Reseñas de películas para Adultos

Las reseñas y críticas aquí clasificadas han sido consideradas por nuestros expertos como aptas para Adultos ya que contienen escenas que requieren una madurez y una formación previa para su valoración; algunas más que otras promueven una serie de valores humanos y artísticos que pueden enriquecer a la persona. Los comentarios no sólo profundizan en los aspectos técnicos y formales, sino que también te ofrecerán los aspectos éticos y morales de su contenido Autor: | Editorial:

Hoy día el cine es un medio irrenunciable para la evangelización, asegura el cardenal Paul Poupard, presidente del Consejo Pontificio de la Cultura. El cine es un vehículo irrenunciable para hacer cultura, y en la Iglesia, para evangelizar. «Espero que el cine sepa construir una cultura auténtica de la vida y de la dignidad de la persona» --deseó-- así como «una civilización del respeto mutuo y de la convivencia entre culturas», afirmó. «Tengo una confianza plena en que los que operan en el mundo del cine sabrán responder a esta petición de un suplemento de esperanza», dijo el purpurado al finalizar su alocución.

1 2046 **** 1 Un toque de canela **** 1 Matar al ángel *** 1 Toque de rosas * 2 De Lovely *** 2 Padre e hijos **** 3 Alejandro Magno -* 3 Obsesión ** 3 Marie-Jo y sus dos amores *** 4 Melinda y Melinda ** 4 Tiempo de tormenta **** 5 El puente de san Luis Rey ** 5 Tiempos felices (Happy Times) ** 6 Conversaciones con mamá * 7 La ventana de enfrente ** 7 Caminar sobre las aguas ** 8 La importancia de llamarse Ernesto *** 8 Mar Adentro * 9 Catorce días de vida 9 Carta de una madre a su hijo abortado 11 El lapiz del carpintero * 12 Lutero (Luther) *** 12 El aviador ** 12 Camarón -* 14 Los novios búlgaros

1/19

2046 ****

Autor de la reseñaFelipe Santos Dirección: Wong Kar-Wai. Guión: El mismo. Fotografía: Christopher Doyle, Lai Yiu Fai, Hwan Pun Leung. Música: P. Raben, S. Umebayashi. Intérpretes: Tony Leung, Gong Li, Himura Tahuya, Faye Wong, Zhang Ziyi, Carina Lau, , Wang Sum, Siu Ping Lam. No cabe duda de que este autor chino sigue triunfando en todo el mundo con su buena factura cinematográfica. Se le llama autor porque, tras ocho films, ha logrado tener un estilo personal. Su universo filmográfico se aparta poco de la raíz y esencia misma de la vida por la temática que trata en cada una de sus obras. Toda ella gira en torno al amor, la soledad y la carga de emociones que encierra el ser humano. Raro es el espectador que ante estos temas no se sienta interpelado y goce mucho con la visión de estas magnífica películas, premiadas algunas de ellas, en diversos festivales. 2046 es una habitación de una pensión-hotel en la que uno se sumerge poco a poco atraído por la historia de amor que en ella se narra. Entre puerta y puerta, periódico y periódico, farolas y canciones bellísimas, el autor nos va llevando paulatinamente a una reflexión concisa, profunda y llena de estética al mundo del amor de ahora y futuro. Si además, cuenta con fotógrafos de una aplastante belleza en sus tomas, y con una cámara cuyas angulaciones presentan el perfil exacto de cada personaje, se va uno dando cuenta de que todo es pulcritud, precisión y exactitud en todo cuanto cuenta. Son poetas de la imagen. Y esta poesía es la que suscita un torrente de emociones y de entusiasmo en los buenos cinéfilos. El centro de la historia es la de un hombre abandonado que, en su situación personal, se trasporta a un futuro incierto buscando salir de su soledad en este universo en el que sino hay amor, todo se viene abajo. En realidad, la narración pulcra va ofreciendo diversas historias de amor: unas son misteriosas, otras fatídicas, desgraciadas y, en ciertos instantes, con una sexualidad un tanto degradante. Pero la gran lucha del hombre se basa en el encuentro del amor brillante, limpio y fiel. Digna de verse. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí Un toque de canela ****

Dirección: Tassos Boulmetis. Guión: El mismo. Fotografía: Takis Zervoulakos. Música: Evanthia Reboutsika. Intérpretes: Georges Corraface, Ierolis Michaelidis, Renia Louizidou, Stelios Mainas, Tamer Karadagli, Pasak Köklükaya, Tassos Bandis, Markos Osse.

Cuando se ve mucho cine y se encuentra uno con una obra como esta griega, la sorpresa asoma en seguida a nuestra mente ya nuestros ojos.

A nuestra mente porque toda ella es un conjunto de valores humanos que difícilmente se ven en la pantalla de nuestros días.

2/19 Es una gozada asistir y contemplar los problemas de la comunidad griega que vive en Turquía por los años sesenta en condiciones tales que nunca le han hecho perder sus tradiciones ni sus valores ancestrales.

A medida que van pasando los planos , escenas y secuencias ante la mirada, la inteligencia del realizador queda plasmada en todos los frescos de la comida, rituales, sabores, colores, precisión y dosificación del ritmo y del atractivo de esta obra que, sin dudas, deja contentos a todos.

No es fácil ver en películas a actores y actrices tan bien definidos, aunque sean secundarios. Es mérito de un guión tan perfecto que no descuida absolutamente nada de cuanto tenga valor ante la cámara que, con agilidad una veces y parsimonia otras, va presentando la vida humana de una forma conmovedora y sincera.

Este cine es una bocanada de frescura, de magia y de talento, cualidades que no suelen admirarse mucho en tantos productos y subproductos del cinema actual.

Es una invitación, pues, a que todo el que guste del buen cine, no deje de acercarse a presenciar esta obra griega, realizada con casi la misma dignidad y perfección que los clásicos antiguos.

* ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión.

* Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Matar al ángel ***

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Daniel Múgica. Guión: El mismo. Intérpretes: Miguel Hermoso, Yael Barnatan, Antonio Dechent, Daniel Freire, Beatriz Bergamín, Juan G Martínez, Carmen Navarro, Mario Zorrilla, Txema Blasco. Otro debutante en los estrenos de esta semana. En este caso se trata de Daniel Múgica, hijo del defensor del pueblo español. No parece que sea su primera película. Se le nota que ha asimilado todo el fondo de la historia que nos cuenta y, ayudado por buenos intérpretes y un guión digno- escrito por él mismo- nos presenta la realidad de hace años con visos de actualidad: los grupos nazis. El guión se centra en un principio en un juez judío, objetivo del terror nazi porque le ha abierto un sumario a un señor muy importante de la trama de este brillante thriller. Todo se le viene abajo, sin embargo, porque su hermano se convierte en el defensor indómito de su hija Yael. Desde este instante, la narración da un vuelco para bien. Y digo para bien porque la joven, objetivo

3/19 ahora de los malhechores, se salva de su vil atentado gracias al amor que nace entre ella y su protector. Y contando con ello, ya todo se convierte en dar rienda suelta- pero con orden- a este interesante cine negro en el que se van alternando paulatinamente acciones abundantes, una intriga que mantiene atento a los espectadores- algo fundamental en la narración cinematográfica-, y en tercer lugar el nacimiento del romance amoroso que, al fin y al cabo, es quien da cierto tono de humanidad al film. Es fácil, por otra parte, adentrarse en el trasfondo de la historia. Y en ella podemos contemplar cosas del mundo actual referentes al terrorismo, al mundo social de la inmigración y a todos aquellos que, formando pequeñas mafias, comercian con ellos y ellas de una forma poco humana. No cabe duda. Aunque sea debutante, se ha pensado bien lo que iba a contar y lo ha hecho con el lenguaje del cine, no de las ocurrencias que le vengan en ganas al realizador. Buen comienzo. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí Toque de rosas *

