Desde las orillas del Sena Desde las orillas del Sena Tomo XVI Serie “Cartas a Ofelia”

Félix José Hernández 1 Desde las orillas del Sena

A: Magucha y Adriano

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Miguel de Cervantes Saavedra

"La Libertad, Sancho, es uno de los más preciosos dones que a los hombres dieron los cielos; con ella no pueden igualarse los tesoros que encierra la tierra ni el mar encubre; por la libertad así como por la honra se puede y debe aventurar la vida, y, por el contrario, el cautiverio es el mayor mal que puede venir a los hombres".Miguel de Cervantes Saavedra.

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Mis Memorias de Exilio

París, 10 de septiembre de 2017.

Queridos amigos:

El origen de Cartas a Ofelia está en las narraciones surgidas inicialmente a partir de las cartas que escribía cada semana a mi madre, Ofelia Valdés Ríos, contándole mis experiencias del exilio parisino. En ellas cuento lo que veo y siento: filmes, obras de teatro, museos, exposiciones, los libros que leo, las relaciones con los galos, la sociedad francesa, la política, Cuba vista desde aquí, los viajes por 66 países a lo largo de estos 36 años, mis éxitos y mis fracasos, mis nostalgias y mi amor por la Libertad, las relaciones con personalidades del exilio, mi trabajo en el Instituto

4 Desde las orillas del Sena y en la Universidad como profesor de Civilización Latinoamericana, las relaciones con colegas, alumnos y estudiantes, etc., en resumen, es la experiencia vivida por una familia cubana en todos estos años.Además aparecen los testimonios de numerosas personas que han logrado conquistar la Libertad. En realidad son mis Memorias de Exilio.

Encontrarán los análisis políticos, con la fecha en que salieron fundamentalmente en revistas y periódicos de Francia y Bélgica.

Al propio tiempo, he contado numerosas anécdotas sobre mi infancia en mi querido pueblo natal de Camajuaní (1949-1959), así como de mi adolescencia y juventud habaneras (1959-1981).

Un gran abrazo a todos desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

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Octavio Paz

“Mis palabras irritarán a muchos; no importa, el pensamiento independiente es casi siempre impopular”. Octavio Paz

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Prólogo

Magucha en su Fiesta de Quince. Detrás de ella Félix José Hernández.

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Miami, 18 de septiembre de 2017.

Nunca estuve muy interesada en viajar, pero sí en conocer, así que tus libros son perfectos para mí. Es como si desde mi cómodo sillón, pudiera ir de tu mano a todos esos maravillosos lugares.

Nuestra relación personal fue en la época dorada de la adolescencia donde teníamos una "fiesta de 15" casi todos los sábados y un "pica cake" casi todos los domingos. Era increíble, ensayábamos por las noches entre semana, solo un rato el ensayo, y el resto de la noche bailábamos "ruedas de casino". ¡Qué maravilla!

Tú eras un muchacho alto, esbelto y que bailabas muy bien. Y lo más raro de todo, contabas con el "visto bueno" de mis padres que al hablar de ti decían: es uno de los pocos muchachos decentes. Y no es que los otros no lo fueran, pero ellos eran muy exigentes y casi nadie cumplía los parámetros.

Por eso fue mi asombro cuando con motivo de "mis 15" ( ver foto) mis padres decidieron dar una fiesta en nuestra casa de la playa. Yo no estaba muy contenta porque me hubiera gustado una en salón con 14 parejas, pero ellos decidieron lo que yo llamé una "fiesta guajira" con carne de puerco, congrí y mucha comida. Y como el transporte en aquella época (y hoy en día) en Cuba era tan malo, alquilaron una guagua para que fueran todos los amigos. Los responsables de la guagua eran los padres de Mayra. De su casa saldría la guagua y cuando Chiqui (mujer maravillosa, mamá de Mayra) empezó a hacer la lista de los que irían, habló con tu mama "la gorda" como cariñosamente la llamábamos, y ella le dijo que tú no ibas a la fiesta porque estabas castigado (no se que travesura de adolescencia habrías hecho). Para mi gran asombro mis rígidos padres decidieron ir a

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pedir que te perdonaran, y oí decir a mi madre: Pastor, es que él es el alma de la fiesta, sin él no habrá fiesta. Y para allá fueron un 24 de Abril de 1965 a pedir tu indulto.

Íbamos en el, para aquel entonces muy viejo, Chrysler de 1954, cuando comenzó un fuerte aguacero con la mayor granizada (cosa poco frecuente en Cuba) que haya visto en mi vida. Mi madre, señora de medias finas, altos tacones y pelo siempre recogido en un elegante "moño francés", se bajó, bajo el aguacero y los granizos para conversar con los tuyos. Mientras mi papá (hombre muy serio, de carácter muy fuerte), Rosa (la señora que se ocupaba de mí y de hacer las cosas de la casa), y yo, esperábamos en el carro. Pienso que a tus padres les dio lástima la señora toda mojada en el aguacero, y cuando ella regresó al carro dijo: pensé que no lo iban a dejar, pero Ofelia miró a su esposo y él dijo: Bueno, está bien, que vaya.

Así que de vuelta al "cacharrón" como le decíamos al carro, mi padre trató de ponerlo en marcha y no arrancó. La inundación por el aguacero era tanta que el agua estaba dentro del carro, y este, según mi papá, estaba "ahogado". Allí tuvimos que esperar largo tiempo a que el agua bajara, viniera alguien y dar un "cablazo" para que la batería arrancara y llegar a la casa de la playa a poner los pastelitos en el horno porque se habían mojado con muchas otras cosas que iban en el maletero del carro pero no fue en vano porque ¡Félix José vendría a la fiesta!

Agradezco a Dios porque en aquellos duros años en que Cuba se empezaba a caer a pedazos y que la música de "Los Beatles" era prohibida, nuestros padres pusieron una campana de cristal sobre nosotros para que no nos afectara lo que pasaba y convirtieron nuestra adolescencia en algo muy hermoso.

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Con los años la campana de cristal se evaporó y todos pasamos nuestras duras épocas hasta que pudimos emigrar a tierras de libertad. Hoy casi todo el grupo rehízo su vida fuera de Cuba y gracias al amor y la paciencia de Mayra, muchos de nosotros seguimos siendo amigos.

Nola Aguilar - Magucha

Nola Aguilar : Arquitecto graduada de la CUJAE en 1978, Diseñadora Industrial graduada en el ISDI en 1984. Casada con Adriano Denis desde 1971 (uno de los mejores hombres de este mundo), con tres hijos y cuatro nietos, que son su mayor tesoro y alegría. Actualmente vive en Miami.

Agradezco a Adriano (mi esposo) por su amor y su paciencia en los casi 50 años que llevamos juntos.

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Sculptures de Chagall à Nice

Nice le 14 avril 2017.

Une exposition organisée par la Réunion des musées nationaux - Grand Palais et les musées nationaux du XXe siècle des Alpes- Maritimes au musée national Marc Chagal, Nice.

Un projet initié par Curators Inc. Art & Architecture pour la Tokyo Station Gallery, le Nagoya City Art Museum, et l’Aomori Museum.

Tout au long de sa vie, le génie inventif de Marc Chagall (1887- 1985) l’a poussé à se confronter à des techniques artistiques très variées : dessin, peinture, gravure, céramique, mosaïque, vitrail,

11 Desde las orillas del Sena tapisserie... Ce large éventail compte également une pratique de l’artiste encore peu connue du grand public : la sculpture. À l’exception de L’Épaisseur des rêvesprésentée à Roubaix en 2012 à La Piscine-Musée d’art et d’industrie André Diligent, rares ont été les expositions consacrées à ce thème. Le musée national Marc Chagall, dont la collection recèle cinq exceptionnelles pierres taillées, a choisi de révéler cet aspect encore méconnu de l’œuvre de l’artiste au cours de l’été 2017.

C’est en 1950, alors qu’il s’installe à Vence, sur la Côte d’Azur, que Marc Chagall découvre la pratique de la sculpture. L’artiste s’initie d’abord au volume par le modelage, en créant des céramiques au sein de divers ateliers de la région, dont l’atelier Madoura de Vallauris. Émerveillé par la richesse des divers matériaux de la terre et des roches de la région, dans lesquelles se reflètent tous les coloris de la lumière méditerranéenne, Chagall s’attaque au travail de la taille de la pierre, utilisant volontiers la pierre de Rognes, matériau provençal aux éclats coquillés roses ou jaunes (Moïse, 1952-1954), mais également le marbre (Deux têtes, une main, 1964). Pour certaines pièces, l’artiste fait appel à la prestigieuse fonderie Susse afin de les éditer en bronze, déclinant un travail de peintre sur les patines et un regard de graveur sur les reliefs et volumes de l’œuvre en métal (La Bête fantastique, 1952). L’exploration de nouveaux matériaux par la sculpture et la céramique dure une vingtaine d’années et nourrit, enrichit et renouvelle son approche de la peinture, à travers une matière revisitée.

Au total, Marc Chagall a créé près d’une centaine de pièces sur les thèmes qui lui sont chers : célébration de l’amour, représentations animalières et scènes bibliques. L’exposition permettra de découvrir une soixantaine d’entre elles et comprendra également des cuivres et des bois gravés (cuivres

12 Desde las orillas del Sena gravés à l’eau-forte et à la pointe sèche de La Bible, 1931-1956) ; bois gravés de Poèmes, 1968) ainsi que des collages inédits qui témoignent de la recherche constante que constitue, pour l’artiste, la question du volume. Nul doute que son expérience de graveur a favorisé la création de reliefs (Deux oiseaux et un lapinou La Colline, 1966) et de stèles gravées, notamment les pierres tombales de son amie l’auteure russe Assia Lassaigne (1950) et de son épouse Bella Rosenfeld (début des années 1960).

Les pièces sculptées présentées dans l’exposition révèlent l’infinie diversité des sources d’inspiration de Chagall. Ici, des formes aux accents préhistoriques se déploient sur des objets prélevés dans la nature - galets, os -, dont les silhouettesmi- humaines mi-animales s’animent par le dessin très libre de Chagall (Visage double-profil, 1969). Là, c’est le vocabulaire des colonnes et des chapiteaux médiévaux qui est employé dans de délicats bas-reliefs de couples primordiaux (Deux nus ouAdam et Eve, 1953). D’autres sculptures enfin témoignent de l’influence de l’iconographie culturelle russe, spirituelle et populaire, notamment perceptible dans un bestiaire fantastique toujours renouvelé (Le Coq, 1952).

Doté d’un sens aigu de la spatialité et de l’échelle, les sculptures de Chagall se sont aussi déployées au sein de projets spécifiquement dédiés à une architecture, religieuse ou civile. Les œuvres réalisées pour l’église Notre-Dame-de-Toute-Grâce du plateau d’Assy (Psaume 42, le Cerf et Psaume 124, L’Oiseau, 1957) ou encore pour la cour intérieure de l’hôtel particulier d’Ira Kostelitz à Paris (Oiseau et Poisson, 1966) - connue sous le nom de Cour Chagall, aujourd’hui intégrée dans le parc de la Fondation Gianadda de Martigny, en Suisse - seront ainsi présentées pour la première fois à Nice, dévoilant un nouvel aspect du travail de l’artiste, dans la lumière méditerranéenne du musée national Marc Chagall. 13 Desde las orillas del Sena

Chagall, Sculptures. 27 mai - 28 août 2017.Commissaires :Anne Dopffer, conservateur général du patrimoine, directrice des musées nationaux des Alpes-Maritimes etJohanne Lindskog, conservatrice du patrimoine au musée national Marc Chagall.Publication aux éditions de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, Paris 2017: catalogue de l’exposition, environ 35 €.

Musée national Marc Chagall, avenue Docteur Ménard, 06000 Nice.

Publié par Félix José Hernández.

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Chez ma cousine à Montmartre

Chez ma cousine.

Paris le 14 avril 2017.

Au coeur du XVIIIème arrondissement de Paris, construite sur d’anciennes carrières, la Commune Libre de Montmartre est imprégnée d’un passé tumultueux, prestigieux et méconnu.

Depuis 1928, « Chez ma Cousine » propose à son public un spectacle de cabaret typiquement de Montmartre, de qualité, ou chaleur et ambiance conviviale sont de rigueur sans oublier plaisir, détente, rire et émotion. Et bien, si le vin se bonifie avec l’âge, « Che ma Cousine » a su en faire autant.

Que se soit entre amis, entre collègues ou même en famille, « Chez ma Cousine » vous propose de découvrir sa cuisine ainsi que son spectacle qui a déjà fait rire un grand nombre de personnes, grâce à ses chansonniers, fantaisistes, humoristes... qui à leurs tours l’ont fait découvrir à leurs proches. L’ambiance est assurée, la table de grande qualité et de bons vins sélectionnés. Pour rire et pour de vrai ! Un programme composé d’artistes de grand talent : chanteurs, illusionnistes, humoristes ou imitateurs. 15 Desde las orillas del Sena

Sur les murs les nombreux portraits d’artistes qui y ont fait leurs débuts : Bourvil, Fernand Raynaud, Jean Carmet, Sim, Roger Pierre, Pierre Perret... « Chez ma Cousine » le public fait partie intégrante du spectacle et les artistes sont en contact direct avec lui pour une soirée riche en rires et en émotions. Une capacité de 90 couverts. Menus individuels et groupes à partir de dix personnes. Déjeuner et diner spectacle à Montmartre, Place de Tertre, à deux pas du Sacré-Cœur. Horaires :Repas de 20h-20h30 à 22h. Spectacle de 21h30 à minuit. Entracte à 22h30.

E-mail : [email protected]

Adresse : 12, Rue Norvins 75018 Paris.

Métro : Abbesses

Tél : 01 46 06 49 35 & 06 14 21 05 50

Publié par Félix José Hernández.

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Travaux de dames au Musée des Arts décoratifs

Paris le 15 avril 2017.

Depuis ses origines, le musée des Arts décoratifs entretient un lien privilégié avec la thématique des femmes créatrices. En effet, c’est dans un contexte de débat sur la place des femmes dans la société qu’est fondé en 1895 le «Comité des Dames » au sein de l’institution.

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Ces mécènes et donatrices défendent un féminisme modéré, soucieux de ne pas bousculer l’ordre établi et le modèle traditionnel de la famille, tout en cherchant à obtenir des avancées en matière de droits sociaux.

Elles encouragent et encadrent la formation artistique des femmes en organisant des concours et des expositions, mais aussi en fondant une école d’arts décoratifs en 1897, qui va perdurer jusqu’en 1988. Dora Maar et Charlotte Perriand, entre autres, y feront leur apprentissage. Le Comité des Dames est présent dans l’exposition au travers d’une period room restituant une chambre d’enfant de style Art nouveau, installée dans le pavillon de l’union centrale des Arts Décoratifs lors de l’Exposition universelle de 1900. Sont également montrées dans l’exposition les œuvres de lauréates des concours du Comité, dans des domaines comme le papier peint, le textile, le cuir, l’ameublement, l’éventail ou la céramique.

Tout au long du parcours apparaissent de grandes figures féminines qui entretiennent très tôt un rapport singulier et historique avec les Arts appliqués, telles que la princesse Tenicheff, qui fait revivre les techniques traditionnelles russes, ou la créatrice Suzanne Lalique, dont l’oeuvre est éminemment éclectique. Puis viennent les femmes qui participent aux avant- gardes historiques de la première moitié du XXe siècle comme Hélène Henry, Sonia Delaunay, Elsa Schiaparelli, Charlotte Perriand et Eileen Gray.

La période contemporaine révèle les célèbres artistes que sont Niki de Saint-Phalle, connue pour ses célèbres Nana ; Maïmé Arnodin et Denise Fayolle, qui fondent Mafia - l’un des premiers bureaux de style ; la créatrice de mode japonaise Rei Kawakubo

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(Comme des garçons), dont le mobilier, créé pour ses boutiques, mêle des influences orientales et occidentales ; Matali Crasset, qui remet en question les typologies et les pratiques traditionnelles du design ; ou encore les créatrices néerlandaises comme Hella Jonguerius, qui allient des techniques artisanales et industrielles.

Des sections thématiques viennent enrichir le parcours, dont l’une est consacrée au textile, devenu depuis le XIXe siècle un champ expérimental foisonnant, avec des femmes comme Véra Szekely, dont les boîtes répètent les mêmes éléments déclinés sous différentes versions, ou Sheila Hicks, dont les oeuvres au croisement de la sculpture et de la tapisserie renouvellent l’art du tissage au début des années 1960.

Des bijoux jalonnent ce parcours avec des créations de Monika Brugger, qui exploite le thème du dé à coudre, de Jacomijn van Der Donck, qui travaille l’argent comme de la dentelle, et les objets emmaillotés de Laurence Verdier.

La céramique, très bien représentée dans les collections du musée, est également un domaine où les femmes se sont particulièrement exprimées et émancipées. Des créatrices comme Guidette Carbonell, Suzanne Ramié, Jacqueline Lerat ou Martine Damas conçoivent, à partir de la terre, des formes sculpturales.

L’exposition s’achève sur une note humoristique avec vous avez dit femme ? : plusieurs créatrices comme Sophie Hanagarth, Valérie Delarue ou Gabrielle Wambaugh s’expriment sur des registres variés avec ironie, évoquant une certaine vigueur, voire un travail en force dans le geste créatif et la prouesse technique.

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Travaux de dames. Du 8 mars ou 17 septembre 2017. Commissaires : Raphaèle Billè, assistante de conservation, département Art Nouveau-Art Déco/Bijoux et Karine Jacquemant, assistante de conservation, département Moderne/Contemporain. Graphisme : Maroussia Jannelle.

Les Arts Décoratifs. Pierre-Alexis Dumas,Président : David Caméo, Directeur général ;Pascale de Seze, Directrice de la communication.

Publié par Félix José Hernández.

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Design Graphique. Acquisitions récentes du Musée des Arts Décoratifs

Vier5, CaC de Bretigny, Rien du tout.X Event, affiche 2006.

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Paris le 15 avril 2017.

Le parcours présente neuf thématiques phares correspondant aux différents champs d’application du design graphique :

Le spectacle vivant et plus particulièrement le théâtre qui amène les graphistes à penser la narration, la danse et l’art contemporain aux codes plus conceptuels, mais aussi la musique et la mode, l’autoproduction, le livre, la typographie, l’identité visuelle.

Ces typologies permettent d’appréhender l’évolution d’une discipline, d’un métier, de ses commanditaires et de ses médiums.

L’exposition s’ouvre sur un hommage à Frédéric Teschner, récemment disparu.

Teschner envisageait justement sa pratique comme un espace de rencontres et de collaboration avec les institutions, les petites structures ou les artistes. En cela il se sentait investi du rôle de traducteur ou de passeur entre commanditaires et public.

Frédéric Teschner, c’était aussi l’affirmation d’un vocabulaire graphique et d’une palette stylistique novatrice directement en prise avec la «révolution » internet, que sa génération voit naître. Ce qui intéressait le graphiste c’était moins l’outil que ce qu’il a engendré de nouveau dans nos relations à l’image, que ce soit en termes de diffusion, de hiérarchisation, d’utilisation et même de détérioration de l’image. il a fait du pixel grossier, le point de sa trame, exagérant sa taille pour en faire sa touche picturale.

En choisissant de retenir l’exemple d’une commande pour chacun des graphistes présents, l’exposition revient sur la richesse et la diversité des oeuvres présentées, qu’il s’agisse d’affiches, 22 Desde las orillas del Sena

d’éphéméras, de papeterie, d’objets, de livres ou de pochettes de disques et soulignent les enjeux culturels, intellectuels et esthétiques de cette pratique dans un monde envahi d’images et de signes.

Parmi les grands ensembles ainsi réunis le visiteur pourra découvrir :

Les M/M (Paris) pour le théâtre de Lorient (de 1996 à 2015).

Pour chaque affiche le duo de graphistes a adapté les règles de la tragédie classique : unités de temps, de lieu et d’action. Chaque affiche est construite autour d’une photographie couleur et d’un titre noir et blanc très contrasté. L’image issue du quotidien fait référence à la photographie documentaire mais est le fruit d’un choix défini à la suite d’une lecture attentive de la pièce et des conversations avec le directeur du théâtre, Eric Vignier.

Anette Lenz pour le Phare - Centre chorégraphique National du Havre (depuis 2011).

Pour la conception de l’identité visuelle du Phare, la graphiste est partie du nom du lieu et de ses missions : faire rayonner la culture. L’ensemble des documents de communication transpose ainsi deux éléments, la lumière et le rayonnement, par un jeu de halos lumineux de couleurs, comme autant de faisceaux éclairant titre et nom de la manifestation...

Pierre Di Sciullo et la revue Qui ? Résiste, (depuis 1983).

Pour le douzième numéro, il conçoit la série «N’importenawak », composée de 12 affiches sur le thème du «joyeux n’importe quoi ». «Ces affiches, dit-il, sont un bûcher typographique de vanités 23 Desde las orillas del Sena

et de réclames, un chant poétique à l’affiche dans la rue. Elles sont autant d’incitations et d’interpellations à découvrir l’ambivalence des mots, la duplicité des slogans et l’acte de lire à contretemps ».

Les Graphiquants pour Stéphane Kélian (2017).

Invité à renouveler l’identité visuelle de la marque de chaussures, les graphiquants sont restés fidèles à leurs principes entre signes graphiques et recherche typographique, jouant de l’abstraction géométrique et de la poésie mais la couleur est venue tout de même ponctuer un peu plus leur vocabulaire, notamment par la photographie. « A travers la chaleur de couleurs lumineuses, nous avons voulu donner à la rigueur des lignes architecturales et au minimalisme androgyne chers à la marque, une dimension plus abstraite, picturale ».

Julie Rousset pour L’Impossible. L’autre journal, (en 2012).

Pour répondre à la multiplicité des plumes et des points de vue du journal, la graphiste a choisi la «sensation du débordement », à travers une maquette affranchie des marges, un contenu accidenté, cadré et recadré et des visuels hors champs pour incarner l’idée du foisonnement, voir du brouhaha.

Cléo Charuet pour Monoprix (depuis 2010).

L’idée de Cléo Charuet, pour répondre au besoin de renouveler le packaging des produits de la marque, était simple: casser les fausses règles imposées en exploitant le texte obligatoire des emballages comme un élément graphique à part entière. Elle impose de ne plus utiliser de visuels, les packs des marques

24 Desde las orillas del Sena concurrentes donnant déjà l’information dans les rayonnages et joue de nouveaux codes couleurs, complémentaires et dissonantes pour se distinguer. Typographie et couleur sont ainsi les seuls signes d’appels pour les quelque 2 000 produits : alimentaire, hygiène, beauté, maison, déco..

Vier5 pour le Centre d’Art. Contemporain de Brétigny-sur- Orge (depuis 2002).

La posture particulière de Vier5 suppose un véritable engagement de la part des clients. Pierre Bal-Blanc, directeur du CAC Brétigny, considère la production des graphistes comme partie intégrante de l’offre artistique du centre. Les graphistes ont eu la totale liberté de repenser l’identité visuelle du lieu. Le logo se renouvelle constamment en fonction du projet et des artistes invités, chaque manifestation faisant ainsi vivre une nouvelle écriture.

Ainsi chaque objet graphique est une réponse spécifique, une mise en signe singulière adaptée au commanditaire, et parce que ces réponses sont également motivées par des prises en compte culturelles, sociales et urbaines, chaque projet présenté dans l’exposition est accompagné de textes afin de comprendre toute la pertinence de la réponse graphique.

La collection de design graphique du musée des Arts décoratifs.

Par leur diversité, ces collections de design graphique sont uniques et permettent de saisir combien cette discipline, qui nous entoure et nous accompagne dans notre quotidien, répond à la devise du musée : « Le beau dans l’utile ».

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Le travail de conservation du musée s’accompagne d’une valorisation de sa collection, de cette discipline et de ses acteurs, à travers la programmation d’expositions et l’organisation depuis sept ans des Rendez-vous graphiques qui régulièrement donnent la parole aux designers graphiques.

Constituée d’un fonds ancien composé de 50 000 affiches, allant du XVIIIesiècle à la seconde guerre mondiale, et d’un fonds moderne et contemporain riche lui aussi de plus de 50 000 pièces, la collection ne cesse de s’enrichir grâce à une politique d’acquisition extrêmement active et prospective, essentiellement auprès des créateurs français ou internationaux.

Design Graphique. Acquisitions récentes du Musée des Arts Décoratifs. Du 30 mars au 27 août 2017.Commissaire :Amélie Gastaut, conservatrice collection Design Graphique/Publicité, Musée des Arts décoratifs. Graphisme : HELMO.

Les Arts Décoratifs : Pierre-Alexis Dumas,Président ; David Caméo, Directeur général ; Pascale de Seze, Directrice de la communication.

Les Musées : Olivier Gabet, Directeur du Musée des Arts Décoratifs. 107, rue de Rivoli – 75001 Paris Téléphone : +33 01 44 55 57 50. Métro : Palais-Royal, Pyramides, Tuileries.

Publié par Félix José Hernández.

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Cincuenta años de historia de Cinco horas con Mario

Madrid, 15 de abril de 2017.

Querida Ofelia:

“Cinco horas con Mario: cincuenta años de historia” tiene como objetivo conmemorar el cincuenta aniversario de la publicación de una de las novelas más representativas de Miguel Delibes y también una de las más leídas. Cinco horas con Mario es una de esas novelas que marcan un hito importante en la representación artístico-literaria de una sociedad. Pasados cincuenta años, la novela sigue siendo un extraordinario documento de lo que era la España de los años sesenta del pasado siglo. Comparable en este sentido a El Jarama (1955), Tiempo de silencio (1962), Señas de identidad (1966) o Últimas tardes con Teresa (1966), por citar sólo algunos de los títulos que aportaron a la narrativa del momento importantes innovaciones formales, las generaciones futuras deberán acudir a estos textos para conocer cuáles fueron realmente los problemas, las obsesiones, el vivir cotidiano de los 27 Desde las orillas del Sena

españoles de ese tiempo y las formulaciones lingüísticas de su experiencia.

A lo largo de medio siglo la obra ha conocido infinidad de ediciones, se ha traducido a numerosos idiomas y ha sido leída por generaciones sucesivas de estudiantes. Estudiosos y críticos no han dejado de interesarse por el monólogo de Carmen Sotillo y rondan el centenar los trabajos académicos dedicados al texto de Miguel Delibes. En 1979, convertida la novela en obra teatral de éxito y unida para siempre a la figura de Lola Herrera, Cinco horas con Mario estuvo asimismo en el origen de una película — Función de noche, 1981—y, recientemente, se ha transformado en ópera de la mano de Jorge Grundman.

Un recorrido por los cincuenta años de historia de la novela es el objetivo de esta exposición que a muchos les recordará una época de sus vidas y a los más jóvenes les permitirá acercarse a un mundo quizá para ellos desconocido, aunque no tan lejano en el tiempo.

Comisariada por Amparo Medina-Bocos, se recogen en ella todo tipo de documentos, tales como manuscritos, fotografías, carteles, recortes de prensa, ediciones y traducciones, entre los muy numerosos que conserva la Fundación Miguel Delibes: desde la correspondencia mantenida entre el autor y su editor antes de que la novela llegase a las librerías hasta el manuscrito de la obra, pasando por cartas personales dirigidas al escritor a propósito de su nuevo libro por distintas personalidades del mundo de las letras.

.Biblioteca Nacional de España. Del 7 de febrero al 2 de mayo de 2017.De martes a sábado de 10 a 20 h. Domingos y festivos de

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10 a 14 h.Último pase media hora antes del cierre. Entrada libre y gratuita.Sala de las Musas del Museo.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Publicado por Félix José Hernández.

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Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la Biblioteca Nacional de España

Antonia Loreto fotografiada por E.Beauchy

Madrid, 15 de abril de 2017.

El flamenco, la expresión popular española más reconocida, es hoy admirado en todo el mundo. El momento histórico que vive esta manifestación ancestral es una buena excusa para abrir las puertas de Patrimonio Flamenco, la historia de la Cultura Jonda en la Biblioteca Nacional, una exposición que reúne obras de, entre otros, Cervantes, Goya, Estébanez Calderón, Beauchy, Picasso, Lorca, Gyenes, Edgar Neville, o Antonio Saura. Pero sobre todo rinde homenaje al cante, toque y baile de los artistas más significativos de la historia flamenca, La Niña de los Peines, Chacón, Carmen Amaya, Mairena, Caracol, Gades, Paco de Lucía, Camarón o Morente...

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“Al ser humano sólo le apasiona el misterio: aquello que le atrae y que no entiende; aquello que lo ilumina y lo ensombrece; aquello que le entusiasma y a la vez lo embarga de tristeza... Y pocas cosas más misteriosas que el cante jondo”, escribe Antonio Gala en el catálogo de esta exposición. De cómo ese misterio se ha extendido a lo largo de los siglos trata Patrimonio Flamenco.

La exposición, comisariada por Teo Sánchez y David Calzado, muestra unas 150 obras de la Biblioteca Nacional de España, en su mayoría, y otras de instituciones como el Museo Reina Sofía o el Picasso de Barcelona.

El recorrido parte de las primeras manifestaciones preflamencas que encontramos en obras como La Gitanillla de Cervantes o en estampas como El Vito, de Goya para llegar hasta las últimas películas de Saura o el arte urbano con en el que Suso33 representa hoy a Enrique Morente.

Cuando Estébanez Calderón describe Un baile en Triana y Asamblea General en sus Escenas Andaluzas el flamenco ya es un hecho reconocible por una buena parte de la sociedad. En las décadas que siguen la prensa ya habla de El Planeta o Silverio Franconetti, los primeros cantaores con cartel. Los viajeros que llegan a España – como Richard Ford o Davillier- muestran con pasión esta nueva forma de expresión e incluso Antonio Machado y Álvarez, Demófilo, firma con sus ensayos y recopilaciones las primeras páginas de la flamencología.

A finales del XIX se produce la irrupción de la fotografía, una disciplina que también se ha sentido atraída por la cultura jonda. Los trabajos de Clifford, Beauchy, Gyenes, Ibáñez, Richard Avedon o James Kriegsmann dan fe de ello en la muestra. De esa 31 Desde las orillas del Sena

misma fascinación nace la representación que del flamenco hace la pintura y, además de los artistas ya citados, de las paredes de la sala Hipóstila colgarán originales de Lameyer, Fortuny o Tapies. Se cuenta también con las representaciones que artistas como Manuel Ángeles Ortiz, Guinovart, o más recientemente Luis Gordillo o Ceesepe hicieron para discos y carteles.

La literatura y el periodismo también nos cuentan del flamenco con textos de Chaves Nogales, Gómez de la Serna, Caballero Bonald o Félix Grande y el cine con la proyección de fragmentos escogidos de la obra de directores como Valdelomar, Rovira Beleta, Serrano de Osma, Carlos Sura y Tony Gatlif que consiguen captar la magia de artistas como Carmen Amaya, Antonio El Bailarín, La Paquera o Enrique El Cojo.

Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la Biblioteca Nacional de España. Del 27 de enero al 2 de mayo de 2017. De martes a sábado de 10 a 20 h. Domingos y festivos de 10 a 14 h. Último pase media hora antes del cierre. Entrada libre y gratuita. Sala Hipóstila.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Publicado por Félix José Hernández.

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El hallazgo del pasado. Alfonso El Sabio y la Estoria de España

Madrid, 6 de abril de 2017.

Querida Ofelia :

A pocos años de cumplirse los 750 de la puesta en marcha, hacia 1270, del llamado «taller historiográfico alfonsí», la Biblioteca Nacional presenta en esta muestra una selección de piezas manuscritas e impresas ligadas a la labor histórica del rey, y en particular a una obra de referencia inexcusable para la literatura hispánica medieval: la Estoria de España. Centrada en el pasado de los pueblos que dominaron la Península desde el principio del mundo hasta la época del propio Alfonso, la composición de la Estoria puso en marcha un proceso de recopilación, cotejo y armonización de textos, que, por su cantidad y calidad, supera

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todos los esfuerzos de reconstrucción del pasado hispánico previos al taller alfonsí.

La selección de manuscritos e impresos realizada para esta exposición pretende cubrir varios aspectos concernientes a la Estoria de España: sus fuentes, su relación con la General estoria, la existencia de tres versiones del texto, la proliferación de crónicas generales postalfonsíes o las ediciones impresas de la obra. Entre otras piezas, podrán observarse varias de las alrededor de veinte copias de la Estoria que posee la Biblioteca Nacional, y que corren del s. XIV al XVIII.

La muestra coincide además con el lanzamiento de la edición digital de la obra, a cargo de un equipo dirigido por el profesor Aengus Ward desde la Universidad de Birmingham. Para la ocasión, se ha preparado asimismo una exposición digital a la que los visitantes podrán acceder a través de sus dispositivos móviles o bien desde su casa. En esta exhibición digital se amplían los contenidos de la muestra presencial con textos, imágenes, audios y actividades relacionadas con la figura y el legado de Alfonso el Sabio, y con la Estoria de España en particular.

Por lo demás, la exposición presenta el interés añadido de coincidir en el tiempo con otras tres muestras hermanas que tendrán lugar en sendas bibliotecas que atesoran también códices de la Estoria: la Biblioteca General Histórica de la Universidad de Salamanca, la Biblioteca de Menéndez Pelayo de Santander y la de la Universidad de Minnesota en los Estados Unidos.

La amplitud, diversidad y profundidad de los conocimientos reunidos, elaborados y transmitidos por iniciativa de Alfonso X (1221-1284) no tienen paralelo en todo el Occidente plenomedieval y constituyen en sí mismos una contribución 34 Desde las orillas del Sena

incuestionable al patrimonio intelectual de la humanidad. En el contexto hispánico, su legado es uno de los fundamentos básicos de la tradición escrita en español, hasta el punto de que la actividad llevada a cabo en su entorno supone una verdadera edad de oro de la cultura española de todos los tiempos. En efecto, actualmente hay unanimidad en el reconocimiento de las impagables aportaciones del Rey Sabio en campos tan diversos como el derecho, la ciencia, la poesía, la música, las artes plásticas, la historiografía o la lengua.

El hallazgo del pasado. Alfonso El Sabio y la Estoria de España. Del 31 de enero hasta el 6 de abril de 2017. De martes a sábado de 10 a 20 h. Domingos y festivos de 10 a 14 h. Sala Mínima del Museo de la BNE

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Publicado por Félix José Hernández.

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Kimono. Au bonheur des dames au Musée Guimet

Paris le 17 avril 2017.

Quelque 150 pièces des plus prestigieuses retraceront le fil de l’évolution dece vêtement essentiel de la garde-robe au Japon, depuis l’époque d’Edo (1603-1868) jusqu’à l’époque contemporaine.

Les couturiers japonais, tels Issey Miyake, Kenzo (Kenzo Takada) et Junko Koshino n’ont de cesse de puiser leur inspiration dans ce vêtement emblématique et universel, qui sublime aujourd’hui la haute couture occidentale.

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Porté à l’origine comme un vêtement de dessous par l’aristocratie, avant d’être adopté par laclasse des samouraïs comme vêtement extérieur, le kimono est vite devenu un vêtement usuel pourtoutes les classes de la population. Nommé à l’origine « kosode », il est le vêtement par excellence des Japonais. Porteur de force visuelle et de sens –l’apogée décorative se situe avant le milieu du 18e siècle –, le kimono a stimulé une industrie textile très créative dont les techniques mêlent complexité et patience : étoffes nouées et teintes minutieusement à la réserve, précieux tissus aux armures complexes et fils d’or ; kimonos de mariage, kimonos de jeunes filles, etc...Il faut attendre le milieu du 19e siècle pour le voir porter en France par les élégantes en tant que vêtement d’intérieur à une époque où le goût pour le « Japonisme » donne naissance à cette mouvance artistique impressionniste qui se réfère au pays du Soleil-Levant. Au tournant du 20e siècle, la haute couture française se saisit du kimono et l’on retrouve les mêmes inspirations chez les créateurs de mode comme Paul Poiret (1879- 1944) ou Madeleine Vionnet (1876-1975), dont les créations vaporeuses aux manches fluides reprennent les conceptions amples des kimonos.

Aujourd’hui, de nombreux créateurs de mode japonais comme Yohji Yamamoto revendiquent son influence, de même qu’Yves Saint Laurent, Jean Paul Gaultier, John Galliano ou Franck Sorbier, qui s’inspirent du Japon en réinterprétant les codes structurels du kimono, lui conférant une place de premier plan sur la scène artistique...

Œuvres particulièrement fragiles, les exceptionnels kimonos anciens de la maison Matsuzakaya seront intégralement remplacés en cours d’exposition, début avril.

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Kimono -Au bonheur des dames. 22 février–22 mai 2017.L’exposition est organisée par:LeMusée national des arts asiatiques –Guimet, The Japan FoundationJ. Front Retailing ArchivesFoundation Inc.

Catalogue de l’expositionCo édition MNAAG/ Gallimard160 pages, 150 illustrations, 32 €. Sous la direction d’Aurélie Samuel.

Présidente du MNAAGSophie Makariou, commissaire général. Commissaires de l’expositionIwao Nagasaki, conservateur, professeur en arts du textile, Université pour femmes de Kyoritsu ; Aurélie Samuel, conservatrice du Patrimoine.

Musée national des arts asiatiques –Guimet-6, place d’Iéna, 75116 Paris –tél : 01 56 52 53 44.

Publié par Félix José Hernández.

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Alexandra David-Néel. Une aventurière au Musée

Paris le 17 avril 2017.

L’exposition consacrée à Alexandra David-Néel (1868-1969), – exploratrice, philosophe, écrivain –, évoque des pans de vie de celle pour qui le musée représentait « toute sa jeunesse et ses aspirations de débutante orientaliste », et le legs qu’elle fit au musée d’un ensemble d’œuvres et d’ouvrages tibétains, collectés lors de ses séjours au Sikkim et au Tibet.

Dans l’ouvrage L’Inde où j’ai vécu,Alexandra David-Néel raconte sa première visite au musée Guimet, peu après la fondation de celui-ci en 1889, ainsi que la naissance de sa vocation dans ce lieu qu’elle considérait comme un temple, soulignant les moments qu’elle passa parmi « les figures énigmatiques des déités qui trônaient dans les galeries sombres 39 Desde las orillas del Sena

du musée Guimet ». Adoptant le bouddhisme en 1892, elle entame, en 1911, après son voyage en Inde de 1894, un grand périple en Asie qui durera quatorze ans et se terminera à Lhassa, but ultime de son voyage. Elle fut ainsi la première européenne à atteindre la capitale du Tibet. Sa réputation de « dame lama » s’était en retour répandue durant ses séjours himalayens, par le biais des personnalités religieuses qu’elle avait rencontrées, dont le 13eDalaï Lama.

L’exposition présente une sélection d’œuvres issues du legs Alexandra David-Néel au musée : ouvrages en langue tibétaine, dont de très précieux manuscrits, mais aussi peintures et masques de danse rituelle, qu’elle rapporta de ses voyages, porteurs d’un riche symbolisme et illustrant les enseignements du bouddhisme ésotérique. Des lettres manuscrites, des objets personnels, ainsi qu’un choix de photographies prises durant ses séjours au Sikkim et au Tibetproviennent des collections de la Maison Alexandra David-Neel de Digne-les-Bains.

Femme hors du commun, exploratrice hors pair, cette grande personnalité aura marqué l’histoire de la découverte du Tibet et du bouddhisme tibétain par l’Occident. La présentation est complétée par une sélection de planches de la bande dessinée Une vie avec Alexandra David-Néelde Fred Campoy.

Autour de l’exposition :

Fred Campoy et Mathieu Blanchot, Une vie avec Alexandra David-Néelbande dessinée en 2 tomescoédition Grand Angle/MNAAG – 16,90 €

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« Quand la plus grande aventurière du 20esiècle dévoile ses secrets... 1959. La jeune Marie-Madeleine entre au service d’une vieille femme despotique : Alexandra David-Néel, exploratrice, philosophe, écrivain, qui fut, au début du siècle, la première femme blanche à entrer au Tibet. Dans la villa de Digne où s’entassent les souvenirs de 14 années passées en Asie, Marie- Madeleine plonge dans la vie exceptionnelle de l’aventurière (tome 1). Dans le tome 2, (publié en février 2017) Alexandra fête ses 100 ans d’existence et entreprend à son âge de refaire un dernier « petit voyage ». Racontée par Marie-Madeleine, le présent et le passé d’Alexandra s’entremêlent allant de l’épisode de Lhassa jusqu’à son enfance difficile, en passant par sa découverte du musée Guimet. »

Alexandra David-Néel. Une aventurière au Musée. 22 février au 22 mai 2017. Présidente du MNAAGSophie Makariou. CommissariatNathalie Bazin, conservateur en chef du patrimoine. MNAAG6, place d’Iéna, 75116 Paris. CatalogueCoédition MNAAG/RMN–GP48 pages, 42 illustrations – 10 euros.

Publié par Félix José Hernández.

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A Palazzo Pitti la Galleria diventa magicamente Poetica

Firenze, 20 aprile 2017.

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Una mattinata in versi dedicata alla ricorrenza dello #ShakespeareSunday, celebrato a livello mondiale per ricordare la data di presunta nascita e di certa morte del grande poeta inglese, divenuto l’emblema globale della poesia di ogni epoca.

Le Gallerie degli Uffizi hanno voluto unirsi alle molte istituzioni, che il 23 aprile ricordano la ricorrenza, cercando una propria formula originale, che vuole idealmente unire alla poesia le altre arti, che a Pitti sono sapientemente fuse.

Un percorso che già risulta unico, grazie ai richiami interni creati dai suoi artefici per legare architettura, scultura, pittura e che si arricchirà, fra le 10.00 e le 13.00, delle voci originali dei poeti e interpreti presenti. Una galleria poetica che verrà offerta dal vivo ai visitatori, ma che sopravvivrà per un mese all’evento, permanendo i versi stampati vicino alle opere che hanno offerto loro lo spunto creativo.

Elisa Biagini, Rosaria Lo Russo, Valerio Nardoni, Marco Simonelli e Andrea Sirotti sono gli artisti che hanno generosamente accettato di sperimentare la virtuosa contaminazione di una formula pensata insieme a Rino Cavasino e Manola Giachi.

Il Direttore Eike Schmidt ringrazia: Dipartimento per la Comunicazione digitale delle Gallerie degli Uffizi per la cura dell’evento, su progetto di Rino Cavasino e Manola Giachi insieme a Elisa Biagini, Rosaria Lo Russo, Valerio Nardoni, Marco Simonelli e Andrea Sirotti, con grafica di Annalisa Orsi.

Lucia Mascalchi - Funzionario per la Comunicazione e Promozione delle Gallerie degli Uffizi: [email protected] 43 Desde las orillas del Sena

Segreteria del Direttore delle Gallerie degli Uffizi: [email protected]

Pubblicato da Félix José Hernández.

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La expedición al Escambray de Julio A. Mella y Sandalio Junco

Julio Antonio Mella.

París, 21 de abril de 2017.

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Querida Ofelia:

Te envío un nuevo testimonio que me hizo llegar desde los EE.UU., nuestro viejo amigo Roger Redondo, guerrillero del Segundo Frente del Escambray, durante la lucha contra la dictadura de Fulgencio Batista.

“Miami, 15 de abril de 2017.

Siempre supe que Mella preparaba desde México una expedición a Cuba para combatir la dictadura de Gerardo Machado, pero el lugar del desembarco no recuerdo que se conociera.

Era el 1956, estábamos en los preparativos, junto a Lázaro Artola Ordaz, para abrir un frente guerrillero, en lo que hoy es conocido como El Escambray, pero por aquellos días los lugareños lo llamábamos las lomas de Trinidad.

Sabíamos que había lucha guerrillera en las lomas de Trinidad y quedaban vivos algunos de los protagonistas de aquella guerrilla. Nos dimos a la tarea de buscarlos, pedirles ayuda, consejos y contactos a los viejos campesinos que todavía residían a lo largo de todo el triangulo que formaban Sancti Spiritus, Trinidad y Cienfuegos.

El nombre oficial era Sierra de Guamuhaya o algo parecido. Según decía Artola no era bueno para la propaganda, y como existen cerca de Santa Clara unas lomitas con el nombre de Escambray, ese nombre si era fácil de pronunciar. De modo que 46 Desde las orillas del Sena

Artola en sus cartas y más tarde en los partes de guerrillas, bautizó a toda la región como es conocido hoy día: Escambray.

José Alberto Cabrera, veterano de los guerrilleros contra la dictadura de Machado, fue la primera persona a la que le escuché hablar de la expedición que debía haber llegado desde México a la costa sur de la provincia Las Villas, entre Trinidad y Cienfuegos.

Consulté el tema con Pompilio Viciedo, ya que él era uno de los más destacados jefes de guerrillas contra Machado y además se había incorporado a un grupo de trinitarios que habían ido a combatir a la Guerra Civil Española. Trató de convencerme de que ya no era posible abrir un frente de guerrillas, pues según él, ya no quedaban montes y a la aviación moderna le era fácil derrotar a los guerrilleros. Me preguntó cómo había sabido lo de la expedición de Mella. Le conté que José A. Cabrera, me lo había dicho. José Alberto es un gánster- me dijo- y era verdad que Mella había tenido aquella idea pero que había fracasado.

En un lugar conocido como El Capitolio, a trece kilómetros de Sancti Spiritus, por la carretera rumbo a Trinidad, antes de llegar a Banao, vivía Juan Ramón Ramos. El también, estuvo junto a Pompilio de guerrillero en las lomas trinitarias. Cuando lo conocí me reuní con él en casa de José Alberto Cabrera, la cual quedaba a orillas del río Yayabo, cerca del famoso puente espirituano.

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Fui todo oídos mientras ellos dos recordaban datos desconocidos para mí sobre la expedición. Los dos eran revolucionarios, no eran comunistas sino admiradores de Julio Antonio Mella, que era el más destacado comunista cubano. Durante aquella conversación, fue la primera vez que oí el nombre del médico comunista Tomás Carrera Galiano, el que organizó a más de medio centenar de combatientes esperando por la llegada de Mella y Sandalio Junco.

En 1959 me uní en matrimonio con la hija de Juan Ramon Ramos, Olga Ramos Lunas, por el resto de la vida. Ayer cumplió los 23 abriles de su muerte.

Cerca de Caracuceis, poblado situado junto a la carretera de Trinidad a Sancti Spiritus, vivía un guerrillero famoso llamado Gerardo Meneses. Había sido militante del Partido Liberal, muy amigo del coronel Luis Solano, con el que combatió hasta el final de la guerra conocida como La Chambelona.

Amigo del médico trinitario Tomás Carrera Galiano y curiosamente admirador de Mella. Meneses formaba parte del grupo que según ellos esperaba la famosa expedición de Mella y Sandalio Junco.

De todos aquellos viejos guerrilleros que participaron en las lomas trinitarias contra Machado, que yo recuerde solo dos pudieron participar en la lucha contra la dictadura Batistiana. Se trata de Rafael Cadenas y Pompilio Viciedo.

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Rafael Cadenas era del poblado de Fomento, amigo del Dr. Tomás Carrera Galiano. Recordaba las reuniones en el Teatro Baroja y la espera de la expedición que nunca llegó. Ellos después de la muerte de Mella, se alzaron contra Machado.” Roger Redondo

Un gran abrazo desde estas lejanas tierras del Viejo Mundo,

Félix José Hernández.

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Le monde selon Topor

Roland Topor, dessin pour le personnage de Groucha pour la série télévisée Téléchat, 1980-1981. Feutre Collection particulière © Adagp, Paris, 2016.

Paris le 21 avril 2017

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Vingt ans après sa disparition, la BnF consacre une exposition rétrospective à Roland Topor (1938-1997). Artiste inclassable, Topor est aujourd’hui considéré comme l’un des grands dessinateurs du XXesiècle. Créateur insatiable, il mit son crayon au service d’un imaginaire débridé : dessins d’humour, illustrations pour la presse et l’édition, affiches, films d’animation, émissions de télévision, décors et costumes de théâtre. A travers près de 300 pièces, c’est toute la variété de la production artistique de Topor que la Bibliothèque se propose de faire découvrir au public.

La Bibliothèque nationale de France conserve le fonds le plus important de publications, d’estampes et de livres de Topor, grâce au dépôt légal et à une donation consentie par Nicolas Topor, le fils de l’artiste. Du dessin à l’écriture, l’œuvre de Topor est principalement une œuvre de papier. Organisée autour de quatre sections, cette exposition mettra en vis-à-vis un grand nombre de dessins originaux, provenant essentiellement de collections privées, et des éditions conservées dans les fonds de la BnF. La Bibliothèque rendra ainsi hommage à l’artiste hors-norme, au génie graphique et à l’homme d’esprit à l’humour subversif que fut Roland Topor.

C’est par ses dessins d’humour parus dans les journaux dès la fin des années 50 que Roland Topor se fit connaître. Il participa ensuite à l’aventure d’Hara-Kiri entre 1961 et 1966. Ses dessins sont présents dans de nombreuses publications, grand public ou confidentielles. Fort d’une reconnaissance rapidement acquise, Topor fut sollicité par des éditeurs pour illustrer des livres. Lecteur infatigable et curieux, il eut à cœur de mettre en images les textes d’auteurs avec lesquels il partageait une certaine affinité d’esprit tels Jacques Sternberg, Boris Vian ou Marcel Aymé. Artiste du livre, on trouve aussi Topor dans le sillage des 51 Desde las orillas del Sena

avant-gardes artistiques de son temps : en 1962, il créa avec Fernando Arrabal et Alejandro Jodorowsky « le Panique », un mouvement dérisoire en réaction au groupe surréaliste vieillissant et pontifiant.

Topor mit son talent au service du monde du spectacle dès les années 60. Il collabora avec des cinéastes par divers biais : création de dessins pour des films d’animation, de génériques, d’affiches. Son œuvre la plus remarquée dans le domaine du cinéma fut La Planète sauvage, un dessin animé réalisé par René Laloux et sorti en 1973. Avec le réalisateur Henri Xhonneux, il conçut Téléchat, une parodie de journal télévisé pour enfants diffusée en France à partir de 1983: les marionnettes originales de l’émission seront présentées dans l’exposition.

Topor fut en outre l’auteur de romans, notamment le Locataire chimérique,adapté au cinéma par Roman Polanski, de nouvelles, de pièces de théâtre, de chansons, et de scénarii de films. L’intérêt pour son œuvre littéraire continue de croître auprès de publics variés. Avec son complice Jean-Michel Ribes, il conçut des sketchs pour les émissions humoristiques Merci Bernardet Palacediffusées à la télévision au milieu et à la fin des années 1980. L’exposition mettra en lumière son travail d’auteur, le littéraire et le graphique étant chez Topor deux écritures intimement mêlées.

Artiste polyvalent, Topor développa à travers ses dessins et ses écrits, un style et une vision du monde que l’on qualifie souvent de « panique ». « Je suis paniqué et je me marre» disait-il. Son œuvre lui ressemble : prolifique, polymorphe, polytechnique, cosmopolite, humaniste, nourrie à diverses sources de l’art, de la littérature, du passé et de son temps, angoissée et joyeuse.

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Intellectuelle, l’œuvre de Topor n’en fut pas moins populaire. L’artiste ne souhaitait pas réserver ses créations aux seuls amateurs d’art mais visait tous les publics pour en être reconnu et ne rester prisonnier d’aucun. Il passait d’un champ créatif à l’autre, d’un médium à l’autre, d’un mode de diffusion à l’autre le plus librement possible. La liberté de Topor se conjugue avec la multiplicité de sa création. Certaines devinrent des succès populaires : « Le poing dans la gueule » et « Le coup de marteau », des symboles dénonçant la liberté d’expression bafouée, La Planète sauvage, un chef-d’œuvre international du film d’animation, Téléchat, un ovni de créativité télévisuelle, Merci Bernardet Palace, deux souvenirs impérissables de l’humour noir au petit écran, l’affiche du film Le Tambour, son roman Le Locataire chimériqueadapté au cinéma par Roman Polanski... les images et les écrits de Topor ont marqué les esprits. Derrière les œuvres connues, il y a l’œuvre de Topor, dans toute sa beauté, sa diversité, sa virtuosité, sa complexité, son génie.

L’exposition de la BnF rend hommage aux multiples aspects de la création de Topor. Elle met en regard un grand nombre de dessins originaux, provenant essentiellement de collections privées, et des éditions conservées dans ses fonds. Pour rendre cette idée de multiplicité, elle est conçue en quatre parties : les deux premières abordent les dessins de Topor pour la presse et ceux d’illustration. Dans la 3e partie, sont montrées différentes contributions de Topor au monde du spectacle, qu’il s’agisse de ses dessins pour le cinéma, la télévision, le théâtre ou l’opéra. La 4epartie aborde l’oeuvre de Topor en tant qu’artiste, écrivain et concepteur ou performeur de livres.

Exposition :Le monde selon Topor. 28 mars I 16 juillet 2017. BnF I François-Mitterrand. Quai François Mauriac, Paris XIIIe.

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Commissariat : Céline Chicha-Castex, conservateur au département des Estampes et de la photographie de la BnF ; Alexandre Devaux, historien d’art, spécialiste de Topor . Scénographie : Agence Nathalie Crinière. Graphisme : Agence Anamorphée. Publication Le monde selon Topor. Textes d’Alexandre Devaux, Céline Chicha-Castex, Philippe Garnier, Bertrand Tillier, Dominique Noguez et Frédéric Pajak. Coédition Les Cahiers dessinés / BnF Editions. 240 pages, 240 illustrations. Prix : 42 € Exposition en partenariat avec le Théâtre du Rond-Point. Dans le cadre de Art Paris Art Fair 2017 et DRAWING NOW PARIS I LE PARCOURS.

Claudine Hermabessière, chef du service de presse et des partenariats médias. Isabelle Coilly, chargée de communication press

Publié par Félix José Hernández.

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Christian Dior… Le Couturier du rêve

Paris le 22 avril 2017.

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La précédente rétrospective parisienne consacrée à Christian Dior s’est tenue en 1987 au musée des Arts décoratifs. Elle était centrée sur les dix années de création du couturier, de 1947 à 1957. Pour célébrer les soixante dix ans de la Maison, cette nouvelle rétrospective montre comment Christian Dior et les six directeurs artistiques qui lui ont succédé ont conçu et construit le rayonnement d’un nom aujourd’hui synonyme de haute couture en France et dans le monde entier. Avec leur propre sensibilité, Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons et aujourd’hui Maria Grazia Chiuri ont ainsi élaboré une grammaire stylistique fidèle à l’élan initial et contribué à définir l’identité de Christian Dior dans sa relation avec l’époque. Accompagnant cette évocation de la haute couture, résonnent aussi les créations de Frédéric Castet pour la haute fourrure, celles de Serge Lutens, de Tyen et de Peter Philips pour la beauté, ainsi que de François Demachy pour les parfums.

Personnage-clé de la mode du XXe siècle depuis sa collection «New Look » du printemps-été 1947, Christian Dior a profondément modifié l’image de la femme, renvoyant au passé la silhouette masculine des années de guerre. Ses robes expriment une féminité moderne, celle de sa femme-fleur, dessinant un corps aux courbes sinueuses et dont le port fait référence à la culture académique du ballet classique. Les épaules sont douces, la poitrine précisée, la taille marquée et les hanches magnifiées par l’envolée des jupes corolles. Christian Dior a, non sans scandale, relancé l’industrie textile en exigeant, après les années de pénurie de l’Occupation, l’emploi de grands métrages d’étoffe. Il a su renouer avec la tradition de la couture, redonnant une place prépondérante aux brodeurs et aux paruriers. Il a inventé une mode internationale réaffirmant le rôle séculaire de Paris comme capitale de la mode.

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L’exposition s’ouvre sur un rappel de la vie de Christian Dior, son enfance à Granville, ses «années folles » de découverte de l’avant-garde de l’art et des spectacles parisiens, son apprentissage du dessin de mode et son entrée dans la haute couture. Avant de se diriger vers la mode, Christian Dior a été directeur de galerie de tableaux en association avec ses amis Jacques Bonjean, puis Pierre Colle, de 1928 à 1934. Cette activité est évoquée à travers des tableaux, sculptures et documents rappelant une programmation éclectique, dans laquelle la génération des artistes déjà célèbres rencontrait les jeunes artistes de la génération de Dior. Parmi ces derniers figuraient Giacometti, Dalí, Calder, Leonor Fini, Max Jacob, Jean Cocteau ou Christian Bérard. Amateur d’antiquités et d’objets d’art, collectionneur d’Art nouveau et décorateur passionné par le XVIIIesiècle, amoureux des jardins, il a puisé dans toutes ces sources tant pour agrémenter ses résidences privées que pour définir l’esthétique de sa maison de couture et de ses créations. On découvre, en effet, que ses robes sont empreintes de références à la peinture, à la sculpture, mais aussi à tout ce qui compose l’art de vivre : papiers peints, étoffes, porcelaines ou chinoiseries.

Toutes ces thématiques créatives, sur lesquelles ses successeurs sont revenus comme sur des leitmotivs, sont tour à tour dévoilées : l’art et la photographie, la profusion des couleurs et des textures, l’élégance stricte parisienne, la référence au décor néoclassique, les trésors de l’exotisme, la fascination pour le thème floral.

Ces thèmes sont mis en scène par Nathalie Crinière, dans des ambiances évoquant successivement une galerie d’art, un atelier, une rue, un boudoir, les voyages, ou encore un jardin merveilleux. Tout au long de l’exposition, tableaux, sculptures et objets d’arts décoratifs éclairent les goûts et sources d’inspiration 57 Desde las orillas del Sena

du couturier, selon une sensibilité partagée par les directeurs artistiques qui lui ont succédé. La visite se poursuit dans la nef par un parcours chronologique de 1947 à 2017 montrant l’élan fondateur et l’héritage de l’esprit Dior à travers les décennies. La silhouette du tailleur Barcaractéristique du «New Look », inaugure cette traversée du temps.

Cet ensemble en noir et blanc concentre toute la nouveauté de l’esthétique Dior qui frappe le coup d’envoi des trente glorieuses de la mode. Depuis, ce tailleur a hanté l’imaginaire de la mode et de nombreux couturiers et créateurs. Mais la permanence de l’esprit de Christian Dior tient aussi aux différents directeurs artistiques qui ont pris la relève du couturier après sa disparition en 1957. Une succession de six galeries leur est dédiée pour décrypter comment leur propre création s’inscrit dans la poursuite de cette vision de la haute couture.

Au choix risqué du tout jeune Saint Laurent succède la réaction rationnelle de la nomination de Marc Bohan. Puis c’est l’arrivée flamboyante de Gianfranco Ferré, puis celle à grand fracas du punk de la mode John Galliano, l’affirmation « minimaliste » de Raf Simons et, enfin, le choix d’une femme, maria Grazia Chiuri et de sa vision engagée de la féminité.

Les savoir-faire et la technique, sans lesquels la haute couture ne saurait exister, sont mis en scène dans un atelier où des ouvrières sont à l’ouvrage, entourées de mannequins de couturières, de croquis et de toiles. Une galerie propose un résumé de l’évolution de la ligne et de l’allure Dior depuis 1947, illustrée de robes et d’extraits de films ou de vidéos de défilés.

Le parcours s’achève dans le cadre somptueux de la nef, décorée telle une salle de bal pour une présentation des robes du soir les 58 Desde las orillas del Sena

plus fastueuses, parmi lesquelles brillent de nombreuses créations réunies pour la première fois à Paris. Certaines ont été portées par des clientes célèbres qui ont contribué au rayonnement de la maison Christian Dior, de la princesse Grace de Monaco à Lady Diana, de Charlize Theron à Jennifer Lawrence. Révélation inédite, résultat de recherches menées pour ce projet, parmi ces toilettes de grand bal figure une robe baptisée Soirée brillantequi a défilé du temps de Christian Dior au Musée des Arts décoratifs en novembre 1955.

A l’occasion d’une exposition présentant les grands ébénistes français du XVIIIesiècle, Christian Dior comptait au nombre des prêteurs, et l’inauguration prit la tournure d’un événement culturel, mondain et élégant grâce à la présence de ses propres créations.

Ce jour-là, des mannequins de la maison Dior déambulaient en robe du soir, prenant la pose parmi les meubles et objets d’art. Une façon d’affirmer, en ce mercredi 30 novembre 1955, la place naturelle qu’occupent les ornements de la féminité au cœur des arts appliqués et le rôle prépondérant joué par Christian Dior dans l’histoire des arts décoratifs. Pour cet ambitieux projet, la plupart des œuvres présentées sont issues du fonds Dior héritage, le plus souvent jamais vues à Paris, auxquelles s’ajoutent les prêts exceptionnels provenant des collections du Musée des Arts décoratifs et de l’Union Française des Arts du costume, du Palais Galliera, du Costume Institute au Metropolitan Museum of Art de New York, du victoria and Albert Museum de Londres, du De Young Museum de San Francisco, de la Fondation Pierre Bergé- Yves Saint Laurent, du Museum of London, du Musée Christian Dior de Granville, ainsi que des œuvres d’art prestigieuses, de tout temps et de toute époque, provenant des collections du Musée du Louvre, du Musée d’Orsay et du Musée de l’Orangerie, 59 Desde las orillas del Sena

du Château de Versailles, du Centre Pompidou, du Musée des Arts décoratifs et de nombreuses collections particulières.

Exposition conçue par Les Arts Décoratifs, Paris, du 5 juillet 2017 au 7 janvier 2018, réalisée avec le soutien de la maison Christian Dior,grâce au généreux mécénat de la Maison Swarovsk.

Commissaires : Olivier Gabet, Directeur des Musées des Arts Décoratifs et Florence Müller, Conservateur des arts du textile et de la mode, Avenir Foundation, Denver Art Museum.

Scénographie : Nathalie Crinière.

Contacts presse Isabelle Mendoza. Les Arts Décoratifs : Pierre-Alexis Dumas,Président ; David Caméo, Directeur général ; Pascale de Seze, Directrice de la communication.

Catalogue de l’Exposition Christian Dior : 464 pages, environ 350 illustrations, 28 x 35,5 cm. Relié, 59 euros. Editions Les Arts Décoratifs. ISBN: 978-2-916914-70-1.

Musée des Arts Décoratifs. 107, rue de Rivoli – 75001 Paris.

Publié par Félix José Hernández

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Le paysage mystiquede Monet à KandinskyAu-delà des étoiles

Vincent van Gogh. Le Semeur, Arles, novembre 1888. Huile sur toile, 32,5 x 40,3 cm. © Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation).

Paris le 22 avril 2017.

Entrer en contact avec un ordre situé au-delà des apparences physiques, dépasser les réalités matérielles pour approcher les mystères de l'existence, expérimenter l'oubli de soi-même dans l'unité parfaite avec le cosmos : toutes ces quêtes caractérisent le mysticisme, phénomène spirituel présent en parallèle de toutes les religions, sur tous les continents. Pourquoi ne pas en reconnaître la présence dans la peinture de paysage au tournant du XXe siècle, qui cherche à exprimer l’interrogation de l’homme face à la nature?

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Conçue en collaboration avec l’Art Gallery of Ontario, l’exposition propose une nouvelle lecture de la peinture de paysage au tournant du siècle en mettant l’accent sur les interrogations mystiques des artistes de cette période. Cette réflexion trouve son origine dans les influences attestées entre les artistes d’Europe du Nord et les artistes canadiens dans la représentation du sacré dans la nature. Ce sujet touche aussi les peintres européens de la fin du XIXe et du début du XXe siècle appartenant aux courants impressionnistes, symbolistes et nabis. L'élévation vers l'infini, l'épreuve de la nuit, la quête de lumière, la recherche de fusion de l'individu dans le tout, l'expérience des forces transcendantes de la nature : ces situations, à la fois sensibles et spirituelles, recherchées ou éprouvées tant par le peintre que par le spectateur de ses œuvres, s'apparentent à l’expérience mystique.

La sélection d'œuvres comprend des paysages de Gauguin, Denis, Monet, Hodler, Klimt, Munch, Van Gogh ainsi que des artistes européens moins connus tels que Charles Marie Dulac ou Wenzel Hablik, mais aussi des principaux représentants de l'école canadienne des années 1920-1930, tels Lawren Harris, Tom Thomson ou Emily Carr.

Le paysage mystiquede Monet à KandinskyAu-delà des étoiles. Musée d’Orsay. Niveau 0, Grand espace d'exposition. 14mars–25juin 2017.Cette exposition est organisée par le musée d’Orsay, Paris,et l'Art Gallery of Ontario,Toronto.

Commissariat :Guy Cogeval, président des musées d’Orsay et de l’Orangerie ;Katharine Lochnan, Senior Curator, International Exhibitions, Art Gallery of Ontario ; Beatrice Avanzi et Isabelle MorinLoutrel, conservateurs au musée d'Orsay.

Scénographie: Loretta Gaïtis . 62 Desde las orillas del Sena

Publication : Catalogue de l'exposition, coédition Musée d’Orsay / RMN-Grand Palais, 304pages, env. 40€.

Mardi 6 juin à 20h,Les paysages et leur mystiqueavec Jérôme Alexandre, théologien, Alain Cugno, philosophe, Marianne Lanavère, directrice du Centre international d'art et du paysage, Ile de Vassivière, Isabelle Morin Loutrel, commissaire de l'exposition et Tatiana Pozzo di Borgo, artiste [Hors les murs] au Collège des Bernardins.

Ateliers du 25 mars au 24 juin,Et la lumière fut!(6-8 ans et 9-12 ans).

Service de communication : Amélie Hardivillier, chef du service de la communication.

Contactpôle presse : Marie Dussaussoy.

Publié par Félix José Hernández.

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YTALIA.Energia Pensiero Bellezza. Tutto è connesso

Firenze, Forte di Belvedere

Firenze, 22 aprile 2017.

L’Italia è una repubblica fondata sull’arte e la bellezza; si potrebbe perfino affermare che è una repubblica fondata e rifondata dagli artisti. In Assisi, in una delle volte della Basilica Superiore, Cimabue ha scritto Ytalia a margine di una rappresentazione di città, sicuramente Roma, nella quale si riconoscono alcuni edifici: Castel Santangelo, forse San Pietro o San Giovanni in Laterano, il Pantheon, il Palazzo Senatorio e la torre dei Conti. La città eterna, vista dall’alto e racchiusa entro la cerchia di mura, rappresenta per quell’artista una primissima affermazione dell’esistenza della civiltà italiana, a cui guardare, di cui sentirsi parte e farsi promotore. Con quella segnaletica, Cimabue sancisce che i confini nazionali -siamo tra il 1280 e il 1290- sono prima artistici che politici, e che l’identità nazionale è

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fatta di cultura classica e umanistica, di bellezza pagana e spiritualità cristiana. In fondo poco è cambiato nel corso dei secoli. L’Italia è ancora oggi il paese dell’arte e della bellezza. Così è stato dal Trecento al Seicento, secoli di massimo splendore, e fino al Novecento. In tal senso, all’interno della comunità artistica internazionale, l’arte italiana - da Giotto a Piero della Francesca, da Michelangelo a Caravaggio, e da questi fino ai Futuristi e oltre – ha fatto scuola, è stata di modello per il mondo intero, perché nei nostri manufatti artistici si è potuto apprezzare il perfetto equilibrio di classicità e anticlassicità, di eclettismo e purismo, d’invenzione e citazione, d’immanenza e trascendenza. Una mostra, che offra al pubblico nazionale e internazionale, l'opportunità di confrontarsi con le opere di alcuni tra i maggiori artisti italiani del nostro tempo è sempre un fatto importante, anche per le discussioni che suscita, oltre che per le emozioni e le riflessioni che rigenera.

Partendo dalla citazione medievale di Cimabue, e in concomitanza con lo svolgimento della 57° Biennale di Venezia, periodo di massima attenzione intorno al contemporaneo nel nostro paese, la città di Firenze ospita - dal 2 giungo al 1 ottobre - Ytalia, una imponente mostra collettiva sull’arte italiana contemporanea ideata e curata da Sergio Risaliti. Il progetto espositivo - promosso dal Comune di Firenze e organizzato da Mus.e - nasce in collaborazione con le Gallerie degli Uffizi, l’Opera di Santa Croce e il Museo Marino Marini. Per Dario Nardella, Sindaco di Firenze : "La mostra Ytalia è una nuova grande sfida per Firenze: con le opere di dodici tra i maggiori artisti del nostro tempo facciamo vivere ancora il Forte Belvedere per un’altra stagione di arte contemporanea, ma soprattutto mettiamo in rete – insieme al Forte – 8 spazi straordinari tra musei, giardini e luoghi dell’architettura civile e religiosa dove il passato convive con il contemporaneo per 65 Desde las orillas del Sena

un’esperienza unica che coinvolgerà fiorentini e turisti. In un’epoca in cui i valori dell’identità nazionale sono messi in discussione dalle nuove dinamiche globali, vogliamo celebrare il fatto che l’Italia vanta da secoli un ruolo esemplare nell’evoluzione artistica mondiale. Il primo G7 Cultura della storia, non a caso, si è appena svolto a Firenze ed è stato dedicato alla conservazione e tutela del patrimonio culturale. Ma Firenze non è solo culla del Rinascimento e rivendica ancora una volta di essere città aperta alla storicizzazione e sperimentazione del contemporaneo".

Dopo le grandi retrospettive monografiche di Giuseppe Penone, Antony Gormley e Jan Fabre, l’esposizione avrà il suo fulcro nella superba cornice di Forte di Belvedere, ormai palcoscenico dell’arte internazionale, e accoglierà le opere di dodici artisti che hanno ottenuto riconoscimenti internazionali e che sono stati, in molti casi, protagonisti assoluti - se non pionieri - del contemporaneo, e le cui opere sono esposte e collezionate nei grandi musei del mondo: Mario Merz (1925-2003), Giovanni Anselmo (1934), Jannis Kounellis (1936-2017), Luciano Fabro (1936-2007), Alighiero Boetti (1940-1994), Giulio Paolini (1940), Gino De Dominicis (1947-1998), Remo Salvadori (1947), Mimmo Paladino (1948), Marco Bagnoli (1949), Nunzio (1954), Domenico Bianchi ( 1955). Una costellazione che include nei suoi ampi confini tre generazioni artistiche, dalle neo-avanguardie al post-moderno e oltre. L’esposizione inoltre, per marcare il rapporto delle opere con il tempo presente, la storia passata, gli ambienti e i manufatti più antichi, avrà delle appendici nei più importanti edifici pubblici e museali della città: Palazzo Vecchio e le Gallerie degli Uffizi, Santa Croce e il Museo Marino Marini, il Giardino di

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Boboli e il Museo Novecento. “E’ un grande piacere continuare la collaborazione con il Comune di Firenze per offrire alla città e al mondo esposizioni di importanza internazionale come la mostra Ytalia che vede riuniti, per la prima volta, in molti luoghi della città, i più importanti artisti italiani dagli anni Sessanta a oggi. In occasione dell’esposizione saranno installate, in alcuni dei più rinomati ambienti delle Gallerie degli Uffizi e del Giardino di Boboli, opere di Mario Merz, Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Giulio Paolini, Alighiero Boetti, Mimmo Paladino e Domenico Bianchi che dialogheranno con i grandi maestri del passato. Con lo stesso obiettivo il Giardino di Boboli ospiterà questa estate una grande monografica dedicata al maestro contemporaneo Helidon Xhixha” afferma Eike Schmidt, Direttore Gallerie degli Uffizi. Entusiasmo espresso anche da parte della presidente dell’Opera di Santa Croce, Irene Sanesi : "Con Ytalia a Santa Croce, l'arte 'alla maniera d'oggi' - come Vasari chiamava l'arte contemporanea nel suo tempo - torna a dialogare con i simboli architettonici artistici e spirituali di un passato che trasforma il ricordo in memoria e si fa testimonianza viva dei valori universali nel solco della storia" e da Patrizia Asproni, presidente del Museo Marino Marini: “È un segno importante la partecipazione del Museo Marino Marini di Firenz e alla mostra Ytalia. Un dialogo fra antico e contemporaneo che intende creare una connessione innovativa fra istituzioni cittadine, in una semplice complessità che rende percepibili eventi ed evoluzioni che diversamente sfuggirebbero, e che culminano , nel loro insieme, in uno "sbilanciamento" della fruizione. Un time-lapse della produzione artistica italiana che trova nella sede del Marini una sua dimensione "olistica" , rafforzata dalla stratificazione naturale di un museo che è stato, ed è ancora, chiesa, fabbrica, rifugio, comunità”.

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Circa un centinaio di opere, esposte in alcuni dei luoghi simbolo del nostro patrimonio, luoghi conosciuti, frequentati e ammirati ogni giorno da migliaia di persone di nazionalità diversa. L’idea di base è quella di dare vita a un vero e proprio museo del contemporaneo diffuso nel centro storico della città tra interno ed esterno, tra medioevo e rinascimento, tra musei e giardini, cappelle funerarie e spazi della vita politica, gallerie e studioli, chiostri e cripte, per dare continuità nella dialettica di forme e concetti alla comune koinè figurativa, quella che si è affermata entro i confini italiani nel corso di molti secoli. Firenze, in questo caso, rafforza con Ytalia la sua immagine di città della contemporaneità dell’arte che assieme agli artisti riflette sulla storia civile e sul patrimonio artistico, sui grandi lasciati culturali del passato, sulla società attuale, sulla permanenza dei miti e delle favole, sui comuni archetipi e le differenti tradizioni iconografiche, sullo scambio tra artigianato e arte, tra le arti e le scienze, tra scienza sacra e antropologia. Tre parole chiave – energia, pensiero, bellezza - fungono da orientamento nella ricerca dei comuni valori formali, tra assonanze e differenze concettuali, tecniche e dei materiali linguistici ed extra- linguistici. Elemento saliente è la convinzione che ognuno di questi artisti operi in una tensione di finito e infinito, con la convinzione di unire terra e cielo, dimensione antropologica e metafisica, vita e morte, conscio e inconscio, e che ogni momento o livello del processo immaginativo e creativo sia connesso nella forma, e in essa tutto si risolva compiutamente, attraverso una complessa dialettica di energia e pensiero, di mente e corporeità, di percezione terrena e intuizione trascendentale. Tensione e dialettica che si placa, però, e si sigilla in quell’irriproducibile risultato che è la bellezza formale compiuta, dove “tutto è connesso”, materia e spirito, visibile e invisibile. Bellezza che tutto dice e spiega, convoca ed evoca; bellezza come orizzonte di

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partenza e di approdo, dentro e fuori del tempo storico e della cronaca.

A Forte di Belvedere, su uno dei bastioni affacciato sulla città, il pubblico scoprirà Calamita Cosmica di Gino De Dominicis, eccezionalmente prestato dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Foligno, dove l’opera è conservata ormai da alcuni anni. Si tratta di uno scheletro di dimensioni monumentali (24 metri circa), che, allineato idealmente con la cupola di Santa Maria del Fiore, proietta immediatamente ogni umana considerazione e percezione nei confini infiniti della natura cosmica e dello spirito divino, dell’eternità e dell’immortalità. Immagine di un tempo ancora più remoto di ogni nostro passato, già in connessione con un futuro avvenire, a cui gli artisti di Ytalia guardano ripartendo dalle esperienze del nostro passato, tra umanesimo, rinascimento e moderno.

In occasione di Ytalia, è stato chiesto ad alcuni artisti di realizzare opere site-specific, che andranno a dialogare con il contesto che le ospita, come nel caso di Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Remo Salvadori, Mimmo Paladino, Marco Bagnoli, Nunzio, Domenico Bianchi. In altri casi saranno presentati degli allestimenti inediti mostrando opere già storicizzate in ambienti di straordinaria evidenza storico-artistica, come nel caso di Senza titolo di Jannis Kounellis, opera esposta a Palazzo Vecchio, nella sala dei Gigli, a poca distanza della Giuditta e Oloferne di Donatello; di Spirato di Luciano Fabro e di Particolare di Giovanni Anselmo installate eccezionalmente a Santa Croce nella Cappella Pazzi progettata da Brunelleschi; di Elegia di Giulio Paolini posizionata nella Sala di Venere della Galleria Palatina di Palazzo Pitti, in dialogo con il capolavoro marmoreo “ la Venere Italica” di Antonio Canova; di ben sei Kilim (Da uno a mille e viceversa) e due Mappe di Alighiero 69 Desde las orillas del Sena

Boetti nella Sala delle Nicchie in Palazzo Pitti; del monumentale dipinto Giganti boscaioli e di Verso lo Zenith di Mario Merz in Galleria d’Arte Moderna sempre a Palazzo Pitti; di Deriva di Mimmo Paladino, adagiata sullo specchio d’acqua della Fontana di Nettuno nel Giardino di Boboli e di Canto geometrico, sempre di Paladino, in stretto dialogo con l’architettura di Leon Battista Alberti nella Cappella Rucellai; infine di Antimateria, un quadro in legno e palladio di Domenico Bianchi in Galleria Palatina, presentato nella cornice lasciata temporaneamente vuota dalla Madonna dell’Impannata di Raffaello, dipinto attualmente in restauro. Così al Museo Marino Marini, nella cripta e in alcune sale adiacenti, Mimmo Paladino e Nunzio realizzeranno alcuni interventi site- specific a parete, mentre nelle nuove sale del Museo Novecento verrà ospitato un inedito confronto tra le opere di Alighiero Boetti e quelle di Gino De Dominicis, tra cui Mettere al mondo il mondo e Sfinge .

