Una mirada cristiana al universo audiovisual Sumario

ECOS, Año 7, Número 2-4, abril-diciembre, 2004 EDITORIAL Publicación de la Asociación Católica Gustavo Andújar .....2 Cubana para la Comunicación PRESENCIA Premios SIGNIS Cuba .....3 Festival de Cine de Mar del Plata Gustavo Andújar .....4 Cine Joven en La Habana: asegurando el futuro DIRECTOR Alberto Ramos .....6 Gustavo Andújar Mensaje del Santo Padre Juan Pablo II para la 38. Jornada Mundial de las Comunicaciones CONSEJO DE REDACCIÓN Sociales .....10 Arístides O’Farrill DOSSIER: LA PASIÓN DE CRISTO Walfredo Piñera Presentación P. Fernando de la Vega Monseñor José Félix Pérez .....13 Créditos .....14 EDICIÓN Y CORRECCIÓN 74 escenas de La Pasión de Cristo .....16 Alberto Ramos La Pasión de Cristo, un importante logro cinematográfico Peter Malone .....26 DISEÑO Y EMPLANE Las Estaciones de la Cruz según Gibson Alberto Ramos Gerri Paré, David DiCerto y Alice Navarro .....32 ¿Carne o Espíritu? IMPRESIÓN La crítica ante La Pasión de Cristo Alberto Ramos .....34 Taller San José CRÍTICA Cine francés. Eclecticismo estético y preocupación antropológica Arístides O’Farrill .....38 Los trabajos expresan las opiniones de El peso de la vida sus autores, y no necesariamente las Arístides O’Farrill .....41 de SIGNIS Cuba EL LARGO ADIÓS .....43 PANORAMA .....46 PERSPECTIVA John Ford, un clásico del cine (I) Walfredo Piñera .....52 SIGNIS Cuba Arzobispado de La Habana GALAS .....56 Habana 152 esq. a Chacón, ROSTROS DEL PASADO Habana Vieja, Ciudad de La Habana, Cary Grant C.P. 10 100, CUBA Jorge Villa .....60 Tel.: (53-7) 862 4008 / 862 4009 Fax: (53-7) 866 8109 FICHERO .....63 e-mail: [email protected] (asunto: SIGNIS)

SUMARIO 1 ECOS EDITORIAL LLLAAA PPPAAASIÓNSIÓNSIÓN el acontecimiento cinematográfico del año

«Una película sobre Jesucristo, realizada por un católico etiquetado mayoritariamente por la prensa liberal norteamericana como tradicionalista y conservador, clasificada ‘R’ por la MPAA1 y que se estrenó fuera de las temporadas de estrenos, después de ser haber sido acusada de promover el antisemitismo, ha roto todos los records de taquilla para producciones de esa clasificación y se ha asegurado un lugar destacado entre las películas más taquilleras de todos los tiempos». Decir que esta noticia es insólita es quedarse muy corto. Cuba, a pesar de encontrarse fuera de todos los circuitos de distribución comercial regular, no fue una excepción en cuanto al atronador éxito de público de la cinta. Muchísimos cubanos pudimos verla pocos días después de su estreno en EE.UU. el 25 de febrero – Miércoles de Ceniza– en alguna de las incontables copias en cintas VHS y VCDs de versiones piratas descargadas de Internet y que circularon por todo el país. Durante la Cuaresma, numerosas parroquias la presentaron en repetidas ocasiones, suceso que convocó no sólo a los fieles, sino también a muchos vecinos que acudían masivamente a los templos. Ante lo que indudablemente será el acontecimiento cinematográfico del año, ECOS ha decidido incluir en este número un voluminoso dossier sobre la largamente esperada The Passion of the Christ, de Mel Gibson. El hecho de que este número múltiple salga algunos meses después de su estreno, nos ha dado la posibilidad de abordarla en detalle, desde una perspectiva más adecuada para valorarla con justicia, aplacadas ya las polémicas y después de estudiarla en su edición en DVD. Esperaremos con interés los comentarios de nuestros lectores.

Gustavo Andújar Director

1 La Asociación de Productores Cinematográficos de los Estados Unidos (Motion Pictures Association of America) estableció en 1968 un código de clasificación de las películas de acuerdo a la edad de los espectadores que pueden ser admitidos en los cines donde se exhiban. La clasificación ‘R’ (restricted) se aplica a películas «restringidas», en cuyo caso se exige, para admitir a los menores de 17 años a la exhibición, que estén acompañados por uno de los padres o por un adulto responsable.

ECOS 2 EDITORIAL PREMIOS SIGNIS CUBA 3. Muestra Nacional de Nuevos Realizadores PREMIO SIGNIS Freddy o el sueño de Noel, de Waldo Ramírez (Televisión Serrana) Un breve, pero intenso poema visual, donde el contraste Freddy o el sueño de Noel entre el sueño de un niño –expresado con imágenes de una sorprendente belleza y originalidad que remiten a la “pesca milagrosa” de los Evangelios– y el desolado paisaje que se ofrece ante él, revela la nobleza de una aspiración a la felicidad colectiva que, desde la inocencia, se sobrepone a la pruebas más difíciles de la vida.

PREMIO ESPECIAL Wemilere, tradición y vida, Jurados Gina Preval,Walfredo Piñera y Alberto Ramos de Juan Carlos Travieso Acercamiento a la religiosidad popular y su profunda inserción en las tradiciones culturales de uno de los enclaves más preciosos de nuestra nacionalidad, la villa de Guanabacoa, visto a través del compromiso espontáneo y entusiasta de sus habitantes 21. Festival CinePlaza

Torneo en Sabana Miguel PREMIO SIGNIS Torneo en Sabana Miguel, de Consuelo Ramírez (Televisión Cubana) Por la loable adaptación de dos obras literarias, y ser reflejo fiel de la idiosincrasia del campesinado cubano, con una puesta en escena que enaltece el aliento de las obras originales, donde prevalecen el amor filial y al prójimo, así como el respeto a la dignidad de la persona humana.

Jurados Emilio Barreto, Gina Preval y Concepción Valdés

PREMIO ESPECIAL (ex aequo) deMoler, de Alejandro Ramírez (ISA) Por el testimonio de apego inquebrantable a la memoria histórica y a la labor continuada, protagonizada por un grupo de obreros y habitantes del poblado del central Paraguay, en el oriente cubano, quienes mantienen la esperanza por encima de toda contrariedad. DeMoler Habanera, de Joana Oliveira (EICTV) Por el tratamiento atinado y novedoso de un tema de enorme inmediatez dentro de la realidad nacional en una realización de notable dignidad.

PRESENCIA 3 ECOS el 11 al 20 de marzo del presente año 2004 se Mónica Sataraín, de SIGNIS Argentina, quien lo celebró la 19ª edición de una de las más presidió y María Luengo, periodista de la revista Dprestigiosas citas del cine en el continente: el Pantalla 90 y miembro de SIGNIS España, el conocido Festival Cinematográfico Internacional de Mar del realizador argentino Eduardo Mignogna y el veterano Plata. Como lo proclaman orgullosamente los actor, también argentino, Duilio Marzio. organizadores, es el único en América que ostenta la categoría ‘A’ de la Federación Internacional de Los premios Productores Cinematográficos (FIPCA). Para ser El Festival de Mar del Plata se caracteriza, entre otras incluido en esta categoría, los organizadores del festival cosas, por contar con una amplia variedad de secciones. no sólo deben cotizar la cuota anual de la Federación, En aras de la brevedad, esta reseña se limitará a los sino que deben garantizar que la exhibición de todas premios de la Sección Oficial en Concurso, así como las películas incluidas en la sección de concurso oficial los de SIGNIS y FIPRESCI. sea la primera fuera de sus países de origen. El premio SIGNIS fue para la coproducción islandesa- Aunque la perspectiva de que el festival que uno británica-noruega-alemana Cold light (Kaldaljós), del organiza se codee dentro de la misma categoría que realizador Hilmar Oddson, que con un ritmo pausado, Cannes o Venecia pueda resultar muy atractiva, lo pero fluido, nos permite asomarnos al rico mundo 19. Festival Internacional de Cine MAR DEL PLATA 2004

GUSTAVO ANDÚJAR

cierto es que este requisito del estreno limita, a veces interior de un artista que logra, abriéndose finalmente de modo importante, las opciones de los al amor que le parece irrealizable, reconciliarse con un organizadores. Tanto, que algunos prefieren renunciar pasado trágico y una misteriosa capacidad para la a esta posibilidad, en aras de poder incluir cintas muy premonición, agónicamente vinculada a ese pasado. importantes en sus concursos oficiales, a las que se El jurado reconoció, en la fundamentación oficial del verían obligados a renunciar sólo por el hecho de haber premio, «su mirada, sugerente y de enorme riqueza sido ya presentadas anteriormente en otro festival. simbólica, al misterio del sufrimiento humano ante la Si bien el valor que pudiera o no aportarle al Festival pérdida, y la regeneración del espíritu por el amor». de Mar del Plata su condición de categoría ‘A’ es Los premios del jurado oficial, llamados Ombú hasta disputable, el que le aportan su condición de gran la anterior edición (en referencia al gran árbol festival e indudable prestigio en el circuito característico de la pampa argentina), pasaron a partir internacional de festivales, ciertamente no lo es. Es una del 19. Festival a llamarse Astor, en honor a uno de los verdadera fiesta del cine, motivo de justo orgullo para más famosos marplatenses, el renovador del tango esa hermosa ciudad, a la que hace vibrar de entusiasmo Astor Piazzolla, fallecido en 1992. con cada edición. Buena vida delivery, opera prima del argentino Leonardo En esta ocasión, participé en el Festival como miembro di Cesare, recibió el Astor de Oro al Mejor del Jurado Internacional de SIGNIS, que estuvo Largometraje y el Astor de Plata al Mejor Guión. Buena formado, además, por la profesora e investigadora vida… nos cuenta la tragedia de un joven subempleado

ECOS 4 PRESENCIA cuyo único patrimonio, la casa que le ha dejado su otro. La película es una interesante exploración sobre familia al emigrar, es invadida por la familia de su la lealtad en condiciones extremas. novia, y convertida, ante su atónita mirada, en un Luis Tosar obtuvo el Astor de Plata al Mejor Actor por «chinchal» de producir churros. Narrada con gran tino, su desempeño en la española El lápiz del carpintero, del esta historia pulsa cuerdas sumamente sensibles en gallego Antón Reixa. El lápiz…, que movería a risa si Argentina y Latinoamérica, tantas veces seducidas y el entorno de su historia maniquea, ridícula y estafadas, tantas veces defraudadas por embaucadores panfletariamente narrada no fuese ese capítulo («verseros» en el argot popular argentino) que se las desgarradoramente trágico de la Guerra Civil española, han agenciado para venderles sus más delirantes se benefició de los aires que soplan en el ambiente proyectos «empresariales», generadores de aún más político argentino para conquistar el premio de la pobreza y marginación. popularidad. Me gusta trabajar (Mi piace lavorare), de la realizadora El Astor de Plata al mejor Actor fue compartido por italiana Francesca Comencini, galardonada por SIGNIS Tosar con el siempre eficaz Alejandro Urdapilleta, que apenas un mes antes en la Sección Panorama del se las arregló para hacerse notar en la absolutamente Festival de Berlín, se alzó con el Premio Especial del insoportable Adiós querida luna, de Fernando Spiner, Jurado y el Astor de Plata a la Mejor Actuación un director con algún interesante ejercicio anterior en Femenina para Nicoletta Braschi. La cinta es una la línea de la ciencia-ficción, pero que recurre aquí al mirada a la cara más inhumana del mundo corporativo, peor y más falso humor en forma de un desmesurado con su culto a la fría eficiencia y su desdén por la catálogo de procacidades. humanidad de las personas. Una eficaz empleada que Las impecables actuaciones de Fernanda Montenegro se resiste a entregarse al trabajo hasta el punto de y Raúl Cortez son lo mejor de El otro lado de la calle (O descuidar a su familia, es sometida a presiones para outro lado da rua), del brasileño Marcos Bernstein, que que renuncie y deje su puesto a alguien «con menos ganó el Astor de Plata al Mejor Largometraje de limitaciones». La película transmite eficazmente el Iberoamérica. Mezcla bastante eficaz de romance asfixiante clima de asedio moral en que vive la otoñal con suspense policial, la cinta queda empañada protagonista, apoyándose sobre todo en la excelente por un trasfondo de eutanasia que deja un mal sabor. actuación de la justamente laureada Braschi. Otras películas en la sección oficial en concurso fueron La escalofriante Dealer, del húngaro Benedek Fliegauf, la peruana Paloma de Papel, del joven realizador que ganó el Astor de Plata al Mejor Director y una Fabrizio Aguilar, La mariposa azul (The blue butterfly), Mención Especial del Jurado «por la coherencia y de la canadiense Léa Pool, La luz azul (The blue light), calidad de su imagen y banda sonora», además de los del japonés Yukio Ninagawa, Muerto (Gone) del premios de la FIPRESCI y la Asociación de Cronistas húngaro afincado en Alemania Zoltan Paul, El jinete Cinematográficos de la Argentina (ACCA), nos (Konjanik), del croata Branco Ivanda y la francesa introduce en el mundo de la droga a través de las Tristan, de Philippe Harel. andanzas de un expendedor que encuentra, en su incesante recorrido por una sombría ciudad cuyo nombre no se precisa, una variedad de seres inmersos Dealer en un inexorable proceso de autodestrucción. Sobrecogedoramente atmosférico, sus ambientes cerrados, exteriores grises y travellings circulares nos envuelven de facto en la profunda desolación de un mundo sin esperanza, que se cierra con obstinación a las oportunidades de redención que siempre salen al paso. En el documental Tocando el vacío (Touching the void), que mereció la otra Mención Especial otorgada por el Jurado Oficial, «por la intensidad dramática con la que se reconstruye un hecho real», el oscarizado inglés Kevin MacDonald (One day in September) explora con cierto matiz iconoclasta la ética de los deportes extremos, tantas veces presentada en forma ingenuamente idealista. Dos jóvenes alpinistas, empeñados en ser los primeros en conquistar una vía de ascenso en los Andes peruanos, se ven en una situación desesperada, en la que uno de ellos, para salvarse de lo que parece una muerte segura para ambos, debe cortar la soga de la que cuelga inerme el

PRESENCIA 5 ECOS CINE JOVEN EN LA HABANA: Alberto Ramos ASEGURANDO EL FUTURO

l año es aún joven en febrero, con razones más proyectos relacionados con la formación de que sobradas para el cine cubano, que desde el profesionales para los medios de comunicación, entre Eaño 2000 convoca por esa fecha a las muestras los cuales se inscriben los talleres al estilo de nacionales de jóvenes realizadores auspiciadas por el Futurtalent. Al respecto, tanto él como la directora de ICAIC. La tercera edición tuvo lugar en la sala Chaplin la FNCL, Alquimia Peña, subrayaron que el encuentro y aledaños, su sede tradicional de Ciudad de La aspiraba en lo fundamental a propiciar un diálogo Habana, del 25 al 29 de febrero de 2004. Para SIGNIS constructivo entre jóvenes directores y creadores de Cuba el balance fue excepcional: por primera vez reconocido prestigio, a partir del análisis de las obras estuvo presente con un jurado, y además, organizó el realizadas por los primeros. A tales efectos, se taller Talentos para el Futuro, aprovechando esa sometieron un total de nueve materiales (cortos de oportunidad única de dialogar con buena parte de los ficción, documentales y animados) a consideración y jóvenes directores cubanos cuando estos acuden a la debate, ante un auditorio presidido por Lourdes Prieto, muestra para presentar sus obras y reflexionar sobre Daniel Díaz y Enrique Álvarez (directores), Raúl el presente del cine nacional. Rodríguez (director de fotografía), Aramís Acosta (especialista en dibujos animados) y Caridad Cumaná, In my beginning is my end crítica, investigadora y docente de la FNCL, y miembro Preparado conjuntamente por SIGNIS Cuba y la de SIGNIS Cuba. En un aparte, el joven realizador y Fundación de Nuevo Cine Latinoamericano (FNCL), productor hindú Indranil Chakravarty brindó una y con la colaboración de la III Muestra Nacional de panorámica de la situación actual del cine en su país. Nuevos Realizadores, el I Taller Talentos para el Futuro La última sesión cerró con la proyección de Tres veces –una iniciativa inspirada en la exitosa experiencia de dos, largometraje de Pavel Giroud, Lester Hamlet y la asociación belga Futurtalent, y cuya divisa podría Esteban García, que fue presentado por el segundo. ser el famoso verso de T.S. Eliot– se celebró en la Casa Éste respondió a las numerosas preguntas de la Laical de la arquidiócesis de La Habana durante los audiencia acerca del proyecto, una atractiva modalidad días 23 y 24 de febrero. Asistieron doce jóvenes de producción cinematográfica en nuestro medio, cuya directores vinculados al mundo del audiovisual exitosa culminación ha sentado un simbólico y cubano procedentes de todo el país, entre los que se estimulante precedente. contaban varios egresados de las dos escuelas de cine. En sus palabras de bienvenida, el presidente de SIGNIS Nuevos directores, nuevos caminos Cuba, Gustavo Andújar, esbozó brevemente la labor Y es que aún conservando el innegable ascendiente de de la organización que dirige, haciendo énfasis en el una infraestructura industrial y técnica única en su papel de su referente mundial como promotora de género en nuestro medio, y el reconocimiento

ECOS 6 PRESENCIA internacional del patrimonio fílmico generado por ésta una programática «intoxicación» de alta cultura a lo largo de cuarenta y cinco años, la hegemonía acarrearía en una sociedad cuya idiosincrasia deviene institucional del ICAIC ha dado paso con el tiempo a cada vez más marginal. Su tesis queda explícita a lo un escenario mas flexible y plural, donde convergen largo de tres viñetas que progresan de la serenidad al otros focos creativos –en particular la Facultad de paroxismo, remedando el desarrollo de una partitura Comunicación del Instituto Superior de Arte y la clásica. En uno de ellas, cuatro apasionados jugadores Escuela de Cine de San Antonio de los Baños, de dominó se enzarzan en una disputa donde se proveedores de un talento que desborda las cuestiona la autenticidad del barroco latinoamericano. posibilidades y obligaciones del ICAIC–, un rumbo Otra se concentra en una alumna discapacitada que descentralizador que lleva implícita, siquiera agoniza ante un poema metafísico de Jorge Luis Borges. teóricamente, la expectativa de una mayor Y en la tercera, el talante ordinario de dos chicas independencia. termina imponiéndose en una absurda e hilarante Sabiamente, el propio ICAIC ha capitalizado este porfía sobre ópera italiana. En fin, la utopía de la fenómeno, siguiendo de cerca y estimulando su cultura como meta, como absoluto que se enajena de evolución a lo largo de las tres muestras nacionales de su sujeto histórico. cine joven convocadas hasta el momento. Resulta Asimismo, no deja de ser interesante que la figura altamente sintomático que algunas de las producciones infantil encarne en otros dos cortos (Na-na y Freddy o el cubanas más interesantes de los últimos tiempos sean sueño de Noel) una fuerza positiva, iluminadora de un filmes premiados en estas muestras. En general, sus contexto más bien adverso. La amistad entre una niña jóvenes directores cuentan con alguna formación campesina y un pequeño llegado de la ciudad en académica y cierta experiencia en publicidad, clips y circunstancias extrañas se sobrepone a la sorpresiva documentales, y si algún parentesco hay entre sus obras partida del último hacia EE.UU. en Na-na, un sugestivo es la actitud inquisitiva e irreverente, el examen abierto y delicado material de Patricia Ramos, que teniendo y desenfadado de la realidad por parte de una como trasfondo el espinoso problema de la emigración, generación que no entiende de pactos ni coartadas, y presenta a los más jóvenes como víctimas de la mira en derredor con ironía y suficiencia profesional. mezquina irresponsabilidad de sus mayores. Por su Un caso típico es Utopía, donde su director Arturo parte, Freddy o el sueño de Noel (Waldo Ramírez) se ubica Infante reflexiona sobre las violentas consecuencias que en una región tradicionalmente castigada por la sequía,

Participantes en el taller Talentos para el Futuro

PRESENCIA 7 ECOS modernidad del tratamiento, es la profesionalidad de sus autores y su disponibilidad para asimilar creativamente los géneros más diversos. La experiencia de Tres veces dos representa un notable paso en los esfuerzos de la industria por ajustarse a las realidades contemporáneas de la producción y el mercado del cine. Empeño en que, como demostró la III Muestra, los jóvenes cineastas cubanos han apostado por el presente y el futuro de nuestro cine.

Premios de la III Muestra Nacional de Nuevos Realizadores

Ficción (ex aequo)

Tres veces dos, de Pavel Giroud, Lester Hamlet y Ernesto García Insausti Utopía, de Arturo Infante Jurado SIGNIS de la III Muestra: Alberto Ramos, Walfredo Piñera y Gina Preval Documental donde un niño fantasea con la posibilidad de otra vida, plena y abundante, simbolizada por las aguas que Freddy o el sueño de Noel, de Waldo Ramírez rebasan inesperadamente el aliviadero de una presa, y en las que pescan alborozados sus vecinos, visión Animación que traduce en imágenes insólitas, de un lirismo exultante, una entrañable aspiración de felicidad Serie Homenajes de Yunior Acosta colectiva. Reducto de Ermitis Blanco El ejemplo más claro de que el renacimiento del cine cubano está en manos de sus jóvenes cineastas es sin Premio Especial del Jurado dudas Tres veces dos, un filme donde el ICAIC ensayó una nueva fórmula de trabajo: tres jóvenes cineastas crearon dos productoras que administraron libremente Cucarachas Rojas, de Miguel Coyula el presupuesto asignado para un filme en tres episodios, filmado en video digital, y que luego de ser Mención presentado en la sección Cine en Construcción del festival de La Habana consiguió financiamiento para Na-na de Patricia Ramos transferirlo al formato de 35 mm. El éxito de este modelo de autogestión consagró de golpe a tres nombres en el panorama cinematográfico de la isla y Premio Especial de Actuación (ex aequo) confirmó las premisas que distinguen a esta nueva generación de creadores. Flash, de Pavel Giroud, Marta del Río y Olivia Manrufo, por Lila especialista en diseño industrial y realizador de cortos (segundo cuento de Tres veces dos) y spots publicitarios, es un thriller donde se cruzan el romanticismo escatológico de Vértigo con el frío y Premio Especial de Fotografía manipulador virtuosismo de un M. Night Shyamalan. En Lila, Lester Hamlet despoja de su aura heroica al Luis A. Guevara, por Freddy o el sueño de Noel sacrosanto tema de la insurrección armada, y lo trata en clave de musical nostálgico, convirtiendo la historia Premio Riesgo y Búsqueda Artística de amor entre el guerrillero y la doncella en una versión abreviada de Los paraguas de Cherburgo. Luz roja, de Esteban G. Insausti, que como L. Hamlet es graduado Arturo Infante, por Utopía de la Facultad de Comunicación del Instituto Superior de Arte, imparte un pesimismo típicamente Premio Revelación Artística contemporáneo a su historia de soledad e incomunicación urbanas, a cuenta de una edición febril, Yunior Acosta, por Serie Homenajes violenta y efectista. Si algo hay que señalar, aparte de la

ECOS 8 PRESENCIA Tres veces dos

Na-na

Utopía

PRESENCIA 9 ECOS LOS MEDIOS EN LA FAMILIA:

UN RIESGO Y UNA RIQUEZA

MENSAJE DEL SANTO PADRE JUAN PABLO II PARA LA 38ª JORNADA MUNDIAL DE LAS COMUNICACIONES SOCIALES

Queridos hermanos y hermanas: 1. El extraordinario crecimiento de los medios de de sabiduría y discernimiento en el uso de los comunicación social y su mayor disponibilidad han medios de comunicación social, pues sus decisiones brindado oportunidades excepcionales para influyen en gran medida en los niños y en los jóvenes enriquecer la vida no sólo de los individuos, sino de los que son responsables y que, en definitiva, son también de las familias. Al mismo tiempo, las el futuro de la sociedad. familias afrontan hoy nuevos desafíos, que brotan de los diversos mensajes, a menudo contradictorios, 2. Gracias a la expansión sin precedentes del mercado que transmiten los medios de comunicación social. de las comunicaciones sociales en las últimas El tema elegido para la Jornada Mundial de las décadas, muchas familias en todo el mundo, incluso Comunicaciones Sociales de 2004, es decir, «Los las que disponen de medios más bien modestos, medios en la familia: un riesgo y una riqueza», es ahora tienen acceso desde su casa a los inmensos y muy oportuno, puesto que invita a una sobria variados recursos de los medios de comunicación reflexión sobre el uso que hacen las familias de los social. En consecuencia, gozan de oportunidades medios de comunicación, y también sobre el modo prácticamente ilimitadas de información, educación, en que los medios de comunicación tratan a la enriquecimiento cultural e incluso crecimiento familia y las cuestiones que afectan a la familia. espiritual, oportunidades muy superiores a las que El tema de este año sirve, además, para recordar a tenían en el pasado reciente la mayoría de las todos, tanto a los agentes de la comunicación como familias. a las personas a las que se dirigen, que toda Con todo, estos mismos medios de comunicación comunicación tiene una dimensión moral. Como tienen la capacidad de producir gran daño a las dijo el Señor mismo, «de la abundancia del corazón familias, presentándoles una visión inadecuada o habla la boca» (cf. Mt 12, 34-35). La estatura moral incluso deformada de la vida, de la familia, de la de las personas crece o disminuye según las palabras religión y de la moralidad. El concilio Vaticano II que pronuncian y los mensajes que eligen oír. En captó muy bien esta capacidad de fortalecer o minar consecuencia, los agentes de la comunicación, los valores tradicionales como la religión, la cultura y padres y los educadores, tienen especial necesidad la familia; por eso, enseñó que «para el recto uso de

