Por Danza Ballet

Home , Danilo Perez, Kevin Jackson (dancer), Olga Preobrajenska, Pierina Legnani, Sergei Legat, Winter Dreams (ballet)

8,50€ España · 13€ Francia

04·Revista de colección·JUNIO DE 2012 Vestido de Carla Fracci en el papel de Giselle (Acto I, Giselle. Opera de Roma) Ballet Giselle Diseño de vestuario James Bailey Confeccionado en los talleres del Royal Opera House en 1960 Foto © CNCS

Indumentaria de Rudolf Noureev en el papel de el príncipe Albrecht (Acto II, Giselle) Ballet Giselle Producción Royal Ballet, Londres. 1962 Diseño de vestuario James Bailey Confeccionado por atelier de Martín Kamer en París Colección Fondation Rudolf Noureev (RN) Foto © CNCS / Pascal François CNCS/Colección Ópera Nacional de París Danza Ballet Revista de Colección

STAFF EDITORIAL Director: Rubén Worcel [email protected] Editora: Carolina de Pedro Pascual [email protected] Secretaria de dirección: Luisa Abellan Barbe [email protected] SUMARIO Nº 4 Danza Ballet Revista de Colección COLABORADORES

Isis Wirth (París) 06 Carta de la editora Primer Aniversario por Carolina de Pedro Pascual Iratxe de Arantzibia (Donostia-San Sebastián) Ángela Castaño (Miami) 08 Trajes de portada por Cruz Santamera Cerceda Pedro Calleja (Barcelona) Cruz Santamera Cerceda (Madrid) Hemos de agradecer la ayuda que nos han prestado desde el 10 Orquesta y Coro Nacionales de España (OCNE) por Rubén Worcel María La Placa (Barcelona) principio y con total dedicación: Noemi Manalang (Jakarta) Judit Jordana Pons 18 Christian Lacroix, La Source y el Ballet de la Ópera de París por Danza Ballet Ramón Civit Mas (Barcelona) Vincent Lepresle 22 El día en que Louis XIV dejó de bailar por Isis Wirth Amaia García Martínez (San Sebastian) Pilar Moliné Judit Jordana Pons (Barcelona) Maribel Prades Olarte 28 La Bayadère de Rudolf Nureyev por Carolina de Pedro Pascual Enrique Blanco (Salamanca) Myra Armstrong (American Ballet Theatre) Pilar Moliné (Barcelona) Nicole Lovelock (The Australian Ballet) 34 Marc Jacobs por Pilar Moliné Silvia Sánchez Ureña (Madrid) Rosie Neave (Royal Opera House) Valentine Locatelli (Les Arts Décoratifs) 42 Sexo, mentiras y pas de deux. El psicoballet expresionista de Kenneth MacMillan por Pedro Calleja Director de publicidad Natasha Razina (Mariinsky Theatre) 52 El piano: del escepticismo a la popularidad por Ramón Civit Mas José María Seguido - 629 23 60 19 Anne-Laure Bucelle (Centre National du Costume de [email protected] Scène de Moulins) 56 Tres brujos, tres ballets por María La Placa Fotografía Nancy Chilton (The Metropolitan Museum of Art of New York) Material cedido o adquirido especialmente para la publicación 62 Leslie Caron “No soy una bailarina, me deiendo” por Carolina de Pedro Pascual Diseño y maquetación También nos dieron muestra de una gran amabilidad y nos 66 Zelda Fitzgerald y el baile como salvación por Amaia García Martínez Macgraic.com ofrecieron generosa cooperación: Arte Centre National du Costume de Moulin (Moulins) 70 The Australian Ballet. Historia de una compañía por The Australian Ballet Paco Castilla Sáez www.macgraic.com OCNE. Orquesta y Coro Nacionales de España (Madrid) Imprenta Les Arts Décoratifs (Paris) 74 Recuerdos de la Kschessinskaya por Silvia Sánchez Ureña GRAFICAS ARCO S.A. Cardedeu - Barcelona Grand Théâtre de Genève (Genova, Suiza) American Ballet Theatre (Nueva York) 78 Dibujando bailarinas por Noemi Manalang Distribución en tiendas de música, danza, The Australian Ballet (Australia) librerias especializadas e instituciones: Danza Ballet por Iratxe de Arantzibia Heymann, Renoult Associées (París) 80 Zapato, del calzado al oscuro objeto del deseo Suscripción: [email protected] The Royal Ballet (Londres) 84 Pierre Boulez por Enrique Blanco Depósito Legal: B-39552-2011 Victoria and Albert Museum (Londres) ISSN: 2014-525X The Australian Ballet (Australia) 86 Alicia Markova, la pequeña Pavlova por Judit Jordana Pons The Costume Institute of The Metropolitan Museum of Danza Ballet Revista de Colección Art (Nueva York ) 90 Ellos han dicho por Danza Ballet Cardedeu - Barcelona - España Nº4 - Junio 2012 Louis Vuitton - Marc Jacobs es material cedido 92 Uliana Lopatkina es Anna Karénina por Danza Ballet Revista fundada en 2011. muy gentilmente por Les Arts Décoratifs (París). www.danzaballet.com Los trajes de portada y contraportada son gentileza exclusiva del Centre National du Costume de Scène de Moulins. CNCS/Colección Ópera Nacional de Paris. Prohibida su reproducción, edición o transmisión total o parcial por cualquier medio y en cualquier soporte sin la autorización escrita de su editora, aún citando la fuente. El contenido de Danza Ballet Revista de Colección esta bajo Copyright. Las ilustraciones de la artista Noemi Manalang es material Danza Ballet Revista de Colección respeta la opinión de sus colaboradores y los textos son exclusivo para Danza Ballet Revista de Colección y la responsabilidad de quienes los irman. traducción es gentileza de Ángela Castaño. 7 DANZABALLET 02 - personalidades más destacadas del siglo xx, nos invita a so destacadas del siglo xx, nos invita a personalidades más brecogernos ante la belleza cautivadora del arte, de la danza belleza cautivadora del arte, de la danza brecogernos ante la del espíritu. de la expresión y perfección a través del cuerpo, de nuestro agradecimiento a cada uno Querríamos expresar han han creído en nuestro proyecto y los anunciantes que el la moda, la música, a dedicada revista una por apostado danza. Gracias a todos por compartir arte del ballet y la nuestra pasión. podamos que espero y verano el para mejor lo deseo Os seguir juntos otro más. Sinceramente, Pascual Carolina Pedro de de Orfeo y Eurídice El apoyo incondicional de nuestros amigos de siempre, sumado de nuestros amigos de siempre, El apoyo incondicional los que de nuestros jóvenes talentosos son al ímpetu y la ilusión editorial han hecho posible que nuestra línea número a número público. de especial interés para nuestro sea innovadora y resulte desde un principio, con los brazos abiertos, Este nos ha recibido, y alumnos ha hecho y junto a nuestros amigos, colaboradores este primer aniversario. posible que hayamos conseguido alcanzar de Para todos ellos es la belleza de la danza Pina Bausch, representada por el Ballet de la Ópera de París en París de la Ópera de Ballet por el representada Bausch, Pina de Bausch, una de las la fotografía que me acompaña. La danza opinión, historia, análisis y material sin fecha de caducidad, en y material sin fecha de caducidad, opinión, historia, análisis un alto compromiso que se representa cuya elaboración existe de investigación histórica que convierte en el exhaustivo trabajo digno de atesorar. cada ejemplar en algo - - Danza Ballet .

geniosas con sólidos y profundos conocimientos y que a la vez y profundos conocimientos y que geniosas con sólidos la sentimiento y admiración por el ballet, compartan nuestro de mismo tiempo, acompañamos el trabajo música y el arte. Al con fotografías atractivas, nuestros invitados y colaboradores que nos brindan una infor inéditas y actuales; imágenes valiosas mación preciosa. a personalidades del Nuestra revista cuenta con entrevistas el arte; contiene notas de mundo de la danza, la moda, la música, Revista de Colección que tratar de hacer una revista elegante Fue nuestro deseo motivo interesantes e inteligentes. Por ese contuviera artículos in en cada edición a personas brillantes, invitamos a participar Es difícil resumir en estas líneas todo lo que hemos vivido y en estas líneas todo lo que hemos vivido Es difícil resumir 2011 de agosto en creamos que desde aprendido

©Agathe Poupeney / Opéra national de Paris Paris de national / Opéra Poupeney ©Agathe Gluck - Opéra dansé Orphée et Eurudice de Christophe W. de Pina Bausch 2012 Ballet de l’Opéra national de Paris à l’Opéra Garnier, Carta de la editora la de Carta 9 DANZABALLET 04 - - - - Giselle Vestido o tutu de estilo romántico. El cuerpo de seda mate, muy o tutu de estilo romántico. El cuerpo Vestido Las un justillo con blusa en una sola pieza. ajustado, representa el de del pecho y el pronunciado pico en formas redondeadas lantero reproduce la estructura de un corsé. Esta guarnecido con estructura de un corsé. Esta guarnecido lantero reproduce la La gris dispuestas a lo largo del talle. dos cintas de terciopelo blusa. de conforma maril gasa superioren parte seconfecciona volante. y rematado con un pequeño Amplio escote fruncido de ter y abultadas. Aplicación de cintas Mangas de farol cortas en el delantero a modo de ceñidores. ciopelo blanco cruzadas cruda. Se ajusta a la La falda larga confeccionada en organza esta re inferior contorno el Todo tableado. un mediante cintura Bajo la falda, enaguas corrido por tres cintas de terciopelo blanco. de tul aprestado para dar volumen. National Centre Noureev”, “Rudolf la exposición en exhibió Se Costumes Scène 2009. Elegante capa muy amplia y larga de terciopelo de seda color ocre forrada en seda. Cuello pequeño y redondo dorado. Totalmente con cierre de presilla y apertura en el delantero. Está confeccio nada con los paños colocados “al bies” para darle más vuelo y desarrollo durante el baile. National Centre Noureev”, “Rudolf exposición la en exhibió Se Costumes Scène 2009. por Cruz Santamera Cerceda l - -

Indumentaria Indumentaria masculina de ballet para Rudolf Noureev en el (Acto el Albrecht de príncipe II,papel Giselle) Ballet Giselle (Creado para la Ópera de París en 1841) Música de Adolphe Adam con libreto de Théophile Gautier Coreografía de Jean Coralli y Jules Perrot, revisada por Frede Indumentaria femenina de ballet para Carla Fracci en el pape el en Fracci Carla para ballet de femenina Indumentaria Karsavina rick Ashton y Tamara James Bailey realizados en Escenografía y diseño de vestuario de 1960 los talleres del Royal Opera House en Foto © CNCS Karsavina rick Ashton y Tamara Producción Royal Ballet, Londres. 1962 Diseño de vestuario James Bailey Confeccionado por atelier de Martin Kamer en París Escenografía de James Bailey realizados en los talleres del Royal Opera House en 1962 Colección Fondation Rudolf Noureev (RN) Foto © CNCS / Pascal François CNCS/Colección Ópera Nacional de París de Gisellede (Acto I, Giselle. Roma)de Opera París en 1841) Ballet Giselle (Creado para la Ópera de de Théophile Gautier. Música de Adolphe Adam con libreto revisada por Frede Coreografía de Jean Coralli y Jules Perrot, Nuestros trajes de portada de trajes Nuestros 8 DANZABALLET 04 Josep Pons, Director Orquesta Nacional de España ©Rafa Martín Gentileza Orquesta Nacional de España

DE ESPAÑA (OCNE)

cosas. Es como si siempre hubiera existido, pero eso por supuesto Tanto la Orquesta Sinfónica de Madrid, fundada en 1904, casi no es verdad. desde el comienzo al mando de Enrique Fernández Arbós, como Por Rubén Worcel la Orquesta Filarmónica de Madrid, con inicio en 1915 y bajo la Es así que buscando en diversas fuentes y sobre todo apelando al dirección de Bartolomé Pérez Casas, tenían un buen nivel, y así viejo dicho de que “es imposible saberlo todo, pero si es posible lo demostraban en la capital desde la época de la monarquía en saber a quien preguntar”, en esa búsqueda di con gente “que adelante. sabe” y así llegué a obras como las del señor José Luis García del Busto, quien se reveló ante mis ojos como un experto historiador De forma sorprendente, fue en plena guerra que se hicieron los de esta ilustre institución. primeros movimientos para formar una Orquesta Nacional de Conciertos, que así se llamó la que fuera creada por el gobierno Ni historia ni homenaje, sino solamente un simple, sentido y Además de la sonrisa que despertó esa imagen de pasado tan Es así como nació la idea, obviamente modesta, de despertar republicano el 24 de julio de 1937. en otros el mismo interés por conocer los orígenes y dilatada merecido tributo para una institución que admiro desde que lejano, noté cuanta información me faltaba en aquellos días, sin Su primera cede fue en la ciudad de Barcelona y su primer con- historia de la Orquesta (con mayúscula, pues me referiré única comencé a sentir gusto por oír la música de los grandes, interpre- siquiera entrar en detalles sobre cual era el concierto, la orquesta, cierto como tal, tuvo lugar en el Gran Teatre de Liceu el día 8 y exclusivamente a la OCNE), los años que le dieron vida, luego tada por los grandes. la obra, el compositor o su director. de abril de 1938, bajo la dirección de Bartolomé Pérez de Casas estabilidad, más tarde sentido artístico, transcendencia, y inal- con la Sinfonía nº 5 de Beethoven, dos nocturnos de Debussy Relejar más de 70 años en una revista no es posible; y resumirla, La juventud simpliica las cosas, pues de otro modo no se puede mente en estos últimos, excelencia. quizás sea una falta de respeto, de modo que lo único que me con ellas a esas edades, pero junto con la riqueza de los detalles (Nubes y Fiestas), el Preludio a la siesta de un fauno y la Sinfonía disculparía ante una institución de semejante talla, es limitarme y la capacidad para manejarlos viene de su mano el placer que De su lectura me enteré que a pesar de la guerra, la semilla de lo Patética de Chaikovski. a expresar o intentar volcar en palabras como algo personal, mis emana de la paulatina sensibilidad que permite percibir la dife- que hoy conocemos nació en un bando, pero continuó en el otro, Hasta el 6 de enero duró la actividad de este antecedente de 10 años de aprecio y admiración. rencia entre escuchar a una orquesta con un coro, y a la Orquesta como muestra indiscutible de que la música y su arte pertenecen ONE, habiendo ofrecido hasta ese momento más de 30 concier- 11 DANZABALLET y Coro Nacionales de España. al ser humano, mas allá de bandos, épocas o partidos, que hoy DANZABALLET Este deseo nació un sábado en que estaba escuchando uno de sus tos bajo la batuta de Pérez Casas, Álvarez Cantos, Juan Lamote están, pero mañana muy probablemente no. de Grignon y Pich Santasusana, con repertorios centro europeos, conciertos que se trasmitía por televisión. En algún momento se Junto con el deseo de expresar agradecimiento, noté también rusos, franceses y españoles. coló el recuerdo de un pensamiento de juventud cuando al ver a algo que aunque obvio, pasaba totalmente desapercibido para Me resultó particularmente interesante lo que leí en “Crónica de mis mayores hacer lo mismo pensé algo así cómo “que raro mirar mi, y era la ignorancia absoluta sobre su historia. Uno escucha, sesenta años” del mencionado García del Busto, sobre las vicisi- Como el epílogo de cualquier guerra con vencedores y vencidos, 04 la televisión para ver un concierto. Que aburrido!”. disfruta de su arte y por las razones que sea, no piensa en esas tudes de su creación y pienso que vale la pena compartirlo. esta también dejó de esta orquesta tierra arrasada y hubo que 04 04

13 DANZABALLET - - - - © Rafa Martín. Gentileza Orquesta Nacional de España Orquesta Nacional de España. Temporada 2010-2011 Temporada España. de Nacional Orquesta sejable para una revista dedicarse a plasmar historias de más de 70 años, como es el caso de la Orquesta y Coro Nacionales de España, pero si puede tener la humilde inalidad de despertar la curiosidad e interés del lector por profundizar en las múltiples fuentes de carácter erudito que tratan este tema con profundidad y autoridad. Al inicio decía yo “conocer los orígenes de la Orquesta, los que le dieron vida, luego estabilidad, más tarde sentido artístico, trans cendencia, y inalmente en estos últimos años, para mantener un discurso coherente, deseo seguir con su etapa excelencia.”, y de excelencia. Es prácticamente una opinión generalizada que la Orquesta y Coro Nacionales de España inició claramente una nueva etapa a partir de la temporada 2003/2004, con la designación del maestro Josep Pons como director artístico y titular de la misma; cargos a los que sumó en diciembre de 2011 el de director honorario. ha se momento, este hasta temporada aquella de inicio el Desde moderniza de proceso y exitoso decidido en marcha un puesto ción de la estructura organizativa y de la imagen de la OCNE, a la vez que se ha profundizado el trabajo sobre la dimensión artís un alto nivel artístico en su primera etapa- y Rafael Frühbeck de un alto nivel artístico en su primera etapa- dirigió la OCNE. Burgos, como el que en más ocasiones época de la Orquesta, Como directores invitados en la primera como Schuricht, Unger, dejaron una imborrable huella maestros iguras como así Martinon, o Markevitch Celibidache, Scherchen, o Mutti en el inicio de sus de nuestros días como Maazel, Mehta Dudamel, visitado la han aún, recientes En épocas más carreras. Slatkin, McCreesh, Minkovski, Fedosseyev y Volkov, Bichkov, por citar algunos pocos. no es posible y mucho menos acon Como dije y repito sin pudor, - - - - lomé Pérez Casas fue nombrado director titular de la Orquesta lomé Pérez Casas fue nombrado director en el concurrían. Nacional “en atención a los méritos” que La “etapa Pérez Casas” concluye oicialmente en el Palacio de la con la Sinfonía Pastoral, Música el día 25 de noviembre de 1949 sudirector. para signiicativa obraespecialmente estuvo al frente de la Durante los cinco años que el maestro que vivió sino estabilizó, ordenó y se solamente no institución, jornadas de gran altura artística. Deseo llamar la atención en este punto, sobre lo difícil que es crear algo, y más aún una entidad de este tipo con tantos pro fesionales altamente caliicados. Aceptando imaginen eso ustedes como lo que cierto, signiicará mantenerlo a tiempo, dándole solidez y estabilidad, como para permitir que lo largo del en algún momento alcance un apreciable y apetecible grado de madurez. Eso sucedió afortunadamente, puesto que fuera del ámbito pura mente artístico, uno de los logros más importantes del maestro, fue que aseguró la existencia futura de la Orquesta Nacional al margen de quienes tomaran las ocasionales decisiones en la Di rección General de Bellas Artes y de la Comisaría General de la Música. La Ley de los Presupuestos Oiciales del Estado publicada el B.O.E. en del 1 de enero de 1947, contempló un nuevo concepto NACIONAL”, lo que supuso bajo el epígrafe de “ORQUESTA de los profesores de la el inicio del carácter de funcionarios orquesta. Dicha plantilla quedó ijada en 102 profesores, más ar chivero, avisador e inspector. Desde aquellos primeros días en adelante, destacados directores han sostenido en el podio la batuta, y entre sus titulares históricos a la Orquesta llevó -quien Argenta Ataúlfo claramente destacan - - - - Sin embargo, no se tomó a este como el primer concierto oicial de España, sino que de la recién constituida Orquesta Nacional por Freitas Branco en se presentó como tal, al concierto dirigido 1942, y es esa la fecha que el mismo teatro, pero el 31 de marzo de de inicio de la Orquesta se tomó por consenso general como la Nacional de España. históri valor el tener a pasó programa aquel consenso, ese Por co de ser el primero, y estuvo formado por la Obertura de Las Bodas de Fígaro de Mozart, la Sinfonía Dante de Liszt, Muerte y transiguración de Strauss, el Preludio a la siesta de un fauno de Debussy y el Bolero de Ravel. Luego de varias actuaciones se hizo evidente la necesidad de que titular que infundiera dicha orquesta contara con un director respeto y motivación, al tiempo que tuviera la energía suiciente y necesaria para crear y mantener la disciplina requerida para los trabajos de preparación y los ensayos. Quien cumplía con casi todos esos requisitos, era el maestro Pérez Casas, quien en 1943 cumplía sus setenta años y ya había demostrado sus dotes al frente de la Filarmónica. Inconvenientes para ese nombramiento se veían por ambas partes. eso tendría pues disgusto, a su debido maestro, del el lado Por como efecto colateral un duro golpe a la existencia de la Filarmó nica y la Sinfónica, y por el lado opuesto, el hecho de que había colaborado con el proyecto de Orquesta Nacional de los republi canos, ya que estuvo al frente de la misma en Barcelona. una acordó se y obviaron se cuestiones esas Afortunadamente “prueba” que estuvo formada por un concierto en mayo de 1943, cuatro en ese mismo otoño y una gira por Lisboa y Oporto en en mayo de ese mismo año, el maestro Barto abril de 1944. Ya - - - - saría General de Música, dependiente de la Dirección General saría General de Música, dependiente directores de la misma a P. de Bellas Artes, y se nombrara como Turina. Nemesio Otaño, José Cubiles y Joaquín segunda vez la Orquesta Esta entidad fue la que creó por Nacional, el 10 de julio de 1940, con una plantilla de 176 profe sores. de que la nueva ONE, Semejante cantidad se debía a la opinión signiicaría la desaparición de sus predecesoras (la Sinfónica y una, en fusionarían se ambas que ya Madrid) de Filarmónica la pero la realidad, fue que semejante cantidad de músicos motiva ran la división de la nueva orquesta en dos Orquestas Nacionales, una A, y otra B. de Plaza la en popular concierto un en juntas actuaron Ambas de Madrid el 15 de septiembre de 1940 bajo la dirección de Toros José María Franco. Luego de meses de conciertos, el resultado de esa actividad fue de desencanto, descontento general, y lo que se dio en caliicar inestable y titubeante de parte de como una trayectoria irregular, la Orquesta. Por ese motivo el 17 de mayo de 1941 un concurso oposición para crear a partir de ese momento, a la se procede a convocar deinitiva Orquesta Nacional, con Joaquín Turina como único Comisario de la Música, (la anterior formación de tres directores se mostró como poco práctica e ineiciente) y fue también quien presidió dichas oposiciones. y constituida deinitivamente Nacional Orquesta la modo, ese De bajo la dirección de Pedro Freitas Branco, participó de los “Con María Guerrero, el día 25 de en el Teatro ciertos de Primavera” marzo de 1942. esperar hasta el 27 de abril de 1940 para que se creara la Comi 04

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15 DANZABALLET - - dam, la Filarmónica de Estocolmo y la Sinfónica de Melbourne. con la sinfónica la dirección desde 1995 El maestro Pons alterna dirección de producciones operísticas en las que también logró con comodidad mostrar su talento en Peter Grimes, II barbiere di Siviglia, La lauta mágica, The light house, La voix humaine, Orfeo, Pepita Jiménez, Atlántida, La vida The turn of the screw, breve, Oedipus Rex, El castillo de Barbazul, Diario de un des y otras. aparecido, Wozzeck, - Fura En el Liceo ha protagonizado los estrenos de D.Q. (Turina dels Baus), Gaudí (Guinjoán) y La Fatucchiera (Cuyàs). cantidad, la por prestigio gran de goza discográico, campo el En (Diapason grabaciones sus de calidad la por todo sobre pero Tèlèrama, ffff, Choc de la Musique, CD Compact Awards, d’Or, Grand Prix du Disque de la Academie Charles Cross, etc.). Desde el años 1991 es artista de Harmonia Mundi France, y en la Premio el obtuvo Awards Classical Cannes los de 1996 de edición de los Editores por la grabación de Pepita Jiménez. Entre sus grabaciones más recientes se encuentran un CD 1985 a 1997, y de la Orquesta Ciudad de Granada desde 1994 al 2004. las de ejecutiva musical dirección de la responsabilidad la Tuvo ceremonias olímpicas de Barcelona 92. el maestro Pons es invitado Paralelamente a su actividad regular, en forma continua por orquestas internacionales de primer nivel, Sinfónica Orquesta la a recientemente dirigido ha ellas, entre y Gotemburgo, la Orquesta Nacional de Francia, la Filarmónica de Philharmonic, City Tokyo la Paris, de Orquesta la France, Radio de Rótter la Orquesta Nacional de Dinamarca, la Filarmónica - © Rafa Martín. Gentileza Orquesta Nacional de España Orquesta Nacional de España. Temporada 2010-2011 Temporada España. de Nacional Orquesta Patricia Petibon. Cuenta asimismo con un monográico dedicado dedicado monográico un con asimismo Cuenta Petibon. Patricia al compositor Benet Casablancas (Diverdi) y otro a César Camarero (Kairos). La Orquesta Nacional de España y el Coro Nacional de España están integrados en el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), La reina doña Sofía ostenta la presi dencia de honor. Sobre el maestro Josep Pons Es necesario o casi imprescindible mejor dicho, aportar datos sobre el maestro que dirigió hasta hace poco el destino de la OCNE en esta etapa de excelencia, y al ver sus credenciales se hace evidente que ni la casualidad ni la suerte han tenido parte en su exitosa gestión. No solamente fue director titular y artístico de la Orquesta y Coro Nacionales de España, sino también el principal director del Liceu. asociado del Gran Teatre Nació en Puig-reig (Barcelona), y estudió en la Escolanía de Montserrat. Lliure desde Ha sido director de la Orquesta de Cambra Teatre - - - - - Coro Nacional de España de Coro Nacional 18 de noviembre de 2011. Gentileza OCNE © Rafa Martín Carter, Gubaidulina, Golijov o Joan Guinjoan, siendo segura Carter, mente los próximos, de similar maestría. de España de Nacional Orquesta la 1937, en fundación su Desde sarrolla de forma ininterrumpida e intensa, su labor con amplias temporadas en Madrid, o participando en los principales festiva Sebastián; San o Santander Granada, de los como españoles les pero a pesar de esa febril actividad, no deja de atender compro misos internacionales con giras por diversos países como México, Austria, China, Reino Unido y Alemania, citando únicamente los últimos y más recientes. Su objetivo artístico primordial ha sido servir de vehículo al gran repertorio orquestal desde el barroco al presente, pero sin olvidar conceder especial atención a la difusión de la música española. Entre las grabaciones de la Orquesta para Deutsche Grammo con arreglos phon destaca la realizada junto al guitarrista Tomatito de Joan Albert Amargós, Sonanta suite (premio Grammy Latino 2010). lamenco, discode mejor al Para este prestigioso sello también ha grabado El amor brujo Amargós de españolas canciones Siete las Falla, de Manuel de con la cantaora Estrella Morente, un disco con obras de Ravel y Debussy y otro dedicado a la canción lírica española junto a - - - - - radas regulares de conciertos en Madrid, así como los nuevos los como así Madrid, en conciertos de regulares radas a ellos (conferencias, proyectos de actividades complementarias exposiciones, proyecciones cinematográicas y fotográicas, en que en el ámbito de cuentros con compositores, etc.), mientras la programación musical fue notable el acierto obtenido al abrir el tradicional repertorio sinfónico occidental a uno más amplio y variado. Prueba de esto es la abundancia de primeras audiciones, tanto en música de nueva creación, como de partituras recupera das del lejano pasado. Es interesante notar la buena idea que se ha tenido al agrupar aunque sea de modo parcial sus conciertos en función de un criterio de carácter temático. Es así como en sus últimas tempo Quijote El Goethe, de Fausto del disfrutar podido ha se radas Una mirada y y mito, Música de 1900, Viena la Cervantes, de a Oriente, Música y Naturaleza y Séptimo Arte, como algunos ejemplos de los ya desarrollados por la OCNE. No se acaban ni mucho menos las iniciativas de interés con lo reseñado, pues nos enteramos de la existencia de “Carta blanca a...”, que consiste en un grupo de conciertos sinfónicos en los cuales se y de cámara dedicados a un compositor de hoy, escuchan obras suyas junto a otras escogidas por él mismo. como estas, la OCNE busca con con decisiones Está claro que denuedo renovarse, crecer e intensiicar su voluntad de prestar atención a la música actual, lo que por otra parte ha sido siempre política de esta Orquesta. Basta recordar que estuvieron presen tes en el podio de la misma, maestros de ayer como Stravinsky o Hindemith, y maestros de hoy como Henze, Benjamin, Dutilleux, tica y cultural de la entidad. Un cabal relejo de lo dicho, es la programación de sus tempo 04

14 DANZABALLET dedicado a Ginastera y otro a la música de Nino Rota. TEMPORADA Se le ha premiado con numerosas distinciones, entre las que destaca el Premio Nacional de Música de 1999 del Ministerio de Cultura, y los múltiples premios conseguidos avalan el éxito de su 2012-2013 ya dilatada carrera.