La mostra quindi non avrà un secco taglio storico ma sarà l’occasione per scoprire le opere in ‘connessione’ con il contesto e con le storie, nel divenire delle poetiche e del fare: dalle opere degli anni Sessanta fino a quelle realizzate site-specific di oggi. In un evolversi eccentrico di confronti e relazioni dialettiche che si rinnova con la proposta espositiva. Nell’insieme del progetto emergono alcuni tratti comuni, valori condivisi, e sostanziali differenze, tra ispirazioni e processi formali, come situazioni peculiari della storia artistica italiana, in cui l'individualismo predomina continuando a siglare ogni più esemplare sperimentazione.

In occasione della mostra sarà pubblicato, un catalogo ( Forma edizioni) ricco di una puntuale e ampia documentazione sui singoli artisti, sulle installazioni e i luoghi, con un’operazione di 70 Desde las orillas del Sena

coinvolgimento della critica italiana, e una serie di saggi tematici: agli interventi di Sergio Risaliti (curatore della mostra), Marco Bazzini, Michele Bonuomo, Rudi Fuchs, Giovanni Iovane, Italo Tomassoni si aggiungono i saggi propedeutici dedicati alle singole personalità artistiche firmati da Carolyn Christov- Bakargiev, Valentino Catricalà, Laura Conte, Lorenzo Giusti, Elena Magini, Gianfranco Maraniello, Gaspare Luigi Marcone, Helga Marsala, Arabella Natalini, Bartolomeo Pietromarchi, Ludovico Pratesi, Andrea Viliani.

YTALIA.Energia Pensiero Bellezza. Tutto è connesso.

Mario Merz, Giovanni Anselmo, Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Alighiero Boetti, Giulio Paolini, Gino De Dominicis, Remo Salvadori, Mimmo Paladino, Marco Bagnoli, Nunzio, Domenico Bianchi

Firenze, Forte di Belvedere. 2 giugno - 1 ottobre 2017.

Ideazione e direzione artistica : Sergio Risaliti.

Mostra promossa dal Comune di Firenze in collaborazione con : Gallerie degli Uffizi, Opera di Santa Croce, Museo Marino Marini.

Organizzazione: Mus.e

Sedi espositive : Forte di Belvedere, Palazzo Vecchio, Galleria delle Statue e delle Pitture degli Uffizi, Galleria Palatina, Galleria d'Arte Moderna di Palazzo Pitti, Giardino di Boboli, Complesso monumentale di Santa Croce, Museo Marino Marini, Museo Novecento.

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Ufficio Stampa:

Opera Laboratori Fiorentini – Civita

Salvatore La Spina:- [email protected]

Barbara Izzo – Arianna Diana : [email protected]

Comune di Firenze Elisa Di Lupo - [email protected]

Mus.e Daniele Pasquini - [email protected]

Pubblicato da Félix José Hernández.

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AccrochageDu coq à l’âne au Musée d’Orsay

Adolphe Braun, Trophée de chasse à la biche, vers 1865, épreuve au charbon, 7.6 x 5.7 cm. Paris, Musée d'Orsay©Musée d'Orsay,dist.RMN- Grand Palais / Patrice Schmidt.

Paris le 23 avril 2017.

La «capture» de l’animal, être vivant, pose un défi technique à la photographie dès ses débuts. Des daguerréotypistes aux pictorialistes, nombreux sont ceux qui prennent pour sujet la bête, souvent très humaine.

Très vite après la naissance officielle de la photographie en 1839, le principal défi technique qui s’impose aux pionniers du médium (chimistes, opticiens, artistes) consiste à saisir le vivant. L’humain peut volontairement s’immobiliser: les premiers

73 Desde las orillas del Sena portraits offrent les images d’individus au rictus marqué, figés pendant plusieurs minutes dans des poses inconfortables.

Le comportement de l’animal, même domestiqué, est plus inattendu. Toute une panoplie de dispositifs est alors mise en œuvre pour le contraindre dans son attitude: utilisation d’une laisse, installation d’une sellette, promesse d’une récompense, menace d’une punition. D’autres le préfèrent endormi, mort ou même factice!

L’animal est omniprésent dans la photographie au 19esiècle: document pour artistes, étude scientifique, essai d’instantané, reportage ou encore images répondant à une ambition artistique et s’inscrivant dans la tradition de certains genres comme le portrait ou la nature morte. Ces multiples représentations témoignent de son intégration dans une chaîne très hiérarchisée (de la bête brute, tel le singe, à l’animal noble, comme le cheval ou le lion) mais aussi de son changement progressif de statut. Outil de production, base de l’alimentation, «bien meuble» pour le Code civil de 1804, il devient de plus en plus un compagnon familier, préfigurant «l’être vivant doué de sensibilité», tel que le législateur français l’a récemment défini.

AccrochageDu coq à l’âne. Du 20 février au 13 mai 2017. Musée d’Orsay, Salle 19. Commissariat: Marie Robert, conservateur photographies au musée d’Orsay.Contacts presse : Marie Dussaussoy et Silvia Cristini.

Publié par Félix José Hernández.

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Un Parcours Alicien de Paul Armand Gette

Paul Armand Gette,Les Petites Filles, Elsa-Maria — 1979 — Malmö Photographie

Paris le 23 avril 2017.

Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris présente, au sein des collections contemporaines, un Parcours Alicienà travers unevingtaine d’œuvres de Paul Armand Gette mettant en lumière la recherche de l’artiste depuis ses débuts.

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Paul Armand Gette, né à Lyon en 1927, s’intéresse dès son enfance aux sciences de la nature et en particulier aux dimensions poétiques et métaphoriques que celles-ci peuvent induire. Il pose un regard attentifaussi bien sur la nature, qu’il étudie avec minutie, que sur les êtres humains.

Ce n’est qu’au début des années 1960 qu’il décide de se consacrer complètement à des recherches artistiques. Il produit un ensemble d’œuvres témoignant de ses réflexions autour de la symétrie, du miroir, du reflet et des proportions. Avec les Reliefs, les Morphogrammes, les Totemset leurs empreintes, créés à partir de caractères d’imprimerie, il nous incite à voir le monde à traversle regard distancé d’Alice au Pays des Merveilles. Ses mises en perspective des Cristaux,comme son film Crystalsde 1971, nous rapprochent de l’univers de la Beat Generation, et en particulier des poètesBrion Gysin, William S. Burroughs et Bernard Heidsieck.

Au centre de l’exposition se trouve l’œuvre photographique La plage... été 1973, appartenant au Musée d’Art moderne etvéritable charnière dans la création de l’artiste. Elle marque, au début des années 70, le passage d’une fiction virtuelle, celle d’Alice décrite par Lewis Carroll,à la réalité plus concrète d’unepetitefillese promenant sur uneplage.

À partir des années 80, Paul Armand Gette se consacre davantage aux limites dela perception de notre corps. Son travail gravite alors essentiellement autour de l'intime, du corps féminin, desa représentation et de son rapport à l'artiste. Il photographie celles qui voudront l’être et instaurele principe de la liberté totale du modèle qui culmine au «Toucher du modèle». La figure féminine reste pour l’artiste un idéal souvent évoqué par des allusions aux divinités de l’Antiquité. 76 Desde las orillas del Sena

Au cours du vernissage, Paul Armand Gette orchestrera une célébration «L’Apothéose des fraises», sorte de culte moderne voué à la déesse Aphrodite.«L’Apothéose des fraises», Célébrationpar Cécile Hug : 4 mai à 12h.

PAUL ARMAND GETTE. Un Parcours Alicien. 5mai- 17septembre2017. Directeur : Fabrice Hergott.Commissariat : Julia Garimorth.Responsable des Relations Presse : Maud Ohana. Un livre d’artiste sera édité spécifiquement pour l’exposition (tirage limité, Editions Manuella). Musée d’Art moderne de la Ville de Paris. 11 Avenue du Président Wilson. 75116 Paris.

Publié par Félix José Hernández.

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El centrista Emmanuel Macron ganó la primera vuelta de las elecciones presidenciales en Francia

Monsieur Emmanuel Macron & Madame Marine Le Pen

París, 24 de abril de 2017.

Querida Ofelia:

Emmanuel Macron (39 años) del partido centrista fundado hace apenas un año “¡En Marcha!”, ex banquero, ex ministro del gobierno socialista de François Hollande, liberal y europeísta, fue el más votado en la primera vuelta de las elecciones presidenciales francesas de ayer.

En segundo lugar quedó Marine Le Pen (48 años), candidata del partido de extrema derecha “El Frente Nacional”, partidaria de

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cerrar las fronteras, hacer un Franxit con la salida del país de la Unión Europea, la renuncia del euro y la vuelta al franco .

La segunda vuelta, los verá enfrentarse el próximo 7 de mayo, para la cual ya Macron es favorito y recibió el apoyo de sus adversarios políticos derrotados: el conservador de derecha François Fillon (bajo investigación judicial a causa de supuestos empleos falsos de miembros de su familia – en Cuba le llamábamos “botellas”-) y el socialista Benoît Hamon ( obtuvo solo el 6% de los votos),mientras que el derrotado candidato comunista (autoproclamado “bolivariano” y gran admirador de Chávez y los Castro) Jean-Luc Mélenchon, evitó pronunciarse.

Por primera vez desde que se fundó la V República en 1958, los dos grandes partidos políticos galos: el socialista y el de la derecha gaullista, quedaron fueran de juego y no irán a la segunda vuelta de las elecciones presidenciales.

Mientras te escribió la presente, los noticieros continúan informando sobre la gran cantidad de personalidades políticas de derecha, centro e izquierda que hacen un llamado a crear un Frente Republicano y votar por Macron, para evitar el caos que representaría el que la Nación cayera en las manos de la extrema derecha de Marine La Pen.

Las elecciones legislativas tendrán lugar el 11 y el 18 de junio, por tal motivo la derecha teme que la victoria de Macron en las presidenciales, le haga perder también estas elecciones.

Según las encuestas, las ciudades y las personas con un nivel cultural superior votaron por Macron, mientras que la Francia rural y la “profunda” votó por Le Pen.

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En la elecciones de ayer se presentaron once candidatos, en la próxima se enfrentarán dos.

El partido Frente Nacional fue fundado por Jean-Marie Le Pen, padre de Marine. Numerosos franceses le dan su voto en las elecciones primarias municipales o regionales como forma de protesta, pero en la segunda vuelta votan por los partidos tradicionales. Actualmente cuenta con la simpatía de un 20% de la población, sin embargo como no existe en Francia la proporcional en La Asamblea Nacional, solo cuenta con dos diputados.

Para la segunda vuelta, una parte de los votantes por Fillon y de la extrema izquierda anti-sistema de Mélenchon podrían votar por ella. Al centrista Macron le sería más fácil atraer a votantes de la izquierda y la derecha moderadas, así como también al establishmentpolítico y económico.

Podría ocurrir de nuevo lo de la segunda vuelta de las elecciones presidenciales del 2002, cuando Jean-Marie Le Pen se enfrentó al gaullista de derecha Jacques Chirac. Este último obtuvo una rotunda victoria gracias al “Todos contra Le Pen” como sucederá ahora.

Y así van las cosas por estos lares.

Un gran abrazo desde la Tierra de Libertad, Igualdad y Fraternidad, que ya se salvó del comunista Jean-Luc Mélenchon y que espero que también se salve el 7 de mayo de la extrema derecha de Marine Le Pen.

Félix José Hernández. 80 Desde las orillas del Sena

Diane de Poitiers par Didier Le Fur

Paris le 24 avril 2017.

Pour sortir de la légende, la première biographie historique de LA maîtresse royale de la Renaissance, par le plus fin connaisseur du XVIe siècle.

Magnifique livre deDidier Le Fur, historien français acclamé par la critique !

Les légendes, noires et dorées, font de Diane de Poitiers (1500- 1566) la maîtresse de deux rois de France, François Ier et son fils Henri II, et construisent un portrait d'elle fait de poncifs sur le « pouvoir au féminin ».

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Mécène éclairée, femme libre et émancipée de toute entrave, dotée d'un sens aigu de ses intérêts financiers, elle aurait exercé par le charme et la chair une grande influence sur les hommes en charge du royaume de France, se hissant ainsi au panthéon des femmes célèbres.

L'histoire est fort séduisante. On pourrait y croire ; pourtant elle est grossièrement fausse. Didier Le Fur, pour qui les constructions historiographiques n'ont plus de secrets, explique simplement, et avec style, que l'image actuelle de Diane de Poitiers est faite d'une accumulation d'erreurs et d'approximations – volontaires ou non – reprises puis amplifiées, en fonction des modes, pendant quatre siècles. Ce faisant, l'auteur rend à cette femme passionnante sa réalité, loin des fantasmes entourant les maîtresses royales, et décrypte comment sa vie, qui reste sur bien des aspects un trou noir, a pu prendre une telle place dans l'imaginaire collectif et le roman national français.

« Que ceux qui cherchent le mythe en Histoire passent leur chemin: Le Fur nous le dégonfle en beauté, revenant au coeur du sujet. Une belle leçon de réalisme. » Le Point

« Un magnifique portrait. » Le Parisien.

« Henri II, comme un miroir magique ou maudit, semble avoir biaisé tout jugement chez les historiens et autres littérateurs C'est cette réflexion qui vient à l'esprit en lisant la rermarquable biographie de Didier Le Fur. » Le Figaro

« Le livre de Didier Le Fur est moins un portrait de Diane de Poitiers qu'une captivante biographie de sa légende. La femme n'en demeurant finalement que plus mystérieuse et fascinante. » Le Monde 82 Desde las orillas del Sena

« Didier Le Fur, dans ces pages, opère un formidable travail de déconstruction-reconstruction, marque d'un historien au sommet de son art. Diane de Poitiers n'en sort ni grandie ni rabaissée : tout simplement autre. » Le Figaro Magazine

Historien, Didier Le Fur est l’un des meilleurs spécialistes des XVe et XVIe siècles français, sur lesquels il a publié La France en 1500, ainsi que Marignan 1515. Auteur de biographies remarquées – Louis XII, Charles VIII, Henri II–, son travail sur François Ier, aboutissement de quinze années de réflexion, a été unanimement acclamé par la critique.

Diane de Poitiers. Didier Le Fur. © Éditions Perrin 2017.Biographies. 381 pages. 21 euros. ISBN : 9782262063955

Publié par Félix José Hernández.

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Mascarade par Ray Celestin

Paris le 24 avril 2017.

Jazz, prohibition et meurtres en série : après Carnaval, comparé à L’aliéniste de Caleb Carr, le retour du nouveau maître du thriller historique.

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1928. Chicago est la cité de tous les contrastes. Du ghetto noir aux riches familles blanches, en passant par la mafia italienne tenue par Al Capone, la ville vit au rythme du jazz, de la prohibition et surtout du crime, que la police a du mal à endiguer.

C’est dans ce contexte trouble qu’une femme appartenant à l’une des plus illustres familles de la ville fait appel à l’agence Pinkerton. Sa fille et le fiancé de celle-ci ont mystérieusement disparu la veille de leur mariage. Les détectives Michael Talbot et Ida Davies, un couple mixte, vont ses charger des investigations, aidés par un jeune jazzman, Louis Armstrong.

Au même moment, le corps d’un homme blanc est retrouvé dans une ruelle du quartier noir. Le meurtre en rappelle un autre à Jacob Russo, photographe de scènes de crime, qui décide de mener son enquête.

Quel est le lien entre ces deux affaires ? Y a-t-il un rapport avec le crime organisé ? Car la vieille école d’Al Capone et de la contrebande d’alcool est menacée par de jeunes loups aux dents longues qui, tels Lucky Luciano ou Meyer Lansky, n’hésitent pas à se lancer dans le trafic de drogue.

Jazz, mafia, tensions raciales et meurtres inexpliqués, après Carnaval, nous retrouvons dans ce thriller passionnant, inspiré de faits réels, le cocktail explosif qui fait la signature de Ray Celestin.

Un magnifique thriller de Ray Celestin Nous sont proposés :une intrigue intelligente bien construite, des personnages attachants et… le suspense ! Ray Celestin est linguiste, scénariste et écrivain britannique. Il s’impose dans le thriller avec son premier roman Carnaval ( Le 85 Desde las orillas del Sena

cherche-Midi , 2015), basé sur l’histoire réelle d’un sérial killer qui sévit en 1919 à la Nouvelle-Orléans.Carnaval a été élu meilleur premier roman de l'année par l'Association des écrivains anglais de polar.Il vit actuellement à Londres.

Mascarade. Ray Celestin. © Editions Cherche-Midi 2017 pour la traduction française. Traduit de l’anglais par Jean Szlamowicz. Collection « Thriller ».

Couverture et illustration : Joanna Thomson, Pan Macmillan Art Department. 220 x 140 mm. 570 pages. 21,50 €.

Vous aimez les thrillers ? Inscrivez-vous à la newsletter pour suivre en avant-première toutes les actualités : www.cherche-midi.com

Publié par Félix José Hernández

86 Desde las orillas del Sena

Le Paradis Latin de Paris, de Philippe Auguste à Machiavel (1201 - 1899)

Le Grand Final : Paradis à la Folie ! ©Paradis Latin, Marie-Sophie Tékian

Paris le 26 avril 2017.

Au début était la Guerre de Cent ans…

Et même avant la guerre proprement dite. Anglais et Français se rentraient déjà joyeusement dedans à la moindre occasion. Motif : les rois anglais, déjà en Normandie et en Aquitaine, voulaient être rois de France. Les Français, pas tous d’ailleurs, ne voulaient pas en entendre parler.

Première chose à faire pour les réfractaires : protéger Paris. Le roi de France, Philippe Auguste, s’y colle. Il lance la construction, rive gauche de la Seine, d’une grande muraille de 87 Desde las orillas del Sena

protection. Elle passa à l’histoire sous le nom d’Enceinte de Philippe-Auguste.

Elle commençait à hauteur de l’emplacement actuel de l’Académie Française. Elle s’achevait sur les rives de la Seine là où s’élève aujourd’hui (et depuis six cents ans) le restaurant la Tour d’Argent. On peut encore voir de nos jours un important fragment de l’Enceinte à moins de trois cents mètres du Paradis Latin, à hauteur du 1, rue Clovis.

L’enceinte était elle-même protégée par des douves remplies d’eau de la Seine. Comblées il y huit siècles, elles s’appellent désormais Rue du Cardinal Lemoine. Cet homme d’église fit en effet construire sur ce même emplacement ce qui allait devenir un prestigieux établissement d’enseignement : le Collège du Cardinal Lemoine.

Les fondations du Paradis Latin s’ancrent depuis 1888 sur les ruines enfouies de l’Enceinte de Philippe-Auguste. Et sur une plaque de marbre apposée juste à gauche de l’entrée de notre cabaret, on peut lire : « Le collège fondé en 1302 [Règne de Philippe Le Bel, le premier des Rois maudits,] par le cardinal Jean Lemoine fut ici, jusqu’à sa fermeture en 1793 l’un des plus renommés de l’Université de Paris ». Jetez également un coup d’œil à travers la grille voisine : vous découvrirez là une belle cour pavée (pierres garanties d’origine) et les restes – habités - d’un bâtiment datant du 14ème siècle.

Monsieur Vincent.

Quatre siècles plus tard, un des bâtiments du collège a été transformé en hospice. Louis XIII règne au Louvre, un Saint

88 Desde las orillas del Sena officie dans l’hospice. Lui aussi laissera son nom dans l’histoire. C’est Vincent Depaul, dont l’abnégation et le dévouement envers les malades et les pauvres seront salués par toute la chrétienté. Le Pape Clément XII le canonisera en 1737 sous le nom de Saint Vincent de Paul. Monsieur Vincent, au cinéma, avec un inoubliable Pierre Fresnay dans le rôle du futur Saint.

Deux siècles et demi plus tard, en 1793, sous la Révolution, le collège est fermé et le vieil hospice est aménagé en hâte en prison. Elle sera, pour beaucoup de ses occupants, l’antichambre de la guillotine.

Bonaparte, Premier Consul, fait raser le bâtiment pour insalubrité. Puis il le fait bientôt rebâtir pour en faire un théâtre. Il l’inaugura lui-même à l’automne 1803 sous le nom de Théâtre Latin.

Honoré de Balzac, dans Les Illusions Perdues, situe un de ses récits au Théâtre Latin, mais pas là où on l’attendait. Ni sur scène ni dans le promenoir : au sous-sol.

La grande salle du sous-sol du Théâtre Latin, autoproclamée haut-lieu de la vie parisienne par sa clientèle hétéroclite où se côtoient artistes de tout poil, intellectuels, journalistes, hommes politiques, étudiants, ouvriers, bourgeois en goguette et aristocrates de tous bords ne dédaignant pas de s’encanailler. Ils ont aussi baptisé l’endroit l’Abreuvoir Littéraire. Il devient rapidement un établissement à la mode où se croisent désormais Balzac lui-même, Victor Hugo, Alexandre Dumas Père et Fils, plus tard Mérimée, Daumier, et bien d’autres encore.

Abreuvoir Littéraire : le nom chantait les champs, l’alcool et la poésie. Il conduisit le Théâtre Latin et sa cave vers la postérité. La cave existe toujours.

89 Desde las orillas del Sena

Détruit au Champ d’Honneur, rebâti pour la fête.

Automne 1870. La guerre franco-prussienne éclate. Les Uhlans de Bismarck arrivent sous les murs de Paris. Le siège commence. Un obus perdu envoie le théâtre cher à Napoléon rejoindre les Tuileries au cimetière des monuments incendiées. De 1870 à 1887, ses ruines calcinées témoignèrent des malheurs de la Nation.

1887 : la France se prépare à accueillir l’Exposition Universelle programmée pour 1889. Peut-on donner rendez-vous au monde entier en laissant des pierres et des poutres calcinées à cinq cents mètres de Notre-Dame ? La question appelle la réponse : évidemment, non !

Décision est prise de reconstruire. Appel d’offres. Un consortium d’entreprises, qui compte dans ses rangs une filiale du Groupe Gustave Eiffel, emporte le marché. Le chantier s’ouvre. Il dure deux ans et bat même la Tour Eiffel de vitesse. Le théâtre rebâti est inauguré en janvier 1889, la Tour en mai. Alors que Paris grogne sur l’esthétisme de la « grande », on loue l’audace de l’architecture et « l’élégance de cathédrale » de la salle. On souligne l’équilibre des volumes, la perfection des finitions.

Opérette, ballet, pantomime, excentricités…

Les invités à l’inauguration s’arrêtent longuement devant une assez grande coupole, fixée au plafond, au plus haut de la salle. On peut y lire, aux quatre points cardinaux, « Opérette », « Ballet », « Pantomime », « Excentricités » - on dirait aujourd’hui « Attractions ». Cette coupole doit justifier le changement de nom : l’ancien théâtre, même superbement reconstruit, doit désormais s’effacer derrière une nouvelle ambition : il devient un lieu de plaisirs variés. Après les tragédies et les comédies, il doit 90 Desde las orillas del Sena maintenant faire sa place aux opérettes, aux ballets et à d’autres « excentricités ». L’époque l’exige.

Le Théâtre devient Paradis. Le Théâtre Latin est mort, Vive le Paradis Latin ! Cette coupole sauvera un jour le Paradis Latin de la disparition.

Après l’inauguration, le succès est immédiat. On affiche complet tous les soirs. On y crée des spectacles qui font des triomphes à l’époque mais qui séduiront moins la postérité. La mémoire de Paris retiendra qu’Yvette Guilbert, qui deviendra la première grande star internationale française, chante à ses débuts au Paradis Latin. Et que l’une des premières pièces qui y sera jouée - Théâtre pas mort ! - fut La Mandragore, adaptation d’un conte libertin de... Machiavel. Le grand penseur politique florentin de la Renaissance n’imaginait certainement pas qu’il serait un jour joué au cabaret !

La seconde vie du Paradis Latin, de 1900 à nos jours !

Depuis 1850, la géographie du plaisir nocturne dans la capitale à commencé à bouger : lente migration de la rive gauche vers la rive droite. Les grands établissements à la mode, l’Eldorado, la Scala, l’Alhambra, sont sur les grands boulevards, Les Folies Bergère, dans le quartier Bergère. Le premier Alcazar d’été de Paris a été construit au bas des Champs Elysées, l’Olympia ouvre ses portes en 1899…. Le quartier vraiment à la mode, c’est désormais Montmartre. Le peintre Toulouse-Lautrec y entraîne ses amis noctambules, des fils de famille français, le Prince Héritier d’Angleterre, des grands ducs russes ou des milliardaires sud-américains. Le Paradis Latin va vivre mal ces nouveaux temps. Ils sont source pour lui, de perte de clientèle, donc de difficultés financières. Il va chercher son salut dans divers voies.

91 Desde las orillas del Sena

Toutes des impasses. Une ultime défaillance financière oblige ses propriétaires à vendre.

Le repreneur ne sera plus un homme de spectacle mais un industriel, Charles Leune, un faïencier-verrier qui y installe deux fours. Il décide aussi de protéger la belle coupole. Mise en place d’un faux plafond pour la préserver de la chaleur et de la suie. Un demi-siècle plus tard, la coupole ainsi épargnée sauvera le Paradis Latin… Charles Leune revend ensuite son établissement à un entrepreneur spécialisé dans le conditionnement pharmaceutique. C’est lui qui met définitivement la clé sous la porte. Il abandonne, derrière lui, seize mille pipettes et éprouvettes. 1930, fin d’une légende.

Quarante trois ans, une guerre mondiale, un long après-guerre plus tard… En 1973, un promoteur, Jean Kriegel, se porte acquéreur des immeubles situés aux 28 et 28 bis de la rue du Cardinal Lemoine. Apparemment les murs ne valent pas grand chose et l’intérieur encore moins ! Une remise de grande taille, un point c’est tout. Et ce ne sont pas les seize mille pipettes sous leur épaisse couche de poussière qu’il découvre, intactes, qui feront sa fortune : il loue trois semi-remorques pour s’en débarrasser. La destruction du bâtiment débute par l’intérieur. Il commence par vider ce qu’il croit être un entrepôt industriel pour procéder à l’examen des lieux. Et, à sa grande surprise, il va de découverte en découverte. C’est d’abord la structure métallique de la « cathédrale », qui apparaît après la destruction de vieilles cloisons en plâtre et de faux planchers. On retrouve aussi des fragments d’affiches et des restes de décors. Au premier étage, en abattant un faux plafond, une surprenante trouvaille : une belle coupole peinte, on l’a vu, à la gloire « de l’opérette, du ballet, de la pantomime et autres excentricités ». Pour l’homme d’affaires, c’est la stupéfaction. Recherches, en particulier à la Bibliothèque Nationale… où l’on découvre les plans originaux de la 92 Desde las orillas del Sena reconstruction du Théâtre Latin. Fuite dans la presse : un journal titre : « On a retrouvé le Paradis Latin ». Le chantier est immédiatement arrêté : défense du patrimoine parisien ! Contraint et forcé mais séduit par la magie des lieux, il décide alors de rendre sa salle à sa vocation première : le spectacle.

Entrée des artistes : pour la direction, la réalisation et l’animation artistique, le «propriétaire malgré lui» fait appel à un maître du genre : Jean-Marie Rivière. Les deux hommes se rencontrent. Conversation en style télégraphique. Jean Kriegel : « Vous avez du talent et une troupe ; j’ai un théâtre. On fait quelque chose ensemble ? Jean-Marie Rivière « D’accord. Topons-la ! » Comédien, animateur à Saint–Tropez - qu’il a contribué à « inventer », - puis à l’Alcazar de Paris, où l’ont finalement conduit ses succès de la Place des Lices du port méridional, Jean-Marie Rivière connaît mieux que personne les ficelles de la grande revue parisienne, qu’il recrée dans une joyeuse dérision. Fils de mai 68, ses fausses danseuses et ses vrais travestis se mêlent à d’authentiques talents du ballet, de la chanson et de la scène. En novembre 1977, au jour de la réouverture officielle du Paradis Latin, Rivière présente Paris Paradis, un « spectacle poétique et burlesque ». Succès total. C’est la deuxième naissance du Paradis Latin.

Les revues qui suivent sont signées de grands noms de la création musicale : Jean-Jacques Debout et Roger Dumas pour Nuit de Paradis en 1979. Fredéric Botton, ensuite, de nouveau lui, mais assisté cette fois de Francis Lai, qui délaisse un temps la musique de film. Pour Paradisiac en 1981, se joint à eux le plus prometteur des jeunes talents, Michel Berger. La star de ces revues, c’est la belle danseuse hollandaise Herma Vos, 1.85 m, « la plus grande meneuse de revue du monde ». Elle débute au Lido au sein des Bluebell Girls. Itinéraire éclaire : dix-huit mois plus tard, l’Americain Donn Arden, le plus grand créateur de revue de 93 Desde las orillas del Sena l’époque, veut la faire venir à Las Vegas. Elle choisit le Paradis Latin et Jean-Marie Rivière, qui en fait la « meneuse » de ses revues. Pendant cinq ans elle est la reine de la Fête ! Jean-Marie

Rivière se retire aux Antilles, « the show goes on » avec Champagne en 1984, qui marque les débuts de Christian Dura, jeune auteur de grand talent. Dans la foulée, il donnera entre autre au Paradis Latin Hello Paradis en 1987 et la Revue du Centenaire en 1989. En mai 1995, fier d’avoir produit six revues, jouées pendant mille six cents soirées « paradisiaques », et d’avoir accueilli plus de deux millions de spectateurs, Jean Kriegel s’efface.

Une nouvelle équipe dirigeante, animée par Sidney Israël et son fils Harold, prend en main les destinées du Paradis Latin. Né en Egypte, dans une famille qui sera bientôt expulsée par Nasser et les nouveaux dirigeants du pays, Sidney Israël découvre Marseille comme réfugié. Il monte bientôt à Paris. Parti de rien, confiant dans sa capacité de travail, ses dons commerciaux, sa gestion toujours rigoureuse et son « culte du client » il se fait bientôt une place enviable dans le monde des affaires parisien. Elle le conduira à la direction de l’Alcazar de Paris, où il rencontre Jean Marie Rivière. Par commodité personnelle et pour goûter à l’aventure américaine, il opte pour la présidence de la filiale américaine de l’Alcazar à Las Végas. 1992, retour en France. Dans les mois qui suivent, Sidney Israël fait part à Jean Kriegel de son intérêt pour un rachat du Paradis Latin. En 1995, un accord est trouvé. Israël se porte acquéreur du « Doyen des grands cabarets du monde ». Les nouvelles revues s’appellent Viva Paradis, Paradis d’Amour, Paradis à la folie, encore signé Christian Dura. Elles franchissent allégrement les frontières du nouveau siècle et sa première décennie.

94 Desde las orillas del Sena

Son fils Harold va rapidement le rejoindre. Diplômé de la grande école de cuisine le Cordon Bleu, à cette première vocation, où il à fait ses preuves, il en ajoute une seconde, celle du management. Après avoir fait du Paradis Latin une des bonnes tables de Paris, il fait entrer le marketing et internet au cabaret. Aujourd’hui

Directeur Général, il développe en associant politique vigoureuse de marketing, nouvelles technologies et communication, en France Métropolitaine comme à l’International, tout en restant « le plus français des grands cabarets ». XXIème siècle : nouveaux temps, nouveaux succès, nouvelle aventure, nouveaux clients, plus précieux que jamais. A suivre ! A vivre !

Voici la revue du Paradis Latin. Le cabaret se transforme en un jardin magique où les danseuses fleurs et les danseurs vous entraînent dans une farandole de tableaux, pleins de surprises, de gaieté, de manèges enchantés, de bals masqués, de comédies musicales à grand spectacle et de ballets modernes : https://www.youtube.com/watch?v=6_v9Ph4zbQs

Paradis Latin Cabaret - A Night In The Garden of Paradise : https://www.youtube.com/watch?v=LRbFn2_W4Nc

Le Paradis Latin.Au coeur de Paris, dans le cinquième arrondissement, à deux pas de Notre-Dame et du Panthéon, à 300 mètres de la Tour d’Argent. Accès métro: Cardinal Lemoine ou Jussieu. Parking: Maubert Saint-Germain. Dîner à 20 heures, spectacle à 21h30. 28 rue du Cardinal Lemoine. Tél : + 33 (0)1 43 25 28 28. [email protected]

Publié par Félix José Hernández

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Escapades cubaines par Miguel Cruz

Paris le 26 avril 2017.

La Havane est comme un immense décor de cinéma : des façades sans rien derrière, des centaines de figurants en attente du clap démocratique...

Des vieilles “américaines” endormies, des visages ridés aux allures de "Il était une fois la révolution", une musique née de 96 Desde las orillas del Sena l'esclavage, salsa endiablée, des tickets de rationnement, du rhum et des cigares, des rites vaudous, des enfants souriants tournés vers la mer et ; surtout cet humour décalé, d’ autodérision, tellement cubain...

Mais Cuba et sa vie quotidienne, ce n'est pas du cinéma ! La débrouille est la règle d'or, car avec 12 à 20 dollars par mois en moyenne, il faut se lever tôt pour vivre...

Miguel Cruz, d'origine espagnole est photographe et dessinateur. Il parcourt le monde afin de mieux mesurer et comprendre la situation des peuples en souffrance. Après plus de quinze voyages à Cuba et quelques milliers de photos, il est d'autant plus sensible aux problèmes que vit la population de cette île des Caraïbes.

Durant ces "Escapades cubaines" l'auteur a tissé des liens d'amitié avec des artistes, écrivains, sculpteurs, peintres, poètes... A travers cet ouvrage, Il leur rend hommage.

Tous les bénéfices de la vente de ce livre, reversés à l'association humanitaire Un Regard, un Enfant, seront destinés aux enfants défavorisés de Cuba et à leurs familles.

Miguel Cruz est né à Blois en 1960. Il passe toute son enfance à Saint-Sulpice, petit village de la Beauce.

A dix-huit ans, Paris l'attire. Il y suit tous les cours qui vont lui permettre de s'affirmer : dessin, photographie, peinture, littérature. Il exerce alors plusieurs métiers depuis 1981 : graphiste, illustrateur, peintre, photographe, designer...

En 1984, il réalise sa première exposition d'illustrations au Centre culturel d'Istres. Dès lors, il ne cessera d'exposer ses peintures et 97 Desde las orillas del Sena ses photos en France et dans le monde : France, Autriche, Espagne, Allemagne, Cuba...

Les voyages, sa passion, permettent à Miguel Cruz de révéler sa sensibilité : il a visité à ce jour une cinquantaine de pays à travers le monde. Parcourir la planète est pour lui une façon de mieux mesurer et comprendre, ici et là, la situation des enfants en grande difficulté.

Miguel Cruz édite ainsi plusieurs livres pour le bénéfice de l'association Un Regard, un Enfant : Les Enfants d'abord, Enfants du monde, Moments d'enfance, Escapades birmanes, Alphabet rigolo, Alphabet rigolo des z’Animos, Alphabet rigolo des pays, Alphabet rigolo des prénoms. En 1999, c'est la naissance de son fils Emilio. Sa fille Lilly naîtra en 2002. La même année, en Bolivie, dans les Andes (4 800 mètres d'altitude), une école nommée “Miguel Cruz” ouvre ses portes... Il intervient également dans les écoles de France afin de sensibiliser les jeunes écoliers sur les conditions de vie des enfants dans le monde.

Scapades cubaines. Photos, illustrations, textes : Miguel Cruz avec la participation de Bettina Hauff. Préface de Georges Wolinski. © Éditions Belize. www.editions-belize.com 176 pages. 24 cm x 28,5 cm. 27,5 euros. ISBN : 978-2-917289-53-2

Publié par Félix José Hernández.

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El Comandante Dr. Armando Fleites fue llamado a la Casa del Señor ayer desde Miami

Con el Comandante Dr. Armando Fleites en Miami, el 31 de julio de 2011

París, 27 de abril de 2017. 99 Desde las orillas del Sena

Querida Ofelia:

Acabo de recibir un mensaje del ex guerrillero del Escambray, mi amigo Roger Redondo González, en el cual me comunica que nuestro amigo común el Comandante Dr. Armando Fleites Díaz fue llamado ayer a la Casa del Señor.

Durante las vacaciones del verano de 2010 en América, gracias a Miguel García Delgado, ex guerrillero del Escambray y amigo de infancia, tuve el honor de conocer a un hombre extraordinario. Se trata del Comandante Dr. Armando Fleites. Un señor de carácter elegante, cuya conversación era agradable; hablaba pausadamente y sus análisis sobre la historia de nuestra Patria eran profundos y precisos. En ellos no existía el espíritu de revancha o rencores, como tampoco la demagogia o el egocentrismo, que desgraciadamente tanto abundan hogaño. Para resumir: fue un placer dialogar con el Comandante Dr. Armando Fleites. Le pedí su opinión sobre la Historia Oficial proclamada por el régimen cubano y testimonios sobre hechos históricos importantes de los cuales había sido testigo.

A partir de aquel momento, mantuvimos contactos regulares. Me envió testimonios sobre la lucha guerrillera en El Escambray y su opinión sobre diferentes sucesos históricos que habían tenido lugar en nuestra Patria, los cuales publiqué.

Nació una gran amistad y…al escuchar mis palabras de admiración hacia su trayectoria, sonrió y me dijo: - “solo he cumplido con mi deber de cubano.”

Fue Presidente de los Estudiantes de la Escuela de Medicina de La Habana, allí comenzó la lucha contra el régimen de Fulgencio Batista. Ya graduado de medicina, se alzó en El Escambray y llegó a ganar el grado de Comandante. Su posterior oposición al 100 Desde las orillas del Sena

régimen de los Castro lo condujo al exilio miamense, desde donde nunca dejó de combatir, ahora con sus testimonios, por la Libertad de Cuba y por hacer conocer la verdad.

Para mí ha sido un honor el haber ayudado a hacer conocer la verdad sobre lo ocurrido durante la lucha guerrillera en El Escambray contra el régimen de Fulgencio Batista, por medio de los 96 testimonios del Dr. Comandante Armando Fleites, de Roger Redondo y de Miguel García. La confianza depositada en mí me honra.

Conservo en mi despacho una placa de “Honor al Mérito” que me entregó en enero del 2015, el Dr. Fleites en nombre del Segundo Frente Nacional del Escambray, como reconocimiento a mi labor de difusión de los testimonios.

Deseo enviar mis condolencias a la familia, a los ex guerrilleros del Escambray y a todos aquellos que sentimos como una gran pérdida la desaparición física de ese gran patriota que nunca cesó de luchar por la Libertad de nuestra Patria.

¡Qué descanse en paz por la eternidad muy cerca de Dios!

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

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Derrière le rideau du Paradis Latin de Paris

Le French Cancan © Paradis Latin, Baheux.

Paris le 27 avril 2017.

18h. Etonnamment, le Paradis est silencieux, ou presque. Les tapisseries rouges atténuent les premiers bruits, encore ténus, de la machine à divertir. Dans les ateliers,- deux étages sous la scène - les ciseaux et les aiguilles de Philippe, le chef costumier, rejoint bientôt par ses couturières, glissent pourtant depuis deux heures déjà sur des costumes à ajuster, des sequins à refixer, des perruques à étoffer… A l’autre bout du théâtre, les fourneaux, en cuisine, grimpent en température.

19h30. Retour en sous-sol. Les loges des artistes. Franck, qui est à la revue ce que Monsieur Loyal est au cirque ( « C’est aussi parfois le cirque ici ! », grogne-t-il à l’occasion, prenant le risque d’affronter une serviette ou une brosse de danseuses qui volent pour sanctionner son impertinence ) Monsieur Franck donc, qui a son espace personnel, jette un vingtième et dernier coup d’œil sur son maquillage à paillettes, puis grimpe quatre à quatre les deux étages qui conduisent sur la scène, de là dans la salle, enfin dans le hall d’accueil. Ici, il va remplir la première moitié de sa

102 Desde las orillas del Sena

mission : accueillir les « visiteurs du soir » - moins poétiquement : les spectateurs.

20h20. Isshogai, l’un des « grands » de la photographie de mode, se restaure ( saumon fumé, verre de vin, après un long shooting sous la grande coupole « historique » du plafond mezzanine. En veine de confidences : « Cet endroit est dingue. Peut-être le plus beau cabaret que j’ai vu de ma vie !». Sur scène, derrière le rideau, ombres chinoises de danseuses effectuant les dernières mises en place.

21h15. « Quinze minutes », annonce le haut-parleur dans les loges des artistes. On commence à enfiler les costumes, à fixer les perruques. Maeva, une des danseuses, s’est fait une contracture douloureuse à hauteur des reins, la veille, dans « Divines marquises ». Explication : « Beaucoup de portés dans ce tableau. Parfois le corps proteste ! » Elle révise avec Vanina, la dance captain, quelques nouveaux pas qui soulageront son dos.

21h20. Le haut-parleur : « Dix minutes ». Les sweat-shirts tombent, les (jolis) seins nus des danseuses topless apparaissent. La routine…

21h30. Début du show. La musique lance la revue. Au Paradis, comme il se doit, la vérité tombe du ciel. Dana / Ève monte dans sa nacelle. Descente lente pendant qu’en coulisses les filles se ruent pour rejoindre la scène. Les danseurs y sont déjà, vêtus en jardiniers. L’un révise ses claquettes, l’autre ajuste son nœud « pap» et son « foutu string » (sic), un troisième, manipule son arrosoir ( il ne doit pas l’utiliser souvent à la maison ). Le rideau amorce son lever… C’est parti pour quatorze tableaux dansés, des chansons, des attractions. Plus de deux heures de rêve.

103 Desde las orillas del Sena

21h42. Comme des abeilles rose bonbon, - espèce rare - filles et garçons entrent et sortent de scène, changent de costume à une vitesse effarante, que freine à peine un éventuel incident. Sandra, blonde, jambes sans fin, peste contre la clim; Philippe, chef costumier de profession et pince sans rire de vocation lui propose de lui faire un « string en moumoute » pour le lendemain. Commentaire de Max, le danseur russe, dont l’oreille trainait : « Très bon contre rhume de cerveau ».

21h58. Dans les loges. Fin de la courte pause accordée aux filles par le numéro de serveur équilibriste déjanté d’Angelo. Vanina, tout en fredonnant la musique que le haut parleur diffuse « musique qu’elle a entendue environ 1460 fois depuis qu’elle danse ici », se fabrique un chignon parfait en vingt six secondes.

22 h14. Dana, la meneuse, Vénus de Milo pour la beauté, made in Roumanie pour l’origine, British pour l’humour, répète ses positions de bikram yoga dans sa petite loge particulière : « C’est ma passion après la danse. J’ai le temps de le bosser un peu pendant le spectacle ». Traditionnellement, si le rôle de meneuse est le plus visible d’une revue, ses présences en scène sont plus rares que pour n’importe lequel des autres danseurs et danseuses. D’où la position du lotus de Dana entre deux partitions d’Offenbach.

22h17. C’est le numéro de Christopher, le trapéziste. Interdit de survol des tables à ses débuts , il a imposé sa conception du trapèze volant en salle. C’est un des piliers du Paradis, au même titre que les colonnes métalliques d’Eiffel qui soutiennent la mezzanine. Mais ça ne rate jamais : depuis les serveurs en salle jusqu’aux techniciens, qui le reste du temps, tirent des poulies où poussent des décors, quand il vole, tout le monde est scotché le nez en l’air. Franchement, il y a de quoi ! 104 Desde las orillas del Sena

22h35. Dana et Nikolaï de très bons danseurs classiques exécutent un impressionnant pas de deux. Dos au public pour un instant, portant Dana au ciel au bout de ses bras, il tourne discrètement la tête vers les coulisses offre une grimace du plus bel effet à la pléiade de marquises en grand habit qui va bientôt entrer en scène.

22h48. Le Cancan ! L’oriflamme, depuis plus d’un siècle de la grande revue française. Clairement le moment préféré des danseurs, sans doute parce qu’il est le plus acrobatique et le plus spectaculaire. « Chauffés », les artistes s’en donnent à cœur joie : les filles crient, les garçons tournoient, bouquet tourbillonnant de couleurs et de rires. Éclatant. Depuis un siècle.

22h54. C’est le Final. Toutes les filles, métamorphosées en anges blancs par la magie des sorcières habilleuses, occupent le plateau. Les danseurs sont rejoints par des garçons de la Brigade de salle en fracs blancs. Tout le monde chante. Les ballons et les pétales tombent du ciel, en ondée rose. Pluie de paradis !

23h06. Le rideau est tombé. L’ambiance est déjà « hyper cool » en loge. En se démaquillant, les filles échangent des confidences (« Je n’arrive pas à lui dire ce que je pense, parce que je ne sais pas ce que je pense. Qu’est-ce que t’en penses ? »). Exode de corps dénudés vers la douche !

23h30. Le public a quitté la salle. Les filles, cheveux tirés et teint frais, sortent une à une, saluées par Sidney Israël, le président qui veille au grain, « Ici, tous les jours, de 9 h à 2 h du matin, depuis 40 ans : pas d’autre secret ! » Certains artistes se regroupent pour aller dîner. D’autres choisissent de rentrer chez eux. Mais personne ne dormira tout de suite. Au paradis on vit la nuit. Et on recommence le lendemain.

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Voici la revue du Paradis Latin. Le cabaret se transforme en un jardin magique où les danseuses fleurs et les danseurs vous entraînent dans une farandole de tableaux, pleins de surprises, de gaieté, de manèges enchantés, de bals masqués, de comédies musicales à grand spectacle et de ballets modernes : https://www.youtube.com/watch?v=6_v9Ph4zbQs

Paradis Latin Cabaret - A Night In The Garden of Paradise : https://www.youtube.com/watch?v=LRbFn2_W4Nc

Le Paradis Latin.Au coeur de Paris, dans le cinquième arrondissement, à deux pas de Notre-Dame et du Panthéon, à 300 mètres de la Tour d’Argent. Construit par Gustave Eiffel en 1889 et classé patrimoine historique de la capitale présente son spectacle surprenant. « Paradis à la Folie ». Une revue pétillante avec un French Cancan époustouflant, une cuisine et un service de qualité vous garantissent un moment inoubliable dans le plus Parisien des Grands Cabarets.

Accès métro: Cardinal Lemoine ou Jussieu. Parking: Maubert Saint-Germain. Dîner à 20 heures, spectacle à 21h30. 28 rue du Cardinal Lemoine. Tél : + 33 (0)1 43 25 28 28. [email protected]

Publié par Félix José Hernández

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Une soirée inoubliable au Paradis Latin de Paris…. Paradis à la Folie !

Paradis à la Folie !©Paradis Latin

Paris le 27 avril 2017.

« L’ADN du Paradis Latin.

Peut-on…Doit-on... encore présenter le Paradis Latin ? Ma réponse est Oui ! Et j’aimerais vous expliquer pourquoi. Les spectateurs de nos revues ont été nombreux et fidèles. Ils sont dans leur grande majorité français. Cette fidélité, nous devons la leur rendre par la qualité inattaquable de notre accueil, de notre gastronomie, de notre service, valeurs essentielles de notre enseigne. Paris est la première destination touristique de la planète, (on y vient des cinq continents) et la capitale mondiale du cabaret. Les nouveaux arrivants seront tentés par un spectacle de cabaret. Le Paradis Latin, c’est d’abord un spectacle. Pas n’importe lequel. Il a un nom : la Grande Revue Parisienne. Nous en sommes l’un des dépositaires. L’ancêtre de la grande revue était un spectacle figé : une chanteuse de talent et autour d’elle, assises en cercle, « en corbeille » des beautés faire-valoir (comme on le disait ), le plus souvent immobiles. Tout ceci s’est peu à peu, puis très vite, mis en mouvement, porté par des musiques

107 Desde las orillas del Sena entraînantes. Puis l’une d’elle a explosé – Merci, Monsieur Offenbach ! – et épousé une protest dance de l’époque : aux bals du samedi soir, les cousettes levaient haut la jambe et montraient leurs dessous pour se moquer des bourgeoises engoncées dans leur crinoline - qui maintenaient les hommes à distance. « Par ici les hommes ! » dansaient les jeunes ouvrières, rieuses et provocantes, en dévoilant des jupons qu’elles avaient brodés en catimini dans leurs ateliers. Le French Cancan était né. Paris devint la capitale européenne du plaisir. La cancaneuse est devenue une icône de la France « au même titre que la baguette, liberté-égalité-fraternité et la dedeuche ». Je le dis, nous entendons rester fidèle au noyau dur de la grande revue parisienne. Il est dans l’ADN du Paradis Latin. Notre salle, à l’architecture eiffelienne offre d’abord un long passé, de vraies racines historiques, elle est à la fois un joyau unique et un écrin de notre capitale « Paris Ville Lumières ». Comme vous le savez probablement, construit entre 1887 et 1888, inauguré en janvier 1889, le Paradis Latin est le doyen des grands cabarets du monde et nous pourrions même évoquer une ancienneté encore plus longue... Mais c’est aussi une part du destin de la nuit parisienne elle-même qui s’est nouée ici. C’est l’une de ses légendes, Jean- Marie Rivière, maître de cérémonie du mythique Alcazar, qui inaugure en 1977 le renouveau de la maison, avec “Paris Paradis”, une revue pleine d’esprit. Entre les murs élégants du Paradis Latin se succèdent, au fil des revues (Paridisiac, Hello Paradis, Viva Paradis, Paradis d’Amour...), des soirées légendaires et festives, où chacun vient profiter du plaisir d’un grand spectacle, d’un bon dîner ou de fêtes interminables. Le poète a clamé : « La mer, la mer… toujours recommencée »… S’il avait connu le Paradis Latin, nous aurions souhaité qu’il écrive : « La Fête, la Fête…toujours recommencée… ». Sidney Israël Président du Paradis Latin

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Construit par Gustave Eiffel en 1889 et classé patrimoine historique de la capitale, le célèbre Cabaret Parisien Paradis Latin présente son spectacle surprenant. « Paradis à la Folie ». Une revue pétillante avec un French Cancan époustouflant, une cuisine et un service de qualité vous garantissent un moment inoubliable dans le plus Parisien des Grands Cabarets.

Le Grand Spectacle

Le Prologue

Au commencement, Dieu créa les roses. De délicieuses danseuses les incarnent dans un jardin d’Eden pop. Au commencement, cette première fête fut, déjà, arrosée de champagne par de joyeux jardiniers danseurs, de roses également vêtus. Une chanteuse belle comme un coeur invite à la vie en rose, tandis qu’Adam et Eve célèbrent la naissance d’un monde si glamour...

L’Homme Vélo

Angelo Balland, serveur bipède sur une roue unique, surgit juché sur un immense monocycle. Jonglages et acrobaties se succèdent. Une telle adresse laisse coi. Au final, pour le public, un itinéraire rare : étonnement, stupéfaction, , vertige, admiration... Grands Bravos.

Chansons françaises

De celles qui ont tant voyagé dans le monde mais qui adorent se poser au Paradis... où le public tout entier devient choriste.

Le Caroussel

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Sur un Manège éclatant de lumières paradent immobiles des créatures de rêve, qui bientôt se dénudent...

Le French Cancan

Un tourbillon de French Cancan, cette signature indémodable de Paris, éblouissante et joyeuse. Une gaîté qui envahit danseuses et danseurs dans un crescendo irrésistiblement endiablé.

La Chanson de la Brigade

Au Paradis, plus qu’ailleurs, on communie entre scène et salle. Une joyeuse brigade de serveurs, complices des artistes, se présente au public avant de l’accompagner dans la fête.

L’Homme Oiseau

Christopher, trapéziste inspiré, brode ses folies aériennes dans notre cathédrale « eiffelienne » qu’on dirait faite à sa mesure. Vol impressionnant au-dessus d’un public au souffle coupé... jusqu’à l’explosion des applaudissements. Spectaculaire et poétique.

Pom-pom de Rêve

La troupe sur son « trente-et-un » se présente sur un air très Pom Pom... et « So Paradis ! ».

Bal à Véronne

Un palais à Véronne, un bal masqué, la rencontre et le langoureux pas de deux d’un couple de jeunes amants, beaux, passionnés, mythiques (dont nous ne vous donnerons pas le nom). Des costumes dignes d’un grand drame de Shakespeare.

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Ouh la! La!

La chanteuse du Paradis ne fait pas semblant de chanter. Six belles statues musclées l’entourent et la servent. Elle fait des envieuses dans la salle, notre belle voix.

Les Marquises

Elles sont friponnes les Marquises du Paradis. Leurs crinolines cachent des charmes libertins... qu’elles dévoilent avec facétie.

Le Grand Final : Paradis à la Folie !

Au Paradis les Anges blancs – couleur hommage au grand Jean- Marie Rivière - chantent leurs adieux à la fête, sous une pluie de ballons et pétales... Jusqu’au lendemain soir !

Gastronomie : Le Paradis des gourmets !

Au Paradis Latin, la restauration fait l’objet d’une préoccupation prioritaire. Les repas sont réalisés sur place dans une cuisine laboratoire ultramoderne et toujours préparés à partir de produits frais. Des grands noms de la gastronomie sont mobilisés et le décor participe à la fête.

Le Paradis Latin, dans l’assiette, joue la carte du plaisir vrai : saveurs de terroir, viandes tendres ou poissons frais à la cuisson parfaite, relevés d’une émulsion légère aux subtiles aromates... Les grands classiques à la carte sont réalisés avec le soin et l’amour que seule dispense une bonne cuisine, et toujours anoblis d’une touche de modernité qui fait de chacun une singulière réussite. Pour son Chateaubriand comme pour son filet de bar, pour son foie gras comme pour son tournedos Rossini, le chef Simon met les petits plats dans les grands, et son armée de 111 Desde las orillas del Sena cuisiniers, sous-chefs, chefs, commis, au service d’un talent rigoureux.

A ses clients, le Paradis Latin offre également une très belle cave et la carte maison soumet au choix des amateurs éclairés ses Margaux, ses Sauternes et ses Bourgogne.

Gourmandise au Paradis

Le Paradis Latin, une pâtisserie unique créée par le pâtissier de renom Carl Marletti pour fondre de plaisir. Une douceur pétillante composée d’un léger biscuit aux agrumes assorti d’une compotée onctueuse de framboises et de roses dans un crémeux de vanille de Madagascar aux fruits rouges. A déguster au Paradis Latin, mais également à la pâtisserie de Carl Marletti au tarif de 5 euros. 51, rue Censier Paris - Rive Gauche – 75005

Le « Fresh-Cancan »

Un Cocktail Pétillant 20 cl de Champagne Rosé 5 framboises fraîches 2 cl de liqueur de framboises 1 feuille de menthe fraîche À déguster au Paradis Latin.

La nouvelle boutique du Paradis

Quelque soit leur intensité les rêves hélas ,s’effacent trop vite. Comment les ancrer dans notre mémoire ? La nouvelle boutique du Paradis Latin vous y aidera ! À découvrir d’urgence, sa toute nouvelle collection de T-Shirts graphiques ainsi que son Shopping Bag. Pour les collectionneurs : les plus belles affiches des Revues du Paradis Latin et d’autres surprises ! 28, rue du Cardinal Lemoine 75005 Paris.

Voyage au cœur du Paradis Latin 112 Desde las orillas del Sena

Bienvenue sur « CabaretBlog.com» , un voyage en images au coeur de l’Univers Cabaret. Au programme, des photos insolites et drôles, des infos inattendues, des portraits d’artistes passionnants, des chroniques improbables, des conseils et secrets de maquillage de scène, des visites exclusives dans les coulisses et archives du cabaret… Un blog qui veut et qui va vous surprendre ! Rendez-vous sur www.cabaretblog.com

Les chiffres du Paradis Latin !

1 Maître des cérémonies. Présentateur du spectacle, l’ambiance d’une soirée repose aussi sur ses épaules : scène et salle doivent communier. Le Maître de cérémonie est une spécificité du Paradis Latin.

25 artistes mobilisés en moyenne chaque soir par la revue Paradis à la Folie. Plus de 2000 danseurs et danseuses se sont produits sur la scène du Paradis latin depuis sa « renaissance » en novembre 1977. Ils viennent du monde entier, d’abord de France, mais aussi d’Italie, de Russie, d’Angleterre, d’Australie et des diverses Amériques.

92 salariés au Paradis Latin, troupe, personnel technique et services compris. Sachez par exemple que pour transformer les décors, métamorphoser les danseuses en quelques secondes et « activer la machinerie » sont nécessaires un chef électricien, ingénieurs lumières, ingénieurs du son, menuisiers, un chef de plateau-scène et son équipe, un chef costumier et ses «petites mains»…

250 mètres de tissus sont nécessaires pour réaliser le « frou-frou » d’une robe de French Cancan.

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500 bâtons de rouge à lèvres utilisés chaque année par nos danseuses. Et 750 flacons de fond de teint.

700 places dans la salle..

7 000 paires de collants portés et renouvelés. Des milliers de paillettes cousues à la main !

15 000 ballons lâchés sur la salle. Et plus d’un demi-million de pétales de fleurs sur le Final.

30 000 bouteilles de champagne consommées en une année. S’y ajoutent plus de 25 000 bouteilles de vin de Bordeaux. Elles arrosent les deux tonnes de foie gras servies, la tonne et demie de saumon fumé et les dix tonnes de filet de bœuf « Premier Choix ».

Et pour apprécier tout ceci, une clientèle cosmopolite mais depuis toujours majoritairement française.

Voici la revue du Paradis Latin. Le cabaret se transforme en un jardin magique où les danseuses fleurs et les danseurs vous entraînent dans une farandole de tableaux, pleins de surprises, de gaieté, de manèges enchantés, de bals masqués, de comédies musicales à grand spectacle et de ballets modernes : https://www.youtube.com/watch?v=6_v9Ph4zbQs

Paradis Latin Cabaret - A Night In The Garden of Paradise : https://www.youtube.com/watch?v=LRbFn2_W4Nc

114 Desde las orillas del Sena

Le Paradis Latin.Au coeur de Paris, dans le cinquième arrondissement, à deux pas de Notre-Dame et du Panthéon, à 300 mètres de la Tour d’Argent.

Accès métro: Cardinal Lemoine ou Jussieu. Parking: Maubert Saint-Germain. Dîner à 20 heures, spectacle à 21h30. 28 rue du Cardinal Lemoine. Tél : + 33 (0)1 43 25 28 28. [email protected]

Publié par Félix José Hernández

115 Desde las orillas del Sena

Un escargot tout chaud par Isabelle Mergault

Paris le 28 avril 2017.

« ‘La caisse, ou je te bute ! — Eh bien, butez, Monsieur.’

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Ce jour-là, le braqueur aurait mieux fait de pousser la porte d’une autre bijouterie. Menaces, ultimatum ou revolver sur la tempe, aucune des six personnes qui se trouvent dans la bijouterie de Rose ne semble impressionnée. Amour, famille, enfants, ils ont tout raté. Alors vous pensez, un braquage !… Une fantaisie navigant entre l’émotion et le rire où les Marx Brothers auraient croisé Woody Allen. »

« Rose, dont seul le prénom pouvait encore prétendre à une féminité légère et fragile, mit en branle son gros corps de 90 kilos pour répondre au téléphone qui venait de donner sa première sonnerie. Elle se dépêchait comme elle pouvait parce qu’elle détestait faire attendre. Car Rose était gentille et bonne avec tout le monde. Mais elle n’était pas pour autant ce qu’on appelle une bonne grosse. Elle était bonne, c’est vrai, et elle avait grossi. Ce qui était complètement différent et ça, elle y tenait !

Elle atteignit le combiné à la deuxième sonnerie.

— Allô ?

Rose avait pris une voix de maigre pour répondre. Une petite voix fluette, aérienne, affranchie de toute pesanteur, une voix insouciante, une voix bien dans sa peau, une voix qui peut mettre un pantalon de taille 38.

— Bijouterie Labaume bonjour… Oui… Une chaîne ?

Une chaîne en or ?… Et vous avez acheté cette chaîne chez nous ?… Ce n’est pas grave, monsieur, nous verrons ce qu’on peut faire… Elle est cassée au niveau de la fermeture ?… Non, ça ne devrait pas poser de problème… Ah ?… et… il manque

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combien de maillons à votre chaîne ?… Ah oui, c’est beaucoup ! Ce n’est plus une chaîne, c’est un bracelet !

L’homme avait dû émettre un petit rire car Rose se rengorgea d’un coup.

— … Oui, je plaisante, c’est plus fort que moi !… Pardon ?… Oh, oui monsieur, oh oui ! je suis une personne très gaie !

Rose mentait. Elle avait perdu de sa gaieté depuis longtemps et elle bénissait le téléphone qui lui permettait, en s’inventant de nouvelles identités, d’oublier celle qui lui était devenue insupportable : la sienne.

Rose composait ses personnages selon son humeur et l’interlocuteur qu’elle avait au bout du fil. Elle pouvait jouer la maîtresse femme, dure et sans humour, la nunuche servile, la revenue de tout à qui on ne la fait pas, la revêche ou la sexy, la désinvolte ou la pointilleuse.

Mais le rôle qu’elle préférait par-dessus tout était bien celui de la femme à la fois sensuelle et naïve. Elle l’interprétait à merveille et, chaque fois que le téléphone sonnait, Rose priait pour que ce soit un homme qui appelle et non une femme, afin de pouvoir se jeter dans cette composition exquise qui, elle le savait, ferait fantasmer son interlocuteur. Pas des fantasmes sexuels, bien sûr… quoique, parfois son rire était si charmant et elle prenait une voix si doucement aiguë qu’il arrivait qu’on lui propose un rendez-vous, ou qu’on lui demande comment elle était habillée. Et Rose savait pertinemment que lorsqu’un homme s’inquiète de la façon dont vous êtes habillée, c’est qu’il veut vous déshabiller.

118 Desde las orillas del Sena

— Oh ! Comme c’est joli ce que vous venez de dire, monsieur ! La gaieté est une politesse qu’on se doit d’avoir face à la vie… C’est magnifique !

Il ne lui en fallait pas beaucoup à Rose pour s’extasier devant de belles phrases quand bien même elles étaient banales et creuses comme celle que venait de déclamer son interlocuteur sur un ton profond et inspiré.

— Mon prénom ?… Mais pourquoi voulez-vous connaître mon prénom ? »

Ce premier roman très réussi d’Isabelle Mergault, est un bon moment de lecture, loufoque et plein d'humour, Avec beaucoup de fantaisie il est écrit comme une vaudeville, une histoire hilarante, drôle et légère. Une future agréable pièce de théâtre ?

Isabelle Mergault est actrice, auteur de pièces de théâtre (L’amour sur un plateau, Adieu je reste, Ne me regardez pas comme ça) et réalisatrice de films (Je vous trouve très beau, 2006, Enfin veuve, 2008), tous d’immenses succès. Un escargot tout chaud est son premier roman.

Un escargot tout chaud. Roman de Isabelle Mergault. Éditions Grasset & Fasquelle, 2017. Collection : Littérature Française. Photo de la jaquette : © Pascalito. Pages : 180. Format : 132 x 205 mm. Prix : 16.90 €. Prix du livre numérique: 11.99 €. ISBN: 978 -2-246-81300-2.

Publié par Félix José Hernández.

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Testimonios del Comandante Dr. Armando Fleites

A partir de la izquierda: Yndamiro Restano, Félix J. Hernández, Armando Fleites y Roger Redondo. Miami, 27 de octubre de 2012.

París, 29 de abril de 2017.

Querida Ofelia:

El Comandante Dr. Armando Fleites falleció hece dos días en el exilio miamense. Después de haberte escrito ayer, hoy decidí enviarte estos quince testimonios que él escribió y que fueron publicados en: Cartas a Ofelia (París), Cuba en el Mundo (Miami), Cuba Matinal (Madrid), Cuba Nuestra (Estocolmo), Diario de la Marina (París) y una parte de ellos en Radio Miami Internacional (Miami). También fueron puestos los enlaces en varias páginas de Facebook, entre ellas, la mía, la de mi grupo y la del Colegio Nacional de Periodistas Cubanos en el Exilio.

También contribuyó con sus recuerdos y asesoramiento a numerosos testimonios escritos por los ex guerrilleros del

120 Desde las orillas del Sena

Escambray durante la lucha contra el régimen de Fulgencio Batista, Roger Redondo González y Miguel García Delgado. Los 95 testimonios aparecen también en los 34 libros que recopilan las Cartas a Ofelia, que han sido editados en España y Francia y que en los EE.UU. se pueden encontrar en: The Library of Congress. Washington y enTheCuban Heritage Collection Otto G. Richter Library, Coral Gables, Fl. y en : https://bibliocuba.net/ediciones-bibliocuba/cronicas- coleccionables-libros-cartas-a-ofelia/ y https://drive.google.com/drive/folders/0B2JGTV0Z- vJ5fkwyck1hbENQT2pDWC1ZLUFqZTBqVjZNQUR4aGJWbll lT09kYmpWeUhlSGc

-Estrategia del Segundo Frente del Escambray (primera parte) http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=2270

-La estrategia del Segundo Frente (segunda parte) http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=2281

-Estrategia del Segundo Frente del Escambray (Tercera parte). Entrevista con el Presidente Carlos Prío Socarrás http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=2302

-Histórica reunión en La Habana http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=2221 121 Desde las orillas del Sena

-NUESTRO MENSAJE: FRUSTRADOS PERO NO VENCIDOS http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=1619

-EL RESCATE DEL COMANDANTE JESÚS CARRERA http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=1530

-EN DEFENSA DE LA VERDAD HISTÓRICA http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=1529

-¿CÓMO SE FUNDÓ EL FRENTE DE GUERRA EN EL ESCAMBRAY? http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=1520

-RESPUESTA DEL COMANDANTE GUERRILLERO ARMANDO FLEITES A FIDEL CASTRO http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=1374

-EL INCIDENTE DE AQUILES CHINEA http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=1224

-EL ATAQUE AL PALACIO PRESIDENCIAL DE LA HABANA EN 1957 http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=1126

-MI PARTICIPACIÓN EN LA EXPEDICIÓN DE NUEVITAS 122 Desde las orillas del Sena

http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=1008

-IN MEMORIAM http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=791

-ACLARACION HISTORICA Y TESTIMONIO DEL COMANDANTE DR. ARMANDO FLEITES http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=203

-Carta abierta del Comandante Armando Fleites http://cartasaofelia.com/testing/mirar.asp?ID=2372

Que descanse en paz por la eternidad muy cerca de Dios.

Un gran abrazo desde París,

Félix José Hernández.

123 Desde las orillas del Sena

Tre arazzi per il futuro museo

Caccia al cinghiale con l’archibugio. (dalla serie delle Cacce per la villa di Poggio a Caiano: 28 arazzi da cartoni di Giovanni Stradano). Manifattura fiorentina. Disegno e cartone di Giovanni Stradano (Jan van der Straet, 1523-1605), inizi 1566. Tessitura di Giovanni Sconditi (attivo 1555-1568), entro il 6 ottobre 1566. Trama: lana; ordito: lana, 6-7 fili per cm; 400 x 518 cm. Firenze, Depositi Arazzi Palazzo Pitti

Firenze, 28 aprile 2017.

Creazioni della manifattura medicea, di quella fiamminga di Bruxelles e di quella francese dei Gobelins, i tre arazzi esposti in mostra in Sala Bianca sono stati così selezionati in rappresentanza dei tre nuclei portanti della collezione fiorentina

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di arazzi appartenente alle Gallerie degli Uffizi, che conta novecentocinquanta esemplari.

In attesa dell’apertura del museo dedicato a questa collezione, la mostra costituisce un richiamo a un articolato e ampio patrimonio di opere che sapeva unire alla monumentalità decorativa il pregio di una tecnica tanto preziosa quanto fragile.

Motivi conservativi ne impongono quindi una esposizione per singoli pezzi o piccoli nuclei e per periodi limitati, corrispondendo a una buona pratica d’uso storico che prevedeva il dispiegamento degli arazzi per stagioni circoscritte e specifiche occasioni, alternato al loro ricovero negli spazi destinati a magazzino dalla Guardaroba Granducale.

Questo è ciò che accade ancora oggi e nella fase apparentemente silente e di assenza le opere sono in realtà oggetto di monitoraggio, manutenzione programmata a rotazione e restauro, operazione complesse e impegnative, anche da un punto di vista economico, effettuate con la collaborazione di maestranze specializzate per competenza e attrezzature.

Se i ‘panni’ conservati in depositi confinati e protetti rappresentano la maggior parte della collezione, nel tempo una minima percentuale di questa è confluita in allestimenti permanenti in alcuni ambienti di Palazzo Pitti che tuttavia, per le ragioni descritte, sono oscurati per quasi tutto l’anno. È questo il caso dell’Appartamento degli Arazzi, adiacente alla Sala Bianca, che nel mese di maggio sarà parzialmente aperto, in via straordinaria, al pubblico.

L'esposizione si apre con la Caccia al cinghiale con l’archibugio, uno degli splendidi arazzi appartenente alla serie delle Cacce 125 Desde las orillas del Sena

realizzata per la Villa di Poggio a Caiano. Il duca Cosimo I de’ Medici aveva destinato l’imponente serie delle Cacce a venti stanze della superba villa, fatta costruire da Lorenzo il Magnifico su progetto di Giuliano da Sangallo. Fu tessuta dal 1566 al 1577 dagli arazzieri fiorentini Giovanni Sconditi e Benedetto Squilli su cartoni del pittore di Bruges Giovanni Stradano. Fino ad oggi sono stati ritrovati sedici dei ventotto arazzi originari, di cui nove sono nella collezione fiorentina. Per l’ideazione dei soggetti Giorgio Vasari, Vincenzo Borghini e Stradano stesso sembrano aver attinto al Livre de Chasse di Gaston Phébus, manoscritto nel 1387 e stampato a Parigi nel 1507, e al trattato di Domenico Boccamazza, soprintendente di Papa Leone X de’ Medici, dedicato alle cacce con le tele e le reti. La serie fu celebre già nel Cinquecento, grazie alle stampe incise dal 1570, tratte dai disegni dello stesso Stradano, che ebbero successo in tutta Europa.

La Caccia al cinghiale con l’archibugioraffigura l’uso del fucile a miccia o archibugio, che ebbe diffusione nel XVI secolo. La sequenza di immagini ideata da Stradano, dal caricamento dell’arma sul proscenio al momento prima dello sparo sullo sfondo, sembra privilegiare il metodo e l’ambiente della caccia piuttosto che la raffigurazione della preda. Il cinghiale nascosto tra gli alberi è l’unica immagine dell’animale rappresentata dentro la scena, mentre la sua testa è raffigurata al centro delle bordure superiore e inferiore.

Il secondo arazzo di manifattura fiamminga raffigura Adamo ed Eva rimproverati da Dio dopo il peccato e appartiene alla serie delle Storie della Creazione, composta da sette esemplari.

Il duca Cosimo I de’ Medici e sua moglie Eleonora di Toledo li acquistarono il 13 giugno 1551 dai Van der Walle, noti mercanti di Anversa.Gli autori della tessitura, Jan van Tieghem, suo 126 Desde las orillas del Sena

cognato Frans Ghietels e il mercante-arazziere Jan de Kempeneer, le cui marche sono ancora presenti sulla serie, erano tra i più celebri del tempo a Bruxelles.Pieter Coecke van Aelst, che ideò i disegni trasferiti in cartoni dalla sua bottega, appartenne alla generazione di pittori fiamminghi influenzati dal Rinascimento italiano.Nei personaggi in primo piano, che si stagliano su un ampio paesaggio, sembra riprendere l’impianto creato nelle volte delle Logge Vaticane, affrescate da Raffaello e suoi collaboratori nel 1519.

In questo arazzo vengono rappresentati, secondo la tradizione fiamminga, due episodi in sequenza immersi in una fitta vegetazione: il momento del peccato sul proscenio e quello successivo, con la vergogna della propria nudità, sullo sfondo. Nei nudi classici e scultorei dei protagonisti in primo piano e nell’orizzonte luminoso e basso si avverte invece l’influsso della maniera italiana. La figura di Dio Padre ricorda quelle affrescate nella prima volta delle Logge Vaticane e la posa rannicchiata di Eva è simile a quella nella Tentazione di Adamo ed Eva della Cappella Sistina di Michelangelo.Le grottesche alla fiamminga nelle bordure rappresentano uno dei primi esempi di questo genere, di cui lo stesso Coecke fu tra i creatori.

Il terzo arazzo, raffigurante L’Acqua fa parte della prima edizione dei Quattro Elementi, con cui si inaugurò l’attività della Manifattura reale dei Gobelins, creata nel 1662 da Jean-Baptiste Colbert, che ne aveva affidato la direzione artistica a Charles Le Brun. La serie, già in lavorazione dal 1664, fu donata nell’agosto 1669 da Luigi XIV al futuro granduca di Toscana Cosimo III, in visita a Parigi.

Il complesso progetto allegorico fu ideato dalla Petite Accadémie, incaricata di concepire programmi iconografici per celebrare il re 127 Desde las orillas del Sena

Sole. Le scene mitologiche, al centro degli arazzi, si combinano, nelle bordure, con imprese araldiche e rappresentazioni emblematiche delle conquiste politiche e militari del Re e delle sue virtù personali: Pietà (mare), Magnanimità (fontana zampillante), Bontà (fiume) e Valore (delfino), e con le iscrizioni latine composte da André Felibien. L’elemento dell’Acqua è simboleggiato dalla coppia di Nettuno e Anfitrite, che guidano un carro trainato da cavalli marini, affiancati dai Tritoni. Anfitrite tiene in mano uno scudo con le cifre regali e il sole, emblema di Luigi XIV. Un riferimento a questa divinità sono anche i due delfini che sostengono le armi della corona francese al centro del fregio superiore. La prua della nave da guerra nella scena e i due vascelli, a metà delle bordure laterali, decorate da conchiglie, fasci di remi, arpioni, tridenti, ecc., alludono alle aspirazioni di dominio sui mari della monarchia francese.

La mostra, promossa dal Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo con le Gallerie degli Uffizi e Firenze Musei, è curata da Lucia Meoni e coordinata da Alessandra Griffo.

Tre arazzi per il futuro museo. Sala Bianca, Palazzo Pitti, Firenze.25 aprile - 21 maggio 2017.

Ufficio Stampa: Salvatore La Spina - [email protected];

Barbara Izzo e Arianna Diana - [email protected]

Pubblicato da Félix José Hernández.

128 Desde las orillas del Sena

Dakota Song par Ariane Bois

Paris le 29 avril 2017.

« Il y a New York et il y a le Dakota. »

New York, 1970. Shawn Pepperdine, jeune de Harlem, assiste, horrifié, au meurtre de son meilleur ami. Pour échapper aux assassins, il trouve refuge dans les sous-sols du Dakota, l'immeuble le plus mythique de Manhattan.

Au coeur d'une ville en pleine ébullition, le Dakota reste, lui, immuable : un club très fermé, un château médiéval sur Central Park, un havre de paix des «rich and famous». S'y côtoient Lauren Bacall, Leonard Bernstein et Rudolf Noureev. Ici, Polanski tournera les images du film Rosemary's Baby.

Devenu le premier portier noir du Dakota, Shawn côtoie ses résidents : Nigel, Abigail, Nathan, Cherie, Becky, Andrew, Tyler et les autres. Quand la plus grande star du monde, John Lennon, emménage à son tour, l'immeuble et sa communauté s'enflamment... 129 Desde las orillas del Sena

Dakota Song est le portrait survolté d'une Amérique en pleine révolution artistique, intellectuelle et sexuelle, celle de la Beatlemania et du disco, du Studio 54 de Warhol et du Chelsea Hotel, du scandale du Watergate et d'une décennie de violences.

Questions de Belfond à Ariane Bois :

« Belfond : Ariane, votre nouveau roman, Dakota Song, paraîtra le 30 mars. Pourriez-vous nous raconter la genèse du projet ? Comment l’idée d’écrire sur le Dakota, célèbre immeuble à New-York, vous est- elle venue ?