ECOS 10 DOCUMENTOS estos medios es absolutamente necesario que todos precisamente lo que los agentes de la comunicación los que los utilizan conozcan las normas del orden responsables deben hacer. Es mucho lo que está en moral en este campo y las lleven fielmente a la juego, pues cualquier ataque al valor fundamental práctica» (Inter mirifica, 4). La comunicación, en todas de la familia es un ataque al bien auténtico de la sus formas, debe inspirarse siempre en el criterio humanidad. ético del respeto a la verdad y a la dignidad de la Las autoridades públicas tienen el grave deber de persona humana. apoyar el matrimonio y la familia en beneficio de la sociedad misma. En cambio, muchos ahora aceptan 3. Estas consideraciones se aplican especialmente al y actúan basándose en argumentos libertarios modo como los medios de comunicación tratan a la infundados de algunos grupos que defienden familia. Por una parte, el matrimonio y la vida prácticas que contribuyen al grave fenómeno de la familiar se presentan a menudo de un modo sensible, crisis de la familia y al debilitamiento del concepto realista pero también benévolo, que exalta virtudes auténtico de familia. Sin recurrir a la censura, es como el amor, la fidelidad, el perdón y la entrega necesario que las autoridades públicas pongan en generosa a los demás. Esto vale también para los práctica políticas y procedimientos de programas de los medios de comunicación social reglamentación para asegurar que los medios de que reconocen los fracasos y las decepciones que comunicación social no actúen contra el bien de la sufren inevitablemente los matrimonios y las familia. Los representantes de las familias deben familias —tensiones, conflictos, contrariedades, participar en la elaboración de esas políticas. decisiones equivocadas y hechos dolorosos—, pero Los que elaboran las políticas en los medios de al mismo tiempo se esfuerzan por discernir lo comunicación y en el sector público deben favorecer correcto de lo incorrecto, distinguir el amor también una distribución equitativa de los recursos auténtico de sus falsificaciones, y mostrar la de los medios de comunicación tanto a nivel nacional importancia insustituible de la familia como unidad como internacional, respetando la integridad de las fundamental de la sociedad. culturas tradicionales. Los medios de comunicación Por otra parte, con demasiada frecuencia los medios no deben dar la impresión de que tienen un de comunicación presentan a la familia y la vida programa hostil a los sanos valores familiares de las familiar de modo inadecuado. La infidelidad, la culturas tradicionales, o de que buscan sustituir esos actividad sexual fuera del matrimonio y la ausencia valores, como parte de un proceso de globalización, de una visión moral y espiritual del pacto con los valores secularizados de la sociedad matrimonial se presentan de modo acrítico, y a consumista. veces, al mismo tiempo, apoyan el divorcio, la anticoncepción, el aborto y la homosexualidad. Esas 5. Los padres, como primeros y principales educadores presentaciones, al promover causas contrarias al de sus hijos, son también los primeros en explicarles matrimonio y a la familia, perjudican al bien común cómo usar los medios de comunicación. Están de la sociedad. llamados a formar a sus hijos «en el uso moderado, crítico, vigilante y prudente de tales medios» en el 4. Una reflexión atenta sobre la dimensión ética de las hogar (Familiaris consortio, 76). Cuando los padres comunicaciones debe desembocar en iniciativas lo hacen bien y con continuidad, la vida familiar se prácticas orientadas a eliminar los peligros para el enriquece mucho. Incluso a los niños pequeños se bienestar de la familia planteados por los medios les pueden dar importantes explicaciones sobre los de comunicación social, y asegurar que esos medios de comunicación social: que son producidos poderosos medios de comunicación sigan siendo por personas interesadas en transmitir mensajes; que auténticas fuentes de enriquecimiento. A este esos mensajes a menudo inducen a hacer algo —a respecto, tienen una responsabilidad especial los comprar un producto, a tener una conducta agentes de la comunicación, las autoridades públicas discutible— que no beneficia al niño o no y los padres. corresponde a la verdad moral; que los niños no El Papa Pablo VI subrayó que los agentes de la deben aceptar o imitar de modo acrítico lo que comunicación «deben conocer y respetar las encuentran en los medios de comunicación social. exigencias de la familia. Esto supone en ellos a veces Los padres también deben reglamentar el uso de los una gran valentía y siempre un hondo sentido de medios de comunicación en el hogar. Esto implica responsabilidad» (Mensaje para la Jornada Mundial planificar y programar el uso de dichos medios, de las Comunicaciones Sociales de 1969: limitando estrictamente el tiempo que los niños les L’Osservatore Romano, edición en lengua española, dedican, haciendo del entretenimiento una 18 de mayo de 1969, p. 2). No es tan fácil resistir a experiencia familiar, prohibiendo algunos medios las presiones comerciales o a las exigencias de de comunicación y excluyéndolos periódicamente adecuarse a las ideologías seculares, pero eso es todos para dejar espacio a otras actividades

DOCUMENTOS 11 ECOS familiares. Sobre todo, los padres deben dar buen comunicaciones sociales, exhorto tanto a los ejemplo a los niños, haciendo un uso ponderado y agentes de la comunicación como a las familias selectivo de dichos medios. A menudo les podría a reconocer este privilegio único, así como la resultar útil unirse a otras familias para estudiar y responsabilidad que implica. Ojalá que todos discutir los problemas y las oportunidades que los que están comprometidos en el ámbito de plantea el uso de los medios de comunicación. Las las comunicaciones sociales sean conscientes de familias deberían manifestar claramente a los que son los auténticos «dispensadores y productores, a los que hacen publicidad y a las administradores de un inmenso poder autoridades públicas lo que les agrada y lo que les espiritual que pertenece al patrimonio de la desagrada. humanidad y está destinado al enriquecimiento de toda la comunidad humana» (Discurso a las 6. Los medios de comunicación social poseen un personas comprometidas en el campo de las inmenso potencial positivo para promover sanos comunicaciones sociales, Los Ángeles, 15 de valores humanos y familiares, contribuyendo así a septiembre de 1987, n. 8: L’Osservatore Romano, la renovación de la sociedad. Conscientes de su gran edición en lengua española, 18 de octubre de fuerza para modelar las ideas e influir en la conducta 1987, p. 14). Y ojalá que las familias logren de las personas, los agentes de la comunicación encontrar siempre en los medios de social deben reconocer que no sólo tienen la comunicación una fuente de apoyo, estímulo e responsabilidad de brindar a las familias todo el inspiración al tratar de vivir como comunidades estímulo, la ayuda y el apoyo que les sea posible de vida y amor, educar a los jóvenes en los sanos con vistas a ese fin, sino también de practicar la valores morales y promover una cultura de sabiduría, el buen juicio y la honradez al presentar solidaridad, libertad y paz. las cuestiones que atañen a la sexualidad, al matrimonio y a la vida familiar. Desde el Vaticano, 24 de enero de 2004, Los medios de comunicación cada día son acogidos Fiesta de San Francisco de Sales. como huéspedes habituales en muchos hogares y familias. En esta jornada mundial de las JUAN PABLO II

El show de Truman

ECOS 12 DOCUMENTOS DOSSIERLALALALA PPPPASIÓNASIÓNASIÓNASIÓN DEDEDEDE CRISTOCRISTOCRISTOCRISTO PASIÓN POR ‘LA PASIÓN...’

Monseñor José Félix Pérez1

urificando el concepto de lo que puede oscurecer la racionalidad y tomándolo, entre sus varias acepciones, como «inclinación y preferencia vehementes», se puede afirmar que tal fue el ánimo y la convergencia de Psentimientos con que fue visto el filme de Mel Gibson en esta parroquia durante la Cuaresma de este año 2004. Sorprendentemente –cuanto más para quienes desconocen la creatividad y capacidad de gestión del cubano–, las proyecciones en los salones parroquiales de un número considerable de iglesias y comunidades en Cuba se iniciaron casi en el mismo momento del estreno comercial del filme en EE.UU. A menudo, las reacciones de las que fui testigo en una veintena de presentaciones en mi parroquia estuvieron motivadas por el realismo con que se presentaba el sufrimiento físico de Nuestro Señor, y por la asociación – más o menos esclarecida– entre ese recurrente dolor físico, en soledad y escarnio, y la implicación de las propias culpas; lo desproporcionado e injustificado de las propias quejas ante las pruebas de la vida, y la percepción, novedosa para muchos, de cuánto había sufrido Jesús a causa de su amor por la humanidad. Abundaron las lágrimas, contenidas o manifiestas, que evidenciaban una emotividad donde había penetrado el mensaje audiovisual, pero más que nada debida a la identificación con la nobleza y la inocencia del Señor. El lenguaje cinematográfico y la excelente actuación contribuían a ver más allá de las imágenes y descubrir, detrás de las palabras, la presencia divina en el rostro y el nombre de Jesús de Nazaret, lo cual era un aliciente y un buen marco para corresponder a la llamada permanente a la conversión que en el tiempo de Cuaresma se escucha con particular peso y aprecio. La ausencia de medios y oportunidades para ver películas de edificante contenido religioso y la abundante propaganda que internacionalmente se había hecho a La Pasión de Cristo acrecentaron el interés por la película, logrando en general que la actitud para verla fuera favorable a una buena sintonía con su contenido. Las presentaciones de la película, cabe destacar, venían precedidas de una introducción catequética que permitía interpretar algunos elementos propios de la historia bíblica y ciertos símbolos que aparecían en el filme. Al terminar la película, se deseaba tener un intercambio de impresiones y reflexiones, procurando la comprensión e interiorización del mensaje. En la mayoría de las exhibiciones que presencié, después de la última imagen se hacía un silencio denso, casi infinito. Luego, en voz baja, como un susurro, alguien aventuraba un comentario que abría el camino a otros, lo que prolongaba el intercambio dentro de un ámbito siempre reverente y meditativo. Considero que la presentación de la película La Pasión de Cristo ha hecho mucho bien a quienes, a través de la reconstrucción histórica, la excelencia de las actuaciones y la suprema inspiración del guión, pudieron encontrarse en la interioridad de sus almas con el Siervo de Yahvé, quien «soportó el castigo que nos trajo la paz, y que con sus heridas nos ha curado» (Is. 53, 5).

1Párroco de Santa Rita de Casia y Secretario Adjunto de la Conferencia de Obispos Católicos de Cuba

DOSSIER 13 ECOS La · Pasión · de · Cristo The Passion of the Christ / EE.UU. / 2004 / c-126’ Director: Mel Gibson Guión: Benedict Fitzgerald y Mel Gibson Fotografía: Caleb Deschanel Edición: John Wright Música: John Debney Diseño de vestuario: Maurizio Millenotti Maquillaje especial y efectos visuales: Keith Vanderlaan Reparto: Sheila Rrubini Diseño de producción: Francesco Frigeri Productor ejecutivo: Enzo Sisti Productores: Mel Gibson, Bruce Davey y Stephen McEvety Consultante teológico y traductor latín/arameo: William J. Fulco, sj PhD

Mel Gibson (Mel Columcille Gerard Gibson, Peekskill, N.Y., 03.01.1956). Aunque nacido en los EE.UU., se educó en Australia. Asistió al Instituto Nacional de Artes Dramáticas, donde compartió con futuras estrellas como Judy Davis y Geoffrey Rush. Eventualmente, fue elegido en 1979 para protagonizar Mad Max, película que le dio fama mundial. Luego apareció en Gallipoli (1981) y finalmente hizo su debut en EE.UU. con Motín a bordo (1984). Hacia 1987 inauguró una franquicia, Arma letal, que lo consagró. En un momento importante de su carrera, protagonizó Hamlet (1990), que le valió el elogio de la crítica. Tres años después debutó en la dirección con El hombre sin rostro, y en 1995 gana dos premios Oscar (producción y dirección) por Corazón valiente. A partir de ahí, interviene en superproducciones millonarias como Rescate (1996), La revancha (1999) y El patriota (2000). Dos años más tarde emprende el proyecto de La Pasión de Cristo (2004). Gibson, una de las estrellas más famosas del cine norteamericano, es también un ferviente católico que asiste diariamente a misa en una capilla enclavada en su residencia.

ECOS 14 DOSSIER Reparto

Jesús: Jim Caviezel Gesmas: Francesco Cabras María: Maia Morgenstern Barrabás: Pedro Sarubbi Juan: Hristo Jivkov Casio: Giovanni Capalbo Pedro: Francesco de Vito Verónica: Sabina Impacciatore Magdalena: Monica Bellucci Simón de Cirene: Jarreth Merz Caifás: Mattia Sbaraglia José de Arimatea: Giacinto Ferro Anás: Tonio Bertorelli Nicodemo: Olek Minger Satán: Rosalinda Celentano 2do. oficial del templo: Abel Jafry Judas: Luca Lionello Oficial (viejo) del templo: Lucio Allocca Pilato: Hristo Naumov Shopov Malco: Roberto Bestazzoni Claudia: Claudia Gerini Jano: Matt Patresi Abenader: Fabio Sartor Jesús niño: Andrea Iván Refuto Herodes: Luca de Dominicis Santiago: Chokri Ben Zagdan Dimas: Sergio Rubini Tomás: Adel Ben Ayed

Jim Caviezel (James Patrick Caviezel, Mount Vernon, Ohio, 26.09.1968). Procedente de una familia católica, de joven se interesó en el baloncesto y la religión, pero luego de un accidente se acercó a la escena. En 1990 consiguió un pequeño papel en Mi Idaho privado. Al otro año se mudó a Los Ángeles, donde trabajó como camarero. Intervino en otros filmes, siempre en roles insignificantes, hasta queTerrence Malick lo contrató para La delgada línea roja (1988), película que lo daría a conocer. Luego participó en otros filmes como Cabalga con el diablo (1999), Frecuencia (2000), Mirada de ángel (2001) y El Conde de Montecristo (2002), que lo consolidaron como un protagonista versátil. Poco después de aceptar el protagónico de La Pasión de Cristo (2004), reparó en que sus iniciales eran las de Jesús (J.C., en inglés) y su edad (33 años), la atribuida a Cristo al momento de morir. La filmación le trajo no pocos percances: aparte de los golpes accidentales recibidos, se dislocó un hombro, enfrentó una severa hipotermia y fue alcanzado por un extraño relámpago. El 15 de marzo de 2004, Juan Pablo II lo recibió y bendijo en el Vaticano.

DOSSIER 15 ECOS 74 escenas de LLAA PPASIÓNASIÓN dede CCristoristo

(NOTA: En cursiva aparece lo citado por los Evangelios. Judas recibe 30 monedas de Caifás. [Mt 26:14-15; ACP 66.] Se subraya lo que refiere a La amarga Pasión de Cristo Los soldados le preguntan dónde está Jesús. (APC), de Anna Katharina Emmerich. En negritas aquello 3. Huerto de los Olivos. Exterior/Noche. que presuntamente es aportación de los guionistas Mel Jesús ora al Padre. [Mt 26:39, 42,44; Mc 14:25-36, 39; Lc Gibson y Benedict Fitzgerald) 22:42; APC 46-47; Sal 141:3] Satán aparece y tienta a Jesús. [APC 44-5; Sal 156:3; 143:9.] Una serpiente emerge del 1. Huerto de los Olivos. Exterior/Noche. regazo de Satán. Jesús la aplasta. [Ap 12:9; APC 57, 240.] Jesús reza. Encuentra dormidos a Pedro, Juan y Santiago y les 4. Huerto de los Olivos. Exterior/Noche. despierta, exhortándolos a que velen y oren. Se aleja. [Mt 26:40- Llegan Judas y los gendarmes de Caifás. Jesús se identifica. [Jn 41; Mc 14:32-34; Lc 22:39; ACP 47-48.] Pedro y Juan comentan lo sucedido. [APC 48, 57.] Se oye el graznido de 18:3-5; APC 69-70.] Judas besa a Jesús. [Mt 26:49; Mc 14:45; un pájaro. Lc 22:47; APC 71.] Los gendarmes se adelantan para arrestarlo. 2. Casa de Caifás. Interior/Noche. (flashback) [Mt 26:50; Mc 14:46; APC 71.] Juan y otro discípulo huyen.

Los Evangelios. Son la fuente natural de inspiración característico de los relatos evangélicos, que se de La Pasión de Cristo. El guión se estructura en tres transparenta en la sobriedad de los diálogos (dichos momentos, que parten de lo referido por San Mateo, en arameo y latín vulgar, lo cual aporta un San Marcos, San Lucas y San Juan: (1) Agonía y arresto incontestable realismo a la puesta en escena) y la tensa en Getsemaní, (2) Juicio ante Pilato y (3) Crucifixión economía de la narración, encuentran su contraparte y Muerte, con la Resurrección a manera de una breve en la poderosa imaginería aportada por las coda. Fuera del contexto proporcionado por el meditaciones de Anna Katharina Emmerick y María Nuevo Testamento, el exergo cita a Isaías (Is 53:5) y de Jesús de Ágreda en La amarga Pasión de Cristo y algunos versos de los Salmos (Sal 156:3; 141:7; Mística Ciudad de Dios, respectivamente. Asimismo, 143:9) son puestos en boca de Jesús en Getsemaní y los guionistas Gibson y Fitzgerald introducen una serie al inicio del trayecto al Gólgota, donde poco después de adiciones al diálogo y episodios menores, que en el propio Cristo refiere al Apocalipsis (Ap 21:5) al parte obedecen a las exigencias de continuidad y la encontrarse con María. Por otra parte, dos líneas que lógica de toda adaptación al lenguaje del cine, pero provienen del ceremonial de la Pascua Judía (Seder entre los que cabe encontrar verdaderas «licencias», del Pésaj): «¿Qué hace diferente a esta noche de todas como una escena de la vida familiar de Jesús y María, las noches?» y «Este año [somos] esclavos, el año las alucinaciones de Judas, Claudia que consuela a venidero [seremos] gente libres», son citadas por Pilato, la caída de Jesús cuando niño, el cuervo que María y Magdalena momentos antes de que llegue castiga al mal ladrón y la lágrima del Padre que cae a Juan con la noticia del arresto de Jesús. El laconismo los pies de la cruz.

ECOS 16 DOSSIER La dolorosa Pasión de nuestro Señor Jesucristo, según las meditaciones de Anna Katharina Emmerick transcritas por Klemens Brentano. Obra clásica para muchos católicos desde su publicación en 1833, escrita por la religiosa Anna Katharina Emmerick (1774- 1824). Nacida en el seno de una familia humilde de Westfalia, norte de Alemania, ingresó a los veintiocho años en un convento agustino, después de haber trabajado como costurera y sirvienta. A lo largo de su vida había tenido visiones del presente, pasado y futuro de la humanidad. Desde 1813, enferma y estigmatizada, permaneció inmóvil en su casa. A partir de entonces, sus meditaciones fueron recogidas por el poeta alemán Klemens Brentano, que permaneció junto a su lecho día a día para transcribirlas, y en quien Emmerick reconoció al hombre que le había sido indicado para cumplir el designio divino de trasladar por escrito tales revelaciones. En éstas, la religiosa narra con minuciosidad casi cinematográfica los hechos que acontecieron desde la Última Cena, pasando por el arresto, juicio y muerte de Jesucristo en la cruz, hasta culminar en la Resurrección. El libro es una suerte de versión novelada de la Pasión, escrita en un estilo vehemente, que en alrededor de doscientas cincuenta páginas recrea con holgura y magnificencia lo que el escueto recuento de los evangelistas refiere en pocas cuartillas, deteniéndose en la descripción de los lugares y actores de la historia, así como los usos y costumbres de la época. Incluye las catorce estaciones con que la devoción católica acostumbra a recordar la Pasión, aunque de éstas haya tres: 8va., la exhortación a las mujeres de Jerusalén (Lc 23,27-31); 10ma., el despojo de sus ropas (Mt 27,28) y 14va., el entierro (Mt 27,57-61; Mc 15,42-47; Lc 23,50-56; Jn 19,38-42) que no están recogidas en la película. En particular, el texto de Emmerick es famoso porque evoca con una crudeza sin precedentes, tal como debieron ser en realidad, las escenas de la flagelación y crucifixión de Jesús. Asimismo, y haciéndose eco de la tradición, rescata numerosas figuras apenas entrevistas en las Escrituras, como Verónica, el centurión Abenader (Ctesifón) y el soldado Casio (Longino). Juan Pablo II la declaró Venerable el 24 de abril del 2001 y el Vaticano anunció su beatificación el 3 de octubre del 2004.

[Mt 26:56; Mc 14:50; ACP 73-74.] Pedro forcejea y le cercena golpe de cincel sobre un trozo de madera y Jesús una oreja a uno de ellos, Malco. [Mt 26:51; Mc 14:47; Lc recuerda… 22:50; Jn 18:10; APC 71.] Jesús toca su oreja y lo sana. [Lc 10. Casa de Jesús en Nazaret. Exterior/Día. 22:51; ACP 72.] Jesús le pide a Pedro que desista. [Mt 26:52; (flashback) Jn 18:11; ACP 72.] Se entrega y lo encadenan. La comitiva …Jesús corta un pedazo de madera. Inspecciona una mesa echa a andar. [ACP 73-74.] que acaba de construir. María se acerca y conversan. 5. Casa de María. Interior/Noche. Luego, ella trae agua para que Jesús se lave las manos. María despierta sobresaltada. Magdalena acude. Se abre Bromeando, Jesús le salpica el rostro al terminar. la puerta y entra Juan con la noticia de que Jesús ha sido 11. Patio interior de la casa de Caifás. Interior/ apresado. Noche. 6. Huerto de los Olivos. Exterior/Noche. Cruce de miradas entre María y Jesús. Se llevan a Jesús, golpeándolo. [ACP 73-74.] Las miradas 12. Pretorio. Interior/Noche. de Pedro y Malco se cruzan. Claudia, la mujer de Pilato, duerme intranquila. [Mt 27:19.] 7. Puente sobre el Cedrón. Exterior/Noche. Abenader llega con la noticia del arresto de Jesús. Claudia Jesús es golpeado y cae desde lo alto de un puente; queda pregunta. colgando, retenido por las cadenas. [APC 75.] Allá abajo, 13. Patio de la casa de Caifás. Interior/Noche. Judas y Jesús se miran. Judas observa como lo levantan. Caifás y Anás interrogan a Jesús. Un guardián lo golpea. [Jn Una criatura luciferina cruza ante él. 18:19-23; APC 86-88.] Pedro observa detrás de una 8. Casa de un judío. Exterior/Noche. columna, lo mismo que Judas. Los judíos acusan a Jesús. El guardián del templo convoca a los judíos al patio del sumo [Mt 26:59-61; Mc 14:55:-59; APC 92-94.] José de Arimatea sacerdote. [APC 88.] protesta [Lc 23:50-51.] Nicodemo también, pero los hacen 9. Patio interior de la casa de Caifás. Interior/Noche. callar. [APC 109.] Caifás se rasga las vestiduras cuando Jesús Llegan los gendarmes con Jesús. [Mt 26:57; Mc 14:53; Lc 22:54; afirma que es el Mesías. [Mt 26:63-66; Mc 14:61-64; Lc 22:67- Jn 18:13.] Judas observa tras una columna. Entran Caifás 70; ACP 96, 110.] Golpean e insultan a Jesús. [Mt 26:67; Mc y los sumos sacerdotes. María, Magdalena y Juan 14:65; ACP 97.] Judas está espantado. Caifás se marcha. encuentran a Pedro. Magdalena se queja a dos soldados [ACP 97.] Acosan a Pedro y éste niega tres veces a Jesús. [Mt romanos del arresto de Jesús. El guardián del templo 26:69-74; Mc 14:66-71; Lc 22:56-61; Jn 18:25-27; ACP 99- interviene, alejándola. Frente a Jesús, un hombre da un 101.] Jesús cae al piso y su mirada se cruza con la de Pedro.

DOSSIER 17 ECOS [APC 101.] Éste recuerda… APC 113-114.] 14. Exterior/Noche. (flashback) 20. Pretorio. Interior/Día. … Pedro jura fidelidad a Jesús. [Mt 26:33,35; Mc 14:29,31; Claudia pide a Pilato que no condene a Jesús. [Mt 27:19; ACP Lc 22:33 ; Jn 13:37; ACP 101.] 125-126.] 15. Patio interior de la casa de Caifás. Interior/ 21. Pretorio. Exterior/Día. Noche. Jesús es conducido ante Pilato. Caifás pide la pena de muerte. Pedro llora. [Mt 26:75; Mc 14:72; Lc 22:62; ACP 102.] [Mt 27:2; Mc 15:1; Lc 23:1-2; Jn 18:28-31 APC 119-120.] Incorporan a Jesús. Pedro confiesa su traición ante María, Jesús levanta la mirada y una paloma cruza el cielo. Anás Magdalena y Juan, y se aleja. [APC 104.] lo acusa de proclamarse el Mesías. [Lc 23:2; Jn 18:29-31. APC 16. Habitación de la casa de Caifás. Interior/Noche. 121.] Judas devuelve el dinero a Caifás y pide que liberen a Jesús. Los 22. Pretorio. Interior/Día. sacerdotes se niegan y Judas les arroja las monedas. [Mt 27:3-4; Pilato interroga a Jesús acerca de su reinado. [Jn 18:33-38; ACP APC 112-113.] 121-122.] 17. Afueras de la casa de Caifás. Exterior/Noche. 23. Pretorio. Exterior/Día. Judas sufre en un rincón. Unos niños se acercan y lo Claudia divisa a María, Magdalena y Juan desde una ventana. interrogan, creyendo que está enfermo. Judas los toma [APC 123-124.] Pilato comunica a los judíos que no encuentra por demonios. culpable a Jesús. Ordena que lo lleven ante Herodes. [Jn 18:38; 18. Patio de la casa de Caifás. Interior/Noche. Lc 23:4, 6-7; APC 124.] Cruce de miradas entre Pilato y María se detiene en un corredor de la casa y acerca su rostro Claudia. al suelo. En un aposento del piso inferior, justo debajo de 24. Palacio de Herodes. Interior/Día. donde se halla María, Jesús presiente la proximidad de la Herodes interroga a Jesús, que escucha en silencio. El tetrarca lo madre. [APC 105.] toma por loco y ordena devolverlo a Pilato. [Lc 23:8-11; APC 19. Afueras de Jerusalén. Exterior/Día. 129-130.] Judas huye. Una turba de muchachos lo persigue. Satán 25. Pretorio. Interior/Día. aparece por un momento. Judas se cubre los oídos. Los niños Pilato comenta a Claudia que teme una rebelión. Llega desaparecen. Su mirada se detiene ante los restos de un Abenader con la noticia de la devolución de Jesús. animal en descomposición. [APC 113.] Se ahorca. [Mt 27:5; 26. Pretorio. Exterior/Día.

Mística Ciudad de Dios o Historia de la Reina de los Ángeles. Escrita por la Venerable Madre Sor María de Jesús de Ágreda (1602-1665), religiosa descalza de la orden de San Francisco y devota de la Inmaculada Concepción de la Virgen. Fundó su célebre convento en Ágreda (Castilla la Vieja), donde fue visitada por el rey Felipe IV, con quien sostuvo «correspondencia edificante sobre los negocios del alma y el estado». Mística Ciudad de Dios es una crónica de la vida de la madre de Dios, y se basa en visiones y revelaciones privadas de María que tuvo la religiosa a lo largo de varios años. En el libro se detalla con riqueza la vida de Cristo, incluyendo su Pasión y Muerte. Dado que está relatado desde el punto de vista de María, presta especial interés a la presencia de ésta junto a su Hijo, elemento central del filme de Gibson. Particularmente relevantes como contribución al relato cinematográfico resultan las referencias a la fortaleza y el amor de la Madre, y el indestructible vínculo entre ella y Jesús, expresado muchas veces en la película a través de la mirada. Como en La Pasión de Cristo, el texto de la religiosa española describe los dolorosos e incontables sufrimientos que experimentó Jesús durante la flagelación, la coronación de espinas y la crucifixión (1339-40, 1344, 1384), incluida una espectacular vuelta a la cruz, que cae sin que el rostro de Jesús llegue a golpearse contra el suelo (1386); el encuentro entre éste y su Madre camino del Calvario (1368), el deseo de María de morir en lugar del Hijo y la continua intervención de Satán en los acontecimientos (esto último habría podido influir en la decisión de mostrarlo a lo largo de varias secuencias claves del filme). Asimismo, llama la atención que la V.M. Sor María de Jesús de Ágreda, al igual que los guionistas del filme, ofrezca una visión más matizada de la figura de Pilato (1309).

