DOCSLIB.ORG

RAARTE CONTEMPORANEA Xx Edizione

Total Page：16

File Type：pdf, Size：1020Kb

Download full-text PDF Read full-text
RAARTE CONTEMPORANEA Xx Edizione RA ■ I RAPPORTI ANNUALI DELL’ARTE IL GIORNALE DELL’ARTE ■ Karsten Greve «I rischi del nuovo mercato» ■ La cronaca dell’intero anno ■ 1.008 artisti: le gallerie e i prezzi ■ I record e le principali aggiudicazioni delle aste in Italia e nel mondo RAARTE CONTEMPORANEA xx edizione FORLÌ Musei San Domenico 11 febbraio 18 giugno 2017 www.mostradecoforli.it SUPPLEMENTO DI «IL GIORNALE DELL’ARTE» N. 374 APRILE 2017 - SOCIETÀ EDITRICE ALLEMANDI N. 374 APRILE 2017 - SOCIETÀ SUPPLEMENTO DI «IL GIORNALE DELL’ARTE» IL RAPPORTO ANNUALE 2017 DELL’ARTE CONTEMPORANEA / XX EDIZIONE Le gallerie italiane pagano i cambiamenti del mercato. E le fiere sono un’arma a doppio taglio Secondo Karsten Greve, uno dei decani dei galleristi internazionali, la «normalizzazione» fiscale e l’aggressività delle case d’asta hanno messo in difficoltà i nostri mercanti: «Ma sottrarre risorse all’attività in sede per buttarsi su Basilea o Hong Kong è soprattutto un danno alla cultura. Il populismo? Per il futuro dell’euro mi fa più paura la Francia» ome Cy Twombly, il primo artista di erano favolose, e poi c’era l’Attico. Si vedevano cui, giovanissimo, acquistò un’opera mostre straordinarie di artisti come Fontana, Ce al quale la sua galleria riserva da Twombly, il giovane Schifano. E poi c’era la vi- sempre un ruolo privilegiato, anche Kar- talità di una città come Milano; la Biennale di sten Greve (Dahme/Mark, Germania, 1946) Venezia era spesso interessante. Ma attenzione: è uno straniero con il cuore in Italia. Que- le gallerie erano molto forti perché allora, soprat- sto per molte ragioni. Ha avuto una galleria tutto nei Paesi d’area mediterranea, Francia e anche a Milano; tratta, tra le molte grandi Spagna comprese, i collezionisti pagavano tutto firme di cui propone, dal 1970, pezzi straor- in contanti. dinari, l’opera di artisti come Melotti, Man- Sta parlando di pagamenti in nero? zoni, Fontana, Kounellis o Mimmo Jodice; Diciamo di un mercato un po’ fuori norma e que- e poi si divide tra la Svizzera e Bolsena. Il sto è durato sino agli anni Novanta. Una volta, lavoro e l’amore per la cultura italiana lo proprio in quel periodo, feci un calcolo e scoprii portano spesso nel nostro Paese. A 70 anni, che in un anno, da solo, avevo pagato in tasse titolare di tre sedi (a Colonia, a Parigi e a quanto tutte le gallerie milanesi di allora. Quindi St. Moritz) è uno galleristi più autorevoli al per molto tempo tra le gallerie italiane e le con- mondo; l’uomo adatto, insomma per offri- correnti europee la competizione è stata falsata re un ritratto (defilato ma non troppo) della in partenza. Poi le cose sono cambiate, come sap- situazione dell’arte moderna e contempo- piamo. E il fisco italiano, dal canto suo, ha agito ranea in Italia. male nei confronti della cultura: basti pensare a Karsten Greve, il mercato italiano che cos’era l’Iva sui libri e a che cosa sono oggi, in dell’arte contemporanea è cronicamen- Italia, le aliquote sul commercio di opere d’arte. te in difficoltà; quali sono le cause? Dunque l’ascesa e il declino delle galle- Quand’ero ragazzo, e parlo di cinquant’anni fa, e rie italiane si devono soltanto a ragioni come studente venivo