de arte en Francia y en el extranjero, así como en los lugares dedicados a la danza contemporánea. Marc Domage
34 35
1 . 2 mayo L.E.V. Festival PAÍS España LUGARES Teatro de la Laboral, LABoral Centro de Arte, Escuela Superior de Arte Dramático de Asturias, Iglesia de la Laboral.
L.E.V., o Laboratorio de Electrónica Visual, es el espacio en el que la músi- ca electrónica y las artes visuales y escénicas se unen como nueva forma de expresión artística con el objetivo de acercar al público una selección de los trabajos más interesantes de creadores locales e internacionales, tanto de jóvenes talentos como de artistas ya consagrados. Peter Greenaway El Festival, diseñado y concebido por el colectivo asturiano Datatrón 0x3F, coproducido por el Teatro de la Laboral y con LABoral Centro de Arte y Creación Industrial como patrocinador principal, vuelve con su tercera edi- ción a Laboral Ciudad de la Cultura.
Continuando con la línea iniciada en la pasada edición, tanto a nivel de programación como de intervención sobre nuevos espacios, L.E.V. 09 repartirá sus actividades entre el Teatro de la Laboral, LABoral Centro de Arte, la Iglesia y la Escuela Superior de Arte Dramático de Asturias.
Las pasadas ediciones contaron con el directo audiovisual de Plaid & Bob Jaroc, Alexander Hacke & Danielle de Picciotto, los directos de Mouse on Mars, Bugge Wesseltoft o Apparat, y las muestras de nuevos talentos como Lego my Ego, .tape. o Fuss! L.E.V. 08 significó la consolidación del proyecto gracias a propuestas como Kindertotenlieder de Gisèle Vienne, KTL y Dennis Cooper, Siren de Ray Lee o los directos de M83, Frank Brets- chneider, The Black Dog, Monolake & Deadbeat y Clark, entre otros.
L.E.V., cuyas siglas rinden homenaje a Lev Thermen (científico ruso padre de los sintetizadores actuales) presenta en esta tercera edición propuestas como Tulse Luper Vj Performance de Peter Greenaway, el showcase de Raster-Noton con directos de Alva Noto, Byetone y el proyecto Signal. Esta edición también contará con el último trabajo del coreógrafo portu- gués Rui Horta junto con el grupo Micro Audio Waves, artistas como la alemana AGF o el holandés Kettel, la performance L OSS LAYERS, creación de Fabrice Planquette con las coreógrafas japonesas Yoko Higashino y Yum, así como el nuevo proyecto de la coreógrafa griega Apostolia Papa- damaki, Electric Girl, con música en directo de Blaine Reininger (miembro
Alva Noto de Tuxedomoon). Concepto, Coreografía: Anouk van Dijk; Interpretación: Nina Wollny, Birgit Gunzl, Philipp Fricke, Angie Mueller; Música: Robert van Heumen; Diseño de luces: Isabel Nielen/Koen van Oosterhout/ Anouk van Dijk; Dramaturgia: Jerry Remkes; Equipo técnico: Koen van Oosterhout, Anton Abbes; Producción: Erin Coppens 36 37
8 . 9 anoukvandijk dc mayo 20.30 h STAU
PAÍS Países Bajos DURACIÓN 65 min. LUGAR Caja Escénica del Teatro AFORO limitado
¿La cabeza sudorosa de un bailarín en su regazo? ¿un cuerpo que hace un aterrizaje forzoso en su rodilla? ¿una mujer que baila a pocos centímetros de su espal- da? Todas estas sensaciones se pueden experimentar
Anouk van Dijk en STAU.
STAU disuelve fronteras tradicionales teatrales para exa- minar la relación entre el espectador y el artista y transformar la experiencia de la danza contemporánea. Gestos íntimos, exactos, se transforman en movimien- tos dinámicos, espectaculares, rápidos y precisos. Mientras STAU desarrolla el cambio de espacios y de movimientos, el espectador y el artista viven una rela- ción cada vez más estrecha. Humor, movimiento… todo ello conduce al espectador de STAU hacia una emoción íntima.
