Station to Station Project, and How of the Need for a Different Template for Culture to Did It Come About? Exist In

OLAF BREUNING, smoke installation / Station to Rauch-Installation, New York, 2013. (PHOTO: YE RIN MOK) Station

DOUG AITKEN &f TIM GRIFFIN

TIM GRIFFIN: Let me start by asking, in nuts-and-bolts ect I’d like to do.” It was born out of a necessity-—-out terms: What is the Station to Station project, and how of the need for a different template for culture to did it come about? exist in. If you zoom out and look at different sectors DOUG AITKEN: Station to Station was a cultural Hap of culture—music, contemporary art, cinema, litera pening that moved by train from the Atlantic Ocean ture—they all often appear to be contained by the in to the Pacific coast over three weeks this past Sep frastructure around them; art, for example, is often tember—a nomadic platform for artistic experimen contained in commercial galleries and museums. tation that took people on a road trip through con Cultural forms often exist in isolation from each temporary creativity. A constantly changing group of other, but there’s such potential for them to rub up artists, musicians, and individuals took part in spon against each other, to create new kinds of friction. taneous encounters and live performances on the I also wanted to challenge the weight of place that train and at each stop along the journey. The train we find in culture, where exhibitions exist in certain stopped in major cities and off-the-grid locations for cities at specific locations and times. If the idea of a ten unique multi-hour Happenings. We wanted to static place was challenged and the project became make a living project—a new alternative model for nomadic, the relationship to viewers changes. So art the arts based on constant motion and flux. ists were empowered to make something that was not The idea came to me three or four years ago. It about being contained and anchored. wasn’t something where I thought, “Here’s this proj- TG: Is it accurate to say that, in place of a very specific institutional framework or “site” for art, within which OLAF BREUNING, smoke installation / Rauch-Installation, New York, 2013.

DOUG AITKEN, artist and initiator of Station to Station. works from some of these other spheres enter and (PHOTO: BRIAN DOYLE) TIM GRIFFIN, executive director and chief curator of the exit, you were more interested in activating a distri Kitchen, in New York. bution network here?

PARKETT 93 2013 6 7 DÀ: Yes, exactly. There were always two strata that journey. I think what was really extraordinary was the were happening simultaneously in Station to Station: amount of work that was physically generated during one that was physical and experiential and about the journey—not work made in advance and brought being there in person and another about allowing there, but things that were literally made while we anyone in the world to have access to these moments were out there in motion. through the project’s website. There were also nomadic sculptures that traveled Station to Station was like a nomadic studio. On with the Station to Station train, which were erected the train, Yoshimi—from the Japanese noise group at each stop. They were based on yurts, tents that the Boredoms—could step into this one car that was people can enter. Ernesto Neto created an incred a recording studio and make a sonic work for an ibly soft, perceptual sculpture. Kenneth Anger’s was hour while the train was speeding along the tracks. a glowing red environment with a pentagram seating Liz Glynn rode on the train for the entire three arrangem ent in fro n t of the three screens of LUCIFER weeks, creating an ongoing performance in which RISING. Liz’s changed at every stop—the architecture she mapped the universe. I created a light sculp of her structure changed as well as her performance ture out of the train’s exterior: At night, light was inside it. Urs Fischer created a sensual paradise with a choreographed across the nine cars of the train in white bed, mirrors, disco ball, and smoke. He wanted DOUG AITKEN, NOMADIC LIGHT SCULPTURE / DOUG AITKEN, NOMADIC LIGHT SCULPTURE / live synchronicity with the speed of the train or as this space to be used by anyone in any way . . . and it NOMADISCHE LICHTSKULPTUR, 2013. NOMADISCHE LICHTSKULPTUR, Oakland, 2013. pects of the landscape. Olafur Eliasson made a draw was, often sexually. Carsten Holler’s sculpture was a (PHOTO: ALAYNA VAN DERVORT) (PHOTO YE RIN MOK) ing machine that created kinetic drawings through game that people could climb through and around. the movement of the train in motion; the resulting TG: What were the events like, as a whole? drawings essentially mapped the three-thousand-mile DA: It was so diverse. There was almost a different frequency for each location; each Happening was very much a different chapter. The Chicago Happen you’re taking in that narrative. Then, when you stop ing, for instance, was really soulful, in this kind of somewhere, there’s this very physical, tactile encoun Inner Earth way. There was an enormous marching ter: It’s blazing hot in the desert, and your eyes are band from south Chicago that played Sun Ra’s com squinting, and you start talking to someone on the position Space Is the Place. Mavis Staples, who is in her corner who’s from the Navajo nation and has heard mid-seventies, sang. Theaster Gates’s Black Monks about this Happening thing and has come off the res of Mississippi performed. And then you had the no ervation to check it out. madic sculptures that people were crawling through We’re all so used to the fact that you go to an exhi and spending time inside, in a trance-like state. There bition and there is a series of works that are somehow was something warm and earthy, but also unpredict curated, and they’re often fixed. But during Station able about it. to Station, there was this sense of constant change With each changing location—and these were and movement, and that empowered new kinds of often locations that none of us had been to before— artworks and experiences to be created in the pres the creative language would change. So I think the ent. People tapped into this and really worked with it fundamental principle of a moving project, one that through the process of the journey. continuously changes environment and culture, TG: What were some especially successful examples? completely altered the creative temperature of the DA: Well, a really unusual one, which came from a project, in a way that I couldn’t have foreseen. direction I would have never guessed, was a project TG: So the location actually kept reasserting itself? by Stephen Shore. Stephen said, “I want to do a pho DA: Yes. The location was a continuously evolving tographic Happening. I want to see the map of where language. You’re looking out of the window of the you’re going to go.” And he looked at it, and he said, train, seeing the landscape framed like a cinema “Oh, you’re going to be in Winslow, Arizona. I want screen, and you’re seeing deserts or valleys or in to go there exactly twenty-four hours before the train dustrial areas almost projected onto the glass, and arrives, and I want to photograph for twenty-four