in Italia, le mostre migliori fiscali? non le trovavo nei musei, che non esistevano, se No, c’è una seconda causa. Si tratta del cambia- si eccettua la Galleria civica d’arte moderna di mento subìto in generale dal mercato. Prima il Torino che poi venne chiusa per molti anni. Le mercato se non proprio controllato era quanto mostre interessanti le vedevo nelle gallerie, che meno «inquadrato» dai galleristi; ora è diventato negli anni Sessanta erano le migliori d’Europa. un tavolo da gioco per i collezionisti a caccia di A Torino c’erano la Galatea, Sperone, Notizie di investimenti e di altri che utilizzano il mercato Foto Wilfried Wulff. Courtesy Galerie Karsten Greve Colonia, Parigi, St Moritz Parigi, Colonia, Courtesy Galerie Karsten Greve Wulff. Wilfried Foto Luciano Pistoi; a Roma La Tartaruga e La Salita dell’arte per strani giri di denaro. Sino › 4 ARTE CONTEMPORANEA XX EDIZIONE - APRILE 2017 RA«rapporto annuale arte contemporanea 2017» è un supplemento di «il giornale dell’arte» edito da allemandi srl., piazza emanuele filiberto 13 | 15, 10122 torino,www.allemandi.com IL GIORNALE DELL’ARTE Umberto Allemandi, direttore responsabile Curatori: Franco Fanelli, Cristina Valota I «Rapporti Annuali» costituiscono la sezione opinioni degli specialisti, indirizzari, attività e pro- speciale monografica di «Il Giornale dell’Arte» de- grammi degli operatori, anticipazioni. Franco Fanelli, vicedirettore Ha collaborato: Arianna Antoniutti (Trovartisti), dicata ogni volta a un settore specialistico. Ogni Barbara Antonetto, caporedattore Jenny Dogliani (Aste e Cronologia) «Rapporto Annuale» raccoglie e seleziona con ca- Il giornale non risponde dell’autenticità delle attri- Alessandro Allemandi, web publisher denza annuale le informazioni sui temi specifici buzioni delle opere riprodotte, in particolare del Beatrice Allemandi, product manager trattati: principali eventi, esposizioni e fiere, con- contenuto delle inserzioni pubblicitarie. Le opinioni Claudia Carello, art director Stampa: Roto3 Industria Grafica, Castano Primo (Mi) vegni, pubblicazioni, legislazione, analisi di mer- espresse negli articoli firmati e le dichiarazioni rife- cato, risultati economici nazionali e internazionali rite dal giornale impegnano esclusivamente i rispet- Cinzia Fattori, advertising manager Registrazione del Tribunale di Torino (per esempio le principali vendite e le quotazioni tivi autori. Si consiglia di verificare telefonicamente (011.8199118 - [email protected]) n. 3227 del 7/12/82 aggiornate), orientamenti del gusto, tendenze, oppure on line date e orari delle manifestazioni. www.ilgiornaledellarte.com RAPPORTO ANNUALE ARTE CONTEMPORANEA 2017 | 3 › 3 agli anni Novanta era sempre organizzarla, trovo necessario farlo. chiaro chi avesse comprato in asta un Ma devo constatare che non c’è il mi- quadro importante; oggi invece i pezzi nimo supporto, in iniziative di questo più quotati sono battuti al telefono e tipo, da parte della politica italiana, nessuno sa chi ci sia dietro questi ac- al contrario di quanto, ad esempio, fa quisti. Inoltre la concorrenza delle case il Governo inglese con il British Coun- d’asta è diventata spietata, soprattut- cil, supportando anche le gallerie e gli to perché anch’esse ora organizzano artisti. mostre nelle gallerie di loro proprietà, Il sistema museale