La coreógrafa Anouk van Dijk puso en marcha su pro- pia compañía de danza en 1998 y ha adquirido fama internacional durante los últimos cuatro años, con giras por Europa, América del Norte, Asia, Rusia y Australia. Anouk van Dijk entrena a sus bailarines en su propio estilo de baile: la Countertechnique. Producción: Igor Kecman; Productor Ejecutivo: Film House Bas Celik, Belgrado Serbia; Director de Fotografía: Alexandar Ilic,´ Belgrado Serbia; Cámara: Dragan Rakicevic,´ Belgrado Serbia; Sonido: Goran Stipanic,´ Belgrado Serbia; Luz: Living Films Entertainment, Siamlite, Bangkok Tailandia; Edición: Ramon Coelho - Netherlands Media Art Institute, Montevideo, Ámsterdam Holanda; Fotografía: Director: Attilio Maranzano, Berlín Alemania; Ayudante: Gaia Bartolini, Berlín Alemania; Coordinación de Proyec- to: Outh Litthavong; Arquitectos: Tei Carpenter, Jolie Kerns, Toshiko Mori Studio, Nueva York; Construcción de la casa y del mobiliario: Jean-Pierre Cuomo, Naturaliamoulage, Luang Prabang Laos; Participantes de Luang Prabang: Alanya Keovonglar, Aliya Khamsy, Bounlom, Chanthasone Chaleunsinh, Chonny Seangta, Dalakham Suphanthong, Houmphan Philavan, Khamlah Manisuk, Linda Phommavong, Melita Chanthavong, Ninthana Mungkurdet, Nitta Phommavong, Phatthanavong Sitthiphong, Phetoulay Souphanthong, Phetsuda Vannapha, Philarda Keodala, Phonesanit Vonechit, Piksavanh Parignathong, Saiyavong Tandala, Salinthip Phouangmalay, Sitthikone Keomanithieng, Sonethavy Vilaysak, Suvanny Sisuphan, Tatun Seangra, Vannavong, Visanon Paseurhkun y Vithana Lattana; Con el agradecimiento especial a: France Morin, Directora de Proyectos - The Quiet in the Land, Nueva York EE. UU; Sr. Bounkhong - Departamento de Información y Cultura, Luang Prabang Laos; Lee Nortoua - Chamán, Luang Prabang Laos; Francis Engelmann, Consultor - The Quiet in the Land - Luang Prabang Laos; beaumontpublic gallery / Luxemburgo y París; Chanpheng Singpheth, Director - Centro Cultural Infantil, Luang Prabang Laos; Sr. Sengkeo Pasertkoun, Coordinador de Programas y Educador - Centro Cultural Infantil, Luang Prabang, Laos; Sra. Noukham Sisuphanh, Coordinadora de Programas y Educadora - Centro Cultural Infantil, Luang Prabang, Laos; Restaurante L'Elephant, Luang Prabang Laos; Le Café Ban Var Sene, Luang Prabang Laos; Restaurante 3 Nagas, Luang Prabang Laos Producido en colaboración con "The Quiet in the Land" Con el alto patrocinio del Departamento de Información y Cultura, Luang Prabang Laos, UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura). Con la colaboración de Galerie Guy Bärtschi, Ginebra; Teatro de la Laboral, Ciudad de la Cultura, Gijón España. 38 39
Del 29 mayo Marina Abramovic´ al 30 junio 8 Lessons on Emptiness with a Happy End PAÍS Serbia / Países Bajos LUGAR Iglesia de la Laboral HORARIOS VISITA VÍDEO-INSTALACIÓN de 11:00 a 14:00 y de 16:30 a 19:30 Inauguración el 29 de mayo: presentación del making off en el Teatro de la Laboral
La obra más reciente de Marina Abramovic,´ 8 Lessons on Emptiness with a Happy End (Ocho lecciones sobre el vacío con final feliz), trans- mite una profunda preocupación por los excesos de las representaciones contemporáneas de la violencia. Abramovic´ nos llena de impactantes imágenes de personas sufriendo a través de una com-
´ pleja video-instalación que debe entenderse como contrapunto a las incontables atrocidades que vemos representadas constantemente. Es la recreación de una guerra representada por niños.
La obra surge de la experiencia de Marina Abramovic´ en Laos, al obser-
Marina Abramovic, “The Family I”, 2008 var que todos los niños tenían armas de juguete. A partir de ahí crea una compleja obra de vídeo multicanal. Abramovic´ inyecta calma en el paisaje a través de “tomas estáticas” de una cascada, una isla y un Árbol del espíritu; y después, introduce un conflicto estilizado: las nego- ciaciones, la batalla, el transporte de los cautivos, el de los heridos, la ejecución, etc.