DIÁLOGOS Un reconocimiento breve y general. Es claro que una institución como esta no se consigue merced a la maestría de una sola persona, y eso lo puede conirmar cualquiera Un nuevo director se ocupará de la direc- que se tome dos minutos para visitar la web institucional de la OCNE y comprobar la verdad de estas palabras. ción de la OCNE, pero como el maestro Es por eso que no quiero dejar de nombrar a personas que con Pons diseñó la temporada 2012-2013, se su responsabilidad en la Orquesta, han contribuido en hacerla notará que mantiene la estructura habitual grande, como el señor Ramón Puchades Marcilla en la dirección de años anteriores, como es el caso de Carta técnica o Joan Cabero, como actual director del Coro Nacional de España, ya que todos ellos junto al maestro Pons han logrado Blanca a dedicado en esta ocasión al com- el grado de excelencia que la OCNE ha conseguido en los últimos positor Friedric Cerha. años. Cierto es que se acostumbra nombrar a los miembros de mayor La temporada oicial se compone de más de responsabilidad, pero si pensamos en términos de quienes son 65 conciertos programados, varios de los importantes, será necesario visitar la mencionada web, y repasar uno por uno sus integrantes, pues todos lo son• cuales tienen carácter de extraordinarios, siendo el primero de ellos en el Auditorio Nacional el 29 de septiembre de 2012 con el propio Josep Pons y la soprano Patricia Petibón, luego Tan Dun y Diálogos en clave de Jazz. Actividades extraordinarias tendrán lugar en el Festival de Música de Alicante a in de septiembre de 2012, y la Gira Austria – Eslovaquia el día 4 de octubre en el Wiener Konzerthaus y el día 5 en Bratislava donde se podrá escuchar música de Maurice Ravel, Enrique Granados, Joaquín Turina, Manuel de Falla, Federico Moreno Torroba, Nicolas Bacri y Claude Debussy. Se continúa el Proyecto Educativo y Con- ciertos Pedagógicos bajo el lema “Adoptar un músico” para centros de primaria y se- cundaria, dirigidos por Ana Hernández y Juanjo Grande, con el cual los niños tendrán contacto con la música de Tan Dun, Igor Stravinsky, Dimitri Shostako- Fuentes: http://ocne.mcu.es/ 16 vich y Richard Strauss.

DANZABALLET García del Busto, José Luis: Orquesta Nacional de España. También es digno de mención el V Ciclo de Crónica de sesenta años. Música Coral, “Diálogos a Capella” que Fernández-CID, Antonio. La Orquesta Nacional de España. Ed. constará de cuatro conciertos denominados Ministrerio de Educación Nacional. Madrid, 1953

04 genéricamente como Diálogo clásico. Maquette d’après Christian Lacroix pour le costume de Naïla ® Anne Deniau

Christian Lacroix contrôle les coupes des costumes dans les ateliers lou de l’Opéra Garnier ® Anne Deniau Christian Lacroix LA SOURCE Y EL BALLET DE LA ÓPERA DE PARÍS

por Danza Ballet

EL CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE ET DE LA de la participación ya señalada de Lacroix y de Clément-Hervieu SCÉNOGRAPHIE CONTINÚA TRABAJANDO CON CHRISTIAN Léger, se unió al equipo como diseñador de la escenografía el actor de la Comédie-Française Eric Ruf, quien además de gran LACROIX, QUIEN LA PASADA TEMPORADA 2011, DESDE EL actor —y uno de mis preferidos en el Français— es un reputado CORAZÓN DE LA ÓPERA DE PARÍS, CREÓ EL VESTUARIO escenógrafo. Sus diseños para La source ostentan una cualidad PARA EL BALLET LA SOURCE, CON COREOGRAFÍA DE JEAN- original: juega con la misma tradición iconográica de la Opera Garnier, la más íntima y propia al teatro —sus colores particula- GUILLAUME BART. res, por ejemplo, como el del terciopelo rojo, su cortina o el oro viejo—, para situar los disímiles ambientes con maestría evoca- dora y reinada. Este juego remite a la visión de continuidad de la Desde la platea de la Opera Garnier, madame Isis Wirth nos tradición que encarna La source». 18 cuenta: 19

DANZABALLET La exposición y el catálogo que la compaña son una invitación a DANZABALLET «La source es una creación de lujo, no solamente porque el autor descubrir estos maravillosos trajes y complementos de vestuario, de los diseños de vestuario —exquisito— sea el conocido modisto desde el diseño a través de los ojos del modisto a su fabricación francés Christian Lacroix o porque Swarovski haya contribuido para el ballet en el Palais Garnier. Por lo tanto, uno se transporta a la realización de los trajes —el brillo de esas piedras de cristal al corazón de la costura de la Ópera Garnier. El CNCS dará a 04 es agradablemente reconocible—. Lo es también porque además conocer los diversos trajes del ballet, haciendo un seguimiento 04 04

21 DANZABALLET Maquette d’après Christian Lacroix pour le costume de Nouredda le costume Lacroix pour Christian d’après Maquette Deniau ® Anne Elaboration des coiffes des Odalisques dans les ateliers modiste de l’Opéra Garnier ® Anne Deniau pour le costume d’un Caucasien Maquette et échantillonnage de tissus Más información Más información Le Centre National du Costume de Scène et de la Scénographie www.cncs.fr

diseñador director directora del directora de la Comisariado: Christian Lacroix, Brigitte Lefèvre, Danza de la Ópera de París Delphine Pinasa, Centre National du Costume de Scène et de la Scénographie Christian Lacroix, artístico La exposición puede visitarse desde el 16 de junio de el 16 desde visitarse puede exposición La 2012. de 31 diciembre al Scénographie la de et Scène Costume de du National Centre Le (CNCS) Francia. Moulins, de ® Anne Deniau/ Opéra national de Paris de national Opéra Deniau/ ® Anne Ballet de l’Opéra national de Isabelle Ciaravola ( Nouredda). La Source, 2011 Paris. Opéra Garnier, «Pueden congratularse Brigitte Lefèvre, Jean-Guillaume Bart y todo el equipo, así como la compañía en general. Han realizado un viaje al pasado del esplendor romántico, el suyo propio, y de ninguna otra compañía. Que las sombras y los espíritus no por pero sin metafísica gusto deben permanecer en la Opera Garnier, alguna —aunque sea justo la sustancia del romanticismo— es la tradición viva de la Maison, y de la escuela francesa, la que se ha manifestado»• - - , de Edgar Retrato de mademoiselle Eugénie Fiocre es un ballet romántico, alineado en la vertiente orienta Mucha evidencia tangible de la labor de los diseñadores, sastres, diseñadores, modistas... La Ópera de París presenta en esta ex posición un homenaje a la experiencia de los talleres de costura de emergencia de esta prestigiosa casa. Vitrinas y salas se vestirán de las fuentes de inspiración de Christian Vitrinas Lacroix —documentos, fotografías y objetos históricos de la ropa—, los modelos que diseñó para cada personaje y también cuadros, patrones, muestras de tela, prototipos de prueba y colorantes... de todas las etapas de su desarrollo, investigación técnica y retos artísticos en su confección. Los diseños para este ballet, un clásico del siglo xix ambientado en el Cáucaso, están llenos de fantasía, con personajes como elfos, ninfas, cazadores… No será un ballet más, no es un boceto más, es el regreso de Lacroix a un gran ballet en París. La source ® Anne Deniau / Opéra national de Paris de national / Opéra Deniau ®Anne de l’Opéra national de Paris. Nolwenn Daniel (Dadje). La Source, Ballet 2011 Opéra Garnier, lista: tiene lugar en el Cáucaso «exótico». Su trascendencia más conocida es la del Degas. Mademoiselle Fiocre fue la Nouredda de la creación. Su que lienzo primer el fue obra, la de interpretación la en retrato, conocemos el resto Degas realizó sobre el tema de la danza. «Ya de la historia», nos cuenta Isis. 04

20 DANZABALLET controlaba todo- para tomar su clase con Pierre Beauchamps o ensayar con Lully; ese que aburría al cardenal Mazarin haciéndo- le presenciar cuando era aún un jovenzuelo sus espectáculos y sus “entrechats” ( dicen que ejecutaba el “entrechat royal”, entonces “trois”, de maravillas); ese que se había iniciado en la danza a los EL DÍA EN QUE 7 años y que a los 13, edad de la mayoría legal, había debutado oicialmente como bailarín en el “Ballet de Cassandre”, tenía que identiicar, como cualquier bailarín, a la vida con el baile. Más allá de la instrumentalización ideológica que efectuó con la LOUIS XIV danza, era por deinición un artista de ésta. Sí, tocaba la guitarra también, y la arquitectura, la jardinería, todas las artes de su “Grand Siècle” estuvieron marcadas por él. Pero la excelencia de Louis, en tanto “profesional” indiscutible, era en el ballet. El DEJÓ DE BAILAR ejecutante de entrechats, de assemblés, de sissones, de chassés, de fondus enchaînés, pasos todos codiicados por su maestro Beau - champs, y hasta de tours en l’ air, que Beauchamps –quien, guiño del destino, había nacido en Versailles siete años antes que el Por Isis Wirth rey- inventó, se había rodeado siempre para que lo acompañaran sobre la escena de los nobles con más nivel técnico: Saint-Aignan, Villeroy, Rassan, Enghein. Y no contento con ello, desde los años 1658-60 (antes de que tome el poder, tras la muerte de Mazarin en 1661), hizo que junto a él bailaran los virtuosos profesionales: Beauchamps, Vertpré, d’ Olivet, Raynal, Des Airs, Lully. Y fue El 8 de febrero de 1670 “La Gazette” consigna que el rey ha en el “Ballet d’Alcidiane”, en 1658, donde junto a Saint-Aignan bailado en la primera representación de “Les Amants magnii- y seis profesionales, se presentó con la demoiselle Vertpré, la ques”, comédie-ballet de Lully y Molière. Ocho días más tarde, primera bailarina de la historia de la danza. “La Gazette” informa que en la segunda representación, ocurrida el 14 de febrero, los roles de Neptuno y Apolo, creados ambos Si Louis hubiese sido un bailarín mediocre (al contrario, fue uno por Louis, han sido bailados, ante la sorpresa de todos, por el de los más grandes de su tiempo), no se hubiese hecho acompañar conde de Armagnac y el marqués de Villeroy. por los mejores. Pero hay más en ello: la consciencia profesional de cualquier estrella de estar en escena no sólo con un cuerpo de La última vez que Louis XIV bailó sobre la escena fue el 7 de baile impecable sino con solistas a su altura. febrero de 1670, en Saint-Germain-en-Laye, a la edad de 32 años, tras veinte años de una de hecho carrera profesional como Si Louis hizo del ballet la piedra de toque de su sistema propa- bailarín, en la que interpretó unos 70 ballets, en roles de un muy gandístico por medio del arte, fue porque provenía del oicio. “No amplio rango de diversidad, incluyendo los de travesti. Al menos le enseñaron más que a tocar la guitarra y a bailar ballet”, escribió tres espectáculos nuevos Louis tuvo que asumir por año. Voltaire. No es cierto, Mazarin tuvo que haberle enseñado el manejo del estado. Pero es la imagen del rey bailarín y músico la “Cuando yo bailaba públicamente…”, escribió Louis. La frase que se imprimió. Similarmente a cuando en el ilme de Corbiau, revela cómo Louis se consideraba a sí mismo en tanto artista. en la mañana del 9 de marzo de 1661 en que Louis da su “golpe Louis, el bailarín, dejó esa noche su arte. Renunció a la segunda de estado”, comunica su voluntad de gobernar solo y su madre, representación. (Felizmente, no estaba atado por un contrato…) Ana de Austria, lo increpa: “¿Qué sabes tú del estado? Lo único Con probabilidad, en la première le falló un paso, en el inal de la que sabes es bailar ballet?” obra, en esa célebre entrée de Apolo compuesta por Lully. Que Louis haya profesionalizado el ballet, como sabemos, con la A cuántos bailarines, en nuestros días, no solamente les falla un creación de la Academia Real de la Danza en 1661, seguida por la paso sino que pueden caerse. (Habría que hacer una encuesta creación de la Academia Real de Música (actual Ópera de París) general para determinar cuántos bailarines jamás han caído al en 1669; que haya instituido la Escuela de danza de la Ópera el suelo.) No por ello cesan de bailar de la noche a la mañana, como 11 de enero de 1713 (el mismo año en que por decreto instituye hizo Louis. Pero éste, si realmente no logró un movimiento o que la Ópera debe estar compuesta por 12 bailarines y 10 bailari- no se sintió seguro (pese al entrenamiento exhaustivo que tuvo, nas: ¡qué preocupación de paridad artística!); o su ley del retiro como era su costumbre, para el doble rol de Apolo y Neptuno), para los bailarines, que data de 1698 y que con una muy ligera no podía permitirse, según Su Majestad entendía el “ballet royal” variación en cuanto a la edad de hombres y mujeres todavía se que había creado como maquinaria política y también estética, conserva en la Ópera (esto es, el retiro para ambos a los 42 años); no ser el mejor. En el ilme “Le Roi danse” de Gérard Corbiau, que sea así el creador por derecho propio y por haberlo instituido Molière, hablando con Lully, se reiere a «esa perfección idiota del arte del ballet, no ponen sino en evidencia al bailarín que fue. que el rey quiere alcanzar en todo lo que hace”. Si Louis no podía continuar siendo “perfecto”, abandonaba pues 22 la escena. El público no se interesaba sino en las apariciones de 23

DANZABALLET Louis en los ballets. DANZABALLET La decisión de no bailar más, como para cualquier bailarín, tiene que haber sido dura. “Le roi danseur”, como le llamaban, ese que Opéra national de Paris. Gran escalera interrumpía sus despachos en tanto soberano y sus reuniones de gobierno – a no olvidar tampoco que el monarca absolutista lo 04 ©Colección Danza Ballet 04 Le Roi danse de Gérard Corbiau, 2000 ©Vértigo Films

Louis XIV, by Charles Antoine Coysevox Fine Arts Museum of Dijon

Le Roi danse Respecto de esa ley de retiro de 1698, que ni siquiera la Revolu- guerras y acuñaba un patrón cultural no sólo para Francia sino de Gérard Corbiau, 2000 ción francesa abolió, y supongo sea el único remanente legal en para el resto de Europa? Francia del Ancien Régime, intuyo que su origen se encuentra ©Vértigo Films Louis no podía estar cansado de bailar porque, al dejar de en esa noche del 7 de febrero de 1670 en la que a Louis algo le hacerlo, el “ballet de cour” va a morir, y va a nacer la ópera, como salió mal y tomó la decisión drástica de no bailar más, según esa escribe Philippe Beaussant en “Louis XIV, artiste” (Payot, 2005). “realeza obliga” ya que hacía una sinonimia entre su yo, incluso El desinterés que tras su retiro mostró subraya paradójicamente el artístico, y la representación de todo tipo. (Quien inventó a la que su más grande interés en el género era él mismo: identiicó a política como arte del espectáculo fue Louis XIV.) la danza consigo. Louis tenía en 1670 32 años. Hoy por hoy no es una edad del todo ¿Es que realmente, como creo percibir, le habría fallado un paso trágica para los bailarines, pero sí a partir de los 35 cuando, como –también lo sugiere “Le Roi danse”- a Louis o estuvo a punto de decía Galina Ulánova, la gran tragedia del ballet es que cuando que así fuese para que violentamente interrumpiera su vida en la la mente ya ha logrado saber lo que tiene que hacer, el cuerpo danza? ¿No existieron otras razones? comienza a dejar de responder. Beaussant en el libro citado, expone que esa brutal interrup- Acaso la prueba de su “magnanimidad” radica en que haya hecho ción que sorprendió a todos, incluidas las gacetas, se explicaría la ley del retiro alrededor de los 40 años, y no sobre los 30 cuando en un verso sobre el gusto de Nerón en “Britannicus” de Racine 24 fue su caso del retiro voluntario. Le otorgó una década más de (muy cercano a Louis), que recién había aparecido: “À se donner 25 DANZABALLET gracia a los bailarines. Su propio maestro Beauchamps estuvo lui-même en spectacle aux Romains/À prodiguer sa vie sur le DANZABALLET bailando hasta los 65 –dicen que bien. théâtre…” Le Roi danse ¿Estaba ya a los 32 años fatigada Su Majestad por tener que Al respecto de: “darse sí mismo en espectáculo, prodigar su vida de Gérard Corbiau, 2000 bailar incesantemente, auto-imponiéndose ser el más brillante, en el teatro”, habría que recordar que, por ejemplo, su debut en 04 ©Vértigo Films al mismo tiempo que dirigía y remodelaba el estado, conducía la escena en 1651 con el “Ballet de Cassandre” ya mencionado, se 04 16.06.11 16.06.11 13:33 Anzeige 1 dB.indd 1 dB.indd 1 Anzeige - - - Algo se “rompió” esa noche del 7 de febrero de 1670 en Louis… de algo muy profundo Con frecuencia, es una chispa o destello a tomar la dolorosa pero súbito, lo que conduce a un bailarín decisión de parar. dimensión a su hipótesis No obstante, Beaussant le agrega otra sus adioses a la escena de que Louis había decidido en secreto un acto político, lo que porque estaba envejeciendo. Habría sido política del “ballet royal”. es más que posible dada la envergadura Louis bailaba no solamente porque amaba hacerlo sino para pro yectar la imagen real en su perfección apolínea. “Dejar de bailar, escribe Beaussant, debe tener necesariamente un sentido tan fuerte como ello”. para bailando Louis en encarnarse de cesó Apolo retiro, su Con ser una metáfora. El dios del sol se separó del cuerpo del rey: así, Louis le dio su rol de Apolo a Villeroy. Pero esta decisión política, implica también porque la contiene que Louis, como cualquier bailarín, sencillamente sintió que sus fuerzas mermaban y quiso irse a tiempo. La operación subsi como designado, lo y igurado lo entre desplazamiento de guiente analiza Beaussant, sería una consecuencia de su retiro. Es probable que el rey haya hecho una aparición (¿cuántos baila rines no lo han hecho tras el adiós?) en la “Eglogue de Versailles”, en 1685. Se dice que el rey, una pastoral de Quinault y Lully, trataba de disimular su torpeza y que siempre al lado de Lully, Lully le soplaba en voz baja los pasos olvidados. Louis tenía 47 años. Si en realidad bailó de nuevo, lo hizo para esta vez sí de veras divertirse y complacerse. Pero no lo creo: Louis no iba a consentir en ser visto en público como un bailarín venido a menos. fue para no hacerlo nunca El día en que Louis XIV dejó de bailar, más• - - - taba cinco roles, entre ellos el de Apolo), se presentó en el teatro de Apolo), se presentó roles, entre ellos el taba cinco asientos. La obra para tres mil con capacidad de Petit-Bourbon, estuvo en cartelera durante diez días seguidos, lo que signiica el 10 por ciento casi a Louis, es decir, 000 parisinos vieron que 30 de la capital. de la población entonces otros, la la causa de su retiro fue, según Si no, apunta Beaussant, inluencia del partido de los devotos. (Esos que fustiga Molière, Louis, en “Tartufe”.) en connivencia con de esas dos causas. ninguna plausibles Beaussant no estima rol de que el rey se preparó para el doble La prueba radica en Neptuno y Apolo en “Les Amants magniiques” la salud sus médicos en el “Diario de tamiento, según recogen hasta el ago (Como el ballet hasta caer enfermo. del rey”: había ensayado era cuando principal mayordomo su de diario el recoge también y tarde, tanto que se niño: Louis se entrenaba en el baile mañana de antemano que dejará temía por su salud.) Quien ha decidido somete a ese régimen de de bailar tras la primera noche, no se ensayos. razona de la coreografía, ver el grado de complejidad Habría que para Louis, sobre todo Beaussant, en las dos escenas concebidas en la inal de Apolo: “debían ser grandes momentos de una muy gran di estas danzas heroicas eran ciertamente virtuosos: icultad, y después de muchos años el rey Ciro, 1666; el Sol, 1669). Si trabajó no (Alejandro, 1655; Júpiter, bailaba sino eso porque su técnica estaba ‘hasta el punto de enfermarse’, ¿no fue llegando a su límite?” como era habitual en él, La hipótesis de Beaussant es que Louis, en lo que fue su último preparó en secreto su adiós a la escena, quiso irse aún en “coup de théâtre”. Como verdadero profesional, fuera demasiado tarde. antes de que su esplendor, que, en toda evidencia, su No adhiero del todo a ello, aunque sí a retirarse, incluso si técnica estaba decayendo. Si Louis decidió “Les Amants de funciones todas las bailado hubiese secreto, en yVilleroy. Armagnacsus roles darle a de vezen magniiques”, produjo en el teatro del Palais-Royal, con cinco representaciones representaciones con cinco Palais-Royal, del en el teatro produjo en de su coronación después un año en 1655, O que seguidas. (donde interpre et de Thétis” “Les Noces de Pélée Reims, con 04

