Felipe Campuzano
Felipe Campuzano
Felipe Campuzano es un pianista y compositor español nacido en Cádiz en 1945. Comenzó sus estudios de solfeo y piano en el Conservatorio de Cádiz, estudios que posteriormente terminaría en Madrid. En su juventud fue galardonado con diversos premios interpretativos, como el Premio Internacional de Arte Sagitario de Oro o el primer premio en el certamen de piano Manuel de Falla celebrado en su ciudad natal. Felipe Campuzano ha compuesto canciones para diversos artistas. Uno de sus temas más conocidos es Te estoy amando locamente, que salió a la luz en 1974 interpretado por el dúo Las Grecas. En los años ochenta alcanza gran popularidad gracias a sus discos pertenecientes a la serie inacabada Andalucía Espiritual. Actualmente reside en Marbella y ha estado trabajando en la elaboración de una antología de su obra1 para conmemorar los cincuenta años que ha cumplido como compositor y pianista.
Gaditano de alma y corazón, Felipe Campuzano se ha convertido en una de las figuras musicales más importantes de nuestra historia contemporánea. Nació en 1945 en el seno de una familia de músicos, desde muy niño siente una inclinación clara por todas las manifestaciones musicales. Con el paso de los años, el piano es el instrumento que más le atrae. Y comienza a estudiar solfeo y la carrera de piano en el Conservatorio de Cádiz. Luego, en Madrid, termina sus estudios de piano y composición, logrando el premio nacional “Fin de carrera” lo cual le abrió las puertas de Juventudes Musicales. En su haber se encuentra también el primer premio de piano en el certamen Manuel de Falla, de Cádiz. Premio Internacional de Arte “Sagitario de Oro” otorgado por la Academia Santa Cecilia de Roma. Primer premio de interpretación del Festival de Londres en 1980. Ha sido concertista a través de la delegación de cultura del Ministerio de Exteriores, para dar recitales en Universidades Americanas, Emiratos Árabes y centro Europa. En esta nueva etapa, Campuzano ha regresado al piano buscando nuevas formas musicales para sacar a Andalucía del letargo tópico y típico que han servido para presentarla como un producto finisecular y hacerla empalagosa y banal mas allá de nuestras fronteras. Con estas creaciones espirituales de Andalucía, Felipe Campuzano quiere borrar la parte que le corresponde de esa imagen tópica y típica, que por necesidad como decíamos anteriormente, alentó durante algunos años, mientras intentaba traspasar las octavas de sus sueños de siempre, al legado en construcción, de la cultura popular, espiritual, de esa Andalucía que hoy el engrandece a través de su piano; su medio de comunicación social. Fidel Funes
Una carrera sobre las teclas
Hablar de Fidel Funes y su marimba orquesta es hacer mención a un ídolo de millones de personas, cuyas interpretaciones sobre las teclas morenas le han llevado a ocupar un importante lugar dentro del mundo de la música.
“El conjunto es mi vida. Nos ha dejado muy buenas experiencias: hemos participado en el cine mexicano, en giras internac i o - nales, tenemos nuestros discos y el cariño del público es maravilloso”, comentó el artista guatemalteco, quien este mes celebra los 29 años de su marimba orquesta.
“Durante estos años hemos mantenido nuestro estilo. Adoptamos el ritmo de la chumchaca, lo perfeccionamos y nos ha funcionado muy bien. Además, contamos con un fabuloso montaje escénico”, comentó Funes a Nuestro Diario al cuestionársele sobre la diferencia de su grupo con los demás.
Sus inicios Lleva en las venas la pasión por la marimba, pues su abuelo y su padre le heredaron esa magia que plasma sobre el instrumento nacional. A los 12 años se vino a la capital y estudió en el Conservatorio Nacional de Música, integró varios grupos, incluyendo la Mar imba
Nacional de Conciertos de Bellas Artes. Estando ahí formó Fidel Funes y su marimba orquesta. “Hubo un tiempo que quise darle otro giro musical al grupo y cometí el error de quitar la marimba, gracias a Dios reaccioné y de nuevo la integré, porque este instrumento es el corazón de nuestro conjunto”, concluyó el artista que trabaja en la creación de su estudio de grabaciones y una película sobre la agrupación.
En grande
Funes celebrará su aniversario este 29 de agosto en el salón 8 del Parque de la Industria. “Queremos echar la casa por la ventana y contamos con Alma Tuneca, La India Maya, La Sonora Dinamita y como invitado especial La Sonora Santanera.
Lo más bonito de todo es que las mujeres van a entrar gratis. Esta es una forma de agradecer al público por el apoyo que nos han dado”, aseguró. Durante casi tres décadas, Fidel Funes ha recorrido todo el país para llevar alegría con su marimba orquesta
Su música, junto a la de otros grupos, marcó toda una época en el país. Las personas que vivieron la década de 1980 aún recuerdan cuando las radioemisoras locales inundaban los hogares con las pegajosas cumbias de Fidel Funes y su marimba orquesta. Expresiones que lo identificaron como “El arrasador del momento”, “El triunfador del momento” o “El sabor primaveral de Guatemala” anunciaban su música.
Durante sus 27 años de existencia, el grupo ha alcanzado grandes triunfos, tanto a nivel nacional como internacional. Su música la ha presentado en todos los países de Centroamérica, México y Estados Unidos. Su carta de presentación son más de 60 acetatos de larga duración (cada uno con 12 canciones grabadas), más de 20 CDs (con algunos temas regrabados), 25 melodías compuestas y tres películas producidas en México.
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.. Todo vino de mis abuelos y mi padre, quienes fueron marimbistas, y yo los observaba cuando tocaban. Nací en una finca que se llama El Perú, ubicada en el Tumbador, San Marcos, la cual abandoné cuando tenía 12 y decidí migrar a la capital.
Ya sin la protección de mis padres me dediqué a estudiar el ciclo básico en la jornada de la nocturna en el instituto Domingo Betancourt, que quedaba en la zona 3, y principié a recibir clases de música con un maestro. En ese tiempo se escuchaba mucho en las radioemisoras las cumbias interpretadas por marimbas como la Gallito y Maderas que Cantan, que eran los ritmos de moda que venían de Colombia donde había un grupo que se llamaba Los Diplomáticos.
¿Por qué decidió migrar a la capital?
Para estudiar, debido a que mis padres no podían pagarme los estudios, pero no. FITO & FITIPALDIS
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Fito y Fitipaldis. Fito Cabrales, cantante de los Platero y tú, fundó allá por 1998 un grupo denominado Fito y Fitipaldis, con la intención de deleitarnos con temas un tanto alejadas del patrón del rock & roll al que nos tienen acostumbrados los Platero.
Dicho proyecto arrancó con la publicación de "A puerta cerrada", un disco del que se fabricaron 10.000 copias y que en la actualidad lleva “despachadas” 40.000 unidades, sin duda toda una sorpresa para todos, máxime cuando los Fitipaldis se concebía como una banda sin más pretensiones que dar salida a todas esas canciones “desenchufadas” de Fito.
"Los sueños locos" sigue el patrón de 'A puerta cerrada', con 10 canciones en las que se mezclan estilos muy diferentes: soul, blues, swing, flamenco, tex-mex, guitarras hawaianas,...
Al igual que su disco de debut, que incluía una versión de Enrique Urquijo ('Quiero beber hasta perder el control'), en esta nueva entrega nos encontramos con un clásico del rock en español: 'Mientras tanto', canción de los venerados Leño grabada para esta ocasión por el mismísimo Rosendo Mercado (voy y guitarra).
La otra versión es 'Para toda la vida', una joya que popularizó Flaco Jiménez y que en esta adaptación ha contado con la colaboración de Sara Iñiguez y Carlos Tarque (M-Clan) en los coros.Cerrando el capítulo de colaboraciones, podemos escuchar la voz de Roberto Iniesta en 'Ni negro ni blanco', sin duda la canción más rockanrolera del disco. 'A la luna se le ve el ombligo', primer single del disco, es una bellísima canción de amor y crítica social con un final en clave swing apoteósico. El vídeo clip es toda una sorpresa ya que se ha realizado por animación, con marionetas y un excelente trabajo de post-producción. Dicho vídeo se ha incluido en el disco como pista adicional.
El segundo sencillo, 'Perro viejo', es una balada en la onda de 'Rojitas las orejas', con un precioso solo de saxo. También encontramos dos temas instrumentales: 'Sevilla de Bilbao', curioso título que mezcla la guitarra flamenca con el rock. El otro instrumental es 'Alegría', blues de Memphis en estado puro.
Los Fitipaldis lo conforman Adolfo “Fito” Cabrales en la voz y guitarra, Batizen guitarra y slide, Roberto Domínguez en el bajo y J. Ignacio Cantera en la batería.
Fuente: Todomusica Franck Pourcel
Franck Pourcel.
Franck Pourcel (Marseille, 11 de agosto de 1913 — Neuilly-sur- Seine; 12 de noviembre de2000) fue un destacado director de orquesta francés. Es también, uno de los pocos (posiblemente el único a gran escala) directores franceses que tiene reconocimiento en losEstados Unidos. Nació en Marseille, Francia, en 1913. Su relación con la música empezó con su padre, que era técnico de la marina francesa, pero también músico, quien, en honor a César Franck, llamó Franck a su hijo, cuyo segundo nombre era Marius. A los seis años entró al conservatorio de Marseille, para estudiar violín y percusión general (debido a su afición al género Jazz). Después, fue al conservatorio nacional en París. Sus trabajos se basan en la percusión y las cuerdas, sobre todo el violín. Se ganó al público norteamericano con su interpretación de la célebre y casi sagrada "Only You" en 1959. Compuso en 1975 la música "Concorde" en ocasión del vuelo inaugural del hasta hoy único avión de pasajeros supersónico, pedido expresamente por Air France. Año en el cual su música (de Franck Pourcel) sonó en Colombia con mas fuerza en emisoras nacionales, bibliotecas y selectos cafés de la nación, hoy en día su música es predilecta para ceremonias y lectura. Falleció el 12 de noviembre de 2000 en Neuilly-sur-Seine, cerca de París. Frank Sinatra
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Frank Sinatra. (Francis Albert Sinatra; Hoboken, EE UU, 1915-Los Ángeles, 1998) Cantante de música ligera y actor estadounidense. La vocación musical de Sinatra nació en 1933, tras asistir a un concierto del cantante Bing Crosby. Dos años después ingresó en el grupo llamado The Hoboken Four y se presentó al programa radiofónico Major Bowes Amateur Hours, lo que le procuró actuaciones en diversos espectáculos radiofónicos. En 1939, el trompetista Harry James lo contrató como cantante de su orquesta, con la que realizó sus primeras grabaciones. Ese mismo año contrajo matrimonio con Nancy Barbato. En 1940 se produjeron dos hechos fundamentales en su trayectoria personal y artística: ingresó en la orquesta de Tommy Dorsey, uno de los conjuntos de swing más populares de Estados Unidos por aquel entonces, y nació su hija Nancy.
Por su destacada personalidad, en 1942 se convirtió en un ídolo de la juventud estadounidense; en 1943 inició su carrera en solitario con la publicación del elepé All or nothing at all, del que logró vender un millón de copias. Con su popularidad en alza, en 1944 debutó en el cine con la película Higher and higher. Ese mismo año nacería su hijo Francis Wayne, y cuatro años después, su segunda hija, Tina. A principios de la década de 1950, una grave afección en las cuerdas vocales hizo temer que el cantante tuviera que abandonar su carrera musical prematuramente; sin embargo, se recuperó sin mayores problemas.
En 1951 se divorció de Nancy para casarse con la popular actriz Ava Gardner. Dos años después, obtuvo un Oscar de Hollywood al mejor actor secundario por su interpretación en el papel de Angelo Maggio en la película De aquí a la eternidad (From here to eternity). Ese mismo año se separó de Ava Gardner. En 1955 retomó su carrera musical con el disco In the wee small hours, que llegó a situarse en el segundo lugar de las listas de éxitos estadounidenses, mientras en el apartado cinematográfico fue propuesto para el Oscar al mejor actor por su actuación en el filme El hombre del brazo de oro (The man with the golden arm).
El disco Songs for swingin’ lovers apareció en 1956, y alcanzó así mismo el número dos en las listas del país, en las que permaneció durante 66 semanas. Al año siguiente, en 1957, obtuvo por fin el divorcio de Ava Gardner, y un año más tarde publicó el elepé Come fly to me, el primero en situarse en primer lugar de las listas, en las cuales se mantuvo durante 71 semanas, cifras que superaría con Only the lonely y sus 120 semanas de permanencia.
En la década de 1960 prolongó su brillante carrera discográfica con títulos como Nice and easy (1961) y Strangers in the night (1962). También protagonizó la película El mensajero del miedo (The manchurian candidate, 1962), que pese a ser considerada por la crítica estadounidense una de las mejores películas de Sinatra, no obtuvo un gran reconocimiento del público.
Cuando contaba cincuenta años de edad se casó con la actriz Mia Farrow, treinta años más joven que él, aunque el matrimonio naufragó pronto. En 1968 se volvería a divorciar, para contraer en 1976 su cuarto matrimonio, en esta ocasión con Barbara Marx, la viuda del actor cómico Zeppo Marx. En el apartado musical, se prodigó en colaboraciones como Sinatra-Basie (1962), con su ídolo de juventud Bing Crosby en 1964, con su propia hija Nancy y con el compositor brasileño António Carlos Jobim en 1967 o con Duke Ellington en 1968.
En la década de 1970 se consolidó como una autentica institución de la música popular, y en 1980 interpretó su último papel dramático en la película El primer pecado mortal (The First Deadly Sin), aunque aún se le pudo ver en algún cameo como el de la comedia Los locos de Cannonball 2, del 1984. En el año 1990, con motivo de su septuagesimoquinto cumpleaños, celebró una exitosa gira por su país y en 1994 fue galardonado con el Premio Grammy por la totalidad de su carrera artística.
Fuente: Biografias y Vidas Gabinete Caligari. Gabinete Caligari se formó en 1981, con Jaime Urrutia como cantante y guitarrista, Ferni Presas como bajista y Edi Clavo como batería. Tomaron su nombre de una histórica película alemana, tituldad 'El gabinete del doctor Caligari'.
Su primer trabajo fue un sencillo de cuatro temas, compartido con el grupo 'Parálisis permanente'. Los títulos de los primeros temas eran 'Golpes' y 'Sombras negras', que daban a entender el tipo de rock siniestro y un tanto oscuro que pretendían realizar.
En 1983 publican su primer álbum, 'Que Dios reparta suerte', donde pasan a un estilo más español, con ritmos hispanos de pasodobles y temas relacionados con el toreo, como 'Sangre latina'.
Un año después publicaron 'Cuatro rosas', que supuso su consagración como grupo, aupándolos como uno de los grupos emblemáticos de la movida madrileña.
En 1986 publican un nuevo disco, titulado 'Al calor del amor en un bar'. La canción que da título al disco se convierte en uno de sus temas más escuchados, aunque las ventas del álbum son un tanto discretas, por lo que deciden fichar por la discográfica EMI.
Con EMI, sacan al mercado 'Camino Soria', su mejor disco y con el que consiguieron su mejor registro de ventas y éxito entre el público español. Junto al 'Camino Soria', el álbum contiene temas como 'Suite nupcial', 'La sangre de tu tristeza' o 'La fuerza de la costumbre', que completan un álbum lleno de calidad.
En 1989 sacan 'Privado', con uno de sus temas más oídos: 'La culpa fue del cha-cha- chá'. En 1991 aparece en el mercado 'Cien mil vueltas'. Tras este último disco, deciden tomarse unas vacaciones, hasta que publican en 1995 'Gabinetissimo' y, posteriormente, 'Subid la música', su último álbum.
Tras un paréntesis de más de cuatro años, por fin en 2001 anuncian su definitiva separación. Actualmente, Ferni y Edi tocan en un grupo llamado 'Paraphernalia', sin demasiado éxito, mientras que Jaime Uttutia acaba de publicar un trabajo en solitario titulado 'Patente de corso'.
Fuente: Todomusica GARBAGE
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Garbage. Garbage se inició como una idea de tres productores musicales, llamados Butch Vig, Duke Erikson, y Steve Marker. Los tres hacían una especie de rock informal en un sótano de su ciudad, hasta que decidieron contratar como vocalista a Shirley Manson, quien provenía del grupo Angelfish, con los que sacaría un disco en 1994.
Garbage grabó su primer trabajo a finales de 1994. El primer álbum apareció en otoño de 1995 bajo el título de "Garbage". Tras oirse a través de radios y darse a conocer en la MTV, comienzan a subir en las listas de éxitos, gracias, sobre todo, a su segundo single, "Queer".
En 1996, Garbage consigue un disco de oro en Estados Unidos, y poco después el de platino. Sus siguientes sencillos, "Only Happy When It Rains" y "Stupid Girl", se convirtieron también en grandes éxitos. Tras colaborar en la banda sonora de la película "Romeo & Julieta", con el tema "#1 Crush", su fama aumenta aún más.
Tras más de un año de duro trabajo, Garbage publica su segundo álbum, titulado "Version 2.0". Todas las canciones del álbum están escritas por Shirley Manson, y con él consiguieron dos discos de platino. El primer sencillo de este álbum se titulaba "Push It". "Version 2.0" asciende rápidamente en las listas de éxitos, sobre todo después de qeu algunos de sus temas sonaran como música de algún conocido spot de televisión.
En el año 2001 Garbage publica "Beautiful Garbage", un álbum con un ligero cambio de estilo pero sin perder las raíces de sus inicios. El primer sencillo extraído de este álbum fue "Androgyny", un tema pegadizo que estrean uno de loa álbums más comerciales de la banda.
En 2005 Garbage reaparece en la escena musical con un nuevo disco que ha tardado cuatro años en completarse. Con un primer single del disco entrando en posiciones muy altas de las listas de ventas europeas, éste promete ser uno de los mejores discos del grupo. A pesar de que los propios miembros de la banda y muchos de sus fans dieron por hecho la disolución del grupo hace aproximadamente un año, Garbage nos presenta "Bleed Like Me", un álbum con 11 nuevos temas compuestos y producidos íntegramente por sus cuatro miembros y muestra la cara más "guitarrera" de Garbage. La intención de la banda fue acercar más el sonido de sus discos al sonido del directo, ya que los discos solían tender más hacia un sonido tecnológico. Con este nuevo disco, la banda regresa a sus orígenes: guitarras contundentes, letras incisivas y , al frente, el carisma inconfundible de su lider.
Fuente: Todomusica George Michael. //////////////////////////////////////////
George Michael. George Michael, cuyo verdadero nombre es Georgios Kyriacos Panayiotou, nació el 25 de junio de 1963 en Bushey, al norte de Londres, y era el tercer hijo de una familia en la que tenía dos hermanas mayores.
Desde sus primeros años le gustó la música y participó en varios grupos durante sus años de estudiante., hasta que, en 1982, se unió a Andrew Ridgeley para formar el grupo 'Wham', en el que escribía las letras de las canciones y ponía la voz.
Entre 1982 y 1986 editaron tres discos con los que se hicieron muy famosos: 'Fantasctic', 'Make It Big' y 'The Final/Music From The Edge Og Heaven'. En 1987 inició su carrera en solitario con la publicación del álbum 'Faith', con el que consigue un tremendo éxito por todo el mundo.
Tres años después editó 'Listen Without Prejudice', un disco más personal y menos comercial, con el que apenas hizo promoción debido a disputas con la productora.
Tras abandonar Sony y fichar por Dreamworks y Virgon, publica en 1996 'Older', un excelente trabajo lleno de canciones melódicas. También fue un éxito el publicado en 1998, una recopilación titulada 'Ladies & Gentlemen: The Best Of George Michael'. Ese mismo año fue arrestado por la policía en Beverly Hills, acusado de conducta inapropiada y poco después anunció en televisión que era homosexual.
En 1999 publicó 'Songs From the Last Century', un homenaje al fin de siglo, con temas de Sting, Brian Eno y varios artistas más.
Fuente: Todomusica Georges Brassens.
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Georges Brassens. (Sète, 1921 - 1981) Cantante francés. Hijo de una humilde familia obrera, se trasladó a París en 1939, tras realizar estudios elementales, y en la capital francesa trabajó en la factoría Renault. Ya componía canciones, que él mismo acompañaba a la guitarra, cuando en 1951 la cantante Patachou lo contrató para cantar en su restaurante parisino. Sus canciones, de vena popular y corrosiva ironía, le ganaron una amplia fama dentro y fuera de Francia, y en 1954 le hicieron conquistar el premio Charles Cros.
En 1957 intervino en la película de René Clair Porte des Lilas, donde interpretaba un personaje bohemio y bonachón, retrato de sí mismo. En 1967 la Academia Française le otorgó el premio de Poesía, después de que en 1964 volviera a obtener el Charles Cros, y en 1979 la ciudad de París le hizo el honor de concederle su Gran Premio. Las ediciones de sus discos llegaron a alcanzar los 300.000 ejemplares y sus auditorios públicos tuvieron también cifras fabulosas.
El argumento de sus canciones -Le gorille, L'orage, Le testament, Le mécréant, La mauvaise reputation, La chasse aux papillons, L'auvergnat- es casi siempre una irónica revisión del mundo circundante, la expresión de un inconformismo anarquista que llega a veces a la obscenidad y a la provocación, pero que siempre tiene un hondo calor humano y un espontáneo y sincero deseo de comunicación.
Fuente: Biografias y Vidas Georges Moustaki
Georges Moustaki en 2010.
Datos generales
Nombre real Giuseppe Mustacchi
Nacimiento 3 de mayo de 1934 Alejandría - Egipto
Muerte 23 de mayo de 2013(79 años) Niza - Francia
Ocupación cantautor
Información artística
Género(s) chanson
Instrumento(s) Voz y guitarra Período de actividad 1958 - 2013
Discográfica(s) Polydor Records, Virgin Records
Artistas relacionados Édith Piaf, Serge Reggiani,Yves Montand
Georges Moustaki, nombre artístico de Giuseppe (llamado Iosif en griego, Youssef en el Registro Civil egipcio, Joseph en francés1 ) Mustacchi2 (Alejandría, Egipto, 3 de mayo de 1934 - Niza, Francia, 23 de mayo de 2013), fue un músico multiinstrumentista (principalmente guitarra, pero también acordeón y piano), y un cantautor políglota(principalmente en francés, pero también en griego, inglés, portugués y, ocasionalmente, en árabe, español, italiano, alemán, yidis y hebreo). Nació en Alejandría, en el seno de una familia judeo-griega originaria de la isla de Corfúy falleció el 23 de mayo de 2013. Se cría en un ambiente multicultural (judío, griego, italiano, árabe y francés). Desde muy pronto siente entusiasmo por la literatura y lacanción francesa (especialmente por Édith Piaf). Se instala en París en 1951 y ejerce distintos trabajos. Escuchar cantar a Georges Brassens fue para él una revelación. Desde entonces le considerará su maestro, hasta el punto de adoptar su nombre (Georges) como nombre artístico. En 1958 conoce a Édith Piaf y escribirá para ella la letra de una de sus canciones más populares, Milord. En los años 60 escribe canciones para los grandes nombres de la canción francesa, como Yves Montand o Barbara, pero, especialmente, para Serge Reggiani. De esta época son algunos de sus grandes éxitos: Sarah, Ma Solitude, Il est trop tard, Ma Liberté y La Dame brune que interpretó a dúo con Barbara. En 1968 escribe, compone e interpreta Le métèque (El extranjero), su mayor éxito, que marcó un relanzamiento de su carrera artística. En enero de 1970, hizo su primer concierto como estrella en Bobino, una famosa sala de music-hall de Montparnasse. A partir de entonces su popularidad continua creciendo. En 1973, su álbum Déclaration, toma sus raíces de la música popular brasileña. En este álbum se incluye la canciónLes eaux de Mars, traducción de la canción Aguas de março con letra de Vinícius de Moraes y música del famoso compositor Antônio Carlos Jobim. Moustaki está cercano a los movimientos troskistas como lo muestra su canción Sans la nommer donde personifica la revolución permanente, una de las teorías principales de Trotski. Durante los tres decenios siguientes recorre el mundo para actuar pero también para encontrar nuevas fuentes de inspiración. Escribe entre otras canciones La Vieillesse (la vejez) a los 50 años. En el año 2000 graba en el disco Y rodará el mundo de la cantautora catalana Marina Rossell el tema "Les anges sont très à la mode" (Los ángeles están de moda) y comparten juntos el escenario del Palacio de la Música Catalana de Barcelona en el año 2007 interpretando en catalán la canción Vagabond. El 13 de octubre de 2011, Georges Moustaki comunica oficialmente a la prensa que, por problemas respiratorios, no podrá seguir cantando.3 En 2011, Marina Rossell graba el disco Marina Rossell canta Moustaki con las canciones más conocidas del cantante francés adaptadas al catalán por Josep Tero, Pelai Ribas, Lluís Llach y Víctor Obiols. Fallece el 23 de mayo de 2013, a los 79 años en Niza. Georgie Dann
Georgie Dann (París, Francia, 14 de enero de 1940)1 es un cantante francés afincado en España. Georgie Dann nació el seno de una familia de músicos y artistas, teniendo formación musical en su infancia. Estudió 9 años en el conservatorio de París, convirtiéndose en un experto clarinetista, además de tocar el saxo y el acordeón. También se sacó el título de maestro de escuela. Desarrolla su trayectoria artística inicialmente en Francia, donde formó parte de grupos de pop. Llega en 1965 a España para representar a su país en el Festival del Mediterráneo,con la canción 'Tout ce que tu sais'. Se establece en España, especializándose en la canción del verano, siendo su primer gran éxito "El casastchok". Se hizo muy popular, cosechando un gran éxito en las décadas de 1970 y 1980 con canciones de estribillos pegadizos y bailables y con letras a veces picantes como "El Bimbó", "Macumba", "Carnaval, Carnaval", "El Africano", "El Chiringuito", "La Barbacoa", "El Koumbo", "La paloma Blanca", "Cuando suena el Acordeón", "Coctel Tropical", "El Dinosaurio", "El Negro no Puede", "Mi Cafetal","La Cerveza" etc. Los primeros videoclips musicales que se emitieron en RTVE correspondieron a temas de Georgie Dann. Actualmente reside en Madrid. En 1974 contrajo matrimonio con Emy, catalana, con quien tuvo tres hijos, nacidos en Madrid. Inicialmente su esposa era gogó en sus espectáculos. Dos de sus hijos, Patricia y Paúl, forman el dúo Calle París. Gigliola Cinquetti
Datos generales
Nacimiento 20 de diciembre de 1947(65 años)
Origen Verona, Véneto - Italia
Cónyuge Luciano Teodori
Hijos Giovanni Teodori, Constantino Teodori
Ocupación Cantautora, periodista,conductor a
Información artística
Instrumento(s Voz, Piano )
Período de 1964 - presente actividad
Artistas Domenico Modugno,mFrance relacionados Gall,Patricia Carli, Los Panchos,Bobby Solo
Gigliola Cinquetti (Verona, 20 de diciembre de 1947) es una cantante y presentadora de televisión italiana. Debuta a los dieciséis años en el Festival de San Remo de 1964, junto con Patricia Carli, ganando el concurso con la canción Non ho l'età (per amarti) (No tengo edad (para amarte)). Dos meses después vence en Copenhague, con la misma canción, en elFestival de la Canción de Eurovisión. Ha participado en doce ediciones del Festival de San Remo, venciendo en dos ocasiones. La segunda de ellas fue en 1966, en compañía de Domenico Modugno, interpretando la canción Dio, come ti amo (Dios, cómo te amo), perteneciente a una película de mismo nombre, protagonizada por la propia Gigliola. En 1973 participa en el programa "Canzonissima" venciendo con la canción Alle porte del sole (en español A las puertas del cielo, en inglés To the door of the sun), siendo la versión inglesa reeditada dos años después por el cantante italoamericano Al Martino, que alcanzó la posición número 17 en el Billboard Hot 100. En 1974 participa de nuevo en el Festival de Eurovisión, quedando segunda con la canción Sì (el primer puesto fue tomado por el grupo ABBA, con la canción "Waterloo"). La versión inglesa del tema llegó a la séptima posición de la lista de ventas inglesa. Durante las décadas siguientes, Gigliola hizo otras apariciones en el festival de San Remo, presentándose por última vez en el año 1995. Tres años antes de esta fecha, en 1992 publicó su último álbum de estudio, bajo el título de La Poèsie d'une Femme, que la llevó a realizar algunas apariciones televisivas en tierras galas. Actualmente, y desde los años 1990, trabaja en la televisión pública italiana, la RAI. Gilbert Bécaud
Datos generales
Nombre real Gilbert Léopold Silly
Nacimiento 24 de octubre de 1927
Origen Toulon, Francia
Muerte 18 de diciembre del 2001 París , Francia
Ocupación cantante actor
Información artística
Otros nombres "El Señor de los 100,000 voltios" Género(s) Balada, Pop
Instrumento(s) Voz, piano
Período de 1936 - 2001 actividad
Discográfica(s) BMG
Artistas relacionados Édith Piaf Charles Aznavour Yves Montand Les Djinns Paul Mauriat
Gilbert Becaud (Toulon, 24 de octubre de 1927 - † París, 18 de diciembre de 2001) fue un cantante francés cuyo nombre verdadero fue Gilbert Léopold Silly. Fue conocido también como el señor de los cien mil voltios. A la edad de nueve años inicia su carrera musical en el conservatorio de Niza, en la cual desarrolló sus habilidades en el piano. Durante la Segunda Guerra Mundial, trabaja en los clubes nocturnos con el seudónimo de François Becaud. Trabajó para Jacques Pills(esposo de Édith Piaf) y allí compone sus primeras canciones. Su primer éxito musical fue con Mes Mains del cual colaboró con Pierre Delanoë. Otras canciones comoNathalie, Le jour où la pluie viendra y Et maintenant lo mantuvieron célebre gracias a su estilo musical juvenil y dinámico que con el tiempo se aproximaba a lo decadente y triste. Fue uno de los mejores cantantes franceses de su época y quizás uno de los más prolíficos junto con Edith Piaf y Charles Aznavour. Su mayor éxito, mundialmente famoso es el tema "Et maintenant"(Y ahora..) La corbata a puntos, sus casi 400 canciones y su mano en el oído son imágenes que marcaron su estilo. Aquella corbata era para él un amuleto porque tenía su historia: Gilbert había estudiado piano y joven aún, buscaba trabajo. Al presentarse en un piano-bar intentado lograr un empleo, el dueño del bar -que solicitaba un pianista-, le dijo que era imposible teniendo en cuenta que la imagen de etiqueta de su establecimiento requería el uso de corbata y él no llevaba. Como iba acompañado de su madre -quien llevaba un vestido azul con puntos- ella misma arrancó el olan de su vestido para confeccionarle de manera improvisada una corbata a su hijo, quien regresó al bar, donde fue inmediatamente contratado. Después de aquel dìa, Gilbert se presentó siempre usando una corbata de puntos. Trabajó esencialmente con tres compositores (letristas)
Louis Amade Maurice Vidalin Pierre Delanoe Gilbert apareció en escena siempre con el mismo piano, que poseía una particularidad: estaba ligeramente inclinado. Efectivamente, Gilbert estaba siempre dispuesto a observar la sala mientras estaba sentado al piano y para ello le solicitó a Jaques Dinnat (su escenógrafo) el hacer cortar uno de los tres pies del instrumento a fin de darle cierta inclinación necesaria, lo que fue efectuado por un artesano parisino. Esta inclinación a penas perceptible a la vista era suficiente para obtener el resultado deseado. Sin que ello afectara su interpretación o la del pianista que lo acompañaba regularmente: Gilbert Sigrist Dotadas de un sentimiento profundo dejaron ver la pasión de este extraordinario cantautor alcanzando el rango de clásicos de la música mundial y una buena parte de ellos fueron versionados a otros idiomas con el mismo efecto sobre el público. Sus temas fueron interpretados por:
Elvis Presley Les Djinns Vicky Carr Neil Diamond Arianna The Everly Brothers Judy Garland Martine St. Clair Frank Sinatra Petula Clark Javier Solís Andy Williams Sonny & Cher Jerry Butler Bob Dylan Nina Simone James Brown The Shadows Hacia 1974 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor de Francia, En 1982 grabó un dueto con la debutante cantante canadiense Martine St. Clair con el tema "L'amour est mort" después lanzaría la versión en español al lado de la cantante mexicana Arianna bajo el título "Murió el amor". Para la década de los años 1990 la actividad de Becaud sufrió un aletargamiento al lanzar diversos compilatorios, y al actuar en giras de manera esporádica En el año 2001 falleció de cáncer pulmonar, a bordo de su bote-casa en el río Sena. Y fue inhumado en la 45a división del cementerio du Père Lachaise. En el 2003, la artista Sophie Daumier fue enterrada en la tumba vecina. Gino Paoli
Gino Paoli (pronunciación italiana Pàoli) (Monfalcone, GO, 23 de septiembre de 1934) es un músico y cantautor italiano. Es reconocido como uno de los más grandes representantes de la música ligera italiana de los sesenta y setenta. Ha escrito e interpretado grandes canciones como "Il cielo in una stanza", "La gatta", "Senza fine", "Sapore di sale", "Questa lunga storia d'amore", "Averti addosso"; ha participado en numerosas ediciones del Festival de San Remo; ha colaborado con numerosos escuelas de música en la realización de álbumes y sencillos; ha compuesto música para bandas sonoras de películas... De niño Paoli se traslada de Monfalcone a Génova, ciudad a la que estará siempre ligado. Tras haber estado en muchos trabajos muy alejados de la música, llega a la casa discográfica Ricordi acompañado por sus amigosLuigi Tenco y Bruno Lauzi. Es con la Ricordi con la que graba su primer sencillo: La Gatta. Al inicio de los años 60, cuando apenas ha entrado en el mundo de la música, conoce a Ornella Vanoni con quien mantiene una relación amorosa, que le inspiró alguna de sus canciones de amor más famosas: "Senza fine" y "Il cielo in una stanza" (llevada al éxito por Mina). En 1963 lleva al éxito Sapore di sale (de cuya letra y música -como en la práctica totalidad de las canciones por él interpretadas- es el autor). Canción que tuvo gran repercusión internacional. Parece ser que Ennio Morricone intervino en la misma introduciendo algún arreglo. En el mismo año Gino Paoli intenta suicidarse disparándose al corazón y, aunque se salva, es imposible quitarle el proyectil de la cavidad torácica. Gino Paoli tras algunos años de silencio vuelve en 1974 con el álbum I semafori rossi non sono Dio (homenaje a Joan Manuel Serrat) y en 1977 con Il mio mestiere: en ambos álbumes muestra una visión más madura y concreta de la vida. En la segunda mitad de los 80, Paoli publica numerosos álbumes, como La luna e mister Hyde y Averti addosso (1984), Cosa farò da grande (1986), L'ufficio delle cose perdute (1988), Ciao, salûtime un po' Zena y Matto come un gatto dedicado a Piero Ciampi (1991). En1985 Gino Paoli y Ornella Vanoni hacen una gira triunfal por Italia, del cual se hará un álbum en directo llamado Insieme. En 1992 publica su álbum Senza contorno, solo... per un'ora , del que formara parte la canción La bella e la bestia de la Disney, interpretada con su hija Amanda Sandrelli (hija del cantante y de la actriz Stefania Sandrelli) y parte de la banda sonora de la película homónima de Disney. En 1996 publica su Appropriazione indebita en el cual Paoli reelabora algunos clásicos de Charles Aznavour, James Taylor, John Lennon y de otros grandes músicos internacionales. En 2004 publica su disco Ti ricordi? No, non mi ricordo que tiene duetos con Ornella Vanoni. En 2007 publica "Milestones - Un Incontro In Jazz" (EMI/Blue Note), en colaboración con Enrico Rava, Flavio Boltro, Danilo Rea, Rosario Bonaccorso y Roberto Gatto. El disco, grabado en directo, ofrece nueve extraordinarias versiones jazz de sus más famosos éxitos, junto a tres standards intemporales. Como buscador de talentos, Paoli descubre y lanza al éxito a algunos de los más grandes nombres de la música italiana. Estamos hablando de nombres como el de Lucio Dalla o el del gran cantautor genovés Fabrizio De André. Muchas canciones escritas po Paoli han sido interpretadas por otros cantantes de otras generaciones, aunque musicalmente distantes de su estilo musical: Claudio Villa, Carla Boni, Umberto Bindi, Luigi Tenco (de quien Paoli es gran amigo), Gianni Morandi, Patty Pravoy Franco Battiato, Zucchero Fornaciari. El guitarrista de Jazz Wes Montgomery, en su álbum del 1967 Movin' Wes hace un cover deSenza fine. Hemos de señalar la colaboración con la Pravo que dio origen a unas ejecuciones espléndidas de la cantante veneciana en "Non andare via" de 1970 (memorable su actuación en el show de fin de año en Francia en "Bravo Pravo" y en Canzonissima '70) y "Di vero in fondo" de 1971. En el 2000 colabora con Giuliano Palma and The Bluebeaters en una versión de dos piezas históricas: Domani y Che Cosa C'è. En la película de Isabel Coixet, Mi vida sin mí, podemos escuchar la canción de Paoli Senza fine así como en muchas otras películas y anuncios. GISELA
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Gisela. Gisela nació el 1 de Enero de 1.979 en Barcelona. Su afición musical le viene desde muy pequeña. Siendo niña, Gisela ya cantaba en un grupo y más de una vez le rondaba por la cabeza la idea de hacerse profesional de la música.
