De Vista Festival Internacional De Cine Documental De Navarra Nafarroako Zinema Dokumentaleko Nazionarteko Jaialdia International Documentary Film Festival of Navarra

DE VISTA FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DOCUMENTAL DE NAVARRA NAFARROAKO ZINEMA DOKUMENTALEKO NAZIONARTEKO JAIALDIA INTERNATIONAL DOCUMENTARY FILM FESTIVAL OF NAVARRA

PAMPLONA, 17-25 DE FEBRERO 2006 CIVICAN/CINES GOLEM-YAMAGUCHI

Colaboran DE VISTA 2006 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DOCUMENTAL DE NAVARRA

ORGANIZACIÓN El Festival de Cine Documental de Navarra es un programa del Gobierno de Navarra. Departamento de Cultura y Turismo- Institución Príncipe de Viana. Servicio de Acción Cultural

Dirección ejecutiva: Iñaki Gordejuela Dirección artística: Carlos Muguiro Coordinación general: Ana Herrera Comunicación: Montse Pérez, Gonzalo de Pedro Comisariado Homenaje: Koldo Lasa Comité de selección: Alberto Cañada, Ana Herrera, Koldo Lasa, Carlos Mugiro, Gonzalo de Pedro, Juan Zapater Subtitulación: Sublimage Traducciones: Metaphora Atención de invitados: Susana Antón Actividades paralelas: Artsaia Coordinación técnica: Global Servicios Culturales Diseño gráfico: Jose Joaquín Lizaur Diseño web: Negotec

Colaboran Fundación Caja Navarra, Volkswagen Navarra, Instituto Francés de Bilbao, Televisión Española

Agradecimientos Javier de Esteban, Hama Haruka, Abé Mark Nornes, Miyako Oikawa, Makoto Satô, Yasui Yoshio (Planet Bibliotheque de Cinema), Mikako Otani (Athenee Française), Yuichiro Izumi (Athenee Française Cultural Center), The Japan Foundation (Marie Suzuki), Filmoteca Española, Euskadiko Filmotegia-Filmoteca Vasca, Civican, Golem, Dora Salazar, Yamagata Film Festival, José Julián Bakedano (Museo de Bellas Artes de Bilbao), Jordi Grau, José María y Angeles González Sinde, Jose Antonio Sistiaga, Fernando Larrukert.

CATÁLOGO © Gobierno de Navarra, 2006 Departamento de Cultura y Turismo-Institución Príncipe de Viana Diseño gráfico y realización: José Joaquín Lizaur Impresión: Imagraf Depósito legal: NA-488 / 2006 ÍNDICE / AURKIBIDEA / INDEX

Presentación / Aurkezpena / Introduction ...... 7 Ideario del Festival / Jaialdiaren Xedeak / Festival Philosophy ...... 10 SECCIÓN OFICIAL COMPETITIVA / LEHIAKETA-SAIL OFIZIALA / OFICIAL COMPETITION SECTION ...... 13 Premios / Sariak / Prizes ...... 15 Jurado / Epaimahaia / Jury ...... 17 Largometrajes / Film luzeak / Long-feature films ...... 24 Cortometrajes / Film laburrak / Short films ...... 39 RETROSPECTIVA. CLÁSICOS DEL CINE DOCUMENTAL JAPONÉS / ATZERA BEGIRAKO. JAPONIAKO ZINEMA DOKUMENTALAREN KLASIKOAK / RETROSPECTIVE. JAPANESE DOCUMENTARY CLASSICS ...... 49 El cine de los mil años / Mila urteko zinea / The cinema of a thousand years Carlos Muguiro ...... 50 Directores / Zuzendariak / Directors ...... 60 HOMENAJE A X FILMS / OMENALDIA X FILMS ETXEARI / TRIBUTE TO X FILMS ...... 79 X Films, resolviendo la incógnita / Incognita argitzen / Solving the riddle Koldo Lasa ...... 81 El Juan que yo he conocido / Nik ezagutu dudan Juan gizona / The Juan I know Jordi Grau ...... 90 Carta de González Sinde / Gutuna, González Sinderen partetik / Letter from González Sinde ...... 94 ¿Qué es X Films? / Zer da X Films? / What is X films? ...... 98 X+Y. Algunos componentes de la ecuación / X+Y. Ekuazioaren osagai batzuk / X+Y. A few factors in the equation ...... 102 Filmografía / Filmografia / Filmography ...... 116 FESTIVAL DE FESTIVALES / JAIALDIEN JAIALDIA / FESTIVAL OF FESTIVALS ...... 119 Documentales / Dokumentalak / Documentaries ...... 121 ACTIVIDADES PARALELAS / JARDUERA OSAGARRIAK / PARALLEL ACTIVITIES ...... 133 Palmarés / Palmaresa / Award winners ...... 141 Indice de obras / Filmeen aurkibidea / Documentaries index ...... 143

PRESENTACIÓN

Vuelve Punto de Vista. La segunda edición de este festival, organizado por el Departamento de Cultura y Turismo del Gobierno de Navarra, y que nació ins- pirado por la teoría y el legado de Jean Vigo, vuelve a la carga, con toda la fuerza y el atrevimiento de su juventud, pero también con una visión cada vez más cla- ra del cine al que aspira. Un cine comprometido con lo real, con la forma y con el fondo, un cine que implique al espectador, un cine diferente, un cine que enri- quezca, y no sólo entretenga. Este año, las salas de Punto de Vista se llenarán de películas casi invisibles, por desconocidas, hasta ahora, en nuestro país. La retrospectiva El cine de los mil años es la apuesta más fuerte del festival, y constituye el primer acercamiento realizado en España a un cine desconocido y sin embargo fundamental: el documental japonés. Abarcando desde el final de la segunda guerra mundial hasta producciones actuales, estos mil años de cine japonés permitirán al espectador acercarse a un cine diferente, del que beben las nuevas olas de cineastas orientales que, cada vez más, se asoman por nuestras pantallas comerciales. Homenaje a X Films, despejando la incógnita, es la otra retrospectiva del Festival, que en su vocación de mirar a la tierra que le acoge, ha querido redescubrir la labor del empresario navarro Juan Huarte como productor cinematográfico, a través de su productora X Films. Huarte, desde mediados de los años sesenta, y en colaboración con artistas como Oteiza, Sistiaga, Garci, Gabriel Blanco, Clau- dio Guerín o Luis Eduardo Aute entre otros, produjo un cine arriesgado, artísi- co, experimental, abriendo nuevos caminos en el séptimo arte y descubriendo a la industria nombres hoy consagrados. Para completar el festival, la sección oficial a concurso, con 24 películas (15 largometrajes y 9 cortometrajes). Una muestra viva de un género que ofrece riesgo, sorpresas y miradas personales. Y como postre, Festival de Festivales, la ventana que Punto de Vista abre al circuito internacional de festivales, y que permite acercarse a las películas más premiadas internacionalmente. Ésta es nuestra apuesta: la de un Festival con vocación de arraigar, de crear espectadores para un cine diferente, y también, por qué no, de convertirse en un lugar de encuentro, debate y experimentación. Bienvenidos, otro año más.

JUAN RAMÓN CORPAS MAULEÓN CONSEJERO DE CULTURA Y TURISMO DEL GOBIERNO DE NAVARRA

7 AURKEZPENA

Berriro heldu zaigu Ikustokia. Badator jaialdi honen bigarren edizioa, Nafarro- ako Gobernuko Kultura eta Turismo Departamentuak antolatutakoa eta Jean Vigoren teoriak eta ondareak inspiraturik jaiotakoa. Gaztetasunak ohi duen indarrez eta ausardiaz dator, baina, aldi berean, erakutsi nahi duen zinearen ikuspegi argiagoa dakar. Hots, errealitatearekin, azala eta mamiarekin konpro- misoa hartua duen zinea, ikuslea inplikatuko duen zinea, zine desberdina, bestelakoa, aberasgarria, eta ez entretenigarri hutsa. Aurten, ia ikusezinak diren filmez beteko dira Ikustokiako aretoak, orain arte ezezagunak izan baitira gure herrialdean. Horrela, Mila urteko zinea atzera begirakoa da jaialdiaren apusturik sendoena, Espainian zine ezezagun eta, hale- re, funtsezko batera egiten den lehen hurbilketa: Japoniako dokumentala. Biga- rren mundu gerraren akaberatik gaur egungo lanetaraino iritsita, Japoniako zinearen mila urte horiek ikusleari aukera emanen diote zine desberdinera hur- biltzeko. Finean, zine horretatik edaten dute Ekialdeko zinegileen uhin berriek, eta horiek gero eta gehiago agertzen ari zaizkigu gure pantaila komertzialetan. Omenaldia: X Films, inkognita argitzen izena du Jaialdiaren beste atzera begira- koak. Harrera egiten dion lurraldeari begiratzeko joera du Jaialdi honek eta, hartara, Juan Huarte nafar enpresaburuak -bere X Films ekoizpen etxearen bidez- zine ekoizle gisa egindako lana berraurkitu nahi izan du. Izan ere, hirurogeiko hamarkadaren erditik aurrera eta, besteak beste, Oteiza, Sistiaga, Garci, Gabriel Blanco, Claudio Guerín edo Luis Eduardo Aute bezalako artistekin elkarlanean, zine arriskatua ekoiztu zuen Huartek, zine artistikoa, esperimentala eta, aldi berean, bide berriak urratu zituen zazpigarren artean, eta gaur egun ospetsuak diren izenak industriarako aurkitu ere bai. Jaialdiaren osagarri, lehiaketa sail ofizialean 24 film arituko dira (15 film luze eta 9 film labur). Bestela esanik, arriskua, sorpresak eta begirada pertsonalak eskaintzen dituen generoaren erakuskaria. Eta, bukatzeko, Jaialdien Jaialdia, Ikustokiak nazioarteko jaialdien zirkuituari irekitzen dion leihoa, nazioartean sari gehien jaso dituzten filmak ikusteko aukera ematen duena. Hau da gure apustua: errotu nahi duen Jaialdia, zine desberdinerako ikusleak sortu nahi dituen Jaialdia eta, era berean, zergatik ez, topaleku, eztabaida gune eta esperimentazio toki izan nahi duen Jaialdia. Ongi etorri, beste urte batez ere.

JUAN RAMÓN CORPAS MAULEÓN NAFARROAKO GOBERNUKO KULTURA ETA TURISMO KONTSEILARIA

8 INTRODUCTION

Punto de Vista is with us once again. In its second year, the festival, organised by the Government of Navarra's Department of Culture and Tourism, and inspired by the theory and legacy of Jean Vigo, is back with a vengeance, with all the strength and boldness of youth, but also an increasingly clear vision of the kind of cinema it hopes to unite. Filmmaking with a commitment to reality, form and content, filmmaking which draws the audience in, different films, films which not only entertain, but also enrich. This year, the Punto de Vista venues shall host almost-unheard-of films which have remained almost invisible in Spain until now. The Cinema of a Thousand Years retrospective is the festival’s strongest bid and represents the first attempt in Spain at familiarising the public with a cinema which, while little known, is nonetheless absolutely fundamental: the Japanese documentary. From the end of the Second World War to modern-day productions, these thousand years of Japanese filmmaking allow the audience to get to know a different kind of cinema, the source of inspiration for the new waves of Oriental filmmakers now increasingly familiar on commercial circuits. The Tribute to X Films, solving the riddle, is the other retrospective at the Festi- val, which, with an eye on the local film industry, wishes to rediscover the work of Navarran businessman Juan Huarte as film producer, through his production company X Films. Since the mid 1960's and in collaboration with artists such as Oteiza, Sistiaga, Garci, Gabriel Blanco, Guerín and Luis Eduardo Aute, among others, Huarte produced experimental, artistic, risk-taking films which opened up new paths for the seventh art and first drew our attention to names now consecrated in the film industry. To complete the festival, the official competition section with 24 films (15 full- length and 9 short). A lively look at a genre full of risk, surprise and personal vision. And to round off, the Festival of Festivals, the window which Punto de Vista opens up to the international festival circuit, screening the films with most international awards to their name This is our bid: that of a Festival which aims to take root, to create audiences for a different kind of cinema and also, why not, that of becoming a venue for meeting, debate and experimentation. And so, welcome to another year.

JUAN RAMÓN CORPAS MAULEÓN THE GOVERNMENT OF NAVARRA’S MINISTER OF CULTURE AND TOURISM

9 IDEARIO DEL FESTIVAL

• En el centro de la creación, reposa lo real, la semilla de todo arte. El Festival de Cine Documental de Navarra es un lugar de encuentro de • espectadores, cineastas y teóricos en torno al cine documental y a todas las manifestaciones fronterizas y heterodoxas de la no ficción. El Festival de Cine Documental de Navarra quiere ser un lugar para el des- • cubrimiento de nuevas miradas y, también, para el reencuentro con la memoria del cine documental: las obras clásicas, las olvidadas, las inaccesi- bles, las imprescindibles. Y en ese contexto, acoger las nuevas tendencias y propuestas de los documentalistas contemporáneos. Entre los objetivos fundamentales del Festival está el atender a aquellos • cineastas que hacen de su obra una propuesta de búsqueda y creación en torno a la capacidad del cine de registrar el tiempo; aquellos cineastas que con- ciben su trabajo como proceso de conocimiento del ser humano; autores que reflexionan sobre la realidad, el registro y la representación de realidad a través del cine. El Festival quiere ser una estación de paso para cineastas que ensanchan tanto la percepción de la realidad como las maneras de expresar- la a través del medio audiovisual. El Festival está abierto, en definitiva, a todos las películas de carácter documental que suponen una reflexión y un esfuerzo de comprensión de lo real. Para el Festival el imprescindible compromiso ético del documental con la • realidad pasa por su adecuación formal y expresiva, y por la exploración de la propia materialidad de un medio que, desde su nacimiento, mira y regis- tra su presente como ningún otro. A través de todas sus secciones, pero especialmente por medio de su con- • curso internacional, el Festival estimulará el conocimiento de aquellas pelí- culas que entiendan el género como una forma de expresión independiente y necesaria. Finalmente, el Festival quiere propiciar el encuentro de los cineastas y el • público a través de la propuesta de conocimiento compartido que son sus películas. El Festival tratará, al mismo tiempo, de suscitar el debate y la reflexión teórica. El Festival es una celebración del documental como crea- ción.

10 JAIALDIAREN XEDEAK

• Sormenaren muinean errealitatea datza, arte ororen iturburua. “Punto de Vista” Nafarroako Zinema Dokumentaleko Jaialdia ikusleen, • zinegileen eta teorialarien topalekua da zinema dokumentalaren inguruan, bai eta ez fikzioaren mugaldeko agerpen heterodoxo guztien inguruan ere. Nafarroako Zinema Dokumentalaren Jaialdiak begirada berriak aurkitzeko • lekua izan nahi du, bai eta zinema dokumentalaren memoria berriz topatze- ko lekua ere: lan klasikoak, ahaztuak, eskuraezinak, nahitaezkoak. Eta tes- tuinguru horretan, Jaialdiak ere dokumentalista garaikideen joera eta proposamen berriak hartu nahi ditu bere baitan. Jaialdiak harrera egin nahi die zineak denbora erregistratzeko duen gaitasu- • naren gaineko bilaketa eta sormen proposamena egiten duten zinegileei; zinea gizakia ezagutzeko bitarteko gisa erabiltzen duten zinegileei; zinearen bidez errealitateaz, erregistroaz eta errealitatearen irudikapenaz gogoeta egiten duten egileei. Horra jaialdiaren helburuetako bat. Jaialdiak pasabide- ko geltokia izan nahi du hala errealitatearen pertzepzioa nola huraxe adie- razteko moduak, ikus-entzunezkoaren bitartez, zabaltzen dituzten zinegile- entzat. Azken buruan, jaialdia zabalik dago errealitatearen gaineko gogoeta eta huraxe ulertzeko ahalegina egiten duten dokumental guztientzat. Jaialdiarentzat, dokumentalak ezinbesteko konpromiso etikoa izan behar du • errealitatearekin eta, horretarako, bere forma eta adierazpena moldatu behar ditu eta, halaber, bitartekoak berak eskaintzen dizkion aukerak esplo- ratu. Bitarteko horrek beste edozeinek baino hobeki begiratu eta erregistra- tu du bere oraina, jaio zenez geroztik. Atal guztien bidez, baina bereziki nazioarteko lehiaketaren bidez, Jaialdiak • genero hau adierazpide independente eta beharrezko gisa ulertzen duten filmen zabalkundea sustatuko du. Azkenik, Jaialdiak zinegileak eta ikusleak elkartu nahi ditu eta, horretarako, • filmak erabiliko ditu, ezagutza partekatzeko proposamenak diren heinean. Aldi berean, Jaialdia eztabaida eta gogoeta eragiten saiatuko da. Jaialdiaren bidez dokumentalaren baitan dagoen sormen lana goraipatu nahi dugu.

11 FESTIVAL PHILOSOPHY

• In the centre of creation lies reality, the seed of all art. The Documentary Film Festival of Navarra “Punto de Vista” is a meeting • place for audiences, filmmakers and theorists from the documentary film world and for all borderline, heterodox forms of non-fiction. The Festival aims to be a venue both for the discovery of new perspectives • and for a reencounter with the memory of documentary film (classics, forgotten works, inaccessible and essential films) and to welcome the new ten- dencies and propositions of modern-day documentary-makers within this context. One of the Festival’s main objectives is to accommodate those filmmakers • who approach their work as a quest and an act of creation based on cinema’s ability to record time; filmmakers who view their work as a human knowledge process, creators who reflect upon reality, tone and the portrayal of reality through film. The Festival wishes to be a stopping-off point for filmmakers who help widen our perception of reality and ways of expressing it through the audiovisual medium. In short, the Festival is open to documentary-style films which represent a reflection upon and endeavour to understand reality. The Festival understands that the essential, ethical commitment of docu- • mentaries to reality is inseparable from their expressive and formal adapta- tion and their exploration of the very appearance of a medium which, from the very beginning, has observed and recorded the present like no other. Through its different sections, but more particularly through the interna- • tional competition, the Festival shall encourage contact with films which understand the genre as an independent and necessary form of expression. Finally, the Festival hopes to unite filmmakers and the public at large • through the shared knowledge that their films represent. The Festival shall also try to encourage debate and theoretical reflection. The Festival is a cele- bration of the documentary as an act of creation.

12 SECCIÓN OFICIAL COMPETITIVA LEHIAKETA-SAIL OFIZIALA OFICIAL COMPETITION SECTION

PREMIOS / SARIAK / PRIZES

PREMIOS OFICIALES •Gran Premio “Punto de Vista” a la mejor película: 9.000 euros. • Premio al mejor cortometraje: 4.000 euros. • Premio al/a la mejor Director/a: 3.500 euros.

PREMIOS ESPECIALES • Premio Especial del Público a la mejor película, dotado con 2.500 euros. •Menciones especiales: El Jurado podrá otorgar hasta tres menciones especiales, con una dotación económica de 1.000 euros cada una. En el caso de concederse el Gran Premio “Punto de Vista” a un cortometraje, el Premio al mejor cortometraje no se otorgará, y se reservará su cuantía para que el Jurado pueda aumentar las de las menciones especiales, u otorgar nuevas. El jurado podrá declarar desierto cualquiera de los premios.

SARI OFIZIALAK • “Punto de Vista” Sari Handia lanik hoberenarentzat: 9.000 euro. • Saria film laburrik hoberenarentzat: 4.000 euro. • Saria Zuzendaririk hoberenarentzat: 3.500 euro.

SARI BEREZIAK • Ikusleen sari berezia lanik hoberenarentzat: 2.500 euro. • Aipamen bereziak: Epaimahaiak gehienez bi aipamen berezi egiten ahalko ditu, bakoitza 1.000 eurokoa. “Punto de Vista” Sari Handia film laburren bati ematen bazaio, ez da film hoberenarentzako saria banatuko, eta bere zenbatekoa gordeko da, Epaimahaiak aipamen berezien zenbatekoak handitzeko, edo aipamen berriak emateko. Epaimahaiak edozein sari uzten ahal du eman gabe.

OFFICIAL PRIZES • “Punto de Vista” Prize for the best film: 9,000 euros. • Prize for the best short film: 4,000 euros. • Prize for the best director: 3,500 euros.

SPECIAL PRIZES • The Audience’s Special Prize for the best film: 2,500 euros. • Special mentions: The Jury may award up to three special mentions, worth 1,000 euros each. Should the “Punto de Vista” First Prize be awarded to a short film, then the Pri- ze for the best short film will not be awarded and the prize money shall be given to the Jury in order to increase the sum of the Special Mentions (up to 2,000 euros) or to award new ones. The jury may declare any of the prizes null.

JURADO FRANCISCO CALVO SERRALLER MADRID, 1948 EPAIMAHAIA MADRIL, 1948 JURY MADRID, 1948

Francisco Calvo Serraller es catedrático de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1999, ha sido director del Museo del Prado y comisario de numerosas exposiciones. A su labor docente e investigadora une la de crítico de arte en distintos medios de comunicación. Ha publicado destacados ensayos como España, medio siglo de arte de vanguardia (1985), Vanguardia y tra- dición en el arte español contemporáneo (1989), Enciclopedia del arte español con- temporáneo (1992), La imagen romántica de España. Arte y arquitectura del siglo XIX (1995), Las Meninas de Velázquez (1996), Columnario. Reflexiones de un crí- tico de arte (1998), Libertad de exposición. Una historia del arte diferente (2000), El arte contemporáneo (2001) y Los géneros de la pintura (2005), entre otras numerosas publicaciones. A través de su tribuna semanal en el suplemento Babelia de El País, Calvo Serraller proporciona con frecuencia una novedosa mirada hacia el cine y las artes audiovisuales, vinculándolas con otras manifestaciones de la cre- atividad, la filosofía, la literatura y la estética.

Francisco Calvo Serraller Artearen Historiako katedraduna da Madrilgo Uni- bertsitate Complutensean. 1999tik aurrera, kide osoa da San Fernando Arte Ederren Errege Akademian, Prado Museoko zuzendaria izana da eta erakusketa ugariren komisarioa. Irakaslea eta ikertzailea izateaz gain, arte kritikaria ere bada hainbat komunikabidetan. Halaber, saiakera nabarmenak plazaratu ditu, esaterako: España, medio siglo de arte de vanguardia (1985), Vanguardia y tradición en el arte español contemporáneo (1989), Enciclopedia del arte español contemporáneo (1992), La imagen romántica de España. Arte y arquitectura del siglo XIX (1995), Las Meninas de Velázquez (1996), Columnario. Reflexiones de un crítico de arte (1998), Libertad de exposición. Una historia del arte diferente (2000), El arte con- temporáneo (2001) eta Los géneros de la pintura (2005), beste argitalpen askoren artean. Bestalde, El País egunkariko Babelia gehigarrian astero idazten duen artikuluaren bidez, Calvo Serraller jaunak maiz begirada berria botatzen die zineari eta ikus-entzunezko arteei, eta sormenaren, filosofiaren, literaturaren eta estetikaren beste agerpen batzuekin lotzen ditu.

Francisco Calvo Serraller is Professor of the History of Art at Madrid's Complu- tense University. A full member of the San Fernando Royal Academy of the Arts since 1999, he has directed Museo del Prado and organised numerous exhibitions. He combines his teaching and research work with art criticism for different bran- ches of the media. He has published notable essays, such as España, medio siglo de arte de vanguardia (1985), Vanguardia y tradición en el arte español contemporáneo (1989), Enciclopedia del arte español contemporáneo (1992), La imagen romántica de España. Arte y arquitectura del siglo XIX (1995), Las Meninas de Velázquez (1996), Columnario. Reflexiones de un crítico de arte (1998), Libertad de exposición. Una historia del arte diferente (2000), El arte contemporáneo (2001) and Los géneros de la pintura (2005), among a great many other publications. His weekly column in the Babelia supplement of the El País newspaper often provides Calvo Serraller with a vehicle for his novel view of film and the audiovisual arts, relating these to other manifestations of creativity, philosophy, literature and aesthetics.

17 JURADO MAKOTO SATÔ EPAIMAHAIA JURY

Nació en Hiorosaki, Aomori, Japón en 1957 y vivió en Tokio. Conoció el cine documental cuando era estudiante en un viaje a Minamata y trabajó en la pelícu- la The Innocent Sea de Katori Naotaka. Mientras realizaba una gira de promoción de la película por Japón, conoció a gente que vivió en el Río Agano en Niigata y decidió realizar una película sobre ellos. Vivió con siete miembros de su equipo durante los tres años que duró el rodaje y en 1992 finalizó la película Living on the River Agano, película a la que se le otorgaron varios premios, entre los que se encuentra el Premio a la Excelencia del Festival Internacional de Cine Docu- mental de Yamagata 93. Es profesor titular de la Escuela de Cine de Tokio desde 1999 y profesor en la Universidad de Arte y Diseño de Kioto desde 2001. Residió en Londres durante un año, desde agosto de 2002, con la ayuda de la Agencia de Asuntos Culturales. Entre sus últimas publicaciones encontramos Mirror Called Everyday: The World of Documentary Film (97), The Horizons of Documentary Film - To Understand the World Critically (01), Where Film Begins (02), and Dozing London (04); todos los trabajos han sido publicados por Gaifusha.

Hiorosakin jaio zen (Aomori, Japonia) 1957an eta Tokion bizi izan zen. Ikasle zelarik zine dokumentala ezagutu zuen, Minamatara egindako bidaian, eta Katori Naotaka zuzendariaren The Innocent Sea filmean lan egin zuen. Film hori Japonian promozionatzeko jiran ari zen bitartean, Niigatako Agano ibaian bizi zen jendea ezagutu eta haiei buruzko pelikula bat egitea erabaki zuen. Bere ekipoko zazpi kiderekin batera bizi izan zen han filmaketak iraun zuen hiru urteetan eta, 1992an, Living on the River Agano filma bukatu zuen. Lan horri hainbat sari eman zitzaizkion, horien artean Yamagata 93ko Zine Dokumentalaren Nazioarteko Jaialdiaren Bikaintasun Saria. 1999tik hona, Tokioko Zine Eskola- ko irakasle titularra da eta Kiotoko Arte eta Diseinu Unibertsitateko irakaslea, 2001etik aurrera. Urtebetez Londresen bizi izan zen, 2002ko abuztutik aitzinera, Kultur Kontuetarako Agentziak lagunduta. Hona hemen, besteak beste, bere azken argitalpenak: Mirror Called Everyday: The World of Documentary Film (97), The Horizons of Documentary Film - To Understand the World Critically (01), Where Film Begins (02), and Dozing London (04); Gaifusha etxeak argitara eman ditu lan horiek guztiak.

Born in Hiorosaki, Aomori, Japan in 1957, and raised in Tokyo. Encountered documentary film when he visited Minamata as a student, and worked on Katori Naotaka's The Innocent Sea. While touring Japan with the film, met people who lived by the Agano River in Niigata and decided to make a film about them. Lived there with seven crew members for three years and in 1992 completed Living on the River Agano, which won a number of awards including the Prize for Excellen- ce at the Yamagata International Documentary Film Festival 93. Head instructor at the Film School of Tokyo since 1999, and professor at Kyoto University of Art and Design since 2001. Resided in London for one year as of August 2002 with support from the Agency for Cultural Affairs. Recent publications include Mirror Called Everyday: The World of Documentary Film (97), The Horizons of Docu- mentary Film - To Understand the World Critically (01), Where Film Begins (02), and Dozing London (04); all works published by Gaifusha.

18 JURADO MERCEDES ÁLVAREZ EPAIMAHAIA JURY

Mercedes Álvarez, licenciada en Psicología por la Universidad del País Vasco, trabajó como editora en Televisión Española y dirigió el cortometraje El viento africano (1997), antes de trasladarse a Barcelona para centrarse en el lenguaje documental. Ha sido alumna y luego profesora del Máster de Documental de Creación de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, ámbito de donde han surgido en los últimos años buen número de cineastas y películas documentales, como la destacada En Construcción, dirigida por José Luis Guerín y donde ella participó como editora. Del mismo máster surgió la iniciativa de filmar El cielo gira (2005), su primer largometraje, que ha obtenido numerosos premios internacionales como el Tiger Award en el Festival de Rotterdam, Cinema du Reel de París, Infinity de Alba (Italia) o los de Crítica Internacional, Jurado, Público y Mejor Película en el Festival de Buenos Aires. Recientemente ha sido nombrada mejor directora revelación por el Círculo de Escritores Cinematográficos.

Mercedes Álvarez Euskal Herriko Unibertsitateko psikologia lizentziatua da, TVEn editore lan egin eta El viento africano (1997) film laburra zuzendu zuen. Ondoren, Bartzelonara bizitzera joan eta dokumentalaren hizkuntzan jarri zuen arreta. Bartzelonako Pompeu Fabra Unibertsitateko Sormen Dokumentala Masterreko ikaslea izan zen lehenik, eta gero irakasle. Master horretatik zinegile aunitz atera dira azken urteotan, bai eta dokumental asko ere. Esaterako, En Construcción izenburukoa, oso lan nabarmena, José Luis Guerínek zuzendua. Mercedes Alvarez editore aritu zen film horretan. Master horretatik beretik sortu zen El cielo gira (2005) filmatzeko ideia, bere lehen film luzea, eta sari ugari jaso ditu nazioarteko jaialdietan, adibidez Tiger Award saria Rotterdamgo jaialdian, Parisko Cinema du Reel, Albako Infinity (Italia) edo sari andana Buenos Airesko Jaialdian: Nazioarteko Kritika, Epaimahaia, Ikusleena eta Filmik One- na. Duela gutxi zuzendari errebelaziorik hoberena izendatu du Zine Idazleen Zirkuluak.

After graduating in Psychology from the University of the Basque Country, Mercedes Álvarez worked as an editor for Spanish television and directed a short film El viento africano/African wind (1997) before moving to Barcelona to focus her attention on documentaries. She was first student, then teacher of the Master’s in Creative Documentary programme at Barcelona’s Pompeu Fabra University, a breeding ground for a good number of the filmmakers and documentaries which have come to light over recent years, such as José Luis Guerín’s acclaimed En Construcción/Work in Progress, edited by Álvarez herself. The master’s course led to the idea of filming El cielo gira/The sky turns (2005), her first full-length film, which has won numerous international awards, including the Tiger Award at the Rotterdam Festival, the Grand Prizes at Paris’ Cinema du Reel and Alba’s Infinity Festival (Italy), and the International Critics’ Prize, Jur- y’s Prize, Public’s Prize and Prize for the Best Film at the Buenos Aires Festival. Recently, she has been awarded by the “Círculo de Escritores Cinematográfi- cos”.

19 JURADO CARLOS CÁNOVAS EPAIMAHAIA JURY

Su interés por la fotografía se inicia a partir de 1973. En 1981 publica, junto con otros tres autores, el libro Fotografías, al que siguen Apuntes para una historia de la fotografía en Navarra, (Institución Príncipe de Viana, Pamplona, 1989), Miguel Goicoechea, un pictorialista marginal (Ed. Ikeder S.L., Bilbao, 1994), Deriva de la ría: Paisaje sin retorno (Bilbao Bizkaia Kutxa, Bilbao, 1994), Paisajes Fugaces (I.V.A.M., Valencia, 1997), Nicolás Ardanaz-Fotografías (Museo de Navarra, Pamplona, 2000), Retornos-Itzulerak, (Fundación BBK, Bilbao) y Pai- saje Anónimo (Ayuntamiento de Pamplona, 2002). Carlos Cánovas ha impartido cursos y conferencias sobre teoría, técnica e historia de la fotografía y publicado imágenes, artículos, comentarios y textos en libros, revistas especializadas y © Carmelo Alcalá medios de comunicación. Hay obra suya en la Biblioteca Nacional (París), Museo de Navarra (Pamplona), Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Ifema- Arte Contemporáneo (Madrid), Telefónica de España, S.A. (Madrid), IVAM – Instituto Valenciano de Arte Moderno (Valencia) y Museo de Bellas Artes (Bil- bao), entre otras instituciones.

1973tik aurrera hasi zen argazkiaz interesatzen. 1981ean, Fotografías izenburuko liburua argitaratu zuen beste hiru egilerekin batera, eta ondotik, Apuntes para una historia de la fotografía en Navarra, (Vianako Printzea Erakundea, Iruña, 1989), Miguel Goicoechea, un pictorialista marginal (Ikeder S.L. argitaletxea, Bil- bo, 1994), Deriva de la ría: Paisaje sin retorno (Bilbao Bizkaia Kutxa, Bilbo, 1994), Paisajes Fugaces (I.V.A.M., Valentzia, 1997), Nicolás Ardanaz-Fotografías (Nafarroako Museoa, Iruña, 2000), Retornos-Itzulerak, (BBK Fundazioa, Bil- bo) eta Paisaje Anónimo (Iruñeko Udala, 2002). Carlos Cánovasek ikastaroak eta mintzaldiak eman ditu argazkiaren teoriaz, teknikaz eta historiaz. Halaber, irudiak, artikuluak, iruzkinak eta testuak argitaratu ditu liburu, aldizkari espezializatu eta komunikabideetan. Bere lan batzuk ondoko erakundeotan daude, besteak beste: Parisko Liburutegi Nazionala, Nafarroako Museoa (Iruña), Sofia Erregina Arte Zentroa (Madril), Ifema-Arte Garaikidea (Madril), Telefónica de España, S.A. (Madrid), IVAM – Arte Modernoaren Valentziako Institutua (Valentzia) eta Arte Ederren Museoa (Bilbo).

Cánovas started to become interested in photography in 1973. In 1981, he published the book Fotografías, alongside three others, followed by Apuntes para una historia de la fotografía en Navarra, (Institución Príncipe de Viana, Pamplona, 1989), Miguel Goicoechea, un pictorialista marginal (Ikeder S.L., Bilbao, 1994), Deriva de la ría: Paisaje sin retorno (Bilbao Bizkaia Kutxa, Bilbao, 1994), Paisajes Fugaces (I.V.A.M., Valencia, 1997), Nicolás Ardanaz-Fotografías (Museo de Navarra, Pamplona, 2000), Retornos-Itzulerak, (Fundación BBK, Bilbao) and Paisaje Anónimo (Ayuntamiento de Pamplona, 2002). He has given courses and conferences on the theory, technique and history of photography and has published both pictures and texts in books, specialist magazines and the press. His work is on show at the Bibliothèque Nationale (Paris), Museo de Navarra (Pamplona), Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Ifema-Arte Contemporáneo (Madrid), Telefónica de España, S.A. (Madrid), IVAM – Instituto Valenciano de Arte Moderno (Valencia) and Museo de Bellas Artes (Bilbao), among others.

20 JURADO ABÉ MARK NORNES EPAIMAHAIA JURY

Abé Mark Nornes es profesor asociado del Programa de Estudios de Cine y Vídeo y del Departamento de Idiomas y Culturas de Asia de la Universidad de Michigan, Ann Arbor. Es autor de Japanese Documentary Film: From the Meiji Era to Hiroshima (Minnesota UP) y Forest of Pressure: Ogawa Productions and the Postwar Japanese Documentary. Autor de numerosos artículos editados en volú- menes y revistas como Cinema Journal y Film Quarterly. Fue co-editor de Japan-America Film Wars (Routledge), In Praise of Film Studies (Kinema Club) y numerosos catálogos de retrospectivas realizadas en festivales de cine. Es parte de la Junta Editorial de Documentary Box (Japón) y Mechademia (EEUU) y ha sido co-propietario del boletín de internet KineJapan desde sus inicios. Actualmente trabaja en un libro sobre el papel de la traducción en la historia del cine. Nornes también ha sido coordinador del Festival de Cine Internacional de Yamagata desde 1990.

Abé Mark Nornes Michigango Unibertsitateko (Ann Arbor) Zine eta Bideo Ikasketarako programako irakasle elkartua da, bai eta Asiako Hizkuntza eta Kul- turak Departamentukoa ere. Lan hauek egin ditu: Japanese Documentary Film: From the Meiji Era to Hiroshima (Minnesota UP) eta Forest of Pressure: Ogawa Productions and the Postwar Japanese Documentary. Bestalde, makina bat artiku- lu argitara eman ditu liburu eta aldizkarietan, esaterako: Cinema Journal eta Film Quarterly. Era berean, Japan-America Film Wars (Routledge), In Praise of Film Studies (Kinema Club) lanen argitaratzailea izan zen beste batzuekin batera, eta atzera begirako katalogo ugari eginak ditu zine jaialdietan. Halaber, Documen- tary Box (Japonia) eta Mechademia (EEBB) Editorial Batzordeko kidea da eta interneteko KineJapan aldizkariko jabekidea izan da, bere hasieratik. Gaur egun, lan bat prestatzen ari da itzulpenak zinearen historian izan duen paperaz. Era berean, Nornes Yamagatako Nazioarteko Zine Jaialdiko koordinatzailea izan da 1990etik aurrera.

Abé Mark Nornes is associate professor in the Program of Film and Video Stu- dies and the Department of Asian Languages and Cultures, University of Michigan, Ann Arbor. He is the author of Japanese Documentary Film: From the Meiji Era to Hiroshima (Minnesota UP) and Forest of Pressure: Ogawa Produc- tions and the Postwar Japanese Documentary. He has many articles in edited volu- mes and journals such as Cinema Journal and Film Quarterly. He co-edited Japan-America Film Wars (Routledge), In Praise of Film Studies (Kinema Club) and many film festival retrospective catalogs. He is on the editorial boards of Documentary Box (Japan) and Mechademia (US) and has been co-owner of the internet newsgroup KineJapan since its inception. He is currently writing a book on the role of translation in film history. Nornes has also been a coordinator for the Yamagata International Documentary Film Festival since 1990.

21 OBRAS A CONCURSO

LARGOMETRAJE TIERRA NEGRA RICARDO ÍSCAR ESPAÑA, 2004. 92’

TIERRA NEGRA Una mirada global, que comprende diferentes aspectos (sociales, geográficos, geológicos, humanos, etc.), al Valle minero de Lumajo. Sin embargo, la localiza- ción precisa no es sino una sinécdoque, un elemento de referencia, para analizar y descubrir, de manera tanto científica como poética, mecanismos globales pre- sentes en la vida de toda comunidad. O algo tan trivial y complejo a la vez como: ¿qué hace posible que cada vez que aprieto un interruptor se encienda la luz? Ricardo Íscar Licenciado en Dirección Cinematográfica por LUR BELTZA la Academia de Cine y Televisión de Berlín. Lumajo izeneko Meategi Ibarrean pausatutako begirada da, alde askotako begi- Ricardo Íscar ha sido profesor Asociado de la rada: gizartea, geografia, geologia, gizakia, etab. Dena dela, kokapen zehatz hori cátedra de Documental de Creación de la erreferentzia elementu hutsa da, hau da, egilea kokapen horretaz baliatzen da, Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. komunitate orotan dauden portaera globalak –hala era zientifikoan nola poetiko- Actualmente combina la actividad de an- aztertu eta aurkitzeko. Edo hau bezalako kontu hutsala eta, aldi berean, kon- Coordinador del II Máster en Documental de plexua: zerk ahalbidetzen du argia piztea etengailu bat sakatzen dudan aldioro? Creación (UPF-IDEC) con la enseñanza (Guión y Realización de Documentales). BLACK EARTH Zuzendaritza zinematografikoan lizentziatua A general look, taking in various aspects (social, geographic, geological, human, Berlingo Zine eta Telebistaren Akademian. etc.), at the mining valley of Lumajo. However, the precise location is only a Ricardo Íscar irakasle elkartua izan da synecdoche, a point of reference, used to analyze and discover, in both a scienti- Bartzelonako Pompeu Fabra Unibertsitateko fic and poetic way, the overall mechanisms present in the life of any community. Sormen Dokumentalaren katedran. Gaur Or something as trivial, yet as complex as what makes it possible that every time egun, Sormen Dokumentalaren Masterreko I press a switch, the light comes on? (UPF-IDEC) koordinatzailea da eta, aldi berean, irakaskuntzan ari da (Dokumentalen gidoia eta errealizazioa). Director / Zuzendaria / Director: Ricardo Íscar Álvarez. Fotografía / Argazkia / Photography: Diego Dussuel. Productor / Ekoizlea / Producer: Jordi Balló. Guión / A graduate in Film Direction from the Gidoia / Screenplay: Ricardo Íscar Álvarez. Cámara / Kamera / Camera: Ricardo German Film and Television Academy in Íscar, Diego Dussuel. Sonido / Soinua / Sound: Amanda Villavieja. Montaje / Berlin, Ricardo Íscar worked as Part-time Muntaketa / Edition: Nuria Esquerra. Producción / Ekoizpena / Production: Lecturer in Creative Documentaries at Cámara Oscura. Barcelona’s Pompeu Fabra University. He currently combines work as Coordinator of Ventas / Salmentak / Sales: Cámara Oscura the II Master’s in Creative Documentaries Villanueva, 8. 28001 Madrid. España (UPF-IDEC) with teaching work (Documentary Tel. 91 594 0030. Fax. 91 594 0030 Scriptwriting and Production).

24 LARGOMETRAJE LES ARTISTES DU THÉTRE BRÛLÉ / LOS ARTISTAS DEL TEATRO QUEMADO RITHY PANH FRANCIA, 2005. 90’

LOS ARTISTAS DEL TEATRO QUEMADO ¿Cómo es posible crear hoy en un país, Camboya, donde la cultura ha sido erra- dicada durante dos generaciones? En una tentativa de contestar esta pregunta, Rithy Panh sigue a un grupo de cinco artistas que buscan una forma de expre- sión y un teatro... Todos ellos están apasionados con lo que hacen, mutilados por la historia, remitidos al dolor del pasado de forma perpetua e inexorable, buscando su memoria. Rithy Panh Nacido en Phom Penh, Camboya. En 1979, ERRETAKO ANTZOKIAREN ANTZEZLEAK con 15 años de edad, emigró a Tailandia para Nola da posible gaur egun Kanputxea bezalako herrialde batean sormenik iza- llegar a París un año más tarde donde tea, kultura bi belaunalditan errotik erauzia izan denean? Galdera horri eran- ingresó en el Instituto de Estudios tzun nahian, adierazpen forma baten eta antzoki baten bila ari diren bost artistaz Cinematográficos de Francia. Empezó su osaturiko talde bati jarraikitzen zaio Rithy Panh... Denak dira egiten ari direna- carrera dirigiendo documentales por los que ren zale amorratuak; historiak mutilatu ditu eta era iraunkorrean eta ekidinezi- ganó varios premios. En 1994, dirigió su nean iraganeko oinaze hartara bideratuak daude, denak beren memoriaren bila. primera película de ficción: Neak Srê, seleccionada para competir en el Festival de Cannes. THE ACTORS OF THE BURNED-OUT THEATRE In a country, Cambodia, in which culture has been eradicated for two genera- Kanputxean jaioa, Phom Penh hirian. 1979an, tions, how is it now possible to create? In an attempt at answering this question, 15 urte zituela, Thailandiara emigratu zuen Rithy Panh follows a group of five artists in search of a form of expression and a eta, urtebete geroago, Parisera iritsi eta theatre... Passionate about what they do, mutilated by history, they are all per- Frantziako Ikasketa Zinematografikoen petually and inexorably referred back to the pain of the past, in search of Institutuan sartu zen. Hasieran, memory. dokumentalak zuzendu eta hainbat sari irabazi zituen. 1994an, fikziozko bere lehen filma zuzendu zuen: Neak Srê, Cannesko Director / Zuzendaria / Director: Rithy Panh. Guión / Gidoia / Screenplay: Rithy Jaialdian lehiatzeko aukeratua. Panh, Agnès Sénémaud. Cámara / Kamera / Camera: Prum Mésar. Música / Musika / Music: Marc Madres. Sonido / Soinua / Sound: Sear Vissal. Montaje / He was born in Penh, Cambodia. In 1979, Muntaketa / Edition: Marie-Christine Rougerie. Producción / Ekoizpena / when he was fifteen, he went to Thailand and Production: CDP, INA, Arte France one year later to Paris where he studied at the French Film Institute. He started his Ventas / Salmentak / Sales: Institut National de L’audiovisuel career directing documentaries and won 4, rue de L’Europe. 94366 Bry-sur-Marne Cedex. Francia several prizes. In 1994, he directed his first Tél: +33.1 49 83 2800 fiction film: Neak Srê, selected to compete at www.ina.fr the Cannes Festival.