26 DANZABALLET LA BAYADÈRE DE Rudolf Nureyev

por Carolina de Pedro Pascual

El rol del noble guerrero Solor del ballet La Bayadère fue el una mala copia de la partitura musical original de Minkus. Pensó papel que interpretó Rudolf Nureyev, (1938 -1993) cuando hizo que con ella no sólo produciría y dirigiría el ballet en sus cuatro su debut en París, el 19 de mayo de 1961, con el Ballet Kirov de actos completos, un hecho extraordinario que no ocurría desde Leningrado, junto a la joven bailarina, actual maître de ballet, antes de la Revolución Rusa, sino que también le facilitarían la Olga Moiseyeva (1928) en la piel de Nikiya. tarea, ya que aspiraba a estar en el foso de la orquesta en calidad de director. Gran parte de la recomposición musical se llevo a Nureyev, Moissieva y la producción completa del Kirov causaron cabo gracias a la colaboración del director de orquesta y composi- una verdadera conmoción. tor inglés John Lanchbery (1923 – 2003), quien minuciosamente La Bayadère se estrenó el 4 de febrero de 1877 en San Petersbur- había trabajado con Nureyev juntando las piezas del rompeca- go, representada por el Ballet Imperial en el Bolshoi Kamenny bezas musical que Nureyev, en el apuro, había llevado copiado Theatre y de inmediato se convirtió en uno de los mayores éxitos desde Rusia a Francia. del coreógrafo francés Marius Petipa (1822 -1910). León Minkus, Ninel Kurgapkina, (1929 -2009) prima ballerina y compañera en (1826-1917) principal colaborador, fue quien compuso su parti - el Ballet Kirov, había viajado desde Rusia para ayudarle en la tura musical. El argumento constituye una hermosa historia de reconstrucción del ballet, con su vasta experiencia y prodigiosa amor y justicia donde los sentimientos elevados gozan de una memoria que compensaría la que Nureyev perdía paulatinamente ética prodigiosa y elevada. debido a la evolución de su enfermedad. Dadas las circunstan- La notación coreográica original de un ballet y su música se de- cias, a causa a su debilitado estado de salud, Nureyev no estuvo terioran con el paso del tiempo. Por este motivo las diferentes delante de la Orchestre de l’Opéra National de París, y la di- reposiciones de obras como La Bayadère, o La bella durmiente rección de la Opera Garnier decidió adelantar el estreno de La se han ido enriqueciendo con las sucesivas revisiones, adiciones y Bayadère de su fecha prevista. correcciones realizadas de generación en generación por estudio- Nureyev y Kurgapkina coincidieron en que la nueva producción sos bailarines y coreógrafos del Kirov/Mariinksy, origen de todos contaría con tan solo tres actos, que eran los que él había bailado estos ballets, con el único objetivo de acercarse a su original. en Leningrado en 1961, junto a Olga Moiseyeva (1928) y Alla En este sentido la idea de Nureyev era reponer Bayadère y Sizova (1939); por lo tanto no trabajarían en la reposición del 28 mantenerla lo más cerca posible de su esencia primigenia. Su re- IV acto donde aparece la «ira de Dios» materializada en la mo- 29 DANZABALLET posición deriva de la tradicional producción del Ballet Kirov de numental destrucción del templo. Este cuadro se omitiría debido DANZABALLET 1941, irmada por el bailarín Vakhtang Chabukiani (1910 -1992) a que era demasiado elaborado para la producción y difícil de y el maître de Ballet, Vladimir Ponomaryov. esceniicar con tan poco tiempo por delante. ©Agathe Poupeney / Opéra national de Paris Aurélie Dupont - Josua Hoffalt La Bayadère En 1989, a su vuelta de un viaje de 24 horas por Leningrado, Las sucesiones de los principales acontecimientos y el pas Chorégraphie Rudolf Noureev. Ballet de l’Opéra national de Paris 04 invitado por Gorbachov (1931), Nureyev obtiene una fotocopia, d’action se exhibe en el gran banquete en que se celebra el ma- Opéra Bastille, 2012 04 ©Agathe Poupeney / Opéra national de Paris La Bayadère Chorégraphie Rudolf Noureev Ballet de l’Opéra national de Paris Opéra Bastille, 2012

trimonio de Solor y la hija del Rajá, Gamzatti, del II acto, famosos actos de lirismo onírico en la historia de danza clásica, eterna de los bienaventurados junto a las treinta y dos fascinantes documentos originales de la notación coreográica hechas donde aparecen la mayoría de los cambios. Con una serie «El reino de las sombras». sombras (las bayaderas del templo transformadas en espíritus). por el régisseur del Mariinsky, Nikolai Sergeyev, (incluyen de grandes procesiones de brahmanes, faquires, bayaderas y fotos, diseños de vestuario y puntuación musical para piano Nureyev lo revisó y reordenó según las modiicaciones persona- Sabía Kurgapkina que el IV y último acto, «La destrucción del diferentes grupos de las castas indias, culmina en la muerte y violín) después de la reactivación del ballet en 1919, lo que les que había incluido originalmente para la puesta en escena de templo», había sido eliminado por el Mariinksy poco antes de la de la indefensa Nikiya. sería la versión inal supervisada por el propio Petipa. «El reino de las sombras» en 1963, la que fuera su primera gran Revolución Rusa de 1917, y se suprimió deinitivamente cuando Estos trabajos han sido elaborados por Nureyev, según la producción para el Covent Garden de Londres. Apreciamos en el ballet se realizó nuevamente en 1919. El Kirov realizó una El 8 de octubre de 1992, en el Palais Garnier, la «reconstruc- versión del Kirov y su propio gusto y estilo dancístico. Una ella la volátil variación con el largo velo blanco de Nikiya, quien versión en tres actos que terminó con la escena de las sombras, ción» de Nureyev se consolidaba en un ballet en tres actos sucesión de danzas ricas en diferentes estilos e interpretacio- realiza junto a Solor los mismos pasos; una variación solista para de inimaginable belleza. La destrucción del templo nunca más creado con la reposición coreográica de Ninel Kurgapki- na, el maître de Ballet Patrice Bart (1945), Patricia Ruanne nes donde un deslumbrante «Ídolo de oro», una representación Solor según la original de Tchaboukiani, antes que la del pas de fue vista en el Teatro Kirov/Mariinksy hasta una producción de (1945) y Aleth Francillon, con la escenografía y el vestuario del dios Shivá, aparece triunfal en escena coreograiado por deux, y también, en comparación con otras versiones las modii- 2002, cuando Sergei Vikharev, bailarín y coreógrafo formado en producido por el matrimonio Ezio Frigerio y Franca Squar- Nureyev según lo hizo Nikolai Zubkovsky en 1948. caciones de las variaciones de las sombras. Todos estos cambios el Mariinksy junto a Pavel Guerchenzon, logró revivir el famoso ciapino, e inspirado en la decoración original usada en 1877 vislumbran el espíritu artístico o la esencia omnipresente de la IV cuadro perdido en el tiempo. La versión de la Opera Garnier inaliza con el III acto, en el según Petipa y, supervisado por el propio Nureyev. extraordinaria obra de Nureyev. que sumido en la desesperación, Solor recurre al opio y se Para este monumental trabajo Vikharev se trasladó a la Univer- La dirección de la Ópera Garnier había ofrecido para esta transporta al misterioso y mágico mundo de lo sobrenatural, Con la supresión del IV acto, el ballet concluye con la ascen- sidad de Harvard, en EEUU, donde se mantenía la exclusiva producción lo que parecía ser un presupuesto aparente- en el cual se une a la etérea Nikiya creando uno de los más sión de las almas de los enamorados, Nikiya y Solor, a la morada Colección Sergeyev1, adquirida en 1969, registro que atesora los mente ilimitado, sostenido en gran medida con aportaciones

30 31 DANZABALLET DANZABALLET

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33 DANZABALLET La Bayadère Opéra Bastille, 2012 Chorégraphie Rudolf Noureev Emmanuel Thibault Ballet de l’Opéra national de Paris ©Agathe Poupeney / Opéra national de Paris Paris de national / Opéra Poupeney ©Agathe - - e La Colección Sergeyev también incluye anotaciones sobre las creacio- Bibliografía: NVC ARTS.1992. Bayadère - Opera National de Paris. Rudolf Nureyev, Rudolf Nureyev - Peter Watson.1994. Colección Sergeyev: Encyclopædia Britannica. The Sergeyev Collection: Encyclopedia Harvard University. 1. 1893mágica, yElBosqu lauta Ivanov; LevLa ballet Maîtredelde nes losNicolai lasde 1887,hermanos Muñecas de yElHaday Encantado, Sergei Legat, 1903. privadas, ya que sabían, lamentablemente, que sería su último su último que sería lamentablemente, sabían, ya que privadas, trabajo. gran y histórico valor gran de obra una es Nureyev de Bayadère La XIX, artística imperial del siglo en la India estético. Ambientada otomano. del poder imperial destellos de la grandeza mente posee de y colosales creaciones fueron vestuario el y escenografía La de la importados directamente producción. Con saris una rica tul de en oro y docenas de metros de India, ricas telas bordadas de las mejores casas de Francia, Alemania exquisitos proveedores París de Nureyev para la Ópera de e Inglaterra, la producción de opulencia y lujo. supera todo alarde presente en cada como parte de su personalidad, está El glamour, momento. El resultado inal, sin duda, es y buen gusto; de lujo y elegancia. exceso de opulencia una embriagadora mezcla de En París, Nureyev realiza su apoteosis inal durante su mandato Ópera, desde 1983 hasta como director artístico del Ballet de la el periódico Le Figaro, 1989, llevando a escena lo que fue, según del escritor y dramaturgo el suceso de la temporada; la historia Petipa; la vida de Nikiya Sergei Kuschelok y el coreógrafo Marius con Garnier, Ópera la de escenario el en personiicaba se Solor y Hilaire (1962) en Laurent Isabelle Guérin (1961) como Nikiya, como Gamzatti, con el papel de Solor y Élisabeth Platel (1959) la critica especializada y el una merecida aceptación por parte de público. trabajar con otro título, El A pesar de que deseaba comenzar a príncipe de las pagodas, de Benjamin Britten (1913 -1976), La y su último trabajo coreo Bayadère es su última puesta en escena extraordinario legado un a correspondiente conclusión la gráico; e indiscutible de la historia del ballet. Al inalizar el espectáculo, Rudolf Nureyev recibió una emotiva de Ministro el por distinguido altamente Fue ovación. larga y como Caballero de la Cultura de Francia, Jack Lang (1939), Orden de las Artes y las Letras. tresMoría mesesdespués• La Bayadère Chorégraphie Rudolf Noureev Ludmila Pagliero (Gamzatti) Ballet de l’Opéra national de Paris ©Sébastien Mathé 04

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35 DANZABALLET por Pilar Moliné damas rusas a bordo del Orient Express. Presentaban desde grandes sombreros a bolsos maleteros, emblema de la casa; preciosos abrigos, sedas, terciopelos, suntuosos brocados, bordados artesanos y materiales exquisitos. Pero esta no es su primera colección. La carrera de Jacobs salió de su primera estación, Parsons, a muy buen ritmo, hace para Jacobs fue de diseño, escuela ya un tiempo. Prestigiosa mucho más que eso, representó el medio a través del cual pudo entregarse a la libre creación, a la moda, desarrollando le que extremos tales hasta talento gran su y libre espíritu su supuso el reconocimiento de mejor alumno de su promoción los de sobresalientes críticas las y inal, colección su de raíz a entendidos y grandes señores de la industria de la moda. Y antes de que pudiera preguntarse qué iba a hacer al in de del arte del equipaje de viaje desde el siglo xix, en una época donde el traslado de los accesorios imprescindibles para toda señora que se preciara se convertía en una aventura con un claro sello de distinción plasmado en su equipaje; por otra, el actual director creativo de la marca, desde el año 1997, Marc Jacobs. la aúnan tiempo: del través a perfecto tándem un forman Ambos otros de hacer buen del historia la artesanía, la distinción, la clase, tiempos con las nuevas formas, el concepto renovado e innovador de la moda. Jacobs de colección última esta en relejado visto ha se ello Todo que una de las más impactantes para la Maison Louis Vuitton, tren un espectacular: resultó escena en puesta La recuerdan. se hacía su portamaletas, sus elegantes con la moda, destino con entrada en escena con las modelos convertidas en espectaculares Marc Jacobs Marc - - como una de las veinticinco personas más , diseñador de moda. Su vida no resulta como la The Telegraph Marc Jacobs de cualquier otro mortal. Ha sido considerado por el diario bri tánico inluyentes del mundo de la moda y es miembro reputado de la en la que aparece destacado como uno de prestigiosa lista Times, los amos creadores y conquistadores de la moda. Hoy vemos a Londres, trabajan París, Tokio, Marc Jacobs entre Nueva York, do, luchando, desarrollando su creatividad allí por donde pasa, pero siempre amando el arte, la moda y a la mujer. Así se puede contemplar en estos días y hasta el próximo 16 de septiembre en el especial Museo de les Arts Décoratifs de París, donde se reúnen, traspasando los límites del espacio, dos parte, el que y Marc Jacobs. Por una grandes: Louis Vuitton creador fuera fundador de la legendaria Maison Louis Vuitton, Portrait de Marc Jacobs, Marc de Portrait Malletier Vuitton Louis de Artistique Directeur / Rankin, Droits Restreints Copyright Louis Vuitton Image courtesy of Les Arts Décoratifs 04

34 DANZABALLET sus estudios, fue contratado por la casa de modas Perry Ellis. Se No sería hasta inales de los noventa, concretamente en 1997, reforzados de esta grata unión que esperemos que dure muchos le ofrecía el puesto de diseñador con la meta de crear el diseño de cuando llegaría lo que hoy se conoce como la gran decisión de lustros más. Cumplió con éxito los elevados estándares de calidad su prêt-à-porter femenino. las casas de moda francesas: Marc Jacobs era requerido por la y elegancia que se le exigían. Con él llegarían los tiempos en los Colección tras colección era admirado, y su reconocimiento por Maison Louis Vuitton para ocupar el puesto de nuevo director que el propio emblema de la casa, referente para muchos, el logo parte del mundo de la moda iba en aumento. Pero en 1993 su creativo y llevar a cabo la creación de la primera de una serie de Louis Vuitton, sería versionado por artistas de la talla de Takashi fulgurante carrera parecía parar en seco, Marc creó para Perry colecciones de prêt-à -porter con el sello Vuitton. Murakami, el pionero en este aspecto. La consecuencia fueron las largas esperas para comprar una de sus creaciones, las decepcio- Ellis la colección Grunge, el escándalo se cernía sobre él: las malas Esta decisión hacía que la incertidumbre se cerniera sobre el nes al no ser convocados para sus desiles, incluso el robo de una críticas y el pésimo número de ventas parecía condenarlo al más futuro de la Maison y el mundo de la moda, provocando una de sus colecciones, como la primavera-verano 2012. puro ostracismo social. Era fulminantemente despedido. Parecía tremenda convulsión. En el aire lotaban preguntas como: que los focos se habían apagado... ¿Estaría a la altura? ¿Querría cambiar la Maison para hacerla No hemos de olvidar, por otra parte, que un ejemplo de la gran Pero una vez más el destino le tenía reservada una grata sorpresa más transgresora e incluso vulgar? ¿Sería este diseñador tan fuerza de un creador excepcional como Jacobs es que a la vez que Louis Vuitton Marc Jacobs exhibition de la magnitud de los denominados Óscar de la moda, el premio libre a la par que irreverente y audaz el que se opondría, en una Les Arts Décoratifs, París se adentraba en lo más profundo de Louis Vuitton casa de modas, CFDA’S, el Women’s Designer of the Year Award, galardón que casa marcada por la clase, a las buenas formas? Pero todo lo con- ©Luc Boegly. Image courtesy decidió junto a su gran amigo y socio Robert Duffy llevar a cabo recibiría a lo largo de su carrera hasta en un total de siete ocasiones. trario: Jacobs hizo que tanto él como la propia Maison salieran of Les Arts Décoratifs la creación del que hoy es otro de los imperios de moda, su propia

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04 04 marca, Marc Jacobs, a la que luego se uniría Marc by Marc Jacobs e incluso una línea para niños, además de las múltiples colaboraciones con diferentes organizaciones no gubernamenta- les, como es el caso del apoyo a los matrimonios homosexuales o la campaña de camisetas en apoyo de la lucha contra el cáncer de piel. También despertó la polémica, por ejemplo con el caso del perfume Lolita, cuya campaña protagonizaba una Dakota Fanning de diecisiete años que para algunos resultó excesivamente lolita… Una vez más era perdonado y volvía al olimpo de los dioses, de donde nunca caerá. Pero por encima de todo, de premios, de éxitos, de grandes desiles, cabe destacar a la persona, al ser humano, a ese ente no contaminado por las llamas del éxito, a ese muchacho que viste con una libertad absoluta, del mismo modo que no viste a las mujeres con prototipos, sino que diseña para ellas de manera que los trajes se adapten a los cuerpos, como él mismo ha declarado en alguna ocasión, para que se fundan en perfecta armonía sin buscar artiicios ni disfraces. Marc Jacobs ha tenido la capacidad de conservar la ilosofía de Louis Vuitton de agasajar a sus clientas y ofrecerles todo tipo de sueños sin apartarse de ese lujo reinado y medido y sin que estos conceptos resulten antagónicos, haciendo emerger a la mujer por ella misma, sin artiicios, solo con clase. Por las mujeres, por todas las mujeres por Marc Jacobs•

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Louis Vuitton Marc Jacobs exhibition Les Arts Décoratifs, París ©Luc Boegly. Image courtesy of Les Arts 04 Décoratifs 04 Louis Vuitton Marc Jacobs exhibition Les Arts Décoratifs, París ©Luc Boegly. Image courtesy of Les Arts Décoratifs

Marc Jacobs. Paris Fashion Week, 2012 ©Paris Fashion Week Image courtesy of Paris Fashion Week

Louis Vuitton Marc Jacobs exhibition Les Arts Décoratifs, París ©Luc Boegly. Image courtesy of Les Arts Décoratifs

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04 04 SEXO, MENTIRAS Y PAS DE DEUX EL PSICOBALLET EXPRESIONISTA DE Kenneth MacMillan

Por Pedro Calleja 1. UNA MUERTE DE PELÍCULA. El próximo mes de octubre se cumplirá el vigésimo aniversario de la muerte de Sir Kenneth MacMillan. Casi todos los artículos que se han escrito sobre su vida y obra en las últimas dos décadas comienzan describiendo al detalle las curiosas circunstancias que rodearon aquel trágico suceso. El coreógrafo inglés falleció de un paro cardiaco durante la representación de uno de sus ballets más representativos, Ma- yerling, en el Covent Garden de Londres, el 29 de octubre de 1992. Su cadáver fue hallado en una zona poco frecuentada del backsta- ge. Al inalizar la función, un portavoz del teatro salió al escenario para dar la mala noticia a los miles de espectadores que ya aplau- dían y vitoreaban a los auténticos protagonistas de la noche, Irek Mukhamedov y Viviana Durante, que acababan de interpretar divinamente al Príncipe Rudolf y a su amante adolescente Mary Vetsera. Un silencio sepulcral invadió el patio de butacas y se extendió por palcos y plateas. Por un momento, la icción se hizo realidad y la realidad se hizo icción. “Que Mayerling comience y termine con un entierro clandestino y que MacMillan muera pre- cisamente mientras se representa este ballet seguro que signiica algo”, pensaron muchos balletómanos presentes en la sala. Así se forjan las leyendas. A MacMillan se le suele relacionar con lo sensacionalista y lo morboso. Muchos le consideran el principal introductor de temas truculentos –como la agresión sexual, el asesinato, los abusos de la guerra o los desórdenes mentales– en el, hasta hace relativamente poco, limitado canon argumental del ballet clásico. Se habla más del lado oscuro y transgresor de su obra que de su talento como coreógrafo de inspiración académica. Quizás sea esa la razón de que, veinte años después de su muerte, MacMillan siga siendo un artista incomprendido, aunque, por fortuna, sus ballets, admi- 42 rados hasta el delirio fanático por unos y despreciados con furor 43

DANZABALLET irracional por otros, continúen siendo representados y redescu- DANZABALLET biertos por las nuevas generaciones. Kenneth MacMillan. Photographer Anthony Crickmay, courtesy of the 04 Royal Opera House 04 04

45 DANZABALLET Marianela Nuñez in Elite Syncopations in Nuñez Marianela ©Johan Persson, courtesy of the Royal Opera House

- - - Manon de autor, (1989), y, (1989), y, en diagonal. en diagonal.

Apollo's Angels que es como un Different Drummer. Different Drummer. . Sin ir más lejos, ir más lejos, . Sin desaforado. Y, claro desaforado. Y, de Margot Fonteyn y de Margot Fonteyn Quedé subyugado por la la por subyugado Quedé . Mi recién estrenada pasión Mayerling, Manon. Arlene Croce, confesó por escrito macmillanismo Romeo y Julieta en su totalidad, interpretado por otros en su totalidad, interpretado en movimiento y sus iguras ¡El Manon glissés The New Yorker, The New Yorker, La Bella Durmiente. añadiendo toques de danza contemporanea y experi añadiendo toques de danza contemporanea “quiso convertir el ballet en algo brutal y realista, brutal algo en ballet el convertir “quiso en el dormitorio de dormitorio el en Out of Line. A Portrait of Sir Kenneth MacMillan of Sir A Portrait of Line. Out Romeo y Julieta. Mayerling en varias ocasiones no entender sus propuestas Más recientemente, Jennifer Homans, la autora del, por otra coreográicas. parte, magníico libro sobre la historia del ballet, de autor el que tapujos sin airma 2010), House, (Random mentando con las habilidades particulares de cada bailarín, pero de cada bailarín, mentando con las habilidades particulares con las puntas, con la base, con la tradición, rompe con que nunca Petipa y con CRÍTICOS LOS DE ODIO EL 3. el chocó de frente con todo MacMillan por el Estilo balletómana aparato crítico. El mismo que pretende, desde inales de los años intenciones del coreógra cincuenta, desvirtuar el trabajo y las lo mucho que se ha escrito fo. Primero, me sorprendió descubrir y publicado sobre MacMillan en las últimas cinco décadas; pro ha obra su que generalizado rechazo el extrañó me después, vocado y aún provoca entre una amplia mayoría de estudiosos de la danza clásica. en lo que respecta se llevan la Palma Los críticos norteamericanos anti-MacMillan. Mi admirado Edwin Denby, a virulencia por ejemplo, considerado el Maestro de la crítica balletómana yanqui, nunca se tomó la molestia de ver sus ballets. La Gran Sacerdotisa de y en un arte teatral que relejase el desencanto de una generación y sacase a la luz sus propias y retorcidas emociones”. Y añade: “(MacMillan) redujo el elocuente lenguaje del ballet a una serie de gruñidos apenas audibles”. que A MacMillan le afectaban mucho las malas críticas. Tuvo enfrentarse a ellas durante toda su carrera. Y no siempre pudo o supo hacerlo sin dañar su salud, su estabilidad emocional y su economía doméstica. En el interesantísimo documental de la BBC, meticulosamente concebida, emocionante a rabiar y sin aparente meticulosamente concebida, emocionante fecha de caducidad. para mí, como me imagino Muy pronto, MacMillan se convirtió, sensualidad de sinónimo en seguidores, sus de muchos otros para sus ballets, los camisones estética y verosimilitud narrativa. En sus emociones con sustituyen a los tutús, los bailarines expresan está casi siempre ligada todo el cuerpo, y la dirección artística Una coreografía, por a la puesta en escena y a la coreografía. las convenciones de la cierto, que algunas veces lleva al límite danse d'école, está, y Christopher Gable, el de Seymour el de Lynn Rudolf Nureyev, Eagling! Una obra maestra Alessandra Ferri y Wayne sobre todo, en el monumental libro biográico Nunca había visto nada tan sensual y tan íntimo en el ámbito de nada tan sensual y tan íntimo en el ámbito Nunca había visto erotismo puro era Aquello convencional. corte de clásica danza la de deshecha a todas horas, con una pareja de cuarto barato y cama sexual dejándose llevar por la pulsión enamorados adolescentes escena sugerente y creíble al mismo tiempo. del momento. Una No tardé en ver de concentrado vitamínico bailarines maravillosos. Y luego, bailarines maravillosos. belleza belleza de los pasos, la sutileza de los gestos y la luidez de caricias, sus trasmitían que la verdad emocionó Me encadenados. los sus sus abrazos, 2. SIEMPRE HAY UNA PRIMERA VEZ yo empecé a interesarme por la igura de Kenneth el primer bailar Acosta Rojo y Carlos ver a Tamara después de MacMillan pas de deux Kenneth MacMillan, 1971. MacMillan, Kenneth Standard/Hulton Jones—Evening Roy Archive/Getty Image 04

