C a R N Iv a L E Sc A

6.3.—2.5.2021 CARNIVALESCA Donna Hunca, DIOSAS de CUEVA VERDE EMOCIÓNALES, (D.F. Copal) [1-8], 2020 Courtesy of the artist and Peres Projects

2 Donna Hunca, DIOSAS de CUEVA VERDE EMOCIÓNALES, (D.F. Copal) [1-8], 2020 Courtesy of the artist and Peres Projects

CARNIVALESCA WAS MALEREI SEIN KÖNNTE / WHAT PAINTING MIGHT BE 6.3. - 2.5.2021

3 FIRELEI BÁEZ SEMIHA BERKSOY ANNA BETBEZE ANNA BOGHIGUIAN HUGO CANOILAS BEATRIZ GONZÁLEZ EL HADJI SY DONNA HUANCA HELEN JOHNSON LEE KIT VICTOR MAN THAO NGUYEN PHAN KHALIL RABAH RAPHAELA VOGEL

4 "IT IS ONLY THROUGH ART THAT WE CAN ESCAPE FROM OURSELVES AND KNOW HOW ANOTHER PERSON SEES A UNIVERSE WHICH IS NOT THE SAME AS OUR OWN AND WHOSE LANDSCAPES WOULD OTHERWISE HAVE REMAINED AS UNKNOWN AS ANY THERE MAY BE ON THE MOON." MARCEL PROUST, IN SEARCH OF LOST TIME, 1913

5 CARNIVALESCA - WAS MALEREI SEIN orten lange Zeit vernachlässigt wurden. Un- KÖNNTE sere Ausstellung wird Fortschritte hervorhe- 6.3. – 2.5.2021 ben, die von einer jüngeren Generation von Künstler*innen gemacht wurde, die die Grenzen Mit der Gruppenausstellung CARNIVALESCA der Malerei weit über den bloßen Rahmen und wollen wir einen Dialog mit einer traditionellen die Leinwand ihrer Bilder hinaus verschoben und Kunstform führen – der Malerei. Für unsere auf die Auseinandersetzung mit dem Sozialen Annäherung an sie verwenden wir das Wort und Politischen ausgedehnt haben. Und sie wird Karneval, weil es Ausgelassenheit und Freude eine zeitgenössische Szene internationaler Ma- bedeutet, hinter ihm zugleich aber auch eine lerei in der Vielfalt ihrer künstlerischen Ansätze gewisse Unsicherheit, ja, sogar Melancholie beleuchten, die Diversität ihres diskursiven aufscheint. Der Karneval ist eine ursprünglich Engagements im Medium der Malerei demonst- westlich-christliche, bis in die Antike zurückrei- rieren und die Art und Weise, wie diese Malerei chende Zeit des Feierns und hat auf der ganzen einer Vielzahl individueller Ausdrucksformen wie Welt unzählige synkretistische und kulturelle Performance, Bewegtbild, Skulptur, etc. kulturü- Transformationen erlebt. Als soziale Transforma- bergreifend Form und Gestalt verleiht. tion oder auch als Instrument unterschiedlicher Gruppen lenkt der Karneval die Aufmerksamkeit Schließlich wird auch deutlich, dass die Ge- auf Konflikte und Missverhältnisse. Wir hoffen, schichte der Malerei als eine Reihe von diese Bedeutung auf eine Diskussion über Konflikten, Auseinandersetzungen und wider- zeitgenössische Malerei übertragen zu können. sprüchlichen Entwicklungen erzählt werden muss, von denen viele bis heute in starkem Maße Die Malerei in der westlichen Hemisphäre ungelöst sind. Jeder Versuch zu verstehen, was scheint von einer Reihe unausgesprochener die Malerei sein könnte, muss dieser Komplexität Regeln beherrscht zu werden. Sie begrenzen sowohl in historischer als auch in zeitgenössi- den Einfluss, den sie in unseren ästhetischen scher Hinsicht Rechnung tragen. Diese Ausstel- Diskursen haben könnte. Der Kunstkritiker Cle- lung beleuchtet daher die sehr unterschiedlichen ment Greenberg hatte eine äußerst rigide Formen engagierter malerischer Praxis in Vorstellung von ästhetischer Erfahrung und ihrer gleichberechtigter Weise. Ganz im Geiste des Autonomie. Sie wurde nach dem Zweiten Karnevals, der alle Hierarchien in Frage stellt Weltkrieg zum Paradigma der westlichen Male- zu Gunsten einer Vielzahl von Positionen und rei und besteht bis heute latent fort. Um es Haltungen. Wir schlagen vor, die Malerei nicht klar und deutlich zu sagen: Greenberg lehnte die als ordentlichen und strukturierten Diskurs zu soziale Rolle der Kunst grundsätzlich ab. betrachten. Was vielmehr ein solches „Medi- Die Wirkungen, die von einer solchen Malerei um“ oder eine solche „Disziplin“ im heutigen ausgingen, prägten dabei in ganz wesentlicher nicht-disziplinären Feld der Kunst ausmacht, Weise den Kunstmarkt, und sie tun das bis heute. ist ein karnevalesker Raum. Einer, in dem das Performative, Körper, Künstler*innensubjekte Wie ihr Titel schon andeutet, erweitert diese und ihre Gesten sowie ihre vielfältigen, globalen Ausstellung den Rahmen der Betrachtung, um Geschichten und Bedeutungen formal gleichbe- einen anderen Blick auf die Malerei zu werfen rechtigt sind und in der wir auf spielerische und und eine Reihe von Aspekten zur Diskussion künstlerische Weise unserem gemeinschaftli- zu stellen. Sie wird den Blick auf die Malerei chem Leben einen Sinn geben. erweitern und internationale Künstler*innen wie Entwicklungen der Malerei von der Nachkriegs- Kuratiert von Bettina Steinbrügge & Nicholas zeit bis zur Gegenwart ins Zentrum der Betrach- Tammens tung stellen, die in westlichen Veranstaltungs-

6 CARNIVALESCA - WHAT PAINTING painting can be, beyond its mere frame and can- MIGHT BE vas ground, pushing it into its social and political 6.3. – 2.5.2021 engagements; and to show the scene of contemporary international painting in the full light of With the group exhibition CARNIVALESCA we its variety of artistic approaches, its diversity of want to create a dialogue with a traditional art discursive engagement with the medium, and the form: painting. For this approach, we have looked ways in which it gives shape to a variety of indivi- to the meaning of carnival, because it evokes exu- dual expressions such as performance, moving berance, delight and, underneath it all, a certain image, sculpture, etc. across cultures. uncertainty or even melancholy. While the pheno- menon of carnival is generally associated with a Lastly, it has become clear that the story of pain- Western Christian festive season, it has antece- ting must be told as a series of conflicts, dents in antiquity and has undergone innumera- arguments and contradicting developments, ble syncretic cultural transformations around the many of which remain potently unresolved. Any world. As a social transformation or even as an attempt at understanding what painting might be instrument for divergent social groups, carnival has to account for this complexity which is points the attention to conflicts and incongruities. both historical and contemporary in nature. We hope to transfer this meaning onto a discus- This exhibition thus highlights very different levels sion about contemporary painting. of engagement in painterly practices on equal footing, in the spirit of the carnival, where Painting in the Western Hemisphere seems to be hierarchies are brought into question and a governed by a number of unspoken rules plural set of positions are made present. We that limit the impact it could have in our discursive propose that painting is not a neat nor ordered environment. They limit the influence it discourse: rather, what constitutes such a “medi- could have in our aesthetic discourses. Famously, um” or “discipline” in today’s nondisciplinary influential modernist art critic Clement field of art is a carnivalesque space. One where Greenberg produced a rigid understanding of performativity, bodies, artist-subjects aesthetic experience and its autonomy which and their gestures, as well as their plural, global became the paradigm for Western painting after histories of signification, are both WWII, and which latently persists to date. formally equal and in which we playfully and artis- To put it concisely, Greenberg’s theory inherently tically make sense of our communal lives. rejected the social role of art. Such an aesthetics of autonomy heavily affected how the Curated by Bettina Steinbrügge & Nicholas purpose of painting was seen and received, Tammens and the effects of this shaped key features of the art market that we still see today.

