Trabajo Práctico 4

Título: Creatividad e influencia social

Objetivos: A partir de las corrientes artísticas de la segunda postguerra mundial como el

Arte Pop y sus influencias de la cultura Hippie en el Happening y la Performance y el Arte

Conceptual realizar un escrito que incluya en su análisis lo siguiente:

Parte 1

Comparar las características del Arte Pop, la Psicodelia y el Kitsch y el Arte Conceptual en relación a la cultura y la sociedad en donde comenzó, explicando que trataban de representar estos estilos como emergente de la sociedad y mencionando al menos dos artistas de cada una de las corrientes.

Parte 2

Analizar que fue la “Factory” de Andy , explicando qué actividades se desarrollaban allí y cuál era el concepto de Performance y Happening y en qué se diferencian.

Parte 3

Desarrollar una imagen individual basada en el concepto del Kitsch explicando que trata de simbolizar. Crear una imagen psicodélica usando cualquier medio que impacte ópticamente en el observador.

Parte 4

Escribir una acción performática grupal basada en un emergente de la sociedad actual y luego producirla y registrarla en secuencia fotográfica o de video de al menos un minuto de duración. Elaborar una conclusión que explique la acción performática.

Se debe incluir bibliografía (ver normas APA) y elaborar un powerpoint para su presentación en clase.

Normas de Presentación: Hojas tamaño A4, numeradas, tipografía Arial, cuerpo 11, interlineado doble, con su correspondiente carátula según las normas de la Facultad. El escrito debe incluir la carátula UP, consigna, desarrollo en .doc , en .ppt y en .pdf y el archivo de video en .avi ( buena calidad) y las imágenes usadas en .jpeg. Traer impreso el día de clase para ser firmado y enviarlo por mail a [email protected] en .pdf y .word con antelación.

Fecha de entrega : Clase 9

PARTE 1

Arte Pop El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y

Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. En una primera instancia, en Inglaterra, en el año 1952, comenzaron a surgir diversas discusiones en torno al impacto que la tecnología moderna y los medios de comunicación de masas estaban teniendo en la sociedad. Pero la primera obra de arte de este movimiento, surge recién en el año 1956. Obra creada por Richard

Hamilton, titulada, “¿Qué es lo que hace los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”. Por otra parte, este movimiento surge en Estados Unidos recién en el año

1961, y se establece con más fuerza que en ningún otro lugar.

Movimiento artístico del siglo XX, caracterizado por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comics, objetos culturales y del mundo del cine. El arte pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la cultura existente de aquel momento, en el arte elitista, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. El concepto del

Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.

En su elaboración encontramos todo tipo de materiales, desde diferentes clases de pinturas como las ceras o el óleo, hasta otros elementos como las fotografías, por ejemplo. Es muy común la utilización de técnicas como la yuxtaposición, el collage o el foto-montaje.

Uno de los artistas pop más conocidos internacionalmente fue . Sus obras, hoy en día siguen siendo iconos de aquella época; de una sociedad la cual venía victoriosa de la segunda guerra mundial, esto originó una nueva cultura, en definitiva, la corriente del Pop

Art. Son famosas sus latas de sopa Campbell y los retratos de Monroe y Elvis

Presley. Warhol basaba sus creaciones en variaciones fotográficas de un mismo tema, el centro de su obra, y entre sus técnicas destaca la impresión de estas fotografías directamente sobre su soporte de trabajo.

Shot Marilyns. (1964) Andy Warhol Crying Girl (1963) Roy Lichtenstein

Arte Psicodélico

El arte psicodélico, también conocido con el nombre de arte lisérgico, tuvo su mayor auge en los años 60 como consecuencia de la ola hippie y su contracultura, cuya época marcó toda una nueva etapa y forma de vida. Este movimiento tuvo lugar en la década de 1960, denominado “contracultura” (valores, tendencias y formas sociales opuestos a los establecidos en una sociedad), término acuñado por un historiador norteamericano llamado

Theodore Roszak en su libro de 1968 “El nacimiento de una contracultura”.