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Ian Iqbal Rashid. Guión: El mismo. Fotografía: David A. Makin. Música: Andrew Lockington. Intérpretes: Brian George, Lisa Repo-Martell, Jimi Mistry, Kyle McLachtan, Kristen Holden-Reid, Veena Sood, Raoul Bhaneja, Sue Matthew Esta cinta graciosa, simpática y con buen humor en muchos momentos de su narración, no llega a las pretensiones de su realizador, que son nada menos, que hacer una comedia siguiendo los parámetros del estilo clásico de Hollywood, es decir, planteamiento del problema, solución y un final feliz. Desde luego que la historia no se prestaba para hacer muchas florituras ni siquiera poder llevar a cabo lo que la fantasía del realizador buscaba. Se trata de un joven, fotógrafo de cine que, llegado del Canadá, se instala en Londres. Se une a su novio. Y los dos viven felizmente hasta que la madre musulmana de Alim viene a visitarlo con la intención de buscarle novia, que se case y le dé nietos como su hermana. La narración se balancea entre dos alternativas: como comedia romántica indaga en el respeto que no debemos tener unos a otros seamos como seamos; y la otra alternativa es seguir las fantasías del intérprete principal que, sin duda, prefiere vivir en su nube antes que descender a la realidad. Es interesante la actitud y extrañeza de la madre cuando ve que su hijo es gay, y en la cultura musulmana, peor aún. Técnicamente, a la película le falta agilidad, ritmo y sobre todo sorpresa y momentos cómicos. Salvo algunos instantes de risa, apaga y vámonos. No es nada del otro mundo: un film comercial que se soporta bien. Orientación Educativa: No es apta para menores y adolescentes. Es el tema de la homosexualidad y el choque de la cultura musulmana ante esta realidad. No es buen cine en plan técnico.

De Lovely ***

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Irwin Winker. Guión: Jay Cocks. Fotografía: Tony Pierce-Roberts. Música: Cole Porter. Intérpretes: Kevin McNally, Kevin Kline, Angie Hill, Jonathan Pryce, Keith Alklen, Allan Corduner, Elvis Castello, Alanis Morissette, Diana Krall, Ashley Judd, Robbie Williams, Lara F Barrowman, Vivian Green, Sheryl Crow. He aquí una película dramática y musical. Entre estos dos ejes, claves de la narración, se sitúa una historia peculiar de un matrimonio que se las entienden como pueden para, a menos no vivir en la soledad.

4/19 El es gay. Brilla en Hollywood y en otros lugares por sus dotes de compositor de música. Es un tipo extraño que, estando en el teatro, ve la retroproyección de su vida como algo insólito para sus ojos atormentados por la conciencia de que lleva dos vidas diferentes. La primera es aquella que dedica a su mujer durante el día. Y la segunda es la que entrega desenfrenadamente a sus diversos amantes. La narración sigue muy bien la realidad de estos seres e sus diversas situaciones personales. Pero el relato es tan inteso- a pesar de lo flojito del guión- que no se pierde el ritmo casi nunca debido, en su mayoría, a la sucesión de excelentes melodías musicales cantadas por profesionales de cierto buen nivel. Tampoco hay que descuidar la buena dirección de los actores y actrices que ha puesto de su parte lo mejor de sí mismos para darle vida a esta realidad humana un tanto anómala. El hilo conductor de esta obra son las canciones que se suceden con tal agilidad que logran un acertado ritmo cinematográfico. El tema gira en torno a la vida íntima de la pareja. Ciertamente que no se sienten felices, completos, eufóricos pero han sabido tener una relaciones educadas entre ambos con detalles de atenciones y de tolerancia que no es nada fácil en esta clase de relaciones. Estos dos mundos del protagonista se ven como normales porque, dada su calidad humana- a pesar de ser gay- todo lo mantiene en un orden coherente con sus principios. La interpretación, unida al gran valor del musical logran que la historia dramática se vea con gusto estético y artístico. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí Padre e hijos ****

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Michel Boujenah. Guión: Edmond Bensimon, Edouard Bensimon. Fotografía: Patrick Blossier. Música: Michel Cusson. Intérpretes: Philippe Noiret, Charles Berling, Bruno Putzulu, Pierre Lebeau, Pascal Elbé, Marie Tifo, Geneviéve Brouillette, Jacques Boudet, Mathieu Boujenah y Céline Thiou. El cine francés quizá sea uno de los que más producen en la actualidad. Y lo llevan a cabo con temas reales, sencillos y cercanos a todos los espectadores. Boujenah, que debuta en esta obra, ha intentado y logrado, realizar un cine tan lineal, sencillo y claro que llega directamente a todos con una atmósfera de humor, simpatía y gracia. El guión, en lugar de transcurrir por lacrimógeno, se ha adentrado en la vida de un padre viudo con varios hijos que van a su bola, al pairo de sus caprichos e independencia, e incluso hasta la misma riña entre ellos. El padre, con su buen talante y al ver las separación de los hijos, a pesar de los esfuerzos que ha hecho para darles una buena educación, se inventa una estratagema que le va a valer de mucho para conseguir el objetivo de verlos unidos a todos. Se finge enfermo y tiene que sufrir una enfermedad a vida o muerte. Las situaciones cómicas y su buen talante consiguen que los hijos se reúnan en torno suyo. Una vez separada la operación o intervención quirúrgica, se los lleva a un viaje para, de este modo, obtener que todos vivan juntos y que vayan dejando aparte sus intrigas en la fábrica y su situación personal . Lo cómico, lo pícaro aflora con naturalidad en los bellos y profundos diálogos para solaz y sosiego de quienes ven el tema actual con ojos nuevos. Orientación educativa: Este es el objetivo fundamental de la obra: presentar el padre y sus hijos de tal manera que siempre es posible la ilusión y la realidad de la unión con tal de que haya humor entre todos y cada uno de sus componentes. Una buena comedia para estos días. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Alejandro Magno -*