Junto con la instalación, Abramovic´ realiza una serie de fotografías que tituló Family, en las que posa con niños del lugar armados con sus jugue- tes de plástico. Trece fotografías de gran formato que reflejan, en todos los casos, diferentes fases de la guerra de una manera esencialmente distin- ta a la utilizada por la fotografía documental al uso.
Marina Abramovic´ es una artista que defiende que, en la creación, hay que enfrentarse a las propias limitaciones y ella lleva su arte hasta los mismos límites de resistencia de su propio ser. Piano: Philip Glass; Chelo: Wendy Sutter; Percusión: Mick Rossi 40 41
30 Philip Glass mayo 20.30 h Una velada de Música de Cámara
PAÍS Estados Unidos DURACIÓN 80 min. aprox. LUGAR Teatro de la Laboral
Compositor estadounidense de música minimalista, Philip Glass estudió Filosofía en la Universidad de Chi- cago pero su interés pronto se orientó hacia el estudio obsesivo de la música y la exploración de caminos menos convencionales, colaborando con músicos orientales como Ravi Shankar.
Revolucionario de la música de su tiempo, es un hito en el panorama musical de los 70. Pionero en distintos ámbitos, desde la gran ópera, la ópera de cámara o las sinfonías, a las bandas sonoras de películas como Kundun, de Martin Scorsese, El show de Truman y El Ilusionista, Philip Glass ha sido galardonado en nume- rosas ocasiones y es Doctor Honoris Causa por tres universidades.
En este concierto le acompañan Wendy Sutter (chelo) y Mick Rossi (percusión). Wendy Sutter se ha labrado una excelente reputación internacional por su dominio del repertorio clásico y contemporáneo. Tanto como solista como intérprete de cámara ha actuado en las mejores salas de conciertos de todo el mundo. Mick Rossi es pianista, compositor y percusionista; conocido por sus colaboraciones en el circuito musical de downtown de Nueva York y descrito como uno de los músicos con más talento y carisma de Nueva York. Meier Raymond Creación: Rodrigo García; Produce: Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC); Con la colaboración de: Gobierno del Principado de Asturias y el Teatro de la Laboral; Estreno en Cádiz organizado por Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), Consorcio para la Conmemoración del II Centenario de la Constitución de 1812; Participa: Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz; Una propuesta de: Rodrigo García; Intérpretes: Patricia Álvarez, David Carpio, Amelia Díaz, Rubén Escamilla, Juan Loriente, Nuria Lloansi, Isabel Ojeda, David Pino, Daniel Romero, Víctor Vallejo; Iluminación: Carlos Marquerie; Animación: Cristina Busto; Vídeos: Ramón Diago; Música: .tape., Chiquita y Chatarra, David Pino, David Carpio; Director técnico: Roberto Cafaggini; Sonido: Marc Romagosa; Producción: Mónica Cofiño, Mariate García; Fotografías: Javier Marquerie; Vestuario: Belén Montoliu 20.30 h 2.13 . 12 junio
© Christian Berthelot Versus Rodrigo García inteligentes. vocado alapreciar susespectáculoscorrosivos e agitan alanueva generación.Estaúltimanoseha equi- hacer circularconpasiónlasideas ylasemocionesque fuerza deGarcíaestáenserun hombre deapiey jan losnuevosritualesdelocotidiano. Pero lagran sorprendente dondeloscuerpos enmovimientodibu- pañía LaCarniceríaTeatro, elaboraunlenguajeteatral de laculturapopularhoyendía. Juntoconsucom- conjuga ensusespectáculoselementos delpasadoy ta, performerydirectordeescena. Creadoratípico, textos queestallancomobombas”;estambiénvideas- íntima ypública.RodrigoGarcíanosóloes“elautorde espectador, eneltranscurso deunaexperienciaalavez nes delritoteatralactivandotodoslossentidos Moralista paradójico,RodrigoGarcíavuelvealosoríge- jocosa. esta piezaaunasociedadqueagoniza,entreteniday ser laúnicacontribucióndelarte,yesloqueofrecenen Celebrar lavidayreconocersuszonasoscuraspuede deñable– celebracióndelavida. guerra esasuvezunaingenua–peronoporesodes- miento conignorancia.Estaanti-conmemoracióndela DUDA comolaesenciadelser, hastaconfundirconoci- mientos yrepudiarlamuerte.YdecaminoadmitirLA nacimientos yexaltarlamuerte.Yparanaci- Un equipodeartistasenescenaseunenpararepudiar AFORO PAÍS España limitado DURACIÓN 120 min. LUGAR Caja EscénicadelTeatro 42 43 J. Mulot 44 45
Del 17 al 21 junio Mugatxoan 2009
PAÍS España LUGARES Teatro de la Laboral, LABoral Centro de Arte, C.I.F.P. de los Sectores Industrial y Servicios de la Laboral, Paraninfo
Mugatxoan es un proyecto artístico generado por Entrecuerpos-Mugatxoan Asociación Cultural activo desde 1998. Mugatxoan, en euskera quiere decir “en la fronterita”. Su sentido confirma la voluntad de situar nuestro proyecto en un territorio conceptual sin vocación de constituirse en un espacio cerrado.
