www.proopera.org.mx • año XXV • número 4 • julio – agosto 2017 • sesenta pesos

ANIVERSARIO SIVAM Una plataforma para el talento

ENTREVISTAS Carlos Aransay Srba Dinić Guido Maria Guida Héctor López Teresa Rodríguez

ENTREVISTAS EN LÍNEA Bruno Campanella Alexey Lavrov

Waltraud Meier El sentido dramático de Strauss y Wagnerpro opera¾ DIRECTORIO REVISTA índice 4 En breve

COMITÉ EDITORIAL 6 Ópera en México Luis Gutiérrez Ruvalcaba Charles H. Oppenheim ENTREVISTA FUNDADOR Y DIRECTOR EMÉRITO 8 Guido Maria Guida Xavier Torres Arpi “La modernidad del Orfeo original es extraordinaria y sorprendente” EDITOR Charles H. Oppenheim PERFILES 8 [email protected] 10 Enrique Guzmán Rock perdido, ópera ganada CORRECCIÓN DE ESTILO Darío Moreno CRÍTICA 11 L’Orfeo en Bellas Artes COLABORAN EN ESTE NÚMERO Carlos Fuentes y Espinosa 12 Gianni Schicchi fuera de Bellas Artes Ingrid Haas María Teresa Hernández BATUTA José Noé Mercado 14 Srba Dinić Vladimiro Rivas Iturralde Hugo Roca Joglar “No sólo debe haber bel canto arriba del escenario, Gamaliel Ruiz sino también en el foso” www.proopera.org.mx. CRÍTICA 17 Così fan tutte en Bellas Artes CORRESPONSALES EN ESTE NÚMERO 21 Oxana Arkaeva ANIVERSARIO Eduardo Benarroch 18 SIVAM Francesco Bertini Una plataforma para el talento Jorge Binaghi Abigaíl Brambila HOMENAJE Ramón Jacques 21 Adiós al maestro Carlos Serrano Gregory Robert Moomjy Maria Nockin ENTREVISTA Gustavo Gabriel Otero 22 Teresa Rodríguez Giuliana dal Piaz 16 años de Artescénica Joel Poblete Roberto San Juan Ximena Sepúlveda ESTRENO 25 Abril al alba

FOTOGRAFIA CLASE MAGISTRAL Ana Lourdes Herrera 26 Carlos Aransay: “No basta cantar bien” DISEÑO GRAFICO NOVEDADES 26 Ida Arellano 29 Dr. Dee, una ópera folk

DISEÑO PÁGINA WEB MEXICANOS EN EL MUNDO Christiane Kuri – Espacio Azul 30 Héctor López: “La competencia existe, aunque no queramos” DISEÑO LOGO Ricardo Gil Rizo 32 México en el mundo IMPRESION Grupo Gama. Soluciones Integrales. PORTADA 34 Waltraud Meier “En la ópera se trata de transmitir emociones” PUBLICIDAD Carlos de la Garza ÓPERA EN EL MUNDO 38 Gala de los 50 años del Met en Lincoln Center ASISTENTE Rosalía Chalacha Granados LIBROS 41 Una pasión compartida: Los pasos de Conciertos Guadalajara Pro Ópera. Periodicidad bimestral. Año XXV número 4, julio-agosto 2017. VOCES Certificado de Reserva de Derechos al Uso Exclusivo 30 de Pro Ópera, A.C.: 04-2008-061711331300-102. 42 Mezzos para el siglo XXI Certificado de Licitud de Título No. 13084 y Certificado de Licitud de Contenido No. 10657, RELATO ambos de fecha 20 de Abril de 2005 45 La Rostova se pierde en la ópera PORTADA y con número de Expediente 1 / 432-05/16969, ante la Comisión Calificadora de Publicaciones Waltraud Meier y Revistas Ilustradas. DISCOS Publicada por Pro Ópera, A. C. Domicilio de la publicación: 46 Un ballo in maschera, Europa riconosciuta, Oh Boy! Foto: Nomi Baumgartl Thiers 273-A, Col. Anzures, 11590, México, D.F. Teléfonos: 5254-4820, 5254-4825 y 5254-4826. www.proopera.org.mx www.proopera.org.mx E-mail: [email protected]. Entrevistas en línea Editor responsable: Pro Ópera, A.C. Impreso por: Grupo Gama. Soluciones Integrales. Entrevista exclusiva con el director italiano Bruno Campanella y con el barítono ruso Alexey Pascual Orozco 53. Col. San Miguel Iztacalco. Lavrov. 08650 México, D. F. El contenido de los artículos es responsabilidad Ópera en el mundo exclusiva de los autores. Publicamos reseñas de ópera y conciertos en los principales teatros de América y Europa. Todos los derechos están reservados. Prohibida la reproducción parcial o total del contenido sin el Otras voces consentimiento por escrito de los editores. Reseñas de Così fan tutte en Bellas Artes. pro ópera  PRO OPERA, A.C. PRESIDENTE HONORARIO David Rimoch Saraga Ramón Vargas Ernesto Rimoch Lewinberg Eduardo Roldán Machaen CONSEJO DIRECTIVO PRESIDENTE CONSEJO DE HONOR Othón Canales Treviño José Carral Escalante Leonardo Curzio Gutiérrez VICEPRESIDENTES Gerardo Estrada Rodríguez Gumaro Lizárraga Martínez Javier Lozano Alarcón Carlos Francisco de la Mora SECRETARIO Navarrete Carlos Müggenburg Rodríguez Vigil Gerardo Suárez Reynoso Sergio Vela Treviño TESORERA Juanita Ayala Aranda EX PRESIDENTES Antonio y Josephine Dávalos VOCALES (qepd) Manuel Álvarez y Loyzaga Ignacio Sunderland Marilú de Álvarez y Loyzaga Elías Sheinberg Anuar Charfén Pría Adolfo Patrón Luján Fernando Díaz Lombardo Luis Rebollar Corona Irma Dubost Benjamín Backal (qepd) Lucio Gutiérrez Cortina Ignacio Orendain Kunhardt Luis Gutiérrez Ruvalcaba María Luisa Serrato de Chávez Andrea Labastida Mora Anuar Charfén Pría Arseny Lepiavka Charles Henry Oppenheim Monroy GERENTE GENERAL Víctor Ortiz Ensástegui Carlos de la Garza

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BENEFACTORES Víctor Cohen Levy Manuel y Marilú Álvarez y Guillermo Flores Martínez Loyzaga Alicia García Cobos de Clark Anuar Charfen Pría Roberto Gómez Aguado Luis Gutiérrez Ruvalcaba Gloria Guadalupe Lanzagorta Ruiz Jacques Levy Arseny Lepiavka Ruiz Samuel Rimoch (qepd) Manuel Marrón Bruno J. Newman Flores PATROCINADORES Francisco Pallach Poupa Jorge Ballesteros Franco Nelly Paullada de Del Castillo Peter Bauer Mengelberg López Ramón Pedroza Meléndez Othón Canales Treviño Eduardo Pérez Varona Lucio Gutiérrez Cortina José Pinto Mazal Yamile E. Kuri Harfush Luis Rebollar Corona Gumaro Lizárraga Martínez Eduardo Roldán Machaen Carlos y Mayra Müggenburg Gerardo Sanfeliz Víctor Ortiz Ensástegui Alfonso Solloa Junco José Alfredo Santos Asseo Cecilia G. Soto González Manuel M. Soto Gutiérrez CONTRIBUYENTES Carmen Sunderland Juanita Ayala Ana Stella Uhthoff Fela Fábregas José Galindo Monroy AFICIONADOS Felipe García Fricke Adriana Alatriste Andrea Labastida Mora Cinthya Balboa Barragán Diana y Armando Loizaga Yomtov y Eugenia Béjar Fernando y Catalina Díaz Irma Bravo Lombardo Yolanda Chemor Gloria Niño de Rivera Silvia Díaz de Perezcano (qepd) Roberto Núñez y Bandera Margarita Díaz Rubio Adriana Salinas Irma Dubost José Germán Sánchez Padilla Jorge Farell Blanca Galindo AMIGOS Carlos Alberto Garza Cuéllar Beatriz Backal Ana Elena Guerra Quintanilla Eduardo Borja Ruy Sanchez Renée Guindi Susana Chávez Vicky Guindi Juan Fábrega Cardelus Luz María Llorente Javier Lozano Pardinas Fernando Mena Toriz Ignacio Orendain Kunhardt Ignacio Morales Camporredondo Gustavo Ramírez Natalia Peralta de Macías Raúl Ramírez Degollado Julia Ruth Puga Luna Jorge Antonio Salgado Elvira Serio Martínez Elena Quintanilla Jorge Antonio Sánchez Cecilia Reyes Retana Cordero Dávila Paulette Roffe de Marcus Rafael Sánchez Fontan Carmen Ruiz de Autrique David y Jennie Serur María Luisa Serrato de Chávez Aurel Zoepnek Marco A. Valle López Velarde, Heftye y Soria. Sara Zaidman S.C. SIMPATIZANTES DONADORES Malke Bellifemine Podlipsky Antonio Amerlinck Joaquín de la Borbolla Víctor y Gloria Bahena Marcos García Flores Simon Blondin Ana María Mancisidor A. José Castellanos Elías Jorge Alejandro Montes Jiménez José Coballasi Hernández Matilde Romo

 pro ópera Informes: [email protected] EN BREVE

Querétaro. La idea general del montaje, concebido por el director de escena Oswaldo Martín del Campo, fue ubicar las escenas por Charles H. Oppenheim de las fiestas de las casas de Violetta Valéry y Flora Bervoix en la estética setentera que dio origen al musical londinense The Rocky Horror Show, incluyendo personajes travestidos, maquillaje Conferencias de Pro Ópera recargado, corsets y pelucas, con una escenografía minimalista y Los martes 9, 16, 23 y 30 de mayo, Pro Ópera AC ofreció en el proyecciones de escenas de beso de las más famosas películas en Club de Industriales un nuevo ciclo de conferencias impartido blanco y negro de Hollywood. por Gerardo Kleinburg, titulado “Wolfgang Amadeus Mozart: una terapia de pareja operística”. El expositor hizo un esbozo narrativo Seleccionados durante la audición inicial del estudio, los de la vida de Mozart, con énfasis particular en su trilogía con protagonistas fueron Diana Ilian Hernández (Violetta), Héctor el libretista Lorenzo da Ponte y en el nacimiento de un género Valle Loera (Alfredo), Israel Vázquez (Germont), Alberto revolucionario: la ópera semiseria. Finalmente, el especialista hizo Abbud (Gastone), Mayela López Santillán (Flora), Eunice un análisis de la relación de pareja a través de la trilogía Mozart- Castellanos (Annina), Juan Pablo Diez (Douphol), Raúl Yescas Da Ponte. (Grenvil), Víctor Nájera (D’Obigny), César Felipe Almanza (Mayordomo, Mensajero y Comisionado) y José Octavio Sosa (Giuseppe).

Dos docenas de participantes del Estudio conformaron el Coro, dirigido por Arturo Chávez, y todos trabajaron bajo la batuta de Jorge Cózatl, al frente de la Orquesta formada para la ocasión, con el apoyo de la Camerata Santiago de Querétaro.

Escena de La traviata en Querétaro

Una terapia de pareja operística Concurso Internacional de Canto Sinaloa 2017 Por novena ocasión, el pasado 4 de mayo se llevó a cabo en Estudio de Ópera Joven UAQ 2017 Mazatlán la final del tradicional concurso sinaloense, patrocinado Del 14 al 22 de abril pasado se llevó a cabo en las instalaciones de por el Instituto Sinaloense de Cultura, que en esta ocasión contó la Universidad Autónoma de Querétaro el Estudio de Ópera Joven con un jurado formado por el tenor Alfredo Portilla, el director UAQ 2017, con la participación de más de 60 jóvenes de todo el escénico de Argentina Boris Laurence, el director coral Alfredo país. Domínguez, el director concertador Rodrigo Macías y la pianista Laura Hauer. Organizado por alumnas de la Facultad de Bellas Artes, encabezadas por Raquel Ovalle, Sarai Reyes y Nelly Juárez, Las ganadoras fueron las sopranos Yanel García, Darenka con el apoyo de una beca del Fondo de Proyectos Especiales Chávez y Mariana Valdés en los primeros tres lugares. El premio de Rectoría (Foper), los participantes tuvieron oportunidad Coppel (primer lugar masculino) fue para el tenor César Delgado de tomar clases individuales de canto e interpretación con los y el premio DIF (segundo lugar masculino) fue para el barítono maestros Carlos Aransay, Arturo Chávez, Neivi Martínez y Gerardo Becerra. Charles Oppenheim, clases magistrales con el pianista y coach Rogelio Riojas, taller de actuación con Ragnar Conde y Técnica Alexander con Louise Phelan.

Tanto los alumnos activos como los coreutas participaron en las cuatro galas que se presentaron durante la semana en distintas salas de conciertos de la ciudad de Querétaro. Acompañaron las clases y las galas los pianistas Patricio Amezcua, Israel Barrios, Sergio Freeman, Sergio Guillermo Ruiz y Carmen Sánchez.

La Traviata en Querétaro Una de las actividades principales del Estudio de Ópera Joven UAQ 2017 fue la preparación y puesta en escena de La Traviata de Papik Ramírez Bernal, director del Isic, con las ganadoras: Giuseppe Verdi, el pasado 21 de abril en el Teatro de la Ciudad de Yanel García, Darenka Chávez y Mariana Valdés

 pro ópera Don Giovanni incluyó al tenor Carlos Galván como Calaf, María Katzarava como Liù y el bajo Rosendo Flores como Timur. Participaron en Monterrey también Enrique Ángeles, Víctor Hernández y Andrés Carrillo Los pasados 26 y 28 de mayo (como Ping, Pong y Pang), Óscar Santana (El emperador La Ópera de Nuevo León Altoum), Ricardo López (Un mandarín) y Ángel Macías (El presentó en el Teatro de la príncipe de Persia). Ciudad de Monterrey la ópera Don Giovanni de Wolfgang Voces contra la violencia Amadeus Mozart con libreto La Fundación María Katzarava organizó el concierto “Voces de Lorenzo da Ponte, en contra la violencia” el pasado 10 de junio en el Teatro de la una producción de Rafael Ciudad Esperanza Iris, en aras de recaudar fondos para impulsar el Blásquez, con dirección de desarrollo educativo de los niños y jóvenes de la comunidad rural escena de Ivet Pérez y bajo la Arcelia del Progreso, en la zona de Tierra Caliente del estado de dirección musical de Iván López Reynoso, al frente de la Orquesta Guerrero. Sinfónica de la UANL y el Coro de la Ópera de Nuevo León, preparado por Juan David Flores. En el concierto participaron las sopranos María Katzarava, las hermanas chilenas Maribel y Verónica Villarroel y la El elenco incluyó a Armando Piña (Don Giovanni), Stefano mezzosoprano regiomontana Rocío Tamez, quienes interpretaron de Peppo (Leporello), Yvonne Garza (Donna Anna), Antonio arias de ópera y piezas inéditas del compositor José Francisco Albores (Don Ottavio), Linda Gutiérrez (Donna Elvira), Vázquez. Guillermo Ruiz (El comendador), Gerardo de la Torre (Masetto), María Caballero y Myrthala Bray, alternando en el rol de Zerlina. La finta sempliceen Chapultepec Esta temprana ópera bufa de Mozart (la compuso a los 12 años de edad) tuvo su estreno absoluto en México los pasados 12 y 14 de mayo en el Teatro Julio Castillo del Bosque de Chapultepec, en una producción de Alberto Villarreal dirigida por José Luis Castillo al frente de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes y del elenco formado por becarios del Estudio de Ganadores del Concurso Araiza La primera edición del Sonora International Opera Competition Ópera de Bellas Artes: la soprano Francisco Araiza, se llevó a cabo el pasado 28 de mayo. Se Graciela Morales (Rosina), el tenor presentaron 20 finalistas internacionales, quienes cantaron arias Edgar Villalva (Fracasso), el barítono de ópera y zarzuela. Los ganadores fueron: el contratenor ruso Jorge Ruvalcaba (Cassandro), Andrey Nemzer (Primer Premio, de $400 mil pesos); el barítono la mezzosoprano Frida Portillo catalán Carles Pachon (Segundo Premio, de $200 mil pesos), (Giacinta), el tenor Enrique Guzmán (Polidoro), la soprano la mezzosoprano de la república de Baskortostán (Federación María Caballero (Ninetta) y el bajo-barítono Rodrigo Urrutia Rusa) Aigul Akhmetshina y la soprano mexicana Anabel de la (Simone). Mora Niebla (compartieron el Tercer Premio, de $50 mil pesos cada uno); el tenor mexicano Alberto Alan Pingarrón Reynoso Turandot en Bellas Artes (Premio de Zarzuela, de $60 mil pesos); el tenor Humberto Los días 28 y 30 de mayo, 1 y 4 de junio, se presentó en Bellas Alfonso Oviedo Durazo (Premio Revelación Sonora, de $50 mil Artes la última e inconclusa ópera de Giacomo Puccini en una pesos); y el tenor Emmanuel Mayoral y el barítono de Azerbaiján producción de Luis Miguel Lombana con escenografía y Gamid Abdulov (compartieron el Premio Especial Francisco vestuario de David Antón, dirigida por Enrique Patrón de Rueda Araiza, con $50 mil pesos cada uno). o al frente de la Orquesta y el Coro del Teatro de Bellas Artes.

El elenco encabezado por la soprano búlgara Gabriela Georgieva

pro ópera  Ópera en México

por José Noé Mercado

acumulado secuestros, asesinatos, violaciones y mutilaciones, al amparo de su inmunidad nobiliaria, hasta que finalmente fue llevado a la horca.

La voz potente y oscura del barítono Enrique Ángeles configuró una interpretación sólida del personaje principal, dotándolo de una sordidez y ferocidad contenida pero de miedo a su violenta presencia. A su lado, la voz dramática de la soprano Dhyana Arom crea no sólo la luminosidad contrapuntística del bien ingenuo y del amor curioso y obsesivo capaz de ir abriendo los misterios de las puertas, aunque ello entraña el mayor de los peligros, sino también una heroína portentosa que no retrocede ante la verdad. Este tipo de repertorio demandante en su gran fuerza expresiva y no obstante lírica hace lucir las condiciones de Arom y las de su instrumento de notable brillo y metal.

En el acompañamiento musical, desde el piano y las percusiones, que reduce la orquestación de Bartók aunque en cierta medida logra enunciar su riqueza, participaron Alejandro Miyaki y Ashari Martínez, mientras que la dirección escénica correspondió a Yoali Daniela Serrano, con quien Dhyana Arom cofundó Ópera Anónima.

Dhyana Arom y Enrique Ángeles en El castillo de Barbazul La escenografía e iluminación de Aldo Sázen y Chlöe Morichau, también se fundieron en la meta de brindar el contexto de simbólico terror y explícita maldad, de un auténtico serial killer El castillo de Barbazul en el Helénico de su momento. Deseable que este tipo de propuestas florezcan Ya en diciembre pasado, Ópera Anónima A. C. había presentado, en nuestro territorio. Le harían mucho bien al público y a su buen en español, un par de funciones de El castillo de Barbazul gusto. (compuesta en 1911 pero estrenada siete años más tarde) de Béla Bartók (1881-1945) en la Casa del Lago del Bosque de Chapultepec. Otras tres funciones —21, 22 y 23 de abril—, pero ahora en la Capilla Gótica del Centro Cultural Helénico, La Médium en Coyoacán Los esfuerzos de muchos jóvenes talentos para abrirse camino se presentaron en clara muestra del aprovechamiento que puede en el escenario lírico, casi siempre de manera independiente, son hacerse de una inversión tanto de recursos financieros como importantes y no deberían ser menospreciados en sus recursos, artísticos, algo no muy usual en el entorno lírico mexicano. quizá no muy ostentosos, sino comprendidos en su interés por exponer su aprendizaje artístico y llegar así a un público que sepa La particularidad principal de esta iniciativa, además de que el de ellos. título pertenece a un repertorio infrecuente en nuestros escenarios tan acostumbrados al repertorio romántico italiano y francés del En ese contexto, la Compañía de Ópera L’Arte della Perla ha sido siglo XIX, nació de que su financiamiento original se conjuntó muestra de infatigable interés y amor por ofrecer puestas en escena bajo el esquema de la plataforma Fondeadora, en el que la gente lo largo de los años que lleva de fundada, de la mano de su director interesada en el proyecto pudo aportar y a la vez recibir beneficios general Yreh Morales. diversos, como mención en los programas de mano o boletos. El pasado 22 de abril en el Foro Rodolfo Usigli de Coyoacán, Las columnas y los arcos de la Capilla Gótica se combinaron con esta compañía presentó —en inglés— una función de La Médium, algunos paneles giratorios a guisa de puertas, que sirvieron en ópera en dos actos de Gian Carlo Menotti, originalmente estrenada esta nueva ocasión como parte del ambiente opresivo y lúgubre en 1947, en Estados Unidos. En la dirección musical y la ejecución del castillo, donde transcurre esta historia llevada a escena con un al piano estuvo el maestro italiano Gabriele di Toma, quien drama del húngaro Béla Balázs (1884-1949), basado en Charles no sólo preparó al elenco desde su experiencia como director Perrault (1628-1703), quien a su vez refleja la leyenda de uno de orquesta, compositor y docente, sino que además lo hizo de de los personajes más oscuros de la historia francesa: el barón manera gratuita, en una muestra de verdadero beneficio al joven y Guilles de Rais (1405-1440), quien a sus los 35 años de edad había alternativo entorno operístico mexicano.

 pro ópera L’elisir d’amore en Sinaloa os pasados 28 y 29 de marzo en el Teatro Pablo de Villavicencio Lde Culiacán, así como el 31 de ese mes en el Teatro Ingenio de Los Mochis, en Sinaloa, subió al escenario la deliciosa comedia de Gaetano Donizetti L’elisir d’amore, en una producción presentada por la Sociedad Artística Sinaloense (SAS) que encabeza Leonor Quijada en unión de esfuerzos con el Instituto Sinaloense de Cultura (ISIC) que dirige Papik Ramírez Bernal.

En este montaje con el que dio inicio la Temporada de Primavera de la SAS-ISIC, los roles principales correspondieron a la soprano Ana Capetillo, como la veleidosa Adina; al tenor Mario Rojas, como el ingenuo Nemorino; al barítono Juan Carlos Heredia, caracterizando al fantoche Belcore; al bajo-barítono Daniel Loyola como el embaucador Dulcamara; y la mezzosoprano Angélica Mata, dando vida a Gianetta. Ana Capetillo (Adina) y Juan Carlos Heredia En esta producción de la SAS, que tuvo un costo de $3.4 millones (Belcore) de pesos, sin contar el pago de la orquesta, la renta del teatro y otros gastos operativos que fueron aportaciones del ISIC, participaron más de 150 artistas en escena, 40 de ellos parte del coro preparado por Alejandro Miyaki, quien de igual forma preparó a los cóvers, que forman parte del Taller de Ópera de Sinaloa.

La puesta en escena correspondió a José Medina, mientras que la dirección musical, al frente de la Orquesta Sinfónica Sinaloa de las Artes, recayó en la experimentada batuta del maestro Enrique Patrón de Rueda.