9 hours—-just shoot everything I see there and kind of thinking most specifically of your books, where you above it that were created by Lawrence Weiner. In ert, and I’m so glad we did because he’s since passed map it, like a photographic mapping.” use quotes from dozens of sources in order to put the distance, on the screen, people saw early abstract away. We filmed a young artist, Kate Casanova, who Stephen shot hundreds of photographs, which he forward a broad, even fragmented sense of a particu computer-animation films by the Whitney brothers lives in Minneapolis but has barely shown there. didn’t edit. And at the stop after Winslow, we staged lar subject. How would you say this mode arose in from the 1960s while the musician Beck played with 1 see the train metaphorically as a broadcast tower. a Happening at an abandoned drive-in movie theater your work? a gospel choir underneath. The project is about democratizing the experience in the desert. That night, we projected Stephen’s DA: It’s just curiosity; it’s very simple. I find myself in This was not a painting show. I think I can safely and sharing the content that came out of it and the new images on this drive-in movie screen. His photo terested and drawn toward new encounters, new con say that. At its best, Station to Station was able to em voices of the people that created things. The process graphs basically compressed time and space to create cepts, in search of something that might bring me power the viewer and the creator and create a syn of using the moving image as an integral part of Sta a sense of topography through a sequence of images a deeper understanding of what’s around us. Going ergetic and unpredictable dialogue—a dialogue that tion to Station allowed us to explode the experiences that are unique to the project and will possibly only back to a project like Broken Screen, for example, a came out of motion and nomadism and the vitality of into a series of fragments and to share them. ever be seen by whoever was there that night in Bar- book of twenty-six conversations with different artists, the moment. The whole project was like an exquisite TG: This distributive idea seems very futuristic, and stow, California, in the high desert. architects, filmmakers—that project was actually very corpse for the twenty-first century. The train’s wheels yet you are, after all, using a train, which is nearly TG: That’s funny as well, because Shore is kind of a tightly focused. It explored nonlinearity and broke on the tracks were like running spools of film. It was nostalgic at this point, at least in terms of the United travelogue photographer, historically speaking. the straight line of the creative process. I loved being like we were creating this living film. And the film States railway system. And so two temporalities co DA: You know, to my knowledge, there’s never been part of that project because it opened the door to was the journey itself, live and in the moment. exist, one durational—the cross-country tour—and a moving-image installation of his. I haven’t seen his learning about so many other individuals’ processes TG: And you were; you were filming the whole thing, the other fleeting, but arising only by virtue of the work embracing something that’s extremely tempo and viewpoints in a very immediate and direct way. which destabilizes all the coordinates for audiences duration. ral. So I know for Stephen, it was a really provocative TG: And yet the reader is still sitting, holding a book, in terms of where the work resides and what its rela DA: I think in some ways it’s a reflection of the condi project. creating very specific perspective lines for that sur tionship to location is. tion we live in. We live in a space of highways paved TG: So you mention that these events were all differ vey. How did Station to Station position the audi DA: I actually started filming six months before Sta with asphalt, which is a physical, manual process, yet ent, but to try to flip that over briefly, is there some ence, by contrast? My question is prompted in part tion to Station had even begun. We had already we send information at light speed on virtual high thing that you felt was held in common among them? by a conversation I recently had with David Rock created over a hundred short films, by going to the ways. I d id n ’t want to be afraid to em brace these I can understand in terms of regionalism how there well, the architect, and Nico Muhly, the composer, places that the train would pass through and saying, different levels simultaneously. There were physi would be a different tenor to the various events. On in which both said that they were most interested in “What the hell is there? What’s there that’s under cal things that moved and traveled with the project, the other hand, you’re dealing in something of a pop creating pieces where there was no specific spot for ground, that has less of a spotlight on it, that’s un and they complemented the things that were more medium, which is a shared language of a kind, even if the audience to be situated. Time-based works, even derdocumented or undocumented? And how can we dematerial, like the lines of digital information that it assumes a sort of old-dmey model, insofar as every conventionally theatrical works, become environ use Station to Station as a form of excavation?” We streamed off of the journey. body, every town, has had its fair, you know? mental—but not so much like installation art, where filmed a conversation with Paolo Soleri in the des TG: Often I think that your work is either about or DA: Well, pop is a little bit of a slippery term. I think you’re still in a space looking at something. Instead, the project in some ways framed things that were a you go into a space and don’t know precisely what bit more experimental within a seemingly pop frame you’re supposed to look at. Does this seem relevant work, but then it took the elements that were pop for your events in New York, Pittsburgh, and so on? and tried to give them a platform to become more Was the audience’s view contingent, because they experimental. never got to see every event unless they were actually Station to Station was not a tour of the same on the train, or was such mobility somehow reflected people or elements—there were very few artists and in each individual event? musicians who were there for the entire journey. DA: Station to Station had many elements, and it was So there were constantly different perspectives and constantly changing with each destination. Everyone interventions. For example, one of the site-specific could come away with a different experience. The works made for Arizona was three hundred cactus project was very open to different modes and means omelets served by Ed Ruscha. Ed wanted to make an of not just producing art but also experiencing art. artwork that could be eaten. For instance, in Barstow, you could walk through the TG: Many of your projects by this point have had Happening and find the tent installations; you could leagues of people involved, whose contributions see a UFO hovering in the desert sky—-a piece by art KENNETH ANGER, nomadic installation / often point in different directions even while you’re ist Peter Coffin; or you could look at this 1940s drive- Nomadische Installation, 2013. wanting specific relationships set among them. I’m in theater snack stand and discover flags hanging (PHOTO: YE RIN MOK)

