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PROGRAMM HEINZ HOLLIGER „Atembogen“ für Orchester (1974/75) (17 Min.) FLORIAN SCHWAMBORN „Neopolis“, 1. Sinfonie (2017/18) (15 Min.) Uraufführung Kompositionsauftrag der Deutschen Radio Philharmonie PAUSE SAMUEL WALTHER „Châtaigne“, eine Installation für Orchester (2017/18) (16 Min.) Uraufführung Auftragswerk Théodore-Gouvy-Preis der Saarbrücker Komponistenwerkstatt 2017 BERNHARD LANG „DW7“ (Differenz / Wiederholung 7) (22 Min.) für großes Orchester und Loop-Generator (2002) Sendetermin Donnerstag, 31. Mai 2018 | 20.04 Uhr | SR 2 KulturRadio und zum Nachhören unter www.drp-orchester.de und www.sr2.de 1 HEINZ HOLLIGER * 21. Mai 1939 in Langenthal (Schweiz) Heinz Holliger ist ein Musiker im umfassenden Sinn: Er ist Instru- mentalist, Komponist und Diri- gent. Die steile Karriere der Oboe als Soloinstrument ist sein Ver- dienst, denn er ist ein atemberau- bend souveräner Virtuose auf die- sem Doppelrohrblatt-Instrument. Sein erster großer Erfolg: 1961 gewinnt er den berühmten ARD- Musikwettbewerb. Als Komponist hat Holliger seine Oboen-Erfahrungen und Erkennt- nisse auf andere Instrumente, Ensembles und Orchestermusik übertragen. Schon als 14jähriger hat er erste Stücke notiert. Für alle Gattungen hat er komponiert: von Bühnenwerken über Orches- ter-, Solo- und Kammermusikwerke Heinz Holliger © Priska Ketterer bis zu Vokalstücken. Das Resultat: Klang-Abenteuer für Musiker wie Zu- hörer. Als Dirigent hat er viele wichtige Werke der Moderne uraufgeführt, von György Ligeti und Karlheinz Stockhausen bis zu Luciano Berio, Hans- Werner Henze und Elliott Carter. Holliger ist ein literarisch vielseitig belesener Zeitgenosse, wobei ihn oft Schriftsteller faszinieren und inspirieren, die – aus welchen Gründen auch immer – am Rand der Gesellschaft standen und arbeiteten: Friedrich Höl- derlin, Robert Walser, Nelly Sachs, Paul Celan. Für mich ist Komponieren ein Grenzgängertum, sagt Heinz Holliger. Ich kenne kein Meisterwerk, das nicht extrem ist. Einmal ganz banal gesagt: Ein normaler Mensch kom- poniert nicht - oder er komponiert wie Carl Czerny oder Muzio Clementi. Holliger ist der Sohn eines Arztes. Schon früh hat er erkannt, dass das An- derssein zum Leben gehört: Ich suche nach Menschen, die keine Grenzen in ihrer Fantasie haben, die hinübergehen können, ob das in die Welt des Wahnsinns ist oder in ein Jenseits, beides ist miteinander verwandt. 2 „Atembogen“ Aus der reichen Erfahrung als Oboist und Dirigent stellt sich der Kompo- nist Heinz Holliger oft extreme kompositorische Aufgaben, die er in sei- nen Werken löst. Was geschieht, so fragt er sich zum Beispiel in seiner Komposition Atembogen (1974/75), vor dem Erklingen des ersten Tons? Die Holz- oder Blechbläser holen Luft, die Streicher setzen ihren Bogen an, am Frosch oder an der Spitze. Und was geschieht nach dem letzten Ton? Vom letzten Klang zur Stille zum Nichts? Nicht überraschend ist bei dieser Art Klang-Erkundung, dass es auf abso- lute Kontrolle der Tonhöhe immer weniger ankommt und Geräusche, pho- netische Elemente zum kompositorischen Material werden. In Atembogen verdeutlicht Holliger, auf wie viele Arten Geräusche, Töne, Klänge entste- hen können: kleine Anläufe und Innehalten; tonloses Atmen, geräusch- haftes Atmen, klangvolles Atmen; mit dem Bogen die Saiten kaum berüh- ren, darüberwischen, kleine Druckstellen beim Aufstrich, beim Abstrich; lockerlassen, loslassen; mit den Fingerkuppen auf die Saiten klopfen; auf dem Griffbrett trommeln; mit dem Bogen knirschen und knarzen. Holliger hat aus der Kleinform die Großform entwickelt, einen Atembogen als Sinnbild des Lebens: Mit dem Wiederholen der dualen Bewegung des Atmens ist es dem Menschen möglich, das einmalige Werden und Verge- hen zu vervielfachen, es auszudehnen zu einem großen, ein ganzes Leben umspannenden Atem. 3 Florian Schwamborn © Claire Allavena 4 FLORIAN SCHWAMBORN * 12. Juli 1984 in Saarbrücken Florian Schwamborn ist ein deutsch-französischer Pianist, Komponist und Sound- Designer. Der gebürtige Saarbrücker wuchs zweisprachig in beiden Kulturen auf und fand früh in der Musik eine dritte Erweiterung seiner Sprachen. Florian Schwamborn studierte zuerst in seiner Geburtsstadt und anschlie- ßend in Paris Komposition, Orchestrierung, Klavier, Analyse und Musikge- schichte. Nach dem Abitur im Jahr 2003 schon begann seine Karriere als Bühnenkomponist. Seitdem engagiert er sich in der Neue Musik-Szene und schreibt für Film, Mapping, Tanz- und Theater-Ensembles sowie für Neue Musik-Ensembles. 2012 gründete er in Paris die Produktionsplattform Europ’arts, mit der er sein erstes Ballett sowie seine erste Kammeroper uraufführte. Von 2015 bis heute lebt und arbeitet er zwischen Papeete, Paris und Saarbrücken auf der Suche nach neuer Musik. Seine Klangstudie „Nachtwanderung“ für großes Ensemble wurde vom Saarländischen Rundfunk koproduziert und 2014 als Prolog der Mouve- ments-Konzertreihe in Saarbrücken uraufgeführt. Neopolis ist sein zwei- tes Werk für die DRP. „Neopolis“ Ein Interview mit Florian Schwamborn von Eckhard Roelcke Eine Sinfonie ist eine musikalische Form mit einer großen Tradition. Von Haydn bis Bruckner bis Schostakowitsch. Warum nennen Sie Ihr Werk eine Sinfonie? Weil ich das Stück für großes Orchester geschrieben habe. Das ist schon mal eine erste Antwort. Eigentlich ist es eine Synthese: Es gibt vier Bewe- gungen – auf Französisch sagt man Mouvement, auf Deutsch Sätze – und diese vier Bewegungen sind zugleich vier Bilder mit jeweils unterschiedli- chen Tempi. Damit beziehe ich mich, wenn man so will, auf die viersätzige klassische Sinfonie. Auch deshalb habe ich Neopolis eine Sinfonie genannt. Die Mouvements werden allerdings nicht von A bis Z ausgespielt: Ich habe sie auch geteilt, geschnitten und quasi puzzleartig übereinander geschich- tet oder gegeneinander gestellt. 5 Sind die vier Bilder, von denen Sie sprechen, Charakterstücke, die man als solche wahrnehmen kann? Ja, so könnte man das nennen. Es ist eine Musik reich an Gesten. Ursprüng- lich hatte ich Musik für eine Stunde geschrieben. Die Teile habe ich dann verdichtet und synthetisiert. Die Bewegungen haben vier verschiedene dramatische Ansätze. Wenn man sich die Partitur anschaut, sieht man, dass sie relativ konventi- onell und übersichtlich komponiert ist. Nach etwa zwei Drittel steht in der Partitur über mehrere Takte eine grüne Markierung praktisch ohne Nota- tion. Ist das ein Moment, in dem das Sinfonieorchester innehält und die Elektronik zum Zuge kommt? Die elektronische Komponente ist durchgehend präsent. Mikrophone wer- den angeschaltet und nehmen die Klänge der jeweiligen Instrumente ab. Die grün markierte Passage nenne ich ein Modul. An dieser Stelle ging in meinem Kopf die musikalische Bewegung eigentlich weiter. Ich habe die- ses Modul dort gewissermaßen als Fenster eingebaut, um einen Freiraum zu bekommen, in dem die Bewegung auslaufen kann. Es ist ein Moment, in dem es Luft gibt für die Elektronik. Dadurch entsteht ein Spiel mit den Klängen im Raum. Wie haben Sie dieses Modul komponiert? Nutzen Sie Material, das die Or- chestermusiker zuvor gespielt haben und das Sie in elektronisch bearbei- teter Form dort einfügen? Es ist einfach ein Freiraum, der jetzt noch da ist und den ich ganz bewusst offen lasse. Bis zum letzten Moment versuche ich diesen Raum noch zu gestalten, gerade auch im Probenprozess mit den Interpreten. Beim Stichwort Freiraum denkt man auch an Improvisation. Ist das eine kompositorische Strategie, die für Sie wichtig ist? Ja, sehr! Die Flexibilität, die Kommunikation mit dem Raum, auch mit dem Publikum! Deshalb soll das musikalische Material nicht so etwas fest Ge- fahrenes oder Kristallisiertes sein. Es soll ständig in Bewegung bleiben. Das ist mir sehr wichtig! So eine Sinfonie schreibt man nicht in ein paar Wochen. Wie lange haben Sie sich mit der Idee zu dem Werk beschäftigt, und wie hat sich die Arbeit an Neopolis entwickelt? Den Auftrag habe ich im November 2015 bekommen. Seitdem ist sehr viel passiert. Ganz wichtig war meine Reise nach Tahiti. Ich wollte dort eigent- 6 lich sechs Monate bleiben. Daraus wurden dann zweieinhalb Jahre! Den offiziellen Auftrag für das Stück habe ich bekommen, als ich schon auf Tahiti war. Meine ursprüngliche Idee war, ein Werk über eine Großstadt zu schreiben und den Einfluss dieser Stadt auf den Menschen in einer Musik zu formu- lieren. Doch auf Tahiti haben selbstverständlich andere Einflüsse auf mich gewirkt. Und so hatte ich auch völlig andere Ideen. Das ist schon etwas kurios. Sie sind weit weg, mitten im Pazifik, und schreiben ein Werk für Orchester und Elektronik. Es ist ein „No Man’s Land“ für ein solches Projekt. Solche Musik existiert dort wirklich nicht! Dieses Umfeld kann anregend, vielleicht aber auch belastend sein. Ja! Es fehlt selbstverständlich der Kontakt zu den Kollegen. Aber auch die Last der Tradition ist nicht mehr vorhanden, und das hat auch wiederum et- was Interessantes. Man denkt ganz anders über die eigene Situation nach. Ist denn eine Klang-Spur von Tahiti, vom Leben auf der fernen pazifischen Insel zu spüren? Oder ist das zu einfach gefragt? Ein 1:1 gibt es in dieser Musik nicht. Ich mache viele andere Arten von Musik und habe in anderen Stücken auch Musik der Polynesier verarbei- tet. Aber in dieser Sinfonie gibt es unmittelbar keine Anklänge. Ich habe die Einflüsse künstlerisch abstrahiert. Der erste Teil zeigt die Suche nach etwas Universellem. Das entscheidende Motiv ist eine Spirale. Wie eine Schnecke oder die goldene Spirale. Eine spiralförmige Kontemplation, die sich aufbaut wie ein Zyklus. Diese Idee habe ich in Tahiti bekommen,