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. ------Manon Isadora (1975). Das Lied von der Lied Das (1980), (1972), (1976), en memoria memoria en (1976), Triad Gloria . Harto de guerras de de guerras . Harto con música de Gustav The Four Seasons Requiem (1978), (1971), (1983), entre otros. Volvió a repetir (1983), entre otros. Volvió (1974) o Anastasia Song of the Earth, Mayerling Valley of Shadows Valley Elite Syncopations más conocido como Nureyev quienes lo bailaron en la noche del estreno (al inal de la saludar pareja tuvo que salir 43 veces a representación, la mítica un aplaudirles. ¡Todo de entusiasmado, que no paraba público al record!). 7. EL EXILIO ALEMÁN Y EL REGRESO TRIUNFANTE la Royal trato recibido por los altos cargos de Descontentos con el y Seymour emigraron a Alemania. Opera House, MacMillan A inales de 1965, por expreso deseo de Cranko, que entonces coreograió Kenneth Stuttgart, de ballet el dirigía Erde, (1974), despacho y críticas sin fundamento, MacMillan abandonó la dirección del Royal Ballet en 1977. A partir de entonces, compa Además, a nivel personal, su vida dio un giro de 180 grados en aus pintora una Williams, Deborah con casó se que en año 1974, traliana que estudiaba arte en la capital británica. 8. LOS AÑOS ÚLTIMOS DORADOS ginó los proyectos personales con los encargos en el extranjero. Para el Royal Ballet creo (1981) y riencia resultó desastrosa. a las drogas que le sumi Deprimido, alcoholizado y enganchado 1970. en Londres a regresó MacMillan psiquiatras, sus nistraban en la escena balletómana En un golpe de teatro que causó estupor House le ofrecieron mundial, los directivos de la Royal Opera del Royal Ballet, el cargo de Director y Coreógrafo Residente gran peso Ashton, el Sir Frederick idolatrado del en sustitución pesado del ballet británico. Ballet, que se extendió Durante su mandato al frente del Royal hasta 1977, MacMillan soportó todo tipo de agresiones físicas los frentes más diversos. y verbales. Le llovieron golpes desde sus rechazaban House Opera Royal la de mandamases Los montajes. Los bailarines propuestas. El público abucheaba sus coreografías. sus con cebaba crítica se La huelgas. convocaban del Covent Garden La crisis económica obligaba a los gestores a hacer recortes. Una señora llegó a perseguirle por todo Nueva haciendo ruidos de vómito a sus espaldas. York En medio de este ambiente enrarecido, MacMillan logró enrique cer el repertorio de la compañía con obras de George Balanchine, Hans van Manen o John Cranko, Jerome Robbins, Glen Tetley, Él mismo estrenó ballets que hoy siguen represen Neumeier. tándose con éxito, como Mahler. De 1966 a 1969, el coreógrafo inglés se hizo cargo de la de cargo hizo se inglés coreógrafo el 1969, a 1966 De Mahler. Estatal de Berlín, en la dirección artística del ballet de la Opera del Oeste. La expe zona controlada por el gobierno de Alemania de su amigo Cranko, fallecido en un accidente aereo en 1973. Y American del Asociado Director de ejerció Unidos, Estados en Ballet Theatre, trabajando con estrellas como Mikhail Barysh nikov o Natalia Makarova. con el ballet de Stuttgart, estrenando - - - - - The The que Journey à la mode con la diva lirt lirt Romeo y Julieta durante la primera (1954) y, sobre todo, (1954) y, . Kenneth entró ense Stephen Daldry, 2000), la Stephen Daldry, de Seymour y Christopher Laiderette una época de vacas lacas compara pas de deux La Bella Durmiente (1953), (1955), un encargo personal de De Valois con (1955), un encargo personal de De Valois thatcherismo, Billy Elliot (Billy Elliot, Billy Elliot (Billy Elliot, Somnambulism (1960), sobre la iniciación sexual de dos adolescen dos de sexual iniciación la sobre (1960), (1958), en el que se describe a un grupo de personas en personas de grupo un a describe se que el en (1958), guida a formar parte de la compañía estable del Sadler's Wells estable del Sadler's Wells guida a formar parte de la compañía En poco más de dos Theatre (germen del futuro Royal Ballet). Destacaba por su gran años, se convirtió en un bailarín excelente. 19 añitos, interpretó En 1949, con y su aspecto lánguido. estatura el papel de Florestán en a Margot Fonteyn gira americana del Royal Ballet, que convirtió en una estrella internacional. Kenneth comenzó a A principios de la década de los cincuenta, en peligro su futuro sufrir ataques de pánico escénico poniendo mejores amigos, el joven como bailarín. Animado por uno de sus Sudáfrica pero formado, coreógrafo John Cranko, nacido en MacMillan Theatre, Wells Sadler's del escuela la en él, como probó suerte como coreógrafo. Sus primeros trabajos causaron sensación: Gable, pero, por motivos empresariales, fueron Fonteyn y Rudolf y Fonteyn fueron empresariales, motivos por pero, Gable, Danses concertantes música de Stravinsky. A punto de cumplir los 30, y después de tener un MacMillan y Seymour asentaron las bases estilísticas del Royal Ballet de los años sesenta, acentuando la expresividad de los bailarines, el realismo de la puesta en escena y el gusto por la ex perimentación coreográica. El grado máximo de compenetración lo alcanzaron en 1965, con una versión de sentó cátedra y entusiasmó al todo el ballet basándose los público. MacMillan coreograió años, falsiicó la irma de su padre para solicitar por carta Sadler's del ballet de escuela la en estudiar permitiese le que beca una hizo le persona en Valois de Ninette Londres. en Theatre, Wells Margot colocándolo en la barra entre una prueba de admisión, Logró ser admitido. Fonteyn y Beryl Grey. a las del MacMillan recuerdan mucho Las peripecias del pequeño protagonista de 6. DE BAILARÍN A COREÓGRAFO tes a cargo de dos adultos (con violación de la chica incluida). Lynn canadiense bailarina joven la protagonizó los ballets Ambos que se convirtió en su musa. Seymour, ble a la Gran Depresión de los años treinta o al paréntesis bélico ble a la Gran Depresión de los años treinta minero en paro, lo mismo de 1939-1945. El padre de Billy es un que el de Kenneth. En la icción cinematográica, la profesora de cultura para que permita danza convence a este hombre rudo y sin Exactamente igual que a su hijo asistir a sus clases gratuitamente. en la vida real. hizo la señora Adams con el señor MacMillan película ganadora del Oscar que describe el despertar artístico de artístico despertar el describe que Oscar del ganadora película años los en ambientado está ilm El danza. la para dotado niño un más oscuros del de la danza norteamericana Nora Kaye, para quien creó (1957), MacMillan consolidó su estatus de coreógrafo apadrinado por el Royal Ballet, mimado por la crítica y admirado moldes: que rompieron trabajos dos la profesión, con por Burrow cerradas en un lugar sórdido que se despedazan entre sí, y Invitation . ------de Fred fan marginado y mal . A MacMillan se le . A MacMillan se freak Michael Powell y Emeric el extraño, el extranjero, el mirón, el extraño, el extranjero, (Faber and Faber, 2009), escrito (Faber and Faber, es un yonqui que se pincha sobre outsider: Mayerling Las zapatillas rojas (The Red Shoes, Sarah Lamb & Ryoichi Hirano in Concerto in Hirano & Ryoichi Lamb Sarah Royal Opera House courtesy of the ©Johan Persson, MacMillan The Life of Kenneth entre toca este delicado tema en profundidad, se por Jann Parry, otros muchos. 4. QUE SE LEVANTE EL ACUSADO y por el sexo, la violencia, la muerte reprocha estar obsesionado ballets sus todos casi En inestables. mentalmente personajes los aparece la igura del el que no encaja, el pez fuera del agua, el el que no encaja, el tratado por la sociedad. Los personajes femeninos suelen sufrir tratado por la sociedad. Los personajes zarandeadas de un lado abusos de todo tipo. Las bailarinas son arrastradas por el suelo, a otro por varios hombres. Muchas son son manipulados de forma agredidas, ultrajadas. Sus cadáveres disfru ellas parecen algunas de todo es que Y lo peor de obscena. tar con el maltrato. El protagonista de Pressburger, 1948). Su padre tuvo que dejar la mina por culpa Pressburger, de los gases venenosos inhalados en el frente durante la Primera Guerra Mundial. Luego se arruinó criando pollos y acabó en la miseria y alcoholizado. Su madre sufría ataques de epilepsia y falleció repentinamente cuando Kenneth tenía 12 años. un pueblo costero del norte, El niño creció en Great Yarmouth, bombardeado frecuentemente por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial. Le gustaba el cine, era torias transcurre en lugares nada atractivos, como campos de torias transcurre en lugares nada atractivos, concentración, manicomios de in de siglo y burdeles de ínima sobre el escenario, en categoría. Las violaciones se perpetran vivo, en tiempo real, a la vista del público. El propio MacMillan, como igura pública, tampoco despertaba en las ruedas de prensa, demasiada simpatía. Se quedaba callado una actitud esquiva y arro apenas concedía entrevistas, mantenía supo a ciencia cierta si era gante ante los desconocidos. Nunca se tuvo novias, se casó heterosexual, homosexual o bisexual, aunque con una de ellas y fue padre de una hija que creció hasta conver tirse en una adolescente con problemas de bulimia y anorexia. En sus peores épocas, consumió alcohol y pastillas desaforadamente. Y nunca dejó de psicoanalizarse. Por regla general, se dice que utilizaba el ballet como terapia de sus traumas y manías. estos supuestos defectos de MacMillan como artista y co Todos en pleno 2012, a moralina simplista. reógrafo suenan hoy, 5. EL NIÑO QUE SOÑABA CON SER FRED ASTAIRE Kenneth MacMillan nació el 11 de diciembre de 1929, en Dun fermline, Fife, Escocia, el mismo pueblo donde había visto la luz, protagonista tres años antes, la bailarina y actriz Moira Shearer, de el escenario y juega a la ruleta rusa con su amante menor de el escenario y juega a la ruleta rusa sus hermanas; carceleros edad. Hay hermanos que abusan de que son ajecutados por que torturan a sus prisioneras; inocentes de muchas de las his crímenes cometidos por otros. La acción Astaire y tenía dotes naturales para el baile. Tuvo dos profesoras dos Tuvo baile. el para naturales dotes y tenía Astaire de danza: Jean Thomas y Phyllis Adams. En 1943, con sólo 14 04

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49 DANZABALLET L’Histoire de Manon L’Histoire Ballet de l’Opéra national de Paris Anne Deniau / Opéra national de Paris de national / Opéra Deniau Anne Clairemarie Osta (Manon) Nicolas Le Riche (Des Grieux) ------de la pas de deux Primigenio y Esencial Primigenio que ponen la carne de de la escena del dormitorio son pas de deux pas de deux Un pas de deux pas de deux. (1965) es su ballet de tres actos más conocido. (1965) es su ballet de tres actos más sin socavar sus cimientos. . Los ballets de MacMillan se dividen en tres tipos. . Los ballets de MacMillan se dividen (1978), con música de Liszt, se basa en la historia real en la escena del ballet británico”. en la escena del ballet (1974), sobre un delicioso puzzle de músicas de Jules danse d'école gallina: el primero en el dormitorio, que comienza con Manon arrebatándole la pluma a su joven amante, Des Grieux, y culmina y el último, en el que Des Grieux y con un beso arrebatador, Manon, moribundos, destrozados y humillados, chapotean en los original del y ambiguo El espíritu amoral Luisiana. de pantanos trasladado a la escena. está muy bien del Abbé Prevost literario El personaje de Manon descoloca por su aparente mezcla de hermano Su perversidad. y calculada descerebrada ingenuidad vicioso, Lescaut, protagoniza una chispeante secuencia de baile con borrachera en un burdel repleto de prostitutas de folletín de cadente. Mayerling del Príncipe Rudolf, heredero del Imperio Austrohúngaro, oveja escena del balcón y el Marianela Nuñez and Thiago Soares in Romeo and Juliet. Romeoand in Soares Thiago and Nuñez Marianela House Royal Opera of the courtesy Conway, ©Dee absolutas joyas. Manon Massenet, también ofrece dos que provoca inevitablemente su propio Big Bang. Una explosión que provoca inevitablemente su propio de creatividad coreográica que disfruta ampliando los límites de la DEL CHICOS OTROS Y MANON JULIETA, ROMEO, 10. MONTÓN narrativos, de tres actos o Por un lado, están los ballets largos, sinfónicos, con acompaña más; por otro lado, están los ballets miento vocal y temática alegórica o abstracta; inalmente, están mayoría sexuales y violen los ballets cortos de un solo acto, en su divertimento. tos, aunque también hay piezas de puro Romeo y Julieta Utiliza la música de Prokoiev compuesta en 1938. La coreogra para el Bolshoi, en fía se basa en parte en la de Leonid Lavrosky su versión deinitiva de 1946, delicada y espectacular al mismo tiempo, incorporando elementos más ligeros de Ashton y Cranko. Las novedades más destacadas de la versión de MacMillan son, primero, el protagonismo absoluto del personaje de Julieta: una niña que se convierte en mujer tomando decisiones arriesgadas, y segundo, la estructura narrativa, que va de lo general a lo par ticular: la historia comienza siendo coral y acaba concentrándose exclusivamente en la pareja de enamorados. El usaba esos temas para provocar y excitar, para poner en apuros para provocar y excitar, usaba esos temas para a los bailarines y hacerles relexionar sobre su propia psicología la y sexo el supuesto, Por demás. los de la sobre y dad sexuali a punto francesa estaba La Nouvelle Vague estaban de moda. Ionesco e Bond Stoppard, Pinter, Osborne, encima. caernos de ese de la esquina (...) Kenneth inyectó todo estaban a la vuelta Zeitgeist que equivoque. MacMillan es mucho más Pero que nadie se Sus con el tiempo que le tocó vivir. un artista comprometido están maravillosamente ballets siguen fascinándonos porque el mensaje o el decorado bailados. Lo importante es la danza, no a un análisis puramente o las caricias de entrepierna. Reducidos a partir haber sido construidos formal, todos sus ballets parecen sencillo un de . - - Todo eso emparenta a Todo pas de deux... de pas pirados ambos por el impetuoso poderío interpretativo del ruso exestrella del Bolshoi. Irek Mukhamedov, 9. DEL PSICOANÁLISIS A LA REVOLUCIÓN SEXUAL Los ballets de Kenneth MacMillan no necesitan demasiado bien resisten Casi todos ellos para ser disfrutados. aparato crítico el paso de los años. Eso sí, el empeño postFreudiano de MacMi llan por sacar a la luz las frustraciones, los traumas, las carencias, es muy de de sus personajes los miedos y los deseos reprimidos crudeza la y realismo el por apuesta La y setenta. sesenta años los expositiva, en clara oposición al romanticismo de cuento de hadas y de los años sesenta siglo XIX, también es propia del del ballet setenta. La ausencia de criaturas fantásticas y tutús, las referen cias a guerras y desastres contemporáneos, el acento puesto en la sexualidad que destilan los MacMillan con un espíritu rebelde, juvenil y contestatario muy juvenil y contestatario MacMillan con un espíritu rebelde, concreto. “El sexo en la sala de ensayos era algo novedoso –explica la en un texto conmemorativo de 2002, Seymour bailarina Lynn lado de MacMillan–. al experiencias sus primeras recordando Las discusiones cándidas sobre sexo también lo eran. Kenneth

- - - sui Valley of Valley El jardín de los Finzi- (1992), dos de sus The Prince of the Pagodas of the The Prince (1983), adaptación muy (1984), basada en la obra teatral The Judas Tree (1991) y The Seven Deadly Sins Different Drummer de George Büchner, y la ópera homónima de Alan Berg, de George Büchner, (1983), ballet inspirado por la novela la por inspirado ballet (1983), de Giorgio Bassani, y la película homónima de Vittorio de de Giorgio Bassani, y la película homónima de Vittorio del musical cabaretero de Bertold Brech y Kurt Weill, en del musical cabaretero de Bertold Brech y Kurt Weill, Winter Dreams Winter Sica, sobre los horrores de un campo de concentración; la versión televisiva de Contini, El mismo año en que fue nombrado Sir por la Reina Madre, en 1983, descubrió al mundo a su nueva musa, la milanesa de die cinueve cinueve años Alessandra Ferri, para quien coreograió Shadows ballets más personales, opuestos en tonalidad (apasionadamente ins pero otro), el agresivo despiadadamente y uno el romántico generis el que se cuentan las desventuras de una joven aspirante a actriz y cantante, y (1989), con música de Benjamin Britten, ballet que convirtió a la bailarina londinense Darcey Bussell en la nueva Reina del ballet británico. Delicado de salud tras sufrir un par de paradas car Kenneth aún tuvo tiempo de diacas y ser tratado de un cáncer, crear Woyzeck, Woyzeck, cuyo protagonista es un barbero psicópata consumido por los celos. En el último tramo de su vida, MacMillan cumplió un viejo sueño: coreografíar una nueva versión de 04

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------. Lo . (1991), Laiderette (1953), pas de deux. Winter Dreams Winter (1989), Somnambulism (1955), llamaron la atención por su Tampoco tenía la exquisitez y la ele la y exquisitez la tenía Tampoco plisplás. amaneradas, incapaces de imprimir la más la imprimir de incapaces amaneradas, (1992), parecen obras primerizas de un joven Danses concertantes Danses The Prince of the Pagodas mejor?• dramaqueens The Judas Tree prometedor. Entre unos y otros, hay media docena de obras maestras, muchas medianías interesantes, tres o cuatro simpáticas idas de olla, dos o tres gritos de rabia generacional y alguna que sobre otra escandalosa metedura de pata. ¿Quién da más y, todo, madurez estilística; los últimos, los que creó con más de 60 años, mínima verosimilitud heterosexual a sus mínima verosimilitud heterosexual a sus No sólo por al instante. es reconocible El Estilo MacMillan sus virtudes más evidentes –realismo expresionista, inluen cias cinematográicas, puesta en escena teatral, preocupación psicoanalítica, valentía autobiográica, sensualidad corporal, base académica de ballet–, sino por bailarinas fetiche, sus puntos débiles: vulnerabilidad, temeridad, ingenuidad, visceralidad, sinceridad. Sus primeros ballets, los que co reograió con 23 y 24 años, (1954), gancia de Ashton, ni la profundidad de enfoque psicoanalítico gancia de Ashton, ni la profundidad de le superaba en sensua Sin embargo, a Balanchine de Tudor. no eran más y Tudor lidad y dramatismo, y a su lado, Ashton que Anne Deniau / Opéra national de Paris de national Opéra / Deniau Anne Dupont(Manon) Aurélie de Manon L’Histoire national de Paris Ballet de l’Opéra que la exbailarina Monica Mason, Directora Artística, estrechas colaboradoras de MacMillan fue una de las más Historia la en inglés coreógrafo del igura la décadas, durante deinida. estarbien siguesin SigloXX del Ballet del estos que son los que en Los expertos norteamericanos, y la crítica de el campo de la historiografía momentos dominan debajo por muy a MacMillan sitúan moderna, y clásica danza aporta las Incomprensiblemente, Ashton. y Balanchine de Martha Graham y Merce Cunningham ciones rupturistas de británico. Los ballets suelen estar mejor valoradas que las del uno de los an Tudor, psicoanalíticos y pudorosos de Antony también merecen tecedentes directos del Estilo MacMillan, para todos los públicos mayor respeto. Incluso los musicales gimnásticas de Jerome Robbins y las ingenuas performances como MacMillan, elogios. A más acaparan Paul Taylor de Petit, Maurice Béjart, mucho, se le agrupa al lado de Roland y otros ídolos del Eurotrash Boris Eifman Cranko, Neumaier, Pseudoballético. 13. EL SECRETO DE LA ETERNA JUVENTUD cierto es que MacMillan nunca tuvo la musicalidad extrasen cierto es que MacMillan nunca tuvo la de crear miniaturas sorial de Balanchine, ni su soltura a la hora un en abstractas

- - - pas Triad ballan- maravillosos, hits macmillia The Judas Tree solos (1966), con música (1986). En Alemania, En (1986). . En la actualidad, los (1974), con música de El Royal Ballet siempre Ballet Royal El Última salida, Brooklyn (Last Concerto Requiem ragtime. (1975) o Elite Syncopations (1991), con música de Tchaikovsky (y (1991), con música de Tchaikovsky Romeo y Julieta, Manon, Mayerling, Song of que encogen el corazón y un inolvidable de Anton Chejov, repleta de de Anton Chejov, Uli Uli Edel, 1989), adaptación cinematográica de (1978), que describe una retorcida relación incestuo o la contagiosa The Four Seasons pas de deux entre las tres protagonistas femeninas, y junto a reposiciones de piezas menos conocidas, como (1972), siguen sacando partido de las obras creadas por él para el ballet de Stuttgart y la Ópera Estatal de Berlín. Curiosamente, a pesar de la entusiasta postura oicial adoptada en los últimos años por el Royal Ballet, instigada por su anterior incluye en sus temporadas de danza un par de nos, Scott Joplin y otros genios del genios otros y Joplin Scott de trois (1992), con música original de Brian Elias, una salvaje alegoría hipotético un Gnósticos, Manuscritos los por inspirada religiosa y Magdalena, María y Judas Jesucristo, entre amoroso conlicto la escena de la violación colectiva de Exit to Brooklyn, Jr. varios relatos de Hubert Shelby, 12. NI ORO NI NI PLATA BRONCE ballets de MacMillan gozan de una envidiable buena salud. Com pañías de todo el mundo han incluido en sus repertorios títulos de éxito seguro como the Earth My Sisters sa con pinceladas autobiográicas, regresan puntualmente a los arsenal de brillantes ideas escenarios desplegando un inagotable coreográicas. Algunos de los más destacados son varios de Shostakovich, una pieza abstracta de puro virtuosismo de Shostakovich, una pieza abstracta Dreams chiniano; Winter temas tradicionales rusos), adaptación a ballet de la obra teatral Las tres hermanas, - - - corps inal, inal, de la (1965), . De sus solos My Brother, My Brother, pas de trois de pas (1963), basado en con su esposa ofrece Song of the Earth encadenados. Cada escena . Algunos han desapareci pas de deux pas de Las hermanas lashbacks macmilliana de Federico García Lorca, o La sexualidad que rezuman los encuentros protagonizan seis escenas distintas que sugieren distintas macmilliana. La casa de Bernarda Alba, mujer son particularmente hermosos, así como el así hermosos, particularmente son mujer do sin dejar rastro; otros, como digno del mejor Balanchine. Los ballets cortos de un solo acto conforman el grueso de la producción coreográica fases en la evolución vital de los seres humanos. Los recreación balletística del ciclo de canciones compuesto por Mahler a partir de las traducciones alemanas de poemas chinos un hombre, la Muerte y un de la dinastía T'ang. Una mujer, de ballet grafía algunos de los pasos más agresivos y violentos de toda la coreo ballets sinfónicos, el más interesante es 11. LO BUENO, SI BREVE, DOS VECES BUENO con Mary Vetsera es genuina. Una de las perlas del ballet es una es genuina. Una de las con Mary Vetsera danza alegre entre varias mujeres en las estancias de la Reina: es el particular homenaje, con un puntito de ironía, que le hace MacMillan al maestro Ashton. Millan Millan aprovecha el glamour cinematográico del gran pantalla, utilizando ha sido trasladado muchas veces a la suceso, que una estructura narrativa de física y moral del describe un momento clave de la decadencia relacionarse vemos Rudolf, a quien el Príncipe protagonista, y esposa prostitutas, (amantes, mujeres varias con íntimamente madre), drogándose con una jeringuilla o siendo chantajeado por militares golpistas y abusones. El negra de los Habsburgo, que murió en 1889 en muy extrañas negra de los Habsburgo, que murió una casa de campo junto circunstancias, mientras descansaba en El ballet de Mac a su amante menor de edad, Mary Vetsera. 04

50 DANZABALLET El piano DEL ESCEPTICISMO A LA POPULARIDAD

por Ramón Civit Mas

A Bach no le gustó y a Liszt le pareció el rey. El piano, cuestionado en sus orígenes por algunos de sus contemporáneos e idolatrado en el siglo XIX por una nueva clase consumidora de arte, sufre una lógica evolución desde sus orígenes hasta nuestros días. De parecido semblante al de clavicordios y clavicémbalos nacerá el gravicémbalo col piano e forte, un instrumento de nuova invenzione creado por Bartolomeo Cristofori y que sus contemporá- neos tuvieron que aprender a tocar. Esta es su trayectoria. El nacimiento del clavicordio se remonta a la Edad Media y está vinculado a otro instrumento de carácter más bien técnico y experimental: el monocordio. Este tenía un origen pitagórico y, como su propio nombre indica, se trataba de una única cuerda tensada. En ella los teóricos medievales experimentaban, mediante cálculos matemáticos, acerca de la localización y ainación de las notas musicales y realizaban las calibraciones necesarias para conseguir tener un patrón en la ainación del sonido. A partir de la experimentación y del estudio de los sonidos realizado con el soporte del monocordio, se desarrolló un instrumento con inalidad estric- tamente musical y lúdica: el clavicordio. Instrumento en uso desde el siglo xv, consta de una caja armónica de forma rectangular con cuerdas en su interior y un teclado de cuatro octavas aproximadamente (el número podía diferir en épocas, países y artesanos). Al accionarse cada tecla, una lámina de latón, llamada tangente, percutía un par de cuerdas que permanecían en vibración hasta que se soltaba la tecla. Sus características técnicas permitían al intérprete tocar con efectos de vibrato y sutiles diferencias entre fuertes y pianos. Su vulnerabilidad sonora (en referencia a la sutileza del sonido que emitía) lo alejó de la posibilidad de tocar junto a grandes conjuntos instrumentales y lo recluyó, limitándolo a los recitales íntimos, lejos de grandes salas de concierto. Otro instrumento parecido al clavicordio es el clavicémbalo. Se difundió a partir del siglo XVI. Tenía ya la forma de un piano de cola moderno y sus características técnicas lo dotaban de una mayor potencia sonora, que el clavicordio no podía proporcionar. Instrumento en uso durante los dos 52 siglos siguientes, a inales delXVIII se podían encontrar clavicémbalos con 53

DANZABALLET hasta tres y cuatro juegos de cuerdas, según la altura de la nota. Disponer DANZABALLET de varias cuerdas de igual ainación por cada tecla confería al instrumento potencia de sonido pero tenía un coste: en el uso natural de una interpre- tación era fácil que las cuerdas de desainasen de forma irregular, lo cual Grand Piano by Bartolomeo Cristofori requería una ainación constante del instrumento. Asistir a un concierto 04 © Francis G. Mayer/CORBIS de clavicémbalo, incluso hoy en día, implica presenciar en primera línea la 04 04

55 DANZABALLET ------y , a XX XIX Steinway & Sons & Sons Steinway en pleno siglo fan Concert grand piano ©Steinway & Sons . Seguirá siendo protagonista en el siglo en busca de otrosde busca en mundosyotros públicos• XIX Voyager hasta la actualidad. Aunque tal vez no termine ahí su populari dad. Quién sabe si algún día otras civilizaciones, a años luz de la nuestra, lleguen a disfrutar de la interpretación al piano de Glenn Gould, cuya grabación sigue viajando por el espacio dentro de la sonda Esta es la historia de cómo, partiendo de una «cuerda de laborato rio» en la Edad Media, se llegó al instrumento ideado Bartolomeo Cristofori en su taller de los Medici y de cómo se convirtió este en uno de los protagonistas de la primera expresión social de masas en el siglo el caso de Franz Liszt (1811-1886). Este músico húngaro, que el caso de Franz Liszt (1811-1886). su repertorio, fue publici tocará de memoria prácticamente todo Érard durante la gira tado por la fábrica de construcción de pianos entre 1840-1841, en la que que hiciera el músico en Gran Bretaña en el «recién patentado anunciaba que el virtuoso interpretaría a lo que Liszt añadiría «… piano de cola Érard, de siete octavas», con sus siete octavas abarca todo el ámbito de la orquesta, y los diez del intérprete bastan para reproducir todas las armonías pro ducidas para una orquesta de cien músicos». Años después de la gira de Liszt, en 1855, dicha empresa francesa aincada en Ingla terra, aprovechando el mercado británico, contaba con alrededor mil quinientos de fabricación una trabajadores y cuatrocientos de pianos al año, cifras realmente impactantes para la época. En lo referente a Liszt, ciertas anécdotas, con posibles tintes esmaltados era frecuen del piano: de fantasía, giran en torno a este virtuoso te por parte del público aicionado intentar conseguir mechones bebido el intérprete. las que hubiese sus cabellos o tazas en de Estamos ante un auténtico fenómeno más de cien años del surgimiento de los Beatles. ------ent Garden ent , en alusión - - -

