PROGRAMA CINE DORÉ

Edición 2020 ONLINE NOVIEMBRE

DEREK JARMAN CINE PROHIBIDO PIETRO MARCELLO MIRANDA JULY (RIZOMA) FESTIVAL MÁRGENES ÍNDICE GENERAL

Índice de películas...... 4 Introducción Filmoteca Española...... 7 Calendario Flores en la sombra online...... 10 Calendario Doré...... 12 Derek Jarman. Queer Punk...... 14 Cine prohibido...... 30 Miranda July (RIZOMA)...... 82 Más allá del espejo (Festival Márgenes)...... 94 Pietro Marcello. Un aire de eternidad...... 100 Mi Primer Festival de Cine...... 106 Otras sesiones...... 112

Fotograma de Los demonios Índice de películas

ÍNDICE DE PELÍCULAS (1) ÍNDICE DE PELÍCULAS (2)

A Crackup at the Race Riots ...... 113 Flaming Creatures...... 52 Ágata, mi vecina detective...... 109 Fritzi: A Revolutionary Tale...... 110 Alaska...... 114 Frozen Flashes...... 119 Andrei Rublev ...... 34 Getting Stronger Every Day...... 86 Arrebato...... 96 Haysha Royko...... 87 Atlanta...... 84 Homenaje a Rafael Berrio...... 120 Bella y perdida...... 103 Jubilee...... 23 Blonde Barbarei...... 115 Jüm Jüm...... 121 Blue...... 18 Kaskara...... 122 Calamity, une enfance de Martha Jane Cannary...... 108 La boca del luppo...... 104 Caravaggio...... 20 La hora de los hornos...... 54 Ceddo...... 36 Land of Silence and Darkness...... 123 Cero en conducta...... 38 La oreja...... 56 Cómo sobrevivir en un mundo material...... 88 La parada de los monstruos...... 58 Crash...... 40 La reina de los lagartos...... 89 Dangerous Encounters of the First Kind...... 42 La sal de la tierra...... 60 Different from the Others...... 44 Lawale...... 124 Eduardo II...... 21 Los demonios...... 24 El asesino de Pedralbes...... 97 Los vampiros (I)...... 62 El astronauta...... 116 Los vampiros (II)...... 64 El crimen de Cuenca...... 46 Los vampiros (III)...... 65 El futuro...... 85 María Fernanda, “La Jerezana”...... 125 El mesías salvaje...... 22 Martin Eden...... 105 El sur...... 118 Nest of Tens...... 90 El último sábado...... 117 Nitratos #2: sueños futuros de un pasado remoto (1905-1953) ��������������������126 Escoria...... 48 Ópera prima...... 98 Esto no es una película...... 50 Pulsaciones...... 127 Introducción Filmoteca Española

ÍNDICE DE PELÍCULAS (3) INTRO EN BUSCA DEL EQUILIBRIO ieles a nuestra aventura anual, a pesar de las circunstancias, la colaboración entre Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía Rocío...... 66 no decae este 2020 y alcanza su quinta edición. Tras proponer Rojo y negro...... 68 retrospectivas de carácter integral con programas estructurados Sebastián...... 26 en las dos sedes, dedicadas en temporadas precedentes a Straub Sierra de Teruel...... 70 Fy Huillet, a Dziga Vertov, a Wang Bing y a Chantal Akerman, este año el The Amateurist...... 91 protagonista es el artista multidisciplinar Derk Jarman (Londres, 1942- The Story of the Kelly Gang...... 72 1994), figura esencial de la revuelta punk y el cinequeer . La voz de Jarman, The Tempest...... 27 su arrojo político, erudición histórica y sensibilidad estética emerge en The Tied Up Balloon...... 74 estos tiempos con la pertinencia de una obra en gran parte alumbrada Todos vosotros sois capitanes...... 99 bajo el yugo y la devastación de una pandemia, el sida, que ocupa en Tú, yo y todos los demás...... 92 ocasiones el centro de su expresión creativa y trayecto existencial. “Derek Viridiana...... 76 Jarman. Queer Punk”, una retrospectiva comisariada por James MacKay, War Requiem...... 28 reúne todos sus largometrajes y cortometrajes para, en diálogo con sus Where Are My Children?...... 78 piezas más experimentales, en formato Super 8, y videoclips musicales, Wittgenstein...... 29 conformar a lo largo de dos meses ese necesario diálogo también entre Yo amo la danza...... 128 ambas instituciones, tan necesario para el vitalismo cultural de una Z...... 80 ciudad, la nuestra, duramente golpeada por el Covid-19. Continuamos con el ciclo de “Cine prohibido”, que lleva dos meses trayen- do piezas lapidadas por las policías morales y políticas en la historia del cine, así como algunos fabricantes del escándalo capaces de forzar los límites de la sensibilidad social. El aura de malditismo de ciertos filmes (prácticamente todos, en realidad) ha hecho especialmente compleja su localización y programación, como es el caso de Los demonios, de Ken Russell. Extraordinariamente provocador en su empleo de la iconografía católica y satánica, es el film que vincula el ciclo con la retrospectiva de Derek Jarman, pues supuso el debut del cineasta británico, como director artístico, en los confines de la industria cinematográfica. Lo cierto es que nos quedan en el Doré aún otros dos meses de grandes hallazgos y re- visiones en los territorios del cine prohibido que, como sostiene Cristina Álvarez en su magnífico texto introductorio (en estas mismas páginas), recuperamos este mes la Filmoteca Jr. que últimamente ha estado responde a razones generalmente “arbitrarias” aunque se identifican “ob- ausente ante la incertidumbre de cómo gestionar el acceso a las salas sesiones recurrentes”. de los niños de cara al cumplimiento de los protocolos de protección Cuando las formas de visionado, a los que la semántica de mercado sanitaria. Tres magníficas películas de animación programadas en prefiere referirse como “hábitos de consumo”, están mutando más allá sendos sábados volverán a ocupar nuestras butacas con la fascinación de nuestro control, se hace necesario en estos tiempos y los que están primigenia de los espectadores más pequeños. Adelantando su horario por venir encontrar un cierto equilibrio entre la programación presencial habitual 60 (sesenta) minutos, debido a las excepcionales medidas y de naturaleza virtual. Nuestra iniciativa “Flores en la sombra”, que abar- adoptadas por la pandemia del Covid, la programación de noviembre ca ambos espectros para compartir recuperaciones y restauraciones del nos trae nada menos que 70 (setenta) títulos a las pantallas del Doré en cine español en las diversas pantallas, entronca con la nueva edición del estos treinta días. Que no decaiga. Festival Márgenes, que arranca a finales de este mes y se prolongará durante todo diciembre. Márgenes celebra su décimo aniversario ofre- Filmoteca Española ciendo una programación-espejo entre el ámbito online y el de la sala cinematográfica, volcando su mirada en los ricos y estimulantes juegos de espejo ideados alrededor de las heterodoxias del cine español, las de ayer y las de hoy. En la búsqueda de ese equilibrio necesario en toda programación cine- matográfica damos cabida este mes a dos jóvenes cineastas, un director europeo y una directora estadounidense, cuyas cortas filmografías no impiden que podamos admirar el talento, la singularidad y la promesa que entrañan ambas hacia un futuro extraordinario. En el ciclo “Pietro Marcello. Un aire de eternidad” proponemos el preestreno de Martin Desde Filmoteca Española queremos apelar a la responsabilidad Eden, el magnífico último largometraje del cineasta italiano, una hipnó- de los espectadores del cine Doré poseedores del abono anual. tica adaptación de la novela autobiográfica de Jack London que emplea Venimos detectando desde hace un tiempo que algunos abonados y reconstruye material de archivo para trazar un recorrido por la muerte reservan butacas de forma indiscriminada, en múltiples sesiones, de utopías y romanticismos. A su vez, el ciclo dedicado a Miranda July, para después solo acudir a alguna o ninguna de ellas. Esta mala en el marco del Festival Rizoma, nos trae por primera vez a España sus praxis perjudica a todos aquellos espectadores que, una vez primeros cortometrajes, realizados a caballo entre dos siglos y dos mun- agotadas las entradas, no pueden adquirir la suya, mientras varias dos: el analógico y el digital. La indeleble belleza en el cine de ambos butacas quedan vacías, lo cual resulta aún más perjudicial en las creadores alumbrará nuestras pantallas en tiempos desesperadamente actuales circunstancias de reducción de aforo. Rogamos por tanto necesitados de nuevas formas de convivencia y resistencia social. que hagan uso de su “tarifa plana” con responsabilidad y pensando Las formas en las que la pandemia está moldeando esas formas de en el resto de espectadores, pues no es nuestro deseo tener que convivencia afectan como sabemos de forma especial al territorio anunciar sanciones y cancelaciones a los abonados reincidentes. de la infancia. Con una nueva edición de Mi Primer Festival de Cine, Calendario Flores en la sombra online

FLORES en la SOMBRA ONLINE

30 OCTUBRE-6 NOVIEMBRE 20-27 NOVIEMBRE

PONTEVEDRA, CUNA DE COLÓN (Enrique Barreiro, 1927) ROJO Y NEGRO (Carlos Arévalo, 1942). Documental que desarrolla la tesis del origen pontevedrés “Flores en la sombra” y “Cine prohibido” se cruzan en la de Cristobal Colón. Tras los trabajos realizados por sesión online de este largometraje vetado por Franco y Filmoteca Española, la versión que se podrá ver en enterrado durante décadas hasta que Filmoteca Española esta sesión recupera los colores originales de este lo recuperó en los años 90. cortometraje pionero.

27 NOVIEMBRE-4 DICIEMBRE 6-13 NOVIEMBRE EL BARRIL DE AMONTILLADO (Enrique Eguiluz, 1950). EL MUNDO SIGUE (Fernando Fernán Gómez, 1965) España. BDG. 22’ Sesión en recuerdo de Rosa G. Salgado, montadora Práctica de tercer curso del Instituto de Investigaciones habitual de directores como Fernando Fernán Gómez, y Experiencias Cinematográficas basada en el relato Antonio Mercero o Jorge Grau que falleció el pasado 22 de Edgar Allan Poe del mismo título. Para la ocasión, la de octubre. película ha sido sonorizada por el compositor Jesús Díaz.

13-20 NOVIEMBRE 3-30 NOVIEMBRE

MUJERES EN LA EOC. ANTE LA LEY LA CAZA DE BRUJAS (Antonio Drove, 1967). Sesión comisariada por Sonia García López que reúne Recuperamos, ahora con subtítulos adaptados, el varias prácticas de la Escuela Oficial de Cinematografía cortometraje con el que Antonio Drove consiguió la dirigidas por alumnas. Varias de las piezas, rodadas mejor nota de toda la historia de la Escuela Oficial de originalmente sin sonido, han sido sonorizadas por la Cinematografía. cantante y compositora Miren Iza (Tulsa). Calendario Doré

MA MI JU VI SA DO

1 CERRADO

3 4 5 6 7 8 Rocío El crimen de Cuenca Nitratos #2 (1905-1953) Ceddo El mesías salvaje La hora de los hornos Blue Martin Eden La oreja Flaming Creatures Bella y perdida La bocca del lupo Homenaje a Rafael Berrio Los demonios Z

10 11 12 13 14 15 Different from the Others The Tied Up Balloon El sur La sal de la tierra Fritzi: A Revolutionary Tale Viridiana Sebastián Jubilee Pioner@s prohibid@s: 1 2 Land of Silence and Darkness A Crackup at the Race Riots La parada de los monstruos El astronauta Esto no es una película The Tempest

17 18 19 20 21 22 Caravaggio War Requiem Andrei Rublev Sesión París, 1945: 1 2 Calamity, une enfance de Land of Silence and Darkness Cómo sobrevivir en un Rojo y negro La reina de los lagartos Festival de Sevilla: Martha Jane Cannary El futuro mundo material 1 2 3 4 5 6 Cortometrajes Miranda July: Tú, yo y todos los demás 1 2 3 4 5 Eduardo II 24 25 26 27 28 29 Los vampiros (I) Los vampiros (II) María Fernanda, “La Jerezana” Arrebato Ágata, mi vecina detective El asesino de Pedralbes Wittgenstein El último sábado Los vampiros (III) Sala:B: 1 2 Ópera prima Crash Todos vosotros sois Escoria Dangerous Encounters capitanes of the First Kind Derek Jarman. Queer Punk

SACUDIR EL PRESENTE

useo Reina Sofía y Filmoteca Española organizan cada otoño desde 2016 un ciclo audiovisual conjunto que une durante dos meses los programas de ambas instituciones. La retrospectiva del año 2020 está dedicada a Derek Jarman (1942-1994), pintor, cineasta, activista por los derechos Mhomosexuales, escenógrafo, escritor y jardinero. El incansable trabajo de Jarman nos recuerda la importancia del cine como reconocimiento de la diferencia, pero también como un acto de amor y disidencia. Derek Jarman es uno de los realizadores más destacados en la con- formación de una mirada y una identidad queer en el cine; con ello, no solo contrarrestó el predominio visual hetero-centrado dominante en el medio, sino que también abrió paso a lecturas e interpretaciones queer del pasado histórico y a la defensa de un presente alternativo que el cineasta viviría en disputa permanente, desde los inicios del punk en la década de 1970 hasta el activismo en contra de la discriminación por el sida a mediados de 1990. El trabajo de Jarman se caracteriza, en primer lugar, por una deslumbrante erudición, que conecta historia antigua, ico- nografía religiosa, literatura clásica e historia del arte y las proyecta para sacudir el presente, no para reafirmarlo. En segundo lugar, por una experiencia autobiográfica constante, ya que gran parte de sus persona- jes aluden al rol del artista marginado que vive una profunda violencia y represión social, estatal o religiosa, aspectos que Jarman sufriría como personalidad pública homosexual en la Inglaterra de Margaret Thatcher. En tercer lugar, en la creencia del poder transformador del arte, cuestión central que cruza distintos aspectos de su trabajo: su interés por la alquimia medieval y el ocultismo como saberes de la transformación, su búsqueda del mito y de la alegoría contemporánea como cuestio- namiento de las versiones simplificadoras del presente y su fe en la supervivencia a la enfermedad a través del arte, como demuestra Blue, su última película. En cuarto lugar, el cine de Jarman es también un pro- fundo síntoma de su tiempo, ya que está habitado colectivamente por la escena musical, artística y cultural underground de Londres durante los años que van de la década de 1970 a 1990. El ciclo se compone de tres vertientes. Por un lado, una sesión de aper- tura y clausura con Blue, una de las películas más sobrecogedoras y emocionantes de nuestro tiempo. Por otro, todos los largometrajes de ficción, desde los orígenes como escenógrafo junto a Ken Russell, a principios de los 70, hasta Wittgenstein (1993), incluyendo películas de culto como Sebastián (1976) y Caravaggio (1986), entre otras. Por últi- mo, el cine experimental en super8 y 16 mm, así como los videoclips musicales que el artista realizaría de manera asidua desde comienzos de 1980, llegando a fijar en gran parte el imaginario de la música alter- nativa inglesa, y películas collage, como The Garden o The Last England, en las que la mezcla de lenguajes desborda cualquier orden narrativo. Esta última vertiente culmina con el homenaje del artista Isaac Julien a Derek Jarman en el documental Derek (2008).

Museo Reina Sofía

Las proyecciones del ciclo “Derek Jarman. Queer Punk” tendrán lu- gar en el Cine Doré de Filmoteca Española y en el auditorio del Edifi- cio Sabatini del Museo Reina Sofía durante los meses de noviembre y diciembre. Para más información sobre las proyecciones en el Museo Reina Sofía, visitar www.museoreinasofia.es/actividades/derek-jarman.

