CRISTINA AGUILERA

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Christina Aguilera. Christina Aguilera, nacida el 18 de diciembre de 1980, es hija de un padre militar y de madre músico, que tocaba para la "Youth Simphony Orchestra". Ya de pequeña, a Christina se le veia mucho interés por el mundo de la música. A los 8 años apareció en el programa estadounidense "Star Search", y a los 10 cantó el himno nacional para los Pittsburgh Steelers y Penguins.

A los 12 ingresa en el "New Mickey Mouse Club", teniendo como compañeras a otras futuras estrellas como Britney Spears o la protagonista de la serie televisiva "Felicity"

Dos años después dejó el "New Mickey Mouse Club" para trasladarse a Japón y adquirir nuevos conocimientos musicales. Allí grabó junto con la estrella del pop japonés Keizo Nakanishi la canción "All I Wanna Do", haciendo una gira por todo japón.

En 1998, después de su experiencia asiática, regresó a EE.UU donde grabó el tema "Reflection" de la película de Disney "Mulan". El tema fue un éxito, y el tema apareció en el TOP 15 A/C, además de haber sido Christina nominada al Globo De Oro por mejor canción original en una película.

En 1993 interpreta la canción "What Child Is This?" perteneciente al disco navideño "Home For The Holidays", y en 1999 realizó un nueva versión titulada "The Christmas Song (Chesnuts Roasting On An Open Fire)", que llego a estar en el top 20 del Billboard Hot 100. En ese mismo año, Christina co-escribió y cantó el tema perteneciente a la banda sonora de Pokemon "We're A Miracle".

Christina, a pesar de su juventud, a cantado con grandes estrellas de la música. En su gira por Japón cantó junto con Sheryl Crow y Diana Ross. También cantó para el presidente de los EE.UU, Bill Clinton, en el espacial televisado "Christmas in Washington", teniendo como compañero nada más y nada menos que a B.B.King. y además cantó al lado de Enrique Iglesias, Phil Collins y Toni Braxton en el medio tiempo de la Super Bowl. Por último, Christina recibió el 24 de Febero de 2000 su mayor éxito musical y por supuesto la mayor alegría al obtener el premio Grammy por mejor artista nueva, lo cual es una merecida recompensa para esta joven norteamericana de la cual se esperan muchas cosas.

Fuente: Todomusica Chuck Berry

Datos generales

Nombre real Charles Edward Anderson Berry

Nacimiento 18 de octubre de 1926(87 años)

Origen Misuri, Estados Unidos

Ocupación Músico, Compositor,Cantautor Información artística

Género(s) Rock and Roll y Blues

Instrumento(s) Voz y Guitarra eléctrica

Período de actividad 1955 – presente

Discográfica(s) Chess Mercury Atco

Charles Edward Anderson "Chuck" Berry (Saint Louis, Misuri, 18 de octubre de1926), es uno de los más influyentes compositores, intérpretes y guitarristas de rock and roll de la historia. Sin duda, Chuck Berry es la máxima influencia de guitarra dentro del rock and roll. Si bien ningún individuo puede decirse que inventó el rock and roll, Chuck Berry viene siendo el más cercano de una cifra única a ser el que puso todas las piezas esenciales juntas. Es una figura influyente y uno de los pioneros del rock and roll. En la década de los 50, Berry interpretó canciones como "Roll Over Beethoven", "Rock and Roll Music", "Route 66" de Bobby Troup, "Johnny B. Goode" y "Maybellene". En 1989 publicó su autobiografía. La revista Rolling Stone lo presenta como el intérprete n.º 5 de toda la historia en su lista "The Immortals" superado solo por The Beatles, Bob Dylan, Elvis Presley y The Rolling Stones. La revista Rolling Stone lo cita como el sexto mejor guitarrista de todos los tiempos. "Johnny B. Goode" su canción mas popular, es considerada la mejor canción de guitarra de la historia del rock and roll, según la revista Rolling Stone. Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en St. Louis, Missouri. Su madre, Martha, era profesora y su padre, Henry, contratista y diácono baptista. Es el tercero de seis hermanos. Estudió en la Simmons Grade School y la Summer High School, esta última la primera escuela de secundaria para afronorteamericanos del oeste de Mississipi, en la que también estudió Tina Turner. Berry había estado tocando blues desde su adolescencia y a principios de 1953 gracias a su maestro, comienza a ganarse un sobresueldo tocando en la Sir John's Trio, una banda que actuaba en un popular club de Saint Louis. Poco más tarde esta banda cambiaría su nombre al de "Chuck Berry Combo". En la ciudad sólo había otra banda que pudiera competir con la de Berry, la de Ike Turner, otro afamado guitarrista. En 1955 comienza su carrera hacia el estrellato. Aparece en cuatro películas. En mayo, viaja a Chicago donde conoce a Muddy Waters quien le sugiere que entre en contacto con la Chess Records. Firmado el contrato, lanzó en septiembre de ese mismo año "Maybellene". A finales de junio de 1956, su canción "Roll Over Beethoven" alcanzaría el puesto 29. En otoño de 1957, Berry, los Everly Brothers, Buddy Holly y otras pujantes estrellas del incipiente rock and rollse juntaron para tocar en gira por los Estados Unidos. En diciembre de 1959, Berry tenía problemas legales después de que contratara a una apache menor de edad, que conoció en México, para trabajar en el club Bandstand de su propiedad en Saint Louis. Arrestaron a la muchacha acusada de prostitución y a Berry lo acusaron de tráfico de menores para propósitos sexuales. Fue condenado a pagar una multa de 5.000 dólares y a cinco años en prisión. Salió en 1963. Ya en los años 1970 Berry viajó durante muchos años con la única compañía de su guitarra Gibson, seguro de que fuera donde fuera podría encontrar una banda que conociera su música y a la cual pudiera contratar. Después de viajar por los circuitos de viejas glorias de los años 1970, Berry volvía a estar en apuros con la ley en 1979. Poco después de actuar en la Casa Blanca para Carter, le culparon de evasión de impuestos. Fue condenado a cuatro meses de cárcel y a 1.000 horas de servicio a la comunidad mediante conciertos benéficos. Al final de los 70, Berry continuaba regularmente con su carrera, tocando tanto en los Estados Unidos como al otro lado del océano. Un miércoles de cada mes, actuaba en el "Blueberry Hill", un bar restaurante en Delmar Loop, un barrio de Saint Louis. Al final de los años 1980, Berry abrió un restaurante en Wentzville, Missouri, al que llamó The Southern Air. También posee un terreno en Wentzville llamado Berry Park, donde durante muchos veranos, Berry dio conciertos de rock. Lo cerró eventualmente al público debido al comportamiento tumultuoso de muchos asistentes. El documental Hail! Hail! Rock 'n Roll trata sobre él y un concierto que hizo en 1987 junto a Keith Richards, Eric Clapton, y Julian Lennon, entre otros. Berry volvería a ser tema de atención al principio de los años 90 por su pretendido voyeurismo en los cuartos de baño femeninos de su hogar y restaurante. Su carácter no es fácil. Frente a sus sentimientos suele levantar un muro de hostilidad. En una ocasión echa del escenario al ínclitoKeith Richards cuando éste sube por sorpresa a tocar con su ídolo; en otra ocasión ambos llegaron a las manos en un camerino. Sin embargo no se puede negar que su figura sea una de las más influyentes en la música rock. Chuck Berry es uno de los pioneros del rock and roll, como se afirma en el sitio web del Salón de la Fama del Rock:1 "Si bien ningún individuo puede decirse que inventó el rock and roll, Chuck Berry viene siendo el más cercano de una cifra única a ser el que puso todas las piezas esenciales juntas".2 Cub Koda escribió, "del rock de todos los principios de avance y artistas rock, ninguna es más importante para el desarrollo de la música que la de Chuck Berry. Él es el compositor más grande, el formador principal de la voz instrumental, uno de los mejores guitarristas, que posee la más clara dicción, y uno de sus más grandes artistas. John Lennon dijo: "Si se tratase de dar al rock and roll otro nombre, podrías llamarlo Chuck Berry". Como pionero del rock and roll, Chuck Berry influyó significativamente en otros músicos (también pioneros) como Ritchie Valens, Bill Haley, Little Richard y Buddy Holly. Cuando Keith Richards le introdujo en el Hall of Fame, dijo: "Es difícil para mi presentar a Berry, porque siempre he machacado lo que él tocaba!". John Lennon, otro devoto de Berry, tomó prestado un verso de la canción de Berry "You Can't Catch Me" para su canción "Come Together" y fue demandado posteriormente por los administradores de Berry. Angus Young de AC/DC, quien ha citado a Berry como una de sus influencias más grandes, es famoso por imitar sobre los escenarios el "andar de pato" (duckwalk) de Berry, es un recordado paso de Rock'n roll, normalmente realizado durante un solo de guitarra que consiste saltar en un solo pie, mientras que se mantiene el otro en el aire apuntando hacia la dirección que se avanza y agitándolo hacia arriba y hacia abajo. Mientras se discute sobre quién realizó la primera grabación del rock and roll, las primeras grabaciones de Berry, incluida "Maybelline"(1955) sintetizaron su estilo, combinando el blues y la música country con temas líricos sobre chicas y coches, con una dicción impecable acompañada de originales solos de guitarra eléctrica. Berry también utilizaría el popular éxito que alcanzaría el boogie para sus composiciones de rock and roll. La mayoría de sus grabaciones más importantes las hizo con la Chess Records acompañado del pianista Johnnie Johnson de su propia banda, del legendario productor de discos Willie Dixon al bajo, de Fred Below a la batería y él mismo a la guitarra. El productor Leonard Chess recordaba lacónicamente: "Le dije a Chuck que le daría el éxíto más grande. ¿Conocen el resto de la historia? Los chicos querían el éxito, los coches y enamorarse. Esa era la tendencia y nosotros saltamos sobre ella". Clive Anderson escribió para el recopilatorio Chuck Berry— Poet of Rock 'n' Roll: "Mientras Elvis era un muchacho de pueblo que cantaba en cierto modo como un "negro"... Chuck Berry proporcionaba el espejo donde la imagen de la música country fue filtrada con la sensibilidad del R&B". Las influencias musicales de Berry incluyeron a Nat King Cole, Louis Jordan y Muddy Waters, el cantante y guitarrista que presentó a Berry a Leonard Chess en la Chess Records. A lo largo de su carrera Berry grabó baladas como "Havana Moon" y blues como "Wee Wee Hours", pero era su propio y novedoso estilo quien le condujo a la fama. Grabó más de 30 grandes éxitos y sus composiciones han sido cantadas por cientos de artistas delblues, del country y del rock and roll. Chuck Berry un hombre que influyó mucho en su estilo, se podría decir con tranquilidad que es la máxima influencia del rock and roll, ya que sus técnicas marcaron un cambio epico en el mismo, inflluyó a muchos músicos. Como por ejemplo: Rolling Stones, The Beatles, Eric Clapton, etc. Numerosas bandas interpretarón canciones de chuck, como por ejemplo los beatles, los cuales llegarón a interpretar más de 6 canciones suyas. A continuación una lista de bandas y artistas que han interpretado al menos una canción de Chuck:

 Tina Turner Rod Stewart Sex Pistols Huey Lewis & The News Iron Maiden  Judas Priest Bon Jovi Foghat Mano Negra Motörhead Los Suaves  Elvis Presley Jimi Hendrix AC/DC Aerosmith Burning Carlos Santana  The Beatles The Grateful Dead Mötley Crüe Skrewdriver Jaime López  Elton John Ossifar Green Day Buck Owens George Thorogood  Peter Tosh Johnny Winter Smitten B.B. King Led Zeppelin Dee Dee Ramones Lynyrd Skynyrd The Beach Boys The Sonics  The Rolling Stones Bruce Springsteen Luis Dimas John Mayer Pappo  Charly García The Trashmen Electric Light Orchestra Los Tres Los Piojos  Viejas Locas Status Quo Agama LiZZard John Denver Bo Diddley  The Toy Dolls Johnny Rivers El Tri (banda) Simon & Garfunkel Johnny Thunders Villanos Kiss Jaquiromaqui Coldplay. El grupo Coldplay está formado por Chris Martín (voz y guitarra), Guy Berryman (bajo), Jon Buckland (guitarra principal) y Will Champion (batería) . Se conocieron en 1996, cuando estudiaban en el University College en Londres. A los cuatro les unía su pasión por la música y rápidamente se hicieron buenos amigos. Al principio, Chris componía canciones con Jonny. Cuando Guy escuchó aquellos temas quiso unirse a la banda como bajista. Y Will, que deseaba tanto o más pertenecer a la banda, tuvo que cambiar el bajo por la batería.

Dos años después de su creación, Coldplay edita su primera grabación, pagada de su bolsillo. Se trata de un EP titulado "Safety", del que editaron 500 copias para repartirlas entre sus amigos y enviarlas a las casas discográficas, como forma de darse a conocer..

En Abril de 1999, Coldplay publicó el sencillo "Brothers & Sisters" con la discográfica Fierce Panda. Debido a esto, la revista New Musical Express eligió a Coldplay como una de las mejores bandas de 1999. Tras ser destacados por varios medios como una de las bandas más prometedoras, Coldplay firma contrato con Parlophone. El primer fruto de esa unión fue "The Blue Room", un miniálbum de cinco canciones, publicado en octubre de 1999 .

En el año 2000 Colplay publica "Parachutes", su primer álbum. El disco obtiene un notable éxito en Europa y algo menos en Estados Unidos. El primer sencillo de "Parachutes" fue el tema "Shiver", que fue seguido por "Yellow", que llegó a estar en el puesto número 4 de las listas británicas. Coldplay gané en el 2002 el Grammy al Mejor Album Alternativo.

En agosto del año 2002 Colplay vuelve a publicar un álbum, esta vez con el título de "A Rush of Blood to the Head", que fue considerado por muchos como la maduración musical de la banda. El disco recibió excelentes críticas y, entre los temas a destacar se encuentran "In My Place", "The Scientist" y "Clocks". Con "A Rush Of Blood To The Head" Coldplay ganó dos premios Grammy en el 2003 y otro en el 2004.

Tras una larga gira de más de un año, en 2003 Coldplay publica " Live 2003", un cd y dvd grabado en directo en un concierto ofrecido en Sydney, Australia. En el año 2004, el vocalista del grupo, Chris Martin, tuvo una hija con la actriz Gwyneth Paltrow. Este hecho sirvió de inspiración a la banda para la edición de un nuevo disco, "X&Y", aparecido en Mayo del 2005.

Fuente: Todomusica Concha Piquer

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Concha Piquer. (Valencia, 1908-Madrid, 1990) Cantante y actriz española. Considerada la máxima expresión de la canción española, destacó como tonadillera por su gran emotividad y expresividad interpretativa. Lo mejor de su repertorio vino de manos de un mítico trío de compositores (León, Quintero y Quiroga). Aunque fuera una diva mimada por el régimen gobernante en España, los roles de mujer fatal, pícara o liberada que aparecían en sus canciones no estaban muy de acuerdo con el orden moral que preconizaba el gobierno, que, sin embargo, no dudó en apropiarse de su obra e imagen con el objetivo de promocionarse en el exterior. En 1927 inició su carrera cinematográfica en El negro que tenía el alma blanca, de Benito Perojo, a la que siguieron otros títulos como Filigrana, de Luis Marquina, hasta su retirada en 1957. DADDY YANKE

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Daddy Yankee. (Nombre artístico de Raymond Ayala; Puerto Rico, 1977) Cantante, compositor y productor puertorriqueño. Raymond Ayala era sólo un niño de trece años de la población de Río Piedras cuando se interesó por la música y empezó a cantar temas rap.

A pesar de esto, sus inicios más o menos profesionales en el mundo de la canción de Puerto Rico vinieron de la mano del conocido artista D.J Playero. Fue entonces cuando nació la figura de Daddy Yankee.

En los comienzos de su carrera coqueteó con ritmos tan latinos como el merengue y la salsa, pero se puede decir que sus mayores éxitos a nivel internacional le han llegado cuando ha compuesto e interpretado sus ya famosas canciones de rap latino y reggaeton.

Este cantante recibe diversos sobrenombres dentro de la industria musical. En estos circuitos es conocido como 30-30 por el mensaje que contienen las letras de sus canciones, un certero retrato de muchos aspectos de la vida cotidiana de Puerto Rico. También se ha ganado el título de Rey de la Improvisación por su especial habilidad creativa, una virtud que ha hecho a Daddy Yankee ser el vencedor durante cinco años seguidos de diversos Street Jam Reggae Awards.

Daddy Yankee ha sabido construir su triunfante carrera musical combinando en cada uno de sus trabajos el reflejo de la realidad social de su país con los ritmos más sensuales. Con esta mezcla ha hecho posible que muchos jóvenes latinos se identificaran con sus canciones.

El primer disco de Daddy Yankee en solitario se publicó en el año 2000 con el título de El Cartel. Su gran éxito hizo posible el lanzamiento en 2001 de El Cartel II. Las grandes ventas conseguidas por ambos álbumes significaron para este cantante su reconocimiento con sendos Discos de Platino.

En el año 2002 asumió la identidad de El Cangri para realizar bajo su propio sello (Los Congris Inc.) su trabajo El Cangri.com. En este disco se incluye el tema El gran robo, que contó con la colaboración excepcional de Lito en su grabación. Justo ese mismo año llevó a cabo el primer Reggaeton Tour, una gira promocional de conciertos diseñada para darse a conocer en diversas ciudades de Estados Unidos. Con este objetivo se subió a escenarios de Filadelfia, Spreengfield, Massachussets y Boston.

A la discografía de Daddy Yankee se le suma la grabación en el 2003 de su tercer disco, Los Home-runes. Una vez más contó con el apoyo de sus numerosos fans, que se lanzaron a la compra de este trabajo convirtiéndolo en otro gran éxito de ventas. Su última obra discográfica lanzada al mercado hasta el momento es Barrio Fino, que vio la luz el 13 de julio del 2004. Uno de los temas más conocidos de este disco es Gasolina, que poco tiempo después de su estreno consiguió encaramarse en los primeros puestos latinos de las prestigiosas listas de la revista norteamericana Billboard.

La carrera musical de Daddy Yankee va más allá de la publicación de sus discos. Desde muy joven ha colaborado con numerosos músicos como el grupo Mani y ha tenido el honor de compartir escenario con estrellas de la talla de Olga Tañón y Domingo Quiñones, los respectivos reyes del merengue y la salsa latinos. También viajó hasta la ciudad de Nueva York para grabar con NAS, uno de los raperos americanos más famosos.

Las canciones de Daddy Yankee se han incluido en diversos discos de otros artistas. Así, el nombre de Daddy Yankee se ha visto asociado a producciones como The Piece Maker (de D.J Tony Touch), a La Trayectoria (con el tema Metela con candela) y a The Best Reggeton Beats, donde interpreta Gata gangster junto a Don Omar. Incluso en el año 1998 una de sus canciones, Posición, formó parte de la banda sonora original de la película One Tough Cop.

Fuente: Biografias y Vidas Dalida

Datos generales

Nacimiento 17 de enero de 1933 El Cairo, Reino de Egipto

Origen Italia

Muerte 3 de mayo de 1987 en París, Fr ancia (54 años)

Ocupación cantante, actriz

Información artística Género(s) canción italiana, pop, disco

Instrumento(s) voz

Período de 1956–1987 actividad

Discográfica(s) Barclay (1956–1977) Carerre (1978–1987)

Web

Sitio web www.dalida.com

Firma

Dalida (n. Iolanda Cristina Gigliotti en El Cairo, Reino de Egipto, 17 de enero de 1933– París, Francia, 3 de mayo de 1987) fue una cantante y actriz italiana que vivió enFrancia durante la mayor parte de su extensa carrera profesional, en la que llegó a triunfar internacionalmente. En 1981 fue la primera mujer que recibió un disco de diamante en reconocimiento a la cantidad de copias vendidas, que le valieron un total de 55 discos de oro a lo largo de su carrera.1 Entre sus éxitos más conocidos se listan Bambino, Ciao Amore Ciao, Je Suis Malade, Darla Dirladada, Gigi l'amoroso,Paroles, Il Venait D'avoir 18 Ans, J'attendrai, Le Lambeth Walk, Avec Le Temps,Salma Ya Salama o Soleil, Soleil. Iolanda Cristina Gigliotti —posteriormente su primer nombre sería afrancesado como Yolanda— nació el 17 de enero de 1933 en Choubrah, un barrio a las puertas de El Cairo, en el seno de una familia de clase media. Sus padres eran calabresesoriginarios de Serrastretta, en la provincia de Catanzaro. Iolanda fue la segunda de tres hermanos. Su progenitor era primer violín de la Ópera de El Cairo. En 1954 es elegida Miss Egipto. Ese mismo año se traslada a Francia con la intención de hacerse un hueco en el cine galo. En 1955 Dalida forma parte del reparto en la película A Glass and a Cigarette dirigida por Niazi Mostafa y basada en una historia de Abdel Aziz Salam. En este mismo film, Dalida canta un tema inédito titulado "La Luna Negra". En 1956 graba su primera canción, Madona, una versión en francés de un éxito deAmália Rodrigues. Le seguirá Bambino, uno de sus grandes éxitos, una traducción de la canción napolitana Guaglione, compuesta por Giuseppe Fanciulli (música) y el letrista Nisa. En principio estaba destinada a conocerse en la voz de Gloria Lasso, pero Lucien Morisse, director de programación de Radio Europe 1, le hace grabarla en una noche. En la emisora se oye constantemente y Dalida consigue un disco de oro. En marzo de 1957 se presenta en el teatro Olympia de París acompañando a Charles Aznavour y en septiembre a Gilbert Bécaud. En 1959 obtiene ex aequo con Tino Rossi el Oscar de la canción y uno después el Oscar de Radio Monte Carlo como vedette preferida de la audiencia y el gran premio de la canción por la interpretación en francés de Romántica, canción ganadora delFestival de Sanremo El 8 de abril de 1961 se casa con Lucien Morisse, pero pocos meses después le abandona por el joven pintor Jean Sobieski, padre de la actriz LeeLee Sobieski. En diciembre de 1961 se presenta en el Olympia como estrella principal, con gran éxito. En 1967 se presenta en San Remo, junto al cantautor italiano Luigi Tenco, su pareja de entonces, con la canción compuesta por élCiao amore, ciao. Después de ser rechazada la composición por un jurado y por el público, Luigi Tenco se suicida. Un asunto que aún no parece estar del todo esclarecido. A finales de 2005 un fiscal italiano reabrió el caso,2 al parecer una muerte mal investigada y rápidamente archivada, no hubo ni autopsia ni prueba pericial sobre la nota de suicidio. En 1972 se escucha en México, en USA y en Latinoamérica su voz acompañada del actor Alain Delon interpretando la melodía "Paroles,Paroles" (Palabras, palabras) en idioma francés con gran aceptación en esos lugares ya mencionados. Tanto éxito tuvo que esa melodía fue posteriormente traducida al idioma español y al idioma inglés. En 1975, Dalida vuelve a poner de moda la canción J´attendrai pero esta vez adaptada a la música disco,la canción fue cantada originalmente por Rina Ketty en 1938, al poco tiempo la grabarían también Tino Rossi y Jean Sablon, la canción es una adaptación de la italiana Tornerai (letra de Nino Rastelli y música de Dino Olivieri), inspirada en una melodía de Madama Butterfly. En 1981 Dalida es la primera cantante en recibir un disco de diamante. A lo largo de su carrera consiguió cincuenta y cinco discos de oro interpretados en siete idiomas, y vendió un total de 170 millones de discos. En 1985 vuelve a Egipto para rodar la película el al-Yawm al- Sadis (Le sixième jour en Francia) del director Youssef Chaine, que le trae excelentes críticas, aunque también múltiples recuerdos que la atormentarán durante sus últimos meses. Dalida murió el 3 de mayo de 1987 como consecuencia de una sobredosis de somníferos, en la soledad de su maravillosa casa de la rue d´Orchampt nº 11 bis, sita en el parisino barrio de Montmartre. Contaba 54 años. Seguía así la senda que también habían seguido sus tres grandes amores: Luigi Tenco (muerto en 1967), Lucien Morisse (primer esposo de Dalida, el cual se suicida en 1970) y Richard Chanfray (suicidado en 1983). Junto a su cuerpo se encontró una nota de despedida: Pardonnez-moi, la vie m'est insupportable (Perdónenme, la vida me es insoportable). Está enterrada en la capital francesa, en el cementerio de Montmartre. La muerte de Dalida dejó conmocionada a Francia entera. En el funeral, Claude Manceron, oficialmente en nombre del presidente de la República, François Mitterrand, habló en nombre de toda la nación al expresar como despedida: «Yolanda, adiós. Dalida, gracias». Desde su muerte Dalida se ha convertido en toda una figura de culto para una nueva generación de aficionados. En 1997, fue inaugurada la plaza de Dalida, entre las calles Girardon y Abreuvoir de su amado París. En 2005 la directora Joyce Buñuel, nuera de Luis Buñuel, realizó una mini serie para la televisión francesa sobre su vida, titulada"Dalida".3 Protagonizada por la actriz italiana Sabrina Ferilli, aunque la voz aparecía doblada por Vittoria Scognamiglio, y con la participación de Christopher Lambert, como Richard Chanfray conde de Saint-Germain, y Alessandro Gassman, como Luigi Tenco. Del 11 de mayo a septiembre de 2007, la Municipalidad de París conmemoró el XX aniversario de la muerte de Dalida con una exposición de sus trajes y fotografías inéditas. Dámaso Pérez Prado

Dámaso Pérez Prado

Datos generales

Nombre real Dámaso Pérez Prado

Nacimiento 11 de diciembre de 1916 Matanzas, Cuba

Muerte 14 de septiembre de 1989(72 años) Ciudad de México, México

Ocupación músico, compositor, arreglista

Información artística

Instrumento(s) Piano, maracas, órgano

Período de 1935 - 1989 actividad

Discográfica(s) RCA Víctor

Artistas Benny Moré, Sonora relacionados Matancera

Dámaso Pérez Prado (Matanzas, Cuba, 11 de diciembre de 1916 - Ciudad de México, 14 de septiembre de 1989), el "Rey del Mambo", fue un músico, compository arreglista cubano. Dámaso Pérez Prado es mayormente conocido por sus aportes al género delmambo, que tiene sus orígenes en el danzón cubano y daría pauta al surgimiento y desarrollo del chachachá, así como también de la música surgida a finales de la década de los cincuenta y conocida luego, a finales de los años setenta y principio de los ochenta como salsa. No fue el creador del ritmo, que ya se tocaba en La Habana de finales de los años treinta, pero sí su mayor difusor a nivel internacional. Estudió música en su Cuba natal. Trabajó en diversas orquestas en La Habana en losaños 1940. Fue también durante un corto periodo pianista de la Sonora Matancera y de la Orquesta Casino de la Playa. En 1948 cambió de residencia a la Ciudad de México para crear allí un grupo musical. Allí estuvo trabajando con la compañía RCA Victor. Se especializó en el mambo, del cual es considerado uno de sus mayores exponentes. Hábil pianista (de niño, aprende el piano clásico con Rafael Somavilla), y conocedor a fondo del teclado, ha sido considerado por expertos críticos como uno de los mejores en este género de la música popular. Su interpretación de la célebre pieza El manisero, de Moisés Simons, es única en su clase, con acompañamiento de ritmo ybongó. Como compositor,conoció muy bien el manejo de la partitura. De allí nacieron excelentes piezas como Mambo en Sax, La Chula Linda, Silbando Mambo y Mambo de París entre otros. En 1942 se instala en la Habana donde toca el piano en los cabarets y después en las diferentes orquestas: Orquesta Cubaney, Orquesta de Paulina Álvarez, y en la más famosa orquesta cubana: Casino de la Playa. En 1947 graba Que rico el mambo y parte en gira hacia Argentina y Venezuela. En 1948 su música se inspira del jazz de Stan Kenton, y las casas disqueras cubanas ya no quieren hacer sus grabaciones. Se va entonces a México donde contrata a Benny Moré como cantante. Compone tantas piezas que no les da ni siquiera un nombre sino números. El Mambo Nº 5 y el Mambo Nº 8 son las más conocidas. El 12 de diciembre de 1949 saca un 78 revoluciones con Que rico el mambo en una cara, y Mambo Nº 5 en la otra, desatando lo que se llamó la mambo manía. Pasado el clímax del mambo, es llamativo que Dámaso Pérez Prado, una vez compuesta su pieza musical "Patricia" y obtenido su éxito correspondiente, la grabase muchas veces y con diferentes arreglos, actitud que parece demostrar que tuvo por dicha pieza una especial predilección. Esta pieza fue utilizada en 1960 después por Federico Fellini en su película LA DOLCE VITA. Entre sus composiciones más conocidas se encuentran, las ya mencionadas, Qué rico el mambo y Mambo Nº 5, ésta última después lanzada en una nueva versión en 1999 por el cantante alemán Lou Bega. Pérez Prado fue reconocido también por ser el autor del Mambo del Politécnico (usado comúnmente en eventos y celebraciones importantes del Instituto Politécnico Nacional de la Ciudad de México) y el Mambo Universitario (usado comúnmente en eventos y celebraciones importantes de la Universidad Nacional Autónoma de México). Durante la década de 1950 estuvo ausente de México. Una leyenda urbana apunta a que una desavenencia con el gobierno mexicano porque éste le prohibió interpretar el Himno Nacional Mexicano a ritmo de mambo, aunque también se barajan desavenencias políticas.1 Adquirió la nacionalidad mexicana en 1980 y residió los últimos años de su vida en su país de adopción. Falleció a la edad de 72 años en la Ciudad de México el 14 de septiembre de 1989 a causa de un paro cardíaco.2 DANZA INVISIBLE

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Danza Invisible. Danza Invisible se formó en Málaga, en el año 1981. Al principio sólo eran tres: Ricardo Texidó a la batería, Manuel Rubio en la guitarra rítmica y Chris Navas al bajo. Posteriormente se les unió el guitarrista Antonio Gil y Javier Ojeda, como vocalista.