As the title suggests, this exhibition widens the scope to take a fresh look at painting, and to open up a discussion on a number of aspects. It aims to broaden views on painting to point out central, highly influential international artists and developments in the medium from the postwar period up to the present day that have long been neglected in Western venues. Our exhibition will highlight important advancements across generations of artists that have stretched the boundaries of what

7 FIRELEI BÁEZ Firelei Báez (*1981, Dominican Republic, lives and works in New York City) casts diasporic histories THE FIRE AND BURN WITH into an imaginative realm, re-working visual refe- EYES THAT SEE rences drawn from the past to explore new possibi- lities for the future. In her paintings, Báez examines 2020 connections between the body and its different ÖL UND ACRYL AUF LEINWAND / OIL AND ACRYLIC forms of representation. Central to this pursuit is ON CANVAS the art-historical language of portraiture, explored 121,9 X 91,4 CM as a site of identity formation and its contestation. With a goal to reclaim representational power, her depictions of female protagonists combine folkloric and literary references with wide-ranging representational cues—from hair textures to historically- specific textile patterns, and regional plant life—to establish a hybrid sensibility evocative of her Caribbean roots.

CONSTELLATION

// (MOVEMENT REIMAGINED)

Courtesy of the artist and James Cohan Gallery, New York 2019 ÖL UND ACRYL AUF LEINWAND / OIL AND ACRYLIC ON Firelei Báez (*1981, Dominikanische Republik, CANVAS lebt und arbeitet in New York City) siedelt Ge- 101,6 X 76,2 X 5,1 CM schichten aus der Diaspora im Reich der Fan- tasie an. Dabei bearbeitet sie alte Bilder aus der Vergangenheit, um auf diese Weise neue Möglichkeiten für die Zukunft zu erkunden. In ihren Gemälden untersucht Báez Verbindungen zwischen dem Körper und seinen unterschiedlichen Darstellungsformen. Im Mittelpunkt ihres forschenden Procederes steht die kunsthisto- rische Sprache des Porträts, dessen Identi- tätskonstruktionen sie zurückweist. Ihre Bilder verfolgen das Ziel, die Macht der Repräsentati- on zurückzuerobern. So verknüpft Báez in den Porträts ihrer Protagonist*innen Referenzen aus Folklore und Literatur mit weitgespannten Darstellungsformen. Sie reichen von der Art ihrer Haare über typische historische Textil- muster bis hin zur regionalen Pflanzenwelt, um die Betrachter*innen für Hybridisierungen zu sensibilisieren, die exemplarisch sind für ihre karibischen Wurzeln. Courtesy of Rennie Collection, Vancouver

8 Constellation (Movements Reimagined) ist SEMIHA BERKSOY typisch für Báez’ Porträtmalerei. Im Mittel- punkt steht eine starke Frau, die sie in kühnen, THE VICTORY OF ART kräftigen Farben dargestellt hat. Wichtig sind (SELF-PORTRAIT) der Künstlerin dabei die koloristischen Kont- raste. Sie sorgen dafür, dass die Darstellung 1972 von Haut, Haar und Kleidung die Realität in der ÖL AUF HARTFASERPLATTE / OIL ON HARDBOARD Art von Science Fiction hinter sich lässt. Der in 99,5 X 69,5 CM spektakulären Farben gemalte Körper der Frau ist förmlich im Fluss – in einem ständigen Pro- zess des Werdens und Vergehens. In ähnlicher Weise hat sie auch The Fire and Burn with Eyes that See gemalt. Das Bild zeigt eine archety- pische Frau, eine Ciguapa, einen weiblichen Trickster aus der dominikanischen Folklore. Für Báez verkörpert dieser weibliche Trickster das Potenzial, sich repressiven Konventionen zu widersetzen. Mit ihrem glänzenden und gestyl- ten Haar ist die fließende Figur ein Symbol der Veränderung. Báez bewegt sich hier zwischen Abstraktion und Repräsentation, indem sie ihre Protagonistin inmitten schwindelerregender Courtesy of GALERIST, Istanbul Farbstrudel unkenntlich macht und dadurch die Energie einer sich zum Teil schon vollziehenden Transformation evoziert. SALOME

Constellation (Movements reimagined) is 1962 typical of Báez’s portraiture, centering a strong ÖL AUF HARTFASERPLATTEN / OIL ON HARDBOARD female protagonist elaborated in bold exuberant 240 X 122 CM color. Attention is given to the contrast of colors to produce textile, skin, and hair textures in a depiction that strays from reality into the style of Science Fiction. Rendered in spectacular color, her body is in flux—always in the process of being made and unmade. A similar treatment is given to The fire and burn with eyes that see, which depicts a feminine-archetypal ciguapa, a trickster from Dominican folklore who, for Báez, embodies the potential to defy oppres- sive conventions. Shown here with lustrous manipulated hair, the figure serves as a shape- shifting agent for change. Here Báez pushes between abstraction and representation, rendering the subject unrecognizable amidst a vertiginous pool of color that evokes an energy of a transformation partly underway. Courtesy of GALERIST, Istanbul

9 SALOME ARIADNE AUF NAXOS 2001 (SELF-PORTRAIT) ÖL AUF BETTLAKEN / OIL ON BEDSHEET 1968 220 X 210 CM ÖL AUF STOFF / OIL ON CLOTH 210 X 263 CM

Courtesy of GALLERIST, Istanbul Courtesy of GALERIST, Istanbul

Courtesy of GALERIST, Istanbul CLIMBER (SELF-PORTRAIT) 1968 EMERGENCE OF A SINGLE ÖL AUF LEINWAND/ OIL ON CANVAS BODY FROM A SINGLE SEED 100 X 70 CM 1967 ÖL AUF LEINWAND / OIL ON CANVAS 100 X 95 CM

Courtesy of GALERIST, Istanbul

10 THE GIRL PROTECTED FROM Semiha Berksoy (*1910 - 2004, Istanbul, EVIL BY HER MOTHER Türkei) war eine Opernsängerin, Performance- Künstlerin, Dichterin und Malerin. Durch ihr 1970 vielseitiges kreatives Schaffen wurde sie zu ÖL AUF HARTFASERPLATTE / OIL ON HARDBOARD einer der bedeutendsten Persönlichkeiten 106 X 76 CM der modernen türkischen Kulturgeschich- te. Im Alter von 21 Jahren spielte sie in dem ersten türkischen Tonfilm Istanbul Sokakları (Die Straßen von Istanbul) mit. Wenig später übernahm sie die Hauptrolle in der ersten türkischen Oper Özsoy und trat vor Mustafa Kemal Atatürk auf, dem Gründer der modernen Türkei und späterem lebenslangen Förderer von Berksoy. Nachdem sie die Staatliche Hoch- schule für Musik in Berlin als Beste von allen Studierenden abgeschlossen hatte, erhielt sie im Verlauf ihrer Karriere die Titel „Opern- sängerin von Weltrang“, „Primadonna“ und „Staatskünstlerin“. In Berlin stand sie 1939 als erste türkische Primadonna Europas auf der Bühne und spielte für Richard Strauss die Rolle Courtesy of GALERIST, Istanbul der Ariadne in seiner Oper Ariadne auf Naxos. Später gründete sie zusammen mit Carl Ebert die Türkische Staatsoper und Ballett. PROF. PERIHAN ÇAMBEL In der bildenden Kunst entwickelte Berksoy 1982 einen zupackenden, emotionalen und idio- ÖL AUF HARTFASERPLATTE / OIL ON HARDBOARD synkratischen Malstil, der bis zu ihrer ersten 60,5 X 45,5 CM Ausstellung im Jahr 1969 für sie reine Privat- sache war. Als Autodidaktin, Mystikerin und Schöpferin einer Mythologie in eigener Sache verknüpft ihr Werk persönliche Erzählungen mit hochsymbolischen Motiven, was zur surrea- listischen Selbstdarstellung Berksoys und der Ereignisse in ihrem Leben führte. Innerhalb ihres künstlerischen Universums tauchen wiederholt eine Reihe von Motiven auf, zum Beispiel Selbstporträts, die sie in der Rolle der Ariadne zeigen, sowie traumartige Darstellun- gen der Beziehung Berksoys zu ihrer Mutter, die gleichfalls Künstlerin war. Das Ergebnis ist ein fesselndes visuelles Tagebuch der wech- selvollen Karriere Berksoys und der vitalen Turbulenzen ihrer Innenwelt.

Courtesy of GALERIST, Istanbul

11 Semiha Berksoy (*1910—2004, Istanbul, Tur- ANNA BETBEZE key) was a opera singer, artist, poet, and one of the most significant figures in modern Turkey’s MOON cultural history. At the age of 21, she acted 2012 in Turkey’s first sound film Istanbul Sokaklari [The Streets of Istanbul]; and not long after, WOLLE, ASCHE, SÄUREFARBSTOFF / WOOL, ASH, starred in the first Turkish operaÖzsoy , in ACID DYES front of Mustafa Kemal Ataturk—the founder 250 X 250 CM of modern Turkey, and subsequently, a lifelong supporter of Berksoy. After graduating from the State Academy of Music in Berlin as the best of all students, she was awarded the titles of „world-class opera singer“, „prima donna“ and „state artist“ during her career. In Berlin in 1939, she became the first Turkish prima donna to perform on stage in Europe, playing the role of Ariadne in Ariadne auf Naxos for Richard Strauss. Later she worked with Carl Ebert to found the Turkish State Opera and Ballet.