italiano è acquistando direttamente dagli artisti migliorato per quanto riguar- opere, tra gli altri, di Castellani o Pe- da il moderno e il contempo- none. La pratica corrente dei contratti raneo o siamo punto e a capo? di garanzia da parte delle case d’asta Mi fa male al cuore se penso alle gran- fa il resto. Così ora se uno vuole vede- di possibilità di città come Roma o di re un Burri o un Fontana importanti Milano. Pensiamo alle potenzialità deve andare a Londra o a New York. di Brera, che ha capolavori assoluti e Qual è stata la parte delle fiere? che ha beneficiato anche di donazio- Per reagire alla concorrenza con le ni fantastiche, o al piccolo Museo del case d’asta le gallerie, anche quelle ’900, che non è male, però non è una italiane, si sono rivolte alle fiere. Sono St Moritz Parigi, Colonia, Courtesy Galerie Karsten Greve struttura adatta a una funzione isti- passate da quelle minori e regionali a Un giovane Karsten Greve davanti a un grande dipinto di Cy Twombly tuzionale. E poi io non ho mai capito Basilea o Hong Kong. Partecipare a per quale motivo i musei italiani non sei-sette fiere all’anno comporta per una galleria riera sostenuti da certe gallerie. Se parliamo di abbiano il coraggio di fare ogni due anni a Ve- costi di milioni di euro: per farle un esempio, per Morandi pensiamo al grande lavoro fatto dalla nezia, occupando una sede importante in centro, la partecipazione a una fiera importante si spen- Galleria del Milione per trenta-quarant’anni. una mostra collettiva con le loro opere per farle dono dai 250mila ai 400mila euro. Sono tutte ri- Ma quando queste gallerie chiudono non c’è vedere a tutto il mondo. Sarebbe un’iniziativa sorse sottratte all’attività tradizionale di galleria chi le sostituisca. Fino agli anni Novanta c’era culturale straordinaria. e questo è grave, è un vero peccato per l’Italia, molta richiesta per Morandi e molti quadri ve- Lei lavora ancora con collezionisti ita- per le sue città, per la cultura e la qualità della nivano venduti all’estero. Ma a un certo punto, liani? vita in generale. Non è bene che, considerato che quando alle aste londinesi apparivano dipinti Sì, ho anche giovani collezionisti italiani. nelle gallerie italiane raramente si vedono delle belli e «sicuri» chi comprava? I mercanti e i col- Com’è cambiato il collezionismo ita- belle mostre, diventi obbligatorio, per il visitato- lezionisti italiani, che hanno sottratto Morandi liano? I giovani hanno portato delle re o il collezionista, andare ad Art Basel. dalla richiesta internazionale e lo hanno fatto novità? Non le pare che in Italia ci siano trop- ritornare un pittore non dico locale, ma sicura- I giovani collezionisti si distinguono anche per pe fiere? Artissima, Bologna, Miart… mente meno internazionale. Nel 2008 vidi una come vivono e vedono il design, per come ne in- È assurda questa concorrenza tra le città. E in- mostra di Morandi al Metropolitan Museum di terpretano la struttura pittorica. Ma anche in tanto Bologna ha perso molto prestigio, ma si sa- New York; una mostra bella ma piccola. La cosa questo caso l’Italia sconta un paradosso: per de- peva. Gli organizzatori non avevano capito nulla impressionante è che i dipinti esposti appartene- cenni nel vostro Paese pochissimi si sono occupati e poi hanno trattato malissimo gli stranieri.