El descubrimiento de Danza Invisible como grupo llegó cuando ganaron el primer premio del festival organizado por el Ayuntamiento de Jerez. Había muchos ojeadores entre el público y, gracias a su actuación, les ofrecieron grabar un single. De ahí surgieron también sus primeros contratos.

Su estilo musical estaba en la línea de grandes grupos como U2 o Simple Minds, principalmente por su calidad en los instrumentos. Posteriormente se pasaron a ritmos más latinos.

Su primer álbum apareció bajo el título de “Contacto Interior”, aunque el éxito les llegó a Danza Invisible un poco más tarde, cuando apareció su segundo disco, "Maratón", que contenía el tema "El club del alcohol", una canción con la que suelen cerrar sus conciertos.

Su siguiente álbum representó el de mayor éxito comercial. Llevaba por título "A tu alcance" e incluía un buen puñado de canciones, como "Reina del Caribe", "A este lado de la carretera" o "Sabor de amor".

Danza Invisible se ha convertido en una de las bandas españolas más veteranas del panorama musical y siguen cosechando éxitos después de más de veinte años sobre los escenarios.

Fuente: Todomusica David Bisbal. David Bisbal nació el 5 de junio de 1979, en la ciudad de Almería. Es el menor de tres hermanos y el único que ha seguido una trayectoria artística. Abandonó los estudios de BUP para estudiar forestal y llegó a trabajar en un vivero durante un tiempo.

Un día se presentó al casting para seleccionar el cantante del grupo 'Orquesta Expresiones', y se llevó el trabajo. Actuaban en fiestas populares, yendo de pueblo en pueblo con su música.

Pero su mayor éxito fue llegar hasta la final de Operación Triunfo y ser uno de los ganadores, junto a Rosa y David Bustamante. A pesar de no llevarse el primer puesto, sí ha sabido aprovechar el tirón promocional que supuso el programa y se ha convertido en el que más discos ha vendido hasta la fecha. Siete discos de platino y un millón de discos avalan su tremendo éxito y sintonía con su público, no solo español, sino a nivel mundial.

Estamos frente a un cantante con un enorme carisma y una fuerza arrolladora sobre el escenario. Debido a ello, la discográfica Vale le fichó para grabar su primer disco, 'Corazón Latino'. El disco fue sido grabado en Miami con la producción de Kike Santander, el mismo que produce los discos de Luis Miguel.

En febrero del 2004 aparece su segundo álbum titulado "Bulería". Sin duda, este será el año del ex alumno de la Academia de Operación Triunfo. "Bulería" viene precedido por varios premios a su anterior trabajo, entre ellos un Grammy Latino y el de Mejor Artista Latino en los World Music Awards de Montecarlo.

Fuente: Todomusica DAVID BOWIE

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David Bowie. (David Robert Jones; Londres, 1947) Actor y cantante pop británico. Artista camaleónico, ha cambiado varias veces de estilo y ha recogido múltiples influencias, sobre todo de la psicodelia y el punk, que le hicieron adoptar en los años setenta, un provocativo aspecto andrógino, anticipándose a personajes como Boy George. Ha trabajado junto a artistas de la talla de Mick Jagger, Iggy Pop, John Lennon o Brian Eno. También ha colaborado con jóvenes artistas, a cuya fama ha contribuido notablemente, como es el caso de Lenny Krawitz. Ziggy Stardust (1972) o Let’s dance (1983) son algunos de los discos míticos de su carrera, jalonada siempre por el éxito y la polémica. En 1993, el compositor Philip Glass presentó una versión orquestal del tema Low compuesta por Brian Eno y el propio Bowie. También han sido frecuentes las incursiones de Bowie en el mundo cinematográfico; su película más celebrada es Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983), de Naghisa Oshima.

Fuente: Biografias y Vidas DAVID BUSTAMANTE

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David Bustamante. La historia de David es la de un joven muy interesado por el mundo de la canción y algo menos por los estudios que, tras sistir a clases de canto y ganar en dos ocasiones el concurso local de karaoe, fue seleccionado para participar en una de las apuestas más importantes de Televisión Española: "Operación triunfo".

La familia de David descubrió que tenía madera de cantante con tan sólo 12 años. En el bautizo de un primo suyo se arrancó con la canción "Guitarra", de Los Pecos, y les dejó a todos con la boca abierta. A partir de ahí empezó a cantar y hasta estuvo en una tuna. Dicen sus padres que David siempre sacaba buenas notas, pero a los 16 años dijo que estudiar no era lo suyo y quiso dejarlo. Entonces su familia decidió ponerle a trabajar con su padre en la construcción pensando que así le convencería para continuar los estudios, pero no le hizo cambiar de opinión.

A David eso de tener como jefe a su padre no le acababa de gustar, así que pensó en dedicarse a lo que más le apasionaba: la música. Desde entonces ha actuado en fiestas y algún que otro teatro, e incluso se presentó al concurso "Lluvia de estrellas".

Su estilo musical preferido es la canción melódica. Admira a Luis Miguel y, sobre todo, a Sergio Dalma, que se convirtió en su artista favorito desde que fue a actuar a su pueblo.

Es uno de los concursantes que más ha progresado dentro de la Academia y eso le ha valido un más que merecido contrato con la discográfica Vale Music. Su primer disco lleva, precisamente, el título de 'Bustamante' y ha sido grabado entre Madrid y Barcelona, con la producción de Miguel Gallardo y los hermanos Ten. Gallardo ha trabajado con artistas de la talla de Azúcar Moreno y Sergio Dalma.

Fuente: Todomusica DAVID CIVERA

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David Civera. David Civera nació el 8 de enero de 1979 en Teruel. Comenzó estudios de telecomunicaciones e informática, hasta que le llegó la fama.

En 1997 participó en el concurso televisivo 'Lluvia de estrellas', con Bertín Osborne como presentador. Aunque su actuación fue discreta y no se llevó ningún premio, su paso por el programa le sirvió para que los responsables de Antena 3 le ofrecieran actuar en otro programa titulado 'Canciones de nuestra vida', en la que cantaba temas melódicos.

Un año después grabó su primer disco, 'Hoy como ayer', con temas compuestos e interpretados por él mismo. Se trata de un disco lleno de baladas románticas. El disco fue autoproducido por el propio David y apenas tuvo difusión.

El momento decisivo en la carrera de David Civera llegó cuando fue seleccionado para representar a España en el Festival de Eurovisión 2001. El tema elegido para la ocasión fue 'Dile que la quiero', un tema lleno de ritmo latino.

Tras su paso por Eurovisión, grabó un disco titulado, precisamente, 'Dile que la quiero', que dio paso a un nuevo trabajo, 'En cuerpo y alma', que le ha valido para conseguir el disco de platino con su conocido tema 'Que la detengan'.

En 2003 publica "La Chiqui Big Band", que incluye uno de los éxitos rotundos de este verano, el primer single “Bye bye” y un dúo con David Bisbal.

Fuente: Todomusica Demis Roussos

Datos generales

Nombre real Artemios Ventouris Roussos

Nacimiento 15 de junio de 1946 Alejandría, Egipto(67 años)

Nacionalidad Griego

Ocupación Cantante

Información artística

Instrumento(s) Voz, Bajo

Discográfica(s) (1968-1972) Con Aphrodite's Child (1972-Actualidad)

Artistas Aphrodite's Child, Vangelis relacionados Artemios Ventouris Roussos (Alejandría, Egipto, 15 de junio de 1946) es un cantante yartista griego nacido en Egipto, conocido por el nombre de Demis Roussos. Nació en Egipto, pero es de cultura griega. Hijo de una familia griega expatriada. Sus padres, George y Olga, también nacieron en Egipto y crecieron en Alejandría. Tras perderlo todo debido a las políticas del gobierno de Gamal Abdel Nasser, regresaron aGrecia después de la Guerra de Suez. Su madre, Olga, es más conocida con el nombre artístico de Nelly Mazloum. Después de regresar a Grecia, Demis se integró en diversos grupos musicales comenzando por The Idols cuando tenía 17 años; después paso a We five y a otras bandas relativamente destacadas y de cierto éxito en Grecia. Logró cierta notoriedad en 1968 cuando se unió a la banda de Rock progresivo Aphrodite's Child (El hijo de Afrodita) inicialmente como cantante y después como bajista y cantante. Su distintiva voz operística dio impulso a la banda hasta colocarla con éxito en el ámbito internacional, notablemente en su álbum final 666, el cual vino a convertirse en un clásico de culto para los melómanos. Tras la disolución de Aphrodite's Child, Demis continuó grabando esporádicamente con su compañero de banda, el también destacado músico Vangelis. En 1970 ambos realizaron Sex Power (aunque el álbum se lo adjudicaron discutidamente Aphrodite's Child). También grabaron juntos en 1977 el álbum Magic, cuyo mayor éxito fue Race to the End conocida en castellano como Tu libertad , una adaptación vocal del tema musical del filme ganador del Óscar Carros de Fuego mientras Roussos también aparece en la banda sonora de la película Blade Runner (1982). todos con éxito. Demis inició una carrera como cantante en solitario al desintegrarse la banda, comenzando con la canción We Shall Dance. Inicialmente sin éxito, emigró a Europa y pronto se convirtió en un cantante notable. Su carrera alcanzó la cima en la década de 1970con una considerable cantidad de álbumes. Destacando su sencillo Forever and Ever (Siempre y para Siempre), que se colocó en las listas de popularidad de una gran cantidad de países en 1973. Otros éxitos fueron My Friend the Wind (Mi amigo el viento), My Reason (Mi razón), Velvet Mornings (Mañanas de Terciopelo), When I'm a kid (Cuando soy como un niño), Goodbye, My love, Goodbye (Adiós amor mío, adiós), Some day (Algún Día), Lovely Lady of Arcadia(Preciosa Señorita de Arcadia) y "Morir Al Lado De Mi Amor" . Fue mencionado como destacado en el programa Abigail's Party e hizo su primera aparición en una televisión de habla inglesa en el programa Basil Brush Show. También es destacada su interpretación del éxito del grupo Air Supply titulado Lost in Love. Recopiló sus canciones en un gran número de idiomas. Su éxito número uno Roussos Phenomenon EP fue el primero de su tipo de un artista de origen africano en la historia de las listas de popularidad del Reino Unido. Fue igualmente exitoso en Europa y Latinoamérica; en Estados Unidos logró lo mismo con el álbum Demis que permaneció como su único éxito. En 1982 fue co-autor del libro A Question of Weight junto con su amiga íntima Veronique Skawinska en el cual narra sinceramente su lucha contra la obesidad. Durante la década de 1980 atravesó un período improductivo debido a su batalla contra la depresión. Fue uno de los pasajeros del vuelo TWA 847, que fue secuestrado el 14 de junio de 1985. En su momento fue muy conocido el hecho de que los secuestradores celebraron su cumpleaños con él, al quedar impresionados por tener como rehén a una de las celebridades de Oriente y Europa. Sensible a su nueva etapa de vida, Demis se embarcó en su retorno con el álbum Time, que le otorgó numerosos reconocimientos y ser aclamado por su éxito muy popular en las discotecas Dance of Love. Los años 1990 vieron un número sustancial de trabajos de Demis. Realizó Insight (también llamado Morning has Broken) siendo aclamado, mientras que su intento de canción bajo la modalidad de rap, Spleen fue considerado una idea lamentable. Antes de ello hizo equipo con BR Music en Holanda para producir Inmortel Serenade e In Holland, utilizando una variedad de estilos desde el étnico al electrónico. Demis ha continuado grabando y de gira. Su Tour Millenium conoció el éxito en Inglaterra. Como ferviente seguidor de la Iglesia Ortodoxa Griega, canta como invitado en diversos templos en Grecia y en todo el mundo. Recientemente confirmó que efectuaría una gira por Australia junto con la ídolo de aquellas latitudes, Cosima de Vito, actuando como dueto. DEPECHE MODE

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Depeche Mode. Depeche Mode se formó en 1980 en la localidad inglesa de Basildon. En un principio la banda seguía la moda de la música romántica, pero pronto cambiaron su estilo por sonidos más electrónicos y cercanos al pop de los 80. Una de las principales características que definen a Depeche Mode es su exquisito uso de los sintetizadores.

Depeche Mode comenzó a incubarse cuuando en 1976 se conocieron Vince Clarke y Andrew Fletcher, ambos teclistas en la misma ciudad. Deciden formar juntos un grupo, cuyo nombre era "No Romance in China". Tras un breve periplo, se separan. En 1979 Clarke forma un nuevo grupo, "French Look", junto al músico Martin Gore. Poco después se une Fletcher. A partir de ese momento, el nombre del grupo pasa a ser "Composition of Sound".

En 1980 fichan al cantante David Gahan para llevar la voz del grupo. Queda así formado el grupo definitivo. Solo quedaba cambiarle el nombre y ya tenemos a Depeche Mode. Tras un periodo de rodaje del grupo, en el que destacan por un uso intensivo de los sintetizadores, Depeche Mode realizan algunas pequeñas actuaciones en locales de su ciudad. A raiz de ello, se deciden a grabar un primer tema, titulado "Photographic".

La canción llega a la discográfica Mute Records, que ficha al grupo para publicar su primer sencillo, "Dreaming Of Me", en 1981. Pero no sería hasta su tercera grabación, cuando adquirirían cierta notoriedad.El tema se titulaba "Just Can't Get Enough", con el que se colocan entre los 10 más importantes de su país. A raiz de este éxito, publican su primer álbum, "Speak & Spell", con el que obtienen un éxito más que notable.

Tras este álbum debut de Depeche Mode, Clarke deja el grupo para iniciar otro proyecto nuevo con el grupo Yazoo, lo que deja descolocados al resto de miembros de Depeche Mode. En esa situación es Martin Gore el que toma una actitud más decidida para intentar mantener el grupo y asume la parte de composición que antes llevaba Clarke. Paralelamente, contratan un nuevo teclista que sustituya el hueco dejado por el músico. Se trata de Alan Wilder.

En 1982 Depeche Mode publican "A Broken Flame", su primer trabajo en esta nueva época. Un año más tarde aparece "Construction Time Again", un álbum en el que ya es patente el nuevo estilo del grupo.

En 1984 publican "Some Great Reward", con el que consiguen dar el definitivo salto a la fama. El álbum incluye el tema "People Are People", con el que se aupan a lo más alto de las listas de todo el mundo.

En 1986 aparece un nuevo trabajo de Depeche Mode, esta vez bajo el título de "Black Celebration", qu fue seguido de "Music For The Masses", en 1987. Cade nuevo disco de Depeche Mode supone un mayor éxito de ventas que el anterior. La fama adquirida les lleva a realizar una gira por todo el mundo. El fruto de dicha gira sería un doble álbum en directo, titulado "101", aparecido en 1989. En 1990, un nuevo trabajo de estudio de Depeche, "Violator", y un nuevo triunfo en las listas de todo el mundo. A pesar de ser considerados como un grupo de culto, tenían el poder de atraer a las masas de fans. Después, "Songs of Faith and Devotion", siguel el mismo camino que trabajos anteriores.

En 1995 Depeche Mode comienza a perder fuerza, justo cuando estaban en la cima de la gloria. Wilder decide dejar el grupo y Gahan tiene problemas de adicción a la heroína, lo que le lleva incluso a intentar suicidarse en una ocasión.

Tras cuatro años de silencio, Depeche Mode resurge en 1997, ahora convertido en trío, con el álbum "Ultra" con temas de la talla de "Barrel of a Gun" o "It's No Good".

Con la publicación de los recopilatorios "Singles 81- 85" y "Singles 86-98", Depeche Mode vuelve a realizar una gira mundial, para a continuación publicar un nuevo trabajo, "Exciter", aparecido en 2001.

Fuente: Todomusica DIANA ROSS

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Diana Ross. (Detroit, 1944) Cantante estadounidense. Alcanzó sus primeros éxitos con el grupo The Supremes (I want a guy, Baby love, The happening) e inició su carrera en solitario en 1969. De su extensa discografía, cabe mencionar Diana and Marvin (1974), Diana (1980), Working overtime (1989), Diana Extended. The remixes (1994) y Take me higher (1995). Ha actuado en varias películas (El ocaso de una estrella, S.J. Furie, 1972; El mago, S. Lumet, 1978).

Fuente: Biografias y Vidas Dire Straits. Todo comenzó en Londres, donde tres amigos compartían piso. Se trataba de los hermanos Mark y David Knopfler, junto a John Illsley. Mark trabajaba como maestro de escuela, David era asistente social y John trabajaba en una tienda de discos. Su situación económica no les permitía demasiadas alegrías

A ellos se solía unir su amigo Pick Whiters, quien era el único que estaba introducido en el mundo de la música. Poseía experiencia como músico, tras haber participado en algunos grupos.

En 1977 Pick y Mark deciden crear un grupo. Pick sugiere el nombre: 'Dire Straits', algo así como 'situación límite'. Juntos, los cuatro componentes del grupo consiguen reunir el dinero para grabar una maqueta. En ella, cuatro temas: 'Wild West End', 'Water Of Love', 'Sacred Loving' y 'Sultans Of Swing'.

Cuando un conocido disc-jockey de una emisora de radio en Londres pinchó la maqueta en su emisora, la reacción de la audiencia fue muy favorable, lo que oblogó al pinchadiscos a seguir emitiendo la música de los Knopfler y compañía.

Entre los oyentes de la emisora se encontraba un conocido mánager de Fonogram, a la búsqueda de nuevos talentos, quien no cesa hasta que consigue que dos Dire firmen un contrato con su compañía. El mismo representante de Fonogram les presenta a una representante para sus conciertos.

Los Dire Straits actúan como teloneros del grupo norteamericano 'Talking Heads', en su gira por Gran Bretaña, lo que les permite coger experiencia y darse a conocer. Entre todas las notas del grupo destacan las de la guitarra de Mark Knopfler, quien nos obsequia con sonidos extraordinarios entre el blues yel rock.

En marzo de 1978 publican su primer álbum, 'Dire Straits'. Poco después comienzan a hacer conciertos en solitario, incluso fuera del Reino Unido. Por desgracia, las ventas del disco no son demasiado elevadas.

Un año después graban 'Communiqué', su segundo álbum y el menos vendido del grupo. Para compensar, sacan 'Making Movies', una vuelta al rock clásico, con temas más fuertes.

Con 'Lover Over Gold' dan un nuevo giro a su estilo, más al aire que a Mark le gusta seguir. Un disco con sonidos casi orquestales, aunque sobre la base del rock.

En 1984 sale a la luz 'Alchemy', una selección de diez canciones recogidas de los conciertos en directo del grupo en la gira del año anterior.

A finales de 1984 se encierran para preparar su nuevo disco. La grabación de este nuevo álbum les llevará varios meses y con ellos colaborar artistas de la talla de Sting. El nuevo álbum se titula 'Brothers In Arms' y será su disco más vendido en todo el mundo, con canciones como 'So Far Away', 'Money For Nothing', 'Walk Of Life', etc.

La gira del disco 'Brothers In Arms' supuso repetir el éxite cosechado por el disco. Duró dos años y ofrecieron 250 conciertos en todo el mundo.

Lo siguiente fue una recopilación de sus mejores canciones y 'Money For Nothing' fue el título escogido.

En 1991 publicaron 'On Every Street', que no cubrió las espectativas generadas por los anteriores títulos y que ha sido, hasta la fecha, el último de los Dire Straits. Aunque no han anunciado definitivamente su separación, la verdad es que realizan trabajos independientes. Por ejemplo, Mark Knopfler ha editado varios discos en compañía de su guitarra, varios de ellos como bandas sonoras para películas.

Fuente: Todomusica Dolly Parton

Dolly Parton recibiendo el premio Liseberg Applause en 2010.

Datos generales

Nombre Dolly Rebecca Parton real

Nacimiento 19 de enero de 1946(67 años)

Origen Sevierville, Tennessee,E stados Unidos

Cónyuge Carl Dean (1966-presente) Ocupación Ver lista[mostrar]

Información artística

Tipo Soprano de voz

Género(s) Country, country pop, gospel,bluegrass

Instrument Voz, guitarra, banjo,armóni o(s) ca, piano

Período de 1955 - presente actividad

Discográfic Goldband (1959-1965) a(s) Monument (1965-1967) RCA (1967-1986) Columbia (1987-1995) Rising Tide (1995-1997) Decca (1997-1998) Blue Eye (1998-1999) Sugar Hill (1999-2005) Dolly (2007-presente)

Dolly Rebecca Parton (n. Sevierville, Tennessee, 19 de enero de 1946) es unacantante, compositora, actriz, productora discográfica, escritora, filántropa y empresaria estadouniden se. Figura importante de la música country durante más de cuatro décadas, Parton es considerada una innovadora, en particular por sus trabajos de lasdécadas de 1970 y 1980 y por su peculiar voz; se hace referencia a ella frecuentemente como «la Reina del country».1 A pesar de haber lanzado un álbum (Hello, I'm Dolly) y varios sencillos antes, Parton consiguió notoriedad a finales de 1967, cuando se unió al programa de televisión presentado por el músico Porter Wagoner.2 Junto a Wagoner, formó una de las parejas de compositores más exitosas del siglo XX, reconocida como la más comercialmente exitosa y críticamente aclamada en la historia de la música country. Cuando el dúo comenzó a desintegrarse hasta su disolución en 1976, Parton solidificó su carrera como solista, marcada por varios álbumes aclamados por la crítica, incluyendo Jolene y All I Can Do, y canciones icónicas como «Jolene» y «I Will Always Love You». Esta última alcanzaría éxito planetario dos décadas después, interpretada por Whitney Houston. Parton consiguió, en 1977, su primer éxito dentro del country pop, gracias a su sencillo «Here You Come Again», perteneciente a su disco Here You Come Again, el cual logró vender más de un millón de copias, cifra que alcanzaron varias de sus siguientes grabaciones. Logró números uno en América del Norte con el sencillo «9 to 5» y su correspondiente álbum, 9 to 5 and Odd Jobs. Cuando su popularidad estaba en su punto más alto, en los años 1980, procedió a dedicarse a filmar películas paraHollywood y bandas sonoras, muchas de ellas elogiadas por la crítica. Colaboró conKenny Rogers en el número uno de las listas de venta «Islands in the Stream» para, poco después, volver a conseguir un éxito comercial dentro del country tradicional con sus discos Trio (1987), que grabó junto a Linda Ronstadt y Emmylou Harris, y White Limozeen (1989), del que se extrajeron los exitosos sencillos «Why'd You Come in Here Lookin' Like That» y «Yellow Roses». Después de disparejos éxitos comerciales a lo largo de toda la década de 1990, Parton confundió tanto a los críticos como a sus seguidores con el disco The Grass Is Blue, el primero de una trilogía de álbumes de bluegrass que lanzó bajo el respaldo del sello independiente Sugar Hill Records entre 1999 y 2002. Todos estos álbumes entraron en el Top 10 británico, además de que recibieron elogios de la crítica. Después de esto, siguió experimentando con distintos estilos musicales, incluyendo gospel, adult contemporary, pop, rock y folk- rock.2 A lo largo de su carrera, Parton ha sido reconocida y honrada por sus composiciones, interpretaciones y grabaciones. Sus discos le han valido siete premios Grammy, así como varias nominaciones a los Globos de Oro y a los premios de la Academia, y su nombre se halla en el Salón de la Fama de Compositores de Nashville y el Salón de la Fama de los Compositores. En total, todas sus ventas superan los 100 millones de álbumes, lo cual la convierte en una de las artistas que más discos ha vendido a lo largo de la historia. En 2004, la revista Rolling Stone la posicionó en el puesto número 73 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos.3 Dolly Parton nació el 19 de enero de 1946 en Sevierville, Tennessee. Hija de Robert Lee Parton y Avie Lee Owens, es la cuarta de doce hermanos. Sus hermanos son: Willadeene "Will" Parton (poeta), David Parton, Denver Parton, Robert "Bobby" Parton, Stella Parton (cantante), Cassandra "Cassie" Parton, Larry Parton (quien murió poco después de nacer), Randy Parton (cantante), los gemelos Floyd Parton (compositor) y Freida Parton, y Rachel Dennison (actriz).4 5 Según lo que ha dicho ella misma, su familia era "pobre y sucia".5 Vivían en una rústica cabaña de una sola habitación en Great Smocky Mountains, cerca de Locust Ridge. Los padres de Dolly eran feligreses de la iglesia Asamblea de Dios, una denominación Pentecostal, y la música formaba parte de su experiencia en la iglesia.6 Parton comenzó a demostrar interés por la música a muy temprana edad. Ingresó al ámbito musical en 1955 cantando en programas de radio de la estación WIVK Radio y en el programa de televisión The Cas Walker Show, el cual se emitía en vivo desde la ciudad deKnoxville. Poco después firmó un contrato con el sello discográfico Goldband Records y en 1959 publicó su primer sencillo, titulado «Puppy Love», sin alcanzar el éxito. En ese mismo año apareció por primera vez en el ciclo Grand Ole Opry, un conocido programa demúsica country. Allí conoció a Johnny Cash, quien vio el potencial que tenía la voz de Parton y no dudo en animarla a perseguir sus sueños.7 Parton se trasladó a Nashville, Tennessee, en el año 1964, un día después de finalizar sus estudios en el colegio secundario.8 Allí se instaló en la casa de su tío Bill Owens, un músico que la ayudó a ingresar al circuito musical de Nashville. Durante la época, Parton compuso canciones con influencias de géneros country y folk para los cantantes Hank Williams y Skeeter Davis.9 A finales de 1965, Parton firmó un contrato con el sello discográfico Monument Records. Inicialmente los ejecutivos de la discográfica intentaron presentarla como cantante pop. Su primer sencillo, "Happy, Happy Birthday Baby", no llegó a entrar en las listas de éxitos.10Acordaron entonces que se dedicase a la música country, después de que compusiera el tema "Put It Off Until Tomorrow" para Bill Phillips.11 Aunque participó en las armonías de "Put It Off Until Tomorrow", no apareció en los créditos. Por su parte, la canción llegó al sexto puesto de las listas country en 1966.12 Su siguiente sencillo fue "Dumb Blonde", canción compuesta por Curly Putman que alcanzó el puesto 24 de las listas country en 1966. A comienzos de 1967, publicó un sencillo titulado "Something Fishy", que llegó a la posición número 17 de las listas country. Ambos temas ayudaron a la publicación de su primer álbum de estudio, Hello, I'm Dolly. Gran parte de las canciones incluidas en él fueron compuestas por Parton y Bill Owens. El álbum obtuvo escaso éxito comercial, por lo que Monument Records rescindió su contrato.13 Las perspectivas de la carrera musical de Parton comenzaron a mejorar cuando en 1967 aceptó unirse al programa semanal de música country de Porter Wagoner y al firmar un contrato discográfico con RCA Victor.14 Inmediatamente, ella y Wagoner iniciaron una exitosa trayectoria como dúo, sumando las carreras que ambos tenían como solistas.15 El primer sencillo que publicaron juntos fue "The Last Thing on my Mind", una nueva versión de la canción interpretada originalmente por Tom Paxton. Llegó al top 10 de las listas country a finales de 1967 y formó parte del primer álbum de estudio que lanzaron juntos, llamado Just Between You And Me. Permaneció en el programa de Wagoner y siguió grabando duetos con él durante siete años más.15 Parton lanzó su segundo álbum de estudio en solitario en 1968, titulado Just Because I'm a Woman.16 Al mismo tiempo, la cantante colaboró en la interpretación vocal de dos sencillos con Porter Wagoner, "Just Someone I Used To Know" y "Daddy Was An Old Time Preacherman" en 1969 y 1970, respectivamente. Los intérpretes fueron nominados al premio Grammy en la categoría de "Mejor actuación country de un dúo o grupo" por ambas canciones.15 A mediados de 1970 lanzó A Real Live Dolly, una colección de canciones en vivo sacadas de un concierto que brindó en Sevierville, Tennessee en abril de ese mismo año. A Real Live Dolly alcanzó como máxima posición el número 154 en la lista estadounidenseBillboard 200. Sus siguientes cuatro álbumes de estudio (In the Good Old Days (When Times Were Bad), My Blue Ridge Mountain Boy,The Fairest of Them All y Golden Streets of Glory) tuvieron un escaso éxito comercial.17 18 Al mismo tiempo, su séptimo álbum, Joshua, publicado en febrero de 1971, sirvió a Parton para crecer como cantante y especialmente como compositora. Gran parte de las canciones incluidas en el álbum fueron inspiradas en los humildes orígenes de la artista y en personajes personajes y eventos de su infancia. El sencillo homónimo al álbum fue la primera de sus canciones en llegar al primer puesto de la lista de éxitos Hot Country Songs. En el mismo año lanzó el álbum Coat of Many Colors, también con gran aceptación por parte de los críticos musicales.15 En 1974, Parton lanzó el álbum Jolene, el cual tuvo un gran éxito de ventas en Estados Unidos y Canadá. El primer sencillo del álbum, "Jolene", alcanzó el primer lugar de la lista Hot Country Songs. Éste tema, además, fue nombrado por la revista Rolling Stone como una de las mejores canciones de todos los tiempos.19 El segundo sencillo fue "I Will Always Love You", una balada romántica que llegó al primer puesto del listado Hot Country Songs. Después de lanzar la placa Say Forever You'll Be Mine en 1975 junto a Wagoner, cuyo sencillo homónimo alcanzó el puesto número uno de las listas country de Canadá, hizo una pausa para solidificar su carrera como solista.20 Durante este período, Elvis Presley señaló que deseaba versionar el tema compuesto por Parton "I Will Always Love You". La cantante se interesó inicialmente en la idea, hasta que el representante del músico, Tom Parker, le dijo que debía ceder más de la mitad de los derechos publicitarios si Presley grababa el tema, a lo que Parton se negó.21 Para 1975, Parton había abandonado el programa de Porter Wagoner y dejado de salir de gira junto a él y sus músicos. Sin embargo, Wagoner produjo los tres siguientes álbumes de estudio de Parton: The Bargain Store (1975), Dolly: The Seeker/We Used To (1975) yAll I Can Do (1976). A mediados de la década de 1970, la cantante pretendía ampliar su público. Su primer paso hacia esta meta fue crear un show de variedades titulado Dolly! (1976-1977), en el cual se la veía hacer comedia y actuaciones completamente en vivo con distintas celebridades invitadas, entre ellas Emmylou Harris, Linda Ronstadt, Karen Black y Kenny Rogers. Aunque el programa tuvo altos índices de audiencia, duró sólo una temporada, ya que el estrés que experimentó Parton le afectó sus cuerdas vocales, por lo que pidió rescindir el contrato.22 Los éxitos comenzaron a sucederse con la publicación de sus siguientes álbumes. En 1977 consolidó su éxito con la venta de más de un millón de copias de Here You Come Again, un álbum de música country comercial en el que combinó composiciones propias con canciones de Bobby Goldsboro, John Sebastian, Barry Mann y Cynthia Weil.23 24 Para su promoción se lanzaron a la venta dos sencillos: «Two Doors Down» y «Here You Come Again», los cuales alcanzaron los primeros puestos de las listas de éxitos Hot Country Singles y Hot Adult Contemporary Tracks. La segunda la hizo acreedora de su primer premio Grammy en la categoría de mejor vocalista country.25 En abril de 1978, Parton apareció en el programa televisivo de Cher, Cher...Special, cantando en vivo «Two Doors Down». Por su participación fue nominada al premio Emmy como mejor actriz de reparto de un programa de música, comedia o variedades.26 A raíz del éxito de Here You Come Again, sus álbumes comenzaron a desarrollarse en el estilo country pop. En mayo de 1979, publicó otro fructífero álbum, llamado Great Balls of Fire, el cual llegó al puesto número uno de las listas country de Canadá y fue certificado como disco de oro por la RIAA. El álbum tuvo dos sencillos: «You're the Only One» y «Sweet Summer Lovin'», canciones que se posicionaron en los primeros puestos de las listas de country y pop.15 En 1980, Parton obtuvo un papel en la película 9 to 5 (Cómo eliminar a su jefe) como Doralee Rhodes, siendo éste su debut cinematográfico. Allí fue dirigida por Colin Higgins y compartió créditos con Jane Fonda y Lily Tomlin. Por su interpretación recibió reseñas mayoritariamente positivas y fue nominada al Globo de Oro como mejor actriz de comedia y nueva estrella del año. Para acompañar al filme compuso y grabó la canción «9 to 5», cuya letra estaba inspirada por la temática de la película ubicada durante la década de 1970, la cual consiguió ser nominada al Globo de Oro y al Óscar a la mejor canción original. La canción fue incluida en su siguiente álbum de estudio, 9 to 5 and Odd Jobs, que fue producido por Mike Post y Greg Perry. El crítico de Allmusic, William Ruhlmann lo aclamó diciendo «... el álbum más recomendable que Parton lanzó bajo el respaldo de RCA». Tres sencillos fueron lanzados del álbum, destacando «9 to 5», que se convirtió se convirtió en el primer tema de la cantante en encabezar tres listas de popularidad de Billboard: Hot 100, Hot Country Singles y Hot Adult Contemporary Tracks; y «But You Know I Love You» . 27 Asimismo, en la ceremonia de 1982 de los premios Grammy, la cantante ganó en las categorías de mejor vocalista country y mejor canción country por su tema musical «9 to 5».28 De la banda sonora se desprendieron dos sencillos: «Hard Candy Christmas» y una nueva versión de su canción «I Will Always Love You», que al igual que la grabación original de 1974, encabezó la lista Hot Country Songs.29 En abril de 1982, se puso a la venta su siguiente álbum de estudio, Heartbreak Express, que alcanzó el quinto puesto de la lista Top Country Albums. Tanto la canción homónima, como «Single Women» llegaron a la cima las listas de country en Canadá.30 Meses después, se publicó el recopilatorio Dolly Parton's Greatest Hits , que fue fue certificado con disco de platino por la RIAA. En 1983, la cantante colaboró con Kenny Rogersen el sencillo «Islands In The Stream», que llegó al primer puesto de la publicación Billboard Hot 100, permaneciendo allí durante dos semanas. Por dicha colaboración recibieron una nominación al premio Grammy como mejor actuación pop de un dúo o grupo. Siguiendo en el estilo country pop, Parton publicó Burlap & Satin (1983) y The Great Pretender (1984), los cuales recibieron críticas mixtas y alcanzaron el top de la lista de Billboard de álbumes de género country más vendidos. A finales de 1984, publicó junto aRogers el álbum de temática navideña Once Upon a Christmas, el cual fue certificado con varios discos de platino por parte de la RIAAy CRIA.31 De la banda sonora se lanzaron varios sencillos, destacando «Tennessee Homesick Blues» y «God Won't Get You», que alcanzaron top 10 de las listas Hot Country Songs y otras listas de country. Al año siguiente, lanzó su último álbum de estudio bajo el sello RCA Victor titulado Real Love, el cual contó con la producción de David Malloy. Para promocionar el álbum se eligieron cuatro sencillos: «Don't Call It Love», «Real Love» (que cantó a dúo junto a Kenny Rogers), «Think About Love» y «Tie Our Love (In a Double Knot)». A mediados de 1985, Parton comenzó la gira Real Love Tour, presentándose en diversas ciudades de Estados Unidos y Canadá acompañada de Rogers. Con las grabaciones de los conciertos de la gira, se realizó un programa especial emitido en la cadena HBO denominado Kenny Rogers and Dolly Parton: Together. En 1986 hizo el papel de Lorna Davis en la película para televisión A Smoky Mountain Christmas, al lado de Lee Majors como protagonista. En ese mismo año fundó su propia compañía de entretenimiento, Dollywood, compuesta por un parque temático (Dollywood), un restaurante (Dolly Parton's Dixie Stampede) y un parque acuático (Dollywood's Splash Country, ubicada en Pigeon Forge. Tras expirar su contrato con RCA Victor, Parton firmó Columbia Records en 1987.32 Las interpretaciones incluidas en su primer trabajo para Columbia, titulado Rainbow y publicado en 1987, consistía en material demúsica country y pop combinado con dos composiciones propias, «Could I Have Your Autograph» y «More Than I Can Say». El álbum obtuvo escaso éxito comercial y se posicionó en el puesto 153 de la lista Billboard 200. A pesar de sus bajas ventas, su contrato no fue rescindido, aunque éste sería el primero y último álbum de género country pop que lanzaría para ese sello discográfico. En marzo de ese año, tuvo lugar la publicación del álbum que grabó junto a Emmylou Harris y Linda Ronstadt: Trio, cuya preparación llevó cerca de diez años. Para promocionarlo, el terceto apareció en programas de entretenimiento como The Rosie O'Donnell Show,Tonight Show y Late Show with David Letterman.33 El disco alcanzó el primer lugar en la lista de álbumes de género country más vendidos de Billboard, puesto que ocupó durante cinco semanas consecutivas, y logró vender más de cuatro millones de copias. Fue también ampliamente alabado por los críticos musicales y consiguió sendas nominaciones a los premios Grammy. Trio se alzó con el Grammy a la «Mejor colaboración vocal country» en 1988.34 Durante esa época, Parton volvió a probar suerte como presentadora. Es así que en septiembre de 1987 volvió a la televisión con un nuevo programa de variedades semanal de la cadena ABC, titulado Dolly. En el programa, la cantante seleccionaba canciones clásicas que iban desde la década de los años 1960 en adelante, combinando a artistas tan variados como los músicos Kenny Rogers, Willie Nelson o Loretta Lynn con actores como Whoopi Goldberg o Burt Reynolds. El programa fue alabado por críticos y seguidores como el «último gran programa de variedades tradicional» al incluir una dinámica habitual con historias relatadas por la propia Parton y referencias a su imagen pública y a sus conocimientos musicales. Fue galardonado con dos premios People's Choice, en las categorías de «Mejor intérprete en una nueva serie televisiva» y «Mejor artista femenina». Al margen de las buenas reseñas que recibió, tuvo una baja audiencia, por lo que se lo retiró de la programación al finalizar la primera temporada.35 Los siguientes años supusieron el retorno de Parton a sus raíces musicales, con un álbum de marcado carácter de música country tradicional: White Limozeen (1989), que incluía canciones tradicionales interpretadas con guitarra acústica.36 Esta producción tuvo un gran impacto en Norteamérica, particularmente en los Estados Unidos donde debutó en el tercer puesto de las listas de country. De este álbum salió el sencillo «Yellow Roses» que se convirtió en un gran éxito internacional llegando a la cima de las listas de popularidad. A este éxito le siguieron sencillos como «Why'd You Come in Here Lookin' Like That», «He's Alive» y «Time for Me to Fly».37 En 1989, interpretó a Truvy Jones, una carismática peluquera, en la comedia dramática Steel Magnolias (1989), adaptación cinematográfica de la obra de teatro homónima escrita por Robert Harling, bajo la dirección de Herbert Ross. El elenco de la película estaba conformado por varios actores de primera línea, entre los cuales se incluyen Sally Field, Shirley Mc Laine, Daryl Hannah, Julia Roberts y Olympia Dukakis. Apreciada por la crítica, Steel Magnolias fue un éxito de taquilla y recaudó 80 millones de dólares en todo el mundo.38 A finales del año 1990, Parton publicó un nuevo álbum de estudio titulado Home for Christmas, que en su mayoría son nuevas versionesde canciones de temática navideña. Al año siguiente lanzó Eagle When She Flies, disco dedicado principalmente a la música country. El primer sencillo promocional del álbum fue «Rockin' Years», el cual grabó a dúo junto a Ricky Van Shelton y alcanzó el primer puesto de la lista de éxitos Hot Country Songs.39 El video musical que acompañó la canción, dirigido por Michael Salomon, fue galardonado con un premio TNN Music City News.40 41 El segundo sencillo promocional del disco fue la canción titulada «Silver and Gold», a la que le siguieron «Eagle When She Flies» y «Country Road». Además de «Rockin' Years», el álbum incluyó otros duetos, como el que realizó con la cantante Lorrie Morgan (titulado «Best Woman Wins») y con el cantautor Mac Davis («Wildest Dreams»). En cuanto a su recepción comercial, Eagle When She Flies tuvo altas ventas. Tras su estreno consiguió certificarse como Disco de Oro en Canadá y Platino en Estados Unidos. Además alcanzó el primer puesto de la lista Top Country Albums de los álbumes de música country más vendidos. En la publicación Billboard 200 alcanzó como máximo posicionamiento el número 24. La gira de promoción del disco comenzó a mediados de 1991 y se extendió hasta comienzos del año siguiente y se la tituló Eagle When She Flies Tour. Se trató de la única gira que hizo en la década de 1990. En 1992, protagonizó la comedia Straight Talk, de Barnet Kellman, donde hizo el papel a Shirlee Kenyon, una locutora de radio a cuyo programa llaman los oyentes para contar sus problemas. La película recibió reseñas mixtas y muchos criticaron negativamente la interpretación de Parton. De la banda sonora de Straight Talk, publicada bajo el sello Hollywood Records, se lanzaron dos sencillos: «Straight Talk» y «Light of a Clear Blue Morning». En ese mismo año, la cantante permitió que Whitney Houston versionara su tema «I Will Always Love You» para la banda sonora del largometraje El Guardaespaldas. Se transformó en la canción interpretada y escrita por una vocalista femenina más vendida en todos los tiempos, con ventas mundiales de más de doce millones de copias. Parton cosechó los beneficios, ya que le pertenecían todos los derechos de la obra grabada por Houston.42 Poco después publicó su siguiente trabajo de estudio, Slow Dancing with the Moon, al igual que su anterior disco de 1991 estuvo dedicado a la música country. En este nuevo disco interpretó doce canciones, de las cuales compuso ocho, y tuvo como sencillos los temas «Romeo» (que grabó junto a Mary Chapin Carpenter, Pam Tillis, Billy Ray Cyrus, Kathy Mattea y Tanya Tucker), «More Where That Came From» y «Full Circle». Tras su lanzamiento consiguió certificarse como Disco de Oro en Canadá y Platino Estados Unidos.43 44 En 1993, Parton también colaboró en la interpretación vocal del sencillo «The Day I Fall In Love» con James Ingram, para la banda sonora de película Beethoven's 2.45 46 En ese mismo año, publicó el álbum Honky Tonk Angels junto a Loretta Lynn y Tammy Wynette, alcanzando un gran éxito comercial y demostrando el amplio rango vocal de Parton a la hora de versionar una nueva colección de canciones tradicionales de música country. De aquí se desprendieron los sencillos «Silver Threads and Golden Needles» y «It Wasn't God Who Made Honky Tonk Angels», los cuales recibieron críticas mayormente positivas. En cuanto a su recepción comercial, el álbum logró muy pronto certificarse como Disco de oro en Estados Unidos, por vender más de 800 000 copias, situándose en el puesto 42 de los discos más vendidos del año, de acuerdo a datos de la publicación Billboard 200.47 A mediados de 1994, publicó su segundo álbum en directo, Heartsongs: Live from Home, grabado un año antes en Dollywood.48 Poco después, aceptó colaborar con el cantante español Julio Iglesias en la grabación de balada «When You Tell Me That You Love Me», que salió a la venta como sencillo promocional del disco de Iglesias titulado Crazy. Su siguiente trabajo, Something Special, publicado en 1995, obtuvo reseñas entusiastas por parte de la crítica musical. Incluye un dúo junto a Vince Gill en el tema «I Will Always Love You», así como otras dos viejas composiciones suyas y siete nuevas piezas escritas especialmente para este disco.49 Aunque la buena recepción crítica continuó durante la segunda parte de la década de 1990, su éxito comercial comenzó a decaer de forma paulatina con la publicación de nuevos trabajos.50 En 1996, publicó el disco de country rock Treasures, el cual tuvo bajas ventas. Por otra parte, en 1998 Hungry Again y en 1999 Precious Memories tampoco obtuvieron éxito comercial y fueron considerados un «fracaso», algo que reconoció incluso la propia Parton.51 En 1996, diseñó un programa de alfabetización llamado Imagination Library (Biblioteca Imaginaria), en Tennessee. Su objetivo fue hacer llegar a los niños, cada mes, desde el día de su nacimiento hasta cuando entren en el jardín de infantes, un libro apropiado para su edad. Se estima que anualmente distribuye alrededor de 2 500 000 libros.52 Parton finalizó la década con un repunte en su carrera gracias al lanzamiento de la esperada secuela de Trio:Trio II, donde se reunió nuevamente con Emmylou Harris y Linda Ronstadt. Este compacto, si bien fue certificado por la RIAA como "disco de oro", no alcanzó el éxito de su antecesor.53 54

La publicación en octubre de 1999 de The Grass Is Blue supuso un salto estilístico fundamental en su carrera al tratarse del primero de una de trilogía de álbumes de género bluegrass que lanzó bajo el respaldo de sello discográfico Sugar Hill Records (entre 1999 y 2002). El álbum, producido por Steve Buckingham, recibió reseñas positivas de diversas fuentes y ganó el premio Grammy en la categoría «Mejor álbum bluegrass».55 El sucesor de The Grass Is Blue, Little Sparrow, fue lanzado a la venta el 16 de enero de 2001. Grabado en las ciudades de Nashville yLos Ángeles , el álbum fue producido por Steve Buckingham e incluye canciones que amplían la paleta de registros de Parton hacia elgospel y el folk. Resultó ser un gran éxito comercial en el Reino Unido, donde vendió más de 250.000 de unidades. Debutó en el primer puesto de la lista británica de álbumes de música country con mayores ventas, llamada Top Country Albums, donde permaneció durante ocho semanas consecutivas. En la listas estadounidenses Billboard 200 y Top Country Albums alcanzó los posicionamientos número 97 y 12 respectivamente. Para promocionarlo se lanzaron dos sencillos: «Little Sparrow», canción compuesta por la propia Parton, y «Shine», una nueva versión de la canción originalmente grabada por la banda Collective Soul. Por «Shine» ganó un premio Grammy en la categoría de «Mejor vocalista country». Después fue incluida en el Salón de la fama de los compositores.56 La trilogía de álbumes de bluegrass se completó con la publicación en mayo de 2002 de Halos & Horns, que además contuvo géneros musicales country y folk.57 En julio de ese año, comenzó el Halos & Horns Tour, gira con la que visitó más de una decena de ciudades estadounidenses. Este tour fue el primero que realizó la artista en diez años.58 Para la promoción del álbum se lanzaron cuatro sencillos, entre 2002 y 2003: "If", "Hello God", "Dagger Through The Heart" y I'm Gone". Halos & Horns recibió mayoritariamente críticas positivas y obtuvo sendas nominaciones a los premios Grammy. Simultáneamente, le rindieron un homenaje un grupo de cantantes de country y pop, entre ellas, Melissa Etheridge, Alison Krauss,Joan Osborne, Shelby Lynne, Emmylou Harris, Mindy Smith, Kasey Chambers, Allison Moorer, Shania Twain, Norah Jones y Sinéad O'Connor, en el CD que se tituló: Just Because I'm a Woman: Songs of Dolly Parton, puesto a la venta en 2003 por Sugar Hill Records.59 A comienzos de 2003, apareció en el mercado un álbum recopilatorio titulado Ultimate Dolly Parton, conjunto que recopila las canciones más exitosas de los discos que Parton lanzó bajo el respaldo de RCA Victor. Más tarde, en junio de ese mismo año, publicó un nuevo álbum de estudio, denominado For God and Country. Se lanzó bajo el sello Sugar Hill Records, producido por la artista, Kent Wells y Tony Smith. De aquí se desprendió un único sencillo: «Welcome Home», el cual habla de los miembros de las tropas estadounidenses. No obstante, este álbum no consiguió ser tan exitoso como los anteriores, debido a las bajas ventas y a la escasa promoción que recibió, por lo que se lo consideró como un «fracaso». Sobre For God and Country, la cantante luego comentó: «Estaba haciendo unos demos, cuando de repente pensé: este es el momento de hacer un álbum patriótico tipo gospel. Así nació For God and Country». En septiembre de 2004, se publicó un álbum en formato de CD y DVD titulado Live and Well, una colección de canciones en vivo sacadas de la gira de 2002 Halos & Horns tour, más precisamente de dos conciertos que brindó en el mes de diciembre en Pigeon Forge, Tennessee. Con el propósito de promocionar el disco, la cantante se embarcó en una gira denominada Hello I’m Dolly Tour, con la cual recorrió varias ciudades de Estados Unidos y Canadá.60 El tour tuvo una buena recepción tanto crítica como comercial, con ingresos superiores a los seis millones de dólares.61 Asimismo, fue galardonada por la cadena Country Music Television al nombrar su tema musical «I Will Always Love You» como la «Mejor canción de amor de todos los tiempos».62 Parton finalizó el año 2005 con la publicación de Those Were the Days, que incluía nuevas versiones de canciones de género folk-rockde las décadas de 1960 y 1970 como «Imagine» ó «Blowin' in the wind» y que contó con la colaboración de Norah Jones, Keith Urban,Kris Kristofferson, Alison Krauss, Nickel Creek y Roger McGuinn. A pesar de la alineación de estrellas musicales, el álbum obtuvo reseñas negativas y bajas ventas.63 En el verano de ese mismo año volvió a salir de gira, en una serie de conciertos etiquetados como "una retrospectiva musical" al reinsertar varias de sus viejas composiciones en el repertorio y titulada The Vintage Tour.64 En 2006, la canción «Travellin' thru», compuesta para la película Transamérica, de Duncan Tucker, fue nominada a los premios Óscar yGlobos de Oro a la mejor canción original.65 En 2006, Parton recibió el premio Kennedy Center por «su contribución a las artes escénicas», junto a Zubin Mehta, Steven Spielberg,Smokey Robinson y Andrew Lloyd Webber.66 Se le realizó un homenaje especial, llevado a cabo en la Casa Blanca, que tuvo como maestras de ceremonia a Reba McEntire y Reese Witherspoon y contó con las actuaciones en vivo de artistas como Carrie Underwood, que cantó el tema «Islands in the Stream» junto con Kenny Rogers; Alison Krauss, que interpretó en solitario «Jolene» y a dúo conShania Twain la canción «Coat of Many Colors»; y Vince Gill, que interpretó «I Will Always Love You».67 68 En 2007, Parton volvió a realizar una aparición especial como actriz invitada en la serie televisiva deDisney Hannah Montana. En febrero de ese mismo año comenzó su gira A Evening with Dolly Parton Tour, que continuó hasta marzo. El tour visitó ciudades de Estados Unidos, Canadá, Irlanda,Inglaterra, Países Bajos, Noruega, República de Irlanda, Irlanda del Norte, Dinamarca, Escocia yGales y fue una de las giras más taquilleras de su trayectoria, ganando 16 millones de dólares en 20 espectáculos. Mientras estaba de gira, Parton participó interpretando el tema musical «I Will Always Love You» en el homenaje que el programa de televisión Grand Ole Opry le realizó a su colega Porter Wagoner. En ese mismo año fue galardonada por la Smithsonian Institution con el premio Woodrow Wilson en reconocimiento a su labor humanitaria. A mediados de 2007, Parton fundó su propia compañía discográfica, Dolly Records, según lo que ella misma dijo, con la finalidad de difundir su música y la de otros artistas. Luego, se publicó el sencillo «Better Get to Livin'», como adelanto de su trigésimo octavo álbum de estudio. La canción alcanzó el número 48 en la lista Hot Country Songs y recibió reseñas mixtas por parte de los críticos musicales.69 El susodicho álbum de estudio, Backwoods Barbie, fue lanzado en abril de 2008 y estuvo dedicado principalmente a la música country. Llegó a la cima de la listas Country Albums Chart yIndependient Albums, el álbum también debutó en el número 17 en el Billboard 200 y vendió más de 300.000 copias en las dos primeras semanas de publicación.70 Después de lanzar el segundo sencillo del disco, «Jesus & Gravity», Parton se embarcó en la gira Backwoods Barbie Tour, presentándose en Estados Unidos, Canadá y Europa. La gira tuvo una audiencia global de 113 000 personas y recaudó más de nueve millones de dólares.71 72 El álbum produjo otros tres sencillos: «Shinola», «Drives Me Crazy» y por último «Backwoods Barbie», pero ninguno de ellos ingresó en la lista Billboard Hot 100. En ese mismo año, la recopilación The Very Best of Dolly Parton se convirtió en un gran éxito en el Reino Unido, donde vendió más de 300.000 copias y fue certificada como disco de platino.73 Mientras se encontraba de gira, Parton preparó el repertorio musical de la obra teatral 9 to 5, adaptación de la película del mismo nombre en la que ella había debutado como actriz en 1980. El musical, estrenado a finales de 2008 en el teatro Ahmanson de la ciudad de Los Ángeles, contó con la dirección de Joe Mantello, arreglos vocales de Stephen Oremus y coreografías de Andy Blankenbuehler.74 Al año siguiente, la obra se trasladó al teatro Marquis de Broadway, Nueva York, debutando en el mes de abril, con un gran éxito de crítica y público.75 74 El 8 de mayo de 2009, recibió un doctorado honorario en letras humanas y musicales de la Universidad de Tennessee, en Knoxville.7677 El 30 de junio del mismo año, cinco días después de la muerte del cantante Michael Jackson, Parton subió al sitio de InternetYoutube.com un video en el que expresó su dolor ante el fallecimiento del llamado "rey del pop". Aseguró que Jackson era un genio musical y una persona realmente muy dulce, con un corazón de ángel.78 79 Después de esto, en el mes de octubre, publicó un álbum en directo titulado Live from London, en formato de CD y DVD. En noviembre de ese año, lanzó por primera vez una caja recopilatoria, la cual fue titulada Dolly y contuvo 99 canciones de su catálogo musical. Parton comenzó la nueva década ofreciendo varias apariciones televisivas y simultáneos conciertos, con el fin de publicitar los nuevos juegos y atracciones que se inauguraron en Dollywood como parte de los festejos del 25° aniversario de su apertura.80 En febrero de 2010 apareció en el programa de Larry King y habló de su historia y su vida con Porter Wagoner, donde reveló lo que pensaba sobre otros cantantes y compositores, así como el amor que sentía por su esposo, y en mayo del mismo año participó en The Oprah Winfrey Show e interpretó la canción «I Will Always Love You».37 Además, se presentó por tercera y última vez como invitada en la comedia de situación protagonizada por Miley Cyrus Hannah Montana.81 Pasados dos años de su último trabajo, Parton anunció en noviembre de 2010 que había empezado a trabajar en su siguiente álbum de estudio. Dos meses después, publicó en su web que, tras los rumores de una nueva publicación, iba a «dar un mensaje de optimismo», y el 9 de de enero de 2011 reveló el título del nuevo trabajo, Better Day, publicado finalmente el 28 de junio de 2011. Better Day logró encabezar diversas listas de popularidad, entre ellasAustralian Country Albums Chart y UK Country Albums Chart, y fue bien recibido por la crítica musical.82 Con el propósito de promocionar el disco se embarcó en el Better Day World Tour, que dio comienzo el 17 de julio de 2011 y visitó ciudades del sur de Estados Unidos y se extendió posteriormente a Australia y a Europa. Respecto a la gira, Parton dijo que «estoy muy emocionada por volver a salir de gira. Amo a mis fanáticos y he extrañado el cantar en vivo para ellos. Voy a ofrecerles muchas cosas nuevas con este espectáculo, como canciones inéditas de (mi álbum) Better Day y segmentos muy divertidos». Con una recaudación neta de 34 millones de dólares, se convirtió en su gira más rentable. Cabe añadir que a principios de 2011, la cantante fue galardonada en la 53° entrega de los premios Grammy con un premio en reconocimiento a su trayectoria. Tras seis años de inactividad a nivel cinematográfico, le puso su voz a un gnomo en la película de animación Gnomeo & Juliet y realizó un breve cameo en el largometraje independiente The Year Dolly Parton Was My Mom. A comienzos de 2012, Parton interpretó el papel de G.G. Sparrow en la película escrita y dirigida por Todd Graff Joyful Noise, cuya producción se inició en enero de 2011. Allí compartió escena junto a Queen Latifah, Keke Palmer, Courtney B. Vance y Kris Kristofferson. Joyful Noise se estrenó en Estados Unidos en enero de 2012; no obstante, el filme tuvo una mala recepción tanto comercial como crítica.83 Artículo principal: Anexo:Filmografía de Dolly Parton Parton debutó en el cine en 1980, representando el papel de Doralee Rhodes en la película 9 to 5 (Cómo eliminar a su jefe), alcanzando una buena acogida en todo el mundo. Allí fue dirigida por Colin Higgins y compartió créditos con Jane Fonda y Lily Tomlin. Por su interpretación recibió reseñas mayoritariamente positivas y fue nominada al Globo de Oro como «Mejor actriz de comedia o musical» y como «Nueva estrella del año». 27 Su siguiente papel fue en The Best Little Whorehouse in Texas (1982), un musical ambientado en la década de 1930 que recaudó más de 60 millones de dólares; Parton interpretó a Mona Stangley, la propietaria de un cabaret cuyo principal cliente es el personaje de Burt Reynolds. Esta actuación le valió una nominación a los premios Globo de Oro en la categoría de «Mejor actriz de comedia o musical». En 1984, Parton protagonizó junto a Sylvester Stallone la comedia romántica Rhinestone, dirigida por Bob Clark, donde interpretó el papel de una cantante. Varios especialistas criticaron negativamente a Rhinestone, pero la mayoría destacó la actuación de Parton. El periódico New York Times describió la película como «una comedia terriblemente poco chistosa, en el que únicamente destaca la interpretación de la señorita Parton sobre todo el reparto». En siguiente largometraje protagonizado por Parton fue la comedia Straight Talk, dirigida por Barnet Kellman; allí personificó a Shirlee Kenyon, una locutora de radio a cuyo programa llaman los oyentes para contar sus problemas. La película recibió reseñas mixtas y muchos criticaron negativamente la interpretación de Parton. Poco después hizo una aparición a modo de cameo en la película The Beverly Hillbilies, de 1993, la cual resultaría ser su última aparición en el cine en la década de 1990. Asimismo, Parton interpretó a Ruby Diamond, una cantante que al morir descubre que para entrar en el Cielo necesita hacer buenas obras, así que se convierte enángel y vuelve a la Tierra para ayudar a una familia, en la película para televisión de CBS Unlikely angel. Poco después protagonizó una nueva película para televisión, titulada Blue Valley Songbird y estrenada en 1999. Tiempo después, en 2000, se presentó como invitada en la comedia de situación Bette, de la cadena CBS. En 2002, participó en la película de Disney Frank McKlusky, C.I., una comedia donde representó el papel de Edith McKlusky, la madre de un detective (interpretado por Dave Sheridan), que recibió reseñas negativas y en Norteamérica salió a la venta directamente enDVD. Cabe añadirse que hizo una breve aparición en la película Miss Congeniality 2: Armed and Fabulous, de 2005. Figuró en tres episodios de la serie de Disney Channel Hannah Montana entre 2006 y 2010 en el rol de Dolly Stewart, la tía de Miley Stewart —interpretada por Miley Cyrus—. Más tarde, la artista declaró que haber aceptado ese papel había sido una de las mejores decisiones de su carrera.84 A comienzos de 1978, Parton lanzó una colección limitada de muñecas con su nombre, inspiradas por los vestidos que usó durante su estadía en el programa musical The Porter Wagoner Show. En 1986, se convirtió en la copropietaria del parque temático Silver Dollar City Tennessee, ubicado en Pigeon Forge, Tennessee, Estados Unidos. En este periodo, lo remodeló casi por completo y lo llamó Dollywood.85 Desde su apertura resultó ser todo un éxito. Al día hoy es visitado por más de tres millones de personas cada año. En este parque, Parton realizó numerosos conciertos, festivales y presentaciones para recaudar fondos para su fundación de beneficencia, la Fundación Dollywood.86 En diciembre de 2006, donó $500.000 dólares a un hospital de su pueblo natal para honrar al Dr.Robert F. Thomas, el médico que atendió a su madre durante el parto.87 Para financiar este proyecto la cantante realizó un concierto para recaudar fondos, al que acudieron alrededor de ocho mil personas.88 En ese mismo año, publicó un libro de cocina tituladoDolly's Dixie Fixin's. La recaudación de las ventas fueron donadas a la Fundación Dollywood Domenico Modugno

Datos generales

Nacimiento 9 de enero de 1928 Italia

Muerte 6 de agosto de 1994 Italia

Información artística

Género(s) Pop

Discográfic RCA a(s) Italiana, Fonit, Curci,Carosello, P anarecord Domenico Modugno (Polignano a Mare, 9 de enero de 1928 - Lampedusa, 6 de agostode 1994) fue un cantautor, compositor, guitarrista y actor italiano. Representó en varias oportunidades a Italia en el Festival de la canción de Eurovision. Fue también diputado y dirigente del Partido Radical italiano. Considerado como el Padre de los cantautores italianos y uno de los más prolíficos artistas italianos en general al haber escrito y grabado cerca de 230 canciones, interpretado 38 películas para cine y 7 para la televisión, recitado 13 obras teatrales, conducido algunos programas televisivos y aparecido numerosas ocasiones, sea por televisión o en vivo, en los escenarios. Fue muy notorio ante un amplio público por sus cuatro victorias en el Festival de San Remo, en modo particular por aquella de 1958 con la canción Nel blu dipinto di blu, escrita por Franco Migliacci y universalmente conocida como “Volare”, que se convirtió en una de las canciones italianas más conocidas en el mundo. De este modo, un treintañero de Apulia, que hasta entonces había tenido un éxito sólo modesto en Italia como cantante y actor, se convierte, con la victoria del Festival de San Remo, en el más notable cantante italiano en el mundo, y su “Volare” la canción italiana más conocida sólo después de “''O sole mio”, único disco de la historia de la música italiana que ha llegado al primer lugar (y en permanecer allí a lo largo de trece semanas) del Hit parade estadounidense, récord inigualado hasta la fecha. La canción de Modugno "Volare" (llamada también Nel blu dipinto di blu) fue un éxito comercial a nivel internacional, y con el paso del tiempo se convirtió en una de las más representativas de la historia musical italiana. "Nel blu dipinto di blu" alcanzó el número uno en el Hot 100 de la revista estadounidense Billboard, y la misma publicación lo reconocería después como el mejor sencillo de 1958. Gracias a Volare, Modugno se convirtió en el primer ganador del Premio Grammypor grabación del año y canción del año en 1959.1 Fue un éxito tan extraordinario que "L'Espresso", un periódico italiano, tituló su primera plana: «Modugno ha conquistato l'America», y para fin de aquel año las ventas del mismo aumentaron, batiendo todos los récords para un disco italiano hasta aquel momento: hasta 800.000 copias en talia y otros 22 millones en el mundo. Desde muy joven, Domenico quería ser actor. En 1951, después de terminar el servicio militar y gracias a una beca, accedió al Centro Experimental de Cinematografía de Roma, apareciendo más tarde en unas cuantas películas. Después de protagonizar Il mantello rosso (La capa roja), inició su carrera de cantante. En la década de los 50 se hizo muy popular en los Estados Unidos. Se convirtió en uno de los protagonistas de la música melódica internacional cuando, con Nel blu dipinto di blu(más conocida como Volare), triunfó en el Festival de San Remo de 1958 junto a Johnny Dorelli. Con esta misma canción, participó también el Festival de la Canción de Eurovisiónde ese mismo año, quedando en tercera posición (de diez). En 1960 se le acusó de plagiar la canción de un compositor de ópera, aunque se le declaró inocente. Ganó tres veces más el Festival de San Remo con Piove (1959, nuevamente con Johny Dorelli), Addio, addio(1962, en compañía de Claudio Villa) y Dio, come ti amo (1966, juntamente con Gigliola Cinquetti). En Eurovisión volvió a participar en 1959 y 1966. Actor teatral y cinematográfico, apareció en la comedia musical Rinaldo in campo (1961), deGarinei e Giovannini, y en Liolà, adaptación de la célebre ópera de Luigi Pirandello. En el cine interpretó Il giudizio universale de Vittorio De Sica, mientras que de 1973 a 1976 fue Mackie Messer en la Opera da tre soldi de Kurt Weill y Bertolt Brecht, dirigida por Giorgio Strehler. Pier Paolo Pasolini usó canciones de Modugno para la banda sonora de Pajaritos y pajarracos, una de sus películas fundamentales. Artista conocidísimo y de gran presencia escénica, se recuerdan, entre otras canciones, La lontananza (La distancia es como el viento), Piove (Ciao, ciao bambina) (Llueve), Comme prima (Como antes), Meraviglioso (Maravilloso), Vecchio frack (Viejo frack), Resta cu' mme (Quédate Conmigo) (en idioma napolitano), Dio, come ti amo (Dios, cómo te amo), Piange il teléfono (Llora el teléfono / Le telephone pleure), Un calcio alla città (Un puntapié a la ciudad), Lu pisci spada (El pez espada) (en idioma siciliano) y Come hai fatto(Como has hecho). Domenico Modugno sufrió un ictus en 1984 y fue forzado a dejar la actividad artística. Se dedicó a la política y fue elegido parlamentario en la lista del Partido Radical Italiano de 1987 a 1992. Entre algunos de sus reconocimientos post-morten, en el 50º Aniversario del Festival de Eurovisión, celebrado en 2005, se nombró aVolare como la mejor canción de la Historia del concurso tras Waterloo de ABBA. Además esta valoración venía a hacer "justicia" con el cero que Domenico obtuvo en el Festival de Eurovisión de 1966 con Dio come ti amo, con el cual se sintió profundamente dolido. En2008 además, el Ministerio de Comunicación de Italia distribuirá sellos en conmemoración de Volare y Domenico. Donna Summer

Datos generales

Nombre real LaDonna Adrian Gaines

Nacimiento 31 de diciembre de 1948 Estados Unidos, Boston,Massachusetts

Muerte 17 de mayo de 2012 (63 años) Estados Unidos, Naples,Florida

Cónyuge Helmuth Sommer (1972-1975) Bruce Sudano (1978-2012)

Hijos Mimi, Amanda y Brooklyn

Ocupación Cantante, compositora, actriz,pi anista

Información artística

Tipo de voz Mezzosoprano

Otros «La Reina del Disco» nombres «La Primera Dama del Amor»

Género(s) Pop, dance, R&B, soul, Disco,h ouse

Instrumento Voz, piano (s)

Período de 1968—2012 actividad

Discográfica Casablanca, Epic, Warner, (s) Geffen, Atlantic, Mercury

Artistas Mahalia Jackson, Giorgio relacionados Moroder LaDonna Adrian Gaines, mejor conocida artísticamente como Donna Summer(Boston, Massachusetts, 31 de diciembre de 1948 - Naples, Florida, 17 de mayo de2012) fue una cantante, compositora, pianista y actriz estadounidense, mundialmente famosa por sus géneros de disco y pop durante los años 70 y comienzos de los años 80. Ha ganado en cinco ocasiones los Premios Grammy. Summer fue la primera artista en tener tres álbumes consecutivos en alcanzar el número #1 en los Estados Unidos en el Billboard Hot 100. A lo largo de su carrera vendió más de 150 millones de copias en todo el mundo, lo que la convierte en uno de los músicos con mayores ventas de todos los tiempos. Summer se involucró en el mundo de la música a través de los grupos de coro de su iglesia antes de unirse a una serie de bandas influenciadas por la Motown Sound. Influida por la contracultura de la década de 1960, se convirtió en la cantante frente a un rock psicodélico de la banda llamada Crow y se trasladó a la ciudad de Nueva York. Se casó con Helmut Sommer, de ahí su sobrenombre que adoptó como su nombre artístico Donna Summer. Le fue diagnosticado un cáncer de pulmón, por lo que Summer falleció el 17 de mayo de 2012, en su casa, en Naples, Florida. En el año 2013, Summer fue incluida en el Rock & Roll Hall of Fame. Es considerada la reina de la música disco. Summer nació el 31 de diciembre de 1948, en Boston, Massachusetts, hija de Andrew y Mary Gaines. Se crió en el barrio de Boston de Mission Hill junto a sus otros seis hermanos. Su padre era carnicero y su madre maestra de escuela. La madre de Summer dijo que ella antes de hablar, cantaba. Hizo su debut en la actuación con tan solo diez años en su iglesia sustituyendo a un vocalista que no se presentó. Summer recordó que mientras cantaba se puso a llorar y todo el mundo empezó a llorar y que fue un momento increíble en su vida por lo que sintio que Dios le estaba diciendo que sería muy famosa y desde ese momento ella lo sintió. Summer asistió a Boston's Jeremiah E. Burke High School donde actuó en musicales de dicha escuela y fue considerada muy popular en su clase. También fue algo alborotadora, asistiendo a fiestas, evitando que sus padres se enterasen de lo que ella hacía. En 1967, pocas semanas antes de graduarse, Summer se mudó a Nueva York, donde fue miembro de la banda musical de rock, Crow. Después de ser reconocidos como buenos cantantes por cada sello discográfico, decidieron separarse. Sin embargo, Summer siguió viviendo en Nueva York y audicionó para un papel en el musical Hair, pero no logró conseguir el papel siendo quién lo ganará Melba Moore. Después de esto, se trasladó a Munich, Alemania después de obtener la aprobación de sus padres. Fue allí donde Summer se convirtió en una bella cantante, cantando varias canciones en alemán. Además participó en los musicales Ich bin ich, Godspell y Show Boat. Después de tres años en Alemaniase trasladó a Viena, Austria y se unió a la Volksoper de Viena. Recorrió brevemente con un grupo musical llamado FamilyTree, una creación del productor Guenter "Yogi" Lauke. En 1968, Summer sacó su primer single en Polydor, una versión en alemán del musical "Hair", titulado Aquarius seguido en 1971 por un segundo single, llamado Sally Go 'Round the Roses junto a The Jaynetts. En 1972, se publicó su tercer sencillo If You Walkin' Alone. Mientras cantaba como corista en una sesión de grabación en Munich Musicland Studios de Three Dog Night, Summer se reunió enAlemania, con los productores Giorgio Moroder y Pete Bellote. El trío forjó una asociación de trabajo y comenzó a colaborar en canciones juntos a partir de 1974. Una cinta de demostración de los trabajos de Summer con Moroder y Bellotte llevó a un acuerdo con el sello europeo Groovy Records. El sello publicó el primer álbum de Summer, Lady of The Night. El álbum se convirtió en un éxito mundial con las canciones The Hostage y Lady of The Night, que llegaron a ser número uno en países como Los Países Bajos yBélgica. A mediados de 1975, mientras trabajaba en un nuevo álbum, Summer colaboró para una canción que Moroder estaba trabajando para otro artista en la entonces naciente discoteca, escribiendo parte de la canción titulada Love to Love You. Más tarde, Summer dijo que se había imaginado que Marilyn Monroe cantaba esta canción y demostró cómo se sentiría, si Monroe se hubiera acercado a ella. Antes de grabar la canción incluyó atrevidos jadeos y gemidos propios de un orgasmo y se cuenta que para grabarlos pidió un ambiente íntimo: apagar las luces del estudio. Esto hizo pensar que las sensaciones sugeridas en la canción eran reales; reseñas de la revistaTime y de otros medios llegaron a cuantificar que la canción sumaba 23 orgasmos. Sin embargo, cuando preguntaron a Donna «si se había tocado» o estimulado durante la grabación, ella contestó: «¿Tocarme? Sí, una pierna». Love to Love You Baby se lanzó inicialmente en Europa, pero varias emisoras la rechazaron por su erotismo y tuvo un éxito modesto. Por suerte, una copia llegó a Estados Unidos y cayó en manos de Neil Bogart, presidente de la firma Casablanca Records. Bogart, conocido por sus lujosas fiestas, puso a prueba la canción haciéndola sonar en una de sus celebraciones; la reacción de los invitados fue tan entusiasta, que reclamaron que sonase una y otra vez. El directivo se puso en contacto con Moroder y Summer, anunciándoles que lanzaría la canción pero que necesitaba una versión extensa para el baile en discotecas. Recibió una versión de 17 minutos de duración, que no cabía en un disco de vinilo de tamaño single y que tuvo que editarse en otro de 12 pulgadas: el maxi-single, formato del que Donna Summer resultó ser pionera. A principios de 1976, Love to Love You Baby alcanzó el puesto Nº2 en los Billboard Hot 100 de los Estados Unidos, mientras que el álbum del mismo nombre, vendió más de un millón de copias. Llegó a ser el Top 5 en Reino Unido, a pesar de su prohibición en laBBC. En 1977 Donna Summer publicó I Remember Yesterday, un álbum conceptual que incluyó como canción estelar "I Feel Love"; este tema llegó al top 6 en las listas estadounideses. La insistencia en temas de amor o sexo —los títulos de varias de sus canciones incluían la palabra "love"— motivó que Summer fuese apodada «la Primera Dama del Amor», lo que no era de su agrado. Por su belleza y por las sugerencias de sus canciones, Donna transmitía una imagen seductora y provocativa que no reflejaba su carácter real, más bien discreto. Sus canciones reinaban en las pistas de baile y se asociaban al desenfreno nocturno de clubes como Studio 54, pero ella siempre moderaba su vida social y rara vez trasnochaba. Esta fue la época dorada de la música disco; Donna desplazó a Gloria Gaynor quien, hasta ese entonces, ostentaba el título de "la reina de las discotecas". Muy productiva, en el mismo año 1977, la cantante publicó un álbum doble inspirado en el mito de Cenicienta, Once Upon A Time, combinando baladas y ritmos bailables con sonido orquestal. Al año siguiente lanzó una versión rítmica de la balada "MacArthur Park", que había sido dada a conocer por el actor y cantante Richard Harris. La canción fue el primer "top 1" de Donna en Estados Unidos y pertenecía a su primer álbum grabado en directo, Live and More, que llegó a ser disco de platino en dicho país al vender un millón de copias. En 1978, participó como actriz en la película musical Thank God it's Friday (Gracias a Dios, es viernes) cuyo tema principal, "Last Dance", era interpretado por ella y se convirtió en otro gran éxito en la radio; además, ganó el premio Óscar a la mejor canción. Donna apareció en la ceremonia de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias e interpretó el tema de manera magistral. También recibió un premio Grammy. En 1979, proclamado Año del Niño, la cantante participó en el concierto Music for UNICEF junto a estrellas como ABBA, Olivia Newton-John, Bee Gees y Rod Stewart; se codeaba con los más grandes. Pero no disfrutaba plenamente de tanto éxito: cayó en etapas deansiedad y depresión que le llevaron a consumir tranquilizantes y otras drogas recetadas. Terminó haciéndose adicta a ellas y tuvo que recibir tratamiento para solucionarlo. Después lanzó, siguiendo su colaboración con Moroder y Bellotte, el álbum Bad Girls alusivo al mundo de la prostitución. Incluía la canción del mismo título, compuesta por el grupo Brooklyn Dreams y la propia Donna. Se cuenta que Neil Bogart quiso ofrecer esta canción a Cher, a lo que Donna se negó insistiendo en grabarla ella. El álbum incluyó otro éxito de tema igualmente provocativo: "Hot Stuff" (canción que en los años 90 sería incluida en la exitosa comedia The Full Monty). Mención especial merece el hecho de que Donna se convirtió en su propia competidora ya que tanto "Bad Girls" como "Hot Stuff" se peleaban por el primer lugar en el «top 5» en los Estados Unidos. Luego gana su segundo premio Grammy y en 1979 hace un insólito dueto con Barbra Streissand cantando "(No More Tears) Enough is Enough"; una rara incursión de Barbra en el género disco, que se incluyó también en el álbum Wet de Barbra. Este tema también se editó en "maxi-single" y fue un duelo maravilloso de voces de las dos reinas de la comunidad "gay" que se ubicó en el primer lugar de las listas. Con estos éxitos, la Summer alcanzó el inusual récord de ocho éxitos "top 5" en un plazo de apenas dos años. En 1979, lanzó su primer recopilatorio para el que aportó la nueva canción, "On The Radio", cuya letra citaba el reciente éxito "Love Is In The Air" de John Paul Young; este álbum doble llegó al número uno y la canción repitió el triunfo de entrar en el "top 5". En 1980 Donna Summer rompió su relación con Casablanca Records debido a discrepancias sobre el estilo musical que quería desarrollar en el futuro. A finales de los 70, la música disco caía en el descrédito por la saturación, y hubo gente que llegó a manifestarse destruyendo montones de maxi-singles con máquinas apisonadoras. Por otro lado, Donna renegaba de sus éxitos más sensuales, como "Love to Love You Baby". Cuentan que se retiró de la vida nocturna propia del espectáculo y adoptó un fervor religioso casi puritano. Firmó contrato con Geffen Records, nuevo sello fundado por David Geffen, y lanzó el álbum The Wanderer, ya con influencias de la new wave y el rock al modo de Pat Benatar. La canción del mismo título llegó al "top 3" en Estados Unidos y el álbum alcanzó por ventas un disco de oro, pero sus resultados en el Reino Unido fueron inferiores. Luego, se preparó un segundo álbum, I'm a Rainbow, pero la compañía no llegó a lanzarlo por temor a un fracaso comercial y lo archivó (vería la luz en 1996). Algunas de sus canciones (como "Romeo") llegarían a aparecer en películas como Flashdance. Summer rompió su relación de años con Giorgio Moroder, y Geffen reclutó como productor al prestigioso Quincy Jones, quien se hizo muy célebre poco después por el éxito Thriller de Michael Jackson. La colaboración entre Donna y Quincy Jones dio como resultado el álbum Donna Summer, con canciones como "Love Is in Control" ("top 10" en las listas estadounidenses) y "State of Independence". Pero surgió un nuevo conflicto: la compañía PolyGram, propietaria del sello Casablanca, reclamaba a Donna la grabación de un nuevo álbum a fin de liquidar su viejo contrato. La respuesta a tal demanda fue el álbum She Works Hard for the Money (1983), cuyo tema del mismo título (que en español significa: 'ella trabaja duro por dinero') llegó al "top 3", en parte gracias a un video musical que se hizo sumamente popular, en el que Donna encarnaba a una camarera humillada que tiene que seguir trabajando para subsistir. En un coqueteo con el género reggae, el disco incluía "Unconditional Love", canción grabada en colaboración con el grupo Musical Youth. Liberada ya de su relación con Casablanca Records y PolyGram, Donna Summer lanzó en 1984 el álbum Cats Without Claws; un relativo fracaso al ser el primero que no llegaba al Disco de Oro por primera vez desde su debut diez años atrás. El estancamiento comercial de la cantante se agravó con su siguiente lanzamiento, All Systems Go (1987); el sencillo "Dinner with Gershwin" (homenaje al famoso compositor George Gershwin) tuvo un resultado discreto, y la canción "All Systems Go" ni llegó a lanzarse en Estados Unidos, conformándose en el Reino Unido con el puesto 54 en las listas. Las dificultades de Summer aumentaron cuando se vio envuelta en una polémica periodística: se le atribuyeron unas declaraciones antihomosexuales relativas al sida que provocaron un alud de críticas. La cantante insistió en la falsedad de tales afirmaciones y aclaró que ella respetaba la forma de vida de personas como los homosexuales. Durante la década de los 90, Donna Summer lanzó algunas canciones inéditas como "Carry On", que supuso su reencuentro conGiorgio Moroder; una remezcla de esta canción en 1997 significó otro premio Grammy en la carrera de la cantante. En 1990 y 1993, se publicaron dos recopilaciones de sus éxitos y, en 1991, Donna se atrevió con el sonido new jack swing publicando el álbum Mistaken Identity. En 1994 se acercó al gospel con el disco navideño Christmas Spirit. A fin de relanzar la carrera de Donna, Geffen Records llamó a los productores ingleses Stock, Aitken y Waterman (SAW), entonces de moda. Ellos habían lanzado al estrellato a Kylie Minogue,Rick Astley, Samantha Fox y otras figuras juveniles, y además, mediante estribillos pegadizos y ritmos bailables, reflotaron a viejas glorias como Bananarama y Cliff Richard. Se les consideraba infalibles como creadores de "pelotazos" bailables, e incluso la italiana Sabrina Salerno recurrió a ellos para afianzarse comercialmente. La alianza entre Summer y el trío SAW fructificó con el álbum Another Place and Time, cuyos principales éxitos fueron "This Time I Know It's for Real" y "I Don't Wanna Get Hurt". Fue un lanzamiento muy accidentado: Geeffen Records se negó a publicarlo, lo que desembocó en la ruptura de su contrato con la cantante. El disco no vio la luz inicialmente en Estados Unidos sino en Europa gracias a la empresa Warner, habitual distribuidora de Donna Summer en dicho continente. El primer sencillo alcanzó buenas posiciones en las listas europeas, por lo cual laWarner decidió distribuir el álbum en Estados Unidos por medio de su filial Atlantic Records. Fue una astuta jugada, ya que las ventas fueron muy buenas y "This Time I Know It's for Real" terminó siendo el 12º "single" de oro en la carrera de la cantante. Posteriormente, y dado el éxito del disco, Donna vuelve a grabar con los mismos productores británicos un segundo álbum, If I Have To Stand Alone, con canciones muy bailables y escritas pensando exclusivamente en ella. Desgraciadamente, el disco no vio la luz debido a discrepancias con su empresa. Algunas de sus canciones fueron "Beyond Your Wildest Dreams", "If I Have To Stand Alone", "Happenin' All Over Again" y "That's No Reason". Posteriormente, este repertorio fue regrabado por Lonnie Gordon y llega a ser un nuevo "hit" de superventas en 1990 y 1991 para desesperación de los fans de Donna. En 1996, participó en el álbum Gently de Liza Minnelli, cantando a dúo "Does He Love You". Ya en 1999, protagonizó un recital para el canal de televisión VH1 cuyo título (Donna Summer - Live and More Encore) aludía a su primer disco en directo grabado dos décadas antes (Live and More). Del recital se publicó un álbum con dos canciones extra, grabadas en estudio. La primera de ellas dio a Donna un nuevo éxito: "I Will Go With You", una versión bailable de la balada de corte operístico"Con te partirò", dada a conocer por Andrea Bocelli y Sarah Brightman. La segunda canción, ya entre el estilo música disco y el house, fue "Love Is the Healer". El álbum relanzó a Donna Summer a las listas de ventas. La crítica elogió su buen estado de forma a pesar de su edad madura; su voz seguía sonando con fuerza. En esa época, se comentó que se preparaba un musical sobre la vida de la cantante (My Life), un proyecto que finalmente no logró hacerse realidad. Donna Summer ha participado esporádicamente en televisión; en 1994 y 1997 asistió a varios capítulos de la serie estadounidenseCosas de casa donde interpretaba a la tía Oona. Se habló de que este repunte comercial era el inicio de una reaparición más duradera, con nuevos álbumes, si bien el siguiente se demoró años: en 2008 Summer publicó Crayons, en el que experimentaba con ritmos latinoamericanos. En 2011 lanzó la canción "To Paris with Love", que resultaría ser la última. En 2011, se comentó que Donna estaba trabajando en grabar a dúo una canción junto a la española Soraya Arnelas: "You´ve Got The Music", que iría incluida en el nuevo disco de la extremeña (Dreamer). Sin embargo, el álbum ya publicado no incluyó dicho dueto y la mencionada canción fue interpretada enteramente por Soraya. El 17 de mayo de 2012, Summer murió por la mañana, en su casa en Naples, Florida a la edad de 63 años, después de ser diagnosticada de cáncer de pulmón, que no estaba relacionado con el tabaquismo. Se cree que el desarrollado de su enfermedad fue creado por la inhalación de partículas tóxicas tras los ataques terroristas del 9/11 en Nueva York. A Summer le sobreviven su esposo, Bruce Sudano, y sus hijas, Brooklyn, Amanda y Mimi. Su funeral se inauguró en Nashville, Tennessee, el 23 de mayo de 2012. Fue enterrada en Harpeth Hills. Se casó con el actor Helmuth Sommer en 1972 y al año siguiente tuvieron una hija llamada Mimi Sommer. Se divorciaron en 1975, si bien ella mantuvo su apellido de casada, traduciéndolo al inglés. Conoció a Bruce Sudano en 1978 cuando él era miembro del grupo Brooklyn Dreams (compusieron juntos el éxito "Bad Girls") y se casaron dos años después. Tuvieron dos hijas Brooklyn y Amanda Sudano y el matrimonio siguió unido hasta el fallecimiento de la cantante en 2012. En 1994 Donna inició una vida más discreta; se mudó con su familia de Los Angeles a Nashville, y se volcó a la pintura. Fue una consumada artista y llegó a exponer en Japón, apoyada por Steven Spielberg. Donna Summer se convirtió en una mujer con muchas cualidades según su familia, era pintora, cantante, productora, actriz y escritora. Escribió dos libros ya publicados, y además se hizo socia y productora en la compañía cinematográfica Warner Bros., con quienes produjo dos series cómicas distintas.1 2 La influencia de Donna Summer en la música pop y dance actuales es innegable, tanto por el sonido acuñado por su productor Giorgio Moroder como por su exuberante imagen, con una puesta en escena y vestuario que marcaron tendencia en los años 70, una época ahora recordada con nostalgia y periódicamente recreada por la moda. Canciones suyas como "I Feel Love" han sido interpretadas en directo por Kylie Minogue, Blondie y John Frusciante de los Red Hot Chili Peppers. Se replican fragmentos (samples) de sus canciones en canciones nuevas de Beyoncé ("Naughty Girl" se inspiró en "Love To Love You Baby") y Madonna (cuya canción "Future Lovers" incluye un fragmento de "I Feel Love"). En el ámbito hispano cabe destacar "Fuego de pasión", canción de la española Mónica Naranjo, que es una versión adaptada por ella del gran éxito de Donna "Love's About to Change My Heart". Igualmente, los Pet Shop Boys han admitido haberse inspirado en "I Feel Love" para crear su éxito "So Hard" DOORS //////////////////////////////////////////////////

Doors. Cuando en 1965, cuatro amigos se unieron interpretando canciones acompañadas por los versos compuestos por un tal Jim Morrison, no pensaban que llegarían a convertirse en uno de los grupos de rock más importantes de los años setenta.

Junto a Morrison, que ponía la voz, se encontraban Ray Manzarek en los teclados, Robby Kriegger a la guitarra y John Densmore en la batería. Los cuatro formaban el grupo 'The Doors'.

Su primera actuación, en un pequeño local, fue un tremendo desastre. Nadie acudió al concierto. Comenzaron a tocar en locales de poca reputación, intentando sacar algo de dinero para continuar con su carrera, mientras Morrison se debatía entre sus dos pasiones: las mujeres y las drogas. Les cuesta mucho encontrar casa discográfica, pero finalmente fichan por una pequeña compañía, donde comienzan a trabajar. En 1967 publican su primer disco, 'The Doors'. El single 'Light My Fire' se convirtió rápidamente en número uno. El disco contenía, además, temas como 'The End' (11 minutos tratando el complejo de Edipo), Break On Trought' y 'Light My Fire'. Todo el disco tiene un aire teatral, influido por las actuaciones de Jim Morrison. En general, los temas tratan de forma explícita el tema del sexo y las drogas.

El gran aliciente de los conciertos del grupo era ver a Jim Morrison entrar en trance en mitad de una interpretación y recitar poesías o bailar como un loco. Proclamaba el 'amor, sexo, drogas y rock'n Roll'. Despreciaba la autoridad, hasta que en el transcurso de un concierto mostró los genitales al público y fue detenido por escándalo público.

En 1968 sacan 'Waiting For The Sun'. En general, los temas de las canciones bajaron el contenido sexual por temas con mensaje social.

En 1969 editan 'Morrison Hotel', cuyo título se debe al hotel elegido para la portada del disco. Todos los temas del disco están compuestos por Jim Morrison, aunque para alguno de ellos contó con la colaboración de sus compañeros.

En 1971 sacan 'L.A. Woman'. Cuando salió el disco, Jim Morrison acababa de despedirse de sus compañeros para marcharse a París a escribir poemas. Un mes después, el 3 de julio, era encontrado en su habitación, víctima de un infarto, fruto de sus desmadres y abusos con las drogas.

Fuente: Todomusica DOVER

Dover. En 1992 Cristina Llanos, junto a su hermana Amparo (guitarrista), Alvaro Gómez en el bajo y Jesús Antúnez en la batería se unen para crear un grupo de rock en Madrid. El nombre del grupo: Dover.

En 1993 graban su primer sencillo, con apenas repercusión. En 1995 graban un álbum titulado 'Sister', pero apenas tuvo promoción. Hay que esperar hasta 1997 para ver a Dover en acción, con un álbum con el que llegan a ser disco de oro. El título de este disco era 'Devil came to me'. Ese mismo año se convirtieron en uno de los grupos revelación, triunfando en cuantos festivales y conciertos se pusieron a su alcance, incluyendo el prestigioso Doctor Music Festival y el Festimad.

Las dos hermanas Llanos cantan e interpretan todas las canciones del grupo, además de tocar la guitarra. Los temas están cantados en inglés, por lo que sus discos tienen gran acogida en los mercados internacionales.

En 1999 publican un nuevo trabajo, titulado 'Late at night' y en el 2001 'I was dead for 7 weeks in the city of Angels', grabado en la misma ciudad de Los Angeles. Se trata del álbum consagración del grupo, un disco de rock clásico pero innovador en su concepción. Es el disco más completo y vibrante de Dover y representa la madurez creativa del grupo.

Fuente: Todomusica DUNCAN DHU

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Duncan Dhu. Duncan Dhu nació como grupo en San Sebastián en 1984, cuando tres amigos que tocan juntos, Mikel Erentxun, Diego Vasallo y Juan Ramón Viles, deciden crar canciones con un estilo pop- rock cercano al folk y lejos del rock radical que imperaba en aquella época.

La primera canción del grupo fue 'Casablanca', que formaba parte de un pequeño disco de seis canciones titulado 'Por tierras escocesas'. Con este disco se comienzan a dar a conocer en el mundillo musical y consiguen su primer contrato.

Su primer álbum serio fie 'Canciones', con el que consiguen numerosos números uno, con temas como 'Cien gaviotas', 'Esos ojos negros' o 'No puedo evitar pensar en ti'. A partir de ese momento, la popularidad del grupo crece enormemente y comienzan a realizar giras y actuaciones por toda España. En 1988 publican 'El grito del tiempo', con su tema estrella 'Una calle de París' o 'En algún lugar'. Es en este momento cuando surgen fuertes desavenencias en el grupo y Juan Ramón decide abandonar la formación, con lo que Duncan Dhu se convierte en dúo.

En 1989 editan un recopilatorio con las caras B de sus singles, 'Grabaciones olvidadas', que precede a un nuevo trabajo de estudio, 'Autobiografía', un doble LP con treinta temas que componen la esencia de Duncan Dhu.

En 1991 publican 'Supernova', una incursión en un estilo de música un tanto más bailable. Paralelamente, se van desarrollando los trabajos en solitario de los dos componentes de Duncan Dhu, Mikel Erentxun y Diego Vasallo. Por un lado, Diego se entrega a Cabaret Pop, debutando como solista, al igual que Mikel.

A pesar de los rumores de separación, se unen de nuevo para entregarnos un nuevo disco, titulado 'Piedras', de 1994. Un año después graban un disco en directo en San Sebastián, titulado 'Teatro Reina Victoria'.

En 1998 publican un nuevo recopilatorio titulado 'Colección 1985-1998', aunque ya cada vez colaboran menos juntos. Las carreras en solitario, tanto de Mikel Erentxun como de Diego Vasallo, continúan adelante, con éxito reconocido.

Fuente: Todomusica Dúo Dinámico

El Dúo Dinámico és un duo musical català. Va ser molt popular a Espanya i Amèrica Llatina en els anys 60 del segle XX, quan cantaven en castellà. Format pels músics Manuel de la Calva Diego (Barcelona, 15 de febrer de 1937) i Ramón Arcusa Alcón(Barcelona, 10 de desembre de 1936), compositors i intèrprets, productors discogràfics i protagonistes de diverses pel·lícules. Van ser precursors del pop a Espanya, així com del fenomen fan en els anys 60 del segle XX. El Duo Dinàmic va néixer a Barcelona el 28 de desembre de 1958. La primera actuació en públic la van realitzar al programa La comarca nos visita (La comarca ens visita), de Ràdio Barcelona. En aquest es volien anomenar The Dynamic Boys, però el presentador del programa, Enrique Fernández, va dir que no sabia i els va presentar com a "Dúo Dinámico", els dos músics van acceptar el nom i així va quedar per a la seva història. La seva ascensió en popularitat i en venda de discos va ser espectacular, aconseguint el número u de vendes i èxits amb cançons comQuince años tiene mi amor (Quinze anys té el meu amor), Quisiera ser (M'agradaria ser), "Perdóname", "Ballant el twist", "Mari Carmen", Esos ojitos negros (Aquests ullets negres) o Amor de verano (Amor d'estiu), i protagonitzant també algunes pel·lícules musicals. El Duo Dinámico va participar en festivals de cançó que es prodigaven per tot Espanya, van aconseguir diversos premis, guanyant elFestival de la Cançó de la Mediterrània a Barcelona amb el tema "Como ayer", cantada també per Bruno Lomas, el Festival de la Costa Verda amb "Somos jovenes", i van obtenir segons premis al Festival de Benidorm amb "Quisiera ser" i en una altra edició amb "Amor amarg". El fermall final el van aconseguir com a autors, guanyant per primera vegada per a Espanya al Festival de la Cançó d'Eurovisió1968 amb la cançó "La, la, la", cantada finalment per Massiel. Com anècdota cal assenyalar que aquesta cançó havia de ser cantada per Joan Manuel Serrat, amic de Manolo i Ramón, per tenir en aquell temps un mànager comú, José María Lasso de la Vega. Serrat, al final, va decidir cantar-la només si la cantava en català, creant un problema polític de certa importància en aquell temps amb ladictadura franquista. El 1972 es retiren per produir, entre altres artistes, a Miguel Gallardo, José Vélez o Els Chunguitos i compondre per a Camilo Sesto, Cristina o Julio Iglesias, amb el qual van col·laborar durant anys, però a més la seva música segueix recordant, ja que es torna a escoltar en sèries de televisió com Verano azul (Estiu blau), d'Antonio Mercero, i es reediten els seus discos, de tal manera que el 1978 tornen a cantar. El 1980 es publiquen els seus grans èxits i el 1986 graven temes nous. El 1990 el seu tema Resistiré es recupera per a la banda sonora de la pel·lícula ¡Átame!, del director manxec Pedro Almodóvar, i el 2010 és utilitzada per al programa Resistiré, d'acord?, De la cadena Telecinco, presentat per Tania Llasera. El 21 de setembre de 2007 es s'estrena al Teatre Nuevo Apolo de Madrid el musical Quisiera ser amb una banda sonora basada en 24 èxits del Dúo Dinámico. En l'actualitat, el Duo Dinàmic segueix la seva activitat artística pels escenaris. Dyango

Dyango

Dades biogràfiques i tècniques

Nom de Josep Gómez Romero naixement

Naixement 5 d'agost de 1940 (73 anys)

Lloc d'origen Barcelona

Gènere(s) Balada romàntica

Ocupació Cantant

Lloc web oficial www.dyango.es Josep Gómez Romero (Barcelona, 8 de maig del 1940) és un cantant català de música romàntica, conegut artísticament com a Dyango. Dyango ha obtingut al llarg de la seva carrera 55 discos d'or i 40 de platí, que li han estat concedits tant a Espanya com a diversos països llatinoamericans i als Estats Units.[1] Fill d'una família humil. El seu pare era trompetista[2], i l'estiu el Josep va començar a cantar pels barris i les festes majors als nou anys per ajudar a casa.[3] Als 12 anys[4] entra al Conservatori de Música de Barcelona per estudiar trompeta i violí. Al costat dels seus companys d'estudis va recórrer Europa durant dos anys interpretant diversos tipus de música.[1] En tornar a Barcelona va començar a forjar-se com a cantant solista, íntim, de veu esquinçada i emotiva.[5] Va entrar al Vegas Club de Barcelona, on tocaven tres orquestres amb els millors músics. El 1964, el cantant estrella Patrick Jaque el va animar i es va llançar a cantar. Poc després començaria a gravar.[2] Dyango va adoptar de nom artístic Django Reinhardt (guitarrista de jazz gitano) pel qual hom el coneix avui, i va debutar al Festival de la Cançó del Duero (1965). El 1969 edita el seu primer disc, Dyango,[4] amb el que obté el primer disc d'or a l'Argentina. Lejos de los ojos, el primer senzill extret d'aquest àlbum, curiosament se'l van agafar com a himne propi els presos polítics cubans que estaven a la presó.[6] L'any següent viatja a l'Argentina i protagonitza al costat de Ginamaria Hidalgo la pel·lícula El Mundo es de los Jóvenes.[4] El seu primer àlbum va tenir molt d'èxit a l'Amèrica Llatina, en contrast amb l'escassa repercussió de la seva música a Espanya. Des de la gravació del tango Nostalgia, el 1976, Dyango va començar la seva conquista del mercat espanyol de la balada romàntica. Després d'obtenir en el mateix any el premi al millor intèrpret i a la millor cançó del Festival de Benidorm amb el tema Si yo fuera él,[7]la seva carrera resultaria imparable tant a escala estatal com internacional i arriba fins a l'actualitat, amb cançons tan conegudes comLa mare (en català), Por esa mujer, Doctor, Amor de tango, Cuando quieras, entre d'altres. Des de llavors, el repertori de Dyango va incloure boleros, tangos i ranxeres, les velles cançons de les festes dels seixanta, desenes d'èxits propis i fins i tot peces líriques.[1] El 1980 va representar Espanya al Festival de la OTI amb la cançó Querer y perder, escrita per Ray Girado, i va ocupar el segon lloc. A finals dels anys vuitanta, la popularitat del cantant a Hispanoamèrica superava a la obtinguda al seu país. El 1987 es va llançar a la conquesta del públic nord-americà i va fer amb gran èxit un primer cicle de recitals a Nova Orleans, Austin, Los Angeles, Chicago, Nova York, Boston i Nova Jersey, amb assistència massiva de públic.[8] Així, l'any següent, i després d'estrenar el disc Cae la noche, és escollit "cantant de l'any" per la comunitat llatina dels Estats Units, en un referèndum convocat a Miami per diverses emissores de ràdio.[9] Per celebrar les noces de plata i per presentar l'àlbum discogràfic número 32, Corazón de bolero, el 1991 Dyango va protagonitzar dos concerts al Palau de la Música Catalana.[10] El juny de 1992 torna al Palau de la Música en dos concerts per presentar els temes de l'elapé Amante y gaviota.[11] L'octubre de 1993, després d'haver estat durant dos decennis un dels pilars sòlids i inamovibles del segell Emi, Dyango fa el salt a Polygram, una de les "majors" de la indústria internacional en expansió, especialment per tot Amèrica, tant en l'anomenada llatina com en l'àrea anglosaxona dels Estats Units i Canadà. Amb el nou segell publica el disc Morir de amor, que presenta en concert al Palau de la Música Catalana.[12] El juliol de 1998, Dyango es retroba amb el públic barceloní de nou amb dos concerts al Palau de la Música per presentar l'àlbum en català Quan l'amor és tan gran, un treball intimista que parla de l'amor, l'amistat i la generositat. El tema que dóna nom al disc, que cantà acompanyat de Jaume Aragall, fou escrit i compost pel fill de Dyango, el també cantant Marc Llunas.[13] El 2006 va participar en el disc de la Marató de TV3 amb una versió en català de What A Wonderful World de Louis Armstrong tituladaQue fantàstic el món. [14] El 6 de novembre de 2008, Dyango es va sentir indisposat després d'assistir a actes de promoció del seu nou treball, Coplas, i es va dirigir al servei d'Urgències de la Clínica Dexeus, on va ser ingressat després de patir un d'infart agut de miocardi.[15] i on li van practicar la desobstrucció d'una artèria.[16] Després d'una gira per Sud-amèrica, Dyango torna el desembre de 2012 a Barcelona per oferir dos concerts al Teatre Coliseum. Hi va interpretar clàssics del seu repertori i va estrenar cançons del pròxim disc, El cantante.[17] Al llarg de la seva carrera ha gravat duos amb artistes tan destacats com Celia Cruz, Oscar D'León, Sheena Easton, Roberto Goyeneche, Pimpinela i el tenor Jaume Aragall.[1] D'entre tots els seus enregistraments, cal citar el doble disc de platí aconseguit per l'àlbum A corazón Abierto. D'entre la seva discografia destaca l'àlbum, Morir de Amor, que incloïa el tema Espérame en el cielo de Los Panchos, interpretat a duo amb Nana Mouskouri, i la cançó Por ese Hombre al costat de Pimpinela. També cal destacar els discsQuan l'amor és tan gran, gravat en català i en el qual s'inclou un duo amb Jaume Aragall, i Serenatas, que inclou ranxeres i altres estils musicals.[1] Dyango té dos fills, també cantants, Marcos Llunas y Jordi Gómez Llunas, encara que el primer està actualment retirat de la cançó.[4] El seu amor pel Barça el va empènyer a gravar una cançó per al club dels meus amors, Som més que un club, on ressaltava tots els valors del Barça. Més que un himne era una cançó d'amor.[6] El juny de 2013, el cantant va anunciar la seva participació en el Concert per la Llibertat i això va indignar alguns sectors espanyolistes. Dyango no es va deixar intimidar per l'actitud agressiva i amenaçant dels tertulians del canal eclesiàstic 13tv, un dels vaixells insígnies del nacionalisme espanyol,[18] contra el seu independentisme.[19] Dyango va afirmar que en la situació actual caldria celebrar un referèndum a Catalunya i, en última instància, aconseguir la separació d'Espanya.[20] El mes d'octubre del mateix any, a l'ocasió d'un concert al Palau de la Música Catalana, va anunciar que s'havia fet soci d'Òmnium Cultural i va encoratjar "la ciutadania catalana perquè se sumi al projecte de l'entitat i enforteixi així el teixit social catalanista del país".[21] EAGLES

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Eagles. La historia de Eagles comienza cuando Glen Frey (cantante, guitarrista y compositor) y su amigo Don Henley (batería y cantante) se unen a la banda que acompañaba a Linda Rondstand en la grabación de su disco "Silk Purse". Tras dos años de colaborar con dicha banda, ambos deciden abandonarla para crear su propio grupo. Para ello invitan a los músicos Bernie Leadon (cuerda) y Randy Meisner (bajo) a participar en el proyecto. A ellos se les unieron posteriormente Joe Walsh (guitarra y coros), Don Felder (guitarra) y Timothy B. Schmit (bajo).

Eagles debutó en 1972, rescatando el sonido sureño, mezclándolo con un exquisito toque de guitarra y un toque de rock un tanto suave, además de pinceladas de country y western. El primer álbum de Eagles fue "Take it easy", cuyo primer sencillo llevaba el mismo nombre.

El tercer álbum de Eagles apareció en 1975 bajo el título de "On the Border", en el que destacó la balada "The best of my love", que llegó al número uno en las listas. El siguiente trabajo de la banda fue "One of These Nights", que plasmaba la desilusión de la juventud norteamericana a mediados de la década de los setenta. Tras las presiones para la publicación de este disco, Bernie Leadon abandonó los Eagles, siendo sustituído por Joe Walsh, quien introdujo en la banda un mayor peso del rock.

En 1976 Eagles publica su mejor álbum y el más vendido. El título era "Hotel california", que terminó de catapultar a los Eagles a la cima de la fama y con el que ganaron un Grammy. En "Hotel California" los Eagles aportan su visión agridulce de la sociedad norteamericana a través de las ventanas de un hotel. "Hotel California" es uno de los discos más vendidos de la historia y su tema estrella y que le da título ha sido reconocida como una de las mejores canciones, y aun hoy en día sigue apareciendo en las listas de las 10 canciones más importantes de la historia de la música. De ese álbum se extrajo una frase que pasó a formar paret del lenguaje popular norteamericano: "vivir en la vía rápida" (Life in the fast lane). Tras la aparición de "Hotel California" Randy Meisner abandonó la banda, siendo sustituído por por Timothy Schmit.

El sexto álbum de llevaba el título de "The Long Run", y supuso la ruptura de la formación. El disco resultó un éxito, con temas como "Heartache Tonight," "The Long Run" y "I Can't Tell You Why", pero los miembros de la banda ya habían decidido su futuro. Corría el año 1980. Don Henley, Glenn Frey y Joe Walsh iniciaron carreras en solitario.

En 1994, tras catorce años de separación, los Eagles deciden unirse de nuevo para seguir tocando. Su primer trabajo de esta nueva época es el álbum "Hell Freezes Over" (El Infierno se congela), con cuatro nuevos temas y 11 éxitos anteriores.

En 2003 Eagles publica un doble disco recopilatorio con sus mejores temas. El título es "The complete greatest hits".

Fuente: Todomusica Édith Piaf. (Édith Giovanna Gassion; París, 1915-id., 1963) Cantante y letrista francesa. Su vida estuvo marcada por la desdicha desde su más tierna infancia, lo que ejerció una influencia decisiva sobre su estilo interpretativo, lírico y desgarrado al mismo tiempo. Abandonada por su madre, creció en las calles de París, donde pronto empezó a ganarse la vida, primero ayudando a su padre, un acróbata ambulante, y más tarde, cantando. Su aspecto desvalido le valió el nombre por el que es universalmente conocida: Piaf («gorrión»).

En 1935, Louis Leplée, propietario de un cabaret parisino, le dio la oportunidad de darse a conocer. La muerte violenta de este empresario poco tiempo después hizo de ella la principal sospechosa, aunque finalmente fue absuelta. Su consagración llegó tras la Segunda Guerra Mundial, cuando se convirtió en la musa de poetas e intelectuales del París existencialista y se ganó la admiración incondicional del público.

Entre las muchas canciones que popularizó cabe destacar Mon légionnaire, Je ne regrette rien, La vie en rose, Les amants de Paris, Hymne a l’amour, Mon dieu y Milord. También actuó en películas (French-can can, Étoile sans lumière, Paris, chante toujours) y tuvo romances con cantantes del relieve de Charles Aznavour, Georges Moustaki o Yves Montand. En los últimos años de su vida escribió una autobiografía con el título de Au bal du chance.

Fuente: Biografias y Vidas Edmundo Ros

Datos generales

Nombre real Edmundo William Ros

Nacimiento 7 de diciembre de 1910

Origen Reino Unido

Muerte 21 de octubre de 2011, Alicante, España

Ocupación Pianista, compositor, director

Información artística

Género(s) mambo bolero

conga

Período de actividad 1910 –

Discográfica(s) London, Decca

Artistas relacionados Caterina Valente

Edmundo William Ros (Puerto España, Trinidad y Tobago, 7 de diciembre de 1910 -Alicante, España, 21 de octubre de 2011)1 fue un músico, vocalista y director de orquesta, conocido internacionalmente por su fusión de la música latinoamericana tradicional y moderna. En el mundo anglosajón, se le llama a veces con el sobrenombre de "King of Latin American Music" ("El rey de la Música Latinoamericana"). Su madre era una venezolana con ascendientes africanos; su padre era escocés. Sus padres se separaron siendo muy joven, por lo que se trasladó en 1927 con su madre aCaracas, Venezuela, ingresando después en la Escuela Militar, época en la que se le despertaron sus aficiones musicales al entrar a formar parte de una banda militar donde tocó el bombardino durante unos 4 años y timbales en la Orquesta Sinfónica de Venezuela. En junio de 1937, con una beca del gobierno venezolano se trasladó aLondres, Inglaterra, para estudiar música clásica en la Academia Real de Música. Pronto volvió a tocar música popular. En 1939, formó su propia banda de rumba. En 1941, se ganó el reconocimiento con la canción Los Hijos de Buda y tocaba regularmente en el elegante club Coconut Grove en Regent Street, que atraía a muchos miembros de la alta sociedad. En 1946 poseía un club, una escuela de danza, una compañía discográfica y agencia de artistas. Su banda creció hasta los 16 músicos. Su álbum The Wedding Samba vendió tres millones de copias en 1949 (2 ). En 1951, compró el club Coconut Grove y lo rebautizó como 'Edmundo Ros' Dinner and Supper Club. El club se hizo popular por su atmósfera y música; éste cerró en 1965. De 1964 a 1968 regentó el internacionalmente conocido y muy exclusivo Edmundo Ros Cluben Regent Street (Londres). En 1975 (a la edad de 65) se retira y se traslada a Jávea, Alicante, (España). El 8 de enero de 1994, dio su último concierto público. Le fue concedida la Orden del Imperio Británico por su majestad, la reina Isabel II, en la Honours List de fin de año de 2000. Murió centenario el 21 de octubre de 2011. EL CANTO DEL LOCO

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El canto del loco. El Canto del Loco nació en Madrid cuando los fundadores del grupo, que son Iván y Dani, se conocieron en 1994 en una escuela de teatro. Ambos compartían afición musical y pasión por Radio Futura, de cuya canción El canto del gallo sacaron el nombre del grupo, haciendo un juego de palabras.

Después de varios intentos de crear una formación, ficharon a David, primo de Dani. Y nuevamente fue él quien en una cumbre flamenca a la que asistió con sus padres conoció a Jandro, batería y cuarto componente del grupo. Tiempo más tarde se sumó Chema, compañero de facultad de Dani. Entonces, El canto del loco ya eran cinco, por lo tanto ya se consideraban un grupo. Poco después conocieron al Dj y productor Pedro del Moral quien les puso en contacto con la compañía discográfica BMG Ariola, a la que entregaron una maqueta.

No pasó mucho tiempo hasta que firmaron un contrato para grabar su disco debú: "El canto del loco". "El Canto del Loco" es el primer álbum de la banda y cuenta con la producción de Alejo Stivel (ex Tequila y productor de Joaquín Sabina, La Oreja de Van Gogh y M-Clan, entre otros) que había escuchado su maqueta en el MIDEM.

Este primer disco lo forman 11 temas, entre los que se encuentra una particular versión del tema Vivir así es morir de amor de Camilo Sesto. Como primer sencillo se editó Pequeñita, un tema emblemático para el grupo, que lo compuso ya en los primeros ensayos antes de que se formalizase siquiera el grupo.

Su segundo álbum lleva por título "A Contracorriente". Un esperado trabajo en el que se percibe claramente la gran evolución de la banda en todos los sentimientos. 12 buenas canciones entre las que incluye una versión del clásico 'Crash' del grupo The Primitives y una colaboración especial de Amaia, la cantante de La Oreja de Van Gohg en uno de los temas.

En 2003 publican un nuevo álbum, titulado "Estados de ánimo". Se trata del tercer trabajo en estudio de este grupo madrileño, cuyo primer corte promocional ha sido "La Madre de José" En junio del 2005 aparece el cuarto disco de estudio y el sexto en la discografía de El canto del loco, y refleja el espíritu de los conciertos en directo. Contiene 13 nuevas canciones y el DVD ofrece 15 temas grabados en el local de ensayo. "Son maquetas con imágenes", dice Dani Martín, cantante de la banda madrileña. De estas 15 canciones incluídas en el DVD, 13 son las que aparecen en el CD. Como extras hay una improvisación del grupo en el local de ensayo y una canción que no se ha incluído en el álbum.

El primer single del álbum es la canción que le da título, Zapatillas. Las 13 nuevas canciones están producidas por Nigel Walker, compuestas por Dani Martín y David Otero, cantante y guitarrista del grupo, y pulidas por Chema Ruiz y Jandro Velázquez, bajista y batería que completan el cuarteto. "Zapatillas es un disco grabado en estudio pero con espíritu de directo", dice Dani Martín. "Cuatro personas tocando y pocos arreglos. El Canto del Loco ha evolucionado gracias a los directos y hemos querido reflejarlo en el álbum".

Uno de los temas que forman parte del disco es Despiértame, canción compuesta por David Otero cuyos beneficios van destinados a los afectados por el tsunami asiático.

Fuente: Todomusica El Consorcio

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Datos generales

Origen Bilbao, España

Información artística

Género(s) Folk

Período de actividad 1993 – presente

Discográfica(s) Hispavox, Sony, EMI

Artistas relacionados Mocedades Sergio y Estíbaliz Rosa León Web

Sitio web www.el-consorcio.com

Miembros

Amaya, Estíbaliz e Iñaki Uranga, Sergio Blanco yCarlos Zubiaga

El Consorcio es un grupo musical de España formado en 1993 por ex-componentes del también grupo vocal Mocedades. El grupo lo componen Amaya, Estíbaliz e Iñaki Uranga, Sergio Blanco y Carlos Zubiaga. La idea de la formación del grupo surgió en una reunión familiar y de amigos celebrada en casa de Javier Uranga a mediados de 1993, cuando a la cantautora Rosa León se le ocurrió la idea de que Amaya cantara las canciones de un proyecto propio e independiente que estaba preparando como homenaje a las canciones de la radio de los años 30, 40 y 50. Amaya pensó que sus hermanos y amigos podían acompañarla en dicho proyecto y a partir de ese momento se formó el grupo conocido como El Consorcio con los componentes antes indicados. De agosto a octubre de ese mismo año grabaron su primer disco, Lo que nunca muere, título de una radionovela homónima de los años 50. Este trabajo fue publicado en mayo de 1994 y contó con la dirección y realización de Rosa León y la producción de Hispavox. Tras la publicación de dicho trabajo, Emilio Santamaría se convertiría en representante del grupo, ya que tras el éxito cosechado surgieron numerosas galas por toda España. Dichas galas se podían dividir en dos partes: en la primera, se recordaban las mejores canciones de cada uno individualmente (o en dúo en el caso de Sergio y Estíbaliz), e incluso algunas de cuando pertenecieron a Mocedades; y en la segunda, emulando ser un programa de radio, con público y con dedicatorias, El Consorcio cantaba íntegramente su primer disco. De marzo a junio de 1995 grabaronPeticiones del oyente, siguiendo la misma línea que el primero y haciendo su particular homenaje a los programas radiofónicos de laposguerra a los que los radioyentes escribían pidiendo una canciones para dedicarlas a sus seres queridos. Con estos dos trabajos, El Consorcio inició una gira de poco más de dos meses por México. Entre julio y septiembre de 1996 grabaron su tercer disco, titulado Programa Doble, el cual recuperaba temas del cine español a lo largo de su historia. Como curiosidad cabe destacar que la canción más antigua incluida en este material fue de la película El bailarín y el trabajador, estrenada el 21 de marzo de 1936 en Madrid y la más reciente fue de Átame, del 22 de enero de 1990. Con este disco concluyeron la trilogía dedicada a la música de la posguerra y concluye su contrato con Hispavox, aunque ese mismo año produce un CD recopilatorio con las canciones más conocidas del grupo y algunos temas inéditos como un dueto en vivo conPaloma San Basilio, otro con Nino Bravo y un último con Juan Pardo. En 1998, con su nueva compañía discográfica Sony, grabaron su cuarto disco al que titularon Cuba. Incluía 14 temas de tradicionales de la isla caribeña. Los temas fueron grabados en Miami, Londres y Madrid. Con este disco visitaron por segunda vez México y otros lugares de Latinoamérica. En el año 2000 graban su nuevo disco, Las canciones de mi vida, producido esta vez por Óscar Gómez. Este trabajo fue también una mirada al pasado. Incluye temas que dieran a conocer grupos como Los Mitos (fundado por Carlos Zubiaga y Tony Landa) y el Orfeón Donostiarra o intérpretes como Massiel, Joan Manuel Serrat, Miguel Ríos, Víctor Manuel, Marisol, Cecilia, Emilio José y Juan Luis Guerra. En 2001, El Consorcio acompañó al pianista argentino Raúl Di Blasio en cinco temas del material titulado Di Blasio–Gardel. A raíz de esta colaboración emprendieron una serie de conciertos a los que llamaron Cantapiano. La gira inició en México el 25 de noviembre de 2001 y terminó hacia mediados de diciembre de 2002, visitando otros países como Guatemala, Honduras, El Salvador y Panamá, intercalada con la gira de verano en España en 2002. La cantidad total de ciudades visitadas ascendió a casi media centena. En mayo de 2003, grabaron un disco en directo con los mejores temas de las carreras de cada integrante titulado En vivo desde el corazón de México, fruto de una multitudinaria gira por México. En este disco aparecen canciones de la época en que los miembros de El Consorcio formaron parte de otros conjuntos (Mocedades, Sergio y Estíbaliz o Los Mitos) o de su carrera en solitario junto con los grandes éxitos del grupo. Así se cerró un ciclo que diera inicio 10 años atrás. En navidades de 2004, El Consorcio graba en el estudio de Carlos Zubiaga, Tío Pete, su séptimo disco, De ida y vuelta, alusión directa a los continuos viajes a Latinoamérica. Incluye temas clásicos mexicanos de Agustín Lara o José Alfredo Jiménez; pero también temas de cantautores contemporáneos españoles, como Enrique Urquijo, Pedro Guerra, Antonio Vega o Jorge Drexler. El disco lo edita EMI. En 2008 publican el disco Querido Juan, dedicado a Juan Carlos Calderón y en 2010 publican el disco De Mocedades a El Consorcio. 40 años de música. EL SUEÑO DE MORFEO “”””””””””””””””””””””””””””””””””””””””””””””

El sueno de Morfeo. El sueño de Morfeo es un grupo compuesto por Raquel del Rosario (voz), Juan Luis Suárez y David Feito (guitarra), quienes desde Asturias llevan algunos años trabajando juntos y elaborando canciones de sólidas estructuras pop-rock aderezadas con fuertes aromas folk, apoyados en la llamativa voz de Raquel.

Originariamente, Juan Luis y David llevaban un tiempo componiendo y tocando juntos en diversos grupos en su Asturias natal. A ellos se les unió la jovencísima Raquel, que con apenas 18 años abandonó las islas Cararias para probar suerte en Asturias. Juntos formaron El sueño de Morfeo. Con el apoyo de otros instrumentos entre los que se encuentra la gaita, lo que le da un sello muy personal, sus temas enlazan una base rock, delicadeza en los arreglos musicales y unas hermosas melodías vocales.

Con su primer tema, "Nunca volverá", empezaron a sonar en todas las emisoras del país y el grupo adquirió muy pronto cierta popularidad, sobre todo a raiz de aparecer en la serie de televisión "Los Serrano".

El sueño de Morfeo posee una manera especial de componer y arreglar sus propios temas, ensamblando concienzudamente la voz de Raquel con la fuerza de un grupo rockero, hasta conseguir un atractivo sonido que no nos deja indiferentes tras escucharlos.

El primer álbum de El suño de Morfeo se titula, precisamente, como el grupo. Se trata de un trabajo elaborado de forma muy personal por los integrantes de El sueño de Morfeo. Las canciones han sido compuestas por ellos mismos, y son interpretadas de manera que lleguen directamente a su público.

Fuente: Todomusica El ultimo de la fila. El Ultimo de la Fila, el grupo compuesto por Manolo García y Quimi Portet, tuvo sus orígenes allá por los 80, cuando se conocieron los dos protagonistas de esta historia. Manolo García participaba en un grupo llamado 'Los Rápidos', tocando por locales de Barcelona y grabando algún que otro disco. Mientras tanto, Quimi POrtet colaboraba con los 'Kilimanjaro's' y creaba un grupo llamado 'Kul de Mandril'.

Fue entonces, por 1982, cuando se conocen Manolo García y Quimi Portet, coincidiendo juntos en un concierto en Barcelona. Comenzaron tocando canciones de 'Los Rápidos', pero pronto pasaron a llamarse 'Los Burros'. Con este nombre grabaron un único disco, 'Rebuznos de amor', y consiguieron un discreto éxito entre el público.

En 1985 deciden dar un giro a su carrera y fundan 'El último de la fila', el grupo que les llevaría a la fama. Graban una maqueta con la que consiguen ganar el concurso de maquetas de la revista Rock Special y fichan para la discográfica independiente PDI.

Su primer álbum se tituló 'Cuando el amor entra por la puerta, el amor salta por la ventana', con el que consiguieron el premio al grupo revelación. Algunos de los exitosos temas son el archiconocido 'Querida milagros' o 'El loco de la calle'.

Un año después publican 'Enemigos de lo ajeno', consiguiendo un notable éxito entre el público y también entre los críticos musicales, lo que les valió para recibir varios premios y menciones.

En 1987 publican 'Nuevas mezclas', un álbum grabado en Londres y que recoge sus mejores canciones grabadas con medios técnicos de considerable calidad. Consiguieron su mejor registro de ventas hasta ese momento y les sirvió para realizar una gira por toda España.

Paralelamente a su éxito como 'El último de la fila', se reeditó el disco grabado como 'Los Burros', y las discográficas publicaban canciones inéditas hasta ese momento.

En 1988 publican un nuevo trabajo, titulado 'Como la cabeza al sombrero', grabado en Francia y considerado por muchos como el mejor álbum del grupo. Su buen trabajo tiene una merecida recompensa, y son invitados a participar en la gira mundial de Amnistía Internacional, junto a Sting y Bruce Springsteen.

1990 viene con un nuevo disco: 'Nuevo pequeño catálogo de seres y estares'. En 1993 publican 'Astronomía razonable' y en 1995 sacan su último disco como 'El último de la fila': 'La rebelión de los hombres rana'. Tras la gira que ofrecieron para promocionar este disco, decidieron separarse artísticamente y proseguir sus respectivas carreras en solitario.

Fuente: Todomusica Electric Light Orchestra. The Electric Light Orchestra, conocida también como ELO, se formó oficialmente en la primavera de 1970, aunque sus primeros pasos se dieron en 1971, tras la disolución del grupo 'The Move'. Tres de sus músicos, Roy Wood, Jeff Lynne y Bev Bevan decidieron entonces formar otra banda, la ELO. El punto de origen fue Birmingham, en Inglaterra.

A finales de ese mismo año, 1971, grabaron su primer álbum, titulado en el Reino Unido como 'Electric Light Orchestra' y en Estados Unidos como 'No Answer'. Para este disco, aparte de los antes mencionados, la banda contaba con Bill Hunt y Steve Woolam.

El estilo del grupo es una mezcla de música clásica con el rock más moderno, resultando una mezcla de lo más interesante que ha dado en llamarse rock sinfónico. El sonido de los violines se mezcla con las guitarras y las baterías para crear una atmósfera electrizante.

Poco después de publicar el primer álbum, Roy Wood abandona el grupo por discrepancias con Jeff Lynne acerca del rumbo que debía tomar el grupo, por lo que rerencaminó su carrera por otro lado. Además, se añadieron Mike D'Albuquerque, Mike Edwards Colin Walker y Richard Tandy, quien se haría cargo del piano y los teclados. Jeff quedaba como líder sólido del grupo y poco después comenzó a asumir las tareas de productor.

En 1973 publican su segundo álbum, 'ELO II', siguiendo en su línea de rock sinfónico en la que incluye su tema 'Roll Over Beethoven', uno de sus mayores logros.

También en 1973 publican 'On The Third Day', considerado uno de los mejores de la banda. La crítica estaba entusiasmada con la música de la banda, ya que obtenían unos sonidos muy especiales, incluyendo un magnífico solo de guitarra en el tema 'Bluebird is Dead'. Además, realizan una gira por USA y el Reino Unido. Un año después, sale 'Eldorado', tras un trabajo que realizaron con Louis Clark. 'A New World Record', 'Face the Music' (1975) y 'Out of the Blue' (1977) fueron otros de los discos de esta época dorada de la ELO. Por encima de todo destaca el talento creativo de Jeff, junto a las buenas manos que tuvo como productor para hacerse con un magnífico conjunto de músico que tocaban a su ritmo. En 1979 publican 'Discovery' y en 1980 crearon cinco de los temas de la banda sonora de la película 'Xanadú', incluído el tema principal.

En 1981 sale 'Time' y un año después, 'Secret Messages'. Tras un descanso, reaparecen en 1986 con el álbum titulado 'Balance of Power'.

A lo largo de su historia, la ELO ha sufrido continuos cambios en su formación, rotando un gran número de músicos, siempre bajo la estrella de Jeff Lynne, el líder del grupo. Este decidió disolver el grupo en 1986, aunque algunos de los músicos de la primera época han realizado algunos trabajos en común bajo el nombre 'The Electric Light Orchestra Part II'.

Ahora, en 2001, tras 15 años sin grabar ningún disco, se vuelven a juntar para presentarnos un nuevo trabajo, titulado 'Zoom', de nuevo bajo la batuta de Jeff Lynne.

Fuente: Todomusica ELLA BAILA SOLA

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Ella baila sola. La historia de Ella baila sola comienza cuando dos amigas, estudiantes de COU en Madrid, conocen su mutua afición a la música. Un día, las dos se unen en casa de una de ellas y, sin planteárselo, cogen una guitarra y se ponen a cantar a dúo. Aquellas amigas se llamaban Marta Botía y Marilia Casares. Decididas a probar suerte, ingresan en el grupo de rock 'Berlin Supersonica Televisión', donde solo les permiten hacer los coros. Pero ella componen e interpretan sus propias canciones, así que su colaboración en el grupo no les resulta interesante. Pronto crean su propio grupo, 'The Just". Cantaban en el Retiro. A través de un amigo también músico contactan con el productor Gonzalo Benavides, quien les ayuda a crear sus primeras maquetas. Gonzalo acabaría siendo el mánager de EBS.

Tras muchas maquetas y conciertos en salas de Madrid, graban su primer disco en 1996, titulado precisamente 'Ella baila sola'. El primer sencillo de ese disco se titulaba 'Lo echamos a suertes', y resultó uno de los temas más importantes de la temporada en nuestro país.

En 1996 y 1997 ofrecieron infinidad de conciertos para dar a conocer en directo su música a los innumerables fans que cosechaban por España y también por Latinoamérica.

En 1998 publicaron su segundo disco, 'EBS'. Este segundo disco se presentó en Latinoamérica en agradecimiento al éxito obtenido con el primer disco por aquellas tierras. Tras la gira de 1999, en la que ofrecieron un sinfín de conciertos, decidieron darse un respiro. Después de un año de relax, en el 2000 publican un nuevo trabajo, titulado 'Marta & Marilia', con el que llegaron al número uno de ventas en España.

Tras intensos rumores de separación en el grupo, la nominación a los grammys latinos en 2001 supuso una calma en las tempestivas noticoas que llegaban de Ella baila sola. A finales de ese mismo año se publica un recopilatorio con veinte temas extraídos de sus discos anteriores más una canción inédita.

En este disco ni Marta ni Marilia aportaron colaboración alguna y ha sido la última publicación con el nombre de Ella baila sola. A partir de ese momento, las dos cantantes del grupo han iniciado su carrera en solitario, siendo Marta Botía la primera en publicar un disco en solitario.

Fuente: Todomusica ELLA FITZGERALT ......

Ella Fitzgerald. (Newport News, EE UU, 1918-Los Ángeles, 1996) Cantante estadounidense de jazz. Inició su carrera en la década de 1930 y fue calificada de «primera dama del jazz» por su elegancia y por su técnica vocal, que la dotaba de una gran versatilidad en su repertorio. Fue, junto al genial trompetista Louis Armstrong, la principal figura del Scat, y trabajó, entre otros, con Chick Webb, el ya mencionado Louis Armstrong y Duke Ellington. Entre 1957 y 1958 interpretó, en colaboración, una vez más, con Louis Armstrong, la ópera de George Gershwin Porgy and Bess, en una excelente versión jazz de la misma. En el año 1960 organizó un concierto en la Deutschlandhalle de Berlín, donde Adolf Hitler había pronunciado un discurso condenando a dos grandes intelectuales alemanes como fueron Kurt Weill y Bertolt Brecht, hecho que la cantante conmemoró en un homenaje a los mismos intelectuales y que terminó en un apoteósico Mack The Knife (Weill-Brecht). Este simbólico acto acentuó aún más la leyenda mundial de esta diva del jazz. En su extensa discografía destacan grabaciones como Lady be good (1946) o A Tisket A Taked (1968).

Fuente: Biografias y Vidas els Machucambos Els Machucambos és una banda formada a París , al Barri Llatí , a l'agost de 1959 per un espanyol , Rafael Gayoso un costarricense , Julia Cortés ( néta de l'expresident Lleó Cortés Castro ) i un peruà , Milton Zapata reemplaçat finals de 1960 per un italià , Romano Zanotti .

El grup anomenat Els Acapulcos abans cantant mexicà Pedro va deixar la banda per la història personal i ser reemplaçat per Julia Cortés .

El nom es pren del nom Els Machucambos donades pels indis sud-americans armadillo , animal que utilitzen la closca per fer el charango , una mena de petita mandolina , un instrument utilitzat pel grup .

El trio aviat es va saber , gràcies a la Joventut Musical de França . Importen a Europa el famós Bamba , qui s'emporta el gran premi de l'Acadèmia Francesa de disc . Però és sobretot un cha cha cha , Pepito , que va llançar internacionalment el 1961 ( el títol és pres per Bourvil ) .

Aquesta és seguida per molts èxit gràcies a la veu excepcional i particularment expressiva de Julia Cortés . El seu repertori consta de cançons molt ballables . Però és variada i inclou tant l'aire del folklore sud-americà com l'escriuen els grans noms de la cançó francesa , com Charles Aznavour o Léo Ferré cançons .

El 1972 , Julia Cortés pateix de greus problemes de salut i ha d'abandonar el grup per anar a curar a Costa Rica . Es reemplaça per María Licata i Florència. El 1980 , el grup es congratula de la cantant xilena Mariana Montalvo .

Els Machucambos sempre han rendit homenatge a Violeta Parra i Atahualpa Yupanqui , prenent algunes de les seves cançons 1 . Julia Cortés va morir a San José ( Costa Rica ) 21 de novembre 20.082,3 .

De 1959 a 1960: Rafael Gayoso , Julia Cortés i Milton Zapata .

De 1960 a 1973: Rafael Gayoso , Julia Cortés i Romà Zanotti .

De 1973 a 1975: Rafael Gayoso Romà Zanotti , Maria Licata , i Florència.

De 1976 a 1980: Rafael Gayoso Romà Zanotti , Maria Licata i Maria Apareguda .

De 1980 a 2005: arribada de la xilena Mariana Montalvo .

Des de gener 2006 Haileey , nou cantant del grup . Elton John.

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Elton John. (Reginald Kenneth Wight, Londres, 1947) Pianista, cantante y compositor británico. Inició su carrera como pianista del grupo Bluesology. Asociado con el letrista B. Taupin, ha compuesto numerosos temas de música pop. Entre sus discos cabe mencionar Empty sky (1969), Captain fantastic (1975), Ice on fire (1985) y The one (1992).

Fuente: Biografias y Vidas ELVIS COSTELLO

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ELVIS COSTELLO. Asociado en sus comienzos al movimiento punk y new wave, Elvis Costello ha dejado claro a lo largo de su carrera que no le van las etiquetas y que lo suyo es la variedad musical, aunque siempre manteniendo como fuerza motora la pasión de sus primeros tiempos y la elevada calidad literaria de sus letras, hasta el punto de que se le tiene por uno de los compositores más influyentes de las últimas décadas. Con su grupo The Attractions, en el que ya figuraba el inquieto teclista Steve Nieve, Costello alcanzó notoriedad mundial, encontrando además tiempo para producir discos de The Specials, Squeeze y The Pogues. Fanático como es del r&b, no es extraño que haya acabado colaborando con una de las leyendas vivas de ese estilo, Allen Toussaint. Toussaint es una de las figuras señeras de la música de Nueva Orleans y corrió la misma suerte que su amada ciudad durante el huracán Katrina, del que fue uno de los damnificados. Desde entonces, ha participado en el renacimiento de Nueva Orleans a través de su música, preservando el legado original del r&b y renovándolo para no perder el paso frente a la velocidad del soul y el funk. No sólo es un excelente cantante y pianista, sino que es considerado una parte muy destacada del patrimonio cultural norteamericano. A punto de cumplir 70 años, conserva toda su maestría musical y su capacidad de influencia en las generaciones siguientes. En este concierto, Costello y Toussaint presentan su trabajo conjunto The River in Reverse, uniendo la música de The Imposters, la banda de Elvis Costello, con la de The Crescent City Horns, el cuarteto de viento que acompaña a Allen Toussaint. Cuando en 1977 fue editado el primer disco de Elvis Costello, su carácter airado le conectaba con el punk y la explosión de la new wave. Una rápida escucha a My Aim Is True prueba que la mayor conexión que Elvis Costello tenía con los punks era su pasión desbocada. Después se ha movido entre el rock, el country, el pop, el reggae y otros muchos géneros musicales. Hijo del músico británico Ross MacManus, Costello (nacido Declan MacManus) trabajó como programador de informática durante los primeros años 70, cantando bajo el nombre D.P. Costello en clubs de música folk. En 1976, se convirtió en el líder del grupo de country-rock Flip City. Jake Riviera, uno de los jefes de la discográfica independiente Stiff, contrató a Costello como artista en solitario en 1977. Fue entonces cuando adoptó el nombre artístico de Elvis Costello, tomando la primera parte de Elvis Presley y la segunda del apellido de soltera de su madre. My Aim Is True, su primer álbum, fue grabado en el verano de 1977. Obtuvo muy buenas críticas y se situó en el número 14 de la lista de éxitos británica. Para entonces, la que iba a ser banda permanente de Costello ya se estaba formando con el bajista Bruce Thomas, el teclista Steve Nieve y el batería Pete Thomas. El grupo se llamó The Attractions y debutó en julio de 1977. This Year’s Model, primer álbum de Costello con The Attractions, fue grabado en la primavera de 1978. Al igual que My Aim Is True, fue también un gran éxito, llegando a alcanzar el número 4 en Gran Bretaña. Editado el siguiente año, Armed Forces fue otro éxito, situándose en el número 2 en el Reino Unido y entre los 10 primeros en Estados Unidos. En el verano de 1979, Costello produce el primer disco de The Specials, líderes del renacido movimiento ska. En 1980, grabó Get Happy!!, muy influenciado por el soul. Llegó al número 2 en el Reino Unido y al 11 en Estados Unidos. Un año después, Costello y The Attractions publicaron Trust, que entró en el número 9 de la lista de éxitos británica y en el Top 30 americano. Durante la primavera de 1981, Costello y The Attractions grabaron con Billy Sherrill, famoso productor de Nashville, Almost Blue, cuya canción A Good Year for the Roses estuvo en el número 10 de la lista de éxitos de Gran Bretaña. El siguiente álbum de Costello, Imperial Bedroom (1982), fue producido por Geoff Emerick, quien fue ingeniero de sonido de muchos de los más aclamados discos de los Beatles. En Punch the Clock (1983), Costello trabajó con Clive Langer y Alan Winstanley, que fueron responsables de algunos de los mayores éxitos británicos de principios de los 80. La colaboración resultó comercialmente exitosa, pues el álbum se situó en el número 3 en el Reino Unido y el 24 en Estados Unidos). Intentó repetir el éxito con Goodbye Cruel World (1984), sin conseguirlo. Posteriormente, Costello se embarcó en su gira en solitario durante el verano de 1984. Estuvo relativamente inactivo en 1985, aunque produjo Rum Sodomy and the Lash, el segundo álbum de la banda de punk-folk The Pogues. Ambos proyectos fueron una señal de que Costello se iba moviendo hacia el folk y King of America (1986) confirmó esta sospecha. Grabado sin The Attractions y publicado bajo el nombre de Costello Show, King of America era esencialmente un álbum de country-folk que recibió las mejores críticas. Le siguió a finales de ese año Blood and Chocolate, que marcó su reunión con The Attractions y Nick Lowe, aunque luego no volvería a grabar con The Attractions hasta 1994. Durante 1987, Costello comenzó una colaboración con Paul McCartney cuyo resultado visible fue la canción Veronica, que llegó al número 19 en Estados Unidos y estaba incluida en el álbum Spike. Dos años después, editó Mighty Like a Rose. En 1993, Costello colaboró con The Brodsky Quartet en The Julliet Letters, su primera incursión en la música clásica, y compuso todas las canciones para el disco de Wendy James, ex cantante de Transvision Vamp, Now Ain’t the Time for Your Tears. Costello volvió a reunirse con The Attractions para grabar Brutal Youth y para una gira mundial en 1994 y 1995, año en que editó Kojak Variety, una colección de versiones que llevaba un tiempo aparcada. En 1996, Costello grabó All This Useless Beauty, al que siguió en 1998 Painted from Memory, una colaboración con el legendario Burt Bacharach. Poco después, Steve Nieve se unió a Costello y ambos hicieron una gira apodada Lonely World Tour. Dos películas de gran éxito, Notting Hill y Austin Powers: The Spy Who Shagged Me, contaron con una significativa contribución de Costello en sus bandas sonoras. Costello firmó entonces con Universal Records, que se estrenó con la recopilación de grandes éxitos The Very Best of Elvis Costello, pero al final su relación con esa compañía se deterioró. En 2001 residió en Los Angeles y trabajó en un álbum de producción propia en el que también participaron Pete Thomas y Steve Nieve, titulado When I Was Cruel y que fue editado a nombre de The Imposters. En 2003, volvió a la carga con North, una colección de canciones pop situadas a mitad de camino entre Gershwin y Sondheim. Al año siguiente colaboró con su nueva mujer, Diana Krall, en la primera colección de material original de ésta, The Girl in the Other Room, y sacó además otros dos discos, Il Sogno y The Delivery Man, este último grabado con The Imposters. Sus CDs más recientes, de 2006, han sido My Flame Burns Blue, en el que Costello dirige a los 52 músicos de la banda de jazz The Metropole Orkest, y The River in Reverse, en colaboración con la leyenda del R&B Allen Toussaint.

Fuente: JazzAlDia.com ELVIS PRESLEY

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Elvis Presley. (Tupelo, EE UU, 1935 - Memphis, id., 1977) Cantante de rock and roll y actor estadounidense. Nacido en el seno de una familia modesta, el joven Elvis Presley se vio obligado a trabajar desde muy temprana edad. A los once años, y ante su insistencia, sus padres le regalaron su primera guitarra.

En 1948, su familia se trasladó a Memphis, uno de los centros de la actividad musical del país. Cuando Elvis contaba apenas diecinueve años, el productor Sam Phillips, propietario de Sun Records, decidió editarle un single que contenía los temas That’s all right y Blue Moon of Kentucky. Este primer intento le abrió las puertas de un programa radiofónico de música country, Louisiana Hayride, con un abanico de emisión que comprendía trece estados.

En 1955, con su popularidad en aumento, Elvis Presley fichó por la discográfica RCA. El de 1956 fue un año clave para la trayectoria de Elvis, gracias al tema Heartbreak Hotel, del cual vendió trescientos mil ejemplares en tres semanas y acabó siendo el primero de sus discos de oro. También editó su primer elepé, titulado Elvis Presley, que alcanzó el millón de copias vendidas, y se comprometió por siete años con los estudios cinematográficos Paramount, ávidos de contratar a un ídolo juvenil emergente que ya por aquel entonces provocaba ataques de histeria entre las asistentes a sus conciertos.

Sus apariciones televisivas empezaron a ser habituales y las cantidades ingresadas por éstas alcanzaron cifras récord en la historia del medio. Paralelamente a su imparable ascenso a la fama mundial, algunos sectores conservadores de la sociedad estadounidense se opusieron con tesón tanto al personaje como a su música, que tildaban de pervertida e inmoral, en particular a raíz de su celebérrimo movimiento de cadera, cuyo impacto fue tan inmediato que el cantante recibió el apodo de Elvis Pelvis.

Como culminación del meteórico año de 1956, el 16 de noviembre se estrenó en Nueva York con gran éxito Love me tender, el primer film que protagonizó Elvis Presley, y el Wall Street Journal le dedicó un artículo en el que destacó los 22 millones de dólares que el merchandising asociado a su imagen llevaba recaudados hasta aquel momento.

En marzo de 1957 adquirió la mansión de Graceland, en la ciudad de Memphis, que se convertiría con el tiempo en lugar de peregrinaje para sus incontables admiradores. En 1958, en el cenit de su carrera, fue llamado a filas por el ejército y destinado a Berlín Occidental, donde conoció a Priscilla Ann Beaulieu, con quien contraería matrimonio nueve años después.

Elvis Presley se licenció en marzo de 1960 e inmediatamente reanudó su actividad artística, para encadenar una larga serie de números uno en las listas estadounidenses con títulos como It’s now or never o Are you lonesome tonight? y protagonizar no menos de diez películas, entre las que cabe citar Chicas, chicas, chicas (Girls, girls, girls, 1962) y Viva Las Vegas (1964).

En la segunda mitad de la década comenzó la «invasión británica» que protagonizaron grupos como The Beatles y que conllevó cierta erosión en la popularidad del cantante, agravada por una aparente crisis artística que se prolongó hasta 1968, cuando se le ofreció protagonizar un especial televisivo, que se convirtió en uno de los mayores éxitos de la historia de la pequeña pantalla.

Los primeros años de la década de 1970, sin embargo, supusieron para Elvis Presley un nuevo bache creativo, agravado por su adicción a las drogas y la reclusión en su mundo de fantasía particular en que se convirtió su mansión de Graceland. En 1973 se divorció de Priscilla Beaulieu y su imagen adquirió el tono claramente excesivo que caracterizó sus últimas apariciones: exagerado tupé, sobrepeso y trajes de cuero blanco con pedrería.

Tras caer inconsciente en varias ocasiones en el escenario, falleció oficialmente de un ataque al corazón, sin duda consecuencia de sus excesos. A pesar de su acelerado declive, Elvis Presley se ha convertido en un icono del siglo XX y en una de las figuras más relevantes de la historia de la música popular, como atestiguan sus más de cien discos de oro, platino y multiplatino.

Fuente: Biografias y Vidas Eminem.

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Eminem. Eminem es el nombre artístico de Marshall Bruce Mathers, nacido en Kansas City el 17 de octubre de 1973. El nombre de Eminem proviene de la unión de ambas iniciales, M&M, pronunciada en inglés. Su infancia no fue fácil. Creció en ausencia del padre, quien abandonó el hogar cuando él tenía seis meses, y al cual rehusó conocer una vez alcanzada la celebridad. Vivió en varios estados con su madre, Deborah Mathers-Briggs, hasta que se instalaron en los suburbios de Detroit (Michigan), cuando él contaba doce años.

El joven Marshall creció muy apegado a su abuela, Betty Kresin (hoy, habitual comentarista del comportamiento de su nieto en la prensa del corazón estadounidense). La relación con su madre ha sido una constante fuente de conflicto: él la acusa de mentirosa y drogadicta, y achaca sus constantes mudanzas a su incapacidad para encontrar un trabajo estable. Por su parte, Briggs declaró a la BBC que «mimó» a su hijo, quien no se fue de casa hasta los veinticinco años.

Eminem, que tiene un hermano quince años menor, Nathan, tuvo su amigo íntimo de la infancia en su tío Ronnie, de su misma edad (su abuela lo tuvo el mismo año en que su madre lo tuvo a él). A principios de los años noventa, Ronnie, de tendencias depresivas, se suicidó. Este episodio provocó la ruptura definitiva de relaciones de Marshall con su madre, cuando ésta lo responsabilizó del suicidio.

A los catorce años de edad, Marshall empezó a salir con Kimberley Anne Scott (que entonces contaba sólo doce), otro personaje central en el mundo de Eminem. La relación de ambos siempre ha sido tormentosa, plagada de peleas y reconciliaciones igualmente aparatosas: se casaron en junio de 1999; Eminem pidió el divorcio en agosto de 2000; se reconciliaron a fines del mismo año, y Kim solicitó el divorcio en marzo de 2001. En 1996 tuvieron a la niña Hailie Jade Mathers, el principal objeto de adoración de Eminem, por cuya custodia ha emprendido agrias batallas legales con Kim.

Todos estos detalles familiares que, en cualquier otro artista, servirían para amenizar su biografía o para hacer un análisis psicológico de su obra, tienen un significado particular en el caso de Eminem: estos detalles «son» su obra. En cada disco, en cada letra, desmenuza sus propias vivencias, desde su infancia hasta el momento en que pisa el estudio de grabación. Muchas de sus canciones tratan, por ejemplo, de la experiencia de ser padre, aunque en otras fantasea con matar a su madre o a Kim (en 97 Bonnie and Clyde mezcla la voz de su hija Hailie con versos en los que habla de asesinar a la madre de ésta). Sin embargo, ha insistido en que muchas de sus letras son humorísticas y no deben entenderse literalmente.

Marshall empezó a rapear durante sus años escolares, animado por su inseparable Ronnie. A los catorce años abandonó la escuela e hizo sus pinitos con bandas locales como Basement Productions, The New Jacks o D12. Estrenó su nombre de guerra, Eminem, en el disco Infinite, publicado en 1996 por un sello independiente. Su debut recibió pobres críticas, tachado de mero intento de emular a los nombres de moda en la escena hip hop del momento en Detroit, como Nas o AZ. Sin embargo, no se dejó amedrentar y ganó el primer premio del festival anual de hip hop Wake Up Show, y finalizó segundo en las Olimpiadas del Rap de Los Ángeles, toda una hazaña para un blanco.

En su siguiente disco, The slim shady EP (1997), desarrolló su personal estilo, y en sus letras lanzó furiosos ataques contra la industria discográfica y los detractores de Infinite. El tema Just don't give a fuck se convirtió en un éxito en las radios alternativas, y Eminem participó como invitado en el éxito Five Star Generals, de MC Shabaam Sahdeq, y en discos de Kid Rock y Missy Elliott.

En The slim shady LP (1999), su primer disco publicado en una gran compañía (Aftermath/Interscope), colaboró por vez primera con el productor estrella Dr. Dre. Fue también su primer gran éxito de ventas, acompañado por el escándalo de la denuncia que le interpuso su madre, que lo acusó de provocarle trastornos emocionales y daño a su reputación por los comentarios ofensivos que le dedicó ante la prensa. Deborah llegó a publicar un CD-single llamado Set the record straight ('Dejar las cosas claras'), y el caso acabó en arreglo fuera de juicio, cuando Eminem le pagó 25.000 dólares.

Su siguiente álbum, The Marshall Mathers LP, debutó en el número uno de ventas de Estados Unidos en mayo de 2000. Pero su vida personal daba mucho más que hablar: a fines de ese año, golpeó con la culata de una pistola a un hombre que, aparentemente, se estaba propasando con Kim. Fue condenado a dos años en libertad condicional, un control estricto de consumo de drogas y la asistencia continuada de un psicólogo.

The Eminem show (2002) debutó en el número 1 de ventas en Estados Unidos y Europa, lanzado por el controvertido videoclip de Without me, en que aparecía disfrazado de Osama bin Laden. La banda sonora de la taquillera película Ocho millas, dirigida por Curtis Hanson (director de L. A. Confidential y Jóvenes prodigiosos), fue otro éxito, y hasta ganó un Oscar a la mejor canción.

Ocho millas narra la historia de un joven blanco que sale adelante como cantante rap, y es en muchos aspectos una autobiografía de Eminem: «8 Mile» es el nombre de la calle que separa los suburbios ricos de los pobres en Detroit, y es donde él vivió. Naturalmente, en la película también tiene un papel preponderante la madre, tiránica e inestable, interpretada por Kim Basinger.

Fuente: Biografias y Vidas Engelbert Humperdinck

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Engelbert Humperdinck en Las Vegas, 2009.

Datos generales

Nombre real Arnold George Dorsey

Nacimiento 2 de mayo de 1936 (77 años),

Origen Madras, Raj Británico (actual India)

Ocupación Cantante y actor Información artística

Género(s) Adult contemporary, soft rock,pop tradicional, música ligera

Instrumento(s) Voz, piano

Período de 1956 - Actualidad actividad

Artistas Tom Jones relacionados

Engelbert Humperdinck, nombre artístico de Arnold George Dorsey, es uncantante y actor británico nacido en Chennai (antes llamada Madrás), India, el 2 de mayo de 1936. Nació en India cuando todavía dicho país pertenecía al Imperio británico. Su padre eraingeniero del ejército británico y su madre era cantante de ópera y le enseñó a tocar el violín. Él es el menor de 10 hermanos. Se mudó a Inglaterra a la edad de 10 años a la ciudad de Leicester, ciudad con la que aún tiene fuertes vínculos.

Su primera actuación en un escenario fue a los 17 años, usando el nombre de Gerry Dorsey. Empezó a hacerse conocido con ese nombre en el Reino Unido, pero su carrera se vio interrumpida en dos ocasiones: la primera porque debió cumplir el servicio militar, y más tarde cuando enfermó de tuberculosis. En 1965, para volver a escena decidió cambiar su imagen y nombre por sugerencia de su manager Gordon Mills, quien también lo era de Tom Jones. Humperdinck comenzó su carrera en Bélgica (Knokke-Cup) en 1966. Su sencillo "Release me" (abril de 1967) alcanza gran éxito y vende un millón de copias en Inglaterra, gracias a su actuación en un programa de televisión. Después de ese hit logra colocar otros en las listas de más vendidos acrecentando su fama. Su poderosa voz, su estilo único y particular hacen de Engelbert una de las voces más privilegiadas entre los cantantes masculinos del prototipo crooner (Frank Sinatra, Bing Crosby, Tony Bennett, Paul Anka...). En los años 1990 construyó un hotel en La Paz, Baja California Sur, en uno de sus lugares de retiro favoritos llamado La Posada de Engelbert que actualmente sigue en funcionamiento. Posee más de 150 millones de discos vendidos en forma global,1 64 discos de oro y 24 de platino, una estrella en el Paseo de la Fama en Hollywood 2 y 4 nominaciones al Grammy. Ha incursionado en baladas, música electrónica, gospel, country y latin music. Ha cantado en inglés, alemán, español e italiano. Ha actuado en series de televisión como Hotel, VIP,Chicago Hope, La Isla de la Fantasía, Vacaciones en el mar, etc. Ha participado en bandas sonoras de películas como Beavis And Butt Head Do América, Gagnter N°1, Romance & Cigarretes, The Last Yellow, You're Dead, Fly Me Too The Moon... Curiosamente participó doblando la voz de un personaje animado en la película australiana Tales From a Little Princes: Friends Are Forever, donde dobló al hechicero Marlon. Tiene en la actualidad cerca de 60 fans clubs en el mundo, principalmente en Estados Unidos, Europa y Australia (donde recientemente ha participado en un dueto con el grupo Trinity). En algunos países de América Latina se le difunde poco: en la Argentina tuvo una enorme difusión sobre todo en la década del 70, gracias a que el Show de Engelbert Humperdinck de principios de los '70 marcó a varias generaciones. Pero solo ha estado en Argentina; en Chile se anunció su participación en el Festival de Viña Del Mar del año 2007 como jurado, pero su trabajo en Las Vegas se lo impidió. En 2012 fue elegido internamente por la BBC para representar a Reino Unido en el Festival de la Canción de Eurovisión 2012, celebrado en Bakú.3 Con 76 años de edad se convirtió en el solista de más edad de la historia en participar en Eurovisión. Interpretó el tema "Love will set you free". Quedó en el puesto 25º (penúltima posición), a pesar de ser considerado uno de los favoritos por las apuestas.4 En 2012 se ha anunciado que ha grabado una canción con Elton John, para un álbum de duetos de este. Ennio Morricone

Ennio Morricone a la Mostra de Venècia (2009)

Nascut 10 de novembre de 1928(85 anys) Roma (Itàlia)

Anys 1946 - actualitat activitat

Cònjuge/s: Maria Travia (1956-present)

Pàgina EnnioMorricone.it oficial Premis Oscar

Oscar honorífic 2006 - Trajectòria professional

Globus d'Or

Millor banda sonora 1987 - La missió 2000 - La leggenda del pianista sull'oceano

Premis Bafta

Millor música 1979 - Days of Heaven 1984 - Hi havia una vegada a Amèrica 1986 - La missió 1987 - Els intocables d'Elliot Ness 1990 - Cinema Paradiso

Ennio Morricone (Roma, Itàlia, 10 de novembre de 1928) és un compositor italià demúsica de cinema. És un dels compositors més prolífics amb aproximadament unes 300 bandes sonores al llarg de cinc dècades. Va iniciar la seva carrera de molt jove, tot seguint el relleu del seu pare, que era músic en una orquestra. Per acabar- ho d'arrodonir, Morricone i Sergio Leone van ser companys d'escola. La seva relació personal i professional va ser permanent, una de les més fèrtils de la història de les arts. Morricone va compondre la banda sonora de gairebé totes les pel·lícules de Leone. Posteriorment, Morricone va ingressar al Conservatori de Santa Cecília de Roma estudiant trompeta i composició on va tenir com a tutor a Goffredo Petrassi. Amb tot, els inicis van ser durs: es va casar el 1956 i l'any següent ja tenia un fill, pel que va haver de compaginar la creativitat amb tasques més prosaiques que li permetessin guanyar-se la vida: amb aquesta capacitat de treball que l'ha caracteritzat sempre, es va dedicar a orquestrar i arreglar cançons d'intèrprets destacats de la música lleugera i sintonies per a programes de varietats de la RAI, al mateix temps que s'iniciava en el món de la banda sonora cinematogràfica d'una forma una mica irregular: componia per a altres compositors de fama que anaven molt sol·licitats i no podien atendre tots els seus compromisos. El seu amic Mario Nascimbene, per exemple, li va demanar que li donés un cop de mà a Morte di un amico (1959) o Barabbas (1961). I no fou l'únic: la ninna nanna que se sent a Il Giudirio Universale (1961) és seva, encara que en la portada només hi figuri el nom d'Alessandro Cicognini. El seu debut cinematogràfic, és a dir quan el seu nom apareix als crèdits, arriba el 1961 amb el film Il federale de Luciano Salce, una sàtira sobre la caiguda del feixisme amb una gran interpretació de Ugo Tognazzi. En aquest punt arrenca la seva abundant filmografia, que toca tots els gèneres, amb dues aportacions al western amb el pseudònim de Dan Savio, Gringo i Le pistole non discutono (1964) que en els anys immediatament posteriors adquiriran una rellevància molt superior a la que tenien en el moment de la seva estrena. Tot seguit li arriba l'oportunitat de compondre la banda sonora de la primera pel·lícula de Sergio Leone en el gènere del western: Per un grapat de dòlars. Morricone, sap reconvertir els tòpics de la música de western en una cosa totalment original sense recórrer a desviacions atonals o jazzístieas. Així, el tema dels títols barreja elements tradicionals com el galop de guitarra amb un fantasmagòric xiulet (ambdós executats per un amic de la infància del compositor, Alessandro Alessandroni), cors sense text i trets que sonen com gardel·les, en un exasperat crescendo que ens prepara per a les emocions que vindran. Aconsegueix però l'èxit amb les pel·lícules de Sergio Leone, el pare dels Spaghetti western. La col·laboració entre els dos comença el 1964 i de la mateixa van sorgir-ne les inoblidables: Per qualche dollaro in più, El bo, el lleig i el dolent, Fins que li va arribar l'hora i Hi havia una vegada a Amèrica, l'última film del gran director. Ha estat molt criticat per la seva atípica música, però abans que res ha estat valent integrant instruments poc comuns entre les grans orquestres. Després, l'any 1964 va tocar en el grup d'improvisació Nuova Consonanza fundat per Franc Evangelisti. Poc després dels seus primers treballs amb Leone, Morricone comença a consolidar-se de manera reconeguda i competent en el panorama de la música cinematogràfica internacional. D'una banda gràcies a les seves intenses col·laboracions amb directors italians com Pier Paolo Pasolini, Bernardo Bertolucci, Dario Argento, Gillo Pontecorvo, Marc Bellocchio i Giuseppe Tornatore, i de l'altra per les esplèndides bandes sonores compostes per explicar grans històries al costat de directors americans i europeus de la talla de Terence Malick, John Carpenter, Brian De Palma, Roman Polanski, Roland Joffé o Pedro Almodóvar amb Átame. És un dels més coneguts dels compositors cinematogràfics, gràcies sobretot a la música dels espagueti western, però també gràcies a les belles melodies de Dies de cel, La missió, L'ocell de les plomes de cristall o Cinema Paradiso. També ha compost obres per a sèries de televisió, sent les més conegudes El secret del Sàhara, La Piovra, Marco Polo o Cabàs. Ha estat nominat a l'Oscar en 5 ocasions: Dies del cel (1978), La missió (1986), Els intocables d'Elliot Ness (1987), Bugsy (1991),Malena (2000), sense aconseguir-ne cap, però als Oscars de 2007 se li lliurà la seva primera estatueta com a reconeixement a tota la seva carrera. Va compondre l'himne de la Copa Mundial de FIFA Argentina 1978. Enrique Bunbury.

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Enrique Bunbury. Enrique Bunbury, cuyo nombre verdadero es Enrique Ortiz de Landázuri Izardui, nació el 11 de agosto de 1968. Con doce años se compró su primera guitarra eléctrico y comenzó a tocar en 1980 en un grupo llamado "Apocalipsis". Posteriormente militó en la banda "Rebel Waltz", en la que tocaba la batería y ponía la voz.

Desde 1984 formó parte de varios grupos más, como "Proceso Entrópico", "La Censura De Los Cuentos" o "Tres Años De Pena".

A pesar de esta dilatada carrera y el baile de grupos, la fama de Enrique Bunbury no sería del todo reconocida hasta que en 1987 se forman los 'Heroes del Silencio', junto a Juan Valdivia.

Su inconformismo y su insaciable afán de búsqueda, le llevaron a emprender largos viajes, (independientes a los obligados por sus giras con la banda), a través de su idolatrado planeta. Así, entusiasmado por sus lecturas orientalistas, visita un par de veces la India y otras tantas Nepal. Más tarde, y a través de Castaneda descubre el México profundo y la América chamánica, viajando a Chiapas, Oaxaca, Quintana Roo, Yucatán, Guatemala y Belice. Tampoco Cuba se le resiste, esta vez guiado por la magia santera. Su último gran descubrimiento (que plasma de forma sonora en su último álbum) es el mundo árabe, el oriente más próximo. Durante el último año pisa cuatro veces suelo marroquí, viaja a Túnez y recuerda su paso por Jordania.

Músico autodidacta, en todos estos viajes va adquiriendo instrumentos autóctonos. En Benarés aprende a tocar el sitar, en Marrakech la sgira bereber y en Cuba los bongos.

En 1992 produce el CD "Sueños En Blanco Y Negro" del grupo zaragozano Las Novias. En 1993 colabora en los coros del CD "El Cielo Lo Sabe" de Distrito 14. En 1994 crea el sello independiente "A La Inversa Records". Esta compañía discográfica editó los discos: "Todo/Nada Sigue Igual" del grupo zaragozano Las Novias (co-propietarios del sello) y el disco recopilatorio "Zaragoza Vive" con 22 bandas zaragozanas.

En 1996 edita, dirige y escribe en la revista monográfica independiente "Avalancha Magazine" y colabora en un par de libros sobre Héroes Del Silencio

Después de la ruptura de Héroes del Silencio empezó su carrera como solista, editando "Radical Sonora", en 1997. Dos años después publicó "Pequeño" y en el 2000 "Pequeño Cabaret Ambulante".

En el 2002 publica un nuevo trabajo, titulado "Flamingos". "Flamingos" recobra el gusto por las guitarras, estrena giros a lo Bowie en el primer single, "Lady Blue", y ahonda en la electrónica, los sonidos latinoamericanos, el rock and roll, el jazz, el honky tonk o los ritmos de Nueva Orleans. Un álbum variado y redondo de un artista víctima de una arrolladora inquietud musical. Quizá, el mejor disco de su producción hasta la fecha. Fuente: Todomusica Enrique Iglesias

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Enrique Iglesias. (Enrique Miguel Iglesias Preysler; Madrid, 1875) Cantante español de música pop, hijo del también cantante Julio Iglesias. Enrique Iglesias marchó a vivir a Miami a la edad de siete años por motivos familiares. Creció en el estado de Florida, y de esa manera fue aprendiendo a hablar inglés, su segundo idioma, en el que ha compuesto y cantado parte de su repertorio. Debido a la fama de sus progenitores, tanto Enrique como sus hermanos se acostumbraron muy pronto a los flashes de los fotógrafos, a las cámaras de televisión y a los micrófonos. Sin embargo, llegó a la adolescencia y completó sus estudios sin dar pistas sobre su futura dedicación.

Se dice que Enrique Iglesias había comenzado a preparar su primer disco a los dieciséis años, pero nadie, ni siquiera su familia, se enteró entonces de las intenciones del joven; por lo tanto, su anuncio de que se iba a dedicar al mundo de la canción fue una gran sorpresa para propios y extraños. Esto ocurrió cuando el madrileño contaba veinte años, en 1995.

Enrique Iglesias siempre dejó muy claro que no quería sacar provecho de su apellido, y llegó incluso a plantearse un cambio de nombre artístico que eludiera el uso del mismo. De cualquier forma, parece claro que este apellido le ayudó en un primer momento, aunque más tarde el trabajo de Enrique y sus colaboradores mereció triunfar por méritos propios en la segunda mitad de los años noventa. Prueba de ello es la experiencia de su hermano Julio José, quien también probó suerte en el mundo de la canción, aunque con bastante menos éxito que su padre y su hermano.

Enrique Iglesias consiguió un contrato con Discos Bat, una modesta compañía discográfica española que le editó su primer disco, Enrique Iglesias, que vio la luz el 25 de septiembre de 1995. Sencillos como "Si tú te vas", "Por amarte", "Experiencia religiosa", "Trapecista" y "No llores por mí" catapultaron al álbum a cotas impensables en un debutante. En pocas semanas consiguió ser disco de oro en Portugal, y con el tiempo llegó a vender casi seis millones de copias en todo el mundo. El inicio no pudo ser mejor, y le valió al artista la concesión de un premio Grammy a la Mejor Interpretación Latina.

El 29 de enero de 1997 salió a la venta Vivir, el segundo disco de larga duración del cantante, que para no ser menos vendió casi cinco millones de copias y confirmó plenamente el incipiente estrellato de Enrique.

En 1997, Enrique Iglesias realizó su primera gira mundial, Vivir, en la que recorrió trece países, dio casi ochenta conciertos y actuó ante casi 750.000 personas en total. La maquinaria de su carrera no se dio siquiera un descanso antes de editar su tercer elepé, que vio la luz el 1 de septiembre de 1998 con el título de Cosas del amor, esta vez ya dentro del catálogo de Polydor Records. En su nueva discográfica encontró el potencial necesario para explotar comercialmente sus productos, sobre todo teniendo en cuenta que su fama estaba ya muy extendida a escala internacional.

El cantante cerró la década con Enrique, un nuevo disco que le colocó en los más altos lugares de las listas de ventas de medio mundo; el álbum salió a la venta el 23 de noviembre de 1999. Meses atrás se había editado Bailamos, una recopilación que incluía el tema del título, de extraordinario éxito internacional.

Enrique Iglesias ha obtenido un buen puñado de números uno en las listas estadounidenses, ha conquistado buena parte del mercado asiático, es un habitual ganador de premios Grammy, ha grabado en español, inglés, portugués e italiano. Más de doscientos discos de oro y más de cien discos de platino adornan su impresionante palmarés a lo largo de una trayectoria que, en sus propias palabras, no ha hecho más que comenzar.

En el primer año del nuevo siglo, Enrique se presentó ante sus incondicionales con Escape, un nuevo trabajo menos melódico que los anteriores. También finalizó el rodaje de Érase una vez en México, su debut cinematográfico a las órdenes de Robert Rodríguez.

Fuente: Biografias y Vidas ENYA

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Enya. Enya, cuyo verdadero nombre es Eithne N' Bhraonein, nació el 17 de Mayo de 1961 en Dore, Gweedore, Irlanda. Hija de un conocido músico irlandés, siempre estuvo en su familia por gente relacionada con la música. Tras cursar estudios de piano, formó en el grupo Clannad. Enya trabajaba en los teclados, aunque el estilo pop del grupo no terminaba de agradar a la artista. Enya abandonó el grupo en 1982.

Sus primeras grabaciones en solitario aparecieron en 1985. Al año siguiente Enya grabó la música para la serie de la BBC 'The Celts' ('Los Celtas'), y dos años más tarde presenta su primer álbum como solista, titulado de ese modo, 'The Celts'. Su forma de cantar, tanto en galés como en inglés, y su forma de instrumentar los temas con los sintetizadores, no fue del todo apreciado al principio. Sin embargo, al año siguiente Enya firma un contrato con WEA Records y presenta su segundo trabajo, 'Watermark'. El album supuso un gran éxito y el reconocimiento de la crítica y del público. Varios de los singles se auparon en los primeros puestos de los rankings y recibió varios premios de platino.

En 1991 publica 'Shepherd Moons', con el que vendió más de 10 millones de copias y con el que conquista el mercado americano, recibiendo en 1993 el Grammy como 'Mejor Album New Age'.

En 1995 aparece 'The Memory Of Trees', con una gran carga celta, aunque no despertó tanto interés como los trabajos anteriores.

Dos años después lanza 'Paint the Sky with Stars: The Best of Enya' una colección de 16 tema, 14 de ellos extraídos de sus trabajos anteriores, a los que se añaden dos canciones nuevas: 'Only If...' y 'Paint the Sky with Stars'

A fines del 2000, tras un paréntesis de tres años, Enya presenta un nuevo álbum, titulado 'A Day Without Rain'. En 2001 dos canciones de Enya : "May it be" y "Aníron" aparecieron en la película "El Señor de los Anillos - La Comunidad del Anillo". Enya, Nicky y Roma fueron nominados a los Oscar y a los Globos de Oro por el tema "May it be".

En 2005 aparece el que está llamado a ser uno de los mejores trabajos de Enya. Su título es "Amarantine", y ha sido grabado en Irlanda, presentándonos a una Enya en estado puro. Desde los conmovedores coros del tema principal hasta los exquisitos matices del tema "Wild violet", basado en un haiku del poeta japonés Basho, este disco rebosa de todo lo que nos gusta de Enya.

Fuente: Todomusica Eric Clapton.

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Eric Clapton. Eric Patrick Clapton nació en Inglaterra el 30 de marzo de 1945. Creció hasta los nueve años, creyendo que sus abuelos eran sus padres, y cuando estos pensaron que Eric tenía la suficiente edad para saber la verdad, le contaron que su "hermana",era en realidad su madre, y que no se lo habían dicho antes, para evitarle sufrir por culpa de su ilegitimidad. Era un muchacho sosegado y educado, y un estudiante con una clara aptitud para el arte. Después de oir al "Rey" y a Buddy Holly, clapton se entusiasmó por la música, y a la edad de 13 años, su abuela le compró su primera guitarra, una Spanish Hoya Acústica de 14 libras. El blues fue el tipo de música que más se adentró en Eric Clapton, y así comenzó a escuchar a artistas como Jimmy Reed, Muddy Waters, Big Bill Broonzy, y muchos más.

Cuando contaba ya con 16 años, fue admitido en el Kingston College Of Art, gracias sobretodo a sus magníficos trabajos de arte. Aunque eligió estudiar diseño de vidrio de colores, no logró acabar la mayoría de los trabajos que le encargaban, ya que dedicaba la mayor parte del tiempo a tocar la guitarra. Más tarde encontró trabajo en la construcción, y cuando logró ahorrar una buena cantidad de dinero, se compró la que sería su segunda guitarra, una Kay eléctrica de 100 libras, y comenzó a tocar en clubes folk por las noches. De este modo, Eric Clapton se adentró en el mundo de la música. Aunque su primera banda fue The Roosters, Clapton comenzó a tener éxito cuando se unió a The Yardbirds. Durante su estancia con los Yardbirds le apodaron "Slowhand", mote con el que todavía hoy es conocido. Después de seis meses, desilusionado con la nueva dirección musical de la banda que había abandonado el blues para meterse de lleno en el pop, Clapton abandonó, justo cuando lograron su primer gran éxito en las listas británicas. Semanas más tarde, fue invitado a unirse al grupo John Mayall's Bluesbreakers. Durante su estancia con John Mayall, Clapton se hizo definitivamente un nombre tanto para él como para el grupo en su conjunto, es durante este periodo cuando aparecen las famosas pintadas en Londres "Clapton Is God". El álbum John Mayall's Bluesbreakers With Eric Clapton muestra por primera vez el talento único de Clapton.

En 1966, deja el grupo de Mayall y se une a Jack Bruce y Ginger Baker para formar el primer supergrupo de la historia del Rock, Cream. Después de tres años de grabaciones sucesivas y conciertos multitudinarios sobre todo en Estados Unidos el grupo se separa en 1968 tras fuertes discusiones entre Jack Bruce y Ginger Baker. En 1969 forma un nuevo grupo llamado Blind Faith con la presencia de Steve Winwood. Un álbum con las maravillosas “Can’t Find My Way Home” y “Presence Of The Lord” y una gira americana fue el bagaje musical de este gran grupo que tan solo duró un año. Ese mismo año Clapton fue invitado por John Lennon para tocar en varios conciertos con él y para grabar el single "Cold Turkey." A finales de 1969 y principios de 1970 Clapton tocó en la banda de Delaney and Bonnie. Con la ayuda de los miembros de esta banda Clapton grabó su primer álbum en solitario en 1970, titulado Eric Clapton y que contiene temas clásicos del repertorio de Clapton como “Let It Rain”, “Blues Power” o “After Midnight”.

En 1970, Clapton colaboró en la grabación del magnífico triple LP de George Harrison “All Things Must Past” y formó un nuevo grupo con tres miembros de la banda de Delaney and Bonnie, Carl Radle, Bobby Whitlock y Jim Gordon. El grupo se llamó Derek And The Dominos, con este grupo y la ayuda del guitarrista Duane Allman, Clapton grabó el mejor álbum de toda su carrera “Layla and Other Assorted Love Songs” que compuso inspirado en la mujer de George Harrison, Patty Boyd, con la que Clapton contrajo matrimonio más tarde, aunque sin embargo en su día no tuvo el reconocimiento que se merecía y pasó prácticamente desapercibido. Durante las sesiones del All Things Must Past, Clapton comenzó su adición a la heroína, tras el fracaso de Layla, la muerte de su padre Jack Clapp y la de su amigo Jimi Hendrix, está dependencia se hizo aún mayor y durante dos largos años desapareció de la escena musical. Apareciendo tan solo en el concierto de Bangladesh de George Harrison y con Leon Russel en un concierto en Londres.

En enero de 1973, Clapton tras una exitosa terapia basada en la acupuntura dejó sus problemas con las drogas y su amigo Pete Townsend le organizó un concierto de regreso en el Rainbow Theatre de Londres, en el que además de Clapton y Townsend participaron Ron Wood y Steve Winwood.

En Julio de 1974, Clapton graba el álbum 461 Ocean Boulevard que es número 1 en las listas americanas y que incluye la versión del clásico de Bob Marley, "I Shot The Sheriff". Clapton también aparece ese mismo año en la película Tommy de los Who. En abril de 1975, Clapton graba There's One In Every Crowd y un álbum en directo en agosto titulado, E.C. Was Here, al que sigui No Reason To Cry en agosto de 1976, en el que colaboraron el grupo The Band, Ron Wood y Bob Dylan.

Pero el verdadero éxito comercial como artista en solitario llega en noviembre de 1977 con el álbum Slowhand. El LP contiene los éxitos "Lay Down Sally", "Wonderful Tonight" y el clásico "Cocaine" y vendió más de 3 millones de copias en U.S.A. En noviembre de 1978, Clapton edita Backless que entra en el Top 10 con la canción "Promises." A finales de los 70, la carrera de Clapton empezó a sentir los efectos de su adicción a la bebida. En mayo de 1980, publica el magnífico doble álbum en directo, Just One Night grabado en Japón a finales de 1979.

En abril de 1981, se edita Another Ticket y de nuevo llega al Top 10 con "I Can't Stand It.". Ese mismo año, Clapton se desploma durante una actuación en Madison, Wisconsin (USA) y es hospitalizado inmediatamente. Se le diagnostican varias úlceras una del tamaño de una mandarina. Tras lo cual ingresa en una clínica especializada para resolver sus problemas con el alcohol. En febrero de 1983, Clapton firma por la compañía discográfica Warner Brothers y publica Money And Cigarettes. Al mismo tiempo aparece una recopilación de grandes éxitos de su etapa con la compañía Polydor titulado Time Pieces-Best of Eric Clapton que vende más de 7 millones de copias en the U.S.A. En marzo de 1985, graba Behind The Sun que incluye "She's Waiting," "Same Old Blues" y "Forever Man.". Ese verano participa en el macroconcierto Live Aid donde realiza una actuación impresionate y que supone un punto de inflexión en la carrera de Clapton, atrayendo a miles de nuevos fans y rejuveneciendo su música. También compone varios temas para la banda sonora de la serie Edge Of Darkness, por la que recibe varios prestigiosos premios.

En noviembre de 1986, se publica August que incluye los éxitos "It's In The Way That You Use It" (que también aparece en la banda sonora de la película The Color Of Money) y "Tearing Us Apart" (con Tina Turner). La revista Q magazine titula al álbum como,"...el comienzo oficial del renacimiento de la carrera de Clapton...". En febrero de 1987, recibe el premio Lifetime Achievement Award del British Phonographic Institute. En abril de 1988, se publica su primera caja recopilatoria titulada Crossroads que incluye 73 canciones de todas sus épocas y grupos. En 1990, Crossroads consigue ser la primera caja recopilatoria de la historia en conseguir el disco de platino (y más tarde el doble platino). También en 1988, Clapton graba temas para otras dos bandas sonoras Homeboy y Lethal Weapon 2 .

En noviembre de 1989, se publica Journeyman, este LP está considerado como sus regreso a las raices blues-rock que fue la principal característica de la música de Clapton en las décadas de los 60 y 70. Podemos destacar principalmente "Pretending" y "Bad Love.", con este último tema Clapton consiguió en 1991 su primer Grammy como artista en solitario y en 1990, Journeyman ganó el Billboard Music Award como Mejor Album de Rock. 1990 también fue un año de tragedia para Clapton. Después de un concierto en Alphine Valley con Steve Ray Vaughan, Robert Cray, Jimmie Vaughan y Buddy Guy, varios miembros del equipo de la gira americana de Clapton y Steve Ray Vaughan, fallecen en accidente de helicoptero. En 1991 nuevamente la tragedia golpea a Clapton cuando su hijo de 4 años muere tras caerse desde la ventana de un rascacielos en Nueva York.

En octubre de 1991, se publica el doble álbum en directo, 24 Nights que recoge varias actuaciones en directo en el Royal Albert Hall de Londres en 1990 y 1991. En diciembre de ese mismo año realizó una gira con George Harrison en Japón. En enero de 1992, Clapton grabó un concierto acústico para la cadena MTV y dos nuevas bandas sonoras Rush y Lethal Weapon 3 (que incluye la canción "It's Probably Me" con Sting). En agosto, se publicó el concierto acústico con el título Unplugged, que contiene los éxitos “Tears in Heaven” dedicada a su hijo y una nueva versión acústica del clásico "Layla.". Este LP ganó 6 Grammys y vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo. Clapton también ganó el premio al Mejor Video de los MTV Video Music Award por "Tears In Heaven.".

1993, fue el año de los premios para Clapton, no sólo recibió los 6 Grammys anteriormente mencionados por Unplugged, sino que además entró en el Rock & Roll Hall of Fame como parte del grupo Cream (TheYardbirds habían entrado anteriormente). En cuanto a las grabaciones Clapton aparece en varios álbumes tributo: Tribute To Curtis Mayfield, Stone Free: A Tribute To Jimi Hendrix, y Bob Dylan 30th Anniversary Concert. En septiembre de 1994, se edita From The Cradle, que es el primer álbum completamente de blues grabado por Clapton, en él se recogen una colección de temas clásicos del blues. El LP ganó el Grammy al Mejor Álbum de Blues Tradicional en 1995 y vendió más de 3 millones de copias en U.S.A. siendo el disco de blues que más ha vendido de la historia.

Ese año, el nombre de Clapton sonó en la prensa londinense como uno de los posibles sustitutos del fallecido Lennon para ser el cuarto componente de los "Beatles", como parte de un proyecto destinado a unir de nuevo a los supervivientes del famoso grupo de Liverpool.

En abril de 1996, se publica una nueva caja recopilatoria con el título Crossroads 2: Live In The Seventies que consiste básicamente en actuaciones en directo grabadas durante los años 70 así como 4 temas en estudio no publicados anteriormente. Clapton también obtuvo un gran éxito ese año con el tema “Change The World” con la colaboración de Babyface. También participó en un concierto homenaje a Stevie Ray Vaughan y en el concierto Prince’s Trust en el Hyde Park de Londres, donde realizó una actuación memorable. En 1997, Clapton colaboró con Simon Climie en un álbum techno titulado Retail Therapy (en el que aparece con el pseudónimo "X-Sample"). Clapton también ganó ese año otros 3 Grammy: Grabación del Año y Mejor Vocalista Pop Masculino por "Change The World" y compartió el Grammy a la Mejor Actuación Rock Instrumental por "SRV Shuffle." del álbum tributo a Steve Ray Vaughan.

En marzo, Clapton publicó el álbum Pilgrim y en julio abrió una clínica para la rehabilitación de drogadictos y alcohólicos en la isla caribeña de Antigua con el nombre de “Crossroads Center”.

En 2004 publica un álbum homenaje al mejor bluesman de la historia: Robert Johnson. "Me And Mr. Johnson" incluye 14 versiones de los 29 temas que grabó el maestro del blues del Mississippi durante su breve carrera en los años 30. Muchos llaman a Johnson el mayor bluesman de todos los tiempos por su gran influencia sobre las carreras de Muddy Waters, Howlin’ Wolf, The Rolling Stones y The Allman Brothers Band. Eric Clapton ha grabado este disco con una banda de auténtico lujo: Billy Preston (teclados), Nathan East (bajo), Andy Fairweather Low (guitarra) y Steve Gadd (batería) entre otros. Clapton ya había grabado con anterioridad alguna canción del maestro Johnson, tanto en sus discos en solitario como cuando formaba parte de las bandas John Mayall’s Bluesbreakers o Cream. Pero “Me and Mr.Johnson” será el primer tributo completo que Clapton ha realizado en su carrera.

Fuente: Todomusica Eros Ramazzotti......

Eros Ramazzotti. Eros Ramazzotti nace en Roma (28/10/1963) en el barrio de Cinecittà. Estudia sin mucho empeño, pero desde niño cultiva dos pasiones: el fútbol y la canción.

Con dieciocho años debuta en el Festival de Castrocaro y firma su primer contrato discográfico. El año sucesivo, en 1982, graba su primer 45 rpm ("Ad un amico"), pero tendrán que pasar otros dos años antes de afrontar su primera prueba importante, un largo periodo que le servirá para profundizar sus estudios de guitarra.

En 1984 participa en la sección Nuevas Propuestas del Festival de Sanremo y obtiene un buen éxito con "Una terra promessa". De esta manera, participa con pleno derecho en la edición de 1985 del Festival de Sanremo. Presenta "Una storia importante" (incluida en su primer álbum, "Cuori agitati"), y su acogida es tan grande que puede intentar la conquista del mercado europeo.

El año sucesivo vuelve a participar en el Festival de Sanremo y gana en la sección oficial con "Adesso tu" (incluida en el álbum "Nuovi eroi"). Con veintidós años es tan popular que consigue hacerse famoso en diferentes mercados europeos. Una prueba de ello es la gira de nueve meses que efectúa tras publicar el álbum . El tercer LP, "In certi momenti", sale en 1987 (con la participación de Patsy Kensit en "La luce buona delle stelle") y representa su consagración definitiva. A partir de este momento, Ramazzotti realiza una versión española de todos sus discos nuevos, destinada al mercado latinoamericano.

En la primavera de 1988 publica un miniálbum, "Musica è", que supera incluso las ventas de "In certi momenti". En 1990, tras dos años de ausencia del mercado discográfico, publica el álbum "In ogni senso" y decide probar suerte en el mercado estadounidense. Actúa en el Radio City Music Hall de Nueva York y el éxito es apoteósico. La nueva gira se concluye con un álbum doble grabado en vivo ("Eros in concert") con ocasión del recital transmitido en mundovisión desde Barcelona.

Antes de grabar otro disco, pasan tres años, pero "Tutte storie" es el trabajo más ambicioso y difícil de su carrera. Su éxito es previsible pero supera todas las expectativas; a ello contribuye el videoclip realizado por el director Spike Lee. Tras la publicación del disco realiza otra gira que, además de muchos países europeos, incluye muchos países latinoamericanos.

En noviembre de 1994, actúa en los MTV Awards de Berlín. Cuando regresa a Italia, elabora el proyecto del "Trío" (Ramazzotti, Pino Daniele y Jovanotti), que será el evento musical del año. Mientras tanto, firma un contrato de exclusiva mundial con BMG Ricordi y, en 1995, participa en los Festivales de Verano de siete ciudades europeas (entre ellas Berlín, Munich y Bucarest) con Elton John, Rod Stewart, Robert Plant, Sheryl Crow, Jimmy Page y Joe Cocker.

En 1996 sale su primer álbum producido por el mismo, "Dove c'è musica", realizado en Italia y California con la colaboración de músicos de fama internacional. La respuesta del mercado no se hace esperar: más de seis millones de copias vendidas. La gira sucesiva de conciertos por Europa termina sólo pocos días antes del nacimiento de Aurora Sophie, hija de Eros y de su compañera Michelle.

En los meses siguientes, Ramazzotti compone "That's all I need to know" para su amigo Joe Cocker. El álbum "Eros" (1997) es el segundo disco producido por el mismo artista y cuenta con arreglos de Celso Valli. Incluye 16 canciones de su repertorio, con un par de dúos a sorpresa, "Musica è", con Andrea Bocelli, y "Cose della vita/Can't stop thinking of you", con Tina Turner. El álbum sólo quiere ser la síntesis de una carrera que lo ha llevado a la conquista del mundo, pero acaba siendo un vehículo para aumentar todavía más su popularidad (más de 5.800.000 copias vendidas en todo el mundo).

En octubre de 1998 sale "Eros Live", segundo álbum en vivo con 15 piezas grabadas durante la gira, entre las cuales hay dos intervenciones extraordinarias: la de Joe Cocker (grabada el 5 de julio en la plaza Koenigplatz de Munich) y la de Tina Turner. En octubre de 2000 sale el inédito "Stilelibero", doce piezas realizadas con la colaboración de importantes productores internacionales como Trevor Horn y Rick Nowels, además de los "históricos" Celso Valli, Claudio Guidetti y Adelio Cogliati.

Fuente: Todomusica E·S·T·O·P·A ______

Estopa. Estopa está integrado por dos hermanos, David y José Muñoz, originarios de Barcelona.

Trabajaban en la factoría de la Seat en Barcelona, cuando, tras grabar una maqueta, recibieron una llamada de BMG/Ariola para hacer una audición con ellos. Tras escuchar 'La raja de tu falda', los directivos de la discográfica decidieron darles una oportunidad. Se pusieron a trabajar inmediatamente en la grabación del que sería su primer álbum, una mezcla de rock y rumba, con letras crudas. Durante el primer mes venden 15.000 copias del disco, titulado, como no, 'Estopa'.

Pero su despegue se inició a raiz de la gira que realizaron por todo el país. Comenzaron a ser conocidos y habituales en las emisoras de radio y triunfaron en los conciertos con la fuerza que imprimían en sus actuaciones, a pesar de ser novatos en estas lides.

Gracias a un ingente trabajo y una gran campaña de márketing Estopa logró vender más de un millón de copias de su álbum de debut, algo que muy pocos grupos españoles han logrado. Todo ello les ha valido para obtener el premio Amigo al artista revelación del 2000 y el de mejor grupo del año, el premio Ondas al artista revelación y el premio al mejor video musical, entre otros.

En el 2001 los Estopa publican su segundo disco, 'Destrangis', que ha cosechado de nuevo un tremendo éxito entre el público, como marca su registro de ventas.

Han participado este mismo año en la gira 'Rock con Ñ', que les ha llevado, junto a otros grupos españoles, por varias ciudades norteamericanas, entre ellas Nueva York.

En 2004 aparece "La calle es tuya", un nuevo álbum de los hermanos Muñoz que desde su aparición se ha situado como número uno, vendiendo más de 300.000 copias en una sola semana. A finales del 2005 Estopa lanza su cuarto disco de estudio, "Voces de Ultrarumba". Un álbum que se compone de 12 nuevas canciones que desprenden pura energía, frescura y estan marcadas por su sello personal, un cd donde la rumba toma un especial protagonismo y las letras siguen siendo el punto fuerte, directas y muy callejeras. Además incluye un libro con 12 páginas y un DVD con 30 minutos con el making-off grafico de la grabación del disco más 1 código impreso de acceso exclusivo a su página web donde encontrarás material exclusivo, foros y podrás optar a conciertos exclusivos y a conocer en persona a los artistas.

Fuente: Todomusica EURYTHMICS

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Eurythmics. Eurythmics es un grupo formado por el músico británico Dave Stewart y la cantante Annie Lennox. Ambos se conocieron en un restaurante de Londres, donde Annie Lennox trabajaba de camarera para pagarse los estudios de música.

Tras irse a vivir juntos en 1977, forman la banda llamada "Tourists". Dave era quien componía y arreglaba los temas y Annie era quien los interpretaba. Con los "Tourist" llegaron a grabar tres discos y, aunque alcanzaron cierto renombre en su país, se disolvieron en 1980. Paralelamente, la relación sentimental entre Dave Stewart y Annie Lennox también se resintió, y abandonaron su vida de pareja.

Pero, musicalmente hablando, Annie y Dave estaban hechos para trabajar juntos. Por ello, volvieron a unirse en un nuevo proyecto musical. En 1981 nació Eurythmics y, con el apoyo de la RCA, graban un primer disco, titulado "In The Garden", con el que realizan una gira por su país para dar a conocer el grupo.

En 1983 graban un nuevo trabajo, titulado "Sweet Dreams (Are Made of This)", que resultó ser un gran éxito, llegando a número uno en las listas y por el que obtuvieron un disco de oro.

En 1985 Eurythmics publica "Be Yourself Tonight", en el que abandonan un tanto la música electrónica, decantándose hacia un estilo más rock. Este disco fue seguido en los siguientes años por trabajos como "Revenge" y "Savage", este último un trabajo que se adentra en la música discotequera.

En 1989 publican el que sería el último trabajo de estudio de Eurythmics, que lleva el título de "We Too Are One". A partir de ese momento, tanto Annie Lennoxx como Dave Stewart inician sus respectivas carreras en solitario, aunque volverían a reunirse en 1991 para grabar un Greatest Hits con sus mejores temas. En 1999 se volvieron a reunir para grabar un nuevo trabajo en común, titulado "Peace", pero quienes esperaban que una de las parejas más exitosas de los años ochenta volvieran al panorama musical, se quedaron con las ganas. "Peace" fue una colaboración puntual de dos viejos amigos.

Fuente: Todomusica EVANESCENCE

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Evanescence. La historia de Evanescence comenzó a cuajarse en Little Rock, Arkansas, cuando el joven guitarrista Ben Moody y la cantante Amy Lee se conocieron en un campamento de adolescentes al que ambos habían acudido. Fué este quien le propuso a Amy Lee formar un grupo.

Empezaron a componer canciones de forma conjunta, como "Solitude", "Understanding", y "Give unto me". Evanescence comenzó a darse a conocer cuando una emisora local de radio comenzó a emitir sus canciones. A medida que su popularidad crecía, se les ofreció la posibilidad de tocar en directo, con la ayuda de Will Boyd, John Lecomp y Rocky Gray. A raiz de su primer concierto en 1998, grabaron su primer sencillo, con una tirada de 100 ejemplares, que se agotaron prácticamente al momento, gracias a la incipiente popularidad del grupo. El título de este primer sencillo era, precisamente, "Evanescence".

En Noviembre de 2000, editaron su primer álbum, "Origin", gracias al apoyo de una discográfica local. Las 5000 copias iniciales se agotaron en pocos días y hubo que sacar una nueva tirada.

Tras fichar por la discográfica Wind-up, editan su segundo álbum, "Fallen". El tema principal del disco, "Bring me to Life", fue interpretado para la ocasión a duo por Amy Lee y el cantante de "12 Stones", Paul McCoy. El tema resultó un gran éxito entre los fans y el álbum alcanzó el quinto puesto en la lista Billboard. Evanescence ha colaborado también con dos temas en la banda sonora de la película "Daredevil".

Fuente: Todomusica Fausto Papetti

Datos generales

Nacimiento 28 de enero de 1923

Origen Viggiù, Italia

Muerte 15 de junio de 1999(76 años)

Ocupación Compositor, Músico Información artística

Género(s) Slow, Rock, Twist, Balada

Instrumento(s) Clarinete, Saxofón

Período de 1955 - 1998 actividad

Artistas Nino Rota, Bert relacionados Kaempfert,Herb Alpert, Los Indios Tabajaras

Fausto Papetti (*Viggiù, Italia, 28 de enero de 1923 - † San Remo, Italia, 15 de junio de1999). Músico internacional, inicia su carrera artística a finales de 1957. Empleando en sus grabaciones saxofón alto, saxofón tenor y clarinete. Inicia su carrera artística a finales de 1955, después de haber sido parte de algunas orquestas de jazz, comenzó a tocar con el grupo Campeones en la que acompaña el disco y en concierto Tony Dallara. En 1959 dejó el grupo y firmaron un contrato para Durium como músico, luego de tomar parte en los grabados de las pistas de acompañamiento para varios artistas del sello. Un día, sin embargo, el director de la orquesta a la que pertenecía no deseó grabar el lado B de un disco de 45 RPM debido a que la obra de libre elección, Estate Violenta, de la película del mismo nombre, no era un arreglo satisfactorio. El productor, ansioso por terminar, decidió prescindir de la orquesta y de inmediato llamó la sección rítmica de la misma formación que se compuso de sólo cuatro elementos: bajo, batería, guitarra y saxo. El saxofonista joven que estaba encargado de la música de la película fue, de hecho, Fausto Papetti, durante las pruebas improvisó una elaboración personal de la melodía, subrayada con una gran comprensión por la sección rítmica. Después de la prueba Papetti declaró que estaba listo para comenzar, pero la grabación se había hecho sin el conocimiento de los cuatro muchachos durante la prueba. Estate Violenta, fue lanzado en 1959 bajo el nombre de Fausto Papetti Saxo alto y ritmo, y era tan exitosas ventas, superiores aún a la de la banda sonora original de la película, que convencieron a la Durium para otorgarle en el mismo año su primer álbum. En la portada una foto de él con el siguiente título: Fausto Papetti - Sax Alto e Ritmi. Era una colección que incluía dieciséis canciones famosas de la época dispuestas en versión instrumental, seleccionados de música de películas (como la canción tema de La dolce vita escrita porNino Rota o Scandalo al sole) y éxitos del momento (Till, Too Much Tequila); sin olvidar, sin embargo, su primer amor: el jazz, Cheek to Cheek. Este álbum fue seguido por un segundo:Fausto Papetti - Saxo alto y ritmo - Raccolta № 2, que alterna con las piezas de música de cine, los standard y las versiones instrumentales de éxitos. A partir del tercer álbum, todos sus discos fueron tituladosRaccolta e identificados con el número ordinal. Entre los músicos que lo acompañaron observamos el famoso baterista Pupo De Luca. En los años siguientes también tocó conAdriano Celentano y Enzo Jannacci quien más tarde se dedicó al cine como actor. Papetti llegó a ser bien conocido por todos los años sesenta y setenta, y cada nueva colección llegaba regularmente a la cima de las listas de ventas. Entre los años 1965 y 1975 tocó con su orquesta y con su cantante Jimmy Roty, en la Casa Municipal de Selva di Fasano, pueblo del municipio de Fasano, entonces frecuentado por grandes nombres de la música como Mina, Peppino Di Capri,Ornella Vanoni, Caterina Caselli, John Foster (Paolo Occhipinti), Lara Saint Paul, Fred Bongusto, etc. Obtuvo considerable éxito en el extranjero, especialmente en Alemania, España y en todo el mercado latinoamericano. Las versiones de Papetti corresponden al género de música ligera o easy listening y eran a menudo la mejor solución para funcionar como música de fondo en restaurantes, hoteles, tiendas y música de acompañamiento en viajes en automóvil. La época más exitosa fue, por lo tanto, precisamente con la difusión del track 8 y cassette como soportes fácilmentes transportables durante los 70's, y el sonido de estos años setenta llevó entonces a Papetti a publicar dos colecciones al año. Papetti se convirtió así en el verdadero fundador de este género y muchas compañías trataron de imitar la misma fórmula con otros talentosos músicos, como Johnny Sax oPiergiorgio Farina. Las ediciones de Papetti también marcaron un punto de inflexión en el diseño de las cubiertas, pues se caracterizaban por la presencia de fotografías de mujeres semi-desnudas, en su época consideradas muy atrevidas. En paralelo a las "Raccoltas", Durium Records, paralelamente publicó álbumes temáticos, como por ejemplo I Remember, y álbumes compilatorios: Old America, Evergreen, Bonjour France, Made in Italy, Ritmi dell'America Latina, Cinema anni '60, Cinema anni '70. En 1985, después de 25 años, Fausto Papetti abandonó Durium para grabar en la CBS, en 1988 luego adquirida por Sony Music; y en1989 graba para el sello Fonit Cetra. Fausto Papetti falleció en 1999 a los 76 años luego de un infarto fulminante y se encuentra sepultado en Ospedaletti, donde vivió durante más de veinticinco años.