In her visual art, Berksoy developed an immedi- ate, emotive and idiosyncratic style of painting Courtesy ot the artist that remained a private pursuit until her first exhibition in 1969. As a mystic and self-mytho- logizer, her work blurs personal narrative with Anna Betbeze (*1980 in Mobile, Alabama, lebt highly symbolic motifs, resulting in surrealistic und arbeitet in New York) arbeitet mit unter- self-representations of Berksoy and events in schiedlichen Textilien. Ohne Pinsel, Leinwand her life. Within this artistic universe a number oder Keilrahmen schafft sie große malerische of motifs reoccur, for instance self-portraits Wandbehänge. Für ihre ausdrucksstarken Tex- picturing her in character—notably as Ariadne— tilarbeiten mit auffällig strukturierten Texturen, as well as dreamlike depictions of the relati- deren Oberflächen sie durch Schneiden oder onship between Berksoy and her mother, an Brennen zusätzlich betont, benutzt Betbeze artist. What results is a compelling visual diary hauptsächliche Wolle und Säurefarbstoffe. Die of Berksoy’s storied career and her vital and Materialität ihrer Werke erinnert gleicherma- turbulent inner world. ßen an die Geschichte der Gobelins wie des funktionalen Designs und ihr psychologischer Unterstrom an die Geschichte des abjekten oder formlosen Objekts.

Da sie wie Teppiche und Läufer aussehen, denkt man bei ihrem Anblick an Kunsthand- werk und dessen Verhältnis zur bildenden Kunst. Wie es historisch aus der westlichen Kunst ausgegrenzt wurde und an seine spätere Funktion in der Wohnkultur. Indem Betbeze ihre Arbeiten wie Bilder an die Wand hängt, sät sie in einfacher Weise Zweifel an der Berechtigung

12 dieser Trennung, da die Werke nun wie Male- MOON 2 rei verstanden werden können - vor allem wie moderne Malerei. Dieses Verständnis reicht 2012 von den frühen Farbexperimenten Kandinskys WOLLE, ASCHE, SÄUREFARBSTOFF / WOOL, ASH, oder Albers bis hin zum „All over“ des abstrak- ACID DYES ten Expressionismus in Nordamerika. Aller- 240 X 170 CM dings verkehrt Betbeze die Tendenz moderner Malerei, sich kalt und flach auf der Leinwand zu präsentieren, durch stark strukturierte und warmen Materialien. Das führt in ihrer Kunst zu synästhetischen Erfahrungen, durch die wir die Komplexität unseres Begehrens und unsere sinnlichen Beziehungen zu Form und Farbe erforschen.

Anne Betbeze (*1980, Mobile, Alabama, lives and works in New York) works with a range of textiles to produce large painting-like wall hangings without the use of a brush, canvas, or stretcher. Primarily using wool and acid dyes, Betbeze makes highly textured and expressive textile pieces whose surfaces are additionally Courtesy ot the artist stressed by cutting or burning. This materiality, recalls the parallel histories of tapestry-making, functional design, and the psychological under- SHADOW pinnings of the abject or formless object. 2012 Appearing like rugs or carpets, they infer a WOLLE, ASCHE / WOOL, ASH relation between craft and its historical divi- 244 X 152 CM sion from the fine arts in Western art and its subsequent function in home décor. By hanging these works on the wall, Betbeze unsettles this presupposition in a simple way, bringing them into a gaze where they can be read within the languge of painting—specifically modernist painting, from the early color experiments of Kandinsky or Albers, to the “all over” treatment of American abstract expressionism. Betbeze overturns modernist painting’s need for cool- ness and flatness in favour of highly textured and warm materials, invoking synesthetic expe- riences that explore the complexities of desire and our sensual relationships to color and form.

Courtesy ot the artist

13 HOT FRUIT APPALACHIA 2015 2016 WOLLE, SÄUREFARBEN, ASCHE, TUSCHE / WOLLE, SÄUREFARBSTOFF, ASCHE, TUSCHE / WOOL, ACID DYES, ASH, INDIA INK WOOL, ACID DYES, ASH, INDIA INK 255 X 160 CM 270 X 135 CM

Courtesy ot the artist

Courtesy ot the artist EROS LIGHTNING EYELASHES RISING 2015 WOLLE, SÄUREFARBEN, ASCHE, TUSCHE / 2015 WOOL, ACID DYES, ASH, INDIA INK WOLLE, SÄUREFARBSTOFF, ASCHE, TUSCHE / 225 X 160 CM WOOL, ACID DYES, ASH, INDIA INK 240 X 160 CM

Courtesy ot the artist Courtesy ot the artist

14 ANNA BOGHIGUIAN Anna Boghiguians (*1946 in Kairo, Ägypten, lebt und arbeitet in Kairo und reist umher) SAIL & BOAT Werk ist ein poetischer Hybrid aus Malerei, Zeichnung, Collage, Skulptur und Installation, 2018 der das Pergament historischer und persön- MIXED MEDIA AUF STOFF UND HOLZ / MIXED licher Erinnerung hervorruft. Einige ihrer zent- MEDIA ON TEXTILE AND WOOD ralen Themen sind Erzählungen von Migration, 450 X 450 CM, 380 X 140 X 52 CM Sklaverei, Flucht und Vertreibung und evozie- ren die emotionalen und kognitiven Assozia- tionen, die wir sowohl mit Orten als auch mit Prozessen der Vertreibung haben. Eine malerische Herangehensweise an die Darstellung ist zentral für ihre ausgeprägte multimediale Praxis, gestischen Körper, Land- schaft und Notationstexte abbildet, welche sich auf der Oberfläche ihrer Arbeit anhäufen und überlappen, während ihre skulpturale Prä- senz einen poetischen Sinn für das Theatrali- sche repräsentieren.

Mit Boat & Sail, stellt Boghiguian ein vorge- fertigtes Ruderboot aus, das mit gestischen Motiven bemalt ist, die seine hölzernen Ober-

Courtesty the artist and Galerie Sfeir-Semler Beirut/Ham- flächen färben. Sein bemaltes und drapiertes burg Segel spielt auf die Materialeigenschaften von einem Segeltuch an - das häufig für nautische Zwecke verwendet wird. Gleichzeitig zeigt es die formale Fähigkeit des "My work centres around the ways in which Stoffes, dramatische skulpturale Formen zu humans are uprooted from their lands due erzeugen. Das hochgradig evokative Objekt to social, political and cultural pressures des Bootes wird in Boghuiguians zutiefst per- sönlicher und subjektiver Sprache, durch die and change from outside. These people have auf seine Oberflächen gemalten Bildblitze und lived on their lands for generations, connec- seine handgemalten tagebuchartigen Tests, ted to their unique cultures and ways. These mit der visuellen und schriftlichen Sprache der involve religion or beliefs, languages, ways of Künstlerin poetisch miteinander verbunden. relating to place, and myths revolving around their existence. Once a population is uproo- Anna Boghiguian’s (*1946 in Cairo, Egypt, lives ted, so too are their languages and histories and works in Cairo and itinerant) work is a poe- rendered irrelevant, their beliefs no longer tic hybrid of painting, drawing, collage, sculp- tethered to the homes and temples in which ture and installation that evokes the palimpsest of historical and personal memory. One of its they grew." (Anna Boghuiguian) central themes are narratives of migration, evoking the emotional and cognitive associa- tions we have with both place and and proces- ses of displacement. A painterly approach

15 to representation is central to her markedly HUGO CANOILAS multi-media practice, picturing gestural bodies, landscape, and notational text that accrue and GIZMO overlap across the surface of her work, while its sculptural presence signifies a poetic sense 2021 of the theatrical. ÖLFARBEN, SAND, DIGITALER DRUCK AUF With Boat & Sai, Boghuiguian exhibits a LEINWAND / OIL PAINT, SAND, DIGITAL PRINT ON CANVAS ready-made rowboat painted with gestural 230 X 230 CM motifs that color its wooden surfaces. Its painted and draped sail alludes to the material properties of canvas—often used for nautical purposes—while showing the formal ability of the fabric to produce dramatic sculptural shapes. The highly evocative object of the boat is brought into Boghuiguian’s deeply personal and subjective language through the flashes of images painted across its surfaces, and its hand painted diaristic tests that poetically link the artist’s visual and written language.

