Zemlinsky Die Seejungfrau

NETHERLANDS PHILHARMONIC ORCHESTRA MARC ALBRECHT

Cover image: derived from Salted Earth (2017), cling to them. Has Zemlinsky’s time come? photo series by Sophie Gabrielle and Coby Baker Little mermaid in a fin-de-siècle https://www.sophiegabriellephoto.com garment Or is the question now beside the point? http://www.cobybaker.com In that Romantic vein, the Lyric Symphony ‘I have always thought and still believe remains Zemlinsky’s ‘masterpiece’: frequently that he was a great composer. Maybe performed, recorded, and esteemed. His his time will come earlier than we think.’ operas are now staged more often, at least Arnold Schoenberg was far from given to in Germany. In that same 1949 sketch, Alexander von Zemlinsky (1871-1942) exaggerated claims for ‘greatness’, yet he Schoenberg praised Zemlinsky the opera could hardly have been more emphatic in composer extravagantly, saying he knew the case of his friend, brother-in-law, mentor, not one ‘composer after Wagner who could Die Seejungfrau (Antony Beaumont edition 2013) advocate, interpreter, and, of course, fellow satisfy the demands of the theatre with Fantasy in three movements for large orchestra, after a fairy-tale by Andersen composer, Alexander Zemlinsky. Ten years better musical substance than he. His ideas, later, in 1959, another, still more exacting his forms, his sonorities, and every turn of the 1 I. Sehr mäßig bewegt 15. 56 modernist critic, Theodor W. Adorno, wrote music sprang directly from the action, from 2 II. Sehr bewegt, rauschend 17. 06 in surprisingly glowing terms. Zemlinsky the scenery, and from the singers’ voices with 3 III. Sehr gedehnt, mit schmerzvollem Ausdruck 14. 26 had ‘made more of the compromises a naturalness and distinction of supreme characteristic of an eclectic than any other quality.’ What, then, of the invisible theatre Total playing time: 47. 30 first-rate composer of his generation. Yet of the symphonic poem, historically related his eclecticism demonstrated genius in to Wagnerian drama from Liszt onwards — its truly seismographic sensitivity to the as indeed in the œuvre of Richard Strauss? stimuli by which he allowed himself to be There are no voices, nor is there scenery. overwhelmed.’ We perhaps look more warily But what of ideas, forms, sonorities, and than Adorno or Schoenberg upon Romantic action? Die Seejungfrau (‘The Mermaid’) is notions of genius, even as our concert halls, Zemlinsky’s sole essay in the genre and now Netherlands Philharmonic Orchestra opera houses, and much popular discourse his most widely esteemed non-vocal work. Conducted by Marc Albrecht 3 It was not always so. After only three musical history has tended to remember. 1910 worklist he sent to Universal Edition. exposition) b: Mermaid in the human performances, in Vienna, Berlin, and Prague, However, Zemlinsky’s piece, although It appears he may have come to regret world, storm, the prince’s rescue. \ Zemlinsky withdrew the score. The first misunderstood as merely ‘charming’, the persistence of elements of less-than- Part II a: The mermaid’s longing; with performance on 25 January 1905 was also even in one review ‘heart-warming’, symphonic repetition, which he saw as the witch. b: The prince’s wedding and noteworthy for the premiere of Schoenberg’s was received with greater enthusiasm. more at home in the Viennese operettas he mermaid’s demise. Thus two parts, but tone poem, Pelleas und Melisande, and for Such misunderstanding is nevertheless conducted to earn a living. The unpublished four sections. being the final concert of theVereinigung understandable, given that Zemlinsky’s score was divided, the first movement given schaffender Tonkünstler (‘Society of Creative aesthetic would always remain attached to to Marie Pappenheim, a friend of Zemlinsky, As work progressed — Zemlinsky wrote Musicians’), founded by Schoenberg, an old-fashioned notion of ‘beauty’. In a 1902 now best known, alongside achievements far more slowly than Schoenberg — the Zemlinsky, and fellow conductor-composer letter to Schoenberg, he declared: ’A great as dermatologist and sexual liberationist, four sections remained, yet spread across Oskar Posa only the previous year. It had artist who has everything required to express as Schoenberg’s librettist for Erwartung. a ‘fantasy in three movements for large already performed Strauss’s Sinfonia himself meaningfully, must observe the Zemlinsky retained the second and third orchestra’. The shift to three movements domestica and the Vienna premiere of boundaries of the beautiful, even if he should movements, taking them with him when speaks of developing symphonic ambition; Mahler’s Kindertotenlieder. Here each of stretch them further.’ To do so, he continued, he fled Europe for the United States in ‘symphonic poem’ is how Zemlinsky the founding members conducted his would have a trained ear, ‘our era … yours 1938. Only in the early 1980s did scholars persistently referred to it in correspondence own premiere, five songs for baritone and and mine,’ hear mere ugliness. For him, come to realise that the three movements with Schoenberg. Even the narrative and orchestra by Posa given between Zemlinsky Strauss crossed that line in Ein Heldenleben. belonged together. Die Seejungfrau was pictorial ambition of the first movement, and Schoenberg’s symphonic poems. Such would not be the path taken in the finally published, receiving its first ‘modern’ its storm included, are bound together by a The audience did not react kindly to ‘symphonic poem, Das Meerfräulein, by performance, conducted by one of those Brahmsian mode of thematic working. ‘I had Pelleas, which had most likely been poorly [Hans Christian] Andersen,’ soon renamed scholars, Peter Gülke, in 1984. been a “Brahmsian” when I met Zemlinsky,’ performed (and conducted). Schoenberg Die Seejungfrau. Schoenberg recalled; ‘his love embraced both would subsequently recall that ‘reviews In the letter to Schoenberg quoted above, Brahms and Wagner and soon thereafter I were unusually violent and one of the critics It is uncertain why, following those three Zemlinsky outlined his plan: became an equally confirmed addict.’ suggested to put me in an asylum and keep performances, Zemlinsky suppressed the The scherzo has less in the way of narrative; music paper out of my reach’. That is what work. He did not even mention it in a Part I a: At the foot of the sea (entire it is more of a symphonic movement ‘after’

4 5 Andersen. Not for nothing do the waves It is generally wise to beware reading Eulenspiegel, Tod und Verklärung, and so on, fortissimo. Beaumont rightly acknowledges of La Mer, Debussy’s three ‘symphonic autobiography explicitly into music. In yet what would be the point, without broader one contemporaneous usage: Schoenberg’s sketches’, come to mind at its opening. The this case, however, the romantic ardour critical observation? Affinity is not necessarily Pelleas, which requests muted trombones third movement too proceeds in notably Zemlinsky had felt prior to rejection by his influence; even when it turns out to be, there at ppp. Mere coincidence is unlikely. Who symphonic fashion, earlier music revisited pupil, Alma Schindler (subsequently Mahler) remains the question: ‘so what?’ influenced whom? We shall probably never and transformed. It may ultimately offer a seems unavoidably related, at least in know — although Schoenberg’s greater speed hymn to ‘man’s immortal soul’, yet far from generalised fashion, to the work’s subject Perhaps we come closer to appreciation at writing may just give him the edge of dependent upon a programmatic idea, let matter. Such would be the case more of the work’s particular qualities when probability. alone a detailed narrative. We should not specifically in two operas,Der Traumgörge we recall that Zemlinsky, like Mahler and push such claims too far. Zemlinsky’s themes (‘Görge the Dreamer’) and Der Zwerg (‘The Strauss, yet unlike Schoenberg, was also At any rate, as Adorno realised, Zemlinsky’s are motifs, associated with objects, ideas, Dwarf’). The history and hysteria of the a conductor of the first rank. The detail of voice, impulse, and general priorities emotions, as that ‘New German School’ merwitch music, ‘bei der Meerhexe’, cut his orchestral scores is noteworthy in itself were more typical for ‘Vienna 1900’ than of Wagner, Berlioz, Liszt, and even their by Zemlinsky and only latterly restored in and for its practicality, born of experience. Schoenberg’s. Erik Levi has astutely described successor Strauss would have understood. Antony Beaumont’s critical edition of the That is not to say that he does not make Zemlinsky as ‘very much a child of his time, ‘Home’, ‘joy’, ‘despair,’ seabed, mermaid, original version (performed here), tells its strenuous demands; however, they are never a composer who enthusiastically absorbed ‘human world’, and many others speak of a own bitter story. Dark brass writing at the absurd. (One might draw a comparison with, a wide array of contemporary cultural conceptual dramaturgy extending beyond opening proves unsurprisingly Wagnerian, say, Liszt in his piano writing.) Beaumont influences, but whose distinctive voice only ‘absolute’ music, even if it eventually returns although Strauss may be just as relevant. identifies in this work the birth of an emerges after sustained exposure to his us to that realm. An age old problem of Disentangling the two hardly seems relevant. especially ‘singular aspect of Zemlinsky’s art,’ music.’ We stand in a better position to ‘programme music’ — do we need the Haunting string chords, woodwind solos namely his ‘exploitation of the glissando,’ receive and learn from such exposure than ‘programme’ or not? — is resuscitated in too, suggest Mahler’s early cantata, Das as opposed to Mahlerian portamento, previously; indeed, we have now for a little a tale of neither fish nor fowl that, both in klagende Lied, which had finally received ‘as an expressive device in its own right’. while. Zemlinsky’s time may have come upon subject matter and in aesthetic controversy, its first performance in Vienna, in 1901, It could hardly have been signalled more us earlier than we knew. redramatises and rephrases that very same albeit in heavily revised, truncated form. We emphatically, nor indeed originally, than problem. might continue, isolating affinities withTill in the scherzo: four unison trombones at Mark Berry

6 7 Seejungfrau im Fin-de-siècle- Vorstellungen von Genie betrachten wir Gewand heute vielleicht mit mehr Vorsicht als Adorno oder Schönberg, auch wenn unsere „Ich habe immer gedacht und denke nach Konzertsäle, Opernhäuser, und der populäre wie vor, dass er ein großer Komponist war. Diskurs zu großen Teilen daran festhalten. Vielleicht wird seine Zeit früher kommen, Ist Zemlinskys Zeit gekommen? Oder ist als wir denken.“ Arnold Schönberg diese Frage heute irrelevant? neigte wirklich nicht zu übertriebenen Großartigkeits-Bekundungen, aber In jenem romantischen Sinne bleibt im Falle seines Freundes, Schwagers, Zemlinskys Lyrische Symphonie sein Mentors, Fürsprechers, Interpreten und, „Meisterwerk“: hochgeschätzt, oft natürlich, Komponistenkollegen Alexander aufgeführt und aufgenommen. Seine Opern Zemlinsky hätte er kaum emphatischer sein werden nun öfter inszeniert, zumindest in können. Zehn Jahre später, 1959, äußerte Deutschland. In derselben Notiz von 1949 sich ein sogar noch anspruchsvollerer lobte Schönberg den Opernkomponisten modernistischer Kritiker, Theodor W. Zemlinsky aufwändig: Er kenne nicht einen Adorno, unerwartet begeistert. Zemlinsky einzigen „Komponisten nach Wagner, der sei „mehr Kompromisse eingegangen, die Ansprüche des Theaters mit besserer die charakteristisch für Eklektiker“ seien musikalischer Substanz zu füllen imstande“ „als jeder andere erstklassige Komponist sei. „Seine Ideen, seine Formen, seine Klänge seiner Generation. Zugleich zeugte sein und jede Wendung der Musik komme ganz Eklektizismus von Genie in seiner wahrhaft natürlich und mit einer Distinktion von seismographischen Empfindsamkeit höchster Qualität direkt aus der Handlung, gegenüber den Stimuli, von denen er aus der Szenerie, und aus den Stimmen der sich vereinnahmen ließ.“ Romantische Sänger.“ Wohin ist also das unsichtbare

©8 Melle Meivogel 9 Theater der symphonischen Dichtung, die Gründungsmitglieder dirigierte seine eigene bedeutungsvoll auszudrücken, muss die eine Freundin Zemlinskys, heute — neben historisch seit Liszt mit dem Wagner‘schen Premiere, mit fünf Liedern für Bariton und Grenzen des Schönen wahrnehmen, selbst ihren Errungenschaften als Dermatologin Drama verwandt ist — wie in der Tat im Orchester von Posa zwischen Zemlinskys dann, wenn er sie dehnen sollte.“ Das zu und sexueller Befreierin — bekannt vor allem Werk von Richard Strauss? Es gibt hier und Schönbergs sinfonischen Dichtungen. tun, fuhr er fort, würde allerdings dazu als Schönbergs Librettistin für Erwartung. weder Stimmen, noch eine Szenerie. Aber Das Publikum nahm Pelleas nicht führen, dass ein trainiertes Ohr, „unsere Zemlinsky behielt den zweiten und dritten was ist mit Ideen, Formen, Klängen, und freundlich auf. Wahrscheinlich war es Ära... Ihre und meine“, bloße Hässlichkeit Satz zurück und nahm beide mit, als er 1938 Handlung? Die Seejungfrau ist Zemlinskys schlecht gespielt (und dirigiert) worden. hören würde. Für ihn hatte Strauss in Ein aus Europa in die Vereinigten Staaten floh. einziger Versuch in diesem Genre, und Schönberg erinnerte sich später, dass „die Heldenleben diese Grenze gesprengt. In der Erst in den frühen 1980er Jahren begannen heutzutage sein bekanntestes nicht-vokales Besprechungen ungewöhnlich harsch waren sinfonischen Dichtung Die Seejungfrau nach Forscher zu realisieren, dass die drei Sätze Werk. und ein Kritiker nahegelegt hatte, ich solle dem Andersen-Märchen Das Meerfräulein zusammen gehören; einer dieser Forscher mich ins Irrenhaus begeben und jegliches würde er diesen Weg nicht einschlagen. war Peter Gülke, unter dessen Leitung Die So ist es nicht immer gewesen. Nach nur Papier mit Notenlinien von mir fernhalten“. Seejungfrau schließlich 1984 dem Publikum drei Aufführungen in Wien, Berlin und Prag Das ist es, was die Musikgeschichte Es ist unklar, warum Zemlinsky nach diesen bekannt gemacht wurde und ihre erste zog Zemlinsky die Partitur zurück. Die tendenziell erinnert. Zemlinskys Stück drei Aufführungen das Werk verdrängte. In ‚moderne‘ Aufführung erhielt. Im oben erste Aufführung am 25. Januar 1905 ging allerdings, wenngleich missverstanden als einer Liste seiner Werke, die er 1910 an die zitierten Brief an Schönberg skizzierte einher mit der Premiere von Schönbergs lediglich „anmutig“, in einer Besprechung Universal Edition schickte, erwähnte er es Zemlinsky seinen Plan: sinfonischer Dichtung Pelleas und sogar als „herzerwärmend“, wurde mit nicht einmal. Anscheinend bereute er das Melisande; zudem handelte es sich um das größerem Enthusiasmus aufgenommen. Fortbestehen von Wiederholungsformen Theil a: Am Meeresgrund (ganze letzte Konzert der Vereinigung schaffender Und derartige Missverständnisse sind die den Anforderungen der sinfonischen Exposition) b: das Meerfräulein auf der Tonkünstler, die Schönberg, Zemlinsky und verständlich, schließlich blieb Zemlinskys Gattung seiner Ansicht nach nicht Menschen-Welt, der Sturm, des Prinzen der Komponist und Dirigent Oskar Posa Ästhetik stets an einen altmodischen entsprachen, und die er mehr in den Wiener Errettung, II. Theil a das Meerfr:[äuleins] erst im Vorjahr gegründet hatten. Sie Begriff von „Schönheit“ gebunden. In Operetten beheimatet sah, als deren Sehnsucht; bei der Hexe. b: des Prinzen hatte bereits Strauss‘ Sinfonia domestica einem Brief an Schönberg aus dem Jahr Dirigent er seinen Lebensunterhalt bestritt. Vermählung, des Meerfr. Ende. Also II aufgeführt und die Premiere von Mahlers 1902 erklärte er: „Ein großer Künstler, Die unveröffentlichte Partitur war geteilt, Theile aber 4 Abschnitte. Kindertotenliedern gespielt. Jedes der der alles hat, was man braucht, um sich der erste Satz ging an Marie Pappenheim,

10 11 Im Verlauf der Arbeit — Zemlinsky schrieb Satz entspinnt sich bemerkenswert thematisch, als auch in der ästhetischen relevant. Eindringliche Streicherakkorde, wesentlich langsamer als Schönberg sinfonisch: frühere Phrasen werden wieder Debatte, genau dasselbe Problem auch Holzbläser-Soli, lassen an Mahlers — blieben die vier Abschnitte erhalten, aufgegriffen und transformiert. Vielleicht reinszeniert und reformuliert. frühe Kantate Das klagende Lied denken, wurden aber über eine „Fantasie in drei stellt er letztlich eine Hymne an die das 1901 in Wien endlich uraufgeführt Sätzen für großes Orchester“ verteilt. „unsterbliche Seele des Menschen“ dar, ist Im allgemeinen ist es weise, auf explizite worden war, wenn auch in stark Der Wechsel zu drei Sätzen zeugt von aber in keiner Weise abhängig von einer autobiographische Deutungen von Musik überarbeiteter, gestutzter Form. Wir zunehmender sinfonischer Ambition; programmatischen Idee, schon gar nicht zu verzichten. In diesem Fall jedoch könnten fortfahren und Verwandtschaften in seiner Korrespondenz mit Schönberg von einem detaillierten Narrativ. Wir sollten scheint die romantische Leidenschaft, die mit Till Eulenspiegel, Tod und Verklärung spricht Zemlinsky durchgehend von solche Behauptungen nicht zu weit treiben. Zemlinsky für seine Schülerin Alma Schindler usw. feststellen — aber wozu, ohne breitere der „sinfonischen Dichtung“. Sogar die Zemlinskys Themen sind Motive, verbunden (spätere Mahler) fühlte, bevor sie ihn kritische Betrachtung? Verwandtschaft narrative und piktoriale Ambition des mit Objekten, Ideen, Emotionen, gerade zurückwies, direkt etwas mit dem Thema ist nicht unbedingt gleichbedeutend mit ersten Satzes, seine Unruhe eingeschlossen, so, wie die „Neue Deutsche Schule“ eines des Werkes zu tun zu haben, wenigstens in Einfluss; und selbst wo es so ist, bleibt doch werden zusammengehalten durch eine Wagner, Berlioz, Liszt und sogar deren verallgemeinerter Art. Konkreter wäre das die Frage: „ja und?“ Brahms‘sche Art von thematischer Arbeit. Nachfolger Strauss es verstanden hätte. der Fall in zwei Opern, Der Traumgörge und „Ich war ‚Brahmsianer‘, als ich Zemlinsky „Zu Hause“, „Freude“, „Verzweiflung“, Der Zwerg. Die Geschichte und Hysterie Vielleicht kommen wir einer Würdigung traf“, erinnerte sich Schönberg; „seine Liebe Meeresgrund, Seejungfrau, „Menschenwelt“ der Meerhexenmusik, „bei der Meerhexe“, der besonderen Qualitäten des Werkes galt sowohl Brahms, als auch Wagner, und und viele andere Motive zeugen von einer von Zemlinsky verworfen und später in näher, wenn wir uns daran erinnern, ich war bald ein ebenso eingefleischter konzeptuellen Dramaturgie, die über Antony Beaumonts kritischer Ausgabe dass Zemlinsky, gerade so wie Mahler Anhänger.“ ‚absolute‘ Musik weit hinausgeht, selbst der Originalversion (hier aufgenommen) und Strauss, aber anders als Schönberg, wenn sie uns schlussendlich in diesen wiederhergestellt, erzählt ihre eigene bittere auch ein Dirigent ersten Ranges war. Die Das Scherzo hat weniger Narrativ; es ist Raum zurückbringt. Ein uraltes Problem Story. Die dunklen Blechbläser am Anfang Details seiner Orchesterpartituren sind für eher ein sinfonischer Satz ‚nach‘ Andersen. der ‚Programmmusik‘ – die Frage: brauchen erweisen sich, wenig überraschend, als sich selbst schon bemerkenswert, aber Nicht umsonst erinnert der Anfang an wir das ‚Programm‘ oder nicht? – wird in Wagnerianisch, auch wenn Strauss ebenso auch für ihre Praktikabilität, die aus der die Wellen aus La Mer, Debussys drei einem Märchen wiederbelebt, das weder viel Einfluss gehabt haben mag. Die beiden Erfahrung stammt. Das heißt nicht, dass „sinfonischen Skizzen“. Auch der dritte Fisch noch Fleisch ist und das, sowohl auseinanderzudividieren, scheint kaum sie nicht strapaziöse Ansprüche stellen

12 13 würden; diese sind aber niemals absurd. Schönbergs. Erik Levi beschrieb Zemlinsky (Vergleichbar wären vielleicht Liszts scharfsinnig als „ganz und gar Kind seiner Kompositionen für Klavier.) Beaumont Zeit, ein Komponist, der enthusiastisch identifiziert in seiner Arbeit die Geburt ein breites Spektrum zeitgenössischer eines besonders „einzigartigen Aspektes kultureller Einflüsse aufsog, aber dessen von Zemlinskys Kunst“, nämlich seine charakteristische Stimme man erst „Ausweidung des glissando“, im Gegensatz wahrnimmt, wenn man sich anhaltend auf zum Mahlerschen portamento, „als ein seine Musik einlässt.“ Wir haben es leichter, für sich stehendes Ausdrucksmittel“. uns auf sie einzulassen und von ihr zu lernen Emphatischer oder auch origineller als im als unsere Vorgänger; und wir tun dies Scherzo hätte sich dies kaum bemerkbar schon seit einer Weile. Zemlinskys Zeit ist machen können: vier unisono Posaunen im möglicherweise früher gekommen, als wir fortissimo. Beaumont macht zu Recht eine gedacht hätten. zeitgenössische Adaption aus: Schönbergs Pelleas, in dem gedämpfte Posaunen im Mark Berry ppp vorkommen. Unwahrscheinlich, dass (Übersetzung: Lilian Peter) dies ein reiner Zufall ist. Wer beeinflusste wen? Wir werden es vermutlich nie erfahren — allerdings verschafft Schönbergs spätere Kompositionsgeschwindigkeit ihm einen Wahrscheinlichkeitsvorteil.

Jedenfalls waren Zemlinskys Stimme, sein Impuls und seine allgemeinen Prioritäten typischer für ‚Wien 1900‘ als diejenigen

14 © Elmer van der Marel First violin Lilit Poghosyan Grigoryants Cello Flute French Horn Timpani Vadim Tsibulevsky Emmy Stoel-Mourits Björn Schwarze Hanspeter Spannring Fokke van Heel Theun van Nieuwburg Saskia Viersen Joanna Trzcionkowska Douw Fonda Eva Vennekens Miek Laforce Tessa Badenhoop Heleen Veder Mariet van Dijk Margreet Niks Fred Molenaar Percussion Hike Graafland Monica Vitali Nitzan Laster Mirjam Teepe Martijn Appelo Nando Russo Derk Lottman Nina de Waal Carin Nelson Margreet Mulder Marc Aixa Siurana Karina Korevaar Eva Traa Rik Otto Oboe Daniel Lopez Marina Malkin Sergio Aparicio Rodriguez Anjali Tanna Jeroen Soors Harp Paul Reijn Marije de Jong Xabier Lijo Trumpet Sandrine Chatron Mascha van Sloten Viola Maike Reisener Valerie Colen Gertjan Loot Annemieke IJzerman Henrik Svahnström Janos Konrad Marjolein Meijer Jeroen Botma Sandra van Eggelen-Karres Laura van der Stoep Clarinet Niek Jacobs Lotte Reeskamp Odile Torenbeek Double bass Leon Bosch Maria Kouznetsova Suzanne Dijkstra Luis Cabrera Martin Herman Draaisma Trombone Kilian van Rooij Nicholas Durrant João Seara Madeleine Stevens Gerard Peters Yuri Kalnits Michiel Holtrop Julien Beijer Koen Cuijpers Harrie de Lange Masha Iakovleva Margrietha Isings Sorin Orcinschi Wim Hendriks Anna Smith Peter Rikkers Bassoon Wouter Iseger Second violin Mark Mulder Jaap Branderhorst Remko Edelaar Remko de Jager David Peralta Alegre Ernst Grapperhaus Jorge Hernández Dymphna van Dooremaal Mintje van Lier Julia Barnes Hernández Alvaro Machado Tuba Wiesje Nuiver Beni Konrad Mario Torres Valdivieso David Kutz Jeanine van Amsterdam Cynthia Briggs Jarmila Delaporte

17 Acknowledgments Also available on PENTATONE PRODUCTION TEAM Executive producer Renaud Loranger Recording producer Wolfram Nehls Recording engineer Ientje Mooi Balance engineer Jean-Marie Geijsen (Polyhymnia International B.V.)

Liner notes Mark Berry German translation Lilian Peter Cover Design Zigmunds Lapsa Design Marjolein Coenrady Product management Kasper van Kooten PTC 5186 576 PTC 5186 617 This album was recorded live at the Concertgebouw, Amsterdam from 10 to 12 November 2018.

Yakult Europe has been the main sponsor of the Netherlands Philharmonic Orchestra since 1993.

PENTATONE TEAM Vice President A&R Renaud Loranger | Managing Director Simon M. Eder A&R Manager Kate Rockett | Product Manager Kasper van Kooten

Head of Marketing, PR & Sales Silvia Pietrosanti PTC 5186 398 PTC 5186 487

19 Sit back and enjoy