Mugatxoan se construye a partir de la idea de espacio intermedio como lugar de circulación de códigos, redefinido por los continuos movimientos y desplazamientos a los que está sometido. Por esta razón, alcanza su plena significación cuando recorre las tres ciudades en las que se realiza. Desde el inicio, Arteleku (Donostia-San Sebastián), ha apoyado esta inicia- tiva y ha sido productor y lugar en el que se desarrolla Mugatxoan. La necesidad de crear relaciones en lugares singulares de experimentación motiva la colaboración en 2001 con la Fundaçao de Serralves (Oporto) y en 2008 se incorpora el Teatro de la Laboral de Gijón.
La edición Mugatxoan 09 plantea un programa de tres semanas, una en cada ciudad, con varios ejemplos representativos de las artes contempo- ráneas (performance, artes visuales, danza, teatro) dejando lugar para la investigación, la reflexión y la producción de nuevas piezas.
En el Teatro de la Laboral se presentarán, por vez primera con una tempo- ralidad común, doce de las piezas de artistas que se han producido entre 2001 y 2006. Estas jóvenes artistas fueron seleccionadas a través de las distintas convocatorias internacionales realizadas en las últimas ediciones, participando en los talleres y desarrollando sus proyectos individuales. Proyectos, que han contado con el seguimiento de Mugatxoan, para seguir adelante con su proceso y presentación.
Sepropone un recorrido a través de estos trabajos, con la idea de re-visitar la memoria cercana para situar el presente y pensar el futuro que comien- za en Gijón. El programa de actividades se completa con conferencias y encuentros. Dora Dream de Sandra Cuesta Dora transforma su imagen en relación a unos objetos que utiliza para sos- tenerse. Considerando que alguien la observa, su comportamiento está detalladamente compuesto. Explora el espacio donde todo ocurre y pre- senta su comportamiento al público. Todo está pensado para evitar la pérdida.
El Eclipse de A. de Amaia Urra La espera es el motor del Eclipse de A., eso y el deseo de dialogar con un film. Un suceso con un final y un principio. No se trata de perder el tiempo sino de perderse en el tiempo, en el tiempo de una película donde los des- encuentros se vuelven encuentros y los aterrizajes, despegues. Centra su interés en cómo se articula y se transforma el tiempo dentro de un suceso fílmico, y como éste puede confrontarse o relacionarse con lo cotidiano y con un suceso inscrito en un espacio y un tiempo teatrales.
A space odyssey 2002 de Cuqui Jerez Espacios construidos en espacios reales donde las leyes espaciales y los marcos de referencia están invertidos, manipulados o distorsionados a través de la propia naturaleza del espacio. El reconocimiento a través de la memo- ria. La distorsión del orden de la realidad a través de la propia realidad. El momento justo antes del reconocimiento, donde la realidad no está todavía en el sitio adecuado.
