ARTISTS GUIDE ARTISTS ART BASEL BaselEdition Art WWW.LEQUOTIDIENDELART.COM JUNE 2016 FREE SPECIAL ISSUE

Ne pas jeter sur la voie publique EDITORIAL PAGE LE QUOTIDIEN DE L’ART | JUNE 2016 SPECIAL ISSUE 02 Art Basel Artists Guide

PAR PHILIPPE RÉGNIER

La foire Art Basel présente chaque année une sélection pointue d’artistes internationaux défendus par les galeries les plus en vue internationalement. Trois sections sont tout particulièrement réservées à des projets spécifiques : Feature, Statements et Unlimited. Feature réunit un ensemble de trente-deux stands curatés, centrés sur des expositions personnelles ou de groupe d’artistes ou de mouvements significatifs qui ont marqué l’histoire de l’art des XXe et du XXIe siècles. Statements est entièrement consacré à la scène émergente avec des projets de jeunes artistes. Enfin, Unlimited est un espace unique où la foire se transforme en biennale pour accueillir des installations de grandes dimensions, des performances et des projections de vidéos. Dans cet « Art Basel Artists Guide » publié par Le Quotidien de l’Art, nous proposons des focus sur une sélection d’artistes et de leurs œuvres exposées dans ces secteurs. Des critiques se penchent sur leurs créations pour offrir une vision de la scène artistique internationale telle qu’elle apparaît sur Art Basel 2016. l

Every year, Art Basel presents a selection of international artists represented by the most prominent galleries worldwide. Three sectors are specially dedicated to specific projects: Feature, Statements and Unlimited. Feature showcases 32 galleries presenting booths with curated projects that may include solo shows or thematic exhibits of artistic groups or movements that marked the 20th and 21st-century art. Statements is entirely devoted to the emerging scene with new outstanding projects by young artists. As for Unlimited, it’s unique exhibition platform transforms the fair in a biennial presenting large-scale installations, live performances and video projections. In this “Art Basel Artists Guide” published by Le Quotidien de l’Art - The Art Daily News, we focus on a selection of artists and their works exhibited in these sectors. Specialists on these artists consider their creations in our pages to present a vision of the international art scene showcased at Art Basel 2016. l

Le Quotidien de l’Art - The Art Daily News - - Agence de presse et d’édition de l’art - - 231, rue Saint Honoré – 75001 Paris - - PUBLISHER Agence de presse et d’édition de l’art, Sarl au capital social de 17 250 euros. 231, rue Saint Honoré – 75001 Paris. RCS Paris B 533 871 331 - - CPPAP 0314 W 91298 - - ISSN 2275-4407 - - www.the-art-daily-news.com Website hosted by Serveur Express, 16/18 avenue de l’Europe, 78140 Vélizy, France, tél. : 01 58 64 26 80 MAIN SHAREHOLDERS Patrick Bongers, Nicolas Ferrand, Guillaume Houzé, Jean-Claude Meyer PUBLISHER Nicolas Ferrand - - MANAGING EDITOR Philippe Régnier ([email protected]) ASSOCIATE EDITOR Roxana Azimi ([email protected]) - - ART MARKET EDITOR Alexandre Crochet ([email protected]) - - EXHIBITIONS, MUSEUMS AND CONSERVATION EDITOR Sarah Hugounenq ([email protected]) - - EDITOR-AT-LARGE Cédric Aurelle, Alexandrine Dhainaut, Emmanuelle Lequeux HEAD OF SALES Judith Zucca ([email protected]), tel: +331 82 83 33 14 TRANSLATION Audrey Concannon - - LAYOUT Anne-Claire Méry SUBSCRIPTIONS [email protected], tel: +331 82 83 33 13 GRAPHIC DESIGNER AND LAYOUT Ariane Mendez - - WEBMASTER Dévrig Viteau PUBLISHED IN FRANCE -- PRINTED IN FRANCE by Point44, 94500 Champigny-sur-Marne - - © ADAGP Paris 2016 for their members works COVER PHOTO: Davide Balula, Mimed Sculptures (Henry Moore, Moon Head, 1964), 2016, 578 x 441 x 254 mm. Photo: Davide Balula. Courtesy the artist, Gagosian Gallery, galerie frank elbaz, Paris.

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CARROLL / FLETCHER, London — Stand N2 By/Par Roxana Azimi Basel Abbas et Ruanne Abou-Rahme

La violence du monde encore et tout. Celle du monde arabe, mais aussi de la planète tout entière est au cœur du travail du duo palestinien Basel Abbas et Ruanne Abou-Rahme, lauréat du Prix Abraaj. Cette œuvre de recherche sur un présent en crise et un désastre continu est à l’intersection de la culture et du politique. Cette fois, les duettistes sont partis d’un poème de l’essayiste féministe américaine Adrienne Rich, Diving into the Wreck, point de départ couplé à des séjours dans des villages palestiniens détruits. Leur film joue dès lors sur différentes temporalités, entre flash-back et flash forward, Basel Abbas and Ruanne Abou-Rahme Basel Abbas and Ruanne Abou-Rahme amnésie et sentiment de déjà- Screenshot 2015-07-14 1983 Born in Nicosia, Cyprus and Boston, United States vu. Comme souvent avec Basel at 17.51.08, 2015, 2009 Exhibition “Collapse”, Delfina Foundation, London 30,5 x 48,3 cm. Abbas et Ruanne Abou-Rahme, Courtesy the artists 2015 Awarded the Sharjah Biennial Prize le texte, très présent à l’écran, est and Carroll / Fletcher, 2016 Awarded the Abraaj Group Art Prize London. aussi important que l’image. En toile de fond figure une question lancinante : Que reste-t-il quand The perpetual violence of the world - prevalent in the Arab world, but toute forme de vie se délite ? l also across the entire planet - is at the heart of the work produced by the Palestinian duo, Basel Abbas and Ruanne Abou-Rahme, winners of the Abraaj Prize. This research work on a present in crisis and ongoing disaster lies at the intersection of culture and politics. On this occasion, the pair were inspired by the poem Diving into the Wreck written by the American feminist and essayist Adrienne Rich. It served as the starting point, coupled with their trips to destroyed Palestinian villages. Accordingly, their film plays on different temporalities between flashbacks and flash-forwards, amnesia and a sense of déjà vu. As often with Basel Abbas and Ruanne Abou-Rahme, the text - very much present on the screen - is as important as the image. A nagging question figures in the background: what remains when all life is unraveling? l

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GALERIE FRANK ELBAZ, Paris / By/Par Emmanuelle GAGOSIAN GALLERY — Stand U6 Lequeux Davide Balula