Paralelamente a este título, en Mazatlán se presentó por las mismas fechas un montaje de Madama Butterfly de Giacomo Puccini, que da cuenta de las actividades líricas del estado y del interés de sus autoridades por el llamado espectáculo sin límites. o por José Noé Mercado Daniel Loyola como Dulcamara

De la puesta en escena se encargó la también encabezado por la mezzosoprano Luz italiana doctora Agnese Sartori, quien Vizcarra en el rol de Madame Flora, quien fue más allá de transmitir sus conocimientos y acompañada por la Monica de la joven soprano realizar un trazo que trató de adaptarse a las Mariana Austria, sus colegas de cuerda condiciones del foro, es una profesional que Angélica Mendoza y Elisa Pérez como las transmite fuerza y seguridad a los muchachos señoras Nolan y Gobineau, respectivamente, para que salgan al escenario con la confianza y el propio Yreh Morales, pero en su faceta y comodidad necesarias para entregarse a su de bajo, además del papel mudo de Toby gusto artístico. encarnado por Ítalo Greco, y los niños María Fernanda Santillán y Miguel Ángel Ruiz El montaje también se caracterizó no por Cervar. ornamentaciones de lujo o por presunciones conceptuales, sino por la funcionalidad y El propósito de crearse el escenario apto la búsqueda de credibilidad en la ficción para presentarse que tienen los integrantes de presentada. En la selección de los objetos de L’Arte della Perla se cumplió y si bien muestra utilería, en el vestuario utilizado, pudieron las carencias que tienen grupos fuera de la apreciarse los intereses por el detalle y el mano oficial, también deja ver que hay quienes tiempo dedicado a vestir el foco escénico. están dispuestos a apoyar estos proyectos en clara búsqueda del desarrollo de la juventud El reparto de esta obra de fantasmas más lírica. Eso es un gran mérito que no debe interiores que en el entorno exterior, fue perderse de vista. o

pro ópera  ENTREVISTA Guido Maria Guida “La modernidad del Orfeo original es extraordinaria y sorprendente” por Gamaliel Ruiz

ara conmemorar el 450 aniversario del nacimiento del gran genio italiano Claudio Monteverdi (1567-1643), el pasado mes de marzo en la sala principal del Palacio de Bellas Artes se estrenó la ópera L’Orfeo en la versión Porquestada por Bruno Maderna en 1967, dentro de la programación del Festival del Centro Histórico. “La versión de

Tuvimos la suerte de asistir a la segunda función de esta fascinante Maderna fue creación operística, estupendamente dirigida e interpretada por un escogida en el 450 elenco vocal mexicano de elevadísimo nivel, la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y el Coro del citado teatro, esta vez dirigido por aniversario del Pablo Varela. nacimiento de Monteverdi por su La dirección musical de esta obra semiescenificada corrió a cargo del maestro Guido Maria Guida, quien ha trabajado desde hace modernidad” muchos años con distintas orquestas mexicanas y ha sido elogiado por su gran talento y destreza en el terreno sinfónico y también en pocos violines, muchas violas, violonchelos y contrabajos, todo óperas difíciles dirigir como el ciclo del Der Ring des Nibelungen lo contrario de la dotación de la orquesta clásica, romántica y y Tristan und Isolde de Richard Wagner, así como Die Frau ohne moderna, donde abundan los violines. Schatten (La mujer sin sombra) y Salome de Richard Strauss, Wozzeck de Alban Berg y Macbeth de Verdi, entre otras obras que Para representar el sonido de órgano, clavecín, tiorbas y laúdes, ha dirigido en nuestro país. otros instrumentos fundamentales del bajo continuo, utiliza dos arpas, dos guitarras, mandolina y también clavecín y órgano. Al final de la representación platicamos con el maestro Guida en Aunque con una dotación de alientos modernos, con una mezcla exclusiva para Pro Ópera: adecuada de estos timbres, imita el supuesto sonido de alientos renacentistas. Maestro, bienvenido nuevamente a México. ¿Por qué fue elegida esta versión de L’Orfeo con la orquestación de Las toccatas de Maderna suenan parecidas en el timbre casi de Bruno Maderna? órgano a las toccatas auténticas. Por ejemplo, hay un aria donde Esta versión fue elegida por Sergio Vela con la indispensable y son utilizados dos oboes d’amore, instrumentos suaves, un poco preciosa complicidad artística de la maestra Lourdes Ambriz. Vela oscuros: aunque estos son instrumentos modernos, imitan muy bien siempre ofrece propuestas muy inteligentes, de alto nivel cultural el sonido de los instrumentos progenitores. Un milagro tratar de y gran interés. La versión de Maderna fue escogida en el 450 imitar un sonido tan antiguo con una orquesta moderna. aniversario del nacimiento de Monteverdi por su modernidad, por un lado, y su adhesión a la versión original, por el otro. Otro aspecto importante es cómo Maderna organiza la libertad del recitar cantando de Monteverdi: la partitura de Maderna Sergio me habló de esto y yo me sentí muy entusiasmado. En 2007 está estructurada por continuos cambios de compases y ritmo, en Bellas Artes ya había dirigido el Orfeo en la versión de Ottorino arreglos basados en la métrica del libretto de Alessandro Striggio, Respighi, bien orquestada, intensa, pero sin interés musicológico exactamente como hizo el compositor original. Además, el específico. Más que Monteverdi era Respighi. contrapunto es muy intrincado y denso. Una técnica compositiva de gran maestría que logra una partitura extraordinaria y compleja, ¿Podrías platicarnos sobre la orquestación de Maderna? A muy difícil. No estoy seguro, pero creo que Maderna, cuando nosotros nos parece muy fiel a la partitura original. ¿Qué escribió su versión de Orfeo para el Festival de Ámsterdam en el opinas tú? Teatro Le Carré de 1967, podría haber escuchado varias versiones La partitura de Maderna nace desde un atento estudio del original filológicas modernas de la obra. de Monteverdi, descrito en detalle por el autor en el prefacio. Por ejemplo, Maderna, tratando de imitar el supuesto sonido del El director Rinaldo Alessandrini se quejaba recientemente basso continuo monteverdiano (oscuro, con una dotación de violas de que Monteverdi ha sido olvidado en Italia pues en da gamba y violines), utilizó una dotación de cuerdas inusual: este año de su 450 aniversario serán representadas sus

 pro ópera “Esta obra constituye el nacimiento de la ópera moderna, anticipa el melodrama moderno” obras en pocos teatros. L’Orfeo en Cremona y Venecia, El ambiente de trabajo con ellos y con la directora de movimientos L’incoronazione di Poppea e Il ritorno d’Ulisse in patria en escénicos, Yuriria Fanjul, persona de gran cultura, fue maravilloso: Venecia. ¿Qué opinas al respecto? con ella estoy también muy agradecido. Todos mostraron gran Alessandrini tiene razón, tampoco en la patria de Monteverdi calidad vocal y artística; no fue tan difícil encontrar en ellos el se está representando su obra como debería ser. Ya es un hito correcto recitar cantando. La mayoría de los jóvenes pertenecían que estas obras que mencionas sean tocadas este año. Creo o pertenecen al Estudio de Ópera de Bellas Artes: es un éxito que que esto se debe a la dificultad de su música, de su estilo, de esta institución pueda lograr el crecimiento de jóvenes tan valiosos. su sonido, del recitar cantando. Pienso que en este tiempo, donde hay directores, solistas, orquestas especializadas en la Estoy impresionado por el espléndido trabajo que hizo el barítono música del Renacimiento y Barroco, es muy difícil que una Cerón en el papel principal, dificilísimo y enorme, papel que orquesta de ópera tradicional pueda lograr lo que es la esencia desarrolló con gigantesco valor. Fue la primera vez que trabajé de Monteverdi. con Leticia y me impresionó su voz tan bella. En cuanto a la Orquesta y el Coro, estoy muy agradecido con la calidad musical y Diferente es el caso de una versión revivida, interiorizada y artística de los integrantes, a los cuales me une una vieja relación transformada por un gran compositor como Maderna: tiene de gran respeto y afecto: ¡los siento como compañeros de grandes entonces un gran sentido representar y tocar una versión como aventuras a lo largo de 21 años! ésta en una casa de ópera moderna, de gran tradición como es la Ópera de Bellas Artes. Quiero subrayar que hemos estrenado una El reto era lograr una ejecución respetuosa del original ópera moderna, cuya estructura original es el Orfeo de Monteverdi. monteverdiano valorando los aspectos más intrigantes de la Agrego que la modernidad del Orfeo original es extraordinaria y partitura de Maderna. Por ejemplo, estuvimos de acuerdo los sorprendente, y que hay paralelismos lógicos entre las dos obras. principales de las cuerdas y yo en no utilizar la técnica del vibrato, normal en las ejecuciones del repertorio de los siglos La belleza y teatralidad, la asombrosa inventiva e XIX y XX, esto para buscar la convergencia entre la versión inspiración de las obras de Claudio Monteverdi se moderna y el original. El reto era también lograr la libertad del mantienen vigentes cuatro siglos después de que el célebre recitar cantando y de la intrincada polifonía de las piezas corales, compositor vivió. Una hazaña que no cualquier creador ha trabajando adecuadamente con los solistas, el coro y la orquesta. logrado. En tu opinión, ¿cuál es el secreto de su glorioso No se olvide que el coro y la orquesta de Monteverdi eran más legado? pequeños. Entonces, una de las dificultades era lograr este reto Su secreto está en la genialidad de la adhesión entre el texto, con un coro y una orquesta modernos de gran tamaño: el coro y maravilloso, y la música; además, en la riqueza de la métrica la Orquesta tocaron magníficamente, pienso que hemos logrado y el ritmo, en los extraordinarios colores de la orquestación, algo interesante. Felicito al maestro del coro, Pablo Varela, en la belleza de las melodías, en la tensión dramática. Esta músico que valoro mucho y que admiro desde el tiempo cuando obra constituye el nacimiento de la ópera moderna, anticipa fue mi estudiante en el Conservatorio de Milán hace años: ha el melodrama moderno. Su forma abierta anticipa incluso la preparado óptimamente al coro, logrando unos fraseos típicos de estructura narrativa del Wagner maduro, de Richard Strauss, del la expresividad y del estilo de Monteverdi, en cumplimiento a su Verdi de las últimas obras. correcta idea y también a lo que pensaba yo mismo.

El elenco mexicano para las funciones de L’Orfeo en Bellas ¿Regresarás a dirigir pronto de nuevo a México? ¿Hay algún Artes así como el coro e instrumentos sonaron de forma proyecto en puerta? distinguida. ¿Cuáles fueron los retos para ti como director Regreso a dirigir en Monterrey en noviembre para seguir con el de orquesta y guía del ensamble? interesante proyecto de ópera que está logrando el presidente de Te agradezco tus buenos comentarios. El elenco fue de altísimo CONARTE-Nuevo León, el maestro Ricardo Marcos. Ya tuve nivel, tanto los solistas de mayor experiencia como Leticia de el placer de ser invitado por él para dirigir tres producciones de Altamirano, Josué Cerón y Óscar Velázquez, como los solistas ópera allá con la excelente Orquesta Sinfónica de la Universidad jóvenes Rosario Aguilar, Rosa Muñoz, Enrique Guzmán y de Monterrey. La próxima será la cuarta producción que dirijo Rodrigo Urrutia. Todos se entregaron a los ensayos con una en Monterrey. Vamos a estrenar en esa ciudad Werther de Jules dedicación increíble. Massenet. o

pro ópera  PERFILES Enrique Guzmán Rock perdido, ópera ganada

por Carlos Fuentes y Espinosa

l rubicundo escolapio de ocho años, en su postura acostumbrada, entonaba cantos junto a sus compañeros coristas mientras observaba con atención los coloridos Efrescos del templo de san Juan Bautista en su Cadereyta natal. Hacía poco que tomaba clases de pintura e imaginaba que los dibujos que diseñaba en su mente lograban vivir. Mientras su mirada inquieta se detenía en la composición polícroma del mural sobre el retablo mayor, recordaba una rutina estadounidense de dibujos animados en que el gato protagonista cantaba una hermosísima melodía vigorosa, que le confería la mayor gracia a la rutina. ‘Fígaro, Fígaro’, repetía en sus adentros.

El hijo menor de cinco (dos varones) decidiría, durante su educación Preparatoria, que se dedicaría a la música. Sería compositor e instrumentista de música popular, asunto que su familia no vería con buenos ojos, aunque tampoco con oposición. Es más, sus padres solventaron unas clases de guitarra, lo que causó al joven Juan Enrique un enamoramiento total. Las preocupaciones de sus padres sobre su futuro, como suele suceder, lo impelieron a cursar la carrera universitaria de Comunicación, Enrique Guzmán en L’Orfeo de Monteverdi en Bellas Artes donde concretó sus gustos por el diseño y la fotografía, comprendiendo sus fortalezas y debilidades en las distintas materias. en The Yorke Trust Summer Opera en el Reino Unido, lo que le valió el papel de Tamino en una versión inglesa de Die Zauberflöte Entre clase y clase, el estudiante compondría canciones y melodías, de Mozart, en Melbourne, Australia. participando regularmente en concursos escolares. En tanto, ¡era la voz principal de una banda de rock! En ésas, conoció a algunos A Guzmán le interesa, sobre todo, el bel canto como repertorio miembros del Coro de la Ópera de Nuevo León a quienes pidió esencial. Siente que la música de Gioachino Rossini le viene al orientación en canto. Estudió un año con Socorro Pedraza, quien dedillo, si bien ha cantado a Verdi, Gluck, Haydn, Mendelssohn, que le notificó que su voz de tenor podría hallar cabida en el Donizetti, Händel, Orff y hasta óperas modernas. Precisamente Coro, con la incredulidad del alumno, cuya voz competía con los ha participado en la conmemoración bicentenaria en México tamborazos de su grupo musical. El barítono regiomontano Óscar de Il barbiere di Siviglia y en el estreno del Il viaggio a Reims Martínez lo tomó bajo su égida en 2006 y después de seis años del querido Cisne de Pésaro, así como en festivales mexicanos quedó claro que el mundo de la llamada música comercial perdía establecidos en los que es asiduo intérprete ya. un elemento que ganaría la lírica, donde pudo ser conocido con su nombre habitual, Enrique Guzmán, sin que fuera confundido con El joven tenor se contó entre los discípulos del loable Estudio de su homónimo famoso. Ópera de Bellas Artes —en nuestra nación, “la de los tenores”, se dice—, donde recibió clases del insigne Francisco Araiza, del La brillantísima puesta en escena de Il barbiere di Siviglia en el notable Ramón Vargas, del aclamado Javier Camarena, entre Palacio de Bellas Artes a manos del estupendo director argentino, muchos maestros más, para solidificar su formación. Willy Landín en 2007 significó para el novel tenor un hechizo cautivador (huelga insistir en la importancia de la alta calidad en La voz de Enrique es límpida, de fáciles agudos, buena extensión, las presentaciones, no sólo para el público frecuente, sino para el “e ideal para los personajes de óperas bufas y ligeras”, de del futuro y también para los nuevos artistas). acuerdo con la apreciación de alguno de sus colegas, y entre los comentarios de la audiencia sobre el canto de Enrique Guzmán Para 2011, Guzmán debutaba como solista en el Festival de Música suele oírse que posee una linda voz, que su sonido es claro y Barroca de San Miguel de Allende, Guanajuato, en una obra de agradable. En la mente de algunos a los que tacharán de anticuados Henry Purcell, y fue admitido en el solicitado Taller de Ópera puristas está el pensamiento de que su emisión no está afectada, de Culiacán, Sinaloa, bajo la guía del barítono recientemente es natural y franca, atributos en extinción, que se perciben con desaparecido, Carlos Serrano, y del tenor David Ramírez, quienes esperanza jubilosa en este ilustre, magnífico, siempre enigmático y consolidaron su desarrollo como cantante, llevándolo a participar adorable género que el neoleonés abrazó. o

10 pro ópera CRÍTICA L’Orfeo en Bellas Artes por José Noé Mercado

ace algunos años el Festival de México en el Centro Histórico, aun con sus diversos cambios de nombre, era una referencia general de actividades artísticas y Hen particular de coproducción principal de algunos proyectos operísticos de enorme significación que incluso rebasaba nuestras fronteras.

En ese nicho se hicieron varios títulos mozartianos, Die Frau ohne Schatten de Richard Strauss y, como botón de muestra e indiscutible, Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner, a raíz de un título anual. En varios de esos ambiciosos proyectos concretados, incluida la Tetralogía, el nombre de Sergio Vela fue protagónico, bien como impulsor destacado, recaudador de fondos ejemplar, ya como director de escena o diseñador.

En 2017, que ese festival llegó a su edición 33, es precisamente Vela su director artístico. Pero las condiciones presupuestales Josué Cerón y Leticia de Altamirano en L’Orfeo, dirigidos por el y logísticas y su consecuente programación ofrecida, son maestro Guido Maria Guida muy distintas. Han mermado. Y acarrean la polémica sobre Foto: Arturo López Ramírez la pertinencia de mantener una gesta que no sólo parecería empobrecida, sino arrinconada; o apostar por el menor ofrecimiento de programas, pero buscando mantener o elevar la violines, respecto del original de Monteverdi en el que el gran calidad de los mismos. número de cuerdas se obtiene de las violas da gamba, violines y tiorbas, al cabo terminó por parecer una exquisitez esnob, para Ha sido una tarea compleja. Acaso imposible, al menos por lo iniciados. Innecesario, por lo demás, pues ahí está el gran genio de que pudo verse en la inauguración del festival el pasado 30 de Monteverdi. No ha sido necesario reconstruirlo, ni redescubrir sus marzo y 2 de abril, en el Teatro del Palacio de Bellas Artes, con la aportaciones geniales. programación de L’Orfeo de Claudio Monteverdi a 410 años del estreno de ese título tan formidable en tanto que sentó las bases del En esa exhibición musical, que no sólo fuga buena parte del estilo recién nacido género de la ópera. típico y tan identificable con el padre de la ópera, sino que en realidad sabe a otro tipo de mieles sonoras, participaron el barítono En la presentación de L’Orfeo, en la página misma del Festival, Josué Cerón (Orfeo) [tenor en el original]; Leticia de Altamirano se expuso su importancia, de la misma forma que se recomendó (La Musica, Euridice, Speranza, Eco); Rosario Aguilar (Una casi en forma imperativa que todo amante de la ópera debe ver Ninfa, Uno Spirito); Rosa Muñoz (Una Ninfa, Messaggera, y escuchar en escena esta obra maestra. Pero justo en escena Proserpina); Enrique Guzmán (Un Pastore, Uno Spirito, Apollo); es como no la pudo ver el público que asistió a la cita. Se optó, Óscar Velázquez (Un Pastore, Plutone); y Rodrigo Urrutia (Un por una parte, por una versión en concierto; en rigor, una con Pastore, Caronte). Si bien en su descargo podría apuntarse que movimiento corporal y gestualidad (a cargo de Yuriria Fanju, son voces que buscaron el buen canto, o que en última instancia con ritualidad abstracta y simbólica más que veliana), tendiente a donde manda capitán no gobiernan los marineros, también puede la semiescenificación. Se utilizaron algunos recursos de utilería y esgrimirse que de monteverdianos, poco. vestuario (oscuro), sobre todo para hacer notar la interpretación de un mismo cantante de diferentes papeles, pero que no lograron Más responsabilidad en la función, en todo caso, podría fincársele despejar cierto despropósito, con sombreros, algún remo, abrigos, al maestro italiano Guido Maria Guida, en su regreso a comandar un andar, movilidad, que no fue a ningún lado. la Orquesta y el Coro del Teatro de Bellas Artes después de varios años, donde casi siempre ha trabajado al servicio de lo dispuesto Por otra parte, lo que quizás resultó más decepcionante es que por Sergio Vela. se prefirió presentar no la orquestación original, sino la realizada por Bruno Maderna en 1967, con tintes modernos y amorosos a Es muy probable que todos, desde los programadores, el la obra monteverdiana. Lo que podría ser una sorpresiva vitrina reorquestador, los creativos e intérpretes, hayan perpetrado un acto de un sonido nuevo a partir de una dotación en la que abundan en de amor. Pero, a veces, hay amores que no funcionan. Hay amores las cuerdas las violas, los chelos y los contrabajos, con muy pocos que matan. o

pro ópera 11 CRÍTICA Gianni Schicchi fuera de Bellas Artes

por José Noé Mercado

al vez por una especie de tradición no reflexionada, se considera que la ópera Gianni Schicchi de Giacomo Pucini es ideal para los niños. Es probable que alguien haya considerado, en cierto momento de los últimos Tcien años, que la relativa brevedad de esta obra, compuesta entre 1917 y 1918, la tercera y acaso la más popular de Il trittico pucciniano, con un libreto de Giovacchino Forzano, era por su duración perfecta para el público infantil. Y, sin duda, supuso que el tratamiento fársico, bufo, humorísticamente negro, reafirmaba que la historia recomentada del Canto XXX de La divina comedia de Dante Aligheri no podía dirigirse más especialmente que a los pequeñines aspirantes a melómanos.

Por lo demás, una de las arias de mayor belleza lírica de Puccini es ‘O mio babbino caro’, cuya fama ha trascendido los escenarios líricos y el repertorio operístico mismo y se ha vuelto de uso común en diversos comerciales de televisión, como soundtrack Escena de Gianni Schicchi afuera de Bellas Artes en películas e incluso pieza cantada por personajes de dibujos animados. una vil manipulación emprendida por el personaje a través de la Pero el más mínimo análisis dramático y musical hacen notar que cual todos satisfarán sus ambiciones y avaricias. las apariencias engañan. No sólo porque el número de minutos que se utilizan para contar una historia poco dice de la resistencia de Pero para lograr todo ello, se requiere de una capacidad atención de su público, de su interés o apetencia, menos aún si se interpretativa no menor, tanto del equipo creativo (no por nada relativiza en tiempos contemporáneos donde no sólo los niños se Gianni Schicchi —en la Ópera de Los Ángeles— ha sido la única han habituado a las narraciones incluso de varias horas, agrupadas ópera dirigida por el cineasta Woody Allen, ese maestro de la sátira en diversas temporadas, como en el caso de los animés o las social y de la comedia negra, por tanto, de la conducta humana), teleseries, incluso las sagas fílmicas. como del elenco, sus preparadores y la orquesta.

El tratamiento bufo no es sinónimo de clasificación A, para toda Una vez expresado lo anterior, no es extraño arquear la ceja ante la familia, pues como en el caso de Gianni Schicchi, el retorcido la función presentada de Gianni Schicchi por parte del Estudio de humorismo es herramienta para la exhibición y la crítica del la Ópera de Bellas Artes, a un costado de la calle Ángela Peralta, comportamiento moral del ser humano, de un familiar, de una entre la Alameda Central y el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad colección variopinta de personajes de donde sale Gianni, que no de México, el pasado 30 de abril, día del niño. están sino en el Infierno dantesco pagando por sus palabras, obras y omisiones. Los pecados capitales y, de hecho los capitalistas, no Una presentación al aire libre, sobre un templete, con la Orquesta son juego de niños. Aunque claramente la infancia no sea inmune Sinfónica de Zapopan bajo la batuta de Allen Vladimir Gómez, a ellos. sin un foso no improvisado que cuidara no sólo la isóptica, sino el sonido, puesto que en realidad, como todo lo demás, la obra Y las líneas melódicas transparentes y ensoñadoras que salen fue sonorizada. La agrupación jalisciense no es muy célebre en de la pluma de un Puccini de madurez, si bien con algunas su experiencia operística, aunque previamente había ofrecido reminiscencias belcantistas de sus antecesores, en realidad permite funciones en su tierra de origen y en Zacatecas. Contó con un advertir un tratamiento orquestal mucho más wagneriano, del elenco integrado por jóvenes becarios del EOBA y otros jóvenes que se había vuelto un admirador, como demuestra el uso de los cantantes invitados, a los que se unió el experimentado barítono leitmotiven. El flujo dramático, aunque encuentra las ventanas para Armando Gama en el rol protagónico: Carlos Santos como colocar arias, en realidad busca más el discurso continuo que el de Simone, Vanessa Jara como la Ciesca, Antonio Azpiri como números. Betto, Ricardo Lavín como Guccio y Alejandro Contreras como Gherardino. Su maestría es tal que esa bella aria de Lauretta, que hace suspirar a más de un operópata ingenuo creído en el deleite de la brisa Por supuesto, entre los chicos del EOBA hay voces no sólo florentina en el Ponte Vecchio, sobre el Río Arno, no es más que destacadas (Carlos Arámbula, Edgar Villalva o Frida Portillo),

12 pro ópera sino que tienen ya un oficio de canto como en el caso deLiliana Aguilasocho, quien abordó el rol de Nella o María Caballero como Lauretta. Pero también varios otros ejemplos, la mayoría, de cantantes en formación, estudiantes que aún no tienen la resistencia ni la consistencia vocal necesarias, aun si su instrumento es bello. Ya de conciencia musical o aspectos interpretativos como la intención de sus frases ni siquiera puede hablarse, si antes que de ello están preocupados por las notas que deben emitir o sostener.

Escénicamente, la pobreza fue para llamar la atención, considerando que, además, la producción contó con apoyos oficiales. Y no sólo uno, el central del INBA, a través del Fonca. En el programa de mano, el EOBA lucía colaboraciones con los gobiernos de Zapopan y Zacatecas. El trazo de Federico Figueroa fue típico, en abono de cierto caos natural que propicia el movimiento fingido y luego desesperado de los personajes al ver frustrados sus intereses. Dos asistentes para el director de escena (Rubén Sosa, Leandro Carvajal), quien se encargó también de la iluminación con Fernanda Lugo —en plena tarde soleada— produce, asimismo, caras interrogantes.

Pero, en todo caso, el resultado desprendido de un panel no muy finamente pintado en amarillo y naranja para ayudar a ubicar alguna puerta o ventana, al fondo un telón-paisaje, tal vez, de Florencia, además de una camita con algunas telas que ondeaban al viento, un vestuario a todas luces de hechura y materiales ordinarios (todo ello magnificado al detalle por las pantallas en el sitio y el streaming), sería esperado en las prácticas de escuelas musicales, de talleres improvisados, de estudiantes sin apoyos pero inquietos, no de los emblemas principales de cultura lírica y sus preparadores en este país.