10 11 Station to Station Happening, New York, 2013. DA: There’s certainly a legacy of projects that these was modem pop culture when Paik made this film (PHOTO: BRIAN DOYLE) works come out of—Dada, Situationism, or Fluxus. but now appears ancient, yet fascinating. But at the same time, I think the sense of continuous TG: And it was prescient, in its way. motion, continuous change was unique to Station to DA: Yes, and then it’s reframed here, and it be Station. comes accessible to someone who doesn’t know BLACK MIRROR was a very influential project for that dialogue. Information is liquid—we work in the me because it was one of the first nomadic pieces that liquid arts. I made. The concept was a portrait of the modern TG: I was thinking about a quote from BLACK MIR condition, centered on a woman who is locked in the ROR, and I wanted to ask you how this project sort of present and embraces continual change. I thought departs from or resonates with this line: “Exchange. this live performance should mirror the concept and Connect. Move on.” How does that relate here? also literally be in motion. So I staged it on a barge in DA: With Station to Station, you could go and be part Greece, in the Mediterranean Sea. The performance of this Happening unfolding at a specific train sta and the audience were all on this barge from dusk to tion or location for an evening. And then the train night, moving deeper into the sea. I noticed how the moved on to the next place with different people, movement of the barge and the changing landscape different performances, different energies. I look at changed the meaning of the performance. I never how many artists and musicians were involved, and would have expected this to be such an influence on how everyone took a piece of this and made it their the narrative. I like the idea that something else can own, turned it into their own language, whether it is seeking to operate in the language of contempo global, of even being at the very borders of communi become a component of an artwork, which you can was som ething perm anent and physical that was rary experience. So it’s worthwhile to consider your cation. For one of your earliest works, ERASER, from either choose to work with or not. BLACK MIRROR made or a fleeting moment in time. work not only in a democratic or popular vein—and 1998, you went to a remote island that was off-limits was enlightening, and it challenged me to push many I see this project as existing in a very different way it’s interesting to think of the popular aspect of Hap after a volcanic eruption, capturing what seemed to of the ideas in Station to Station further than I prob from a formal system where something is made in penings in an earlier historical moment—but also in be an image or after-image of ruined communication ably would have otherwise. the studio, curated, shipped, seen by the viewer, and a formal vein, as it pertains to the dislocations that devices and infrastructure. More recently, in 2011, TG: I guess it does have a different kind of register then sent back into storage. We created this project arise through technology, different kinds of media you made the work BLACK MIRROR, in which all these or an added physical register when it comes to your to experiment with an alternate template for how tion, and temporal dislocations that happen as things global systems seem to be running seamlessly—so reference to Fluxus, for example, which I like. And a the sectors within culture are framed. Do they always don’t necessarily have beginnings or endings. You much so that the individual subject seems swept away project like the global satellite TV programs that they have to be framed by a place or by institutions or are making a project that will end up migrating to in the currents, moving ceaselessly from city to city. would do on occasion, using new technology, but other commercial systems? Do they need the weight another platform and another in turn. Against that backdrop, how did you first get inter still sort of capitalizing on its ultimate remoteness. of being situated in one city or place? Or can these DA: This project is really a continuum. It isn’t some ested in Happenings, and how does Station to Sta There’s a connectivity, but the connectivity only ex concepts and creative acts exist in a lighter, less mate thing that happens in one month and then is gone. tion relate to those issues? ists by virtue of things existing at a distance, even so. rial way? An underlying question for me is, how can Station to Station is generating a language that can DA: It’s funny you say that because one of the films we embrace motion? be pulled down and accessed in myriads of formats. that we projected in Station to Station was Nam Jun I would love if in twenty years from now, someone Paik’s GLOBAL GROOVE. W hen you see that work were to look into what was created here and see these now, which was probably created thirty years ago, short films as relevant. They’re an encapsulation of it seems almost quaint, especially to someone who specific moments in time, something that’s being might know nothing about Paik or even contempo created now, a vision of the present. rary art, for that matter. And they’re looking at it, TG: From the very beginnings of your video-making, and there might be a moment where it references you’ve shown an interest in the nomadic and the television or TV Guide or something like that—which

LIZ GLYNN, MODEL UNIVERSE, Barstow Station, desert drive-in movie theatre, 2013 / MODELL UNIVERSUM, Barstow-Haltestelle, ERNESTO NETO, SOUL BREATHING /ATMENDE SEELE, 2013. Wüsten-Autokino. (PHOTO: ALAYNA VAN DERVORT) (PHOTO: YE RIN MOU)