Courtesy ot the artist and Galerie Martin Jada

Hugo Canoilas (*1977 in Lissabon, Portugal, lebt und arbeitet in Wien) erweitert in seinem Werk traditionelle Vorstellungen von der Malerei. Zugleich untersucht er in immersiven Installationen, Gemälden, Performances und Objekten das Verhältnis von Mensch und Natur. Seine avancierten Vorstellungen von der Malerei wurden besonders von Künstlern der 1960er Jahre wie Hélio Oiticica und Blinky Palermo beeinflusst. Canoilas geht über die Dimensionen der Leinwand hinaus, um das Publikum für eine räumliche und aktive Ausein- andersetzung mit seinen Werken zu gewinnen. In seinen Bodenarbeiten denkt Canoilas über die Betrachtung von „Landschaftsmalerei“ nach, indem er dafür den Boden als primären Ort ästhetischer Erfahrung nutzt. Er verwendet filzartige Wolle für die Herstellung von Courtesty the artist and Galerie Sfeir-Semler Beirut/Ham- Teppichen, auf denen die Besucher*innen ge- burg hen und die sie wie ganz alltägliche Bodenbe- läge benutzen dürfen, während sie gleichzeitig als Träger für seine abstrakten Glasskulpturen dienen. In dem Werk bezieht Canoilas sich auf das Leben in der Tiefsee. Er verbindet

16 amorphe und abstrahierte Formen mit na- MILA SUPERSTAR türlichen Phänomenen, die dem Menschen als äußerst unheimlich erscheinen. Canoilas 2021 stellt eine immersive Biosphäre dar, in der ÖLFARBEN, SAND, DIGITALER DRUCK AUF das Publikum in metaphorischer Weise zur LEINWAND / OIL PAINT, SAND, DIGITAL PRINT ON Betrachtung der ökologischen Verflechtung CANVAS von Mensch und Tier findet. 370 X 430 CM

Hugo Canoilas (*1977 in Lisbon, Portugal, lives and works in Vienna) pushes an expanded PABLO & PINOT conception of painting in his work, investi- gating the relationship between the human 2021 and natural world through the construction of ÖLFARBEN, SAND, DIGITALER DRUCK AUF immersive installations, paintings, performan- LEINWAND / OIL PAINT, SAND, DIGITAL PRINT ON ces and objects. Particularly inspired by the CANVAS expanded conceptions of painting put forward JE / EACH 475 X 250 CM in the 1960s by artists such as Hélio Oiticica and Blinky Palermo, Canoilas moves beyond the strictures of the canvas in order to open the audience up to a spatial and experiential FIONA engagement with the work. 2021 In his floorworks Canoilas rethinks the spec- tatorship of “landscape” painting, by using the ÖLFARBEN, SAND, DIGITALER DRUCK AUF floor as the primary site of aesthetic experi- LEINWAND / OIL PAINT, SAND, DIGITAL PRINT ON ence. Here he uses matted wool to produce CANVAS carpets that can be walked across and used 400 X 260CM like normal floor coverings, while also functio- ning as the sites that bear his abstract glass sculptures. In this work, Canoilas references deep sea life, connecting amorphous and abs- tracted forms with natural phenomena that are so strikingly uncanny to human understanding while each work is deroved by a friend‘s dog. Canoilas proposes an immersive biosphere where the audience is met with a metaphorical departure point for considering the ecologi- cal entwinement between human and anima worlds.

17 UNTER HALLE / BASEMENT

SEMIHA BERKSOY

RAPHAELA VOGEL

SEMIHA BERKSOY

HUGO CANOILAS

SEMIHA BERKSOY

18 TREPPE / STAIRCASE

LEE KIT

LEE KIT LEE KIT

19 OBER HALLE / UPPER HALL

HUGO CANOILAS HELEN JOHNSON LEE KIT ANNA BETBEZE

DONNA HUANCA

ANNA BETBEZE

FIRELEI BÁEZ BEATRIZ GONZÁLEZ

HUGO CANOILAS

ANNA BETBEZE ANNA BOGHIGUIAN

SEMIHA BERKSOY

20 SEMIHA BERKSOY LEE KIT EL HADJI SY ANNA BETBEZE

ANNA BETBEZE THAO NGUYEN PHAN

VICTOR MAN KHALIL RABAH

ANNA BOGHIGUIAN

21 BEATRIZ GONZÁLEZ amerikanischen Konsumerismus oder die westliche Kunstgeschichte – durch den Filter CEREMONIA DE LA CAJA des besonderen Charakters ihres Landes, seiner Geschichte und Kultur. 2010 Das Motiv von Ceremonia de la Caja (Zere- ÖLFARBE AUF LEINWAND / OIL PAINTING ON monie der Särge), rührt von einer Zeitungs- CANVAS fotografie her. Sie begleitete einen Bericht 180 X 100 CM über die Restitution von Leichen. Es handelte sich dabei um Menschen, die von bewaffneten Gruppen in Kolumbien getötet wurden. Die Fotografie dokumentiert einen offiziellen Akt, bei dem die identifizierten Überreste der Verstorbenen an ihre Angehörigen übergeben werden. González zeigt eine Prozession von Särgen in einer Farbpalette, die dem Ernst des Themas zu widersprechen scheint. Die Wand- arbeit Wiwa Stories I dagegen bezieht sich auf eine Tragödie, die sich ereignete, als ein Dorf der indigenen Wiwa-Gemeinschaft von einem Blitz getroffen wurde und niederbrannte. Dabei kamen elf Menschen ums Leben. In der Art, wie Gonzaléz sich auf diese Geschichten konzentriert, beschwört sie das Pathos dieser Tragödien in ihrem Land und schärft gleichzeitig das Bewusstsein für die Gewalt, die dort andauert.

Courtesy the artist and Galerie Peter Kilchmann

Beatriz González (*1933, Bucaramanga, Co- Beatriz González (*1933 in Bucaramanga, lombia, lives and works in Colombia) is an artist Kolumbien, lebt und arbeitet in Kolumbien) ist whose work has unfolded within and reflected Künstlerin, deren Werk die sozialen und poli- upon the social and political turbulence of mo- tischen Turbulenzen des modernen Kolumbien dern Colombia. Starting her career following zum Thema hat und sie zugleich reflektiert. the period called La Violencia (1948-1958), González begann ihre Karriere nach der Peri- González shifted from a language of abstrac- ode, die als La Violencia (1948-1958) bezeich- tion to a way of painting that included images net wird. Am Anfang malte sie abstrakte Bilder, from the media, everyday subject matter and dann ging sie zu einer Malweise über, bei der materials. While her work has been aligned sie Bilder aus den Medien sowie alltägliche with international responses to American Pop Themen und Materialien in ihre Arbeiten art, she insists that her work occurred apart miteinbezog. Während ihre Arbeit mit interna- from this. Instead, her work filters the impor- tionalen Reaktionen auf die amerikanische Pop ted culture—be it American consumerism or Art in Einklang gebracht wurde, besteht die Western art history—through the distinct local Künstlerin darauf, dass ihre Arbeiten unab- context of Colombia, its history and its culture. hängig davon entstanden sind. Stattdessen betrachten ihre Werke die nach Kolumbien Ceremonia de la Caja [Ceremony of boxes], importierte Kultur – sei es nun der derives its motif from a newspaper photograph

22 reporting on the restitution of bodies of people killed by armed guerilla groups. González shows a procession of coffins, small enough to be children, in a color palette that may seem to contradict the weight of the subject matter. While the wallpaper work Wiwa Stories refers to a tragedy that occurred when a village of the indigenous Wiwa community was struck by lightning and burned down, killing 11 people. By centering these stories, Gonzaléz evokes the pathos of these local tragedies while parodying the trivialization of violence that continues in Colombia today.

WIWA STORIES I

2015 DIGITALER DRUCK AUF WANDPAPIER / DIGITAL PRINT ON WALLPAPER DIMENSIONEN VARIABEL / DIMENSIONS VARI- ABLE

Courtesy the artist and Galerie Peter Kilchmann & Galería Casa Riegner, Bogotá

23 EL HADJI SY El Hadji Sy (*1954, Dakar, Senegal, lebt und arbeitet im Senegal) ist Künstler, Aktivist UNTITLED und Kurator, der seit den 1970er Jahren eine zentrale Rolle in den Diskursen der senegale- 1994 sischen Gegenwartskunst spielt. Seine Arbeit ACRYL AUF PLANE / ACRYLIC ON TARPAULIN ist sinnbildlich für die Selbstbestimmung, 340 X 218,5 CM die senegalesische Künstler*innen nach der Unabhängigkeit des Landes 1961, durch neue kulturelle Sprachen und der Förderung des kulturellen Austauschs, erlangten. Zu dieser Zeit konfrontierte er das von der Regierung aufrechterhaltene normative Genre der Male- rei, indem er zehn Jahre lang ausschließlich mit seinen Füßen malte. Gleichzeitig war er Mitbegründer von Künstler*innenkollektiven (Laboratoire Agit‘Art, Tenq und Huit Facettes Interaction) und beteiligte sich an direkten politischen Aktionen, wie Hausbesetzung von Ge-

Courtesy of the artist and Clémentine Deliss bäuden, die von französischen Kolonisten und chinesischen Kommunisten errichtet wurden.