- - para piano, escribe la si Escuela de Mannheim Sturm und Drang . El movimiento lite en las orquestas. ¿Acaso habían inven XVIII Sonatine bureaucratique acompañaba a la cantante con «un nuevo instru con «un la cantante a acompañaba decrescendo pianista y del . Otro periodista, en un tono más sarcástico, nos comenta que a las innovaciones musicales promovidas por la orquesta de la a las innovaciones musicales promovidas novedades, el uso del corte de Mannheim, introdujo, entre otras crescendo tado nuevos instrumentos en Mannheim que los habían llevado a tado nuevos instrumentos en Mannheim la adopción de dichas iguras de expresión musical? No era así. estético diferente de un planteamiento se trataba Simplemente conseguir una mayor ex que permitía imitar a la voz humana y del volumen dinámico cuenta que el uso en Teniendo presividad. en el clavicémbalo, era muy sutil en el clavicordio e imposible para el uso dinámico convirtió al piano en el instrumento perfecto llevado al extremo de la emoción interpretativa. Chopin, compositores (Beethoven, A partir de entonces, los y los fabricantes de Field, Liszt,…) con sus composiciones, pianos (Zumpe, Broadwood, Érard, Pleyel,…) con sus mejoras técnicas fecundan la popularidad del instrumento entre las socie dades aristocráticas y burguesas. Se podría decir incluso que en menos de cien años el instrumento años el menos de cien incluso que en podría decir Se ideado por Cristofori no solo había sido aceptado, sino que era el mundo quería hacerse con idolatrado por el gran público. Todo perio Un plazos. a necesario, pagándolo era si incluso, piano, un dista se lamentaba en su artículo aparecido en una publicación londinense de 1846: «… en las familias, el piano ha acabado con la conversación…», lo que asimilaría su popularidad y su inluencia social al impacto que supuso el invento de la televisión en el siglo XX un parisino buscaba apartamento, sin importarle la zona, el único requisito era ¡que no se oyera ningún piano! La epidemia pianís tica era tan importante que incluso el compositor Erik Satie fue cuando vecino su de musical sonora contaminación la de víctima en mitad de su ¿Cuál fue la causa de la creciente popularidad del ¿Cuál fue la causa clavicémbalo a pesar de que piano por encima del de una posición sin duda pri este último partía vilegiada y a pesar de la fría acogida que vilegiada y a pesar la sociedad musical e tuvo el piano entre Hay que hacer intelectual del momento? a un giro en la referencia de nuevo proporcionó corriente cultural que importante una ventaja competitiva irme paso con acercaba Se piano: al e implacable el Romanticismo con su necesi dad de libertad y de emoción. más adap El piano era, sin lugar a dudas, mucho vigente table a la necesidad de expresión musical hacia inales del siglo y la sub que abogó por la libertad de expresión cánones los de alejándose individual, jetividad extremo de la racionalistas, impulsaba al artista al emoción. Otro movimiento, la rario, pictórico y musical del guiente indicación encima de las notas del pentagrama: «Un piano «Un pentagrama: del notas las de encima indicación guiente voisin joue du Clementi» (Un piano vecino toca a Clementi). y musical vida cultural activa en la La nueva clase media, partícipe del momento, ijará su atención en sus ídolos virtuosos, como es patente en la publicidad de un concierto de 1767 en Cov en 1767 de concierto un de publicidad la en patente el donde mento llamado Piano Forte». Según el musicólogo inglés Charles Charles inglés musicólogo el Piano Forte». Según llamado mento Burney (1726-1814), la llegada de Johann Christian Bach a In que «… todos los barroco motivó del gran maestro glaterra, hijo a mecánicos poderes sus aplicasen clavicémbalos de constructores Bach a quien a Johann Christian Es justamente los pianofortes». se le atribuye, enel 1768, primer recital para piano solo. - - - por el ©Private Collection Gustave Caillebotte, 1876 Caillebotte, Gustave Giornale de’letterati d’Italia Giornale de’letterati fori se estableció en Florencia como constructor de instrumentos fori se estableció en Florencia como constructor de construcción en la experto era un época ya esta (en musicales di Medici, que era clavicordios…) para el príncipe Ferdinando aicionado. clavicordista un cia como aprendiz en la construcción de instrumentos de cuerda cia como aprendiz en la construcción en 1680. En 1688, Cristo en casa de Niccolo Amati, en Cremona, ción de pianos, pero todavía la novedad del instrumento quedaba Tambaleándose en su nacimiento, tomando nuevas formas físicas Tambaleándose piano años, el los siguientes de lo largo a y mejoras técnicas rivaliza directamente con el clavicémbalo hasta que en la década supredecesor. de situarsepor delante a 1760 de empieza construc en líder país el era 1760, de década esta en ya Inglaterra, El nuevo instrumento creado por Cristofori, con una popularidad El nuevo instrumento creado por Cristofori, sutil sonoridad y a la necesidad de nuevos restringida debido a su traspasó fronteras interpretes especializados en este instrumento, gracias a un artículo escrito en el historiador, dramaturgo y erudito Scipione Maffei, en 1711, en el que se elogiaba la creación de Cristofori. El texto, traducido al alemán en 1725, llega a manos de Gottfried Silbermann (1683- 1753), constructor de órganos y claves. Su interés por el nuevo instrumento va en aumento, primero, siguiendo el modelo de la descripción que realiza Maffei en su artículo, y posteriormente, haciéndose traer desde Florencia uno de los instrumentos cons respecto al original mejoras ciertas Tras truidos por Cristofori. de uno de delante sienta se quien Bach S. J. mismo el es lorentino, los instrumentos de Silbermann, lo prueba y ofrece un veredicto tibio, acogiendo el nuevo instrumento con cierta prudencia, según comenta, por su debilidad de sonido en su registro agudo. Puede llamarnos la atención la reticencia al nuevo instrumento por parte pero no es una opinión aislada entre sus de este genio creador, este de vida de años primeros los serán que lo en contemporáneos más ventajas veían intérpretes no le Otros instrumento. nuevo que las de acompañar a los cantantes en sus ensayos. Incluso el de instrumento «el ser por critica lo 1774, el en ya Voltaire, mismo un calderero cuando se lo compara con el clavicémbalo».

- - - - - . Ha nacido Piano , conocido en su tiempo Gravicembalo col piano e forte Cristofori , pero sí se menciona su posible presen y hoy en día se ha reducido a Christofani Pianoforte, de esta forma el primer Piano que deberá convivir y competir con el hegemónico clavicémbalo durante más de medio siglo, hasta derrotarlo. ¿Qué se sabe del inventor del piano moderno? No se conoce de masiado acerca de la infancia de (clavicordio con suave y fuerte). Poco después su nombre se re se nombre su después Poco fuerte). y suave con (clavicordio duciría a también como cémbalo surgía una nueva forma de expresión cultural que sería el detonante para la aparición del gran rival del clavicémbalo y que inalmente acabaría con su hegemonía. la música y el teatro nace la Ópera. Su evolución hacia nuevas A caballo entre formas de expresión intensiicó la necesidad de crear un instru instrumento Un expresivo. más sensiblemente teclado de mento en el que se combinase la potencia sonora del clavicémbalo para poder utilizarlo en teatros y escucharlo junto a la potente voz de los cantantes del nuevo género y la capacidad dinámica de los recursos los fuertes y pianos para emular instrumentalmente vocales de dichos cantantes. Este género vocal irá aumentando su vida la en inluencia máxima su ejercer a llegar hasta popularidad XIX. instrumental del Fue Bartolomeo Cristofori (1655-1731) quien en 1709 creó este «nuevo» instrumento que se denominó ainación ainación en «directo» del instrumento, y no por un ainador de era sonido El intérprete. mismo el por sino profesional, pianos después cuerdas las punteaban que plectros por los producido a la que se lleva a cabo al de accionar las teclas (acción similar un apagador entraba en tocar una guitarra con púa). Al soltarlas, su vibración cuando estas contacto con las cuerdas y evitaba así el clavicémbalo estaban en reposo. A diferencia del clavicordio, de fuertes y pianos, no podía permitirse las sutilezas dinámicas hizo de él un instrumento pero su sonoridad incisiva y brillante y la interpretación muy adecuado para la polifonía del barroco tanto a solo como en conjuntos instrumentales. del clavi No obstante, simultáneamente al desarrollo y éxito 04

54 DANZABALLET Tres ballets, tres brujos por María La Placa

SON TRES BRUJOS LOS QUE PONEN EN MOVIMIENTO LA TRAMA DE TRES DE LOS BALLETS MÁS GRANDES DEL REPERTORIO CLÁSICO:

DROSSELMEYER EN EL CASCANUECES VON ROTHBART EN EL LAGO DE LOS CISNES CARBOSSE EN LA BELLA DURMIENTE

56 57 DANZABALLET DANZABALLET

Genesia Rosato as Carabosse The Sleeping Beauty - Royal Opera House 04 Photo Johan Persson, courtesy of the Royal Opera House 04 04

59 DANZABALLET - - Photo MIRA, courtesy of the American Ballet Theatre Marcelo Gomes as Von Rothbart in Swan Lake, Act III. Lake, Swan in Rothbart Von Gomes as Marcelo hacer venias y gesticulaciones exageradas para imponer castigo a quienes la dejaron fuera de la celebración. Este personaje de una belleza macabra, fascinante e inquietan te a la vez, lamentablemente no tiene derecho siquiera a una coreografía especial ni a lucir su poder danzando espectacular mente sobre puntas o haciendo —en el caso de estar representada por un hombre— saltos y giros que hagan, obra. Posiblemente el en esta su papel más relevante hablando, coreográicamente machismo loreciente en los tiempos en que se creó este ballet no admitía tener un personaje femenino tan fuerte, con danzas que podrían haber resultado excesivamente desaiantes para el gusto de la época. sido desterrada del nido de de que al haber Da la impresión hadas, bailar sobre puntas le hubiera sido negado, privilegio - - En la versión llevada al ballet, durante el bautizo de Aurora, la princesa, Carabosse llega sin ser invitada, interrumpiendo la ce lebración. Furiosa al sentirse excluida una vez más, lanza una maldición sobre Aurora: que al cumplir los dieciséis años se pinchará el dedo con el huso de una rueca y morirá. Carabosse es el hada número trece, que nació un minuto después del hada Lila, su hermana, quien al ser la número doce obtuvo el derecho a ser el hada jefe. Siempre celosa, se convirtió en la hermana insoportable y fue expulsada para vivir sola en el bosque junto a los seres de la os curidad. Han sido muchos los intérpretes de Carabosse, normalmente bailarines hombres que no hacen ninguna danza y se limitan a . . - - - - - ), el ), Sole, Luna, e Luna, Sole, La bella dur bella La La malvasía El pentamerone con su lucha entre el titulada (El velo robado), (El fue encargado a Tchaiko El lago de los cisnes, La bella durmiente, bella La El lago de los cisnes . Der geraubte Schleier Cisne negro . La obra de ballet se estrenó en 1890 en el Teatro Mariinski . La obra de ballet se estrenó en 1890 en el Teatro , escrita en dialecto napolitano por Giambattista Basile y que The Nutcracker. Damien Welch as Drosselmeyer. as Welch Damien Nutcracker. The by Jeff Busby Photo 2010 by the Australian Ballet, Performed hada mala no existe y es un astrólogo quien les vaticina a los reyes que su hija se pinchará con una espina de lino. Los hermanos la a ella en incluyendo historia, esta adaptaron también Grimm bruja. Talia ( hadas de cuentos cincuenta de parte forma miente de San Petersburgo con la coreografía de Petipa, libreto de Ivan A. Vsevolojsky y del mismo Petipa y música de Tchaikovsky. El libreto está basado en el cuento del mismo nombre escrito por Charles Perrault, que fue quien dio vida a este personaje, pues en la versión original de CARABOSSE, EL HADA DESTERRADA Carabosse o Maléica, como se es la bruja que desencadena la historia de Disney, la conoce por la película de cisne blanco a quien Rothbart ha hechizado para que sea un cisne Rothbart ha hechizado para que sea cisne blanco a quien podrá por la noche. La bella Odette solo durante el día y humana amor jure le ame ella quien cuando encantamiento del liberarse eterno. alemán en un cuento del escritor El libreto se basa Musäus August y también en el cuento popular ruso y también en vsky por la Ópera de Moscú, siendo este uno de sus ballets más de Moscú, siendo este uno de sus ballets vsky por la Ópera aún más notoriedad por conocidos y que actualmente ha ganado la película Rothbart aparece como un En la mayor parte de la obra, Von humana en la escena con enorme pájaro. Se representa su forma Sigfrido haciéndo su hija Odile, cuando ella baila con el príncipe engaño y le declara amor se pasar por Odette. Sigfrido cae en el muy cruel, se deleita mos eterno al cisne negro. Rothbart, que es preciso momento el bailarín En este trándole a Sigfrido su error. hacer su mejor esfuerzo que interpreta al siniestro personaje debe malvado, revelar brujo de su papel en convincente resultar para con una ejecución im sus dotes teatrales y mantener la tensión con una majestuosa capa pecable. Como recurso estético cuenta especial que le brinda un que lo cubre hasta el suelo y un tocado aire de superioridad. Claramente, la historia de blanco y el negro, simboliza esta polaridad, que es análoga a las blanco y el negro, simboliza esta polaridad, noche, verano e invierno, existentes entre luz y oscuridad, día y lucha contra los poderes consciencia e inconsciencia. El amor que consigue sacriicio propio su de través a solo que y oscuridad la de nuestra propia sombra, nuestro Rothbart representa erradicar. lado oscuro, ese que nos negamos muchas veces a reconocer pero que acecha implacable; el lado oscuro manifestado en forma de avaricia, lujuria y ansias de poder que convive con nuestro otro lado luminoso. La historia también nos enseña que no existe otro estado en el que nos sintamos más nobles, más elevados y puros amamos cuando que mal todo de libres creamos nos que el en y desde lo más profundo de nuestro corazón. Como obra de ballet, Como obra de ballet, ------. (1892) ballet basado ballet (1892) , Drosselmeyer es inter El cascanueces El cascanueces y el rey de los ratones El carcanueces pretado como un personaje un tanto más siniestro que en las versiones más tradicionales. Como contraste, en otras se nos otras como un en y misterioso, como un mago más presenta existen variantes anciano más juguetón y hasta ridículo. También en el relato de la historia. Pero sea cual fuere la versión, vemos trans de fundamental papel el tiene Drosselmayer todas en que portar a Clara y al cascanueces a un mundo iniciático en donde tendrán que enfrentarse a sus propios temores y sombras para poder encontrarse a sí mismos y lograr con éxito el tránsito de la infancia a la edad adulta. Este ballet es hoy considerado el clásico navideño por excelen Este ballet es hoy considerado el clásico transformación; el cuento cia, hubo de atravesar un proceso de al francés por Alejandro original de Hoffmann fue traducido con ballet de argumento en convertido luego y padre Dumas y coreografía atribuida, por unos, a Lev música de Tschaikovsky y por otros, a Marius Petipa y luego de que George Ba Ivanov, de la ciudad de Nueva lanchine la estrenara en 1954 con el Ballet se hizo muy popular en los Estados Unidos de Norteaméri York, ca y en muchos países occidentales. encargado una vez el fue Drosselmeyer La historia relata que oicial de poner trampas para la plaga de ratones que azotaba el serie de incidentes que reino; este encargo lo llevó a sufrir una fuera víctima de un culminaron en que su sobrino, el príncipe, de madera. Siendo hechizo y se convirtiera en un cascanueces en vencer humana condición su recuperar de forma única la que entre otros combate al rey de los ratones, Drosselmeyer, cuanto hará todo vida a los juguetes, arte de dar posee el poderes la Clara, de manos en poniendo sobrino su a recuperar por pueda niña que protagoniza esta historia, a su apreciado cascanueces y dando de esta manera inicio al argumento de la obra. En algunas versiónes de Von Rothbart representa la gran sombra, el ave de las tinieblas, Rothbart representa Von el brujo que practica magia negra. Egoísta y déspota, es un per sonaje nefasto que tiene atrapadas a muchas jóvenes a quienes ha relejo su es negro, cisne el Odile, hija Su cisnes. en transformado en femenino y a la vez antagonista central de la reina Odette, el VON ROTHBART, EL AVE NEGRA EL AVE VON ROTHBART, DROSSELMEYER, EL MAESTRO GUÍA DROSSELMEYER, Como igura de misterioso brujo o maestro iniciático tenemos al padrino de Clara y Fritz, personajes todos concejal Drosselmeyer, Tchaikovsky de ballet del ellos en el cuento de Hoffmann 04

58 DANZABALLET 04

61 DANZABALLET 12, 13 y 14 días Revelations Theatre y 2013 En L’Auditori de Cornellà En L’Auditori En el Gran Teatre del Liceu En el Gran Teatre Abril En el Teatre-Auditori St Cugat En el Teatre-Auditori En L’Auditori de Cornellà En L’Auditori Drama Queens En el Gran Teatre del Liceu En el Gran Teatre

En el Gran Teatre del Liceu En el Gran Teatre En L’Auditori de Cornellà de En L’Auditori 8, 9 y 10. En el Teatre-Auditori de Sant Cugat En el Teatre-Auditori En el Gran Teatre del Liceu En el Gran Teatre días 2013 www.liceubarcelona.cat El arte de la fuga 2013 días 9 y 10 Febrero CONCIERTOS Bejun Mehta Orquesta Barroca de Friburgo Diciembre 2012 día 3 Viñas» Concierto Final Concurso «Francesc Enero 2013 día 18 y 20 Jordi Savall Le Concert des Nations día 15 2013 Febrero Joyce DiDonato · Il Complesso Barocco Marzo 2013 día 6 Ciclo «Liceu en el Palau» / Dale Clevenger Josep Pons 2013 día 25 Febrero Enero 2013 días 10 y 27. Junio 2013 día18 Conciertos en L’Auditori / Pablo González Josep Pons Marzo EL PETIT LICEU Così FUN tutte Octubre 2012 días 6 y 7 Guillem Tell Octubre 2012 días 14 y 20 El Superbarber de Sevilla Diciembre 2012 días 15 y 16 con IT Dansa Petruixka 2013 día 2 Febrero Enero 2013 días 26 y 27. Vivace Allegro Marzo 2013 días 3 y 10 els peus a la Lluna Amb Marzo 2013 días 23 y 24 Els músics de Bremen Abril 2013 días 7 y 14 La casa flotant y 28 Abril 2013 días 27 La Ventafocs Mayo 2013 días 11 y 12 DANZA American Alvin Ailey Dance Theater Stories Love Festa Barocca, y 15 Septiembre 2012 días 13, 14 American Ballet Don Quijote y 28 27 Octubre 2012 días 24, 25, 26, Ballet del Teatro Nacional de Praga de Navidad El cascanueces, un cuento 24 y 25 Noviembre 2012 días 22, 23, Ballett am Rhein Düsseldorf Duisburg

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Hasta el 29 de junio A partir del 9 de juliol Venta de abonos

Der fliegende Holländer Der fliegende Festival Bayreuthen el Liceu Venta de localidades en versión concierto en versión concierto 1, 2, 4 y 5 Abril 2013 días 20, 22, 23, 25, 26, 28 y 29. Mayo 2013 día 2 Abril · Robert Carsen Josep Pons Albert Dohmen / Jason Howard, Ralf Lukas, Streit, Ain Anger / Marcel Reijans, Kurt Andrew Shore / Kristinsson, Friedemann Röhlig, Ante Jerkunica / Bjarni Thor Mihoko Fujimura / Katarina Karnéus, Erika Wueschner, Oleg Bryjak, Mikhaïl Vekua, Maria Hinojosa. Weissmann, / Nadine Ewa Podles Mayo 2013 días 18, 23 y 28. Junio 2013 días 1, 4 y 6 Víctor Pablo Pérez · Christof Loy Renato Girolami, David Alegret, Nino Machaidze, Ildebrando d’Arcangelo, Pietro Spagnoli, Marisa Albert Casals. Martins, Junio 2013 días 21, 22, 26 y 28. Julio 2013 días 1, 2, 4, 5, 6 y 7 · Claus Guth Harry Bicket Santafé / Streit / Alessandro / Laura Aikin, Silvia Tro Kurt Liberatore, Patricia Petibon Ofèlia Sala / M. José Moreno, Antonio Lozano. Marina Comparato, Inga Kalna / Iano Tamar, y 30Junio 2013 días 27 Pablo González Breedt, Elisabete Rose, Friedemann Röhlig. Christian Franz, Michelle Matos, Peter Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya El holandés errante El holandés días 1 y 4 Septiembre 2012 Sebastian Weigle Bruns, Selig, Benjamin Franz-Josef König, Ricarda Merbeth, Michael Ievgueni Nikitin, Christa Mayer. Lohengrin 5 Septiembre 2012 días 2 y Sebastian Weigle Susan J. Mayer, Annette Dasch, Maclean, Thomas Klaus Florian Vogt, van der Heyden. Willem Stefan Heibach, Samuel Youn, Schwinghammer, Wilhelm und Isolde Tristan Septiembre 2012 día 6 Schneider Peter Breedt, Jukka Michelle Robert Dean Smith, Robert Holl, Rasilainen, Iréne Theorin, Martin Snell. Arnold Bezuyen, Ralf Lukas, Clemens Bieber, Orquesta de Bayreuth Sinfónica y Coro del Festival 18 y 20 17, Octubre 2012 días 2, 3, 5, 6, 8, 9, 10, 11, 13, 14, 16, Renato Palumbo · Jean-Claude Auvray / Urmana / Micaela Carosi / Norma Fantini, Marcello Giordani / Zoran Todorovich Violeta Marianne Cornetti / Stoyanov, Alfred Kim, Ludovic Tézier / Leo Nucci / Vladimir / Carlo Colombara / Enkelejda Shkosa Kowaljow / Anna Smirnova, Vitaly Diógenes Randes, Bruno de Simone / Roberto de Candia. y 30. 27 Noviembre 2012 días 11, 14, 16 y 18. Mayo 2013 días Junio 2013 días 2 y 5 Daniele Callegari · Mario Gas Nicole Cabell / Aleksandra Villazón, Javier Camarena / Rolando Kurzak, Joan Martín-Royo, Simone Alberghini / Ambrogio Maestri. 30. y Diciembre 2012 días 22, 27 Enero 2013 días 2, 5, 11 y 14 Andrew Davis · Stefan Herheim Emily Magee. Ildiko Komlosi, Günther Groissböck, Camilla Nylund, Klaus Florian Vogt, Enero 2013 días 4 y 7 Antonino Fogliani Stoyanov. Vladimir Mariella Devia, Gregory Kunde, Enero 2013 días 10 y 13 Gergiev Valery Mariinsky de Sant Petersburgo Anna Netrebko · Orquesta Sinfónica y Coro del Teatro 19, 20 y 23 11, 12, 14, 16, 17, 2013 días 4, 5, 7, Febrero Stéphane Denève · Laurent Pelly Grigolo / Ismael Jordi , Natalie DessayVittorio Laurent Naouri / / Eglise Gutiérrez, Losier / Gemma Coma-Alabert, Francisco Vas. Michele Greer Grimsley, Marzo 2013 días Murray · John Fulljames Tim Paul Curievici. Kate Nelson, Paul Featherstone, Geof Dolton, Elena Ferrari, y 29 Julio 2013 días 20, 21, 23, 24, 25, 26, 27 Marzo 2013 días 21, 23, 24, 26 y 27. · Moshe Leiser y Patrice Caurier / Daniele Callegari Josep Pons Hui He / Ermonela Jaho / Patricia Racette / Amarilli Nizza , Roberto Alagna / Jorge de Leon / Stefano Secco / Roberto Aronica, Giovanni Meoni / Fabio Capitanucci / Carlos Bergasa / Àngel Òdena, Jossie Pérez / Gemma Coma-Alabert / Marie-Nicole Lemieux. h eatre del Liceu

eut T ˇák r en versión concierto r en versión concierto en versión concierto y en el Liceu 2012 en el Liceu Gran Festival ÓPERAS El oro del Rin Il turco in Italia Lucio Silla Rienzi La forza del destino d’amore L’elisir Rusalka Il pirata Iolanta Les contes Street Scene Madama Butterfly de Giacomo Puccini Das Rheingold de Richard Wagner de Gioachino Rossini Mozart Amadeus de Wolfgang de Richard Wagner del Liceu Orquestra Simfònica y Cor del Gran Teatre Bicentenario Richard Wagner de Giuseppe Verdi de Gaetano Donizetti de Antonin Dvo Bellini de Vincenzo de Piotr I. Tchaikovsky d’Hoffmann de Jacques Offenbach Escena de calle de Kurt Weill Ba - nuestra natural necesidad de fantasía, de nuestra natural necesidad temer• de sentirpoder ytambién han logrado cautivarnos respondiendo a respondiendo cautivarnos logrado han las variantes, o a veces gracias a ellas, a gracias veces a o variantes, las sentado coreógrafos y bailarines. Pese a y bailarines. sentado coreógrafos las numerosas versiones que han recreado y repre versiones que las numerosas calidades de interpretación a través del tiempo y de a través del tiempo de interpretación calidades porciona a Aurora. Con su hechizo, le brinda la posibilidad de la posibilidad le brinda su hechizo, Con a Aurora. porciona un gran efectuar hasta poder suspenso años en cien permanecer destino. y encontrar su cambio interno diversas ha tenido personajes estos uno de visto, cada hemos Como - - The Sleeping Beauty - Royal Opera House Opera - Royal Beauty Sleeping The Carabosse dewigs Catalabutte Genesia Rosato and Alastair Marriott courtesy of the Royal Opera House Photo Bill Cooper, da ausencia de una coreografía espectacular para un personaje para un espectacular coreografía una de da ausencia muerte y el el número de la el arcano trece, que simboliza gran cambio que es inalmente lo que Carabosse le pro que estaría reservado solo para sus hermanas, las hadas o para o para las hadas hermanas, para sus solo reservado que estaría Ella inofensivos. e puros delicados, femeninos personajes otros deformes o, en el zapatos ridículos y sobre grandes debe caminar inmereci Supone la de carácter. casos, usar calzados mejor de los 04