25 LARGOMETRAJE ALIMENTATION GÉNÉRALE / ALIMENTACIÓN GENERAL CHANTAL BRIET FRANCIA, 2005. 84’

Grand Prize en DocLisboa 2005

ALIMENTACIÓN GENERAL En Epinay-sur-Seine, en un vecindario llamado “La Fuente”, el supermercado de Alí es la única tienda del centro comercial todavía en funcionamiento. Es también el único lugar en el que pueden reunirse los vecinos. Filmando el paso del tiempo, sobre sus rostros, sobre su destino, esta crónica muestra la importancia de tal lugar, una pequeña tienda donde a pesar de las dificultades y la pobreza, la gente todavía comparte la amistad, la risa y el calor humano. Chantal Briet Chantal Briet nació en 1961 en Roubaix ALIMENTATION GÉNÉRALE (Norte de Francia). Estudió Literatura Epinay-sur-Seine herrian, “Iturria” izeneko auzo batean, Aliren supermerkatua Moderna. En 1987 dirigió junto con Jean- da oraindik jardunean ari den merkataritza-guneko denda bakarra. Era berean, Pierre Lenoir su primera película, Inch´allah, auzokideek duten leku bakarra da, elkarren artean bildu ahal izateko. Bada, den- que recibió el premio del jurado en el Festival boraren joana auzokideen aurpegietan, auzokideen destinoan, filmatuz, kronika de Cine de Lille. Entre 1988 y 2002, dirigió honek leku horretxen garrantzia erakusten du, hots, denda txiki bat non, zailta- una docena de películas (cortos y sunak zailtasun eta pobrezia izan arren, jendeak oraindik ere adiskidetasuna, documentales). Alimentación General es su irria eta giza berotasuna partekatzen dituen. primer largometraje.

Chantal Briet 1961ean jaio zen Roubaix hirian ALIMENTATION GÉNÉRALE (Frantziako iparraldea). Literatura modernoa In Epinay-sur-Seine, in the neighborhood called “la Source”, Ali’s grocery sto- ikasi zuen. 1987an bere lehen filma zuzendu re is the only shop in the decayed shopping center still in business. It’s also the zuen Jean-Pierre Lenoirrekin batera - only place left for the inhabitants to meet. By filming time going by, on their Inch´allah-, Lilleko Zine Jaialdian faces, their destinies, this chronicle shows the importance of such a place, a epaimahaiaren saria jaso zuena. 1988tik small store where, in spite of difficulties and poverty, people still share friend- 2002ra, hamabi film zuzendu zituen (laburrak ship, laughter and human warmth. eta dokumentalak). Alimentación General da bere lehen film luzea. Directora / Zuzendaria / Director: Chantal Briet. Guión / Gidoia / Screenplay: Chantal Briet was born in 1961 in Roubaix Chantal Briet. Fotografía / Argazkia / Photography: Sophie Bachelier, Sylvia Calle. (North of France). She studied Mordern Montaje / Muntaketa / Edition: Benoît Alavoine / Nathalie Charles. Producción / Literature. In 1987, she directed her first film Ekoizpena / Production: Yenta Production. Inch’allah, which was awarded the Jury’s rize at the Lille Film Festival. Between 1988 and Ventas / Salmentak / Sales: Yenta Production 2002, she directed a dozen films (short and 38, Rue Notre-Dame de Nazareth. 75003 Paris. Francia documentaries). Alimentation générale is her Tel. +33 144 78 84 20 Fax. +33 144 78 84 21 first feature-length film. [email protected] www.yentaproduction.com

26 LARGOMETRAJE PABLO G. DEL AMO, UN MONTADOR DE ILUSIONES DIEGO GALÁN ESPAÑA, 2005. 64’

PABLO G. DEL AMO, UN MONTADOR DE ILUSIONES Este documental trata sobre la trayectoria personal y profesional de Pablo del Amo, montador de un buen número de películas españolas de cine en las últimas décadas, y recientemente fallecido. A través de la voz del protagonista y de los testimonios de sus amigos y compañeros, recorremos una emocionante biogra- fía que transcurre desde el año 1927 hasta nuestros días, y a través de ella la historia del cine español. Diego Galán Crítico cinematográfico de la revista Triunfo y PABLO G. DEL AMO, ILUSIO MUNTATZAILEA del periódico El País durante cinco años, Dokumental honetan azaltzen da Pablo del Amoren bizitzako eta laneko ibilbi- actividad que abandonó para dirigir el dea. Pablok espainiar film ugari muntatu ditu azken hamarkada hauetan, eta hil Festival Internacional de Cine de Donostia- berria da. Protagonistaren ahotsaren bidez, eta bere adiskideen eta lankideen San Sebastián durante cinco ediciones. En lekukotasunaren bitartez, haren bizitza zirraragarrian barneratuko gara, 1927tik 1997 escribe el libro La buena memoria. Ha gaur eguneraino, eta bizitza horren bidez Espainiako zinearen historian ere bai. sido jurado en diversos festivales internacionales, Berlín y Cannes entre ellos. PABLO G. DEL AMO, AN EDITOR OF DREAMS Triunfo aldizkariko eta El País egunkariko zine This documentary covers the life and career of Pablo del Amo, the recently- kritikaria bost urtez. Lan hori utzi zuen, deceased editor of so many Spanish titles over the last few decades. The voice of Donostiako Nazioarteko Zinemaldia bost del Amo and accounts by friends and colleagues take us on an exciting journey urtez zuzentzeko. 1997an La buena memoria from 1927 through to the present day, telling the story of Spanish filmmaking as izenburuko liburua idatzi zuen. it goes. Epaimahaikide izan da nazioarteko hainbat epaimahaitan, besteak beste Berlin eta Cannesen. Director / Zuzendaria / Director: Diego Galán. Guión / Gidoia / Screenplay: Diego Galán. Fotografía / Argazkia / Photography: Gonzalo Berridi. Montaje / Film critic for the magazine Triunfo and the El Muntaketa / Edition: José Salcedo. Producción / Ekoizpena / Production: AIETE- País newspaper for five years, Galán gave up ARIANE FILMS these posts to direct the Donostia-San Sebastián International Film Festival five Ventas / Salmentak / Sales: AITE-ARIANE FILMS, S.A times. In 1997, he wrote the book La buena Avda. Alfonso XIII, 62. 28016 Madrid. España memoria. He has been on the juries at Tel. 91 519 91 91 Fax. 91 519 69 77 several international film festivals, including [email protected] Berlin and Cannes.

27 LARGOMETRAJE BRUCE & ME / BRUCE Y YO OREN SIEDLER CANADÁ/AUSTRALIA, 2004. 82’

BRUCE Y YO Un revelador documental que trata de la búsqueda de una hija a su padre, un ladrón de guante blanco al que perdió la pista de niña pero que ha marcado toda su vida. Contada como un diario, la directora filma sus viajes a Estados Unidos, a donde va con el propósito de conocer realmente a su padre, después de muchos años de separación, y a Australia, donde vive su madre. © Denny Tillman

Oren Siedler BRUCE ETA NI Nacida en Nueva York, Oren inmigró con su Aitaren bila ari den alabaren ahaleginari buruzko dokumental adierazgarria da. madre y padrastro a Australia en 1975. Alabak ez du aita lapur esku-leuna txikitatik ikusi, baina betirako arrastoa utzi Estudió Producción Cinematográfica en la du berarengan. Eguneroko bat bezala kontatua, alabak Estatu Batuetara eginda- Universidad Tecnológica de Sydney donde ko bidaiak filmatu ditu zuzendariak, eta hara joaten da aita benetan ezagutzeko obtuvo el graduado en Comunicación. Ha asmoz, urte sail luzean ikusi gabe egon ondoren. Halaber, Australiara egiten escrito y dirigido varios documentales y dituen bidaiak ageri dira, han Ama bizi baita cortos, incluyendo Suburban Rituals - Rite of the Horned God, un documental emitido en la televisión australiana. BRUCE & ME A revealing documentary covering a daughter’s search for her father, a white- New Yorken sortua, Oren amarekin eta collar criminal she lost track of as a child, but who marked her for the rest of her aitaordearekin Australiara bizitzera joan zen, life. Told as a diary, the director takes us to the United States to find her father 1975ean. Zine Ekoizpena ikasi zuen Sydneyko after many years of separation and to Australia, where her mother lives. Unibertsitate Teknologikoan eta han graduatua lortu zuen Komunikazioan. Directora / Zuzendaria / Director: Oren Siedler. Guión / Gidoia / Screenplay: Oren Hainbat dokumental eta film labur idatzi eta Siedler. Cámara / Kamera / Camera: Oren Siedler. Música / Musika / Music: Ken zuzendu ditu, Suburban Rituals - Rite of the Myhr. Montaje / Muntaketa / Edition: Ricardo Acosta. Narrador / Kontalaria / Horned God dokumentala barne, Australiako Narrator: Oren Siedler. Producción / Ekoizpena / Production: Ed Barreveld, Oren telebistan emandakoa. Siedler. Outlaw Pictures.

Born in New York City, Oren immigrated with Ventas / Salmentak / Sales: Outlaw Pictures her mother and step father to Australia in PO Box 6. 2481 Suffolk Park NSW. Australia 1975. She studied film production at the Tel. +61 2 41 53 79 448 University of Technology Sydney where she [email protected] obtained a Bachelor's Degree in www.bruceandme.com Communications. She has written and directed numerous documentaries and short films, including Suburban Rituals - Rite of the Horned God, a documentary broadcast on Australian television.

28 LARGOMETRAJE MURDERBALL DANA ADAM SHAPIRO, HENRY ALEX RUBIEN, JEFFREY MANDEL CANADÁ, 2004. 86’

Premio del Público en el Festival de Sundance 05 Nominada al Oscar al Mejor documental 2006

MURDERBALL Los jugadores de Murderball, un deporte parecido al rugby que se juega en silla de ruedas, también conocido como Quad Rugby, se preparan para las Paraolim- piadas de Atenas. El documental muestra el enfrentamiento entre los equipos de Canadá y Estados Unidos para clasificarse para las Paraolimpiadas, los sentimientos y motivaciones de sus capitanes y jugadores.

Dana Adam Shapiro, Henry Alex Rubien, MURDERBALL Jeffrey Mandel Murdeballeko jokalarien prestaketa Atenasko Paralinpiadei begira. Errugbiaren Dana Adam Shapiro es editor en la revista antzeko kirola da, gurpil-aulkietan jokatzen dena eta Quad Rugby ere esaten SPIN y colaborador en la revista New York zaio edo tetraplegikoendako Quad ere bai. Dokumental honetan, Kanadako eta Times y en otras publicaciones. Murderball Estatu Batuetako taldeen arteko partida ageri da, Paralinpiadetara iristeko aha- es su primera película. Como director de leginean eta, horrekin batera, kapitainen eta jokalarien sentimenduak eta moti- documentales, Rubien firma el premiado bazioak ere bai. Who is Henry jaglom? y Freeestyle. En la actualidad dirige un falso documental en el que participa Winona Ryder. Jeffrey Mandel, MURDERBALL graduado en Derecho y MBA por la The players of Murderball, a game similar to rugby played in wheelchairs, also Universidad de Columbia, ha dirigido la known as Quad Rugby, are preparing for the Athens’ Paralympics. The docu- película Elves (1989). mentary shows the match between the Canadian and the US teams to qualify for the finals of the Paralympics, the feelings and motivations of the captains and New York Times aldizkarian ari da laguntzaile, players. bai eta beste argitalpen batzuetan ere. Murderball bere lehen filma da. Dokumental Director / Zuzendaria / Director: Dana Adam Shapiro, Henry Alex Rubien, Jeffrey zuzendari gisa, Rubien-ek Who is Henry Mandel. Productor / Ekoizlea / Producer: Jeffrey Mandel, Dana Adam Saphiro Jaglom? saritua egin du eta Freestile ere bai. Guión / Gidoia / Screenplay: Dana Adam Shapiro. Montaje / Muntaketa / Edition: Gaur egun, dokumental faltsua zuzentzen ari Geoffrey Richman. da eta lan horretan Winona Ryder-ek parte hartzen du. Jeffrey Mandel zuzenbidean Producción / Ekoizpena / Production: Thinkfilm graduatua (MBA) da Columbiako 23, East 22nd. Street 5th. Floor. New York NY 10010. EE.UU. Unibertsitatean eta Elves filma zuzendu du Tel. 1212 444 79 00 Fax. 1212 444 79 01 (1989). Ventas / Salmentak / Sales: Diorama Dana Adam Shapiro is a former senior editor Paseo del Rey, 22. 28008 Madrid. España at SPIN and a contributor to the New York Tel. 91 547 15 17 Fax. 91 547 11 03 Times Magazine and other publications. [email protected] Murderball is his first film. As a documentary filmmaker, Rubin made the award-winning Who is Henry Jaglom? and Freeestyle. He is currently directing a mockumentary starring Winona Ryder. Jeffrey Mandel, graduated in Law and Business (MBA) from Columbia University, directed the film Elves (1989).

29 LARGOMETRAJE SIAH BAZI KARGARANEH SHADI / THE JOYMAKERS MARYAM KHAKIPOUR FRANCIA/IRÁN, 2004. 41’

LOS OBREROS DE LA ALEGRÍA En una calle de Teherán antes dedicada al espectáculo y al entretenimiento, están a punto de cerrar el último teatro. Con él desaparecerá la figura del negro, un personaje cómico que lleva muchos años haciendo reír con sus improvisacio- nes. Él y toda su troupe de actores y actrices llevan trabajando desde niños en el teatro, y ahora se sienten huérfanos y preocupados por la población de Teherán, a la que se le niega el derecho a reír. Maryam Khakipour The joymakers es el primer documental que THE JOYMAKERS dirige Maryam Khakipour. En la actualidad Teherango kale bat da, lehenago ikuskizun eta entretenimendurako lekua. trabaja en un nuevo proyecto. Orain, aldiz, azken antzokia ixteko zorian daude. Antzokiaren itxierarekin batera, beltza esaten dioten pertsonaia desagertuko da, hots, bere bat-bateko saioen The joymakers Maryam Khakipourrek bidez urte askotan jendea irri eginarazten aritu den komikoa. Txikitandik aritu zuzendu duen lehen dokumentala da. Gaur izan da lanean antzerkian, bai eta bere troupe-ko antzezle guztiak ere, eta orain, egun, proiektu berria lantzen ari da. umezurtz sentitzen dira eta kezkaturik ere, Teherango jendeari irri egiteko esku- bidea ukatuko zaiolako. The joymakers is Maryam Kahkipour’s first feature. She is currently working on a new project. THE JOYMAKERS The last theatre is about to be closed down in a street of Teheran, previously given over to shows and entertainment. With it, the black harlequin, the comic character whose improvisations have for so many years stirred laughter, is also set to disappear. The harlequin and his entire troupe of actors and actresses have worked in the theatre for years and they now feel orphaned by and worried for the inhabitants of Tehran, who have been denied the right to laugh.

Directora / Zuzendaria / Director: Maryam Khakipour. Fotografía / Argazkia / Photography: Farzin Khosrowshahi. Montaje / Muntaketa / Edition: Louis Bastin Reparto / Antzerkiak / Cast: Saadi Afshar, Reza Arabzadeh, Ardeshir Sohrabi, Fatemeh Shadizadeh, Saleh Panahi, Leïla Mohamadi. Producción / Ekoizpena / Production: PLAY FILM. Coproducción / Ekoizkidea / Co-production: TL7 Télévision Loire 7

Ventas / Salmentak / Sales: PLAY FILM 10 rue Martel. 75010 París. Francia Tel: +33.1.47708172 Fax: +33.1.477094 [email protected] www.playfilm.fr

30 LARGOMETRAJE DE PÈRE EN FILS / DE PADRE A HIJO FRANCIA, 2005. 52’

DE PADRE A HIJO De acuerdo con las normas de la familia del director, del Departamento francés de Drôme, se está preparando la transmisión legal de la granja familiar del padre a su hermano. La herencia no es fácil, y pone de manifiesto el choque generacio- nal y la dificultad de recibir un legado familiar y darle una identidad propia, sin desvirtuarlo.

Philippe Ayme AITARENGANDIK SEMEARENGANA Licenciado en Audiovisual en Boulogne- Zuzendariaren sendiaren arauen arabera, familiako granjaren legezko transmi- Billancourt, se especializa en escritura de sioa prestatzen ari dira aitarengandik bere anaiarengana pasatzeko. Herentzia ez documentales en Lussas (2003). Philippe da kontu erraza, eta agerian uzten du belaunaldien arteko talka, bai eta familia- Ayme ha sido cámara en varios ko ondarea jasotzeko zailtasuna ere, baldin eta identitate propioa eman nahi documentales, aunque dirige por primera vez bazaio, ondarea bera desitxuratu gabe. en De père en fils.

Ikus-entzunezkoan lizentziatua Boulogne- HAND ME DOWN Billancourt hirian, eta dokumentalen In accordance with the tradition of the director’s family, from the French idazketan espezializatu zen Lussas-en (2003). Department of Drôme, preparations are being made for the family farm to be Philippe Ayme kamera izan da hainbat legally passed down from his father to his brother. The process is by no means dokumentaletan, baina lehen aldiz zuzendari easy and highlights the generation clash and the problems involved in receiving De père en fils lanean. a family legacy and stamping it with one’s own identity while maintaining its significance. After graduating in Audiovisual studies from Boulogne-Billancourt, Ayme specialised in documentary writing in Lussas (2003). Director / Zuzendaria / Director: Philippe Ayme. Guión / Gidoia / Screenplay: Although he has worked as cameraman on Philippe Ayme. Cámara / Kamera / Camera: Philippe Ayme. Fotografía / Argazkia several documentaries, Hand me down is his / Photography: Philippe Ayme. Montaje Muntaketa / Edition: Yannick Coutheron. first film as director. Música / Musika / Music: David Trescos. Producción / Ekoizpena / Production: Adalios. Coproducción / Ekoizkidea / Co-production: Atlas, France 3 Rhône Alpes Auvergne

Ventas / Salmentak / Sales: Adalios Le Village 07170 Lussas Tel: +33.475945710 Fax: +33.475946922 [email protected]

31 LARGOMETRAJE LA CASA DE MI ABUELA ADÁN ALIAGA ESPAÑA, 2005. 80’

Joris Ivens Award. Primer Premio en el Festival Internacional de Cine Documental de Amsterdam (IDFA 2005)

LA CASA DE MI ABUELA Retrato de una abuela y de su nieta que conviven en una modesta casa del pobla- do alicantino de San Vicente del Raspeig. Una empresa ha comprado el terreno y se propone el derribo del edificio y la construcción de un nuevo bloque de viviendas. Abuela y nieta no viven la mudanza forzosa de la misma manera. Documental centrado en la personalidad de esa abuela anónima que con su pre- sencia domina toda la película y consigue conquistar la adhesión del espectador. Adán Aliaga Titulado en Historia y Estética de la NIRE AMONAREN ETXEA Cinematografía por la Universidad de Alacanteko San Vicente del Raspeig herriko etxe xume batean bizi diren amona- Valladolid, en Dirección Cinematográfica por bilobaren erretratua da. Enpresa batek lursaila erosi du, etxe hori bota eta etxe- el Centro de Estudios Cinematográficos de bizitza bloke berria eraikitzeko. Amonak eta bilobak ez dute nahitaezko mudan- Cataluña y en Realización de Vídeo y TV por tza hori modu berean bizi. Amona anonimo horrengan arreta jarri duen la Universidad de Alicante, Adán Aliaga ha dokumentala da. Amonaren presentzia gailentzen da film osoan eta lortzen du escrito varios guiones para cortos y ikuslearen arreta bereganatzea. largometrajes y ha dirigido muchos de ellos.

Historia eta Estetikan lizentziatua da MY GRANDMOTHER’S HOUSE Valladolideko Unibertsitatean, Zinema A story about a grandmother and her grand-daughter who live in a modest hou- Zuzendaritzan ere Kataluniako Zinema se in a small Spanish town called San Vicente del Raspeig located on the Spain’s Ikasketen Zentroan eta, azkenik, Bideo eta TB Mediterranean coast. A company has bought the grounds on which their house Errealizazioan Alacanteko Unibertsitatean. is constructed and wants to tear everything down in order to build new apart- Adán Aliagak hainbat gidoi idatzi ditu film ment buildings. They each live this imposed change of residence in very diffe- labur eta luzeentzat, eta haietariko aunitz rent ways. The documentary focuses on the grandmother who dominates the zuzendu ditu. screen with her tremonous presence, leaving no one untouched. With a degree in Film History and Aesthetics from Valladolid University; in Film Direction Director / Zuzendaria / Director: Adán Aliaga. Guión / Gidoia / Screenplay: Adán from the Catalonia Film Studies Center and in Aliaga. Fotografía / Argazkia / Photography: Adán Aliaga. Montaje / Muntaketa / Video and TV Production from Alicante Edition: Nacho Ruiz Capillas y Miguel Garví. Productor / Ekoizlea / Producer: University, Adán Aliaga has written several Elena Vallejo, Juanjo Giménez, Xose Zapata, Adán Aliaga. Producción / Ekoizpena / screenplays for short and long films, Production: Ignacio Benedeti Cinema directing many of them himself. Ventas / Salmentak / Sales: Ignacio Benedeti Cinema Avda. de Nostián- Pardiñas, Nave 3. 15 008 A Coruña. España Tel. +34 981 25 92 47 Fax. +34 981 14 80 67 [email protected] www.ibcinema.com

32 LARGOMETRAJE GEORGI AND THE BUTTERFLIES / GEORGI Y LAS MARIPOSAS ANDREY PAOUNOV BULGARIA, 2004. 60’

Silver Wolf en el Amsterdam Internacional Documentary Film Festival (IDFA) 2004. Categoría Largometrajes

GEORGI Y LAS MARIPOSAS El doctor Georgi Lulchev es el psiquiatra, neurólogo, administrador, empresario y director de un centro para hombres con problemas psicológicos. Su sueño es organizar una granja en el patio de la Casa, situada en un antiguo monasterio de siglo XVI cerca de Sofía, donde los pacientes puedan criar caracoles, aves- truces y faisanes, produzca fibras de seda y pan de soja, para garantizar su sub- sistencia en un país donde el 80% de la población vive en la pobreza. Andrey Paounov En 2000 se gradúa en la Academia Nacional GEORGI ETA TXIMELETAK de Arte Cinematográfico de Sofía, Bulgaria. Arazo psikologikoak dituzten gizonentzako zentro bateko psikiatra, neurologoa, Ese mismo año, fue guionista y director de administraria, enpresaburua eta zuzendaria da Georgi Lulchev. Bere ametsa da Lucy Tsak Tsak, un documental corto que, en etxeko patioan granja bat antolatzea –Sofiatik hurbil dagoen XVI. mendeko 2001 ganó el Premio del Jurado en el Festival monasterio zahar batean kokatua- gaixoek barraskiloak, ostrukak eta faisaiak Internacional de Cine de Kyiv (Ucrania) y en hazteko, bai eta zetazko zuntzak eta soja-ogia egiteko ere. Horrela bermaturik 2002, el premio a la mejor película online de izanen dute beren biziraupena. Herrialdeko biztanleriaren % 80 pobrezian bizi Sydney (Australia), y el de mejor película da. muy corta en el Festival de Cortos de Venecia. GEORGI AND THE BUTTERFLIES 2000n graduatu zen Sofiako Zinema Artearen Dr Georgi Lulchev psychiatrist, neurologist, administrator, amateur chef, Akademia Nazionalean (Bulgaria). Urte entrepreneur and Director of the Home for Psychologically Challenged Men. hartan berean, Lucy Tsak Tsak lanaren His dream is to organise a farm in the yard of the Home, situated in a former gidoigilea eta zuzendaria izan zen. 16th century monastery near Sofia, where the patients can raise snails, ostriches Dokumental labur horrek Kyiv hiriko and pheasants, produce silk fibres and soy bread in order to guarantee their sus- Nazioarteko Zine Jaialdiaren epaimahaiaren tenance in a country where 80% of the population live in poverty. saria irabazi zuen 2001ean (Ukraina). 2002an, berriz, online film onenarentzako saria Sydneyn (Australia), eta film oso laburrei Director / Zuzendaria / Director: Andrey Paounov. Guión / Gidoia / Screenplay: zegokien saria Veneziako Film Laburren Andrey Paounov. Fotografía / Argazkia / Photography: Boris Missirkov, Georgi Jaialdian. Bogdanov. Música / Musika / Music: Ivo Paunov, Vihren Paunov Sound: Momchil Bozhkov. Montaje / Muntaketa / Edition: Zoritsa Kotseva. Productor / Ekoizlea / In 2000, he graduated from Sofia’s National Producer: Martichka Bozhilova. Producción / Ekoizpena / Production: AGITPROP Film Art Academy ,Bulgaria. That year, he screenplayed and directed Lucy Tsak Tsak, a Ventas / Salmentak / Sales: AGITPROP short documentary which won the Jury 68, Budapest str., ap. 1. 1202 Sofia. Bulgaria Award at the 2001 International Film Festival Tel. +35 92 983 14 11 Fax: +35 92 983 19 29 of Kyiv (Ukraine) and in 2002, won the Best [email protected] Film Online Award of Sydney (Australia) and www.georgiandthebutterflies.com the Best Very Short Film at the Short Film Festival of Venice.

33 LARGOMETRAJE OYUN (THE PLAY) / LA OBRA DE TEATRO PELIN ESMER TURQUÍA, 2005. 70’

Alpe Adria Cinema Award. Mejor Documental en el Trieste Film Festival 2006

LA OBRA DE TEATRO Nueve mujeres que viven en Arslankoy, un pueblo de montaña en Turquía, tra- tan de escribir y representar una obra basada en sus propias vidas. Durante días, bajo la mirada curiosa de los hombres de la localidad, trabajan, discuten y crean con mucha diversión su obra de teatro La protesta de las mujeres. Este documental trata sobre el proceso de desarrollo de la obra de teatro y el cambio de las mujeres durante este período. Pelin Esmer Nació en 1972 en Estambul. Se graduó en ANTZEZLANA Sociología en la Universidad de Bogazici Arslankoy Turkiako mendien artean dagoen herri bat da. Han bizi diren bede- (Estambul) y fue alumna en la Escuela de ratzi emakume saiatzen dira beren bizitzetan oinarritutako lan bat idazten eta Cine Z1 de Estambul. Su primera película antzezten. Hainbat eta hainbat egunetan -herriko gizonen begirada harrituak documental, El Coleccionista (2002), recibió gainean dituztela-, lan egin, eztabaidatu eta algara handiz sortzen dute beren el Mejor Premio Documental en el Festival de saioa: Emakumeen protesta. Dokumentalean antzezlanaren garapen prozesua Cine Independiente de Roma y ganó el tercer ageri da, bai eta denboraldi horretan emakumeengan gertatu den aldaketa ere. puesto en el Festival de Cine de Ankara. La obra de Teatro constituye su primer largometraje. THE PLAY Nine women living in Arslankoy, a mountain village in southern Turkey, intend Istanbulen 1972an jaioa, Bosforoko to write and perform a play based on their own life stories. For days on end, Unibertsitatean lizentziatu zen Soziologian under the curious gazes of the village men and with great enjoyment, they work, eta Istanbuleko Cine Z1 Eskolako ikasle ere discuss and create a play, The Outcry ofWomen! This documentary is about the izan zen. Bere lehen dokumentala El development process of this play and the change the women went through Coleccionista (2002) izan zen eta dokumental during this period. onenarentzako saria jaso zuen Erromako Zine Independentearen Jaialdian. Era berean, hirugarren gelditu zen Ankarako Zine Director / Zuzendaria / Director: Pelin Esmer. Guión / Gidoia / Screenplay: Pelin Jaialdian. La obra de Teatro bere lehen film Esmer. Fotografía / Argazkia / Photography: Pelin Esmer. Música / Musika / luzea da. Music: Mazlum Cimen. Montaje / Muntaketa / Edition: Pelin Esmer. Productor / Ekoizlea / Producer: Pelin Esmer, Nida Karabol Akdeniz, Tolga Esmer She was born in Istanbul in 1972. She studied Producción / Ekoizpena / Production: Sinefilm, Pelin Esmer psychology at Bogazici University and pursued her studies at the Istanbul Z1 Film Ventas / Salmentak / Sales: Sinefilm School. Her first documentary film was El Akinci Bayiri Sok, Engin Ap, No: 18 d:4 Coleccionista (2002), which won the Best 34 394 Mecidiyekoy. Estambul. Turquía Documentary Award at the Independent Film Tel. +90 212 266 0968 Festival of Rome and third place at the [email protected] Ankara Film Festival. Oyun: The Play is her www.oyuntheplay.com first long film.

34 LARGOMETRAJE LA DOBLE VIDA DEL FAQUIR ELISABET CABEZA, ESTEVE RIAMBAU ESPAÑA, 2005. 94’

LA DOBLE VIDA DEL FAQUIR La buhardilla de un colegio de finales del S. XIX en Sant Julià de Vilatorta aloja un viejo proyector cinematográfico que vuelve a funcionar para proyectar una película rodada allí mismo en 1937: Imitando al faquir. Los protagonistas eran los alumnos de aquella institución, entonces huérfanos y ahora venerables espectadores de su propia infancia atrapada en las imágenes rodadas por Felip Sagués, un cineasta amateur refugiado durante la guerra civil en este pueblo Elisabet Cabeza, Esteve Riambau próximo a Vic. Licenciada en Periodismo, Elisabet Cabeza trabaja desde 1990 en el periódico Avui FAKIRRAREN BIZITZA BIKOITZA donde se encarga, desde 1996, de la Sant Julià de Vilatortan, XIX. mendearen akaberan eraikitako ikastetxe baten información cinematográfica. La doble vida sabaian proiektore zinematografiko zahar bat dago eta berriz ere martxan jartzen del faquir supone su primera incursión en el dute, han bertan 1937an filmatu zuten pelikula bat emateko: Fakirrari imitatzen. terreno de la realización cinematográfica. Protagonistak ikastetxe hartako ikasleak ziren, orduan umezurtzak eta orain Esteve Riambau, crítico de cine desde 1978, beren haurtzaroaren beraren ikusle agurgarriak. Felip Saguesek hartutako iru- es autor de más de una treintena de libros dietan harrapatuta dago ikusleen haurtzaroa. Zinegile amateurra da Felip, gerra sobre historia del cine, coautor de varios zibilean Vicetik hurbil dagoen herri horretan aterpetua. documentales televisivos y Profesor Titular de Ciencias de la Comunicación en la Universidad Autónoma de Barcelona. THE MAGICIANS The attic of a late XIX-century school in Sant Julià de Vilatorta is home to an old Kazetaritzan lizentziatua, Elisabet Cabezak film projector brought back into operation to project a film shot at the school in Avui egunkarian lan egiten du 1990etik hona 1937: Imitating the fakir. The actors were children from the college, then eta, 1996az geroztik, zine informazioaz orphans, now venerable spectators of their own infancy captured in images shot arduratzen da. La doble vida del faquir izan by Felip Sagués, an amateur filmmaker who sought refuge in this village near Vic da zine errealizazioan egin duen lehen lana. during the Spanish Civil War. Esteve Riambau zine kritikaria da 1978tik hona. Hogeita hamarretik gora liburu idatzi ditu zinearen historiaz eta, beste egile Director / Zuzendaria / Director: Elisabet Cabeza, Esteve Riambau. Guión / Gidoia batzuekin batera, hainbat dokumental egin / Screenplay: Elisabet Cabeza, Esteve Riambau. Fotografía / Argazkia / ditu telebistarako. Halaber, Komunikazio Photography: Albert Pascual. Montaje / Muntaketa / Edition: Sergio Díes. Zientzietako irakasle titularra da Bartzelonako Producción / Ekoizpena / Production: Oberon Cinematográfica Unibertsitate Autonomoan. Ventas / Salmentak / Sales: Oberon Cinematográfica A graduate in Journalism, Elisabet Cabeza C/ Aragó 217, 5º. 08007 Barcelona. España has worked in the newspaper Avui since 1990 Tel: 93.451 2560 and has been in charge of the film section [email protected] since 1996. The Magicians is her first www.oberoncinematografica.com incursion in the field of film direction. Esteve Riambau, a film critic since 1978, is the author of more than thirty books on film history, co-author of several television documentaries and Lecturer in Communication Science at the Autonomous University of Barcelona.

35 LARGOMETRAJE SONIA NATHALIE DALAUNOY BÉLGICA, 2004. 48’

SONIA Sonia, una intelectual de 52 años que vive en Bruselas, ha estado trabajando como prostituta durante 30 años. Sentada detrás de su ventana, ella nos cuenta cómo le gustan su trabajo y sus clientes. Pero, ¿cómo definir su inclinación particular sobre el amor y el afecto? ¿Cuál es su relación con la seducción, los cuer- pos y los hombres?

Nathalie Delaunoy SONIA Nacida en Etterbeek (Bélgica) en 1974, Sonia Bruselan bizi den 52 urteko intelektuala da, eta 30 urte eman ditu prosti- Nathalie Delaunoy vive actualmente en tuta bezala lanean. Bere leihoaren atzean eserita, berak kontatzen digu nola gus- Bruselas. Es licenciada en Comunicación tatzen zaizkion bere lana eta bezeroak. Baina, nola definitu maitasunari buruz Aplicada en la Sección de Prensa e duen joera? Zein da bere harremana sedukzioarekin, gorputzekin eta gizonekin? Información del Instituto de Estudios en Comunicación Social. Tras haber trabajado en la realización de varios cortos y SONIA largometrajes belgas, Sonia es su último Sonia, a 52-year-old intellectual living in Brussels, has been working as a prosti- proyecto. tute for 30 years. While sitting behind her window, she tells us how she loves her work and her clients. But how does one define her particular slant on love and Etterbeek hirian jaio zen (Belgika), 1974an. affection? What is her relationship with seduction, bodies and men? Nathalie Delaunoy Bruselan bizi da gaur egun. Lizentziatua da Komunikazio Aplikatuan Gizarte Komunikazioko Ikasketen Director / Zuzendaria / Director: Nathalie Delaunoy. Fotografía / Argazkia / Institutuko Prentsa eta Informazio Sailean. Photography: Elin Kirschfink. Montaje / Muntaketa / Edition: Anne-Laure Guégan. Belgikako hainbat film labur eta luzeren Producción / Ekoizpena / Production: Need Productions errealizazioan lan egin ondoren, Sonia bere Denis Delcampe. Rue Saint Bernard 147. 1060 Bruselas. Bélgica azken proiektua da. Tel. +32 2534 4057 [email protected] Born in 1974 in Etterbeek (Belgium), Nathalie Delaunoy currently lives in Brussels. She Ventas / Salmentak / Sales: Wallonie Image Production graduated in Applied Communication from Quai des Ardennes 16-17. B-4020 Liège. Belgium the Press and Information Department of the Tel: +32.4.340.1040 Social Communication Studies Institute. [email protected] Having worked on several short and full- www.wip.be length films, Sonia is her latest release.

36 LARGOMETRAJE LA ESTETICIÉN SERGIO OKSMAN ESPAÑA, 2004. 96’

LA ESTETICIÉN El doctor nazi Joseph Mengele experimentó con mujeres pelirrojas tratando de probar que ellas tenían un grado más alto de sensibilidad. La pelirroja Emmy Blum tiene 76 años y trabaja como esteticién en São Paulo. Ambos se encontraron por primera vez en el patio principal de Auschwitz. Después de la guerra, sus caminos se cruzarían en más que una ocasión.

Sergio Oksman ESTETIZISTA Sergio Oksman nació en Brasil en 1970. Joseph Mengele doktore naziak esperimentuak egin zituen emakume ilegorrie- Estudió Periodismo en São Paulo y Cine en kin eta saiatu zen frogatzen haiek sentiberatasun gradu altuago bat zutela. Nueva York. Es profesor de dirección del NIC Emmy Blum ilegorria da, 76 urte ditu eta estetizista ari da lanean. Biek lehen (Instituto del Cine de Madrid) y dirige la aldiz Auschwitzeko patio nagusian topatu zuten elkar. Gerra ondoren, beren productora Documenta Films desde el año bideak behin baino gehiagotan gurutzatu ziren. 2000. Por sus manos han pasado más de una docena de largometrajes documentales que le han proporcionado diversos premios. THE BEAUTICIAN Nazi doctor Joseph Mengele experimented with red-haired women in an Sergio Oksman Brasilen jaio zen, 1970ean. attempt at proving that they had a higher degree of sensitivity. Red-haired São Paulon kazetaritza eta New Yorken zinea Emmy Blum is 76 and works as a beautician in São Paulo. Both met for the first ikasi zuen. Zuzendaritzako irakaslea da time in the main courtyard at Auschwitz. After the war, their paths would cross Madrilgo Zinearen Institutuan eta Documenta on more than one occasion. Films ekoizpen etxea zuzentzen du 2000tik hona. Bere eskuetatik dozena bat film luze baino gehiago pasatu dira, hainbat sari jaso Director / Zuzendaria / Director: Sergio Oksman. Fotografía / Argazkia / dituztenak. Photography: Adolpho Cañadas. Montaje / Muntaketa / Edition: Fernando Franco. Producción / Ekoizpena / Production: Dok Films Sergio Oksman was born in Brazil in 1970. He studied Journalism in Sâo Paulo and Film Ventas / Salmentak / Sales: Dok Films Studies in New York. He is direction Quintana 8- bajo D. 28 008 Madrid. España professor at NIC ( Madrid Film Institute) and Tel. 91 54 77 977 has directed the “Documenta Films” [email protected] production company since 2000. He has made more than 12 long documentary films which have earned him several awards.

37 LARGOMETRAJE MELODÍAS FRANÇOIS BOVY SUIZA, 2005. 67’

Mejor Película Suiza en el Festival Visions du Reel de Nyon (Suiza) 2005

MELODÍAS Ésta es la historia de Darío, taxista; de Jorge, que descarga camiones; de Edwin, que trabaja en la policía; y de Luis Carlo, que envía a los muertos para la morgue. Un antiguo evangelista se hace un asesino a sueldo. De él aprendemos el valor una bala, la vida de un hombre... “La realidad consiste en que vivimos y mori- mos”, cantan dos músicos, y nos exhortan a aprovechar cada momento, porque al fin y al cabo, la vida es sólo un sueño. François Bovy Nacido en 1968 en Puidois (Francia). Se DOINUAK graduó en estudios de dirección en 1994 en Hainbaten istorioak kontatzen ditu film honek: Dario taxilariarena; Jorge kamioi DAVI, Departamento Audiovisual de la zamaketariarena; Edwinena, polizian lan egiten duena; eta Luis Carlorena, hil- Escuela de arte de Lausana, Suiza. Tras esto, dakoak gorputegira bidaltzen dituena; Ebanjelista izandako gizon bat soldatape- François Bovy ha hecho varios ko hiltzaile gisa hasten da lanean. Harengandik ikasiko dugu bala batek balio documentales, como Connu de nos Services duena, gizakiaren bizitzak balio duena… “Zer da errealitatea? Bizitzea eta hilt- o La Bonne Conduite. Actualmente, está zea” abesten dute bi musikarik, eta bultzatu egiten gaituzte une bakoitza apro- preparando un largometraje. betxatzera. Azken buruan, bizitza amets hutsa baita. 1968an jaio zen, Puidois herrian (Frantzia). Zuzendaritzako ikasketetan graduatu zen, MELODIES 1994an, Lausanako Arte Eskolako Ikus- This is the story of Dario, a taxi driver; Jorge, who unloads trucks; Edwin, who entzunezkoen Departamentuan (Suitza). works in the police; and Luis Carlo, who sends the dead off to the morgue. A for- Horren ondotik, François Bovyk zenbait mer evangelist becomes a hit man. From him we learn what a bullet is worth, a dokumental egin ditu, esaterako, Connu de man’s life...”Reality is that we live and die,” the two musicians sing out, exhor- nos Services edo La Bonne Conduite. Gaur ting us to take advantage of every moment, for when all is said and done, life is egun, film luze bat prestatzen ari da. but a dream. He was born in 1968 in Puidois (France). He obtained a degree in Direction Studies in Director / Zuzendaria / Director: François Bovy. Fotografía / Argazkia / 1994 from the Audiovisual Department of the Photography: François Bovy. Montaje / Muntaketa / Edition: Stephanie Perrin. Lausanne Art School, Switzerland. Since Producción / Ekoizpena / Production: Les Films de la Dernière Heure. then, he has made several documentaries, such as Connu de nos Services or La Bonne Ventas / Salmentak / Sales: Les Films de la Derniere Heure Conduite. He is currently making a long film. François Bovy. Ch. De Villard 1. 1007 Lausanne. Vaud. Suiza Tel. +41 79 687 63 57 Fax. +41 21 946 12 33 [email protected] www.derniere-heure.org

38 CORTOMETRAJE NENYURE JORGE RIVERO ESPAÑA, 2005. 10’

Proyecto ganador del Premio Nuevos Realizadores del Festival Internacional de Cine de Gijón (2003)

NENYURE El presente y el pasado se desvanecen en Nenyure, un barrio que ha perdido su futuro y su identidad. NENYURE Oraina eta iragana desegiten dira Nenyure-n, hau da, bere etorkizuna eta identitatea galdu dituen auzoan.

Jorge Rivero NENYURE Cursó estudios de cine en la Escuela de Cine Present and past fade away in Nenyure, a district which has lost both its future de la Universidad de Oviedo entre 1995 y and identity. 1997. Desde 1998 hasta 2002, fue realizador y guionista de programas industriales y Director / Zuzendaria / Director: Jorge Rivero. Guión / Gidoia / Screenplay: Jorge publicitarios. Desde 2000 forma parte de la Rivero. Fotografía / Argazkia / Photography: Juan Luis Ruiz. Música / Musika / revista cinematográfica Video Actualidad, de Music: Antonio Quesada. Montaje / Muntaketa / Edition: Ángel Hernández Zoido. la que actualmente es jefe de redacción. Sonido / Soinua / Sound: Iván González. Intérprete / Antzerlea / Cast: Irene Director de Cortomieres, Festival de Rodríguez. Producción / Ekoizpena / Production: Jorge Rivero P.C. & Oasis P.C. cortometrajes de Mieres desde su inicio, en 1999. Ventas / Salmentak / Sales: Jorge Rivero P.C & Oasis P.C. C/ Velázquez 6, 1º Izqda. 33 600 Mieres Asturias. España Oviedoko Unibertsitateko Zine Eskolan egin Tel. 686 39 40 42 Fax. 985 46 66 92 zituen ikasketak 1995etik 1997ra. 1998tik [email protected] 2002ra arte, industria eta publizitate arloko programen errealizatzaile eta gidoigilea izan zen. 2000tik aurrera Video Actualidad zine aldizkarian ari da eta, gaur egun, erredakzioburua da. Bestalde, Cortomieres Mieresko film laburren Jaialdiko zuzendaria da, bere hasieratik, hots, 1999tik aitzinera.