5/19 Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Oliver Stone. Guión: El mismo, Christopher Kyle, Laeta Kalogridis. Fotografía: Rodrigo Prieto. Música: Vangelis. Intérpretes: Colin Farell, Angelina Jolie, Val Kilmer, Anthony Hopkins. Apenas se ve el encabezamiento de un film histórico en manos de Oliver Stone, entra en seguida en la cabeza la sospecha de algo raro y poco fiel a la historia del personaje central. Ciertamente que la epopeya tiene un soplo que importa y transporta esta historia epopéyica de siglos antes de Jesucristo a nuestros días, pero de una forma equivocada por parte de un anciano y vivida por una multitud de personajes sin un guión denso que los caracterice y defina bien. El héroe Alejandro es un ser turbado por causa de sus padres que lo están más que él mismo. Toda la primera parte es una pintura psicológica de pastiche. Más tarde, en la segunda parte del film, la juventud del héroe la moderniza Stone. Una visión muy personal del realizador. La homosexualidad, bisexualidad, megalomanía, histeria son los ejes sobre los que moviéndose la historia de este personaje, fundamental en la historia del mundo por sus conquistas, batallas...pero todo ello presentado como un ensamblaje desordenado que solamente suscita la indiferencia con el personaje central, una decepción en cuanto a la apuesta de cualquiera que sea la de quien se trate. La técnica es brillante en unas cuantas escenas de batallas, magnífica en su aspecto formal, aunque el contenido se vaya diluyendo a medida que pasa el film. Una técnica aceptable que, en este caso, está al servicio de una idea simplista. La historia de Alejandro, al analizar su vida tormentosa, sus contradicciones y aislamiento se ahogan en la monumentalidad del proyecto...que termina por dar una visión clara y evidente: se trata de un film enfermo. Una pena que la odisea de este héroe, muerto a los 33 años en sus conquistas tenga falta de ritmo. Esto hace pesada la narración y apenas cede a la modernización de la vida del personaje- un rockero actual- y de sus acompañantes se llegue casi al ridículo. Mucha ambición en la mente de Stone pero el resultado no se corresponde con su dinero y el reparto de tan grandes actores. En síntesis: Trabajo de ciencia ficción que no se ajusta a la realidad. Imagino que los amantes de la historia se sentirán molestos e iracundos ante este Alexander. Y me consta que ya ha habido protesta por parte de los griegos por haber tratado tan mal a uno de sus mitos. Orientación educativa: No es buena para nadie: ni para niños, ni jóvenes, ni adultos. Está fuera de clasificación. Bueno, mejor, no. Es un aburrimiento para todos. Si te interesa profundizar en el tema no dejes de leer el ensayo realizado por Juan Ignacio Hernáiz, profesor titular de Historia de la comunicación de la universidad complutense de Madrid titulado Alejandro Magno de Oliver Stone o un ejemplo más de la tiranía de lo políticamente correcto * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Obsesión **

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Paul McGuigan. Guión: Brandon Óbice. Fotografía: Peter Sova. Intérpretes: Josh Hartnett, Rose Byrne, Diane Kruger, Matthew Lillard, Jessica Paré, Gillian Ferrabee. Marcel Jeannin, Stephen Milton. Música: Cliff Martínez. Hay gente que va al cine a ver guaperas porque le encanta este tipo de actores y actrices. Y tienen toda la razón del mundo si, además del buen físico, tienen cualidades artísticas para el desempeño de sus papeles encomendados. En esta obra encuentran las dos cosas que hay que pedir a cualquier película que se precie de tal. El director se ha encargado de que con su técnica y maestría queden magnificadas las caras y gestos de los personajes con buenos encuadres y con excelente planificación. Con esto, ya le es relativamente fácil presentar la obsesión de un joven por un amor pasado pero que no se le va de la cabeza en ningún momento.

6/19 Esta obsesión peligrosa le convierte en un joven indeciso, siendo así que, en apariencia, parece estable en su trabajo y con su bella novia. No obstante, a medida que avanza el guión intentado cogerlo para que se defina de una vez para siempre, él suele huir o escapar de su amada actual para refugiarse en su dulce Lisa de hace años. Técnicamente y a niveles narrativos, el film está bien construido. El director sabe contar esta original historia de amor con cierto desparpajo y concede a la obsesión meritorios planos de su película. Aunque el sexo y el erotismo parezca que van a ser fuertes, no obstante se quedan en algo secundario. Otro realizador, quizá, lo hubiera puesto más de relevancia. No se puede soñar despierto. Es la gran cuestión de este thriller romántico. Orientación educativa: Película ni apta para menores y jóvenes sin una adecuada estabilidad psicológica en el tema del amor. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Marie-Jo y sus dos amores ***

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Robert Guédiguian. Guión: El mismo y Jean Pierre Darroussin. Fotografía: Renato Berta. Intérpretes: Ariane Ascaride, Jean Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Julie-Marie Parmentier, Jacques Boudet, Yann Tregouët, Frédérique Bonnal, Souhade Temimi, Danielle Stefan, Jacques Germain, Axel Koehler Nos alegra que este realizador francés haya dado un salto de su género dramático preferido al romántico que, en estos tiempos de crisis de valores, aporta al espectador una aire fresco que tanto necesita. Y la prueba más evidente está en que el Festival de Valladolid lo acogió con aplausos y con gracia más que gratificante. Ahora que tanto escasea este género cinematográfico, contemplar sus imágenes reconfortan el ánimo. Y no tanto porque sea un film redondo, perfecto en su desarrollo y en su guión, sino más bien porque han pensado en el espectador y se han dirigido a él de forma directa. El relato de esta película transcurre en el alma e hijos de una señora que no se encuentra feliz. Esta felicidad la encuentra en un amante. Lo que le ocurre en esos momentos de indecisión es que debe elegir entre dos hombres, ya que cada uno tiene aquello que a ella le falta. Dado su estado anímico le resulta difícil y hasta imposible inclinarse por uno u otro. Siente en lo más íntimo de sí misma que la infidelidad acarrea frustraciones. Dilema altamente difícil: amar al mismo tiempo y con la misma intensidad a dos hombres. El suspense está servido desde el momento y hora que ella no se decide. De este modo, la narración se prolonga cada vez más con el peligro de repetir situaciones con frecuencia. Esto, por falta de los guionistas, lleva consigo en ciertos momentos algo de tedio o aburrimiento. Pero se le perdona, en su conjunto, porque ha sabido sacar provecho técnico y hondura de todos los momentos psicológicos por los que atraviesa el mundo sentimental de Marie-Jo. Técnicamente hay que decir que la estructura del film es bella por la forma de filmar y captar muy bien todas las escenas y secuencias ante una puesta en escena deslumbrante y acogedora dentro de un clima familiar en el que, es normal, salen a relucir las discusiones entre padre e hija y todo lo que sucede en con la separación. La mujer del director hace un gran papel en su interpretación. Film interesante para ver.

7/19 * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Melinda y Melinda **

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: W. Allen. Guión: El mismo. Fotografía: Vilmos Zsgmond. Intérpretes: Will Ferrell, Vinessa Shaw, Amanda Peet, Chiwetel Ejiofor, Radha Mitchell, Cholë Sevigny. Cuando un autor de cine hace entrega cada año de una película caben dos opciones: primera, que se repita en algunos puntos de su relato, o segunda, que renueve su temática de una vez para siempre. Respecto a lo primero: es justamente el Allen de siempre, es decir, el hombre filósofo de la cámara que escribe en la gran pantalla las obsesiones y preocupaciones que desde hace tiempo le acucian. En esta obra nos presenta el relativismo que asola a la sociedad en todos los sentidos, y así va como va. Respecto a lo segundo, ha buscado una mezcla sibilina en la que lo trágico y lo cómico están a la orden del día, pero- eso sí- con una carga enorme de cinismo. La historia no es muy original. Parte de la misma realidad existencia. En una mesa se juntan para cenar unos amigos escritores. Uno de ellos, amante del tremendismo, narra la vida una mujer, Melinda, que vive desarraigada. Y lo hace tal y como quiere Allen: haciendo aflorar en su personaje la tragedia de su vida y el estudio minucioso de sus hechos. Menos mal que todo lo refleja en plan de comedia. La habilidad narrativa se ve sobre en el montaje paralelo y en la fuerza de la actriz Radha Mitchell que interpreta muy bien a la misma mujer en las dos facetas de su vida. Técnicamente además, Allen ha tenido la habilidad de ir cambiando la puesta en escena para cada uno de los aspectos de la mujer en cuestión. Aunque no sea el mejor film woodiense, no obstante se deja ver, aunque eso sí, poco a poco se le va notando que los años no pasan en balde y sobre todo cuando no cambia mucho el registro de sus temas. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Tiempo de tormenta ****