60 DANZABALLET Leslie Caron «NO SOY BAILARINA. ME DEFIENDO»

Por Carolina de Pedro Pascual

Recordar a una bailarina y actriz de la talla de Leslie Caron (1931) siempre es un acontecimiento agradable e importante. Ella pertenece a la élite de artistas que han sabido transformar sus carreras triunfando lejos de las zapatillas de puntas. Su primera vocación, producto de la inluencia materna, fue la danza. Comenzó sus estudios a los diez años en el Conservatorio de Arte Dra- mático de París, y antes del conservatorio fue su madre, la bailarina norteamericana Margaret Petit, quien le enseñó a la pequeña Leslie Claire Margaret Caron, más conocida como Leslie Caron, las bases del ballet. Petit había realizado su formación en la década de 1920 en el Greenwich Village Follies, de Greenwich Village, entre cuyos alumnos se incluyen artistas como Merce Cunningham y Martha Graham. Viviendo en París, la señora Caron, quien había dejado de bailar al casarse con el padre de Leslie, siempre había llevado a su pequeña hija a los mejores profesores rusos de la ciudad, entre ellos Olga Preobrajenska y Volinine Alexandre (un hombre amable y encantador, de unos setenta años, que había sido compañero de Anna Pavlova). Por el contrario, detestaba el estilo de Jeanne Schwarz, profesor francés muy conocido en el Conserva- torio Nacional de Danza, ya que sus clases eran «reglamentadas, pero sin ningún sentimiento romántico».1 «Mi madre había visto a Nijinsky y Pavlova»;2 es un ejemplo de las frases con las que Caron se mostraba orgullosa de la carrera y los conocimientos adquiridos por su madre en el mundo del ballet. Su fuerte ambición hizo 62 que quisiera lo mejor para la carrera de su hija. 63 DANZABALLET DANZABALLET Con una poderosa técnica, alta musicalidad e innegable vocación, Leslie Caron pasó a convertirse en una alumna aventajada en el conservatorio de danza y, al igual que Violette Verdy, posterior estrella del New York City Ballerina Leslie Caron, ca. 1951 Ballet, fue descubierta por Roland Petit en las clases de la maestra rusoar-

04 © Hulton-Deutsch Collection/CORBIS menia madame Rousanne. 04 Ballet School Ballet classes for young people and adults in Barcelona Beginner and intermediate level Pointes and technique Graham technique. Barre à terre · Preparation for entrance exams to international schools and for competitions · Adults intensive introductory course to classical dance in July and August · Regular and intensive courses Information: Monday to Friday from 10am to 8.30pm: 659 24 17 84 For further information visit www.danzaballet.com Barcelona – España www.danzaballet.com [email protected] Puntas y técnica · Cursos regulares e intensivos Nivel básico e intermedio o las 24hs en www.danzaballet.com Técnica Graham. Barre à terre · Preparación para exámenes de ingreso en escuelas y concursos internacionales Estudio de ballet · Estudio de ballet · Intensivo de iniciación a la danza clásica para adultos durante el mes de julio y agosto Clases de ballet para adultos en Barcelona Información: Lunes a viernes de 10 a 20.30 horas: 659 24 17 84, ©Corbis Carolina de Pedro Pascual Pedro de Carolina , 2011. . EBakerStreet. . Éditions BakerStreet. . Éditions BakerStreet. The Oxford Times Oxford The Une française à Hollywood. Mémoires Une française à Hollywood. Mémoires Une française à Hollywood. Mémoires Une française à Hollywood. Mémoires 1. Leslie Caron, Gene Kelly and Leslie Caron in An American in Paris, ca. 1951 ca. Paris, in American An in Caron Leslie and Kelly Gene © John Springer Collection/CORBIS hacia otra especialidad quien mejor supo reconducir su carrera alejada del ballet. Como narra en sus memorias, un día con su gran amigo (Ediciones Baker Street), conversando y conidente Jean Renoir dudó sobre los cambios en su carrera hecho una mala elección como actriz, preguntándose si no habría al dejar de bailar. sé si tenías talento como no «Leslie —respondió Renoir—: Yo pero sé que eres una gran bailarina, no sé nada sobre el ballet, las de una como reconocida es quien embargo, Sin actriz». ocasión: una de más en confesado ha francesas, artistas grandes deiendo». Me «Nosoy bailarina. Mirando hacia atrás, recuerda con sentimiento la época creativa de la danza francesa de posguerra, tan emocionante y llena de talentos. ejercicios con sus al día se mantiene que pocos años confesó Hace diarios de ballet. de mi mi barra en el pasillo los hago, ¡siempre! Tengo «Todavía casa»• 2. Leslie Caron, Bibliografía Leslie Caron, David Parkinson, «Parky at the Pictures», - - - - - me me , no ), Van ), Van ). Le jeune ), Pierre , (1955) y Papito Piernas La cenicienta La habitación en ), Maurice Utrillo Montmartre (también conocida (también Jardin des Plantes des Jardin Place de la Concorde La rencontre , Leslie Caron participó en otras Las zapatillas de cristal ) y Toulouse-Lautrec ( ) y Toulouse-Lautrec (1953), ), Henri Rousseau ( , versión musical del cuento ), donde creó para ella el papel de la esinge. la de papel el ella para creó donde ), . (1955), de John Negulesco, con Fred Astaire. Lili Marché aux leurs de la Madeleine la de leurs aux Marché en donde los bailarines danzan evoca el estilo en donde los bailarines danzan evoca ballet arquetipo del nuevo espíritu existencialis ballet arquetipo del Un americano en París con Maurice Chevalier, Louis Jourdan, Eva Gabor y con Maurice Chevalier, (1962), de Brian Forbes. La place de l’Opéra Gigi tampoco fue un éxito a pesar de contar entre su elenco con escenografía Edipo y la esinge la y Edipo Un carnaval de la calle la de carnaval Un Modelo del reputado fotógrafo ruso Serge Lidoff, la joven baila la joven Lidoff, Serge ruso fotógrafo del reputado Modelo des Ballets los unirse años para dieciséis a los contratada fue rina propio Petit con en 1945 por el grupo formado Champs-Elysées, Cocteau, Boris entre ellos Jean de Sergei Diaghilev, sucesores el coreógrafo Bérard. En 1948, el diseñador Christian Kochno y crea ruso David Lichine de origen ta francés y una de las grandes obras maestras de Petit, diseñado las grandes obras maestras de Petit, diseñado ta francés y una de con música de Bach. por Jean Cocteau y y su graciosa forma de danza, su juventud Su encanto natural, Kelly, de ballet encandilaron a Gene su fuerte técnica académica para su próxima película, quien le propuso que hiciera una prueba Un americano en París Auguste Renoir ( dio Minnelli, Vincente con 1958, nuevamente en tarde, Más vida a Después de Jacques Bergerac, basada en Colette. Las zapatillas de cristal cia de ballet de 16 minutos y 37 segundos de duración, con música música con duración, de segundos 37 y minutos 16 de ballet de cia escena es un tributo de del compositor George Gershwin. Esta artistas del impresionis Hollywood al espíritu inspirador de los Preston y con fotografía mo. Diseñado por Irene Sharaff y Ames había visto nada igual. de John Alton, hasta el momento no se Cada ( Dufy —Raoul especíico pintor un de Kelly la toma bajo su protección, la somete a duros ensayos Kelly la toma bajo su protección, la secuen una hay ilme del inal Al rodaje. del antes meses durante a la joven Lise Bouvier, pero el éxito alcanzado por Caron con pero el éxito alcanzado por Caron con a la joven Lise Bouvier, bailarina hizo que el actor Les Ballets des Champs-Élysées como el en incluida fuera que para insistiera norteamericano bailarín y Mayer. Goldwyn Metro la de musical del estrella como ilm nuevo Sally Forrest, Cyd Charisse y Odile Versois eran los nombres de Sally Forrest, Cyd Charisse y Odile Versois las actrices-bailarinas que se barajaban para dar vida en el il Con diseños de Berard Caronm estrena la obra junto a un joven un a junto obra la estrena Caronm Berard de diseños Con y atlético Jean Babilée. en 1949 durante una gira por Alemania, Juntos seguirán bailando de Nathalie Philippart, en ausencia por enfermedad como homme et la mort, Gogh ( el gran bailarín Fred Astaire. No obstante, entre ambas películas aún encontró tiempo para Londres y París, con actuar en musicales teatrales en Broadway, convenció al público, en parte a causa de la pedante y pomposa coreografía de su antiguo maestro Rolan Petit, y Largas sagrándose por su interpretación en la película forma de L Leslie Caron, que intentó, como otras bailarinas, trasladar su talento a la gran pantalla y a otras áreas artísticas fue, tal vez, películas. Fueron ( Papito Piernas Largas Un americano en París se estrenó el 13 de diciembre de 1928 de diciembre de el 13 se estrenó París en americano Un Bajo la batuta de Walter en el Carnegie Hall de Nueva York. Damrosch, con música Gershwin, mientras Genne Kelly bailaba brillantemente, las puntas de Leslie Caron pasaron a formar parte legítimamente del Séptimo Arte. 04

64 DANZABALLET Zelda Fitzgerald Y EL BAILE COMO SALVACIÓN

por Amaia García Martínez

Francis Scott Fitzgerald, el autor norteamericano que encarnó y narró la Era del Jazz, con todos sus claroscuros, solía decir que no podía escribir más que sobre sus propias experiencias, y que sus personajes acababan siempre siendo él mismo. “Escribirlo me llevó tres meses; pensarlo, tres minutos; recoger la información, toda mi vida”, dijo en referencia a uno de sus libros. Y algo parecido podría airmarse de Save Me the Waltz (Resér- vame el vals,), la primera y única novela que publicó su esposa, Zelda Sayre Fitzgerald. Las similitudes entre la vida de Zelda y la historia de su protagonista, Alabama Beggs, resultan evidentes. Ambas son jóvenes sureñas, nacidas en el seno de familias privilegiadas. El padre de Zelda, como el de su personaje, es juez y trata a los hijos con severidad; su madre se encarga de aplacarlo y de consentir todos los caprichos a su guapa hija, admirada y pretendida por tantos chicos. Zelda, como Alabama, elige entre ellos a un artista; si bien en la novela el marido, David Knight, se dedica a la pintura y no a la literatura. El matrimonio Fitzgerald, como los Knight, tiene todo aquello que su generación valora y ansía: son ricos y famosos, poseen belleza e ingenio, su buen gusto es innato, y saben divertirse. Se instalan en Nueva York y tienen una hija, llamada Scottie en la realidad; Bonnie en la icción. Deciden trasladarse a Europa, a París y a la Riviera, en busca de nuevas experiencias y de calma para que Scott / David puedan trabajar. A los diez años de casarse, el deterioro de su relación es evidente, y se traduce en tensiones e inidelidades. Como en el caso de los grandes personajes de Scott (el joven Armory Blaine, los Patch y los Diver, y por supuesto Gatsby), Alabama y David Knight esconden aspectos oscuros bajo una su- pericie brillante. Los felices años 20 son menos felices de lo que 66 parecen. Viven de iesta en iesta, aunque a menudo nadie sabe 67

DANZABALLET ya de quién es la iesta a la que asisten. Beben, pelean, derro - DANZABALLET chan, y mantienen conversaciones prácticamente ininteligibles con personas a las que apenas conocen. Alabama, como Zelda, es una mujer insatisfecha, y en su búsqueda de sentido, ambas se vuelven hacia el ballet. Zelda había bailado 04 Scott Fitzgerald poses with his wife, Zelda Sayre, and their daughter, Scottie, in Paris in 1925 © AP 04 SCHLOSSHOTEL IM GRUNEWALD AlmaBerlin +49 030 89 58 40 Tel www.almahotels.com - - - Bibliografía adicional: Bibliografía Zelda. La vida de Zelda Scott Fitzgerald, Nancy Milford. Ediciones B, 1990 Zelda y Francis Scott Fitzgerald, Kyra Stromberg. Muchnik Editores, 2001 de Zelda Fitzgerald Vintage (Resérvame el vals) Save Me the Waltz Classics (edición en ebook) 254 páginas Amaia García Martínez es licenciada en Humanidades: Comunicación por la Universidad de Deusto (http://bookhunterblog.wordpress.com) ‘Save me the Waltz’ by Zelda Sayre Fitzgerald Sayre Zelda by Waltz’ ‘Save me the Fitzgeralds’ of the account - semi-autobiographical published 1932 First 1900 10 March 1948 24 July, marriage - sión es tal que “su vida fuera era como tratar de recordar por la por recordar de tratar como era fuera vida “su que tal es sión mañana un sueño de la noche anterior”. Save Me the Waltz no tiene la luidez de las mejores una novela sorprendente y Francis Scott Fitzgerald, pero resulta obras de Zelda Fitzgerald, con su auténtica. Las imágenes que despliega olores, así como su sor especial sensibilidad para el color y los lector. al indiferente dejar pueden no lenguaje, del uso prendente podría haber dado de sí Resulta inevitable preguntarse lo que comienzo tardío y la en como escritora (y como bailarina) si su de Scott, no la hubieran fermedad mental, agravada por la muerte incapacitado para crear. de único testimonio el es Waltz the Me Save caso, cualquier En fascinantes• personalidad yuna vida de forma una época, una rusa exiliada y prima ballerina de Diaghilev, Lubov Egorova. Sus Lubov ballerina de Diaghilev, rusa exiliada y prima efecto, descuido de la autora o buscando un ojos, quién sabe si por de la novela como “negros”, “ahumados”, son descritos a lo largo “marrones” y “blancos y negros”. Alabama “ámbar”, “amarillos”, maestra. temible su comprarlorestodopara de de tipo nodeja Zelda otra cosa, en Save Me the Waltz Porque, más que ninguna para su de transmitir lo que el ballet supone Fitzgerald es capaz llegue a ella misma. Aunque su carrera no protagonista, y para propio, representa la esperanza de tener algo el ballet despegar, el título parece sugerir esta el sueño de llegar a ser alguien. Ya “Save de literal traducción (la baile del través a salvación de idea David y algunos amigos Me” es ‘Sálvame’). A mitad de la novela, duro, y comentan asisten a un ensayo de Alabama, especialmente “nunca se había sentido que bailar es un esfuerzo estéril, pero ella momento”. Su inmer tan próxima a un propósito como en aquel - - - - - dientes admiradores”, dijo un crítico en el periódico local después local el periódico en un crítico dijo admiradores”, dientes club. Cuando Zelda / de una actuación suya en el country 30, quizás es tarde para Alamaba retoman la danza, cerca de los aspirar tan alto. con seriedad a la lite Zelda Fitzgerald también decidió dedicarse fue y Save Me the Waltz ratura cuando ya tenía más de 30 años, la novela, Zelda estaba su primer texto largo. Cuando escribió después de sus primeras ingresada en un hospital psiquiátrico, con esquizofrenia. crisis de histeria, y pronto sería diagnosticada llegaron a decir que El libro no fue bien acogido: algunos críticos corrección de pruebas, y la novela no había pasado una mínima de más vendió No supericial. y endeble de tacharon la general en 1.300 ejemplares. es una novela Save Me the Waltz A pesar de sus carencias, sentimien los transmiten que descripciones curiosas con vívida, tos de los personajes y hacen avanzar la narración. La autora demuestra una enorme capacidad para recopilar detalles y anéc una época del año, una idea o una dotas que resumen un lugar, emoción. Zelda ya había dejado patentes sus dotes de escritora en diarios, cartas y relatos breves. A menudo Scott tomaba prestado material escrito por ella, y en este sentido llegó a decir que “el plagio empieza en casa”. dedicada al mundo de La parte central de Save Me the Waltz, la danza, es sin duda la más conseguida de la novela. Zelda nos sumerge en el mundo, tan exigente como sórdido, de los Ballets Rusos en París. Una a una, presenta a sus compañeras de danza: la pobre Stella, la ambiciosa Arienne, la aristocrática Nordika. Son las chicas que pueblan el estudio, sofocante en verano y helador en invierno, entregadas a una práctica casi mística. Unas pocas son ricas, algunas cuentan con el favor de los patronos de la Ópera, la mayoría malvive en buhardillas, pero todas tienen en común su entrega total a la danza. está Madame, la fascinante profesora de baile, ins ante todo, Y, pirada en la que fuera maestra de ballet de Zelda: la princesa de adolescente, pero terminó dejando sus clases: “Podría danzar de adolescente, pero terminó dejando ocupados tan estuvieran no pies ágiles sus si Pavlova la como de jóvenes pero ar siguiendo el paso que le marca una retahíla 04

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71 DANZABALLET , , - - Onegin and in The Firebird Photographer Alex Makeyev Romeo and Juliet Lana Jones, Principal Artist of The Australian Ballet Australian of The Artist Principal Jones, Lana described by many critics as the inest classical ballet ilm ever produced. for requirements essential two down laid Praagh van Peggy the young company: that it must have its own school (es Scott) of Margaret direction in 1964 under the tablished and that dancers must be offered the security of year-round contracts. Through the consistent excellence of The Austra the of nature ensemble close-knit the and School Ballet lian she company, and her successors have enjoyed the beneits of well-trained and highly motivated dancers. Peggy van Praagh ran the company for its irst of much for Director Associate as Helpmann Robert with 12 years, to 1976 from Director Artistic was Woolliams Anne time. the Cranko’s John of two produced she time which during 1977 greatest works for the company, - - - with The Australian Ballet, Don Quixote Don THE AUSTRALIAN BALLET style are the technical excellence and a warm, friendly Versatility, trademarks of The Australian Ballet; qualities that have earned both critical and audience acclaim. deining the been has Ballet Australian The decades four over For the face of ballet in our country. It gave its irst performance in 1962, building on a strong and rich tradition of ballet in Australia and the efforts of many dedicated pioneers in ballet and dance. founding Artistic Director Peggy van Praagh The company’s brought with her initiative, exacting standards and dedication, internatio achieve and lourish to Ballet Australian The enabling nal status early in life. The Principal Artists irst in season The were Australian Ballet’s from stars all Welch, and Garth Jones Marilyn Gorham, Kathleen the Borovansky Ballet. Ballet Master was Ray Powell, on loan was Leon Kellaway, from The Royal Ballet, and Ballet Teacher who irst came to Australia with the Pavlova company. The re pertoire was based irmly on a mixture of the popular classics, of proportion a and quality proven of works international other ballets created especially for the company. Renowned dancers such as Sonia Arova, Erik Bruhn, Margot Fonteyn and Rudolf Nureyev were happy to be guests of the Nureyev so enjoyed working with The Austra young company. he 1972 In company. the with toured regularly he that Ballet lian directed and performed . Photo Jim McFarlane 1994 Jim McFarlane Photo The Australian courtesy of Image Ballet Justine Summers in Divergence in Summers Justine 04

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73 DANZABALLET - - - The Australian Ballet The School Australian Ballet, the school of The Ballet School, The Australian dance training in in classical centre for excellence is the national Australia. The Australian Ballet School was established just ifteen months after The Australian Ballet gave its of the in Sydney in 1962. The School was born Theatre Majesty’s irst performance at Her Director, founding Artistic Australian Ballet’s great vision of The Dame Peggy van Praagh who identiied the need to establish a by to train dancers in the style required national school in which The Australian Ballet. School’s AC, DBE was appointed as the Dame Margaret Scott the 1989 in retirement her Since 1964. in Director Founding Stock two subsequent Directors, Gailene School has seen only Marilyn Rowe OBE (1999-current). AM (1990-1998), and Aus The of facilities purpose-built the in liaison close in Working precinct, arts vibrant in Melbourne’s located Centre Ballet tralian share the same long term the School and Company continue to a distinctive style of its goal: a truly unique Australian Ballet with can a national company, own. Nowhere, but in the school of the developed. unique company style be fostered and of The are graduates Ballet Australian in The Most dancers David Artistic Director, Australian Ballet School, including and principals found as be can also Graduates AM. McAllister is the Such world. throughout the major companies in soloists months of graduating, 90% standard of excellence that within six of the highest employment of students gain contracts. This is one rates of any tertiary institution in Australia. The inluence of the has been nurtured over areas. For instance, choreographic talent School permeates many dance Murphy AM, Meryl the years with graduates such as Graeme related Leigh Warren, Gideon Obarzanek, Stephen Baynes, Tankard, having distinguished in Adrian Burnett and Lucas Jervies all ternational reputations. The creative inluence Paul Knobloch, Harbour, continues today with graduates, Tim of the School Asano, David Jonathan, Reed Luplau Brown, Wakako Timothy cho O’Donnell all in the process of establishing their and Tim reographic credentials. The School is also fortunate to have on its staff such respected choreographers as Leigh Rowles and Margaret Wilson. In 2009 The Australian Ballet School proudly celebrated 45 years of excellence in creating the future of dance, and is now looking towards502014!• years in Staff The Australian Ballet School Chair Leigh Johns Director Marilyn Rowe OBE Patron Lady Southey AC General Manager Sandra Ball Ad Dip ABS TC, Ad Dip Business Management Deputy Chair Betty Amsden OAM - Paul Cross - Ian McRae AO - Danièle Kemp - Sarah Matheson - Leanne Sparkes. Australian Ballet The School www.australianballetschool.com.au . - - Image courtesy of The Australian Ballet Carolyn Rappel and Anne Fraser The Australian Ballet 1964 Ballet Australian The Fraser Anne and Rappel Carolyn Leigh Rowles, Monique Richard, Gailene Stock, Marilyn Rowe, Marilyn Stock, Gailene Richard, Monique Rowles, Leigh To To support our company of around 70 dancers, The Australian departments, other in people hundred a over employs Ballet music, marketing, publicity, company management, including in stage management), healthcare, production, technical (taking as well as teachers and coaches of dancing. Dancers Principal Artists Eastoe - - Madeleine Olivia Bell - Adam Bull - Lucinda Dunn Killian Andrew - Jones Lana - Jackson Kevin - Gaudiello Daniel Scott - Leanne Sto Ramos - Rachel Rawlins - Amber - Yosvani jmenov. Senior Artists Juliet Burnett - Amy Harris - Rudy Hawkes - Reiko Hombo - Ty - Miwako Kubota. King-Wall Soloists Ben Davis - Matthew Donnelly - Chengwu Guo - Robyn Hen - Vivienne dricks - Brett Simon - Jacob Sofer - Laura Tong - Andrew Wright. Wong Coryphées Kismet Bourne - Brett Chynoweth - Natalie Fincher - Halaina Brooke - Kusen Natasha - Kondo Ako - Idaszak John-Paul - Hills - Karen Nanasca - - Heidi Martin - Jarryd Madden Lockett Sharni Spencer - Dana Stephensen - Garry Stocks. Corps Balletde Imogen - Chapman Joseph - Bemet Benedicte - Azoury Dimity Chapman - Jasmin Durham - Eloise Fryer - Rohan Furnell - Jessica Fyfe - Ingrid Gow - Noah Gumbert - Calvin Hannaford Harford - Jack Hersee - Richard House - Cameron - Timothy - Marchant Luke - Mangakahia Jake - James Brodie - Hunter Rodgers Rina Nemoto - Jill Ogai - Mitchell Rayner - Christopher - Tereshchenko Stuart Carberry - Valerie - Benjamin Wilson - Jade Wood. Charles Thompson - Sarah Thompson - Alice Topp - Checkmate. Photo Georges-Antoni. Georges-Antoni. Photo Checkmate. Image courtesy of The Australian Ballet the country every year proximately 200 performances across Bangarra. – from Petipa to punk, Balanchine to The company looks different more culturally diverse, just as Australian society is different. today, signiicantly taller Over the years, dancers and teachers have been welcomed from and China, England, France, Russia, Spain, Sweden, the USA and the USSR. And new ballet school graduates from Asian, Latin American and European backgrounds are helping to make the company look like a snapshot of contemporary Australia. It is a company attuned to its time and place in the world. Artistic staff David McAllister AM: Artistic Director Danilo Radojevic: Associate Artistic Director Principal Coach & Ballet Mistress Fiona Tonkin: Mark Kay: Ballet Master & Choreologist Elizabeth Hill: Ballet Mistress & Repetiteur Noelle Shader: Ballet Mistress & Rehabilitation Facilitator Nicolette Fraillon - Music Director & Chief Conductor Stephen Baynes – Resident Choreographer – Resident Choreographer Stanton Welch John Cranko, William Forsythe, James Kudelka, Christopher Forsythe, James Kudelka, Christopher John Cranko, William Wheeldon and Kenneth MacMillan. dancers are supported by professional The Australian Ballet’s staff, and a company and enthusiastic ballet, music and technical plays a part in taking management team in which every member ballet to the Australian and world stages. and past Ballet, Australian The of staff artistic and Artists conidence the audiences, of love and openness an share present, belief that technique on its to take risks, a spirited attack and the own is never enough. as walking. They give ap Dancing appears as natural to them - - - in Australian Ballet’s in Australian Ballet’s lian Ballet one of the busiest ballet companies in the world and world the in companies ballet busiest the of one Ballet lian world to visits on its Australia for ambassador outstanding an techni ballet centres in Europe, Asia and America. Versatility, cal excellence and a warm, friendly style are the trademarks of The Australian Ballet, qualities that have earned both critical and audience acclaim here and overseas. The company presents over 200 performances annually both in Australia and abroad. Alongside an established body of the great ballet classics, the and by Australian created repertoire modern company presents major international choreographers. The works of Australians Graeme Murphy and Natalie Stephen Baynes, Stanton Welch, cho those by major international are presented alongside Weir reographers Jiří Kylián, Nacho Duato, Glen Tharp, Béjart, Jerome Robbins, George Balanchine, Twyla Tetley, Maurice which she brought with her from the Stuttgart Ballet. Dame which she brought with her from the Director for 12 months Peggy van Praagh returned as Artistic in 1978 and was followed by a former ballerina of the company Marilyn Jones in 1979. Jones founded The Dancers Company of graduating students of The comprised as a second company, Ballet. Australian The from dancers and School Ballet Australian It tours Australia annually to this day. Director Artistic Ballet’s Australian The was Gielgud Maina the company extended its from 1983 to 1996. Under her guidance strength and international contemporary repertoire and grew in works by Australian reputation. She also strongly encouraged Baynes and Stanton choreographers and appointed Stephen Welch as Resident Choreographers in 1995. Then in 1997 Ross artistic key in working after mater alma to his returned Stretton energy posts in the US, bringing with him a vision of creativity, and passion. was McAllister David Director Artistic present company’s The Royal The move to Ross Stretton’s 2001 following in appointed Ballet The Australian of former student A Covent Garden. Ballet, David moved School and Principal Artist with the company, and Artist to Artistic Director with the same poise from Principal enthusiasm which characterised his years as a leading dancer. have worked to make The Austra All of these Artistic Directors performance of Gala Performance. Photo Jim McFarlane Kirsty Martin & Adam Bull & Adam Martin Kirsty 04