El barítono Gama, gracioso por ratos, simple fuera de la comedia, colmilludo pero ya no eficaz al transitar la zona aguda de su instrumento, expresó una vez al presenciar una producción de escasos recursos y cuestionables resultados que “hay niveles mínimos de calidad que deben cuidarse”. Los maestros José Octavio Sosa y Rogelio Riojas, directores del EOBA, deberían haber escuchado esa contundente frase. o

pro ópera 13 BATUTA Srba Dinić “No sólo debe haber bel canto arriba del escenario, sino también en el foso” por Ingrid Haas

l director de orquesta serbio Srba Aquí el reto es trabajar mucho en las melodías Dinić llegó a México en 2013 y darles vida y colores y ésa es la labor del para dirigir la celebración del 200 director de orquesta. No se trata sólo de hacer aniversario del nacimiento de que toquen las notas; debes tener una idea muy EGiuseppe Verdi en el Palacio de Bellas Artes y, clara e imaginación para poder transmitir a tu desde entonces, ha colaborado con la orquesta orquesta lo que quieres plasmar en el sonido. de este teatro en varias funciones de ópera y A nivel técnico, la orquesta ha mejorado conciertos. muchísimo y tocar este tipo de óperas no es un reto mayor, pero con buen trabajo Cuatro años lleva ya Dinić trabajando ellos también se convierten en protagonistas continuamente en nuestro país como mayores, no sólo los cantantes. director musical de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y el público ha reaccionado Usted inició su relación artística con la positivamente ante su trabajo como director Orquesta del Teatro de Bellas Artes con concertador en las óperas y conciertos que ha la Gala Verdi y, posteriormente, dirigió dirigido en Bellas Artes, como el de la soprano un Gala Strauss en la que cantó el tenor rusa Anna Netrebko y el tenor Yusif Eyvazov. mexicano Francisco Araiza. ¿Cómo fue que lo llamaron para venir a dirigir en 2013 a Ha dirigido también a la Orquesta Sinfónica nuestro país? de Minería en la Sala Nezahualcóyotl de la Tengo el honor y el placer de conocer a UNAM en los conciertos realizados al alimón “Siempre que pueda Ramón Vargas desde hace mucho tiempo. con Pro Ópera A. C., con la soprano alemana Después de un gran concierto que hicimos Diana Damrau y el bajo-barítono Nicolás regresaré a México, pues en Budapest juntos, donde él celebró sus 30 Testé, y la Gala 3 Generaciones con los me encanta el entusiasmo años de carrera artística, me invitó a Bellas tenores mexicanos Francisco Araiza, Javier Artes para participar en la Gala Verdi que Camarena y Ramón Vargas. del público” mencionas. Dirigí también un Requiem de Verdi después de la gala. Antes de la última función de Lucia di Lammermoor de la Ópera de Bellas Artes, tuvimos la oportunidad de platicar con el director Entré a internet a ver cómo era el Palacio de Bellas Artes y quedé serbio sobre su trabajo en nuestro país y para conocer un poco más maravillado por el edificio y su historia. Lo mostré a mis amigos y de su vida, sus pasiones y sus sueños. les dije que ahí me iba a tocar trabajar. Todos quedaron fascinados con la belleza del teatro. Maestro Dinić, platíquemos sobre su trabajo más reciente con la Orquesta del Teatro de Bellas Artes: la ópera Lucia di Se me informó que la orquesta no había tenido un director titular Lammermoor, de Gaetano Donizetti. ¿Cuál es su relación con desde hace muchos años. Dirigí las galas y de inmediato me esta ópera? ¿Cómo fue su trabajo con el elenco y la compañía? llamaron para que dirigiera la ópera Carmen, lo cual indicaba Como siempre, fue un placer trabajar con todos ellos. Lucia es que les había gustado mi trabajo y que la orquesta estuvo a gusto una de mis óperas favoritas y la he dirigido muchas veces. Antes conmigo. El maestro Vargas habló conmigo después y me dijo de Bellas Artes, la hice en el Teatro del Bicentenario de León, que la orquesta quería que yo fuese su director titular. Me sentí Guanajuato, con el maestro Ramón Vargas también. Tengo la halagado y empecé a hacer arreglos con mi familia en Suiza, suerte de trabajar con él de nuevo aquí en Bellas Artes y de tener porque mis hijos estaban todavía muy chiquitos, y acepté. Yo sentía un elenco joven, muy bueno, de excelente nivel. que la orquesta quería a alguien que trabajara con ellos de manera seria; tienen muchísimos buenos músicos, gente que ha trabajado Me encanta trabajar con mi orquesta, que toca de manera muy en Europa, gente con experiencia pero, como no habían tenido un precisa, muy seria y fina. director fijo que aterrizara ideas y moldeara el sonido, todo ese talento y gran capacidad que tienen no se había cimentado como Es su segundo título belcantista con esta orquesta... debía. Sí, porque el año pasado hicimos I puritani de Vincenzo Bellini. Era muy importante que aprendieran los distintos estilos de las ¿Cómo se moldea el estilo belcantista con una orquesta? óperas y con ellos hemos hecho ya Mozart, Donizetti, Bellini, Siempre que me ha tocado dirigir óperas de este estilo hablo con Verdi, Bizet y Strauss, y es un gran placer ver cómo suenan ahora. mis músicos y les digo: no sólo debe haber bel canto arriba del El trabajo se ha notado en cada una de las funciones y recuerdo escenario, sino también en el foso. Como dijo Riccardo Muti: la con tanto orgullo nuestra participación en las galas de Strauss y de

melodía más bella se muere si el acompañamiento no es sólido. Wagner con el maestro Araiza, el concierto con Anna Netrebko, Ana Lourdes Herrera Fotos:

14 pro ópera I puritani con Javier Esto es un gran Camarena, Mefistofele honor porque es una de Arrigo Boito con agrupación musical Carlo Colombara, que que dirigió Richard es un gran bajo a nivel Strauss, tiene un nivel internacional. Él me dijo impresionante, un gran que estaba fascinado con teatro donde tocar es el sonido de la orquesta y parte de una tradición ya del coro de Bellas Artes. en Alemania.

Ahora que menciona ese Eso sí, siempre que Mefistofele, recuerdo pueda regresaré a que impresionó mucho México, pues me la manera en que encanta el entusiasmo mantuvo el balance entre del público. Me gusta orquesta y los coros mucho este país. Toda la durante el prólogo de la Con Diana Damrau y Nicolas Testé energía que tú le das a la ópera, que no es nada audiencia te la regresa fácil de dirigir. con la misma o mayor Había también una banda interna, la orquesta, el coro de adultos, intensidad. Es maravilloso sentir cómo disfrutan las funciones. el coro de niños y los solistas. Para un director de orquesta, es una ópera muy difícil de controlar. Tiene momentos mágicos A través de su carrera ha sabido hacer un muy buen balance que obviamente quieres resaltar al ejecutarla con tus músicos. El entre dirigir ópera y dirigir música sinfónica. ¿Alguna vez ha principio, el aria de la soprano, las arias del bajo y el final son inclinado la balanza más hacia la ópera o siempre busca el momentos mágicos. poder trabajar ambos? En estos últimos años creo que he logrado hacer 50% ópera y ¿Es difícil ser exigente? 50% música sinfónica. Eso me ayuda muchísimo, sobre todo en Hay veces en que pueden no estar muy contentos porque les exijo Alemania, pues la misma orquesta toca ópera en el teatro y luego mucho pero luego ven que mis exigencias dan resultados y dicen: toca música sinfónica. Eso es bueno porque le da flexibilidad a las ¡ah, el maestro Dinić tenía razón! Se notó ya, posteriormente, el orquestas sinfónicas; tocar ópera les sienta bien. Y una orquesta de ambiente positivo y de equipo que tenemos ellos y yo. Me encanta teatro de ópera necesita la técnica que tiene una orquesta sinfónica ver a mis músicos contentos y aplaudiéndose los unos a los otros. para interpretar las obras de Strauss, Stravinsky, Prokofiev, Wagner, Chaikovski, etcétera. Tendremos próximamente proyectos en los cuales la orquesta se va a poder lucir muchísimo. Van a ser retos para nosotros pero estoy Mi amor principal es el canto y creo que eso se me nota mucho. seguro ya de que esta orquesta puede tocar todos los estilos de las Óperas como Der Rosenkavalier son más complicadas de dirigir obras que nos den. que una Quinta sinfonía de Beethoven, así que tengo el gran placer de mezclar en ese tipo de óperas mi conocimiento de dirigir Cuéntenos ahora sobre sus inicios. música sinfónica y mi conocimiento de hacer ópera en mi trabajo Nací en Serbia, mi familia es muy musical y ama el arte en general. sinfónico. Mi madre fue maestra de piano, mi tía pintora, mi abuelo director de orquesta y muchos más se dedicaron al arte. Por eso para mí El repertorio operístico y sinfónico es enorme y no podré fue muy claro que me quería dedicar a la música. Empecé a tocar dirigir todo porque me faltaría vida, pero me da gusto tener más piano a los cinco años de edad, pero siempre con la idea de dirigir de 60 obras en mi repertorio. Ahora que inicie mi trabajo en orquesta un día. Estudié música de cámara y luego dirección de Braunschweig podré hacer la Segunda de Mahler, la Novena de orquesta, pensando siempre en el ejemplo que era mi abuelo para Beethoven, “El Anillo sin palabras” de Wagner, la Sinfonía 15 mí. Estudié en Belgrado, después en Suiza y luego en Alemania. de Shostakóvich, y varias más que vendrán más adelante. Estoy Hice mi maestría en Macedonia. Empecé mi carrera en el Teatro entusiasmado porque dirigiré por primera vez la ópera Adriana de Basilea en 1995, como pianista acompañante, luego como Lecouvreur. asistente musical, asistente de la banda interna, en fin, como se debe comenzar... poco a poco. Toda esa experiencia me ayudó Todas mis experiencias pasadas me han ayudado a poder llegar para saber trabajar en un teatro. Empezar de pianista repasador y a este momento en el cual tomaré ese puesto en Braunschweig y terminar como director de orquesta y luego director artístico es me siento ya como un director más maduro. Empiezas a ver que reconfortante. ya adquiriste algo de experiencia cuando la prensa ya no escribe “el joven director...” y ahora ya ponen sólo “director con gran En 2001 me fui a Berna, donde empecé de asistente del director experiencia...” Además, ¡ya tengo 48 años! [Ríe.] Llevo 20 años artístico y, a los tres años, me nombraron director artístico. He dirigiendo a diario así que algo debe contar. Trabajar con orquestas tenido la suerte de trabajar con el excelente director de orquesta a diario es la mejor escuela para un director. No sólo necesitas español Miguel Gómez Martínez. Fue él quien me recomendó para tener talento para poder desarrollarte como profesional en la tomar su lugar como director artístico. Trabajé allá nueve años dirección de orquesta, sino estar diariamente frente a un grupo de como director titular y cinco años como director musical. músicos para que tanto ellos como tú aprendan y se desarrollen juntos. En 2013 llegué a México con la experiencia de haber sido director huésped por tres años con la Staatsorchester en Stuttgart, tres Cuando empecé mi carrera en Basilea como repetidor, no tenía años en el Teatro Massimo de Palermo, participé en el Festival de mucha experiencia más que como pianista. Había trabajado con Savonlinna, en el Alter Theater de Essen como director invitado, cantantes pero no las óperas completas. Mi jefe, en ese entonces, dirigí en Verona. llegó el primer día y me llevó treinta partituras para que las estudiara. Me dio tres meses para aprenderme todo el material. Era En México he dirigido la Orquesta Sinfónica de Minería, aprender esas treinta partituras y además hacer mi trabajo diario. la OFUNAM, la de la Ciudad de México, la del Teatro del Bicentenario, y desde el 1° de junio de este año empiezo como Yo empezaba a tocar el piano a las siete de la mañana y acababa a director general de la orquesta del Teatro Estatal de Braunschweig. las diez de la noche. Así se aprende mucho. Además, aprendí más

pro ópera 15 idiomas conociendo Rosenkavalier es la a los cantantes de de Erich Kleiber. Aun distintos países. Ellos oyendo la versión me platicaban de sus dirigida por su hijo experiencias, de sus Carlos o la de Von tradiciones, y eso Karajan, esa fue la que te enriquece mucho más me gustó. como artista y como persona. Todos los directores que te mencioné tuvieron ¿Qué tan bien y tienen una disciplina conoce a sus musical. Eso es lo que cantantes cuando yo trato de dar a las están en el orquestas en donde escenario? trabajo. Tengo que decir que, con el tiempo, Con Ramón Vargas, Francisco Araiza y Javier Camarena ¿Qué consejos les daría conozco tan bien a los a todos los jóvenes que cantantes de ópera que no pasa nada en escena sin que yo sepa que están estudiando para ser directores de orquesta? va a pasar. Escuchándolos, sé qué es lo que tengo que hacer con la Hay una cosa que noté durante mi época de estudiante y luego orquesta porque aprendí a conocer sus señales. Eso se aprende sólo como pianista acompañante: en una función de ópera puedes ver si si estás en contacto directo con ellos. el director tiene buena técnica o no.

He tenido la fortuna de trabajar con grandes figuras del canto a Hay muchos jóvenes que tienen buena escuela del instrumento que nivel internacional como Ramón Vargas, Francisco Araiza, Javier tocan y buen oído, pero les falta técnica. Como dijo un gran amigo Camarena, Anna Netrebko, Diana Damrau, Carlo Colombara y mío: se puede mostrar todo con dos manos, sólo necesitas saber Agnes Baltsa (que es una gran amiga). Cuando diriges a artistas cómo. Muchos piensan que es suficiente con conocer la música, de esa talla, sabes que no sólo debes conocer la música, sino que pararse frente a una orquesta y mover las manos. Tienen que tienes que buscar la perfección. Ellos han llegado a la cúspide de buscar un buen maestro de técnica de dirección orquestal. su arte y debes estar a la par con tu orquesta. Ha sido un sueño cumplido poder trabajar con todos ellos. El punto número dos sería que deben tener curiosidad por aprender, de investigar, de explotar todos los recursos posibles. ¿Cuál sería para usted una casa de ópera ideal, utópicamente Deben aprender de estilos, de fraseos, etcétera. Ahora es mucho hablando? ¿Qué necesita tener en su repertorio un teatro para más fácil hacer investigaciones que cuando yo estudiaba en que usted lo considere ideal? Serbia. Yo tuve que ir a la biblioteca, escuchar LPs que luego no El problema siempre ha sido cómo financiar una temporada de se escuchaban bien, etcétera. La gente joven tiene ahora el CD ópera y cómo dar la posibilidad al director artístico de organizar y mucho más accesibilidad a cosas por el internet. Uno busca en todo con tiempo. Yo creo que hay siete niveles importantes que se YouTube la Quinta de Beethoven y te aparecen 80 versiones… deben tratar para una temporada ideal. No sólo hablo de ópera, sino también de repertorio sinfónico. ¿Es usted muy crítico con su trabajo? Sí. No me gusta escuchar lo que dirijo. Prefiero disfrutar la Yo empezaría poniendo obras del clasicismo de Mozart y Schubert. experiencia dirigiendo en vivo y no regresar a escuchar lo que fue. Hacer óperas de Händel, que son importantísimas y de gran belleza Hay un sentimiento muy especial cuando haces la música en vivo que, para mi gusto, se ponen poco. Luego vendrían las óperas del que no se tiene cuando escuchas ese mismo concierto que dirigiste bel canto, con las cuales la orquesta aprende a tocar suave; luego en una grabación. Es una magia, una energía que tienes con tu las obras de Verdi y del verismo. Obviamente, tiene que haber orquesta y una atmósfera que se crea cuando tienes un público repertorio alemán de Beethoven, Weber, Wagner y Strauss. Y para delante. terminar, poner alguna obra de compositores contemporáneos, que ahora ya casi se podrían considerar más del pasado, como Berg, A veces regreso a escuchar algunas cosas que he dirigido y pienso Schönberg, Stravinsky, Prokófiev, Shostakóvich. ¡Y no olvidemos que hubiese podido hacer tal o cual cosa mejor, pero debemos los repertorios ruso y francés! todos entender que somos humanos y que se pueden cometer errores. En una obra que dura tres horas y media es difícil lograr la Se deben mezclar todos estos estilos dentro de una temporada. Esto perfección porque siempre surgirá algo que no la haga tan perfecta. lo tienen muchos teatros en Europa. Ahí puedes hacerlo porque Pero siempre hay que salir adelante y buscarla lo más posible. tienes óperas distintas seis o siete días a la semana. En México es difícil porque no tienen una temporada grande. Aquí se podría ¿Cuáles son sus planes futuros aquí en México y en el trabajar más en sacar más producciones. Tenemos un repertorio ya extranjero? hecho, nuevas producciones, y se pueden hacer reposiciones de las Empiezo con una agenda apretada en Braunschweig pero, después puestas exitosas pasadas. La orquesta está ya lista para poder hacer de una nueva producción de Cosí fan tutte en Bellas Artes, vendré funciones de óperas de diferentes estilos. a México para algunos otros proyectos, lo cual me da mucha emoción. ¿Cuáles fueron sus modelos a seguir en el campo de la dirección orquestal? Tengo una orquesta de cámara en Belgrado y propuse a la Tengo varios ídolos, pero el director de orquesta que más me ha dirección del INBA que venga a tocar un concierto. Todos los de impresionado en mi vida es Carlos Kleiber. Me gustan mucho esa orquesta son gente que viene de una escuela especializada en Claudio Abbado, Herbert von Karajan, Riccardo Muti, Zubin cuerdas. Hay sólo cuatro instituciones de este estilo en Europa: en Mehta, Evgeny Mravinski (que trabajó 50 años con la Orquesta Londres, Moscú, Madrid y en mi país. Todos tocan de un modo de San Petersburgo y que los hacía tocar a diario las mismas muy particular y se apoyan en la escuela de cuerda rusa. Quiero obras para llegar a la perfección). Depende mucho del repertorio que den clases magistrales aquí en México y que den conciertos también; por ejemplo, la grabación que más me gusta de Der también en el Conservatorio Nacional de Música. o

16 pro ópera CRÍTICA Così fan tutte en Bellas Artes

por José Noé Mercado uatro funciones de un más que aceptable nivel de calidad, son las que los pasados 7, 9, 11 y 14 de mayo ofreció la Ópera de Bellas Artes, como parte de su Temporada C2017. El título del que se concretó este logro es el de la última colaboración entre el compositor Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791 ) y el libretista Lorenzo da Ponte 1749-1838): Così fan tutte (Así hacen todas), estrenada originalmente en 1790.

Uno de los principales aspectos que contribuyeron a la buena presentación de esta obra fue la puesta en escena de Mauricio García Lozano, de la mano de la escenografía de Jorge Ballina. El montaje simuló una pizarra, en el que se esquematizó el comportamiento pronosticado por el viejo Don Alfonso (Jesús Suaste) en contraparte de lo apostado por Despina (Patricia Santos), ambos representando a profesores o prefectos de una escuela, que ponen a prueba la fidelidad de los alumnos como método para la generalización de los géneros.

Dimensionar a los personajes como arquetipos de instituto, además de permitir una apariencia fresca a medio camino entre los viejos juegos de muñequitas recortables de papel, en tonos Jesús Suaste (Don Alfonso) y Patricia Santos (Despina) pasteles y alegres, Quinceañera con todo y columpio, y un típico animé japonés, inteligentemente suaviza una trama de cuño machista disfrazado de pseudofilosofía, ante los tiempos exigentes de corrección política, incluso en las grandes obras de arte. O principalmente en ellas.

La dinámica de la escenografía o de algunos de sus elementos hasta llegar a la inversión, también subrayó la mutabilidad, si no del amor, sí de los afectos pasionales y la piel. La iluminación de Víctor Zapatero y el vestuario de Mario Marín estuvieron en sintonía.

Incluso el balance resulta positivo si se considera una ilustración distractora de la obertura, en la que aparecen los profesores planteando el concepto escénico; o si se piensa en la constante En los papeles de Guglielmo y Ferrando, Armando Piña y vulneración de la cuarta pared y no siempre por ideas brillantes, Orlando Pineda cantaron apegados en estilo y con instrumentos sino para utilizar los pasillos como los típicos caminos escolares, bien timbrados; mientras que del segundo, en su aria ‘Un’aura o ubicar a integrantes del coro entre la zona de la butaquería, amorosa’ y momentos de ese lirismo, se habría apetecido mayor aunque luego se marchan, tapando la visión de quienes estaban de canto sul fiatoy del primero algo más de matices de color e la Luneta 2 para atrás. Fue una manera un tanto sucia de resolver la intención. colocación de la muchedumbre. Ciertos aspectos que pudieron pulirse más fueron los números de Vocalmente, se alcanzó un estándar para destacar, en una obra conjunto, para aspirar a ese equilibrio, si no perfecto, al menos que se caracteriza por su simetría, puesto que a la experiencia de irreprochable, desprovisto de ligeros descuadres; y los tiempos de Suaste y a la pedantería sabihonda de su rol se sumó la actuación la lectura musical de Srba Dinić al frente de la Orquesta del Teatro desenfadada y algo laxa aplicada por Santos. A la belleza vocal y de Bellas Artes, que de haber sido más veloces habrían disuelto escénica de Isabel Stüber Malagamba como Dorabella, quien ciertos momentos condicionados por la estática y la monotonía. acumula millas de desarrollo en su joven carrera, correspondió una Fiordiligi en actuación de Silvia della Benetta de buen registro Es deseable, por las buenas calificaciones obtenidas en esta pizarra, agudo, gusto y musicalidad, si bien el juego vocal o sus graves no con esta historia de apuesta swinger, que la Ópera de Bellas Artes, podrían presumirse como su fuerte. dirigida por Lourdes Ambriz, así haga todas. o

pro ópera 17 ANIVERSARIO SIVAM Una plataforma para el talento

por María Teresa Hernández

Dos décadas” se dice fácil, pero María Josefa Cuevas de Serrano, conocida enlistar los retos de sobrevivir en el medio como Pepita Serrano, quien tanto tiempo como pioneros en el fundó SIVAM y ha dedicado las últimas perfeccionamiento operístico de dos décadas de su vida al fortalecimiento jóvenes cantantes abarcaría una del proyecto y de las carreras de los cientos página entera. de estudiantes que han pasado por las aulas. Su compromiso con el arte, con Hace ya unos meses que SIVAM cumplió 20 México y con la formación de talento en “años, pero no hay por qué dejar de celebrar: una industria muchas veces castigada por la pasión por la cultura y el impulso al talento falta de difusión y de presupuestos es lo que nacional ha rendido tantos frutos que ahora las ha permitido que SIVAM mantenga bases voces que se formaron en sus salones hacen sólidas para impulsar cantantes de un modo eco de esta aventura desde las mejores casas de u otro. ópera del mundo. Este año SIVAM se renueva y durante Era 1997 cuando el público aplaudió a 2017 probará la implementación de una primera generación de la Sociedad cuatro seminarios que apelarán a distintos Internacional de Valores de Arte Mexicano Rafael Tovar y de Teresa (qepd) con Pepita intereses: zarzuela —que concluyó a (SIVAM) y desde entonces la misión del Serrano finales de marzo—, ópera italiana, canción proyecto no ha cambiado: además de su mexicana y comedia musical. Cada uno compromiso con la formación artística y la promoción cultural, ha abrirá su propia convocatoria, reunirá a sus propios maestros y logrado convertirse en un trampolín para cantantes mexicanos que trabajará con estudiantes interesados específicamente en los temas apenas inician su carrera y que podrían alcanzar mayor potencial. a tratar. Será un nuevo reto, sin duda, pero SIVAM ya tiene más de 20 años de experiencia para transformar cualquier obstáculo en una A dos décadas de que profesores y directivos de SIVAM hayan oportunidad para enriquecer el legado cultural de nuestro país. puesto en marcha esta iniciativa, una lista de nombres que han transformado un sueño colectivo en realidad se mantiene como la Lorena Fuentes, directora general de SIVAM, y Carmen Strobl, mejor motivación para seguir adelante. María Katzarava es una directora de Comunicación y Relaciones Públicas, hablaron con Pro de ellas, y por eso la soprano mexicana participó en el concierto Ópera sobre las transformaciones que ya están en marcha para este que celebró las primeras dos décadas de vida de SIVAM. A año. ella se sumaron las voces de 25 intérpretes —algunos de ellos exalumnos— bajo la dirección musical de la maestra Teresa SIVAM acaba de celebrar dos décadas de aniversario, pero ¿qué Rodríguez y acompañados al piano por Daniel Ochoa. podemos esperar para 2017? Carmen: Este año tendremos una reestructuración y estaremos SIVAM ya no es el único proyecto que ofrece herramientas de funcionando a partir de cuatro seminarios. Llegar a 20 años de perfeccionamiento vocal a las nuevas generaciones de cantantes una fundación se dice fácil, pero no lo es. Parece que siempre hay de ópera de México —ahora también está el Estudio de Ópera de recursos, voces y maestros, pero no todo es tan sencillo. SIVAM Bellas Artes (EOBA) y talleres de verano como Artescénica, entre llegó a sus 20 años trabajando arduamente junto con sus cantantes. otros—, pero sí hay algo que le distingue del resto: su claustro de profesores y sus contactos permiten que los estudiantes sean Lorena: Tenemos entre 12 y 16 alumnos que ingresan anualmente al escuchados por profesionales de todo el mundo para abrirse taller de perfeccionamiento operístico. Desde la primera generación camino tanto en su país como fuera de él. en 1997 se empezó a contar con las mejores voces jóvenes de México. En audiciones públicas, importantes jurados, coaches y Los alumnos de SIVAM han estudiado técnica vocal con Enrique figuras de renombre seleccionan al grupo de cantantes que cada año Patrón de Rueda y repertorio con Joan Dornemann; han aprendido reciben formación en un programa que durante muchos años fue las mejores técnicas de respiración con Deborah Birnbaum y han inédito en México. Cuando inició, no había otro igual en el país. perfeccionado su trabajo escénico con Ragnar Conde. Un día aprenden italiano, otro alemán y uno más lo dedican al maquillaje, Carmen: Así es. Durante 18 años, SIVAM fue el único taller de a la danza o a la dirección orquestal. Los mejores profesores del perfeccionamiento operístico para jóvenes. Hace poco surgió el mundo están ahí para ellos —para formarlos y brindar su apoyo— Estudio de Ópera de Bellas Artes (EOBA) y también hay muchas y en ocasiones darles la oportunidad de seguir trabajando juntos intervenciones en diferentes estados del país a lo largo del verano desde Estados Unidos o Europa. —como el de Enrique Patrón de Rueda en Mazatlán o el taller de Teresa Rodríguez en Saltillo— pero como proyecto periódico y anual Para lograr todo esto ha sido indispensable el compromiso de fuimos los únicos durante muchos años.

18 pro ópera Cuéntenme un poco sobre los inicios de SIVAM. Lorena: Somos una organización sin fines de lucro y desde el principio hemos sido así. Surgió gracias a la iniciativa de empresarios estadounidenses y mexicanos que decidieron apoyar a cantantes mexicanos. Desde el principio se buscó el apoyo de Conaculta —en aquel entonces— y ahora de la Secretaría de Cultura. Siempre hemos contado con un apoyo anual, aunque no fijo, pero este año se interrumpió por la muerte de Rafael Tovar y de Teresa.

