PROGRAMA CINE DORÉ

Edición 2021 ONLINE ABRIL

CINE ESPECTÁCULO AGNÈS VARDA RESTAURACIONES CINEMATECA PORTUGUESA FERNANDO FERNÁN GÓMEZ AMOS VOGEL (PUNTO DE VISTA) CRUZ DELGADO SOUND & VISION FILMOTECA: IVÁN “MELON” LEWIS JAZZ TRÍO / CALLE 54 ÍNDICE GENERAL

Índice de películas...... 4 Introducción: “Otro paso más”...... 6 Calendario Cine Doré...... 8 Calendario Flores en la sombra online...... 18 Cine espectáculo...... 20 Agnès Varda. De mars à mai / De marzo a mayo �������������������������� 52 Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa...... 74 Los 100 de Fernando Fernán Gómez...... 88 Amos Vogel: Amos en el País de las Maravillas...... 98 Cruz Delgado. El quijote de la animación...... 106 Otras sesiones...... 114 Filmoteca en familia...... 122 Mientras tanto: Cruz Delgado...... 124

Cartel original de La venganza de Don Mendo Índice de películas

ÍNDICE DE PELÍCULAS

2001: una odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968)...... 24 La última cinta (Claudio Guerín Hill, 1969)...... 93 À Flor do Mar (João César Monteiro, 1986)...... 76 La venganza de Don Mendo (Fernando Fernán Gómez, 1961) ��������������������������90 Akira (Katsuhiro Otomo, 1988)...... 26 Les demoiselles ont eu 25 ans (Agnès Varda, 1993)...... 67 Ana (Margarida Cordeiro y António Reis, 1982)...... 77 Les plages d’Agnès (Agnès Varda, 2008)...... 68 Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979)...... 28 Lisboa, Crónica Anedótica (José Leitão de Barros, 1930) ��������������������������������81 A Revolução de Maio (António Lopes Ribeiro, 1937)...... 78 Lola Montes (Max Ophüls, 1955)...... 44 As Ilhas Encantadas (Carlos Vilardebó, 1965)...... 79 Los 4 músicos de Bremen (Cruz Delgado, 1989)...... 113 Calle 54 (Fernando Trueba, 2000)...... 121 Los espigadores y la espigadora (Agnès Varda, 2000)...... 69 Caras y lugares (Agnès Varda y JR, 2017)...... 61 Los Palomos (Fernando Fernán Gómez, 1964)...... 94 Cinévardaphoto...... 60 Los viajes de Gulliver (Cruz Delgado, 1983)...... 112 Cortometrajes de Agnès Varda #1...... 58 L’Univers de Jacques Demy (Agnès Varda, 1995)...... 70 Cortometrajes de Agnès Varda #2...... 59 Mayores con reparos (Fernando Fernán Gómez, 1967)...... 95 Daguerréotypes (Agnès Varda, 1976)...... 62 Mur murs (Agnès Varda, 1981)...... 71 Deluge (Felix E. Feist, 1933)...... 30 Niágara (Henry Hathaway, 1953)...... 46 Documenteur (Agnès Varda, 1981)...... 63 Ninette y un señor de Murcia (Fernando Fernán Gómez, 1966) ������������������������96 Eega (S.S. Rajamouli y J.V.V. Sathyanarayana, 2012)...... 115 O Movimento das Coisas (Manuela Serra, 1985)...... 82 El caballo de Turín (Béla Tarr y Ágnes Hranitzky, 2011) �����������������������������������32 Onde Bate o Sol (Joaquim Pinto, 1989)...... 83 El extraño viaje (Fernando Fernán Gómez, 1964)...... 91 O Pão (Manoel de Oliveira, 1959)...... 84 El ladrón de Bagdad (Ludwig Berger y Michael Powell, 1940) ��������������������������34 O Taxi 9297 (Reinaldo Ferreira, 1927)...... 85 El misterio Picasso (Henri-Georges Clouzot, 1955)...... 36 Programa 3: Playground...... 102 El mundo sigue (Fernando Fernán Gómez, 1965)...... 92 Programa 4: Children Have Their Own Laws...... 103 Encuentros en la tercera fase (Steven Spielberg, 1977) �����������������������������������38 Programa 6: Topsy-Turvy...... 104 Gestos & Fragmentos - Ensaio Sobre os Militares e o Poder Ran (Akira Kurosawa, 1985)...... 48 (Alberto Seixas Santos, 1983)...... 80 Relação Fiel e Verdadeira (Margarida Gil, 1987)...... 86 King Kong (Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper, 1933) ���������������������������40 Sesión jonasmekas.com...... 122 Kung-fu Master! (Agnès Varda, 1988)...... 64 Sin techo ni ley (Agnès Varda, 1985)...... 72 La casa de las mujeres perdidas (Jesús Franco, 1983)...... 116 Solo para hombres (Fernando Fernán Gómez, 1960)...... 97 La gran comilona (Marco Ferreri, 1973)...... 42 Tetsuo, el hombre de hierro (Shinya Tsukamoto, 1989) �����������������������������������50 La mujer y el pelele (Jacques de Baroncelli, 1929)...... 118 Trilogía negra de Mario Gómez Martín ...... 123 Las cien y una noches (Agnès Varda, 1995)...... 65 Varda por Agnès (Agnès Varda, 2019)...... 73 Las señoritas de Rochefort (Jacques Demy, 1967)...... 66 Introducción: “El cine por delante”

Ramón Barea, llenará una vez más el Doré con la proyección muy especial del INTRO día 13. OTRO PASO MÁS Eso no es todo, por supuesto, ya que también recuperamos la obra del gran Cruz Delgado y seguimos con las propuestas musicales, ahora con jazz latino ucho se ha perdido, o al menos ha quedado en barbecho, en el y La mujer y el pelele, entre otras muchas propuestas. último año. Las pantallas, sin ir más lejos, se han vuelto más pequeñas. Primero la imposibilidad de salir de casa y después Filmoteca Española la escasez de estrenos han llevado a muchas salas a cerrar (temporal o permanentemente) y a muchos espectadores a Mbuscar el cine en sus propios salones, no como opción sino como obligación. Desde que reabriera en junio del año pasado, Filmoteca Española y el Doré han tratado de aliviar, dentro de lo posible, esa carencia volviendo a ofrecer cine para ver en el cine. Es precisamente con esa idea en mente que este mes comienza el ciclo ”Cine espectáculo”, que entre abril y junio ofrecerá una selección de títulos que ”deben experimentarse en pantalla grande, en una sala oscura, con otros públicos”, como explica Carlos Reviriego, director de Programación, en su texto de introducción (véase pag. 21). Otro evento que solo será posible en la sala del Doré tiene que ver con la retrospectiva dedicada a Agnès Varda, que este mes llega a su ecuador. Se trata de la visita de Rosalie Varda, hija y colaboradora de la cineasta francobelga. Rosalie tendrá un encuentro con el público tras la proyección del día 14, y presentará las sesiones de los días 15, 16 y 17. Su presencia servirá, sin duda, para comprender un poco mejor los mecanismo de una de las mentes más libres y lúcidas de toda la historia del cine. Ahora más que nunca, con su entusiamo vital, el cine de Agnès Varda resulta imprescindible. Continúan, por supuesto, las celebraciones por el centenario de Fernando Fernán Gómez. En los últimos cuatro meses hemos pasado por sus primeras apariciones cinematográficas, sus primeros pasos como director, su popularización como actor y ahora le toca el turno a su producción como cineasta en los 60, que contiene películas tan notables como El extraño viaje y El mundo sigue. Además, la voz de Fernán Gómez, encarnado por el actor Les Plages d’Agnès Calendario Cine Doré

CALENDARIO ABRIL 2021 - SEMANA DEL 1 AL 4 · Pincha o toca el título de una película para ver más información sobre esa sesión ·

JUEVES 1 CERRADO

VIERNES 2 SÁBADO 3 DOMINGO 4 CERRADO 17:00 - SALA 2 18:00 - SALA 2 LOS VIAJES DE GULLIVER DOCUMENTEUR (Cruz Delgado, 1983) (Agnès Varda, 1981) 35 mm. Color. 80’ DCP. VOSE*. Color. 65’ 19:00 - SALA 1 19:00 - SALA 1* 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO CALLE 54 (Stanley Kubrick, 1968) (Fernando Trueba, 2000) DCP. VOSE. Color. 149’ DCP. Color. 90’ + 20:00 - SALA 2 Concierto Iván “Melon” Lewis Jazz Trío SIN TECHO NI LEY (Agnès Varda, 1985) DCP. VOSE. Color. 105’

* sesiones con presentación CALENDARIO ABRIL 2021 - SEMANA DEL 6 AL 11 · Pincha o toca el título de una película para ver más información sobre esa sesión ·

MARTES 6 MIÉRCOLES 7 JUEVES 8 18:00 - SALA 2 18:00 - SALA 2 17:00 - SALA 1 VARDA POR AGNÈS LISBOA, CRÓNICA ANEDÓTICA EL MISTERIO PICASSO (Agnès Varda, 2019) (José Leitão de Barros, 1930) (Henri-Georges Clouzot, 1955) DCP. VOSE. Color. 115’ DCP. MRP/E*. B/N. 88’ DCP. VOSE*. Color y B/N. 78’ 19:00 - SALA 1 19:00 - SALA 1 18:00 - SALA 2 O TAXI 9297 RAN A REVOLUÇÃO DE MAIO (Reinaldo Ferreira, 1927) (Akira Kurosawa, 1985) (António Lopes Ribeiro, 1937) DCP. MRP/E*. B/N. 129’ DCP. VOSE*. Color. 162’ DCP. VOSE*. B/N. 110’ 20:00 - SALA 1 TRILOGÍA NEGRA DE MARIO GÓMEZ MARTÍN DCP. B/N. 43’

VIERNES 9 SÁBADO 10 DOMINGO 11 17:00 - SALA 1 17:00 - SALA 1 11:30 - 14:00 LA VENGANZA DE DON MENDO EL LADRÓN DE BAGDAD (Fernando Fernán Gómez, 1961) (Ludwig Berger y Michael Powell, 1940) DCP. Color. 85’ DCP. VOSE*. Color. 106’ 17:30 - SALA 2 18:30 - SALA 2 17:30 - SALA 2 AMOS EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS AMOS EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS AMOS EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS PROGRAMA 3: PLAYGROUND PROGRAMA 4: CHILDREN HAVE THEIR OWN LAWS PROGRAMA 6: TOPSY-TURVY 120’ 78’ 58’ 20:00 - SALA 1 20:15 - SALA 1 19:00 - SALA 1 LOLA MONTES EL EXTRAÑO VIAJE EL CABALLO DE TURÍN (Max Ophüls, 1955) (Fernando Fernán Gómez, 1964) (Béla Tarr y Ágnes Hranitzky, 2011) DCP. VOSE. Color. 116’ 35 mm. B/N. 92’ 35 mm. VOSE. B/N. 155’ CALENDARIO ABRIL 2021 - SEMANA DEL 13 AL 18 · Pincha o toca el título de una película para ver más información sobre esa sesión ·

MARTES 13 MIÉRCOLES 14 JUEVES 15 18:00 - SALA 2 18:00 - SALA 2 17:00 - SALA 1 CORTOMETRAJES DE AGNÈS VARDA I GESTOS & FRAGMENTOS - ENSAIO SOBRE LAS SEÑORITAS DE ROCHEFORT (Agnès Varda, 1958-1961) OS MILITARES E O PODER (Jacques Demy, 1967) DCP. VOSE*. Color y B/N. 66’ (Alberto Seixas Santos, 1983) DCP. VOSE. Color. 120’ 35 mm. VOSE*. Color y B/N. 90’ 19:30 - SALA 1* 18:00 - SALA 2 LA ÚLTIMA CINTA 19:00 - SALA 1* MAYORES CON REPAROS (Claudio Guerín Hill, 1964) LAS CIEN Y UNA NOCHES (Fernando Fernán Gómez, 1967) DCP. B/N. 52’ (Agnès Varda, 1995) 35 mm. Color. 92’ DCP. VOSE*. Color. 104’ 20:15 - SALA 1* LES DEMOISELLES ONT EU 25 ANS (Agnès Varda, 1993) DCP. VOSE*. Color. 64’

VIERNES 16 SÁBADO 17 DOMINGO 18 17:00 - SALA 1* 17:00 - SALA 1 18:00 - SALA 2 LES PLAGES D’AGNÈS KING KONG L’UNIVERS DE JACQUES DEMY (Agnès Varda, 2008) (Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper, 1933) (Agnès Varda, 1995) DCP. VOSE*. Color. 112’ DCP. VOSE. B/N. 100’ DCP. VOSE*. Color y B/N. 90’ 19:00 - SALA 2 18:00 - SALA 2 19:00 - SALA 1 À FLOR DO MAR SESIÓN JONASMEKAS.COM EL MUNDO SIGUE (João César Monteiro, 1986) 60’ (Fernando Fernán Gómez, 1965) DCP. VOSE. Color. 143’ DCP. B/N. 121’ 20:00 - SALA 1* 20:45 - SALA 1 CARAS Y LUGARES DELUGE (Agnès Varda, 2017) (Felix E. Feist, 1933) DCP. VOSE. Color. 94’ DCP. VOSE*. B/N. 70’

* sesiones con presentación CALENDARIO ABRIL 2021 - SEMANA DEL 20 AL 25 · Pincha o toca el título de una película para ver más información sobre esa sesión ·

MARTES 20 MIÉRCOLES 21 JUEVES 22 18:00 - SALA 2 18:30 - SALA 2 17:00 - SALA 1 LOS PALOMOS O MOVIMENTO DAS COISAS NINETTE Y UN SEÑOR DE MURCIA (Fernando Fernán Gómez, 1964) (Manuela Serra, 1985) (Fernando Fernán Gómez, 1966) 16 mm. B/N. 109’ DCP. VOSE*. Color. 85’ 35 mm. B/N. 105’ 20:30 - SALA 1 19:30 - SALA 1 19:00 - SALA 2 ONDE BATE O SOL ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE CORTOMETRAJES DE AGNÈS VARDA II (Joaquim Pinto, 1989) (Steven Spielberg, 1977) (Agnès Varda, 1984-2015) 35 mm. VOSE*. Color. 88’ DCP. VOSE*. Color. 135’ VOSE*. Color y B/N. 65’ 20:15 - SALA 1 TETSUO, EL HOMBRE DE HIERRO (Shinya Tsukamoto, 1989) DCP. VOSE*. B/N. 67’

VIERNES 23 SÁBADO 24 DOMINGO 25 17:00 - SALA 1 17:00 - SALA 1 11:00 - 14:00 CINÉVARDAPHOTO LOS 4 MÚSICOS DE BREMEN (Agnès Varda, 1964-2004) (Cruz Delgado, 1989) VOSE*. Color y B/N. 95’ 35 mm. Color. 86’ 19:00 - SALA 2 18:00 - SALA 2 18:30 - SALA 1 SOLO PARA HOMBRES MUR MURS APOCALYPSE NOW (Fernando Fernán Gómez, 1960) (Agnès Varda, 1981) (Francis Ford Coppola, 1979) 16 mm. B/N. 85’ DCP. VOSE*. Color. 85’ DCP. VOSE*. Color. 196’ 20:00 - SALA 1* 19:45 - SALA 1 19:00 - SALA 2 LA MUJER Y EL PELELE LA GRAN COMILONA DAGUERRÉOTYPES (Jacques de Baroncelli, 1929) (Marco Ferreri, 1973) (Agnès Varda, 1976) DCP. MRF/E*. B/N. 110’ DCP. VOSE. Color. 130’ DCP. VOSE*. Color. 80’

* sesiones con presentación CALENDARIO ABRIL 2021 - SEMANA DEL 27 AL 30 · Pincha o toca el título de una película para ver más información sobre esa sesión ·

MARTES 27 MIÉRCOLES 28 JUEVES 29 18:00 - SALA 2 18:00 - SALA 2 17:00 - SALA 1 RELAÇÃO FIEL E VERDADEIRA AS ILHAS ENCANTADAS ANA (Margarida Gil, 1987) (Carlos Vilardebó, 1965) (Margarida Cordeiro y António Reis, 1982) DCP. VOSE*. Color. 85’ 35 mm. VOSE*. Color. 98’ 35 mm. VOSE*. 115’ 19:00 - SALA 1* 19:00 - SALA 1 18:00 - SALA 2 LOS ESPIGADORES Y LA ESPIGADORA EEGA KUNG-FU MASTER! (Agnès Varda, 2000) (S.S. Rajamouli y J.V.V. Sathyanarayana, 2012) (Agnès Varda, 1988) 35 mm. VOSE. Color. 82’ DCP. VOSE*. Color. 135’ DCP. VOSE*. 80’

20:15 - SALA 1 NIÁGARA (Henry Hathaway, 1953) DCP. VOSE*. Color. 92’

VIERNES 30 17:00 - SALA 1 O PÃO (Manoel de Oliveira, 1959) DCP. VOSE*. Color. 57’ 19:00 - SALA 2* LA CASA DE LAS MUJERES PERDIDAS (Jesús Franco, 1983) 35 mm. Color. 90’ 19:45 - SALA 1 AKIRA (Katsuhiro Otomo, 1988) DCP. VOSE. Color. 124’

* sesiones con presentación Calendario Flores en la sombra online

FLORES en la SOMBRA ONLINE

2-30 ABRIL 2-9 ABRIL

LECCIONES DE BUEN AMOR (Rafael Gil, 1943). España. 64’ AMÉN JESÚS (Miguel Ángel Cóndor, 1969). España. B/N. 9’ Un año después de su paso por las sesiones online de Filmoteca Práctica de segundo año de la Escuela Oficial de Cinematografía Española, recuperamos este largometraje en el que Rafael Gil que hace un inclasificable retrato de la Semana Santa. adaptó a Jacinto Benavente, ahora con subtítulos adaptados.