Plastificción de Larraitz Torres Ella: En un trabajo anterior, utilicé varias series de autorretratos para hacer un trabajo escénico. Fue un trabajo muy solitario, yo era más joven (...) (suena una música nostálgica y la imagen se desvanece como en un sueño) Ella joven: ...de algo aparentemente funcional puede surgir una ficción. Y ¡vaya! creo que estas partes no sirven para avanzar y tampoco para reite- rar, son puntos de vista diferentes sobre un mismo tema... Ella, un poco después: ¡Mira! en este libro lo pone... el estilo indirecto... un discurso que permite moverse libremente entre la voz del autor y la del per- sonaje.
El caso del espectador de María Jerez Un sillón (de espaldas al espectador), unos libros, una televisión y una cámara. Una mujer crea una película en directo de la cual ella misma es espectadora. El espectador observa a una espectadora observada. A través del uso de la cámara aparecen dos realidades que transcurren paralelamente, que no establecen algo absoluto. Desdoblando así la realidad en una situación escénica y una situación cinematográfica, pro- poniendo múltiples espacios que conviven en uno, tiempos que transcurren en contradicción, estructuras que se desarrollan hacia el infi- nito, dobles imágenes, juegos de realidad y ficción. Es la simultaneidad de ambas situaciones lo que crea el suceso... Los cuerpos cuando caen hacen ruido sonoridades íntimas, de líneas y de perspec- de Alejandra Pombo tivas. Sigo los rastros frágiles de mi experiencia a tra- Dos cuerpos en un mismo espacio escénico. vés de animales inaccesibles y gestos Un cuerpo ligado a las instalaciones sonoras, excesivamente simbólicos y deseados que me el otro ligado a las instalaciones plásticas y permiten escapar de las verdades e identidades coreográficas. fijas, a la frontera del continuo movimiento, vaci- Activamos un espacio lo más familiar posible lación de una certeza que corre y que nunca se que permita desarrollar una especie de “nave- deja atrapar ni revelar en un fin concreto, deján- gación a vista” entre construcción en directo, dose sólo visionar bajo el presentimiento y la atención a la imagen del pasado/montaje y dul- intuición de una existencia en la mejor forma zura de lo cotidiano. que en cada ocasión se me aparece. Proyecto (algún día llevará un subtítulo) 200 gr. de António Júlio de Amaya González Reyes 200 gr. no es una forma de decir yo. Es una No sé si puedo llamarlo de otro modo que no forma de exhibición pero no asumida. sea proyecto, y proyecto quizá no sea lo más 200 gr., es una forma de decir uno. Si en un adecuado tampoco, quizá método estaría embalaje sólo existiera la designación de peso, mejor, y podría hablar de qué método sigo, por- nada podríamos saber acerca de la naturaleza que un proyecto parte de una idea proyectada, de su contenido, esperaríamos para su revela- pero yo trabajo con varias a la vez, o trabajo ción, ansiaríamos abrir el embalaje y conocer el siguiendo un método pero no una idea, más producto. Y podría suceder que el producto del bien, de método voy a la idea, no sé si eso es interior fuera otro embalaje con otra designa- un proyecto, no sé si esto es un proyecto. ción de peso que nos instigase a continuar. 200 gr., representa una verdad escondida, Escala de Marta Bernardes muchas veces revelada, muchas veces distor- Cuestiones de escala: No quería abrir la boca sionada. Es un lugar de la existencia. para decir el vacío. Lo que quería era un día claro y poder mostrar lo que se esconde entre Finalmente, ¿con o sin título? (título provi- el deseo y el decir. sional) de Loreto Martínez-Troncoso. Si el lenguaje es cultura , ¿cómo puedo traba- Nota de partida: “Llevo entonces casi 6 años jar con ella y ser contra-cultura? ¿Puedo decir hablando. Y casi 2 diciendo: … 1 año, 4 meses el silencio hablando de él? Si cada código y 19 días diciendo que… 7 meses y 21 días implica una pérdida, una distancia, ¿cómo diciendo: … 5 meses y 4 días… 2 meses y 7…” puedo expresar eso que se pierde? ¿Existe Así terminaba yo Por el momento sin título, hace alguna cosa fuera de código? hoy exactamente 2 años, 4 meses y 11 días. Montrouge, martes 18 noviembre 2008. desde . La Laboral de Edurne Rubio “desde” es un proyecto artístico con las carac- Précipité de Bénedicte Zanon terísticas de un site-specific y con la posibilidad Miradas de reojo desde la esquina de la imagen de desplazarse a diferentes espacios. El forma- “Paso la mano, a través y a media altura. El to final puede cambiar en función del lugar, pero cuerpo gira lentamente alrededor de esa el concepto y el proceso de trabajo se articulan mano manteniéndose muy concentrado. La de la misma manera. Mugatxoan 2004 produjo trayectoria se desvía ligeramente hacia la y presentó “desde . Arteleku”, en San Sebastián izquierda.” y “desde . Serralves”, en Oporto. Hoy, el Teatro Nuestro trabajo se construye a partir de ins- de la Laboral me invita a realizar “desde . La talaciones, de estados del cuerpo, de Laboral”, en Gijón.