72 DANZABALLET RECUERDOS DE LA FESTIVAL CASTELL www.festivalperalada.com Kschessinskaya PERALADA JULIO - AGOSTO 2012

por Silvia Sánchez Ureña 8 DE AGOSTO

En 1890, en San Petersburgo, durante una cena posterior a la graduación de la escuela de ballet de los Teatros Imperiales, SARA BARAS el Tsar Aleksander III hace llamar ante sí a una estudiante de origen polaco de 17 años. Según dice la historia, el tsar de todas La Pepa las Rusias exhorta a la bailarina a que se convierta en ``la gloria y el adorno de nuestro ballet´´. Esta joven, Mathilde Kschessinskaya, crecería para convertirse en una de las iguras principales de los Teatros Imperiales, una joya que aportaría tanto brillo cómo controversia a la cultura rusa 18 DE AGOSTO de la época. Durante toda su carrera, Kschessinskaya hizo gala de una te- nacidad y gran fuerza de voluntad, que aplicó tanto en su vida BARCELONA BALLET profesional cómo personal. Kchessinskaya fue la primera bailari- con Ángel CORELLA y Chi CAO na rusa en dominar los famosos 32 fouettés actualmente de rigor en todo el arsenal de las bailarinas de ballet. La italiana Pierina Pasos a dos con Chi CAO, Legnani fue la primera intérprete en realizarlos, durante las re- protagonista de “El último bailarín de Mao” presentaciones de ``La Cenicienta´´ en 1893. Aunque, hacia el inal de su vida, la bailarina discutió sobre el número de piruetas que “Pálpito”, ESTRENO EN EUROPA realmente había realizado. El origen italiano de la intérprete no es de extrañar, pues la costumbre de la época colocó a las bailarinas italianas en el primer orden de las producciones imperiales, por su superior virtuosi- dad técnica. El bailarín Nikolai Legat dijo de ellas ``Sus tours, piruetas, sus fouettés, eran superiores a los nuestros. A sus maneras a menudo les faltaban gracia, pues su escuela era una de ``Tours de force´´, el gusto era sacriicado para el efecto de la destreza´´. Dejando a parte el tinte nacionalista de sus palabras, Legat muestra una capacidad de análisis por la que la propia Kschessinskaya le estaría agrade- cida, pues fue él quien la enseñó la técnica para realizar fouettés. Legat se había convertido en partenaire de Legnani cuando Pavel Gerdt enfermó, y observándola en los ensayos pasó el secreto a Kschessinskaya. Este método ``no-oicial´´ llama la atención si tenemos en cuenta que el la época, Enrico Cechetti enseñaba la 74 técnica de la escuela italiana en su propio estudio en la ciudad. DANZABALLET El encuentro con la familia imperial en su cena de graduación en A PARTIR DEL 20 ABRIL A PARTIR DEL 1 JULIO 1890 daría comienzo a una de las ijaciones personales que termi- narían deiniendo tanto la carrera cómo la reputación de Mathilde CASTELL DE PERALADA aras Kschessinskaya. Durante la cena, Kschessinskaya estuvo sentada T. +34 972 53 82 92 B 04 al lado de Nikolai, el joven tsarevitch de 21 años, que 4 años www.festivalperalada.com Foto: Sara Sara Foto: 04

77 DANZABALLET . - - prima ballerina MathildeKschessinska in Esmeralda in MathildeKschessinska riinsky Theatre, St. Peterbsurg, Russia. Photo taken by an unknown photographer at the Ma- Photo taken by an unknown photographer y su igura representa también el traspaso de poder de simplemente que me muero de ganas de probar una gota de agua desde que agua gota de una probar ganas de de que me muero simplemente empezó el día, pero no me puedo permitir perder nada antes de bailar´´. Aún de tan diverso tinte, los recuerdos de los personajes de la época no hacen más que completar el retrato de una gran inter prete. Que, a pesar de los rumores, cumplió con creces su misión fue, Kschessinskaya ruso. ballet del adorno el y gloria la ser de en 1896, la primera bailarina rusa en ser coronada assoluta, Impe las intérpretes italianas a las rusas dentro de los Teatros riales (y esencialmente, por analogía, en el mundo del ballet de la época). Representante principalmente del estilo imperial de Petipa frente a los primeros reformadores modernistas, Fokine en alguna ocasión), y Diaghilev (con los que llegó a colaborar Mariinsky Teatro del escenario el sobre años veintisiete sus en llegó a bailar los roles principales de casi todo el repertorio de los Imperiales. Teatros haber abandonado Rusia en 1920 huyendo de la revolución, Tras Kschessinskaya abriría en 1929 en Paris un estudio de danza. Por allí pasarían Chauviré, iguras Alicia cómo Markova, Yvette Tamara Toumanova o Margot Fonteyn, inluenciando así en la tradición imperial a toda una nueva generación de bailarines 1971•en París, losnoventaynueveañosen a sumuerte, hasta - - - - - ``Le `Àunque `Òh!, no es nada, es no `Òh!, en 1902. Kschessinskaya la eligió pensando que no por Nikolai Legat para Kchessinskaya en 1910 por Nikolai Legat para Kchessinskaya ``Pobrecita, a penas se puede subir a las puntas…´´. en señalar a Kchessinskaya cómo culpable de otras intrigas en sus cómo culpable en señalar a Kchessinskaya en desgracia y deportación memorias ya citadas (cómo la caída que, se rumorea, había de Maria Labounska, una joven bailarina hace este comen sido elegida cómo amante previa del tsarevitch), de la reconstrucción de tario al hilo de unos ensayos en 1910 Talisman´´ ya no era joven, esta famosa bailarina era indiscutiblemente talentosa. Aún ya no era joven, esta famosa bailarina era indiscutiblemente pero no tenía elevación. Su tenía una gran técnica, exclusivamente en punta, estilo era esencialmente el de la vieja técnica acrobática clásica. Era vulgar y brusca en sus movimientos- lo opuesto a Anna Pavlova.´´. La comparación con Anna Pavlova, más joven que ella, se convir tió en uno de los puntos débiles de Kschessinskaya tras el retiro De Legnani. y Pierina Zucchi Virginia rivales, anteriores de sus hecho, la propia Kschessinskaya fue responsable sin quererlo de una parte del éxito de Pavlova, pues ella misma la ayudó durante su embarazo a prepararse para debutar en su rol de Nikiya en Bayadere´´ ``La sería recordada, pues no coniaba en ella cómo interprete. La bai larina Lubov Egorova recordaba oír a Kschessinskaya decir sobre Pavlova, Karsavina, otra de las futuras estrellas de los Ballets Rusos, Tamara Kschessins de trabajo de ética peculiar una memorias sus en anota más años unos era (que Lopukhova de a diferencia aunque, kaya, joven que Karsavina), ella sí que la admiraba. Según Karsavina, y tal como se admite en otras biografías, Kschessinskaya calculaba cuidadosamente las fechas en las que se presentaba (para coincidir con las de la alta sociedad) y el resto del tiempo tomaba largas vacaciones. Un mes antes de reaparecer en escena, se concentraba recuerda Karsavina entrenamiento. su en rigurosidad mayor la con con Kschessinskaya repasando en escena antes de la encontrarse actuación, y al interrogarle sobre su apariencia febril, le dijo, su ponemos que reiriéndose a la pérdida de sales, ------de la ``The pa’s pa’s nuestra- ``Dancing tas tas esferas `Èl Jorobado atribuyen tales ``[…] La notoria La ``[…] ``Bloomsbury balleri o Esmeralda en de Adrienne Sharp, publicada en 2010, en publicada Sharp, Adrienne de (2005), la fuente que toma una visión más toma una que fuente (2005), la `Souvenirs de la Kschessinskaya´´, ``La Hija del Faraón´´ , las memorias de las personalidades teatrales de la y` `` Kchessinskaya tenía muchos admiradores en el parterre. el en admiradores muchos tenía Kchessinskaya `` , en francés, pues esta era aún la lengua de rigor entre la esta era aún la lengua de rigor entre , en francés, pues Judith Mackrell describe así el encuentro: el así describe Mackrell Judith críticas a envidias personales, y citan representación tras repre sentación con el epíteto ``mi triunfo habitual´´. La novela, true memoirs of little K´´ al más sensacionalista postura, ligeramente toma esta también tratarse de una obra de icción. Es la biografía de Coryne Hall, `Ìmperial Dancer´´ plural y documentada sobre la vida de la bailarina Pero, cómo es de esperar de una intérprete asociada a roles cómo los de Aspicia en de Notredame´´ época hablan de una intérprete, aunque controvertida, capaz y brillante. La propia Bronislava Nijinska, que no tiene reparos Kchessinskaya ofreció llevar a Lydia y sus amigos de vuelta del Mariins Kchessinskaya ofreció llevar a Lydia La nieve caía y la gran bailarina se asomó desde la ventana de su ky. sus en brillando diamantes sus famosos y con pieles en envuelta carruaje, orejas, para urgirles que fueran con ella. Lydia sabía lo suiciente reputación de caza-fortunas de Kschessinskaya para estar horrorizada por para amigos a sus piadosamente insistió frío, del pesar a y, invitación, la que se resistieran: `Òh no no no, no debemos ir con ella. Es una mujer endiablada.´´. Las memorias personales de Mathilde Kschessinskaya, in Petersburg´´ na´´, The Talisman, 1909. The Talisman, Photo taken by an unknown photographer at the Mariinsky Theatre, St. Theatre, Mariinsky at the photographer unknown taken by an Photo in “The Kschessinskaya Mathilde of the Ballerina Russia Peterbsurg, Niriti in the costumed as the Goddess Kschessinskaya 1905. Talisman”, revival Peti of NikolaiII of Act Legat’s from leurs des pas Grand sobre un supuesto comentario entre los Grandes Duques, que comentario entre los Grandes Duques, sobre un supuesto a Mathilde cómo ``Notre-thilde´´ ( se referían en privado thilde nobleza rusa). de igura la sobre leyendas muchas nacieron Petersburgo San En ruso y no es de extrañar que el público Mathilde Kschessinskaya, (cuyo con la bailarina. Bronislava Nijinska tuviera sus reservas en algunas ocasio de la Kschessinskaya hermano fue partenaire de su su carrera) cuenta en la primera parte nes al comienzo de biografía: los viejos balletómanos, pero Algunos eran genuinamente sinceros, como otros buscaban sólo usar su inluencia para entrar en las al Los ``dioses´´- los balletómanos jóvenes, los de la sociedad peterburguesa. y los ballets de Fokine, estudiantes y admiradores de Pavlova, Nijinsky Mariinsky- se oponían a la que ocupaban el balcón y la galería en el habían recientemente vieja guardia del público del teatro. Los ``dioses´´ y se negaban a aplau declarado la guerra contra esta famosa bailarina Esto escupo a los dioses´´. dijo ``Yo dirla. En una ocasión, Kschessinskaya le enviaron una carta colectiva, enfado tanto a los jóvenes balletomanos que más fácil escupirte a ti que diciendo: ``Para nosotros aquí arriba, es mucho tú nos escupas a nosotros´´. despertaba tanto admi Dentro del mundo teatral, Kchessinskaya conexiones poderosas sus por recelos como técnica, su por ración el poder de la propia di sociales que superaban muy por lo alto Imperiales. rección de los Teatros que más tarde conocería la fama con los Lopukhova, Lydia Ballets Russes de Sergei Diaghilev, muestra esta desconianza con una anécdota que que existía entre los propios bailarines la Escuela de los Teatros ocurrió cuando ella era aún alumna de Imperiales. En su biografía de Lopukhova, - - - - - . Y así, una cita jocosa Pase lo que pase, será mío´´ `Ìmperial Dancer´´, tras un gran esfuerzo de cortejo por su parte, Kchessinskaya se convertiría en su amante durante dos años, hasta el matrimonio En 1894, Ksches Alix de Hesse. del tsarevitch con la princesa sinskya adquiriría un nuevo protector entre los Romanov, el sinskya adquiriría un nuevo protector entre los Romanov, Gran Duque Sergei Mikhailovich, y seis años después se añadiría a la colección el Gran Duque Andrei Vladimirovich. Sobre su predisposición por los Romanov, Coryne Hall incluye Sobre su predisposición por los Romanov, en la biografía de la bailarina, Este historial de amantes, junto al nacimiento en 1902 de un niño1902 en nacimiento junto al historial de amantes, Este de paternidad discutida, dio origen a muchas leyendas y habla después se convertiría en el Tsar Nikolai II, En su diario de la después se convertiría en el Tsar época, Kschessinskaya escribe `` durías sobre la bailarina. Algunas de ellas fomentadas quizás por las propias costumbres de la bailarina, que solía lucir en escena valiosas joyas regalo de sus protectores, independientemente del rol que representara esa noche. Sin embargo, estos usos no fueron pa trimonio exclusivo de Kschessinskaya, ya que era bastante habitual entrea la nobleza tomaran amantes los hombres pertenecientes que Impe las bellas jóvenes del ballet pues al pertenecer a los Teatros riales, podían asegurarse de que su salud estaría controlada frente a enfermedades de transmisión sexual. Pero, los rumores nunca caso,su en cómo populi´ `vox la entre extendidos tan estuvieron pues sus protectores intervinieron visiblemente en muchas ocasio nes durante su carrera. Al terminar su idilio, Kschessinskaya se guardó el derecho de escribir a su antiguo amante si la situación lo Nikolai II intervino a su favor en cada ocasión. necesitaba, y el Tsar 04

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79 DANZABALLET Ballet twins ©Noemi Manalang twins ©Noemi Ballet ©Noemi Manalang DVD Ballet Class for Adults by Carolina de Pedro DVD Ballet Class for Adults by Carolina de Ballet ballerina world ©Noemi Manalang - trends, famous dances trends, and pictures. The idea comes from the fashion beautiful - the way the Everything about it is so dancers move, the elegance of a street fashion ballet Most of my inspirations inspires me. ballet is such a beautiful art. beautiful a such is ballet and especially the costumes which I like the most. I like interpreting them in a different and fun way, mixing different and fun way, classic ballet with modern the usual fashion poses. To me, the usual fashion poses. To clothes to make something new something make to clothes and and unexpected. I ind a sense of lightness in ballet where I like to put them in my drawings as well. www.noomiedoodles.com it was a new challenge from drawing I have never thought of illustrating about I have never thought of illustrating colors. I wanted to illustrate more about it because I wanted to illustrate more about it ballet before because I was never really ballet before because I was never exposed to it as a child. Until recently, I got the exposed to it as a child. Until recently, for ballet things, researching more about them. for ballet things, researching more about made more illustrations and developed a likeness made more illustrations and developed dancers for her ballet blog site. From there on, I dancers for her ballet blog site. From list, Cheryl, to make some illustrations of ballet list, Cheryl, to make some illustrations opportunity to collaborate with a British journa opportunity to collaborate with a British from a local painter who taught me a lot about from a local painter who taught me DRAWING BALLERINAS BY BALLERINAS DRAWING My name is Noemi Manalang and I am an illustrator My name is Noemi Manalang and I design. When I who graduated with a degree in fashion was small, I enjoyed taking some private painting lessons painting private some taking enjoyed small, I was -

DIBUJANDO BAILARINAS POR BAILARINAS DIBUJANDO Noemi Manalang Noemi larines de ballet para su blog sobre el ballet. Desde ese larines de ballet para su blog sobre el un gusto momento, al investigar sobre él, he desarrollado por el ballet, creando más ilustraciones. tema para ilustrar el sido profundizar en ha interés Mi nuevo reto diversas facetas del ballet como un aparte de dibujar las posiciones usuales arte un es ballet el mí, Para moda. de lo del ballet es muy bello. Todo tan hermoso – la manera en que se mueven los bailarines, la elegancia y especialmente el vestuario, que es lo que más me gusta. La mayoría de mi inspiración viene de las tendencias en la moda, los bailes famosos y las fotos. La idea de una moda “ca llejera” de ballet me inspira. Me gusta interpretarla de una manera diferente y diver Mi nombre es Noemi G. Manalang, soy dibujante graduada Mi nombre es Noemi G. Manalang, soy era niña me gustaba con título en diseño de moda. Cuando enseñó me que local pintor un con pintura de clases tomar mucho sobre los colores. sobre el ballet, Nunca antes había pensado en dibujar a él. Hace poco porque de niña nunca estuve expuesta una periodista tuve la oportunidad de colaborar con de bai británica, Cheryl, para hacer unas ilustraciones tida, mezclando el ballet clásico con ropa moderna algo nuevo e crear para le encuen inesperado. Yo tro un sentido de ligereza al ballet y me gusta incluirlo en mis dibujos también. www.noomiedoodles.com 04

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81 DANZABALLET Christian Dior, 1957 Dior, Christian © Loomis Dean/Getty Images nes sociales a lo largo de la historia: sandalias, zapatos de salón, escarpines, babuchas, zuecos, tacones de aguja, mocasines, botas, zapatos picados de estilo inglés, deportivas, lujosos zapatos de noche son algunas de las numerosas formas con las que los seres humanos han cubierto sus pies. Antes del siglo XX, el trabajo de zapatero era un oicio modesto de la categoría del carpintero, herrero y costurero. Fue en las Se industria. en se convirtió donde Inglaterra de Nueva colonias - - - “Cenicienta oyó sonar la primera campanada de medianoche, huyó, con once. Entonces las aún ni no eran que creía cuando la ligereza de una gacela. El Príncipe la siguió, mas no pudo al uno caer dejó la huida, de la precipitación y ella, en canzarla, de sus zapatos de cristal”. El literato francés Charles Perrault verre” de pantoule petite la ou “Cendrillon escribió (1628-1703) (1697), a partir un personaje de cuento de hadas del que existen diferentes versiones –orales y escritas- a lo largo de Europa. Poco tiene que ver la chinela de cristal de Cenicienta con el ejemplar que la doctoranda Diana Zardaryan encontró en una cueva de Armenia en 2008: un zapato de piel, con cordones para ajustarlo y relleno de paja, 24,5 centímetros de largo y entre 7,6 y 10 cen que y actual 37 talla una a correspondería que ancho, de tímetros se fechó en 5.500 años de antigüedad. Cinco milenios más tarde, el zapato se ha convertido en algo más que calzado para seres humanos. Ha adoptado diferentes formas, estilos y signiicacio

por Iratxe de Arantzibia

Zapato

DEL CALZADO AL OSCURO OBJETO DEL DESEO COMPLEMENTO EN ALGO MÁS QUE UN SIMPLE CUBRIMIENTO DEL PIE COMPLEMENTO EN ALGO MÁS QUE UN SIMPLE LA PASIÓN DEL SER HUMANO POR DEJAR HUELLA HA CONVERTIDO ESTE HUMANO POR DEJAR HUELLA HA CONVERTIDO DEL SER LA PASIÓN Manolo Blahnik, 2006 Blahnik, Manolo of Art Museum Metropolitan ©The 04

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83 DANZABALLET - BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA NIGEL, “A century ANGELA Y CAWTHORNE, PATTISON, of shoes”. Prospero Books, Londres, 1998. GARNIER, JOËL, “Chaussures”. Editorial Sirrocco, Londres, 2005. “El Ballet. Enciclopedia AGOSTINI, MARIO PASI-ALFIO Madrid, 1980 (edición del Arte Coreográico”, Editorial Aguilar, española). 03 Revista de Colección, “Las puntas de DANZA BALLET, Barcelona, Marzo 2012. Marie Taglioni”, de acero para suavizar las puntas. En 1995, el Royal Ballet de Ballet Royal el 1995, En puntas. las suavizar para acero de usados pares los de venta la con dólares 107.000 obtuvo Londres media de zapatillas las aunque unidad), la 50$ (a autograiados y la cifra de - 1993) alcanzaron Rudolf Nureyev (1938 punta de un documental Recientemente, en una subasta. 9.460 dólares millón de gasta medio City Ballet que el New York ha revelado año en puntas. dólares al de Fort Rock Cave (Oregón, EE.UU.), Desde las sandalias Luther años y halladas por el arqueólogo datadas hace 9.000 evolu hasta la actualidad, el calzado ha ido Cressman en 1938, del ser necesidades vitales y profesionales cionando acorde las humano. Complemento por deinición, fetiche, en ocasiones, el Anna ha creado verdaderas fanáticas como fervor por el zapato 1000 4000 pares e Imelda Marcos con sus Dello Russo con sus como Salvatore Ferragamo, André Perugia, parejas. Nombres Manolo Blahnik, Jimmy Choo, Vivier, Charles Jourdan, Roger por sus conllevan el eco de admiración Christian Louboutin lujosas obras de arte para los pies. a lo largo de los tiempos Lo que indefectiblemente no ha variado huella• por ser dejar humano del pasión esla Iratxe de Arantzibia de Iratxe Periodista y Crítica de Danza

- - - - ballerina . pas de deux se volvió más inmaterial, etérea, inalcanzable. Impulsó las inno vaciones técnicas y virtuosas femeninas, con intérpretes volátiles el Romanticismo permitió un trabajo más cual ángeles. También completo del La relación de cada bailarina con sus puntas de ballet es muy personal. Cuando la bailarina Gelsey Kirkland (1952) retornó al escenario tras dos años de ausencia, su fabricante se había retirado y no pudo encontrar un sustituto adecuado. Finalmente, Para amoldarlas a sus pies, cada una éste se vio obligado a volver. y pedazos las hacía (1881-1931) Anna Pavlova trucos: sus tiene las unía de nuevo; Margot Fonteyn (1919-1991) solía golpear las contra las escaleras; Kirkland llevaba un pequeño martillo No obstante, los tacones altos se han asociado al sexo. Así, las Así, al sexo. han asociado altos se tacones los No obstante, como centímetros de 15-30 zuecos llevaban japonesas cortesanas inglés el siglo XVIII, el Parlamento su profesión. En símbolo de a través del uso “toda mujer que, acta que señalaba: elaboró un un súbdito de Su conduzca a u otras estratagemas, de tacón alto de brujería”. castigada con la pena al matrimonio, será Majestad Nueva Orleáns, un prostíbulo de después, en Una centuria los “aprendimos que podíamos doblar Madame Kathy aseguró: tacones las chicas se pavoneaban con aquellos honorarios cuando se volvían locos únicamente observándolas. altos. Los hombres más más, se quedaban más y regresaban Bebían más, pagaban siglos antes, otras colegas de profesión, a menudo”. Sin tacones, las meretrices de la Antigua Roma (753 a.C-476 d.C), utilizaban el talladas en su suela que dejaban impreso sandalias con letras en en la tierra blanda. El calzado convertido mensaje “Sígueme” oscuro objeto de deseo. celu del divas Las tacón. de zapatos de uso el expandió cine El y llenaban sus armarios loide salían en la gran pantalla con ellos que (1933-1967) Mansield Jayne como zapatos, de multitud con Monroe Marilyn excelencia, por icono El pares. 200 de más tenía (1926-1962), airmó: “no sé quién inventó el Fue el tacón alto el que dio todas las mujeres le debemos mucho. tacón alto, pero de contornearse para secreto Su carrera”. mi a impulso gran un corto que otro. Durante manera sensual fue que un tacón era más imágenes imborrables en el su época dorada, el Séptimo Arte dejó (1915 – 1998) sorbien imaginario colectivo como Frank Sinatra “Alta sociedad” (1956), do champán de un zapato de aguja en en “La la Fontana di Trevi Anita Ekberg (1931) chapoteando en una sin tener la mano y, dolce vita” (1960) con sus zapatos en de Judy Garland (1922 - altura vertiginosa, los chapines rojos En 1988, uno de los ocho 1969 ) en “El mago de Oz” (1939). creó el diseñador de ropa pares de zapatillas de color rubí que — 1959), se subastó en de Hollywood Gilbert Adrian (1903 alcanzando la cifra récord de 165.000 dólares. Christie’s Etéreos ángeles del ballet la en encuentra se de ballet puntas las actuales de El antecedente obra “Céiro y Flora” (1796), de Charles-Louis Didelot (1767 pies - los de puntas las sobre paraban se bailarines los donde 1837), al ser sostenidos por alambres. En 1813, el maestro Jean François Coulon (1764 – 1836) hizo trabajar a Gosselin su (1791-1818) las puntas, discípula pero en Geneviève las zapatillas lexibles que habían sustituido a los zapatos de tacón. Poco después, en 1820, hizo lo mismo con otra bailarina, Amelia Brugnoli. Sin introducidas fueron reforzada punta de zapatillas las embargo, (1804-1884). Hace 180 años, la en el ballet por Marie Taglioni intérprete sueca estrenó “La Sylphide” (12 de marzo de 1832) en halló “la Taglioni la Ópera de París. Según señala Alberto Testa, la calzado Con este sublimación”. y su razón la punta en

- , unos gétas talon aguille El diseñador de

New Look. (tacón choque). Los primeros talon choc o zapatos de salón, considerados el equivalente en equivalente de salón, considerados el o zapatos petite robe noire (the little black dress). , que era el cuchillo de hoja estrecha, usado por los asesinos court shoes stiletto Aunque han existido tacones durante siglos, el tacón de aguja como tal no nació hasta los años cincuenta del pasado siglo. La primera vez que se empleó en término fue en 1953 en Italia ( Christian Louboutin. Shoes (Pumps), 2007 (Pumps), Shoes Louboutin. Christian Art Museum of ©The Metropolitan 1930s. Hollywood, Museum, Toronto AP Photo/Bata Shoe en en el Renacimiento). El modisto necesitaba un nuevo calzado para su Christian Dior (1905-1957) calzado Roger Vivier (1907-1998) le proporcionó el ligera caída, imposibles de lucir sin su complemento adecuado, un ligera caída, imposibles de lucir sin su complemento fabricar en cueros dúctiles hermoso calzado. Bertand los mandó los pies de las y hormas puntiagudas. Bellos pero incómodos, signo de elegancia y devoción reli damas comenzaron a sufrir, giosa a la vez, según el pensamiento de la época. Así nacieron los calzado del (tacón de aguja) y el indicios del tacón se encontraron en una tumba egipcia en Tebas indicios del tacón se encontraron en una tumba egipcia en Tebas salud y bienestar (1000 a.C.). Ser más alto era un signo de poder, económico. Se atribuye la invención del tacón alto a Catalina de con el su matrimonio Médicis (1519-1589), reina de Francia por monarca Enrique II, y curiosa coincidencia, promotora del “Ballet Comique de la Reine” (1581), considerado el punto de partida de la historia del ballet, y creado con motivo de las bodas del duque que sabe se menuda, ser Al Lorena. de Margarita con Joyeuse de la reina encargó varios pares de zapatos de tacón alto a artesanos italianos. Mucho tiempo después, cuando Hirohito (1901-1989) fue coronado emperador de Japón, en 1926, llevaba las zapatos con una plataforma de 30 centímetros de altura. - - - sabe que, en 1793, en Boston, se inauguró el primer almacén de el perfec En la era de la industrialización, calzado al por menor. a icono sexual Aquitania De la la de seducción en corte La reina Leonor de Aquitania (1122-1204) le encomendó a su amante y árbitro de estilo de la corte, el trovador Bernard de Bertand, que diseñara suntuosos vestidos largos de amplia cola y cionamiento de la maquinaria favoreció el desarrollo del sector. el desarrollo del sector. cionamiento de la maquinaria favoreció Mientras Inglaterra e Italia atesoraban una fuerte tradición en la de nacimiento el Francia, en a mano, calzado de producción la Alta Costura supuso también el lorecimiento de esta área. Las damas vestidas por Poiret y Paquin, era calzadas por Chapelle (Rue Richelieu) o Ferry (Rue de la Grange Battelière). Pietro Yantorny (1874-1936) “zapatero más caro del mundo”, aceptando en el período de en recibió el treguerras a un máximo sobrenombre de veinte clientes. Pedía una ianza del de A cambio, asumía la responsabilidad 1.000 dólares por un par. de hacer los zapatos de un cliente durante toda su vida. Cuando aceptaba un cliente, realizaba moldes de sus pies y le hacía andar descalzo para ver dónde apoyaba su peso. No le consultaba ni el tipo de calzado ni el material. Rita de Acosta Lydig (1875-1929) le encargó más de trescientos pares. El zapatero italiano solía e incluso algunos clientes le es tardar entre 1 o 2 años por par, peraron hasta tres calendarios. La Sra. de Acosta fue su clienta favorita. “Ella es la única persona que conozco que, cuando anda, pisa correctamente”, confesó el artesano del calzado. 04

82 DANZABALLET 1. Pierre Boulez dirigiert das Ensemble der LUCERNE FESTI- CITAS VAL ACADEMY LUCERNE FESTIVAL im Sommer 2010 ©Priska Ketterer/Lucer- “… En este sentido, la mayor innovación del vocabulario weberniano es ne Festival la de considerar cada fenómeno a la vez como autónomo y como inter- 2. Pierre Boulez dirigiert die LUCERNE FESTIVAL ACA- dependiente, forma de pensar radicalmente innovadora en la música de DEMY ORCHESTRA Occidente.” LUCERNE FESTIVAL SOMMER 2009 ©Peter Fischli/Lucerne Festival “… la evolución de Webern ha funcionado sobre esta ambigüedad pri- 3. Pierre Boulez und Academy Studenten mordial: la asimilación del contrapunto riguroso a las formas seriales ©Priska Ketterer, LUCERNE FESTIVAL fundamentales. Ambigüedad que amenazaba engendrar una escolástica 4. Pierre Boulez and the Berliner Philharmoniker demasiado vana si, justamente, no hubiera comprometido deinitivamente, © EuroArts más allá de esta escolástica, el porvenir de esta música por prolongaciones que al principio no estaban incluidas con precisión; muy especialmente en- tendemos la abolición de la contradicción precedentemente existente entre los fenómenos horizontales o verticales de la música tonal. Él creó una nueva dimensión, que podríamos llamar dimensión diagonal, especie de distribución de los puntos, de los bloques o de las iguras no el en plano, sino en el espacio sonoro.”

“Todas estas posibilidades hacen del piano, a mi entender, un instrumento particularmente precioso, porque le dan un papel de intermediario entre la nota ijada y los sonidos complejos, que se confunden prácticamente con el ruido, obteniendo un amplio abanico de valores sonoros.”

“Por suerte las grandes obras no dejan nunca de recompensar su intrans- gresible noche de perfección. Si se toma el cuidado de no referirse al humor sin esperanzas frente a este misterio que se rehúsa desarmar, desde este momento se adivinará sin esfuerzo el móvil de un espíritu lanzado en una búsqueda semejante, una especie de acto de fe en la transmisión del oicio de 1 2 generación en generación… “

“Esta visión tremendamente compartimentada del conocimiento es grotesca y absurda, por no hablar de la injustiicada arrogancia de unos tipos que se creen depositarios del patrimonio, que desconocen hasta extremos insos- pechados la música contemporánea y por quienes apenas siento respeto.”

“Pero lo que menos abunda, incluso hoy, son sin lugar a dudas los grandes directores musicales. Podemos contarlos con los dedos de una mano. Y por muchos motivos. En primer lugar, por falta de cultura. Apenas conocen la literatura musical en toda su extensión y se limitan a un repertorio restringido. En segundo lugar, por falta de gusto: carecen de la inquietud Pierre Boulez por descubrir, no saben intuir en qué puede convertirse una nota. En tercer lugar, porque es preciso saber gestionar artísticamente una institución de por Enrique Blanco modo que, sin maltratar al público, podamos hacer que cobre conciencia de la evolución ineludible del lenguaje y la sensibilidad.”

3 “Es preciso decir que los directores que se presentan no tienen ninguna for- mación en el terreno de la música contemporánea; no es culpa suya, sino 4 de los conservatorios o de las academias, que ofrecen una formación muy Compositor francés, considerado uno de los máximos represen- necesidad de encontrar intérpretes responsables para las obras pobre en este sentido. Y me reiero al siglo XX en general.” tantes del serialismo integral, denominación escasísimamente contemporáneas le lleva a dedicarse como segunda actividad a la entendida y por la que —sin responsabilidad suya— suele ser dirección, tarea en la que es señero, y a la creación del «Ensemble juzgado —bajo las premisas de que una música tan formalizada Intercontemporaine», una de las mejores agrupaciones de música “El repertorio del siglo XX no suele aparecer en muchos programas, una debe ser poco sentida, premisa que puede fácilmente refutarse contemporánea de todos los tiempos. de las razones de la hostilidad que suscita en ocasiones la música actual. contando las páginas de cualquier buen libro de armonía tonal—. ¿Cuántas veces una pieza como el opus 16 de Schönberg se interpreta a lo En su madurez ha ahondado en todas estas características. En- Entre las características más sobresalientes de su pensamiento largo de una temporada? Prácticamente ninguna. También es culpa de los contramos un Boulez más sereno y accesible, con un enorme 84 están un extremado rigor formal y una inteligencia sobrecoge- directores de orquesta, que siempre dirigen el mismo repertorio, Me parece 85 sentido de la fantasía y la invención. lamentable que, para muchos, el repertorio se detenga en Mahler. ¡Hace DANZABALLET dora. Entre las de su música, las dos anteriores se conirman, y DANZABALLET se debe añadir que su sentido del ritmo, el timbre y la armonía- Muchos son sus méritos como compositor o director. Es nece- treinta años, nadie conocía a Mahler!” contrapunto son incomparables y de extremado reinamiento sario añadir a ellos los de divulgador, tanto en sus escritos como y belleza. Ha conseguido la no pequeña hazaña de conciliar el siendo el impulsor de los estrenos de algunas de las más grandes Enrique Blanco es profesor del Conservatorio de Música de Salamanca, en pensamiento serial con el aleatorio, y la bastante mayor, de ex- iguras de la música del siglo XX, tales como Berio, Stockhausen, el que he impartido Armonía, Fundamentos de Composición y Análisis. 04 presarlo en obras de inmensa eicacia, frescura y vigor. Su Zappa… Autor del blog http://enriqueblanco.net/ 04 04

87 DANZABALLET - - Portraits of Alicia Markova Applying Makeup © 2000–2012 The Metropolitan Museum of Art “The Boom in Ballet”: Portraits of Alicia Markova. 1941 Markova. of Alicia Portraits Ballet”: Boom in “The © Walker Evans Archive, The Metropolitan Museum of Art Museum Metropolitan The Archive, Evans © Walker ligereza en el acto 2». El mismo año bailó dos clásicos más: el primer Cascanueces completo y El lago de los cisnes.La baila y su carrera en el Vic-Wells rina estuvo hasta 1935 con Valois, quedó marcada por las coreografías de Frederick Ashton, como Les rendez-vous, y la ingeniosa Polka del ballet Façade. y se junta con Alicia Markova decide abandonar el Vic-Wells el bailarín Anton Dolin, exbailarín de los Ballets Russes, para formar su propia compañía, la Markova-Dolin Ballet. Con la la será que la en concentra se Valois De Markova, de marcha gran bailarina Margot Fonteyn. En la década de 1940, la bai de Russes Ballets los con Unidos Estados en estará larina Montecarlo, y más tarde, Alicia entrará a formar parte de la fundación del Ballet Theatre, donde será la bailarina principal se reunió En Nueva York del actual American Ballet Theater. con el coreógrafo Michel Fokin y estrenaron varios ballets, entre de decía Markova sylphides. Les de producción nueva una ellos - - - - - Alicia Markova as Giselle, 1954 Giselle, as Markova Alicia Collection/CORBIS © Hulton-Deutsch 1910, nacida en Londres el 1 de diciembre de Lilian Alice Marks, hablaba que a la edad de seis años aún no era una niña frágil sociable y tenía problemas terapéuticos, en público. Era poco so pies planos y las rodillas débiles. Para le diagnosticaron los sus padres, a los ocho años, decidieron lucionar este problema, ballet. apuntarla a clases de Dick de Lilian en la pantomima de Con la primera actuación de 1919, el Kennington en diciembre Teatro Whittington, en el Bretaña. Gran de ballerina prima la sería que la descubrió mundo pequeña «la como describió la Telegraph Daily The diario El bailarín Sydney Francis Pavlova». Ese mismo día, el joven conocido como Anton Dolin, fue más tarde Patrick Healey-Kay, de su entusiasmo con a verla y quedó embrujado. Como muestra la pequeña, le dejó un ramo de lores en la puerta del escenario. la misma Anna Pavlova. Aquel año, Lilian recibió una clase con en la academia de Con once años de edad y mientras estudiaba la Princesa Seraina Astaieva, una bailarina rusa retirada de los en Londres, Lilian se Ballets Russes de Diaghilev que residía durmiente para bailarla preparó el hada del ballet de La bella Russes, Sergei Diaghilev. delante del fundador de los Ballets sufrió difteria. Pero la pequeña Pavlova se puso enferma, aparentaba con 14 años, aunque años más tarde, en 1924, Tres su familia se arruinó. menos por su estatura pequeña y delgada, teníamos un Rolls-Roy Ella misma decía «cuando tenía seis años no podían pagarle más ce, ahora no tenemos nada». Su padre Sergei Diaghliev la contrató clases, pero llegó su oportunidad: El empresario ruso fue su y se convirtió en la niña de sus ojos. cambió Le año. aquel murió suyo el que ya sustitutivo, padre la prima ballerina de el nombre y de ahí nació Alicia Markova, Gran Bretaña. Diaghliev reemplazó su nombre inglés por uno de origen ruso porque decía que todos los grandes bailarines de Sergipops. El mentor, ballet eran rusos. A cambio, ella le llamaba después de la actuación de Markova se dirigió a la profesora As taieva y le dijo: «Has hecho un genio para el mundo, el ballet ha encontrado la próxima generación». convertida en Alicia Markova, en 1926 bailó su primer rol Ya joven un de coreografía con rossignol, du chant Le importante, George Balanchine, música de Igor Stravinsky y vestuario de Henri Matisse. Bailando, Alicia parecía una pluma. Balanchine ideó para ella una diagonal de fouettés, con los que daba la impre sión de que Alicia era un pequeño pájaro saltando. Markova estuvo de gira con los Ballets Russes hasta 1929, año Con tal desgracia, Alicia perdió al padre en que murió Diaghliev. postizo y se quedó sin dinero. La pequeña Pavlova volvió a Londres y bailó para el Ballet Club de la bailarina y pedagoga polaco-británica Marie Rambert. Markova también bailó para fundadora de la de la bailarina Ninette de Valois, el Vic-Wells Royal Ballet School. Estos años, la bailarina la y cambió aportó cación y el glamour de la compañía de Diaghliev, la soisti concepción que se tenía hasta entonces de que solo el ballet ruso estrenó Giselle con Alicia era bueno. En 1934, el Ballet Vic-Wells John Percival la como prima bailarina. El crítico de The Times describió: «Giselle era su papel, su cualidad excepcional era su

por Judit Jordana Pons LA PEQUEÑA PAVLOVA LA PEQUEÑA Alicia Markova Alicia 04

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89 DANZABALLET - - - - Fokin: Fokin: «Él me enseñó que no hay principio ni in en los movi mentos, se funden como el sonido en el aire». En 1942 también también 1942 En aire». el en sonido el como funden se mentos, Antony de Julieta y Romeo como Massine, Alenko con roles creó Marko su compañía York en Nueva En 1945 recompuso Tudor. o las Filipinas, América, el Caribe Ballet y viajaron por va-Dolin del mundo bailarina mejor pagada se convirtió en la y Markova a la semana). (1.000 dólares se y Bretaña Gran a volvió Markova cincuenta, años los En pieza su inseparable Anton Dolin, en una convirtió, junto con como el Festival de Ballet, hoy conocido fundamental para formar este Ballet. Fue la misma Alicia la que decidió el English National bailó Pavlova la pequeña 1953 y hasta permaneció Allí nombre. Lifar, del momento: Erik Bruhn, Serge con los grandes bailarines Léonide Massine… asumió la forma y a Estados Unidos volvió La prima ballerina artista Opera House, además viajó como ción del Metropolitan radios. conciertos, óperas, televisiones y invitada y actuó en Markova, que era hija de padre judío, donó sus beneicios para inanciar el Auditorio Mann en Tel Aviv. En 1963 se retiró de Imperio Británico por la los escenarios, fue nombrada Dama del el Dirigió premios. incontables recibió y además Isabel II reina posteriormente impartió Metropolitan Opera House hasta 1969, College-Conservatory of clases en la Universidad de Cinicinnati Music hasta 1974. Alicia Markova regresó a Londres para estar matrimonio. Dedicó cerca de su hermana, ya que nunca contrajo su vida a la danza y nunca dejó de trabajar. el 2 de diciembre de La prima ballerina de Gran Bretaña murió de cumplir 94 años. 2004 en Bath, Inglaterra, el día siguiente para inspiración de ejemplo gran un supuso Markova Alicia Merce Cunningham, el cual airma que cuando la vio bailar Les la impedía volar era que sylphides, en el pas de deux lo único que como una de las mejores la sujetaba el bailarín. Se la recuerda de técnica increíble, bailarinas del siglo xx por la combinación era legendario por fuerza personal y talento. El baile de Markova su pero roles, muchos Representó lirismo. y ligereza pureza, su era increíblemente de Markova El baile era Giselle. estelar papel que precisa y clara técnica una tenía Además, delicado. y ligero verla en directo. Ella era una delicia para aquellos que pudieron expe sus yo” sobre y “Giselle libro el escribió en 1960, misma, riencias en su papel más famoso. Su gran aportación fue llevar el mundo• todo de el gentecomún la a ballet Bibliografía: 1. Alicia Markova: Her Life And Art (1953). Author: Anton Dolin. Publisher: Hermitage House Harwood. Katz Rebecca 2004) by (1910 – Markova 2. Alicia Archive, 2009 Jewish Women’s “The Boom in Ballet”: Portraits of Alicia Markova. 1941 Markova. of Alicia Portraits Ballet”: Boom in “The of Art Museum Metropolitan The Archive, Evans ©Walker Portraits of Alicia Markova Applying Makeup © 2000–2012 The Metropolitan Museum of Art “París, 1971. Me llamo “Me gusta la idea de perfec- “La moda que hago consiste Mathilde Kschessinska y fui la ción, porque no es real, es como en vivir la vida de acuerdo a lo bailarina rusa más importan- un fetiche. Incluso creo que hay que sientes y en encontrar tu te de los escenarios reales. Pero algo perverso en ella” verdadero yo más que en tener el mundo en el que nací ha des- Marc Jacobs (1963) un logotipo que colgarte en la Ellos han dicho... aparecido y todos los actores que espalda” representaron papeles en él han Christian Lacroix (1951) desaparecido también: muertos, “Zelda respondía a la tipo- asesinados, exiliados, fantasmas logía de la niña traviesa que andantes. Yo soy uno de esos fan- pululaba por la literatura infantil “Prueben a leer Anna tasmas. Hoy en día, en la Unión de principios de siglo: una chica Karénina con los ojos de un co- “I am grateful for everything “Kenneth me empujó a la vista “Bailamos para un público tan Soviética está prohibido pronun- atractiva pero indómita, que reógrafo. ¡Qué ininidad de I have in my life. It’s up to the del público muy temprano en mi tranquilo que se podía oír la res- ciar mi nombre. Las autoridades mostraba todos los indicios de detalles plásticos ocultos, de individual to get what he or she carrera, lo que fue una oportuni- piración de los bailarines. Como lo han eliminado de sus histo- rebeldía ante las convenciones del observaciones, tonalidades, des- wants. You have to do everything dad increíble para mí. Al trabajar el inevitable drama estaba en rias del teatro. Tengo noventa y tradicional papel femenino” cripciones descubrirá en ella! you can to achieve what you want con él experimenté todo tipo curso, sentimos subir la emoción nueve años, una dama anciana Ahí estriba la fuerza de una obra but you must also be grateful to de sentimientos, ya que fue un y llegamos a una intensidad casi Kyra Stromberg en Zelda y Francis Scott con redecilla y cara de amargada, Fitzgerald (Muchnik Editores, 2001) maestra. Cualquiera que recurra God for what you have. “ período de transformación para insoportable; luego bajó el telón y sin embargo aún me siguen a ella descubrirá nuevas profun- Uliana Lopatkina (1973) mí que pasó del terror al regocijo” y fue liberador para los espec- temiendo” didades y nuevas bellezas” Darcey Bussell (1969) sobre Sir Kenneth tadores. En la sala estallaron “Lo que me rodea forma parte gritos de entusiasmo, todo el Del libro La verdadera historia de Mathilde Boris Lvov-Anokhin MacMillan (1929 – 1992) Kschessinska de Adrienne Sharp de mí. Desde niña me gusta mu- “Sólo me enfado conmigo público se puso de pie. El aplauso chísimo la música clásica. Me da el duró tanto como el ballet: veinte Roca Editorial, 2011. conmigo mismo cuando otros de- impulso que me falta en el mundo “Ulanova was sincere, she “Soy un neoyorquino que minutos! Durante veinte minutos sarrollan mi misma idea pero con real, es como una necesidad de astonished balet-goers with her sabe apreciar lo bueno de París. el público del teatro al completo, más fuerza.” belleza. No se puede aparcar el utter idelity to human feelings. En la capital francesa mi vida en posición vertical, golpeando “La música no está para Christian Lacroix (1951) ballet clásico porque forma parte Maximova had exceptional es perfecta. Quizá no sea real, las manos para darnos las gracias expresar sentimientos, sino para de la belleza en el mundo” physique and moved very beau- porque no formo parte del sistema por la emoción que habíamos expresar música.” tifully. And Mezentseva – oh, she francés. Pero me gusta trabajar compartido al bailar, por el olvido Pierre Boulez (1925) Uliana Lopatkina (1973) “Reviso mis obras porque, was serene, she was a queen, she aquí cada día” momentáneo de los horrores de en primer lugar, soy un intérpre- had poise, beautiful lines and a la guerra, por el retorno a la ci- te de mí mismo. Cuando acabo Marc Jacobs (1963) “A mí me resulta del todo im- profound dramatism. She cast a vilización que signiicó nuestro “El piano concentra y resume una obra, paso a tocarla con mi posible separar arte, literatura, spell effortlessly. The strongest ballet en Francia “ en él el arte todo entero... “ ensemble. Veo entonces errores teatro y música. Me interesa de la impression anyone has made on “Él me enseñó que no hay prin- Franz Liszt (1811 - 1886) e insuiciencias. Me puedo haber Leslie Caron (1931) sobre el ballet El misma manera un cuadro que una me was Mezentseva with her cipio ni in en los movimentos, se equivocado, por ejemplo, en Joven y la muerte (1946) junto a Jean obra de teatro y que una partitu- Dying Swan” la parte externa de la música. funden como el sonido en el aire” Babilée (1923) ra, porque contemplando puedes Ritmos demasiado compli- cados, “Kenneth era muy interesan- Uliana Lopatkina (1973) Alicia Markova (1910 – 2004) sobre te. Era como un canal a través encontrar la solución a lo que etcétera. O en unos clímax mal Michel Fokine (1880 - 1942) andas buscando. Sé perfectamen- desarrollados. Puedo tocarla “La solución más costosa para del cual las cosas surgían. No el problema de la ópera, aunque era particularmente analíti- te que no hay muchos pintores o “Tener hijos no lo convierte a una, dos o tres veces, y entonces poetas que se interesan por otras uno en padre, del mismo modo en siento la necesidad de cambiarla a “El ballet no consiste en también la más elegante, sería dico o capaz de verbalizar lo que estaba haciendo, y eso lo ponía disciplinas que no sean la suya. A que tener un piano no lo vuelve fondo. Sólo así se ija en la nevera coincidir con la música en unos namitar los teatros de ópera”. muy nervioso, porque cada vez menudo, la música es el pariente pianista” de mi memoria”. puntos concretos, sino en musicar Pierre Boulez (1925) que trabajaba en una nueva obra pobre de la cultura” Michael Levine (1954) Pierre Boulez (1925) el movimiento. Y el público debe percibir que el timbre de la parecía estar aterrorizado, en el Pierre Boulez (1925) orquesta se corresponde con el “Dicen que la locura nos sentido de que consideraba lo 90 matiz de movimiento de la bailari- separó. Es justo lo contrario: que hacía como un rompecabezas 91 “¿Cómo podría caracterizar “You don’t write because you DANZABALLET na. Esa es la tradición que recojo: nuestra locura nos unía. Es la gigante para el cual tenía que en- DANZABALLET mi trayectoria? No hay dudas que want to say something, you write reforzar la musicalidad del mo- lucidez la que nos separa” contrar las piezas” fue muy sinuosa y muchas veces because you have something to vimiento y tratar de transmitirla. Lady Deborah MacMillan sobre Sir se alejo del camino principal” Zelda Fitzgerald (1900-1948) say” Es una lucha continua que sólo Kenneth MacMillan (1929 – 1992) Leslie Caron (1931) Francis Scott Fitzgerald (1896-1940) 04 termina cuando acaba tu carrera” 04 Uliana Lopatkina (1973) Uliana Lopatkina as Anna and Yuri Smekalov as Vronsky in Ratmansky’s, Anna Karenina Photo Natasha Razina / Mariinsky Theatre© Uliana Lopatkina ES ANNA KARÉNINA

Anna Karénina, de Liev Nikoláievich Tolstói (1828-1910) Sexta parte: Capítulo XXIV

Ana estaba en este momento en el rincón más lejano de la habitación y se había detenido allí jugando distraídamente con la cortina.

—Hemos supuesto que recibo el consentimiento. ¿Y mi hijo? No me lo darán. Y crecerá, despreciándome, en la casa de su padre, al cual he abandonado. ¿Comprendes que quiero a dos seres, a Sergio y a Alexey igualmente, más que a mí misma?

Ana volvió al centro de la habitación y se paró ante Dolly, oprimiéndose el pecho con las manos. Dentro del blanco salto de cama su igura resal- taba particularmente alta y ancha. Bajó la cabeza y, con los ojos brillantes de lágrimas, miró de arriba abajo la igura pequeña, delgadita, miserable de Dolly, que se encontraba ante ella con su blusita escocesa y su coia de dormir, temblorosa toda de emoción.

—Amo solo a estos dos seres —siguió— y uno de ellos excluye al otro. No puedo unirlos, y esto es lo único que necesito. Y si no lo tengo, todo me da igual. Todo, todo, me da igual... Se terminará de uno u otro modo, pero de esto no quiero ni hablar. Así que no me reproches nada, no me critiques. Con tu pureza no puedes comprender lo que sufro...

Ana se acercó a Dolly, se sentó a su lado, y, mirándola con ojos que ex- presaban un hondo sufrimiento, un inmenso pesar por su culpa, tomó la mano de su cuñada.

—¿Qué piensas? ¿Qué piensas de mí? No me desprecies... No merezco desprecio... Soy muy desgraciada. Si hay en el mundo un ser desgraciado, ese soy yo —dijo, y, volviendo el rostro, lloró amargamente. 92 93 DANZABALLET DANZABALLET

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