Ariane Bois : J’ai toujours aimé Lauren Bacall et je comptais écrire sur « The Look » comme on l’appelait, son mariage avec Humphrey Bogart, son implication dans la lutte contre le maccarthysme aux États- Unis. Quand elle est décédée en août 2014, j’ai commencé à lire ses autobiographies, à me renseigner sur elle. Et je me suis rendue compte que plus que sa vie, c’était son immeuble, le Dakota, qui me subjuguait. Bacall avait pour voisins Rudolf Noureev, John Lennon ou Judy Garland. J’ai vite compris que je voulais raconter l’histoire de ce lieu mythique à New York.

Belfond : Le Dakota est avant tout célèbre pour ses résidents, dont vous faites le portrait… En quelques mots, comment présenteriez-vous vos personnages ?

A.B : Comme dans Le gardien de nos frères, mon précédent roman, j’ai pris le parti de mélanger des personnages bien réels à des êtres de fiction. J’ai donc utilisé d’heureux propriétaires du Dakota, comme John Lennon, la chanteuse Roberta Flack, Leonard Bernstein, le père de West Side Story, le danseur Rudolf Noureev, et j’y ai mêlé des anonymes que j’ai inventés. Dans l’immeuble Shawn, Nigel, Abigail, Nathan, Tyler, Andrew, Cherie, Becky font une ronde, se croisent, s’aiment et se détestent tour à tour…

Belfond : Dans vos romans se déplie souvent une fresque sociale, et l’on sait que vous faites des enquêtes très fouillées… Cette approche 130 Desde las orillas del Sena

« véridique » est-elle importante pour vous ? Pourriez-vous nous parler un peu de votre démarche d’enquêtrice ? Par exemple, avez-vous rencontré le personnel du Dakota ?

A.B : Oui, je suis grand reporter et j’ai adoré ce métier, qui m’a beaucoup aidée pour celui de romancière. J’aime écrire des histoires où je m’immerge : c’était le cas avec Le gardien de nos frères qui racontait le destin d’un jeune résistant qui, après la guerre, partait à la recherche des enfants juifs cachés par des parents qui ne reviendraient pas. Ici, j’ai travaillé quatre mois sur des photos, des documents, des plans même et je suis allée deux fois à New York. J’ai eu la chance de pénétrer au Dakota qui est une propriété complètement fermée grâce à des amis new-yorkais qui y connaissaient quelqu’un et d’être invitée dans un appartement. J’ai échangé avec le portier, le liftier, le responsable du courrier mais sans dire que je préparais un livre sur le sujet…

En me promenant dans les couloirs, j’ai ressenti une curieuse impression, celle de me balader entre mes pages. Le Dakota est en effet un personnage à part entière de cette histoire, avec ses particularismes – c’est un château médiéval en plein Manhattan –, ses habitants célèbres, ou non, et même ses fantômes !

Belfond : Et d’un point de vue plus technique, sans toucher à vos secrets d’écrivain, est-ce que l’écriture et l’enquête sont deux étapes bien distinctes ? Comment procédez-vous ?

A.B : Oui, j’ai besoin d’un socle pour écrire, la documentation en est un, bien solide. Après ces quatre mois, j’ai commencé à établir des dossiers sur chaque personnage : Dakota Song est un roman choral, avec des voix diverses : un psychanalyste, une femme au foyer, un enfant maltraité, un professeur à Columbia, un jeune portier noir dans un monde de blancs, une jeune femme en mal d’enfant, un célèbre publicitaire : il fallait à tous donner une voix, un ton, une silhouette, une existence physique et mentale. Après seulement, j’ai pu me lancer dans l’écriture de ce gros roman qui m’a pris un an !

131 Desde las orillas del Sena

Belfond : Qu’évoquent pour vous les décennies des années soixante- dix, qui traversent le roman ? En particulier, comment abordez-vous la ville de New-York, où vous avez vécu, à cette époque mouvementée ?

A.B : Je suis arrivée à New York au début des années 1980 pour étudier le journalisme à New York University, c’était encore une ville dangereuse, et certains quartiers, aujourd’hui très à la mode, étaient totalement interdits la nuit par exemple ! Les années 1970, ce sont des années folles : la ville sombre dans la faillite, le crime, la drogue sont partout, pensez au film Taxi Driver, mais c’est aussi une période de grande créativité, sexy en diable. Andy Warhol, Lou Reed, Patti Smith, Noureev, Bianca Jagger se retrouvent aux plus belles fêtes du siècle du Studio 54. J’ai interviewé une trentaine de new-yorkais qui m’ont raconté « leurs » années 1970.

Belfond : De nombreux points de vue se croisent dans votre roman : pourquoi ce choix narratif ?

A.B : Il s’est imposé à moi : je voulais entendre ces différentes voix et les faire se croiser : un roman choral permet ainsi à chacun de s’exprimer, même si dans ma tête régnait parfois, je l’avoue, une certaine cacophonie ! Je voulais aussi un traitement comparable aux séries américaines : chaque chapitre consacré à un personnage peut être vu comme un épisode. J’avais envie de jouer avec les codes, de redistribuer l’espace narratif . Je me suis beaucoup amusée dans ce livre et je crois que cela se sent.

Belfond : Pour finir, le point de vue de Shawn, jeune homme noir de Harlem, met en perspective la vie luxueuse des résidents du Dakota… comment s’est construit ce personnage attachant, pouvez-vous nous en dire plus sur ce jeune homme ?

A.B : J’adore Shawn, c’est un garçon de 19 ans qui vient de Harlem, qui n’a pas connu son père et qui vit de manière très modeste. Il est ébloui par le faste du Dakota mais il ne perd pas son âme : il cherche à rester lui même dans un monde qui change. Fermé et désespéré au départ à cause d’une tragédie, dont je ne dirai rien, il va s’ouvrir

132 Desde las orillas del Sena progressivement car certains personnages vont l’aider à ses construire, lui tendre la main. Je voulais parler du Dakota de différents points de vue, dont celui des gens qui y travaillent, et du racisme, du sexisme aussi, qui dans les années 1970 sont très importants dans la société américaine. Le Dakota, c’est un condensé de l’Amérique dans ce qu’elle a de meilleur et de pire !

Belfond : Merci beaucoup ! »

Vidéos : http://www.belfond.fr/auteur/ariane-bois/videoss

Dakota Song : une page de la vie du New York des années 70, un récit rythmé, un roman à dévorer !

« J’aime New York bien que ce ne soit pas à moi. » Truman Capote

Grand reporter et critique littéraire, Ariane Bois a déjà publié quatre romans, Et le jour pour eux sera comme la nuit (Ramsay, 2009 ; J'ai lu, 2010), Le Monde d'Hannah (Robert Laffont, 2011 ; J'ai Lu 2014), Sans oublier (Belfond, 2014) et Le gardien de nos frères (Belfond, 2016). Tous quatre ont été salués unanimement par la critique, par sept prix littéraires, et traduits à l'étranger. Pour Le Gardien de nos frères (Belfond, 2016), elle a notamment reçu le Prix Wizo 2016. Dakota song est son cinquième roman.

Dakota Song. Ariane Bois. Roman © Éditions Belfond, 2017. 441 pages. 13 cm x 19 cm. € 20,00. ISBN : 978-2-7144-7541-1

Publié par Félix José Hernández.

133 Desde las orillas del Sena

Le principe du désir par Saïdeh Pakravan

Paris le 30 avril 2017.

Le plus grand paradoxe de l'amour ? Le couple.

134 Desde las orillas del Sena

Sarah Bly, artiste new-yorkaise en pleine ascension dans le marché de l'art contemporain, rencontre un homme exceptionnel et immensément charismatique, Thaddeus Clark. Non seulement est-il un collectionneur de renommée internationale, un mécène et un géant des marchés financiers mais c'est aussi un être profondément équilibré et adorant la vie. Un homme heureux dont Sarah s'éprend de toute son âme mais avec qui elle ne veut pas vivre une banale histoire d'amour. Pour parer à ce risque, elle fait sien le Principe du désir : puisque nous voulons tous ce que nous n'avons pas, jamais Clark ne verra d'elle autre chose qu'une tiédeur amicale et plutôt indifférente, sauf dans leur vie sexuelle, d'une rare intensité. Devant la poursuivre sans cesse, il continuera à l'aimer.

Dans l'état second qui devient le sien, saura-t-elle dépasser sa folie passagère pour arriver à vivre avec Thaddeus?

Roman magnifique, dense et intimiste. Une belle écriture de Saïdeh Pakravan. C’est avec un grand plaisirqu’on suit cette histoire d’amour dans le milieu de l’art dans le New Yorkd’aujourd’hui. Vidéos : http://www.belfond.fr/auteur/saideh-pakravan/videos

« Qu’est-ce qui fait tourner la machine ? Le désir, le désir, le désir. » Stanley Kunitz.

Saïdeh Pakravan, écrivaine franco-américaine de fiction et poète, est née en Iran. Ayant grandi dans un milieu francophone, elle s'installe à Paris, participant, après la révolution iranienne de 1979, à un mouvement de libération de l'Iran. Publiée dans de nombreuses revues littéraires et anthologies, lauréate de prix littéraires dont le prix Fitzgerald, Saïdeh Pakravan est également essayiste et critique de film. Prix littéraires : Lauréate du Prix de

135 Desde las orillas del Sena la Closerie des Lilas 2015 et du Prix Marie Claire du roman féminin 2015.

Le principe du désir. Saïdeh Pakravan. Roman. © Belfond 2017. 20 euros. 13 cm x 19 cm. 432 pages. ISBN : 978-2-7144-7094-2

Publié par Félix José Hernández.

136 Desde las orillas del Sena

Les Larmes noires sur la terre par Sandrine Collette

Paris le 30 avril 2017.

Si une seule relève la tête, alors il leur reste à toutes une chance de s'en sortir...

Il a suffi d'une fois. Une seule fois, Moe a pris la mauvaise décision, partir, quitter son île natale pour suivre un homme à Paris. Elle n'avait que 20 ans. Six ans après, hagarde, épuisée, avec pour unique trésor un nourrisson qui l'accroche à la vie, elle est amenée dans un centre d'accueil pour déshérités. Les officiels l'appellent le Haut Barrage, ses habitants l'appellent « la Casse ».

137 Desde las orillas del Sena

La Casse, c'est une ville de miséreux logés dans des voitures brisées et posées sur cales, des rues entières bordées d'automobiles embouties. Chaque voiture est numérotée et attribuée à une personne. Pour Moe, ce sera la 2167, une 306 grise. Plus de sièges arrière, deux couvertures, et voilà leur logement, à elle et au petit. I.es règles de la Casse sont simples si elle veut y survivre, il faudra travailler, pour quelques euros par jour. Si elle veut la quitter, il faudra verser un droit de sortie. Treize ans de travail, calcule Moe, et encore, en ne dépensant presque rien, du lait pour l'enfant, du riz pour elle.

Et puis, au milieu de ce cauchemar, de cette dégringolade qu'a été sa vie, un coup de chance, enfin : dans sa ruelle cinq femmes, en cercle fermé, s'épaulent et affrontent ensemble la violence du quartier et la noirceur des temps. Elles vont adopter Moe et son fils. Il y a là Ada, la vieille, puissante parce qu'elle sait manier les herbes et soigne toute la Casse. Jaja, la guerrière, Poule la survivante, Marie-Thé la douce, et Nini, celle qui n'arrive pas à se résoudre à la déchéance, celle qui veut quand même être jolie, danser et boire, espérer... Celle par qui le malheur reviendra.

"Un romain audacieux et profondément humain." Femme Actuelle "[...] cette sombre histoire émeut grâce à ses remarquables portraits de femmes luttant contre la misère."L'Express

« Un roman extraordinaire. Une émotion infinie. » Caroline Vallat, libraire à la FNAC

138 Desde las orillas del Sena

“Le nouveau roman de Sandrine Collette, éprouve par sa profonde noirceur, incommode notre conscience, perturbe notre confort, et au- delà du divertissement, déstabilise clairement notre humeur.” ActuaLitté

Un grand roman, sombre, bouleversant, émouvant, profondément humain, a lire et à relire. Une écriture magnifique. Bravo! J'attends déjà le suivant roman de Sandrine Collette.

Après le magistral Il reste la poussière, Prix Landerneau Polar 2016, Sandrine Collette nous livre un bouleversant roman noir et social, planté dans le décor dantesque de la Casse. Ses héroïnes, racontées dans une sorte de Ville et une nuits tragique, portrait d'un monde en déclin, sont des combattantes qui ont tout perdu mais gardent quelques brins d'espoir, parce qu'elles sont ensemble. Leur force, c'est leur cohésion, leur entraide, leur lucidité. Si une seule relève la tête, alors il leur reste à toutes une chance de s'en sortir...

Les Larmes noires sur la terre.Sandrine Collette. © Editions Denoël, 2017. Collection Sueurs Froides. Roman noir. 334 pages, 155 x 225 mm.Prix : 19,90 euros.ISBN : 9782207135570

Publié par Félix José Hernández.

139 Desde las orillas del Sena

Mi amada Francia, tu Libertad corre peligro

La Liberté guidant le peuple.Eugène Delacroix,1830.

París, 1° de mayo de 2017.

Querida Ofelia :

Europa anda mal, bastante mal. En Turquía (que posee una pequeña parte de su territorio en Europa), cada día las medidas autoritarias y represivas del régimen, acercan ese gran país a la dictadura. En Polonia y Hungría se están instalando regímenes autoritarios populistas y xenófobos. En Grecia un presidente izquierdista tiene al país en una crisis económica permanente, que sobrevive gracias al río de dinero que llega de la Unión Europea. En nuestra querida España el partido de “Podemos” pudo haber 140 Desde las orillas del Sena llevado a ese gran país al caos, como lo intentó hacer en Francia el partido de “Los Insumisos” de Jean-Luc Mélenchon, que por suerte fue eliminado en la primera vuelta de las recientes elecciones presidenciales.

Basta leer el punto 62 del programa del izquierdista Mélenchon, donde proclama su interés por una República Bolivariana y su unión al Alba (fundada por Fidel Castro y Chávez). Al que le quede alguna duda puede encontrar en YouTube los discursos de ese “compañero” donde hace la apología de esas personas al conocer sus fallecimientos.

En Austria y Holanda los partidos de extrema derecha avanzan al igual que en mi amada Francia.

La Gran Bretaña aprobó por Referendum el Brexit (aunque las encuestas actuales dan un % superior a los que no desean separarse de la Unión Europea). Ya Irlanda del Norte y Escocia desean separarse de La Gran Bretaña para poder quedarse en la Unión Europea. ¿Qué quedaría de esa gran Nación? –Muy poco y ese poco podría quizás pedir la anexión a los EE.UU. Una estrella más en la bella bandera. Vivir para ver. Como va el mundo, todo es posible.

En Rusia cada día hay menos espacio para la Libertad. Cuando vemos como Crimea fue arrebatada a Ucrania y anexada a causa de las bases militares de Sebastopol y como el régimen de Putin apoya al dictador de Siria en la destrucción de su país y las masacres de la población, por tal de conservar la base militar rusa en ese país, podemos reflexionar sobre nuestra Cuba. Supongamos que la Base de Guantánamo fuera devuelta al régimen de Castro, el cual muy probablemente la alquilaría a Rusia y a partir de ese momento, por tal de no perderla, el futuro de Cuba podría ser el de la actual Siria. 141 Desde las orillas del Sena

El domingo próximo tendrá lugar la segunda vuelta de las elecciones presidenciales en Francia. Se enfrentarán dos polos opuestos:

- Monsieur Emmanuel Macron, (1977), brillante economista, demócrata europeísta, persona equilibrada, fundador hace apenas un año del partido de centro “En Marcha”. Numerosas personalidades de la Sociedad Civil, partidos de la derecha republicana como el ex primer ministro François Fillon y el ex presidente Nicolas Sarkozy; socialistas como el ex ministro Benoît Hamon, el ex primer ministro Manuel Valls, el presidente actual François Hollande, etc., han hecho un llamado a votar por él. La lista de todas las personalidades que lo apoyan es interminable.

-Madame Marine Le Pen (1968), heredera del partido de extrema derecha “El Frente Nacional”, fundado por su padre Jean-Marie Le Pen. Este último sufrió una aplastante derrota en el 2002 en la segunda vuelta frente al candidato de derecha Jacques Chirac. La única personalidad de la derecha democrática francesa que ha llamado a votar por ella es la autoproclamada muy católica, apostólica y romana, Madame Christine Boutin, la que suele utilizar la religión con fines políticos. Varios diputados de derecha han propuesto por este motivo su expulsión del partido Republicano.

El partido de extrema derecha francés, populista y demagogo, se ha caracterizado desde su fundación en 1972 por Jean-Marie Le Pen, por su xenofobia, por sembrar el odio y la división, por la estigmatización de las personas a causa de sus orígenes étnicos o religiosos.

En el programa de Madame Le Pen se propone: el abandono del euro y el regreso al franco (ayer cambió de opinión y ahora 142 Desde las orillas del Sena propone dos monedas -¡Cómo en Cuba!-; un Franxit con la salida de la Unión Europea (por lo cual tengo la impresión de que estas elecciones serán una especie de Referendum sobre la permanencia o no en la Unión Europea); el cierre de las fronteras; la expulsión de los inmigrantes ilegales; altos impuestos a los productos de importación que provengan de las fábricas que fueron desplazadas desde Francia a otros países; un impuesto de 10% a los salarios de los trabajadores extranjeros en Francia; la disminución drástica de las ayudas a las familias extranjeras con niños; el control centros religiosos y un largo etcétera.

Nunca he votado, ni lo haré, por un partido extremista sea de derecha o de izquierda. Amo a la Francia actual: Libre, democrática, tolerante, culta, abierta, acogedora. Amo a la Francia que me dio la Libertad hace 37 años junto a mi esposa y a nuestro hijo, que entonces tenía 4 años. Amo a la Francia que nos permitió renacer y llegar en la escala social hasta donde nunca hubiéramos podido imaginar. Amo a la Francia que nos adoptó y cuya democracia está en peligro.

Vive la France!

Un gran abrazo desde la espléndida Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

143 Desde las orillas del Sena

Une soirée exceptionnelle au Cabaret La Main au Panier

Paris le 2 mai 2017.

La soirée n’est pas agréable, elle est exceptionnelle ! Un grand lieu de convivialité, grâce à le grand Michel Foreveret son épouse, la charmante Élisabeth ! Son atmosphère et son ambiance ? Uniques !

« Du mardi au samedi, venez découvrir une pluralité d'artistes tous aussi séduisants qu'hilarants en profitant d'un dîner gastronomique. Un cadre original pour vos enterrements de vies de garçon et/ou filles, anniversaires, soirées d'entreprises ou simplement une envie de se détendre !

Nous sommes impatients de vous rencontrer...Impatients de vous époustoufler... » Michel Forever(l'homme qui ne s'est pas couché depuis 2004, y assure une ambiance féérique). La Main au Panier ?

144 Desde las orillas del Sena

-Le plus petit des grands cabarets. La soirée à partir de 20 heures : quatre menus et un spectacle du rire avec trois artistes et le showman Michel Forever !

Artistes actuels :

1-La chanteuse Marine, charme, talent, douceur… http://www.lamainaupanier.fr/artistesmarine/indexartistesactuels. html 2-Amaury Gonzague , l’aristocrate ruine. Un grand moment de rire et détente. http://www.lamainaupanier.fr/artistesamaury/indexartistesactuels. html 3-David Buniak, nous fait vivre des situations comiques et délirantes http://www.lamainaupanier.fr/artistesdavid/indexartistesactuels.ht ml 4-Paul Adam, humoriste au rythme de ses jeux de mots. http://www.lamainaupanier.fr/artistespaul/indexartistesactuels.ht ml 5-Olivier Perrin, humoriste provocateur et corrosif. http://www.lamainaupanier.fr/artistesolivier/indexartistesactuels. html 6-Pierre Passot, fait partie des humoristes qui racontent des histoires très drôles http://www.lamainaupanier.fr/artistespierre/indexartistesactuels.h tml 7-Loïc Marquet, magicien et humoriste http://www.lamainaupanier.fr/artistesloic/indexartistesactuels.htm l 8-Annabelle, humoriste pétillante, talent et générosité. http://www.lamainaupanier.fr/artistesannabelle/indexartistesactue ls.html

145 Desde las orillas del Sena

9-La chanteuse Laurie Wood. Elle à été une des solistes de l’opéra rock Mozart. http://www.lamainaupanier.fr/artisteslaurie/indexartistesactuels.ht ml 10-Giorgia. Elle est née pour chanter. http://www.lamainaupanier.fr/artistesgiorgia/indexartistesactuels. html 11-La chanteuse Marjolaine. Elle à été une des solistes de l’opéra rock Mozart http://www.lamainaupanier.fr/artistesmarjolaine/indexartistesactu els.html 12-BenjyDotti, humoriste, imitateur aux nombreuses voix. Un bon moment de bonheur et des rires. http://www.lamainaupanier.fr/artistesbenjy/indexartistesactuels.ht ml 13-John–Lou, humoriste et pianiste. Il écrit la plupart des sketchs de Nicolas Canteloup. http://www.lamainaupanier.fr/artistesjohnlou/indexartistesactuels. html 14-La chanteuse Amala du célèbre Cabaret Au Lapin Agile de Montmartre.

Et Le Forever Club by Michel Forever :

Piano bar Karaoke sur grands écrans TV. Scène ouverte pour les artistes. Tous les vendredis, samedis et veilles de jours de fêtes. De 1 heure au 6 heures du matin. Petite restauration de nuit : foie gras maison…

Tous les soirs, trois artistes chanteurs et humoristes se produisent en alternance dans un spectacle animé par le grand showman Michel Forever. La Main au Panier a vu débuter : Patrick Sébastien, Vincent Lagaf, Bigard, Gerald Dahan, Olivier Lejeune… Depuis 2012, ce cabaret d'un genre unique a été repris 146 Desde las orillas del Sena

par Elisabeth et Michel Forever. Le dîner préparé par un chef est proposé sous 4 différents menus. Cuisine traditionnelle et gastronomique entres autres : foie gras, filet de boeuf ou saumon au beurre blanc, profiteroles maison ou sorbets, etc...

Tous les détails des menus, vidéos des artistes et les différentes émissions de télévision de Michel Forever, vous les trouvez sur le site du cabaret : www.lamainaaupanier.fr

La Main Au Panier by Michel Forever. 3, rue de Poissy 75005 Paris. Tél: 01 46 33 33 63. E – mail : [email protected]

Publié par Félix José Hernández.

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Le vertige des falaises par Gilles Paris

Paris le 2 mai 2017.

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Sur une île sauvage et désertée, Marnie, adolescente effrontée et fragile, vit au-dessus des falaises au coeur d'une imposante maison de verre et d'acier avec sa mère Rose et sa grand-mère Olivia, qui règne sur la famille et sur l'île tout entière. Des plaines aux herbes hautes, des sentiers au bord de mer, la nature se révèle aussi cruelle que les mystères trop longtemps ensevelis.

Et si une seule personne détenait tous les secrets de cette famille et s'en libérait enfin ?

" Gilles Paris signe ici un roman choral émouvant qui se lit comme un polar, se vit comme un film sur grand écran et se dévore comme une grande saga romanesque ou le tumulte des sentiments jaillit des plus sombres secrets de famille. Un livre à ne manquer sous aucun prétexte." Question de Philo

« Vous aviez aimé courgette ? Alors vous allez adorer Marnie. Un bijou de roman : poétique, sensible, émouvant. » Tatiana de Rosnay

« Choral et cruel, « Le Vertige des falaises » est mené sur un ton simple, parfois enfantin, avec un sens du suspense qui n'aurait pas déplu à sir Alfred ni à dame Agatha. » LesEchos

« Le puzzle a la Daphne Du Maurier fonctionne, notamment en raison d'une narration polyphonique indéniablement maîtrisée. » Lire Baptiste Liger

« L’amour et la violence sont au cœur de cette histoire qu’il est difficile de raconter sans en dévoiler les rebondissements. » L'Avenir (Belgique) Marie-Françoise Gihousse

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« Un jeu de dupes où les masques tombent les uns après les autres. Et si une seule personne détenait tous les secrets d'une famille sans le laisser paraître ? » Le quotidien du Luxembourg Serge Bressan

« Entre femmes obstinées et hommes déchus Gilles Paris compose un bouquet vénéneux au parfum anglais entêtant. D'Agatha Christie il a le sens de I'intrigue. » Le Courrier de l'Ouest / Le Maine Libre / Presse Océan Frédérique Bréhaut

Un roman fort et captivant, écrit avec une grande sensibilité.

Après son best-seller Autobiographie d'une Courgette, adapté au cinéma par Claude Barras (Ma vie de Courgette), récompensé par deux César et sélectionné aux Oscars, Gilles Paris signe ici un émouvant roman choral qui se lit comme un thriller et se dévore comme une grande saga romanesque.

Gilles Paris travaille dans l'édition depuis trente ans. Il est l'auteur de Papa et maman sont morts (Seuil, 1991), d'Autobiographie d'une Courgette (Plon, 2002), best-seller traduit dans une douzaine de langues, d'Au pays des kangourous (Don Quichotte, 2012, récompensé par six prix littéraires) et de L'Été des lucioles (Héloïse d'Ormesson, 2014).

Le vertige des falaises. Gilles Paris. Roman. © Éditions Plon, un département d’Edi8, 2017. 256 pages. 16,90 euros. ISBN 978-2- 259-25283-6

Publié par Félix José Hernández.

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Le grand humoriste Amaury Gonzague

Monsieur Amaury Gonzague Paris le 2 mai 2017. Amaury Gonzague appartient à une espèce en voie de disparition ! Pensez donc : il a fait ses humanités, et il utilise un langage fort choisi. Aussi, sa bonne éducation se voit régulièrement bousculée par une époque qu’il ne comprend pas tout à fait. Toutefois, c’est avec une grande tendresse qu’il découvre le monde actuel.

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Ce personnage d’aristocrate a été créé sur les conseils du directeur de « La Main au Panier », qui l’embauche dans la foulée. Amaury Gonzague était né ! C’était en 2006. Et puis, de rencontres en auditions, il s’installe dans plusieurs cabarets parisiens. Au mois d’août 2008, l’aventure prend une nouvelle dimension. Lors du Festival d’humour de Bourg-Saint-Maurice, Amaury rencontre Pierre Douglas. Le célèbre chansonnier lui demande d’assurer ses premières parties en galas, et le présente à Jean Vergnes, patron du cabaret Le Don Camilo. Depuis lors, il y travaille très régulièrement, en compagnie notamment d’Olivier Lejeune. Depuis le mois d’octobre 2010, et toujours grâce au parrainage de Pierre Douglas, il a rejoint l’équipe du Théâtre des Deux Ânes dirigé par Jacques Mailhot. En janvier 2012, il a remporté le festival d’humour de Vierzon. Du 28 novembre au 1er décembre 2012, il était à l’affiche du Koek’s Théâtre de Bruxelles, et en mars 2013, du café-théâtre Le Bacchus à Rennes. Au mois d’octobre 2017, il participera au Festival d’humour de Saint-Brieuc « Armor de Rire ». Amaury Gonzague vous présente son sketch "Le travail" : https://www.youtube.com/watch?v=3xZLsyGKNlM&feature=yo utu.be

Publié par Félix José Hernández

152 Desde las orillas del Sena

El bosque infinito de Annie Proulx

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París, 2 de mayo de 2017. Querida Ofelia: ¡Un libro extraordinario, monumental obra literaria!

Una trepidante epopeya que recorre tres siglos de aventuras, amores, odios y traiciones para contarla verdad de la explotación maderera en América.

La saga familiar de dos estirpes que se cruzan: la de los pioneros que hicieron fortuna talando el bosque virgen y la de los nativos de una tierra saqueada por el progreso.

El esperado regreso a la novela después de casi quince años de la autora de las exitosas Brokeback Mountain y Atando cabos es un acontecimiento literario capital: sella el triunfo de una voluntad narrativa capaz de colmar casi novecientas páginas de aventuras, sagas atípicas y luchas por la supervivencia, que se desarrollan en múltiples siglos y escenarios. Desde la lucha del ser humano por domar la naturaleza hasta las más inesperadas pasiones, todo cabe en este relato que el lector devorará hasta la última página. A fines del siglo XVII, dos jóvenes franceses, René Sel y Charles Duquet, llegan a Canadá, entonces Nueva Francia, para trabajar como leñadores en condiciones de semiesclavitud

154 Desde las orillas del Sena contratados por el ambicioso Claude Trépagny, un despótico colono dispuesto a todo para ascender socialmente. Duquet, enfermizo pero astuto, escapa y, contra todo pronóstico, logra sobrevivir para iniciarse en el comercio de pieles y luego de maderas, convirtiéndose así en el patriarca fundador de una gran dinastía de madereros conocida como Duquet et Fils o, más tarde, bajo bandera inglesa o norteamericana, Duke & Sons. Sel, a su vez, trabaja duramente para Trépagny a la espera de que éste le conceda las tierras que le prometió, pero su patrón lo obliga a casarse con su concubina india cuando éste, por su parte, logra casarse con una aristócrata francesa que lo hará noble. La unión de René con Mari, una india mi'kmaq, dará como fruto una descendencia mestiza que acabará estrechando lazos con los Duquet (o Duke).

El bosque infinito sigue a los intrépidos descendientes de René y Charles hasta la actualidad, en un viaje a través de Norteamérica, Europa, China y Nueva Zelanda: una aventura llena de peligros, venganzas, aniquilación cultural y amor por las tradiciones indias, en una novela que explora no sólo las relaciones entre los pueblos (indios y colonos; franceses, ingleses y norteamericanos; Oriente y Occidente), sino también la implacable destrucción de la naturaleza por el hombre. Desde la pérdida de sus tierras y su modo de vida, que obliga a los mi'qmak y otras tribus a humillarse para sobrevivir, hasta la consolidación de una empresa internacional nacida del implacable empeño por triunfar, la novela despliega la historia esencial de los últimos tres siglos: el duelo desigual entre una

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civilización predadora y una naturaleza cada vez más indefensa, cuya derrota sólo puede a la larga traer la ruina para sus vencedores.

Lo histórico y lo novelesco se combina de una manera admirablemente natural en esta obra. La ficción nunca entra en conflicto con la realidad. Aceptamos los episodios más novelescos como verdaderos por su significación histórica y su capacidad de representación de lo ocurrido en el mundo durante los siglos en que transcurre la acción. Pero, tal vez porque prefiere centrarse en individuos concretos antes que en grandes figuras, la autora no parece escribir lo que entendemos habitualmente por una novela histórica, aunque lo sea, sino un relato de aventuras, siempre vibrantes y cargadas de emoción.

Las generaciones se suceden con fluidez a lo largo de una trama que avanza como un poderoso río con muchas ramificaciones que, sin embargo, vuelven siempre al cauce central. Así, desde un comienzo René Sel y Charles Duquet eligen destinos tan opuestos como sus caracteres, pero sus descendientes, tanto franceses como indios mi'kmaq, mestizos, holandeses, ingleses y americanos, volverán a cruzarse. La novela sigue el ritmo de los encuentros y desencuentros de sus numerosos personajes, cada uno con perfil propio; y precisamente a través de sus diferencias se plantean los conflictos temáticos de la obra. Si es cierto que

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una novela trata de lo que ocurre cuando se encuentran aquellos que nunca deberían haberlo hecho, entonces nos hallamos ante una gran novela. Lo dramático de las escenas entre sus sucesivos protagonistas a lo largo del tiempo garantiza el dinamismo del relato, además de presentar los temas principales de la obra con una amplitud de miras que permite a cada punto de vista encontrar expresión.

El choque entre naturaleza y civilización, el enfrentamiento entre el crecimiento económico y la necesidad de un desarrollo sostenible, las diferencias entre razas y culturas que se «topan» unas con otras por primera vez en la historia, los intereses y métodos diversos de las potencias internacionales en su lucha por la hegemonía, y las relaciones cambiantes entre hombres y mujeres, son sólo algunos de los variados contrapuntos a través de los que el relato avanza y se desarrolla. La viveza de las situaciones y lo ineludible de los conflictos imprimen un ritmo imparable a la aguda descripción de los escenarios y la potente visión de conjunto.

Nueva Francia, como se llamaba a aquellas tierras cuando René Sel y Charles Duquet llegaron a ellas, era un territorio mucho más salvaje de lo que nunca lo fue luego Canadá. La civilización, en realidad, la encarnaban los mi'kmaq y otras tribus indias; y los colonizadores europeos sólo pretendieron someterlas, al igual que a la imponente naturaleza que los rodeaba. Para lograrlo, fueron ellos

157 Desde las orillas del Sena quienes se comportaron a menudo como salvajes, desprovistos de toda compasión o de cualquier sentimiento que pudiera atenuar su codicia. La devastación que, tras apenas tres siglos, hoy sufre el mundo es una metáfora de la brutalidad con la que trataron a los nativos.

"El barro, la lluvia, las picaduras de insectos y el aroma de los sauces determinaron su primera impresión de Nueva Francia. La segunda impresión fue que alrededor se extendía un bosque inmenso y oscuro, una naturaleza hostil."

"Se adentraron en aquella lóbrega región, un denso bosque de frondosas con pinares aquí y allá. René no osó preguntar qué tareas se le asignarían. Después de pasar años dedicado al viril trabajo de la tala de árboles en el macizo del Morvan, no deseaba entrar en el servicio doméstico. Al cabo de unas horas, el mantillo de hojas embebido de agua dio paso a la pinaza. Un intenso aroma impregnaba el aire. Las acículas caídas amortiguaban sus pisadas; las ramas entrelazadas absorbían sus jadeos. Crecían allí árboles descomunales, de un tamaño no visto en la madre patria desde hacía siglos, coníferas más altas que catedrales, píceas y tsugas que traspasaban las nubes. Colosales árboles caducifolios se alzaban muy espaciados entre sí, pero en las copas las ramas colmadas de hojas se fundían en un falso cielo, oscuro y brutal. Achille, su hermano mayor, se habría quedado boquiabierto ante los árboles de Nueva Francia."

"—¿Es muy extenso este bosque? 158 Desde las orillas del Sena

—Éste es el bosque del mundo. Es infinito. Se enrosca como una serpiente que se traga su propia cola y no tiene final ni principio. Nadie ha visto jamás su límite más lejano."

"A René lo amedrentaban aquel frío, muy intenso incluso bajo la tenue luz del sol, y el resuello estertóreo de Jean- Baptiste, procedente de su camastro próximo al fuego, sus llamadas a Mari cada vez más débiles, y finalmente el silencio eterno. Monsieur Trépagny dijo con frialdad: —Todos debemos pagar la deuda de la naturaleza."

Sobre “El bosque infinito”:

«Un logro monumental que en el futuro se recordará como su mejor obra.» Publishers Weekly

«Magnífica.» Anthony Doerr

«Una obra épica sobre el medio ambiente.» The Guardian

«Espectacular ... Proulx ha escrito la historia del capitalismo norteamericano y su rapaz destrucción de la Tierra ... Su magnetismo es tal que ningún lector puede resistirse a su tremendo alud de historias.» The Washington Post

«Maravillosa ... Una novela impresionante que nos retrotrae al esplendor sin concesiones de la naturaleza y confirma a Proulx como una de las más grandes y sólidas prosistas de la actualidad.» Times Literary Supplement

159 Desde las orillas del Sena

«Otra impresionante novela de Proulx, que seguramente encontrará y fascinará a muchos lectores.» Kirkus Review

«Encadena episodios de sufrimiento y pérdida, ambición y convicción, coraje y amor.» Booklist

«Un libro extraordinario, un apasionado llamamiento a la humanidad para detener el saqueo de los bosques y la destrucción del planeta.» The Spinoff

«Apasionante ... Ecología forestal, cultura indígena, travesías marítimas, cultura colonial, industria maderera: todos estos temas y muchos más se revelan a través de las aventuras de sus personajes.» New Statesman

«Extraordinaria... EI bosque infinito es la obra maestra que Annie Proulx estaba destinada a escribir.» The Boston Globe

«Una obra maestra» Buzzfed

Annie Proulx (Connecticut, 1935) irrumpió en el mundo literario ya en la cincuentena, pero lo hizo brillantemente. Su segunda novela, Atando cabos, fue llevada al cine, mereció el Pulitzer 1993 y el National Book Award, y cosechó un rotundo éxito de lectores. Le siguieron un volumen de cuentos, Canciones del corazón (1988), y dos novelas, Los crímenes del acordeón (1996) y Un as en la manga (2002). El relato Brokeback Mountain, convertido en película, volvió a llevarla a la actualidad. Hoy vuelve a la novela con El bosque 160 Desde las orillas del Sena infinito, una monumental y ágil saga que abarca tres siglos de historia y que representa, para muchos autores, críticos y lectores, la culminación de su obra.

Annie Proulx por sí misma:

"He vivido ya una vida. Y veo cuán escurridizas pueden ser las cosas."

"Soy mandona, impaciente, tímida hasta la reclusión, temperamental y obstinada."

"El bosque infinito es un libro a la antigua. Es largo, tiene un montón de personajes y trata un gran tema. Noes el tipo de obra "ombliguista" sobre una familia disfuncional, tan cara a la mayoría de los escritores norteamericanos. Es distinto, pero creo que la gente quizás echa de menos esos libros que fueron escritos hace algún tiempo: el libro grueso cuidadosamente escrito."

"Hay dos epígrafes en El bosque infinito. Uno es la clave del libro, pero nadie lee los epígrafes, lo cual está bien para mí."

"Algunos de los países que rigen la cultura y la economía actuales no tienen interés en los temas de los que se habla en esta obra. Prefieren acabar con sus recursos naturales si con ello consiguen neveras y Iphones. No parecen darse cuenta de que ya no queda nada."

161 Desde las orillas del Sena

"Nadie puede ir ya a ver grandes árboles. Los grandes bosques ya no existen. El ecosistema ha sido dañado. Nos gusta el cambio, pero también debemos tener miedo."

"Soy de esas personasde las que, en una fiesta, puedes adivinar que es escritor porque está siempre recostado en la pared mirando cómo sedivierten los demás."

Sobre Annie Proulx :

« Me encanta Annie Proulx. Es tan podidamente buena que resulta ridículo. Sus novelas son joyas.» Junot Díaz, El País Semanal

«Una de las más grandes escritoras americanas.» The Independent

«Es difícil pensar en ningún escritor vivo que pueda ser mencionado junto a Dickens, con la excepción de Proulx.» A. N. Wilson, New Statesman

«La prosa de Proulx es monumental.» The Observer

«Como los mejores realistas, Proulx puede hacernos ver el mundo y sus habitantes con mayor claridad. Combinar tantas tramas y personajes se vuelve más fácil cuando se tiene, como Proulx, el don de Dickens para el retrato rápido. Proulx nos recuerda que el mundo en que vivimos fue

162 Desde las orillas del Sena

posible a través de la destrucción del que lo precedió.» Anthony Domestico, The Boston Globe

El bosque infinito. Annie Proulx. © de la traducción del inglés: Carlos Milla Soler, 2016. © 2016 by Dead Line, Ltd. Tusquets Editores, S.A. Barcelona. Colección Andanzas. Ilustración de la cubierta: © Justin Lewis – Getty Images. 848 páginas. PVP 23.90 EUR. Rústica con solapas. Ebook disponible. ISBN: 978-84-9066-337-0

Un gran abrazo desde estas lejanas tierras allende los mares,

Félix José Hernández.

163 Desde las orillas del Sena

MEDUSA. Bijoux et tabous

Reproductiond’une œuvre de Salvador Dali par Henryk KastonRuby Lips, années 1970-80. Broche Or 18 carats, rubis, perles de culture, 5,1 × 2,8cm. Miami, Collection particulièrePhoto: Robin Hil

Paris le 3 mai 2017.

Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris présente MEDUSA, une exposition portant un regard contemporain et inédit sur le bijou, qui révèle certains tabous.Tout comme le visage de Médusedans la mythologie grecque, le bijou attire et troublecelui qui le conçoit, le regarde ou le porte. Objet au statut ambigu,à mi- chemin entre parure et sculpture,il reste l’une des

164 Desde las orillas del Sena formesd’expression artistique lesplus anciennes et universellesbien qu’il ne soit pas nécessairement considéré comme une œuvre d’art. Il est en effet souventperçucomme trop près du corps, trop féminin, précieux, ornemental, ou primitif.Mais il doit auxartistes d’avant-garde et auxcréateurs contemporainsd’avoir été réinventé, transformé et éloigné de ses propres traditions.

Dans la continuité des expositions collectives et transversales du musée, comme «L’Hiver de l’Amour», «Playback», «Decorum», MEDUSA entend interroger les frontières traditionnelles de l’art, en reconsidérant,avec la complicité des artistes,les questions de l’artisanat, du décoratif, de la mode, de la culture pop.

L’exposition réunit plus de 400 bijoux: réalisés par desartistes(Anni Albers, Man Ray, Meret Oppenheim, Alexander Calder, Louise Bourgeois, Lucio Fontana, Niki de Saint Phalle, Fabrice Gygi, Thomas Hirschhorn, Danny McDonald, Sylvie Auvray...), desbijoutiers d’avant-garde et de designers(René Lalique, Suzanne Belperron, Line Vautrin, Art Smith, Tony Duquette, Bless, Nervous System...), mais aussi desbijoutiers contemporains(Gijs Bakker, Otto Künzli, Karl Fristch, Dorothea Prühl, Seulgi Kwon, Sophie Hanagarth...) ou encore desjoailliers(Cartier, Victoire de Castellane, Van Cleef & Arpels, Buccellati...), ainsi que des pièces anonymes, plus anciennes ou non-occidentales(de la Préhistoire, du Moyen-Age, des bijoux amérindiens, du punk et du rap au bijou fantaisie...).

Ces pièces,connues et méconnues, uniques, multiples, faites à lamain, industriellement, ou par ordinateur, mélangent des esthétiques raffinées, artisanales, amateurs, ou au contraire futuristes. Elles vont parfois bien au-delà du bijou et n’hésitentpas à explorerdes usages inhabituels.

165 Desde las orillas del Sena

L’exposition s’articule autour de quatre thématiques: l’identité, la valeur, le corps, et le rite.Chaque section part des a priori souvent négatifs qui entourent les bijoux, pour mieux les déconstruire, et révéler, in fine, la force subversive et performativebqui les sous- tend.

Une quinzaine d’installations d’artistes contemporains(Mike Kelley, Leonor Antunes, Jean-Marie Appriou, Lucy McKenzie, Liz Craft...) rythme le parcours en écho avec les sections de l’exposition.

Les œuvres présentéesquestionnentles problématiques du décor,etde l’ornementetancrentnotre relation au bijou dans un rapport élargi au corps et au monde.

MEDUSA. Bijoux et tabous. 19mai-5 novembre2017.Directeur :Fabrice Hergott.Commissariat :Anne Dressen.Encollaborationavec Michèle Heuzé et Benjamin Lignel, conseillers Scientifiques.Catalogue édité par Paris Musées39,90€.

Musée d’Art moderne de la Ville de Paris. 1 Avenue du Président Wilson. 75116 Paris.

Publié par Félix José Hernández.

166 Desde las orillas del Sena

Reliures de Louise-Denise Germain (1870 - 1936)

Louise-Denise Germain, reliure sur Gabriel Soulages, Les plus jolies roses de l’Anthologie grecque. Paris, Léon Pichon, 1920.BnF, Réserve des livres rares

Paris le 3 mai 2017.

La BnF expose les œuvres de Louise-Denise Germain, artiste décorateur spécialisée dans le travail du cuir. Avec plus de cent

167 Desde las orillas del Sena pièces mêlant reliures et objets en cuir, l’exposition témoigne de la grande richesse des styles et des techniques ornementales dont s’est emparée l’artiste, traitant la matérialité du cuir avec une grande originalité.

Louise-Denise Germain a débuté son activité par la création d’objets en bois pyrogravé puis en cuir, matériau qu’elle eut l’idée de traiter selon ce même procédé pour l’orner, le patiner et le nuancer, complémentant ce travail par l’incrustation de lames et d’agrafes en métal argenté ou doré qu’elle fabriquait elle- même. Cette technique ornementale originale devient rapidement sa signature et assure peu à peu son succès. Elle s’intéresse aussi très tôt à la reliure, domaine pour lequel elle manifeste une passion particulière et auquel elle va appliquer, loin des modes et modèles de l’époque, les mêmes procédés décoratifs. Elle va, dès lors, mener de front ces deux activités, exposant très régulièrement ses œuvres aux salons d’Automne, salon des Artistes décorateurs et salon de la Société nationale des Beaux- Arts.

Le parcours de l’exposition se décline en soixante-quinze reliures, réalisées de 1907 à 1935. Des premières reliures aux cuirs mordorés et à décors estampés lamés d’or ou d’argent jusqu’aux reliures souples à bords tressés, destinées au cercle des intimes, en passant par celles en veaux sombres ou de couleurs vives, sur le thème de la croix ou en peaux exotiques, ce parcours offre un panorama représentatif de l’œuvre relié de Louise- Denise Germain, et met également en valeur un autre aspect de son activité : les papiers peints qu’elle compose et monte comme pages de garde dans ses reliures.

Dans cet ensemble, une place particulière est dévolue aux pièces réalisées pour ses deux principaux mécènes, Gabriel Thomas et Louis Barthou, ainsi qu’à celles exécutées sur les deux livres 168 Desde las orillas del Sena conçus en 1922 avec Joseph Sima, Au temps de Jésus-Christet Le Livre de mariage. Quinze objets sont aussi présentés pour rendre compte de son activité de maroquinerie, à laquelle Louise-Denise Germain ne renonça jamais.

Exposition Louise-Denise Germain (1870 - 1936) Reliures. 6 avril I 7 mai 2017. BnF 1, rue de Sully Paris 4ème. Commissariat : Fabienne Le BarsConservateur, Réserve des livres rares, BnF.

Publication : Louise-Denise Germain (1870 - 1936). Reliures. Sous la direction de Fabienne Le Bars, conservateur, Réserve des livres rares, BnF. 112 pages, 55 illustrations, 39 euros. BnF Éditions, 2017

L’exposition présentée à la bibliothèque de l’Arsenal, ainsi que le catalogue, dévoilent l’œuvre restée méconnue de Louise-Denise Germain, artiste décorateur spécialisée dans le domaine du cuir, qui se voua à l’art de la reliure sans jamais renier ses premières créations d’objets, à l’origine de sa vocation et pour lesquels elle avait perfectionné une technique ornementale singulière, faite de lames et d’agrafes d’or et d’argent, qui devint sa signature. Une centaine de pièces représentatives de son travail, issues des collections de la BnF, d’institutions publiques ainsi que de plusieurs collections particulières, ont été choisies pour évoquer une œuvre féconde et originale, célébrée en son temps par ses deux premiers mécènes, Gabriel Thomas et Louis Barthou, et qui mérite d’être remise en lumière.

Claudine Hermabessière, chef du service de presse et des partenariats médias et Camille Durand, chargée de communication presse.

Publié par Félix José Hernández

169 Desde las orillas del Sena

Je vous aimais, terriblement par Jeremy Gavron

170 Desde las orillas del Sena

Paris le 3 mai 2017.

Un hommage bouleversant à une mère. Magnifique portrait de femme : complexe, tragique… touchant. Les mots du testament ? - Je vous aimais, terriblement !

"Ma mère était une femme qui cherchait des solutions. Le suicide était une solution."

Londres, 1965. Hannah Gavron semble avoir tout pour elle. Une vie libre, deux enfants, des amis proches, des parents aimants, une carrière universitaire prometteuse et un livre sur le point d’être publié, L’Épouse captive, incursion féministe dans le monde des femmes au foyer. Quelques jours avant Noël, elle dépose son plus jeune fils, Jeremy, âgé de quatre ans, à l’école, rejoint l’appartement d’un ami dans le nord de Londres, calfeutre les portes et les fenêtres et ouvre le gaz. Elle avait vingt-neuf ans.

Durant toute son enfance et son adolescence, Jeremy ne connaît rien de la fin tragique de sa mère. Après avoir découvert presque par hasard la dernière note écrite de sa main : « Dites aux enfants que je les aimais, terriblement », il entreprend d’affronter ce passé traumatique.

Qui était cette femme, sa mère, et pourquoi a-t-elle commis cet acte incompréhensible ? Quarante ans plus tard, Jeremy assemble patiemment les pièces du puzzle. Enquêteur tenace et passionné, il découvre des lettres, des journaux, des photos qui vont petit à petit restituer le portrait d’une jeune femme talentueuse libre et complexe, essayant de faire sa place dans un monde d’hommes.

Dans une prose délicate et hypnotique, il nous offre un livre palpitant, qui prend littéralement au cœur. 171 Desde las orillas del Sena

« J’ai été envoûtée par les mémoires extraordinaires que Jeremy Gavron a écrites sur sa mère… » Ali Smith

« Un livre magnifiquement écrit et d’une honnêteté remarquable… Profondément touchant, instructif et captivant. » Esther Freud

« Ensorcelant… Je vous aime terriblement peut se lire à la fois comme une enquête policière, car le lecteur sent son cœur s’emballer à chaque fois que l’auteur retrouve un nouveau témoin, et comme un travail d’histoire sociale, une charge pleine d’intelligence contre les limites qui étaient alors imposées aux femmes. » The Observer

Jeremy Gavron est né en 1961 et habite Londres. Ancien correspondant de presse à l’étranger, il a vécu en Inde et en Afrique. Il est l’auteur de trois romans et de deux essais. Je vous aimais, terriblement est son premier ouvrage traduit en français.

Je vous aimais, terriblement. Enquete sur la disparition de ma mère. Jeremy Gavron.Traduit de l'anglais par Héloïse Esquié. © Sonatine Éditions, 2017, pour la traduction française. Titre original : A Woman on the Edge of Time : a son’s search for his mother.Format : 14 x 20 • Nombre de pages : 336 • Prix public papier : 21 € • Prix public numérique : 14,99 € . ISBN papier : 978-2-35584-561-1 • ISBN numérique : 978-2-35584-612-0 •

Publié par Félix José Hernández.

172 Desde las orillas del Sena

Iris Grace, la petite fille qui s'ouvrit au monde grâce à un chat

Paris le 5 mai 2017.

173 Desde las orillas del Sena

Une famille face à l'autisme d’une fillette.Une émotion infinie ! Un livre extraordinaire.

À tous égards, la petite Iris Grace est extraordinaire. Extraordinaire, son regard intense bordé de longs cils. Extraordinaire, l'attention qu'elle porte à la rugosité d'une étoffe, aux lignes de la souche d'un arbre, aux sons d'un instrument. Extraordinaires, sa maîtrise des couleurs et les toiles à la beauté déconcertante – gouttes de pluie sur une mer de vert, forêt de traits, explosion de rouges, d'ocres, de bleus – qu'elle peint au fond de son jardin au coeur des Midlands. Extraordinaire surtout, l'amitié qu'elle a liée avec Thula, un chaton qui l'a libérée de son silence.

Car Iris Grace est atteinte d'autisme. Le bain, le coucher, l'habillage, tous ces moments qui font la joie des jeunes parents et préparent l'enfant à devenir autonome revêtent une signification différente pour Arabella et son époux. Nulle sortie en ville ne peut être envisagée sereinement, nul après-midi au square de jeux. Iris Grace est imprévisible.

Mais, un jour, un chat rejoint cette famille pas comme les autres et en bouleverse l'existence. Entre le chaton amateur de plongeon et la fillette autrefois effrayée par la baignoire, entre le félin capable de veiller des heures auprès de son maître et la petite prodige peignant au milieu des bosquets, l'entente est immédiate. Avec l'animal, Iris Grace apprend à communiquer, prononce ses premières phrases, s'apaise au moment du coucher. Et sa maman, émerveillée, raconte.

Enrichi de très belles photographies qui sont autant de baisers déposés, illustré des magnifiques tableaux qui ont révélé la fillette au monde entier, ce récit est une histoire d'amour et de courage, et 174 Desde las orillas del Sena

uneformidable contribution à la réflexion sur la thérapie et le soin à apporter à ceux qui vivent le monde différemment.

« Iris Grace n'est vraiment pas une fillette comme les autres. Diagnostiquée autiste à l'âge de 2 ans, Iris Grace a aujourd'hui 6 ans, ne parle pas ou peu, mais s'exprime par la peinture. Talent précoce, la jeune Anglaise est une célébrité nationale et internationale qui a eu les honneurs de médias tels que le Times, le Sun, Bild, CNN, ABC ou encore ITV. Certaines de ses oeuvres ont été achetées par des particuliers et même par Angelina Jolie. »Madame Figaro, Stéphanie O'Brien

« Iris Grace: le génie pictural d'une fillette autiste. Une fillette britannique autiste a trouvé une manière unique de s'exprimer. La petite Iris Grace attire toutes les attentions avec ses peintures hors du commun. »L'Express, Carine Claude

" Bien sûr, c'est un livre mais les magnifiques photos de la petite Iris et les immenses acryliques auxquelles elle a donné naissance et qui s'étalent dans les pages montrent à elles seules la poésie de cet ouvrage. " Le Parisien

" Rédigé par sa maman, illustré de ses très belles photos et des tableaux d'Iris Grace, voilà un livre magnifique pour une histoire hors du commun. " Le Dauphiné Libéré

Photographe professionnelle, Arabella Carter-Johnson se consacre particulièrement aux paysages, aux portraits de famille et aux albums de mariage. En 2008, après avoir vécu au Venezuela et dans le Limousin, Arabella et son époux Peter John décident de s'installer au coeur des collines verdoyantes du Leicestershire, en

175 Desde las orillas del Sena

Angleterre, où la jeune femme a grandi. La propriété qu'ils y restaurent devient leur havre de paix, bucolique et chaleureux. Un an plus tard, Iris Grace vient au monde et bouleverse leur vie à jamais. Après avoir découvert le talent artistique de leur fille, Arabella et Pj décident de créer un site Internet (www.irisgracepainting.com) sur lequel sont publiées les toiles d'Iris Grace. Arabella Carter-Johnson a immortalisé cette aventure faite de grandes épreuves et de joies inouïes, et la restitue étape après étape dans un premier livre, best-seller au Royaume-Uni.

Iris Grace, la petite fille qui s'ouvrit au monde grâce à un chat. Arabelle Carter-Johnson. © Éditions Presses de la Cité, 2017 pour la traduction française. Témoignage. Traduit de l’anglais (Royaume-Uni) par Alice Delarbre. Couverture : Thierry Sestier. Photos de couverture : © Arabella Carter- Johnson, 2016. 18 cm x 22,5 cm. 360 pages. 23 euros. ISBN : 978-2-258-13745-5

Publié par Félix José Hernández.

176 Desde las orillas del Sena

Eduardo Solá Franco« Le Journal de mes plaisirs » (1935 - 1988)

Paris le 6 mai 2017.

Les carnets de l’artiste équatorien Eduardo Solá Franco, légués à la BnF en 2015, sont exposés pour la première fois en France, dans la Galerie des donateurs. Héritier des peintres voyageurs, il a rempli pendant plus de cinquante ans d’épais carnets d’aquarelle qui permettent de retracer son parcours et ses très nombreux voyages, en Amérique du Sud et du Nord et en Europe. Au fil des pages, Solá Franco brosse le portrait de ses contemporains et saisit les grands bouleversements sociaux qui marquent son époque.

Formé à la peinture, Eduardo Solá Franco s’intéresse très vite à de nombreux domaines de création comme le cinéma, la danse, le théâtre et la littérature. A New York, Paris, Rome ou Madrid où il séjourne fréquemment, il côtoie les élites intellectuelles et les

177 Desde las orillas del Sena mondains, qu’il représente avec humour. On aperçoit ainsi, au cours de leurs soirées dans des salons, des salles de concert ou au théâtre, Joséphine Baker, Louis Armstrong, Jean Cocteau, Madeleine Renaud, André Maurois ou encore François Mauriac.

Les grands événements historiques du XXème siècle ponctuent également les carnets, au fil de l’actualité vécue par l’artiste. La guerre civile espagnole, la montée du nazisme et de l’emprise allemande en Europe, les bombardements de la Seconde Guerre mondiale, plus tard la guerre du Vietnam et les mouvements des droits civiques aux Etats-Unis : Solá Franco exprime ses réactions aux événements qui l’entourent avec un œil pessimiste et nostalgique.

Ses pensées intimes et sa vie personnelle y sont aussi consignées, de ses rencontres amicales et amoureuses à ses épisodes de dépression et de maladie, et font de ces carnets une des premières autobiographies par l’image.

Eduardo Solá Franco. « Le Journal de mes plaisirs » (1935 - 1988).4 avril I 17 mai 2017. BnF I François-Mitterrand. Quai François Mauriac - Paris 13ème. Galerie des donateurs.

Commissariat : Pauline Chougnet, conservateur, département des Estampes et de la photographie, BnF.

Claudine Hermabessière, chef du service de presse et des partenariats média. Camille Durand, chargée de communication presse.

Publié par Félix José Hernández.

178 Desde las orillas del Sena

Sciences pour tous, 1850-1900

Affiche pour le grand globe céleste de l’Exposition universelle de 1900 à Paris, 1900. BnF

Paris le 6 mai 2017.

Astronomie, médecine, sciences naturelles, chimie, aéronautique... la fin du 19e siècle marque un âge d’or de l’ouverture des sciences vers un public toujours plus large. Forte de ses collections en sciences et techniques, la BnF présente dans l’allée Julien Cain une exposition de reproductions de près de 180 documents issus de ses fonds. À la manière d’un cabinet de 179 Desde las orillas del Sena curiosités, le propos chemine à travers différentes disciplines et montre le foisonnement des acteurs et des moyens mis en œuvre au 19esiècle pour mettre la science à la portée de tous.

S’intéressant tour à tour à la pédagogie scientifique, l’astronomie, l’hygiène, les sciences naturelles, l’aéronautique ou encore l’électricité et les techniques, cette exposition permet de comprendre la place de la science dans la société de la fin du 19esiècle, ainsi que l’énergie qui fut mise dans la vulgarisation scientifique. Les quelques 180 documents reproduits permettent d’appréhender les multiples formes qu’a prises cette vulgarisation : à travers l’imprimé – avec l’essor de la presse illustrée et la naissance de collections dédiées comme La Bibliothèque des merveilles– mais aussi les cours du soir gratuits, les conférences grand public, les muséums et jardins botaniques ou zoologiques, ou encore les spectacles et expositions.

Outre les œuvres phares (La science amusantede Tom Tit, les romans de Jules Verne) et les vulgarisateur illustres (Camille Flammarion, Louis Figuier, Gaston Tissandier), l’exposition s’attache à faire connaître des documents et des figures moins connus, à l’image de l’inventeur prolifique Gaston Trouvé ou des quelques rares pièces de théâtre scientifique.

L’organisation du parcours invite à une déambulation libre au gré des envies du visiteur. Affiches vantant l’inauguration des « soirées à la lumière électrique » ou le « seul propulseur universel qui puisse atteindre le Pôle Nord », planches pédagogiques recensant les bonnes pratiques en matière d’hygiène, curiosités médicales ou réclames pour le cinématographe côtoient sur les cimaises de la BnF les atlas, abécédaires et autres traités sur la faune et la flore... Autant de témoignages de l’importance de la vulgarisation scientifique dans la société de la fin du 19e siècle, à

180 Desde las orillas del Sena l’heure où se développe la croyance dans le progrès et l’instruction.

Exposition Sciences pour tous.25 avril I 27 août 2017. BnF I François-Mitterrand. Quai François Mauriac, Paris XIIIe. Allée Julien Cain. Commissariat : Marie Boissière, département des Sciences et techniques de la BnF et Anne Boyer, département des Sciences et techniques de la BnF. Graphisme : Atelier JBL - Jeanne Bovier-Lapierre.

Claudine Hermabessière, chef du service de presse et des partenariats médias. Isabelle Coilly, chargée de communication presse.

Publié par Félix José Hernández.

181 Desde las orillas del Sena

Un brindis de Vive la France ! Vive la Liberté !

El recién elegido Presidente de la República Francesa, Monsieur Emmanuel Macron.

París, 8 de mayo de 2017. Querida Ofelia: Entre los numerosos mensajes de felicitación recibidos desde ayer por las redes sociales y por teléfono, con motivo de la victoria de la Libertad del centrista Monsieur Emmanuel Macron (partido En Marcha), frente al oscurantismo de la ultraderecha de Madame Marine Le Pen (partido Frente Nacional), te envío éste

182 Desde las orillas del Sena que nos mandó nuestra amiga poetisa Martha Salazar Quintero desde los EE.UU., acompañado de dos de sus poemas:

“New Jersey, 7 de mayo de 2017. Queridos Félix y Marta: Estoy tarde, porque no podía desprenderme de la T.V. emocionada, viviendo el triunfo de FRANCIA PARA TODOS... Un brindis de Vive la France ! Vive la Liberté! Martha Salazar Quintero

¡Yo Soy El Faro Aquél…!

I ¡Yo Soy El Faro Aquél…! Aquél que en vigilia permanente, Alumbra noche y día Anunciando que soy El Centinela, de la mar, de mi pueblo y mi ciudad. Soy anuncio de - luz, alegría, paz y ¡Libertad! Tanto de pueblos como gobiernos… Y del marinero que - avista la llegada, a tierra firme

II 183 Desde las orillas del Sena

También yo soy, “El Faro de la Mente” No solo en momentos de peligro, o… Cuando la guadaña llega, casi sin llamar. Ya que también, soy Faro que alumbra, En las tinieblas de la mente, la llegada de: Sirenas, hechas todas “Coro de Letras…” Vestidas todas, de Musas cual si fuesen: Historia, Novela, Cuento, Prosa, o Poesía. Mientras yo, - canto y alumbro Entre luces y tinieblas, a todas éstas Niñas…

¡Las Musas… Que viene a tocar puerta! A la mente del Escritor y del Poeta, desde aquestos mares cubiertos, en “olas de tinieblas…” Tinieblas que sólo hablan, entre “Arenas movedizas de horizontes… Que sólo saben ser, “Un Eco de Laberintos…” “Laberintos entre Rocas…” ¡Sí; Yo soy El Faro Aquél…! El Faro que ilumina, y deja cobrar vida, a: Sirenas perdidas, y Rocas que enantes dormían…En Sueños de

184 Desde las orillas del Sena

Cervantes, Quevedo y otros grandes… Como un Mallarmé, o un Dante.

III

También soy, ¡El Faro del Hogar! Aquél que mientras todos duermen… Estoy despierto con celo y cuido con afán. Como madre y padre de los críos. Ya que… Sé que soy la Voz mayor de cada hogar. Donde los niños, duermen su sueño angelical Ya que inocentes ignoran de la vida, todo lo que son traiciones y peligros…

IV

De gobiernos y Religión, también ¡Faro de doble vía y más soy! Ya que casi siempre voy, entre- empinadas y cerros… Llenos de caminos ciegos, con encrucijadas y abismos… Donde ¡listo tengo que aplicar - Los Frenos…! Unas veces, a religiones y gobiernos…y otras sin querer a pueblos... Ya que siempre- en mi equipaje llevo, Frenos de hierro, que 185 Desde las orillas del Sena llamo: Conciencia, y Lealtad de hombre justo y sabio, en nombre de los pueblos…por ¡Paz y Libertad!

©Martha Salazar Quintero Abril 02, 2014

De La MARSELLESA El Canto…

Cuando la Sal llora… Llora de “Dolor por soledad” Y ¡Pérdida de Libertad! Que…, la vida, ya no será más vida.

Sólo hablan: Tristeza, y Orfandad. Orfandad del hombre sin Patria, o sin Libertad Que…, donde hubo Luz, Sólo brillan… “(Dolor y Oscuridad)”

¡Ya el Sol, no brillará más! Que…, - La Libertad, encadenada está. Se han cerrado, vida, sueños y caminos… Sólo queda, un “Enjambre de Laberintos…”

186 Desde las orillas del Sena

Laberintos vestidos todos, de:¡Crimen, Odios, Muerte! Y…, Carencia de ¡Humanidad! Ya que algunos hombres, como gobiernos, se ha convertido en: (## “Cegadores de vidas y Libertad” ##) Ya que abundan “Ritos” de ambiciones y violencia, Con “Toda clase de Crueldad”

Y…, mi alma vestida de luto en ayer, hoy, y mañana Trata de abrir caminos…entre nados y olas… Colmadas sólo de Silencios… y Olas de Mar. “Laberintos, hechos Caminos sin fin ni principios”

Pero en mi dolor, insisto y persisto, queriendo llegar a Francia, y otras partes del mundo. Y…, entre olas y nados, colmados de Silencios… Sólo se escuchan “Ecos de Cornetas” Y de la Marsellesa, “el canto y el Derecho” En “Solos de Conciencia” Como ¡Seres Humanos clamando sus Derechos…!

Mientras…, con dolor contemplo: “Cientos y cientos de Gaviotas… ¡Todas sus Alas rotas…!” Tratando de “Surcar los Horizontes…” 187 Desde las orillas del Sena

En…, “un Concierto de quejas y de notas” ¡Notas de clamor! En “Idioma de Universo” Clamando Libertad y Derechos… Ante un Mundo sordo y ciego.

¡Hoy 21 de Marzo, con mi alma de poeta Ante un mundo indiferente, Yo exclamo mi queja, y mi llamado! Que se rompan los Silencios…y tanta indiferencia. Ante los seres humanos, clamando sus Derechos…

Martha Salazar Quintero. © Union City, N. J. Usa. Marzo 21, 2014 ».

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

188 Desde las orillas del Sena

Mon ciel et ma terre par Aure Atika

Paris le 8 mai 2017.

Un très beau récit de vie, fort et bouleversant. Aure Aika a écrit un ode à sa mère, un magnifique « poème », avec beaucoup de sensibilité.

189 Desde las orillas del Sena

« J'ai cessé de crier « maman ». Elle ne sait peut-être pas que c'est moi. Cela pourrait être n'importe quel enfant qui appelle n'importe quelle maman. Alors que c'est moi. Son unique. Je me suis réveillée tout à l'heure, il faisait encore nuit, elle n'était pas là, pas dans notre pièce. J'étais amputée. J'ai couru à la fenêtre et j'ai pleuré. Maintenant le jour se lève, gris, et j'appelle Odette, Ode ! J'alterne. Je hurle ses deux prénoms, celui de sa naissance et celui qu'elle s'est donné, pour être certaine qu'elle puisse se reconnaître. Tous ses amis l'appellent Ode. Elle dit aussi Ode quand elle se présente. Odette, elle l'a peut-être oublié ou ne sait pas que c'est elle qui est concernée. Ode, elle va savoir. Alors, j'alterne « Ode ! Odette ! » Le front collé à la vitre, mon regard se heurte à une grille de trous noirs : les fenêtres du mur en face. Mes cris mouillés s'y noient. Un à un. » J’ai aimé ma mère, follement. Je l’ai cajolée, protégée. Je lui chantais des comptines de couleur, bleue, ou rose selon l’humeur, pour la rassurer. Je l’épaulais lors de ses chagrins d’amour, j’assistais, déboussolée, à ses crises de manque. J’étais parfois la mère de ma mère… Pourtant, je l’admirais plus que quiconque, je ne l’aurais à aucun moment échangé contre une autre. Maman, elle n’avait pas peur de se bagarrer avec ses pieds et ses mains, ni de claquer la porte aux nez de ses amants. Maman, elle partait en pleine nuit faire la fête, elle m’emmenait dans des dîners de grands en plein Saint-Germain des Prés, à la Coupole ou au Flore, alors que nous vivions dans de petits appartements faits de bric et 190 Desde las orillas del Sena de broc. Ma mère était bohème. Elle était mon ciel et ma terre. Elle était mon Ode. Tout un poème. "Je veux oublier ce trottoir froid qui me glace les fesses depuis trop longtemps et maman qui reviendra seulement quand elle voudra."

"Dans son livre Mon ciel et ma terre, l'actrice raconte son enfance bohème dans les années 1970 auprès d'une mère très rock'n roll." Journal du Dimanche.Interview de Ludovic Perrin « Si vous appréciez les récits de vie, la sincérité et les trajectoires hors du commun, vous serez séduits par le premier livre d’Aure Atika. Elle y raconte une enfance un peu particulière, auprès d’une mère atypique, une relation dans laquelle les rôles étaient inversée, puisqu’il arrivait souvent à l’enfant de materner l’adulte. Ce ne fut peut-être pas une enfance joyeuse selon les critères traditionnels, mais Aure s’en souvient cependant avec bonheur… » ONLALU - Interview avec Pascale Frey

« Aure Atika publie un premier roman très personnel - L'actrice interroge son enfance rock'n roll. Dans le vibrant Mon ciel et ma terre, Aure Atika a décidé de regarder son enfance en face. D'une plume légère et percutante, elle y trace les contours d’une vie bohème aux côtés d'une mère à la fois aimante et transgressive qui flirte avec un milieu intello germanopratin opiomane … Au fil des pages, se dessine une délicate ode à Ode. » Gala

« On lit le récit de sa mort à 52 ans, la gorge serrée. "Je l'ai tant aimée", écrit Aure. Nous aussi, maintenant. » L’Express Aure Atika est comédienne, scénariste et réalisatrice. Elle oscille entre films d’auteur (Jacques Audiard, Abdellatif Kechiche, ou 191 Desde las orillas del Sena

Stéphane Brizé) et productions grand public (La Vérité si je mens, ou OSS 117). Mon ciel et ma terre est son premier roman.

Mon ciel et ma terre. Aure Atika. © Librairie Arthème Fayard pour la présente édition, 2017. Couverture : Antoine du Payrat. Photographie : DR, collection particulière de l’auteur. Littérature française. 208pages. Format : 135 x 215 mm.Prix imprimé : 18.00 €. Prix numérique : 12.99 €.ISBN : 978-2-213-68710-0

Publié par Félix José Hernández.

192 Desde las orillas del Sena

Cavale par Virginie Jouannet

Paris le 11 mai 2017.

Cavale est un roman écrit avec un style élégant. C’est beau ! Durant tout le récit Virginie Jouannet a l'art de garder le mystère et elle creuse la psychologie de ces personnages.

Cavale : la fuite éperdue d’une femme vers la liberté. La révélation d’un auteur de grand talent !

« Minuit doit être passé depuis longtemps. Les voisins ont dû se réveiller, il faudrait être sourd pour ignorer le va-et-vient dans les escaliers, les éclats des gyrophares qui clignotent inlassablement. Un mauvais rêve. Elle a beau lutter, le sentiment d’irréalité la paralyse. Respire. Ça va revenir. Respire... » 193 Desde las orillas del Sena

Jeanne a oublié deux heures de sa vie. Deux heures pendant lesquelles son compagnon a été poignardé. À l’arrivée de la police, elle se souvient seulement s’être réveillée à ses côtés, dans une mare de sang. Avant cela, rien. Jeanne doit retrouver la mémoire. Vite. Quand commencent les appels anonymes, elle n’a plus le choix. Elle s’enfuit. Au cours de sa folle cavale, il lui faudra dénouer les fils de son passé et faire face à une culpabilité d’enfance qui ne cesse de la ronger.

Avec Cavale, Virginie Jouannet nous entraîne dans la fuite éperdue d’une femme vers la liberté ; une femme épiée, traquée et victime de ses propres cauchemars. Un roman qui exprime, dans une langue lumineuse, la force cruelle des secrets.

Virginie Jouannet à propos de Cavale :

Cavale est votre second roman. Comment le définissez-vous ?

-C’est un roman qui, à travers une histoire d’amour, joue avec les ressorts dramatiques du secret. Ce que j’ai voulu, c’est rendre l’urgence du personnage, de sa quête. Jeanne est en danger de mort, pas seulement parce qu’elle se sent poursuivie, mais parce que le secret, le non-dit et la culpabilité sont en train de la tuer à petits feux. La découverte d’un crime joue, pour elle, comme un point de bascule. J’aime bien cette idée des bascules dans la vie. Parfois elles sont flagrantes et vous bousculent avec brutalité, parfois elles sont insidieuses, presque inaperçues. Le thème de la fuite, du départ, m’a toujours fascinée. L’idée de claquer la porte, de tout changer, parfois même en « bonne ménagère ». Tout est net, propre, rangé, définitif. On tourne la page et il n’y a plus de 194 Desde las orillas del Sena retour en arrière possible. Cela, sans doute, est la part la plus féminine du roman, la capacité qu’ont les femmes à partir. Peut être que je me fais une image idéale de ces fuyardes courageuses, mais il faut de la témérité pour vouloir tout changer et foncer droit dans l’inconnu. Ses fuites m’apparaissent moins comme des débandades que comme des renaissances.

L’intrigue à suspense qui sous-tend le roman vous permet d’aborder des thématiques plus intimes, plus psychologiques, comme les secrets de famille, l’identité, la gémellité ou bien encore la fuite. Pouvez-vous nous en dire plus?

-Les secrets de famille sont fondateurs de nos histoires, de nos vies. Nous portons tous des traces générationnelles, et c’est un formidable réservoir à histoires. Le personnage d’Anne, la jumelle de Jeanne, s’est imposé au fil de l’écriture sans que je la voie venir. Ce qui m’intéressait, c’était de parler d’un lien assez fort pour qu’il colle à la peau et contienne une violence potentielle, l’idée du double, l’altérité et, en miroir, l’identité. Qui suis-je, qui es-tu ? Ces questions-là nous hantent. Parfois, répondre à la seconde donne l’illusion de savoir qui nous sommes, par une sorte de raccourci. Ce n’est pas entièrement faux ni jamais suffisant, bien sûr.

Votre héroïne, Jeanne, est, au début du roman, une femme fragile, « morcelée », qui doit affronter la violence du monde extérieure. Mais finalement ne doit-elle pas affronter une autre forme de violence plus intérieure cette fois-ci, et dont elle se protège par l’amnésie?

-Jeanne est un personnage de femme assez chahutée par la vie. Elle a tenu longtemps sans flancher, comme un bon petit soldat, jusqu’à ce que cet événement extérieur brutal – un crime – lui fasse lâcher prise. L’amnésie dont elle est victime est une façon 195 Desde las orillas del Sena de parler des illusions auxquelles on s’accroche, de la force du déni, des violences intérieures que l’on s’inflige parce que l’inconnu semble bien plus redoutable qu’une douleur familière. Cet « instinct de la caverne », si j’ose dire, peut parfois enfermer dans des existences insatisfaisantes ou tragiques. Ce qui m’intéressait, au contraire, avec Cavale, était de raconter la possibilité de fuir non pas seulement pour s’échapper mais pour se décider à sauter dans le vide. Avec cette question : va-t-on chuter ou s’envoler ?

Pendant sa cavale, Jeanne trouve refuge dans un petit hôtel de Biarritz où elle va croiser des personnages singuliers, notamment Emil. Parlez-nous un peu de ce veilleur de nuit norvégien pas comme les autres ?

-En envoyant Jeanne à Biarritz, qui est pour moi un lieu d’enfance heureux, je l’ai mise en lieu sûr. Je voulais un hôtel qui soit comme une coquille, ou un théâtre miniature rassurant dans lequel Jeanne pourrait reprendre souffle, un endroit qui soit à la fois un refuge et une porte sur le monde. Le personnage d’Emil, lui, est d’abord né de la nécessité de sortir de la tête de Jeanne et de la voir à travers le regard d’un autre. Et cet autre, sans que je le décide vraiment, devait être étranger. Pourquoi norvégien ? Je ne connais pas la Norvège, mais j’aime la littérature scandinave, et le défi que représentait ce personnage m’a plu. Quant à l’amour qui surprend Jeanne, c’est le dernier - ou premier - élément de sa libération. Et d’une façon plus large, c’est le ressort absolu de nos histoires. Cela s’est imposé, au fil des pages. Que ce soit l’amour de soi - le plus difficile - ou l’amour de l’autre, il n’existe rien d’autre qui vaille la peine de vivre. Rien sans amour, pas de salut, pas de sens à la vie. Ni la gloire, ni le pouvoir, ni la violence des traumatismes, ni l’enfermement ne tiennent face à cet éblouissement, à cette paix. L’amour, dans Cavale, vient comme une évidence. 196 Desde las orillas del Sena

Votre écriture, puissante, est mise au service d’une tension narrative constante. Comment écrivez-vous ?

-J’écris comme je voudrais peindre, par touches que je dépose successivement, que je travaille et retravaille jusqu’à obtenir une petite musique. J’ai besoin que ça vibre, et le rythme est essentiel pour comprendre. Les sens aussi. Il me semble que chez moi les mots passent moins par le cerveau que par le corps. Je dois ressentir l’émotion du personnage, le respirer, « rentrer sous sa peau ». Il y a aussi chez moi une grande part d’intuition, presque une volonté d’y aller à l’aveugle, sans savoir. J’aime pardessus tout écrire les émotions, de façon presque animale. Comme lectrice, je suis assez peu perméable aux textes uniquement beaux, ou tellement travaillés et corsetés qu’ils ne respirent plus. Ils finissent par m’ennuyer, parce que je n’y trouve pas d’échos, et un monde sans échos est forcément un peu factice.

Quelle est la place de l’écriture dans votre vie ?

-J’écris depuis longtemps : du théâtre, de la poésie, des nouvelles, des scénarios. Et ce désir d’écrire vient précisément de mes lectures. Je me suis construite avec les livres. Enfant, je lisais tout et n’importe quoi pourvu que les mots m’irriguent, me remplissent, me consolent, pourvu qu’ils donnent une forme au monde. Entre neuf et onze ans, je suis passée des Évangiles à Bob Morane. Et puis, à l’adolescence, cela a été Victor Hugo et très vite le choc russe, Dostoïevski. Ces livres majeurs vous rentrent dans la peau et vous fabriquent une vision du monde. Dans mon parcours d’auteur, Cavale, pour moi, est un tournant. J’ai mis quatre ans à écrire ce roman et il m’a accompagnée à un moment clef de ma vie personnelle. Il me donne l’impression d’avoir débloqué quelque chose et d’accéder à une autre fluidité. Dès que je le pourrai, je plongerai dans le prochain. Je ne sais pas encore quelle sera sa tournure, mais je peux presque le sentir approcher, 197 Desde las orillas del Sena une forme vague et quelques envies fulgurantes, des silhouettes, une enfant, et ces thèmes qui m’inspirent depuis toujours : l’enfance, la différence, l’exil…

Depuis des années, Virginie Jouannet se consacre à l’écriture. Elle est l’auteure de pièces de théâtre, de poésies, de nouvelles. Elle vit actuellement à Bayonne. Cavale est son deuxième roman.

Cavale. Virginie Jouannet. 19,90 € - 418 pages. 15 cm x 24 cm. © XO Éditions, 2017. Couverture : Bruno Barbette. Image de couverture © Alexandra Favetto / Plainpictures. ISBN : 978-2-84563-864-8

Publié par Félix José Hernández.

198 Desde las orillas del Sena

América Alucinada por Betina González

París, 11 de mayo de 2017.

Querida Ofelia:

Acabo de leer un libro extraordinario de la gran Betina González, en el que ella nos hace reflexionar por medio de una escritura de gran calidad, sobre nuestra sociedad, sus valores, la familia y esta Humanidad que a veces nos puede parecer como inhumana. No te lo pierdas, te lo recomiendo.

En una ciudad sin nombre, algunos jóvenes desencantados empiezan un movimiento de vuelta a la naturaleza: abandonan a sus hijos y se van a vivir a los bosques. Un tiempo después, los ciervos de la zona se comportan de manera extraña y agresiva. América alucinada cuenta la historia de tres personajes: Berenice, una niña al parecer abandonada por su madre; Beryl, 199 Desde las orillas del Sena

una anciana ex hippie que funda un club de caza para eliminar a los ciervos; y Vik, un inmigrante que descubre que una mujer se ha escondido en su casa durante días.

Personajes complejos y entrañables para una trama de alta tensión narrativa que sorprende al lector a cada paso. Con la escritura envolvente y original que la caracteriza, Betina González ha logrado una novela que es una reflexión sobre la ruptura de los lazos solidarios en el capitalismo de hoy y una historia inquietante acerca de nuestras utopías colectivas.

“En "América alucinada", la escritora Betina González construye una trama cruzada por tres historias en una ciudad cualquiera y desencantada, una novela con lenguaje y pulso narrativo propio que dispara contra instituciones como la familia, en un escenario de lazos desintegrados atravesado por "la atmósfera de una sociedad decadente medio fantástica, medio real".” Télam

“La sociedad de este lugar donde se abandonan bebés y se cazan ciervos, donde los ciervos, emblema de la belleza del bosque, son, a su vez, asesinos, es una especie de reprogramación. Betina González ha sido capaz de resetear el mundo, pero sabe que no puede detener su marcha hacia una descomposición o recomposición con aspecto descompuesto. Hasta el punto que hace de ideas convenidas como verdades absolutas, la mayor de ellas el amor incondicional de una madre por sus hijos, una mentira. Y eso es una apuesta valiente. Tan valiente que el colapso ecológico que ha empujado a la situación de la ciudad queda en segundo plano.” Culturamas

“Los gestos contestatarios son fácilmente banalizados”. La nueva ficción de la escritora desmonta los discursos

200 Desde las orillas del Sena normalizadores de instituciones “sagradas”, empezando por la familia. Define su registro como “un realismo distorsionado, enrarecido, alucinado” del mundo capitalista.” Página/12

Betina González (Buenos Aires, 1972) es máster en escritura creativa (Universidad de Texas El Paso) y doctora en literatura latinoamericana (Universidad de Pittsburgh). Ha publicado Arte menor (Premio Clarín de Novela 2006), Las poseídas (Premio Tusquets Editores de Novela 2012) y América alucinada. Enseña escritura en la Universidad de Buenos Aires, donde también participa en varios proyectos de investigación sobre ficción, nuevas narrativas y prácticas de lectura.

América Alucinada. Betina González. Tusquets Editores, S.A. Barcelona. Colección: Andanzas. Primera edición en febrero de 2017. Ilustración de cubierta: © Winky Lewis – Getty Images. Fotocomposición de Víctor Igual, S.L. 256 páginas. 14 x 21 cm. Presentación rústica con solapas. 18 euros. ISBN: 978-987-670- 362-8

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz, Félix José Hernández.

201 Desde las orillas del Sena

L’humour est roi au Café Théâtre Ze Artist’s

Paris le 13 mai 2017.

On y rit beaucoup et ça fait du bien. Bravo Marzouk ! Quelle bonne soirée !

Situé au cœur du quartier de Belleville, tout près du parc des Buttes-Chaumont, le théâtre existe depuis plus de 12 ans. Le Ze Artist’s, refait à neuf, ouvre ses portes au mois de mai 2012.

Ce chaleureux café théâtre d’une cinquantaine de places offre où l’humour est roi. Son espace scénique, bien que petit, foulé par des grands comme Jérôme Commandeur, Mathieu Madénian, Lamine Lezghad, Nicolas Canteloup, etc.

Dans la tradition de découvrir, former, encourager, recevoir des artistes, talents d’aujourd’hui ou de demain, tous unis dans la révolution par le rire! Le théâtre est partenaire d'émissions de télévision comme "La France a un Incroyable Talent", et intégre

202 Desde las orillas del Sena la vie de l'arrondissement par le Pass Culture mis en place par la mairie du 19° arrondissement et aussi la Semaine de la Solidarité.

Spectacles mai & juin 2017 :

-Tous les vendredis et samedis de mai à 20h Marzouk"Pythagore Hanouna et moi."Séance exceptionnelle le dimanche 14 mai à 20h30.Sur scène, un humour caustique et des personnages hauts en couleurs.

Marzouk c'est un talent de métamorphose hors pair aussi bien facial, gestuel que vocal.Servi par des textes incisifs, Marzouk réussit à nous faire rire avec élégance en décryptant ce monde qui ne l'est plus vraiment : l'Education Nationale, la parentalité, l'écologie, la crise, la liberté d'expression...

Marzouk use de l'autodérision pour nous faire rire comme dans son sketch " Le Job Dating " où il enchaîne les personnages à un rythme bluffant, condensé de stand-up et de performance d'artiste.

De la France à la Roumanie, de l'Afrique et la Grèce, Marzouk égratigne nous à priori et nous invite à vivre une nouvelle expérience, celle du rire salvateur et dissident.

-Tous les samedis de mai à 18h30 MIB Stand Up. Les "Men In Blague " sont à Paris.

En 2017, plusieurs humoristes extraterrestres des 4 coins de l'univers sont venus sur Terre pour essayer de la conquérir. Les MIB, "Men In Blague " si vous n'aviez pas compris le jeu de mot, est un service qui a pour mission d'identifier toutes les formes d'humour afin de les redistribuer aux terriens.

Les agents désignés pour mener à bien cette mission sont : Le 203 Desde las orillas del Sena duo Sonepair, Sylvain DK et Louis Chappey. En prime, à chaque programmation, ce plateau d'artiste accueillera d'autres humoristes prêts à vous faire rire.

Artistes : Le duo Sonepair, Sylvain DK , Louis ChappeyMetteur en scène : MIB

-Les vendredis et samedis de mai à 21h30 "Docteur Al West en consultation"

Docteur Alwest est de retour pour une consultation collective du public complètement déjantée ! Un personnage atypique au franc- parler qui vous entraîne dans son décryptage de l'actualité, toujours à mille lieux des standards télévisés. Entre gravité et légèreté, le Doc Alwest ne vous laissera pas indifférent !

-Les dimanches 7 et 21 mai, les 11 et 25 juin 19h "MDR SHOW TIME"

Un plateau d'humoristes politiquement incorrectes qui raviront tous les humours en surfant sur des univers différents. Un plateau cosmopolite, un show d'une heure en compagnie de plusieurs artistes qui vous emmèneront dans leur univers, partageront leurs joies et leurs peines et surtout leurs délires !

C'est aussi un lieu de rencontres entre artistes avec un grand A qui permettront au public de découvrir des talents parfois inattendus ! Metteur en scène : Lyan Production

-Le mardi 6 juin à 21h30 et mercredi 7 juin à 20h "Juste pour le pire"

Fleur et Pierre-Jean : Ils vous feront adorer votre vie de couple ! 204 Desde las orillas del Sena

Fleur est une femme, souriante et pleine de vie, issue d'une famille gauchiste et permissive en ce qui concerne l'éducation des enfants. Pierre-Jean, quant à lui, est né dans une famille stricte où la rigueur et le nationalisme sont les maîtres mots du foyer. Son éducation a fait de lui une personne très à cheval sur les principes au contraire de Fleur dont l'ouverture d'esprit frôle parfois l'indécence.

Nul ne pouvait imaginer deux familles aussi différentes réunies pour la vie. Du premier baiser aux derniers jours, en passant par les relations familiales et amicales, les disputes autour du berceau, ainsi que les retours du bureau, les spectateurs vont vivre le temps d'une heure plusieurs tranches d'une vie d'un couple ordinaire. Par la Compagnie Zig et Lili.

-Reprise en juin, les mercredis et jeudis à 20h et le mercredi 7 à 21h30 et le jeudi 29 juin à 21h30 "Seule contre tous" (genre: humour noir). Spectacle à voir avant de mourir dans d'atroces souffrances.

Comme Nathalie Portman, Angélique Locquard débute sa carrière à 12 ans, dans le bar-tabac de ses parents. De cette jeunesse elle apprendra que l'humour sauve de tout et que l'alcoolisme n'est pas une solution, quoique ! Education, politique, religion, télé-réalité, hamster salafiste. Pour elle tout est sujet de sketch. Elle est sans filtre et n'a peur de rien ! Oserez- vous pénétrer son univers ?

Auteurs : Angélique Locquart, Frédéric Pouhier

-Le mercredi 29 juin à 20h, les jeudis 6 et 13 juillet et les 25 et 31 août à 20h "La véritable histoire de Don Mario"

205 Desde las orillas del Sena

Un seul en scène aux parfums de Sicile et de cinéma façon "Le Parrain" ou "Le cave se rebiffe" mêlant musique et humour.

"La Véritable Histoire de Don Mario" est un seul en scène musical. Inspiré de la réalité sicilienne et de son émigration du début du 20ème siècle, mais aussi de l'univers maffieux du cinéma, ce seul en scène conte la vie d'un sicilien, de sa jeunesse au village, son départ aux états Unis, son entrée dans l'univers mafieux, son retour et son arrestation. Il est présenté sous une forme proche de la comédie musicale en alternant les scènes d'humour, et de musique tour à tour jouées à l'harmonica, à la mandoline, et parfois les deux. Ce spectacle est aussi participatif, plusieurs scènes sont jouées en interaction avec le public. Parfois, Mario Scillia descend dans la salle, et à d'autres moments, le public monte sur scène.

Cette fois, c'est fait. Les flics américains ont arrêté Don Mario, le célèbre chef de la maffia sicilienne. Arrogant comme tous les grands mafieux, Don Mario offre le champagne au commissaire pour fêter son arrestation. En échange de la protection de sa famiglia, Don Mario se raconte au commissaire.

Inspiré de la réalité de sa ville natale sicilienne et aussi des film de Coppola, Don Mario raconte tout : les touristes, le travail à la mine, les promenades dominicales au soleil du village animé, la rencontre, la drague de sa future femme, la naissance de son enfant, l'entrée auxUSA avec la rencontre du " préposé à l'immigration ", son entrée dans la maffia, sa mutation d'immigré sicilien en chef maffieux (à ne pas raté), ses déboires avec les policiers (une course poursuite en musique), ses différents business maffieux (avec tour de magie), et enfin son retour en Sicile. Artiste: Mario Scillia

206 Desde las orillas del Sena

Café ThéâtreZeArtist’s8 Rue Pradier, 75019 Paris. Métro : Pyrénées. Billetterie en ligne du site. Par mail : [email protected] tél. au 06 18 69 19 06 ou 06 63 31 71 90. Règlement par chèque ou espèces (pas de CB) sur place le jour du spectacle. Ouverture caisse 10 minutes avant le début du spectacle. https://www.youtube.com/watch?v=kEb4WJdp0Mg

Publié par Félix José Hernández.

207 Desde las orillas del Sena

L’amant noir par Étienne de Montety

Paris le 14 mai 2017. Ce beau roman écrit avec un style élégant, nous narre la vie de l’antihéros Fleurus, prisonnier de « l’amant noir », les petites boules noires de l’opium qui le conduiront aux confins de la nuit. « J’ai passionnément aimé Constantinople, la littérature et Artémis Démétrios. À leur contact, j’ai momentanément oublié la guerre, la boue de Champagne, d’où j’ai rapporté une blessure et des hantises. Il est possible qu’elles m’aient rendu heureux.

208 Desde las orillas del Sena

Mais au moment d’entreprendre le récit de ma vie, je dois le dire : rien ni personne n’est parvenu à supplanter mon cher opium, mon amant noir. Lui seul me connaît, lui seul sait m’apaiser, atténuer la dureté de ma condition d’homme. À Péra, dans le Rif, et plus tard dans Paris occupé, il m’a suivi. Il ne m’a jamais abandonné.» «Un roman de fièvre et de ferveur. Étienne de Montety se risque une nouvelle fois ici, avec panache, aux confins de la nuit.» Dominique Bona, Le Figaro Littéraire « Dans un beau roman, Etienne de Montety raconte l'histoire d'un jeune officier versaillais, et opiomane. » Bibliobs

« Dans les traces de Pierre Loti à Constantinople, Étienne de Montety a écrit un roman de l’ancien temps, un temps cher à son journal, Le Figaro, dont il dirige les pages littéraires. » La Croix

« Étienne de Montety nous conte une descente aux enfers avec une impressionnante maîtrise. Érudit, ironique et captivant. » Le Point

« Dans son nouveau roman, Étienne de Montety raconte l'histoire d'un lieutenant qui échoue en Turquie où il se réfugie dans l'écriture et l'opium. » Le Figaro Étienne de Montety dirige Le Figaro littéraire. Il est l’auteur de plusieurs biographies et d’un roman paru aux Éditions Gallimard, L’article de la mort (collection Blanche, 2009).

L’amant noir. Étienne de Montety.Roman. © Éditions Gallimard, 2017. Prix Jean Freustié 2017. 240 pages, 140 x 205 mm. 19,50 euros. ISBN : 978-2-07-014874-5 Publié par Félix José Hernández.

209 Desde las orillas del Sena

Le célèbre Pau Brazil, le lieu le plus festif de Paris

Paris le 15 mai 2017. La soirée n’est pas agréable, elle est exceptionnelle ! Son atmosphère et son ambiance ? Uniques !

Le Pau Brazil vous propose un nouvel esprit où se mêlent et s’entremêlent les cultures et danses du monde, dans un cadre magnifique !

Il faut découvrir le temps d’une soirée à deux pas des Champs- Elysées, en plein coeur de Paris, le célèbre Pau Brazil , pour vous offrir une avalanche de créations, de surprises, de luxes et d’énergies, une fête haute en couleur, dont les seuls mots d’ordre de rigueur sont : danser, s’amuser, se défouler, aux rythmes des sonorités riches en émotions. Musique live, chaleur et désir, son orchestre vous invite à partager des rythmes endiablés : salsa, rumba, samba, lambada… !

210 Desde las orillas del Sena

C’est avec sa troupe de danseurs, chanteurs et musiciens que le Pau Brazil vous accueille sur 700 m2, pour les plus grand plaisirs des amoureux de la fête et vous réserve un show haut en couleurs ! Le temps s’arrête pour ne laisser place qu’à la fête et à la magie.

Sourires authentiques, humeurs contagieuses, surprises…tels sont les ingrédients quez Pau Brazil et sa troupe de danseurs proposent dans des apparitions intenses et multiples, pour provoquer des envolées savamment orchestrées. Transformer le public en acteur plutôt qu’en spectateur.

Véritable invitation au voyage autour du monde (Andalousie, Orient, Amérique Latine). La décoration du Pau Brazil porte la signature de prestigieux décorateurs de Paris. Une touche contemporaine vient souligner toute les couleurs du Monde.

Michel Gabarres présente son nouveau spectacle : Pau Brazil fait son tour duMonde. Première partie : Musiciens Live ! Deuxième partie : Danse du Monde ! Chorégraphie de Jessica Kaly. Direction artistique de Karen Vivot.

C’est tout d’abord dans votre assiette que vous allez apprécier les traditions culinaires Brésiliennes et tout particulièrement le Rodizio de viandes.

FORMULE IPANEMA (115 €) : Cocktail maison, rodizio de viandes à discrétion, accompagnements à discrétion, dessert, vin servi à discrétion et café.

FORMULE PRESTIGE (150 €) : Cocktail Caïpirinha, rodizio de viandes à discrétion, accompagnements à discrétion, dessert,

211 Desde las orillas del Sena

vin servi à discrétion, eau minérale servi à discrétion, 1/2 bouteille de Champagne et café.

FORMULE V.I.P (250 €) : Cocktail Caïpirinha servi à discrétion, rodizio de viandes à discrétion, accompagnements à discrétion, dessert, vin rouge Saint Émilion Mouton Cadet servi à discrétion, eau minérale servi à discrétion, Champagne Moët & Chandon servi à discrétion et café. Plus emplacement privilégié, vestiaire et photo.

REVUE SPECTACLE pour deux personnes : Une bouteille de Champagne Maison 90 €. Une bouteille de Champagne Moët & Chandon 150 €.

Lexique culinaire :

Caïpirinha : Cocktail à base de cachaça, vitron vert et sirop de canne à sucre.

Rodizio : cinq variétés de viandes ( petites saucisses, cuisses de poulet, dinde au bacon, gigot d’agneu, Picanha) finement préparées par un maître grillardin et cuites dans une immense rôtisserie, présentées sur leurs broches de cuisson et découpées par les trancheurs dans vos assiettes, servies à volonté.

Accompagnement : Salade, riz, bananes frites, feijoada ( Plat national du Brésil à base de haricots noirs).

Dessert : Ananas exotiques frais.

212 Desde las orillas del Sena

Cabaret Pau Brazil. 32 Rue de Tilsitt – 75 Paris.Cabaret Spectacle. Concert Music Live.Découvrez la nouvelle revue du Pau Brasil Paris.Ouverture tous les joursde 20h00 à 00h00. Réservation : 01 53 57 77 66 www.paubrazil.frMétro : Charles de Gaulle – Étoile, 1, 2, 6 et RER A. Voiturier. Parking Ave Foch & Ave Carnot. Location & Privatisation : visites et informations du lundi au vendredi de10 h à 18h. Téléphone : 01 53 57 77 66. [email protected]

Publié par Félix José Hernández.

213 Desde las orillas del Sena

Havanita Café : Cuba à Paris

Havanita Café, Paris.

Paris le 15 mai 2017.

Havanita raconte une île de Cuba magique où se marient gastronomie, divins nectars et musique. Installé depuis janvier 1995 rue de Lappe, à deux pas de la Bastille, le Havanita n’a cessé de se réinventé et vient d’effectuer sa dernière mue.

Didier Granger, créateur du lieu, et Juan Luis Morales, architecte d’intérieur (Cabinet Morales) cubain installé à Paris, ont su récréer une ambiance chaleureuse et festive, loin des poncifs habituellement liés à l’île des Caraïbes.

Havanita a su garder, durant ces vingt deux années, la valeur et le sens propre de Cuba dans cette ambiance des années cinquante. Didier Grange et son équipe vous accueillent en toute convivialité. On sent souffler l’esprit de Cuba ! 214 Desde las orillas del Sena

Tons chauds aux murs égayés par une grande fresque de Juan Luis Morales, photos noir & blanc (Ernesto Lecuona, Sindo Garay, El Trío Matamoros, La , Lupe, Olga Guillot, Rita Montaner, etc.) fauteuils en cuir profond pour la partie bar, tables en bois sombre et chaises en paille de riz y réinventent l’ambiance caliente de la Havane, où l’on est toujours prêt à faire la fête, à savourer quelques spécialités locales accompagnées d’un verre de rhum ou d’un cocktail que ce soit pour apéritif- tapas, un dîner en musique ou un after cocktail au magnifique fumoir.

Depuis le 1995, quand Cuba n’étais pas encore à la mode chez les parisiens, Havanita accueille les grands de la musique cubaine : Celia Cruz, Tito Puente, Compay Segundo, Raúl Paz, El Médico de la Salsa, La Charanga Habanera…

Havanita offre régulièrement son lieu magique pour des expositions de peintures et de photographies sur Cuba. Exposition Peintures Cubaines de Yordanis Acosta López, du 4 au 28 mai 2017.

Havanita, 11 Rue de Lappe. 75011. Paris. Tel. 01 43 55 96 42.

CARTE-MENU : http://www.havanita-cafe.com/food

Publié par Félix José Hernández.

215 Desde las orillas del Sena

Es alarmante leer los comentarios que vuelan por las redes sociales, de una vulgaridad inusitada, respecto a Su Santidad Francisco

Su Santidad el papa Francisco, Roma, 2017.

París, 16 de mayo de 2017.

Querida Ofelia,

Te envío este escrito de mi hermano Juan Alberto Hernández, que publicó en su página de Facebook.

“Ischia (Italia) 6 de mayo de 2017.

Es alarmante leer los comentarios que vuelan por las redes sociales, de una vulgaridad inusitada, respecto a Su Santidad Francisco, que lo acusan de parcialidad y de omisión respecto a los regímenes dictatoriales. Me duele mucho ver cómo el ser humano está tentado continuamente a juzgar al prójimo, sin saber ni tener la más remota idea de qué hablo el Santo Padre con los dictadores a puertas cerradas, de qué hablaron sus predecesores en secreto con esas personas en este mundo martirizado. Baste 216 Desde las orillas del Sena

pensar en el papel fundamental y decisivo que en medio del silencio y la discreción que la gravedad de la situación exigía, desempeñó Su Santidad Juan XXIII en la solución de la gravísima crisis de los misiles de 1962 en Cuba, que llevó al mundo al borde del holocausto nuclear. Tengan presente que Su Santidad Francisco, como todos sus predecesores, es representante de Cristo en la tierra, electo por voto inspirado. Quién no lo sepa está aún a tiempo para informarse. Recuerden que la ignorancia consiente y enarbolada como una medalla de oro humilla la condición humana de quien la enarbola tan vulgarmente.

No hay que apurarse, ya está anunciada la visita del Señor Presidente Trump a Roma, pienso que eso podrá demostrar al mundo que duda de su integridad pastoral que Su Santidad Francisco tendrá y tiene una palabra para todos por igual. Traten de ser abiertos, de escuchar, de informarse, de comportarse como los cristianos que dicen ser, antes de emitir un juicio. Dicen las Sagradas Escrituras: ¡ Qué vea quien tiene ojos para ver ! Eso les ayudará a vivir en paz y mejor, pero sobre todo, eviten la vulgaridad en los comentarios, que no corresponde absolutamente a los principios de Facebook y de la convivencia social y mucho menos a los principios de nuestra civilización cristiana a las que nos vanagloriamos de pertenecer.

La Fe Cristiana no es una Fe a la medida de quien quiera decir que pertenece a ella, no es un modelo hecho a la medida de quien pretenda profesarla, antes bien, es un reto, un desafío, es algo que se profesa o no se profesa, es un acto de coherencia, no es cosa de hipócritas. ¡No olvidemos que Jesús expulsó a los mercaderes del templo ! Recordemos que cuando tengamos que rendir cuentas al Padre al final de nuestro camino, seremos juzgados con la misma vara con que nos atrevimos a juzgar a nuestros semejantes en la 217 Desde las orillas del Sena

tierra. ¡Dicen las Sagradas Escrituras: no critiques a tu hermano porque tenga una peluza en su ojo, quítate primero la viga que tienes en el tuyo ! Además: el que esté limpio de culpas que lance la primera piedra!

¡ GÚSTELE A QUIEN LE GUSTE Y PESE A QUIEN LE PESE, REPITO A TODA VOZ QUE PIDO A DIOS QUE DÈ UNA LARGA VIDA Y MUCHA SALUD AL SANTO PADRE FRANCISCO PARA QUE PUEDA CUMPLIR SU MISIÓN EN ESTA TIERRA !”

Por mi parte estoy harto de tantas ofensas, groserías y difamaciones contra el Santo Padre de parte de los que quieren transformar las redes sociales en cloacas. Un gran abrazo desde La Ciudad Luz, Félix José Hernández.

218 Desde las orillas del Sena

El Taller de pintura del Museo del Prado

Taller de restauración de pintura del Museo del Prado

Madrid, 17 de mayo de 2017.

Querida Ofelia:

El Taller de Pintura del Museo del Prado -que cuenta con la colaboración de la Fundación Iberdrola España como miembro benefactor del Programa de Restauración- se aproxima a su trabajo como una actividad en equipo, donde las opiniones son consensuadas. La dinámica de trabajo se establece en base a 219 Desde las orillas del Sena

opiniones contrastadas y compartidas por los profesionales que lo conforman. La unidad de criterio y procedimiento alcanzada a través de años de experiencia trabajando sobre una misma colección y dentro de un mismo taller ha favorecido que la evolución de la forma de trabajar haya sido uniforme en el grupo. La madurez del equipo hace que este sea el momento ideal para transmitir su visión de la restauración de pintura.

Ciclo de conferencias. El Taller de restauración de pintura del Museo del Prado: tradición e innovación

El origen del Taller de restauración del Museo del Prado se remonta a la propia fundación del Museo hace casi 200 años. Las forraciones, limpiezas y reintegraciones realizadas para presentar las pinturas del Museo Real en el momento de su apertura corrieron a cargo de un núcleo de pintores-restauradores herederos de los criterios y métodos de trabajo de los pintores del rey que se habían hecho cargo de reparar los cuadros dañados por el incendio del Alcázar de Madrid en 1734, un hito en la historia de la restauración en España. En 1984 la mediática restauración de Las meninas de Velázquez por John Brealey (1925-2002), restaurador del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, supuso un cambio decisivo en la forma de aproximarse a una pintura en el Taller del Museo. Desde entonces, los restauradores del Prado parten del reconocimiento de la singularidad de cada obra y de la necesidad de ajustarse a sus necesidades concretas, y de que solo puede llegarse al conocimiento necesario para su trabajo mediante la observación y el estudio del cuadro, analizando cada detalle hasta sus últimas consecuencias y, al mismo tiempo, la totalidad de la pintura para preservar la unidad compositiva. Además, antes de hacer un diagnóstico y de plantear el tratamiento a seguir, estudian en profundidad la técnica

220 Desde las orillas del Sena

pictórica del artista, la historia material de cada cuadro y las diversas variantes que le confieren su identidad única.

Coincidiendo con la restauración de Las meninas tuvo lugar un importante cambio generacional en el Museo. Un numeroso grupo de jóvenes restauradores se incorporaron al Taller y desarrollaron progresivamente esa nueva visión de la restauración. Su prolongada vinculación con el Prado ha posibilitado la consolidación de un equipo fuertemente implicado con la institución en la que trabajan. Además, conscientes de la importancia de asegurar la transmisión de la experiencia acumulada desde 1734 a las nuevas generaciones, se vuelcan en la formación de jóvenes profesionales que disfrutan de becas o estancias en el Prado, uno de los objetivos esenciales del Taller en la actualidad. También han evolucionado los Talleres del Museo donde se realizan las restauraciones y sus medios técnicos, especialmente en los últimos años. Un momento clave en este proceso fue la instalación en 2007 de los espacios de restauración en el edificio de los Jerónimos. Allí la tecnología de vanguardia se sumó a un equipo humano en el que se acumulan los conocimientos de 200 años de tradición. De esta manera, la estrecha colaboración de los restauradores con los conservadores –los historiadores responsables de las colecciones del Museo–y con el equipo científico posibilita la comprensión de la pintura desde todos los puntos de vista y supone la plataforma para lograr los mejores resultados.

Las seis conferencias impartidas por restauradores del Taller de pintura tratarán la forma de aproximarse a la restauración en el Museo y diversos aspectos relacionados con el tratamiento de obras de grandes maestros, como Tiziano y Goya, y de colecciones con diversos tipos de problemáticas.

221 Desde las orillas del Sena

Programa de conferencias y seminarios

Las conferencias se impartirán los jueves a las 19.00 h en el Auditorio del Museo del Prado. Plazas limitadas.

Jueves desde octubre a noviembre 2017.

Jueves 19 de octubre 2017

La restauración. La historia y los materiales de una pintura. María Álvarez Garcillán

Jueves 26 de octubre 2017

Diferentes aproximaciones a la restauración. Oración en el huerto, de Colart de Laon - Fuente de la Gracia, atribuido a Van Eyck. María Antonia López de Asiain

Jueves 2 de noviembre 2017

Restaurar a Tiziano. Su influencia técnica en los grandes maestros. Elisa Mora Sánchez

Jueves 16 de noviembre 2017

La técnica de los cartones para tapices de Goya desvelada a partir de su restauración. Almudena Sánchez Martín

Jueves 23 de noviembre 2017

La complejidad de los materiales modernos. Problemas en la restauración de pintura del siglo XIX. Lucía Martínez Valverde

222 Desde las orillas del Sena

Jueves 30 de noviembre 2017

Pintura restaurada en el Prado: la conexión restablecida. Enrique Quintana Calamita

Matriculación

El plazo de inscripción para el curso completo de la Cátedra del Museo del Prado es del 1 de junio 2017 al 25 septiembre 2017.

Las solicitudes se atenderán por riguroso orden de inscripción y la lista de admitidos se publicará en esta página. Al final del curso se entregará un certificado de asistencia.

Los admitidos confirmados al ciclo de conferencias deberán recoger la documentación acreditativa para el acceso al curso el jueves 19 de octubre de 18.00 h a 19:00 h en el Mostrador de Educación del Museo del Prado, entrada Jerónimos.

Becas

El Museo del Prado otorgará 20 becas para jóvenes profesionales que no superen los 35 años y posean una titulación superior relacionada con los contenidos del curso. La obtención de la beca supone la exención de las tasas de matrícula y la participación obligatoria en una serie de seminarios específicos que profundizan sobre los contenidos del curso, que tendrán lugar los viernes siguientes a la conferencias a las 10.00 h, en el Centro de Estudios del Museo del Prado (Casón del Buen Retiro, c/Alfonso XII, 28).

Inscripción a partir del 1 de junio de 2017.

223 Desde las orillas del Sena

La selección de los becarios se realizará analizando su expediente académico, perfil formativo e interés por el curso además de la presentación de un breve texto (500 palabras máximo) como explicación sobre los motivos para realizar el curso.

El plazo de presentación de solicitudes para becas va del 1 de junio 2017 al 25 septiembre 2017.

El listado de becarios seleccionados se publicará a partir del 26 de septiembre de 2017 en la página web del Museo para que puedan acreditar la documentación y los méritos alegados.

Seminarios

Viernes desde octubre a noviembre 2017. Aula 1. Casón del Buen Retiro.

Viernes 20 de octubre 2017

El Taller de restauración de pintura en el Museo del Prado. Un recorrido por la restauración de una pintura. Eva Perales Ojeda

Viernes 27 de octubre 2017

Consideraciones generales acerca de la restauración de los soportes de pintura sobre tabla. Jose de la Fuente

Viernes 3 de noviembre 2017

Obras maestras de pintura sobre tabla restauradas en el Prado. Herlinda Cabrero Cabrera

224 Desde las orillas del Sena

Viernes 17 de noviembre 2017

Los estudios técnicos en el Museo del Prado. Jaime García- Máiquez

Viernes 24 de noviembre 2017

El análisis de materiales como parte del estudio técnico de la pintura. María Dolores Gayo García

Viernes 1 de diciembre 2017

El Taller de restauración de pintura del Museo del Prado de 1819 a 1920: historia y documentación. María Concepción García Cabarcos.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

225 Desde las orillas del Sena

Registros de tránsito solar de Rosa Barba

Madrid 17 de mayo de 2017.

Querida Ofelia:

Rosa Barba (Agrigento, Italia, 1972), artista visual y cineasta afincada en Berlín, basa gran parte de su trabajo en el uso del celuloide y los dispositivos cinematográficos, tanto en su materialidad como en su concepto. Sus obras sugieren discontinuidades, paradojas y requiebros dialécticos que nacen en el intersticio del proceso de creación de la imagen y sus metáforas. Medios como el cine, la escultura, la instalación y el texto escrito se combinan para dar lugar a la contradicción la ironía de un universo conceptual que desborda la realidad. Sus películas, a menudo, son microhistorias de la realidad que crecen dentro de una posible ficción. Sucesos aparentemente marginales cobran valor de documento histórico, más reales que los grandes acontecimientos políticos y económicos. Obviadas en el relato 226 Desde las orillas del Sena

oficial de la Historia, estas narrativas de lo cotidiano y lo fantástico cobran carta de naturaleza para explicar el tiempo que habitamos bajo la fórmula de la posmodernidad.

Desde sus inicios a finales de la década de los noventa y principios de los dos mil, Barba integra en su práctica artística los entornos y arquitecturas donde se ubican sus piezas, a fin de trazar nuevas narraciones a partir de ellas. White Museum (Centre International d’Art & du Paysage, Vassivère, 2010), Free Post Mersey Tunnel (Bienal de Liverpool, 2010) o su reciente instalación en el Schirn Kunsthalle, Blind Volumes (Frankfurt, 2016) dan cuenta de ese interés por la contextualización de algunas de sus obras. En la próxima primavera de 2017, la artista presenta un proyecto específico, en el Palacio de Cristal del Palacio del Retiro, en el que dialogará con las casuísticas de este espacio decimonónico.

El trabajo de Rosa Barba ha sido objeto de numerosas exposiciones en instituciones, entre ellas la Schirn Kunsthalle Frankfurt (2016), el CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux (2016), el MIT List Visual Arts Center (2015) o el MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (2013); asimismo ha participado en distintas ediciones de la Bienal de Venecia –52 (Pabellón Esloveno, 2007), 53 (Pallazzo delle Esposizione, 2009) y 56 (Giardini, 2015)-, y la 32 Bienal de São Paulo (2016). Sus películas han sido proyectadas en diversos festivales cinematográficos, tales como el 54 New York Film Festival (2016), FACT screening program, 24 Liverpool Biennial (2016), Basel Parcours Night: The Hidden Conference, film and sound performance (2015) y Copenhagen International Documentary Film Festival (2014), entre otros.

Registros de tránsito solar de Rosa Barba. Organización : Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Comisariado 227 Desde las orillas del Sena

: Manuel Borja-Villel. Artistas:Rosa Barba. Con la colaboración de: Instituto Italiano de Cultura de Madrid. 17 mayo – 27 agosto, 2017/ Palacio de Cristal. Parque del Retiro. Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Marid, Félix José Hernández.

228 Desde las orillas del Sena

J'ai toujours cette musique dans la tête par Agnès Martin- Lugand

Paris le 17 mai 2017.

229 Desde las orillas del Sena

Encore un chef d'oeuvre ! Une nouvelle fois j'ai beaucoup aimé l'écriture fluide et agréable d'Agnès Martin-Lugand. Les personnages sont attachants et touchants. On a envie de lire ce magnifique roman sans s'arrêter. Merci pour ce beau moment! J'attends avec impatience le prochain livre.Un roman puissant qui surprendra les lecteurs.

Yanis et Véra ont la petite quarantaine et tout pour être heureux. Ils s'aiment comme au premier jour et sont les parents de trois magnifiques enfants. Seulement voilà, Yanis, talentueux autodidacte dans le bâtiment, vit de plus en plus mal sa collaboration avec Luc, le frère architecte de Véra, qui est aussi pragmatique et prudent que lui est créatif et entreprenant. La rupture est consommée lorsque Luc refuse LE chantier que Yanis attendait. Poussé par sa femme et financé par Tristan, un client providentiel qui ne jure que par lui, Yanis se lance à son compte, enfin.Mais la vie qui semblait devenir un rêve éveillé va soudain prendre une tournure plus sombre. Yanis saura-t-il échapper à une spirale infernale sans emporter Véra ? Son couple résistera-t-il aux ambitions de leur entourage ?

Agnès Martin-Lugand a vendu plus d’1 million de livres en seulement quatre romans. Installée en France comme à l’étranger parmi les auteurs français les plus en vue, elle livre dans ce cinquième roman une réflexion profonde sur les rêves et l’ambition de chacun.

J'ai toujours cette musique dans la tête. Agnès Martin-Lugand. © Éditions Michel Lafon, 2017. 14 x 22,5 cm. 432 pages. Couverture brochée. Prix :18, 95 euros. ISBN : 978-2-7499- 2901-9

Publié par Félix José Hernández.

230 Desde las orillas del Sena

Comunicado de Prensa del Colegio Nacional de Periodistas de Cuba en el Exilio, por el fallecimiento del DECANO AD– VlTAM Don Luis Felipe Marsáns

Don Luis Felipe Marsáns

Miami, 12 de mayo de 2017.

Con profundo pesar el Colegio Nacional de Periodistas de Cuba en el Exilio (National Journalists Association of Cuba in Exilie,

231 Desde las orillas del Sena lnc.) Lamenta informar el fallecimiento del colega Luis Felipe Marsáns, quien por diez años consecutivos dirigió los destinos de este CNP (E) como Decano (1997-2007).

De destacada trayectoria profesional en su desempeño periodístico tanto en Cuba Como en el exilio, principalmente en Miami. Marsáns sobresalió en las capacidades del reportaje y como crítico de arte incursionando exitosamente en las áreas de la música clásica, desde su columna “Arte-Música y Cultura" en el Diario las Américas.

Tan pronto llegó al destierro se incorporó decididamente a la lucha contra la tiranía comunista de su patria cubana; contribuyendo a la fundación en el año 1962 del CNP, asimismo formó parte activa de las batallas de opinión libradas por el Colegio Nacional de Periodistas de Cuba en el Exilio en Estados Unidos como en Europa.

Fue tal su éxito como Decano que al abandonar el cargo diez años después, los colegas unánimemente votaron para elegirlo DECANO AD–VlTAM, contando quizás como el mayor de sus éxitos la construcción del Panteón de 18 bóvedas para los periodistas miembros del Colegio que no pudieran afrontar los costos del entierro.

LUlS FELIPE MARSANS, falleció este viernes 12 de mayo y será sepultado en la mañana del lunes 15 sus restos están siendo velados en la funeraria Caballero de la 3344 SW 8th Street en Miami. Florida.

Finalmente, cuando un grupúsculo de colegiados intentó secuestrar y apoderarse del Histórico Colegio Nacional de Periodistas de Cuba en el Exilio, en alianza vergonzosa con la Tiranía cubana, Marsáns valientemente, aunque ya muy enfermo, 232 Desde las orillas del Sena denunció mediante carta pública, su rechazo a los conspiradores y reafirmando su apoyo y Lealtad al único y verdadero CNP(E), que dirigió por diez años y cuyo único Decano electo es el Lic. Romaní.

Lic. Salvador Romaní Orúe -DECANO

José Fernández Arena- SECRETARIO EJECUTIVO

Sylvia Posada - TESORERA

Para más informacióm: 305.324.6066

CARTA DE APOYO AL COLEGIO NACIONAL DE PERIODISTAS DE CUBA EN EL EXILIO Y A SU ACTUAL DECANO DR. SALVADOR ROMANÍ ORÚE DEL EX DECANO AD VITAM, LUIS FELIPE MARSANS

Marzo 4, 2016

Estimado Decano Salvador Romaní Orúe

Recibo con agrado tu carta aclaratoria --o declaración de principios del CNP (e)--, al cual me enorgullezco en ser miembro, como organismo auténtico y “único" de nuestra profesión en el exilio. El Colegio Nacional de Periodistas de Cuba en el Exilio, que presidí como Decano durante diez años (1997-2007), debe seguir siendo el único; y desapruebo, como lo he hecho saber, el intento de borrar su existencia pasando por alto la historia. Sé que mi nombre se ha usado por otras personas que tienen otras ideas o intenciones, pero, eso no refleja mi punto de vista.

Atentamente, Luis Felipe Marsáns

233 Desde las orillas del Sena

El 60 aniversario de La Coral Juvenil Cubana

París, 17 de mayo de 2017. Querida Ofelia: Te envío este interesante escrito de nuestro viejo amigo Roberto A. Solera, que él acaba de publicar en su sitio WEB www.cubaenelmundo.com “Miami, 16 de mayo de 2017.

A veces un nombre hace despertar viejos recuerdos. Muchas veces, más allá de los 60 años que menciona El Nuevo Herald, en su “exigua” remembranza de la existencia de una Coral en Miami, la Coral Cubana de Miami.

Los recuerdos lo llevan a uno al origen en Cuba de la Coral (llamada entonces Coral Juvenil Cubana) obra en principio, de un joven entusiasta apellidado Piedra, emparentado con un magistrado de igual apellido, que al principio de 1959, pretendió, sin éxito, ser proclamado presidente de la nación caribeña por el Tribunal Supremo de Cuba. Conocí a su director poco antes que se marchara como coach de baloncesto a Geogia Tech y fuera

234 Desde las orillas del Sena sustituido por Carmita, una joven y entusiasta aficionada a las corales y la música en general.

Yo había llegado a los predios de la Alianza Francesa donde había dado sus primeros pasos un grupo de jóvenes bajo la dirección del conocido músico y director de orquesta vienés Paul Czsonka, que había llegado a Cuba en la resaca posterior a la II Guerra Mundial, junto a su tercera esposa la reconocida soprano Greta Menzel. Ambos hallaron refugio en la siempre acogedora Cuba. No recuerdo los motivos de la partida de Czonka pero sí los vericuetos que nos acompañaron.

Primero fuimos a carenar a una casa en las proximidades del Instituto del Vedado, en 25 y C. Nuestra estancia allí duró muy poco, y ya bajo la batuta de Carmita, seguimos rumbo a la Parroquia del Vedado (Parroquia del Sagrado Corazón de Jesús) que nos abrió sus puertas en su parte trasera, un espacioso salón diagonal al edificio del colegio De la Salle del Vedado.

Luego de una parada transitoria (afortunada diría yo) en la calle 17 en el Vedado al edificio de la Sociedad de Nuestro Tiempo, pantalla cultural del Partido Socialista Popular (comunista), cosa que intuí ante el ambiente misterioso que allí prevalecía.

Como detalle anecdótico, con el tiempo, descubrí que la Parroquia del Vedado había sido construida por mi bisabuelo el ingeniero graduado en Rensselaer Politechnic Institute Alberto de Castro Ross a fines del siglo XIX.

La Coral Juvenil era un centro democrático donde proliferaban todas las raíces ideológicas del momento. Allí convivían Anabell Rodríguez García Buchaca, hija del líder del PSP Carlos Rafael Rodríguez y Edith García Buchaca, ideóloga del PSP; “la China”

235 Desde las orillas del Sena

Heredia descendiente del poeta José María Heredia (autor de la Oda al Niágara), Fernando Villaverde de origen republicano español, Gonzalo Alfonso, nieto del ex presidente Alfredo de Zayas y Alfonso; Olimpia Sigarroa quien luego sería Cónsul de Cuba en la República Democrática Alemana.

Con el triunfo de la revolución la Coral inició conciertos en la Ciudad Deportiva; en la Ciudad Militar (Antiguo Campamento de Columbia); en el estado mayor de la Marina de Guerra, pero al igual que todos en Cuba sus miembros se dispersaron y partieron al exilio fundamentalmente a Miami.

Allí les perdí la pista y entre ellos a Carmita Riera y a su familia exiliada española.” Robert A. Solera.

Un gran abrazo desde estas lejanas tierras de la Vieja Europa,

Félix José Hernández.

236 Desde las orillas del Sena

Les dictateurs loufoques au Théâtre Le Bout

Paris le 19 mai 2017.

237 Desde las orillas del Sena

Des soirées comme celle-là nous réconcilient avec l’authenticité du spectacle vivant. On y rit beaucoup et ça fait du bien. Bravo !

Le Bout est la plus ancienne des petites salles d’humour à Paris (de moins de 80 places). Dirigée par Alexandre Delimoges, la troupe réunit une vingtaine d’humoristes, auteurs, metteurs en scène et comédiens.

Le Bout poursuit un seul but : redonner à l’humour ses lettres de noblesse et au public le goût des bons spectacles. Le Bout s’enorgueillit de sélectionner rigoureusement ses spectacles et de voir exploser sur sa petite scène des pépites de l’humour : Gaspard Proust, Bérengère Krief, Shirley Souagnon, Baptiste Lecaplain, Constance Pittard, Fabrice Eboué, Anne-Sophie Girard, Les Colocataires…

Les Dictateurs, tous les jeudis à 20h30 :

Des dictateurs sympas et loufdingues improvisent sous leurs lois absurdes, suite à un putsch qui fait sombrer la jeune République de la soirée en un joyeux bordel organisé !

En Improvistan, ce pays oublié des atlas géographiques et si petit qu’il n’est même pas inscrit à la Fifa, le public impose les lois, les contraintes, les sujets qu’il souhaite voir jouer par ces dictateurs aussi inspirés qu’hilarants, aux personnalités et aux âges des plus variés.

Les Dictateurs, bande annonce officielle : https://www.youtube.com/watch?v=CDswONZOuWM

À savoir :

238 Desde las orillas del Sena

Le spectacle est suivi, après un entracte et pour ceux qui veulent rester, d’une mini-pièce de théâtre improvisée.

Durée : 1H20

Artistes : Marc Occhipinti, Laetitia de Cazenove, Mikael Mittelstadt, Eduardo Larrain, Zouhere el Assadi, Jean-Baptiste Dupont, Hugo Duprat, Karim Aftouni et Assaf Matityahu. Prochaines Dates : 25 mai, 8 juin et 15 juin…

Théâtre LE BOUT. Salle climatisée (50 places). Adresse : 6 rue Frochot – 75009 Paris. M° Pigalle. Réservations : 01 42 85 11 88 [email protected]

Tarifs pour les spectacles adultes. Spectacles soir. Frais de réservation 1€ inclus. Tarif plein 20 euros. Chômeurs, étudiants et – de 26 ans : 12 euros.

Tarifs pour les spectacles pour enfants. Spectacles enfants. Pas de frais de réservation. Tarif adulte : 11 euros. Tarif enfant : 9 euros.

Publié par Félix José Hernández.

239 Desde las orillas del Sena

Vacío perfecto. Una lectura de la Colección MUSAC

Pepe Espaliú. El nido, 1993.

León, 20 de mayo de 2017.

Querida Ofelia,

MUSAC,Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, inaugura el sábado 20 de mayo 'Vacío perfecto. Una lectura de la Colección MUSAC', una exposición que intenta dar respuesta a la pregunta ¿Es posibleimaginar otros escenarios de intervención y relación con la cultura? A partir de dos puntos de partida: el libro Vacío perfecto,de Stanisław Lem, y una selección defondos de laColección MUSAC, algunos de los cuales se exponen por primera vez en el museo y entre los que se encuentran instalaciones, fotografía, vídeo, pintura o dibujo.

240 Desde las orillas del Sena

La exposición, comisariada por Eduardo García Nieto, pretende generar un espacio de debate sobre algunas de las cuestiones claves presentes en el libro de Lemque siguen vigentes en el presente, a partir de 21 obras de los artistas José Luis Alexanco, Manu Arregui, Luis Camnitzer, Filipa Cesar, Lúa Coderch, Nacho Criado, Jimmie Durham, Pepe Espaliú, Hans-Peter Feldmann, Jenny Holzer, Abigail Lazkoz, Leonilson, David Maljkovic, Diego del Pozo, Fernando Renes, Néstor Sanmiguel Diest, Kiki Smith, Belén Uriel, Akram Zaatari, Silvia Zayas.

El proyecto surge a partir dellibro Vacío perfecto, primer volumen de la tetralogía Biblioteca del siglo XXI, de Stanislaw Lem, figura consagrada de la ciencia ficcióncuya obra maestra, Solaris, fue llevada al cine por Andréi Tarkovski. Publicadoen 1971,Vacío Perfectosupuso una sorpresa para los lectores que esperaban encontrar un nuevo volumen dentrode los cánones del género, ya que se trata de un experimento literarioformado por dieciséis críticas a libros no escritos que, según avanzaba el subtitulo de la obra –Biblioteca del Siglo XXI– debían comenzar a publicarse en el siglo siguiente. Este subtítulo acompañó a otras tres obras –Magnitud imaginaria (1973), Golem XIV(1981) y Provocación (1984)– conformando así un conjunto que permitía al autor hablar acerca de cómo él imaginabala cultura en el futuro. Las hipotéticas publicaciones reseñadas en estos libros mediante críticas, prólogos o ensayos, versan sobre distintas construcciones socialesposibles, modelos económicos opreocupaciones culturales, sobre ordenadores inteligentes que generaban su propia literatura, sobre equipos de estudiosos en búsqueda de genios desconocidos que la historia no había incorporado a sus relatos.

El proyecto en MUSAC parte de este terreno de posibilidadpara explorar cuestiones como la capacidad de hacer "ciencia ficción" con la cultura. La exposición, que puede visitarse hasta el 3 de 241 Desde las orillas del Sena septiembre, identifica algunos de estos elementos presentes en la obra de Lem-cronología, futuro, sociedad, consumo, sexo, prognosis, nostalgia, relato-, como constantes en algunas de las obras de la Colección MUSAC, que abarcan el periodo comprendido desde la publicación de Vacío perfectoen 1971 hasta la actualidad.Así, sehan seleccionadoobras que buscan generar un espacio de debate en el que cuestionar el papel de los individuos como agentes de transformación de la cultura, invitando a repensar nuestros modos de relación con ella y sus métodos de archivo, disfrute y difusión.

Asimismo, la elección de la "biblioteca" para establecer un dialogo o relectura de la Colección MUSAC no es algo casual.Un elemento unificador que define tanto a la biblioteca, como al archivo y el museoes que son dispositivos de poder. Qué se conserva, cómo se cataloga y cuáles son los modos de difusión no son meros funcionamientos mecánicos ni objetivos, de ahí la importancia del criterio esencial de la participación y el acceso al archivoque planteaba el filósofo Jacques Derrida. En todas estas acciones se vuelve a deslizar la pregunta: ¿Qué relación tenemos como individuos con la cultura?

Estas cuestiones se venenfatizadas por la creación de una biblioteca emocionalen el espacio expositivo, en la que el criterio de selección será la relación que las personas tienen con libros importantes en suformación vital, y que quierancompartir con otras personas. Así, se busca trabajar sobre otros posibles nodos de conexión e incremento de las experiencias personales con la cultura.

En relación a la exposición tendrá lugar un programa de actividades, entre las que se encuentrauna visita guiada a Vacío perfectocon su comisario, Eduardo García Nieto,que tendrá lugarel sábado 20 de mayo a las 20:00 horas. Esamisma tarde a 242 Desde las orillas del Sena las 18:30 horas se propone la actividad Biblioteca emocional,en la que los artistas Abigail Lazkoz, Diego del Pozo, Fernando Renes y Silvia Zayas compartirán un libro que consideran importante en su vida , dando inicio así a la Biblioteca emocionalen la que podrán participar todos los visitantes de la muestra.

El 15 de junio tendrá lugar el taller Horas en una Biblioteca, que impartirá Eduardo García Nieto . La actividadpropone un recorrido por distintas bibliotecas de ficción- la del Nautilus de Verne, la Universal de Lasswitz, la de Babel de Borges, la de Muerte de Prattchet, la de Benjamin- , que se entrecruzará con propuestas artísticas vinculadas a los libros y la literatura.

Cada uno de los ejemplostratadospermitirá enunciar distintos modos de entender la cultura y, al mismo tiempo, definir cuál queremos que sea nuestro papel como agentes en la misma.

La vinculación del taller con el texto homónimo de Virginia Wolf surgirá al plantear cuáles pueden ser otros posibles modos, más vinculados con lo afectivo y menos con lo productivo, de relacionarnos con lasbibliotecas.

Eduardo García Nieto (Miranda de Ebro, Burgos, 1974) es un trabajador cultural que ha desarrollado su práctica en proyectos de comisariado y educativos.

Sus investigaciones se han centrado en el peso político de lo invisibilizado con el proyecto CONCEALFROMYOUREYES (La conservera Ceutí, Artium, La Sonrisa de la Ballesta y Bastero) o en el papel de las poéticas en la práctica artística contemporánea (El ciclo LESS POETRYen Artium).

243 Desde las orillas del Sena

Su práctica educativa le ha llevado a ser el responsable del Departamentode Educación en el Centro Cultural Montehermoso Kulturunea donde planteó, entre otras acciones, la muestra Ayer y Hoy, en la que se proponía un dialogo entre el archivo, colectivos de la ciudad y artistas contemporáneos.

Título: Vacío perfecto. Una lectura de la Colección MUSAC.

Artistas: José Luis Alexanco, Manu Arregui, Luis Camnitzer, Filipa Cesar, Lúa Coderch, Nacho Criado, Jimmie Durham, Pepe Espaliú, Hans-Peter Feldmann, Jenny Holzer, Abigail Lazkoz, Leonilson, David Maljkovic, Diego del Pozo, Fernando Renes, Néstor Sanmiguel Diest, Kiki Smith, Belén Uriel, Akram Zaatari, Silvia Zayas.

Comisariado:Eduardo García Nieto.

Fechas:20 de mayo - 3 de septiembre de 2017. Lugar:MUSAC. Sala 1.Avda. Reyes Leoneses, 24. 24008 León.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

244 Desde las orillas del Sena

Le refuge des souvenirs par Mary Marcus

Paris le 20 mai 2017.

Un roman magnifique, âpre, puissant et courageux dont les personnages vous hanteront longtemps. L’histoire de cetterecherche ardent de la vérité est bouleversante.

En Louisiane, dans l'Amérique tourmentée de Martin Luther King, en 1963, la haine est partout, mais les les liens du coeur sont parfois plus forts que ceux du sang.

Marv Jacob grandit dans l'indifférence générale. Son unique confidente : Lavina. la domestique noire de la famille qui la considéra comme sa fille. UN jour d’été, quand Lavina est tuée lors d'incidents raciaux elle laisse deux orphelins : Billy Ray, 245 Desde las orillas del Sena

son fils, et Mary Jacob, la fille mal-aimée de ses patrons qu'elle chérit comme sa propre enfant. Mary est envoyée en pension sans que le drame soit jamais évoqué. Pour se protéger, la fillette oublie tout de cettepériode.

Trente ans plus tard. Mary Jacob retourne dans sa ville natale, auprès de son père mourant. Sur les traces de son passé, la jeune femme recouvrera-t-elle la mémoire ? Pourra-t-elle faire la paix avec sa propre histoire et avec Billy Ray, le fils de Lavina, blessé par le silence et les non-dits ? Porté par trois voix uniques et bouleversantes, ce roman juste et puissant rappelle les lois raciales qui sévissaient encore récemment aux États-Unis et l’importance de retenir les leçons de l’Histoire.

Mary Marcus a grandi en Louisiane.Elle a été élevée par la femme de ménage de sa mère durant les dernières années agitées des lois ségrégationnistes. Elle a travaillé dans la publicité et dans la mode. Aujourd’hui elle partage sa vie entre Los Angeles et Long Island. Le refuge des souvenirsest son deuxième roman, le premier traduit en France.

Le refuge des souvenirs. Mary Marcus. Roman traduit de l’anglais (États-Unis) par Brigitte Hébert. © Presses de la Cité, 2016 pour la traduction française. 456 pages. 21,00 euros. Conception graphique: Mélanie Wintersdorff. Photo © Herbert List / Magnum Photos. ISBN: 978-2-258-13381-5

Publié par Félix José Hernández.

246 Desde las orillas del Sena

La violence et la grâce par Graça Morais

Paris le 27 mai 2017.

Graça Morais. « La violence et la Grâce », tel est le titre de l’exposition que la délégation française de la Fondation Calouste Gulbenkian, à Paris, présente à partir du 31 mai.

Les commissaires de l’exposition Helena de Freitas et Ana Marques Gastão vont présenter principalement des dessins de 1982 à 2016. Leur intention est de mettre en exergue quelques uns des thèmes majeurs de l’œuvre de Graça Morais, comme l’identité de son lieu de naissance le village de Vieiro à Tras os Montes.

Dans cette terre lointaine, marquée par un climat rude et la cruauté de l’isolement, de l’abandon et de la pauvreté, Graça Morais a trouvé une iconographie sans pareille, pour exprimer sa représentation du monde à travers sa vision de femme et d’artiste.

247 Desde las orillas del Sena

Le dialogue entre la peinture et la littérature est un trait marquant de l’oeuvre de cette artiste, qui à depuis toujours voulu mêler le domaine du livre et des mots à la production artistique portugaise, en attirant auteurs et poètes tels que Miguel Torga, Nuno Júdice, José Saramago, Vasco Graça Moura, Agustina Bessa-Luís, Maria Velho da Costa, Pedro Tamen, Sophia de Mello Breyner e Manuel António Pina.

C’est dans cette articulation de la littérature avec d’autres savoirs que «l ’œuvre de l’artiste forme un corps en métamorphose que souligne la nature éphémère d’un être intérieur voué à un changement continu. » C’est, en outre, selon Ana Marques Gastao « la métamorphose – plus évidente dans les dessins avec Sophia et Agustina – qui est le fil d’Ariane dans cette exposition de Graça Morais – celle de l’être humain en exil, de l’artiste et de l’écrivain, du créateur qui en exécutant le mouvement interdit du regard, transpose cet interdit : le désir, la passion, l’illusion, l’enfer de Dante ».

La dureté et la sensibilité de la vie surgissent ici, représentées, dans un quasi paradoxe de complémentarités », souligne Guilherme d’Oliveira Martins, administrateur de la fondation, traduisant ainsi la « relation intime et spéciale » qui s’établit entre l’Art et la Nature. C’est ce qui explique le titre de l’exposition, en opposant violence et grâce. « Sa peinture ne doit pas être comprise comme un conte de fées mais comme un endroit où la violence naturelle de la condition humaine se confronte avec la possibilité de la fuir grâce à un miracle que nous appelons « grâce » le prénom de l’artiste, finalement,

248 Desde las orillas del Sena affirme le critique et essayiste Eduardo Lourenço, dans une entrevue avec la commissaire Ana Marques Gastão,

L’œuvre de Graça Morais, née en 1948 est vaste, variée et de facettes multiples, des années 70 à nos jours. En 1971, l’artiste de Tras os Montes terminait ses études de Peinture à l’Ecole Supérieures des Beaux Arts de Porto, élève en particulier d’ Angelo de Sousa, dont l’œuvre a été exposée ici même de Janvier à Avril de cette année. Entre 1976 et 1978 Graça a vécu à Paris grâce à une bourse de la Fondation Gulbenkian et, en 1978, elle a exposé au Centre Culturel Portugais de Paris.

Vernissage de l’exposition Graça Morais, La violence et la grâce, le mardi 30 mai à 18h30 à la Fondation Calouste Gulbenkian - Délégation en France 39, bd de La Tour- Maubourg 75007 Paris - 33 (0) 1 53 85 93 93

Colloque international Graça Morais. Le mythe et la métamorphose

Le 6 juin de 9.30 à 18.00 et le 7 juin de 9.30 à 13.00 Fondation Calouste Gulbenkian – Délégation en France 39, Bd. de la Tour Maubourg, 75007, Paris Métro 8 - La Tour Maubourg, RER C - Invalides

En partenariat avec le Centre de Recherche sur les pays Lusophones, CREPAL Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3

Comité scientifique

Ana Marques Gastão, poète, essayiste, chercheur, Lisbonne, Fondation Calouste Gulbenkian. 249 Desde las orillas del Sena

Catherine Dumas, professeur émérite, Études Lusophones, Sorbonne Nouvelle- Paris-3, CREPAL.

Olinda Keiman, professeur, Études Lusophones, Université Sorbonne Nouvelle- Paris-3, directrice du CREPAL.

Egídia Souto, Maître de Conférences, Études Lusophones, Université Sorbonne- Nouvelle Paris-3, CREPAL.

Publié par Félix José Hernández.

250 Desde las orillas del Sena

El Renacimiento en Veneciase expone en el Museo Thyssen- Bornemisza

Paolo Caliari (Il Veronese). Lucrecia, 1580-1583. Oleo sobre lienzo: 109,5 x 90,5 cm. Viena, Kunsthistoriosches Museum

Madrid, 27 de mayo de 2017.

Querida Ofelia:

Del 20 de junio al 24 de septiembre de 2017, el Museo Thyssen- Bornemisza presenta El Renacimiento en Venecia. Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura, una exposición dedicada al arte veneciano del siglo XVI, su primer gran periodo de esplendor, con casi un centenar de obras de artistas como Tiziano, Tintoretto, Veronés, Jacopo Bassano, Giorgione o Lotto. Desde el uso del claroscuro y el color como fundamentos de la representación de la figura y del espacio, hasta una atención a la naturaleza más directa que la que proponía la tradición clásica, de concepción más idealista, la muestra pretende demostrar cómo

251 Desde las orillas del Sena los medios específicos de la pintura veneciana plantearon una idea de belleza plenamente renacentista al mismo nivel, y a veces incluso superior, a lo que se hacía en Roma, Parma o Florencia.

Comisariada por Fernando Checa Cremades, catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense, la muestra aborda la presentación de este foco artístico, esencial para la comprensión de la historia de la pintura, desde una meditada selección de temas ejecutados por los maestros que le dieron fama universal, en lugar de hacerlo desde el ámbito cronológico o estilístico. Para ello presenta un extraordinario conjunto de pinturas, y algunas esculturas, grabados y libros, procedentes de colecciones privadas y museos como la Galleria dell´Accademia de Venecia, el Museo Nacional del Prado de Madrid, la Fondazione Accademia Carrara de Bérgamo, el Palazzo Pitti de Florencia, el Kunsthistorisches Museum de Viena, la Galeria degli Uffizi de Florencia, la Biblioteca Nacional de España, el Musée du Louvre de París o la National Gallery de Londres.

Tras siglos de mirar a Oriente, incluso a China (ahí están los famosos viajes de Marco Polo), la caída de Constantinopla a manos de los turcos en 1453, la derrota de la Serenissima Repubblica en Agnadello en 1509 contra las fuerzas de Luis XII de Francia y el desplazamiento de las rutas comerciales tras el descubrimiento de América en 1492, cambiaron la geografía política, económica y comercial de Europa. Venecia corría el peligro de quedar en una posición periférica.

Fue entonces, sin embargo, cuando empezó un despertar artístico, especialmente en pintura y arquitectura, que colocó a la ciudad en el centro del debate, primero italiano y, desde finales del XVI y sobre todo en el XVII, en el contexto europeo. Venecia comenzó a crear su propia idea de belleza y se convirtió en la principal alternativa a los paradigmas estéticos florentinos y romanos 252 Desde las orillas del Sena encabezados por Rafael Sanzio y Miguel Angel Buonarrotti. Mientras la corriente clásica o toscano-romana se caracterizaba por una mayor consideración hacia lo intelectual a través del dibujo (disegno), concebido previamente en la mente (idea), los artistas de la escuela veneciana eran superiores en el manejo del color y de los valores visuales y sensuales de la pintura.

Como sucedió en otras partes de Italia, el momento clasicista duró poco. En las obras tardías de Tiziano, Tintoretto, Veronés y Bassano, se puede apreciar cómo, en mayor o menor medida y siempre con soluciones muy diversas, cada uno de estos artistas experimentó un viraje hacia un tipo de pincelada “abierta”, suelta, a menudo calificada de pintura de manchas o borrones, que no solo cuestionaba los valores del disegno como una de las partes esenciales de la pintura, sino la propia idea de la belleza renacentista basada en la idealización de la realidad.

No se trataba solo de un tema formal, esta técnica servía para dotar de una mayor expresividad y vida a las figuras y los paisajes, a la naturaleza, algo típico del Barroco. De ahí era fácil pasar a la exaltación de los elementos dramáticos de la imagen, tan frecuentes en la pintura de las décadas de los sesenta y setenta de Jacopo Bassano, Tintoretto y sobre todo Tiziano, como el Cristo crucificado (h.1565), inmejorable ejemplo de las cualidades dramáticas de la obra final del maestro, con el que se cierra la exposición.

El Renacimiento en Venecia. Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura está organizada siguiendo un recorrido temático a lo largo de ocho secciones.

Entre Oriente y Occidente: la ciudad más bella del mundo

253 Desde las orillas del Sena

El esplendor medieval de la ciudad de Venecia subyugó a sus visitantes a lo largo del siglo XVI. En la simbólica fecha de 1500 Jacopo de’ Barbari realizó su Vista de Venecia, la primera vez que una ciudad se representaba a vista de pájaro de manera realista. Se trata de una imagen extraordinaria que en esta sala se acompaña de retratos de las magistraturas venecianas como el dux Mocenigo (Gentile Bellini) o los procuradores Gritti y Soranzo y un senador (obras de Tintoretto) y de un famoso cuadro de Veronés en el que personajes vestidos a la oriental ejemplifican el carácter cosmopolita y de frontera entre dos mundos, entre Oriente y Occidente, de la ciudad.

Venecia y el sueño del clasicismo

La cultura renacentista en la que Venecia se quería integrar exigía una rápida renovación de la ciudad medieval, cuya arquitectura, gótica o bizantina, debía sustituirse por una nueva máscara, la clasicista. Arquitectos, humanistas, editores y coleccionistas se pusieron rápidamente en marcha estudiando los textos clásicos, como el tratado de arquitectura de Vitruvio, el único conservado desde la Antigüedad, o escribiendo nuevos textos como los de Sebastiano Serlio o Vincenzo Scamozzi, al que vemos retratado en esta sala en una obra de Veronés. A pesar de carecer de ellas, las ruinas clásicas se estudiaron con pasión en la ciudad de la Laguna, y aparecen como fondo de muchos retratos de la época, como el que se muestra del mismo autor custodiado en Budapest. Lecturas clásicas, bibliotecas y coleccionismo de antigüedades son los rasgos característicos del mundo lagunar y el de la “tierra firme” que lo circunda como lo demuestran las pinturas de Moroni o los bronces con temas mitológicos expuestos en esta sala.

Belleza y melancolía del Renacimiento veneciano

254 Desde las orillas del Sena

Los deseos de belleza urbana (sala 1) conseguida a través del clasicismo (sala 2), se concretan en las más variadas tipologías estéticas. El sueño de la juventud se expresó por medio del retrato del joven melancólico -que aquí se muestra con ejemplos capitales de Giorgione, Bernardino Licinio, Giovanni Cariani o Lorenzo Lotto-, de la alegoría musical, máximo símbolo de la perfección estética en el Renacimiento -con una obra de Cariani-, o de la evocación de una Antigüedad, utópica y también soñada, expresada en el libro de Francesco Colonna, Hypnerotomachia Poliphili (1499), sin duda el libro impreso más bello del Renacimiento.

Imágenes venecianas de la mujer

La exploración de la pintura veneciana en torno a la belleza culmina con la que se realiza en torno a la de la mujer. Obras fundamentales de Palma el Viejo, Tiziano o Veronés desarrollan la idea dentro del género del retrato femenino idealizado, que se prolonga también en el de la pintura mitológica en obras que tienen a Venus, la diosa de la belleza, como protagonista. Es el caso de las telas de Lambert Sustris, Venus y Cupido, y de Venus y Adonis de Veronés, que se muestra con su pareja, Céfalo y Procris. La presencia del espectacular Rapto de Europa de Veronés, procedente del Palacio Ducal de Venecia, culmina este panorama con una de las pinturas más importantes del Renacimiento.

A medio camino entre la imagen de la belleza de la mujer y la pintura de devoción, la iconografía de la Magdalena fue una de las más practicadas por Tiziano. Se presentan aquí los tres mejores ejemplos existentes del tipo de la Magdalena vestida de este pintor: la realizada para el cardenal Farnesio, del Museo de Capodimonte en Nápoles, una de las pintadas quizá para Alfonso de Ávalos, y la que el propio artista poseía en su estudio en el 255 Desde las orillas del Sena momento de su muerte. Se trata, esta última, de una de las obras maestras de su periodo tardío, de la que la leyenda dice que Tiziano murió abrazado a ella.

El brillo del poder

La creación de la belleza que caracteriza la pintura veneciana tuvo una especial importancia desde el punto de vista de la imagen del poder. En esta sala la cuestión se expone desde dos puntos de vista. El primero es el del “brillo” del poder militar a través del reflejo pintado en las armaduras como vestidura propia del soldado, con ejemplos capitales de Carpaccio y Tiziano. El espectador debía de quedar fascinado ante obras de este tipo por la habilidad del artista en captar la fugacidad del brillo sobre el metal, algo técnicamente muy difícil. El segundo punto de vista se centra en la importancia representativa del palacio del noble, ejemplificada en su arquitectura y su decoración pintada a través de dos casos: la colaboración de Tiziano y Giulio Romano en el Palazzo Te de Mantua, y la de Palladio y Veronés en el palacio de Iseppo da Porto en Vincenza.

Pastorales venecianas

Los Idilios de Teócrito y la Arcadia de Sannazaro constituyen la base literaria del último campo que queremos desarrollar como expresión de la creación de belleza por parte de la pintura veneciana. Una naturaleza bella e idealizada es el ambiente para pastorales de contenido mitológico, como los casos de las pinturas de Sebastiano del Piombo, Lorenzo Lotto, Palma el Viejo y otros. Pero también lo es para rodear el mundo de la devoción, como sucede en la pintura de Dosso Dossi o en la maravillosa Virgen con el Niño, santa Catalina y un pastor, pintada por Tiziano para el duque Alfonso I d’Este en las etapas iniciales de su carrera. Las magníficas escenas pastorales de 256 Desde las orillas del Sena

Jacopo Bassano muestran una imagen más real del entorno natural acorde con los intereses agrícolas del patriciado véneto afincado en “tierra firme”, que encontró en las villas de Palladio su mejor expresión arquitectónica.

El ocaso del Renacimiento

La técnica de la pintura veneciana, que despreciaba el dibujo para centrarse en el color y la pintura de “manchas”, llevaba en sí el germen de su autodestrucción. Buena parte de los autores que desarrollaron ese concepto de belleza idealizada que hemos visto en las salas anteriores en torno a los temas de la melancolía, la música, la mujer, el poder o la naturaleza, concluyeron su carrera con pinturas en las que el violento claroscuro o los “crueles borrones” alcanzaron un protagonismo total, hasta el punto de discutirse hasta el día de hoy si, en el caso de Tiziano, se trata de obras terminadas o no. La sala se plantea como una discusión en torno a este asunto, y a su confrontación con obras tardías de Tintoretto, Jacopo Bassano y Veronés. El dramatismo de temáticas como la de la pasión de Cristo, unido a la autoconciencia de un momento que se vio a sí mismo como “ocaso del Renacimiento” y fin de una época, hicieron el resto.

Destrucción de la pintura

El rey Felipe II fue el mayor aficionado al arte de Tiziano de todo el siglo XVI. Su colección fue la más importante, además, en lo que se refiere a obras del último periodo del maestro, como demuestran las existentes en el Museo del Prado y en el monasterio del Escorial. De las conservadas en este último lugar, el dramático Cristo crucificado, menos conocido del público y culminación de esta exposición, es una obra maestra de su etapa tardía y paradigma de lo que llamamos “destrucción de la pintura”. 257 Desde las orillas del Sena

FICHA DE LA EXPOSICIÓN:

Título: El Renacimiento en Venecia. Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura.

Organizador: Museo Thyssen-Bornemisza.

Sede y fechas: Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza, del 20 de junio al 24 de septiembre de 2017.

Comisario: Fernando Checa Cremades, catedrático de Historia del arte de la Universidad Complutense de Madrid.

Dirección del proyecto: Mar Borobia, jefe del Área de Pintura Antigua del Museo Thyssen Bornemisza.

Comisaria técnica: María Eugenia Alonso, conservadora de Pintura Antigua del Museo Thyssen Bornemisza. Número de obras: 88.

Publicaciones: Catálogo con textos de Fernando Checa Cremades, Augusto Gentili, Carlo Corsato, Thomas Dalla Costa, Piero Boccardo, Bernard Aikema, Santiago Arroyo, Matteo Mancini y cronología de Maria Eugenia Alonso. Guía didáctica y publicación digital en la app Quiosco Thyssen.

Museo Thyssen-Bornemisza Dirección: Paseo del Prado, 8. 28014, Madrid. Salas de exposiciones temporales, planta baja Horario: de martes a viernes y domingos, de 10 a 19 horas; sábados, de 10 a 21 horas.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández. 258 Desde las orillas del Sena

Glosario ilustrado de fortificaciones por Tamara Blanes Martín

París, 27 de mayo de 2017.

Querida Ofelia:

Acabo de disfrutar mucho, leyendo el libro de esa encantadora y culta cubana que es Tamara Blanes Martín. Pero, quién mejor que la autora, para hablarnos sobre su libro:

“El glosario ilustrado de fortificaciones, concebido con 328 términos y 100 dibujos a mano alzada, tuvo como antecedente apoyar el libro de esta autora titulado Fortificaciones del Caribe, publicado por la editorial Letras Cubanas en el año 2001. En esta edición fueron seleccionados 126 términos y 40 dibujos que fueron esenciales para familiarizarse con el contenido del libro; en esa fecha, el resto del glosario estaba en proceso.

Para rescatar la integridad y conservar la autenticidad de estos valiosos monumentos es preciso conocer su evolución y 259 Desde las orillas del Sena las características formales y conceptuales que se generan en cada período histórico, por ello se deben identificar las diferentes tipologías de la arquitectura militar y de sus elementos constructivos. Desde el punto de vista metodológico, estos aspectos son importantes de conocer ya que las tipologías tienen determinadas particularidades que, si se tienen de ellas un conocimiento previo, llegado el caso de haberse perdido parte de sus elementos constructivos, pueden salvarse; o si existen y no se conocen, corren el riesgo de perderse durante acciones de consolidación y/o restauración en dichos inmuebles. Por esas razones, este material de consulta está dirigido en especial a los equipos multidisciplinarios que trabajan en labores de conservación y restauración de las fortificaciones como arqueólogos, historiadores, arquitectos, ingenieros, antropólogos y otros especialistas y técnicos. Además, a los guías de turismo que son los que trasmiten directamente los conocimientos a un público heterogéneo y ávido de conocer la historia y características de estas monumentales edificaciones que a simple vista no muestran la belleza de sus diseños. Los ingenieros militares emplearon rigurosos cálculos matemáticos para levantar las fortalezas cuyos elementos tenían que estar compatibles con el desarrollo de la tecnología armamentista y de las nuevas estrategias empleadas para defender una ciudad. El uso del glosario igualmente es importante para los maestros que deben difundir esta disciplina en las aulas y estimular a los estudiantes a que la estudien por sus valores históricos,

260 Desde las orillas del Sena estéticos, culturales y patrimoniales. Esto contribuiría a formar futuros talentos para su preservación. La arquitectura militar es compleja si la comparamos con otras tipologías de caráctercivil, doméstica, religiosa o industrial. Basta mencionar las siguientes terminologías comunes como: «sanitario o retrete», «patio», «balcón», «pasillo», «escalón», “ventana» y otra infinidad de términos, que pueden ser identificados fácilmente en cualquiera otra tipología arquitectónica mencionada arriba. Sin embargo, en las fortificaciones adoptan un nombre y una función diferente. Si seguimos el orden deestas palabras diríamos: «común o necesaria», «plaza de armas», «garita», «pasadizo», «banqueta» y «casamata». Se añade la diversidad de elementos defensivos que únicamente son empleados en las fortificaciones, como saeteras, almenas, parapetos, troneras, baluartes, contraguardias, revellines, medias lunas, redientes, y otra buena cantidad de términos que solamente en un manual de este tipo o un diccionario de arquitectura militar, puede explicar su magnitud. Y por otra parte, la variedad de tipologías como reductos, baterías, hornabeques, fortines y polvorines, entre otras. Se torna más compleja la arquitectura militar cuando se trata de definir palabras tan elementales como «fortificación», «fortaleza», «fuerte» y «castillo»; en sentido general tienen la misma significación excepto la última que tiene sus particularidades. En ocasiones, si leemos la literatura de siglos anteriores sobre este tema rápidamente

261 Desde las orillas del Sena se evidencia las contradicciones entre los clásicos tratadistas de la arquitectura militar y los ingenieros militares cuando identifican una fortificación; con frecuencia estos últimos hacían caso omiso de las distinciones de algunas tipologías. Por eso se pretende que el glosario ilustrado de fortificaciones pueda esclarecer esta particularísima arquitectura y que sea un instrumento válido para elevar su conocimiento y garantizar la salvaguarda de tan relevante patrimonio cultural. Es imprescindible señalar lo siguiente: 1) Este material contempla fundamentalmente los términos arquitectónicos y en menor medida incluye otros elementos que de una forma u otra han repercutido directamente en la fortificación en determinadas etapas, o forman parte obligada en esta edificación de carácter militar como son las principales técnicas y materiales de construcción. Existen valores agregados de carácter utilitario como son las cureñas, las armas de fuego y las embarcaciones cuyo desarrollo hacen posible transformar gradualmente a la arquitectura militar y a la poliorcética. 2) Los términos escritos en español fueron traducidos al francés y al inglés. Algunos se les hicieron la observación que devenían de palabras árabes y del francés. A pesar de las dificultades idiomáticas, se espera que pueda beneficiar a un sector de profesionales que trabaja en esta disciplina y que de una forma u otra tiene que asumir aquellos dos últimos idiomas como lenguas oficiales.

262 Desde las orillas del Sena

3)Los ejemplos mostrados están enfocados en las fortificaciones de España y del Caribe porque en esta región España depositó un fuerte dispositivo militar para proteger a sus principales puertos comerciales, desde el siglo XVI hasta el siglo XIX; también, por la transferencia de esquemas constructivos europeos que fueron adaptados magistralmente a una región con sus particularidades geográficas y estratégicas.

4) Se trató de utilizar un lenguaje claro y sencillo que, apoyado con las ilustraciones, se pudiera tener una adecuada comprensión del tema; y por otra parte, se seleccionó una bibliografía básica y accesible al piede cada término para posibilitar una consulta más profunda. Mi agradecimiento a Hilda Magadán, autora de los dibujos que han ilustrado los principales términos del glosario y a David Delgado, del Centro Nacional de Conservación, Restauración y Museología, del Ministerio de Cultura de la República de Cuba. A José María Ezquiaga, Gemma Peribáñez Ayala, Javier Barros Guerton y Elena Royo González, por el asesoramiento en la traducción y apoyo incondicional del equipo de Ezquiaga. Arquitectura, Sociedad y Territorio S.L., con sede en Madrid, España. A Philippe Bragard, profesor de arquitectura y urbanismo de la universidad Católica de Loavain y vicepresidente de ICOFORT, que ayudó con la traducción de algunos términos

263 Desde las orillas del Sena al francés en tiempo record y de igual manera a Milagros Flores, presidenta de ICOFORT. A Sarah León López, profesora infatigable que ayudó con la traducción al inglés. A Germán Segura García que, como conocedor del tema militar, auxilió en la revisión de esta edición con admirable profesionalidad. Y por último, un sincero y profundo agradecimiento a Carmen Fusté Bigorra, presidenta de la Asociación Amigos del Castillo de Montjuïc, de Barcelona, que ha hecho posible la publicación de este modesto glosario.”Tamara Blanes Martín

La Asociación de Amigos del Castillo de Montjuïc, es una organización sin ánimo de lucro fundada en 2005, declarada de Utilidad Pública en 2010 por la Generalitat de Catalunya, miembro activo del Comité Científico Internacional de ICOMOS sobre Fortificaciones y Patrimonio – ICOFORT (International Scientific Committee on Fortifications and Military Heritage) desde 2013, cuyo principal objetivo, es lograr el acercamiento de la ciudadanía al Castillo-Fortaleza de Montjuïc, además de preservar el valor universal de la Fortaleza-Castillo de Montjuïc y todas las fortificaciones en los términos de autenticidad, integridad y gestión del bien propuesto.

Tamara Blanes Martín. Licenciada en Historia del Arte, Máster en Conservación, Doctora en Ciencias Técnicos, Investigadora y Profesora Emérito. de la Cátedra regional UNESCO de Ciencias para la Conservación Integral de los Bienes Culturales para América Latina y el Caribe. 264 Desde las orillas del Sena

Se ha especializado en estadios de la arquitectura militar del Caribe, en Rutas Cultuales y en Proyectos de Cooperación para el Desarrollo, con numerosas investigaciones, publicaciones y reconocimientos nacionales e internacionales. Ha sido profesora y conferencista en Cuba, Puerto Rico, Haití, Venezuela, Colombia, Estados Unidos, México, Ecuador, Panamá, España, Italia, Portugal, África y China y ha participado en misiones técnicas como asesora y consultora de ICOMOS-UNESCO en Ecua- dor, Haití, España, Perú y Panamá.Es miembro de la Unión Nacional de Escritores yArtistas deCuba (UNEAC), miembro de número de la Cátedra "Gonzalo de Cárdenas" de Arquitectura Vernácula, de ICOMOS Cuba, del Comité Científico Internacional de Itinerarios Culturales (CIIC) y Coordinadora de América en el Comité Científico Internacional de Fortificaciones y Patrimonio Militar (ICOFORT), de ICOMOS.

Muy gentilmente la autora me dedicó el presente libro con hermosas palabras, por tal motivo no te lo enviaré a San Cristóbal de La Habana como suelo hacer con todos los que leo en español. Te haré llegar otro que compraré. Estoy seguro de que a partir de que lo hayas leído, podrás admirar con miradas diferentes nuestros castillos: Los Tres Reyes del Morro, San Carlos de la Cabaña, de la Real Fuerza, el Torreón de San Lázaro, San Salvador de la Punta, etc.

Glosario ilustrado de fortificaciones. Tamara Blanes Martín. Editorial Galland Books, Barcelona, 2015. © Tamara Blanes Martín para los textos. © Hilda Madagán para las ilustraciones. Diseño y maquetación : Ione Muñoz. ISBN: 978-84-16200-10-8

265 Desde las orillas del Sena

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

266 Desde las orillas del Sena

Completando discursos. Ediciones especiales del Centro de Documentación del MUSAC

Abigail Lazkoz, "Armario con patas", 2017. Cortesía de la artista.

Madrid, 28 de mayo de 2017.

Querida Ofelia:

"Completando discursos" es un proyecto que pretende visibilizar e impulsar la labor del Centro de Documentación del MUSAC. Hasta el 3 de septiembre podrá verse en el Proyecto Vitrinas una selección de ediciones especiales que forman parte de los fondos documentales del museo, entre las que se encuentran libros de artista, libros-objeto, foto-libros, fanzines, carteles, revistas

267 Desde las orillas del Sena ensambladas, etc. Además, con motivo de este proyecto se presenta la página web www.musac.es/centrodocumentación, en la que tienen cabida todos los fondos documentales del museo.

A través de este proyecto se pretende dar cuenta de la importancia y el valor de las fuentes documentales a la hora de conocer e investigar el arte contemporáneo y sus procesos formales o discursivos. Aunque la ‘obra’ sigue siendo el objeto por excelencia en las exposiciones, programaciones y colecciones de los museos; muchos de los matices, procesos, situaciones e interacciones de la creación actual suelen desplegarse más allá de lo que comúnmente se conoce como "obra de arte". Es por ello que para completar los datos y aproximarse a la complejidad del arte se recurre cada vez con más frecuencia a las compilaciones documentales, los archivos, los libros de artista y las publicaciones especiales.

La selección que se mostrará en el Proyecto Vitrinas servirá para conocer la variedad de materiales y de formatos donde los artistas u otros agentes del arte encuentran un espacio para la especulación creativa y discursiva. Estos materiales, que nacieron con la idea de democratizar el arte facilitando su adquisición y difusión -sobre todo a partir de los años 60-, abren incógnitas de cara a su tratamiento documental.

En el caso del MUSAC, es la Biblioteca-Centro de Documentación quien asume el reto de la selección de elementos, clasificación, catalogación y conservación de un catálogo que con motivo de este proyecto recibe un importante impulso y que cada año irá aumentando sus fondos con adquisiciones y donaciones. Tras la muestra, estos materiales serán accesibles al público con petición previa de un día de antelación, cumpliendo así con la

268 Desde las orillas del Sena

misión del museo de facilitar el acceso a los documentos y a la información.

Este fondo se compone de publicaciones de artista (formato libro/revista), libros-objeto, foto-libros, libros digitales, catálogos de artista, arte postal, periódicos, folletos, obras en soportes muy diversos, posters/carteles, recursos electrónicos (CD, disco), libros performance, novelas gráficas, fanzines, panfletos, flyers, etc.; además de colecciones completas y números sueltos de publicaciones periódicas, libros desde los años 60 hasta la actualidad, revistas ensambladas y un largo etcétera.

Entre estos materiales se encuentran, entre otros, carteles de Eulàlia Grau; serigrafías y libros de artista de Dora García; publicaciones del artista Jordi Mitjà; fascículos de "La línea sin fin", de David Bestué y Andrea Valdés; fanzines de la facultad de BBAA de la Universidad Complutense de Madrid; libros, periódicos y CD"s de Antoni Muntadas; el "Diccionario Personal de la Lengua Española" de Isidoro Valcárcel Medina; galletas poéticas de la editorial Delirio; obras de Perejaume, Marcel Dzama, Tracey Emin, Marcelo Expósito, Raimond Chaves, Wolfgang Tillmans, Oriol Vilanova, Antoni Miralda, Wolf Vostell; o fotolibros de Joel Sternfeld, Paul Graham, Alberto García Alix y Roni Horn.

Página web del Centro de Documentación

Con motivo del proyecto "Completando discursos" se pone en marcha el espacio web www.musac.es/centrodocumentacion, que alberga el catálogo del Centro de Documentación y en el que se pueden consultar las fichas catalográficas de todos los elementos, con su descripción, tanto física como analítica.

269 Desde las orillas del Sena

La web tiene un sistema de búsqueda centrado en seis de los campos que conforman la descripción de cada elemento: autor, país, año, editorial, materia y categoría. Este sistema de búsqueda también permite establecer diferentes relaciones entre registros y se podrán visualizar las vinculaciones existentes entre los diferentes documentos y las obras de la Colección MUSAC.

Archivos y compilaciones documentales

En esta presentación del Centro de Documentación no podrían faltar las compilaciones documentales y archivos variados entre los que se encuentran el Fondo documental A UA CRAG; el Archivo Documental de Artistas de Castilla y León (ADACYL); el archivo "Feminismos León", el Archivo "La Voz de mi Madre", el archivo de “Agencia de desmontaje el Archivo de "Colonia Apócrifa", el archivo "Joan Brossa" o el archivo "David Iturregui".

Título del proyecto:Completando discursos. Ediciones especiales del Centro de Documentación.Fechas: 20 de mayo - 3 de septiembre de 2017. Lugar: MUSAC. Proyecto Vitrinas.

Actividades en relación a la exposición: - Taller de artista: 'Estrategias de la postverdad. Archivos y documentación’, por Rosell Meseguer. 30 de junio - 1 de julio de 2017. - Presentación del número 1 de la revista "LabOla". Con la presencia de Alba González, editora y el artista Mario Montoya. 9 de junio, 19:00 h.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández. 270 Desde las orillas del Sena

Le pays sans nom par Anna Moï

Paris le 29 mai 2017.

Comme trouver son chemin et l’amour dans le pays sans nom ? Avec une très grande sensibilité, Anna Moï exprime les émotions et les sentiments dans un pays à l’aube d’un tournant historique.

Elles sont deux écrivaines nées dans le même pays. C’est le Viet- nâm… et ce n’est pas le Viet-nâm. C’est le Pays sans nom. À partir de ce fil, Anna Moï déambule avec Marguerite Duras dans des lieux qui leur sont mythes communs – le passage Éden, le bac, les bungalows, les voitures de légende, le Mékong – revisités de nos jours. En filigrane s’écrit une histoire d’amour avec un homme auquel Anna Moï s’adresse en creux, sans jamais le - nommer.

271 Desde las orillas del Sena

Ce texte, écrit avec toute la malice et la tendresse qui caractérisent son auteure, est un vrai délice pour tous les amoureux de la littérature, du Viet-nâm, d’Anna Moï et de Marguerite Duras.

" Dans un beau recueil de souvenirs, de son pays natal à la Corrèze, l’écrivaine franco-vietnamienne emprunte un sentier parallèle au passé, réel ou romancé, de l’auteure de «l’Amant».Claire Devarrieux, Libération

« Léger et amical, ce livre invente un chemin désirable dans le delta fascinant des œuvres durassiennes. » Fabien Ribery

"Vous adorerez cette balade d'Anna Moï, qui confronte ses souvenirs à ceux de Duras." Femme actuelle

« En français, déambuler signifie simplement : errer sans but précis, selon sa fantaisie » Anna Moï

Anna Moï est née à Saigon (Viet-nâm) en 1955. Styliste et écrivaine, elle vit entre Paris et Hô-Chi-Minh-Ville. Elle a déjà publié, chez le même éditeur, Nostalgie de la rizière et, aux éditions Gallimard, Riz noir et Le Venin du papillon.

Le pays sans nom. Déambulations avec Marguerite Duras. Anna Moï. Roman. © Éditions de l’Aube 2017. 144 pages. 143 x 220. 17€. ISBN : 978-2-8159-2092-6

Publié par Félix José Hernández.

272 Desde las orillas del Sena

Forzar la máquina de Lee Lozano en el Museo Reina Sofía

Lee Lozano. Ream, 1964. Óleo sobre lienzo. 198,1 x 243,8 cm.

Madrid, 31 de mayo de 2017.

El Museo Reina Sofía presenta la primera retrospectiva en España dedicada a la artista norteamericana Lee Lozano(New Jersey, 1930- Dallas, 1999). Bajo el título Forzar la máquina, la muestra exhibe una selección de alrededor de 150 obras entre pinturas y dibujos de diferentes series que van desde 1960 hasta 1972.

La obra de Lozano permite crear un relato que articula temáticas recurrentes y contextos que conformaron su identidad creativa. Con una carrera corta en relación a la de otros artistas, se pueden destacar tres cuestiones que atraviesan su obra. En primer lugar, la sexualidad polimorfacomo eje de una filosofía estrechamente ligada a la emancipación y la insumisión. En segundo, un interés particular por la ciencia y los fenómenos relacionados con la

273 Desde las orillas del Sena energía, que la artista llegó a formalizar en su propia práctica y por último, un empeño constante en fusionar su arte con su vida.

La exposición rastrea la trayectoria de Lozano, que en los años 60 cuestionó todas y cada una de las estructuras impuestas socialmente, zarandeando los presupuestos ideológicos y formales del arte, hasta consumar su retirada definitiva en 1972. En tan solo doce años produjo una obra profundamente provocadora, impregnada del espíritu reivindicativo, libre y desenfadado que acompañó la eclosión de los movimientos civiles y antibélicos de la época. Sus pinturas y dibujos representaban cuerpos abyectos y fragmentados, sencillas herramientas de trabajo transformadas en órganos sexuales, objetos industriales sobredimensionados, formas que seguían las reglas de la progresión matemática y piezas lingüísticas que adoptaban ideas del arte minimalista y conceptual, pero que en muchos sentidos también las subvertían.

1960-1972: Doce años de actividad artística

Tras estudiar filosofía y ciencia en la Universidad de Chicago (1948-1951), la artista compaginó su interés por el psicoanálisis con su formación en arte, graduándose en el Art Institute de Chicago en 1960. En 1961 se instaló en Nueva York y se puso en contacto con Richard Bellamy, que acababa de fundar la Green Gallery, el espacio artístico que impulsaría la carrera de artistas como Robert Morris, Donald Judd y Claes Oldenburg. Allí se sumergió rápidamente en la escena artística de Manhattan y, tras participar en algunas muestras colectivas, inauguró su primera exposición individual en la Bianchini Galleryen 1966.

En las primeras obras de Lozano se aprecia la influencia del lado más salvaje del “Monster Roster Group”, un colectivo de artistas que trabajaban en Chicago (Leon Golub, Nancy Spero, 274 Desde las orillas del Sena

Westermann, Oldenburg) y que crearon una obra marcada por el lenguaje de la guerra y de la agresividad animal, un vocabulario característico de la posguerra, revestido a menudo de un estilo figurativo de carácter sexual. Lozano comenzó creando pinturas en las que mezclaba la frenética pincelada de los expresionistas abstractos con una evocadora imaginería basada en la viñeta y en el sexo, cargada de humor sarcástico y agresividad. Sus dibujos de factura infantil, realizados en crayones, carboncillo y lápices de colores, muestran un variado repertorio de objetos cotidianos (cepillos de dientes, pinzas, enchufes, cajas de fusibles, destornilladores, etc.). En sintonía con las conquistas de la vanguardia Pop, la artista se nutre de su entorno próximo, poblando sus dibujos de motivos inconexos procedentes de su estudio. La manera extraña en que éstos flotan en el espacio y el trazo expresionista e impulsivo que casi es una tachadura identifican estas caóticas composiciones reminiscentes del automatismo surrealista. La ligazón entre el cuerpo y la comida, objeto de varios dibujos, evidencia un particular sentido del humor, reforzado por irónicas locuciones. Son imágenes repletas de partes del cuerpo aisladas: bocas con amplias sonrisas, dientes, penes erectos y pechos, agrupadas de diferentes maneras, y en espacios en los que se retuercen creando una sensación de claustrofobia.

A partir de 1962, la artista incorpora a su obra aviones que se introducen en una oreja, salen de una boca o vuelan alrededor de una cabeza. Estos aviones son metáforas que representan la circulación de las ideas y la energía de la actividad creativa. Para Lozano, una obra se conforma de materia o energía. La obra que es materia consiste en "una precipitación, un sedimento, las cenizas de una idea, siempre imperfecta y tarde o temprano desechable". La irreverencia y la provocación deliberadas le sirve para revisar todas y cada una de las instituciones que pautan la conducta social: el matrimonio, la familia monógama, la 275 Desde las orillas del Sena academia, la religión, el negocio del sexo, las convenciones de belleza y la moral prevaleciente. De esta época es la Subway Series(1962), que alude a la cosificación del cuerpo. Inspirados en los anuncios del metro, estos dibujos utilizan el lenguaje de la publicidad, pero el mensaje subliminal que juega con el exceso psíquico del deseo como incitador del consumo se transforma aquí en obsceno y desvergonzado. Particularmente interesante es el dibujo de una máquina de escribir –Sin título, 1962- cuyo teclado resume la poética de Lozano a través de expresivos monosílabos y emoticonos.

El año 1964 marca un punto de inflexión en su producción, tanto en términos de formato e imaginería como de color, que cambia hacia una paleta más austera. En un medio dominantemente masculino como la pintura, los motivos que centran ahora la atención de Lozano (puntas de destornillador, tuercas, grapadoras, martillos, etc.) comparten con la industria un léxico específico (productividad, agresividad y vigor varonil) que apunta a un viraje en la estrategia de la artista y en su adopción de ciertos códigos. Es indudable que Lozano conocía bien la dificultad de hacerse un hueco en un entorno hostil. Esos detalles sobredimensionados de utensilios industriales invaden ahora los primeros planos e imprimen una tensión que sobrepasa los límites del lienzo. Estos objetos de contornos definidos y ambiguos aún retienen una cierta referencia sexual, pero la frialdad de lo mecánico anuncia un giro hacia la abstracción y el minimalismo. Teniendo en cuenta los lazos de amistad que la unían en ese momento a un artista tan activo como Carl Andre, no es de extrañar que las pinturas de Lozano de 1964 recogieran algo del minimalismo de este artista, afín a las pinturas de Lozano tanto en términos de contenido como de ejecución.

A partir de mediados de los 60, la obra de Lozano se vuelve más abstracta y minimalista. Figuras geométricas atraviesan lienzos y 276 Desde las orillas del Sena paneles de margen a margen. La artista utilizaba los colores para provocar emociones, y reflexionaba sobre la idea de las “pinturas de energía” en obras como Big Circle, cuyos segmentos circulares crean efectos ópticos. Una estela surca la profundidad del espacio como lo haría un cohete en ascensión, el recorrido de un arco, la matriz de un círculo o la disolución de la luz en los cuerpos sólidos. Su trabajo se centra ahora en la espacialidad, en un intento por plasmar la cuarta dimensión en esas obras que llevaron a la artista a la conceptualización de su práctica pictórica entre 1969 y 1970. Sus pinturas y estudios perforados se basan en cálculos matemáticos y son un buen ejemplo de su método de trabajo riguroso y preciso.

Lozano empezó en 1967 sus primeros estudios para Wave Series(Serie de ondas, 1969), un conjunto de once pinturas que completó en 1969. Cada una de las once obras que integran la serie se terminó en una sola sesión, y representa una onda electromagnética compuesta por numerosos riachuelos diminutos de pintura aplicada minuciosamente con peines de acero y cepillos de alambre duro. El momento más álgido de su carrera fue la presentación de esta serie en el Whitney Museum of American Art en 1970, todo un logro para una mujer artista en esa fecha y en ese lugar. Había decidido exponer las Wave Series primero en Nueva York y perseveró hasta reafirmarse en un medio especialmente competitivo. Estas pinturas conjugaron ciencia, arte y existencia en una investigación fundamentada en cálculos y formulaciones que giró en torno al fenómeno de las ondas electromagnéticas.

En ese mismo año, Lozano troqueló la parte inferior de una pintura de 1965 e intervino otras dos iniciadas en 1967. Las perforaciones practicadas en Punch, Peek and Feelsiguieron un motivo previamente pintado, mientras que la permeabilidad de Stroke confirió a la pieza un potencial cambiante para operaren 277 Desde las orillas del Sena varias dimensiones. De 1970 data también Sin título, un lienzo de aspecto computacional que rompe la cadencia normalizada de otras piezas mediante la superposición fortuita de dos matrices.

En paralelo a los primeros bocetos para Wave Series, la artista empezó el registro y documentación de acciones cotidianas en sus cuadernos privados, escritos entre 1968 y 1972. Estos documentos dan testimonio del papel dominante que la percepción espacio/temporal desempeñó en su trayectoria vital y artística. Su amistad con Dan Graham, protagonista junto con ella y otros artistas neoyorquinos del giro hacia la desmaterialización del arte, se fraguó en este momento. Es ahora cuando la experimentación conceptual y performativa le llevó a producir una serie de obras llamadas Pieces [Piezas] o “piezas lingüísticas”, que le situaron en la vanguardia del arte conceptual que culminó en la exposición de 1971 Infofiction, celebrada en el Nova Scotia College of Art & Design de Halifax. Estas “piezas lingüísticas” (Grass Piece, No-Grass Piece, Masturbation Investigation, Dialogue Piece, Investment Piece) consistentes en textos manuscritos, parten del seguimiento de instrucciones autoimpuestas hasta derivar en Dropout Piece(Pieza de la deserción, 1970- 1972), su último trabajo que le llevó a romper con todo.

Expo: Lee Lozano. Forzar la máquina.

FECHAS: 30 de mayo de 2017 – 25 de septiembre de 2017. LUGAR: Museo Reina Sofía. Edificio Sabatini, 3ª planta. ORGANIZACIÓN:Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. COMISARIOS: Manuel Borja-Villel y Teresa Velázquez. COORDINACIÓN:Gemma Bayón.

Mis más sinceras gracias al Gabinete de Prensa del Museo Reina Sofía por toda la documentación ofrecida. 278 Desde las orillas del Sena

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

279 Desde las orillas del Sena

Farideh Lashai en el Museo del Prado : Cuando cuento estás solo tú… pero cuando miro hay solo una sombra

Detalle . Cuando cuento estás solo tú… pero cuando miro hay solo una sombra.

Madrid, 30 de mayo de 2017.

Querida Ofelia :

El Museo del Prado y la Fundación Amigos del Museo del Prado presentan, en la sala 66 del edificio Villanueva, Cuando cuento estás solo tú… pero cuando miro hay solo una sombra (2013), la última obra que realiza antes de morir, la artista iraní Farideh Lashai. Una videoinstalación que recoge el mensaje de Goya y lo reinterpreta desde el presente. Se inspira en la serie los Desastres de la guerra, símbolo universal de dolor ante el horror producido por el propio ser humano, la injusticia y el sinsentido de la guerra. Invita al espectador a fijar la mirada sobre las imágenes crudas e inquietantes de estas estampas y a sentirse implicado por ellas.

Para ello, Farideh Lashai manipula cuidadosamente cada grabado extrayendo las escenas y reelaborando los huecos dejados por las figuras. Así deja los fondos como escenarios vacíos y los coloca

280 Desde las orillas del Sena en un rectángulo formado por ocho líneas superpuestas de diez fotograbados cada una. Sobre cada uno de estos fondos se proyectan sucesivamente las figuras que han sido animadas digitalmente a través de un pequeño foco de luz que recorre los grabados al ritmo de la música de un nocturno de Chopin. Cuando el foco coincide con un fondo concreto, se proyecta en él la escena correspondiente que se anima durante un breve instante, tras el cual, la escena desaparece en la sombra mientras el foco prosigue de forma azarosa iluminando nuevos desastres.

Se trata de un relato fragmentario, a partir de las sensaciones producidas por la visión de escenas iluminadas de manera fortuita, que llevan al espectador a fijarse tanto en los fondos como en lo que sucede. Una obra de aspecto sencillo y de enorme complejidad que tiene como referentes la obra de Goya, deconstruida y reconstruida por ella, para reinterpretar una realidad de total actualidad.

La cuidada composición, que yuxtapone el horror de las escenas, el lirismo del ritmo de la luz y la música suave y romántica, tiene un título abierto y poético, inspirado en un fragmento del poema de T.S. Eliot La tierra baldía (1922), que subraya su sentido.

Esta obra se inscribe en el contexto de la obra plástica de los últimos siete años de producción artística de Farideh Lashai, influídos por el lenguaje literario de la autobiografía que escribe en su madurez. Son videoinstalaciones en las que pintura, poesía, teatro, cine, animación, sonido… se funden con naturalidad ampliando sus capacidades expresivas y dando lugar a un lenguaje propio de yuxtaposiciones de capas de significados y diálogos con autores de todos los tiempos.

En este proyecto, adscrito al festival PHotoEspaña, el Museo del Prado ha colaborado con el British Museum, que generosamente 281 Desde las orillas del Sena ha prestado esta obra y la convertirá en la pieza central de una exposición en 2018 en Londres. También se ha contado con la colaboración del Museo de Bellas Artes de Gante, que presentó en su sede entre febrero y principios de este mes, una aproximación diferente a esta conversación entre Farideh Lashai y Goya.

Farideh Lashai mira a Goya en el Museo del Prado

Farideh rescata y actualiza el mensaje de Goya de los Desastres de la guerra con intención de contribuir a preservar sus imágenes del olvido y la indiferencia de nuestros días. A pesar de sus vidas bien distintas, sorprenden ciertos paralelismos en ellas: Goya concibe los Desastres en la España de la segunda década del siglo XIX y Lashai en Irán en la segunda década del siglo XXI; viven guerras fratricidas y de ocupación: la invasión napoleónica (1808- 14) y la guerra de Irán-Irak(1980-88); son testigo de los horrores de la guerra, la opresión posterior y las causas que lo originan; se ven afectados por el sufrimiento de víctimas inocentes y anónimas.; fueron permeables a las ideas de su época a través de su amistad con artistas e intelectuales de su tiempo y en ellos la influencia del teatro fue decisiva; avanzada la vida padecieron enfermedades suscitan en ellos una gran introspección. Ambos, a partir de una radical independencia interior, quieren denunciar y dejar testimonio de la realidad más cruda con la esperanza quizá, de incitar al espectador a que se formule preguntas, dejándole solo ante el propio juicio.

La instalación de esta obra de Farideh Lashai frente a una selección de estampas de los Desastres de la guerra y entre las salas que albergan El 3 de mayo y las Pinturas Negras permite extender la exposición e incorporar las obras maestras pictóricas al conjunto creando así una unidad que abarca el mismo marco cronológico y conceptual de las estampas y se extiende hasta 282 Desde las orillas del Sena

1823 año en el que Goya termina las Pinturas Negras. Permite intensificar el diálogo con Goya iniciado Por Farideh a las puertas de su muerte.

Publicaciones

La muestra está acompañada por una publicación que recoge cuatro ensayos: He custodiado cada cosa dentro de mí de Ana Martínez de Aguilar; Solo una sombra de Venetia Porter, Farideh Lashai: más luz de luna de Catherine de Zegher y La inadmisible afrenta de la guerra de Roberto Toscano. Además, y con motivo de esta muestra, Ediciones Oriente y del Mediterráneo publicará, en el mes de junio, Llegó el chacal, la autobiografía de Farideh Lashai cuya traducción ha sido realizada directamente del farsi por Maryam Esmailpour y patrocinada por la Fundación Amigos del Museo del Prado, con la colaboración del Museo del Prado.

Actividades

El miércoles, 31 de mayo, a las 18.30 h, la comisaria de la exposición, Ana Martínez de Aguilar, impartirá una conferencia titulada Farideh Lashai. Una artista iraní ante Goya.

Y a partir del 1 de junio y hasta el 10 de septiembre, los martes a las 11.30 y a las 16.30 h. se ofrecerán breves explicaciones junto a la obra para situarla en su contexto histórico-artístico y analizar su presencia en el Museo en relación con la colección.

Farideh Lashai

Farideh Lashai (Rasht1944-Teherán 2013) es una de las artistas iraníes contemporáneas más relevantes. Desde joven practica la pintura, la talla en cristal, y la escritura. Recuerda su infancia como un paraíso de selvas frondosas en Rasht, cerca del mar 283 Desde las orillas del Sena

Caspio. Proviene de una familia acomodada de provincias en la que no existe armonía. A partir de 1950, en el colegio de Teherán, se refugia en la literatura que estimula su imaginación y sus sueños románticos. Los acontecimientos políticos, transmitidos por tradición familiar y el conocimiento, a través de su hermano Kourosh, de Mohamed Mosaddeq, símbolo de independencia y libertad, que fue elegido democráticamente y posteriormente depuesto por un golpe militar, forjan su rebeldía, la búsqueda de su identidad, su individualidad e independencia.

A partir de 1962 comenzó una carrera artística en Alemania que no interrumpió hasta su muerte. En Munich estudia literatura, cine y teatro. También conoce a pintores que le introducen en el ambiente artístico. Desde entonces no dejará de pintar y exponer en numerosos países.

En 1964 en la universidad de Frankfurt estudia literatura alemana. Bertolt Brecht será el hito más significativo en la evolución de su pensamiento. En los años 70 estudia artes aplicadas en Viena. Desde mediados de la década anterior comparte estancias entre Alemania y Teherán y se relaciona con círculos intelectuales de carácter revolucionario.

Es encarcelada en la prisión de Qasr entre1974 y 1976, será testigo de la revolución de 1979, de la guerra Irán- Irak (1980- 1988). Se exilia en Estados Unidos entre 1981 y 1984. Vuelve a Teherán donde vive el bombardeo de la ciudad en1986. En 2011 seguirá desde el hospital los levantamientos conocidos como la primavera Árabe, con enorme preocupación por las consecuencias que acarrearía a las poblaciones. A lo largo de su vida desarrolla un profundo sentido de la justicia y de la compasión, el repudio de la violencia, de los dogmatismos y siente una honda inquietud ante la fatalidad del destino.

284 Desde las orillas del Sena

En su madurez escribe su autobiografía Llegó el chacal publicada en 2003. En ella está la clave y el origen de sus obras multimedia de los últimos siete años. En 1989 padece una depresión y a partir del año siguiente luchará contra una terrible enfermedad hasta el final. Sin que disminuya su implicación con los sucesos históricos y su repercusión en los hombres y mujeres afectados. Sin dejar de trabajar muere en Teherán en 2013.

Cinco décadas de dedicación al arte desde su pintura cercana a la abstracción, gestual, lírica y, a menudo, inquietante, hasta que, obligada por la enfermedad, que le impide utilizar pigmentos, influida por la forma literaria que adopta en su autobiografía y gracias a la aparición del video, en los últimos años de su vida, utiliza sus paisajes como fondos donde proyectar animaciones extraídas de escenas icónicas de la literatura, el teatro, el cine o de la pintura misma; metáforas para expresar narrativa y plásticamente, su honda visión de nuestro mundo y su compromiso estético, social y político. En las videoinstalaciones se diluyen las nociones de tiempo, espacio y realidad, en un diálogo entre leyendas y hechos históricos, lugares y sensaciones.

Cuando cuento estás solo tú… pero cuando miro hay solo una sombra, es su última obra.

Farideh Lashai . Cuando cuento estás solo tú… pero cuando miro hay solo una sombra. Comisaria: Ana Martínez de Aguilar. Museo del Prado. Sala 66. Edificio Villanueva. Del de 30 de mayo al 10 de septiembre de 2017.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

285 Desde las orillas del Sena

Cette terre promise par Erich Maria Remarque

Paris le 31 mai 2017.

La Terre promise, le New-York des années 40, Ellis Island… la liberté est là ! Ce magnifique roman, cinématographique, posthume, subjugue par sa puissance et l’émotion ! Sur l’exil :« La liberté ! Sauvons la liberté ! La liberté sauve le reste. » Victor Hugo

« J’ai vu la ville pendant trois semaines devant moi, mais c’était comme si elle avait été située sur une planète inconnue. J’étais dans l’île d’Ellis Island, c’était l’été 1944, et sous mes yeux j’avais New York. »

286 Desde las orillas del Sena

Ludwig Sommer, jeune Allemand pourchassé par les nazis, a enfin rejoint les États-Unis. Son permis de séjour en poche, il part à la découverte de cette terre promise dont les richesses semblent inépuisables. Mais les souvenirs et blessures de la guerre, toujours vivaces, remettent en question la possibilité d’un nouveau départ. Dans cet ultime roman, inédit en France, l’auteur d’À l’ouest rien de nouveau (Stock, 1929) brosse le portrait d’une incroyable communauté d’exilés tout en offrant une réjouissante satire de la société américaine. « Un poignant roman de l’exil. Magnifique chronique de l’émigration. » Le monde des livres

« Une époustouflante et croquignolesque galerie de déracinés » François Guillaume Lorrain, - Le Point

« Une communauté d’apatrides cocasses décrite avec délice et tendresse » Gérard Lefort, les Inrocks

« C'est ‘la Comédie humaine’ retouchée par Billy Wilder, et c'est sidérant d'actualité. Bibliobs

« En 1944, un réfugié allemand fuit l'Europe pour l'Amérique. Le dernier livre, inachevé, du grand Erich Maria Remarque. Une oeuvre somptueuse. »Télérama

« Remarque se fait le savoureux chroniqueur de cette société, mêlant émotion et ironie. » Étienne de Montéty pour Le figaro littéraire

« Magnifiquement traduit par Bernard Lortholary »

287 Desde las orillas del Sena

« Une vitalité et une intelligence peu communes » Grégoire Leménager, L’Obs

« Magistral, humain, poignant. » Daily Telegraph

« Les livres de Remarque sont ce que la littérature allemande a produit de meilleur. » Edward Hilsenrath, auteur du Nazi et le Barbier

« À l'ouest rien de nouveau m'avait beaucoup marqué, Cette terre promise m'a également beaucoup marqué ; cette lutte immuable entre passé, vivaces et douloureux souvenirs, et futur, où règne la découverte et l'espoir mais aussi la question de l'exil et la tentative de recommencer, de revivre. Le tout, dans un New-York, bouillonnant de nationalités différentes - allemand notamment. Un livre somptueux ! » Serge Vessot, Librairie M’Lire, Laval

Erich Maria Remarque (1898-1970) est l’un des auteurs allemands les plus lus au monde. Il s’exile dès 1931 et la nationalité allemande lui est retirée en 1938. Après de longs séjours aux États-Unis où il fréquente le Tout-Hollywood, il finit par rentrer en Europe à la fin de la Seconde Guerremondiale. Cette terre promise. Erich Maria Remarque.Roman. Traduit de l’allemand et postfacé par Bernard Lortholary. © 2017, Éditions Stock. Pour la traduction française. 486 pages. Format :135 x 215 mm. Prix: 23.00 €. Photographie de bande : © Margaret Bourke- White / Time Life Pictures / Getty Images. ISBN : 978-2-234- 08178-9

Publié par Félix José Hernández

288 Desde las orillas del Sena

El Museo del Prado descubre un nuevo título manuscrito por Goya en un dibujo relacionado con la Justicia

Lux ex tenebris. Álbum C, 117 Francisco de Goya Papel verjurado, agarbanzado. Aguada, tinta china, tinta parda. 1812-1814 Madrid, Museo Nacional del Prado

Madrid, 1 de junio de 2017.

Querida Ofelia:

Durante los trabajos de restauración y conservación preventiva de los dibujos de Goya intensificados con motivo de la redacción del catálogo razonado y la exposición que se mostrará en la Fundación Botín, el Museo del Prado ha descubierto, en uno de los dibujos, una inscripción manuscrita del propio maestro que resulta de gran importancia para comprender el sentido del dibujo y su manera de pensar: No a todos conviene lo justo. 289 Desde las orillas del Sena

Este título es una buena muestra de la capacidad de Goya para interpretar la sociedad de su tiempo, en la que las libertades políticas y la justicia que promovió la Constitución de Cádiz no provocaron el mismo entusiasmo en toda la población. Pero también el texto y su dibujo son una muestra de la trascendencia de la obra de Goya, susceptible de adaptarse al paso del tiempo y cobrar actualidad, pues en el fondo, sus composiciones son emblemas del comportamiento y de la esencia del ser humano.

Antecedentes

El dibujo es parte del Álbum C, realizado entre los años de la Guerra de la Independencia y los posteriores de la represión fernandina. Algunos autores han retrasado su fecha final a los años del Trienio Liberal (1820-23) pues los últimos dibujos podrían vincularse al restablecimiento, en 1820, de la Constitución de Cádiz. El Álbum aborda temas muy variados que van desde aspectos de la vida cotidiana, con presencia de numerosos mendigos, a visiones oníricas del mundo de la noche. Un grupo muy cuantioso lo componen los dibujos de condenados por la Inquisición y escenas de la crueldad de las cárceles. Finalmente, otro conjunto notable incide en la crítica a las costumbres de las órdenes monásticas, en la representación de la vida de los frailes, y en el proceso de secularización tras los decretos desamortizadores. Por último hay un conjunto de dedicado a las libertades políticas elaborado bajo el entusiasmo que provocó la proclamación de la Constitución de Cádiz. Es el Álbum numéricamente mayor y el único que ha llegado casi intacto, conservándose en el Museo del Prado 120 de los 126 dibujos conocidos.

Lamentablemente este álbum, como el resto de los que elaboró Goya, fue desmembrado tras su muerte. Fue su hijo Javier el encargado de reorganizar los dibujos en tres álbumes facticios, 290 Desde las orillas del Sena seguramente ya con el objetivo de venderlos. Uno de esos álbumes ingresó en el Museo en 1872 procedente del Museo de la Trinidad. El dibujo cuyo título ha sido descubierto, formaba parte de un álbum encuadernado en piel roja con hojas de papel rosa que contenía 186 dibujos variados pertenecientes a casi todos sus álbumes, desde el de Sanlúcar a los de Burdeos, y que había sido adquirido previamente por el Museo de la Trinidad en 1866 a Román Garreta y Huerta. A finales del siglo XIX las hojas del álbum se separaron para exponer los dibujos en marcos.

En los últimos años los dibujos se han ido separando de los soportes de papel rosa para una mejor conservación, pues la adhesión provocaba grandes deformaciones y abolsamientos. Con esta intervención, realizada por las restauradoras del Museo del Prado María Eugenia Sicilia y Minako Wada, se ha conseguido eliminar las alteraciones anteriormente mencionadas, al tiempo que se ha efectuado una limpieza de los restos de adhesivos así como una hidratación de papel. Estas tareas de restauración y conservación preventiva se han incrementado con motivo de la preparación del Catálogo razonado de los dibujos de Goya que prepara el Museo del Prado con el apoyo de la Fundación Botín. Es precisamente en este momento del trabajo cuando se ha localizado este nuevo texto de Goya, de gran importancia para comprender el sentido del dibujo y su manera de pensar.

El texto descubierto

Los dibujos de sus álbumes, como sus series de estampas, presentan secuencias narrativas o ideológicas que permiten leerlos como un libro. En el caso del Álbum C los textos de Goya aparecen bajo la imagen y pueden ser considerados algo más que un título. Son en realidad un breve comentario que da sentido o explica el dibujo.

291 Desde las orillas del Sena

En el dibujo titulado Lux ex tenebris [Álbum C 117, D-4086] una mujer en el aire con la Constitución de 1812 en sus manos, personifica la Verdad que todo lo ilumina frente a las fuerzas del Antiguo Régimen, representadas en las sombras. Es en el dorso de este dibujo donde se ha encontrado el nuevo texto que comenta el siguiente dibujo del Álbum, No a todos conviene lo justo [Álbum C 118, D-4084]. Este dibujo es el único que no tiene el título escrito bajo la imagen debido a que la composición cubre toda la hoja de papel, motivo por el que Goya lo escribió en el dorso del anterior, enfrentado por tanto a la imagen. Ilustra las reacciones que provoca la llegada de la Justicia como consecuencia de la instauración de la Constitución de Cádiz de 1812. La balanza, que resplandece como un sol que todo lo ilumina, causa admiración y alegría entre sus partidarios, situados a la izquierda, y temor entre sus detractores, a la derecha.

Con gran cariño desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

292 Desde las orillas del Sena

Comme d’habitude par Cécile Pivot

Paris le 4 juin 2017.

Un vibrant témoignage en forme de lettre d'amour !Une femme face à l'autisme de son fils. Un livre extraordinaire. Une émotion infinie !

« Je ne sais, Antoine, ce que tu comprendras de ce récit que je viens de te consacrer, ni même si tu le liras. Je ne crois pas. Tu vas refuser. Je vais insister, te proposer de le lire à haute voix, mais je suis convaincue que tu me diras non et que ce non sera sans appel. Ce sera un mystère de plus à ton sujet. C’est étrange, c’est absurde, n’est-ce pas, d’écrire sur quelqu’un qui partage ma vie au quotidien, mon fils, qui jamais ne me dira ce qu’il en pense, là où je me suis fourvoyée, où j’ai été de mauvaise foi, où je me suis donné le beau rôle ou au contraire

293 Desde las orillas del Sena le mauvais, où j’ai exagéré les faits, édulcoré la réalité, omis un détail qui n’en était pas un. Mais tu es là, tout près de moi, si loin et si proche à la fois, et ces pages sont pour toi, avant tout. Un jour, peut-être, auras-tu envie de découvrir ce qui se cache derrière Comme d’habitude et jugeras-tu alors, à juste titre, que je t’ai souvent mal aimé. Mais tellement aimé, aussi.

Ce jour-là, tu seras capable d’entendre ce message : « Lorsque tu n’y arrives plus avec nous, que tout est trop difficile, incompréhensible, retourne dans ta citadelle pour y reprendre des forces, barricade-toi le temps nécessaire, mais reviens parmi nous. Rapproche-toi des bienveillants. Fuis les autres. Cela ne devrait pas être trop compliqué pour toi, qui détectes comme personne la moquerie ou le mépris dont tu peux être l’objet. Ne te laisse pas faire, bats-toi, fais entendre ta voix. »

Ce conseil est valable pour toi comme pour tous tes compagnons autistes. Sans lui, vous ne vous en sortirez pas. Le monde des « gens normaux » vous laissera végéter dans votre coin, ne fera rien pour vous accueillir. »

Comme d’habitude est la lettre d’amour d’une mère, Cécile, à son fils de 22 ans, Antoine, qui lui raconte ce qu’a été leur vie à tous les deux, depuis leurs débuts. Cette petite enfance incompréhensible où Cécile savait que quelque chose n’allait pas et ne parvenait pas à se faire entendre, ce jour où les mots « troubles autistiques » ont été posés par un médecin, enfin, et puis la vie d’après le diagnostic, les erreurs, les joies, les colères, les fous-rires.

Cécile Pivot parle, par séquences et à travers les scènes les plus marquantes de leur histoire commune, de ce que c’est qu’être une mère d’enfant autiste, mais aussi une femme, et une femme

294 Desde las orillas del Sena active, et la mère d’autres enfants, de ce que c’est qu’aimer un enfant quand il est difficile de vivre ensemble.

C’est un récit que Cécile porte en elle depuis longtemps : dès les premières années d’Antoine elle a pris des notes, et de ces bribes éparses elle a décidé l’année dernière de tirer la substance pour écrire ce livre.

Plus qu’un témoignage, Comme d’habitude est un texte où les qualités littéraires viennent rehausser l’émotion suscitée par le récit, sans jamais l’appuyer. Un livre vibrant.

"Cécile Pivot, ma fille, 57 ans après mon premier livre L'Amour en vogue, publie le sien, Comme d'habitude. Le même éditeur Calmann-Lévy. C'était pour moi le roman enjoué d'amours impossibles, c'est pour elle le récit émouvant de 21 ans de vie commune avec son fils autiste. D'une belle écriture fluide, elle raconte l'incompréhension, les luttes, les douleurs, les joies aussi, d'un amour contrarié et très fort", Bernard Pivot, président de l'académie Goncourt.

« Un récit qui donne envie d’aimer plus que tout. » Marc Levy

Cécile Pivot a étudié au CFPJ. Elle est journaliste, a travaillé à Maison française comme Secrétaire générale de la rédaction et Rédactrice en chef adjointe. Rédactrice en chef Maison Française-Magazine.Depuis novembre 2015 Journaliste indépendante, Groupe Altice Media.Elle a été correctrice au "Le Papotin", où les journalistes sont des autistes qui ont entre 15 et 35 ans.

Comme d’habitude. Cécile Pivot © Calman-Lévy, 2017. Collection Documents, Actualités, Société.198 pages 16,50 euros. 21,5 x 13,5 cm. Conception graphique de la couverture : 295 Desde las orillas del Sena

Constance Clavel. Illustration : © Krasimira Petrova Shishkova / Trevillon Images. ISBN 978-2-7021-6094-7

Publié par Félix José Hernández.

296 Desde las orillas del Sena

Artishow, le plus chaleureux des cabarets parisiens

Paris le 4 juin 2017. Le cabaret Artishow a su garder, depuis 2002 une ambiance formidable. Son atmosphère ? Unique! Pascal Papazian et son équipe vous accueillent en toute convivialité. La soirée n’est pas 297 Desde las orillas del Sena

agréable, elle est exceptionnelle. Bravo ! Il faut découvrir le temps d’une soirée le célèbre Artishow.

Les cabarets font toujours la légende de Paris. Loin des maisons à touristes, l’Artishow cultive, un esprit beaucoup plus convivial et mutin. Sûrement parce que c’est d’abord une affaire de copains, plus que de commerce. En 2002, Pascal, Xavier, avec Jean-Yves et Mamita, abandonnent leurs respectables professions de médecin, libraire, garagiste et restaurateur, pour ouvrir un cabaret transformiste. Un pari osé !

Leurs revues, aussi irrévérencieuses que drôles, créent la nouveauté en ajoutant aux figures classiques du genre (Véronique Sanson, Piaf, annie Cordy, Céline Dion, Chantal Goya…) des icônes pop-rock rares au cabaret (Nina Hagen, Amy Winehouse, Christine and the Queens, les Spice Girls, Kylie Minogue, etc.).

Chaque transformation s’appuie sur un jeu de comédien et une gestuelle parfaitement maîtrisés, dans la pure tradition de l’onnagata japonais.

Xavier Barboteu, qui signe la mise en scène, montre aussi de grandes aspirations littéraires et cinématographiques. Pour une soirée décidément pas comme les autres.

Interview de Pascal Papazian, artiste et créateur du cabaret :

Bon Monsieur Papazian, présente-moi en quelques mots votre cabaret -Le cabaret, qui existe sous sa forme actuelle depuis 2002 est le fruit de 20 ans d’expérience dans le domaine du spectacle et de la

298 Desde las orillas del Sena restauration. Par passion, quatre amis venus d’horizon différents (médecin, garagiste, libraire et restaurateur) ont tout quitté pour vivre l’aventure “Artishow”,.. Plus de 200 000 spectateurs plus tard, on peut parler d’une vraie réussite! C’est un cabaret transformiste ? -L’Artishow Cabaret est bien plus que ça ! Nos revues réussissent une synthèse parfaite entre la comédie, le théâtre, la danse, le transformisme et même les arts clownesques. Le tout porté par une régie lumière et son jamais vue dans un tel lieu ! Justement, s’muse-t-on à l’Artishow ? -Sur ce plan, ce sont nos clients qui en parlent le mieux ! Notre site internet, dans sa rubrique “commentaires” est particulièrement éloquent : “ambiance extraordinaire, du rire et encore du rire” ; “Irrévérencieux et drôle ! Salle pliée de rire ! Humour débridé ! Overdose de bons mots”; “Beaucoup d’humour, de légèreté. On passe une soirée formidable”… Des témoignages de ce genre se comptent par dizaines ! Le spectacle que vous présentez n’est-il pas un peu vulgaire ? -C’est le principal préjugé avant de découvrir l’Artishow. Les nombreux articles de presse parus depuis 10 ans (Le Figaro, Le Point, Télérama, Le Pariscope…) sont unanimes sur ce plan : jamais vulgaire, toujours professionnel. Ici, nous bannissons la vulgarité, le mauvais goût et la facilité. Et les repas ?

-Longtemps considéré comme le parent pauvre des dîners spectacles, le repas est déterminant pour la réussite de la

299 Desde las orillas del Sena

prestation. Nous offrons un repas original élaboré avec des produits de première qualité. Dans ce domaine, notre passé de restaurateur est un gage de garantie.

Quel est votre public ?

Nous nous honorons à être un lieu “tout public”. Nous recevons, chaque année, plus de 8 000 aînés, plus de 50 comités d’entreprises, plus d’une centaine de repas de sociétés. Les dimanches midis, en déjeuner spectacle, sont l’occasion pour les familles de se réunir pour un moment festif. On a même vu cinq générations d’une famille autour d’une même table et notre doyen a pu apprécier l’Artishow à l’âge de 103 ans…

« Professionnel et jamais vulgaire… »Télerama. « La soirée à ne pas manquer » Le Point « Une soirée pétillante »Pariscope “Un humour fou…”Le Figaro «We had a blast… »Las Vegas Magazine “Ca veut le détour…” La Tribune « Un spectacle hyper pro et une ambiance chaleureuse. Une immense gentillesse en salle. Car ici, les danseurs-chanteurs- transformistes assurent le service de l’entrée au dessert. » Grazia « …Dans la plus pure tradition du cabaret parisien d’antan , l’Artishow séduit le palais avec délicatesse et tenue… dans un cadre exceptionnel tout comme l’est le prix… la fête des sens dans un endroit qui mérite d’être mieux connu et mieux apprécié. Qu’on se le dise… » Europe 1 300 Desde las orillas del Sena

« Essayez l’Artishow, un cabaret transformiste qui se situe dans le même esprit, avec des imitations de Juliette, Y. Horner, B. Bardot, etc. … Le tput dans une ambiance très familiale. De bon goût. » VSD Le Nouveau spectacle Génération Artishow, depuis le 24 novembre 2016, The best of and more. Plus de 200 000 spectateurs. L’Artishow, le plus chaleureux des cabarets parisiens, idéal pour les séminaires, mariages, pacs, repas d’affaires, soirées de fin d’année, arbre de Noël, Fête des Mères… Diner spectacle « Les cinq étoiles » : 119 euros. Diner spectacle « Le luxe VIP » : 169 euros. Diner spectacle (promotions événements à certaines dates) : 99 euros. Spectacle seul : 52 euros. Déjeuner spectacle (certains midis) : 68 euros. Infos Pratiques : Artishow Cabaret, 3 Cité Souzy, 750011. Paris. Tél. 01 43 56 04. Métro : Rue des Boulet . Publié par Félix José Hernández.

301 Desde las orillas del Sena

« Génération Artishow » Quinze ans de bonne humeur festive !

Paris le 25 mai 2017.

Ne vous attendez pas ici à un spectacle cabaret, transformiste traditionnel. L’Artishow, c'est plus que ça !

Vous pénétrez alors dans un univers baroque et gothique où le spectacle est partout (dans l’assiette, avant, pendant et après le show, pendant l’entracte…) et où la technologie moderne est au service des artistes.

« Génération Artishow », conçu pour le 15éme anniversaire, est un véritable conte de fées qui mêle les Arts et les genres : danse, cirque, cabaret, burlesque, humour, chant... Alors qu'ils auraient pu se contenter d’un Best Of, ce tour de force met en lumière les icônes gays : anciens numéros emblématiques réactualisés (chanteuses populaires : Chantal Goya, Nana Mouskouri…), nouveautés (chanteuses branchées : Sia, Christine and the Queens...), mais aussi numéros humoristiques et tableaux chorégraphiés. L'ADN de L’Artishow, condensé en deux heures, dépoussière et renouvelle le genre !

302 Desde las orillas del Sena

Un voyage poétique, onirique et esthétique qui appelle à la rêverie, à la contemplation, mais aussi à la réflexion car la force du spectacle est de proposer plusieurs lectures. De par son aspect engagé (contre la différence, l'homophobie...), militant (acceptation, assumation...) et homoérotique (beaucoup de clins d’œil et de connotations gays), « Génération Artishow » est la preuve qu'une culture gay existe !

Pascal/Framboise et Xavier/Pétunia vous attendent pour répandre leur bonne humeur festive de soirées thématiques comme « La Fête Des Mères» (samedi 27 Mai 20H & dimanche 28 Mai 12H30 & 20H), les soirées « Anniversaire » (mercredi 14 & jeudi 15 Juin 20H), les célèbres soirées « Plage » (vendredi l4 juillet & lundi 14 Août 20H)...

Cabaret Artishow. 3 Cité Souzy. Paris 75011. Réservations : 01 43 48 56 04. Site Internet : www.artishowcabaret.com Facebook : Cabaret Artishow

Interview de Thierry Calmont avec Pascal / Framboise (« La culture gay est universelle ! ») et Xavier / Pétunia (« La star c’est le spectacle ! »). Tribu Move Magazine. N° 212 / Mai 2017.

Publié par Félix José Hernández.

303 Desde las orillas del Sena

Retrato de Felipe III por Velázquez, en el Museo del Prado

Felipe III. Velázquez. American Friends of the Prado Museum, donado por William B. Jordan

Madrid, 5 de junio de 2017.

Querida Ofelia:

El Museo del Prado presenta, en la sala 24 del edificio Villanueva, antesala de la gran galería central, la incorporación en depósito a sus colecciones del Retrato de Felipe III de Velázquez, descubierto y donado el pasado año por William B. Jordan a American Friends of the Prado Museum.

Esta donación y depósito en el Prado contribuye a completar el discurso de Velázquez como retratista real, ya que se trata de una pintura inédita para la investigación y que permitirá arrojar luz sobre una de las obras capitales del comienzo de la etapa cortesana del pintor, La expulsión de los moriscos. 304 Desde las orillas del Sena

Para esta primera presentación pública de la reciente donación, el Museo ha decidido exponerla en uno de sus espacios más emblemáticos, el corazón de su colección permanente, junto a Felipe II ofreciendo al cielo al infante don Fernando de Tiziano, cuya restauración acaba de concluir, incluyendo también excepcionalmente en el mismo las obras Felipe III de Pedro Vidal y Felipe IV con armadura y El infante don Carlos de Velázquez con el fin de crear un contexto que permita entender mejor la efigie de Felipe III y las razones de su atribución a Velázquez.

Con el fin de dar a conocer mejor la obra y su exposición, el donante y descubridor de la misma, William B. Jordan, impartirá una conferencia el próximo miércoles a las 18.30h en el auditorio.

Retrato de Felipe III, Velázquez

La atribución de esta obra a Velázquez descansa sobre tres pilares: el análisis estilístico, sus características técnicas y su relación con La expulsión de los moriscos.

La obra tiene significativas afinidades con los retratos reales que hizo Velázquez entre 1627 y 1629, como Felipe IV de pie: el uso de las sombras para modelar el encuentro del cabello y la piel, la organización expresiva del rostro a través de una trama de sutiles puntos de luz (ojos, nariz, etc…), el modelado de la boca y su entorno, con los labios construidos mediante delicadas variaciones en la intensidad del carmín, y el mentón con un ligero hundimiento. Esas características se alejan del estilo de los retratistas de Felipe III, como se aprecia en la comparación del boceto con el Felipe III de Vidal.

Los análisis técnicos revelan usos comunes a los de Velázquez entre 1623 y 1629, como el empleo de una imprimación oscura, una técnica parecida para encajar los perfiles de la figura y un 305 Desde las orillas del Sena tipo de lienzo similar a los de esta época. La comparación con El infante don Carlos permite apreciar un tipo de fondo similar, en el que se juega con los tonos rojizos de la preparación, matizados por toques oscuros, que van creando una superficie de cierto dinamismo.

Felipe III y La expulsión de los moriscos de Velázquez

El lienzo de Felipe III es una obra inédita, cuyos rasgos estilísticos y características técnicas permiten atribuirla a Velázquez y relacionarla con su Expulsión de los moriscos, pintura realizada en 1627 en competición con Vicente Carducho, Eugenio Cajés y Angelo Nardi. Este cuadro desapareció en el incendio del Alcázar de Madrid en 1734, pero quedan descripciones que demuestran que su protagonista era Felipe III, que se encontraba de pie, junto a una alegoría de España, y apuntando hacia los moriscos, que estaban siendo expulsados Velázquez no llegó a conocer a Felipe III, muerto en 1621, y para hacerse una idea de su rostro acudió a retratos ajenos. Este lienzo sería el ensayo previo que permitió al pintor fijar una imagen del monarca. Esto justifica su carácter abocetado, que habla de él como instrumento de trabajo antes que como pintura con finalidad en sí misma.

La expulsión de los moriscos era la obra a través de la cual Felipe III estaría representado en uno de los espacios principales del Alcázar, el Salón Nuevo. En él estuvo colgado Felipe II ofreciendo al cielo al infante don Fernando de Tiziano cuyas dimensiones y composición fueron tenidas en cuenta por Velázquez al pintar su obra.

Felipe II ofreciendo al cielo al infante don Fernando, Tiziano

306 Desde las orillas del Sena

Este lienzo conmemora dos hechos acaecidos en 1571 de gran significación para Felipe II: la victoria de Lepanto, el 7 de octubre, y el nacimiento de su heredero, el 4 de diciembre.

Felipe II eligió esta obra como representativa de su reinado y la emparejó con la de su padre, Carlos V en la batalla de Mühlberg, también de Tiziano. Desde entonces colgaron siempre juntas y, para su ubicación en el Salón Nuevo del Alcázar, se solicitó, en 1625, equiparar su tamaño al del ecuestre del emperador.

La restauración

La reciente restauración, realizada por Elisa Mora y patrocinada por la Fundación Iberdrola España como miembro benefactor del Programa de Restauración, ha recuperado las calidades del trabajo de Tiziano, pero ha hecho también más visible la intervención de Carducho, particularmente enfática en el desarrollo arquitectónico. Tras esta presentación, el lienzo se exhibirá ocultando al visitante la ampliación de Carducho.

La primera de las restauraciones conocidas a la que fue sometida esta obra fue en 1857 y es posible que se forrara. Casi un siglo después, en 1953, figura en el libro de registro del AMNP que los restauradores Martín Benito y López Valdivieso trabajaron en esta obra “Tiziano Victoria de Lepanto. Sentar color, restaurar, limpieza y repaso”.

La actual restauración comenzó en enero de 2016 y se concluyó en mayo de 2017 y, dadas las especiales características de esta pintura, tanto por su tamaño cómo por su estado de conservación, ha sido de gran complejidad.

Tras las pruebas realizadas en el gabinete de documentación técnica y en el laboratorio químico, se comenzó la restauración 307 Desde las orillas del Sena con la limpieza de la suciedad superficial y la eliminación de los barnices oxidados y los repintes realizados en anteriores intervenciones.

Esta limpieza, que dejó al descubierto antiguas pérdidas, grietas, desgastes y viejos estucos, se realizó en fases progresivas hasta llegar a descubrir el original de Tiziano, y su característica técnica pictórica. Tras la limpieza de dos grandes pérdidas reparadas en el pasado con injertos quedaron visibles entre la mesa y el brazo izquierdo del rey.

Los añadidos realizados por Carducho se encontraban dañados y repintados sobre todo en la zona izquierda del cielo. Después de eliminar estos duros repintes, quedaron a la vista importantes pérdidas y zonas desgastadas. Los pigmentos azules utilizados por Carducho, de diferente naturaleza y peor calidad que los usados por Tiziano, envejecieron de forma distinta y se han alterado, dejando patente la intervención de este artista, como se aprecia en la calza del turco. Finalizada la limpieza se procedió al sentado del color en las zonas que mostraban fragilidad y en las que, debido a las costuras, tenían irregularidades.

En las pérdidas de capa pictórica de mayor tamaño se reprodujo la textura de la tela con moldes de silicona para lograr la vibración del lienzo característico de Tiziano. La reintegración de las faltas y los desgastes se hizo primero con acuarela y, una vez cubiertas las lagunas y barnizada la pintura con resina natural, se finalizó el ajuste del color.

Aprovechando la intervención en la pintura se ha restaurado el marco dorado que ha guarnecido la obra hasta ahora.

Conferencia 7 de junio, miércoles. 18.30h. Auditorio 308 Desde las orillas del Sena

La expulsión de los moriscos: una obra maestra perdida de Velázquez . Willian B. Jordan. Historiador del arte

Los primeros seis años de la vida de Velázquez en la corte española fueron de los más agitados de su vida, y también los menos estudiados hasta ahora. El descubrimiento de un boceto inédito para el famoso cuadro perdido La Expulsión de los moriscos ha motivado que el historiador — que se ha especializado durante toda su vida en los años 1620-30 — investigue de nuevo sobre el legendario concurso entre los pintores del rey para pintar esta obra. La investigación ha dado como resultado un conocimiento más profundo de la política artística de la corte en aquellos años y sobre el proceso creativo del artista.

Para asistir a las conferencias es necesario recoger una entrada en las taquillas 1 y 2, desde 30 minutos antes del comienzo de la conferencia. El miércoles será gratuita al coincidir con el horario de gratuidad del Museo.

Velázquez, Retrato de Felipe III. Donación de William B. Jordan a American Friends of The Prado Museum. Sala 24. Edificio Villanueva.

Con gran cariño y simpatía desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

309 Desde las orillas del Sena

Arte, diseño y moda de Sonia Delaunay en el Museo Thyssen- Bornemisza

Photographie de Sonia Delaunay portant corsage et chapeau en raffia, ombrelle, Madrid, 1918.

Madrid, 7 de junio de 2017.

Querida Ofelia:

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta este verano Sonia Delaunay. Arte, diseño y moda, la primera muestra en solitario en España de esta artista, con la que se pretende destacar no sólo su importante papel como pintora de vanguardia, sino también la exitosa aplicación de su ideario artístico a la vida cotidiana. Su obra puramente pictórica se exhibirá en las salas junto a libros y escenografías teatrales, diseños publicitarios, de interior y de moda, telas y vestidos, reuniendo más de 210 piezas procedentes de instituciones públicas como el Centro Pompidou, la Biblioteca Nacional de Francia, el Museo de la Moda de París o el Museo Reina Sofía, y de colecciones privadas. La exposición, que cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid, se une así a las 310 Desde las orillas del Sena tendencias historiográficas que han revisado recientemente su trayectoria para demostrar el carácter multidisciplinar de su obra, que le permitía explorar diversos soportes y técnicas más allá de la pintura.

Nacida en Ucrania en una modesta familia judía, Sonia Delaunay (1885-1979) fue acogida por sus tíos maternos de San Petersburgo cuando era tan sólo una niña, de quienes recibió una educación cosmopolita. Comenzó su formación artística en 1904 en Karlsruhe (Alemania) y dos años después la continuó en París. Para no abandonar Francia, contrajo matrimonio de conveniencia con el marchante alemán Wilhelm Uhde, en cuya galería expuso por primera vez en 1908. Gracias a él conoció a artistas de vanguardia como Picasso, Braque y el propio Robert Delaunay, con quien se casó en 1910, tras divorciarse de Uhde.

A partir de entonces, el intercambio artístico entre ambos sería constante, aunque, ya desde los comienzos de su relación, Sonia se diferenciaría de su marido por compaginar los pinceles con las agujas de bordar, la decoración de interiores o el diseño de moda, convirtiéndose en una artista multidisciplinar, interesada en plasmar el lenguaje vanguardista sobre los más variados soportes, con vivos colores y técnicas diversas que recuerdan sus orígenes rusos.

Hacia 1912, la pareja se orientó hacia la abstracción y defendió los fundamentos de un nuevo arte que negaba los medios tradicionales y reposaba sobre el poder del color, lo que llevó a Robert Delaunay a desarrollar la teoría del simultaneísmo, un neologismo extraído del tratado sobre el contraste simultáneo de los colores de Eugène Chevreul, que establece que las tensiones y las vibraciones ópticas que genera la relación entre colores complementarios sugieren el movimiento conforme al modelo rítmico de la danza y la música. Los Delaunay asociaban el 311 Desde las orillas del Sena simultaneísmo a la vida moderna y al desarrollo urbano, y querían llevarlo a todos los ámbitos posibles.

París era, para ellos, la ciudad simultánea por excelencia y se convirtió en su fuente de inspiración, en el lugar en el que empezaron a analizar el impacto de la luz sobre los colores. Pero fue en Madrid, en 1917, donde sus experimentos por trasladar el ideario del simultaneísmo a la vida cotidiana dieron el paso definitivo a la escena pública. En la capital española, Sonia no solo comenzó sus colaboraciones con las artes escénicas, sino que inauguró una boutique en la que vendía sus creaciones de moda y de interiores. Esta etapa madrileña, de la que se cumplen ahora 100 años, supuso para ella un momento de gran experimentación y libertad que marcaría todo su desarrollo artístico posterior, a partir de la década de 1920 y ya de regreso en París. La exposición quiere reivindicar esos años de Madrid como un hito fundamental en su carrera, por lo que este periodo ocupa el capítulo central de la muestra, con un recorrido organizado en cuatro apartados cronológicos que incluye también las etapas inmediatamente anterior y posterior a su estancia en España.

Primeros años de París

A comienzos de la década de 1910, lo simultáneo designa las actividades de Sonia Delaunay, que pinta y confecciona objetos y prendas de vestir que responden a esta nueva estética colorista: una colcha de cuna para su hijo es el primer objeto calificado como simultáneo, al que siguen una caja de juguetes pintada, encuadernaciones de libros, objetos cotidianos y vestidos cosidos a base de trozos de tela. Sus experimentos vanguardistas se mezclan con influencias de las artes populares rusas. Sus primeras creaciones revelan la búsqueda de un arte total e ilustran su voluntad de conseguir que la estética del simultaneísmo llegue a la cultura popular. El piso de los 312 Desde las orillas del Sena

Delaunay, donde se reúnen los domingos artistas e intelectuales, es el primer espacio donde se exhiben estas creaciones simultáneas, como si fuera una galería de arte. Sonia se reafirma en su intención de abordar sin distinción todos los soportes, considerando equiparables y dignas de ser expuestas todas las expresiones artísticas. Así lo hizo, por ejemplo, en el famoso Salón de Otoño de Berlín de 1913, donde expuso pinturas, proyectos de carteles, encuadernaciones y objetos domésticos junto a obras de Robert Delaunay, Marc Chagall, Max Ernst, Lyonel Feininger, Franz Marc o Paul Klee, entre otros.

En este contexto, en el que moda, pintura y vanguardia están estrechamente ligadas, nace el “vestido simultáneo” como una forma de acercar al público el nuevo lenguaje visual. Los Delaunay se visten con sus creaciones y convierten salones de baile, como el parisino Bal Bullier, en laboratorios en los que experimentar con el simultaneísmo, en un primer intento de renovar la estética urbana a través del color. Con su provocadora asociación de color y mezcla de tejidos, causan sensación y se convierten en “reformadores de la manera de vestir”, según Apollinaire.

En esta época Sonia firma cuadros que están entre sus obras más importantes, pero sobre todo expone, junto a la pintura de Robert, objetos simultáneos. En la sala se mostrarán óleos como Le Bal Bullier de la Colección Merzbacher (1913), Contrastes simultáneos (1913) y Prismas eléctricos nº 41 (1913-1914), carteles publicitarios para las marcas Zénith y Dubonnet (1914) y diseños de moda, incluyendo el vestido y el chaleco simultáneos, realizados en patchwork en 1913. También se presentará un ejemplar de La prosa del Transiberiano y de la pequeña Jehanne de Francia (1913), una de las obras maestras de la vanguardia literaria y pictórica, compuesta a cuatro manos por el poeta Blaise Cendrars y Sonia Delaunay, y en la que por vez primera se 313 Desde las orillas del Sena funden poesía y pintura. Se trata de un desplegable vertical de dos metros de largo que se lee a la vez que se contempla: a los versos libres de Cendrars responden los dibujos de Delaunay, un entrelazado de formas y colores que evoca el avance del viajero en un tren.

Primera estancia en Madrid y Portugal

La Primera Guerra Mundial estalla mientras la familia Delaunay se encuentra de vacaciones en España por lo que, a finales de 1914, deciden instalarse en Madrid. Les fascina la luz de la ciudad, que les lleva a alcanzar un momento clave en sus investigaciones en torno al color. Aislados de la vanguardia, buscan inspiración entre los maestros clásicos y Sonia se inscribe en 1915 como copista en el Museo del Prado. Sus lienzos y vestidos simultáneos para el Bal Bullier dan paso a un interés por el arte popular, los cantantes y bailarines de flamenco, donde se puede reconocer un cierto retorno a la figuración. En el verano de 1915, son invitados por un grupo de artistas futuristas instalados en Vila do Conde, un pequeño pueblo en el norte de Portugal, y deciden trasladarse allí durante un tiempo. Aun así, Sonia sigue inspirándose con frecuencia en España, como puede apreciarse en obras como Gran flamenco (1915-1916) y Pequeño flamenco (1916), que se expondrán en las salas junto a varios dibujos, acuarelas y diseños realizados en esta época.

Segunda estancia en Madrid y el arte total

Madrid es el corazón de la exposición. Su paso por la ciudad supuso un gran giro en su carrera al conseguir poner en práctica la idea de que el simultaneísmo llegara a todos los ámbitos de la vida. Con el triunfo de la Revolución de Octubre en Rusia, en 1917, Sonia dejó de recibir las rentas familiares que le habían

314 Desde las orillas del Sena permitido una estabilidad económica hasta entonces y decide llevar a la esfera pública sus creaciones.

En la capital española, el matrimonio Delaunay coincidió con Serguéi Diághilev, refugiado también en España, y Sonia empezó a colaborar en el diseño de escenografías y vestuario para los Ballets Rusos, una relación que marcaría el inicio de la estrecha vinculación con el mundo de las artes escénicas a lo largo de toda su carrera. En este capítulo se exhibirán algunos de sus figurines y diseños de decorados para la representación del ballet ruso Cleopatra (1918), que creó en Sitges y se estrenó en Londres, así como fotos de la reforma completa que realizó para la conversión del antiguo Teatro Benavente de Madrid en un novedoso teatro- concert, y que se inauguró como Petit Casino en 1919.

“Abro una Casa Sonia de decoración de interiores” -recordaba la artista en sus memorias- “En las casas ricas, en los palacios históricos, mando a paseo los alambicados pastelones, los tonos lúgubres, las mortuorias cursilerías”. La inauguración de este negocio, que también dedicó al diseño de complementos y de moda, supone un hito en la carrera de la artista y es un importante precedente de su intensa dedicación al diseño de interiores, tejidos y prendas de vestir a partir de la década de 1920.

Recortes de periódicos y fotografías de la época permiten reconstruir este periodo en las salas y reivindicarlo como un momento decisivo en su carrera, a la vez que se acompañan de una selección de bocetos de moda y una chaqueta de lino (1928), pintada y bordada, que evoca el espíritu de lo que la prensa madrileña dio a conocer como “el estilo Sonia”.

En estos años en Madrid se relacionaron también con poetas vanguardistas, como Ramón Gómez de la Serna o Guillermo de la Torre. Recién regresada a París en 1921 e imbuida por el 315 Desde las orillas del Sena espíritu dadaísta, la artista decidió decorar las paredes de su casa con poemas de sus muchos amigos poetas, como el mural “abanicopoema” de Gómez de la Serna (1922). En su deseo de rebasar los límites de las artes, también diseñó “vestidos-poema”, de los que se muestran dos bocetos.

Regreso a París

En 1921, los Delaunay regresan a París. La experiencia en España anima a Sonia a vestir a la mujer de la ciudad con los diseños de sus cuadros, como si fueran tableaux vivants (pinturas vivas), y poco después inaugura la Boutique Simultané. En esos años colabora con grupos dadaístas y surrealistas en la producción de proyectos teatrales y cinematográficos, como en la película Le P’tit Parigot (1926), de Le Somptier. En 1925 participa con éxito en una exposición de artes decorativas y comienza a trabajar para unos grandes almacenes holandeses, Metz & Co, una relación comercial que mantendrá hasta la década de 1950.

En este capítulo se destacará su polifacética y versátil manera de enfocar el proceso artístico, ya fuera en lienzos, tejidos, tapices, litografías, escenografías o incluso en encargos murales. Se presentarán una chaqueta (1924), dos vestidos que nunca antes se han mostrado en una exposición (1926), un traje de baño y un conjunto de sombrilla y bolso de playa (1928) junto a varios de sus diseños previos, y el óleo Vestidos simultáneos (1925), en el que la vestimenta de la figura central es similar al abrigo creado para la actriz Gloria Swanson ese mismo año y que también podrá verse en la sala. Todo ello se complementará con fotografías de moda que hizo la propia artista y un vídeo coloreado realizado también por ella para promocionar sus diseños de 1925. Además, se dedicará un amplio apartado a sus diseños textiles para mostrar cómo era el proceso creativo de las piezas, desde el dibujo sobre papel o cartulina al producto final, 316 Desde las orillas del Sena pasando por la correspondencia que mantenía con los almacenes Metz & Co, a los que enviaba muestras de tela y pautas para la producción de sus creaciones.

En 1937 participará, junto a Robert Delaunay, en la decoración de dos grandes pabellones de la Exposición Universal de París, de los que la muestra presenta tres bocetos. La artista evocará en el Pabellón del Ferrocarril su viaje a la península ibérica, demostrando, una vez más, la significativa huella que esta época dejó en ella.

Después de fallecer su marido en 1941, Sonia Delaunay continuó trabajando y colaborando en la promoción del arte abstracto. En 1964, tras la donación de un centenar de obras suyas y de Robert, se convirtió en la primera mujer viva a la que se le honraba con una exposición en el Museo del Louvre.

La muestra se cerrará con tres grandes composiciones abstractas de su etapa final, Ritmo coloreado nº 694, Ritmo color y Mosaico horizontal.

Exposición: Sonia Delaunay. Arte, diseño y moda

Organizador: Museo Thyssen-Bornemisza. Con la colaboración de la Comunidad de Madrid .

Sede y fechas: Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza, del 4 de julio al 15 de octubre de 2017.

Comisaria: Marta Ruiz del Árbol, conservadora de Pintura Moderna del Museo Thyssen Bornemisz.

Número de obras: 214.

317 Desde las orillas del Sena

Publicaciones: Catálogo con textos de Cécile Godefroy, Marta Ruiz del Árbol y Matteo de Leeuw-de Monti; publicación digital en la app Quiosco Thyssen.

Museo Thyssen-Bornemisza, Paseo del Prado, 8. 28014, Madrid. Salas de exposiciones Moneo, planta -1.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

318 Desde las orillas del Sena

Stanze d’artista. Capolavori del ’900 italiano

Massimo Campigli, Le spose dei marinai, 1934, olio su tela

Roma, 7 giugno 2017.