Load more

Recommended publications
  • La Pappa Di Armando* Germano Celant
    La Pappa di Armando* GERMANO CELANT a memoria è un paesaggio dove i personaggi attraver- Lsano la scena, moltiplicando le immagini. Un luogo discontinuo e labile, attraversato da vuoti che spingono i tempi a confondersi e a presentarsi con un ritmo irregolare. Pertanto anche i miei ricordi di Armando Testa soffrono di discontinuità e quasi di incoerenza, perché affondano in un periodo dislocato oltre quaranta anni fa. Tuttavia la ricerca da compiere è per un altro ordine che renda la possibile percezione di un fram- mento di identità, quel- lo attraversato insieme, anche per pochi istanti e momenti, periodi e luoghi. Il primo aggan- cio con Armando data intorno al 1965, quando la mia avventura, di te- orico e di storico, è già legata da qualche anno al clima culturale e ar- tistico di Torino. Qui incontro le figure di un raggruppamento che non è ancora struttura- to, né riunito, ma che Fig. 22. «Parete», copertina, comprende innanzitutto ottobre 1964. 63 personaggi come Gian Enzo Sperone e Luciano Pistoi - con la ricchezza della loro informazione sulle ricerche in- ternazionali, da Jackson Pollock a Robert Rauschenberg, da Wols a Jean Fautrier e Francis Bacon - come nazionali, da Alberto Burri a Lucio Fontana e Carla Accardi, da Piero Manzoni a Luciano Fabro e Giulio Paolini. Una quotidianità con un alto livello dello sguardo che si accom- pagna alla frequentazione immediatamente successiva di Alighiero Boetti e Michelangelo Pistoletto, di Mario Merz, di Giovanni Anselmo e dei giovanissimi Gilberto Zorio e Giuseppe Penone. In questo clima di scambi fuori della quotidianità, quanto dell’universo artistico tradizionale, si colloca una visita in corso Quintino Sella n.
    [Show full text]
  • Gradus Ad Parnassum. Giulio Paolini, “Autoritratto”, 1969
    MICHELE DANTINI Gradus ad Parnassum. Giulio Paolini, “Autoritratto”, 1969 Nel 1969 Giulio Paolini realizza un singolare Autoritratto “turchesco”: poco visto, poco noto, pressoché dimenticato persino dall’artista [fig. 1]. Ricorre a una fotografia in bianco e nero anonima, casuale, trovata chissà dove.1 L’immagine dell’Autoritratto non ha niente a che fare con l’aspetto dell’artista: mostra un anziano dagli abiti in apparenza orientali, dall’atteggiamento smarrito. Ha grande barba, turbante e scarpette. Alle sue spalle un ampio portale in bronzo modellato in profondità e ornato di motivi a racemi, inserito tra imponenti pilastri in marmo. Un sufi, un ex Giovane turco in gita sul Bosforo, un pittore-pellegrino appassionato e schivo con cartelletta e ombrellino parasole oppure Giovanni Bellini redivivo? Non sappiamo, né disponiamo di alcuna biografia. Ma all’immagine giova lo statuto di relitto: dilapidata dal tempo, i fortuiti passaggi di mano e l’eccessiva esposizione alla luce, è un documento di cui è andato perduto l’archivio. Il retino fotografico, bene in vista, lascia supporre che l’immagine sia il dettaglio isolato e ingrandito di una vecchia cartolina. Quale tradizione? Due sole evidenze ci sorreggono nella nostra indagine. La prima: l’anziano è un pittore, per questo desta l’interesse di Paolini. Esibisce infatti diligenti attributi del mestiere. La seconda: all’affaticato sgomento dello sguardo contribuisce non poco il confronto, impari, tra le proprie capacità e la soggiogante eredità ricevuta. Il portale si chiude alle spalle quasi a sospingere fuori, o a vietare l’accesso. La figurina è schiacciata dall’immensa mole: che mai potranno essere disegni o dipinti al cospetto del grande tempio? Tra 1964 e 1969, in Paolini, scale o scalinate, salite, instabili accrocchi di tele in lavorazione danno figura all’esperienza dell’incertezza, del dubbio e dell’iniziazione artistici, quasi a reinterpretare attoniti itinerari parnassiani entre-deux-guerres [fig.