Rivero studied filmmaking at the University of Oviedo Film School from 1995 to 1997. From 1998 to 2002, he directed and wrote industrial and publicity films. He has worked for the film magazine Video Actualidad since 2000 and is currently editor in chief. He has been the Director of Cortomieres, the Mieres Short Film Festival, since it first began in 1999.

39 CORTOMETRAJE CAFÉ Y PAN COCO STAN GUIGUI FRANCIA, 2005. 18’

CAFÉ Y PAN COCO En los bajos fondos de Bogotá, Yonatan, un niño de la calle de 5 años de edad, nos cuenta cómo escapó de la policía y del mundo que lo rodea en su moto Harley. Mientras tanto, su primo Chinché de 9 años, fuma bazuko con su madre. Droga- dictos nos hablan de sus infiernos, de su relación con la droga y sus consecuencias sobre sus hijos.

Stan Guigui CAFÉ Y PAN COCO Tras estudiar Fotografía y obtener un Bogotako azpiko zuloetan, Yonatanek, 5 urteko mutikoak, kontatzen digu nola diploma de la International Advertising ihes egin zuen poliziarengandik, bai eta inguratzen duen mundutik ere, bere Association de Nueva York, Stan Guigui Harley motoan. Bitartean, Chinché esaten dioten 9 urteko bere lehengusuak trabaja en agencias de publicidad en Francia bazuko erretzen du bere amarekin. Drogazaleak beren infernuez mintzo zaizki- y Colombia, donde participa en varias gu, drogarekin duten harremanaz, bai eta horrexek seme-alaben gainean dituen campañas internacionales. Durante seis años ondorioez ere. viaja a través de Estados Unidos, Brasil, Medio Oriente, la Amazonia y Asia, y centra su trabajo en los marginales y gente de la CAFÉ Y PAN COCO calle. In the Bogotá underworld, Yonatan, a 5-year-old street child, tells us how he escaped from the police and the world he lives in on his Harley. Meanwhile, his Argazkia ikasi eta New Yorkeko International 9-year-old cousin Chinché, smokes bazuko with his mother. Drug addicts speak Advertising Association erakundeko diploma of their private hells, of their relationship with drugs and of its effect on their lortu ondoren, Stan Guigui Frantziako eta children. Kolonbiako publizitate agentzietan aritu da, eta nazioarteko hainbat kanpainatan parte hartu du. Sei urtez, Estatu Batuetan, Brasilen, Director / Zuzendaria / Director: Stan Guigui. Fotografía / Argazkia / Erdialdeko Ekialdean, Amazonian eta Aisian Photography: Peter Haas. Montaje / Muntaketa / Edition: François Wolfin. barna ibili zen eta begirada gizon-emakume Producción / Ekoizpena / Production: Assaï - Pistoleros Films baztertuarengan eta kaleko jendearengan pausatu du. Ventas / Salmentak / Sales: Assaï- Pistoleros Films 43, bd Notre Dame. 13 006 Marseille BDR. Francia After studying photography and receiving a Tel. 33 6 79 67 88 18 diploma from New York’s International [email protected] Advertising Association, Stan Guigui worked in advertising agencies in France and Colombia, participating in several international campaigns. He has travelled around the United States, Brazil, the Middle East, Amazonia and Asia for six years and focuses his work on street-dwellers and the outcast.

40 CORTOMETRAJE DIMINISHING MEMORIES / VOLVIENDO A LOS RECUERDOS ENG YEE PENG SINGAPUR/AUSTRALIA, 2005. 27’

VOLVIENDO A LOS RECUERDOS Esta película introduce al espectador en el viaje personal de la cineasta, que recupera los recuerdos de su infancia en el campo, en Lim Chu Kang, Singapur, un pueblo que ya ha muerto y su espíritu dispersado.

DIMINISHING MEMORIES Film honek ikuslea barneratzen du zinegilearen barne bidaian. Egileak landa- Eng Yee Peng eremuan, Lim Chu Kang-en (Singapur), pasatu zituen haurtzaroko oroitzape- Eng Yee Peng se graduó en la Universidad nak berreskuratu ditu. Herri hori hila da eta bere izpiritua barreiatua dago. Politécnica de Ngee Ann en 1997 y posteriormente en la Universidad de Griffith (Australia) en Producción de Medios DIMINISHING MEMORIES Digitales. Aunque ella misma se definía This film takes you on a personal journey with me, the filmmaker, to recollect como “una estudiante normal”, logró ganar my childhood memories of living in the Singapore countryside – Lim Chu la Medalla Universitaria por su gran trabajo Kang, a village which has already died and whose spirit has dispersed. en sus estudios. Actualmente es investigadora independiente de producción televisiva. Director / Zuzendaria / Director: Eng Yee Peng. Guión / Gidoia / Screenplay: Eng Yee Peng. Fotografía / Argazkia / Photography: Eng Yee Peng. Música / Musika / Ngee Anneko Unibertsitate Politeknikoan Music: Daniel Fournier. Montaje / Muntaketa / Edition: Eng Yee Peng. Animación / graduatu zen Eng Yee Peng, 1997an eta, Animakioa / Animation: Carolyn Gardiner. Producción / Ekoizpena / Production: ondoren, Griffitheko Unibertsitatean Eng Yee Peng (Australia) Bitarteko Digitalen Ekoizpenean. Bere buruaz esaten bazuen ere “ikasle Ventas / Salmentak / Sales: Eng Yee Peng arrunta” zela, Unibertsitateko Domina irabazi Blk 401 Jurong West, Street 42 #07-531. 64041 Singapur. Singapur zuen ikasketetan egin zuen lan Tel. +65 968 097 92 handiarengatik. Gaur egun, telebista [email protected] ekoizpeneko ikertzaile independentea da.

Eng Yee Peng first graduated from the Ngee Ann Polytechnic in 1997 and then from the Griffith University (Australia) in Digital Media Production. Although she describes herself as a “normal student”, her studies earned her the University Medal. She is currently an independent television production researcher.

41 CORTOMETRAJE TRANSIT / TRÁNSITO L’ATELIER COLLECTIF BÉLGICA, 2005. 24’

TRÁNSITO Documental basado en los testimonios de refugiados (turcos, congoleños, colombianos, iraníes) y también en otras personas que dan su opinión sobre las nuevas migraciones, incluyendo a Oliver Maerens de la Oficina de Extranjería y a Pierre-Arnaud Perrouti, de MRAX. Todos los encuentros están ilustrados con animaciones y reforzados por varias escenas que le dan un perfil más general a la cuestión. L’Atelier Collectif El taller de animación Zorobabel está dirigido TRANSIT por dos autores-cineastas que han Errefuxiatuen (turkiarrak, kongotarrak, kolonbiarrak, irandarrak) lekukotasu- desarrollado un proyecto pedagógico y netan oinarritutako dokumentala da eta beste pertsona batzuen iritziak ere bildu creativo. Desde su creación en abril de 1994, ditu migrazio berriei buruz, Atzerritartasun Bulegoko Oliver Maerens eta L´atelier Zorobabel se centra a organizar MRAX erakundeko Pierre-Arnaud Perrouti jaunen iritziak barne. Topaketa talleres de iniciación al cine de animación guztiak animazio bidez ilustratuak daude eta hainbat eszenak itxura orokorragoa para niños, adolescentes y adultos. ematen diote afera horri. Bi aktore-zinegilek zuzentzen dute Zorobabel izeneko tailerra, animaziozko diseinu eta TRANSIT zinerako tailerra, alegia. Bi pertsona horiek Transit is a documentary based on the testimonies of refugees (Turkish, Con- bere ezagutza teknikoa erabili dute golese, Colombian, Iranian) and others who give their opinion on the issue of pedagogia eta sormen proiektu batean. new migrations, including Olivier Maerens from the Alien´s Office and Pierre- Nahiz-eta L´atelier Zorobabel 1994ko Arnaud Perrouti from MRAX. All the encounters are illustrated with animation apirilean sortu zuten, hasiera batean haur, and are reinforced by various scenes which outline the issue in a more general nerabe eta helduentzako animaziozko zinean way. hasteko tailerrak ematen ziren.

The cartoon and animated film workshop Director / Zuzendaria / Director: L’Atelier collectif. Guión / Gidoia / Screenplay: Zorobabel is managed by two authors-cum- L’Atelier collectif. Producción / Ekoizpena / Production: Zorobabel filmmakers who have developed a creative, teaching project. Since its foundation in 1994, Ventas / Salmentak / Sales: Zorobabel L´atelier Zorobabel has principally centred on Rue de la Victoire 132. 1060 Bruxelles. Belgium offering animated film initiation workshops Tel: +32.2.5382434 Fax: +33.2.5382434 for children, teenagers and grown-ups. [email protected] http://go.to/zorobabel

42 CORTOMETRAJE WINDOW / VENTANA FURKAT TURSONOV, GAUHAN SYDYKOVA KYRGYZSTAN, 2005. 14’

VENTANA Window filma la vida diaria de un niño que tiene que ganar dinero para su familia y atender a su madre enferma. Como tantos otros niños, realiza labores muy duras y no tiene posibilidad de acceder a la educación.

WINDOW Window lanak haur baten eguneroko bizitza filmatzen du. Haur horrek dirua ira- Furkat Tursonov, Gauhan Sydykova bazi behar du familiarendako eta lagundu ere gaixo dagoen amari. Beste haur Gauhan Sydykova y Furkat Tursonov han aunitzek bezala, mutikoak oso lan gogorrak egiten ditu eta ez du hezkuntzan trabajado en varias películas documentales sartzeko aukerarik. de la productora Kyrgyzfilm. Actualmente trabajan para la productora Ordo, Sydykova como especialista en sonido y Tursonov WINDOW como productor, director y director de Window portrays the daily life of a boy who has to make money for his family and fotografía. nurse his sick mother. Like so many other children, he does extremely hard work and has no chance of getting an education. Gauhan Sydykovak eta Furkat Tursonovek Kyrgyzfilm ekoizpen etxeko dokumental-film zenbaitetan lan egin dute. Gaur egun, Ordo Director / Zuzendaria / Director: Furkat Tursonov, Gauhan Sydykova. Guión / ekoizpen etxerako ari dira lanean: Sydykova Gidoia / Screenplay: Furkat Tursonov. Fotografía / Argazkia / Photography: Hasan soinu espezialista gisa eta Tursonov, berriz, Kydyratiev. Montaje / Muntaketa / Edition: Alex Baryshnikov. Producción / ekoizle, zuzendari eta argazki zuzendari. Ekoizpena / Production: ORDO Productions

Gauhan Sydykova and Furkat Tursonov have Ventas / Salmentak / Sales: ORDO Productions worked on several documentary films for the 73ª Drujby Str. 720037 Bishkek. Kyrgyzstan Republic Kyrgyzfilm production company. They Tel. 996312540100 Fax. 996312540333 currently work for Ordo, Sydykova as sound [email protected] specialist and Tursonov as producer, director and director of photography.

43 CORTOMETRAJE DESIR’EE ANÓNIMO ALEMANIA/USA, 2005. 4’

DESIR’EE Hay una nota sobre el legado de Jack Goldstein pegada a una vieja lata de pelí- cula de celuloide. Aunque apenas se pueda apreciar, el metraje S8 parece ser un documental. No se puede averiguar el lugar, el tiempo ni la autoría y, por ello, los espectadores quedan mantenidos en la ignorancia. Es por ello que las investiga- ciones permanecen abiertas.

DESIR’EE Zeluloide film lata zahar batek ohar bat itsatsia dauka Jack Goldsteinen onda- reari buruz. Iduri du S8 metraje hori dokumental bat dela eta ia ez daiteke inter- pretatu. Ezin datatu daitezke lekua, garaia eta egilea eta, horregatik, ikuslea inkognitan mantenduko dute. Hori dela eta, ikerketek zabalik diraute.

DESIR’EE A note about Jack Goldstein’s estate is stuck to an old celluloid film box. The S8 footage appears to be a documentary, but can hardly be appreciated. Location, date and authorship cannot be ascertained and the viewers are left in the dark. The investigations are still under way.

Director / Zuzendaria / Director: Anónimo / Anonimo / Anonymous. Productor / Ekoizlea / Producer: Romeo Grünfelder. Producción / Ekoizpena / Production: Felderfilm

Ventas / Salmentak / Sales: Felderfilm Max-Brauer-Allee 94. 22765 Hamburg. Alemania Tel. +49 40 3892 868 Fax. +49 40 3892 868 [email protected] www.felderfilm.de

44 CORTOMETRAJE LE PONT SUR LA DRINA / EL PUENTE SOBRE EL DRINA XAVIER LUKOMSKI BÉLGICA, 2005. 19’

EL PUENTE SOBRE EL DRINA De la guerra en Bosnia recordamos sobre todo los nombres de ciudades como Sarajevo, Mostar, Bihac, Tuzia, Gorazde, y la matanza de Srebrenica. Pero no recordamos Visegrad. Los medios de comunicación occidentales nunca habla- ron de ella, como si nunca hubiera existido. Es una ciudad del este de Bosnia, con un puente simbólico y majestuoso, famoso por la novela de Ivo Andric. Un puente que es un símbolo, un mausoleo, un testigo. Xavier Lukomski Diplomado por el Instituto Superior de Arte LE PONT SUR LA DRINA del Espectáculo en 1984, Xavier Lukomski Bosniako gerrari buruz, batez ere hiri batzuen izenak gogoratzen ditugu: Sara- tiene una larga trayectoria tras de sí. jevo, Mostar, Bihac, Tuzia, Gorazde, eta Srebrenicako sarraskia. Baina ez dugu Comediante, junto con Philippe Sireuil y Visegrad gogoratzen. Mendebaldeko komunikabideak ez ziren inoiz hartaz Michel Dezoteux en el Teatro Varia de mintzatu, sekulan halako lekurik izan ez balitz bezala. Bosniako ekialdeko hiria Bruselas, y con las Jóvenes Compañías de da eta zubi eder eta sinbolikoa du, Ivo Andric idazlearen eleberriak ospetsu egin Layla Nabulsi y de Christine Delmotte. zuena. Zubi hori ikurra da, mausoleoa, lekukoa. Lukomski es crítico de cine en varias revistas y director de colección en K-Films. LE PONT SUR LA DRINA Ikuskizunaren Artearen goi mailako When it comes to the war in Bosnia, we remember, above all, the names of cities Institutuan, 1984an, lizentziatua, Xavier like Sarajevo, Mostar, Bihac, Tuzia, Gorazde, and the massacre in Srrebrenica. Lukomskik ibilbide luzea egina du. Bruselako But we don´t remember Visegrad. The western media never talked about it, as if Teatro Varia antzokian komediantea da, Visegrad never existed. It´s a city in eastern Bosnia, with a symbolic, majestic Philippe Sireuil eta Michel Dezoteux-ekin bridge, celebrated in a novel by Ivo Andric. A bridge which is a symbol, a mau- batera, bai eta Layla Nabulsiren eta Christine soleum, a witness. Delmotteren Konpainia gazteak taldean ere. Lukomski zine kritikaria da hainbat aldizkaritan eta bilduma zuzendaria K-Films Director / Zuzendaria / Director: Xavier Lukomski. Fotografía / Argazkia / etxean. Photography: Jorge León. Montaje / Muntaketa / Edition: Michèle Hobinon Producción / Ekoizpena / Production: Cobra Films Since finishing his studies at the Superior Daniel Devalck. Rue de la Sablonniere 29. 1000 Bruselas. Bélgica Institute for the Entertaining Arts in 1984, Tel. +32 2512 7007 Xavier Lukomski has notched up a long and [email protected] varied career. A comic actor, together with Philippe Sireuil and Michel Dezoteux, in Ventas / Salmentak / Sales: Wallonie Image Production Brussels' Varia Théâtre and Layla Nabulsi Quai des Ardennes 16-17. B-4020 Liège. Belgium and Christine Delmotte’s Young Companies. Tel: +32.4.340.1040 Lukomski is a film critic for several [email protected] magazines and collection manager for K- www.wip.be Films.

45 CORTOMETRAJE MASTER / MAESTRO YEVGENIY VASKEVICH RUSIA, 2005. 26’

MAESTRO Este cortometraje se centra en la historia del iconógrafo Vladislav Andrejev, maestro de la antigua técnica del arte sacro ortodoxo ruso, y su reciente proyec- to de pintar la cúpula de una iglesia católica romana en St. Michael, Minnesota. Mientras se gesta el proyecto, el director de Master pasea con Andrejev, y oye sus pensamientos sobre el arte sagrado, la armonía y el universo.

Yevgeniy Vaskevich MASTER Nacido en Kiev, Rusia, en 1978. En 1994 Film labur honek Vladislav Andrejev ikonografoaren historia azaltzen du. Gizon trabajó como pintor de iglesias y maestro de hori errusiar elizako arte ortodoxoaren teknika zaharraren maisua da. Halaber iconografía. En 1998 se graduó en la Escuela ageri da Minnesotako St. Michael herrian eliza katoliko erromatar baten kupula de Artes Escénicas de LaGuardia (Nueva pintatzearen proiektu berria. Proiektua prestatu bitartean, Master filmeko York). En 2003 trabajó como artista de efectos zuzendariak Andrejevekin paseatzen du, eta elizako arteaz, harmoniaz eta uni- especiales en BS Graphics en Moscú. En bertsoaz dituen pentsamenduak entzuten ditu. 2004 obtuvo el graduado en la Escuela de Dirección de Cine y Guión de Moscú (VGIK), Rusia. MASTER The short film Master is the story of iconographer Vladislav Andrejev, master of Kieven jaio zen (Errusia), 1978an. Gero, the ancient technique of Russian Orthodox sacred art, and his recent project 1994an, elizako pintore aritu zen lanean, bai painting the cupola of a Roman Catholic church in St. Michael, Minnesota. eta ikonografiako maisu lanetan ere. 1998an, While watching the project unfold, the director takes a walk with Andrejev, and Laguardiako (New York) Arte Eszenikoen hears his thoughts on sacred art, harmony and the universe. Eskolan graduatu zen. 2003an, efektu berezien artista bezala lan egin zuen Moskuko BS Graphics etxean. 2004an, Director / Zuzendaria / Director: Yevgeniy Vaskevich. Fotografía / Argazkia / graduatua lortu zuen Moskuko Zine eta Gidoi Photography: Yevgeniy Vaskevich. Montaje / Muntaketa / Edition: Yevgeniy Zuzendaritzako Eskolan (VGIK). Vaskevich. Producción / Ekoizpena / Production: Yevgeniy Vaskevich

He was born in Kiev, Rusia, in 1978. In 1994 Ventas / Salmentak / Sales: Yevgeniy Vaskevich he worked as church painter and master of 1613 ave.U. Brooklyn. 11 229 NY. EE.UU. iconography. In 1998, he obtained a degree Tel. (718) 38 25 341 from the Scenic Art School in LaGuardia. In [email protected] 2003 we worked as artist for special effects by BS Graphics in Moscow. In 2004 he obtained a degree from the Cinema Direction School of Moscow, Rusia.

46 CORTOMETRAJE PHANTOM LIMB JAY ROSENBLATT USA, 2005. 28’

Mejor documental en el Florida Film Festival 2005 Silver Wolf en el Amsterdam Documentary Film Festival (IDFA 2004). Categoría cortometrajes

PHANTOM LIMB La muerte a los siete años del hermano del cineasta cuando éste tenía nueve permanece dolorosamente en su memoria. Phantom limb utiliza esta historia personal como un punto de partida para una colección de reflexiones personales sobre la pena y la pérdida. Estos pensamientos se manifiestan a lo largo de entrevistas con un propietario de cementerio, un enfermo y el autor de un libro sobre vida después de la muerte. Jay Rosenblatt Ha hecho películas desde 1980 y, desde 1989, PHANTOM LIMB ha trabajado como productor de cine y Zinegileak bederatzi urte zituela, zazpi urteko anaia hil zitzaion eta heriotza vídeos en varias escuelas en Bay Area, horrek modu mingarrian dirau bere oroitzapenean. Penari eta galerari buruzko incluyendo la Universidad de Stanford, gogoeta pertsonalen sortarako abiapuntu bezala erabiltzen du Phantom limb fil- Universidad de San Francisco y el College de mak istorio pertsonal hori. Pentsamendu horiek elkarrizketetan ageri dira eta San Mateo. Actualmente es director visitante elkarrizketatuak hauexek dira: kanposantuko jabe bat, gaixo bat eta heriotza en el Instituto de Arte de San Francisco. ondoko bizitzaz liburua idatzi duen pertsona bat. Jay Rosenblatt New Yorken jaio zen eta San Frantziskon bizi izan zen luzaro. 1980an hasi PHANTOM LIMB zen filmak egiten eta, 1989az geroztik, zine The death of the filmmaker’s seven-year-old brother when he was nine remains eta bideo ekoizle aritu da Bay Areako hainbat a painful and haunting memory. Phantom Limb uses this personal story as a eskolatan (EE.BB), bai eta Stanfordeko point of departure for a collection of personal reflections on grief and loss. Unibertsitatean, San Frantziskoko Interspersed throughout are interviews with a cemetery owner, a patient and an Unibertsitatean eta Mateo Ikastetxean ere. author of a book about evidence for life after death. Master bat du Aholkularitza Psikologikoan eta, gaur egun, psikoterapeuta ari da lanean. Director / Zuzendaria / Director: Jay Rosenblatt. Guión / Gidoia / Screenplay: Jay He has directed fims since 1980 and, since Rosenblatt. Fotografía / Argazkia / Photography: Ara Corbett, Todd Curtis, Jay 1989, he has been a film and video producer Rosenblatt. Montaje / Muntaketa / Edition: Jay Rosenblatt. Producción / Ekoizpena at various film schools in the Bay Area, / Production: Locomotion Films including Stanford University, S.F. State University, and the College of San Mateo. He Ventas / Salmentak / Sales: Locomotion Films is currently the visiting filmmaker at the San 4159 20th Street. 94 114 San Francisco. USA Francisco Art Institute.

47 RETROSPECTIVA. CLÁSICOS DEL CINE DOCUMENTAL JAPONÉS ATZERA BEGIRAKO. JAPONIAKO ZINEMA DOKUMENTALAREN KLASIKOAK RETROSPECTIVE. JAPANESE DOCUMENTARY CLASSICS

EL CINE DE LOS MIL AÑOS CLÁSICOS DEL CINE DOCUMENTAL JAPONÉS CARLOS MUGUIRO

ANTES QUE CERO: UN CINE PARA UNA PELÍCULA Cuando Shinsuke Ogawa encontró en 1987 que no había forma de estrenar su documental El reloj de sol que marca milenios: la historia de Magino, construyó él mismo, con la ayuda de un grupo fiel de colaboradores, una sala de cine de made- ra y adobe a la que llamo El cine de los mil años. Allí se proyecto la película durante un mes aproximadamente y luego se desmontó como si nada hubiera ocurrido. Una sala para una película que había tardado trece años en rodar.

AÑO CERO Ahora que se cumplen cincuenta años de la llamada segunda edad de oro del cine japonés, aquella que descubrió al espectador occidental, a través de los premios en festivales internacionales, la obra de directores como Kurosawa, Mizoguchi, Ozu y Naruse, aparece con cierta claridad la certeza de que aquel renacer tuvo su reflejo más o menos equivalente en las aguas del documental. El cine documental nipón generó a partir del fin de la ocupación norteamericana en 1952 una producción regular de gran variedad y riqueza, conformando algo así como una nueva memoria, o mejor, una nueva conciencia. Cuando concluye la guerra, el 14 de agosto de 1945, Japón es un país arrasado, que ha sufrido durante cuatro meses el bombardeo masivo en sesenta ciudades y que, paralizado por la noticia de los ataques atómicos, se enfrenta al doble reto de entender qué ha sucedido en Hiroshima y Nagasaki y de afrontar la ruptura irreversible con mil años de historia. La mañana del día 15 el Emperador Hiroito comunicó a los ciudadanos la rendición de Japón. Nunca antes el país había sido ocupado por tropas extranje- ras. Tampoco los japoneses habían escuchado antes la voz del emperador. La primera vez que la escucharon fue para conocer el final. La segunda, el 1 de enero del año siguiente, para saber que Hiroito renunciaba a la categoría divina de su puesto. La cámara documental testimonió la mayor ruptura con una tradición e historia milenarias y registró los vertiginosos cambios que desde el punto de vista de la moral, la intimidad, la vida social, la expresión emocional y la identidad se produjeron a lo largo de los siguientes cincuenta años.

AÑO UNO El ciclo se centra especialmente en el cine que se genera a partir del fin de la Guerra Mundial, pero rescata también el trabajo de Fumio Kamei, bisagra fundamental entre el cine de antes y después de la guerra. Formado en Leningrado a comienzos de los años treinta, Kamei se destacó, con apenas 25 años, como un gran montador y un cineasta de mirada afilada que le provocó soportar la censura del régimen. Son famosos los planos de Fighting Soldiers (Tatakau heitai) en los que aparecen los soldados agotados incapaces de seguir la marcha del grupo: forman parte ya de ese grupo de imágenes símbolo, tan realistas como anticipa- torias, con las que se podría resumir la historia del cine de lo real.

MIL AÑOS A partir de este encuentro con Kamei, El cine de los mil años repasa las etapas fundamentales en las que puede dividirse la historia del cine documental de los

50 últimos 60 años. Una primera etapa de debate ético y formal a lo largo de la déca- da de los cincuenta, etapa también de formación de quienes en la década siguiente adaptarán al documental las nuevas formas autorreflexivas y experimentales de los sesenta y setenta. A partir de 1960 el documental entra en un periodo de gran efervescencia, influido por las películas que llegan de Europa, sobre todo de la Nouvelle Vague francesa. Se produce además una fructífera interrelación entre la ficción y la no ficción, directores formados en el documental pasan a la ficción y viceversa, generando interesantes reflexiones en las fronteras del azar y la representación. El final de los sesenta y sobre todo los primeros años de la década de los setenta se caracteriza, entre otras cosas, por cierta actitud obsesiva de los cineastas, empeñados en arrastrar hasta sus últimas consecuencias las estrategias para filmar la realidad y los dispositivos de rodaje, incluso sobre temas repetidos que se convierten en protagonistas permanentes de una película tras otra. El nombre de Noriaki Tsukimoto, por ejemplo, permanece unido a su serie sobre el desas- tre de Minamata, el envenenamiento masivo de la población que vivía alrededor de la bahía, víctima durante más de treinta años de los vertidos de mercurio de una gran compañía industrial, al que dedicó gran parte de su vida. A la cabeza de todo este fenómeno, Shinsuke Ogawa. Considerado por muchos como el mejor documentalista japonés, constituye en sí mismo un capítulo independiente en la historia de la no ficción. Comenzó filmando las revueltas de los años sesenta en Japón para ir alejándose cada vez más del cine directo y de los circuitos comerciales. Obsesionado por el misterio de lo pequeño y del paso del tiempo, fue desarrollando uno de los más ambiciosos experimentos en la historia del cine documental: llevando hasta las últimas consecuencias las enseñanzas de Flaherty, decidió convertirse en lo que quería filmar, abandonó la industria- lizada Tokio, aprendió a sembrar arroz y recoger kakis, se convirtió en campesi- no e hizo del cine su segunda prioridad: primero tenía que comer de su trabajo en el campo. Sólo así, según su opinión, conseguiría tocar el misterio de la vida y rodarlo. Fundó una productora e inventó nuevos caminos para la exhibición. Y así las películas fueron llegando con cuentagotas, como frutos de la tierra. Ogawa murió en 1992 a los 55 años, poco después de fundar en Yamagata (250.000 habitantes, menos que Pamplona) un festival de cine que, trece años después, es la máxima referencia de la no ficción asiática. Además del festival (YIDFF), Yamagata es un centro permanente de estudio y reflexión sobre el género. El legado de Ogawa son sus películas pero también este festival. Yama- gata es el responsable de la revisión de la historia del cine documental japonés acaecida en los últimos años y plataforma imprescindible de los nuevos realizadores asiáticos. Cualquier cronología de la no ficción asiática debe incluir el nacimiento de este evento, un mar de conciencia y reflexión, que ha permitido pensar el cine documental y darlo a conocer de manera coherente e historiada. En el YIDFF han estrenado sus primeras obras cineastas de una nueva genera- ción como Naomi Kawase, Hirokazu Kore-eda o Toichi Nakata, cineastas de la intimidad y el autorretrato. La tendencia de un cine en primera persona que, como aguas subterráneas, recorre el cine de las dos décadas anteriores se ha convertido en una de las señas de identidad del más reciente documental japonés.

51 Directores muy prolíficos, que saltan de la ficción al documental y viceversa, que emplean las nuevas tecnologías y prescinden del 16 mm, formato preponderan- te en la tradición documental nipona. Las reflexiones en torno a la identidad y a la extrañeza del propio cuerpo, la búsqueda familiar y la confesión en forma de diario, el registro de la muerte, el registro de la agonía y la muerte, de esa frontera que separa lo vivo de lo muerto, ocuparán las pantallas de un cine a la vanguardia de la no ficción mundial. El cine documental japonés sorprende a veces mucho más por las implicaciones éticas, por lo mucho que exige al director y por todo lo que éste se atreve a entre- gar, que por la ruptura de moldes formales superficiales. Sin ninguna pretensión de totalidad, voluntariamente elíptico y sugerente, El cine de los mil años propone un primer acercamiento a este territorio fascinante, señalando algunas puer- tas de acceso, algunos nombres esenciales, algunas imágenes inolvidables, algunos sonidos que, como la voz del emperador, llegan a nuestros oídos por primera vez.

52 MILA URTEKO ZINEA JAPONIAKO ZINEMA DOKUMENTALAREN KLASIKOAK CARLOS MUGIRO

ZEROA BAINO LEHEN: ZINE ARETO BAT FILM BATERAKO Shinsuke Ogawa zinegileak 1987an ikusi zuen ez zegoela bere Mila Urteko eguzki-erlojua: Maginoko historia izeneko dokumentala estreinatzeko modurik. Orduan, Ogawak berak zurezko eta pezozko zine areto bat eraiki zuen, laguntzaile talde fidel batek lagunduta. Areto horri Mila urteko zinea izena jarri eta han bertan eman zuen film hura hilabete batez, gutxi gorabehera. Gero, aretoa desmuntatu zuen deus gertatu izan ez balitz bezala. Horra hamahiru urtez filmatzea kostatu zitzaion film baterako berariaz egindako zine aretoa.

ZERO URTEA Japoniako zinearen bigarren urrezko aroa deitutakoaren berrogeita hamar urte bete dira. Aro hark Kurosawa, Mizoguchi, Ozu eta Naruse bezalako zuzenda- rien lana erakutsi zion Mendebaldeko ikusleari, nazioarteko jaialdietan eskura- tutako sarien bidez. Bada, urtemuga honetan, argi samar dago berpizkunde hark antzeko oihartzuna ere izan zuela dokumentalaren uretan. Izan ere, iparrameri- karren okupazioari 1952an akabera eman zitzaionetik aitzinera, japoniar zineak askotariko eta ekoizpen erregularra sorrarazi zuen, aberastasun handikoa gainera. Hura memoria berria eratzea bezalakoa izan zen, edo hobe esan, kontzientzia berri bat. Gerra 1945eko abuztuaren 14a bukatu zenean, Japonia arras erraustua zegoen, lau hilabetez bonbardaketa olde handia jasan zuen hirurogei hiritan eta, eraso atomikoen albisteak txundituta, bi erronkari aurre egin behar izan zien: batetik, Hiroshiman eta Nagasakin zer gertatu zen ulertzeari eta, bestetik, mila urteko historia betirako hautsi izanari. Abuztuaren 15aren goizean, Hiroito enperadoreak Japoniaren errendizioa jakinarazi zien herritarrei. Herrialdea ez zen sekulan aurretik atzerriko armadek hartua egon. Japoniarrek ere ez zuten inoiz ere enperadorearen ahotsa entzun. Ahots hura entzun zuten lehenbiziko aldia izan zen, zertarako eta amaiera ezagutzeko. Bigarrena, hurrengo urteko urtarrilaren 1ean izan zen, Hiroitok bere karguaren jainkozko izaerari uko egiten ziola jakinarazteko.

53 Mila urteko usadio eta historia errotik hautsi izanaren lekukotasuna eman zuen kamera dokumentalak eta, aldi berean, grabatu egin zituen hurrengo berrogeita hamar urtean alde askotatik begira gertatu ziren aldaketa zorabiagarriak: mora- la, intimitatea, gizarte bizitza, adierazpen emozionala eta identitatea.

LEHENENGO URTEA Zikloak batez ere arreta pausatu du Bigarren Mundu Gerraren bukaeratik aurrera sortu zen zinean, baina Fumio Kamei zinegilearen lana ere ekarri du gogora, hots, gerra aurreko eta ondoko zinearen arteko funtsezko lotura. 30eko hamarkadaren hasieran Leningradon ikasketak eginik, Kamei muntatzaile eta begirada zorrotzeko zinegile gisa nabarmendu zen, doi 25 urte zituela. Horrek eraginik, erregimenaren zentsura jasan zuen. Oso ezagunak dira Fighting Sol- diers (Soldaduak borrokan-Tatakau heitai) filmeko plano batzuk, zeinetan leher egindako soldadu akituak agertzen baitira, taldearen martxari jarraitzeko gauza ez direla: irudi horiek guztiz adierazgarriak dira, ikur bilakatu ziren; errealistak ere badira, ondoko joerak aurreratu zituzten eta, egia esan, horien bidez, errealitatearen zinearen historia laburbildu liteke.

MILA URTE Kameioren lana erakutsi ondoren, azken 60 urteotako zinema dokumentalaren historia osatzen duten funtsezko etapak agerian utziko ditu Mila urteko zineak. Horrela, 50eko hamarkada osoa suspertze eta indartze etapa izan zen, bai eta prestakuntza aldia ere eta, alde horretatik, prestakuntza hori hartu zutenek dokumentalera egokitu zituzten hurrengo hamarkadan auto-gogoetako eta esperimentaziozko forma berriak. 1960tik aurrera, dokumentala irakinaldian sartu zen, Europatik zetozen filmek eraginda, Nouvelle Vague-k eraginda bereziki. Gainera, harreman emankorra gertatu zen fikzioaren eta ez-fikzioaren artean, hau da, dokumentalean prestatutako zuzendariak fikziora pasatu ziren eta alderantziz. Horrek guztiak gogoeta interesgarriak sortu zituen zoriaren eta an- tzezpenaren mugetan. 60ko hamarkadaren bukaeran eta, batez ere, 70eko hamarkadan lehengo urteak, zinegileek nola halako jarrera obsesiboa izan zuten, azken ondorioetaraino eraman nahi zituztelako errealitatea filmatzeko estrategiak eta filmatze bitartekoak. Eta gai berberak behin eta berriz agertu ziren filmetan. Horra, besteak beste, etapa horretako ezaugarria. Esate baterako, Noriaki Tsukimoto zuzendariaren izena lotua dago Minamatako hondamendiaz egin zuen film sor- tari. Toki hori badia bat da eta inguru hartako jendea pozonduta gertatu zen, industria konpainia handi batek –hogeita hamar urtez baino gehiagoz- merku- rioa itsasora bota izanaren ondorioz. Zuzendariak bere bizitzaren puska handi bat eman zuen gai hori jorratzen. Mugimendu horretan Shinsuke Ogawa izan zen buru. Askoren iritziz, inoizko dokumental egile japoniarrik onena izan da eta berezko atala osatzen du ez-fikzioaren historian. Japonian 60ko hamarkadan gertatu ziren erreboltak hasi zen filmatzen, baina ondotik gero eta gehiago urrundu zen zuzeneko zine hartatik, bai eta merkataritza bideetatik ere. Txikitasunak eta denboraren joanak obsesio- naturik, sekulan zinema dokumentalean egin den esperimenturik handinahie- netako bat garatu zuen. Hau da, Flaherty zinegilearen irakaspenak azken ondo-

54 rioetaraino eramanez, filmatu nahi zuen huraxe bihurtzea erabaki zuen. Ondo- rioz, Tokio industrializatu hartatik alde egin, arroza ereiten eta kakis biltzen ikasi, nekazari bilakatu eta zinea bere bigarren lehentasuna egin zuen: lehenbizikoa, nekazaritzan egindako lanetik jan beharra. Bere iritziz, horrela bakarrik lortuko zuen biziaren misterioa ukitu eta filmatzea. Ekoizpen etxe bat sortu eta filmak emateko bide berriak asmatu zituen. Eta horrela, filmak tantaz tanta iritsi ziren, lurreko fruituak bezala. Ogawa hil zen, 55 urte zituela, Yamagatan (250.000 biztanle, Iruñean baino gu- txiago) zine jaialdi bat sortu eta gutxira. Jaialdi hori Asiako ez-fikzioaren erreferentzia gorena bilakatu da hamahiru urte geroago. Jaialdiaz gain (YIDFF), Yamagata generoari buruzko ikasketa eta gogoeta gune iraunkorra ere bada. Ogawaren ondarea bere filmak dira, baina jaialdi hori ere bai. Yamagata da Japo- niako zinema dokumentalaren historian azken urteotan egin den berrikuspena- ren arduraduna eta, aldi berean, errealizatzaile asiar berrien ezinbesteko plataforma. Asiako ez-fikzioaren edozein kronologiak ekitaldi horren jaiotza hartu behar du aintzat, kontzientzia eta gogoetarako topaketa baita, eta aukera eman du zinema dokumentala pentsatzeko, bai eta era koherentean ezagutzera emateko ere. Naomi Kawase, Hirokazu Kore-eda eta Toichi Nakata bezalako belaunaldi berri bateko zinegileek estreinatu dituzte beren lehen lanak Jaialdi horretan, intimita- tearen eta auto-erretratuaren zinegileek, alegia. Horra Japoniako zinerik berrie- naren ezaugarri nagusia, hots, -lurpeko uren antzera- aurreko bi hamarkadetako zinea zeharkatzen duen lehen pertsonan egindako zinearen joera. Oso zuzendari emankorrak dira, fikziotik dokumentalera eta alderantzizko jauzia egiten dutenak, teknologia berrien erabiltzaile eta 16 mm-ko formatua alde batera uzten dutenak, hau da, Japoniako dokumentalean nagusi izan den formatua. Munduko ez-fikzioaren abangoardian dagoen zinea da eta gai hauek jorratzen ditu: identitateari eta gorputzaren beraren gaineko harridura, egunkari itxurako bilaketa familiarra eta aitormena, heriotzaren erregistroa, agoniaren eta heriotzaren erregistroa, bizitza heriotzatik bereizten duen mugaren erregistroa. Japoniako zinema dokumentalak zenbaitetan harridura handiagoa sortzen du inplikazio etikoengatik, zuzendariari exijitzen dionagatik eta zuzendaria emate- ra ausartzen den guztiagatik, ezen azaleko molde formalak hausteagatik baino. Osotasun asmorik batere gabe, borondatez eliptikoa eta iradokitzailea, Mila urteko zinea sailak lehen hurbilpen bat proposatzen du lurralde zoragarri horre- tara eta, hartara, sarbideetako zenbait proposatzen ditu, funtsezko izen zenbait, irudi ahaztezin zenbait, soinu zenbait, enperadorearen ahotsa bezala gure bela- rrietara lehen aldiz iritsiko direnak.

55 THE CINEMA OF A THOUSAND YEARS JAPANESE DOCUMENTARY CLASSICS CARLOS MUGUIRO

BEFORE ZERO: A CINEMA FOR ONE FILM When in 1987 Shinsuke Ogawa found that there was nowhere to show his film The Sundial carved by a Thousand Years of Notches: the Magino Village Story, he built, with the help of a loyal group of supporters, a cinema of wood and adobe which he christened The Thousand-Year Theatre (cinema). He screened the film there for about a month and then dismantled it without leaving a trace. A cinema for a single film which had been 13 years in the making.

YEAR ZERO Fifty years on from Japanese filmmaking’s so-called SecondGolden era, an era which brought the works of directors such as Kurosawa, Mizoguchi, Ozu and Naruse to western audiences through awards won at international festivals, it now seems clear that this rebirth held its reflection in the waters of the documentary. When North American occupation came to an end in 1952, Japanese documentary film began to turn out a regular production of great variety and wealth, forming something akin to a new memory, or rather, a new awareness. When the war finished on the 14th of August 1945, Japan, having suffered the mass bombardment of sixty cities over a four-month period, was a country in ruins, paralysed by the news of atomic explosions and faced with the dual cha- llenge of understanding what had happened in Hiroshima and Nagasaki and of confronting an irreversible break in its thousand years of history. On the mor- ning of the 15th, Emperor Hiroito announced Japan’s surrender to the nation. Never before had the country been occupied by foreign troops. Nor had the Japanese ever heard the emperor’s voice until that day. The first time they heard it was when it spoke to announce the end. The second, on the 1st of January of the next year, was when Hiroito renounced the divine nature of his title. The documentary camera bore witness to this great rupture with a thousand years of tradition and history, and went on to record the dizzy changes which, from the point of view of morale, intimacy, social life, emotional expression and identity, were to take place over the next fifty years.