Fotograma de War Requiem Derek Jarman. Queer Punk Derek Jarman. Queer Punk BLUE ofrecerlo (lo que recuerda al uso vertiginoso del azul por parte del propio (Derek Jarman, 1993) Yves Klein)». (Michael O’Pray) «Blue no es exclusivamente un lamento por los muertos y moribundos; la película está animada por una rabia militante contra la muerte de la luz. El relato implacable por parte de Jarman de su régimen médico y sus intermitentes deseos suicidas es relevante para mostrar el sufrimiento de toda una comunidad. Y Jarman, al igual que Wittgenstein, se da cuenta que las cuestiones experimentales y políticas están enraizados en problemas lingüísticos. Este descubrimiento se expresa en ocasiones con una severa ironía». (Richard Porton) «Es la primera vez que he podido mirar a la cara a una de mis películas. El cine está poniéndose al día con el siglo XX, esta es la primera película que abraza el imperativo intelectual de la abstracción, es deprimente, divertida y angustiosa, lleva el cine hasta los límites del mundo conocido». (Derek Jarman) Segunda proyección día 28 de diciembre en el Museo Reina Sofía. Int.: John Quentin, Nigel Terry, Derek Jarman, Tilda Swinton. Reino Unido, Japón. DCP. VOSE*. 79’

Titulada The Blue Film for Yves Klein en el diario de Derek Jarman, Blue es un homenaje al artista francés, una exploración de los diferentes significados asociados al color azul y una meditación personal sobre los efectos del sida. Jarman, a través de una pantalla siempre azul, despliega fragmentos de sus diarios, narrando su paso por el hospital y la progresión de su enfermedad.

«Jarman no está usando el color como lo harían los modernistas, o como mínimo está buscando nuevas formas de expresión en él. Para Jarman, el azul es principalmente una metáfora. También una declaración reflexiva sobre el estado del cine. Curiosamente, para este proyecto, Jarman rechazó usar cualquier tipo de celuloide que reforzase su inevitable textura (los rayones, el parpadeo) en favor de un azul más cercano al vídeo digital, prístino y sin adulterar como solo el pixel puede Martes 3 · 19:30 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 18 19 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Derek Jarman. Queer Punk Derek Jarman. Queer Punk CARAVAGGIO EDUARDO II (Derek Jarman, 1986) (Edward II, Derek Jarman, 1991)

Int.: Nigel Terry, Sean Bean, Tilda Swinton, Spencer Leigh. Reino Unido. Int.: Steven Waddington, Andrew Tiernan, Tilda Swinton, Nigel Terry. DCP. VOSE*. 93’ Reino Unido, Japón. B-R. VOSE*. 87

Un viaje por la vida del artista desde su infancia hasta sus triunfos El rey Eduardo II se enamora de Gaveston, un joven aristócrata. artísticos, cuando establece un taller propio en Roma. Al llegarle la fama Mientras, la reina Isabel conspira junto al peligroso Mortimer para poder y el dinero, empieza a coquetear con el crimen y la homosexualidad. deshacerse de Gaveston, derrocar a Eduardo II y hacerse con el poder.

«Si Caravaggio se hubiera reencarnado en este siglo habría sido como «Eduardo II se rodó durante el momento de mayor implicación por parte de cineasta, Pasolini… La pintura ha degenerado en una práctica ilegible y Jarman con Outrage, el grupo activista gay, en un momento en que toda hermética, realizada por sus adeptos a puerta cerrada. Hay una notable su ira estaba dirigida a la falta de apoyo gubernamental a la investigación falta de fuerza emotiva en la pintura moderna. ¿A quién podría hacerle o apoyo a las víctimas del sida, así como al desmoronamiento de su llorar hoy en día? Pero puedes emocionarte con El evangelio según San “romance familiar” tras la muerte de su padre y, por supuesto, su propia Mateo, y La ricota puede hacerte reír». (Derek Jarman) mortalidad». (Michael O’Pray) Segunda proyección día 12 de diciembre en el Museo Reina Sofía. Segunda proyección día 26 de noviembre en el Museo Reina Sofía.

Martes 17 · 17:00 · Sala 2 Sábado 21 · 21:00 · Sala 1

Copia restaurada VENTA DE ENTRADAS ONLINE 20 21 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Derek Jarman. Queer Punk Derek Jarman. Queer Punk EL MESÍAS SALVAJE JUBILEE (Savage Messiah, Ken Russell, 1972) (Derek Jarman, 1978)

Int.: Dorothy Tutin, Scott Antony, Helen Mirren, Lindsay Kemp. Reino Int.: Jenny Runacre, Nell Campbell, Toyah Willcox, Jordan. Reino Unido. Unido. DCP. VOSE*. 97’ DCP. VOSE*. 106’

Retrato del escultor francés Henri Gaudier-Brzeska y su relación con la Estrenada durante el Jubileo de la reina Isabel I, la película fantasea con escritora polaca Sophie Brzeska a principios del siglo XX. Es también la la idea de la monarca viajando 400 años hacia el futuro hasta llegar a un segunda colaboración de Ken Russell con Derek Jarman. Londres que, tras el asesinato de la reina Isabel II, está marcado por la corrupción y tomado por una banda de guerrilleras punk. «Aquí, la energía de Ken Russell se expresa no con artificios visuales o música atronadora, sino en las juguetonas interpretaciones de Tutin y «La ambivalencia de Jarman acerca del objetivo de toda esta energía joven Antony, que traen (literalmente) un martillo pilón a lo que de otra forma y violenta dio como resultado una película extremadamente interesante, podría haber sido un aburrido y sobredramatizado biopic. Se trata de una deliberadamente fea en ocasiones y muy incómoda de ver, una película película con los pies en la tierra, sucia, honesta y fiel a sus personajes que, como él decía en el guion publicado, “siempre molestó a la gente”». y su entorno: cuando los habituales excesos visuales de Russell hacen (Rowland Wymer) acto de presencia en un garito nocturno (diseñado por Derek Jarman), el Segunda proyección día 9 de diciembre en el Museo Reina Sofía. contraste no podría resultar más llamativo». (Evan Porchell) Segunda proyección día 3 de diciembre en el Museo Reina Sofía. Sábado 7 · 16:30 · Sala 1 Miércoles 11 · 20:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 22 23 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Derek Jarman. Queer Punk / Cine prohibido Derek Jarman. Queer Punk / Cine prohibido LOS DEMONIOS comenzaron los problemas. Tanto la BBFC como la propia Warner (The Devils, Ken Russell, 1971) exigieron a Russell múltiples cortes para permitir el estreno en Reino Unido, aunque fuese con la calificación X. Tras un largo tira y afloja, el director logró superar el escollo a cambio de perder varios minutos de metraje, incluyendo una escena que consideraba central en la que un grupo de monjas destruía una efigie de Cristo. No fue suficiente para parte del público y, tras el estreno de la película, Mary Whitehead (de la que hablaremos con más detalle con motivo de Escoria) exigió su prohibición, lo que llevó a que varias localidades británicas la vetaran. Finalmente, cuando la película viajó a Estados Unidos fue aún más recortada y solo consiguió una clasificación X, que básicamente implicaba su invisibilización. A diferencia de lo que unos años más tarde haría con El exorcista, Warner apenas peleó para evitar esta decisión. A día de hoy sigue sin poderse ver el montaje original de Los demonios, el resultado de juntar en la misma coctelera a un director dado a la polémica, una distribuidora decidida a evitar el escándalo y el Int.: Vanessa Redgrave, Oliver Reed, Dudley Sutton, Max Adrian. Reino conservadurismo de muchos países ante representaciones de ámbito Unido. DCP. VOSE*. 109’ sexual y religioso. La versión que se proyecta es la autorizada para su exhibición en Reino La historia detrás de la producción de Los demonios, de Ken Russell, Unido en 1971. Segunda proyección día 2 de diciembre en el Museo contiene tantos elementos habituales de los relatos sobre censura que Reina Sofía. bien podría considerarse que la película se enfrentó a una tormenta perfecta. A principios de 1970, United Artists le propuso a Russell adaptar al cine Los demonios de Loudon, la novela de Aldous Huxley basada en el caso de histeria colectiva acontecido en la ciudad de Loudon, Francia, durante el siglo XVII. El cineasta, recién salido del éxito de Mujeres enamoradas (1969), escribió el guion y lo presentó a la productora, que se echó atrás asustada por lo controvertido del texto. Warner Bros., sin embargo, dio a Russell luz verde y la película se rodó a finales de 1970 con un joven Derek Jarman como director artístico, en el que sería su primer gran trabajo dentro de la industria del cine. En 1971, cuando Ken Russell presentó un montaje completo a los ejecutivos de la major y a la junta de clasificaciones británica, la BBFC, Viernes 6 · 21:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 24 25 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Derek Jarman. Queer Punk Derek Jarman. Queer Punk SEBASTIÁN THE TEMPEST (Sebastiane, Paul Humfress y Derek Jarman, 1976) (Derek Jarman, 1979)

Int.: Leonardo Treviglio, Barney James, Neil Kennedy, Richard Warwick. Int.: Peter Bull, David Meyer, Neil Cunningham, Heathcote Williams. Reino Unido. DCP. VOSE*. 86’ Reino Unido. DCP. VOSE*. 95’

El emperador Diocleciano degrada a Sebastián y lo destierra a un puesto El hechicero Próspero obtiene la oportunidad de vengarse del Rey remoto en la costa donde el nuevo soldado sufre las consecuencias por de Nápoles, su hermano, por haberle desterrado de su ducado. Esta sus creencias cristianas. adaptación poco convencional de La tempestad, de William Shakespeare, está marcada por un estilo punk con vestuarios eclécticos, la mezcla de «La primera película de Jarman muestra a la comunidad masculina de una voces y una atmósfera amenazante. legión romana acampada en el desierto. La corriente oculta de tensión sexual y violenta al mismo tiempo subvierte y refuerza la autoridad «Parte de mi interés en el mago John Dee proviene de su preocupación institucional del mundo militar, un mundo que a la vez es deseado y con los secretos y los códigos… ¿Por qué esta obsesión con los lenguajes opuesto». (David Gardner) de estructuras cerradas, con los rituales de lo oculto y escondido?» Segunda proyección día 5 de diciembre en el Museo Reina Sofía. (Derek Jarman) Segunda proyección día 10 de diciembre en el Museo Reina Sofía.

Martes 10 · 20:00 · Sala 1 Sábado 14 · 21:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 26 27 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Derek Jarman. Queer Punk Derek Jarman. Queer Punk WAR REQUIEM WITTGENSTEIN (Derek Jarman, 1989) (Derek Jarman, 1993)

Int.: Nathaniel Parker, Tilda Swinton, Sean Bean, Owen Teale. Reino Int.: Karl Johnson, Michael Gough, Tilda Swinton, John Quentin. Reino Unido. B-R. VOSE*. 92’ Unido, Japón. DCP. VOSE*. 72’

Partiendo de materiales tan dispares como la música de Benjamin Dramatización de la vida y pensamiento del filósofo vienés Ludwig Britten, imágenes de archivo y poemas de John Keats y Wilfred Owen, Wittgenstein. A través de episodios que van desde su infancia como la película construye un relato sobre la vida de varios solados y una niño prodigio hasta su docencia en Cambridge, se hace especial énfasis enfermera durante la Primera Guerra Mundial. en sus ideas, su temperamento y su homosexualidad.

«En mi corazón, War Requiem está dedicada a todos aquellos que, como «La filosofía es una enfermedad de la mente. No debo infectar a yo, han sido repudiados por el cristianismo. A todos mis amigos que demasiados hombres jóvenes. Cuán singular e irremplazable es Johnny. están muriendo en un clima moral creado por una iglesia sin compasión». Y, aun así, qué poco me doy cuenta de esto cuando estoy con él. Eso ha (Derek Jarman) sido siempre un problema. Pero vivir en un mundo en el que un amor así Segunda proyección día 16 de diciembre en el Museo Reina Sofía. es ilegal y trata de hacerlo de forma abierta y honesta es una completa contradicción» (Derek Jarman) Segunda proyección día 23 de diciembre en el Museo Reina Sofía.

Miércoles 18 · 17:00 · Sala 2 Martes 24 · 20:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 28 29 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido

LEY Y ORDEN

ontrariamente a lo que Sigmund Freud y otros pensadores defendieron, no hay tabús universales. ¿No matarás? ¿No violarás? ¿No profanarás el nombre o la imagen de una deidad? La historia y la variedad de culturas se ríen de estas interdicciones. CNada está prohibido eternamente; pero, en todas partes y en todas las épocas, hay cosas que son prohibidas, censuradas, ocultadas. Intentar desentrañar la lógica que rige estos actos se convierte, casi siempre, en un puzle de difícil solución. Los asuntos más terrenales y ordinarios son causa de preocupación; otras cosas mucho más sensacionales consiguen un pase por parte de los censores. Es todavía raro ver un clítoris en pantalla, pero los asesinatos en masa en películas de acción pueblan nuestros televisores cada día. La prohibición es arbitraria; pero orbita alrededor de ciertas obsesiones recurrentes: críticas a regímenes políticos e instituciones intocables; hábitos, comportamientos y filias que subvierten la moral establecida; representaciones del sexo y la violencia tachadas de obscenas… Tomemos, por ejemplo, esos films a los que se acusa de “glamurizar el crimen y la violencia”, de hacerlos atractivos. De los seriales mudos de Louis Feuillade (Los vampiros, 1915) al thriller de Tsui Hark Dangerous Encounter of the First Kind (1981), de la leyenda del bandolero australiano Ned Kelly (The Story of the Kelly Gang, Charles Tait, 1906) a las historias de violentos delincuentes juveniles en calles y prisiones de Gran Bretaña (Escoria, Alan Clarke, 1979). La sociedad, nos dicen, está amenazada por semejante propaganda. ¿Pero no es la propia sociedad –sus problemas, males, demonios– el caldo de cultivo en el que se cuecen muchos de estos films? No podemos predecir a qué será sensible una sociedad determinada en el día de mañana. Solo sabemos que será sensible a algo, probablemente de manera ilógica e irracional. La prohibición implica una circulación burocrática de valores públicos, del bien público; una estimación de lo religiosa– tuvo problemas, intermitentemente, con la censura e incluso que las audiencias necesitan, de lo que pueden soportar o tolerar. A vio prohibida Viridiana (1961), pero ¿cuántas otras de sus subversiones este nivel, la prohibición es una fantasía de proyección. Departamentos pasaron bajo el radar? Los censores –afortunadamente para nosotros– gubernamentales hablan en nombre de un pueblo que, en realidad, ellos no son muy sensibles a la ironía y la sugerencia. Y son ciegos ante la han inventado. creatividad genuina. La arbitrariedad de la prohibición solo es igualada Recientemente, Amy Coney Barrett –la jueza designada por Donald Trump por su estupidez. para el Tribunal Supremo– hizo una declaración que, en su paradójica Prohibir crea demanda. Los archivistas cinematográficos cuentan que los irracionalidad, resulta iluminadora: “la Constitución Americana merece un cinéfilos suelen fetichizar filmes perdidos o de los que solo se conservan Tribunal Supremo independiente que interprete la Constitución y las leyes fragmentos. Quizás nunca fueron completados, quizás nunca fueron tal como fueron escritas.” ¿Qué significa, exactamente, interpretar algo vistos. Pero la imaginación se pone a trabajar y exagera el escándalo, el “tal como fue escrito”? ¡Qué descaro! ¿No sería más humilde considerar tesoro oculto. Algunos cineastas comprenden esto y explotan el poder de que, allí donde cabe una interpretación, la verdad no puede ser absoluta? esas fuerzas de represión, jugando con la excitación que provoca aquello Pero esta es la misma lógica en que se basan el veto y la censura. Aquí, la que, aparentemente, no puede ser representado o discutido (mientras política se escuda en el mismo principio que la religión: la verdad –universal inventan modos perspicaces de hacerlo presente y palpable). Pero no y eterna– está inscrita en piedra, recogida en los textos fundacionales, todos los cineastas tienen el temperamento o la voluntad necesarias para es origen y primera palabra. Pero, dicha verdad, no es transparente y dedicar su carrera a burlar los caprichos de la censura. debe ser descifrada. Dicho de otro modo: la verdad es completamente En Pánico en las calles (Elia Kazan, 1950), una mirada cómplice y silenciosa opaca y su significado puede amoldarse a cualquier ideología. Por ello, entre un policía en las barricadas y un astuto periodista en la multitud, necesitamos a un puñado de elegidos que adjudiquen y apliquen dicha permite que la historia real de una plaga llegue a las noticias. “Todo el verdad correctamente. Los burócratas y sacerdotes ya tienen algo con lo mundo lo sabe”, cantaba Leonard Cohen. Y los secretos a voces son el que llenar su tiempo y recibir su cheque mensual. mejor motor para el escándalo. Debemos creer en lo prohibido para poder Hay países donde la queja de un espectador o de algún grupo de interés creer en actos heroicos de transgresión. Y el espectáculo continúa… puede desencadenar prolongados procesos de investigación, evaluación, retirada o censura de obras cinematográficas. Entonces, conseguir sacar Cristina Álvarez López (Crítica de cine) al film de la lista prohibida se convierte en un proceso de apelación caro e igualmente prolongado. Alguien debe hacer esa apelación, luchar en las cortes y correr con los gastos. No es extraño, pues, que algunos filmes Con la colaboración de: permanezcan en la sombra durante mucho tiempo. Por otro lado, para directores ingeniosos y astutos, no es difícil burlar los tabús que imperan en cada momento. El Hollywood clásico está plagado de ejemplos: de Ernst Lubitsch a Preston Sturges, cada acto sexual y subversión política llegó intacta a la pantalla. Directores como Luis Buñuel –que añade a la lista de pecados capitales la blasfemia Festival de Otoño de Teatro / Cine prohibido Festival de Otoño de Teatro / Cine prohibido ANDREI RUBLEV a nivel ideológico es innegable”. Para evitar la desaparición total de (Andrey Rublev, Andrei Tarkovsky, 1966) su obra, Tarkovsky remontó la película, reduciendo el metraje hasta las tres horas y rebajando la violencia. Esta versión, con el nombre de Andrei Rublev, consiguió finalmente estrenarse en 1971 gracias al apoyo de otros artistas como Grigori Kozintsev y Dmitri Shostakovich. Con el tiempo, Tarkovsky acabó por asegurar que prefería la versión remontada a la original, declarando que todos los cambios los había llevado a cabo él mismo. No fue así, sin embargo, con la versión que se pudo ver en la televisión rusa en 1973, que había sido recortada hasta los cien minutos, convirtiéndose en poco más que un esqueleto de su versión original, un esqueleto que Tarkovsky se negó a autorizar. Antes de la proyección se representará en escena un fragmento de 20 minutos de Andrei Rublev, una paniconografía, montaje teatral de Societat Doctor Alonso y dirigido por Tomás Aragay. La obra completa tendrá su estreno en Madrid en el Teatro Pradillo, del viernes 20 al domingo 22 de noviembre, a las 21 horas, en el marco del Festival de Otoño de Teatro. Int.: Anatoliy Solonitsyn, Ivan Lapikov, Nikolay Grinko, Nikolay Sergeev. URSS. DCP. VOSI/E*. 183’’ Segunda proyección en diciembre.

A principio de los años 60, pocos directores soviéticos prometían tanto como el joven Andrei Tarkovsky. Tras sorprender a todo el mundo con La infancia de Iván (1962), que ganó el León de Oro en Venecia, la productora Mosfilm aceptó su propuesta de trabajar juntos en una película basada Sesión en colaboración con: en la vida de Andrei Rublev, un célebre pintor ruso del siglo XV. Tras dos años de investigación, el guion fue aprobado. El rodaje comenzó a finales de 1964 y la película, con un metraje de tres horas y veinticinco minutos, se estrenó en Moscú en 1966. Ese sería el único pase de esa versión, conocida como La pasión según Andrei. Las autoridades soviéticas, molestas por el contenido religioso así como por el realismo en la reconstrucción de la Rusia medieval y el retrato que la película hacía de un artista luchando por crear en un régimen opresivo, prohibieron la exhibición del film tanto en la URSS como en festivales extranjeros, alegando que “lo erróneo de la película Jueves 19 · 18:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 34 35 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido CEDDO la película fue prohibida en Senegal por ridiculizar el Islam. Lo más (Ousmane Sembene, 1977) sangrante, sin embargo, fue la razón esgrimida en esta ocasión por el gobierno senegalés para vetar la obra de su cineasta más reputado: según declaraciones recogidas en 1978 por “The New York Times”, la razón no se encuentra en “ningún tipo de sensibilidad religiosa, sino en la insistencia por parte del señor Sembene de escribir ‘Ceddo’ con dos des cuando el gobierno senegalés asegura que se escribe con una sola”. Dispuesto a resistir la prohibición, Sembene se dedicó a distribuir folletos a la entrada de los cines explicando la trama de la película, folletos en los que se podía leer también el párrafo de apertura de este texto. No solo eso, sino que también consiguió que Ceddo saliese al mercado internacional sin cortes. En 1978, el Festival Internacional de Cine de Moscú le galardonó con su premio honorífico. A día de hoy, Ousmane Sembene permanece como uno de los grandes nombres de la historia del cine africano, y Ceddo, con dos des, como su obra maestra. Int.: Tabata Ndiaye, Alioune Fall, Moustapha Yade, Matoura Dia. Senegal, Francia. 35 mm. VOSE*. 120’

“Al principio de la expansión islámica, a las personas que dudaban en aceptar la nueva religión se las llamó ‘Ced-do’, ‘gente de fuera’, extraños a los círculos espirituales de Mahoma. Eran los últimos guardianes de la espiritualidad africana antes de que se mezclase con el Islam o el cristianismo. Los Ceddo de Pakao se enfrentaron a los musulmanes que querían forzar en ellos una conversión, llegando hasta el extremo del suicidio. Sus mujeres e hijos se sumergían bajo las aguas de los manantiales para permanecer fieles a su espiritualidad africana.” Ceddo trata explícitamente varios temas generalmente tabú acerca de la participación africana en el tráfico de esclavos hacia el hemisferio occidental, el estatus tradicionalmente inferior de la mujer en África y el “colonialismo islámico”, es decir, la dura e intransigente toma del poder político por parte de ciertos líderes religiosos históricos. Como había ya ocurrido en otras ocasiones con el cine de Ousmane Sembene, Viernes 6 · 16:30 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 36 37 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido CERO EN CONDUCTA en las aulas el vuelo de una revolución a gran escala. Debilitado por (Zéro de conduite: Jeunes diables au collège, Jean Vigo, 1933) la tuberculosis que acabaría con su vida al año siguiente (con solo 29 años), Vigo fue incapaz de pelear y su película desapareció durante casi quince años. En 1945, el distribuidor Henri Beauvais solicitó la autorización para la explotación de Cero en conducta. La respuesta fue positiva y la película, libre de su prohibición, comenzó su verdadera trayectoria comercial en sesiones junto a otro film silenciado, Sierra de Teruel (André Malraux, 1939). A partir de ese momento, la película de Vigo se convirtió en uno de los títulos fundamentales del cine francés, apareciendo en innumerables compilaciones de grandes obras maestras e influyendo a múltiples directores y obras, incluyendo Los 400 golpes (1959) de François Truffaut. Cero en conducta se proyectará dentro de la “Sesión París, 1945”.

Int.: Jean Dasté, Robert le Flon, Louis Lefebvre, Delphin. Francia. DCP. VOSE*. 44’

Pocos directores consiguieron tanto con tan poco como Jean Vigo. Con solo tres cortometrajes y un largometraje, Vigo dejó una huella indeleble en la historia del cine. Su capacidad para entrelazar realidad y sueño y su rebeldía creativa representan en buena medida el potencial del arte cinematográfico. Como en el caso de muchos otros creadores pioneros que se pueden encontrar en este ciclo, el precio de trabajar fuera de los rígidos parámetros que marca la sociedad ha sido, en ciertas épocas, el de la prohibición. Tras una proyección privada en 1933 que terminó con abucheos, Cero en conducta acabó por ser vetada por las autoridades francesas. ¿Qué había en esta historia sobre un grupo de alumnos de un internado que fuera tan peligroso? Por un lado, la idea de que unos escolares se atrevieran a rebelarse contra la autoridad. Por otro, la fuerza poética de las imágenes diseñadas por Vigo, que daban a una simple rebelión Viernes 20 · 16:30 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 38 39 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Cine prohibido Cine prohibido CRASH sexualidad, sino por lo que dice sobre violencia y sexualidad”. A pesar (David Cronenberg, 1996) de que su agente le avisó de que la película podía traerle problemas, Cronenberg siguió adelante, rodando en Toronto sin mayor dificultad. Cuando el proyecto estuvo completado, Crash fue invitada a participar en el Festival de Cannes, donde se la recibió con una notable polarización. Mientras muchos críticos alababan la película como una de las más notables de Cronenberg, otros consideraron que era simplemente una sucesión de escenas eróticas. Un periodista británico llegó a escribir que “supera todos los límites de la depravación”, desatando una campaña en los medios conservadores de Reino Unido a favor de la prohibición de la película, una campaña que resultaría en un curioso sinsentido final que puso sobre la mesa las inconsistencias del sistema censor. La junta encargada de otorgar una calificación en el Reino Unido, la BBFC, consideró que el contenido de la película era aceptable y en ningún caso debía entenderse de forma literal sino de manera metafórica. Se consultó a psicólogos para confirmar que el film no provocaría un deseo Int.: James Spader, Holly Hunter, Elias Koteas, Deborah Kara Unger. de imitación y se proyectó a un grupo de personas con discapacidades Canadá, Reino Unido. DCP. VOSE. 100’ motrices para investigar si resultaba ofensivo para ellos, llegando a la conclusión de que en cierto modo era positivo que se mostrase a En 1995, durante la celebración del Festival de Cannes, el productor gente con discapacidades de una forma sexualmente activa. A pesar británico Jeremy Thomas y el canadiense Robert Lantos anunciaron de todo esto, Crash fue prohibida… en un distrito de Londres. Cualquier que habían llegado a un acuerdo para rodar una adaptación de Crash, londinense que viviese en Westminster Council tendría que caminar la polémica novela de J. G. Ballard sobre un grupo de personas hasta el cercano distrito de Camden para ver la película. A pesar de que se excitan sexualmente cuando forman parte de un accidente que la (simbólica) prohibición británica fue seguida por otras muchas automovilístico. El director habría de ser David Cronenberg, el firmante prohibiciones generales en varios países del mundo, Crash se convirtió de películas como Videodrome (1983) o La mosca (1986), con las que en un éxito de taquilla, desconcertando e impactando al público de allí ya había explorado la relación entre la carne y la tecnología. donde pudo verse. Cuando Ballard pudo leer el guion, escrito por el propio Cronenberg, pensó que “aquello era mucho más terrorífico que mi novela. Parecía despegar donde aquella acababa y se mostraba mucho más sincero. Crash es un informe desde el ojo del huracán, y Cronenberg ha encontrado un espacio de pequeña calma desde el que hacer este brillante y asombroso film. Todo él es como un accidente a cámara lenta, y no por su violencia y Domingo 29 · 20:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 40 41 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Cine prohibido Cine prohibido DANGEROUS ENCOUNTERS OF THE FIRST KIND simpatizantes comunistas se enfrentaron a las autoridades hongkonesas (Di yi lei xing wei xian, Tsui Hark, 1980) en una escalada de violencia que terminó con más de 50 muertos y 5000 detenidos. Preocupadas por que el film de Hark pudiera favorecer un rebrote de los conflictos en un entorno ya de por sí socialmente inestable, así como molestas por los apuntes antiamericanos de la historia, el Gobierno de Hong Kong prohibió la película. Tratando de salvar su trabajo, el cineasta eliminó varias escenas y rodó otras nuevas para conseguir un montaje que pudiera estrenarse, veinte minutos más corto que el original de 116 minutos. Esta segunda versión, bastante diferente en lo argumental pero con todo igual de nihilista, sí consiguió llegar a las salas. A principios de los 2010, la versión original de Dangerous Encounters of the First Kind pudo finalmente exhibirse en Hong Kong. Copia proporcionada por el Hong Kong Film Archive, Leisure and Cultural Services Department.

Int.: Lo Lieh, Lin Chen-chi, Albert Au, Lung Tin Sang. Hong Kong. DCP. VOSE*. 95’

Uno de los apelativos con los que se conoce popularmente al cineasta hongkonés Tsui Hark es el de “Steven Spielberg de Asia”. Sin embargo, sus inicios están muy lejos de lo que esa etiqueta podría hacer pensar. Como uno de los nombres principales de la Nueva Ola Hongkonesa (en la que también destacaron cineastas como Ann Hui, John Woo o Wong Kar-Wai), sus primeros films ofrecen una mirada profundamente desencantada a la sociedad que le rodeaba, la de Hong Kong a principios de los años 80. El caso más paradigmático es el de la brutal Dangerous Encounters of the First Kind, la historia de un grupo de jóvenes que desatan una oleada de crímenes llevados por una mezcla de desesperación, hastío y pura sociopatía. Marcada por un retrato desmitificador de Hong Kong y unas cotas de violencia poco frecuentes, la película llamó la atención de los censores por mostrar conexiones evidentes con las revueltas de 1967, en las que Sábado 28 · 21:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 42 43 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido DIFFERENT FROM THE OTHERS Por desgracia, lo inevitable acabó por suceder. Grupos de extrema (Anders als die Andern, Richard Oswald, 1919) derecha y de fanáticos religiosos comenzaron a protestar y boicotear las proyecciones, reclamando que se impidiera a nuevos espectadores ver una historia en la que no solo se retrataba una relación homosexual de forma positiva sino que defendía abiertamente la libertad sexual. Finalmente, la película se prohibió en 1920. El director, Richard Oswald, tuvo que marcharse a Estados Unidos para continuar trabajando, y el guionista y sexólogo Magnus Hirschfeld fue agredido por jóvenes protonazis. Por supuesto, cuando los nazis llegaron al poder en 1933 no solo mantuvieron la prohibición sino que se aseguraron de quemar todas las copias. Sin embargo, por razones que se desconocen, la película había viajado hasta Ucrania y se pudo rescatar una parte importante del metraje. Lo que se conserva hoy en día, con casi una hora de duración, es más que suficiente para comprender la importancia de esta fascinante rareza histórica. Int.: Conrad Veidt, Fritz Schulz, Reinhold Schünzel, Leo Connard. Alemania. DCP. MRA/E*. 60’ Copia proporcionada por el Munich Film Museum.