Non solo luoghi ideali bensì stanze reali in cui l’arte della prima metà del Novecento è raccontata da dodici dei suoi maggiori esponenti: Mario Sironi, Arturo Martini, Ferruccio Ferrazzi, Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Carlo Carrà, Ardengo Soffici, Ottone Rosai, Massimo Campigli, Marino Marini, Fausto Pirandello e Scipione.

Stanze d’artista. Capolavori del ’900 italiano, la mostra ospitata dalla Galleria d’Arte Moderna di Roma dal 14 aprile al 1° ottobre 2017, dedica a ciascuno uno spazio esclusivo in cui alle opere sono affiancate le parole degli autori, tratte dai loro diari, lettere e scritti teorici o critici, così da offrire un commento critico quale migliore non potrebbe essere provenendo dalla stessa fonte creativa dei capolavori presentati. 319 Desde las orillas del Sena

Sono Stanze in cui rivivono interi mondi poetici grazie ai capolavori della Galleria d’Arte Moderna e altri provenienti da prestigiose raccolte private, circa sessanta opere di scultura, pittura, grafica tra le quali vengono valorizzati, per la prima volta, i dipinti di Massimo Campigli (Le spose dei marinai, 1934), di Ardengo Soffici (Campi e colline, 1925; Marzo burrascoso, 1926- 27) e di Ottone Rosai (Paese, 1923), rispettando così il criterio della rotazione delle opere, adottato dalla Galleria d’Arte Moderna fin dalla sua riapertura nel 2011, che permette di scoprire ogni volta parti importanti del suo vasto patrimonio artistico.

L’esposizione, alla Galleria d’Arte Moderna di via Francesco Crispi dal 14 aprile al 1 ottobre 2017, è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, a cura di Maria Catalano e Federica Pirani. Organizzazione di Zètema Progetto Cultura.

Attraverso le diverse sale della rassegna si rivela l’intreccio dei linguaggi insieme alla ricchezza e alla complessità dei percorsi degli autori creando illusorie “stanze”, ciascuna dedicata a un artista; inedite letture critiche in un confronto stringente di temi e di anni del Novecento Italiano – con particolare riferimento ai decenni 1920 e 1930 – che concorrono a una rilettura delle opere della collezione capitolina in gran parte già note al pubblico romano anche grazie all’efficace rapporto di collaborazione con un collezionismo privato attento e sensibile.

Mostra Stanze d’artista. Capolavori del ’900 italiano Sironi, Martini, Ferrazzi, de Chirico, Savinio, Carrà, Soffici, Rosai, Campigli, Marini, Pirandello e Scipione. A cura di Maria Catalano, Federica Pirani. Galleria d’Arte Moderna di Roma Via Francesco Crispi, 24. 14 aprile - 1 ottobre 2017. Da martedì a domenica ore 10.00 - 18.30 L’ingresso è consentito fino a 320 Desde las orillas del Sena mezz’ora prima dell’orario di chiusura; lunedì chiuso. Promossa da: Assessorato alla Crescita culturale di Roma - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali .Organizzazione Zètema Progetto Cultura.

Pubblicato da Félix José Hernández.

321 Desde las orillas del Sena

Vivian Maier Una fotografa ritrovata

New York Public Library, New York, 1952 ca © Vivian Maier/Maloof Collection, Courtesy Howard Greenberg Gallery, New York

Roma 7 giugno 2017

Arriva a Roma l’attesissima mostra retrospettiva Vivian Maier. Una fotografa ritrovata che ricostruisce il lavoro fotografico della grande e sconosciuta autrice. L’esposizione sarà ospitata dal Museo di Roma in Trastevere dal 17 marzo al 18 giugno 2017. È promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, prodotta da diChroma Photography, realizzata da Fondazione FORMA per la Fotografia in collaborazione con Zètema Progetto Cultura, e curata da Anne Morin e Alessandra Mauro. 322 Desde las orillas del Sena

La vita e l’opera di Vivian Maier sono circondate da un alone di mistero che ha contribuito ad accrescerne il fascino. Tata di mestiere, fotografa per vocazione, non abbandonava mai la macchina fotografica, scattando compulsivamente con la sua Rolleiflex. È il 2007 quando John Maloof, all’epoca agente immobiliare, acquista durante un’asta parte dell’archivio della Maier confiscato per un mancato pagamento. Capisce subito di aver trovato un tesoro prezioso e da quel momento non smetterà di cercare materiale riguardante questa misteriosa fotografa, arrivando ad archiviare oltre 150.000 negativi e 3.000 stampe.

La mostra presenta 120 fotografie in bianco e nero realizzate tra gli anni Cinquanta e Sessanta insieme a una selezione di immagini a colori scattate negli anni Settanta, oltre ad alcuni filmati in super 8 che mostrano come Vivian Maier si avvicinasse ai suoi soggetti.

Figura imponente ma discreta, decisa e intransigente nei modi, Vivian Maier ritraeva le città dove aveva vissuto - New York e Chicago - con uno sguardo curioso, attratto da piccoli dettagli, dai particolari, dalle imperfezioni ma anche dai bambini, dagli anziani, dalla vita che le scorreva davanti agli occhi per strada, dalla città e i suoi abitanti in un momento di fervido cambiamento sociale e culturale. Immagini potenti, di una folgorante bellezza che rivelano una grande fotografa. Le sue fotografie non sono mai state esposte né pubblicate mentre lei era in vita, la maggior parte dei suoi rullini non sono stati sviluppati, Vivian Maier sembrava fotografare per se stessa. Osservando il suo corpus fotografico spicca la presenza di numerosi autoritratti, quasi un possibile lascito nei confronti di un pubblico con cui non ha mai voluto o potuto avere a che fare. Il suo sguardo austero, riflesso nelle vetrine, nelle pozzanghere, la sua lunga ombra che incombe sul soggetto della fotografia diventano un tramite per avvicinarsi a questa misteriosa fotografa. 323 Desde las orillas del Sena

Vivian Maier. Una fotografa ritrovata presenta al pubblico l’enigma di un’artista che in vita realizzò un enorme numero di immagini senza mai mostrarle a nessuno e che ha tentato di conservare come il bene più prezioso.

Come scrive Marvin Heiferman “Seppur scattate decenni or sono, le fotografie di Vivian Maier hanno molto da dire sul nostro presente. E in maniera profonda e inaspettata… Maier si dedicò alla fotografia anima e corpo, la praticò con disciplina e usò questo linguaggio per dare struttura e senso alla propria vita conservando però gelosamente le immagini che realizzava senza parlarne, condividerle o utilizzarle per comunicare con il prossimo. Proprio come Maier, noi oggi non stiamo semplicemente esplorando il nostro rapporto col produrre immagini ma, attraverso la fotografia, definiamo noi stessi”.

Vivian Dorothea Maier nasce il primo febbraio 1926 a New York, nel Bronx. È figlia di Maria Jaussaud, nata in Francia, e del marito Charles Maier, di origine austriaca. I genitori presto si separano e la figlia viene affidata alla madre, che si trasferisce presso un’amica francese, Jeanne Bertrand, fotografa professionista. Negli anni Trenta le due donne e la piccola Vivian si recano in Francia, dove Vivian vive fino all’età di 12 anni. Nel 1938 torna a New York, città in cui inizierà la sua vita di governante e bambinaia. Il primo impiego è presso una famiglia a Southampton, nello stato di New York. Poi nel 1956, si trasferisce a Chicago per lavorare con la famiglia Gensburg. Verso la fine della sua vita si ritrova in gravi ristrettezze economiche e un giorno viene ricoverata per un banale incidente. Quel ricovero, che doveva essere passeggero, si rivela fatale. Muore il 21 aprile 2009. Nell’arco della sua vita realizza oltre centomila fotografie ma il suo lavoro rimane sconosciuto fino a quando John Maloof lo scopre per puro caso.

324 Desde las orillas del Sena

Vivian Maier Una fotografa ritrovata . Museo di Roma in Trastevere .Promossa da: Roma Capitale - Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, Fondazione Forma per la Fotografia. OrganizzazioneZètema Progetto Cultura. Con la collaborazione diMasterCard Priceless Rome. Media PartnerIl Messaggero. Accompagna la mostra il libro Vivian Maier. Fotografa pubblicato da Contrasto. Catalogo Anne Morin e Alessandra Mauro.

Pubblicato da Félix José Hernández.

325 Desde las orillas del Sena

I Fori dopo i Fori. La vita quotidiana nell'area dei Fori Imperiali dopo l'Antichità

Roma, 7 giugno 2017.

Il più grande “cantiere moderno dell’antichità”. L'area in cui sorgevano i Fori Imperiali, cuore antico della città di Roma e complesso architettonico unico al mondo per vastità e continuità urbanistica, è stata oggetto di un’attività di scavo, studio e ricerca straordinariamente intensa nel corso del tempo. In particolare, gli scavi archeologici realizzati negli ultimi venticinque anni hanno portato alla luce un tesoro prezioso. Il rinvenimento di un’eccezionale varietà di reperti, in alcuni casi unici, ha permesso, infatti, di ampliare le conoscenze sulle vicende del sito nel periodo medievale e moderno. Un contesto storico sicuramente meno noto (e meno rappresentato) al grande pubblico rispetto a quello classico, ma altamente esemplare della continuità insediativa urbana.

Un’interessante e quanto mai diversificata selezione di questi reperti – tra cui ceramiche, sculture, monete, oggetti devozionali e di uso quotidiano –, tra le migliaia recuperati e per la maggior 326 Desde las orillas del Sena parte esposti per la prima volta, racconteranno questi significativi periodi storici all’interno della mostra I Fori dopo i Fori. La vita quotidiana nell’area dei Fori Imperiali dopo l’antichità, ospitata nella suggestiva e quanto mai congeniale cornice dei Mercati di Traiano - Museo dei Fori Imperiali dal 30 marzo al 10 settembre 2017. L’esposizione, promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, è ideata da Claudio Parisi Presicce e Roberto Meneghini e curata da Roberto Meneghini e Nicoletta Bernacchio, con l’organizzazione di Zètema Progetto Cultura.

Come in un viaggio a ritroso nel tempo, gli scavi archeologici hanno riportato alla luce ricchi depositi stratigrafici che si sono accumulati nel corso dei secoli al di sopra dei maestosi resti dei Fori. Qui, già prima del fatidico Anno Mille, erano sorti diversi nuclei di abitato e alcune piccole chiese. Il paesaggio urbano cambiò nuovamente alla fine del XVI secolo, quando nella zona furono avviate operazioni di bonifica dei terreni seguite dalla nascita di un tessuto urbano ordinato: il Quartiere Alessandrino, chiamato così dal soprannome del cardinal Michele Bonelli, che ne promosse la realizzazione. Negli Anni Trenta del secolo scorso il Quartiere, con le sue abitazioni e le sue chiese, fu raso al suolo per l’apertura di via dei Fori Imperiali e la “liberazione” delle strutture di epoca classica. Furono così cancellati, d’un colpo, secoli di storia, di vita, di arte.

La vita quotidiana, insieme alle vicende dei luoghi e delle persone – anche illustri –, sarà ricostruita attraverso 310 reperti archeologici, costituiti da oggetti appartenuti agli abitanti o prodotti nelle botteghe dell’area, e conservati in gran numero nei depositi dei Fori Imperiali ma anche presso altre strutture museali della Sovrintendenza Capitolina (i depositi del Museo dei Fori Imperiali ai Mercati di Traiano e il Medagliere Capitolino).

327 Desde las orillas del Sena

Dopo una parte introduttiva sulle trasformazioni dell’area dei Fori Imperiali dall’antichità alle demolizioni dell’epoca fascista, fino agli scavi del Grande Giubileo, corredata da pannelli didattici e da un video con immagini storiche, inizia il percorso della mostra, sviluppato in 4 sezioni.

La prima, dedicata a Gli oggetti della vita quotidiana, si articola in diverse sottosezioni. In apertura è possibile ammirare una varietà di contenitori in ceramica la cui evoluzione, nella forma e nella decorazione, segue il gusto e la moda dei tempi. A seguire alcuni oggetti di grande interesse rinvenuti all’interno dei pozzi annessi alle abitazioni, tra cui una coppia di brocche del X secolo e una carrucola con il suo secchio, entrambi in legno, utilizzati per attingere acqua da un pozzo addossato alla chiesa di Sant’Urbano al Foro di Traiano e databili all’inizio del Cinquecento. Particolarmente suggestivi sono due tesoretti, probabilmente sotterrati dai loro proprietari, rimasti anonimi: il più antico è stato rinvenuto nel Foro di Nerva e risale al XII-XIII secolo; l’altro, databile al 1550 circa, è stato ritrovato nell’area del Foro di Traiano, con le monete ancora nascoste dentro tre brocche in ceramica. Non mancano le testimonianze degli ultimi abitanti del Quartiere Alessandrino che, allontanati dalle loro case destinate alla demolizione, qui lasciarono, o persero, oggetti minuti come occhiali, bottoni, posate, rasoi e utensili, ritrovati negli strati più superficiali e nei riempimenti delle case rase al suolo. In una vetrina sono conservate memorie del lavoro del Medioevo: resti di ossami animali per realizzare bottoni o pedine da gioco e il raro frammento di uno stampo da orafo, risalente al Duecento e utilizzato per produrre placchette o fibbie in metallo, con la doppia immagine incisa, sui due lati, di un cavaliere e di una figura con tunica, forse un angelo.

Tra XV e XVI secolo almeno tre botteghe di vasai si insediarono nell’area del Foro di Traiano. All’ampio panorama produttivo di 328 Desde las orillas del Sena questa categoria è dedicata la seconda sezione della mostra: I vasai del Rinascimento. Appartenevano a uno di questi artigiani – il cui nome è stato svelato dalle ricerche archivistiche: Giovanni Boni da Brescia – l’abitazione e la fornace per maioliche, ben conservate. Si tratta senz’altro di un ritrovamento eccezionale: lo studio della fornace e della gran quantità di scarti di fabbricazione – che Giovanni aveva sepolto in più punti dell’area e che gli archeologi hanno recuperato dopo cinque secoli – ha restituito numerosi dettagli sul percorso produttivo. Si può dunque curiosare tra strumenti per infornare e forme mal cotte o scartate insieme a prove di disegno su ceramiche non finite e a conti di bottega incisi o dipinti sui recipienti ancora freschi.

La terza sezione propone una prospettiva inedita e curiosa per gli appassionati di arte e storia di Roma, spaziando sul tema de Gli abitanti famosi. Illustri protagonisti della vita culturale e artistica hanno prediletto questa zona e vi hanno fissato la propria residenza, abitando in dimore che le vicende urbanistiche dei tempi più recenti hanno cancellato. Raccontati attraverso pannelli esplicativi e immagini, ecco alcuni di questi: Giotto presso Tor de’ Conti, Michelangelo e Giulio Romano a Macel de’ Corvi, i Longhi e Flaminio Ponzio su Via Alessandrina, i Fontana ancora su Via Alessandrina e presso la Colonna di Traiano, fino a Mario Mafai e Antonietta Raphaël, animatori della Scuola di Via Cavour nel loro attico di Palazzo Nicolini accanto – quasi a chiudere il cerchio – ancora a Tor de’ Conti. E, ancora, quest’area ospitava il giardino di antichità di Joahnn Goritz, prelato e raffinato intellettuale della Roma rinascimentale. A poca distanza, verso la fine del XVI secolo il cardinale Alessandrino fece realizzare la sua ricca residenza, oggi Palazzo Valentini. Ed è su Via Alessandrina che l’antiquario Francesco Martinetti dimorava: in fase di demolizione, nel 1933, gli operai rinvennero, nascosta in un muro della sua casa, una quantità straordinaria di monete e di gioielli antichi, il celebre Tesoro di Via Alessandrina, 329 Desde las orillas del Sena conservato nel Medagliere Capitolino e adesso in parte esposto nel Museo dei Fori Imperiali, eccezionalmente, proprio in occasione di questa mostra.

A chiusura del percorso, la storia dei numerosi complessi religiosi presenti nell’area: la quarta e ultima sezione è dedicata a Chiese e conventi. Il racconto scorre attraverso l’esposizione di notevoli esempi di decorazione marmorea altomedievale contrapposti alla semplicità delle ceramiche conventuali e degli oggetti di vita quotidiana ritrovati in corrispondenza degli edifici sacri. Dal Complesso di Sant’Eufemia provengono, ad esempio, numerose medagliette devozionali, che un’ipotesi suggestiva propone di identificare in segni di riconoscimento applicati alle bambine lasciate nella ruota del Conservatorio delle Zitelle. Questo sorgeva annesso alla chiesa e arrivò a ospitare nel XVII secolo fino a 400 orfanelle: le zitelle, le piccole zite, come erano chiamate le bambine nel dialetto romano del tempo. Dal giardino di Sant’Urbano proviene uno degli oggetti più particolari: una rarissima placchetta di pellegrinaggio raffigurante San Nicola di Bari (XII-XIV secolo). Qui sono state recuperate anche statuine di terracotta che, già nel Seicento e nel Settecento, impreziosivano i presepi delle religiose e oggetti di vita quotidiana come rosari, spille e corredi per il cucito, usati dalle monache. Infine, esemplificativi della decorazione scultorea delle chiese più antiche della zona sono tre interessanti bassorilievi scolpiti con le decorazioni tipiche dell’epoca. A essi si affianca una lastra funeraria frammentaria di ignoto, del principio del XV secolo.

I Fori dopo i Fori. La vita quotidiana nell'area dei Fori Imperiali dopo l'Antichità. Luogo: Mercati di Traiano. Orario: Dal 30 marzo al 10 settembre 2017.Tutti i giorni ore 9.30 - 19.30. La biglietteria chiude un’ora prima. Promotori: Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai 330 Desde las orillas del Sena

Beni Culturali . Ideazione: Claudio Parisi Presicce e Roberto Meneghini. Curatori : Roberto Meneghini e Nicoletta Bernacchio. Con la collaborazione di MasterCard Priceless Rome. Media Partner : Il Messaggero. Organizzazione : Zètema Progetto Cultura .

Pubblicato da Félix José Hernández.

331 Desde las orillas del Sena

Comunicado del CNP Cubanos en el Exilio. Fue llamado por el Señor el periodista César Termes

“Miami, 9 de junio de 2017.

AYER FALLECIÓ EL VETERANO PERIODISTA DEPORTIVO CÉSAR TERMES A LA EDAD DE 94 AÑOS, DE AMPLIA TRAYECTORIA EN LA CRÓNICA DEL SECTOR, GRADUADO DE LA ESCUELA MANUEL MÁRQUÉZ STERLING, MUY JOVEN INICIÓ SU CAMINO POR LOS PASILLOS DEL MÚSCULO, DONDE LABORÓ EN VARIAS PUBLICACIONES EN LA CUBA REPUBLICANA COMO LOS PERIÓDICOS HOY, EL CRISOL Y LA REVISTA CARTELES.

MANTUVO LA CRÓNICA ESCRITA PARALELA A LA ACTIVIDAD EN TELEVISIÓN COMO COMENTARISTA DEL BOXEO AMATEUR, JUNTO A PEPÍN NAVARRO Y A EMILIO MILIÁN, AMBOS FALLECIDOS, ADEMÁS, TRABAJÓ PARA EL CANAL DE TV A COLORES DESDE

332 Desde las orillas del Sena

1957 COMO COMENTARISTA DE BOXEO...FUE J' DE PRENSA DEL PROMOTOR CUCO CONDE. LA TIRANÍA LO SANCIONÓ A 30 AÑOS DE SUSPENSIÓN DE EMPLEO Y SUELDO PORQUE OPTÓ POR UN PUESTO POLÍTICO EN LAS ELECCIONES DE 1958. VIAJÓ A MÉXICO CON LA AYUDA DE CONDE EN 1964 Y POR RECOMENDACIÓN DE ELADIO SECADES, SE ESTABLECIÓ EN EL SALVADOR, DONDE REVOLUCIONÓ EL CONCEPTO DE PRENSA ESCRITA AL CAMBIAR DE MADERA A PLOMO LA EDITORA. EN EL SALVADOR TRABAJÓ EN RADIO Y TV PROGRAMAS PRIOPIOS Y SE DESEMPEÑÓ COMO PRODUCTOR ARTÍSTICO.

AL MORIR SU ESPOSA, VIAJÓ A MIAMI RECLAMADO POR SU HIJO Y COLABORÓ CON VARIAS REVISTAS Y CON EL DIARIO LAS AMÉRICAS.

SU ÚLTIMA TRINCHERA FUE EL COMUNITARIO "YA", AL QUE LE DIRIGÍÓ LA PÁGINA DEPORTIVA.

Q.E.P.D EL VALIOSO PERIODISTA Y AMIGO, QUE INFLUYÓ DECISIVAMENTE EN LA INCORPORACIÓN DEL DEPORTE A L COLEGIO NACIONAL DE PERIODISTAS DE CUBA EN EL EXILIO. CÉSAR PERTENECÍA AL SALÓN DE LA FAMA DEL DEPORTE CUBANO Y AL SALÓN DE LA FAMA DEL BEISBOL PROFESIONAL.

Nuestro Histórico colegio, al que contribuyó a su fundación y unidad absoluta, envían a toda su familia, a sus hijos y demás familiares, nuestro profundo y sincero pésame, por la pérdida irreparable de nuestro único e irrepetible colega; que descanse en Paz y brille para el la Luz perpetua.

333 Desde las orillas del Sena

Funeral hoy de 7 a 12 de la noche: en Funeraria San José en 250 East 4a. avenida en Hialeah

Entierro Mañana sábado a las 11.00 AM

Memorial Park, 6200 SW 77th Ave, Miami Florida

Lic. Salvador Romaní Orúe DECANO

Agradecemos la Colaboración de de nuestro amigo y colega Andrés Pascual.”

Publicado en París por Félix José Hernández. Por este medio expreso mis sinceras condolencias a todos los seres queridos de don César. Al mismo tiempo oro para que descanse en paz por la eternidad muy cerca de Dios.

334 Desde las orillas del Sena

Gea Casolaro. Con lo sguardo dell’altro

Roma, 30 maggio 2017.

Dal 7 aprile all’11 giugno 2017 il MACRO - Museo d’Arte Contemporanea Roma ospiterà la mostra di Gea Casolaro dal titolo Con lo sguardo dell’altro, la più ampia personale finora dedicata all’artista romana che dal 2009 si divide tra Roma e Parigi.

Il titolo della mostra, promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, in collaborazione con The Gallery Apart, rivela uno dei temi più cari all’artista, quello dell’importanza dello sguardo altrui nella costruzione della propria opera, così come nella visione dell’arte e della vita in generale.

Gea Casolaro mette in atto questa riflessione attraverso differenti modalità formali, che mirano a raggiungere un medesimo

335 Desde las orillas del Sena obiettivo: dimostrare la necessaria rimessa in discussione del punto di vista soggettivo, a favore di una visione collettiva e comunque più ampia e complessa della realtà. Emblematico in tal senso è il manifesto A cosa starà pensando la persona accanto a te? (2008) che insieme ad altri poster d’artista fu proposto nelle strade di Bologna alla riflessione dei passanti e che Casolaro significativamente ripropone quale incipit della mostra.

Analogamente, con la serie South, lo spettatore è obbligato a rimettere in discussione la percezione del paesaggio e, al tempo stesso, la propria posizione sulla mappa del mondo. Una serie di bellissimi paesaggi esposti sotto sopra induce a riflettere sulla visione tipicamente occidentale del sud del mondo e sul conseguente indotto di pregiudizi e stereotipi.

Nella serie Sharing Gazes, realizzato con un gruppo di studenti della School of Fine Arts di Addis Abeba, Casolaro si sofferma sulle trasformazioni e contraddizioni dell’avanzare della modernità nella capitale africana. Il progetto esalta il processo creativo collettivo posto in essere da Casolaro, un processo fondato sulla condivisione dell’esperienza visuale di uno spazio e soprattutto sullo scambio dei punti di vista.

Still here, progetto seminale dell’esperienza artistica e personale avviatasi con il trasferimento a Parigi, si basa sulle relazioni tra cinema e realtà quotidiana, tra memoria e identità nelle vie della capitale transalpina. L’artista utilizza lo sguardo fissato in precedenza dai registi sulla Ville Lumière. Attraverso la visione di centinaia di film girati nella capitale francese, a cui si alternano ampi percorsi a piedi in lungo e in largo per i quartieri parigini, Casolaro ha creato la propria memoria di quei luoghi, dotandosi di ricordi non vissuti direttamente ma interiorizzati attraverso le storie dei personaggi dei film, attraverso la visione dei loro autori. 336 Desde las orillas del Sena

Si torna invece al 2003 con il progetto Doppio sguardo, una installazione composta da una serie di fotografie e un video realizzati lungo Calle Florida, la principale strada pedonale di Buenos Aires, all’indomani della terribile crisi economica che sconvolse l’Argentina. Il video è girato in un unico piano- sequenza e fornisce una visione completa ma estremamente rapida di tutto ciò che accade intorno, mentre le foto offrono, al contrario, vari dettagli e spunti di riflessione pur mostrando solo piccole porzioni di paesaggio.

Ancor prima, nel 2001, Gea Casolaro ha operato, attraverso la serie Ricordando… - rappresentata in mostra dal monumentale Ricordando Rousseau - un corto circuito spazio-temporale in cui l’influenza dello sguardo nella quotidianità si va intrecciando con la storia dell’arte e con le tracce che essa lascia nella mente di chi la frequenta, tanto profonde da diventare inevitabili quanto involontarie proiezioni sulla realtà che ci circonda.

Casolaro non cela mai il coinvolgimento del suo personale sguardo, seppure considerato valido quanto quello di qualunque altra persona, non si nasconde dietro la macchina fotografica, anzi accetta le sue responsabilità di artista. Questo coinvolgimento personale traspare da tutta la sua opera, ma diventa ancor più evidente in On the time line (2011), autoritratto in cui l’artista si propone di spalle nella medesima posizione delle figure dipinte nel quadro che lei stessa sta guardando La reproduction interdite di René Magritte, divenendo così parte dell’opera stessa. In ognuna delle opere selezionate per la mostra, Gea Casolaro sottolinea l’importanza della messa in dialogo dei punti di vista tra persone, storie, tempi e culture, per potenziare le nostre capacità di analisi delle immagini, della società e della realtà, in cui ogni frammento, ogni individuo è importante per la sua complementarietà con il resto del mondo.

337 Desde las orillas del Sena

È con questa chiave interpretativa che vanno lette anche le altre opere, i video e il materiale documentario in mostra, come la serie di foto (corredate da un testo) intitolate Autoritratti infiniti (1999), un lavoro nato come autoritratto d'artista per la rivista Artel dove Casolaro ha fatto in modo che in ogni foto ci sia sempre qualcuno che guarda direttamente "in macchina" e quindi, come negli antichi ritratti rinascimentali, direttamente negli occhi di chi guarda, fotografo o spettatore che sia. O ancora, il video Il popolo del castello, significativamente dedicato a Franca Viola, e i due video Fuori da qui - Rebibbia femminile (2005) e Fuori da qui - Rebibbia maschile (2006) dove Gea Casolaro, incontrando le detenute e i detenuti della casa circondariale romana di Rebibbia, ha lavorato insieme a loro con testi, disegni e fotografie per riflettere sulla possibile rappresentazione del "fuori" visto da dentro il carcere.

A completamento della mostra, oltre ad una selezione di cataloghi a disposizione del visitatore nelle apposite cassettiere da esposizione, Gea Casolaro alterna materiale di documentazione con ulteriori opere (Percorsi identitari (2008); Mille storie, una lotta immagine utilizzata per la tessera CGIL del 2010; You are here (and we are stilll here too) del 2008-2009; Cartoline personali, 2003; To feel at home, 2002; Regards tempora ires sur Paris (2014).

Gea Casolaro. Con lo sguardo dell’altro.MACRO via Nizza 138, Roma Orario: da martedì alla domenica ore 10.30-19.30 (la biglietteria chiude un’ora prima). Chiuso il lunedì. Sponsor Sistema Musei in Comune In Collaborazione con MasterCard Priceless Rome Media Partner Il Messaggero Servizi di Vigilanza Travis Group.

Pubblicato da Félix José Hernández.

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Spartaco. Schiavi e padroni a Roma

Roma, 10 giugno 2017.

Il più grande sistema schiavistico che la storia abbia mai conosciuto è quello di Roma antica. Un’intera economia era basata sullo sfruttamento di una “merce” cara e redditizia quanto deperibile: l’essere umano. La società, l’economia e l’organizzazione dell’antica Roma non avrebbero potuto raggiungere traguardi così avanzati senza lo sfruttamento pianificato delle capacità e della forza lavoro di milioni di individui privi di libertà, diritti e proprietà. Basti pensare che stime recenti hanno calcolato la presenza tra i 6 e i 10 milioni di schiavi su una popolazione di 50/60 milioni di individui.

È questo l’argomento che si propone di esplorare la mostra Spartaco. Schiavi e padroni a Roma, ospitata dal Museo dell’Ara Pacis dal 31 marzo al 17 settembre 2017, promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza

339 Desde las orillas del Sena

Capitolina ai Beni Culturali con l’organizzazione di Zètema Progetto Cultura.

L’esposizione è ideata da Claudio Parisi Presicce e Orietta Rossini. La curatela scientifica è di Claudio Parisi Presicce, Orietta Rossini e Lucia Spagnuolo. Ideazione, regia e curatela dell’allestimento visivo e sonoro sono di Roberto Andò, Giovanni Carluccio, Angelo Pasquini, Luca Scarzella e Hubert Westkemper. La curatela della sezione fotografica è di Alessandra Mauro. Produzione audio e video sono a cura di NEO narrative environment operas. Catalogo De Luca Editore.

Grazie a un team di archeologi, scenografi, registi e architetti la mostra restituisce la complessità del mondo degli schiavi nell’antica Roma a partire dall’ultima grande rivolta guidata da Spartaco tra il 73 e il 71 a.C. Divenuto gladiatore, Spartaco fu protagonista della celebre ribellione della scuola di gladiatori di Capua. Raccolse intorno a sé una moltitudine di schiavi, ma anche di poveri e di disperati, che trasformò in un vero esercito, tenendo testa per ben tre anni all’esercito romano. Terrorizzò Roma e il suo establishment, che gli inviò contro le legioni di Crasso, quelle di Pompeo e quelle di Lucullo. Finalmente fu sconfitto e cadde combattendo in armi. Il suo corpo non fu mai trovato, ma 6000 dei suoi compagni di ribellione furono crocefissi sulla via Appia, lungo tutta la strada tra Roma e Capua.

I diversi ambiti della schiavitù ai tempi di Spartaco sono raccontati attraverso 11 sezioni che raccolgono circa 250 reperti archeologici affiancati da una selezione di 10 fotografie. Le opere sono inserite in un racconto immersivo composto da installazioni audio e video che riportano in vita suoni, voci e ambientazioni del contesto storico. Chiudono il percorso i contributi forniti dalla Organizzazione Internazionale del Lavoro (ILO, International Labour Organization), Agenzia Specializzata delle Nazioni Unite 340 Desde las orillas del Sena nei temi del lavoro e della politica sociale, impegnata nell’eliminazione del lavoro forzato e altre forme di schiavitù legate al mondo del lavoro.

I reperti archeologici provengono da 5 musei della Sovrintendenza Capitolina, da molti musei italiani (Museo Civico di Castel Nuovo - Maschio Angioino, Napoli; Fondazione Brescia Musei - Museo di Santa Giulia; Museo Archeologico dei Campi Flegrei, Baia (NA); Museo Archeologico Nazionale, Napoli; Servizio Soprintendenza Beni Culturali ed Ambientali di Messina; Museo Nazionale di Capodimonte, Napoli; Museo Nazionale Romano in Palazzo Altemps, Terme di Diocleziano e Palazzo Massimo; Soprintendenza Archeologica di Pompei; Gallerie Estensi, Modena; Accademia di S. Luca, Roma e alcuni importanti musei stranieri (Musei Vaticani; Galleria Tretyakov, Mosca; Museo del Louvre, Parigi; Museo Archeologico Nazionale, Madrid; Museo Romano - Germanico, Colonia).

Le 10 fotografie – di Lewis Hine, Philip Jones Griffith, Patrick Zachmann, Gordon Parks, Fulvio Roiter, Francesco Cocco, Peter Magubane, Mark Peterson, Selvaprakash Lakshmanan – che affiancano il percorso espositivo, rappresentano altrettante forti denunce visive, realizzate da maestri della fotografia di documentazione, che in tempi recenti hanno voluto osservare con il proprio sguardo e la propria macchina fotografica alcune forme di schiavismo dell’epoca post-industriale e contemporanea. Ancora oggi, infatti, sono circa 21 milioni gli esseri umani che, secondo stime ufficiali, possono essere definiti vittime della new slavery.

Benché la schiavitù sia esistita da tempi remoti in tutte le civiltà, sono stati i romani a dare vita all’organizzazione di un sistema schiavistico capillare sorto a seguito della conquista di intere popolazioni e territori immensi, che funzionarono come bacino di 341 Desde las orillas del Sena rifornimento di manodopera schiavile. Senza gli schiavi, motore silenzioso e quasi invisibile dell’impero, difficilmente si sarebbe sviluppato il latifondo a cultura intensiva, il commercio non avrebbe potuto distribuire merci su scala globale solcando numerose rotte, così come l’industria tessile, le fabbriche dei laterizi, la produzione industriale della ceramica e le imprese estrattive di cava e di miniera non avrebbero potuto far fronte ai consumi delle grandi concentrazioni urbane sorte intorno al Mediterraneo. Persino il settore divertimento e tempo libero – teatro, circo e terme – non avrebbe potuto sopravvivere senza una larga percentuale di lavoro schiavile.

Il percorso si snoda attraverso undici sezioni, a partire da Vincitori e vinti, in cui si racconta l’età delle conquiste e la riduzione in schiavitù di decine di migliaia di vinti in ogni campagna militare; Il sangue di Spartaco, ossia la sconfitta a opera delle legioni di Crasso dei circa 70.000 ribelli guidati, appunto, da Spartaco, episodio che segna la fine sanguinosa delle guerre sociali e sancisce l’ineluttabilità dell’economia schiavile.

La terza sezione è dedicata al Mercato degli schiavi, fiorente in tutto il Mediterraneo e presente nella stessa Roma.

La condizione degli Schiavi domestici è l’argomento della quarta sezione che evidenzia il privilegio, rispetto agli addetti ai lavori pesanti, di chi condivideva quotidianamente la vita negli spazi domestici, godendo, talvolta, addirittura della stima e dell’affetto del padrone.

Nella quinta sezione, Schiavi nei campi, si tratta dell’agricoltura, contesto sicuramente più svantaggiato, per la fatica quotidiana, la presenza di un sorvegliante plenipotenziario e a volte per l’uso delle catene nei campi.

342 Desde las orillas del Sena

Ancora peggiore poteva essere la situazione delle schiave, esaminata nella sesta sezione Schiavitù femminile e sfruttamento sessuale, per le quali la prostituzione era così frequente da renderne necessaria la proibizione per legge. Ciò nonostante, talvolta le schiave-amanti potevano acquisire ruoli di rilievo nella vita familiare.

Esistevano poi i Mestieri da schiavi (settima sezione), alcuni dei quali conferivano ulteriore marchio di infamia, come le prostitute, i gladiatori, gli aurighi e gli attori. Accanto a questi, però, altri mestieri – oggi stimati, come quello del medico e del chirurgo – erano esercitati da schiavi, molto spesso greci, di particolare cultura e abilità.

L’ottava sezione è dedicata agli Schiavi bambini, del cui impiego nell’economia domestica padronale restano molte testimonianze archeologiche. Il loro numero cresce al termine delle grandi conquiste con l’aumento delle nascite tra gli schiavi che vivono stabilmente nelle case dei padroni.

La nona sezione, Schiavi nelle cave e miniere, descrive la condizione di lavoro e di vita cui erano costretti coloro che rifornivano di marmi e metalli preziosi la capitale e gli altri centri dell’impero.

La decima sezione, Una strada verso la libertà, è dedicata alla manumissio, vera e propria occasione offerta dal diritto romano agli schiavi più meritevoli e a quelli che erano riusciti, arricchendosi, a comprare la propria libertà. Si trattava comunque di una pratica diffusa e unica nella storia della schiavitù tanto che gli schiavi liberati, i liberti, potevano divenire a pieno titolo cittadini romani, con tutti i diritti connessi e poche limitazioni, che peraltro scomparivano per la generazione successiva. Con questa logica, paradossale, il sistema schiavistico romano metteva 343 Desde las orillas del Sena in moto un vero e proprio ascensore sociale su base, almeno teoricamente, meritocratica.

L’ultima sezione, Schiavitù e religione, esplora il rapporto della schiavitù con alcuni aspetti del culto ufficiale romano, per poi soffermarsi sugli effetti dell’affermazione del Cristianesimo in età costantiniana.

Spartaco. Schiavi e padroni a Roma. Museo dell’Ara Pacis. Lungotevere in Augusta, Roma .31 marzo - 17 settembre 2017 Tutti i giorni dalle ore 9.30 - 19.30 (la biglietteria chiude un’ora prima). Promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali.Organizzazione Zètema Progetto Cultura. Sponsor Sistema Musei Civici MasterCard Priceless Rome. Media Partner Il Messaggero . Catalogo De Luca Editore. Ufficio stampa Zetema Progetto Cultura Giusi Alessio, Gabriella Gnetti.

Pubblicato da Félix José Hernández.

344 Desde las orillas del Sena

La prima mostra di arte sonora cilena in Europa. Otros sonidos, otros paisajes

Roma 6 maggio 2017.

Dal 5 maggio all’11 giugno 2017, il MACRO – Museo d’Arte contemporanea Roma ospiterà la mostra di sound art “Otros sonidos, otros paisajes”, promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, prodotta dall’Ambasciata del Cile a Roma e da Interferenze New Arts Festival, e realizzata in collaborazione con Tsonami Arte Sonoro.

L’esposizione, che vedrà proposti per la prima volta in Italia i lavori di cinque sound artists cileni, è curata da Antonio Arévalo, critico e curatore, addetto culturale dell’Ambasciata del Cile in Italia, e da Leandro Pisano, curatore, teorico e ricercatore sonoro indipendente, fondatore di Interferenze New Arts Festival e del progetto di residenza artistica sonora e rurale Liminaria.

345 Desde las orillas del Sena

L’esplorazione sonora di paesaggi del Cile, dal deserto di Acatama fino alla regione della Patagonia: è questo il filo conduttore delle installazioni realizzate dagli artisti sonori con l’obiettivo di rileggere e ridare luce, attraverso la prospettiva dell’ascolto, a geografie e storie messe ai margini nel contesto globale. In mostra ci saranno: Fernando Godoy, che ha catturato l’impronta acustica del deserto di Atacama come luogo di sospensione tra passato e futuro; Claudia González Godoy, che ha catturato il rumore del fiume Mapocho, il cui sgocciolio rappresenta il suono dello scorrere del tempo; Sebastian Jatz, il quale ha realizzato un’istallazione sonora costruita secondo i principi dell’arpa eolica; Rainer Krause, che indaga attraverso il suono della voce la connessione tra l’uomo e il territorio in cui vive; Alejandra Perez Nuñez, la cui opera interattiva rappresenta una cartografia sonora della penisola antartica.

Una riflessione sul ruolo sempre più rilevante della sound art all’interno del panorama dell’arte contemporanea ma anche del suono nelle scienze umane e sociali. Attraverso l’arte, il suono emerge come linguaggio e dispositivo autonomo in grado di mettere in discussione paradigmi costituiti, superando un inquadramento puramente musicologico. “Otros sonidos, otros paisajes” rappresenta non solo un momento significativo di incontro culturale, ma anche una stimolante opportunità per riflettere sull’importanza del suono come elemento di forte connessione con gli spazi che attraversiamo e che, grazie alla prospettiva espressa dai cinque artisti coinvolti, fa emergere narrazioni finora rimaste inascoltate.

Otros sonidos, otros paisajes. A cura di Antonio Arévalo e Leandro Pisano. MACRO - Museo d’Arte Contemporanea Roma Studi d’artista, Via Nizza, 138 Orario: da martedì alla domenica ore 10.30 Chiuso il lunedì .Sponsor Sistema Musei in Comune In Collaborazione con MasterCard Priceless Rome. Con il 346 Desde las orillas del Sena

Contributo Tecnico di Ferrovie dello Stato Italiane. Media Partner Il Messaggero. Servizi di Vigilanza Travis Group.

Pubblicato da Félix José Hernández.

347 Desde las orillas del Sena

Libertad de palabra por Timothy Garton Ash

París, 12 de junio de 2017.

Querida Ofelia:

Acabo de leer un libro extraordinario, que recomiendo a todos, pues su tema principal es la Libertad, palabra que como bien sabes, siempre escribo con mayúscula.

En su inmortal obra el Manco de Lepanto pone en boca de Don Quijote las siguientes palabras: "La Libertad, Sancho, es uno de los más preciosos dones que a los hombres dieron los cielos; con ella no pueden igualarse los tesoros que encierra la tierra ni el mar encubre; por la libertad así como por la honra se puede y debe aventurar la vida, y, por el contrario, el cautiverio es el

348 Desde las orillas del Sena mayor mal que puede venir a los hombres."Miguel de Cervantes Saavedra.

El análisis serio y profundo que lleva a cabo Timothy Garton Ash, hacen de este libro una obra fundamental para conocer cómo ese pilar de la Democracia que es la Libertad de expresión, puede y es utilizado por muchos.

Basta recordar las palabras escritas por el más universal de los franceses: “La libertad, la libertad. ¡Salvemos la libertad! La libertad salva lo demás. » Víctor Hugo

La libertad de expresión nunca ha tenido tantas oportunidades como en la actualidad: gracias a internet, todos podemos propagar cualquier idea y alcanzar una audiencia potencialmente millonaria. Pero tampoco ha sido nunca tan fácil expandir los males de la expresión ilimitada: intimidaciones, graves violaciones de la privacidad o difusión de falsedades e incitaciones al odio que pronto adquieren un carácter viral.

Timothy Garton Ash, experto conocedor de las dictaduras y la disidencia política, argumenta en estas páginas que, en nuestro mundo conectado —la nueva Cosmópolis—, la combinación de libertad y diversidad implica disponer de más y mejor libertad de palabra. En un planeta dominado por las divisiones culturales, ¿cómo encontrar formas civilizadas de estar en desacuerdo? Garton Ash dirige un proyecto global online — freespeechdebate.com—, en el que invita a reflexionar sobre los conflictos relativos a la libertad de palabra: desde la censura orwelliana en China hasta la controversia acerca de las caricaturas de Mahoma en Charlie-Hebdo; desde la detención de periodistas incómodos con el poder o la persecución de los activistas pro derechos humanos hasta los riesgos que conlleva el imperio de las grandes empresas tecnológicas. 349 Desde las orillas del Sena

“Un manifiesto necesario sobre la libertad de expresión y los nuevos retos de la comunicación en la era digital.” Casadellibro.com

“Si mi padre regresara a la Tierra, quedaría asombrado al descubrir que tenemos esta cajita mágica en nuestro bolsillo desde la que acceder a tanta información y difundir cualquier idea al instante.”Timothy Garton Ash. El País

Timothy Garton Ash (Reino Unido, 1955) es historiador y politólogo, autor de nueve libros sobre el declive de los regímenes comunistas europeos y otras «historias del presente» entre los que destacan, publicados por Tusquets Editores, El expediente, Historia del presente, Mundo libre y Los hechos son subversivos. Profesor en las universidades de Oxford y Stanford, Garton Ash colabora regularmente en medios como The New York Review of Books, The Guardian o El País. Libertad de palabra ha sido seleccionado por The Economist como uno de los mejores libros de 2016.

Libertad de palabra. Diez principios para un mundo conectado. Timothy Garton Ash.Título original: Free Speech. Ten Principles for a Connected World. © de la traducción: Araceli Maira Benítez. Tusquets Editores, S.A. 1ª edición abril de 2017.Colección Ensayo. 624 páginas. 15 x 22,5 cm.24,90 euros. Rústica con solapas. ISBN : 978-84-9066-398-1

Felicito a Tusquets Editores por haber tenido la feliz idea de editar el presente libro. Te lo enviaré para que lo disfrutes y lo hagas circular después entre nuestra familia y amigos.

Un gran abrazo desde estas lejanas tierras allende los mares,

Félix José Hernández. 350 Desde las orillas del Sena

Una soirée de Las Mil y una Noches en el Mazazic de París

Restaurante Cabaret Mazazic de París.

París, 11 de junio de 2017.

Querida Ofelia :

Ayer pasamos una soirée excelente en el Restaurante Cabaret Libanés Mazazic. Un verdadero oasis oriental en pleno corazón de París, a pocos pasos de la célebre Place de la Nation. Posee una capacidad para 250 personas, cómodamente sentadas en las mesas alrededor de la pista, que sirve para el bello espectáculo de danzas orientales, interpretaciones de hermosas canciones - que muchos de los asistentes cantaban al unísono con los intérpretes - y también para el baile.

Llegamos a las 12 p.m. y fuimos atendidos por solícitos y elegantes camareros durante toda la soirée, la cual estuvo

351 Desde las orillas del Sena acompañada por la música en vivo: egipcia, tunecina, marroquí, etc. La decoración azul, rojo y verde, la cena que comenzó con una espectacular bandeja de frutas mediterráneas y tropicales, y el ambiente festivo del cual pudimos disfrutar plenamente, nos hizo recordar las magníficas vacaciones que hemos pasado en: Túnez, Marruecos, Egipto, Turquía, Dubai, Abu Dabi, Omán, Palestina, etc.

Tuvimos la oportunidad de charlar con el elegante Monsieur Zaki Nabil, egipcio propietario de Mazazic, desde su fundación en 1992. Él nos presentó a varios de los artistas que participaron en el espectáculo. Nos contó que también posee en Egipto El Yotti Restaurante – Cairo.

Mazazic se especializa en fiestas especiales para las celebraciones de: bodas, Navidad, Noche Vieja, etc.

La cocina fue deliciosa, a continuación te reproduzco el menú:

Menu dîner-spectacle 70 euros / personne

Apéritif au choix Vin ½ bouteille rouge, rosé ou blanc

Entrée Assortiment de mezzes Libanaises : fatayer, samboussek, kébé, taboulé hommos, motabal falafel, arayes

Plat Grillades mixtes : kofta, kastaleta, brochettes de viande, shish-taouk. 352 Desde las orillas del Sena

Dessert Plateau de fruits

Café ou thé

Le grand Mazazic ! https://www.facebook.com/cabaretmazazic/videos/10154759565 450649/ https://www.facebook.com/cabaretmazazic/ https://www.facebook.com/cabaretmazazic/videos/vb.40145006 5648/10154760609440649/?type=2&theater

A las 5 y 30 a.m. nos despedimos de las tres parejas de simpáticos tunecinos con las cuales habíamos conversado durante la soirée y de ese caballero que es MonsieurZaki Nabil.

Creo que el gran Hemingway tuvo mucha razón cuando escribió: “París es una fiesta…”

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz con gran cariño y simpatía,

Félix José Hernández.

Mazazic. Dîner Spéctacle. Spécialités Libanaises 210, Rue Fbg. Saint Antoine. 75012. Paris. Tél.: 01 43 48 86 58 - 01 43 48 41 30 - Fax: 01 43 48 31 10 [email protected] 353 Desde las orillas del Sena

*El Yotti Restaurante – Cairo. 44 Mohy El Din Aboul Ezz- Mohandessein. Teléfonos: 74 94 944 – 76 03 682

354 Desde las orillas del Sena

Un fils parfait par Mathieu Menegaux

Paris le 14 juin 2017.

Ce récit de Mathieu Menegaux est superbement écrit, c'est un cri de révolte contre les aberrations de la justice. Un 2 ème très beau

355 Desde las orillas del Sena roman, tout aussi passionnant que le précédent. Je le conseille fortement.

« Tant qu’il y aura des hommes, le monstre du mal ne sera jamais dompté. »REINE MALOUIN, Princesse de nuit (1968).

« Si je vous écris aujourd’hui, Élise, c’est pour poser la première pierre de ma reconstruction. Je veux mettre un terme définitif à cette épouvantable parenthèse de douze ans de vie commune avec Maxime. Votre fils unique. Vous l’avez couvé, chéri et soutenu à chaque étape de sa vie. Moi j’ai été folle de lui. J’ai découvert l’amour avec lui. Plus dure fut la chute, et ce fut le cas pour vous comme pour moi. Vous pleurez sur son sort aujourd’hui, c’est votre rôle de mère. Vous l’avez défendu, préservé et vous continuez, de toutes vos forces, de vouloir le protéger. Je suis votre ennemie, celle par qui le malheur arrive. Vous pensez que tout est ma faute. Vous me maudissez et votre époux servile a lancé à mes trousses cette meute que vos moyens vous permettent de mobiliser. Vos chiens ne me retrouveront jamais, Élise. Dites-le à Henri. Je n’aspire plus à rien pour moi désormais, si ce n’est au silence, à l’harmonie et à la paix. Rappelez vos dogues. Si vous ne le faites pas pour moi, faites-le pour vos petites-filles, qu’elles aient enfin droit à une vie décente et préservée. Tout comme vous, j’accomplis mon devoir de mère : je me dois de les défendre, quel que soit le prix à payer. Vous ne connaissez que la version de Maxime. À vos yeux je suis une névrosée, déprimée, possessive, hystérique et paranoïaque, une menteuse manipulatrice, une folle aussi furieuse que dangereuse. Une bête si féroce qu’elle ne connaît pas la pitié, à abattre sans délai.

Il y a souvent deux versions à une histoire. Je vous livre la mienne, Élise. Lisez-la, et je vous laisse juge de qui est victime, qui est agresseur, qui est une bête et qui mérite une exécution sommaire. La justice des hommes a failli, je n’ai pas de preux chevalier qui pourrait me représenter au combat dans un jugement de Dieu à l’ancienne. Je n’ai que mon histoire, à 356 Desde las orillas del Sena

laquelle personne n’a cru, qui a été tant raillée, travestie et déformée. En vous l’écrivant aujourd’hui, je me donne l’occasion d’enfin la reprendre, depuis le début, sans être interrompue par un petit lieutenant de police suspicieux, un magistrat pointilleux ou un psychologue douteux. Je doute que vous aurez la force de la lire jusqu’au bout, mais je crois que je m’en fous. Je l’écris autant pour moi que pour vous. Faites-en ce que vous voudrez, Élise. Partagez-la avec Henri, ou pas. C’est votre choix. C’est votre conscience. C’est votre problème. Mais une chose est certaine : vous ne pourrez plus jamais affirmer : « Je ne savais pas. »

Maxime, enfant unique d’Élise, a tout du fils parfait : brillantes études et carrière fulgurante ; c’est un mari aimant comme un père attentionné. Un jour, sa femme Daphné va découvrir la faille dans ce tableau idyllique. Le conflit est inévitable : il sera sans merci.

Jusqu’où une mère doit-elle aller pour protéger ses filles et faire valoir ses droits, alors que personne n’accepte de la croire ?

Inspiré d’une histoire vraie, Mathieu Menegaux nous livre ici le récit du combat d’une mère contre la machine judiciaire.

« Un appel de détresse magistralement orchestré, qui saura redonner un tant soit peu d’espoir, de répit, à qui aurait vécu, de près ou de loin, un tel drame. » ActuaLitté

À l'occasion de Livre Paris 2017, Mathieu Menegaux vous présente son ouvrage "Un fils parfait" aux éditions Grasset : https://www.babelio.com/livres/Menegaux-Un-fils- parfait/905541 357 Desde las orillas del Sena

Un fils parfait, roman poignant de Mathieu Menegaux sur l'inceste. »RTL : http://www.rtl.fr/culture/arts-spectacles/un-fils-parfait- roman-poignant-de-mathieu-menegaux-sur-l-inceste- 7786988988

Mathieu Menegaux est né en 1967. Son premier roman, Je me suis tue,publié chez Grasset en 2015 et Points en 2017, a obtenu le prix du premier roman des 29e Journées du Livre de Sablet.

Un fils parfait. Mathieu Menegaux. Roman. © Éditions Grasset & Fasquelle, 2017. 240 pages. 130 x 250 mm. Prix : 17.50 €. Prix du livre numérique: 12.99 €. ISBN : 978-2-246-86309-0

Publié par Félix José Hernández.

358 Desde las orillas del Sena

La mirada del otro. Escenarios para la diferencia en el Museo del Prado

San Sebastián, Guido Reni. Madrid, Museo Nacional del Prado

Madrid, 14 de junio de 2017.

El Museo del Prado invita al visitante a recorrer su colección desde una nueva perspectiva a través de una selección de 30 obras formada por pinturas, esculturas y dibujos que, habitualmente en sus salas, forman parte de la compleja herencia cultural occidental y ahora se erigen como un exquisito testimonio de fórmulas afectivas diferentes, minoritarias y, a veces, silenciosas.

Cada uno de los recorridos propuestos, independientes pero complementarios entre sí, refleja una realidad afectiva cuya consideración social ha sido cambiante con el paso de los siglos y en función de los lugares, y que ha ofrecido diversos y atractivos 359 Desde las orillas del Sena reflejos en el Arte. En ellos se subraya, por un lado, el carácter inadvertido, o incluso oculto, que se confirió en el pasado a las iconografías del amor más diverso y, por otro, el hecho naturalmente inclusivo de su existencia.

Estas obras hablan sobre conceptos como el amor entre iguales libres en el mundo clásico o sobre la persecución de esa misma clase de relaciones en la nueva era cristiana, la consideración de personajes raros y ambiguos como un espectáculo en sí durante la Edad Moderna, o sobre la única posibilidad de aceptar otras alternativas del amor en clave literaria y mitológica, contemplados en exclusiva como entretenimiento de los más poderosos.

El primero de los recorridos, Amistades inmortales, propone un acercamiento a las relaciones sentimentales y políticas entre personas del mismo sexo que, desde la Antigüedad, han permanecido mitificadas en la historia del arte y en la literatura como punto de partida para la creación de una identidad alternativa autorizada por la Historia.

El segundo, Perseguir los deseos, aborda la persecución que tanto los artistas como las obras de arte sufrieron a lo largo de la historia tanto por su identidad personal como por su contenido o iconografía, en cuanto visibilizaban relaciones o identidades fuera de los imperativos morales de su época. Algunos de ellos, como Botticelli o Leonardo, fueron sometidos a juicios mientras que otros artistas ejercieron de verdugos contra los primeros. La misma fortuna aconteció a numerosas obras de arte que fueron encriptadas o conducidas al ostracismo por lo que revelaban visualmente.

El cuerpo y su imagen articulan el tercero de los recorridos: Engañosas apariencias. La desobediencia a lo normativo del 360 Desde las orillas del Sena cuerpo se manifiesta en representaciones históricas, con ejemplos clave en la colección, como el Hermafrodito o las mujeres barbudas de Ribera y Sánchez Cotán, a los que se añaden ejemplos de travestismo o intercambio de roles de género.

Amar como los dioses, el último de los recorridos, agrupa una serie de obras de carácter mitológico que representan las relaciones entre iguales en escenarios ajenos al mundo real y que fueron destinadas a espacios privados reservados a la mirada del poder: solo los poderosos podían contemplar, y protagonizado por dioses, lo que estaba prohibido a los mortales.

Además, dos obras excepcionales de la colección, El Cid de Rosa Bonheur y El maricón de la Tía Gila de Goya, completan este proyecto. Se trata de dos obras poco conocidas que visibilizan dos realidades complementarias de una artista y una iconografía claramente alusiva a los contenidos de este itinerario expositivo.

En torno a este planteamiento, en la página web institucional (www.museodelprado.es) se ofrecerán una serie de conversaciones entre artistas -como Guillermo Perez Villalta, Javier Codesal, Helena Cabello y Ana Carceller, Alexander Apostol y El Palomar- e historiadores, periodistas y agentes culturales -como Estrella de Diego, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; Manuel Olveira, MUSAC; Jaime de los Santos, director de la Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid; y Javier Moreno, El País- que abordarán las cuestiones principales y los problemas de la representación de las otras condiciones del amor y la sexualidad a través del arte y la literatura.

Publicación

361 Desde las orillas del Sena

Este itinerario está acompañado por una publicación, patrocinada por la Comunidad de Madrid, que recoge los recorridos por las obras seleccionadas comentadas e incluye textos introductorios de Estrella de Diego, Carlos Reyero, José Manuel Matilla, Víctor M. Macías-González, Javier Portús, María Cruz de Carlos, Manuela Mena, Álvaro Perdices y Carlos G. Navarro, estos dos últimos comisarios del proyecto

Actividades

El Museo ha programado, en colaboración con el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, el curso Amores iguales: cuestiones de identidad, orientación y género a través del arte. Dirigido a docentes, educadores y formadores, propone dar a conocer y promover el uso de las imágenes históricas del Prado como elemento de normalización de la diferencia en las aulas con el objetivo de fomentar la convivencia y la integración.

También, se plantearán varias conferencias impartidas por especialistas dirigidas a todos los públicos:

18 de junio, domingo. 12.00 h. Masculinos y clásicos. Homoeróticos en la colección del Museo del Prado Juan Antonio González Iglesias. Universidad de Salamanca

25 de junio, domingo. 12.00 h. De la atracción consciente al deseo inconfesable: La fascinación por lo masculino en los pintores académicos del siglo XIX José Luis Díez. Real Academia de la Historia.

La mirada del otro. Escenarios para la diferencia I. Amistades inmortales

362 Desde las orillas del Sena

Las relaciones sentimentales de algunos personajes de la Antigüedad clásica -por tutoría o amistad- permiten abordar la consideración y el trato que recibía en la sociedad el afecto entre hombres antes de la llegada del cristianismo, y de la naturalidad con la que el arte se convirtió en un lugar mítico para la cultura occidental, desde la Edad Moderna hasta el siglo XIX, que comenzó a cartografiar los espacios del pasado clásico como lugar de libertad poética inocente y libre de prejuicios.

Sala 74: 1. Taller romano, Antinoo 2. Taller romano, Adriano

Sala 71 3. Escuela de Pasiteles, Orestes y Pílades

Sala 73 4. Taller romano, Aristogitón 5. Anónimo del siglo XVI, Safo

Sala 72 6. Lawrence Alma-Tadema, La siesta

II. Perseguir los deseos

Desde la Edad Media se persiguió la sexualidad tanto por tribunales civiles como religiosos y, en particular, por la Inquisición que quemó en la hoguera a los hombres y mujeres acusados de sodomía, término con el que se calificaba a las relaciones que no permitían la reproducción humana. A partir de ese momento, las acusaciones similares significaban juicios, humillación y mala fortuna, y eran utilizadas, a veces, como un método de desacreditación de rivales y de eliminación de la competencia en los ámbitos más elitistas. 363 Desde las orillas del Sena

Muchos artistas y coleccionistas, cuyo nombre recuerda la Historia, se vieron envueltos, por su sexualidad y por su éxito, en juicios por sodomía, lo que justificó un comportamiento invisible para quienes tuvieran sentimientos diversos, y al mismo tiempo, encriptó en muchas obras de arte los deseos inasibles de quienes se guardaban de la persecución; todo ello alentó al desdén y desprecio de los perseguidos por causas morales cuya imagen quedó distorsionada a los largo de los siglos y significó, incluso, la persecución moral de las propias obras de arte que pudieran encerrar esos deseos.

Sala 56B 8. Sandro Botticelli, Tres escenas de la historia de Nastagio degli Onesti 9. Anónimo (Taller de Leonardo da Vinci), La Gioconda

Sala 49 10. Baccio Bandinelli, Venus

Sala 4 11. Caravaggio, David con la cabeza de Goliat 12. Guido Reni, San Sebastián 13. Guido Reni, Hipomenes y Atalanta

Sala 6 14. Cornelis Corneliz van Haarlem, La Asamblea de los dioses ordena a Apolo que conduzca el carro del Día

III. Engañosas apariencias

Mientras se perseguían los actos de sexualidad considerada reprobable, los cuerpos extraños, a veces inevitables y otras, fruto de una transformación consciente, se contemplaron como un entretenimiento. Era el espectáculo de la diferencia y abordaba la 364 Desde las orillas del Sena sexualidad no desde la práctica del amor prohibido, sino sublimado en sus evidencias más visibles e inocentes, las de la apariencia humana. Por ello, adquirió, al mismo tiempo, un claro significado de broma y de maravilla y dio a su presencia artística, gracias a personajes insólitos y a criaturas mitológica, un lugar en la sociedad del Antiguo Régimen en el que el disfraz fue, por encima de todo, una condición indispensable para escenificar cualquier afectividad alternativa.

Sala 8 16. Juan Sánchez Cotán, Brígida del Río, la barbuda de Peñaranda 17. Ribera, Maddalena Ventura

Sala 12 18. Matteo Bonuccelli, Hermafrodito dormido

Sala 28 19. P. P. Rubens, Aquiles entre las hijas de Licomedes

Sala 21 20. Antonio Dumandré, Hércules y Ónfale

Sala 29 21. P. P. Rubens, Vertumno y Pomona IV.

Amar como los dioses

Las relaciones sentimentales más diversas disfrutaron de un espacio de privilegio destinado a la contemplación de las élites cultas, cuyo poder quedaba fuera de las persecuciones civiles y eclesiásticas. La literatura y la mitología sirvieron para dignificar historias de amor que, en la misma Corte donde se contemplaban, podían suponer la caída en desgracia política de un personaje o 365 Desde las orillas del Sena incluso su desaparición. Un ejemplo particularmente interesante de esa situación paradójica fue la Torre de la Parada, en cuya decoración se incluyeron numerosos amores de los dioses que contaban historias que hubieran sido perseguidas por el rey de haberlas protagonizado alguno de sus súbditos, pero, en general, el arte cortesano aceptó esta iconografía como una manifestación ideal e inocente de una clase de amor que no tenía cabida en la sociedad real.

Sala 29 22. Anónimo, Ganimedes 2 3. P. P. Rubens, El rapto de Ganimedes 24. P. P. Rubens, Diana y Calisto 25. P. P. Rubens, La muerte de Jacinto

Sala 16B 26. Anónimo, Narciso V y VI.

Otras miradas Completan el itinerario dos obras excepcionales de la colección, El Cid de Rosa Bonheur y El maricón de la Tía Gila de Goya. Son obras poco conocidas que visibilizan dos realidades complementarias de una artista y una iconografía claramente alusiva a los contenidos de este itinerario expositivo.

Sala 34 15. Francisco de Goya, El Maricón de la tía Gila. Álbum C, 38

Sala 63A 7. Rosa Bonheur, El Cid

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

366 Desde las orillas del Sena

El bronce monumental helenístico de Demetrio Poliorcetes en el Museo del Prado

Retrato de Demetrio Poliorcetes. 307 a.C. - 300 a.C. Museo Nacional del Prado.

Madrid, 12 de junio de 2017.

El Museo del Prado expone a partir de hoy una cabeza monumental broncínea identificada como Demetrio Poliorcetes (h. 336 - 283 a. C.). La pieza, que se podrá contemplar expuesta de forma destacada durante unos meses en la rotonda baja de Goya del edificio Villanueva, ha sido recuperada para la exhibición pública tras su reciente restauración patrocinada por la Fundación Iberdrola España.

Esta cabeza monumental de bronce es uno de los pocos retratos helenísticos de este tamaño y de esta calidad que se conserva. Se desconoce el lugar de hallazgo de esta cabeza que mide 45 cm y que, probablemente, pertenecería a una estatua monumental de una altura de aproximada 3,50 m. La escultura conservada más parecida, el Potentado de las Termas (Museo Nazionale Romano) fue creada unos 150 años más tarde y mide más de un metro menos.

367 Desde las orillas del Sena

La alta calidad de este bronce se aprecia particularmente en la magistral elaboración de la cabellera cuyos densos bucles se distribuyen vivamente sobre la cabeza y en la maestría de la fundición con la técnica de la cera perdida. Esta técnica se utilizaba, en la escultura griega, para fundir piezas pequeñas, como cabeza, torso, brazos y piernas, para ensamblarlas entre sí y configurar así una escultura de gran tamaño.

Procedente de la colección de la reina Cristina de Suecia, su primera propietaria conocida, y tras su llegada a España en 1725, quedó depositada en el Palacio de la Granja de San Ildefonso como parte de la colección de Felipe V e Isabel de Farnesio e ingresó en las colecciones del Museo del Prado hacia 1830.

Recientes investigaciones han posibilitado la identificación del personaje representado como el general y rey helenístico Demetrio I, llamado Poliorcetes por sus clamorosos y exitosos asedios a ciudades enemigas (h. 336 - 283 a. C.). Junto con su padre, el diádoco Antígono I, Demetrio fue el primer sucesor de Alejandro Magno (356-323 a. C.).

La restauración

El estado de conservación del retrato de Demetrio Poliorcetes mostraba el azaroso recorrido seguido por la pieza a lo largo de los siglos y las numerosas intervenciones a las que ha sido sometida. Con el fin de preservarla, estas intervenciones ocultaban la superficie original del bronce bajo capas de adhesivos, betunes y pintura.

Los estudios técnicos previos al proceso de restauración han aportado relevantes datos sobre el proceso de fundición y la historia de este retrato. Además, han permitido conocer los problemas de estabilidad tanto del metal en sí como de la 368 Desde las orillas del Sena estructura, una información necesaria para definir los objetivos y tratamientos más adecuados para su intervención.

Los objetivos prioritarios de esta restauración han sido recuperar la superficie y el color original de la escultura facilitando su legibilidad; estabilizar y proteger los materiales que la componen, sobre todo el bronce; y reforzar la estructura interna para evitar tensiones estructurales como las que provocaron las fisuras, mediante el diseño de un soporte resistente y estable que evite cubrir áreas de superficie original.

El proceso de restauración ha consistido en la eliminación de las resinas, adhesivos, protecciones y betunes de antiguas intervenciones sobre la superficie del bronce; la reubicación, en su lugar original, de algunos fragmentos que estaban mal colocados; y el diseño de nuevos sistemas de fijación puntuales y reversibles.

Tras la recuperación de esta obra y en aras de una mejor conservación, se ha diseñado un soporte específico forrado de material de amortiguación que reparte el peso de la escultura sobre el soporte evitando así las zonas de apoyo que suponen puntos de presión. Además, se ha planteado un sistema de andas ocultas, que se extraen durante los traslados, y que permiten mover la escultura de forma segura sin necesidad de tocar directamente el bronce.

Identificación

La identificación de la persona representada ha sido una tarea complicada porque no presenta atributos inequívocos ni sus rasgos responden con claridad a los de un retrato.

369 Desde las orillas del Sena

Por su tipología ambigua la obra aporta dos mensajes distintos, según se mire de frente o de perfil. En la vista frontal se reconoce la tipología ideal del arte griego para representaciones de dioses y héroes, como las creadas por el escultor clásico griego Scopas hacia 340 a. C. Sin embargo, en las vistas de perfil se pueden reconocer los rasgos de un retrato: una frente abombada y musculosa, ojos bastante hundidos, la cara oblonga y una boca ligeramente abierta.

Alejandro Magno, que se representó como dios y como héroe, fue el primero en utilizar este tipo de retrato, que luego imitaron los diádocos, los generales que le sucedieron.

Un retrato de mármol, encontrado con otros retratos de soberanos helenísticos en la Villa de los Papiros de Herculano y que se interpreta como retrato de Demetrio Poliorcetes, comparte con la cabeza monumental del Museo del Prado un peinado parecido y los mismo rasgos fisonómicos, al igual que otro retrato en mármol en Copenhague.

Demetrio I Poliorcetes

Tras la muerte de Alejandro en 323 a.C. la diadema, una cinta anudada alrededor de la cabeza que significaba su poder absoluto sobre Asia, se convirtió en la insignia más importante de los reyes helenísticos. Sin embargo, esta diadema no aparece en el retrato de Demetrio Poliorcetes y otros retratos parecidos. En la actualidad, esta ausencia dificulta la identificación de los retratos de los diádocos. Una razón fue que tras la muerte de Alejandro Magno estos no se atrevieron a representarse como él.

En 307 a. C., Antígono I y su hijo Demetrio I, con casi 30 años, fueron proclamados reyes por los atenienses, pero según el escritor griego Plutarco, ambos evitaron ostentar el nombre de rey 370 Desde las orillas del Sena por ser el único atributo regio reservado de manera exclusiva a los descendientes de Filipo y Alejandro. Un año después, en 306, cuando Demetrio Poliorcetes derrotó en Chipre la flota del diádoco Ptolomeo (367-283 a. C.), la asamblea del ejercito de Macedonia declaró a Antígono I y a su hijo Demetrio I reyes de Asia y les mandó la diadema como sucesores de Alejandro. Según este dato, la ausencia de la diadema sugiere que el bronce del Prado fue creado antes de este suceso, en 307 a. C., cuando Demetrio Poliorcetes y su padre Antígono I eran reyes de Atenas.

Actividades

Con motivo de la recuperación de esta obra, el Museo del Prado ha programado dos conferencias que ayudarán al público asistente a conocer los detalles de la identificación del personaje representado y el azaroso recorrido de la pieza hasta nuestros días.

14 de junio, miércoles, a las 18.30 h. Demetrio Poliorcetes y Juba II, dos reyes helenísticos en el Museo del Prado Stephan Schröder. Museo Nacional del Prado

24 de junio, sábado, a las 18.30 h. Un bronce griego. Historias y avatares, desde el siglo II a.C. hasta el momento de su restauración Elena Arias. Museo Nacional del Prado

Retrato de Demetrio Poliorcetes 307 a.C. - 300 a.C. Bronce. Cincelado; Fundido Museo Nacional del Prado.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

371 Desde las orillas del Sena

La fabbrica dell’utopia di Piranesi

Roma, 15 giugno 2017.

Con una scelta espositiva di oltre 200 opere grafiche, equamente ripartite tra la Fondazione Giorgio Cini e le collezioni del Museo di Roma di Palazzo Braschi, è data piena illustrazione alla variegata attività di Giovan Battista Piranesi (1720-1778), il grande incisore e architetto votato alla riscoperta dell’archeologia, che applicò la matrice vedutistica della propria formazione veneta a una immediata passione per le grandiose rovine di Roma, dove si trasferì nel 1740.

La mostra “Piranesi. La fabbrica dell’utopia” promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali in collaborazione con la Fondazione Giorgio Cini di Venezia, con l’organizzazione dell’Associazione MetaMorfosi e Zètema Progetto Cultura, è a cura di Luigi Ficacci e Simonetta Tozzi e presenta un’ampia selezione delle opere più significative del grande veneziano, straordinario incisore

372 Desde las orillas del Sena all’acquaforte e figura centrale per la cultura figurativa del Settecento europeo.

L’esposizione sarà ospitata dal Museo di Roma Palazzo Braschi dal 16 giugno al 15 ottobre 2017. Catalogo De Luca Editori d’Arte.

La sua vastissima produzione acquafortistica, caratterizzata da visioni prospettiche scenograficamente esasperate e da violenti effetti luministici, ne fecero uno degli artisti di maggior successo in un mercato artistico in veloce espansione qual era quello romano nel periodo culminante del Grand Tour internazionale.

Il percorso fra le sue opere più celebri vede quindi esposte le grandi Vedute di Roma, dalle amplificate prospettive architettoniche, i fantasiosi Capricci eseguiti ancora sotto l’influsso di Tiepolo, le celeberrime e suggestive visioni della serie delle Carceri, fino alle varie raccolte di antichità romane. Un immaginario di grande impatto emotivo sulla cultura del tempo, protrattosi fino ai giorni nostri coinvolgendo arte, letteratura, teoria e pratica architettonica, fino alla moderna cinematografia.

I materiali presentati provenienti dalle collezioni del Museo di Roma testimoniano la qualità delle raccolte in esemplari di grande qualità e freschezza. Dalla Fondazione Cini provengono, inoltre, le realizzazioni tridimensionali di alcune invenzioni piranesiane mai realizzate e ricavate dal ricchissimo repertorio delle Diverse Maniere di adornare i Cammini (1769) o di alcuni pezzi antichi, riprodotti e divulgati da Piranesi nella serie dei Vasi candelabri cippi sarcofagi tripodi…(1978), come il celeberrimo tripode del Tempio di Iside a Pompei, vero e proprio masterpiece dell’arredo neoclassico e Impero. Le ‘ricreazioni’ piranesiane tridimensionali sono state realizzate dall’Atelier Factum Arte di Madrid, diretto da Adam Lowe, tramite modellazione in 3D e 373 Desde las orillas del Sena procedimento stereolitografico, in occasione della mostra organizzata dalla Fondazione Giorgio Cini nel 2010 Le arti di Piranesi. Architetto, incisore, antiquario, vedutista, designer.

Accanto a questi materiali saranno esposti i marmi, oggi conservati nelle collezioni della Sovrintendenza Capitolina, derivati dalla celebre Forma Urbis severiana, la prima pianta di Roma fatta scolpire su pietra da Settimio Severo, che Piranesi tentò di ricostruire nella sua originaria composizione.

Sarà infine creata, grazie al contributo e alla tecnologia del Laboratorio di Robotica Percettiva, dell’Istituto TECIP - Scuola Superiore Sant’Anna di Pisa una sala “immersiva” delle celebri prigioni piranesiane rese in versione tridimensionale, in cui si potrà rivivere tutto il fascino di queste visioni fantastiche e irreali, che sono ormai divenute un vero e proprio caposaldo del nostro immaginario collettivo.

Un ricco e accattivante repertorio visivo di grande godibilità per il pubblico più vasto, dunque, che sarà completato da accurate e artistiche restituzioni fotografiche dell’unica, effettiva realizzazione architettonica lasciataci da Piranesi, la chiesa di S. Maria del Priorato appunto, in un gruppo di opere appositamente realizzate dal fotografo Andrea Jemolo.

Nella settecentesca cornice di Palazzo Braschi, ultima dimora eseguita su committenza papale per volere di Pio VI Braschi (1775-1799), sarà così restituito un capitolo fondamentale della storia culturale romana e non solo che, in un’epoca di apparente declino, registra da un lato il rimando nostalgico alla grandiosità di un passato ormai perduto, dall’altro un estremo straordinario momento di splendore.

374 Desde las orillas del Sena

Piranesi La fabbrica dell’utopia. Museo di Roma a Palazzo Braschi 16 giugno -15 ottobre 2017. Promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali. In collaborazione con la Fondazione Giorgio Cini di Venezia l’Istituto di Tecnologie della Comunicazione, dell’Informazione e della Percezione della Scuola Superiore Sant’Anna il Laboratorio di Robotica Percettiva dell’Istituto TeCIP della Scuola Superiore Sant’Anna. A cura di Luigi Ficacci e Simonetta Tozzi. Sponsor mostra Fondazione Guglielmo Giordano, Fondazione Hruby. Sponsor ufficiale Listone Giordano. Sponsor tecnici Montenovi, Rotas. Sponsor Sistema Musei Civici Il Messaggero.Media partner SKY ARTE HD, ARTEMAGAZINE.Media Partner Musei Civici Ferrovie dello Stato Italiane.Organizzazione:Associazione Culturale Metamorfosi e Zètema Progetto Cultura,con la collaborazione diMasterCard Priceless Rome. Pubblicato da Félix José Hernández.