"[…] the tradition of making art in Africa is Sys Arbeit konzentriert sich auf die menschli- something collective. When you produce che Figur und ihre Bewegung, auf die spezifi- something, the community takes part in the schen und gesellschaftlich definierten Bezie- hungen des Kunstschaffenden und dessen process. It is the collective that accepts it. Betrachtung zum Kunstobjekt. Indem er die The artwork becomes a socialized object, räumliche Achse verschiedener stationärer enhanced and embellished by the community. Elemente durchbricht - sie werden angefasst, And the community is reflected in it. It’s the beweglich gemacht und in Performances transfer to Western norms that has turned eingebunden -, flackern in seinen Arbeiten Signale auf, die zwischen Kunstgeschichten the artist into an isolated bourgeois, a per- und ihrer Abhängigkeit von internationalen son who works individually. In contrast, the Geschichten des Handels und kulturellen system of solidarity and sharing transforms Austauschs pendeln. Das zeigt sich in seinen the object into a new vehicle of information. It Malereien auf Jutesäcken, die von ihrer Ein- bettung in Alltag und Handel zeugen, ebenso is shared by the community both as a witness wie in der Dokumentation seiner Bühnenobjek- and a social object." te, Kostüme und Performances, die er mit dem (El Hadji Sy) Laboratoire Agit‘Art entworfen hat. In dieser dynamischen Praxis zeigt Sy, wie weit die Malerei nicht nur als Objekt, sondern auch als Verb funktionieren kann.

El Hadji Sy (*1954, Dakar, Senegal, lives and works in Senegal) is an artist, activist, and cu- rator who has been central to the discourses of Senegalese contemporary art since the 1970s. 24 Showing outside of Senegal since 1981, his UNTITLED work is emblematic of the self-determination that Senegalese artists showed in defining 1992 new cultural languages and promoting cultural ACRYL AUF JUTESACK / ACRYLIC ON JUTESACK- exchange after the country’s independence in ING 1961. At this time, he confronted the normative 180 X 180 CM genre of painting upheld by the government by painting with his feet for ten years. Simul- taneously he co-founded artists’ collectives (Laboratoire Agit’Art, Tenq, and Huit Facettes Interaction) and took part in the more direct political action of squatting buildings constructed by French colonists and Chinese commu- nists.

Sy’s work centers on the human figure and its movement, on the artist and their viewers’ specific and socially defined relationships with the art object. Breaching the spatial axis of different stationary elements—being handled, made mobile and performed with—his works flicker signals that commute between art histories and their dependence on international histories Courtesy of the artist and Clémentine Deliss of trade and cultural exchange. This is just as apparent in his paintings on jute sacks which UNTITLED attest to their embeddedness in everyday life and trade, as it is in the documentation of his 1992 stage objects, costumes, and performances ACRYL UND LEDER AUF PLANE / ACRYLIC AND which he designed with Laboratoire Agit’Art. LEATHER ON TARPAULIN In this dynamic practice, Sy shows the extent 122 X 186 CM of painting’s function not only as an object, but also as a verb.

Courtesy of the artist and Clémentine Deliss

25 UNTITLED UNTITLED 1994 1996 ACRYL AUF JUTESACK / ACRYLIC ON JUTESACK- ACRYL AUF STOFF / ACRYLIC ON FABRIC ING 160 X 160 CM 70 X 100 CM

Courtesy of the artist and Clémentine Deliss

Courtesy of the artist and Clémentine Deliss FLAGS FOR TENQ UNTITLED 1994 1994 ACRYL AUF JUTESACK / ACRYLIC ON JUTE- SACKING ACRYL AUF JUTESACK / ACRYLIC ON JUTESACK- 80 X 40 CM ING 153 X 93 CM

Courtesy of the artist and Clémentine Deliss

26 FLAGS FOR TENQ DONNA HUANCA 1994 DIOSAS DE CUEVA VERDE ACRYL AUF JUTESACK / ACRYLIC ON JUTESACK- EMOCIÓNALES, (D.F. COPAL) ING [1-8] 80 X 40 CM 2019 ÖLFARBE, SAND, DIGITALER PRINT AUF LEIN- WAND / OIL PAINT, SAND, DIGITAL PRINT ON CANVAS 8 Stück / 8 Pieces je / each 220 x 180 CM

Courtesy of the artist and Clémentine Deliss

HOMMAGE À BOCAR DIONG 1989 Courtesy of the artist and Peres Projects ÖL AUF LEINWAND / OIL ON CANVAS 98 X 70 CM Donna Huanca (*1980 in Chicago, Illinois; lebt und arbeitet in Berlin) verknüpft Malerei, Skulptur, Performance, Choreografie und Video, um Installationen zu schaffen, in deren Mittelpunkt die Erkundung des Körpers und seiner Gestalt steht. Ausgangspunkt für viele Werke von Huancas sind ihre „lebenden Skulp- turen“, bei denen die Künstlerin mit Modellen arbeitet, deren Körper sie bemalt und die dann mit den Installationen der Künstlerin interagie- ren und durch sie hindurchlaufen. Das Spiel zwischen Subjekt und Objekt erweckt Huancas immersive Environments zum Leben, die aus großformatigen Gemälden, Skulpturen und Ge- bilden aus Sand bestehen. Für ihre Leinwand- gemälde scannt, fotografiert und reproduziert Huanca ihre Körperbilder und schafft so kühne, großformatige Werke in zwei Dimensionen. Auf Courtesy of the artist an Privat Collection, diese Weise stellt sie eine Passage her zwi- Frankfurt schen den performativen, ephemeren Gesten

27 ihrer Modelle und den expressiven, dauer- HELEN JOHNSON haften Formen auf der Leinwand. Indem sie diese Gesten ins Monumentale vergrößert, WOMEN DISCUSSING PATRI- schafft Huanca durch die schiere Physikalität ARCHY der Malerei eine weitere Beziehung zwischen dem Körper der Betrachter*innen und dem 2015 Gegenstand ihrer Arbeit. Huanca versteht SYNTHETISCHE POLYMERFARBE UND LEDER ihre Skulpturen und Gemälde als Surrogate AUF LEINWAND / SYNTHETIC POLYMER PAINT ihrer Darsteller*innen. Sie springen ein, wenn AND LEATHER ON CANVAS die Modelle abwesend sind. Was letztlich 129,8 X 91,2 CM bedeutet, dass die Momente, in denen die Betrachter*innen zu Zeug*innen der Interakti- on zwischen Modell und Objekt werden, seltene und sehr privilegierte Ereignisse sind.

Donna Huanca (*1980 in Chicago, Illinois, lives and works in Berlin) brings together painting, sculpture, performance, choreography and video to produce installations that center an exploration of the body and its form. The starting point for much of Huanca’s work is her “live sculpture” pieces, where the artist works with models whose bodies are painted by the artist and who interact and traverse the artist’s installations. This play between subject and object Courtesy of the artist and Pilar Corrias animates Huanca’s immersive environments consisting of large-scale paintings, sculptures, and sand formations. SELF PAINTING

For her works on canvas, Huanca scans and 2017 photographs her body-paintings, reproducing ACRYL AUF LEINWAND, BAUHOLZ / ACRYLIC ON them on canvas for these bold and expansive CANVAS, TIMBER two-dimensional works. By doing this Huanca 185 X 240 CM produces a passage between the performative, ephemeral gestures of her models to the expressive, permanent forms on canvas. Hu- anca sees her sculptures and paintings as the surrogates of her performers, standing in when the models are absent, ultimately implying that these moments between model and object are a rare and privileged occurrence. By blowing up these gestures to monumental scale Huance implies a further relation between the body of the viewer and the object of the work by the sheer physicality of the painting. Courtesy of the artist and Pilar Corrias