YEAR ONE The season mainly focuses on films produced since the Second World War, while also rescuing the work of Fumio Kamei, the all-important hinge between the pre- and post-war periods. Educated in Leningrad at the beginning of the 30’s, Kamei stood out as a great editor and a sharp-eyed filmmaker at the age of 25, something which earned him the wrath of the censors. His shots of exhausted soldiers unable to keep up with the rest of the group in Fighting Soldiers (Tata- kau heitai) are now famous and have come to form part of that symbolic group of images which could so easily be used to summarise the history of non-fiction film. YEAR THOUSAND Taking this encounter with Kamei as a starting-point, The Cinema of a Thousand Years looks over the main stages into which the Japanese documentary of the last 60 years can be divided. An initial stage of recovery and ethical and formal dis- cussion in the 50's, the period in which those who would come to adapt the new

56 forms of self-reflection and experimentation to the documentaries of the 60's and 70's were being trained. From 1960 on, the documentary entered a period of great effervescence, influenced by films from Europe and, more particularly, the Nouvelle Vague. A fruitful relationship was also forged between fiction and non- fiction, directors reared in documentaries turning to fiction and vice versa, gene- rating interesting reflections on the boundaries of chance and representation. The end of the 60’s and, above all the first years of the 70’s were characterised, among other things, by a certain obsessive attitude among filmmakers, determi- ned to take strategies for filming reality and filming devices to the ultimate consequences, to such an extent as to repeat the same subject matter from one film to another. The name of Noriaki Tsukimoto, for example, remains linked to the series the director made about the Minamata disaster, the mass poisoning of those who lived around Minamata bay, which suffered from thirty years of mercury dumping at the hands of an industrial giant, to which he dedicated a great part of his life. Leading this phenomenon, the figure of Shinsuke Ogawa. Regarded by many as the greatest Japanese documentary filmmaker, Shinsuke Ogawa deserves a chapter in the history of non-fiction all to himself. He began filming Japan’s turbu- lent Sixties and, in fact, some books refer to his work in connection with the guerrilla, street-level, camera-in-hand cinema that occupied him at that time. Gradually distancing himself from direct filmmaking and commercial circuits, however, and obsessed with the mystery of the small and the passing of time, he went on to develop one of the most ambitious experiments in the history of documentary film. Taking Flaherty’s teachings to their ultimate consequences, Ogawa decided to become what he wished to film: he left industrial Tokyo, learnt to grow rice and harvest date plums, and became a peasant, relegating film to second place: first, he had to live off the land. Only in this way, he believed, would he be able to caress the mystery of life and film it. He founded a production company and invented new forms of exhibition. And so the films came little by little, like the fruits of the earth. 57 Ogawa died in 1992 at 55 years of age, not long after founding a film festival in Yamagata (population: 250,000, less than Pamplona), which, thirteen years on, is now the main reference point for Asian non-fiction. In addition to being the venue for the festival (YIDFF), Yamagata is also a permanent centre of study and reflection on the genre. Ogawa’s legacy includes not only his films, but also this festival. Yamagata is responsible for revising the history of Japanese documentary filmmaking over recent years and is a vital platform for new Asian filmmakers. Any chronology of Asian non-fiction is obliged to include the birth of this event, a sea of conscience and reflection, which has allowed for a focus on documentary filmmaking and has publicised it coherently and effectively. The first works of filmmakers belonging to the new generation, such as Naomi Kawase, Hirokazu Kore-eda and Toichi Nakata, filmmakers of intimacy and self-portrait, were premiered at the YIDFF. The first person, an underground stream in the films of the twoprevious decades, are now one of the marks of Japa- n’s most recent documentaries. Highly prolific directors, who jump from fiction to the documentary and vice versa, who use new technology and no longer rely on 16 mm, the overbearing format in the Japanese documentary tradition. Reflections on identity and the mystery of the body, the search for family and diary-like confessions, death and agony, the line between the living and the dead, have all come to fill the screens of the beginning of the XXI century. Japanese documentary film at times surprises a great deal more for its ethical implications, for the demands it makes of its directors and for everything that they dare surrender, than it does for its rupture with shallow moulds of form. Without any kind of pretension of totality, deliberately elliptical and suggestive, The Cinema of a Thousand Years intends to provide a first glance at this fascina- ting territory, pointing towards a few doorways, a few essential names, a few unforgettable images, a few sounds which, like the voice of the emperor, reach our ears for the very first time.

58 59 FUMIO KAMEI FUKUSHIMA, JAPÓN, 1908-1987 FUKUSHIMA, JAPONIA, 1908-1987 FUKUSHIMA, JAPAN, 1908-1987

Bisagra esencial entre el cine de antes y después de la guerra, se formó en Lenin- grado en los años treinta y pronto destacó como montador. En 1933 ingresó en la productora P.C.L. (Photography Chemical Laboratory), donde sentó las bases del cine documental japonés con Dotô wo kette, Shanghai y Kobayashi Issa. Su película Tatakau heitai (Fighting Soldiers) provocó la ira de los militares y su encarcelamiento. Se consagró como gran documentalista con Nihon no higeki (A Japanese Tragedy), Kichi no ko-tachi (Children of the Base), Ikite ite yokatta (Still It's Good to Live), Ryûketsu no kiroku: Sunagawa (Record of Blood: Suna- gawa) y Sekai wa kyôfu suru (The World is Terrified: The Reality of the Ash of Death). En 1986 firmó el ensayo cinematográfico Seibutsu mina tomodachi (All Living Things are Friends). Falleció días después de terminar el montaje. Para muchos historiadores y cineastas, Fumio Kamei es el documentalista más repre- sentativo de Japón, equiparable a Flaherty, Jennings y Vertov.

Gerra aurreko eta ondoko zinearen arteko funtsezko lotura izan zen. Leningra- don hartu zuen prestakuntza hogeita hamarreko hamarkadan eta laster nabarmendu zen muntatzaile gisa. 1933an, P.C.L. (Photography Chemical Labora- tory) erakundean sartu eta Japoniako zinema dokumentalaren oinarriak ezarri zituen bi lan hauen bidez: Dotô wo kette, Shanghai eta Kobayashi Issa. Bere Tata- kau heitai (Soldaduak borrokan) filmak militarrak sumindu zituen eta, ondorioz, espetxeratu zuten. Ondoko lan hauek eman zioten ospe handia dokumental egile gisa. Hona hemen: Nihon no higeki (A Japanese Tragedy), Kichi no ko-tachi” (Children of the Base), Ikite ite yokatta (Still It's Good to Live), Ryû- ketsu no kiroku: Sunagawa (Record of Blood: Sunagawa) eta Sekai wa kyôfu suru (The World is Terrified: The Reality of the Ash of Death). 1986an, Seibutsu mina tomodachi (All Living Things are Friends) izeneko zine-saiakera egin zuen. Mun- taketa bukatu eta gutxira hil zen. Historialari eta zinegile aunitzentzat, Fumio Kamei Japoniako dokumental egilerik adierazgarriena da Flaherty, Jennings eta Vertov zinegileen parekoa.

An essential link between pre- and post-war cinema, Fumio Kamei was educated in Leningrad in the 30’s and soon made a name for himself as an editor. In 1933, he joined the production company P.C.L. (Photography Chemical Labo- ratory), where he established the bases of Japanese documentary filmmaking with Dotô wo kette, Shanghai and Kobayashi Issa. His film Tatakau heitai (Figh- ting Soldiers) invoked the wrath of the army and led to his imprisonment. His consecration as a great documentary filmmaker came with Nihon no higeki (A Japanese Tragedy), Kichi no ko-tachi (Children of the Base), Ikite ite yokatta (Still It's Good to Live), Ryûketsu no kiroku: Sunagawa (Record of Blood: Suna- gawa) and Sekai wa kyôfu suru (The World is Terrified: The Reality of the Ash of Death). In 1986 he released the cinema essay Seibutsu mina tomodachi (All Living Things are Friends). He died just a few days after completing the project. For many historians and filmmakers, Fumio Kamei is Japan's most representative documentary filmmaker, only comparable to the likes of Flaherty, Jennings and Vertov.

60 FIGHTING SOLDIERS / TATAKAU HEITAI 1939 / 66’ / 16MM / B&N.

SOLDADOS LUCHANDO Raro ejemplar de documental bélico para la época, en el que los soldados no aparecen fieros e iluminados, al gusto de la propaganda, sino cansados, poco com- prometidos e incapaces de seguir el ritmo de sus compañeros. Su realismo y falta de grandilocuencia motivaron la prohibición de su estreno.

SOLDADUAK BORROKAN Garai hartarako gerra dokumental arraroa. Izan ere, soldaduak ez dira gogor eta adoretsu ageri –propagandaren gustuen arabera-, baizik eta nekatuak, ez konprometituak eta beste soldadu batzuen erritmoa ezin mantenduz. Lanari errea- lismoa dario. Ez, ordea, hanpatasunik. Hori dela eta, estreinaldia debekatu zuten.

FIGHTING SOLDIERS A rare example of a war documentary from the period, in which the soldiers do not come across as fierce and illuminated, to meet the tastes of propaganda, but rather as tired, uncommitted and unable to keep up with the rest. The realism and lack of grandiloquence led to the premiere being banned.

KOBAYASHI ISSA 1941 / 27’ / 35 MM / B&N

KOBAYASHI ISSA Un encargo de promoción turística de la prefectura de Nagano que Fumio Kamei decidió forzar para convertirlo en un documental sobre la vida en una pequeña aldea japonesa. Más tarde, explicaría: “Era una buena oportunidad: era joven y no se presentaban esas oportunidades con mucha facilidad”.

KOBAYASHI ISSA Naganoko prefekturaren enkargua izan zen, turismoa sustatzeko, baina Fumio Kameik hasierako ideia hura behartu zuen, harik eta Japoniako herri txiki bati buruzko dokumentala egin arte. Geroago, azalpen hau eman zuen: “Aukera ona izan zen hura: gaztea bainintzen eta ez da maiz izaten horrelako aukerarik”.

KOBAYASHI ISSA A film to promote local tourism commissioned by the Nagano prefecture and which Fumio Kamei decided to extend into a documentary about life in a small Japanese village. He later explained, “It was a great opportunity: I was young and chances like this didn't come along easily”.

61 SUSUMU HANI TOKIO, JAPÓN, 1928 TOKIO, JAPONIA 1928 TOKYO, JAPAN, 1928

Influenciado por las películas de la Nouvelle Vague francesa, Susumu Hani fue uno de los mayores exponentes de una Nueva Ola japonesa, nacida, al contrario que la francesa, en el seno de los estudios industriales. Susumu, antes de pasar- se a la ficción, dejó algunos de los más bellos documentales nipones. Su primera película de ficción, Bad Boys / Furyo shonen (1961) es considerada una de las fundadoras de la Nueva Ola Japonesa.

Frantziako Nouvelle Vague mugimenduko filmek eraginik, Susumu Hani Japo- niako “uhin berriaren” adierazgarri nagusietako bat izan zen, baina Frantziakoa ez bezala, japoniarra ikasketen baitan sortu zen. Fikziora pasatu baino lehen, Susumuk Japoniako dokumentalik ederrenetako batzuk egin zituen. Fikziozko bere lehen filma Bad Boys / Furyo shonen (1961) izan zen, Japoniako Uhin Berriaren sortzailetzat jotzen dena.

Influenced by the films of the French Nouvelle Vague, Susumu Hani was one of the greatest exponents of the Japanese New Wave, which, unlike its French counterpart, was born in the heart of the film studios. Before turning to fiction, Susumu produced some of the most beautiful examples of Japanese documentary film. His first work of fiction, Bad Boys / Furyo shonen (1961), is considered the cornerstone of the Japanese New Wave.

62 CHILDREN IN THE CLASS / KYO- SHIZU TO KODOMO 1955 / 30’ / 35 MM / B&N

NIÑOS EN CLASE Encargo del Ministerio de Sanidad y Educación, la película supera el objetivo de difundir los nuevos sistemas educativos del país de posguerra, y se convierte en una bella muestra silenciosa de observación y poesía.

HAURRAK IKASGELAN Osasun eta Hezkuntza Ministerioaren enkargua. Gerra ondoko Japoniako hezkuntza sistema berriaren aldeko kanpainaz haratago doa filma. Azken finean, behaketaz eta olerkiz beteriko adibide eder eta isila da.

CHILDREN IN THE CLASS Commissioned by the Ministry of Health and Education, the film surpassed the objective of showing the country's new post-war education systems to become a beautiful, silent display of observation and poetry.

CHILDREN WHO DRAW PICTURES / E O KAKU KODOMOTACHI 1956 / 28’ / 16 MM / B&N

NIÑOS DIBUJANDO Esta película obtuvo en el Festival de Venecia el premio a la mejor película edu- cativa, pero funda de alguna manera el nuevo cine documental japonés por su originalidad, frescura y su particular gramática con la cámara, que intenta crear algo equiparable a la expresión verbal.

HAURRAK MARRAZKETAN Hezkuntza helburu berberak ditu eta, alde horretatik, hezkuntza arloko saririk hoberena eman zioten Veneziako Jaialdian. Baina, nola edo hala, lan honek Japo- niako zinema dokumental berria sortu zuen hainbat arrazoi izan zirela medio: orijinaltasuna, freskura, kamera erabiltzeko modu berezi hori, kamera bidez saiatzen baita hitzezko adierazpenaren pareko zerbait egiten.

CHILDREN WHO DRAW PICTURES Winner of the prize for the best educational film at the Venice Festival, this documentary somehow helped found the New Japanese documentary filmmaking trend through its originality, freshness and peculiar grammar with the camera, which attempted to create something comparable to verbal expression.

63 TOSHIO MATSUMOTO JAPÓN, 1932 JAPONIA, 1932 JAPAN, 1932

Pionero del documental de vanguardia, ha trabajado también el cine experimental, la videocreación y el arte multimedia. Se graduó en la Universidad de Tokio en 1955. Tras dirigir su primera película para Iwanami, Senkan/ The Bends (1956), Matsumoto pasó al cine independiente en busca de nuevas formas de expresión. Sus escritos, desde Eizo no hakken (1963) a Eizo no tankyu (1992), conforman una de las fuentes de estímulo, provocación y reflexión más importantes del cine japonés de los últimos cincuenta años. Además de cortos esenciales de la no ficción japonesa, como Nishijin (1961) e Ishi no uta (The Song of Sto- nes), de 1963, Matsumoto ha dirigido obras dramáticas experimentales de gran repercusión internacional, como Bara no soretsu (Funeral of Roses) de 1969 y Dogra Magra. Imparte clases en la Facultad de Arte de la Universidad de Arte y Diseño de Kioto.

Abangoardiako dokumentalaren aitzindari honek zinema esperimentalean, sormen-bideoan eta multimedia artean ere lan egin du. Tokioko Unibertsitatean graduatu zen 1955an. Bere lehen filma Iwanami etxearentzat zuzendu zuen, Senkan/The Bends (1956), eta ondoren, zinema independentera pasatu zen, adierazpen bide berrien bila. Oso ezagunak dira bere idazkiak -Eizo no hakken (1963), Eizo no tankyu (1992)- eta, zalantzarik gabe, Japoniako zinemaren azken berrogeita hamar urteotako estimulu, probokazio eta gogoeta iturri garrantzi- tsuenetakoak dira. Era berean, Japoniako ez-fikzioaren film labur funtsezko batzuk eginak ditu, esaterako, Nishijin (1961) eta Ishi no uta (The Song of Stones), 1963koa. Gainera, nazioartean oihartzun handia izan duten lan dramatiko esperimentalak zuzendu ditu Matsumotok: Bara no soretsu (Funeral of Roses), 1969koa, eta Dogra Magra. Eskolak ematen ditu Kiotoko Arte eta Diseinuko Unibertsitatearen Arte Fakultatean.

A pioneer of avant-garde documentary filmmaking, Matsumoto has also delved into experimental film, video and multimedia art. He graduated from Tokyo University in 1955. After directing his first film for Iwanami, Senkan / The Bends (1956), Matsumoto turned to independent cinema in search of new forms of expression. His writings, from Eizo no hakken (1963) to Eizo no tankyu (1992), have over the last fifty years proved to be one of Japanese cinema’s most important sources of stimulation, provocation and reflection. In addition to essential examples of Japanese non-fiction, such as Nishijin (1961) and Ishi no uta / The Song of Stones in (1963), Matsumoto has also directed experimental fiction of great international repercussion: Bara no soretsu / Funeral of Roses (1969) and Dogra Magra. He teaches in the Faculty of Arts at the Kyoto Uni- versity of Art and Design.

64 NISHIJIN 1961 / 27’ / 16 MM / B&N

NISHIJIN Nishijin es un antiguo barrio de Kioto habitado por artesanos especializados en la confección de seda para kimonos. Matsumoto construye un cine-poema a tra- vés de este laberinto de callejuelas, que ganó el León de Plata al mejor documental en el Festival de Venecia.

NISHIJIN Nishijin Kiotoko auzo zaharra da eta, han, kimonoetarako zetaren prestaketan ziharduten artisau adituak bizi ziren. Matsumotok zinema-olerkia eraiki zuen kale txiki eta estu horiek osatutako labirintoan barrena. Lanak dokumental onenarentzako Zilarrezko Lehoia irabazi zuen Veneziako Jaialdian.

NISHIJIN Nishijin is an old quarter of Kyoto, home to craftsmen who specialise in the production of silk for kimonos. Matsumoto constructs a film-poem in the midst of the quarter’s maze of lanes and alleyways. The film won the Silver Lion for the best documentary at the Venice Festival.

THE SONG OF STONES / ISHI NO UTA 1963 / 30’ / 16 MM / B&N

EL CANTO DE LAS PIEDRAS Los operarios de una cantera, mientras extraían y pulían los bloques de piedra, decían que “la piedra está cobrando vida”. En esa paradoja encontró Matsumo- to la mejor metáfora de lo que es hacer una película. Según su opinión, el cineasta opera con las imágenes igual que el cantero con las piedras.

HARRIEN KANTUA Harriak erauzi eta leuntzen zituzten bitartean, harrobi bateko langileek esaten zuten “harria biziberritzen ari zela”. Paradoxa horretan aurkitu zuen Matsumo- tok film bat egitea zer den azaltzen duen metaforarik hoberena. Bere iritziz, zinegileak irudiekin lan egiten du harginak harriekin lan egiten duen bezala.

THE SONG OF STONES While extracting and polishing their blocks of stone, stonecutters used to say “the stone is coming to life”. This paradox provided Matsumoto with the best metaphor for what making a film is all about. In his opinion, filmmakers work images in the same way that stonecutters work stones.

65 SHOHEI IMAMURA TOKIO, 1926

Uno de los grandes maestros del cine emergido con la llamada Nueva Ola japonesa de los años sesenta. Fue ayudante de dirección de Yasujiro Ozu, Masaki Kobayahi y Yuzo Kawashima, a quien siempre consideró su maestro. Debutó en 1958 con Nusumareta Yokujo (Deseo robado) y a partir de Ningen Johatsu (Des- aparece un hombre) presta una gran atención al documental, en donde se refu- giará especialmente entre 1970 y 1979. En 1983 ganó la Palma de Oro en Cannes por Narayama Bushido (La Balada del Narayama), premio que volvió a recibir en 1997 por Unagi (La Anguila).

Zinearen maisu handietako bat, 60ko hamarkadako Japoniako Uhin Berriarekin batera abiatua. Yasujiro Ozu, Masaki Kobayahi eta Yuzo Kawashimaren zuzendaritza laguntzailea izan zen. Azken zinegile hori bere maisutzat jo zuen beti. 1958ean egin zuen bere lehen lana: Nusumareta. Bestalde, Yokujo (Desio lapur- tua) eta Ningen Johatsu (Gizon bat desagertu da) lanaren bidez hasi zen dokumentalaz arduratzen eta alor hori landu zuen 1970etik 1979ra bereziki. 1983an, Urrezko Palmondoa irabazi zuen Cannesen Narayama Bushido (Narayamako balada) lanarekin, eta sari hori bera jaso zuen 1997an Unagi (Aingira) lanarekin.

One of the great filmmaking masters to emerge from the so-called Japanese New Wave in the 60’s. Imamura worked as director’s assistant under Yasujiro Ozu, Masaki Kobayahi and Yuzo Kawashima, who he always considered his master. His debut came in 1958 with Nusumareta Yokujo (Stolen desire) and after Ningen Johatsu (A man vanishes), he centred on documentaries, in which he found particular refuge between 1970 and 1979. In 1983, he won the Palme d’Or at Can- nes for Narayama Bushido (The ballad of Narayama), an award which he won again in 1997 for Unagi (The eel).

66 HISTORY OF POSTWAR JAPAN AS TOLD BY A BAR HOSTESS / NIPPON SENGO SHI: MADAMU OMBORO NO SIKATSU 1970 / 105’ / 16MM / B/N

LA HISTORIA DE JAPÓN TRAS LA GUERRA CONTADA POR UNA CAMARERA Demostración del amor de Imamura por la gente corriente, anónima y sin historias, la película comenzó como un documental sobre el 25 aniversario de la Gue- rra del Pacífico, para extenderse a un amplio retrato de la historia del país a tra- vés de una vieja camarera, su bar abandonado y sus fracasos vitales.

GERRA ONDOKO JAPONIAKO HISTORIA, ZERBITZARI BATEK KONTATUA Imamurak jende arruntaz, anonimoaz eta istoriorik gabekoaz duen maitasuna- ren erakusgarria. Hasieran, filma Ozeano Bareko Gerraren 25. urtemugari buruzko dokumentala izan zen, baina gero gaiak haratago jo zuen eta Japoniako historiaren erretratu zabala bilakatu zen, zerbitzari zahar baten, bere taberna abandonatuaren eta bizitzan izan dituen porroten bidez kontatua.

HISTORY OF POSTWAR JAPAN AS TOLD BY A BAR HOSTESS A demonstration of Imamura’s love for ordinary, anonymous, storyless folk, this film started out as a documentary on the 25th anniversary of the Pacific War to become a generous portrait of the country’s history through the eyes of an old bar hostess, her deserted bar and her failures.

67 NORIAKI TSUKIMOTO GIFU, JAPON, 1938 GIFU, JAPONIA, 1938 GIFU, JAPAN, 1938

Graduado en derecho en la Universidad de Waseda, entró en el mundo del cine en 1956, en la productora Iwanami. Un año después se convirtió en director free-lance. Cuando una empresa desechó miles de toneladas de mercurio en la bahía de Minamata, contaminando sus aguas y envenenando a todos los que vivían de ellas, Tsukimoto encontró el tema que estaba buscando. Minamata: las víctimas y su mundo / Minamata, Victims and Their World/ Minamata: Kanjasan to sono sekai (1971) se convirtió en su obra maestra. Después ha realizado otros acercamientos al tema, o películas como Genpatsu kirinukicho / A Scrapbook about nuclear power plants (1982) o Arishihi no Kabul Hakubutsukan - 1988nen / Traces, The Kabul Museum 1998 (2003).

Wasedako Unibertsitatean zuzenbidean graduatua, 1956an sartu zen zine munduan, zehazki Iwanami ekoizpen etxean. Handik urtebetera, free-lance zuzendari bihurtu zen. Enpresa batek milaka eta milaka tona merkurio Minamatako badian bota, ura kutsatu eta inguru hartan bizi ziren gizon-emakume guztiak pozondu ziren. Tsukimotok orduantxe aurkitu zuen bilatzen ari zen gaia. Mina- mata: biktimak eta bere mundua / Minamata, Victims and Their World/ Minama- ta: Kanjasan to sono sekai (1971) bere maisu lana izan zen. Ondoren, gaiari ere heldu zion edota Genpatsu kirinukicho / A Scrapbook about nuclear power plants (1982) eta Arishihi no Kabul Hakubutsukan - 1988nen / Traces, The Kabul Museum 1998 (2003) bezalako filmak egin zituen.

After graduating in Law from the University of Waseda, Tsuchimoto entered the film world in 1956 as part of the Iwanami production company. He became a freelance director a year later. When a company poured thousands of tons of mercury into the Bay of Minemata, polluting its waters and poisoning all of those who lived from them, Tsuchimoto found the subject he was after. Minamata: The Victims and Their World/ Minamata: Kanjasan to sono sekai (1971) became his masterpiece. After that, he released other films about the subject or films such as Genpatsu kirinukicho / A Scrapbook about nuclear power plants (1982) and Arishihi no Kabul Hakubutsukan - 1988nen / Traces, The Kabul Museum 1998 (2003).

68 MINAMATA, VICTIMS AND THEIR WORLD / MINAMATA: KANJASAN TO SONO SEKAI 1971 / 120’ / 16 MM / COLOR

MINAMATA: LAS VÍCTIMAS Y SU MUNDO Entre los años 30 y los años 70, una compañía desechó toneladas de mercurio en la bahía de Minamata. Miles de personas que vivían en los alrededores quedaron envenenadas al comer peces contaminados. En la tragedia, la palabra de las víc- timas y su lucha encontró Noriaki un material cinematográfico casi inagotable y combativo.

MINAMATA: BIKTIMAK ETA BERE MUNDUA 30eko hamarkadatik 70eko hamarkadara, konpainia batek merkurioa tonaka eta tonaka bota zuen Minamatako badiara. Inguru haietan bizi ziren milaka eta milaka gizon-emakume pozondu egin ziren, arrain kutsatuak jateagatik. Trage- dia latz hartan, Noriakik zinemarako material ia agortezina eta borrokalaria aurkitu zuen biktimen hitzetan eta borrokan.

MINAMATA, VICTIMS AND THEIR WORLD Between the 30’s and the 70’s a chemical company poured tons of mercury into the Minamata Bay. Thousands of people living in the area were poisoned by eating contaminated fish. In the tragedy, the words and fighting spirit of the victims, Noriaki found an almost endless, combative source of filmmaking inspiration.

69 SHINSUKE OGAWA JAPÓN, 1936-1992 JAPONIA, 1936-1992 JAPAN, 1936-1992

Tras estudiar cine en la Universidad de Kokugakuin, trabajó como ayudante de dirección en numerosos documentales publicitarios para Iwanami Productions, entre los que destaca la película de Kuroki Kazuo Waga ai Hokkaido (My Love, Hokkaido). Nunca dirigió en Iwanami pero formó parte activa de El Grupo Azul, que renovó las formas del documental en los sesenta. A partir de Seinen no umi (Sea of Youth), Ogawa comenzó a realizar películas de forma independiente. Su carrera se suele dividir en tres etapas: las películas del movimiento estu- diantil (1965-1968); la serie de Sanrizuka (1968-1974); y la historia de Magino (1975-1992). Ogawa Productions, formada en 1968, la productora con la que ensayó nuevas formas de producción, distribución y exhibición colectivizada, se disolvió tras la muerte de su fundador. Creó el Festival Internacional de Cine Documental de Yamagata.

Kokugakuingo Unibertsitatean zine ikasketak egin ondoren, zuzendaritza laguntzaile aritu zen lanean publizitate-dokumental askotan Iwanami Produc- tions ekoizpen etxerako, eta horien artean Kuroki Kazuo zinegilearen Waga ai Hokkaido (My Love, Hokkaido) filma nabarmendu beharra dago. Ez zuen sekulan Iwanami etxean lanik zuzendu, baina Talde Urdineko kide izan zen, hots, hirurogeiko hamarkadan dokumentalaren formak berritu zituen mugimendu- koa. Seinen no umi (Sea ofYouth) filmetik aitzinera, Ogawa bere kasa hasi zen filmak egiten. Bere ibilbidean hiru etapa daude: ikasle mugimenduko filmak (1965-1968); Sanrizuka sorta (1968-1974); eta Maginoko historia (1975-1992). Ogawa Productions 1968an eratu zen, eta etxe horren bidez, era kolektiboko ekoizpen, banaketa eta emanaldi forma berriak hasi zen entseatzen. Etxe hori desegin zen, sortzailea hil eta gero. Yamagatako Zinema Dokumentalaren Jaial- dia sortu zuen.

After studying filmmaking at the University of Kokugakuin, Ogawa worked as director’s assistant on numerous advertising documentaries for Iwanami Pro- ductions, of which the film Kuroki Kazuo Waga ai Hokkaido (My Love, Hok- kaido) deserves special mention. He never directed in Iwanami, but did come to form an active part of the Blue Group, which renewed the documentary genre in the 60’s. After Seinen no umi (Sea of Youth), Ogawa began to make films inde- pendently. His career can be divided into three stages: his student movement films (1965-1968); the Sanrizuka series (1968-1974); and the Magino story (1975-1992). The production company in which he experimented with new forms of production, distribution and group exhibition, Ogawa Productions, founded in 1968, crumbled following his death. He created the Yamagata Inter- national Documentary Film Festival.

70 NARITA: HETA VILLAGE / SANRIZUKA: HETA BURAKU 1973 / 146’ / 16 MM / B&N

NARITA: HETA VILLAGE Cuando se conoció la intención del Gobierno de construir un aeropuerto en Narita, los campesinos y los estudiantes iniciaron una fuerte campaña de movi- lizaciones. Atraído por la historia, Ogawa registró durante diez años el proceso. Esta película es la última de toda la serie, y ganó el Premio de la Crítica en el Fes- tival de Berlín.

NARITA: HETA VILLAGE Gobernuak Naritan aireportu bat eraiki nahi zuela jakin zenean, nekazariek eta ikasleek mobilizazio kanpaina handia antolatu zuten. Ogawa zinegilea inguru hartara bizitzera joan eta, hamar urtez, han gertatutakoak grabatu zituen. Film hau sorta osoko azkena da. Kritikarien Saria irabazi zuen Berlingo Jaialdian.

NARITA: HETA VILLAGE When the Government’s intention of building an airport in Narita became known, peasants and students initiated a strong campaign of mobilisations. Ogawa went to live in the area and recorded the process for ten years. This, the last film in the saga won the Critics’ Prize at the Berlin Festival.

THE SUNDIAL CARVED BY A THOUSAND YEARS OF NOTCHES: THE MAGINO VILLAGE STORY / 1000-NEN KIZAMI NO HIDOKEI 1987 / 222’ / 16 MM / COLOR EL RELOJ DE SOL QUE MARCA MILENIOS: LA HISTORIA DE MAGINO Para realizar este documental etnográfico sobre la vida en un pequeño pueblo, el director pasó trece años viviendo allí, como un agricultor. El resultado final se adentra en los mitos de los lugareños y forma la obra cumbre del director, entre lírica, épica y pedagógica.

MILA URTEKO EGUZKI-ERLOJUA: MAGINOKO ISTORIOA Herri txiki baten bizitzari buruzko dokumental etnografikoa da. Bada, lan hori egiteko, zuzendariak hamahiru urte eman zituen han bizitzen, eta nekazari aritu zen. Horrela, egilea bertako gizon-emakumeen mitoetan barneratzen da eta, zalantzarik gabe, zuzendariaren lan gorena da, lirikaz, epikaz eta pedagogiaz jantzita.

THE SUNDIAL CARVED BY A THOUSAND YEARS OF NOTCHES: THE MAGINO VILLAGE STORY To make this ethnographic documentary about life in a small village, the director spent thirteen years living in Magino as a farmer. Detail reigns over entertainment in the end result and local myths enshroud what was to become the director's masterpiece, somewhere between the lyrical, the epic and the pedago- gical.

71 KAZUO HARA YAMAGUCHI, 1945

Abandonó el Instituto Técnico de Fotografía de Tokio porque “a través de la fotografía sólo llegaba a conocer a la gente de manera muy superficial”. Influen- ciado por Ogawa y Tsuchimoto se interesó por el cine documental y a punto estuvo de incorporarse a la disciplina de Ogawa Productions. Optó sin embargo por iniciar una carrera independiente que serviría de puente entre los dos grandes extremos del cine documental de los últimos treinta años: el documental colectivo de los años sesenta y el cine privado de los noventa. Su filmografía está compuesta por las siguientes obras: Sayonara CP (Goodbye CP, 1972); Kyokus- hiteki erosu: Renka (1974) (Private Eros: Love Song); Yuki yukite shingun (The Emperor’s Naked Army Marches On), Premio Caligari en el Festival de Berlín, Gran Prix del Cinema du Réel y Premio de la Crítica en Rotterdam; Zenshin shosetsuka (A Dedicatd Life, 1994), elegida como mejor película del año por la revista “Kinema Jumpo”; Watashi no Mishima (My Mishima, 1999); y el largometraje de ficción Mata no hi no chika (2005).

Tokioko Argazkiaren Institutu Teknikotik atera zen “argazkiaren bidez jendea soilik azal-azaletik ezagutzen nuelako”. Ogawak eta Tsuchimotok eraginik, zine dokumentalaz interesatu zen eta Ogawa Productions etxerako lanean hasteko zorian egon zen. Dena dela, bestelakoa izan zen bere hautua, hots, bere kasa jar- dutea. Urteen joanean, bere jarduna zubi lana bilakatu zen azken hogeita hamar urte haietako zinema dokumentalaren bi mutur handien artean: hirurogeiko hamarkadako dokumental kolektiboa eta laurogeita hamarreko hamarkadako zine pribatua. Hona hemen Kazuok egindako filmak: Sayonara CP (Goodbye CP, 1972); Kyokushiteki erosu: Renka (1974) (Private Eros: Love Song); Yuki yukite shingun (The Emperor’s Naked Army Marches On), Caligari Saria Berlin- go Jaialdian, Gran Prix Cinema du Réel Jaialdian eta Kritika Saria Rotterdamen; Zenshin shosetsuka (A Dedicatd Life, 1994) urteko filmik onena aukeratu zuen “Kinema Jumpo” aldizkariak; Watashi no Mishima (My Mishima, 1999); eta Mata no hi no chika fikziozko film luzea (2005).

Kazuo left the Tokyo Technical Institute of Photography because “photography only allowed him to get to know people on a superficial level”. Influenced by Ogawa and Tsuchimoto, Kazuo became interested in documentary film and was on the verge of joining Ogawa Productions. He chose, however, to start an independent career which would bridge the gap between the two great extremes of documentary filmmaking of the last thirty years: the collective documentary of the 60’s and the private films of the 90’s. His filmography consists of the following works: Sayonara CP (Goodbye CP, 1972); Kyokushiteki erosu: Renka (1974) (Private Eros: Love Song); Yuki yukite shingun (The Emperor’s Naked Army Mar- ches On), Caligari Prize at the Berlin Festival, Gran Prix at the Cinema du Réel and Critics’ Prize in Rotterdam; Zenshin shosetsuka (A Dedicated Life, 1994), chosen as the best film of the year by the magazine “Kinema Jumpo”; Watashi no Mishima (My Mishima, 1999); and the full-length fiction film Mata no hi no chika (2005).

72 THE EMPEROR’S NAKED ARMY MARCHES ON / YUKY YUKITE SHINGUN 1987 / 122’ / 16 MM / COLOR

EL EJÉRCITO DE DIOS PROSIGUE SU MARCHA Kenko Okuzaki vivió uno de los episodios más sangrientos de la Guerra del Pacífico: los soldados se dispersaron en la jungla, y casi cien de ellos murieron de malaria y hambre. Ese episodio marcó para siempre a Okuzaki, convencido de que las almas de aquellos soldados han vuelto a visitarnos. Rodada a lo largo de cinco años, la película tuvo muchos problemas para su distribución, tanto por el contenido de las imágenes y las revelaciones sobre canibalismo dentro del ejér- cito como por las acusaciones al Emperador y a sus mandos realizadas por Oku- zaki. Nota sobre el título: Según el propio Kazuo Hara el título en inglés no se ajusta al espíri- tu del título japonés. Según la versión inglesa debería ser God Army Marches On. Aquí se sigue esta recomendación aunque se recuerda que el título internacional por el que se conoce la película es The Emperor’s Naked Army Marches On.

JAINKOAREN ARMADA AURRERANTZ DOA Kenko Okuzakik Ozeano Bareko Gerran izaniko gertakaririk odoltsuenetakoa bizi izan zuen: soldaduak oihanean barreiatu eta ia ehun malariak eta goseak jota hil ziren. Gertaera horrek eragin erabakigarria izan zuen zinegilearengan eta konbentzitua dago soldadu haien arimak itzuli direla gu bisitatzera. Bost urtetan filmatua, pelikulak arazo asko izan zituen, banatzeko, hainbat arrazoi izan zirela medio: irudien edukia, Arma barnean kanibalismoa gertatu zela agerraraztea, Okuzakik Enperadorearen eta bere agintarien aurka egindako akusazioak. Izenburuari buruzko oharra: Hara Kazuok berak dio ingelesezko izenburua ez datorrela bat japonierazko izenburuaren izpirituarekin. Ingelesezko bertsioaren arabera, honela izan beharko luke: God Army Marches On. Hemen gomendio horri men egin diogu, baina gogoratuko dugu nazioartean beste izenburu baten bidez ezagutzen dela filma: The Empe- ror’s Naked Army Marches On.

THE EMPEROR’S NAKED ARMY MARCHES ON Kenko Okuzaki lived through one of the bloodiest episodes of the Pacific War when soldiers were dispersed in the jungle and almost one hundred died of malaria or hunger. This episode marked Okuzaki for life, obsessed as he was by the conviction that the souls of the soldiers had returned to haunt him. Filmed over five years, the film encountered great difficulty when it came to distribution, not only due to the crudity of the images and revelations of cannibalism in the Army, but also as a consequence of Okuzaki's accusations against the Empe- ror and those in command. Note on the title: According to Kazuo Hara, the English translation of the title of the film is not a good reflection of the original. He says that the English title should be God’s Army Marches on. This recommendation is followed here although it should be pointed out that the international title by which the film is known is The Emperor’s Naked Army Marches On.

73 MAKOTO SATÔ HIROSAKI, AOMORI. 1957

Estudió filosofía en la Universidad de Tokio. Fue ayudante de dirección de Shinsuke Ogawa en un episodio de Sundial Carved by a Thousand Years of Not- ches: The Magino Village Story (1987). En 1988 se embarcó en la que sería su primera película como director. A lo largo de tres años convivió con su equipo, con- formado por siete personas, en las montañas de Niigata. El resultado Aga ni ikiru (Living on the River Agano), estrenado en 1992, se convirtió en un clásico del documental japonés contemporáneo. Ganó numerosos premios por todo el mundo, como el Premio a la Excelencia del Yamagata International Documen- tary Film Festival (1993), y el Premio al Mejor Nuevo Artista del Ministerio de Educación de Japón. Otros títulos de Makoto Satô son Mahiru no hoshi (Artist in Wonderland, 1998) , Hanako (2001), Aga no kioku (Memories of Agano, 2001) y Out of Place. Memories of Edward Said (2005). Ensayista cinematográfico y profesor en la Film School of Tokyo y en la Kyoto University of Art and Design, está considerado como uno de los cineastas más elegantes del panorama cinema- tográfico japonés.

Filosofia ikasi zuen Tokioko Unibertsitatean. Halaber, Shinsuke Ogawa zinegilearen zuzendaritza laguntzailea izan zen Sundial Carved by a Thousand Years of Notches: The Magino Village Story, lanaren atal batean (1987). Gero, 1988an, bere lehenbiziko filma zuzentzeari heldu zion. Hiru urtez bere ekipoarekin (zazpi lagunez osaturik) batera bizi izan zen Niigata mendietan. Filma Aga ni ikiru (Living on the River Agano) 1992an estreinatu zen eta Japoniako zinema dokumental garaikidearen lan klasikoa bilakatu zen. Sari aunitz irabazi zituen mundu zabalean, esaterako: Bikaintasun Saria Yamagata International Documentary Film Festival Jaialdian (1993), eta Artista Berri Onenarentzako saria, Japoniako Ministerioak emana. Hona hemen Makoto Satôren beste lan batzuk: Mahiru no hoshi (Artist in Wonderland, 1998), Hanako (2001), Aga no kioku (Memories of Agano, 2001) eta Out of Place. Memories of Edward Said (2005). Zine-saiakeragi- lea eta irakasle Tokioko Film School eskolan eta Kiotoko University of Art and Design unibertsitatean, Japoniako zinearen zinegilerik dotoreenetakoa da askoren ustez.

Satô studied philosophy at the University of Tokyo. He was Shinsuke Ogawa’s assistant on an episode of Sundial Carved by a Thousand Years of Notches: The Magino Village Story (1987). He embarked on what would be his first film as director in 1988. He lived with his seven-strong team in the mountains of Nii- gata for three years. The result, Aga ni ikiru (Living on the River Agano), first shown in 1992, became a modern Japanese documentary classic. He won several prizes worldwide, including the Prize for Excellence at the Yamagata Internatio- nal Documentary Film Festival (1993) and the Japanese Ministry of Educatio- n’s Prize for Best New Artist. Other Makoto Satô films are Mahiru no hoshi (Artist in Wonderland, 1998), Hanako (2001), Aga no kioku (Memories of Agano, 2001) and Out of Place. Memories of Edward Said (2005). Film essayist and teacher at the Film School of Tokyo and the Kyoto University of Art and Design, he is considered one of Japan’s most elegant filmmakers.

74 LIVING ON THE RIVER AGANO / AGA NI IKIRU 1992 / 115’ / 16 MM / COLOR

LA VIDA EN EL RÍO AGANO Makoto Satô pasó tres años viviendo en las montañas de Niigata recogiendo los efectos que el desarrollismo ha tenido en la naturaleza. Makoto Satô hace uso de la voz en off y de los comentarios autoreflexivos, poco utilizados hasta entonces, que otorgan al film gran honestidad. La película obtuvo entre otros premios el Master of Education's New Artist Awards.

BIZITZA AGANO IBAIAN Sato Makotok hiru urte eman zituen bizitzen Niigatako mendietan. Zehazki, bildu egin zituen desarrollismoak naturan izan dituen ondorioak. Makoto Satôk off ahotsa erabiltzen du, bai eta autogogoetarako iruzkinak ere, ordura arte gutxi erabiliak. Horrexek zintzotasun handia ematen dio filmari. Filmak, besteak beste, Master of Education's New Artist Awards saria eskuratu zuen.

LIVING ON THE RIVER AGANO Makoto Satô spent three years living in the mountains of Niigata recording the effects of industrial development on nature. Makoto Satô makes use of voiceo- vers and self-reflection, still rare at the time of its making, which help lend the film an air of great honesty. Among other prizes, the film won the Master of Education's New Artist Award.

MEMORIES OF AGANO / AGA NO KIOKU 2004 / 57’ / 16 MM / COLOR

RECUERDOS DEL AGANO Diez años después de filmar La vida en el río Agano, Makoto Satô volvió a Nii- gata y recorrió los escenarios, la mayor parte ya deshabitados, que había retrata- do en su ópera prima.

MEMORIES OF AGANO Bizitza Agano Ibaian lana filmatu eta hamar urtera, Makoto Satô Niigatara itzuli eta bere opera primarako erretratatu zituen bazter haietan ibili zen, gehienak jendez hustuak. Emaitza, egia esan, ausentziari buruzko olerki fantasmagorikoa da eta oso nabarmena da irudiek eta, bereziki, soinuek duten indarra, iragana biziberritzeko.

MEMORIES OF AGANO Ten years after filming Living on the River Agano, Makoto Satô returned to Nii- gata and revisit the scenes, by then mostly deserted, portrayed in his first work. The result is this phantasmagorical poem about absence and the power of image and, above all, sound to resuscitate the past.

75 NAOMI KAWASE NARA, JAPÓN, 1969 NARA, JAPONIA, 1969 NARA, JAPAN, 1969

Estudió fotografía en la Escuela de Osaka, y la recomendación de un profesor, “trabaja el tema que te resulte inevitable”, dio lugar a su primera película, Ni tsutsumarete /El abrazo (1993), que describe el viaje de la autora en busca de su padre. Representante por excelencia de la última generación de cineastas japoneses, ha sacado a la luz una de las corrientes subterráneas del documental nipón: el cine que mira hacia la intimidad y el autorretrato. Alternando ficción y documental, ha recibido premios por todo el mundo. Moe no suzaku (1997), su primera película de ficción, ganó la Cámara de Oro en Cannes.

Osakako eskolan ikasi zuen argazkia. Irakasle baten gomendioak –“landu ezazu ezinbestekoa gertatzen zaizun gaia”- bere lehen lana sorrarazi zuen: Ni tsutsumarete /Besarkada (1993). Egileak bere aitaren bila hasten duen bidaia deskri- batzen du. Japoniako azken belaunaldiko zinegileen ordezkari nagusia, azalera atera du japoniar dokumentalaren lurpeko ildoetako bat: barne-barnerantz eta auto-erretraturantz begiratzen duen zinea. Fikzioa eta dokumentala txandaka- tuz, mundu osoan eskuratu ditu sariak: Moe no suzaku (1997) bere lehen fikzio filmak Urrezko Kamera irabazi zuen Cannesen.

Kawase studied photography at the Osaka School and a recommendation from one of her teachers, “work on those subjects you find inevitable”, gave way to her first film, Ni tsutsumarete / Embracing (1993), which describes her journey in search of her father. A representative par excellence of the latest generation of Japanese filmmakers, she has brought one of the underground trends in Japane- se documentaries, films which look towards intimacy and self-portrait, into the mainstream. Alternating between fiction and documentaries, she has won several awards worldwide. Her first fiction film, Moe no suzaku (1997), won the Camera d’Or at Cannes.