Carmen: Ese apoyo es el que nos permitía operar el taller durante diez meses. En ese tiempo teníamos clases de idiomas, repertorio, teatro, combate escénico y acondicionamiento corporal, entre otras cosas. Sin embargo, Leonardo Villeda y el Coro SIVAM tuvimos que darle un giro al programa y la mejor manera fue distribuir el año en cuatro, con los seminarios. de Pepita Embil y Plácido Domingo, así que tenemos al elemento ideal para hacer este tipo de seminario. Lorena: Y así fue como iniciamos el año 21 de SIVAM: probando. No sabemos si mantendremos esta estructura por Lorena: Este año el taller no desaparece, pero está en stand by siempre pues apenas estamos experimentando con un nuevo mientras probamos esta nueva manera de seguir fortaleciendo modelo para darle continuidad a nuestros ejes de trabajo, pero el talento artístico mexicano y a la vez enfrentar nuestra nueva SIVAM aún tiene la misión de contribuir a que se fortalezca el realidad de recursos económicos, para permitirnos operar de talento artístico mexicano. Una de las maneras de lograr que manera continua y segura. Luego del seminario de zarzuela vamos los cantantes alcancen su máximo potencial es a través del a continuar en mayo y junio con uno de ópera italiana y para taller y ahora con los seminarios hemos abierto la convocatoria septiembre tendremos el de canción mexicana. El cuarto será de a más cantantes de los que normalmente podemos aceptar. comedia musical. Antes aceptábamos a un máximo de 16, porque la formación es muy individual. Se trabaja muy a la medida con cada uno, ¿Cómo funciona cada seminario? pero en el caso de los seminarios hay algunas diferencias que Lorena: Cada módulo se maneja de manera independiente. Eso es permiten mayor apertura. Al seminario de zarzuela, por ejemplo, una ventaja y por eso logramos operar este año. Además, es bueno con el que empezamos este año, ingresaron 35 personas con que cada uno sea independiente, porque eso nos permite operar convocatoria abierta sin límite de edad. Fue un giro fuerte para de manera distinta. El de ópera italiana sólo estará abierto a los SIVAM porque normalmente nuestras convocatorias se dirigían a exalumnos de SIVAM, a los 14 estudiantes que ingresaron el año un grupo muy específico. pasado y a quienes han estado antes pero quieren especializarse. Los de canción mexicana y comedia musical se abrirán al público, ¿Pero entonces mantendrán los dos programas de manera como ocurrió con el de zarzuela. Desde el primer seminario nos paralela? ¿El taller y los seminarios? sorprendió la respuesta en general a la convocatoria porque hubo Lorena: No, los 14 becarios que teníamos del año pasado alrededor de 80 personas interesadas. Se hizo un filtro con audición continúan con su beca este año, pero además abriremos las y se seleccionó a 35 en un inicio, aunque ahora lo terminarán 28 convocatorias para quien se quisiera inscribir a los seminarios. Al porque hubo algunas bajas. primero llegaron exbecarios, actores, pianistas, directores de coro y gente que quería adentrarse en el género de la zarzuela. Ha sido ¿Los 35 eran cantantes? un hit. Incluso una integrante española nos decía que en su país Lorena: El perfil fue muy diverso: tuvimos cantantes, actores, no hay nada similar. pianistas y directores de coro. El seminario fue exitoso en términos de convocatoria y formativos. En las audiciones nadie sabía Carmen: La única persona que podía dar este taller es Leopoldo cecear como en España, nadie sabía abrir un abanico ni colgarse Falcón, el director de la Compañía Mexicana de Zarzuela un mantón. Les enseñaron todo este tipo de cosas. El seminario Domingo-Embil. Ésta abrió en 1998 con ciertas presentaciones duró seis semanas y terminó el 31 de marzo. Fue intensivo: clases muy eventuales, pero él siempre ha sido cercano a SIVAM, ha diarias, de 10:00 a 19:00 horas todos los días, sobre todo lo que venido a dar varias charlas a los talleres, es el stage manager de implica la zarzuela. Tuvimos la participación de una coreógrafa Plácido Domingo en los conciertos y heredó mucho del vestuario de baile español y un coordinador de producción, que les dio la

pro ópera 19 Lorena: A nivel licenciatura no hay ninguna institución que lo pudiera hacer. Esto es una especialización, es como un máster. Aunque no estamos dados de alta, en términos de formación es así. Un cantante llega aquí después de haber recibido cierta educación, pero ninguna otra institución educativa va a ofrecer nunca lo que nosotros porque no es su perfil ni su objetivo. No sabemos por qué esas instituciones no están haciendo especialidades como en Estados Unidos, pero muchos de los egresados de SIVAM se van a hacer posgrados a otras universidades del mundo. Por eso, lo que ofrecemos, además de un nivel de especialidad, es una especie de puente o plataforma para que nuestros cantantes se conecten en el extranjero con Teresa Rodríguez al piano en un recital figuras que ya tienen una trayectoria, como Plácido Domingo o Rolando Villazón. También tienen mucho que ver los coaches parte de vestuario. El equipo también estuvo conformado por que traemos a lo largo del año y enseñan en escuelas prestigiadas Sergio Vázquez —que casi es nuestro pianista de cabecera aunque de otros países. él está en Bellas Artes— y dos pianistas jóvenes, Daniel Ochoa y Emanuel Meneses. Además nos visitó Enrique Patrón y hubo dos ¿Todavía hay entusiasmo entre los jóvenes para convertirse semanas dedicadas al trabajo musical y a la preparación de los en cantantes de ópera? La situación es cada vez más compleja repertorios. Todo terminó con una presentación para familiares. pero me imagino que se puede medir por el número de solicitudes que tienen. ¿Cuál es el nivel de formación que deben tener los cantantes Lorena: Se ha mantenido muy estable. Tenemos entre 90 y 130. para poder ingresar? Aquí pueden estar un máximo de tres años, pero hay alumnos que Carmen: Ya deben tener cierto nivel. Deben saber tres arias, salen y regresan. Eso habla de que hay pocos espacios constantes, distintos idiomas y conocer diversos compositores. Mandan aunque hay varios programas de verano. muchas solicitudes y se hacen audiciones. Para eso, hay expertos que vienen a formar parte del jurado. Aunque hemos tenido Carmen: Y también viene gente a nuestras conferencias algunos que repiten, otros cambian. Vlad Iftinca ha estado varios magistrales. Las de John Fisher y Renée Fleming son las que más años con nosotros. A pesar de que vive en Nueva York, nos visita. se han llenado. Cuando John Fisher estuvo aquí, le dio su correo a los 14 cantantes que participaron. Ésa es una oportunidad que Todo proyecto responde a una necesidad. ¿Cuál es una de las no podría tener cualquier cantante. prioridades de SIVAM en la formación de cantantes jóvenes? Lorena: Tenemos el afán de posicionar a nuestros cantantes. ¿Quién o qué es lo que ha permitido que SIVAM se mantenga Además de la formación, en SIVAM propiciamos que continúen como la plataforma que es desde su fundación? su formación en otros lados y para ello los apoyamos con boletos Lorena: Pepita Serrano. Ella ha sido amante de la música, de avión o inscripciones de concursos, por ejemplo. Nuestros particularmente de la ópera. Ella fue quien se dio cuenta de esta cantantes están en las principales casas de ópera del mundo: María necesidad y tiene un sentido filantrópico muy desarrollado. Vive Katzarava, Rebeca Olvera, David Lomelí, Arturo Chacón. mucho en Nueva York y se relaciona con muchas personas del mundo de la música, empresarial y del arte. Ella es el alma de ¿Por qué dirían que ningún otro proyecto de perfeccionamiento SIVAM. Fue su fundadora y ha sido su presidenta los últimos 20 operístico posiciona a sus cantantes como SIVAM? años. Por eso SIVAM es la plataforma que ha sido. o

Maestros y alumnos de SIVAM

John Fisher Joan Dornemann Luis Ledesma

Maureen O’Flynn Enrique Patrón de Rueda César Ulloa Vlad Iftinca

20 pro ópera HOMENAJE Adiós al maestro Carlos Serrano por José Noé Mercado

on música sacra, pasajes del musical El hombre de la t Carlos Serrano, mancha (cuyo ‘Sueño imposible’ fuera su pasaje insignia) “nitroglicerina pura” y el emotivo ‘Va pensiero’ del Nabucco verdiano, el pasado C5 de mayo la comunidad lírica sinaloense despidió al barítono y maestro de canto de origen puertorriqueño Carlos Serrano, quien un día antes fuera encontrado sin vida en su domicilio de Culiacán, Sinaloa.

Su viuda, la contralto María Luisa Tamez, funcionarios culturales del estado encabezados por el director general del ISIC, Papik Ramírez Bernal, exalumnos, el Coro y el Taller de la Ópera de t Homenaje de cuerpo Sinaloa, acompañados por la Camerata de la Orquesta Sinfónica presente, en Culiacán Sinaloa de las Artes comandada por el maestro Gordon Campbell, rindieron un homenaje a una de las figuras que mayor impulso diera a la preparación de jóvenes talentos nacionales (más de 100 alumnos de seis generaciones) que hoy, incluso, pueden encontrarse en elencos de diversos teatros en varias partes del mundo, como Germán Olvera, Armando Piña, Carlos Osuna o Cassandra Zoé Velasco.

María Luisa Tamez recordó en el Teatro Pablo de Villavicencio, al tomar la palabra, que ahí, en ese foro, comenzó su relación con el maestro Serrano hacía 27 años, cuando se conocieron durante una producción de la ópera Tosca de Giacomo Puccini. También subrayó, con emoción, la apasionada vocación docente de su esposo, con estilo excéntrico, exótico, intenso, raro, por momentos informal, pero que tan buenos resultados obtenía de los alumnos, como lo demostró a lo largo de los seis años (desde 2011) en que fuera director del Taller de Ópera de Sinaloa, o en el Academy of Vocal Arts de Filadelfia, de donde fuera egresado y a donde canalizara a diversos valores líricos de México. y filosofía”. Rico añadió que Serrano estaba ya en un proceso de La cantante también evocó “la nitroglicerina pura” que tenía Carlos despedida del Taller, porque en junio emprendería un compromiso Serrano como cantante, arriba del escenario. “A veces hasta miedo similar en la Ciudad de México. nos daba”, expresó del intérprete que llegara a Sinaloa y decidiera afincarse en nuestro país, para preparar nuevas voces, y que fuera Carlos Serrano nació en la isla de Vieques, Puerto Rico, y como conocido en el estado desde la segunda mitad de los años 80, barítono alcanzaría fama por sus actuaciones en el repertorio cuando participara en diversas galas y producciones de ópera en el operístico, de oratorio, zarzuela y comedia musical. Se le marco del Festival Cultural organizado en la entidad. recuerda, por ejemplo, por su triunfo como Tonio en Pagliacci de Ruggero Leoncavallo y el personaje principal de Gianni Schicchi “Fue un gran barítono con reconocimiento internacional, un gran de Giacomo Puccini, en la Ópera de Montreal. También tuvo formador de cantantes de ópera y una gran persona a la que mucho actuaciones destacadas en compañías de diverso rango, en Estados respetamos y admiramos”, comentó por su parte Papik Ramírez Unidos, México y Europa, como Tonio, Alfio, Rigoletto o Falstaff Bernal, director general del Instituto Sinaloense de Cultura, al en Brevard, Carolina del Norte; Carmina Burana en Puerto Rico, expresar sus condolencias. el Centro Cultural Universitario de la UNAM, Baja California Sur y el Palacio de Bellas Artes; Messiah en Filadelfia; Vidal deLuisa Por su parte, Raúl Rico González, director general del Instituto Fernanda en Guadalajara, Durango, Aguascalientes y Sinaloa, de Cultura de Mazatlán, lamentó el deceso y dijo que “el maestro entre muchas otras presentaciones. Carlos Serrano se comprometió con la ópera sinaloense desde 1990. Su legado más importante fue en la capacitación de talentos La comunidad operística mexicana también le dio el último adiós emergentes en el estado. Muchos de nuestros egresados de canto a través de las redes sociales, en las que numerosos alumnos encontraron en su taller una oportunidad de perfeccionamiento expresaron muestras de cariño y compartieron anécdotas y vocal y escénico, además de que se nutrieron de su experiencia enseñanzas. Descanse en paz el maestro Carlos Serrano. o

pro ópera 21 ENTREVISTA Teresa Rodríguez 16 años de Artescénica por María Teresa Hernández

penas iniciaba el verano de 2002 cuando la maestra Teresa Rodríguez comenzó a sentir el peso del mundo sobre sus hombros. Estaba a punto de iniciar el segundo año de Artescénica —en aquel entonces, el Aúnico programa de verano para el perfeccionamiento operístico de jóvenes cantantes— y el panorama era un tanto sombrío. Faltaba dinero, faltaba personal y faltaba utilería. Para solucionar el problema y lograr que su proyecto funcionara, sólo encontró una salida: invirtió su propio dinero, buscó sus propias lámparas para iluminar a sus estudiantes y tocó el piano para ellos mientras aprendían a cantar.

Quizá con cierta nostalgia, la maestra Rodríguez —a quien algunos colegas se refieren como “La Beba” — dice que aquél fue un año muy difícil. Ella misma colocaba las tablas para que sus alumnos pudieran tener un escenario, pero tal vez en aquel entonces no imaginó que Artescénica lograría fortalecerse con el paso del tiempo y ahora estaríamos conversando sobre las alegrías que ha sentido tras casi 40 años de carrera y 16 de presidir el programa. Teresa (La Beba) Artescénica es un taller de ópera que se presenta cada año en Rodríguez recibe Saltillo, Coahuila. En sus inicios no había más de cuatro profesores la Presea Manuel y unos 15 alumnos, pero ahora los participantes organizan más de Acuña 2016 de 20 conciertos por temporada y 16 maestros dedican casi un mes a manos del alcalde 50 jóvenes que pasan sus días y noches puliendo su voz. A la fecha, de Saltillo, Isidro más de 500 cantantes se han preparado ahí. López

La convocatoria para el 16o. Encuentro Internacional de Ópera Desierto. Luego, del 2 al 24 de julio, nos reunimos 16 maestros y de Artescénica promete lo mejor y entre los coaches figuran los 50 alumnos a trabajar diario y a hacer otros 20 conciertos. nombres de Joan Dornemann, Yelena Kurdina, Jorge Parodi, Vlad Iftinca, Ugo Mahieux y André Dos Santos. ¿Qué ocurre durante esos 22 días de reunión? Es un curso de verano. Ahora hay muchos cursos así, pero hace El reto de ofrecer un espacio educativo de excelencia para los 16 años no existían. Los chicos viven ahí. Inician a las ocho de jóvenes no ha sido sencillo, pero la maestra Rodríguez ha dedicado la mañana y trabajan todo el día. A las ocho hacen entrenamiento su vida a ello. Toca el piano desde que era niña, cuando su madre corporal, desayunan y se van a sus coaching de teatro, técnica o la inscribió a clases en Saltillo, donde nació, y desde entonces ha maquillaje. Desde las 12 hacen otro entrenamiento de dos horas, mantenido cercanía con la música. Ahora que un nuevo año de luego comemos y algunos maestros se quedan en la noche con Artescénica está cerca de iniciar, la maestra Rodríguez habla con ellos. A las seis terminamos. Pro Ópera sobre sus retos en estos años y las satisfacciones de formar jóvenes cantantes. Los primeros dos días de la semana descansamos por las noches, pero a partir del miércoles o jueves los chicos tienen conciertos En 2016 se celebraron los 15 años de Artescénica. ¿Cómo pinta todos los días. Ahorita ya tenemos programadas unas ocho 2017? presentaciones y, cuando lleguen los maestros, programarán un En julio cumplimos 16 años. El encuentro, que ya es todo un concierto nuevo cada uno. El año pasado hicimos 22 en total. Entre festival, inicia aquí, en la Fundación Sebastián de la Ciudad otras cosas tuvimos tres óperas y una presentación que llamamos de México, y luego nos vamos a Coahuila. Tenemos un par de “entrenamiento para concurso”. Esto último consiste en que los conciertos este año en Saltillo y empezamos con la Orquesta del maestros escogen a 12 alumnos y hacen un concurso, aunque el

22 pro ópera Artescénica hace 16 años. Ahora me da mucho gusto que hay varios talleres así. Incluso deberíamos de reunirnos para no empalmarnos, porque hay chicos que quieren ir a uno y otro. Pero volviendo a tu pregunta, en cuanto a la diferencia, en realidad no lo sé, porque no conozco cómo son las rutinas diarias de los otros talleres.

Pareciera que cada vez hay mayor oportunidad de formación para los jóvenes, ¿pero también hay mayor oferta de trabajo para todos? No, eso es lo que está fallando. Ojalá hubiera mayor oferta, pero no. México está produciendo una gran cantidad de cantantes de muy buen nivel y aquí la oferta es muy Los maestros de Artescénica reducida. Por recursos, por recortes o por diferentes cosas, pero la cantidad de funciones es muy reducida ganador no obtiene ningún premio, sino que el objetivo es que y la cantidad de cantantes es mucho más amplia. Por eso muchos los estudiantes sepan cómo es estar sobre el escenario para que se van. el público los califique. Para esto generalmente pedimos a tres o cuatro maestros que ofrezcan diferentes puntos de vista. El público Sólo en Valencia hay cuatro cantantes que estuvieron con nosotros vota y los alumnos pueden entrenarse y saber lo que es cantar un en Saltillo. En Viena está Carlos Osuna. En Zúrich están Rebeca aria bajo presión. Olvera (a quien le di clases en SIVAM), Mauricio Trejo, Manuel Betancourt y Rosy Hernández, de los que yo recuerdo. Entonces, ¿Tienen invitados que varían año con año? por las condiciones, salen. En Filadelfia también hay cantantes A veces tenemos clases magistrales con escritores. Entre otros y los que te digo son sólo los que yo recuerdo o conozco. Aquí han estado Jorge Volpi, Julián Herbert y también hemos tenido en México sólo hay ópera en Bellas Artes, en Guadalajara y de conferencistas para hablar de literatura en relación a la dramaturgia quienes somos independientes y hacemos ópera de vez en cuando y o a los libretos. como podamos, pero compañías como tal, que tengan temporadas grandes, nada más Bellas Artes. ¿Los maestros se rotan? En general nos quedamos casi todos. Los que se van a rotar son los Después de 16 años al frente de Artescénica debes tener una de técnica vocal. infinidad de anécdotas que recuerdes, pero me gustaría que me cuentes un momento muy difícil y uno muy satisfactorio que ¿Cuál es el perfil de los estudiantes que se interesan por la recuerdes por alguna razón. convocatoria? El momento más difícil fue el segundo año de Artescénica, porque Los chicos ya tienen que ser cantantes y tienen que saber que son dos días antes de empezar no teníamos apoyo para nada. Yo tenía cantantes profesionales, pero también hay una parte del grupo que una beca y la invertí ahí, pero el director de teatro — que era un son oyentes. Es decir, pueden ir chicos que apenas van a empezar compañero mío con quien había iniciado el proyecto— canceló y y así pueden enterarse de cómo se prepara un profesional desde dijo que no iba a seguir. Aun así, conseguí a alguien más que fuera. el principio. Pueden estar ahí, participan con nosotros en el coro Ese año fue terriblemente difícil, porque de verdad lo hicimos con y pueden observar en grupos. Todos están empezando, aunque nada. Nosotros hacíamos de todo. Yo ponía las tablas para que tengan excelentes voces. tuvieran su escenario, yo me trepaba para poner una luz —la que

¿Qué tan grande es la convocatoria? Antes mandaba carteles a las casas de cultura pero ahora con Internet los chicos se enteran de otro modo. Después de 16 años de trabajo, ellos se enteran a través de distintos medios y mandan todas las solicitudes. Yo doy clases en la Ollin Yoliztli y tengo chicos del Conservatorio y de la Facultad de Música de la UNAM y ellos ya saben. Ha habido aproximadamente 500 participantes, así que entre ellos se corre la voz. Además de mexicanos, hemos tenido chicos de Filadelfia, de Colombia y algunos maestros que vienen de otros lados traen alumnos suyos.

Siempre hay algo único en cada programa ¿Qué distingue a Artescénica de otros talleres de verano? Nosotros empezamos con estos programas. En aquel entonces yo ya estaba en Bellas Artes. Lo que inició en 1997 fue SIVAM. Yo inicié con ellos y luego, como programa de verano, inició Escena de El teléfono de Menotti

pro ópera 23 para montar una ópera grande y concentrarnos en eso. Cada año es distinto. A veces vienen maestros nuevos, con otra energía y son maravillosos, porque además son maestros de un nivel muy alto. Pero te digo, lo que nunca olvido es el segundo año. De hecho, cuando apenas iniciábamos alguien me dijo que si aguantaba el segundo seguro que podría aguantar más. Me habían dicho que el primero es como todo: lo novedoso y lo diferente, pero el segundo fue terrible.

Aunque seguramente en estos años ha habido muchas buenas anécdotas. Tengo una muy divertida: un día fui a la Cámara de Diputados a solicitar apoyo para el encuentro y visité a una diputada de mi estado. Escena de Gianni Schicchi de Puccini Cuando estaba en su oficina, me vio y me dijo que tenían un cantante muy bueno y que lo habían descubierto en una alberca. ¿En una alberca? Recuerdo que la vi y le pregunté cómo y ella respondió que sí y que se había ido a Alemania, así que le dije que esa alberca donde lo habían descubierto fue la que está en el lugar donde se hace el curso. [Risas.] ¡Lo descubrieron en el curso!

Ella insistía en que lo descubrió un profesor de San Francisco, pero a ese maestro de San Francisco lo trajo Artescénica. Yo no sabía si reír o llorar. [Risas.] Y tengo algunas otras historias cómicas porque siempre pasan muchas cosas. A fin de cuentas es un curso de verano para gente joven. Me ha tocado que un director de escena no llegue y en ese momento tengamos que ver qué hacemos, o que un cantante nos diga que al final no va a cantar. Afortunadamente, no hemos tenido nada grave. Lo que también te puedo decir es que han salido muchos matrimonios y hasta divorcios. [Risas.]

En su carrera que ha sido tan diversa —de piano, de dirección y ahora con la formación de estos chicos—, ¿cómo disfruta una y otra etapa? Mi carrera sí ha sido muy diversa, pero casi siempre ha estado enfocada a la gente joven. Generalmente cuando dirijo, dirijo a los jóvenes. Si yo tengo un concierto, generalmente trabajo con jóvenes con los que he trabajado muchísimo. Entonces, por ejemplo, ahora que haremos un concierto con la Orquesta del Desierto, me quiero llevar a un sexteto —a seis chicos— para cantar música francesa. Casi todos son gente que ha estado ahí o Escena de L’heure espagnole de Ravel que son muy jóvenes y los conozco. Y también está la escuela.

encontrara— y entre todos conseguíamos a alguna costurera amiga Estoy en la Ollin Yoliztli, estuve en SIVAM por muchos años y de nosotros para que nos ayudara con el vestuario de algunas casi siempre he estado enfocada en la gente joven. Cuando voy a escenas. Nos subíamos a los árboles para poner los toldos porque Campeche, por ejemplo, me piden que lleve a gente joven. Cuando llovía y luego uno tocaba el piano y luego barría y hacía de todo. fui a Monterrey a L’elisir d’amore, casi todos eran alumnos míos. Sí, fue un año muy, muy difícil. Creo que el más difícil de todos. Entonces, siento que me he dedicado mucho a eso, a apoyarlos a ellos en lugar de pensar en ser la directora de una orquesta grande. En cuanto a momentos satisfactorios no te puedo hablar de uno específico porque cada año ha tenido su maravilla y hemos ido Mi vida no se ha ido por ese camino, sino por el de la formación, creciendo mucho. Cuando empezamos éramos cuatro maestros y ya sea dirigiendo, tocando un instrumento o acompañando, pero 15 alumnos. Ahora somos más y tenemos hasta 22 conciertos entre principalmente cerca de los jóvenes. Y ahora he estado fuera. Me otras cosas. La continuidad de 16 años es maravillosa. fui a Shanghái e iré a Montreal, pero siempre con gente joven. El curso que doy en Puebla y el de acompañante que trabajamos ¿Y ahora qué sigue? aquí, igual. Siempre todo es en función de la voz. Si a mí me pones Creo que el siguiente paso para mí sería hacer dos óperas grandes y enfrente de una sinfónica, yo creo que me muero del susto, porque quedarnos unas tres semanas más (durante el programa de verano) tengo casi 40 años dedicada a la voz. o

24 pro ópera ESTRENO Abril al alba por Hugo Roca Joglar

El compositor mexicano Sergio Berlioz (1963) estrenó su Séptima sinfonía el 1 de abril de 2017 en el Auditorio de la Reforma, en la ciudad de Puebla.