En ocasiones, la historia nos sorprende con breves momentos en los que lo imposible sucede. Según explica el académico Alberto Mira, “la subcultura gay del periodo de Weimar es la primera reconocible como tal, o al menos la primera sobre la que nos ha llegado un conjunto sustancial de manifestaciones culturales con visibilidad pública. Tras la Primera Guerra Mundial, y hasta que los nazis ganan el poder, Berlín es un centro de atracción para homosexuales de toda Europa. […] En un momento determinado durante los años veinte, la homosexualidad se convierte en ‘símbolo de modernidad’. […] En Berlín, a pesar de que también existía una legislación represiva, la confusión de los tiempos permitía que se celebrase abiertamente la homosexualidad gracias a discursos que la valoraban.” Es en este contexto que se estrena y tiene una exitosa carrera comercial, un film como Different from the Others, probablemente la primera película progay de la historia del cine. Martes 10 · 17:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 44 45 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido EL CRIMEN DE CUENCA la brutalidad de las torturas realizadas a los acusados llevaron a que, (Pilar Miró, 1980) a principios de 1980, el Juzgado Militar Permanente dictase una orden de secuestro del film, puesto que determinó que la obra podría contener escenas constitutivas de delito. Poco después, Pilar Miró fue procesada por el Tribunal Militar bajo la acusación de injurias a la Guardia Civil. Afortunadamente, el escándalo que esto desató por todo el país llevó a que finalmente la película se estrenase en 1981, convirtiéndose en un éxito de taquilla inmenso. Aunque la brevedad de la prohibición puede hacer pensar que lo sucedido con El crimen de Cuenca es poco relevante dentro de la historia del cine, varios aspectos hacen de ella un caso fascinante. Ante todo, es fundamental recordar que esta prohibición tiene lugar en los años en los que España está transformándose en un país democrático tras cuatro décadas de dictadura militar. En esa situación, la orden de secuestro por parte del Juzgado Militar Permanente no solo está marcada por los ecos del golpe de Estado de 1936, sino que supone echar más gasolina Int.: Amparo Soler Leal, Héctor Alterio, Daniel Dicenta, José Manuel al fuego del miedo y la incertidumbre que marcó todo el proceso de la Cervino. España. 35 mm. 88’ Transición. Si además tenemos en cuenta que en 1981 tuvo lugar el intento de golpe de Estado por parte de un grupo de guardias civiles El crimen de Cuenca se basa en hechos reales que tuvieron lugar en Osa comandados por el teniente coronel Tejero, es comprensible que El de La Vega, Cuenca, en 1910: la desaparición de un pastor desató una crimen de Cuenca fuera recibida con los brazos abiertos en las salas tormenta de habladurías que apuntaban a que había sido asesinado por de cine: se había convertido en un símbolo de las dificultades del dos lugareños con fama de anarquistas. Aunque en primera instancia el esperanzador proceso democrático. caso se cerró por falta de pruebas, un nuevo juez lo reabrió pocos años después y detuvo a estos sospechosos. Durante días, la Guardia Civil les torturó hasta conseguir una confesión que les llevase a la cárcel. Pero en 1926 se descubrió que el pastor seguía vivo y sencillamente se había marchado del pueblo, lo que llevó al Tribunal Supremo a anular la condena. En plena Transición, Pilar Miró afrontó el rodaje de una película basada en este suceso a partir de un guion escrito por Lola Salvador. El crimen de Cuenca aborda el caso con un impactante realismo y claridad, sin subterfugios ni concesiones de ningún tipo. Las escenas que muestran Miércoles 4 · 17:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 46 47 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido ESCORIA Para evitar la desaparición de su trabajo, Clarke y Minton sacaron (Scum, Alan Clarke, 1979) adelante una nueva versión, más cruda y violenta, que llegó a las salas de cine británicas en 1979 y a España en 1980 con el nombre de Escoria. Al contrario de lo ocurrido con la versión de la BBC, Escoria no solo viajó sin problemas por la pantalla grande sino que además lo hizo con un notable apoyo crítico y de público. Curiosamente, cuando Channel 4 emitió esa versión en su cadena de televisión, se encontró con una demanda por parte de Mary Whitehouse, una profesora de escuela que se había convertido en una figura nacional al convertirse en defensora de los valores tradicionales y atacar la permisividad de la televisión. En un principio, Whitehouse ganó el juicio, aunque posteriormente se revocó esta decisión. La versión para televisión pudo verse finalmente en la BBC en 1991.

Int.: Ray Winstone, Mick Ford, Julian Firth, John Blundell. Reino Unido. B-R. VOSE*. 98’

Una de las diferencias más interesantes entre la ficción diseñada para televisión y la pensada para su exhibición cinematográfica se encuentra en los límites que se pueden cruzar en uno y otro medio. Ir al cine es una decisión consciente y probablemente informada, mientras que encender la televisión es algo mecánico, casi como abrir el frigorífico o poner la lavadora. Al menos esa parece haber sido la lógica detrás de la prohibición de Scum, la película que Alan Clarke rodó para la BBC sobre los “Borstal”, centros de detención para menores de edad que se mantuvieron en activo en Reino Unido hasta 1982. A partir de un guion de Roy Minton, Clarke construyó un film que buscaba retratar la violencia, el racismo y el acoso al que se enfrentaban a diario los reclusos de estos centros. El contenido fue aprobado por la BBC durante el rodaje, pero una vez completada la película la cadena se negó a emitirla, considerando que la línea entre ficción y documental resultaba difusa. Viernes 27 · 20:30 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 48 49 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido ESTO NO ES UNA PELÍCULA En 2011, mientras esperaba en arresto domiciliario a que se resolviese (In film nist,Jafar Panahi y Mohtaba Mirthamasb, 2011) la apelación que había presentado, Panahi decidió que no aguantaba más. Llamó a su amigo y activista Mohtaba Mirthamasb y, con la cámara de este y el móvil de Panahi, grabaron durante una semana en el piso del recluso. De ahí surgió Esto no es una película, una “no película” en la que asistimos al encierro del cineasta y este nos habla de sus films prohibidos, dirige sin dirigir (ya que lo tiene prohibido) y nos muestra Teherán desde su terraza. Tras salir de Irán en un disco duro oculto en una tarta, Esto no es una película viajó por todo el mundo convirtiéndose en un poderoso alegato sobre la imposibilidad de la prohibición. A fecha de hoy, Panahi sigue sin poder salir de Irán o dirigir una película, pero eso no le ha impedido estrenar tres largometrajes más en los últimos nueve años.

Irán. DCP. VOSE*. 75’

Tras trabajar como ayudante de dirección para Abbas Kiarostami, el iraní Jafar Panahi dirigió en 1995 El globo blanco, su primer largometraje y un importante éxito internacional que viajó al Festival de Cannes y representó a Irán en los Oscar de ese año. Sin embargo, a partir de 2000, con su tercera película (El círculo), las relaciones entre Panahi y los gobiernos de Mohmmad Khatami y después Mahmoud Ahmadinejad se fueron agriando. Tanto esta como sus dos siguientes películas fueron prohibidas y solo pudieron verse fuera del territorio iraní. Así, Panahi pasó a convertirse en un elemento molesto y un referente de la crítica a la autoridad. En 2010, Jafar Panahi, su esposa, su hija y quince amigos fueron arrestados. Tras un periodo de silencio, el gobierno anunció que Panahi había sido detenido por estar, supuestamente, trabajando en un documental sobre las protestas de 2009 contra Ahmadinejad. Unos meses después fue condenado a seis años de cárcel y veinte de inhabilitación. Viernes 13 · 21:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 50 51 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido FLAMING CREATURES exhibidores, entre los que se encontraba el ya mencionado Mekas, (Jack Smith, 1963) por obscenidad. A partir de ese momento se inició una batalla legal en la que Mekas y otros intelectuales como Susan Sontag, Shirley Clarke o Allen Ginsberg trataron de convencer al tribunal de que se estaba censurando un objeto artístico. La batalla se saldó en derrota: los exhibidores fueron condenados a trabajos comunitarios (aunque sus sentencias fueron suspendidas) y la película prohibida en todo el estado de Nueva York, una prohibición a la que después seguirían otras tantas en una veintena de estados de EEUU, incluso después de que el Tribunal Supremo aceptase la apelación de los acusados y revocase la sentencia. Tuvieron que pasar treinta años para que, a principios de los 90, el crítico J. Hoberman y la artista Penny Arcade lucharan por la recuperación de Flaming Creatures, que fue restaurada, proyectada y finalmente valorada como una pieza clave de la historia del experimental estadounidense.

Int.: Francis Francine, Sheila Bick, Joel Markman, Mario Montez. EEUU. 16 mm. VOSE*. 45’

A lo largo de los años 50 y 60, el cine underground, experimental y de vanguardia vivió un periodo de florecimiento en Estados Unidos. Cineastas como Jonas Mekas, Mary Ellen Bute, Stan Brakhage, Mary Menken o Andy Warhol exploraron un sinfín de nuevas vías expresivas que se alejaban e incluso violentaban la narrativa convencional de la que Hollywood era paladín. Como suele suceder con las obras que desafían los patrones establecidos, el trabajo de estos nuevos cineastas se encontró con una importante oposición, que en algunos casos llegó a ser judicial. Así fue para Flaming Creatures, el mediometraje queer de Jack Smith, una celebración del glamur y la sexualidad a la que, en palabras de Jonas Mekas, “llamarán pornográfica, degenerada, homosexual, desagradable… Es todo eso, pero también mucho más que eso”. Efectivamente, tras un año de sesiones ocasionales, en 1964 la policía detuvo una proyección de la película, incautó la copia y arrestó a los Viernes 6 · 17:30 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 52 53 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido LA HORA DE LOS HORNOS de militantes para militantes –en particular las nuevas generaciones– (Octavio Getino y Fernando E. Solanas, 1968) que luego pasó a ser bautizado en las sucesivas elaboraciones teóricas como ‘Tercer Cine’, ‘Cine Acción’, ‘Cine Liberación’, etc.” La película, producida íntegramente durante la dictadura de Juan Carlos Onganía (que estuvo en el poder entre 1966 y 1970), fue desde su concepción un proyecto clandestino que se rodó con mucho sacrificio y no poco riesgo por parte de esos militantes a los que hacía referencia Getino. A esas dificultades se sumaban otras, de la propia mirada, que Fernando Solanas detallaba en una entrevista a Horacio González en 1989: “Siempre digo que mi mayor esfuerzo, o el mayor esfuerzo de aquel que quiera liberarse de fórmulas y prisiones ajenas, es abrir la ventana prohibida del colegio pupilo en el que el neocolonialismo amputador nos ha internado. Liberarnos de todas las prisiones o reformatorios que son los modelos que nos han llegado del norte, del este y del oeste. Cuando digo liberarnos no digo desconocerlos, sino todo lo contrario, desarmarlos y recuperar lo que mejor nos venga para expresar lo Argentina. Primera parte: DCP (VOSF). Segunda y tercera parte: DCP. 260’ nuestro, sin inhibición ni condicionamiento alguno. Este fue para mí el mayor esfuerzo en tiempos de concebir con Octavio Getino La hora de En 1965, los cineastas argentinos Fernando “Pino” Solanas y Octavio los hornos, abrir puertas y ventanas y salir a construir el camino propio”. Getino se conocieron mientras trataban de levantar un largometraje de ficción que fue censurado y finalmente rechazado por el Gobierno de Con la llegada al poder (por tercera vez) de Juan Domingo Perón en Arturo Illia por ser crítico con la situación política del país. Aunque el 1973, La hora de los hornos se pudo ver finalmente en Argentina, aunque proyecto se vino abajo, el encuentro se convirtió en el germen de La a esas alturas ya había viajado por todo el mundo, de festival en festival, hora de los hornos, uno de los títulos emblemáticos de la historia del convirtiéndose en la película argentina más discutida y analizada de la cine militante. Como explicaba Getino en 2011: “Acordamos realizar un historia. film documental que describiese críticamente la situación que vivía la Copia restaurada de la primera parte. Argentina, intentando con ello aportar también –más allá de su carácter testimonial y denuncista– a un tratamiento innovador en materia de estructura y narrativa fílmica. Ya no se trataba sólo de recurrir a imágenes testimoniales para denunciar una situación social, sino de inscribir también en el film a los protagonistas del cambio (militantes sindicales, barriales, estudiantiles, intelectuales, políticos, etc.) con el fin de abrir un diálogo participativo con los actores-espectadores del mismo. Cine Domingo 8 · 17:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 54 55 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Cine prohibido Cine prohibido LA OREJA este bache, ofreciendo numerosos largometrajes que le convirtieron en (Ucho, Karel Kachyna, 1970) uno de los referentes de las nuevas generaciones checoslovacas, en especial la muy popular King of the Sumava (1959). En los 60, Kachyna comenzó a trabajar con el guionista Jan Procházka, con el que habría de crear algunas de sus obras más importantes y también más críticas con la sociedad checoslovaca y el régimen soviético (que, recordemos, se mantuvo en el poder hasta la Revolución de Terciopelo en 1990). Entre 1965 y las protestas de la Primavera de Praga en 1968, que terminaron con una intervención militar por parte de la Unión Soviética, tres películas del duo Kachyna-Procházka fueron prohibidas por trabajar temas tabú como la libertad religiosa y criticar los planteamientos del régimen comunista. Se dice, de hecho, que la única razón por la que ambos pudieron seguir trabajando fue gracias a las conexiones de Procházka con las altas esferas políticas. Y así llegamos a 1969 y La oreja, su película más abiertamente política Int.: Jirina Bohdalová, Radoslav Brzobohatý, Gustav Opocenský, Miroslav y polémica. Esta pieza de cámara sobre un matrimonio de la élite Holub. Checoslovaquia. 35 mm. VOSE. 94’ política que regresa de una fiesta y descubre que su casa está llena de micrófonos es tan abiertamente anti totalitaria que sorprende que Aunque sea discutible que la prohibición pueda erradicar una idea, lo pudiera llevarse a cabo siquiera. La película fue, una vez más, prohibida que sí parece indiscutible es su efecto en la vida y la carrera de los y no pudo verse hasta 1989 (de hecho, participó en el Festival de Cannes artistas que la sufren. Karel Kachyna, uno de los nombres principales de 1990), pero además supuso el fin de la colaboración entre Procházka de la Nueva Ola Checoslovaca, es sin duda un buen ejemplo de esto. La y Kachyna. El primero fue duramente criticado y marginado hasta su Nueva Ola, un movimiento de vanguardia que rechazó las convenciones muerte en 1971, mientras que el segundo fue despedido como profesor del realismo socialista durante las décadas de los 50 y los 60, contó de la Escuela de Cine de Praga. Kachyna siguió trabajando hasta poco entre sus filas con otros artistas habituados a la censura como Milos antes de su muerte en 2004, pero su cine se volvió notablemente menos Forman, Vera Chytilová o Jiri Menzel, pero es probable que ninguno fuera contestatario, indicando que las autoridades habían conseguido lo que tan castigado como Kachyna. Su “idilio” con la prohibición comenzó buscaban desde un principio: quitarle el aguijón a la avispa. cuando tenía apenas 25 años: poco después de ser uno de los primeros graduados en FAMU, la escuela estatal de cine, su segunda película, un retrato documental sobre militares en China, fue prohibida cuando las relaciones entre el país asiático y Checoslovaquia se enfriaron. Sin embargo, durante el resto de los 50, la carrera de Kachyna pareció superar Jueves 5 · 18:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 56 57 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido LA PARADA DE LOS MONSTRUOS Además de prohibirse en países como el Reino Unido y en ciudades de (Freaks, Tod Browning, 1932) Estados Unidos como Atlanta, La parada de los monstruos fue un fracaso de taquilla que destruyó la carrera de Tod Browning. No debería haber sido ninguna sorpresa para la MGM, que ya durante la producción había ubicado a una parte del equipo artístico de la película en un comedor diferente para que “la gente pudiera comer sin vomitar”. Aparentemente, el problema no era la violencia (que ya se había eliminado mayormente en el nuevo montaje), eran los seres humanos imperfectos que se mostraban en la pantalla. La película de Browning ofrecía un espejo en el que nadie quería mirarse, un espejo en el que no estaba claro quiénes eran esos “monstruos” del muy discutible título español. El tiempo, por suerte, terminó por colocar La parada de los monstruos en su lugar. En 1962, la proyección en el Festival de Venecia marcó el inicio de un proceso de revalorización de la película y su director. Finalmente, en 1994 La parada de los monstruos entró en la lista de películas del National Film Registry, el organismo estadounidense que selecciona los Int.: Wallace Ford, Leila Hyams, Olga Baclanova, Roscoe Ates. EEUU. títulos que forman parte fundamental del patrimonio cinematográfico y 35 mm. VOSE. 64’ por tanto deben preservarse a toda costa.

