TEMPORADA 2017 – TEATRO SOLIS

DEL 3 AL 5 DE MARZO – SALA DELMIRA AGUSTINI

1975 | Ciclo de Monólogos de Mujeres

Una mañana de fines de verano, una mujer ve algo en la orilla del mar que no olvidará nunca. 1975 surge del texto elegido para formar parte del espectáculo Idéntico, 10 años de Teatro por la Identidad - Abuelas de Plaza de Mayo, Buenos Aires 2010. Obtuvo mención en la convocatoria Solos en el Escenario III del Centro Cultural de España en Montevideo, 2010. Espectáculo producido por el Programa de Fortalecimiento de las Artes 2015. Premio Florencio como mejor texto de autor nacional 2015.

Funciones:

Viernes 3 y sábado 4 de marzo, 20:30h. Domingo 5 de marzo, 18:30h.

Ficha técnica:

Actriz: Laura Almirón Dramaturgia y Dirección: Sandra Massera

Duración: 50 minutos

El valor de las localidades es de $280 Descuentos especiales a estudiantes de teatro, danza, música y artes escénicas del 20%: $ 220. Club el País o La Diaria 2 x 1. Descuento especial para Socios de la Fundación Amigos del Teatro Solís: $ 195. LUNES 6 DE MARZO, 20H – SALA PRINCIPAL

The Comédie Francaise: Romeo & Juliette

Desde Verona, una vieja rivalidad enfrenta a los Capuleto y los Montesco. Cuando Romeo Montesco y Julieta Capuleto se enamoran, sienten que su amor será eterno. Sin embargo, ya sienten que tendrá un trágico final. Entradas en venta en boletería del teatro y Tickantel.

La Comédie Francaise transmite en alta definición a la sala principal del Solís, la apasionante historia de Romeo y Julieta.

Sin dudas, Romeo y Julieta es la obra más famosa de Shakespeare y aún, cuando la mayoría de las puestas hacen foco en la historia universal del amor y el odio, en el texto de Shakespeare hay aún algo mucho más oscuro y complejo, que hace del romance el telón de fondo. Éric Ruff, directora "Hay un sol oscuro en esta historia, y es en él donde deberíamos observar".

6 de Marzo, 20h. Sala Principal.

Duración: 2:45hs.

Precio único: $400

Precio especial estudiantes (presentando carné): $200

Cupo tarjeta Montevideo Libre

VISA 3 pagos JUEVES 9 DE MARZO. 21HS - SALA PRINCIPAL

Kevin Johansen + THE NADA

Grabado entre Buenos Aires, Río de Janeiro, Nueva York y otras cuantas ciudades americanas, Mis Américas. Vol. ½ ahonda en el sonido americano de cabo a rabo que caracteriza a Kevin Johansen + The Nada. Entradas en venta en Tickantel y boletería del teatro. Es una las claves que han hecho de Johansen uno de los cantautores más respetados de Argentina, aunque el personaje naciera en Alaska y despuntara en California; un artista que hace con este su séptimo álbum en década y media de carrera con los ya míticos The Nada.

"Mi intención fue apropiarme de las Américas, que no son más que las de uno, las que uno conoce. No es que me fui al Lago Titicaca a sentarme y conectar: fui a las ciudades que conozco. Precisamente que sea un volumen medio significa que este álbum es recién la punta del iceberg, la parte de 'Mis Américas´ que recién conozco".

Eclecticismo, bilingüismo, sutileza de las composiciones. Y mucha música americana. Es la fórmula que siempre ha manejado con éxito Kevin Johansen para conquistar a un público invariablemente fiel. Por algo será.

Precios.

Precio 1: $1600 Precio 2: $1400 Precio 3: $1200 Precio 4: $1000 Precio 5: $800 Precio 6: $700

Financia: OCA, plan 2 pagos

Promociones.

2 x 1 Club el País.

Elija su ubicación en la sala. 10, 11 y 12 de marzo – SALA DELMIRA AGUSTINI

Parada Olivera

Parada Olivera es un lugar alejado del departamento de Soriano que da nombre a este unipersonal. Es el lugar donde nació y creció la protagonista de esta historia: una prostituta.Parada Olivera transcurre entre su universo actual de la ciudad y su universo del recuerdo, el del campo profundo y desértico del Uruguay. Se estrenó en el CCE (mayo 2016). Mención en el concurso de obras teatrales inéditas. Confonte-Agadu 2013

Funciones:

Viernes 10 y sábado 11 de marzo, 20:30h. Domingo 12 de marzo, 18:30h.

Ficha técnica: Actriz: Analía Torres Dramaturgia: Analía Torres Dirección: Yamandú Fumero Diseño de escenografía, vestuario e iluminación: Laura Leifert y Sebastián Marrero.

Duración: 50 minutos

El valor de las localidades es de $280. Descuentos especiales a estudiantes de teatro, danza, música y artes escénicas del 20%: $ 220. Club el País o La Diaria 2 x 1. Descuento especial para Socios de la Fundación Amigos del Teatro Solís: $ 195. Cupo Tarjeta Montevideo Libre. MIÉRCOLES 15 DE MARZO, 20:30H – SALA DELMIRA AGUSTINI Pi - oh - ku Pi - oh - ku

Danza para ver presenta Pi - oh - ku Pi - oh – ku, workshop performance. Este trabajo muestra una visión nueva de la forma y composición de nuestro movimiento cotidiano en la vida. Dirección: Daniel Lepkoff y Sakura Shimada. Entradas próximamente en venta.

Danza para ver presenta tres espectáculos:

15.marzo - Pi - oh - ku Pi - oh - ku 21 y 22. marzo - Resaka Vudú 4 y 5 de abril - piso cielo nada

Abonos $500 para las tres obras.

Pi - oh - ku Pi - oh - ku / Workshop performance Dirección: Daniel Lepkoff y Sakura Shimada

Este trabajo presenta una visión nueva de la forma y composición de nuestro movimiento cotidiano en la vida. Los performers son participantes del taller guiado por Daniel Lepkoff (EEUU) y Sakura Shimada (Japón) ocurrido en el Taller Casarrodante la semana previa a la presentación. El taller ofrece conceptos y técnicas que permiten a las personas utilizar el movimiento de la vida cotidiana como lenguaje, comunicación y base para la performance.

Los performers improvisan dentro de una estructura clara que determina la naturaleza de las actividades, pero no coreografía el movimiento. El trabajo es profundamente físico. La acción no dice al espectador lo que ver e invita al público a participar creando sus propias imágenes.

El evento performance es creado por la visualización simultánea de la danza. Cada persona en el teatro encarna sus propias imágenes, significados y reflexiones. El escenario es el espacio perceptual de cada performer o espectador. El teatro es un lugar de encuentro.

Es raro ver trabajo improvisado que esté fundado en un compromiso de largo tiempo con la investigación detallada y técnica del funcionamiento del cuerpo y la presencia de misterio en el movimiento común.

Coordina las visitas de Lepkoff y Shimada a Uruguay: Ruth Ferrari / Taller Casarrodante Organiza: Programa de Residencias Casarrodante Apoya: INAE, Teatro Solís MIÉRCOLES 15 DE MARZO, 20H - SALA PRINCIPAL Oratorio Society of New York - Carnegie Hall Oratorio Society of New York (coro del Carnegie Hall) junto a la Orquesta Filarmónica de Montevideo. Una oportunidad única para disfrutar de unos de los coros amateurs más prestigiosos del mundo. Entradas en venta en Tickantel y boletería del teatro.

El Oratorio Society of New York (OSNY por sus siglas en inglés) fue fundado en 1873 por Leopold Damrosch, ocupando el segundo lugar de las organizaciones culturales más antiguas de New York. Damrosch condujo OSNY durante su primer concierto el 3 de diciembre de 1873 en la sala Knabe Hall ubicada en la Quinta Avenida y la calle 39. Un año después, en la noche de Navidad, OSNY comenzó lo que se ha convertido en una inquebrantable tradición de presentaciones anuales del Mesías de Handel. Al comienzo, OSNY se trasladaba de sala en sala sin una sede en particular. Luego, en 1884, Andrew Carnegie se unió a la junta de directores, asumiendo su presidencia desde el año 1888 hasta 1919. Carnegie propuso solventar el fondo de OSNY para construir una "Sala de Música" como sede permanente. Asignó a su colega miembro de la junta y arquitecto William Burnet Tuthill como diseñador, y en mayo de 1891 el Carnegie Hall abrió sus puertas al público, convirtiéndose así en la sede artística del OSNY. En su primer cuarto de siglo, OSNY brindó estrenos de obras de arte coral y óperas en concierto como Christus de Liszt (1876-77); Ein Deutsches Requiem de Brahms'(1877); Le damnation du Faust, Roméo et Juliette (1882) y Te Deum (1891) de Berlioz' ; Parsifal de Wagner's en la Metropolitan Opera House en su primer espectáculo fuera de Bayreuth (1886); Legend y Pater noster de Tchaikovsky's (1891) y Samson et Dalila de Saint-Saëns' 1892). Posteriormente OSNY brindó el estreno en Estados Unidos de Eugene Onegin de Tchaikovsky en 1908, el primer espectáculo completo en Estados Unidos de la Misa en B menor en 1927, y el estreno en Estados Unidos de St. Ludmilla de Dvorák en 1993. Además de Tchaikovsky, OSNY ha sido conducido por ilustres compositores y conductores como Edward Elgar en su The Kingdom (1908), Virgil Thomson en su Missal pro defunctis (1962), y Aaron Copland and Leonard Bernstein en un tributo a Copland en su octogésimo cumpleaños en 1980. En 1982, OSNY, bajo la conducción de Lyndon Woodside, quien sirvió como director de OSNY de 1973 hasta su fallecimiento en el año 2005, hizo su tan esperado debut europeo en un concierto a beneficio de UNICEF en Munich. Dos años más tarde, OSNY cantó el War Requiem de Britten en la Coventry Cathedral para celebrar los 40 años de paz en Europa Occidental. Desde entonces, OSNY ha brindado presentaciones en Europa, Asia, Centro y Sudamérica. En el año 2003, OSNY recibió reconocimiento internacional cuando le fue otorgada la medalla conmemorativa de UNESCO por sus cuatro presentaciones en Costa Rica a beneficio de la Fundación Amigos de la Isla del Coco. El portal de OSNY es www.oratoriosocietyofny.org Director Musical Kent Tritle. Uno de los más destacados directores corales, Kent Tritle está cursando su décima segunda temporada como director musical de OSNY. Además de dirigir la presentación anual del Mesías en el Carnegie Hall, ha conducido repertorios tales como Paulus de Mendelssonhn, Ein Deutsches Requiem y Tragic Overture de Brahms's, y Songs of Love and War, y the Fauré Requiem de Paul Moravec's. En el año 2010, bajo el liderazgo de Tritle, OSNY se unió a la Filarmónica de New York y al director musical Alan Gilbert para dirigir una presentación de Nocturnal de Varèse como parte del Festival Varese. En el año 2008, OSNY se unió a la Orquesta Juilliard en una presentación de Synphony No. 3, "Kaddish," de Bernstein, conducida por Alan Gilbert, parte del festival Bernstein: The Best of all Possible Worlds auspiciado por la Filarmónica de New York y Carnegie Hall. Reconocido como "la estrella más brillante del mundo musical coral de New York" por el New York Times, Tritle es también el fundador y director musical de Sacred Music in a Sacred Space (Música Sagrada en un Espacio Sagrado), la aclamada serie de conciertos en la Iglesia de San Ignacio Loyola en la ciudad de New York. Es el director musical de Musica Sacra, el más antiguo coro profesional de New York con continuas presentaciones; es director de actividades corales en la Escuela de Música de Manhattan; y también profesor de postgrado de Juilliard School. Por más información, visite www.kenttritle.com Conductor asociado David Rosenmeyer Nacido en Argentina, David Rosenmeyer comenzó sus estudios en Israel, donde pasó gran parte de su infancia. Después de regresar a la Argentina, ha estudiado dirección coral en el Conservatorio de música de J. J. Castro y la orquesta en la UCA. Tiene una maestría en teoría de la realización y música de la Universidad de Mannes. El Sr. Rosenmeyer comenzó su carrera como Director invitado de importantes orquestas a lo largo de América del sur, incluyendo la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, Orquesta Sinfónica de Concepción de Chile, la Orquesta Festival do Curitiba de Brasil y la orquesta del Teatro Colón de Buenos Aires. También ha dirigido la orquesta de cámara israelí así como orquestas en Brasil, Hungría e Italia. SOLISTAS Soprano Jennifer Zetlan Jennifer Zetlan continúa ganando gran reconocimiento por su arte y cautivadora presencia artística. Ha debutado en los escenarios de la Ópera Metropolitana, Ópera de Nueva York, Ópera de Seattle, Ópera de Santa Fe y Florida Grand Opera. En el Carnegie Hall junto al Oratorio Society of New York canta los solos de soprano en el Te Deum de Bruckner y la Misa de Mozart en do menor. Bajo Alejandro Meerapfel Alejandro Meerapfel inicia sus estudios musicales a la edad de cinco años en San Carlos de Bariloche con Rodrigo Dalziel. En 1995 comienza a estudiar canto con el Maestro Nino Falsetti y repertorio con Catalina Hadís. Su repertorio incluye ópera, cámara, y oratorio desde el barroco hasta la actualidad. Se ha presentado como solista en salas como el Teatro Colon de Buenos Aires, Konzerthaus de Viena, Victoria Hall. Grand Theatre de Ginebra, Auditori de Barcelona, Hebbel Theatre de Berlin, Villete de París y Theatre de Bruselas. Tenor Alex Richardson El Sr. Richardson recientemente hizo su debut en el Metropolitan Opera como el pastor en Tristan e Isolda, ópera que abrió las puertas de la temporada 2016-2017. Junto al Oratorio Society of New York en el Carnegie Hall, demuestra su magnífica voz en los solos de tenor en el Te Deum de Bruckner y la misa en do menor de Mozart. Mezzo Soprano Malena Dayen Reconocida por el New York Times como "sobresaliente" por su performance en Carnegie Hall de Nueva York en Marzo del 2013, la mezzo-soprano argentina Malena Dayen hizo su debut como Carmen en el Festival de Opera de Natchez, repitiendo luego el rol con New York Lyric Opera y el International Vocal Arts Institute. En Junio del 2013 Malena cantó el rol de Aia en el estreno mundial de Fedra e Hipólito (Christopher Park) en el Palacio de las Artes en Belo Horizonte, Brasil. Invitada frecuentemente por compositores contemporáneos, Dayen actuó recientemente como solista en The Blizzard Voices (Paul Moravec) y Requiem (Bradley Ellingboe), ambas en Carnegie Hall. También se presentó en gira en Italia, Hungría y Brasil con el OSNY, así como con la Orquesta del Teatro Colón, la Orquesta de Cámara Israelita y la Orquestra Sinfónica de Puerto Rico. Actualmente reside en New York, donde se graduó en Mannes College of Music.