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Pedro Olea. Guión: Alicia Jiménez Bartlett, Miguel Angel Fernández. Fotografía: Nésrtor Calvo. Efectos especiales: Reyes Aabades. Intérpretes: Jorge Sanz, Mónica Randall, Maribel Vwerdú, Esther Esparza, María barranco, Darío Grandinetti. Cuando el tema del amor vertebra todo un film, se hace atractivo, interesante y bueno para quienes lo contemplan. Tras su fracaso anterior con “Más allá del jardín”, este realizador ha vuelto a otros cauces nuevos para poder comunicarse con su público de forma nueva y con mayor gancho. Con un guión bien hecho y construido, Olea se ha enfrentado con temas de matiz universal que valen hoy y siempre. Son temas que palpitan en todo ser humano como un aguijón que los lanza al bienestar y la tranquilidad de vida, o bien a la a ruina de sus existencias para siempre jamás. Todo el mundo siente tedio a la soledad de encontrarse consigo mismo, de conocerse en profundidad con el fin de vivir la vida en profundidad en cada instante. Una vez que tuvo la idea clara de lo que iba a comunicar, eligió a cuatro actores y actrices para que encarnaran estas ideas. Hay dos que sólo pueden alcanzar a recon9ocerse en la mirada de lo otros como una simple observación directa.

8/19 Naturalmente esto no es suficiente. Y por esta razón surge con toda su fuerza la tormenta trágica de la lluvia como una metáfora de lo que les ocurre. El relato ha cuidado en exceso seguir a los personajes en una radiografía perfecta para llegar a conocer sus móviles y sus intersecciones mutuas. La tormenta es simplemente una metáfora para delinear dos matrimonios en crisis profunda de comprensión y de afectividad. Llevan vidas muy distintas en sus respectivos trabajos profesionales de dibujantes, ejecutivo, televisión. La discusión permanente es la constante de sus vidas hasta que la desgracia sacude sus existencias. Su vuelta al cine tras siete años, es una garantía de que su film gustará a sus seguidores y al público en general. Está bien hecha y con un guión profundo y buena ambientación. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

El puente de san Luis Rey **

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Mary McGuckian. Guión: Peter Hannan Música: lalo Schifrin. Intérpretes: Robert De Niro, Kathy Bates, Harvey Keitel, Gabriel Byrne, Pilar López de Ayala, Geraldine Chaplin, F. Murria Abraham. No resulta, en general, nada fácil adaptar una obra literaria de Thornton Wilder al cine. Ya ha sido llevada muchas veces. En esta ocasión, la habilidad del realizador, por una parte, y el elenco de buenos actores y actrices, más la fotografía de Aguirresarobe, le dan un clima de realidad grande a este film, situado y ambientado en el Perú del siglo XVIII. La narración tiene su interés porque están muy bien visualizados los hechos que transcurren en tiempos de la Inquisición Española. Todo, de secuencia a secuencia hay un hilo argumental que gira sobre el accidente de cinco viajeros que, al cruzar el puente de san Luis, sufren la muerte. Se hacen muchas preguntas acerca de este hecho que conmocionó la ciudad, pero- como era de esperar- no hay respuesta a ninguna cuestión que se plantee. Lo más llamativo de esta obra es, sin duda, el estudio pormenorizado que se hace de cada personaje, sus vidas y el mundo que les rodea. Y entre ir y venir a ellos y a las situaciones político, sociales y económica de ese siglo, van apareciendo misterios y muchos secretos correspondientes a la política. Pues bien, en esta situación y con estos ingredientes, el realizador cuenta la historia de estos personajes, sus andanzas por teatros, burdeles, conventos y muelles de Lima. Se trata de un drama intenso y, de este modo, lo percibe el espectador. Orientación educativa: No es un film para menores ni adolescentes. Sí para mayores amantes del cine histórico.

* ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Tiempos felices (Happy Times) **

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: . Guión: Gai Zi. Fotografía: . Musica: San Bao. Intérpretes: Zhao Venzan,

9/19 Niu Ben, , Li Xuejian, Dong Jie De vez en cuando nos están llegando películas del Oriente, es decir, de Asia, y Japón (de éste mucho más). Y son películas que por su interés, su cultura y la visión que tienen del mundo y dfe la sociedad, merecen que se les preste atención. Algunos films chinos han logrado ya la Palma de Oro en Cannes, “Adiós a mi concubina” en año 1993. Y aunque su éxito no sea muy grande, sin embargo sí que es verdad que comienza a afectar e interesar al gran público y también,- cosa rara- obteniendo buen taquillaje. El realizador nos ha hecho descubrir a la buena actriz china Li Xuejian. En su país está batiendo records de taquilla gracias a su buena inter0retación y sobre todo a la buena dirección de este autor un tanto atípico para nuestro mundo occidental. El guión, bien mesurado y estudiado, se centra en la figura entrañable de un anciano que, a su edad, se enamora locamente de una mujer. Es su musa ideal en la que había soñado desde siempre. Cuando le pide su mano y el deseo de casarse con ella, el dinero es lo primero que la prometida le exige. Da vueltas y vueltas para encontrar el dinero que le exige, pero no lo puede encontrar. Y en un acto de imaginación extraordinaria, arregla un autobús destruido para formar una especia de hotelito en donde vayan a hacer el amor muchas parejas. Una vez lograda la cantidad de dinero que le pide, comienza para él in camino trágico en sus relaciones con la mujer ideal. La película es más bien un documental notable que refleja, mediante la ficción del autobús al que llama con el gracioso nombre de “Tiempos felices!, la realidad de la historia política de China y los avatares que tienen que soportar los directores de cine con la espada de Damocles sobre sus cabezas a causa de la fuerte censura reinante en aquel extenso país. La narrativa de la obra que deambula de mentira en mentira, conmueve en muchas escenas por la finura de su estética y por directa transmisión de la vida del personaje, cercano al pueblo sencillo. En síntesis, una película china llena de drama y melodrama que narra la ruta de la felicidad de un anciano enamorado. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Conversaciones con mamá *

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Santiago Carlos Oves. Guión: El mismo. Fotografía: Aníbal Bosco. Música: Pablo Sala. Intérpretes: China Zorrilla, Eduardo Blanco, Ulises Dumont y Sivina Bosco. Lo primero que tenía que haber hecho este director y guionista, era haberse sentado mucho más tiempo para escribir y pensar bien la historia que iba a comunicar. Y, en segundo lugar, haber pensado también en la escenografía y dirección de actores y actrices. Como nada de esto ha hecho, le ha saludo un churro de película. El tema se centra en el abandono de la madre y la dedicación a su mujer e hijos, pero sobre todo, a su trabajo. Cuando la vida le depara la pérdida de trabajo estable, cae en la cuenta de que ritmo de vida no puede seguir, dado que tiene deudas por todas partes y una hipoteca que pagar. Influenciado por su mujer, decide recuperar el apartamento de su madre “conversando con ella”. Todo inútil por que la anciana de 82 años ha intentado rehacer su vida con un hombre anarco pero que al menos no le hará sentirse tan sola. El relato se hace interminable porque no aborda directamente el problema. Da vueltas , rodeos y más vuelta sin decir nada. Simplemente- salvo la buena interpretación de Zorrilla-, van pasando planos y planos, escenas y secuencias totalmente vacías de contenido. Para una telenovela puede que sirviera con algunos arreglos, para una largometraje, no. Y además, el guión