48 49
22, 23 y 25 Edurne Rubio junio desde . La Laboral PAÍS España / Bélgica HORARIO por confirmar
“desde” es un proyecto artístico con las características de un site-specific y con la posibilidad de desplazarse a lugares cuyo uso original se transformó para convertirse en centros de arte.
El formato final puede cambiar en función del lugar, pero el con- cepto y el proceso de trabajo se articulan de la misma manera. Mugatxoan 2004 produjo y presentó “desde . Arteleku”, en San Sebastián y “desde . Serralves”, en Oporto. Hoy, el Tea- tro de la Laboral me invita a realizar “desde . La Laboral”, en Gijón.
La Laboral, con un pasado más reciente de lo que aparenta, posee una fuerte carga emocional quizás debido, más que a sus orígenes políticos, al hecho de que sus habitantes fueron, y son, principalmente, niños y adolescentes; La Laboral, este enorme lugar del que todo el mundo tiene opiniones tan rotun- das, vive, una vez más, época de cambios.
Tras un año de entrevistas realizadas a un amplio abanico de personas que han formado y forman parte del edificio, “desde . La Laboral” se presenta como una audio-guía, como un recorrido espacial y temporal guiado a través de las voces de estudiantes, profesores, artistas, políticos, guardia- nes, vecinos… Un documental en el que la imagen filmada no es necesaria porque el espectador tiene la oportunidad de vivir en presente los espacios descritos por los testimonios sonoros. El discurso se desarrolla a partir del ámbito del recuerdo o de la interpretación, y a la mirada del entrevistado se añade la del espectador, creándose así una superposición imaginaria de espacios mentales.
Desde significa tiempo y espacio: “desde entonces… hasta ahora…” o “desde aquí… hasta allí…”
Gracias a todas y a todos los entrevistados y especialmente a Luis Fernández por su inestimable ayuda. Dirección: Gisèle Vienne; Dramaturgia: Dennis Cooper; Música: Peter Rehberg (música original) y El Mundo Frío de Corrupted; Iluminación: Patrick Riou; Performance creada en colaboración con: Jonathan Capdevielle; Grabación de voces: in cast; Estilismo: Stephen O’Malley y Jean-Luc Verna; Marionetas: Gisèle Vienne y Dorothéa Vienne Pollak; Maquillaje: Jean-Luc Verna y Rebecca Flores; Vestuario: Dorothéa Vienne Polak, Marino Marchand y Babeth Martin; Profesor de ventriloquia: Michel Dejeneffe; Traducción del texto del americano al español: Javier Calvo; Gracias a: l'Atelier de création radiophonique of France Culture, Philippe Langlois y Franck Smith. A Sophie Bissantz por los efectos sonoros. Las voces y los efectos sonoros han sido grabados por Atelier de création radiophonique; Gracias a: Justin Bartlett, Nayland Blake, Alcinda Carreira-Marin, Florimon, Ludovic Poulet, Anne S - villa Arson, Thomas Scimeca, Yury Smirnov, Scott Treleaven, la galerie Air de Paris, Tim/IRIS y Jean-Paul Vienne; Equipo técnico de Quartz – Scène nationale de Brest; Dirección técnica: Nicolas Minssen; Administración y reservas: Bureau Cassiopée; Producción asociada: DACM; Con la colaboración de Quartz - Scène nationale de Brest; Coproducción: Le Quartz - Scène nationale de Brest, Centre Chorégraphique National de Franche-Comté à Belfort dans le cadre de l’accueil-studio y el Centro Párraga - Murcia; Con la ayuda de: Ménagerie de Verre en el marco de studiolab. La compañía DACM tiene el respaldo de the Drac Rhône-Alpes / Ministère de la culture et de la communication, Région Rhône-Alpes, Conseil général de l’Isère, Ville de Grenoble, y Culturesfrances para giras internacionales. Gisèle Vienne es artista asociada de Le Quartz - Scène nationale de Brest. 50 51
26 . 27 Gisèle Vienne junio 20.30 h Jerk Basado en la novela de Dennis Cooper
PAÍS Francia DURACIÓN 55 min. aprox. LUGAR Caja Escénica del Teatro AFORO limitado
Un hombre, una silla, y cinco títeres. La experiencia íntima de un asesinato, basada en un hecho real.