Precio de las entradas Precio 1: $550 Precio 2: $350 Precio 3: $200 Precio 4, 5 y 6: $150 Cupo Tarjeta Montevideo Libre JUEVES 16 DE MARZO, 21H – SALA PRINCIPAL

Noche de los estrenos

La Fundación Cienarte presenta la décimo tercera Noche de los estrenos junto a la Orquesta Destaoriya, Fede Graña y Nico Román. Entradas en venta en Tickantel y boletería del teatro.

Fundación Cienarte generando oportunidades

"La Noche está de Canto"

Fede Graña y Nico Román, cantando canciones de Los Prolijos Orquesta Destaoriya, presentando 14 cantantes en escena.

¿CÓMO ES ESTA 13ª. NOCHE DE LOS ESTRENOS? Esta 13ª edición se llama "La Noche está de Canto" y será muy especial. Primero porque los “estrenos” estarán presentes de diversas formas. Tenemos el estreno de un tango compuesto por jóvenes uruguayos, con letra seleccionada en los talleres de la CIAT (Comisión Interministerial de Apoyo al Tango) y música compuesta por alumnos de los talleres de composición de la Escuela Destaroriya, que son dictados por el Mtro. Raúl Jaurena. Se interpretarán también otros dos tangos de la misma procedencia, que fueron estrenados el pasado diciembre pero permanecen inéditos. Por si fuera poco lo logrado, programamos la presencia de 14 intérpretes vocales surgidos de tres generaciones de la Escuela de Tango Destaoriya, y estamos de hecho, estrenando de la forma más completa hasta ahora, una “generación Destaoriya del canto”. Nuestros invitados especiales tienen también su cuota de debut, ya que Federico Graña y Nicolás Román afrontarán el escenario del Solís ofreciendo dos nuevas obras de su producción que serán especialmente presentadas esa noche. No deja de ser un estreno, que otra vez logremos juntar jóvenes que tienen proyectos diferentes tan aparentemente dispares como el rock, el pop y el tango, pero que encuentran en la música una vía común de expresión artística y humana. En estos tiempos tan complejos, reafirmar conceptos vinculados a la creación, la inclusión y la diversidad, en el terreno del arte, es un “estreno” que nos debemos todos los días.

Precios para este espectáculo: Precio 1: $400 Precio 2, 3, 4 y 5: $200.

Cupo Tarjeta Montevideo Libre.

17, 18 y 19 de marzo – SALA DELMIRA AGUSTINI

Música de Fiambrería

Unipersonal que explora la metamorfosis del actor y la raíz poético-musical del hecho teatral sumergiéndose en el mundo de las mujeres y el amor, su ausencia, su exceso y su fracaso. Tres personajes, tres historias paralelas que se entrelazan en un crimen desapasionado". En este híbrido, se explora también sobre los géneros narrativos y musicales y sus fronteras: el melodrama, el policial y el musical (boleros, canto lírico, blues y pop). El concepto general que se trabajó es el de “lo uno y lo diverso”: un solo cuerpo para dar cabida a varios seres y sus registros. Lo barroco, múltiple y colorido, contrasta con la presencia de una sola actriz soportando todas esas expresiones. El formato es pequeño, por lo que los relatos también son mínimos y fragmentados. El micrófono en escena da lugar a la palabra hablada y cantada. Poema en escena, recital contemporáneo o performance que explora el paisaje montevideano y su “fauna” nocturna, en Música de Fiambrería el proceso es puesto en primer plano, y el espectador será testigo de las transformaciones que la actriz lleva a cabo para entrar y salir de cada uno de los seres que la habitan. Luego de un intensa actividad en el 2014 y en el inicio del 2015, el policial de Lucía Trentini con dirección de Diego Arbelo vuelve a las tablas montevideanas. Estuvimos en: La Gringa, Periscopio, Teatro Circular y Ciclo de Artes Escénicas Contemporáneas (Montevideo); Pequeño Teatro (Durazno); Festival Nacional de Teatro de Punta del Este (Maldonado); Espai Francesca Bonnemaison y Teatre Gaudi (Barcelona).

Funciones: Viernes 17 y sábado 18 de marzo, 20:30h. Domingo 19 de marzo, 18:30h.

Ficha técnica:

Actriz: Lucía Trentini (Ganadora del premio Florencio Sánchez Revelación por su labor en ste espectáculo). Dramaturgia: Lucía Trentini Dirección: Diego Arbelo Escenografía y Vestuario: Virginia Sosa Iluminación: Leticia Skrycky / Lucía Acuña Música Original: Nicolás Rodríguez Mieres y Lucía Trentini Ambientación Sonora: Nicolás Rodríguez Mieres Fotografía Fija: Alejandro Persichetti Producción: Lucía Etcheverry Duración: 60 minutos El valor de las localidades es de $280. Descuentos especiales a estudiantes de teatro, danza, música y artes escénicas del 20%: $ 220. Club el País o La Diaria 2 x 1. Descuento especial para Socios de la Fundación Amigos del Teatro Solís: $ 195. Cupo Tarjeta Montevideo Libre.

SÁBADO 18 DE MARZO, 20H – SALA PRINCIPAL

The Comedie Francaise: Le Misanthrope

Alcest ama a Célimène, una elegante mujer de la alta sociedad parisina. Él aborrece la hipocresía de este mundo, pero sacudido por un juicio público, debe visitar a Célimène para pedirle ayuda. Transmisión en alta definición de La Commedie Francaise. Entradas en venta en Tickantel y boletería del teatro.

Le Misanthrope mira a una sociedad liberada de la autoridad de la familia y de la religión, donde la gente muestra su verdadera naturaleza mientras la lujuria y el deseo asumen el control. La moral cuestionable del personaje principal, renunciando a la etiqueta y las exigencias de la alta sociedad, obliga a sus compañeros a arrojar luz sobre sus propias contradicciones y deficiencias.

Precio único: $400

Promociones

Precio especial estudiantes (presentando carné): $200 Cupo tarjeta Montevideo Libre VISA 3 pagos 21 Y 22 DE MARZO, 20:30H – SALA DELMIRA AGUSTINI

Resaka Vudú

Una sociabilidad envenenada. Unos cuerpos que se agitan con la marea de lo que está por venir. Investigadores creadores en escena: Adriana Belbussi, Emiliano Sagario, Javier Cóppola, Joaquín Cruz, Luciana Bindritsch, Martín González, Mariana Marchesano, Nicolás Parrillo y Paola Pilatti. Entradas próximamente en venta.

Danza para ver presenta tres espectáculos:

15.marzo - Pi - oh - ku Pi - oh - ku 21 y 22. marzo - Resaka Vudú 4 y 5 de abril - piso cielo nada

Abonos $500 para las tres obras.

RESAKA VUDÚ

Una sociabilidad envenenada. Unos cuerpos que se agitan con la marea de lo que está por venir. En el paisaje de un desierto arrasado, una posibilidad. Cuerpos que se encuentran tras la catástrofe. Cuerpos que recrean lo que está siendo, lo que nunca fue. La emergencia de singularidades que en la distancia se reconocen manada. Frente a la temporalidad de la devastación, la temporalidad del festival. Una invitación a pertrecharse, a armarse hasta los dientes, a amarse hasta los dientes. Una fuga que declara un jubileo. Una fuga que es un arribo.

Paola Pilatti

Investigadores creadores en escena: Adriana Belbussi, Emiliano Sagario, Javier Cóppola, Joaquín Cruz, Luciana Bindritsch, Martín González, Mariana Marchesano, Nicolás Parrillo y Paola Pilatti Participaron en la investigación: Leonor Chavarría y Vicente Pérez Diseño de iluminación: Leticia Skrycky y Santiago Rodríguez Tricot Diseño de sonido: Nicolás Parrillo (música original), Mariana Marchesano y Alvaro Fenocchi (edición y mezcla) Con la colaboración amorosa de: Florencia Varela, Lucía Fernández, Paulina Arocena, Juan Ángel Urruzola y Micaela Blezio Visitantes del proceso: Lucía Valeta, Bianca Garibaldi, Luchy Lucas, Melisa García, Daniel Pena, Laura Valle Lisboa, Tiago Rama, Valentina Viettro, Natalia Burgueño, María Noel Rosas, Carolina Besuviesky y los etnógrafos: Paolo Godoy, Lara Roldan, Inti Clavijo y Lorena Freira (gracias!) Gatilla: Mariana Marchesano

Un proceso de investigación de LA CASA Residentes Casarrodante (2016) http://practicasinsurgentes.wixsite.com/inicio/resaca-vudu

Organiza: Programa de Residencias Casarrodante Apoya: INAE, Teatro Solís MIÉRCOLES 22 DE MARZO, 20H – SALA PRINCIPAL

Veronese vuelve al Solís con Los Corderos

A la casa de la familia que componen Tono, Berta e hija es llevado un hombre, atado y con los ojos vendados. No se sabe por qué. En el lugar solo están Berta y la hija. El que llega, de esta manera abrupta y forzada, es un amigo que reaparece así en la vida de esta familia después de 20 años. Con Maria Onetto, Luis Ziembrowski y gran elenco.

Sinopsis Veronese dice, “podría enmarcarse en un costumbrismo perverso, en un realismo sin magia, terrenal y sucio”. A la casa de la familia que componen Tono, Berta e hija es llevado un hombre, atado y con los ojos vendados. No se sabe por qué. En el lugar solo están Berta y la hija. El que llega, de esta manera abrupta y forzada, es un amigo que reaparece así en la vida de esta familia después de 20 años. Una valija parece guardarse tiempo transcurrido.