12 13 PATTI SMITH, Minneapolis/St Paul, 2013. (PHOTO: ALAYNA VAN DERVORT) Von Küste zu Küste

DOUG AITKEN & TIM GRIFF IN

TIM GRIFFIN: Zunächst einm al die ganz banale Frage: ist ein Projekt, das ich gerne realisieren würde», Was ist das Station to Station Project und wie kam es sondern die Idee wurde aus einer Notwendigkeit he dazu? raus geboren, dem Bedürfnis nach einem anderen DOUG AITKEN: Station to Station war ein kulturel Existenzmuster für Kultur. Wenn man sich aus einer les Happening, das im vergangenen September über umfassenderen Perspektive verschiedene Sparten drei Wochen hinweg per Bahn vom Atlantik bis zur der Kultur - Musik, Gegenwartskunst, Film, Literatur Pazifikküste abrollte - eine nomadische Plattform für - anschaut, so erscheinen diese alle vielfach einge künstlerische Experimente, die die Leute mitnahm grenzt durch die sie umgebende Infrastruktur. Die auf einen Road Trip durch die heutige Kreativität. Kunst etwa ist oft beschränkt auf Galerien und Mu Eine ständig wechselnde Gruppe von Künstlern, Mu seen. Kulturelle Ausdrucksformen existieren in vie sikern und Personen beteiligte sich an spontanen len Fällen isoliert voneinander, dabei gibt es reich Begegnungen und Liveauftritten im Zug sowie an lich Möglichkeiten für sie, sich zu begegnen und jedem Haltepunkt der Reise; der Zug hielt in bedeu neuartige Reibungskräfte zu erzeugen. tenden Städten und an abgelegenen Orten für zehn Zudem wollte ich die Bedeutung des Ortes in Frage einzigartige mehrstündige Happenings. Wir wollten stellen, im Zuge derer Ausstellungen in bestimmten ein lebendiges Projekt schaffen - ein neues, anderes Städten an bestimmten Stätten und zu bestimmten Modell für die Künste auf der Grundlage von ständi Zeiten stattfinden. Wenn der Begriff eines stationä ger Bewegung, stetem Fluss. ren Ortes in Frage gestellt wird und das Projekt einen Die Idee dazu kam mir vor drei, vier Jahren. Es nomadischen Charakter erhält, so verändert sich das war aber nicht so, dass ich schlicht dachte: «Das hier Verhältnis zum Betrachter. Künstler sollten etwas schaffen, was nicht begrenzt und verankert war. DOUG AITKEN, Künstler und Initiator von Station to Sta TG: Trifft es die Sache, wenn man sagt, dass du an tion. / TIM GRIFFIN, Leiter und Kurator von The Kitchen stelle eines ganz spezifischen institutioneilen Rah

in New York. mens oder «Standortes» für Kunst - wo Werke aus DERVORT) VAN ALAYNA 2013. (PHOTO: Chicago, Happening, Station to Station