Gisela estudió realización televisiva, compaginándolo con clases de canto y claqué. También ha trabajado como modelo publicitaria.
De su paso por la academia de Operación Triunfo, en su primera edición, cabe destacar que , aunque fue una de las alumnas más aventajadas, no consiguió llegar a la final. A pesar de ello, la compañía Disney se fijó en ella para poner la voz a la banda sonora de la película "Peter Pan 2, Regreso al país de Nunca Jamás". De ahí le viene el mote cariñoso que le adjudicaron: Campanilla.
Su primer trabajo en solitario, ya lejos de la academia, fue el álbum titulado "Parte de mí", con once temas que van del pop a la balada romántica. Gisela interpreta en este disco el tema "Aquella estrella de allá", tema principal de la producción de Disney.
Un año más tarde, publica "Más allá", un nuevo álbum con un aire más moderno y juvenil que el anterior. La grabación del disco se ha hecho entre las ciudades de Estocolmo, Milán y Madrid y ha contado con la produción de Hitvisionque también produce discos Britney Spears, Backstreet Boys, Emanuelle Ruffinengo, productor de Alejandro Sanz, entre otros y Carlos Jean, OBK de Fangoria, Pastora Soler y otros.
Gisela colabora también en la banda sonora de la película infantil "Barbie, la princesa y la costurera". Basada en la historia de "El príncipe y el mendigo" de Mark Twain, esta película se desarrolla en formato de musical, con siete temas originales interpretados por la propia Gisela.
Fuente: Todomusica Glenn Miller
Glenn Miller
Glenn Miller durant la seva estada a l'exèrcit.
Dades biogràfiques i tècniques
Nom de Alton Glenn Miller naixement
Naixement Clarinda, Iowa 1 de març de 1904
Lloc d'origen Estats Units
Defunció 15 de desembre de 1944(als 40 anys)
Gènere(s) Swing Big band
Ocupació Músic
Instruments Trombó Anys en actiu 1923–1944
Alton Glenn Miller (Clarinda, Iowa, 1 de març de 1904 - desaparegut el 15 de desembre de 1944) fou un músic de jazz estatunidenc de l'era del swing. Una de les seves cançons més conegudes, i probablement la més coneguda del gènere, fou In the Mood, traduïda sovint com "En forma" o "De bon humor". El 1926, quant encara era a la universitat, es va convertir en trombonista professional i es va unir a la banda del cèlebre bateria Ben Pollack en una gira per Califòrnia. Glenn Miller tocava amb una "big band" una orquestra formada bàsicament perinstruments de vent. Cursà estudis superiors en la Universitat de Colorado. Atret per la carrera musical, emprengué estudis de trombó, instrument en el que arribaria assolir una màxima mestressa. Durant tota l'època de la seva joventut tocà en moltes orquestres, en les que destacà la fina sonoritat que obtenia d'aquell instrument. Sempre restà obsessionat per aconseguir un nou so, vibrant i expressiu que sortís de la monotonia de la música dels seus col·legues. Lluità per assolir que el seu instrument aconseguís veu independent. També treballà com arranjador de jazz. Malgrat tot, la seva obra, tant d'executor com de compositor, no entra de ple en el concepte del jazz. La seva orquestra, una orquestra de veritat nombrosa, la constituí el 1938, quan estava en els seu apogeu la nomenada època swing del jazz, és dir, quan els músics blancs començaren a fer la competència als negres i portaren aquella música a les masses blanques del país, que acolliren favorablement l'abans refusat pel seu origen racial. Glenn Miller i Benny Goodman foren els dos directors més retribuïts i populars d'aquesta època de jazz mistificat. Miller encara més que Goodman, s'inclinà pel melòdic i sentimental. Però el que el caracteritza per sobre tot és el seu empenyorament en assolir una nova sonoritat, cosa que aconseguí plenament, doncs mercès a la seva execució en el trombó i a la estudiada direcció sabé aconseguir aquesta música inconfusible, de rumor metàl·lic i poètic, que produeix sorpresa en el món sencer. Resta clar que el seu valor és superficial i espectacular. Però això, no fou obstacle perquè es convertís en l'ídol de la joventut. Volgué aconseguir encara més: crear el que ell entenia per música nord- americana. Intentà que la seva obra fos un himne nacional. Durant la segona guerra mundial militaritzà la seva orquestra i recorregué els fronts de batalla portant l'entusiasme de la seva música als joves combatents, els quals feren d'aquella orquestra i del seu director un símbol, el de la lluita i sofriment del poble nord- americà, que assoliria la victòria amb a seva sang, suor i llàgrimes. The Glenn Miller Story fou el títol de la pel·lícula que narrà la seva vida, interpretada per James Stewart. I el seu noma aconseguí l'apoteosi simbòlica quan morí en accident d'aviació al traslladar-se a París, una vegada alliberat, per a celebrar amb els combatents delSena aquella victòria que presagiava el final victoriós dels aliats. Quant a la seva obra sentimental i poètica s'ha de citar la famosa peça Moonlight serenade, representativa d'aquells anys de lluita. I entre les peces que aquesta orquestra portà pels àmbits del món en guerra, no es pot oblidar les següents: Pennsilvània. Gerra marro, Tuxedo-juction, etc... Gloria Estefan. Gloria Estefan, cuyo verdadero nombre es Gloria María Fajardo, nació en 1957 en La Habana. Cuando apenas contaba un año de edad, su familia tuvo que abandonar la isla por razones políticas, recalando en Miami.
Tras unos años en Miami, la familia se traslada nuevamente, esta vez a Texas, donde el padre de Gloria es trasladado por su trabajo como militar de la armada de los Estados Unidos, donde ingresó al llegar al país.
Gloria participó y colaboró desde niña con grupos americanos que cantaban en inglés versiones de los Beatles y los Rolling. En una clase de música a la que acudía, conoció a su marido, Emilio Estefan. Tras cursar estudios de psicología en la universidad, se unió a un grupo que tocaba música latina, donde comenzó a cantar.
Tras varios conciertos, entró a formar parte del grupo de Emilio Estefan como cantante, cambiando el nombre del grupo por el de The Miami Sound Machine. Gloria y Emilio se casaron en 1978
En 1980 nació el primer hijo de la pareja, Nayib. Ese mismo año falleció el padre de Gloria. También en 1980, comenzaron a publicar sus primeros trabajos: 'Renacer', Miami Sound Machine', 'Imported'... En estos discos se mezclaban sonidos latinos con letras en español y en inglés.
En 1981 la CBS les ofreció un contrato con el que se dieron a conocer por toda latinoamérica y publicaron varios discos más con The Miami Sound Machine.
En 1990 tuvo un accidente que estuvo a punto de costarle la vida y que le supuso graves lesiones en la espalda de las que se recuperó lentamente.
En 1993 Gloria consiguió un Grammy por su disco 'Mi tierra'. 1994 le trajo su segundo hijo, Emmily y en 1995 repitió Grammy por el disco 'Abriendo puertas'.
En 1996 publicó su primer disco en inglés, 'Destiny'.
Fuente: Todomusica GUNS AND ROSES
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Guns N Roses. Los GunsN' Roses se formaron en Los Angeles en 1985, cuando se juntaron dos guitarristas (Slash e Izzy Stradlin), un bajo (Duff McKagan), un batería (Steven Adler) y un cantante (Axl Rose).
Con esta composición, el grupo lanza en 1987 su primer álbum, titulado 'Appetite for Destruction', bajo el sello Geffen Records. La banda comienza una gira y ofrece numerosas actuaciones hasta que, gracias a la MTV, que les da a conocer a todo el mundo, su disco consigue auparse a los puestos más altos en las listas americanas.
Paralelo a estos éxitos, sus apariciones en público resultaban bastante escabrosas. Tan pronto destrozaban las habitaciones de los hoteles de las ciudades donde actuaban, como montaban peleas o anulaban conciertos por problemas de drogas. En un concierto en Inglaterra, dos fans murieron al ser aplastados por la multitud cuando lod Guns salían al escenario.
En 1988 se publica 'GN'R Lies'. En 1989 actúan en la entrega de los premios MTV y comienzan una gira con los Rolling Stones.
En 1990 Adler abandona el grupo por su adicción a las drogas, y es sustituído por Matt Sorum. Crean la banda sonora de la película 'Días de Trueno', de Tom Cruise, con la versión de una vieja canción de Bob Dylan.
Tras un arduo trabajo, en 1991 publican dos álbumes consecutivos: 'Use Your Illusion I' y 'Use Your Illusion II', lo que les obliga a realizar una gigantesca gira con un tremendo éxito entre sus fans. Actúan en el festival Rock en Río, en el estadio Maracaná y colaboran en la banda sonora de 'Terminator 2'. Ese mismo año (1991) Izzy Stradlin abandona el grupo por el cansancio de las giras y por desavenencias con Axl.
El siguiente trabajo de la banda tuvo que esperar hasta 1993. Su título: 'The Spaghetti Incident?'.
Fuente: Todomusica Herb Alpert
Herb Alpert
Alpert el 1967
La informació d'antecedents
Nom de Herbert Alpert naixemen t
També Herb Alpert, Dore Alpert, Tito Alpert conegut com
Nascut 31 març 1935 (78 anys)
Origen Los Angeles , Califòrnia , EUA
Gèneres Jazz , Latin , el funk , pop , R & B
Ocupacio Trompetista , compositor ,arranjador , compositor , ca ns ntant, productor discogràfic ,executiu discogràfic , pintor , escultor
Instrume Trompeta , piano, veus nts
Anys 1957-present actius
Les A & M etiquetes
Actes The Brass Tijuana, Baixa Marimba Band associats
Lloc web www.herbalpert.com
Herbert "Herb" Alpert (nascut el 31 de març 1935) és un americà músic que més s'associa amb el grup diversament conegut com Herb Alpert i la Tijuana Brass ,Tijuana Brass d'Herb Alpert , o TJB . Ell és també un executiu de la indústria de gravació, la "A" d' A & M Records , 01:00 segell discogràfic que ell i negoci soci Jerry Molsa fundar i va vendre a Polygram . Alpert també ha creat pintures expressionistes abstractes i escultures de més de dues dècades, que són de vegades exhibeixen públicament. Alpert i la seva dona Lani Saló són filantrops substancials a través del funcionament de la Fundació Herb Alpert. Assoliments musicals de Alpert inclouen cinc àlbums número ui 28 àlbums en total en els Billboard cartes , vuit Premis Grammy , catorze discos de platí i quinze discos d'or . [ 1 ] A partir de 1996, Alpert havia venut 72 milions d'àlbums a tot el món. [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ] Alpert és l'únic artista a aconseguir arribar al número 1 en els EUA Billboard Hot 100 llista pop tant com a vocalista (" Això de Guy en amor amb vostè 1968 ") i un instrumentista (" Rise ", 1979). Alpert va néixer a Los Angeles, Califòrnia , [ 5 ] el fill de Tillie (née Goldberg) i Louis Alpert.[ 6 ] La seva família era jueva , i havia arribat als EUA des Radomyshl (en l'actual Ucraïna ) iRomania . [ 4 ] [ 7 ] El seu pare, tot d'un sastre de professió, va ser també un talentósmandolina jugador. La seva mare li va ensenyar el violí a una edat primerenca. El seu germà gran, David era un jove i talentós bateria . [ 8 ] a si mateix Alpert va començartrompeta lliçons a l'edat de vuit anys i va jugar en els balls com un adolescent. L'adquisició d'una primerenca gravador de filferro a l'escola secundària, va experimentar en aquest equip el cru. Després de graduar de l' escola secundària de Fairfax en 1952, es va unir al Exèrcit dels EUA i realitza sovint en cerimònies militars. Després del seu servei en l'exèrcit, Alpert va provar sort en l'actuació , però al final es va decidir per seguir una carrera en la música .Mentre assistia a la Universitat del Sud de Califòrnia en la dècada de 1950, ell era un membre de la USC Trojan Marching Band durant dos anys. El 1956, va aparèixer en el paper sense acreditar "Drummer a la muntanya. Sinaí" a la pel · lícula Els Deu Manaments. [ 9 ] El 1962, va tenir un paper sense acreditar en una escena en la pel · lícula Sr Hobbs pren unes vacances on va jugar (i va realitzar un sol) en una banda de ball. El 1957, Alpert es va associar amb Rob Weerts, un altre lletrista florent, com a compositor per als expedients Keen. Una sèrie de cançons escrites o co-escrites per Alpert durant els dos anys següents es va convertir en top vint hits, incloent " Baby Talk ", de Jan i Dean , "Wonderful World ", de Sam Cooke , i " Alley oop "per Els Argyles Hollywood i per Dante i els arbres de fulla perenne . [ 2 ] El 1960, Alpert va començar la seva carrera discogràfica com a vocalista en RCA Records sota el nom de Dore Alpert. [ 4 ] "Digui-ho als ocells" es va registrar com el primer llançament a les Alpert i Moss etiqueta Carnestoltes Registres . Quan Alpert i Moss van trobar que hi havia abans de la utilització del nom de Carnaval, es va convertir en el seu segell A & M Records. Alpert va instal · lar un petit estudi de gravació al seu garatge i que havia estat overdubbing una melodia anomenada "Twinkle Star", escrita per Sol Lake, que eventualment escriure moltes de les melodies originals del llautó. Durant una visita a Tijuana , Mèxic , Alpert li va passar a escoltar una banda de mariachis mentre assistia a una cursa de braus . Després de l'experiència, Alpert va recordar que es va inspirar per trobar una manera d'expressar musicalment el que va sentir al veure les respostes salvatges de la multitud, i l'audició dels músics de metall que introdueixen cada nou esdeveniment amb fanfàrria entusiasta. [ 10 ] Alpert va adaptar l'estil trompeta amb la melodia, barrejat en aplaudiments del públic i altres sorolls d'ambient, i va canviar el seu nom de la cançó " The Lonely Bull ". [ 11 ] Ell, personalment va finançar la producció del disc com una sola, i es va estendre a través dels DJs de ràdio fins que es va adonar i va esdevenir un hit Top Ten el 1962. Ell va seguir ràpidament amb el seu debut àlbum , The Lonely Bull per "Herb Alpert i el llautó de Tijuana". Originalment, la Tijuana Brass era Alpert overdubbing seva pròpia trompeta, lleugerament fora de sincronia. El tall del títol va aconseguir el número 6 en el Billboard Pop Singles Chart. Aquest va ser A & M 's primer àlbum (el nombre original era 101), tot i que va ser gravat a Conway Records.
A finals de 1964, a causa d'una creixent demanda de presentacions en viu per la Tijuana Brass, Alpert audicionó i va contractar a un equip de l'esquerda músics de sessió . Encara que alguns van adoptar una aparença física prototípic, ningú a la banda de Alpert era en realitat hispana . Alpert deia a la seva audiència que el seu grup estava format per "quatrelasanyes , dos panets , i un formatge americà ": John Pisano ( guitarra ), Lou Pagani ( el piano ); Nick Ceroli ( tambors ), Pat Senatore ( baix elèctric ); Tonni Kalash (trompeta); Herb Alpert (trompeta i veu), i Bob Edmondson ( trombó ). La banda va debutar el 1965 i es va convertir en un dels actes més ben pagats després de l'espectacle, després d'haver elaborat una completa revista que inclou coreografies moviments i rutines còmiques escrites per Bill ("José Jiménez") Dana . L'èxit de la Tijuana Brass va ajudar a altres fresa Llatina actes, en particular Julius Wechter(amic de molt temps de Alpert i la marimba jugador per al llautó) i la Baixa Marimba Band i els beneficis permetre A & M per iniciar la construcció d'un repertori d'artistes com Chris Montez i Les bugaderes . Wechter contribuiria una sèrie de cançons originals de The Brass, en general almenys una per àlbum --- juntament amb Alpert amics Sol Lake i Ervan "Bud" Coleman . Un àlbum o dos seria alliberat cada any en tota la dècada de 1960. La banda de Alpert va aparèixer en diversos especials de televisió, cadascun en general es va centrar en interpretacions visuals de les cançons del seu últim àlbum --- essencialment un tipus primerenc dels vídeos musicals més tard es va fer famós per MTV . La primera Herb Alpert i el llautó especial Tijuana, patrocinat pel Sewing Company Màquina Cantant , sortir a l'aire el 24 d'abril de 1967, per la CBS . L'estil de Alpert va aconseguir enorme popularitat amb l'exposició nacional El Gum Company Clark va donar a un dels seus enregistraments en 1964, un nombre Sol Lake titulada "El shuffle mexicana" (que va ser retitulado "La Teaberry Shuffle" per als anuncis de la televisió). El 1965, Alpert va llançar dos àlbums, Whipped Cream & Other Delights i Going Places . Whipped Cream va vendre més de 6 milions de còpies als Estats Units . La portada de l'àlbum va comptar model Dolors Erickson portant només el que semblava ser crema batuda. En realitat, Erickson portava una manta blanca sobre la qual s'havien dispersat mamarratxos col · locats artísticament-d'afaitar crema batuda crema veritable hauria fos sota la calor de les llums de l'estudi (encara que la crema en el seu dit era real). En els concerts, quan a punt de tocar la cançó, Alpert li diria al públic: "Ho sentim, no podem jugar a la coberta per a vostè." L'art va serparodiat per diversos grups, entre ells d'una sola vegada A & M banda Soul Asylum i pel comediant Pat Cooper pel seu àlbum Salsa de espagueti i altres delícies . Els singles inclouen el tall del títol, " Lollipops and Roses ", i" A Taste of Honey ". Aquest últim va guanyar un premi Grammy per Enregistrament de l'Any. Going Places produir quatre singles més: "Tijuana Taxi", " Flea espanyol "," Tercer Home Theme "i" Zorba el grec ". "Tijuana Taxi" i "Puça espanyola" s'utilitzarien al 1966 Academy Award -winning curt d'animació A Herb Alpert i la Tijuana Brass Double Feature . The Brass va cobrir el Bert Kaempfert melodia "Feliç trompetista", nou títol és "La màgia de la trompeta". La interpretació d'Alpert contenia una barra que va coincidir amb una Schlitz sintonitzar la cervesa, "Quan estàs fora de Schlitz, estàs fora de la cervesa". ("The Maltese Melody" va ser una altra coberta Alpert d'un original de Kaempfert). Un altre ús comercial era una melodia anomenada "El Cigró", que va aparèixer en Sunoco anuncis ("Estan Movin ', estan Movin', la gent que sap, estan Movin 'a Sunoco"). El 1967, la Tijuana Brass va realitzar el tall del títol a la primera versió de la pel · lícula Casino Royale . Moltes de les pistes d' crema batuda i Going Places van rebre una gran quantitat de cobertura radiofònica , sinó que s'utilitzen amb freqüència com música incidental en el joc de les cites , especialment les pistes crema batuda , Flea espanyol i Lollipops and Roses .Malgrat la popularitat dels seus singles, àlbums de Alpert van vendre i els van superar en les taules . Alpert i la Tijuana Brass va guanyar sis premis Grammy . Quinze dels seus àlbums van guanyar or discos, i 14 ₩ de platí discos. El 1966 es van vendre més de 13 milions d'enregistraments Alpert, venent més que els Beatles . Aquest mateix any, el Llibre Guinness dels Rècords va reconèixer que Alpert va establir un nou rècord en col · locar cinc àlbums simultàniament en el top 20 en el BillboardPop Album Gràfic , un èxit que mai s'ha repetit. A l'abril d'aquest any, quatre d'aquests discos eren al Top 10 a la vegada. Només nombre un sol Alpert durant aquest període (i la primera hit N º 1 per el seu segell A & M) va ser un esforç en solitari: [ 12 ] "d'aquest individu en amor amb vostè "(escrit per Burt Bacharach i Hal David ), [ 11 ] amb una veu rara. Alpert va cantar a la seva primera dona en un 1968 CBS Television especial titulat cop del llautó . La seqüència va ser filmada a la platja de Malibu . La cançó no va ser pensat per ser posat en llibertat, però després que es va utilitzar en el especial de televisió , suposadament milers de trucades telefòniques a CBS que pregunten sobre el va convèncer Alpert llançar com una sola, dos dies després del xou va sortir a l'aire. [ 13 ] Tot i Alpert de habilitats vocals i varietat eren limitats, exigències tècniques poc gratificant de la cançó li convenia. [ 14 ] El senzill va debutar al maig de 1968, va encapçalar les llistes nacionals durant quatre setmanes i es van situar entre els majors èxits de l'any. Inicialment considerat pels entesos crítics i amants de la música "hip" de l'època com estrictament una carta d'atac fàcil d'escoltar, gravar inusualment expressiva de Alpert d'"d'aquest individu en amor amb vostè" gaudeix ara d'apel · lar més enllà de l'anomenada corrent principal. El 1996 al London Royal Festival Hall , Noel Gallagher (de la banda de rock britànica Oasis ) va realitzar la cançó amb Burt Bacharach . Alpert va dissoldre la Tijuana Brass el 1969, i després va llançar un altre àlbum del grup el 1971. El 1973, amb alguns dels membres originals de llautó de Tijuana i alguns nous membres, va formar un grup anomenat Herb Alpert i el TJB Aquesta nova versió de la Brass va llançar dos àlbums el 1974 i 1975 i va realitzar una gira. Alpert va tornar a convocar una tercera versió de la Brass el 1984 després d'haver estat convidat a actuar en els Jocs Olímpics de els atletes en els Jocs d'Estiu de Los Angeles . La invitació va conduir a laalcista àlbum i la gira. En els anys 1970, 1980 i 1990, Alpert va gaudir d'una reeixida solista carrera . Va tenir el seu major instrument del cop, " Rise "(de l'àlbum del mateix nom), que va ser número u en octubre de 1979 i va guanyar un premi Grammy , i més tard va ser mostrejada en el número u de 1997 rap cançó " Hypnotize "a la tarda el raper Notorious BIG . Tant "Rise" i "Hypnotize" van ser escrits pel nebot de Alpert, Randy Badazz Alpert i el seu amic Andy Armer. "Rise" va fer Alpert l'únic artista que mai hagi colpejat el número 1 en elsBillboard de singles pop gràfics tant amb una vocal i una peça fonamental peça. Una altra cançó Randy Badazz / Andy Armer, "Rotació", va arribar al número 30 en la llista de singles Billboard Pop La cançó "Ruta 101" fora del Fandango àlbum va aconseguir el número 37 en Billboard a l'agost de 1982. El 1987, Alpert va diversificar amb èxit l' R & B del món amb el reeixit àlbum Deseu el seu ull en mi , fent equip amb els productors Jimmy Jam i Terry Lewis a "Diamonds" i "fer l'amor a la pluja" amb la veu de Janet Jackson i Lisa Keith . Alpert va interpretar " The Star-Spangled Banner "abans del Super Bowl XXII en San Diego , Califòrnia , el gener de 1988. Era l'última versió no-vocal de l'himne nacional en el Super Bowl fins ara. Ell segueix sent un artista convidat d'artistes com Gato Barbieri , Rita Coolidge , Jim Brickman , Brian Culbertson , i David Lanz , i el 1985, Alpert va realitzar el sol de trompeta en la cançó "Rata En El meu Cuina", de l'àlbum del mateix nom de la banda de reggae d'Anglès i A & M gravació artistes UB40. A part de les reedicions, el àlbum de Nadal segueix estant disponible cada any durant la temporada de vacances. En Sérgio Mendes '2008 àlbum Encant , Alpert realitza solos de trompeta que donen suport a la veu principal de la seva esposa en la cançó "Dreamer". Va marcar la primera vegada Alpert, Mendes, i Hall havien actuat junts en la mateixa cançó.Més recentment, Alpert i la seva dona ( Lani Saló ) signats amb Concord Records i van llançar un nou àlbum (en viu) en l'estiu de 2009,Anything Goes , que era el primer llançament d'Alpert de material nou des de 1999 de Herb Alpert i colors . [ 15 ] Un nou àlbum d'estudi de Alpert i Hall, I Feel You , va ser llançat al febrer de 2011. Tots dos discos compten amb interpretacions de jazz estrets de clàssics del pop, juntament amb un grapat de composicions originals. Des 1962-1992 Alpert va signar artistes de A & M Records i produït registres . Va descobrir la banda de la Costa Oest Ens Cinc . Entre els notables artistes que van treballar amb ell personalment són Chris Montez, The Carpenters , Sérgio Mendes i Brasil '66 , Bill Medley, Lani Saló (segona i actual esposa d'Alpert), Liza Minnelli i Janet Jackson (ofert vocalista en el seu 1987 va colpejar individualsDiamonds " "). Aquestes relacions de treball van permetre Alpert per col · locar senzills al Top 10 en tres dècades diferents (1960, 1970 i 1980). Alpert i A & M Records soci Jerry Molsa tots dos van estar d'acord en 1987 per vendre A & M a Polygram Records en un contracte de $ 500 milions. Tots dos es continuarà gestionant l'etiqueta fins a 1993, quan es van anar a causa de frustracions amb la pressió constant de PolyGram per forçar l'etiqueta per cabre a la cultura corporativa. Alpert i Moss després van ampliar el seu Almo Sounds editorial música per produir registres també, principalment com un vehicle per a la música de Alpert. Almo Sounds imita l'antiga cultura de l'empresa abraçat per Alpert i Moss quan van començar a A & M. El 2000, Alpert va adquirir els drets de la seva música de Universal Music (actuals propietaris d'A & M Records) en un arranjament legal i va començar remasterització dels seus àlbums de discos compactes reedició. El 2005, Shout! Fàbrica començar a distribuir les versions remasteritzades digitalment de Alpert de A & M de sortida. Les reedicions inclouen tots els àlbums abans de 1969, l'ascens de 1979, i també s'inclou un nou àlbum, Lost Treasures , que consta de material inèdit des de Tijuana Brass anys de Alpert. A la primavera del 2006, una versió remesclada de la crema batuda àlbum, titulat crema batuda i altres delícies: Re-Whipped va ser posat en llibertat i va pujar fins al número 5 en el Billboard gràfic de Jazz Contemporani. Alpert té una segona carrera com un expressionista abstracte pintor i escultor amb grups i solistes exposicions a tot el Estats Units iEuropa . L'exposició d'escultures "Herb Alpert: Negre Totems", en exhibició en Galeria ACE ., Beverly Hills, febrer a setembre de 2010, va atreure l'atenció de mitjans al seu treball visual [ 16 ] La seva exposició 2013 en l'exposició de Santa Mònica, Califòrnia comprèn pintures abstractes i de gran escultures totemlike. [ 17 ] Alpert i Moss va rebre un Premi Grammy Trustees el 1997 pels seus èxits de per vida a la indústria discogràfica com executius i el Grammy Lifetime Achievement Award en 2007.
Per la seva contribució a la indústria discogràfica, Alpert té una estrella al Hollywood Walk of Fame al 6929 de Hollywood Boulevard . La molsa també té un estel en el Passeig de la Fama. Alpert i Moss també van ser inclosos en el Saló de la Fama del Rock and Roll el 13 de març de 2006, com ho han aconseguit de tota la vida no-intèrpret pel seu treball a A & M. Alpert ha treballat com un teatre de Broadway productor , amb la seva producció de de Tony Kushner 's Angels in America guanyar un premi Tony . Alpert va ser guardonat amb un dels 2012 Medalla Nacional de les Arts de premis per part del president i la senyora Obama dimecres 10 juliol, 2013, a la Casa Blanca 's Sala de l'est .[ 18 ]
En la dècada de 1980 va crear la Fundació Alpert Herb Alpert i els Premis Alpert en les Arts amb l'Institut d'Arts de Califòrnia (CalArts) . [ 19 ] La Fundació dóna suport a la joventut i l'educació artística , així com les qüestions ambientals i ajuda a finançar la sèrie de PBS Bill Moyers Fe i Raó i posteriorment Moyers & Company . Alpert i la seva esposa van donar $ 30 milions a la Universitat de Califòrnia a Los Angeles el 2007 per formar i dotar la Alpert Escola de Música de la UCLA d'herbes com a part de la reestructuració de la UCLA School of Arts and Architecture . Ell va donar $ 24 milions, que incloïa $ 15 milions d'abril de 2008, a CalArts per als seus plans d'estudi de la música, i va proporcionar fons per a la cultura jamming activistes The Yes Men . [ 20 ] Des de 1974, Alpert ha estat casat amb la cantant Lani Ajuntament , que és més conegut com un dels cantants de la Sérgio Mendesbanda Brasil '66. Tenen una filla, l'actriu Ària Alpert. Ell va estar casat amb Sharon Mae Lubin 1956-1971, però es van divorciar. Van tenir dos fills junts:. Eden filla i fill Dore [ 4 ] Alpert es fa referència en el segon xou de la tercera temporada de Get Smart , on una de les senyals de codi entre Maxwell Smart i el seu contacte va ser "Herb Alpert pren lliçons de trompeta de Guy Lombardo . " També, un episodi de la cinquena temporada de parodiar el grup sencer com Max i 99 va tractar de desemmascarar "Herb Talbot i el seu Tijuana llauna" com espies KAOS. El 17 de setembre de 2010, el documental de televisió "Legends: Herb Alpert - Tijuana Brass i altres delícies" es va estrenar a la BBC 4. [ 21 ] HEROES DEL SILENCIO
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Heroes del silencio. Héroes del silencio se formó en la ciudad de Zaragoza a mediados de la década de los ochenta, dándose a conocer de inmediato por toda la región. Fue el momento en el que Enrique Bunbury entra a formar parte del grupo de Juan Valdivia y su hermano, Zumo de Vidrio. Debido a su rápido éxito, pronto fichan por la discográfica EMI y, a finales de 1987, el grupo presenta su primer mini-álbum, titulado 'Héroe de leyenda'.
Tras este mini disco, se presentan se presentan en Madrid, en el Festival de San Isidro, donde dan a conocer la fuerza de sus canciones y su calidad en directo.
En 1988 publican su primer álbum, 'El mar no cesa', con el que alcanzan el disco de platino en muy poco tiempo.
En 1990 editan su segundo disco, titulado 'Senderos de traición'. Precisamente, el tema que dio título al disco fue número uno en las listas españolas. El disco vendió más de 400.000 copias solo en España.
Al año siguiente participan en el festival de Berlín, junto a un elenco de artistas. Durante ese año y el siguiente, dan giras por toda Europa, promocionando su disco y cosechando grandes triunfos.
En 1993 publican 'El espíritu del vino', que llegó a ser número uno en numerosas países, entre los que destacan España, México, Alemania y Suiza.
En 1994 realizan giras por Latinoamérica y participan en vídeos promocionales de la MTV. En 1995 marchan a Inglaterra para preparar su nuevo trabajo. El resultado será 'Avalancha', un álbum grabado en Los Angeles.
Tras la gira mundial de Avalancha, Heroes del Silencio sacan un disco titulado 'Parasiempre', que a la postre resultaría ser el último disco del grupo, ya que la formación se disolvió tras este trabajo.
Fuente: Todomusica HEVIA
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Hevia. José ángel Hevia nació en Villaviciosa (Asturias) en 1967 y comenzó a tocar la gaita a los diez años, siendo sus primeras actuaciones públicas en fiestas populares y procesiones.
En muy pocos años pasó de estudiar con los mejores maestros del instrumento a crear su propia escuela, en la que se gestó la llamada 'quinta del biberón', una serie de instrumentistas que iban a cambiar la manera de entender la música tradicional asturiana.
Tras publicar temas en diversos recopilatorios, y colaborar con Amistades Peligrosas y Cristina del Valle lanza en 1998 su primer disco, 'Tierra de nadie', que vende más de un millón de copias y se lanza en todo el mundo.
Su mayor aportación al género es la gaita electrónica midi, que puede tocar simultáneamente millones de notas mediante un sistema de digitación.
Su segundo álbum lleva por título 'Al otro lado'. Grabado en Madrid, Asturias, Bretaña y Praga, este segundo trabajo cuenta con las colaboraciones de los gaiteros bretones del Bagad de Kemper, el acordeonista Kepa Junkera y el norteafricano afincado en España Suhaill. Hevia vuelve a acertar de pleno en la fórmula: folklore tradicional tratado con bases modernas y una eficacia incomparable que consigue hacer sonar su música como la más comercial música pop.
Fuente: Todomusica Hombres G. Los Hombres G nacieron cuando cuatro chavales decidieron unir sus pasos para dedicarse a la música. David Summers, Rafael Gutiérrez, Daniel Mezquita y Francisco Javier comenzaron llamándose "Los Residuos" y "La Burguesía Revolucionaria", para, finalmante, tomar el nombre de "Hombres G" de una vieja película de detectives, "G-men".
Su primer sencillo, "Venezia", apareció en 1983. Pronto firmaron contrato por una discográfica recién fundada, Twins, con la que grabaron su primer álbum, titulado "Hombres G". El disco incluía el tema "Devuélveme a mi chica", que se hizo popular en todas las emisoras de radio del país.
En 1985 realizaron una larga gira con más de 100 conciertos, además de innumerables participaciones en televisión y apariciones en prensa. Se convirtieron en el grupo de moda. Un año después grabaron su segundo disco, "La cagaste ... Burt Lancaster". La canción estrella del disco fue "Marta tiene un marcapasos", y les valió para marcar un enorme registro de ventas.
En 1986 se lanzaron sus discos por toda América, recabando un gran éxito en países como Perú, México o Venezuela. Al año siguiente protagonizaron la película "Sufre mamón", dirigida por el director Manuel Summers, padre de David. Ese mismo año publican su tercer álbum "¿Estamos locos o qué?".
Tras una prolongada gira por España, se fueron para América, a satisfacer los deseos de sus fans por verlos. Así, recorrieros países como Chile, Colombia, Ecuador, Estados Unidos, México, etc. En 1989 participaron en la película "Suéltate el pelo".
En 1992 apareció el que iba a ser su último álbum, "Historia del bikini". A partir de ese momento, David Summers comenzó su trabajo en solitario y el resto de la banda continuó colaborando con otros artistas.
El 3 de febrero del 2003 apareció en el mercado el disco titulado "Voy a pasármelo bien", una recopilación de los mejores temas de los Hombres G interpretados por artistas de la talla de Antonio Vega, La Cabra mecánica, Alex Ubago, Seguridad Social o Los secretos. IMPERIO ARGENTINA
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Imperio Argentina. (Nombre artístico de Magdalena Nile del Río; Buenos Aires, 1906 - Benalmádema, España, 2003) Actriz y cantante argentina, estrella de los escenarios y de la canción entre los años treinta y sesenta del siglo XX y protagonista de un gran número de películas que la catapultaron hacia la fama.
Nacida en el tradicional barrio porteño de San Telmo, era hija del guitarrista de origen gibraltareño Antonio Nile y de la actriz malagueña Rosario del Río. Contaba sólo seis años cuando subió por primera vez a un tablado, y no lo abandonó hasta pasados los ochenta. No obstante, cuentan que su debut artístico lo hizo con cuatro años en el bonaerense Café Armonía y que aquel día, como premio a su actuación, recibió leche merengada.
Malena, como la llamaban en su infancia, debe su nombre artístico, Imperio Argentina, al escritor Jacinto Benavente, que quedó impresionado por el desparpajo artístico de una niña que, con el paso de los años, se convertiría en una talentosa actriz, reconocida más allá de su Argentina natal y con cuyo nombre han sido bautizadas varias calles españolas. El que fuera años más tarde premio Nobel de Literatura justificó la elección de este nombre diciendo: «Canta tan bien como Pastora Imperio y baila tan bien como Antonia Mercé, la Argentinita».
Su debut sobre los escenarios tuvo lugar en 1924, en el teatro Romea de Madrid, de la mano de la Argentinita. En 1927, el director cinematográfico Florián Rey la escogió para interpretar La hermana San Sulpicio, película muda basada en la novela homónima de Armando Palacio Valdés. En 1928 viajó a Alemania para rodar Corazones sin rumbo, de la que sólo se conservan unos minutos.
Poco después, el cine sonoro llamaría a su puerta. En 1930 interpretó El profesor de mi mujer, y un año después, Cinépolis. Obtuvo un especial éxito con la película Su noche de bodas, dirigida por Louis Mercanton y Florián Rey, en la que cantaba el vals Recordar, a dúo con Manuel Russell, que llegó a ser el éxito discográfico del momento. Después rodó Lo mejor es reír, versión española de Rive gauche, a las órdenes de Alexander Korda. Mas tarde interpretó ¿Cuándo te suicidas? y el cortometraje El cliente seductor (1931), junto con Maurice Chevalier.
Como guinda a un gran año, la todopoderosa Paramount la fichó para actuar en dos películas junto a su compatriota Carlos Gardel. De esa unión nacieron La casa es seria y Melodía de arrabal (1932), filme que la consagró en las pantallas norteamericanas. Posteriormente, Florián Rey la dirigiría en dos de sus mayores éxitos, Morena Clara y Nobleza baturra, ambas de 1935.
Sin embargo, la biografía de Magdalena Nile del Río está plagada de luces y sombras. El éxito de sus películas se vio ensombrecido a fines de la década de los treinta y principios de los años cuarenta por su flirteo con la corriente falangista de la época. Primo de Rivera y el mismísimo general Francisco Franco se declararon fervientes admiradores de la diva. Pero el escándalo la salpicó de lleno cuando el ministro de propaganda nazi, Joseph Goebbels, la invitó a Alemania y le presentó a Adolf Hitler, quien, maravillado por el porte y la belleza de la artista, la persuadió para que interpretara un filme sobre Lola Montes, la aventurera irlandesa que fascinaba al dictador.
Imperio reconoció años más tarde la grata impresión que le causó el Führer, aunque rememoró también con horror y tristeza la llamada Noche de los Cristales Rotos (1938) que se desarrolló en Berlín contra sinagogas y hogares judíos. Imperio se encontraba en la capital, y fue ese día cuando la venda se le cayó de los ojos y descubrió los horrores del nazismo al visitar a su sombrerera, de origen judío, y encontrarla muerta junto a su marido.
Esta vinculación con el régimen nazi le creó problemas y enemistades, aunque también grandes amigas, como la actriz alemana Marlene Dietrich. Rodó un buen puñado de películas por aquellas tierras, entre ellas una versión de la Carmen de Prosper Mérimée, y fue la niña mimada de la productora alemana UFA.
Tras su aventura en la Alemania nazi, Malena sufrió el rechazo internacional, que se hizo patente con abucheos y piquetes frente a los teatros donde actuaba en Nueva York, México, D. F., y en la propia Argentina. Durante los años cuarenta trabajó a las órdenes del director Benito Perojo en las películas Goyescas, Bambú, Los majos de Cádiz y Lo que fue de la Dolores, pero no fue hasta la década de los cincuenta cuando recuperó el prestigio mancillado.
De aquellos años salieron de su voz éxitos como Los piconeros o La cieguita y una vez más, como si del destino se tratara, otro gran personaje de la historia del siglo XX se rindió a sus pies: Fidel Castro. El Comandante quedó fascinado por la artista, quien cosechó un gran triunfo en la Cuba prerrevolucionaria. Muchos dicen que su belleza y su gran talento constituyeron el cóctel perfecto para un éxito que estaba escrito desde el mismo día en que vino al mundo. Contrajo matrimonio con el director de cine Florián Rey y, tras su separación, con el conde de las Cabezuelas, a quien abandonó poco después recibiendo por ello una reprimenda de la Iglesia. Su gran dolor fue sin duda la pérdida de sus dos únicos hijos, una pena que la marcó de por vida. En alguna ocasión se dijo que su gran amor había sido el actor Rafael Rivelles. Con Carlos Gardel tuvo sus más y sus menos, ya que ambos presumían de tener un carácter indomable, y como fruto de esa relación profesional, que no pasional, nació un gran dúo que protagonizaría Melodía de arrabal; de hecho, Imperio fue la única mujer que cantó con el gran autor de tangos.
Su azarosa vida la llevó a publicar en 2001 el libro de memorias Malena Clara, e inspiró el personaje femenino de la película La niña de tus ojos (1998), de Fernando Trueba, interpretado por Penélope Cruz, aunque Imperio se molestó con el filme al considerar que narraba determinados episodios de su vida.
La filmografía de Malena sumó un total de veintidós películas y un puñado de folletines que rodó en los últimos años de su vida ante las cámaras. De esa última época nacieron títulos como Ama Rosa (1960), Tata mía (1986) y también El polizón del Ulises (1987).
Las grandes dotes artísticas de Imperio Argentina la llevaron también a grabar canciones con el guitarrista y vocalista Rafael Medina para el sello Parlophone, así como melodías cubanas y la versión de un éxito del cine estadounidense, «Carioca», baile que alcanzaría su mayor apogeo con la coreografía que popularizaron Fred Astaire y Ginger Rogers en Volando a Río (1933).
Imperio también grabó tangos que Tania y Libertad Lamarque cantaban en América, rivalizando en España sólo con Carmencita Aubert, la popular tanguista y actriz catalana. Los temas Danza maligna y Hacelo por la vieja los cantan al mismo tiempo una y otra, Carmencita para Odeon e Imperio para el sello Parlophone, y es asunto de coleccionistas y melómanos opinar cuál de las dos cantaba mejor.
Sin embargo, a pesar de ser una referencia entre sus colegas españolas, como Juanita Reina, Concha Piquer o Paquita Rico, ella misma confesó que, aunque muchos la consideraban «más andaluza que las andaluzas», lo suyo fue siempre el tango. Y su canción, la que recordaría siempre y guardaría en su memoria, fue Caminito campero, interpretada con Gardel.
Pasados los noventa años recibió la medalla de honor de la Universidad Complutense de Madrid. También se le concedió en Buenos Aires el título de «ciudadana ilustre», aunque ella se sentía especialmente orgullosa de tener un retrato suyo colgado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). El destino no le concedió su último sueño: reunir sobre un escenario a sus compañeras de cante junto al reconocido bailarín de flamenco Pepe Marchena. Su luz se apagó en la localidad malagueña de Benalmádena -donde residía desde hacía veinticinco años y donde en marzo de 1999 obtuvo la nacionalidad española- el 22 de agosto de 2003, junto a sus seis nietas y ocho bisnietos. El eco de su muerte, igual que su vida, recorrió el mundo entero.
Fuente: Biografias y Vidas Iron Maiden. La historia de Iron Maiden se remonta a 1975, cuando Steve Harris, bajista de apenas 19 años, tras haber pasado por un par de grupos, decide crear su propia banda. Para ello recluta entre la gente de su barrio de Londres a varios jóvenes músicos con ganas de tocar. Tras varias pruebas y ajustes, la primera formación de Iron Maiden estaba compuesta por el propio Steve Harris en el bajo, Dave Murray y Bob Sawyer en las guitarras, Doug Sampson en la batería y Paul Di'Anno como vocalista.
Por aquella época, Iron Maiden solía tocar en pequeños locales del East End londinense. Tocaban casi gratis y se desplazaban con una vieja furgoneta. Hasta que en 1978 decidieron grabar un maqueta que contenía los temas "Prowler", "Invasion", "Strange World" y "Iron Maiden". A través de un amigo que trabajaba en una emisora de radio, consiguieron que Iron Maiden sonara en la radio, lo que hizo que el grupo fuera dándose a conocer. Sus conciertos comenzaron a ser más numerosos y gracias a ello fueron ojeados por el promotor Rod Smallwood, quien los contactó y finalmente se hizo su mánager.
Tras fichar por la discográfica EMI, Iron Maiden publicó en 1980 un recopilatorio con sus temas, titulado "Metal For Mutas". Animados por este primer trabajo en serio, no tardaron en grabar su primer álbum, "Iron Maiden". La fama de la banda creció como la espuma y el disco llegó al puesto número 4 en las listas. Iron Maiden fueron invitados a a compañar a Judas Priest y a Kiss en sus giras por Inglaterra y por toda Europa respectivamente.
El segundo álbum de Iron Maiden apareció publicado en 1981 con el título de "Killers" y les valió para realizar una gira por todo el mundo. Tras esta gira, Paul Di`Anno fue despedido del grupo por sus continuos abusos de las drogas y el alcohol, que ponían en peligro la existencia de la banda. Fue sustituído por Bruce Dickinson. Con él, en 1982 se grabá el que es considerado el mejor disco del grupo: "The Number Of The Beast", con el que se auparon en el primer puesto de las listas de Inglaterra. También realizaron una gira por medio mundo, bajo el título de "The Beast On The Road Tour".
En 1984 Iron Maiden publica "Powerslave" y realiza la gira "The world-slavery tour" que resulta ser un tremendo éxito a nivel mundial, ofreciendo más de 300 conciertos, incluído el Live in Rio de Brasil, en el que se subieron al escenario con grupos como Queen, AC/DC y Scorpions, entre otros. Sobre esta gira se grabó un documental titulado "Behind The Iron Curtain"
En 1986 aparece un nuevo álbum de Iron Maiden, titulado "Somewhere in Time". En este trabajo comienzan a aparecer teclados y sintetizadores en su producción. En 1988 publican "Seventh Son of a Seventh Son", siguiendo la misma línea del anterior.
En el año 1990 Iron Maiden vuelve a sus raíces, abandonando los teclados y los sintetizadores. El resultado fue el álbum "No Prayer For The Dying". Dos años después, en 1992, publican "Fear Of The Dark", un nuevo número uno para la banda.
Tras sustituir al cantante Bruce Dickinson por Blaze Bayley y cambiar de productor, Iron Maiden publican en 1995 "The X Factor", que fue seguido por el recopilatorio "The Best of the Beast", con todas las grandes canciones de la banda desde sus comienzos hasta el momentomás un tema nuevo: "Virus". "Virtual XI" es el álbum que cierra la década de los noventa, con 8 nuevos temas.
Para la nueva década regresan a la banda Bruce Dickinson y de Adrian Smith. En el año 2000 publican "Brave New World", primer disco de Iron Maiden con tres guitarristas, que originó una nueva gira mundial. En 2003 aparece "Dance Of Death". La portada del álbum recibió fuertes críticas de muchos fans, hasta el extremo de ser votada como la peor de la historia del grupo. "Dance Of Death" se aleja bastante del sonido heavy de la banda.
Fuente: Todomusica Isabel Pantoja.
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Isabel Pantoja. (Sevilla, 1956) Cantante española. Tras numerosas actuaciones en tablaos de su tierra natal, debutó en el Teatro Calderón de Madrid en 1974. De su extensa discografía cabe mencionar: Viva Triana (1984), Marinero de luces (1985), Se me enamora el alma (1989) y La canción española (1990). Ha protagonizado dos películas (Yo soy esa, L. Sanz, 1990; El día que nací yo, P. Olea, 1991). Fuente: Biografias y Vidas Iva Zanicchi
Datos generales
Nombre real Iva Zanicchi
Nacimiento 18 de enero de 1940 (73 años)
Origen Ligonchio, Italia,
Ocupación cantante, presentadora
Información artística
Otros nombres El Águila de Ligonchio
Género(s) Pop, melódico, blues Período de 1963 — presente actividad
Discográfica(s) RI-FI, Traccia, Sif, SGM, Five Record, Carosello, Sugar, Lead
Iva Zanicchi (Ligonchio, 18 de enero de 1940) es una cantante y presentadoraitaliana. Salvo algunas y esporádicas apariciones televisivas, como Campanile sera con Mike Bongiorno, las lecciones de canto y un tour por la región romañola (Emilia romagnola), inicia su carrera propiamente en 1961 veinciendo en un festival para principiantes patrocinado por la Gazzetta di Reggio Emilia. En 1962, a través de Gianni Ravera, se inscribe en el Festival Nacional para nuevas voces de Castrocaro, arribando a la final: dada para favorita, durante la noche final unalaringitis no le permite cantar a máxima potencia su portentosa interpretatión. Su voz "negra" conquista las discográficas de la nueva firma Ri-Fi, firmando un contrato. Su primer disco se distribuye en mayo de 1963, y contiene las canciones Zero in amore y Come un tramonto escritas para ella, y dirigida por el maestro Gorni Kramer. En junio de ese mismo año graba otro sencillo de 45 rpm compuesto de los temas Tu dirai y 6 ore. En ese tiempo, el discográfico Tonino Ansoldi, hijo del dueño Ansoldi, e alma de la casa discográfica RI-Fi, se casa con ella. Así pasó de ser una de las artistas de punta de una importante casa discográfica, y ahora con vínculo de parentela. Ese año participa en el Festival de la Canción Italiana en Suiza con el tema Quando verrai y en el concurso "Ribalta per Sanremo", antesala de San Remo Giovani. En 1964 tiene un enorme éxito Come ti vorrei, versión italiana de Cry to me deSalomon Burke. La promoción de este tema vino inicialmente del "Burlamacco d'Oro de Viareggio" y sucesivamente en varios programas televisivos. Y su sencillo alcanza el primer puesto en la clasificación de los discos más vendidos. La cantante manifiesta su predilección por el estilo Rhythm & blues y por la música negra en general. En 1965 después de un enorme éxito recibido por sus álbumes, la invitan alFestival de San Remo dove presenta el tema I tuoi anni più belli compuesta porMogol con música de Enrico Polito. No obstante su calidez, no accede a la final, Iva se crea su propio mercado en especial con los jóvenes. En ese año es finalista al "Disco del verano", donde presenta la canciónAccarezzami amore. Su casa discográfica saca su primer álbum Iva Zanicchiconteniendo sus éxitos en sencillos, y el tema Ma l'amore no, sabiamente arreglado por Augusto Martelli, que la cantante propone al programa La prova del nove presentado por Corrado Mantoni. En 1966 participa en la segunda vuelta del Festival de San Remo con La notte dell'addio compuesta por Alberto Testa, que accede al "Disco del verano" conFra noi, llegando casi a la final. En ese año es invitada al Festival de Nápoles, cantando Ma pecché' y Tu saje 'a verità, y en la Scala Reale, con trasmisión financiada por la "Lotteria Italia", presentando Fra noi, que la hace llegar a la finalísima, donde interpreta su nuevo single Monete d'oro. En 1967 se alza con la victoria en el Festival de San Remo donde interpreta Non pensare a me con Claudio Villa. Vuelve al "Disco del verano" al presentar la canción Quel momento. Sale al mercado su segundo álbum titulado Fra noi conteniendo Le montagne conocida como Ci amiamo troppo cover de River Deep, Mountain High de Ike y Tina Turner. Descubierta como una abituada de las manifestaciones cantoras, el año sucesivo participa en San Remo presentando Per vivere, escrito por Umberto Bindi con un insólito crescendo que le permite desarrollar todo su carisma interpretativo. En el "Disco del verano" presenta sin mucha fortuna la canción Amor amor; y en "Canzonissima" canta Senza Catene, cover de Unchained melody de Righteous Brothers. Otro tema de éxito es La felicità. Sale su álbum Unchained Melody En 1969 obtiene su segunda victoria en San Remo donde canta Zingara, tema presentado también por con Bobby Solo con un suceso increíble en ventas. Este tema se convierte en favorito y queda indiscutiblemente sellada sus virtuosa interpretación. Posiblemente sea su canción más famosa. Esta victoria le permite representar a Italia en el Festival de Eurovisión en Madrid con Due grosse lacrime bianche. En "Canzonissima" presenta Vivrò, cover de My prayer de Platters. En 1970 conquista un meritorio tercer puesto en el Festival de San Remo presentando L'arca di Noè, escrita por Sergio Endrigo, uno de los primeros temas "herméticos" de la historia musical italiana. En "Canzonissima" canta Un uomo senza tempo, el tema convocante de su nuevo álbum Iva senza tempo. En la fase sucesiva presenta Un fiume amaro, de su nuevo álbum Caro Theodorakis... Iva , un disco con doce canciones escritas por el cantautor griegoMikis Theodorakis: fue la primera cantante italiana de cantar del autor de Danza di Zorba, siguieron, Milva y Ornella Vanoni. La canción tiene un notable suceso pero el álbum, escrito en un periodo de dolor de la artista, signó de manera negativa la carrera de Iva, que estaba siendo señalada por algunos críticos musicales como cantante triste. Se presenta en la finalísima con Una storia di mezzanotte ecrita por Nicola Di Bari clasificando sexta. En noviembre de ese año debuta como conductora radiofónica en el programa "Il gioco dei tre", donde, además de cantar, recitaba breves escenas con Antonio Guidi. Realiza un video con Giuseppe Ungaretti para promover Un uomo senza tempo. En ese año entra al mercado otro álbum Iva senza tempo En enero de 1971 desarrolla un rol de actriz para la trasmisión Gli amici del bar, con la dirección de Maurizio Corgnati, el ex marido de Milva. A comienzos de abril de ese año publica el álbum Caro Aznavour donde interpreta con bravura algunos temas del chansonnier francés Charles Aznavour con Ed io tra di voi. Fue un suceso notable marcando su madurez interpretativa y su ascendente fibra artística, como las propuestas en el álbum Shalom unÁlbum con cantos hebraicos, y con Sciogli i cavalli al vento. En el "Disco del verano" obtiene amplio consenso con uno de sus temas más famosos La riva bianca la riva nera, un himno pacifista, clasificado tercero en la manifestación estiva. Ese mismo tema fue segundo del Festivalbar. En 1972 en la finalísima de "Canzonissima" 1971 presenta Coraggio e paura conquistando la tercera posición, mientras en la edición deUn disco per l'estate proponiendo Nonostante lei arriba a la final. En la trasmisión televisiva Sai che ti dico? con Sandra Mondaini y Raimondo Vianello, Iva dedica una fantasía musical a un autor o a un intérprete, naciendo la idea del álbum Fantasia En diciembre de ese año publica su nuevo álbum Dall'amore in poi con Amazing grace traducido por Paolo Limiti resultó La mia sera, yMi ha stregato il viso tuo, presentada en la finalísima dr Canzonissima (3ª posición). En febrero de 1973 recibe una extraordinaria ovación en el Madison Square Garden de Nueva York (única cantante italiana en haber tenido un concierto) con su tour por EE. UU. y Canadá. En este año su casa discográfica publica tres álbumes:
Le giornate dell'amore con la canción homónima y con I colori di diciembre, que fuera "banda sonora" del filme A Venezia... un diciembre rojo-shocking escrita para ella por Pino Donaggio Eccezionale Iva , resumen de canciones ya editadas. Es invitada al teatro Olympia de París, dando varios conciertos, y a fines de ese año, canta Amare, non amare. En ese mismo año se reúne con Franco Simone, Fred Bongusto y con Corrado Castellari para publicar un álbum natalicio con el título Dolce notte santa notte. En 1974, obtiene su tercera victoria en el Festival de San Remo con Ciao Cara come stai escrita por Cristiano Malgioglio. Con Testarda io (del álbum Io ti propongo) escrito por Roberto Carlos se la confirma como estrella del firmamento canoro italiano, y se puso en el primer puesto de clasificación de venta de álbum por varias semanas, saca su primer álbum en castellano, para el mercado latino con el título ¿Chao Iva cómo estas?. En 1975 sale su álbum Io sarò la tua idea con algunos temas del hermano Castellari, e inspirados de imágenes libres transcriptas deFederico García Lorca. En los años sucesivos aunque Iva siente la crisis discográfica, sigue interpretando y obteniendo espacio para ser cantautor. En 1976 decide renovar su género y llama a autores como Umberto Balsamo y Cristiano Malgioglio para escribirle, para su próximo álbum Confessioni que traía temas como I discorsi tuoi, Confessioni, Che uomo sei. Al final del año publica un álbum de canciones clásicas Cara Napoli que cantó a so modo, y con la colaboración dr Tullio De Piscopo. Sale su tema para niños Mamma tutto de buen suceso discográfico. En el Festival de San Remo 1977 es invitada como huésped de honor donde canta Arrivederci Padre. En 1978 decide mostrar a su público la versión sexy con el álbum Playboy, un producto bien confeccionado por Cristiano Malgioglio, autor de gran parte de las canciones contenidas, Pronto 113, Agrodolce, Tu… Playboy, Quanto dura poco l'estate, escritas para ella porDonatella Rettore. Aunque Giuni Russo escribe uno de sus temas, en formato 45 rpm, publicado Mal d'amore Participa en el Festivalbar con la canción Con la voglia di te promoviendo su álbum homónimo. La muerte de un ser querido, y la crisis de la casa Ri-Fi marcó un periodo difícil de su carrera discográfica. En 1979 firma un contracto con una nueva casa discográfica, la Traccia, publicando su 45 rpm A parte il fatto/Capirai. En 1980 publica el álbum D'Iva con una versión en castellano versión castellana para el mercado latino. En 1981 saca por una casa discográfica española un nuevo álbum, Ardente, con sonoridad dance, con gran popularidad en España y enAmérica del Sur. Siempre en el 1981 incide en su tercer álbum en castellano para el mercado latino Nostalgias. En 1982 sale otro álbum en castellano para el mercado latino Yo, por amarte En 1984 vuelve al mercado discográfico italiano presentándose en el Festival de San Remo con Chi mi dara escrita de su autoría "Malgioglio e Balsamo", dándole un discreto suceso. En esa ocasión mostró por primera vez su nariz, retocada con cirugía estética. En Saint-Vincent propone Quando arriverà que daba el título al homónimo álbum. En el transcurso del año participa en un programa Mediaset conducido por Johnny Dorelli y Ornella Muti, "Premiatissima", una gala cantora donde presenta algunos temas del pasado como una versión de Va pensiero que trata del Nabucco de Verdi, La notte, célebre canción de Adamo y la versión italiana de Strangers in the Night de Frank Sinatra que en italiano quedó Sola più che mai, que Iva puso en el álbum Iva 85. Durante esa trasmisión se nota en la redacción del programa, la buena intervención de Iva, y le viene una oferta de conducir un quiz por la mañana en "Canale 5" con el título Facciamo un affare, conduciéndolo durante la temporada televisiva 1985/1986. La sigla deFacciamo un affare era Da domani senza te y era cantada por Iva. En 1987 se afirma conduciendo OK il prezzo è giusto con Gigi Sabani. El programa logra un grandísimo suceso de público e Iva lo conduce por buenos trece años, en catorce ediciones (una por añ, más una del verano de 1989). Fue en este periodo que su carrera televisiva empaña su precedente carrera discográfica. En 1987 saca el álbum Care colleghe, homenaje a sus colegas más famosos; En 1988 saca Nefertari (álbum 1988), con algunas canciones de jóvenes autores. El álbum entró en la clasificación de "Tv, Sorrisi e Canzoni" y, en el curso del año, Iva participa en el programa "Super classifica show", donde presenta su video Kajàl. En 1989 conduce la primera noche en Canale 5 con el especial Gran festa italiana
Iva participa en varias trasmisiones musicales: en 1989 Una rotonda sul mare con Come ti vorrei y C'era una volta il festival con Zíngara con la cual se adjudica el cuarto puesto. En 1990 conduce en primera noche del Canale 5 Holiday on ice. Durante el verano de ese año participa en la segunda edición de Una rotonda sul mare, cantando Testrada io y Vivrò. En 1991 está en "Five Record" con el álbum Come mi vorrei, interpretando con la tradición "soul y rhythm" en blues. Disco de gestación larguísima, con una versión de Pugni chiusi: el cover italiana de Woman in Love de Barbra Streisand qu pasó a Forte più forte. Durante el verano conduce de lunes a sábado Estate 5. En enero de 1992 Iva conduce Sabato Ok. En 1993 conduce Sei meno meno un programa con protagonistas pequeños niños. En 1995 conduce La grande avventura trasmisión de festejos de 15 años de Canale 5, y de Una sera ci incontrammo Participa en Viva Napoli, venciendo con Tu ca nun chiagne En los 1990s se consolida su suceso televisivo, con Ok il prezzo è giusto. Entre 1996-97 conduce en Rete 4 Iva Show dedicado a historias de gente común e inspirado en la popular trasmisión televisiva americana de Oprah Winfrey. La primera edición salía sábados a las 18.00, la 2ª edición (setiembre 1997 a febrero de 1998) al anochecer. Se dedica a la política en 1999, candidateándose con Forza Italia, pero no es electa. Después de haber abandonado Ok il prezzo è giusto, en 2000 Carlo Conti la llama para darle la conducción de Domenica In. El pase aRadiotelevisione Italiana RAI pero no la gratificó y, torna a Rete 4, conduciendo el programa Sembra ieri, por Testarda io y sucesivamente Ed io tra di voi: se trataba de un talk-show con personajes sobre todo del pasado musical, que coincidía en parte con la onda del suceso del análogo programa de Paolo Limiti. En 2001 publica el single Ho bisogno di te, y un libro, Polenta di castagne, recordando en clave irónica la historia de su familia. En 2003 Iva torna al Festival de San Remo con Fossi un tango, y publica un nuevo álbum dedicado al tango, con su intención de reproponerla como intérprete, pero no obtiene el suceso esperado: además clasifica en el festival con el último puesto. El CD Fossi un tango con algunos tangos famosos como Caminito y Bésame Mucho, arreglados de manera moderna por Mario Lavezzi, y algunos temas inéditos escritos por Luis Bacalov, Aldo Donati, Loriana Lana, Avion Travel, y un espiritual dueto con Teo Teocoli. En 2004 Iva realiza con otros artistas una tournée en Sudamérica en colaboración con Radio Italia. En 2005 conduce en Canale 5 un simpático programa de cocina "Il piattoforte", que iba desde el 8 de enero los sábados y domingos. En marzo es opinóloga del Festival de San Remo conducido por Paolo Bonolis El 11 de marzo, Iva está en el telerrealidad "Music Farm", conducido por Simona Ventura. El 9 de julio parte con "Fra di noi": extraordinaria gira para cantar por toda Italia, después de 15 años. El 6 de septiembre sale "I prati di Sara", su segundo libro que cuenta la historia de Ilde y de Emma. El 4 de diciembre va por televisión, la ficción "Caterina e le sue figlie" donde Iva interpreta con bravura a la empleada postal Liliana. En 2006 retorna al Festival de San Remo, pero no como cantante, sino comentarista para "Verissimo". El 2 de julio presenta a Paolo Manila la 5° edición del "Milano Gospel Festival", que va por "Telepace". El 21 de julio Iva Zanicchi está de gira con Shel Shapiro. En septiembre comienza a girar con Virna Lisi en la ficción "Caterina e le sue figlie 2", donde interpreta nuevamente a Liliana. El 29 de octubre Iva entra oficialmente en el reparto de "Buona domenica" conducida por Paola Perego, donde cada domingo se comenta algunos momentos musicales.
Es la única intérprete de la historia de la canción italiana en haber ganado tres veces el Festival de San Remo (1967, 1969, 1974). Es la primera cantante italiana en recorrer la Unión Soviética en una gira. Es la primera intérprete italiana en haber cantado la canción de Mikis Theodorakis. Fue la primera cantante italiana en tener un concierto de música popular en el Teatro Regio de Parma. Jacques Brel
Jacques Brel en 1955
Datos generales
Nacimiento 8 de abril de 1929, enSchaerbeek, Bélgica
Origen Schaerbeek (Bélgica)
Muerte 9 de octubre de 1978, enBobigny, Francia (49 años)
Cónyuge Thérèse Michielsen
Hijos Chantal, France e Isabel
Ocupación Cantante, compositor, actor,realizador
Información artística Género(s) Canción francesa
Instrumento(s) Voz
Período de 1953 - 1977 actividad
Jacques Romain Georges Brel (8 de abril de 1929 - 9 de octubre de 1978), conocido artísticamente como Jacques Brel, fue un cantante belga francófono y, al mismo tiempo, actor y cineasta. Sus canciones son reconocidas por la poesía y honestidad de sus letras. Tal vez su canción más internacional sea Ne me quitte pas (1959). Brel nació en Schaerbeek, Bélgica, una comunidad al norte de Bruselas, vivió parte de su vida artística en París y sus últimos años en las Islas Marquesas en la Polinesia Francesa. Murió en París. Sus restos se encuentran en las Islas Marquesas, al lado de los de Paul Gauguin . El 1 de junio de 1950 se casó con Thérèse Michielsen (Miche). El 6 de diciembre de 1951 nació su primera hija, Chantal, y más adelante France el 12 de julio de 1953. Por último, nació Isabelle en agosto de 1958, a quien su padre dedicó la canción homónima. A partir de 1952, empezó a componer sus primeras canciones que cantaba en reuniones familiares y en múltiples cabarets bruselenses. Hacía muestra de la potencia lírica que le caracteriza, tanto en las letras como en la interpretación, aunque su familia no le animaba a continuar. Él perseveró en su empeño y en 1953 publicó su primer 78 rpm. Inmediatamente, se marchó solo de la capital belga a París, donde se dedicó a escribir música y canciones en los cabarets y music- halls. Se dedicó también a dar clases de guitarra para ganarse la vida. En el escenario interpretaba sus canciones con grandes gestos. Después de disfrutar de un éxito relativo, su mujer y sus hijas se mudaron con él desde Bélgica. En1956 ya iba de gira por Europa y grabó la canción Quand on n'a que l'amour que significó su primer gran éxito. Apareció en un show con Maurice Chevalier y Michel Legrand. En 1957 grabó su segundo 33 rpm, recibiendo el Grand Prix de l'Académie Charles Cros y al año siguiente consiguió por fin ser aclamado en el Olympia. A partir de este momento, las giras eran imparables, dando más conciertos que días hay en el año. Sus temas son extremadamente variados, explorando el amor (Je t'aime, Litanies pour un retour, Dulcinéa), la sociedad (Les singes, Les bourgeois, Jaurès) y preocupaciones espirituales (Le bon Dieu, Dites, si c'était vrai, Fernand). Su trabajo no se limita a un estilo: era tan bueno en las composiciones más cómicas (Les bonbons, Le lion,Comment tuer l'amant de sa femme...) como en las dramáticas (Voir un ami pleurer,Fils de..., Jojo). La sagacidad de Brel lo convirtió en un pintor de la vida diaria innovador y creativo, con una rara facilidad poética. Su uso inteligente de las palabras era sorprendente y sencillo, utilizando un vocabulario muy visual y evocador. Brel también tenía facilidad para las metáforas, como en Je suis un soir d'été, donde el narrador es una noche de verano que cuenta lo que observa mientras cae sobre la ciudad. Aunque se le considera un maestro en las letras, la parte musical de sus composiciones también es de primera calidad y no están limitadas a un estilo. Compuso tanto melodías vivaces y llenas de ritmo (L'aventure, Rosa, Au printemps) como canciones solemnes y tristes (J'en appelle, Pourquoi faut-il que les hommes s'ennuient?). Las letras románticas de Brel revelaban en ocasiones cierta cantidad de oscuridad y amarga ironía. En algunos momentos sus tiernas canciones de amor muestran destellos de resentimiento y frustración escasamente suprimidos. Sus retratos certeros de los llamados desechos de la sociedad, los alcohólicos, vagabundos, drogadictos y prostitutas descritos en Jef y Jacki, evitaban el sentimentalismo fácil; no tenía tampoco miedo a retratar la parte desagradable de su estilo de vida. Compuso y grabó sus canciones casi exclusivamente en francés. Es ampliamente reconocido en los países francófonos como uno de los mejores compositores en francés de todos los tiempos. Sólo ocasionalmente incluyó partes en holandés, como por ejemplo enMarieke, y también grabó versiones en holandés de algunas canciones como Le Plat Pays, Ne me quitte pas y Les bourgeois. Como su dominio de esta lengua era escaso, la traducción fue realizada por Ernst van Altena, renombrado traductor de canciones francesas. Su actitud hacia los flamencos parece contradictoria: en ocasiones se declaraba flamenco y se presentaba como un cantante de Flandes, pero también parodió la vida rústica de los flamencos con la canción cómica Les Flamandes. Más adelante dirigió su furia contra los flamingants, los partidarios del movimiento flamenco. En La, la, la (1967) canta "Vive les Belgiens, merde pour les flamingants" ("Viva los belgas, mierda para los flamingants"). En Les F... (1977) Brel describe a los flamingants como "Nazis durant les guerres et catholiques entre elles" ("Nazis durante las guerras y católicos entre ellas"). Aparentemente, para Brel todos los flamingantseran extremistas de derecha. Aunque Francia era la "nación espiritual" de Brel y realizó afirmaciones contradictorias sobre su Bélgica natal, muchos minimizan la importancia de estos hechos ya que muchas de sus mejores composiciones rinden tributo a Bélgica, como por ejemplo Le plat pays oIl neige sur Liège. En 1966 decidió abandonar la canción. El 16 de mayo de 1967 dio su último recital en Roubaix, ciudad al norte de Francia, limítrofe con la frontera belga. Pero este hecho no supuso la inactividad de Brel. Ya en el mismo verano de 1967 actuó en su primer largometraje,Les Risques du métier del director André Cayatte. Más tarde, alcanzó fama como actor interpretando al oponente de Claude Jade en la película Mon oncle Benjamin. Actuó en el musical L'homme de la Mancha (El hombre de la Mancha), que también dirigió. Participó en otras películas, aunque sus actuaciones cinematográficas no son del mismo calibre que las musicales. Durante más de 20 años fue una gran estrella, ganando reconocimiento más allá de las audiencias francesas. En 1973 lo abandonó todo y se retiró a las Islas Marquesas, en laPolinesia Francesa, donde se dedicaría a navegar en su velero Askoy y a pilotar un bimotor que utilizaría como avión-taxi para ayudar a los habitantes de las islas. Allí permaneció hasta 1977, cuando volvió a París y grabó su muy bien recibido último disco, en unas condiciones de salud muy difíciles. La canción Les Marquises que cierra el álbum sólo se pudo grabar una vez. Al acabar la grabación, regresó a la Polinesia. Brel murió de cáncer de pulmón en París en octubre de 1978 y fue enterrado en Atuona, Hiva Oa, Islas Marquesas, en la Polinesia Francesa, a pocos metros de la tumba del pintor Paul Gauguin. En diciembre de 2005, el público de la RTBF (la radio-televisión pública francófona belga) le eligió como el belga más importante de todos los tiempos. Recopilar una discografía completa de Jacques Brel es muy complejo, ya que sus obras han sido publicadas en muchas permutaciones diferentes, en países distintos y formatos variados; incluso algunos discos se conocen a veces por más de un título. Los músicos, compositores y arreglistas François Rauber y Gérard Jouannest forman parte indispensable de su trayectoria artística. En aras de la claridad y la concisión, esta discografía se restringe a los discos originales de Brel tal como se recopilaban en la caja de 16 CD Boîte à Bonbons, publicada en 2003; a esto se añade el álbum Chansons ou Versions Inédites de Jeunesse, que se publicó por primera vez como parte de esta caja. Los títulos siguen los que se utilizaron en esta caja. James Brown
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James Brown. James Brown, conocido también como 'Mr. Dinamita', nació el 3 de mayo de 1933 en Macon, Georgia, en una familia pobre de un barrio marginal. Esto le obligó a desempeñar desde la adolescencia todo tipo de trabajos.
Antes de cumplir los veinte años ya había sido detenido por robo a mano armada y estuvo más de tres años en un reformatorio.
En 1953 ingresó en el grupo de gospel 'Starlighters'. Con él en el grupo fueron cambiando del estilo Gospel al rythm and blues y el nombre del grupo pasó a ser el de 'Famous Flames'.
En 1955 publicaron 'Please, Please, Please'. En 1958 se lanza el primer número uno de James Brown, 'Try me'. El 24 de octubre de 1962 ofrecieron un concierto el teatro Apollo de Nueva York. El resultado sería un gran disco lanzado como 'Live at The Apollo'.
A partir de ese momento, los éxitos comenzaron a acumularse en su carrera, con títulos como 'I´llGo Crazy', 'Thing' y 'Prisioner of Love'.
Tras separarse del grupo con el que se dio a conocer, James Brown comenzó a actuar en solitario, consiguiendo nuevos éxitos: 'The Payback', 'It's a man's, man's, man's world', 'My Thang', 'Gravity', Papa don't take no mess'...
En sus escarceos con el cine, participó en 1980 en la película 'The Blues Brothers', junto a John Belushi y Dan Ayrkroid. En 1986 graba ´Living in America', el tema compuesto para la película 'Rocky IV'.
En 1988 fue arrestado por maltratar a su mujer y por consumo de drogas. Fue condenado a seis años de prisión, aunque salió de la cárcel en 1991. En 1996 falleció su esposa durante una operación de cirugía estética y en 1998 fue arrestado de nuevo por tenencia de armas y consumo de drogas, a los pocos días de haber salido de una clinica de desintoxicación. A pesar de todo, James Brown sigue, a sus casi setenta años, subido a los escenarios de medio mundo
Fuente: Todomusica James Last
La informació d'antecedents
Nom de naixement Hans Darrera
Nascut 17 abril 1929 (84 edat) Bremen , Alemanya
Gèneres Big band
Ocupacions Compositor
Les etiquetes Polydor (Alemanya) James Last (també conegut com "Hansi" ) (nascut Hans última , 17 abril 1929) és unalemany i compositor de big band líder. El seu "música alegre" va fer seus nombrososàlbums best-sellers a Alemanya i el Regne Unit . La seva composició, " Happy Heart ", es va convertir en un èxit internacional en la interpretació de Andy Williams i Petula Clark .D'acord amb l' Singles i àlbums d'èxit britànic llibre, segons els informes, ha venut més de setanta milions d'àlbums a tot el món. [ 1 ] El pare de passat va ser un funcionari del departament d'obres públiques de la ciutat de Bremen i ell va créixer en el suburbi de Sebaldsbrück. Va aprendre a tocar la piano departir dels 12 anys, després va canviar a contrabaix com un adolescent . La seva ciutat natal va ser fortament bombardejada en la Segona Guerra Mundial i va córrer missatges als llocs de comandament de defensa aèria durant les batudes. Als 14 anys es va inscriure alBückeburg Escola de Música Militar de l'alemany Wehrmacht . [ 2 ] Després de la caiguda dels nazis , es va incorporar a Ràdio Dance Orchestra Bremen de Hans-Gunther Österreich el 1946. El 1948, es va convertir en el líder de l' última Becker Ensemble , que realitza des de fa set anys. Durant aquest temps, va ser votat com el millor baixista al país per un alemany de jazz enquesta durant tres anys consecutius, 1950-1952. Després de l'última Becker Ensemble dissoldre, va esdevenir el coordinador financer de la casa de Polydor Records , així com per una sèrie d'estacions de ràdio europees. Durant la següent dècada, va ajudar a organitzar èxits per artistes com Helmut Zacaries , Freddy Quinn , Lolita , Alfred Hause i Caterina Valente . Darrers primers àlbums editats als EUA en virtut dels títols de la patrulla nord-americana a la Warner Brothers al voltant de 1964. Ell també va donar a conèixer una sèrie de nou àlbums en una sèrie anomenada Clàssics al dia vols. 1-9 que va servir fins arranjaments de melodies clàssiques amb cordes, el ritme i el cor sense paraules des de mitjans de la dècada de 1960 fins a principis de 1970. Darrera tret un disc, ballant sense parar , el 1965, un enregistrament de breus interpretacions de cançons populars, tots units per un ritme de ball insistent i sorolls de multituds. Va ser un èxit i va ajudar a fer-ne un gran estrella europea. Durant les properes quatre dècades, Darrera llançat més de 190 registres, entre ells diversos més volums de ball sense parar . En aquests registres, que varia la seva fórmula mitjançant l'addició de diferents cançons de diferents països i gèneres, així com artistes convidats comRichard Clayderman i Astrud Gilberto . També va tenir la seva pròpia sèrie de televisió d'èxit en la dècada de 1970 amb convidats ABBA i Lynsey de Paul . Malgrat els seus concerts i àlbums són sempre un èxit, sobretot al Regne Unit , on ell tenia 52 àlbums d'èxit entre 1967 i 1986, que el va convertir en segon lloc només a Elvis Presleyen els registres gràfics, [ cita requerida ] que ha tingut relativament pocs singles d'èxit. Al Regne Unit, els seus únics singles van ser "La Seducció", el tema American Gigolo (1980) composta per Giorgio Moroder , i "Biscaia", de l'àlbum Biscaya . Als EUA, on "The Seduction" es va convertir en un Top 40, aconseguint el lloc número 28 al Billboard Hot 100 i N º 22 a la taula de Adult Contemporani maig 1980, passada va ser una mica més d'èxit en les llistes de singles. El 2003, la seva cançó "The Lonely Shepherd", que explica la flauta de pa de Gheorghe Zamfir va aparèixer a la banda sonora de la Quentin Tarantino pel · lícula Kill Bill: Vol 1 . [ 3 ] Ha guanyat nombrosos premis populars i professionals, incloent Billboard estrella de la revista de l'Any trofeu el 1976, i ha estat guardonat per la seva trajectòria amb l'alemany ECHO premi el 1994. La seva cançó "La música de tot el Camí" (registrat per Andy Williams el 1972) és una melodia amb una sensació clàssica i va ser un èxit a tot el món, sinó que és l'única altra Darrera sola excepció de "La seducció" per arribar als EUA Hot 100, on va aconseguir el posat N º 84 (i N º 18 en la taula d'Adult Contemporani) a la fi de 1971. (La seva única altra carta sola EUA era una entrada de doble cara amb remakes de The Village Stompers '" Washington Square ", i Creedence Clearwater Revival 's " Proud Mary ", que va aconseguir el nombre 22 en la taula d'Adult Contemporani a principis de 1971.) Última té una gran base de fans a Europa i en altres llocs. La seva marca és de big band arranjaments de música pop hits, la seva sèrie de àlbums del partit és igualment ben conegut. Al llarg de la seva carrera, ha venut més de 100 milions de discos. [ 4 ] Als Estats Units, la música de passat va ser un element bàsic de la principalment instrumental basada Beautiful Music format de ràdio durant anys. Darrera divideix el seu temps entre Florida i Alemanya . Ell dóna molt crèdit a la seva esposa i fill, que s'ajuden amb la seva música.
James Last Orchestra La James Last Orchestra es una big band alemana, donde también participan instrumentos de cuerdas (violines, contrabajos, violonchelos). La orquesta fue fundada en 1964 como una orquesta de estudio, dirigida por el músico de jazz Hans Last (antiguo nombre artístico de James Last). La orquesta comenzó a viajar en 1968, y ha sido muy popular en Europa y en todo el mundo. Alrededor de 1970, la sección de ritmo fue reorganizada con un grupo de rock (guitarra solista: Helmuth Franke, guitarra rítmica: Pedro Hesslein, tambores: Barry Roy Reeves, bajo: Benny Bendorff, percusión: Christian Lembrecht y más tarde Herbert Bornholdt). Bornholdt y Hesslein eran miembros de la banda alemana de rock progresivo Lucifer's Friend (otro miembro, Peter Hecht, participó con James Last a finales de 1970), y Franke fue miembro de la banda de rock-pop Wonderland, cuyas grabaciones fueron producidas por Last. Last inicialmente utilizó muchos de los músicos que, como él, tenían su sede en Hamburgo y se emplearon regularmente por la NDR(Norddeutsche Rundfunk, o Radio Alemana del Norte) big band. Con el tiempo, muchos de los músicos de la NDR no siempre tenían tiempo de hacer una gira con la banda de Last, así que éste utilizó esta última opción para hacer la orquesta más internacional. Algunos de los mejores músicos que han participado en la orquesta de Last incluyen al violinista canadiense James Trudean Conrad; el baterista galés Terry Jenkins; el trombonista belga Georges Delagaye; el trompetista sueco Leif Uvemark; y un número de trompetistas estadounidenses como Bob Lanese, Kiefer Rick y los hermanos Chuck Findley y Findley Bob. Otro trompetista, Derek Watkins, de Inglaterra, grabó con The Beatles, participando en "Strawberry Fields Forever" y "Revolution 1". Algunos músicos son familiares: los violinistas Dmiter Pintev padre y Pintev Stefan hijo, y el matrimonio formado por Bob Coassin (trompeta, EE.UU.) y Anne- Louise Comerford (viola, Australia). Bob Coassin es ampliamente conocido en Estados Unidos. En total, cerca de 20 países diferentes están representados en la composición de la orquesta. James Last ha tenido mucha influencia en el mundo del rock y el pop, cuando organiza la música para su orquesta. Un ejemplo típico es su versión de "Here Comes the Sun", del álbum Beachparty 2, que está influida por la versión cantada por Richie Havens en la película Woodstock. La orquesta tiene una versión épica de Greensleeves, donde se aplica una combinación de los estilos de Iron Butterfly y Blood, Sweat & Tears, dos bandas que se declararon públicamente sus favoritos a finales de la década de 1960. Sus grabaciones de estudio no siempre captan la energía desatada en sus conciertos en vivo, donde una combinación de organización y talentosos músicos habilidosos dar algunos resultados sorprendentes. Sus versiones de "Nature Boy", con Chuck Findley, y "MacArthur Park", con Derek Watkins, son dos ejemplos. La famosa melodía "The Lonely Shepherd" fue grabada por vez primera por la James Last Orchestra, junto con Gheorghe Zamfir, a finales de la década de 1970. Ha sido interpretada por ésta durante más de tres décadas, y se le reconoce como una de sus melodías emblemáticas. La melodía fue elegida por Tarantino, para su película Kill Bill 1 (2003).1 En la actualidad, la orquesta suele aparecer en las presentaciones de Last. Es conocida su versatilidad en cuanto al repertorio (van desde el clásico Ave María hasta una melodía pop de Lady Gaga), y su alegre expresión física y gestual al momento de interpretar (bailes, coreografías, aplausos, gesticulaciones, expresiones especiales con los instrumentos). Otros músicos que han trabajado con la James Last Orchestra, ya sea en vivo o en disco, son los siguientes: Trompeta Leif Uvemark, Bob Lanese, Dieter Kock, Rick Kiefer, Ack van Rooyen, Gary Grant, Lennart Axelsson, Derek Watkins, Hakan Nyquist, Jan Kohlin, Bob Coassin, Chuck Findley, Bob Findley, Alex Malempre, Etienne Cap Trombón Konrad Bogdan, Wolfgang Ahlers, Horst Raasch, Georges Delagaye, Nick Hauck, Pete Beachill, Anders Wiborg, Ole Holmquist Saxofón y flauta Jo Ment, Harald Ende, Werner Rönfeldt, Stan Sulzmann, Matthias Clasen, Herb Geller Guitarra Alan Sparks, Jürgen Schröder, Big Jim Sullivan, Erlend Krauser Bajo Thomas Zurmühlen Tambores Terry Jenkins, Eggert Stefan Percusión Pablo Escayola, Raths Max, Wolfgang Schlüter Teclados y piano Thomas Eggert, John Pearce, Joe Dorff, Richard Clayderman Voz (solistas y coro) Sue Glover, Sunny Leslie, Kay Garner, Lyn Cornell, Russell Stone, Neal Lancaster, Tony Burrows, Joanne Stone, Madeline Bell, Irene Chanter, Simon Bell, Mac Kissoon, Katie Kissoon, Sonja Jones, Tracey Duncan, Ingrid Arthur, Peter Schaper, Anella Kissoon, George Chandler, Jimmy Helms, P.P. Arnold, Ruby James, Sylivia Mason James, Pearly Gates Cuerdas Eugen Raabe, Dmiter Pintev, Trudean Konrad, Gillian Catlow, Anne- Louise Comerford, Stefan Pintev, Juliane Holz, Zwetelina Haubold, Martin Lehmann, Boris Bachmann, Rebecca Thümer, Wulf Lohbeck, Kirsten Ibarra, Nadine Goussi Aguigah, Mathias Brommann, Kiki Zumach, Maria-Elena Pacheco, Katie Vitalie Ekatarina Bolotova, Adrian Bleyer, Katharina Kowalski, Dana Anka Matchin. JANET JACKSON
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Janet Jackson. Janet Jackson, la hermana menor de Michael Jackson, nació el 16 de mayo de 1966 en Gary (Indiana), en Estados Unidos.
Comenzó su carrera artística como actriz en pequeños papeles de series muy famosas como "Fama", "Differentstrokes (Blanco y negro)", como novia de Willis, y "Goodtimes", hasta que en 1982, su padre, le planteó la posibilidad de grabar un primer disco. Precisamente fue en 1982 cuando apareció el álbum "Janet Jackson" con el tema "Young love" como primer sencillo. Desgraciadamente, ni el disco ni el sencillo tuvieron aceptación y sólo se vendieron 250.000 copias.
Dos años después publicó su segundo álbum, titulado "Dream Street", con el que cosechó un resultado tan discreto como con el primer disco.
A partir de ese momento, Janet Jackson decidió marcharse a Minneapolis en busca de Jimmy Jam y Terry Lewis, dos ex-colaboradores de Prince y miembros fundadores del grupo The Time. El resultado fue un disco titulado "Control", del que se vendieron más de 14 millones de copias en todo el mundo.
En 1989 repitió su éxito con un nuevo disco titulado "Janet Jackson's Rhythm Nation 1814". Con este disco consiguió el récord récord de ser la única artista femenina que ha conseguido tener siete sencillos de un mismo disco entre los cinco primeros lugares de popularidad.
Tras firmar un contrato multimillonario con Virgin (fue la solista mejor pagada), publica en 1993 el álbum "Janet" con el que consiguió su mayor éxito en Europa y en España. Canciones como "If" y "That's The Way Love Goes" sonaron en las emisoras de radio de todo el mundo, incluso consiguió una nominación a los Oscar de Hollywood con el tema "Again".
En 1997 presentó su álbum "Velvet Rope" que arrasó en USA. El 23 de abril de 2001 vio la luz "All For You", en el que se incluye el tema principal de la película "El profesor chiflado 2", en la que Janet Jackson, además de la música, pone sus dotes interpretativas en un papel destacado.
Fuente: Todomusica JANIS JOPLIN
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Janis Joplin. (Port Arthur, 1943-Los Ángeles, 1970) Cantante estadounidense. Destacó como intérprete, dramática y desgarrada, de rock y, sobre todo, de blues, influenciada por B. Smith y por B. Holiday.
Fuente: Biografias y Vidas JARABE DE PALO
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Jarabe de Palo. Jarabe de Palo es un grupo compuesto por Alex Tenas, Jordi Mena, Maria Roch, Daniel Forcada, Toni Saigi y el líder, Pau Donés, el solista y compositor.
Pau comenzó en el mundo de la música con quince años, cuando junto a su hermano Marc formaron el grupo 'J.& Co.Band' y más tarde 'Dentaduras Postizas'. Compaginaba conciertos en locales nocturnos de Barcelona con su trabajo en una agencia de publicidad.
Hasta que un día llegó la inspiración en forma de mujer. En un viaje que realizó a Cuba la conoció. Ella representaba el ritmo de la isla, el sabor y el ambiente cubano. El resultado: 'La Flaca', la canción más oída del año y un fenómeno de masas desde su lanzamiento promocional Tras una gira trinfal, dos años después del primer álbum comienzan con la grabación del segundo disco. 'Depende', con el reto de conservar la frescura de su anterior trabajo. Para ello, su productor Joe Dworniak se los llevó a los estudios Moody, de Londres y estuvieron trabajndo durante dos meses, con algunas colaboraciones como la de Ketama.
En el disco se mezclan sonidos de rock, junto a sones latinos, cubanos y flamencos. Las canciones fueron compuestas por Pau Donés y hay una pequeña participación de Celia Cruz en el tema 'A lo loco'.
En 2001 Jarabe de palo publica "De vuelta y vuelta". En este disco, Pau Donés vuelve a demostrar que está de vuelta de todo. Jarabe de palo consigue crear un producto de calidad en el que mezcla rock y temas más aflamencados. Además, han contado con las colaboraciones de Antonio Vega, Jovanotti y Vico. En el primer videoclip del álbum aparecía Pau Donés afeitándose la cabeza.
Para el 2004 Pau Donés y sus chicos de Jarabe de palo publican un nuevo álbum, de título "Bonito". La portada de este quinto disco es el reflejo de nuevas canciones más vitalistas y positivas, dejando a un lado ese cierto existencialismo de su anterior disco. Pop- rock con gotitas de blues siempre personal y muy fresco.
En noviembre de 2004 aparece el disco " 1 m²". Este disco ha contado con importantes colaboraciones artísticas de la talla de Lucrecia o Jorge Drexler. Y cabe destacar la que ha hecho con la legendaria Chrissie Hynde, cantante de los míticos The Pretenders. El tema se llama Cry (If you don’t mind) y es la canción que ha unido en un estudio de grabación una banda de rock latino como Jarabe de Palo con la voz de una banda de rock anglosajón como es Chrissie Hynde, y combinando la lengua inglesa con el ritmo de bulerías.
Fuente: Todomusica Jennifer Lopez.
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Jennifer Lopez. Jennifer López se ha convertido en la actriz latina mejor pagada de Hollywood, con un caché de más de un millón de dólares por película. Además, es una de las cantantes latinas más conocidas en todo el mundo, lo que la convierte en una de las jóvenes artistas más completas.
Jennifer Lopez nació el 24 de julio de 1970 en el Bronx neoyorkino, en una familia de emigrantes puertoriqueños. Su padre era informático y su madre trabajaba en una guardería cuidando niños.
Desde muy pequeña, la meta de Jennifer López fue ser artista. Con ese objetivo, sus primeros pasos la llevaron a actuar en musicales, y a tener un papel secundario en la película 'My little girl'.
Pero su gran oportunidad le surgió tras ganar un concurso para trabajar en un espectáculo de Rosie Pérez, titulado 'Fly Girls'. Gracias a este trabajo, muchos ojos se fijaron en ella, entre otros, productores de cine y televisión. Le surgieron varios papeles en series de televisión y se mudó a Los Angeles para intentar abrirse camino en Hollywood.
Tras aparecer en varias series ('Melinda López', 'Malibu Road', South Central', 'Nurses in the line', etc), le ofrecen en 1995 un papel para aparecer en la película 'My Family', donde se narraba la historia de una familia de emigrantes mexicanos en Estados Unidos.
Posteriormente trabajó junto a Wesley Snipes y Woody Harrelson en la película 'Asalto al tren del dinero' y en 'Jack', junto a Robin Williams. Su mayor éxito llegó al interpretar el papel de la cantante Selena, muerta en extrañas circunstancias.
En 1997 se casó con el modelo Ojani Noa, del que se divorció al año siguiente.
En 1999 debuta como cantante, con el álbum 'On the 6', logrando situarse en los primeros puestos de las listas, vendiendo más de un millón de copias. El disco llevaba el sello de Emilio Estefan y se la llegó a considerar como la nueva Gloria Estefan.
En el 2001 publica 'J.Lo', un disco que resulta ser un tremendo éxito entre sus incondicionales fans y dando lugar a un disco de mezclas un año después, titulado 'J.To The L-O'.
A finales del 2002, la flamante Premio MTV Europa a la "Mejor Artista Femenina del 2002", Jennifer Lopez regresa con la carga sensual a la que nos tiene acostumbrados, y darnos lo mejor de sí. En menos de 4 años, las ventas mundiales de Jennifer López superan los 25 millones de copias. Los últimos 5 singles de Jennifer han entrado en el Top 5 de las listas de ventas en todo el mundo.
Fuente: Todomusica Jerry Lee Lewis
Jerry Lee Lewis (Ferriday, Louisiana, 29 de setembre de 1935) és un cantant i pianista nord-americà de Rock and roll, bugui- bugui icountry entre altres estils. També es conegut amb el sobrenom de "The Killer".
Va néixer en una família pobra i cristiana, fill d'Elmo i Mamie Lewis. Té dues germanes, Linda Gail Lewis (també cantant de country i rock'n'roll) i Frankie Jean Lewis. Els seus pares, en descobrir que tenia un gran talent tocant el piano. El Jerry va començar a anar a classes de piano i ben aviat va començar a desenvolupar el seu estil que tan el caracteritza. La seva primera actuació en públic fou l'any 1949, amb l'edat de 14 anys, tocant "Drinkin' Wine Spo-Dee-O-Dee" i es decantava clarament pel blues, el jazz, el country i el boogie woogie. Uns pocs anys després, Jerry va anar a estudiar a un col·legi cristià a Waxahatchie, Texas, però ben aviat el van expulsar per tocar música religiosa amb ritme de rock'n'roll. El 1952 es va casar per conveniència amb Dorothy Barton, tot i que el matrimoni no va funcionar massa bé. Estan casat amb Dorothy, Jerry Lee va deixar embarassada a Jane Mitcham, i els pares de Jane Mitcham van obligar-lo a casar-se amb la seva filla. D'aquesta manera el Jerry estava casat amb dues dones a la vegada. El Jerry i la Jane van anomenar al seu fill Jerry Lee Lewis Jr. Els 50: Entrada a la Sun Records i èxit absolut L'Elmo va començar a portar al Jerry a tocar pels pobles propers per guanyar diners. El 1954 va gravar dues cançons per una emissora de radio de Louisiana i va resultar un gran èxit, de manera que el 1956 va decidir anar a Memphis, Tennessee, per poder gravar un disca Sun Records, igual que havia fet recentment Elvis Presley, tot i que desafortunadament el Sam Phillips, amo de Sun Records estava de viatge. Tot i així el Jerry va convèncer un dels treballadors de Sun Records, el Jack Clement, i va poder gravar dues cançons, "Crazy Arms" (un dels èxits country del moment) i "End of the Road" (un rock 'n' roll compost pel propi Jerry). Li van dir que tornés a anar a la Sun Records i juntament amb les altres tres grans estrelles del moment (Elvis Presley, Carl Perkins iJohnny Cash) van gravar un disc de gospel i country. El Sam Phillips els va anomenar com el Million Dollar Quartet. El 1957, Jerry Lee i el seu grup van enregistrar el seu primer disc d'èxit, "Whole Lotta Shakin' Goin' On". La cançó, que tenia una lletra molt suggeridora, va ser prohibida en algunes emisores radiofòniques i els predicadors volien censurarla, alegant que el rock 'n' roll era la música del dimoni, i Whole Lotta Shakin' ja havia estat el detonant final. El 28 de juliol de 1957, el Jerry va tocar el Whole Lotta Shakin' al programa de Steve Allen, un dels programes televisius amb més audiència de l'època als Estats Units. Mai fins a aquell dia ningú havia tocat el piano d'aquella manera; Jerry va tirar la cadira a terra i va acabar totalment despentinat. “Whole Lotta Shakin'” ja era número 1 en les llistes de pop, western & country i Rhythm and blues. Jerry Lee ja s'havia assegurat un lloc entre els millors cantants de rock'n'roll de la història. El desembre de 1957 va treure la seva cançó més coneguda, "Great Balls of Fire", juntament amb la balada country "You Win Again". A partir de llavors Jerry va desaparèixer totalment del panorama musical, tot i intentar-ho amb "Lewis Boogie", "Wild One", "Lovin' Up a Storm" o altres gravacions. El 1959 va tenir un fill amb Myra, Steve Allen Lewis. El 1962 va tornar a Anglaterra, quatre anys després del seu fracàs, aquesta vegada amb més èxit, tocant els seus "hits" dels 50. Si Jerry no en tenia prou amb els seus problemes musicals, la tragèdia va començar a entrar en la seva vida, quan Steve Allen Lewis es va ofegar i va morir a la piscina de casa, amb només 3 anys. Un any després, el 1963, va acabar el seu contracte amb la Sun Records i va firmar per Smash-Mercury Records. Durant els 60 va acaparar bastant èxit a Anglaterra, encapçalat per una nova cançó de rock'n'roll, "I'm On Fire". Però no va ser fins a finals de la dècada quan va tornar a triomfar altra vegada, tot i que aquesta vegada ho faria amb cançons country. Les més reeixides foren "Another Place, Another Time" el 1968 i "She Even Woke Me Up To Say Goodbye" el 1969. El Jerry, s'havia convertit en una estrella de la música country, sense oblidar del tot el rock 'n' roll. Aquell mateix any es va divorciar de Myra i es casaria amb Jaren. Els 70: Tragèdies entre èxits El 1973 el seu primer fill, Jerry Lee Lewis Jr., morí a causa d'un accident de cotxe.[1] També aquell any va tenir un gran èxit amb la cançó "Chantilly Lace". Del matrimoni amb la seva quarta dona va tenir una filla, Phoebe Lewis, que és cantant i també ha estat actuant alguna vegada amb el seu pare. El 1976, en la seva festa d'aniversari (feia 41 anys) va disparar "sense voler" al baixista del grup, Butch Owens. Entre problemes d'alcohol i drogues,[2] Jerry va seguir fent cançons d'èxit de boogie woogie, country i rock'n'roll que van aconseguir molta popularitat, com "Boogie Woogie Country Man" el 1975, "Middle-Aged Crazy" el 1977. Però el 1978 va deixar Mercury per signar amb Electra Records. Un temps després Jaren va morir ofegada a la piscina, igual que el seu segon fill. El 1979 va tornar a triomfar altra vegada amb la cançó "Rockin' My Life Away". Si els 70 van ser complicats per la vida personal del Jerry, als 80 la mala sort i la desgràcia van seguir amb ell. El 1983 es va casar amb la seva cinquena dona, Shawn, i només dos mesos després del casament, la tragèdia va tornar una vegada més a la vida del cantant i aquesta va morir per sobredosi de metadona. Jerry, addicte a les drogues, i espantat pel que havia succeït va decidir anar voluntàriament a la clínica de desintoxicació Betty Ford.[3] Deixant de banda la vida personal, el 1983 va fer dos concerts espectaculars, un a Austin, Texas, i l'altre a Londres i va aconseguir dos èxits nous amb el country: "Over The Rainbow" el 1980 i "Thirty-Nine and Holdin'" el 1981. Tot i que el seu contracte amb Electra estava vigent també va gravar amb MCA Records altres èxits seus de l'època com "I Am What I Am" el 1985, i el 1986 a la Sun Records, en companyia del Carl Perkins, Johnny Cash i Roy Orbison, un disc anomenat "Class of 55". El 1987 es va casar per sisè cop amb Kerrie McCarver, que tenia 22 anys.[4] Van tenir un fill, a qui van anomenar Jerry Lee Lewis III. El 1989 es va estrenar la pel·lícula "Great Balls of Fire!" que relatava la seva biografia des que va entrar a la Sun Records fins a la seva desafortunada gira per Anglaterra. La pel·lícula va suposar un gran èxit i va donar a conèixer Jerry a tot arreu. Jerry Lee Lewis va ser interpretat per l'actor Dennis Quaid, mentre que una jove Winona Ryder interpretava el paper de Myra. Les cançons de la pel·lícula foren enregistrades pel propi Jerry, i van treure un nou vinil amb les noves versions de “Great Balls of Fire” i “Breathless”. La dècada de 1990 va ser una època tranquil·la. No hi va haver morts ni tragèdies. Però tot i així el Jerry seguia omplint pàgines de lapremsa del cor, quan el 1993 es rumorejava que estava sortint amb una noia adolescent quan seguia casat amb Kerrie. El 1995 va treure dues noves cançons, "Goosebumps" i "Young Blood". El 2002 es va separar de Kerrie McCarver,[5] i el 2006, amb 71 anys estrenava el seu nou treball, “Last Man Standing”, que inclou 20 cançons amb duets històrics amb Bruce Springsteen, Jimmy Page, Kris Kristofferson, Little Richard, Ringo Starr i Keith Richards entre d'altres.[6] La cançó més destacada del disc és una versió pròpia de "Rock and Roll", original de Led Zeppelin, acompanyat amb el guitarrista Jimmy Page. JIM MORRISON
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Jim Morrison. Hijo de un militar de la marina estadounidense, desde niño su familia debió trasladarse a varias ciudades de Estados Unidos y vivir en diversas bases militares. Después de marcharse de su hogar a edad temprana, estudió cine en la UCLA(Los Ángeles), donde vivió en la playa, y se dedicó a su primera y más fuerte vocación: la poesía.
En 1965, luego de graduarse en la universidad de California, tuvo un encuentro casual con Ray Manzarek,ex compañero de clase y ahora colega. Como un medio de difusión para su poesía es que acepta formar, junto con Manzarek en los teclados, Robbie Krieger en la guitarra y John Densmore en la batería, el grupo californiano The Doors, cuyo nombre está inspirado en una cita de William Blake: «Si las puertas de la percepcion permanecieran abiertas apareceria al hombre todo tal cual es, infinito».
Después de dar muchos conciertos por locales de Los Angeles, consiguieron un contrato para tocar en un pub conocido como "Whiskey a go go". Noche tras noche tocaban sus tema más populares, entre los que se encontraba "The End", tema compuesto por Morrison, el cual terminaba la canción cada noche con una estrofa distinta. Una noche, se presentó algo tarde y en un estado etílico; les dijo a sus compañeros que empezarían la función con "The End". Ya al final de la canción, y mientras sus amigos tocaban expectantes, Morrison entonó el edípico verso:
-Father? {¿Padre?} -Yes, son? {Sí, hijo.} -I want to kill you... {Te quiero matar.} -Mother? {¿Madre?} -... {...} -I want to ... FUCK YOU!!!. {Quiero... ¡¡FOLLARTE!!} Para el dueño del local aquello fue demasiado y les echó del local, mientras, según se cuenta, todo el público gritaba de emoción. Paul Rothchild, productor y por aquel entonces dueño de la empresa discográfica Elektra Records, se encontraba allí aquella noche y siguió al grupo hasta la puerta de atrás, donde les mostró su admiración y les propuso grabar un disco cuanto antes. En 1967 el grupo estrenó su primer álbum. El sencillo Light my Fire se mantuvo durante mucho tiempo a la cabeza de popularidad en la revista Billboard.
Cabe resaltar el dramático cambio que experimentó hasta convertirse en la estrella del grupo The Doors. Durante su infancia y adolescencia Morrison tuvo muchos problemas de personalidad, los cuales hicieron que fuera una persona muy insegura. Su mayor obstáculo para unirse al grupo fue que sufría miedo escénico. Sus primeros conciertos los hizo dándole la espalda al público. Esto le llevó a hacer uso de drogas antes de cada concierto. Fue tanto el impacto que tuvieron en él las drogas, que hicieron que se volviera un experto en el tema, en especial con el peyote, interesándose en el Chamanismo. Incluso realizó un tratado sobre éstas.
Jim Morrison consumía cuatro tipos de drogas (LSD, cocaína, cannabis y peyote), y a pesar de que murió de una sobredosis, él siempre defendió su uso. Su actitud provocadora en escena, perturbando el orden público, hizo que sus conciertos fueran prohibidos en varias ciudades de los Estados Unidos. En 1970,a raíz de una actuación en la que algunos asistentes, aunque no hubo pruebas gráficas fehacientes, afirman que enseñó su pene y simuló una masturbación (entre otras cosas), fue llevado a juicio, y en 1971 corría el riesgo de ser condenado a prisión, cuando decide abandonar la música y radicarse en París, donde se dedicaría por completo a su mayor inclinación: escribir. Actualmente su tumba, en el Cementerio Père-Lachaise, es la cuarta atracción turística más visitada de París.Es importante hacer notar que Morrison abandona la carrera musical en su mayor pico de popularidad, y cuando The Doors estaba convirtiéndose en el único grupo norteamericano que competía en éxito con las grandes bandas británicas como The Beatles o The Rolling Stones.
Con su nombre verdadero, James Douglas Morrison ya había publicado tres libros de poemas de elevado lirismo y singularidad: The Lords (Los Dioses), The New Creatures (Las Nuevas Criaturas), An american prayer (Un reverendo americano).
Estos libros tienen la complejidad de poder leerse como filosofía y, por momentos, como ensayos sociológicos o manifiestos conceptuales.
En 1971 Jim Morrison fue encontrado muerto en la tina de su departamento del Barrio de Marais en París. La autopsia oficial declaraba que murió por un paro cardiaco. Existen personas que ponen en duda la versión oficial de la muerte del músico, ya que las circunstancias fueron algo extrañas. Se dijo que el padre de Jim sacó el cuerpo de su hijo del cementerio para llevarlo a Estados Unidos, pero fuentes de Père Lachaise aseguran que nadie se puede llevar un cuerpo del cementerio sin que la administración del cementerio lo sepa.
Fuente: Wikipedia Jimi Hendrix
Jimi Hendrix. Jimi Hendrix nació en Seattle (Estados Unidos) en 1942. Su infancia la vivió con su abuela y con su padre, tras la separación de sus progenitores.
Cuando tenía diecisiete años, su padre le compró su primera guitarra eléctrica. Como era zurdo, tuvo que adaptar las cuerdas de forma que le resultara más fácil tocar. Empezó a destacar como un virtuoso de la guitarra, pero se vio obligado a abandonar la escuela para ayudar a su padre en el trabajo y, finalmente, se alistó en el ejército, donde conoció a Billy Cox.
Los dos amigos comenzaron a colaborar con varias bandas, recorriendo muchas ciudades a lo largo de los Estados Unidos.
En 1966, uno de los miembros de 'The Animals', Chas Chandler, se fijó en él y llegaron a un acuerdo para que fuera su mánager.
Juntos, crearon el grupo 'The Jimi Hendrix Experience', con el que grabaron cuatro álbums y un montón de recopilaciones y discos en directo.
Anteriormente, Hendrix había colaborado como guitarrista con artistas de la talla de Sam Cooke, Ike & Tina Turner o los Isley Brothers.
Uno de sus momentos cumbres lo vivió durante el concierto de Woodstock de 1969, cuando le prendió fuego a su guitarra, arrodillándose ante ella y levantando los brazos como si estuviera en trance.
Las presiones de las giras y las actuaciones llevaron a Jimi Hendrix a utilizar drogas y estimulantes para mantener su nivel en los conciertos. En 1969 la banda se disolvió y Jimi Hendrix comenzó a tocar en solitario, pero sólo fue hasta el 18 de septiembre de 1970, el día en que falleció víctima de una sobredosis de heroína. La muerte le pilló trabajando en el que sería su quinto álbum, 'First Rays of The New Rising Sun'.
Fuente: Todomusica Jimmy Fontana
Datos generales
Nombre real Enrico Sbriccoli
Nacimiento 13 de noviembre de 1934 Camerino, Italia
Muerte 11 de septiembre de 2013 (78 años) Roma, Italia
Ocupación Cantante, compositor y actor
Información artística
Género(s) Canción melódica
Instrumento(s) Voz Período de 1961 - 2013 actividad
Artistas Miranda Martino relacionados
Jimmy Fontana, nombre real Enrico Sbriccoli (Camerino, provincia de Macerata, 13 de noviembre de 1934 - Roma, 11 de septiembre de 2013)1 fue un cantante y actor italiano que conoció su momento de mayor popularidad en los años 1960.2 En 1961 participó en el Festival de San Remo en dúo con Miranda Martino cantando el tema Lady luna, compuesto por el maestro Armando Trovaioli y Dino Verde. Su primer éxito fue Non te ne andare (1963), y poco más tarde su internacional Il Mondo(1965), canción que ha conocido múltiples versiones en voces de otros artistas. Él mismo grabó en su voz las versiones en castellano (El mundo) y en catalán (El món). Fue grabada en un EP en catalán en 1965 junto a tres canciones más de Gianni Morandi, Rita Pavone y Donatella Moretti. [2]. También Los Mustang grabaron una versión en castellano de Il Mondo.3 La mia serenata es el disco del verano en Italia en 1967, y en el Cantagiro de 1969 presenta La nostra favola, versión italiana de la canción de Tom Jones de título originalDelilah. En 1970 consiguió un nuevo éxito con L'amore non è bello (se non è litigarello), sintonía del programa televisivo "Signore e signora", con Delia Scala y Lando Buzzanca. Después de un período de alejamiento de los éxitos en los años 70, vuelve en 1979 conIdentikit, sintonía de la serie televisiva "Gli invincibili", que obtiene un discreto éxito, confirmado con Beguine, que es presentada en el Festival de San Remo de 1982. En los años posteriores formó el grupo los "Superquattro", junto a Gianni Meccia, Nico Fidenco y Riccardo Del Turco, con los que participó en muchos programas de la televisión italiana. Fontana fue autor de numerosas canciones, en pareja a dúo con Gianni Meccia, para su voz y para las de otros artistas: el tema más famoso es Che sarà, que popularizaronJosé Feliciano y el grupo Ricchi e Poveri en el Festival de San Remo de 1971.4 También trabajó como actor en películas musicales. Falleció el 11 de septiembre en Roma, a los 78 años. La hija Andrea Sbriccoli, por medio de una agencia Ansa, desmintió la noticia sobre una larga enfermedad del padre. La muerte se produjo de manera improvisa durante "una gira de 5000 kilómetros, por toda Italia, con conciertos siempre repletos de gente que lo querría mucho. El último concierto fue en Terni el domingo 8 de septiembre; nos esperaban el sábado 14 en nuestra región, las Marcas, día en que desgraciadamente celebraremos su funeral. Su fallecimiento se debió por una súbita fiebre alta provocada por una infección dental".5 JOAN BAEZ
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Joan Baez. (Nueva York, 1941) Cantante folk estadounidense. Figura clave del movimiento de la canción protesta en Estados Unidos durante la década de 1960, sus inicios musicales se orientaban hacia el bel canto, a causa de su voz portentosa, aunque acabó abandonándolo para dedicarse a la música popular. Su fama ha estado muy vinculada a su activismo político, el cual le ha valido algunas estancias en la cárcel. Su oposición a la intervención estadounidense en Vietnam, su lucha contra la discriminación racial y sexual y el apoyo constante al tercer mundo, han tenido un claro reflejo en su música. Play Me Backwards es considerado por la crítica como el mejor disco de su carrera. Sus primeras canciones fueron temas compuestos por Bob Dylan, por quien la cantante sentía una gran admiración, aunque ya en la década de 1970 Baez se lanzó a componer temas como Diamonds and Rust. Posteriormente su figura ha ido perdiendo actualidad, aunque ha sabido mantener su carácter y popularidad.
Fuente: Biografias y Vidas JUAN MANEL SERRAT
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Joan Manuel Serrat. Joan Manuel Serrat nació el 27 de diciembre de 1943 en Poble Sec (Barcelona), en el seno de una familia obrera de la postguerra española.
Cursó estudios de Perito Industrial a la vez que tocaba la guitarra. En 1964 se presenta en un programa de Radio Barcelona para interpretar una de sus canciones. Poco tiempo después le llaman para ofrecerle un contrato y grabar su primer disco.
Serrat fue uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la 'Nova Cançó' catalana. En 1968 se anuncia que Serrat será el representante de España en el Festival de Eurovisión, con el tema 'La, la, lá', un guiño de la dictadura a las nuevas generaciones rebeldes. Pero esas generaciones no se dejan comprar fácilmente y Serrat anuncia que no actuará si no le permiten cantar en catalán, lo que le valió un prolongado veto en la televisión nacional. Su puesto en el Festival fue cubierto por una jovencísima Massiel que se llevó el premio con el mismo tema de Serrat. En 1969 nace su primer hijo, Queco y realiza su primera gira por sudamérica, repitiendo un año después. Publica un disco titulado 'Dedicado a Antonio Machado' y en 1970 'Mi niñez'.
A finales de 1970 se encierra en el Monasterio de Montserrat, en Barcelona, junto a un buen puñado de intelectuales y artistas, en señal de protesta por el proceso de Burgos y en contra de la pena de muerte.
En 1971 publica uno de sus discos más importantes: 'Mediterráneo'. Para entonces Serrat se había convertido en uno de los principales símbolos de la libertad, tanto en España como en América Latina.
Un año después vuelve a rendir tributo a uno de los grandes poetas de las letras hispanas: 'Miguel Hernández' es el título. Finalmente, en 1974 se le retira el veto en Televisión Española.
En 1975, a raíz de unas declaraciones suyas, tuvo que exiliarse durante un año, debido a la orden de busca y captura que se emitió contra él. Además, muchos de sus trabajos fueron retirados y censurados con el régimen. En 1981 publica 'En tránsito', con el que consigue situarse en lo más alto de las listas españolas. En 1983 sale a la luz 'Cado loco con su tema' y realiza una gran gira por Sudamérica excepto en Chile, donde es censurado por Pinochet.
En los años siguientes publica 'El sur también existe', 'Bienaventurados', 'Utopía' y 'Nadie es perfecto'. En 1996 se une a Victor Manuel, Ana Belén y Miguel Ríos para realizar una gira por toda España en el espectáculo titulado 'El gusto es nuestro', obteniendo un éxito apoteósico en todas las ciudades en las que actuaron.
En 1988 publicó 'Sombras de la China', un disco mayúsculo en su carrera.
Por fin, después de muchos años el maestro Miralles vuelve a trabajar con Serrat en los arreglos y la orquestación de los temas que componen su nuevo álbum, 'Versos en la boca', una colaboración que décadas atrás produjo verdaderas obras maestras de la música española. Para entendernos, como el George Martin de los Beatles. Música pensada para sublimar las mejores letras de la música española.
Fuente: Todomusica JOAQUIN SABINA
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Joaquin Sabina. Joaquín Sabina nació en Ubeda (Jaén) en 1949, hijo de un policía. A los catorce años comienza a escribir versos y a tocar con unos amigos.
En 1968 Joaquin Sabina inicia estudios en la Universidad de Granada, pero los deja poco después para exiliarse en Londres, donde vivió como okupa y colaboró con otros exiliados en movimientos culturales y teatrales.
En 1975 Joaquín Sabina comienza a componer canciones y a tocar en locales. En 1977, tras la dictadura, regresa a España, donde tiene que realizar el servicio militar.
Por fin, en 1978, se publica el primer disco de Sabina, 'Inventario', consiguiendo el número uno con el tema 'Pongamos que hablo de Madrid'.
A continuación, Joaquín Sabina edita 'Malas compañías' y el álbum grabado en directo 'La mandrágora', con los que provoca un pequeño escándalo debido a los temas que toca en sus canciones. Recordemos que en España se acababa de salir del fascismo y en el aire quedaban restos de viejos olores.
Sus personajes preferidos son aquellos que nunca triunfarán: los borrachos, las prostitutas, los ladrones de barrio... Le gusta hablar de aquello que va contra las reglas y contra lo que se considera 'moralmente correcto'.
En 1983 publica 'Ruleta rusa' y dos años después 'Juez y parte'. Sus inquietudes políticas le llevan a participar en la campaña anti-Otan. Trabaja con Viceversa en el disco 'Joaquín Sabina y Viceversa'.
En 1987 se publica 'Hotel, dulce hotel', que resultó un gran éxito de ventas en España. Exito que repitió al año siguiente con 'El hombre del traje gris', que le sirvió para dar una gran gira por Sudamérica.
En 1990 publica 'Mentiras piadosas' y en 1992 'Física y química', con el que obtuvo unos espléndidos resultados y que le llevó de nuevo a recorrer el continente americano.
Consigue nuevos discos uno con 'Esta boca es mía' y 'Yo, mi, me, contigo'. En su trabajo '19 días y 500 noches', a pesar de notarse en su voz los excesos cometidos con el tabaco, nos presenta un álbum lleno de muy buenas canciones.
Tras recuperarse de una grave enfermedad, nos trajo un nuevo disco de estudio: 'Dimelo en la calle'. Grabado entre octubre del 2001 y septiembre del 2002, la producción fue realizada por dos fieles colaboradores y conocedores de Joaquín Sabina, como son Antonio García Diego y Pancho Varona. El disco cuenta con la colaboración de Pasion Vega a los coros de "La canción más hermosa del mundo" y la de Santiago Segura que canta a dúo con Sabina "Semos Diferentes", canción que se incluye como Bonus Tracks. En total 14 canciones entre las cuales encontramos un son en "Ya Eyaculé", un tango en " Yo también se jugarme la boca" o un rock en "Vamos pa'l Sur".
En 2003 publica "Diario de un peatón", un doble CD que incluye su disco "Dímelo en la calle" y otro CD con 12 nuevas canciones y sus dos últimos videoclips en una pista multimedia interactiva. Todo en un formato de lujo con un libreto ilustrado por el propio Sabina.
En 2005, después de tres años volcado en su actividad literária y poética, en los que Joaquín Sabina no ha grabado ningún material nuevo, reaparece rodeado de un grupo de excelentes colaboradores. El título del nuevo trabajo de Joaquín Sabina es "Alivio de luto", en el que además se incluye un DVD con entrevistas y versiónes acústicas y caseras.
Fuente: Todomusica Joe Cocker.
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Joe Cocker. Joe Cocker nació el 20 de mayo de 1944 en Sheffield, Inglaterra. En sus inicios trabajaba como fontanero, a la vez que por las noches se dedicaba a lo que realmente le gustaba, que era cantar en bares nocturnos.
Junto a Chris Stainton, grabó su primer tema, 'Marjorine'. Pronto grabaron su primer álbum completo, 'With a Little Help From My Friends'.
En 1969 participó en el festival de Woodstock y, tras una gira por los Estados Unidos, grabó un nuevo álbum titulado 'Joe Cocker', producido por Leon Russell. Este disco fue muy aplaudido por la crítica y por el público, y le obligó a realizar una gira que duró dos años.
Entre 1971 y 1974, Joe Cocker tuvo varios problemas por abuso de drogas y de alcohol. En este período publicó varios discos, entre los que se encuentran 'I Can Stand a Little Rain', 'Stingray' y 'Jamaica, Say You Will'. Ninguno de ellos brilló excesivamente, aunque dejaron alguna buena canción como 'Fun Time' y 'You Are So Beautiful'
Durante los siguientes cuatro años Cocker no publicó ningún disco nuevo, aunque continuó actuando en pequeños locales nocturnos.
El resurgir vino con el disco 'A Luxury You Can Afford', donde rescata algunos de sus mejores temas. El siguiente disco fue 'Sheffield Steel', donde la voz grave de Cocker interpretaba temas que mezclaban rock con soul.
Los siguientes lanzamientos fueron 'Joe Cocker Live', 'Unchain My Heart', 'Have a Little Faith' ... Estos trabajos le valieron cuatro nominaciones consecutivas en los Grammys como mejor voz masculina de rock.
En 1991 publicó un estupendo 'Night Calls' y en 1995 la A&M Records publicó una caja de cuatro CD's en la que se recopilan los mejores trabajos de Joe Cocker junto con algunos temas inéditos pero de gran calidad. Posteriormente, Sony Music ha sacado 'Organic', un disco en el que Cocker interpreta alguno de sus viejos temas pero con sonidos actualizados.
Fuente: Todomusica John Lennon
John Lennon. John Lennon nació el 9 de octubre de 1940, en Liverpool, Inglaterra. Su padre era Fred Lennon, un marino que abandonó su familia al nacer John. Su madre era Julia Stanley, quien, al verse sóla, dejó a John junto a su hermana Mimi.
Gracias a su talento artístico consiguió acceder a la universidad, para cursar la carrera de arte. Allí conoció a Cinthia Powell, con la que se casó en 1962. Se divorciaron tres años después, no sin antes haber tenido un hijo llamado Julian.
De adolescente, John creó su propia banda de skiffle, llamada "The Quarrymen", con los que actuaba en el colegio. Poco después conoció a Paul McCartney, al que le propuso unirse al grupo. Este le presentó a su vez a George Harrison y John propuso cambiar el nombre del grupo por 'The Beatles'
Con los Beatles cosechó grandes éxitos, y consiguió millones de fans. Los éxitos de los Beatles duraron hasta 1970, fecha en la que Paul McCartney decide alejarse del grupo. A partir de entonces John Lennon comienza su carrera en solitario comprometiéndose a exteriorizar sus propias ideas. Fruto de ese trabajo creativo fue el disco titulado 'Imagine', un sueño de un mundo mejor.
A partir de entonces comenzó a ofrecer conciertos benéficos, acompañado en muchas ocasiones por su nueva esposa Yoko Ono. Comenzó a platicar en favor de la paz y en contra de la guerra de Vietnam y realizó colaboraciones con varios artistas.
En 1975 nació el segundo hijo de John, llamado Sean, fruto de su unión con Yoko Ono. Se retiró temporalmente de la vida artística para dedicarse a cuidar a su hijo.
En 1980 publicó 'Double Fantasy', compuesto íntegramente por él mismo. Un nuevo disco con el que rompe records. Estaba en un gran momento profesional. Pero justamente entonces, el 8 de diciembre de 1980, cuando John y su mujer, Yoko, regresaban de una fiesta, Mark Chapman disparó cuatro tiros en el pecho de John, quien moriría mientras era llevado al hospital.
Muchas personas se lamentan de aquel día, no sólo porque perdieron a uno de los mejores cantantes de todos los tiempos, sino porque también perdieron a la persona que mejor transmitía sus sentimientos.
Fuente: Todomusica Johnny Cash
Datos generales
Nombre real John Ray Cash1
Nacimiento 26 de febrero de 1932 1
Origen Kingsland, Arkansas, Estados Unidos 1
Nacionalidad Estadounidense
Muerte 12 de septiembre de 2003 ( 71 años) Nashville, Tennessee , Estados Unidos 1
Cónyuge Vivian Liberto (1954- 1967) June Carter Cash (1968-2003)
Hijos Rosanne, Kathy, Cindy, Tara, John Carter Cash
Ocupación Cantautor
Información artística
Tipo de voz Bajo-barítono
Otros El hombre de negro nombres («The Man in Black»)1
Género(s) Country, gospel, rock and roll,rockabilly
Instrumento( Guitarra s)
Período de 1954—2003 actividad
Discográfica( Sun Records s) Columbia Records Mercury Records American Recordings
John Ray Cash (Kingsland, Arkansas, 26 de febrero de 1932 – Nashville, Tennessee,12 de septiembre de 2003) fue un cantautor y actor estadounidense, ampliamente considerado como uno de los músicos más influyentes de la música popular del siglo XX.2 3 Aunque su carrera musical se centró en la música country, sus canciones abarcaron múltiples géneros musicales como el rock and roll, el rockabilly, el blues, el folk y el gospel. Su versatilidad en el panorama musical le permitió entrar en elSalón de la Fama del Rock, del Country, del Rockabilly y del Gospel. Además, figura en el Salón de la Fama de Compositores de Nashville. Cash era conocido por su distintiva y profunda voz de bajo-barítono, así como por el sonido «boom- chicka-boom» de su banda de apoyo, The Tennessee Three, y por su imagen de outlaw, 4 unida a un interés por tocar en prisiones estatales y a una actitud sombría y humilde que se materializaba con el modo de aparecer en el escenario, donde se presentaba con la escueta frase: «Hello, I'm Johnny Cash» (enespañol: «Hola, soy Johnny Cash»).5 La frecuente ropa negra con la que solía vestirse le valió el apodo de «Man in Black» (en español: «Hombre de negro»). Gran parte de las canciones de Cash tratan temas como el dolor, las tribulaciones morales y la redención, especialmente en la última etapa de su carrera bajo el selloAmerican Recordings, donde comenzó a versionar canciones de artistas contemporáneos como Nine Inch Nails, Tom Petty, U2 o Depeche Mode, entre otros.6 Entre sus composiciones más populares se incluyen «I Walk the Line», «Folsom Prison Blues», «Ring of Fire», «Get Rhythm» y «Man in Black». Además, también grabó dúos con músicos como Waylon Jennings y Willie Nelson y con su segunda esposa, June Carter.
Johnny Cash nació en Kingsland, Arkansas,7 el 26 de septiembre de 1932. Fue el cuarto hijo de Ray Cash, oriundo de Kingsland y nacido el 13 de mayo de 1897, y de Carrie Cloveree, de Rison, Arkansas, y nacida el 13 de marzo de 1904.8 9 Cash fue bautizado con las siglas de J. R. Cash debido a que sus padres no pensaron en ningún nombre. Cuando se enlistó en las Fuerzas Aéreas, no le dejaron utilizar sus iniciales como nombre, por lo que comenzó a llamarse John R. Cash. En 1955, cuando firmó su primer contrato discográfico con Sun Records, comenzó a utilizar Johnny Cash como nombre artístico.10 Cash fue el cuarto de un total de siete hermanos: Roy, Margaret Louise, Jack, J.R., Reba, Joanne y Tommy.11 Su hermano menor, Tommy Cash, también se convirtió en un cantante de country. En marzo de 1935, cuando Cash tenía tres años, la familia trasladó su residencia aDyess, Arkansas y con apenas cinco años comenzó a trabajar en los campos dealgodón. La granja de la familia sufrió las consecuencias de dos crecidas delMississippi al menos en dos ocasiones, lo cual inspiró posteriormetne al músico a la hora de componer «Five Feet High and Rising».12 Las penurias económicas de la familia durante la Gran Depresión inspiraron también parte de sus canciones, especialmente aquellas con personajes que atravesaban dificultades similares. Con trece años, Cash sufrió la muerte de su hermano mayor, Jack.13 En mayo de 1944, Jack se acercó accidentalmente a una sierra eléctrica en el molino donde trabajaba y sufrió severos cortes, muriendo una semana más tarde el 20 de mayo a los quince años.12 Según su autobiografía Cash: The Autobiography, su padre estaba fuera, pero tanto su madre como el propio Jack tuvieron premoniciones a lo largo del día, por lo que su madre motivó a Jack a que faltara al trabajo y fuera a pescar con su hermano. Jack insistió en trabajar, dado que la familia necesitaba el dinero. En su lecho de muerte, Jack dijo que tenía visiones del cielo y de los ángeles. La vida de Jack tuvo una gran influencia en Johnny. Como cuenta en su autobiografía, Jack estuvo siempre 'ahí' a lo largo de su vida. Siempre estuvo muy presente.
Los primeros recuerdos de Cash estuvieron dominados por la música gospel y la radio, así como por la música tradicional irlandesa que oía con frecuencia en el programa de radio de Jack Benny.14 Comenzó a tocar la guitarra y a componer canciones con apenas doce años, y una vez en la escuela, comenzó a cantar en una estación de radio local. Cuando era joven, tenía una voz de tenor alto, a diferencia de la característica voz de bajo- barítono que desarrolló posteriormente.15 En la escuela comenzó a cantar en una estación de radio local. Cash se alistó en la Fuerza aérea de los Estados Unidos el 7 de julio de 1950.16 Tras un entrenamiento básico en la base de la Fuerza Aérea Lackland y un entrenamiento técnico en la base de Brooks, ambas en San Antonio (Texas), Cash fue alistado en el Servicio de Seguridad de la Fuerza Aérea y asignado como interceptor de transmisiones soviéticas en código morse en Landsberg am Lech, donde creó su primera banda, llamada The Landsberg Barbarians. Tras ser dado de baja como Sargento con honores el 3 de julio de 1954, volvió a Texas.17 En 1954, Cash y Vivian trasladaron su residencia a Memphis, Tennessee, donde comenzó a vender electrodomésticos mientras estudiaba para ser locutor de radio. Por la noche solía tocar con el guitarrista Luther Perkins y el bajista Marshall Grant, ambos conocidos comoTennessee Two. Cash reunió el coraje suficiente para visitar el estudio de grabación de Sun Records, con la esperanza de obtener un contrato discográfico. Tras una audición de Sam Phillips en la que cantó mayoritariamente canciones gospel, Phillips le comentó que no iba a seguir grabando música gospel. Cash acabó por convencer a Phillips tras componer nuevas canciones con un estilo más cercano al rock and roll. En 1955, Cash grabó su primera canción con Sun Records, «Hey Porter» y «Cry! Cry! Cry!», publicadas a finales de junio y con cierto éxito en la lista de éxitos musicales de country. El 4 de diciembre de 1956, Elvis Presley entró en el estudio cuando Carl Perkins estaba grabando nuevas canciones, con Jerry Lee Lewis al piano. Cash también se encontraba en el estudio y pronto los cuatro comenzaron a improvisar canciones. Phillips dejó la grabadora encendida, y las grabaciones, la mitad de ellas canciones gospel, fueron publicadas posteriormente bajo el título Million Dollar Quartet. En su autobiografía, Cash escribió que él era el que más alejado estaba del micrófono y que cantó en un tono más alto para mezclar su voz con la de Elvis. El siguiente sencillo, «Folsom Prison Blues», entró en el Top 5 de la lista de country, mientras que «I Walk the Line» llegó al primer puesto de las listas de éxitos. En julio de 1957, grabó «Home of the Blues», y el mismo año se convirtió en el primer artista de Sun Records en publicar un disco de vinilo completo. Aunque era el artista más prolífico del sello discográfico, Cash se sentía limitado porque solo obtenía un 3% de las regalías, en lugar del 5% habitual, y dado que la discográfica no estaba interesada en publicar discos de gospel, un género que el músico quería explorar. En la época, Elvis ya había abandonado el sello, y Phillips enfocó su atención en promocionar a Lewis. Un año más tarde, Cash abandonó Sun Records y firmó un nuevo contrato con Columbia Records, con quien «Don't Take Your Guns to Town» se convirtió en uno de sus sencillos más exitosos. A comienzos de la década de 1960, Cash comenzó a salir de gira con The Carter Family, que por entonces incluía a las hijas deMaybelle Carter, Anita, June y Helen. En la misma época, apareció en la serie de televisión de Pete Seeger Rainbow Quest, y también en el largometraje Five Minutes to Live, posteriormente rebautizado como Door-to-Door Maniac. A finales de la década de 1950, Cash comenzó a beber con frecuencia y se hizo adicto a las anfetaminas y los barbitúricos. Durante un breve periodo de tiempo, compartió un apartamento en Nashville con Waylon Jennings, que también era adicto a las anfetaminas, una droga generalmente usada para permanecer despierto durante los largos viajes entre concierto y concierto. Acerca del consumo de drogas, el propio Cash comentó en The Johnny Cash Show que «probé todas las drogas que había». Aunque en el plano personal Cash seguía una espiral fuera de control, su creatividad seguía produciendo nuevos éxitos como «Ring of Fire», una canción originalmente compuesta por June Carter y Merle Kilgore cuya versión con arreglos de viento semejantes al estilomariachi alcanzó el número uno en la lista de éxitos de country.18 Por otra parte, Vivian Liberto acreditó la composición de «Ring of Fire» a su marido y su cesión a Carter por razones monetarias.19 Entre 1965 y 1967 Johnny Cash llegó a ser encarcelado en siete ocasiones, por causas que incluyen desde el incendio forestal que fue provocado cuando su camión apareció ardiendo, al hallazgo de un pequeño alijo de drogas en el interior de su guitarra cuando intentaba cruzar la frontera por El Paso, Texas. Cómo admitió honestamente en su autobiografía, su vida y él mismo estaban descontroladas completamente. Aunque tuvo más de un problema con la policía, nunca ingresó en prisión. «Starkville City Jail», sobre el cual habló en su álbum At San Quentin, habla precisamente de uno de sus desafortunados incidentes con la policía, Cash fue arrestado el 11 de mayo de 1965 en Starkville (Misisipi) por entrar en una propiedad privada ajena para coger flores. A mediados de la década de 1960, Cash publicó varios álbumes conceptuales como Sings the Ballads of the True West (1965), un álbum experimental con canciones de la frontera entremezcladas con narraciones, Bitter Tears (1964), entre otras canciones. En esa época, su adicción y su comportamiento autodestructivo estaban en un punto cúspide. Fue entonces cuando se divorció de Vivian Liberto y canceló varios conciertos. El último arresto de Cash tuvo lugar en Walker County (Georgia), donde lo trasladaron después de sufrir un accidente de tráfico mientras llevaba una bolsa de pastillas con receta. Cash intentó sobornar a un agente y acabó pasando la noche en la cárcel deLaFayette (Georgia). El cantante fue puesto en libertad tras una larga charla con el sheriff Ralph Jones, quien le advirtió de su peligroso comportamiento y de la pérdida de talento. Cash relató que la experiencia le salvó la vida, y posteriormente regresó a LaFayette para tocar un concierto benéfico frente a 12 000 personas en el que recaudó 75 000 dólares en beneficio de la escuela del condado.20 Sobre su drogadicción, Cash comentó en una entrevista concedida en 1997: «Durante un tiempo yo tomaba las pastillas, pero luego las pastillas comenzaron a tomarme a mí».21 Cash dejó de consumir drogas durante varios años a partir de 1968, tras una epifanía espiritual en Nickajack Cave, donde intentó suicidarse. El músico comentó estar exhausto y sentirse al final de sus fuerzas cuando sintió la presencia de Dios en su corazón y le mandó salir de la cueva, siguiendo una luz tenue y una ligera brisa. Para Cash, el suceso fue su propio renacimiento, y le sirvió para redescubrir su fe, siendo llamado al altar en Evangel Temple, una pequeña iglesia de Nashville, regida por el reverendo Jimmie Rodgers Snow, hijo de la leyenda del country Hank Snow. June, Maybelle y Ezra Carter se trasladaron a la mansión del músico para ayudarle a abandonar su adicción. El 22 de febrero de 1968, durante un concierto en Ontario, Canadá, Cash pidió matrimonio a June Carter sobre el escenario; después de una relación intensa y estrecha durante varios años (desde que se conocieron). Apenas una semana después, el 1 de marzo, la pareja contrajo matrimonio en Franklin (Kentucky). Según su amigo Marshall Grant, la experiencia de renacimiento de Cash no resultó en un completo abandono del consumo de anfetaminas, como el mismo reconocía en su autobiografía. De todos modos, en 1970, Cash terminó por abandonar cualquier hábito de consumo durante un periodo de siete años. Grant comentó que el nacimiento de John Carter Cash, el primer y único hijo de la pareja, inspiró al cantante a abandonar su drogodependencia. Cash volvió a consumir anfetaminas de nuevo en 1977, y en 1983 entró en una clínica de desintoxicación en Rancho Mirage (California). Durante varios años, volvió a estar limpio, pero en 1992 entró por tercera y última vez en el Loma Linda Behavioural Medicine Centre de Loma Linda (California).22 23
La popularidad de Cash aumentó a raíz de la publicación de At Folsom Prison (1968 y At San Quentin (1969), dos álbumes en directo grabados en sendas prisiones estatales que la RIAA certificó como triple platino. Cash comenzó a ofrecer conciertos en prisiones a finales de la década de 1950. Su primer concierto en una prisión tuvo lugar el 1 de enero de 1958 en el San Quentin State Prison.24 La grabación en la prisión Folsom State fue introducida con una interpretación del clásico «Folsom Prison Blues», mientras que el directo en San Quentin incluyó el sencillo «A Boy Named Sue», una canción de Shel Silverstein cuya versión alcanzó el primer puesto en la lista de éxitos de country y la segunda posición en la lista de éxitos de pop. Además de ofrecer conciertos en prisiones estadounidenses, Cash también tocó en el Österåker Prison de Suecia en 1972. El concierto fue publicado en el álbum På Österåker ("At Österåker") en 1973, e incluyó la canción «San Quentin», con el nombre de la prisión reemplazado por el de Österåker para la ocasión. Además, entre 1969 y 1971 Cash presentó su propio programa de televisión, The Johnny CashShow, en la cadena ABC. Cada episodio comenzaba con una interpretación de The Statler Brothers, y a lo largo del programa aparecieron célebres músicos como Neil Young, Louis Armstrong, Kenny Rogers, James Taylor, Ray Charles, Roger Miller, Derek and the Dominos y Bob Dylan, entre otros. El programa contó con la colaboración frecuente de The Carter Family y Carl Perkins. Durante el periodo, contribuyó a la banda sonora de Little Fauss and Big Halsey, cuya canción principal, compuesta por Perkins, fue nominada a un Globo de Oro. Además, colaboró con Dylan en una regrabación de «Girl from the North Country» para el álbum Nashville Skyline (1969), y escribió las notas del álbum, por el cual fue galardonado con unPremio Grammy. Junto a Dylan, Cash mostró un especial interés durante las emisiones de The Johnny Cash Show en promocionar a Kris Kristofferson. Su actitud rebelde volvió a mostrarse durante un episodio del programa, en el que cantó a dúo con Kristofferson «Sunday Mornin' Monin' Down» sin censurar una parte de la canción en la que el músico hacía referencia a la marihuana.25 Entrada la década de 1970, Cash adoptó el apodo de «The Man in Black» (que enespañol puede traducirse como: «El hombre de negro»), debido a que vestía con frecuencia largos abrigos de color negro hasta las rodillas. Esta ropa contrastaba con la que utilizó años anteriores, con trajes engalanados y botas de vaquero. En 1971, compuso la canción «Man in Black» en la que explicaba las razones de su nueva conducta, según la cual el color negro en nombre de la pobreza, del hambre y de «los presos que han pagado demasiado por su crimen».26 26 En relación con la guerra de Vietnam, Cash añadió: «Con la dolorosa guerra en mente al igual que en la de muchos otros americanos, llevo el negro de luto por las vidas que podrían haber sido. Cuando la guerra termine, no veo muchas razones por las que cambiar mi opinión. Los ancianos siguen descuidados, los pobres siguen siendo pobres, los jóvenes siguen muriendo antes de tiempo, y no nos movemos para hacer las cosas bien. Hay aún mucha oscuridad que saquear».26 Cash también admitió que, dejando aparte sus creencias políticas, simplemente le gustaba el color negro para llevar tanto en el escenario como en su vida cotidiana.12 A mediados de la década, la popularidad y el número de éxitos de Cash comenzó a declinar. Álbumes como Ragged Old Flag y Junkie and the Juicehead Minus Me, ambos publicados en 1974, alcanzaron posiciones discretas en la lista de éxitos de country, a diferencia de trabajos anteriores como Hello, I'm Johnny Cash y Man in Black, que llegaron al primer puesto. Tres álbumes publicados en 1975,Sings Precious Memories, The Johnny Cash Children's Album y John R. Cash, no llegaron a entrar siquiera en la lista de discos más vendidos, y el músico llegó a criticar la producción musical del último en su autobiografía, donde comentó que fue «una idea de los jefes de CBS para restaurar el potencial de Cash». Durante el paulatino declive de su popularidad musical, grabó un anuncio para Amoco, una empresa impopular en una época en la que las compañías petroleras obtuvieron grandes beneficios en detrimento del aumento de los consumidores, debido al alto precio de la gasolina y la escasez de productos. En 1975 también publicó Man in Black, su primera autobiografía, que vendió 1,5 millones de copias, y coescribió y narró The Gospel Road, un largometraje sobre la vida de Jesucristo dirigido por Billy Graham. Además, continuó apareciendo en televisión, en especiales navideños de la CBS y en un episodio de la serie Colombo. También apareció con su mujer en un episodio de La casa de la pradera titulado «The Collection», y desempeñó el papel de John Brown en la miniserie de televisión sobre la Guerra Civil Estadounidense Norte y Sur. Johnny y June también aparecieron en la serie La doctora Quinn. En 1980, Cash se convirtió en el cantante más joven en entrar en el Museo y Salón de la Fama del Country con 48 años. Sin embargo, su repercusión mediática y popular en la época, debido a un menor interés popular por el country y a la popularidad de nuevos géneros musicales, siguio declinando. Discos como Rockabilly Blues (1980), The Adventures of Johnny Cash (1982), Johnny 99 (1983) yRainbow (1985) no entraron en la lista de éxitos de country y deterioraron su relación con Columbia. A pesar de todo, siguió ofreciendo conciertos con frecuencia. A medios de la década, formó el supergrupo The Highwaymen con Waylon Jennings, Willie Nelson y Kris Kristofferson, con quien grabó tres discos: Highwaymen (1985), Highwaymen 2 (1990) y The Road Goes on Forever (1995). Durante este periodo, Cash también apareció en varios largometrajes. En 1981, apareció en The Pride of Jesse Hallam y en un episodio de El Show de los Muppets, mientras que en 1983 hizo el papel de sheriff en Murder in Coweta County. Durante la época, volvió a caer en la drogadicción después de administrarle analgésicos contra una lesión abominal causada por la coz de un animal en su granja.27 Su carrera profesional alcanzó su punto mínimo a finales de la década de 1980. Tras treinta años en Columbia Records, el músico observó que su compañía se mostraba indiferente con él y que no le promocionaba adecuadamente. El músico llegó a grabar «Chicken in Black», una parodia de «Men in Black» con la finalidad de finiquitar su contrato con Columbia. Un año después, Cash volvió a los Sun Studios de Memphis con Roy Orbison, Jerry Lee Lewis y Carl Perkins para grabar Class of '55. Después de rescindir su contrato discográfico con Columbia Records, Cash firmó conMercury Records y entró en una etapa de menor éxito con la publicación de trabajos menores como Johnny Cash is Coming to Town (1987), Classic Cash: Hall of Fame Series(1988), Water from the Wells of Home (1988), Boom Chicka Boom (1989) y The Mystery of Life (1991). Sin embargo, su carrera se relanzó a comienzos de la década de 1990 para un público tradicionalmente no interesado en la música country. De este modo, en 1991 cantó una versión de «Man in Black» para el banda de punk One Bad Big, mientras que en 1993 colaboró con el grupo U2 en la grabación de «The Wanderer» para el álbum Zooropa. Aunque no volvió a obtener un contrato de las principales discográficas, firmó con American Recordings, un sello del productor Rick Rubin más conocido por la publicación de músicarap y hard rock. Bajo la propia supervisión de Rubin, grabó American Recordings en su propia sala de estar, con la única compañía del guitarrista Martin Dread.28 El álbum incluyó versiones de artistas contemporáneos seleccionadas por Rubin y obtuvo un notable éxito comercial y de crítica, ganando incluso el Grammy al mejor álbum de folk contemporáneo. La publicación de American Recordings fue el comienzo de una década en la que Cash obtuvo el reconocimiento musical tanto de sus compañeros de profesión, coetáneos y contemporáneos, como de la crítica y del público. Poco después, grabó con Brooks & Dunn una versión de «Folsom Prison Blues» para el álbum benéfico Red Hot + Country, producido por la Red Hot Organization. También realizó un cameo en el episodio "El Viaje Misterioso de Nuestro Jomer (The Mysterious Voyage of Homer)" de la serie de televisión The Simpsons, como el «Coyote» que guía a Homer Simpson en un viaje espiritual. En 1996, grabó Unchained, el segundo volumen de sus American Recordings, con la compañía de Tom Petty & The Heartbreakers. El álbum obtuvo el Grammy al mejor álbum de country. Un año después, publicó la autobiografía Cash: The Autobiography y VH1 Storytellers, un álbum en directo que contó con la colaboración de Willie Nelson. En 1997, a Cash fue diagnosticado con una enfermedad neurodegenerativa conocida comosíndrome de Shy-Drager, un diagnóstico posteriormente reemplazado por el de neuropatíaautonómica asociada a la diabetes. La enfermedad forzó a Cash a acortar su gira. Fue hospitalizado en 1998 debido a una neumonía severa que le ocasionó daños en los pulmones. En consecuencia, los dos siguientes trabajos de la serie American Recordings, American III: Solitary Man (2000) y American IV: The Man Comes Around (2002), incluyeron canciones con un tono más reflexivo e introspectivo en comparación con sus dos primeros trabajos para el sello. El videoclip de «Hurt», una versión de una canción de Nine Inch Nails publicada como primer sencillo de American IV, obtuvo el respaldo de crítica: ganó un MTV Video Music Awardsen la categoría de mejor cinematografía en 2003 y un Grammy al mejor video musical en 2004. En 2008, Cash volvió a recibir un Grammy en la misma categoría por el videoclip de «God's Gonna Cut You Down», canción publicada en American V.29 Su esposa durante 35 años, June Carter Cash, falleció el 15 de mayo de 2003 a la edad de 73 años. Sobre su mujer, el músico comentó en Cash: The Autobiography: «La única queja que tengo es que su contribución al country pasará desapercibida porque es mi esposa». Según comentó el propio Cash, antes de su muerte June le animó a que siguiese trabajando, algo que el músico cumplió, llegando a completar más de sesenta grabaciones en sus últimos cuatro meses de vida. Incluso llegó a ofrecer varios conciertos en The Carter Family Fold, a las afueras de Bristol (Virginia). En su última aparición pública, el 5 de julio de 2003, antes de interpretar «Ring of Fire», Cash leyó una declaración que había escrito poco antes de subir al escenario: «El espíritu de June Carter me eclipsa esta noche con el amor que sentía por mí y el que sentía yo por ella. Conectamos en algún lugar entre aquí y el cielo. Bajó a hacerme una corta visita, creo, desde el cielo para darme coraje e inspiración, como siempre hizo». El 12 de septiembre, apenas cuatro meses después de la muerte de su mujer, Cash falleció en el Baptist Hospital de Nashville por complicaciones de diabetes. El músico fue enterrado al lado de su mujer en el Hendersonville Memory Gardens de Hendersonville,Tennessee. Apenas un año después, American Recordings publicó la caja recopilatoria Unearthed, recopilada por el propio músico antes de su muerte, que incluyó cuatro discos con grabaciones inéditas. Una de las últimas colaboraciones con Rick Rubin, American V: A Hundred Highways, fue publicado de forma póstuma el 4 de julio de 2006. El álbum se convirtió en el primer y único trabajo de Cash en debutar en el primer puesto de la lista Billboard 200. Un segundo trabajo póstumo, American VI: Ain't No Grave, fue publicado el 23 de febrero de 2010, tres días antes del 78º cumpleaños de Cash. En junio de 2005, la casa de Cash en Caudill Drive, Hendersonville, fue puesta en venta. Un año después, el cantante de Bee Gees Barry Gibb y su esposa Linda compraron la casa por 2,3 millones de dólares a través del hermano menor de Cash, Tommy Cash. Sin embargo, el 10 de abril de 2007, durante unas obras de restauración, la casa fue destruida en un incendio provocado por el uso de productos inflamables.30 Desde sus primeros años como pionero del rockabilly y el rock and roll en los años 50, en las décadas en las que fue un representante internacional de la música country y hasta su resurgimiento como ícono del country alternativo en los años 90, Cash ha influido a incontables artistas y ha sido reverenciado por los más grandes músicos populares de la historia. Aunque nunca dio mucha importancia al aspecto económico de su carrera, lo cierto es que Cash consiguió vender cerca de noventa millones de álbumes en sus casi cincuenta años de carrera. Nunca le faltó público (se ganó a los jóvenes de su generación y, más tarde, consiguió hacerse con los de generaciones venideras); un público ansioso de poder escuchar su repertorio lleno de canciones nuevas y añejas acompañadas siempre por unas cuerdas vocales en áspero barítono. Asimismo, bebió de otros estilos musicales que nada tenían que ver con el country. Prueba de ello son las versiones que grabó de los temas "Personal Jesus" (Depeche Mode), "Redemption Song" (de Bob Marley e interpretada a dúo con Joe Strummer), "In My Life" (The Beatles), "The Mercy Seat" (Nick Cave & Mick Harvey), "Highway Patrolman" (Bruce Springsteen), "I won't back down" (Tom Petty& Jeff Lynne), "Solitary Man" (Neil Diamond), "One" (U2), "Hurt" (Nine Inch Nails), "Rowboat" (Beck), "Rusty Cage" (Soundgarden), o "Redemption Day" (Sheryl Crow). Cash ha sido muy valorado incluso por artistas lejanos a su género musical. Como se puede leer en las notas de Unearthed, Bob Johnston (productor y amigo de Cash) contaba cómo, hablando con un grupo de rap, éstos le declaraban «el padrino del Gangsta rap», ya que habían crecido escuchando cómo Johnny Cash cantaba «maté a un hombre en Reno simplemente por verle morir». En su álbumEgo Trippin', Snoop Dogg dedica su canción "My Medicine" a Johnny Cash, a real American gangsta. La banda de punk rock Social Distortion cierra sus conciertos interpretando Ring Of Fire, la cual aparece en su disco Social Distortion.También la banda británica de country- blues Alabama 3 le dedicó una canción llamada Hello I´m Johnny Cash. Y Joe Strummer le rindió tributo con el tema "Long Shadow", aparecido en su disco póstumo Stretcore, aparte de la colaboración antes citada. En España, Loquillo versionó su canción "Man in Black" en el álbum Mientras Respiremos Cash apadrinó y defendió a artistas de las críticas sobre lo que era o no aceptable en el country, incluso en las épocas en las que él era uno de los símbolos más visibles del establishment country. En 1999 se le ofreció un concierto-homenaje en el que tocaron artistas de la talla de Bob Dylan, Chris Isaak, Wyclef Jean, Norah Jones, Kris Kristofferson, Willie Nelson y U2. Justo después de su muerte fueron editados dos álbumes- homenaje; Kindred Spirits y Dressed In Black. En el primero participaron músicos con cierto prestigio, mientras que el segundo era de artistas menos conocidos. En reconocimiento por el apoyo que prestó a la ONG SOS Children's Villages, su familia hizo un llamado a amigos y fans a que realizasen donaciones a esta ONG en memoria del fallecido. Cash tenía un vínculo personal con el SOS village de Diessen, en el sur deAlemania, cerca de donde estuvo destinado como militar. También estaba involucrado en la SOS village de Barrett Town, cerca de la casa que poseía en Jamaica. Durante un tiempo, hubo un museo llamado «House of Cash». La autopista 31E, que pasa por la calle principal de Memphis, es conocida como «Johnny Cash Parkway». La canción Ring of Fire forma parte del videojuego Guitar Hero 5. La canción Ain't no Grave fue utilizada como tema de entrada del luchador de la WWE Undertaker. En 2005 se estrenó la película Walk the Line, dirigida por James Mangold, que narra la vida del cantante basándose en su autobiografía y que se realizó con la colaboración (como uno de los productores ejecutivos) de su hijo pequeño, John Carter Cash. El actor Joaquín Phoenix, quien lo encarnó, estuvo nominado al Oscar al mejor actor. La actriz Reese Witherspoon ganó el Oscar a la mejor actriz por su interpretación de June Carter. Ambos actores ganaron el Globo de Oro en la categoría de «mejor actor de comedia o musical» y «mejor actriz de comedia o musical». El 12 de marzo de 2006 se estrenó en el «Ethel Barrymore Theatre» Broadway el musical Ring of Fire, basado en la obra de Johnny. Johnny Hallyday
Johnny Hallyday (París, Francia, 15 de junio de 1943) es un cantante y actor francés. Nacido Jean- Philippe Léo Smet, de padre belga y madre francesa, es considerado como un icono en el mundo francófono desde los inicios de su carrera, para algunos incluso el equivalente francés de Elvis Presley.
Estuvo casado con la también cantante francesa Sylvie Vartan entre 1965 y 1980. Ámbos tuvieron un hijo: David Hallyday, que siguiendo la tradición familiar también se ha hecho cantante. Johnny Hallyday y Sylvie Vartan fueron la "pareja de moda" de su generación enFrancia, atrayendo constantemente la atención de la prensa rosa. Su carrera se prolonga por 50 años en la industria de la música. Es una de las estrellas más grandes de Francia: 400 giras, 18 discos de platino, ha actuado delante 15 millones de personas y ha vendido 100 millones de discos desde el principio de su carrera. Aun con todo esto, Hallyday sigue siendo menos conocido fuera de Francia y del mundo francófono, y a menudo es descrito en países de habla inglesa como «la estrella de rock más grande que nunca has oído cantar». En 2006 realizó dos duetos con la cantante italiana Laura Pausini en las canciones La loi du silence durante un concierto de él y Come Il Sole All'improvviso para la versión italiana del disco Io Canto de ella. Apenas hace unos años colaboró con Loquillo en su álbum Balmoral (2008), participando en el tema Cruzando el paraíso. Jorge Sepúlveda
Jorge Sepúlveda fue el nombre artístico de Luis Sancho Monleón (Valencia, 1917 - Palma de Mallorca, 16 de junio de 1983), cantante español de boleros y pasodobles.1 En 1941 trabajaba como contable, pero se fue a Zaragoza a probar suerte como cantante y de allí a Madrid,1 donde inicia su carrera artística en la Sala Casablanca en 1942. Empezó a grabar discos y sus canciones se popularizaron a través de la radio, en programas de canciones dedicadas muy escuchados en la época, cuando las orquestas y artistas de moda actuaban en directo. El cénit de su popularidad lo vivió con sus boleros en los años 40 y años 50 del siglo XX, cuando fueron muy populares en su voz entre otros boleros: Limosna de amor, Monísima(chotis), El mar y tú, María Dolores, Bajo el cielo de Palma, Dos cruces, A escondidas,Campanitas de la aldea, Mi casita de papel, Malvarrosa, Qué bonita es Barcelona, Quiero llevarme tu amor, La noche que te conocí, Tres veces guapa (pasodoble), Monasterio de Santa Clara, Santa Cruz o Sombra de Rebeca y muy especialmente sus dos grandes números uno Mirando al mar y Santander. A mediados de los sesenta los boleros ya no son la música preferida de los españoles -junto a la copla- y con la llegada de las baladas italianas y la música anglosajona, parece que su estrella declina. Hasta que, en el decenio de los setenta, TVE pone en antena el programaMundo Camp, en el que reviven sus viejos éxitos, vuelve a los escenarios y se reeditan sus discos. José Guardiola
Datos generales
Nombre real José Guardiola Díaz de Rada
Nacimiento 22 de octubre de 1930 Barcelona, Cataluña
Muerte 9 de abril de 2012 (81 años) Barcelona, Cataluña
Hijos Rosa María Guardiola
Ocupación Cantante Información artística
Otros nombres "El Crooner de España"
Género(s) Balada
Instrumento(s) Voz
Período de actividad 1950- 2012
Discográfica(s) Discos Regal Discos Vergara RCA Victor
Artistas Joan Manuel Serrat relacionados Raphael
José Guardiola Díaz de Rada1 (Barcelona, 22 de octubre de 1930 - ibídem, 9 de abrilde 2012), cantante español en lengua castellana y en lengua catalana, conocido en el ámbito catalán como Josep Guardiola. De familia humilde, José Guardiola pasó su niñez en Barcelona junto a sus hermanos, Julio y María Guardiola Díaz de Rada, y sus padres. La vocación musical en la familia fue muy marcada. José a temprana edad cruzó su camino con el de un religioso, que al ver su talento lo "apadrinó" y le ayudó a empezar su carrera como cantante. José no fue el único artista de la familia. Mientras él tocaba el violín, su hermano Julio aprendía a tocar la trompeta y su hermana María el piano. También es de resaltar que su propio hijo es cantante en una orquesta. Nacido en Barcelona el 22 de octubre de 1930, a temprana edad hizo estudios de violíny también comenzó a cantar en la parroquia de su pueblo. Dotado de una voz de matices suaves, pronto participaría en diversos festivales de la canción, lo que le redundó en una fama creciente. Rápidamente se consolidó como una de las máximas figuras de la canción hispana. Pionero de la canción popular española con gran éxito también en Latinoamérica, se especializó en versionar al castellano éxitos de otros idiomas, como "Venecia sin ti" deCharles Aznavour, "Los niños del Pireo" que grabó Melína Merkoúri y "Mack the Knife", clásico de Frank Sinatra que tradujo como "Mackie el Navaja", título del que derivaría el personaje Makinavaja de Ivá. Guardiola llegó a trabajar en cine; en 1954 rodó con Zsa Zsa Gabor y Manuel Zarzo la película Sangre y luces, que se proyectó en el Festival de Cannes. Participó en el Festival de Eurovisión del año 1963 logrando el duodécimo lugar con su tema "Algo prodigioso". Participó igualmente en el Festival de la Canción Infantil de TVE con la canción "Balada de un pajarillo". Murió en Barcelona el 9 de abril de 2012, a la edad de 81 años.2
Dieciséis toneladas (Sixteen Tons, original de Merle Travis) Mackie el Navaja (Mack the Knife) Pequeña flor Verde campiña Di papá, 1962 Nubes de colores (Festival del Mediterráneo, 1962) Los niños del Pireo Mustapha Cuando, cuando (original de Tony Renis, cuarto lugar en el Festival de San Remo) La Balada del vagabundo (Pierantoni-Mapel), 1963 Algo prodigioso (tema del Festival Eurovisión), 1963 Estrella errante Venecia sin ti La montaña Yo, uno de tantos De rodillas
La primera vegada El vell carrer de l’aimada Besa’m en silenci Diumenge és sempre diumenge (versión catalana de "Domenica è sempre domenica"), original de Renato Rascel.
La canción La Balada del vagabundo obtuvo mucho éxito en América; dicho tema lo interpretó acompañado de su hija Rosa Mary y es considerado un clásico de la música infantil. Durante la celebración del Festival Mediterráneo de la Canción en 1962, al cual asistieron 500 personas, obtuvo 900 votos para su tema Nube de colores, suscitándose una controversia por ello. José Guardiola es autor del himno del Real Club Deportivo Español. José Luis Perales
José Luis Perales
Datos generales
Nombre real José Luis Perales Morillas2
Nacimiento 18 de enero de 1945(68 años)
Origen Castejón, España
Cónyuge Manuela Vargas1
Hijos Pablo y María Perales Carrasco
Ocupación Cantautor Información artística
Otros nombres Artesano de la Música,Perales
Género(s) Balada romántica, pop latino
Instrumento(s) Guitarra, voz
Período de 1973 - actividad
Discográfica(s) Ver discográficas[mostrar]
Artistas Como letrista[mostrar] relacionados
Web
Sitio web Sitio electrónico oficial
Web en Sitio electrónico en Universal discográfica - Music Spain
Ficha José Luis Perales en IMDb
Firma
José Luis Perales Morillas conocido como José Luis Perales o simplementePerales (n. 18 de enero de 1945; Castejón, Cuenca, Castilla-La Mancha, España) es unelectricista, cantautor y compositor español. Pasó sus primeros 16 años de vida en su ciudad natal y en el año de 1961 se muda a Sevilla para realizar sus estudios de maestría industrial en electricidad. Luego de culminar la maestría se muda a Madridpara completar sus estudios con los de peritaje que realizaba mientras componía algunas obras. Lanzó su álbum debut Mis canciones en 1973. Perales ha vendido más de 50 millones de ejemplares en todo el mundo. Su primer disco de oro lo obtuvo en Argentina en el año 1974, con «Celos de mi guitarra», desde entonces ha recibido más de 100 discos de oro y platino. Su canción «Porque te vas», popularizada por Jeanette, ha sido versionada por más de 40 artistas en Francia,Alemania, Inglaterra, Japón, hasta el año 2004. Sólo de esta canción vendió más de 6 millones de copias en Alemania y Austria.3 4 Es el cantautor hispano más versionado del mundo, las letras de sus canciones son poesía que hablan del amor, la nostalgia y la paz. Ha realizado 27 producciones musicales y, además ha registrado 510 canciones en la Sociedad General de Autores de España (SGAE)5 . José Luis Perales nació en Castejón, un pueblo situado a 65 kilómetros de la ciudad de Cuenca, en el seno de una familia católica tradicional. Ya desde muy pequeño mostró devoción por la música aprendiendo a solfear con un antiguo maestro, lo que le llevó a poder tocar el laúd con tan sólo 6 años. En 1959, contando con 14 años de edad, realiza sus primeras composiciones. Sin embargo, es sólo a partir de 1968 (a los 23 años de edad) que presenta sus canciones a las casas disqueras, ya que: «Ellos [la gente del mundo de la música] eran los que presentaban mis canciones en sus casas de discos porque a mí me daba una vergüenza horrible ir personalmente. Era tímido y me asustaba el fracaso.» José Luis Perales6 A la edad de 16 años y llegada la hora de cursar estudios, su padre le consiguió una beca para la Universidad Laboral de Sevilla, donde se desplazó para estudiar maestría industrial en electricidad y vivir allí su juventud. Se apuntó a la tuna de la universidad. «Como las empresas no querían gente en edad de servicio militar, tuve que esperar hasta la vuelta del cuartel. Entonces entré de maestro industrial eléctrico en una fábrica, pero lo primero que me dijeron fue que, aunque tuviera el título, de aquello yo no tenía ni idea, que para eso había gente allí que llevaban veinte años manejando los alicates. En los ratos libres seguía componiendo, y poco a poco fui vendiendo canciones. Fórmula V, Basilio, Jeannette, el Dúo Yerbabuena,Paloma San Basilio y Miguel Bosé han grabado canciones mías, entre otros. En un momento dado se enteraron de que tenía algunas canciones que no daba a nadie, que las consideraba muy mías, y que estaban allí, esperando no se sabía muy bien a qué. Las oyeron y me propusieron que cantara. Y comenzó mi etapa de cantante. Pero un poco forzado, porque parecía un trabajo muy complicado para mi. Y así me metí en ese mundo que , la verdad, me daba miedo. Poco a poco me voy acostumbrando; pero, como digo, manteniéndome bastante al margen. Y la verdad es que no me llego a creer todo lo que la gente me dice; cuando me nombran el mejor cantante del año, pues me quedo sorprendido. Mi opinión sobre mí mismo es inferior a la que la gente tiene de mí; aunque, en cambio, tengo confianza en mí mismo o, al menos, la voy adquiriendo.» José Luis Perales7 Fue escuchando la radio cuando se vio motivado para componer una canción, nació así una de sus primeras melodías, «Niebla», aún poco madura, pero que marcaría el principio de un largo camino, donde José Luis vio claro cual sería su verdadera dedicación durante el resto de sus días: la música. A pesar de ello, tenía una beca y tuvo que proseguir con sus estudios. Hizo el servicio militar en Madrid. Nada más terminada la maestría industrial se desplazó a Madrid para completar sus estudios con los de peritaje, que compaginaba a la vez con su trabajo como delineante en una empresa del Instituto Nacional de Industria de España (INI) y sus composiciones6 , que ya acumulaba en decenas, esperando la llegada de algún cantante interesado en sus canciones. Su primera obra «En San Marcos», fue grabada por el cantante madrileño Daniel Velázquez, en el sencillo «Tema El Padrino - El milagro del amor», publicada por la discográfica Philips Records en 1972 e impresa en el lado B. Fue la primera vez en que su nombre se estampó en vinilo. En este tema se canta a las bellezas venecianas.8 Tras una interpretación en una fiesta alguien le ofreció grabar y probar fortuna, que le llegaría más adelante como compositor, puesto que como cantante no le gustaba al director de una conocida firma, de todas maneras, era lo que él quería, componer, lo de cantante (fama, escenarios, televisión, etc.) no era su espejo, además podría ocasionarle problemas a su relación amorosa. Para aquel entonces ya había conocido, en el trabajo, a la que es ahora su mujer, Manuela Carrasco quien trabajaba como traductora6 , tan imprescindible en su vida, como él mismo dice: «...yo, si no fuera por Manuela, estaría perdido.» Descubrimos aquí a un Perales enamorado, tierno y enfermizamente fiel a su enamorada. Juegan así dos mujeres un papel muy importante en su vida: su madre Mariana (motor de su carrera, puesto que era ella la que le buscaba sus primeros auditorios, a veces entre la gente de su pueblo) y Manuela (voz crítica de sus canciones).
Es a raíz de conocer, en 1970, a Rafael Trabucchelli (†) principal productor discográfico de España en esa época, cuando la vida de Perales da un giro radical. Trabucchelli (†) le propone cantar, a lo que Perales se resiste todo lo que puede, puesto que ante todo está su vocación familiar, la vida de hogar y sus celos por su intimidad. Perales compone «Porque te vas» y en boca de Jeanette, se consiguen vender en un año cuatro millones de copias en todo el mundo, de tal forma que Carlos Saura incluyó ese tema en la película «Cría cuervos». Un éxito. Con este hecho, Trabucchelli (†) persuade definitivamente a Perales para que cante, suceso que José Luis califica como accidental pero que le salió bien, puesto que su primer disco larga duración (Mis canciones) entre 1973 y 1974, en el que destacaban «Celos de mi guitarra», fue todo un éxito en España e Hispanoamérica. Su primera presentación en Hispanoamérica, y su gran oportunidad según José Luis, fue en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires,Argentina; donde es recibido por una muchedumbre insospechada por Perales. «El viaje a Argentina supuso un acontecimiento. Me habían programado en el teatro más importante de Buenos Aires y cuando llegué, la ciudad estaba inundada de carteles que decían «Bienvenido a Argentina, José Luis Perales». Me llevé una sorpresa increíble, yo no creía que fuese tan popular allí... Hasta rodé una peliculita con mi tomavistas, imagínate como estaría de sorprendido del recibimiento.» José Luis Perales6 Pronto empezaron las complicaciones, por lo que José Luis tuvo que dejar su trabajo por problemas de incompatibilidades y dedicarse por completo al mundo de la canción, además le horrorizaba depender del escenario y de la crítica. Era ante todo un hombre cuyos intereses primarios se centraban en su familia y su hogar. Él mismo ha dicho: «Manuela y yo hemos padecido grandes soledades por todo ello». Después se fue a vivir a Cuenca, donde construyó su hogar, y a Madrid, cuando sus dos hijos adolescentes (Pablo y María) se fueron a estudiar a la universidad, apartándose un poco de su actividad para dedicarse por completo a sus hijos. Siempre fiel a sus raíces, tiene una casa en Castejón y otra casa de campo a la que llama «el refugio», también cerca de Castejón donde suele retirarse a componer. «Yo me pongo a componer aquí: en mi casa, sin que nadie me moleste ni me meta prisa. Me siento más seguro, más protegido, mejor. Cuando el disco sale empieza a materializar todo demasiado, tanto que puede llegar a pervertirte...» José Luis Perales6
Es así como se ha forjado la vida de uno de los cantantes y compositores más prolíficos de la industria discográfica española con 510 canciones registradas en la Sociedad General de Autores de España (SGAE)9 , un hombre de rostro afable, palabra suelta y sonrisa fácil, que no se considera ni músico ni cantante, pese al reconocimiento que han tenido sus dos talentos. Con más de 35 años en el mundo de la música, ha recibido un premio amigo como «reconocimiento a su trayectoria artística». Ha compuesto canciones para los artistas más conocidos de España, como Isabel Pantoja, Raphael, Miguel Bosé, Mocedades, Julio Iglesias, Rocío Jurado †, Jeanette,Paloma San Basilio, Rosa López y la cantante venezolana Mirla Castellanos, así como a la cantautora guatemalteca Shery han puesto voz a sus canciones. Ha recibido más de 100 discos de oro y platino y ha pisado escenarios de Nueva York, Buenos Aires, Miami,Chile, Uruguay, Perú, Ecuador, México , Panamá , Col ombia y República Dominicana. Los artistas más conocidos de España, como Isabel Pantoja, Raphael, Miguel Bosé, Mocedades, Julio Iglesias, Rocío Jurado,Jeanette, Paloma San Basilio, Rosa López, la cantante venezolana Mirla Castellanos,y la cantautora guatemalteca Shery (quien interpreta la canción Tiempo de otoño, titulada como El Amor en su álbum El amor es un fantasma del 200810 ) han puesto voz a sus canciones.
En el 2012 y después de seis años de ausencia, lanza su nuevo álbum: «Calle Soledad», en la cual, dice tener un nuevo amor: sus nietos.11 Este disco se lanzó a la venta en el 2012 y se realizó una gira por América y España. José Luis Perales, es uno de los cantantes más activos de España, y unos de los pocos baladistas de los años 70's que aún sigue en vigencia en la música Romántica.12 Desde siempre ha sido solidario con los más desfavorecidos, por lo que colabora con las Aldeas Infantiles SOS cediendo los derechos de «Canción para Manuela», tema dedicado a su nieta que el cantante y compositor incluye en su nuevo disco «Calle Soledad». «La música es mi vida y a través de ella trato de poner un pequeño grano de arena para mejorar la existencia de algunos pequeños que sólo necesitan un poco de apoyo y protección para crecer y formarse en un ambiente propicio» José Luis Perales La participación de José Luis Perales con Aldeas Infantiles SOS se origina cuando en Argentina, en una gira por América a principios de los años 80, conoció la historia de unos hogares tutelados por mujeres, que se hacían cargo de la atención y cuidados de unos niños que, por diferentes circunstancias, procedían de la marginación y el desamparo. De regreso a España entró en contacto con Juan Belda, presidente de la organización en España, quien le explicó la labor que desarrollan en todo el mundo en favor de la infancia marginada. Al preguntarle cómo podía colaborar con la organización, Belda le pidió que compusiera una canción promoviendo la idea de Aldeas Infantiles y la incluyera en un disco. Y así nació «Que canten los niños», que se incluyó en el álbum «Con el paso del tiempo» y cuyos derechos el autor ha cedido a la organización13 14 .
En 1983, José Luis Perales participa por primera vez como artista invitado al XXIV Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, realizado entre el 9 al 14 de febrero.15 Repite como artista invitado en el XXV Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, llevado a cabo entre el 8 al 13 de febrero de 1984.16 Una vez más como invitado en el XXXVIII Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar de 1997, presentándose el día jueves 20 de febrero.17 Tras 15 años de ausencia, José Luis Perales regresa a Chile como el presidente del jurado del Festival Viña del Mar 201218 , en donde cerró con un gran concierto regalando a sus admiradores su nuevo trabajo de «Morir por ti».19 Perales fue el gran protagonista de la última jornada del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, Chile, con un concierto que hizo vibrar a los 15,000 espectadores que llenaban las gradas de la Quinta Vergara.19 En el transcurso de la actuación, el cantante y compositor español repasó algunos de los temas más populares de su discografía como «Un velero llamado Libertad», «¿Y cómo es él?», «Celos de mi guitarra» y «Quisiera decir tu nombre», entre otros, que emocionaron y levantaron de sus asientos a los aficionados que abarrotaban el anfiteatro de Viña del Mar.19 Además, José Luis Perales regaló al público de Viña del Mar el estreno mundial de «Morir por ti», uno de los temas que incluirá en el nuevo álbum en el que está trabajando por esa época y que finalmente se llamaría «Calle soledad» que salió a la venta el 24 de abril de 2012.19 Perales fue aclamado por el público que le premió con dos Antorchas y dos Gaviotas como reconocimiento a su memorable actuación. «No sabía que quedaba para mí tanto recuerdo, tanto cariño, después de tantos años», agradeció el músico español.19 Cuando José Luis tenía trece años, su padre, que era albañil en Castejón, le consiguió una beca en una universidad laboral de Sevilla. Estudió oficial industrial y electrónica, mientras escuchaba los discos de Bécaud, Aznavour, Tony Dallara y Connie Francis. Todos ellos eran los ídolos del futuro cantante, en cuyas canciones se encuentran reminiscencias de Charles Aznavour, a las que se une —como en buen número de cantantes de la época— un cierto eco de Serrat. A los veintiún años, Perales acabó su preparación y se mudó a Madrid, como otros tantos jóvenes de provincia. Traía algunas canciones compuestas.20 Juan Luis Guerra ¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬¬
Juan Luis Guerra. (Juan Luis Guerra Sijes; SantoDomingo, República Dominicana, 1957). Cantante dominicano. Siendo el menor de tres hermanos, a los diez años aprendió a tocar la guitarra, aunque su afición no empezará a demostrarse hasta mucho después, a mitad de sus estudios de Filosofía y Letras que inició en 1975.
En 1980 Juan Luis Guerra marchó a Boston para estudiar composición en el afamado Berkeley College Of Music, aunque debía volver periódicamente a su país para conseguir el dinero - trabajando en un canal de televisión- con el que pagarse su estancia en los Estados Unidos.
En 1984 grabó por su cuenta el material que compondría el álbum Soplando, rechazado en un principio por la discográfica Karen, que sí aceptará un año más tarde los temas que aparecen bajo el rótulo de Mudanza y acarreo. En 1986 se editó el álbum Mientras más lo pienso, tú con cambios en la formación que habitualmente servía de respaldo a Juan Luis Guerra, Los Cuatro Cuarenta, en cuyo seno permanecía hasta entonces Maridalia Hernández, sustituida ahora por Marco Hernández. En su país se convierte en un ídolo, junto a Víctor Víctor (para muchos su maestro).
El tema Woman Del Callao (incluido en Mientras más lo pienso, tú) se editó en España y Juan Luis Guerra Y Los Cuatro Cuarenta realizaron su primera visita promocional a dicho país. Todo un éxito, en especial desde que Camarón incluyera su versión del tema Amor de Conuco (a dúo con Ana Belén) en su álbum Soy Gitano. Así comenzó en España el fenómeno Juan Luis Guerra.
En 1990 ve la luz por fin en el mercado americano el LP Soplando y en España se edita Ojalá que llueva café y el recopilatorio Mosquito Coast. Mientras tanto, se publica en la República Dominicana Bachata Rosa (editado en España en 1991, marcando el punto más alto de su popularidad), con nuevos cambios en su grupo (Adalgisa Pantaleón sustituye a Mariela Mercado en las giras, aunque ambas seguirán presentes en sucesivas grabaciones). En 1991 la gira española de Juan Luis Guerra arrasa, llegando a poner el no hay entradas con cuatro días de antelación en su actuación de febrero celebrada en el Pabellón del Real Madrid y más de un cuarto de millón de asistentes al total de sus conciertos.
Una grave enfermedad en la vista interrumpió la grabación del álbum Areito, que acabó siendo mezclado en Nueva York y cuyo tema El costo de la vida entró en el puesto número treinta y cuatro de la lista de singles de música latina de la revista Billboard. En enero de 1993 fue ya el álbum número cinco en ventas, según la misma publicación. Juan Luis Guerra fue presentado por todo lo alto en el Radio City Music Hall de Nueva York y se extendieron los rumores (desmentidos por sus posteriores trabajos) de sus intenciones de abandonar la música.
En 1998, después de cuatro años de silencio discográfico, Juan Luis Guerra reapareció con un nuevo trabajo con el título No es lo mismo ni es igual. En este su quinto álbum aparecen curiosos temas cargados de humor e ironía, como en Mi PC, una burla de la jerga informática en clave romántica; y otros con una fuerte carga de crítica social, como es el caso de El Niágara en bicicleta, en el que relata una historia de hospitales pobres. En poco más de un año llegaría su sexto trabajo, Colección romántica, un álbum recopilatorio de sus canciones de amor más populares: Bachatta rosa, Burbuja de amor, Estrellitas y duendes, Amapola, etc.
En octubre de 2004 apareció un nuevo disco de Guerra, ya sin los 4-40, titulado Para ti, un álbum en el que presenta once canciones completamente dedicados a alabar a Dios, toda vez que el cantante dominicano se había convertido previamente a la Iglesia evangelista. A pesar de este marcado acento religioso, y de que los ritmos están más cercanos al goospel que a las bachatas, merengues y salsas que le hicieran famoso, fue un completo éxito de ventas.
Fuente: Biografias y Vidas Juan Pardo
Datos generales
Nombre real Juan Ignacio Pardo Suárez
Nacimiento 11 de noviembre de 1942(71 años) Palma de Mallorca, España
Ocupación Cantante
Información artística
Género(s) Canción ligera.
Instrumento(s) voz, piano, guitarra
Artistas Juan Camacho, Camilo Sesto relacionados Juan Ignacio Pardo Suárez (n. Palma de Mallorca, España; 11 de noviembre de1942), conocido artísticamente como Juan Pardo, es un cantautor y compositor español . Aunque mallorquín de nacimiento, Pardo es gallego de adopción. Seguramente, es una de las figuras más grandes de la historia musical en España ya que además de su gran éxito en solitario, Juan formó parte de algunos de los mejores grupos de la década de los 60 y promovió y compuso temas a otros grandes cantantes como a Los Pecos, Rocío Jurado, Luz Casal, Camilo Sesto, Andrés do Barro,Chiquetete, Massiel o a Juan Camacho entre otros. También es uno de los cantautores con más canciones registradas. En 2003, coincidiendo con el lanzamiento de su último álbum de estudio, Lúa Chea, la discográfica EMI reveló que es el compositor que más derechos de autor genera a la SGAE. Su carrera profesional comenzó en Los Vándalos. Luego formó parte de Teleko y de Los Pekenikes. Aquí sustituyó a Antonio Morales " Junior " , con el que más adelante formaría un dúo. De acuerdo con el historiador José Ramón Pardo, cuando por primera vez Juan Pardo acudió al estudio de grabación con Los Pekenikes (todavía un grupo vocal), el grupo no había informado a la compañía, Hispavox, del cambio de cantante, lo que dio lugar a una curiosa anécdota. Al cabo de un buen rato de grabación, el director artístico de la compañía llamó aparte a Alfonso Sainz, líder de la banda, y le dijo: "Mira, volved a llamar a Junior. Ese chico que habéis traído no sirve para cantante y jamás hará carrera". Por supuesto, "ese chico" era Juan Pardo y, por cierto, finalmente no cantaría en el disco. Eso le permitiría grabar con Philips un disco con su banda, los Teleko (Juan Pardo y su conjunto), aunque finalmente no tocarían ellos, sino los omnipresentes Los Relámpagos. Unos meses más tarde se confirmó definitivamente la marcha de Junior de Los Pekenikes y Pardo ocupó su lugar, ahora aceptado por la compañía. Con ellos llega a grabar doce canciones, entre ellas "Da Dou Ron Ron", "La bamba", "Al fin lloré" y "Ella te quiere", versión española del "She Loves You" de los Beatles, lo que convierte a Los Pekenikes en el primer grupo español en traducir a la banda de Liverpool, antes que Los Mustang. Más tarde fue cantante en Los Brincos, donde al fin coincidió con Junior. Dos años más tarde ambos abandonaron el grupo y formaronJuan y Junior. Sus discrepancias con Junior llevaron a la disolución del dúo y al comienzo de la carrera de Pardo en solitario en 1969. Nadie logró superarle en la lista de éxitos de ese año con "La charanga". En este mismo año (1969), aparece su primer trabajo de larga duración, el disco: Juan Pardo, editado por Zafiro, y producido por David Pardo (nada que ver con su familia) con temas como "Busca un amor" (compuesto para Fórmula V, aunque Juan presenta aquí su propia versión con letra distinta), "Barcelona", "Canciones", "Mi Lady" (una preciosa "nana") o "Flamenco blues". Le sigue el disco Soledades en 1970, en el mismo sello, con "Un año más", "Quise por querer" y la canción que dio título del disco. Durante 1969 y 1970, lanza varias canciones en formato de sencillo que, escalaron lo más alto de las listas de aquélla época y que fueron muy populares, como: "Cuando te enamores", "Toros en México", "Meu ben dorme", "A Marián niña", "Leonor"... Asimismo, durante esta época (principios de los años 70), se dedica a promocionar y lanzar a nuevos artistas, con canciones aportadas por él en muchos casos, demostrando su generosidad y el poco miedo a la competencia, entre los que se encuentranCristina, ya en solitario tras dejar Los Stop, con canciones como "Amor prohibido", "Barco a vela", "Las calles mojadas", "Canción de soñar", "Jacinto", "Mama Samba", "El último día de amor" o "Muy bien, vete de mi", Marisol, Andrés do Barro, Camilo Sesto, Juan Camacho, Emilio José y Peret y más adelante, en los 80, Iván, Los Pecos, Parchís y Xil Ríos. En 1971 cambia de sello al terminar su contrato con Zafiro, quedando pendiente alguna cláusula que impide reeditar ciertos discos de la época. Una vez firmado con Ariola, publica en 1973 My Guitar, cantado en lengua inglesa. Ese mismo año, aparece la canción "Adiós a Mariquiña", grabada en castellano y gallego, que trata de un poema de Manuel Curros Enríquez 1 musicado por Juan. Sigue intentando colocar éxitos en el mercado anglosajón y en el 74 edita Conversations with Myself, de nuevo (y siempre a partir de ahora) producido por Juan y cuya canción-título, editada en sencillo en versión española ("Conversaciones conmigo mismo"), le dio un éxito aquel año. Aquí termina la trilogía de obras en inglés, con clara orientación al pop y al rock y al mercado anglosajón. Al año siguiente lanza Hotel Tobazo, donde decide que quiere ser un compositor y cantante en español y romántico, pero con "amaneramientos" bebidos del pop y del rock (que nunca abandonará a lo largo de toda su carrera posterior). Este trabajo cuenta con los arreglos y teclados de Eduardo Leiva (habitual en los próximos discos) y las guitarras de Tony Obrador (otro ex Pekenike) y los coros de Luz Casal y Ana Oz (del dúo Ana & Johnny, muy conocido por aquella época). No hay que olvidar su Calypso Joe (1975), disco que se recrea en los ritmos jamaicanos. En el año 1976, graba un particular homenaje a su tierra de adopción, Galicia, el disco cantado íntegramente en gallego "Galicia miña nai dos dous mares", poniendo música a poemas de Eduardo Pondal y Ramón Cabanillas, con una sola excepción, la canción que da título al disco y con otra anécdota: se autoriza a Juan a grabar el Himno de Galicia. Después de grabar en Inglaterra el disco Amor mío (1977), que contiene dos de sus mejores temas de esta época: "Mi Herida" y "Amor Mío", finaliza su contrato con Ariola y se edita el obligado Grandes éxitos (1978). Justo unos meses antes del disco anteriormente citado lanza un single con temas no incluidos posteriormente en ningún disco: "Eso le ha pasado a todos" y "A tus pies madame". Por esta época Juan compone el tema "Quijote y Sancho" para la exitosa serie de TVE "Don Quijote de la Mancha". Además de componer y grabar, Juan también gestiona y produce la carrera de uno de los duetos más exitosos de la historia de España: Los Pecoscon los que siempre ha guardado una excelente relación. Tres años después lanza el disco Juan, mucho más Juan (en nueva casa, Hispavox). Los temas "Amar después de amar" y "No me hables, no me hables" consiguieron un éxito fulgurante en España, Hispanoamérica e incluso el segundo título escaló puestos en las listas alemanas. Ahora vienen dos de los discos más vendidos de la carrera de Juan Pardo. En 1982, Bravo por la música (del que se llegaron a vender 600 000 copias) y, al año siguiente, el doble disco Caballo de batalla. Al año siguiente (1984) hace las "paces musicales" con Fernando Arbex y editan un disco compuesto por ambos ("Un Sorbito de Champán"). En 1985 edita en single el tema "Ciudadanos del Mundo... (Abrid los brazos)", dedicado a las personas deficientes mentales. El año 85 lo salda con un disco doble grabado en directo (Pardo por la música). Posteriormente lanza "Qué tienes en la cama" con colaboraciones de Los Chunguitos (en el tema que da título al disco y que tiene aires de rumba) y Mari Trini. En 1987 sale Mírame de frente. En 1989 edita uno de los mejores trabajos de su carrera: Gallo de pelea. Al año siguiente, el disco que gusta por su humanidad cotidiana Uno está solo y en el año 1991, el espiritual Me compré unas alas. Es en estos años de gran éxito de Juan Pardo cuando compone un disco para Rocío Jurado en la que se incluye uno de los más exitosos temas de la chipionera: "Punto de Partida" Juan Pardo termina 1992 con un recopilatorio doble, en forma de grandes éxitos, titulado Sinceramente Juan, donde recoge temas del inicio de su carrera en solitario, dos de ellos vueltos a grabar en gallego ("A charanga" y "Anduriña") y un tema nuevo "Lo nuestro muere". La niña y El mar sale al año siguiente y en 1995, la obra Año nuevo. Juan Pardo tiene una casa en Remesar, una aldea de Galicia que está cerca de Santiago y pertenece al Ayuntamiento de A Estrada y en este nuevo trabajo Pardo dedica una canción a ese pueblo llamada "Campos de Remesar", En 1997 saca un doble compacto, Alma galega, de gran venta, que se recrea en tonadas tradicionales gallegas y canciones propias compuestas a lo largo de su carrera, junto a otras de nueva factura. Contó con distintas colaboraciones: la del cantautor y compositor gallego Xil Ríos, Joan Manuel Serrat, Paloma San Basilio, Gwendal y Amancio Prada, Ana Kiro y la cantante y pintora ferrolana María Manuela, así como, El Consorcio, Xosé Manuel Budiño o Tita. A principios de 1999, Pardo sorprende con un gran disco, Pasión por la vida, que es, un poco, como volver a sus inicios, con canciones más potentes, ritmos más acelerados y menos baladas. En 2001 se puso a la venta el nuevo proyecto discográfico de Juan, denominado Trigeneración, trabajo ambicioso y con significado muy especial para Juan, por lo que representa: un resumen de su carrera con Los Brincos, con Juan y Junior y en solitario, que abarca justo tres generaciones: años 60, 70 y 80. Se trata de nuevas grabaciones de los famosos temas, con arreglos nuevos. Su último disco se edita en 2003 bajo el título Lúa chea en el que Juan da finalizada su exitosa carrera músical tras medio siglo subido a los escenarios. Actualmente, Juan lleva una vida relajada y feliz entre Madrid y Galicia pero sin dejar a un lado su vena artística ya que su principal hobby es la pintura. Pedro, uno de los miembros del recordado dúo "Los Pecos" cuenta una anécdota con Pardo. Al llegar al camerino después de una actuación y con los gritos de las miles de fans enloquecidas todavía sonando de fondo, Juan le paró, le cogió por el hombro y le dijo: "Hasta que no consigas cambiar esos gritos por aplausos no serás un verdadero artista". En contraposición con la amplia mayoría de artistas españoles que siempre han acompañado las campañas políticas de la izquierda, Juan Pardo ha sido uno de los pocos que ha brindado su apoyo al centro-derecha español, primero a la UCD de Adolfo Suárez y posteriormente al Partido Popular de Manuel Fraga y José María Aznar. En el caso de la UCD compuso su himno y para el PP hizo la canción "Xuntos". Es un gran esquiador, de hecho es monitor de este deporte. Ha estudiado en el colegio Tirso de Molina de Ferrol. Ha hecho la música para varios spots publicitarios de distintas marcas como por ejemplo Danone o Trinaranjus. Su padre, Almirante de la Marina, quería que Juan ingresara en la Academia Naval pero fue rechazado porque es daltónico. Juan Pardo y su gran amiga la periodista Encarna Sánchez fueron quienes aconsejaron a Camilo Blanes que cambiara su nombre por el de Camilo Sexto (posteriormente escrito "Sesto") ya que era el sexto de la familia Blanes que se llamaba Camilo. En la teleserie "Marieta" producida por Telecinco sobre la vida de Rocío Durcal, Juan es interpretado por Borja Tous, popular por sus papeles en series como Yo soy Bea o los Misterios de Laura. Una canción compuesta e interpretada por él, "Anduriña", era el tema favorito del pintor Pablo Picasso e incluso tuvieron la oportunidad de conocerse en Francia, debido a la admiración mutua que se profesaban. En este encuentro, el pintor le regaló un pequeño dibujo de una anduriña (golondrina en castellano), del cual hoy en día se desconoce su paradero. Fue de los pocos cantantes que se atrevieron a interpretar sus canciones en un idioma regional durante la dictadura del general Franco, en este caso el gallego. Juan Pardo ha actuado en varias películas en sus primeros años de trayectoria: Como protagonista, con Junior “Un mundo diferente” (1968), a la que siguió “A 45 revoluciones por minuto” (1969) y “Rostros” (1978) junto a Carmen Sevilla. Y le puso la música a otras como "Zampo y yo" (1965), "Más bonita que ninguna" (1965), "Solos los dos" (1968), "Si fulano fuese mengano" (1971), "La revolución matrimonial" (1974) y "La guerra de los niños" (1980). JUANES ++++++++++++++++++++++++++++++++++++++
Juanes. (Nombre artístico de Juan Esteban Aristizábal Vásquez; Colombia, 1972) Cantante colombiano. Para poder explicar la trayectoria artística de Juanes hay que remontarse a finales de la década de los 80, cuando un joven Juan Esteban, siguiendo su pasión por la canción y el ritmo, crea una banda de metal con tan sólo 15 años. No tarda en darse cuenta de que lo que ha empezado como un simple juego de niños es en realidad el inicio de un brillante futuro profesional.
Juan Esteban Aristizábal Vásquez nace en los años 70 en el seno de una familia colombiana donde se vive la música con pasión. Su padre y sus hermanos le enseñan a tocar la guitarra y siendo aún un crío ya está muy familiarizado con este género artístico. Por eso, en su adolescencia en la ciudad de Medellín, se decide a organizar Ekhymosis, con el que dará sus primeros pasos profesionales en los mercados musicales.
Ocho años de historia y cinco álbums publicados avalan la calidad de las propuestas de Ekhymosis y de Juan Esteban como su guitarrista y cantante. Todo este tiempo y el trabajo creativo hecho le dan al músico colombiano la suficiente experiencia como para decidirse a iniciar su camino artístico en solitario cuando en el año 1995 se disuelve la banda.
En 1998 Juan Esteban deja su Colombia natal y se traslada a vivir a Los Ángeles. Su estancia en esta ciudad norteamericana le sirve de inspiración y se convierte en el eje temático de su primer disco como solista, Fíjate bien. Pese a ser su debut, este álbum es un gran éxito de público y de crítica y le sirve incluso para obtener tres nominaciones a los prestigiosos premios Grammy latinos. Con su nueva vida cambia también su nombre y se convierte en Juanes. En poco tiempo acabará consolidándose como una estrella de la música latina e iniciará una espiral en la que, a lo largo de cuatro años, grabará tres discos y se convertirá en el artista latino de más prestigio internacional.
El éxito de Fíjate bien queda corto ante la repercusión que alcanza la salida al mercado del segundo trabajo discográfico de Juanes, Un día normal. Él mismo es el autor de once de los doce temas de este álbum que ha marcado un hito histórico al ser el que ha conseguido mantenerse más tiempo en el Top-10 latino. Entre sus canciones se encuentra A Dios le pido, un verdadero hit que se escucha en todo el mundo y que al cabo del tiempo sigue siendo una de sus creaciones más populares. Además en este disco Juanes cuenta con la colaboración de la popular Nelly Furtado, con quien graba Fotografía.
Juanes canta, compone, produce y es el guitarrista y arreglista de todas las canciones que forman parte de su discografía. Esta total dedicación a su trabajo, además de su indudable talento artístico, es una de las razones de su triunfal carrera musical que le ha llevado a ganar numerosos e importantes premios como los Amigo, MTV, Grammy latinos, Lo Nuestro e incluso un Ondas español. El amor como tema principal de sus composiciones y la combinación de ritmos colombianos, rock y pop que salen de su guitarra hacen que sus canciones sean verdaderos éxitos con los que arrasa entre el público de sus giras de conciertos a nivel internacional.
El último disco de Juanes hasta el momento aparece en los mercados de todo el mundo en el año 2004. Se titula Mi sangre y el sonido de la guitarra es el principal protagonista de la mayoría de sus temas, en los que además de reflejar el mundo de los sentimientos y diferentes aspectos de la vida actual aborda la problemática de la cada vez más creciente violencia en nuestra sociedad.
Fuente: Biografias y Vidas JULIETTTE GRECO
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Juliette Gréco. (Montpellier, 1927) Actriz y cantante francesa. Actuó en el teatro y en el cine, pero sus mayores éxitos los obtuvo como cantante, al principio identificada con el existencialismo de la «rive gauche» parisiense y, más tarde, vinculada con el music-hall. En 1952 obtuvo el Grand Prix du disque. Posteriormente publicó un libro autobiográfico, Jujube (1982), un álbum de fotografías, Gréco 83 (1983), y un doble álbum recopilatorio, Déshabillez-moi (1990).
Fuente: Biografias y Vidas JULIO IGLESIAS
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Julio Iglesias. (Madrid, 1943) Cantante melódico español. Es el músico melódico español de mayor renombre internacional. A los diecinueve años, un accidente de coche le incapacitó para la práctica del fútbol, al que se dedicaba, y durante la convalecencia compuso el tema La vida sigue igual, con el que ganaría el Festival de Benidorm en 1968. En el año 1970 representó a Radio Televisión Española en el Festival de Eurovisión, logrando la cuarta plaza con el tema Gwendoline, que catapultó al cantante al estrellato en Europa. En 1980 sacó el que hasta el momento ha sido su disco más comercial en lengua castellana, Hey, y en 1984 editó su primer disco en inglés 1100 Bel Air Place, que incluía el «hit» All of you, cantado a dúo con Diana Ross. También contribuyeron mucho al éxito en su carrera la manera de actuar en el escenario y la sensualidad de su voz y sus gestos, que le han valido el apoyo incondicional de un público mayoritariamente femenino.
Fuente: Biografias y Vidas Julio Jaramillo
Datos generales
Nombre real Julio Alfredo Jaramillo Laurido
Nacimiento 1 de octubre de 1935
Origen Guayaquil Ecuador
Muerte 9 de febrero de 1978 (42 años) Guayaquil Ecuador
Cónyuge María Eudocia Rivera (1955)1 Anamelba (1957)2 Gloria Reich (1958)3 Coralia Valle (1960)4 Nancy Arroyo (1970)5
Hijos Pepe
Ocupación Cantante solista
Información artística
Otros nombres El Ruiseñor de América5 Jota Jota Mister Juramento6 La voz de oro
Género(s) Bolero Pasillo
Instrumento(s) Guitarra Voz
Período de 1950-1978 actividad
Discográfica(s) Ónix Yoyo Music Sonolux Discos Peerless Codiscos
Julio Alfredo Jaramillo Laurido (Guayaquil, 1 de octubre de 1935 - 9 de febrero de1978)7 fue un cantante ecuatoriano conocido como «El ruiseñor de América».5 Nació el 1 de octubre de 1935 en la Clínica Panchana de la ciudad de Santiago deGuayaquil. Hijo de Juan Pantaleón Jaramillo Erazo, originario de la población deMachachi en Pichincha, y de Apolonia Laurido Cáceres, guayaquileña de ascendencia jamaiquina.8 9 Su padre emigró a la provincia de Guayas en busca de mejores oportunidades laborales y fue allí donde conoció a Apolonia.3 El 2 de abril de 1941, cuando Julio contaba con cinco años de edad, perdió a su padre debido a un accidente laboral cuando éste fabricaba, una cruz para la tumba de su hija que había fallecido a corta edad. Su madre, quien quedó viuda, lo crio junto a su hermano mayor, José —n. 1933 y popularmente conocido como Pepe—.3 Ambos hermanos fueron matriculados en la escuela Sociedad Filantrópica del Guayas, pero Julio abandonó sus estudios en tercer grado por problemas de disciplina.10 3 Su primer contacto con la música fue a través de Ignacio Toapanta, un vecino que le dio lecciones de guitarra y le dejaba jugar con los instrumentos musicales.11 12 Cuando Pepe cumplió 15 años, ganó en un concurso radial cuyo premio era una presentación en un centro nocturno, y este hecho fue el inicio de su carrera artística. Pese a ello, Pepe fue disciplinado, terminó sus estudios y más tarde probó suerte en Colombia.13 A los 18 años, Julio alquiló una habitación para vivir con una chica llamada Irene. Con ella tuvo a su primer hijo, que murió a los ocho meses.14 En esa época trabajó como aprendiz en Zapatería Arteaga, aunque insistió en seguir una carrera musical, sin resultado positivo hasta ese momento.13 6 En sus inicios bohemios, solía frecuentar La Lagartera,15 16 una esquina donde los músicos ofrecen serenatas por un valor acordado con el cliente. Con el tiempo, los músicos aceptaron su presencia y dejaron que los acompañara con la guitarra y en ciertas ocasiones le permitieron que cantara. Su primera presentación la realizó en Radio Cóndor,17 donde tuvo la oportunidad de conocer a Rosalino Quintero, con quien forjaría una amistad y más tarde sería su arreglista, guitarrista y requinto.18 19 Posteriormente intervino en Radio América y cuando salía de la emisora solía frecuentar El Cajón, un bar frecuentado por gente del medio artísitico.18 20 En radio El Triunfo conoció a Julio Morante, quien le presentó a Odalina Sánchez de quien se enamoró y con la que se fue a vivir al departamento de Morante. Julio rompió con Irene, quien se fue a vivir con la madre de Julio. Odalina le dio un hijo llamado Francisco, nacido el 9 de marzo de 1955, pero Julio dio la primera gran sorpresa de su vida al casarse, dos meses después del nacimiento de su hijo y sin haber cumplido los 20 años, con María Eudocia Rivera, una chica que cantaba y que conoció en una emisora y que tenía cuatro meses de embarazo. Aún casado siguió con Odalina y tuvo dos hijos más con ella y una hija de nacionalidad peruana con la cantante peruana Anamelba.21 Se cree que en 1952 Julio grabó la marcha Nuestro líder para el político Carlos Guevara, del cual se imprimieron 12 acetatos. Esa experiencia lo motivó para buscar a la cantante Fresia Saavedra para proponerle que cantaran juntos. Impresionada por la determinación de Jaramillo, aceptó grabar con él en 1955 el yaraví Mi madre querida y el pasillo Mi corazón, acompañados por Rosalino Quintero en laguitarra. Aunque el disco no tuvo éxito, grabó con su maestro Carlos Rubira Infante el pasillo Esposa. Pero fue un vals peruano, titulado Fatalidad (música de Laureano Martínez Smart y letra de Juan Sixto Prieto), que ya había grabadoOlimpo Cárdenas exitosamente con discos Victoria en Medellín, el que lo catapultó a la fama en marzo de 1956. En vez usar la guitarra, Rosalino Quintero utilizó el requinto, y le dieron un ritmo entre vals peruano y pasillo ecuatoriano. Desde el primer día que salió al mercado fue un éxito, y en una semana se vendieron 6 mil copias y tuvieron que reimprimirlo. El éxito fue tan arrollador que, al finalizar 1956, Julio ya había grabado una docena de discos para el sello Ónix. Te odio y te quiero,Hojas muertas, Elsa y Carnaval de la vida fueron las más populares. La versatilidad en la voz de Jaramillo le llevaron a interpretar exitosamente temas en ritmos tan variados como bolero, tropical, tango, vals, pasillo, joropo e incluso rock and roll.22 Su consagración internacional llegó con el pasillo Nuestro juramento (1957), inédita del puertorriqueño Benito de Jesús. Con esa canción, Jaramillo se embarcó en varias giras por América Latina. Los primeros países en los que el intérprete consagró su fama fueron Colombia, Perú,Argentina, Uruguay, Chile y otros.23 En 1959 Julio debutó en televisión en un programa especial de Telecuador, que además contó con la presencia de la cantante Blanquita Amaro. Ese mismo año debutó en el cine, junto a Antonio Santos, en el drama Mala mujer.24
Después de cumplir con el servicio militar, siguió con su carrera y con el mundo bohemio. Participó en la película ‘Romance en Ecuador’ y en otras tres rodadas en Argentina, Chile y México. En 1965 se radicó en Venezuela, desde donde realizó giras triunfales por México, Puerto Rico y otros países.25 Durante su carrera, Jaramillo hizo varios duetos en estudio. Un de ellos fue con Daniel Santos, ‘El Jefe’; el rocolero Alci Acosta yOlimpo Cárdenas. Al poco tiempo de recibir una remesa de discos en México, la disquera Peerless se interesó por Julio, que casi de inmediato se embarcó en varias giras por América Latina. En los intervalos de sus viajes Julio cantó en los cines de Guayaquil, pues era costumbre que un artista se presentara antes de una película. Fue tal el éxito que inicialmente cantaba los sábados y domingos, y tuvieron que extenderle el contrato para que cantara toda la semana dos veces por día. A su paso por América Central, durante su gira musical, se casó por lo civil en El Salvador con Coralia Valle. El matrimonio se transmitió por televisión en dicho país, aunque años después fue anulado debido a que el cantante estaba casado en el Ecuador con otra mujer. Cabe aclarar que el primero y único matrimonio legal (civil y eclesiástico) de Julio Jaramillo ocurrió en Guayaquil, siendo su primera esposa María Rivera, de la que no se divorciaría hasta el mes de junio de 1976, casándose luego con la mujer que lo acompañó durante los últimos 16 años de su vida, Nancy Arroyo, nacida en el Ecuador, de padre ecuatoriano y madre colombiana, ambos artistas de circo, que se radicaron en Venezuela. Muchos biógrafos sostienen que «El Ruiseñor de América» tuvo más de 30 hijos en diferentes relaciones sentimentales. 426 27 Julio Jaramillo ingresó a la clínica Domínguez de Guayaquil debido a unos cálculos en la vesícula, sin embargo tras complicaciones de la operación tuvo que ser intervenido por una segunda ocasión.28 Es así que el 9 de febrero de 1978 falleció, según el parte médico, de un paro cardiaco,7 aunque se ha especulado que debido a su vida bohemia murió a causa de una cirrosis.29 30 31 Tan pronto se difundió la noticia de su muerte,28 cerca de doscientas mil personas se congregaron junto a la clínica, y aunque en varias ocasiones solicitó que no le rindieran homenajes póstumos,14 sus restos fueron velados durante tres días en diferentes lugares como radio Cristal, el Palacio Municipal de Guayaquil y el coliseo Voltaire Paladines Polo. Es considerado uno de los íconos de la música ecuatoriana.3132 7 Kenny Rogers
Kenneth Ray Rogers en 2006
Datos generales
Nacimiento 21 de agosto de 1938(75 años)
Origen Houston, Texas,Estados Unidos
Ocupación Cantautor, actor, productor discográfico
Información artística Género(s) Country pop, country
Instrumento(s) Voz, guitarra, bajo eléctrico,armónica
Período de 1958 - presente actividad
Discográfica(s) Cue Records, Carlton Records, Mercury Records,United Artists Records, RCA Records, Reprise Records,Giant Records, Atlantic Records, Curb Records,Dreamcatcher, Capitol Nashville, WEA
Artistas New Christy Minstrels, The First relacionados Edition, Glen Campbell,Dolly Parton, Dottie West
Kenneth Ray "Kenny" Rogers (n. Houston, Texas, 21 de agosto de 1938) es uncantautor y actor estadounidense. Criado en uno de los sectores más pobres de la ciudad, comenzó en el mundo de la música con 20 años, tocando temas de otros cantantes de la época. Tuvo la influencia de varios músicos de la música country y soul, tales como Nat King Cole, Charlie Daniels, Arthur Alexander y Chuck Berry. En 1977 logró un gran éxito en todo Estados Unidos con su sencillo "Lucille", que arrasó en las listas de country siendo el numero 1 y además en los rankings de música pop. Otro de sus grandes éxitos en el country es el tema "Coward of the County". En 1979 su balada romántica "She believes in me" lo consagra ya no solo como un cantante country sino como un sólido intérprete romántico en los charts del mundo entero. En 1980 con "Lady" no solo obtiene la fama mundial sino la confirmación de ser una gran estrella de la música, además ganó un premio Grammy. Integró el grupo "USA for Africa", que cantó la famosa canción "We Are The World" en el año 1985. Kenny Rogers es el cuarto de los siete hijos concebidos por Edward Floyd Rogers, uncarpintero, y su esposa Lucille, enfermera. Rogers se graduó en la "Jefferson Davis High School" en Houston. De acuerdo con su acta de nacimiento, su segundo nombre es Ray y a veces aparece en los créditos como "Kenneth Ray Rogers". Ketama.
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Ketama. Ketama se formó a principios de los 80, tomando el nombre de un pueblo marroquí famoso al parecer porque allí se cultiva una de las mejores yerbas. Sus primeras influencias vienen de la música latino americana. El grupo en su origen estaba formado por José Soto, con Juan Carmona y Ray Heredia de Madrid.
Poco después se les unirían Antonio y José Miguel Carmona. Ray Heredia abandonaría el grupo para iniciar su carrera en solitario, aunque las drogas malograron dicha carrera. Posteriormente, José Soto, Sorderita, fue que se separó del grupo. Los tres Carmona siguieron con el grupo y publican ahora Dame la mano.
Desde el principio Ketama lideró lo que se ha dado en llamr el nuevo flamenco. En sus discos han mezclado salsa, música brasileña, reggae, funk y hasta jazz y han compartido escenario con gente como Paco de Lucia, Enrique Morente y Camaron De La Isla.
Después de construirse una sólida reputación gracias a sus guitarras y a sus voces, Ketama tocó con Celia Cruz, Paquito De Rivera, Arturo Sandaval, y Michel Camilo. Han llegado incluso a ser teloneros de Prince, The Rolling Stones y varias veces de Frank Sinatra. Su primer trabajo se publicó en 1985 y se llamó como ellos mismos. "Ketama". Sin embargo el disco se había grabado dos años antes. En ese primer trabajo ya colaboraba gente de la talla de Carlos Benavent, Pepe Habichuela y Teo Cardalda. En 1987 se marchó Ray Heredia entrando en el grupo Joemi Carmona cuando sólo tenía 16 años de edad. Ya con él grabaron "La pipa de Kif" en 1987. Un año más tarde apareció "Songhai" con el músico africano Toumani Diabate. En dicho disco colaboró Ketama, así como en el siguiente, "Songhaui 2". "Songhai" fue elegido por la revista New Musical Express como el mejor disco extranjero del año.
En 1990 Ketama publican "Y es ke me han kambiao los tiempos", el primer álbum producido por los mismos Ketama y el primer disco con un cierto éxito, lo que les hace merecedores de ser los teloneros de Prince en su gira por España. Posteriormente, el grupo publica "Pa gente con alma".
Nuevos Medios, su antigua compañía publica "Canciones hondas", un recopilatorio de sus años en esa discográfica. En 1993 Ketama, ya convertido definitivamente el trío, tras la marcha de Sorderita, publica "El arte de lo invisible".
Grabado en los Estudios Cinearte de Madrid los días 28 y 29 de marzo en directo, "De aki a Ketama" marca la transformación del trío en fenñómeno de masas. Se trata de un disco grabado en Madrid, y que contó con la colaboración de artistas de la talla de Potito, Chonchi, Antonio Canales, Juañares, Antonio Vega, Antonio Carbonell, Aurora, Amara Carmona y Antonio Flores, quien fallecería poco después. El disco estuvo más de 1 año en las listas españolas y vendió más de medio millón de copias, confirmándoles como las grandes estrellas del nuevo flamenco. Por este disco consiguieron el premio al mejor álbum en los Premios Ondas.
En 1997 consiguieron el Premio de la Música en la categoría de Mejor Canción del año 1996 por "No estamos lokos".
Después de un merecido descanso, Ketama retorna a los estudiso de grabación. Para ello cuenta con la colaboración de Jorge Drexler y Khaled. El resultado de este trabajo es un disco titulado "Konfusión", con el que vendieron más de 300.000 copias. En 1998 publicaron "Sabor Ketama", un recopilatorio con 17 temas del periodo comprendido entre 1990 y 1997. Su siguiente trabajo fue "Toma Ketama!", que contó nuevamente con la colaboración de Jorge Drexler.
"Dame la mano" es el siguiente álbum de Ketama. En el disco además de los toques, de pop, flamenco y blues hacen incursiones en el hip hop y el house.
Fuente: Todomusica King África
Datos generales
Nacimiento Capital Federal, Argentina 31 de octubre de 1971(42 años)
Ocupación Cantante, Músico, House Dj
Información artística
Género(s) Dance Latino
Período de 1997 - Actualidad actividad
Artistas Dj Dero relacionados King Africa, es un grupo musical creado en 1992 por Dero (DJ), Tuti Gianakis y los hermanos Alejandro y Nicolás Guerrieri para su sello musical Oid Mortales Records. Su primer solista fue el rapero Martín Laacré entre los años 1992 a 1995 y posteriormente Alan Duffy (Dj y Músico), quien lo lidera desde 1997 hasta el día de hoy. En 1993 lanza su primer disco: "El Africano", que alcanzó el disco de oro en Argentina, en él se incluía el tema "Salta", primer gran éxito de la banda, en 1994 editan la segunda producción "Al Palo", ambos larga duración tuvieron como voz solista a Martín Laacré. Luego en 1995 y después de alcanzar gran éxito no solo en Argentina, si no en gran parte de Latinoamérica, se presentan triunfalmente en el Festival de Viña del Mar. En ese mismo año se edita el disco Remix, un compilado de remixes de sus temas más conocidos que incluye además una nueva versión de la canción "La Niña del Pañuelo Colorado" junto a Los del Rio. En 1996 y por diferencias entre los productores y el vocalista, Laacré se aleja de la banda. Alan Duffy, quien hasta el día de hoy se mantiene como solista del grupo, ya trabajaba como cantante del sello discográfico Oid Mortales realizando varias grabaciones. Los productores deciden convocarlo para liderar el grupo King Africa, y, con gran acierto por su parte, logran llevar junto a Alan Duffy este proyecto a un nivel mucho más internacional. El primer disco grabado por Alan Duffy como nuevo vocalista se tituló Animal en 1997, fue un éxito en toda Latinoamérica. Entre 1997 y 1998 realizó numerosas presentaciones por el continente latinoamericano. Viajó a Europa para presentar su disco en España. Llegó a tener una gran repercusión en el carnaval de Santa Cruz de Tenerife donde su hit El Camaleón fue elegido el tema número uno de dicho carnaval. Durante 1999, King África comenzó con su gira por España, y Latinoamérica. Los esfuerzos realizados para imponer al artista en el terreno internacional dieron fruto a principios del nuevo milenio de la mano de la canción La Bomba, una versión cover de la banda boliviana Azul Azul. También de su lanzamiento discográfico europeo: Grandes Éxitos. Gracias a este King África se colocó en el primer puesto de los 40 Principales españoles, abriéndose las puertas del mercado masivo europeo. Gran parte de Europa se hizo eco de esta repercusión, comenzando una gira con más de 150 conciertos en España y Portugal, además de Francia, Italia, Alemania, Bélgica, Suiza, Rumania y Holanda. Su disco Grandes Éxitos se convirtió en muy poco tiempo enDisco de Oro en España, Portugal y Bélgica. Además realizó importantes presentaciones televisivas como Tops of the Pop (Francia y Alemania), Carramba Che Fortuna! 1 (RAI, Italia), Surprise, Surprise (TV Rumania) entre otras. A comienzos del año 2001 King África lanzó al mercado: Carnavalito EP (anticipo de su disco: Pachanga), un CD single con cuatro canciones en las cuales está incluido El Humahuaqueño, llegando a vender miles de copias. A mediados de Abril de ese mismo año se editó su nuevo trabajo: Pachanga, que incluye temas como Comadre Compadre, El Humahuaqueño y Salta (remix 2001), esta última canción es utilizada para el spot publicitario de las patatas fritas Pringles con repercusión mundial. En su lanzamiento por Latinoamérica, Pachanga se edita en Puerto Rico y Estados Unidos con un special remix:El Humahuaqueño (reggaeton mix), llegando a conseguir rápidamente en dichos países y en España el Disco de Oro. En este mismo año la revista Billboard nominó a King África como “Álbum del año” y “Mejor Artista Pop Revelación” para los premiosBillboard Latin Awards, debido a que Pachanga se encuentra en la lista de los 10 álbumes más vendidos. También en el año 2001, fue invitado a participar al concierto “Son Latinos” que se realiza en la Playa de Las Vistas de Tenerife. Su gira se extendió por Canadá y Estados Unidos, donde lo invitaron a participar en la elección de Miss Hawaiian Tropic World que se realizó en el Hotel Mandalay Bay de Las Vegas. El evento se retransmitió en directo por televisión, King África dio el inicio al son de La Bomba junto a las 74 participantes que actúan como bailarinas, y cerró el evento con tres canciones más. En el año 2002 el grupo lanzó: Energía, un álbum que incluye canciones como: Mete Mete y Vitorino, esta última grabada con el dúoLos del Río. Este mismo año recibió el Disco de Oro francés por superar las ventas de más de 250.000 copias del CD-single: La Bomba (remixes). En el año 2003 se editó el disco: Buena Onda. En julio de este mismo año viajó a Japón para apoyar con varias presentaciones radiales y televisivas en las ciudades de Kyoto, Osaka, Kobe, Yokohama, y Tokio, su disco King África – Grandes Éxitos, editado en ese país, y debido a que su versión del tema La Bomba se encuentra entre las tres canciones más escuchadas de los chart de las radios japonesas realiza varios conciertos. En 2004 salió a la venta Reggaeton Mix, que contiene temas como Mi abuela,2 y el hit Golosa. En este mismo año King África viajó aCosta Rica por primera vez para dar un concierto. A comienzos del año 2005 Duffy participó en el programa televisivo “Gran Hermano VIP: El desafío” de España, e inmediatamente cuando salió del concurso presentaron el disco: Fiesta VIP. King África, en este disco, edita un compilado de 21 canciones que lo han hecho famoso, e incluye el hit: Paquito El Chocolatero.3 En el año 2006 son editados en el recopilatorio Caribe 2006 la canción Saturday Night, un clásico de los 90, y en el año 2007 sale al mercado en el recopilatorio Caribe 2007 con su versión de Bombón, una canción que triunfó en toda Latinoamérica. En diciembre de 2007 Vale Music festeja su 10º Aniversario lanzando al mercado el disco: Vale Music: 10 años a nuestra manera, en el que incluye 17 hits versionados por 17 de sus artistas. Como artista más veterano de Vale Music, King África es invitado a participar en este gran festejo realizando una versión de la canción del grupo O-Zone Dragostea Din Tei. En mayo de 2008, Vale Music saca al mercado su disco Caribe 2008 y King África aporta otra nueva canción de verano llamadaChispum . A principios de Junio, Vale Music edita el compilado Disco Estrella 2008 que incluye la canción de Rodolfo Chikilicuatre y King África El Chiki Chiki, versión que realizaron juntos en el programa de Andreu Buenafuente. En mayo de 2009 el recopilatorio de género Dance-Latino de Vale Music cumple su 10º aniversario, y King África aporta su granito de arena en el Caribe 2009: El verano es azul con su canción Tiki y Taka. En noviembre de 2009 graba en los estudios Disney la canción Si humano fuera ya para dar vida al personaje de Louis4 en el clásico de Disney Tiana y el Sapo5 que se estrena en los cines de España el 5 de febrero de 2010. En febrero de 2011 graba en Valencia junto al actor cómico español Fernando Esteso una nueva versión de la canción La Ramona, un tema que ya había popularizado Fernando Esteso en el año 1973, además juntos realizan el videoclip en esa misma ciudad. Ese mismo año el grupo de rock español "Los Mojinos Escocios" sacan a la venta el disco Mená Chatruá, para ello convocan a 20 artistas invitados para grabar a dúo este disco compilado con sus mejores hits, entre ellos se encuentra King África quienes graban junto a Miguel "El Sevilla", vocalista de dicha banda, una versión del tema titulado La canción del Verano, un divertido reggae-rock. En febrero de 2012 el sello discográfico Goal Songs, con una producción de Quique Tejada, Isaac Luque y Miguel Vilchez, graban con King África en Barcelona por primera vez cantando en africano, la canción titulada Oh Benuno, una canto espiritual africano del siglo XVII transformada en un hit Tribal Dance. En mayo de 2012 Oh Benuno (EP) sale a la venta en formato digital, y el 05 de junio el sello discográfico Universal Music Spain incluye la nueva canción de King África en su compilado más veraniego de mayor éxito en España, el Caribe 2012. En mayo de 2013 actuó en las fiestas del Corpus Christi de Archena. KURT COBAIN
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Kurt Cobain. (Nombre artístico de Kurt Poupon; EEUU, 1967 - 1994) Compositor y cantante de rock duro estadounidense, creador y principal miembro del grupo Nirvana.
El 20 de febrero de 1967 nace Kurt Poupon en la localidad de Aberdeen, en Washington. Ese niño, que con los años sería conocido como Kurt Cobain, arrastró a lo largo de toda su vida los problemas de su familia que culminaron con la separación de sus padres cuando había cumplido los siete años. Kurt Cobain murió siendo todavía un hombre joven, pero pese a muchos de sus problemas (o quizás gracias a ellos) llegó a convertirse en un ídolo musical mundial.
Kurt Cobain tuvo por primera vez en sus manos una guitarra a los 14 años, cuando se la regaló su tío. A partir de ese momento la música se convirtió en una constante en su vida y fue una herramienta que le resultó especialmente útil para expresar en parte su complicada personalidad. Con el tiempo decide, junto a su amigo Krist Novoselic, formar su primera banda, a la que llaman Fecal Matter. Son sus primeros pasos en el mundo profesional de la música.
Pronto Fecal Matter queda corta para las ansias artísticas de Kurt Cobain. Sigue unido a Novoselic para crear un nuevo grupo al que se incorpora el batería Dale Crover. Corren los años 1985 y 86 y Seattle ve nacer los primeros conciertos del mítico Nirvana. Pocos pueden sospechar que alrededor de esta formación y de la misma ciudad se originará una corriente musical que hará historia: el grunge. Ritmos de rock primitivo y desencantado se convierten rápidamente en un himno para la juventud de los años 80. Tanto la música como la estética de Cobain y su grupo influyen decisivamente en la sociedad de entonces.
En el año 1988 Dale Crover ha sido sustituido por Chad Channing en Nirvana. Con el nuevo integrante del grupo se graba su primer trabajo discográfico, Nirvana. Sus dos canciones, Love Buzz y Big Cheese, consiguen ser rotundos éxitos y dan un gran prestigio a la formación de Cobain. Con la fuerza que les otorga su buena aceptación empiezan a trabajar en su primer álbum de estudio, Bleach. Los circuitos alternativos de los Estados Unidos empiezan a albergar los conciertos de Kurt Cobain y sus compañeros con temas como About a girl.
En el año 1990 se publica el segundo disco de Nirvana, Nevermind, bajo el sello de la compañía discográfica Geffen. Cobain vuelve a cambiar el batería y es ahora Dave Grohl quien toca en el grupo. Este álbum se convierte en uno de los más importantes de la historia de la música actual al vender más de quince millones de copias. Su single Smells like teen spirit es un verdadero mito para jóvenes de todo el mundo. El éxito rotundo llega a la carrera musical de Kurt Cobain aunque él no deja de lado sus problemas de adicción a la heroína y su personalidad depresiva.
El 24 de febrero de 1992 Kurt Cobain se casa con otra cantante norteamericana, Courtney Love. Es la líder de Hole (un grupo formado por solo mujeres) y se la conoce por su carácter problemático. El suyo será un matrimonio conflictivo en el que abundan las drogas y la violencia y del cual nacerá su única hija, Frances Bean. En el mismo 1992 ve la luz otro de los discos de Nirvana: Incertide. Es una recopilación de temas inéditos que solo se oyen en los conciertos en directo del grupo, como por ejemplo Sliver o Son of a gun y el preludio de su último disco llamado In utero.
Los problemas personales de Kurt Cobain son cada vez más importantes y el cantante intenta suicidarse en dos ocasiones, además de ser internado por una sobredosis en el año 1993. El 5 de abril de 1994 muere de un disparo en la cabeza aunque su cadáver no se encuentra hasta tres días después. Sólo tiene 27 años y la versión oficial es que se ha suicidado, aunque las especulaciones sobre un posible asesinato nunca han dejado de oírse.
Tras la muerte de Cobain aparecen en el mercado MTV Unplugged, un álbum realizado en 1993, y una recopilación póstuma hecha por los demás miembros del grupo, From the Mudy Banks of the Wishkah.
Fuente: Biografias y Vidas Kylie Minogue.
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Kylie Minogue. Kylie Minogue nació el 28 de mayo de 1968, en Melbourne, Australia, en el seno de una familia dedicada al teatro, lo que le llevó en sus inicios a participar en varias series de la televisión australiana. Su principal trabajo fue en la serie Neighbours, una de las de mayor éxito en aquel país. Mientras trabajaba en esta serie, le surgió la oportunidad de grabar una de mos con el tema "The Loco-Motion", para Mushroom Records. El resultado fue tan bueno, que editaron un sencillo que salió a la venta y el tema permaneció durante siete semanas como número uno de las listas australianas.
En 1987, Kylie visita a los afamados productores británicos Stock, Aitken y Waterman, que colocaron a la cantante en el número uno de las listas británicas y de medio mundo. Un año después abandona la resie "Neighbours" para centrarse en la música.
El primer sencillo aparecido en el Reino Unido, "I Should Be So Lucky", alcanzó el número uno a principios de 1988, presagiando una impresionante carrera en la lista de éxitos británica desde el momento de su aparición, numerosos temas en el número uno de las listas británicas.
Su primer álbum, titulado "Kylie", consiguió ser el más vendido de 1988, debutando directamente en el número uno en el Reino Unido y consiguiendo importantes registros también en otros países como Alemania, Francia Australia o España.
Tras este trabajo apareció un segundo álbum, "Enjoy Yourself", que además contenía el tema principal de la pelicula "The Delinquents", en la que participaba la propia Kylie Minogue.
En 1991 adoptó una imagen más sexy, lo que le hizo ganar todavía una mayor presencia en los medios. Su tercer álbum, titulado "Rhythm Of Love", es el fruto de este cambio de imagen. Kylie coescribe cuatro de las diez canciones que aparecen.
En Octubre de 1991 se embarca en una gira por el Reino Unido, logrando que todos los conciertos sean portada de los periódicos y revistas de aquel país, todo por un espectáculo atrevido, una imagen insinuante, mezcla de Madonna y Liza Minelli, y una coreografía provocativa. Poco después publica "Greatest Hits" un doble álbum que contiene todos sus éxitos.
En 1997 publica el álbum "Kylie Minogue", donde Kylie escribe por primera vez todas las letras y colabora en la composición de la música. Inicialmente, este disco estaba previsto que apareciera con el título de "Impossible Princess", pero coincidió con la muerte de la princesa Lady Di, y para evitar acusaciones de oportunismo se decidió cambiar el título del disco en el último momento.
En 1999 firmó un nuevo contrato con Parlophone Records y en julio siguiente regresó al número 1 de las listas del Reino Unido con el contagioso tema dance "Spinning Around". Light Years vio a Minogue apostar firmemente por la música disco pop, un estilo en el que encaja perfectamente.
Fuente: Todomusica La Década Prodigiosa
Datos generales
Origen España
Información artística
Período de actividad 1985 - presente
Miembros
Saray Ramirez Javier Enzo Virginia Mos Daniel Sora La Década Prodigiosa es un grupo de música español nacido en 1985. Se hizo muy conocido por realizar popurrís de canciones de varias décadas. Representó a España en el Festival de Eurovisión de 1988. Nació en 1985 de la mano de Javier de Juan, Manel Santisteban y Manuel Aguilar, que por aquel entonces participaron en la producción de los discos más importantes de la época como los de Mecano, Olé Olé, Tino Casal. Al principio, "La Década Prodigiosa" surge como idea de recopilar grandes éxitos, con lo cual en sus inicios fueron cantantes de sesión como José María Guzmán, Andrea Bronston, Juan Canovas ó Emilio Cuervo (Webo) los verdaderos intérpretes de los primeros discos. Debido al inesperado éxito decidieron crear una formación que respondiera en directo a estos temas, previamente se optó por una formación de cuatro chicos y tres chicas los cuales tuvieron una actuación en televisión pero mas que un grupo se consideró un ballet con lo que se optó por un grupo propiamente dicho cuya formación sería: Javier de Juan, Manel Santisteban, Manolo Aguilar, Manuel Rodríguez, Paco Morales, Cecilia Fernández Blanco, Ana Nery, Tatay y Álvaro), así surge el grupo como tal. En muy poco tiempo se convierte en el grupo de moda llegando a vender en su dilatada carrera en torno a los 4 millones de discos. Aunque fue sin duda en los años 80 cuando fueron un verdadero boom y fenómeno social. Era la primera vez que en España se hacíanpopurrís. Representaron a España en el Festival de la Canción de Eurovisión 1988 con el tema Made in Spain (La chica que yo quiero) que quedó en el puesto undécimo. Con esto consiguieron ser la canción de moda en España y vender de ese álbum más de 500.000 copias. A partir de ese momento se fueron sucediendo diversos cambios de formaciones que sin duda fueron mermando la popularidad del grupo, aunque fueron sucediéndose muchos más éxitos hasta nuestros días puesto que nunca pararon de trabajar y crear artistas. Así destacan títulos posteriores como "Licencia para bailar", "La Década" o "Disneymania", álbum que graban con Walt Disney Records, consiguiendo ser el primer grupo español que lo hace. [cita requerida] En el año 2006 se presentaron a la 39ª edición del Festival Internacional de la Canción de Benidorm, obteniendo una gran acogida por parte del público, y muy buenas críticas que acaban otorgándole al grupo la Sirenita de Oro con el tema original que se titula "A ti", compuesto por David Villar. Estuvo en la final para representar a España en Eurovisión 2005. La Década Prodigiosa también participó (en ocasiones con distintos nombres) en Eurocanción 2001; volvería en la edición de 2001. La Década Prodigiosa ha sido comparada con Operación Triunfo, puesto que ha sido trampolín para muchos artistas que actualmente están considerados en la profesión. Muchos han sido sus componentes pero sin duda destacan Cecilia Blanco, Paloma Blanco, Mikel Herzog y Paco Morales.
En el año 2012/2013 y hasta la actualidad La Década Prodigiosa se renueva y devuelve al publico la esencia de su música y su puesta en escena elegante de la mano de Saray Ramírez ( Ex concursante de Operación Triunfo y actriz), Javier Enzo ( ex componente de los musicales Grease, Flash Dance, La isla del Tesoro, entre muchos otros), Virginia Mos (Apadrinada por el artista David Bisbal en el programa de tv5 "la voz". Actriz en obras teatrales a nivel nacional y cantante protagonista de musicales.) y Daniel Sora ( Cantante y ganador de premios nacionales de alta relevancia en España). Con esta nueva formación se ha vuelto a viajar a los inicios del grupo con aires nuevos y además representan en los teatros de España el musical tributo a los 28 años de historia del grupo: La Década Prodigiosa Eres Tú. Antiguos componentes
Javier de Juan (85-Actual), (Batería, compositor, arreglista) Manel Santisteban (85-97), (Piano, programación, compositor, voz) Manuel Aguilar (85-91), (Bajo, compositor y voz) Manolo Rodríguez (85-91), (Guitarrista y voz) Carmelo Martínez (86-90), (Cantante y bailarín) José Subiza (86-89), (Cantante y bailarín) Cecilia F. Blanco (86-94), (Cantante y bailarina) Ana Nery Fragoso (86-89), (Bailarina y cantante) Componentes que han ido y entrando posteriormente Paco Morales (86-87/91-94) Mikel Herzog (89-91) Paloma F. Blanco (91-97) Mª del Carmen López Pascual "Make" (89-91), (Cantante y actriz de doblaje) Carlos Santamaría (91-98) Luismi Baladrón (91-96) Robert Ramírez (91-94/97-98) Tomás Rodríguez (94-97) Javier Gómez J.G (94-97) Elena De Apraiz (94-97) Víctor Salguero (1.999-2.003 / 2.012 - Actual) Pilar Valero (01-02) Patricia Cobos (01-02) Maythe Leiva (cantante) (2002-2007) Carlos J. Benito (2003-2004) María Marín Bravo (2003-2004) Carlos Solano (2004) Adrián Lastra (2004) Javi Mota (2004) Laura Alonso (2004-2005) Noemí Carrión (1999 - 2001 / 2012) Patricia Redondo (1998 - 2000) Actuales Componentes Saray Ramírez
Javier Enzo Virginia Mos Daniel Sora LA OREJA DE VAN GOGH
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La Oreja de Van Gogh. La Oreja De Van Gogh. Este grupo se forma en enero de 1996 en San Sebastian, y está compuesto por Amaia, Pablo, Haritz, álvaro y Xavi. En un principio sólo se trataba de un grupo de amigos universitarios que pasaban el rato tocando versiones de sus grupos favoritos, pero cuando empiezan a componer temas se dan cuenta de que ninguno de ellos tiene una voz especial para cantar. Después de varios intentos con gente conocida, Pablo conoce a Amaia y le propone entrar a formar parte del grupo. Amaia acepta, y después de que los otros la oyeran cantar se convirtió en la voz de la banda.
Al principio sólo tocaban en bares en los que tenian amistad con el dueño, pero deciden presentarse al V concurso pop rock Ciudad de San Sebastian. Para ello graban una maqueta y la presentan al jurado. Al final no consiguen ningún premio, pero logran que se les escuche en las radios locales, y su nombre comienza a ser conocido.
Después del concurso y a pesar de no haber ganado nada, no sólo no se les baja la moral, sino que trabajan mucho más duro a partir de entonces para volver a presentarse en la edición del año siguinte. En esta ocasión el grupo logra ganar el primer premio y hacer que se les escuche esta vez en todas las radios
Después del éxito del concurso, logran que la discográfica Epic/Sony Music se interese por ellos, y en los estudios Ashram de Nacho Cano en Madrid, y teniendo a Alejo Stivel como supervisor de su trabajo confeccionaron el que seria su primer álbum "Dile al Sol", el cual se publicó el 18 de mayo de 1998.
El éxito del disco fue rotundo y durante un año entero, el grupo estuvo dando conciertos por toda España, llegando a dar 150 conciertos. En los premios de la música que se celebraron en 1999 consiguieron el de mejor artista revelación y el de mejor autor revelación. Las cosas les iban realmente bien, y decidieron tomarse unas más que merecidas vacaciones.
El 11 de septiembre de 2000 editan su segundo álbum "El Viaje De Copperpot, que fue grabado en estudios de Madrid, Francia y Londres, y producido por Nigel Walker.
En abril del 2003 publican su tercer trabajo de estudio, "Lo que te conté mientras te hacías la dormida". "Lo que te conté mientras te hacías la dormida" incluye catorce canciones y un bonus track de regalo. Los ritmos en su mayoría siguen la línea de los anteriores, aunque algunas canciones sorprenden por sus registros poco usuales en La oreja de Van Gogh.
Fuente: Todomusica