Jerk es una reconstrucción imaginaria - extraña, poética, divertida y triste - de los crímenes perpetrados por el asesino en serie americano Dean Corll quien, con la ayuda de los ado- lescentes David Brooks y Wayne Henley, mató a más de veinte niños en el estado de Texas a mediados de los años 70.
Mientras David Brooks cumple su condena de cadena perpe- tua en la cárcel, aprende el arte de los títeres, y escribe un espectáculo que reconstruye los asesinatos cometidos por Dean Corll. En la propia cárcel, y ante una clase de estudian- tes de psicología, estrena su pieza. Aunque el protagonista principal es David, uno de los adolescentes que terminó en la cárcel, la pieza presenta a todos los personajes en una fracción de segundo, sobre todo a las jóvenes víctimas.
El trabajo de Gisèle Vienne se centra en la relación entre cuerpos naturales y artificiales. Coreógrafa, directora, artista visual y de performance, realiza la coreografía y la puesta en escena de piezas como Splendid’s de Jean Genet (2000), Showroomdummies (2001), Stéréotypie (2003), y Tranen Veinzen (2004) con Etienne Bideau-Rey.
Desde 2004, dirige y realiza la coreografía de I Apologize y de Une belle enfant blonde / A young, beautiful blonde girl (primera producción en 2005), y de Kindertotenlieder (2007). Para el 2009, está ya trabajando en una nueva creación lla- mada Eternelle Idole (estreno en febrero de 2009) con un patinador sobre hielo y un artista de performance. También está trabajando con Etienne Bideau-Rey en la pieza
Alain Monot Showroomdummies (estreno en febrero de 2009). Director artístico: Ryutaro Kaneko; Director técnico: Mattias Ternoot; Jefe de escenario: Masafumi Kazama; Diseño de luces: Katsuhiro Kumada; Asistente de escenario: Tatsuya Dobashi; Manager grupo: Takashi Akamine; Asistente manager: Juan Akimoto, Gen Matsui; Entre- nador psíquico: Mitsunaga Matsuura; Músicos: Kenzo Abe, Kazunari Abe, Takeshi Arai, Yoshikazu Fujimoto, Yuichiro Funabashi, Tsubasa Hori, Kazuki Imagai, Mitsuru Ishizuka, Tomohiro Mitome, Yosuke Oda, Natsuki Saito, Masayuki Sakamoto, Yoshie Sunahata, Shogo Yoshii. Diorama Arts Centre/UK y KODÔ son asociaciones culturales. 52 53
4 KODÔ julio 20.30 h ekkyo: trans-border
PAÍS Japón DURACIÓN 120 min. con intermedio de 15 min. LUGAR Teatro de la Laboral
Explorando las ilimitadas posibilidades del tambor tradi- cional japonés, el taiko, Kodô presenta una forma de arte viva y brillante. En japonés, la palabra Kodô conlle- va dos significados, por una parte quiere decir “latido del corazón” –la fuente primaria de todo ritmo– y por otro lado quiere decir “niños del tambor”, un reflejo del deseo de tocar sus tambores de manera sencilla, con el corazón de un niño.
Kodô procura a la vez preservar y reinventar las repre- sentaciones de arte tradicional japonés utilizando el tambor como un arte marcial, un arte de circo lleno de profundo espiritualismo.
Los miembros de Kodô viven, entrenan, y trabajan jun- tos como un colectivo en la isla japonesa de Sado; y con un total de 3.000 actuaciones en 44 países intentan siempre recordar al público su pertenencia a otro colec- tivo mucho más grande: el mundo.