9-16 ABRIL 16-23 ABRIL

LA NUEVA ILUSTRACIÓN ESPAÑOLA: CAPÍTULO 0 (Basilio LA NUEVA ILUSTRACIÓN ESPAÑOLA: CAPÍTULO 1 (Basilio Martín Patino y José Luis García Sánchez, 1984). España. 36’ Martín Patino y José Luis García Sánchez, 1984). España. 72’ Serie de dos capítulos, diseñada para ofrecerse como una Serie de dos capítulos, diseñada para ofrecerse como una publicación periódica a través de cintas de vídeo, que recoge publicación periódica a través de cintas de vídeo, que recoge imágenes y sonidos que forman parte de nuestra vida diaria y imágenes y sonidos que forman parte de nuestra vida diaria y los selecciona con la intención de estimular la reflexión social. los selecciona con la intención de estimular la reflexión social.

23-30 ABRIL 30 ABRIL-7 MAYO

CORTOMETRAJES DE PÍO CARO BAROJA LA ÚLTIMA CINTA (Claudio Guerín Hill, 1969). España. 52’ Selección de cortometrajes dirigidos por el documentalista Pío Adaptación televisiva de la obra de teatro de Samuel Beckett, Caro Baroja, que a lo largo de toda su obra se dedicó a explorar La última cinta de Krapp, que narra la historia de un hombre y retratar las diferentes formas del folclore en España. recluido que pasa sus días escuchando grabaciones que hizo en su juventud. Cine-espectáculo

INSTRUMENTOS PARA VER

on el espanto de los ataques del 11-S todavía en las retinas, el crítico Charles Tesson escribió un texto memorable. “Aquellos que apresuradamente sostienen que el cine de catástrofes, gracias a los efectos digitales, constituye la disposición de un mundo en el que toda Cacción espectacular no tiene alcance ni consecuencias reales (no es más que un film, solo un juego con el que entretenerse), se quedan boquiabiertos cuando, de pronto, asisten al guion de esta película, junto a sus imágenes, desarrollándose de verdad ante sus ojos”. En su análisis de las retransmisiones en directo que convulsionaron las formas de relacionarse con las imágenes del espectador contemporáneo, el entonces redactor-jefe de “Cahiers du Cinéma” ponía el acento en la naturaleza de la representación del terror y del espectáculo (o el espectáculo del terror). “Las imágenes del World Trade Center –continuaba– revelan una carencia, casi médica y orgánica, del cine americano en su conjunto. Se trata de la distancia insalvable entre la dimensión espectacular del segundo avión que atraviesa la torre y la dimensión humana, que la torna insoportable, inhabitable, como si el espectador, en su relación con la imagen, hubiera explotado por aquello que ve, por ese montaje imposible entre lo que descubre (el espantoso drama) y lo que recuerda (las reminiscencias del cine de catástrofes)”. Algo sin duda se quebró aquel día de hace veinte años en el ecosistema de las imágenes audiovisuales. Es posible que toda una idea del cine de espectáculo hollywoodense se hundiera con las torres. Como sabemos, esas mutaciones en la percepción y el impacto de las imágenes, aunque quizá no tan marcadamente concretadas como se puso de manifiesto en septiembre de 2001, han acompañado el cine desde sus inicios y en ocasiones definido sus formas futuras. No solo en lo referente al espectáculo del terror o de la catástrofe –con cintas pioneras como Deluge (1933) o San Francisco (1936)–, sino en todos su géneros y variantes. No han sido pocos los momentos de la preindustriales, y que de algún modo ha vuelto a resurgir en el siglo historia, algunos determinantes, en los que la pantalla se ha revuelto XXI, si bien nunca ha desaparecido en el desarrollo del medio, cuyo contra su propia crisis y ha reaccionado ofreciendo aquello que la lenguaje viene determinado por su técnica. distingue de cualquier otra forma de ver cine, es decir, el espectáculo En el actual ecosistema de imágenes narcóticas que nos rodean, cinematográfico. Bien sea con el sonido y la música, con el color o cabe preguntarse hasta qué punto la creación de nuevas imágenes la amplitud del plano, con novedosos efectos especiales, grandes pueden alterar o redefinir determinadas percepciones que establecen producciones o mediante experimentaciones visuales que redefinen nuestro modo de relacionarnos con el mundo. Ciertamente, las las formas de percepción de la imagen-realidad, el ciclo que arranca mismas ideas visuales han ido variando con la introducción del este mes congregará un recorrido hasta nuestros días que revela los sonido, de la pantalla panorámica, los nuevos tipos de películas, los modos en que el cine de distintos periodos históricos, geografías y dispositivos de cámara, la digitalización y virtualidad de la imagen, culturas ha convocado la monumentalidad de la épica pero también y sin duda la tecnología ha sido un elemento clave para modificar la épica de la intimidad, el espectáculo del macrocosmos y el las posibilidades creativas de los cineastas, pero la reflexión sigue microcosmos, del sexo y del amor, el de la historia y el de nuestro siendo ineludible. ¿Dónde está el espectáculo? Es más, ¿es todavía presente, el del crimen y la violencia, el de la tecnología o la magia… posible? ¿Conservan los espectáculos cinematográficos de otros el espectáculo, en definitiva, del ser humano. tiempos su capacidad de sorpresa, de impacto en las percepciones Tomando su raíz etimológica, el “espectáculo” ofrece un “instrumento del espectador contemporáneo? La penetración social del cine a para ver” (del latín spectare: ver; y culum: medio, instrumento), y través de plataformas digitales se ha acelerado con la coyuntura en gran medida la serie de títulos que conforman el ciclo “Cine pandémica, y una vez más la pantalla cinematográfica está en riesgo espectáculo. Apaguen sus kinetoscopios”, que se desarrollará en de extinción. Cuando se está produciendo el tímido y precavido las pantallas del Doré a lo largo de tres meses, han posibilitado regreso al ritual de la sala oscura, bajo cambiantes restricciones, a los espectadores del siglo XX y parte del siglo XXI poder “ver es acaso el momento de recordar que la esencia del espectáculo mejor” determinadas realidades, imaginarios y emociones. El ciclo cinematográfico sigue intacta. pretende en cierta forma, desde la evidencia histórica pero también Para mostrarse realmente como son, los títulos que conformarán desde el criterio subjetivo asociado a las formas de percepción del este ciclo deben experimentarse en pantalla grande, en una sala espectáculo cinematográfico (explicado en los textos del programa oscura, con otros públicos. Apaguen por tanto sus kinetoscopios y dedicados a cada película del ciclo), proponer un grueso de títulos regresen al cinematógrafo. Sigue siendo el mejor instrumento para que, en ocasiones de forma programática desde el seno de la ver (mejor) y comprender nuestro mundo. producción industrial y en ocasiones desde la radical exploración artística, emergen como expresiones del arte cinematográfico destinadas a forzar las enormes posibilidades del medio, que Carlos Reviriego en el mejor de los casos lo han propulsado hacia una dirección Director de Programación desconocida entonces. Hay sin duda en el arte cinematográfico Filmoteca Española una pulsión inherente que responde a la “emoción de la técnica”, que fue especialmente importante en sus primeros balbuceos Cine espectáculo Cine espectáculo

2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO (Stanley Kubrick, 1968) «Su magnificencia, su elegancia, su perfección son absolutamente 2001: A Space Odissey intimidantes. Por más que pasen los años por ella –¡y ya va más de medio siglo!–, su espectacularidad nos hace pequeños, indefensos frente a las posibilidades del lenguaje fílmico, que en las manos de los grandes maestros como Kubrick puede incluso competir con la filosofía, la metafísica y hasta la ciencia espacial. Pocos autores han escalado montañas tan altas en el arte cinematográfico como Stanley Kubrick, y 2001: una odisea del espacio es sin duda su cima, el olimpo desde el que admirarle, la gran obra maestra de la modernidad que propulsó el cine a un lugar hasta entonces desconocido… y quizá nunca más revisitado. La espectacularidad del film viene dada por la absoluta perfección de su planteamiento y su ejecución, que aún hoy deja en pañales a multimillonarias obras de ciencia-ficción, pero sobre todo por la poesía visual en perfecta combinación con el rigor tecnológico y científico. Trazar la historia de la humanidad en una elipsis, hacer bailar la galaxia al ritmo de Int.: Keir Dullea, Garry Lockwood, William Sylvester, Daniel Ritcher. El Danubio azul, convencernos de que las máquinas pueden ser más Reino Unido, EEUU. DCP. VOSE. Color. 149’ humanas que los hombres o explorar los límites del cosmos más allá del infinito, hasta prácticamente hacer desaparecer las nociones El descubrimiento de un misterioso artefacto en la Luna provoca el de espacio y tiempo, son conquistas del relato cinematográfico (y lanzamiento de una misión espacial destinada a hallar su origen y, su espectacularidad) de tal magnitud que aún nos preguntamos quizás, el origen de la raza humana. cómo fue posible que en 1968 una odisea así pudiera realmente consumarse. Quizá solo el monolito de Kubrick, es decir, el legado «La ciencia ficción murió después de 2001». (Ridley Scott) de su inteligencia, tiene la respuesta». (Carlos Reviriego) «Me hizo sentir que las películas podían conseguir cualquier cosa. Lo Copia restaurada por Warner Bros. y supervisada por el cineasta que Kubrick logró en 1968 simplemente se negaba a tener en cuenta que Christopher Nolan. Segunda proyección en junio. había ciertas reglas que tenías que cumplir en términos de narrativa». (Christopher Nolan)

Sábado 3 · 19:00 · Sala 1

Copia restaurada VENTA DE ENTRADAS ONLINE 24 25 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine espectáculo Cine espectáculo

AKIRA (Katsuhiro Otomo, 1988) «Si la llegada de Rashomon al Festival de Venecia en 1951 supuso, para todo el universo cinéfilo occidental, el descubrimiento de Asia como fuerza cinematográfica indiscutible, Akira logró algo similar para la animación japonesa. Aunque la industria del anime se había abierto camino en Europa y Estados Unidos ya en los setenta, principalmente a través de la televisión, la aparición de esta brutal ametralladora de imágenes (parafraseando a Tony Rayns) fue el verdadero cambio de paradigma. Katsuhiro Otomo, adaptando su propia serie de cómics y manejando el mayor presupuesto hasta la fecha de la historia del cine de animación japonés, logró derribar todas las fronteras, generando un boom mundial del anime y el manga que aún pervive, pulverizando la convicción occidental de que la animación era un juego de niños y marcando a toda una generación de adolescentes. Pocas películas han mostrado el potencial de la animación para la hipérbole, la furia y el ruido como Akira, un film que empieza con una explosión y no para de subir y subir. Es Japón. DCP. VOSE. Color. 124’ fácil sentirse confuso ante su exuberancia argumental, resultado de comprimir cientos de páginas del manga original en poco más La ciudad de Neo-Tokio, construida sobre las cenizas de la antigua de dos horas, pero como en cualquier gran espectáculo, la trama capital de Japón, destruida por una inmensa explosión, se vuelve a es un poco lo de menos. Tras toda su abundante violencia física y enfrentar al desastre cuando un experimento militar fallido pone en verbal, su laberíntica ciudad cyberpunk, su miríada de personajes y riesgo la propia existencia de la especie humana. sus millones de referencias late un objetivo más sencillo: sentir el descontrol y la rabia, la angustia existencial de un adolescente en «La extrañeza de Akira es muy sorprendente, en ocasiones una sociedad tan alienante y a la vez rica en posibilidades como la desconcertante. Pero hay un éxtasis de muerte en la visión de japonesa en los años 80». (Pablo López) un mundo entero que llega a su fin y renace como algo totalmente distinto». (Peter Bradshaw) Copia restaurada por Kodansha y supervisada por el director, Katsuhiro Otomo.

Viernes 30 · 19:45 · Sala 1

Copia restaurada VENTA DE ENTRADAS ONLINE 26 27 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Cine espectáculo Cine espectáculo

APOCALYPSE NOW (Francis Ford Coppola, 1979) «Pocas películas pueden competir a la altura de su leyenda como lo hace esta infernal producción bélica, libre adaptación de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad, con la que Coppola no quiso solo hacer una película sobre Vietnam, sino arrojar al espectador al infierno y la demencia de una guerra perdida, inútil. Su legendario y larguísimo rodaje en las selvas de Filipinas no solo sobrepasó toda previsión presupuestaria –el propio Coppola hipotecó su casa para aportar 7 millones de dólares de su bolsillo–, sino que se enfrentó a los elementos más adversos –desde tifones que paralizaron el rodaje durante meses hasta un protagonista alcohólico que sufrió un infarto de miocardio en pleno rodaje, pasando por diversos intentos de suicidio del propio director y sus constantes peleas con la estrella Marlon Brando para que entregara la interpretación definitiva–, poniendo al límite las fuerzas y la cordura de todos los integrantes. Todo ello está presente en los fotogramas de esta película absolutamente irrepetible, portadora de todo el ruido y la Int.: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Frederic Forrest. EEUU. furia de una guerra salvaje y demencial –era la primera vez que DCP. VOSE*. Color. 196’ se grababa con el sistema Dobly Stereo Surround 70mm–, y cuyas imágenes han sido objeto de culto, en distintas versiones del film, Durante la guerra de Vietnam, un oficial de los Estados Unidos recibe la para las sucesivas generaciones». (Carlos Reviriego) misión de adentrarse en la selva de Camboya y asesinar a un coronel La copia que se proyecta es la de la versión conocida como “Redux”, que está fuera de control. un remontaje llevado a cabo por Francis Ford Coppola y Walter Murch en 2001 para reintegrar escenas descartadas en la versión original «No es una película sobre grandes ideas que se revelan al llegar al final de 1979. del camino. No es una película sobre grandes ideas en absoluto, ni sobre Kurtz sentado en su templo a la muerte, mostrando con orgullo su calva. Como en toda película estadounidense, como con los propios Estados Unidos, lo importante en la película de Coppola no es el final del camino, es lo que supone llegar ahí. Lo importante es el viaje, lo importante es hacer películas. Aún lo es». (Manohla Dargis)

Domingo 25 · 18:30 · Sala 1

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DELUGE (Felix E. Feist, 1933) «Durante años se consideró una película perdida, hasta que apareció en una copia de pobre calidad doblada al italiano. Se trata del Santo Grial de los films de catástrofes. En 2016, Lobster Films y The Library of Congress localizaron elementos originales en 35mm del film, incluyendo el audio original en inglés, y a partir de ahí se realizó la meticulosa restauración que hoy conocemos. Debut en la dirección del productor y director Felix E. Feist, quien se labró una considerable trayectoria en el Hollywood pre-código, Deluge se mantiene todavía hoy a la altura de su reputación casi mítica. No solo las secuencias de destrucción de Nueva York como consecuencia de los efectos de un terremoto en el Pacífico son realmente extraordinarias, sino que el drama de supervivencia en las ruinas adquiere un oscuro candor mucho más complejo de lo que se puede esperar de una producción de los años treinta. Las películas de catástrofes y los survival movies que se pusieron de moda en los años setenta, y que el cine post-11S recuperó para seguir ocupando hasta el día de hoy Int.: Peggy Shannon, Lois Wilson, Sidney Blackmer, Mat Moore. EEUU. buena parte de las producciones blockbuster, están todas en deuda DCP. VOSE*. B/N. 70’ con esta película seminal en su género que, 90 años después de su realización, aún nos obliga a preguntarnos cómo diablos pudo La Costa Oeste de Estados Unidos es arrasada por un enorme terremoto. hacerse». (Carlos Reviriego) La tragedia se vuelve aún peor cuando el terremoto termina causando Copia restaurada por Lobster Films. también una gran inundación que podría llevarse la Costa Este por delante.