    [Show full text]
  • Archivio Approfondimenti Novembre 2011, Insight Archive November 2011
    art a part of cult(ure) » La poesia? Non serve, non fa male: fa bene! » Print 29/08/14 13:45 La poesia? Non serve, non fa male: fa bene! di Betty Fulgeri | 1 novembre 2011 | 570 lettori | 1 Comment “La poesia - disse Montale - non serve a niente ma non fa male a nessuno.” Forse parlarne in maniera condivisa, una sera, e leggere insieme qualche verso, fa addirittura bene. In tempi di crisi, non solo economica ma dei valori condivisi, della cultura e della capacità di relazione profonda tra persone, ebbene, tali iniziative sembrano piccoli miracoli del quotidiano. Per ritrovare, proprio nel quotidiano, una sfumatura lirica, quel lato poetico che troppo spesso sfugge. Cosa fanno, i poeti, se non “raccogliere quella polvere d’oro che è racchiusa nelle vite reali e nelle relazioni tra gli individui”? Ce lo dice John Berger, che prosegue: “I grandi discorsi, le teorie globali, incapaci di trattenere questa sabbia preziosa, rischiano di cadere nel vuoto di una macrostoria senz’anima. I poeti, invece, non generalizzano mai”. Forse, dalla banalizzazione e la generalizzazione la poesia potrà salvarci, o, almeno, potrà indicare una via d’uscita. Mario Lunetta, Baldassarre Dionisi, Mario Quattrucci proveranno a farlo giovedì 3 novembre alle ore 18, alla libreria Nero su bianco, in Via Roma Libera 11 (dove finisce Piazza San Cosimato a Roma, Trastevere) a Roma, con Libri di Poesia che sembra voler riattivare un angolo per la nobile arte ed il pensiero, presentando la collana omonima – appunto: Libri di Poesia http://www.artapartofculture.net/2011/11/01/la-poesia-non-serve-non-fa-male-fa-bene-di-betty-fulgeri/print Pagina 1 di 2 art a part of cult(ure) » La poesia? Non serve, non fa male: fa bene! » Print 29/08/14 13:45 - diretta da Mario Quattrucci.
    [Show full text]
  • Living Art and the Art of Living
    LIVING ART AND THE ART OF LIVING: REMAKING HOME IN ITALY IN THE 1960s Teresa Kittler PhD Thesis History of Art University College London 2014 1 DECLARATION I, Teresa Kittler, confirm that the work presented in this thesis is my own. Where information has been derived from other sources, I confirm that this has been indicated in the thesis. 2 ABSTRACT This thesis focuses on the social, material, and aesthetic engagement with the image of home by artists in Italy in the 1960s to offer new perspectives on this period that have not been accounted for in the literature. It considers the way in which the shift toward environment, installation and process-based practices mapped onto the domestic at a time when Italy had become synonymous with the design of environments. Over four chapters I explore the idea of living-space as the mise-en-scène, and conceptual framework, for a range of artists working across Italy in ways that both anticipate and shift attention away from accounts that foreground the radical architectural experiments enshrined in MoMA’s landmark exhibition Italy: the New Domestic Landscape (1972). I begin by examining the way in which the group of temporary homes made by Carla Accardi between 1965 and 1972 combines the familiar utopian rhetoric of alternative living with attempts to redefine artistic practice at this moment. I then go on to look in turn at the sculptural practice of artists Marisa Merz and Piero Gilardi in relation to the everyday lived experience of home. This question is first considered in relation to the material and psychic challenges Merz poses to the gendering of homemaking with Untitled (Living Sculpture) 1966.