76 EMBRACING / NI TSUTSUMARETE 1992 / 40’ / 8MM-16MM / COLOR

EL ABRAZO Naomi Kawase fue criada por sus abuelos, que la adoptaron tras del divorcio de sus padres. Ella nunca ha vuelto a ver a su padre, y parte en su búsqueda. Las imágenes de este viaje sobre la identidad y la felicidad son fragmentarias y evo- cadoras. Sin complacencias, con coraje y una mirada frágil, Kawase compone una película donde descubre la importancia secreta de las cosas simples de la vida.

BESARKADA Aiton-amonek hazi zuten Naomi Kawase, bere gurasoen dibortzioaren ondotik adoptatu baitzuten. Neskak ez du berriro aita ikusi, eta haren bila abiatzen da. Identitateari eta zoriontasunari buruzko bidaia horren irudiak zatikatuak dira, bai eta oroitzapen ekarleak ere. Azken buruan, atseginik eman nahi gabe, adorez eta begirada hauskorraz, Kawasen filmak bizitzaren gauza xumeen garrantzi sekretua aurkitzen du.

EMBRACING Naomi Kawase was brought up by her grandparents, who adopted her when her parents divorced. Having not seen her father again, she decided to set off to look for him. The images of her journey, focussing on identity and happiness, are fragmentary and evocative. Without complacency, with courage and a fragile vision, Kawase composes a film which reveals the secret importance of the sim- ple things in life. DANS LE SILENCE DU MONDE / KYAKARABAA 2001 / 55’ / 16 MM – BETACAM / COLOR

EN EL SILENCIO DEL MUNDO Una película sobre la soledad, el amor hacia los más allegados, las huellas del tiempo y el poder de la naturaleza. Liberada de cualquier convención cinemato- gráfica, Kawase se lanza a la aventura de buscar el poder sugestivo y sensible de las imágenes y el sonido, confirmando la valía de una de las cineastas más origi- nales y valientes del panorama internacional.

MUNDUAREN ISILTASUNEAN Bakardadea, gure familiakoenganako maitasuna, denboraren aztarnak eta natu- raren boterea. Horra filmak landu dituen gaiak. Zinemako arau orotatik aske, Kawasek heldu dio irudien eta soinuaren botere iradokitzailea eta sentikorra bilatzearen abenturari. Lan horrek erabat erakutsi du nazioarteko zinegilerik orijinalenetako eta ausartenetako baten balio handia.

SKY, WIND, FIRE, WATER, EARTH A film about solitude, the love of those closest to us, the scars of time and the power of nature. Freed of all filmmaking conventions, Kawase sets off in search of the suggestive and sensitive power of image and sound, confirming the significance of one of the most original and bravest filmmakers on the international scene.

77 HOMENAJE A X FILMS OMENALDIA X FILMS ETXEARI TRIBUTE TO X FILMS FILMS

X FILMS, RESOLVIENDO LA INCÓGNITA HOMENAJE A LA PRODUCTORA CREADA EN 1963 POR JUAN HUARTE KOLDO LASA

El 1 de enero de 1963 nace en Pamplona la productora X con el nacimiento del segundo canal de TVE, cuando se inicia Films. Fue fundada por el empresario navarro Juan Huarte una etapa de gran producción de documentales sobre distin- Beaumont, empresario, mecenas y coleccionista, con la idea tos lugares de España y donde participan directores como de producir películas que “revistan un singular interés artísti- Luis Enciso, Pío Caro Baroja, José Luis Tafur, José Luis Vilo- co o representen especiales valores”, como se menciona en el ria, Gonzalo Sebastián de Erice o Manuel Rojas. Especial acta de fundación. Le acompañaban en aquella empresa el mención merece José María González Castrillo, más conoci- joven arquitecto Fernando Redón Huici y Juan Marañón do como “Chúmy Chúmez”. Amigo personal de Juan Huarte, Richi. es el director de numerosos documentales hasta mediados de los setenta y autor de los dibujos y guión del cortometraje de Juan Huarte ideó la productora como una más de sus activi- animación La edad de la piedra de Gabriel Blanco. En esta dades de mecenazgo y con el fin de llevar al cine las ideas de última película trabaja como animador Adolfo Oliete que con- artistas, intelectuales o cineastas con los que tenía contacto y tinuará en el departamento de producción de X Films con compartía inquietudes creativas y artísticas. González Sinde.

Los primeros proyectos de X Films se presentan a las ayudas A finales de los sesenta y comienzos de los años setenta X y créditos impulsados en aquella época por García Escudero Films retoma las ideas de vanguardia de sus orígenes y se desde la Dirección General de Cinematografía y Teatro. Cua- adentra en otro tipo de producciones sin abandonar el docu- tro fueron seleccionados: Garabatos (1964) de Angelino Fons, mental. De esta forma, X Films se convierte en motor del cine La edad de la piedra (1965) de Gabriel Blanco, Acteón (1967) experimental, en un intento de acercar las artes plásticas al de Jorge Grau y Evolución que nunca llegó a producirse. cine o de experimentar en nuevos lenguajes cinematográficos Todas estas películas tienen un claro denominador común: de la no ficción. A este respecto Carlos Muguiro comenta: experimentar en el lenguaje cinematográfico desde un com- “Este laboratorio cinematográfico (X films), especialmente promiso artístico y de vanguardia. fértil en los primeros años de actividad, constituye en sí mismo un capítulo autónomo (y muy poco estudiado) en la histo- Siempre se ha escrito que en el origen de X Films se encuen- ria de la vanguardia cinematográfica española.” De esta épo- tra la relación entre Juan Huarte y Jorge Oteiza. Efectivamen- ca, y en el ámbito de la experimentación, se ruedan Gente de te, Jorge Oteiza estaba muy interesado en el lenguaje cinema- Metro de Carlos Morales; El toro de lidia del fotógrafo Ramón tográfico y existe, como el testimonio más cerrado de esta Masats; Solo de oficina, Testamento de un pueblo y Primera ense- visión, el guión de Acteón escrito entre noviembre y diciembre ñanza de Manuel García Muñoz; Tratado de construcción de de 1963, basado en el mito de Ovidio. Este gran proyecto de X Jesús Pascual o Arquitectura para después de una guerra de films, que lo iba a dirigir Jorge Oteiza junto con Jordi Grau, Lucio Blanco Mallada, entre otras. tuvo enormes problemas desde su inicio. Posiblemente la falta de pericia técnica de Oteiza en la realización cinematográfi- Todos los filmes experimentales de Gabriel Blanco, salvo su ca, y su propio carácter, malograron la posibilidad de hacer la último ensayo Felicidad, se produjeron en X Films y fueron película que al final dirigió Jordi Grau. premiados en numerosos festivales. En relación a sus películas la Semana de Cine Experimental de Madrid dice de Gabriel En el año 1966 se incorpora a la productora X Films como Blanco: “Su filmografía tuvo jalones... de verdadera impor- director de producción José María González Sinde, sustitu- tancia y calado experimental como La edad de la piedra (1965), yendo a Julián Avilés Ardoy. González Sinde aporta una visión film de animación que, en clave de humor negro, criticaba de más profesional a la productora buscando el equilibrio finan- forma irónica e implacable el sistema capitalista; Cualquier ciero en los proyectos. Es a partir de esta fecha, coincidiendo mañana (1968), una aquilatada derivación de cinéma-verité

81 reflejo de los sentimientos cotidianos en la España de esos Otra película de carácter experimental producida en aquellos momentos; el díptico sobre el desarrollismo De purificatione años fue Operación H, primera experiencia cinematográfica de automobilis (1974) o Vía libre al tráfico (1975), donde dejó Néstor Basterretxea. El film tenía como objeto mostrar, en un plasmada la agonía del régimen franquista mediante imágenes documento audiovisual de carácter industrial, las diversas subliminales; o La edad del silencio (1977), una estremecedora empresas de la familia Huarte. Juan Huarte, en su espíritu radiografía de la represión cultural, la tortura y el ansia incon- avanzado y de innovación, propuso a los artistas vascos Néstor tenible por alcanzar la libertad.” Basterretxea y Jorge Oteiza rodar el cortometraje. El peculiar encargo tenía sus condiciones, pues cada uno debía presentar En 1968 Juan Huarte financia al pintor José Antonio Sistiaga la un guión acabado sin que mediara ningún tipo de intercambio realización para X Films del largometraje Ere erera baleibu icik entre ellos. Al final optó por el presentado por Basterretxea subua aruaren (un título que no significa nada y que juega cons- que fue el encargado de realizarla. Operación H tuvo el con- cientemente con la sonoridad del euskera). Sistiaga dedicó 17 curso de numerosos artistas de vanguardia del momento, meses a pintar a mano, de principio a fin, todos los fotogramas como el propio Oteiza que aportó sus esculturas, el cineasta de la cinta: un cuadro abstracto en movimiento de 75 minutos Fernando Larruquert o Luis de Pablo que compuso la música de duración, en 67 variaciones de color incluyendo uno en y que fue interpretada por él mismo junto con Carmelo Ber- blanco y negro. Sin sonido ni música, Sistiaga compone una naola, Pedro Espinosa y Miguel Ángel Coria. La fotografía explosión de colores que exploran la luz, el movimiento y el fue realizada por el escultor y luego cineasta de vanguardia ritmo para provocar una poderosa impresión en quien la con- Marcel Hanoun. templa. Ere erera baleibu icik subua aruaren provoca pasión o rechazo, pero no deja indiferente a nadie. La obra de Sistiaga En todo caso, el cine experimental no es el único territorio de como cineasta experimental se ha proyectado recientemente producción de X Films. A partir de los años setenta a su nómi- en Los Ángeles, Chicago, Pittsburg o San Francisco, se na de directores se incorporan jóvenes cineastas en busca de encuentra en filmotecas de todo el mundo como la del Harvard una primera oportunidad. Bajo la marca X Films realizan sus University de Boston o en museos contemporáneos como el primeras obras directores hoy consagrados. José Luis Garci, Georges Pompidou de París. En una reciente entrevista, José guionista de prestigio en aquellos años, se puso tras la cámara Antonio Sistiaga explica: “Mi primera película pintada la hice por primera vez con dos documentales: Mi Marilyn y Al fút- gracias a un contrato de palabra con Juan Huarte, empresario, bol, ambos de 1975. José Luis García Sánchez encontró en la coleccionista y hombre de saber. Ese contrato me permitió tra- productora el apoyo para Gente de boina, El Love Feroz o cuan- bajar durante diecisiete meses de 1968 a 1970 a razón de doce do los hijos juegan al amor, o Labelecialalacio definida por el horas al día con total libertad. Yo entonces no lo sabía, pero propia cineasta como “posiblemente mi mejor película”. estaba haciendo el primer y hasta hoy único largometraje pin- También el pintor y cantante Luis Eduardo Aute probó suer- tado imagen a imagen sobre celuloide de la historia del cine”. te en el cine por primera vez con el cortometraje A flor de piel, que él denominó “ensayo cinematográfico” y que estaba pro- Una segunda película a subrayar es Homenaje a Tarzán del tagonizado por Ana Belén y Jaime Chávarri. Otros cineastas pintor Rafael Ruiz Balerdi que también fue dibujada a mano y que hallaron apoyo de X Films en el inicio de su carrera fue- con una banda sonora muy trabajada a partir de sonidos hete- ron, por ejemplo, Claudio Guerín, Carlos Morales, Juan Gar- rogéneos. En su estreno, la crítica francesa se interesó por la cía Atienza o Manuel García Muñoz. actividad de X Films y en el artículo Le jeune cinéma en Espag- ne de 1972 afirmaba que la película de Ruiz Balerdi era “una X Films también produjo documentales, series o capítulos de sugerente orquestación sobre un ritmo vivo de una música de series para televisión. Una muestra de ello es Plinio, serie formas extremadamente brillante”. para TVE en los comienzos de los 70, dirigida por Antonio

82 Giménez-Rico e inspirada en los relatos de Francisco García La actividad de X Films desaparece en 1981. Ese año produ- Pavón. Con guiones de José Luis Garci, fue interpretada por ce una serie documental sobre Galicia dirigida por Claudio Antonio Casal en el papel de Plino, jefe de policía local de Guerín y un cortometraje, también documental, titulado Tomelloso, quien, junto a su amigo don Lotario (Alfonso del Escultura y paisaje de Manuel García Muñoz. La producción Real), resuelven delitos y crímenes que suceden en el lugar. total de X Films supera los ochenta títulos. La fotografía es de José Luis Alcaine y la música de Carmelo Bernaola. Siempre me ha sorprendido el nombre de X Films, y cuando pregunté a Juan Huarte Beaumont, en una reciente entrevis- Entre las películas de los años 70 merece la pena destacar las ta, el porqué de este nombre me comentó: “¿porqué X realizadas por Jorge Grau: Ceremonia sangrienta primera de Films?... por que era una incógnita; no sabíamos qué iba a ser, sus películas de terror y Chicas de Club con guión del propio a dónde podría llegar esta aventura, la de crear una producto- Grau y Mario Camus y la actuación, entre otros, de Kity ra de cine.” Manver y Fernando Rey. Este docudrama de Jorge Grau tam- bién titulado Cántico, aborda el fenómeno de la aparición, a finales de los 60, de las barras americanas y de la proliferación de clubes nocturnos de dudosa reputación; presenta a un joven cineasta que debe realizar un documental sobre las chicas de alterne, viviendo además un romance con una de ellas.

Press-Book de la película Cántico, presentada en el el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary

83 X FILMS, INKOGNITA ARGITZEN OMENALDIA JUAN HUARTEK 1963AN SORTUTAKO EKOIZPEN ETXEARI KOLDO LASA

X Films ekoizpen etxea Iruñean sortu zen 1963ko urtarrilaren rekin bat-, dokumental asko eta asko hasi ziren ekoizten 1ean. Juan Huarte Beaumont nafar enpresaburuak eratu zuen Espainiako hainbat lekuri buruz eta Luis Enciso, Pío Caro –enpresaburua, mezenas eta bildumagilea- helburu honekin: Baroja, José Luis Tafur, José Luis Viloria, Gonzalo Sebastián arteari begira interes berezia duten edo balore bereziak dituz- de Erice edo Manuel Roja bezalako zuzendariek parte hartu ten filmak ekoiztea, eraketa aktan aipatzen den bezalaxe. Bi zuten. Bereziki José María González Castrillo nabarmendu laguntzaile izan zituen: Fernando Redón Huici arkitekto gaz- beharra dago, “Chúmy Chúmez” goitizenaz ezagunagoa. tea eta Juan Marañón Richi. Juan Huarteren adiskidea zen, eta dokumental ugariren egilea hirurogeita hamarreko hamarkadaren erdira arte. Bereak ere Juan Huartek ekoizpen etxea sortu zuen, bere mezenasgo jar- badira Gabriel Blancoren La edad de la piedra animaziozko dueren barnean beste arlo bat hartzeko eta, aldi berean, antze- film laburreko marrazkiak eta gidoia. Azken film horretan, ko sormen eta arte zaletasunak partekatzen zituzten artisten, Adolfo Oliete aritu zen lanean animatzaile gisa, eta X Films intelektualen eta zinegileen ideiak zinera eramateko. Egia etxearen ekoizpen sailean segitu zuen González Sinderekin esan, horietako askorekin bazuen harremana. batera.

Garai hartan García Escuderok –Zinematografia eta Antzer- 60ko hamarkadaren bukaeraren eta 70eko hamarkadaren kirako Zuzendaritza Nagusitik- bultzatu zituen laguntza eta hasieran, X Films-ek bere sorrerako abangoardia ideiei kredituetara aurkeztu ziren X Films etxeko lehen proiektuak. berreldu zien eta beste era bateko ekoizpenak hasi zen egiten, Haietarik lau aukeratuak izan ziren: Angelino Fonsen Gara- dokumentala utzi gabe. Horrela, X Films zine esperimentala- batos (1964); Gabriel Blancoren La edad de la piedra (1965); ren motorra izan zen, arte plastikoak zinera hurbildu nahian Jorge Grauren Acteón (1967), eta Evolución, baina azken hori edo ez-fikzioaren zine hizkuntza berriak esperimentatu ez zen sekulan ekoiztu. Film horiek guztiek badute elkarren nahian. Alde horretatik, hauxe dio Carlos Muguirok: “Zine arteko ezaugarria: zinearen hizkuntza esperimentatzea artean laborategi hari (X Films), bereziki emankorra lanean hasi zen eta abangoardian oinarrituriko konpromisotik. urteetan, berez atal autonomoa da (eta oso gutxi aztertua) Espainiako zine abangoardiaren historian.” Esperimentazioa- Beti idatzi izan da X Films etxearen jatorrian Juan Huarteren ri dagokionez, garai hartan film hauek egin ziren, besteak bes- eta Jorge Oteizaren arteko harremana dagoela. Izan ere, Jorge te: Carlos Moralesen Gente de Metro; Ramón Masats argazki- Oteizak interes handia zuen zinearen hizkuntzan eta, ikuspe- lariaren El toro de lidia; Manuel García Muñozen Solo de gi horren erakusgarri, horra Acteón, 1963ko azarotik abendu- oficina, Testamento de un pueblo eta Primera enseñanza; Jesús ra idatzia, Ovidioren mitoan oinarritua. Jorge Oteizak zuzen- Pascualen Tratado de construcción eta Lucio Blanco Mallada- du behar zuen X Films etxearen proiektu handi hori Jordi ren Arquitectura para después de una guerra. Graurekin batera, baina sekulako arazoak izan zituen hasieratik beretik. Oteizak ez zuen trebetasunik zine errealizazioan Gabriel Blancoren film esperimental guztiak, bere azken Feli- eta, ziurrenera, horrexek bota zuen errekara filma egiteko cidad saiakera izan ezik, X Films etxean ekoiztu eta jaialdi aukera, bai eta bere izaerak ere. Azkenean, Jordi Grauk zuzen- ugaritan sarituak izan ziren. Hona hemen zer dioen Madrilgo du zuen. Zine Esperimentalaren Asteak Gabriel Blancoren filmei buruz: “Bere filmetan badira egiazko garrantzia duten muga- 1966an, José María González Sinde sartu zen X Films etxean rriak, munta handiko esperimentazio lanak. Esaterako, La ekoizpen zuzendari gisa, Julián Avilés Ardoyren ordez. Gon- edad de la piedra (1965). Animaziozko film horrek era ironiko- zález Sindek ikuspegi profesionalagoa eman zion ekoizpen an eta gupidagabe kritikatzen zuen sistema kapitalista, umore etxeari eta saiatu zen proiektuetan finantza-oreka bilatzen. beltza erabilita; Cualquier mañana (1968), cinéma-verité esa- Une horretatik aurrera –TVEren bigarren katearen sorrera- ten zaionaren deribazio zehatza, garai hartako Espainiako

84 eguneroko sentimenduen erakusgarri; desarrollismoari “orkestazio iradokitzailea da, forma bikain-bikainez osaturiko buruzko De purificatione automobilis (1974) edo Vía libre al musikaren erritmo biziaren gainean”. tráfico (1975), non Frankoren erregimenaren agonia moldatu baitzuen irudi subliminalen bidez; edo La edad del silencio Urte haietan ere izan zen beste film esperimentalik, esate (1977), zapalketa kulturalaren, torturaren eta askatasuna lort- baterako, Operación H hura, Néstor Basterretxearen lehen zeko gogo biziaren erradiografia ikaragarria.” zine lana, alegia. Filmaren helburua zen Huarte familiaren enpresak erakustea tankera industrialeko ikus-entzunezko 1968an, Juan Huartek José Antonio Sistiaga pintorearen Ere dokumentuan. Juan Huarteren espiritua aurreratua eta erera baleibu icik subua aruaren izenburuko film luzea finan- berritzailea zen, eta Néstor Basterretxea eta Jorge Oteiza eus- tzatu zuen X Films etxerako (izenburuak ez du deus esan kal artistei proposatu zien film labur hura egitea. Enkargu bit- nahi, baina bere osoan jokatzen du euskarak duen sonoritate- xi horrek baldintza batzuk bazituen, horietako bakoitzak gidoi arekin). Sistiagak 17 hilabete eman zituen eskuz pintatzen oso bat aurkeztu behar baitzuen, haien artean inolako harre- zintako fotograma guztiak, den-denak, lehenbizikotik azkene- manik izan gabe. Azkenean, Basterretxeak aurkeztutakoa raino: horra mugimenduan ari den margolan abstraktua, 75 aukeratu eta artista horrek egin zuen. Garai hartako abango- minutuko iraupena duena, 67 kolore tonutan, horietako bat ardiako artista ugarik parte hartu zuten film hartan. Horrela, zuri-beltzean. Soinurik eta musikarik gabe, Sistiagak konpo- Oteizak berak bere eskulturen bidez lagundu zuen. Fernando satutako kolore-leherketak argia, mugimendua eta erritmoa Larruquert zinegilea era aritu zen. Luis de Pablok egin zuen esploratzen ditu, ikuslearengan zirrara handia sorrarazteko. musika eta berak ere jo zuen Carmelo Bernaola, Pedro Espi- Ere erera baleibu icik subua aruaren lanak karra edo arbuioa nosa eta Miguel Ángel Coriarekin batera. Argazkia eskultore sortzen du ikuslearengan, baina inor ez du ez hotz ez bero batek egin zuen, geroago abangoardiako zinegilea izan zen uzten”. Sistiagaren film esperimentalak Los Angeles, Chica- Marcel Hanounek, zehazki. go, Pittsburg eta San Frantziskon eman da duela gutxi, mundu osoko filmoteketan dago, Bostongo Harvard University Nolanahi ere, zine esperimentala ez da izan X Films etxearen Unibertsitatean kasu, edo Parisko Georges Pompidou bezala- ekoizpen lurralde bakarra. 70eko hamarkadatik aurrera, bere ko museo garaikidetan. Berriki egin dioten elkarrizketan hau- nominapeko zuzendariei zinegile gazteak erantsi zitzaizkien, xe azaldu zuen Jose Antonio Sistiagak: “Juan Huarterekin denak lehen aukeraren bila. Horrela, X Films markapean, egin nuen hitzezko tratuari esker gauzatu nuen nire lehen film beren lehen lanak egin zituzten gaur egun ospe handi-handia pintatua. Enpresaburua, bildumagilea eta jakintza gizona zen duten zenbait zuzendarik. Esate baterako, José Luis Garci hura. Kontratu horrek aukera eman zidan hamazazpi hilabe- gionista ospetsua izan zen urte haietan, eta orduan jarri zen tez -1968tik 1970era-, hamabi orduz egunean askatasun osoz lehen aldiz kamera atzean, X Films etxeko bi dokumental fil- aritzeko. Nik orduan ez nekien, baina egiten ari nintzen zelu- matzeko: Mi Marilyn eta Al fútbol, biak 1975ekoak. Ekoizpen loide gainean irudiz irudi pintatutako lehenbiziko film laburra etxeak laguntza eman zion José Luis García Sánchezi bere eta bakarra, ez baita besterik egin zinearen historian”. Gente de boina, El Love Feroz o cuando los hijos juegan al amor, edo Labelecialalacio egiteko. Zinegileak berak hauxe esan Azpimarratu beharreko beste film bat Homenaje a Tarzán da, zuen azken lan horri buruz: “nire filmik onena da ziurrene- Rafael Ruiz Balerdi pintoreak egina. Eskuz marraztutako ra”. Halaber, Luis Eduardo Aute pintore eta kantaria lehen pelikula ere izan zen hori eta oso soinu-banda landua izan aldiz saiatu zen zine munduan Huarteren ekoizpen etxearen zuen, soinu heterogeneoetatik abiatuta. Estreinatu zenean, eskutik. A flor de piel (1975) deitzen zen film labur hura, Aute- Frantziako kritikak bere interesa agertu zuen X Films etxearen hitzetan, “zine saiakera”, Ana Belén eta Jaime Chávarri ren jarduerari buruz. Horrela, 1972ko Le jeune cinéma en aktore izan zirela. Zinean hasi berriak zirela, beste zinegile Espagne artikuluan hauxe esaten zen Ruiz Balerdiren filmaz: batzuek jaso zuten X Films etxearen laguntza, esaterako,

85 Claudio Guerínek, Carlos Moralesek, Juan García Atienzak edo Manuel García Muñozek.

X Films etxeak ere dokumentalak, telesaioak eta kapituluak ekoiztu zituen telebistarako. Horren adibide da Plinio, TVE- rako telesaioa 70eko hamarkadaren hasieran, Antonio Gimé- nez-Ricok zuzendua eta Francisco García Pavónen kontaki- zunetan inspiratua. José Luis Garci izan zen gidoigile, eta Antonio Casalek egin zuen Pliniorena, eta Plinio Tomellosoko udaltzain burua zen, eta bere adiskide Don Lotariorekin batera (Alfonso del Real), leku hartan gertatzen ziren delituak eta krimenak argitzen zituen. Argazkia José Luis Alcainerena izan zen eta musika, berriz, Carmelo Bernaolarena.

70eko hamarkadako filmen artean, Jorge Grauk egindakoak azpimarratzea merezi du: Ceremonia sangrienta bere beldurrezko lehen filma izan zen eta hortxe dago Chicas de Club. Azken horren gidoia Grauk berak eta Mario Camúsek egin zuten eta Kity Manver eta Fernando Rey izan ziren aktore, besteak beste. Jorge Grauren dokudrama horrek badu beste izen bat, Cántico, eta 60ko hamarkadaren bukaeran agertu eta ugaldu ziren barra amerikarren eta ospe txarreko gau kluben afera jorratu zuen. Horrela, lan horretan alterne neskei buruzko erreportajea egin behar duen zinegile bat ageri da, horietako neska batekin maitasun harremanak dituena.

X Films etxearen jarduera 1981n bukatu zen. Urte horretan Galiziari buruzko dokumental serie bat ekoiztu zuen, Claudio Guerínek zuzendua eta, era berean, Escultura y paisaje izenburuko film labur bat, hori ere dokumentala, Manuel García Muñozek zuzendua. Guztira, laurogei lanetik gora ekoiztu zituen X Films etxeak. José Antonio Sistiaga

Beti harrigarri gertatu zait X Films izena, eta Juan Huarte Beaumonti duela gutxiko elkarrizketa batean horretaz galdetu nionean, hauxe erantzun zidan: “Zergatik X Films?... inkognita bat baitzen; ez genekien zer izanen zen, abentura hau nora irits zitekeen, zine ekoizpen etxea sortzearen abentura, alegia.”

86 X FILMS, SOLVING THE RIDDLE A TRIBUTE TO THE PRODUCTION COMPANY FOUNDED IN 1963 BY JUAN HUARTE KOLDO LASA

The production company X Films was founded in Pamplona parts of Spain and involving directors such as Luis Enciso, on the 1st of January 1963. It was the brainchild of Navarran Pío Caro Baroja, José Luis Tafur, José Luis Viloria, Gonzalo businessman, art patron and collector Juan Huarte Beaumont Sebastián de Erice and Manuel Rojas. José María González with the idea, as the company charter cites, of producing films Castrillo, better known as “Chúmy Chúmez”, deserves spe- of “unique artistic interest or which represent special values”. cial mention. A personal friend of Juan Huarte, not only did The young architect Fernando Redón Huici and Juan Mara- he direct numerous documentaries up until the mid 70’s, but ñón Richi accompanied Huarte in the venture. he also drew the pictures and wrote the script for the animated short film La edad de la piedra by Gabriel Blanco. Adolfo Juan Huarte first thought of the idea of a production company Oliete worked as animator on the same film, before remaining as a means of offering his patronage and taking the ideas of in the X Films production department alongside González artists, intellectuals and filmmakers he knew and shared crea- Sinde. tive and artistic concerns with to the big screen. At the end of the 60’s and beginning of the 70’s, X Films tur- X Films’ first projects applied for the subventions and loans ned once more to the avant-garde ideas it started out with offered at the time by García Escudero at the Directorate and, while not abandoning documentaries, took greater inte- General of Film and Theatre. Four were selected: Garabatos rest in other types of production. And so X Films became a (1964) by Angelino Fons, La edad de la piedra (1965) by driving force behind experimental filmmaking, attempting to Gabriel Blanco, Acteón (1967) by Jorge Grau and Evolución, bring art closer to film and to experiment with new languages which never saw the light of day. All of these films share a cle- for non-fiction. Carlos Muguiro once commented: “This ar common denominator: they all experiment with film lan- filmmaking laboratory (X Films), particularly fertile during guage from a committed artistic, avant-garde standpoint. its early years, represents an independent (and little studied) chapter in the history of the Spanish filmmaking avant-gar- It has always been said that X Films was born of the relations- de.” This period saw the shooting of such experimental pro- hip between Juan Huarte and Jorge Oteiza. Jorge Oteiza was jects as Carlos Morales’ Gente de Metro; El toro de lidia by the indeed greatly interested in film and his script for Acteón photographer Ramón Masats; Solo de oficina, Testamento de un based on Ovid’s myth, written between November and pueblo and Primera enseñanza by Manuel García Muñoz; December 1963, bears evident witness to the fact. This great Jesús Pascual’s Tratado de construcción and Arquitectura para X films project, which was at first to be directed by Jorge después de una guerra by Lucio Blanco Mallada, among others. Oteiza and Jordi Grau, came up against huge problems from the outset. Maybe Oteiza’s lack of filming know-how, together All of Gabriel Blanco’s experimental films, save his last essay, with his artistic temperament, marked the course for disaster Felicidad, were produced by X Films and earned awards at for the film, which was eventually directed by Jordi Grau alo- numerous festivals. Madrid’s Experimental Film Week came ne. to say of Gabriel Blanco: “His filmography is replete with landmarks... of true importance and experimental relevance José María González Sinde replaced Julián Avilés Ardoy as such as La edad de la piedra (1965), an animated film which, Director of Production at X Films in 1966. González Sinde through its black humour, ironically and implacably criticised lent a more professional slant to the production company, the capitalist system; Cualquier mañana (1968), a refined deri- requiring that the projects satisfied financial criteria. This vation of cinéma-verité, a reflection of everyday feelings in date, which coincided in time with the birth of Spanish tele- Spain at the time; the diptych on development De purificatio- vision’s second channel, marked the beginning of a great ne automobilis (1974) or Vía libre al tráfico (1975), whose subli- period of documentary production centring on different minal images portrayed the agony of the Franco regime; or La

87 edad del silencio (1977), a hair-raising X-ray of cultural repres- and advanced spirit led to his proposing that the Basque sion, torture and the irrepressible desire for freedom.” artists Néstor Basterretxea and Jorge Oteiza should shoot a short film. This peculiar commission had its conditions, each In 1968, Juan Huarte funded the production of painter José having to present a finished script without consulting the Antonio Sistiaga’s full-length film Ere erera baleibu icik subua other at any time. In the end, Huarte opted for Basterretxea’s, aruaren (a title which means nothing and plays on the phone- who was given the job of directing it. Operación H brought tic sonority of the Basque language). Sistiaga spent 17 months together a great many avant-garde artists of the day, such as hand-painting each and every frame of the film: a 75-minute Oteiza himself, who provided the sculptures, the filmmaker abstract picture in movement in 67 variations of colour, inclu- Fernando Larruquert and Luis de Pablo, who wrote the ding one in black and white. Void of music and sound, Sistia- music and then played it together with Carmelo Bernaola, ga composed an explosion of colour which explored light, Pedro Espinosa and Miguel Ángel Coria. The photography movement and rhythm to produce a powerful impression on was by the sculptor, and later avant-garde filmmaker, Marcel the audience. Ere erera baleibu icik subua aruaren produces Hanoun. passions or rejection, but leaves no-one indifferent. Sistiaga’s work as an experimental filmmaker has recently been scree- Experimental film was not, however, X Films’ only interest as ned in Los Angeles, Chicago, Pittsburgh and San Francisco, a production company. In the Seventies, a number of young and can be found in film libraries worldwide, such as the Har- filmmakers in search of their first break joined the payroll. vard University film library, and in modern museums, such as Now-consecrated film directors made their first films with X Paris’ Pompidou Centre. In a recent interview, José Antonio Films. José Luis Garci, then a prestigious scriptwriter, went Sistiaga explained that: “I made my first painted film thanks behind the camera for the first time in 1975 to make two docu- to a spoken contract with the businessman, art-collector and mentaries: Mi Marilyn and Al fútbol, both in 1975. The pro- sage Juan Huarte. The contract allowed me to work twelve duction company backed José Luis García Sánchez on Gente hours a day for seventeen months from 1968 to 1970 in abso- de boina, El Love Feroz o cuando los hijos juegan al amor, and lute freedom. I didn’t know it then, but I was making the first Labelecialalacio, defined by the filmmaker himself as “pro- and to-date only full-length film in film history painted fra- bably my best film”. The painter and singer Luis Eduardo me-by-frame on celluloid”. Aute also tried his luck at filmmaking for the first time with the short film A flor de piel, which he defined as a “cinema Another film which deserves special mention is painter Ruiz essay” and starred Ana Belén and Jaime Chávarri. Other film- Balerdi’s Homenaje a Tarzán, another hand-drawn film, with makers who sought the support of X Films at the beginning of a meticulous soundtrack based on heterogeneous sounds. their careers included Claudio Guerín, Carlos Morales, Juan When it was premiered, the French critics took an interest in García Atienza and Manuel García Muñoz. the work of X FILMS and in the article Le jeune cinéma en Espagne, published in 1972, Ruiz Balerdi’s film was said to be X Films also produced documentaries, serials and episodes of “a suggestive orchestration over the lively rhythm of a music series for television. A good example is Plinio, a series for Spa- of extremely brilliant forms”. nish Public Television shown at the beginning of the 70’s, directed by Antonio Giménez-Rico and based on the stories Another film of an experimental nature produced in those of Francisco García Pavón. With scripts by José Luis Garci, it years was Operación H, Néstor Basterretxea’s first film expe- starred Antonio Casal in the role of Plinio, the chief of police rience. The aim of the film was to show the different compa- in the town of Tomelloso, who, together with his friend Lota- nies belonging to the Huarte family as part of an audiovisual rio (Alfonso del Real), solved local crimes. The photography document of an industrial nature. Juan Huarte’s innovative was by José Luis Alcaine and the music, Carmelo Bernaola.

88 Of the films produced in the 70’s, those made by Jorge Grau are worthy of note. Ceremonia sangrienta, his first horror film, and Chicas de Club, with a script by Grau and Mario Camús and starring, among others, Kity Manver and Fernando Rey. This docudrama by Jorge Grau, also titled Cántico, deals with the arrival at the end of the 60’s of the so-called Hostess bars and the proliferation of night clubs of dubious reputation. In the programme, a young filmmaker is asked to make a documentary about the employees in the clubs and lives a romance with one of the girls.

X Films stopped production in 1981 with a documentary series about Galicia directed by Claudio Guerín and a short documentary called Escultura y paisaje by Manuel García Muñoz. The total turnout of X Films exceeded eighty titles.

I was always intrigued by the name X Films and when in a recent interview I asked Juan Huarte Beaumont why the name had been chosen, he replied: “Why X Films?...because it was an unknown factor; we did not know what it was going to be, where the adventure of creating a film production company would take us.” KOLDO LASA ARISTU

Rafael Canogar, probando los trajes para el cartel de Cántico, que diseñó

89 EL JUAN QUE YO HE CONOCIDO JORDI GRAU

No he conocido al Juan Huarte empresario –sólo la H en las Señorío de Sarría, sin olvidar al ya citado Canogar o, ya desde vallas de tantas y tantas obras en construcción–, pero sí al Juan su X Films, a cineastas como José María González Sinde, José Huarte hombre, soportando con discreción su propia elegan- Luis Garci, Gabriel Blanco, Antonio Jiménez Rico o Ramón cia, su inquietud y su capacidad creativa, su vocación de semi- Massats. Estoy seguro de que me olvido de otros muchos, e lla. De su pensamiento escrito –más de dos mil páginas publi- incluso de que existen otros tantos que simplemente desco- cadas en distintos libros – apenas un tercio, pero de sus nozco, pero que están ahí, sabiendo en lo mas íntimo de su profundas convicciones sobre las relaciones humanas y su fuero interno cuánto recibieron de Juan y, por lo tanto, cuán- preocupación activa por contribuir al desarrollo de las mis- to le deben, aunque algunos no sepan reconocerlo. Cuánto le mas, de su sensibilidad respecto a los conflictos reales con que debemos, corrijo, porque, entre ellos, también estoy yo. cada día nos enfrentamos y su dolor, su sentir la impotencia de no poder hacer más que mostrarlos, sí. De todo eso sé mucho, PUBLICADO EN LA REVISTA CANCHA (Nº 13) mucho más de lo que él mismo piensa.

Cuando acepté su encargo de colaborar con Oteiza en la reali- zación de Acteón, conocí a un hombre culto y discreto, capaz de empujar las creaciones desde la sombra. Después, cuando surgió la crisis que acabó apartando al escultor del proyecto, pude comprobar que me hallaba ante un ser lúcido y ecuáni- me, que sabía enfrentarse con firmeza y serenidad a los conflictos. Más tarde, habiendo entrado ya en el terreno de una suave amistad, surgió la idea de convertir en película la expre- sión que el impacto de ciertos hechos reales habían producido en él y así nació Cántico –que después se titularía Chicas de Club–, donde Juan se escondía detrás del pensamiento de Pla- tón y de las imágenes mías – y las más ilustres de Botticeli, Antonio López y Canogar– en un casi desencantado intento de redimir a las víctimas de un drama ignorado por sus pro- pios protagonistas. No era el empresario el que se embarcaba en la aventura de poner en pie una película, era simplemente un hombre que trataba de decir algo.

He dicho antes que Juan tiene vocación de semilla y, para demostrarlo, voy a citar una serie de nombres que, desde edi- ficios promovidos por él, de su participación en aquella su revista clarificadora del arte del momento que se llamó Nueva forma o simplemente por haber recibido su apoyo personal, pueden o podrían atestiguarlo. Desde José Luis Sáinz de Oiza y Rafael Moneo a Luis de Pablo y Santiago Amón, pasando por Chillida, Balerdi, Bernaola, Catalá Roca, Oteiza, Baste- rrechea, Antonio López, José Corredor, Chumy Chúmez, Sistiaga, los diseñadores de H Muebles o los enólogos de

90 Luis de Pablo y Juan Huarte. Navarra Hoy. Mayo 1992 NIK EZAGUTU DUDAN JUAN, GIZONA JORDI GRAU

Ez dut Juan Huarte enpresaburua ezagutu –H bakar hura, Oiza eta Rafael Moneo, edo Luis de Pablo eta Santiago Amón, hainbeste eta hainbeste obraren hesietan–, baina bai Juan edota Chillida, Balerdi, Bernaola, Catalá Roca, Oteiza, Baste- Huarte gizona, esan nahi baita, bere dotorezia, bere kezka eta rrechea, Antonio López, José Corredor, Chumy Chúmez, bere sormena –bere ereile bokazioa- diskrezioz jasan dituen Sistiaga, H Muebles-ko diseinatzaileak edo Sarriako Jaurerri- gizona. Bere pentsamendu idatzitik –bi milatik gora orrialde, ko enologoak, ahaztu gabe jada aipatu dudan Canogar edo, hainbat liburutan argitara emanik – heren bat doi-doia baizik Huarteren X Films etxearen bidez, hainbat zinegile ere bai: ez dut ezagutzen, baina ezagutzen ditut, ordea, giza harrema- José María González Sinde, José Luis Garci, Gabriel Blanco, nei buruz dituen uste sendo-sendoak, harreman horiek sus- Antonio Jiménez Rico eta Ramón Massats. Ziur naiz beste tatzearen alde izan duen jarrera eragingarria, egunero aurre asko ahaztu ditudala, eta badirela ezagutzen ez ditudan beste egiten diegun benetako gatazkekiko duen sentiberatasuna, bai horrenbeste, baina hor daudenak, eta jakin badakite bere eta bere barrenari zerion mina eta sentitzen zuen ezintasuna, barren-barrenean zenbat jaso zuten Juanengadik eta, beraz, gatazka horiek erakutsi baizik ez zezakeelako egin. Horretaz zenbat zor dioten, zenbaitek aitortzen ez badakite ere. Hobe guztiaz asko dakit, Huartek berak pentsatzen duenaz baino esan –zuzenduko dut-, zenbat zor diogun, ni neu ere haien aunitzez ere gehiago. artean bainago.

Oteizarekin lan egiteko enkargua egin zidanean -Acteon lana- CANCHA ALDIZKARIAREN 13. ALEAN ARGITARA EMANA ren errealizazioan-, gizon ikasia eta diskretua ezagutu nuen, itzaletik sormen lanak bultzatzeko gauza zen pertsona. Ondo- ren, eskultorea proiektutik baztertu zuen krisia sortu zenean, ikusi nuen gizon buruargi eta zuzenaren aurrean nengoela, gatazkei tinko bezain bare aurre egiten zekiena. Geroago, behin nola halako adiskidantzan sarturik, ideia bat sortu egin zen, hots, zenbait gertakarik harengan eragin zuten inpaktua- ren adierazpena film bihurtzearen ideia. Horrela jaio zen Cántico –gero, Chicas de Club izenburua hartu zuena–, non Juan Platonen pentsamenduaren atzean ezkutatzen baitzen, bai eta nire irudien atzean ere –eta Botticeli, Antonio López eta Canogar artisten irudi ospetsuagoen atzean ere bai–. Esan daiteke, hura kasik izan zela biktimak drama batetik libratzeko saiakera desilusionatua, protagonistek berek ezagutzen ez zuten drama batetik libratzeko saiakera, alegia. Gizon hura ez zen film bat gorpuzteko abenturari heltzen zion enpresaburua; hitz batez esateko, zerbait esan nahi zuen gizona zen.

Arestian esan dut Juanek ereile bokazioa duela eta, hori adie- razteko, izen sorta bat aipatuko dut, eta denek eman dezakete -edo lezakete- nik esan dudanari buruzko lekukotasuna. Izen horietako batzuek lotura dute Huartek sustatutako eraikine- kin, garai hartako artearentzat argigarria gertatu zen arte aldizkarirekin -Nueva Forma-, edo besterik gabe, haren laguntza jaso izanarekin. Hona hemen: José Luis Sáinz de

92 THE JUAN I KNOW JORDI GRAU

I do not know Juan Huarte the businessman –beyond the H mentioned Canogar or, from the times of X Films, filmma- on the fences of so many building sites-, but I do know Juan kers such as José María González Sinde, José Luis Garci, Huarte the man, discretely bearing his own elegance, restless- Gabriel Blanco, Antonio Jiménez Rico or Ramón Massats. I ness and creative capacity, his vocation as a seed. Of his wri- am sure that I have forgotten many more and that another list tings –more than two thousand pages published in different could be made of those I simply know nothing of, but they are books – I have read scarcely a third, but of his deep convic- out there, aware in the depths of their souls of what Juan did tions regarding human relations and his active concern for for them and, consequently, how much they owe him, though contributing towards their development, of his sensitiveness some may be reluctant to admit it. I am sorry, I should say how regarding those all-too-real conflicts we confront each and much we owe him, because I also feature among their number. every day of our lives and his pain, his sense of powerlessness at not being able to do more than merely portray them, of the- PUBLISHED IN THE MAGAZINE CANCHA (Nº 13) se things I know a lot, much more than he thinks.

When I accepted the chance to work with Oteiza on Acteon, I got to know a cultivated, quiet man, capable of forging creation whilst he himself remained out of sight. Later, when the crisis which eventually saw the sculptor divorced from the project arose, I learnt that I was before a lucid, impartial man, who knew how to face conflict both firmly and calmly. Later, having forged a mild friendship, the idea of making a film focussing on the impressions that certain actual events had produced on him led to Cántico –later titled Chicas de Club–, a film in which Juan hid behind the thoughts of Plato and my own pictures –as well as more illustrious ones by Botticelli, Antonio López and Canogar– in an almost disenchanted attempt at redeeming the victims of dramas of which the very protagonists were unaware. The man who embarked on the adventure of making a film was not a businessman. He was simply someone trying to say something.