375 Desde las orillas del Sena

Cross the Streets

Roma, 5 maggio 2017. Cross the Streets è una piattaforma culturale che getta le basi per una storicizzazione del fenomeno del Writing e della Street Art, tirando le fila del fenomeno artistico e mediatico fra i più influenti degli ultimi quarant’anni. Una controcultura, ormai diventata ampiamente mainstream, dal 7 maggio all’1 ottobre 2017 entra al MACRO - Museo d’Arte Contemporanea Roma, dove sono già presenti interventi permanenti di street/urban art realizzati da Bros, Ozmo e Sten&Lex. La mostra Cross the Streets, curata da Paulo von Vacano, è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali e Regione Lazio, ideata e prodotta da Drago, in collaborazione con nufactory (promotore e ideatore di Outdoor Festival), progetto ABC della Regione Lazio e con il supporto organizzativo e servizi museali 376 Desde las orillas del Sena di Zètema Progetto Cultura. La mostra è inoltre patrocinata dal CONI. Il progetto nasce da alcuni concetti fondamentali della ricerca di Paulo Lucas von Vacano sulla controcultura Street e tutte le sue declinazioni. Come scrive nel catalogo “La strada osserva. La strada governa […] Scegliere la creatività a discapito della criminalità è una posizione che incentiva l’arte, la musica e lo sport. La rivoluzione avviene quando la strada entra nel museo e il museo si trasferisce nella strada. Chi sopravvive alla strada governa il mondo!” Unica avanguardia in grado di riunire gioventù, periferie e minoranze della globalizzazione, l’arte urbana, in tutte le sue forme - dal Writing, ai Graffiti, dal Muralismo alla Street Art – ha influenzato profondamente l’immaginario collettivo: partendo da fenomeno underground di protesta giovanile questa pratica artistica è arrivata a contaminare tutti i campi, dalla moda alla musica, dal cinema alla fotografia fino alla pubblicità e, più in generale, è diventata di dominio pubblico. Lo scopo di Cross the Streets è quello di indagare, a livello globale, la potenza e la fascinazione di questa multimedialità estrapolandone le linee guida, i pionieri mondiali, i fenomeni di costume da essa generati e, a livello locale, la storia del graffitismo romano. La sezione dal titolo “Street Art Stories” ospita una selezione di artisti e opere che – riuniti sotto la stessa visione – permettono allo spettatore di avere una panoramica più chiara possibile della nascita e dell’evoluzione del fenomeno della Street Art. Appena entrati si viene colpiti dall’installazione site specific dell’artista franco americano WK Interact che, con il suo lavoro di ben 14 metri di ampiezza, ha dato vita a una scena simbolo della sua

377 Desde las orillas del Sena ricerca dinamica. Poi, oltre ai rinomati mosaici dell’artista francese Invader che hanno invaso le strade di Roma nel 2010, si può osservare Middle East Mural, una maxi tela grande più di 10 metri di Shepard Fairey aka Obey the Giant che viene esposta per la prima volta in Europa, accompagnata da più di trenta pezzi mai esposti a Roma in grado di dare una visione tout court sul lavoro di uno dei più famosi artisti americani. Si prosegue poi con Keith Haring Deleted, una testimonianza fotografica di Stefano Fontebasso De Martino a cura di Claudio Crescentini, con in mostra una serie di foto, presenti nella collezione del MACRO - CRDAV, relative all’intervento di Keith Haring sul Palazzo delle Esposizioni (1984), successivamente “cancellato” in occasione dell’arrivo del Presidente Gorbaciov nella Capitale. Sempre di Stefano Fontebasso De Martino sono anche le fotografie (1984- 86, coll. privata) di un altro intervento artistico di Keith Haring a Roma, realizzato durante un suo secondo soggiorno nella Capitale sui pannelli trasparenti del ponte sul Tevere, dove transita la metropolitana linea A del tratto Flaminio-Lepanto. Anche questo intervento “Deleted”. Altri lavori importanti sono i site specific: ad alcuni artisti simbolo del movimento è stata riservata una fetta di museo, nello specifico 5x10 metri, per esprimere liberamente la propria arte fra dripping, installazioni, lettering, stencil, poster e lavori su tela, il tutto realizzato all’interno e per gli spazi del Museo. Fra i nomi di artisti internazionali coinvolti il graffiti artist tedesco Daim, king della tecnica 3D, Chaz Bojourquez, capostipite dello stile del lettering West Coast e idolo di tutto il mondo dei tatuaggi, Evol, famoso per le sue installazioni di paesaggi urbani in miniatura, e fra i romani Diamond, con la sua estetica fra il liberty e il tatuaggio old school, il maestro dello stencil Lucamaleonte e

378 Desde las orillas del Sena

JBRock che porterà una collezione di poster direttamente dai suoi interventi in strada. Fra gli altri artisti in mostra citiamo Mike Giant, Sten e Lex, Will Barras, Cope 2, Doze Green e Roa, Swoon, Fafi, Flying Fortress, Koralie, Nick Walker, Miss Van, Hyuro, Jeremy Fish, Microbo, Bo130, Galo, 2501, Mark Jenkins, Moneyless, Giacomo Spazio, Solomostry, Stella Tasca, Agostino Iacurci, Ozmo, Pisa 73, Luca Mamone e il giovanissimo Mosa One (classe 1997!) e, per la sezione dedicata al pop surrealism, Ray Caesar, Mark Ryden, Marion Peck, Camille Rose Garcia, Kazuki Takamatsu, Yosuke Ueno fino ad arrivare ai toys di Ron English. Non mancherà una sezione fotografica incentrata sul fenomeno della Street Photography con opere di Estevan Oriol, Ed Templeton e Boogie. La sezione “Writing a Roma, 1979-2017” che ospita una ricerca dedicata al rapporto speciale che lega Roma al Writing fin dal dicembre 1979, quando la Galleria La Medusa ospitò la prima mostra di graffiti organizzata fuori dagli Stati Uniti, è curata da Christian Omodeo, fondatore di Le Grand Jeu, agenzia e bookstore di Parigi specializzata in arte urbana. La riscoperta di un gruppo di opere di Lee Quinones e Fab 5 Freddy, esposte in mostra per la prima volta dopo essere state date per disperse per quasi quarant’anni, apre un percorso espositivo altrimenti incentrato su diverse generazioni di writers locali che, dagli anni ‘80 fino ad oggi, hanno fatto di Roma una delle capitali del Writing internazionale. In nessun’altra città al mondo, infatti, le metropolitane e i treni del sistema ferroviario urbano sono stati dipinti con la stessa continuità - quasi trent’anni - di Roma. Tra gli artisti coinvolti, oltre a Lee Quinones e Fab 5 Freddy, vanno

379 Desde las orillas del Sena citati Napal e Brus, Jon e Koma, Imos, Pax Paloscia, Rebus, il fotografo Valerio Polici e le crews TRV e Why Style. Un’ulteriore sezione riguarda i "Milestones" ossia gli eventi imprescindibili che hanno contribuito alla costituzione di questo movimento come le mostre dei primi anni 2000 dello Studio 14, l’International Poster Art, il progetto Izastikup, la nascita dell’Outdoor Festival e “Fuck You All”, mostra del 1998 di Glen Friedman le cui opere verranno raccolte dalla curatrice Rita Luchetti Bartoli. Il logo di Cross the Streets è stato realizzato da Deep Masito, già fondatore e frontman del noto gruppo rap underground Colle der Fomento e ora tra i più famosi lettering artist. L’intera mostra è allestita dallo Studio Ma0, un team di architetti fondato nel 1996 a Roma specializzato in allestimenti e installazioni multimediali, nella convinzione che l’architettura sia un sapere di mezzo, etimologicamente un media tra diverse discipline e geografie del territorio. Lo studio riflette sull’architettura come sistema di regole spaziali – playground – capace di produrre e modificare relazioni tra spazi e abitanti, tra pubblico e privato, tra artificiale e naturale. L'allestimento di Cross the Streets porta fin dentro il museo il linguaggio della Street Art: per l’occasione il MACRO viene contaminato da elementi leggeri e temporanei, dalla segnaletica orizzontale che dalla strada entra direttamente nella sala grande, ai teli da impalcature che ne trasformano il grande spazio in una scena urbana da esplorare. Molti dei materiali torneranno ad essere riutilizzati nei cantieri edili, facendo così di Cross the Streets il più importante allestimento produttivo realizzato da Ma0, il passaggio di un processo costruttivo in cui gli sprechi 380 Desde las orillas del Sena sono ridotti al minimo e la vita dei materiali impiegati non si conclude con la mostra ma continua altrove. La mostra Cross the Streets sarà accompagnata dalla realizzazione da parte della casa editrice Drago di un omonimo catalogo che documenterà tutti gli interventi in mostra con fotografie di Simon d’Exéa anche degli artisti a lavoro nel museo, delle opere e correlato da testi, interviste ai curatori e immagini d’archivio. Sarà realizzata inoltre una fanzine con la collaborazione di diversi operatori del settore e contenente interviste, reportage e servizi, con annesso spazio nelle varie pagine pubblicitarie per tutte le realtà limitrofe e gemellate con il progetto. Un documentario sul making of Cross the Streets sarà realizzato da Camillo Cutolo. Durante la mostra, inoltre, verrà presentato il libro “The Street is Watching”, antologia di Street Photography che in 440 pagine raccoglie 50 anni di storia del movimento e racchiude il lavoro di più di cento artisti fra Mary Ellen Mark e Martha Cooper passando per Bruce Davidson, Jim Goldberg, Nan Goldin e Ryan McGinley. Il libro è edito da Drago. Parallelamente alla mostra, la Sovrintendenza Capitolina organizzerà, fra giugno e ottobre, una serie di incontri su alcuni dei temi caldi della Street e dell’arte urbana in generale, che vanno dal diritto d’autore alla proprietà e legalità, dalla conservazione all’iconografia e la semiotica del Writing, dalla fruizione alla produzione. In contemporanea è stata anche lanciata una call verso tutti i Municipi di Roma Capitale in modo che possano venire a raccontare le “storie” della Street Art a Roma, lungo quasi quarant’anni di produzione urbana. Durante l’arco della durata della mostra Cross the Streets saranno

381 Desde las orillas del Sena presentati al MACRO numerosi progetti riguardanti il rapporto tra l’arte e la salute psicofisica di fasce deboli come l’infanzia e la terza età realizzati con il Dipartimento di Pediatria della Facoltà di Medicina e Psicologia, La Sapienza, Ospedale Sant’ Andrea di Roma. Il 20 maggio l’artista JBRock realizzerà un raro esempio di art sharing durante l'evento speciale intitolato "The Moleskine Black Wall". L'opera, “Moleskine, il tuo universo”, verrà prodotta su un muro di 12 metri composto da 960 classici taccuini Moleskine. Gli stessi usati correntemente dai writers per preparare gli sketch dei loro lavori e chiamati appunto Black Book. Ciascuno dei taccuini, in vendita durante la mostra, sarà taggato da un QR code che oltre a certificarne l’autenticità, permetterà ai proprietari di iscriversi tramite la piattaforma Vericode, messa a disposizione da TraceToo, al network degli art sharing owners del Moleskine Black Wall. Gli art sharing owners potranno così essere contattati in futuro per organizzare nel mondo nuove esposizioni dell’opera “Moleskine, il tuo universo”. Il ricavato della vendita sarà donato in beneficienza ad ARTEinMENTE che in occasione della live performance dell'artista JBRock sul Moleskine Wall, riunirà in un workshop educativo i numerosi bambini e le loro famiglie coinvolti in questo progetto. Tutto l’evento sarà ripreso dalla troupe televisiva di Amanita Production per Sky Arte. La mostra comprende anche il progetto di sei eventi collaterali notturni. Dal 14 maggio sarà in programma la Sky Arte Arena, un ciclo di proiezioni dedicate alla street art all’interno dell’auditorium di Odile Decq: dieci appuntamenti realizzati in collaborazione con il canale satellitare Sky Arte HD (canali 120 e 400 di Sky) che presenterà opere come Dismaland – La giostra crudele di Banksy, Graffiti a New York e Ronnie Cutrone – 382 Desde las orillas del Sena

Everything is a cartoon for me. L’ingresso alle proiezioni è gratuito per il pubblico in possesso del biglietto di ingresso alla mostra. La serata inaugurale, sabato 6 maggio dalle ore 20.30 sarà una festa (aperta al pubblico con pagamento di biglietto d’ingresso) che celebra la scena Rap, Hip Hop e i suoi protagonisti. Un vero e proprio BLOCK PARTY, in occasione dell'inaugurazione di Cross the Streets e del decennale di GRAFFDREAM, punto di riferimento nazionale ed internazionale per il Writing. Oltre quattro ore di musica da ballare, guardare, ascoltare e ricordare, selezionate e curate dai massimi esponenti del panorama italiano, un lungo excursus musicale sulla "black music”. Il tutto garantito da: Dj Double S (official Dj di Fabri Fibra), Macro Marco, il “King del Clash”, vincitore del Red Bull Music Academy Culture Clash, Rome Zoo Djs, la più nota e storica crew hip-hop romana, rappresentata dall'eccellenza e dalla tecnica di Dj Stile & Dj Baro assieme a special guests, AlienDee, aka "The Humanoid Beatboxer", sicuramente il più quotato beatboxer europeo e Katzuma, un tempo il leggendario Deda dei Sangue Misto che, con il suo nuovo progetto funkhouse, ha diviso sound e palchi con Kraftwerk, Moodyman, John Morales, Fred Wesley, ed infine Egreen, uno dei nomi più caldi dell’underground del rap italiano, noto per la sua attitudine hardcore e per i suoi live energetici e coinvolgenti. CROSS THE STREETS a cura di Paulo Lucas von Vacano. Writing a Roma, 1979-2017 a cura di Christian Omodeo. Street Art Stories a cura di Paulo Lucas von Vacano. Keith Haring Deleted a cura di Claudio Crescentini. Pop surrealism a cura di Alexandra Mazzanti . Fuck You All di Glen Friedman a cura di Rita Luchetti Bartoli .MACRO - Museo d’Arte Contemporanea 383 Desde las orillas del Sena

Roma via Nizza, 138 . Sponsor Sistema Musei in Comune In Collaborazione con MasterCard Priceless Rome on il Contributo Tecnico di Ferrovie dello Stato Italiane Media Partner Il Messaggero Servizi di Vigilanza Travis Group. Pubblicato da Félix José Hernández.

384 Desde las orillas del Sena

El desafío del blanco, Goya y Esteve retratistas de la Casa Osuna, en el Museo del Prado

Manuela Isidra Téllez-Girón, futura duquesa de Abrantes, Agustín Esteve. Madrid, Museo Nacional del Prado. Adquirido con fondos de la Donación Óscar Alzaga Villaamil

Madrid, 17 de junio de 2017.

Querida Ofelia:

La incorporación del Retrato de Manuela Isidra Téllez-Girón, futura duquesa de Abrantes de Agustín Esteve y Marqués, adquirido con fondos de la donación Óscar Alzaga Villaamil, permite ahondar en el conocimiento de este interesante pintor, considerado en su momento como el mejor retratista de la corte después de Francisco de Goya. La obra completa la donación Alzaga, formalizada el pasado mes de marzo y en la que se

385 Desde las orillas del Sena incluían seis importantes pinturas más una dotación económica para la adquisición de esta séptima.

Esta exposición, que reúne por primera vez el conjunto de retratos que pintó Agustín Esteve de los hijos de los duques de Osuna, cuenta con extraordinarios ejemplos procedentes de las colecciones de la Fundación casa Ducal de Medinaceli, colección Duque del Infantado, colección Masaveu y colección Martínez Lanzas-de las Heras para contextualizar el exquisito retrato de Manuela Isidra. El Museo del Prado se convierte así, también, en el primer Museo que centra su atención en Esteve, intentando rescatarle del papel secundario al que la historiografía lo ha relegado injustamente.

Además, estas obras se acompañan de varios retratos de los duques y de sus hijos de otros artistas, como el miniaturista Guillermo Ducker (doc. entre 1795 y 1830) y los extraordinarios retratos que Francisco de Goya pintó de los mismos miembros de la familia en momentos distintos, lo que permite apreciar la influencia del maestro aragonés en Esteve. El tratamiento de la luz y la consecución de las transparencias en los vestidos de las retratadas se convierten en el eje de la exposición y en la demostración de la habilidad de ambos artistas ante el difícil desafío artístico que supone la representación del color blanco.

El número de retratos de los duques de Osuna y de sus hijos, desde que estos eran niños hasta su madurez, que atesora el Prado, le convierte en la institución en la que esta importante familia se halla mejor representada.

El retrato de Manuela Isidra Téllez-Girón (1794-1838), futura duquesa de Abrantes, ha sido adquirido para la colección del Museo del Prado con fondos de la donación Óscar Alzaga Villaamil. Pintado en 1797 por Agustín Esteve y Marqués, es, sin 386 Desde las orillas del Sena ninguna duda, el mejor retrato conocido del artista por su pericia técnica, su refinada elegancia y su indudable magnetismo. Su incorporación al Museo enlaza con la pintura del siglo XVII – especialmente con obras de Velázquez y Murillo– y añade una dimensión nueva a las colecciones del siglo XVIII en el Prado. Aunque Esteve ya había trabajado anteriormente para los IX duques de Osuna, esta obra lo convirtió en una especie de pintor oficial de la familia, labor que compartió a lo largo de casi cuatro décadas con Goya, cuya influencia resultó primordial en la manera de hacer de Esteve.

El matrimonio de Pedro de Alcántara Téllez-Girón (1755-1807), futuro IX duque de Osuna, con su prima María Josefa de la Soledad Alonso-Pimentel (1752-1834), condesa-duquesa de Benavente, fundió dos de los linajes nobiliarios más antiguos, extensos y ricos de España y dio lugar a una familia que, por prestigio e inquietudes culturales y artísticas, no tuvo parangón en su tiempo. La condesa-duquesa, que destacaba por su ingenio, carácter decidido y distinción, era considerada en la época como la verdadera cabeza y alma de los Osuna ya que el duque pasaba largas temporadas en campañas militares. Madre tardía, orgullosa de sus cinco hijos, y acostumbrada al lujo y a la ostentación, se preocupó de registrar en sucesivos retratos el crecimiento, habilidades y progresos de todos ellos, fruto, en gran parte, de la privilegiada e innovadora educación que recibieron, que se encontraba dentro del ideal ilustrado de conseguir individuos que fuesen útiles a la patria. Creó, así, una verdadera galería iconográfica de la familia en la que Goya y Esteve desempeñaron un papel fundamental.

La donación Alzaga

Con la adquisición del Retrato de Manuela Isidra Téllez-Girón, futura duquesa de Abrantes que hoy se presenta se completa la 387 Desde las orillas del Sena donación Alzaga. La obra se suma a las seis pinturas que ingresaron en las colecciones del Museo el pasado mes de marzo gracias a esta donación y que comprenden un amplio abanico cronológico, desde las postrimerías del siglo XVI a mediados del XI, realizadas por artífices italianos (Jacopo Ligozzi), españoles (Sánchez Cotán, Herrera “el Viejo”, Antonio del Castillo, Agustín Esteve y Eugenio Lucas Velázquez) y un bohemio (Anton Rafael Mengs). Esta donación será presentada al público en el Museo del Prado este otoño mediante una exposición acompañada de un catálogo realizado por los especialistas del mismo.

Actividades

Con motivo esta exposición, el Museo del Prado ha programado una conferencia con intérprete de LSE.

28 de junio, miércoles, a las 18.30 h. El desafío del blanco. Goya y Esteve, retratistas de la Casa de Osuna. Virginia Albarrán. Museo Nacional del Prado.

El desafío del blanco, Goya y Esteve retratistas de la Casa Osuna. 20 dejunio -1 de octubre de 20017.Comisariada por Virginia Albarrán, Museo del Prado Salas 37 y 38. Edificio Villanueva.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

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Ma mère, cette inconnue par Philippe Labro

Paris le 17 juin 2017. Avec beaucoup de retenue, de pudeur et d’amour, Philippe Labro nous livre le portrait de sa mère. Un récit plein d'émotion ! 389 Desde las orillas del Sena

« Netka, il y a du slave dans ce nom qui sonne clair. Elle a cinquante pour cent de sang polonais dans ses veines. Il me faudra beaucoup de temps pour identifier la Pologne, chercher la trace du père inconnu, éclaircir les mystères, imaginer l'enfant- valise, la petite fille abandonnée. Elle est, elle était ma mère. » Philippe Labro. « Dans un texte magnifique, Philippe Labro rend hommage à Netka. Plus que le portrait d’une figure maternelle, celui d’une grande dame.» Maurice Szafran, Challenges «Un beau livre d’amour, de reconnaissance et d’admiration.» Bernard Pivot, Le Journal du Dimanche «Toutes les mères ont un mystère, celle de Philippe Labro est un mystère.» Thierry Gandillot, Les Échos «Un personnage magnifique à qui Philippe Labro rend un passionnant hommage.» Pascale Frey, Elle «Un poignant “tombeau”, ce genre littéraire ancien qui ennoblit de mémoire la beauté d’une vie.» Marc Lambron, Le Point « Un récit sobre et émouvant, un portrait impressionniste qui rend hommage à cette femme qui refusa, toute sa vie, de s'apitoyer sur son passé. » L’Express « Philippe Labro, romancier et journaliste, enquête sur l'enfance de sa mère. Une belle histoire. » Le Figaro Entretien réalisé avec Philippe Labro à l’occasion de la parution de Ma mère, cette inconnue. © Gallimard : http://www.gallimard.fr/Media/Gallimard/Entretien- ecrit/Entretien-Philippe-Labro.-Ma-mere-cette-inconnue « Voilà, j’ai fini ce livre et c’est dommage. Pendant que je l’écrivais, j’étais avec elle. » Albert Cohen (Le livre de ma mère) 390 Desde las orillas del Sena

Ma mère, cette inconnue. Philippe Labro. © Editions Gallimard, 2017. Composition de Nord Compo. Littérature française. Mémoires et autobiographies. XXe-XXIe siècle. 192 pages 140 x 205 mm. ISBN : 978-2-07-272752-8

Publié par Félix José Hernández.

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Un dîner spectacle inoubliable à l’Âne qui rit, le cabaret du rire et du fou rire

Paris le 18 juin 2017. Vivez un dîner spectacle qui vous fera mourir de rire à l’Âne qui rit, un cabaret unique à Paris À deux pas de l’Arc de triomphe… Quelle bonne soirée ! Que de rire ! Un dîner spectacle inoubliable à l’Âne qui rit, le cabaret du rire et du fou rire. Dans un décor ultra-moderne et confortable, avec un mobilier signé Philippe Stark,un fumoir pour les amateurs du tabac, un accès de plain-pied et un look branché et très sophistiqué. Des lumières extraordinaires et une proximité entre les convives pour une ambiance amicale et conviviale.

Un spectacle hilarant placé sous le signe de la bonne humeur et de la joie de vivre vous attend. On y rit beaucoup et ça fait du bien ! Des talents comiques reconnus ou inconnus vous feront

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mourir de rire durant près de deux heures. Vous serez accueillis par l’âne Jojo, la mascotte, qui vous mettra dans l’ambiance dès votre arrivée au cabaret.

Carotte d’Or de l’Originalité ! Miam miam !

L’âne Jojo adore les carottes, n'hésitez pas à lui el apporter il vous remerciera directement et dansera ! Les convives, quant à eux, ont droit à des mets de choix : des menus savoureux à choisir dans une carte étonnante et attrayante. Des plats inédits comme le « Tourne-Cassis » (exclusivité de Jojo), l’âne s'en lèche les babines ! Faites confiance au chef-cuisinier, vos papilles apprécieront ! « Le cabaret l’Âne qui rit, une parenthèse de bonheur à l’état pur, une soirée des surprises », parole d’âne ! https://www.youtube.com/watch?v=Cq7kNbCuDUg

Constamment à la recherche de nouveaux talents du rire, le cabaret l’Âne qui rit vous fait découvrir les meilleurs artistes de leur génération. On ne compte plus les comiques, ventriloques, magiciens, humoristes, imitateurs et chansonniers qui sont passés dans ce cabaret mythique à Paris.

Applaudissez des artistes talentueux en toute proximité, dans une salle à taille humaine. Des artistes proches du public qui vous offrent un spectacle d’exception pour passer le meilleur des moments. Un lien convivial se forge vite avec les spectateurs. Fort de son succès, l’Âne qui rit est le seul cabaret parisien à avoir créé une école pour former les talents de demain.

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Les clients apprécient la bonne cuisine ! Et c’est pour cela que le chef prépare une cuisine de qualité exclusivement composée de produits frais. Pour le plus grand plaisir de vos papilles, vous pourrez apprécier un spectacle hilarant après avoir dégusté une cuisine raffinée.

L’A.C.A.C.*, la 1ère école des métiers de l’humour en France , répond à la demande de ceux qui souhaitent acquérir une formation artistique pour se produire sur scène ou devant une caméra. C’est pourquoi la 1ère école des métiers de l’humour en France propose un enseignement complet dispensé par une équipe de coachs composée de professionnels du spectacle.

L’atelier répond à la demande croissante des jeunes qui souhaitent acquérir une solide formation artistique pour se produire sur scène ou devant une caméra. C’est pourquoi l’école propose un enseignement complet dispensé par une équipe de coachs essentiellement composée de professionnels du spectacle.

Située à deux pas de la place de Charles de Gaulle Etoile, l’atelier enseigne les différents métiers de l’humour (One Woman Show, Chroniqueur Radio et Télé, Humoriste, imitateur, Stand up, Ventriloque, Show man…) et permet aux élèves de se produire devant un véritable public.

La direction des cours pour une formation complète est assurée par William Klank, imitateur, comédien, auteur compositeur interprète depuis 25 ans en cabaret, chroniqueur à Europe 1. Il a pour objectif de trouver les clefs qui vous permettront de vous exprimer avec humour et sans efforts sur scène ou devant une caméra. Vous l’avez vu au 10 ème Nuits des Molières au côté de 394 Desde las orillas del Sena

Francis Perrin sur France 2 . Egalement sur Surprise Surprise et dans l’émission « Vous n’allez pas le croire « , puis à Star à domicile au côté de Julio Iglésias sans oublier sur CINE 6 dans Super 8. Directeur artistique de l’A.C.A.C., show man extraordinaire au talent exceptionnel, imitateur, William se produit sur les scènes parisiennes depuis de nombreuses années. Il se produit à l’Âne qui rit Paris régulièrement et découvre de nouveaux talents.

Philippe Lecomte, coach à l’A.C.A.C., 1e prix de ventriloquie (congrés magique), Philippe Lecomte a participé à l’émission le plus grand cabaret du monde (Patrick Sébastien). Il travaille pour les diners spectacles de Paris et a effectué de nombreuses tournées en France, au Brésil, Canada, Maroc, Polynésie, Thailande, Tunisie et États-Unis.

Olivier Perrin, coach à l’A.C.A.C., part en campagne en nous proposant des spectacles où dans un humour acide, il nous dépend les travers quotidiens, des sujets chauds d’actualité. Cet ancien athlète est remarqué par Hugues Leforestier et commence sa carrière en 2002 dans le Caveau de la République. Au bout de trois ans, il fait son apparition dans les médias, dans la radio (Oui FM), la télévision avec ses « caméras fâchées » pour les émissions de Karl Zéro, Cauet, Thierry Ardisson. Accusé d’être provocateur, l’artiste d’un humour politiquement incorrect, ne prend pas de gants pour dire ce qu’il pense dans le but de faire réagir et réfléchir l’assistance.

L'Âne qui rit- 3 rue Laugier 75017 Paris.Accueil à partir de 19h. Dîner de 19h30 à 21h. Spectacle de 21h à 23h.

Tél : 01 47 64 45 77. Fax : 01 47 64 40 02.contact@diners- spectacles.com 395 Desde las orillas del Sena

*A.C.A.C., 1ère École Française d’Humour. 3 rue Laugier 75017 Paris.

Tél : 01 43 80 79 97. [email protected]

Félix José Hernández.

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Italo Insolera, il bianco e il nero delle città. Immagini 1951- 1984

Roma, 18 giugno 2017.

Una mostra rievoca lo storico di “Roma Moderna”

Urbanista, storico, autore di “Roma moderna”, Italo Insolera è stato anche fotografo. Lo è stato per documentare il proprio lavoro ma soprattutto per passione. C’è un legame forte fra le riflessioni di Insolera sui processi urbani di sviluppo e trasformazione e il bianco e nero delle sue città: nell’impegno in difesa del patrimonio culturale e ambientale, come nella sensibilità e talvolta l’ironia delle sue inquadrature, c’è la ricerca quotidiana, coerente di risposte per governare il territorio nell’interesse della comunità.

Il Museo di Roma in Trastevere ospita, dal 12 maggio al 9 luglio 2017, 50 immagini inedite, scattate da Italo Insolera tra l’immediato dopoguerra e gli anni Ottanta. La mostra, curata da 397 Desde las orillas del Sena

Cristina Archinto e Alessandra Valentinelli, è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale-Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, servizi museali di Zètema Progetto Cultura.

Le sequenze giovanili ritraggono la Roma in cui Insolera si laurea nel 1953, la Sicilia e l’Abruzzo dove lo conducono i primi incarichi professionali. L’uscita di “Roma moderna” nel 1962 fissa l’inizio di una fervida stagione di sfide etiche e culturali; è l’urbanista maturo che fotografa in Sardegna o in Valnerina e al taglio sobrio delle architetture sostituisce i segni dell’uomo su città e paesaggi. Negli anni Settanta Insolera torna a indagare le “Mirabilia Urbis” descritte dall’amico Antonio Cederna; uno sguardo critico che si traduce in immagini sempre più contrastate, vitali, sferzanti, svelando la tensione ideale che tanto ha caratterizzato i suoi saggi e oggi ne ripropone l’attualità.

In contemporanea alla mostra esce, per Palombi Editore, il libro “Italo Insolera, fotografo”: che raccoglie duecento scatti selezionati tra le sequenze di Roma, dei viaggi, dei luoghi dov’è intervenuto come urbanista. Nato alcuni anni orsono da spunti e indicazioni di Insolera, il volume si è avvalso dell’aiuto indispensabile di Anna Maria Bozzola Insolera, oltre che delle memorie e suggestioni di quanti lo hanno conosciuto.

Mostra Italo Insolera, il bianco e il nero delle città. Immagini 1952-1988 Museo di Roma in Trastevere, Piazza S. Egidio 1/b Roma. Promossa da Sponsor Sistema Musei Civici con il contributo tecnico di Media Partner. Assessorato alla Crescita culturale di Roma - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali; MasterCard Priceless Rome, Ferrovie dello Stato, Il Messaggero. Servizi museali Zètema Progetto Cultura.

Pubblicato da Félix José Hernández. 398 Desde las orillas del Sena

Dans la forêt par Jean Hegland

Paris le 19 juin 2017.

Un roman magnifique et bouleversant, avec une grande force poétique. Une formidable ode à la nature…un vrai bijou !

Rien n’est plus comme avant : le monde tel qu’on le connaît semble avoir vacillé, plus d’électricité ni d’essence, les trains et les avions ne circulent plus. Des rumeurs courent, les gens fuient. Nell et Eva, dix-sept et dix-huit ans, vivent depuis toujours dans leur maison familiale, au cœur de la forêt. Quand la civilisation s’effondre et que leurs parents disparaissent, elles demeurent seules, bien décidées à survivre. Il leur reste, toujours vivantes, leurs passions de la danse et de la lecture, mais face à l’inconnu, il va falloir apprendre à grandir autrement, à se battre et à faire

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confiance à la forêt qui les entoure, emplie d’inépuisables richesses.

Considéré comme un véritable choc littéraire aux États-Unis, ce roman sensuel et puissant met en scène deux jeunes femmes qui entraînent le lecteur vers une vie nouvelle.

Ce livre est adapté au cinéma avec Ellen Page et Evan Rachel Wood dans les rôles principaux.

Into the Forest | Official Trailer HD | A24 : https://www.youtube.com/watch?v=_TRSvK-Omwc

« La puissance de ce roman tient à cet art de faire surgir la beauté scintillante des héroïnes, au plus noir de leur destin. Mais c'est surtout l'inventivité de la romancière qui éblouit de bout en bout. Il faut se laisser happer par ce livre-refuge aussi dévorant que régénérant. » Marine Landrot, TÉLÉRAMA

« Par effet mimétique, le plaisir de lecture que procure Dans la forêt prend la forme d'une clairière. Qu'un roman d'aventures puisse advenir sans déplacement géographique, qu'une odyssée psychologique puisse être circonscrite dans quelques hectares dépend de la rare habileté d'un(e) auteur(e) à tisser une chronique dépourvue de monotonie. Jean Hegland y parvient avec aisance et lyrisme. Avec elle, le lecteur buissonne. » Macha Séry, LE MONDE DES LIVRES

« Un roman éléctrique, déstabilisant. » Martine Laval, LE MATRICULE DES ANGES

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« C'est d'abord exaltant, ensuite troublant. » Astrid de Larminat, LE FIGARO LITTÉRAIRE

« Dissipant une angoisse d'autant plus sourde qu'il ne se passe presque rien, surgit la préciosité de la vie, qui doit se mériter comme au temps des premiers hommes. C'est étrange, mais cela fonctionne à merveille. » Nicolas Ungemuth, LE FIGARO MAGAZINE « Un chant d'amour porté par deux héroïnes sensuelles. [...] Son beau roman s'achève comme un premier matin du monde et, s'il n'est pas un conte de fée, il a tout d'une parabole inattendue. » Christine Ferniot, LIRE

« Un premier roman qui tient en haleine. » Claire Devarrieux, LIBÉRATION

« Un suspense obsédant.» Didier Jacob, L'OBS

« C'est un roman magnifique, à la fois poétique et haletant, ce qui est assez rare. » Nicolas Carreau, EUROPE 1

« Un très beau roman. On en garde des images très fortes. »Marie-Hélène Fraïssé, FRANCE CULTURE

« Dans la forêt ou les prémices d'une prise de conscience. II nous reste à tout réapprendre ! » Éric Dussert, LA QUINZAINE LITTÉRAIRE

« Une énergie vitale saisissante, un très beau roman sur la révolte, la résistance et la volonté de survivre à tout prix. »FRANCE BLEU

« Un huis clos haletant qui fait froid dans le dos en mettant en scène notre dépendance et la vulnérabilité de notre mode de vie, 401 Desde las orillas del Sena

mais qui dégage aussi la puissance d'un archaïque instinct de conservation et d'une réconfortante capacité d'adaptation. » Véronique Rossignol, LIVRES HEBDO

« En lisant Jean Hegland, on pense souvent à un autre tandem fuyant l’apocalypse, celui que Cormac McCarthy met en scène dans La Route. » André Clavel, LE TEMPS

« Dans la forêt pointe une société qui a conduit son auto- destruction et, même s'il met en avant le retour à la nature, n'en relêve pas moins les risques et les dangers d'une telle (sur)vie. » LE QUOTIDIEN LUXEMBOURG

« Un roman magnifique qui interroge avec beaucoup d'intelligence et de finesse notre façon de vivre, de consommer, notre civilisation, la fragilité de nos vies. Il est en plus superbement écrit. »Anne-Sophie Hache, LA VOIX DU NORD

« Un huis clos au grand air, intime et grandiose, au lyrisme luxuriant. [...] L'écriture généreuse de Jean Hegland plonge le lecteur dans l'odeur fraîche de l'humus, l'eau qui ruisselle sur les mousses et le pourrissement des souches. » Alexis Maroy, LA LIBRE BELGIQUE

« Un roman qui colle totalement au temps présent. »David Collin, RADIO TÉLÉVISION SUISSE « C'est un roman post-apocalyptique soft avec une vraie écriture. Du survivalisme facile à lire et qui interroge. » NORD ÉCLAIR

« Un roman assez sombre qui nous interpelle sur les conséquences d'une grande crise écologique et technique et sur la manière d'y faire face. » SYMBIOSES

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« Une écriture simple et directe qui procure des émotions très fortes : le lecteur, entouré d’arbres rendus presque palpables, sent l’odeur de la terre. »LIBRARY JOURNAL

« Magnifiquement écrit et profondément émouvant, ce roman livre un message essentiel. »SAN FRANCISCO CHRONICLE

« De la première à la dernière page, ce roman s’inscrit de manière admirable dans le genre défini par le 1984 de Georges Orwell. »PUBLISHERS WEEKLY

« Une écriture sublime. »KIRKUS

Jean Hegland est née en 1956 dans l’État de Washington. Après avoir accumulé les petits boulots, elle devient professeur en Caroline du Nord. À vingt-cinq ans, elle se plonge dans l’écriture, influencée par ses auteurs favoris, William Shakespeare, Alice Munro et Marilynne Robinson. Son premier roman Dans la forêt paraît en 1996 et rencontre un succès éblouissant. Elle vit aujourd’hui au cœur des forêts de Californie du Nord et partage son temps entre l’apiculture et l’écriture.

Dans la forêt. Jean Hegland. Roman. Collection Nature Writing. Titre Original : Into the Forest. Traduit de l’anglais (U.S.A.) par Josette Chicheportiche. © Éditions Gallmesister, 2017 pour la traduction française. © Photo de couverture Stephen Carrol / Arcangel Images. Conception graphique : Valérie Renaud. 304 pages. 23,50 euros. ISBN 978-2-35178-142-5

Publié par Félix José Hernández.

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Zoo Station par David Downing

Paris le 21 juin 2017.

Un roman passionnant. Un grand thriller historique de la première à la dernière page. Une écriture directe qui procure des émotions très fortes.

Jusqu’où peut-on refuser de s’engager quand le pire est à venir ?

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Berlin, 1939. Ancien communiste, John Russell, travaille pour la presse anglo-saxonne. Lorsqu’un agent russe lui commande une série d’articles élogieux sur l’Allemagne nazie, destinés à la Pravda, dans le but de préparer le pacte de non-agression, Russell se montre d’abord réticent, puis accepte. Ses contacts avec Moscou et Berlin attirent bientôt l’attention des services secrets anglais. Après la mort mystérieuse d’un journaliste, Russell se retrouve possesseur d’un terrible secret. Pourra-t-il rester neutre face à l'horreur qui s'annonce ?

Avec un réalisme rare et un suspense soutenu, David Downing interroge l’une des plus sombres périodes de notre histoire : peut- on refuser de s’engager quand le pire est à venir ? Ce premier volume des aventures de Russell, qui ont rendu leur auteur célèbre en Angleterre et aux États-Unis, nous invite dans l’intimité d’un héros en quête d’intégrité, que l’on sera impatient de retrouver.

« L’une des œuvres les plus intelligentes et les plus convaincantes sur l’Allemagne d’avant guerre. » Wall Street Journal

« Dans l’unité d’élite des maîtres de l’espionnage, aux côtés de Philip Kerr, David Downing excelle à évoquer les moindres détails de la marche de l’Allemagne vers la guerre. » The Washington Post

"Suspense et intensité sont au rendez-vous." Femme Actuelle

David Downing vit en Angleterre. Après Zoo Station, le Cherche Midi publiera la deuxième aventure de John Russell, Station Silésie.

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Zoo Station. David Downing. © le cherche midi, 2017, pour la traduction française. Collection Thrillers. Traduit de l’anglais par Cindy Colin Kapen. Couverture : Mickaël Cunha. Photo : © Paul Thomas Gooney / Arcangel Images.220 x 140 mm. 352 pages. 22 euros.ISBN: 978-2-7491-5262-2

Publié par Félix José Hernández.

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La plus humoristique des revues parisiennes dans un Cabaret à Paris : « Paris-Parnasse », au César Palace Paris

Paris le 22 juin 2017.

Avec sa Nouvelle Revue " Paris-Parnasse ", la plus humoristique des revues parisiennes, le César Palace Paris réunit de nombreux artistes : danseurs, humoristes, magiciens, jongleurs, violoniste, etc. Un spectacle riche en émotions, dynamique et varié.

Vous entrez dans l’univers de la Nouvelle Revue "Paris- Parnasse". Prenez votre temps, installez-vous, amusez-vous et dégustez la cuisine du Chef. Attention, le César Palace Paris va vous faire remonter le temps !

La lumière devient douce dans le restaurant-spectacle et laisse place à une projection qui vous ramène aux années folles de Montparnasse. Vous pensez tout savoir, alors à vous de jouer !

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Amusez-vous avec le Maître de Cérémonie à répondre au quizz sur ce lieu intemporel qu’est Montparnasse.

Revenons aux années actuelles. C’est ici qu’a décidé, il y a plus de 25 ans, de s’implanter le restaurant-spectacle César Palace Paris, entre le musée Bourdelle, la cantine des artistes (Picasso, Chagall, Matisse, etc. …) et la rue de la Gaité.

La Nouvelle Revue vous transporte dans cet univers fou des heures chaudes de Montparnasse, tout en restant très actuelle. Vous devinerez la volupté et les plumes de Kiki de Montparnasse, chanterez sur les tours de chants des cafés concerts et des music-halls, rirez avec les humoristes amuseurs publics et satiriques.

Le cabaret vous propose des attractions visuelles, des humoristes, des magiciens, des danseurs, une chanteuse, une violoniste : tout est réuni pour un spectacle de qualité.

Laissez-vous surprendre par le talent des artistes : les tours de jonglage vous laisseront sans voix, la dompteuse de cerceaux saura vous impressionner sans difficulté. Un véritable mélange d’attractions qui rend ce spectacle unique en son genre. Aucun doute, vous ne regretterez pas votre passage au César Palace Paris !

Vous allez rire comme jamais dans un Cabaret à Paris ! Ces amuseurs publics vous surprendront par leur humour satirique et actuel : laissez-vous embarquer dans cette expérience insolite.

Pour continuer en beauté, les magiciens sauront vous épater à leur tour, en vous plongeant dans une ambiance mystérieuse au cours de ce spectacle ! 408 Desde las orillas del Sena

Retrouvez aussi de nombreux tableaux dansés ! Plumes et paillettes sont mises en scène par des danses variées et des tableaux qui dévoilent le talent des danseurs.

Ajoutons à ce beau spectacle des décors surprenants et des musiques variées pour le bonheur de tous ! Et n’oublions pas le merveilleux French Cancan, danse incontournable du Cabaret à Paris.

Pendant le spectacle, des musiques variées reprises par le violoniste et la chanteuse, deux artistes au talent démesuré : c’est un moment de plaisir intense qui sublimera vos oreilles.

Laissez-vous charmer par les danseurs. Passionnés de Cabaret, ils sauront vous transmettre toutes les émotions qui donnent au spectacle un caractère unique.

Le César Palace Paris appartient à Frank Clerico depuis Juillet 2011. Homme de spectacle, il est le descendant de la plus grande famille des Cabarets de Paris, la famille Clerico, créatrice du Lido de Paris et du Moulin Rouge. Il a lui-même été Président et Directeur Général du Lido de Paris pendant de nombreuses années. Actuellement, Frank Clerico est en charge de deux établissements : le César Palace Paris et le Happy Day’s Paris.

Au César Palace Paris, il a su s’entourer de personnes compétentes, pour redynamiser ce cabaret traditionnel et restaurant-spectacle.

Les Rios, directeurs artistiques et créateurs de la Nouvelle Revue, ont travaillé dans le monde entier, avant de se joindre au César Palace Paris.

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Stéfan Adamick , ancien maître d’hôtel et de réception du Lido de Paris, est le directeur du restaurant.

Manu Pinto, directeur commercial, a déjà occupé cette fonction au Lido de Paris et au Cabaret Bobino. Il a sous sa responsabilité toute une équipe, au service commercial, dont Caroline Jacob, anciennement au Paradis Latin et au Crazy Horse.

Le César Palace Paris vous propose des offres spéciales, en fonction de vos envies. Si vous souhaitez sortir à Paris et voir un spectacle dans un Cabaret à Paris, accédez à l’offre " Spectacle seul " pour 45€.

Les Horaires :

 Ouverture des portes : 19h30  Spectacle : 22h00  Soirée dansante : 23h30  Fermeture : 2h00

Service réservations : Laurence. Tél. 01 45 44 46 20 [email protected]

César Palace Paris. 23, Avenue du Maine - 75015 Paris.

Publié par Félix José Hernández.

410 Desde las orillas del Sena

Se constituye la Comisión Nacional para la conmemoración del II Centenario del Museo del Prado

SSMM los Reyes de España junto al Pleno de la Comisión Nacional para la conmemoración del II Centenario del Museo Nacional del Prado, de la que son Presidentes de Honor. Foto © Museo Nacional del Prado. Madrid, 19 de junio de 2017. SSMM los Reyes de España, don Felipe y doña Letizia, han presidido esta mañana la reunión constitutiva del Pleno de la Comisión Nacional para la conmemoración del II Centenario del Museo Nacional del Prado. La citada reunión ha tenido lugar en el Claustro de los Jerónimos con la actuación del ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo, como presidente del Pleno. La Comisión Nacional, creada mediante Real Decreto 258/2016, de 17 de junio, está adscrita al Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y tiene por objeto programar, impulsar y coordinar el programa con el que el Museo conmemorará su bicentenario. La Comisión, cuya presidencia de Honor corresponde a SSMM los Reyes, cuenta con el ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo, como presidente de su Pleno, actuando como vicepresidentes primero y segundo, respectivamente, el presidente del Real Patronato del Museo, José Pedro Pérez-Llorca, y la vicepresidenta del Real Patronato, Amelia Valcárcel. Junto a todos ellos, el Pleno estará integrado por todos los vocales natos y designados del Real Patronato del 411 Desde las orillas del Sena

Museo, el subsecretario de Educación, Cultura y Deporte, José Canal, el director adjunto de Conservación e Investigación del Museo, Andrés Úbeda, y la directora adjunta de Administración del Museo, Marina Chinchilla. La Comisión contará con diez miembros más, representantes de otras instituciones, empresas o particulares, que han sido designados hoy como vocales por el presidente de la misma, a propuesta del Pleno, y que son: Carmen Alborch, exministra de Cultura; Fernando Checa, exdirector del Museo del Prado; Miguel Ángel Cortés, exsecretario de Estado de Cultura y senador; Roberto Fernández, rector de la Universidad de Lleida; Cristina García Rodero, fotógrafa; María González, directora del Gabinete de la Vicepresidenta del Gobierno; Cristina Iglesias, escultora; Pilar Platero, presidenta de SEPI; Luis Ribot, catedrático de Historia Moderna de la UNED y miembro de la Real Academia de la Historia; y Miguel Zugaza, exdirector del Museo del Prado y director del Museo de Bellas Artes de Bilbao. En esta reunión constitutiva el Pleno ha aprobado las líneas generales del programa de actividades que conmemorará los principales episodios de la historia de la Institución y cuyo contenido desarrollado se dará a conocer próximamente. El Museo del Prado ante su bicentenario El 19 de noviembre de 1819 se abría al público el Real Museo de Pinturas, hoy Museo Nacional del Prado, en el edificio originalmente proyectado por Juan de Villanueva para Gabinete de Historia Natural y Academia de las Ciencias. El Real Museo se había constituido con obras procedentes de las Colecciones Reales, incluyendo en su primer catálogo un total de 311 pinturas y un régimen de apertura de un día a la semana. 412 Desde las orillas del Sena

En los casi doscientos años transcurridos, el Museo ha sufrido importantes transformaciones. Sus colecciones se han incrementado hasta alcanzar las casi 29.000 obras, fruto de la incorporación de los fondos procedentes de los Museos de la Trinidad (1872) y de Arte Moderno (1971), de las numerosas adquisiciones de obras por parte del Estado y del propio Museo, así como de importantes donaciones y legados que ponen de manifiesto la estrecha relación de la sociedad civil con el Museo. El crecimiento de la colección ha tenido lugar en paralelo a las sucesivas ampliaciones físicas, que hoy en día, permiten hablar del Museo como un campus museístico, término acuñado en el marco del Plan de Actuación 2005- 2008, y que resulta de la suma de cinco edificios –cuatro de ellos de carácter histórico–, de diferente vocación y uso, que conforman el nuevo Prado. Asimismo, el Museo en su firme compromiso de servicio público ha ido incorporando medidas continuadas con la finalidad de convertir la visita al Museo en la mejor experiencia para el visitante, habiendo conseguido en la última década, entre otros hitos, ser el primer Museo europeo en abrir al público todos los días de la semana, 362 días al año. Además, el Museo ha alcanzado el lugar que le corresponde por la importancia de su colección en el ámbito internacional, mediante la consolidación de un programa de exposiciones temporales de máxima calidad y proyección, y la constitución del Centro de Estudios, centro de investigación científica y académica de su actividad, y la Escuela del Prado, punto de encuentro entre profesionales consagrados y jóvenes historiadores del arte. El Museo Nacional del Prado es hoy un museo universalmente reconocido por su historia y sus colecciones, distinguido por su excelencia científica, capacitación técnica y organización eficiente.

413 Desde las orillas del Sena

Máximos beneficios fiscales por contribuir a la conmemoración Los patrocinadores de este acontecimiento se beneficiarán de las ventajas establecidas por la Ley 49/2002, de régimen fiscal de las entidades sin fines lucrativos y de los incentivos fiscales al mecenazgo, para los acontecimientos de excepcional interés público. Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid, Félix José Hernández.

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Le grand William Klank !

William Klank

Paris le 23 juin 2017.

Avec William Klank on y rit beaucoup et ça fait du bien. Bravo !

Né d’une famille Polonaise avec la musique dans le sang, baigné dans son enfance par le chant du côté de sa mère et par le violon du côté de son grand père, William Klankovitch, devenu KLANK, rêve de s’affranchir du rêve de ses parents : devenir un musicien classique.

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William Klank est un artiste dans l’âme. Dès l’âge de 12 ans, inspiré par les grands noms du jazz, William chante et se met à imiter les instruments de musique : la trompette de Louis Armstrong, la clarinette de Sidney Beychet, le saxophone de Stan Getz.

Après les cours Simon et Jean-Laurent Cochet, William prépare le Conservatoire d’Art Dramatique à Paris puis le CREPS à Houlgate. Cet artiste sportif joue au théâtre Mogador dans le spectacle musical « Magic Circus » de Dominique Webb. Il se met à écrire ses sketches avec les auteurs Christian Dosogne, Thierry Sforza et Nicolas Novikoff pour créer des One Man Show que l’on a pu découvrir de cafés-théâtres en cabarets et de théâtres en festivals.

Sur EUROPE 1, William Klank imite les voix de multiples personnages dans l’émission « Le Bar de chez Jeannot » aux côtés de Jean Roucas. Il est le double de Francis Perrin qu’il imite mot pour mot avec brillo dans la «Xème & XXème Nuit des Molières» sur France 2. Il piège les stars avec les voix de Michel Serrault, JP Coffe, Pierre Palmade entre autres, avec ses canulars téléphoniques sur Rire et chansons. Il fait également le show sur France 3, M6 avec les imitations d’instruments et sur RTBF en duel avec son violoniste.

Toujours à la recherche de la perfection et de la performance vocale, William Klank se caractérise par son humour original, de qualité et ses imitations de célèbres vedettes françaises, d’orchestres tziganes, de jazz... Cet athlète du rire promène son talent d’interprète et de show man de scènes en scènes.

Après une formation de comédien aux Cours Simon et de sportif au CREPS de Houlgate, William enseigne le fitness et le yoga pendant 10 ans avant de se lancer dans la carrière artistique dont 416 Desde las orillas del Sena il a toujours rêvé. Il écrit et joue avec son public dans des One Man Show en France et à l’international. Après avoir longtemps emprunté la voix des autres, il lui vient l’envie de composer ses chansons et de chanter avec sa propre voix en s’inspirant aussi de la pop anglaise : The Beatles, Elton John, Charlie Winston, Coldplay.

Le nouvel album de William Klank : « A LA LUMIERE DU TEMPS », est sorti en digital le 8 Février 2016. Ses chansons sont disponibles sur toutes les plateformes de téléchargement.

Cet album est une ode à la femme, au voyage et à l’amour, ses thèmes de prédilection. Un écrin de 11 titres arrangés d’une main de maître par Christophe Battaglia, dont le nom est souvent associé au succès des albums de Céline Dion, Garou, Jean- Jacques Goldman et Yannick Noah.

On y retrouve une profonde sensibilité, ainsi qu’une authenticité au service d’une créativité fertile. Trois qualités qui caractérisent la personnalité de William.

Itunes: https://itunes.apple.com/fr/albu m/a-la-lumiere-du- temps/id1082181502 http://william-klank.com/

«Imitateur de haute volée, Mister KlanK se singularise par la qualité de ses textes. D’autant qu’une fois attrapé par l’Humour ravageur de cet athlète du rire, vous aurez du mal à vous en défaire.» LE REPUBLICAIN

«KlanK a les moyens physiques des plus belles envolées... KlanK est capable à la fois d’originalité et de Qualité. Ses imitations d’orchestres Tsiganes, de Jazz sont des pures merveille » VOICI. 417 Desde las orillas del Sena

A L’ÂNE QUI RIT : « …William Klank clôt ce spectacle. Cet imitateur né, possède un talent vocal rare. Non seulement il se révèle capable d’imiter à la perfection des personnages comme Palmade ou Michel Boujenah, mais de surcroît, il peut restituer à l’aide de ses cordes vocales le son de n’importe quel instrument de musique. L’effet est vraiment surprenant.» PARISCOPE

Félix José Hernández.

418 Desde las orillas del Sena

Marat « L’Ami du peuple », par Serge Bianchi

Paris le 23 juin 2017.

Magnifique livre ! Voici un travail sérieux et profond à propos des mythes et des réalités autour de Marat.

« Prétendre plaire a tout le monde est d'un fou, mais prétendre plaire a tout le monde en temps de Révolution est d'un traitre. » Jean-Paul Marat

419 Desde las orillas del Sena

Jean-Paul Marat, personnage controversé de la Révolution française, tant par les haines qu'il a suscités, que par l'adoration dont il fut l'objet après son assassinat.

Détesté par les uns, adulé par les autres, Jean-Paul Marat est le plus controversé et le plus méconnu des grands acteurs de la Révolution française. Médecin et penseur au temps des Lumières, il subit l'hostilité ou l'indifférence de Voltaire et de Condorcet. Journaliste engagé, Marat illustre l'explosion de la presse d'opinion, le quatrième pouvoir, à travers son quotidien, l'Ami du Peuple, au fil de 685 numéros souvent censurés et publiés dans la clandestinité. Élu à la Convention, accusé d'aspirer à la dictature, associé à Danton et Robespierre, il est acquitté triomphalement par le Tribunal révolutionnaire, avant d'être assassiné, le 13 juillet 1793, par Charlotte Corday.

Après sa mort, sublimée par le tableau de David, commence pour Marat une existence posthume, non moins agitée que la première. Héros d'un culte inouï rendu au « martyr de la Liberté » pendant la Terreur, il devient ensuite un anti-héros absolu, victime d'une « dépanthéonisation » spectaculaire. Dès lors, des mythes tenaces, des légendes inconciliables – dorée ou « maratiste », d’un côté, noire ou « anti-maratiste », de l’autre – s’affrontent et brouillent notre compréhension du personnage.

420 Desde las orillas del Sena

Recentrant les analyses sur les documents et les archives, donnant la parole au principal intéressé, Serge Bianchi se propose de réduire, voire d'abolir, le fossé creusé entre ces mémoires si contrastées et la biographie de celui qui se voulut « l'Ami du Peuple ».

Jean-PaulMarat : monstre pour les uns, prophète et ami du peuple pour les autres !

« Embryon suisse... Caligula de carrefour... Triboulet populaire. »Vicomte de CHATEAUBRIAND

« Anthropophage avec une extrême bassesse.»PAGANEL

« J'ai rendu autant de services à la France que si j'avais défait un tigre échappé des forêts de la Sibérie pour se repaitre dans nos climats de sang humain... Je n'ai pas cru tuer un homme, mais une bête féroce qui dévorait tous les Français. »Mademoiselle de CORDAY

« Marat est celui qui m'intéresse le plus. Il ne fait pas de discours... Il luttait seul contre tous. C'était un homme bien singulier. Ces personnages-là sont du domaine de l'histoire. Ils n'ont point, quoi qu'on dise, le caractère méprisable; peu d'hommes ont marqué comme eux.»NAPOLEON

« Marat avait quelques idées heureuses sur le gouvernement représentatif, que je regrette qu'il ait emportées; il n'y avait que lui qui pût les dire; il n'y aura que la nécessité qui permettra qu'on les entende de la bouche de tout autre ... Marat était doux dans son ménage, il 421 Desde las orillas del Sena n'épouvantait que les traitres... Il n'y eut qu'un Marat; ses successeurs sont des hypocrites dont rougit son ombre.»SAINT-JUST

» Lorsque je lus le livre de Bougeart sur Marat, je m'aperçus qu'à bien des égards nous imitions inconsciemment le grand exemple de l'Ami du peuple. Je m'aperçus aussi que les hurlements et les falsifications qui, depuis bientôt cent ans, ont altéré le vrai visage de Marat s'expliquent très simplement. D'abord, dévoilant ceux qui se préparaient à trahir la Révolution, Marat arracha sans pitié le masque des idoles dumoment ; d'autre part, comme nous, il ne considérait pas la Révolution comme terminée, mais il voulait qu'elle fût proclamée permanente.»ENGELS

Agrégé, docteur d'État, Serge Bianchi est professeur émérite d'histoire contemporaine à l'Université de Rennes II. Il a publié et dirigé de nombreux ouvrages sur l'histoire politique et culturelle de la Révolution française dont Des révoltes aux révolutions 1770-1802 (en 2004), Héros et héroïnes de la Révolution française (en 2012). Marat « L’Ami du peuple ». Serge Bianchi. © Éditions Belin / Humensis2017.Collection Portraits. 409 pages. 14 cm x 22 cm. En couverture : Joseph Boze, Portrait de Jean-Paul Marat, 1793 (huile sur toile) © Akg-images / Eric Lessing.ISBN : 978-2-410- 00305-5

Publié par Félix José Hernández.

422 Desde las orillas del Sena

Introjection de Gehard Demetz

Roma, 22 giugno 2017.

Dal 23 giugno al 10 settembre 2017 si svolge al MACRO la mostra Introjection di Gehard Demetz, a cura di Marco Tonelli, promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, e realizzata in collaborazione con la Galleria Rubin di Milano.

Gehard Demetz (Bolzano, 1972) utilizza come materiale esclusivo della sua scultura il legno, a cui ha saputo dare nel corso degli anni una devianza contemporanea, uno scarto dalla regola e dalla funzionalità artigianale. Dando l’impressione, oltre che di scolpire, anche di comporre le opere attraverso assemblaggi di blocchetti di legno, Demetz introduce nelle sue sculture effetti di sfasamenti cromatici, distorsioni, allungamenti, anamorfosi, accorciamenti dimensionali, favoriti dall’uso di iconografie religiose, infantili, architettoniche, archetipiche, che

423 Desde las orillas del Sena conservano senso della memoria e della storia per dargli una nuova veste in chiave profondamente psicologica.

La sua mostra “Introjection” si ispira quasi esclusivamente a tematiche legate a iconografie sacre sia livello liturgico (tabernacoli) che architettonico (chiese) o devozionale (Maria Vergine e Sacro cuore), a cui fanno da contrappunto immagini profane e dissacratorie (Hitler e Mao) e laiche (fienili della Val Gardena), in cui a predominare è la dissonanza, la dissolvenza, la metamorfosi tra condizione infantile e adulta, tra predestinazione e maledizione.

Il progetto espositivo che si presenta al MACRO offre molteplici spunti per indagare le possibilità di una tecnica atavica (parte integrante della formazione “tedesca” e comunque nordica di Gehard Demetz) che si mette in ascolto di pressioni e drammi contemporanei (si veda il rilievo assemblativo di tipiche e dozzinali figurine da presepe, raggruppate come fossero un’unica massa indistinta, quella di immigranti stipati su barconi), una tecnica che esalta l’aspetto squisitamente materico della scultura, levigato e reso più morbido dal modo stesso di trattare le superfici di legno, spesso dipinte a creare stacchi inattesi tra materia e immagine, facendo della scultura una immagine oltre che un oggetto. Un progetto quindi di ricerca in bilico tra memoria, devozione, simbologia e tradizione, unitamente a una immediatezza e istantaneità comunicativa che è tipica della contemporaneità dei nostri linguaggi più avanzati.

Introjection. Gehard Demetz, a cura di Marco Tonelli. MACRO - Museo d’Arte Contemporanea Roma Project room #2 e Foyer, Via Nizza, 138 Orario: da martedì alla domenica ore 10.30-19.30 (la biglietteria chiude un’ora prima) Chiuso il lunedì .

424 Desde las orillas del Sena

Sponsor Sistema Musei in Comune. In Collaborazione con Master Card Priceless Rome. Con il Contributo Tecnico di Ferrovie dello Stato Italiane, Media Partner, Il Messaggero, Servizi di Vigilanza Travis Group.

Pubblicato da Félix José Hernández.

425 Desde las orillas del Sena

Aprendiendo a través del arte en el Museo Guggenheim Bilbao

Obra realizada por los alumnos del colegio Altza de Donostia-San Sebastián.

Bilbao, 12 de junio de 2017.

Querida Ofelia:

Coincidiendo con el XX Aniversario del MuseoGuggenheim Bilbao, Aprendiendo a través del artecumple 20 años de fructíferos encuentros entre niños de 6y 12años, artistas, docentes y educadorasdel Museo. La muestra que culminaeste programa, que cuenta desde su iniciocon el generoso patrocinio 426 Desde las orillas del Sena

de BBK y con la colaboración del Departamento de Educación, Política Lingüística y Cultura del Gobierno Vasco, se expondrá este año,del 13 de junio al 17 de septiembre, en el espacio educativo del Museo.

“Ha sido la primera vez que he pintado con una brocha, con la cola de barra, he metido el rodillo en el bote, todo ha sido divertido. Yo he hecho una peana y he pintado muchas ramas y palos. Quiero volver al Museo”. “Yo me llamo Gift y he hecho una pantalla con media luna dentro. ¿Por qué la luna? Porque de mayor voy a ser científica y estudiaré la luna. ¿Ypor qué la pantalla? Porque me gusta la tecnología. El fondo es una mezcla de morado y la pantalla es azul clarito y, por último, la luna es verde”. Con esta espontaneidad y emociónse expresaban,un niño del colegioAltza de Donostia-San Sebastián,y una alumna del colegio Tomas Camachode Bilbaotras su pasopor el programa Aprendiendo a través del arte, queeste año celebra su vigésima edición.

Los artistas Iñaki Gracenea, Naia del Castillo,Maider López, Manu Muniategiandikoetxea, Jorge Rubio e Ixone Sábada, en colaboración con las educadoras del Museo Guggenheim Bilbao y los profesores de seis colegios de la Comunidad Autónoma del País Vasco, han diseñado y dinamizado los talleres en los que se han gestado estas inesperadas propuestas creativas.

“Todos los niños son creativos, este proyecto afianza este saber. Compartir un trabajo con un artista, desdeel arte, no como espectadores,sino como artistas, queda en ellos como una experiencia iniciática que les hace ser parte de esta forma de entender la vida. Desde ese momento se sienten artistas, son los protagonistas y lo viven así. Esta experiencia quedaen su formación, en su yo personal, son artistas y los artistas no dejan 427 Desde las orillas del Sena de serlo nunca. Participan de la acción artística. Este sentimiento les da una cercanía vivencial hacia el arte y es parte de ellos para siempre”. Manu Muniategiandikoetxea explicabaasí su convencimiento del potencial creativo del programa Aprendiendo a través del arte.

Seis proyectos artísticos cargadosde imaginación y emocionante aventura

Los 113 “artistas” que componen la exposición Aprendiendo a través del artepertenecen a seis colegios de Álava, Bizkaia y Gipuzkoa.

Los alumnosde3º y 4ºcurso del colegio Mendiola de Donostia- San Sebastiánhan analizado los diferentes modelos de trabajo que existen y las posibilidades del trabajo en cadena.Dirigidos por la artista donostiarra Maider López, los escolares crearonun proyecto artístico denominado “Cadena humana” basado en la relación que existe entre el estudio de los oficios y los procesos de la industria,y el arte y la creación. Para ello, cortaron planchas de espuma con las que realizaronfrutas de diferentes colores,ylas transportaron en cadena de un extremo del colegio al otro,atravesando el patio, los pasillos y las escaleras hasta llegar a la clase.

Los escolaresde 2º curso del Colegio Abetxuko de Vitoria- Gasteizreflexionaron sobre la diversidad en los tipos de familia, las relaciones entre las personas y la vida en los barrios. Animados por el artista Manu Muniategiandikoetxea, este grupo multiétnico ideóun proyecto llamado “Cajas de convivencia”compuesto por una gran escultura realizada con cajas apiladas,que incluye textos en idiomas diferentes sobre la diversidad, la convivencia, la familia y el respeto; además defotografías de comportamientosadecuados y acciones evitables. 428 Desde las orillas del Sena

El alumnadode4º curso del colegio Tomás Camacho de Bilbaoestudióla conexión del individuo, la naturaleza y su entorno con el arte. Observaron la naturaleza más cercana, las hojas de los árboles y, con la ayuda de la artista Naia del Castillo, pintaron las hojas con colores diferentes y con ellas, inventaron frases en las que expresaron ideas relacionadas con eltrabajo en equipo como, por ejemplo, “Una hoja no crea un bosque”, título de este proyecto. Para completar su trabajo, los escolares generaron un panal de emblemas personales pintando sus iconos favoritos,como una estrella, una gota de agua, un león, una nube, una palabra o un barco.

“Atendiendo a la observación, la conceptualización y la experimentación a lo largo del proyecto, este año el alumnado ha tenido la oportunidad de descubrir y realizar actividades manipulativas en relación al concepto de espacio al mismo tiempo que se ha fomentado el trabajo colaborativo. Asimismo, ha sido un año muy fructífero, puesto que los infantes han experimentado junto con una profesional, la participación en un proyecto artístico como es Aprendiendo a través del arte”.Un profesor del colegio Tomás Camacho valoraba con estas palabras su experiencia en el programa.

Los escolares de 5º y 6º curso del colegio Soloarte de Basauri aprendieron a apreciar y disfrutar de las diferencias y similitudes entre las personas a través de la observación de sus propios cuerpos y rostros. Crearon autorretratos en dos y entres dimensiones trabajando condiferentes técnicas; descubrieron como sacar los positivos de los moldes y ensayaron a incluir objetos, a veces reciclados, para enriquecer sus obras. Ixone Sábada les apoyóen este trabajo llamado “Moldes y cuerpos”en el que el alumnado experimentóel placer de hallar respuestaspropias y producir objetos únicos e irrepetibles.

429 Desde las orillas del Sena

Los niños y niñas de 1º del colegio Larrea de Barakaldo jugaron con las técnicas fotográficas con el objeto de reflexionar sobre su propia identidad.Los escolares habían visitado el Museo y se fijaron, sobre todo, en los retratos borrosos del artista Francis Bacon y con esta fuente de inspiración, se divirtieron realizando selfis y manipulándolos para crear su propia versión del retrato o del autorretrato. Jorge Rubio expresaba así su trabajo con los menores: “A pesar de su temprana edad, estos alumnos están muy cercanos a este mundo de la representación y captación fotográfica... hemos mentido a la cámara, hemos engañado al retrato, hemos usado trampas para copiar, hemos calcado, hemos golpeado el barro y castigado el papel, hemos sido malos, hemos hecho malos dibujos, garabatos, nos hemos salido del margen , hemos ensuciado y manchado muchas superficies, y a nosotros mismos, nos hemos escondido y movido cuando nos llamaban para la foto”.

Los alumnosde 2º curso del colegio Altza de Donostia-San Sebastián se transportarona la prehistoria acompañados por el artista Iñaki Gracenea para llevar a cabo el proyecto “nuestra clase es una cueva”. Aprendieron a crear imágenes esquemáticas mediante el dibujo de la silueta o el contorno al estilo de nuestros antepasados prehistóricos. Crearon esculturas de animales en madera con formas geométricas muy sencillas y colores inspirados en la naturaleza y, con todo ello,trasformaron el aula en una suerte de caverna prehistórica.

Intercambio Bilbao-Nueva York

Una clase del colegio Tomás Camacho de Bilbao y otra del PS 38 de Manhattan en NY, ayudados por los artistas Naia del Castillo y Jeff Hopkins,se han comunicado por email durante seis semanas, intercambiando información de sus proyectos artísticos a través

430 Desde las orillas del Sena de mensajes de texto e imágenes, dibujos yfotografías de sus creaciones.

Desde 1999, Aprendiendo a través del arteha facilitado a escolares, artistas y profesores participantes la posibilidad de desarrollar un intercambio cultural a través de la educación artística entre colegios de Educación Primaria del País Vasco y de Nueva York. Este intercambio trasciende lo meramente artístico, puesto que los escolares comparten inquietudes, gustos y juegos, entre otros aspectos de la realidad que los rodea. Cada grupo sintió una gran curiosidad por conocer lo que es característico de sus respectivos entornosy por comparar los Museos Guggenheim de ambas ciudades.

Veinteaños de Aprendiendo a través del arte

En el año del XX Aniversario del Museo Guggenheim Bilbao, el programa Aprendiendo a travésdel artecumple20 años con la satisfacción de haber contribuido a reforzar el currículo escolar de cerca de 3.000 escolares de primaria a través de actividades artísticas y, al mismo tiempo, haber enseñado a estos niños a mirar el mundo de una forma creativa y personal,asimilando valores como el trabajo en equipo, la convivencia con otras culturas o el respeto por el medioambiente.

2.871 escolares, 28artistas, 214profesores de Educación Primaria de los tres modelos lingüísticos y 139centros de todo el País Vasco, han colaborado activamente con las educadoras del Museo Guggenheim Bilbaoen el desarrollo de este programa desde 1998.

20 años después de su puesta en marcha en el Museo Guggenheim Bilbao, el programa Aprendiendo a través del

431 Desde las orillas del Sena artecontinúa mostrando su enorme potencial para mejorar el currículo escolar a través del arte. Este programa educativo tiene su origen en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. En el año 1970, la mecenas Natalie K. Lieberman lo implantó como respuesta a la eliminación de la enseñanza de las artes en las escuelas públicas de Primaria de la ciudad.

Las audioguíasdel Museo contendrán información general sobre este programa y la explicación de algunos de los trabajos incluidos enAprendiendo a través del arte, como sucede en el resto de las exposiciones.

El Museo Guggenheim Bilbao presenta el 13 de junio de 2017Aprendiendo a través del arte.El programaAprendiendo a través del artecumple 20 años. Fechas: del 13 de junio al 17 de septiembre. Ubicación: espacio educativo del Museo Guggenheim Bilbao. Patrocinada por BBK.

Un gran abrazo desde la culta y querida Bilbao,

Félix José Hernández.

432 Desde las orillas del Sena

Écoute-moi bien parNathalie Rykiel

Paris le 26 juin 2017.

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Un livre émouvant, bouleversant, hommage d’une fille à sa mère, qui a régné sur le monde de la mode durant un demi-siècle, la très attachante Sonia Rykiel.

« À qui donc appartient la caresse, à celui qui la donne, ou à celui qui la reçoit ? » Hélène Cixous

« Tu étais jolie, classiquement jolie sur les photos d'avant ton mariage. Après, je veux dire après moi, une jeune maman épanouie souriante encore un peu conventionnelle, et puis tu es devenue belle désirable inaccessible. Tu as changé, tu avais beaucoup minci (il y a ce lien aphrodisiaque entre minceur et désir chez moi, ça doit venir de toi...) et puis c'est fini dis, tu ne souris plus sur les photos, tu es entrée en séduction et les hommes qui te regardent sentent une faille, ils ne pourront plus t'atteindre, tu n’appartiendras qu'à toi, ce fils aveugle, ce début de succès incroyable... Je me dis, il y en a sûrement un qui t'a donné le courage, parce qu'il t'aimait — il n'y a que l'amour qui donne cette force. C'est D.

Un jour nous étions en voiture toutes les deux (tu m'emmenais partout depuis que j'étais née tu me gardais tout le temps avec toi, c'est toi qui l'as dit, et aussi que j'étais une petite fille modèle, moi je dis merci tant mieux, et que c'est comme ça que ça a commencé), tu as stoppé, descendu ta vitre, un grand sourire à ce grand type (mais quelque chose d'autre que le sourire s'était accéléré en toi), il s'est penché, tu as dit, c'est elle, c'est Nathalie, comme si c'était prévu de me présenter. C'était prévu. Il m'a souri, j'ai senti l'embrouille, je n'ai pas trop répondu. C'est cet homme D. sûrement qui t'a donné le 434 Desde las orillas del Sena courage, pourquoi pas... de te barrer de ta vie bourgeoise, de divorcer de l'homme qui t'aimait encore, celui qui te suppliait de rester, de laisser ton amant D., ton mari, qui abritait tes premiers succès dans sa boutique de prêt-à-porter Laura, juste en face de l'appartement, Sam, le père de tes enfants, Jean-Philippe et Nathalie, Sam, mon père, celui qui assumait l'éducation de votre fils aveugle, celui qui jusque-là t'avait protégée, tu as eu le drôle de courage de le quitter. Parce que cette vie avec lui ne te ressemblait plus. Ce n'était pas deux enfants dont un qui ne voit pas, un début de carrière, de confort, une peur qui allaient t'arrêter. Peut-être que tu n'avais pas peur? C'est là où tu es dingue. Tu es partie parce que tu voulais autre chose que cette vie blessée rétrécie, Tu es partie parce que tu as joui dans les bras de tes amants, Tu es partie parce que ce que tu voulais maintenant, c'était séduire tout le temps. Tu es partie parce que c'était ta vie, tu allais avoir 38 ans, seule maître à bord de ton navire, personne ne t'en empêcherait. »Nathalie Rykiel

« Passionnant. Nathalie est un grand écrivain. » Olivia de Lamberterie,Télématin

« Elle possède déjà le plus précieux des atouts, une voix bien à elle. » L'Express Style

« Quel cadeau que ce livre, beau à pleurer. » Femme Actuelle

« Une magnifique histoire de transmission. » Madame Figaro

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« Un magnifique hommage à sa mère. » Ouest France

« Une déclaration d'amour au creux de l'oreille, un très beau texte. » Augustin Trapenard

Réécouter :

Interview - 17 min France Culture « les matins » Guillaume Erner le 2 juin https://www.franceculture.fr/emissions/linvite-des-matins-2eme- partie/nathalie-rykiel-sonia-rykiel-une-mere-dexception

France Inter « Boomerang » Augustin Trapenard le 6 juin https://www.franceinter.fr/emissions/boomerang/boomerang-06- juin-2017

France 2 « C’est au programme » Sophie Davant le 7 juin https://www.france.tv/france-2/c-est-au-programme/181625- nathalie-rykiel-ma-mere-mon-heroine.html

Nathalie Rykiel a été présidente de Sonia Rykiel. Elle a écrit Tu seras unefemme, ma fille (Calman - Lévy, 2010), L’Élégance (Autrement, 2013), 4 décembre (Plon, 2015).

Écoute-moi bien.Nathalie Rykiel. © Editions Stock, 2017. Collection : La Bleue. Photo de bande : © D.R.144 pages. Format :135 x 215 mm. Prix: 17 €. ISBN : 978-2-234-08326-4

Publié par Félix José Hernández.

436 Desde las orillas del Sena

Le Café-Théâtre Le Grenier : le dîner spectacle le plus convivial de Paris !

Paris le 26 juin 2017.

« Le Grenier » est un des derniers petits dîners-spectacles de Paris, une salle au caractère intime et familial située dans le 17ème arrondissement de Paris à deux pas de la place des Ternes.

Un dîner en toute simplicité, servi avec un magicien en salle qui vous plonge tout de suite dans l'ambiance, puis le spectacle lui même, avec trois, voire quatre, cinq… humoristes qui se succèdent dans des styles très différents : stand-up, sketchs, chansonniers, improvisation, cabaret magie, visuel, etc.

437 Desde las orillas del Sena

La programmation change tous les jours, avec des artistes des grandes salles parisiennes - Caveau de la République, Théâtre des deux Anes -, d'autres que vous avez vus à la télé (Canal Plus, " Salut les terriens ! ", TF1, France 3, " La Classe ", etc.), et d'autres dont vous serez étonnés qu'ils n'y soient pas encore passés à la télé.

Le Concept : De la magie aux tables pendant le repas puis 1h30 de spectacle avec "La Triplette du Rire" humoristes, magiciens et chansonniers.

Le Dîner Spectacle le plus convivial et le moins cher de tout Paris ! Ouvert 365 jours par an. Plus ce serait de la gourmandise ! A partir de 30,00 € jusqu'à 60,00

Trois Formules Dîner + Spectacle au choix :

Formule Classique (Dîner + spectacle) : Boissons et plats chauds possible en supplément à la carte 30,00€ (semaine) / 35,00€ (week-end, veille et jours fériés)

ENTREES A VOLONTE Assiette de charcuterie Taboulé Piémontaise PLATS CHAUDS : en supplément à 5,00€ "Duo de colin d’Alaska et émincée de noix de Saint-Jacques " ou

438 Desde las orillas del Sena

« Emincé de volaille à la provençale »

Salade verte PLATEAU DE FROMAGE DESSERTS (Fondant au chocolat ou tarte normande ou salade de fruits)

FormuleComplète (Dîner + spectacle) : 43,00€ (semaine) / 50,00€ (week-end, veille et jours fériés)

Apéritif (hors cocktail, Champagne et Jack Daniel's) ENTREES A VOLONTE Assiette de charcuterie Taboulé Piémontaise PLATS CHAUDS : Colin d’Alaska et noix de Saint-Jacques ou « Emincé de volaille à la provençale » Salade verte PLATEAU DE FROMAGE Une bouteille de vin pour deux (Bourgueil, Cotes de Provence, Muscadet) DESSERTS (Fondant au chocolat ou tarte normande ou salade de fruits) Café – Thé – Infusion

Formule Spéciale (Dîner + spectacle) : 55,00€ (semaine) / 60,00€ (week-end, veille et jours fériés)

439 Desde las orillas del Sena

Apéritif au choix LE REPAS ENTREES « Saumon fumé avec toasts » ou « Foie gras »

PLATS CHAUDS «Colin d’Alaska et noix de Saint-Jacques» ou « Emincé de volaille à la provençale » SORTIES « Salade verte » PLATEAU DE FROMAGE Une bouteille de vin pour deux (Brouilly, Cotes de Provence, Riesling) DESSERTS (Fondant au chocolat ou tarte normande ou salade de fruits) Coupe de champagne Café, thé, infusion

Formule Spectacle seul du lundi au vendredi : 18,00€ le samedi, dimanche et jours fériés : 20,00€

OFFRE EXCEPTIONNELLE POUR LES SALARIES

Par téléphone : 01 43 80 68 01 avec le code « Atrium CEBA2017 » et le nom de votre société ou association, La Formule Complète Dîner + Spectacle à seulement : 38,00€ au lieu de 43,00€ la semaine 45,00€ au lieu de 50,00€ weekend, veille et jours fériés La Formule Spéciale Dîner + Spectacle à seulement :

440 Desde las orillas del Sena

50,00€ au lieu de 55,00€ la semaine 55,00€ au lieu de 60,00€ weekend, veille et jours fériés.