ECOS 18 DOSSIER Caravaggio. Con un precedente pictórico tan rico –La Pasión, y las Sagradas por lo violento, oscuro y espiritual.” Deschanel estuvo a la altura Escrituras en general, han estado entre los temas predilectos del arte del reto, rodando casi la mitad del filme de noche o en occidental, en particular durante el Renacimiento y el barroco–, era de interiores poco iluminados para lograr el efecto de la luz que esperar que el concepto fotográfico del filme tuviese en esta tradición un pugna por abrirse paso entre las tinieblas. El resultado fue tan inevitable punto de referencia. En una entrevista concedida por el director bueno, que alguien oyó exclamar a Gibson: “Caleb ha creado de fotografía Caleb Deschanel, éste apuntó: «Se ha hablado mucho acerca un Caravaggio en movimiento”.» de que Caravaggio inspiró el aspecto visual de la película porque tanto a mí como a Mel nos gusta mucho su obra.» Pero aclara luego: «A diferencia de La joven de la perla [reciente filme inglés acerca de un episodio de la Descendimiento de la cruz, de Caravaggio vida del pintor holandés Vermeer de Delft] no tratábamos de recrear cuadros en específico. La obra de Caravaggio influyó tanto en términos de los rostros que usó en su pintura como de iluminación y composición.» Respecto al primer punto, por ejemplo, la película evita el tratamiento «genérico» de las multitudes. Las interpretaciones están fuertemente individualizadas, como lo demuestran las expresiones de la gente que presencia el paso de Cristo con la cruz. Se sabe que Caravaggio elegía a vagabundos, prostitutas y mendigos para encarnar a los santos de sus pinturas. Encontraba el dramatismo que quería en aquellas fisonomías nada ideales de sus tipos populares. Y es esa la impresión que deja también la película. Más adelante insiste Deschanel: «[…] las pinturas que realmente me interesan son las que muestran buenas interpretaciones [el subrayado es nuestro]. Esto me atrae más que el detalle gráfico o la iluminación. Lo que tomo de la pintura no es tanto una forma específica de representar la luz o crear composiciones, como el contenido emocional.» De ahí que, aparte de Caravaggio, el fotógrafo invocase los nombres de Géricault (La balsa de la Medusa), Rafael, y algunos otros, incluso Salvador Dalí. Según Deschanel «la toma de los romanos clavando los pies de Jesús partió de la crucifixión pintada por Salvador Dalí. El cuadro tiene una perspectiva que casi flota por encima de la cruz, y es realmente asombrosa. La imagen no necesariamente se parece a la pintura, pero la obra de Dalí sugirió nuestra manera de abordarlo.» En cuanto a lo segundo, se consigna en la notas de producción del filme: «El patente realismo de Caravaggio, la riqueza del juego de luces y sus temas que oscilan entre la oscuridad y la iluminación espirituales revolucionaron completamente la pintura religiosa del siglo XVII, rompiendo con la idealización de la experiencia mística. Gibson, que quería lo mismo para su película, vio en la inmediatez del estilo de Caravaggio la contrapartida ideal. El director ha dicho del pintor italiano: “Pienso que su trabajo es hermoso. Tiene una rara y caprichosa propensión

DOSSIER 19 ECOS Pilato encuentra inocente a Jesús, pero los judíos reaccionan 31. Patio interior del pretorio. Exterior/Día. airadamente. [Lc 23:13; Mc16, 20, 22; Jn 18:38; ACP 135.] Abenader ordena detener el castigo. Se llevan a Jesús. Llega Les ofrece escoger entre la liberación de Jesús o de Barrabás. Los María y enjuga la sangre en el piso con el lienzo entregado judíos piden la liberación de Barrabás. Pilato libera a Barrabás. por Claudia. [APC 144.] [Mt 27:17, 21, 26; Mc 15:9, 11, 15; Lc 23:18, 24-25; ACP 32. Corredor del pretorio. Exterior/Día. 136-137.] Cruce de miradas entre Jesús y Barrabás. La Dos soldados ciñen una corona de espinas en la frente de Jesús. multitud pide la crucifixión de Jesús. Pilato ordena que lo azoten, [Mt 27:29; Mc 15:17; Jn 19:3; APC 145-146.] [Mt:27:22-23, 26; Mc 15:12-15; Lc 23:21, 23, 25; Jn 19:1; 33. Patio interior del pretorio. Exterior/Día. APC 137] sin permitir que muera. [APC 138.] Junto a María, Magdalena limpia la sangre de Jesús que ha 27. Patio interior del pretorio. Exterior/Día. quedado en el piso [APC 144], y recuerda… Jesús es azotado por los soldados romanos. [Mt 27:26; Mc 15:15; 34. Plaza pública. Exterior/Día. (flashback) Lc 23:25; Jn 19:1. APC 139-141.] Satán aparece entre la … Jesús salva a Magdalena de la lapidación. [Se trata del multitud. Llegan María y Juan. Cruce de miradas entre Jesús episodio de la mujer adúltera en Jn 8:6-11, pero no hay y María, que llora. [APC 143-144.] evidencia de que sea Magdalena] 28. Corredor junto al patio interior del pretorio. 35. Pretorio. Exterior/Día. Exterior/Día. Pilato presenta a Jesús ante los judíos. Caifás presiona para que María se aleja del grupo que asiste a la flagelación. Magdalena sea crucificado. Pilato le pide a Jesús que hable. Jesús le responde. llora junto a ella. Llega Claudia y le ofrece un trozo de lienzo Pilato presenta a Jesús ante la multitud. Los judíos piden la muerte blanco. [APC 144.] de Jesús. [Jn 19:4-7, 10-11, 13-15; APC 147-149.] Traen una 29. Patio interior del pretorio. Exterior/Día. jarra con agua. [Mt 27:24; ACP 149.] Jesús la mira… Los soldados voltean a Jesús y continúan azotándolo. [APC 36. Cenáculo. Interior/Noche. (flashback) 141.] Entre los espectadores aparece Satán con un niño … Jesús y los discípulos se lavan las manos antes de la Última en brazos. Desde el suelo, Jesús mira a sus verdugos… Cena. [APC 29-30.] 30. Cenáculo. Interior/Noche. 37. Pretorio. Exterior/Día. Jesús desata una sandalia del pie de Juan y lo lava. Exhorta a los Pilato lava sus manos y se exime de culpa. [Mt 27:24-26; Mc discípulos a que no tengan miedo. [Jn 13:5, 15:18-20, 26-27.] 15:15; Lc 23:25; Jn 19:16; ACP 149.] Ordena a Abenader

Punto de vista. El filme amalgama puntos de vista diversos. El grueso del relato, que sigue a los evangelistas, propone un narrador convencional en tercera persona. Lo mismo puede aplicarse a las meditaciones de Anna Katharina Emmerick, aunque por momentos sea evidente un desplazamiento hacia la subjetividad de algún personaje (Judas), particularmente en la mayoría de las transiciones, dominadas por la mirada de Cristo. Al final de la agonía en la cruz, varias tomas cenitales dan cuenta de la presencia del Padre: el rostro del Hijo, transfigurado por la muerte, en un gran plano de detalle; la lágrima que cae luego del cielo al pie de la cruz y la visión de Satán derrotado.

ECOS 20 DOSSIER Gentiles. La cámara deteniéndose de manera casi subliminal en algunas figuras – muchas veces anónimas– que presencian la Pasión de Jesús, toma cuenta de una gracia misteriosa, inefable, que los toca: el centurión Abenader, el sirviente de Pilato, el criado negro de Herodes, Jano – compañero de Casio. Ninguno tal vez como este último (v. 99, 2727, 6767, 6969), quien al clavar su lanza en el costado de Jesús, recibe un bautismo de agua y sangre.

que se haga lo que piden los judíos. 42. Calle de Jerusalén. Exterior/Día. 38. Entrada del pretorio. Exterior/Día. María y Jesús se encuentran. [APC 163.] Jesús le dice que él Jesús es obligado a cargar una cruz de madera. [Jn 19:17; APC hace nuevas todas las cosas. [Ap 21:5.] Verónica y su hija 157.] Llevan también a dos ladrones. [Mc 23:32; ACP 159.] presencian el paso de Jesús. [APC 166.] Jesús echa a andar. La multitud presencia su paso. Juan, 43. Pretorio. Exterior/Día. María y Magdalena siguen tras él. Jesús mira a la gente Pilato contempla a la multitud que se encamina con Jesús que lo abuchea… al Calvario. 39. Calle de Jerusalén. Exterior/Día. (flashback) 44. Calle de Jerusalén. Exterior/Día. … El pueblo saluda con palmas a Jesús que llega. [Mt 21:7-8; Llega Abenader. Jesús cae. [APC 164.] Le ordena al soldado Mc 11:7-8; Lc 19:35-36; Jn 12:12-13.] que detenga el castigo. Simón de Cirene es obligado a llevar 40. Calle de Jerusalén. Exterior/Día. la cruz junto a Jesús. Cruce de miradas entre ambos. [Mt Satán aparece entre el gentío. María pide a Juan que la 27:32; Mc 15:21; Lc 23:26; APC 165.] Jesús cae. Verónica acerque a Jesús. [APC 162.] En el camino, Jesús cae por le ofrece agua a Jesús, que enjuga su rostro con un manto primera vez. [APC 160-161.] María y Juan corren a su blanco. [APC 166-167.] Simón se niega a cargar con la cruz encuentro. Juan le avisa que se acerca. [APC 162.] Jesús a menos que dejen de golpear a Jesús. [APC 168.] Verónica vuelve a caer. [APC 163.] María lo ve y recuerda… los ve pasar. 41. Casa de Jesús en Nazaret. Exterior/Día. 45. Cercanías del Gólgota. Exterior/Día. (flashback) Abenader se dirige al lugar de la crucifixión, lo mismo María ve caer a Jesús cuando niño y corre hacia él. que Caifás y demás sacerdotes.

DOSSIER 21 ECOS Figuras infernales: Satán está interpretado por una mujer, pero sugiere una criatura andrógina, la inquietante ambigüedad del Mal. Su rostro emerge entre los pliegues de una capa negra, remite a la Muerte de los autos medievales, de El séptimo sello (Ingmar Bergman, 1957). La idea de materializar la figura del Tentador proviene de Anna K. Emmerick, quien dedica quince páginas a su enfrentamiento con Cristo durante la agonía en Getsemaní. La criatura luciferina que pasa ante Judas cuando Jesús cae del puente sobre el Cedrón, así como el cuervo cuyo chillido se oye al comienzo, y luego ataca a Gesmas en la cruz, aluden también a la presencia del Mal. Un problema más complejo suponen las alucinaciones de Judas, para quien los niños que se acercan a consolarlo adquieren de repente el aspecto de pequeños demonios, que lo atormentan con sus gritos y ademanes bestiales. La figura de Satán aparece en medio de aquellos antes que desaparezcan, dejando a un Judas decidido a morir. En el relato de los Evangelios sólo cuenta el traidor, destrozado por su culpa. Emmerick incorpora a Satán, que «para llevarlo a la desesperación, iba recitándole al oído todas las maldiciones de los profetas». Judas queda fuera del mundo: es ese desajuste irremediable del pecador lo que Gibson traslada en imágenes.

46. Calle de Jerusalén. Exterior/Día. Jn 19:17; APC 170.] Jesús lanzado a tierra. Simón lo ayuda a incorporarse. [APC 50. Monte. Exterior/Día. (flashback) 170.] … Jesús se compara con un pastor que ama a sus ovejas. [Jn 47. Salida de Jesuralén. Exterior/Día. 10:14-15.] A lo lejos se divisa el Gólgota, donde se prepara el 51. Gólgota. Exterior/Día. escenario de la crucifixión… Jesús cae por última vez. Jesús y Simón se miran. Despiden a 48. Monte. Exterior/Día. (flashback) Simón de Cirene. [APC 170.] Aparecen María, Juan y … Jesús predica al pueblo que amen a sus enemigos. [Mt 5:44- Magdalena. [APC 173.] Se cruzan las miradas de María y 48; Lc 6:27, 32-34.] Jesús. Este se incorpora y mira al cielo… 49. Gólgota. Exterior/Día. 52. Cenáculo. Interior/Noche (flashback) La comitiva llega al Calvario. [Mt 27:33; Mc 15:22; Lc 23:33; … Jesús se dispone a partir el pan para sus discípulos en la Última

Animales. Escasas, pero significativas, son las evocaciones del cuervo (v. 11, 6363), la paloma (v. 2121) y la serpiente (v. 33). «En tanto que ave de carroña de color negro con un grito siniestro, el cuervo es ctónico y demoníaco, está vinculado al reino de los muertos y de la muerte, a la batalla sangrienta (alcanza un desarrollo especial el motivo del cuervo que arranca los ojos a su víctima). [v. 6363] En la descripción bíblica del diluvio, que se remonta a la Babilonia), el cuervo no regresó, y la paloma enviada más tarde volvió con una rama de olivo (Gen 8:6-12). […] En la tradición cristiana medieval el cuervo deviene la personificación de las fuerzas del infierno y del diablo, y la paloma, del paraíso, el Espíritu Santo y la fe cristiana (bautizo). Esta interpretación se apoya, por lo visto, […] en la tradición hebrea y refleja la división judaica en animales puros (la paloma) e impuros (el cuervo).» En cuanto a la serpiente, basta recordar que la primera serpiente de las Escrituras es la astuta criatura de Gen 3 usada por Satanás (v. 33) para enajenar al hombre de Dios (Rom 16:20; 2 Cor 11:3). De este modo, la serpiente ha quedado como símbolo bíblico de engaño (Mt. 23:33). Al final de los tiempos, se declara que el gran engañador será «la antigua serpiente» (Ap. 12:9, 14-15; 20:2). Toporov, VN, Ivanov, VV, Meletinski E.M.: Árbol del mundo. Diccionario de imágenes, símbolos y términos mitológicos. Casa de las Américas-UNEAC, La Habana, 2002, pp 149, 152.

ECOS 22 DOSSIER 56. Cenáculo. Interior/Noche (flashback) … Jesús los exhorta a que se amen unos a otros como él los ha amado. [Jn 13:34.] 57. Gólgota. Exterior/Día. Jesús es clavado en la cruz… [APC 177-179.] 58. Cenáculo. Interior/Noche (flashback) … Juan escucha a Jesús cuando afirma que es el Camino, la Verdad y la Vida. [Jn 14:6.] 59. Gólgota. Exterior/Día. Jesús es clavado en la cruz. [APC 177-179.] Pide al Padre que los perdone. [Lc 23:34.] Voltean la cruz y María Magdalena contempla su rostro a ras de suelo. Clavan encima de la cruz la inscripción INRI. [Mt 27:37; Mc 15:26; Lc 23:38; Jn 19:19.] Levantan la cruz… [APC 180.] … Juan escucha a Jesús cuando afirma que es el Camino, la Verdad y la Transiciones. A diferencia de lo que pudiera esperarse, habida cuenta Vida. [Jn 14:6.] del precedente sentado por la tradición cinematográfica, el tiempo en 60. Cenáculo. Interior/Noche (flashback) La Pasión de Cristo no sigue una trayectoria lineal ni se circunscribe a … Juan escucha a Jesús cuando presenta el pan y dice los acontecimientos que dan nombre al filme. A menudo se violenta la que es su cuerpo. [Mt 26:26; Mc 14:22; Lc 22:19; cronología para subrayar la continuidad entre la misión de Jesús –ubicada ACP 30-31.] en el pasado– y el presente de la Pasión, donde aquella alcanza su momento más sublime. Interpuestos en un texto fílmico que se atiene 61. Gólgota. Exterior/Día. –en teoría– al tiempo que media entre la oración de Getsemaní y la Elevan la cruz y esta cae en el hueco excavado en muerte en la Cruz, los pasajes del Sermón del Monte, la salvación de la el suelo… [APC 180.] mujer adúltera, la entrada a Jerusalén, el lavatorio de pies y la Última 62. Cenáculo. Interior/Noche (flashback) Cena, entre otros, sirven de glosas a la Pasión, en lugar de quedar Jesús presenta el vino y dice que es su sangre. [Mt confinados, como en las versiones habituales de la vida de Cristo llevadas 26:27-28; Mc 14:23-24; Lc 22:20; ACP 30-31.] al cine, dentro del largo recuento que culmina con su martirio en la 63. Gólgota. Exterior/Día. cruz (Rey de Reyes, Nicholas Ray, 1961; El Evangelio según Mateo, P. P. Gesmas, el mal ladrón, increpa a Jesús. [Lc 23:39; Pasolini, 1966; para citar dos aproximaciones estéticas extremas). El ACP 187.] Llega Caifás y lo exhorta a probar que ejemplo más elocuente de lo anterior es, sin dudas, la secuencia de la Crucifixión. Siete flashbacks sucesivos revelan paso a paso el sentido de es el Mesías, liberándose de la cruz. [ACP 197.] la Eucaristía, desde la llegada al Gólgota enmarcada por la evocación del Dimas, el buen ladrón, se apiada de Jesús y le pide Buen Pastor «que da la vida por sus ovejas», hasta la elevación de la que se acuerde de él. [Lc 23:40-43; ACP 188-190.] cruz que remite a la consagración del pan y el vino durante la Última Un cuervo arremete a picotazos contra Gesmas. Cena. Curiosamente, aunque la mayoría ha acogido estas transiciones El cielo se ensombrece. Inquietud entre los romanos. como una licencia puramente cinematográfica de Gibson, la idea bien La gente se aleja, atemorizada. [Mt 27:45; Mc pudo inspirarse en una de sus fuentes literarias. La V.M. Sor María de 15:33; Lc 23:44; ACP 189.] Jesús tiene sed. Casio Jesús de Ágreda, en Mística Ciudad de Dios, refiere [1274]: «Y en medio empapa una esponja y se la acerca. [Jn 19:28-29; ACP de aquellos oprobios y tormentos, y en los que después se siguieron, 196.] María y Juan se acercan a la cruz. María besa renovó Su Majestad sobre sus escogidos y perfectos las bienaventuranzas que antes les había ofrecido y prometido (Mt 5, 3ss).» los pies ensangrentados del Hijo. Jesús le encomienda a Juan. [Jn 19:26-27; ACP 190.] Gesmas grita desesperado. Jesús clama al Padre, y luego expira. [Lc 23:46; Jn 19:30; ACP 196-198.] Una lágrima cae del cielo a los pies de la cruz. La tierra tiembla. [Mt 27:51; ACP 200.] 64. Pretorio. Interior/Día. Pilato advierte la sacudida del terremoto. [ACP 203.] 65. Gólgota. Exterior/Día. Confusión al pie de la cruz entre los soldados. 66. Templo de Jerusalén. Interior/Día. El templo de Jerusalén queda asolado ante los ojos de Caifás. [Mt 27:51; Mc 15:38; Lc 23:45; ACP 202.] 67. Gólgota. Exterior/Día. Los soldados quiebran las piernas de los ladrones. Casio le da una lanzada en el costado a Jesús. Brotan agua y sangre,

DOSSIER 23 ECOS Malco

Pedro

Herodes Caifás Pilato

María

Juan

Simón de Cirene

Judas

Barrabás Verónica

Miradas. El motivo de la mirada de Jesús domina el discurso visual de La Pasión de Cristo, quien responde con palabras a sus acusadores y verdugos, pero apenas intercambia una mirada con ellos. Esta queda reservada a los suyos –María en primer término, signo de entrañable cercanía en el cumplimiento de la Palabra–, como dejan claro los flashbacks de su magisterio entre los hombres (el Sermón del Monte, la Última Cena). Piedad, consuelo, gratitud devienen variaciones sucesivas del infinito Amor que irradian sus ojos –más elocuentes que cualquier gesto o palabra– en sus encuentros con María, Magdalena, Juan y Pedro, marcados por la experiencia del sufrimiento. Lo mismo para aquellos que se apenas se cruzan con él, camino al Calvario: Verónica atesora en un lienzo la huella de su rostro (v. 4444); la existencia de Simón de Cirene da un vuelco durante el escaso tiempo que acompaña a Cristo con la cruz (v. 5151). Mirada que interpela incluso a los que amargamente admiten, o siquiera vislumbran, su falta: Judas (v. 77), Pilato (v. 2222, 3535), Dimas (v. 6363), Barrabás (v. 2626)…

ECOS 24 DOSSIER que lo bañan. Cae de rodillas. [Jn 19:32-34; ACP 207-208.] 68. Templo de Jerusalén. Interior/Día. Los judíos están consternados. [ACP 200.] 69. Gólgota. Exterior/Día. Abenader se quita el casco, conmovido. [Mt 27:54; Mc 15:39; Lc 23:47; ACP 208.] 70. Templo de Jerusalén. Interior/Día. Caifás llora ante el templo convertido en ruinas. [ACP 200.] 71. Gólgota. Exterior/Día. Los verdugos de Jesús huyen. 72. Desierto. Exterior/Día. Satán grita, derrotado. [ACP 231-232.] 73. Gólgota. Exterior/Día. Casio, otro soldado romano, José de Arimatea, María, Magdalena y Juan retiran el cuerpo de Jesús de la cruz. [Mt 27:59; Mc 15:46; Lc 23:53; Jn Iconografía. La bolsa con las monedas entregadas a Judas, el pan y la 19:38-40; ACP 212-214.] copa de vino eucarísticos, las vendas del sudario de Jesús, los clavos, la 74. Sepulcro de Jesús. Interior/Día. corona de espinas, y sobre todo, la cruz. Iconografía consagrada por La roca de la entrada del sepulcro se desplaza y la dos mil años de cristiandad, se diría que a fuerza de naturalismo La luz del sol penetra en la estancia. Las vendas del Pasión de Cristo los restituye intactos, en su primigenia sencillez, antes que se asuman como referentes universales de la traición, la oblación, sudario ceden. Jesús mira al cielo y se incorpora. el martirio y la resurrección. La cámara los abstrae del conjunto, en [Lc 24:2,12; Jn 20:1, 5, 7.] En sus manos se ven planos que muchas veces se sirven del ralentí para destacar su significado. las huellas de los clavos. [ACP 241.]

El sonido de la tragedia. Para John Debney, compositor norteamericano conocido por sus partituras para comedias populares y filmes orientados a la familia (Spy kids, Bruce almighty, Elf), la encomienda de crear la música de La Pasión de Cristo significó un cambio momentáneo de perfil. El proyecto le cayó «en el regazo» cuando en octubre de 2003 recibió una llamada de su amigo Steve McEveety –uno de los productores de La Pasión... y como él, católico de toda una vida–, quien le confesó un tanto misteriosamente que Mel Gibson y él no lo tenían muy claro con la música del filme que estaban rodando. «Casi me caigo de la silla cuando me reveló que se trataba de La Pasión de Cristo», comenta Debney, y recuerda que exclamó: «¡Estás bromeando!» En efecto, esta fue una partitura diferente, que incluso no sigue el arco dramático al uso en tales casos. Su diseño sonoro se estructura en tres «actos» musicales: el primer momento se ubica alrededor del arresto en Getsemaní; una sección intermedia va desde el juicio de Jesús hasta el encuentro con María, camino al Calvario; el último segmento, y más largo, concluye el Vía Crucis y llega hasta la Resurrección. En total suman quince los temas, con mayor presencia a medida que avanza la acción. Al inicio, a instancias de Gibson, la intervención de la música es más bien discreta y se elude cualquier referencia a la tradición sacra de Occidente. Predominan los timbres provenientes del Medio Oriente, para lo cual Debney recurre a instrumentos tradicionales y de la época, como una antigua guitarra armenia llamada oud. Una vez introducido el Tema de María, Gibson comentó a Debney: «A partir de este momento y hasta el final, nos ganamos el derecho a dejar que la música diga más.» Y la partitura experimenta un viraje dramático hacia sonoridades más cercanas a los motivos sinfónicos occidentales. Refiere Debney que la colaboración con Gibson fue más estrecha de lo habitual. Luego de dos encuentros iniciales, aquel comprendió que lo mejor sería invitar al director a presenciar la ejecución. La sorpresa fue que éste colaboró activamente, y no solo cantando junto al coro: es su voz la que se oye en el lamento que acompaña al suicidio de Judas. «Tiene un oído increíblemente musical», apunta Debney. Muchas de las piezas, como lo requiere el filme, resultan intensas y melancólicas. Ciertos pasajes alcanzan un gran lirismo gracias a las hermosas prestaciones de las cuerdas, los bellos solos de flauta –uno de los cuales puntúa la larga y hermosa Crucifixión y, sobre todo, el trabajo coral en temas como Llevando la cruz y Resurrección. Este último, a pesar de su brevedad, es un soberbio ejemplo de adecuación a la «ontología» del filme. La percusión progresa con ritmo ascendente, subrayado por una delicada línea de trompa, a lo cual se une el coro. En pocos instantes, una vez que Jesús se incorpora y echa a andar, el tono cambia de la tragedia a la esperanza.

DOSSIER 25 ECOS LA PASIÓN DE CRISTO UN IMPORTANTE LOGRO CINEMATOGRÁFICO Peter Malone

Antecedentes cristianos, y las expresiones acerca de los urante más de un año antes del estreno de La Pasión de judíos en el Evangelio, especialmente en San Cristo (The Passion of the Christ), previsto para el Miércoles Juan, es importante tener en cuenta que el Dde Ceniza del 25 de febrero de 2004, el filme ha venido antagonismo más formal, «oficial», entre suscitando discusión, y bastante controversia, a lo largo del cristianos y judíos, data de las primeras mundo. Estas se han centrado en objeciones relativas a su factura, décadas del segundo siglo. Los evangelios así como en sensibilidades acerca de la historia de las relaciones de San Mateo, San Marcos y San Juan vieron entre judíos y cristianos, el antisemitismo y el diálogo actual entre la luz en comunidades judías. El evangelio el judaísmo y las iglesias, especialmente en los Estados Unidos. de San Lucas descansa fuertemente en las Gran parte del debate, que alcanzó un alto nivel entre teólogos, escrituras judías, mezclando motivos y estudiosos de la Biblia y líderes religiosos, se ha sustentado en referencias bíblicas a lo largo del texto. El informaciones acerca de las versiones iniciales del filme. choque entre Jesús y los líderes religiosos La Pasión… ha sido un proyecto largamente acariciado por el de su tiempo fue una confrontación dentro actor-director Mel Gibson. Su afiliación católica y su respaldo al del judaísmo, una controversia religiosa catolicismo tradicional [preconciliar] introdujo otro factor de acerca del Mesías (entre varias que hubo en controversia en las discusiones. Las exhibiciones iniciales de La ese período) y las exigencias de Jesús. Los Pasión…como obra en desarrollo ofrecieron a líderes de la Iglesia discípulos que se hicieron cristianos y cristianos relacionados con los medios la oportunidad de ver aceptaron como ciertas esas afirmaciones. el filme, emitir sus opiniones y dialogar con Mel Gibson. Pareció Muchas figuras religiosas entre los existir el consenso general de que no era un filme antisemita. sacerdotes y fariseos no lo hicieron. Hubo Algunos líderes judíos, y críticos como Michael Medved, se otros conversos como Pablo, quien estaba refirieron positivamente a la película. Varios directivos de las orgulloso de su patrimonio judío, y oficinas del Vaticano vieron un rollo de muestra y hablaron reaccionaron con dureza ante el hecho de los favorablemente del filme, incluyendo al arzobispo John Foley, discípulos de Jesús no se sintieran obligados presidente del Pontificio Consejo para las Comunicaciones a cumplir al pie de la letra la Ley judía. Ha Sociales, y el cardenal Darío Castrillón, de la Congregación para sido difícil –dado los siglos de antagonismo el Clero, quien instó a todos los sacerdotes a que vieran la película. y las experiencias de represión y persecución El cardenal Walter Kasper recibió comentarios de líderes judíos, de los judíos a manos de comunidades y declaró que la Santa Sede no estaba recomendando el filme, y cristianas, y católicas– penetrar en el que cualquier recomendación dependería de que se le viera en contexto del tiempo de Jesús y la mentalidad su versión definitiva. Esta fue la posición de muchos líderes del período. religiosos, incluida la conferencia de Obispos Católicos de los La larga tradición de cristianos que acusaban Estados Unidos. a los judíos de «asesinos de Cristo» jugó En lo que respecta al asunto de las relaciones entre judíos y también su papel en el debate. Mientras la

ECOS 26 DOSSIER Iglesia Católica pidió perdón por y juzgados como si se tratara de los las largas persecuciones y el verdaderos Evangelios. Se les frecuente antisemitismo del considera insuficientes a este nivel, pasado en un documento del y son rechazados o condenados. Concilio Vaticano II (1965), y el Éste peligro es válido también en Papa Juan Pablo II visitó el Muro el caso de La Pasión…Es necesario de las Lamentaciones en el 2000, reiterar que se trata de un filme, y depositando su propia plegaria en que el guión es una «versión» de una de sus grietas, hoy siguen La Última Cena las narraciones evangélicas, sin formulándose las interrogantes pretensión de ser un Evangelio acerca de la muerte de Jesús como como tal. parte del plan de Dios y cómo los Este uso de los cuatro Evangelios líderes religiosos judíos de la implica que hay diferentes época y los romanos –con Poncio perspectivas sobre los judíos de la Pilatos– se integran en el mismo. época en cada uno. San Mateo El 24 de octubre de 2004 recibí una presupone un detallado invitación para ver el filme en las conocimiento de las escrituras oficinas de Icon en Santa Mónica judías, y ve en Jesús el (cuartel general de producción de cumplimiento de la profecía. De Mel Gibson en Los Ángeles). La ahí, el tono más «apocalíptico» de versión que vimos era aún una El juramento de Pedro a Jesús las escenas de su muerte. San copia de trabajo. No estaba Marcos y San Lucas observan desde finalizada en lo relativo a efectos afuera; Lucas, escribiendo para especiales y banda sonora. Gibson lectores familiarizados con el estilo se encontró conmigo después de narrativo de Grecia y Roma. El la función y pude discutir con él Evangelio de San Juan, escrito al sobre el filme. Mi actitud hacia la final del siglo primero, tiene ecos película fue muy positiva. de las raíces de la cristiandad presentes en el judaísmo, pero da Referentes Bíblicos cuenta de la creciente divergencia La trama de La Pasión… incorpora Magdalena/La adúltera entre ambos. episodios de los cuatro El guión es capaz de combinar, en evangelios: el terremoto y la una trama coherente, retrospectivas destrucción del templo (San de la infancia de Jesús y la vida en Mateo), el joven que huyó la Nazaret, que son licencias en el noche del arresto en Getsemaní La caída del niño Jesús espíritu de las Escrituras (su caída (San Marco), las mujeres de cuando niño, la construcción de Jerusalén –aquí, Verónica y su una mesa en el taller de carpintería, hija– (San Lucas) y el comentario su relación con la madre, a quien de Pilato acerca de la verdad (San salpica juguetonamente mientras se Juan). Esta concatenación de lava las manos) con episodios del incidentes en un hilo narrativo es Evangelio como la Última Cena, las la manera en que los relatos protestas de lealtad de Pedro y el evangélicos fueron memorizados relato de la mujer adúltera (Juan 8), y puestos por escrito. Hay algún a quien se identifica en el filme con material extraído de leyendas María Magdalena. posteriores y evangelios apócrifos Camino al Calvario, en medio de (Verónica y el lienzo; Gesmas, el los insultos de la multitud, hay «mal» ladrón). insertada una retrospectiva del Una de las dificultades que recibimiento en Jerusalén. Hay enfrentan los filmes sobre la vida también un desarrollo dramático de de Jesús, especialmente en lo que personajes como Pilato y su esposa, respecta a los eruditos y teólogos Simón de Cirene, el centurión y los poco familiarizados con las dos ladrones (al que injuria a Jesús, técnicas de la narración el castigo le llega en forma de un cinematográfica, es que en Jesús y su madre cuervo que lo ataca con crueldad). ocasiones tienden a ser criticados Interesante resulta el retrato de

DOSSIER 27 ECOS Satán aparece durante la flagelación apreciarse cuando Jesús se declara Hijo del Hombre en el juicio (que está también en los Sinópticos) y las discusiones con Pilatos acerca de la verdad y de su Reino. Esto significa que, teológicamente, el filme expone la eterna enseñanza sobre la doble naturaleza de la persona de Jesús, humana y divina a un mismo tiempo. La humanidad de Jesús se retrata a menudo de manera sorprendente: Jesús trabajando en Nazaret, el profundo dolor humano de su agonía –los azotes, las caídas en el camino al Calvario, la Crucifixión y su experiencia en la Cruz. Está en su dignidad durante el juicio, su compostura ante Pilatos y Herodes. El filme destaca la angustia del alma humana y el sentimiento de abandono en la agonía de la Cruz, junto a su profunda Satanás, el Tentador, que aparece tempranamente como entrega al Padre. A diferencia del Jesús visto antes en un personaje andrógino –voz masculina bajo la el cine, de complexión menuda y esbelta, Jim Caveziel apariencia de mujer– que se feminiza a medida que el es un individuo grande y fuerte, algo corpulento, filme avanza, y aparece finalmente en la flagelación creíble como carpintero. Esto hace que el Jesús de la llevando un niño –con una técnica visual que recuerda película resulte más real que de costumbre. a William Wallace [el protagonista de Corazón valiente, filme interpretado y dirigido por Mel Gibson] La resurrección de Jesús contemplando a su amada en el momento que lo Algunos comentaristas han criticado los filmes que se ejecutan. Una vez más se trata de una licencia artística, centran en la Pasión por su escasa atención a la que muestra a Jesús tentado y puesto a prueba. resurrección de Jesús. (Esta objeción data de los sesenta; Como en la mayoría de los filmes sobre Jesús, se presta en los setenta se hizo a propósito de Jesucristo mucha atención a Judas. Sus razones no se hacen superestrella). Teológicamente, la Pasión sólo tiene explícitas en la película; se presupone el conocimiento sentido a la luz de la resurrección. de la audiencia acerca del personaje. El filme describe A lo largo del filme de Mel Gibson, se pretende su actuación en Gentsemaní, la consternación que lo sumergir al público en la experiencia de la Pasión. En embarga seguidamente y la devolución de las treinta la secuencia final, la piedra sobre el sepulcro aparece monedas de plata. Se añade un episodio en que Judas removida. Se ve cómo colapsan las fajas enrolladas encuentra a unos niños que lo hostigan mientras se alrededor de su cuerpo, y la cámara muestra a Jesús encamina hacia su muerte. de perfil, sentado en la tumba, como preludio a su vida de resucitado. Son éstas las imágenes con que la Referentes Teológicos audiencia abandona la sala de cine. La resurrección, Los principales aspectos teológicos que preocupan a aun cuando se presenta brevemente, es el clímax de La los espectadores de los filmes sobre Jesús son: (1) La Pasión... humanidad y divinidad de Jesús; (2) La resurrección de Jesús. La Eucaristía Hay retrospectivas a la Última Cena durante La Humanidad y divinidad de Jesús Pasión..., en particular a las protestas de Pedro alegando La Pasión… sigue generalmente el enfoque de la persona de Jesús empleado en los Evangelios Pilato y la Verdad Sinópticos, una Cristología «de bajo vuelo» que parte de la humanidad de Jesús y se mueve hacia una toma de conciencia de su divinidad. Cuando acude a San Juan como fuente, el filme refleja la «alta» Cristología propia de este Evangelio, que da por supuesto que Jesús es Dios, y expresa su divinidad en la palabra y la acción. El enfoque sinóptico puede verse en las retrospectivas de los incidentes anteriores a la Pasión, así como en los episodios fundamentales de la misma: la agonía en Gentsemaní, el tratamiento de Jesús por el Sanedrín y Herodes, los azotes y la coronación de espinas, el camino a la Cruz y la Crucifixión en sí misma. El enfoque de acuerdo a San Juan puede

ECOS 28 DOSSIER que no negará a Jesús, y el mismo Jesús lavando los pies a sus discípulos. El Evangelio según Mateo Uno de los mayores logros teológicos del filme es la inserción de las escenas de la Eucaristía mientras el cuerpo de Jesús es clavado y levantado en la Cruz. Cuando Jesús ofrece el pan de su cuerpo, vemos ese cuerpo, dolorosamente quebrantado y entregado por nosotros. Mientras ofrece el vino como su sangre, somos testigos conscientes de la sangre derramada, sangre que se vierte por nosotros. Jesús dice a sus discípulos que no hay prueba de amor más grande que ofrecer la vida por los amigos –y esto lo apreciamos en su dimensión más palpable. Les dice que celebren la Eucaristía para que su Pasión y muerte se hagan presentes ante ellos. Así, el guión resalta ambos aspectos de la Eucaristía, la celebración de la cena –la comunión– y el sacrificio de Jesús.

María María tiene una fuerte presencia en La Pasión… Aparece en dos secuencias retrospectivas, como una mujer de cuarenta años, impresionante más que bella. Habla poco, se mantiene seria. Junto a María Magdalena y Juan, sigue la Pasión y el camino de la Cruz sin el histrionismo que caracteriza a numerosos retratos de María, especialmente a la madre de Pasolini en El Evangelio según Mateo. En un momento, enjuga la sangre de Jesús en el suelo del pretorio, después de la flagelación. En otro, besa sus pies ensangrentados. El lazo entre la madre y el hijo se sugiere en varias ocasiones a sentido, las películas más importantes través de la mirada, prescindiendo de las palabras. Cuando el producidas en los años veinte fueron Ben cuerpo de Jesús es retirado de la cruz, María lo sostiene tal y como Hur (Fred Niblo, 1926) y la epopeya de Cecil la tradición pictórica representa a la Pietà. La mayoría de las B. De Mille Rey de Reyes (1927). audiencias se sentirán satisfechas con el retrato de María. Aquellos Durante treinta y cinco años, de 1927 a 1961, que encontraban las representaciones de antaño demasiado Jesús no dio la cara en las películas parecidas a las que aparecen en las estampas bíblicas o las figuras norteamericanas sobre los evangelios de yeso, agradecerán una María más enraizada en la tradición rodados por los estudios, pero se le vio en bíblica. cierto número de largometrajes realizados por compañías protestantes americanas. Su Antecedentes Cinematográficos presencia se pudo entrever fugazmente (una La Pasión… sigue a más de un siglo de tradición de filmes sobre mano, un brazo, las piernas en la cruz, su Jesús. La era silente produjo cortos instructivos, así como figura en la distancia) en filmes de los años largometrajes del tipo Del pesebre a la cruz (Sydney Olcott, 1912), cincuenta, como El manto sagrado (Henri el italiano Christus (Giulio Antimori, 1916) y la sección dedicada Koster, 1953) y Ben Hur (William Wyler, a los Evangelios en Intolerancia, de D.W.Griffith (1916). En este 1959). Jeffrey Hunter y Max von Sydow cerraron la brecha cuando aparecieron en Rey de Reyes (Nicholas Ray, 1961) y La historia más grande jamás contada (George Stevens, 1965) respectivamente. Cuando Jeffrey Hunter habló en Rey de Reyes, fue la primera vez que el público oyó pronunciar las palabras dichas por Jesús. Pasolini realizó una impactante versión en blanco y negro en los sesenta, El Evangelio según Mateo (1966), y en la década siguiente Rosellini rodó El Mesías (1978). Brian Deacon interpretó a Jesús, desde una perspectiva más evangélica, en Jesús (Peter Sykes y John Kirsh, 1979), distribuido en una versión editada a los María peregrinos que visitaron Roma por el Jubileo del milenio. Esta tendencia había

DOSSIER 29 ECOS La flagelación: Gibson opta por una puesta en escena naturalista

alcanzado su punto más alto al final de los setenta, con película de televisión norteamericana Jesús (1999), el Jesús de Nazareth (1977) realizado por Zeffirelli. dirigida por Roger Young. Recientemente, está el Jesús Movimientos de música popular a fines de los sesenta más tradicional de Philip Saville en The Gospel of John produjeron Jesucristo superestrella (Norman Jewinson) (2003), y otro bastante americanizado, Jesús (2001, a y Godspell (David Greene), filmadas en 1973. estrenarse en 2004), una película de televisión La mayoría de estos filmes trataban de presentar un producida por Paulist Film Productions. Jesús «realista», pero muchos –incluyendo Pasolini– Es dentro de esta tradición que llega a las pantallas La empleaban los textos evangélicos (que fueron escritos Pasión…Mel Gibson había demostrado su capacidad para ser leídos) como parte sustancial de sus guiones, como director en El hombre sin rostro (1993) y la dándole un uso literal a los mismos. Zeffirelli, por otra oscarizada Corazón valiente (1995). Una de los parte, empleó el mismo método que dio origen a los principales objetivos del director y su guionista, Ben Evangelios, tomando incidentes de la vida de Jesús y Fitzgerald, era adentrar al público en el realismo de la combinándolos dramáticamente para impactar a la Pasión de Jesús. Se eligió al actor Jim Caveziel para el audiencia. Sin embargo, con el uso de actores papel protagónico (aparte de éste, la única conocida occidentales, y locaciones europeas o norteamericanas, es la italiana Monica Bellucci, que interpreta a María estos filmes no resultaron tan realistas como se Magdalena). Cuando se rodó el filme, Caveziel tenía proponían. Los musicales, a su vez, ponían énfasis en la misma edad de Jesús. Como se dijo antes, es un Jesús el carácter «estilizado» de la narración cinematográfica humano, creíble; un obrero de sólida complexión, de los Evangelios. capaz de resistir los terribles sufrimientos de la Pasión Desde 1988 han aparecido cierto número de retratos antes de morir. cinematográficos de Jesús: La última tentación de Cristo Entre los aspectos más controvertidos de la película (Martin Scorsese, 1988), que fue una versión está la temprana decisión de que los diálogos fueran «novelada» de los Evangelios; Jesús de Montréal (Denys dichos en arameo y latín, pero sin subtítulos. La Arcand, 1988) y Man Dancin’ (Norman Stone, 2003), elección se respetó, y funciona bien. Los subtítulos, historias que presentaban la Pasión en el marco de la muchos de los cuales son citas de la escritura, no son ciudad moderna; el Jesús animado en The Miracle Maker necesarios. No nos distraemos, oyendo voces y acentos (Stanislav Sokorov y Derek W. Hayes, 2000) y la anacrónicos, ingleses o norteamericanos. En cambio, encantadora mezcla de lo humano y lo divino en la el público escucha cómo se oía una conversación en

ECOS 30 DOSSIER aquellos tiempos. ¡Resulta beneficioso que se nos detengamos en un momento particular. recuerde que Jesús hablaba arameo y no inglés! Ese naturalismo puede apreciarse en la confrontación Una distinción útil que debe hacerse, es aquella entre en Gentsemaní, durante el juicio de Jesús, con la «realismo» y «naturalismo». Lo último se refiere al cine flagelación y la coronación de espinas y, especialmente, que presenta la acción tal cual es –las películas caseras en el camino del Calvario, mientras Jesús lucha con la son un ejemplo conocido, así como el metraje rodado Cruz, cae con un impacto sordo, es clavado y elevado para los noticieros. El «realismo» tiene que ver con el en ella. La estilización se advierte en los primeros cine que ayuda al público a experimentar un planos, los matices de iluminación, (azul, para sentimiento genuino hacia lo que sucede en la pantalla, Gentsemaní; luz de lámparas, en el espacio cerrado del como si fuese real. Cierto número de recursos patio del Sumo Sacerdote; luz del día, en el Vía Crucis), cinematográficos, tales como la composición, los el encuadre de los personajes –que remite a las encuadres y el ritmo de edición, pueden ser usados tradiciones de la pintura cristiana–, el paso del tiempo para proporcionar esta impresión de realismo. mientras Jesús cuelga de la cruz, su muerte y el En la mayor parte de su película, Mel Gibson ha optado desenlace apocalíptico que sobreviene, así como los por el «naturalismo». Tiene mucho tiempo disponible detalles que sugieren la resurrección. y no se da prisa en apartarnos del sufrimiento de Jesús. Se ofrece así una imagen creíble y comprensible de Quizá algunas personas del público encontrarán Jesús. Gibson ha introducido algunos elementos insoportable la secuencia de la flagelación (dividida eficaces para enfatizarlo. Por ejemplo, en el huerto, en dos segmentos muy crudos). Al retratar a la mayoría Jesús es golpeado en un ojo, que a partir de entonces, de los personajes de forma naturalista, la acción parece y durante el juicio, no puede abrir. Cuando recobra la auténtica. Sin embargo, Gibson es capaz de emplear visión del ojo lastimado, Gibson aprovecha su recursos fílmicos que alteran la percepción, capacidad para dialogar a través de la mirada: con ayudándonos comprender que estamos viendo una Pilato, con su madre, y con Juan al pie de la cruz, que versión de la Pasión, tal y como todos hacemos cuando mira simplemente a Jesús y asiente, al aceptar su escuchamos el relato de la misma. Acude con encargo de velar por María. frecuencia a la cámara lenta para hacer que nos Se desarrollan dramatúrgicamente personajes bien conocidos de los Evangelios que contribuyen al progreso del relato: Pedro, Judas, Pilato, su mujer, Simón de Cirene, Herodes, los dos ladrones crucificados con Jesús. Verónica se presenta cuando ve a pasar Jesús, y enjuga le enjuga el rostro con su velo, pero Gibson muestra contención al dejárnosla ver mientras sostiene la tela en que, si miramos atentamente, vislumbraremos trazos del rostro de Jesús. Los soldados romanos también se presentan vívidamente: su bestialidad durante la flagelación, encabezados por el sádico comandante; la soldadesca ebria mofándose y maltratando a Jesús en el camino y durante el Calvario; el centurión, más compasivo. Judas es una figura clave, con un poderoso impacto dramático en cualquier filme sobre Jesús. La burla del atormentado Judas y los niños que lo persiguen hasta su muerte son eficaces desde el punto de vista dramático. La Pasión de Cristo ofrece un Jesús creíble, en clave naturalista, cuyos sufrimientos en cuerpo y espíritu son reales. Es muy difícil predecir qué impacto tendrá esto en los que no son creyentes. Para los que creen, está el desafío de asistir al espectáculo del dolor y el sufrimiento, más fáciles de leer que de contemplar, pero también la satisfacción de experimentar de forma diferente las conocidas narraciones de los Evangelios.

Peter Malone Presidente de SIGNIS Noviembre 10 de 2003 Verónica y el lienzo DOSSIER 31 ECOS acontecimiento central en la historia de la salvación, el «cómo» de la muerte de Cristo se impone a expensas del «por qué». En su recuento de la Pasión, la película acude a un realismo visceral, sin cortapisas, dejando de lado el tacto propio de la catequesis a favor de una crudeza que resulta demasiado fuerte para los pequeños. A pesar de ello, el filme es un logro artístico en términos de su rica textura fotográfica, lírico montaje, emotiva partitura, inquietantes atmósferas y minucioso diseño de producción. Nada pierde al emplear las lenguas de la época, arameo y latín, pues las expresiones de los LAS ESTACIONES actores trascienden las palabras, diciendo tanto –sino más– que los subtítulos en inglés. El filme se inicia con un angustiado Jesús (Jim Caviezel) DE LA CRUZ enfrentado al Diablo, personificado como un ser andrógino (interpretado por Rosalinda Celentano), en SEGÚN GIBSON un huerto de Getsemaní envuelto en brumas, y progresa hasta su muerte en la cruz, seguida de la resurrección a manera de una fugaz, pero poéticamente sobria, coda. Flashbacks del magisterio público y la vida familiar de Jesús con su madre María (Maia Morgenstern) se Gerri Paré intercalan en la acción, llenando algunos de los vacíos David diCerto narrativos. Cada flashback en el filme es un oportuno Alice Navarro respiro ante el derramamiento de sangre, poco menos que incesante, pero es más sustancial aún como expresión de la esencia del mensaje de Jesús, del ilimitado amor de Dios hacia la humanidad, un amor que no escatima la muerte de su hijo en la cruz a fin de que alcancemos la vida eterna. Otros flashbacks como esos hubieran sido útiles para ofrecer más detalles de a Pasión de Cristo es una dramatización sin la vida y las enseñazas de Jesús. concesiones que explica las últimas doce horas En cuanto al aspecto del antisemitismo, en ningún Lde la vida terrenal de Jesús. Inflexible en su momento se culpa colectivamente al pueblo judío por violencia y universal en su iconografía del sublime la muerte de Jesús; más bien, Cristo mismo abraza su amor de Dios por la humanidad, la película tendrá destino, expresando claramente: «Nadie toma (mi vida) significados distintos para personas de diferente por mí, soy yo mismo quien la doy.» (Jn 10:18). Por formación. El coguionista, productor y director Mel extensión, el filme de Gibson sugiere que toda la Gibson ha creado sin dudas uno de las películas más humanidad comparte la culpa de la crucifixión, una esperadas y controversiales de los tiempos recientes. postura teológica establecida por la cita inicial de la Como otros filmes sobre la vida de Jesús, La Pasión de película, extraída del profeta Isaías, donde se explica Cristo no traslada simplemente a la pantalla un único que Cristo fue «molido por nuestros pecados». relato del Evangelio. Más bien es un compendio de las Los católicos que vean el filme deben recordar el narraciones de la Pasión presentes en las cuatro decreto Nostra Aetate del Concilio Vaticano II, el cual narraciones evangélicas, adornados con tradiciones se afirma que «aunque las autoridades judías y todos ajenas a las Escrituras así como la imaginación del los que siguieron su ejemplo presionaron a favor de la director. El resultado es una obra de arte devoto muerte de Cristo, ni todos los judíos en aquel tiempo profundamente personal –una suerte de Estaciones de ni los judíos de hoy pueden ser culpados por los la Cruz en movimiento. crímenes cometidos durante la Pasión.» Sin embargo, con la decisión de centrarse casi En general, el filme presenta a los judíos de la misma exclusivamente en la Pasión de Cristo, quizá Gibson forma que cualquier otro grupo –una mezcla de vicio ha silenciado las enseñanzas de aquel, haciendo difícil y virtud, de gente buena y mala. Sin embargo, mientras contextualizar las circunstancias que llevaron al arresto la mayor parte de la comunidad judía tiene diversas de Jesús a los espectadores no familiarizados con el opiniones acerca del destino de Cristo –expresado en Nuevo Testamento y el entorno histórico de la época. la sucesión de insultos y lágrimas a lo largo del Vía Y aunque para los cristianos la Pasión es el Crucis– el filme falla en reflejar la amplitud de matices

ECOS 32 DOSSIER políticos en la Judea del siglo I. La típica escena de la La fuerza de la cruz se expresa también con intensidad. turba frenética que pide en masa la crucifixión de Cristo Jesús no retrocede ante la horrenda flagelación a manos en el patio del pretorio resulta problemática, aunque de los soldados romanos o la obligación de llevar la una vez que Cristo inicia su penoso camino de la cruz, pesada cruz. En su lugar, declara que su «corazón está emergen figuras judías individualizadas de la multitud listo» y la abraza como si consolara a un pecador caído. para hacerle presente su afecto –incluyendo a Verónica, Estos son momentos verdaderamente emocionantes y que enjuga su rostro, y Simón de Cirene que lo ayuda conmovedores del filme. a llevar la cruz, mientras un coro de mujeres se lamenta Cinematográficamente, hay fallas y triunfos en la a ambos lados del trayecto. película de Gibson, tales como una tendencia Sin embargo, a la vez que los miembros del Sanedrín recurrente a asumir las convenciones del cine de horror, son pintados con tintes malvados, el filme deja bien que incluye la escena de Judas abrumado por la culpa claro que fueron los romanos quienes ejecutaron a Jesús que es hostigado por unos chiquillos, cuyas caras se (hecho corroborado por el credo de Nicea y los textos convierten en espíritus macabros, grotescos, y los de los historiadores Tacito y Flavio José). Los soldados planos de detalle del cuerpo mutilado y lacerado de romanos son inimaginablemente sádicos –incluso se Cristo, verdaderamente horribles. regocijan– al azotar a Jesús hasta casi terminar con su Para los que se acercan a la película sin una perspectiva vida. La Pasión de Cristo resulta demasiado gráfica al de fe, ésta pudiera tener poca resonancia. Pero para describir la barbarie de la justicia romana. los cristianos, es probable que La Pasión de Cristo no De acuerdo a Gibson, mucho de la truculencia visual sólo suscite apasionadas opiniones, sino promete una del sufrimiento de Jesús viene de su propia meditación comprensión más profunda del drama de la salvación personal acerca de la Pasión. Aunque explícita y y la magnitud del amor y el perdón de Dios. No se extrema en su descripción, la violencia no parece un trata de lo que los hombres hicieron a Dios, sino de lo fin en sí mismo. No es el tipo de violencia que luce que Dios soportó por los hombres. excitante, glamorizada o inconsecuente, sino que intenta expresar lo profundo del amor divino y Gerri Paré (directora), David DiCerto (miembro del equipo) salvador de Dios. No obstante, la reacción justificada y Alice Navarro (consultante) laboran en la Oficina de Cine y Radiodifusión de la Conferencia de Obispos Católicos de de los espectadores es sentirse repelidos por esa los Estados Unidos. inhumanidad inflexible. Al final, semejante carnicería puede resultar contraproducente en su empeño de conquistar la imaginación del espectador habitual. Contrastando con la agonía física de Jesús está la desolación emocional expresada en la figura de María. Cuando ella susurra: «¿Cuándo, cómo, dónde, decidirás liberarte de todo esto?», el espectador queda traspasado por la profundidad con que María comprende la divinidad de Cristo y su admirable disposición de presenciar el sufrimiento del hijo. Destroza el corazón verla luchando para acercarse a Jesús mientras aquel pasa por las tortuosas y estrechas calles cargando la cruz. Viéndolo caer de improviso, se ve transportada junto a los espectadores a la infancia de Cristo, al tiempo en que era capaz de levantarlo cuando tropezaba y caía. Al llegar finalmente hasta Jesús, quien yace en el suelo, agobiado por el peso de la cruz, es él quien la conforta con estas palabras: «¿Ves madre? Yo hago todas las cosas nuevas.» Morgenstern entrega un bello retrato de María, sobre todo en la composición al estilo de La Pietà, cuando el cuerpo de Cristo yace entre sus brazos. La yuxtaposición del cuerpo herido y sangrante de Jesús en la cruz con escenas de la Última Cena subraya de forma convincente cómo la Eucaristía es verdaderamente el cuerpo y la sangre de Cristo. Otras imágenes imborrables incluyen a Jesús vacilando bajo el peso de la cruz, intercalada con su entrada triunfal en Jerusalén, María y Juan y una gota de lluvia –una lágrima del cielo– anunciando la muerte de Cristo.

DOSSIER 33 ECOS Ninguna película, a excepción de Fahrenheit 9/11 casi todo en contra: la película hablada en dos lenguas (Michael Moore), atrajo tanta atención en los medios muertas (arameo, y en menor medida, latín vulgar); el norteamericanos durante la temporada argumento archiconocido, que por sí sólo ha fundado cinematográfica del 2004 como La Pasión de Cristo, de un subgénero –the Jesus film– y donde, a contrapelo de Mel Gibson. La polémica en torno al filme, que venía intentos revisionistas de las últimas décadas como La gestándose desde mucho antes de su rodaje en última tentación de Cristo (Martin Scorsese, 1988) se opta locaciones del sur de Italia y los estudios Cinecittà de por la ortodoxia de las Escrituras y la visión de los Roma, alrededor de noviembre del 2003, hizo que místicos; la producción independiente, sin nombres semanas antes de su estreno –el Miércoles de Ceniza conocidos a excepción de Caveziel y Bellucci, en que del 2004– las expectativas del público se dispararan al el propio Gibson arriesgaba no sólo prestigio sino algo calor de las imputaciones de antisemitismo, la más tangible, su fortuna personal, al asumir buena afiliación tradicionalista del católico Gibson y el parte del presupuesto; la temida clasificación R, que enfoque ultraviolento del relato de la Pasión entrevistos en términos prácticos limitaba la audiencia al público en los pases previos, amén de incidentes como el adulto, e incluso un lanzamiento fuera de las fechas

¿CARNE O ESPÍRITU? LA CRÍTICA ANTE LA PASIÓN DE CRISTO

ALBERTO RAMOS desmentido del Vaticano a un presunto visto bueno en que se acostumbra a estrenar las producciones del Papa y la airada respuesta del realizador ante los donde la industria cifra sus mayores expectativas. comentarios de Frank Rich, periodista del New York De manera que el proyecto se abrió paso en medio del Times, así como la agresiva (y desusada) táctica de escepticismo de Hollywood, a lo cual se sumó después marketing de Gibson, quien convocó personalmente a la reticencia –cuando no hostilidad– de la crítica. Sin los líderes y la feligresía de las poderosas embargo, y para sorpresa de la mayoría, La Pasión de denominaciones cristianas de Norteamérica, sector que Cristo se convirtió en un blockbuster desde su premiere por lo general tiene poco peso al momento de diseñar comercial, el 25 de febrero de 2004. Rompió el record las campañas promocionales de Hollywood. de recaudación para el día del estreno, y en seis El propio Gibson ha dado razones suficientes para ver semanas acumuló ganancias por $350 millones de La Pasión de Cristo como la profesión de fe de alguien dólares. Hasta el 7 de agosto de 2004 había recaudado que se arriesgó a filmar «la historia más grande jamás $370.213,285 en EE.UU. y $239.219,221 en el resto del contada» desde una perspectiva poco común. Lo tenía mundo, contra un presupuesto de sólo $40 millones

ECOS 34 DOSSIER ($25 destinado a producción y $15 al mercadeo), lo cual la situaba en el primer lugar de la taquilla norteamericana del año hasta ese momento. Añadir a esto que desplazó a Matrix reloaded (Larry y Andy Wachowski, 2003) del primer puesto entre las películas clasificadas como R de todos los tiempos y se ubicó séptima en el ranking absoluto de la taquilla, encabezado por Titanic (James Cameron, 1997). El DVD de la película, lanzado a comienzos de septiembre, vendió 4,1 millones de copias en un día, transformándose en el filme R y de habla no inglesa de mayores ventas de toda la historia. Aunque la crítica no dejó de reconocer la profesionalidad de la puesta en escena, en especial lo que respecta a actuaciones, fotografía, música y dirección de arte, así como la apasionada convicción con que transmite su visión de los acontecimientos – marcada por la coherencia de una lectura personal de las Escrituras que cuestiona las convenciones de la épica hollywoodense–, al decir de Pamela Grace, especialista en estudios cinematográficos del Brooklyn College que prepara en la actualidad un ensayo sobre Jim Caviezel y Mel Gibson la filmografía de Jesús, el fundamentalismo y la violencia religiosa, «La Pasión […] fue vapuleada por la mayoría de los críticos por violencia gratuita, inexactitud histórica, antisemitismo, uso inapropiado cabría preguntarse si semejante postura no encubre en de las convenciones del cine de horror y falta de gusto muchos otros un rechazo a la evidencia del sufrimiento en general». Lo que sigue se propone examinar en breve humano, encarnada de manera pura, inmediata y algunos de estos cargos, a la luz de lo declarado por la profunda en el martirio de Cristo. Para estos últimos, crítica norteamericana a raíz del estreno de La Pasión… la única violencia tolerable sería aquella efímera e inofensiva (por distante) que recorre la espectacular Cada cual a lo suyo: ¡Gibson falla porque equivoca el género! fantasmagoría de las ficciones genéricas cuyo Hasta qué punto es válida la decisión de mostrar al virtuosismo celebran con entusiasmo: thiller, gore, sci- detalle la flagelación y posterior crucifixión de Jesús, fi y demás, donde a menudo la ética abdica a favor de que absorben una buena parte del metraje, es una de una cultura del juego, egoísta y banal. Se trata de la las primeras y más frecuentes objeciones interpuestas clásica postura de una civilización que prefiere pasar por los críticos a la película de Gibson –los calificativos de largo ante el dolor, negociándolo a través de las van desde «representación medieval de la Pasión, versiones sublimadas del entertainment, con lo cual no mejorada con efectos especiales» (Kirk Honeycutt, The sólo da la espalda a la realidad, sino a todo compromiso Hollywood Reporter) y «noche bíblica de los muertos personal con ésta. vivientes» (Michael Wilmington, Chicago Tribune) hasta La lógica consecuencia de lo anterior es que los críticos «Evangelio según el Marqués de Sade» (David Ansen, se sintieron animados a vaticinar probables dificultades Newsweek). Hay no poca hipocresía en el fondo de todo en la recepción de la película por parte de una ese discurso que condena la «profanación» del relato audiencia dividida entre cristianos debidamente sagrado, manchado por la dudosa reputación del cine instruidos en las incidencias del relato, y el resto del comercial. Según ellos, Gibson ha incursionado en público, que lo asumiría como un artículo de género tierra ajena (y vedada), echando mano nada menos que en que el significado de la Pasión queda desvirtuado al cine fantástico y de horror, en lugar de atenerse a la por un apocalíptico despliegue de violencia y horror. estilizada y rígida asepsia de las películas bíblicas al De acuerdo a este razonamiento, el error estratégico estilo de Hollywood. No obstante, bastaría preguntarse radica en reducir la acción al episodio de la Pasión y qué tiene de trasgresor, por ejemplo, enmarcar en una dejar fuera el resto del magisterio de Cristo. Según K. atmósfera tensa y ominosa –habitada por la tentación Honneycutt, «El problema de enfocar estrechamente y lo demoníaco– la angustia que desgarra a Jesús la la “pasión” de Cristo –es decir, el sufrimiento y noche de Getsemaní, si el referente mismo de la redención final en los últimos momentos de la vida de narración fílmica tiene un fundamento sobrenatural Jesús-, en lugar de su ministerio, en el cual predicó el que lo recorre de principio a fin. Al margen de cuán amor a Dios y la humanidad, es que el contexto de sincera pueda resultar la turbación de algunos críticos, estos eventos se pierde. […] La intensa concentración

DOSSIER 35 ECOS de Gibson en el castigo y la flagelación del cuerpo físico niega cualquier significado metafísico al medio día más famoso de la historia». A juzgar por Honeycutt, pareciera que en aras de la eficacia no sería aconsejable sustraerse al enfoque tradicional, analítico, del Evangelio como biografía de Jesús. Gibson demuestra que es posible otra aproximación: reescribir esa «biografía» desde la perspectiva de la Pasión, y optar por la síntesis para iluminarla a partir de breves pero numerosos flashbacks que confluyen en el cuerpo central del relato. Son la Última Cena y el Sermón del Monte, entre otros, los que aportan el contexto necesario, a partir del contraste que establecen con un presente de agonía y sufrimiento, y la relación de Jesús con el resto de los personajes. La insistencia en el martirio físico, por otra parte, lejos de anular el significado de su inmolación, es una vía para llegar a esto último. (Siguiendo a Bresson, lo inefable que sólo aflora a partir del agotamiento del cuerpo físico.) A fuerza de realismo, cada golpe que recibe Jesús acrecienta la certeza de que el despiadado ensañamiento de sus verdugos encierra un sentido último que trasciende el envilecimiento de la carne. Y cuando Jesús desaparece, sentimos que en verdad ha sido «molido» por el enorme peso del pecado humano, concentrado en la extenuante vejación de su cuerpo. Adelantarse a confinar esta película a un ghetto de conocedores es una maniobra, “bastante grosera” de restarle valor y despejar al camino a otras atribuciones simbólicas (en el orden de la ideología y la política, por ejemplo), amén de subestimar la capacidad de discernimiento del público. Queda como desmentido, (Mat 27:22-23; Mc 15:12-14; Lc 23:19-23; Jn 19-14-15), y más allá de una eventual familiaridad del espectador esto vale incluso para el célebre versículo de Mat 27:25 con la prédica cristiana, la extraordinaria acogida que que finalmente quedó sin traducir del arameo: «Caiga ha tenido La Pasión de Cristo en todo el mundo. su sangre sobre nosotros y sobre nuestros hijos»). La película no brinda una imagen única, estereotipada y La «cuestión» judía desfavorable del pueblo judío, más bien contextualiza Por lo mismo, las acusaciones de antisemitismo que reacciones individuales (y colectivas), muchas veces estallaron mucho antes de que la película se estrenara, encontradas, como bien han apuntado varios y que la propia actitud de Gibson fomentó en buena especialistas respecto a las protestas de Nicodemo y parte, siempre me han parecido dudosas. De cualquier José de Arimatea, el episodio de Verónica, la manera, no hicieron sino un gran favor a la película en intervención de Simón de Cirene, y en general los términos de propaganda, ya que el supuesto rostros de hombres y mujeres en la multitud, antisemitismo del filme y la imagen negativa que conmovidos al paso de Jesús con la cruz (eso sin contar arrojaba sobre la película se convirtieron en uno de a María, Magdalena, Juan y Pedro, todos judíos), en sus mayores atractivos a los ojos del público, a quien oposición a Caifás, Anás, el oficial del templo y la turba la prensa se encarga de servir con generosidad cuanto que lo abuchea y pide su ejecución. Si bien lo anterior detalle sensacional venga al caso. tiene sentido en virtud de las alegaciones de fidelidad Las razones del tan llevado y traído antisemitismo se a la verdad bíblica (que no histórica, un dato que refieren en gran medida a la visión que se brinda del muchos críticos no parecen tener suficientemente en pueblo judío en general, y de sus dirigentes –con el cuenta) sostenidas por Gibson, sin dudas el odioso sumo sacerdote Caifás a la cabeza– en particular, que retrato de un Caifás manipulador, cruel e insensible muchos encuentran tendenciosa, proclive a reavivar se beneficia mucho más de la figura novelesca evocada la antigua noción de la responsabilidad de los judíos por La amarga Pasión de Cristo (Anna K. Emmerich) y en la muerte de Jesús. Lo cierto es que los gritos de la Mística Ciudad de Dios (María de Jesús de Ágreda) que turba pidiendo la crucifixión del Hijo de Dios en la de las exiguas acotaciones de los evangelistas, abocados película están documentados por los cuatro evangelios a un recuento sintético y objetivo de los hechos donde

ECOS 36 DOSSIER apenas hay lugar para veleidades literarias. Pero lo que habida cuenta que Pilato figura como uno de los mayores suspicacias levanta entre los objetores de la gobernadores más crueles que tuvo la Palestina. En película es el contraste entre la ausencia de matices en medio de todo esto, la opinión de Roger Ebert (Chicago alguien como Caifás («un Shylock de teatro de barrio», Sun-Times), cuyas palabras iluminan una de las claves según Mick LaSalle, de Los Angeles Times) y la teológicas para comprender a La Pasión de Cristo, me deferencia que Gibson demuestra hacia Pilato, parece la más lúcida: «La calumnia de que los judíos caracterización sorprendente por su riqueza, que ofrece “asesinaron a Cristo” implica una lectura suficientes elementos para comprender la actitud de deliberadamente equivocada de sus enseñanzas y éste hacia Jesús («un alma sensitiva, de buen corazón, testamento: Jesús fue hecho hombre y vino a la tierra exasperado por las torturas que la turba judía inflinge para sufrir y morir por nuestros pecados. Ninguna raza, a su prisionero», comenta con ironía Jami Bernard, de ni hombre, ni sacerdote, ni gobernador, ni verdugo, NY Daily News). Nuevamente las fuentes extrabíblicas, asesinó a Jesús; él murió por la voluntad de Dios de en especial Mística Ciudad de Dios, donde la autora cumplir su propósito, y con nuestros pecados, todos lo punto menos que disculpa la decisión final de Pilato, asesinamos (los subrayados son míos).» Baste recordar pueden explicar –al menos en parte– semejante que justo desde el comienzo, el director se encarga de divergencia al abordar las figuras de los dos principales hacer explícita su posición al respecto. Tomado de Is implicados en el destino de Cristo. Dice María de Jesús 53:5, dice el exergo: «Mas él fue herido por nuestras de Ágreda en un momento: «Pero aunque Pilatos por rebeliones, molido por nuestros pecados. […], por sus estas y otras razones fue iniquísimo e injusto juez llagas fuimos curados.» condenando a Cristo, a quien tenía por puro hombre, Es esta noción la que define el proyecto ideológico de aunque inocente y bueno, con todo fue menor su delito La Pasión de Cristo, y a partir de ella es que pueden en comparación de los sacerdotes y fariseos. (1309)» comprenderse, en primer término, sus aciertos y Algunos incluso han visto más allá, reprochando a excesos. Con su película, Gibson se separa radicalmente Gibson el que desperdiciara la oportunidad de matizar de la filmografía tradicional de Jesús y, en la misma la figura de Caifás, al poner en boca de Pilatos medida, de una moderna heterodoxia que con frecuencia (invirtiendo de paso su significado) el comentario de deviene parcial y manipuladora. En su lugar, nos entrega Jn 11:49-50: «Entonces Caifás, uno de ellos, sumo una imagen de los acontecimientos más cercana a la sacerdote aquel año, les dijo: Vosotros no sabéis nada, sensibilidad contemporánea, sin sacrificar nada de su ni os dais cuenta de que nos conviene que un hombre esencia doctrinal. Si bien otros filmes confieren visibilidad muera por el pueblo, y no que toda la nación perezca», a ese Jesús que nos acompaña en medio de una que revela al político pragmático detrás del jerarca civilización que a menudo reniega de Él o cuando menos religioso, intolerante y despiadado, resuelto a acabar lo ignora, La Pasión de Cristo nos confirma en ese camino con la amenaza que representa la prédica del Mesías. al devolvernos, mucho tiempo después, las últimas horas, Por último, no faltó quien adelantara –con toda razón– las decisivas, que pasó entre nosotros aquel que lo padeció que Gibson faltaba alevosamente a la verdad histórica, todo en todos antes de precedernos en la gloria.

DOSSIER 37 ECOS l más reciente Festival de Cine Francés evidenció anterior de Ozon. Aquí, en un personaje de un erotismo gratamente una preocupación por los problemas natural, a flor de piel, le da una réplica perfecta a la Eque afronta la humanidad visto desde la (casi) siempre espléndida Rampling. Ozon viene a ser perspectiva gala. Con un eclecticismo estético y algo así como un clon temático (aunque con estilo temático, el cine francés volvió a mostrar su pujanza y propio) de Rainer Werner Fassbinder: no podía faltar su singular humanismo. En la cita pudo apreciarse que en La alberca la sordidez en las relaciones humanas. La muchas obras, o bien fueron dirigidas por mujeres o morbosa amistad entre las dos protagonistas, que pasan estaban centradas en ellas, algo no muy usual en un del antagonismo a la complicidad, conduce al medio como el cine, que ha postergado a las féminas desenfreno sexual e incluso el ocultamiento de un en más de una ocasión crimen. A mi juicio, el mejor filme de la muestra fue La alberca De ahí entonces la importancia de una cinta como El (Swimming Pool). Se trata de una coproducción franco- coro (Les Choristes, Christophe Barratier). Aunque británica del siempre inquieto y perturbador François basada en un viejo filme francés (La cage aux rossignols, Ozon, para muchos el mejor director del cine francés Jean Dréville, 1945), la película se mueve en el

ECLECTICISMO ESTÉTICO Y CINE FRANCÉS PREOCUPACIÓN ANTROPOLÓGICA

Arístides O’Farrill

actual. A través de una escritora bitch (Charlotte manoseado terreno que abonó El club de los poetas Rampling), personaje inspirado según el propio muertos (Dead Poets Society, Peter Weir, 1989). Basta realizador en las exitosas novelistas del género negro recordar el final, donde deja clara su deuda con aquella Patricia Highsmith, Ruth Bendell y Ruth Roman –de película cuando parece que los niños no saldrán a las cuales me gustaría saber qué piensan de este retrato despedirse del profesor injustamente expulsado. nada complaciente, cercano a la misoginia–, Ozon nos También tiene mucho de Cinema Paradiso (Giuseppe introduce sutilmente en el misterio de la creación Tornatore, 1990), incluyendo a un Jacques Perrin en artística, en este caso literaria. ¿Hasta dónde llega la una secuencia similar al inicio de la película italiana. ficción a fundirse con la realidad? ¿Cuál realidad? Su tono convencional queda plasmado en el ¿Dónde queda la ética y la responsabilidad del esquemático duelo ideológico-actoral entre el novelista con respecto a la verdad, a su implicación en magnífico Clément Mathieu (Gérard Jugnot) y el los hechos narrados? ¿Es la creación artística una pérfido Rachin (François Berléand), cuyo antagonismo inspiración divina o un arrebato diabólico? Este es el eje central de la cinta. Pero si olvidamos estos singular rompecabezas se va engarzando en la tópicos, nos encontramos un filme dinámico, que sabe estructura de un polar, con acertados toques de tejer muy bien los diálogos y las situaciones, y lo más suspense y un sensual e irresistible trabajo visual, lo relevante –de ahí la importancia de defender esta cual hace más atractivo su inquietante juego de espejos película– nos muestra lo que debiera ser la vida y no entre lo real y lo irreal, amén de un perfecto y es, ese anhelo de utopía de raíz judeocristiana inherente apabullante final. A destacar una sorprendente y a los hombres de buena voluntad, que sabe y espera camaleónica Ludivine Sagnier en estado de gracia, por un mundo mejor. El coro insiste en la entrega bordando un papel totalmente alejado de la ingenua generosa como don de sí mismo; que la letra no entra con complejo de Electra que vimos en 8 mujeres, el filme con sangre, sino con paciencia, compasión y

ECOS 38 CRÍTICA compartiendo el lecho con el mismo hombre. Por lo La alberca demás, aunque reiterativo por momentos, Satín... se ve con agrado gracias a la contagiosa música y el lucimiento danzario e histriónico de la madura, pero todavía muy atractiva Abbass. Mucho más ligera, aunque fallida, fue Mi mujer es una actriz (Ma femme est une actrice), debut tras las cámaras del actor Yvan Attal, quien también se reserva el protagónico masculino. El filme se centra en las dificultades inherentes a estar casado con una actriz famosa. Su temática, interesante en si misma, y un imaginativo diseño de créditos, apuntaban a una obra dedicación; que siempre queda un resquicio para la jugosa, pero la cinta no logra tomar rumbo, tornándose redención, aún cuando se esté muy dañado por el aburrida por redundante y falta de gracejo. No sé pecado (los discípulos del profesor Mathieu vienen del cuanto habrá de real en esta cinta, pues su protagonista «fondo del estanque», elocuente definición de la Charlotte Gainsbourg es la esposa de Attal. En cambio, escuela). En fin Barratier habla de ese reino de Dios hay algo que no encaja: se habla todo el tiempo de que, a pesar de todo, ya está entre nosotros. Gainsbourg como una mujer glamorosa, pero aquella Compartiendo este humanismo en una línea más está lejos de serlo. Lo propio para Terence Stamp, realista va Una parte del cielo (Une part du ciel) presentado como un galán irresistible cuando su coproducción con Bélgica y Luxemburgo de la momento (de Teorema hacia acá ha llovido bastante) desconocida Bénédicte Liénard. La cinta se ubica en hace mucho que pasó. Quizá Attal haya escogido el ese cine tan de moda entre naturalismo y minimalismo. camino de la autoparodia, a saber. Más cercano al documental que a la ficción, descuella Desde hace buen tiempo se viene hablando del boom por su sensibilidad al reflejar la vida cotidiana en una que experimentan el documental y la animación. prisión de mujeres. En las antípodas del subgénero de Bienvenidos a Belleville (Les triplettes de Belleville), un women’s prison, dedicado a explotar con morbosidad animado para jóvenes y adultos, es buen ejemplo de la violencia y el sexo, resalta una visión entrañable y lo anterior. Escrito y dirigido por Sylvain Chomet, se matizada de estas mujeres que luchan por mantener trata de una obra excelente y original –deudora de su dignidad en la situación adonde han sido llevadas McLaren, pero con personalidad propia–, que mezcla por sus errores. Lo mismo puede decirse de las con acierto la animación digital y la clásica. Sin carceleras, mostradas sin esquematismo en la difícil parecerse ni a una ni otra, muestra deliberadamente ocupación a que la vida les destinó, como se encarga una sutil parsimonia y un humor lacónico, a la vez que de dejar claro el filme. Liénard no justifica ni condena hilarante. Las trillizas de Belleville a las que alude el a las reclusas, solo las describe en su lacerada título no son más que tres adorables ancianas, quienes humanidad. El único dato que se aporta sobre sus junto a su abúlico perro intentan salvar de las garras delitos es que la protagonista tuvo un altercado laboral de la mafia local al apocado nieto de una vieja amiga. que terminó violentamente. Considero muy Temáticamente se aleja bastante de la actual animación importante este cine de empeño social, pero sería para adultos, donde resaltan el humor escatológico, la preferible una narrativa más cercana a la ficción que violencia excesiva y el sexo. Bienvenidos... se acerca al comunique con el gran público, el cual en esta ocasión humanismo de cierta animación proveniente de se mostró entre indiferente y desconcertado. Europa del Este, que otrora vimos por acá de tanto en Dirigido asimismo por una mujer, la tunecina Raja Amari, Satín Rojo (Satin rouge) indaga en las Los coristas posibilidades de adaptarse al secularismo occidental por parte de las sociedades árabes. Ubicado en Túnez, democracia de mayoría islámica donde una mayor tolerancia prescribe el respeto a las minorías, incluidos los derechos de la mujer, el filme encara el problema sutilmente, a manera de parábola quimérica. La protagonista, Hiam Abbass, es una mujer madura, viuda y con una hija, algo menos que un estigma en esa sociedad. Amari va a los extremos, y frente al radicalismo árabe propone el liberalismo europeo, que con su carga de relativismo tampoco es solución moral. De hecho, el propio filme da la clave al respecto, tal vez sin proponérselo: hija y madre terminan

CRÍTICA 39 ECOS tanto. Por último, cabe destacar su vigoroso concepto con paciencia, y gracias a su corta duración, nos visual, donde se entrecruzan animación y ficción, en sumergimos en los entresijos de la vida cotidiana de la evocación de la surrealista ciudad de Belleville. un pequeño pueblo costero. Ya desde el inicio, los tonos Sobre las nefastas consecuencias del exceso de poder, ocres de la fotografía ocre se hacen eco del tema: gente en este caso centrada en los medios, discurre Mi ídolo asfixiada por la vida provinciana. Esto sin apuntar a la (Mon idole), opera prima de Guillaume Canet, quien trascendencia, pero tampoco sermonear, ofreciendo también se reserva un protagónico. El filme bascula entre la sátira a los shows mediáticos, el thriller, la comedia dramática y hasta el teatro de la crueldad, sin llegar a decidirse por ninguno, y a pesar de su tono humorístico exhibe una sordidez rampante que a ratos resulta excesiva y desagradable. Sobresale del conjunto – Una parte del cielo una vez más– la extraordinaria composición de François Berleánd como el amoral y todopoderoso magnate mediático, productor de un programa de televisión basura. Mi ídolo, con sus imperfecciones, resulta cuando menos interesante apenas sobrios apuntes. Rose (Bulle Ogier) no se por su temática, dejando un sabor amargo sobre las conforma con una vejez plácida, por lo que se busca la relaciones interpersonales cuando son manejadas aventura, aun poniendo en peligro su propia desde la óptica avasalladora del poder y el morbo que seguridad. Marie (Hélène Fillières) quiere huir a toda ejercen los llamados reality shows. Tal vez Mi ídolo no costa de un matrimonio que la satisface sexualmente, sea otra cosa que un reflejo de los oscuros tiempos que pero cuya mediocridad la ahoga. Su esposo Paul corren, donde parece que regresamos a la época en que (Jonathan Zaccaï) descubre amargamente que la vida el cristianismo intentaba evangelizar lo que hoy se feliz y activa que esperaba no tendrá otras emociones conoce como mundo occidental. que no sean bañarse en la playa y cumplir sus Pero el «maldito dinero» también puede servir para obligaciones diarias. Lo mismo Albert (Patrick ganarse amigos. Así sucede en la comedia de los Lizana), el más joven y confiado de los personajes, a directores y guionistas Michel Munz y Gérard Bitton quien le llega rápidamente sus dosis de pasmosa Si yo fuera rico (Ah! si j‘étais riche), alrededor de un rutina. Si bien el filme se dedica a exponer los perdedor que se gana la lotería. Aquí el dinero sirve conflictos, también soterradamente puede dar para salvar un matrimonio, ayudar a los que una vez algunas claves de la perpetua infelicidad en que fueron compañeros de infortunio y tenderle la mano viven sus protagonistas, esto es la falta solidaridad al más cercano, con el único fin de hacerle la vida más y el egoísmo que los invaden. Al borde... no es una llevadera. Pese a algunos chistes manidos, el filme se película deslumbrante, se apunta a un cine ve con agrado. La historia, aunque convencional, minimalista que comienza a devaluarse como funciona gracias a un guión ágil, que logra sortear con recurso, pero su reflexión es válida, tal vez mucho acierto los numerosos tópicos que bordea. Destaca el más emparentada de lo que parece con el buen hacer de Jean-Pierre Darroussin, un rostro existencialismo cristiano. familiar entre nosotros desde que Robert Guédiguian El Festival del Cine Francés, con sus altas y bajas, sigue lo diera a conocer en Marius y Jeannette (1997). Fue una consolidándose como uno de los eventos cinta muy bien acogida por el público, alentadora luego cinematográficos más relevantes del país, superado sólo de una pesadilla como Mi ídolo. por el Festival Internacional del Nuevo Cine Tratándose de cine francés, no podían faltar películas Latinoamericano. La oferta de este año, a modo general de cara al existencialismo, como resultó Al borde del balanceada y atractiva, contribuyó sin dudas a arraigar mar (Bord de Mer), de Julie Lopes-Curval. Siguiéndola entre nosotros esta fiesta del cine.

ECOS 40 CRÍTICA ELPESO DE LA VIDVIDAA

Arístides O’Farrill

ucho se habla –y no sin razón– de la crisis del arte familias a las que un trágico accidente vincula de forma y la cultura popular: tanto la literatura como la misteriosa y terrible. Paul Rivers (Sean Penn) es un Mmúsica, el teatro y el cine sufren una cardiópata terminal a quien transplantan el corazón de estandarización preocupante. Tal vez el fenómeno se derive Michael (Danny Huston), muerto en el choque de la llamada globalización, que permite a un sinnúmero de automovilístico junto a sus dos hijas, suceso que ha dejado personas –como nunca antes– dedicarse al arte. deshecha a su mujer Christina Peck (Naomi Watts). El Paradójicamente, a menudo se cae en posiciones alarmistas, accidente fue provocado por Jack Jordan (Benicio del Toro), que no permiten apreciar la calidad que hay (y habrá siempre) un ex recluso convertido a la fe de la Iglesia Pentecostal. en las artes y la cultura. Un elocuente ejemplo es 21 gramos, Este complicado puzzle queda muy alejado de la prédica o segundo largometraje del mexicano Alejandro González el discurso pesimista al uso, y penetra con agudeza en el Iñárritu, director que sorprendió a medio mundo con Amores sentido (o sin sentido) del dolor, formulando inquietantes perros, su impactante opera prima. 21 gramos fue realizada preguntas al estilo de aquellas que muchas veces nos en EE.UU. y cuenta con un reparto estelar, que incluye a tres hacemos a lo largo nuestra vida: ¿Qué pasa cuando todo se de los mejores actores norteamericanos del momento. viene abajo: nuestras certezas, la comodidad, la familia o La película parte de una premisa ambiciosa, pues su trama la fe, qué nos queda para aferrarnos, qué dejamos a los que habla del sufrimiento, la condición humana y los vaivenes nos sobreviven, existe el azar o lo que nos sucede está sujeto del destino. Al respecto, Iñárritu había comentado en una a la voluntad de algo o alguien? entrevista: «Me gusta explorar el destino del hombre como A este fárrago de incertidumbres se enfrentan nuestros entrelazado bajo dos formas: una, la que no podemos protagonistas. Sea Jack, redimido en apariencia por la fe controlar, llámese destino o mano de Dios, lo que ya está cristiana y que ha comenzado una nueva vida al lado de su preescrito, lo que va pasar, aquello sobre lo que no podemos esposa (Melissa Leo) y sus dos hijos. Y digo al parecer tomar ninguna decisión. Yo no escogí la familia en que nací, porque una vez que ocurre lo inexplicable, Jack se derrumba. ni el día en que nací, pero a partir de ahí puedo empezar a En esto hay una crítica sutil al esquematismo en cierta decidir. La vida se balancea entre esas dos posibilidades y a religiosidad de cariz pentecostal, que cree en respuestas ambas las observo en mis películas: cómo afrontar con nuestro fáciles para el misterio del hombre ¡y aun de Dios! Por eso libre albedrío, en situaciones extremas, las cosas que están su fe desfallece luego del accidente. «¿Cómo me sucedió fuera de nuestras manos». Semejante declaración, traducida esto, si Cristo guía mi vida? Él quiere que yo sufra», le en imágenes, correría con facilidad el riesgo de quedarse a espeta al pastor John (Eddie Marsan), que también se queda medio camino. Sin embargo, el director y su coguionista sin respuestas y sólo atina a reconvenirlo con la fórmula Guillermo Arraiga (el mismo de Amores perros) se las del «no blasfemes». En realidad, esto no va únicamente con arreglan para salir adelante, resultando creíbles y nunca los creyentes pentecostales. Lo que el filme inquiere es si pretenciosos. los cristianos estamos preparados para los momentos duros El nudo dramático de la película está localizado en tres –esos que sacuden la fe– o en tales casos reaccionaríamos

CRÍTICA 41 ECOS como Jack. Pregunta que ya hizo Jesús cuando dijo: «¿Pueden beber el cáliz de amargura que yo voy a beber?» (Mt. 20-22). Cristina, por su parte, está igual de consternada. Su feliz vida familiar de profesional de clase media desapareció en un momento. Esa tenue línea entre la felicidad y la desdicha queda reflejada en la secuencia, de talante premonitorio, donde Cristina pasea descuidadamente ante la granja en que Paul guarda prisión. He ahí por qué ésta reacciona con tanta violencia cuando su padre (Jerry Chipman) trata de consolarla en los funerales, diciéndole que «la vida continúa», a lo que ella replica: «¿Cómo puedes decir que la Benicio del Toro vida continúa? Nunca entendí esa frase cuando la pronunciaste en los funerales de Mamá.» En otro orden tenemos a Paul, el personaje de menor reciente trabajo de Quentin Tarantino –realizador con el que complejidad dramática, y por tanto más endeble en su González Iñárritu ha sido injustamente comparado– es un construcción sicológica, pero cuyo conflicto resulta no menos ejemplo. No obstante, en 21 gramos el recurso de narrar a interesante. A primera vista es quien mejor sale del accidente. modo de crucigrama funciona para buscar una mayor Recibe un corazón nuevo, y además, buscando a su complicidad del espectador inteligente, en un virtuoso juego desconocido benefactor encuentra el amor en Cristina. Ya de agilidad mental que le conmina a armar el rompecabezas no le quedaba mucho más al lado de su esposa Mary Rivers en la pantalla, buscando involucrarlo totalmente en la (Charlotte Gainsbourg). Y sin embargo, ella perdonó sus historia. infidelidades y le ayudó luego en los peores momentos de Claro que el cine es un trabajo de equipo, y al logro final de su enfermedad. He aquí otra paradoja: la perenne esta obra contribuye el insatisfacción humana que puede llevar a la ingratitud. Pero magnífico trabajo visual 21 gramos / 21 Grams / EE.UU. / 2003 / Paul busca renacer junto a Cristina, que trata de olvidar. La de otro mexicano, c-125´ / D: Alejandro González Iñárritu / idea queda muy bien resuelta en la escena de sexo –una de Rodrigo Prieto, con esa G: A. G. Iñárritu y Guillermo Arriaga / esas felices ocasiones en que el cine moderno aborda tales tonalidad amarillenta F: Rodrigo Prieto / E: Stephen Mirrione / momentos con un sentido dramático–, aunque al final que invade todo el filme M: Gustavo Santaolalla / I: Sean Penn, terminan hundidos en una suerte de espiral del dolor. o el estilizado montaje Naomi Watts, Benicio Del Toro Al principio dije que González Iñárritu no pretende dar de Stephen Mirrione. Lo sermones, ni tampoco abandonarse a un pesimismo mismo para la música de Gustavo Santaolalla, con toques existencialista, sino sólo exponer y reflexionar sobre finos y discretos que dan la atmósfera perfecta, entre lúgubre situaciones que a menudo presenciamos e incluso nos tocan y reflexiva, que quiere trasmitir el filme. Por último, está la en lo personal. Retratarlas con honestidad y sin cortapisas excelencia de las actuaciones. Sean Penn evita los excesos de es la mayor virtud de 21 gramos, filme que lo debe todo a la algunas ocasiones; Benicio del Toro, cada vez mejor, aporta en pericia artística de su director. En la actualidad son muchos este caso un sorprendente desdoblamiento, y en cuanto a Naomi los realizadores que utilizan la narración fragmentada Watts, simplemente dejó de ser la promesa de Mulholland Drive (flashback, feedback, el fuera de campo, la mezcla de digital (David Lynch, 2001) para convertirse en una de las actrices y 35), pero muchas veces se trata de un mero ejercicio punteras de este comienzo de milenio. Tal es la calidad de estilístico, por lo demás nada mal, que sólo sirve para semejante trío, que González Iñárritu les reservó sendos demostrar sus cualidades como cineastas. Kill Bill, el monólogos para su lucimiento, sin que se afectase el conjunto del filme –otro punto a favor del realizador. Desde ya, 21 gramos (el peso del alma, según los teólogos medievales) es una cinta importante, que bucea en la fragilidad de la vida. Para los científicos, 21 gramos es el peso que perdemos al morir. Casi al final del filme la voz en off del moribundo Paul equipara la medida con cinco monedas, un colibrí, una tableta de chocolate: así de frágil es nuestra existencia. Siempre queda, sin embargo, una esperanza. A este sucede otro bello plano sobre los torturados personajes, sus momentos felices y tristes, los que amaron, los que perdieron. E inmediatamente una bandada de aves surca el cielo, como aquellos seres que quieren levantar vuelo, sobreponerse a sus desgracias y miserias. Y luego la hermosa y poética dedicatoria de Naomi Watts y Sean Penn Iñárritu: «A María Eulalia, pues cuando ardió la pérdida, reverdecieron sus maizales.» ¿Lograrán nuestros personajes remontar vuelo? Sólo Dios lo sabe. Me parece que sí.

ECOS 42 CRÍTICA Marlon Brando (ochenta). Sin dudas uno de los mejores actores norteamericanos de todos los tiempos y un icono de la cultura de ese país. Su rebeldía y carácter estrafalario, que le hacían cometer todo tipo de excentricidades le trajeron serios problemas con los grandes estudios. Esto no impidió que dejara memorables actuaciones en filmes como Un tranvía llamado deseo, Viva Zapata y Nido de ratas, donde fue dirigido por su tutor Elia Kazan. Su interpretación de Stanley Kowalski en Un tranvía… se considera insuperable. Notables actuaciones suyas también fueron para Joseph L. Mankiewicz, como Marco Antonio en Julio César, y Edward Dmytryk, como el oficial alemán de Los dioses vencidos. En los setenta, cuando ya muchos lo daban por acabado, resurgió como el ave fénix dando vida al mítico Don Corleone de El padrino, obra cumbre del cine de todos los tiempos y considerada por muchos la mejor actuación de Brando, por la que obtuvo el premio Oscar al mejor actor. Por esa fecha se destaca también como protagonista en la decadente, pero brillante El último tango en París. Más recientemente cabe recordarlo en Apocalypse now, El novato y La cuenta final. EL LARGO ADIÓS

Ronald Reagan (noventa y tres). Actor gobierno fue muy criticado por intelectuales norteamericano. Comenzó su carrera en los años liberales y de izquierda debido a su treinta en películas B. Tuvo su primer protagónico conservadurismo, fue uno de los mandatarios más de peso en Creador de campeones, donde encarnaba a populares de la historia de ese país, reconocimiento un jugador de fútbol americano. que trascendió internacionalmente, Luego interpretó su papel más pues logró –de manera también recordado en Cumbres de pasión, y muy discutida– sacar a la nación se destacó en Alma de tinieblas. del marasmo en que la habían Aunque sus detractores hablaron sumido la guerra de Vietnam, la siempre de él como un actor de crisis del petróleo y el conflicto oestes, lo cierto es que no se prodigó de los rehenes norteamericanos mucho en este género: sólo hacia en Irán. Su presidencia tuvo un 1953 protagonizó el primero de fuerte influjo en Hollywood, unos seis oestes de suerte irregular. pues en ese período se abandonó Se despidió del cine por todo lo alto el cine realista y sombrío de los con su único papel de villano, el setenta a cambio de un cine brutal jefe de los gágsters en la optimista en buena medida, que violenta The Killers, versión mostraba el lado bueno del cinematográfica del famoso cuento de Ernest sueño americano, amén de otros filmes de corte Hemingway nunca vista en Cuba. Fue presidente de patriotero como la saga de Rambo, con quien se la Screen Actors Gild de 1947 a 1952. Sin embargo, fue identificó apasionadamente, y Top Gun. Su la política el terreno que más sobresalió, primero como entierro y despedida final fue acompañado por gobernador de California, y luego como presidente de una manifestación multitudinaria, como pocas los Estados Unidos desde 1980 hasta 1988. Aunque su veces se había visto en la nación.

EL LARGO ADIÓS 43 ECOS Ann Miller (ochenta). Una de las más destacadas actrices-bailarinas de la época de oro de la comedia musical norteamericana. Trabajó en Carl Anderson (cincuenta y ocho). innumerables clásicos del género: Un Actor y bailarín norteamericano. día en Nueva York (1949), Luces de Este afamado artista de Broadway Broadway (1951) y El amor nació en tuvo un impresionante debut en el París (1953). Fue homenajeada en la cine como el Judas de la polémica tercera entrega de la saga documental Jesuscristo Superestrella (1973), That´s entertainment III! Su ultima primera y única vez que el aparición en el cine fue un breve pero personaje ha sido interpretado por intenso papel en la sicodélica cinta de un actor negro, y en la que se David Lynch Mulholland Drive (2001).

Joe Viterelli (sesenta y seis). Actor norteamericano. Por su singular rostro fue casi imprescindible en cualquier filme de mafiosos, desde su debut en 1989 con Estado de gracia, y pasando por Uno de los nuestros y Casino. También supo explotar su veta cómica, siempre en plan de gángster, en filmes como Balas sobre Broadway, Mickey ojos azules y Analízame (secuela incluida). cuestionaba el rol de traidor elegido que popular e incluso teológicamente le habían atribuido al personaje. Sin embargo, Sir Peter Ustinov (ochenta y dos). Anderson no prosiguió una carrera Notable actor (y ocasional) director en el cine y sólo hizo esporádicas británico. Fue un intérprete actuaciones de reparto, como en el verdaderamente internacional, de caso de El color púrpura (1987). los más notables en la historia del Apareció en la televisión cine. Intervino en producciones interpretando pequeños papeles en como Quo Vadis (1951), donde varias series de éxito como Hulk y encarnó un inmejorable Nerón; Lola Starky & Huch. Montes (1955), último filme dirigido por Max Ophuls; y la afamada comedia policial Topkapi (1964), de Jules Dassin. En El placer (1951), también para Ophuls, asumía la voz de Guy de Maupassant que iba Jean Rouch (ochenta y seis). narrando los tres relatos. Ganó el Documentalista francés. Se hizo Oscar al mejor actor de reparto notorio en la década del cincuenta como jefe de la escuela de a cuenta de varios documentales gladiadores en Espartaco (1961). En etnográficos filmados en Nigeria, los setenta interpretó al afamado siendo los más conocidos Les maîres detective Poirot en una serie de fous, Moi, un noir y La piramyde películas de la televisión británica humaine. También dirigió Chronique basadas en novelas de Agatha d´ un été (junto a Edgar Morin), Christie. Dirigió varios filmes, siendo considerado el filme-manifiesto del el más destacado Billy Budd (1962). Cinéma Verité. En su momento, los cineastas de la Nueva Ola Francesa lo consideraron su padre espiritual.

ECOS 44 EL LARGO ADIÓS Víctor Argo (sesenta y nueve). Norteamericano. Comenzó en los años setenta, de la mano de Martin Scorsese, en pequeños papeles de clásicos como Boxcar Bertha, Malas calles y Taxi Driver. Su rostro devino familiar a fines de los ochenta, primero como el apóstol Pedro en la controvertida La ultima tentación de Cristo (también de Scorsese), y luego de la mano de Abel Ferrara, quien le dio protagonismo en cintas como El rey de Nueva York y El teniente perverso. Aunque casi siempre en papeles de gángster, pero también en comedías y dramas, muchos filmes Anna Lee (noventa y uno). Actriz ubicados en su natal Nueva York lo tuvieron desde entonces como británica. Debutó en su país natal secundario de lujo: Delitos y faltas (1989), Historias de Nueva York (1989), y luego marchó a Hollywood con Amor a quemarropa (1993) y Cigarros (1995), entre otras. su esposo, el director Robert Stevenson. Para éste trabajó en una temprana versión de la novela de Nino Manfredi (ochenta y tres). Uno aventuras Las minas del rey Salomón de los más queridos y populares (1937). Luego de dos filmes más con actores italianos de todos los su cónyuge, pasó a ser actriz tiempos. Aunque versátil, se habitual del maestro John Ford, especializó en la comedia, género para el cual trabajó en varios con el cual logró sus mayores éxitos. clásicos, desde ¡Qué verde era mi De su vasta carrera, que comenzó en valle!, pasando por Sangre de héroes, 1949 con El monasterio de Santa Clara El ultimo viva, El hombre que mató a y se prolongó hasta nuestros días, Liberty Valance, hasta llegar a Siete destacan Hablemos de los hombres, El mujeres, ultima cinta de Ford. verdugo (realizada en España por También se le pudo ver en filmes Luis García Berlanga), Nos amábamos de otros importantes realizadores: tanto, Yo, yo y los demás y Operación Fritz Lang (Los verdugos también San Genaro. Fue ocasional guionista mueren), Joseph L. Mankiewicz (Yo y realizador; en esta faceta cabe recordar Desnudo de mujer, muy popular dormí con un fantasma) y Samuel entre nosotros allá por los ochenta. Con su muerte se puede dar por Fuller (El kimono escarlata). desaparecida aquella generación de actores de italianos surgida en la posguerra que protagonizó la edad de oro de la comedia italiana.

Frances Dee (noventa y cuatro). Sin llegar al estrellato, esta Mercedes McCambridge (ochenta y siete). Actriz actriz norteamericana se mantuvo como presencia habitual norteamericana. Será siempre recordada como la villana desde inicios de que perseguía sin tregua a Joan Crawford en la subliminal los años treinta Mujer pasional (1951). Antes había debutado por todo lo hasta mediados alto, ganando el de los cincuenta, Oscar a la mejor interviniendo en actriz secundaria una veintena de por Decepción filmes. Entre (1949). También se ellos se pueden le pudo ver en destacar Una otros clásicos: tragedia Gigante (1956) y Sed americana (1931), de mal (1958), así Mujercitas (1933, como en la versión Servidumbre de Adiós a las armas humana (1934) y de 1957. A ella se Me casé con una sombra (1943). En 1937 conoció al actor Joel debe la voz del McCrea durante el rodaje del oeste Una nación en marcha. diablo en El Con él compartió su vida hasta la muerte de éste en 1990. exorcista (1976).

EL LARGO ADIÓS 45 ECOS King Arthur

Una nueva versión sobre el legendario rey Arturo y su mítico reinado de Camelot ha sido llevada al cine. Se trata de King Arthur, dirigida por Antoine Fuqua y producida por el poderosísimo Jerry Bruckheimer. Este ultimo ha dicho al respecto: «En esta versión no esperen encontrar amaneramientos ni epopeyas místicas de nostal- gia medieval. Aquí todo es oscuro, sucio y bárbaro, como seguramente debió ser en el origen de la leyenda.» En la nueva superproducción intervienen Clive Owen como el rey Arturo, Ioan Gruffudd como Lancelot y la cada vez más ascendente Keira Knightley como Ginebra. La epopeya del rey Arturo y sus caballe- ros de la mesa redonda ha sido llevada al cine en varias ocasiones, siendo las más afamadas la novelesca Los caballeros del rey Arturo (1953), el musical Camelot (1967), la versión minimalista de Robert Bresson Lancelot du Lac (1973) y la revisionista Excalibur (1981), que probablemente sea la más lograda.

La vraie vie des Dalton La popular historieta belga de tintes paródicos ambientada en el viejo oeste Las aventuras de Lucky Luke y los malvados hermanos Dalton, donde la cuadrilla de los Dalton se enfrenta al honesto sheriff Lucky Luke, ya tiene su versión cinematográfica. Se trata de la superproducción franco-belga La vraie vie des Dalton. En ella, los cuatro hermanos están interpretados por la pareja de humoristas Éric y Ramzy, muy populares en Francia actualmente, acompañados de sus compatriotas Romain Berger y Saïd Serrari. Los Dalton tratan de robar un importante banco, y para impedírselo está el mencionado Luke, interpretado por el actor alemán Til Schweiger. En la década del ochenta se realizó La balada de los Dalton, una versión animada de gran popularidad en Cuba a raíz de su estreno.

La villa El escritor y guionista chileno Alberto Fiquet, autor de Tinta roja, novela llevada al cine por el realizador peruano Francisco Lombardi, planea debutar tras M. Night Shyamalan prosigue cosechando éxitos las cámaras con Se arrienda, cuyo con sus historias de miedo. Su nuevo filme se guión estará basado en otra titula The village (La villa) y cuenta una historia novela suya. El nuevo filme de tensión situada en una pequeña localidad de girará en torno a un músico sin Pennsylvania poco antes de terminar el siglo XIX. suerte que trata de salir adelante En ella, un grupo de personas se ven como agente inmobiliario. La atemorizadas por unas extrañas criaturas que película será rodada en Chile, acechan en la oscuridad del bosque cercano. con protagonistas de ese país: Protagonizada por Adrien Brody, el resto del Luciano Cruz-Coke y la reparto está integrado por William Hurt, internacional Leonor Varela. Sigourney Weaver y Joaquin Phoenix, quien repite con Shyamalan (antes fue en Señales).

ECOS 46 PANORAMA Bill Murray Wes Anderson, uno de los enfants terribles del cine norteamericano actual, se descarta de sus ácidos retratos de la sociedad norteamericana con The life aquatic with Steve Zissou. Bill Murray, actor fetiche de Anderson, asumirá el protagónico. Será secundado por otros habituales del realizador, Owen Wilson y Angelica Huston, en un reparto de todos estrellas que incluye también a Cate Blanchett, Willem Dafoe y la recuperación de Jeff Goldblum. Sin embargo, al parecer la película no será del todo convencional, pues los personajes que se embarcan en la nave liderada por Murray buscan hacer catarsis de sus problemas personales.

Los sin tierra Nicole Kidman es, sin dudas, la estrella y la actriz norteamericana del momento. Como ha sido habitual en los últimos años, la Kidman –de origen australiano– tiene una abultada agenda. Recién terminó una nueva versión de The Stepford wives, dirigida por Frank Oz y basada en la novela fantástica de Ira Levin, en la que un grupo de hombres deciden robotizar a sus esposas para crear la mujer perfecta. También se le verá en The interpreter, cinta de acción de tintes hitchcockianos al lado de Sean Penn y dirigida por Sydney Pollack. En este filme, el primero que la ONU permite rodar en sus pasillos, Kidman da vida a una intérprete de Kenia que trata de salvar de un atentado al presidente de ese país. Además, intervendrá en Bewitched, versión cinematográfica Los sin tierra: por los caminos de América es un de una popular serie televisiva cómica, donde estará al lado del documental producido por El Deseo S.A., comediante Will Ferrer. Por último, tiene pendiente de estreno Birth, productora de los hermanos Agustín y Pedro un drama dirigido por Jonathan Glasser donde será una viuda que Almodóvar. Como su título indica, el nuevo cree ver en un adolescente a la reencarnación de su esposo. material –dirigido por Miguel Barroso– se adentra en el movimiento social brasilero Los sin tierra, una organización surgida en 1981 a raíz de la llegada de la democracia a Brasil y que agrupa a cerca de cuatro millones de personas, los cuales luchan pacíficamente por la instrumentación de la reforma agraria en ese país. Además de lograr espacios agrícolas para millares de desclasados, sus reivindicaciones ocupan un importante Nicole Kidman espacio en el debate político de esa nación.

El realizador danés Bille August aborda años, el tema de la pena de muerte ha el tema de la pena de muerte en Return sensibilizado a la opinión pública y to Sender. Rodado en Estados Unidos, por ende al cine, sobre todo en narra la historia de una joven (Connie EE.UU., uno de los pocos países Nielsen, otra danesa afincada en occidentales que aplican la pena Hollywood) que se encuentra en el máxima. En el mismo ya casi existe un corredor de la muerte, y a quien su subgénero cinematográfico sobre el abogada (Kelly Preston) y un amigo tema, que abarca desde clásicos que ha conocido por cartas (Aidan (Mañana lloraré, 1955) hasta recientes y Quinn) intentan salvar. En los últimos valiosos filmes como Pena de muerte (1995). Return to Sender PANORAMA 47 ECOS El caldeado escenario político venezolano llega a la televisión. El realizador Stephen Sommers vuelve a atreverse con los monstruos Román Chalbaud, el más importante que pueblan la literatura y el cine de horror clásicos. Si antes fue La realizador de cine venezolano de momia, ahora junta a Drácula, el Hombre Lobo y Frankestein en la todos los tiempos, ha dirigido la superproducción Van Helsing, donde el famoso cazavampiros – telenovela Amores de barrio adentro, que interpretado esta vez por Hugh Jackman– une fuerzas con un hábil narra la historia de amor entre un monje (David Wenham) y una experta guerrera (Kate Beckinsale) para fotógrafo perteneciente a una familia de clase media opuesta al actual mandatario de ese país, Hugo Chávez, y una joven de los barrios periféricos, simpatizante de Chávez. La nueva telenovela, descrita como una suerte de Romeo y Julieta con trasfondo político, se desarrolla en diciembre del 2002, cuando dio inicio el fracasado paro nacional que pretendía desbancar a Chávez. Producida por la Televisión Estatal Venezolana, los adversarios de Chávez la han Van Helsing calificado de propaganda chavista,

enfrentarse a semejante trío de criaturas infernales. Como es habitual en Sommers, la nueva película tiene muchos elementos satíricos y paródicos, junto a espectaculares efectos visuales.

Der Untergand-Hitler und das Ende des 3. Reichs (La caída-Hitler y el final del III Reich), del realizador Oliver Hirschbiegel, es el más reciente título del renacido cine alemán. El filme, protagonizado por Bruno Ganz, se centra en los últimos días que pasó el dictador en su bunker berlinés, Román Chalbaud donde al final se suicidó el 30 de abril de 1945. La caída... ha suscitado polémicas, porque muestra un Hitler debilitado, enfermo y derrotado, ante lo cual Chalbaud declaró: «No es tratando de dar una visión más humana de lo habitual sobre el siniestro una serie que hace oda al chavismo, gobernante. Algunos de los sino una muestra del sentimiento de La caída que han protestado, según la gente en las zonas populares de diversas fuentes, aducen que la Venezuela, tomando una historia de imagen que se da Hitler «no es amor como punto de partida; la gente la del odiado dictador que está ávida de ver otras cosas. La ordenó exterminar a millones Guerra de Secesión fue el marco para de judíos y cuya herencia de la historia de amor de Scarlett O´Hara intolerancia y racismo aún y Rhett Butler. Entonces, la historia de sigue lamentablemente viva. lo que está ocurriendo políticamente Otros, aún más críticos, influye, para bien o para mal», advierten «de las casi sentenció Chalbaud. Por su parte, el inexistentes referencias a algunas de sus crueldades, empezando por canal privado Venevisión, opuesto a el propio Holocausto». Rolf Giesen, responsable del Museo del Cine Chávez, trasmite Cosita rica, la de Berlín, declaró por su parte: «No es la primera vez que Adolfo Hitler telenovela más popular en el país, que aparece en una película, pero sin duda es la primera vez que tratan de tiene como protagonista a un descubrir un toque humano en ese monstruo.» Mientras que Bernd empresario dominante, cuyos gestos Eichinger, productor de la cinta, la defendió: «Si uno quiere entender recuerdan a los del presidente. la historia, debe entender a las personas que la hicieron.» Como casi Asimismo, una dirigente comunitaria siempre sucede con las películas que desatan controversia, La caída... guarda cierto parecido con Lina Ron, está siendo el gran éxito de taquilla del cine alemán en el presente año. una furibunda chavista.

ECOS 48 PANORAMA Varios contrincantes le han salido al polémico documentalista Michael Moore, azote de los republicanos –y en particular de la administración Spiderman Bush– con sus documentales Bowling for Columbine (2002) y Fahrenheit 9/11 (2004). En primer término, el también documentalista Michael Wilson, quien ha dirigido Michael Moore hates America (Michael Moore odia a América), en el que cuestiona muchas de las teorías que éste ha lanzado sobre Estados Unidos en sus documentales. Según Wilson «estos son como un bofetón en plena cara a todas aquellas personas que intentan mejorar sus vidas y hacer realidad el sueño americano». En el nuevo material, a Wilson le sucede con Moore lo mismo que a éste último en su afamado documental de 1989 Roger & Me, donde trataba inútilmente de entrevistar al presidente de la General Motors. Por otra parte, al libro de Moore Estúpidos hombres blancos, base de Fahrenheit..., los escritores David T. Ardi y Jason Clarke han respondido con Michael Moore es un gran estúpido hombre blanco. Moore es un veterano realizador de documentales que, salvo la citada Según la revista Movieguide, la preferencia actual del público Roger..., llevaba tiempo en el anonimato. Saltó a la norteamericano se inclina hacia filmes que muestran el lado fama con Bowling..., Oscar al mejor documental en positivo de la vida. Según el mismo reporte, más del 60% de las películas que más dinero han reportado tienen planteamientos de este tipo: Buscando a Nemo, El señor de los anillos, Spiderman… Por otra parte, la recaudación media de las películas sin escenas de sexo fue de 34,6 millones de dólares, contra 11,8 millones de las que sí incluían estas escenas. Parte de este fenómeno se explica por el esfuerzo de Act One, una escuela de guionistas cristianos situada en el mismo corazón de Hollywoood que busca educar y formar profesionales con sólidos principios. Según Barbara Nicolosi, su directora, se trata de «fomentar la espiritualidad del artista, la ética del arte y de la industria del cine, además de todo aquello que pueda ayudar a desarrollar al ser humano y no a embrutecerlo». Otro que ha brindado su ayuda es el multimillonario Phillip Anschutz, cofundador de Owest Communication Internacional, Inc. Anszchutz ha invertido más el 2002, y Fahrenheit..., Palma de Oro en Cannes 2004. de 300 millones de dólares en proyectos cinematográficos y ha Algunos cuestionaron este último premio, fundado la productora Walden Meduia, de donde han salido considerándolo más político que artístico, habida filmes para adolescentes como Holes y la nueva versión de La cuenta del contencioso Bush-Francia, y que el vuelta al mundo en 80 días. La divisa de esta productora es: presidente del jurado fuera su compatriota Quentin «Películas optimistas, dirigidas a toda la familia.» Tarantino, de filiación liberal.

La actriz, cantante y presentadora brasilera Xuxa Meneghel, una auténtica reina de la taquilla y el rating infantil latinoamericano, tendrá ahora una versión fílmica animada con Las aventuras de Xuxinha, donde ella misma pondrá la voz a su socias. Luego de esta experiencia, la estrella volverá a la ficción con su cuarto largometraje: Xuxa y el tesoro de la ciudad perdida. La Meneghel, mujer de gran belleza, comenzó en los medios como actriz de execrables filmes seudoeróticos, pero luego enmendó el mal paso y se dedicó a la televisión infantil. Dada la aceptación entre los más pequeños, pronto su programa vio la luz en una adaptación cinematográfica, igual de Xuxa exitosa, que con tres secuelas va camino de la franquicia.

PANORAMA 49 ECOS Rita Moreno, un icono de la cultura latina en EE.UU., recibirá un premio especial por toda su carrera en el festival de cine de Los Ángeles. La Moreno es la única actriz latina que posee todos los grandes premios del espectáculo norteamericano. En 1961, ganó el premio Oscar a la mejor actriz de reparto por su También de Venezuela, un país trabajo en la famosa versión musical de que últimamente ha visto Romeo y Julieta Amor sin barreras. También mermada su producción recibió un Emmy, esta vez en 1978, por su cinematográfica, se estrena intervención en una presentación televisiva Punto y raya, de Elia K. de The Muppet Show; un Tony a la interpretación Schneider. Se trata de una por la pieza teatral The Ritz en 1975 y un Grammy comedia dramática en la que un por su participación en un álbum musical conjunto. soldado venezolano y otro colombiano se cruzan en la Rita Moreno frontera entre ambos países con propósitos muy distintos: el primero, desertar, y el segundo, El clásico del cine silente Sigfrido –primera parte del díptico Los dar su vida por la defensa de su nibelungos que realizó Fritz Lang en 1924– tendrá su remake bajo país. El nuevo filme se burla al el título de Kingdom of twlight, una producción alemana con parecer de los estratos reparto internacional que se espera estrenar a fines de este año. castrenses, metiendo a sus dos Los intérpretes serán Kristina Loken –vista en la última entrega personajes en situaciones de la saga Terminador– como Brunilda, y Bruno Furmann, uno vinculadas a la guerrilla, el de los más prometedores actores germánicos, en el papel de propio ejército y el narcotráfico. Sigfrido. La norteamericana Alicia Witt asumirá el rol de El reparto lo integran Edgar Krimilda, mientras que Julian Sands y Max Von Sydow Ramírez, Lorenzo Olivares, personificarán a Hagen y Vind, respectivamente. Sigfrido es la tercera parte de una famosa tetralogía operática de Richard Wagner que canta a la grandeza del espíritu germano. Para muchos, la adaptación de esta pieza luego de la proeza de Lang no había sido emprendida porque la película, que captaba el espíritu del original wagneriano, era la preferida de los ideólogos nazis, quienes quisieron convertir a Lang en el cineasta oficial de Tercer Reich, ante lo cual no tuvo otra opción que exiliarse. Punto y raya

Tony Scott prepara un ambicioso Ramiro Meneses y Rafael Uribe. A proyecto sobre el encuentro entre el propósito de su filme, Scheneider guerrillero mexicano Pancho Villa y comentó: «Venezuela es un país que Tony Scott el no menos mítico cowboy y actor tiene un corazón que ríe, en un gran de cine Tom Mix. La nueva cinta se cuerpo que llora. Ese es un poco la filmara en varios estado mexicanos, idea de esta historia. Que a pesar y Scott la ha calificado como la más que tenemos un drama, que importante de su vida, asegurando tenemos muertos, que tenemos que será un proyecto de violencia, es un pueblo que se proporciones épicas al estilo de levanta, que lucha y que trata de Lawrence de Arabia. Hasta el momento sobrevivir, y a lo mejor eso le sirve sólo se conoce que Johnny Depp será como una defensa. Es una de las uno de los protagonistas, aunque no cosas que más me gusto del guión se sabe cuál. Tom Mix y Pancho Villa, y es lo que me enganchó.» que es el título de producción del filme, se basa en una novela de Clifford Irving en la que se especula sobre cómo Mix dejó una cómoda vida en su rancho de Texas para unirse a la lucha de Doroteo Arango, nombre real de Pancho Villa.

ECOS 50 PANORAMA Guillermo Arriaga

Luego del clamoroso éxito de Amores perros y 21 gramos, el Peter Sellers guionista mexicano Guillermo Arriaga tiene una serie de propuestas en el cine norteamericano. La más concreta parece La vida del genial cómico británico Peter Sellers ha sido llevada a la ser su guión de Dallas buyer´s club, pantalla por Stephen Hopkins bajo el título The life and death of Peter Sellers. comprado por la Universal con la idea No será fácil al australiano Geofrey Rush ponerse en la piel del de llevarlo a la pantalla bajo la dirección multifacético y polémico actor, mientras que a Charlize Theron le resultará de Marc Foster (Monster’s ball), y con más fácil interpretar a la modelo sueca Britt Ekland, quien fuera esposa Brad Pitt de protagonista. Dallas… se de Sellers y actriz de una carrera más bien discreta. Sellers es considerado basa en un hecho real, la vida de Ron un clásico de la comedia de todos los tiempos. Comenzó su carrera en Woodruff, un electricista que enfermó los años cincuenta, y se hizo notorio al interpretar varios papeles en la de SIDA en 1987 y al ser desahuciado sátira antibelicista de Stanley Kubrick Doctor Strangelove (1964). Sin por los médicos decidió experimentar con embargo, el papel que le hizo inmortal a los ojos del público fue el del un peligroso tratamiento. Arriaga prepara torpe inspector Closeau de la saga de La pantera rosa dirigida por Blake también un tercer guión para su amigo, Edwards, con quien formó un exitoso tándem. Siguiendo con la moda el director Alejandro González Iñárritu. Sellers, tampoco será sencillo para Steve Martin encarnar al mítico Closeau en un remake de La pantera rosa que dirigirá Shawn Levi, coprotagonizado por la cada vez más exitosa actriz y cantante Beyoncé Knowles.

Disney, la célebre productora de animación norteamericana, ha visto caer su emporio de 84 años. Lo ha echado a un lado la animación digital, a la que Disney se resistió a pesar de que la propia productora tiene una división: la portentosa Pixar, quienes a partir de éxito de Juguetes (1995) se han ido separando poco a poco de sus «progenitores», y aunque todavía hoy permanecen unidos, todos estiman que la separación será cuestión de tiempo, sobre todo después del sonado éxito que Pixar obtuvo con Buscando a Nemo (2003). Por su parte, Disney ha entonado su canto de cisne lanzando al mercado Home of the range, último animado que la Home of the range Disney hará con técnica tradicional en dos dimensiones, donde se rinde homenaje a varios de los personajes clásicos que hicieron famosa a la productora: Tribilín, el pato Donald y el ratoncito Mickey. Al margen de la tecnología, algunos aducen que los problemas son más bien temáticos, pues Disney ha continuado elaborando una dramaturgia candorosa, que poco tiene que ver con los tiempos que corren, en que los niños prefieren una narrativa más adulta, o si se quiere más desenfadada, al estilo Shrek (2001), donde precisamente se parodiaban los tópicos de Disney

PANORAMA 51 ECOS JOHN FORD, UN CLASICO DEL CINE SEGUNDA PARTE

La diligencia

a diligencia (Stagecoach), filmada en 1939, marca El paisaje es el gran protagonista de La diligencia. Las la madurez del estilo de Ford en el género del melodías que le sirven de fondo definen la importancia Loeste. Hacía trece años que el ya veterano director emotiva que Ford dará siempre al acompañamiento no frecuentaba el género. Inclusive, algunos críticos musical de sus filmes. La marcialidad y el dinamismo ven en el rodaje de esta ya clásica película, el último deportivo de la música, abundante en marchas y coros paso de una decadencia artística y comercial. Ford irlandeses, es un elemento vital del cine de Ford. volvía, obligado por las circunstancias, a sus primeras El equilibrio en el tratamiento de los personajes, un labores. Pero un excelente guión de Dudley Nichols y retablo en el que ninguna figura queda subordinada, la sensibilidad del director hicieron del filme un es otro factor importante de este filme y que se prototipo en el que podían apreciarse todas las extiende, como característica general, al estilo de Ford. características del modo de hacer de Ford. La acción John Wayne, Andy Devine, Thomas Mitchell, John parece inspirada en Bola de Sebo, de Maupassant, Carradine, George Bancroft, Donald Meek, etc., se aunque también se la ha identificado con una novela perfilan como seres de fuerte personalidad individual. de Bret Harte publicada en 1850. Posiblemente el El rudo humorismo es otro elemento constante en Ford. verdadero origen de La diligencia esté en un novela corta El expendedor de licores que interpreta Donald Meek de Ernest Haycox, publicada por la revista Collier’s en y el médico filósofo encarnado por Thomas Mitchell 1937 con el título de La diligencia a Lordsburg. Pero sea se repetirán en Victor McLaglen, Ward Bond y otros cual fuere la fuente, lo cierto es que de nuevo Nichols característicos en filmes posteriores de Ford. y Ford se enfrentan con su conflicto favorito: un grupo Hay finalmente, y sobre todas las cosas, un sentido del de seres humanos revelan sus personalidades frente ritmo, un tempo fílmico peculiarísimo e inconfundible al peligro común. La diligencia debe hacer su larga en Ford, íntimamente ligado al encuadre y la edición. jornada sin escolta, acechada por los apaches, y lleva Las tensiones que preceden a peleas, tiroteos y ataques en ella a un grupo representativo de la violenta de indios, están valoradas con certera maestría. Y sociedad de la época: el cochero del carruaje; el alguacil cuando se inicia una acción violenta, la pantalla se y el prisionero de fama legendaria que lleva a presidio anima con un frenético ritmo de persecución y custodiado, y con quien en el fondo simpatiza; el tahúr combate. Se ha dicho de Ford es lento y se le ha secretamente enamorado de la esposa de un militar, criticado su «formalismo», que aplasta anécdotas con una dama que espera un bebé y viaja a reunirse con su frecuencia baladíes con alardes técnicos. Pero el cine marido; la ramera expulsada por las damas es imagen y movimiento. Y Ford, fiel a ese concepto, moralizadoras del pueblo; el médico borrachín y el ha dado siempre primacía a las posibilidades de la vendedor de licores con aspecto de predicador y el cámara. En La diligencia es antológico el asalto de los banquero que huye con el fruto de un desfalco. apaches a los carruajes en fuga. Después de éste, las

ECOS 52 PERSPECTIVA escenas en Lordsburg, el encuentro en la taberna y el tiroteo en las calles, en que Ringo Kid liquida sus problemas personales, operan como un anticlímax, pero tienen la modélica maestría del estilo de Ford, con su típica sobriedad expresiva y sus agudas soluciones visuales. Consolidado una vez más por el éxito de La diligencia, filme por otra parte popularísimo y de perdurable interés, John Ford abordó dos proyectos que ampliarían su fama, llevándolo al campo dramático y social: Via crucis (The grapes of wrath) y Los hombres del mar (The long voyage home). Via crucis (1939) es una película de la que se ha dicho que Hollywood no la hubiera filmado si el libro de John Steinbeck Las viñas de la ira en que se inspira no hubiese batido récords de venta en su temporada. Es la historia de una familia campesina desalojada por unos banqueros y obligada a trasladarse en un viejo camión en busca del derecho a la vida. De notable vigencia, este filme –testimonio Via crucis social de las difíciles condiciones de vida en un determinado ambiente y época, la Depresión– replantea la constante temática de Ford. Como en La Via crucis, con su indignante testimonio social, perdura diligencia, ahora el grupo de personajes de la familia como uno de los más importantes filmes hechos por Joad se traslada en un destartalado camión. Hay Hollywood y es uno de los puntales de la carrera de excelentes interpretaciones –Henry Fonda, Jane Ford. No ocurre lo mismo, en cambio, con Los hombres Darwell, John Carradine, etc.– y un trabajo fotográfico del mar (1940), en el que Dudley Nichols, uno de los del maestro Gregg Toland tal vez excesivo en algunos guionistas favoritos de Ford, condensó cuatro piezas momentos dada la índole del tema. Pero no hay que teatrales de Eugene O’Neill. El filme trata de plasmar olvidar que la técnica de los claroscuros fue uno de los en imágenes de elaboradísimos efectos de luces, elementos estéticos que ayudó a encumbrar el nombre sombras y profundidad de foco, los caracteres y de John Ford como director cinematográfico desde los reacciones de la tripulación de un barco mercante primeros pasos de su carrera. Con Via crucis ganó Ford durante «el largo viaje al hogar» después de una su segundo Oscar como mejor director del año 1940. extensa travesía. El reparto está formado por casi todo ese grupo de actores que han sido fieles a Ford – y Ford a ellos– durante casi veinticinco años de profesión, irlandeses muchos de ellos: John Wayne, Ward Bond, Barry Fitzgerald, Thomas Mitchell, etc. De haber viajado Victor McLaglen y Henry Fonda en el Glencairn, todo el tradicional elenco masculino fordiano hubiera podido celebrar una asamblea en el cuarto de máquinas. Una vez más un ambiente parejo: el mar, ve avanzar un transporte, el buque, que acondiciona la unidad de lugar para que bullan las pasiones. Pero los personajes se congelan bajo el abrumador despliegue de recursos de los lentes de Toland, filigranas que no quedaron fuera de la campaña publicitaria que se hizo al filme. Para buscar un deliberado estatismo, Ford no utilizó aquí movimientos de cámara, y apenas deja ver el mar. Hay un ataque aéreo durante el cual sólo se escuchan los ruidos de los motores y los disparos de las ametralladoras al fondo de los rostros de la marinería en tensión. Las escenas de muelle buscan sobre todas las cosas efectos tridimensionales con cadenas y anclas. Y los recursos y sugerencias sonoro-visuales (como el plano final, con la sombra de las nubes avanzando Los hombres del mar sobre la cubierta) acechan al doblar de cada rollo. El

PERSPECTIVA 53 ECOS público quedó bastante desconcertado por un filme que feligresía intrigante, los innumerables incidentes de la eludía la espectacularidad propiciada por el tema y la vida familiar, etc. Sobre todo resulta improbable la cinta se afamó de lenta y tediosa. El estilo de Ford es, petición de mano que hace el dueño de la mina al viejo desde luego, lento. Pero aquí esta característica se hizo minero para casar los hijos de ambas familias. Un prototípica. Cosechó, sin embargo, elogios sólido reparto (Walter Pidgeon, Maureen O’Hara, innumerables de los críticos y el público amante de Donald Crisp) con abundante favoritos de Ford, se los recursos técnicos, por entonces muy en boga, pues movió en las enormes escenografías que reconstruían la cultura cinematográfica comenzaba a divulgarse y el ambiente minero de Gales en la época señalada. los primeros pasos consistían siempre en promocionar Como de costumbre, lo mejor fueron las escenas de los méritos técnicos. En ese sentido la cinta es juergas y tabernas, y de tradicional vida hogareña, tan antológica. Pero veintitrés años después Los hombres típicas de Ford, cargadas de áspero humor y de del mar ha sufrido el paso del tiempo. Su técnica, más melodías locales. El pasaje del accidente de la mina y que decadencia, revela la escasa vigencia de los filmes otros similares constituyeron éxitos plásticos y la destinados a sorprender con el último recurso de película clasificó como de gran taquilla, ayudada por forma, y como tal, tiene un interés de cinemateca. sus variados atractivos sentimentales. De la misma época es Tobacco road (Camino del tabaco, Pearl Harbour abriría un paréntesis de cuatro años en 1940), versión muy discutida de la obra de Ernskine la carrera de John Ford. Movilizado, sirvió en Caldwell. Calificada por algunos como una comedia actividades cinematográficas con el grado de capitán grotesca y por otros como un filme ácido y amargo. de la reserva naval. Fotografió y editó, entre otros, los Conserva una vitalidad agresiva, pero es una de las documentales La batalla de Midway (The battle of Midway), para el Comité de Actividades Bélicas, y Zarpamos a medianoche (We sail at midnight). Posteriormente, fue uno de los pocos oficiales de la reserva que obtuvo el grado de almirante. Fotografió acciones en el Pacífico y Europa. Estuvo al frente de los fotógrafos que captaron las incidencias navales del raid del general Doolittle sobre Tokio, y fotografió el ataque a las islas Marcus y el desembarco en ¡Qué verde era mi valle! Normandía, el día D. Recibió la condecoración de la Orden del Corazón Púrpura y el título de Caballero de la Corona de Bélgica. películas menos divulgadas y más atacadas de Ford. Como resultado de sus actividades perdió la visión de La víspera de la entrada de los EE.UU. en la Segunda un ojo y usa en lo adelante un tapete negro, como un Guerra Mundial sorprende a Ford gozando de un moderno pirata. Después de la guerra fue nombrado clamoroso éxito comercial y recibiendo una lluvia de comandante del capítulo fílmico de la Orden del Oscares –el de mejor director, entre ellos, por tercera Corazón Púrpura y miembro activo de la Asociación vez– con motivo de un filme muy bien fotografiado y Americana de Veteranos Inhabilitados de Guerra. En actuado, pero de valor discutible: ¡Qué verde era mi valle! ayuda de estos excombatientes, Ford tomó varias (How green was my valley!, 1941), versión de una novela iniciativas. Una de ellas fue la de utilizar a estos británica de Llewellyn sobre la vida de una familia de veteranos en sus películas siempre que fuera posible. mineros en Gales en los comienzos de la Ford ha expuesto ésta como una de las razones por las industrialización y cuando el concepto de organización que ha realizado tantos oestes, pues el ambiente de esos sindical de los obreros era algo poco menos que tabú filmes facilita tales propósitos. Otra iniciativa fue para las familias conservadoras, apegadas a la mejor fundar una granja de recreación para marinos inválidos tradición de las buenas relaciones entre siervos y amos. en el Encino (California) costeada por él. Es una película muy extensa, narrada en forma de Rubianco y burlón, de ojos azules, John Ford no solía evocación por el más pequeño de la familia. Se aborda tomar muy en serio a los periodistas, y rara vez daba una serie de temas que servirían, cada uno, para hacer la misma película como su favorita. Es proverbial su una película. Pero el libreto no profundiza en ninguno, ironía irlandesa, que se traduce en sus filmes, Así, ha como temeroso del terreno que pisa: las luchas sociales declarado: «No sé qué le ven los críticos a El delator. A de los mineros, el romance de la joven de familia obrera mí no me gusta, La he visto muchas veces para ver qué con el humilde pastor del pueblo, la hipocresía de la es lo que le encuentran y no me lo explico todavía.

ECOS 54 PERSPECTIVA Prefiero El fugitivo.» de la Segunda Guerra Mundial. Ése fue uno de La vida privada de Ford ha sido la negación del sus grandes méritos. El filme tiene una vigencia escándalo que gusta explotar la prensa chismográfica. absoluta, característica de todos los oestes de El 3 de julio de 1920 se casó con Mary McBride Smith; Ford. Victor Mature, Walter Brennan, Linda tuvieron dos hijos, Patrick y Barbara, y varios nietos. Darnell y Cathy Downs encarnaban las figuras Le encantaban el mar y la pesca, y hacía largas travesías principales del reparto. en su yate Araner. Desde luego, la atracción por los oestes en John Ford retornó a la normalidad después de la guerra, en Ford tiene que haber tenido mucho que ver 1946, con un oeste antológico que algunos críticos de también con sus intereses personales como Europa consideran superior a La diligencia. Se trata de productor: el oeste es un género que no suele La pasión de los fuertes (My darling Clementine). En esta fallar en taquilla y, sobre esa base, se puede tratar película, de estructura y ritmo maestros, con fotografía de hacer arte. Ford había trabajado casi toda su de Joseph P. MacDonald, Ford evoca un suceso real primera larga etapa en la compañía Fox. Pero en que se ha reconstruido varias veces en la pantalla: el 1935 entró en asociación por primera vez con Merian tiroteo del corral C. Cooper, un OK, en Tombstone, cinematografista la alborada del 26 del terreno de octubre de 1881, administrativo, en que un compañero del legendario sheriff mundo artístico llamado Wyatt desde hacía tiempo, Earp, que había y que estaba de pacificado el productor ejecutivo revuelto pueblo de de la RKO Radio Dodge City, liquidó Pictures. Hombre con la ayuda de un de visión, apoyó el conocido tahúr proyecto de El nombrado Joe delator, que Ford Holliday a un había llevado sin grupo de éxito a varios maleantes, los estudios. hermanos Clanton. Después, Ford El filme, dentro de siguió trabajando su marco de La pasión de los fuertes para la Fox, pero al leyenda, renuncia terminar la guerra, a casi todas las concesiones del género y adopta un en la que Merian C. Cooper sirvió en la aviación como sobrio realismo para el que la desgarbada figura de coronel, ambos amigos ligaron sus talentos y fundaron Henry Fonda resulta ideal. Hay una tipología la Argosy Pictures, cuyos filmes fueron en la mayoría pintoresca, incluido a un actor trashumante que oestes, y donde Ford se movió con libertad, declama a Shakespeare en medio de los asombrados alternándolos con cintas comerciales hechas por vaqueros. La música, la plástica visual, la atmósfera, encargo de otras compañías y con otras suyas muy cada detalle de la acción, permitieron comprender una personales, también de la Argosy, que distriuyó vez más que si John Ford tenía dominio de algo en el sus filmes por distintos canales: RKO, Republic, cine era del género del oeste, en el que se entrenó como Metro, etc. profesional, pero del cual sus aportaciones básicas, El Entre su retorno en 1946 con La pasión de los fuertes, caballo de hierro y La Diligencia, estaban respectivamente y 1961, año hasta el cual se extiende esta reseña, John a veintiuno y seis años de distancia. Y por ello, John Ford realizó veintitrés películas. Nueve de ellas son Ford insistía en que él era un novato en la oestes en la línea característica de Ford. Tres pueden dirección de oestes con estas curiosas palabras: ser consideradas como películas personales de Ford, «La mayoría de mis películas no han sido oestes. de cepa costumbrista, con la laureada El hombre quieto Yo dirigí El caballo de hierro en 1924 e hice La (The quiet man) a la cabeza. Fue una ambiciosa Diligencia en 1939. Entretanto, salvo excepciones, empresa verter a la pantalla la novela El poder y la no he hecho ningún oeste. La mayoría de ellos los gloria, de Graham Greene, en El fugitivo (The fugitive). he hecho después de la guerra. Pero me siento Y diez son faenas comerciales de mayor o menor muy feliz de ser conocido como un director de categoría en las que, aquí y allá aparece la firma oestes.» estilística de Ford, pero que obedecen, evidentemente, La pasión de los fuertes revitalizó el género después a las consignas del filme de encargo.

PERSPECTIVA 55 ECOS 61. ENTREGA DE LOS GLOBOS DE ORO película (drama): The lord of the rings: The return of the King, de Peter Jackson película (musical o comedia): Lost in translation, de Sofia Coppola director: Peter Jackson, por The lord of the rings: The return of the King actriz (drama): Charlize Theron, por Monster actor (drama): Sean Penn, por Mystic River actriz (musical o comedia): Diane Keaton, por Something’s Gotta Give actor (musical o comedia): Bill Murray, por Lost in Translation actriz de reparto: Renée Zellweger, por Cold Mountain actor de reparto: Tim Robbins, por Mystic River guión: Sofia Coppola, por Lost in translation banda sonora: Howard Shore, por The Lord of the Rings: The return of the King canción: Into the west, de Fran Walsh, Howard Shore y Annie Lennox, en The Lord of the Rings: The return of the King película de habla no inglesa: Osama, de Siddiq Barmak (Afganistán) serie televisiva (drama): 24 serie televisiva (musical o comedia): The office actriz de serie televisiva (drama): Frances Conroy, por Six Feet Under actor de serie televisiva (drama): Anthony Lapaglia, por Without a Trace actriz de serie televisiva (musical o comedia): Sarah Jessica Parker, por Sex and The City actor de serie televisiva (musical o comedia): Ricky Gervais, por The office miniserie o telefilme: Angels in America actriz (miniserie o telefilme): Meryl Streep, por Angels in America actor (miniserie o telefilme): Al Pacino, por Angels in America actriz de reparto (serie, miniserie o telefilme): Marie Louise Parker, por Angels in America actor de reparto (serie, miniserie o telefilme): Jeffrey Wright, por Angels in America

Lost in translation

ECOS 56 GALAS 76. ENTREGA DE LOS PREMIOS OSCAR película: The Lord of the Rings: The return of the King, de Peter Jackson director: Peter Jackson, por The Lord of the Rings: The return of the King actriz: Charlize Theron, por Monster actor: Sean Penn, por Mystic river actriz secundaria: Renée Zellweger, por Cold mountain actor secundario: Tim Robbins, por Mystic river guión original: Sofia Coppola, por Lost in translation guión adaptado: Fran Walsh, Philippa Boyens y Peter Jackson, por The Lord of the Rings: The return of the King dirección artística: Grant Major, Dan Hennah y Alan Lee, por The Lord of the Rings: The return of the King edición: Jamie Selkirk, por The Lord of the Rings: The return of the King fotografía: Russell Boyd, por Master and commander banda sonora: Howard Shore, por The Lord of the Rings: The return of the King canción original: Into the west, de Fran. Walsh, Howard Shore y Annie Lennox, en The Lord of the Rings: The return of the King vestuario: Ngila Dickson y Richard Taylor, por The Lord of the Rings: The return of the King maquillaje: Richard Taylor y Peter King, por The Lord of the Rings: The return of the King edición de sonido: Richard King, por Master and commander mezcla de sonido: Christopher Boyes, Michael Semanick, Michael Hedges y Hammond Peek, por The Lord of the Rings: The return of the King efectos visuales: Jim Rygiel, Joe Letteri, Randall William Cook y Alex Funke, por The Lord of the Rings: The return of the King película de habla no inglesa: The barbarian invasions, de Denys Arcand (Canadá) película de animación: Finding Nemo, de Andrew Stanton largometraje documental: The fog of war, de Errol Morris y Michael Williams corto documental: Chernobyl heart, de Maryann DeLeo corto de animación: Harvie Krumpet, de Adam Elliot corto de ficción: Two soldiers, de Aaron Schneider y Andrew J. Sacks oscar honorario: Blake Edwards

The Lord of the Rings: The return of the King

GALAS 57 ECOS 54. FESTIVAL INTERNACIONAL DE BERLIN oso de oro: Gegen die wand, de Fatih Akin (Alemania) oso de plata, gran premio del jurado: El abrazo partido, de Daniel Burman (Argentina) oso de plata, director: Kim Ki-Duk, por Samaria (Corea) oso de plata, actriz (ex aequo): Catalina Sandino Moreno, por Maria, llena eres de gracia (EE.UU.) y Charlize Theron, por Monster (EE.UU.) oso de plata, actor: Daniel Hendler, por El abrazo partido (Argentina) oso de plata, contribución artística: el equipo del filme Om jag vänder mig om (Suecia) oso de plata, música: Banda Osiris, por Primo amore (Italia) premio Alfred Bauer a la mejor opera prima: Maria, llena eres de gracia, de Joshua Marston (EE.UU.) Gegen die wand premio Ángel Azul al mejor filme europeo: Om jag vänder mig om, de Björn Runge (Suecia) oso de oro al cortometraje: Un cartus de kent si un pachet de cafea, de Cristi Puiu (Rumania) oso de plata al cortometraje: Vet !, de Karin Junger y Brigit Hillenius (Países Bajos) mención especial: Public/private, de Christoph Behl (Argentina) gran premio del jurado ecuménico: Ae fond kiss, de Ken Loach (Gran Bretaña) mención especial del jurado ecuménico: Svjedoci, de Vinko Brešan (Croacia) premio del jurado ecuménico, sección Panorama: Mi piace lavorare, de Francesca Comencini (Italia) premio del jurado ecuménico, sección Forum: Folle embellie, de Dominique Cabrera (Francia) premio de la FIPRESCI: Gegen die wand, de Fatih Akin (Alemania) premio de la FIPRESCI, sección Panorama: La face cachée de la lune, de Robert Lepage (Canadá) premio de la FIPRESCI, sección Forum: The time we killed, de Jennifer Reeves (EE.UU.)

19. FESTIVAL INTERNACIONAL DE MAR DEL PLATA astor de oro al mejor largometraje: Buena vida delivery, de Leonardo Di Cesare (Argentina) astor de plata al mejor director: Benedek Fliegauf, por Dealer (Hungría) astor de plata a la mejor actriz: Nicoletta Braschi, por Mi piace lavorare (Italia) astor de plata al mejor actor (ex aequo): Luis Tosar, por El lápiz del carpintero (España-Portugal-Gran Bretaña) y Alejandro Urdapilleta, por Adiós querida Luna (Argentina) astor de plata al mejor guión: Leonardo Di Cesare y Hans Gorrino, por Buena vida delivery (Argentina) astor de plata al mejor largometraje de Iberoamérica: O outro lado da rúa, de Marcos Bernstein (Brasil-Francia) premio especial del jurado: Mi piace lavorare, de Francesca Comencini (Italia), mención especial del jurado : Dealer, de Benedek Fliegauf (Hungría) y Touching the void, de Kevin Mac Donald (Gran Bretaña) gran premio SIGNIS: Kaldaljós, de Hilmar Oddson (Islandia-Gran Bretaña-Noruega-Alemania) premio de la FIPRESCI: Dealer, de Benedek Fliegauf (Hungría) Buena vida delivery

ECOS 58 GALAS 18. ENTREGA DE LOS PREMIOS GOYA película: Te doy mis ojos, de Iciar Bollaín director: Iciar Bollaín, por Te doy mis ojos actor: Luis Tosar, por Te doy mis ojos actriz: Laia Marull, por Te doy mis ojos actor de reparto: Eduard Fernández, por En la ciudad actriz de reparto: Candela Peña, por Te doy mis ojos director novel: Ángeles González-Sinde, por La suerte dormida actor revelación: Fernando Tejero, por Días de fútbol actriz revelación: María Valverde, por La flaqueza del bolchevique guión original: Iciar Bollaín y Alicia Lana, por Te doy mis ojos guión adaptado: Isabel Coixet, por Mi vida sin mí música original: Juan Bardem, por Al sur de Granada canción original: Humans Like you, de Chop Suey, en Mi vida sin mí fotografía: Javier Aguirresarobe, por Soldados de Salamina montaje: Iván Aledo, por La gran aventura de Mortadelo y Filemón dirección de producción: Luis Manso y Marina Ortiz, Te doy mis ojos por La gran aventura de Mortadelo y Filemón dirección artística: César Macarrón, por La gran aventura de Mortadelo y Filemón diseño de vestuario: Ivonne Blake, por Carmen maquillaje y peluquería: José Antonio Sánchez y Francisca Núñez, por La gran aventura de Mortadelo y Filemón sonido: Eva Valiño, Alfonso Pino y Pelayo Gutiérrez, por Te doy mis ojos efectos especiales: Raúl Romanillo, Pau Costa, Julio Navarro y Félix Vergés, por La gran aventura de Mortadelo y Filemón película de animación: El Cid, la leyenda, de José Pozo película documental: Un instante en la vida ajena, de José Luis López Linares corto de ficción: Sueños, de Daniel Guzmán corto documental: Los niños del Nepal, de Joan Soler y Javier Berrocal corto de animación: Regaré con lágrimas tus pétalos, de Juan Carlos Morín película extranjera de habla hispana: Historias Mínimas, de Carlos Sorín (Argentina) película europea: ¡Good Bye, Lenin!, de Wolfgang Becker (Alemania) Goya honorífico: Héctor Alterio

57. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CANNES palma de oro: Fahrenheit 9/11, de Michael Moore (EE.UU.) gran premio del jurado: Old boy, de Park Chan-Wook (Corea) premio del jurado: Irma P. May, por The ladykillers (EE.UU.) y Sud Pralad (Apichatpong Weerasethakul, Tailandia) premio a la realización: Exils, de Tony Gatlif (Francia) premio al guión: Agnès Jaoui y Jean-Pierre Bacri, por Comme une image (Francia) premio de interpretación femenina: Maggie Cheung, por Clean (Francia-Gran Bretaña-Canadá) premio de interpretación masculina: Yagira Yuuya, por Daremo shiranai (Japón) premio Vulcano del artista-técnico: Eric Gautier, por Diarios de motocicleta (Brasil-Argentina) y Clean (Francia-Gran Bretaña-Canadá) Fahrenheit 9/11 cámara de oro: Or, de Keren Yedaya (Israel) cámara de oro, mención especial: Lu Cheng, de Yang Chao (China) y Khab é talkh, de Mohsen Amiryoussefi (Irán) palma de oro, cortometraje: Traffic, de Catalin Mitulescu (Rumania) premio del jurado, cortometraje: Flatlife, de Jonas Geirnaert (Bélgica) gran premio del jurado ecuménico: Diarios de motocicleta, de Walter Salles (Brasil-Argentina) premio de la FIPRESCI: Fahrenheit 9/11, de Michael Moore (EE.UU.) premio de la FIPRESCI, Una cierta mirada: Whisky, de Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll (Uruguay) premio de la FIPRESCI, Semana de la Crítica: Atash, de Tawfik Abu Wael (Palestina)

GALAS 59 ECOS rchibald Alexander Leach, el hombre elegante de la pantalla o the leading man, como también Alo bautizara Ted Turner, más conocido por el nombre artístico de Cary Grant, ha convocado a todos los cinéfilos para conmemorar los cien años de su natalicio, honrando de esta forma a un actor que supo cautivar a un público de todas las edades y géneros, que muchas veces nos hizo reír y también llorar. Jorge Villa Nació un 18 de enero de 1904 en un suburbio al norte de Bristol, Gran Bretaña, pero su precaria situación económica lo obligó a buscar nuevos horizontes. Así se inició un largo camino hacia el éxito, cuyo primer paso fue un viaje a New York en el verano de 1920, actuando como cantante y bailarín en el número de los Nueves Rápidos de Bob Pender, cuya especialidad era caminar sobre zancos. Tres años después regresó decepcionado a Inglaterra, y allí se fijó en él un productor de teatro norteamericano: partió de nuevo, reconocerlo plenamente. Sólo encontró oportunidades ahora definitivamente. apropiadas en películas de clase B, al estilo de Unos Después de varias actuaciones en Broadway –donde ojos morenos (Big brown eyes, Raoul Walsh). En las actuaba, cantaba y bailaba–, aceptó acompañar a una películas A se limitaba a servir de compañía a estrellas actriz en una prueba de casting. Como sucede en femeninas, como Jean Harlow en La espía internacional muchos casos, ella no fue escogida…, él sí. El resto es (Suzy, George Fitzmaurice). Con 1937 llegó su una de las carreras más armoniosas, con las mejores momento: la combinación del éxito de Una pareja compañeras de reparto, los cineastas más invisible (Topper, Norman Z. McLeod) y La pícara sobresalientes y una de las filmografías más puritana (The awful truth, Leo McCarey) lo propulsó al espléndidas que jamás soñara un actor. rango de estrella y figura popular, que ya no abandonó. Contratado por Paramount en 1932, los dueños de los A partir de entonces creó su imagen en una serie de estudios sabían que llamándose Archibald jamás sería comedias de las que la mayoría son ahora clásicos: una atracción en las marquesinas, por lo que tomaron carismático, de elegancia natural, el típico inocentón las iniciales de su principal estrella –Gary Cooper– y que una bella estirada podía transformar. Esta imagen completaron el resto: así nació el nombre artístico de perfecta, en todos sus detalles, hizo época en La fiera Cary Grant. Su primer año en la Paramount no fue de mi niña (Bringing up Baby, Howard Hawks), cuyo significativo, a pesar de que Marlene Dietrich se fija protagonista es un distraído paleontólogo, presa del en él y lo pide para un personaje en La Venus rubia asedio de Katharine Hepburn y de un leopardo, (Blonde Venus, Joseph von Sternberg). No es hasta que mientras en Vivir para Gozar (Holiday, George Cukor), Mae West lo reclama al año siguiente como coestrella aparece más sutil y sensible. Se encuentra ya preparado de Nacida para Pecar (She done him wrong, Lowell para todos los registros de la comedia: Mi esposa Sherman), que logra llamar la atención del público. Favorita (My favorite wife, Garson Kanin), Pecadora No obstante su creciente popularidad y el atractivo que equivocada (The Philadelphia story, George Cukor), El despertaba entre la audiencia femenina, el estudio no eterno pretendiente (Once upon a honeymoon, Leo explotaba adecuadamente sus posibilidades McCarey), Arsénico para los viejos (Arsenic and old lace, histriónicas y su potencial taquillero. De manera que Frank Capra), La novia era él (I was a male war bride) y cuando en 1935 cesó su contrato, Grant se negó a firmar Vigor embotellado (Monkey bussiness), ambas de Howard otro acuerdo con cualquier estudio que le impidiera Hawks, así como El beso del adiós (Kiss them for me) e seleccionar las películas que interpretaría. De esta Indiscreta (Indiscreet), a las órdenes de Stanley Donen, forma, Grant se convirtió en uno de los primeros línea que siguió mayormente durante toda su carrera, actores free lance. En ese mismo año llega a un acuerdo con gran éxito de público y crítica. No obstante, fue para filmar con dos importantes estudios de la época, también un eficaz actor dramático, lo cual demostró Columbia y RKO, quienes le permitían seleccionar las en películas tan disímiles como La canción del recuerdo películas y los personajes donde deseaba figurar. (Penny serenade, George Stevens), Crisis (Crisis, Richard Es entonces que Grant llega a destacarse como Brooks), Rumbo a Tokio (Destination Tokyo, Delmer comediante, en La marimacho (Sylvia Scarlett, George Daves) y Un desolado corazón (None but a lonely heart, Cukor). La película fue un fracaso comercial, pero Clifford Odets), donde daba vida a un patético Grant demostró estar en plena posesión de su talento. vagabundo, por la cual alcanzó una nominación al Aún así, los productores tardarían cierto tiempo en Oscar, sin olvidar quizás su mejor interpretación

ECOS 60 ROSTROS DEL PASADO Algo para recordar dramática como enérgico de televisión ni prestar su voz a ningún proyecto. Sólo líder en Sólo los ángeles accedió a participar públicamente en eventos de la tienen alas (Only angels industria cuando en 1970 recibió de manos de Frank have wings, Howard Sinatra un Oscar honorífico y en el show de 90 minutos Hawks). Conversation with Cary Grant (1984), básicamente una Su carrera siempre lo colección de sus grandes éxitos seguido de una sesión de mantuvo en la cima, y preguntas con el público, donde tuvo palabras de elogios continuó siendo uno de para algunas de las estrellas con las cuales trabajó a lo los actores más largo de su vida artística como Katharine Hepburn, Ingrid taquilleros en la década Bergman, Ann Sheridan, Audrey Hepburn y Deborah de los cuarenta, Kerr. Luego de la salida al aire del programa, se filtró la cincuenta y comienzos noticia de que Grant había recibido la Medalla Real del de los sesenta. Incluso en Imperio Británico por servicios a la causa de la libertad ésta última encontramos durante la Segunda Guerra Mundial, reconocimiento a un Grant lleno de habitualmente dirigido a las labores encubiertas de vitalidad, que llenaba las inteligencia. Ni una palabra al respecto se había publicado salas cinematográficas en filmes como Suave como el en la prensa. Muchos años después de fallecido, se erigió Visón (That touch of mink, Delbert Mann) y Charada en su ciudad natal, Bristol, una estatua en su honor. (Charade, Stanley Donen). En1964, Grant quiso Años más tarde, alguien se tomó la molestia de estudiar incursionar en una nueva faceta de su vida artística al el itinerario de villorrios polvorientos del medio oeste tratar de romper con los moldes establecidos por él a que Grant había escogido para sus últimos paseos. Se lo largo de treinta años, interpretando a un hombre trataba de los mismos pueblos y teatros donde el actor alcohólico y de pésima presencia en el filme Operación había actuado seis décadas atrás como hombre zancudo. Whiskey (Father Goose, Ralph Nelson), lo que fue Alguna vez había declarado: «No tengo idea de quién es rechazado por su público. Este hecho, además de su Archie Leach. Si te enteras no dejes de contármelo». Sin intervención en un personaje secundario de la película embargo, cuando sufrió el infarto cardíaco que terminó Apartamento para Tres (Walk don´t run, Charles Walters), a los 82 años con su vida –justo antes de comenzar un donde interpretaba el personaje que hacía Charles show en su honor el 28 de noviembre de 1986 en Coburn en el film de 1943 The more the merrier, a quien Davenport (Iowa)–, una de las enfermeras encargadas de le había valido el Oscar de actor de reparto–, le hizo vestirlo vio en los gemelos de su camisa un monograma considerar el futuro de su carrera y se retiró de la muy pequeño donde podía leerse claramente: Archie. pantalla. La técnica de Grant, personal y completamente invisible, hace A pesar de haber sido un actor de gran popularidad y que sus interpretaciones pueden ser tomadas como modelos reconocimiento internacional, su vida privada no fue del género, aunque estudiándolas al detalle no pueda lo feliz que hubiese deseado. A los nueve años, al explicarse esa electricidad que lo hizo excepcional en la regresar a casa de la escuela, se encuentra con la noticia pantalla. El hecho de que haya logrado mantener su encanto, de que su madre ha muerto: veinte años después, constantemente renovado sin cansar jamás, revela la medida descubre que la notificación que era falsa, y que su del talento y la habilidad profesional de Cary Grant, madre se encontraba recluida en un sanatorio para paradigma de sucesivas generaciones de actores. enfermos mentales. Aunque sobrellevó el hecho lo más discretamente posible, quedó marcado para siempre. Además, acumuló cinco matrimonios, y no obstante mantener a la prensa sensacionalista a raya, no pudo evitar que su tumultuosa relación con Sophia Loren – iniciada durante el rodaje de El orgullo y la pasión (The pride and the passion, Stanley Kramer)– y su escandalosa separación de Dyan Cannon vieran la luz. A pesar de su buen prestigio en la industria del cine, y de ser el actor preferido de prestigiosos realizadores como Alfred Hitchcock –quien lo dirigió cuatro veces–, Howard Hawks, Stanley Donen y George Stevens, entre otros, en algunos momentos su vida privada se vio complicada por el alcoholismo y las drogas. Cuando terminó su última película, la número setenta y dos de su carrera, Grant se encerró del mismo modo que Tuyo es mi corazón Gloria Swanson en El ocaso de una vida (Sunset Boulevard, Billy Wilder) y decidió no participar en ningún programa

ROSTROS DEL PASADO 61 ECOS 1932. Esta es la noche (This is the night, Frank Tuttle); Pecadores sin 1945. Noche y día (Night and day, Michael Curtiz) careta (Sinners in the Sun, Alexander Hall); Entre la espada y la 1946. Tuyo es mi corazón (Notorious, Alfred Hitchcock); Pasaje de pared (The devil and the deep, Marion Gering); Sábado de juerga amor (Without reservation, Mervyn LeRoy) (Hot Saturday, William A. Seiter); En mala compañía (Merrily we 1947. El hombre de sus sueños (The bachelor and the bobby-soxer, go to hell, Dorothy Azner) Irving Reis) 1933. Madame Butterfly (Marion Gering); La Venus rubia (Blonde Venus, 1948. Un enviado del cielo (The bishop´s wife, Henry Koster); En busca Joseph von Sternberg); Nacida para pecar (She done him wrong, de marido (Every girl should be married, Don Hartman) Lowell Sherman); Alicia en el país de las maravillas (Alice in 1949. Hogar, dulce hogar (Mr. Blandings builds his dream house, H. C. wonderland, Norman Z. McLeod); El águila y el halcón (The eagle Potter); La novia era él (I was a male war bride, Howard Hawks) and the hawk, Stuart Walker); La mujer acusada (Woman acussed, 1950. Crisis (Crisis, Richard Brooks) Paul Sloane); Casino del mar (Gambling Ship, Louis Gasnier); No 1951. Lo llaman pecado (People will talk, Joseph L. Mankiewicz) soy un ángel (I´m no angel, Wesley Ruggles) 1952. Vigor embotellado / Vitaminas para el amor (Monkey bussiness, 1934. Princesa por un mes (Thirty days princess, Marion Gering); Su Howard Hawks); Uno más no importa (Room for one more / The sino era pecar (Born to be bad, Gregory LaCava); El templo de easy way, Norman Taurog) las hermosas (Kiss and make up, Frank Tuttle); Un soltero en 1953. La mujer que yo soñé (Dream wife, Sidney Sheldon) París (Ladies Should Listen, Frank Tuttle); Entre, señora (Enter, 1955. Para atrapar al ladrón (To catch a thief Alfred Hitchcock) madame, Elliot Nugent) 1957. El orgullo y la pasión (The pride and the passion, Stanley Kramer); 1935. Alas en la noche (Wings in the dark, James Flood); La última Algo para recordar (An affair to remember, Leo McCarey); El beso avanzada (The last outpost, Charles T. Barton, Louis Gasnier); La del adiós (Kiss them for me, Stanley Donen) marimacho (Sylvia Scarlett, George Cukor ) 1958. Indiscreta (Indiscreet, Stanley Donen); Te veré en mis brazos 1936. Unos ojos morenos (Big brown eyes, Raoul Walsh); La espía (Houseboat, Melville Shavelson) internacional (Susy, George Fitzmaurice); Regalo de boda (Wedding 1959. Intriga internacional (North by Northwest, Alfred Hitchcock); present, Richard Wallace); Romance y riqueza (Amazing adventure, Operación faldas (Operation Petticoat, Blake Edwards) Alfred Ziesler) 1960. Fruto del pecado ajeno (The grass is greener, Stanley Donen) 1937. Preludio de amor (When you´re in love, Robert Riskin); The 1962. Suave como el visón (That touch of mink, Delbert Mann) toast of New York (Rowland V. Lee); La pícara puritana (The 1963. Charada (Charade, Stanley Donen) Awful Truth, Leo McCarey); Una pareja invisible / El Fantasma 1964. Operación Whiskey (Father Goose, Ralph Nelson) BohemioFILMOGRAFIA (Topper, Norman Z. McLeod) 1966. Apartamento para tres (Walk don´t run, Charles Walters) 1938. La fiera de mi niña (Bringing up Baby, Howard Hawks); Vivir (*) Realizada en 1941, pero no estrenada hasta 1944 para gozar (Holiday, George Cukor) 1939. Gunga Din (George Stevens); Sólo los ángeles tienen alas (Only angels have wings, Howard Hawks); Engaño nupcial / Dos Mujeres y un amor (In name only, John Cronwell) 1940. Mi esposa favorita (My favorite wife, Garson Kanin); Pasión de libertad (The tree of liberty, George Sidney); Batalla de gigantes (The Howards of Virginia, Frank Lloyd); Ayuno de amor (His girl Friday, Howard Hawks); Pecadora equivocada (The Philadelphia story, George Cukor) 1941. La canción del recuerdo (Penny serenade, George Stevens); Sospecha (Suspicion, Alfred Hitchcock) 1942. Tres contra todos (The talk of the town, George Stevens); El eterno pretendiente (Once upon a honeymoon, Leo McCarey) 1943. Rumbo a Tokio (Destination Tokyo, Delmer Daves); Don afortunado (Mr. Lucky, H.C. Potter) 1944. La oruga de la fortuna (Once upon a time, Alexander Hall); Un desolado corazón (None but the lonely Heart, Clifford Odets); Arsénico para los viejos* (Arsenic and old lace, Frank Capra)

Vigor embotellado ECOS 62 ROSTROS DEL PASADO ¡Olvídate de mí! Eternal sunshine of the spotless mind – ¡Olvídate de mí! EE.UU., Ficción, 2004, c-107’, D: Michel Gondry I: Jim Carrey, Kate Winslet, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood

Joel Barish es un joven soltero, más bien timorato, que se embarca en una aventura amorosa con la fantástica Clementine Kruczynsky. Pero he aquí que, de la noche a la mañana, ésta comienza a comportarse como si no lo reconociera. Luego sabe que la joven ha apelado a un especialista en lavado de cerebro para que borre de su mente todo recuerdo de su relación con Joel. Con el corazón destrozado, éste decide someterse al mismo procedimiento. Mientras los dos asistentes del profesor proceden a la delicada intervención, diversos incidentes vienen a perturbar su trabajo. Entretanto, sumido en un profundo sueño, Joel cuestiona su decisión y busca refugiarse con la muchacha en los oscuros rincones de su memoria. Charlie Kaufman, el guionista, es conocido por sus historias delirantes, que juegan a menudo la carta del absurdo en su tratamiento de las convenciones narrativas (Being John Malkovich, Adaptation). Aquí, se divierte deconstruyendo una historia de amor improb- able entre dos temperamentos opuestos. Saltando alegremente del sueño a la realidad, del pasado al presente o al futuro, y a menudo confundiéndolos –a veces en la misma secuencia–, la intriga invita al espectador a sumergirse en un laberinto mental salpicado de giros sorprendentes y guiños surrealistas. Dada la complejidad del relato, no se puede menos que elogiar el virtuosismo de realizador, quien ha sabido conferir al conjunto un ritmo sostenido y una verdadera coherencia estética. Jim Carrey, muy sobrio, y Kate Winslet, a ratos exaltada, en otros melancólica, forman una pareja original y atrayente. (Médiafilm, Canadá)

Una historia infiel

Japanese story – Una historia infiel Australia, Ficción, 2003, c-105’, D: Sue Brooks I: Gotaro Tsunashima, Toni Collette

Tachibana Hiromitsu, un joven ejecutivo japonés, llega a Australia para ver las ricas minas de hierro donde su padre posee acciones. La compañía encarga a Sandy, una geóloga experta en software, que le sirva de guía. Él cree que sólo es su chofer y le pide internarse en el enorme desierto de Pilbara, hasta que se quedan atascados en la arena. De cara a la soledad, ambos habrán de enfrentar aquello que personalmente los tiene atascados en su interior. Hiromitsu es el ejecutivo formal, impecable, lacónico, distante; Sandy es una joven sola e independiente, nerviosa, enérgica, contrariada. Él tiene enormes propiedades de minas, pero ¿qué le falta?, ¿qué es lo que aún no ha excavado y extraído del fondo? Sandy es experta en minerales y planos por computadora, pero ¿qué conoce del itinerario humano?; ¿cómo procesar algo que se le escapa y no acepta comprender? Japanese Story decepciona a los que solamente buscan una película de acción y aventura, pues se arriesga a contarnos el viaje interior y el encuentro de dos seres desconocidos y opuestos. Es una extraña película, con teléfonos que no comunican, palabras ininteligibles, silencios forzados, comidas que no pueden comerse, un álbum de recuerdos al que siempre falta algo que pegar…; que nos va haciendo transitar, mirar de otra manera, comprender las palabras que no entendíamos, encontrarnos con las necesidades propias y ajenas, soltar la rabia y la tristeza, tocar al otro. (Luis García Orso, SIGNIS México)

FICHERO 63 ECOS La terminal The terminal – La terminal EE.UU., Ficción, 2004, c-128’, D: Steven Spielberg I: Tom Hanks, Catherine Zeta-Jones, Stanley Tucci, Chi McBride, Diego Luna

La terminal, protagonizada por uno de los actores fetiche de Spielberg –Tom Hanks– cuenta la historia de Victor Navorski, un eslavo que, cuando va en avión de visita a Nueva York, se entera de que en su país ha tenido lugar un violento golpe de estado. Se queda bloqueado en el aeropuerto John F. Kennedy, con un pasaporte de un país que ya no existe y sin autorización para entrar en EE.UU. Por tanto, debe improvisar su existencia en la sala de tránsito del aeropuerto . Desde el punto de vista del género, la película es una comedia romántica, poco o nada novedosa, pero no banal. En primer lugar, porque el diseño del héroe responde a un modelo de «caballero» hoy casi inexistente: honrado, sacrificado, leal, religioso, trabajador, romántico…, aunque excesivamente torpe –y éste es uno de los lastres del filme; en segundo lugar, la película muestra una vertiente crítica con el «sistema» y su concepción del inmigrante, poniendo de manifiesto la inhumanidad de una sociedad cada vez más policial. Ambos elementos, el «blando» y el «duro», le dan a un cierto aire capriano que responde a una antropología positiva y de indudables raíces judeocristianas. Probablemente uno de los temas mejor tratados, incluso visualmente, es el de la soledad del hombre moderno. Al principio de la película, el personaje de Víctor se siente perdido en un mundo que habla otro idioma, en el que nadie le quiere atender, donde le maltratan: comprende –en un plano genial– que está terriblemente solo. (Juan Orellana, Pantalla 90)

Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera Bom, yeoreum, gaeul, gyeowool, geurigo, bom – Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera Corea del Sur, Ficción, 2003, c-103’, D: Kim Ki-Duk I: Oh Young-soo, Kim Jong-ho, Seo Jae-kyung, Kim Young-min Para quien siga el desarrollo del cine de Corea del Sur, el nombre de Kim ki-Duk es sinónimo de historias violentas, mundos de sadismo (La isla) o sórdidos inframundos de prostitutas, chulos y prisiones (Bad Guy). Éste es un filme completamente diferente, que comunica algunas de las creencias clave de esa religión a los profanos a través de las imágenes y el relato: meditación y oración, armonía con la naturaleza, reencarnación, pasión e indiferencia, arrepentimiento y retribución, redención y paz. Se ubica en un lago aislado, rodeado de montañas. En el borde están unas puertas decoradas que se abren al comienzo de cada estación. Éstas dejan ver una ermita flotante donde vive retirado el Viejo Monje, un sabio que instruye a sus discípulos o recibe a visitantes que quieren orar o sanarse. Con cada estación y sus espectaculares cambios en el paisaje, el segundo habitante del lugar crece, madura y fracasa. En la primavera es un niño que debe aprender a no ser cruel y destructivo con la naturaleza. Al llegar el verano es un adolescente que despierta al amor y el sexo, y conocerá lo que es el deseo y la renuncia. En el otoño es un adulto en la treintena, que se arrepiente de sus violentos errores. Durante el invierno, a la edad madura, regresa a sus orígenes para hacerse sabio y redimirse. Si la audiencia se rinde a la belleza del lago, las montañas y la ermita, además de entretenimiento provechoso, accederá a una visión de la espiritualidad que ha sustentado a las culturas asiáticas durante siglos. (Peter Malone, Presidente de SIGNIS)

ECOS 64 FICHERO