10/19 no existe y la dirección tampoco. La puesta en escena es pobre y la fluidez de imágenes no existen tampoco. ¿Qué queda? Un intento fallido de cine. Orientación educativa:No es buena para niños ni jóvenes. Y los adultos que tengan aguante, que la vean, aunque salgan aburridos. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

La ventana de enfrente **

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Ferzan Ozpeteck. Guión: Gianni Romoli y el director. Fotografía: Gianfilippo Corticelli. Música: Andrea Guerra. Intérpretes: Giovanna Mezzogiorno, Massimo Girotti, Raoul Boya, Filippo Nigro, Serra Yilmaz. Esta coproducción no vale mucho que digamos. Se trata de un tema trillado en el cine actual: la insatisfacción que experimenta la mujer casada cuando el marido no le corresponde en todos los aspectos de su personalidad. Su trabajo en la granja de pollos y la incumbencia de pastelera en un café, más el cuidado de los niños eran más que suficientes para su trabajo. Pero un buen día, el esposo lleva a casa a un amnésico que se ha encontrado en plena calle. Otro trabajo más con el que deberá pasar muchas horas, máxime cuando descubre el tatuaje de su antebrazo. El realizador le ha dado un tratamiento de drama romántico y, la verdad sea dicha, a nivel técnico y temático, el film no desdice nada. Por eso ha logrado premios y el favor de la crítica internacional. Es muy original el estudio de los personajes mediante la mirada por las ventanas. No es una obsesión malsana sino más bien un modo de tomarse cariño y llenar de algún modo sus vidas, vacías por el exceso de trabajo, y que desde las respectivas ventanas alimentan al menos sus fantasías. La narración es tan bella que en todo instante nos da la impresión de que estamos asistiendo a un cuento de hadas para mayores. La fotografía y la escenografía son maravillosas. Orientación educativa:Es un film que, desde el inicio hasta el fin, trata de la búsqueda del amor en los demás y sobre todo en uno mismo. El relato, aunque un poco lento, emociona por su simplicidad. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Caminar sobre las aguas **

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Eytan Fox. Guión: Gal Uchovsky. Fotografía: Tobías Hochstein. Música: Ivri Lider. Intérpretes: Lior Ashkenazi, Knut Berger, Carolina Peters. Gidon Shemer, Carola Regnier, Hans Zischler. No se prodiga mucho el cine israelí por España. Este film, aunque no sea una obra maestra, sin embargo tiene buenos atisbos como para distraer al espectador y ver con agrado esta obra centrada en la azarosa vida de un policía del servicio secreto de Israel. El director ha tenido cuenta en cuidar con una cierta brillantez el lenguaje de su obra, para, de este modo, adentrarse en los entresijos del personaje central cuya vida se presenta en dos vertientes. Por una parte, este oficial del servicio secreto israelí trabaja como tal en Turquía en busca de asesinar a un terrorista. A su vuelta, como quien se siente poco impactado ante nada que vean sus ojos, nota que su mujer se ha suicidado mientras él estaba fuera.

11/19 Sin mucho dolor, en apariencia, empieza otra misión consistente en dar captura un exoficial nazi. Por otra parte, es en esta búsqueda en la que se muestra un poco más humano- el guión es bastante bueno-, al entablar con el supuesto oficial nazi unas relaciones especiales. Por muy distintos que sean, hay una cierta química entre ambos. Distintos, porque uno se muestra muy liberal, vitalista y homosexual en contraposición a su contrincante. A medida que se van tratando, la amistad aflora entre ellos como una meta digna de lograrse. La influencia que mutualmente se ejercen el uno sobre el otro son cada vez más positivas. Todo esto les hace viajar a Alemania, en cuyas largas y prolongadas conversaciones todo se va difuminando para ver que su amistad ha llegado a ser realmente profunda. Todo es posible con la amistad para acabar con prejuicios ya pasados. Buen cine de ver aunque sea complicado llegar a ver con claridad el tema que nos ha querido comunicar. Orientación educativa: No es un film apto para pequeños por el tratamiento de la homosexualidad y lo inhumano de las situaciones de asesinato y frialdad ante la muerte de la mujer del policía secreto. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

La importancia de llamarse Ernesto ***

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Oliver Parker. Guión: El mismo. Fotografía: Tony Pierce- Roberts- Música: Charlie Mole. Intérpretes: Rupet Everett, Colin Firth, Frances O´Connor, Reese Whitherspooo, Judi Dench, Tom Wilkinson, Anna Massey y Edward Fox. Sale una película llevada antes al cine. En esta ocasión viene de la mano experta de Oliver Parker. Sabe con su maestría recrearnos la historia de este joven que lleva en sí un secreto como estímulo estupendo para la narración.

Los dos aspectos de su vida los recoge admirablemente. Tranquilo y feliz en la casa de campo, tutor y amigo y protector de una guapa señorita y, por otro, su afán e inquietud por salir a sitios nuevos, a Londres por ejemplo.

Aquí se cambia de nombre y al mismo tiempo se busca a un amigo con el mismo nombre para, en toda ocasión, poder hacer de las suyas tanto con la clase alta como la callejera de la sociedad. El guión, además de estudiar a los personajes con relativa perfección y ágil definición, no deja aparte, sin embargo, el estudio de la sociedad en la que imperaban las costumbres raras y execrables con un tono de imponente hipocresía, pero sin lograr el brillo de anteriores ediciones. Parker ha cuidado mucho la puesta en escena; pero ha desvirtuado un tanto la fidelidad a la obra clásica de Oscar Wilde en lo que respecta a sus diálogos y al juego confuso que se hace con la prometida. La dirección de actores peca de fantasiosa y exagerada. Aunque no se parezca mucho a la obra original en lo que he dicho, sin embargo, la persona que vaya al cine a pasar un rato agradable, lo consigue sin la menor duda. Orientación educativa: No es buena para niños ni para los jóvenes que no tengan una cierta cultura y madurez. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Mar Adentro *