El compositor Situar a Sergio Berlioz dentro de la historia musical mexicana resulta un ejercicio desconcertante y misterioso. Es un compositor que, en una primera instancia —al menos en apariencia—, no encaja. Todo en su arte —profundidad de pensamiento, continua invención melódica, solemnidad estilística, veneración por el desarrollo de las ideas, vocación literaria, estructuras suntuosas, necesidad de transmitir emociones y una irrefrenable pasión por la sinfonía— parecería provenir —si se enfoca desde la fría y teórica mirada contemporánea de la música como artificio sonoro— de una época —el último y muy exaltado romanticismo occidental, el de Mahler y Busoni— ajena, remota y mucho más humana. Su tríptico sinfónico La Séptima sinfonía de Sergio Berlioz es la culminación del insólito —por monumental, complejo y extenso— tríptico “Cantos a Puebla”: tres sinfonías con elementos comunes —cuatro movimientos, cantantes solistas y coro mixto— que evocan sendos episodios bélicos sucedidos en tierras poblanas durante la invasión francesa: la Sergio Berlioz batalla del 5 de mayo de 1862 (Quinta sinfonía, “La luz de mayo”), el sitio y la caída en 1863 (Sexta Sinfonía, “Elegía heroica”) y la victoria del 2 de abril de 1867 que permitió Durante el tercer movimiento (“Carta desde el cerro de San Juan”), la posterior restauración de la república (Séptima Sinfonía, “Abril aparecen —jóvenes, dulces, enamoradas, brillantes— las primeras al alba”). voces: la de un Porfirio Díaz de 35 años (tenor; en el estreno interpretado por Rogelio Marín) que le pide matrimonio a Delfina Tres sinfonías que indagan en los corazones de antiguos hombres Ortega (soprano; en el estreno interpretada por Elisa Ávalos) a tan gigantescos —Juárez, Víctor Hugo, Maximiliano, Garibaldi, través de una carta. Ella acepta y los prometidos entremezclan Porfirio Díaz— que la mera mención de sus nombres, aún ahora —en un sutil dueto de pasión contendida en donde el deseo nunca —150 años después—, puede provocar una pelea. Y la música es más intenso que la ternura— las ilusiones de su amor naciente —siempre consonante— los evoca sin triunfalismos, balazos ni (caracterizados con orquestaciones de expresiones contrastantes: estridencia; los acontecimientos sonoros avanzan sobre un discurso para Porfirio robusta con participación de los metales; para pleno de invención melódica en el cual la melodía es entendida Delfina discreta desde las cuerdas y maderas) hasta culminar en un como el vehículo ideal para comunicar con claridad sensaciones, estallido de unión con la misma palabra: “tuyo” y “tuya”. pensamientos, pasiones y panoramas. En el último movimiento (“El retorno de la República”), se Séptima sinfonía “Abril al alba” precipitan los acontecimientos. Juárez lee un ensayo en donde Tras un primer movimiento (“Paz y progreso”) lírico, sosegado justifica por quédebe asesinar a Maximiliano mientras Víctor y contemplativo, surge un vals inocente (“Imperio imposible”, Hugo y Garibaldi le envían cartas en donde le imploran piedad. Las segundo movimiento) que poco a poco se ensombrece hasta voces de estos tres hombres —que cantan en español— habitan en adquirir un aspecto diabólico. Lo que comienza como tierna música el coro mixto, cuyo canto —ya atronador, ya delicado— trasciende de baile de salón, apacible y elegante, que llama al fútil galanteo cualquier individualidad para proyectarse hacia el futuro múltiple y con máscaras, se convierte en confusión, desconcierto y miedo… vigoroso, en forma de históricos himnos sobre atrocidades y gestas, en la trágica realidad de un imperio —el de Maximiliano— que heroísmos y traiciones… himnos que aún vibran, sobre el México luce hermoso, pero debe ser destruido porque ha sido edificado del siglo XXI, en espera de ser escuchados, admirados, entendidos, sobre los muertos de una inconclusa guerra fratricida. sufridos y sabiamente interpretados. o

pro ópera 25 CLASE MAGISTRAL Carlos Aransay: “No basta cantar bien” por Charles H. Oppenheim

astante conocido entre los cantantes países para completar nuestros estudios, pero mexicanos desde hace dos décadas, el la realidad es que los centros de enseñanza maestro español radicado en Londres, superior musical son verdaderos hervideros BCarlos Aransay, estuvo recientemente en México de diferentes nacionalidades (tanto profesores como docente en el Estudio de Ópera Querétaro como alumnos) y estilos pedagógicos, y 2017. Carlos estudió piano, teoría musical y la realidad es que incluso con los grandes composición en la Escuela Superior de Canto y esfuerzos y avances que se han visto en México en el Real Conservatorio Superior de Madrid, (como el EOBA o SIVAM) o en España (como así como composición, dirección de orquesta y el Centre de Perfeccionament Plácido Domingo piano en el Royal College of Music de Londres. de la Ópera de Valencia o la Escuela Reina Sofía de Madrid) no hay suficientes plazas para Ha trabajado como director de orquesta y coro tanto talento vocal como el país da. en varios países, incluyendo el Coro de la Ópera de Bellas Artes y el Coro de Madrigalistas del No es fácil para el estudiante de canto acceder INBA, y en 1995 fundó en España el Coro a dichos centros superiores de educación Cervantes, especializado en música de cámara y musical extranjeros por la avasalladora antigua. diferencia entre el peso y otras monedas, o por las dificultades inmigratorias. Tampoco es fácil Como maestro de canto y técnica vocal “La mayoría de los atraer a grandes maestros de fuera si no se les es profesor del Jette Parker Young Artist estudiantes mexicanos puede presentar un contrato equilibrado que les Programme de la Royal Opera House, Covent está cantando repertorio permita ausentarse de su empleo en su país de Garden, desde 2013, y ha enseñado en Inglaterra, origen. En Europa, por ejemplo, el estudiante Italia, España, Perú, Cuba, Brasil y México, entre demasiado grande de canto puede tomar un avión en una línea otros. demasiado pronto, y eso no de bajo costo (un boleto de ida y vuelta puede es bueno” costar tan poco como 100 dólares americanos) Has venido a México en varias ocasiones y plantarse en un par de horas en otra capital para dar cursos vocales, clases particulares europea para participar en un taller, en unas y talleres de técnica vocal. ¿Cuál dirías que es el estado de las audiciones o una consulta vocal, y por supuesto (aunque el Brexit voces con las que te has encontrado en México, en comparación va a dar un duro golpe a esto en lo que se refiere a Gran Bretaña) con las de otros países latinoamericanos y de Europa donde sin restricciones migratorias. has trabajado? ¿Hay algunas características particulares que sobresalen? En comparación con otros países latinoamericanos, he de decir En 1998 realicé mi primera visita a México, para actuar con mi que México produce maravillosos tenores y sopranos líricos, a coro, el Coro Cervantes, en el Festival Internacional Cervantino diferencia de otros países como Perú, donde las voces son más de Guanajuato, y desde 1999 he impartido cursos regularmente, ligeras (cuna de grandes tenores ligeros, por ejemplo), o Argentina, primero en Celaya, luego en Guanajuato, Cholula y la Ciudad de que produce muchos maravillosos barítonos y sopranos lírico- México. Son casi 20 años de experiencia de primera mano tanto ligeras. Hay por supuesto fantásticos barítonos, bajos y mezzos, con estudiantes como con profesionales. pero tal vez no hay tanto gusto por su repertorio y se desconoce más sus idiosincrasias vocales. En mi opinión, México es una cantera privilegiada de voces, ya sea por el amor al canto popular, la mezcla de gentes, el clima Recientemente, tuviste la oportunidad de trabajar con un o la comida, o seguramente por una combinación de todos esos grupo heterogéneo de jóvenes cantantes que participaron en el factores. Las voces mexicanas son sobre todo bellas, hermosas, Estudio de Ópera 2017 de la Universidad de Querétaro. Si bien generosas y amplias. Creo que el principal problema con que se es cierto que cada cantante es único —con diferentes niveles encuentra México estriba en su propia geografía: un país muy vasto de desarrollo vocal, con estudios en distintos conservatorios pero muy lejos (ya sea física, económica o políticamente) de los y escuelas del país—, ¿hay algún aspecto que consideras grandes centros de enseñanza e interpretación de la música clásica. sobresaliente de las voces con las que trabajaste en esta Puede parecernos que lo ideal es no tener que salir de nuestros ocasión, tanto positiva como negativamente?

26 pro ópera Un taller de ópera como función corporal (en el de la UAQ es esencial una verdadera clase para que los alumnos magistral de la profesora escuchen a otros jóvenes de Técnica Alexander, similares, platiquen con Louise Phelan). Hay ellos y con los profesores, un sinfín de recursos hagan un ejercicio de en línea a los que autoevaluación sobre podemos acceder su situación vocal y (videos, documentos, pedagógica, y revisen sus presentaciones) para objetivos profesionales. ver cómo se trabaja la Hay alumnos de estados técnica en otros lugares y donde no hay manera de renovar nuestros modos comparar entre escuelas “En general, intento observar y sentir (al tacto) el uso que el de trabajo. El alumno y profesores, por lo que mexicano, por ejemplo, cualquier oportunidad de cantante hace de su cuerpo, detectando posibles tensiones” tiene mucho mejor nivel cotejar con otros es un de inglés que el español, tesoro. algo que es claramente una ventaja y debería aprovechar.

En Querétaro he escuchado voces preciosas, de mucha calidad Los estudiantes mexicanos son de un gran talento, son verdaderas tímbrica y personalidad, dos cualidades que, en mi opinión, definen esponjas sedientas de conocimiento, y son gente cariñosa y bastante al estudiante mexicano. Pero desgraciadamente también educada. Me llama la atención el gran compañerismo que hay he encontrado mucho desconocimiento del cuerpo (anatómico entre ellos, las ganas de compartir y de ver cómo cantan los y funcional) y el uso de conceptos técnicos bastante obsoletos e demás. Admiro mucho esas cualidades y la capacidad de entrega incorrectos. En esto no difiere mucho de España, en contraste con y de trabajo. He visto puntualidad, seriedad, tesón, ambición, el Reino Unido, por ejemplo: los planes y métodos de estudio no curiosidad, interés. Muy buenas cualidades. han sido revisados y en muchos casos no ofrecen una pedagogía eficaz y asequible al estudiante. ¿Cómo definirías las características de la pedagogía vocal que enseñas? ¿Hay algún aspecto de la técnica vocal a la que Estamos en el siglo XXI y desde hace ya muchas décadas hay todo pones mayor atención al enseñar? ¿Cuáles son a tu juicio las un movimiento internacional de hermanamiento entre la pedagogía cualidades que debe desarrollar un cantante profesional hoy en vocal y la ciencia, algo que nosotros, los profesores, no podemos día? ignorar. Hay en México magníficos profesionales de la salud vocal, Mi pedagogía ha bebido de muchas fuentes y se ha ido de la educación corporal y de la pedagogía vocal. Sería bueno modificando según mi propia trayectoria personal y profesional. estrechar lazos y trabajar más en tándem unos con otros, pero tal La curiosidad y la necesidad de entender mejor el canto, unidos al vez los planes oficiales no propician ese acercamiento. hecho de que hace unos años pasé por acontecimientos bastante traumáticos para mi salud vocal, me llevaron a hacerme miembro La mayoría de los alumnos con los que has trabajado en de la British Voice Association y de la Association of Teachers of México son estudiantes de carreras de canto en distintos Singing (yo estudié y resido en Londres desde 1988) y a formarme conservatorios y escuelas del país. En tu experiencia, ¿qué en los cursos impartidos por ellos. aspectos de su preparación y entrenamiento has percibido que han contribuido a facilitar y/o a obstaculizar su desarrollo? Fue así como conocí a la grandísima maestra Janice Chapman, En general, siento que en México hay una tendencia hacia el gurú de tantos profesores de canto en todo el mundo. Janice repertorio más grande, más dramático y se cultiva poco la música ha desarrollado un modelo pedagógico donde la naturalidad, de cámara, una combinación que para mí es muy peligrosa para el el conocimiento profundo del cuerpo, el respeto a la persona estudiante. y el trabajo en equipo con otros profesionales van de la mano. Cualquier pedagogía es una ciencia en constante fluctuación; si Soy de la opinión que el estudiante no debe aprender a cantar no fuese así se estancaría. Además de sus enseñanzas, sigo muy midiéndose con repertorio muy difícil o pesado, porque desarrolla de cerca a otros grandes profesores, como David L. Jones de una memoria muscular incorrecta y se acostumbra a unos Nueva York, y estoy constantemente devorando libros y videos de niveles de tensión y esfuerzo que no son ideales ni eficaces y pedagogía vocal. posteriormente complican el desarrollo del estudiante. Tal vez provenga de las ganas de cantar, de la ambición de medirse con las En general, intento observar y sentir (al tacto) el uso que el grandes arias en los concursos, pero la mayoría de los estudiantes cantante hace de su cuerpo, detectando posibles tensiones, mexicanos está cantando repertorio demasiado grande demasiado y buscando la mayor economía y eficacia funcional. Soy pronto, y eso no es bueno. Diferentes tipos vocales se desarrollan defensor de la naturalidad en la respiración, por lo que cualquier físicamente a diferentes edades y eso es algo que los planes “método” ajeno a esa naturalidad es algo que intento desterrar de estudios oficiales (tanto aquí como en mi país, España) no inmediatamente y dedico bastante tiempo a que el alumno use el contempla ni respeta. potencial primario del cuerpo, algo que he aprendido de Janice Chapman. Por otro lado, como he expresado antes, hay que educar corporalmente al alumno. En Querétaro vimos grandes resultados Hoy en día el joven cantante ha de ser muy abierto, debe estar simplemente cuando el alumno entiende cómo funciona la constantemente en contacto con fuentes de información para poder respiración natural o cómo equilibrar nuestra conciencia y desarrollar su carrera. No basta cantar bien: hay que saber dónde

pro ópera 27 “Los estudiantes mexicanos son verdaderas esponjas sedientas de conocimiento. Me llama la atención el gran compañerismo que hay entre ellos, las ganas de compartir”

presentarse y cómo y cuándo hacerlo. Hay una saturación de además de muchos segundos y terceros premios y finalistas estudiantes de canto bien formados vocalmente compitiendo en los mexicanos, que no nombro por no dejarme ninguno). Creo que estudios de ópera del mundo (en donde yo trabajo, el Jette Parker buscamos un equilibrio entre técnica, calidad vocal, comunicación Young Artist Programme de la Royal Opera House de Londres, se dramática y conocimiento de estilos e idiomas. Las bases van presentan unos 500 candidatos cada año para cinco plazas) y en cambiando de vez en cuando y reflejan intereses particulares de los concursos. Si estos cantantes comparten una formación seria en algunos de los donantes de premios (como el de la canción peruana idiomas, estilos y técnica, está claro que tienen que descollar por o el premio al mejor tenor, otorgado por los siempre generosos José su personalidad, su pasión, su presencia física (algo que se cuida Luis Ordóñez y José Jerry McCarthy). Ha habido años donde se mucho hoy en día) y escénica, y un factor muy importante hoy en han pedido canciones de concierto en diferentes idiomas, canción día: su juventud, su edad. española, etcétera. También contamos siempre con algún profesor de universidades norteamericanas y hemos conseguido becas de Has sido director musical y miembro del jurado del Concurso estudio para latinoamericanos en dichas instituciones. Gracias a estos Internacional de Canto de Trujillo (Perú) desde hace casi contactos, son ya varios los concursantes que han seguido carreras 15 años. ¿Qué aspectos son los que más valoras en un universitarias en Estados Unidos. concursante? ¿En qué se distingue el Concurso de Trujillo de otros certámenes internacionales, y qué aporta tanto a los Algo que intentamos hacer en Trujillo es comprometernos con concursantes como a la comunidad operística? el ganador (y en muchos casos con otros finalistas y premiados) Justamente este año cumplo 15 años al frente del concurso. Cuando acercándolo a agentes, teatros y demás contactos europeos, empecé era más joven que algunos de los concursantes... y ahora, latinoamericanos y en ocasiones norteamericanos, para ayudar a casi todos pueden ser mis hijos. El concurso cumple además 20 dar esos primeros pasos en una carrera internacional. Parte de eso años en 2017, así que viene cargado de ilusión. es el premio de un recital en Londres, que yo llevo organizando desde hace muchos años y que aprovecho para que el cantante En el Concurso Internacional de Canto de Trujillo, su directora sea escuchado por agentes o incluso se presente en audición en la Maruja Alemán, ha antepuesto siempre el cuidado y mimo de los Royal Opera House, Covent Garden. Este año los dos primeros concursantes y del arte del canto a cualquier otra consideración. Es premios de 2016 (los mexicanos José Luis Reynoso y Alejandro un concurso muy pedagógico, donde la mayoría de los miembros del Ángel) cantarán en el concierto de gala durante la reunión de del jurado son profesores de canto, directores con relaciones con Opera Latin America (OLA), lo que les supondrá ser escuchados opera studios, o cantantes con una vertiente pedagógica. Durante por todos los directores de los teatros hispanos del mundo. el transcurso del concurso ofrecemos clases magistrales gratuitas a todos los concursantes que no han conseguido pasar a la siguiente Por último, el concurso aporta una plataforma al cantante ronda. Intentamos que haya un acercamiento a estos cantantes que latinoamericano (y sobre todo al sudamericano, donde son muy han hecho un gran esfuerzo por estar con nosotros pero que por pocos los concursos internacionales, por lo que cada año tenemos alguna razón no han superado las pruebas. una gran presencia de Brasil) para medirse y aprender más sobre esta difícil carrera, y al público peruano le brinda la oportunidad En Trujillo escuchamos cada año voces de primerísima calidad (y he de escuchar en vivo grandes talentos del canto lírico, puesto que de decir que llevamos tres años consecutivos con primeros premios todas las pruebas son abiertas y se desarrollan en el precioso Teatro mexicanos: Ricardo López, Mariana Valdés y José Luis Reynoso, Municipal. o

28 pro ópera NOVEDADES Dr. Dee, una ópera folk por Hugo Roca Joglar

ntre el caricaturesco rap sucio de Plastic Beach (2010) —tercer álbum de Gorillaz, su banda de hip-hop virtual— y el suave pop roquero sobre alienación de Magic Whip E(2015) —que significó el regreso de Blur tras 12 años de silencio—, Damon Albarn (1968) publicó —en colaboración con el director de escena Rufus Norris— Dr. Dee (2011), ópera en 18 cuadros. Por ópera, aquí, hay que entender canciones folclóricas, madrigales, interludios y momentos de experimentación sonora con representación escénica en torno a la vida de John Dee, astrónomo ocultista inglés del siglo XVI. Y ahí —en la exploración íntima de un personaje tan raro— esta música fragmentada —sin diálogos, sin coros y sin acción dramática— resulta fascinante.

Dee le leyó a la reina Elizabeth I su fortuna a través de cartas adornadas con figuritas de manzanas. Le dijo:Saturno te protege, eres indestructible; tu destino es construir un imperio: ¡la guerra es necesaria! Dee era un hombre controlado por los veleidosos John Dee en la corte de Isabel I de Inglaterra humores de la magia (a veces siniestra y a veces sabia). En la Oleo de Henry Gillard Glindoni (1852-1913) música de Albarn, esas partes de su alma —ambición y violencia, superstición y fe— las representa un órgano cuyo sonido —durante el primer cuadro: “The Golden Dawn”, especie de obertura— ensombrece la alegre polifonía de los pájaros matinales y siembra dudas bajo la tierra de un nuevo amanecer.

Los lúgubres colores del órgano, las terribles vibraciones de su pedal vacío, parecen invadirlo todo en Inglaterra: árboles, ideas, —entre angustiante romances, cosechas, bailes y oraciones. Todo excepto la Luna. Una y orgásmico—, poco Luna exaltada a la que un joven Dee enamorado le canta (cuarto a poco se confunde cuadro: “The Moon Exalted”): “la Luna brillaba más alta que el sol en una textura cuando me dejaste (…) lágrimas iluminan la historia verdadera de mecánica en donde mi tristeza; te convoco, mujer de canela: acuéstate a mi lado hasta células melódicas que las primeras luces aparezcan”. presentadas por el sintetizador se repiten La mujer de canela (soprano, Anna Davis), dentro de la ópera, es obsesivamente, a la una presencia abstracta (abstracción del amor) cuyas líneas vocales manera minimalista, tienden hacia barrocas acrobacias. El otro personaje, en cambio, con imperceptibles es concreto: Edward Kelly (contratenor, Christopher Robson): variaciones. un sombrío aliado de Dee en su desquiciado plan de controlar las almas y someter a los ángeles a través de la magia (magia a la que Pero Dee existe en los sólo ellos, por intervención divina, tienen acceso). sonidos de Albarn, y eso —que exprese sus El oscurantismo, como época histórica, aparece aquí y allá, entre sentimientos a través de un canto pop entre voces operísticas— lo los cuadros, a través de ambiguas construcciones polifónicas (que vuelve humano y vulnerable. A la manera del aria tradicional — por momentos cumplen con la estructura del madrigal renacentista) espacio para la introspección—, revela los secretos de su corazón y una pequeña orquesta de alientos de aires medievales enriquecida por medio de canciones folclóricas. Y su corazón es atormentado y con los místicos colores —verdes encendidos y ocres— de un nostálgico, lleno de sombríos sueños maravillosos. instrumento africano mezcla entre arpa y laúd barroco de 21 cuerdas de nombre “kora”. Dee termina sus días entre fantasmas. Camina por la campiña inglesa —viejo, delirante— y convoca a los caminantes: “nos El momento musical más sorprendente (cuadro 14) comienza con hemos desencajado del tiempo, ¡canten!”. Y Dee muere llorando el contratenor repitiendo una y otra vez la frase “Watching The (“The Dancing King”, último cuadro) al descubrir la caída de la Fire That Waltzed Away”, y su delirio, cada vez más inteligible Luna y que el reinado del Sol ha comenzado. o

pro ópera 29 MEXICANOS EN EL MUNDO Héctor López: “La competencia existe, aunque no queramos”

Por José Noé Mercado

La música siempre estuvo a mi alrededor desde los primeros discos de Jorge Negrete que escuchaba mi padre”, relata el tenor mexicano Héctor López Mendoza, radicado desde hace varios años en Rumania, país desde donde ha construido una carrera que no sólo se mantiene en constante actividad en teatros de Hungría, Polonia, España, “Bulgaria, Italia, Alemania, Nicaragua o Egipto, sino que destaca por su solidez.

En sus primeros años de contacto musical, Héctor estudió violonchelo, guitarra, guitarrón y vihuela, instrumentos con los que podía reunirse con sus amigos para divertirse, pero que después se convirtieron en una forma de sustentar sus estudios.

“La ópera en sí llegó en el momento idóneo, creo yo. Tenía 22 años de edad cuando gente cercana me recomendó entrar en el Conservatorio Nacional de Música y allí empezó esta aventura”, dice el tenor en entrevista exclusiva para los lectores de Pro Ópera. “I masnadieri ha sido la obra que me abrió una senda con La maestra Rosa María Diez fue la primera guía de Héctor. la Ópera Húngara Posteriormente, el cantante continuaría su formación bajo las de Cluj-Napoca, enseñanzas de Irma González, Eugenia Sutti y Enrique Jaso Rumania” Mendoza. “Después de haber recibido una beca de SIVAM, lo cual Foto: Egyed Ufó Zoltán siempre agradezco, tuve la oportunidad de conocer y trabajar con grandes personalidades, lo que me llevó a querer trascender de hacer repertorio y se ofreció también a ser mi profesor. Acepté. alguna manera en este ámbito y obviamente a trabajar más para lograrlo”, complementa el entrevistado. ¿Y qué encontraste en Rumania? ¿Puedes contarnos cómo es la actividad operística en ese país y cómo te recibió para vivir Luego de participar en algunas producciones en el en él? Conservatorio Nacional de Música como solista y de algunos La actividad operística es muy variada. Todos son teatros de conciertos ya como profesional, vino tu etapa en el Coro del repertorio y en una semana se pueden cantar hasta cuatro títulos Teatro de Bellas Artes. ¿Cómo se dieron las circunstancias diferentes, dependiendo de cada teatro. Además, hay espectáculos para irte de nuestro país? de ballet que albergan las mismas salas. El Conservatorio se convirtió en mi segunda casa, pues pasaba más tiempo ahí que en la propia. Eso me llevó a conocer lo maravilloso El trato siempre ha sido excelente, aunque al principio el idioma de este arte, de la mano de maestros como Marco Antonio Verdín y fue una barrera. Lo aprendí rápidamente, en algo así como seis Héctor Del Puerto, por mencionar algunos, con quienes empecé a meses, para así poder comunicarme mejor. Además, creo que eso descubrir mis capacidades y a desarrollarlas en el escenario. es también una muestra de respeto desde mi punto de vista.

Más tarde, entré al Coro del Teatro de Bellas Artes, donde aprendí ¿Cómo se ha desarrollado tu carrera en esa parte de Europa, aún más. Fue en ese entonces donde se presentó la oportunidad de en materia de repertorio y de tu participación en diversas ser becado gracias a una invitación del tenor Ludovic Spiess, en producciones? aquel momento director de la Ópera de Bucarest. Después de un Mi desarrollo como artista lírico ha evolucionado obviamente con recital en la casa-museo del gran compositor George Enescu y una los años, pero sí ha sido con la elección correcta de un repertorio Traviata en el teatro, el maestro Spiess me ofreció el recinto para específico. En un principio, cantéTraviatas , Rigolettos, Lucias,

30 pro ópera además de Mozart y mucho Verdi joven.

Una colega muy querida, Silvia Sorina Munteanu, fue quien me aconsejó dejar ese repertorio y abordar uno más pesado, no sin antes estudiar para ello. El parteaguas, por así decirlo, fue I due Foscari, de Giuseppe Verdi. Con el rol de Jacopo Foscari comenzó otra etapa, de repertorio spinto, más natural para mí, de hecho. De ahí han venido roles que ni siquiera soñaba: Don José, Manrico, Radamès, Turiddu, Canio y otros más.

¿Cuáles son los momentos que consideras determinantes en tu carrera fuera de nuestro Héctor López en su debut como Otello en Bucarest, 2016 país? Foto: Nicu Cherciu Ya he hablado del primero con el maestro Spiess. Pero también encuentros con grandes de la lírica como Carlo Bergonzi; ya y qué se canta. Con mucho interés, sigo por internet el acontecer teniendo una base técnica sólida, pude platicar y trabajar con él, operístico de México. así como con Enza Ferrari, Dante Mazzola, coaches de la Piccola Scala, Renato Bruson… Todos ellos han sido importantes en mi México siempre está conmigo: en casa o donde quiera que vaya. formación. Y no se trata de un falso orgullo, sino simplemente de una parte de mí. Intento ser un buen ser humano, sin importar de dónde soy. En el plano profesional, creo que I masnadieri ha sido la obra Pero sí disfruto mucho portar un traje de charro y cantar nuestra que me abrió una senda con la Ópera Húngara de Cluj-Napoca, música, para demostrar lo valiosa que es nuestra cultura. Rumania. La hicimos en Budapest y desde entonces soy invitado para hacer por lo menos una producción al año en esa casa. Pero ya estás adaptado a estar fuera de nuestro país… ¿Que si me he adaptado? ¡Pero claro que sí! Ya mucha gente me ¿Consideras que las características de tu voz son parte de lo conoce como el tenor rumano de origen mexicano. Y es bello saber que se puede agrupar como el tenor latino, en particular del que la gente te quiere. Además de que mi familia me apoya en tenor mexicano, o qué es lo que piensas que ha rendido frutos todo momento. A mi esposa y a mis tres hijas yo les digo que son en términos de aprecio de tu voz y contrataciones en teatros y ruxicanas. producciones? Contrariamente, no lo creo. O yo no lo veo así. Sí sé que la pasión En todo el mundo, cuando saben que soy mexicano, dicen: “Claro, y el temperamento son parte de mis características vocales, pero país de tenores”. Siempre es así, aunque me desviva dando principalmente me parece que se busca mucho un buen actor, ejemplos de excelentes barítonos y sopranos. seguridad musical y maleabilidad como persona. Cuéntame dónde más has cantado en estos años. Ahora, en ¿Cómo has vivido la competencia europea, no sólo en tu marzo, estuviste en Nicaragua, por ejemplo. ¿Cómo han sido cuerda de tenor, sino también en cuanto a la calidad y las esas experiencias y qué proyectos, qué papeles vienen en tu exigencias líricas del ambiente en que laboras? agenda en los próximos meses? La competencia existe, aunque no lo queramos. Pero para mí se da Pues además de los teatros que hay en Rumania, me he presentado más conmigo mismo. El estudio diario y la mejoría que te puede en Hungría, Polonia, España, Bulgaria, Italia y Alemania. En brindar es para ti mismo. La gente se acostumbra a escucharte de Nicaragua fue mi primera vez y fue fascinante. Fui invitado por una manera y hay veces que no perdonan que tengas una mala la Associazione Puccini Festival, pues tienen un programa de tarde. Por eso el nivel siempre debe ser mantenido a un estándar colaboración con ese país, donde empieza a despuntar un poco la alto de calidad. ópera, y da gusto ser parte de ese movimiento.

¿Por qué ya no has regresado a México? ¿Te interesaría recibir En abril estuve en El Cairo, Egipto, para una producción de Tosca invitaciones a nuestro país? de Puccini. Estaré en casa (en Cluj-Napoca, Rumania) para Don No he regresado por falta de tiempo, inclusive para visitar a mi Carlo de Verdi. Regreso también este año al Festival Puccini de familia. Pero sí espero poder hacerlo este año. Por supuesto que Torre del Lago, con Calaf. El año pasado estuve ahí con Madama me encantaría recibir invitaciones; estaría feliz de poder cantar en Butterfly. Samson viene en noviembre con la Opera Húngara y mi país. Tengo muchos amigos allá, colegas que me dicen qué pasa luego Aida en casa, entre algunos otros compromisos más. o

pro ópera 31 MEXICO EN EL MUNDO por José Noé Mercado

l director de orquesta Iván López Reynoso debutará el próximoE 18 de noviembre en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, en un concierto en el que acompañará al tenor Javier Camarena. Con la participación de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, ambos mexicanos interpretarán un programa zarzuelero con obras de Ruperto Chapí, Amadeo Vives, José Serrano, Juan Vert, Pablo Luna, Jacinto Guerrero y Pablo Sorozábal.

Michael Polenzani, Javier Camarena y Pretty Yende en la Gala del Met

olando Villazón, en su faceta l tenor Javier Camarena participó en la Gala por el 50 de director, se encargó de la Aniversario del Metropolitan Opera House de Nueva York, R E puesta en escena de la ópera Don inaugurado en su nueva sede de Lincoln Center el 16 de septiembre Pasquale de Gaetano Donizetti, de 1966. El pasado 7 de mayo, Camarena fue el único mexicano que se presentó en la Deutsche participante en la gala, y compartió créditos con figuras como Opera am Rhein, en Düsseldorf, Günther Groissböck, Christopher Job, Mariusz Kwiecien, Isabel Alemania, el 29 de abril, así como Leonard, James Levine, Željko Lučić, Angela Meade, Latonia Moore, los días 3, 6, 10, 13, 19, 21, 26 y James Morris, Anna Netrebko, Kristīne Opolais, Eric Owens, René 28 de mayo y el 3 de junio. Pape, Matthew Polenzani, Pretty Yende, Marco Armiliato, Piotr Beczala, Ben Bliss, Stephanie Blythe, Joseph Calleja, Dwayne Croft, Para ese mes de junio, los días Diana Damrau, David Daniels, Joyce DiDonato, Plácido Domingo, Rolando Villazón, regista de 22, 25 y 28, Villazón abordaría Yusif Eyvazov, Michael Fabiano, Renée Fleming, Elīna Garanča, Don Pasquale en Düsseldorf el rol de Nemorino en L’elisir Susan Graham, Vittorio Grigolo, Yannick Nézet-Séguin y Michael d’amore de Gaetano Donizetti en Volle. (Ver ÓPERA EN EL MUNDO, en esta edición.) la Staatsoper de Viena. Para los días 6 y 9 de julio, el cantante está programado para el papel de Tito Camarena ha sido protagonista en años recientes en el Metropolitan, de la ópera La clemenza di Tito de Wolfgang Amadeus Mozart en el a partir de sus participaciones en producciones como Il barbiere di Festpielhaus de Baden-Baden, en Alemania. Siviglia y La Cenerentola de Gioachino Rossini y Don Pasquale Entre diversos conciertos (varios de ellos al lado de Ildar de Gaetano Donizetti, en las que llegó a bisar sus arias centrales. Abdrazakov) y numerosos recitales, las actuaciones próximas de En ese mismo mes de mayo, pero los días 16, 19, 21, 24, 27 y 29, Villazón incluyen los papeles de Lurcanio en la ópera Ariodante Camarena interpretó el papel de Tonio en La fille du régimentde de Händel en el Festival de Salzburgo, los días 16, 18, 22, 25 y 28 Donizetti, en el Teatro Liceo de Barcelona, España; mismo rol que el de agosto de este 2017; el epónimo del Faust de Gounod, los días tenor interpretará para cerrar 2017, en Zúrich, los días 16, 19 y 22 de 25 y 28 de enero así como el 2 de febrero de 2018; el de Lenski diciembre. de Eugenio Oneguin de Chaikovski los días 25 y 28 de febrero así como el 3 de marzo, estas últimas producciones en Viena; el En junio, los días 1, 3, 7 y 10, el cantante xalapeño abordó al Príncipe protagónico de L’Orfeo de Claudio Monteverdi, el 10 de marzo Ramiro en La Cenerentola de Rossini en la Bayerische Staatsoper, en en el Müpa Budapest Early Music Festival, en Hungría; y, el que Múnich, Alemania. Para el mes de octubre, los días 7, 15, 19, 22, 25 más ha llamado la atención por tratarse de un rol baritonal, el de y 28, Camarena interpretará el papel de Nadir en Los pescadores de Papageno de Die Zauberflöte de Wolfgang Amadeus Mozart, en el perlas de Georges Bizet, en la Ópera de Los Ángeles, California. Festipielhaus de Baden-Baden, los días 8, 11 y 14 de julio de 2018.

espués de su exitoso debut en la Ópera de Tours, Francia, en el papel principal de Tosca de Giacomo Puccini, el pasado 9 de mayo, la soprano María Katzarava cantó en la gala benéfica “Tres voces femeninas de la lírica mundial”,D celebrada en la Universidad de los Andes, en Santiago de Chile.

La invitación fue recibida por Katzarava directamente de la soprano chilena Verónica Villarroel, quien también participaría en la gala al lado de la mezzosoprano española Nancy Fabiola Herrera y de Maribel Villarroel. El evento, organizado por la Fundación Verónica Villarroel, tuvo como objetivo recaudar fondos que servirán para apoyar a jóvenes estudiantes de la Academia Verónica Villarroel que no cuentan con los recursos necesarios para continuar con su formación lírica. El programa incluyó arias de ópera, romanzas de zarzuela y canciones de musicales. Con esa gala, inició el trabajo colaborativo entre Villarroel y Katzarava, ya que para el mes de junio organizarían otro concierto de gala, pero a beneficio de la Fundación María Katzarava, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Ciudad de México. (Ver EN BREVE, en esta edición.)

El día 18 de ese mes de mayo, María también participó en la Messa da Requiem de Giuseppe Verdi, en el Auditorium de Palma, en Palma de Mallorca, en las Islas Baleares. En esa ocasión la cantante mexicana de origen georgiano compartió créditos con la mezzosoprano Cristina Melis, el tenor Aquiles Machado, el bajo Nicola Ulivieri y el Coral Universitat María Katzarava cantó con de Les Illes Balears. El acompañamiento corrió a cargo de la Orquesta Academia Sinfónica, todos bajo la dirección Verónica Villarroel en Chile concertadora de Pablo Mielgo.

32 pro ópera PORTADA Waltraud Meier

“Siempre trato de cantar como si estuviese hablando: para mí, el canto es la continuación del habla”

Foto: Nomi Baumgartl Wagner, Strauss y el verdadero sentido dramático

por Ingrid Haas

na de las grandes intérpretes del repertorio wagneriano Un acontecimiento importante fue su debut en 1983 en el Festival de de los últimos treinta años es sin duda la mezzosoprano Bayreuth, en el papel de Kundry (Parsifal), y desde entonces es una de Waltraud Meier. Catalogada por algunos como un las mejores intérpretes que ha habido de este personaje. Después de su auténtico ejemplo de las cantantes que pueden practicar éxito en esa ópera, la carrera de Meier despegó y teatros como la Royal el Zwischenfach (alternar roles de soprano y mezzosoprano), Meier Opera House de Londres, el Metropolitan Opera de Nueva York, la U Scala de Milán, la Ópera Nacional de París, la Ópera Estatal de Viena y ha hecho una exitosa carrera, no sólo por su innegable calidad vocal, sino también por su magnífica presencia escénica y su agudo instinto la de Baviera la llaman con frecuencia para formar parte de sus elencos. teatral. Es una actriz natural y, cuando aparece en escena, aunque no esté cantando, siempre está en papel y su sola presencia atrapa al En 1993 su carrera tomó un giro sin precedente, cuando decidió espectador. abordar algunos papeles de soprano dramático, y sorprendió al mundo al abordar el difícil rol de Isolde en Tristan und Isolde de Wagner, en Nacida en Würzburg, Alemania, en el seno de una familia con una producción de Heiner Müller dirigida por Daniel Barenboim. En afición a la música, Meier cantó en varios coros durante su niñez y el año 2000, cuando se presentó en el Festival de Bayreuth el llamado adolescencia y, al llegar a la universidad, decidió estudiar inglés y “Anillo del Milenio”, dirigido escénicamente por Jürgen Flimm lenguas romances, además de tomar clases de canto. En 1976, hizo su y orquestalmente por Giuseppe Sinopoli, Meier cantó el papel de debut como Lola en Cavalleria rusticana en la Ópera de Würzburg, Sieglinde en Die Walküre. Este acontecimiento la consagró como una a lo cual le seguirían colaboraciones en las casas de ópera de de las grandes cantantes wagnerianas del siglo XXI y se convirtió en un Mannheim, Hannover, Dortmund y Stuttgart. En 1980 hizo su debut referente de papeles como Isolde, Ortrud, Venus, Sieglinde y Kundry, internacional en el Teatro Colón de Buenos Aires cantando el rol de rol del que recientemente se despidió, dejando su marca en la historia de Fricka en Die Walküre. la ópera como una de sus más grandes intérpretes.

34 pro ópera Brangäne en Bayreuth, 1986 Foto: Wilhelm Rauh

Klytämnestra en Múnich 2015 Foto: Wilfried Hösl

Tuvimos la oportunidad de charlar, en exclusiva para Pro Ópera, con esta magnífica cantante alemana después del ensayo general de Elektra en el Met de Nueva York. Meier, aún vestida como Klytämnestra, impone tanto fuera como dentro del escenario. Charlar con ella es una experiencia fuera de este mundo, no sólo por la sabiduría y la enorme cultura general que tiene, sino también por la pasión que proyecta, en todo momento, por lo que hace.

Queremos comenzar por preguntarle acerca de dos acontecimientos muy importantes en su carrera en este año: el adiós al rol de Kundry y su participación en el Met de Nueva York en el estreno de la producción de Patrice Chéreau de Elektra. ¿Qué nos puede decir de su colaboración con Chéreau? ¡Qué te puedo decir de la emoción que me da participar en esta puesta! Para mí, colaborar con Patrice siempre fue uno de los puntos más importantes de mi carrera. Una vez le comenté que poder trabajar con gente como él era una de las razones por las cuales había elegido esta profesión. Me sentía realizada trabajando con él en cada una Brünnhilde en Götterdämmerung en concierto en Berlín, de las óperas en las que colaboramos, porque hacíamos un estudio dirigida por Daniel Barenboim detallado y profundo de cada rol y eso me fascinaba. Foto: Chris Christodoulou En 1976 vi la famosa producción de Chéreau de Der Ring des Nibelungen y eso cambió mi vida. Yo estaba en Bayreuth para Meier ha colaborado con directores de escena como Jean-Pierre participar en un concurso, el cual gané, y uno de los premios eran Ponnelle, Luc Bondy, Harry Kupfer, Götz Friedrich, Klaus-Michael entradas para ver todo el ciclo del Ring en esa nueva puesta de Patrice. Grüber, y Patrice Chéreau. Con este último trabajó en tres puestas Fue la primera vez que veía Wagner en vivo; cuando se alzó el telón en escena de antología: Wozzeck, Tristan und Isolde (en la Scala) y y escuché esa música, quedé fascinada. Además, supe que quería Elektra (en Aix-en-Provence y el Met). trabajar con un director como Patrice.

Directores como Daniel Barenboim, Riccardo Muti, Claudio Abbado, Fue en 1992 cuando trabajamos juntos por primera vez en París: la James Levine, Zubin Mehta, Christian Thielemann y Semyon ópera fue Wozzeck y comprendí en ese momento el por qué de su Bychkov han trabajado con Meier en muchas funciones, como la genialidad. Era muy distinto a todos los demás directores de ópera con famosa puesta de Parsifal, dirigida escénicamente por Klaus-Michael los que había colaborado. Para él era muy importante el texto; todo Grüber y orquestalmente por Bychkov en el Théâtre du Châtelet; lo que quería mostrar en escena se basaba en un análisis detallado del sus frecuentes colaboraciones al lado de Barenboim con la Ópera libreto; no sólo de las palabras, sino también del mensaje que viene en Estatal de Berlín Unter den Linden, la Ópera Estatal de Baviera y, la música. especialmente, con la West-Eastern-Divan Orchestra, con quien hace giras frecuentemente. No era de esos directores a los que se les ocurre una idea y tratan de meterla a fuerza en la puesta que están preparando. Patrice ponía Meier no sólo es una formidable intérprete de las óperas de Richard atención en la actuación, no sólo de quien estaba cantando, sino Wagner; también ha cantado papeles como Didon en Les troyens de también del personaje que estaba escuchando. Cuestionaba mucho lo Berlioz, el papel titular de Carmen de Bizet, Santuzza en Cavalleria que se decían los personajes mutuamente para darnos elementos para rusticana de Mascagni, Leonore en Fidelio de Beethoven, Marie reaccionar de tal o cual manera. en Wozzeck de Berg, Klytämnestra en Elektra y Der Komponist en Ariadne auf Naxos, ambas de Strauss; la Princesa Eboli en Don Carlos Colaboramos en su producción de Tristan und Isolde en la Scala y y Amneris en Aida, las dos de Verdi; Marguerite en La damnation de en la reposición de la misma años después. Nos encantaba trabajar Faust de Berlioz; Yocasta en Oedipus Rex de Stravinsky; y Dalila en juntos y desarrollar nuevas ideas. Fuera de los horarios de ensayos, Samson et Dalila de Saint-Saëns, entre otros. nos llegábamos a juntar para platicar sobre varios asuntos: me tomaba como su compañera de charlas y discusiones de las puestas. Era muy Con un amplio catálogo de discos, CDs y DVDs en su haber, Meier enriquecedor platicar con él, dentro y fuera del escenario. Amaba —y también se presenta en conciertos con orquesta y recitales, y ostenta odiaba a la vez— que le preguntáramos cosas, porque eso lo hacía el título de Kammersängerin por las Óperas Estatales de Viena y de repensar sus propios conceptos. Cuestionar todo era su mayor placer y Baviera. también encontrar la respuesta adecuada a nuestras preguntas.

pro ópera 35 Con Nina Stemme (Elektra) en el Met, 2016 Fidelio en concierto en París, con Jonas Kaufmann, 2012 Foto: Marty Sohl

¿Le dio Chéreau una nueva visión a lo que usted creía era el ¿Cómo fue para usted decirle adiós a este rol que le ha dado tanto? personaje de Klytämnestra? Siento a Kundry como una parte de mí, como si estuviese ya en el Sí, definitivamente. Siempre se ha representado a este personaje interior de mi cuerpo para siempre. Claro que es muy triste decirle como un monstruo, y eso no es correcto. La mayoría de las veces se adiós pero, por otra parte, para cualquier despedida habrá algún concentra toda la simpatía del público en Elektra porque hacen que recuerdo lindo. Hay un momento en el cual debes agradecer haberlo ella sea la única víctima de esta tragedia. Eso no es verdad. Lo que cantado y luego dejarlo ir. Saber decir “no” a algunos papeles es sucedió fue una tragedia familiar. En la Orestiada podemos leer que respetar el papel y a la/tu profesión. todos y cada uno de los miembros de esa familia eran culpables de algo. Todos tuvieron sus razones para actuar como lo hicieron. Ahí es Desde hace tiempo estaba ya planeando dejar de cantarlo y se lo dije donde reside la tragedia de esta familia: en que todos son culpables a mi agente. Quería que mi última Kundry fuese muy buena y no de lo que pasó, en mayor o menor grado. Durante toda la ópera escucharme en un futuro cantándolo de manera poco satisfactoria. vemos que hay cambios entre quiénes son los victimarios y quiénes Si ya no puedo darle todas las cualidades que le di cuando estaba en las víctimas en la trama. plenitud, entonces mejor la dejo y que quede un hermoso recuerdo de mi Kundry. Así es la naturaleza: hay momentos en los que uno debe Por eso, es más interesante mostrar las distintas dinámicas de decirle adiós a las cosas. Mi vida la vivo de la misma manera: hago esa familia; es entonces cuando pueden verse los matices en los las cosas cuando yo siento que está bien hacerlas y cuando no, las dejo personajes, especialmente en Klytämnestra. Repito: no es un de hacer. Puedo mirar hacia atrás y decir: estoy agradecida de haber monstruo. Tuvo sus razones para matar a Agamemnon, aunque no las cantado 34 años a Kundry. Creo que nadie lo ha cantado tanto tiempo. justifico y, por supuesto, el hecho de que sufre por la culpa muestra El otro papel que he cantado por bastante tiempo ha sido Isolde: llevo que no es un monstruo; es un ser humano que rememora con su 22 años interpretándola. hija los tiempos en que todo estaba bien. No olvidemos que fue el ¿Cuáles son los elementos más importantes que destacaría usted de mismo Agamemnon quien comenzó la tragedia familiar al sacrificar a Kundry y de Isolde? Iphigenia a los dioses para poder ir a la guerra. He hecho 27 producciones diferentes de Kundry; en cada una de ellas la abordaba con la riqueza de la experiencia de la puesta pasada. Patrice siempre nos decía a los otros personajes: “No le crean a Añadía cosas nuevas y se volvía una interpretación fresca. Nunca Elektra todo lo que les dice. La ópera se está contando, la mayor pierdes lo que has trabajado y creado en puestas pasadas y puedes parte del tiempo, desde el punto de vista de ella y Elektra es una incorporar elementos que te gustaron de tal o cual producción en las adolescente. Se quedó enfrascada en la muerte del padre, dejó de que haces después. Surgen nuevas preguntas, nuevas circunstancias, madurar como persona y ve todo a través sus ojos de adolescente que encuentras respuestas para otras incógnitas que tenías sobre el papel… glorifica a su padre”. Es importante tener eso en mente cuando ves Es un aprendizaje constante. esta ópera. Nadie quiere escuchar a Klytämnestra, y la única manera en que se hace escuchar es diciendo a todo mundo que no puede En el documental sobre su vida, titulado ‘Ich folg dem innern dormir, que está con los nervios destrozados. Trieben’ (‘Sigo mi voz interna’), usted comenta que le gusta mucho usar el vestuario como referencia para crear a sus personajes e, El lenguaje musical de Strauss en esta ópera es muy teatral. incluso, improvisa mucho con el mismo. ¿Ha crecido su capacidad de ¿Prepara igual este tipo de óperas que las demás? improvisación con el tiempo? Con Strauss pasa como con Wagner: tienes que encontrar el Sí, mucho. Gracias a mi experiencia sobre los escenarios tengo ahora verdadero sentido dramático de cada frase. Cada una de las palabras más libertad. Siempre estoy consciente de lo que quiero hacer en tiene que ser clara y la idea de lo que estás expresando debe sentirse escena, pero doy también rienda suelta a la improvisación, cuando como algo natural, algo que está surgiendo en el momento. Hay que surge. Nunca hago cosas en escena sólo por hacerlas. Si tengo el encontrar el sentido de cada palabra y darles peso a las que creas son tiempo, hay veces que me pongo a pensar si cierta acción va a servir o más importantes. no para ilustrar algo del personaje o de la escena.

Siempre trato de cantar como si estuviese hablando: para mí, el canto Cuando un director de escena me pide que haga algo, siempre es la continuación del habla. También podemos decir que es una pregunto: ¿Por qué? [Ríe.] Creo que ha habido veces que les doy forma de hablar con otros medios; es una forma de comunicación. muchos dolores de cabeza a los directores de escena con los que trabajo, pero me tienen que convencer de que lo que me piden tiene Tenemos que hablar de la importancia de Kundry en su carrera. lógica dentro de la ópera que interpreto. Me gusta ser parte del

36 pro ópera Sieglinde con Johan Botha Waltraute en Götterdämmerung en el Met La última función de Meier como Isolde en Múnich, 2015 (Siegmund) en Die Walküre en el Met Foto: Ken Howard proceso de creación de un personaje. Todas las ideas de los registas Ser honestos como artistas en escena y respetuosos con las deben reflejarse en lo que yo hago en escena y en lo que canto. Ellos obras que interpretamos. Déjame contarte una anécdota muy no son los que se suben al escenario: somos nosotros, los cantantes, hermosa que me sucedió con mi sobrino de 18 años y su primera los que ilustramos sus ideas. Tenemos que encontrar una simbiosis experiencia con la ópera: estaba yo cantando en Bayreuth Tristan que vaya de acuerdo con los dos. und Isolde y le pedí que me acompañara al ensayo general para que viera a su tía Waltraud en acción. A regañadientes aceptó, y Hoy en día hay muchos directores de escena que quieren imponerte su después del primer acto quedó fascinado. Después de la función concepto. Cuando les preguntas acerca del por qué de sus propuestas, me dijo: ¿Sabes, tía? La historia es fácil, la entendí rápidamente.. te dicen: “Se ve bien y es gracioso”. Eso es tonto. ¡Pero las emociones! Yo pensé: ¡Bingo! Captó lo importante: en la ópera se trata de transmitir las emociones. Usted ha trabajado con muchos grandes directores de escena, además de Chéreau: mencionaremos a Jean-Pierre Ponnelle, Harry Es curioso porque, cuando está uno en el escenario, no piensas: Kupfer, Giorgio Strehler, Götz Friedrich y toda esa generación que “Oh, voy a hacer sentir esto o lo otro”, ¡porque se volvería marcó una época en la historia de la ópera del siglo XX. ¿Cuál era el artificial! Debes sentirlotú y, si es una buena ópera, las emociones común denominador de todos ellos que los hacía tan buenos para se sentirán de manera natural. dirigir ópera? Todos ellos tenían una cultura general impresionante, sabían de Cantó usted muchas veces con el tenor Siegfried Jerusalem, literatura, pintura, música, filosofía, psicología, ¡y se sabían las óperas con quien tenía una química extraordinaria. ¿Cómo ha sido su completas! Es muy importante que los directores de escena de ópera relación con sus colegas en este intercambio de energía escénica? tengan una cultura muy amplia. Creo que todo depende de si tu compañero sabe escuchar. No me gusta cuando canto con gente que sólo está al pendiente de lo que Analizando un poco todos los papeles que ha cantado en su él o ella tiene que cantar y no se involucra en lo que yo le digo o carrera, me doy cuenta de que le atraen aquellos personajes que hago en nuestras escenas. Yo me doy cuenta cuando mi compañero tienen infinidad de matices y que no caen en la bidimensionalidad. me está prestando atención y está metido/a en la escena, Ha tenido suerte de poder escoger y poder cantar roles tan mirándole a los ojos directamente. Hay veces que puedes estar tan ricos como Marie en Wozzeck, Ortrud en Lohengrin, Isolde, compenetrado con alguien que hasta pueden los dos improvisar sin Klytämnestra, Carmen, Amneris, Santuzza y todas estas mujeres problema alguno. Hay libertad de acción porque ni tú ni él repiten fuertes... en cada función, como robots, lo mismo. Bueno, debo confesar que en mi juventud canté Maddalena en Rigoletto. Ése no es un rol muy rico en matices, que digamos. [Ríe.] Me gusta cuando decido cambiar algo para enriquecer tal o cual escena y que mi compañero me entienda y sepa, a su vez, tomar de En 1996 participó como la Princesa Eboli en unas funciones muy allí algo para sacar algo nuevo de su personaje. Y a mí me gusta memorables en París de Don Carlos de Verdi, una de las cuales fue ese intercambio de energías y de ideas. Hay veces que hasta se grabada en CD y en video. ¿Qué recuerda de esa interpretación? siente como un juego. Hay que escuchar a tus compañeros con Fue la primera vez que la cantaba en francés. Recuerdo que di todo todo tu cuerpo, no sólo con los oídos. Lo siento como un partido de mi ser para ilustrar todos los matices del personaje. Me entregué en ping-pong; tienes que estar atento de a dónde te mandará la pelota cuerpo y alma para poder darle vida de manera real. Cuando cantas tu compañero. un rol nuevo, primero lo ves desde tu punto de vista; esto es muy importante, porque así puedes comentar acerca de sus acciones. Eso Me pasó, una vez, con Plácido Domingo, con quien había cantado hace que conozcas más al personaje. Die Walküre en Viena. Él era mi Siegmund. Lo volvimos a cantar juntos tres años después. Platicamos sobre ensayar nuestras Hay otros personajes, como Ortrud, a los cuales no puedes justificar escenas y acordamos que mejor nos dejaríamos llevar con lo que por lo que hacen como personas, pero que tienes que aceptarlos tal ya conocíamos el uno del otro. como son, aunque estés en desacuerdo con sus acciones. Tengo que olvidarme de lo que yo pienso sobre ella y meterme en su piel. Lo que ¿Qué nos puede contar sobre sus planes futuros? sí procuro es evitar caracterizarla como una mujer mala solo porque Me voy a enfocar mucho en hacer recitales, conciertos y, tal vez, sí. Así lo he hecho varias veces alrededor del mundo: en Viena, en vivir un poco más. [Ríe.] Hay vida afuera del teatro y estoy feliz, Londres, en Berlín, y me ha ido bien. realizada, me siento muy bien interiormente, tengo tantas cosas maravillosas en mi vida que ya no puedo pedir más de ella. Hay ¿Cuál cree que es el elemento clave para atraer a nuevas veces en que uno ya no debe pensar en ¿qué sigue después?, sino generaciones a la ópera? detenerse y decir: “Gracias por lo que ya tengo”. o

pro ópera 37 Ópera en el mundo Gala de los 50 años del Met en Lincoln Center

por Ingrid Haas

Al final de la gala de cinco horas, Plácido Domingo, Marco Armiliato, Pretty Yende, Javier Camarena, Dmitri Hvorostovsky, Susan Graham, Matthew Polenzani, Sonya Yoncheva y Piotr Beczala saludan al público.

l pasado 7 de mayo el Metropolitan Opera House de Nueva York celebró 50 años de su mudanza a Lincoln Center. El 16 de septiembre de 1966 abrió las puertas el nuevo Met, un edificio mucho más grande que el anterior y que tiene la tecnología y la infraestructura necesarias para afrontar más y mejores funciones. Después de haber estado localizado en la calle 39 y Broadway desde 1883, el Metropolitan Opera inauguró su temporada 1966-1967 en Esu nuevo hogar con la ópera Antony and Cleopatra de Samuel Barber, comisionada a éste por Rudolf Bing para su estreno en el nuevo teatro. El elenco que estrenó dicha ópera fue encabezado por la gran soprano norteamericana Leontyne Price, el bajo-barítono puertorriqueño Justino Díaz y la mezzosoprano Rosalind Elias, dirigidos en lo orquestal por Thomas Schippers y en lo escénico por Franco Zeffirelli.

