Conlon Nancarrow (1912-1997): Sonatina for Piano (1941) the life of the machines vladimir stoupel, piano 1. Presto 1: 38 2. Moderato / Più allegro 3: 40 3. Allegro molto 1: 50 ANTHEIL / MOSSOLOV / NANCARROW / ROSLAVETS / SZPILMAN Nikolai Roslavets (1881-1944): Sonata No. 2 (1916) 4. Moderato con moto 16: 50 Władisław Szpilman (1911-2000): Suite “The Life of Machines” (1933) 5. Begin slowly 3: 19 6. “Machine at rest” 2: 48 7. Toccatina 1: 47 Alexander Mossolov (1900-1973): Sonata No. 4 (1925) 8. Presto 10: 40 George Antheil (1900-1959): Sonatina “Death of the Machines” (1922) 9. Moderato 0: 33 10. Accelerando 0: 20 11. Accelerando 0: 23 12. Accelerando 0: 55 Sonata No. 4 (1948) 13. Allegro Giocoso – Ironico 6: 09 14. Andante cantabile sostenuto 10: 58 15. Allegro (Presto) 3: 34 More than by war and religious and political upheavals, his reputation as the iconoclastic “Bad Boy of Music”: Szpilman’s piano suite The Life of the Machines: “In it, have picked up Nancarrow’s gauntlet, have measured the experience of life in the modern age has been ten years after Stravinsky’s Sacre, the musical world the musical transfer of that which perpetuates itself their technique against the piano transcriptions of his radically changed by industrialization. The intrusion needed a new scandal. mechanically is not informed by power and threat; works for pianola – and have thus provided the proof of machines into the world of man, the increasing rather these are good-humoredly humming, cheeky, that, a century after Scriabin, Godowsky, Leschetitzki, dominance of machines in industrial processes are The topos of machine music exerted – also less sometimes sardonic machines, like come-to-life Medtner, Hoffmann, and Paderewski, the Gradus ad already reflected in paintings and the literature of ostensibly – a substantial influence on the generation clockwork mechanisms: they attain their own individual Parnassum has yet to be surmounted. the nineteenth century. However, in music – the most of the post-Romantics to whose intellectual inventory characteristic life, they interact.” (Günter Herzfeld) The Frank Harders-Wuthenow romantic of all the arts – a consideration of the social as it belonged, as did jazz, the archaic rhythms of suite was composed in 1933 after Szpilman interrupted well as the material and intellectual implications of this Stravinsky’s folkloristic works, atonality, and his piano studies with Artur Schnabel in Berlin as a result change took place only much later, after the First World dodecophony. However, from a later point of view, the of the political situation, in the year of the National Mechanical pianos originally served only for the War. In the 1920s – that “marvelously masculine epoch,” fascination of this generation of composers for the cold Socialist seizure of power with which the countdown reproduction of actual piano music – with results that as the machine fetishist Fernand Léger referred to them life of the machines often seems to be interpreted too began for the new world war foreseen by Antheil. For were far superior to the first acoustical recordings. – the mechanical era found its way with vehemence into one-sidedly and too positively from the perspective of Szpilman, the brilliant pianist and composer of Jewish It was therefore logical that important pianists (for the concert and opera houses. An opera like Machinist Russian Futurism and Suprematism. The compilation descent, it led into the purgatory of his fight for survival example, Ferrucio Busoni, Josef Hofmann, and Sergei Hopkins by Schreker-pupil Max Brand took the opera of important works of the piano repertoire primarily in the Warsaw ghetto – brilliantly and touchingly filmed Rachmaninoff) recorded their playing on piano rolls houses by storm at the end of the 1920s and boasted from the first half of the twentieth century that is by Roman Polanski in The Pianist. (that were played back on mechanical pianos). For the performance statistics equaled only by Krenek’s Johnny planned here therefore desires to direct attention to American Conlon Nancarrow this resulted in the just as spielt auf (“Johnny Strikes Up”); Honegger’s locomotive the extremely eclectic, often ambivalent attitude of the That what Antheil asserted about the modern piano unconventional as revolutionary decision to exploit the piece Pacific 213 (1923) and Alexander Mossolov’s The artists toward the pulse-setters of the new rhythm of literature after Chopin and Liszt – it “is essentially mechanical piano as a novel medium of composition. Iron Foundry (1926-28) caused sensations around the life, as the machines were understood to be. virtuoso, exploring the limits of the modern keyboard, as With the aid of a special punching tool, he developed world. George Antheil’s Ballet mécanique (1924) is well as the limits of the composer’s invention in the purely a process that allowed him to compose directly on to considered the high point of the musical occupation Antheil’s machine-inspired piano sonatas and chamber musical sense” – points directly to Conlon Nancarrow, piano rolls (comparable to punching holes into the paper with the world of the machines. The exploration of the music works of the early 1920s were written under the the great and for many years unrecognized pioneer of strips or cards used on older computers). In this manner, possibilities of the quasi-mechanical organization of impression of two dreams from 1922 in which the horrors mechanical piano music, who after being discovered it was possible to realize textures with extremely fast musical parameters (ostinato repetition and a block- of the machinery of destruction of the First World War in the 1970s had a lasting influence on America’s and tempos, unusual tonal density, and complex rhythms like stringing together of rhythmically dominated were projected on to the apocalyptical scenery of a Europe’s avant-garde. With his punchcard-controlled that went far beyond the customary playing techniques elements), which Antheil tried out in his previous piano new, global twilight of mankind: “Vast amounts of dead pianolas, he defied the “natural” borders of the living (of the piano). With his Studies for “player piano” (i.e., and chamber music works of the early 1920s, were and dying machines of some tremendous future war performer, and explored the field of pianistic illusionism electronic and mechanical piano), he created a unique realized in it on a large scale. With the use of propeller on a battlefield of a final cataclysmic struggle, ruined, with ultra-virtuoso, polyrhythmic, and polymetric repertoire for this “instrument.” sounds and alarm bells, Antheil did his best to live up to overturned, blown to bits.” In contrast to this, Władysław cascades of sound. Few contemporary piano virtuosos