El arte psicodélico es aquel que imita, a través de imágenes y/o sonidos, las sensaciones que se experimentan al hacer uso de alucinógenos. Durante este movimiento, se intenta reflejar los estados alterados de la conciencia, es decir, proyectar el mundo interior de la psiquis. Usualmente esto se lograba por el uso de substancias psicodélicas. Así pues, habría que tomar en cuenta el uso de sustancias psicodélicas, como hongos alucinógenos, peyote o ayahuasca, por parte de múltiples culturas alrededor del mundo.

En 1957 fue cuando el psiquiatra Humphry Osmond acuñó el término “psicodelia” refiriéndose a la manifestación de la mente o el alma. A partir de finales del siglo XX, varios artistas han encontrado en las drogas psicotrópicas, como el LSD o la mescalina, su mejor herramienta de trabajo, considerando a éstas como meras sustancias químicas o naturales con poderes de uso recreativos. La psicodelia alcanza su apogeo en la segunda mitad de los años sesenta y primera de los setenta gracias a The Beatles. Es uno de los componentes más notorios de la

“Contracultura”.

Un artista muy representativo del movimiento fue Alex Grey.

Él nació en Columbus, Ohio; debido a la influencia de sus padres decidió hacer sus estudios en el Columbus Collage of Art and Design, donde, en 1957, conoció a su esposa Allyson

Rymland Grey, con quien se convirtió de ser un existencialista agnóstico a un trascendentalista radical. El interés del artista por la anatomía del cuerpo humano lo llevó a estudiar más de 10 años en la Universidad de Nueva York. La principal idea de Grey consiste en plasmar en una obra el equilibrio que todo hombre debe alcanzar para poder llegar a una perfecta contemplación, una mediación entre el cuerpo, la mente, y el espíritu.

Otro fue Michael Garfield, el joven artista visual considerado el Indiana Jones del arte en vivo, es uno de los pintores más destacados del arte psicodélico. En su trabajo se pueden ver reflejadas las experiencias por las que ha pasado; el artista visual, además de haber vivido en ciertas comunidades artísticas de Estados Unidos, también ha participado en varios festivales de arte como Wakarusa, Electric Forest, Sonic Bloom, Rothbury, Rootwire,

Trinumeral, Bear Creek, Motion Notion, Global Sound Conference y Geoparadise. El mismo artista ha descrito su trabajo como ilustraciones que tratan de mostrar el campo energético que la música contiene.

Pablo César Amaringo Shuña (1938-2009) Rick Griffin (1944-1991)

Arte Kitsch

La palabra kitsch se origina del término alemán yidis etwas verkitschen. Define al arte que es considerado como una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza el término kitsch en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto.

Lo kitsch es una imitación estilística de formas de un pasado histórico prestigioso o de formas y productos característicos de la alta cultura moderna, ya socialmente aceptados y estéticamente consumidos. La palabra se popularizó en los años 1930 por los teóricos

Clement Greenberg, Hermann Broch, y Theodor Adorno, que intentaban definir lo avant- garde y el kitsch como opuestos.

Cuando la vanguardia crea una obra artística pone en evidencia los procedimientos que conducen a ella, y los elige como objetivo de su propio discurso, mientras que lo kitsch pone en evidencia las reacciones que la obra ha de provocar, y elige como objetivo de su propia operación la reacción emotiva del consumidor, lo que convierte a una obra de arte en kitsch, es la ética. Es decir, que, durante este movimiento, no se buscaba lograr un buen trabajo sino uno que sea bello.

Un referente muy importante del movimiento fue Jack Estenssoro.

El trabajo de Estenssoro es una fusión entre el pop art y el arte abstracto. Se trata de una ridiculización a la alta cultura, proclamando la estética de lo feo. El Kitsch en su máxima expresión a través de una sencilla pero directa analogía: "La Piedad" de Miguel Ángel se esboza sobre dos de los arcos dorados que forman parte del logotipo de McDonald's, una compañía icónica en lo que se refiere al consumo y la explotación. En el arte kitsch ocurre algo similar, se imita la "alta cultura" para obtener sus efectos inmediatos.