Que vous soyez seul, en amoureux, en famille, entre amis, en comité, entre prises, que vous souhaitiez fêter un anniversaire, un enterrement de vie de jeune fille, la Saint-Valentin ou même rien du tout, que vous désiriez organiser un dîner spectacle normal (à 19h30), ou (en salle privatisée) un déjeuner spectacle (à 12H30), un goûter spectacle (à 15H00) ou un spectacle diner (à 17h30), "Le Grenier" est fait pour vous !

Le Grenier Dîner Spectacle 3 rue Rennequin 75017 Paris Métro : Ternes ou Étoile

Réservation à partir de 11h00 au téléphone : 01 43 80 68 01

Publié par Félix José Hernández.

441 Desde las orillas del Sena

Retrospectiva de Bill Viola en el Guggenheim Bilbao

442 Desde las orillas del Sena

Los soñadores (The Dreamers), 2013 (Detalle).Instalación de vídeo y sonido;Bucle continuo. Intérprete:Madison Corn. Cortesía de Bill Viola Studio© Bill Viola. Foto: Kira Perov.

Bilbao, 26 de junio de 2017.

Querida Ofelia:

Ya en sus tempranas cintas monocanal, Bill Viola abordacuestiones tan importantes en suobracomo la noción del tiempo, el significadode nuestraexistencia y nuestro lugar en el mundo.

Con la llegada del nuevo milenio y las tecnologías de alta definición,Viola pudo crear instalaciones monumentales como Avanzando cada día, en la que cinco grandes proyecciones murales que comparten un mismo espacio invitan al espectador a adentrarse en la luz, y reflexionarsobre su vida y la existencia humana.

Durante la última década Bill Viola ha seguidomeditandoen torno a los procesos de transformación en la vida, el ciclo nacimiento- muerte-renacimientoy el espacio entre estos momentos, como puede apreciarse en su instalación de siete canales Los soñadores (The Dreamers, 2013).

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Bill Viola: retrospectiva, unrecorrido temáticoy cronológico por la trayectoria deuno de losartistasmás importantes de nuestro tiempo y pioneroen el desarrollo delvideoarte.Esta ambiciosa exposición, que aporta una completa visión del trabajo de Viola y de la evolución del arte audiovisual como forma artística, está organizada por el Museo Guggenheim Bilbaoy cuenta con el patrocinio de Iberdrola.

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Bill Viola (Nueva York, 1951)comenzóa experimentar con el videoarte aprincipios de la década de 1970, a raíz de su participación en el programa de Estudios Experimentales de la Universidad de Siracusa(Nueva York), dirigido por su profesor, Jack Nelson. En Siracura conoció a David Ross (curator de videoarte) y trabajó como asistente de figuras tan icónicas del Media Artcomo los artistasPeter Campus y Nam June Paiken el Everson Museum of Art.

Interesadoen el misticismo, la poesía y las filosofías, tanto de oriente como de occidente,Viola empleó las posibilidades técnicas del vídeocomo herramienta en suconstanteindagación acerca de la condición humana, el nacimiento y la muerte, o los procesos de cambio, renacimiento y transfiguración, temas destacadosen su obra.

La exposiciónBill Viola: retrospectivase remonta a sus primeras experiencias con el vídeo e incluyetempranas cintas monocanalcomo Cuatro canciones(Four Songs, 1976) y El estanque reflejante(The Reflecting Pool, 1977–79) en las que su contenido poético aborda ya cuestionestan importantes como la noción del tiempo y su deconstrucción, el significadode nuestra existencia y lugar en el mundo.

En las obras de la década de 1980, cuando Kira Perov(su esposa y colaboradora desde entonces)comienza a trabajarcon el artista,se centra en reunir imágenes que se emplearánen piezas para ser transmitidas por televisión.Emplea lacámara y objetivos especiales para capturarel paisaje ygrabar imágenes de lo que normalmente se encuentra más allá de nuestra percepción. Esta etapa también sirve de transición hacia las instalaciones de los 1990, que ocupan salas enteras y sumergen al observador en la imagen y el sonido. También comienza a añadir elementos físicos a sus trabajos. El interés constante de Viola por los temas 444 Desde las orillas del Sena espirituales se evidencia en objetos escultóricoscomo Cielo y Tierra(Heaven and Earth, 1992) y en grandes instalaciones, como Una historia que gira lentamente(Slowly Turning Narrative, 1992).

Con la llegada del nuevo milenio y las pantallasplanas de gran definición, Viola comienza a producirpiezas de pequeño y mediano formatoen una serie que tituló Las Pasiones, un estudio en torno a las emociones a cámara lenta, como Rendición (Surrender), o que muestran el paso del tiempo y de las generaciones, como La habitación de Catalina(Catherine’s Room) y Cuatro manos(Four Hands), todas de2001. A estas obras íntimas le siguen instalaciones monumentales como Avanzando cada día(Going Forth By Day, 2002), en la que cinco grandes proyecciones muralesque comparten un espacio común invitan a los espectadores a indagar en sus vidas y en la existencia humana.

Durante la última década y empleando diversos medios y formatos, Viola ha seguido mostrando lo fundamental de la experiencia de la vida, algo que ilustra, de manera elocuente, su empleo del agua en obras como Los inocentes(The Innocents, 2007), Tres mujeres(Three Women, 2008) y Los soñadores(The Dreamers, 2013), y su recorrido por el ciclo de la vida que se inicia en la exposición con Cielo y Tierra(Heaven and Earth, 1992) y concluye con un renacimiento en la obra Nacimiento invertido(Inverted Birth, 2014).

Actividades

•Proyección del largometraje de Bill Viola No sé a qué me parezco(6 de julio)I Do Not Know What It Is I Am Like(1989),

445 Desde las orillas del Sena primer largometraje en vídeo de Bill Viola, constituye un estudio sobre la conciencia animal y la trascendencia humana. Presentación acargo de Lucía Agirre, comisaria de la exposición.

•Proyección y coloquio del documental Tiempos del Tránsito(29 de septiembre). Dirigido por la artista Isabel María en 2014, este documental cuenta con la participación de Bill Viola y narra el proceso creativo de su obra The Passing(1991), en la que el artista habla del fallecimiento de su madre, que suponeun antes y después en suvida y en su obra. A la proyección le precederá una presentación de la directora y tras la misma, tendrá lugar un coloquio con el público asistente.

•Conferencia de John Hanhardt(26 de octubre). John Hanhardt, asesor curatorial de cine y media en el Smithsonian American Art Museum, comisario de exposiciones de los pioneros del videoartey autor del libro Bill Viola, hablará sobre la obra y el proceso creativo del artista,así como sobre la evolución del videoarte y de la imagen en movimiento desde sus orígenes hasta la actualidad.

•Sesión creativa. Experimentando con la imagen en movimiento (28 de octubre y 4 de noviembre). Taller experimental sobre la imagen en movimiento en el que los jóvenes manipularán y editarán sus propias grabaciones, además de conocer cuándo, dónde y quiénes fueron los primeros artistas, como Bill Viola o Nam June Paik, en los años sesenta y setenta.

446 Desde las orillas del Sena

•Proyección de la ópera Tristan und Isolde(28 de octubre)en el Teatro Real, producción de 2014. De forma tangencial a la exposición de Bill Viola se proyectará estaópera de Richard Wagner dirigidapor Peter Sellars y que incluye un vídeo de cuatro horas de Bill Viola. La versión completa se estrenó en la Ópera Nacionalde París en 2005. Las instalaciones derivadas del vídeo de esta ópera, como La ascensión de Tristán yMujer de fuego,pueden verse en la muestra. Material grabado y proyección cortesía del Teatro Real.

Catálogo

La exposición está acompañada de una monografía dedicada al artista,editada por Kira Perov y con texto de John Hanhardt que recorresutrayectoria, ahondando en las descripciones que hace Viola de su propia obra, y subrayando las influencias visuales, literarias y espirituales fundamentales en su práctica artística. Además de los textos, este volumen incluye numerosas ilustraciones de sus piezas más significativas, además de reproducciones de bocetos y apuntes de sus Cuadernos, que arrojan luz sobre sus métodos de trabajo.

Bill Viola : Retrospectiva.Museo Guggenheim Bilbao.Fechas: del 30 de junioal 9 de noviembre, 2017.Comisaria: Lucía Agirre.Patrocinada por Iberdrola.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Bilbao,

Félix José Hernández

447 Desde las orillas del Sena

# Bonnet par Eliane Girard

Paris le 27 juin 2017.

J'ai passé un agréable moment de lecture. Un très bon livre à propos d'internet et de ses dérives, la dangerosité des réseaux sociaux et les rapports ambigus avec la presse people.

Tristan et Clotilde vivent ensemble depuis quelques années.

448 Desde las orillas del Sena

Lina Darius est la nouvelle star des médias, sa vie privée reste un mystère.

Quand Tristan se rend au travail, vers six heures du matin, il croise souvent Lina qui fume devant le siège de la radio où elle présente la matinale. Ce jour-là, il l’aborde pour lui demander une cigarette. Le soir même, Clotilde, branchée en permanence sur les réseaux sociaux, tombe sur une photo qui l’intrigue : un garçon, de dos, embrasse Lina dans le cou, avec ce commentaire « Qui est le petit ami de Lina Darius ? ». Elle reconnaît immédiatement Tristan à son bonnet ridicule.

Le lendemain, les réseaux sociaux s’embrasent et c’est un tsunami qui s’abat sur l’existence de ces trois personnages...

« Eliane Girard a vraiment le don de croquer notre époque. […] Elle décrit avec une grande justesse la bulle Twitter, où la rumeur devient information. » Sophie Delassein. L’Obs.

« Eliane Girard livre une critique cynique sur les buzz des réseaux sociaux et la peopolisation des animateurs radio. […] C’est une remise en question de l’image des femmes médiatiques dont la vie privée est constamment surveillée. » Flavie Gauthier. Le Soir.

« Récréation assurée - réflexion conviée aussi, mine de rien – avec ce petit roman vif et malin qui saisit à point la dictature du people. » Delphine Peras. L’Express.

« Réjouissant ! » Amélie Cordonnier. Femme Actuelle.

449 Desde las orillas del Sena

« À mettre entre les mains de tous les accrocs aux écrans, réseaux et autres applications... » Blandine Hutin-Mercier. La Montagne.

Eliane Girard est réalisatrice à France Inter et collabore à un magazine féminin.

# Bonnet. Eliane Girard. © Libella, Paris, 2017. Roman. Editions Buchet Chastel. Illustration de couverture : © Libella, Anne Defréville. Format : 11,5 x 19,0 cm. 224 pages. 15 €. ISBN 978- 2-283-03065-3

Publié par Félix José Hernández.

450 Desde las orillas del Sena

NSK del Kapital al Capital. Un hito de la década final de Yugoslavia

Madrid, 27 de junio de 2017.

Querida Ofelia:

La exposición NSK del Kapital al Capital. Neue Slowenische Kunst. Un hito de la década final de Yugoslaviaes la primera retrospectiva en España de NSK(Neue Slowenische Kunst), un colectivo de artistas eslovenos multidisciplinar y polifacéticoque protagonizó un momento irrepetible de eclosión cultural en la Yugoslavia de los años ochenta, articulando una de las

451 Desde las orillas del Sena experiencias más significativas de los países de la Europa del Estedurante la Guerra Fría.

El “colectivo de colectivos” NSK fue fundado en 1984, en la entonces República Yugoslava de Eslovenia, por los integrantes de tres grupos pre-existentes que procedían de ámbitos disciplinares distintos: Laibach, la rama embrionaria y, probablemente, más conocida de NSK, una banda de música industrial que llegó a alcanzar un cierto éxito internacional gracias a sus inquietantes versiones de algunos de los grandes éxitos de la música pop rock occidental de la época;IRWIN, grupo de artistas visuales que abogaba por el “eclecticismo enfático” y el “uso simultáneo de diferentes estilos”; y el Teatro de las Hermanas de Escipión Nasica(THEN), colectivo teatral que, tras auto-disolverse en 1987, se re-encarnaría primero en el Gabinete cosmocinético Piloto rojo y, después, en el Gabinete cosmocinético Noordung. En los años siguientes también impulsaron la apertura de NSK a otros campos disciplinares, como el diseño gráfico, la literatura, la filosofía, la producción audiovisual o la arquitectura.

El aglutinador de los tres grupos fue el principio estético de la retro-vanguardia, que se basaba en la apropiación, bebiendo de la Vanguardia rusa, la Bauhaus y Fluxus como principales fuentes. La retro-vanguardia, abiertamente contrapuesta a la invención de novedades, adoptaba la lógica del ready-made, renunciando a la autoría individual, al gusto y al juicio personal en favor de la noción de grupo.

NSK surge en un momento de transición entre el desmoronamiento del gobierno socialista yugoslavo y la paulatina e imparable entrada del capitalismo, en el que la producción cultural eslovena experimentó el abandono gradual de un Estado

452 Desde las orillas del Sena que hasta ahora la protegía, quedándose sin su apoyo en el esfuerzo por integrarse en el mercado internacional del arte.

En este escenario, el colectivo generó manifestaciones artísticas que, con su calculada y provocadora ambigüedad, no solo criticaron y pusieron de manifiesto las contradicciones y debilidades de los sistemas socialistas durante los años finales de la Guerra Fría; también anticiparon los peligros inherentes a la emergencia del nuevo orden mundial, en el que el capitalismo parecía convertirse en una especie de nuevo totalitarismo tecnológico.

Sin pretender ser arte disidente, NSK siguió las tradiciones de la vanguardia de la Europa del Este y el realismo socialista y, a lo largo de su trayectoria, desplegó una re-apropiación de la retórica del poder en la que yuxtaponían elementos simbólicos e iconográficos de diferentes tradiciones artísticas y/o sistemas políticos. Esta apropiación exacerbada de referentes simbólicos y actitudes performativas ligadas al nazismo, el discurso estalinista o la mitología nacional yugoslava y eslovena, iba más allá del gesto de caprichosa provocación. Con ella buscaban analizar las condiciones específicas que determinan la relación entre la ideología y la cultura partiendo del contexto histórico que estaban viviendo.

Y aunque demasiado a menudo la obra de NSK se asocia exclusivamente en y con el contexto de la caída de Yugoslavia y el socialismo, lo que viene acompañado de una desconsideración general hacia la potencia de la capacidad artística del colectivo, sus criticas también se dirigieron hacia el modernismo y el posmodernismo, así como hacia la exclusión de los artistas de la Europa del Este en el discurso hegemónico occidental, en el que NSK quería entrar por derecho propio.

453 Desde las orillas del Sena

La muestra, organizada por el Museo Reina Sofía y la Moderna galerija de Liubliana, recoge una amplia y variada selección de materiales (cerca de 350 pinturas, fotografías, videos, posters, catálogos, revistas, vinilos, etc.) de la experiencia NSK en todas sus manifestaciones (actos públicos, conciertos, exposiciones, produccionesteatrales, performances, manifiestos, entrevistas y numerosos documentos y testimonios) desde 1980 hasta 1992, cuando en respuesta al proceso de desmembración de Yugoslavia y la fundación de Eslovenia como Estado nación independiente, NSK se transforma en Estado NSK en el Tiempo, una nación virtual sin territorio físico pero dotada de toda su simbología (escudo, bandera, pasaporte...).

El colectivo NSK. La exposición comienza con una sala dedicada al colectivo NSK de forma global, mostrando elementos comunes de su organización. Así, puede contemplarse el Organigrama de 1986, diagrama de NSK que muestra sus principios, su estructura jerárquica y sus actividades. Aunque establece la cooperación en plano de igualdad entre los tres colectivos y asume una dirección rotativa, el organigrama parece simbolizar el retorno traumático de un Estado totalitario e inhumano de masas ya que guarda un asombroso parecido con los de los libros de texto escolares yugoslavos, que buscaban explicar el misteriosamente complejo sistema de representación política.

Además de la bandera, el escudo que representaba la identidad del grupo o los pasaportes que expide Estado NSK en el Tiempo ya a partir de 1992, también figura la carta de “Principios de organización y acción” de NSK, que permitía la futura expansión del colectivo a través de nuevos departamentos, como ocurriría más adelante con los de Filosofía Pura y Aplicada, Cine, Televisión (denominado Retrovisión) y de Arquitectura (Constructores).

454 Desde las orillas del Sena

Esta primera zona recoge, asimismo, el proyecto Kapital, creado a principios de los noventa por los tres grupos centrales de NSK y que se remonta a lo que el colectivo había proclamado a toda voz a principios de los ochenta: el hundimiento del socialismo y el inicio del capitalismo total. Manteniendo su división principal de roles, los tres grupos expresaron sus respectivas opiniones sobre la transición de un sistema a otro mediante una obra teatral (THEN), un libro y una exposición (IRWIN) y un álbum (Laibach), todos ellos bajo el título Kapital.

En palabras de la comisaria de la exposición, Zdenka Badovinac, “a diferencia del arte posmoderno predominante que se resignaba a una sociedad sin futuro prometedor, NSK se estableció como una institución y un Estado alternativos, en el sentido concreto y abstracto del término. Los tres proyectos Kapitalcontinuaron, cada uno a su manera, las investigaciones artísticas de los tres grupos de NSK, usando el complejo lenguaje del arte para llamar la atención sobre el carácter complejo, polifacético y enormemente diverso del capital”.

Laibach. La siguiente sala aborda el trabajo de Laibach, grupo que se formó en 1980 en la ciudad industrial de Trbovlje y que operaba como equipo colectivo según el principio de producción industrial y totalitarismo, lo que significa que el individuo no habla, lo hace la organización.

Los motivos clave del colectivo eran su propio nombre – denominación original en alemán de Liubliana, la capital eslovena- y la cruz de Laibach, un símbolo independiente y cargado de gran poder performativo que integra una serie de referencias artísticas, totalitarias y religiosas: desde la cruz de Casimir Malévich a la cruz griega y la cruz negra que llevaban los vehículos y aviones militares alemanes durante la Segunda Guerra Mundial. 455 Desde las orillas del Sena

La cruz negra de Laibach, presente en carteles, fanzines, pinturas, en los brazaletes de los uniformes de sus miembros, en banderas, en conciertos y en portadas de álbumes, no está pensada para ningún tipo de identificación social sino, más bien, como signo para despertar la fascinación social. Laibach también impactó con su uso de la iconografía nazi, tratándola como un tema tabú sobre el que debía concienciarse y relacionado con los impulsos totalitaristas de la sociedad socialista.

En sus producciones artísticas, Laibach reunía una serie de prácticas que seguían el concepto de Gesamtkunstwerk (obra de arte total). Con este fin, Laibach Kunst hace referencia al principio artístico del grupo, lo que es más evidente en exposiciones, pero cubre la integridad de su obra. El enfoque del arte de Laibach y la realidad social y política es retrovanguardista. El material de su obra se extrae de diversos lugares y épocas, se copia y se monta, aunque a veces interviene directamente en modelos existentes. A través de sus motivos, imagen militarista y manifiestos que citan diversas fuentes aparentemente incomparables, desde discursos políticos hasta el reglamento de clubes de caza, Laibach explora la relación entre el arte y la ideología.

Por un lado, su estética industrial sirve para recalcar el origen del grupo, que hace referencia a la clase obrera y a las tradiciones revolucionarias del Distrito Rojo de Trbovlje. Por otro lado, Laibach vuelve a la era industrial para usar su iconografía casi arcaica con el fin de deconstruir la naturaleza posindustrial tanto del socialismo como del capitalismo, así como la de la industria cultural. En cuanto a su música industrial, Laibach recurre a una serie de fuentes, desde Bach y Wagner hasta la música clásica más contemporánea de Holst y Penderecki, y desde la música electrónica de Kraftwerk hasta el pop, para organizar conciertos, editar álbumes y crear videos que recibieron una gran difusión en 456 Desde las orillas del Sena la MTV, una cadena de televisión de la que Laibach se benefició y a la que atacó.

IRWIN. La siguiente zona muestra en dos salas el trabajo de IRWIN, un colectivo de cinco pintores (Dušan Mandič, Miran Mohar, Andrej Savski, Roman Uranjek y Borut Vogelnik) fundado en 1983. (Hasta 1985, el colectivo también incluyó a Marko Kovačičy Bojan Štokelj). Los principios que regían su trabajo, según el programa que escribieron, consistían en la afirmación de las artes visuales nacionales fundada en un enérgico eclecticismo y en el uso simultáneo de estilos diversos, a menudo, contradictorios. Resumieron su filosofía artística con el término “retroprincipio”. En contraste con la entonces predominante posmodernidad, recurrieron a la tradición del arte conceptual.

En 1984, IRWIN empezó a trabajar en varios proyectos centrados en diversos grupos o movimientos eslovenos que reconocía como referencias fundamentales para definir su propia actividad. Además de la relevancia artística, había otros dos criterios de selección: la contemporaneidad y cercana relación entre IRWIN y los otros grupos que cofundaron NSK y la importancia de los impresionistas eslovenos y del grupo OHO para el desarrollo de las artes visuales eslovenas y de la sociedad eslovena en general.

Uno de los proyectos más importantes de IRWIN es la serie titulada Was ist Kunst, que hace referencia al grupo Laibach. En evolución a lo largo de más de treinta años, esta serie de pinturas asciende actualmente a varios centenares de obras montadas en marcos pesados, la mayoría negros; el tema clave de la serie es explorar el contexto ideológico del arte. Se inició con la apropiación, el desarrollo y la transformación de motivos usados por Laibach Kunst, es decir, la iconografía del realismo socialista,

457 Desde las orillas del Sena la propaganda nazi, el arte religioso, el arte de los movimientos de vanguardia y obras de arte eslovenas arquetípicas.

IRWIN ha desarrollado una estrategia específica de la crítica institucional, llamando la atención sobre la exclusión del arte de la Europa del Este del sistema artístico internacional y con una significativa contribución al surgimiento de la historia artística del arte de Yugoslavia y la Europa del Este, tal como lo prueban los proyectos Fra-Yu-Kult(Fracción de la cultura yugoslava) y NSK ambasada Moskva(Embajada de NSK en Moscú), que realizó en colaboración con otros grupos de NSK. THEN Después de IRWIN, la exposición se ocupa de la obra de El Teatro de las Hermanas de Escipión Nasica (THEN), colectivo que se fundó en 1983 con “El Acto Fundacional”, un texto programático en el que los miembros anónimos establecían el programa del grupo, la estructura organizativa y el modus operandi, y anunciaba su plan para su eventual propia terminación en caso de lograr sus metas.

El objetivo básico de THEN, como se afirmaba en “El Acto Fundacional”, era “reactivar las artes escénicas”. Para esta finalidad, el grupo lanzó un programa de tres fases dividido en una parte “creativa” (producciones teatrales a las que en todo momento se denominaba “eventos retroguardistas”) y una parte “manifestativa” (acciones y textos previstos para las actividades de relaciones públicas).

En la primera etapa (denominada Underground) el grupo anunció su existencia y distribuyó públicamente su programa, montó su primera producción, el Evento retroguardista Hinkemann(1984), y llevó a cabo su acción Resurrección del Teatro de las Hermanas Escipión Nasica. En la segunda (Exorcismo), el THEN montó la producción el Evento retroguardista Marija Nablocka. En la tercera (Retroclásica) el objetivo era abrirse camino en una o más 458 Desde las orillas del Sena escenarios de instituciones nacionales; esto se llevó a cabo con el Evento retroguardista Bautismo bajo el Triglav, producido por Cankarjev dom (y montado en su Sala Gallus).

Los eventos de las diversas etapas venían acompañados de textos programáticos, que exponían el método creativo de THEN: se basaba en el enfoque retro (arte que usaba arte como material creativo, “arte de arte”), que también había sido desarrollado por otros grupos del colectivo NSK.

El THEN denominó su versión de este método “retroguardia” para subrayar su naturaleza activa y abrirse camino así desde la etapa underground hasta la etapa retroclásica. Además de centrarse en su obra retroguardista activa, basada en eventos, el grupo también formuló (en la “Primera carta de las Hermanas”) su tarea programática de analizar la relación entre teatro y Estado.

Como había predicho en 1983, el THEN concluyó sus actividades entre 1986, cuando anunció su inminente autofinalización, y en 1987, cuando llevaron a cabo el Acta de autodestrucción (con la preparación de un evento-espectáculo no realizado para la celebración del Día de la Juventud de 1987).

En ese último año se fundó el Teatro cosmocinético Piloto rojo - que más tarde se convertiría a su vez en Gabinete cosmocinético Noordung- aunque con objetivos, propósitos y orientación radicalmente diferentes. En lugar de volverse hacia la historia, como THEN con su orientación retro, Piloto rojo analiza el futuro ultramoderno dictado por los avances de la ciencia y la tecnología. Además, en lugar de concentrase en el evento, como el THEN, Piloto rojo se centra en el acto de ver y observar (el Observatorio), una parte clave que compartían tanto el teatro como la ciencia.

459 Desde las orillas del Sena

De forma similar a como THEN había explorado las relaciones entre teatro y Estado/religión/ritual, Piloto rojo investigó las relaciones entre el teatro y la ciencia y la tecnología a través de montajes como Observatorio dramático Fiat, donde el escenario tenía la forma de un simulador de nave espacial en la que los espectadores “observaban” la acción a través de tres aperturas que, por un lado, organizaban la mirada como diversos instrumentos usados en ciencia y tecnología (cámara, microscopio, telescopio); o como en las producciones Observatorio ballet Fiat(1987), Observatorio dramático Zenit(1988) y Observatorio dramático Capital (1991).

Otros colectivos: Las dos últimas salas de la exposición se concentran en otros colectivos que conformaron NSK, como el Departamento de Filosofía Práctica Pura y Retórica, que simbolizaba las ambiciones intelectuales de NSK. Se creó en 1987, por y para el filósofo, editor y socio de NSK Peter Mlakar, durante la residencia de Laibach en Hamburgo. Mlakar, que ya conocía y estaba en buenas relaciones con NSK desde hacía tiempo, encontró una afinidad natural entre NSK y su propio discurso neohegeliano y neoneoplatónico.

Mlakar colaboró inicialmente más estrechamente con Laibach, con discursos como prólogo a sus conciertos en Alemania, Austria y Yugoslavia. Estos discursos son con frecuencia tan provocadores como los conciertos a los que precede. Para un público “rockero”, el propio hecho de verse forzado a escuchar ese discurso complejo ya era por sí mismo una provocación, con independencia del contenido. Además de estos discursos, se publicaron algunos textos más largos, muchos de los cuales versaban acerca de temas como Dios, el diablo y el erotismo, y otros seguían tratando cuestiones nacionales.

460 Desde las orillas del Sena

El Departamento de cine, dirigido por Igor Zupe, entonces estudiante de dirección, se centró sobre todo en el fenómeno de las películas Heimat en todas sus dimensiones ideológicas. Las creaciones clave de esta sección fueron De las bocas de los animales, el registro de producción de una película Heimat de Miran Mohar y Andrej Savski (1984), que volvía a contar la historia de la nación a través de símbolos habituales de NSK, y La belleza y la nación(1985), sobre el compositor esloveno Marij Kogoj.

Constructores se formó en 1985 en Liubliana como el departamento de arquitectura y urbanismo de NSK, con la premisa de reconstruir la arquitectura eslovena y usó estéticas y elementos de origen histórico, especialmente de los regímenes totalitarios del pasado reciente. Su mensaje era socialmente provocador, en sintonía con el espíritu de NSK.

Por último, Nuevo Colectivismo es un departamento que se estableció en 1984 para ofrecer servicios de diseño y garantizar una imagen global coherente de NSK. Primero diseñó un escudo de armas para el colectivo, y luego siguió produciendo la mayoría de los catálogos y carteles, portadas de álbumes y objetos promocionales especiales. A Nuevo Colectivismo también se le confió el marketing de estos productos, y por tanto la conformación de la propia economía de NSK.

Cátalogo. El Museo Reina Sofía ha publicado una edición abreviada en español del libro NSK from Kapital to Capital: An Event of the Final Decade of Yugoslaviasiguiendo la estructura de la edición original en inglés editada en 2015 como catálogo de la exposición presentada en la Moderna galerija. El libro se organiza a lo largo de tres etapas temporales y procesos de la recepción crítica de NSK, desde 1980 hasta nuestros días, reuniendo documentación detallada de sus obras y acciones, así 461 Desde las orillas del Sena como una cuidada selección de textos de autores como Zdenka Badovinac, Eda Čufer, Marina Gržinić, Slavoj Žižek, Eda Čufer, Alexei Monroe, Tomaž Mastnak, Bojan Anđelković, Dejan Kršić, Daniel R. Quiles, Anthony Gardner, Mladen Dolar y Boris Groys.

NSK del Kapital al Capital. Un hito de la década final de Yugoslavia.27 de junio de 2017 - 8 de enero de 2018. Museo Nacional Reina Sofía, Edificio Sabatini, 1ª Planta.Exposición organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la Moderna galerija, Liubliana, en el marco del proyecto “Los usos del arte” de la confederación de museos europeos L’Internationale. Comisaria : Zdenka Badovinac. Asistente: Ana Mizerit. Coordinación : Sofía Cuadrado,Rafael García y Beatriz Jordana.

Actividades relacionadas: Conferencia. Slavoj Žižek. Lecciones del “airepocalipsis” . 30 junio, 2017 - 19:00 h / Edificio Nouvel, Auditorio 400.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

462 Desde las orillas del Sena

Propuestas: Manifiesto. Hablo por mi diferencia

Pedro Lemebel, Manifiesto. Hablo por mi diferencia, 1986.

Madrid, 22 de junio de 2017.

Querida Ofelia:

Coincidiendo con la celebración en Madrid del World Pride 2017, el Museo Reina Sofía propone microvisitas para el público a la sala de la Colección "Ley de peligrosidad social”, espacio público y travestismo en la España de finales de los años 70, que

463 Desde las orillas del Sena acoge obras de Ocaña, Nazario, Joaquín de Molina, Manuel Quejido, Ivan Zulueta o Colita del 23 de junio al 6 julio, 2017.

Además, el Museo incrementa las visitas al itinerario transversal Feminismos, en el que se observa la Colección desde esta perspectiva.

Próximamente tendrán lugar en el Museo dos mesas redondas en relación con esta temática. El debate que se celebrará el 6 de julio se centrará en el ¿Archivo Queer?, un proyecto impulsado por el Museo Reina Sofía que abarca materiales y documentos procedentes del activismo LGTBIQ español de los noventa, vinculado principalmente a los colectivos madrileños La Radical Gai y LSD.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

464 Desde las orillas del Sena

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Los Héroes de Georg Baselitz

Georg Baselitz, El pintor moderno, 1965.Óleo sobre lienzo 162 x 130 cm. Colección particular. © Georg Baselitz, 2017.

Bilbao, 30 de junio de 2017.

Querida Ofelia:

Los Héroes es, una exposición monográfica sobre una serie de pinturas que retratan ―héroes‖ vulnerables y fracasados, creadas entre 1965 y 1966 por uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo, Georg Baselitz. La exposición, organizada por el Städel Museum de Frankfurt en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao, el Moderna Museet de Estocolmo y el Palazzo delle Esposizioni de Roma, reúne por primera vez 68cuadros, dibujos y bocetos de una serie compuesta por figuras

465 Desde las orillas del Sena monumentales, agitadas y desafiantes, que constituyen una enérgica afirmación de sí mismo por parte del autor a través de una identidad que va a contracorriente de todas las tendencias artísticas y de pensamiento de su tiempo. Por último, trazando una continuidad ideal entre pasado y presente, la exposición concluye en Roma y en Bilbao con una selección de sus pinturas del ciclo Remixen las que Baselitz comenzó a trabajar en 2005 y que anuncia la serie de Héroes y Tipos Nuevos de 2007 y 2008.

En palabras del propio artista: ―Lo que nunca he podido evitar es Alemania y ser alemán‖. En 1965 Georg Baselitz percibía la posguerra alemana como un estado de destrucción múltiple que ponía en tela de juicio ideologías y sistemas políticos, y también estilos artísticos. Esta falta de orden era muy compatible con la propia naturaleza del artista, quien puso de relieve los aspectos equívocos de su tiempo desde una perspectiva escéptica. Sus Héroes, envueltos en deteriorados uniformes bélicos, son figuras contradictorias, marcadas tanto por el fracaso como por la resignación. De por sí constituye una provocación el hecho de que el artista, que en ese momento contaba con 27 años, se consagrase al tema de los «héroes» o «tipos», pues el heroísmo (masculino) y sus exponentes de antaño se hallaban cuestionados tras la guerra y la posguerra.

El frágil y paradójico fondo de los Héroes halla su contrapunto en la forma: la representación invariablemente frontal y la composición de la figura en la parte central del conjunto, con líneas claramente definidas, contrasta con la fuerza salvaje de la paleta de colores y la vehemencia del estilo pictórico. De este modo, Baselitz oponía una realidad incómoda a la épica narrativa del milagro económico de la República Federal de Alemania recurriendo a la figuración, una forma teóricamente anticuada. No obstante, Baselitz va mucho más allá de las cuestiones sociales

466 Desde las orillas del Sena genéricas y reflexiona en torno a su propia posición dentro de la sociedad.

Soldados, pastores, rebeldes, guerrilleros, pintores, pintores modernos son los Héroes y Tipos Nuevos pintados por Georg Baselitz en total soledad, inmerso en una fecunda explosión expresiva. Los cuadros, pintados con vigorosas pinceladas en las que el color, la línea y la figura rivalizan en fuerza e intensidad, retratan un tipo de héroe totalmente nuevo.

Dejando a un lado la imagen asociada a la retórica y propaganda de la guerra y la posguerra, los Héroes de Baselitz son exponentes de fragilidad, precariedad e inconsistencia. Gigantes en gastados uniformes, destacan turbios, heridos y vulnerables, contra un fondo de escombros. Pero, con todo, este sentimiento de desesperanza aparece atenuado por la imagen de un bálsamo, la presencia en los lienzos de un utensilio como una paleta de pintor o el gesto de coger una pequeña carretilla o un jirón de naturaleza, como para proteger la semilla de alguna cosecha futura.

Trágico fracaso y signo de esperanza: valiosa ambivalencia expresada por un joven nacido en Alemania antes del derrumbe del nazismo, que presenció después la división de su país en dos mitades irreconciliables, en las que no consigue encontrar un modelo válido de sociedad.Además de mostrar prácticamente todo el ciclo de los Héroes o Tipos Nuevos, la exposición alberga una selección de dibujos y grabados en madera del mismo tema, junto con los primeros ejemplos de las obras «fracturadas» de Baselitz de 1966, en las que el artista experimentó con la reorganización de la imagen que precede a la etapa de las imágenes invertidas.

467 Desde las orillas del Sena

En palabras de Max Hollein, comisario de la exposición, «los Héroes son tanto un hito como un eje apasionado en la obra de Georg Baselitz. Emanan de una profunda necesidad interior, en una confrontación deliberada con temas apremiantes y cargados de significado, y desarrollan una reflexión intemporal sobre la existencia del artista como tal. Dando expresión a un aislamiento, desarraigo y desorientación visualizados de forma estridente y sentida, la obra recoge el precario estado experiencial del artista en un mundo roto y establece una imagen paradigmática de su condición».

Los Héroes y los Tipos Nuevos de Baselitz están dotados de un repertorio de objetos recurrentes que llevan consigo: petates, paletas y pinceles, o instrumentos de tortura. Pese al repetitivo formato de 162 ×130 centímetros que tienen todas las obras, cada una de estas nos impacta con una expresión única, que depende del método escogido de pintura y de los colores empleados. La amplia secuencia cronológica de los trabajos expuestos da testimonio de la gradual ruptura de Baselitz con su motivo. Hay muy poca distancia desde aquí a su posterior inversión del sujeto artístico.

Baselitz comenzó la serie de Los Héroes y Tipos Nuevos durante un período que pasó en la Villa Romana de Florencia gracias a una beca. Tras regresar a Berlín Oeste, siguió desarrollando este tema. Tocaba a su fin la debatidísima historia de los escándalos de Baselitz, que había empezado en 1963 con la exposición de la Galerie Werner & Katz. En las primeras etapas del artista, las pinturas de Héroes representan un punto de inflexión especial y pueden considerarse un documento histórico. Estas obras no se alinearon con las tendencias artísticas de su época, ya sea la visión del futuro del grupo ZERO, las aproximaciones francesa o norteamericana a la abstracción o las variaciones del movimiento alemán de postguerra Informel. Aun veinte años después de la 468 Desde las orillas del Sena guerra, no se contentan con el sentimiento superficial de un nuevo comienzo. Y, aunque los Héroes y Tipos Nuevos mantienen motivos recurrentes, son monstruosos, están quebrados y son poderosos en su formulación pictórica. Representan un posicionamiento importante dentro del arte alemán posterior a 1945.

Remix.

Trazando una línea de continuidad entre pasado y presente, la exposición concluye con una selección de pinturas del ciclo «Remix», en el que Georg Baselitzempezó a trabajar en 2005 y que augura la aparición de la serie de Héroes y Tipos Nuevos a partir de 2007 y 2008.

En las pinturas Remix, Baselitz vuelve sobre los aspectos más provocadores de su trayectoria, como La gran noche se jodió (Die große Nacht im Eimer), 1962-63, y Los grandes amigos (Die großen Freunde), 1965, y compone nuevas versiones o interpretaciones con la ventaja añadida de la experiencia. Ampliados y pintados con rapidez, a grandes franjas de matices brillantes y transparentes y con unas líneas explosivas y sinuosas, las pinturas Remix son transustanciaciones radicales —en parte caricaturas, en parte fantasma—de sus más laboriosos predecesores. La espontaneidad con que se ejecutan provoca destellos de recuerdos de las cosas del pasado, presente y futuro.

Es claramente visible el impulso de aclarar y actualizar, pero la calidad inquietante y efímera de este trabajo tiene también que ver con las meditaciones de un artista maduro sobre el tiempo, la presencia, el fracaso y la posibilidad. En palabras del propio artista: ―Me atrajo la palabra ―remix‖ porque pertenece a la cultura joven.

469 Desde las orillas del Sena

Georg Baselitz nació en Deutschbaselitz (Sajonia occidental) el 23 de enero de 1938. Comenzó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Berlín-Weissensee (Alemania del Este), de donde fue expulsado a los dos semestres por «inmadurez sociopolítica»; reanudó su formación en Berlín-Charlottenburg en la Hochschule für bildende Künste (Alemania Occidental) en 1957. Los primeros viajes al extranjero lo llevaron a Ámsterdam y París. En el año 1961 celebró su primera exposición junto con Eugen Schönebeck, en una casa deshabitada; se publicó entonces la primera proclama artística conocida como «Manifiesto Pandemónium». Las exposiciones que siguieron fueron controvertidas. En 1966 Baselitz dejó Berlín para trasladarse al Hesse Renano, cerca de Worms. En 1969 pintó su primer cuadro de figuras cabeza abajo, decisión a la que se mantuvo fiel durante todo el resto de su carrera. El creciente reconocimiento público del artista favoreció la presencia cada vez mayor de su obra en el extranjero; en 1980, junto con Anselm Kiefer, recibió la propuesta de representar el arte de la República Federal de Alemania en la trigésima novena Bienal de Venecia. A esta ocasión le siguieron exposiciones de gran recepción crítica en diversos países, como Gran Bretaña y Estados Unidos. Entre los años 1983 y 1988, y después a partir de 1992, Baselitz continuó en Berlín la actividad docente que había iniciado en la ciudad de Karlsruhe en 1978. En la actualidad, numerosas exposiciones retrospectivas, galardones, premios y cátedras honoríficas siguen rindiendo tributo a la extraordinaria relevancia de su obra.

Georg Baselitz. Los Héroes. Museo Guggenheim Bilbao.Del 14 de julio al 22 de octubre, 2017. Comisarios : Max Hollein, del Museo de Bellas Artes de San Francisco; Eva Mongi-Vollmer, del Städel Museum de Frankfurt y Petra Joos, del Museo Guggenheim Bilbao.

470 Desde las orillas del Sena

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Bilbao, Félix José Hernández.

471 Desde las orillas del Sena

Happy Day's Paris : en direct l’épopée musicale des années 60’s, 70’s & 80’s !

Paris le 30 juin 2017.

Se trouvant au cœur de Paris, au pied de l’opéra Garnier, dans le chic 2ème arrondissement parisien, le Happy Day’s Paris est facilement accessible car il est desservi par trois lignes de métro. Situé à 200 mètres du musée Grévin et des Grands Boulevards, ce lieu de fête unique en son genre, vous transporte, le temps d’une soirée dans le monde musical des années 60’s, 70’s & 80’s.

La salle est comme un écrin, cadre chaleureux de 190 places. On s'y installe confortablement. Les couleurs sont chaudes. La décoration est sobre, cosy, sans lourdeurs ni fioritures. On s'y sent immédiatement à l'aise. Les lumières, tamisées, sont trouées par le halo bleuté de sept écrans vidéo arborant le logo Happy Day’s Paris.

Puis les écrans s'animent. En réponse à la musique ambiante, ils matérialisent les artistes dont on perçoit les chansons. D'abord en noir et blanc, les images se colorent au fur et à mesure que les années avancent.

472 Desde las orillas del Sena

Le son est tempéré, pas agressif. On se sent comme dans un cocon, fasciné par ces documents nous rappelant les extraordinaires prestations des grands showmen américains.

Dans la continuité du mythique Chorus Café, vous commencerez les festivités par un dîner. La soirée continuera ensuite, le Maître de Cérémonie fait son show et lance un quizz ludique, interactif, plein d’humour qui fera appel à vos connaissances musicales et télévisuelles. Vous redécouvrirez, grâce à des écrans, les meilleurs moments de la télévision et de la musique de ces années du PAF inoubliables et incontournables. De Marvin Gaye à Aretha Franklin, des Supremes à Claude François, de Johnny Hallyday à Village People, le Happy Day’s Paris va vous faire vibrer, chanter et vivre chaque soir en direct l’épopée musicale des années 60’s, 70’s & 80’s ! Sans oublier la fameuse boule à facettes des années 80’s !

Pendant 1h30 de spectacle, le fabuleux duo de chanteurs Kwin et Obhy et l’orchestre vous font revivre cette épopée musicale. Et pour finir en beauté, vous pourrez, après le spectacle, danser sur les plus grands tubes jusqu’à 1h45 du matin.

Horaires : Ouverture des portes : 19h30. Quizz : 22h00. Spectacle : 22h15. Soirée dansante : 23h45.

Le Cabaret en vidéo : http://www.happydaysparis.com/videos.php Happy Day's Paris. 100% Live Musical Cabaret. 23 rue Saint Marc.75002Paris. Réservation Cabaret et dîner-spectacle par téléphone au 01 42 96 81 [email protected] Publié par Félix José Hernández. 473 Desde las orillas del Sena

Un soir à Paris par Nicolas Barreau

Paris le 1er juillet 2017

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Une aventure romantique au cœur de La Ville Lumière, qui pourrait se voir sur grand écran. Un bel hommage au cinéma d’art et d’essai. Je me fais un grand plaisir en découvrant le nouveau roman de Nicolas Barreau.

« Quoi que tu fasses, aime ce que tu fais. » Alfredo dans Cinema Paradiso

Alain Bonnard est le jeune propriétaire du Paradis, un cinéma d'art et d'essai, hérité de son oncle. Un jour, il se décide enfin à inviter la charmante inconnue qui, chaque mercredi, s'installe au rang 17 pour la dernière séance. Une soirée magique où il découvre une femme sensible, drôle et rêveuse. Aucun doute, Mélanie est celle qu'il espérait ! Quand deux jours plus tard, Allan Wood, un célèbre réalisateur américain et son actrice star, Solène Avril, lui annoncent que leur prochain film sera tourné au Paradis, Alain se dit que décidément la chance lui sourit. C'est présumer du destin.car Mélanie ne sera pas au rendez-vous. Les deux événements sont-ils liés ou de simples coïncidences ? Entre malentendus et coups de théâtre, Alain devra déjouer les coups du sort pour retrouver l'élue de son coeur.

Cette fois encore Nicolas Barreau nous guide à travers une délicieuse aventure, où l'amour est la seule boussole qui permette d'arriver à bon port ! Clin d'oil romantique à Midnight in Paris de Woody Allen, ce roman ravira les amoureux du grand écran et de la Ville Lumière. Il parlera aussi et surtout à tous les coeurs…

« Un soir à Paris, plus ou moins un an après que le Cinéma Paradis eut réouvert ses portes et précisément deux jours après que j’eus embrassé pour la première fois la jeune femme en manteau rouge, tandis que j’attendais le rendez-vous suivant

475 Desde las orillas del Sena avec impatience et fébrilité, il arriva quelque chose d’incroyable. Quelque chose qui devait mettre ma vie sens dessus dessous et transformer mon établissement en un lieu magique – un lieu où aspirations et souvenirs allaient se rencontrer, et les rêves prendre corps.

En l’espace d’un instant, je devins partie intégrante d’une histoire plus belle encore que celles qu’on voit sur grand écran. Moi, Alain Bonnard, je fus arraché à mon orbite habituelle et catapulté dans l’aventure la plus extraordinaire de mon existence.

– Tu es un homme périphérique, un observateur qui préfère se tenir en marge des événements, avait un jour affirmé Robert. C’est ta nature, pas la peine de te faire des illusions.

Robert était mon ami, en premier lieu. En second lieu, il exerçait le métier d’astrophysicien et agaçait son entourage en transposant les lois astrophysiques dans la vie quotidienne.

Brusquement, je quittai donc mon statut d’observateur pour me retrouver au beau milieu d’une succession de faits tumultueuse, inattendue, troublante, qui allait me couper le souffle et, de temps à autre, me rendre fou. Le destin m’avait fait un cadeau que j’avais accepté, submergé par l’émotion, et j’avais failli perdre la femme que j’aimais.

Ce soir-là, toutefois, à la fin de la dernière séance, je sortais dans la rue mouillée par la pluie, la lumière d’un lampadaire se reflétant sur le trottoir, hésitante, et ne soupçonnais encore rien de tout cela.

476 Desde las orillas del Sena

J’ignorais aussi que le Cinéma Paradis abritait la clé d’un secret dont mon bonheur dépendrait.

Je fermai la porte, descendis la grille, m’étirai et pris une profonde inspiration. L’averse avait cessé, cédant la place à la bruine. L’air était doux et printanier. Je remontai le col de ma veste et me détournai, m’apprêtant à partir. Alors seulement, je remarquai l’homme en trench beige, de petite taille et fluet, qui se tenait dans la pénombre avec sa compagne blonde et observait le cinéma avec intérêt.

– Hi, déclara-t-il avec un accent américain. Êtes-vous le propriétaire de cet établissement? Great film, by the way.

Il indiquait la vitrine et son regard s’attarda sur l’affiche en noir et blanc de The Artist, film dont le caractère désuet, à commencer par l’absence de dialogues, avait totalement désarçonné les spectateurs outre-Atlantique.

Je hochai la tête. Je m’attendais à ce que l’inconnu me tende un appareil et me prie de prendre une photo de sa femme et de lui devant mon cinéma – bien que n’étant pas le plus ancien de Paris, c’est un de ces vieux établissements au charme un peu suranné, malheureusement menacés de disparition –, lorsque l’homme s’avança vers moi et me jeta un coup d’œil amical à travers ses lunettes en écaille. Soudain, il me sembla le connaître, mais je n’aurais pas pu dire d’où.

– Nous aimerions nous entretenir avec vous, monsieur…

– Bonnard. Alain Bonnard.

Je lui serrai la main, déconcerté.

477 Desde las orillas del Sena

– Avons-nous déjà été présentés?

– Non, non, je ne crois pas. Anyway… Nice to meet you, monsieur Bonnard. Je suis…

La femme blonde avait quitté la pénombre et me fixait, une lueur amusée dans son regard bleu.

J’avais déjà vu ce visage quelque part, j’en étais certain. Plusieurs fois, même.

Il me fallut quelques secondes pour faire le lien. Et, avant que l’Américain achève sa phrase, je sus qui j’avais devant moi.

Qu’on me pardonne si j’écarquillai les yeux et, de surprise, lâchai mon trousseau. Le cadre dans lequel je me trouvais m’apparaissait assez «surréaliste», pour reprendre le mot du timide libraire dans Coup de foudre à Notting Hill. Seul le cliquetis des clés atterrissant sur le trottoir me convainquit que je n’avais pas la berlue. »

Une histoire romantique comme on les aime, à découvrir avec des petits cœurs dans les yeux.Flair

Des personnages attachants pour une intrigue captivante.Maxi

Une romance bercée de septième art, une balade romantique dans Paris.Vocable allemand

478 Desde las orillas del Sena

Cette histoire au suspense habillement soutenu nous entraîne dans une aventure amoureuse comme on aime.Femme Actuelle

« Chers amis lecteurs, Je me souviens encore très bien du jour, il y a deux ans de cela, quand en flânant à Paris, j’avais découvert dans une petite rue, une ravissante papeterie. Ce fut à ce moment-là que l'idée de mon nouveau roman La Vie en Rosalie me traversa l’esprit pour la première fois. Le livre a été publié en janvier aux Éditions Héloïse d'Ormesson, et en voyant le nombre de courriers de lecteurs enthousiastes que j’ai déjà reçus, je me sens fou de joie. Rosalie, charmante marchande de cartes poétiques, qui croit encore à la force des vœux, même si les siens n'ont pas encore été comblés, et dont la couleur préférée est le bleu, n’est pas seulement une de mes héroïnes favorites : j'en suis tout simplement tombé amoureux dès la première phrase. Et si elle vous faisait le même effet ? Ceux qui connaissent mes précédents livres savent que j’entretiens une relation toute particulière avec Paris, que je crois en la ville lumière, malgré tout ce qui a pu lui arriver de triste ces derniers temps. Je crois en la devise des chevaliers, ces trois mots magnifiques et puissants inscrits sur leurs armoiries et drapeaux : AMOR VINCIT OMNIA. Et j’ajouterai même : PARIS VINCIT OMNIA. Je suis très heureux du succès de mes romans Le sourire des femmes et Tu me trouveras au bout du monde dans mon deuxième pays, qu'est la France et c’est très chaleureusement

479 Desde las orillas del Sena que je remercie mes lectrices et lecteurs pour leur affection et leur enthousiasme. Sans eux, un auteur n'est rien, et même si je ne vous connais pas personnellement, c’est à vous que je pense chaque fois que j’écris un roman, car je souhaite par-dessus tout que mes mots et mes histoires vous enchantent et vous transportent. Je voudrais voir un sourire sur vos lèvres lorsque vous refermez mon livre et je souhaite que mon héroïne préférée, Rosalie, réussisse à conquérir les cœurs de mes lecteurs français – votre cœur ! Très chaleureusement à vous, Votre reconnaissant Nicolas Barreau »

Sous le pseudonyme de Nicolas Barreau se cache un auteur franco-allemand qui travaille dans le monde de l’édition. Un soir à Paris est le quatrième roman de l’auteur publié par les Éditions Héloïse d’Ormesson après les best-sellers Le Sourire des femmes (2014), Tu me trouveras au bout du monde (2015) et La Vie en Rosalie (2016) .

Un soir à Paris. Nicolas Barreau. Titre original : Eines Abends in Paris. Roman traduit de l’allemand par Sabine Wyckaert- Fetick. 320 pages. 19 €. © Éditions Héloïse d’Ormesson, 2017. www.heloisedormesson.com ISBN 978-2-35087-395-4

Publié par Félix José Hernández.

480 Desde las orillas del Sena

Colección Soledad Lorenzo:Punto de encuentroy Cuestiones personales

Antoni Tapies. Estora. 1994, pintura y collage sobre tela.

Madrid, 2 de julio de 2017.

Querida Ofelia:

Gracias al Depósito-Comodato de bienes culturales a favor del Reina Sofía realizado en 2014 por parte de la reconocida galerista Soledad Lorenzo, el Museo organiza este otoño una exposición temporal dividida en dos muestras diferentesque comprenderán unas 120 obrasde su colección, y que llevarán por título Punto de encuentroy Cuestiones personales.

481 Desde las orillas del Sena

El depósito y promesa de legado que la galerista realizó está compuesto por 392 piezas de 86 artistas, la mayoría de ellos españoles y de diferentes generaciones, que abordan todas las disciplinas de la práctica artística actual. Aunque predomina la pintura, la fotografía, la escultura y las instalaciones; contempla igualmente obras sobre papel (dibujos y grabados) y trabajos audiovisuales.

Junto a la obra de autores consagrados como Antoni Tàpies o Pablo Palazuelo, en la muestra titulada Punto de encuentrose presentará una selección de obras de Soledad Sevilla, Ángeles Marco, Guillermo Pérez Villalta, Perejaume, Juan Uslé, José Maria Sicilia, y entre los creadores vascos, podremos citar la obra de Txomin Badiola, Pello Irazu, Jon Mikel Euba, Ana Laura Aláez o Sergio Prego.

En la segunda muestra de la colección de Soledad Lorenzo, Cuestiones personales, se exhibirá una selección del trabajo de Luis Gordillo, Alfonso Fraile, Jorge Galindo, Juan Ugalde, Miquel Barceló o José Manuel Broto, destacando también una selección de obras de artistas norteamericanos como Julian Schnabel, Ross Bleckner, Tony Oursler, Robert Longo, David Salle o George Condo. Se incluirá igualmente obra de los artistas más jóvenes representados por la galerista, como Jerónimo Elespe, Philip Frölich o Adriá Julià.

Colección Soledad Lorenzo:Punto de encuentroy Cuestiones personales. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Edificio Sabatini. 4ª planta. Punto de encuentro, del 26 de septiembre de 2017 al 27 de noviembre de 2017. Cuestiones personales, del 19 de diciembre de 2017 al 5 de marzo de 2018.Comisarios : Manuel Borja-Villel y Salvador Nadales. Coordinación : Natalia Jiménez.

482 Desde las orillas del Sena

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

483 Desde las orillas del Sena

París, fin de siglo : Signac, Redon, Toulouse-Lautrec y sus contemporáneos,en el Museo GuggenheimBilbao

HenrideToulouse-Lautrec. Jane Avril, 1899.Litografía en color, 55,5 x 37,9 cm. Colección particular. 484 Desde las orillas del Sena

Bilbao, 2 de julio de 2017.

Querida Ofelia:

El Museo GuggenheimBilbao presenta “París, fin de siglo: Signac, Redon, Toulouse-Lautrec y sus contemporáneos”, una exposición que abordala escena artística parisina centrándose en las vanguardias francesas más importantes de finales del siglo XIX, especialmente en el Neo-Impresionismo, el Simbolismoy los Nabis. En la muestraestán representadas las figuras más destacadas de estos movimientosa travésde aproximadamente 125piezasincluyendo pinturasal óleo y al pasteldibujos, grabados y estampas.

El fin de siglo en París fue un período marcado por turbulencias políticas y transformaciones culturales, durante el cual la prolongada crisis económica y los problemas sociales estimularon la formación de grupos de la izquierda radical, así como una ola reaccionaria que plagó Francia a lo largo de la década de 1890. En 1894 el presidente Sadi Carnot fue asesinado por un anarquista, mientras que el caso Dreyfus causó la división de la nación, a raíz de la arbitraria acusación de traición a Alfred Dreyfus, oficial de origen judío-alsaciano. Tales acontecimientos sacaron a la luzlos extremos sociales y políticos existentes enFrancia: burguesía y bohemia; conservadores y radicales; católicos y anticlericales; anti-republicanos y anarquistas.

Como reflejo de una era de angustia y agitación, este período acogióuna gran variedad de movimientos artísticos, y a finales de la década de 1880 emergió una generación de artistas que incluían a los neo-impresionistas, los simbolistas y los nabis. Sus temas seguían siendo similares a los de sus antecesores impresionistas, que aún estaban en activo: los paisajes, la urbanización moderna y las actividades de ocio. Sin embargo,los 485 Desde las orillas del Sena nuevos movimientos cambiaron el tratamiento de estos temas familiares, y a ellas se añadieron escenas visiones introspectivas y fantásticas, así como retratos descarnados de la vida social.

La exposición ahonda en estas vanguardias, centrándoseespecialmente en algunas de las figuras más destacadas de laépoca: Pierre Bonnard, Maurice Denis, Maximilien Luce, Odilon Redon, Paul Signac, Henri de Toulouse-Lautrec y Félix Vallotton. De la mano de estos artistas, la ambición de capturar de manera espontánea un momento fugaz de la vida contemporánea dio paso a trabajos cuidadosamente realizados, anti-naturalistas en sus formas y ejecución, que buscaban provocar emociones, sensaciones o cambios psíquicos en el espectador. A pesar de ostentarcaracterísticas a veces contradictorias, estos artistas compartían la meta común de crear un arte con una resonancia universal, produciéndose ocasionalmente diálogos entre los grupos. En una visión de conjunto, esta agitada época muestra un terreno complejo de estéticas y teorías filosóficas divergentes, al tiempo que delinea los acontecimientosturbulentos en el umbral de un nuevo siglo.

Recorrido por la Exposición

Sala 305: Neo-Impresionismo

El Neo-Impresionismo hizo su debut como entidad propia en una de las salas de la octava (y última) Exposición Impresionista en París, en 1886, liderada por Georges Seurat. Ese mismo año, Félix Féneon, crítico de arte y paladín de ese grupo, forjó el término “Neo-Impresionismo” en un artículo. Cuando falleció Seurat, aún joven, Paul Signac tomó su lugar como líder y teórico del movimiento. A los principales neo-impresionistas —Henri- Edmond Cross, Maximilien Luce, Seurat y Signac— se unió Camille Pissarro, previamenteimpresionista, al igual que artistas 486 Desde las orillas del Sena con similares intereses que provenían de países cercanos, como el pintor belga Théo van Rysselberghe. Estos pintores vanguardistas usaron teorías científicas sobre el color y la percepción para crear efectos ópticos en obras puntillistas, inspirados en losnuevos métodos ópticos y cromáticos desarrollados porloscientíficos. Tuvieron especial relevancia la teoría del químico francés Michel-Eugène Chevreuil, De la loi du contraste simultané des couleurset de l’assortiment des objets colorés(1839)y la del físico americano Ogden Rood, Modern Chromatics(1879).

Esta aproximación moderna y revolucionaria a la pintura se caracterizó por la yuxtaposición de pinceladas individuales de pigmentos para crear el efecto visual de un color intenso y único. Con su manera de disponer los colores complementarios y el uso de formas difusas, los neo-impresionistas producíancomposiciones unificadas. Así, la representación del impacto de la luz sobre el color alser refractada sobre el agua,filtrada a través de las condiciones atmosféricas, o propagada a través de un campo, era una preocupación constante en ellos. La mayor parte compartía opiniones políticas izquierdistas que se hacían evidentes, por ejemplo, en las representaciones de Pissarro o de Luce de la clase obrera. Las imágenes idealizadas del socialismo anarquista también estaban presentes en las representaciones utópicas que los neo- impresionistas retrataban frecuentemente en sus obras. Éstas solían unir el contenido ideológico y la teoría técnica. Pese a todo ello, los neo-impresionistas no se guiaban por objetivos explícitamente políticos; en sus representaciones deslumbrantes de urbes, suburbios, costas o campos, se reflejaba una búsqueda formal de lo armonioso.

Sala 306: Simbolismo

487 Desde las orillas del Sena

El Simbolismo empezó como un movimiento literario en la década de los 1880, y suideario fue resumido en 1886 cuando el poeta Jean Moréas publicó el “Manifiesto Simbolista” en el periódico francés Le Figaro. Sin embargo, las filosofías idealistas y las cualidades formales del lenguaje no tardaron en infiltrarse en el campo de las artes visuales. El término “Simbolismo” se aplica a unavariedad de artistas que comparten las mismas metas anti-naturalistas. A veces, las obras neo-impresionistas o nabis son identificadas como Simbolistas debido asus formas peculiares y temas alusivos, como las de Maurice Denis, que recurrió a temas religiosos y alegorías empleando líneas sinuosas y zonas planas, y cubriendo por completo las superficies dibujadas. Los artistas asociados con el Simbolismo no siempre se definían como tales. Una de las figuras más importantes fue Odilon Redon, en cuyas escalofriantes representaciones encontramos cabezas flotantes e incorpóreas, insidiosas arañas, escenas desancladas de la realidad con significados enigmáticos y atrapadas en el silencio; características todas ellasestrechamente asociadas con este movimiento.

La mayor parte de los artistas conectadoscon el Simbolismo eran reacios al materialismo y habían perdido su fe en las ciencias, las cuales habían fracasado en su intento de remediar los males de la sociedad moderna. En su lugar, el espiritualismo y los estados mentales alterados empezaron a ganar terreno, poniendo de relieve el valor de imágenes evocadoras y oníricas. En estas obras se infiltró un lenguaje decorativo, inspiradopor los diseños orgánicos y formas arabescas del Art Nouveau.

El arte simbolista abrazó las narrativas legendarias, la temática religiosa y el mundo macabro de las pesadillas, abandonando lo factual por lo fantástico, el mundo exterior por el drama de los paisajes psicológicos, lo material por lo espiritual, y lo concreto 488 Desde las orillas del Sena por lo etéreo. El Simbolismo estaba estrechamente vinculado a la narrativa pero buscaba sonsacar sensaciones abstractas y, a través de imágenes subjetivas, transmitir una experiencia universal.

Estos impulsos responden al deseo suscitado por el ladooscuro de la sociedad moderna:la búsqueda de lo transcendental.

Sala 307:Los Nabis y la cultura del grabado en los años 1890

La técnica del grabado, tanto la litografía como el grabado sobre madera, renació en Francia a raízde la exposición de estampas japonesas en la Escuela de Bellas Artes en 1890. Losresponsablesde este renacimiento sonlos nabis, junto con el artista Henri de Toulouse-Lautrec. Los nabis (palabra que proviene del hebreo “profeta”) formaban una fraternidad con rasgos comunes y su arte estaba influenciado por los planos de colores uniformes y la disposición de trazos del Sintetismo clave de Paul Gauguin, al igual que por las bruscas delineaciones y composiciones bidimensionales de los grabados japoneses. Renunciando a la pintura de caballete, la obra de los nabis estaba presente en medios como grabados, posters e ilustraciones de periódicos como La Revue blanche, que pertenecía a Thadée Natanson.

Los artistas se sentían atraídos por la libertad que la técnica del grabado ofrecíaal serconsiderado como un arte “popular” y por lo tanto exento de las reglas académicasque gobernaban la pintura. Durante la década de1890 estos artistas experimentaron con las posibilidades que ofrecía el duro contraste de los grabados sobre madera, como el ingenioso uso del blanco y negro por parte de Félix Valloton en sus comentarios mordaces sobrela sociedad parisina. A otros nabis, como Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, les fascinaba la litografía en color, y testaron los límites de esta técnica de innumerables maneras, incluso introduciendo 489 Desde las orillas del Sena manipulaciones durante el proceso, para lo que contaron con la ayuda del maestro grabador Auguste Clot.

Estos artistas produjeron numerosos carteles y porfolios por encargo de marchantes, entre los quedestacael galerista Ambroise Vollard. Toulouse-Lautrec centró sus energías en el arte del cartel buscando la representación incisiva, tal vezreduccionista, de la realidad urbana. Estas creaciones de gran tamaño, atractivas y brillantes, eran anuncios efímeros que se exponían por las calles de París. Los transeúntes, potenciales consumidores, no podían evitar serseducidos por los retratos caricaturescos de la vida bohemia que en ellos se anunciaban:los cafés-concierto de Montmartre o los famosos actores, incluyendo La Goulue (la glotona) y Jane Avril. Esa vida animada, a menudo poco convencional,que celebransus estampas y carteles, acabó por definir el París del fin de siglo.

El proyecto Didaktika ofrece a los visitantes la posibilidad de ahondar en las tesis de las exposiciones a través de espacios educativos y actividades especiales.

El Espacio didáctico ofrece una mirada sobre el turbulentocontexto socio político y cultural que caracterizó las últimas décadas del siglo XIX en París, en el que la prensa tuvo un papel clave para la difusión de la información y el desarrollo de la opinión pública. Así, la documentación dispuesta en el espacio didáctico se presenta en titulares, a modo de una crónica de tendencias y hechos relevantes, como los enfrentamientos políticos, la angustia creciente ante la inestabilidad de las clases sociales, la popularidad cada vez mayor de los cabarets y los últimosdesarrollos científicos, que configuran el telón de fondo del momento creativo e intelectual del momento.

490 Desde las orillas del Sena

El espacio se completa con una actividad interactiva sobre unmapa del París de fin de siglo, que permite al visitante descubrirlugares de la ciudad y algunos de los sucesos y obras más importantes.

París, fin de siglo : Signac, Redon, Toulouse-Lautrec y sus contemporáneos. Museo GuggenheimBilbao.Hasta el 17 de septiembre de 2017. Comisaria: Vivien Greene,Solomon R. Guggenheim Foundation.

Un gran abrazo desde nuestra culta y querida Bilbao,

Félix José Hernández.

491 Desde las orillas del Sena

Les Indésirables par Diane Ducret

Paris le 3 juillet 2017.

Un roman magnifique et émouvant, un hymne à l'amour et à l ‘amitié. Diane Ducret nous transporte dans une autre époque. Le lecteur vit les émotions des héroïnes en même temps qu'elles. J'ai vraiment aimé beaucoup ce roman historique bien documenté. 492 Desde las orillas del Sena

«Nous avons ri, nous avons chanté, nous avons aimé. Nous avons lutté, mon amie, c’était une belle lutte. Je me suis sentie plus vivante à tes côtés que je ne le fus jamais.»

Un cabaret dans un camp au milieu des Pyrénées, au début de la Seconde Guerre mondiale. Deux amies, l’une aryenne, l’autre juive, qui chantent l’amour et la liberté en allemand, en yiddish, en français... cela semble inventé! C’est pourtant bien réel. Eva et Lise font partie des milliers de femmes «indésirables» internées par l’État français. Leur pacte secret les lie à Suzanne «la goulue», Ernesto l’Espagnol ou encore au commandant Davergne. À Gurs, l’ombre de la guerre plane au-dessus des montagnes, le temps est compté. Il faut aimer, chanter, danser plus fort, pour rire au nez de la barbarie.

À la façon d’une comédie dramatique, Diane Ducret met en scène le miracle de l’amour, la résistance de l’espoir dans une fable terrible et gaie, inspirée d’histoires vraies.

«À la façon d’une comédie dramatique, Diane Ducret met en scène le miracle de l’amour, la résistance de l’espoir dans une fable terrible et gaie, inspirée d’histoires vraies.»Gérard Collard. LE MAGAZINE DE LA SANTÉ - FRANCE 5

«Un bouleversant témoignage». SUD OUEST

«On admire ces femmes, véritables héroïnes, qui se battent solidaires pour que la vie triomphe.»VERSION FEMINA

«Le roman vrai du camp de Gurs». FIGAROSCOPE

Diane Ducret est romancière et essayiste. Elle est l’auteure des best-sellers Femmes de dictateur (Perrin, 2011), traduit en vingt-

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cinq langues, La Chair interdite (Albin Michel, 2014), ou encore Les Indésirables (Flammarion, 2017).

Les Indésirables. Diane Ducret.Littérature française. © Flammarion, 2017. 320 pages.146 x 220 cm. 19,9 euros. Broché.ISBN : 978-2-0814-0734-3

Publié par Félix José Hernández.

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Índice:

1-Sculptures de Chagall à Nice

2-Chez ma cousine à Montmartre

3-Travaux de dames au Musée des Arts décoratifs

4-Design Graphique. Acquisitions récentes du Musée des Arts Décoratifs

5-Cincuenta años de historia de Cinco horas con Mario

6-Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la Biblioteca Nacional de España

7-Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la Biblioteca Nacional de España

8-Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la Biblioteca Nacional de España

9-El hallazgo del pasado. Alfonso El Sabio y la Estoria de España

10-Kimono. Au bonheur des dames au Musée Guimet

11-Alexandra David-Néel. Une aventurière au Musée

12-A Palazzo Pitti la Galleria diventa magicamente Poetica 13-La expedición al Escambray de Julio A. Mella y Sandalio Junco 495 Desde las orillas del Sena

14-Le monde selon Topor

15-Christian Dior… Le Couturier du rêve

16-Le paysage mystiquede Monet à KandinskyAu-delà des étoiles

17-YTALIA.Energia Pensiero Bellezza. Tutto è connesso

18-Accrochage Du coq à l’âne au Musée d’Orsay

19-Un Parcours Alicien de Paul Armand Gette

20-El centrista Emmanuel Macron ganó la primera vuelta de las elecciones presidenciales en Francia

21-Diane de Poitiers par Didier Le Fur

22-Mascarade par Ray Celestin

23-Le Paradis Latin de Paris, de Philippe Auguste à Machiavel (1201 - 1899)

24-Escapades cubaines par Miguel Cruz

25-El Comandante Dr. Armando Fleites fue llamado a la Casa del Señor ayer desde Miami

26-Derrière le rideau du Paradis Latin de Paris

27-Une soirée inoubliable au Paradis Latin de Paris…. Paradis à la Folie !

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28-Un escargot tout chaud par Isabelle Mergault

29- Testimonios del Comandante Dr. Armando Fleites

30-Tre arazzi per il futuro museo

31- Dakota Song par Ariane Bois

32-Le principe du désir par Saïdeh Pakravan

33-Les Larmes noires sur la terre par Sandrine Collette

34-Mi amada Francia, tu Libertad corre peligro

35-Une soirée exceptionnelle au Cabaret La Main au Panier

36-Le vertige des falaises par Gilles Paris

37-Le grand humoriste Amaury Gonzague

38- El bosque infinito de Annie Proulx

39- MEDUSA. Bijoux et tabous

40-Reliures de Louise-Denise Germain (1870 - 1936)

41-Je vous aimais, terriblement par Jeremy Gavron

42-Iris Grace, la petite fille qui s'ouvrit au monde grâce à un chat

43- Eduardo Solá Franco« Le Journal de mes plaisirs » (1935 -1988) 497 Desde las orillas del Sena

44-Sciences pour tous, 1850-1900

45-Un brindis de Vive la France ! Vive la Liberté !

46-Mon ciel et ma terre par Aure Atika

47-Cavale par Virginie Jouannet

48-América Alucinada por Betina González

49-L’humour est roi au Café Théâtre Ze Artist’s

50-L’amant noir par Étienne de Montety

51- Le célèbre Pau Brazil, le lieu le plus festif de Paris

52- Havanita Café : Cuba à Paris

53-Es alarmante leer los comentarios que vuelan por las redes sociales, de una vulgaridad inusitada, respecto a Su Santidad Francisco 54-El Taller de pintura del Museo del Prado

55-Registros de tránsito solar de Rosa Barba

56-J'ai toujours cette musique dans la tête par Agnès Martin- Lugand

57-Comunicado de Prensa del Colegio Nacional de Periodistas de Cuba en el Exilio, por el fallecimiento del DECANO AD–VlTAM Don Luis Felipe Marsáns

498 Desde las orillas del Sena

58-El 60 aniversario de La Coral Juvenil Cubana

59-Les dictateurs loufoques au Théâtre Le Bout

60-Vacío perfecto. Una lectura de la Colección MUSAC

61-Le refuge des souvenirs par Mary Marcus

62-La violence et la grâce par Graça Morais

63- Renacimiento en Veneciase expone en el Museo Thyssen- Bornemisza

64-Glosario ilustrado de fortificaciones por Tamara Blanes Martín

65-Completando discursos. Ediciones especiales del Centro de Documentación del MUSAC

66-Le pays sans nom par Anna Moï

67-Forzar la máquina de Lee Lozano en el Museo Reina Sofía

68-Farideh Lashai en el Museo del Prado : Cuando cuento estás solo tú… pero cuando miro hay solo una sombra

69-Cette terre promise par Erich Maria Remarque

70-El Museo del Prado descubre un nuevo título manuscrito por Goya en un dibujo relacionado con la Justicia

71-Comme d’habitude par Cécile Pivot

499 Desde las orillas del Sena

72-Artishow, le plus chaleureux des cabarets parisiens

73-« Génération Artishow » Quinze ans de bonne humeur festive !

74- Retrato de Felipe III por Velázquez, en el Museo del Prado

75-Arte, diseño y moda de Sonia Delaunay en el Museo Thyssen-Bornemisza

78-Stanze d’artista. Capolavori del ’900 italiano

79-Vivian Maier. Una fotografa ritrovata

80-I Fori dopo i Fori. La vita quotidiana nell'area dei Fori Imperiali dopo l'Antichità

81-Comunicado del CNP Cubanos en el Exilio. Fue llamado por el Señor el periodista César Termes

82-Gea Casolaro. Con lo sguardo dell’altro

83-Spartaco. Schiavi e padroni a Roma

84-La prima mostra di arte sonora cilena in Europa. Otros sonidos, otros paisajes

85-Libertad de palabra porTimothy Garton Ash

86-Una soirée de Las Mil y una Noches en el Mazazic de París

87-Un fils parfait par Mathieu Menegaux

500 Desde las orillas del Sena

88-La mirada del otro. Escenarios para la diferencia en el Museo del Prado

89-El bronce monumental helenístico de Demetrio Poliorcetes en el Museo del Prado

90- La fabbrica dell’utopia di Piranesi

91-Cross the Streets

92-El desafío del blanco, Goya y Esteve retratistas de la Casa Osuna, en el Museo del Prado

93-Ma mère, cette inconnue par Philippe Labro

94-Un dîner spectacle inoubliable à l’Âne qui rit, le cabaret du rire et du fou rire 95-Italo Insolera, il bianco e il nero delle città. Immagini 1951-1984

96-Dans la forêt par Jean Hegland

97-Zoo Station par David Downing

98-La plus humoristique des revues parisiennes dans un Cabaret à Paris : « Paris-Parnasse », au César Palace Paris

99-Se constituye la Comisión Nacional para la conmemoración del II Centenario del Museo del Prado 100-Le grand William Klank !

101-Marat « L’Ami du peuple », par Serge Bianchi 501 Desde las orillas del Sena

102-Introjection de Gehard Demetz

103-Aprendiendo a través del arte en el Museo Guggenheim Bilbao

104-Écoute-moi bien parNathalie Rykiel

105-Le Café-Théâtre Le Grenier : le dîner spectacle le plus convivial de Paris !

106-Retrospectiva de Bill Viola en el Guggenheim Bilbao

107- # Bonnet par Eliane Girard

108-NSK del Kapital al Capital. Un hito de la década final de Yugoslavia

109-Propuestas: Manifiesto. Hablo por mi diferencia

110-El Museo Guggenheim Bilbao presenta Los Héroes de Georg Baselitz

111-Happy Day's Paris : en direct l’épopée musicale des années 60’s, 70’s & 80’s !

112-Un soir à Paris par Nicolas Barreau

113-Colección Soledad Lorenzo:Punto de encuentroy Cuestiones personales

114-París, fin de siglo : Signac, Redon, Toulouse-Lautrec y sus contemporáneos,en el Museo GuggenheimBilbao

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115-Les Indésirables par Diane Ducret

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Desde las orillas del Sena. Tomo XVI. Número 36 de la Serie “Cartas a Ofelia” Depósito Legal, septiembre de 2017. © Versión PDF para la web y edición en papel; diseño, maquetación, montaje y foto de la portada: Félix José Hernández Valdés. Editado en París, septiembre de 2017. Foto de la portada : La bibliothèque Mazarine, communémement appelée la Mazarine, est la plus ancienne bibliothèque publique de France.

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