    [Show full text]
  • Gutai À Paris Dans Les Années 1960 : Michel Tapié, La Galerie Stadler Et L'histoire D'une Rencontre Manquée
    https://lib.uliege.be https://matheo.uliege.be Gutai à Paris dans les années 1960 : Michel Tapié, la galerie Stadler et l'histoire d'une rencontre manquée Auteur : Piron, Lucie Promoteur(s) : Bawin, Julie Faculté : Faculté de Philosophie et Lettres Diplôme : Master en histoire de l'art et archéologie, orientation générale, à finalité approfondie Année académique : 2019-2020 URI/URL : http://hdl.handle.net/2268.2/9471 Avertissement à l'attention des usagers : Tous les documents placés en accès ouvert sur le site le site MatheO sont protégés par le droit d'auteur. Conformément aux principes énoncés par la "Budapest Open Access Initiative"(BOAI, 2002), l'utilisateur du site peut lire, télécharger, copier, transmettre, imprimer, chercher ou faire un lien vers le texte intégral de ces documents, les disséquer pour les indexer, s'en servir de données pour un logiciel, ou s'en servir à toute autre fin légale (ou prévue par la réglementation relative au droit d'auteur). Toute utilisation du document à des fins commerciales est strictement interdite. Par ailleurs, l'utilisateur s'engage à respecter les droits moraux de l'auteur, principalement le droit à l'intégrité de l'oeuvre et le droit de paternité et ce dans toute utilisation que l'utilisateur entreprend. Ainsi, à titre d'exemple, lorsqu'il reproduira un document par extrait ou dans son intégralité, l'utilisateur citera de manière complète les sources telles que mentionnées ci-dessus. Toute utilisation non explicitement autorisée ci-avant (telle que par exemple, la modification du document ou son résumé) nécessite l'autorisation préalable et expresse des auteurs ou de leurs ayants droit.
    [Show full text]
  • Carla Accardi Sicofoil
    CARLA ACCARDI SICOFOIL 11 FEBRUARY - 8 MAY 2020 15 Old Bond Street London, WIS 4AX Galleria Marlborough, Rome 1965 2 Courtesy Archivio Accardi Sanfilippo, Rome. 3 CONTENTS Texts by 07 Foreward Laura Cherubini Matteo Lampertico Flavia Frigeri Hans Ulrich Obrist 08 Painting Laid Bare: From the Construction to the Dissolution of Signs Laura Cherubini Translations Mila Dau 24 Carla Accardi’s Plastic Dreams Amina Diab Flavia Frigeri Coordination Pietro Pantalani 34 Entretien Entre Carla Accardi et Hans Ulrich Obrist, Studio Accardi, Rome, 2001 44 Plates All right reserved. No part of this publication may be reproduced or transmitted in any form or by 72 Writing Aloud: Mapping the Trajectory of Carla Accardi’s Practice any means, electronic or mechanical, including Pietro Pantalani photocopy, recording or any other information storage and retrieval system, without prior permission 82 Selected Exhibitions in writing from the publisher. The publisher apologizes for any omissions that inadvertently may have been made. 15 Old Bond Street, London WIS 4AX T. +44 (0) 20 7493 1971 www.mlfineart.com I’ve always considered Carla Accardi’s sicofoil works among her most inspired creations. Painting with pure colour has been – from Manet onwards – one of the great artistic challenges. To bring out the best in colour, Accardi switched support. No more canvases or boards, materials which inevitably absorb pigment, but a transparent plastic sheet onto which colour is applied directly from the tube. By virtue of its translucent qualities, sicofoil exalts colours and strengthens their beauty and freshness. Accardi’s intuition in this respect was as simple as it was effective, comparable to Fontana’s holes and slashes.