12/19 Dirección: Alejandro Amenábar. Guión: Mateo Gil y AA. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Música: A. Amenábar. Intérpretes: Lola Dueñas, Belén Rueda, José María Pou, Mabel Rivera, Celso Bugallo, Clara Segura, Joan Dalmau, Alberto Jimémez, Tomar Novas, Francesc Garrido, Alberto Amarilla, Javier Bardem Este joven realizador español ha conseguido con su cuarta película- al igual que con las tres anteriores- elevar nuestra cinematografía, un tanto floja en los últimos años-concretamente el actual- a la cima más alta del Séptimo Arte en España. Muchas otras obras han pasado sin gloria alguna porque, en el fondo, no eran buenas. Esta, sin embargo, al tratar de un tema candente en la sociedad actual y al hacerlo con tanta poseía y preciosidad, sitúa al cine español en los puestos que le corresponden. La historia versa sobre un hombre que desde la ventana de su habitación ve tan sólo el mar- lugar de su trabajo y aventuras y en el que quedó parapléjico por causa de un accidente- y la visita de dos mujeres que van a ejercer un buen trabajo a lo largo de su vida, al mismo tiempo que se irá el personaje, muy bien interpretado por Bardem, manifestando en su más íntima realidad de sentimientos y del sentido que tiene una vida tal y como él la lleva. La aparición de dos mujeres acentúan su mundo personal. Una de ellas, abogada, lucha con denuedo por conseguir que no sea penalizada la eutanasia. La otra, por el contrario, le va mostrando el sentido de la vida y de que ,aún en esas circunstancias, mere la pena vivirse. El, sin embargo, a pesar de escuchara una y otra prefiere morir con dignidad. TÉCNICAMENTE: Amenábar no es dado la improvisación. Le lleva mucho tiempo escribir el guión y pensar en todos los detalles inimaginables de interpretación, música y fotografía. La fotografía de Aguirresarobe es un verdadero personaje dentro del film por la preciosidad de sus imágenes y por el sentido que tienen cada una de ellas en el alma del personaje central y de cuantos lo contemplen. Todo el relato, al igual que la narración de los avatares por los que pasa la mente de este hombre, están tan bien reflejados que nadie se va a sentir impávido ante lo que sufre y ante lel final de su existencia. Orientación Educativa: La apología de la eutanasia Amenábar ha realizado un buen film cinematográficamente hablando sobre el tema controvertido de la Eutanasia. Lo ha producido el poco respetable adinerado Polanco. Y al estreno han asistido varios ministros encabezados por el Presidente del Gobierno español. Se trata de un tema que, a niveles generales del Estado, no preocupa grandemente. Sin embargo, los políticos de turno se quieren valer de este film para tratar en serio- según ellos- el tema de la eutanasia y admitirla legalmente en la legislación española. El enfermo en cuestión es Sampedro. Quedó parapléjico a los 29 años, tras viajar por el mundo como marinero. Sin muchos problemas, se pasó en este estado 29 años de su vida. Los años 90 fueron para él el motivo para que todo el mundo de los medios de comunicación supiera su caso. Sin buscar la gloria perecedera de su enfermedad, publicó su historia personal en 1996 hasta que dos años más tarde tomó la decisión de poner fin a su vida. Su propia familia llevó sus alegaciones a los tribunales de Estrasburgo y de la ONU. Ambas se declararon insolventes ante este caso. La película Con la magnífica trayectoria de este realizador, todos esperaban de él una gran obra cinematográfica. Aunque la figura de Bardem pueda llamar la atención porque encarna al personaje central, no obstante Belén Rueda y Lola Dueñas llegan al espectador mucho más directamente que el propio protagonista. Técnicamente, el film tiene una linda puesta en escena en la que abundan los planos oníricos, cuidados al extremo con panorámicas sorprendentes, fotografía de suprema calidad y la íntima banda musical. No es oro todo lo que reluce El guión- como ya nos tiene acostumbrados en sus tres películas anteriores, es contundente en la apología del sentimiento ante este hombre que para atenuar su dolor, recibe la visita de un jesuita aquejado de la misma dolencia que él. Su tratamiento, sin embargo, aparece ante los ojos de todos

13/19 como un personaje de caricatura ante la realidad por la que pasa Sampedro. El humor negro y socarrón contribuyen a ridiculizar a todo personaje que se oponga a las directrices que se ha trazado el enfermo. Sólo muerte, nada de amor Hay dos mujeres que representan el amor por este hombre. Una es la representante de la ley y la segunda es el símbolo de la vida para este hombre que sólo anhela morir. Pero frente a ellas, Sanpedro toma la decisión de la muerte porque para él no hay ningún límite que pueda obstaculizar su anhelo personal. No hay ni moral ni legislación que pueden entrometerse en su camino moral. NO hay otro Dios que su conciencia. Es la actitud de un kamikaze. Es la única obsesión de su pobre existencia sin sentido. No entiende el significado del dolor Una de las causas más graves del film es que el enfermo no le encuentra sentido al sufrimiento porque la felicidad es materialista y, en cuanto tal, no cabe el sentido de la trascendencia. En este sentido, Sanpedro está en la antípodas de quienes sufren como él los mismos dolores pero no han perdido el horizonte clarificador de la fe y l que ésta significa sobre el sentimiento de la pena.. No hay por qué sacar de este film conclusiones para leyes futuras leyes sobre la eutanasia. Quien no está de acuerdo con la fe, al menos que esté de acuerdo con la vida. Esta no depende de leyes humanas, sino de la voluntad de Dios, dueño de la Vida y de la Muerte. Si deseas profunfizar en el tema y conocer la opinión de otros comunicadores católicos da un click en el título de tu interés: “Mar adentro“: La ofensiva de la cultura de la muerte “Mar adentro”: Manipulación emotiva * Para mayor información, visita nuestra biblioteca virtual. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * ¿Dudas, inquietudes? Pregúntale a un experto * ¿Te gustó nuestro servicio? Suscríbete a nuestro boletín mensual

Catorce días de vida

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Roland Suso Richter. Guión: Holger Karsten y Christo Ulrich Reuter. Fotografía: Martín Langer. Música: Gracian-Schuber. Intérpretes: Kai Wiesinger, Michael Mendl. Katharina Meiencke, Axel Pape, Sylvia Leifheit, Jürgen Schornagel, Axel Milberg Este film alemán nos llega con 8 años de retraso. No es que constituya una obra maestra pero al menos sí que logra entretener a los espectadores por su mucho suspense y por las buenas interpretaciones de los actores, no muy conocidos en nuestro país. La historia versa sobre un abogado prepotente que no le presta atención a las multas de tráfico. Al ser encarcelado sufre el acoso de compañeros con el fin exclusivo de que pierda tanta popularidad y se dé cuenta de lo que es la cárcel. En ella, debe estar 14 días pero le cae más tiempo cuando le acusan de haber traficado con drogas. A partir de este instante, el guión- muy bien estudiado en ambientes y en el estudio de los personajes, todo cambia completamente. El móvil de su existencia consistirá de ahora en adelante la venganza. Técnicamente, el film, además de contar con un buen guión, posee una técnica adecuada para que el interés ante esta persona no se pierda interés ni un instante siquiera. En el fondo de todo, juntamente con su estado de carcelario aparecerá toda un sociología en la que se ve el abandono de amigos e íntimos. Es un buen estudio de lo que una persona sufre en la prisión, sus reacciones el tratamiento psicológico y hasta el dolor del abandono de la misma novia. Un film que, en apariencia, no dice mucho por el título, pero, en realidad, llama la atención por lo bien estructurada a nivel lineal de tu argumento y acciones y personajes. Orientación educativa: Se trata de un film interesante y que no ofrece dificultades de comprensión por el

14/19 buen estudio que se hace de la cárcel y de su redención. Los pequeños, no. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Carta de una madre a su hijo abortado

CARTA DE UNA MADRE A SU HIJO ABORTADO

Querido hijo:

Quiero pedirte perdón por lo que hice. Nunca podrás comprender cuánto he debido sufrir por ello. Durante largos años he debido arrastrar la pesada cadena de mi pecado. Pero un día soñé contigo y que venías corriendo a abrazarme y me decías: “Mamá, Mamá”. Nunca me olvidaré. Cuando me desperté, me parecía que tú estabas vivo junto a mí y me seguías gritando: “Mamá, Mamá”. Desde ese día, nunca pude olvidarte. Por eso, fui a la parroquia y encargué una misa por ti, por Juan. Así quise llamarte.

El tiempo ha pasado. Ahora sólo me queda pedirte perdón y saber que eres feliz junto a Dios. Quisiera pedirte que no te olvides de nuestra familia y que vengas siempre a visitarnos y a traernos las bendiciones de Dios. Gracias, hijo mío, por tu presencia y por tu amor. ¡Cómo quisiera poder abrazarte y darte todo el amor que no pude darte!

Tu madre, que te ama y siempre te amará.