«Bienvenidos a Deluge, uno de los primeros ejercicios de especulación eco-apocalíptica de Hollywood. Es una película lunática, excitantemente lunática, que podría haber dirigido Abel Gance en la cumbre de su descontrolada megalomanía o en su época de menor apoyo financiero. […] Felix Feist debutó en el largometraje con ella cuando tenía solo 23 años, tras haber dirigido apenas unos pocos cortometrajes pedagógicos sobre deportes y algunas peliculitas de Robert Benchley. ¿Quién demonios le hizo el encargo? ¿Fue la propia Madre Naturaleza? Después volvería a hacer largometrajes, pero ninguno tan naif, tan hipnótico, como esta riada de qué-pasaría-sies». (Guy Maddin) Viernes 16 · 20:45 · Sala 1

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EL CABALLO DE TURÍN (Béla Tarr y Ágnes Hranitzky, 2011) «En el fundido, una imagen se convierte en otra. En el fundido a A torinói ló negro, una imagen es devorada por la oscuridad. Es lo que en término anglosajón se conoce como el fade out, es decir, el gesto de desaparecer. Quizá el húngaro Béla Tarr imaginó el fundido a negro más elemental, (meta)físico y perfecto de la historia del cine. Fue su último gesto, también, como cineasta. Tiene sentido desde el momento en que en un mundo pequeño y hostil, recluido en una casa de piedra aislada en un páramo, pone en escena un Apocalipsis que coincide, en los primeros compases del tercer milenio, con toda una serie de producciones que fabularon con el Armageddon de todas las formas posibles y mediante toda suerte de cataclismos espectaculares. Toda la película, fotografiada en blanco y negro por el alemán Fred Keleman, es un consciente ejercicio de dialéctica entre la luz y la oscuridad, una batalla entre las intensidades y los desvanecimientos de la iluminación, entre la presencia y el vacío. El trabajo sonoro, a su vez, es tan narrativo y poético como el trabajo Int.: János Derzsi, Erika Bók, Mihály Kormos, Ricsi. Hungría. 35 mm. visual. La experiencia es completamente física, corpórea y palpable. VOSE. B/N. 155’ Béla Tarr demuestra que el mejor efecto especial para recrear el fin de todas las cosas, el más aterrador, es un simple, elemental, Basándose en una anecdota de la vida del filósofo Friedrich Nietzsche, perfecto fundido a negro. Ingresamos en el vacío, la nada. O el relata como un granjero se ve obligado a enfrentarse al hecho de que su espectáculo del negro arrojando luz cuando la luz se desintegra». caballo es un ser mortal. (Carlos Reviriego)

«El mundo de El caballo de Turín no se descubre o se enseña, no se relata, se examina o se muestra. Simplemente está ahí, en cada momento, tanto como es posible y más de lo que creemos que podemos soportar, desafiándonos a, simplemente, ser conscientes de ello». (Jonathan Rosenbaum)

Domingo 11 · 19:00 · Sala 1

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EL LADRÓN DE BAGDAD (Ludwig Berger y Michael Powell, 1940) «Respuesta de Alexander Korda al colorido de El mago de Oz, que The Thief of Bagdad se había realizado el año anterior, esta versión de la clásica fábula de origen árabe es, simplemente, una de las grandes aventuras cinemáticas jamás filmada. Se trata de la primera producción que se rodó con blue screens (pantallas azules), el ingenio original que ha evolucionado hasta los actuales rodajes con pantallas verdes para integrar elementos CGI en la acción, llevados a un nuevo nivel de percepción por las hermanas Wachowski, James Cameron, Peter Jackson y, sobre todo, las producciones de superhéroes. Esta técnica es la que permite que actores y modelos a escala interactúen en situaciones totalmente imaginarias dando una plena sensación de realismo fotográfico. Hoy esta técnica, que ha virado de lo físico a lo virtual, está tan extendida que ni nos damos cuenta, si bien cuando Korda produjo la cinta –que llegó a contar con seis directores distintos durante la producción– el efecto óptico que generaba la dimensión del genio de la lamparita y el ladrón Abu cuando comparten plano Int.: Conrad Veidt, Sabu, June Duprez, John Justin. Reino Unido, EEUU. era de una espectacularidad sin precedentes». (Carlos Reviriego) DCP. VOSE*. Color. 106’

Cuando el malvado Jaffar engaña al rey Ahmad para echarlo del palacio, este decide aliarse con el ladrón Abu para luchar por su trono, su ciudad y el amor de su vida.

«Es una de las grandes películas de entretenimiento. Eleva el espíritu. Una de las primeras en adoptar el Technicolor, usa el color con arrojo y exuberancia, componiendo un arcoíris con el vestuario. Tiene aventuras, romance, canciones y una banda sonora de Miklos Rosza que un crítico calificó como “una sinfonía acompañada por una película”. Tuvo múltiples directores; como productor, Alexander Korda cambió de caballo varias veces durante la carrera. Aun así, mantiene un espíritu constante, el espíritu de contar una historia con excitado entusiasmo». (Roger Ebert)

Sábado 10 · 17:00 · Sala 1

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EL MISTERIO PICASSO (Henri-Georges Clouzot, 1955) «El misterio de Picasso es el misterio de la creación, o lo que es Le mystere Picasso lo mismo, del arte en su máxima expresión, ese que la cámara se atrevió a decodificar, o al menos a poner en evidencia, mediante una sencilla pero novedosa puesta en escena cinematográfica. Tomando la forma de un lienzo-espejo, nunca antes una cámara (el espectador) había sido testigo privilegiado y exclusivo de cómo nace, crece y culmina la obra de un gigante, el pulso de su improvisación, el trazo de su genio en el apogeo de su arte y popularidad. Picasso en su estudio invoca a las musas y crea de la nada una serie de dibujos que cristalizan en algo muy parecido al autorretrato. Solo para el espectador. La insólita técnica de registro fotográfico, reproducida muchas veces después, se inspira en la que unos años antes desplegara el ingeniero y fotógrafo Gjon Mili para la revista “Time” en el histórico reportaje conocido como las “pinturas de luz” de Picasso. Semejante ingenio técnico se traduce para la pantalla en un dispositivo que permite entrar, en tiempo real, sin filtros ni Francia. DCP. VOSE*. Color y B/N. 78’ manipulaciones de montaje, en el “proceso secreto” de la creación artística, en definitiva, en el espectáculo de la creación. No es solo Película documental que permite observar el trabajo del pintor Pablo una película sobre el arte, sino sobre los límites y misterios de la Picasso en el momento de su creación. creación humana». (Carlos Reviriego)

«La pintura es realizada directamente sobre la imagen cinematográfica, y puede ser seguida en vivo por el espectador. […] La inventiva de Henri- Georges Clouzot hace de este documental de arte un film de suspense, de aventuras, un drama psicológico y un dibujo animado, todo a la vez». (Charlotte Garson)

Jueves 8 · 17:00 · Sala 1

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ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE (Steven Spielberg, 1977) «Dijo François Truffaut que “cuando una película alcanza cierto Close Encounters of the Third Kind éxito, se convierte en un acontecimiento sociológico”. Tal fue el caso con este largometraje de Steven Spielberg, en el que el propio Truffaut interpreta a un científico explorando las posibilidades de vida extraterrestre, y que en la América post-hippie fue recibido como si fuera un mensaje religioso o una expresión del new age. Era la primera vez, en todo caso, que el cine americano retrataba a los alienígenas como seres civilizados, criaturas afectuosas y con inteligencia emocional, determinados a establecer contacto con la raza humana, de modo que el terror y la paranoia hacia la invasión extraterrestre que ocupó el grueso de la ciencia-ficción en los años 50 (como metáforas de la amenaza comunista) daba lugar a una nueva forma de relación social con el imaginario alienígena. El director de Tiburón alcanzó con esta película la plenitud de su lenguaje basado en el denominado “Spielberg Face” (y que ha desarrollado en toda su filmografía hasta hoy), es decir, mostrar lo espectacular mediante la Int.: Richard Dreyfuss, Teri Garr, Melinda Dillon, François Truffaut. EEUU. reacción de asombro en los rostros de los personajes. Las palabras DCP. VOSE*. Color. 138’ no pueden llegar a definir lo que están viendo, ni siquiera una imagen de aquello que ven, pero la expresión en sus miradas, y el efecto- Tras vivir sucesos imposibles de explicar, dos individuos se convencen grúa para acercarse lentamente a ellas, expresan una gama de de que una inteligencia extraterrestre está a punto de contactar con la emociones que a veces no hacen necesario mostrar el contraplano. raza humana. El emocionante tercio final de la película representa un verdadero hito estético y de producción, en el que los juegos de luces y sonidos «Una gran película es aquella que puede coger incluso al más amargado alumbran un nuevo lenguaje: el insuperable (hasta hoy) espectáculo de los espectadores y llenarle con un sentimiento de excitación, alienígena». (Carlos Reviriego) maravilla y pura euforia. […] Una verdadera gran película […] es la que es capaz de lograr eso incluso con espectadores décadas después de su La copia que se proyecta es la de la versión conocida como “Montaje estreno». (Peter Sobczynski) del director”, supervisada por el director, Steven Spielberg, y estrenada en 1999.

Miércoles 21 · 19:30 · Sala 1

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KING KONG (Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper, 1933) «Ni la megalómana producción de Peter Jackson del siglo XXI, ni por supuesto la roma reescritura setentera en el apogeo de los films de catástrofes, así como las secuelas posteriores, han menguado un ápice el asombro que sigue generando esta conquista seminal, y sus efectos especiales de naturaleza artesanal, en el espectador de hoy. Los movimientos del monstruo, filmados con la técnica animada del stop-motion, fueron posibles a partir de la creación de un modelo del simio gigante de 18 pulgadas, construido por Willis H. O’Brien. Se trata de las primeras maquetas de animación realizadas con esqueletos de metal y junturas de alambre, que permitían al muñeco moverse con mayor agilidad y crear una ilusión de vida hasta entonces insólita, cubriendo el esqueleto con músculos de goma que se contraían y con piel de látex y pelo de conejo. A partir de King Kong y su arrollador éxito –salvó a la RKO de la bancarrota recaudando la cifra récord, por entonces, de 90.000 dólares en el primer fin de semana–, a la industria le quedó claro que la animación fotorrealista Int.: Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot, Frank Reicher. EEUU. en combinación con el registro cinematográfico puede alumbrar DCP. VOSE. B/N. 100’ universos fantásticos llenos de posibilidades, que los microcosmos de juguete adquieren una extraordinaria espectacularidad en la gran Una expedición se dirige a una isla misteriosa para rodar una película. pantalla». (Carlos Reviriego) Una vez ahí, el secuestro de la actriz principal por un simio gigante comenzará una aventura que terminará en lo alto del Empire State de Nueva York.

«Cuando se estrenó en 1933, King Kong fue recibida con un asombro sin precedentes. […] Durante décadas, ninguna película de monstruos fue capaz de arrebatarle el pedestal, gracias en buena medida al personaje titular y al trabajo de stop-motion del mago Willis O´Brien. […] Cautivó a la audiencia y dio pie a un romance entre el mundo y un simio gigante». (James Berardinelli)

Sábado 17 · 17:00 · Sala 1

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LA GRAN COMILONA (Marco Ferreri, 1973) «Crónica de la gula y el autodesprecio, cuando Marco Ferreri puso La grande bouffe en escena esta historia de cuatro amigos determinados a suicidarse por empacho gastronómico, latía la ambición de representar para las cámaras el espectáculo de la decadencia, de modo que los ojos del espectador fueran testigos de los mecanismos de la degradación humana. Muy exitosa al tiempo que extraordinariamente polémica, los críticos decidieron tomar postura y atacarla o bien porque se trataba del film más desagradable y decadente de la historia del cine francés o bien debido a su radical, salvaje ataque al establishment de la burguesía gala, difuminando las fronteras entre el ser humano y el cerdo. El film golpea la sensibilidad del espectador hasta dejarlo exhausto, en una experiencia en la que se combina la náusea, el cinismo y la obscenidad sin solución de continuidad. La gran comilona nos reafirma en la idea de que las imágenes nunca son inocentes, al tiempo que refuerza nuestra fe en el potencial expresivo del cine para ofender y violentar al espectador». (Carlos Reviriego) Int.: Marcello Mastroianni, Michel Piccoli, Philippe Noiret, Ugo Tognazzi. Francia. DCP. VOSE. Color. 130’

Un grupo de hombres va a un pueblo de Francia con un propósito: matarse comiendo.

«La metáfora aquí es claramente obvia: estos cuatro hombres son un reflejo del desprecio de Ferreri por el capitalismo burgués. Tan egoístas y corrompidos por el exceso están estos hombres que preferirán satisfacerse ellos mismos hasta la muerte que practicar algún tipo de autocontrol». (Jenna Ipcar)

Sábado 24 · 19:45 · Sala 1

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LOLA MONTES (Max Ophüls, 1955) «Único film en color que filmó, broche de oro a su carrera Lola Montès cinematográfica, el maestro Max Ophüls se despidió con una obra crucial para recorrer los grandes puntos de giro en la estética cinematográfica. Con Lola Montes abrió el ancho de la pantalla para, según el gran crítico Andrew Sarris, completar “la película más grande de todos los tiempos” y, tal y como apuntó François Truffaut, “extraer el máximo potencial del Cinemascope por primera vez”. Y efectivamente será difícil encontrar un aprovechamiento tan inusual y poético del formato expandido que emprendía su propia batalla contra la popularización de la ficción televisiva, mediante planos barrocos, sobrescritos, divididos en zonas especialmente definidas que actúan como metáfora espacial de las relaciones que establecen las pasionales y apasionadas criaturas del drama. La historia del personaje histórico español cuya belleza arrastró a la perdición a tantos hombres relevantes de la aristocracia europea retrata en última instancia el modo en que un cuerpo objeto de Int.: Martine Carol, Peter Ustinov, Anton Walbrook, Ivan Desny. Francia, escándalo burgués deviene en atracción de feria. El espectáculo RFA. DCP. VOSE. Color. 116’ del circo ejerciendo como filtro distanciador de naturaleza casi brechtiana nos permite comprender por qué la influencia de Ophüls Mientras trabaja en un circo, una bailarina recuerda sus aventuras se manifestó en cineastas tan divergentes como Stanley Kubrick, amorosas, cuando sedujo a algunos de los hombres más importantes Jacques Demy o Todd Haynes». (Carlos Reviriego) de la Europa de mediados del siglo XIX.