En 2001, Kodô fueron los primeros japoneses en hacer una aparición en el concierto del premio Nobel de la Paz, televisado en todo el mundo. En 2002, Kodô con- tribuyó en el himno oficial del mundial de fútbol en Corea/Japón. Julio Calvo Talleres Impartido por: Catherine Diverrès; Músicos: Seijiro Murayama (percusión), Jean–Luc Guionnet (saxo); Bailarín: Emilio Urbina. 56 57
23 . 24 . 25 . 26 Taller de Danza e Improvisación con Músicos marzo 11.30 a 17.00 h Principios de Unidad y Acumulación Impartido por Catherine Diverrès
PAÍS Francia / España PRECIO 40 € (20 € para alumnos y personal de la ESAD-Gijón y Universidad de Oviedo con acreditación) LUGAR Sala de Ensayos 1 – Teatro de la Laboral Ciudad de la Cultura PLAZAS 12 participantes mayores de 18 años. Bailarines profesiona- les o al menos establecidos en una trayectoria coreográfica.
Los seis principios del libro de mutaciones chino “Yi King”: Unidad, Transformación, Tierra, Cielo, Acumula- ción y Oposición; y las asociaciones semánticas propias a nuestra cultura europea serán la base para la improvisa-
David Sauveur ción de los alumnos con dos músicos de saxo y percusión.
En este taller se trabajará el principio de Unidad y el de Acumulación. El principio de Unidad comprende la relación con el Espa- cio, fundado en la Escucha, el “actuar juntos”, la identidad, las unidades de medida, el coro… El principio de Acumulación es más técnico, se trabajará la memorización, la energía, la invención, la resistencia física, siempre teniendo en cuenta a los demás, la escu- cha, la alerta.
El taller será impartido por Catherine Diverrès, coreógra- fa que hace su aparición en la danza cotemporánea a mediados de los 80, desmarcándose y dándole la espal- da a las concepciones de la danza postmoderna estadounidense que domina la escena. Como otros coreógrafos de su generación, crea su propio lenguaje, inventa un universo.
El taller va dirigido a bailarines profesionales o al menos establecidos en una trayectoria coreográfica, mayores de 18 años. Catherine Diverrès y varios profesionales que colaboran habitualmente con ella, realizarán la selección de los 12 bailarines que finalmente participarán en el taller. Julio Calvo Información práctica
Los usuarios podrán comprar sus entradas:
· En la web de CajAstur: www.cajastur.es
· En el teléfono de CajAstur: 902 106 601
Posteriormente las entradas adquiridas se podrán retirar en los cajeros de la entidad bancaria
· En Laboral Ciudad de la Cultura:
Centro de Recepción – Tienda Horarios: lunes a viernes de 8:00 h. a 20:00 h. y sábados y domingos de 10:00 h. a 19:30 h.
Taquilla del Teatro de la Laboral: el día del espectáculo dos horas antes del inicio de la fun- ción. Las entradas se podrán retirar hasta 15 minutos antes del espectáculo
· Kiosco situado en el Campo Valdés (frente a la Iglesia de S. Pedro en el Paseo del Muro de S. Lorenzo)
Precios: Precios desde 5 euros hasta 20 euros dependiendo del espectáculo. Habrá abonos para ciclos específicos Consultar precios en la web del teatro www.teatrodelalaboral.com
Para más información: · 902 306 600 · www.teatrodelalaboral.com
Teatro de la Laboral C/ Luis Moya 261 33203 Gijón Asturias
Otra información: - No se admiten devoluciones ni cambio de entradas - Una vez iniciado el espectáculo no se permitirá el acceso a la sala - No se permite la grabación de vídeos ni la realización de fotografías - Hay habilitados lugares para personas de movilidad reducida - La organización se reserva el derecho de modificar la programación siempre que sea por causas ajenas LABORAL CIUDAD DE LA CULTURA C/ Luis Moya Blanco 261 33203 Gijón. Asturias
Teléfono información Laboral Ciudad de la Cultura: 902 306 600
AUTOBUSES URBANOS HASTA LA LABORAL: • Línea 1: Cerillero-Hospital de Cabueñes • Línea 18: Nuevo Gijón-Hospital de Cabueñes • Línea 2: Roces-Hospital de Cabueñes
TELÉFONO TAXIS: 985 141 111 985 164 444