El lapiz del carpintero *

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Antón Reixa. Guión: Xosé Morais y Antón Reixa. Fotografía: Andreu Rebés. Música: Antón Seoane. Intérpretes: Tristán Ulloa, Luis Tosar, María Adanes, Nancho Novo, María Pujalte, Manuel Manquiña, Anne Igartiburu, Carlos Blanco, Maxo Barjas, Carlos Sobera y Sergio Pazos. Se habla de la mala situación por la que pasa el cine español. Y , desde luego, no es por falta de dinero ni de las técnicas más avanzadas. Lo que le ocurre a gran parte del cine español, es que se ha dedicado al academicismo estético vacío pero al que le falta fluidez a la hora de contar una historia sencilla. Este debutante se las prometía felices con la adaptación de la novela de Manuel Rivas y con la elección de actores y actrices conocidos en el cine español. Nada de esto le ha servido de mucho. Si se lee el film a niveles técnicos solamente, pase, pero como la técnica es un instrumento para transmitir una historia, entonces tenemos que decir que ese es otro cantar. Quiere contarnos la situación de Galicia al final de la República y comienzos de la Guerra Civil española y el postfranquismo, con su carga de represión contra los no adictos al régimen y una historia de amor imposible. A medida que pasan los minutos, uno anhela que aparezca ante sus ojos la identidad de esta autonomía española con toda su realidad. Pero ha querido trascender los límites de su obra para que se pueda ver en cualquier sitio. Esto conduce a algo híbrido, aberrante y anacrónico.

15/19 Y si a todo esto se le añade el mal guión- a pesar de sus muchos diálogos vacíos- la cosa va peor aún. No hay estudio de personajes en serio. La cámara recorre lugares y rostros pero no hay inspiración, ingenio ni inventiva. Todo se reduce a seguir unas pautas marcadas por el director que, al recurrir a su estilo académico con tanta frecuencia, hace que su obra aparezca y lo sea en realidad, algo muerto, vacío de contenidos y sin chispa alguna. Y para colmo, como le suele ocurrir a algunos debutantes, se va tras la pedantería. En síntesis, cine español no muy aceptable. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Lutero (Luther) ***

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Eric Till Guión: Camille Thomasson, Bart Gavigan Fotografía: Robert Fraisse Montaje: Clive Barrett Música: Richard Harvey. Intérpretes: Joseph Fiennes, Alfred Molina, Bruno Ganz, Peter Ustinov, Jonathan Firth, Claire Cox (NOTA: la película pudo verse en el VI Festival de Cine Alemán celebrado en Madrid del 8 al 12 de junio de 2004. Los productores están negociando su distribución en España) La vida de Lutero siempre ha despertado interés en los espectadores. El realizador, a sus 75 años, realiazo ya un film sobre un pastor protestante al que ahorcaron los nazis en el 1945. La razón que esgrimieron fue que había participado en un atentado contra Hitler. "El retrato de Martin Lutero (Eisleben, Alemania, 1483-1556) que encontramos en esta película responde plenamente a la percepción del personaje y de su obra que tienen sus seguidores, hasta el punto de que la película se puede ver como una suerte de docudrama o biopic oficial, como ha señalado el crítico de cine Kirk Honeycutt en el influyente Hollywood Reporter. Thrivent Financial for Lutherans, una entidad financiera estadounidense creada para ayudar a las iglesias y familias luteranas, en la que convergen dos importantes asociaciones -Aid Association for Lutherans y Lutheran Brotherhood- ha aportado la mitad del presupuesto. Por su parte, la Iglesia Evangélica alemana ha contribuido decididamente a la distribución de la cinta, que se ha podido ver en 200 salas, con 2,5 millones de espectadores alemanes, que dejaron en taquilla cerca de 20 millones de euros. En Suiza tuvo 100.000 espectadores y 200.000 en Austria. En Italia ha recaudado algo más de 900.000 euros, pudiéndose ver en 110 salas. Notas de producción Alexander Thies, uno de los productores, con el que pudimos conversar en Madrid (la película inauguró el VI Festival de Cine Alemán que organiza la Export-Union del Cine Alemán en colaboración con el Goethe Institut y otras instituciones alemanas), señaló que la películaestá rodada en inglés para facilitar su distribución en el mercado de habla inglesa, mucho más amplio que el alemán. En EE.UU. se estrenó es 400 salas y ha ingresado 5,7 millones de dólares. Algunos de los críticos que intervinieron en la rueda de prensa mostraron su extrañeza ante la opción del inglés, teniendo en cuenta que uno de los factores determinantes de la popularidad de Lutero -reseñado en la propia película- fue que usase la lengua alemana en sus escritos y que tradujese por vez primera la Biblia a esa lengua, de la que se le considera casi el padre. Desde el punto de vista técnico la película tiene hermosas localizaciones y un cuidado diseño de producción del alemán Rolf Zehetbauer (La historia interminable, El submarino, La ansiedad de Veronica Voos, Lily Marleen). La excelente fotografía es del responsable de títulos muy conocidos como Ronin, Siete años en el Tibet o Enemigo a las puertas. El montador -que trabajó para el irlandés Jim Sheridan en The boxer- imprime a la película un ritmo bastante ameno, aunque salte a la vista que la tentación de la miniserie televisiva estuvo muy cerca, por una disposición de conflictos y detonantes que dan lugar a escenas muy breves y escasamente hiladas, características del lenguaje de la ficción dramática televisiva. El vestuario y la puesta en escena son muy brillantes.

16/19 Los intérpretes En la parcela interpretativa, el papel de Lutero se ha encomendado al inglés Joseph Fiennes (Shakespeare in love, Enemigo a las puertas), un buen actor con escaso parecido físico con el monje alemán si tenemos en cuenta los retratos de Lucas Cranach y Hans Holbein el Joven y las descripciones que nos han llegado del corpulento clérigo. El carácter tumultuoso y apasionado de Lutero, sus escrúpulos, su agilidad verbal, su mal genio y el tono mordaz y ocasionalmente procaz de sus diatribas, aparecen en la película, pero en sordina, de forma que en la vida de Lutero parece existir mucho más equilibrio del que da la sensación que hubo (baste recordar la brutal actitud de Lutero con respecto a la represión de los campesinos en 1525, año de su boda con Catalina de Bora, cuya caracterización también deja que desear). Peter Ustinov repite sus habituales tics "nerónicos" en una caracterización poco sutil por caricaturesca del Príncipe Elector de Sajonia, protector de Lutero. Algo parecido se puede decir de Alfred Molina en su interpretación de Tetzel, el predicador de indulgencias, un personaje verdaderamente repulsivo. Bruno Ganz encarna con solvencia a Von Staupitz, el superior agustino y director espiritual de Lutero, que le anima a no ver sólo lo negativo y a reparar en lo positivo de una Iglesia siempre necesitada de purificación. El emperador Carlos y el Cardenal Aleandro no salen muy bien parados, de forma que un espectador inteligente duda razonablemente de que fuesen así de obtusos. La cosa llega a ser ridícula en la caricatura satírica del Papa León X". ¿Cómo ha tratado el film el mundo histórico del personaje? A pesar de que la técnica sea muy buena, sin embargo, el guión- que es la columna vertebral de toda obra cinematográfica- no ha calado lo suficiente en los diversos aspectos de esta rica y variada personalidad. Uno que quiera documentarse bien - mediante este film- acerca de este personaje histórico- no podrá sentirse satisfecho de cómo evoluciona su personalidad, los escrúpulos de conciencia, el horror ante su muerte cercana. Hay un hecho que marcó mucho a Lutero: su enfrentamiento dialéctico con el teólogo Johannes Eck, en Leipzig, 1519 entre junio y julio. No se ha tratado en profundidad porque el director, mediatizado por los productores, no pudo esclarecer este suceso como hubiera merecido ya que podía escandalizar a la gente no versada en la materia teológica. Una pena porque fue en este encuentro en donde se reflejó maravillosamente el sentido de culpabilidad que atenazaba a Lutero. Porque, al fin, se dio cuenta perfecta del daño que ocasionó a mucha gente que le seguía porque todo se mundanizaba y secularizaba. Estaba agotado por sus nervios, sus traumas y por supuesto por su falta de oración. Cayó en un subjetivismo tal que hoy se ven sus consecuencias con miles y miles de confesiones cristinas surgidas de la libre interpretación de la Biblia. Fue consciente de que al rechazar la Tradición y el Magisterio dio paso libre a su dogmatismo subjetivista. Orientación educativa: Esta película es solamente para personas de una buena formación histórica, teológica y moral. El film tiene como eje la figura de Lutero. Y hay que ver su personalidad urbada y caer en la cuenta- aunque haya fallos de guión- que el mismo Lutero no sabía al final de su vida el problemazo que había ocasionado a la Iglesia y al mismo Luteranismo, nacido de él. Hay que entreverlo. Es un estudio de su personalidad frustrada. Bajo esta perspectiva tienen poco sentido el ataque que hace a la Iglesia. Es él quien queda mal. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