Otro fue Jesús de Helguera, el pintor mexicano influido por el nacionalismo posrevolucionario y el discurso oficial, adquirió un estilo propio que se inmortalizó en calendarios, panfletos y se convirtió en parte de la iconografía popular mexicana. De la misma forma que en "La Leyenda de los Volcanes", Helguera plasmó en su obra un sentir patriótico idealizado, con escenas que enaltecen el fervor nacionalista, como el charro y la china poblana, la cultura azteca y distintos pasajes de la historia e identidad mexicana en un tono exagerado.

“Michael Jackson and Bubbles” (1988) Jeff Koons “Les Cosmonautes”. (1991) Pierre et Gilles

Arte Conceptual El arte conceptual se desarrolló a finales de la década de los sesenta e inicios de los ochenta del siglo XX.

La idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas.

Los orígenes se encuentran en la obra de Marcel Duchamp, artista de origen francés que ya afirmaba que el concepto era más importante que el objeto artístico.

Él exhibe su Fuente, un mero mingitorio de porcelana común en el Salón de Artistas

Independientes, como una manera de cuestionar la naturaleza del arte, dejando claro que cualquier cosa, con una buena idea como soporte, podía ser arte.

Uno de los artistas y ejemplos más temprano referente al arte conceptual es la obra de “Una y tres sillas” de Joseph Kosuth que creó en 1965 y consistía en una silla plegable de madera, a un lado, una fotografía de esa misma silla y al otro lado una ampliación fotográfica de la definición de la palabra silla sacada del diccionario.

La temática es de lo más variada que te puedas encontrar y con ella lo que se pretende es cuestionar, atestiguar, criticar, explorar, denunciar una realidad en base a nuestro entorno político, económico o social, llevar a cabo una reflexión en base a las vivencias o pensamiento del artista, es decir, lo que nos quiere decir tras la observación de una obra.

Robert Rauschenberg fue un pintor y artista estadounidense que alcanzó la fama a partir de los años 50 con el Pop art, siendo uno de los principales representantes en su país, pero también con el arte conceptual.

“ La Fuente” (1917). Marcel Duchamp “Una y Tres Sillas” (1965). Joseph Kosuth

PARTE 2

The Factory

The Factory es el nombre que recibió el espacio de Andy Warhol en el que realizó la mayoría de sus obras. Desde la fecha de su fallecimiento, este estudio ha adquirido el adjetivo de lugar mítico, ya no solo para sus seguidores, sino para todo tipo de artistas. A lo largo y ancho del mundo proliferan imitaciones de este espacio de trabajo llamado The

Factory.

The Factory estaba situado en la quinta planta del número 231 de la calle 47 Este en

Midtown, Manhattan, Nueva York, aunque más tarde fue trasladado a la sexta planta del número 33 de Union Square Oeste. The Factory fue conocido, además de por atesorar la mente creativa de Andy Warhol, por las grandes fiestas llenas de celebridades. Estas fiestas fueron el germen perfecto que propició el acercamiento a su figura de bohemios excéntricos. De esta forma, nace un grupo de personajes pertenecientes al grupo llamado

Warhol Superstars.

En la mentalidad del momento existía una gran permisividad en el concepto de lo que se considera arte o no, por lo que casi cualquier propuesta tenía cabida en el espectro de la cultura en este momento.

The Factory se convirtió, gracias a esta libertad artística, en el sitio perfecto para llevar a cabo las inquietudes de los artistas de la época. En palabras de John Cale, miembro de la banda de música Velvet Underground (banda co-creada y promocionada por Warhol) The

Factory era lo siguiente:

“No se llamaba The Factory gratuitamente, allí era donde se producían en cadena las serigrafías de Warhol. Mientras alguien estaba haciendo una serigrafía, otra persona estaba rodando una película. Cada día ocurría algo nuevo.”

La popularidad de Warhol creció con gran rapidez en el mundo, llevando todas sus ilustraciones y el desarrollo del pop art a lo más alto.