    [Show full text]
  • Artisti-Architetti: L'installazione Ambientale in Italia Prima E Dopo La Biennale Di Venezia Del 1976
    FACOLTÀ DI LETTERE E FILOSOFIA DIPARTIMENTO DI STORIA DELL'ARTE E DELLO SPETTACOLO DOTTORATO DI RICERCA IN STORIA DELL'ARTE XXXI CICLO Curriculum: Storia dell'Arte Contemporanea (L-ART/03) ARTISTI-ARCHITETTI: L'INSTALLAZIONE AMBIENTALE IN ITALIA PRIMA E DOPO LA BIENNALE DI VENEZIA DEL 1976 Candidato: SIMONE ZACCHINI Tutor: prof.ssa ANTONELLA SBRILLI Coordinatore del Dottorato: prof.ssa MANUELA GIANANDREA Anno Accademico 2017-2018 ABSTRACT Da sempre arte e architettura hanno contribuito, insieme, a conformare gli spazi della vita degli uomini. Tuttavia, con il passare dei secoli, le due discipline sembrano essersi allontanate, finendo per configurare due domini disciplinari quasi del tutto autonomi e rinunciando sempre più spesso a lavorare fianco a fianco. Nonostante ciò, a partire dalla seconda metà del XX secolo, questa tendenza è sembrata invertirsi grazie all'opera di alcuni artisti che, pur non avendo una specifica formazione architettonica, hanno iniziato a progettare opere ambientali capaci di sfidare i confini fra le due discipline, oscillando fra arte e architettura, inglobando illusione e realtà, arte e vita, in quel “complesso arte-architettura” che per Hal Foster è una delle caratteristiche che definisce la cultura contemporanea, sia per quanto riguarda la produzione di immagini che la configurazione di spazi. Il progetto di ricerca parte dall'analisi di quelle opere d'arte che possono essere riunite sotto la definizione di “installazioni ambientali”. Negli ultimi quattro decenni, queste opere d'arte, mettendo in connessione diretta le pratiche dell'installation art e dell'environmental art, hanno assunto una dilatazione spaziale tale da farle sconfinare in quello che Vittorio Gregotti nel 1966 aveva definito il “territorio dell'architettura”.
    [Show full text]
  • Arte-Povera-Exhibiti
    METAMORPHOSIS: THE ALCHEMISTS OF A MATTER POINT –OF VIEW ON ARTE POVERA METAMORPHOSIS: THE ALCHEMISTS OF MATTER A POINT OF VIEW ON ARTE POVERA Giovanni Anselmo Alighiero Boetti Pier Paolo Calzolari Luciano Fabro Jannis Kounellis Mario Merz Giulio Paolini Pino Pascali Giuseppe Penone Magonza Michelangelo Pistoletto Emilio Prini Gilberto Zorio repettogallery.com METAMORPHOSIS: THE ALCHEMISTS OF MATTER A POINT OF VIEW ON ARTE POVERA Magonza 1 Published on the occasion of Metamorphosis: the Alchemists of Matter A Point of View on Arte Povera 5 October – 2 November, 2016 Repetto Gallery 23 Bruton Street, W1J 6QF, London www.repettogallery.com 2 METAMORPHOSIS: THE ALCHEMISTS OF MATTER A POINT OF VIEW ON ARTE POVERA Giovanni Anselmo Alighiero Boetti Pier Paolo Calzolari Luciano Fabro Jannis Kounellis Mario Merz Giulio Paolini Pino Pascali Giuseppe Penone Michelangelo Pistoletto Emilio Prini Gilberto Zorio 3 METAMORPHOSIS: THE ALCHEMISTS OF MATTER Paolo Repetto Arte Povera was born in Italy more than fifty years ago; now that more than half a century has gone by, a clear and broad vision, an agile perspective, allows us to fully evaluate Arte Povera. It was a widespread movement, enthralling, but also varied and free and magical, created by an important group of artists who once again demon- strated how much Italy, despite its individualism and dramatic corruption, is nonethe- less a country that has no equals in the realm of imagination and creativity. Many artists, each unique, animated this movement, like the famous genies in One Thousand and One Nights, with a sort of metamorphic frenzy and the same “omnipo- tence”. They were able to transform a trunk into a sculpture, an iron slab into elegant tapestry, an anonymous piece of plastic into a metaphysical object, a surface made of salt into a sophisticated tribute to Hellenistic carved drapery, a copy of white gypsum casts into a Platonic reflection on the meaning of art, a sack of coal into a contour of light, a rivulet of earth into an archaic and thin magnet of energy.