«El comentario definitivo de Ophüls sobre el acto de ver cine. […] Es su visión más audaz de una película como medio que reverencia la belleza con la intención de promover y al mismo tiempo ridiculizar los sueños». (Fernando F. Croce)

Viernes 9 · 20:00 · Sala 1

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NIÁGARA (Henry Hathaway, 1953) «El erotismo de la naturaleza o la naturaleza del erotismo. ¿Cómo Niagara se filma algo así? Henry Hathaway filmó este thriller en torno a la atracción sexual y sus crímenes poniendo en relación la “espectacularidad” de dos fenómenos de la naturaleza. El apabullante espectáculo de las cataratas del Niágara, forzando hasta el límite el ancho de la pantalla, compite así con la corpórea sensualidad de Marilyn Monroe, filmada por primera vez en esplendoroso Technicolor, en un papel de múltiples rostros en el que encarnó su único rol de villana para poner en escena “un torrente de emoción que la naturaleza no puede controlar”, según la llamada promocional del film. El popular paseo de su personaje, Rose Loomis, por las calles empedradas ostenta el récord todavía del paseo más largo en la historia de Hollywood: 116 pies de celuloide. Sin duda, para Hathaway primó el sentido atmosférico y la cualidad carnal de las imágenes respecto a los pliegues narrativos del relato noir. No es un thriller compacto en su aspiración claramente hitchcockiana, pero Int.: Marilyn Monroe, Joseph Cotten, Jean Peters, Casey Adams. EEUU. ni siquiera el maestro del suspense en Con la muerte en los talones DCP. VOSE*. Color. 92’ exploró la perversa psicología y las emociones de sus personajes a través de los espacios geográficos por los que transitan, y que sin Cuando dos parejas coinciden en un viaje a las cataratas del Niágara, la duda les define». (Carlos Reviriego) tensión entre una de ellas acaba conduciéndoles al crimen.

«Un habitual lugar común dice que los estadounidenses se sienten cómodos con la violencia cinematográfica de la misma forma en que no se sienten cómodos con la sexualidad en el cine. Puede que sea cierto, pero también es cierto que el erotismo de Marilyn Monroe es un acto de violencia, una distorsión del orden heterosexual natural y esperable tan extrema que resulta destructiva». (Philippa Snow)

Jueves 29 · 20:15 · Sala 1

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RAN (Akira Kurosawa, 1985) «Esta reescritura épica de la shakesperiana El rey Lear, situada en el Japón feudal, no tiene parangón en su modo de combinar la grandilocuencia y el lirismo, el cromatismo visual con el realismo emocional. Cualquier elemento que mencionemos desde el concepto al desarrollo fotográfico, el guion y la acción de las batallas, el montaje, las interpretaciones, el sonido, la música, vestuarios y maquillaje...– solo viene a confirmar el compromiso absoluto de Akira Kurosawa con su oficio, con el cine, y su creencia en las posibilidades del séptimo arte para capturar un espíritu y una emoción y embalsamarlo en celuloide para la posteridad. Ran, que significa “caos”, logra transformar el horror de la existencia en arte y belleza, creando una conmoción en el espectador que solo puede encontrar una respuesta válida en el silencio, la estupefacción. Si de 1950 a 1965 el director japonés realizó doce películas, Ran fue su cuarto film en veinte años, debido a la dificultad de reunir financiación para una épica que llevaría al límite los recursos humanos y materiales para Int.: Tatsuya Nakadai, Akira Terao, Jinpachi Nezu, Daisuke Ryu. Japón, su producción, comandada por Serge Silberman. El relato es tanto un Francia. DCP. VOSE*. Color. 162’ ensayo sobre el orgullo y la decadencia del ser humano cegado por el poder como sobre el arte de la guerra, que Kurosawa representó Llegado el momento de repartir su reino, un señor feudal tiene un en la pantalla no solo desde la monumentalidad de la épica sino enfrentamiento con uno de sus tres hijos y acaba enviándole al exilio. desde la exploración de las pasiones y la psicología humanas, en Este suceso le llevará a descubrir que la lealtad de sus hijos no es tal y una operación de refinado y sofisticación que concentraba todo como parecía a primera vista. lo explorado en sus épicas samuráis precedentes a lo largo de las décadas». (Carlos Reviriego) «De las más grandes adaptaciones de Shakespeare. Es posible que Copia restaurada por StudioCanal y Kadokawa Pictures y supervisada la forma en que la película de Kurosawa saca El rey Lear de su terreno por Masaharu Ueda, codirector de fotografía de la película. habitual sirva precisamente para comprender mejor la base de la obra de Shakespeare: esa arrogancia y egocentrismo humanos que, en el momento de la muerte, necesita creer que el mundo será un lugar más pobre y pequeño cuando nos vayamos». (Peter Bradshaw)

Miércoles 7 · 19:00 · Sala 1

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TETSUO, EL HOMBRE DE HIERRO (Shinya Tsukamoto, 1989) «”Cine espectáculo” ofrece, entre otras cosas, la posibilidad de Tetsuo ver dos películas japonesas que comparten una misma búsqueda, aunque la lleven a cabo por senderos muy diferentes. Mientras que Akira (Katsuhiro Otomo, 1988) hace uso de una fastuosa e hiperdetallada animación, Shinya Tsukamoto tuvo que enfrentarse a su debut en el largometraje con la más absoluta falta de medios, rodando como podía y cuando podía. Sin embargo, la conexión entre ambas películas es evidente. Tanto Akira como Tetsuo parten de personajes alienados en sociedades alienadas que buscan una transformación, un nuevo estadio de la evolución humana, que les permita seguir viviendo. Ambas películas entienden el cine como una suerte de taladradora de estímulos, que golpea incesante el cerebro de sus espectadores hasta que las imágenes quedan remachadas en el lóbulo temporal y resulta imposible deshacerse de ellas. En ambas también, claramente influidas por la obra de David Cronenberg, se mezcla lo orgánico y lo mecánico de la misma manera que lo sexual Int.: Tomoroh Taguchi, Kei Fujiwara, Nobu Kanaoka, Shinya Tsukamoto. y lo violento. Incluso en sus técnicas, aparentemente diferentes, se Japón. DCP. VOSE*. B/N. 67´ pueden encontrar puntos de unión: Tsukamoto trabaja la imagen real casi como si fuera animación. Su película, igual que la de Otomo, no Un vulgar oficinista japonés empieza a transformarse en una entidad fue un éxito inmediato, sino que necesitó viajar fuera de Japón para capaz de controlar el metal a su antojo. convertirse en un fenómeno. Tras su paso por un festival italiano, donde se llevó el gran premio del jurado, el público fue poco a poco «En general, en mis películas siempre aparece la lucha de la persona cediendo a su fuerza anárquica y lisérgica, hasta convertirse en la que vive una vida normal, dentro de una sociedad normal, con un yo película de culto que hoy conocemos, esa en la que una imagen vale interior que se rebela y que termina formando una entidad distinta y menos que mil imágenes». (Pablo López) más fuerte». (Shinya Tsukamoto)

Jueves 22 · 20:15 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 50 51 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Agnès Varda. De mars à mai / De marzo a mayo

IDEALES Y SOMBRAS

no de los aspectos más fascinantes de la filmografía de Agnès Varda es la exploración, no solo de la realidad cotidiana de sus protagonistas, sino también del imaginario que sustenta dicha realidad. Tanto en sus ficciones como en sus filmes de corte más documental o ensayístico, Varda se interesa por el Urepertorio de imágenes, fantasías e ideales a partir del cual modelamos y somos modelados. Jane B. par Agnès V. es un complejo y juguetón film-retrato, donde Jane Birkin interpreta muchos roles distintos en escenas ficticias, al tiempo que se interpreta y se relata a sí misma en un constante diálogo con Varda. Conmovedora, generosa y formalmente inventiva, esta película se mueve con agilidad entre elaboradas composiciones pictóricas, atrevidas ideas de puesta en escena y cándidos momentos de confesión íntima (en los que Birkin habla sin tapujos sobre cómo se ve a sí misma, de su encuentro con Serge Gainsbourg, de su deseo por gustar y ser querida o de su pudor a la hora de mirar a cámara…). Varda no pretende mostrar a la mujer real bajo la imagen pública. Se trata, más bien, de evocar a la actriz a partir de fragmentos de vida – anécdotas, recuerdos, sueños, proyecciones, comentarios– y de dejar que estos se superpongan, se confundan, e incluso se cuestionen los unos a los otros. “Eres la reina de la paradoja”, dice Varda a Birkin en un momento del film. Pero es precisamente esa paradoja –el deseo de Birkin por ser “conocida y desconocida”, especial y ordinaria, ella misma y la encarnación de fantasías ajenas– lo que fascina a Varda. Algo parecido sucede en Elsa la rose, emocionante film-retrato de la célebre pareja formada por Louis Aragon y Elsa Triolet. En este corto, el poeta invoca la infancia y juventud de Elsa, su encuentro, sus años juntos. Michel Piccoli lee los devocionales poemas de Aragon, inspirados por Elsa y dedicados a Elsa. Varda combina esto con filmaciones de fotografías y recreaciones de escenas –en una bella superposición temporal de pasado y presente–, así como con las declaraciones de que una mujer en crisis (interpretada por Birkin) siente por un adolescente la propia Triolet –que funcionan como contrapunto y extensión de la de catorce años: un bad boy en ciernes (interpretado por el hijo de imagen que el poeta da de ella–. En la presentación de este film, la propia Varda, Mathieu Demy) obsesionado con el juego de recreativas que da directora comenta: “Elsa me fascinaba porque aceptaba con valentía su título al film. Lo más sorprendente de la película es que la fuerte carga doble estatuto. Ella era la Elsa real, envejeciendo con gracia, compañera incestuosa de su escandalosa premisa –que hace de Kung-fu Master! y cómplice de Louis. Pero ella era también la Elsa soñada, la musa del un film casi único– termina, irónicamente, poniendo de manifiesto la poeta, la rosa absoluta, una Elsa mítica y adorada: Elsa la rosa”. locura (y la belleza) de toda exaltación romántica. En estos dos films-retrato, Varda no está intentando defender una En La felicidad, los postulados del amor romántico se cruzan con verdad a costa de otra. Lo que interesa a la directora es la tensión entre los del free love (prefigurando algunos de los temas que la directora imágenes y la suma de imágenes. Jane B. par Agnès V. es un film sobre exploraría posteriormente en su filmografía). François y Thèrese son Birkin como fantasía pública; pero también un film sobre las fantasías un matrimonio feliz; por las noches duermen apretados en una cama de Birkin y Varda. Un film que no toma las confesiones de la actriz diminuta; los domingos hacen picnics con los niños en el campo. Su como conclusión o meta, sino que las convierte en motor para llevar la vida es modesta y tranquila; su relación es simple, clara, sin reproches fantasía aún más lejos, para recrearla o reelaborarla, para releerla como ni complicaciones. Un día, François conoce a Émilie, una empleada un mito, para reinventarla como una escena en un film de género, para de correos. Ambos comienzan una aventura. Sin demasiado esfuerzo, investigarla como una pintura… Jane B. par Agnès V. es un verdadero François convence a las dos mujeres de que las ama a ambas. Ellas film-collage sobre la identidad como suma de imaginaciones. parecen aceptar este hecho sin muchos quebraderos de cabeza. Con su especial sensibilidad para el comentario irónico y la broma Varda retrata todo esto en perfectos encuadres de sabor costumbrista mordaz, la filmografía de Varda está llena momentos donde la directora y bucólico, con el acompañamiento musical de Mozart y haciendo un disecciona con astucia el imaginario y los clichés sobre los que se uso extraordinario de la potente expresividad del color (que engloba construyen, por ejemplo, las relaciones amorosas. En un pasaje de vestuario y decorados, pero también los omnipresentes arreglos Daguerréotypes –documental sobre los comerciantes y vecinos de la florales y el uso experimental de fundidos). La felicidad es un film que calle Daguerre–, la directora filma a varias parejas contando sus historias tiende a provocar respuestas dispares –cuando no opuestas– entre los de amor; pero el montaje –uno de los aspectos más elocuentes de su espectadores. Algunos tildarán a François de egoísta, otros de honesto; cine– funciona acentuando la intercambiabilidad de cada una de estas unos considerarán la historia naif, otros perversa; algunos entenderán “historias únicas”. En Placer de amor en Irán –spin-off de Una canta, otra el desenlace como oportunismo, otros como castigo. ¿Es la respuesta no– la cámara parece fundirse con la voluptuosidad de los amantes y de las mujeres sincera o están sometiendo su felicidad a los deseos del de la arquitectura; pero el corto termina con un gag feminista que pone hombre? Solo podemos conjeturar; y quizás el gesto más atrevido de de manifiesto el choque entre las fantasías masculinas y femeninas. Varda sea el de oscurecer el estatuto último de la tragedia que parte al film por la mitad. Quizás sea Kung-fu Master! –que surge de una idea inicial de Jane Birkin– el fruto más salvaje de esta querencia de Varda por exponer las Pero si la causa última de esta tragedia es ambigua, su efecto se paradojas y la inherente extrañeza de las fantasías amorosas. Kung-fu siente (e incluso se presiente) en uno de los cambios de tono más Master! es un melodrama autoconsciente sobre la pasión desgarradora extraordinarios de la filmografía de la directora. El despertar de François en el campo parece extender (y amplificar el efecto devastador de) el de la protagonista se ven súbitamente amenazados por prefiguraciones despertar de Anatole en Una partida de campo (Jean Renoir, 1936) –un de enfermedad y muerte. La felicidad comienza con el plano de unos film repetidamente evocado por Varda en La felicidad–. Si, en el film de esplendorosos girasoles y una familia que, desenfocada, se acerca Renoir, el despertar de Anatole pone fin al reencuentro de los amantes desde lo lejos; pero este plano es interrumpido insistentemente por otro y anula brutalmente toda posibilidad de revivir el pasado, el despertar donde vemos un girasol marchitándose. En Kung-fu Master! la pasión de François en La felicidad cancela repentinamente toda la idealizada desmedida de la historia central tiene como contrapunto las noticias primera parte del film que, súbitamente, parece escurrirse por el agujero sobre la expansión del VIH. En una fabulosa escena de Jane B. par de lo real. Agnès V., la eterna juventud de la Venus de un cuadro de Tiziano es atacada por una plaga de insectos. Es interesante comparar La felicidad con un film en apariencia muy distinto y con una sensibilidad feminista mucho más fácil de identificar: No hay felicidad sin dolor; no hay belleza sin putrefacción. Cada imagen Una canta, otra no. Mientras en La felicidad Varda explora –tanto ideal es perseguida por su sombra; cada ideal de vida debe lidiar, estéticamente como mediante la dramaturgia–, cierto ideal del amor también, con sus sombras y complicaciones. total y desinteresado, en Una canta, otra no la directora nos ofrece un retrato igualmente idealizado de la profunda y desinteresada amistad Cristina Álvarez López entre Pauline y Suzanne, que luchan por “conquistar la felicidad de ser mujer”. Si la primera se construye sobre las imágenes y clichés Crítica de cine asociados a la pareja y la familia, en la segunda, las canciones de Pauline ofrecen un repertorio de imágenes positivas de lo que significa ser mujer. Apreciar a Varda significa apreciar tanto su ojo incisivo a la hora de desmantelar estas fantasías como su evidente fascinación por ellas. Hay poco deseo por juzgar o diagnosticar en el cine de esta directora. “Estoy más interesada en los ensueños que en la psicología”, dice Con la colaboración de: Varda en Jane B. par Agnès. V. Y, en efecto, su cine puede cuestionar ciertos ideales, pero no los condena. Varda sabe que esos ideales son necesarios y está intrigada por su fuerza. En una película tan paradójica como La felicidad, quizás la única certeza que podemos extraer es esta: no hay manzana sin gusanos. Esta es una de las constantes más acentuadas del cine de la directora y aparece ya en sus primeros trabajos: en L’Ópera-Mouffe, los ensueños y percepciones de una Varda embarazada mientras pasea por el barrio dan lugar tanto a inflamaciones eróticas como a imágenes de vejez y declive. Cleo de 5 a 7 es un film donde los ideales de juventud y belleza Agnès Varda. De marzo a mayo Agnès Varda. De marzo a mayo