Elenco

Maria Onetto Luis Ziembrowski Diego Velazquez Gonzalo Urtizberea Flor Dyszel

Ficha Técnica

Dirección: Daniel Veronese Asistente de dirección: Gonzalo Martínez Diseño de escenografía: Franco Battista Diseño de vestuario: Valeria Cook Diseño de Luces: Sebastián Blutrach Producción ejecutiva: Romina Chepe Dirección de producción: Sebastián Blutrach

Duración del espectáculo: 1 h.

Daniel Veronese

Autor, adaptador, actor y director teatral. En las ediciones 1999, 2001, 2003 y 2005 se desempeñó como curador del Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires. Es además miembro fundador del grupo de teatro El Periférico de Objetos, creado en 1989. Recibió el KONEX de Platino, la Beca Antorchas, el Primer Premio Municipal de Dramaturgia y el Primer Premio Nacional de Dramaturgia, entre numerosos premios. Sus espectáculos e intervenciones performáticas recibieron producciones de diversos festivales e instituciones del exterior: Theatre der Welt, Festival de Avignon, Kunsten des Arts, Hebbel Theatre, Holand Festival, entre otros.

María Onetto

Actriz. Se ha desempeña en teatro, cine y televisión. Algunas de las obras en las que ha trabajado: Raspando la cruz, Faros de color, La escala humana, La casa de Bernarda Alba, Vivi tellas; Donde más duele, Nunca estuviste tan adorable, Muerte de un viajante, Un dios Salvaje, Los hijos se han dormido. En cine se destacan Cuatro mujeres descalzas, La punta del diablo, El otro, Recepcionista del hotel, Arizona sur, Patrona, La mujer sin cabeza, Relatos salvajes. En televisión: Mujeres asesinas, Montecristo, Tratame bien, Lo que el tiempo nos dejó, Televisión x la inclusión, Santos & Pecadores, La Celebración, En terapia. Recibió el premio Clarín a "Mejor Actriz", el Martin Fierro como "Revelación" por la tira Montecristo, Condor de Plata como Mejor Actriz por La mujer sin cabeza de Lucrecia Martel y en 2012 el premio Konex por su labor en una década de teatro.

Luis Ziembrowski

Se destacó en teatro en obras como: Sacco y Vanzetti, Sonata de Otoño, Las Islas, Los hijos se han dormido, Las Viejas de Copi, El amor, Esperando a Godot, Mil quinietos metros sobre el nivel de Jack, Trilogía de Verano y La Malasangre. Creó y formó parte del grupo "La Pista 4", con el cual realizó: El círculo de tiza caucassiano, Esperes, Nada Lentamente, La desgracia y Cadáveres sobre textos de Perlogher.

Diego Velázquez

Es egresado de la carrera Formación del Actor de la Escuela de Arte Dramático de la Ciudad de Buenos Aires. Realizó estudios de danza, artes visuales y cine. Algunos de sus trabajos como actor: El Luto le sienta a Electra, Traición, y Cock (trabajo por el cual recibió el Premio Florencio Sánchez). Protagonizó Amerika, en el Nationaltheater Mannheim, en Alemania, con dirección de Alejandro Tantanian. De su labor en cine se destacan Relatos Salvajes, Habi, la extranjera, Lumpen, El Niño Pez, Amorosa Soledad, entre otros. En televisión actuó en Farsantes, La Casa, Homenaje a Teatro Abierto, Tiempos Compulsivos, El Hombre de tu vida, Televisión X la Inclusión y Mujeres Asesinas. Fue nominado a los premios Ace, Trinidad Guevara, Clarín y Florencio Sánchez. Como docente dictó clases en la Compañía Nacional de Danza Contemporánea, en la Escuela de Arte Dramático (EMAD), y seminarios en el exterior. Gonzalo Urtizberea

Reconocido Actor y Director. Inició sus estudios en el Instituto Nacional de Arte Dramático y realizó distintos talleres y seminarios dictados por los prestigiosos Lito Cruz, Carlos Gandolfo, Augusto Fernándes y Carlos Moreno en materia de actuación, con Lerchundi y Escobar talleres de Mimo, con Osvaldo Bermúdez talleres de Acrobacias, entre otros. Es un actor de extensa trayectoria, tanto en el teatro y el cine como en la televisión. En teatro ha participado en más de treinta obras como por ejemplo: Rotos de amor, La noche de las pistolas Frías, El comité de Dios, Humores que Matan, Stefano, El mundo ha vivido equivocado; Dejame hablar, amor; entre muchos otros éxitos. Empezó su carrera teatral en 1974, aunque fue en la televisión donde se dio a conocer al gran público. Dentro de sus participaciones en la TV lo encontramos en programas como: Los únicos, Un año para recordar, Alguien que me quiera, Cita a ciegas, Los exitosos Pells, Socias, Mujeres Asesinas, Sos mi vida, Casados con hijos, Padre Coraje, entre muchos más. Su labor en el cine comprende: El día fuera del tiempo, Días de vinilo, Fase 7, Elsa y Fred, Cargo de conciencia, Chiche Bombón, Un hijo genial, entre otras.

Flor Dyzel

Actriz egresada de la Licenciatura en Actuación del Instituto Nacional de Arte (IUNA). Como actriz trabajó en el proyecto Teatro Solo escrito y dirigido por Matías Umpiérrez; Pasionaria, Retazos de la dolce vita, El día que Nietzche lloró; El Bergantín, entre varias otras obras. En televisión trabajó en La casa, protagonizó varios capítulos de Neuróticos y en la miniserie Organ&Co. En cine trabajó en la película ¿Quién dice que es fácil? dirigida por Juan Taratuto y en varios cortos de escuelas de cine. Como docente dicta cursos de Formación en el Sportivo Teatral, de Ricardo Bartís; en el Teatro General San Martín; y en el teatro El Camarín de las musas.

Precios generales:

Precio 1: $450 Precio 2: $450 Precio 3: $450 Precio 4: $280 Precio 5: $280

Precios para estudiantes de bachillerato artístico, artes escénicas, Tarjeta ISIC, Socios SUA, ECU, Socios Club Defensor Sporting, Club Banco República, Aebu, funcionarios del WTC Free Zone y del Ministerio de Defensa:

Precio 1: $360 Precio 2: $360 Precio 3: $360 Precio 4: $220 Precio 5: $220

Precios para socios Fundación Amigos Teatro Solís:

Precio 1: $310 Precio 2: $310 Precio 3: $310 Precio 4: $190 Precio 5: $190

Precios para menores 29 años y Tarjeta Joven:

Precio 1: $220 Precio 2: $220 Precio 3: $220 Precio 4: $140 Precio 5: $140

La Diaria y Club El País: 2x1

Socio Espectacular: 50% de descuento.

Descuentos con tarjetas del Banco República:

- 2x1 con multipagos, pagos a través de la web (cupos limitados). - 20% de descuento con todas las tarjetas (débito y crédito) en todos los puntos de venta. Financia Visa. DOMINGO 26 DE MARZO, 18:30H – SALA DELMIRA AGUSTINI

"Féminas” | Celebración de la mujer

Recital de cuentos, poemas y canciones a cargo de Déborah Eguren (poeta) y Enrique Rodríguez (guitarra y percusión), Fiamma Saavedra y Mauricio Trinami (canciones). Entradas en venta en Tickantel y boletería del teatro.

El valor de la localidad es de $250

FÉMINAS, celebración de la mujer. (3da. Edición) A través de un libreto exquisito y una capacidad comunicativa envolvente FÉMINAS nos invita a vibrar con poemas, cuentos y canciones. La voz poética de Déborah Eguren presenta diferentes temas vinculados a lo femenino de una manera intimista ,vibrante y festiva. El repertorio recorre el amor, el compromiso, el erotismo , el humor y el optimismo. La guitarra de Enrique Rodríguez ensambla bossa y tango, blues y guajira, rock y balada en una suerte de collage que el músico hace desfilar entre poema y cuento. Completan el Recital la hermosa voz de Fiamma Saavedra acompañada por MauricoTrinami . En definitiva un espectáculo disfrutable, una caricia a la emotividad, un espacio para el disfrute y un tributo para todas las “féminas”

"¿Y si probáramos saber qué se siente festejar el verso despeinar el día contarle un secreto al árbol darle libre a los deberes sujetar la ilusión de la manga y echar a andar la fábrica de hacer milagros? " Déborah Eguren “Féminas” constituye sin dudas un hermoso y disfrutable tributo a la mujer

Déborah Eguren Poeta, intérprete de poesía y cuentos, profesora de literatura y coordinadora de Talleres literarios. Actualmente desarrolla el proyecto DIFUSIÓN/POESÍA Y CUENTOS que ha dado marco a numerosos Recitales: "Ciclo9" en la Sala Zitarrosa y FÉMINAS" 1era. y 2da edición en el Teatro Solís así como en el Auditorio del SODRE ,Teatro La Colmena, Espacio El tartamudo, Museo del Vino entre otros muchos espacios. "FÉMINAS", “ERÓTICA” POESÍA PARA LA PAZ", "CONFIESO QUE HE LEÍDO", REMANSO Y FIESTA” son algunos de los Recitales que ha presentado.

Ha publicado libros personales como "Horas que merecen el viaje" (2005) y ”Talón de Aquiles” (2009). Ha participado de varias antologías: "Al filo del gozo" (Méjico, 2007) , "Plata Caribe" (2008) y "El manto de mi virtud" (2011)

Enrique Rodríguez Márquez En el año 78 conforma el grupo “Dúo Sentir”. Participa durante 4 años consecutivos en el Festival de la Ciudad de La Paz y resulta premiado como mejor guitarrista. Alumno destacado de Eduardo Larbanois y profesor en Casa de la Guitarra durante varios años realiza varios trabajos musicales junto al mismo Larbanois, Jorge Noccetti, Popo Romano y Freddy O. Pérez. Además ha acompañado musicalmente a Cecilia Blezio, Andrés Stagnaro, Carlos Vidal y Jorge Velázquez como guitarrista solista. En guitarra eléctrica viene trabajando como arreglista y también como guitarra solista en la banda " Jubilados del Rocanrol "Desde el 2009 integra el proyecto " DifuSión/ PoeSía " conjunto a la poeta Déborah Eguren. Entre sus participaciones discográficos se destaca:" La Hiedra y el Muro" junto a Andrés Stagnaro, " Postales" y " Las Mariposas Blancas" junto a Jorge Velázquez, "Canto Popular - recop." junto a Carlos Vidal.

Fiamma Saavedra es cantante y docente en Vocal Coach Uruguay. Mauricio Trinami es músico, docente y Director de Vocal Coach Uruguay MIÉRCOLES 29 DE MARZO, 20:30H – SALA PRINCIPAL

La calle de los pianistas

La calle de los pianistas es un documental Belgica/Argentina; un retrato musical centrado en la historia de Natasha Binder, la niña prodigio que es hija, nieta y bisnieta de grandes pianistas, inspirada también por maestras como Martha Argerich entre otros que participan en la documental. Entradas en venta en Tickantel y boletería del teatro.

Con solo 14 años Natasha ya ha conquistado los escenarios más exigentes, pero ahora en la adolescencia, debe decidir por sí misma si dedicará su vida al instrumento. Hoy y en la vida real, Natasha Binder es la más joven pianista prodigio europea. “La calle de los pianistas” es un doble espectáculo que une el cine con un concierto en vivo. Desde Bélgica, y desde la pantalla al escenario en vivo llega Natasha Binder a dos pianos, junto a su madre, la gran pianista Karin Lechner, mas la sorpresa de una pianista uruguaya invitada, cerrarán una noche mágica, emocionante, imperdible.

Precios para este espectáculo:

Precio 1: $1050 Precio 2: 850 Precio 3: 680 Precio 4: 480 Precio 5: 380

Promociones.

Cupo tarjeta Montevideo Libre

2 x 1 Club El Pais

Financia: Visa JUEVES 30 DE MARZO, 21H – SALA PRINCIPAL

Buceo invisible

Los pájaros, los cines, la lluvia (20 años invisibles). Buceo invisible revisita 20 años de historias en el Teatro Solís. Entradas en venta en Tickantel y boletería del teatro.

Buceo Invisible es un colectivo artístico creado por Sebastián Vítola, Marcos Barcellos, Diego Presa, Álvaro Bassi y Santiago Barcellos una noche de domingo del año 97 en el barrio Buceo (Montevideo). Desde un primer momento se trató de un grupo formado por músicos, poetas y artistas plásticos que realizan espectáculos (muestras) en salas y espacios recuperados donde las distintas disciplinas artísticas "dialogan".

Actualmente integran Buceo Invisible: Marcos Barcellos (poesía, textos) Santiago Barcellos (poesía, textos) Fabián Cota (guitarra) Andrés Fernández (guitarra) Antonio de la Peña (batería) Jorge Rodríguez (bajo, guitarra, violín, coros) Diego Presa (voz y guitarra) Guillermo Wood (bajo)

Jimena Romero (iluminación) Federico Casanova (escenografía) Horacio Veneziano (escenografía) Gonzalo Rodríguez (escenografía) Sebastián Santana (visuales, gráficas) Sebastián Vítola (visuales, ilustraciones)

Hasta la fecha ha editado los siguientes trabajos discográficos: Música para niños tristes (Perro Andaluz, 2006), Cierro los ojos y todo respira (Bizarro, 2009), Disfraces para el frío (Bizarro, 2011) y El pan de los locos (Bizarro, 2015).

Sobre El pan de los locos:

“La reciente edición de "El pan de los locos", cuarto disco del colectivo Buceo Invisible, obliga a repasar la trayectoria de una de las usinas poético-musicales más fermentales de la canción montevideana. Continuadores del linaje de grandes como Darnauchans y Dino, manejan a la perfección un rock de guitarras rasgadas y oscuras.” Gabriel Peveroni. Caras y Caretas

“El pan de los locos ostenta un gran trabajo de arreglos, sobre todo en guitarras, con pequeños detalles que adornan el trabajo final y lo hacen mucho más rico -y que se van descubriendo con cada nueva escucha… En definitiva, Buceo Invisible se despachó con un gran disco.” Ignacio Martínez. la diaria https://rtproducciones.com/artistas/buceo-invisible/ Anticipadas hasta el 29 de marzo:

Precio 1: $500 Precio 2: $400 Precio 3: $350 Precio 4: $250 Precio 5: $200

El día del concierto:

Precio 1: $600 Precio 2: $500 Precio 3: $450 Precio 4: $350 Precio 5: $300

Cupo Tarjeta Montevideo Libre. 2x1: La Diaria y El País.

Financia Visa y Oca. 30 Y 31 DE MARZO, 21H – SALA DELMIRA AGUSTINI

Otelo, La Tanguedia

Otelo, La Tanguedia es una obra de teatro-tango, un espectáculo inmersivo que utiliza lo digital y lo analógico. El espectador asiste a la tragedia concebida por Shakespeare hace 400 años, revisitándola en el siglo XXI. Entradas próximamente en venta.

El espectador asiste a la tragedia concebida por Shakespeare hace 400 años, revisitándola en el siglo XXI a través de esta adaptación libre que se desarrolla en doce escenas con una duración aproximada de una hora. Integrando el tango (su danza, su música y sus códigos), la actuación y lo audiovisual en un espacio intimista que incluye al espectador en la escenografía, creando relaciones profundas entre estos y la obra. Se plantea una distopía en un entorno no lejos del actual, donde la falsa sensación de seguridad dada por la hiperconectividad tecnológica acabará cuestionada por sentimientos y actitudes primitivas, básicas. El amor, el deseo, el desengaño. Es evidente la relación entre una tragedia clásica como Otelo y el mundo del tango. El amor traicionado, el amor imposible, los celos, la inocencia engañada, son temáticas recurrentes en el género y el personaje principal de la obra, Otelo Rodríguez, el arquetipo del hombre traicionado, un protagonista del imaginario tanguero. Además, la danza del tango expresa la relación de pareja y permite explorarla en sus dimensiones y contrastes. Otelo, la tanguedia busca generar una fuerte identificación emocional en los espectadores y al mismo tiempo convocarlos a reflexionar sobre la circunstancias que plantea la obra y su carácter atemporal. La ambición, la manipulación, el engaño, la violencia de género, estallan por todas partes, pero hace mucho que están entre nosotros. MARTES 4 DE ABRIL, 20H – SALA ZAVALA MUNIZ

La crueldad de los animales Juan Ignacio Fernández comenzó a escribir la obra en 2011 tratando de entender de qué manera Argentina había llegado a la crisis de 2001. Dirección Guillermo Cacace.

Actúan Héctor Bordoni, Ana María Castel, Fernando Contigiani García, Gaby Ferrero, Esteban Kukuriczka, Sabrina Marcantonio, Iván Moschner, Denisse Van der Ploeg, Nacho Vavassori y Sebastian Villacorta.

Vestuario Magda Banach Escenografía e Iluminación: Alberto Albelda Música original: Patricia Casares Asistencia de dirección: Matías López Stordeur Directora ayudante: Julieta Abriola Producción: Juan Ignacio Fernández Autoría: Juan Ignacio Fernández Dirección: Guillermo Cacace

Síntesis argumentativa Hay un insecto que nunca para de comer... Tiene crías que va dejando atrás porque nunca para de comer... Las larvas nacen con tanta hambre que siguen a su madre y comen los restos de su comida. Si se acercan mucho a ella, esta les arranca la cabeza para que no puedan seguir comiendo. Las larvas que vienen detrás se las terminan de comer. Es una época cruel. Cada uno hace lo que puede. Si no sos fuerte, se sufre mucho. Juan Ignacio Fernández comenzó a escribir la obra en 2011 tratando de entender de qué manera el país había llegado a la crisis de 2001: “Contar una época sin nombrarla para no pensarla como un pasado sin retorno”, dice el autor. Ubicó la historia en el jardín trasero de una casa, adonde se huele el perfume de los jazmines, a orillas del Paraná. Allí, una mañana de primavera un grupo de personas de tres generaciones diferentes, se reúne para lo que se presume un día familiar. “Montar una obra de fuertes referencias políticas es todo un desafío. Sobre todo cuando el intento es no producir un discurso del discurso. Cuando la decisión es correrse de ilustrar una anécdota. No hemos querido abordar una posición, el intento ha sido encarnarla”. El director Guillermo Cacace pone en situación al público que se dispone a ver La crueldad de los animales, recreando en escena, con su propio lenguaje, el texto de Juan Ignacio Fernández ganador del concurso de autores teatrales nacionales, organizado por Argentores y el Teatro Nacional Cervantes. Esta obra se estrenó en el Teatro Municipal Pedro Barbero, de Campana, provincia de Buenos Aires, en el marco del Plan de Giras Nacionales del Teatro Nacional Cervantes, en julio de 2015. Realizó funciones a sala llena en el Teatro Nacional Cervantes desde octubre de ese año hasta mayo de 2016 y desde Junio de ese año se presenta en Sala

Premios y reconocimientos La obra ha obtenido el premio Cervantes-Argentores 2014 que permitió la producción por parte del Teatro Nacional Cervantes.

La obra obtiene el primer premio del concurso Roberto Arlt organizado por Universidad de las artes (UNA), y ha sido publicado por la editorial de la institución.

Juan Ignacio Fernández obtuvo el premio Argentores a mejor obra adultos 2015.

Guillermo Cacace ha sido distinguido con el premio Florencio Sánchez 2015 por la dirección.

Juan Ignacio Fernández fue destacado en dramaturgia en Los premios del mundo 2016.

Guillermo Cacace ha sido distinguido como mejor dirección destacada en Los premios del mundo 2016.

Ivan Moschner ha sido distinguido como mejor actor destacado en Los Premios del mundo 2016

Magda Banach ha sido distinguida por Vestuario destacado en los Premios del mundo 2016.

Guillermo Cacace y Gaby ferrero fueron reconocidos por la Revista BUE como mejor dirección y mejor actriz de comedia por la obra en 2015.

Críticas

Guillermo Cacace, el portador del fuego Si Mi hijo sólo camina un poco más lento opera como una suerte de acto de sanación que remonta a los orígenes del teatro, en su nueva creación escénica, La crueldad de los animales, Guillermo Cacace, acaso inspirándose en Artaud, produce un hecho artístico radical que despierta y agita, con una condensación extrema de elementos. A la vez, prosigue redefiniendo la frontera entre la platea y los actores, quienes liberan generosamente una energía que el público se lleva puesta. Moira Soto, La Nación http://www.lanacion.com.ar/1837124-guillerm o-cacace-el-portador- del-fuego

Un ritual de violencia Así, esta puesta vacía al texto de lo más obvio de su contenido y utiliza a tres generaciones de actores como un vehículo de una enorme fuerza teatral que se despliega. Incluye la denuncia que la obra envuelve, pero también la potencia y la excede, la vuelve violencia actuante en los cuerpos que la encarnan, la vuelve teatro. Cacace está dando un salto hacia adelante en cada obra que dirige. Entre sus mayores virtudes esté el haber visto la fuerza del grupo, aprovechar sus diferencias y hacerlas norma por sobre lucimientos individuales. Aquí, si bien hay excelentes interpretaciones (Moschner, Vavassori, Bordoni), es el conjunto el que termina por desbordarlas y por imponerse. Gabriel Isod, La Nación http://www.lanacion.com.ar/1835238-un-ritua l-de-violencia

Otra excelente puesta en escena de Guillermo Cacace. Osvaldo Quiroga

Cacace ofrece una inquietante puesta de La crueldad de los animales El director teatral es el responsable de la notable puesta de la obra de Juan Ignacio Fernández. En su puesta, que pone en juego procedimientos que ya estaban presentes en trabajos anteriores como A mamá, segunda parte de una orestíada vernácula y Mi hijo solo camina un poco más lento, Cacace logra deconstruir el armado de un texto para presentarlo bajo una nueva luz, en un teatro de cuerpos que atraviesa la distancia de la platea y se instala como un presente absoluto. La crueldad de los animales, espectáculo imperdible de la cartelera teatral. Pedro Fernandez Mouján, Télam http://www.telam.com.ar/notas/201510/1244 95- guillermo-cacace-la-crueldad-de-los-anim ales-teatro.php

Con Mi hijo sólo camina un poco más lento y La crueldad de los animales, Guillermo Cacace sacude la escena porteña y conquista a los críticos. Alejandro Lingenti, revista Brando

La puesta de Guillermo Cacace, uno de los mejores directores de la actualidad, es creativa, pero en su afán de evitar las literalidades demasiado explícitas que surgen de las indicaciones del texto o de expurgarlo de cierto realismo excesivo, lo recarga con un relato paralelo que vuelve demasiado densa la narración escénica. El trabajo de algunos actores, es excelente. Revista Cabal http://www.revistacabal.coop/critica-de-teatro -la-crueldad-de-los-animales

Cada actor / actriz con solvencia crea a su criatura, por momentos desde una perspectiva orgánica y eniales, la búsqueda de un teatro que requiere una herramienta, el otros desde la exterioridad, otorgándole a estos personajes la textura necesaria para poder distanciarnos de la dureza de la temática. La precisa iluminación incide de forma directa sobre la tensión en cada escena. Podemos pensar que como hecho teatral sólido La crueldad de los animales es una “metáfora viva”, concepto desarrollado por Paul Ricouer, en tanto nos transforma, necesariamente, en sujeto espectador pues somos integrantes de una sociedad cada vez más violenta. Azucena Ester Joffe, Luna Teatral https://lunateatral2.wordpress.com/2015/10/2 7/la- crueldad-de-los-animales-de-juan-ignaci o-fernandez/

Reveladora realidad. La crisis de 2001 en Argentina según Juan Ignacio Fernández. Es un crudo y llamativo choque de distintos niveles de vida, con sombras dentro y fuera del núcleo familiar, que genera una tensa reflexión. El texto singular y feroz creado por Fernández se enriquece con la dirección de Guillermo Cacace, quien maneja excelentemente un notable equipo actoral. La puesta estética y conceptual de una trama descarnada es expuesta como un rompecabezas tanto en espacio, como en tiempo y narrativa La obra exhibe un refinamiento actoral con emociones opuestas entre el drama y el humor que llegan en diferentes formas, avanzando dinámicamente hacia un cierre sorprendente, que produce cruces e inesperados comentarios en el espectador. Cristian A. Domínguez, Martin Wullich http://martinwullich.com/la-crueldad-de-los-a nimales-reveladora-realidad/

El sarcasmo es momentos sonriamos tragedia lingüística el que permite que por en medio de tanta y real. La crueldad de los animales es un panorama sobre una época nefasta que no terminó, que sigue su curso hasta que los derechos de los mortales sean respetados y ningún vivo pueda sobrevivir por sobre otro. Mariela Gagliardi, Sabor a Teatro https://saborateatro.com/2015/10/02/fraude- o-defraude- siganme-hermanas-y-hermanos/

La crueldad con la que muestran la realidad social, que puede ser a orillas del río Paraná o a orillas de aquí nomás, la circunstancia que saca al animal que llevamos entro y nos expone, dejan al espectador perplejo, ovacionando la labor realizada por el elenco pero conmocionado, sin espacio para la reflexión porque eso ya lo hace la puesta que acaba de ver. Cacace es uno de nuestros referentes y el creador de una buena parte del sello de nuestra identidad teatral. Juan José Bertolaga, Planeando sobre BUE http://www.sobrebue.com/visorNotaHtml.php ?idNota=1207

Guillermo Cacace y parte del elenco de La crueldad de los animales y Mi hijo sólo camina un poco más lento hablando con Osvaldo Quiroga en Otra Trama en Canal 7 https://www.youtube.com/watch?v=amTCCO zKCng

Guillermo Cacace habla en Visión 7 canal 7 de La crueldad de los animales https://www.youtube.com/watch?v=W9aaIh_ V5F0

"La crueldad de los animales". Después de dos meses de gira, el director Guillermo Cacace lleva su obra al teatro Cervantes. fondo son lo mismo. Lo que se dice, lo que se quiere decir y lo que finalmente se entiende. Pero no es solamente la arriesgada, y eternamente acertada, dirección de Cacace lo que nos clava en el asiento y nos abstrae del mundo externo: también están las brutales actuaciones que se despliegan en escena, todas con un fluir propio, todas mostrando algo único y ocultando mucho más. Es esta omisión hemingwayana, en las didascalias, en los diálogos, en las acciones, lo que le da a la obra el vértigo y la verosimilitud que la hacen tan atractiva. Por momentos cruda y no por eso carente de poesía, la obra late, emana el calor propio de las cosas vivas y obliga al espectador a darle cuerpo y forma a todo lo que está dicho, pero no representado; lo obliga a decidir en qué cree, en qué quiere creer e, inevitablemente, cada uno ve una obra distinta porque cada uno aporta algo propio. Es este trabajo conjunto con la platea lo que hace que sea tan dura, poética, violenta, bella. Real. Federico Espeche, FarsaMag http://farsamag.com.ar/la-crueldad-de-los-ani males/

Reseña de Guillermo Cacace Estudios Cursados: Egresado como actor nacional de la Escuela Nacional de Arte Dramático (actual UNA). Egresado como Licenciado en Psicopedagogía de la Universidad Nacional de Lomas de Zamora. Realizó seminarios y entrenamientos con diferentes docentes de actuación (Ricardo Bartís, Augusto Fernandes y David Amitín, entre otros). Disciplinas complementarias como clown, acrobacia, esgrima, danza, máscaras, mimo y workshops sobre Trabajo vocal, La palabra en acción y La biomecánica meyerholdiana (a cargo de Valentín Bogdanov, Rusia). Docencia: Profesor titular de la cátedra Actuación IV del Instituto Nacional Universitario de las Artes; Jefe de cátedra de Técnicas actorales de la EMAD; Docente de Laboratorios de actuación y dirección de actores de Apacheta. Sala/Estudio. Últimas producciones: La crueldad de los animales, en el Teatro Nacional Cervantes (2015-2016); Mi hijo sólo camina un poco más lento, en Sala Apacheta (2014- 2016); Mateo, de Armando Discépolo, Sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes (2011-2012); El panteón de la patria, de Jorge Huertas, Complejo Teatral de Buenos Aires, Sala Cunill Cabanellas (2010); Todo cuánto hace es viento, de Angélica Liddell, en el marco del Ciclo Decálogo en el Centro Cultural Ricardo Rojas (2009). Otras puestas: Drama sobre Mirjana y los que la rodean, de Ivor Martinic; Mustafá, de Armando Discépolo; A mamá, segunda parte de una Orestíada vernácula, Cita a ciegas, Sangra, nuevas babilonias, Stefano, Un impostor, Ajena, Bacantes. Simulacro de lo mismo, Una burrada, La voluntad, Clitemnestra y Anfitrión, entre otras. Distinciones por su labor artística: nominado por los premios, Florencio Sánchez, María Guerrero y ACE y Teatro XXI como mejor director y mejor espectáculo alternativo (2015) y ganador del premio Radio France Cultura, Florencio Sánchez y ACE como mejor director y espectáculo de teatro alternativo (2015) y ganador del premio Teatro del Mundo como mejor director y mejor adaptación 2015 y reconocido por el premio Artista del Año 2015 por la Escuela de Espectadores 2015 y por los premios Planeando sobre BUE como Mejor director 2015 por su trabajo en La crueldad de los animales; premio Trinidad Guevara en el rubro Mejor director (2008-09); premio ACE (Asociación de Críticos del Espectáculo), nominado como Mejor director, Mejor espectáculo alternativo (2008-09); premio Teatro XXI, Getea, nominado como Mejor director (2008-09); premio Teatro del Mundo, destacado en los rubros Dirección y Adaptación en las ediciones 2007/08/09/11; premio María Guerrero como Mejor director (2008-09); premio Florencio Sánchez como Mejor director (2008-09).

Reseña de Juan Ignacio Fernández Estudios cursados: Cursó la carrera de Ciencias de la Comunicación (UBA). Estudia dramaturgia desde 2007 con Mauricio Kartún, Ariel Barchilón, Marcelo Bertuccio, Horacio Banega, Santiago Loza y Andrés Binetti, entre otros. Es autor de La crueldad de los animales (dirección Guillermo Cacace), Los Montados (dirección Catalina Larralde-Juan I. Fernández), Nos merecemos un hombre (dirección Lisandro Penelas), Tiempo de ausencia (dirección Guillermo Ghio), Apena (dirección Karina Bacelli), Monstruo, una fábula política (dirección Mario Jursza), La Echenique (dirección Tato Cayón), Un cuadro (dirección Nery Mucci) Snorkel (dirección de María Moggia) entre otras. Junto a La máquina de tinta, colectivo de dramaturgos, realiza diferentes obras a lo largo de los últimos cinco años. Por La crueldad de los animales obtiene el primer premio en el concurso Cervantes-Argentores 2014 y el primer premio en el 2° certamen de dramaturgia Roberto Arlt organizado por UNA (Universidad Nacional de las Artes). La obra ha sido producida y estrenada por el Teatro Nacional Cervantes en Julio 2015, manteniendo funciones durante 2015 y 2016. El texto fue publicado por UNA en Septiembre 2015. Argentores le ortorga el premio a mejor obra adultos 2015 por La crueldad de los animales. Variariones sobre la espera gana el concurso Eddie del Corredor de teatro latinoamericano y será representada en Chile. Por Monstruo, una fábula política, recibe mención en el IIIV Premio Rozenmacher de Nueva Dramaturgia, dentro del FIBA 2014 y ha sido publicada por el CCRR durante 2015. Por Celeste/Violeta recibe una mención en el Concurso de Obras Inéditas de Teatro por el 50° Aniversario del Fondo Nacional de las Artes. Precios generales:

Precio 1: $450 Precio 2: $450 Precio 3: $450 Precio 4: $280 Precio 5: $280

Precios para estudiantes de bachillerato artístico, artes escénicas, Tarjeta ISIC, Socios SUA, ECU, Socios Club Defensor Sporting, Club Banco República, Aebu, funcionarios del WTC Free Zone y del Ministerio de Defensa:

Precio 1: $360 Precio 2: $360 Precio 3: $360 Precio 4: $220 Precio 5: $220

Precios para socios Fundación Amigos Teatro Solís:

Precio 1: $310 Precio 2: $310 Precio 3: $310 Precio 4: $190 Precio 5: $190

Precios para menores 29 años y Tarjeta Joven:

Precio 1: $220 Precio 2: $220 Precio 3: $220 Precio 4: $140 Precio 5: $140

La Diaria y Club El País: 2x1

Socio Espectacular: 50% de descuento. JUEVES 20 DE ABRIL, 20H - SALA PRINCIPAL

Babasónicos

La banda argentina Babasónicos llega por primera vez al Teatro Solís y presenta "Impuesto de fe". Entradas en venta en Tickantel y boletería del teatro.

Precios para este espectáculo:

Precio 1: $1500 Precio 2: $1200 Precio 3: $1000 Precio 4: $900 Precio 5: $800

Cupo Tarjeta Montevideo Libre.

Financia Oca. TEMPORADA 2017 TEATRO SOLÍS

ABRIL Martes 25 Münchener Kammerorchester Veronika Eberle, violín

MAYO Miércoles 10 Orchestra Barocca di Venezia Andrea Marcon, director

Viernes 26 Benjamin Grosvenor, piano

JUNIO Lunes 26 Boston Philharmonic Youth Orchestra Benjamin Zander, director InMo Yang, violín

JULIO Lunes 3 Royal Northern Sinfonia Julian Rachlin, director y solista (viola y violín)

SETIEMBRE Viernes 1º Osmanthys Trio

OCTUBRE Jueves 26 Orchestre National du Capitole de Toulouse Tugan Sokhiev, director Bertrand Chamayou, piano Lucienne Renaudin­Vary, trompeta

NOVIEMBRE Jueves 9 Cappella Mediterranea Coro de Cámara de Namur Leonardo García Alarcón, director

* El Centro Cultural de Música se reserva el derecho de efectuar cambios de fecha, sala o programación. VIERNES 28 Y SÁBADO 29 DE ABRIL, 20H – SALA PRINCIPAL

Desde Argentina: Romeo y Julieta de bolsillo

Dos catedráticos nos brindan una clase magistral sobre William Shakespeare, o eso intentan. Detalles sobre su vida y obra son tema de discusión; y cuando de detalles se trata, nadie mejor que ellos.

Una comedia para toda la familia. Un clásico adaptado y accesible. Una experiencia teatral y divertida.

Dos catedráticos nos brindan una clase magistral sobre William Shakespeare, o eso intentan. Detalles sobre su vida y obra son tema de discusión; y cuando de detalles se trata, nadie mejor que ellos. ¿Cuántas comas utilizó el autor Inglés en sus obras? ¿Cuántos puntos? ¿Cuántas veces se mencionan las orejas? O ¿Cuántas veces sus personajes hablan de amor? Estos estudiosos parecen no haber dejado palabra sin analizar ¿O sí? “Romeo y Julieta” ¿Termina bien o termina mal? Esta simple pregunta impone a nuestros protagonistas su mayor desafío: representar la obra completa con todos sus personajes en lo que dura una clase. Tomando lo que encuentran a mano a modo de utilería y vestuario, nuestras dos “ratas de biblioteca” interpretan a once personajes en un Shakespeare aporteñado, cercano, poético y sobre todo divertido.

Ficha técnica:

Intérpretes: Julia Garriz y Emiliano Dionisi Actriz alternante: Marina Caracciolo Dirección y adaptación: Emiliano Dionisi Diseño de vestuario: Marisol Castañeda Asistente de dirección: Juan José Barocelli Asistente de dirección en gira: Sebastián Ezcurra

Reseña de la Compañía:

La Compañía Criolla e funda en 2009 en la ciudad de Buenos Aires, Argentina y lleva en su haber los espectáculos: “Los Monstruos”, “Ojos que no ven”, “La comedia de los Herrores”, “Romeo y Julieta de bolsillo”, “Perderte otra vez” y “Patas cortas” recibiendo múltiples premios y distinciones nacionales e internacionales: ACE, ESTRELLA DE MAR, TREATRO DEL MUNDO, A.T.I.N.A, CERTAMEN BARROCO (Almagro, España), Florencio Sánchez,Hugo de Oro, entre otros.Participa en decenas de eventos culturales tales como festivales teatrales, congresos, Ferias de arte y ciclos oficiales. Sus textos son representados en diferentes paises como México, España, Chile y Colombia.Así mismo, desarrolla sus propios programas de formación artística que dicta en distintas instituciones tanto dentro como fuera de su país.En el año 2017 se estrenarán los Espectáculos "El Apego" (Sala Miguel Covarrubias, UNAM, Ciudad de Mexico) y "Cyrano de más acá" (Sala maría Guerrero, Teatro Nacional Cervantes, ciudad de Buenos Aires). DOMINGO 30 DE ABRIL, 21H – SALA PRINCIPAL

Tango & Rock & Roll

Julio Cobelli, Gabriel Peluffo y Christian Cary presentan un espectáculo que recorrerá la historia del tango y la milonga, interpretando obras nacionales e internacionales. Contando además con las guitarras de Guzmán Mendaro y Poly Rodriguez. Entradas en venta en Tickantel y boletería del teatro.

Este espectáculo tuvo su primera presentación el pasado año en Sala Zitarrosa con localidades agotadas. El público disfrutó de un gran repertorio que fue desde temas en lunfardo de Edmundo Rivero, pasando por canciones de Carlos Gardel, Alberto Mastra, Humberto Correa hasta Alfredo Zitarrosa. Y como bonus se versionaron temas de Buitres y Triple Nelson. Fue esta la primera vez que dos voces referentes del rock nacional como lo son Peluffo y Cary interpretaron tango y milonga junto a Julio Cobelli y sus guitarras ante un público muy variado. Julio Cobelli es hoy en día uno de los referentes de tango y de la música popular uruguaya. Comenzó a tocar la guitarra desde muy pequeño, fue uno de los guitarristas destacados de Alfredo Zitarrosa, acompañó a músicos como: Roberto Goyeneche, Guillermo Fernández, entre otros. Gabriel Peluffo y Christian Cary son dos voces referentes del rock nacional con más de 20 años de carrera. Peluffo comenzó su carrera con Los Estómagos, una banda que marcó una época del rock uruguayo, para luego ser vocalista de Buitres. Cary es guitarrista desde pequeño y vocalista de La Triple Nelson, una banda que lleva 18 años de carrera que fusiona el rock, jazz y el Blus siendo la banda uruguaya referente en esta fusión musical.

Ficha técnica:

Julio Cobelli Gabriel Peluffo Christian Cary Guzmán Mendaro Poly Rodríguez

Este espectáculo tuvo su primera presentación el pasado año en Sala Zitarrosa con localidades agotadas. El público disfrutó de un gran repertorio que fue desde temas en lunfardo de Edmundo Rivero, pasando por canciones de Carlos Gardel, Alberto Mastra, Humberto Correa hasta Alfredo Zitarrosa. Y como bonus se versionaron temas de Buitres y Triple Nelson. Fue esta la primera vez que dos voces referentes del rock nacional como lo son Peluffo y Cary interpretaron tango y milonga junto a Julio Cobelli y sus guitarras ante un público muy variado.

Precios para este espectáculo:

Precio 1: $1200 Precio 2: $900 Precio 3: $800 Precio 4: $600 Precio 5: $ 500

Cupo Tarjeta Montevideo Libre. CICLO MONTEVIDEO DANZA 2017

MAYO IN MEDIA RES Dirección: PROYECTO INCORPORAR Martes 23, miércoles 24 y jueves 25 / 20:30h

JULIO ENTRE Dirección: Vera Garat - Santiago Turenne - Leticia Skrycky Martes 11, miércoles 12 y jueves 13 / 20:30h

AGOSTO REVER Dirección: Natalia Burgueño Martes 1, miércoles 2 y jueves 3 / 20:30h

SETIEMBRE FORTUITO Dirección: Carolina Silveira Martes 19, miércoles 20 y jueves 21 / 20:30h

OCTUBRE AM Dirección: Tamara Cubas Martes 24, miércoles 25 y jueves 26 / 20:30h

NOVIEMBRE AL ALIMÓN Dirección: Paula Giuria - Lucía Yañez Martes 14, miércoles 15 y jueves 16 / 20:30h

DICIEMBRE FLICKER Dirección: Magdalena Leite - Anibal Conde Martes 5, miércoles 6 y jueves 7 / 20:30h 3 Y 4 DE MAYO, 20H – SALA PRINCIPAL

Desde Portugal: Proyecto Continuado

“Coreografía como tecnología que verifica, activa y transforma las relaciones entre individuos”. Director: João dos Santos Martins.

Sinopsis

En 2011 tuve la oportunidad de participar, en contexto pedagógico, en la reinterpretación de la pieza Continuous Project Altered Daily (1970), de Yvonne Rainer, realizada a partir de archivos disponibles y testimonios de artistas. En ese momento, surgieron tensiones en el trabajo que se materializaron en la pieza en sí: un proceso transformado en experiencia estética que reivindicaba la labor coreográfica como producto artístico. Exactamente, lo que se estaba cuestionando era cómo un grupo de individuos interactuaba y negociaba un conjunto de acciones entre sí, en un proceso que era naturalizado e inducido coreográficamente.

En este proyecto, continuado, seguimos esta “idea” de coreografía como tecnología que verifica, activa y transforma las relaciones entre individuos. Utilizando elementos de la historia de la danza, sus contextos e ideologías y su relación con la música, buscábamos rever y operar sobre la forma en cómo la coreografía y la danza establecen patrones ideológicos que fijan o colocan en duda los regímenes éticos y estéticos dominantes.

João dos Santos Martins

Ficha técnica y artística de João dos Santos Martins con la colaboración de Ana Rita Teodoro, Clarissa Sacchelli, Daniel Pizamiglio, Filipe Pereira, Sabine Macher piano Simão Costa luz Ricardo Campos producción y difusión Circular Associação Cultural coproducción Fundação Caixa Geral de Depósitos – Culturgest, Centro Cultural Vila Flor, CCN de Montpellier Languedoc-Roussillon en contexto del proyecto Life Long Burning subvencionado por el programa Cultura de la Unión Europea residencias artísticas CCN de Montpellier Languedoc-Roussillon, Centro de Criação de Candoso, EIRA, Musibéria, O Espaço do Tempo apoyos Teatro Sá de Bandeira/Câmara Municipal de Santarém DURAÇIÓN 135 minutos sin pausas NOTA: el espectáculo contiene escenas de desnudos

Bio resumida. João dos Santos Martins nació en 1989 en Santarém. Estudió danza y coreografía en varias instituciones en Europa, incluyendo el P.A.R.T.S. en Bruselas. Trabaja como coreógrafo e intérprete desde 2008, mezclando su trabajo de autor con varias colaboraciones, manifestadas en piezas como Le Sacre du Printemps (2013) con Min Kyong Lee, Autointitulado (2015) con Cyriaque Villemaux y Antropocenas (2017) con Rita Natário. Incluso colaboró con Xavier Le Roy, Eszter Salamon y Teatro Praga, entre otros. Últimamente desarrolla proyectos de curaduría producidos por la Associação Parásita en Portugal, las cuales cuentan con el ciclo “Nova-Velha Dança” y el proyecto “Para uma Timeline a Haver – genealogías da dança enquanto prática artística em Portugal”, organizado en conjunto con Ana Bigotte Vieira. La pieza Projeto Continuado (2015) fue premiada como “Mejor Coreografía” por la Sociedad Portuguesa de Autores en 2016. Su trabajo fue presentado en Portugal, España, Francia, Bélgica, Austria, Rumania, República de Corea y Nueva Zelanda. SÁBADO 6 DE MAYO, 21H – SALA PRINCIPAL MINIMALmambo 10 años Rossana Taddei y Gustavo Etchenique celebran 10 años de este eclético dúo que ha pasado por Uruguay, Chile, Argentina, Brasil, Ecuador, Colombia, Suiza, Italia, España y Estados Unidos. Vos, ¿todavía no los viste? Entradas en venta en Tickantel y boletería del teatro. Cuenta la historia que allá por el 2007 -debido al multiempleo de los músicos uruguayos-, Rossana Taddei y Gustavo Etchenique se dieron cuenta sobre la fecha que el guitarrista y el bajista de la banda, con la que se presentaban habitualmente, estaban comprometidos con otros músicos para el mismo día y hora. Así nació MINIMALmambo, tercermundista y de casualidad; más allá de que por esos momentos mucho se hablaba de los White Stripes o bien de los Black Keys, dúos roqueros globales que incluían el primero una baterista mujer y un guitarrista, y el otro también un dúo de guitarra y batería pero de dos hombres. Acordemos entonces que en la coincidencia no había más que eso, ya que éste MINIMALmambo adopta conceptualmente caminos diferentes sin guitarras distorsionadas y con un baterista pulpo que desarrolla todo un estilo percusivo en la batería, sobre platos y tones e incorporando el cajón peruano en lugar de la habitual banqueta de batero. Sin embargo, el cambio más notorio lo desarrolló Taddei; al carecer del soporte armónico que le proporcionaba la banda para llevarlo allí sola con sus manos sobre el diapasón y su privilegiada garganta a congeniar con la virtuosa batería. El show causó tal sensación que el dúo siguió afianzándose, llenando espacios y convirtiendo a Rossana Taddei en una de las show-woman más destacadas del medio, incorporando elementos en una cajita roja misteriosa, en la que cual ilusionista extrae elementos que van desde pompas de jabón a una muñeca de trapo bautizada Teresa que hacen un show único y disfrutable de principio a fin, lúdico y con swing; a tal punto de poder dejar la guitarra por un momento y despacharse con una tonada hipnótica como "Puede beberse el Sol" -del poeta sanducero Humberto Megget y música del dúo-, solo con su voz y el sostén de Etchenique en los parches llenándolo todo, abriendo el espacio para volar en la melodía y la mágica poesía, transportados por una voz, por lo menos singular, que sorprende en graves y agudos, que atrapa.

De la misma forma puede aparecer "Sin perder el tiempo" de Eduardo Darnauchans o "Imposibles" de Fernando Cabrera, entre otras muchas; intercalándose con las canciones de Taddei, las anteriores al dúo y que se fueron adaptando al mismo tiempo que otras nacían desde la química de un proyecto que pasó a ser indivisible, compacto. Y hablo de unidad porque puede absorber cualquier músico con el instrumento que sea y sumar sin por ello dejar de ser MINIMALmambo ni restar swing, más bien todo lo contrario. Haciendo foco sí en la melodía, el ritmo, las dinámicas, la improvisación, las canciones, la poesía y la libertad; protagonistas centrales de su sonido. Hoy; diez años más tarde se puede decir que el eclético dúo ha pasado por muchos escenarios, de los más pequeños a los más grandes: desde Durazno, Paysandú, Lugano o Barcelona; o bien para ser específicos: Uruguay, Chile, Argentina, Brasil, Ecuador, Colombia, Suiza, Italia, España y Estados Unidos. Vos, ¿todavía no los viste? Mauricio Bosch

Anticipadas hasta el 23 de abril, $450. Desde el 24, $600. Cupo Tarjeta Montevideo Libre. 2x1 Tarjeta Club El País. VIERNES 12 Y SÁBADO 13 DE MAYO, 20H – SALA PRINCIPAL

Desde Argentina, La Denuncia

La puesta, interpretada por Marcelo Mazzarello, Gastón Ricaud, Marcelo Xicarts y Federico Cécere, cuenta con la dirección de Claudio Martínez Bel. Esta historia real, ocurrida en 1909 describe a una mujer víctima, arraigada a los valores culturales y morales dominantes de la época.

Sobre la obra

“LA DENUNCIA", una comedia del arte criolla.

La puesta, interpretada por Marcelo Mazzarello, Gastón Ricaud, Marcelo Xicarts y Federico Cécere, cuenta con la dirección de Claudio Martínez Bel.

Esta historia real, ocurrida en 1909 describe a una mujer víctima, arraigada a los valores culturales y morales dominantes de la época que la encuentran dependiente de una figura masculina, que cargue con la responsabilidad económica de la casa.

Una denuncia verídica nos introduce a una pintura de Molina Campos, de la comedia del arte o del más puro sainete porteño, pero en esta puesta tienen además una impronta campera, de tierra adentro, con la potencia de esas voces que todavía resuenan en muchos de nosotros.

Entre máscaras y pelucas desfilarán personajes de milonga, chamamé y polca rural que serán el reflejo del patrimonio cultural tradicional.

"La Denuncia" cuenta con música original de Esteban Ruíz Barrea, diseño de máscaras, vestuario y escenografía de Gabriela Fernández y asistencia de dirección de Florencia Orce.

2017

Ganador del premio Mejor Iluminación en Premios Estrella de Mar 2017, nominado en las categorías Mejor Comedia Mejor Dirección, Mejor actor protagónico Gastón Ricaud

Ficha técnico artística

Autoría: Rafael Bruza Actúan: Federico Cesere, Marcelo Mazzarello, Gastón Ricaud, Marcelo Xicarts Voz en Off: Claudio Rissi Pelucas: Gabriela A. Fernández Diseño de máscaras: Gabriela A. Fernández Diseño de vestuario: Gabriela A. Fernández Diseño de escenografía: Gabriela A. Fernández Diseño de luces: Pablo Alfieri Realización de vestuario: Marta Dieguez Realización de pelucas: Gabriela Guastavino Realización de máscaras: Guillermina Guardia, Alfredo Iriarte Edición de sonido: Adolfo Smith Música original: Esteban Ruiz Barrea Fotografía: Paco Fernández Sánchez Diseño gráfico: Paco Fernández Sánchez Asistencia de escenografía: Estefanía Bonessa Asistencia de vestuario: Carola correa, Luna Rosato Asistente de producción: Florencia Orce Asistencia de dirección: Florencia Orce Prensa: Tehagolaprensa Producción general: Gastón Caminotti Dirección general: Claudio Martinez Bel

Rafael Bruza

Como actor ha intervenido en obras como El jorobadito (adaptación del texto de Roberto Arlt), El clásico binomio (obra en colaboración con Jorge Ricci) y últimamente en Tango Turco estrenada en el teatro Nacional Cervantes. Como director ha dirigido obras como Maratón de Ricardo Monti, La casita de los viejos de Mauricio Kartun, El desatino de Griselda Gambaro, Ivonne, princesa de Borgoña de Witold Gombrowicz , Actores de provincia de Jorge Ricci. Como autor ha estrenado obras como El encanto de las palabras, El cruce de la pampa, Rotos de amor y Tango Turco. Ha participado en Fiestas Nacionales y Festivales Nacionales de Teatro. Ha participado en Festivales Internacionales con diversas obras en Uruguay, Chile, Bolivia, Ecuador, Venezuela, Colombia, Nicaragua, EEUU, España, Portugal y Francia. Se ha desempeñado como docente durante 15 años en la Universidad Nacional del Litoral, Municipalidad de San Francisco, Rafaela, Ceres, San Javier, San Justo y Paraná. Ha dictado cursos en Venezuela, Colombia, España y Paraguay. Ocupó cargos en el Instituto Nacional de Teatro como Representante del Quehacer Teatral Nacional, Representante provincial por Santa Fe, Representante Regional, Secretario General y Director Ejecutivo.

Claudio Martínez Bel

Es actor, docente y director de teatro. Se formó en la Escuela Nacional de Arte Dramático. Trabaja actualmente en Coquetos carnavales, dirigida por Luis Cano en el Teatro Sarmiento. Trabajó como actor en: El testamento de sastre, de Michel Oullette, dirigida por Rubén Segal; No me dejes así, creación colectiva, dirigida por Enrique Federman, recibiendo el premio a la Mejor dramaturgia por los Premios Teatro del Mundo, fue nominado como Mejor actor y realizaron giras por España, Brasil, Bolivia y varias provincias; Perras, creación colectiva, dirigida por Enrique Federman, realizaron giras por España, Brasil y Bolivia; Cosas de payasos, dirigido por Eduardo Gondell, recibió el Premio Argentores y fue nominado como Mejor actor y Mejor espectáculo infantil por los Premios Teatro del Mundo y como Mejor espectáculo infantil por los Premios María Guerrero y realizaron giras por Singapur, Malasia y Bolivia; Historia de un pequeño hombrecito, realizaron giras por España y Bolivia, recibiendo el premio como Mejor espectáculo extranjero Teatralia en Madrid y el Clown de Oro y el premio como Mejor Actor en el Festival de Necochea y Se busca un payaso, dirigida por Ana Alvarado. Como director y autor trabajó en Discúlpate, William y El enfermo imaginario. Trabajó como actor en más de veinte obras entre el Teatro Nacional Cervantes y el Teatro San Martín y trabajó asimismo en cine y televisión. Es docente de actuación y clown desde 1995. Fue cofundador del Grupo del Teatrito, desde 1985 hasta 1993, con el que hizo El médico a palos, de Moliere, Otelo, de William Shakespeare y 1,2,3?va, creación colectiva, entre otras. Tuvo un dúo de humor con Gabriel Goity que se llamó Los Galangrotes.

Prensa destacadas y links

* “LO REAL HECHO FICCIÓN”- CARLOS PACHECO- PARA LA NACION “Un nuevo texto de Rafael Bruza (El cruce de La Pampa, Rotos de amor, Tango turco) que propone al espectador trasladarse a la Argentina de principios del siglo XX. Allí se encontrará con una serie de criaturas patéticas enfrentadas a un hecho llamativo, ocurrido en 1909. Un acta policial será el punto de partida que conduce a cuatro cómicos de la legua a reinventar una historia real y así recuperar personajes y temas de una época singularmente pintoresca. Sobre el escenario, irán mezclando imágenes de Molina Campos y recursos actorales de la Comedia del arte.”

*Alberto Catena- LA NACION Bruza trabaja con habilidad los diálogos y las situaciones (...) Con la dirección muy cuidada y atenta de Claudio Martínez Bel, los actores -en una atmósfera de luminosidad entristecida, como era en aquel entonces y en especial en los espacios rurales- cumplen sus labores con una sincronización perfecta, de relojería. Y logran impactar a los espectadores con composiciones de una teatralidad fresca, graciosa y muy atrayente."

*Héctor Puyo- TELAM "En la mirada contemporánea la situación es francamente equívoca porque la mujer como género aparece en un grado de dependencia que debería haber pasado a la historia y, justamente en ese absurdo es donde se aposenta lo humorístico del caso, además de una puesta que exprime el disparate de origen y moldea unas criaturas deliberadamente extremas"

* Osvaldo Quiroga -OtraTrama- TV Pública https://www.youtube.com/watch? v=4gXpCxkTLK4 "Divertido, inteligente y con grandes actuaciones, "La denuncia", en el Teatro del Pueblo, es de lo mejor de la cartelera."

* Ignacio Apolo – La Diosa Blanca "La obra toma el acta real de una denuncia de la época, y teje alrededor el entramado del tapiz lingüístico, hecho de retazos y reverberaciones de aquello que el progreso se llevó. (...) El lenguaje actoral de la obra es el de la Comedia del Arte, no en su forma “pura” (hecha de arquetipos), sino a través de la utilización solvente de muchos de sus recursos, fundamentalmente la máscara, los disfraces, la extrema transformación corporal, la rutina cómica. La eficacia del director, el entrenamiento y el talento de los intérpretes, hacen el resto." http://www.telam.com.ar/notas/201607/157029-la-denuncia-teatro-del-pueblo-rafael- bruza.html http://www.lanacion.com.ar/1924134-una-sincronizada-pintura-con-aires-de-molina- campos http://www.espectaculosdeaca.com.ar/la-denuncia/ http://www.telam.com.ar/notas/201606/151390-la-denuncia-teatro-del-pueblo.html http://noestadicha.blogspot.com.ar/2016/06/la-denuncia-de-r-bruza-dir-c-martinez.html http://www.asalallena.com.ar/teatro/la-denuncia/ MIÉRCOLES 5 DE JULIO, 19:30H – SALA PRINCIPAL

De Rusia al Solís

Concierto de la Orquesta de Cámara Rusa de San Petersburgo bajo la dirección de Juri Gilbo, y el solista en clarinete Roman Kuperschmidt.

Programa

Elgar: Serenata para cuerdas en mi m, op. 20 12‘

Weber: Quinteto para clarinete y cuarteto de cuerdas op. 34 en Si b Mayor, versión para orquesta de cámara 25’

Chaikovski: “Melodrama" para orquesta de cuerdas 3‘

"Danza napolitana" para clarinete y cuerdas 3‘

Brahms: "Danzas húngaras" nº 1 y 5 para orquesta de cuerdas 5‘

Jachaturián: "La danza del sable" para clarinete y cuerdas 2‘

Intermedio

Tzintzadze: Cuatro miniaturas para orquesta de cuerdas 10‘

Gershwin: "Porgy & Bess", Suite para clarinete y cuerdas 12‘

Canción folklórica coreana: “Arirang" para clarinete y cuerdas 4’

Holst: “Dargason" (de la "St. Paul’s Suite") op. 29, n. 2 para orquesta de cuerdas 4’

Bock: "Amanece, anochece" y "Si yo fuera rico” ("El violinista en el tejado") para clarinete y cuerdas 6’

Piazzolla: “Oblivion" y "Adios Nonino" para clarinete y cuerdas 6’

La Orquesta

La Orquesta de Cámara Rusa de San Petersburgo, fundada en 1990 por músicos graduados del renombrado Conservatorio Rimsky-Korsakov de San Petersburgo, es sin duda uno de los embajadores musicales más importantes de su país. La orquesta refleja de forma impresionante el talento musical y alto nivel de educación musical de su ciudad. Un extraordinario y amplio repertorio que abarca del Barroco a la música contemporánea la ha convertido en una de las formaciones de cámara más solicitadas de Europa.

Gracias a su virtuosismo y extraordinario sonido la orquesta colabora habitualmente con solistas de prestigio mundial en las salas de concierto europeas más importantes y en numerosos festivales internacionales. Mstislav Rostropovich, Nigel Kennedy, Vadim Repin, Mikis Theodorakis, Igor Oistrach, Mischa Maisky, Sir James Galway, Giora Feidman, Sharon Kam, Sergei Nakariakov, Gabor Boldoczki, Andrei Gavrilov, Elena Bashkirova y David Garrett son algunos de los célebres artistas que han tocado con la orquesta.

Sus numerosos conciertos en Europa, que les han valido el elogio de la crítica y el público, se complementan con producciones discográficas. El reciente CD de la orquesta con obras de Weber, publicado por Sony Music, recibió el codiciado “Editor’s Choice” de la revista Gramophone.

Entre otros la Orquesta de Cámara Rusa de San Petersburgo ha actuado en el Teatro Real de Madrid, Gewandhaus Leipzig, Alte Oper Frankfurt, Teatro dell'Opera di Roma, "Gasteig" de Munich, Opera de Bayreuth y el Theatre Municipal Luxemburg, así como en el Schleswig-Holstein Music Festival, Rheingau Music Festival, Izmir International Festival, Festival Musique en Vendée y el Music Summer Weggis.

Juri Gilbo El carismático director, compositor y violista Juri Gilbo es el director artístico de la Orquesta de Cámara Rusa de San Petersburgo desde el año 1998. Ha logrado convertirla en una orquesta puntera a nivel internacional y ha moldeado un sonido inconfundible, combinando la legendaria escuela de cuerdas rusa con la de vientos de Europa Occidental.

Este músico, nacido en 1968 en San Petersburgo, es un director de gran talento que inició su aprendizaje musical con lecciones de violín a la temprana edad de 4 años. Sus estudios musicales le llevaron del Conservatorio Rimsky-Korsakov a la Universidad de Música y Artes Escénicas (HfMDK) en Frankfurt am Main con la violista alemana Tabea Zimmermann. Realizó sus estudios de dirección con Luigi Sagrestano, debutando en el podio en el año 1997.

Desde entonces Juri Gilbo ha actuado con gran éxito en las salas de concierto más renombradas, como la Filarmónica de Berlín, la Salzburg Festival House, la Philharmonie am Gasteig de Munich, la Tonhalle Zurich, el Concertgebouw Amsterdam, la Filarmonía de Colonia, el Palacio de Festivales de Cannes, la Alte Oper Frankfurt, la Ópera de Bayreuth, el Teatro National de Costa Rica y el Konzerthaus de Berna Concert House.

Como director invitado ha colaborado con orquestas en Europa, Rusia, EEUU, Brasil, Costa Rica, Israel, Líbano, Turquía, Corea, China, Japón e Israel.