Earlier I said that Juan’s vocation was that of a seed and to demonstrate this I am going to quote a list of names of some of those who can or could bear witness, be it for the buildings which he backed, his work in the magazine which so greatly helped clarify art at the time, Nueva forma, or because he offered them his own personal support. From José Luis Sáinz de Oiza and Rafael Moneo to Luis de Pablo and Santiago Amón, passing through Chillida, Balerdi, Bernaola, Catalá Roca, Oteiza, Basterrechea, Antonio López, José Corredor, Chumy Chúmez, Sistiaga, the designers of H Muebles or the oenolo- gists at Señorío de Sarría, without forgetting the already-

93 Extracto de una carta escrita por José María González Sinde a Juan Huarte desde la prisión provincial de Jaén donde cumplió condena por motivos políticos mientras era gerente de X Films. 28 de Julio 1969

Querido Juan: Desde que ingresé en prisión, pretendí hacerte llegar un escrito para comunicarte lo ocurrido e informarte de la situa- ción en que quedaba X. Ocurrió sin embargo, que no resulta fácil obtener correspondencia con personas que no sean fami- liares directos y así me ví obligado a comunicarme contigo a través del abogado o de mi mujer. Estoy enterado, es claro, de todo cuanto has hecho por mi familia y por mí, desde tu decisión de mantenerme en mi puesto en la empresa –que yo quería ofrecerte en aquella pri- mitiva carta- en las mismas condiciones económicas que tenía, hasta todo ese cúmulo de gestiones personales para obtener mi libertad, rodeándonos siempre a mi mujer y a mí de un clima de apoyo y atención que nos ha ayudado enorme- mente. Sería ahora ridículo que yo te diera las gracias como si me hubieras ofrecido un cigarrillo. No voy a decirte nada y muy posiblemente no te diga nada más nunca, porque no puedo José María González Sinde encontrar mi justa postura ante una tuya que es, por insóli- ta, casi incomprensible dentro de las habituales relaciones humanas. Y para huir con mayor prontitud, quiero hablarte de trabajo. (…) Tengo verdadero terror, no debo ocultarlo, a esta pelícu- la y no es por sus características “presidencialistas”, sino por ser la segunda película de X. Pienso esto porque con tu cos- tumbre de éxitos continuos, no puedes admitir los fracasos cinematográficos aunque sean parciales. Me da miedo que en esta segunda nos ocurra algo parecido –incomprensión- a lo de nuestro Acteón y vuelvas a caer en la situación de desánimo por el cine en que te encontrabas cuando nos conocimos en otoño del 65. Y es que el cine tiene el grave inconveniente de que nos jugamos todas las ilusiones a una sola carta que, una vez sobre el tapete, es inmodificable. Me gustaría hacerte pro- meter que sea cual fuere el resultado artístico, económico y de respuesta obtenido, no desesperes del cine ni de X. Aunque desde luego sé que es imposible, no la promesa, sino su cum- plimiento. Una forma de garantía sería la aceptación por tu parte de que en ningún caso este film quedara solitario, sino que será seguido de siempre de otros dos dentro del plazo máximo de año y medio o dos años. Porque la industria cine- matográfica no es de unidades aisladas, sino de grupos de producciones y cualquier resultado positivo o negativo, pero uni- tario, no es en absoluto indicativo. (…)

94 95 96 Jaengo espetxe probintzialetik José María González Excerpt from a letter from José María González Sindek Juan Huarteri idatzitako gutunaren Sinde to Juan Huarte written from Jaén prison, laburpena. Arrazoi politikoengatik kondenatu eta where González Sinde served sentence for political espetxeratu zuten X Films etxeko gerentea zen reasons while manager of X Films. bitartean. 28th of July 1969 1969ko uztailaren 28a

Juan maitea Dear Juan, Espetxean sartu nintzenetik, saiatu nintzen idazki bat zuri Ever since I entered prison, I have meant to send you a letter helarazten, gertatutakoa jakinarazi eta X nolako egoeran gel- to let you know what happened and inform you as to the situa- ditzen zen azaltzeko. Baina ez da erraza gutunak bidaltzea tion X was left in. It turns out, however, that it’s not so easy to familiar zuzenak ez diren pertsonei eta, hori dela eta, aboka- correspond with people beyond one’s immediate family and tuaren bidez edo nire emaztearen bidez jarri behar izan naiz so I found myself obliged to get in touch with you either zurekin harremanetan. through my lawyer or my wife. Badakit, noski, zenbat egin duzun nire familiarengatik eta I am well aware, of course, of everything that you have done niregatik. Hasteko, ni enpresako postuan –nik hasierako for me and for my family, from the decision to keep me in my gutun hartan eskaini nahi nizuna-, baldintza ekonomiko ber- job in the company –which I wished to put at your disposal in dinetan mantentzeko hartu duzun erabakia; gero, nire askata- that note I sent you- in the same financial conditions as befo- suna lortzeko zuk zerorrek egin duzun gestio mordoa eta, aldi re, through to this almighty series of personal manoeuvres to berean, beti nire emaztea eta bioi lagundu nahian, guri arreta gain my freedom, forever swathing both my wife and myself egin nahian, eta horrek izugarri lagundu digu. with a feeling of support and attention which has helped us no Irrigarria litzateke nik orain zuri eskerrak ematea, zigarro bat end. eskaini izan bazenit bezala. Ez dizut deus esanen eta, oso lite- It would be ridiculous to thank you now as though you had keena da, hemendik aurrera inoiz ezer ere ez esatea, ezin bai- simply offered me a cigarette. I am not going to say anything tut nire postura zuzena aurkitu zure jarreraren aurrean, hain and will most likely never ever say anything to you because I da ohiz kanpokoa, ia ulertezina ohiko giza harremanen barne- cannot find the right stance to take before your own, the sin- an. gularity of which is almost beyond understanding within nor- Eta azkarrago ihes egiteko, lanaz hitz egin nahi dizut. (…) film mal human relationships. horri izugarrizko beldurra diot, ezin dut ezkutatu, eta ez da And to get away from the subject as quickly as possible, I bere ezaugarri “presidentzialistengatik”, baizik eta X etxea- would like to talk about work. (…) I cannot conceal the fact ren bigarren filma delako. Horretaz pentsatzen dut, zeren that I am absolutely terrified about this film, not because of its zure etengabeko arrakastak ikusita, ezin dituzu zine porrotak “presidentialist” nature, but rather because it is X’s second onartu, partzialak izanda ere. Beldurra ematen dit bigarren film. I think as I do because, what with your habit of conti- lan honetan gertatzeak gure Acteón lanari gertatu zitzaionaren nuous success, you cannot accept failure, albeit only partial. I antzeko zerbait –ulertu ezina- eta, ondorioz, zineaz zenuen fear that with this second film, something similar to what ha- etsipenak berriro zu harrapatzea, 65eko udazkenean elkar ppened with Acteón –incomprehension– may occur and you ezagutu genuenean zeunden bezala. Izan ere, zineak eragoz- may lose heart with the film world as you had when we met in pen larria du berekin, hots, ilusio guztiak karta bakar batean autumn 1965. The great drawback of the film industry is that jokatzen ditugu eta, behin tapetearen gainean, aldaezina da. we have to pin all our hopes on one card, which, once on the Gustatuko litzaidake zuregandik promesa bat lortzea, hauxe: table, cannot be changed. I would like to make you promise emaitza artistikoa, ekonomikoa eta ikusleena edozein izanik that, whatever the result in artistic terms, financial terms or ere, zuk zineaz etsipenik ez hartzea, ezta X etxeaz ere. Baina, response, you will not get exasperated with the film world or jakina, jakin badakit hori ezinezkoa dela, ez promesa, prome- X, although, of course, I know that this is impossible, not the sa hori betetzea baizik. Alde horretatik, berme gisako bat li- promise, that is, but its fulfilment. One way to hedge your bets tzateke zuk onartzea film hori inola ere bakardadean ez geldi- would be to undertake that under no circumstance should this tzea, baizik eta segida izatea beste bi filmen bidez, gehienez film be left out on its own and that it shall be followed by a fur- ere urte eta erdiko edo bi urteko epean. Zinearen industria ez ther two within a maximum period of a year and a half or two baita ale bakanen bitartez egiten, ekoizpen taldeen bitartez years. The film industry is not about isolated units, but rather baizik, eta emaitza positibo edo negatibo oro, baina unitarioa, groups of productions and any single result, be it positive or ez da inola ere adierazgarria. (…) negative, is by no means an indication. (…)

97 DESPEJANDO LA INCÓGNITA: ¿QUÉ ES X FILMS?

Los protagonistas del Homenaje despejan la ecuación, y recuerdan qué era, qué es, qué significó y qué significa todavía una productora atípica en la historia del cine español.

JOSÉ LUIS GARCÍA SÁNCHEZ LUIS EDUARDO AUTE X Films era como el Coyote. Por fuera, aparentemente, era X Films fue, en los años 70, una de las muy pocas una empresa capitalista, una productora normal, pero por productoras contemporáneas en España dedicadas al dentro estaba llena de rojos. Era una productora de cortometraje de "autor". Muchos directores, hoy ya tiempos de clandestinidad, capitalista por fuera y consagrados, tuvieron en ella su primera oportunidad en subversiva por dentro. Además, a Juan Huarte hay que el campo profesional, Gracias a la iniciativa de Alfonso estarle muy agradecido porque gracias a él existe un cine Olieta, uno de los artífices de aquella insólita aventura, español de importancia: no hay más que mirar los títulos muchos jóvenes apasionados por el cine pudieron realizar de crédito de sus películas y fijarse en los nombres que sus primeros cortometrajes. aparecen.

JOSÉ ANTONIO SISTIAGA NÉSTOR BASTERRETXEA X Films es sobre todo, la conciencia estética y artística de En la época en que nació X Films, el cine español no Juan Huarte. Es la representación del espíritu creador de brillaba precisamente por la libertad en la concepcción de Juan Huarte, que se materializó, con total confianza, total las películas. Cuando hice Operación H, Juan Huarte me respeto y total libertad, a través de artistas como Ruiz dio libertad absoluta, siempre y cuando la hiciese con Balerdi, Oteiza, Gabriel Blanco, Néstor Basterretxea o yo respeto. En aquella España, la oportunidad que nos dio mismo. Henri Langlois, el director de la Cinemateca Huarte fue extraordinaria. Esa fue mi primera película, y Francesa, me preguntó cómo había hecho la película Ere con una tremenda generosidad de medios: música de Luis Erera Baleibu Icik Subua Aruaren y yo le contesté: de Pablo, el cámara fue Marcel Anhoum, y pude usar “Pintando sobre el celuloide”. “Me refiero a nivel brevemente unas fotografías de Schommer. Para mí fue económico”, respondió. Entonces le conté que había sido una gran oportunidad y un comienzo muy interesante. un trato, de palabra, sin contrato, con Juan Huarte. “Si eso es así”, me dijo, “a ese señor habría que hacerle un monumento, porque no conozco en toda la historia del cine un caso así”.

ÁNGELES GONZÁLEZ SINDE ANTONIO GIMÉNEZ-RICO X Films fue fundamental en la vida de mi padre y, en X Films fue una productora insólita y atípica. Aunque no consecuencia, de mi familia. Fue su primer trabajo en el siempre sus resultados correspondieron a sus mundo del cine y creo que encontró en Juan Huarte una planteamientos, propósitos e intenciones, arriesgaron persona con la que podía desarrollar su visión artística, mucho. Lástima que haya sido una experiencia irrepetible. moral y creativa con plena libertad. Para valorar justamente la labor de mi padre y su equipo, hay que pensar en la época en que trabajaban, época muy dura, de censura y precariedad económica y sin embargo, qué JORDI GRAU SOLÁ interesantes obras nos han dejado y cuantos directores X Films es, ya, un referente histórico dentro del Cine luego insignes encontraron la oportunidad de debutar Español, pero debería ser algo más: un ejemplo a seguir. como cortometrajistas con ellos... Los años de X Films Corregido y aumentado si fuera posible, para llenar el fueron muy valiosos para mi familia, están llenos de vacío de inquietud en que andamos perdidos. gratos recuerdos, de generosidad y, sobre todo, de una pasión, una honestidad, una transparencia y un respeto por el cine, que sin duda es el mejor legado que X y mi padre nos podían dejar. Hoy en día, qué falta le harían un par de empresas como X Films al panorama audiovisual español. ¿Te animas, Juan?

98 Boceto para el cartel de Cántico, dirigida por Jordi Grau, realizado por Rafael Canogar

99 INKOGNITA ARGITZEN: ZER DA X FILMS?

Omenaldiko protagonistek ekuazioa argitu eta gogora ekartzen dute zer zen, zer den, zer garrantzi zuen, eta oraindik zer garrantzi duen ezohiko ekoizpen etxe horrek Espainiako zinearen historian.

JOSÉ LUIS GARCÍA SÁNCHEZ LUIS EDUARDO AUTE X Films Coyotea bezalakoa zen. Kanpotik, itxuraz, enpresa 70eko hamarkadan, oso ekoizpen etxe gutxi arduratu zen kapitalista bat zen, baina barnetik gorriz beterik zegoen. Espainian “egile” tankerako film laburraz eta horietako bat Klandestinitate garaietako ekoizpen etxea zen, hau da, X Films izan zen. Gaur egun ospetsu diren zuzendari askok kapitalista kanpotik eta subertsiboa barnetik. Gainera, hartan izan zuten beren lehen aukera arlo profesionalean. biziki eskertu beharko genuke Juan Huarteren lana, hari Alfonso Olietaren ekimenari esker –abentura ezohiko esker espainiar zine garrantzitsu bat dagoelako: hori haren egileetako bat-, gazte zine zale aunitzek beren ikusteko, aski da bere filmetako kreditu izenburuak lehenbiziko film laburrak egiteko aukera izan zuten. begiratzea eta hantxe ageri diren izenez ohartzea.

JOSÉ ANTONIO SISTIAGA NÉSTOR BASTERRETXEA Oroz gain, X Films Juan Huarteren kontzientzia estetikoa X Films sortu zen garaian, Espainiako zinea ez zen eta artistikoa da. Bestela esanik, Juan Huarteren nabarmentzen, hain zuzen ere, filmak sortzeko tenorean sormenaren irudikapena da eta sormen hori erabateko zegoen askatasunagatik. Operación H egin nuenean, Juan konfiantzaz, erabateko errespetuz eta erabateko Huartek askatasun osoa eman zidan, betiere errespetuz askatasunez mamitu egin zen Ruiz Balerdiren, Oteizaren, egiten banuen. Espainia hartan, Huartek izugarrizko aukera Gabriel Blancoren, Nestor Basterretxearen edo neure eman zigun. Hori nire lehenbiziko filma izan zen, bitartez. Frantziako Zinematekako zuzendari Henri bitartekoetan oparotasun ikaragarria erabilita: Luis de Langloisek behin galdetu zidan nola egin nuen Ere Erera Pabloren musika, kameralaria Marcel Anhoum izan zen, Baleibu Icik Subua Aruaren filma eta nik erantzun nion: eta Schommerren argazki batzuk erabiltzeko parada izan “Pintatzen”. “Alde ekonomikoari dagokionez”, erantzun nuen laburki. Niretzat aukera ederra izan zen eta oso zuen berak. Orduan, kontatu nion tratua izan zela, hasiera interesgarria. hitzezkoa, kontraturik gabea, Juan Huarterekin. “Hori horrela bada”, esan zidan, “gizon horri monumentua egin beharko litzaioke, ez baitut zinearen historia osoan antzekorik ezagutu”.

ÁNGELES GONZÁLEZ SINDE ANTONIO GIMÉNEZ-RICO X Films funtsezkoa izan zen nire aitaren bizitzan eta, Ekoizpen etxe ezohikoa eta apartekoa izan zen X Films. ondorioz, baita nire familian ere. Bere lehenengo lana izan Emaitzak beti bat etorri ez ziren arren bere planteamendu, zen zine munduan eta, nire iritziz, Juan Huarterengan helburu eta asmoekin, asko arriskatu zuten. Lastima, pertsona guztiz egokia topatu zuen artean, moralean eta esperientzia errepikaezina izatea. sormenean zuen ikuspegia askatasun osoz garatzeko. Nire aitaren eta bere taldearen lana zehatz-mehatz baloratzeko, gogoan izan behar dugu zein garaitan ari ziren lanean, oso garai gogorra, zentsurakoa, diruz urria, eta, hala ere, JORDI GRAU SOLÁ zeinen lan interesgarriak utzi dizkiguten eta gerora ospetsu X Films, jadanik, erreferentzia puntua da Espainiako bihurtutako zenbat zuzendarik aurkitu zuten beraiekin film Zinearen barnean, baina zerbait gehiago izan beharko luke: laburren egile gisa debuta egiteko parada… X Films adibide eta eredu. Zuzendua eta areagotua, kezkak hartua etxearen urteak oso baliagarriak izan ziren nire duen hutsune hau betetzeko, hutsune horretan galduak familiarentzat, oroitzapen atseginez beteak daude eta, baikabiltza. batez ere, zinearekiko grinaz, zintzotasunaz, gardentasunaz eta errespetuz. Zalantzarik gabe, horra X etxeak eta gure aitak uzten ahal ziguten ondarerik hoberena. Gaur egun, X Films bezalako pare bat enpresa beharko lirateke Espainiako ikus-entzunezkoan. Animatuko al zara, Juan?

100 SOLVING THE RIDDLE: WHAT IS X FILMS?

The protagonists of this year’s Tribute solve the enigma and remind us what this production company, atypical in Spanish filmmaking history, was, is, meant and still means.

JOSÉ LUIS GARCÍA SÁNCHEZ LUIS EDUARDO AUTE X Films was like “El Coyote”. From the outside, it appeared In the 70’s, X Films was one of the few production a capitalist enterprise, a normal production company, but companies in Spain for short films “d’auteur”. Many now- on the inside, it was full of lefties. It was a production consecrated directors were given their first chance there. company in clandestine times, capitalist from the outside, Thanks to Alfonso Olieta, one of the artificers of that subversive on the inside. We should be grateful to Juan unique venture, many young film enthusiasts were able to Huarte, for it is thanks to him that Spain now has a make their first short films. significant film industry. Just take a look at the credits on his films and read some of the names that pop up.

JOSÉ ANTONIO SISTIAGA NÉSTOR BASTERRETXEA X Films is, above all, Juan Huarte’s aesthetic and artistic When X Films started out, the Spanish film industry was conscience. It is the representation of his creative spirit, not precisely notable for its freedom in terms of film something which, in an environment of absolute trust, conception. When I made Operación H, Juan Huarte gave respect and freedom, took shape through artists such as me absolute freedom, so long as I never faltered in Ruiz Balerdi, Oteiza, Gabriel Blanco, Néstor Basterretxea or respect. The chance Huarte gave us was extraordinary in even myself. Henri Langlois, the Director of the those days in Spain. It was my first film and I had Cinémathèque Française, once asked me how I made Ere everything laid on: music by Luis de Pablo, the cameraman Erera Baleibu Icik Subua Aruaren. “Painting” I answered. was Marcel Anhoum and I could even briefly show photos “I mean financially”, he replied. And so I told him that it by Schommer. It was a great opportunity for me and a very was a spoken deal with Juan Huarte and that there was no interesting start. written contract. “If that is the case”, he said. “Then that man deserves a monument, because I have never heard of anything like it in the entire history of filmmaking”.

ÁNGELES GONZÁLEZ SINDE ANTONIO GIMÉNEZ-RICO X Films was a fundamental part of my father’s and, by X Films was a unique, atypical production company. extension, my family’s life. It was his first job in the film Although the results did not always come up to the initial world and I think that in Juan Huarte he found a person ideas, aims and intentions, they took a lot of risks. It is a with whom he could develop his artistic, moral and shame that it proved an unrepeatable experience. creative vision with absolute freedom. In order to appraise the work of my father and his team justly, it is necessary to remember the times they worked in: hard times of censorship and economic precariousness. Nonetheless, JORDI GRAU SOLÁ what interesting works they have left us with! And how X Films is now a reference point in Spanish filmmaking many notable directors were given the chance to direct history, but it deserves to be more than just that: it should their first short films with them... The X Films’ years were be an example to follow. And, if possible, it should be very important to my family; they are full of pleasant corrected and augmented so as to fill the restless void in memories, generosity and, above all, a passion, an which we find ourselves. honesty, a transparency and a respect for film which, without doubt, form the best possible legacy that X and my father could ever have left. The things that a couple of companies like X Films could do for the Spanish audiovisual industry nowadays! What about it, Juan?

101 X+Y. ALGUNOS COMPONENTES DE LA ECUACIÓN

X Films fue Juan Huarte. Empresario navarro y amante del arte de vanguardia. Un mecenas en los años sesenta. Huarte quiso apoyar y promover nuevas formas de expresión cinematográfica, y fundó una productora atípica por su línea de producción, por su apoyo a nuevos autores y por su vinculación firme y vocacio- nal con el cine más raro. Pero X Films no fue sólo Juan Huarte. X Films fue tam- bién, y sobre todo, los artistas que formaron parte del experimento. Estos son algunos de esos artistas que encontraron en X Films respaldo para sus proyectos cinematográficos, y algunas de esas obras experimentales, novedosas, rompedoras y especiales que vieron la luz gracias al apoyo de X Films y Juan Huarte.

X+Y. EKUAZIOAREN OSAGAI BATZUK Juan Huarte izan zen X Films. Nafar enpresaburua, abangoardiako artezalea. 60ko hamarkadako mezenasa. Huartek molde berriak lagundu eta sustatu nahi izan zituen zine adierazpenean eta, hartara, ekoizpen etxe bitxia, ezohikoa, sortu zuen, alde askotatik begira: bere ekoizpen lerroa, egile berriendako laguntza, bai eta zinerik arraroenarekin izan zuen lotura tinkoa eta bokaziozkoa ere. Baina X Films ez zen soilik Juan Huarte izan. Era berean, X Films batez ere izan ziren esperimentuan partaide izan ziren artistak. Hona hemen haietako batzuen bizitzak. Hona hemen X Films etxean beren zine proiektuetarako laguntza aurkitu zuten artistetako batzuk, eta lan esperimental, berritzaile, hausle eta berezi horietako batzuek argia ikusi zuten X Films etxeari eta Juan Huarteri esker.

X+Y. A FEW FACTORS IN THE EQUATION X Films was Juan Huarte. A Navarran businessman and avant-garde art lover, a patron to the arts in the Sixties, Huarte wanted to support and encourage new forms of film expression and so founded an atypical production company, atypical thanks to its line of production, the support it offered new authors and its strong, vocational bonds with the most peculiar kinds of cinema. But X Films was not just Juan Huarte. X Films was also, and above all, the artists who took part in the experiment. These are some of the artists who found support for their filmmaking projects in X Films and some of those special, iconoclastic, novel, experimental films which saw the light of day thanks to X Films and Juan Huarte.

102 Balerdi, Mendiburu, Oteiza, Puig, Chillida, Basterretxea y Sistiaga. Foto: Fernando Larrukert GABRIEL BLANCO CÁDIZ, 1936-1991 CADIZ, 1936-1991 CADIZ, 1936-1991

Siete cortometrajes, multipremiados en festivales y de gran reconocimiento crítico, bastaron para situar a Gabriel Blanco LA EDAD DE LA PIEDRA en lo alto del cine experimental en España. Y no fueron sufi- 1973 / 35 MM / 12’ / COLOR cientes, sin embargo, para buscarle un cómodo lugar en la Film de animación realizado en colaboración con el dibujante industria, condenando a su autor a la docencia y al ensayo, y Chumy Chúmez y calificado como “farsa social de dibujos demostrando de paso las dificultades de toda una generación animados”. En clave de humor negro critica de forma irónica bisagra para encontrar su sitio en la nueva realidad política y e implacable los mecanismos del sistema capitalista. social. Sus siete películas, realizadas entre los 60 y los 70, destacan por su rebeldía, su compromiso, una fuerte crítica, LA EDAD DE LA PIEDRA social y política, y el uso de la animación como recurso expre- Animaziozko filma, Chumy Chúmez marrazkilariarekin sivo. Él lo explicó mejor: “El dibujo permite incidir sobre la elkarlanean egindakoa. Film horretaz esan da “marrazki bizi- realidad con una libertad mayor que en la fotografía”. dunetako fartsa soziala” dela. Umore beltza erabilita, ironiko- ki eta gupidagabe kritikatzen ditu kapitalismoaren mekanis- moak. Zazpi film labur aski izan ziren Gabriel Blanco Espainiako zine esperimentalaren gailurrean paratzeko. Zazpiek sari asko LA EDAD DE LA PIEDRA irabazi zituzten jaialdietan eta kritika on-onak jaso ere bai. An animated picture made in collaboration with the illustra- Dena dela, ez ziren aski izan gure egileari industrian leku ero- tor Chumy Chúmez and described as a “animated social far- soa aurkitzeko. Ondorioz, Blancok irakaskuntzan eta saiake- ce”. Its black humour ironically and implacably criticises the ran aritu behar izan zuen. Horrek agerian uzten du zeinen capitalist system. zailtasun handiak izan zituen belaunaldi horrek, politikan eta gizartean zegoen egoera berrira egokitzeko. Zazpi filmak Dirección / Zuzendaria / Direction: Gabriel Blanco. Guión / 60eko eta 70eko hamarkadetan egin zituen eta zazpiak dira Gidoia / Screenplay: Gabriel Blanco, Chumy Chúmez. Dibujos / errebeldeak, konprometituak eta, aldi berean, kritika handia Marrazkiak / Drawings: Chumy Chúmez. Animación / dakarkiote gizarteari eta politikari. Lan horietan, gainera, ani- Animazioa / Animation: Joaquin Ripoll, Juan Uzal, Gabriel mazioa erabili zuen, adierazpen baliabide gisa. Egileak hobeki Blanco, Chumy Chúmez. Música / Musika / Music: Pedro azaldu zuen hori: “Marrazkiak aukera ematen du errealitate- Iturralde an askatasun handiagoz eragiteko argazkiak baino”. LA EDAD DEL SILENCIO Seven short films receiving a host of prizes at festivals and 1978 / 35 MM / 9’ / COLOR great recognition from the critics were enough to grant Este cortometraje de animación, realizado en colaboración Gabriel Blanco a place of honour in the Spanish experimental con el dibujante Ops, es una estremecedora radiografía de la film world. They were not enough, however, to find him a represión cultural franquista, la tortura y el ansia por alcanzar comfortable post within the industry, condemning the direc- la libertad. Como en La edad de la piedra, Gabriel Blanco tor to a life of teaching and experiment, highlighting in so exprime al máximo la capacidad expresiva y dramática de la doing the problems faced by an entire generation lost some- animación. where in the middle when it came to finding a niche within the new political and social reality. His seven films, made in LA EDAD DEL SILENCIO the 60’ and 70’s, stand out for their rebellious nature, strong Animaziozko film laburra da, Ops marrazkilariarekin elkarla- social and political commitment and criticism, and the use of nean egindakoa. Frankismoaren kultur zapalkuntzaren, tor- animation as a form of expression. He put it better himself: turaren eta askatasuna lortzeko grinaren erradiografia ikara- “Drawing allows for greater freedom when it comes to having garria da. La edad de la piedra lanean bezala, animazioak duen a bearing on reality than photography does”. gaitasun espresiboa eta dramatikoa ahalik eta gehien erabili zuen Gabriel Blancok lan honetan.

104 LA EDAD DEL SILENCIO This short animated picture, made in collaboration with the VÍA LIBRE AL TRÁFICO illustrator Ops, is a hair-raising X-ray of cultural repression 1975 / 35 MM / 23'/ B&N Y COLOR under the Franco regime, torture and the desire for freedom. Considerada por algunos una crítica al deterioro del entorno As in La edad de la piedra, Gabriel Blanco takes the expressi- del hombre en la ciudad, muchos otros han visto un reflejo de ve, dramatic capacity of animation to its ultimate consequen- la agonía del régimen franquista construido a base de metáfo- ces. ras urbanas y críticas más o menos subliminales. Dirección / Zuzendaria / Direction: Gabriel Blanco. Guión / VÍA LIBRE AL TRÁFICO Gidoia / Screenplay: Gabriel Blanco y Ops. Dibujos / Zenbaitek dio film honek kritika egiten diola gizakiaren ingu- Marrazkiak / Drawings: Ops. Animación / Animazioa / runeak hirian izan duen hondatzeari, baina beste askok fran- Animation: Gabriel blanco. Efectos sonoros: Jesús Ocaña kismoaren agoniaren isla ikusi dute. Horretarako, hiri metafo- rak erabili zituen eta, gutxi edo asko, kritika subliminalak ere bai.

ALGO DE AMOR VÍA LIBRE AL TRÁFICO 1973 / 35 MM / 22’ / B&N Considered by some as a critique of the deterioration of the Con fragmentos de poemas de Vicente Aleixandre e imágenes human environment in cities, many others believe to have de parejas robadas en la calle, en los parques, en los cines, perceived a reflection of the agony of the Franco regime in the Gabriel Blanco compone un poema visual sobre las relaciones film’s urban metaphors and varyingly subliminal criticisms. de pareja. Dirección, guión y montaje / Zuzendaria, gidoia eta muntaketa / Direction, screenplay and edition: Gabriel Blanco. Fotografía / ALGO DE AMOR Argazkia / Photography: José Luis Alcaine, Alfredo Fernández, J. Vicente Aleixandreren olerki zatiak eta kale, parke eta zine M. López Sáez, Roberto Gómez, Alberto Franco. Música / tokietan grabatutako irudiak erabilita, Gabriel Blancok iku- Musika / Music: Carmelo A. Bernaola solerkia konposatu zuen bikote harremanei buruz.

ALGO DE AMOR With fragments of poems by Vicente Aleixandre and images of couples shot in the street, parks and cinemas, Gabriel Blan- co composes a visual poem on relationships between couples.

Idea, realización, montaje y texto / Ideia, errealizazioa, muntaketa eta testua/ Original idea, text, produced and edited by: Gabriel Blanco. Fotografía / Argazkia / Photography: Fernando Arribas, Luis Cuadrado, J.M. López Sáez. Música / Musika / Music: Pedro Iturralde

105 NÉSTOR BASTERRETXEA BERMEO (VIZCAYA), 1924 BERMEO (BIZKAIA), 1924 BERMEO (VIZCAYA), 1924

De Bermeo a Irún pasando por Francia, Argentina y Madrid. Guerra Civil y exilio de por medio. Y en el camino, una larga OPERACIÓN H trayectoria artística que va del constructivismo al expresionis- 1971 / 35 MM / 14’ / B&N Y COLOR mo abstracto como miembro del Equipo 57 y del Grupo Tomando como punto de partida las Empresas Huarte (de ahí Gaur, junto a Ibarrola, Oteiza, Chillida, etc. Conocido sobre el título), la película pretendía aunar el diseño industrial con todo por su faceta de escultor, su carrera despuntó con la la investigación estética. La idea original fue de Jorge Oteiza, decoración mural de la Basílica de Aránzazu, y ha tocado cam- pero Juan Huarte encargó dos sinopsis, una a Oteiza y otra a pos como la cerámica, tapicería, fotografía, diseño industrial y Basterretxea, para escoger finalmente la de este último. el cine, su pasión más desconocida, traducida en tres cortometrajes, Operación H (1963), Pelotari (1964), Alquézar, reta- OPERACIÓN H blo de pasión (1965), un largo, Amalur (1968) y la presidencia del Festival de Cine de San Sebastián en 1987. Huarte enpresak abiapuntutzat hartuz (hortik heldu zaio izenburua), filmak estetikarekin uztartu nahi izan zuen diseinu industriala. Hasierako ideia Jorge Oteizari bururatu zitza- Bermeotik Irunera, Frantzian, Argentinan eta Madrilen ion, baina Juan Huartek bi sinopsi enkargatu zituen, bat Otei- barrena. Tartean, Espainiako Gerra eta erbestea. Eta bidean, zari berari eta bestea, berriz, Basterretxeari eta, hondarrean, arte ibilbide luzea konstruktibismotik espresionismo abstrak- azken horrexena aukeratu zuen. tura, Equipo 57-ko eta Gaur taldeko kide bezala, Ibarrola, Oteiza, Chillida, eta beste batzuekin batera. Bereziki eskulto- OPERACIÓN H re gisa ezaguna, bere karrera Arantzazuko Basilikaren horma- Taking Empresas Huarte (thence its title) as its starting point, dekorazioaren bidez hasi zen, eta hainbat arlo jorratu ditu, this film aimed to unite industrial design and aesthetic rese- esaterako: zeramika, tapizgintza, argazkia, industria-diseinua arch. The original idea belonged to Jorge Oteiza, but Juan eta zinea. Egia esan, azken hori da bere grinarik ezezagunena Huarte commissioned two synopses, one by Oteiza and the eta hiru film labur utzi ditu -Operación H (1963), Pelotari other by Basterretxea, only to choose the latter. (1964), Alquézar, retablo de pasión (1965)-, bai eta film luze hau ere -Amalur (1968)-, eta Donostiako Zinemaldiaren pre- Dirección / Zuzendaria / Direction: Néstor Basterretxea. sidentzia 1987an. Montaje / Muntaketa / Edition: Javier Morán. Sonido / Soinua / Sound: Juan Flierbaun. Música / Musika / Music: Luis de Pablo, interpretada por Carmelo Bernaola, Pedro Espinosa, Miguel From Bermeo to Irun via France, Argentina and Madrid, with Ángle Coria y Luis de Pablo. Fotografía / Argazkia / civil war and exile thrown in between. And on the way, a long Photography: Marcel Hanoum artistic career ranging from constructivism to abstract expressionism as a member of Equipo 57 and Grupo Gaur, together with Ibarrola, Oteiza, Chillida, etc. Chiefly known as a sculptor, his career started with the mural decoration of the Basilica of Aránzazu, but he has also flirted in areas such as pottery, tapestry, photography, industrial design and, his least-known passion, film, which led to three short films, Ope- ración H (1963), Pelotari (1964), Alquézar, retablo de pasión (1965), a full-length film, Amalur (1968), and the chair of the 1987 San Sebastian Film Festival.

106 JOSÉ LUIS GARCI MADRID, 1944 MADRIL, 1944 MADRID, 1944

Ganador de un Oscar a la mejor película extranjera y candida- to dos veces más, José Luis García Muñoz, “Garci”, dio sus AL FÚTBOL primeros pasos como auxiliar administrativo, para rectificar y 1975 / 35 MM / 11’ / COLOR poner en práctica sus vastos conocimientos de cinéfilo prime- Cortometraje documental con el que debutó José Luis Garci ro como crítico y guionista. Su carrera como director, que en la dirección cinematográfica. Y para ello, escogió uno de incluye quince largometrajes, entre ellos el ganador del Oscar sus temas favoritos: el fútbol, que en la España de Franco se Volver a empezar (1982) o la más reciente Ninette (2005), había convertido en una auténtica vía de escape y evasión. comenzó de la mano de X Films, con los cortometrajes Mi Marylin (1975) y Al fútbol (1975). Desde la década de los AL FÚTBOL noventa hasta el 2005 presentó en TVE el popular programa José Luis Garcik zinema zuzendaritzan egindako lehen lana Qué grande es el cine, uno de los pocos reductos de buen cine izan zen film labur dokumental hau. Eta horretarako, bere gai en la televisión pública. gogokoenetako bat aukeratu zuen: futbola, Francoren Espai- nia hartan egiazko ihesbide bihurtu zena.

Atzerriko film onenarendako Oskar saria irabazi zuen eta bes- AL FÚTBOL te bi aldiz izan zen hautagai. José Luis García Muñoz, “Gar- This short documentary was José Luis Garci’s debut as film ci”, administrazio laguntzaile hasi zen lanean, baina gero, director. And he chose one of his favourite subjects: football, bidea zuzendu eta praktikan jarri zuen zine kontuetan zuen an authentic escape valve in Franco’s Spain. ezagutza izugarria, lehenbizi kritikari gisa eta, ondoren, gidoigile. Dena den, X Films etxearen eskutik hasi zen zuzen- Dirección y guión / Zuzendaria eta gidoia / Direction and dari, zehazki Mi Marylin (1975) eta Al fútbol (1975) pelikulen screenplay: José Luis Garci. Fotografía / Argazkia / bidez. Garcik hamabost film luze egin ditu, horien artean Photography: Francisco J. Madurga. Montaje / Muntaketa / Oskarra irabazi zuen lan hura dago, Volver a empezar (1982), Edition: Miguel González Sinde edo bere azken lana -Ninette (2005)-. 90eko hamarkadatik 2005era arte, Qué grande es el cine izeneko saioa zuzendu zuen TVEn, hots, zine onaren azken txokoetako bat telebista publi- MI MARILYN koan. 1975 / 35 MM / 15’ / COLOR Recién estrenado en la dirección cinematográfica, José Luis Garci anuncia ya una de sus obsesiones posteriores: el cine Winner of an Oscar for the Best Foreign Film and short-listed clásico de Hollywood, encarnado aquí en la figura de Marilyn on two more occasions, the one-time office clerk, José Luis Monroe, mito erótico, y sexual, de varias generaciones. El García Muñoz, “Garci”, started to exploit his vast movie-buff cortometraje, de corte documental y con la ayuda del comen- knowledge as a critic and screenwriter. His career as director, tario de José Sacristán, indaga en el mito de la actriz y en su which includes fifteen full-length films, featuring the Oscar- influencia sexual. winning Volver a empezar (1982) or his latest, Ninette (2005), began with X Films, with the short films Mi Marylin (1975) MI MARILYN and Al fútbol (1975). Since the 90’s, he has presented the Zinema zuzendaritzan estreinatu berria, gerora izan zuen popular television programme Qué grande es el cine, one of the obsesioetako bat aurreratu zuen lan honetan José Luis Garcik: few redoubts of good cinema currently broadcast on Spanish Hollywoodeko zine klasikoa, Marilyn Monroeren figuraren public television. bidez, hots, hainbat belaunalditako mito erotiko eta sexuala. Dokumental tankerako film laburra da eta José Sacristánen iruzkinak lagundurik, Marilynen mitoa eta bere sexu eragina aztertu zituen.

107 MI MARILYN Not long after his debut as film director, José Luis Garci TIEMPO DE GENTE announced what was to become one of his main obsessions: ACOBARDADA classic Hollywood cinema, here in the form of Marilyn Mon- 1976 / 35 MM / 19’ / COLOR roe, the erotic, sexual myth of many a generation. With the Cortometraje de ficción. voice of José Sacristán, this short film, which takes the form of a documentary, investigates the myth of the actress and the TIEMPO DE GENTE ACOBARDADA influence of her sexuality Fikziozko film laburra. Dirección / Zuzendaria / Direction: José Luis Garci. Guión / Gidoia / Screenplay: José Luis Garci. Fotografía / Argazkia / TIEMPO DE GENTE ACOBARDADA Photography: Francisco J. Madurga Short fiction film.

Dirección y guión / Zuzendaria eta Gidoia / Direction and Screenplay: José Luis Garci. Fotografía / Argazkia / Photography: Lorenzo Cebrián. Intérpretes / Antzezleak /Cast: María Casanova, José María Resel

108 LUIS EDUARDO AUTE MANILA (FILIPINAS), 1943 MANILA (FILIPINAK), 1943 MANILA (PHILIPPINES), 1943

La Transición no hubiese sido lo mismo sin la banda sonora de Aute. Artista prolífico, dibujante, erótico y dueño de un A FLOR DE PIEL lenguaje propio, acumula más de veinte discos editados, can- 1975 / 35 MM / 10’ / COLOR ciones sin las que sería imposible entender la historia reciente El cantante Luis Eduardo Aute, después de varias experien- de España, libros y exposiciones de dibujos y una carrera cias como ayudante de dirección y cortometrajista amateur, como cineasta más bien desconocida, que incluye puestos de probó suerte como director de la mano de Juan Huarte con segundo ayudante de dirección en películas de Marcel Ophüls este cortometraje, definido por él mismo como “ensayo cine- o J. L. Mankiewicz. X Films produjo su primera película, A matográfico”, y protagonizado por Ana Belén y Jaime Cháva- flor de piel (1972), un ensayo cinematográfico protagonizado rri. por Ana Belén y el también director Jaime Chávarri. Ha dirigido la película de animación Un perro llamado dolor (2001). A FLOR DE PIEL Zuzendaritza laguntzaile eta film laburren egile amateur gisa Trantsizioa ez zen gauza bera izanen Auteren soinu-bandarik hainbat lan egin ondoren, Luis Eduardo Aute kantaria zuzen- gabe. Artista emankorra da, marrazkilaria, erotikoa eta bere dari bezala saiatu zen Juan Huarteren eskutik. Emaitza film hizkuntzaren jabea. Autek hogei disko baino gehiago argitara labur hau izan zen. Bere hitzetan, “zine saiakera” izan zen, eta eman ditu, eta halako kanturik gabe ezin da Espainiako histo- Ana Belén eta Jaime Chávarri aritu ziren aktore lanetan. ria iragan berria ulertu; liburuak ere idatziak ditu, argazki era- kusketak, baina ezezaguna da zinean egin duen lana. Esatera- A FLOR DE PIEL ko, zuzendaritzaren bigarren laguntzaile postuetan aritu zen After a number of experiences as director’s assistant and ama- Marcel Ophüls eta J. L. Mankiewicz egileen filmetan. X teur short filmmaker, the singer-songwriter Luis Eduardo Films etxeak ekoiztu zuen bere lehen filma, A flor de piel Aute tried his luck as director with this short film with the (1972), Ana Belenek eta Jaime Chavarrik –zine zuzendariak- help of Juan Huarte. Defined in his own words as a “cinema protagonizatu zuten saiakera zinematografikoa, alegia. Bestal- essay”, the film stars Ana Belén and Jaime Chávarri. de, Un perro llamado dolor (2001) izenburuko animazio filma zuzendu du. Dirección y guión / Zuzendaria eta Gidoia / Direction and Screenplay: Luis Eduardo Aute. Fotografía / Argazkia / Photography: Roberto Gómez. Intérpretes / Antzezleak /Cast: The Transition to Democracy in Spain would not have been Ana Belén, Jaime Chávarri the same without Aute’s soundtrack playing in the back- ground. Prolific songwriter, drawer, erotic artist and master of a style of his own, Aute has released more than twenty records, songs without which recent Spanish history would often be hard to understand, published books, held drawing exhibitions and followed an often-ignored filmmaking career, which includes posts as second assistant director on films by Marcel Ophüls or J. L. Mankiewicz. X Films produced his first work for the screen, A flor de piel (1972), an experimental film starring Ana Belén and also-film director Jaime Chávarri. He directed the animated film Un perro llamado dolor in 2001.