Aunque solemos entender la prohibición como una decisión que se toma principalmente a nivel político, hay mecanismos industriales y sociales que están constantemente ejerciendo un veto sin que seamos conscientes de ello. La parada de los monstruos, el drama sobre un grupo de artistas circenses que Tod Browning, en un alarde de realismo inusual en una producción del Hollywood de los 30, rodó con intérpretes que sufrían toda clase de malformaciones y discapacidades (los llamados “freaks”), tenía una duración original de noventa minutos. Cuando, en enero de 1932, se hizo un primer pase de prueba en Los Ángeles, la reacción del público fue tan desastrosa (“No salían de la sala. HUÍAN DE LA SALA”, según recordaba el director de arte Merrill Pye) que la MGM decidió remontarla, eliminando algunos de los momentos más controvertidos, hasta dejarla en apenas sesenta minutos. Pero no fue suficiente. Domingo 15 · 20:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 58 59 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido LA SAL DE LA TIERRA Comité, así como múltiples participantes de la huelga. Ya desde el inicio (Salt of the Earth, Herbert J. Biberman, 1954) del rodaje, “The Hollywood Reporter” anunció que se trataba de una película producida “directamente bajo órdenes del Kremlin”. A partir de ahí, los laboratorios fotográficos se negaron a trabajar con Biberman, el gobierno de EEUU no renovó el permiso de trabajo a la actriz Rosaura Revueltas (lo que supuso su deportación de vuelta a México) y se tuvo que llevar a cabo toda la posproducción en secreto. Finalmente, denunciada por varios organismos gubernamentales como propaganda comunista, el film tuvo un fugaz paso por las pocas salas que se atrevieron a proyectarla. Así, La sal de la tierra se convirtió en la única película que había formado parte de la lista negra. En 1992, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos la seleccionó para ser preservada en el National Film Registry, devolviendo a la película al menos una parte de la dignidad que el oscuro periodo conocido como “la caza de brujas” le había negado.

Int.: Juan Chacón, Rosaura Revueltas, Will Geer, Henrietta Williams. EEUU. B-R. VOSE*. 94’

Herbert J. Biberman, el director de La sal de la tierra, fue parte del grupo conocido como “los diez de Hollywood”, los diez primeros nombres que formaron parte de la lista negra creada por el Comité de Actividades Antiamericanas en su investigación de “comunistas subversivos” dentro de las filas de la industria cinematográfica estadounidense. A partir de la creación de esta lista en 1947, toda persona cuyo nombre apareciera en ella se encontró con enormes dificultades para continuar trabajando en la industria, hasta el punto de que muchos (la lista se amplió hasta 300 nombres en los siguientes años) tuvieron que abandonar el país. Herbert J. Biberman, tras pasar seis meses en la cárcel por desacato, decidió hacer una película. Con la intención de retratar la huelga de un grupo de mineros que había tenido lugar en 1952 en Nuevo México, Biberman congregó a un equipo liderado por varias personas que habían sido también señaladas por el Viernes 13 · 16:30 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 60 61 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido LOS VAMPIROS (I) su espíritu popular y desenfadado (o precisamente por ello), la policía (Les vampires, Louis Feuillade, 1915-1916) francesa consideró que el serial exaltaba la delincuencia y una “dudosa” moralidad y decretó la prohibición de varios episodios en toda Francia. Fue Musidora, una de las actrices principales, quien tomó cartas en el asunto, llamando al jefe de policía y convenciéndole de que levantase la prohibición. A partir de ese momento (aunque tras sufrir algunos cortes para evitar alusiones sexuales y fetichistas), Los vampiros pudo verse en salas, donde se convirtió en un éxito masivo a pesar de las malas críticas. Olvidada durante décadas, la obra de Feuillade fue reivindicada en los 40 y a día de hoy es, además de un icono pop, todo un emblema del cine más imaginativo y lúdico. Duración total de la sesión: 187’. Los capítulos 6, 7 y 8 podrán verse en la sesión del día 25. Los capítulos 9 y 10 podrán verse en la sesión del día 26. Segunda proyección en diciembre. Int.: Musidora, Édouard Mathé, Marcel Lévesque, Jean Aymé. Francia. DCP. MRF/E*

• Capítulo 1: La cabeza cortada • Capítulo 2: El anillo que mata • Capítulo 3: El libro de códigos rojo • Capítulo 4: El espectro • Capítulo 5: La huida del muerto A lo largo de la historia, tres han sido las razones principales que han llevado a la prohibición de una película: políticas, religiosas y sexuales. Estas últimas, en ocasiones definidas de forma perversa como “morales”, son las que han conducido a algunos de los vetos más arbitrarios y ridículos. Es el caso de Los vampiros, la obra magna del francés Louis Feuillade, un serial de diez episodios en los que se narra las aventuras de un periodista que está investigando a un misterioso grupo criminal conocido como “Los vampiros”. A pesar de Martes 24 · 17:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 62 63 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido LOS VAMPIROS (II) LOS VAMPIROS (III) (Les vampires, Louis Feuillade, 1915-1916) (Les vampires, Louis Feuillade, 1915-1916)

Int.: Musidora, Édouard Mathé, Marcel Lévesque, Jean Aymé. Francia. Int.: Musidora, Édouard Mathé, Marcel Lévesque, Jean Aymé. Francia. DCP. MRF/E* DCP. MRF/E*

• Capítulo 6: Ojos hipnóticos • Capítulo 9: El envenenador • Capítulo 7: Satanás • Capítulo 10: La boda terrible • Capítulo 8: El maestro del trueno Duración total de la sesión: 120’. Duración total de la sesión: 191’. Los capítulos 9 y 10 podrán verse en Segunda proyección en diciembre. la sesión del día 26. Segunda proyección en diciembre.

Miércoles 25 · 17:00 · Sala 2 Jueves 26 · 17:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 64 65 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido ROCÍO Reconocida como fuente para la historiografía, Rocío recupera los (Fernando Ruiz Vergara, 1980) nombres de muchos de los 100 asesinados en Almonte por los partidarios de los sublevados en 1936. Incómoda para muchos, pronto encontró el boicot de los exhibidores andaluces. Pero fue una denuncia particular por injurias graves y escarnio a la religión católica la que desencadenó los acontecimientos en 1981. La motivaba una entrevista a un vecino de Almonte que señalaba a uno de los perpetradores de la represión franquista en el pueblo, vinculado con la jerarquía rociera. La denuncia fue el detonante del secuestro judicial de Rocío y de un proceso que, tras prescindir de los testigos de la defensa, culminó con una sentencia condenatoria para su director y con la ejecución de tres cortes sobre su metraje original. En 1984 el Tribunal Supremo ratificaba la sentencia argumentando que “es indispensable inhumar y olvidar si se quiere que los sobrevivientes (…) convivan pacífica, armónica y Imagen promocional de Rocío conciliadamente” y fijaba definitivamente la versión mutilada de Rocío como la única exhibible públicamente en territorio español hasta el España. BDG. 80’ presente. La contundencia judicial no doblegó no obstante a un Ruiz Vergara rebelado contra la decisión, que ejerció un último acto de autoría «La belleza y la potencia cinematográfica de Rocío parecen haber sido insertando unas cartelas informativas que evidenciaban los cortes devoradas por el proceso censor que convirtió a este documental en la censores. Este gesto de Ruiz Vergara desvela las tripas de la censura y primera película secuestrada y prohibida judicialmente en nuestra demo- anula el borrado de huellas dictaminado por los tribunales. Esa versión cracia actual. Rocío se define por su carnalidad y su transparencia, diri- revelada/rebelada de Rocío será la que vean los espectadores del Doré. gida sin tapujos a elaborar una visión laica de la romería mariana más Fernando Ruiz Vergara nunca pudo volver a hacer una película y falleció célebre de la península. La película de Ruiz Vergara exuda la frescura y en Portugal en 2011, después de años de autoexilio. Rocío y su proceso la efervescencia rupturista del cine de la Transición. La sinopsis de Rocío censor nos devuelven como un espejo la nítida imagen de las grietas de recogía claramente su posición política y sentaba las bases de su preciso nuestro sistema institucional, y nos recuerdan las rémoras políticas y artefacto ensayístico sobre el poder: “(...) Es una romería de la Baja An- culturales sin resolver aún en nuestra democracia» (Alejandro Alvarado dalucía, en donde viven miles de trabajadores sin tierras y generalmente y Concha Barquero) sin trabajo, con todo el folclore y falsos mitos que ha creado la Andalucía oficial entremezclada con ésa y otra que estamos tratando de desenterrar Segunda proyección en diciembre. día a día. Hemos tratado de descubrir los mecanismos que mueven la Romería, las implicaciones que tiene y los intereses que representa.” Fue justo su voluntad de desenterrar la que selló el destino de la película. Martes 3 · 17:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 66 67 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Flores en la sombra / Cine prohibido Flores en la sombra / Cine prohibido ROJO Y NEGRO haber sido aprobada por censura? ¿A quién molestó tanto como para (Carlos Arévalo, 1942) enterrarla en un almacén durante décadas, hasta su recuperación por parte de Filmoteca Española a mediados de los noventa? Las versiones son variadas y contradictorias y algunas matizan su leyenda de filme maldito, pero todas coinciden en la naturaleza heterodoxa de una obra definida como “el único filme de concepción auténticamente falangista” realizado durante el franquismo. Tal vez fue esta condición de filme ideológico, que exponía las tesis de la Falange más ortodoxa, lo que la convirtió en una obra incómoda para un régimen en plena mutación. O, tal vez, la humanización del protagonista contradecía el discurso oficial que describía al enemigo como una informe “horda roja”. Sea como sea, la exhumación y revalorización de esta obra desmesurada y apasionante es un motivo de celebración por, al menos, dos razones: en primer lugar, por la extraordinaria inventiva visual de Arévalo, presente tanto en vanguardistas secuencias de montaje como en la sofisticada construcción de ciertos espacios en los que se percibe la influencia Int.: Conchita Montenegro, Ismael Merlo, Rafaela Satorrés, Ana de Siria. expresionista; y, en segundo lugar, por una protagonista femenina a España. 35 mm. 80’ contracorriente que la carismática Conchita Montenegro transforma en una heroína tan vulnerable como intimidante». (María Adell) «Una pareja pasea por el Madrid previo a la Guerra Civil. La tensión que se intuye entre ellos estalla cuando del bolso de la joven cae un broche con el símbolo de Falange. Es entonces cuando él le espeta, alterado: “¡Te han engañado! ¿No ves que el fascismo es la muerte de la libertad y la cultura?”. Este diálogo, inaudito en un filme español realizado en plena posguerra, ejemplifica el carácter insólito deRojo y negro, trágica historia de amor entre una falangista y un comunista y filme propagandístico que, sin embargo, encaja de forma problemática en el ciclo de cine de Cruzada del primer franquismo. La desaparición de la película de Carlos Arévalo –quién, a partir de entonces, tendría una carrera irregular hasta abandonar definitivamente el cine en 1960– tras solo tres semanas de exhibición desde su estreno el 25 de mayo de 1942 en el cine Capitol, sigue siendo un misterio que genera más dudas que certezas: ¿qué es lo que motivó su retirada tras Miércoles 18 · 20:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 68 69 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido SIERRA DE TERUEL A pesar de contar con un presupuesto holgado, Malraux no consiguió (L’Espoir, André Malraux, 1939) terminar la película como estaba planificada: la guerra se le echó encima. A principios de 1939, cuando las tropas franquistas tomaron Barcelona, Malraux y su equipo tuvieron que cruzar a Francia, donde consiguieron rodar lo mínimo imprescindible para dotar de continuidad al film y poder estrenarlo. Sin embargo, Sierra de Teruel solo pudo verse un puñado de veces antes de que el gobierno de Édouard Daladier la prohibiese. Por si eso no fuera suficiente, en 1940, cuando los nazis invadieron París, ordenaron la destrucción de todas las copias de la película. Sin apoyos aparentes y en un escenario tan catastrófico, la historia del film de Malraux bien podría haber terminado allí, convirtiéndose en una más de las muchas víctimas de estos años enloquecidos. Y, pese a todo, Sierra de Teruel sobrevivió. Camuflada dentro de un embalaje etiquetado para evitar llamar la atención, la película apareció al final de la Segunda Guerra Mundial y fue proyectada de nuevo en París en 1945 por el distribuidor Henri Beauvais junto a Cero en conducta, un Int.: Andrés Mejuto, Nicolás Rodríguez, José Sempere, Julio Peña. film de Jean Vigo que también había sido prohibido en Francia. Treinta España, Francia. DCP. 88’ y dos años después, la película de André Malraux regresó a España, donde finalmente se convirtió en una pieza clave de la historia de nuestra El novelista André Malraux pasó el primer año de la Guerra Civil cinematografía y de la memoria, dolorosa pero imprescindible, de una de Española liderando la Escuadrilla España, una unidad de voluntarios las etapas más convulsas de nuestro país. internacionales antifascistas que brindó apoyo al ejército de la II República hasta su disolución a principios de 1937, cuando había ya Sierra de Teruel se proyectará dentro de la “Sesión París, 1945”. perdido a la gran mayoría de sus integrantes. Con esta experiencia a sus espaldas, Malraux aceptó la oferta del Gobierno republicano de alejarse del frente y dedicarse a labores de propaganda. Tras un viaje a Estados Unidos, donde simpatizantes antifranquistas le ofrecieron 1800 salas de exhibición, Malraux publica a finales de 1937 L’Espoir, una novela de tintes autobiográficos que serviría de base para una película con la que tratar de captar nuevos aliados para la causa republicana. Con el pleno apoyo del aparato propagandístico de la II República, Malraux se lanzó a rodar una ambiciosa historia sobre un pueblo de Teruel que se une para luchar junto al ejército republicano destruyendo un puente cercano. Viernes 20 · 16:30 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 70 71 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido THE STORY OF THE KELLY GANG 20 años y provocó la aparición del género bushranger. (Charles Tait, 1906) El único enemigo de la película acabó por ser el tiempo. Considerada perdida hasta 1976, a partir de ese momento se han ido recuperando fragmentos hasta sumar los casi veinte minutos que, una vez restaurados, se pueden ver hoy en día de esta pieza fundamental de la historia del cine. The Story of the Kelly Gang se proyectará dentro de la “Sesión pioner@s prohibid@s“. Proyección con acompañamiento musical compuesto y grabado por La banda de Kelly.

Int.: Elizabeth Tait, John Tait, Norman Cambell. Australia. 35 mm. 18’

Convertidos en figuras casi mitológicas dentro de la cultura australiana, Ned Kelly y su banda de forajidos han sido fuente de innumerables trabajos artísticos, desde películas y obras de teatro a novelas y canciones. De todas ellas, la más significativa es sin duda The Story of the Kelly Gang, rodada solo 26 años después de la muerte de Kelly. Además de ser el primer representante fílmico del wéstern australiano, se trata del primer largometraje de ficción de la historia del cine, con una duración original de poco más de una hora y un coste de producción de 1000 libras, bastante notable para la época. Sin embargo, no todos vieron el triunfo de The Story of the Kelly Gang con buenos ojos. Bajo la premisa de que se trataba de una glorificación de la criminalidad, la película de Charles Tait fue prohibida en buena parte de la región de Victoria, precisamente la zona donde Kelly y sus muchachos habían actuado. Nada pudo impedir, sin embargo, que la película se convirtiese en un tremendo éxito en el resto de Australia, donde se pudo ver durante Jueves 12 · 17:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 72 73 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Cine prohibido Cine prohibido THE TIED UP BALLOON canceló el acuerdo internacional, asumiendo incluso el pago de la multa (Privarzaniyat balon, Binka Zhelyazkova, 1967) que esa cancelación suponía. De la misma forma prohibió el paso del film por el Festival de Venecia, silenciando definitivamente Thea Tied Up Balloon y su directora. Tuvieron que pasar más de 20 años para que, con la llegada de la democracia, la película pudiese verse en el Festival de Berlín y se confirmase que se trataba, en efecto, de una de las mejores muestras de cine búlgaro.

Int.: Georgi Kaloyanchev, Grigor Vachkov, Ivan Bratanov, Georgi Georgiev- Getz. Bulgaria. DCP. VOSI/E*. 98’

Una de las formas para seguir hablando en una sociedad en la que hacerlo libremente está mal visto (o directamente perseguido) es hablar en código. De este principio básico surgieron a lo largo del siglo XX multitud de obras artísticas de fuerte carga alegórica que confiaban en escapar de la represión diciendo sin decir. Para Binka Zhelyazkova, que pasó de ser la primera cineasta búlgara en dirigir una película a ser la primera cineasta búlgara en dirigir una película censurada (su ópera prima Life Flows Quietly By…, de 1957), esta estrategia era una absoluta necesidad. Con The Tied Up Balloon se propuso hablar sobre el mundo rural búlgaro y el Gobierno comunista a través de una sátira sobre un enorme globo que aparece un día sobrevolando una aldea. Zhelyazkova logró mostrar la película en el extranjero y cerrar un acuerdo de distribución internacional. Pero, cuando el Gobierno búlgaro vio la película, no solo prohibió su proyección nacional, sino que también Miércoles 11 · 17:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 74 75 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido VIRIDIANA permitió a Buñuel introducir otro aún más veladamente sexual pero (Luis Buñuel, 1961) que los censores encontraron aceptable. El resto de sus objeciones, todas ellas menores, fueron ignoradas por el director aragonés. Con la película terminada, los censores la revisaron de nuevo y dieron su aprobación, con lo que pudo proyectarse en el Festival de Cannes. Ahí saltó el escándalo. El film logró un enorme éxito, obteniendo la Palma de Oro, pero también fue considerado “blasfemo” por parte del Vaticano (a través de un artículo en “L’Osservatore Romano”). Esta crítica desencadenó el cese inmediato de José Muñoz Fontán, Director General de Cinematografía en ese momento, la dimisión posterior de Arias Salgado, Ministro de Información y Turismo, y la prohibición del estreno de la película en España, así como la destrucción de todas las copias. Tan furibunda fue la respuesta que, en un alarde de creatividad punitiva, se invalidó el permiso de rodaje del film… una vez este ya estaba rodado. Viridiana pudo salvarse gracias a los negativos que permanecían en París, donde Int.: Silvia Pinal, Francisco Rabal, Fernando Rey, Margarita Lozano. se había llevado a cabo la postproducción, y acabó siendo estrenada España. 35 mm. 90’ en España en 1977. Hoy en día es comúnmente considerada una de las obras emblemáticas tanto de la carrera de Buñuel como de toda la La historia de la producción y la distribución de Viridiana (Luis historia del cine español. Buñuel, 1961) es un excelente punto de partida para adentrarse en los entresijos de la censura franquista. Todo comienza por una oferta que la productora Uninci, “esa suerte de frente cinematográfico y cultural contra el franquismo que aglutinó a la disidencia vinculada al Partido Comunista de España” en palabras del académico Imanol Zumalde Arregi, hizo a Luis Buñuel para que volviese a rodar en España. Producida en colaboración entre la ya mencionada Uninci, Films 59 (la productora de Pere Portaballa) y Gustavo Alatriste, Viridiana habría de contar la historia de una joven novicia que visita a su tío antes de enclaustrarse y descubre que este sueña con seducirla, fascinado por el parecido de la joven con su difunta esposa. El proyecto se encontró con problemas ya desde las lecturas preliminares de guion. A la junta censora no le gustó el final que aparecía en el libreto original, lo que Domingo 15 · 17:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 76 77 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine prohibido Cine prohibido WHERE ARE MY CHILDREN? Weber afrontó un discurso pionero sobre la sexualidad y los métodos (Lois Weber, 1916) anticonceptivos que en 1916 resultaba como mínimo sorprendente. Tan sorprendente, de hecho, que la National Board of Review, el organismo encargado en esta época de aprobar las películas para su estreno, acabó por denegarle el permiso de exhibición al film. Las bases de esa decisión, aducían, no estaban tanto en el tema tratado como en la forma en que se trataba, pues “confunde de tal forma los temas del control de la natalidad y el aborto que incluso en un segundo visionado de la película cuesta diferenciar una cosa de la otra”. A pesar de ello, Universal, la productora de Where Are My Children?, se defendió introduciendo el rótulo antes indicado y finalmente estrenando la película incluso sin la aprobación de la NBR. El estreno generó una respuesta enormemente polarizada: algunas regiones del país, como el estado de Pennsylvania, optaron por prohibir la exhibición; por el contrario, la película fue un enorme éxito allí donde pudo verse, hasta el punto de generar en los años siguientes toda una legión de Int.: Tyrone Power Sr., Marie Walcamp, Cora Drew, Rena Rogers. EEUU. imitadores. En 1993, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos DCP. MRI/E*. 62 inscribió el film de Lois Weber en su catálogo de obras fundamentales, reconociendo tanto la importancia de Where Are My Children? como del Where Are My Children? comienza con el siguiente rótulo: trabajo de esta cineasta fundamental. “La cuestión del control de la natalidad se discute ya de forma cotidiana. Where Are My Children? se proyectará dentro de la “Sesión pioner@s Toda persona inteligente sabe que se trata de un tema de interés prohibid@s“. público. Periódicos, revistas y libros han tratado diferentes fases del asunto. ¿Es posible que un tema mencionado con tanta libertad en la página impresa sea negado cuando se trata de una dramatización en una película?”. Este texto ocultaba detrás una larga batalla por conseguir que la película llegara a las salas de exhibición. A mediados de la década de 1910, la directora Lois Weber era uno de los grandes nombres de la industria del cine estadounidense, capaz de atreverse con temas sociales controvertidos que el resto de cineastas preferían evitar, temas como la pobreza o la pena de muerte. En el caso de Where Are My Children?, Jueves 12 · 17:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 78 79 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Cine prohibido Cine prohibido Z para lograr “dentro de la mayor fidelidad al hecho en sí del asesinato de (Costa Gavras, 1969) Lambrakis, una película eficaz y lo más popular posible, en la cual se desmontarán los mecanismos del asesinato y de la corrupción política en un cierto tipo de poder”, en palabras del coguionista Jorge Semprún. A pesar de estar prohibida en países como Portugal, México, España o Marruecos (y obviamente Grecia, donde no se pudo ver hasta 1974), Z logró un enorme éxito popular y crítico, alzándose con premios en Cannes y los Oscar de Hollywood. Además se convirtió en un modelo del cine como herramienta de denuncia política, hasta el punto de que los Panteras Negras compraron copias del film para verla en sus encuentros. Como dice el texto con el que abre el film: “Cualquier parecido con sucesos actuales o personas vivas o muertas no es pura coincidencia sino DELIBERADO”.

Int.: Yves Montand, Irene Papas, Jean-Louis Trintignant, Jacques Perrin. Francia, Argelia. DCP. VOSI/E*. 127’

Durante la Guerra Fría, Estados Unidos apoyó económicamente la aparición de gobiernos dictatoriales en varios países con la esperanza de que eso detendría el avance del comunismo en Europa y Asia. Uno de esos países fue Grecia, que en 1967 sufrió un golpe de estado que puso en el poder a una junta militar que habría de mantenerse allí durante siete años, siete años en los que cualquier disidencia política desapareció de la industria cinematográfica. De ahí que una película como Z fuera imposible de producir en Grecia: su sola existencia como idea estaba prohibida. En Z, Constantin Costa-Gavras, griego pero afincado en Francia, recogió toda la rabia y la angustia que flotaba en el ambiente y la convirtió en una película. Gavras tomó el asesinato real del diputado izquierdista Grigorios Lambrakis, cuya muerte implicaba a numerosos militantes de un partido de extrema derecha, a la policía y al ejército, y trabajó Sábado 7 · 21:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 80 81 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Miranda July (RIZOMA)

EN TORNO A MIRANDA JULY

n los primeros instantes de Tú, yo y todo lo demás (2005), el primer largometraje de Miranda July (Vermont, Estados Unidos; 1974), nos atrapa un intrigante plano: un pájaro al borde de una rama, a punto de tomar el vuelo. En esa actitud nos sorprendía una ópera prima memorable, como antesala a un viaje ensoñador y mágico, Eácido y tierno, por las complejas emociones de seres no acostumbrados a frecuentar las pantallas. Semejante viaje es también el que propone esta nueva edición de RIZOMA Festival Internacional de Cine & Cultura Entrelazada, que abre su programación en torno a la noción de Las Mascaradas con el preestreno de Cómo sobrevivir en un mundo material. La nueva comedia de la aclamada Miranda July, que se estrenará en di- ciembre en salas españolas, pone en marcha una retrospectiva completa de la obra cinematográfica de esta artista transdisciplinar. En su segundo largometraje, El futuro (2011), July ponía en escena otra distopía emocio- nal en un mundo no menos distópico, donde las proyecciones oníricas conviven con las batallas cotidianas de la vida y el amor, reafirmando así una voz tan única como magnética en el cine indie del siglo XXI. Una voz que conecta con la naturaleza multidisciplinar del certamen. La retrospectiva en Filmoteca Española ofrecerá no solo el preestreno de su tercer largometraje, que representa un paso de gigante en su filmogra- fía, sino también la oportunidad de descubrir los cinco cortometrajes que realizó entre 1997 y 2000, reunidos en una sola sesión. El cine indómito y de naturaleza interdisciplinar de la artista norteamericana será el foco re- trospectivo de esta nueva edición del Festival Rizoma, mientras que en su compromiso con las nuevas voces del cine español, a través del Premio Rizoma de Cine, ofrece también la proyección de la inclasificableLa reina de los lagartos. Que lo disfruten.

RIZOMA RIZOMA RIZOMA ATLANTA EL FUTURO (Miranda July, 1996) (The Future, Miranda July, 2011)

Int.: Miranda July. EEUU. DCP. VOSE*. 11’ Int.: Hamish Linklater, Miranda July, David Warshofsky, Isabella Acres. EEUU, Reino Unido, Alemania, Francia. DCP. VOSE. 91’ «Para esta, mi primera película, me inspiré en el verano en sí. Era 1996 y en Atlanta estaban teniendo lugar los Juegos Olímpicos. Yo vivía en La vida de una pareja cambia cuando eligen adoptar un gato. Esta Portland, Oregon, pero, al igual que en Atlanta, en mi ciudad hacía mucho decisión transforma cómo perciben el tiempo y el espacio, y hace que calor. En especial en mi nuevo apartamento, que apenas tenía ventanas. la pareja tenga que poner a prueba tanto la confianza como el amor que Me pasé todos los días con traje de baño, y no me puedo imaginar con tiene el uno por el otro. otro tipo de ropa. Así que la película gira en torno a una entrevista a una nadadora olímpica de doce años y su posesiva madre en bata. Yo interpreté «July crea un universo cinematográfico fluido, suficientemente flexible ambos personajes, pulsando el botón de grabar en una cámara de vídeo y como para abrazar los intereses favoritos de la artista, tejido a partir corriendo frente a la cámara improvisando las respuestas a un entrevistador de artes performativas y cultura de internet. Y construye imágenes imaginario. Ubiqué algunas escenas en la piscina de la Y.M.C.A., planos de perfectas de lo supernatural en lo mundano. Una niña pequeña que la joven nadadora preparándose antes de entrar en el agua (en realidad yo se mete en su propio hoyo. La Luna hablando. En El futuro, todo es no sabía nadar). El rodaje duró unos tres días». (Miranda July) posible». (Lisa Schwarzbaum) Atlanta se proyectará dentro de la sesión “Cortometrajes Miranda July”.

Sábado 21 · 17:30 · Sala 2 Domingo 22 · 20:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 84 85 VENTA DE ENTRADAS ONLINE RIZOMA RIZOMA GETTING STRONGER EVERY DAY HAYSHA ROYKO (Miranda July, 2001) (Miranda July, 2003)

Int.: Richard Greiling, Carrie Brownstein, Mia Cianciulli. EEUU. DCP. Int.: EEUU. DCP. VOSE*. 4’ VOSE*. 7’ Un corto de animación sobre personas que comparten espacio y energía Un hombre recuerda la trama de una película que una vez vio, la historia en el aeropuerto de Portland. de un niño secuestrado por un pedófilo. Haysha Royko se proyectará dentro de la sesión “Cortometrajes Miranda July”. «Esta va de estar perdido y ser encontrado, en momentos concretos y a lo largo de la vida. El mundo espiritual se manifiesta en efectos rudimentarios y películas de televisión recordadas». (Miranda July) Getting Stronger Every Day se proyectará dentro de la sesión “Cortometrajes Miranda July”.

Sábado 21 · 17:30 · Sala 2 Sábado 21 · 17:30 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 86 87 VENTA DE ENTRADAS ONLINE RIZOMA RIZOMA CÓMO SOBREVIVIR EN UN MUNDO MATERIAL LA REINA DE LOS LAGARTOS (Kajillionaire, Miranda July, 2020) (Juan González y Nando Martínez, 2019)

Int.: Evan Rachel Wood, Richard Jenkins, Gina Rodriguez, Debra Winger. Int.: Javier Botet, Bruna Cusí, Miki Esparbé, Ivan Labanda. España. EEUU. DCP. VOSE. 104’ DCP. 63’

Dos estafadores han educado a su hija en el arte de la estafa y el engaño. Berta y Javi han tenido un bonito amor de verano. Pero ha llegado el día en Cuando están preparando un golpe, los padres invitan a un extraño a unirse el que una nave espacial viene a la Tierra a buscar a Javi y la pareja tiene al grupo, lo que acaba convirtiendo las vidas de todos ellos en un caos. que despedirse. Pero ¿qué pasaría si no viniese?

«Pensada para los raros y los marginados que tienen que aguantar a «Las películas de Burnin’ Percebes se lo juegan todo a la carta del familiares odiosos, Kajillionaire es una aguda observación de ese extrañamiento y la vergüenza ajena, encontrando en ese difícil (y a veces tipo de relaciones que tiene mucho en común con el trabajo previo de irregular) equilibrio una conexión evidente con toda una generación July, una tierna historia de amor entre dos individuos aparentemente que se ha criado con un posthumor que bebe de lo absurdo de la vida incompatibles que encuentran la paz en su unión». (Hannah Woodhead) cotidiana». (Héctor Gómez) Presentación grabada a cargo de la directora, Miranda July, y presencial de la directora de RIZOMA, Gabriela Martí.

Martes 17 · 19:30 · Sala 1 Jueves 19 · 19:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 88 89 VENTA DE ENTRADAS ONLINE RIZOMA RIZOMA NEST OF TENS THE AMATEURIST (Miranda July, 2000) (Miranda July, 1998)

Int.: Polly Bilchuk, Peter Borden, Eva Rioselo, Miranda July. EEUU. DCP. Int.: Miranda July. EEUU. DCP. VOSE*. 14’ VOSE*. 27’ Una mujer observa a otra mujer a través de un circuito cerrado de seguridad Cuatro historias sobre diferentes métodos de control en las que varios durante varios años, generando una relación con ella a pesar de no poder niños y un adulto usan objetos mundanos como paneles de mando. comunicarse. Nest of Tens se proyectará dentro de la sesión “Cortometrajes Miranda The Amateurist se proyectará dentro de la sesión “Cortometrajes Miranda July”. July”.