Para esta gala de los 50 años del MET en el Lincoln Center, se congregaron a 40 de los mejores cantantes de ópera del mundo, muchos de los cuales son parte esencial de los elencos de cada temporada de este teatro neoyorkino. Tres directores de orquesta participaron en las casi cinco horas de celebración: el director emérito artístico del MET, James Levine, su futuro director artístico, Yannick Nézet-Séguin y Marco Armiliato, quien ha dirigido en este recinto innumerables veces.

El programa estuvo integrado por piezas orquestales, arias, duetos, tríos y concertantes de óperas, con la particularidad de que los cantantes estaban caracterizados como los personajes que cantaron. Se usaron proyecciones para ambientar cada participación y la producción de todo estuvo a cargo de Julian Crouch. También se proyectaron documentales sobre la inauguración, sobre la instalación de los muros de Marc Chagall, sobre los candiles llamados los sputnik, sobre James Levine y su trabajo en el Met y una entrevista con Leontyne Price.

Atinadamente y, para hacer homenaje al lugar donde se encuentra localizado actualmente, el lado oeste (West Side) de la ciudad, la orquesta del Met bajo la dirección de Nézet-Séguin interpretó la obertura de West Side Story de Leonard Bernstein. A continuación, el coro interpretó ‘From Alexandria, this is the news’ de la ópera que inauguró el teatro en 1966, Antony and Cleopatra.

El solista que abrió la gala fue Plácido Domingo, cantando con intensidad el aria de Gérard ‘Nemico della patria’ de Andrea Chénier. Siguió el tenor polaco Piotr Beczala, interpretando el aria ‘Quando le sere al placido’ de Luisa Miller,

38 pro ópera ópera que cantará en la próxima temporada. Repitió dos veces la letra en las dos partes del aria pero eso no demeritó su excelente desempeño vocal. Él fue el primero de varios cantantes que interpretaron arias de óperas que están programadas para el futuro en el Met.

El barítono alemán Michael Volle tuvo a su cargo dos arias mozartianas: ‘Hai già vinta la causa... Vedrò mentr’io sospiro’ de Le nozze di Figaro y ‘Der Vogelfänger bin ich ja’ de Die Zauberflöte. Volle hizo un buen trabajo con ambas arias pero tal vez hubiese sido más lucidor que cantara el aria ‘Die Frist ist um’ de Der fliegende Holländer, en la cual estaba participando en esos días en el Met.

El primer dueto de la velada fue ‘Pronta io son’ de Don Pasquale, interpretado por la soprano Pretty Yende y el barítono Mariusz Kwiecień. A continuación, la soprano letona Kristīne Opolais interpretó con gran intensidad dramática la famosa aria ‘Vissi d’arte’ de Tosca, ópera que cantará en la próxima temporada en una nueva producción de David McVicar. El bajo René Pape tuvo a cargo la “escena de la locura” de Boris Godunov con su imponente voz y enmarcado en una de las ambientaciones más bellas de la gala.

Armiliato dirigió estos tres fragmentos, y luego Nézet-Séguin regresó para dirigir toda la escena final del primer acto deLa bohème, con la soprano búlgara Sonja Yoncheva y el tenor maltés Joseph Calleja. Él cantó muy bien ‘Che gelida manina’, coronando el final con un pleno Do sobreagudo y ella cantó un precioso ‘Sì, mi chiamanoMimì”, para unirse luego a su compañero en una preciosa interpretación del dueto ‘O soave fanciulla’. Elīna Garanča, Diana Damrau, Renée Fleming, Susan Graham, La gran sorpresa de la gala fue la aparición del barítono siberiano Dmitri Hvorostovsky, quien cantó el aria Isabel Leonard, Dolores Zajick y ‘Cortigiani, vil razza’ de Rigoletto. Peter Gelb lo anunció y la gente le dio una ovación de pie, estruendosa y emotiva. Pretty Yende se toman una selfie Cantó con su acostumbrado timbre oscuro y mostró que, aún con sus problemas de salud (ha suspendido su carrera pues está luchando contra un cáncer cerebral), sigue en excelente forma vocal.

Siguió la mezzosoprano Joyce DiDonato cantando el aria de Charlotte ‘Va! Laisse couler mes larmes’ de Werther. Aunque no es un aria muy llamativa para una gala, DiDonato la cantó con la melancolía necesaria y haciendo lucir su registro central.

Armiliato regresó al podium para acompañar a la mezzosoprano Susan Graham y al tenor Matthew Polenzani cantando el dueto ‘Nuit d’ivresse’ de Les troyens de Berlioz. Ambos cantantes se acoplaron bellamente y su fraseo fue exquisito. Siguió la mezzosoprano Dolora Zajick, interpretando con su poderosa voz el aria ‘Acerba voluttà, dolce tortura’ de Adriana Lecouvreur de Cilea. A sus 65 años, Zajick todavía impresiona. El tenor mexicano Javier Camarena tuvo una de las ovaciones más emotivas y calurosas de la noche cantando un impresionante ‘Ah, mes amis... Pour mon âme!’ de La fille du régiment. Camarena dio los nueve Does sobreagudos con brillo y claridad asombrosas. Cerró la primera parte de la gala la diva consentida del Met, Anna Netrebko, cantando el aria de Lady Macbeth ‘Nel dì della vittoria... Vieni, t’affretta... Or tutti sorgete’ de Macbeth. La soprano rusa ha crecido mucho en su interpretación de este rol y la escuchamos más inmersa en darle matices a la música que cuando la cantó por primera vez en este teatro. La voz lució muchísimo en el aria, pero donde se coronó definitivamente fue en la cabaletta.

La segunda parte abrió con el coro del Met cantando la “Entrada de los invitados” del segundo acto de Tannhäuser de Wagner. Siguió el hermoso dueto ‘Bess, you is my woman now’ de Porgy and Bess, cantado por Eric Owens, quien próximamente hará el rol en este teatro, y Pretty Yende. Siguió la magnífica interpretación de la mezzosopranoElīna Garanča como Dalila cantando ‘Mon coeur s’ouvre à ta voix’ de Samson et Dalila. Esta aria fue una probadita de lo que nos depara el futuro cuando Garanča haga, por primera vez, el papel de Dalila en el Met. Su fraseo fue etéreo y su voz es cada vez más rica en el registro medio.

A continuación se presentó la escena entre Felipe II y el Gran Inquisidor ‘Son io dinanzi al Re?’ del acto IV de Don Carlo en las voces de Günther Groissböck como Felipe II y James Morris como el Gran Inquisidor. Groissböck entró a la última hora para suplir a Ferruccio Furlanetto, que no pudo asistir a la gala, y debemos decir que, con este dúo y su actuación como el Baron Ochs, el austriaco se consagró como uno de los grandes bajos jóvenes de la Anna Netrebko interpretó el aria actualidad. Morris sonó bien como el Inquisidor y ambos se metieron muy bien dentro del drama de la escena. El tenor de Lady Macbeth Vittorio Grigolo tuvo que suplir a Juan Diego Flórez, que canceló su asistencia a la gala, y cantó el aria ‘Ah! Lève- toi, soleil!’ de Roméo et Juliette, ópera con la cual Grigolo tuvo gran éxito a principios de año. La cantó con su ya conocido apasionamiento desbordado y mostrando que el repertorio francés le va muy bien.

Diana Damrau cantó ‘È strano... Ah, fors’è lui... Sempre libera’ de La traviata, rol que debutó en el Met en 2013 y que cantará de nuevo en una nueva producción en dos años. Su Violetta no se muestra débil o temerosa, sino asustada e intensa en el aria, enfadada y fuerte en ‘Sempre libera’; cantó muy bien la primera parte del aria, haciendo énfasis en lo que decía y dándole un significado a las palabras. Se arriesgó a dar el Mi bemol sobreagudo al final del aria y, aunque no lo dio con su usual brillantez, eso no demeritó de ninguna manera la introspección y belleza de su canto. Su Alfredo fue Matthew Polenzani.

A continuación siguieron la mezzosoprano Stephanie Blythe y el contratenor David Daniels como Cornelia y Sesto, respectivamente, cantando el dueto ‘Son nata a lagrimar’ de Giulio Cesare de Händel. Fue el único fragmento de ópera barroca de la gala y ambos cantantes se lucieron en su manera tan bella de cantar este sentido y precioso dueto. El barítono serbio Željko Lučić cantó el aria de Iago ‘Credo in un Dio crudel’ de Otello, ópera que cantó la temporada pasada. Su voz queda muy bien en el repertorio verdiano e imprimió a su aria la maldad necesaria, además

pro ópera 39 de interpretarla con buena dicción. Siguió el dueto ‘What was before’ entre Miranda y Ferdinand de The Tempest de Thomas Adés. Los solistas fueron la mezzosoprano Isabel Leonard y el tenor Ben Bliss; participó también en este dueto Dwayne Croft, cantando las breves líneas de Prospero desde bambalinas; hermoso fragmento de ésta ópera que se estrenó en Londres en 2004 y en el MET en 2012. Vittorio Grigolo regresó para cantar el aria ‘E lucevan le stelle’ de Tosca, ópera que interpretará en la próxima temporada al lado de Opolais y Bryn Terfel, debutando así el rol de Cavaradossi. De nuevo, el tenor italiano cantó con su acostumbrada pasión y un fraseo poco ortodoxo pero que hace desbordar la emoción del aria.

La soprano Renée Fleming, quien recientemente dijo adiós al rol de la Marschallin en Der Rosenkavalier, cantó dos piezas. Inició con el aria ‘Porgi amor’ de Le nozze di Figaro, ópera con la que hizo su debut en el Met, y siguió con el dueto ‘Baigne d’eau tes mains et tes lèvres’ de Thaïs, acompañada de Plácido Domingo como Athanaël. En su aria, Fleming mostró que sigue siendo una experta en cantar Mozart, con un fraseo elegante y dándole al aria la melancolía necesaria, flotando las notas de manera etérea. Fleming y Domingo se acoplaron muy bien en el dueto de Thaïs, mostrando el por qué son dos de las grandes estrellas de la ópera actual.

La soprano Angela Meade, el tenor Michael Fabiano y el bajo Günther Groissböck cantaron el trío ‘Qual voluttà trascorrere’ de I lombardi, dirigidos por James Levine y con la participación de David Chan, concertino de la orquesta del Met, haciendo el solo de violín de manera magistral. Los tres solistas estuvieron magníficos y se vislumbra que esta ópera regrese pronto al Met con Meade y Fabiano cantando Giselda y Oronto. La mezzosoprano Joyce DiDonato regresó al escenario para cantar el aria ‘Bel raggio lusinghier’ de Semiramide con su usual buen gusto para interpretar Rossini. Su voz lució mucho más en esta aria que en Werther y mostró sus perfectas coloraturas, sus agudos certeros y cómo es una maestra en el arte de matizar en las frases musicales.

Anna Netrebko volvió a aparecer para cantar el aria ‘Un bel dì vedremo’ de Madama Butterfly. Su interpretación fue La sorpresa de la noche: muy heróica y prefirió darle mucha intensidad a su Cio-cio-san con su potente voz, en vez de mostrar fragilidad. Su Dmitri Hvorostovsky, voz queda de maravilla con las óperas de Puccini y esperamos que agregue esta ópera a su repertorio pronto. bajo tratamiento de cáncer cerebral, cantó El final del acto II deAida a cargo de Latonia Moore (Aida), Dolora Zajick (Amneris), Yusif Eyvazov (Radamès), ‘Cortigianni’ de Rigoletto Željko Lučić (Amonasro), James Morris (Ramfis) ySava Vemić (Rey), dirigidos por James Levine, dio cierre a esta gala de cinco horas de duración.

Hay que aplaudirle a la orquesta del Metropolitan Opera por tocar durante cinco horas con gran calidad y pasando de un estilo a otro de manera magistral. Este evento fue seguido por internet en la radio Sirius y la radio de la página del Met y mostró a los artistas y el repertorio que hacen de este teatro lírico neoyorkino uno de los más importantes del mundo. o

40 pro ópera LIBROS Una pasión compartida: Los pasos de Conciertos Guadalajara

por Gamaliel Ruiz

Una pasión compartida: Los pasos de urante más de 50 años, la asociación civil Conciertos Conciertos Guadalajara aportó a la vida cultural de nuestro país un Guadalajara, admirable cúmulo de eventos artísticos: ópera, danza, A. C. zarzuela, teatro, conciertos y recitales, todos ellos con por Óscar Trejo Dartistas de reconocido talento a nivel internacional. Zaragoza Editorial Ágata, Con el objetivo de preservar el impresionante acervo artístico que 2017 produjo esta agrupación y por iniciativa de diversos miembros de la asociación, como Natalia Quintana y Raúl Villanueva, se realizó el libro Una pasión compartida: Los pasos de Conciertos Guadalajara, A. C. escrito por el sociólogo y dramaturgo Óscar Trejo Zaragoza, quien recopila y comparte datos históricos, anécdotas y muchas fotos de fundadores, colaboradores, artistas invitados y más personalidades involucradas en el camino trazado exitosamente por un equipo amante de la música y demás Bellas Artes. mejores actores del momento a lo largo de más de cinco décadas. Muy encomiable fue su labor didáctica y altruista al realizar Es un verdadero deleite sumergirse en las más de seiscientas conciertos gratuitos en dos rubros: “Conciertos populares” en la páginas de este libro que inicia con el prólogo a cargo de Jaime Arena Coliseo y “La música a tu alcance” en templos de diversos García Elías para dar paso a los orígenes de esta institución barrios de la ciudad de Guadalajara. cultural, las damas que guiaron su camino, los benefactores y las diferentes generaciones artísticas que colaboraron de manera Es impresionante la galería de artistas invitados por la citada importante. agrupación para participar en cientos de espectáculos artísticos inigualables: los legendarios Rudolf Nureyev, George Balanchine, Conciertos Guadalajara A.C. se fundó en 1950 gracias a la idea de Victoria de los Ángeles, Marcel Marceau, el Ballet Nacional de Jorge Matute Remus y Joaquín Ruiz Esparza. La fundadora fue Cuba, los Niños Cantores de Viena, Plácido Domingo, Gilda Teresa Casillas, también gerente en aquella época de la Orquesta Cruz-Romo, Ruggiero Ricci, Arthur Rubinstein, el Ballet Bolshoi, Sinfónica de Guadalajara, dama de admirable talento y trabajadora Claudio Arrau, Neeme Järvi, Giuseppe Di Stefano, Narciso Yepes, incansable en apoyo del arte y cultura. Gary Karr, Ida Haendel, Winifed F. Brown, Claude Bolling y Les Ballets Jazz de Montreal, así como los contemporáneos Rolando El primer concierto aportado por Conciertos Guadalajara A.C. Villazón y Fernando De La Mora, entre muchos otros, quienes se verificó en 1951 en el escenario del Teatro Degollado con la ocupan un lugar especial en este documento que brindará muy participación del célebre director Jascha Horenstein al mando de gratos recuerdos al lector susceptible al extraordinario patrimonio la Orquesta Sinfónica de Guadalajara, interpretando Schubert, cultural y artístico de esta organización. Kathaus y Chaikovski. Los últimos conciertos que esta institución obsequió fueron en 2009, ambos para órgano en la Catedral Muy grato es leer las diversas dedicatorias firmadas por Metropolitana de la capital jalisciense. prestigiados artistas: Enrique Patrón de Rueda, Gilda Cruz- Romo, Horacio Franco, Jorge Federico Osorio, José Guadalupe Fueron admirables las temporadas de ópera organizadas por la Flores, María Luisa Tamez y Violeta Dávalos, entre otros, que asociación, que en algunos años llegaron a ofrecer hasta cuatro dan testimonio, agradecimiento y reconocimiento a Conciertos títulos diferentes, con excelentes directores de escena y musicales, Guadalajara A.C. y a la Sra. Martha González de Hernández además de destacados elencos nacionales y extranjeros. Gracias Allende, dama sensible, trabajadora incansable y ejemplar a la iniciativa y arduo trabajo de esta asociación, también hubo promotora cultural. A ella se dedica este libro imprescindible en la mucha zarzuela, conciertos, funciones de ballet, teatro con los memorable historia de Jalisco y de todo México. o

pro ópera 41 VOCES Mezzos para el siglo XXI

por Ingrid Haas

n esta segunda entrega de la serie de artículos sobre las jóvenes voces que se están convirtiendo en estrellas del siglo XXI, y que en México pueden no ser muy conocidas, exploramos la tesitura de mezzosoprano. Esta voz es Edestinataria de muchos roles dentro del repertorio operístico. Hay un chiste en inglés, que dice que los papeles para mezzo se dividen en tres: witches, bitches and britches (brujas, golfas y pantalones), haciendo referencia al tipo de personajes a los que se asocia esta cuerda.

Una mezzosoprano puede cantar repertorio barroco, mozartiano y belcantista; o, en el caso de las que poseen un instrumento más Jamie Barton grave, de color más oscuro y con mayor potencia sonora, les es Foto: Stacy Bode propio un repertorio más pesado como son las óperas tardías de Verdi, los roles veristas o wagnerianos y algunas óperas En Cincinnati hizo su debut como Azucena en Il trovatore, contemporáneas. También hay algunas que, de vez en cuando, en Chicago fue la Voz de la Madre de Antonia en Les contes abordan algunos papeles clasificados para soprano, los cuales están d’Hoffmann y posteriormente cantó ahí mismo el papel de la Nana escritos más para la voz central, y donde no abundan los agudos. en Boris Godunov, Magdalena en Die Meistersinger, Dryade en Ariadne auf Naxos y Grandma Josephine y Mrs. Teavee en The Aunque las sopranos son las que siempre han contado con mayor Golden Ticket. Cantó Meg Page (Falstaff) para su debut en el publicidad y atención dentro del mundo de la ópera, en los Festival Saito Kinen de Tokio y Katisha, en la Ópera de Memphis. últimos 30 años hemos visto surgir a varias mezzosopranos que Otros roles que ha cantado han sido Penelope en Il ritorno d’Ulisse tienen igual o más fama que sus colegas. Cantantes como Tatiana in patria y la Bruja en Hänsel y Gretel. Troyanos, Frederica Von Stade, Agnes Baltsa, Denyce Graves, Waltraud Meier, Olga Borodina, Cecilia Bartoli o Elīna Garanča La hemos podido ver en dos transmisiones en vivo del vienen a la mente como representantes de esta cuerda que han Metropolitan Opera de Nueva York: en Rusalka como Ježibaba y gozado y gozan de fama a nivel mundial. en Nabucco en el papel de Fenena, donde también ha cantado el papel de Adalgisa en Norma y Giovanna Seymour en Anna Bolena. Les presentamos a siete mezzos que están activas en los mejores Próximamente hará su debut en la Ópera Estatal de Berlín como teatros del mundo y que poco a poco se están dando a conocer la Princesa Eboli en Don Carlo y con la New York Philharmonic como las herederas de las antes mencionadas. Todas ellas cuentan cantará su primera Fricka en Das Rheingold. Su album All Who con voces de enorme calidad, excelente presencia escénica y una Wander está ya a la venta. www.jamibartonmezzo.com versatilidad estilísitica envidiable. Marianne Crebassa (Francia) Jamie Barton (Estados Unidos) Esta mezzosoprano de Ganadora por unanimidad del Cardiff Singer of the Year en 2013, apenas 30 años, originaria el Marian Anderson Award en 2014, el Richard Tucker Award en de Montpellier, estudió 2015 y, recientemente, el Beverly Sills Artist Award en este 2017, musicología, canto y Jamie Barton es una de las voces más importantes en la cuerda piano en su ciudad natal. de mezzosoprano en la actualidad. Su manejo de la línea de canto Su voz es ligera, con un es impecable, tiene un registro central grande, oscuro, con un color oscuro; sus agudos verdadero timbre de mezzosoprano y en pocos años podrá abordar son brillantes y recuerda roles dramáticos. Sus agudos se expanden y tienen squillo, y su mucho el tipo de voz de musicalidad es en cualquier estilo refinada. Frederica Von Stade. A los 21 años debutó como Nacida en Rome, Georgia (Estados Unidos), Barton estuvo solista en la Ópera de dentro del Estudio de la Gran Ópera de Houston, donde cantó el Montpellier cantando el papel de Úrsula en Béatrice et Bénédict de Berlioz, Giovanna en poema dramático Manfred Rigoletto y Mary Norton en el estreno de la ópera de André Previn de Schumann. En 2010, Brief Encounter. Su versatilidad la ha llevado a cantar óperas en el Festival de Radio de Händel, Bellini, Donizetti, Verdi, Wagner, Dvorák y Previn; France, debutó el rol de así como música de concierto de Mahler y de Sibelius. Hizo su Isabella en Wuthering debut en la Ópera Nacional de Washington cantando los roles Heights de Carlisle Floyd, de Waltraute y de la Segunda Norna en Götterdämmerung; éste para después formar parte último también lo ha cantado en la Ópera Estatal de Baviera. En la del Programa de Jóvenes Ópera de Fráncfort debutó como Cornelia en Giulio Cesare, y en Artistas de la Ópera Glimmerglass cantó por primera vez en la ópera The Crucible, de de París. Ahí participó Robert Ward, interpretando a Elizabeth Proctor. en óperas tan diversas Marianne Crebassa

42 pro ópera como Orphée et Euridice, La finta giardiniera, Lulú, Rigoletto y de Ópera 2016 de Baden-Baden, de nuevo supliendo de última Madama Butterfly, entre otras. hora a Elīna Garanča, y cantó al lado de Anja Harteros, Jonas Kaufmann y Bryn Terfel, dirigidos por Marco Armiliato. Este Hizo su debut en el Festival de Salzburgo cantando el rol de concierto está grabado en DVD o Bluray. Irene en Tamerlano de Händel, al lado de Plácido Domingo y, ahí mismo, en 2014 estrenó el rol de Charlotte Kahn en Charlotte Salomon de Marc-André Dalbavie. Isabel Leonard (Estados Unidos) Una de las jóvenes Ha interpretado a Cherubino en Viena, Berlín y Ámsterdam. En la estrellas del firmamento Scala de Milán cantó el papel de Cecilio en Lucio Silla de Mozart operístico actual en la y el Niño en L’enfant et les sortilèges de Ravel. Hizo el rol de voz de mezzosoprano es, Stéphano en Roméo et Juliette en la Ópera Lírica de Chicago, sin duda, la carismática y donde próximamente cantará Dorabella en Così fan tutte. En encantadora Isabel Leonard. Montpellier participó para Radio France en la ópera Fantasio de Nacida en Estados Unidos, Offenbach. www.mariannecrebassa.com de madre argentina y padre estadounidense, Leonard es una de las cantantes Ekaterina Gubanova (Rusia) favoritas del público La joven mezzosoprano Ekaterina Gubanova se ha convertido en neoyorkino y, a nivel estos últimos cinco años en una de las cantantes más requeridas por mundial, ha conquistado los mejores teatros líricos del mundo, en especial el Metropolitan a audiencias de todo el Opera House de Nueva York, donde saltó a la fama gracias a su mundo, especialmente con participación como Giovanna Seymour en la transmisión en vivo su magnífica interpretación de roles como Cherubino, de la ópera Anna Bolena al lado de Anna Netrebko. Habiendo Isabel Leonard participado ya como Giulietta en Les contes d’Hoffmann en Dorabella, Rosina y la transmisión de esta ópera en 2009, Gubanova tuvo la gran Miranda en The Tempest de oportunidad de suplir a Elīna Garanča (la Giovanna original) y Thomas Adès. La versatilidad de esta cantante la hace ideal para darse a conocer a nivel mundial. cantar desde óperas de Vivaldi, Händel o Mozart, pasando por Rossini, Offenbach o Poulenc, hasta ópera contemporánea. Comenzó sus estudios de piano y dirección coral en Moscú, en cuyo conservatorio se graduó como Directora de Coros. Continuó Ha sido ganadora de prestigiosos premios como: el Marilyn Horne su aprendizaje en ópera y canto en el Conservatorio Chaikovski Foundation Award (2005), Licia Albanese-Puccini Foundation de Moscú y en la Academia Sibelius en Helsinki. Fue parte del Award (2006), Sixth Annual Beverly Sills Artist Award (2011) y Programa de Jóvenes Artistas de la Royal Opera House de 2002 a el Richard Tucker Award (2013). Su participación en el estreno 2004. Hizo su debut en el Met en La guerra y la paz de Prokófiev y video de The Tempest en el Met recibió en 2013 el Grammy y, a partir de entonces, ha mantenido una relación muy estrecha con a Mejor Grabación de Ópera, y su grabación de L’enfant et les este teatro, donde recientemente cantó ahí los papeles de Brangäne sortilèges ganó el Mejor Grabación de Ópera en 2016. Tiene un en Tristan und Isolde y Amneris en Aida. disco como solista llamado Preludios, con canciones de Falla, García Lorca, Montsalvatge y otros en la marca DELOS (2015). Otro rol wagneriano que ha presentado con gran éxito en la Scala de Milán y en la Ópera Estatal de Berlín es Fricka (Das Sus roles incluyen el papel principal de Griselda de Vivaldi, Rheingold). Debutó en 2005 en la Ópera de París como Brangäne, Zerlina, Rosina, Cherubino, Dorabella, Angelina en La la cual ha interpretado en el ya mencionado Met, París, Berlín, Cenerentola de Rossini, Sesto en La clemenza di Tito y en Giulio Tokyo, San Petersburgo y en el Festival de Baden-Baden. En el Cesare de Händel, Charlotte en Werther, Blanche en Dialogues Festival de Salzburgo cantó el papel de Olga en Eugene Onegin de Carmélites, el rol principal de La Périchole y Miranda en The bajo la batuta de Daniel Barenboim y a Amneris la ha cantado Tempest. también en la Ópera Estatal de Baviera y en la Scala de Milán. Se ha presentado en el Metropolitan Opera House de Nueva York, Sus roles más Viena, Múnich, París, Chicago, San Francisco, Boloña, Burdeos y destacados son en los Festivales de Glyndebourne y Salzburgo. Ha sido dirigida Carmen, Amneris, por James Levine, Valery Gergiev, Charles Dutoit, Gustavo Eboli, Liubasha (en Dudamel, Esa-Pekka Salonen, Franz Welser-Möst, Edo de Waart, La novia del zar de James Conlon, Andris Nelsons, Michele Mariotti y Harry Bicket. Rimski-Kórsakov), www.isabelleonard.com Brangäne, Fricka en Das Rheingold y Die Walküre, Nicklausse Kate Lindsey (EU) y Giulietta en Les Una de las grandes exponentes de los papeles llamados “en contes d’Hoffmann, travesti” que se les asignan a las mezzosopranos, en donde tienen Marguerite en La que interpretar el rol de adolescentes u hombres jóvenes es, sin damnation de Faust duda, Kate Lindsay. Su voz es aterciopelada, y posee una gran y Clitemnestre en musicalidad y una capacidad actoral camaléonica. Es igualmente Iphigénie en Aulide convincente interpretando a la pícara Dorabella o la dulce Angelina de Gluck y Jocasta así como al alborotado Cherubino, al enigmático Nicklausse o al en Oedipus Rex, atormentado Compositor. entre otros. Nacida en Richmond, Virginia, Lindsey se graduó con honores Ekaterina Gubanova Recientemente de la Licenciatura en Música de la Universidad de Virginia y Foto: G. Megrelidze participó en la Gala del Metropolitan Opera Lindemann Young Artist Development

pro ópera 43 Eugenio Oneguin, además de formar parte del ensamble de la compañía. Acudió después a la Academia del Teatro alla Scala de Milán, donde Daniel Barenboim la escuchó y la invitó a participar en las funciones de Carmen al lado del tenor Jonas Kaufmann. Esta misma ópera la ha cantado en el Met, las Óperas de Baviera, Seattle, San Francisco, Turín, la Compañía Ópera de Canadá, la Arena de Verona, la Ópera de Roma y el Teatro alla Scala de Milán. Kate Lindsey Además, ha cantado roles tan variados como Amneris, Azucena, Foto: Rosetta Marfa en Khovanchina de Músorgski, Dulcinée en Don Quichotte Greek de Massenet, Lyubasha en La novia del zar de Rimski-Kórsakov, Konchakovna en El príncipe Ígor, Cherubino, la Princesa de Program. Ha cantado en el Met, en los principales teatros de Viena, Bouillon en Adriana Lecouvreur, Isabella en L’italiana in Algeri, Londres, Viena, París, Santa Fe, Seattle, Los Ángeles y Lille, y en Fenena en Nabucco y Maddalena en Rigoletto, entre muchos otros. los festivales de Glyndebourne, Salzburgo y Aix-en-Provence. www.anitarachvelishvili.ge