28 OR ELSE stellung werden die Werke frei im Raum installiert, wo sie von beiden Seiten betrachtet 2016 werden können. Johnson nutzt die Rückseiten ACRYL AUF LEINWAND / ACRYLIC ON CANVAS der Gemälde, die entsprechende Notizen und 280 X 214 CM Anmerkungen tragen, als so etwas wie ihr Unbewusstes. Die Installation zeigt Bilder, die typisch für Johnsons feministische Umwertung der Geschichte sind. Zum Beispiel sieht man in Women Discussing Patriarchy zwei Frauen, die in ihren Händen die Köpfe zweier ehemaliger Premierminister der australischen Labor Party halten. Sie sind nur undeutlich zu erkennen. Indem Johnson diese großen, statuenhaf- ten Köpfe als machtlos und leer präsentiert, suggeriert sie eine bestimmte Form des Geschlechterverhältnisses. Dabei lässt sie im Unklaren, ob sich die Frauen um diese objekt- haften Köpfe kümmern oder sie gestohlen haben. Or Else dagegen zeigt eine Szene aus dem australischen Film The Story of The Kelly Gang (1908), in der ein Polizist und ein Bushranger in eine Schießerei verwickelt sind. Bushranger waren ursprünglich entlaufene Sträflinge. Eine der letzten von ihnen war Ned Kelly. Die Szene bezieht sich auf seine Geschichte und damit Courtesy of the artist and Pilar Corrias auf einen Gründungsmythos der nationalen Identität Australiens und seiner Verstrickung in Helen Johnson (*1979 in Melbourne, Austra- Kriminalität. Dahinter verbirgt sich das Motiv lien, lebt und arbeitet in Melbourne) ist eine eines Gemäldes, das von zwei nackten Män- Malerin, Pädagogin und Schriftstellerin, die nern mit schlaffen Genitalien gehalten wird, sich in ihrer künstlerischen Arbeit mit Themen was den Schluss nahelegt, dass die Männer nationaler Geschichte und Identität im Zu- bei der Inszenierung der Geschichte Australi- sammenhang mit dem australischen Kontinent ens gescheitert sind. beschäftigt. Im Mittelpunkt steht dabei die privilegierte Stellung der Malerei in der westlichen Kunstgeschichte und ihre Instrumenta- Helen Johnson (*1979 Melbourne, Australia, lisierung durch den britischen Kolonialismus. lives and works in Melbourne) is a painter, Johnsons Werk blickt kritisch auf diese educator, and writer whose work has been Geschichte zurück. Ihre kraftvollen allegori- concerned with notions of national history and schen Bilder verwenden sowohl historische identity in the context of the Australian conti- Stoffe als auch zeitgenössische Referenzen. nent. Central to this is the privileged position of Charakteristisch für sie ist ein respektloser painting in Western art history and its utilization und entwaffnender Humor, der die Türen hin as a tool of British colonialism. Johnson’s work zu kritischer Reflexion und Neubewertung von critically reflects back on this history, appropri- Geschichte und Gegenwart weit öffnet. In den ating historical material alongside contempora- letzten Jahren hat Johnson das Malen auf ry references in powerfully allegorical pictures. losen Leinwänden bevorzugt. Nach Fertig- Her paintings are imbibed with an irreverent

29 and disarming humor that opens the door to LEE KIT critical reflection and reevaluation. BLAME OTHERS In the past few years Johnson has preferred 2021 painting on unstretched canvas. When finished these works are installed off the wall where ACRYL, EMULSIONSFARBE, TINTE, BLEISTIFT AUF they are viewable from both sides. Johnson KARTON, WASSERGLAS /ACRYLIC, EMULSION utilizes the verso of these works like a kind of PAINT, INKJET INK AND PENCIL ON CARDBOARD, unconscious of the work, carrying its notes WATER GLASS and annotations. This installation shows pain- DIMENSIONS VARIABLE / DIMENSIONS VARIABLE tings that are typical of her feminist reevaluation of history. For instance, Women discussing patriarchy shows two women holding the heads of two former Australian Labor Party prime ministers who are rendered almost uni- dentifiable. Johnson invokes a gender relation by showing these large statuesque heads as powerless and empty, while making it unclear whether the women are either caring for these objects or have stolen them. While Or Else shows a scene from the Australian filmThe Story of The Kelly Gang (1908) which shows a policeman and bushranger engaged in a gun- Courtesy of the artist fight—referencing the true story of Ned Kelly, a foundational myth of Australian national identity and its entanglement with criminality. MEDIOCRE Inset behind this is a motif of a painting held by two naked men with flacid genitals, inferring a 2021 sense of failed masculinity within the staging ACRYL, EMULSIONSFARBE, TINTE UND BLEIS- of history. What each painting demonstrates is TIFT AUF KARTON, SCHUHSCHRANK / ACRYLIC, Johnson’s aim to destabilize common repre- EMULSION PAINT, INKJET INK AND PENCIL ON sentations and encourage the possibility of CARBOARD, SHOE CABINET new readings and interpretations.

Courtesy of the artist

30 LAGGING die Malerei – in der westlichen Kunst genießt. Aber er tut dies in einer lässigen, 2021 spielerischen und großzügigen Manier, ACRYL, EMULSIONSFARBE, TINTE, KORREKTUR- die letztlich immer von ästhetischer Kom- FLÜSSIGKEIT UND BLEISTIFT AUF KARTON, BE- petenz geleitet wird. Lees Werk hebt die REITGESTELLTES OBJEKT / ACRYLIC, EMULSION ästhetischen Möglichkeiten unseres Alltags PAINT, INKJET INK, CORRECTION FLUID AND ans Licht, indem es unseren Blick auf die PENCIL ON CARBOARD, READYMADE OBJECT schlichte Schönheit des Übersehenen lenkt. Sei es durch das Spiel des Lichts auf einer Leinwand oder die Installation seiner Arbeit in den wenig genutzten Räumen einer Insti- tution.

Lee Kit’s (*1978 in Hong Kong, lives and works in Taipei) work is informed by a relati- onal approach to objects, their place in everyday life, and their subsequent presentation as works of art. Kit refers to his installations as “situations”, underscoring the temporal nature of a certain group of works or objects. Courtesy of the artist For instance, on multiple occasions Kit has painted thin cotton cloth with gridded patterns Lee Kits (*1978 in Hongkong, lebt und emulating domestic textiles, which have then arbeitet in Taipeh) künstlerische Arbeit wird been used as tablecloths or picnic blankets. von einer relationalen Herangehensweise an These dinner parties or picnics are documen- Objekte, ihren Platz im alltäglichen Leben und ted in photographs, and the paintings subse- ihre anschließende Präsentation als Kunst- quently installed in its “rightful” place on the werke geprägt. Kit bezeichnet seine Instal- wall. By showing multiple situations in which lationen als „Situationen“ und unterstreicht the painting is used, Kit decenters the value damit den zeitlichen Charakter bestimmter of the work in favor of showing is passage Werkgruppen und Objekte. Zum Beispiel through stages of use. hat Kit nach dem Vorbild von Heimtextilien mehrfach dünne Baumwolltücher mit Git- While Lee’s work irritates the privileged termustern bemalt, die dann als Tischtücher position given to the artwork—and painting in oder Picknickdecken verwendet wurden. particular—by Western art, it does so with an Die damit verbundenen Dinner-Partys oder irreverent, and playful generosity that is ulti- Picknicks dokumentiert er durch Fotografien mately guided by aesthetic experience. Lee’s und installiert die Gemälde anschließend an work evaluates the aesthetic possibility of ihrem „richtigen“ Platz an der Wand. Indem everyday occurrences by guiding our gaze to Kit mehrere Situationen zeigt, in denen die the simple beauty of the overlooked—be it by Gemälde eingesetzt wurden, verschiebt er the play of light over a canvas, or the installa- den Wert der Werke auf die Darstellung ihrer tion of his work in the underutilized spaces of Passage durch die verschiedenen Stadien the institution. ihrer Verwendung. Lees Werk schafft Irritati- onen hinsichtlich der privilegierten Stellung, die das Kunstwerk - und insbesondere

31 VICTOR MAN FLOWERING EGO UNTITLED (ADIEU À SATAN) 2020 2020 ÖL AUF LEINWAND / OIL ON CANVAS 212 X 129,5 CM ÖL AUF LEINWAND / OIL ON CANVAS 172,5 X 123 CM