2 3 Conlon Nancarrow was born on 27 October 1912 reworked for “normal” piano, both in a two-hand as well Among the pioneers of new music in Russia, Nikolai was active as a conductor and composer at the Uzbek at Texarkana, Arkansas. In the 1930s he studied as a four-hand version. The utmost is demanded of the Roslavets is one of the most captivating figures. National Theater. In 1933 he was allowed to return to composition in Boston with Walter Piston, Roger performer, especially in the outer movements: difficult Born on 4 January 1881 to a family of peasants in the Moscow, and kept his head above water with various Sessions, and Nicolas Slonimsky, consequently receiving to realize canonic voice leading, asynchronous motion Chernigov region of the Ukraine, he learned to play teaching jobs and sporadic work for the radio. He died in a solid classical training. He subsequently sought to sequences, and breakneck leaps. It is no wonder that violin early on from an uncle. He later received lessons Moscow in 1944, completely forgotten. expand his artistic horizon in Europe, but then went, the composer, as we are told, preferred the rendition on from a Jewish “wedding fiddler,” and learned theory owing to his strong political convictions, to Spain as a the mechanical piano – consequently: an even greater and harmony on his own. From 1902 to 1912 he studied Roslavets was the creator of a constructivist system soldier in the Abraham Lincoln Brigade, fighting there challenge for a “real” pianist. The nervously forward- at the Moscow Conservatory, earning diplomas in violin of composition that transcended traditional major- in the civil war on the side of the Republicans. After urging first movement (Presto) takes the tone C as its and composition. His early work was initially in late- minor tonality. About this system, the composer their defeat, he returned – wounded – to the USA. As point of departure, around which clear-cut, concise tonal Romantic style and influenced by French impressionism. remarked: “My musical thinking at that time [1913] was a former Brigade member, however, he was faced there structures are formed. With that, a process of tonal A distinctly personal style developed starting in 1913 concerned with independently feeling out complete with considerable political repressions, which prompted densification is initiated which above all makes use of the when Roslavets pushed forward into atonality in his musical complexes, a sort of ‘synthetic chord,’ out of him to emigrate to Mexico. Already in 1939, Henry Cowell high register. The high point is reached with forceful chords, First Violin Sonata – inspired by the daring harmonic which which the harmonic plan of the work was then called Nancarrow’s attention to the possibilities of the after which the texture again loosens up to subsequently innovations of Alexander Scriabin. After the revolution, to develop itself. Within the complete plan of the player piano. In 1947 he purchased one and from then present the seemingly scattered material. The end point Roslavets made a name for himself as a champion composition, these ‘synthetic chords,’ which contained on dedicated himself to the composition of pieces for is C. The second movement (Moderato – Più Allegro) takes of (primarily Western) contemporary music. This six to eight tones... were obviously intended to play just this “instrument.” In the European musical scene, recourse to the tradition of the songlike middle movement did not remain without influence on his own works, not only an external role as tone color, but also the one became aware of Nancarrow only in the 1980s, after in which here, however, all kinds of unusual things are which he subjected to a novel, strictly constructivist internal role of a substitute for tonality.” This results recordings of his Studies became available. György Ligeti mixed together (rhythmic irritations, tonal clashes up compositional technique. In spite of this he felt himself in a strictly regimented structure that is (almost) was particularly impressed by Nancarrow’s music and to and including clusters). On the other hand, there are obliged to the classical tradition, which he vehemently determined down to the last note: A certain complex made it possible for him undertake a series of concert also rather “hackneyed” seventh-chord modulations and defended against unjustified attacks from the Russian of tones is continually transposed, whereby the order tours during the last years of his life (with an original combination tones that do not disavow their origins in Association of Proletarian Musicians. In his capacity as a of the transposition intervals as well as the details of Ampico-Bösendorfer self-playing concert grand piano). popular music; the tonal center is G. The finale (Allegro) – staunch Marxist – although he was at no time a member the harmonic and melodic formations are (relatively) Nancarrow died on 10 August 1997 in Mexico City. again in C – begins as a four-voice fugue, which in a tour de of the party – he believed in the (direct) social benefit of free. Roslavets’ music is soberly calculated, but finds force experiences several expositions. Thereby, the jagged compositional progress, and advocated this position in its way stylistically to an artistic contrafactum through Nancarrow was by no means merely an experimenter theme at times threatens to loose itself in playful-kinetic numerous articles and various administrative functions. its natural-organic gesture – breaks or even cuts are and tinkerer. He possessed a thorough knowledge of episodes, but then attains virtuoso forcefulness again. It In the increasingly difficult environment of the late avoided, everything seems compositionally worked out composition, which is to be perceived in all his works. is not least the final movement, with its sober, neoclassical 1920s, he was then accused of “anti-proletarianism” and harmonically rounded off. The rational consideration This is also true of the three-movement Sonatina (1941), imprint and a multitude of metrical irregularities, that and “connections to Trotzki’s successors.” He lost or mechanics of this music is turned inward, as it were, a work originally conceived for player piano that he later clearly betrays the influence of Igor Stravinsky. his positions and went in 1931 to Taschkent, where he does not appear on the outside. This also applies to the

4 5 Second Piano Sonata of 1916, a work that was neither Piano Quintet. Szpilman died in Warsaw on 6 July 2000 as models, both in pianistic as well as compositional- to 1925. By 1928 he had written some thirty works finished nor authorized by the composer himself, but at the age of eighty-eight. technical terms, are Sergei Prokofiev and the French – including a chamber opera (The Hero), a symphony, was found in his estate and published only in the 1990s. impressionists (Debussy, Ravel). Not strenuous a string quartet, vocal cycles, piano music, and a piano As in Mossolov’s Fourth Sonata, it is a one-movement Szpilman’s music clearly followed the popular tendencies stamping, but impressionistic sensitiveness mark these concerto – with which he made a name for himself as sonata, in the tradition of Scriabin, in which the of the 1920s and 30s. Thus, he mixed the serious and the original images of machines. At the same time, these one of Russia’s most progressive “leftist” composers. “classical” formal stations (exposition, development, popular, took up jazz influences, and understood how to are more than just loosely strung together genre pieces His orchestral work The Iron Foundry (1928), a “machine recapitulation) are emulated almost schematically. But express himself ambiguously and with ironic distance. (“suite”); the order and character of the movements music” modeled on Arthur Honegger’s Pacific 231, in listening to it, hardly any of this is to be perceived: Szpilman did not just make a name for himself with entirely justify the title “Sonatina.” caused a sensation and was also championed by wavelike-organic progressions and opulent-resonant so-called classical music, but also with music for radio prominent conductors in the West. sound help just as imperceptibly as elegantly to plays and movies, children’s songs, and ca. five hundred Many progressive Russian artists put great hopes on overcome this. pop songs. In 1961 he founded a pop song festival that the October revolution of 1917. They were filled with The year 1928 was the turning point in Mossolov’s still takes place every year in Sopot. enthusiasm for the utopian goals of the Soviets, and creative biography: Works slated to be performed The Polish-Jewish composer and pianist Władysław hoped that they could place their new, experimental (including a new opera The Dam) were removed from Szpilman was born on 5 December 1911 at Sosnowiec The piano suite The Life of the Machines (1934) is means of expression at the service of “social progress.” the schedule at the behest of the highest authority, (near Katowice), Poland. After attending Warsaw’s ostensibly informed by all sorts of etude-like kinetic A fusion of the artistic and political avant-garde and the press began to speak disparagingly of his Chopin Music School, he studied piano (with Leonid energy, which is however always kept witty, relaxed seemed attainable. Disillusionment followed rather music. In 1932, still hoping for an improvement in the Kreutzer and Arthur Schnabel) and composition (with , and elegant. The first movement, without tempo quickly however. Already by the end of the 1920s, situation, Mossolov wrote a letter to Stalin in which he Franz Schreker) at the Berlin Academy of the Arts. indication (“Langsam anfangen” / “starting slowly”), creative independence that deserved this name was complained that performances and publications of his When the National Socialists came to power in 1933, plays with tone and chord repetitions out of which unwanted and suspicious. Not a few artists experienced works were becoming increasingly less frequent. Yet, he went back to his home country. He was the only songlike contours gradually emerge. Dissonances of reprimands, restrictions of elementary civil liberties, and times had changed, and the “avant-garde” oriented member of his family to survive the Warsaw ghetto. seconds as well as transparent layers of fourths and even imprisonment. The composer Alexander Mossolov on Western models no longer found favor. In 1936, Szpilman gave an account of this in his impressive sevenths dominate in the tonal image. The Andante is a prime example for this tragic development. Mossolov was expelled from the composers association book The Pianist: The Extraordinary True Story of One middle movement (“Maschinen im Ruhezustand” / under a pretext, and accused in 1938 of being a Man’s Survival in Warsaw, 1939-1945, upon which Roman “machines in an idle state”) offers a delicate-bitter Born in Kiev on 11 August 1900, Alexander Mossolov grew “counterrevolutionary” and sentenced to eight years of Polanski based his prize-winning movie The Pianist. cantilena accompanied by modally colored supporting up in Moscow in a middle-class environment. In 1918 he labor camp. To be sure, the imprisonment was reduced After the war, Szpilman was active in an administrative chords; the mechanical is joined here somewhat joined the Red Army as a volunteer and fought against to a year thanks to the intervention of his former position at the Polish Radio. With the violinist Bronislaw subliminally by folklore (mazurka rhythm). The finale the White Army. After being wounded and working for teachers Glière and Myaskovsky, yet Mossolov was not Gimpel, whom he knew from the time of his studies, (“Toccatina,” Allegro ritmico) builds a bridge back to a time as a pianist for silent movies, Mossolov studied allowed to dwell in Moscow, Leningrad, or Kiev until 1942. he maintained a close working relationship that was to the beginning, whereby the playful-virtuoso element piano and composition (with Reinhold Glière and Nikolay Starting in the late 1930s, Mossolov adapted himself to result in the 1960s in the establishment of the Warsaw is allowed to develop more exuberantly. Recognizable Myaskovsky) at the Moscow Conservatory from 1922 the official expectations: he henceforth wrote in an