109 JOSÉ LUIS GARCÍA SÁNCHEZ SALAMANCA, 1941 SALAMANCA, 1941 SALAMANCA, 1941

Abogado y sociólogo, ingresó en la Escuela Oficial de Cine- matografía, pero no consiguió terminar los estudios debido a LABELECIALALACIO una expulsión general de alumnos. Sin embargo, ha consegui- 1973 / 35 MM / 10’ do desarrollar una larguísima carrera en el mundo del cine, Comedia fantástica de ficción, que el propio director calificó primero como guionista y ayudante de dirección de Carlos en alguna ocasión como “mi mejor película”. Saura, Basilio Martín Patino y Manuel Gutiérrez Aragón, y más tarde como director de más de veinte películas, entre las LABELECIALALACIO que están La Corte del Faraón (1985) o Suspiros de España (y Fikziozko komedia fantastikoa. Zuzendariak berak inoiz hau- Portugal) (1995). Con X Films dirigió sus primeros cortome- xe esan zuen lan honetaz: “niri filmik onena”. trajes Gente de Boina (1970), Loco por Machín (1971) y Labe- LABELECIALALACIO lecialalacio (1971). A fantasy fiction comedy, which the director himself on occasions referred to as “my best film”. Abokatu eta soziologoa, Zinematografiaren Eskola Ofizialean sartu zen, baina ez zituen ikasketak bukatu, ikasle kanporake- ta orokorra gertatu zelako. Dena dela, ibilbide luze-luzea egin LOCO POR MACHÍN du zinearen munduan. Horrela, lehenbizi, gidoigile eta Car- 1977 / 35 MM / 12’ los Sauraren, Basilio Martín Patinoren eta Manuel Gutiérrez Comedia de ficción. Aragónen zuzendaritza laguntzaile aritu zen. Geroago, hogei film baino gehiago egin zituen, besteak beste: La Corte del LOCO POR MACHÍN Faraón (1985) edo Suspiros de España (y Portugal) (1995). X Fikziozko komedia. Films etxearekin, bere lehenbiziko film laburrak zuzendu zituen: Gente de Boina (1970), Loco por Machín (1971) eta LOCO POR MACHÍN Labelecialalacio (1971). Fiction comedy.

Dirección / Zuzendaria / Direction: José Luis García Sánchez. Lawyer and sociologist, José Luis García Sánchez went to Intérpretes / Antzezleak /Cast: Antonio Gamero, Manfred Von Spain’s Official Film School, but, falling victim to a mass Konta. expulsion of students, failed to complete his studies there. He did, however, manage to mark up an extremely long career in the film world, first as screenwriter and Assistant Director GENTE DE BOINA under Carlos Saura, Basilio Martín Patino and Manuel 1973 / 35 MM / 8’ Gutiérrez Aragón, and later as the director of more than Documental sobre las tradiciones de La Mancha, simboliza- twenty films, including La Corte del Faraón (1985) and Suspi- das en una de las prendas más características de la vida rural: ros de España (y Portugal) (1995). He directed his first short la boina. films with X Films: Gente de Boina (1970), Loco por Machín (1971) and Labelecialalacio (1971). GENTE DE BOINA Mantxako usadioei buruzko dokumentala, landa bizitzako arroparik bereizgarrienetako baten bidez sinbolizatua: txa- pela.

GENTE DE BOINA A documentary on the traditions of Castile La Mancha, symbolised by one of the rural world’s most characteristic garments: the beret.

Dirección / Zuzendaria / Direction: José Luis García Sánchez

110 JOSÉ ANTONIO SISTIAGA

Pintor abstracto, autodidacta, vivió en París entre 1954 y 1961, y a su regreso fundó junto con Oteiza y otros el grupo ERE ERERA BALEIBU ICIK de vanguardia Gaur. Juan Huarte, a través de la productora X Films le financió la que es considerada como el primer largo- SUBUA ARUAREN metraje abstracto de la historia del cine, Ere Erera Baleibu Icik 1971 / 35 MM / 75’ Subua Arauren (1968). Pintada directamente sobre el celuloi- Durante 17 meses, Sistiaga manipuló el celuloide como si de de y de 75 minutos de duración, obtuvo el Mikeldi a la mejor un lienzo se tratase, pintando directamente sobre él con pin- película experimental en el Festival Internacional de Bilbao de celes, palitos, dedos; arañándolo, derramando arena, espar- 1968. Tras esta película desapareció del mundo artístico hasta ciendo y retirando pintura. El resultado, la única película de la 1989, con otra película “sin cámara”, Impresiones de la alta historia del cine pintada directamente sobre el celuloide. Una atmósfera (1989). Su obra se encuentra en museos como el reflexión sobre el tiempo, o si se prefiere, un cuadro abstracto MOMA de Nueva York o el Georges Pompidou de París. en movimiento. Su título, que no significa nada, remite a los fonemas del euskera. Galardonada con el Mikeldi a la Mejor película experimental en el Festival de Cine de Bilbao. Pintore abstraktua, autodidakta, Parisen bizi izan zen 1954tik 1961era, eta itzultzean, Gaur abangoardia taldea sortu zuen, ERE ERERA BALEIBU ICIK SUBUA ARUAREN Oteizarekin eta beste batzuekin batera. Juan Huartek -X 17 hilabetez, Sistiagak zeluloidea erabili zuen mihise bat Films ekoizpen etxearen bitartez- zinearen historiako lehen balitz bezala eta zuzenean margotu zuen haren gainean pin- metraje luzeko filme abstraktua jo izan dena finantzatu zion, tzel, makilatxo eta hatzekin; mihisea harramazkatu zuen, hots, Ere Erera Baleibu Icik Subua Arauren (1968). Zeluloide- harea bota, pintura barreiatu eta kendu zuen. Hitz batez, an zuzenean margotua, 75 minutuko lan horrek pelikula espe- zeluloidean zuzenean margotutako zinearen historiako film rimental onenari zegokion Mikeldi saria lortu zuen Bilboko bakarra. Horra emaitza. Denborari buruzko gogoeta, edo Nazioarteko Jaialdian (1968). Film horren ondotik, zine mun- nahiago bada, mugimenduan ari den margolan abstraktua. dutik desagertu zen 1989ra arte. Zehazki, urte horretan Izenburu horrek ez du deus esan nahi, baina euskarak dituen “kamerarik gabeko” beste film bat egin zuen: Impresiones de la fonemak ekartzen dizkigu gogora. Esperimentazio filmik alta atmósfera (1989). Bere lana munduko hainbat museotan onenari zegokion Mikeldi saria eman zioten Bilboko Zine dago, esate baterako, New Yorkeko MOMAn edo Parisko Jaialdian. Georges Pompidou-n. ERE ERERA BALEIBU ICIK SUBUA ARUAREN A self-taught, abstract painter, Sistiaga lived in Paris from Over 17 months, Sistiaga worked celluloid as though it were 1954 to 1961 and, on his return, helped found the avant-gar- canvas, painting straight onto it with brushes, cotton buds de Gaur group together with, among others, Oteiza. Through and fingers, scratching it, spilling sand over it, spreading and the X Films production company, Juan Huarte financed what removing paint. The result: the only full-length film in his- is considered to be the first abstract long-feature film in the tory to be painted directly onto celluloid. A reflection on time, history of cinema, Ere Erera Baleibu Icik Subua Arauren or if you prefer, an abstract picture in motion. The title, which (1968). Painted straight onto celluloid and lasting 75 minutes, means absolutely nothing, is based on word sounds from the the film won the Mikeldi prize for the best experimental film Basque language. Awarded the Mikeldi for the Best Experi- at the 1968 Bilbao International Festival. Following this, Sis- mental Film at the Bilbao Film Festival. tiaga disappeared from the film world until 1989, the year which saw another “cameraless” film, Impresiones de la alta atmósfera (1989). His paintings can be found in museums such as the MOMA in New York or Paris’ Pompidou Centre.

111 JORDI GRAU BARCELONA, 1930 BARTZELONA, 1930 BARCELONA, 1930 Servilleta que el director soviético Sergei Paradjanov dibujó en 1965 a Jordi Grau después de ver Acteón en el Festival de cine de Moscú. Antes de dedicarse a la dirección cinematográfica, Jordi Grau ejerció como periodista. Una de sus primeras películas, Noche de Verano (1963) le confirmó como una de las mayores espe- ranzas del renaciente cine español. Las siguientes, El Espontá- neo (1963), Acteón (1964) y Una historia de amor (1966) confir- maron su gusto por la vanguardia y el riesgo. Posteriormente se centró en el cine de terror, con la vocación de renovar un género poco y mal frecuentado en España, con películas como Ceremonia sangrienta (1972), producida por X Films, No profanar el sueño de los muertos (1974) o La trastienda (1976). Su última película es Tiempos mejores (1994).

Zine zuzendaritzan aritu baino lehen, Jordi Grau kazetari aritu zen. Bere lehen filmetako batek -Noche de Verano (1963) izenburukoak- erakutsi zuen garai hartan berpizten ari zen Espainiako zine egilerik hoberenetakoa izan zitekeela. Hurrengo filmek -El Espontáneo (1963), Acteón (1964) eta Una historia de amor (1966) izeneko pelikulek- ederki erakutsi zuten egilearen abangoardia eta arrisku zaletasuna. Ondoren, beldurrezko zinemari heldu zion, Espainian gutxi eta gaizki landutako generoa berritzeko asmoz eta, horrela, Ceremonia ACTEÓN sangrienta (1972) bezalako filmak egin zituen -X Films etxeak 1967 / 35 MM / 75’ / B&N ekoiztua-, No profanar el sueño de los muertos (1974) edo La Basándose en el mito de Acteón, que murió convertido en trastienda (1976). Bere azken filma Tiempos mejores (1994) izan ciervo y devorado por una jauría de perros tras contemplar da. desnuda a la diosa Artemisa, Jordi Grau realizó esta aproxi- mación al cine más experimental y de vanguardia.

Before becoming a film director, Jordi Grau worked as a jour- ACTEÓN nalist. One of his first films, Noche de Verano (1963) confir- Akteonen mitoan oinarrituta -orein bihurturik hil zen, zakur med him as one of the greatest hopes of the re-emerging Spa- saldo batek irentsita, Artemisa jainkosa biluzik ikusi ondoren, nish film world. His next ventures, El Espontáneo (1963), Jordi Grauk benetan zine esperimentala eta abangoardiakoa Acteón (1964) and Una historia de amor (1966) only reaffirmed landu zuen lan honen bidez. his taste for the avant-garde and life on the edge. He went on to focus on horror films, aiming to renew a genre seldom and, ACTEÓN in general, poorly reflected in Spain, with films such as Cere- Basing himself on the myth of Actaeon, who died as a stag monia sangrienta (1972), produced by X Films, No profanar el devoured by a pack of dogs after contemplating the naked sueño de los muertos (1974) and La trastienda (1976). His most body of the goddess Artemis, Jordi Grau directed this highly recent film is Tiempos mejores (1994). experimental, avant-garde film. Dirección y guión / Zuzendaria eta Gidoia / Direction and Screenplay: Jordi Grau. Fotografía / Argazkia / Photography: Aurelio G. Larraya. Música / Musika / Music: Antonio Pérez Olea. Montaje / Muntaketa / Edition: Rosa G. Salgado. Intérpretes / Antzezleak / Cast: Martín La Salle, Pilar Clemens, Juan Luis Galiardo, Claudia Gravy, Nieves Salcedo, Simón Andreu, Guillermo Méndez, Virginia Quintana, Iván Tubau

112 PÍO CARO BAROJA MADRID, 1928 MADRIL, 1928 MADRID, 1928

Sobrino del célebre escritor Pío Baroja, formó junto a su hermano Julio el dúo fundador del cine etnográfico en España, EL PAÍS VASCO responsable de películas que son ya testimonio embalsamado 1967 / 16 MM / 30’ de épocas, tradiciones y vidas perdidas. Su afición al cine se El texto de Julio Caro Baroja, hermano del realizador, es el desató con El ladrón de bicicletas, y tomó forma en su exilio guía, descriptivo, histórico, de este paseo por una tierra mexicano, con libros, colaboraciones y sus primeros docu- enmarcada por mar, montaña y ríos. Desde las tierras del mentales, La Trinidad (1955), o Carnaval de Tepoztlan (1955). Ebro hasta la linde con el mar y con acompañamiento de Por encargo de X Films, y con guión de su hermano Julio, música tradicional, el documental es para Caro Baroja la sín- rodó El País Vasco (1966), que obtuvo el Mikeldi de Plata en el tesis de la tierra que le vio nacer, la memoria congelada de una Festival Internacional de Cine Documental de Bilbao. Su vida. fructífera colaboración con TVE dejó una obra extensa. Navarra, cuatro estaciones (1972) es una de sus obras cumbre. EL PAÍS VASCO Errealizatzailearen anaiak, Julio Caro Barojak, egindako tes- Pío Baroja idazle ezagunaren iloba, anaia Juliorekin batera tua da ibilaldi honen gidaria. Itsaso, mendi eta ibaietan koka- Espainiako zinema etnografikoa sortu zuen eta bere filmak tutako lurraldearen deskribapena eta historia agertzen dizki- jadanik dira garai, tradizio eta bizimodu galduen lekuko gu lanak. Ebroren ordokietatik itsas mugaraino, musika iraunkorrak. El ladrón de bicicletas izeneko filmak sortu zuen tradizionalaz lagundurik. Caro Barojaren dokumental honek harengan zine zaletasuna, eta gorpuztu egin zen Mexikon zinegilearen sorterriaren sintesia dakar, bizitza baten oroimen erbesteraturik egondako urteetan. Han egin zituen liburuak, izoztua. kolaborazio lanak, bai eta bere lehen dokumentalak ere: La Trinidad (1955), edo Carnaval de Tepoztlan (1955). X Films EL PAÍS VASCO etxearen enkarguz, eta anaia Juliok gidoia idatzita, El País A text written by the director’s brother, Julio Caro Baroja, acts Vasco (1966) filmatu eta zilarrezko Mikeldi saria lortu zuen as a descriptive, historical guide for this trip around a land fra- Bilboko Zine Dokumentalaren Nazioarteko Jaialdian. TVE med by sea, mountain and river. From the banks of the River etxearekin elkarlanean, lan emankorra egin zuen. Navarra, Ebro to the coast and accompanied by traditional music, Caro cuatro estaciones (1972) bere lanik gorenetakoa da. Baroja saw in this documentary the synthesis of the land which saw him born, the frozen memory of a lifetime.

Nephew of the well-known writer Pío Baroja, Pío Caro Baro- ja and his brother, Julio, formed the duo which founded Spai- n’s ethnographic film movement, the driving force behind films which now bear weary witness to epochs, traditions and lives which time has left in its wake. Caro Baroja’s love of film saw the light of day with El ladrón de bicicletas and took shape during his exile in Mexico with books, other contributions and his first documentaries, La Trinidad (1955) and Carnaval de Tepoztlan (1955). Commissioned by X Films and with a script written by his brother, he filmed El País Vasco (1966), which won the Silver Mikeldi prize at the Bilbao Internatio- nal Documentary Film Festival. His fruitful association with Spanish public television led to an extensive list of works. Navarra, cuatro estaciones (1972) is one of his most highligh- ted works.

113 ANTONIO GIMÉNEZ RICO BURGOS, 1938 BURGOS, 1938 BURGOS, 1938

Licenciado en Derecho por la Universidad de Valladolid, cur- só estudios de periodismo y piano antes de trabajar como crí- EL CARNAVAL (SERIE "PLINIO") tico cinematográfico en la revista Cinestudio. Su debút en el 1969-70 / 16 MM / 50' mundo del cine se produjo como ayudante de dirección, para Adaptación de la obra de Francisco García Pavón, cuenta la dirigir después diversos documentales, series de televisión y historia de un pueblo en fiestas de carnaval, donde se ha pro- películas, entre las que se encuentran El disputado voto del ducido un extraño asesinato. La víctima es una vieja y querida señor Cayo (1986) o Las Ratas (1998). criada de sesenta años. Plinio, inspector de policía es el encargado de la investigación. Dos capítulos.

Valladolideko unibertsitatean Zuzenbidean lizentziatua, kazetaritza eta piano ikasketak egin zituen, Cinestudio aldizka- EL CARNAVAL ("Plinio" telesaioa) rian zine kritikari aritu baino lehen. Zuzendaritza laguntzaile Francisco García Pavónen lanaren egokitzapena. Inauterietan aritu zen estreinakoz zineman eta, gero, hainbat dokumental, dabilen herri batean hilketa arraroa gertatu da. Hildakoa telebista saio eta film zuzendu zituen, besteak beste, El dispu- morroi bat da, hots, hirurogei urteko emakume zaharra, mai- tado voto del señor Cayo (1986) edo Las Ratas (1998) pelikulak. tatua. Polizia inspektore Plinio arduratzen da ikerketaz. Bi atal.

After graduating in Law from the University of Valladolid, Antonio Giménez Rico studied journalism and piano before EL CARNAVAL ("Plinio" series) working as a film critic for the magazine Cinestudio. His debut Adapted from Francisco García Pavón’s novel, the film tells in the film world was as assistant director and he went on to the story of a town in carnivals in which a strange murder has direct a number of documentaries, television series and films, taken place. The victim is a much-loved, 60-year-old maid. including El disputado voto del señor Cayo (1986) and Las Police Inspector Plinio takes the case on. Two episodes. Ratas (1998). Dirección / Zuzendaria / Direction: Antonio Giménez Rico. Guión / Gidoia / Screenplay: Antonio Giménez Rico y José Luis Garci. Producción / Ekoizpena / Production: José María González Sinde. Fotografía / Argazkia / Photography: José Luis Alcaine. Música / Musika / Music: Carmelo Bernaola. Intérpretes / Antzezleak / Cast: Alfonso del Real, Manuel Andrés, María Isbert.

Película cedida por Televisión Española

114 RAFAEL RUIZ BALERDI SAN SEBASTIÁN, 1934-1992 DONOSTIA, 1934-1992 SAN SEBASTIÁN, 1934-1992

Hay quien pasa a la historia del cine con una sola película. Ruiz Balerdi necesitó sólo un cortometraje: Homenaje a Tar- HOMENAJE A TARZÁN zán (1969). Producido por X Films, es un extraño corto de 1973 / 35 MM / 5’ / B/N POSITIVADO EN COLOR animación, de apenas cinco minutos, pintado directamente Película dibujada a mano directamente sobre el celuloide y sobre celuloide sin emulsionar. La cazadora inconsciente con una banda sonora muy trabajada a partir de sonidos hete- (1969) fue su otro acercamiento al cine, con una técnica simi- rogéneos. Fue muy bien recibida por la crítica, y un artículo lar, llegó a presentarse en Cannes y ganó el Txistu de Plata en publicado en Francia en 1972, con el título Le jeune cinéma en el Festival Internacional de Documental y Cortometraje de Espagne, afirmaba que la película de Ruiz Balerdi era una Bilbao en 1969. Pero Ruiz Balerdi fue, ante todo, un pintor. sugerente orquestación sobre un ritmo vivo de una música de Formado en la Escuela de Artes y Oficios de San Sebastián, su formas extremadamente brillante. viaje a París le hizo abandonar la figuración para encaminarse hacia una abstracción que él llamaba “ordenación constructi- HOMENAJE A TARZÁN va”. Formó parte del Grupo Gaur junto a Oteiza y Chillida, Zeluloidearen gainean zuzenean eskuz margotutako filma da entre otros. eta, aldi berean, soinu-banda oso landua dago era honetako eta hartako soinuetatik abiatuta. Kritikak oso ongi hartu zuen eta, Bada zinearen historiara film bakar batekin pasatu denik. Ruiz alde horretatik, 1972an, Frantzian argitara emandako Le jeune Balerdik film bakarra behar izan zuen: Homenaje a Tarzán cinéma en Espagne artikuluan hauxe esaten zen Ruiz Balerdi- (1969). X Films etxeak ekoiztua, animaziozko labur bitxia da ren filmaz: “orkestazio iradokitzailea da, forma bikain-bikai- da, doi bost minutukoa, zuzenean zeluloidearen gainean nez osaturiko musikaren erritmo biziaren gainean”. emultsionatu gabe margotua. Antzeko teknika erabili zuen La cazadora inconsciente (1969) lanean, Cannesera eraman zuen HOMENAJE A TARZÁN eta Zilarrezko Txistua irabazi zuen Bilboko Dokumentalaren Drawn by hand directly onto celluloid and with a meticulous eta Film Laburraren Nazioarteko Jaialdian, 1969an. Pero soundtrack based on heterogeneous sounds, this film was well Ruiz Balerdi, oroz gain, pintorea izan zen. Donostiako Arteak received by the critics, an article published in France in 1972, eta Lanbideak eskolan prestatua, Parisera joan eta, bidaia under the title of Le jeune cinéma en Espagne, declaring it “a horrek eraginik, figurazioa alde batera utzi zuen, abstrakzio- suggestive orchestration over the lively rhythm of a music of rantz jotzeko. Berak “antolaketa konstruktiboa” deitzen zion. extremely brilliant forms”. Gaur Taldeko kide izan zen, besteak beste Oteizarekin eta Dirección y animación / Zuzendaria eta animazioa / Direction Chillidarekin batera. and animation: Rafael Ruiz Balerdi. Sonido / Soinua / Sound: Adolfo Oliete Some people come to form part of filmmaking history with just one film. Ruiz Balerdi only needed one short film: Home- naje a Tarzán (1969). Produced by X Films, Homenaje a Tar- zán is a unique, short work of animation, barely five minutes in length, painted straight onto unemulsioned celluloid. La cazadora inconsciente (1969), which used a similar technique, was his other venture into filmmaking. It was presented at Cannes and won the Silver Txistu at Bilbao’s International Documentary and Short Film Festival in 1969. But Ruiz Balerdi was, above all, a painter. After studying at the San Sebastián Art School, his move to Paris saw him abandon figuration and turn towards a style of abstraction which he called “constructive ordering”. He formed part of the Gaur Group together with Oteiza and Chillida, among others.

115 FILMOGRAFÍA / FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY

1964 1969 Garabatos. Angelino Fons El Toro. Ramón Masats El Toro de lidia. Ramón Masats 1966 Crady. Antonio Gamero El País Vasco. Pío Caro Baroja Córdoba. Luis Enciso 1970 Costa de la Luz. Luis S. Enciso Cualquier mañana. Gabriel Blanco Olivenza. Gonzalo Sebastián de Erice El Carnaval. De la serie Plinio. Antonio Giménez Rico

1967 1971 Jerez de los Caballeros. Gonzalo Sebastián de Erice Operación H. Néstor Basterretxea Plasencia. Gonzalo Sebastián de Erice Ere erera baleibu icik subua aruaren. José Antonio Sistiaga Acteón. Jordi Grau Chicas de club. Jordi Grau Almansa. José Luis Tafur Guernica. José Luis Viloria 1972 Mantis. Luis Mamerto López Tapia Mérida. Gonzalo Sebastián de Erice Badajoz, una provincia en marcha. José Luis Tafur Andújar. José María González Castrillo “Chumy Chúmez” Aracena. José Luis Viloria 1973 Castro Urdiales. José Luis Viloria Costa Blanca. Ramón Masats Elorrio. José Luis Viloria Costa del Azahar. Ramón Masats Jerez de la Frontera. José Luis Viloria Las islas de la calma. Ramón Masats Laredo. José Luis Viloria Ceremonia sangrienta. Jordi Grau Fuengirola. José Mª González Castillo, “Chumy Chúmez”. El Love Feroz, o cuando los hijos juegan al amor. José Luis 1967 García Sánchez Marbella. Chumy Chúmez Gente de baile. Carlos Morales Montoro. Chumy Chúmez Gente de metro. Carlos Morales Trujillo. José Luis Tafur Algo de amor. Gabriel Blanco Utrera. Manuel Rojas La edad de la piedra. Gabriel Blanco Gente de Boina. José Luis García Sánchez 1968 Extremadura. Luis S. Enciso La Costa del Sol. Chumy Chúmez Galicia. Claudio Guerin Hacia México 68. Luis S. Enciso Labelecialalacio. José Luis García Sánchez Homenaje a Tarzán. Rafael Ruiz Balerdi Galicia. Claudio Guerin

116 1974 1978 El reto. José Ángel Joanes Miss Elecciones. Manuel García Muñoz La Mancha. Claudio Guerin Llámame Lola. Manuel García Muñoz Andalucía la Baja (La Frontera). José María González Cas- El templo de la fama. José Ángel Juanes trillo “Chumy Chúmez”. 1974 Arquitectura para después de una guerra. Lucio Blanco Malla- Castillos de Castilla. José María González Castrillo “Chumy da Chúmez”. 1974 La edad del silencio. Gabriel Blanco De purificatione automibilis. Gabriel Blanco El señorío de Sarría. Horacio Valcarcel 1981 Escultura y paisaje. Manuel García Muñoz 1975 Galicia. 1ª parte: orígenes históricos. Claudio Guerin Vía libre al tráfico. Gabriel Blanco Galicia. 2ª parte: el camino del medievo. Claudio Guerin Al fútbol. Gabriel Blanco Galicia. 3ª parte: pazos, rías y romería. Claudio Guerin A flor de piel. Luis Eduardo Aute Mi Marilyn. José Luis Garci

1976 Usa rider. Jaime Pascual Tratado de construcción. Jesús Pascual Tiempo de gente acobardada. José Luis Garci Testamento de un pueblo. Manuel García Muñoz

1977 Loco por Machín. José Luis García Sánchez Esculturas para el entorno. Francisco Aguirre Tantra. Juan G. Atienza Y tu hermano. Juan García Atienza El mensaje. Juan G. Atienza Guanche. Juan G. Atienza El oro de los montes. Juan G. Atienza Testamento. Juan G. Atienza Primera enseñanza. Manuel García Muñoz Soy un Tutti Frutti. Juan Carlos Eguillor Canciones llanas de la amarga tierra. Francisco Aguirre José Hernández. Fernando González de Canales

117 FESTIVAL DE FESTIVALES JAIALDIEN JAIALDIA FESTIVAL OF FESTIVALS

¿Existe un festival perfecto? Cada espectador construye el suyo en su memoria, seleccionando, ordenando y programando sus películas favoritas, en un festival ideal, imposible e invisible. Festival de Festivales quisiera ser ese festival imagina- rio, perfecto, formado sólo por lo mejor; ese rincón de la memoria de donde res- catar las películas que componen un programa sin aristas. La misión es difícil. Festival de Festivales es, en cualquier caso, una invitación al mejor cine de no-ficción. Una selección tan arbitraria como atractiva, realizada entre lo mejor del panorama internacional de festivales. Diez películas participan este año en este intento de construir una programación perfecta. Diez películas, inéditas en nuestro país, que son una muestra multipremiada del vigor y la diversidad de un género de fronteras variables. Un mapamundi a 25 fotogramas por segundo: de Finlandia a Estados Unidos, con escalas en Holanda, Dinamarca, Francia, Rusia o Brasil. ¿Es este su festival perfecto?

Ba al da jaialdi perfekturik? Ikusle bakoitzak berea eraikitzen du bere oroimene- an eta, hartara, bere film gogokoenak aukeratu, ordenatu eta programatzen ditu jaialdi ideal, ezinezko eta ikusezin baterako. Jaialdien Jaialdiak alegiazko jaialdi hori izan nahiko luke, perfektua, soilik gauzarik hoberenek osatutako huraxe, alegia; azken buruan, oroimenaren zokoa izan nahiko luke, koskarik gabeko programa osatzen duten filmak erreskatatzeko. Eginkizun gaitza, zalantzarik gabe. Nolanahi ere, Jaialdien Jaialdia ez-fikzioaren zinerik hoberenerako gonbi- dapena da. Nazioarteko jaialdietako filmik hoberenen artean egindako aukeraketa da, aukeraketa arbitrarioa bezain erakargarria. Aurten, hamar filmek parte hartzen dute programazio perfektua eraikitzeko saialdi horretan. Espainian ezagutzen ez diren hamar film, guztiak muga aldakorreko genero baten indar eta aniztasunaren adibide, eta hamarrak dira sari asko jasotakoak. Hitz batez, 25 fotogramako segundoko abiaduran dabilen mapamundia: Finlandiatik Estatu Batuetara, Holandan, Danimarkan, Frantzian, Errusian eta Brasilen pausatuta. Hau al da zure jaialdi perfektua?

Does the perfect festival exist? The memory of each member of the audience creates its own, selecting, ordering and billing their favourite films to make that invisible, impossible, ideal festival. The Festival of Festivals aims to be just that: a perfect, imaginary festival which only shows the best, that corner of the memory in which a flawless programme awaits retrieval. The task is by no means an easy one. The Festival of Festivals is an invitation to the best of non-fiction cinema. A selection as arbitrary as it is attractive, chosen from the best on the international festival circuit. This year ten films are taking part in our attempt at the perfect programme. Ten films to be screened for the first time in Spain, an award-winning array which reveals the energy and diversity of a genre forever shifting its frontiers. A map of the world at 25 frames a second: from Finland to the United States, stopping off in Holland, Denmark, France, Russia and Brazil. Could this be your perfect festival?

121 BORN INTO BROTHELS / NACIDO ENTRE BURDELES ZANA BRISKI Y ROSS KAUFFMAN ESTADOS UNIDOS / INDIA, 2004. 85’

OSCAR de la Academia al mejor documental 2005 Golden Kinnaree Award, Bangkok International Film Festival 2005 IDA Award, International Documentary Association 2004 Premio del Público, Sundance Film Festival 2004

NACIDO ENTRE BURDELES Zana Briski y Ross Kaufman hacen una crónica del tiempo que pasaron en Sonagchi (Calcuta) y de las relaciones que establecieron con los hijos de las prostitutas de uno de los barrios más importantes de la ciudad: el barrio rojo. Briski, fotógrafa profesional, introduce a los pequeños en el mundo de la fotografía y les proporciona las cámaras, con las que comienzan a desarrollar el genio artístico latente en muchos de ellos. La fotografía se convertirá en su válvula de escape y Zana Briski, Ross Kauffman posiblemente en la única salida de ese mundo sórdido lleno de miseria. Ross Kauffman es director, productor, cámara y editor. Ha editado documentales BORN INTO BROTHELS para National Geographic y The Discovery Sonagchi-n (Kalkuta) pasa zuten denboraren kronika egin dute Zana Briskik eta Channel, entre otros. Zana Briski estudió Ross Kaufmanek, bai eta hiriko auzorik garrantzitsuenetako bateko prostituten fotografía documental en el International seme-alabekin izan zituzten harremanen kronika ere: auzo gorria. Briski argaz- Center of Photography de Nueva York. A kilari profesionala da eta haurrak argazkiaren munduan sartzen ditu. Kamerak partir del 2000 ha impartido talleres de ere uzten dizkie. Neska-mutikoak kamera horien bidez hasten dira beraietako fotografía a los hijos de prostitutas en askoren barnean ezkutuan dagoen arte-sena lantzen. Argazkia beraien ihesbidea Calcuta. izatera iritsiko da eta, ziurrenik, aterabide bakarra ere, miseria gorriak hartuta- Ross Kauffman. Zuzendari, ekoizle, kamera ko mundu horretatik ateratzeko. eta editore. Dokumentalak editatu ditu National Geographic erakunderako eta The BORN INTO BROTHELS Discovery Channel-erako, besteak beste. Zana Briski and Ross Kaufman record the time they spent in Sonagchi (Calcut- Zana Briski. Argazki dokumentala ikasi zuen ta) and the relationships they forged with the children of the prostitutes from New Yorkeko International Center of one of the city’s most important districts: the red-light district. Briski, a profes- Photography Zentroan. 2000tik aurrera, sional photographer, introduces these youngsters to the world of photography argazki tailerrak eman dizkie Kalkutako and provides them with cameras, with which they begin to develop the latent prostituten seme-alabei. artistic flair many hide within. Photography becomes an escape valve and pos- sibly the only way out from this sordid, poverty-stricken world. Ross Kauffman works as director, producer, cinematographer and editor. He has edited documentaries for National Geographic and Dirección / Zuzendaria / Director: Zana Briski, Ross Kauffman. Fotografía / The Discovery Channel. Zana Briski studied Argazkia / Photography: Zana Briski, Ross Kauffman. Guión / Gidoia / documentary photography at the Screenplay: Zana Briski, Ross Kauffman. Edición / Muntaketa / Edition: Nancy International Center of Photography in New Baker y Ross Kauffman. Productor / Ekoizlea / Producer: Zana Briski. York. Since 2000 she has conducted a series Producción / Ekoizpena / Production: ThinkFilms of photographic workshops for the children Think Film Company. 23, East 22nd. Street 5th. Floor of prostitutes in Calcutta. New York NY 10010. EE.UU. Tel. 1212 444 79 00. Fax. 1212 444 79 01

Ventas / Salmentak / Sales: Karma Films: C/ Suiza 102. 28022 Madrid Tel: +34.91 7601368. Fax: +34.91 3135146 [email protected]

122 EL PERRO NEGRO / THE BLACK DOG PÉTER FORGÁCS PAÍSES BAJOS, 2005. 84’

Premio al mejor documental, Tribeca Film Festival 2005 Premio Maysles Brothers al Mejor documental en el Starz Denver International Film Festival, EEUU, 2005

EL PERRO NEGRO Colage poético de películas amateurs filmadas durante la Guerra Civil con citas de hombres y mujeres que participaron en ellas. Es un documental personal que narra el clima y el tiempo en que se desarrolló la guerra. Los protagonistas son Ernesto Díaz Noriega, estudiante de clase media madrileño, que sobrevivió a la guerra, y Joan Salvans Piero, empresario catalán que fue asesinado seis días des- pués de estallar el conflicto. Péter Forgács Vive y trabaja en Budapest como cineasta, ZAKUR BELTZA artista y científico. A principios de los años 70 Espainiako gerran filmatutako pelikula amateurren collage poetikoa, hartan par- su trabajo estuvo influido por el arte te hartu zuten gizon-emakumeen adierazpenak eta guzti. Dokumental pertso- conceptual y el teatro experimental. nala da eta gerra giroa kontatzen du, bai eta garai hura ere. Protagonistak dira Desde entonces Forgács colabora con el Ernesto Díaz Noriega, erdiko klaseko ikasle madrildarra, -gerratik bizirik atera GRUPO 180, un grupo de música minimalista zena- eta Joan Salvans Piero, gerra hasi eta sei egunera hil zuten enpresaburu húngaro. En 1983 creó el Private Film & kataluniarra. Photo Archives Foundation para la cultura y estudios de arte en Budapest. Su extensa filmografía ha recibido numerosos premios THE BLACK DOG en los principales festivales internacionales. A poetic collage of amateur films shot during the Spanish Civil War with quotes from some of the men and women who took part in their making. This personal Budapesten bizi eta hantxe lan egiten du documentary narrates the mood and the times in which the war took place. The zinegile, artista eta zientzialari. 1970aren protagonists are Ernesto Díaz Noriega, a middle-class student from Madrid, hasieran, bere lanak arte kontzeptualaren and Joan Salvans Piero, a Catalonian industrialist murdered six days after the eragina jaso zuen, bai eta antzerki conflict broke out. esperimentalarena ere. Orduz geroztik, Forgács elkarlanean ari da 180 TALDEA Director / Zuzendaria / Director: Péter Forgács. Música / Musika / Music: Tibor deitzen zaion taldearekin, hau da, Hungariako Szemzõ. Productor / Ekoizlea / Producer: Cesar Messemaker. Edición / Muntaketa musika minimalista jotzen duen taldearekin. / Edition: Kati Juhász 1983an, Private Film & Photo Archives Producción / Ekoizpena / Production: Lumen Film Foundation Fundazioa sortu zuen Norte Prinsengracht 17d. Amsterdam, NL 1013 GN Budapesten, kultura eta arte ikasketak Phone: (31) 20 623 2600. Fax: (31) 20 625 4830. Email: [email protected] sustatzeko. Film askoren egilea da eta sari Coproducción / Ekoizkidea / Co-production: VPRO-television junto con ARTE aunitz jaso ditu nazioarteko jaialdi France, SVT, YLE-TV1 y el apoyo del Netherlands Film Fund y CoBofund nagusietan. Ventas / Salmentak / Sales: Parallel40 He lives and works in Budapest as a C/ Mallorca 209, Pral; 08036 Barcelona filmmaker, media artist and scientist. In the www.parallel40.com early 1970’s his work was influenced by the [email protected] concept art movement and experimental theatre. Since them he has collaborated with GROUP 180, a Hungarian minimal music group. In 1983 he established the Private Film & Photo Archives Foundation for culture and art studies in Budapest. His films have recieved many prizes at major international film festivals. 123 V TEMONTE / IN THE DARK SERGEI DVORTSEVOÏ 2004, RUSIA, FINLANDIA, GRAN BRETAÑA. 40’

Premio Jameson al mejor cortometraje documental, Doclisboa 2004 Best Documentary Film, Festival dei Popoli 2004

EN LA OSCURIDAD Iván, un anciano invidente, vive en Moscú con la única compañía de su gato. Se entretiene tejiendo bolsas de la compra, que regala a los paseantes, pero nadie las coge porque llevan bolsas de plástico. En su casa, Ivan escucha los sonidos de la calle y le explica a su gato lo que pasa fuera. El documental es una sinfonía del día a día en un barrio moscovita, una metáfora de la Rusia en transición. Simbó- licamente, el anciano representa lo viejo y tradicional, y el mundo exterior Sergei Dvortsevoï representa lo moderno, sin ninguna utilidad para el anciano ciego. Nacido en Kazakhastan, estudia dirección de cine y guión en Moscú. En los años 90 IN THE DARK emerge como una de las figuras clave en el Ivan zaharra eta itsua da, eta Moskun bizi da, soilik bere katuarekin. Denbora documental ruso. Director independiente, pasatzen du erosketako poltsak ehuntzen, eta paseatzaileei oparitzen die. Baina sus películas Paradise (1995), Highway (1999) ez ditu inork hartzen, denek plastikozko poltsak daramatzatelako. Bere etxean, e In the dark (2004) han ganado premios en Ivanek kaleko soinuak entzuten ditu eta katuari azaltzen dio kanpoan zer gertat- prestigiosos festivales como Yamagata, zen den. Dokumentalak Moskuko auzo bateko eguneroko bizimoduaren sinfo- Ámsterdam o Nyon. nia dakar. Hitz batez, trantsizioan ari den Errusiaren metafora. Sinbolikoki, agurea zahartasunaren eta mundu tradizionalaren ikurra da. Kanpoko mundua, Kazakhstanen jaio eta Moskun egin zituen zine-zuzendaritza eta gidoi ikasketak. 90eko aldiz, modernotasuna da, zahar itsuarendako inolako erabilgarritasunik ez due- hamarkadan, Errusiako dokumentalaren na. funtsezko zinegileetako bat izatera iritsi zen. Zuzendari independentea, bere Paradise IN THE DARK (1995), Highway (1999) eta In the dark (2004) Ivan, a blind, old man, lives in Moscow in the sole company of his cat. He keeps filmek sariak irabazi dituzte jaialdi himself amused weaving shopping bags for passers-by, but nobody accepts them ospetsuetan, esaterako: Yamagata, because they use plastic bags. At home, Ivan listens to the sounds rising from the Amsterdam eta Nyon. street and explains what is going on outside to his cat. This documentary is a symphony of day-to-day life in part of Moscow, a metaphor for Russia in transi- Born in Kazakhstan, Dvortsevoi studied film tion. The old man symbolises the old and the traditional, while the outside direction and screenwriting in Moscow. He world represents the modern, which is absolutely useless to him. emerged as one of the key figures of Russian documentary filmmaking in the 90’s. An Director / Zuzendaria / Director: Sergei Dvortsevoï. Guión / Gidoia / Screenplay: independent director, his films Paradise Sergei Dvortsevoi. Cámara / Kamera / cinematography: Alisher Khamidkodjaev. (1995), Highway (1999) and In the dark (2004) Sonido / Soinua / sound: Kyösti Väntänen have been prized at prestigious festivals Producción / Ekoizkipena / Production: Making Movies Oy including Yamagata, Amsterdam and Nyon. Linnankatu 7. 00160 Helsinki Tel: +358.9.621.3828. Fax: +358.9.6842.7870

Ventas / Salmentak / Sales: Jane Balfour Services Flat 2, 122 Elgin Crescent. London W11 2JN Tel: +44.207.727 1528. Fax: +44.207 221 9007 [email protected]

124 MALENKAYA KATERINA / TINY KATERINA IVAN GOLOVNEV RUSIA, 2004. 24’

Mejor documental científico en el XIX Parnu International Documentary and Anthropology Film Festival (Parnu, Estonia 2005).

PEQUEÑA KATERINA Noroeste de Siberia, Rusia. Katerina, una pequeña khanty, observa y comprende el mundo exterior. Aprende las voces de la gente, animales y otras cosas. Gra- dualmente se acerca a lo desconocido y lo desconocido se convierte en cercano. No lejos del campo nómada de Katerina aparece una torre de perforación petro- lífera.

Ivan Golovnev KATERINA TXIKIA Graduado en el Omsk State Univertity, Errusiako ipar-mendebaldea, Siberia, Errusia. Katerina txikiak kanpoko mun- Departamento de Historia. En 2002 finaliza dua ikusi eta ulertzen du. Jendearen, animalien eta beste gauza batzuen ahotsak sus estudios en el Sverdlovsk Film Studio y ikasten ditu. Pixkana, mundu ezezagunera hurbildu eta mundu ezezagun hori comienza los cursos superiores de escritura y hurbil bilakatzen da. Katerinaren zelai nomadatik ez urruti, petrolioa erauzteko dirección de cine en Moscú. Ivan Golonev ha dorre bat agertzen da. dirigido dos películas, Guest (2004) y Tiny Katerina (2004). TINY KATERINA Omsk State Univertity unibertsitateko Northwestern Siberia, Russia. A small Khanty girl, Katerina, observes and tries Historia Departamentuan graduatua. 2002an, to understand the outside world. She learns the voices of people, animals and bere ikasketak bukatu zituen Sverdlovsk Film other beings. Gradually she approaches the unknown and the unknown comes Studio eskolan eta zine idazketako eta closer – not far from Katerina’s nomad camp an oil rig appears. zuzendaritzako goi-mailako ikasketak hasi zituen Moskun. Ivan Golonevek bi film zuzendu ditu: Guest (2004) eta Tiny Katerina Director / Zuzendaria / Director: Ivan Golovnev. Guión / Gidoia / Screenplay: (2004). Ivan Golovnev. Fotografía / Argazkia / Photography: Ivan Golovnev. Montaje / Muntaketa / Edition: Yuri Yatsencko Graduated from the Department of History at the Omsk State University. In 2002 finished Producción / Ekoizpena / Production: Ivan Golovnev his studies at the Sverdlovsk Film Studio and 34/g-26, Mira St. Ekaterinburg 620078. Rusia entered the Higher Courses for Film Writers [email protected] and Directors in Moscow. Ivan Golonev has directed two films, Guest (2004) and Tiny Katerina (2004).

125 LEIPUTRIJA / DREAM LAND LAILA PAKALNINA LETONIA, 2004. 35 MINUTOS

Pusan International Film Festival, Korea Ukrainian International Documentary Film Festival 2005; Grand Prix Green Vision St. Petersburg Grand Prix 2005

TIERRA DE SUEÑOS Existen lugares de los que no queremos saber nada, lugares que preferiríamos que no existieran en absoluto. Uno de ellos es un vertedero. Desde el punto de vista de los humanos, es un lugar horroroso, un desierto de basura. Pero es un desierto lleno de vida. La sorprendente profusión de insectos, reptiles, pájaros y mamíferos, todos entrelazados en una relación existencial vida-muerte, le imparte una atractiva y extraña cualidad como de sueño. Laila Pakalnina De nacionalidad letona, Laila Pakalnina es DREAM LAND directora y guionista. Se graduó en la Zenbait lekuz ez dugu deus ere jakin nahi eta, aukeran, nahiago genuke halako Universidad de Moscú en 1986 en el lekurik inola ere ez izatea. Horietako bat zabortegia da. Gizakien ikuspegitik, Departamento de Televisión y Periodismo, y leku itsusi eta izugarria da, zaborrez betetako basamortua. Baina, aldi berean, en el Instituto de Cine de la misma ciudad en bizitzaz betetako basamortua da. Harritzeko moduko kopuruan dabiltza intsek- 1991 como directora de cine. Por sus manos tuak, narrastiak, txoriak eta ugaztunak, den-denak bizitza-heriotza tankerako han pasado varios documentales premiados harremanek elkar lotuak. Horrexek amets itxurako ezaugarri erakargarria eta entre los que se destacan The Ferry, The arraroa ematen dio. Mail, The Shoe o The Bus.

Nazionalitatez letoniarra, Laila Pakalnina DREAM LAND zuzendaria eta gidoigilea da. Moskuko There are places that we don’t want to know anything about, places that we unibertsitatean graduatu zen, 1986an, would rather pretend didn’t exist at all. One such place is a dumpsite. From a Telebista eta Kazetaritza Departamentuan, eta humans’ point of view, it is a ghastly place, a stinking desert of trash. But it’s a hiri bereko Zine Institutuan -1991n- zine desert teaming with life. The astounding profusion of insects, reptiles, birds and zuzendari ikasketak egin zituen. Bereak dira mammals, all intertwined in an existential life-death relationship, lends it a sariak jaso dituzten hainbat dokumental eta strangely alluring, dream-like quality. horien artean nabarmentzekoak: The Ferry, The Mail, The Shoe eta The Bus. Director / Zuzendaria / Director: Laila Pakalnina. Guión / Gidoia / Screenplay: Laila Pakalnina is a Latvian director and Laila Pakalnina. Fotografía / Argazkia / Photography: Maris Maskalans. Montaje screenwriter. She graduated from the / Muntaketa / Edition: Gatis Belogrudovs. University of Moscow’s Department of Television and Journalism in 1986 and Producción / Ekoizpena / Production: Vides Filmu Studija finished her film direction studies at the Film Pils Street 17. Riga. LV 1050. Latvia Institute in 1991. She is responsible for a list Tel: +371.7503588 of prize-winning documentaries, of which www.vfs.lv The Ferry, The Mail, The Shoe and The Bus [email protected] are worthy of greatest mention.

126 ESTAMIRA MARCOS PRADO BRASIL, 2004. 121’

Mejor documental en el Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro 2004 y en el Festival de Cine de Saô Paulo 2004 Gran Prix, Festival International du Documentaire de Marseille, 2005

ESTAMIRA El documental cuenta la historia de una mujer esquizofrénica de 63 años. Vive y trabaja en el vertedero de Jardim Gramacho en Río de Janeiro. La filmación comenzó en enero del 2000, cuando Estamira inicia un tratamiento en una clíni- ca psiquiátrica estatal. La película muestra su vida durante cuatro años de medi- cación continua y revela su transformación y los efectos de los medicamentos. Con un discurso poético, filosófico y elocuente, Estamira vive para la misión que Marcos Prado se le fue impuesta: revelar y reclamar la verdad. Se graduó en el Brooks Institute of Photography de California (1986). Importante ESTAMIRA productor y director de documentales para la Dokumentalak 63 urteko emakume eskizofreniko baten historia kontatzen du. televisión, en 1998 produjo The charcoal Rio de Janeiroko Jardim Gramacho esaten dioten zabortegian bizi da eta hantxe people, al que siguen siguen Os Pantaneiros, ere lan egiten du. Filmaketa 2000ko urtarrilean hasi zen, Estamirak Estatuko Facing the jaguar y Pantanal cowboys, estos klinika psikiatriko batean tratamendua hasi zuenean. Filmak emakume horren dos últimos con José Padilla. Debuta en 2004 bizitza erakusten du -lau urte-, nola hartzen duen etengabe medikazioa, eta nola con Estamira, que ha conseguido premios en eraldatzen den, bai eta sendagaiek harengan sortu dituzten ondorioak ere. Dis- numerosos festivales. kurtso poetikoa, filosofikoa eta ederra erabilita, Estamira bizi da inposatu zi- Kaliforniako Brooks Institute of Photography tzaion misioa betetzeko: egia agertu eta aldarrikatu. institutuan graduatu zen (1986). Telebistarako dokumentalen ekoizle eta zuzendari ESTAMIRA nabarmena, 1998an The charcoal people The documentary tells the story of a 63-year-old woman who suffers from schi- ekoiztu zuen, eta ondotik Os Pantaneiros eta zophrenia. Estamira has lived and worked for the past 20 years at the waste dis- Facing the jaguar, azken bi horiek José posal site of Jardim Gramacho in Rio de Janeiro. Filming began in January of Padillarekin. Estamira izan da zuzendu duen 2000, when Estamira started getting treatment at a state-run psychiatric clinic. lehen lana (2004) eta film horrek sari ugari The film shows her life during four years of continuous medication; reveals her lortu ditu jaialdi ugaritan. transformation and the effects the drugs had upon her. With a poetic, philoso- phical and eloquent discourse, Estamira lives for the mission that was set upon Prado graduated from California’s Brooks Institute of Photography in 1986. A significant her: to reveal and to reclaim the truth. producer and director of documentaries for television, in 1998 he produced The charcoal people, followed by Pantanal cowboys and Director / Zuzendaria / Director: Marcos Prado. Música / Musika / Music: Décio Facing the jaguar, both with José Padilla. In Rocha. Producción / Ekoizpena / Production: Marcos Prado, José Padilha. 2004, he released Estamira, which has been prized at numerous festivals. Ventas / Salmentak / Sales: Zazen Produções Praça Pio XI, 6 sala 102. Rio de Janeiro, RJ. Brazil, 22461-080 Telephone: (5521) 2535 5406 / 5407. Telefax: (5521) 2535 5406 [email protected]

127 MELANCHOLIAN KOLME HUONETTA / THREE ROOMS OF MELANCHOLIA PIRJO HONKASALO FINLANDIA, ALEMANIA, SUIZA, DINAMARCA. 2004. 106’

Gran Prix Italia- Categoria Documentals Tv- Afers Socials, 2005 Premio Big Stamp, ZagrebDox 2005 Premio The World Catholic Association for Communication, Mar del Plata 2005 Premio FIPRESCI y Premio de honor, Thessaloniki 2005 Premio Arie & Bozena Zweig Innovation, Chicago 2005 Premio Jussi 2004 al Mejor documental y a la Mejor música

TRES HABITACIONES DE MELANCOLÍA La película retrata la vulnerabilidad de los niños que viven en una guerra inter- minable. Durante toda su vida estarán acompañados por la melancolía y por eventuales ataques de odio. El documental se divide en tres espacios: 'añorar', 'respirar' y 'recordar'. En el primer espacio los principales protagonistas son Pirjo Honkasalo niños de entre 9 y 14 años internados en la Academia militar de Kronstadt. En el Nacida el 22 de febrero de 1947 en Helsinki, segundo, una mujer, Hadizhat Gataeva, que salva a los niños de las ruinas de esta directora finlandesa se graduó en Chechenia y, en el tercero, los niños que viven al otro lado de la frontera en un Cinematografía en 1969 por la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki y, en 1972, por la campo de refugiados de Ingushetia. Escuela de Comunicación de Pennsylvania, USA, donde obtuvo un posgrado en Estudios THREE ROOMS OF MELANCHOLIA de Cine. Ha dirigido, escrito y trabajado como Gerra bukaezinean bizi diren haurren zaurgarritasunari buruzko erretratua egi- cámara para documentales y películas ten du filmak. Bizitza osoa ematen dute malenkoniaz eta noizbehinkako gorroto- durante 25 años. kolpeez jota. Dokumentala hiru esparrutan banatua dago: 'mira egin', 'arnastu' eta 'oroitu'. Lehenbiziko esparru horretan 9tik 14ra urte bitarteko haurrak dira Helsinkin, 1947ko otsailaren 22an jaioa, protagonista nagusiak, Kronstadteko Akademia Militarrean bizi direnak. Biga- zuzendari finlandiar hau Zinematografian rrenean, berriz, haurrak Txetxeniako hondamenetik salbatzen dituen emakume graduatu zen, 1969an, Helsinkiko Artea eta bat, Hadizhat Gataeva, eta hirugarrenean, azkenik, Ingushetiako errefuxiatu Diseinua Unibertsitatean. Gero, 1972an, Pennsylvaniako Komunikazio Eskolan (AEB), zelai batean, mugaz bestaldean, bizi diren haurrak. non graduondoko ikasketak egin zituen Zine Ikasketetan. Dokumental eta filmetarako THREE ROOMS OF MELANCHOLIA zuzendu eta idatzi du, baita kameralari aritu This film portrays the vulnerability of children living a never-ending war. ere, 25 urtez. Melancholy and hatred are doomed to haunt them throughout their lives. The documentary is divided into three rooms: “longing”, “breathing” and “remem- Born in Helsinki on the 22nd of February bering”. The first of these focuses on children aged between 9 and 14 from the 1947, this Finnish director graduated in Kronstadt Military Academy. In the second, a woman, Xhadizhat Gataeva, saves Filmmaking from the University of Art and children from the ruins of Chechnya and the third centres on children living in Design Helsinki in 1969 and finished her a refugee camp on the other side of the border in Ingushetia. postgraduate Film Studies at Pennsylvania’s School for Communication (USA) in 1972. She has directed, written and worked as Director / Zuzendaria / Director: Pirjo Honkasalo. Sonido / Soinua / Sound: camerawoman for documentaries and Martti Turunen. Montaje / Muntaketa / Edition: Niels Pagh Andersen, Pirjo feature films for 25 years. Honkasalo. Productor / Ekoizlea / Producer: Kristina Pervilä Producción / Ekoizpena / Production: Millenium Film, Lisbet Gabrielsoon Film, Magic Hour Films, Ma.ja.De Filmproduktion, YLE TV2, ZDF/ARTE, SVT.

Ventas / Salmentak / Sales: Parallel40 C/ Mallorca 209, Pral; 08036 Barcelona www.parallel40.com [email protected]

128 THE SWENKAS JEPPE RØNDE DINAMARCA, SUDÁFRICA, 2004. 72’

Premio Robert para el mejor largo Documental de Dinamarca 2005 Mejor Director Internacional, Hot Docs, Toronto 2005 Mención especial en Eurodok, Oslo 2005

THE SWENKAS Los Swenkas son un reducido grupo de trabajadores zulús de la Sudáfrica del postapartheid. Se muestran orgullosos de ponerse vestidos elegantes (Carducci, Pierre Cardin) y sobresalir del resto. Los Swenkas son la entrada más directa al centro más oscuro de la Johanesburgo contemporánea, una de las ciudades más violentas de la tierra. Pero los Swenkas son de alguna manera una historia muy diferente para explicar este sitio, una historia de esperanza. Jeppe Rønde Graduado en Cine y Historia del Arte en la THE SWENKAS Universidad de Copenague, Jeppe Rønde ha Swenkak apartheid ondoko Hegoafrikako langile zulu talde txikia da. Harro dirigido Dancing in the Midst of War (2001), daude jantzi dotoreak soinean eramateaz (Carducci, Pierre Cardin) eta besteen- Son (2001), Jerusalen My Love (2003) y The gandik nabarmentzeaz. Swenkak Johanesburgo garaikidearen gunerik ilunene- Swenkas (2004). an sartzeko ate zuzenena dira, munduko hirik bortitzenetakoa, alegia. Baina, nolabait, swenkak oso istorio desberdina dira leku hori azaltzeko, itxaropenezko Kopenhageko Unibertsitatean Zine eta istorioa baitira. Artearen Historian graduatua, Jeppe Røndek Dancing in the Midst of War (2001), Son (2001), Jerusalen My Love (2003) eta The THE SWENKAS Swenkas (2004) zuzendu ditu. The Swenkas are a small group of Zulu men who work in post-apartheid South Africa. Men who take great pride in putting on flashy suit (Carducci, Pierre Film Science and Art History graduate from Cardin) and stand out as inspiration to others. The Swenkas provide direct the University of Copenhagen, Jeppe Ronde access to one of the darkest downtown districts in contemporary Johannesburg, has directed Dancing in the Midst of War one of the most violent cities on earth. But the Swenkas tell us a totally different (2001), Son (2001), Jerusalen My Love (2003) story from within that very place - a story of hope. and The Swenkas (2004).

Director / Zuzendaria / Director: Jeppe Rønde. Guión / Gidoia / Screenplay: Jeppe Rønde y Kim Leona. Cámara / Kamera / Cinematography: Lars Skree DFF, Sebastian Winterø DFF, Nic Hofmeyr. Música / Musika / Music: Povl Kristian. Sonido / Soinua / Sound: Rune Palving. Montaje / Muntaketa / Edition: Olivier Bugge Coutté Coproducción / Ekoizkideak / Co-production: Danish Film Institute, DR, Nordic Film & TV Fund, Swedish Film Institute, YLE Teema, Danida, CKU

Ventas / Salmentak / Sales: Parallel40 C/ Mallorca 209, Pral; 08036 Barcelona www.parallel40.com [email protected]

129 STAND VAN DE MAAN / SHAPE OF THE MOON LEONARD RETEL HELMRICH HOLANDA 2004. 92’

Gran Premio del Jurado, Sundance Film Festival 2005 Premio del Jurado, Full Frame Documentary Film Festival 2005 Joris Ivens Award, Idfa 2004

LA FORMA DE LA LUNA Rumidjah, una viuda de 62 años, vive en Jakarta (Indonesia) con su hijo Bakti y su nieto de 11 años Tari. Desde la caída del dictador Suharto hace siete años, la anciana ha sido testigo de cómo el país ha pasado por un período tumultuoso de caos socio-político, y de la intensificación del fundamentalismo musulmán en Indonesia, la comunidad islámica más grande del mundo. La rápida globaliza- ción y democratización han extendido una subcultura de criminalidad e incerti- Leonard Retel Helmrich dumbre. Estudió en la Netherlands Film Academy. Su primer largometraje es The Phoenix Mystery SHAPE OF THE MOON (1990). Sus documentales Moving Objects Rumidjah 62 urteko alarguna da eta Jakartan bizi da (Indonesia) bere seme Bak- (1991) y De Stand van de Zon (2001) han ti eta 11 urteko bere biloba Tarirekin. Zazpi urte dira Suharto diktadorea erori ganado varios premios en festivales de cine zenetik, eta adineko emakume hori Indonesiako gizartean eta politikan gertatu internacionales. Desde 1994, Retel Helmrich diren iskanbilen, gatazken eta kaosaren lekuko izan da. Halaber, ikusi du nola reparte su tiempo entre Amsterdam y indartu den fundamentalismo musulmana Indonesian, hots, munduko komuni- Yakarta. tate musulmanik handiena. Globalizazio eta demokratizazio azkarrak kriminali- tatearen eta zalantzaren azpi-kultura zabaldu du. Fikzioko zuzendaritza ikasi zuen Netherlands Film Academy akademian. Bere lehenbiziko film luzea The Phoenix Mystery (1990) izan SHAPE OF THE MOON zen. Bere Moving Objects (1991) eta De Stand Rumidjah, a 62-year-old widow, lives in Jakarta (Indonesia) with her son Bakti van de Zon (2001) dokumentalek hainbat sari and her 11-year-old granddaughter Tari. Since the fall of dictator Suharto seven irabazi dituzte nazioarteko zine jaialdietan. years ago, she has witnessed a tumultuous period of socio-political chaos and the 1994tik hona, Retel Helmrich Amsterdam eta intensification of Moslem fundamentalism in Indonesia, the largest Islamic Jakarta artean bizi da. community on the globe. Rapid globalization and democratization have spaw- ned a subculture of criminality and uncertainty. Leonard Retel Helmrich studied at the Netherlands Film Academy. He made his feature film debut with The Phoenix Mystery Director / Zuzendaria / Director: Leonard Retel Helmrich. Música / Musika / (1990). His documentary films Moving Music: Ernst Jansz, Joep Lans, Dio Oberon. Montaje / Muntaketa / Edition: Robert Objects (1991) and De Stand van de Zon (The Broekhof, Denise Janzee, Andrez de Jong Eye of the Day) won several prizes at Producción / Ekoizpena / Production: Hetty Naaijkens-Retel Helmich international film festivals. Since 1994, Retel Helmrich has split his time between Ventas / Salmentak / Sales: Scarabee Films Amsterdam and Jakarta. Lloydstraat 5. 3024 EA Rotterdam Tel: 31.104771948 [email protected] www.scarabeefilms.com

130 UN DRAGON DANS LES EAUX PURES DU CAUCASE / THE PIPELINE NEXT DOOR NINO KIRTADZÉ FRANCIA, 2005. 90’

Prix ARTE al mejor documental europeo 2005, de la European Film Academy Grand Prix Visions du Réel 2005

UN DRAGÓN EN LAS AGUAS PURAS DEL CÁUCASO Escondida en el fondo del valle de Borjomi, uno de los paisajes más hermosos de Georgia, la pequeña villa de Sakiré es testigo de la construcción de un oleoduc- to de la British Petroleum, como un dragón lanzallamas, que acabará con este pacífico lugar, este oasis de aire limpio… La compañía promete compensaciones si la obra atraviesa los campos, pero en esta ex República Soviética es difícil saber a quién pertenece la tierra. En resumen: una fábula moderna, un cuento tragi- Nino Kirtadze cómico de un pueblecito amenazado por la globalización. Nació en Tbilisi (Georgia). Trabajó como periodista y asesora de la Presidencia de la THE PIPELINE NEXT DOOR República georgiana. Ha sido corresponsal Borjomiko ibarraren hondoan ezkutaturik, -Georgiako bazterrik ederreneta- en el Cáucaso para AFP y Associated Press. koa- Sakire izeneko herri txikia British Petroleum konpainiaren gas-hodi baten Como directora, firma Les Trois vies eraikuntzaren lekukoa da. Eta –herensuge sugar-jaurtigailua balitz bezala- hodi d’Edouard Chevarnadze (2000), Il était une horrek toki baketsu horri, aire garbiz beteriko oasi horri… akabera emanen dio. fois la Tchétchénie (2001), Staline par Staline Konpainiak sariak agintzen ditu, obrak soroak zeharkatzen baditu, baina Sobiet (2003), Staline, funérailles d’un dieu (2003), Errepublika izandako honetan zaila da jakitea nor den lurraren jabea. Laburbil- Dites à mes amis que je suis mort (2004). duz: globalizazioak arriskupean jarri duen herri txiki baten fabula modernoa, Tbilisin jaio zen (Georgia). Georgiako ipuin tragikomikoa. Errepublikako Presidentziako kazetari eta aholkulari lanetan aritu zen. AFP eta THE PIPELINE NEXT DOOR Associated Press enpresetarako berriemailea Hidden away at the bottom of the Borjomi valley, home to one of Georgia's most izan da Kaukason. Bestalde, Les Trois vies beautiful landscapes, the little village of Sakiré is witnessing the construction of d’Edouard Chevarnadze (2000), Il était une a pipeline by British Petroleum. Like a fire-spitting dragon, it will soon cut right fois la Tchétchénie (2001), Staline par Staline through this haven of peace, this oasis of clean air... The company promised to (2003), Staline, funérailles d’un dieu (2003), pay compensation to the villagers if the work site crossed over their land. But in Dites à mes amis que je suis mort (2004) this former Soviet Republic, it is almost impossible to determine exactly who filmak zuzendu ditu. owns the land. In short: a modern fable, the tragic-comic tale of a small village She was born in Tbilisi (Georgia). She threatened by globalization. worked as a journalist and advisor to the Presidency of the Georgian Republic. She became the Caucasus correspondent for AFP Director / Zuzendaria / Director: Nino Kirtadzé. Música / Musika / Music: Gio and Associated Press. As a documentary Tsintsadze. Montaje / Muntaketa / Edition: Isabel Lorente. Producción / Ekoizpena filmmaker Kirtadzé signs Les Trois vies / Production: Roche Productios, Dominique Tibi d’Edouard Chevarnadze (2000), Il était une fois la Tchétchénie (2001), Staline par Staline Ventas / Salmentak / Sales: ROCHE Productions (2003), Staline, funérailles d’un dieu (2003), 45 rue de Louvain. 92400 Courbevoie. France Dites à mes amis que je suis mort (2004). Tel: +33.1.43340712 [email protected]

131 ACTIVIDADES PARALELAS JARDUERA OSAGARRIAK PARALLEL ACTIVITIES

DOCUMENTAL + MÚSICA / MÚSICA + DOCUMENTAL DOKUMENTALA + MUSIKA / MUSIKA + DOKUMENTALA DOCUMENTARIES + MUSIC / MUSIC + DOCUMENTARIES

El Festival de Cine Documental de Navarra dedica dos jornadas al documental y la música. Se trata de una propuesta refrescante y festiva que une el documental con la música en directo. Cada jornada incluye la proyección de dos documentales relacionados con músicos, movimientos o grupos musicales, que culmina con un concierto a cargo de los grupos más prometedores del momento.

Nafarroako Zinema Dokumentalaren Jaialdiak bi egun eskainiko dizkie dokumentalari eta musikari. Proposamen freskagarria da, festa girokoa, eta dokumentala zuzeneko musikarekin lotzen du. Egun bakoitzean musikariei eta musika mugimendu edo taldeei lotutako bi dokumental emanen dira eta, bukatzeko, kontzertu bana izanen da etorkizun handi-handiko taldeen eskutik.

The Documentary Film Festival of Navarra is to devote two days to documentaries and music, a new, festive initiative in which documentaries and live music join forces. Each of the two days includes the screening of two documentaries about music groups, movements or musicians, ending the show with a concert by the most promising groups of the day.

SÁBADO 18 DE FEBRERO LARUNBATA, OTSAILAK 18 / SATURDAY THE 18TH OF FEBRUARY Cines Golem Bayona / Golem Bayona zinetokia Precio: 2 € por película / Prezioa: 2 € film bakoitzeko / Price: € 2 per film

22,00 H / 22,00 H / 10 P.M MORENTE SUEÑA LA ALHAMBRA ESPAÑA 2005, 90’ / ESPAINIA 2005, 90’ / SPAIN 2005, 90’

Director / Zuzendaria / Director: José Sánchez-Montes Enrique Morente, uno de los cantaores flamencos más importantes del mundo, sirve de guía turístico a muchos de sus compañeros musicales como la bailarina y coreógrafa Blanca Li, el maestro guitarrista Juan Habichuela, el jazzista Pat Metheny, el argelino Khaled, Tomatito y la joven Estrella Morente, entre otros, en el recorrido que realizan por el más importante monumento europeo de origen musulmán: La Alhambra de Granada. Las imágenes del artista granadino en la actualidad se intercalan con las que ya rodó en La Alhambra en 1978 y con los personajes ancestrales del Sacromonte que retratara José Val del Omar.

134 MORENTE SUEÑA LA ALHAMBRA Director / Zuzendaria / Director: José Sánchez-Montes. Enrique Monente, munduko “cantaore” flamenkorik garrantzitsuenetakoa, gidari turistikoa da bere musika kide askorentzat Europako musulman jatorriko monumenturik nabarmenenean egiten duten ibilbidean –Granadako Alham- bra-, esaterako: Blanca Li dantzaria eta koreografoa, Juan Habichuela gitarra- jole maisua, Pat Metheny jazz-jolea, Khaled aljeriarra, Tomatito eta Estrella Morente gaztea. Granadar artistaren egungo irudiak tartekatzen dira Alham- bran 1978an grabatu zituen irudi haiekin, bai eta José Val del Omarrek erretratatu zituen Sacromonteko antzinako pertsonaiekin ere.

MORENTE SUEÑA LA ALHAMBRA Director / Zuzendaria / Director: José Sánchez-Montes. Enrique Morente, one of the world’s most important flamenco singers, acts as guide to colleagues from the music world, such as dancer and choreographer Blanca Li, master guitarist Juan Habichuela, jazz musician Pat Metheny, Alge- rian musician Khaled, Tomatito and the young Estrella Morente, among others, as they make their way around Europe’s most important Islamic monument: The Alhambra in Granada. New images of the Granada-born singer are intertwined with others taken in 1978 and footage of ancestral characters from Sacro- monte as portrayed by José Val del Omar.

0,00 H / 0,00 H / 12 MIDNIGHT AL OTRO LADO USA/MÉJICO, 2005, 66’ / AEB/MEXIKO, 2005, 66’ / USA/MEXICO, 2005, 66’ Director / Zuzendaria / Director: Natalia Almada Un aspirante a compositor de corridos, que vive en la capital del narcotráfico en México, se enfrenta a una disyuntiva para poder mejorar su vida: traficar con drogas o cruzar ilegalmente a los Estados Unidos. De Sinaloa (México) a las calles de Los Ángeles, Al otro lado explora el mundo del narcotráfico, la migra- ción y la música del corrido que narra estas desgarradoras historias. El documental incluye entrevistas y la música de Los Tigres del Norte, Jenni Rivera, Jessie Morales “El original de la Sierra” y Chalino Sánchez.

AL OTRO LADO ”Corridoak” konposatu nahi dituen pertsona bat –Mexikon bizi da, narkotrafikoaren hiriburuan- erabaki gaitza hartu beharrean dago, bere bizitza hobetuko bada: drogekin trafikatzea edo Estatu Batuetan legez kontra sartzea. Sinaloatik (Mexiko) Los Angeles hiriko kaleetara, Al otro lado lanak narkotrafikoaren eta inmigrazioaren mundua miatu du, “corridoaren” soinuak historia erdiragarri horiek kontatzen dituen bitartean. Dokumentalean badaude elkarrizketak eta Los Tigres del Norte, Jenni Rivera, Jessie Morales “El original de la Sierra” eta Chalino Sánchezen musika ere bai.

135 TO THE OTHER SIDE An aspiring corrido composer from the drugs capital of Mexico faces two chances to better his life: to traffic drugs or to cross the border illegally into the US. From Sinaloa (Mexico) to the streets of Los Angeles, To the other side explores the world of drug smuggling, immigration and corrido music, which sings these heartrending stories. The documentary includes interviews and music from Los Tigres del Norte, Jenni Rivera, Jessie Morales “El original de la Sierra” and Chalino Sánchez.

01,00 H / 01,00 / 1 A.M. CONCIERTO DE LOS RUFIANES Hall de los cines Golem Bayona. Entrada gratuita / Golem Bayona zinetokien halla. Sarrera doan / Foyer of Cines Golem Bayona. Entry: free of charge

Ell repertorio de Los Rufianes incluye versiones de grupos de rock ‘n roll como The Who, The Cult, David Bowie, John Lennon, The clash, Tom Petty, Jimmi Hendrix, The Beatles, Deep Purple, Kiss, Thin Lizzy, T-Rex... La formación ha dado numerosos conciertos en salas y bares (Artsaia, Beer Station, Sala Gares, Number Sixty) y ha sido telonera de Steven Adler´s Appetite y The Bon Scot Band, entre otros.

136 Los miembros de Los Rufianes han sido y son habituales de la escena local, y han participado en grupos como Cuervo Jack, Tijuana, Escarabajos, Trueque, Cho- colatex o John Palmour.

Rubén Jáuregui: Voz / Guitarra. Alfonso Segura: Bajo. Rubén Ruiz: Batería / Voz. Josean : Guitarra / coros

LOS RUFIANES TALDEAREN KONTZERTUA Los Rufianes taldearen errepertorioan badira hainbat rock ‘n roll talderen ber- tsioak: The Who, The Cult, David Bowie, John Lennon, The clash, Tom Petty, Jimmi Hendrix, The Beatles, Deep Purple, Kiss, Thin Lizzy, T-Rex... Kon- tzertu ugari eman ditu areto eta tabernetan (Artsaia, Beer Station, Sala Gares, Number Sixty) eta, besteak beste, Steven Adler´s Appetite eta The Bon Scot Band taldeen teloneroa izan da. Los Rufianes-ko kideak hemengo hainbat taldetan aritu eta aritzen dira, esaterako: Cuervo Jack, Tijuana, Escarabajos, Trueque, Chocolatex odo John Palmour.

Rubén Jáuregui: Ahotsa / Gitarra. Alfonso Segura: Baxua. Rubén Ruiz: Bateria / Ahotsa. Josean : Gitarra / koroak

CONCERT BY “LOS RUFIANES” The repertoire of Los Rufianes includes cover versions of songs by The Who, The Cult, David Bowie, John Lennon, The Clash, Tom Petty, Jimi Hendrix, The Beatles, Deep Purple, Kiss, Thin Lizzy, T-Rex... The group has played numerous gigs in concert halls and bars (Artsaia, Beer Station, Sala Gares, Number Sixty) and has supported Steven Adler´s Appetite and The Bon Scot Band, among others. The members of Los Rufianes are well-known on the local scene, having formed part of groups like Cuervo Jack, Tijuana, Escarabajos, Trueque, Chocolatex and John Palmour.

Rubén Jáuregui: Vocals / Guitar. Alfonso Segura: Bass. Rubén Ruiz: Drums / Vocals Josean : Guitar / Backing vocals.

137 VIERNES 24 DE FEBRERO OSTIRALA, OTSAILAK 24 / FRIDAY THE 24TH Cines Golem Bayona / Golem Bayona zinetokia / Cines Golem Bayona Precio: 2 € por película / Prezioa: 2 € film bakoitzeko / Price: € 2 per film

20,30 H / 20,30 H / 8.30 P.M. SEVILLA CITY ESPAÑA 2005, 48’ / ESPAINIA. 2005, 48’ / SPAIN 2005, 48’

Director / Zuzendaria / Director: Juan José Ponce El director acompaña a varios grupos de raperos sevillanos que se han hecho un hueco importante en el selecto mercado del Hip Hop, para adentrarnos en su mundo. Tote King, SFDK, Juaninaka y Dogma Crew nos cuentan cómo es su día a día, su visión del mundo y las experiencias en el escenario. El resultado es una cinta que sobre todo quiere resaltar la dignidad y altura musical del género y, a la vez, desterrar la idea de que los raperos son descere- brados con gorra ladeada, pantalones anchos y un aspaviento en la mano.

SEVILLA CITY Zuzendariak Sevillako rap talde batzuen ibilbidea segitu du, beren munduan barneratzeko. Talde horiek toki nabarmena hartu dute hip-hoparen merkatu hautan. Horrela, Tote King, SFDK, Juaninaka eta Dogma Crew taldeek kontatzen digute nolakoa den beren eguneroko bizitza, munduaz duten ikuskera, bai eta oholtza gaineko esperientziak ere. Filmak bereziki generoaren duintasun eta maila musikala nabarmendu nahi du eta, aldi berean, baztertu raperoak txanoa alborantz makurtuta, galtza zabalak eta eskuan espantua duten burugabeak diren ideia.

SEVILLA CITY The director accompanies some of the Seville rap groups who have made a name for themselves in the select Hip Hop market and invites us to enter their world. Tote King, SFDK, Juaninaka and Dogma Crew tell us about their everyday lives, their view of the world and their experiences on stage. The result is a tape which, above all, highlights the dignity and musical prowess of the genre, whilst also clarifying misconceptions of rappers as brainless indi- viduals with baseball caps set askew, baggy jeans and flailing arms.

138 22,00 H / 22,00 H / 10 P.M. PUNK ATTITUDE UK/USA 2005, 90’ / ERRESUMA BATUA/AEB 2005, 90’ / UK/USA 2005, 90’ Director / Zuzendaria / Director: Don Letts Don Letts, veterano de la escena punk inglesa, retrocede a los días de gloria y vómito en Londres, Nueva York o Detroit, y repasa el movimiento musical más furioso de la historia y sus consecuencias como revulsivo social. Este movimien- to tenía sus autores, sus intelectuales... Inspiró una generación entera de cineastas, poetas, fotógrafos, diseñadores de moda y artistas gráficos. Salen todos los que fueron, los vivos y los que murieron consecuentemente. The Clash, The Ramones, Sex Pistols, Stooges…

PUNK ATTITUDE Don Letts, Ingalaterrako oholtza punkaren beteranoa, Londres, New York edo Detroiteko loria eta okadaren garaira itzuli da, eta inoizko musika mugimendu- rik oldartsuena ekartzen digu gogora, bai eta gizartea astintzeko izan zituen ondorioak ere. Mugimendu horrek bazituen bere autoreak, bere intelektualak… Eta zinegile, poeta, argazkilari, moda diseinatzaile eta artista grafikoen belaunaldi oso baten inspirazioa izan zen. Ziren guztiak ageri dira, bizirik daudenak eta, horrekin bat, hil zirenak. The Clash, The Ramones, Sex Pistols, Stooges…

PUNK ATTITUDE Don Letts, a veteran of the English punk scene, returns to the days of glory and puke in the streets of London, New York and Detroit, taking a new look at history's most furious music movement and its consequences on society. The movement had its authors and intellectuals, and inspired an entire generation of filmmakers, poets, photographers, fashion designers and graphic artists. Everyone is there, some still alive, some already dead. The Clash, Ramones, The Sex Pistols, The Stooges…

139 0,00 H. / 0,00 H / 12 MIDNIGHT CONCIERTO DE LORI MEYERS Presentación del disco “Hostal Pimodán” / “Hostal Pimodán” diskoaren aurkezpena / Presentation of the album “Hostal Pimodán”

Sala Artsaia / Artsaia aretoa / Sala Artsaia Entradas: 12 € anticipada, 15 € en taquilla / Sarrerak: 12 €, aurretik; 15 €, leihatilan / Price: 12 € in advance, 15 € at the door Lori Meyers presenta Hostal Pimodan, una versión contemporánea del hotel parisino que, en la primera mitad del siglo XIX, fue refugio de literatos, pinto- res, músicos y bohemios que impulsaron la transformación de la sociedad y la cultura. Junto a Monaham e invitados como Rick Denk, Mike Daly o Blake Hazard, Lori Meyers unenel rock americano con el pop y rock español de los 60 y 70, para crear unos textos que brillan con intensidad en estructuras poco convencionales y que nos recuerdan que hay vida más allá de los muros de guitarras y melodías angelicales.

KONTZERTUA: LORI MEYERS Lori Meyersek Hostal Pimodan aurkeztuko du, hots, Parisko hotelaren bertsio garaikidea. Hotel hori gizartearen eta kulturaren eraldakuntza bultzatu zuten literatoen, pintoreen, musikarien eta bohemioen aterpe izan zen XIX. mendearen lehen erdian. Monaham eta Rick Denk, Mike Daly edo Blake Hazard bezalako gonbidatuen ondoan, Lori Meyersek rock amerikarra lotu du Espainiako 60ko eta 70ko hamarkadetako popa eta rockarekin. Ondorioz, testuek badute distira bizia ez ohiko egituretan, eta gogora ekartzen digute bizitzarik badagoela gitarren eta aingeruzko doinuetatik haratago.

CONCERT BY LORI MEYERS Lori Meyers presents Hostal Pimodan, a contemporary version of the Parisian hotel which, in the first half of the XIX century, served as refuge to the writers, painters, musicians and bohemians who brought about a social and cultural revolution. Together with Monaham and guest artists like Rick Denk, Mike Daly and Bla- ke Hazard, Lori Meyers fuses American rock and Spanish pop and rock from the 60’s and 70’s to create songs brimming with intensity and set in unconven- tional frameworks which remind us that there is life beyond walls of sound and angelic melodies.

140 PALMARÉS / PALMARESA / AWARD WINNERS 2005

Gran Premio Punto de Vista a la mejor obra: CHECKPOINT, del israelí • Yo av Shamir Mejor cortometraje GOOD TIMES, de Alessandro Cassigoli (Italia) y • Dalia Castel (Israel). • Mejor dirección: el eslovaco Peter Kerekes, por su obra 66 SEASONS. Mejor guión: del mexicano Arturo Pérez Torres, por su trabajo WET- • BACK, THE UNDOCUMENTED DOCUMENTARY. Menciones especiales: PLATICANDO, de la española Marisa Lafuente, y • DR. NAGESH, de los realizadores belgas Vicent Detours y Dominique Henry. • Premio especial del público: BANDITS, del georgiano Zaza Rusadze. El jurado internacional de la Sección Oficial Competitiva estuvo compuesto por Víctor Kossakovsky, director de cine; Rafael Tranche, profesor de Historia y Realización de Cine y TV de la Universidad Complutense de Madrid; Luce Vigo, escritora y crítica de cine; Cecilia Lidin, consultora de European Documentary Network; Manuel Llamas, jefe de Difusión Cinematográfica del Instituto de Cine y Artes Audiovisuales del Ministerio de Cultura; Antonio Weinrichter, crítico de cine y profesor de la ECAM; y Josetxo Moreno, de Golem Distribución.

Lan hoberenarentzako Ikustokia Sari Handia: CHECKPOINT. Egilea: • Yo av Shamir israeldarra. Film laburrik onena: GOOD TIMES. Egilea: Alessandro Cassigoli (Italia) • eta Dalia Castel (Israel). Zuzendaritzarik onena: Peter Kerekes eslovakiarra bere 66 SEASONS • lanagatik. Gidoirik onena: Arturo Pérez Torres mexikarra, bere WETBACK, THE • UNDOCUMENTED DOCUMENTARY lanagatik. Aipamen bereziak: PLATICANDO. Egilea: Marisa Lafuente espainiarra, • eta DR. NAGESH. Egileak: Vicent Detours eta Dominique Henry errealizatzaile belgikarrak. • Ikusleen sari berezia: BANDITS. Egilea: Zaza Rusadze georgiarra. Nafarroako Zinema Dokumentaleko Nazioarteko Jaialdiaren lehen edizioaren epaimahaikide hauek dira: Rafael Tranche, zine eta telebistako historia eta errealizazio irakasle Madrilgo Unibertsitate Konplutensean; Luce Vigo, idazle eta zine kritikaria; Cecilia Lidin, aholkulari European Documentary Network-en; Manuel Llamas, Hezkuntza eta Kultura Ministerioko Zinematografia eta Ikus-entzunezko Arteen Institutuko Zabaltze Zinematografikoko Buru; Antonio Weinrichter, zine kritikaria eta ECAMeko irakasle; Josetxo Moreno, erakusle eta banatzaile zinematografikoa; Victor Kossakovsky, zine zuzendaria.

141 PALMARÉS / PALMARESA / AWARD WINNERS 2005

“Punto de Vista” Prize for the best film: “CHECKPOINT”, by Yoav Sha- • mir (Israel) Prize for the Best Short Film: “GOOD TIMES”, by Alessandro Cassigoli • and Dalia Castel (Israel-Italy) • Prize for the Best Director: Peter Kerekes, for “66 SEASONS” (Slovakia) Prize for the Best Screenplay: “WETBACK-THE UNDOCUMENTED • DOCUMENTARY”, by Arturo Pérez Torres (Canada) • Audience’s Special Prize: “BANDITS”, by Zaza Rusadze (Georgia) Special mentions: “PLATICANDO”/CHATTING”, by Mª Luisa • Lafuente (Spain), and “DR NAGESH”, by Vicent Detours and Domini- que Henry (Belgium).

The international Jury of the Official Section was composed by Victor Kossakovsky, filmmaker; Rafael Tranche, lecturer at the Complutense University of Madrid; Luce Vigo, writer and film critic; Cecilia Lidin, consultor at the European Documentary Network; Manuel Llamas, Head of Cinematographic Broadcasting at the ICAA of the Ministry of Education and Culture of Spain; Antonio Weinrichter, writer and lecturer in Contemporary Film at the ECAM in Madrid; and Josetxo Moreno, from Golem Distribution Company.

142 INDICE DE OBRAS / FILMEEN AURKIBIDEA / DOCUMENTARIES INDEX

71 1000-nen kizami no hidokei / The Sundial Carved by a Thou- 63 E o Kaku Kodomotachi / Children who draw pictures sand Years of Notches: The Magino Village Story Hani Susumu Shinsuke Ogawa 110 Gente de Boina 112 Acteón José Luis García Sánchez Jordi Grau 33 Georgi and the butterflies 109 A flor de piel Andrey Paounov Luis Eduardo Aute 115 Homenaje a Tarzán 75 Aga Ni Ikiru / Living on the river Agano Rafael Ruiz Balerdi Makoto Satô 124 In the dark 75 Aga no kioku / Agano´s memories Sergei Dvortsevoï Makoto Satô 65 Ishi no uta 105 Algo de amor Toshio Matsumoto Gabriel Blanco 61 Kobayashi Issa 107 Al Fútbol Fumio Kamei José Luis Garci 77 KyaKaRaBaA / En el silencio del mundo 26 Alimentation Générale Naomi Kawase Chantal Briet 63 Kyo-shizu to kodomo / Children in the class 122 Born into Brothels Hani Susumu Zana Briski y Ross Kaufman 110 Labelecialalacio 28 Bruce & Me José Luis García Sánchez Oren Siedler 32 La casa de mi abuela 40 Café y pan coco Adán Aliaga Stan Guigui 35 La doble vida del faquir 31 De père en fils Elisabet Cabeza, Esteve Riambau Philippe Ayme 104 La edad de la piedra 44 Desir’ee Gabriel Blanco Anónimo 104 La edad del silencio 41 Diminishing memories Gabriel Blanco Eng Yee Peng 38 La Esteticién 126 Dream Land Sergio Oksman Laila Pakalnina 25 Les artistes du theatre brulé 114 El carnaval (serie "Plinio") Rithy Panh Antonio Giménez Rico 45 Le pont sur la drina 113 El País Vasco Xavier Lukomski Pío Caro Baroja 110 Loco por Machín 123 El Perro negro José Luis García Sánchez Péter Forgács 46 Master 111 Ere Erera Baleibu Icik Subua Aruaren Yevgeniy Vaskevich J.Antonio Sistiaga 38 Melodías 127 Estamira François Bovy Marcos Prado

143 107 Mi Marilyn 24 Tierra Negra José Luis Garci Ricardo Iscar 69 Minamata: Kanjasan to sono sekai / Minamata, Victims and 125 Tiny Katerina Their World Ivan Golvnev Noriaki Tsukimoto 42 Transit 29 Murderball L’ atelier collectif Dana Adam Shapiro, Henry Alex Rubien 131 Un dragon dans les eaux pures du caucase 39 Nenyure Nino Kirtadzé Jorge Rivero 105 Vía libre al tráfico 67 Nippon Sengo Shi: Madamu Omboro no Sikatsu / History of Gabriel Blanco Postwar Japan as Told by a Bar Hostess 43 Window Shohei Imamura Furkat Tursunov, Gauhan Sydykova 65 Nishijin 73 Yuki Yukite Shingun / The Naked Emperor Army Marches On Toshio Matsumoto Hara Kazuo 77 Ni tsutsumarete / Embracing Naomi Kawase 106 Operación H Néstor Basterretxea 34 Oyun (The Play) Pelin Esmer 27 Pablo del Amo, un montador de ilusiones Diego Galán 47 Phantom Limb Jay Rosenblatt 71 Sanrizuka: Heta buraku / Narita: Heta Village Shinsuke Ogawa 130 Shape ot the moon Leonard Rretel Helmrich 36 Sonia Nathalie Delaunoy 61 Tatakau heitai/ Fighting soldiers Fumio Kamei 128 The 3 rooms of melancholia Pirjo Honkasalo 30 The Joymakers Maryam Khakipour 129 The Swenkas Jeppe Ronde 108 Tiempo de gente acobardada José Luis Garci

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