15 PARKETT 93 2013 14 DAN DEACON, final Station to Station ner-Earth-Art. Es gab eine riesige Marschkapelle aus zu unterhalten, einem Navajo, der von dieser Happe Happening, Oakland, 2013 / Letztes Sta Süd-Chicago, die Sun Ras Komposition Space Is the ning-Geschichte erfahren hat und aus dem Reservat tion to Station Happening. Place spielte. Es sang Mavis Staples, die Mitte siebzig gekommen ist, um sich das anzusehen. (PHOTO: ALAYNA VAN DERVORT) ist. Es gab einen Auftritt von Theaster Gates’ Black Wir alle sind derart daran gewöhnt, dass eine Aus Monks of Mississippi und die nomadischen Plastiken, stellung aus einer Reihe von irgendwie zusammenge durch die Leute durch und in denen sie in einem stellten Werken besteht. Bei Station to Station hinge tranceähnlichen Zustand verweilten. Es hatte etwas gen gab es dieses Gefühl des ständigen Wandels und Warmes und Erdhaftes, aber auch etwas Unbere Bewegens, und das machte es möglich, neuartige, in chenbares an sich. der Gegenwart entstehende Kunstwerke und Erfah Mit jedem neuen Ort - und es waren häufig Orte, rungen zu erzeugen. Die Leute machten sich das zu an denen keiner von uns vorher gewesen war - än nutze und arbeiteten im Verlauf der Reise wirklich derte sich die kreative Sprache. Ich bin also der Mei damit. nung, dass das Grundprinzip des sich bewegenden TG: Kannst du einige besonders gelungene Beispiele Projekts, das ständig die Umgebung und Kultur nennen? wechselt, die kreative Temperatur des Unterfangens DA: Nun, ein ganz ungewöhnliches und unerwartetes grundlegend verändert hat, und zwar auf eine Weise, Projekt kam von Stephen Shore. Stephen sagte: «Ich die nicht vorauszusehen war. möchte ein photographisches Happening schaffen. TG: Der Ort verschaffte sich also tatsächlich immer Ich werde mir deine Routenkarte anschauen, um zu der einen oder anderen der übrigen Sparten zeitwei der Reise konkret erzeugt wurden - nicht Werke, wieder Geltung. sehen, wohin du gehst.» Er sah sie sich an und sagte: lig auftreten - eher daran interessiert warst, ein Ver die vorher geschaffen wurden, sondern Sachen, die DA: Ja. Der Ort war eine sich ständig weiter entwi «Oh, du wirst in Winslow, Arizona, sein. Genau vier teilungsnetzwerk zu aktivieren? buchstäblich entstanden, während wir da draussen in ckelnde Sprache. Man schaut aus dem Fenster des undzwanzig Stunden, bevor der Zug eintrifft, werde DA: Ja, genau. Es gab stets zwei Schichten, die in Sta Bewegung waren. Zuges, sieht die Landschaft eingerahmt wie eine ich dort sein und vierundzwanzig Stunden lang Pho tion to Station gleichzeitig abliefen: eine, die kör- Es gab auch nomadische Plastiken, die im Station- Filmleinwand, sieht Ödland, Täler oder Industrie tos machen - einfach alles aufnehmen, was ich dort per- und erfahrungsbezogen war in dem Sinn, dass to-Station-Zug mitreisten und an jedem Haltepunkt gebiete wie auf das Glas projiziert, und man nimmt sehe, und es sozusagen kartieren, wie eine photogra man leibhaftig dabei war, und die andere, die darin aufgestellt wurden. Dabei handelte es sich um Jur diese Erzählung auf. Und wenn man dann irgendwo phische Kartierung.» bestand, durch die Webseite des Projekts jedermann ten nachempfundene Zelte, die die Leute betreten hält, gibt es diese ganz körperliche, taktile Begeg Stephen schoss Hunderte von Photos und liess Zugang zu jenen Momenten zu gewähren. konnten. Ernesto Neto schuf auf diese Weise eine nung: Es ist glühend heiss in der Wüste und du blin diese unbearbeitet. Und am nächsten Haltepunkt Station to Station war gleichsam ein nomadisches unglaublich weiche, wahrnehmungsbezogene Plas zelst und fängst an, dich mit jemandem an der Ecke nach Winslow inszenierten wir ein Happening in Studio. Im Zug konnte Yoshimi - Mitglied der japa tik. Das Zelt von Kenneth Anger war ein leuchtend nischen Noise-Band The Boredoms - in einen Wag rotes Environment mit in einem Pentagramm ange gon gehen, der ein Aufnahmestudio war, und eine ordneten Sitzgelegenheiten vor den drei Bildschir Stunde lang ein Klangwerk erzeugen, während der m en von LUCIFER RISING. Jenes von Liz änderte sich Zug über die Gleise raste. Liz Glynn verbrachte die bei jedem Halt - sowohl die Architektur ihres Zeltes gesamten drei Wochen im Zug und schuf eine Dau als auch ihre Performance. Urs Fischer gestaltete ein erperformance, im Zuge derer sie das Universum sinnliches Paradies mit einem weissen Bett, Spiegeln, kartographisch erfasste. Ich gestaltete eine Licht Diskokugel und Rauch. Diesen Raum sollte nach sei skulptur an der Aussenseite des Zuges: Bei Dunkel ner Vorstellung jeder nach Belieben benutzen ... und heit ergab sich synchron zur Geschwindigkeit oder das tat man auch, meist sexuell. Carsten Hollers Plas zu bestimmten Aspekten der Landschaft eine Licht tik war ein Spiel, durch das die Leute hindurch- und choreographie über die gesamte Länge der neun auf dem sie herumklettern konnten. Wagen. Olafur Eliasson schuf eine Zeichenmaschine, TG: Wie waren die Veranstaltungen insgesamt ge die durch die Bewegung des Zuges generierte kineti sehen? ELEANOR FRIEDBERGER & TIM KOH, sche Zeichnungen fertigte; die resultierenden Zeich DA: Die waren völlig unterschiedlich, als gäbe es für performance inside URS FISCHER’s untitled nungen kartierten im Wesentlichen die knapp 5000 jeden Ort eine andere Frequenz: Jedes Happening nomadic installation, 2013 / Performance in Kilometer lange Reise. Das wirklich Erstaunliche stellte ein eigenes Kapitel dar. Jenes in Chicago war URS FISCHERS nomadischer Installation. war für mich die Menge an Arbeiten, die während interessant, weil es richtig seelenvoll war in seiner In- (PHOTO: MARA MCKEVITT)17