6 7 unspectacular, “conservative” idiom that was praised The end of the First World War marked one of the low Death of Machines (1922) consists of a series of Antheil lived mostly in the USA, where he was active as by the critics as “socialistic realism with a smattering of junctures of European culture. The ideal of a self- four short “movements” that follow one another a composer of functional music (primarily for movies) impressionism.” Mossolov died in 1973 after protracted sufficient, “absolute” music was shaken to the core. without a break; they are grouped together under and as a journalist and author. Around 1940, encouraged illness, unnoticed by the musical public. Many composers began to seek shelter in popular and the title “Sonatina,” which was meant ironically. The by the conductor Leopold Stokowski, Antheil again With the success of The Iron Foundry, a success that functional music, but also, among other things, to machinelike-precise motion of the opening (Moderato) began to write his own music. The works after 1945 are extended beyond the borders of Russia, the impression bridge the gap that had opened between new music begins to stumble immediately. The second movement characterized partially by backward-looking “classical” could arise that Mossolov’s artistic interests were and the horizon of expectation of the public at large. (Accelerando) again takes up the original motion, but in traits, partially by a strange (for European ears) mixture one-sidedly oriented on the world of machines and Stylistically, the 1920s do not represent a cohesive or turn loses itself in ragged gestures. Analogous to these of sweet lyrisms and ironically broken traditional and technology. Parallel to this, however, there is a even uniform period of time in terms of compositional are the two tonally more compact final movements folk song quotations. It is hardly a coincidence that this markedly lyrical vein that is obliged to late-Romantic, methods and aesthetic ideas: It is a phase of pluralism (both: Accelerando); they, too, increase in speed to is reminiscent of Charles Ives, the “father” of American solemn inflections, especially those of Alexander and experimentation marked by both a radical striving then slump down again. The conclusion is formed by a music, from whom Antheil had learned a great deal. Scriabin, who was more or less the model for all Russian for innovation and the attempt to reclaim the old quotation from the opening, which is followed by the Antheil never disavowed his avant-garde early works composers of the generation born between 1880 and “classical” values. abrupt end: the machine crashes with a glissando, a last of the 1920s: he remained faithful his whole life to 1905. Thus, the Piano Sonata No. 4, op. 11 (1925) is also protest – and finis. It is noteworthy that the technology the inclination toward “modern” rhythms and glaring clearly related to late Scriabin, both in terms of its The American composer George Antheil (born 8 July is not heroized, but depicted as vulnerable – it is not dissonances. advanced tonal technique as well as form (as a one- 1900 in Trenton, New Jersey; died 12 February 1959 in man who adapts to the machine, but the machine that movement sonata). But in contrast to Scriabin, one New York) was born to a family of German-speaking follows human standards, i.e., is finite and transient. About the large-scale, three-movement Sonata No. 4 encounters here numerous abrupt changes of tempo immigrants. After piano and composition studies, the from 1948, the composer wrote: “Aesthetically, the work and expression, an almost kaleidoscope-like “jumble” latter from 1919 to 1921 with Ernest Bloch in New York, In 1923, Antheil moved to Paris, where he enjoyed represents the fusing together of many of the elements of ideas, which appears to preclude an organic arc of he went to Berlin on a scholarship. He originally aspired friendly relationships with the leading artists of the of my earlier music... Although I hope that my musical development – and it is exactly here that Mossolov’s to a career as a pianist, but then turned to composition. time – with Eric Satie, Jean Cocteau, Ernest Hemingway, expression has many sides... still, undoubtedly, one personal style shows itself. Behind it, however, stands However, there was little that he could fasten on to: The James Joyce, Ezra Pound, and Pablo Picasso. Concert of the elements of my expression which is most often an almost “classically” constructed sonata-allegro form “mountainous” sentiment of Richard Strauss remained tours led him throughout Europe. He long remained commented upon is that it has the iron ring of modern with clearly fashioned themes. Although the volatile just as foreign to him as the “lecherous” sounds of the attached to the idea of an artistic relationship to the civilization: the sound of this kind of music – which I’ve nature of the development might seem a bit capricious, French impressionists (Debussy, Ravel). Antheil found his world of machines and technology; this reached its high expressed as early as my Ballet Mécanique in 1932 – may it is the guarantee of a never-abating tension between own style in a decidedly rhythmically determined and point in the Ballet Mécanique of 1926 for sixteen player be heard again in the first [Allegro, Giocoso-Ironico], kinetic-frothing and lyrical sections – a tension that jazz-inspired music that particularly rendered homage pianos (i.e., mechanical pianos). Antheil subsequently and particularly the last [Allegro, Presto] movements of additionally gains greatly through the pianistically to the sphere of technology and machines. The titles of turned toward Stravinsky’s neoclassicism, but he was this sonata. The furious, sometimes gleeful, sometimes highly sophisticated style (that even won the respect early works, exclusively piano compositions, are program: unable to achieve anything of his own in this idiom. horrific march of modern civilization may, I think, be of Sergei Prokofiev). Airplane Sonata, Death of Machines, Mechanisms. From the 1930s (and after breaking with Stravinsky) heard in these movements. It has also been pointed out

8 9 by several most eminent critics, that my music has a Top prizewinner at the Geneva International Music Bargemusic Festival in New York. In the Piano en Valois strong satirical and ironic sense; in the first movement Competition in 1986, Vladimir Stoupel has performed Festival, he played the entire cycle of Scriabin’s sonatas of this sonata one may hear, if one chooses, a certain as soloist with many of the leading orchestras of the in a single performance by memory. In addition, he gleeful burlesquing of a Chopinesque passage... The world, including the Berlin Philharmonic Orchestra, the founded his own Summer Music Festival in Germany in middle movement [Andante, Cantabile sostenuto] is Gewandhaus Orchestra, the Bavarian Radio Symphony 1999. conceived as a slow movement to contrast with the Orchestra, the Munich Symphony Orchestra, and the two outer movements which are rather aggressive. Russian State Orchestra. He has collaborated with such Vladimir Stoupel began studying the piano at age But it is more than that; it is also the expression of a eminent conductors as Christian Thielemann, Michail three with his mother, Rimma Bobritskaia. He made neo-romanticism which, in this age of steel, I feel to be Jurowski, Leopold Hager, Marek Janowski, Steven Sloane, his concerto debut at age 12, playing Tchaikovsky‘s more and more a part of the dreams and ideals of the and Günther Neuhold. His discography includes a debut First Piano Concerto in the Great Hall of the Moscow world which threatens to become submerged in grim CD, released in 1989 on the RPC label, featuring piano Conservatory. He later studied piano with Evgeny Malinin reality. I wanted to endow this movement with a sense music of Shostakovich, Arnold Schoenberg’s complete and conducting with Gennady Rozhdestvensky at the of personal tragedy – and romance too. It works out a works for piano solo (auris subtilis), and the complete Moscow Conservatory, and was a pupil of the renowned new sort of lyricism which I hope will be expressive of Piano Sonatas by Scriabin (in preparation, Audite). His Russian pianist Lazar Berman for almost five years. this sort of humanity, and even tenderness.” recording of the complete works for viola and piano Today, he lives in Berlin and performs extensively as Andreas Wehrmeyer by Henri Vieuxtemps with violist Thomas Selditz was soloist, conductor, and chamber musician. awarded the „Preis der deutschen Schallplattenkritik,“ the most prestigious German CD-award, in 2003. NB: We would like to thank Irina and Klaus Mösle as well as VLADIMIR STOUPEL As a chamber musician, Mr. Stoupel returns every year Kristina and Marc Herzog for their generous support. to the New York Philharmonic’s chamber music series The Russian-born French pianist Vladimir Stoupel at Merkin and Avery Fischer Halls. He collaborates has established himself worldwide as an artist of frequently with outstanding opera singers such as extraordinary versatility, uncompromising musical baritone Wolfgang Brendel, mezzo-soprano Elena intensity, and technical command. His thrilling, Zaremba, and bass Evgeny Nesterenko, and performs emotionally charged interpretations and extraordinarily regularly with violinists Judith Ingolfsson and Mark large piano repertoire have challenged and fascinated Peskanov, with the cellist Peter Bruns, and with the audiences throughout Europe and America. As a Robert Schumann String Quartet. conductor, he has worked with numerous orchestras to critical acclaim. Mr. Stoupel participates in many major festivals including the Berliner Festwochen, the Helsinki Festival and the

10 11 probte, wurde darin im großen Format umgesetzt. Mit „Ungeheure Mengen toter und sterbender Maschinen auf die Avantgarden Amerikas und Europas nahm. Mit dem Einsatz von Propellergeräuschen und Alarmsirenen eines entsetzlichen Zukunftskrieges lagen zerstört, um- seinen durch Lochkarten gesteuerten Pianolas setzte Mehr als durch Kriege, religiöse und politische Umbrüche tat Antheil ein Übriges, um seinem Ruf als bilderstürme- geworfen, zu Fetzen zersprengt auf dem Schlachtfeld ei- er sich über die „natürlichen“ Grenzen des lebenden wurde das Lebensgefühl der Neuzeit durch die rischer „Bad Boy of Music“ gerecht zu werden: 10 Jahre nes sintfluthaften Untergangs.“ Anders dagegen Interpreten hinweg und erkundete mit ultravirtuosen, Industrialisierung grundlegend umgewälzt. Der Einbruch nach Stravinskys „Sacre“ brauchte die Musikwelt einen Wladyslaw Szpilmans Klaviersuite „Das Leben der polyrhythmischen und polymetrischen Tonkaskaden der Maschine in die Lebenswelt des Menschen, die zuneh- neuen Skandal. Maschinen“: „in ihr ist der „musikalische Transfer des das Feld pianistischer Illusionistik. Wenige zeitgenössi- mende Dominanz der Maschinen in den Arbeitsprozessen, sich mechanisch Perpetuierenden nicht geprägt von sche Klaviervirtuosen haben den nancarrowschen reflektierten Malerei und Literatur bereits im 19. Der Topos der Maschinenmusik übte – auch weniger vor- Macht und Bedrohung, es sind eher gut gelaunt surrende, Fehdehandschuh aufgehoben, haben ihre Technik an Jahrhundert. In der Musik – der vermeintlich romantisch- dergründig – einen wesentlichen Einfluß aus auf die freche, manchmal hämische Maschinchen, wie zum Leben den Klavier-Transkriptionen seiner Werke für Pianola sten aller Künste – fand eine Auseinandersetzung mit den Generation der Nachromantiker, zu deren geistigem erwachte Uhrwerke: sie gewinnen ein individuelles cha- gemessen, – und sind damit den Beweis angetreten, sozialen wie materiellen und geistigen Implikationen die- Inventar sie gehörte wie der Jazz, die archaische rakteristisches Eigenleben, die interagieren.“ (Günter daß der Gradus ad Parnassum ein Jahrhundert nach ses Wandels allerdings erst mit großer Verspätung, im Rhythmik der folkloristischen Werke Strawinskys, Herzfeld). Komponiert wurde sie nach dem durch die po- Scriabin, Godowsky, Leschetitzki, Medtner und Anschluß an den ersten Weltkrieg statt. In den zwanziger Atonalität und Dodekaphonie. Aus späterer Sicht scheint litischen Umstände erzwungenen Abbruch des Hoffmann noch nicht zu Ende beschritten ist. Jahren, jener „herrlich männlichen Epoche“, als der sie die Faszination dieser Generation von Komponisten durch Klavierstudiums bei Artur Schnabel 1933 in Berlin, im Frank Harders-Wuthenow der Maschinen-Fetischist Fernand Léger apostrophierte, das kalte Leben der Maschinen allerdings oft zu einseitig Jahr der nationalsozialistischen Machtergreifung, mit hielt das Maschinenzeitalter dann mit Vehemenz Einzug und zu positiv aus dem Blickwinkel des russischen der der count-down zu dem von Antheil vorausgeahnten in Konzert- und Opernhäuser. Eine Oper wie „Maschinist Futurismus und Suprematismus interpretiert. Die hier neuen Weltkrieg zu laufen begann. Für Szpilman, den ge- Mechanische Klaviere dienten ursprünglich allein der Hopkins“ des Schreker-Schülers Max Brand eroberte sich projektierte Zusammenstellung einiger Werke des nialen Pianisten und Komponisten jüdischer Abstammung, Wiedergabe von originärer Klaviermusik – mit Ergebnis- Ende der zwanziger Jahre die Spielpläne und erreichte Klavierrepertoires vornehmlich aus der ersten Hälfte des führte er in die Hölle seines – von Polanski in „Der sen, die den ersten akustischen Aufnahmen weit überle- Aufführungszahlen wie nur Kreneks „Johnny spielt auf“. 20.Jahrhunderts möchte deshalb das Ohrenmerk lenken Pianist“ genial und ergreifend verfilmten – Überlebens- gen waren. So war es nur folgerichtig, daß bedeutende Honeggers Eisenbahn-Stück „Pacific 213 (1923) oder auf die äußerst vielseitige, oft ambivalente Haltung der kampfes im Warschauer Ghetto. Pianisten (z. B. Ferruccio Busoni, Josef Hofmann und Alexander Mossolovs „Die Eisengießerei“ (1926-28) sorg- Künstler auf den Pulsgeber des neuen Lebensrhythmus, Sergej Rachmaninow) ihr Spiel auf Klavier-Rollen (die auf ten international für Furore. Als Höhepunkt der musikali- als der die Maschine verstanden wurde. Was Antheil von der modernen Klavierliteratur nach mechanischen Klavieren abgespielt wurden) festhielten. schen Auseinandersetzung mit der Welt der Maschinen Chopin und Liszt behauptete, sie sei „essentially vir- Der Amerikaner Conlon Nancarrow zog daraus die ebenso gilt George Antheils „Ballet mécanique“ (1924). Die So entstanden Antheils Maschinen-inspirierte Klavier- tuoso, exploring the limits of the modern keyboard, as eigenwillige wie revolutionäre Konsequenz, das mechani- Auslotung der Möglichkeiten quasi-maschineller sonaten und Kammermusikwerke der frühen 20er Jahre well as the limits of the composer’s invention in the sche Klavier als neuartiges Kompositionsmedium zu ver- Organisation musikalischer Parameter (ostinates unter dem Eindruck zweier Träume von 1922, in denen die purely musical sense“, weist direkt auf Conlon einnahmen. Mithilfe eines speziellen Stanzwerk-zeuges Repetieren und blockartiges Aneinanderreihen rhyth- Schrecken der Vernichtungsmaschinerie des ersten Nancarrow, den großen und lange Zeit verkannten entwickelte er ein Verfahren, das es ihm erlaubte, direkt misch dominierter Bausteine), die Antheil in den voraus- Weltkriegs in die apokalyptischen Szenen einer neuen, Pionier der mechanischen Klaviermusik, der nach sei- auf Klavierrollen zu komponieren (vergleichbar der gegangenen Klavierwerken der frühen 20er Jahre er- globalen Menschheitsdämmerung projiziert werden: ner Entdeckung in den 70er Jahren nachhaltigen Einfluß Lochung von Streifen oder Karten bei älteren Computern).

12 13 Dadurch ließen sich Texturen mit extrem raschen Tempi, ginalen Ampico-Bösendorfer-Selbstspielflügel). Nancorrow die ihre Herkunft aus der Unterhaltungsmusik nicht ver- Dessen ungeachtet fühlte er sich der klassischen ungewöhnlicher Klangdichte und komplexen Rhythmen verstarb am 10. August 1997 in Mexico-Stadt. leugnen; tonales Zentrum ist G. Das Finale (Allegro) – Tradition verpflichtet, die er vehement gegen ungerecht- realisieren, die weit über die herkömmlichen Nancarrow war keineswegs nur ein Experimentator und wiederum in C – hebt als vierstimmige Fuge an, die in fertigte Angriffe (der Russischen Assoziation proletari- Spieltechniken (des Klaviers) hinausgehen. Mit seinen Bastler. Er besaß gründliche Kenntnisse des kompositori- einer tour de force mehrere Durchführungen erfährt. scher Musiker) verteidigte. In seiner Eigenschaft als „Studies“ für „Player Piano“ (= elektronisches und me- schen Metiers, die in allen seinen Werken zu spüren sind. Dabei droht das gezackte Thema sich zuweilen in spiele- überzeugter Marxist (obwohl zu keiner Zeit Parteimitglied) chanisches Klavier) schuf er ab 1948 einen unikalen Das gilt auch für die dreisätzige „Sonatina“ (1941), ein risch-motorischen Episoden zu verlieren, gewinnt dann glaubte er an einen (mittelbaren) gesellschaftlichen Korpus für dieses „Instrument“. ursprünglich für „Player Piano“ konzipiertes Werk, das aber erneut an virtuoser Eindringlichkeit. Nicht zuletzt Nutzen des kompositorischen Fortschritts und verfocht er später für „normales“ Klavier (sowohl in zwei- als der Schlußsatz mit seinem nüchtern neoklassizistischen diese Haltung in zahlreichen Aufsätzen und verschiede- Conlon Nancarrow wurde am 27. Oktober 1912 in Texarkana, auch vierhändiger Fassung) umschrieb. Dem Interpreten Gepräge und einer Vielzahl metrischer Irregularitäten nen administrativen Funktionen. Im zunehmend schwieri- Arkansas, geboren. In den 1930er Jahren studierte er in wird Höchstes abverlangt (vor allem in den Ecksätzen): verrät deutliche Einflüsse Igor Strawinskys. geren Umfeld der späten 1920er Jahre wurden ihm dann Boston Komposition bei Walter Piston, Roger Sessions und Da gibt es schwer zu realisierende kanonische Stimm- aber „Klassenfeindlichkeit“ und „Verbindung mit Trotzkis Nicolas Slonimsky, erhielt mithin eine klassisch gediegene führung, asynchrone Bewegungsabläufe und halsbreche- Unter den Pionieren der Neuen Musik in Rußland ist Nachfolgern“ vorgeworfen. Er verlor seine Ämter und Ausbildung. Danach suchte er seinen künstlerischen rische Sprungtechnik. Kein Wunder, daß der Komponist, Nikolai Roslavets eine der fesselndsten Figuren. Geboren ging 1931 nach Taschkent, wo er als Dirigent und Horizont in Europa zu erweitern, ging dann aber, seiner wie überlierfert, die Darstellung auf dem mechanischen am 4. Januar 1881 in einer Bauernfamilie im Gouvernement Komponist am usbekischen Nationaltheater wirkte. 1933 dezidierten politischen Überzeugungen wegen, als Soldat Klavier bevorzugte – mithin: eine umso größere Heraus- Tschernigow, Ukraine, erlernte er früh durch einen Onkel durfte er nach Moskau zurückkehren und hielt sich mit der Abraham-Lincoln-Brigade nach Spanien und kämpfte forderung für den „tatsächlichen“ Pianisten. Der nervös das Geigenspiel. Später erhielt er Unterricht bei einem verschiedenen Unterrichtstätigkeiten und sporadischen dort im Bürgerkrieg auf der Seite der Republikaner. Nach vorwärtsdrängende Kopfsatz (Presto) nimmt seinen jüdischen „Hochzeitsgeiger“ und schulte sich autodi- Arbeiten beim Rundfunk über Wasser. Dort ist er 1944 in deren Niederlage kehrte er verletzt in die USA zurück, wur- Ausgang vom Ton C, um den herum sich scharf umrissene, daktisch in Theorie und Harmonielehre. Von 1902 bis 1912 Vergessenheit gestorben. de dort aber als ehemaliges Brigade-Mitglied erheblichen knappe Tongebilde ausprägen. Damit ist ein Prozeß studierte er dann am Moskauer Konservatorium, das er in politischen Repressionen ausgesetzt, die ihn dazu veran- klanglicher Verdichtung angestoßen, der vor allem die den Fächern Violine und Komposition absolvierte. Das Roslavets ist der Schöpfer eines konstruktivistischen laßten, nach Mexiko überzusiedeln. Bereits 1939 war er hohen Klangregister beansprucht. Der Höhepunkt ist mit Frühwerk ist zunächst spätromantisch und vom französi- Kompositionssystems, das die herkömmliche Dur-Moll- durch Henry Cowell auf die Möglichkeiten des Player- wuchtigen Akkorden erreicht, in deren Folge sich der schen Impressionismus beeinflußt. Eine deutlich eigene Tonalität überwindet. Zu diesem System äußerte der Pianos aufmerksam geworden. 1947 erwarb er ein Exemplar Satz wieder auflockert, um abschließend das gleichsam Handschrift zeigt sich ab 1913, als Roslavets mit seiner 1. Komponist: „Mein musikalisches Denken verlief damals und widmete sich fortan der Komposition von Stücken für versprengte Material zu präsentieren; Endpunkt ist C. Violinsonate – angeregt durch die kühnen harmonischen [1913] darin, selbständige, in sich geschlossene, musika- eben dieses „Instrument“. In der europäischen Musik wur- Der zweite Satz (Moderato - Più Allegro) greift auf die Neuerungen Alexander Skrjabins – in die „Atonalität“ lische Komplexe, eine Art ‚synthetischer Akkorde‘ abzu- de man erst in den 1980er Jahren auf Nancarrow aufmerk- Tradition des gesanglichen Mittelsatzes zurück, in den vorstößt. Nach der Revolution machte sich Roslavets ei- tasten, aus denen sich dann der harmonische Plan des sam, nachdem Aufnahmen seiner „Studies“ erhältlich wa- sich hier jedoch allerlei Unübliches mischt (Irritationen nen Namen als Propagandist der zeitgenössischen (vor Werkes entwickeln sollte. Diese ‚Synthetakkorde‘, die ren. Insbesondere György Ligeti fand Gefallen an im Rhythmischen, klangliche Reibungen bis hin zum allem westlichen) Musik. Das blieb nicht ohne Einfluß auf sechs bis acht Töne enthielten [...] waren offenbar dazu Nancarrows Musik und ermöglichte ihm in seinen letzten Cluster). Andererseits aber gibt es auch ziemlich „abge- sein eigenes Schaffen, das er einer neuartigen, streng bestimmt, im Gesamtplan der Komposition nicht nur Lebensjahren eine Reihe von Konzertreisen (mit einem ori- nutzte“ Septakkordwendungen und Ajoutationsklänge, konstruktivistischen Kompositionstechnik unterwarf. eine äußere, klangfarbliche Rolle, sondern auch die in-

14 15 nere Rolle des Stellvertreters der Tonalität zu spielen.“ Berliner Akademie der Künste Klavier (bei Leonid Kreutzer ist. Der erste Satz, ohne Tempobezeichnung („Langsam schöpferische Unabhängigkeit, die diesen Namen verdient, Das hat einen streng reglementierten Tonsatz zur und Arthur Schnabel) und Komposition (bei Franz anfangen“), spielt mit Ton- und Akkordrepetitionen, aus unerwünscht und verdächtig. Nicht wenige Künstler erfuh- Folge, der (fast) bis in die letzte Note determiniert ist: Schreker). Als die Nationalsozialisten 1933 an die Macht denen nach und nach gesangliche Umrisse hervortreten. ren Maßregelungen, Einschränkungen elementarer Frei- Ein bestimmter Tonkomplex wird unablässig transpo- kamen, ging er zurück in seine Heimat. Das Warschauer Im Klangbild dominieren Sekundreibungen sowie transpa- heitsrechte und sogar Haft. Für diese tragische Entwick- niert, wobei die Abfolge der Transpositionsstufen sowie Ghetto überlebt er als einziges Mitglied seiner Familie. rente Quarten- und Septimenschichtungen. Der Andante- lung gibt der Komponist Alexander Mossolow ein anschau- die harmonischen und melodischen Bildungen im ein- Davon berichtet Szpilman in seinem eindrucksvollen Buch Mittelsatz („Maschinen im Ruhezustand“) bietet eine liches Beispiel. zelnen (relativ) frei sind. Roslavets‘ Musik ist nüchtern „Das wunderbare Überleben - Warschauer Erinnerungen zart-herbe Kantilene, untermalt von modal gefärbten kalkuliert, findet aber stilistisch, durch ihre naturwüch- 1939-1945“, das Roman Polanski als Vorlage seines mehr- Begleitakkorden; dem Mechanischen tritt hier etwas un- Geboren am 11. August 1900 in Kiew, wuchs Alexander sig-organischen Gestik zu einer gestalterischen Kontra- fach ausgezeichneten Films „Der Pianist“ diente. Nach terschwellig Folkloristisches (Mazurka-Rhythmus) zur Mossolow in bürgerlichen Verhältnissen in Moskau auf. faktur – Brüche oder gar Schnitte werden gemieden, dem Krieg war Szpilman in leitender Funktion beim polni- Seite. Das Finale („Toccatina“, Allegro ritmico) schlägt 1918 ging er als Freiwilliger zur Roten Armee und kämpfte alles wirkt auskomponiert und harmonisch gerundet. schen Rundfunk tätig. Mit dem Violinisten Bronislaw den Bogen zurück zum Beginn, wobei sich das spielerisch- gegen die Weißgardisten. Nach Verwundung und zeitweili- Der rationale Kalkül bzw. die Mechanik dieser Musik ist Gimpel, den er aus Studienjahren kannte, verband ihn eine virtuose Element nun noch üppiger entfalten darf. Als ger Tätigkeit als Stummfilmpianist studierte Mossolow von gleichsam in ihr Inneres gewendet, tritt nicht nach au- enge Zusammenarbeit, aus der in den 1960er Jahren die Vorbilder sind, sowohl in pianistischer als auch 1922 bis 1925 am Moskauer Konservatorium Klavier und ßen hervor. Das gilt auch für die 2. Klaviersonate aus Gründung des Warschauer Klavierquintetts hergehen soll- kompositionstechnischer Hinsicht, Sergej Prokofjew und Komposition (bei Reinhold Glière und Nikolai Mjaskowski). dem Jahre 1916, ein vom Komponisten nicht selbst te. Szpilman starb am 6. Juli 2000 im Alter von 88 Jahren die französischen Impressionisten (Debussy, Ravel) er- Bis 1928 schrieb er etwa dreißig Werke, mit denen er sich abgeschlossenes bzw. authorisiertes Werk, das (erst in in Warschau. kennbar. Nicht kräftezehrendes Stampfen, sondern als einer der fortschrittlichsten, „linken“ Komponisten den 1990er Jahren) aus dem Nachlaß ediert wurde. Wie impressionistische Feingefühl bestimmen diese originellen Rußlands einen Namen machte: darunter eine Kammer- bei der 4. Sonate Mossolows handelt es sich um eine Szpilmans Musik folgt deutlich den Zeittendenzen der Maschinenbilder. Dabei handelt es sich um mehr als nur oper (Der Held), eine Symphonie, ein Streichquartett, einsätzige Sonate (in der Tradition Skrjabins), in der die 1920er und 30er Jahre. So vermengt er Ernstes und locker aneinandergereihte Genrestücke („Suite“); die Vokalzyklen, Klaviermusik und ein Klavierkonzert. Aufsehen „klassischen“ Formstationen (Exposition, Durchführung, Unterhaltendes, greift Jazz-Einflüsse auf und versteht es, Satzfolge und -charaktere rechtfertigten durchaus den erregte vor allem sein Orchesterstück Eisengießerei Reprise) fast ein wenig schematisch nachgebildet sind. ähnlich Kurt Weill oder Ernst Krenek, doppelbödig und aus Titel „Sonatine“. (1928), eine Arthur Honeggers Pacific 231 nachempfunde- ˇ Aber davon ist beim Hören kaum etwas zu spüren: ironischer Distanz zu sprechen. Szpilman ist nicht nur mit ne „Maschinenmusik“, für die sich auch prominente west- Wellenförmig-organisches Fortschreiten und üppig- sogenannter E-Musik hervorgetreten, sondern auch mit Viele fortschrittliche russische Künstler setzten große liche Dirigenten einsetzten. rauschhafter Klang tragen darüber ebenso unmerklich Hörspiel- und Filmmusiken, Kinderliedern und ca. 500 Hoffnungen in die Oktoberrevolution 1917. Sie begeisterten wie elegant hinweg. Schlagern. 1961 gründete er ein Schlagerfestival, das bis sich für die utopischen Ziele der Sowjets und hofften dar- 1928 ist der Wendepunkt in Mossolows schöpferischer heute alljährlich in Sopot stattfindet. auf, ihre neuen, experimentellen Ausdrucksmittel in den Biographie: Zur Aufführung vorgesehene Werke (u. a. Der polnisch-jüdische Komponist und Pianist Władysław Dienst des „gesellschaftlichen Fortschritts“ stellen zu eine neue Oper Der Damm) werden auf höchste An- Szpilman wurde am 5. Dezember 1911 in Sosnowiec (bei Die Klavier-Suite „Das Leben der Maschinen“ (1934) ist können. Eine Verschmelzung von künstlerischer und politi- weisung abgesetzt, und die Presse beginnt, sich abschät- Kattowitz), Polen, geboren. Nach dem Besuch der vordergründig von allerlei etüdenhafter Motorik geprägt, scher Avantgarde schien greifbar. Recht bald folgte indes zig über seine Musik zu äußern. 1932 verfaßt Mossolow, Warschauer Chopin-Musikschule studierte er an der die jedoch stets geistreich, locker und elegant gehalten die Ernüchterung; bereits Ende der 1920er Jahre war noch immer auf eine Besserung der Verhältnisse hoffend,

16 17 einen Brief an Stalin, in dem der sich darüber beklagt, Sonate) deutlich an den späten Skrjabin an. Anders aber Der US-amerikanische Komponist George Antheil (gebo- Exitus folgt: Die Maschine stürzt in einem glissando ab, daß seine Werke immer seltener aufgeführt und gedruckt als bei diesem begegnet man hier zahlreichen, abrupten ren am 8. Juli 1900 in Trenton, New Jersey; gestorben am ein letztes Aufbegehren – und Ende. Bemerkenswert ist, würden. Doch die Zeiten haben sich gewandelt, die an Tempo- und Ausdruckswechsel, einem fast kaleidoskop- 12. Februar 1959 in New York) entstammt einer Familie daß die Technik nicht heroisiert, sondern als verwundbar westlichen Vorbildern orientierte „Avantgarde“ ist längst artigen „Durcheinander“ der Einfälle, das sich einem or- deutschsprachiger Einwanderer. Nach Klavier- und dargestellt wird – nicht der Mensch paßt sich der nicht mehr gefragt. 1936 wird Mossolow unter einem ganischen Entwicklungsbogen entgegenzustellen scheint Kompositionsstudien (letztere 1919 bis 1921 bei Ernest Maschine an, sondern die Maschine folgt menschlichen Vorwand aus dem Komponistenverband ausgeschlossen, – und eben hierin zeigt sich Mossolows eigene Handschrift. Bloch in New York) ging er mit einem Stipendium nach Maßstäben: d. h. ist endlich und vergänglich. 1938 als „Konterrevolutionär“ angeklagt und zu acht Dahinter steht allerdings ein fast „klassizistisch“ gebau- Berlin. Eigentlich strebte er eine Karriere als Pianist an, Jahren Arbeitslager verurteilt. Zwar wird die Haft dank ter Sonatensatz mit klar profilierten Themen. Mag die wandte sich dann aber der Komposition zu. Da gab es 1923 siedelte Antheil nach Paris über, wo er mit den füh- der Fürsprache seiner ehemaligen Lehrer Glière und Sprunghaftigkeit des Fortgangs auch ein wenig kapriziös wenig, an das er anknüpfen konnte: Die „gewaltigen“ renden Künstler seiner Zeit in Kontakt trat – mit Eric Mjaskowski auf ein Jahr verkürzt, doch bis 1942 darf sich anmuten, ist sie andererseits der Garant einer nie nach- Gefühle eines Richard Strauss blieben ihm ebenso fremd Satie, Jean Cocteau, Ernest Hemingway, James Joyce, Mossolow weder in Moskau noch in Leningrad oder Kiew lassenden Spannung zwischen motorisch-aufschäumenden wie die „lüsternen“ Klänge der französischen Ezra Pound und Pablo Picasso. Konzertreisen führten ihn aufhalten. Seit den späten 1930er Jahren paßte sich und lyrisch verhaltenen Abschnitten – einer Spannung, die Impressionisten (Debussy, Ravel). Seinen eigenen Stil durch ganz Europa. Der Idee der künstlerischen Mossolow den offiziellen Erwartungen an: Er schreibt fort- überdies viel durch den pianistisch hochraffinierten Satz fand Antheil in einer entschieden rhythmisch bestimm- Anverwandlung an die Welt der Maschinen und der an in einem unspektakulären, „konservativen“ Idiom, das gewinnt (der sogar Sergej Prokofjew Respekt abnötigte). ten, Jazz-inspirierten Musik, die insbesondere der Sphäre Technik blieb er lange zugetan; ihren Höhepunkt erreich- die Kritik als „sozialistischen Realismus mit impressioni- der Technik und der Maschinen huldigt. Die frühen te sie im Ballet mécanique für sechzehn Player-Pianos (d. stischen Einsprengseln“ belobigt. Mossolow stirbt 1973 Das Ende des Ersten Weltkriegs markiert einen tiefen Werktitel, ausnahmslos Klavierkompositionen, sind h. mechanische Klaviere) von 1926. In der Folge näherte nach langer Krankheit, unbeachtet von der musikalischen Einschnitt in der europäischen Kultur. Das Ideal einer sich Programm: „Airplane Sonata“, „Death of Machines“ oder sich Antheil dem Neoklassizismus Igor Strawinskys an, Öffentlichkeit. selbst genügenden, „absoluten“ Tonkunst war erschüt- „Mechanisms“. jedoch war es im nicht vergönnt, Eigenständiges in die- tert, viele Komponisten begannen die Nähe zur sem Idiom zu leisten. Seit den 1930er Jahren (und nach Mit dem über Rußland hinausreichenden Erfolg der Unterhaltungs- und Gebrauchsmusik zu suchen, unter an- „Death of Machines“ (1922) besteht aus einer Folge von dem Bruch mit Strawinsky) lebte Antheil zumeist in den Eisengießerei konnte der Eindruck entstehen, Mossolows derem auch, um die Kluft, die sich zwischen der Neuen vier kurzen, ineinander übergehenden „Sätzen“, die un- USA, wo er sich als Komponist von Gebrauchsmusik (vor künstlerische Interessen seien einseitig auf die Welt der Musik und dem Erwartungshorizont des breiten Publikums ter dem (karrikierend gemeinten) Titel „Sonatina“ allem für den Film) bzw. als Journalist und Schriftsteller Maschinen und der Technik gerichtet. Parallel dazu gibt es aufgetan hatte, abzumildern. Stilistisch, in den Kompo- zusammengefaßt sind. Die maschinenhaft-präzise Bewe- betätigte. Um 1940 begann Antheil, ermutigt durch den aber auch eine ausgesprochen lyrische Ader, die spätro- sitionsmethoden und ästhetischen Ideen bilden die 1920er gung des Beginns (Moderato) gerät sogleich ins Stocken. Dirigenten Leopold Stokowski, erneut eigenständige mantisch-pathetischen Tonfällen, zumal denen Alexander Jahre keinen in sich geschlossenen oder gar einheitlichen Der zweite Satz (Accelerando) greift die ursprüngliche Musik zu komponieren. Das Schaffen nach 1945 ist teils Skrjabins, verpflichtet ist – des mehr oder minder prägen- Zeitraum: Es ist eine Phase des Pluralismus und des Bewegung wieder auf, verliert sich aber wiederum in ab- durch rückwärtsgewandte, „klassische“ Züge charakteri- den Vorbilds für alle russischen Komponisten der Experiments, gekennzeichnet sowohl durch radikalen gerissenen Gesten. Analog dazu die beiden, klanglich siert, teils durch eine (für europäische Hörer) wunderli- Jahrgänge zwischen 1880 und 1905. So schließt denn auch Neuerungswillen als auch den Versuch, sich auf alte „klas- dichteren Schlußsätze (beide: Accelerando); auch sie che Mischung aus süßlichen Lyrismen und ironisch gebro- die 4. Klaviersonate op. 11 (1925) sowohl in ihrer avancier- sische“ Werte zurückzubesinnen. nehmen Fahrt auf, um wieder in sich zusammenzusinken. chenen Traditions- und Volkslied-Zitaten. Das erinnert ten Klangtechnik als auch im Formalen (als einsätzige Den Schluß bildet ein Zitat des Beginns, dem der abrupte kaum zufällig an Charles Ives, den „Vater“ der amerika-

18 19 nischen Musik, von dem Antheil viel gelernt hat. Sein VLADIMIR STOUPEL mäßig tritt in den Kammermusikreihen der New Yorker avantgardistisches Frühwerk der 1920er Jahre hat Anteil Philharmoniker auf, er ist Kammermusikpartner des nie verleugnet: der Neigung zu „modernen“ Rhythmen Der in Rußland geborene Pianist und Dirigent Vladimir Robert Schumann Quartetts, der Geiger Judith Ingolfsson und grellen Dissonanzen ist er zeitlebens treu geblieben. Stoupel hat sich international als ein Künstler von größ- und Mark Peskanov, sowie des Cellisten Peter Bruns. Als ter Vielseitigkeit etabliert. Er steht für überraschende, Liedbegleiter konzertierte er mit Wolfgang Brendel, Elena Über die ausgedehnte, dreisätzige Sonate Nr. 4 aus dem emotional geladene Interpretationen der klassischen Zaremba und Evgeny Nesterenko. Zusammen mit der Jahre 1948 schreibt der Komponist: „Unter ästhetischem wie zeitgenössischen Repertoires. Darüber hinaus wid- französischen Sopranistin Valery Suty veröffentlichte er Gesichtspunkt vereint das Werk sowohl Elemente meiner met er sich insbesondere auch Kompositionen der ver- die CD „Elegy for the Jewish villages“ (Lieder von Ravel, früheren als auch jüngst komponierten Musik ... Obwohl gessenen musikalischen Eliten der ersten Hälfte des 20. Ullmann, Laks und Weisgal. EDA, 2007). das Ausdrucksspektrum breit ist, sticht doch unzweifel- Jahrhunderts und erschließt viele, nach dem Zweiten haft ein Ton hervor, den es bereits in meinem Ballet mé- Weltkrieg vernachlässigte und verdrängte Werke dieser Seine Diskographie umfaßt neben der Debüt-CD mit Kla- canique gab: und das betrifft vor allem den ersten Satz Generation. viermusik von Schostakowitsch (RPC, 1988) die Gesamt- (Allegro, Giocoso-Ironico) und das Finale (Allegro, einspielung des Klavierwerks von Arnold Schönberg (auris Presto). Aus ihnen spricht der wütende, bisweilen fröhli- Vladimir Stoupel ist regelmäßiger Gast internationaler subtilis, 2001) sowie der Klaviersonaten von Skrjabin (Au- che, bisweilen angstmachende Fortschritt der modernen Musikfestivals wie den Berliner Festwochen, dem Print- dite, in Vorbereitung). Seine Einspielung aller Werke für Zivilisation. Einige Kritiker meinten, meiner Musik sei emps des Arts in Monte Carlo, dem Helsinki-Festival, dem Bratsche und Klavier von Henri Vieuxtemps mit dem Brat- eine stark satirische und ironische Komponente eigen: Festival La Grange de Meslay in Tours und dem Bargemu- scher Thomas Selditz (Audite, 2002) erhielt 2003 den re- Und in der Tat, wer möchte, kann im ersten Satz eine sic Festival in New York. Er konzertiert mit führenden nommierten „Preis der deutschen Schallplattenkritik“. leichtfüßige Chopin-Parodie heraushören. Der zweite Orchester in Europa und in den USA, u.a. mit dem Berli- Satz (Andante, Cantabile sostenuto) ist als Kontrast zu ner Philharmonischen Orchester, dem Gewandhausor- Vladimir Stoupel begann seine künstlerische Ausbildung den ziemlich aggressiven Ecksätzen angelegt. Aber er ist chesters Leipzig, dem Symphonieorchester des Bayeri- im Alter von drei Jahren an der Seite seiner Mutter, der mehr: Er steht für ein neoromantisches Empfinden – für schen Rundfunks, dem Deutschen Sinfonieorchesters, Pianistin Rimma Bobritskaia. Später studierte er Klavier Träume und Ideale, die in unserem stählernen Zeitalter dem Russischen Staatsorchesters und dem Lancaster bei Ewgenij Malinin und Dirigieren bei Gennadij Roschdest- unterzugehen drohen. Ich wollte dem Satz ein Moment Symphony Orchestra unter der Leitung namhafter Diri- wenskij am Moskauer Konservatorium und war fünf Jahre persönlicher Tragik und Romantik geben. Es ist eine neue genten wie Christian Thielemann, Michail Jurowski, lang Schüler des renommierten russischen Pianisten Art von Lyrismus: menschlich und zart.“ Leopold Hager, Marek Janowski, Steven Sloane, Stefan Lazar Berman. Französischer Staatsbürger seit 1985, lebt Andreas Wehrmeyer Malzew und Günther Neuhold. Vladimir Stoupel heute in Berlin.

Über seine solistische Tätigkeit hinaus ist Vladimir Stoupel NB: Ein großer Dank gilt Irina und Klaus Mösle und Kristina ein geschätzter Kammermusiker und Liedbegleiter. Regel- und Marc Herzog für ihre großzügige Unterstützung.

20 21 PRODUCERS Frank Harders-Wuthenow und Tilman Hanns Kannegießer (EDA)

BROADCASTING PRODUCER: Stefan Lang, Deutschlandradio Kultur, Berlin

SOUND ENGINEER, EDITING: Rainer Maillard

RECORDING: March 2005, Deutschladradio Berlin, Studio 10

ENGLISH TRANSLATION: Howard Weiner

PUBLISHERS: C.F. Peters (Nancarrow); Schott Music International (Roslavets); Boosey & Hawkes,/Bote & Bock (Szpilman); Music, Moscow (Mos- solow); Weintraub Music Company (Antheil, Sonata); G. Schirmer, Inc. (Antheil, Sonatina)

BOOKLET NOTES: Frank Harders-Wuthenow, Dr. Andreas Wehrmeyer © 2006

PHOTO: Asya Reznikov (V. Stoupel) © 2007 Titel: F. Kupka, Musique, © 2003 Edition du Center Pompidou, Paris

LAYOUT & DESIGN Isabell Simon, ME Raabenstein, www.simonraabenstein.com © and P 2007 by EDA Edition Abseits SPECIAL THANKS TO: a label of KLASSIK CENTER KASSEL Irina und Klaus Mössle, Kristina und Marc Herzog Glöcknerpfad 74 D-34134 Kassel CONTAKT Fon +49 (0)561. 934140; Fax +49 (0)561. 9351415 Vladimir Stoupel:[email protected] [email protected] www.Vladimir-Stoupel.com www.eda-records.de 22 23