Il avait défrayé la chronique lors de sa nomination au dernier Prix Marcel Davide Balula, Duchamp, en envoyant un pickpocket dans les allées de la FIAC pour glisser dans 3 Lens Spectacles (for a Mime), 2016. quelques poches un petit fétiche de céramique, que les heureux élus découvraient Custom made prescription par hasard, une fois le forfait commis. Davide Balula revient avec une œuvre glasses. ~ 3x7in. Photo: Clemence J. White. tout aussi poétique et évanescente. À Bâle, il n’offre, à nouveau, pas d’objet à Courtesy the artist, voir, mais des mimes dont la gestuelle apparaît d’abord comme une énigme. Que Gagosian Gallery, galerie frank elbaz, Paris. racontent-ils donc ainsi ? Ils sont en fait chargés de transmettre par leurs gestes le souvenir de sculptures iconiques de la modernité. Comment évoquer, Earning headlines at the juste avec son corps, Louise Bourgeois, time of his nomination for the last Alberto Giacometti, Barbara Prix Marcel Duchamp, he sent a Hepworth, David Smith, ou encore pickpocket into the FIAC’s aisles Henry Moore ? Mimed Sculptures fait to slip small ceramic fetishes into rimer le bronze et la pierre avec la pockets that a lucky few discovered légèreté du virtuel, évoque le travail du by chance after the commission burin et du marteau avec l’éphémère of the crime. Davide Balula tracé d’une main dans l’air. Ce travail returns with an equally poetic s’inscrit dans la lignée d’une série de and ephemeral work. In Basel, performances initiées auparavant par he once again submits no object l’artiste, avec gymnastes ou danseurs. that can be seen. Nothing but Il approfondit surtout sa réflexion mimes, whose body movements incessante sur les jeux de disparition appear, initially, like riddles. So et d’apparition de l’image : il faut se what are they communicating souvenir des toiles vierges que Balula by this means? In fact, they are a enterrées afin que les éléments responsible for conveying, through créent leur propre motif, comme de their movements, memories of celles qu’il a soumises à l’eau des iconic modernist sculptures. rivières. Mais aussi de son travail plus How is it possible, solely using récent basé sur des antennes wifi, qui the body, to conjure up works coloraient subrepticement les écrans by Louise Bourgeois, Alberto nomades qui s’y connectaient. Ou Giacometti, Barbara Hepworth, quand l’art a l’air de rien… l David Smith, or Henry Moore? Mimed Sculptures combine bronze

Davide Balula, and stone with the lightness Mimed Sculptures of the virtual, suggesting the (Henry Moore, Moon Head, 1964), 2016, 578 x 441 x 254 mm. work of the chisel and hammer Photo: Davide Balula. Courtesy the with the fleeting trajectory of artist, Gagosian Gallery, galerie frank elbaz, Paris. a hand through the air. This work follows in the footsteps of a series of performances previously undertaken by the Davide Balula artist with gymnasts or dancers. 1978 Born in France He is specifically developing his 2007 Endless Pace, continuing reflection on the MuseumsQuartier Wien, Vienna games of disappearance and appearance of the image. One recalls the blank 2010 Wall to Wall, Blackston, canvases that Balula buried so that the elements would create their own New York, USA 2015 Prix Marcel Duchamp, patterns, like those he surrendered to river water. But similarly his more Carré d’Art-Musée d’art recent sculptures based on Wi-Fi antennas, which stealthily colored the contemporain, Nîmes, France mobile screens connected to their network. Or, indeed, when art appears out of nothing at all. l

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SUPPORTICO LOPEZ, Berlin — Stand N18 By/Par Alexandrine Dhainaut Steve Bishop

Steve Bishop porte une attention particulière aux espaces partagés, salles d’attente, espaces publics ou ceux de la sphère privée, qu’il recrée dans des Steve Bishop installations minimalistes, souvent faites de mobilier bon marché. L’artiste 1983 Born in Toronto, Canada canadien s’intéresse également aux éléments de transition d’un espace à 2014 “It’s Easier to Love Your Song Than It Is To Love You”, Supportico Lopez, Berlin l’autre que sont les portes automatiques (à l’image du ballet hypnotique d’une 2015 “Noclip”, IAC, Villeurbanne / porte tambour dans la vidéo When The Lights Go Out You Keep Moving). À La Salle de bains - hors le murs Bâle, le stand de sa galerie berlinoise Supportico Lopez se voit transformé en garage avec sa porte automatisée dissimulant une vidéo, Insulated by the Boundary, qui mêle images existantes et plans filmés par Bishop de logements privés. Accompagnée de ballades musicales, l’œuvre brouille alors les pistes Steve Bishop, entre voyeurisme et commémoration. Il est aussi question d’intrusion dans Deliquescing II, 2016. Fence, latex gloves, Deliquescing II, ensemble de gants de latex à l’intérieur desquels poussent des zip ties, substrate pleurotes roses, parasites mycologiques, suspendus à une clôture de jardin, colonised with pink oyster mushroom symbole par excellence de la délimitation de l’espace privé. l spawn, 220 x 180 cm.

Steve Bishop pays special attention to shared spaces: waiting rooms, public spaces or in the private sphere, which he recreates in minimalist installations, often made of inexpensive furniture. The Canadian artist is also interested in the transitional elements from one space to another such as automatic doors (such as the hypnotic ballet of a revolving door in the video When The Lights Go Out You Keep Moving). In Basel, the stand of his Berlin gallery, Supportico Lopez, is transformed into a garage with its automated door camouflaging a video, Insulated by the Boundary, which combines existing images and shots of private dwellings filmed by Bishop. Accompanied by musical ballads, the work clouds the issues between voyeurism and commemoration. The question of intrusion also arises in Deliquescing II. Featuring a set of latex gloves inside which grow pink oyster mushrooms, mycological parasites, hung on a garden fence – the quintessential symbol for the demarcation of private space. l

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PETER FREEMAN, INC. (New York, Paris), By/Par KEWENIG (Berlin, Palma), MAGAZZINO (Rome), Cédric Aurelle MAI 36 GALERIE (Zurich), SPROVIERI (London) — Stand U67 Pedro Cabrita Reis