CORTOMETRAJES DE AGNÈS VARDA #1 CORTOMETRAJES DE AGNÈS VARDA #2

L’Opera-Mouffe Les Dites cariatides

Esta sesión reúne los primeros trabajos de Agnès Varda dentro del Sesión que reúne varios cortometrajes de Agnès Varda: el encuentro terreno del cortometraje, en los que ya se pueden ver buena parte de entre las cariátides de París y las palabras de Baudelaire; un agente los temas y estilos que marcarían su obra posteriores. inmobiliario que intenta vender dos veces seguidas la misma casa o una niña de 14 años que recibe como regalo un vestido diez veces más • L’Opéra-Mouffe (Agnès Varda, 1958). Francia. DCP. VOSE*. 16’ grande que ella. • Du côté de la côte (Agnès Varda, 1958). Francia. DCP. VOSE*. 25’ • Les Dites cariatides (Agnès Varda, 1984). Francia. BDG. VOSE*. 12’ • O saisons, ô châteaux (Agnès Varda, 1958). Francia. DCP. VOSE*. 20’ • Les Dites cariatides bis (Agnès Varda, 2005). Francia. DVD. VOSE*. 2’ • Les Fiancés du pont Mac Donald ou (Méfiez-vous des lunettes noires) (Agnès Varda, 1961). Francia. DCP. VOSE*. 5’ • 7p., cuis., s. de b., ... à saisir (Agnès Varda, 1984). Francia. DCP. VOSE*. 28’ Copia restaurada de O saisons, ô châteaux. Duración total de la sesión: • Le Lion volatil (Agnès Varda, 2003). Francia. BDG. VOSE*. 12’ 66’ • Les 3 boutons (Agnès Varda, 2015). Francia. DVD. VOSE*. 11’ Duración total de la sesión: 65’

Martes 13 · 18:00 · Sala 2 Jueves 22 · 19:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 58 59 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Agnès Varda. De marzo a mayo Agnès Varda. De marzo a mayo

CINÉVARDAPHOTO CARAS Y LUGARES (Agnès Varda y JR, 2017) Visages villages

Salut les Cubains

Compilación de tres piezas de Agnès Varda que giran en torno al Francia DCP. VOSE. Color. 94’ poder de la fotografía: el primero explora la sociedad cubana a través de fotografías tomadas por la directora en su viaje a Cuba en 1963; La cineasta Agnès Varda y el fotógrafo JR recorren Francia, fotografiando en el segundo, Varda entrevista a dos personas que aparecen en una a la gente que les rodea y compartiendo su forma de ver el mundo. fotografía tomada 30 años antes; por último, el tercero gira en torno a la artista Ydessa Hendeles y su particular universo. «Agnès Varda y el fotógrafo francés Jean René unieron fuerzas gracias a Rosalie Varda, hija de la directora. Varda y JR recorren juntos la campiña • Salut les Cubains (Agnès Varda, 1964). Francia, Cuba. DCP. VOSE*. para poner el foco en personas corrientes, dándoles una plataforma no B/N. 29’ solo para sus imágenes sino para sus voces». (Wang Muyan) • Ulysse (Agnès Varda, 1983). Francia. DCP. VOSE*. Color. 22’ Presentación a cargo de Rosalie Varda, hija y colaboradora de Agnès • Ydessa, les ours et etc… (Agnès Varda, 2004). Francia. BDG. VOSE*. Varda. Segundo pase en mayo. Color. 44’ Duración total de la sesión: 95’

Viernes 23 · 17:00 · Sala 1 Sábado 17 · 20:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 60 61 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Agnès Varda. De marzo a mayo Agnès Varda. De marzo a mayo

DAGUERRÉOTYPES (Agnès Varda, 1976) DOCUMENTEUR (Agnès Varda, 1981)

RFA, Francia. DCP. VOSE*. Color. 80’ Int.: Sabine Mamou, Mathieu Demy. Francia, EEUU. DCP. VOSE*. Color. 65’

Documental observacional con el que Agnès Varda retrata y rinde Ficción y documental se mezclan en esta historia sobre una mujer y su homenaje a la calle Daguerre de París, donde vivió durante varios años, hijo que buscan alojamiento en Los Ángeles. y a todos aquellos que formaban parte de su rutina diaria. «Hice esta película como si el dolor fuese un lugar a través del cual «No quería filmar un película política. […] Busqué, por el contrario, una circulamos. Yendo muy lejos, a través de un cierto desgarro, me preocupé aproximación completamente cotidiana. Trataba de captar su manera de la escritura cinematográfica, depuré los sentimientos dejando un de vivir, sus gestos. Hay toda una gestualidad de las relaciones humanas lugar en el que el espectador puede aportar sus propias sensaciones». en el interior de un pequeño comercio que me fascina». (Agnès Varda) (Agnès Varda)

Domingo 25 · 19:00 · Sala 2 Domingo 4 · 18:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 62 63 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Agnès Varda. De marzo a mayo Agnès Varda. De marzo a mayo

KUNG-FU MASTER! (Agnès Varda, 1988) LAS CIEN Y UNA NOCHES (Agnès Varda, 1995) Les Cent et une nuits de Simon Cinéma

Int.: Jane Birkin, Mathieu Demy, Charlotte Gainsbourg, Lou Doillon. Int.: Michel Piccoli, Marcello Mastroianni, Henri Garcin, Julie Gayet. Francia. DCP. VOSE*. Color. 80’ Reino Unido, Francia. DCP. VOSE*. Color. 104’

La historia de amor entre un adolescente y una mujer divorciada y con Las cien y una noches es una fábula-homenaje, llena de apariciones dos hijas. estelares, realizada con motivo de la celebración del centenario del cine, que narra lo que sucede cuando Monsieur Cinéma contrata a una «Jane estaba contenta por rodar con su hija (Charlotte). Yo estaba contenta joven estudiante para que le ayude a recordar las películas del pasado. de que Mathieu (mi hijo) hiciese esta película conmigo. Después, Charlotte Antes de la proyección de Las cien y una noches se podrá ver el y Mathieu cambiarán, tendrán el rastro de este trozo de sus vidas. Jane cortometraje T’as de beaux escaliers, tu sais (Agnès Varda, 1986). y yo tenemos la esperanza de guardar intensamente el recuerdo de este Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con Rosalie Varda, hija y momento que pasará. Que ya ha pasado». (Agnès Varda) colaboradora de Agnès Varda. Duración total aproximada de la sesión: 160’. Segunda proyección en mayo.

Jueves 29 · 18:00 · Sala 2 Miércoles 14 · 19:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 64 65 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Agnès Varda. De marzo a mayo Agnès Varda. De marzo a mayo

LAS SEÑORITAS DE ROCHEFORT (Jacques Demy, 1967) LES DEMOISELLES ONT EU 25 ANS (Agnès Varda, 1993) Les Demoiselles de Rochefort

Int.: Catherine Deneuve, George Chakiris, Françoise Dorléac, Jacques Francia. DCP. VOSE*. Color. 64’ Perrin. Francia. DCP. VOSE. Color. 120’ Documental en el que Agnès Varda explora el impacto de Las señoritas de Dos hermanas que viven en el pueblo costero de Rochefort sueñan con Rochefort, el musical de Jacques Demy estrenado un cuarto de siglo antes. marcharse lejos de allí y encontrar el amor. «Nadie ha olvidado Las señoritas de Rochefort, y menos aún la ciudad de «Su innegable triunfo es el de conseguir ser a la vez más artificial y Rochefort, cuya imagen actual es la de una “ciudad en la que se habla más realista de lo que esperamos que sean los musicales. Esto es, de cantando”. Con motivo de la fiesta organizada en junio de 1992 […] quise hecho, uno de los factores fundamentales que hacen de la película la filmar este evento único: una ciudad que celebra una película con la que quintaesencia francesa». (Jonathan Rosenbaum) se identifica». (Agnès Varda) Copia restaurada por los laboratorios DIGimage y supervisada por la Presentación a cargo de Rosalie Varda, hija y colaboradora de Agnès cineasta Agnès Varda. Varda. Segunda proyección en mayo.

Jueves 15 · 17:00 · Sala 1 Jueves 15 · 20:15 · Sala 1

Copia restaurada VENTA DE ENTRADAS ONLINE 66 67 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Agnès Varda. De marzo a mayo Agnès Varda. De marzo a mayo / La mirada verde

LES PLAGES D’AGNÈS (Agnès Varda, 2008) LOS ESPIGADORES Y LA ESPIGADORA (Agnès Varda, 2000) Les Glaneurs et la glaneuse

Francia. DCP. VOSE*. Color. 112’ Francia. 35 mm. VOSE. Color. 82’

Agnès Varda repasa su vida para la cámara: su infancia en Bélgica, el Documental que sigue a la cineasta a través de Francia en busca de todas descubrimiento de la fotografía y el cine, su pertenencia a la Nouvelle aquellas personas que, como forma de vida, se dedican a recopilar lo que Vague, su relación con Jacques Demy, su vejez… otros dejan atrás.

«Las playas son el paisaje más perfecto del mundo. No creo que la vida «A veces está en el azar el origen de las películas. Cuando estaba sea una subida hacia una cumbre, sino que creo en la horizontalidad, en tomando un café en el mercado, en un momento muy corto de tiempo vi la observación de unas vistas sin interrupción. […] Hacer esta película recoger a un grupo de personas los deshechos antes de que pasara el ha sido la labor de un pájaro que coge hojas que han caído de varios equipo de limpieza, y comencé una investigación». (Agnès Varda) árboles para hacer su nido». (Agnès Varda) Presentación a cargo de Marta García Larriu, directora de Another Presentación a cargo de Rosalie Varda, hija y colaboradora de Agnès Way Film Festival. Después de la proyección de Los espigadores y la Varda. Antes de la proyección de Les plages d’Agnès se podrá ver el espigadora se podrá ver el largometraje 2 años después (Los espigadores cortometraje Hommage à Zgougou (Agnès Varda, 2002). Duración total y la espigadora 2) (Agnès Varda, 2002). Duración total de la sesión: 160’ de la sesión: 150’. Segunda proyección en mayo. Sesión en colaboración con:

Viernes 16 · 17:00 · Sala 1 Martes 27 · 19:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 68 69 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Agnès Varda. De marzo a mayo Agnès Varda. De marzo a mayo

L’UNIVERS DE JACQUES DEMY (Agnès Varda, 1995) MUR MURS (Agnès Varda, 1981)

Francia, Bélgica, España. DCP. VOSE*. Color y B/N. 90’ Francia, EEUU. DCP. VOSE*. Color. 82’

Documental en el que Agnès Varda explora la obra del que fuera su Un documental que recorre las calles de Los Ángeles en busca de marido hasta su muerte en 1990, Jacques Demy. murales y arte urbano, convirtiéndose en un fresco de las expresiones comunitarias y la diversidad de la ciudad. «Después de haber realizado un film de ficción sobre la infancia de Jacques, mi intención era hacer un documental –relativamente «Atención, los muros tienen la palabra, una boca y una gran garganta. objetivo– sobre él como adulto y cineasta. Yo misma aporté recuerdos Tienen algo que decir». (Agnès Varda) y documentos, pero pasé el relevo también a sus amigos, a los actores y actrices que trabajaron con él, a sus “fans” y a tres chicas que no lo conocieron pero que circulan de manera natural en su universo». (Agnès Varda) Segunda proyección en mayo.

Domingo 18 · 18:00 · Sala 2 Sábado 24 · 18:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 70 71 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Agnès Varda. De marzo a mayo Agnès Varda. De marzo a mayo

SIN TECHO NI LEY (Agnès Varda, 1985) VARDA POR AGNÈS (Agnès Varda, 2019) Sans toit ni loi Varda par Agnès

Int.: Sandrine Bonnaire, Macha Méril, Stéphane Freiss. Francia. DCP. Francia. DCP. VOSE. Color. 115’ VOSE. Color. 105’ Miniserie para televisión en la que Agnès Varda recorre su obra como En la campiña del sur de Francia, el cadáver de una mujer aparece en una cineasta, fotógrafa y pionera de la Nouvelle Vague mediante fotos, zanja. Mediante recuerdos y entrevistas, la película narra sus últimas material grabado y recuerdos. semanas de vida, sus encuentros, su soledad. «Siempre supe que mis aciertos llegarían observando a la gente, «Se trata de estudiar el efecto que produce un personaje que no quiere mostrando su lado más especial, interesante. Nunca peleé contra mis nada sobre unas personas que representan la Francia profunda, muy instintos». (Agnès Varda) ligada a tradiciones como el trabajo, la propiedad, la honestidad, la Antes de la película se proyectará una pieza de 3 minutos, emitida familia y, finalmente, la patria». (Agnès Varda) originalmente en la televisión francesa, que recoge declaraciones de Antes de la proyección de Sin techo ni ley se podrá ver el cortometraje Agnès Varda respecto al feminismo. Duración total de la sesión: 118’. Histoire d’une vieille dame (Agnès Varda, 1985). Duración total de la Segunda proyección en mayo. sesión: 109’. Segunda proyección en mayo.

Sábado 3 · 20:00 · Sala 2 Martes 6 · 18:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 72 73 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

PORTUGAL EN 11 PELÍCULAS

ste mes, la programación del cine Doré da unos pocos pasos para viajar hasta nuestro país vecino y bucear en su cinematografía, a la vez cercana y desconocida. La razón es tan sencilla como celebrar el trabajo continuado de una institución hermana como es la Cinemateca Portuguesa, que nos ofrece Eaquí once películas restauradas en sus laboratorios a lo largo de las últimas décadas. Se trata de un programa ecléctico, con títulos de múltiples etapas y restauraciones en analógico y digital, que recorre toda la historia del cine portugués del pasado siglo. Los primeros pasos son, cómo no, en el mudo, con una película tan fascinante como O Taxi 9297, un estilizado thriller basado en un suceso real de la crónica negra lusa, el asesinato de la actriz María Alves. De ahí, solo tres años después, pasamos a la aproximación portuguesa al formato de las sinfonías urbanas, tan popular a principios del siglo XX. La llegada del sonoro al ciclo también supone la llegada de la dictadura de António de Oliveira Salazar, que se mantuvo en el poder desde 1932 hasta 1968. Es precisamente una pieza clave de la propaganda salazarista, A Revolução de Maio, la que se podrá ver en el Doré. También de la época de la dictadura, pero con un espíritu radicalmente diferente, son As Ilhas Encantadas, de Carlos Vilardebó, y O Pão, de Manoel de Oliveira, que llega en una versión que ha permanecido inédita durante décadas. Finalmente, el ciclo alcanza los 80 con títulos de João Cesar Monteiro, António Reis y Margarida Cordeiro, Joaquim Pinto, Manuela Serra y Alberto Seixas Santos, que exploran un nuevo Portugal pero también las huellas del viejo país de la dictadura.