El aviador **

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Martín Scorsese. Guión: John Logan. Fotografía: John Richardson. Música: Hooward

17/19 Shore. Intérpretes: Leonardo Di Capri, Cate Bkancjett, Kate Beckinsale, John C. Reilly, Alan Alda, Alec Balwin. Anda siempre con su ya normal manía de llevar al cine temas y asuntos que impacten al espectador mediante la brillante técnica y todos los recursos que tiene en sus manos para elegir a buenos actores y actrices, a un buen música y a un excelente fotógrafo. Junto a esto, no hay que dudarlo, su experiencia como realizador es amplia en el Séptimo Arte. Sin embargo, en general, se le achaca que no logra entusiasmar a las masas, sí a los verdaderamente amantes del cine, los cinéfilos. No obstante, para la generalidad de los asiduos a la estrellas más que a otros aspectos, el film no les va a defraudar ni mucho menos. El guión, un aspecto clave de este film, es denso, claro, directo, vigoroso y con fuerza de comunicación. De hecho, sin ninguna fisura, se adentra en el estudio del personaje y lo desentraña de principio a fin en todos sus diversos componentes de joven prodigio, de joven amante del cultivo de sus aficiones- el cine y los aviones- de los cuales llega a ser productor, director de cine y, además, piloto afamado y constructor de aviones civiles primero y militares después.

Con finos trazos, por otra parte, nos ofrece toda su decadencia moral y física. Todo el poder le lleva a ser recluido hasta su muerte, debido a una enfermedad degenerativa. Técnicamente, Socorsese se ha prestado para que la técnica sea el medio adecuado para que todo el mundo conozca mejor la vida de Howard Hughes, una persona que se cimbrea entre su propia genialidad y su excentricidad. En este sentido, la historia que cuenta se superpone a todo mediante la creación de una bella atmósfera en la que transcurre el drama de este afortunado, rico y desgraciado a la vez. Orientación educativa: Película para mayores por el tema, las relaciones sexuales y el ambiente en que vive. Para adultos, interesante porque les enseña que el poder y el genio no dan la felicidad. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Camarón -*

Autor: P. Felipe Santos SDB Dirección: Jaime Chavarri. Guión: Álvaro del Amo. Fotografía: Gonzalo Berridi. Música: Miguel Menéndez de Zubillaga. Intérpretes: Oscar Jaenada, Verónica Sánchez, Jacobo Dicenta, Mercé Llorens Martín Bello, Raúl Rocamora. Entregar por encargo la dirección de una película que tiene como central la biografía del fenómeno del cante, Camarón de la Isla, ha sido un fallo grande. Y lo es porque el guión hace aguas por todos sitios, salvo en algunos planos en París. Los conocedores del cantaor quedarán frustrados porque esa figura no es la auténtica. Se reduce a un estereotipos y a un acento andaluz poco real. Una pena, porque, habiendo escrito un buen guión y contratando a actores de mayor solvencia artística, es decir, aquellos o aquellas que saben vivir el personaje, la cosa hubiera cambiado mucho. Es un personaje tan importante en el mundo del cante que hubiera merecido un film mucho mejor hecho en cuanto a creatividad, en cuanto a visitas a los lugares auténticos en los que transcurrió su vida, entrevistas y variedad de cantes que dieran la dimensión auténtica de cómo vivía este artista el cante y de cómo lo querían. No aporta, por el contrario, mucha novedad en su narración sino que sus imágenes suenan a sabidas. No se ve el meollo de lo que constituye la vida calé, y las interpretaciones, más que ahondar en lo que debían haber hecho, se quedan en parodias o estereotipos. Orientación Educativa: Película para los que gusten recordar al cantaor Camarón de la Isla, pero no se van

18/19 a sentir a gusto. Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

Los novios búlgaros

Autor de la reseña: P. Felipe Santos SDB Dirección: Eloy de la Iglesia. Guión: Fernando Guillén Cuervo y él mismo. Fotografía: Néstor Calvo. Intérpretes: Fernando Guillán Cuervo, Ditrán Biba, Peón Nieto, Roger Pera, Anita Sinkovic, Fernando Arbizu, Román Lucknar, Simón Andreu, Julia Matínez, Gracia Olayo y Emma Penella. Desde su dilatada carrera de realizador independiente, sigue fiel a sus ideas y a su propio estilo de hacer cine controvertido. Tras unos años en paro por su adicción a la droga, ahora nos ofrece este film que está basado en la novela de Eduardo Mendicutti. Trata el tema de un homosexual y la plaga de la emigración. Es un tema que le encanta porque, en el fondo, en sus mismas declaraciones se considera un marginado de la sociedad y, como tal, habla con toda claridad y sin tapujos. Vive lo que cuenta con lo cual se hace mucho más verosímil sui historia. Una historia que se centra en la vida de un cuarentón gay, al que le gusta frecuentar lugares en los que haya chicos guapos y extranjeros. Uno de estos chicos es búlgaro, mucho más joven que él. Se enamora locamente de su vida y de su presencia física e interior. Cree que ha encontrado su alter ego, el complemento necesario para su vida anodina y en contraposición a las leyes normales que rigen la sociedad. Como contrapartida a los servicios de tan agradable joven tiene que pagar mucho dinero, arreglar los problemas que conlleva su vida en la cárcel, el desenmascaramiento de la mafias búlgaras y otros líos que surgen en el devenir diario del apuesto joven búlgaro. Ha elegido un buen plantel de actores y actrices para que le den vida a su película. Su realización no difiere mucho de las anteriores producciones. Se le nota algo más maduro, mejor narrador de historias que, dada su habilidad narrativa, llegan a interesar al público. La dirección de los intérpretes es la ajustada, la que él siempre ha buscado y deseado. El guión estudia en serio los avatares de este joven y de su amante con detalles nimios pero que condensan muy bien los sentimientos contradictorios de dos seres marginados por la sociedad.

No es un gran film, pero a los seguidores de Eloy de la Iglesia, les gustará. * ¿Qué opinas sobre el tema? Comparte tu opinión. * Si te gustó el texto y quieres comentarlo con su autor da un click aquí

19/19