    [Show full text]
  • The Legacy of Carla Lonzi Edited by Giovanna Zapperi and Francesco Ventrella (London: Routledge, 2020)
    CARLA LONZI’S SELF-PORTRAIT: A CONVERSATION ON ART WRITING AND TRANSLATION WITH ALLISON GRIMALDI DONAHUE AND TERESA KITTLER In 1969, the Italian art critic and feminist Carla Lonzi (1931-1982) authored Autoritratto (Self-Portrait) using the transcripts of interviews conducted with fourteen prominent artists living in Italy: Carla Accardi, Getulio Alviani, Enrico Castellani, Pietro Consagra, Luciano Fabro, Lucio Fontana, Jannis Kounellis, Mario Nigro, Giulio Paolini, Pino Pascali, Mimmo Rotella, Salvatore Scarpitta, Giulio Turcato and Cy Twombly. Overlooked for many years, Autoritratto’s experimental unravelling of traditional art criticism has garnered increasing attention since its republication by Et al./Edizioni in 2010. It was, however, Lonzi’s final work as an art critic; after its publication she renounced the art world, co-founded the collective Rivolta femminile and wrote a number of feminist texts including Sputiamo su Hegel (Let’s Spit on Hegel), La donna clitoridea e la donna vaginale (The Clitorial Woman and the Vaginal Woman) and Taci, anzi parla: Diario di una femminista (Shut up, or rather, speak: Diary of a Feminist), among others. Allison Grimaldi Donahue, a writer and editor, is currently working on what will be the (long overdue) first translation of Autoritratto into English. In October, Teresa Kittler met with Donahue to discuss Carla Lonzi’s legacy and the relevance of her work to anglophone readers. Kittler, a lecturer in Modern and Contemporary Art at the University of York with a special interest in Italian Postwar Art, is the author of “Reimagining the family album: Carla Lonzi’s Autoritratto” in Feminism and Art in Postwar Italy: The Legacy of Carla Lonzi edited by Giovanna Zapperi and Francesco Ventrella (London: Routledge, 2020).
    [Show full text]
  • ©Copyright 2014 Lucienne Dorrance Auz
    ©Copyright 2014 Lucienne Dorrance Auz An International Firebrand: Germano Celant’s Role as Radical Critic, Innovative Curator and Contemporary Art Historian Lucienne Dorrance Auz A dissertation submitted in partial fulfillment of the requirements for the degree of Doctor of Philosophy University of Washington 2014 Reading Committee: Patricia Failing, Chair Estelle Lingo Susan Casteras Program Authorized to Offer Degree: Art History University of Washington Abstract An International Firebrand: Germano Celant’s Role as Radical Critic, Innovative Curator and Contemporary Art Historian Lucienne Dorrance Auz Chair of the Supervisory Committee: Professor Patricia Failing Art History Within the field of contemporary Western art history, the careers and influence of professional art critics have attracted serious scholarly attention. The work of critics whose activities encompass an international range of artists and exhibitions, however, has rarely been examined. This dissertation provides for the first time an overview of one such person in the career of Italian art critic, historian and curator Germano Celant (1940- ), now recognized as one of the most influential interpreters of the late twentieth-century avant-garde and someone whose work aided in transforming the narrative of contemporary art history. This study provides a detailed discussion of Celant’s biography, the range of his contributions to the contemporary art world, and a historiography of his writings on “Arte Povera”, a term Celant coined to characterize the most influential group of contemporary Italian avant-garde artists. Among Celant’s initial goals in identifying this group of Italian artists was to distinguish the unique artistic research occurring in Italy from the work of American Minimalist artists who were seen by many U.S.
    [Show full text]