Courtesty of the artist and Galerie Neu Courtesty of the artist and Galerie Neu Victor Mans (*1974 in Cluj-Napoca, Rumänien, lebt zwischen Cluj und Rom) stimmungsvolle Untitled (Adieu à Satan) dagegen zeigt das Malerei verknüpft Themen von Macht, Begeh- Cover eines Buches des französischen Sur- ren, Erotik und Verlust durch eine höchst origi- realisten, Mystikers und verstoßenen Geistli- nelle Palette dunkler Blau-, Grün- und Kadmi- chen Ernest de Gengenbach. Das Buch steht umrot-Töne. Mans Malerei stützt sich auf eine sinnbildlich für Gengenbachs Vereinigung des nicht lineare Lektüre der Kunstgeschichte und Spirituellen und Profanen. Einen Gegensatz, präsentiert transhistorische Motive, die neben den er in einem eigenen idiosynkratischen und zeitgenössischen, alltäglichen Sujets stehen. erotischen Mystizismus ausgearbeitet hat – als Verweis auf Versuche, um das Böse oder Flowering Ego, gehört zu einer umfangreichen Verderbte zu exorzieren. In Mans Gemälde ist Serie von Gemälden mit demselben Motiv: eine das Titelbild monochromatisch vergrößert, und Engelsfigur, die der Künstler als menschlichen der Künstler hat es nur minimal interpretiert. In Körper mit dem Kopf einer Krähe dargestellt beiden Werken stellt Man eine Beziehung her hat. Man bedient sich dafür einer stimmungs- zu den Themen des Bösen, des Begehrens, vollen Palette von reichen Rot-, Grün- und der Angst und des Heiligen und verdeutlicht Blautönen. Inspiriert wurde die Bildserie von ihre andauernde Gegenwart in unserem Leben. Rainer Maria Rilkes erster und zweiter Duine- ser Elegie, die sich existenziell mit der Symbo- lik von Engeln beschäftigen.

32 Victor Man’s (*1974, Cluj-Napoca, lives THAO NGUYEN PHAN between Cluj and Rome) evocative painting intertwines themes of power, desire, eroticism, BECOMING ALLUVIUM and loss in a highly original palette enveloped 2019 by dark hues of blue, green, and cadmium red. Man’s painting draws on a non-linear reading DIGITALES 1-KANAL VIDEO / SINGLE CHANNEL of art history, providing trans-historical motifs DIGITAL VIDEO that bristle alongside contemporary, everyday 16:40 MINS subject matter.

Flowering Ego, is from a broader series of paintings featuring the same motif, a figure of an angel pictured as a human body with the head of a crow. Here it is rendered in the evocative palette of rich reds, greens, and blues. The series draws its inspiration from Rainer Maria Rilke’s first and second Duino Elegies, that existentially center on the symbolism of angels. While Untitled (Adieu à Satan) shows the cover of a book by the French surrealist, mystic, and defrocked clergyman Ernest de Gengenbach. The book is emblematic of "This is my contemplation on the glory and Gengenbach’s uniting of the spiritual and the the tragedy of the Mekong River, my att- profane, a contradiction that he elaborated empt to collect testimonies for the captured through his own idiosyncratic, erotic mysti- sediments and the variety of species that are cism—standing as a reference to attempts to sacrificed for mankind’s constant seeking of exorcise evil or the corrupt. In Man’s painting, perpetual brightness." (Thao Nguyen Phan) the cover art is monochromatically enlarged with minimal interpretation from the artist. Thao Nguyen Phans (*1987 in Ho-Chi-Minh- In both works, Man establishes a relation to Stadt, Vietnam, lebt und arbeitet in Ho-Chi- subjects of evil, desire, angst, and the sacred Minh-Stadt) Werk verknüpft Fiktion, Sach- while elucidating their continual presence in buch, Mythos und Folklore zu Erzählungen; sie our contemporary lived experience. erforschen die Welt, in der wir leben, und die Beziehungen des Menschen zur Erde. Dazu verwendet Phan eine Vielzahl von Medien, unter ihnen bewegte Bilder, Installationen und die in Vietnam traditionelle Aquarellmalerei.

Ihr Werkkomplex Becoming Alluvium, gründet auf ihrer Forschung über den Mekong und seine kulturelle, wirtschaftliche und landwirt- schaftliche Bedeutung für die indo-chine- sische Halbinsel, wo er durch Tibet, China, Burma, Vietnam, Laos und Kambodscha fließt. In ihrer Arbeit beobachtet Phan die Umwelt- auswirkungen auf das Flusssystem durch die Ausdehnung der modernen Landwirtschaft,

33 die Überfischung und die Abwanderung der PERPETUAL BRIGHTNESS traditionellen Bauern in die städtischen Gebiete aus wirtschaftlichen Gründen. In 2019 ihrem gleichnamigen Film verknüpft Phan WASSERFARBE AUF SEIDE, VIETNAMESISCHER selbst gedrehtes Filmmaterial, Animationen LACK AUF HOLZ (FARBSTOFF, LACK, EIERSCHA- und gefundene Bilder in drei Kapiteln, die LENLACK UND BLATTSILBER) / WATERCOLOR ON Geschichten von Zerstörung, Erneuerung SILK, VIETNAMESE LACQUER ON WOOD (PIG- und Wiedergeburt erzählen. Parallel dazu MENT, LACQUER, EGGSHELL AND SILVER LEAF arbeiten Phans Aquarellbilder und Lackbilder 6 PANÄLE / PANELS, DIMENSIONEN VARIABEL / auf Holz diese Themen weiter aus, wobei ihre DIMENSIONS VARIABLE Protagonist*innen aus der Mythologie und LAKIERUNG IN ZUSAMMENARBEIT MIT / LAC- Gegenwart des Mekong-Deltas kommen. QUER MADE IN COLLABORATION WITH TRUONG CONG TUNG

Thao Nguyen Phan’s (*1987 Ho Chi Minh City, Vietnam, lives and works in Ho Chi Minh City) work weaves fiction, non-fiction, myth and folklore into narratives that explore our lived environment and human relationships with the earth. To do so, Phan uses a variety of media that includes moving image, installation, and the watercolor on silk painting traditional to Vietnam.

Her body of work Becoming Alluvium, builds on her research into the Mekong River and DELTA (FROM PERPETUAL its cultural, economic and agricultural signifi- BRIGHTNESS SERIES) cance to the Indochinese peninsula—where it passes through Tibet, China, Burma, Vietnam, 2020 Laos, and Cambodia. With this work, Phan VIETNAMESISCHER LACK AUF HOLZ (FARBSTOFF, observes the environmental impact on the river LACK, EIERSCHALENLACK UND BLATTGOLD) / VIET- system from the expansion of modern agricul- NAMESE LACQUER ON WOOD (PIGMENT, LACQUER, ture, overfishing, and the economic migration EGGSHELL AND GOLD LEAF) of traditional farmers to urban areas. In the 73 X 53 X 10 CM film by the same title, Phan combines self- shot footage, animation, and found imagery in three chapters that tell stories of destruction, renewal, and reincarnation. Alongside this, her lacquer on wood and watercolor paintings expand on these themes, depicting characters that elaborate on the mythologies and present facts of the Mekong delta.

Courtesy the artist and Galerie Zink Waldkirchen

34 KHALIL RABAH Die Bilder für seine Gemälde fand Rabah in Zeitungen, im Internet und in den Archiven DIPTYCH von Galerien, oder sie wurden von ihm selbst 2012 aufgenommen. Diese Bilder schickte er dann an Malfabriken in China, wo sie hyperrealis- ÖL AUF LEINWAND / OIL ON CANVAS tisch als Ölgemälde hergestellt wurden. Durch JE / EACH 200 X 300 CM einen solchen Prozess wirft Rabah akute Fragen auf hinsichtlich des kulturellen Status von Palästina, hinsichtlich der transformativen Qualität westlicher Leinwandmalerei und ihrer Wertzuschreibung, hinsichtlich des Status von Maler*innen und ihrer Arbeit und hinsichtlich der „Objekthaftigkeit“ von Gemälden als Ware. Oder einfacher ausgedrückt: Rabah stellt den Akt der Kunstbetrachtung dar, um mit seiner Hilfe die Netzwerke der Macht zu untersu- chen, die ihn umgeben und die Bedingungen schaffen, unter denen er entsteht.