Les formes géométriques faites d’éléments mobiliers ou architecturaux constituent le vocabulaire fondamental du travail de Pedro Cabrita Reis. Ses réalisations convoquent la question de l’habitat qui apparaît chez lui comme la matérialisation de la pensée humaine dans l’espace. Les tubes de néon fluorescent qu’il utilise fréquemment viennent souligner d’un halo lumineux les lignes-force de ce qui pourrait être un dessin d’architecture. Les cadres de façades en aluminium, Pedro Cabrita Reis, South Wing, 2015, le plâtre, les panneaux de verre Sécurit, les briques, le câble électrique entrent wooden doors, approx. 200 x 300 x 1 200 cm. dans la composition de ses œuvres qui naviguent entre objets et constructions. Courtesy the artist and Magazzino (Rome), Peter Freeman Inc. (New York, Paris), South Wing, présentée sur Art Unlimited, est constituée d’une cinquantaine de Sprovieri, (London), Kewenig (Berlin, Palma), portes en bois de couleurs différentes articulées les unes aux autres et formant Mai 36 Galerie (Zurich). Photo : Joao Ferrand. comme un long paravent. L’ensemble devient un groupe sculptural qui joue sur les notions de montrer et de cacher, sur les effets de lumière et l’obscurité. La longue paroi que forment ces portes de réemploi, construction fragile et inhabitée, crée pour le visiteur un sentiment d’exclusion, de rejet à l’extérieur venant d’éléments d’architecture liés Pedro Cabrita Reis à l’enfermement. l 1956 Born in Lisbon, Portugal 2009 Biennale de Lyon, Lyon 2011 M Museum, Leuven, Belgium Geometric shapes made of furniture or architectural 2013 Palazzo Falier, 55th Venice Biennale elements constitute the fundamental vocabulary in the work of Pedro Cabrita Reis. His creations address the question of the habitat that he conceptualizes as the materialization of human thought in space. The fluorescent neon tubes he uses frequently underline with a halo of light the force-lines of what could be an architectural drawing. The frames of façades in aluminum, plaster, Securit glass panels, bricks, or electrical cable enter into the composition of his works, which navigate between objects and constructions. South Wing, presented in Art Unlimited, consists of some fifty wooden doors in different colors hinged to each other, forming something like a long screen. The ensemble becomes a sculptural group that plays on notions of showing and hiding, and on the effects of light and darkness. The long wall formed by these reclaimed doors, a fragile and uninhabited structure, creates for the visitor an impression of exclusion, a rejection to the outside, arising from architectural elements related to confinement. l

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LAURA BARTLETT GALLERY, London — Stand N17 By/Par Alexandrine Dhainaut Sol Calero

Les installations de Sol Calero cultivent le flottement entre art et décoration d’intérieur. Influencée Sol Calero, Estudio de interior caribeño, par Carmen Miranda, célèbre chanteuse brésilienne 2015, oil on canvas, qui troquait volontiers sa chevelure contre une coupe 200 x 200 cm. Courtesy Laura Bartlett Gallery, London. de fruits bien garnie, l’artiste vénézuélienne recrée des environnements familiers, des lieux de sociabilité tels un salon de coiffure ou une salle de danse, qu’elle « tropicalise » en quelque sorte par les choix de couleurs vives, d’objets et de motifs. Au-delà d’une esthétique pop avec force bananes, pastèques et ananas et d’une iconographie exotique avec laquelle elle joue, le travail de Sol Calero aborde le thème de l’identité culturelle latino-américaine, de sa construction à travers les relations historique, politique et sociale complexes entre les deux Amériques mais aussi de la prétendue suprématie artistique européenne. Le bureau de change qu’elle recrée à Bâle jusque dans les moindres détails (une monnaie spécialement éditée pour la foire peut être convertie selon le taux de change du jour) fait écho à la crise économique et institutionnelle qui bouleverse actuellement le Venezuela. l

Sol Calero 1982 Born in Caracas, Venezuela 2014 “Bienvenidos A Nuevo Estilo”, Laura Bartlett Gallery, London, UK 2016 Solo exhibition, Kunsthaus Bregenz, Austria The installations by Sol Calero nurture the wavering between art and interior design. Influenced by Carmen Sol Calero, Untitled (Facade 4), Miranda, the famous Brazilian singer who cheerfully 2015, acrylic, sand, canvas, concealed her hair beneath an impressive headdress of 200 x 290 cm. Courtesy Laura Bartlett Gallery, London. colorful fruit, the Venezuelan artist recreates familiar environments, social spaces like a hair salon or a dance hall, that she “tropicalizes” in some way by her choice of bright colors, objects and patterns. Beyond a pop aesthetic via the dynamism of bananas, watermelons and pineapples added to the exotic iconography with which she plays, Sol Calero’s work tackles the theme of Latin American cultural identity. She is concerned with its construction through complex historical, political and social relations between the two Americas but also the supposed European artistic supremacy. The foreign exchange bureau she recreates in Basel down to the smallest details (coins specially issued for the fair can be converted according to the exchange rate of the day) also echoes the economic and institutional crisis currently overwhelming Venezuela. l

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AIR DE PARIS (Paris), CASEY KAPLAN (New York), By/Par GALERIE EVA PRESENHUBER (Zurich) — Stand U66 Cédric Aurelle Trisha Donnelly

Trisha Donnelly’s work is part of a conceptual Le travail de Trisha Donnelly s’inscrit dans tradition mixed with institutional critique. Consequently, une tradition conceptuelle mâtinée de critique she objects in principle to any form of communication on institutionnelle. Ainsi, elle s’oppose à toute forme de the projects she completes and remains mysterious about communication a priori sur les projets qu’elle doit réaliser the meanings of the works she produces, never delivering et reste mystérieuse quant aux significations des œuvres parameters to viewers other than the very experience of qu’elle réalise, ne livrant jamais de piste aux regardeurs the work she invites them to enter. A hermeticism that autres que l’expérience même de l’œuvre à laquelle elle forgoes the presentation of her work while appealing to les invite à se joindre. Un hermétisme qui fait l’économie the viewer’s intuitive sense, memory and the operation of d’une présentation de son travail tout en sollicitant du games of association in the mind. spectateur son sens intuitif, sa mémoire et la Trisha Donnelly is a rare artist who mise en œuvre de jeux d’association dans l’esprit. delivers a trickle of subliminal messages, Trisha Donnelly Trisha Donnelly est une artiste rare, qui délivre dispensing a few images of a work that 1974 Born in au compte-gouttes des messages subliminaux, draws upon texts, performance, sound, San Francisco, USA livre quelques images d’une œuvre qui convoque light phenomena, energies, and their 2005 Kunsthalle textes, performance, sons, phénomènes traces in drawings... She is the only artist Zürich, Switzerland lumineux, énergétiques, et leurs traces dans des 2012 dOCUMENTA to have had the same work shown in dessins… Elle est la seule artiste dont une même (13), Kassel, Germany two consecutive Venice Biennales. Trisha œuvre a été présentée à deux Biennale de Venise 2016 Serralves Villa, Donnelly will live in France at the Atelier Serralves Museum of d’affilée. Trisha Donnelly résidera en France à Calder in Saché next fall and will benefit Contemporary Art, l’atelier Calder à Saché à l’automne prochain et from an exhibition at Palais de Tokyo, Porto, Portugal bénéficiera d’une exposition au Palais de Tokyo, à Paris in 2017. l Paris, en 2017. l

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RAEBERVONSTENGLIN, Zürich — Stand T3 By/Par Emmanuelle Lequeux Sofia Hultén

What exactly is the “speculative fiction” that provides the title for this new installation by Sofia Hultén? One of the subgenres of science fiction, based on the principle of “what if?”. Or a proposal that opens up all possibilities. The Berlin-based Swedish artist employs this almost against type, working with the most humble and utilitarian objects: bicycle frames, locks, paint, stickers. Entirely run-of-the-mill forms that she arranges in her own way using however many staged stories to make the narrative potential of sculpture resurface. A store grill, a trolley, simple tarpaulins... She appropriates the most trivial objects to generate her sculptures, disrupting their structures, playing on simple symmetry as well as the most sophisticated forms of mathematical topology. To these urban elements, led delightfully astray, is added a video entitled Nonsequences, featuring a variation on the simple eating of an apple. There is also a series of photographs taken on a walk in Berlin during which the artist trades her shoes for a pair of discarded old trainers. And the science fiction in all this? It lies in the artist’s Sofia Hultén ability to take advantage of things, before launching 1972 Born in Sweden them into an improbable journey from which they 2007 IKON Gallery, return transfigured. All mingled with deadpan humor Birmingham, UK and a smidgen of quantum physics, just to recollect 2013 Kunstverein that the slightest fissure, upon the ugliest of sidewalks, Braunschweig, can provide access to parallel worlds. l Sofia Hultén, Braunschweig, Indecisive Angle VIII, Germany 2015, modified found trolley, paint, 124 x 2015 Espai 13, Qu’est-ce que la « fiction spéculative » qui 70 x 70 cm. Unique. Miro Foundation, Courtesy: Barcelona, Spain donne son titre à cette toute nouvelle installation RaebervonStenglin, de Sofia Hultén ? Il s’agit d’un des sous-genres de Zürich. la science-fiction, basé sur le principe du « et si ? ». Soit une proposition qui ouvre sur tous les possibles. Basée à Berlin, l’artiste suédoise en use presque à contre-emploi, travaillant à partir des objets les Sofia Hultén, plus humbles et utilitaires : le cadre d’un vélo, des verrous, de la peinture, Trucking, 2014. A photo series of des stickers. Des formes ultra-quotidiennes, qu’elle agence à sa façon, en Swapping the trainers autant d’histoires mises en scène afin de faire resurgir le potentiel narratif de I am wearing for a pair discarded in the la sculpture. Une grille de magasin, un diable, des bâches toutes bêtes… Pour street. 7 photographs. donner naissance à ses sculptures, elle s’empare du plus trivial objet, pour en Courtesy: RaebervonStenglin, perturber la structure, jouant de la simple symétrie comme des formes les plus Zürich. sophistiquées de la topologie mathématique. À ces éléments urbains joliment dévoyés s’ajoute une vidéo intitulée Nonsequences, variation autour de la simple dégustation d’une pomme, ainsi qu’une série de photographies prises lors d’une balade à Berlin durant laquelle l’artiste a troqué ses chaussures contre une paire de vieilles baskets abandonnées. Et la science-fiction dans tout ça ? Elle réside dans la capacité de l’artiste à prendre le parti des choses, avant de les lancer dans un improbable voyage dont elles reviennent métamorphosées. Le tout mâtiné d’un humour pince-sans-rire et d’une lichette de physique quantique, histoire de rappeler que la moindre faille, s’ouvrant sur le plus laid des trottoirs, peut donner accès à des mondes parallèles. l

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LUXEMBOURG & DAYAN By/Par Roxana Azimi (London, New York) — Stand C1 Jannis Kounellis

En 1969, le Grec devenu Romain d’adoption Jannis Kounellis avait déjà dynamité la frontière entre l’espace d’exposition et le réel en exposant douze chevaux vivants à la Galerie de l’Attico. Trois ans plus tard, il frappe fort à la Documenta de Cassel avec Da Inventare sul Posto, une performance où il mêle peinture et chorégraphie sur la musique de Pulcinella qu’Igor Stravinsky avait composée pour les Ballets Russes. Pari audacieux, car peu commercial, la galerie Luxembourg & Dayan choisit de réactiver cette œuvre sur Feature. Un violoniste joue une petite séquence pendant qu’une ballerine improvise quelques pas de danse devant une toile rose, grossièrement brossée, traversée d’une portée musicale. Kounellis explore les questions d’invention, d’intuition et de hasard. Mais aussi, comme toujours, d’espace. La musique semble émaner aussi bien de l’archet du musicien que du tableau lui- même. Le son prend de la couleur, les deux interprètes se muent en signes, le spectateur cherche sa place. Tout Jannis Kounellis, Da Inventare est énigme, et tout fait sens. l sul Posto, presented at Documenta V, Kassel, 1972. © Paolo Mussat Sartor.

In 1969, the Greek who became Roman by adoption, Jannis Kounellis, Jannis Kounellis 1936 Born in Piraeus, had already exploded the boundary Greece between the exhibition space and 1967 Associated with reality by exhibiting twelve live Arte povera horses in the L’Attico Gallery. Three 2015 Musée d’art moderne years later, he made a big impact at de Saint-Étienne, France the Documenta in Kassel with Da Inventare sul Posto (To Invent on the Spot), a performance where he mixed painting and choreography to the music of La Pulcinella, composed by Igor Stravinsky for the Ballets Russes. A bold gamble – far from commercial – the Luxembourg & Dayan gallery has elected to reactivate this artwork in the Feature section. A violinist plays a short musical sequence while a ballerina improvises dance steps in front of a pink canvas featuring rough brush strokes and musical bars. Kounellis explores questions of invention, intuition and chance. But also, as always, space. The music seems to emanate as much from the musician’s bow as the painting itself. Sound assumes color, the two performers transformed into signs, with the viewer seeking his place. Everything is enigmatic and everything makes sense. l

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303 GALLERY (New York), KÖNIG GALERIE (Berlin), By/Par KAMEL MENNOUR (Paris) — Stand U30 Cédric Aurelle Alicja Kwade

Alicja Kwade réalise des installations mixed-media par lesquelles elle se joue des perceptions mentales et des expériences physiques, interrogeant la façon dont le corps interagit avec l’espace et le temps. Parmi les éléments récurrents de son travail, figurent des jeux de doubles imparfaits, d’images réfléchissantes et de répétition. Le temps et la lumière sont deux éléments qui traversent son travail. Pour Out of Ousia, elle crée un environnement sculptural qui s’étend au-delà des limites de la réalité observable. Une structure composée de murs en béton, d’un double miroir et d’une importante paroi de verre sépare différents espaces perceptuels qui coexistent sans pouvoir être pénétrés simultanément. Une branche d’arbre s’appuie contre une des parois en béton alors que sa réplique exacte en acier corten figure en symétrie. Sur une autre paroi, un bloc de pierre repose au sol contre un miroir et son double inversé en aluminium forme la paire de l’autre côté de la cloison. La traversée des apparences crée un sentiment de confusion croissant au fur et à mesure que le visiteur cherche à pénétrer dans l’œuvre. l

Alicja Kwade creates mixed-media installations in which she manipulates mental perceptions and physical experiences, questioning how the body interacts with space and time. Recurring elements of her work include games of imperfect doubling, mirror images and repetition. Time and light are two elements that run throughout her practice. For the work, Out of Ousia, she creates a sculptural environment that extends beyond the boundaries of observable reality. A structure consisting of concrete walls, a double mirror and a large glass wall separates different perceptual spaces that coexist but cannot be penetrated simultaneously. A tree branch rests against one of the concrete walls while its exact replica in corten steel appears in symmetry. On another wall, a stone block lies on the floor against a mirror, its inversed double in aluminum forming a pair on the other side of the partition. The intersection of appearances creates a growing sense of confusion as the visitor progressively seeks to enter the work. l

Alicja Kwade, Out of Ousia, 2016, sketch. © Alicja Kwade. Courtesy the artist, 303 Gallery, New York ; König Galerie, Berlin ; kamel mennour, Paris.

Alicja Kwade 1979 Born in Poland 2008 Piepenbrock Förderpreis für Skulptur, Hamburger Bahnhof, Berlin, Germany 2012 Palais de Tokyo, Paris, France 2016 De Appel Arts Centre, Amsterdam, Netherlands FAISONS DE L’INCONNU UN ALLIÉ

OCTOBER 2016

Camille Blatrix, Tyler Coburn, Mimosa Echard, Simon Fujiwara, Yngve Holen, Oliver Laric, Lucy McKenzie, Perks And Mini (P.A.M.), Mary Ping, Studio Brynjar & Veronika, Valerie Snobeck, Cally Spooner, Rayyane Tabet, Anicka Yi.

October 2016, Paris lafayetteanticipation.com @lafayetteanticipation #LafayetteAnticipation #FondationGaleriesLafayette UNLIMITED PAGE LE QUOTIDIEN DE L’ART | JUNE 2016 SPECIAL ISSUE 22

BLONDEAU & CIE, Geneva – Stand U36 By/Par Roxana Azimi Louise Lawler

This is not the most typical work from the American artist Louise Lawler, known for her fondness for photographing the art world from behind the scenes. In the Helms Amendment installation exhibited by the Blondeau & Cie gallery in Art Unlimited, the artist soberly castigates the deplorable behavior of American politicians in the early days of the emergence of AIDS. On October 14th, 1987 under the leadership of Senator Jessie Helms, the US Congress passed an amendment that no funds disbursed to care centers should serve for information material or prevention that “directly or indirectly would encourage homosexual relationships”. In response, two years later Louise Lawler produced a series of 94 photographs, all identical, featuring a plastic cup. Under each photograph are the names of the 94 senators of all political persuasions who approved this infamous amendment. As the American political debate unfolds, it sometimes descends to even lower depths as evidenced today by the homophobic outpourings from such candidates as Donald Trump. l

Louise Lawler 1947 Born in Bronxville, New York 1978 First exhibition at Artists Space, New York 2007 Documenta, Kassel, Germany 2014 Exhibition “Adjusted”, Museum Ludwig, Cologne, Germany

Louise Lawler, Ce n’est pas l’œuvre la plus typique Helms Amendment, de l’Américaine Louise Lawler, qui s’est plu 1989, 94 black and white pictures. à photographier les coulisses du monde de Courtesy Galerie l’art. Dans l’installation Helms Amendment Blondeau & Cie, Geneva. que la galerie Blondeau & Cie expose sur Art Unlimited, l’artiste fustige sobrement le comportement déplorable des politiciens américains au début de l’apparition du Sida. Le 14 octobre 1987, sous l’impulsion du sénateur Jessie Helms, le congrès américain vota un amendement selon lequel aucun fond versé aux centres de soin ne devrait servir à des supports d’information ou de prévention qui « encourageraient directement ou indirectement des rapports homosexuels ». En réponse, Louise Lawler réalise deux ans plus tard une suite de 94 photographies, toutes identiques, représentant un gobelet en plastique. Sous chaque cliché sont inscrits les noms des 94 sénateurs de tous bords qui approuvèrent cet amendement infâme. Signe que le débat politique américain, tombé au plus bas avec les sorties homophobes du candidat républicain Donald Trump, n’a parfois pas été très reluisant… l

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CARLIER GEBAUER, Berlin — Stand U80 By/Par Cédric Aurelle Julie Mehretu

Julie Mehretu produces paintings on a massive scale by superimposing layers of acrylic, marker or Indian ink on canvas. She mixes abstract motifs that bring to mind mapping as much as architecture, but their intricacy Julie Mehretu resembles calligraphy of a complexity verging on abstraction. Her works 1970 Born in Addis Ababa, Ethiopia merge various references to the history of art ranging from Italian Futurism 2007 Louisiana Museum of to Malevich’s geometric abstraction, ending in Abstract Expressionism’s Modern Art, Humlebaek, Denmark Color Field. For Art Unlimited, she is showing a large wall drawing from 2010 Solomon R. Guggenheim 2004 titled Eye of Ra, which represents the feminine counterpart of the god Museum, New York, USA Ra. The mythological figure of ancient Egypt linked to the sun god, symbol 2012 Documenta (13), Kassel, of light, warmth and growth manifests itself in her work through the flames Germany and clouds that seem projected from a hole formed in the upper part of the composition. The whole evokes a sky animated by large curved lines seeming to materialize the turbulence of the atmosphere energizing a composition marked by urgency. l

Julie Mehretu réalise des peintures à très grande échelle en superposant des couches d’acrylique, de marqueur ou encre de chine sur toile. Elle mélange des motifs abstraits qui évoquent aussi bien la cartographie que l’architecture, mais leur intrication s’apparente à une Julie Mehretu, calligraphie dont la complexité confine à l’abstraction. Ses œuvres font Eye of Ra, 2004, fusionner différentes références à l’histoire de l’art allant du Futurisme italien ink on acrylic latex, 431 x 575 cm. à l’abstraction géométrique de Malevitch pour finir dans le Color Field de Courtesy of the artist l’expressionnisme abstrait. Pour Art Unlimited, elle présente un grand wall and carlier | gebauer, Berlin. drawing de 2004 intitulé Eye of Ra (L’œil de Ra) qui matérialise la contrepartie féminine du dieu Ra. La figure mythologique de l’ancienne Égypte liée au dieu solaire, symbole de lumière, de chaleur et de croissance se manifeste dans son travail à travers les flammes et nuées qui semblent projetées depuis un trou ménagé dans la partie haute de la composition. L’ensemble évoque un ciel animé de grandes lignes courbes semblant matérialiser les turbulences de l’atmosphère qui dynamisent une composition marquée par l’urgence. l

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GALERIE BARBARA THUMM, Berlin — Stand C5 By/Par Roxana Azimi Anna Oppermann

Anna Oppermann, Anna Oppermann, Mr. S, Mr. S, 1969-1989, 1969-1989, Ensemble, installation Ensemble (detail), view at Kunstverein, 45 x 125,30 cm. Hamburg, 1984. Courtesy the estate Courtesy the estate of Anna Oppermann of Anna Oppermann and Galerie Barbara and Galerie Barbara Thumm, Berlin. Thumm, Berlin.

L’amour, le sexe, le genre : voilà le trépied de Love, sex, and gender: the threefold root of the l’œuvre foisonnante que l’artiste féministe allemande prolific oeuvre that the German feminist artist Anna Anna Oppermann (1940-1993) a conçue à partir des Oppermann (1940-1993) produced from the 1970s. années 1970. Véritables Merzbau, ses installations Veritable Merzbau, her kaleidoscopic installations are kaléidoscopiques se composent d’une accumulation comprised of an accumulation of photographs, notes, de photos, notes, archives et dessins, collectés avec un records and drawings collected with a surprisingly systématisme insoupçonné autour d’une thématique systematic approach based on a specific theme, the spécifique, la condition féminine mais aussi le marché female condition, but also the art market. “I create the de l’art. « Je crée les bases pour une investigation », écrira- foundations for an investigation,” she wrote. Galerie t-elle. La galerie Barbara Thumm (Berlin) présente Barbara Thumm (Berlin) presents the Portrait de Monsieur sur Feature Portrait de Monsieur S, exposé en 1980 à la S in the Feature section, which was exhibited in 1980 at Biennale de Venise, et installée pendant the Venice Biennale, and installed for deux ans, de 1989 à 1990, à l’hôtel arty two years in the arty Teufelhof hotel Anna Oppermann Teufelhof à Bâle. L’œuvre renvoie dans ses 1940 Born in Eutin, Germany in Basel from 1989 to 1990. The work cordes le mariage bourgeois et son arsenal 1977 documenta 6, Fridericianum placed bourgeois marriage and its de diktats masculins. Ce qui n’a pas Kassel, Germany arsenal of male diktats under scrutiny, empêché que cette chambre temporaire 1993 Died in Celle, Germany which didn’t prevent this temporary soit en son temps très appréciée des 1999 P.S.1 Contemporary Art bedroom from being popular with jeunes mariés. l Center, Long Island City, New honeymooners in its day. l York, USA STATEMENTS PAGE LE QUOTIDIEN DE L’ART | JUNE 2016 SPECIAL ISSUE 27

ARRATIA BEER, Berlin — Stand N8 By/Par Alexandrine Dhainaut Mary Reid Kelley

Veritable tableaux vivants, the performance-videos by Mary Reid Kelley feature the artist herself (and sometimes family members) declaiming texts written in verse on questions regarding women, gender, or modernity. Instantly recognizable, the black and white videos by the Californian artist combine German expressionism, theater and cartoonish aesthetics. This world is populated by grotesque and nightmarish death’s head characters drawn in broad strokes, surveying us with their strange black protruding eyes. They move about in minimalist settings, and punning wordplay abounds (Sadie, The Saddest Sadist or The Syphilis of Sisyphus). Presented along with its script, two light boxes and objects used in the filming, the video, This is Offal, (originally performed live by the artist at London’s Tate Modern in 2015) grants the power of speech to the organs of a suicide victim at her autopsy, which go on to express their displeasure with this young woman’s extreme decision. l Mary Reid Kelley with Patrick Kelley, This is Offal, 2016, 12 min 30 sec (est), Single Channel HD video with sound. Video stills. Courtesy of the artist and Arratia Beer, Berlin.

Véritables tableaux vivants, Mary Reid Kelley les vidéos-performances de Mary 1979 Born in Greenville, Reid Kelley mettent en scène South Carolina, USA l’artiste elle-même (et parfois 2013 Screening, Ericka des membres de sa famille) Beckman: Image games déclamant des textes écrits en – work in context, Tate vers, dans lesquels sont abordées Modern, London 2014 “Mary Reid Kelley”, les questions de la femme, du Neuer Kunstverein Wien, genre, ou encore de la modernité. Vienna, Austria Reconnaissable au premier coup d’œil, les vidéos en noir et blanc de l’artiste californienne mêlent expressionnisme allemand, théâtre et esthétique cartoonesque. L’univers est ainsi peuplé de personnages à têtes de mort, grotesques et cauchemardesques, dessinés à gros traits, qui nous regardent avec leurs étranges yeux globuleux noirs et se meuvent dans des décors de peu, où le jeu de mots est légion (Sadie, The Saddest Sadist ou The Syphilis of Sisyphus). Présentée avec son script, deux light boxes et des objets qui ont servi à son tournage, la vidéo This is offal (que l’artiste avait dans un premier temps jouée en live à la Tate Modern à Londres en 2015) donne cette fois la parole aux organes (« offal » signifiant « abat ») d’une suicidée lors de son autopsie, qui expriment alors leur mécontentement face à la décision radicale de cette jeune femme. l

Mary Reid Kelley with Patrick Kelley, I Regret, Juliet, 2016. Lightbox, 170 x 96 cm. Courtesy of the artist and Arratia Beer, Berlin. FEATURE PAGE LE QUOTIDIEN DE L’ART | JUNE 2016 SPECIAL ISSUE 28

TORNABUONI ART (Paris, Milan, London) — Stand C4 By/Par Roxana Azimi Salvatore Scarpitta

Salvatore Scarpitta, Sal Ardun Special, 1964-1983. Courtesy Tornabuoni Art, Paris, London, Milan.

Né d’un père Sicilien et d’une mère Russe, Salvatore Scarpitta (1919-2007) est de ces illustres méconnus. Sait-on qu’il fut par exemple un « Monuments Man », cet escadron de marines envoyés en Europe pendant la Seconde Guerre mondiale pour protéger les œuvres d’art et sites patrimoniaux ? Peu de gens savent qu’il a aussi travaillé à Rome jusqu’en 1958, avant de rejoindre New York sur les conseils du grand marchand Leo Castelli. S’il montre d’abord des toiles emballées, il se fera surtout connaître au milieu des années 1960 avec ses impressionnantes reproductions d’automobiles de course, dont la galerie Tornabuoni Art (Paris, Londres, Milan) présente sur Feature Sal Ardun Special, la dernière voiture encore disponible en mains privées. D’où lui vint le goût des grosses cylindrées ? De son enfance californienne. Et puis entre l’art et l’automobile, il est bien de points Salvatore communs, comme le goût du risque et l’intuition. Scarpitta Mais la pièce phare du stand est surtout Sling Shot, 1919 Born in New York une des dernières œuvres monumentales de Scarpitta Salvatore Scarpitta, Sling Shot, Kenny 1959 Leo Castelli conjuguant tout son vocabulaire, des bandages aux Adam’s Eve, 1996. Courtesy Tornabuoni Gallery, New York voitures en passant par les luges. l Art, Paris, London, Milan. 1993 Venice Biennale, Italy Born of a Sicilian father and a Russian mother, 2007 Died in New York Salvatore Scarpitta (1919-2007) was one of those unsung heroes. For instance, does anyone know that he was a “Monuments Man”, a member of the squadron of marines sent to Europe during World War II to protect works of art and heritage sites? Few people know that he also worked in Rome until 1958, before moving to New York on the advice of the great art dealer Leo Castelli. He initially exhibited wrapped canvases, but he would become especially known in the mid-1960s for his impressive racing car creations. The Galerie Tornabuoni Art (Paris, London, Milan) presents the Sal Ardun Special in the Feature section, the last car still available in private hands. Doubtless the origins of his taste for big cars lie in his Californian childhood. And then, there is much common ground between art and the automobile, such as the appetite for risk and intuition. But the flagship piece on the stand is definitely Sling Shot. One of the last of Scarpitta’s monumental works, it incorporates his entire vocabulary, including bandages, cars and sleds. l FEATURE PAGE LE QUOTIDIEN DE L’ART | JUNE 2016 SPECIAL ISSUE 29

BERGAMIN & GOMIDE, São Paulo — Stand J5 By/Par Roxana Azimi Mira Schendel

Mira Schendel, Untitled, from the series Toquinhos, 1972, 49 x 25 cm. Courtesy Bergamin & Gomide, São Paulo.

Mira Schendel, Objeto Gráfico, années 1960s, 100 x 100 cm. Courtesy Bergamin & Gomide, São Paulo.

From her Swiss and Brazilian ancestry, as well as her European wanderings to escape fascism, the artist Mira Schendel (1919-1988) shaped a rather unclassifiable and complex oeuvre – conceptual, artisanal and sensual. Competing between logic and imagination, abstraction and the figurative, the artist exhibited agile powers defying easy classifications. In the Feature section, the Bergamin & Gomide gallery (São Paulo) has chosen to present the tipping point between the painting of archetypal forms and concrete poetry. Mira Schendel seems to constantly juggle between immanence, mysticism and materialism, in the manner of say James Lee Byars. The gallery presents her Droguinhas, little trifles of quivering translucence, akin to knitted rag dolls, made from rice paper. The artist would also find transparency using acrylics to sheath her rice paper, particularly in Objects graphics, a palimpsest of esoteric literature, like a chain of ideas and opaque signs. l

Mira Schendel De ses ascendances suisse et brésilienne comme de son errance 1919 Born in Zurich, Switzerland européenne pour échapper au fascisme, l’artiste Mira Schendel (1919-1988) 1968 Venice Biennale, Italy a tiré une œuvre complexe, conceptuelle, artisanale et sensuelle plutôt 1988 Died in São Paulo, Brazil 2001 Galerie Nationale du Jeu de Paume, inclassable. Régatant entre logique et imaginaire, figuration et abstraction, Paris, France l’artiste est de ces forces agiles rétives aux classifications. C’est le moment 2013 Tate Modern, London, England charnière entre une peinture de formes archétypales et la poésie concrète que la galerie Bergamin & Gomide (São Paulo) a choisi de présenter dans la section Feature. Mira Schendel semble sans cesse jongler entre immanence, mysticisme et matérialité, à la manière d’un James Lee Byars. La galerie présente ses Droguinhas, petits riens semblables à des poupées de chiffon tricotées dans du papier de riz, chancelantes et diaphanes. La transparence, l’artiste la trouvera aussi dans l’acrylique venant gainer son papier de riz, notamment dans les Objects graphics, palimpseste de lettres ésotériques, comme une chaîne d’idées et de signes opaques. l UNLIMITED PAGE LE QUOTIDIEN DE L’ART | JUNE 2016 SPECIAL ISSUE 30

GALLERIA MASSIMO MININI, Brescia — Stand U35 By/Par Cédric Aurelle Ariel Schlesinger

Ariel Schlesinger réalise des pièces ludiques qui interrogent le registre de la menace, jouant souvent avec le feu ou avec des équilibres instables qui pourraient être l’œuvre d’un apprenti sorcier tout autant que celles d’un artiste post-conceptuel. Dans son travail, les frontières entre l’invention et la pratique artistique d’atelier s’effacent, mettant en valeur la dimension autodidacte du chercheur investi d’un esprit jouant avec les énergies. Derrière une œuvre qui pourrait apparaître résolument poétique se cache souvent une dimension politique aussi bien qu’un potentiel destructif. Pour Art Unlimited, Ariel Schlesinger présente Two Good Reasons, la plus grande version d’un projet constitué de deux feuilles de papier posées au sol et tournant sur elles-mêmes, se relevant mutuellement dans ce qui pourrait ressembler à une lutte amoureuse. Les deux feuilles se touchent, se frottent, forment un mouvement érectile pour redescendre, revenir dans leur position initiale, et repartir pour un tour. l

Ariel Schlesinger creates playful pieces that question the zone of threat, often playing with fire or unstable equilibriums that might well be the work of a sorcerer’s apprentice as much as a Ariel Schlesinger, post-conceptual artist. In his practice, the boundaries between invention Two Good Reasons, and artistic studio-bound practice disappear, highlighting the self-taught 2015, polypropilane, engine, wood, dimension of the researcher endowed with an energetic spirit. Behind an 100 x 132 cm each oeuvre that might appear resolutely poetic often lurks a political dimension, sheet, 310 x 300 cm set up dimension. as well as a destructive potential. For Art Unlimited, Ariel Schlesinger presents Courtesy Galleria Two Good Reasons, the larger version of a project Massimo Minini, Brescia. consisting of two sheets of paper laid on the floor and rotating on themselves, conjointly rising in what might Ariel Schlesinger look like an amorous struggle. The two sheets touch and 1980 Born in Jerusalem, Israel 2008 Biennial of Young Artists, rub to form an erectile movement before descending Bucharest, Romania again and returning to their initial position. The cycle 2011 Musée du château des ducs de resumes. l Wurtemberg, Montbéliard, France 2014 Kunsthaus Baselland, Muttenz/Basel, Switzerland STATEMENTS PAGE LE QUOTIDIEN DE L’ART | JUNE 2016 SPECIAL ISSUE 31

SELMA FERIANI GALLERY, By/Par London, Sidi Bou Said — Stand N15 Roxana Azimi Massinissa Selmani

Massinissa Selmani est de la famille des artistes modestes et appliqués, malgré sa consécration à la Biennale de Venise en 2015, où il a décroché une mention spéciale du jury, puis sa participation dans la foulée à la Biennale de Lyon. Un discret aussi, économe de ses moyens. Formé à l’École des beaux- Massinissa Selmani arts de Tours (France), ce jeune kabyle a trouvé dans le dessin son médium 1980 Born in Algiers, Algeria 2011 Melle Biennale, Melle, France de prédilection : léger, sans artifices, tout en retenue et prolixe à la fois. Sur le 2015 13th Lyon Biennale, Lyon, France stand de la galerie Selma Feriani (Londres, Sidi Bou Said), il propose la série 2015 Venice Biennale, Italy Les Métamorphes sur papier-calque et des Mémoires potentielles, inspirés d’un 2015 Centre de Création Contemporaine film d’animation. Le fond de l’air de ses feuilles est toujours tragique, tiré Olivier Debré, Tours, France de photographies représentant des scènes d’accident ou de crime. En isolant les éléments et en occultant le contexte, Massinissa Selmani désamorce la violence tout en laissant sourdre de son trait gracile, parfois évanescent, l’odeur du drame et son absurdité. l

Massinissa Selmani, Metamorphe No.IX. Courtesy Selma Feriani Gallery, London, Sidi Bou Said.

Massinissa Selmani is one of the tribe of humble and industrious artists; and this despite the recognition he won at the 2015 Venice Biennale, where he received an honorable mention from the jury, and his subsequent participation at the Biennale de Lyon. He is also an understated figure, optimizing his resources. Educated at the École des beaux-arts de Tours (School of Fine Arts of Tours in France), this young Kabylian found his chosen medium in drawing: light, free of artifice, simultaneously full of restraint and verbosity. On the Galerie Selma Feriani Gallery (London, Sidi Bou Said) stand, he presents Les Métamorphes, a series on tracing paper, and Mémoires potentielles, inspired by an animated film. The underlying atmosphere of his pieces is always tragic, drawn from photographs of accident sites and crime scenes. Massinissa By isolating elements and masking Selmani, Potential contexts, Massinissa Selmani defuses Memory No.I. Courtesy Selma violence, while allowing the odor of Feriani Gallery, drama and its absurdity to spring from London, Sidi Bou Said. his graceful, occasionally evanescent, line. l UNLIMITED PAGE LE QUOTIDIEN DE L’ART | JUNE 2016 SPECIAL ISSUE 32

CHEMOULD PRESCOTT ROAD (Bombay), By/Par GALERIE KRINZINGER (Vienna), Roxana Azimi GALERIE NATHALIE OBADIA (Paris, Brussels) Stand U60 Mithu Sen

Ce sont les petits riens Little trifles collected since accumulés depuis l’enfance, childhood, a museum of the musée de l’intime et de la personal and false innocence, fausse innocence, que l’artiste are presented in Art Unlimited bengalie Mithu Sen déploie sur by the Bengali artist Mithu Sen Art Unlimited sous le libellé in a work entitled Museum of de Museum of Unbelongings Unbelongings (2013). Whether (2013). Qu’il s’agisse d’un a voodoo fetish, a votive doll, fétiche vaudou ou d’une poupée an obsolete toy or a sextoy, votive, d’un jouet obsolète each object in this pantheon ou d’un sextoy, chaque objet bears a name, assumes a de ce panthéon porte un personality, and forms part nom, revêt une personnalité, participe d’une narration of a secret narrative of which Mithu Sen alone knows secrète dont Mithu Sen connaît seule la trame. Mêlant the background. Mixing the sensual and the sacred, this le sensuel et le sacré, cette immense archive vernaculaire massive popular archive illustrates the artist’s personal dessine le parcours personnel de l’artiste, jalonné de journey, punctuated by desires and bad dreams, but désirs et de mauvais rêves, mais aussi le kaléidoscope also the kaleidoscope of Indian cultures. The circular des cultures indiennes. La vitrine circulaire qui accueille display case that accommodates this jumble of objects cette farandole d’objets prend des allures de cabinet reassembles a curiosity cabinet, or even a circus, in the de curiosité, voire de cirque, dans l’esprit des théâtres spirit of the shadow theaters dear to the artist. A spirit d’ombres dont l’artiste est friande. Un esprit que partage also shared by her elder, the German artist Hans-Peter aussi son aîné germanique Hans-Peter Feldmann. l Feldmann. l

Mithu Sen 1971 Born in West Bengal, India 2010 Skoda Award on Indian Contemporary Art 2014 Eli and Edythe Broad Art Museum, Michigan State University, USA 2015 Prix Canson, Palais de Tokyo, Paris, France

Mithu Sen, Museum of Unbelongings, 2013. Courtesy Chemould Prescott Road, Bombay and Galerie Nathalie Obadia, Paris, Brussels FEATURE PAGE LE QUOTIDIEN DE L’ART | JUNE 2016 SPECIAL ISSUE 33

GALERIE ZLOTOWSKI, Paris — Stand J4 By/Par Roxana Azimi Kurt Schwitters

Kurt Schwitters, Quoi de mieux pour fêter Untitled, Sahne, 1928, le centenaire de la création du collage, fabric and papers on paper, mouvement Dada à Zürich que 21,4 x 16,6 cm. de présenter un solo show de Kurt Courtesy Galerie Zlotowski, Paris. Schwitters (1887-1948), un artiste partagé, selon l’historienne Hanne Bergius, entre « la mélancolie paupériste » et la « gaieté ironique ». Un créateur tout engagé à son programme artistique baptisé Merz, libellé regroupant l’ensemble de ses travaux à partir de 1919. Au lendemain de la Première Guerre mondiale, dans une Allemagne en ruine, l’esthétique ne peut qu’être fragmentée. Usant presque exclusivement du collage Kurt Schwitters, et de l’assemblage, dont la Galerie Untitled, Merzrelief Blau, Beige, 1942, Zlotowski (Paris) présente des oil, wood, plaster and spécimens de toutes époques, tin plate on wooden panel. Courtesy Galerie Schwitters recycle les rebuts, Zlotowski, Paris. sédimente le bric-à-brac de sa vie, des emballages de cartons aux tickets What better way to celebrate de transport et autres journaux. Au the centenary of the Dada cubisme analytique qui perce encore movement’s creation in Zurich dans les années 1920, s’oppose dans than to present a solo show by Kurt la décennie 1940 une veine plus Schwitters (1887-1948), an artist expressionniste, quoique tempérée. divided, according to historian Malgré les inflexions propres à Hanne Bergius, between “pauperist chaque période, il émane de l’œuvre melancholy” and “ironic gaiety”. de Schwitters un sentiment de A creator entirely committed to continuité, loin des à-coups de his artistic program dubbed Merz, Marcel Duchamp et des volte-face de this label brought together all of Francis Picabia. l his works from 1919 onwards. Immediately after the First World War, in a crumbling Germany, aesthetics could only but be fragmented. Employing almost Kurt Schwitters exclusively collage and assemblage, 1887 Born in Hanover, of which the Galerie Zlotowski Germany (Paris) presents specimens representing all the different periods, Schwitters 1918-19 Invents the term recycled garbage and sedimented the bric-a-brac of his life using cardboard “Merz” for his art 1923 Start of work on the packaging, public transportation tickets or newspapers. To the analytical Merzbau cubism still breaking through in the 1920s, was opposed a more expressionist, 1948 Died in Kendal, England albeit moderate, vein in the 1940s. Despite the inflections peculiar to each period, a sense of continuity emanates from Schwitters’ oeuvre, far removed from the fits and starts of Marcel Duchamp and about-turns of Francis Picabia. l