16 17 einem verlassenen Autokino in der Wüste. An die einem Pop-Medium, das eine Art Universalsprache OLAFUR ELIASSON, CONNECTING CROSS sem Abend projizierten wir Stephens neue Bilder auf ist, selbst wenn es etwas altmodisch wirkt, weil jeder COUNTRY WITH A LINE, 2013 / DAS LAND die Autokino-Leinwand. Diese Situation war wirklich mann, jeder Ort Teil des Projekts war, verstehst du? DURCH EINE LINIE VERBINDEN. interessant, denn sie verdichtete Zeit und Raum, um In welcher Weise, würdest du sagen, hatten all diese (PHOTO: ALAYNA VAN DERVORT) anhand von Stephens Photos ein topographisches verschiedenen Veranstaltungen etwas gemeinsam? Empfinden zu vermitteln. Eine für das Projekt ein DA: N un, Pop ist ein etwas heikler Begriff. Ich bin zigartige Bilderfolge, die wahrscheinlich jenen Vor der Meinung, dass das Projekt in manchen Fällen behalten bleibt, die an diesem Abend in Barstow im den Rahmen bildete für Dinge, die in einem schein kalifornischen Wüstenhochland waren. bar populären Bezugsrahmen eher experimentellen TG: Das ist auch witzig, denn Shore ist, historisch ge Charakter hatten, und gleichzeitig aber Elemente sehen, eine Art Reisephotograph. einbrachte, die populär waren, und versuchte, die DA: Meines Wissens hat es noch nie eine Installation sen eine Plattform zu bieten, um in stärkerem Masse mit bewegten Bildern von ihm gegeben. Ich habe ihn experimentell zu werden. in seinem Werk nie etwas aufgreifen sehen, das eine Station to Station war nicht eine Tour, deren ausgesprochen zeitliche Dimension hatte; das Pro Teilnehmer oder Elemente gleich blieben: Es gab jekt war für Stephen eine richtige Herausforderung. nur ganz wenige Künstler und Musiker, die die ge TG: Du erwähntest, dass diese Veranstaltungen ganz samte Reise mitgemacht haben. Also gab es ständig- unterschiedlich waren, aber gab es bei dem Projekt andere Perspektiven und Interventionen. Eine der ortsspezifischen Arbeiten für Arizona, zum Beispiel, hält ein Buch in der Hand und schafft sich ganz be umgekehrt etwas die einzelnen Veranstaltungen in waren dreihundert Kaktusomelette, die Ed Ruscha stimmte Perspektiven auf dieses Wissen. Wie positio besonderem Masse Verbindendes? Der regionalisti- servierte. Ed wollte ein Kunstwerk machen, das ge nierte dagegen Station to Station das Publikum? Ein sche Gesichtspunkt und jeweils andere Grundtenor gessen werden konnte. Grund für meine Frage ist ein Gespräch, das ich vor TG: Deine bisherigen Projekte bezogen oft scharen Kurzem mit dem Architekten David Rockwell und tritt bei den verschiedenen Veranstaltungen ja deut CARSTEN HÖLLER, BALL AND FRISBEE HOUSE, 2013 / weise Leute ein, deren Beiträge vielfach in verschie dem Komponisten Nico Muhly führte und in dem lich hervor. Auf der anderen Seite agierst du mit BALL- UND FRISBEE-HAUS. (PHOTO: YE RIN MOK) dene Richtungen zeigten, auch wenn es dir darum beide sagten, sie seien vor allem daran interessiert, geht, Zusammenhänge zwischen ihnen herzustellen. Arbeiten zu schaffen, bei denen den Zuschauern Ich denke dabei insbesondere an deine Bücher, bei oder Zuhörern kein bestimmter Platz zugewiesen denen du Zitate aus Dutzenden von Quellen verwen wird. Denn zeitbezogene Arbeiten, ja sogar her dest, um ein breit gefasstes, ja fragmentiertes Bild kömmliche Bühnenwerke, sind umgebungsbedingt eines Themas vorzulegen. Wie hat sich diese Vorge - allerdings nicht so sehr im Sinne der Installations hensweise in deinem Werk ergeben? kunst, bei der man sich nach wie vor in einem Raum DA: Es ist Neugier, ganz einfach. Ich interessiere befindet und sich etwas ansieht. Vielmehr begibt mich für neue Begegnungen, neue Ideen und fühle man sich in einen Raum und weiss gar nicht genau, mich zu ihnen hingezogen auf der Suche nach etwas, was man sich ansehen soll. Hat dies eine Relevanz für was mir ein vertieftes Verständnis dessen verschafft, deine Veranstaltungen in New York, Pittsburgh und was um uns herum ist. Um auf ein Projekt wie Broken so weiter? War der Blick des Publikums bedingt, weil Screen zurückzukommen - ein Buch, das aus sechs es nie alle Veranstaltungen zu sehen bekam - es sei undzwanzig Gesprächen mit Künstlern, Architekten, denn, man war tatsächlich im Zug -, oder spiegelte Filmemachern besteht: Das war ein Projekt, das tat sich eine solche Mobilität irgendwie in jeder einzel sächlich äusserst dicht und konzentriert war. Es er nen Veranstaltung wider? kundete die Nichtlinearität und durchbrach die ge DA: Station to Station hatte zahlreiche Elemente, rade Linie des kreativen Vorgangs. Für mich war es und es änderte sich ständig mit jeder Destination. eine wunderbare Sache, an dem Projekt beteiligt zu Jedermann ging mit einer anderen Erfahrung nach sein, denn es öffnete die Tür, um auf ganz unmit Hause. Das Projekt war ganz offen für verschiedene telbare Art und Weise mehr über die Prozesse und Formen und Methoden der Kunstproduktion wie Sichtweisen so vieler anderer Personen zu erfahren. des Kunsterlebens. So konnte man in Barstow durch TG: Dennoch sitzt der Leser nach wie vor da und das Happening schreiten und zu den Zelten finden;

18 19 man sah ein UFO im Himmel über der Wüste schwe produziert haben, freizugeben. Die Verwendung von ben - eine Arbeit des Künstlers Peter Coffin - oder Film als integralem Bestandteil von Station to Sta man besuchte diesen Autokino-Imbissstand aus den tion erlaubte es uns, die Erlebnisse in eine Reihe von 40er-Jahren mit den darüber wehenden Flaggen, die Fragmenten aufzusplittern und freizugeben. von Lawrence Weiner gestaltet wurden. In der Ferne, TG: Diese Idee der Verteilung wirkt einerseits sehr auf der Leinwand, gab es frühe abstrakte Compu futuristisch, andererseits aber benutzt du einen Ei teranimationsfilme von den Whitney-Brüdern aus senbahnzug, was, zumindest hier in Amerika, gera den 60er-Jahren zu sehen, während unterhalb der dezu etwas Nostalgisches an sich hat. So existieren Leinwand der Musiker Beck mit einem Gospel-Chor also zwei Temporalitäten: eine der Dauer - die Reise Musik machte. durch das Land - und eine, die flüchtig, vergänglich Eine Gemäldeausstellung war dies nicht, das kann ist, sich aber nur aufgrund der Dauer ergibt. ich mit einiger Sicherheit sagen. Im gelungensten DA: Ich denke, es spiegelt die Bedingungen wider, Fall konnte Station to Station den Betrachter und unter denen wir leben. Wir leben in einem Raum der den Kunstschaffenden stärken und einen synergeti Autobahnen, die mit Asphalt befestigt sind, gleich schen und unberechenbaren Dialog schaffen, einen zeitig versenden wir Information mit Lichtgeschwin Dialog, der sich aus der Bewegung, dem Nomadis digkeit über virtuelle Highways. Ich wollte diese mus und der Vitalität des Augenblicks heraus ergab. verschiedenen Ebenen gleichzeitig nutzen. Es gab Das ganze Projekt war wie ein Cadavre Exquis für das materielle Sachen, die mit dem Projekt mitreisten, 21. Jahrhundert. Die Räder des Zuges glichen den und diese komplementierten die Dinge, die eher ent- Spulen eines laufenden Films. Es war, als schufen wir materialisiert waren, wie die digitalen Informations diesen lebendigen Film, und der Film war die Reise linien, die von der Reise ausströmten. selbst, live und im Augenblick. TG: Mir scheint, dass dein Werk sich darum dreht TG: Genau, ihr habt das ganze Projekt gefilmt, wo oder danach strebt, in der Sprache der heutigen Er durch aus Sicht des Publikums sämtliche Koordina fahrung zu agieren. Es lohnt sich daher, dein Werk ten im Sinne der genauen Ansiedlung der Arbeit nicht nur in seiner demokratischen oder populären und der Art ihrer Beziehung zum Ort destabilisiert Dimension zu betrachten - wobei es interessant ist, werden. an den populären, historischen Aspekt der Happe DA: Ich habe mit dem Filmen tatsächlich ein halbes nings zu denken -, sondern auch in seiner forma SAM FALLS, work installed at the Barstow Station to wandern scheint. Wodurch wurde, vor diesem Hin Jahr vor dem Start von Station to Station angefangen. len. Ich meine damit die technologiebedingten und Station Happening, 2013 / Installation für das Barstow Happening. tergrund, dein Interesse für Happenings geweckt Bis dahin hatten wir schon mehr als hundert Kurz zeitlichen Verrückungen, die sich durch verschie (PHOTO: YE RIN MOK) und wie verhält sich Station to Station dazu? filme gemacht. Diese entstanden, indem wir uns an dene Arten der Vermittlung ergeben, weil die Dinge DA: Es gibt sicherlich eine Tradition von Projek die Orte begaben, durch die der Zug fahren sollte, nicht unbedingt einen Anfang oder ein Ende haben. ten, aus der diese Arbeiten hervorgehen: Dada, der und uns fragten: «Was, verdammt nochmal, gibt es Du realisierst ein Projekt, das letztendlich von einer Situationismus oder auch Fluxus. Gleichzeitig aber dort? Was gibt es dort, das weniger im Rampenlicht Plattform zur nächsten wechseln wird. Nomadischen und Globalen, durch ein Bedürfnis, glaube ich, dass die ständige Bewegung, der ständi steht, der Underground, der zu wenig oder gar nicht DA: Dieses Projekt ist tatsächlich ein Kontinuum. Es an die äussersten Grenzen der Kommunikadon zu ge Wandel ein einzigartiger Aspekt von Station to dokumentiert ist? Und wie können wir Station to ist nicht etwas, was sich in einem Monat abspielt und gehen. Für eine deiner ersten Arbeiten, ERASER Station war. Station als eine Form der Ausgrabung nutzen?» Wir dann verschwindet. Station to Station generiert eine (Auslöscher, 1998), besuchtest du eine entlegene BLACK MIRROR war ein sehr wichtiges Projekt für filmten ein Gespräch mit Paolo Soleri in der Wüste, Sprache, auf die in unzähligen verschiedenen Forma Insel, die nach einem Vulkanausbruch gesperrt war, mich, weil es eine meiner ersten nomadischen Arbei und ich bin sehr glücklich darüber, denn er ist inzwi ten zugegriffen werden kann. Ich fände es grossartig, um offenbar ein Bild - oder Nachbild - zerstörter ten war. Das Konzept sah eine Darstellung moder schen verstorben. Wir filmten eine junge Künstlerin, wenn in zwanzigjahrenjemand nachforschen würde, Kommunikationsvorrichtungen und Infrastruktur ner Daseinsbedingungen vor, im Mittelpunkt steht Kate Casanova, die in Minneapolis lebt, dort aber was hier geschaffen wurde, und diese Kurzfilme für einzufangen. In jüngerer Zeit entstand deine Arbeit eine Frau, die in der Gegenwart eingeschlossen ist kaum ausgestellt hat. relevant hielte. Sie fassen bestimmte Zeitpunkte zu BLACK MIRROR (Schwarzer Spiegel, 2011), in der und den unablässigen Wandel begrüsst. Ich war der Ich verstehe den Zug metaphorisch als einen Sen sammen, etwas, was im Jetzt geschaffen wird, ein Bild all diese Systeme auf globaler Ebene reibungslos zu Ansicht, dass diese Liveaufführung das Konzept wi demast. Beim Projekt ging es darum, die Erfahrung der Gegenwart. funktionieren scheinen, so reibungslos sogar, dass derspiegeln und eben auch selbst buchstäblich in Be zu demokratisieren und den daraus hervorgegan TG: Seit den ersten Anfängen waren deine Video das einzelne Subjekt von den Strömungen mitgeris wegung sein sollte. Also inszenierte ich die Arbeit auf genen Inhalt, sowie die Stimmen derer, die Dinge arbeiten gekennzeichnet durch ein Interesse am sen zu werden und unablässig von Stadt zu Stadt zu einem Frachtkahn in Griechenland, im Mittelmeer.

20 21 Ju n Paiks GLOBAL GROOVE. Das war interessant, denn wenn man sich diese Arbeit, die wohl vor dreis- sig Jahren entstanden ist, heute ansieht, wirkt sie ku rios veraltet, besonders für den, der von Paik oder auch von der neueren Kunst keine Ahnung hat. Der Film bezieht sich auf das Fernsehen und die Fern sehzeitschrift TV Guide, was zum Zeitpunkt, als Paik diesen Film machte, moderne Popkultur war, heute aber altertümlich und dennoch faszinierend wirkt. TG: Die Arbeit war auf ihre Weise vorausschauend. DA: Ja, und dann wird sie hier in einen neuen Zu sammenhang gestellt und auch denen zugänglich ge macht, die von diesem Dialog keine Ahnung haben. Information ist flüssig: Wir sind in den flüssigen Künsten tätig. PETER COFFIN, UFO, Barstow Station to Station Happening, 2013. TG: Ich hatte ein Zitat aus BLACK MIRROR im Sinn (PHOTO: ALAYNA VAN DERVORT) und möchte dich fragen, wie sich dieses Projekt zu den Worten «Exchange. Connect. Move on.» verhält: Inwieweit weicht es davon ab, inwieweit ist es damit im Einklang? DA: Bei Station to Station konnte man hingehen und Die Aufführung und die Zuschauer befanden sich an einem Happening teilnehmen, das sich einen alle von der Dämmerung bis in die Nacht auf diesem Abend lang an einem bestimmten Ort abspielte. Schiff und bewegten sich immer weiter aufs Meer hi Und dann fuhr der Zug weiter zum nächsten Ort mit naus. Ich stellte fest, wie die Bewegung des Schiffes anderen Leuten, anderen Auftritten, anderen Ener und die wechselnde Landschaft die Bedeutung der gien. Jeder der beteiligten Künstler und Musiker Aufführung unerwartet deutlich veränderten. Mir ge nahm ein Stück vom Projekt an sich und machte es fällt diese Idee, dass etwas derart zu einem Element sich zu eigen, setzte es in seiner eigenen Sprache um, der Arbeit wird und man sich dann entscheidet, ob ganz gleich, ob etwas Dauerhaftes, Materielles ent man damit arbeiten möchte oder nicht. BLACK MIR stand oder etwas Flüchtiges und Vergängliches. ROR war ein aufschlussreiches Projekt und es for Aus meiner Sicht existiert dieses Projekt auf eine derte mich heraus, bei Station to Station viele dieser Weise, die ganz verschieden ist von einem formalen Ideen ein Stück weiterzutreiben, als ich dies sonst System, bei dem etwas im Atelier gemacht, kuratiert, wahrscheinlich getan hätte. verschickt, vom Betrachter gesehen und dann wieder TG: Ich denke, da ist, was deine Bezugnahme etwa ins Depot gebracht wird. Wir haben dieses Projekt auf Fluxus anbelangt, tatsächlich eine andere Ebene geschaffen, um mit einer anderen Matrix an der Ein oder eine zusätzliche physische Ebene. Verglichen ordnung der verschiedenen Sparten der Kultur zu auch mit dem Fluxus-Projekt der Fernsehsendun experimentieren. Müssen diese immer an einen Ort, gen, die mittels Satellit weltweit ausgestrahlt wurden, an Institutionen oder kommerzielle Systeme gebun blieb diese letztlich unerreichbar, obwohl sie sich die den sein? Brauchen sie Gewicht, angesiedelt in einer neuste Technik zunutze machten; es gibt eine Ver Stadt oder an einem Ort? Oder können diese Kon netzung, aber diese Vernetzung existiert nur kraft zepte und kreativen Akte in einer leichteren, weni der Tatsache, dass die Sachen gleichwohl unerreich ger materiellen Form existieren? Eine zugrunde lie bar waren. gende Frage ist für mich: Wie können wir uns diese DA: Es ist komisch, dass du das sagst, denn einer der Bewegung zu eigen machen? Filme, die wir bei Station to Station zeigten, war Nam (Übersetzung: Bram Opstelten)