“The Factory” Andy Warhol

Performance

La historia del arte performático empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de

Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.

La performance -en inglés performance quiere decir actuación/ejecución- es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en la que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un papel principal. La performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística. Éste término se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo y que reúne varios medios de expresión: teatro, danza, fotos, poesía o música. Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events (de las artes visuales) y al body art, donde se toma al cuerpo del ser humano como soporte para la creación de obras o como vehículo de expresión. La performance suele ser un acto organizado en el que no intervienen los espectadores, mientras que el happening es un evento improvisado que exige la participación del público.

El término performance comenzó a ser utilizado especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta, con artistas como Carolee

Schneemann, Marta Minujín, Marina Abramovic y Gilbert & George entre otros.

Carolee Schneemann es una artista de performance estadounidense. Es conocida especialmente por sus discursos sobre la sexualidad, el cuerpo y de género. Una de sus obras más reconocidas es “Interior Scroll” (1975), interpretada sobre un escenario por ella misma, completamente desnuda y cubierta de barro. Además, adoptaba poses de modelos de dibujo al mismo tiempo que extraía de su vagina un rollo de papel con textos feministas:

“Interior Scroll” (1975). Carolee Schneemann

Marina Abramovic, artista serbia del performance que empezó su carrera a comienzos de los años 1970. El trabajo de Abramovic explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo y las posibilidades de la mente.

Una de sus obras más importantes fue “Balkan Baroque” en 1997. La obra consistió en

2.700 kilogramos de huesos de vaca -que ella misma lavó durante días ante el público, ofreciendo a los visitantes un aroma de putrefacción- confrontados a retratos de sus padres.

Era una denuncia del horror de la guerra de los Balcanes.

“Balkan Baroque” (1997). Marina Abramovic

Happening

El Happening es una manifestación colectiva que requiere la participación activa del público y en la que el proceso tiene mayor importancia que el resultado final. Tiene su origen en la década de 1950 y se considera una manifestación artística multidisciplinaria.

Los artistas que utilizan este método muestran un claro rechazo a la manera tradicional de la creación de la obra de arte. El happening es un cuadro vivo en proceso de creación, admite todo, lo visual, la música, el teatro, hasta incluso, los olores como forma de expresión. Los artistas, al realizar un happening, rompían con lo establecido, con lo estático del teatro tradicional, de ahí que fuera difícil su representación en teatros o galerías de arte.

De hecho, algunos de los primeros happenings se realizaban en distintos puntos de una misma ciudad. No obstante, algunos de los primeros happenings se representaron en importantes galerías de arte, como la Reben Gallery de la ciudad de Nueva York.

El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público y no que, necesariamente queden registros de aquello. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como sorpresa o irrupción en la cotidianeidad.

La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los

"espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunick, fotógrafo estadounidense de origen judío cuya especialidad es fotografiar masas de personas desnudas en disposición artística en los cuales se convocan a masas de gente desnuda.

Fotografía en Bogotá (2016). Spencer Tunick

PARTE 3

Collage Kitsch

Natalia Muraco

En esta imagen Kitsch se simboliza y refleja una crítica a los estándares de “belleza”. La belleza está asociada a la hermosura. Se trata de una apreciación subjetiva: lo que es bello para una persona, puede no serlo para otra. Sin embargo, se conoce como canon de belleza a ciertas características que la sociedad en general considera como atractivas, deseables y bonitas. En la actualidad, la sociedad y los medios de comunicación de masa, a quienes se les ha otorgado el papel de transmisores de valores y modelos de conducta, se han encargado de darle un sentido vanidoso y de valoración exagerada a la belleza física y a las formas corporales, y han generado que ésta sea un valor social agregado, dejando a un lado las características inherentes a la personalidad. Han convertido al hombre y a la mujer en objeto de provecho comercial y practicantes de un consumo cultural, que los ha llevado a adoptar comportamiento en el cual hay una exacerbada preocupación por cuidar, nutrir y mantener la forma física de sus cuerpos lo que se conoce como "Culto al Cuerpo".

A partir de estas imágenes “feas” que conforman el collage, que representan más bien rostros, personas, objetos o animales “feos”, raros y deformes, es que se critica este comportamiento de la actualidad.

Sofía Rodríguez

En el siguiente collage se intenta mostrar una crítica hacia la sociedad actual, más específicamente, demostrando las cosas que la sociedad fomentó y seguirá fomentando, para llegar finalmente a una sociedad vacía de conocimientos básicos esenciales, donde simplemente nos veremos atraídos hacia las cosas carentes de sentido como ser, ¿Qué estará haciendo ahora la familia Kardashian?

Sofía Briff

Me base en lo “correcto” según el estándar de belleza occidental, y lo mezcle con imágenes

“no estéticas” para este modelo. Quise representar que lo que te venden con la excusa de que te hará feliz, a la larga no es así, y que detrás de todo esto se esconde un mundo lleno de envidias, competición e infelicidad por no conseguir estar conforme con lo que ya se tiene y siempre querer más. Siguiendo este concepto de “tendrás esto y estarás bien” nunca se consigue la felicidad, y no vemos todos los daños colaterales que se esconden detrás.

Sol Viña

Mi collage fue realizado como crítica a los estándares de belleza preestablecidos que son impuestos a las mujeres desde pequeñas a través de la televisión, las publicidades y las revistas. Mi trabajo busca ridiculizar estos patrones para que el receptor se cuestione si es realmente lo superficial es algo propio o para el consumo de otros. ¿Debemos vernos como quieren que nos veamos? la respuesta es no.

Tomas Kenny

Vivimos en un mundo en donde los ricos son los que tienen más poder. Dominan a la sociedad, construyen el futuro y destruyen el pasado. La gente de bajos recursos, agacha la cabeza frente y se ve manejada por los motores económicos. ¿Cómo lograr la igualdad en un mundo donde predomina la destrucción?.

Camila Fernandez

Este collage Kitsch simboliza la evolución de los hábitos de consumo, es decir, como ha sido la evolución del consumidor con el avance de los años y la tecnología, pasando de lo salvaje a lo “civilizado”.

Imagen Psicodélica

Imágenes de referencia:

Lo que nos inspiró a utilizar estas imágenes para la realización de la imagen psicodélica es la “Burning Man” un evento anual que se produce en el oeste de Estados Unidos en Black

Rock City. Se describe como un experimento en comunidad y arte, influenciado por diez principios principales: inclusión "radical", autosuficiencia y expresión personal, así como cooperación comunitaria, responsabilidad cívica, donaciones, desclasificación, participación, inmediatez, y sin dejar rastro. El evento toma su nombre de su culminación, el ritual simbólico de quema de una gran efigie de madera ("el Hombre") que tradicionalmente ocurre el sábado por la noche del evento. La participación es un precepto clave para la comunidad: se promueve y refuerza activamente la entrega desinteresada de los talentos

únicos de uno para el disfrute de todos. Algunos de estos generosos flujos de creatividad pueden incluir escultura experimental e interactiva, construcción, performance y arte, entre otros medios. Estas contribuciones están inspiradas en el tema anual, que es elegido por los organizadores.

En el festival no se aceptan comercios ni marcas y se promueve la desmercantilización y el aprovechamiento de la energía colectiva de los asistentes. En la Burning Man se presentan piezas luminosas, interactivas y psicodélicas en la ciudad-desierto de numerosos artistas, y muchos otros artistas que crean arte por amor al arte, incluyendo los muchos Art , vehículos desde carros de golf a autobuses disfrazados de dragones, barcos piratas, discotecas gigantes o retretes luminosos.

El espíritu del evento se fundamenta en diez principios que resumen el concepto de The

Burning Man y lo que sus fundadores pretendieron en un principio con su celebración:

1. Inclusión radical: todo el mundo es bienvenido, sólo se necesita la entrada

y, recomendablemente, seguir las explicaciones de su manual de

supervivencia.

2. Regalar: “"Burning Man" encuentra su devoción en el acto de regalar”, se

espera que los participantes del festival subsistan a través de una “economía

del regalo”, ya sea mediante el regalo mutuo de objetos o el intercambio de

favores, aun sin esperar nada a cambio.

3. Desmercantilización: El evento busca crear un ambiente social fuera de

todo proceso comercial, publicitario o relacionados; el objetivo es protegerse de la cultura de explotación que, consideran, deriva de estas actividades. La

única transacción monetaria que se permite está relacionada con el

transporte al evento o la compra de hielo y bebidas no alcohólicas, cuyos

beneficios van a diferentes organizaciones sin ánimo de lucro.

4. Autosuficiencia radical: “Burning Man” induce al individuo a descubrir,

ejercitar y confiar en sus propios recursos internos”, de ahí que se prohíba

prácticamente todo el comercio y los participantes deban estar preparados y

llevar todo lo necesario para subsistir en un lugar tan potencialmente hostil y

remoto como el desierto.

5. Autoexpresión radical: se espera que los participantes respeten las

libertades propias y ajenas, y que se expresen libremente a través del arte y

otras formas, siendo la ropa opcional y el nudismo practicado comúnmente.

6. Esfuerzo comunal: se busca promover la producción y protección de una

comunidad y espacio común basados en valores de cooperación y

colaboración.

7. Responsabilidad cívica: se espera que los participantes actúen de acuerdo

a la ley local, federal y estatal, y que asuman responsabilidad por sus

acciones dentro del festival.

8. No dejar rastro: uno de los objetivos clave es conseguir no dejar ninguna

huella de que se haya producido evento alguno en la región; se busca

promover, por tanto, una atmósfera en la que los participantes tengan

cuidado de no dejar basura, o de recogerla en caso de encontrarla.

9. Participación: se busca que la gente participe y no se limite a observar, pues

desde la organización del evento dicen que son una comunidad con una

fuerte ética participativa.

10. Inmediatez: La inmediatez de la experiencia es la piedra angular de la cultura

del festival. Buscan superar las barreras que existen entre todos y que cada

uno pueda reconocerse a sí mismo y a la realidad que los rodea mediante la participación en la sociedad y el contacto con el mundo natural más allá del

poder humano.

Por lo tanto, a partir de una de las imágenes del evento, en donde se presenta un art-cars montado de dragón y una imagen de cientos de personas recogida de internet, fue que creamos la imagen psicodélica presentada con anterioridad.

PARTE 4

El emergente de la sociedad que detectamos es la contaminación ambiental. La contaminación es uno de los problemas ambientales más importantes que afectan a nuestro planeta y surge cuando se produce un desequilibrio, como resultado de la adición de cualquier sustancia al medio ambiente, en cantidad tal, que cause efectos adversos en el hombre, en los animales, vegetales o materiales expuestos a dosis que sobrepasen los niveles aceptables en la naturaleza.

En este caso, la vinculamos con la industria textil. La industria textil se ha caracterizado por ser una de las actividades más contaminantes, debido a los residuos que genera y los altos consumos de agua, energía y reactivos químicos. Es una de las industrias con mayor consumo de agua y las aguas residuales que se generan contienen un gran número de contaminantes de diferente naturaleza que, por su carácter tóxico pueden contaminar vías fluviales importantes. Estas peligrosas descargas, pueden afectar negativamente la salud humana, la fauna y el medio ambiente.

Conclusión de la acción performática

A partir del emergente de la sociedad detectado y la performance realizada, donde se observa un hombre el cual su vestimenta está elaborada a partir de bolsas, films, papel aluminio, diario, cartón y virulana, y que, poco a poco, los otros autores le van quitando uno a uno cada uno de estos materiales que produce la “vestimenta” hasta llegar a la que todos conocemos y vestimos. Lo que simboliza esta idea es la contaminación vinculada a la industria textil de la cual hablamos con anterioridad, representando y reflejando, a través de estos elementos que la conforman, lo que hay detrás de cada prenda que se fabrica y que nosotros vestimos y que realmente no vemos ni sabemos, es decir, su contaminante elaboración.

BIBLIOGRAFÍA

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