Filmoteca Española Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

À FLOR DO MAR (João César Monteiro, 1986) ANA (Margarida Cordeiro y António Reis, 1982)

Int.: Laura Morante, Phillip J. Spinelli, Manuela de Freitas, Teresa Int.: Ana Maria Martins Guerra, Octávio Lixa Filgueiras, Mariana Margarido, Villaverde. Portugal. DCP. VOSE. Color. 143’ Adelaide Ferreira. Portugal. 35 mm. VOSE*. Color. 115’

Una mujer abandona Portugal harta de sus obligaciones. Cuando al año Una joven vive con su abuela en la región de Tras-os-montes, al noreste vuelve y se asienta en una casa cerca del mar, descubre que todo ha de Portugal. Combinando surrealismo y vocación documental, la cambiado. película explora la colisión entre el mundo moderno y la tradición y la simbólica convivencia de dos generaciones. «El director sitúa la película en una zona intermedia. Toda la obra se construye en la fricción dialéctica entre el documental y la ficción, entre «Reis y Cordeiro construyeron una de las filmografías más compactas, lo fantástico y lo real. (…) À Flor Do Mar conjuga y hace colisionar a coherentes y rigurosas de todo el cine portugués, por no decir europeo. Murnau con Rossellini ». (Glòria Salvadó) En ella, la relación con la realidad era tan inherente a la estructura como al origen de las ambigüedades, en el sentido de que la realidad negocia Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa. con diferentes niveles (geográfico, cultural, histórico…) de la realidad cultural y la identidad del país». (José Manuel Costa) Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Viernes 16 · 19:00 · Sala 2 Jueves 29 · 17:00 · Sala 1

Copia restaurada VENTA DE ENTRADAS ONLINE 76 77 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

A REVOLUÇÃO DE MAIO (António Lopes Ribeiro, 1937) AS ILHAS ENCANTADAS (Carlos Vilardebó, 1965)

Int.: Maria Clara, Emilia D´Oliveira, Alexandre de Azevedo, Luís de Int.: Amália Rodrigues, Pierre Clémenti, Pierre Vaneck, João Guedes. Campos. Portugal. DCP. VOSE*. B/N. 110’ Portugal. 35 mm. VOSE*. Color. 98’

Una de las películas propagandísticas más famosas producidas por En una isla del Atlántico, en el siglo XIX, conviven idílicamente un marinero el régimen dictatorial de António de Oliveira Salazar. Un hombre de francés, una viuda y dos pescadores portugueses. Con la llegada de un creencias comunistas se enamora de una mujer adepta al régimen, lo velero portugués este paraíso se verá forzosamente interrumpido. que le hace cuestionar su ideología. «Película “maldita” del cine portugués […] hecha de fragmentos y «Busca establecer un efectivo vínculo entre Salazar y el pueblo a través de reminiscencias, pone a dos personajes en un enfrentamiento más visual la yuxtaposición de imágenes de ficción con secuencias documentales de que narrativo: la viuda solitaria -figura hierática y trágicamente cortada, hombres del Nuevo Estado siendo aplaudidos por la multitud, diluyendo como una heroína griega- y un marinero francés andrógino que desertó así la frontera entre los hechos reales y la trama. […] La propaganda no del barco para quedarse con ella. El carácter evocador, la dureza del es solo una mera reproducción de hechos, sino que se convierte en un entorno y el perfil de un amor, casi incestuoso, idílico y trágico hacen método de influir y reconfigurar la realidad». (Patricia Vieira) de ella […] una fascinante cápsula del tiempo en la peculiar relación Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa. construida entre los dos náufragos». (Carlos Valente) Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Jueves 8 · 18:00 · Sala 2 Miércoles 28 · 18:00 · Sala 2

Copia restaurada VENTA DE ENTRADAS ONLINE 78 79 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada GESTOS & FRAGMENTOS - ENSAIO SOBRE OS MILITARES E O PODER (Alberto Seixas Santos, 1983)

Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

GESTOS & FRAGMENTOS - ENSAIO SOBRE OS MILITARES LISBOA, CRÓNICA ANEDÓTICA (José Leitão de Barros, 1930) E O PODER (Alberto Seixas Santos, 1983) 

Portugal. 35 mm. VOSE*. Color y B/N. 90’ Portugal. DCP. MRP/E*. B/N. 88’

Un ensayo visual sobre la revolución militar de 1974 contada desde tres Una sinfonía urbana sobre la ciudad de Lisboa, un recorrido por los puntos de vista: los de los líderes del golpe, Otelo Saraiva y Eduardo barrios de la urbe portuguesa a ritmo del trabajo de sus habitantes. Lourenço, y el de Robert Kramer, un periodista estadounidense que quiere relatar los procesos históricos de la revolución portuguesa. «En ella coexisten los elementos generadores de dos tradiciones cinematográficas posteriores tan diversas, tan autónomas y tan «La segunda e indispensable película de Alberto Seixas Santos del ciclo diferentes como, en primer lugar, el documental modernista (como las revolucionario. Quien rodara la primera película revolucionaria filmara “sinfonías urbanas” europeas) y, por otro lado, el género del cine de también su epitafio, un documental en el que Otelo Saraiva de Carvalho, ficción (como las comedias “a la portuguesa”)». (Tiago Baptista) Eduardo Lourenço y Robert Kramer reflexionan sobre el “fracaso” de la Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa. Revoluço. Las desilusiones políticas no tienen que ir de la mano de las estéticas». (Jaime Pena) Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Miércoles 14 · 18:00 · Sala 2 Miércoles 7 · 18:00 · Sala 2

Copia restaurada VENTA DE ENTRADAS ONLINE 80 81 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

O MOVIMENTO DAS COISAS (Manuela Serra, 1985) ONDE BATE O SOL (Joaquim Pinto, 1989)

Portugal. DCP. VOSE*. Color. 85’ Int.: Luís Miguel Cintra, Inês de Medeiros, Maria de Medeiros, António Pedro Figueiredo. Portugal. 35 mm. VOSE*. Color. 88’ El retrato de la vida cotidiana de tres familias de un pueblo del norte de Portugal, las tres definidas por el silencio. Una joven vive en el campo con su marido. Con la llegada de su hermano desde Lisboa los deseos reprimidos y los anhelos de la joven «La región de Trás-os-Montes, una especie de territorio mítico para salen a la superficie. el cine portugués, desde António Campos a António Reis, no sirve más como escenario para el retrato metafórico de un país aislado, «El director propone algo más que el marco paisajístico y climático donde encarcelado en su presente, y mitológico, síntesis anacrónica de sus ubicar una serie de pasiones de carácter sexual. De hecho, se omiten las raíces geográficas y culturales, ahora que el paisaje está definitivamente imágenes de las relaciones amorosas entre los personajes, veladas por filmado por la televisión. Si hay un film que representa esta muerte es completo al espectador. Así́, la información se nutre de leves pistas, casi O Movimento das Coisas, un documental sobre un mundo al borde de la invisibles, y de omisiones, que son las que configuran la película. En otras desaparición». (Aníbal Tavares) palabras, mas alla de la mirada “sexual”, la película se centra en cómo Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa. fluye el conocimiento y la información entre unos personajes y otros, y, sobre todo, entre el film y el espectador». (Francisco Javier Topar Paz) Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Miércoles 21 · 18:30 · Sala 2 Martes 20 · 20:30 · Sala 1

Copia restaurada VENTA DE ENTRADAS ONLINE 82 83 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

O PÃO (Manoel de Oliveira, 1959) O TAXI 9297 (Reinaldo Ferreira, 1927)

Portugal. DCP. VOSE*. Color. 57’ Int.: Maria Emília Castelo Branco, Alvaro Da Costa, Alexandre Amores, Fernanda Alves da Costa. Portugal. DCP. MRP/E*. B/N. 129’ Documental que cuenta la labor de los trabajadores del trigo, desde la recolecta hasta su transformación en pan. Basada en el asesinato real de la actriz María Alves, de cuya investigación se encargó el director cuando trabajaba como periodista. Un joven «Luís de Pina, en febrero de 1960, en la revista de cine “Filme”, sintió la militar estadounidense llega a Lisboa y es invitado a la fiesta de un necesidad de darle el siguiente título a su artículo sobre O Pão: “El cine millonario lisboeta. Para llegar allí toma un taxi donde fue asesinada un portugués existe”. Y es en esa década donde se empieza a afirmar la año antes una famosa actriz. Este descubrimiento desatará una serie existencia del Novo Cinema Portugués». (Paulo Filipe Monteiro) de investigaciones que destaparán una oscura trama. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa. «Usa el modelo de ficción detectivesca para entretener y criticar. Esta doble función es un rasgo que se desvanecería bajo la dictadura de Salazar que, así se estableció, comenzó a sofocar la voz crítica de la cultura popular a través de las oficinas de la junta de censores». (Nancy Vosburg) Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Viernes 30 · 17:00 · Sala 1 Martes 6 · 19:00 · Sala 1

Copia restaurada VENTA DE ENTRADAS ONLINE 84 85 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

RELAÇÃO FIEL E VERDADEIRA (Margarida Gil, 1987)

Int.: Catarina Alves Costa, António Sequeira Lopes, Jorge Rolla, Laura Soveral. Portugal. 35 mm. VOSE*. Color. 85´

Una joven es entregada en matrimonio por su madre a causa de los oscuros intereses familiares de los aristócratas rurales. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Martes 27 · 18:00 · Sala 2 Manuela Serra en el rodaje de O Movimiento das Coisas Copia restaurada VENTA DE ENTRADAS ONLINE 86 Los 100 de Fernando Fernán Gómez

EL COMEDIANTE

l comediante. Fernando Fernán Gómez es el comediante. Autor y director de cine, de teatro, de televisión, de radio, pero esencialmente el comediante. Conocí a Fernando Fernán Gómez a principios de los años cuarenta, en el café El gato negro, en la madrileña Calle del Príncipe. Él trabajaba en el teatro de la EComedia, en la compañía de Jardiel Poncela, y representaba Madre (el drama padre) o Los ladrones van a la oficina, no lo recuerdo bien; para mí que salía vestido de frac, pero el propio Fernando me aclaró, muchos años después, que no, que él salía de gris, no de frac. En el escenario, su personaje decía algo así: “...Son unas líneas sin importancia, es solo un borrador, no es para publicar”. A mí me impresionó la manera de hablar de Fernando. Evoqué películas de Capra y al actor James Stewart. [...] Realizador admirado, autor, actor en cien películas. Su vocación es la escena, la interpretación, él es el comediante. Cuando dirige es feliz interpretando el papel de Fernando Fernán Gómez, director. Si como tal está en primera línea, como actor, su palabra, no digo yo que contribuyan a que una mujer encinta dé a luz en la sala, como a veces sucedía entre los antiguos griegos durante la representación de Medea. No digo yo tanto. Basta con que Fernando, que como Molière, como Noel Coward, como Sacha Guitry, como Orson Welles y como Chaplin, lo ha dado todo y lo ha sido todo, pueda, como hasta ahora, continuar permaneciendo fiel a la vieja prescripción de Jean Anouilh: “Una comedia, o un film, debe representarse mejor que la vida. La vida puede ser muy bella, pero no tiene forma. El arte no pretende sino darle esta forma que le falta y hacerla por todos los medios posibles más verdadera que la realidad”.

Extractos del texto que Carlos Serrano de Osma escribió para el especial sobre Fernando Fernán Gómez publicado en el número 35 (Primavera 1984) de la revista “Contracampo”. Los 100 de Fernando Fernán Gómez Los 100 de Fernando Fernán Gómez

LA VENGANZA DE DON MENDO (Fernando Fernán Gómez, 1961) EL EXTRAÑO VIAJE (Fernando Fernán Gómez, 1964)

Int.: Fernando Fernán Gómez, Paloma Valdés, Juanjo Menéndez, Lina Int.: Carlos Larrañaga, Tota Alba, Lina Canalejas, Jesús Franco. España. Canalejas. España. DCP. Color. 87’ 35 mm. B/N. 92’

Adaptación de la obra homónima de Pedro Muñoz Seca. Un marqués Inspirada en el crimen de Mazarrón, la película cuenta la historia de tres medieval es traicionado por su amada y condenado a muerte. Cuando hermanos que viven en un pequeño pueblo. Una noche de tormenta, dos consigue escapar, jura vengarse. de los hermanos creen ver a alguien en la habitación de su hermana, quien en realidad tiene un plan para huir con un galán que necesita dinero. «Pensé que podía hacer una película que no reprodujese una representación, pero que se inspirase en los modos teatrales «El extraño viaje no fue un proyecto personal. Fue una especie de pseudorrománticos en cuanto a decoración, vestuario, trucos, milagro recibir la oferta, dado mi desprestigio como director. […] Creo interpretación… Esto ya lo había hecho Laurence Olivier en Enrique V, que surgió una rarísima película en mi filmografía […] Es una película pero nosotros lo haríamos en broma, que siempre es más socorrido». que hice con gran entusiasmo y gran amor por lo que me gustaba el (Fernando Fernán Gómez) guion, por lo que me gustaba el ambiente, por lo identificado que me notaba con todo aquel mundo». (Fernando Fernán Gómez) Antes de la película se proyectará una presentación original de Fernando Fernán Gómez, grabada para el programa Cineclub de RTVE.

Viernes 9 · 17:00 · Sala 1 Sábado 10 · 20:15 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 90 91 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Los 100 de Fernando Fernán Gómez Los 100 de Fernando Fernán Gómez

EL MUNDO SIGUE (Fernando Fernán Gómez, 1965) LA ÚLTIMA CINTA (Claudio Guerín Hill, 1969)

Int.: Lina Canalejas, Fernando Fernán Gómez, Gemma Cuervo, Milagros Int.: Fernando Fernán Gómez. España. DCP. B/N. 52’ Leal. España. DCP. B/N. 121’ Adaptación televisiva de la obra de teatro de Samuel Beckett, La última La historia de una familia que vive en una modesta casa del madrileño cinta de Krapp, que narra la historia de un hombre recluido que pasa barrio de Maravillas, con el constante enfrentamiento entre las dos hijas sus días escuchando grabaciones que hizo en su juventud. como motor de la trama. Presentación a cargo de Helena de Llanos, asesora del ciclo Los 100 de Fernando Fernán Gómez. Antes de la proyección tendrá lugar la «Las vivencias de toda aquella gente como plasmación realista, y con un lectura de un discurso de Fernando Fernán Gómez a cargo del actor sarcasmo un tanto interiorizado […] aquella sordidez, aquella impotencia Ramón Barea. Duración total de la sesión: 90’ de la gente. Y la carencia por parte de la gente de este estrato social de una moral auténtica, que se ven sometidos a una especie de ductilidad por el imperativo de la vida cotidiana, de esa bajeza de miras… Eso es lo que más me interesaba». (Fernando Fernán Gómez) Copia restaurada por Juan Estelrich hijo. Antes de la película se proyectará una presentación original de Fernando Fernán Gómez, grabada para el programa Cineclub de RTVE.

Domingo 18 · 19:00 · Sala 1 Martes 13 · 19:30 · Sala 1

Copia restaurada VENTA DE ENTRADAS ONLINE 92 93 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Los 100 de Fernando Fernán Gómez Los 100 de Fernando Fernán Gómez

LOS PALOMOS (Fernando Fernán Gómez, 1964) MAYORES CON REPAROS (Fernando Fernán Gómez, 1967)

Int.: José Luis López Vázquez, Gracita Morales, Mabel Karr, Fernando Rey. Int.: Analía Gadé, Fernando Fernán Gómez, Tito Mora, Manuel Alexandre. España. 16 mm. B/N. 109’ España. 35 mm. Color. 92’

Un empleado y su esposa son invitados a casa del jefe que pretende Un abogado exitoso y seductor acude a un cabaret donde conocerá a culparlos de un crimen que él mismo ha cometido. una joven trabajadora a la que intentará seducir.

«Los palomos no en opinión mía pero sí de otra gente y de los «Aunque era producida e ideada por mí, la considero de encargo. O críticos, no es solo una de las peores películas que he hecho, sino sea, como si el productor Fernando Fernán Gómez, absolutamente una de las películas que, si quiero presumir de hacer un cine en convencido de que con esta película se podía ganar mucho dinero, cierta manera preocupado, casi debería avergonzarme. […] se estrenó hubiera encargado al director Fernán Gómez que la hiciera aunque no le automáticamente en cuanto se terminó, y fue una de las recaudaciones gustara. Efectivamente fue un error y posiblemente mi peor película». de taquilla más importante del año». (Fernando Fernán Gómez) (Fernando Fernán Gómez)

Martes 20 · 18:00 · Sala 2 Jueves 15 · 18:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 94 95 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Los 100 de Fernando Fernán Gómez Los 100 de Fernando Fernán Gómez

NINETTE Y UN SEÑOR DE MURCIA (Fernando Fernán Gómez, 1966) SOLO PARA HOMBRES (Fernando Fernán Gómez, 1960)

Int.: Fernando Fernán Gómez, Rosenda Monteros, Alfredo Landa, Aurora Int.: Analía Gadé, Fernando Fernán Gómez, Manuel Alexandre, Elvira Redondo. España. 35 mm. B/N. 105’ Quintillá. España. 16 mm. B/N. 85’

Adaptación de la obra homónima de Miguel Mihura. El propietario de A finales del siglo XIX, una mujer empieza a trabajar en un ministerio una tienda en Murcia recibe una herencia con la que decide viajar a demostrando mayor eficacia que un hombre. Este hecho provocará un París, donde conocerá a una enigmática y sensual parisina. gran revuelo en la sociedad.

«El bloque de Los Palomos, Ninette y un senor de Murcia, Mayores con «Cuando la vi, yo solo en la sala de proyección, me gustó mucho. […] reparos y Como casarse en siete dias responde a esta etapa que podríamos La impresión que saqué del estreno es que no le había gustado nada a denominar claramente de frustración de mis proyectos, de mis ideales. nadie. […] todo eso me sumía en una profunda perplejidad: el ver que a mí Encargo o promoción personal, responde por un lado a la decepción mía me gustaba mucho, que el día del estreno no gustó, que al día siguiente por tener una línea auténtica, y por otro lado a la falta de ideas, porque gustó mucho, pero que después la crítica era malísima, y más tarde realmente durante ese tiempo no se me ocurría nada. De todas estas la más García Escudero decía que los críticos estaban equivocados. Con todo válida me parece Ninette y un senor de Murcia». (Fernando Fernán Gómez) ello, volvía a ver que mi carrera como director seguía siendo exactamente Antes de la película se proyectará una presentación original de Fernando igual de complicada y confusa». (Fernando Fernán Gómez) Fernán Gómez, grabada para el programa Cineclub de RTVE. Antes de la película se proyectará una presentación original de Fernando Fernán Gómez, grabada para el programa Cineclub de RTVE. Jueves 22 · 17:00 · Sala 1 Viernes 23 · 19:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 96 97 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Amos Vogel: Amos en el País de las Maravillas

EL CINE COMO SUBVERSIÓN

“Hoy en día, cuando la gente me pregunta cómo puedo ser optimista en cuanto a las posibilidades de la política progresista o del arte subversivo, digo: “Me fío más de mis enemigos que de mis amigos”. Estoy convencido de que mis enemigos continuarán cometiendo las mayores injusticias y, por lo tanto, inevitablemente, provocarán una revuelta por parte de aquellos que están siendo excluidos o reprimidos por medios artificiales y por la fuerza. El poder del impulso artístico que crea lo que llamamos la vanguardia no puede ser superado; siempre se levantará de nuevo”. (Amos Vogel)

n abril de 2012, cuando Amos Vogel murió a la edad de 91 años, su obituario en el “New York Times” declaró una realidad: “Ejerció una influencia en la historia del cine que pocos «no- cineastas» pueden reclamar”. Le seguía una cita de Martin Scorsese: “Era un gigante”. Es inevitable fracasar de forma Eigualmente gigantesca al intentar hacer plena justicia a un hombre así en el centenario de su nacimiento. Lo único a lo que podemos aspirar con esta selección de películas es a recordar algunos aspectos de Amos —de su legado como curador, escritor, fundador y profesor de cultura cinematográfica— y a seguir su ejemplo: seleccionar sólo lo mejor, pero sin caer en el burocratismo. Amos Vogel(baum), a quien llamaron así por un crítico social y profeta del siglo VIII, nació en el seno de una familia judía progresista de Viena. Creció en la legendaria década de la “Viena Roja” y asistió a la escuela secundaria durante el austro-fascismo y el Anschluss nacionalsocialista de Austria en 1938. Le fascinaban las películas y los libros, pero no pudo cumplir su sueño de convertirse en escritor cuando, por razones de supervivencia, tuvo que exiliarse en Nueva York durante su adolescencia. En otoño de 1947, cuando todavía era estudiante en la New School for sobre más de la mitad de las películas que hemos escogido. Hay un Social Research de Manhattan, Vogel y su esposa Marcia fundaron elemento introductorio en cada programa (cortesía de Paul Cronin) y sólo Cinema 16 —“una sociedad para el cinéfilo adulto”—, donde proyectaban un largometraje —un sustituto de muchos que podrían haber ocupado películas “que no se pueden ver en otros lugares” y las programaban en su lugar (de Buñuel, Herzog, Chytilová o Garrel). Al igual que en los sesiones que desafiaban las categorías. Cinema 16 sorteó las reglas de programas de Amos, hay mucha confrontación y animación, y ciencia, la censura y de la exhibición comercial de películas y —con una afiliación y sexo. Además, dado que siempre trató de mantenerse al tanto de la que pronto ascendería a 7000 miembros— renovó la esperanza del producción actual, también se pueden encontrar películas recientes de movimiento de cineclubes en la Europa de entreguerras. Se convirtió en artistas demasiado jóvenes para haber entrado en su campo de visión. un organismo central de inteligencia para el florecimiento de la cultura Siempre hubo detalles de Aby Warburg en el estilo de Vogel: los serios cinematográfica norteamericana durante los años 50 y 60. juegos de memoria visual y asociación cultural del historiador de arte En 1963, Vogel cerró Cinema 16, escribió un libro infantil y se convirtió perduran en la relación del joven con las películas. Este programa en el cofundador y codirector del Festival de Cine de Nueva York. No también puede verse como un Atlas Mnemosyne en memoria de Amos obstante, para finales de los 60, sus ideas sobre lo que un festival de Vogel. cine podría (y no debería) ser ya no eran compatibles con la cultura del gran capital, conservadora y de mente cerrada, que reinaba en el Lincoln Center. Vogel se dedicó entonces a la enseñanza y comenzó a concebir Alexander Horwath y Regina Schlagnitweit un libro para lectores adultos. Mantuvo su puesto como profesor en la Comisarios del ciclo Universidad de Pennsylvania más tiempo que nadie en su carrera (1973- 91) y el libro, Film as a Subversive Art (1974), demostró ser una de las publicaciones cinematográficas más icónicas (y atractivas, desde el punto de vista iconográfico) de todos los tiempos. Ambas actividades prolongaron la actitud que habría mantenido toda su vida de compartir y mostrar sin miedo lo que había visto y entendido, que era, sobre todo: el poder del arte y el cine, así como sus límites frente a la historia. Nuestro primer encuentro con Amos tuvo lugar en 1993. Él había regresado a Viena para dar un discurso cuyo título podría traducirse como “Un llamamiento a la cautela” o “Un llamamiento a la desconfianza”. Era un socialista escéptico y antidogmático; un hombre profundamente racional que celebraba las fuerzas semihipnóticas e irracionales del cine; un modernista que se regocijaba en el concepto premoderno de la Wunderkammer donde el “arte” y las “curiosidades” aún no están separadas. Con nuestro homenaje esperamos invocar a este espíritu y a algunos de los espíritus que lo perseguían y lo tranquilizaban. No estamos duplicando sus programas, pero Amos proyectó o escribió Amos Vogel. Amos en el País de las Maravillas Amos Vogel. Amos en el País de las Maravillas

PROGRAMA 3: PLAYGROUND PROGRAMA 4: CHILDREN HAVE THEIR OWN LAWS

Wilhelm Reich: Los misterios del organismo World of Tomorrow

«Film as a Subversive Art [...] resonó con las nociones recientes de «Amos disfrutó mucho de los cursos de Franz Cižek, pionero en la liberación social y sexual, pero también les ofreció una perspectiva educación artística infantil, y dedicó gran parte de su vida al impulso histórica y estética: el cine no debería simplemente «propagar» fuerzas artístico-pedagógico. Era una pedagogía con un giro, por supuesto, y figuras rebeldes [...] Debe convertirse en una fuerza por derecho como esta selección de películas pretende reflejar». (Del catálogo de propio y liberarse de los grilletes de la propiedad audiovisual, narrativa Punto de Vista) y espacio-temporal». (Del catálogo de Punto de Vista) • March 26, 2020: How Little Lori Visited Times Square read by Matthew • 6/64 Mama und Papa (Kurt Kren, 1964). Austria. DCP. Color. 4’ (Amy Bowman, 2020). EEUU. DCP. VOSE*. Color. 7’ • Yippie (Yippie Film Collective, 1968). EEUU. DCP. VOSE*. B/N. 13’ • Rentrée des classe (Jacques Rozier, 1956). Francia. DCP. VOSE*. B/N. 24’ • Wilhelm Reich: Los misterios del organismo (Dusan Makavejev, 1971). • J’ai huit ans (Yann Le Masson y Olga Poliakoff, 1961). Túnez, Francia. Yugoslavia, RFA. 35 mm. VOSE*. Color y B/N. 85 DCP. VOSE*. Color. 9’ Antes de la proyección se podrán ver una presentación grabada • Saute ma ville (Chantal Akerman, 1968). Bélgica. DCP. VOSE*. B/N. 13’ de los comisarios de la retrospectiva, Alexander Horwath y Regina • Solitary Acts #4 (Nazli Dinçel, 2015). EEUU. 16 mm. VOSE*. Color. 8’ Schlagnitweit, y un extracto de una entrevista de Paul Cronin a Amos • World of Tomorrow (Don Hertzfeldt, 2015). EEUU. DCP. VOSE*. Color. 17’ Vogel. Duración total aproximada de la sesión: 120’ Duración total de la sesión: 78’

Viernes 9 · 17:30 · Sala 2 Sábado 10 · 18:30 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 102 103 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Amos Vogel. Amos en el País de las Maravillas

PROGRAMA 6: TOPSY-TURVY AMOS VOGEL EN CINETECA

De los seis programas del ciclo “Amos en el país de las maravillas”, comisariado por Alexander Horwath y Regina Schlagnitweit para el festival Punto de Vista, tres podrán verse en el Doré de Filmoteca Española, mientras que los otros tres pasarán por las salas de Cineteca. Toda la información de estas sesiones se puede encontrar en el sitio web de Cineteca Madrid.

PROGRAMA 1: A NEW HOME Viernes 2 de abril - Cineteca - 19:15 Piezas de Stan Brakhage, Dan Drasin, Helen Levitt, James Agee, Janice Loeb y más.

PROGRAMA 2: IN LOVE AND WAR «En Cinema 16, a Vogel le encantaba poner en contacto la agitación, Sábado 3 de abril - Cineteca - 19:15 la animación y la aspiración vanguardista, con cierta respetabilidad Piezas de Tex Avery, Bruce Conner, Penny Lane y más. académica siempre presente en la mezcla. Las películas se cuestionaban entre sí y también las expectativas del público. Un universo aparentemente PROGRAMA 5: SECRETS AND REVELATIONS: A MUSICAL estable de valores, relaciones de poder y sistemas de conocimiento podría Domingo 4 de abril - Cineteca - 19:15 caer rápidamente y girar». (Del catálogo de Punto de Vista) Piezas de Kenneth Anger, Chuck Jones, Suzan Pitt y más. • Men and Dust (Lee Dick y Sheldon Dick, 1940). EEUU. DCP. VOSE*. B/N. 16’ • Living in a Reversed World (Theodor Erismann e Ivo Kohler, 1954). Austria. DCP. VOSE*. B/N. 11’ • La fórmula secreta (Rubén Gámez, 1965). México. 35 mm. B/N. 44’ • The External World (David O’Reilly, 2010). Irlanda, Alemania. DCP. VOSE*. Color. 17’ Antes de la proyección se podrá ver un extracto de cinco minutos de Film as a Subversive Art: Amos Vogel and Cinema 16. Duración total de la sesión: 58’ Domingo 11 · 17:30 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 104 Cruz Delgado. El quijote de la animación

PASIÓN ETERNA POR LA ANIMACIÓN

ablar de Cruz Delgado es sencillamente hablar de la historia del cine de animación español. Es hablar de una época heroica, cuando la realización de dibujos animados era una labor totalmente artesanal, y las técnicas por ordenador eran casi ciencia ficción; cuando todavía no existía en España H–y, por extensión, en la mayor parte de Europa– una infraestructura sólida y con continuidad dedicada a este sector; y cuando lanzarse a producciones ambiciosas como series o largometrajes –cuando el principal sustento de los pocos estudios de animación que había en España era la creación de spots publicitarios– era poco menos que una quijotada… y nunca mejor dicho, en el caso de nuestro personaje. Nacido en Madrid el 12 de diciembre de 1929, como tantos otros futuros grandes nombres de la animación, Cruz Delgado Palomo sintió desde muy joven una gran pasión por el dibujo, y como tantos otros aspirantes a animador, por las películas de Walt Disney, siendo una de sus favoritas personales Los tres caballeros. Fue precisamente una colaboración con la delegación en España de Disney, realizando merchandising variado con los personajes "disneyanos", lo que le permitió iniciar su carrera artística. Estudia en la Escuela de Artes Gráficas de su ciudad natal y a mediados de la década de los cincuenta inicia una prolífica carrera como historietista, colaborando en diversas publicaciones infantiles y juveniles de la época –"Maravillas", "Balalín", "Duwarín", "Amuca", "Chío", etc. – al mismo tiempo que se inicia en la animación en los míticos Estudios Moro, auténtico vivero de futuros grandes nombres del sector. Aunque hoy día es plenamente normal que en las grandes productoras de animación internacionales haya más de un nombre español, Cruz Delgado fue también uno de los primerísimos, si no el primero, de entre los animadores españoles que intentaron la aventura de trabajar en un estudio extranjero: concretamente en los estudios Belvision, de Bruselas, a donde se había trasladado a principios de los sesenta, colaborando en el largometraje Pinocchio dans l’espace (Ray Goossens, Acetato perteneciente a Los 4 músicos de Bremen (Koky) lo habían sido en Barcelona–, obteniendo un notable éxito en taquilla y varios galardones en festivales de cine nacionales e internacionales. A este seguirían El desván de la fantasía (1978), Los viajes de Gulliver (1983) y Los 4 músicos de Bremen (1989), este último primer ganador del Goya al mejor largometraje de animación, además de conocer una prolongación en la serie de 26 episodios Los Trotamúsicos. De la misma manera que sus años en los Estudios Moro les permitieron a Cruz Delgado y otros compañeros de generación consolidarse como profesionales de la animación, él mismo brindó a muchos jóvenes talentos la ocasión de “hacer sus pinitos” en su estudio, no pocos de los cuales se convertirían a la vez en nombres prestigiosos, entre ellos Carlos Alfonso, Juan Pina, Ángel Izquierdo, Antonio Navarro, Manuel 1965). Al mismo tiempo, publica cómics para algunas editoriales de la Sirgo y otros. Algunos –caso de Alfonso e Izquierdo– ya no están capital belga. lamentablemente entre nosotros, pero otros siguen en activo en el sector de la animación u otras disciplinas artísticas como el cómic o la Al crear en 1963 su estudio de animación, ya de regreso a Madrid, Cruz ilustración, prosiguiendo el legado de su maestro. Delgado se reveló como un verdadero “todoterreno” de la animación: mientras que los demás estudios del país, incluyendo el ya citado Moro, En los últimos tiempos, Cruz Delgado ha sido objeto de diversos se dedicaban casi exclusivamente a la animación publicitaria, él cultivó homenajes a su figura y obra, incluyendo el desaparecido festival los más variados tipos de producciones: publicidad, naturalmente, pero Animadrid en 2008 y el Festival de Huelva en 2019. Ha sido asimismo también cortos para cine, películas educativas, cortinillas e insertos, objeto de un documental, Cruz Delgado, un quijote de la animación largometrajes, series televisivas…. En este último ámbito fue un española (2008), dirigido por Pedro González Bermúdez, así como de verdadero pionero, ya que lanzó los primeros intentos de realizar en nuestro país series para la pequeña pantalla, Villancicos de España y Acetato perteneciente a Los 4 músicos de Bremen (Burlón) América (1966) y Aventuras de Molécula (1968). Más adelante, dio un paso de gigante en 1979 al lanzar su primera serie en formato de media hora, Don Quijote de la Mancha, coproducción con José Romagosa en 39 episodios; una tarea titánica que, tras superar no pocos altibajos, llegó a buen puerto, contribuyendo a difundir en los más de 10 países en que se emitió la obra clásica de Cervantes y demostrando que una industria de la animación en España era y sigue siendo posible. También en el campo del largometraje Cruz Delgado rompió moldes: su primera producción en este formato, Mágica aventura (1973), fue el primer largo animado producido en Madrid –los aparecidos hasta la fecha un libro monográfico profusamente ilustrado, De Don Quijote a Los Acetato perteneciente a Los 4 músicos de Bremen (Tonto) Trotamúsicos (Diábolo Ediciones, 2015), coescrito por Jorge San Román y Cruz Delgado Sánchez, su hijo. Hoy día, la proliferación continua de herramientas informáticas para elaborar lo que antes se hacía manualmente –que permite reducir tiempo y dinero, a la vez que un aumento de la productividad– y la multiplicación de soportes junto a los tradicionales cine y televisión – vídeo doméstico, Internet, aplicaciones móviles, plataformas digitales, etc.– ha hecho que la animación esté presente en nuestras vidas diarias a todas horas, lejanos ya los tiempos en que chicos y no tan chicos aguardaban ansiosamente, frente al televisor, la hora en que la programación del día anunciaba dibujos animados. Lanzar un largometraje o una serie de larga duración en España, tiempo atrás una experiencia aislada y arriesgada, ya no lo es tanto en nuestro tiempo, por cuanto son varias las producciones de este calibre que, año tras año, van lanzando estudios repartidos por toda la península y España. Y esta bonanza es debida, en buena parte, a “quijotes” como Canarias, quedando también atrás los tiempos en que apenas Madrid Cruz Delgado, que sentaron las bases de nuestra industria actual. Las y Cataluña eran los únicos centros productores de animación en herramientas han cambiado, en efecto, pero la pasión y el entusiasmo, siempre jóvenes, que le movieron a servirse de su lápiz para crear Acetato perteneciente a Los 4 músicos de Bremen (Burlón) mundos de fantasía son valores eternos, que ni el más sofisticado equipo de software podrá reemplazar. Justamente, la reciente noticia de que Filmoteca Española ha adquirido su fondo artístico resulta un feliz acontecimiento, no solo para nuestro cine de animación sino para nuestro cine a secas. Es la garantía de que la obra de un maestro no permanecerá en el olvido, cumpliendo la misión de servir de testigo de un pasado glorioso y de inspiración para un futuro que puede y debe ser también glorioso. A los animadores actuales, los futuros Cruz Delgado, corresponde el que tal cosa pueda hacerse realidad.