Sábado 21 · 17:30 · Sala 2 Sábado 21 · 17:30 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 90 91 VENTA DE ENTRADAS ONLINE RIZOMA TÚ, YO Y TODOS LOS DEMÁS (Me and You and Everyone We Know, Miranda July, 2005)

Int.: John Hawkes, Miranda July, Miles Thompson, Brandon Ratcliff. EEUU, Reino Unido. 35 mm. VOSE*. 91’

El dependiente de una zapatería trata de entablar una relación con una artista un poco excéntrica. Mientras tanto, su hija de siete años mantiene un romance un tanto peligroso por internet y el hijo de catorce se somete a todo tipo de pruebas diseñadas por sus vecinas.

«La película aún se siente fresca quince años después, lo que no es poca hazaña teniendo en cuenta que muestra un mundo en el que la gente interactúa a través de líneas de teléfono fijas y mensajería instantánea en aparatosos ordenadores de sobremesa. En parte lo consigue porque July está hablando de verdades humanas universales con una voz que es completamente suya, llena de la singular imaginación y humor que ha ido desarrollando durante años de escritura, interpretación y artes plásticas». (Sara Magenheimer) Viernes 20 · 21:15 · Sala 1 Fotograma de La reina de los lagartos VENTA DE ENTRADAS ONLINE 92 Más allá del espejo (Festival Márgenes)

MÁS ALLÁ DEL ESPEJO

lo largo de la última década, las ramificaciones del cine español independiente se han expandido a toda velocidad y en direcciones muy diversas. En un escenario marcado por la inestabilidad, el número de búsquedas y tendencias se ha ido multiplicando hasta hacer casi imposible cartografiar Aun mapa de todas ellas. Como respuesta a esta creciente heterodoxia nació el Festival Márgenes. Desde su creación, ha servido como hábitat protector para la querencia por el riesgo de toda una nutrida generación de cineastas, con difícil encaje en los sistemas más convencionales de producción, exhibición y distribución. Muchas veces nos hemos preguntado de dónde surgen tantos autores a contracorriente, como si en la historia de nuestro cine no existiera una riquísima tradición de voces que han abierto camino con todo un sistema en oposición. Dicho de otra forma, los Oliver Laxe o Virginia García del Pino del presente han de servirnos como puente hacia los Iván Zulueta o Gonzalo Herralde del ayer, cineastas que en muchos casos son hoy refe- rentes tras haber sufrido lo indecible para exhibir sus obras Con motivo de nuestro décimo aniversario, en Márgenes pretendemos homenajear y reivindicar ese vínculo del tantas veces calificado como “otro cine español” con las raíces del inconformismo fílmico, a fin de que sus hallazgos nunca cesen de alumbrar otros nuevos. El resultado de tal propósito es una selección de algunas obras emblemáticas de la década 2009-2019, puestas ahora frente al espejo de otros tantos títulos dispares y capaces de aportar claves para entender sus circunstancias. En colabo- ración con Filmoteca Española, este diálogo, fiel al espíritu de Márgenes, alterna las proyecciones en el Cine Doré con una muestra online dentro de la web del festival.

Sergio de Benito y Annamaria Scaramella (Festival Márgenes) Festival Márgenes Festival Márgenes ARREBATO EL ASESINO DE PEDRALBES (Iván Zulueta, 1979) (Gonzalo Herralde, 1978)

Imagen promocional de El asesino de Pedralbes

Int.: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Will More, Marta Fernández Muro. España. DCP. 86’ España. DCP. 105’ Documental sobre el asesino José Luis Cerveto, que en 1974 dio muerte a A un joven cineasta en plena crisis profesional le llega un paquete de un un matrimonio para el que trabajaba como chófer, un crimen cuyos motivos antiguo amigo. En su interior se encuentran las pistas para resolver el nunca quedaron claros. misterio de su desaparición. «La laberíntica mente de Cerveto es tan compleja como la propia realidad, «Una obra maestra, inquietante como pocas y de inagotable poder de y del mismo modo en que ni psiquiatras ni juristas pueden explicar aquella, sugerencia. Apología de la autodestrucción, justificada por el inevitable tampoco la mirada virgen de la cámara será capaz nunca de penetrar fracaso de las ilusiones juveniles, y que, en última instancia, aboga, de totalmente en esta sin la ayuda de ningún tipo de reconstrucción. Una forma manifiesta pero sin exhibicionismos, por el derecho a la diferencia reflexión sobre los mecanismos del thriller, pues, que es también una estética, mientras reconoce, desilusionada pero no sin humor, la utopía reflexión sobre la mirada cinematográfica y su relación con la realidad». que significa la automarginación». (Carlos Aguilar) (Carlos Losilla) Proyección en espejo con Color perro que huye (Andrés Duque, 2011), Proyección en espejo con El jurado (Viriginia García de Pino, 2012), disponible en la web del Festival Márgenes del 26-11-20 al 13-12-20. disponible en la web del Festival Márgenes del 26-11-20 al 13-12-20.

Viernes 27 · 16:30 · Sala 1 Domingo 29 · 17:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 96 97 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Festival Márgenes Festival Márgenes ÓPERA PRIMA TODOS VOSOTROS SOIS CAPITANES (Fernando Trueba, 1980) (Todos vós sodes capitáns, Oliver Laxe, 2010)

Int.: Óscar Ladoire, Paula Molina, Antonio Resines, Kiti Mánver. Int.: Shakib Ben Omar, Nabil Dourgal, Mohamed Bablouh, Said España. DCP. 94’ Targhzaou. España. 35 mm. VOSE. 78’

La historia de la, en apariencia, imposible relación entre Violeta, una Mezcla de documental y ficción que retrata el Magreb al tiempo que narra estudiante de violín vegetariana, y Matías, un periodista separado amante la historia de Oliver, un profesor que propone a los niños de un centro de la carne. social de Tánger rodar una película.

«Un día, Fernando Colomo me comentó que ya era hora de que hiciera «Una extraña serenidad de la mirada, como un saber antiguo, es el poso mi ópera prima, y yo le dije que cuando la hiciera sería la historia de un de una película que es un gesto liberador. Para Oliver, pero también para personaje que se lía con su prima, que vive en Ópera. Y así ha sido. Creo quien la contempla. El fruto del gesto egoísta violento de la creación es, que una broma es un punto de partida tan válido como otro cualquiera, y por tanto, una generosa invitación a un viaje». (Gonzalo de Pedro) mucho más si se trata de una comedia». (Fernando Trueba) Proyección en espejo con Las altas presiones (Ángel Santos, 2014), disponible en la web del Festival Márgenes del 26-11-20 al 13-12-20.

Sábado 28 · 17:30 · Sala 2 Jueves 26 · 20:30 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 98 99 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Pietro Marcello. Un aire de eternidad

CONTRA VIENTO Y MAREA

uando tenía apenas 15 años, Pietro Marcello (1976) se escapó de su casa y decidió tomar un tren nocturno en dirección a París. Un gesto de rebeldía y curiosidad que no solo prefiguraba el espíritu inquieto de uno de los autores más heterodoxos del cine italiano contemporáneo –su productora lleva por nombre CAvventurosa–, sino que también anticipaba el interés del futuro cineasta por un cierto nomadismo, inscrito en el imaginario ferroviario y en la condición del emigrante. Ya como creador audiovisual, Marcello convirtió las ruedas chirriantes de viejos vagones de tren en el leitmotiv sonoro de Il passaggio della linea (2007) –un documental que buscaba destellos de vida marginal en los trenes nocturnos del país transalpino–, y luego, en Bella y perdida (2015), subió a un búfalo parlanchín en un ferrocarril para que allí musitara su deseo de haber nacido en la luna; un ejemplo elocuente del fulgor fabulístico que guía el trabajo del cineasta de Caserta. Tocada por una irrefrenable pulsión itinerante, la obra de Marcello hace del movimiento incesante una cuestión de orden plástico, corporal y me- tafísico. Un tránsito febril que convierte sus películas en viajes impresio- nistas por un amplio abanico de texturas y colores, fruto del encuentro alquímico entre filmaciones originales e imágenes de archivo. El secreto de esta poética de lo impuro puede rastrearse en los compases iniciales del documental Il silenzio di Pelešjan (2011), donde Marcello atendía a la descripción del “montaje a distancia” formulada por el cineasta armenio Artavazd Pelešjan: “la esencia de mi trabajo no apunta a la unión entre dos fotogramas sino a la separación […]. Los elementos (del film), como partículas cargadas, interactúan a distancia creando un campo emocio- nal en torno a toda la película”. Es en la búsqueda de estas interacciones “a distancia” donde toma for- ma La bocca del lupo (2009), en la que Marcello entrecruza los mitos y el vivo tejido urbano de Génova (de Cristóbal Colón a las nuevas olas migratorias) para construir un puente fílmico entre Enzo, un expresidia- rio reincidente, y Mary, una mujer transexual exheroinómana. Dedicada “a Pietro Marcello. Un aire de eternidad todos aquellos que filmaron Génova en el siglo XX”, la película traza una historia de amor de una brutalidad y ternura sublimes, con testimonios BELLA Y PERDIDA de resiliencia y superación que invocan el cine de Pedro Costa, y un vigor (Bella e perduta, Pietro Marcello, 2015) poético que desborda la narración en off: “Los lugares que cruzamos son arqueología de una memoria, deseos desconocidos, recuerdos prohibi- dos de un mundo desaparecido”. Luego, en Bella y perdida, el encuentro se produce entre seres humanos (pastores y poetas) y un animal (el búfalo Sarchiapone), entre persona- jes de ficción (Pulcinella) y personas reales (Tommaso Cestrone, el cus- todio del palacio borbónico de Carditello), entre el esplendor de la vieja Italia aristocrática y un presente de decadencia, confusión y resistencia. Descrita por el cineasta y crítico Blake Williams como el encuentro en- tre Al azar de Baltazar (1966) de Robert Bresson y los fantasmas de la commedia dell’arte, Bella y perdida reafirma el interés de Marcello por los personajes de fuertes principios cuyo férreo idealismo choca contra una sociedad que los malinterpreta o margina. Esta colección de criaturas románticas se completa con Martin Eden, el Int.: Tommaso Cestrone, Sergio Vitolo, Gesuino Pittalis, Elio Germano. protagonista de la novela autobiográfica en la que Jack London condensó Italia, Francia. DCP. VOSE. 87’ su pensamiento socialista y su desconfianza en la industria cultural. Fiel a esa esencia, Marcello traslada la historia del marinero que sueña con Un sirviente se embarca en un viaje para honrar los últimos deseos del convertirse en escritor desde la Oakland de principios del siglo XX a una pastor Tommaso: salvar a un joven búfalo llamado Sarchiapone. Nápoles suspendida en el tiempo. “Cuando Jack London escribió Martin Eden, creó una suerte de profecía de los tormentos del siglo XX”, ha se- «Arriesgada en la apuesta formal y hermosa en la estética, la obra de ñalado Marcello: “Queríamos que el protagonista lidiase con cuestiones Pietro Marcello es como una brisa de aire fresco, no solo en el cine contemporáneas, como el resurgimiento del fascismo. ¿Quién habría an- tradicional, sino también en el propio cine independiente. A veces, lo ticipado lo que está ocurriendo hoy en Europa y en la América de Trump?”. más arriesgado y la originalidad consiste no en filmar al animal, sino Guiada por este propósito político, Martin Eden corona el proyecto artísti- filmar como el animal: filmar su punto de vista, su mirada ante un mundo co de Marcello hilando un gran relato trágico con pespuntes vanguardis- en el que sus decisiones son tomadas por él». (Brais Romero Suárez) tas, reforzando el poder de conmoción de la ficción con un arrollador tra- tamiento del material de archivo, atrapando al espectador en una espiral de emociones convulsas y reflexiones no menos tempestuosas.

Manu Yáñez (Crítico de cine) Sábado 7 · 17:30 · Sala 2

103 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Pietro Marcello. Un aire de eternidad Pietro Marcello. Un aire de eternidad LA BOCA DEL LUPPO MARTIN EDEN (Pietro Marcello, 2009) (Pietro Marcello, 2019)

Italia, Francia. DCP. VOSE*. 68’ Int.: Luca Marinelli, Jessica Cressy, Vincenzo Nemolato, Marco Leonardi. Italia, Francia, Alemania. DCP. VOSE. 129’ Documental que explora la vida de Enzo, un criminal que sale de la cárcel tras catorce años de condena y descubre que su ciudad se ha transformado. Adaptación de la novela homónima de Jack London, narra la historia de El único consuelo que encuentra es en los brazos de Mary, su amante Martin Eden, un joven proletario que lucha por salir de sus limitadoras transexual que representa todo aquello que amaba de su antigua ciudad. circunstancias económicas mientras intenta convertirse en escritor.

«La película no describe cada detalle de la relación de los protagonistas ni «Martin esgrime su rebelión y su individualismo como una bandera, que qué hacen para salir adelante. Al contrario, les convierte en supervivientes lo llevará –tras una transformación tanto intelectual como física (gran míticos de un naufragio, habitantes de una zona costera devastada. Su composición de Luca Marinelli)- a la postura extrema propia de los sueño es vivir en el campo, en una casa con árboles frutales, porche y un vencedores, cínica y desdeñosa. Una película que abre la reflexión sobre banco en el que sentarse y ver pasar el mundo mientras envejecen juntos. el poder de la cultura, de las clases sociales, la esencia del socialismo, La bocca del lupo es fascinante». (Stephen Holden) del individualismo y tantos temas de nuestra época». (Josefina Sartora)

Domingo 8 · 19:30 · Sala 1 Miércoles 4 · 19:30 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 104 105 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Mi Primer Festival de Cine

TRES CHICAS CARISMÁTICAS

rganizar un festival de cine en tiempos de pandemia es un ejercicio complejo, lleno de incertidumbre y que requiere de mucha imaginación y capacidad de adaptación. Sin embargo, en Mi Primer Festival tenemos la gran suerte de que nuestro público objetivo son niñas y niños que necesitan más que Onunca descubrir otras realidades, adentrarse en mundos desconocidos, empaparse de historias que los hagan vibrar, conocer a creadores y cineastas nuevos que les ofrezcan una mirada diferente sobre todo lo que les rodea y evadirse de la realidad que les ha tocado vivir. Desde hace trece años nos esforzamos por acercar un cine singular, in- édito y de calidad a nuestros pequeños cinéfilos y cinéfilas. Gracias a la complicidad de Filmoteca Española, en noviembre podrán descubrir en pantalla grande y en la oscuridad de una sala tan mítica como la del Cine Doré los tres largometrajes en competición de Mi Primer Festival: tres tí- tulos que han sido premiados o finalistas en los certámenes de referencia del cine de animación y protagonizados por tres chicas carismáticas. Calamity, une infance de Martha Jane Cannary es la última creación de Rémi Chayé, director de El techo del mundo, una fantástica película de animación sobre los roles de género, ganadora del premio al mejor largo- metraje en la última edición del festival de Annecy. Fritzi: A Revolutionary Tale, de Matthias Bruhn y Ralf Kukula, revela a través de la mirada de una niña de 12 años lo que supuso la caída del muro de Berlín. Y, finalmente, Ágatha, mi vecina detective, de Karla Bengtsson, es un homenaje al cine negro que cuenta una historia sobre cómo encontrarse a uno mismo. Esperamos que los niños y niñas que se acerquen al Doré, cinéfilos y ci- néfilas en ciernes, disfruten de estas tres historias. Y ahora sí: ¡luces, cámara y acción!

Mi Primer Festival de Cine Mi Primer Festival de Cine Mi Primer Festival de Cine CALAMITY, UNE ENFANCE DE MARTHA JANE CANNARY ÁGATA, MI VECINA DETECTIVE (Rémi Chayé, 2020) (Nabospionen, Karla von Bengston, 2017)

Francia, Dinamarca. DCP. VOSE*. 85’ Dinamarca. B-R. VE. 77’

La historia de las múltiples aventuras que llevaron a la joven Martha Agatha Christine, de diez años, es una apasionada de los misterios, tanto Jane Cannary a convertirse en la legendaria Calamity Jane. que ha creado una agencia de detectives privados en el sótano de la casa donde se acaba de mudar con su familia. Su primer rompecabezas la «La gran fuerza y destreza de esta película es su doble trayectoria, llevará a un asunto mucho más complicado de lo que esperaba. que recuerda a la de las películas de superhéroes (camuflarse para afirmarse mejor): la deconstrucción de los estereotipos de género a «A través de su mezcla de misterio clásico y ambientación moderna, la través del travestismo genera el nacimiento de un personaje mitológico. película presenta un nuevo relato que satisfará a los fans de clásicos Y Calamity emerge con elegancia». (Benoît Basirico) como Harriet la espía o Los chicos Hardy al tiempo que ofrece mucho Presentación a cargo de Doña Claqueta, maestra de ceremonias de Mi para tener entretenidos a los más jóvenes. Gracias a su combinación de Primer Festival de Cine. acción, aventura y lecciones vitales, Ágata, mi vecina detective debería ser la siguiente película en la lista de cualquier familia». (Lauren Ennis) Presentación a cargo de Doña Claqueta, maestra de ceremonias de Mi Primer Festival de Cine.

Sábado 21 · 16:30 · Sala 1 Sábado 28 · 16:30 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 108 109 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Mi Primer Festival de Cine FRITZI: A REVOLUTIONARY TALE (Fritzi - Eine Wendewundergeschichte, Matthias Bruhn y Ralf Kukula, 2019)

Alemania, Luxemburgo, Bélgica, República Checa. DCP. VE. 90’

Alemania del Este, 1989. El muro que divide el país en dos mitades está a punto de derrumbarse. Fritzi, de doce años, cuida de Sputnik, el perrito de su mejor amiga Sophie, mientras ella está de vacaciones con su familia en Hungría. Pero llega el otoño y Sophie no ha regresado. Fritzi y Sputnik inician una aventura para encontrarla.

«Una de esas raras oportunidades cinematográficas para que chicos y grandes descubran un período histórico que cambió el mundo, para adentrarse desde la visión de una niña en las manifestaciones populares pacíficas que lograron una apertura impensada por cualquier ciudadano del mundo». (Martín Chiavarino) Presentación a cargo de Doña Claqueta, maestra de ceremonias de Mi Primer Festival de Cine.

Sábado 14 · 16:30 · Sala 1 Fotograma de Calamity, une enfance de Martha Jane Cannary VENTA DE ENTRADAS ONLINE 110 Otras sesiones

La imagen renacida A CRACKUP AT THE RACE RIOTS (Leo Gabin, 2015)

Bélgica. DCP. VOSE*. 57’

Inspirándose en el libro homónimo de Harmony Korine, el colectivo artístico Leo Gabin construye un collage de imágenes extraídas de YouTube que muestra el lado más oscuro y realista del sueño americano.

«A pesar de todo el estruendo y los gritos de atención que comparten la mayoría de las piezas que conforman A Crackup at the Race Riots, son sus silencios los que resultan más inquietantes. La discreta inclusión de amaneceres y arco iris nos recuerda, de alguna forma, aquello que se perdió o nunca existió, que aquello que buscan desesperadamente estas involuntarias estrellas del cine con sus interminables, sinceras e inútiles interpretaciones siempre estuvo y estará fuera de su alcance». (Alexandra Heller-Nicholas)

Sábado 14 · 17:30 · Sala 2

113 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Festival de Sevilla Festival de Sevilla ALASKA BLONDE BARBAREI (Dore O, 1969) (Dore O, 1972)

RFA. DCP. 18’ RFA. DCP. 24’

Descrita por la directora como “una película sobre la emigración”, se trata Una figura femenina deambula por el interior de un almacén, pasando a de una pieza sin diálogos y marcada por una banda sonora monótona través de distintos decorados como un abanico y una jaula de pájaros, cargada de ansiedad. acompañada por un canto medieval. Blonde Barbarei se proyectará dentro de la “Sesión Dore O”. «Alaska es una película que se resiste a ser interpretada, pidiendo en su lugar que la experimentemos». (Klaus Badeker) Alaska se proyectará dentro de la “Sesión Dore O”.

Viernes 20 · 17:30 · Sala 2 Viernes 20 · 17:30 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 114 115 VENTA DE ENTRADAS ONLINE El siglo Mariné Sesión especial EL ASTRONAUTA EL ÚLTIMO SÁBADO (Javier Aguirre, 1970) (Pere Balañá, 1965)

Imagen promocional de El astronauta

Int.: Tony Leblanc, José Luis López Vázquez, Paquito Cano, Puri Villa. Int.: Julián Mateos, Eleonora Rossi Drago, Antonio Ferrandis, María España. 35 mm. 86’ Luisa Ponte. España. DCP. 81’

Esta comedia de Javier Aguirre en la que Juan Mariné trabajó como director El deseo del joven José Luis de cambiar su vieja moto por una máquina de fotografía cuenta como, tras ver la retransmisión de la llegada del hombre más nueva y potente acaba planteándole más problemas de los que en un a la Luna desde el bar, un grupo de amigos deciden que con un poco de principio esperaba. El único largometraje de Pere Balañá, recientemente dinero y mucho esfuerzo pueden hacer lo mismo. Una vez el cohete está restaurado por Filmoteca de Catalunya. terminado y todo está listo, se preparan para el lanzamiento… «Sin duda estamos ante un cine catalán que recoge fiel y honestamente determinados ángulos que definen una sociedad en evolución. […] Ahí se sitúa el valor y la decencia de la obra que, sin grandes fastos, descubre la honradez y profundidad de una película realizada con las limitaciones presupuestarias de una producción independiente y el autocontrol exigido para sortear los efectos de la amenazante censura nacional». (José Antonio Martínez-Bretón)

Jueves 12 · 21:00 · Sala 1 Miércoles 25 · 20:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 116 117 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Sesión especial Festival de Sevilla EL SUR FROZEN FLASHES (Víctor Erice, 1983) (Dore O, 1976)

Int.: Omero Antonutti, Sonsoles Aranguren, Icíar Bollaín, Lola Cardona. RFA. DCP. 30’ España, Francia. 35 mm. 95’ Una serie de fotografías fijas en varios estados de exposición. Estrella creció cautivada por su padre, un médico que, para ella, tenía Frozen Flashes se proyectará dentro de la “Sesión Dore O”. poderes místicos. Ya adulta, empieza a reflexionar sobre su relación.

«El nuevo trabajo de Víctor Erice estaba en las pantallas con toda su estremecedora belleza, pero también con todos los agujeros provocados por sus hirientes carencias. En esos vacíos y en esas zonas de sombra, que la ausencia de lo que no se llegó a rodar hace gravitar sobre el texto fílmico existente, puede escucharse el eco silenciosos del sur nunca visualizado». (Carlos F. Heredero) Presentación del libro Víctor Erice y la música a cargo del autor, José Ángel Lázaro López; Daniel Sánchez Sala, docente e investigador; y Marina Díaz, técnica de cine y audiovisual del Instituto Cervantes.

Jueves 12 · 16:30 · Sala 1 Viernes 20 · 17:30 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 118 119 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Sesión especial Festival de Sevilla HOMENAJE A RAFAEL BERRIO JÜM JÜM (Dore O y Werner Nenkes, 1967)

Fotografía de Rafael Berrio

Sesión dedicada a Rafael Berrio, figura fundamental de la música de RFA. DCP. 10’ nuestro país que falleció el pasado 30 de marzo. El programa, presentado por Jonás Trueba y Gema Amiama, contará con la presencia de varios Una niña se balancea frente a una pantalla. amigos y colaboradores de Rafael Berrio que le recordarán leyendo la Jüm Jüm se proyectará dentro de la “Sesión Dore O”. letra de varias de sus canciones; tres actuaciones musicales a cargo de Miren Iza (Tulsa), Abel Hernández (El Hijo) y Christina Rosenvinge; la presentación del libro Absolución. Canciones de Rafael Berrio; y la proyección de Rafael Berrio escucha Niño futuro, una película-idea de Rafael Berrio y dirigida por Andrés David Sainz. Duración total del programa: 100’

Jueves 5 · 20:00 · Sala 1 Viernes 20 · 17:30 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 120 121 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Festival de Sevilla La muerte del cine KASKARA LAND OF SILENCE AND DARKNESS (Dore O, 1974) (Land des Schweigens und der Dunkelheit, Werner Herzog, 1971)

RFA. DCP. 21’ RFA. 16 mm. VOSE*. 85’

Movimientos de cámara entre fachadas y habitaciones y otros escenarios, El retrato documental de la vida de Fini Straubinger, una mujer que se en diferentes ejes y varios niveles de exposición. quedó sorda y ciega en la adolescencia, y sus esfuerzos por mejorar la Kaskara se proyectará dentro de la “Sesión Dore O”. vida de otras personas en condiciones similares. «Como norma, los documentales de Werner Herzog son más extraterrestres que sus obras de ficción. Este estudio de 1971 de la población sordomuda alemana presenta a sus personajes como una clase privilegiada con acceso a una realidad alternativa. Herzog evita el habitual tono condescendiente de trabajador social en favor del asombro místico. Una película notable, insensata, al mismo tiempo fría y emotiva». (Dave Kehr)

Viernes 20 · 17:30 · Sala 2 Viernes 13 · 17:30 · Sala 2 / Domingo 22 · 17:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 122 123 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Festival de Sevilla El siglo Mariné LAWALE MARÍA FERNANDA, “LA JEREZANA” (Dore O, 1969) (Enrique Herreros, 1946)

RFA. DCP. 30’ Int.: Nati Mistral, José Prada, Elena Caro, José Jaspe. España. BDG. 99’

Retratos de la familia de la artista. Una mañana, el cadáver de la joven cantante María Fernanda aparece sin apenas pistas de lo ocurrido a su alrededor. Desconcertados, la policía «Sus imágenes austeras dicen más sobre el proceso, completamente cierra el caso rápidamente, pero un comisario sigue investigando. Este individual, de emancipación de una joven que muchas novelas completas». sorprendente policiaco fue restaurado por Juan Mariné. (Peter Steinhart) Lawale se proyectará dentro de la “Sesión Dore O”. «Manifiesta una osadía formal no muy frecuente en el cine español de los años cuarenta. Junto a los coqueteos con algunas fórmulas de vanguardia, Enrique Herreros hace “escritura” con la cámara, cediéndole un considerable protagonismo». (Pablo Pérez Rubio)

Viernes 20 · 17:30 · Sala 2 Jueves 26 · 16:30 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 124 125 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Flores en la sombra Sala:B NITRATOS #2: SUEÑOS FUTUROS DE UN PASADO PULSACIONES REMOTO (1905-1953) (Marice Tobias, 1985)

Sesión que reúne nueve piezas rodadas en la primera mitad del siglo XX Int.: Daniel Greene, Alicia Moro, Lee Taylor Allen, Carole James. España, y relacionadas con la idea de progreso industrial y las utopías futuristas. EEUU. 35 mm. 92’ • Estación de tren de Llanes (1905). Propiedad de Filmoteca de Asturias • Fábrica de chocolates Agustina (Autor desconocido, 1925) El gimnasio de Roger no está pasando por su mejor momento, las cuentas • Inauguración del tramo Gallur-Egea de los Caballeros del ferrocarril fallan y la competencia con el gimnasio de Marlene es muy dura. Solo la Sádaba-Gallur (Antonio de Padua Tramullas, 1915) aparición de la instructora Annie puede salvar a Roger del desastre. • Botadura del acorazado Alfonso XIII (Autor desconocido, 1913) • Rallye automóvil (Autor desconocido, 1909) «Definida como un cruce entre Flashdance y Rocky, esta comedia • Automóvil a hélice (Autor desconocido, 1913) dirigida por Marice Tobias es un exceso de músculos, mallas, aceite, • Carreras de motos en San Sebastián (Miguel Mezquíriz, 1935) música disco y chistes malos, y empieza a ser reivindicada como título Propiedad de Filmoteca de Navarra (Gobierno de Navarra) de culto para los amantes del trash, el cine gay involuntario y la moda • Ferrocarril de Amorebieta a Bermeo (Daniel de Linos, 1953) disco-hortera ochentera». (Álex Mendíbil) • Bellezas de Auvernia (Autor desconocido, 1914) Pulsaciones se proyectará dentro de la sesión “Sala:B”. Presentación Proyección con música en directo a cargo del compositor, intérprete y a cargo de Álex Mendíbil, comisario de la sesión. productor musical Juanjo Javierre. Duración aproximada de la sesión: 60’

Jueves 5 · 16:30 · Sala 1 Viernes 27 · 19:15 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 126 127 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Sala:B YO AMO LA DANZA (Ignacio F. Iquino, 1984)

Imagen promocional de Yo amo la danza

Int.: Katy Bravo, Lupez Zamora, Lydia Bosch, Ernesto Castelar. España. 35 mm. 92’

Margi trabaja en un taller, pero su pasión es la danza. Ahora, sus esperanzas están puestas en debutar en un gran espectáculo.

«La última película dirigida, con 83 años, por el incombustible Ignacio F. Iquino, después de cincuenta años abarcando cada género y subgénero. Habiendo superado ya la época del destape, Iquino y su mujer, Juliana San José de la Fuente, imprimieron al guion un curioso trasfondo feminista. Yo amo la danza es otra producción típica de los 80, cuando la moda, el walkman, las discotecas y las hamburgueserías podían hacer creer a cualquiera que vivía en California». (Álex Mendíbil) Yo amo la danza se proyectará dentro de la sesión “Sala:B”. Presentación a cargo de Álex Mendíbil, comisario de la sesión.

Viernes 27 · 19:15 · Sala 2 Imagen promocional de Rojo y negro VENTA DE ENTRADAS ONLINE 128 LEYENDA TARIFAS

• 16 mm - Proyección en 16 milímetros • Entrada sencilla: 3 € • 35 mm - Proyección en 35 milímetros • Abono 10 sesiones: 20 € / Abono anual: 40 € • BDG - Proyección en Betacam Digital Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos • B-R - Proyección en Blu-ray culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: • DCP - Proyección en formato digital DCP • MRA/E* - Muda con rótulos en alemán y subtítulos en español • Entrada sencilla: 2 € electrónico • Abono 10 sesiones: 15 € / Abono anual: 30 € • MRF/E* - Muda con rótulos en francés y subtítulos en español electrónico Todas las sesiones son gratuitas para menores de 18 años • MRI/E* - Muda con rótulos en inglés y subtítulos en español electrónico • VE - Versión doblada en español • VOSE - Versión original con subtítulos en español Cine Doré • VOSE* - Versión original con subtítulos electrónicos en español • VOSI/E* - Versión original con subtítulos en inglés y español C/ Santa Isabel, 3 electrónicos 28012 Madrid Teléfono: 913693225 Metro Antón Martín / Autobús 6, 26 y 32 82620003X Portada: imagen promocional de Caravaggio NIPO: