Video e cinema oltre
XXVI Edizione invi d eo 2016
seduzioni seductions invideo 2016 Video e cinema oltre Exhibition of Video and Cinema Beyond seduzioni seductions
Mostra internazionale di video e cinema oltre XXVI edizione international ExHibition of video and cinema beyond 26th Year
Spazio Oberdan, Milano 17 - 20 novembre/November 2016 Istituto Europeo di Design, Milano 17 - 18 novembre/November 2016 3 invideo XXVI edizione Mostra internazionale di video e cinema oltre
26th year International Exhibition of Video and Cinema Beyond
INVIDEO è un progetto AIACE con il contributo di: Regione Lombardia Comune di Milano
INVIDEO si avvale anche del contributo e della collaborazione di: EUNIC Milano; Goethe-Institut Mailand; Consolato Generale della Repubblica di Polonia in Milano; IED Milano; Fabbrica del Vapore; FDVLAB; Fondazione Cineteca Italiana; Ondavideo Pisa; Amici di INVIDEO; e inoltre Eurohotel Milano; Pizzeria 40; Ristorante Lucca; Ristorante Rosy e Gabriele. La performance Homage to Maya Deren di Karmachina è stata resa possibile grazie alla sponsorizzazione tecnica di Volume Srl.
INVIDEO è un evento: ExpoinCittà
INVIDEO è socio fondatore di AFIC (Associazione Festival Italiani di Cinema) e di MFN (Milano Film Network).
INVIDEO è parte del “Mese della sperimentazione sull’immagine” con Filmmaker Festival, Sport Movies & TV Fest, Industry Days di Milano Film Network.
Mostra/Exhibition
Direzione/Directors Romano Fattorossi, Sandra Lischi
Comitato di selezione e ricerca opere/Selection committee and video research Romano Fattorossi, Sandra Lischi, Elena Marcheschi
Coordinamento generale/General coordinator Romano Fattorossi
Organizzazione generale/General organization Alessia Barzaghi con Elena Marcheschi
Assistenti all’organizzazione/Organization assistants Annamaria Materazzini con Majoi Barbieri, Giulia Palazzo e Gloria Bettoni
Programmazione/Programming Alessia Barzaghi, Elena Marcheschi
4 Ufficio accoglienza/Guest office Rafael Maniglia
Coordinamento progetti formativi/Educational projects coordinator Michela Facchinetti
Ufficio Stampa/Press office Lo Scrittoio – Milano
Consulenza e sviluppo sito Internet/Web designer and web master Andrea D’Aquino
Fotografie e riprese video/Photography and video recording Maurizio Pratesi
Traduzioni e sottotitoli/Translations and subtitles Raggio Verde
Proiezioni/Screenings Amedeo Liberti
Movimento copie/Print traffic Marina Minola
Amministrazione/Administration Luisa Bressan
Volontari/Volunteers Elisa Invernizzi
5
Catalogo/Catalogue
Sandra Lischi Fotolito e stampa/Photolitho and printing Sezione “Focus”/Section “Focus” www.lacittadina.it
Elena Marcheschi In copertina/Cover photograph Sezione “Autori e Opere”/ Deseos by Carlos Motta Section “Directors and Works” © 2016 Redazione/Editors Mimesis Edizioni Elena Marcheschi (coordinamento/ coordinator) ISBN 9788857537955 Alessia Barzaghi (revisione/reviser) Mimesis Edizioni Traduzione/Translation via Risorgimento 33 Joan Rundo (italiano/inglese) 20099 Sesto San Giovanni - Milano Elena Marcheschi (inglese/italiano) Tel e fax +39 02 89403935 www.mimesisedizioni.it Graphic design www.quarantotto.it Finito di stampare Marco Pea con Susana Stefanoni Pinto nel mese di novembre 2016 e Martina Colosimo Printed in November 2016
❙ U35
IL PREMIO UNDER 35 Dal 2007 INVIDEO organizza in occasione dello svolgimento della mostra il “Premio Under 35” riservato ai giovani autori. La commissione di attribuzione del premio è composta da Romano Fattorossi e Sandra Lischi, direttori del Festival; da Elena Marcheschi, consulente artistica.
UNDER 35 AWARD Since 2007, at every exhibition, INVIDEO has established an “Under 35 Award” for young authors. The panel responsible for attributing the award consists of Romano Fattorossi and Sandra Lischi, Festival directors; Elena Marcheschi, artistic consultant.
6 INVIDEO è socio fondatore di/INVIDEO is charter member of
Con il contributo di/Supported by
In collaborazione con/In collaboration with
Un evento/an event
7 Collaboratori istituzionali/Institutional partners
Collaboratori culturali/Cultural partners
8 Collaboratori tecnici e commerciali/Technical and Commercial partners
9 invi d eo 2016
seduzioni seductions
Glenn Paton H positive
10
❙ Seduzioni
Può sembrare un lusso, in questi tempi incerti, in queste geografie sconvolte da guerre e da disastri naturali aggravati da incurie e irresponsabilità umane, parlare di seduzioni. Eppure le opere e gli incontri e gli eventi di quest’anno ci parlano in qualche modo di attrazioni e desiderio, cantano, ci incantano facendoci pensare e ci propongono tanti tipi diversi di seduzione. La seduzione dello sguardo che muta e delle metamorfosi delle forme, sempre ben viva e potente. La seduzione esercitata dalla tecnologia sulla realtà, e quella inarrestabile del cambiamento. E, fuor di metafora, quella più classica, dei corpi, dei sensi, dei sessi, degli incontri: attrazioni, fascinazioni. Anche in forma di danza, di gestualità, di posture. E la struggente seduzione della nostalgia. Se nelle opere della nostra selezione internazionale tutto questo emerge e prevale con chiarezza, negli eventi appare come un filo nascosto che salda fra loro temi e incontri: la seduzione esercitata dal cinema (Kubrick, Maya Deren) nelle performance videomusicali di Matias Guerra e dei Karmachina; quella delle avanguardie di ieri e di oggi nella selezione peruviana; la seduzione oltre lo stereotipo di genere, e l’identità negata, nei lavori di Giovanni Coda e di Carlos Motta. E l’amore che pervade il ritratto tenerissimo, autoironico e tragico di Piergiorgio Welby. Ma anche l’irresistibile richiamo delle tante storie vere, nei reportage audiovisivi del Centro Sperimentale di Cinematografia (sede de L’Aquila); i seducenti giochi con lo spettatore più accorto nei videogame artistici (l’incontro con Roberto Cappai) e il fascino della forma corta nella selezione dal glorioso festival di Clermont-Ferrand; i corpi sedotti da inconsci, anche tecnologici, nel corpus di opere di Alessandro Amaducci. E, soprattutto, la seduzione cui INVIDEO è fedele da sempre nel proporre annualmente un programma amorevolmente preparato: quella del poter immaginare mondi altri, in modi altri.
Romano Fattorossi Sandra Lischi Direttori Mostra INVIDEO
12 ❙ Seductions
It may seem a luxury to speak about seductions in uncertain times like the present, in these geographies overwhelmed by wars and natural disasters aggravated by negligence and human irresponsibility. Yet this year’s works, meetings and events speak to us in some way of attractions and desire, they sing and enchant us making us think and offer many different types of seduction. The seduction of the gaze that changes and of the metamorphoses of the forms, is still very much alive and powerful. The seduction exercised by technology on reality and that unstoppable one of change. And, outside the metaphor, the more classic one, of bodies, senses, sexes, encounters, attraction and fascination, including in the form of dance, of gestures, of postures. And the heart-breaking seduction of nostalgia. If all this emerges and clearly prevails in the works of our international selection, in the events it appears like a hidden thread that connects themes and meetings: the seduction exercised by the cinema (Kubrick, Maya Deren) in the video music performances by Matias Guerra and the Karmachina; that of the avant-gardes of yesterday and of today in the Peruvian selection; the section beyond the seduction of gender and negated identity, in the works by Giovanni Coda and Carlos Motta. And love that pervades the very tender, auto-ironic and tragic portrait of Piergiorgio Welby. But also the irresistible call of the many true stories, in the audiovisual reportages of the Centro Sperimentale di Cinematografia (L’Aquila branch); the seductive games with the more observant spectator in artistic videogames (the meeting with Roberto Cappai) and the fascination of the short form in the selection from the glorious festival of Clermont-Ferrand; the bodies seduced by unconsciousnesses, including technological, in the corpus of works of Alessandro Amaducci. And, above all, the seduction with which INVIDEO has always been true to offering each year a programme prepared with love: that of being able to imagine other worlds, in other ways.
Romano Fattorossi Sandra Lischi Directors INVIDEO Exhibition
13 invideo 2016 Final Gathering Alain Escalle directors andworks autori e opere autori e opere
Tymon Albrzykowski
Polonia/Poland, 2016, 5' Tymon Albrzykowski (1988, Gdan´ sk, Polonia) ha studiato fotografia d’arte Realizzazione, animazione, e si è specializzato in Animation Film montaggio/Direction, animation, and Special Effects alla Film School editing: Tymon Albrzykowski di Lodz nel 2015. Musica/Music: Sebastian Ladyzyn´ski Produzione/Production: FUMI Studio Tymon Albrzykowski (1988, Gdan´ sk, Poland) studied art photography and specialized in Animation Film [email protected] and Special Effects at the Film School www.fumistudio.com/#section-short-film of Lodz in 2015.
16 Ink Meets Blank
Accattivante già a partire dal ritmo visivo giocoso dei titoli di testa, Ink Meets Blank è un lavoro basato sulla relazione tra forme geometriche astratte in bianco e nero, che sviluppano i propri andamenti strutturali seguendo il ritmo della musica. Il patto solidale tra forme e suono contribuisce a creare una drammaturgia emozionale che riporta lo spettatore al cinema sperimentale e astratto degli anni Venti e ai film animati di Viking Eggeling, Hans Richter, Oskar Fischinger e Walter Ruttmann. Quadrati, righe, triangoli, cerchi, linee spezzate si incontrano e scontrano, si fondono o si trasformano in un gioco continuo di azioni e reazioni a tratti convulse, a volte più armoniche. Il film è stato realizzato intervenendo direttamente sulla pellicola 35mm, poi trasferito in video.
Captivating from the playful visual rhythm of the opening credits, Ink Meets Blank is a work based on the relationship between abstract geometrical shapes in black and white, which develop their structural movements following the rhythm of the music. The sympathetic agreement between shapes and sound contributes to creating an emotional drama which takes the spectator back to the experimental and abstract cinema of the 1920s and the animated films by Viking Eggeling, Hans Richter, Oskar Fischinger and Walter Ruttmann. Squares, lines, triangles, circles and broken lines meet and clash, merge or are transformed in a continuous game of actions and reactions which are at times convulsive or at times more harmonious. The film was made by working directly on the 35mm film, then transferred on to video.
17 autori e opere
Paolo Bandinu
Italia/Italy, 2015, 2'21" Paolo Bandinu (1984, San Gavino, Italia) si è laureato in Pittura all’Accademia Realizzazione, produzione/ di Belle Arti di Sassari e nel 2011 Direction, production: Paolo Bandinu ha ottenuto la laurea in Arti visive e Linguaggi Multimediali presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze. Vive e lavora a Berlino.
Paolo Bandinu (1984, San Gavino, Italy) graduated in Painting from the Academy of Fine Arts of Sassari and in 2011 obtained a degree in Visual Arts and Multimedia Languages from the Academy of Fine Arts [email protected] of Florence. He lives and works in Berlin.
18 No Country
A partire da una serie di cartoline e volantini modificati pittoricamente, Paolo Bandinu ha realizzato un video-collage che scorre come un viaggio rapido nel mondo e nella storia, alla ricerca di un senso di unità umana che vada oltre il concetto di confine, di barriere geografiche e personali. L’artista interviene radicalmente sulle immagini preesistenti, attraverso pennellate pastose e decise che entrano in relazione con gli spazi, intensificando colori, transiti e tracce umane. Se da un lato i drammi ridipinti dall’autore acquisiscono toni ancora più cupi, anche le aperture sui piccoli scorci restituiscono un senso di pace aumentata, il tutto fuso in un flusso continuo di immagini e sensazioni, di transizioni e mutamenti. La musica accompagna e sostiene l’andamento emotivo del video. «Mi interessa il continuo divenire delle cose. Il mio lavoro riflette il cambiamento di momenti diversi rappresentati come in sospensione, in una sorta di precario equilibrio tra passato e presente». (Paolo Bandinu)
Starting from a series of postcards and flyers modified pictorially, Paolo Bandinu has created a video-collage which flows like a rapid journey in the world and history, in search of a sense of human unity that goes beyond the concept of borders, geographical and personal barriers. The artist intervenes radically on the pre-existing images, through textured and bold brushstrokes that come into relation with the spaces, intensifying colours, transits and human traces. If on the one hand the dramas repainted by the author take on even darker tones, the openings on to small views return an increased sense of peace, all merged into a continuous flux of images and sensations, transitions and changes. The music accompanies and sustains the emotive trend of the video. «I am interested in the continuous transformation of things. My work reflects the change of different times represented as if in suspension, in a sort of precarious balance between the past and the present». (Paolo Bandinu)
19 autori e opere
Michele Bernardi
Italia/Italy, 2015, 4'56" Michele Bernardi (1958, Finale Emilia), tra i più importanti animatori italiani, Regia, animazione/Direction, ha collaborato alla serie televisiva animation: Michele Bernardi della Pimpa di Altan e a La Linea Musica/Music: The Life After di/by di Cavandoli, realizzato sigle televisive Luca D’Alberto, dall’album/from per la RAI, spot commerciali e videoclip. the album ESTASI È autore anche di corti di animazione sperimentale.
Michele Bernardi (1958, Finale Emilia), one of the most important Italian animators, has worked on the television series Pimpa by Altan and La Linea by Cavandoli, made opening/closing sequences for TV programmes for RAI, the Italian broadcaster, commercials [email protected] and video clips. He is also the author http://studiografus.blogspot.it/ of experimental animated short films.
20 For Pina
Ispirato a vari materiali di archivio legati a Pina Bausch – spettacoli, interviste, documentari... – For Pina (tr. it. Per Pina) è un corto di animazione che omaggia l’artista scomparsa nel 2009, ritraendone le linee coreografiche della danza, la gestualità, il volto, mettendone in evidenza la grazia e la magia che l’hanno sempre contraddistinta. Nel buio, la danzatrice si trasforma in una figura eterea che fluttua angelica, con movenze che diventano fasci di luce bianca e morbida che attraversano il quadro. In piena luce, il corpo della Bausch diviene una silhouette nera che lascia sul quadro la traccia di una fisicità lieve. Ma c’è ancora altro nel lavoro di Bernardi, ad esempio i primi piani sugli sguardi silenziosi e intimi, il ricordo delle vesti sobrie e colorate usate durante gli spettacoli e un elegante moltiplicarsi di presenze danzanti: tante Pina leggere e potenti al contempo, che volteggiano in uno spazio senza tempo e senza coordinate, trasportate da una musica evocativa ed elegiaca.
Inspired by archive footage on Pina Bausch – performances, interviews, documentaries – For Pina is an animated short film which pays tribute to the artist who died in 2009, portraying her choreographic lines of dance, her gestures and her face, highlighting the grace and magic that always distinguished her. In the dark, the dancer is transformed into an ethereal figure fluctuating angelically, with movements that become beams of soft white light that cross the frame. In full light, the body of Pina Bausch becomes a black silhouette which leaves the trace of light physicality on the frame. There is much more in Bernardi’s work, for example the close-ups on the silent and intimate gazes, the memory of the sober and coloured costumes used in performances and an elegant multiplication of the dancing presences: so many Pinas, light and powerful at the same time, twirling in a timeless space without coordinates, transported by evocative and elegiac music.
21 autori e opere
Wilkie Branson
Belgio-Gran Bretagna/Belgium- Wilkie Branson (1983) è un artista United Kingdom, 2015, 6'04" interdisciplinare formatosi come autodidatta in danza Regia, produzione, direzione della e pratiche audiovisive. Il suo lavoro fotografia, animazione, montaggio/ coreografico ha origine dal B-boying, Direction, production, director una street dance di origini of photography, animation, editing: afro-americane e portoricane. Wilkie Branson Nel 2012 ha ottenuto l’Arts Foundation Cast: Wilkie Branson, Shantala Pèpe, Choreographic Fellowship. Mariana Camiloti, Daniel Joêl, Femi Oyewole, Letitia Simpson Wilkie Branson (1983) Musica/Music: Benji Bower, is an interdisciplinary artist Kathleen Milton Fitzpatrick who is self-taught in dance and audiovisual work. His choreography comes from B-boying, a street dance of African American and Puerto Rican origin. In 2012, he was awarded [email protected] an Arts Foundation Choreographic www.wilkiebranson.net Fellowship.
22 Little Dreams
Realizzato grazie a un mix di immagini dal vero e all’animazione di 4.000 ritagli fotografici raffiguranti delle performance coreografiche, basato su una romantica musica originale, Little Dreams (tr. it. Piccoli sogni) è un lavoro sperimentale in cui il linguaggio della danza viene impiegato per raccontare la storia di un personaggio sospeso, intimamente bloccato dalle memorie del passato e dalle paure per il futuro. Mondo reale e mondo fantastico si fondono in un andirivieni leggiadro di ballerini lillipuziani che, muovendosi nell’ambiente del protagonista, cercano di risvegliarlo, rianimandone i sensi e l’immaginazione. Sarà nel momento in cui il giovane uomo riuscirà a cambiare la prospettiva e a diventare uno di loro, che il suo sguardo sul mondo si aprirà a nuovi orizzonti di luce e speranza.
Made thanks to a mix of images from reality and animation of 4,000 photographic cut-outs portraying choreographic performances based on an original romantic music, Little Dreams is an experimental work in which the language of dance is used to tell the story of a character in limbo, intimately blocked by the memories of the past and fears for the future. The real world and the fantastic world merge in an elegant coming and going of Lilliputian dancers who, moving around the central figure, try to wake him up, reanimating his senses and imagination. It will be when the young man can change his perspective and become one of them that his gaze on the world will open up to new horizons of light and hope.
23 autori e opere
Persijn Broersen, Margit Lukács
Paesi Bassi-Nuova Zelanda/ Persijn Broersen (1974, Delft) The Netherlands-New Zealand, 2016, 10' e Margit Lukács (1973, Amsterdam), formati alla Rijksakademie di Amsterdam, Realizzazione, produzione/ usano il video, l’animazione e la grafica Direction, production: Persijn Broersen, per osservare le relazioni che oggi Margit Lukács si sviluppano tra realtà, mass media Sound design: Peter Flamman e finzione. Le loro opere sono state Musica/Music: Berend Dubbe, presentate nei più importanti centri Gwendolyn Thomas d’arte e festival internazionali. Con i fondi di/Funded by: Mondriaan Fonds Persijn Broersen (1974, Delft) and Margit Lukács (1973, Amsterdam) are trained at the Rijksakademie in Amsterdam. They use video, animation and graphics to observe the relations which develop today between reality, mass media and fiction. Their works have been presented at the most important [email protected] art centres and international festivals.
24 Establishing Eden
Per Jean Baudrillard nell’era del virtuale la realtà scompare, diventando pura finzione. Allo stesso modo la simulazione non riguarda più la simulazione di un territorio, di un’entità referenziale, di una sostanza. È qualcosa che, attraverso modelli, genera un reale che non ha né origini né realtà: un’iperrealtà. Sembrano attingere a questi concetti Broersen e Lukács con Establishing Eden (tr. it. Dimostrando il paradiso), un’opera in cui il paesaggio selvaggio, magnificato in film come Avatar o Il Signore degli Anelli, diventa protagonista assoluto, colto però nell’ambiguità di uno statuto che oscilla tra naturale e virtuale. Un occhio meccanico scandaglia dunque i profili di una natura incontaminata tra prospettive aeree, carrelli elettronici, zoomate, penetrando il fitto della foresta. Ma la visione non appare più unitaria, bensì articolata in tante porzioni e strati di paesaggio che, come olografiche quinte teatrali, si offrono allo sguardo dello spettatore. La colonna sonora con il suo incedere drammatico conferisce alle immagini un andamento quasi narrativo, svelando un paesaggio progressivamente più aspro e misterioso.
For Jean Baudrillard, in the era of the virtual, reality disappears, becoming pure fiction. In the same way, simulation no longer concerns the simulation of an area, a referential body or a substance. It is something that, through models, generates a real which has neither origins nor reality: a hyperreality. Broersen and Lukács seem to draw on these concepts with Establishing Eden, a work in which the wild landscape, magnified by films such as Avatar or Lord of the Rings, becomes the absolute hero, but seized in the ambiguity of a status that oscillates between natural and virtual. A mechanical eye thus scans the profiles on an uncontaminated nature between aerial perspectives, electronic dollies, zooms, penetrating the thick forest. But the vision no longer appears unitary, but divided into many portions and layers of landscape which like oleographic theatrical backdrops, are offered to the gaze of the spectator. The soundtrack with its dramatic pace gives the images an almost narrative trend, revealing a progressively harsher and mysterious landscape.
25 autori e opere
Romain Champalaune
Francia/France, 2015, 7' Romain Champalaune (1989, Rennes, Francia) ha studiato montaggio Realizzazione, fotografia, montaggio/ e fotografia, diplomandosi alla École Direction, photography, editing: nationale supérieure Louis-Lumière nel Romain Champalaune 2012. Le sue foto sono apparse in riviste Produzione/Production: e giornali nazionali e internazionali. Romain Champalaune Photography Focus principale del suo lavoro attuale Voce/Voice: Sung-Yin Youn è la relazione tra stati e aziende. Con il sostegno di/Supported by: Le Monde, Jeunes à travers le Monde, Romain Champalaune (1989, Rennes, Ville de Rennes, Rennes Métropole France) studied editing and photography, graduating from the École nationale supérieure Louis-Lumière in 2012. His photos have been published in national and international magazines and newspapers. The main focus of his work at the moment is the relationship [email protected] between states and corporations.
26 Samsung Galaxy
Quanto può estendersi il potere di un’azienda famosa e operativa a livello mondiale? Quali sono i benefici e quali gli effetti collaterali che possono derivare dal suo raggio di influenza, sia a livello sociale che personale? Attraverso un racconto fotografico sorprendente, accompagnato dal racconto in prima persona di una delle sue lavoratrici, Samsung Galaxy mostra la tentacolare attività di una società che non si occupa solamente di elettronica: dalle centrali alle industrie petrolchimiche, dalla costruzione di ponti e porti ad altre attività infrastrutturali, dalla realizzazione di ospedali e università, dalla creazione di parchi giochi alla gestione di squadre sportive, Samsung è ovunque. Il quadro non è però idilliaco e non mancano lati oscuri: suicidi, malattie mortali, sindacati osteggiati, licenziamenti e persecuzioni personali fanno anch’essi parte di un mondo solo apparentemente perfetto. Nonostante tutto, accettare l’egemonia dell’azienda, farne parte e godere dei benefici derivanti sembra l’unica strada percorribile. Samsung Galaxy è la prima video opera dell’autore.
How far can the power of a famous corporation operating worldwide extend? What are the benefits and what are the side effects that can come from its radius of influence, both at a social and personal level? Through a surprising photographic story, accompanied by the account in the first person of one of its employees, Samsung Galaxy shows the tentacular activity of a company which does not only deal with electronics: from power stations to the petrochemical industry, from building bridges and ports to other infrastructural activities, from building hospitals and universities, from the creation of playgrounds to managing sports teams, Samsung is everywhere. However it is not an idyllic picture and there are some dark sides: suicides, fatal diseases, trade unions that are opposed, dismissals and mobbing are also part of a world only apparently perfect. Despite everything, accepting the hegemony of the corporation, being part of it and enjoying the benefits deriving from it seems the only path to take. Samsung Galaxy is Champalaune’s first video work.
27 autori e opere
Audrey Coïaniz
Italia/Italy, 2015, 5'26" Audrey Coïaniz (1978, Ile de la Réunion) ha studiato Belle Arti e architettura. Realizzazione, soggetto, animazione, Come visual artist lavora sul rapporto pittura/Direction, concept, animation, tra corpo, spazio e movimento, painting: Audrey Coïaniz realizzando video-animazioni digitali, Fotografia, produzione artistica/ performance e installazioni. Photography, artistic production: Con Saul Saguatti ha fondato BASMATI, Saul Saguatti associazione per la ricerca multimediale. Musica, sound design/Music, sound design: Paola Samoggia Audrey Coïaniz (1978, Ile de la Réunion) Produzione/Production: Basmati Film studied Fine Arts and architecture. As a visual artist she works on the relationship between the body, space and movement, making digital video-animations, performances and installations. With Saul Saguatti [email protected] she founded BASMATI, an association www.basmati.it for multimedia research.
28 Orage
Orage (tr. it. Tempesta) è un complesso lavoro di animazione frame by frame su base fotografca, pittura digitale e tecniche miste. Il tema affrontato è quello dell’identità e della sua crisi nell’epoca contemporanea e su come gli individui entrino in relazione con il mondo, subendo alterazioni e vivendo cambiamenti, esteriori ed interiori. Con uno sguardo visionario e dalle reminiscenze espressioniste, l’autrice mostra la natura metamorfica e molteplice dell’identità, studiando il corpo umano come tela, come superficie modificabile, come materia plasmabile, contorcendolo, moltiplicandolo, lacerandolo, facendolo diventare corpo post-umano e impersonale. La concezione sonora fonde musica e suoni elettronici, entrando in perfetto dialogo con l’andamento e le modificazioni delle immagini.
Orage (eng. tr. Storm) is a complex work of frame by frame animation based on photography, digital painting and mixed techniques. The subject approached is that of identity and its crisis in the contemporary period and on how individuals come into relationship with the world, undergoing alterations and experiencing changes, both external and internal. With a visionary gaze and expressionist reminiscences, the author shows the metamorphosing and multiple nature of identity, studying the human body as a canvas, as a surface that can be modified, like a matter that can be moulded, contorting, multiplying and lacerating it, making it become a post-human and impersonal body. The sound design merges music and electronic sounds, forming a perfect dialogue with the pace and the modifications of the images.
29 autori e opere collectif_fact Annelore Schneider & Claude Piguet
Svizzera-Gran Bretagna/Switzerland- collectif_fact è un duo artistico formato United Kingdom, 2016, 6'50" da Annelore Schneider (1977, Svizzera) e Claude Piguet (1979, Svizzera), Realizzazione/Direction: che ha base tra Ginevra e Londra. collectif_fact Attivi dal 2002 e vincitori Sound mix: Julian Simmons di svariate borse di studio e residenze, Musica/Music: Shaker Loops, hanno partecipato a molte esposizioni John Adams, 1978 sia monografiche che collettive. Con il supporto di/Supported by: Fonds d’art contemporain de la Ville collectif_fact is an artistic duo made up de Genève, Centre de la photographie of Annelore Schneider (1977, Switzerland) de Genève and Claude Piguet (1979, Switzerland), based in Geneva and London. Active since 2002, they have won several scholarships and residences and they have participated [email protected] in various exhibition, both monographic www.collectif-fact.ch and collective.
30 No Picture, No Glory or The Triumph of Apophenia
Con No Picture, No Glory or The Triumph of Apophenia (tr. it. Nessuna immagine, nessuna gloria, o Il trionfo dell’apofenia), collectif_fact prosegue il lavoro iniziato nei musei con The Course of Things (2012) e presentato a INVIDEO nel 2014, stavolta spostando l’attenzione sulla National Gallery di Londra e sul suo immenso e variegato pubblico. Gli autori hanno osservato e fotografato a loro volta i visitatori del museo, dapprima intenti a immortalare le opere d’arte, andando poi ad analizzare i loro sguardi e i loro corpi in relazione allo spazio e alle opere. Successivamente, l’uso di software specifici ha permesso di individuare e associare motivi ricorrenti, colori, oggetti, espressioni facciali comuni sia ai protagonisti dei quadri che agli spettatori. Il risultato è un gioco di rimandi tra il mondo reale contemporaneo e le opere d’arte, fusi in un dialogo che dà vita a una sorta di coreografia e narrazione compartecipata, innescando sovrapposizioni e similitudini e collegamenti lirici tra passato e presente. La concezione sonora e le musiche impiegate danno spessore drammatico alle immagini, suggerendo anche delle sottili piste narrative.
With No Picture, No Glory or The Triumph of Apophenia, collectif_fact continues the work started in museums with The Course of Things (2012) and presented at INVIDEO in 2014, this time shifting attention to the National Gallery in London and its immense and variegated public. The authors observed and photographed in turn the visitors of the museum, first of all intent on immortalizing the works of art, then analysing their gazes and bodies in relation to the space and the works. Subsequently, the use of specific software allow identifying and associating recurring motifs, colours, objects, facial expressions common to both the subjects of the paintings and the visitors. The result is a play of references between the real contemporary world and the works of art, merged in a dialogue which gives rise to a sort of joint choreography and narration, triggering off layers and similitudes and lyrical connections between the past and the present. The sound design and the music used give dramatic weight to the images, also suggesting subtle narrative paths.
31 autori e opere
Antoine Delacharlery
Francia/France, 2015, 6' Antoine Delacharlery (Francia), diplomato alla École du film Realizzazione, sceneggiatura, d’animation et de l’image de synthèse montaggio/Direction, screenplay, di Arles, è specializzato in animazione editing: Antoine Delacharlery 3D. Le sue opere sperimentali, al confine Animazione/Animation: tra il reale e il fantastico, l’organico Antoine Delacharlery, Bastien Dubois, e l’inorganico, mantengono anche Mathieu Bernadat, Jean Delaunay una forte componente bricoleur. Suono, musica originale/Sound, original soundtrack: Bastien Prevosto Antoine Delacharlery (France), Produzione/Production: a graduate of the École du film Autour de Minuit d’animation et de l’image de synthèse of Arles, is specialized in 3D animation. His experimental works, straddling [email protected] reality and fantasy, the organic blog.autourdeminuit.com and the inorganic, also retain a strong www.antoinedelach.com DIY component.
32 Ghost Cell
Parigi o forse il ricordo della città che fu in un’era post-atomica, ora privata dei suoi colori e dell’aspetto reale di un tempo, astratta e trasformata in un organismo pulsante di connessioni neuronali e sinapsi. Grazie a un complesso lavoro di computer grafica, l’autore ha creato una visione stereoscopica e distopica della città e dei suoi abitanti, dando vita a un universo virtuale, fantasmatico, pur non esente da una componente tattile, come se si trattasse di un bassorilievo. La città, ispezionata da un microscopio virtuale, diventa un tessuto, un conglomerato cellulare di automatismi, flussi, azioni e reazioni. La concezione musicale segue l’andamento finzionale appena abbozzato. Il video ha vinto l’Audience Award al Clermont-Ferrand International Film Festival nel 2016.
Paris or perhaps the memory of the city it was in a post-atomic era, now deprived of its colours and the real aspect of once, abstract and transformed into a breathing organism of neuronal connections and synapses. Thanks to a complex work of computer graphics, the author has created a stereoscopic and dystopic vision of the city and its inhabitants, giving rise to a virtual, fantastic universe, but not without a tactile component, as though it were a bas-relief. The city, inspected by a virtual microscope, becomes a fabric, a cellular conglomerate of automatisms, fluxes, actions and reactions. The music design follows the fictional trend which is only just sketched out. The video won the Audience Award at the Clermont-Ferrand International Film Festival in 2016.
33 autori e opere
Douwe Dijkstra
Paesi Bassi/The Netherlands, 2015, 11'37'' Douwe Dijkstra (1984, Paesi Bassi) è videoartista e filmmaker. Lavora Regia, sceneggiatura, immagini, soprattutto in ambito sperimentale, montaggio/Direction, screenplay, realizzando video musicali, corti, images, editing: Douwe Dijkstra videoinstallazioni e interventi teatrali. Graphic Design: Bas Koopmans È tra i fondatori del collettivo di artisti Musica, sound design/Music, sound 33 1/3, che realizza soprattutto ambienti design: Rob Peters multimediali e performance. Produttore/Producer: Bart Jansen Co-produzione, distribuzione/ Douwe Dijkstra (1984, The Netherlands) Co-production, distribution: is a videoartist and filmmaker. He works Go Short–International Short Film in particular in experimentation, making Festival videoclips, short films, videoinstallations and theatrical intervention. He’s one of the founders of the 33 1/3 Collective [email protected] of artists, who work above all http://douwedijkstra.nl/ in multimedia and performances.
34 Voor Film
Al confine tra l’indagine documentaria e il video sperimentale, con Voor Film (tr. it. Fare un film) Douwe Dijkstra sviluppa un’arguta riflessione sull’esperienza filmica attraverso l’intreccio di alcuni racconti e considerazioni di una dozzina di spettatori, diversi per sesso, età e competenze audiovisive e sensoriali (vengono intervistate anche persone ipovedenti o sordomute). A partire dai titoli di testa fino ad arrivare ai titoli di coda, le testimonianze riguardano gli aspetti più vari: c’è chi parla dell’esperienza di visione in sala, con i suoi vantaggi e svantaggi, chi preferisce l’intimità dello schermo domestico, chi si sofferma sulla colonna sonora, chi sull’impatto emotivo dei contenuti, chi preferisce film essenziali e chi trova questi film noiosi. Le testimonianze, di per sé assai vivaci, sono messe in scena con quadri performativi divertenti e paradossali intercalati a vivaci animazioni. Allo stesso modo, anche la concezione sonora si amalgama al tutto con intelligenza, lasciando in primo piano le voci e i racconti. Il video ha ricevuto diversi premi e menzioni in festival internazionali.
Straddling the documentary investigation and the experimental video, with Voor Film (eng. tr. Shooting a film) Douwe Dijkstra develops an intelligent reflection on the filmic experience through interweaving some stories and considerations of a dozen or so spectators, of different genders, ages and audiovisual and sensory skills (partially-sighted and deaf and dumb people are also interviewed). From the opening credits to the closing credits, the accounts concern a wide variety of aspects: there are those who speak of the experience of seeing a film at the cinema, with its advantages and disadvantages, those who prefer the intimacy of the home screen, those who dwell on the soundtrack or on the emotional impact of the contents, those who prefer blunt films and those who find these films boring. The accounts, very lively in themselves, are show with entertaining and paradoxical performative frames interposed with vivacious animations. In the same way, the sound design also amalgamates everything with intelligence, leaving in the foreground the voices and the stories. The video has received a number of prizes and special mentions at international festivals.
35 autori e opere
Alain Escalle
Francia/France, 2016, 24'41" Alain Escalle (1967, Argelès, Francia) videoartista riconosciuto e pluripremiato Regia, montaggio, musica, internazionalmente, lavora dal 1990 elaborazione immagini/ in Francia e all’estero. Grande esperto Direction, editing, music, di effetti visivi, nelle sue opere sviluppa image processing: Alain Escalle una ricerca poetica in cui la storia Produzione, post-produzione, del mondo e le arti figurative distribuzione/Production, post- e performative si incontrano production, distribution: Studio AE con le nuove tecnologie.
Alain Escalle (1967, Argelès, France) an international acclaimed and award-winning video artist, has worked in France and abroad since 1990. A great expert in visual effects, in his works he develops a poetic study in which the history of the world [email protected] and figurative and performing arts meet www.escalle.com new technologies.
36 Final Gathering
Final Gathering (titolo dalle varie sfumature in italiano, da Ultimo incontro a Ultimo ritrovarsi) di Alain Escalle è un lavoro sulla memoria, un’opera dalla forte connotazione sperimentale che, se da un lato ricorda i video di esordio dell’autore, dall’altro ci reinvia uno sguardo diverso, più attento e profondo e, tecnicamente, ancora più radicale. A differenza delle tracce narrative dei più recenti Da Vinci Project o Le livre des morts, Escalle si sofferma su una suggestione, su un’atmosfera, dilatandola e immergendola nel bacino vasto e metamorfico del ricordo. Partendo dalle immagini di un gruppo di persone e bambini attivi su una spiaggia, l’artista ne ha completamente alterato il dato reale, donando alle immagini un freddo aspetto pittorico, virandole sui toni del blu, del grigio e del nero, sfumandole, talvolta annullando i contorni delle figure e rallentandone estremamente la velocità. I corpi evaporano in silhouette fantasmatiche, lasciando allo spettatore una sensazione di attesa, di metamorfosi ineluttabile del tempo. Le sonorità scure e dilatate contribuiscono a creare un’atmosfera sospesa e inquieta. «Sperimentazioni soggettive che toccano la realtà di un ricordo, lasciando allo spettatore tracce ottiche di un mondo “di mezzo” in mutazione». (Alain Escalle)
Final Gathering by Alain Escalle is a work on memory, with a strong experimental connotation which, if on the one hand it recalls the author’s video at his debut, on the other it returns a different gaze, a more attentive and deeper one, and technically, one that is even more radical. Unlike the narrative traces of the more recent Da Vinci Project or Le livre des morts, Escalle lingers on an idea or an atmosphere, dilating it and immersing it into the huge and metamorphic basin of memory. Starting from the images of a group of people and children busy on a beach, the artist has completely altered the real element, giving the images a cool pictorial aspect, changing the colours to shades of blue, grey and black, fading them and at times annulling the contours of the figures and greatly slowing down the speed. The bodies evaporate into ghostly silhouettes, leaving the audience with a sensation of waiting, of the inevitable metamorphosis of time. The dark and dilated sounds contribute to creating a suspended and anxious atmosphere. «Subjective experimentations which touch on the reality of a memory, leaving the spectator optical traces of a world “in the middle” in mutations». (Alain Escalle)
37 autori e opere
Mihai Grecu
Francia/France, 2015, 9' Mihai Grecu (1981, Romania) ha studiato Design e Belle Arti Realizzazione, sceneggiatura, tra Romania e Francia, immagini, animazione, effetti e si è specializzato a Le Fresnoy. speciali/Direction, screenplay, Artista indipendente, lavora nel campo photography, animation, della videoarte contemporanea, special effects: Mihai Grecu della cinematografia e del graphic Montaggio/Editing: Clémence Diard, design. I suoi lavori sono stati presentati Momoo Seto, Mihai Grecu in prestigiosi festival Suono/Sound: Guiz Maubert, e mostre internazionali. Mihai Grecu Produzione/Production: bathysphere Mihai Grecu (1981, Romania) studied production, Nicolas Anthomé Design and Fine Arts in Romania and France, he then specialized at Le Fresnoy. An independent artist, he works in the field of contemporary [email protected] video art, cinema and graphic design. His www.bathysphere.fr/en/films works have been presented at prestigious /reflection-power international venues and festivals.
38 The Reflection of Power
Subconscio e realtà si incontrano e fondono ancora in questo nuovo lavoro di Mihai Grecu, da sempre interessato all’osservazione delle ansie dell’epoca contemporanea e delle sinistre metamorfosi che potrebbero governarla. In Reflection of Power (tr. it. Il riflesso del potere), l’analisi assume anche una prospettiva politica, dal momento che l’artista conduce lo spettatore all’interno di una delle città più inaccessibili e controverse del mondo: si tratta infatti di Pyonyang, capitale della Corea del Nord, paese in cui l’oppressivo regime è accusato di corruzione, inaudita violenza e repressioni. Grecu, con uno sguardo apparentemente documentario, lento e attento, presenta i luoghi pubblici, le piazze, lo stadio, i monumenti più importanti e i murales legati alla propaganda di regime. La telecamera scivola attraverso il panorama urbano, coglie le coreografie grandiose di una cerimonia sportiva e altre occasioni di spettacolo, mentre una inondazione improvvisa inizia a inghiottire la città. Nonostante il flusso dell’acqua prosegua inesorabile, la città, simbolo di un regime totalitario resistente quanto folle, sembra continuare le proprie celebrazioni, tra fuochi d’artificio e musiche trionfanti.
Subconscious and reality meet and merge again in this new work by Mihai Grecu, who has always been interested in observing the anxieties of the contemporary age and the sinister metamorphoses that could govern it. In Reflection of Power, the analysis also takes on a political perspective, as the artist takes the spectator into one of the most inaccessible and controversial cities in the world: Pyonyang, the capital of North Korea, a country where the oppressive regime is accused of corruption, unheard of violence and repression. Grecu, with an apparently documentary gaze, slow and attentive, presents the public places, the squares, the stadium, the most important monuments and the murals linked to the regime’s propaganda. The camera moves smoothly over the urban panorama, seizes the grandiose choreography of a sports ceremony and other spectacular occasions, while a sudden flood starts to swallow up the city. Although the flow of water continues inexorably, the city, a symbol of a totalitarian regime that is as resilient as it is mad, seems to continue its own celebrations, with fireworks and triumphant music.
39 autori e opere
Isabelle Hayeur
Canada, 2015, 14'45" Isabelle Hayeur (1969, Montréal) è un’artista che lavora nell’ambito Regia, sceneggiatura, immagini, sperimentale del video, della fotografia suono, musica, montaggio/Direction, e delle installazioni site-specific. screenplay, images, sound, music, La sua ricerca indaga i temi editing: Isabelle Hayeur dell’ambiente, dello sviluppo urbano, Produzione/Production: N/A delle condizioni sociali, dell’alienazione e dello sradicamento. Vive e lavora a Rawdon, Québec.
Isabelle Hayeur (1969, Montréal) is an artist who works in video experimentation, photography and site-specific installations. Her research investigates the themes of the environment, urban development, social conditions, alienation [email protected] and uprooting. She lives and works isabelle-hayeur.com in Rawdon, Québec.
40 Solastalgia
Lieve, malinconico, sospeso: Solastalgia è un video poetico che con le sue immagini trasporta lo spettatore in un flusso di reminiscenze e nostalgie, senza raccontare una storia, ma semplicemente immergendolo in un susseguirsi di scorci evocativi. Il mare mosso o splendente, la pioggia, le case abbandonate, l’acqua che scorre, il recupero di immagini d’archivio, la costruzione di una concezione sonora che lascia grande spazio al suono della presa diretta, ma ricca di suggestioni musicali dal tono drammatico, tutto contribuisce a generare un sentimento di malinconia, di perdita e di ansiosa attesa. Il filosofo ambientale Glenn Albrecht ha ideato il termine di “solastalgia” per indicare il senso di straniamento che proviamo rispetto agli ambienti domestici o natali che sentiamo mutati. I profondi cambiamenti e le radicali trasformazioni sociali di oggi fanno sì che questa sensazione di spaesamento sia ampiamente condivisa. Hayeur riflette su questo tema, dandone una interpretazione artistica suggestiva e dal profondo impatto emotivo.
Light, melancholic and suspended: Solastalgia is a poetic video which with its images conveys spectators in a flow of reminiscences and nostalgia, without telling a story but simply submerging them in a sequence of evocative views. The rough or shining sea, the rain, abandoned homes, flowing water, the recovery of archive footage, the construction of a sound design that leaves great space to the sound of direct recording, but rich in musical evocations with a dramatic tone, everything contributes to generating a feeling of melancholy, loss and anxious waiting. The environmental philosopher Glenn Albrecht coined the term of “solastalgia” to indicate the sense of estrangement that we feel when our domestic environments or places of birth undergo change. The great changes and radical social transformations of today mean that this sensation of loss is widely shared. Hayeur reflects on this topic, giving it an evocative artistic interpretation with a profound emotional impact.
41 autori e opere
Daniel Iván
Messico/Mexico, 2015, 5'05" Daniel Iván (1972, Messico) è un artista multidisciplinare che lavora Immagini, animazione, montaggio, in ambito digitale con particolare musica e suono/Images, animation, attenzione ai nuovi approcci narrativi. editing, music and sound: Daniel Iván Realizza video sperimentali, animazioni, Audio Mastering: Sol Rezza fotografie e illustrazioni.
Daniel Iván (1972, Mexico) is a multidisciplinary artist who works in the digital environment with special attention to new narrative approaches. He makes experimental videos, [email protected] animations as well as being active http://danielivan.com/ in photography and illustrations.
42 Haiku
Sofisticata ed essenziale come la poesia breve giapponese, Haiku è un’animazione astratta costruita secondo precise regole e proporzioni matematiche, che danno vita a diciassette unità strutturali. Queste eleganti strutture complesse ci appaiono come forme inorganiche mutevoli soggette a trasformazioni inattese. La concezione sonora minimale accompagna le mutazioni di questi corpi, suggerendo la visione di un ambiente postumano.
Sophisticated and minimalist like the Japanese short poem, Haiku is an abstract animated film constructed according to precise mathematical rules and proportions which give rise to seventeen structural units. These elegant complex structures appear to us like changing inorganic shapes subject to unexpected transformations. The minimal sound design accompanies the mutations of these bodies, suggesting the vision of a post-human environment.
43 autori e opere
Daniel Kulle
Germania/Germany, 2015, 6' Daniel Kulle (1976, Moers, Germania) è filmmaker e studioso di cinema Realizzazione, produzione/ con base ad Amburgo. La sue aree Direction, production: Daniel Kulle di ricerca sono il DIY cinema, il cinema sperimentale e il queer cinema. Il suo primo corto, un documentario sperimentale sulle piattaforme di incontro gay, risale al 2014.
Daniel Kulle (1976, Moers, Germany) is a filmmaker and scholar of the cinema based in Hamburg. The areas of his research are DIY cinema, experimental cinema and queer cinema. His first short film, an experimental [email protected] documentary on gay dating platforms, www.danielkulle.de was made in 2014.
44 No Face
La silhouette di un uomo osservato di spalle si staglia su un frenetico rincorrersi e sovrapporsi di immagini di natura diversa: estratti da film, fotografie ritagliate da riviste, trailer, manifesti pubblicitari, immagini pornografiche e tutta la più vasta iconografia gay nell’era commerciale si affastella rapidamente di fronte agli occhi dell’uomo e a quelli dello spettatore. Erotismo, trasgressione e forti messaggi visivi e vocali cercano di influenzare la costruzione della nostra identità quotidianamente. Le riflessioni di Kulle indagano la realtà e come essa sia plasmata da esigenze commerciali, al punto da far diventare gli individui una mera pubblicità di se stessi. Le cose si complicano ancora di più se si parla di identità gay, un’identità che ha bisogno costante di riorganizzarsi rispetto alla cultura dominante, sempre alla ricerca di un proprio centro per formare una “subcultura” rassicurante. La concezione sonora è potente e sottolinea l’idea del bombardamento commerciale e di informazioni a cui siamo oggi sottoposti.
The silhouette of a man seen from the back stands out against a frantic sequence and overlapping of different kinds of images: extracts from films, photos cut out of magazines, trailers, advertising posters, pornographic images and the widest gay iconography in the commercial age rapidly pass before the eyes of the man and those of the audience. Eroticism, transgression and strong visual and vocal messages try to influence the construction of our identity on a daily basis. The reflections of Kulle investigate reality and how it is moulded by commercial demands, to the point of making individuals become a mere advertisement of themselves. Things become even more complicated if we talk about gay identity, an identity that has a constant need to be reorganized, with respect to the dominant culture, always in search of a centre to form a reassuring “subculture”. The sound design is powerful and underlines the idea of the bombardment of advertising and information we are subject to today.
45 autori e opere
William Laboury
Francia/France, 2015, 21' William Laboury (1989, Annonay, Francia) ha studiato Belle Arti Regia, sceneggiatura, montaggio/ e montaggio, specializzandosi Direction, screenplay, editing: alla scuola La Fémis di Parigi. William Laboury Realizza video sperimentali e videoclip, Cast: Julia Artamonov, Olivier Lin occupandosi anche di montaggio Voci/Voices: Shanti Masud, Garance e computer grafica. Marillier, Bernard Blancan, Yamato Itakura Fotografia/Photography: William Laboury (1989, Annonay, Raphaël Vandenbussche France) studied Fine Arts and editing, Musica originale, sound design/ specializing at La Fémis in Paris. Original soundtrack, sound design: He makes experimental videos, Maxence Dussere video clips and also works in editing Produzione/Production: La Fémis, and computer graphics. Yannick Beauquis http://williamlaboury.prosite.com/ [email protected] www.femis.fr/
46 Hotaru
Hotaru è una fiction sperimentale fantascientifica legata ai temi della memoria, del progresso e delle passioni umane. Elaborato finale per il diploma di montaggio a La Fémis, il video è un’opera struggente, di grande impatto emotivo, sia per la profondità evocativa della sceneggiatura che per la forza della concezione sonora. La storia ci racconta la vicenda di Martha, una ragazza ipermnesica inviata nello spazio come “biglietto da visita” del nostro pianeta nel caso di contatto con qualche alieno. Sarà lei, rinunciando per sempre alla sua vita da umana e votandosi a vita eterna, il contenitore vivente delle più belle e significative immagini del mondo, dal Taj Mahal al Cristo Redentore, dal David di Michelangelo ai più suggestivi tramonti della Terra. Ma qualcosa nell’esperimento non va, e i ricordi di un incontro amoroso e i messaggi che le arrivano dai suoi familiari riportano Martha alle passioni e ai sentimenti che le sono stati negati e che lei vorrebbe ancora vivere. Le poche immagini dal vero si amalgamano perfettamente con le ambientazioni virtuali e i set digitali, con le riprese da GoogleEarth ed estratti da YouTube, trasportandoci in un immaginario sospeso tra realtà e allucinazione che rende omaggio anche all’opera di Chris Marker.
Hotaru is an experimental science fiction, linked to the themes of memory, progress and human passions. Made for his diploma in editing at La Fémis, the video is a heart-breaking work of great emotional impact, both for the evocative depth of the set design and for the powerfulness of the sound design. The story tells us about Martha, a hypermnesic girl sent into space as a “visiting card” of our planet in the case of contact with aliens. Giving up forever her life as a human and vowing herself to eternal life, she will be the living container of the most beautiful and significant images of the world, from the Taj Mahal to Christ the Redeemer, from the David of Michelangelo to the most beautiful sunsets on the Earth. But something in the experiment does not work and the memories of a love story and the messages that she receives from her family bring Martha back to the passions and feelings denied to her and that she would still like to experience. The few real images amalgamate perfectly with the virtual settings and the digital sets, with the shots from GoogleEarth and extracts from YouTube, transporting us to an imaginary place suspended between reality and hallucination which also pays tribute to the work of Chris Marker.
47 autori e opere
Clare Langan
Irlanda/Ireland, 2015, 6'52" Clare Langan (1967, Dublino) ha studiato Belle Arti e poi Realizzazione, riprese, montaggio/ si è specializzata in cinema a New York. Direction, camera, editing: I suoi lavori, sia video che fotografici, Clare Langan sono presentati con successo Musica/Music: Jóhann Jóhannsson in tutto il mondo e fanno parte Performer: Tristan Gribbin, di collezioni pubbliche e private. Leela Lynn Arni Post-produzione/Post-production: Clare Langan (1967, Dublin) studied Outer Limits Fine Arts and then specialized in cinema in New York. Her works, both video and photographic, have been successfully [email protected] presented all over the world www.clarelangan.com/ and are in public and private collections.
48 Flight from the City
In un bacino d’acqua buio si stagliano le evoluzioni acquatiche di una giovane donna e di una bambina, dapprima legate da consonanza di contatti e abbracci, da percorsi congiunti, poi distaccate e solitarie e, infine, nuovamente insieme. Flight from the City (tr. it. In fuga dalla città) è un lavoro che parla di amore, di legami, di armonie, disaccordi e riavvicinamenti. È un film poetico che va oltre la rappresentazione dei sentimenti del rapporto madre-figlia, andando a toccare le corde più intime dello spettatore, facendo riaffiorare l’empatica tenerezza e il bisogno di cura che ognuno di noi ha provato da bambino o da adulto, e non solamente nei confronti di un figlio, ma verso tutte le persone che amiamo o abbiamo amato. Il video, girato nel marzo del 2015 presso la sorgente calda di Fludir, in Islanda, è stato realizzato per accompagnare visivamente la musica del compositore Jóhann Jóhannsson.
The aquatic evolutions in water of a young woman and a child can be seen, first linked by contacts and hugs and moving together then detached and solitary and, at the end, together again. Flight from the City is a work which speaks of love, bonds, harmony, disagreements and rapprochements. It is a poetic film that goes beyond the representation of the feelings in a mother-daughter relationship, touching on the most intimate cords of the viewer, bringing to the surface the empathic tenderness and need for care that each and every one of us has felt as a child or as an adult, and not only for a child, but for all the people we love or have loved. The video, shot in March 2015 at the hot springs in Fludir, in Iceland, was made to visually accompany the music by the composer Jóhann Jóhannsson.
49 autori e opere
João Cristovão Leitão
Portogallo/Portugal Breyner Andresen, Virginia Woolf Post-produzione/Post-production: Ulysses’ Portrait, 2015, 5' Miguel Leitão Realizzazione, produzione, voice over/ Direction, production, voice over: João João Cristovão Leitão (1990, Portogallo) Cristovão Leitão ha una formazione umanistica Basato su testi di/Texts (based on): e in Belle Arti e attualmente si sta Anton Cechov, Friedrich Nietzsche, specializzando in area multimediale. Jorge Luis Borges Realizza video dal 2011. Con/With: Duarte Amaral Soares Post-produzione/Post-production: João Cristovão Leitão (1990, Portugal) Miguel Leitão has a background in the humanities and in Fine Arts and is currently Monica’s Portrait, 2015, 5' specializing in multimedia. Realizzazione, produzione, voice over/ He has been making videos since 2011. Direction, production, voice over: João Cristovão Leitão Basato su testi di/Texts (based on): [email protected] Jorge Luis Borges, Sophia De Mello, www.heure-exquise.org
50 Ulysses’ Portrait / Monica’s Portrait
Le due opere di João Cristovão Leitão sono due ritratti di ispirazione letteraria che, con testi complessi e che si dipanano con andamento vertiginoso, si interrogano sull’identità umana e sul costante confronto che gli individui hanno con la circolarità del tempo e la sua durata, sia oggettiva che soggettiva. Chi siamo e quante personalità distinte e anche contraddittorie possiamo avere? L’autore si sofferma su queste tematiche, problematizzandole dal punto di vista audiovisivo. Sia in Monica’s Portrait che in Ulysses’ Portrait il ritmo dei testi e delle immagini è scandito dal loop: nel primo le sequenze vertiginose di immagini recuperate da YouTube si ripetono, così come il testo ricostruisce incessantemente la descrizione e la vita di Monica; nel secondo l’uso di un piano sequenza, oscillante come il carrello di una macchina da scrivere, riprende una spiaggia e alcune messe in scena di cui è protagonista un giovane, mentre il testo ci racconta un Ulisse che è se stesso e molte altre vite e personaggi letterari. Le concezioni sonore lasciano in primo piano il racconto delle voci off narranti, pur costruendo dei sound setting ricchi e interessanti. Ulysses’ Portrait è stato vincitore nel 2015 di Loops.Lisboa/Festival Temps d’Images.
The two works by João Cristovão Leitão are two portraits of literary inspiration which, with complex texts and which unfold at a dizzying rate, question human identity and how humans constantly relate to time and its duration, both objective and subjective. Who are we and how many distinct and even contradictory personalities can we have? The author dwells on these topics, problematizing them from an audiovisual point of view. Both in Monica’s Portrait and in Ulysses’ Portrait, the pace of the texts and images is marked by the loop: in the first, the dizzying sequences of images taken from YouTube are repeated, just as the text incessantly reconstructs the description and life of Monica: in the second, the use of a sequence shot, oscillating like the carriage of a typewriter, shoots a beach and some scenes showing a young man, while the text tells us of a Ulysses who is himself and many other lives and literary characters. The sound design leaves in the foreground the story of the off-screen narrating voices, while building up rich and interesting sound settings. Ulysses’ Portrait won the 2015 edition of Loops.Lisboa/Festival Temps d’Images.
51 autori e opere
Massimo Saverio Maida
Italia/Italy, 2015, 11' Massimo Saverio Maida (1972, Napoli) ha studiato animazione e illustrazione Realizzazione, produzione/Direction, a Urbino, specializzandosi poi in regia production: Massimo Saverio Maida a Milano. Autore, sceneggiatore e produttore, nei suoi lavori si fondono insieme il cinema, l’animazione, il documentario e l’arte contemporanea. Vive e lavora a Londra.
Massimo Saverio Maida (1972, Naples) studied animation and illustration in Urbino, then specializing in directing in Milan. A writer, screenwriter and producer, in his work cinema, animation, [email protected] documentary and contemporary art www.massimosaveriomaida.com all merge. He lives and works in London.
52 Stuck in the Dark
«Non è possibile conoscere il valore della posizione e il momentum delle particelle subatomiche nello stesso istante. Questa “imprevedibilità” della parte più intima della materia è riflessa nell’indeterminazione del cosmo stesso». È con questo brano tratto dal Principio di indeterminazione di Heisenberg del 1927 che ha inizio Stuck in the Dark (tr. it. Bloccato nel buio) di Massimo Saverio Maida, un video che fa parte del progetto Seeing with the Ears insieme a una videoinstallazione. Sprofondato nell’oscurità dello schermo, lo spettatore è invitato ad ascoltare un vastissimo parco di sonorità, inizialmente elettroniche, ma progressivamente sempre più legate a elementi naturali (uccelli, vento, temporali, cani...). La suspense creata da questo viaggio nelle tenebre viene progressivamente sciolta e riaccesa dall’intermittenza di immagini negative dalla freddezza radiografica, che fantasmatiche squarciano il buio creando dei piccoli shock sensoriali. Insetti, brevi scorci di paesaggio, forbici, lumache, volti, corpi e molte altre suggestioni visive insieme al panorama sonoro contribuiscono a creare un’esperienza emotivamente profonda, invitando lo spettatore a un contatto inedito col mondo circostante, più diretto e primitivo, quasi ad agevolarne una rialfabetizzazione sensoriale.
«It’s not possible to know at the same time the value of positions and momentum of subatomic particles. This “unpredictability” of the most intimate part of the matter is reflected in the indeterminability of the cosmos itself». It is with this passage from Heisenberg’s Principle of uncertainty of 1927 that Stuck in the Dark by Massimo Saverio Maida begins. This video is part of the Seeing with the Ears project, together with a video installation. Plunged into the obscurity of the screen, the viewer is invited to listen to a very extensive range of sounds, initially electronic, but gradually increasingly connected with natural elements (birds, the wind, storms, dogs…). The suspense created by this journey into the darkness is gradually loosened and rekindled by the intermittence of negative images with radiographic coldness, that like ghosts tear through the darkness, creating small sensory shocks. Insects, brief views of landscapes, scissors, snails, faces, bodies and many other visual suggestions together with the sound panorama contribute to creating an emotively deep experience, inviting the spectator to an original contact with the surrounding world, more direct and primitive, almost to make sensory reliteracy easy.
53 autori e opere
Eleonora Manca
Italia/Italy Eleonora Manca (1978, Lucca), formatasi in Storia dell’Arte e Teatro tra Pisa METAMOR(ph), 2015, 4'07" e Torino, oggi lavora principalmente Realizzazione/Direction: in video e fotografia, sviluppando Eleonora Manca una ricerca sulla metamorfosi, Testo di/Text by: Gilles Deleuze la memoria e la memoria del corpo. Ha esposto le sue opere in numerose Uncalled for Anatomy, 2015, 1'15" collettive e personali in Italia e all’estero. Realizzazione/Direction: Eleonora Manca Eleonora Manca (1978, Lucca), Musica/Music: Almad who studied History of Art and Theatre in Pisa and Turin, today mainly works It Will be Like Creating New Memories, in video and photography, developing 2016, 1'36" research into metamorphosis, Realizzazione/Direction: the memory and the body’s memory. Eleonora Manca She has exhibited her works in several collective and solo exhibitions in Italy [email protected] and abroad. https://vimeo.com/eleonoramanca
54 METAMOR(ph) / Uncalled for Anatomy / It Will be Like Creating New Memories
La ricerca di Eleonora Manca comunica un senso di compattezza e coerenza e dimostra una capacità evolutiva continua, con una profondità analitica rigorosa e uno spessore intellettuale non comune. Le opere in questa piccola personale a lei dedicata mostrano i nuclei principali della sua ricerca che mette il proprio corpo al centro delle opere, un corpo sul quale restano come tracce le memorie del passato, filtro e strumento di reazione e di crescita (Uncalled for Anatomy). Il tema della metamorfosi, della nascita e rinascita (METAMOR(ph)), fisica e intellettuale, è affrontato osservando le piccole quanto immense mutazioni dell’universo, ma anche grazie a un’attitudine performativa essenziale, incisiva ed espressiva. Il passato che ritorna in un futuro da determinare è per Manca anche parte di un racconto intimo che ha radici familiari (It Will be Like Creating New Memories), un bagaglio emotivo e di vita che l’artista sublima in un discorso sul rinnovamento dello sguardo artistico con grande forza poetica e con un distacco che rende il messaggio del suo lavoro universale. I video, in bianco e nero, hanno concezioni sonore di impatto, anche se talvolta apparentemente minimali.
Eleonora Manca’s research communicates a sense of compactness and coherence and shows a continuous capacity to evolve, with a rigorous analytic depth and an out-of-the-ordinary intellectual substance. The works in this small section dedicated to her show the main cores of her research. She puts her own body at the centre of her works, a body on which the memories of the past remain like traces, a filter and instrument of reaction and growth (Uncalled for Anatomy). The theme of metamorphosis, birth and rebirth, both physical and intellectual (METAMOR(ph)), is approached not only by observing the small but immense mutations of the universe, but also thanks to a minimalist, incisive and expressive performative attitude. The past that returns to a future to be decided is, for Manca, part of an intimate story that has family roots (It Will be Like Creating New Memories), an experience of emotions and life that the artist sublimates in a discourse on the renewal of the artistic gaze with great poetic force and with a detachment that makes the message of her work universal. The videos, in black and white, have high- impact sound designs, even though they are at times apparently minimal.
55 autori e opere
Gaetano Maria Mastrocinque
Italia/Italy, 2015, 5'45" Gaetano Maria Mastrocinque (1990, Arezzo) ha studiato Sociologia Regia, montaggio/Direction, editing: e Politiche Sociali a Firenze, per poi Gaetano Maria Mastrocinque sviluppare un interesse per il settore Performer: Caterina Gynt, dell’audiovisivo. Da tre anni realizza Leonardo Lambruschini videoclip musicali. Attualmente si sta Fotografia/Photography: specializzando in Regia Cinematografica Gianluca Bennati e Televisiva alla Scuola Civica di Milano. Musica/Music: Lucid Streaming, Origami, We Are One di/by Graham Bole Gaetano Maria Mastrocinque Produzione/Production: Spazio Seme (1990, Arezzo) studied Sociology and Social Policy in Florence, then developing an interest in the audiovisual sector. He has been making music video clips for three years. He is currently specializing in Film and Television Directing [email protected] at the Scuola Civica of Milan.
56 Argille
La donna e l’uomo, il bianco e il nero: Argille è un’opera di videodanza che riflette sul tema della differenza di genere e sull’attrazione degli opposti attraverso differenti fasi – il risveglio, l’incontro, la metamorfosi, la contaminazione e il primo respiro. I due danzatori, con estrema sintonia e sensualità, si muovono nel buio ricoperti di argilla, sviluppando progressivamente una relazione fatta di attrazione e reciproca curiosità, scrutandosi, avvicinandosi lentamente per poi fondere i propri movimenti nella forza unificante della coreografia. La telecamera si muove nell’oscurità, luci direzionate e di taglio scivolano sui ballerini, ne rivelano le movenze, i particolari. Partito da un progetto di Leonardo Lambruschini, performer e docente di Spazio Seme (centro artistico internazionale, Arezzo), che nel 2013 ha iniziato la sua ricerca sull’argilla in occasione di un viaggio in Brasile e attraverso una jam di contact improvisation, lo studio intorno a questa materia si è sviluppato attraverso le pratiche sceniche e l’arte figurativa di altri artisti, per poi compiersi con questo video. La realizzazione è avvenuta grazie a un’improvvisazione performativa e tecnica avvenuta nell’arco di ventiquattro ore. Le musiche elettroniche utilizzate assecondano bene i temi dell’incontro e della scoperta.
A woman and a man, black and white: Argille (eng. tr. Clay) is a work of video dance that reflects on the theme of gender difference and attraction of opposites through different phases – awakening, encounter, metamorphosis, contamination and the first breath. The two dancers, in extreme harmony and with great sensuality, move in the darkness covered by clay, gradually developing a relationship made up of attraction and reciprocal curiosity, examining one another, slowing growing closer to merge their movements in the unifying force of the choreography. The camera moves in the obscurity, directed and spliced lights slide over the dancers, reveal their movements and details. Starting from a project by Leonardo Lambruschini, a performer and teacher at Spazio Seme (international artistic centre, Arezzo), who in 2013 began his research on clay during a trip to Brazil and through a jam session of contact improvisation, the study around this material was developed through scenic practices and figurative art of other artists, to then be completed with this video. The video was made in a performative and technical improvisation lasting twenty-four hours. The electronic music used support the themes of encounter and discovery very well.
57 autori e opere
Dragan Mileusnic´, Željko Serdarevic´
Croazia/Croatia, 2015, 8'45" Dragan Mileusnic´ (1967, Serbia) e Željko Serdarevic´ (1965, Croatia) Realizzazione/Direction: hanno stabilito una collaborazione Dragan Mileusnic´, Željko Serdarevic´ creativa nel 2003. Insieme hanno Performer: Irma Juhász, Rastko disegnato libri e poster, realizzato Stefanovic´, Drina Krlic´, Jovana Krtinic´, cortometraggi, film sperimentali Nemanja Popovic´, Maja Stamenkovic´, e video musicali e lavorato come Aleksandar Cˇikoš, Dragan Mileusnic´ video-designers per spettacoli teatrali. Maschere/Masks: Rastko Stefanovic´ Musica/Music: Mladen Đikic´, Dragan Mileusnic´ (1967, Serbia) Željko Serdarevic´ and Željko Serdarevic´ (1965, Croatia) Prodotto da/Produced by: established their creative collaboration Vedran Šuvar, Kinoklub Zagreb in 2003. Together they have designed Finanziato da/Funded by: books and posters, made short films, Croatian Audiovisual Centre, experimental films and music videos City Office for Education, and worked as video-designers Culture and Sport of the City of Zagreb for theatre performances. [email protected] http://ortaci.org/
58 X Tape
Una musica sinistra apre e conduce tutto lo svolgimento di questo video performativo in cui una serie di uomini e donne nudi, indossando solamente delle maschere sul volto, salgono e scendono delle scale apparentemente sospese in un ambiente completamente buio. Come nelle prospettive impossibili di Escher, questi protagonisti iniziano a intrecciare relazioni per poi moltiplicarsi e saturare il quadro con i loro percorsi misteriosi e i loro gesti ripetitivi. La sensazione di segretezza, gli espliciti rimandi alla sessualità e all’erotismo, l’inserimento di oggetti simbolici, alcune sequenze di immagini accelerate dei particolari di volti e mani che si sfregano riportano alla memoria il cinema surrealista di inizio Novecento, con la sua carica dissacratoria e sovversiva. Il video è stato realizzato per il cinquantesimo anniversario del Genre Film Festival, ispirandosi all’edizione intitolata Sexuality as a Possible Path Toward a New Humanism del 1970.
Sinister music opens and guides this whole performative video in which a series of men and women, in the nude, wearing only masks on their faces, go up and down stairs apparently suspended in a completely dark environment. As in the impossible perspectives of Escher, these figures start to interweave relations which are then multiplied and saturate the frame with their mysterious routes and their repetitive gestures. The sensation of secrecy, the explicit references to sexuality and eroticism, the inclusion of symbolic objects, some accelerated sequences of images of the details of the faces and hands which rub against one another recall the surrealist cinema of the early 20th century, with its desecrating and subversive approach. The video was made for the fiftieth anniversary of the Genre Film Festival, inspired by the 1970 edition called Sexuality as a Possible Path Toward a New Humanism.
59 autori e opere
Hanako Murakami
Francia/France, 2015, 11' Hanako Murakami (1984, Tokyo) ha studiato all’Università dell’Arte Regia, testo, voice over, montaggio, di Tokio, specializzandosi alla scuola immagini/Direction, voice over, La Cambre ENSAV di Bruxelles video editing: Hanako Murakami e poi a Le Fresnoy, Studio national Con/With: Agnès Varda des arts contemporains. Vive e lavora Montaggio suono/Sound editing: tra Parigi, Tokyo e Tourcoing. Geoffrey Durcak Produzione/Production: Le Fresnoy Hanako Murakami (1984, Tokyo) studied at the Art University in Tokyo, then specializing at La Cambre ENSAV in Brussels and Le Fresnoy, Studio national des arts contemporains. [email protected] She lives and works in Paris, Tokyo www.lefresnoy.net/panorama17/ and Tourcoing.
60 La Parfaite
Partendo dall’affascinante storia del dagherrotipo, tra accenni a una tecnica quasi alchemica e la “cattura” dell’immagine di Agnès Varda (presente con un suo cameo all’inizio dell’opera), Hanako Murakami sviluppa una narrazione originale per un documentario poetico che delinea la storia della riproduzione dell’immagine: a partire da quella fotografica, passando per le tecniche tipografiche, mostrando le inquietanti immagini derivate dalle radiazioni nucleari, fino a menzionare un esempio di sindone come esempio di perfezione fotografica. Tra scorci di viaggio e ricerche condotte tra Parigi, la Colombia, Tokyo, Hiroshima, Le Havre e il Libano, l’autrice accosta la magia del dagherrotipo alle inquietanti impressioni radioattive, sviluppando un racconto zigzagante sulla scienza e sulla tecnica, filosoficamente connesso alle teorie di Roland Barthes sul legame tra fotografia e morte. La Parfaite è il nome di una marca di lastra fotografica messa in vendita negli anni Venti. Realizzate in vetro, queste lastre dovevano essere conservate al buio. Alcune, rimaste inutilizzate, sono sopravvissute fino ai giorni nostri. Su queste lastre, ormai inutilizzabili, l’accumulo di oscurità ha finito per diventare luce.
Starting off from the fascinating story of the daguerreotype, from hinting at a technique which is almost one of alchemy and “capturing” the image of Agnès Varda (present in a cameo appearance at the beginning), Hanako Murakami develops an original narration for a poetic documentary that outlines the history of the reproduction of the image: apart from photographic reproduction, via the techniques of typography, showing the disturbing images from nuclear radiation, to mentioning an example of a shroud as an example of photographic perfection. Between travel notes and research carried out in Paris, Colombia, Tokyo, Hiroshima, Le Havre and Lebanon, the author puts the magic of the daguerreotype alongside disturbing radioactive impressions, developing a story that zigzags between science and technique, philosophically connected with the theories of Roland Barthes on the connection between photography and death. La Parfaite is the name of a brand of photographic plate put on sale in the 1920s. Made of glass, these plates had to be kept in the dark. Some unused plates have survived to the present day. The accumulation of darkness on these plates, which are now unusable, has ended up by becoming light.
61 autori e opere
Mario Papic´
Croazia/Croatia, 2015, 17' Mario Papic´ (1974, Livno, Bosnia-Erzegovina) ha sviluppato il suo Realizzazione, fotografia, montaggio/ amore per il cinema e gli audiovisivi Direction, photography, editing: attraverso il Cinema Club FAGEP, Mario Papic´ Samobor e il Cinema Club Zagreb, prima Musica, sound design/Music, come amatore, poi professionalmente. sound design: Krunoslav Pticˇar Fino a oggi ha diretto venti lavori, Musicisti/Musicians: Krunoslav Pticˇar, tra documentari e film sperimentali. Edwin Buger Produzione/Production: Grupa 7, Mario Papic´ (1974, Livno, Kinoklub Zagreb & FagEPSamobor Bosnia-Herzegovina) developed his love Cofinanziato da/Co-financed by: for the cinema and audiovisuals through Croatian Audiovisual Centre, the Cinema Club FAGEP, Samobor Commissioner for documentary film and the Cinema Club Zagreb, first Nikica Gilic´ as an amateur, then professionally. To date he has directed twenty works, [email protected] documentaries and experimental films.
62 Eyes of Glass
Rientra nell’ambito delle sinfonie urbane Eyes of Glass (tr. it. Occhi di vetro) di Mario Papic´ che, nel corso di un anno, ha ritratto la città di Zagabria osservandola attraverso gli specchi, le vetrine, le pozzanghere, le fiancate degli autobus e, in generale, attraverso ogni tipologia di superficie riflettente. Come ispirato dalle teorie vertoviane sul cineocchio, l’autore sviluppa un racconto indiretto, ma non per questo meno rappresentativo, di una città apparentemente sospesa, della sua vitalità quotidiana, dei suoi abitanti e dei suoi umori, che si dipana attraverso giornate e stagioni, tra momenti di calma e tensioni. La concezione sonora, estremamente efficace, oltre a riprodurre il naturale soundscape cittadino, conduce le variazioni emozionali legate alle immagini.
Eyes of Glass by Mario Papic´ belongs to the area of urban symphonies: over a year, he portrayed the city of Zagreb, observing it through mirrors, shop windows, puddles, the sides of buses and, in general, through every type of reflecting surface. As though inspired by the Vertovian theories on the cine-eye, the author develops an indirect story, but not any the less representative, of an apparently suspended city, its everyday vitality, its inhabitants and its moods, which unfolds through the days and seasons, between moments of calm and tension. The extremely effective sound design, as well as reproducing the city’s natural soundscape, guides the emotional variations linked to the images.
63 autori e opere
Glenn Paton
Gran Bretagna/United Kingdom, 2015, 8' Glenn Paton ha lavorato come responsabile film nella casa Regia/Direction: Glenn Paton di produzione pubblicitaria Grey London Sceneggiatura/Screenplay: Glenn Paton, e come produttore senior per l’agenzia Nick Walter creativa BBH. H Positive è il suo primo Cast: Roger Barclay cortometraggio sperimentale. Direttore della fotografia/Director of photography: Federico Alfonzo Glenn Paton worked as film manager Montaggio/Editing: Andy Mc Graw for the advertising production company Musica/Music: Charles Cave Grey London and as senior producer (da/from White Lilies) for the creative agency BBH. Effetti visivi/Visual effects: Carlo Norton H Positive is his first experimental Sound designers: Sam Ashwell, short film. Sam Robson Produzione/Production: Academy, Dom Thomas, Lize Gower Co-produzione/Co-production: [email protected] Twentyfour – Seven, Zico Judge https://twitter.com/hpositivefilm
64 H Positive
H Positive è un corto sperimentale duramente provocatorio, che affronta il tema dell’eutanasia attraverso lo sguardo glaciale e la scelta lucida del protagonista. L’autore si è ispirato al progetto “Euthanasia Coaster”, dell’ingegnere lituano J. Urbonas nel 2010, ma mai realizzato, il quale ha concepito una montagna russa allo scopo di provocare la morte nei passeggeri in modo elegante ed euforico. In H Positive il benestante protagonista, messo al corrente di avere una malattia mortale e non potendo sopportare una morte comune, decide di farsi costruire appositamente l’Euthanasia Coaster per potersi suicidare con le evoluzioni della giostra letale, che porterà il cervello in uno stato di ipossia tale che ne decreterà la fine. Il racconto è rivolto allo spettatore e la morte avviene in un’apparente diretta, mentre il protagonista si mostra nella forza disperata di un delirio di onnipotenza. Le immagini, fredde e patinate, alternano la narrazione con alcune sequenze convulse rappresentative di ricordi passati e di stati emozionali. La concezione sonora supporta l’atmosfera plumbea della storia. Il lavoro, sostenuto inizialmente da un progetto di crowdfunding, ha avuto notevole successo in tutto il mondo ed è stato presentato in importanti festival internazionali.
H Positive is a harshly provocative experimental short film which deals with the topic of euthanasia through the icy gaze and the lucid decision of the main character. The author was inspired by the project “Euthanasia Coaster”, conceived by the Lithuanian engineer J. Urbonas in 2010, but never actually made: he had designed a roller coaster with the purpose of causing the death of the passengers elegantly and euphorically. In H Positive the affluent hero, informed that he has a terminal illness and not being able to stand the thought of an ordinary death, decides to have the Euthanasia Coaster built specially for him so that he can commit suicide with the evolutions of the lethal coaster, which will take his brain to such a state of hypoxia that he dies. The story is told to the audience and death takes place in an apparent live broadcast, whilst the hero is shown in the desperate force of a delirium of omnipotence. The cold and glossy images alternate the narration with some convulsive sequences representing past memories and emotional states. The sound design supports the gloomy atmosphere of the story. The work, supported initially by crowdfunding, has been considerably successful all over the world and has been presented at important international festivals.
65 autori e opere
Donato Sansone
Francia/France, 2015, 4' Donato Sansone (1974), diplomato in Belle Arti a Napoli, è specializzato Ideazione, realizzazione, animazione, in animazione al Centro Sperimentale compositing/Concept, direction, di Cinematografia di Torino, dove animation, compositing: ha imparato a mixare le tecniche di Donato Sansone animazione. È tra gli animatori italiani Musica originale, sound design/ più noti a livello internazionale. Original soundtrack, sound design: La sua produzione include anche Enrico Ascoli videoclip, corti e pubblicità. Montaggio/Editing: Donato Sansone, Nicolas Schmerkin Donato Sansone (1974), graduated Produzione/Production: Canal +, in Fine Arts in Naples and specialized Autour de Minuit in animation at the Centro Sperimentale di Cinematografia of Turin, where he learned to mix animation techniques. He is one of the best known Italian animators at international level. [email protected] His production also includes video clips, http://donatosansone.tumblr.com/ short films and commercials.
66 Journal animé
Con il consueto mood ironico e sagace che contraddistingue la sua produzione, reso ancora più efficace grazie a una sottile critica nei confronti di eventi e personaggi dell’attualità, con Journal animé (tr. it. Giornale animato, ma anche Diario animato) Sansone ha dato vita a un’animazione pungente, realizzata attraverso la rielaborazione delle immagini apparse sul giornale francese «Libération» nell’arco di un mese. Prendendo spunto dall’attualità, da argomenti politici, così come da altre notizie riguardanti la società, l’autore propone una propria lettura scarabocchiando le fotografie, dando loro nuova vita, facendole entrare in relazione, creando cortocircuiti, irriverenze e surrealismi. Hitler che si fa un selfie, le azioni di guerra che si travasano all’interno degli studi televisivi o il Papa che si tramuta in un killer sono solo alcune delle visioni “impertinenti” dell’universo dell’artista, che ha prodotto il lavoro a ridosso e anche in risposta ai tragici attentati parigini del novembre scorso. Il video fa parte di una serie di dieci opere commissionate da Canal + dedicate alla libertà di espressione dopo i drammatici fatti parigini. La concezione sonora segue perfettamente le nuove storie e i nuovi legami creati dall’artista, costruendo narrazioni ironiche e impreviste.
With the usual ironic and wise mood that distinguishes his production, made even more effective thanks to a subtle criticism of events and figures of current events, with Journal animé (eng. tr. Animated Diary or Animated Newspaper) Sansone has created a pungent animation, through re-elaborating images which appeared in the French newspaper “Libération” in the course of one month. Taking his ideas from the news, political subjects, as well as from other news about society the author offers his interpretation doodling on photographs, giving them a new life, relating them to one another, creating short circuits, irreverent and surreal situations. Hitler taking a selfie, the actions of war that flow into television studios or the Pope transformed into a killer are only some of the “impertinent” visions of the artist’s universe, who produced the work immediately after and also in response to the tragic attacks in Paris last November. The video is part of a series of ten works commissioned by Canal + dedicated to the freedom of expression after the dramatic Parisian events. The sound design perfectly follows the new stories and the new bonds created by the artist, shaping ironic and unexpected narrations.
67 autori e opere
David Slotema
Belgio-Paesi Bassi/Belgium- David Slotema (1985, Paesi Bassi) The Netherlands, 2015, 10'07" sta frequentando in Belgio l’ultimo anno di master in Audiovisual Arts. Realizzazione, fotografia, montaggio/ Alcune esperienze di viaggio, in Africa Direction, photography, editing: David e in Asia, sono state cruciali per le scelte Slotema in campo lavorativo. Nel suo lavoro Sound design: Ruben Nachtergaele è interessato al rapporto tra tecnologia, Musica/Music: Tout doux, esseri umani e ambiente. tout doucement, Marcel Amont Produzione/Production: KASKFILM David Slotema (1985, The Netherlands) is currently in the last year of a master’s degree in Audiovisual Arts in Belgium. Some travel experiences in Africa and Asia have been crucial for his professional choices. In his work he is interested in the relationship between technology, human beings [email protected] and the environment.
68 With a Thousand Eyes
In un mondo sempre più invaso da schermi di ogni taglia e genere, la presenza di smartphone e tablet non è che l’ultima forma di invasione dello spazio urbano da parte di piccole sorgenti di luce elettronica. In questo video l’autore si sofferma non solo sul rapporto fisico e autoriflessivo che gli esseri umani hanno con questi dispositivi, ma anche sulla relazione che il nostro corpo intrattiene con lo spazio esterno ormai assolutamente mediata da questi occhi tecnologici che ci riprendono e ci re-inquadrano rispetto alla realtà circostante. La pratica del selfie, ormai globalmente diffusa, è diventata oggetto non solo di studi sociologici, ma anche filosofici e artistici, e il tema della definizione dell’identità oggi appare anche strettamente connessa all’uso che facciamo di questi dispositivi. In With a Thousand Eyes (tr. it. Con mille occhi) Slotema è andato a scovare turisti e persone di ogni genere ed età intente ad auto-fotografarsi. Alla ricerca dell’autoritratto perfetto, i soggetti coinvolti propongono gestualità coreografiche spontanee che mettono al centro dello sguardo l’uomo, annullando lo spazio e l’ambiente circostante. La concezione sonora, pur nell’impiego di alcuni momenti musicali, valorizza la presa diretta, concentrandosi sul suono degli scatti.
In a world that is increasingly invaded by screens of every size and type, the presence of smartphones and tablets is only the latest form of invasion of the urban space by small sources of electronic light. In this video, the author dwells not only on the physical and self-reflective relationship which human being shave with these devices, but also on the relationship that our body has with external space which is now absolutely mediated by these technological eyes that film us and reframe us with respect to surrounding reality. The selfie, now global, has become an object not only of sociological studies, but also philosophical and artistic ones, and the subject of definition of the identity today also appears closely connected with the use we make of these devices. In With a Thousand Eyes, Slotema has gone to find tourists and people of all ages intent on taking their own photograph. In search of the perfect self-portrait, the subjects involved propose spontaneous choreographic gestures which put man at the centre of the gaze, annulling space and the surrounding environment. The sound design, although in the use of some musical moments, enhances the direct recording, concentrating on the sound of the shots.
69 autori e opere
Alexander Stewart
Croazia-Stati Uniti/Croatia-USA, Alexander Stewart (1981, Mobile, 2015, 4'40" Alabama) ha studiato alla School of the Art, Institute of Chicago. Realizza Regia, sceneggiatura, design, film e video dal 2005 e ha partecipato registrazione del suono/Direction, a importanti festival internazionali. screenplay, design, sound recording: Co-dirige il Eyeworks Festival Alexander Stewart of Experimental Animation e insegna Animazione/Animation: animazione alla DePaul Univerity. Alexander Stewart, Darko Masnec Vive a Chicago. Sound mix: Gideon Kiers Produzione/Production: Bonobo Studio Alexander Stewart (1981, Mobile, Con il supporto di/Supported by: Alabama) studied at the School of the Art, Croatian Audiovisual Center, Institute of Chicago. He has made films DePaul University and videos since 2005 and taken part in important international festivals. He co-directs the Eyeworks Festival of Experimental Animation and teaches www.alexanderstewart.org animation at DePaul University. [email protected] He lives in Chicago.
70 Here There
Basato su un diario di viaggio disegnato a Zagabria durante l’estate del 2014, Here There (tr. it. Qui là) è una videoanimazione sperimentale concepita grazie a disegni su fondo bianco, dapprima in bianco e nero, poi a colori. Pur non essendo mai strettamente figurativo, l’autore è partito da schizzi più verosimili: brevi accenni al mare, bozzetti di barche, profili di case, vasi di fiori, tazze del caffè... Successivamente i disegni si trasformano in segni, e i dati reali lentamente mutano in forme astratte, fino a diventare pattern geometrici dinamici ed evocativi, con richiami all’espressionismo astratto. La concezione sonora è cruciale e, mentre la parte visiva fugge i dati realistici, il suono si mantiene fortemente ancorato alla realtà, richiamando sonorità marine, d’estate e di vita.
Based on a travel diary drawn in Zagreb during summer 2014, Here There is an experimental video-animation conceived thanks to drawings on a white background, first in black and white and then in colour. While never being strictly figurative the author has started from more realistic sketches; short hints of the sea, sketches of boats, profiles of houses, vases of flowers, cups of coffee... Subsequently the drawings are transformed into signs and the real elements slowly change into abstract shapes, to become dynamic and evocative geometric patterns, with references to abstract expressionism. The sound design is crucial and whilst the visual part eludes the realistic information, the sound remains strongly anchored to reality, with sounds of the sea, summer and life.
71 autori e opere
Rino Stefano Tagliafierro
Italia/Italy, 2016, 7'34" Rino Stefano Tagliafierro (1980) ha studiato all’ISIA di Urbino Regia, montaggio, compositing, e allo IED di Milano. Regista, animazione/Direction, editing, art director e videoartista, realizza compositing, animation: cortometraggi e video musicali, Rino Stefano Tagliafierro videomapping, installazioni interattive Suono/Sound: Enrico Ascoli e ha collaborazioni sia in ambito Assistenti alla regia/Assistant director: pubblicitario che nella moda. È tra Laila Sonsino, Carlotta Balestrieri i fondatori dello studio KARMACHINA. Storiografo/Historiographer: Giuliano Corti Rino Stefano Tagliafierro (1980) studied at the ISIA in Urbino and the IED in Milan. Director, art director and video artist, he makes short films and musical videos, creates video mapping, interactive installations and has collaborations both in advertising and in [email protected] fashion. He is one of the founders of the www.rinostefanotagliafierro.com KARMACHINA studio.
72 Peep Show
Seguendo lo stesso procedimento tecnico adottato per il video Beauty (2014), Tagliafierro sparge un soffio vitale su un’incredibile selezione di opere pittoriche provenienti da epoche diverse e collezioni di tutto il mondo, stavolta ponendo l’attenzione su immagini e contesti erotici. Riscoprendo e rendendo omaggio al Peep Show (a partire dal XV e XVII secolo scatola di meraviglie e poi, da fine XIX e per il XX secolo, macchina e dispositivo per spettacoli erotici), l’artista invita gli spettatori a curiosare dentro al buco virtuale sullo schermo per poi lasciare correre lo sguardo e l’immaginario su un susseguirsi serrato di icone sensuali e momenti di tensione passionale. Scenari idilliaci abitati da giovani fanciulle lascive nella loro nudità e sessualità esibita, accoppiamenti con fauni, ambienti esotici, intimità segrete e lussuriose, ogni immagine contribuisce a incrementare la tensione erotica, trasformando gli spettatori in voyeur e la pittura in arte del desiderio. La concezione sonora entra in collaborazione proficua con le immagini e all’impiego di musiche di sottofondo si assommano gli ipotetici e ricostruiti suoni d’ambienti provenienti dai quadri, ma anche i gemiti e i sospiri degli atti sessuali.
Following the same technical proceedings adopted for the video Beauty (2014), Tagliafierro spreads a vital breath over an incredible selection of pictorial works from different periods and collections from all over the world, this time focusing attention on erotic images and situations. Rediscovering and paying tribute to the Peep Show (from the 15th and 17th centuries, boxes of wonders and then, from the end of the 19th century and for the 20th century, a machine and device for erotic shows), the artist invites the spectator to be curious in the virtual keyhole on the screen to then let the gaze and the imagination wander in a fast sequence of sensual icons and moments of passionate tension. Idyllic scenarios inhabited by young girls in languorous poses in their nudity and exhibited sexuality, couplings with fauns, exotic environments, secret and lustful intimacies: every image contributes to increasing the erotic tension, transforming the audience into voyeurs and the paintings into the art of desire. The sound design fully collaborates with the images and the use of background music is added to the hypothetical and reconstructed environmental sounds from the pictures, but also the moans and sighs of the sexual acts.
73 autori e opere
Peter Tscherkassky
Austria, 2015, 19' Peter Tscherkassky (1958, Vienna) ha studiato filosofia con particolare Ideazione, regia/Concept, direction: interesse all’estetica cinematografica. Peter Tscherkassky Studioso e teorico del cinema, realizza Musica, sound design/Music, film dal 1979, è tra i membri fondatori sound design: Dirk Schaefer della casa di distribuzione Sixpack Produzione/Production: Film, ed è organizzatore di film festival P.O.E.T. Picture Production d’avanguardia. Con il supporto di/Supported by: Land Niederösterreich, BKA Kunst Peter Tscherkassky (1958, Vienna) studied philosophy with a special interest in cinematographic aesthetics. A scholar and theoretician of the cinema, he has been making films since 1979, he is one of the founding members of the Sixpack Film distribution company, [email protected] and he’s the organizer of avant-garde www.sixpackfilm.com film festivals.
74 The Exquisite Corpus
Si riallaccia alla tecnica surrealista del “cadavere squisito”, basata sull’accostamento casuale di immagini e testi, il titolo di questa opera di Peter Tscherkassky totalmente costruita sull’assemblaggio di sequenze provenienti da varie fonti: oltre alle immagini pubblicitarie, si ritrovano estratti da un thriller erotico americano degli anni Ottanta, da una commedia inglese degli anni Sessanta, da un film pornografico danese e uno francese degli anni Settanta e vari film amatoriali. Lavorando ancora in pellicola, grazie a un montaggio completamente analogico, arricchito anche da una serie di effetti di esposizioni multiple, tremolii, sovrapposizioni ecc., Tscherkassky ha selezionato immagini dal contenuto erotico alludendo anche al fascino materico e sensuale del vecchio cinema, rendendogli così omaggio. La concezione sonora intreccia melodie ipnotiche, suoni d’ambiente, musica concreta, brani di Les Baxter, voci manipolate e anche alcuni frammenti sonori da Meshes of the Afternoon di Maya Deren. La combinazione di immagini e suoni dà vita a un film multiforme e intrigante che ritrova nel cinema in pellicola il fascino seducente di un universo che non morirà mai: il “corpo squisito” è anche quello del film.
The title of this work by Peter Tscherkassky refers back to the surrealist technique of “cadavres exquis”, based on casually putting images and text next to one another and is totally constructed on the assembly of sequences from various sources: as well as advertising images, there are extracts from an American erotic thriller of the 1980s, an English comedy of the 1960s, a Danish porn film and a French film of the 1970s and various amateur films. Still working on film, thanks to completely analogue editing, and enriched by a series of effects of multiple exposures, trembling, superimpositions etc., Tscherkassky has selected images with an erotic content alluding to the material and sensual fascination of old cinema, thus paying it tribute. The sound design interweaves hypnotic melodies, background sounds, concrete music, pieces by Les Baxter, manipulated fragments and some sound fragments from Meshes of the Afternoon by Maya Deren. The combination of images and sounds gives rise to a multiform and intriguing film which rediscovers in cinema on film the seductive appeal of a universe which will never die: the “cadavre exquis” is also that of the film.
75 autori e opere
Michiel van Bakel
Paesi Bassi/The Netherlands, Michiel van Bakel (1966, Deurne, 2015, 3'33" Paesi Bassi), prima di frequentare l’accademia d’arte, ha studiato Realizzazione/Direction: astronomia e psicologia. Di formazione Michiel van Bakel scultore, ha deviato i suoi interessi verso l’ambito multimediale, mantenendo l’attenzione sulle relazioni dello spazio. I suoi lavori sono stati premiati in festival internazionali di film e video.
Michiel van Bakel (1966, Deurne, The Netherlands), before going to art school, studied astronomy and psychology. Trained as a sculptor, he shifted his interests to multimedia, keeping attention on relations of space. [email protected] His works have received awards www.li-ma.nl/site/catalogue at international film and video festivals.
76 Roadtrip to the Ducth Mountains
Un viaggio in auto con partenza da Rotterdam e arrivo a un centro dati di Google situato nella parte nord dei Paesi Bassi. Un viaggio in bianco e nero, tra industrie, centrali eoliche, impianti, fino ad arrivare al mare. Ma Roadtrip to the Dutch Mountains (tr. it. Viaggio su strada verso le montagne olandesi) non è solo una peregrinazione su quattro ruote, è soprattutto un percorso nello sguardo e tra i linguaggi: tra fissità fotografica e fluidità elettronica, tra contorni del reale che si trasformano in linee continue pittoriche, fino ad arrivare alla liquidità del mare che l’autore ha trasformato in una massa solida, oscillante in un movimento magmatico. La concezione sonora è altrettanto stimolante, in bilico tra melodie e sonorità elettroniche severe, che accompagnano lo spettatore verso mete misteriose e inattese trasformazioni del paesaggio.
A journey by car starting from Rotterdam and arriving at a Google data centre in the northern part of The Netherlands. A journey in black and white, through industrial estates, wind power stations and installations to the sea. But Roadtrip to the Dutch Mountains is not only a journey on four wheels, it is above all a journey in the gaze and in languages: between photographic fixedness and electronic fluidity, from contours of reality which are transformed into continuous pictorial lines, to reach the liquidity of the sea which the author has transformed into a solid mass, oscillating in a magmatic movement. The sound design is equally stimulating, in a limbo between strict electronic sounds, which accompany the viewer towards mysterious destinations and unexpected transformations of the landscape.
77 autori e opere
Wildlife Control (Neil and Sumul Shah)
Stati Uniti/USA, 2015, 12'17" Wildlife Control è un laboratorio creativo formato dai fratelli Realizzazione, produzione/ Neil e Sumul Shah, che ha base tra Realization, production: Wildlife Control San Francisco e New York. Il loro lavoro si sviluppa tra arti visive, musica e tecnologia. La loro estetica si basa sull’uso dei campioni, dei suoni e delle immagini di sintesi e sul mix analogico/digitale.
Wildlife Control is a creative workshop of the brothers Neil and Sumul Shah, which is based in San Francisco and New York. They develop their work in visual arts music and technology. Their aesthetic is based on using samples, https://wildlifectrl.com/ sounds and synthetic images [email protected] and on an analogical/digital mix.
78 Particles
Realizzato grazie all’assemblaggio di video realizzati in tutto il mondo e caricati su Instagram con l’hashtag #Hyperlapse, Particles (tr. it. Frammenti) è un godibile video sperimentale diviso in tre momenti, che trascina lo spettatore in un viaggio eccitante tra le bellezze e la vitalità del nostro pianeta. La frenesia magica delle città, le immagini più meditative e sbalorditive della natura, lo stupore dell’essere umano in età diverse sono tutti aspetti selezionati e concatenati in modo tale da valorizzare l’energia positiva della vita e il suo intenso ritmo evolutivo. Le musiche originali, oltre a segnare il passo del montaggio, rendono l’esperienza di visione ancora più coinvolgente.
Made thanks to the assembly of videos made all over the world and posted on Instagram with the hashtag #Hyperlapse, Particles is an enjoyable experimental video divided into three parts, which carries the spectator on an exciting journey through the beautiful sights and vitality of our planet. The magical bustle of the cities, the more meditative and amazing images of nature, the amazement of the human being at different ages are all aspects that have been selected and sequenced to emphasize the positive energy of life and its intense evolutionary pace. The original music, as well as marking the rhythm of the editing, make the viewing experience even more captivating.
79 autori e opere
Samuel Yal
Francia/France, 2016, 8' Samuel Yal (1982) è artista e filmmaker. Le sue sculture sono state esposte Regia, sceneggiatura, graphic design, sia in Francia che all’estero. Per diversi animazione, montaggio/ anni si è concentrato sulla realizzazione Direction, screenplay, graphic design, di installazioni con la ceramica. Lavora animation, editing: Samuel Yal anche nell’ambito dell’animazione. Consulenza luci/Lights consultant: Olivier Gillon Samuel Yal (1982) is an artist Set: Marie-Zoé Legendre, Léa Haouzi and filmmaker. Danzatrice, coreografa/Dancer, His sculptures have been exhibited choreographer: Juliette Murgier in France and abroad. For several years Suono, musica/Sound, Music: he concentrated on creating installations Raphaël Maréchal with ceramics. Compositing: Edouard Leynaud, He also works in animation. Stephane Legeard Produzione/Production: Double Mètre Animation Con il sostegno di/Supported by: Région www.samuelyal.com Midi-Pyrénées, L’Atelier 105, Light Cone [email protected]
80 Nœvus
Nœvus di Samuel Yal è un video in cui l’esperienza di audiovisione sembra coinvolgere non solo la vista e l’udito, ma risvegliare anche il tatto. La porcellana, che ne è protagonista, non si mostra come materiale solido e inalterabile; piuttosto viene presentata dall’artista come qualcosa di metamorfico, fragile, ma ricreabile. E la lucidità della superficie non è solamente freddezza, ma anche ricordo della sensuale setosità della pelle di una donna. Dapprima paragonata alla spuma del mare, quando le sue onde si rifrangono sulla battigia, la porcellana bianca diventa anche volti e corpi di donne che si frantumano e ricompongono, si sconquassano, ma resistenti si moltiplicano diventando irriconoscibili, plurimi e perturbanti. Un video sul mistero della femminilità, indagata nelle sue coreografiche metamorfosi in modo assolutamente metaforico.
Nœvus by Samuel Yal is a video in which the audiovisual experience seems to involve not only the senses of sight and hearing, but also reawakens that of touch. Porcelain, which is the main figure, is not shown as a solid and unchangeable material, but is presented by the artist as something that is metamorphic, fragile but can be recreated. And the shininess of the surface is not only coolness, but also a memory of the sensual silkiness of a woman’s skin. First of all compared to the foam of the sea, when its waves break against the shore, white porcelain also becomes faces and bodies of women which break and are recomposed, are shattered but resistant, are multiplied becoming unrecognizable, plural and disturbing. A video on the mystery of femininity, investigated in its choreographic metamorphoses in an absolutely metaphorical way.
81 autori e opere
Chen Yeger
Israele/Israel, 2016, 3'29" Chen Yeger (1989) ha iniziato il suo percorso formativo Regia/Direction: Chen Yeger al Sapir College di Sderot, in Israele. Coreografia/Choreography: Durante i suoi studi ha scritto, diretto Guy Shomroni, Yaniv Avraham e montato diversi cortometraggi. Fotografia/Photography: Attualmente sta lavorando al film Maayan Shwartz di diploma finale. Montaggio/Editing: Gilad Bleicher Musica originale, suono/Original Chen Yeger (1989) began her studies soundtrack, sound: Roy Barak at the Sapir College in Sderot, Israel, while Produzione/Production: she wrote, directed and edited a number Sapir College, Chen Yeger of short films. She is currently working on her final diploma film.
82 One on One
Due campi di basket, due giovani giocatori-ballerini, due mondi che presto convergono. One on One (tr. it. Incontro a due) è un lavoro di videodanza che mostra l’incontro-scontro di forze maschili, tra curiosità, desiderio di sopraffazione ed eccitazione. L’interazione tra i due giovani innesca una disputa fisica e spirituale, condotta anche tra moti di rabbia e ansia. Alla fine una scoperta inattesa e il dubbio strisciante di non essere soli nel gioco della vita. La colonna sonora guida la coreografia e struttura il montaggio.
Two basketball pitches, two young players-dancers, two worlds that soon converge. One on One is a work of video dance that shows the encounter-clash of masculine forces, between curiosity, desire for domination and excitement. The interaction between the two young men triggers off a physical and spiritual dispute, conducted with movements of anger and anxiety. In the end an unexpected discovery and the creeping doubt of not being alone in the game of life. The soundtrack guides the choreography and structures the editing.
83 autori e opere
Pim Zwier
Paesi Bassi-Russia/The Netherlands- Pim Zwier (1970, Groningen, Russia, 2016, 13'30" Paesi Bassi) ha studiato al Piet Zwart Institute di Rotterdam. Filmmaker Regia, montaggio/Direction, editing: e artista visivo, dal 2007 lavora Pim Zwier al confine tra documentazione Fotografia/Photography: e sperimentazione. I suoi film Vladimir Usoltsev sono stati presentati in festival Suono/Sound: Anton Kuryshev internazionali, mostre e in televisione.
Pim Zwier (1970, Groningen, The Netherlands) studied at the Piet Zwart Institute in Rotterdam. A filmmaker and a visual artist, since 2007 he has worked on the border between documentation and experimentation. His films have been presented [email protected] at international festivals, exhibitions https://vimeo.com/user6084425 and on television.
84 Three Dimensions of Time
È una palestra per lo sguardo Three Dimensions of Time (tr. it. Tre dimensioni del tempo) e un esercizio percettivo tra enigmi ottici e visioni fantasmatiche. L’autore ha filmato suggestive location della cittadina di Kansk (Siberia) in tre tempi distinti, virando le immagini su diversi livelli di colore. Nei momenti di sovrapposizione, le sequenze combacianti dei tre filmati mostrano valori cromatici normali e simultaneamente compaiono elementi transitori che appartengono a solo una delle riprese. Animali, persone, macchine, treni si muovono attraverso le scene, ogni elemento caratterizzato da un colore specifico, lasciando una lieve traccia, quasi si trattasse di allucinazioni, o fantasmi. Anche i volti delle persone che appaiono nella parte finale, soprattutto anziani dietro ai loro piccoli banchi di frutta o verdura, appaiono antichi e rappresentativi delle tradizioni del luogo, tanto quanto il paesaggio o le abitazioni. La concezione sonora valorizza i rumori d’ambiente. Per questo video Pim Zwier ha tratto ispirazione dal lavoro fotografico di Sergej Prokudin-Gorskij.
Three Dimensions of Time is gymnastics for the eyes and a perceptive exercise between optical enigmas and fantastic visions. The author has filmed evocative locations of the town of Kansk (Siberia) at three different times, using different levels of colour for the images. At the times of over-exposure, the corresponding sequences of the three films show normal chromatic values and at the same time there appear transitory elements that belong to only one of the films. Animals, people, cars and trains move through the scenes, each element characterized by a specific colour, leaving a slight trace, almost as though they were hallucinations, or ghosts. Even the faces of the people who appear in the final part, especially the old people behind their small stalls of fruit or vegetables, appear ancient and representative of the local traditions, as much as the landscape or the houses. The sound design enhances the background noises. Pim Zwier drew his inspiration for this video from the photographic work of Sergej Prokudin-Gorskij.
85 invideo 2016 Love isAll. Piergiorgio Welby, autoritratto Francesco AndreottieLivia Giunti focus focus focus
❙ INCONSCI TECNOLOGICI: PERSONALE DI ALESSANDRO AMADUCCI
Radicale sperimentatore, esploratore di tecniche e di effetti, artista e studioso, docente. Il profilo di Alessandro Amaducci è del tutto originale nel panorama italiano: teorico e storico della videoarte con competenze e attività creative che vanno dal video monocanale alle installazioni, dalla musica alla fotografia, dal videoclip allo spettacolo multimediale. INVIDEO, cui Amaducci ha spesso collaborato, gli dedica una personale che, attraverso “generi” e raccolte di opere, ritrae oltre vent’anni di attività. Fra immagini simboliche e riferimenti poetici, echi filosofici, memorie, si dipana una riflessione audiovisiva densa, ricca di richiami, intrecciata con varie arti eppure radicalmente altra. Scrive Amaducci sulla raccolta di opere Electric Self: «Il linguaggio delle immagini è lo strumento più usato per riconoscersi e internet crea una vera e propria rete di inconsci: immagini, archetipi, immaginari che oltrepassano continuamente la soglia fra mondo umano e mondo digitale, tra passati re-immaginati e futuri remoti».
Alessandro Amaducci (1967, Torino) ha alternato la sua attività artistica fra fumetti, fotografia, teatro e musica. Realizza video di videoarte, videoinstallazioni, documentari, videoclip, spettacoli multimediali e live video, curando in parte anche gli aspetti musicali. Realizza anche fotografie digitali. Insegna al DAMS di Torino.
❙ TECHNOLOGICAL UNCONSCIOUSNESSES: ALESSANDRO AMADUCCI
A radical experimenter, explorer of techniques and effects, artists and scholar, teacher. Alessandro Amaducci’s profile is completely original on the Italian scene: a theoretician and historian of video art with competences and creative work that goes from mono-channel video to installations, from music to photography, from the video clip to multimedia performances. INVIDEO, with which Amaducci has often worked, dedicates a solo exhibition which through “genres” and collections of works, portrays more than twenty years of activity. With symbolic images and poetic references, philosophical echoes, memories, a rich audiovisual reflection is unfolded that is rich in references, interwoven with various arts yet radically different. Amaducci writes on the recent collections of works Electric Self: «The language of images is the most widely used argument to recognize yourself and the Internet creates a real network
88 Alessandro Amaducci, Pagan Inner of unconsciousnesses: images, archetypes and imageries that continuously cross the threshold between the human world and the digital world, between reimagined pasts and remote futures».
Alessandro Amaducci (1967, Turin) has passed from cartoons to photography and from theatre to music. He is currently making video art videos, video installations, documentaries, video clips, multimedia performances and live videos, curating the musical aspects in part as well. He also creates digital photographs. He teaches at the DAMS of Turin.
Programma/Programme Electric Self Anthology: Electric Self, 2006-2016, 4'; Post Rebis, 2016, 3'40"; The Web, 2007-2016, 7'; In the Cave of Technology, 2013, 5'38"; Black Data, 2012, 4'; Pagan Inner, 2010, 6'30"; Bloodstream, 2010, 7'30"; Discussion on Death, 2006, 6'. Video-pitture/Video-paintings: Cattedrali della Memoria, 1994, 7'. Videodanza/Video-dance: Anatomy Theater, 2011, 3'30"; Not with a Bang, 2008, 5'12"; Greetings from Hell, 2008, 3'30". Videopoesia/Video-poetry: Spoon River, 1999-2007, estratto/extract 7'; Illuminazioni-Arthur Rimbaud, 1994, estratto/extract 5'. www.alessandroamaducci.net
89 focus
❙ FESTIVAL INTERNATIONAL DU COURT MÉTRAGE, CLERMONT-FERRAND
Il Festival Internazionale del Cortometraggio di Clermont-Ferrand è nato 38 anni fa. Considerato il più importante evento al mondo dedicato al corto, come pubblico e partecipazione di professionisti è il secondo festival in Francia dopo Cannes. Benché imprescindibile per l’industria del corto, è aperto anche a un ambito non professionale. Sostenuto principalmente da istituzioni locali e nazionali, da sponsor e dall’Unione Europea, il Festival è organizzato da un’équipe permanente (“Sauve qui peut le court métrage”) che vive a Clermont, cosa questa molto importante ai fini di un coinvolgimento nel contesto locale. Si svolge all’inizio di febbraio per 8 giorni, articolato in 3 concorsi (nazionale, internazionale e laboratorio), varie retrospettive, programmi speciali per i giovani. Nell’edizione 2016 hanno partecipato al festival 162.000 spettatori – di cui 3.400 professionisti – e nelle 17 sale del Festival sono stati presentati 500 film. Dal 1986 lo Short Film Market con i suoi stand e la Videoteca relativa consentono ogni anno proficui contatti e il visionamento di migliaia di corti. INVIDEO annualmente trae spunti e opere da questo Festival. A illustrare il Festival e la selezione di opere recenti è Georges Bollon, uno dei fondatori.
Georges Bollon (1952), durante i suoi studi universitari a Clermont-Ferrand, ha fondato con altri studenti il Festival del corto nel 1979. È tuttora membro del suo staff, che da sempre lavora come un collettivo, senza un leader.
The Clermont-Ferrand International Short Film Festival was created 38 years ago. It is now considered as the most important event in the world dedicated to short film. In terms of audience and professional attendance, it is the second largest film festival in France, just after Cannes. Sure it is now the place to be for all short film industry, but it is also open to non professionals. The Festival is organized by a collective permanent team («Sauve qui peut le court métrage») living in Clermont-Ferrand, what is very important to be quite involved in the local life. Financially, the Festival is mainly supported by local and national institutions grants as well as some sponsors and Europe Community. Every year, the Festival holds at the beginning of February and during 8 days, it presents 3 competitions (national, international and Labo), different retrospectives, special programmes for the young public. For the edition 2016, 162.000 spectators attended the festival, among them more than 3.400 professionnals. In total, more than 500 short films have been screened in 17 theaters. Since 1986 thanks to the Short
90 Céline Devaux, Le repas dominical
Film Market with its stands and relative video library, excellent contacts can be made and thousands of shorts can be seen. Every year INVIDEO draws ideas and finds works from this Festival. Georges Bollon, one of the its founders, will illustrate the Festival and a selection of recent works.
Georges Bollon (1952) during his University studies in Clermont-Ferrand, created the Clermont-Ferrand Short Film Festival with other students in 1979. He is still a member of the festival team, which is still working as a collective group without a leader.
Programma/Programme Paul Brigandi, Greener Grass, Stati Uniti/USA, 2015, 15'; Victor Haegelin, Captain 3D, Francia/France, 2015, 4'; Daniel Gray, Tom Brown, Teeth, Regno Unito-Ungheria-Stati Uniti/United Kingdom-Hungary-USA, 2015, 6'; Céline Devaux, Le repas dominical, Francia/France, 2015, 14'; James Cunningham, Accidents, Blunders and Calamities, Nuova Zelanda/ New Zealand, 2015, 5'. www.clermont-filmfest.com
91 focus
❙ IDENTITÀ NEGATE: DUE OPERE IN DIALOGO
Questo programma presenta due opere diverse per l’epoca in cui sono ambientate, per lo stile, per le storie che narrano, ma accomunate dal tema dell’identità sessuale e del difficile, doloroso percorso della sua conquista e affermazione, in particolare quando questa identità non è ritenuta “conforme” a una norma e quindi repressa, derisa, negata, oggetto di persecuzione.
Le due opere sono accomunate anche dalla ricerca di un linguaggio in cui le storie oscillano fra documento e finzione, realtà e messa in scena, performance e autobiografia. In Bullied to Death (premiato nel luglio 2016 al Melbourne Documentary Film Festival), Giovanni Coda prende spunto da una storia vera, quella del quattordicenne di Buffalo (Stati Uniti), J.R., suicidatosi nel 2011 dopo crudeli atti di bullismo a scuola e in rete, conseguenti alla sua ammissione di omosessualità. La storia è raccontata con un approccio in cui i dati reali sono rarefatti e la tematica è resa dal filo conduttore di un ricco cast di attori-performer: senza luogo e senza tempo, le coreografie e i gesti narrano una violenza che va oltre i fatti di cronaca.
Carlos Motta racconta in Deseos, fra documentario e finzione, la storia di due donne, attraverso il loro scambio di lettere: Martina, vissuta in Colombia nell’Ottocento, perseguitata perché ermafrodita, e Nour, vissuta a Beirut durante l’Impero Ottomano, obbligata a sposarsi con il fratello della donna amata. La sfida di queste due donne alla presunta normalità sessuale e di genere è narrata con forza e delicatezza dalle due voci fuori campo.
Giovanni Coda (1964, Cagliari) realizza fotografie, video, video-installazioni, pittura, performance di videoarte dal 1990. Ha fondato l’Associazione Labor e il festival V-art a Cagliari e il suo lavoro è stato presentato in varie mostre e musei internazionali. Carlos Motta (1978, Bogotà, Colombia) è un artista multidisciplinare che lavora e vive a New York. Realizza video dal 2005, con attenzione alla cultura queer e alle storie rimosse. Il suo lavoro è stato presentato in numerosi musei e centri d’arte contemporanea del mondo.
92 Giovanni Coda, Bullied to Death
Bullied to Death, Italia-Stati Uniti/Italy-USA, 2016, 75' Regia/direction: Giovanni Coda; produzione/production: Atlantis Moon Productions, con il contributo di/with the support of: Regione Autonoma della Sardegna, Fondazione Sardegna Film Commission, Comune di Cagliari; coreografia/coreography: Giovanna Stancapiano; montaggio/editing: Federica Ortu; musiche/music: Irma Toudjan, Marco Rosano, Cosimo Morleo, Arnaldo Pontis, Les Stick Fluo.
www.facebook.com/Bullied-To-Death-un-film-di-Giovanni-Coda-1483854571845890/
93 focus
❙ DENIED IDENTITIES: TWO WORKS IN DIALOGUE
This programme presents two different works, in the period in which they are set, in the style, in the stories they tell, but which have in common the theme of sexual identity and the difficult, painful path of conquering it and asserting it, in particular when this identity is not considered “conforming” with a standard and therefore repressed, mocked and the object of persecution.
The two works also have in common the search for a language in which the stories oscillate between documentary and fiction, reality and staging, performance and autobiography. In Bullied to Death (which won an award at the Melbourne Documentary Film Festival in July 2016), Giovanni Coda draws inspiration from a true story, that of the fourteen-year-old of Buffalo (USA), J.R., who committed suicide in 2011 after cruel acts of bullying at school and on the net, following his admission of being a homosexual. The story is told with an approach in which the real facts are rarefied and the theme is rendered by the guiding thread of a rich cast of actors-performers: without a place and without a time, the choreographies and gestures narrate a violence which goes beyond the facts in the news.
In Deseos Carlos Motta tells the story, between documentary and fiction, of two women, through their exchange of letters: Martina, who lived in Colombia in the 19th century, persecuted because she was a hermaphrodite, and Nour, who lived in Beirut during the Ottoman Empire, forced to marry the brother of the woman she loved. The challenge by these two women to presumed sexual normality is narrated strongly and delicately by the two off-screen voices.
Giovanni Coda (1964, Cagliari) has produced photos, videos, video-installations, painting and video art performances since 1990. He founded the association Labor and the V-art festival in Cagliari and his work has been presented at various international exhibitions and museums. Carlos Motta (1978, Bogotà, Colombia) is a multidisciplinary artist who works and lives in New York. He has been making videos since 2005, with attention to queer culture and stories that have been repressed. His work has been presented at numerous museums and contemporary art centres all over the world.
94 Carlos Motta, Deseos
Deseos, Stati Uniti/USA, 2015, 32' Regia/direction: Carlos Motta; produzione/production: Council (France); testo/text: Maya Mikdashi, Carlos Motta; con/with: Maya Mikdashi e/and Jennifer Lorena Jiménez; riprese/camera: Mateo Guzmán, Mark Khalife; montaggio/editing: Carlos Motta; consulente al montaggio/editing consultant: Irit Batsry; suono/sound design: Zachary Dunham, Geoffrey Wilson.
www.carlosmotta.com
95 focus
❙ MATIAS GUERRA NEKROTZAR - INSEGUENDO L’ARCOBALENO
Performance per paesaggio sonoro, chitarra elettrica, elettronica dal vivo e talvolta video (Italia, 2016, 45') «Nekrotzar fa parte di una serie di opere che va sotto il titolo di Compendium, a indicare un insieme di performance musicali dal vivo ed elementi, come il video o la pittura, relativi a una determinata conoscenza. Compendium K (la K sta per Stanley Kubrick) assembla soundscapes, performance musicale dal vivo e un video di durata e sviluppo narrativo predeterminato, montaggio di immagini da fonti diverse e con pochissime riprese effettuate appositamente, eppure non è un film di montaggio – non lo si può comunque definire un film. È un altro meccanismo di senso e nonsenso, un altro strumento. Allo stesso modo, i paesaggi sonori agiscono come colonna sonora ma sono soprattutto intrecciati con la performance dal vivo. Ogni elemento è quindi un dispositivo giocosamente combinato in una progressione rituale. E ogni dispositivo riguarda una certa qualità della mia visione dell’opera di Stanley Kubrick. Il lavoro può essere idealmente diviso in quattro macro-scene, come nel libretto di Der Grosse Makabre di Ligeti/Meschke, in cui le citazioni e i riferimenti a stili musicali passati sono gli strumenti per crearne la forma-pastiche. La scelta di Ligeti qui è evidente, mentre forse quella del libretto come modello di riferimento per la struttura della narrazione è meno ovvia, così come occulti ed evidenti sono certi percorsi della visione di Kubrick». (Matias Guerra)
Matias Guerra (1973, Santiago, Cile) ha vissuto a Quito, Londra, Roma, ora vive a Milano. Affianca alla sua attività di artista visivo l’interesse per la musica elettronica, di ricerca e d’improvvisazione suonando la chitarra elettrica come strumento principale. Ha collaborato con varie associazioni dando priorità a progetti collettivi e autogestiti. Collabora con La Camera Verde, Roma. ❙ MATIAS GUERRA NEKROTZAR - CHASING THE RAINBOW
Performance for soundscape, electric guitar, live electronics and sometimes video (Italy, 2016, 45') «Nekrotzar is part of a series of pieces called Compendium, namely live musical performances and elements, such as video or painting, reflecting a specific knowledge. Compendium K (the K stands for Stanley Kubrick) puts together soundscapes, live music performance and a video with a fixed duration
96 Matias Guerra, Nekrotzar and narrative, a montage of footage from various sources and with very few original shots, but even so, it is not a montage-film - it’s not by any means a film. It’s another mechanism for sense and non-sense, an instrument to play with. In a similar way, the soundscapes act as a video soundtrack but are mainly entangled with the live performance. Each element is therefore a device playfully put together in a ritualistic progression. Each device pertains a certain quality of my vision of Stanley Kubrick’s work. The work can be ideally divided in four macro scenes as in Der Grosse Makabre of the Ligeti/Meschke libretto, where quotations and references to past musical styles are the devices to create it’s pastiche form. The choice here of Ligeti is manifest, but maybe the choice of the libretto as a baseline for the narrative is less obvious, as occult and evident are certain routes of Kubrick’s vision». (Matias Guerra)
Matias Guerra (1973, Santiago, Chile) has lived in Quito, London and Rome, now based in Milan. Besides his activity as a visual artist, he is deeply interested in electronic, experimental and improvised music, playing electric guitar as main instrument. He has collaborated with several associations prioritizing collective and self-sustained projects. He collaborates with La Camera Verde, Rome. www.matiasguerra.org
97 focus
❙ KARMACHINA: HOMAGE TO MAYA
Performance con video di KARMACHINA e Music Live Set di FERNWEH Omaggio al cinema sperimentale e indipendente e a una delle sue più importanti protagoniste, Maya Deren, questa performance (Italia, 2015, 40') vede la rielaborazione da parte dello studio Karmachina e della band Fernweh di un’opera audiovisiva di Paolo Ranieri. Homage to Maya (tr. it. Omaggio a Maya) usa le risorse del montaggio (di cui l’autrice nei suoi scritti evidenziava l’esplosivo potere creativo e non naturalistico) e della musica per giustapporre alcuni lavori della Deren realizzati negli anni Quaranta, tra i quali Meshes of the Afternoon, At Land e A study in Choreography for Camera. Corpo, movimenti di macchina, accostamenti non realistici, dimensione onirica sono indagati, isolati, rimontati e la performance «assume le vesti di una visione: lo spazio perde concretezza e la narrazione si esaurisce nei singoli movimenti... L’operazione artistica indaga così, isolandoli, i temi più cari alla Deren: sogno, realtà, ritmo, riflesso, identità, rituale», scrivono gli autori. L’opera ha anche una versione installativa, di Paolo Ranieri e Martina Rocchi.
Karmachina è uno studio di visual design nato a Milano nel 2013 dall’unione di esperienze e competenze dei tre fondatori: Vinicio Bordin, Paolo Ranieri e Rino Stefano Tagliafierro. Sviluppa una ricerca su immagini e suoni che si traduce in progetti, percorsi e narrazioni multimediali, installazioni, videomapping, ambientazioni. Fernweh è una band nata nel 2014 come duo elettronico formato da batteria (Lorenzo Cosci) e tastiere/sintetizzatori (Daniel Palumbo), cui si unisce poi Emiliano Bagnato (chitarra e sintetizzatori). La loro musica è un ibrido tra elettronica e acustica, studio e improvvisazione, che mette a frutto nella ricerca le diversità di idee e di formazione dei componenti. ❙ KARMACHINA: HOMAGE TO MAYA
Performance with video by KARMACHINA and Music Live Set by FERNWEH A homage to experimental and independent cinema and to one of its most important figures, Maya Deren. In this performance (Italy, 2015, 40') Karmachina and the Fernweh band rework an audiovisual work by Paolo Ranieri. Homage to Maya uses the resources of editing (of which the artist in her writings highlighted the explosive creative and non-naturalistic power) and music to juxtapose some works by Deren made in the 1940s, including Meshes of the Afternoon, At Land and A study in Choreography for Camera. Body, camera movements, unrealistic associations and a dream-like dimension are investigated,
98 Karmachina, Homage to Maya isolated, re-edited and the performance «takes on the appearance of a vision; space loses concreteness and the narration is exhausted in the individual movements... The artistic operation thus investigates, isolating them, the topics dearest to Deren: dreaming, reality, rhythm, reflection, identity, ritual», write the authors. The work also comes in an installation version, by Paolo Ranieri and Martina Rocchi.
Karmachina is a visual design studio founded in Milan in 2013 from the union of experiences and skills of the three founders: Vinicio Bordin, Paolo Ranieri and Rino Stefano Tagliafierro. It develops research on images and sound which is translated into multimedia projects, routes and narrations, installations, video-mapping and visualizations. Fernweh is a band that started in 2014 as an electronic duo made up of percussion (Lorenzo Cosci) and keyboards/synthesizer (Daniel Palumbo), later joined by Emiliano Bagnato (guitar and synthesizers). Their music is a hybrid between electronic, acoustic, studio and improvisation, which put to good use the diversity of ideas and training of the band’s members. www.karmachina.it
99 focus
❙ REPORTAGE AUDIOVISIVO: CSC L’AQUILA
Daniele Segre presenta i video degli allievi del Centro Sperimentale di Cinematografia, L’Aquila INVIDEO presenta una selezione dei video realizzati nei corsi 2014 e 2015 dagli allievi della sede distaccata della Scuola Nazionale di Cinema del Centro Sperimentale di Cinematografia, a L’Aquila, nata nel 2011 grazie all’accordo con la Regione Abruzzo, la Provincia, il Comune dell’Aquila e il Ministero per i Beni e le Attività Culturali. L’offerta didattica si concretizza in un corso triennale per la formazione dei giovani che vogliano acquisire competenze tecniche, artistiche e professionali di alta specializzazione nell’ambito della comunicazione audiovisiva, in particolare nel campo del reportage, in un percorso con ogni strumento e linguaggio: dalla scrittura alla radio, dalla fotografia al video al web. La didattica è incentrata su un’idea di reportage audiovisivo che si declini in tutte le possibilità espressive, spettacolari e comunicative. L’insegnamento (ricco dell’apporto di professionisti) ha un carattere eminentemente laboratoriale, nella tradizione della Scuola Nazionale di Cinema. La selezione è presentata dal regista Daniele Segre, direttore didattico CSC Abruzzo: il rapporto con la città devastata dal terremoto, la memoria, i giovani, gli anziani, chi vuol andare e chi vuol restare, una normalità che appare irraggiungibile, il vagare di animali rimasti senza casa; e, nel lavoro collettivo Senza parole, una giornata degli allievi nella prima esplorazione audio-visiva della città.
❙ AUDIOVISUAL REPORTAGE: CSC L’AQUILA
Daniele Segre presents the videos by the students of the Centro Sperimentale di Cinematografia, L’Aquila INVIDEO presents a selection of the videos made in the 2014 and 2015 courses by the students of the detached section of the National Film School of the Centro Sperimentale di Cinematografia, in L’Aquila, opened in 2011 thanks to the agreement with the Abruzzo Regional Council, Provincial Council, the City Council of L’Aquila and the Ministry for Culture. The teaching offer is a three-year course to train young people who want to gain highly specialized technical, artistic and professional skills in audiovisual communication, in particular in the field of reportage, using all instruments and languages: from writing to the radio, from photography to video and to the web. The education is focused on an idea of audiovisual reportage which covers all the expressive, performance and communicative possibilities. The teaching (with the contributions of many professionals) has an eminently
100 Gli allievi con il fotografo Mario Dondero workshop nature, in the tradition of the National Film School. The selection is presented by the director Daniele Segre, didactic director of the National Film School Abruzzo: the relationship with the city devastated by the earthquake, memory, young people, the elderly, those who want to leave and those who want to stay, a normality which seems unattainable, the wandering of the animals that no longer have a home; and in the collective work Senza parole, a day of the students on the first audiovisual exploration of the city.
Programma/Programme Giovanni Soria, L’Aquila rap-presenta, 17'; Eleonora Gasparotto, Cani aquilani, 9'; Chiara Napoli, Silenzio totale, 3'; Manuel De Pandis, Alla Puglietta, 3'; Giovanni Soria, Menti spezzate, 3'; Eva Bearzatti, Manuel De Pandis, Eleonora Gasparotto, Aleksandre Khomasuridze, Flaminio Muccio, Chiara Napoli, Giorgio Santise, Giovanni Sfarra, Giovanni Soria, Senza parole, 9'40". Centro Sperimentale di Cinematografia: Presidente/President Stefano Rulli, Direttore generale/General Director Marcello Foti, Preside/Headmaster Caterina D’Amico, Direttore didattico CSC Abruzzo/Director of studies Daniele Segre. www.fondazionecsc.it
101 focus
❙ VIDEOARTE PERUVIANA: UN PANORAMA A CURA DI ANGIE BONINO E JOSÉ-CARLOS MARIÁTEGUI
INVIDEO presenta per la prima volta una selezione di videoarte peruviana, con opere recenti e recentissime di diverso taglio, tematica e stile, curata da due protagonisti della scena artistica, tecnologica e culturale di questo paese. «Nella seconda decade del nuovo secolo si è verificata una svolta significativa: una parte crescente della produzione videoartistica peruviana è pienamente inserita nel contesto delle arti visive, con le implicazioni istituzionali che questo comporta. Molti di questi artisti realizzano video come parte di un più vasto repertorio di media come la fotografia, l’installazione o la scultura. Diventa allora complicato considerarli esclusivamente videoartisti. È il caso degli artisti selezionati in questa piccola rassegna, che realizzano opere in diversi ambiti e generi artistici, pur serbando la videoarte come costante punto di riferimento nel loro panorama produttivo». (Angie Bonino, José-Carlos Mariátegui) Angie Bonino (1974, Lima), studi di Belle Arti a Lima, è stata direttrice della Biennale VIDEOAKT svoltasi a Barcellona e Berlino dal 2008 al 2015. Artista multidisciplinare, insegna alla Escuela Nacional de Bellas Artes ENSABAP, Lima. José-Carlos Mariátegui (1975, Lima), studi scientifici ed economici a Lima e a Londra, ha fondato ATA-Alta Tecnología Andina, con progetti nel campo dell’arte, della scienza e della tecnologia. Curatore di iniziative e mostre, ha collaborato con Gianni Toti e pubblicato vari libri. ❙ PERUVIAN VIDEOART: A PANORAMA CURATED BY ANGIE BONINO AND JOSÉ-CARLOS MARIÁTEGUI
INVIDEO presents for the first time a selection of Peruvian videoart, with recent and very recent works with different approaches, themes and styles, curated by two leading figures on the artistic, technological and cultural scene of that country. «In the second decade of the new century there has been a significant turning point: a growing part of Peruvian videoart production is fully inserted in the context of visual arts, with the institutional implications that this entails. Many of these artists make videos as part of a wider repertoire of media such as photography, installations or sculpture. It then becomes complicated to consider then as exclusively videoartists. This is the case of the videoartists selected for this small section, who create works in different fields and of different artistic genres, although drawing on videoart as a constant point of reference on their productive scene». (Angie Bonino, José-Carlos Mariátegui)
102 Maricel Delgado, Insistir
Angie Bonino (1974, Lima), after studying Fine Arts in Lima, she was director of the VIDEOAKT Biennal in Barcelona and Berlin from 2008 to 2015. A multidisciplinary artist, she teaches at the Escuela Nacional de Bellas Artes ENSABAP, Lima. José-Carlos Mariátegui (1975, Lima), scientific and economic studies in Lima and London, he founded ATA-Alta Tecnología Andina, with projects in the field of art, science and technology. Curator of initiatives and exhibitions, he has worked with Gianni Toti and published a number of books.
Programma/Programme Elena Damiani, Brighter than the moon, Perù, 2016, 8'16"; Ximena Garrido-Lecca, Contornos, Perù, 2014, 10'45"; Carlos Troncoso, Av. Huaylas a 30 fotogramas por segundo, Perù, 2010, 6'17"; Maricel Delgado, Insistir, Perù, 2014, 7'23"; Katherine Fiedler, Inabarcable, Perù, 2015, 2'52"; Christian Alarcón, VII Pulgadas, Perù, 2014, 12'; Diego Lama, De falso a legal en una toma, Perù, 2015, 4'; Alan Poma y Aldo Cáceda, La Victoria sobre el Sol, Perù, 2015, 20'. www.angiebonino.com
103 focus
❙ VIDEOARTGAMES INCONTRO CON ROBERTO CAPPAI
«Il videogame è nato freddo, genuino mosaico che con la sua trama di pixel invitava il fruitore alla partecipazione fisica e intellettuale, suggerendo interi mondi in pochi pollici. Oggi il mercato videoludico ha superato quello del cinema, e al giocatore non resta che seguire la storia, comprare contenuti extra, seguire un filo narrativo controllando personaggi stereotipati in ambienti perfetti [...]. Il videogame punta all’iperrealismo, dimenticandosi chi è e da dove viene, assecondando una deriva comune a tutti i media audiovisivi. Gli artgame, restando fuori dall’industria videoludica o comunque rappresentandone il residuo sperimentale, fedeli alla linea del ‘fattelo da solo’, posti al confine tra logica e fantastica, remano contro. Contro ogni forma di propaganda, mostrando i danni collaterali della guerra come September 12th: A Toy World, non-gioco creato da un team di sviluppatori capitanati da un ex giornalista della CNN, o viaggiando nella Storia come The Cat and the Coup, documentario interattivo sul braccio di ferro tra il Presidente iraniano Mohammad Mossadegh e l’Inghilterra. Contro gli stereotipi di genere [...] come in Dys4ia. Contro il tempo, manipolandolo, e contro lo spazio e la fisica, ricreandoli secondo leggi impossibili. Contro la vanità contemporanea, familiarizzando con la morte. Contro la logica». (Roberto Cappai) L’incontro, con la presentazione di esempi e l’approfondimento di uno di essi, fa il punto su questo mondo poco conosciuto e ricco di ibridazioni.
Roberto Cappai (1988, Cagliari) si è laureato all’Università di Pisa con una tesi sul videogame come medium artistico. Ha intrapreso una ricerca indipendente sugli archetipi videoludici.
❙ VIDEOARTGAMES MEETING WITH ROBERTO CAPPAI
«The videogame was born cold, a genuine mosaic that invited the user, with its weave of pixels to a physical and intellectual participation, suggesting whole worlds in a few inches. Today the videogame market has exceeded that of the cinema and all that’s left for the player is to follow the story, buy extra contents, follow a narrative thread controlling stereotyped characters in perfect settings [...]. The videogame aims at hyperrealism, forgetting who it is and where it comes from, following a drift that is common to all audiovisual media. Artgames, remaining outside the videogame industry or at least representing
104 Etter Studio, Plug and Play its experimental residue, faithful to the line of ‘do it on your own’, placed on the border between logic and fantasy, row against the tide. And against every form of propaganda, showing the collateral damage of war like September 12th: A Toy World, a non-game created by a team of developers headed by a former CNN journalist, or travelling in History like The Cat and the Coup, an interactive documentary on the tug-of-war between the Iranian President Mohammad Mossadegh and England. Against the stereotypes of gender [...] as in Dys4ia. Against time, manipulating it, and against space and physics, recreating them according to impossible laws. Against contemporary vanity, becoming familiar with death. Against logic». (Roberto Cappai) The meeting, with the presentation of examples and an in-depth discussion of one of them, takes stock of this little known world, full of hybridizations.
Roberto Cappai (1988, Cagliari) graduated from the University of Pisa with a thesis on videogames as an artistic medium. He has started independent research on the archetypes of videogames.
Playlist: Gonzalo Frasca, September 12th: A Toy World, 2003, 1'16"; Peter Brinson e/and Kurosh ValaNejad, The Cat and The Coup, 2011, 9'; Krillbite Studio, The Plan, 2013, 5'53"; Etter Studio, Plug and Play, 2015, 10'46".
105 focus
❙ LOVE IS ALL. PIERGIORGIO WELBY, AUTORITRATTO
Fra documentario, videoarte, animazione, in un viaggio fra tante arti, Love is All racconta un uomo che allo stesso tempo si racconta, Piergiorgio Welby, che nel 2006, costretto all’immobilità, al respiratore e a una voce sintetica, chiese al Presidente della Repubblica di poter morire. Inascoltato da politica e giustizia decise pochi mesi dopo, aiutato dai familiari e dagli attivisti radicali, di porre fine alla tortura che era divenuta la sua vita, diventando un simbolo della lotta per i diritti civili e per l’autodeterminazione dei cittadini. Love is All racconta la storia di quell’uomo, con ricchezza di scritti, narrazioni, poesie, dipinti e sperimentazioni fotografiche dello stesso Welby ma anche con materiali d’archivio, animazioni, immagini da videoinstallazioni che hanno preceduto il documentario, elaborazioni visive. Un ritratto-autoritratto che, scrivono gli autori, è nato, con la preziosa collaborazione di Mina Welby, «da nove anni di pedinamento delle tracce che la vicenda umana di Welby ci ha lasciato». Una storia toccante d’amore e di libertà che, nella tragicità della vicenda, sa intrecciarsi in modo sorridente e luminoso anche col filo dell’autoironia, e che celebra la vita.
Francesco Andreotti (1979, Pisa) e Livia Giunti (1977, Livorno) si sono formati all’Università di Pisa, con cui tuttora collaborano per varie attività, e da molti anni realizzano video, con particolare attenzione al documentario. Hanno fondato a Pisa la Santifanti Film e sono cofondatori della rivista “Quaderno del Cinemareale”. ❙ LOVE IS ALL. PIERGIORGIO WELBY, AUTORITRATTO
Between videoart, animation, in a journey through many arts, Love is All tells the story of a man who at the same time tells his story, Piergiorgio Welby, who in 2006, forced to immobility on breathing apparatus and a synthetic voice, asked the President of Italy to be able to die. Not listened to by politics and justice, he decided a few months later, helped by his family and activists of the Radical Party, to put an end to the torture that his life had become, becoming a symbol of the struggle for civil rights and for the self-determination of citizens. Love is All tells the story of that man, with a wealth of writings, narrations, poems, paintings and photographic experimentation by Welby himself, but also with archive footage, animation, images from video installations which preceded the documentary, and visual elaborations. A portrait-self-portrait which, the authors write, came
106 F. Andreotti e L. Giunti, Love is all. Piergiorgio Welby, autoritratto into being, with the precious collaboration of Mina Welby, «from nine years of following the traces that the human story of Welby has left us». A moving story of love and freedom which, in the tragedy of the event, is interwoven with smiles and brightness even with a hint of self-irony, and which is a celebration of life.
Francesco Andreotti (1979, Pisa) and Livia Giunti (1977, Livorno) were educated at the University of Pisa, with which they still work for various activities and for many years have been making videos, with particular attention for documentaries. In Pisa they have founded Santifanti Film and they are the co-founders of the magazine “Quaderno del Cinemareale”.
Love is All. Piergiorgio Welby, autoritratto, Italia/Italy, 2015, 59' Regia e riprese/direction and camera: Francesco Andreotti e/and Livia Giunti; testi, fotografie, dipinti e disegni/texts, pictures, paintings and drawings: Piergiorgio Welby; montaggio e suono/editing and sound: F. Andreotti; voce/voice: Emanuele Vezzoli; musiche/musics: Tommaso Novi; effetti/ visual effects: Valerio Torresi; prodotto da/produced by: F. Andreotti e L. Giunti; produzione/production: SANTIFANTI con il patrocinio di/with the patronage of: Associazione Luca Coscioni. www.loveisallmovie.com
107 invideo 2016 Ghost Cell Antoine Delacharlery sommario /table of contents
Seduzioni Seductions 10 Autori e opere Directors and works 14 Focus Focus 86 Indici Indexes 108 indice degli autori e dei relatori index by directors and speakers
Albrzykowski Tymon 16-17 Iván Daniel 42-43 Alarcón Christian 102-103 Karmachina 98-99 Amaducci Alessandro 88-89 Khomasuridze Aleksandre 100-101 Andreotti Francesco 106-107 Krillbite Studio 104-105 Bandinu Paolo 18-19 Kulle Daniel 44-45 Bearzatti Eva 100-101 Laboury William 46-47 Bernardi Michele 20-21 Lama Diego 102-103 Bollon Georges 90-91 Langan Clare 48-49 Bonino Angie 102-103 Leitão João Cristovão 50-51 Branson Wilkie 22-23 Lukács Margit 24-25 Brigandi Paul 90-91 Maida Massimo Saverio 52-53 Brinson Peter 104-15 Manca Eleonora 54-55 Broersen Persijn 24-25 Mariátegui José-Carlos 102-103 Brown Tom 90-91 Mastrocinque Gaetano Maria 56-57 Cáceda Aldo 102-103 Mileusnic´ Dragan 58-59 Cappai Roberto 104-105 Motta Carlos 92-95 Champalaune Romain 26-27 Muccio Flaminio 100-101 Coda Giovanni 92-95 Murakami Hanako 60-61 Coïaniz Audrey 28-29 Napoli Chiara 100-101 collectf_fact 30-31 Papic´ Mario 62-63 Cunningham James 90-91 Paton Glenn 64-65 Damiani Elena 102-103 Poma Alan 102-103 Delgado Marciel 102-103 Sansone Donato 66-67 Delacharlery Antoine 32-33 Santise Giorgio 100-101 De Pandis Manuel 100-101 Segre Daniele 100-101 Devaux Céline 90-91 Serdarevic´ Željko 58-59 Dijkstra Douwe 34-35 Sfarra Giovanni 100-101 Escalle Alain 36-37 Slotema David 68-69 Etter Studio 104-105 Soria Giovanni 100-101 Fiedler Katherine 102-103 Stewart Alexander 70-71 Frasca Gonzalo 104-105 Tagliafierro Rino Stefano 72-73 Garrido-Lecca Ximena 102-103 Troncoso Carlos 102-103 Gasparotto Eleonora 100-101 Tscherkassky Peter 74-75 Giunti Livia 106-107 ValaNejad Kurosh 104-105 Gray Daniel 90-91 Van Bakel Michiel 76-77 Grecu Mihai 38-39 Wildlife Control 78-79 Guerra Matias 96-97 Yal Samuel 80-81 Haegelin Victor 90-91 Yeger Chen 82-83 Hayeur Isabelle 40-41 Zwier Pim 84-85
110 indice delle opere index by title
VII Pulgadas 102-103 Menti spezzate 100-101 Accidents, Blunders METAMOR(ph) 54-55 and Calamities 90-91 Monica’s Portrait 50-51 Alla Puglietta 100-101 Nekrotzar 96-97 Amaducci – compilation video 88-89 No Country 18-19 Argille 56-57 No Face 44-45 Av. Huaylas a 30 fotogramas No Picture, No Glory or por segundo 102-103 The Triumph of Apophenia 30-31 Brighter than the moon 102-103 Nœvus 80-81 Bullied to Death 92-95 One on One 82-83 Cani aquilani 100-101 Orage 28-29 Captain 3D 90-91 Parfaite, La 60-61 Cat and The Coup, The 104-105 Particles 78-79 Contornos 102-103 Peep Show 72-73 De falso a legal en una toma 102-103 Plan, The 104-105 Deseos 92-95 Plug and Play 104-105 Establishing Eden 24-25 Reflection of Power, The 38-39 Exquisite Corpus, The 74-75 Repas dominical, Le 90-91 Eyes of Glass 62-63 Roadtrip to the Dutch Final Gathering 36-37 Mountains 76-77 Flight from the City 48-49 Samsung Galaxy 26-27 For Pina 20-21 Senza parole 100-101 Ghost Cell 32-33 September 12th: Greener Grass 90-91 A Toy World 104-105 H Positive 64-65 Silenzio totale 100-101 Haiku 42-43 Solastalgia 40-41 Here There 70-71 Stuck in the Dark 52-53 Homage to Maya 98-99 Teeth 90-91 Hotaru 46-47 Three Dimensions of Time 84-85 Inabarcable 102-103 Ulysses’ Portrait 50-51 Ink Meets Blank 16-17 Uncalled for Anatomy 54-55 Insistir 102-103 Victoria sobre el Sol, La 102-103 It Will be Like Creating New Voor Film 34-35 Memories 54-55 With a Thousand Eyes 68-69 Journal Animé 66-67 X Tape 58-59 L’Aquila rap-presenta 100-101 Little Dreams 22-23 Love is All. Piergiorgio Welby, autoritratto 106-107
111
Seduzioni. L’affascinante metamorfosi delle forme, ma anche la seduzione della tecnologia. E quella dei corpi, dei sensi: attrazioni, danza, gesto. E la seduzione della nostalgia. Nelle opere della selezione internazionale tutto questo emerge con chiarezza e negli eventi è un filo nascosto fra temi e incontri: la seduzione del cinema (Kubrick, Maya Deren) nelle performance di Matias Guerra e dei Karmachina; quella delle avanguardie nella selezione peruviana; la seduzione oltre lo stereotipo di genere, e l’identità negata, nei lavori di Giovanni Coda e di Carlos Motta. E l’amore, nel ritratto di Piergiorgio Welby. Ma anche il richiamo delle tante storie vere, nei reportage del Centro Sperimentale di Cinematografia (sede de L’Aquila); i seducenti giochi con lo spettatore nei videogame artistici (l’incontro con Roberto Cappai) e il fascino della forma corta nella selezione dal festival di Clermont-Ferrand; i corpi sedotti da inconsci, anche tecnologici, nelle opere di Alessandro Amaducci. E, soprattutto, la seduzione cui INVIDEO è fedele da sempre: quella del poter immaginare mondi altri, in modi altri.
Seductions. The fascinating metamorphosis of forms, but also the seduction of technology. And that of bodies, of the senses: attractions, dance, gestures. And the seduction of nostalgia. All this clearly emerges in the works of the international selection and in the events it is an occult thread running through the themes and meetings: the seduction of cinema (Kubrick, Maya Deren) in the performances by Matias Guerra and the Karmachina; that of the avant-gardes in the Peruvian selection; the seduction beyond the stereotype of gender, and negated identity, in the works by Giovanni Coda and Carlos Motta. And love, in the portrait of Piergiorgio Welby. But it is also recalled in many true stories, in the reportages by the Centro Sperimentale di Cinematografia (Aquila branch); the seductive games with the spectator in the artistic videogames (the meeting with Roberto Cappai) and the fascination of short form in the Clermont-Ferrand festival’s selection; the bodies seduced by unconsciousnesses, including technological, in the works by Alessandro Amaducci. And, above all, the seduction to which INVIDEO has always been faithful: that of being able to imagine other worlds, in other ways.
Printed in Italy Euro 5,00