Entradas anticipadas hasta el 30 de junio (15% de descuento):

Precio 1: $760 Precio 2: $590 Precio 3: $420

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Precio 1 $ 900 Precio 2 $ 700 Precio 3 $ 500 Precio 4 $ 300 Precio 5 $ 200 Financia Visa.

Descuentos especiales:

Descuentos especiales para Socios de la Fundación Amigos del Teatro Solís 30% de descuento en precio 1 $ 630 y precio 2 $ 490.

 Jóvenes hasta 29 años inclusive del 50% de descuento en precio 1, 2 y 3.

 Estudiantes de teatro, danza, música y artes escénicas del 20% en precio 1 $ 720 y precio 2 $ 560.

 Tarjeta Club el País y La Diaria 2 x 1 en precio 1 y 2.

 Socio Espectacular 2 x 1 en precio 1 y 2.

 Convenios con Clubes deportivos y afines 20% de Descuento en precio 1 $ 720 y precio 2 $ 560.

Cupo Tarjeta Montevideo Libre. 11, 12, 13 y 14 DE JULIO, 1, 2, 3 Y 4 DE AGOSTO, 20H – SALA DELMIRA AGUSTINI

Simone Mujer Partida

Beauvoir/ Iribarren/Dodera Es un tributo a Simone de Beauvoir que combina aspectos biográficos y de su pensamiento filosófico así como su “Monólogo”, que integra el libro "La Mujer Rota". Entradas próximamente en venta. Es un tributo a Simone de Beauvoir que combina aspectos biográficos y de su pensamiento filosófico así como su “Monólogo”, que integra el libro "La Mujer Rota": La gente feliz no tiene historia. Es en el desconcierto, la tristeza, cuando uno se siente quebrantado o desposeído de sí mismo, y tiene la necesidad de narrarse. He aquí la voz de una mujer rota, de una mujer partida que se debate con palabras en una situación sin salida. Simone/Mujer/Partida da voz a esa parte de fracaso que hay en toda existencia, transformado en grito frenético de soledad. La mujer partida, presa de su visión monocular, narcisista, es víctima estupefacta de la vida que ella misma eligió. Y es al mismo tiempo una celebración de las mujeres que han asumido su vida, entregándose a alcanzar sus ideales, a veces cegadas, apasionadas por ellos. Simone/Mujer/Partida es discurso político, es ensayo filosófico que se vehiculiza en diferentes planos ficcionales: se debaten en la escena mujeres de novelas, nuestra Simone de Beauvoir y nosotras mismas como mujeres apasionadas por la creación.

Ficha técnica

Gabriela Iribarren: actriz Fernando Scorsela /Cecilia Mieres: Diseño de escenografía y luces Victoria Falkin: Diseño de vestuario/Maquillaje Rafael Massa: Ambientación sonora Pablo Sánchez: Diseño de sonido Alejandro Persichetti: Diseño Gráfico y fotografía Mercedes Martín: Comunicación y prensa Asistencia de producción y dirección: Gabriela Pintado María Dodera: Dirección VIERNES 4 Y SÁBADO 5 DE AGOSTO, 20H – SALA PRINCIPAL

La ruta de Don Quijote

Azorín, el periodista, es enviado a La ancha, a seguir los pasos de Don Quijote. Parte de su pensión madrileña, donde ultima los preparativos del viaje junto a doña Isabel.Durante su viaje desvelará a los lectores, a través de sus encuentros, anécdotas y reflexiones lo que considera que fue el germen de la inmortal novela cervantina.

Noviembre compañía de teatro España / Eduardo Vasco

Equipo Artístico y Técnico Azorín - Aruro Querejeta Versión y dirección - Eduardo Vasco Ilustraciones en vídeo, escenografía y vestuario - Carolina González Iluminación - Miguel Ángel Camacho Espacio sonoro y vídeo - Eduardo Vasco Música - Granados, Ortiz, Shostakovich, Vasco Ayudante de dirección y técnico en escena - Daniel Santos Fotografía cartel - Chicho Producción - Miguel Ángel Alcántara

Los libros de viajes, los relatos de aquellos que transitan por caminos que no se suelen recorrer fueron un género habitual en lo literario que se trasladó al ámbito periodístico rápidamente durante el siglo XIX. Los lectores de los diarios de las urbes, ávidos de conocer el mundo, demandan este tipo de crónicas que conectan su vida monótona y limitada con los confines de aquello que desean conocer. Este tipo de práctica periodística, ya en desuso, permitía al plumilla realizar una completa inmersión en el mundo que pretendía describir. Esto, unido a la calidad literaria de muchos de los profesionales de aquel entonces —gentes con un pie en la literatura y otro en la prensa— nos legó algunas obras de gran calado poético, y también algunas reflexiones sobre lo español que no parecen tener más de cien años. La ruta de Don Quijote es uno de esos libros que a uno le llegan a través de los sentidos, y que merece la pena revisitar a menudo por su calidad, para recordar cómo el castellano —ahora tan empobrecido— puede alcanzar cotas de expresión certeras y, a la vez, tan extraordinariamente bellas.

Resumen del argumento Azorín, el periodista, es enviado a La ancha, a seguir los pasos de Don Quijote. Parte de su pensión madrileña, donde ultima los preparativos del viaje junto a doña Isabel. En tren, llega a Argamasilla de Alba, donde se aloja en la fonda de la Xantipa. Allí pasa unos días tratando de recoger en sus cuartillas el ambiente, la esencia del pueblo, y buscando las raíces del hidalgo manchego. Su encuentro con los académicos de Argamasilla y el repaso de los personajes que encuentra componen la primera parte del relato. Después parte en carro hacia Puerto Lápice, describiendo los paisajes manchegos por los que les lleva el camino. Al llegar, se aloja en el mesón de Higinio Mascaraque y desde allí se dirige a las lagunas de Ruidera, de allí a la cueva de Montesinos, y más tarde se encamina a contemplar los molinos de viento en Campo de Criptana. Su siguiente destino es el Toboso, y después Alcázar de San Juan, donde finaliza su viaje siguiendo la ruta que marca Miguel de Cervantes en su libro eterno. Durante su viaje desvelará a los lectores, a través de sus encuentros, anécdotas y reflexiones lo que considera que fue el germen de la inmortal novela cervantina. Su relato se cierra con un simpático artículo titulado The time they lose in spain, en el que un estudioso londinense estudia y reflexiona sobre la manera española de gestionar el tiempo en nuestro país. Azorín, esta vez siguiendo los pasos de Larra, relata con un humor. AZORÍN Gran amante de los clásicos, reinterpreta de una manera que podíamos calificar como “impresionista”, algunas de las obras más importantes de nuestra literatura barroca con la pretensión de despertar la curiosidad del espectador y profundizar en las raíces de la cultura española. José Augusto Trinidad Martínez Ruiz, más conocido por su seudónimo literario, Azorín, nace en Monóvar, en 1873. Durante su larga vida —supera los noventa años— ejerce como político, periodista y escritor, desarrollando sus diferentes facetas en contextos tan diversos como la monarquía, las dos repúblicas y el franquismo. Su desarrollo ideológico abarca del anarquismo inicial a un acomodo en el seno del franquismo que le valió un ácido reproche en las primeras décadas de la democracia y relegó la figura del escritor a un segundo plano. Publica inicialmente sus artículos en periódicos como El País o El Progreso, donde va adquiriendo prestigio hasta recalar en revistas como Revista Nueva, Juventud, Arte Joven, El Globo, Alma Española, España, El imparcial o ABC, en los que utiliza diversos seudónimos. Al tiempo escribe novela y ensayo, partiendo en sus comienzos de su propia experiencia vital y sus impresiones, para, más adelante seguir varias corrientes que sirven a la crítica para encuadrar su creación literaria en diferentes periodos estilísticos. Su afición al teatro le lleva a escribir una serie de obras y participar intensamente en la vida escénica de su tiempo. Sin embargo el escritor no llega a triunfar como autor dramático, y sus obrastuvieron poca repercusión.

Detalle de precios full Detalle de precio anticipado hasta Viernes 14 de julio incl. 15% en precio 1 y 2. Precio 1 $ 450 $ 380 Precio 2 $ 450 $ 380 Precio 3 $ 300 Precio 4 $ 200 Precio 5 $ 200

Tarjeta del Teatro hasta en 3 pagos

Descuentos especiales:

 Socios de la Fundación Amigos del Teatro Solís 30% de descuento en precio 1 y 2 $ 310.

 Jóvenes hasta 29 años inclusive del 50% de descuento en precio 1, 2 y 3, quedando en precio 1 y precio 2 $ 225 y precio 3 $ 150.

 Estudiantes de teatro, danza, música y artes escénicas del 20% en precio 1 y 2 $ 360.

Club el País ( 20)o La Diaria (15) 2 x 1 en precio 1 y 2.

Socio Espectacular 15 2 x 1 en precio 1 y 2.

Convenios con Clubes deportivos y afines 20% de Descuento en precio 1 y 2 $ 360 (ver detalle en planilla convenio). 28 Y 29 DE AGOSTO, 20H – SALA DELMIRA AGUSTINI

Cuarto encuentro internacional de Saxofones

La Cooperativa de Trabajo Artístico, (COOPAUDEM), la Asociación Uruguaya de Músicos y su Escuela de Música llevarán a cabo el cuarto encuentro internacional de saxofones en la ciudad de Montevideo, entre los días 26 y 29 de agosto de 2017.

Participarán en este evento artistas de diferentes países, como lo ha sido en las ediciones anteriores, recibiendo músicos de Argentina, Austria, Brasil, Chile, Costa Rica, Cuba, México, USA y Uruguay, todos de reconocida trayectoria internacional, con el objetivo entre otros, de mostrar el repertorio actual para este instrumento, reunir a los diversos conjuntos con el fin de capitalizar experiencias, reforzar los vínculos entre músicos del mundo y realizar un intercambio artístico que enriquezca de esta manera el acervo cultural de los países participantes.

Asimismo, fomentando el desarrollo regional de estos encuentros se difunden y promueven estas formaciones de cámara, el diálogo intercultural a través de las diferentes expresiones artísticas de cada país, el estudio del saxofón y la formación de nuevas generaciones de músicos.

Este encuentro internacional brindará no solo una serie de conciertos, sino también talleres y clases magistrales dictados por algunos de los artistas participantes, dirigidos a todo público interesado. Sin duda, ésta será una movida cultural relevante y un alto nivel de talleres para músicos y estudiantes, debido a la presencia de destacados profesores internacionales en la materia.

MIÉRCOLES 1 DE NOVIEMBRE – SALA ZAVALA MUNIZ Lucía Severino & Tránsito presentan nuevo disco Presentación de su segundo disco, culminando otro año que verá a la banda en constante crecimiento. Entradas próximamente en venta. Lucía Severino y Tránsito conforman una banda creada en 2008. Desde su primer disco llamado “Los días” el grupo se ha presentado en varios escenarios, incluyendo varias veces a un colectivo que integra a diversos artistas, proponiendo un espectáculo dónde la música se conjuga con el arte visual y la danza. Forman un colectivo artístico que investiga en diversas áreas: música, danza, performance, artes visuales, iluminación, vestuario, escenografía. Aun volviendo siempre a su formato tradicional de banda. El año 2017 será clave dando otro paso con la edición de su segundo disco que será presentado en la Sala Zavala Muniz el 1º de noviembre. La idea de este espectáculo es cerrar otro año que verá a la banda en constante crecimiento. La banda está integrada por: Lucía Severino: teclados y voz; Gastón Figueredo: guitarra; Fernando Servián: batería; Joaquín Pena: bajo; Nicolás Soto: percusión. piso cielo nada una obra de Lucía Valeta y Adriana Belbussi Figueroa resultado de una investigación que se inicia con dos cuerpos en una sala vacía... cuerpos blandos, cuerpos flexibles, cuerpos refugiados, cuerpos curvos, cuerpos contenedores, cuerpos blandos, cuerpos pesados, cuerpos desarmados, cuerpos almados, cuerpos quietos, cuerpos vivos, cuerpos... en escena: Lucía Valeta y Adriana Belbussi Figueroa diseño de iluminación: Santiago Tricot. fotografía y video: Juan Angel Urruzola

Residentes Casarrodante (2014-2015) www.pisocielonada.wix.com/pisocielonada

Organiza: Programa de Residencias Casarrodante Apoya: INAE, Teatro Solís