Su repertorio incluye Rosina en Il barbiere di Siviglia, Cherubino en Le nozze di Figaro, Zerlina en Don Giovanni, Idamante en Ekaterina Semenchuk (Rusia) Idomeneo, Sesto y Annio en La clemenza di Tito, Angelina en Nacida en Minsk y poseedora La Cenerentola, Hänsel en Hänsel und Gretel, el Compositor de una voz que recuerda mucho en Ariadne auf Naxos y Nicklausse/The Muse en Les contes a la de su compatriota Olga d’Hoffmann, del cual hace una verdadera creación. Participó en el Borodina, esta mezzosoprano estreno en Seattle de la ópera Amelia de Daron Hagen, cantando rusa se graduó del Conservatorio el papel titular. La han dirigido Harry Bicket, James Conlon, Rimski-Kórsakov de San Mark Elder, Emmanuelle Haïm, Thomas Hengelbrock, Vladimir Petersburgo. Pronto su talento Jurowski, Louis Langrée, James Levine, Lorin Maazel, David y voz fueron requeridos en los Robertson, Jérémie Rhorer y Franz Welser-Möst. mejores teatros alrededor del mundo, debutando en 2008 Participó en las transmisiones en vivo desde el Met de Les en la Royal Opera House de contes d’Hoffmann (2009 y 2015), La clemenza di Tito (2012) y Londres cantando el papel de The Magic Flute (versión en inglés para niños que se encuentra Olga en Eugenio Oneguin. Con en DVD). Tiene grabada en video su interpretación del rol del esta compañía ha interpretado Compositor en Ariadne auf Naxos del Festival de Glyndebourne en Azucena en Il trovatore y la la marca OPUS ARTE e hizo una aparición especial en la película Princesa Eboli en Don Carlo; de John Malkovich Casanova Variations, donde canta música de ha participado en las funciones Mozart al lado de Miah Persson y Jonas Kaufmann. que el Kirov hizo en el teatro www.katelindsey.com londinense de las óperas La doncella de nieve de Rimski- Kórsakov, como Lehl; La guerra Anita Rachvelishvili (Georgia) y la paz de Prokófiev, en el papel A sus 32 años, esta de Sonya; y como Preziosilla en Ekaterina Semenchuk mezzosoprano georgiana ha La forza del destino de Verdi. Foto: Sheila Rock logrado establecerse como Fue en 2010, con el rol de una de las mejores cantantes Marina Mnizech de Boris Godunov en la transmisión en vivo desde de su cuerda en los últimos el Met de Nueva York que se consolidó como una de las mejores diez años. Su salto a la fama mezzosopranos jóvenes de hoy. mundial ocurrió cuando en 2009 cantó Carmen Ha sido dirigida por Valery Gergiev, Roberto Abbado, Charles en la apertura de la Scala Dutoit, Gianandrea Noseda, James Conlon, Antonio Pappano, de Milán bajo la batuta entre otros. Es invitada con regularidad a cantar en teatros como de Daniel Barenboim. Su el Met, la Royal Opera House de Londres, la Ópera de San atractivo timbre, oscuro, casi Francisco, el Palau de les Arts Reina Sofía en Valencia, la Ópera de contralto, su imponente de París, el Teatro Mariinsky, la Ópera de Los Ángeles, el Teatro presencia escénica y su talento San Carlo de Nápoles, el Carnegie Hall, la Konzerthaus de Viena, actoral, la hacen una de las el Concertgebouw de Amsterdam, los Festivales de Salzburg, grandes exponentes para Edinburgo y Ravinia y la Arena di Verona. los roles dramáticos para mezzosoprano. Su repertorio incluye Giovanna Seymour (Anna Bolena), Azucena (Il trovatore), Eboli (Don Carlo), Amneris (Aida), Laura Estudió piano en la Escuela (La Gioconda), Carmen, Dalila (Samson et Dalila), Ascanio Mukhran Machavariani y (Benvenuto Cellini), Didon (Les Troyens), Fricka (Die Walküre), canto en el Conservatorio Polina (La dama de picas), Marina (Boris Godunov), Liubov Vano-Sarajishvili. En 2007 (Mazepa) y Lady Macbeth (Macbeth), que cantó al lado de Plácido fue becada por el presidente Domingo en Valencia y en Los Ángeles. de Georgia y ganó el Premio Paata Burchuladze. Hizo su Tiene grabado un recital de Canciones rusas para la marca debut en la Ópera Nacional Harmonia Mundi y la ópera Oedipus Rex de Stravinsky, además Georgiana como Maddalena Anita Rachvelishvili aparece como la Princesa Eboli en el DVD/Bluray de la ópera Don en Rigoletto y Olga en Foto: Jiji Rejini Carlo grabada en 2013 en el Festival de Salzburgo. o

44 pro ópera RELATO La Rostova se pierde en la ópera

por Hugo Roca Joglar

Para Aldo

Para celebrar los 150 años de que Tolstói terminó de Natasha escribir su novela La guerra y la paz, recreamos la Rostova noche de ópera que la condesita Natasha Rostova vive conoce a Anatol en los capítulos 8, 9 y 10 de la octava parte. Kuraguin

Acto 1 (¿se canta en francés o en ruso?, ¿existe o el autor se la inventó?); —¡Mira quién está ahí, en ese palco al lado de la princesa Helene las certezas son demasiado escasas: que tiene cuatro actos; que la Besujova! protagonizan una mujer de vestido blanco y un hombre con penacho, —¿El conde Rostov?, ¿qué hace en Moscú? puñal y calzones de seda; que el coro canta una oración fuera de escena; —Está aquí para arreglar la boda de su hija con el viudo príncipe Andrey que participa el Diablo; que el tenor se apellida Duport y la soprano Bolkonsky. Semionovna. —¿Su hija es esa muchacha a su lado? —Se llama Natasha, Natasha Rostova. Aunque el arte lírico carece de importancia por sí mismo, para la historia —¡Es hermosa!, ¿y dónde está su prometido? de la música (arte que abreva constantemente de la literatura) es una —Se rumora que se ha complicado la boda… interesante anécdota que la Rostova, esa entrañable heroína tolstoina, se haya perdido —a causa de una intriga creada por la princesa Helene— Acto 2 durante una misteriosa función de ópera. Hacia fines de 1811, el ejército de Napoleón cruza la frontera rusa. El emperador Alejandro I le manda decir: “No me reconciliaré mientras Acto 4 quede un solo enemigo armado en mis tierras”. A Natasha la enloquece estar cerca de Helene. Desea inclinarse hacia ella y hacerle cosquillas. Hace dos horas, cuando empezó la ópera, En Moscú, la guerra luce demasiado lejana como para que los nobles añoraba al príncipe Andrey; el mero recuerdo de su prometido la se la tomen en serio. Condes y condesas, príncipes y princesas; ellos se estremecía de anhelo y la dejaba al borde de las lágrimas. entregan al pacífico divertimento de salones y fiestas. Ahora, bajo el encanto de la Besujova, esos sentimientos le son ajenos y Hoy es noche de ópera, la primera de 1812. Enero. El teatro está lleno. ridículos, como si los hubiera sentido en una vida distinta. De pronto le Las mujeres se deshacen de sus abrigos invernales. Quedan con poca parece tan natural este mundo galante de atrevimiento y coquetería. ropa; pieles desnudas en antebrazos y escote que adornan con joyas. La princesa Helene resplandece como ninguna. Es el encanto más brillante Le brillan los ojos; su corazón late con fuerza. Helene le dice: “Natasha, de la nación para algunos; para otros, la más grande serpiente. te presento a mi hermano: Anatol Kuraguin”. Y Natasha le tiende la mano a ese alto joven rubio para que él se la bese con los ojos risueños La presencia de Natasha Rostova ha causado revuelo en el teatro y fijos en su cuello desnudo. Helene, para evitar sentirse opacada, opta por el halago: Durante el descanso tras el segundo acto, le dice: “Natasha, ¡querida!, ven a mi Anatol es uno de los más cínicos canallas de Rusia. De no ser hijo lado; quiero conocerte mejor. Veamos juntas el resto de la ópera”. de príncipe, estaría encerrado en Siberia pagando sus tropelías. Esas tropelías que ya son leyenda, como cuando ató a un policía a la espalda Acto 3 de un oso. —¿Qué tipo de complicaciones? —El padre de Andrey, el viejo príncipe Bolkonsky, puso una condición Pero Natasha se enamora de Anatol a primera vista, sin preguntar nada. morbosa: únicamente daría su anuencia para la boda si su hijo vivía un Siente con horror y deseo cómo en su intimidad desaparece esa barrera año sin ver a su prometida. de pudor que siempre ha sentido entre sí misma y otros hombres. —¿Y qué hizo Andrey? —Se enlistó en el ejército y ya cumplió el año en la guerra. Regresará a Cuando la ópera termina, Anatol la ayuda a instalarse en su coche y le Moscú en cualquier momento. aprieta el brazo por encima del codo. —Y la Rostova está aquí para recibirlo… —Sí, la boda sigue en pie… aunque Natasha corre peligro… Epílogo —¿? Tras su noche en la ópera, Natasha rompe su compromiso matrimonial —¡Mírala, ya está enredada en la tela de esa negra araña de la Besujova! con el príncipe Andrey y planea fugarse con Anatol al extranjero. Sofía, la hermanastra, descubre el plan, alerta a la condesa Rostova y encierran Intermedio a Natasha en su cuarto. A los personajes de Tolstói no les importa la ópera; es su pretexto para esparcir veneno. Nadie (ni siquiera el omnipresente narrador) menciona Días después, Natasha come arsénico cuando se entera por Pierre —el el título ni al compositor. Resulta imposible saber de qué ópera se trata marido de Helene— de que Anatol es casado. o

pro ópera 45 DISCOS

Por Ingrid Haas

una máscara desde el principio. Sólo hay un escenario con una escalinata circular que sube hasta el techo; hay una cama matrimonial durante toda la ópera, sea para representar la cama de Riccardo o la de Renato y Amelia. Delgadas cortinas blancas caen para simular la niebla o las “paredes” del palacio que separan al público de la acción. Es un mundo, hasta cierto punto, onírico.

La presencia de Ulrica es muy importante en esta puesta, ya que aparece en casa de Riccardo de manera omnipresente, guiando toda la acción. Al final, termina siendo el Ángel de la muerte que llama a Riccardo a sus brazos. Renato y Amelia viven dentro del palacio con Riccardo, así que la probabilidad de los encuentros entre el conde y la esposa de su mejor amigo se acrecenta, aumentando la tensión. Erath incluye, en varias escenas, al hijo de la pareja, que en la mayoría de las puestas se menciona pero no aparece.

Otro elemento “novedoso” en esta puesta es la marioneta que carga Oscar, una réplica del mismo Riccardo, vestido en su bata de noche o como marinero para la escena de Ulrica, dando a entender que otros manejan su destino. La única escena poco creíble es la que debería llevarse a cabo en el patíbulo, fuera de la ciudad, donde Amelia se encuentra con Riccardo. En esta producción pasa todo en la recámara de la pareja, con el conde llegando a visitar a Amelia y Renato dormido en la cama.

Vocalmente, el elenco no podía ser mejor. Beczala se encuentra en gran forma vocal, cantando bellamente la parte de Riccardo. Tiene el lirismo necesario para interpretar con elegancia sus arias ‘La rivedrà nell’estasi’ y ‘Forse la soglia attinse... Ma se m’è forza perderti’. Sabe imprimir ligereza a su voz en su escena con Ulrica ‘Di’ tu se fedele... È scherzo od è follia’ y se acopla de Un ballo in maschera (Verdi) manera magnífica en el dueto ‘Teco io sto’ con la excelente Amelia A. Harteros, P. Beczala, G. Petean, O. von der Damerau, S. de Anja Harteros. Beczala es también un muy buen actor, dando Fomina; Z. Mehta una gran función como el atormentado Conde de Warwick. Bayerische Staatsoperorchester Unitel Classics Bluray Harteros, por su parte, da una cátedra de buen gusto al encarnar, con impecable línea de canto, agudos y sobreagudos brillantes y La nueva producción de la Bayerische Staatsoper de Múnich de graves seguros, el papel de Amelia. Desde su entrada en el trío Un ballo in maschera de Giuseppe Verdi contó con un atractivo con Ulrica y Riccardo, vemos que éste es un rol que le va muy elenco encabezado por el tenor Piotr Beczala como Riccardo, bien a la soprano alemana. Su registro sonoro es redondo y bello. Anja Harteros en el papel de Amelia, el barítono George Petean No le resulta difícil cantar su primera aria ‘Ecco l’orrido campo’ e como Renato, la mezzosoprano Okka von der Damerau en el imprime un grado de emotividad enorme a su otra aria ‘Morrò, ma rol de Ulrica y la soprano Sofia Fomina como Oscar. Todos ellos prima in grazia’. dirigidos por Zubin Mehta. El barítono Petean está a la par de sus colegas en calidad vocal y La puesta en escena es de Johannes Erath, quien sitúa la acción hace un Renato noble y atormentado. Su voz es de un verdadero en un mundo surrealista, en donde los límites entre ficción barítono verdiano, de color aterciopelado, con gran legato y y realidad, sueño o verdad, son un poco confusos. Todos los excelente técnica. Canta un excelente ‘Alla vita che t’arride’ y personajes tienen algo que ocultar y sus rostros están pintados se lleva una merecida ovación después de su segunda aria, ‘Eri sutilmente de blanco para crear la impresión de que todos llevan tu’. La soprano Fomina tiene una voz muy bella y le da a Oscar

4646 propro óperaópera la picardía necesaria. En esta puesta, está disfrazado como una versión de Marlene Dietrich en El ángel azul, explotando un poco el lado andrógino del personaje. Su voz es clara, con agudos bien timbrados y canta sus dos arias con chispa. La gran sorpresa fue escuchar a la mezzosoprano Von der Damerau como Ulrica. Esta cantante, a quien generalmente se le asignan roles secundarios, mostró su oscura y bella voz, dándole a Ulrica más notoriedad, tanto escénica como vocalmente. Sus notas graves son sonoras.

La dirección orquestal de Mehta es atinada, sobre todo en los matices y colores de la orquesta y el coro. Sus tempi son, en algunos momentos, un poco lentos, pero no afectan la fluidez de la acción; acompaña bien a los cantantes y conoce el estilo verdiano. La orquesta de la Bayerische Staatsoper interpreta muy bien la música de Verdi y el coro no sólo canta bien sino que actúa con naturalidad todos los roles que Erath les adjudica.

Europa riconosciuta (Salieri) D. Damrau, D. Rancatore, G. Kühmeier, D. Barcellona, G. Sabbatini, R. Bolle, A. Ferri; R. Muti Orchestra, Coro e Corpo di ballo del Teatro alla Scala ERATO DVD

Para la apertura de la temporada 2004-2005 del Teatro alla Scala de Milán, Riccardo Muti decidió presentar la ópera con la cual se inaugura el recinto en 1778: Europa Riconosciuta de Antonio Salieri. Durante tres años estuvo cerrado por renovaciones y qué mejor que iniciar sus actividades con la obra que le vio nacer hace más de 200 años. Se trabajó con manuscritos originales y con fragmentos incompletos de la ópera que se fueron ensamblando hermosas de la ópera. La conjunción de sus voces es perfecta. para lograr una coherencia dramática y musical, apegada lo Kühmeier tiene una voz de soprano más lírica que la de Damrau, más posible a lo que fue la obra en su estreno. La dirección de haciendo un contraste de colores con ella en el dueto ‘Ah, perché escena fue encomendada al famoso regista Luca Ronconi y la mai del pianto’. Destaca mucho su manera de cantar el aria escenografía a Pier-Luigi Pizzi. ‘Sposa... figlio’.

La ópera se divide en dos actos con cuatro escenas el primero y La soprano Désirée Rancatore afronta las coloraturas de Semele cinco el segundo. Trata sobre la historia de Europa, la amante de con gran técnica y cada nota se escucha clara y brillante. Los Zeus; su rapto a manos del rey Asterio, quien desea que Europa sobreagudos de sus arias ‘Va coll’aura scherzando’ y ‘Quando recobre su lugar como reina; el ascenso al trono de su prima più irato freme’ no son problema alguno para ella. En las partes Semele; el amor imposible entre Europa e Isseo, su antiguo amor; más líricas de sus arias muestra una línea de canto impecable. Un y el ansia de poder de Egisto. Todo esto enmarcado en la bella verdadero duelo de coloraturas entre ella y Damrau. música de Salieri, quien escribe arias extremadamente difíciles de interpretar por su virtuosismo vocal y sus saltos de registro tan Barcellona posee una voz pequeña pero su color es de repentinos. mezzosoprano y lo luce muy bien en su aria ‘Le spoglie guerriere’. Su registro central es oscuro pero tiene cierto brillo, Afortunadamante, el elenco escogido por Muti no pudo ser mejor así como agudos certeros. Su dueto con Semele ‘Ah se gli affetti y todos los cantantes afrontan esta complicada partitura con miei’ muestra lo bien que se acoplan Rancatore y ella. Con aplomo, musicalidad y perfecto control vocal. En el papel titular Damrau canta el duo ‘Perder l’oggetto amato’ en el segundo acto de Europa tenemos a la soprano alemana Diana Damrau, una de y el tiempo se detiene al oírlas interpretar esta joya de Salieri. las mejores Reinas de la Noche de los últimos veinte años. Al no serle ajenos las coloraturas y los sobreagudos, Damrau canta con El tenor Giuseppe Sabbatini puede parecer una elección extraña soltura, hermosa línea de canto y fioriture impecables todas las para cantar una ópera de Salieri, dada su fama en repertorio más arias de Europa. Sus duetos con el Asterio de Genia Kühmeier y bien de fines del siglo XIX, especialmente Verdi y Puccini. Pero el Isseo de Daniela Barcellona son particularmente bellos, dada la gran técnica y musicalidad de este tenor le permiten cantar con la fusión y la armonía que hace su voz con las de sus compañeras. agilidad y estilo el papel del villano Egisto. Sus coloraturas no son Su interpretación del aria ‘Numi, respiro!... Ah, lo sento: il suo las más ligeras pero hace un esfuerzo digno para que se escuchen tormento’ y su dueto con la Barcellona son dos de las partes más todas las notas, sobre todo en su aria ‘Ventar di salda fede’.

propro óperaópera4747 Al final del primer acto tenemos al Corpo di Ballo de la Scala, encabezado por sus bailarines estrellas, Roberto Bolle y Alessandra Ferri, bailando a la usanza del siglo XVIII, como divertimento antes de que empiece el acto segundo. Esta música son danzas para orquesta del propio Salieri que se encontraron en Nationalbibliotek de Viena y que sustituyeron las danzas que originalmente se habían representado en 1778, de las cuales ya no existe partitura alguna.

La dirección orquestal de Muti es magnífica, vibrante, llena de energía y obtiene de la Orchestra de la Scala un sonido rico, lleno de colores y matices. Respira con sus cantantes y permite su lucimiento vocal pero sin exageraciones o sin salirse del estilo.

La puesta de Ronconi y Pizzi es algo austera, con vestuario moderno con ciertos toques “antiguos” para asemejar las armaduras o trajes de batalla de Isseo o Egisto, con cascos de motociclistas bien camuflados para que se adapten al carácter antiguo de la trama y, salvo Damrau, quien usa un vestido blanco muy parecido a una toga clásica, todos los demás cantantes usan ropa de estilo atemporal, tirando a moderno.

cantando el aria de Urbain ‘Nobles seigneurs, salut’ de Les huguenots de Meyerbeer, imprimiéndole la juventud y alegría del Oh, Boy! paje. Otro paje que figura en esta selección es Stéphano, deRoméo Marianne Crebassa et Juliette de Gounod, del cual canta bellamente ‘Que fais-tu, Marianne Crebassa, mezzosoprano blanche tourterelle’. Mozarteumorchester; M. Minkowski ERATO El disco incluye ‘Versez vos chagrins dans mon âme’, una rareza, destinada para Siébel en el acto 4 de Faust, que se cortaría antes Esta mezzosoprano originaria de Montpellier está surgiendo como del estreno de la ópera durante los ensayos. Esta aria es una una de las mejores jóvenes cantantes en su tesitura. En este, su declaración de amor directa de Siébel a Marguerite, de carácter primer álbum como solista, presenta arias de papeles “en travesti”, más lírico y menos ligero que el aria que quedó definitivamente donde la mezzo debe representar el papel de un muchachito. ‘Faites-lui mes aveux’. Canta piezas de óperas de Gluck, Mozart, Massenet, Meyerbeer, Offenbach, Thomas, Gounod, Chabrier y Reynaldo Hahn. Su timbre puede parecer, a veces, “asopranado” en el registro agudo, pero el color de su centro y sus graves nos confirman que Abre el disco con una brillante interpretación del aria ‘Amour, es una mezzo pura. Lo mismo sucede en el aria de Nicklausse viens rendre à mon âme’ de Orfeo del Orphée et Euridice de ‘Vois sous l’archet freémissant’ de Les contes d’Hoffmann, donde Gluck con arreglos de Berlioz. Crebassa afronta las coloraturas hace gala de su sólido y rico registro central y también del brillo con claridad y facilidad. Sigue con la bellísima aria de Cecilio de sus agudos. Lo mismo puede decirse de su forma de cantar ‘Pupille amate’, de Lucio Silla de Mozart, mostrando una línea de la melancólica aria del Prince Charmant ‘Coeur sans amour’ de canto impecable y un control total de su instrumento, además de Cendrillon de Massenet. Aquí vemos que la voz de Crebassa una emotividad apropiada a esta aria. De la misma ópera canta el puede muy bien ampliarse cuando la orquestación y la intensidad aria ‘Il tenero momento’, de carácter más heroico, con dificultades dramática lo requieren. vocales que sortea victoriosa. Canta las dos arias de Cherubino con la picardía y la desesperación hormonal necesaria, en el caso de Escuchar el aria ‘Sommeil, ami des dieux’ de la poco conocida ‘Non so più’, y con la pasión a flor de piel y la belleza de línea de ópera Psyché de Ambroise Thomas, fue un gran descubrimiento canto que requiere ‘Voi che sapete’. que contrasta perfectamente con las otras arias que ya mencionadas, dado su carácter evocativo. Otras tres arias poco El tercer título mozartiano que canta la mezzo francesa es el aria conocidas son: ‘Voyez dans la nuit brune’ de Fantasio de de Ramiro ‘Va’ pure ad altri in braccio’ de La finta giardiniera, Offenbach, ‘Ô petit étoile’ de Lazuli de Chabrier, ‘Alors, adieu una pieza de bravura que requiere, además, de un control absoluto donc, mon amour!’ de la ópera Mozart de Hahn (en donde el papel en los saltos entre el registro grave y el agudo, muy bien logrado. de Mozart lo hace una mujer). Culmina el disco con el aria de Sesto ‘Parto, ma tu ben mio’ de La clemenza di Tito, coronando a esta joven mezzo como una gran La dirección orquestal de Marc Minkowski es excelente intérprete de Mozart. y el sonido de la Mozarteumorchester Salzburg, brillante. Estilísticamente se fusionan perfectamente con Crebassa, haciendo No es de extrañar que la gran mayoría de las arias que canta son lucir no sólo la voz de la mezzosoprano, sino también mostrando la en francés y/o de compositores franceses. Es un deleite escucharla belleza armónica y melódica de todas las arias. o

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