Courtesy the artist and Galerie Sfeir-Semler Khalil Rabah’s (*1961 Palestine, lives and works in Ramallah) work is marked by a deci- Khalil Rabahs (*1961 in Palästina, lebt und dedly post-conceptual approach to the produc- arbeitet in Ramallah) Werk wird von einer ent- tion of art and its reception, firmly anchored in schieden post-konzeptuellen Vorstellung von evaluating the cultural and historical position of Kunstproduktion und Kunstrezeption geprägt. Palestine today. Diptych, is a part of Rabah’s Sie ist fest verknüpft mit seiner Bewertung long running project The Palestinian Museum der kulturellen und historischen Position des of Natural History and Humankind, a fictional heutigen Palästina. Diptych ist Teil von Rabahs museum imagined by the artist and materia- langjährigem Projekt The Palestinian Museum lized in various works and exhibitions. Such an of Natural History and Humankind, einem fikti- imagined institution points to the denial of any ven Museum, das der Künstler sich ausgedacht cultural or national identity afforded to the Pa- und in verschiedenen Arbeiten und Ausstellun- lestinian people, and as such, the lack of real gen präsentiert hat. Eine solche Institution, die institutions dedicated to such an identity. ein reines Fantasieprodukt ist, verweist darauf, dass man dem palästinensischen Volk bis Diptych is part of a series of paintings titled heute jegliche kulturelle und nationale Identität Art Exhibition that are based on photographs verweigert. Zugleich verbindet sich mit dieser picturing the work of Palestinian artists or of Leerstelle, die Aufforderung, solche Instituti- art exhibited in Palestine. To produce these onen real zu schaffen und sie der Identität des paintings, Rabah sourced their images from palästinensischen Volks zu widmen. newspapers, the internet, from the archives of galleries, or were taken by Rabah himself. Diptych ist Teil einer Serie von Gemälden mit These images were sent to painting factories dem Titel Art Exhibition. Sie beziehen sich auf in China, where they were hyper-realistically Fotografien, welche die Werke palästinensi- reproduced as oil paintings Through such a scher Künstler*innen zeigen oder Kunst, die in process, Rabah acutely raises questions re- Palästina ausgestellt wurde. garding the cultural status of Palestine;

35 the transformative quality of Western canvas Raphaela Vogel (*1988 in Nürnberg; lebt und painting and its ascription of value; the status arbeitet in Berlin) verbindet in ihrer künstle- of the painter and their labor; and the “object- rischen Praxis virtuos verschiedene, oft wi- ness” of the painting as a commodity. Or more dersprüchliche Medien und Genres. Skulptur, simply, Rabah represents the act of looking at Malerei, Video und Installation verknüpft sie zu art in order to investigate the networks of pow- großartigen Gesamtkunstwerken, theatralen er that surround it and produce the conditions und nicht selten auch immersiven Charakters. in which it occurs. Dazu greift sie auf ganz unterschiedliche Stof- fe und Materialien zurück – darunter gefundene Gegenstände, Theaterrequisiten, Tierhäute und technische Apparate –, mit denen sie RAPHAELA VOGEL fantasievolle Szenen schafft, die Zeugnis von Vogels hybrider künstlerischer Praxis ablegen THE (MISSED) EDUCATION OF und ihre sehr zeitgenössischen Vorstellungen MISS VOGEL von Selbst, Tier und Maschine unterstreichen. Oft stellen Vogels Werke sie selbst als Pro- 2021 tagonistin in den Mittelpunkt und lassen sich KUGELSCHREIBER, ÖLKREIDE, ÖLFARBE, LEDER- als ihre Reflexionen über Subjektivität, Ich und KLEBER AUF ZIEGEN-, ELCH-, SCHAFSLEDER, ihre Stellung als Künstlerin verstehen. ALIMINIUM, TRAVERSEN, EDELSTAHLSCHRAU- BEN, PLASTIKSCHNÜRE / BALLPOINT PEN, OIL Mit The (Missed) Education of Miss Vogel, PASTEL, OIL PAINT, LEATHER GLUE ON GOAT, ELK zeigt die Künstlerin eine Reihe von Gemälden AND SHEEP LEATHER, ALUMINIUM TRUSSES, auf Tierhäuten, die auf zwei aus Theaterge- STAINLESS STELL, SCREWS, PLASTIC CORDS rüsten konstruierten Rotunden installiert sind. DIMENSIONEN VARIABEL / DIMENSIONS VARI- Die Bilder sind Vogels Wunsch geschuldet, ABLE ein Wissen darzustellen, zu dem die Künst- lerin gleichermaßen durch Lernen wie durch Leidenschaft gekommen ist und das sie sowohl durch ihre schulische Ausbildung als auch durch subkulturelle Kanäle wie Musik, Film, linke politische Kreise und Pferdetraining erworben hat. Mit Feder, Ölstiften und Farbe bewegt sich Vogel bei der Ausarbeitung ihrer Werke von didaktischen Notationen bis hin zu expressionistischen und weiteren malerischen Stilen. Mit ihren unkonventionellen Bildgrün- den aus Tierhäuten und Leder lassen die Wer- ke leicht an Luxusgüter denken. Doch durch Vogels Bearbeitung verschieben sich solche Bedeutungen. Sie verweisen nicht mehr auf den Totemismus von Waren, sondern werden zu Emblemen für Vogels subjektiven Malstil und die wiederkehrenden Themen ihrer Werke.

Courtesy of the artist and BQ

36 Raphaela Vogel’s (*1988 Nürnberg, lives and works in Berlin) artistic practice combines different, and often contradictory media and genres in a virtuosic manner. In her work the mediums of sculpture, painting, video and installation are conflated and subsumed into theatrical and often immersive installations. These draw from a range of materials—inclu- ding ready-made objects, theatre props, animal skins, and technical apparatuses—in order to produce imaginative scenes that underscore the hybridity of both Vogel’s practice, contemporary notions of the self, animal, and machine. Often centering on Vogel herself as a subject, these works can be read as reflecting upon the site of subjectivity, the ego, and position of a Woman artist.

With The (Missed) Education of Miss Vogel, Vogel shows a series of paintings on animal skins installed on two rotundas constructed from theatre scaffolding. These paintings derive from Vogel’s wish to represent bodies of knowledge, both learned and desired by the artist, either attained through the formal apparatus of the school system or subcultural channels such as music, film, left political circ- les and equestrian training. Using pen, oil stick and paint, Vogel slides between the didacticism of note-taking to expressionistic and pictorial styles. With their unconventional ground of animal skins and leathers, they could signify the materials of luxury goods, but with Vogel’s treatment, these significations are shifted, becoming totemistic not of commodities but emblematic of Vogel’s subjective style of painting and the recurring themes of her work.

37 RAHMENPROGRAMM / PUBLIC IMPRESSUM PROGRAMM COLOPHONE

OPENING@HOME KUNSTVEREIN IN HAMBURG 5.3.2021, 19 Uhr CARNIVALESCA - WAS MALEREI SEIN KÖNNTE Redner*innen / Speakers: Bettina Steinbrügge & 6.3 - 2.5.2021 András Siebold Abrufbar von unserer Website / Available from our Bettina Steinbrügge, Nicholas Tammens website Kurator*innen / Curators

#DIALOGUES Dilara Kubitzki, Greta-Mattea Wieland Booklet Raphaela Vogel im Gespräch mit / in conversation with Nicholas Tammens Nicholas Tammens 6.3.2021, 15 Uhr Texte / Texts

Hugo Canoilas im Gespräch mit / in conversation with Bettina Steinbrügge (live) Team Kunstverein in Hamburg 11.3.2021, 18:30 Uhr Bettina Steinbrügge Anna Betbeze im Gespräch mit / in conversation Direktorin / Director with Bettina Steinbrügge (live) 18.3.2021, 18:30 Uhr Emek Ulusay Kaufmännische Leiterin / Head of Finance Helen Johnson im Gespräch mit / in conversation with Nicholas Tammens Nicholas Tammens (live) Kuratorische Assistenz / Curatorial Assistance 1.4.2021, 11 Uhr Dilara Kubitzki El Hadji Sy & Clementine Deliss im Gespräch mit / Presse- und Öffentlichkeitsarbeit / Public Relations in conversation with Bettina Steinbrügge (live) 8.4.2021, 18:30 Uhr Lydia Jung Registrarin / Registrar

Corinna Koch Kunstvermittlung / Art Education

Robert Görß Technischer Leiter / Technical Manager

Nils Grossien Mitgliederbetreuung / Member support

Greta Mattea Wieland Studentische Hilfskraft / Student Assistant

38 Max Fascher Kasse / Visitor Service

Jördis Tresse Praktikantin / Intern

Otis Dusör, Tim Ehrich, John Otis Kurka, Ingmar Mruk Tobias Sandberger, Heinz Völlen Aufbauteam / Installation Team

Bueronardin Grafik /Graphic Design

Büro Ballmann Weber Webdesign und Umsetzung / Webdesign and Develop- ment

Vorstand / Board Marie Becker, Sabine Bührich-Glasa (Schatzmeister), Tilman Mueller-Stöfen, Klaus Schockmann, Verena Schött- mer, Christoph Seibt (1. Vorsitzender), András Siebold, Timm Weber, Frauke Willems (2. Vorsitzende)

FÖRDERER

MEDIENPARTNER

39 KUNSTVEREIN.DE