Alfons Moliné Escritor, traductor y especialista en cómic y animación Cruz Delgado. El quijote de la animación / Filmoteca Junior Cruz Delgado. El quijote de la animación / Filmoteca Junior

LOS VIAJES DE GULLIVER (Cruz Delgado, 1983) LOS 4 MÚSICOS DE BREMEN (Cruz Delgado, 1989)

España. 35 mm. Color. 80’ España. 35 mm. Color. 86’

Tercer largometraje dirigido por Cruz Delgado, que aquí adaptó la famosa Adaptación del relato de los hermanos Grimm que sigue a cuatro novela de Jonathan Swift. Cuenta la historia de un joven que viaja a animales de granja que se unen para montar un grupo de música Brobdingnag, una tierra habitada por personas gigantescas. y terminan enfrentándose a una banda de ladrones. Fue la primera película que ganó el Goya a Mejor Película de Animación y contó con «Sinceramente creo que no es exagerado considerar a Cruz Delgado una popular versión televisiva, la serie Los Trotamúsicos. como el realizador español de dibujos animados más importante». (José María Candel) «El estilo formal de Cruz Delgado, aunque parte de Disney, es mucho menos redondeado y más anguloso, quizá por influencia de otros autores norteamericanos y europeos a los que también admira: Tex Avery, los animadores de la UPA, John Halas, la escuela de Zagreb...». (Jerónimo José Martín Sánchez)

Sábado 3 · 17:00 · Sala 2 Sábado 24 · 17:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 112 113 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Otras sesiones

La muerte del cine

EEGA (S.S. Rajamouli y J.V.V. Sathyanarayana, 2012)

Int.: Sudeep, Nani, Samantha Akkineni Hamsa Nandini. India. DCP. VOSE*. Color. 145’

Sudeep, un poderoso empresario, y Nani, un joven pirotécnico, están enamorados de Bindu, una artista que dirige una ONG. Cuando Sudeep asesina a Nani, este regresa reencarnado en una mosca y deseoso de vengarse.

«Hay una buena razón por la que S.S. Rajamouli es considerado como el director más innovador de la industria de cine en telugu, y Eega es el ejemplo perfecto para ilustrar por qué merece tal etiqueta. Es una película completamente enloquecida, infinitamente disfrutable y totalmente única». (J Hurtado)

Miércoles 28 · 19:00 · Sala 1

115 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Sala:B Sala:B

LA CASA DE LAS MUJERES PERDIDAS (Jesús Franco, 1983) Y, como aperitivo, veremos un episodio de la serie de TVE Crónicas urbanas (1991-92) titulado “Un negocio familiar”; último trabajo como actriz de Carmen Carrión, con curiosos paralelismos con Dulcinea y la película de Franco. Escrito y dirigido por Angelino Fons, narra las desventuras de una familia propietaria de un videoclub durante el auge de los sex-shops en España. Crónicas urbanas fue una serie creada por José Luis Rodríguez Puértolas, director de Vivir cada día, y fue pionera a la hora de combinar ficción y actualidad con una fórmula aún hoy rompedora». (Álex Mendíbil, comisario de la sesión) Presentación a cargo de Álex Mendíbil, comisario de la sesión, y Antonio Mayans, protagonista de La casa de las mujeres perdidas. Antes de la proyección del largometraje se podrá ver el episodio “Un negocio familiar” de la serie Crónicas urbanas. Duración total de la sesión: 160’

Int.: Lina Romay, Antonio Mayans, Carmen Carrión, Susana Kerr. España. 35 mm. Color. 90’

«”Sala:B” quiere recordar con esta sesión a la actriz Carmen Carrión (1946-2020), uno de los rostros más carismáticos de nuestra serie B y parte de la troupe de Jess Franco durante los 80, tanto delante como detrás de las cámaras. Carmen falleció en Madrid el pasado noviembre. Generalmente curtida en papeles de reparto, Carmen encontró en la compañía franquiana el lugar ideal para dar rienda suelta a sus personajes más inolvidables y desatados, casi siempre como enigmática villana. La Dulcinea de La casa de las mujeres perdidas es de los mejores ejemplos, una versión escabrosa y sádica de aquellas figuras femeninas atormentadas que Bergman retraba en la isla de Fårö. La desintegración de los Pontecorvo, familia endogámica y grotesca, sirve a Jess Franco para pintar una sátira brutal y biliosa sobre la industria del espectáculo y la cultura pop en la España de los primeros 80. Inspirada en una historia que le regaló el guionista Jean-Claude Carrière, el director la consideraba una de sus películas “más españolas” y desconocidas. Viernes 30 · 19:00 · Sala 2

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 116 117 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Sesión especial Día del libro

LA MUJER Y EL PELELE (Jacques de Baroncelli, 1929) La femme et le pantin

Int.: Conchita Montenegro, Raymond Destac, Henri Lévêque, Jean Dalbe. Francia. DCP. MRF/E*. B/N. 110’

Adaptación de la novela de Pierre Louÿs (en la que también se basaron Josef Von Sternberg, Julien Duvivier o Luis Buñuel) que narra los escarceos amorosos entre un rico playboy sevillano y una cigarrera.

«Sigue siendo fascinante cómo saca partido de la esencia misma de la novela: la fascinación por unos cuerpos que se muestran y se rehúyen, que se ofrecen para a continuación no entregarse». (Bernard Bastide) Proyección con música en directo a cargo del pianista y organista Paul Goussot. Copia restaurada en 2020 por la Fundación Jérôme Seydoux- Pathé a partir de los negativos originales de su colección en los laboratorios de L’Immagine Ritrovata (Cineteca di Bologna).

Paul Goussot Viernes 23 · 20:00 · Sala 1 119 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Copia restaurada Sound & Vision Filmoteca

CALLE 54 (Fernando Trueba, 2000)

España, Francia, Italia, México, Bélgica. DCP. Color. 105’

Documental que recorre diferentes conciertos de algunos de los mejores representantes del jazz latino, desde Eliane Elias a Michel Camilo, Chucho Valdés, Chano Domínguez o Jerry González.

«La cuestión era no hacer algo visualmente amanerado. De hecho, tomaba muchos riesgos porque en algún instante podía perderme algo. Las seis cámaras estaban en constante movimiento. Quería que tuviera mucho nervio, aun a riesgo de que fuera imperfecta en algunos momentos pero que estuviera latiendo siempre. El latido de la música». (Fernando Trueba) Presentación a cargo del director, Fernando Trueba. Después de la proyección de Calle 54 tendrá lugar un concierto a cargo de Iván “Melon” Lewis Jazz Trío. Duración total de la sesión: 150’

Domingo 4 · 19:00 · Sala 1

121 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Sesión especial Flores en la sombra

SESIÓN JONASMEKAS.COM TRILOGÍA NEGRA DE MARIO GÓMEZ MARTÍN

«Desde 2010, a la temprana edad de 88 años, Jonas Mekas subía a Esta sesión reúne tres cortometrajes rodados por Mario Gómez Martín su página web videos de su vida diaria, convirtiéndose en uno de los durante su estancia en la Escuela Oficial de Cinematografía, los tres con primeros artistas visuales en difundir sus obras libremente al público marcadas influencias del cine negro estadounidense y española. Los en general. No es de sorprender que Mekas, quizás la persona que contenidos de esta sesión estarán también disponibles en la página web más había hecho para dar a conocer el cine experimental en los años del programa de RTVE “Días de cine” del 9 al 16 de abril. 60, entendiese inmediatamente el valor y la importancia de la red para • Los delatores (Mario Gómez Martín, 1964). España. DCP. B/N. 15’ hacer visible su trabajo. • Más allá de las rejas (Mario Gómez Martín, 1965). España. DCP. B/N. 15’ Con una selección nueva de estos últimos diarios de Mekas ponemos • La sombra continúa (Mario Gómez Martín, 1966). España. DCP. B/N. 13’ punto y final al ciclo de “La imagen renacida”, que ha transcurrido casi Entrada libre hasta completar aforo, requiere reservar asiento a través de la íntegramente durante un año de pandemia. Razón de más para dar las plataforma de venta online. Duración total de la sesión: 43’. Presentación gracias aquí al público del Doré que nos ha acompañado». (Andy Davies, a cargo de Filmoteca Española. Hoja de sala digital disponible aquí. comisario de la sesión) Duración total aproximada de la sesión: 60’ Con la colaboración de:

Sábado 17 · 18:00 · Sala 2 Jueves 8 · 20:00 · Sala 1

VENTA DE ENTRADAS ONLINE 122 123 VENTA DE ENTRADAS ONLINE Filmoteca en familia

+ INFORMACIÓN E INSCRIPCIONES: Filmoteca en familia modiband.com/es/filmotecaenfamilia DOMINGO 11 DOMINGO 25 ABRIL taller taller ABRIL Ritmo y cuerpo. Claqué y cine Fabricación y utilización de EcoCam Duración: 150 minutos Horario: 11:30-14:00 h Duración: 180 minutos Grupos familiares: un adulto acompañado de 1 o 2 niños Horario: 11:00-14:00 h Edad recomendada: 8-12 años Grupos familiares: un adulto acompañado de 1 niño Aforo: 20 personas Edad recomendada: 7-12 años Un taller de ritmo, percusión corporal y claqué para descubrir las posibilidades Aforo: 20 personas musicales del propio cuerpo. Con esta introducción lúdica al ritmo y al compás, En este taller, los participantes aprenderán a crear su propia EcoCam, una las familias disfrutarán de la musicalidad que se puede crear con todo el cámara de fotos estenopeica fabricada de forma artesanal a partir de cuerpo a partir de juegos y dinámicas de grupo. Durante el taller, los asistentes elementos reciclados: cartones, tapones de corcho, latas de refresco, palos fabricarán sus propios «zapatos de claqué» con latas y descubrirán a algunos de helados, alambres, cajas de zapatos o de cereales… Una máquina de fotos de los grandes bailarines y bailarinas que brillaron en Hollywood. única, sostenible y duradera en el tiempo. El claqué, también conocido como tap La creación de la EcoCam, al ser un dance, es un estilo de baile genuinamente proceso artesanal, crea un vínculo con la americano que nació de la fusión de danzas cámara y la hace única en el mundo. Las tradicionales irlandesas, escocesas e EcoCam que se crearán en el taller serán inglesas con danzas afroamericanas. propiedad de cada familia, por lo que tras Su origen se remonta al siglo XVIII. El la actividad podrán llevársela a casa para tap fue evolucionando y dio el salto al dar rienda suelta a su talento fotográfico. terreno del espectáculo a principios del Son cámaras que se cargan con película siglo XX. Fue solo cuestión de tiempo que de color o blanco y negro, por lo que tienen llegara a Hollywood y que algunas de las una vida útil muy larga. escenas de tap de bailarines míticos como Taller impartido por EcoCam Fotografía Fred Astaire, Ginger Rogers o Gene Kelly Reciclada. hicieran soñar a los espectadores. Taller impartido por Lucas Tadeo. Mientras tanto: Cruz Delgado

Mientras tanto: Cruz Delgado Mientras tanto: Cruz Delgado

ERRAMOS EL PROGRAMA DE ABRIL con una breve muestra de los materiales relacionados con la obra de Cruz Delgado que Filmoteca Española acaba de adquirir. Gracias a esta última adquisición ya están protegidos en nuestros archivos todos los materiales gráficos con los que Delgado, sin duda Cuno de los grandes nombres de la animación en España, preparó tanto sus largometrajes como los cortometrajes y las series de animación. Se trata de un ingente tesoro, lleno de bocetos, storyboards, acetatos, fondos y otros muchos materiales cuyo estudio permite comprender en toda su dimensión la complejidad técnica y humana de la animación tradicional. Para la ocasión, hemos seleccionado materiales de las dos películas que podrán verse en el Doré a lo largo de este mes, Los viajes de Gulliver y Los 4 músicos de Bremen.

Estudio de expresiones para Los viajes de Gulliver Mientras tanto: Cruz Delgado Mientras tanto: Cruz Delgado

Estudios de personajes para Los 4 músicos de Bremen Viñeta de storyboard (arriba) y escena (abajo) de Los viajes de Gulliver Mientras tanto: Cruz Delgado Mientras tanto: Cruz Delgado

Diseño de interiores para Los 4 músicos de Bremen Comparativa de tamaños (arriba) y escena (abajo) de Los viajes de Gulliver LEYENDA TARIFAS

• 16 mm - Proyección en 16 milímetros • Entrada sencilla: 3 € • 35 mm - Proyección en 35 milímetros • Abono 10 sesiones: 20 € / Abono anual: 40 € • BDG - Proyección en Betacam digital Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos • B-R - Proyección en Blu-ray culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: • DCP - Proyección en formato digital DCP • DVD - Proyección en DVD • Entrada sencilla: 2 € • MRF/E* - Muda con rótulos en francés y subtítulos en español • Abono 10 sesiones: 15 € / Abono anual: 30 € electrónico • MRP/E* - Muda con rótulos en portugués y subtítulos en espa- Todas las sesiones son gratuitas para menores de 18 años ñol electrónico • VOSE - Versión original con subtítulos en español • VOSE* - Versión original con subtítulos electrónicos en español Cine Doré C/ Santa Isabel, 3 28012 Madrid Teléfono: 913693225 Metro Antón Martín / Autobús 6, 26 y 32 82620003X Portada: fotograma de 2001: una odisea del espacio NIPO: