enigma di lea_215x297_scherzo_cast.pdf 1 15/01/2019 15:43 CASABLANCAS ARGULLOL MÁS VIVOS 9 — QUE NUNCA 13 FEB
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Foto: Allison Cook
Xavier Sabata Foto: Paco Amate
ESTRENA MUNDIAL UN CASTIGO LLAMADO ETERNIDAD
L’ENIGMCON LA DIRECCIÓN ESCÉNICA DE CARME PORTACELIA Y BAJOD LA BATUTAI DELEA JOSEP PONS DIR. MUSICAL Josep Pons DIR. ESCENA Carmen Portaceli CAST Allison Cook (Lea), Xavier Sabata (Dr. Schicksal), José Antonio López (Ram), Tres damas de la frontera: Sara Blanch (Primera dama), Anaïs Masllorens (Segunda dama), Marta Infante (Tercera dama), Sonia de Munck (Millebocche), Felipe Bou (Milleocchi), David Alegret (Michele), Antonio Lozano (Lorenzo), Juan Noval-Moro (Augusto) ORQUESTA SINFÓNICA Y CORO DEL GRAN TEATRE DEL LICEU DIR. CORO Conxita Garcia
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s c h e r z o ¢ Nº 348 FEBRERO 2019
Jesús Tor r es 2 Opinión 74 Dosier Félix de Azúa José Luis Téllez Música y pensamiento (III) Javier Pérez Senz
Rafa MartínRafa Pablo J. Vayón Schelling y la arquitectura Por Virginia Moratiel
8 Con nombre propio Søren Kierkegaard Colaboran Por Carlos Javier González Serrano en este número Jesús Torres
Mariano Acero Ruilópez Por Ruth Prieto La genialidad sensual en el Don Juan Miguel Ángel Aguilar Rancel de Mozart Josep Armengol Manuel Ventero Por Søren Kierkegaard Félix de Azúa Rafael Banús Irusta Por Juan Lucas Nuria Blanco Álvarez Philipp Mainländer Nacho Castellanos Por Manuel Pérez Cornejo Yahvé M. de la Cavada Patrick Dillon 12 Aniversario Fernando Fraga Germán Gan Quesada Benjamín G. Rosado Galina Ustvolskaya 86 Encuentros Manuel García Franco Por Tomás Marco Ana García Urcola Robert Carsen Miguel Ángel González Barrio Sør en José Miguel González Hernando Por Juan Lucas Kierkegaard Carlos Javier González Serrano 13 Hoja de contactos Bernd Hoppe Por Benjamín G. Rosado Juan Ramón Lara Antonio Lasierra 90 Jazz Norman Lebrecht Por Pablo Sanz Martín Llade Josemi Lorenzo Arribas 14 Noticias / Agenda Manuel Luca de Tena Juan Lucas 92 Bandas sonoras Fiona Maddocks Pier Élie Mamou 18 Reportaje Por Miguel Ángel Ordóñez Tomás Marco Luis Martín EL salón de baile del Teatro Real Santiago Martín Bermúdez Manuel M. Martín Galán Por Joaquín Turina Gómez 94 Sonido Joaquín Martín de Sagarmínaga Por Josep Armengol Blas Matamoro Erna Metdepenninghen Antonio Moral 20 Actualidad Virginia Moratiel 96 Músicas sumergidas Andrés Moreno Mengíbar Mario Muñoz Carrasco Nacional / Internacional Helena Núñez Guasch Gabriel Dupont Miguel Ángel Ordóñez Por Juan Manuel Viana Rafael Ortega Basagoiti Josep Pascual 34 Entrevista Enrique Pérez Adrián Silvia Pérez Arroyo Manuel Pérez Cornejo Javier Perianes 97 El horizonte quimérico Javier Pérez Senz Por Justo Romero Por Martín Llade Ruth Prieto Arturo Reverter Barbara Röder Pablo L. Rodríguez 38 Grabaciones 98 Danza David Rodríguez Cerdán Justo Romero Stefano Russomanno Entrevistas: Sol Picó Urko Sangroniz Juan Sancho Por Silvia Pérez Arroyo Pablo Sanz Pedro Sarmiento Andrew Gourlay Javier Sarría Pueyo Carlos Singer 100 Educación Luis Suñén Michael Thallium 72 Libros Por Pedro Sarmiento José Luis Téllez José Antonio Tello Sáenz Eduardo Torrico Joaquín Turina Gómez 102 La guía Asier Vallejo Ugarte
Pablo J. Vayón del Real Javier Enrique Velasco Juan Manuel Viana 104 Contrapunto José Luis Vidal Robert Por Norman Lebrecht Car sen
SUSCRIPCIÓN ANUAL (11 No.s) Scherzo es miembro de arce, Asociación de Revistas Culturales de España, y de cedro, Centro Español de Derechos Reprográficos. Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Con la colaboración de España 85 € Cultura y Deporte. Scherzo es una publicación de carácter plural y, desde el año 2012, cuenta con la Europa 120 € colaboración de la Fundación bbva, manteniendo su carácter de revista no adscrita a ningún organismo Resto países 140 € público ni privado. La dirección respeta la libertad de expresión de sus colaboradores. Los textos firmados Digital (PDF) 50 € son de exclusiva responsabilidad de los firmantes, no siendo por tanto opinión oficial de la revista. 348 Pliego 1.qxp_Scherzo 22/1/19 17:11 Página 2
e d i t o r i a l Vivir soñando opinión
El mes pasado nos referíamos en nuestro editorial a la triste historia del Palau de les ¢ Arts. Pues bien, en los días finales del año volvía a vivir aquella casa dejada de la mano de Dios un nuevo despropósito con la dimisión de María Inmaculada Pla como directora general. Llevaba dieciocho días en el cargo y en unos minutos, tras comunicar su decisión, era nombrado su sustituto, José Monforte Albalat, se supone que adornado de parecidos méritos. A pesar de tanta peripecia, una comisión de músicos de la Orquesta de la Comunidad Valenciana, que cree que el optimismo es la esperanza de los desahuciados, ha manifestado que “se están sentando las bases para un futuro estable desde el punto de vista organizativo y de excelencia artística para el Palau de Les Arts”. Naturalmente, hacen alusión a las dos palabras que se han convertido en varita mágica en Madrid pero que, como algunos enchufes cuando se viaja, no sirven para todos los territorios: sociedad civil. Cuando se escriben estas líneas se debiera haber iniciado, además, el juicio contra Helga Schmidt y otros gestores de la primera época del Palau de les Arts, cuatro años después de que Anticorrupción denunciara el caso. Tarde, muy tarde, pues, con la bruma que el tiempo acumula ante los hechos, las verdades, las mentiras y los intereses económicos y políticos que este teatro, que nunca debió funcionar como lo hizo, henchido de vanidad arquitectónica y de la otra y apoyado muchas veces por unos medios poco críticos, pero bien tratados que prefirieron en su día mirar para otro lado. Pero el juicio se ha suspendido, a causa de problemas de salud de la señora Schmidt, nada menos que hasta el 4 de noviembre, con lo que ello conlleva de menoscabo institucional y de perjuicio personal para quienes, caso de una sentencia favorable, podrían ya dormir tranquilos. Quién sabe si hasta soñar. La propia Helga Schmidt escribió en 2016 definiendo al Palau de les Arts: “Una aventura sin precedente en las culturas española y europea”. Y, como aparecerá irremediablemente en el juicio, una forma de hacer que creó escuela en las relaciones entre política y cultura. Pero quizá lo peor, a efectos de autocrítica gremial, sea que la frase de Schmidt hubiera sido firmada por muchos analistas del clásico en España cuando el Palau de les Arts comenzó su andadura y más allá. Analistas o críticos que desconocen lo que es pagar por una entrada en un concierto y que por eso están dispuestos a juzgar con gratuita alegría o con no menos irresponsable aversión aquello que supone para sus creadores una doble responsabilidad, precisamente política y artística. Y es que muchas veces nos falta sentido crítico desde la propia información cultural. Hay un dejarse llevar por el fin en detrimento de la pertinencia de los medios, un pensar que a esa parte de la sociedad que disfruta con el arte le debiera dar igual que tal disfrute llegue a través de procedimientos poco transparentes o de presupuestos que priman el brillo sobre la verdadera eficacia real de las propuestas y que, no lo olvidemos, al fin desfavorecen al común de la sociedad. Es muy tranquilizador juzgar como si no hubiera pasado nada entre la idea y su realización. Lo vemos cada año con el Concierto de Año Nuevo y su origen. Es ese síndrome que doña Concha Piquer cantaba en copla memorable con palabras de Rafael de León: “De lo que me está pasando yo no me quiero enterar / Prefiero vivir soñando a conocer la verdad”. ¶
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ESCRITO DE OÍDO OPINIÓN
Edita SCHERZO EDITORIAL S.L. C/Cartagena, 10. 1º C. 28028 MADRID Tiempos aquellos Tel. 913 567 622 Fax 917 261 864 www.scherzo.es
Félix de Azúa Presidente Santiago Martín Bermúdez
Director Juan Lucas
Redactor jefe Eduardo Torrico [email protected]
Diseño Valentín iglesias
Fotografía de portada Igor Studio
Cada época tiene un estilo propio. Edición Arantza Quintanilla El románico duró unos siglos, el gótico otros, luego vino el palacio renacentista, el jardín a la Educación francesa… Es como si el tiempo tuviera un Pedro Sarmiento y Joan-Albert Serra rostro cambiante, pero duradero. Este fenómeno, que nos parece normal, es de los Jazz más peliagudos para la teoría. ¿Cómo puede ser Pablo Sanz que el tiempo se ‘exprese’? En todo caso, Bandas sonoras artistas, políticos, escritores, han de estar Alexander Spring, Furtwängler, Heinz Tietjen, Winifred Wagner y Toscanini en Bayreuth, 1931. Miguel Ángel Ordóñez atentos para copiar el rostro que exige su tiempo. Así, en los años 40 del siglo pasado se demasiada atención, antes de la derrota, a la Consejo de Dirección Manuel García Franco necesitaban tipos enormes como De Gaulle o música de otros países. Y un rasgo dominante, Santiago Martín Bermúdez Churchill para enfrentarse a monstruos como tanto en Churchill y De Gaulle como en el Barbara McShane Hitler y Mussolini. Todo era grandioso, director alemán, fue el desprecio de lo Enrique Pérez Adrián establecido. Churchill se enfrentó a la opinión Pablo Queipo de Llano Ocaña heroico, titánico. Las naciones en guerra Arturo Reverter necesitaban iconos con los que identificarse. de los partidos británicos, De Gaulle al estado Un tipo como Trump habría sido un chiste de mayor de los ejércitos aliados. Ambos, por así Administración borrachos. decirlo, sólo trabajaban para la nación. Del Choni Herrera [email protected] También los músicos se adaptan al rostro mismo modo, Furtwängler nunca siguió la del tiempo. Así, la heroicidad y la grandeza la letra de la partitura, sino que se dejaba llevar Contabilidad encarnaron dos figuras antagónicas como por la inspiración del momento (histórico). Mise Rubio [email protected] Furtwängler y Toscanini. Ambos fueron Él era el alma de la nación y sólo se modelos de la época y parecían hechos para la comunicaba con ella. Es lógico, por tanto, que Publicidad guerra, como si se hubieran adelantado a la Goebbels, propietario de la orquesta de Berlín, Choni Herrera (coordinación) catástrofe. Ambos encarnaron a la nación con lo considerara su mayor valor publicitario [email protected] Magdalena Manzanares independencia de sus creencias personales. El (véase el reciente libro de Fritz Trümpi). [email protected] nacionalismo de Furtwängler respondía a su El enemigo natural de Furtwängler fue creencia de que la música germana era el Toscanini. Entre ambos no hubo sólo Suscripciones y distribución M. Ángeles Méndez competencia, sino [email protected] también rencor. Eran tan opuestos como Impresión El enemigo natural de Furtwängler fue Toscanini. los grandes hombres SANTHER Depósito Legal: M-41822-1985 Entre ambos no hubo sólo competencia, sino también rencor totémicos de la ISSN: 0213-4802 (Impresa) guerra. Toscanini, sin ISSN: 2387-0257 (Digital) embargo, no cayó en Scherzo Editorial, s. l. , a los efectos previstos verdadero idioma de los alemanes, una la irracionalidad nacionalista porque su en el artículo 32.1, párrafo segundo del vigente creencia que nació con la derrota de 1919 y le enemigo principal era Mussolini, de modo que trlpi, se opone expresamente a que cualquiera acompañó hasta la derrota de 1945. No era el pronto fue la figura casi globalizada de los de las páginas de Scherzo-Revista de música, o partes de ellas , sean utilizadas para la único que en los años 30 afirmaba la países aliados y el director del así llamado realización de resúmenes de prensa. supremacía de la música alemana, también mundo libre. Contra la locura nazi, Toscanini Cualquier acto de explotación (reproducción, Schoenberg la defendía por entonces. De ahí el mantuvo una férrea racionalidad. Frente a la distribución, comunicación pública, puesta a disposición, etc.) de la totalidad o parte de las interés de los caciques nazis en mantener a inspiración libre de Furtwängler dispuso una páginas de Scherzo- Revista de música, Furtwängler al frente de la orquesta de Berlín. dictadura de la letra y del detalle acorde con la precisará de la oportuna autorización, que será Sabían la función totémica que cumplía el tradición artística italiana. Él defendió la concedida por cedro mediante licencia dentro director de la Filarmónica. grandeza técnica, frente a la grandeza de los límites establecidos en ella. Hay un cierto paralelismo con el metafísica. Es de observar que el siguiente © Scherzo Editorial, s. l. Reservados todos los Heidegger de aquellos años. Nunca consideró modelo sería el mediático Bernstein que se derechos. Se prohíbe la reproducción total o que hubiera más filosofía que la germánica. No corresponde con Kennedy, y el actual, nuestro parcial por ningún medio, electrónico o mecánico, incluyendo fotocopias, grabados, o dedicó ni un estudio a Descartes, Spinoza o populista Dudamel, ¿con quién? El rostro sigue cualquier otro sistema, de los artículos aparecidos Hobbes. El alma alemana era filosófica y cambiando. ¶ en esta publicación sin la autorización expresa sinfónica. Tampoco Furtwängler dedicó por escrito del titular del Copyright.
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MUSICA RESERVATA OPINIÓN Adeu, Joan...
José Luis Téllez
El año ha comenzado arrebatándonos a una elucubraciones tímbricas más o menos de las figuras mayores de la generación que espectaculares, y cuyo único episodio masivo transformó el panorama de la música en sólo tiene lugar en algún instante muy España a partir de los años 60: Joan Guinjoan concreto, como el tramo que abarca del era un artista hecho a sí mismo, un ciudadano compás 109 al 129 (Guinjoan describía el digno de admiración que trabajó el campo con episodio como “proceso acústico global”) que, sus propias manos antes de comenzar su en realidad, es una especie de codetta en tempo carrera musical con veintiún años, un agitato que superpone grupetti irregulares en verdadero ‘artesano’ en el sentido más excelso fusas para disolverse paulatinamente y del término, miembro de la estirpe de aquellos desembocar en un juego polifónico más para quienes el arte es recta ratio factibilium y no enrarecido que recupera, amplificándola, la la expresión supuestamente sublime de una interválica del comienzo: si allí se jugaba casi presunta subjetividad trascendente. Guinjoan exclusivamente con frases basadas en segundas era un profesional absoluto en todos los mayores y menores que alternaban con ámbitos de la música que no se decidió a terceras, mayores y menores también (lo que abordar la composición hasta 1960, cuando no dejaba de traer a la memoria ciertos ecos disponía ya de un amplio bagaje como jazzísticos), la segunda parte de la obra se (aumentada), Sol-Do sostenido. Es interesante pianista, con más de 200 conciertos. Hasta expande hacia una ensoñación casi considerar que el Si bemol y el Re natural están llegar ahí tocó en cafés y brasseries, escribió expresionista, tenue pero perceptiblemente repetidos en dos octavas (violonchelos 4-5 y 2- tangos, javas y chachachás: pero también creó emparentada con ciertos párrafos de la Lyrische 6, respectivamente) con una insistencia el grupo Diabolus in Musica con el que estrenó Suite de Alban Berg (sobre todo del Adagio significativa: como si de las terceras menores infinidad de obras de autores españoles y appasionato). Lo asombroso es el modo en que iniciales hubiéramos pasado a una suerte de extranjeros (estrenó en nuestro país la Segunda las dos partes de la obra, tan diferenciadas por tercera mayor de picardía para subrayar la sinfonía de cámara de Arnold Schoenberg) y, por referentes y estructura, se articulen con tan conclusión. supuesto, desarrolló un catálogo compositivo admirable unidad. En todo caso, el material La grabación de Diptic es el último registro en el que hay música de todos los géneros, interválico está siempre muy próximo a los fonográfico de sus propias obras que Guinjoan formaciones y tamaños. agregados tonales, que aparecen hábilmente escuchó: cumple decir que los esforzados intérpretes fueron los integrantes del Lluc Cello Ensemble, organizado y dirigido por Amparo Lacruz, Guinjoan era un profesional absoluto en todos los ámbitos de la música profesora de la especialidad en el que no se decidió a abordar la composición hasta 1960 Conservatori Superior del Liceu, y sus alumnos en este benemérito centro. Columna Música editará la grabación en breve, junto con piezas La última grabación de una obra de desfigurados cual sucede en el grupetto inicial a inéditas de otros autores. Existe gran cantidad Guinjoan se efectuó el pasado octubre: la pieza guisa de mordente, que contiene lo que podría de obras para este organicum, y de extrema en cuestión, todavía inédita discográficamente, ser una séptima disminuida Re-Fa-Si-Sol calidad (Xenakis, Kagel, Donatoni, era Diptic, composición para ocho violonchelos sostenido que resuelve sobre un Re sostenido Gubaidulina, pero también Erkoreka, De Pablo, escrita en 2000 para las Rencontres como si se tratase de una inesperada cadencia Lazcano, Del Puerto o Sánchez Verdú, entre d’Ensembles de violoncelles de Beauvais potencialmente tonal (plagal, en realidad). De otros muchos): es importante que, creadas en 1993 por Jacques Bernaert, a quien esa figura de arranque van a derivar los desaparecido el glorioso Octeto Ibérico creado está dedicada. Diptic ofrece una escritura de motivos principales que inmediatamente y dirigido por Elías Arizcuren, responsable de gran refinamiento, pero también de gran evolucionan hacia el tritono y hacia la quinta tales encargos (más de sesenta obras), se dificultad desde el punto de vista de la justa, como sucede en el séptimo compás en los recupere tan voluminoso cuanto excepcional afinación y el equilibrio de las diferentes partes. violonchelos 1 y 3. En todo caso, hay una repertorio. Urge apoyar ahora a este admirable Se trata de un trabajo sustancialmente tendencia general a la armonía por cuartas. El grupo que aspira a tomar el relevo: Guinjoan (y contrapuntístico (a ocho voces reales la mayor acorde final divide el conjunto en dos grupos: el Cataluña) bien lo merecen. ¶ parte del tiempo), extremadamente cantable y acorde Si bemol-Mi-La-Re se encomienda a los muy alejado de todo efectismo, que huye de los violonchelos 2, 4, 5, 6, 7 y 8 mientras los www.joseluistellez.com grandes tutti homófonos y de las instrumentos tres y uno forman otra cuarta
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Centro Nacional de Difusión Musical LICEO DE CÁMARA XXI
AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA | Sala de Cámara 19:30h
S TIMA ÚL DES 09/02/19 | CUARTETO QUIROGA | JÖRG WIDMANN CLARINETE LIDA OCA TA L VEN B. Bartók, P. Eötvös y C. M. von Weber A LA
14/02/19 | LIZA FERSCHTMAN VIOLÍN DES LIDA OCA AS ISTVÁN VÁRDAI VIOLONCHELO | ELISABETH LEONSKAJA PIANO L TAD AGO F. Schubert
S 28/02/19 | CUARTETO BELCEA | PIOTR ANDERSZEWSKI PIANO TIMA ÚL DES LIDA OCA TA J. S. Bach: (selección) L VEN El clave bien temperado A LA L. van Beethoven y D. Shostakóvich
DES 07/03/19 | FRANK PETER ZIMMERMANN VIOLÍN LIDA OCA AS L TAD MARTIN HELMCHEN PIANO AGO Integral de las sonatas para violín y piano de Beethoven (II)
14/03/19 | DANIEL SEPEC VIOLÍN | TABEA ZIMMERMANN VIOLA IMAS ÚLT ES IDAD JEAN-GUIHEN QUEYRAS VIOLONCHELO CAL LO ENTA LA V L. van Beethoven, W. A. Mozart y S. Veress A
04/04/19 | CUARTETO SIGNUM | JUDITH JÁUREGUI PIANO
D. Shostakóvich y M. Weinberg
S TIMA ÚL DES LIDA OCA TA 11/04/19 | FABIO BIONDI VIOLÍN | JUAN PÉREZ FLORISTÁN PIANO L VEN A LA W. A. Mozart, F. Schubert y F. J. Haydn
CONCIERTO EXTRAORDINARIO 21/05/19 | CUARTETO CASALS | MENAHEM PRESSLER PIANO D. Shostakóvich
ENTRADAS Público general: 10€ - 20€ www.cndm.mcu.es síguenos en Consultar descuentos Puntos de venta: Auditorio Nacional de Música Teatros del INAEM www.entradasinaem.es | 902 22 49 49 348 Pliego 1.qxp_Scherzo 22/1/19 17:11 Página 6
DEL LICEU AL PALAU OPINIÓN Un gestor de la cantera
Javier Pérez Senz
Robert Brufau
El nombramiento de Robert Brufau como de compositores, y hacerlo sin nuevo director del Auditori de Barcelona renunciar al lógico supone en muchos sentidos una apuesta por protagonismo del gran la continuidad, pues como responsable repertorio romántico y los artístico de los ciclos más innovadores de su clásicos del siglo XX, es uno de amplia oferta, las prioridades y las líneas sus objetivos. maestras de su programación buscan la Lo que hace falta ahora es transformación del Auditori en un lograr algo más de sintonía instrumento vivo de creación musical. artística entre el director del Continuidad y, también, apuesta por los Auditorio y los objetivos e gestores de la propia cantera, y eso es algo que intereses del titular de la OBC, también ha marcado la elección de Víctor el japonés Kazushi Ono, que no García de Gomar, adjunto a la dirección siempre parecen caminar artística del Palau de la Música, como nuevo juntos —su relación con el director artístico del Gran Teatre del Liceu a anterior director, Joaquim partir del próximo mes de septiembre, Garrigosa no ha sido relevando en el cargo a Christina especialmente fluida y Scheppelmann. enriquecedora—. Y en el Tampoco puede decirse, en el caso del diseño de esas líneas maestras Auditori, que la lista de candidatos extranjeros de actuación, con la mirada haya sido muy alta y, desde luego, no parece puesta en la captación de que hayan optado al cargo gestores con amplia nuevos públicos, cuenta Brufau experiencia en la dirección de grandes con la absoluta complicidad de auditorios internacionales. No son Jordi Tort, gerente del Auditori. suposiciones, porque en la terna final de Se abre, pues una etapa candidatos, todos jugaban en casa —nos esperanzadora, dada la buena referimos a los proyectos presentados por sintonía personal entre ellos. David Albet y Víctor Medem—. Probablemente, y si los Aporta Brufau mucho entusiasmo, porque responsables políticos dejan de lleva años batallando por dar más espacio a la medir el éxito únicamente por creación actual y al creciente protagonismo de los resultados en taquilla, sin las nuevas generaciones de compositores e entrar en la ambición y la intérpretes. Batallar significa, literalmente, necesidad de mantener arrancar presupuestos algo más dignos de los proyectos artísticos que habitualmente destina la casa a estos innovadores capaces de menesteres. No nos engañemos, la parte del enriquecer la vida cultural, el Auditori puede rumbo en plena sintonía con los grupos de león del presupuesto artístico se la lleva la forjarse una identidad propia cámara —los que nacen en su plantilla y los conjuntos residentes e invitados—. Ahora bien, qué puede esperarse de un Auditorio que, en lugar de profundizar y dar el juego que merece Brufau lleva años batallando por dar más espacio a la creación actual y a la figura del compositor residente como al creciente protagonismo de las nuevas generaciones de compositores e intérpretes inspirador de toda la temporada, lo elimina del mapa. Corregir esos desatinos artísticos también son tarea urgente para conseguir, tal y como ha manifestado el propio Brufau, que el Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de La política de encargos es clave, y también Auditori de Barcelona abandone la grisura y el Cataluña (OBC), que, como conjunto residente el compromiso, ya anunciado por Brufau, de conformismo y se convierta en altavoz de la y como buque insignia de la actividad sinfónica apostar por la paridad a la hora de contratar modernidad musical. Suerte, pues, en ese en Cataluña, vertebra la programación propia. mujeres directoras, tanto en el ámbito empeño. ¶ Impulsar su compromiso con la música más sinfónico como en el de cámara y los nuevos actual, dando cabida a las nuevas generaciones formatos. De hecho, la OBC debería marcar el
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AL SUR DE EUROPA OPINIÓN El paraíso sin auditorio
Pablo J. Vayón Tyk
“[…] ciudad madre y blanquísima donde viví, y recuerdo, angélica ciudad que, más alta que el mar, presides sus espumas” (Vicente Aleixandre)
El pasado 19 de diciembre, el barítono Carlos Álvarez ofreció, junto a un grupo de cantantes malagueños, un recital organizado por la plataforma ciudadana “Por el Auditorio de la Música de Málaga”, reivindicación antigua de la ciudad de la Costa del Sol que se ha reactivado en las últimas semanas. El del Auditorio malagueño es uno de esos proyectos que se llevaron los vientos de la crisis cuando en 2013 fue eliminado el consorcio que había acordado su construcción en una parcela del muelle de San Andrés. Formado por Ayuntamiento, Junta de Andalucía, Ministerio de Cultura y Ministerio de Fomento, que cedió los terrenos, aquel consorcio convocó en 2008 un concurso de ideas que ganó el proyecto presentado por Federico Soriano y Agustín Benedicto, y llegó a invertir casi cuatro Cartel anunciando las obras en el Puerto de Málaga en enero de 2010. millones de euros del coste total de las actuaciones, presupuestadas en un centenar de 1991 dio su primer concierto la nueva Orquesta Curiosamente ha sido la Diputación de Málaga, millones. Eliminado el consorcio, el proyecto se Ciudad de Málaga), pero acaso demasiado institución que no estaba en el antiguo dio por muerto. pronto para permitir que la ciudad se sumara a consorcio, la primera en posicionarse a favor Desde que en 2003 abriera sus puertas el la moda de las nuevas construcciones. de retomar el proyecto encallado en 2013. Pero Museo Picasso Málaga, la cultura sufrió una El Cervantes es hoy un teatro obsoleto en época de poscrisis, los 100 millones pesan importante convulsión en la capital para la música, que absorbe, emparedada entre demasiado, y tanto la Junta de Andalucía como malagueña. El éxito del Picasso (que es hoy el otras muchas actividades, una temporada lírica el propio Mesa habían insinuado la posibilidad museo más visitado de toda Andalucía) llevó a menor y guadianesca y los conciertos de abono de rediseñar a la baja el proyecto inicial, algo que ha sido rechazado rotundamente tanto por los arquitectos como por la plataforma El del Auditorio malagueño es uno de esos proyectos que se llevaron los vientos de la crisis ciudadana. cuando en 2013 fue eliminado el consorcio que había acordado su construcción Todo queda ahora en suspenso, a la espera de las directrices culturales del renovado gobierno andaluz, por primera vez desde la las autoridades locales a apostar decididamente de la Filarmónica malagueña, a la que ofrece existencia de la autonomía sin el PSOE al por las exhibiciones de arte, y en la ciudad se una acústica del todo punto insatisfactoria. frente, y de lo que digan las elecciones instalaron el Museo Ruso de San Petersburgo, el Fue justamente Carlos de Mesa, primer director generales y municipales de 2019. Mientras Centre Pompidou y el Thyssen hasta convertirla del teatro tras su restauración, quien impulsó tanto, la realidad sigue siendo hiriente para el en la envidia de todo el sur de España. Pero la desde 2017 la plataforma pro-Auditorio, que ha melómano sureño. Málaga, aquella “ciudad del música quedó relegada. En los años 80 del siglo cobrado fuerza mediática gracias a la paraíso” que cantara Aleixandre, la sexta por pasado se había restaurado y reinaugurado un implicación de Carlos Álvarez y al apoyo población de toda España, sigue, cercana la viejo teatro del XIX, el Cervantes, que llegó a explícito del alcalde, Francisco de la Torre, tercera década del siglo XXI, sin un auditorio tiempo para subirse a la ola sinfónica de la quien aboga por reflotar cuanto antes el que le haga justicia. ¶ Andalucía de principios de los 90 (en febrero de proyecto de Soriano y Benedicto.
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“Hace tiempo que solo escucho mi propia voz interior al escribir música”
Con un catálogo de cerca de 120 obras y una trayectoria de más de treinta años, el compositor Jesús Torres (Zaragoza, 1965) es una de las voces más pujantes de la creación musical española contemporánea. Premio Nacional de Música 2012, Torres estrena este mes de febrero en Pamplona (Auditorio Baluarte) la obra Transfiguración, un doble concierto para violonchelo y acordeón que será defendido por dos solistas de excepción: el acordeonista Iñaki Alberdi y el violonchelista Asier Polo. Se trata de una obra que el compositor define como “extremadamente compleja, casi al límite”, basada en unos versos de la mística medieval del siglo XII de Hildegard von Bingen, donde prima su búsqueda personal de independencia estética, su interés por la mística y una mirada inequívocamente poética.
Ruth Prieto
El próximo 20 de febrero tendrá lugar el Asier Polo. Me pareció una magnífica idea. cuerda. ¿Cómo es la obra que nos vamos a estreno de Transfiguración en el Baluarte de Es una plantilla que se funde encontrar? Pamplona. ¿Cómo surge esta obra? maravillosamente bien. En el caso del Concierto Transfiguración parte de unos versos de la En 2015 me concedieron una de las becas para clarinete también fue el intérprete quien mística medieval del siglo XII Hildegard von Leonardo para Investigadores y Creadores me solicitó la obra. Ahora bien, faltaba quién Bingen, perteneciente a su libro Symphonia Culturales de la Fundación BBVA. Presenté pudiera hacer el encargo de ambas obras, y armonie celestium revelationum (Sinfonía de la dos proyectos de composición: Transfiguración, ese momento coincidió con esta fantástica armonía de las revelaciones celestiales). La obra está doble concierto para violonchelo y acordeón iniciativa citada anteriormente de la dividida en cinco movimientos que se inician solistas y orquesta de cuerda, y un Concierto Fundación BBVA, que tantísimo respalda a la con versos de la visionaria alemana: I. O vis para clarinete y orquesta. Iñaki Alberdi, para música contemporánea española. eternitatis (¡Fuerza de la eternidad!). II. O cruor quien he compuesto numerosas obras, entre Transfiguración está escrita entre el año sanguinis (¡Sangre derramada!). III. Vivificans vita ellas el Concierto para acordeón y orquesta, me 2015 y 2016 y es un doble concierto para (Vida que da vida). IV. O ignee spiritus (¡Espíritu de propuso esta pieza para estrenarla junto a violonchelo, acordeón y orquesta de fuego!). V. Speculum lucis (Espejo de la luz). Es, sobre
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JESÚS TORRES CONNOMBREPROPIO
todo, una obra con una parte del violonchelo sino desde su trascendencia espiritual. En una contestó: “No llegar a tiempo a componer solista extremadamente compleja, casi al de mis obras más importantes, Apocalipsis, todo lo que deseo”. En estos años, ¿ha límite, y con la parte de acordeón que actúa utilizo un coro gregoriano, cuyo material compuesto todo que quería o le quedan como nexo entre el violonchelo solista y la melódico estructura toda la obra. He puesto muchas cosas todavía en el tintero? ¿Qué orquesta de cuerda. En este caso, el acordeón música regularmente a la poesía de San Juan de proyecto le gustaría abordar? no tiene un papel secundario, aunque sí una la Cruz. El eco profundo de la mística me Estoy bastante satisfecho con lo escritura más sencilla. Ha sido un trabajo de inspira en gran manera. compuesto hasta la fecha. He abordado todos colaboración con Asier Polo arduo, pero muy Con el tiempo y a pesar de llevar toda los géneros salvo uno, la ópera. Mi idea de gratificante. En algunos pasajes complejos, me la vida componiendo, ¿le resulta más difícil composición operística es ambiciosa: coro, propuso leves cambios de escritura más o más fácil componer, ir al grano, dejar a un amplio grupo de solistas y gran orquesta. Esto cómodos. En otras ocasiones, he realizado con lado lo superfluo? hace que sea difícil llevar a cabo mi proyecto, Iñaki Alberdi esta labor de la misma manera. Y Cada obra es un mundo. Hay obras que se aunque persevero en el mismo. Mi interés no es que es algo usual en mí la revisión constante escriben con una gran facilidad y otras que se decae en este género que tanto me apasiona. Es de mis obras con los intérpretes. ‘resisten’ en su escritura. Es verdad que en la cuestión de tiempo que en algún momento Después de estrenarse en Pamplona, actualidad soy un compositor de escritura pueda llevar a cabo esta aspiración. Mi música ¿podremos escucharla en otras ciudades? rápida. Durante un periodo previo estoy tiene un sentido dramático que veo muy Algunas orquestas han mostrado ya su meditando la obra y su puesta en papel no me apropiado para abordar este género. Un interés por interpretarla en la próxima resulta excesivamente compleja. Los años de ejemplo claro es la música que compuse para la temporada. experiencia dan una gran seguridad para proyección del clásico de F. W. Murnau Faust, En su catálogo de 118 obras escribir la ideación sonora prácticamente sin eine deutsche Volkssage, casi dos horas de música encontramos cinco conciertos: de piano, cambiar nada. En mis comienzos utilizaba orquestal y que ha tenido siempre una gran acordeón, violín, percusión y clarinete con diversos manuscritos y muchos esbozos. acogida cuando se ha representado. orquesta. Y lleva usted más de treinta años Desde hace tiempo solo escribo un manuscrito En un momento tan difícil para la componiendo. ¿Cómo ha cambiado su en limpio que va directamente al copista. cultura donde generar y mantener música en este tiempo? También en marzo de 2019 se estrena iniciativas es tan complicado y donde lo Los años transcurridos como compositor Palabras - El Silencio, en el Centro Botín, que domina muchas veces es el son esenciales, porque tienes una experiencia Santander. ¿Qué puede comentarnos de entretenimiento, ¿cómo ve la panorámica que se adquiere escuchando tu música con esta obra? de la música actual? regularidad. Naturalmente, hay una evolución Utilizo un poema de Vicente Aleixandre, al La música actual es rica y variada, lejos ya hacia una mayor clarificación del lenguaje y que releo con más asiduidad y, sin lugar a dudas, de los dogmatismos que se impusieron en las esto repercute en el aspecto comunicativo. Mi mi más admirado poeta. En la adolescencia corrientes de posguerra. Vivimos en un música en estos momentos toma todos los conocí unos versos suyos de La destrucción o el momento de extensa libertad y yo admiro a los elementos del pasado que me interesan: tan amor y me quedé fascinado por su verbo. Tanto es compositores que tienen un universo personal pasado es Falla como la vanguardia de así que llevo musicados cuarenta poemas suyos. e independiente. posguerra. Bebo de muchas fuentes con unidad Su presencia en mi música es constante. La ¿Cuáles son sus próximos proyectos? y coherencia. Hace tiempo que solo escucho mi poesía de Aleixandre tiene un ritmo y sonoridad En la próxima temporada la OSPA estrena Final, para soprano y orquesta, con cinco poemas de Alejandro Duque Amusco, poeta, por cierto, que ha dedicado gran parte de su “Mi música en estos momentos toma todos los elementos del pasado vida al estudio de la poesía de Aleixandre. Está que me interesan: tan pasado es Falla como la vanguardia de posguerra” dedicada a la memoria de mi madre, recientemente fallecida. El eje de la obra es la tercera pieza, el emocionante poema Once de marzo, dedicada a las víctimas del atentado en propia voz interior al escribir música. En este apabullantes, y en un poeta de verso libre como Madrid de 2004. En junio se estrena, en Florida, camino me siguen un amplio grupo de él, el valor se agiganta. Además, su lectura lleva a Silentium amoris, para oboe y piano, compuesta intérpretes muy fieles, que se han encargado múltiples significaciones, lo que hace que nunca para la oboísta Sarah Roper; el título es el de un desde hace muchos años de difundir se agote volver repetidamente a ella. Es el gran poema de Oscar Wilde. Un amplio ciclo de 16 ampliamente mi obra. Por eso, creo acertada poeta surrealista español o, como afirmaba canciones con poesía de Juan Ramón Jiménez, esta decisión de independencia estética. Cernuda, “el mejor poeta surrealista”. Está escrita Eternidades, lo estrenará el tenor Pablo García ¿Cómo ha evolucionado su escritura para la mezzosoprano Marta Knörr. López también este año. He iniciado una serie para concierto en estos años? Su música tiene una clara mirada de breves piezas para piano, Grabados de Goya; la Mi primera obra orquestal fue el Concierto poética. ¿Es importante la poesía en su obra gráfica del pintor aragonés me tiene para piano de 1994, que he revisado música, en su proceso creativo? cautivado. La próxima temporada está previsto recientemente y he simplificado algo su Por encima de todo, soy lector de poesía. el estreno del Concierto para clarinete y orquesta, escritura orquestal, demasiado compleja. Le Ella va a la esencia, renuncia en muchos casos a con Joan Enric Lluna como solista. Esta obra sigue el de acordeón, mi obra concertante más la anécdota, y su pureza y abstracción me está pensada para que el propio solista sea interpretada. En 2012 compuse el Concierto de estimulan para arrancar una obra. Muchas también el director de la orquesta. En la violín, con un fuerte componente lírico. Le veces se trata solo de poner un título a una actualidad, estoy metido de lleno en una nueva sigue el de percusión y el de clarinete, este obra. Otras, un verso o una imagen me obra orquestal y, enseguida, comenzaré una último con las características de mi última resultan sugerentes para iniciar un proyecto. nueva obra vocal, El aire se serena, para soprano música, con un claro color de raíz hispánica, Como compositor pienso en estructuras y cuarteto de cuerda, con texto del conocido eso sí, muy transformado. musicales y encontrar relaciones entre poesía y poema de Fray Luis de León Oda a Salinas. Encontramos a veces en sus obras una música es, para mí, imposible de explicar con Además, el sello IBS Classical está grabando temática religiosa, ¿cuáles diría usted que palabras. ¡Ya lo hago con mi música! Que es mi con regularidad obras mías que irán son sus señas de identidad? mejor manera de conocimiento. apareciendo próximamente. ¶ Es verdad que me interesa mucho esa En una entrevista en 2012, al temática, no desde el punto de vista de la fe, preguntarle qué le daba miedo, me
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CONNOMBREPROPIO
Manuel
VenteroDirector gerente de la Orquesta Sinfónica de RTVE
“Las reformas en el Teatro Monumental han sido profundas, aunque para el público no sean evidentes”
Tras un tortuoso periplo de tres años marcado por cambios en la gerente de la orquesta, Manuel Ventero (Ávila, 1961), quien a su vez gerencia y en la dirección musical, y sobre todo por un exilio forzoso recogió el testigo el pasado verano de manos de la anterior responsable debido a las reformas efectuadas en el Teatro Monumental, la Orquesta y técnica, la periodista Mikaela Vergara, ha recibido a SCHERZO en uno de Coro de Radio Televisión Española ha regresado a comienzos de este año los despachos del reformado teatro para arrojar un poco de luz sobre el a su sede habitual en el teatro de la calle Atocha de Madrid provista de un nuevo periodo que se abre para una ORTVE deseosa de superar de una nuevo director titular, el ovetense Pablo González, quien empuña la vez por todas uno de los periodos más turbulentos y extenuantes de su batuta tras tres temporadas en las que la orquesta ha estado comandada ya dilatada historia. —por segunda vez en su historia— por Miguel Ángel Martínez. El Juan Lucas
Una de las cosas que más se ha comentado económica, pero no ha habido tal debate. para el público, el cual esperaba quizá más, cuando se ha hecho público su Otra cosa son las diferentes sensibilidades que, o por lo menos algo más visible. nombramiento es que usted no procede del dentro y fuera de la corporación, pueda haber Toda opinión es respetable y mundo de la música. al respecto, pero esto es así desde hace más de probablemente todo el mundo tiene su parte de No sé qué significa eso de no proceder del medio siglo. Al factor económico se añadieron razón. Las principales reformas del mundo de la música. Probablemente mis las obras de mejora del Teatro Monumental, Monumental que ha acometido la propiedad antecedentes musicales sorprenderían a más de sede de la orquesta desde hace tres décadas, del teatro han sido estructurales, y le puedo uno, pero en el plano de la gestión, que es el con las complicaciones logísticas y económicas asegurar que han sido profundas, aunque no tema que nos ocupa, son ya cinco años los que inherentes al cambio temporal de sede. todas sean evidentes para el público. Se ha llevo al frente de la Orquesta y Coro RTVE. Han sido años difíciles, pero hicimos de la reparado la cubierta, el foso, el montacargas…, Los he acompañado en cada uno de sus necesidad virtud y aprovechamos para viajar, se han redoblado medidas de seguridad y se conciertos y soy responsable de cada una de conocer otros públicos y sacar conclusiones de han acometido mejoras para facilitar el acceso sus iniciativas. No confundamos ser ‘nuevo’ esa experiencia. Hemos constatado el afecto del a personas con movilidad reducida. Y así un con ser ‘discreto’. público, de los abonados, a ellos nos debemos y largo etcétera, todas ellas con un coste elevado. Cinco años que coinciden con un estamos verdaderamente orgullosos y Tampoco debe olvidarse que el Teatro periodo particularmente complicado para agradecidos. Ahora iniciamos una nueva etapa, Monumental está considerado bien de interés la orquesta, sobre todo por el cambio esperanzadora e ilusionante, con un cultural y esta condición conlleva un nivel de temporal de sedes y, en fin, por una Monumental reformado que nos permite protección que impide o complica muchas sensación general que ponía incluso en encarar un horizonte de diez años con absoluta reformas. Han de respetarse los duda la propia continuidad de la orquesta. tranquilidad en todos los órdenes. planteamientos arquitectónicos originales, los Hasta donde yo sé, le puedo garantizar que Hace unas semanas, precisamente en el diseños, los colores, los materiales, etc. Pero en ningún momento ha estado en riesgo la Concierto de Reyes que inauguraba la dicho esto, lo importante es que, después de continuidad de esta formación. Me hice cargo vuelta al Monumental de la ORTVE, se oyó treinta años en el Monumental, esta es la de la Orquesta y Coro RTVE en 2013 y fueron una voz discrepante respecto a las primera vez en la historia que tenemos un años de crisis y máxima contención reformas, que según esa voz no eran obvias contrato de hasta diez años, cuando el más
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MANUEL VENTERO CONNOMBREPROPIO
largo en esas tres décadas había sido de dos tiene toda nuestra confianza, y de él esperamos Es decir, la pelea secular entre la cuota de años. Este horizonte nos genera mucha un compromiso profundo con la orquesta y pantalla y el compromiso con el servicio tranquilidad a todos los efectos. coro, así como un nuevo liderazgo. Pablo es un público y la calidad. No es un asunto sencillo, y Quizá se podía haber hecho algo con la gran profesional, una persona infatigable, que la multiplicación de la oferta mediática de los iluminación. aprovecha al cien por cien los ensayos; un últimos años no ha hecho sino complicarlo Está en marcha y puedo asegurarle que maestro muy riguroso, pero al mismo tiempo aún más. Pero estoy convencido de que hay antes de verano habrá un nuevo sistema de accesible. Recaba opiniones, escucha, y eso fórmulas para aumentar la presencia de la iluminación. También es importante decir que, para mí es muy importante. orquesta y el coro en la radio y la televisión, de desde el 1 de enero, grabamos y emitimos en ¿Ha concluido amistosamente el la música y la cultura a fin de cuentas. alta definición y con realización remota. periodo Gómez Martínez? ¿Qué ideas tiene para captar nuevos Tecnológicamente es un avance importante. A Gómez Martínez le restan aún seis meses públicos? ¿Qué presupuesto actual tiene la de titularidad que, estoy seguro, nos reportarán Es fundamental luchar contra la idea que orquesta? muy buenos momentos musicales. Por lo impera entre un importante sector de la El presupuesto exacto no es fácil de demás, sin duda, conservo intacto mi afecto juventud de que la música clásica es algo computar por la incardinación que tienen la personal. Estaremos siempre agradecidos por aburrido, y estamos ya trabajando en esa línea, Orquesta y Coro RTVE en la corporación, pero, esta segunda oportunidad, por su magisterio, su haciendo gestiones con diversos actores grosso modo, gira en torno a los 16 millones de veteranía, su reconocimiento internacional, su sociales —elementos disruptivos, diríamos euros. Evidentemente, costaríamos mucho más envidiable trayectoria, de la que evidentemente hoy— como youtubers, algunos de los cuales si fuéramos un organismo independiente. nos hemos beneficiado todos. son capaces de transmitir la música clásica con ¿Con qué otro presupuesto dentro de Hace unos años, SCHERZO realizó una métodos poco ortodoxos pero muy exitosos. las producciones de RTVE se podría entrevista a Carlos Kalmar con motivo de Debemos buscar alianzas para conseguir que comparar? Lo pregunto para dar una idea su nombramiento como titular de la una orquesta sinfónica resulte algo atractivo de la importancia de la orquesta o por lo ORTVE, en la que hablaba de las grandes para los más jóvenes. Y queremos recuperar los menos para defender que no sale cara, que posibilidades que tenía la orquesta conciertos pedagógicos, conciertos en familia, es otra de las acusaciones que ha recibido. precisamente por ser una orquesta de conciertos para jóvenes al fin y al cabo. Por no La música no es cara ni barata, se trata de Radio Televisión, con el caudal hablar de ‘otras músicas’ también necesarias y un producto necesario que yo, personalmente, publicitario, de imagen, de difusión que propias de una orquesta y de un coro como el defiendo a ultranza. La cuestión no está en el eso conlleva. Sin embargo, una vez más, de RTVE. precio, sino en si creemos o no en la música. tampoco pasó nada especial en el periodo Los precios de los conciertos son los Yo creo firmemente en el sector público y en la de Kalmar, como en el de Gómez Martínez más baratos del mercado, y este es otro necesidad de que RTVE colabore, a través de la o antes con Comissiona. ¿Por qué no acaba parámetro a tener en cuenta... ¿Se Orquesta y Coro y de sus medios —RNE, TVE y de optimizar la orquesta su pertenencia a contempla alguna revisión en este sentido? web— en la difusión y en la generación de un organismo como RTVE? Es cierto, nuestros precios son los más cultura. El Estado no puede dejar un asunto tan RTVE es una estructura grande y populares (la entrada más cara cuesta 20 serio como la música clásica en las manos compleja. Si la orquesta fuera ajena a la euros), pero eso nos lleva una vez más a la exclusivas del mercado. corporación, se comportaría de otra forma, cuestión del modelo. Como corporación ¿Cuál es el actual estatus laboral de los con inconvenientes y ventajas, pero el pública, nosotros no entramos dentro del profesores de la orquesta? resultado sería desfavorable. En última esquema normal de mercado. Nuestros precios Es idéntico al del resto de los trabajadores instancia, salimos beneficiados de pertenecer a están y estarán en función del modelo que de la casa, y está sujeto al mismo convenio RTVE. No tengo duda. Otra cosa es que las queramos adoptar —cada uno tiene sus colectivo, aunque se rige a determinados relaciones deban intensificarse entre dos ventajas y sus inconvenientes— y el modelo de efectos por un reglamento específico. mundos originariamente diversos: la nuestra corporación depende en última ¿Y en qué medida eso permite la comunicación, el periodismo, y la música instancia del Parlamento. Muchas de las renovación, la mejora y la ampliación de la clásica, con ritmos y rutinas bien diferentes. decisiones que afectan a la corporación plantilla? El hecho de no compartir sede, por ejemplo, no dependen del grado de consenso alcanzado en Bueno, contamos con una plantilla de contribuye al acercamiento, pero, de ahí al el Parlamento. Sobre los precios, podemos profesores —la mayoría— vinculados a la divorcio de intereses, hay un trecho. Una de ofrecer conciertos gratis, cobrar precios corporación por contratos fijos. El resto de mis obsesiones, no obstante, es inocular la idea populares o ir a precios de mercado (y a precios recursos humanos, según las necesidades que de que, así como tenemos una web, una radio, de mercado esto sería carísimo). Este es el requiera la obra que se interpreta, se una televisión o un instituto de formación, debate, que por otro lado es el debate eterno de complementa con contratos artísticos. también tenemos una orquesta y un coro, que los medios de comunicación públicos. Lo cierto es que todas las necesidades se cubren es —por cierto— otra estructura de Por último ¿qué argumento esgrimiría de forma inmediata. La corporación no comunicación. No es un asunto sencillo, pero para convencer al próximo presidente de escatima recursos económicos para llevar al le aseguro que vamos a intentarlo. Radio Televisión Española de la necesidad escenario la dimensión necesaria para cada De hecho, la presencia en Radio de tener una orquesta? obra. En cuanto a posibles incrementos de Clásica de la orquesta sigue siendo muy Pediría criterio y sensibilidad, una apuesta plantilla, la decisión no corresponde a RTVE. pobre; se limita a la retransmisión de los definitiva por la Orquesta y el Coro. Y no se Se trata de empleo público y, como tal, requiere conciertos. Y en lo que respecta a la trata de una cuestión económica —pienso que una convocatoria específica que, insisto, televisión, la presencia es mínima… la dotación económica actual es suficiente— sobrepasa con creces a la corporación. Estamos estudiando la posibilidad de sino de que la corporación perciba a la orquesta El nombramiento de Pablo González incrementar esa presencia, tanto en la radio y coro como un elemento, además de propio, como nuevo director titular tras el trienio como en la pantalla. Evidentemente, los ‘necesario’. Que la sienta como un agente de Gómez Martínez parece una apuesta por la gestores de la televisión priman las cuotas de primera magnitud, que genera y nutre de renovación. ¿Va a tener plenos poderes pantalla, y a la hora de programar se deben a contenidos de alto valor cultural a la radio y a la programadores y de gestión artística? los resultados generales. Eso entronca con el televisión pública, así como una potente Con la anuencia —obviamente— de la debate histórico de hasta qué punto la embajadora cultural dentro y fuera de España.¶ gerencia y de su aparato de asesoramiento radiotelevisión pública debe buscar las grandes artístico, pero por supuesto. Pablo González cifras o apostar por la calidad de sus emisiones.
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Galina Ustvolskaya, la soledad de cien años Archivo Sirkovski Archivo aniversario d
Se celebra en 2019 el centenario de una de las compositoras más singulares, atractivas y postergadas del siglo XX: Galina Ustvolskaya, a quien ha acompañado estos cien años la más absoluta soledad en lo creativo y en lo personal. Nacida el 17 de junio de 1919 en una ciudad llamada entonces Petrogrado, vivió ochenta y siete años en Leningrado, y murió el 22 de diciembre de 2006 en San Petersburgo. Una trinidad de nombres para una sola ciudad verdadera. Tomás Marco
Ustvolskaya estudió diez años en la Algunas composiciones más ortodoxas sí nº 4, “Plegaria” (1987), se circunscribe a Universidad de Leningrado y fue luego vieron la luz en su momento. Así, la cantata contralto, trompeta, tam-tam y piano. Y la profesora en la misma. Es de lo que vivió, pues El sueño de Stepan Razin que Mravinsky da a Sinfonía nº 5, “Amén”, es para recitador, violín, su música —no prohibida pero sí restringida— conocer en Leningrado en 1950. Eso y alguna trompeta, tuba y percusión. Singulares elencos siempre se consideró marginal en la Unión música de cine fue lo que se le permitió. también los de las Composiciones nº 1, “Donna Soviética. Su maestro fue Dimitri Shostakovich, En realidad, no estaba prohibida porque, nobis Pacem” (1971), para piccolo, tuba y piano, que continuamente proclamó la valía de una aunque su música era de vanguardia, no se nº 2, “Dies Irae” (1973), para 8 contrabajos, discípula cuyos temas cita él mismo en obras correspondía con la vanguardia occidental, percusión y piano, y nº 3, “Benedictus, qui venit” como su Cuarteto nº 5. Pero ella apenas acusa su pero estaba acotada, restringida y mal vista. (1975), para 4 flautas, 4 fagotes y piano. influencia en sus obras, cosa reconocida por La propia compositora aconsejaba que Las seis sonatas pianísticas son un mundo Shostakovich, y muy especialmente a partir de quien se interesara por su obra no se acercara a aparte. Obras vibrantes, con técnicas muy 1950, cuando desarrolla su estilo personal. ella con herramientas de análisis teórico. particulares y sonoridades extremas, escrituras También se ha insinuado que ambos Sus composiciones son una praxis desde la con racimos parecidos a los clústers, han sostuvieron una relación sentimental por profundidad del sonido, un acto mágico que asustado a veces a los intérpretes, aunque su momentos borrascosa. Ninguno de sus más tiene mucho que ver con lo religioso, dato que dificultad no suele ser mecánica sino cercanos biógrafos (Gladkowa, Schönberger, trasciende incluso a sus títulos. Ella rechazaba conceptual. La música de Ustvolskaya se toca Godjowy) lo resuelve, ni ella dijo jamás una que fuera música litúrgica, pero pensaba que muy rara vez. Es cierto que a veces sus palabra sobre tal cosa. Pero el nunca justificado sonaba mejor en una iglesia que en una sala de singulares elencos la frenan en un mundo de rencor y la amargura con la que habló sobre conciertos. Trabajaba con grandes bloques conjuntos muy estandarizados, pero eso no Shostakovich tras su muerte, dan que pensar. sonoros y enormes sonoridades, contrastes debería afectar, por ejemplo, al piano. Él la ayudó mucho en sus comienzos y la bruscos de dinámica y derroches de energía, En realidad, es una música tan distinta que defendió ante las autoridades soviéticas en los tanto que se la ha llegado a denominar “la dama amedrenta más a intérpretes y organizadores peores momentos. del martillo”. que a los públicos que suelen quedar fascinados Sin presunción ni afán de notoriedad, ella Los más granado de su obra está en las ante su fuerza y originalidad. Quienes conocen siempre afirmó que no había ninguna relación llamadas sinfonías, en las sonatas para piano y su música no le regatean respeto ni muchas entre su música y la de cualquier otro en lo que llama simplemente “composiciones”. veces admiración. Pero sigue sola, aislada, compositor vivo o muerto. Y es cierto que La Primera sinfonía es de 1955 y tiene tres como si continuara bajo el manto soviético. realmente no se parece a la de nadie a partir de movimientos para dos voces de niño En España se la conoce especialmente por las un determinado momento. En una primera amplificadas y enorme orquesta. Las demás programaciones que hizo de ella Xavier Güell etapa destacan obras como el Concierto para tienen plantillas singulares. La Sinfonía nº 2, en sus ciclos. Tal vez el centenario la saque de piano, cuerda y timbales de 1946 (que no se estrena “Verdad, felicidad eterna” (1979), lleva 6 flautas, los cien años de soledad. O quizá continúe hasta 1967 en Moscú), el Trío para clarinete, violín y 6 oboes, 6 trompetas, trombón, tuba, lejana y sola pues las fuerzas de la rutina y la piano (cuyo tema cita Shostakovich, estrenado percusión y piano sin cuerda. La Sinfonía nº 3, mediocridad pueden ser titánicas. ¶ en 1968) y el singular Octeto para 2 oboes, “Mesías Jesús, sálvanos” (1983), pide recitador, 4 violines, timbales y piano de 1950 (que se escucha 5 oboes, 5 trompetas, trombón, 3 tubas, por primera vez en 1968). percusión, 5 contrabajos y piano. La Sinfonía
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HOJA DE CONTACTOS Lutería primitiva
Benjamín G. Rosado
Le puede tocar a usted. Para participar, sólo necesita un Stradivarius (o similar) en régimen de propiedad o alquiler. Preséntelo con tiempo suficiente en el mostrador de la aerolínea para evitar su facturación. Nada de disquisiciones filosóficas o estéticas: la discusión habrá de ser numérica (años de antigüedad, valor en euros) y siempre favorable a los protocolos de la compañía (centímetros). En una última y desesperada exhibición de civismo (tampoco conviene perder el vuelo) no escatime en pegatinas que adviertan sobre la fragilidad del bulto. Colóquelo luego sobre la cinta y diríjase a la puerta de embarque. Una vez en su asiento, ajústese el cinturón y respire hondo. Es posible que durante el despegue experimente los primeros síntomas de angustia. La de la fotografía es una viola da gamba Lewis del siglo XVII que fue agraciada en la lutería primitiva del 5 de enero. Su propietaria, la virtuosa israelí Myrna Herzog, viajaba en avión desde Río de Janeiro con destino a Tel Aviv, donde tenía previsto ofrecer un concierto. Durante las dos horas de escala en Roma, la intérprete se acordó de cuando, en las noches de luna llena, los artesanos de Cremona se adentraban en los bosques de Val di Fiemme e iban iluminando con sus antorchas los abetos rojos antes de arrancar un trozo de corteza y escuchar el sonido que esta producía al desprenderse del árbol. Aquella mañana fría de principios de enero, los operarios del aeropuerto Fiumicino bregaban con las maletas a la intemperie mientras, en una de las salas de embarque, Herzog trataba de imaginar cómo sería ese primer y revelador crujido de la madera al partirse.
SCHERZO 13 348 Pliego 1.qxp_Scherzo 22/1/19 17:11 Página 14 M. Novak M.
Mario Prisuelos agenda • BILBAO
CasablancasESTRENO se estrena en la ópera
El estreno de L’enigma di Lea, COMERCIAL la primera ópera de Benet ARTS LES Casablancas, constituye una de las citas más esperadas de Verdi por la presente temporada lírica. El Chopin En primer lugar, por la todo lo alto trayectoria del compositor, español Semiramide uno de los creadores más sólidos y preparados de El primer Verdi se ha puesto en la ABAO nuestro panorama, de moda en los teatros El pianista Mario Prisuelos enfrentado a su reto más españoles. Después de lleva al Café Comercial sus ambicioso después de I Lombardi en la ABAO, el inquietudes de divulgador e La posteridad sólo recordó a consagrarse en el Palau de les Arts de Valencia intérprete de repertorios Rossini como compositor ámbito de la música programa otro título poco frecuentados, cuando cómico, pero en las últimas instrumental. perteneciente a su etapa de no directamente décadas los equilibrios se En segundo lugar, formación y poco frecuente, desconocidos. El día 11 de han modificado de manera por la personalidad I masnadieri. Escrita en 1847 febrero, en el marco del ciclo notable y sus títulos serios se del libretista: Rafael para el escenario londinense The London Music N1gths, han hecho cada vez más Argullol plantea un e inspirada en la homónima Prisuelos tocará dos piezas familiares para el público argumento hermético tragedia de Schiller, está del compositor Marcial del operístico. Un título como y sugerente, centrado en considerada como una de las Adalid (1826-1881), a quien se Semiramide requiere de la misteriosa figura de Lea, óperas verdianas menos conoce como “el Chopin oyentes entusiastas (por las criatura concebida para el logradas incluso por los español”. Sus páginas dimensiones de la obra) y placer divino, que habla de la forofos del músico. Pero un El lamento y Scherzo nº 3 cantantes infalibles (por el unión de la razón y los compositor del calibre de compartirán la primera virtuosismo de la partitura). sentidos. Verdi merece atención hasta parte del programa con Ambos requisitos se La producción del Liceu en sus desaciertos. Con obras de Juan María cumplen en la Semiramide de Barcelona ofrece sobre el dirección musical de Guelbenzu (1819-1888): que la ABAO ofrece entre el papel las mejores garantías Roberto Abbado y escénica En la cuna (canto para mi hijo) y 16 y el 25 de febrero. En el para la adecuada plasmación de Gabriele Lavia, Romanza sin palabras. reparto vocal figuran de tan ambicioso proyecto I masnadieri llega a Valencia La segunda parte del recital especialistas del bel canto sobre el escenario: la en una coproducción entre tendrá para el público un como Angela Meade, dirección musical de Josep los teatros de Nápoles y aire mucho más familiar con Daniela Barcellona, Simón Pons, la puesta en escena de Venecia. Destaca la la Sonata K 332 de Mozart y la Orfila y José Luis Sola. Carme Portaceli y la presencia de Michele Pertusi Balada nº 3 de Chopin. Alessandro Vitiello dirigirá presencia en el reparto vocal en un reparto que incluye a La propuesta de Prisuelos la Sinfónica de Bilbao en una de nombres como Allison Stefano Secco, Roberta trata de profundizar en la producción procedente del Cook, Marta Infante o Mantegna y Gabriele música que se escuchaba en Teatro San Carlo de Nápoles, Xavier Sabata. Sagona. la capital allá por el año 1887. firmada por Luca Ronconi.
9/13-II, Barcelona, Gran 6/17-II, Valencia, Palau de 11-II, Madrid, Café 16/25-II, Bilbao, Palacio Teatro del Liceu les Arts Comercial Euskalduna
14 SCHERZO 348 Pliego 1.qxp_Scherzo 22/1/19 17:11 Página 15 Javier del Real Javier FBBVA
Pablo
PARÍS Heras-Casado
PIANO René Perianes y los Jacobs Entre cinco de románticos y Beethoven contempo-
Molina ráneos Tener en repertorio los cincos conciertos para piano de Beethoven es de por sí un hito El febrero musical en la para cualquier pianista. Tocarlos Fundación BBVA aúna
todos en un espacio de pocos ZARZUELA dimensiones antitéticas: lo días constituye una hazaña sólo París bien vale sinfónico y lo camerístico, lo al alcance de los elegidos. La tabernera romántico y lo contemporáneo. La integral de los conciertos una ópera El día 6, en el Auditorio Nacional pianísticos que Javier Perianes viaja a Sevilla de Madrid, Pablo Heras Casado y pasea este mes de febrero por la la Orquesta Sinfónica de Madrid geografía española es una prueba No todas las ciudades pueden vuelven a reunirse después de las más de su madurez técnica, La zarzuela llega a la temporada permitirse tener dos teatros de exigentes funciones del Oro del musical y profesional. del Teatro de la Maestranza de ópera como el Palais Garnier y la Rin en el Real para sumergirse en El proyecto surge en Sevilla el próximo 7 de febrero. Bastille. Por eso, y por otras las Sinfonías nº 1 y 2 de ese estrecha vinculación con otro La tabernera del puerto de Pablo muchas tantas razones, París es wagneriano empedernido que artista español, el director Juanjo Sorozábal, obra maestra del París. El melómano inquieto que fue Anton Bruckner. Al día Mena, quien estará al frente de la género, podrá verse en la visite la capital francesa tiene siguiente, en la sala de cámara del London Philarmonic Orchestra. producción que Mario Gas firmó una suculenta oferta. Hasta el día mismo auditorio, PluralEnsemble Del 15 al 20 de febrero la pareja para el Teatro de la Zarzuela de 23, el Palais Garnier ofrece una ofrece un retrato musical de Perianes-Mena emprenderá su Madrid la pasada temporada. propuesta muy poco Schoenberg y Webern a través de personal maratón con escalas en Con la prestigiosa participación convencional: una versión sus respectivos tríos de cuerda, y Zaragoza, Barcelona, Valencia, del escenógrafo Ezio Frigerio y escenificada del oratorio de de Krystzof Penderecki. Alicante, y culminará su de la figurinista Franca Alessandro Scarlatti Il primo Del compositor polaco, que recorrido en Madrid, donde Squarciapino, la versión de Gas omicidio por Romeo Castellucci celebró el pasado 23 de tocará los cinco conciertos subraya los aires portuarios y de (cuya puesta en escena, toro noviembre su 85 cumpleaños, juntos en dos sesiones, los días 19 ultramar del argumento surgido incluido, del Moisés y Aarón de sonarán la Cadencia para violín solo y 20, dentro de la temporada de de la férvida fantasía de los Schoenberg dio mucho que y el Cuarteto para flauta y trío de Ibermúsica. Después, repetirá la libretistas Federico Romero y hablar en Madrid) y con la cuerdas. El 12 de febrero, en la sede proeza en Londres con un doble Guillermo Fernández-Shaw. garantía de René Jacobs en el de la Fundación en la Plaza de concierto en el Royal Festival La Real Orquesta Sinfónica de podio. San Nicolás de Bilbao, el Hall, los días 22 y 23. Sevilla estará al mando de Óliver La Opéra Bastille, por su conjunto Insomnio, dirigido por Díaz, director musical del Teatro parte, presenta hasta el día 12 una Ulrich Pöhl, ofrecerá piezas de 15-II, Zaragoza, Auditorio de la Zarzuela desde 2015. de las óperas románticas más Pierre Boulez, Jukka Tiensuu, 16-II, Barcelona, Palau de la El reparto vocal incluye, entre monumentales, Los troyanos de Gabriel Erkoreka y Félix Música Catalana otros, a María José Moreno, Berlioz, en un montaje del Ibarrondo, galardonado 17-II, Valencia, Palau de la Antonio Gandía, Àngel Òdena, siempre polémico Dimitri recientemente con la Medalla de Música Ernesto Morillo, Ruth González Cherniakov y con dirección Oro de las Bellas Artes. 18-II, Alicante, Auditorio de la y Vicky Peña. musical de Philippe Jordan. Diputación 6-II, Madrid, Auditorio 19/20-II, Madrid, Auditorio 7/10-II, Sevilla, Teatro de la 3/12-II, París, Opéra Bastille Nacional Nacional Maestranza 3/23-II, París, Palais Garnier 12-II, Bilbao, Fundación BBVA
SCHERZO 15 348Pliego1.qxp_Scherzo22/1/1917:12Página16 Víctor García Víctor 16 SCHERZO Menéndez de Gomar de • noticias Javier en 2013. en igualmente asumió general dirección cuya Oviedo, de Ópera la de artística dirección la de cargo hacerse 2003para en Oviedo a Regresó Matabosch. Joan de órdenes las a Barcelona, de Liceu del artística dirección de equipo 1999 al como del asesor director de Àlex escena incluye como novedad la incorporación que García de Gomar ha ganado la plaza eldesde año2011. propuesta La con la adjuntoartístico Palau de la Música Gomar (Barcelona, 1976), director comité haen Víctor recaído García de concluir sucontrato. elección del La final de la presente temporada tras dejará el timóndel coliseo barcelonés al Scheppelman,suceder aChristina quien nuevo encargado director artístico de Barcelona aconocer daba el nombre del ejecutiva del Teatre Gran del de Liceu de enero,El pasadola comisión 14 Maestranza ydelLiceu directores del Nuevos Ollé, cofundador dels de Baus. la Fura 1972, Menéndez se incorporó en incorporó se 1972,Menéndez Antes de recalar enAntes el de recalar Palau de la administración del Teatrodel la de administración artísticas. Nacido en Oviedo en Oviedo en Nacido artísticas. Gerona. Gerona. Música, García de Gomar habíaMúsica, Maestranza de Sevilla tomó eltomó Sevilla de Maestranza Por su parte, el consejo de consejo el Porparte, su competencias gerenciales y gerenciales competencias programador del Auditori de sido gerente de la Orquesta día 15 de enero la decisión de decisión la 15enero de día 2022, asumiendo las 2022,asumiendo Gerona, ademásGerona, de Barroca de Sevilla ydirector de Sevilla Barroca nombrar nuevo director nombrar cargo hasta el 31 de julio de julio de 31 el hasta cargo Religiosas ydel Mundo en general a Javier Menéndez Javier a general del Festival Nits de Clàssica Álvarez, quien ocupará el ocupará quien Álvarez, y del Festival de Músicas TEATROS en las ventas deen las del 30 por caída cientoUna brusca cadena HMV la Cierra Oxford Street. megastore entre ellas el míticotiendas, puestos de trabajo2.000 yel de 125 entredicho de másde el futuro El nuevo pone anuncio en de cierre actividades. radical de sus de unaa costa reestructuración reflotar aunque la cadena, permitió paso que auna recapitalización declaraba insolvente; la quiebra dio siete después años HMVse en todotiendas el mundo. Tan sólo que en 2006 sumaba másde 400 y tienda en Londres, de la primera empezada en 1921, con la apertura Una historia durante décadas. han se abastecidoingleses— melómanos —yno ingleses sólo otro lugar de culto en el que los formato físico así del disco. Cierra que vive hace desde tiempo el que ha se sumado crisis ala crónica consumidores, una circunstancia de entretenimiento de los consecuente cambio en los hábitos como Netflix yHBO ypor el auge de los nuevos digitales canales audiovisuales, desbancados por el hundimiento de los formatos Decisivosu actividad. ha sido el de discostiendas anunció elde cese de cadena británica histórica Voice (HMV).Afinalesde 2018, la Master’s condado altraste His hapasada sido la puntilla que ha londinense de DVD en la Navidad HMV Widmann y Quiroga, con El Cuarteto Carl Maria vonCarl Maria Weber. ycuerdas para yel Quinteto Bartók clarinete nº2 cuerda de que el seguirán Cuarteto de Badajoz), al de Filarmónica la Sociedad (unencargo conjuntoEötvös del CNDM y con el estrenoabsoluto, de de Peter Joyce intérprete en unprograma que abrirá se escucharemos alWidmann ocasión ycomoclarinetista compositor. Enesta con de igual excelentes resultados como que desenvuelve se unartista Widmann, yBadajozMadrid acompañado por Jörg 9y10 dedías febrero elen Quiroga actuará losnada menos Argerich, que con Martha asoció se el cuarteto Festival de Canarias faltan para razones presumir. Sien el yensentido este refrán, alQuiroga no le dice yte diréquién el andas quién eres, colaboradores Dime quecon lo rodean. por otros factores, como de los la calidad prestigio de unconjunto miden se también Pero la madurezseis actuaciones. yel tenido una con presencia muy destacada ha último Festival de Canarias de Música con el Premio Nacional yen el de Música año pasado sutrayectoria reconocida fue tenacidad, entrega del Enoctubre ypasión. de unlargo trabajo conlos frutos realizado conjunto español va recogiendo uno auno Cuarteto Quiroga.Pese asujuventud, el unmomento sinduda Es dulce para el Eötvös de de MolinaQUIROGA 348 Pliego 1.qxp_Scherzo 22/1/19 17:12 Página 17 Evangelista GUINJOAN
necrología ADAM
Theo Adam necrología
El pasado 10 de enero falleció en Dresde, su ciudad natal, Joan Guinjoan el bajo-bartítono Theo Adam. Nacido en 1926, fue niño cantor en el Dresdner Kreuzchor, sirvió en el ejército alemán en la Segunda Guerra Mundial y, entre 1946 y 1949, Junto a autores como Benguerel, Mestres Quadreny, Josep Soler y otros, Joan estudió canto con Rudolf Dietrich. Su debut profesional Guinjoan representa lo mejor y más característico de la rama catalana de la tuvo lugar en la Ópera de Dresde en 1949 en el papel de Generación del 51, la que implanta en España las corrientes de la vanguardia serial, Ermitaño de El cazador furtivo, el mismo papel y el mismo electrónica y subsiguientes. Nos dejó el primer día del año. Había nacido en teatro de su última actuación, en 2006. Poseía una voz Riudoms, cerca de Reus, el 28 de noviembre de 1931. Siempre se sintió orgulloso de leñosa, de generoso caudal, no muy rica en armónicos, unos orígenes payeses que forjaron su carácter y que hicieron de él, más allá de su una gran extensión y era muy seguro. Las daba todas. contrastado talento, un infatigable trabajador de la música. La emisión era algo inestable, lo que pronto generó un Se formó en el Liceo, pero también en París con Pierre Wissmer. ligero vibrato que se acentuó con los años. Su matrimonio con Monique, parisina de pura cepa y compañera de toda una vida, Especializado en el repertorio wagneriano, con el le hizo continuar siempre muy pegado a Francia, sin olvidar la raíz catalana y la declive de Hans Hotter y la pronta retirada de George española, como lo demuestran su Homenaje a Carmen Amaya o sus incursiones en lo London por problemas de salud, Adam se convirtió en el andaluz como en Jondo (1979) o Flamenco (1994). Wotan por antonomasia de los 60 y 70 del pasado siglo. Inicialmente fue pianista, pero cortó su carrera en los 60, tras más de 250 Cantó en los mejores teatros del mundo: Viena, Londres, recitales, para adentrase en la de director de orquesta. Actuó con muchas Nueva York… Intervino en el Festival de Bayreuth entre formaciones, pero muy especialmente con el Diabolus in Musica, conjunto que 1952 y 1980, llegando a cantar varios papeles de un mismo fundó y con el que recorrió el mundo realizando una magnífica labor de difusión. título (Amfortas, Gurnemanz y Titurel de Parsifal; Sachs y También fue muchos años crítico del Diario de Barcelona y más tarde asesor del Pogner de Maestros cantores). Los veteranos aficionados Ayuntamiento de esa ciudad. madrileños aún recuerdan su Wotan en La Walkiria de 1977 Como compositor, que era lo que más se consideraba, posee una gran obra en el Teatro de la Zarzuela. En el Gran Teatre del Liceu de personal que evolucionó desde la vanguardia estándar hasta posiciones variadas e Barcelona debutó con Titurel en 2005, ¡con 78 años! investigativas de brillante originalidad. La ópera Gaudí (1989-92, estrenada 2004) o el Fuera del terreno wagneriano, hay que destacar su ballet Trencadis (1991) representan su dedicación escénica, pero en la orquesta dedicación al repertorio del siglo XX, como el Prospero de resaltan obras como Ab origine (1974), tres importantes sinfonías, el Concierto para Un re in ascolto de Luciano Berio, en cuyo estreno participó, piano y orquesta (1983) en memoria de Ernest Lluch, y otras piezas de calidad. o el Dr. Schön de la Lulu de Alban Berg. En disco está Cantatas como Acta est fabula (1975) o la irónica El diari (1977), música coral y una presente en dos grabaciones de El anillo del Nibelungo, la de amplia e interesante producción de cámara completan el catálogo de alguien que Karl Böhm, registrada en vivo en Bayreuth en los años 60 abarcó todos los géneros y en todos dejo alguna obra maestra. (Philips), y en la primera grabación digital, dirigida por Tuvo reconocimientos como el Premio Nacional de Música (1990) o el Tomás Marek Janowski (RCA), en los 80; en El holandés errante Luis de Victoria (2004); en Cataluña, la Cruz de Sant Jordi; y en Francia, Caballero y dirigido por Klemperer (EMI/Warner), los Maestros cantores Oficial de las Artes y la Letras. Pero el verdadero aprecio a su figura de creador dirigidos por Karajan en 1970 (EMI/Warner), en los que ilustre y hombre de bien sería tocar su obra que enriquece nuestro patrimonio y no intervino impuesto por el equipo de la DDR responsable olvidarlo como ocurre con tantos que lo han engrandecido. Personalmente pierdo de la grabación, y en El cazador furtivo dirigido por Carlos un amigo con el que transcurrí un buen trecho de vida. Queda su recuerdo y su obra Kleiber (DG). viva y valiosa.
Miguel Ángel González Barrio Tomás Marco
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El antiguo salón de baile del Teatro Real
Joaquín Turina Gómez reportaje •
El Salón de Oriente. Semanario Pintoresco, 1837.
Durante más de veinte años he negado con contumacia que hubiera imágenes del interior del Teatro Real previas a su inauguración en 1850. El pasado verano la realidad, de mano de la hemeroteca, me dio al mismo tiempo una colleja y una alegría: en 1837 el Semanario pintoresco publicó un grabado del Salón de Oriente y, que yo sepa, nunca se ha vuelto a reproducir.
En la primera mitad del siglo XIX, la parte que seda azul Cristina (celeste), cortinas para los corresponde a la fachada de la Plaza de Isabel II huecos de los balcones y puertas con colgaduras del que entonces se llamaba Teatro de Oriente del mismo color, guarnecidas de franjas y flecos o Regio Coliseo fue la primera a la que se puso de plata. Se iluminó con un total de 568 bujías: techo. El escenario y la sala de espectadores 30 arañas, cuatro grandes candelabros y 28 seguían a la intemperie, nadie sabía todavía arandelas. Había salas de descanso y de juego, cómo cubrir un hueco tan grande. con mesas para tresillo y l’ecarté, gabinete de En 1836 acondicionan la parte cubierta, lectura, tocadores, almacén de trajes de máscara, crean un espectacular salón de baile y lo venta de flores naturales y artificiales, de guantes arriendan para financiar las obras del resto Maqueta del Teatro Real, 1830. Museo de Historia y zapatos para señora, guardarropa, enfermería, del teatro. de la Ciudad, Madrid. peluquería y limpiabotas, sin olvidar el Los bailes fueron un éxito, entre otras Ciudad, que nos lo muestra con su altura imprescindible ambigú. cosas por la amplitud del salón, el más grande original, el doble de la que actualmente vemos La alegría de los bailes de máscaras y el de Madrid. Por un juego de palabras del en el restaurante del Teatro Real. aprovechamiento de sus jugosos beneficios artículo que acompaña al grabado se cifra en El primer baile fue el 22 de enero de 1836, a económicos no duraron mucho. En 1841 el dos mil los asistentes a los bailes, porque dicen 50 reales por persona, de 12 de la noche a 9 de la Congreso de los Diputados se instala en el que el salón tenía “cuatro mil pies”. Una de dos: mañana. Toda la música que se interpretó era de Salón de Baile y se queda allí hasta 1850, es una exageración o estaban muy apretados. Ramón Carnicer, y según la prensa estuvo mientras se construye su sede en la carrera de De las verdaderas dimensiones del Salón concurrido y muy animado. San Jerónimo. de Oriente nos da buena idea la maqueta del El salón se adornó con lujo y elegancia: En aquel salón empezó a modernizarse el teatro de 1830, en el Museo de Historia de la pintura en el techo, tapizado de las paredes con país: la reforma tributaria, para que toda
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SALÓN DE BAILE DEL TEATRO REAL reportaje
Concierto en el Teatro del Conservatorio. La Ilustración Española y Americana, 1880.
España estuviera bajo el mismo régimen La segunda vez que el salón sale en los ensayo de Barbieri con su orquesta. Telones, impositivo. Se crearon los “consumos”, un periódicos es en 1867, cuando un incendio lo tramoyas, butacas, instrumentos y muchas impuesto muy denostado porque gravaba destruye completamente. El fuego no afectó a partituras se convirtieron en humo. bienes de primera necesidad (“de comer, beber la sala ni al escenario principal, pero el teatrito A partir de 1880, un renovado y lujoso y arder”, es decir alimentos, bebidas del Conservatorio desapareció después de un teatro del Conservatorio acoge conciertos y alcohólicas, combustibles y sal). funciones, como refleja con todos los También se aprobó la reforma honores La Ilustración Española y educativa con los institutos como base de Americana. Para desazón de los que la formación preuniversitaria. Poner un ahora predican contra los males instituto en cada capital de provincia modernos, ese teatro se usaba ya para supuso su dinamización cultural. organizar banquetes y otros eventos: hay Los ‘estudios privados’ tenían que documento gráfico. validarse con un examen en el instituto El teatrito del Conservatorio era tan controlado por la Administración. conocido que su imagen sirvió de En 1844 se crea la Guardia Civil y en decorado de la zarzuela La cacharrera, 1845 llegan las primeras concesiones de representada en el teatro de la calle ferrocarriles, tres años después la primera Jovellanos en 1906. línea: Barcelona-Mataró, 29 kilómetros. En 1925 se cierra el Teatro Real por El jefe político de la provincia pasa a ruina y las obras de consolidación denominarse gobernador civil. Se aprueba dividen el antiguo Salón de Baile en dos la Ley de Bolsa y la Ley de Reforma plantas diferentes. De 1966 a 1988, esos Bancaria con la que el marqués de espacios serán el Salón de Actos (abajo) y Salamanca y sus socios crean el primer la Biblioteca (arriba) del Real banco de crédito privado. En 1849 se Conservatorio y, desde 1997, el introduce el Sistema Métrico Decimal. restaurante y las oficinas del actual No he encontrado (ya no me atrevo a Teatro Real. decir que no exista) ninguna imagen del ¿Resonará todavía por allí el eco Congreso en el Salón de Baile. Tampoco acompasado de cuatro mil pies bailando conozco ninguna del primer teatrito que una mazurka? ¶ se instala en 1851, en cuanto se van los
diputados, como salón del Conservatorio. Incendio en el Conservatorio de Música. El Museo Universal, 1867.
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> CATALUÑA
Temporada del Liceu Una soprano extraordinaria en la bonita postal
Barcelona. Gran Teatre del Liceu. 15-I-2019. Puccini, Madama Butterfly. Lianna Haroutounian, Jorge de León, Damián del Castillo, Ana Ibarra, Christophe Mortagne. Director musical: Giampaolo Bisanti. Directores de escena: Moshe Leiser y Patrice Caunier.
Ninguna novedad en cuanto a la puesta en seguridad —espléndida en el dúo de amor con escena de esta Butterfly. Es la tercera vez que Pinkerton con un Jorge de León que no le fue a sube al escenario del Liceu esta coproducción la zaga en calidad vocal— y dramatismo, tal de propio teatro y de la Royal Opera House de como requiere el personaje, que culminó en el Londres. Y, visualmente, pasa sin pena ni aria final Tu, piccolo iddio y en la trágica muerte, gloria: un gran espacio vacío encuadrado por ejemplos de plenitud canora e interpretación frágiles tabiques japoneses que, con su variada musical y escénica. disposición e iluminación, quieren significar De León lució con absoluta solvencia su diversos espacios y tiempos en los que potente voz en el papel de Pinkerton. Su línea transcurre la acción. Es, en cierta medida, un de canto y su expresividad tal vez hubiese Japón de postal. Y, efectivamente, una bonita podido ofrecer una más variada paleta, si es que postal antigua de Nagasaki (“Nagasaki: il mare, il el antipático papel de este fatuo e irresponsable porto”, se admira Sharpless) se proyecta a veces teniente norteamericano da margen para ello. acogiendo la acción en el fondo del escenario. Irreprochable la Suzuki de la mezzosoprano Ana Ibarra, de voz cálida que corría con sosegado y claro fluir, tanto en sus Novedad muy grata la extraordinaria Cio-Cio-San de intervenciones solistas como en el bello dúo Lianna Haroutounian, de voz muy bella, con la soprano. Y solvente de voz, estilo y prestación escénica el barítono Damián del homogénea en toda la tesitura, con agudos espléndidos Castillo en el grave y sensato cónsul Sharpless.
actualidad nacional Un secundario de lujo fue el Goro del tenor francés Christophe Montagne, que se lució Novedad —debutaba en el Liceu— y tanto cantando como moviéndose mucho y novedad muy grata la extraordinaria Cio-Cio- bien en este papel en cierta manera buffo. w San de la soprano armenia Lianna Si todo funcionó bien fue, en primer lugar, Haroutounian, de voz muy bella, homogénea por la muy satisfactoria y brillante en toda la tesitura, con agudos espléndidos y interpretación de la orquesta: el director brillantes y de una actuación escénica capaz de Giampaolo Bisanti la condujo con excelente dar cuenta de todos los matices de la joven pulso a lo largo de una partitura que no geisha, desde la ingenuidad a la pasión, desde el escatima exigencias instrumentales y absoluto enamoramiento hasta la cruel y fatal estilísticas. Las refinadas referencias orientales decepción. Empezó con cierta timidez como si nunca exageraron pintoresquismo. Al tanteara el personaje. Pronto fue ganando contrario, sabiamente estilizadas, armonizaron con la plenitud de la orquesta pucciniana cuya riqueza agógica
A. Bofill A. y tímbrica fue desplegada por un Bisanti que, al mismo tiempo, se produjo como un atento y empático director de cantantes. Pudo parecer algunas veces que esa formidable riqueza orquestal tapaba las voces. Pero esa consideración debería completarse con el tanto de culpa que cabe achacar a la escenografía: básicamente el ancho, profundo y, sobre todo, alto escenario supuso un obstáculo para que la voz corriera hacia fuera, hacia el público. Pero es la escenografía una ciencia que, lo confieso, oigo mal.
José Luis Vidal
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> ARAGÓN ACTUALIDADNACIONAL
XXIV Temporada de Conciertos de Otoño Ah! mes amis, quel jour de fête!
Zaragoza. Auditorio. 8-I-2019. Javier Camarena, tenor. Ángel Rodríguez, piano. Obras de García, Rossini, Donizzeti, Bellini, Massenet y Cilea.
El cegador Re5 que remató el “olé” final de la Il pirata de Bellini, lleno de escollos superados jota de El trust de los tenorios provocó un delirio sin mácula, el Werther de Massenet y el sin igual. Fue solo una de las múltiples cimas Federico de La arlesiana de Cilea, bellamente coronadas por Javier Camarena en su debut resueltos, aunque tras escuchar Pourquoi me zaragozano, recital exclusivo que sedujo al réveiller? y el Lamento cabe preguntarse si los público por varios motivos: el pundonor papeles líricos y veristas no exigirán al del cantante, que a toda luz estudió la tenor jalapeño un excesivo cargar las acústica de la sala para sacarle el mejor tintas. El tramo final, ya fuera de partido; su simpatía, con parlamentos que programa, fue un homenaje explícito a se metieron al respetable en el bolsillo; su Fleta e implícito a Kraus: una versión valentía al abordar un programa exigente refinada, lentísima y como en suspenso, Javier del Real Javier de cabo a rabo y sin piezas de descanso; la de la Flor roja de Los gavilanes de Guerrero; cabal arquitectura del programa, y un el No puede ser de La tabernera del puerto de derroche de facultades y medios, en Sorozábal, la exhibición de la jota ya particular en las notas más agudas. Abrió mencionada y, a reclamo del público, la plaza la reivindicación de Manuel García: arias canción Ay, ay, ay de Pérez Freire que de El gitano por amor y La muerte del Tasso, popularizó Fleta. disímiles pero ambas erizadas de dificultadas Si añadimos que el pianista cubano Ángel salvadas con aparente facilidad. Les siguieron Javier Rodríguez fue de lo bueno a lo soberbio, solo ejemplos del repertorio que ha encumbrado a Camar ena cabe concluir que el mejor resumen de la Camarena: las grandes arias de Ramiro (La velada lo había hecho, cantando, el propio cenerentola), Tonio (La fille du régiment) y nueve Dos reclamados por Donizetti y el fino Camarena: Ah! mes amis, quel jour de fête! Nemorino (L’elisir d’amore), bloque en que lo legato mostrado en Bellini. poco ceñido de la coloratura rossiniana poco El tercer segmento incurrió en roles que Antonio Lasierra contó ante la fuerza y brillo de los célebres en el futuro encarará Camarena: el Gualtiero de
XXIV Temporada de Conciertos de Otoño Cuatro pastorales y una urraca desopilante
Zaragoza. Auditorio. 12-I-2019. Joven Orquesta Nacional de España. Director: Bruno Aprea. Obras de Beethoven y Mahler.
Un año más, la JONDE comenzó el año con notables claridad expositiva y unidad. Única uno de sus periódicos encuentros y un par de pega, el cuarto director tardó un instante más conciertos en Zaragoza. Si en precedentes de la cuenta en tomar el relevo y la prescrita visitas abundaron las obras infrecuentes, el continuidad entre el Scherzo y la tormenta director ocasional, Bruno Aprea, italiano que se trocó en un calderón de incómodo dirige la ópera floridiana de Palm Beach, optó silencio. por dos sinfonías de repertorio: Sexta de Tras la pausa salió por fin Aprea y Beethoven y Primera de Mahler. La novedad de abordó un Mahler canónico y bien la sesión fue que la Pastoral no fue dirigida por resuelto, aunque más interesado en los Aprea, sino por ¡cuatro jóvenes!, una picos sonoros, restallantes y macizos, directora y tres directores, seleccionados entre que en las filigranas: las dos pasajes los participantes en el curso de dirección quedos del movimiento final, por orquestal desarrollado durante el encuentro. ejemplo, fueron recorridos como de Podría parecer una extravagancia, pero lo pasada y enervados, sin lograr toda su cierto es que resultó interesante esa Pastoral a potencial y conmovedora belleza. El buen cuatro que permitió comparar los distintos gusto dejado pese a todo por el dignísimo enfoques y maneras de las cuatro promesas, y Mahler fue amargado ya fuera de programa, Bruno lo acertadamente que Aprea distribuyó los qué lástima, por una obertura rossiniana, la A pr ea cometidos atribuyendo el brioso Scherzo a la de La gazza ladra, hilarante por el ígnea directora y el tramo final, a partir de la planteamiento querido por la batuta: trazo El pasodoble Amparito Roca cerró la velada tormenta, al director más ‘hecho’. Y, sin grosísimo, cajas a tutiplén, batahola como en años anteriores, pero sin alcanzar el embargo, la versión, que supo evitar el Escila estruendosa y ni asomo de idioma. Con decir mismo nivel de garbo y finura orquestal. del raquitismo historicista y el Caribdis del que me hizo pensar en la legzinca de Gayaneh romanticismo inflado, cursó con más que de Khachaturian cuando la tocan mal… Antonio Lasierra
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ACTUALIDADNACIONAL > ASTURIAS > GALICIA
Concierto Extraordinario de Navidad El proyecto El León de Oro ruge en Oviedo
Oviedo. Auditorio Príncipe Felipe. 29-XII-2018. Peques LDO, Aurum y El León de Oro. Directores: Elena Rosso y Marco Antonio García de Paz. Obras de Brahms, Gjeilo, Dubra y Esenvalds.
No podía haber acabado el año musical en el que cada temporada es un reto por en Asturias de mejor manera que con un el cambio de sus integrantes al ir concierto extraordinario de la saga de mudando sus voces, pero que puede El León de Oro al completo: coro infantil continuar gracias a Aurum, una Peques LDO, joven coro femenino agrupación femenina que ya goza de un Aurum y el propio El León de Oro, en el notable reconocimiento, habiendo sido que dieron, una vez más, muestras de su premiada en numerosos certámenes extraordinario nivel. Se trataba de una internacionales. gala de Navidad en la que, Por su parte, El León de Oro, bajo la contrariamente a lo habitual, se invitó a dirección de Marco Antonio García de los presentes a hacer fotografías y Paz, ofreció una excelente interpretación grabaciones de todo cuanto quisieran y a con su impecable técnica, con la que compartirlo en las redes sociales bajo el pudimos disfrutar de unos bellísimos hashtag #LDO, toda una iniciativa a Marco Antonio García de Paz reguladores en Geistliches Lied de Brahms, tener en cuenta en el mundo digital en el cuidado empaste de las voces con un que vivimos. sonido envolvente en Ubi caritas de Gjeilo, Llevan a cabo un inteligente proyecto de los ‘leones’. Además, logra algo muy delicados agudos y timbrados graves en el una cantera para su emblemático coro con dos importante en agrupaciones de estas complejo Duo Seraphim de Dubra y originalidad agrupaciones de voces agudas, una infantil y características: generar amor por la música y al acompañarse de copas de cristal con agua en otra femenina, creando una verdadera escuela disfrute al cantar. No hay más que ver las caras Stars de Esenvalds. Para disfrute de todos, de canto coral dirigida por Elena Rosso, que de felicidad de los pequeños que, siempre de acaban de lanzar su último trabajo discográfico, forma vocalmente a los cantores con una memoria y sin quitar ojo a su directora —que “Amarae morti”, con el sello Hyperion bajo la técnica muy depurada sin olvidar la suele innovar con elegantes movimientos dirección de Peter Phillips, maestro honorífico naturalidad de las voces, consiguiendo unos escénicos—, resplandecen. Muestra de ello es la de la agrupación desde 2017. resultados realmente exquisitos en cuestiones inusual cantidad de cantores que lo de empaste, fraseo y sonoridad, de llamativos conforman, para envidia de otras entidades Nuria Blanco Álvarez agudos siempre cubiertos y delicados, sello de pretendidamente similares. Un trabajo exigente
Temporada de la OSG Qué buena orquesta
La Coruña. Palacio de la Ópera. 11-I-2019. Frank Peter Zimmermann, violín. Director: Dima Slobodeniouk. Obras de Stravinsky, Mendelssohn y Mozart.
Una de las características de las buenas nutrida, pero con un equilibrio admirable entre orquestas es su fiabilidad, la seguridad de que, si sus voces marcando un primer movimiento nada extraño se cruza, un concierto normal, de antológico, una muestra más de lo que esta repertorio, va a ser, cuando menos, un buen orquesta —atentísima a un director que, concierto. La Orquesta Sinfónica de Galicia además, muestra un cada vez más interesante, ofrece de entrada esa seguridad y, a partir de ahí, por esencializado, repertorio gestual— es todo es posible. Y lo es porque, además de capaz de hacer con su titular. tratarse de una magnífica centuria tiene la Entre las dos sinfonías, el Concierto para suerte, merecida desde luego, de contar con un violín de Mendelssohn con el siempre formidable director titular. La versión que de la admirable Frank Peter Zimmermann como Sinfonía en tres movimientos de Stravinsky propuso solista. Uno diría que se trataba de una suerte Zandel Irène Dima Slobodeniouk lo puso de manifiesto con de descanso entre dos cimas, pero he aquí que creces a través de una visión tan pertinente en lo ante tanto aplauso, el gran violinista alemán, estilístico como en lo sonoro, tan llena de anunció como encore nada menos que la guiños y evocaciones como para manifestar la Melodia (Adagio) de la Sonata para violín solo de partitura en toda su importancia crucial, ya Bartók. Y eso valió por todo el Mendelssohn. traspasados todos los tabúes de su siglo. Así lo entendió el respetable con su largo Otra sinfonía también tripartita cerraba el silencio. Cosas de la música. programa, la Praga de Mozart, ese epítome del Frank Peter Zimmermann Clasicismo que el ruso-finés presentó en todo Luis Suñén su esplendor sonoro, con una cuerda bien
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Temporadas del Palau de la Música y del Palau de les Arts Dispar comienzo de año
Valencia. Palau de la Música. 11-I-2018. Martha Bosch, Maarten Engeltjes, Tilman Lichdi, Klaus Mertens. Coral Catedralicia de València. Orquesta de Valencia. Director: Ton Koopman. Obras de Bach y Mozart. Valencia. Palau de les Arts. 12-I-2018. Elin Rombo, soprano. · Orquesta de la Comunitat Valenciana. Director: Roberto Abbado. Obras de Mahler, Barber y Schubert.
Dispar y heterogéneo ha sido el comienzo del y, aun moviéndose en un universo ajeno a su músicos certificaba la carga emotiva de esta año musical en Valencia, con Ton Koopman y naturaleza sinfónica, logró sonar de modo versión en la que al buen trabajo de Abbado se Roberto Abbado protagonistas de sendos notable, con una articulación clara, aunque no sumó la calidad ciertamente sobresaliente de la conciertos en el Palau de la Música y Palau de siempre precisa. La Coral Catedralicia de Orquesta de la Comunitat Valenciana, que les Arts, respectivamente. El maestro holandés València se esforzó en dar lo mejor de sí, contó para la ocasión con la recuperada volvió al podio de la Orquesta de Valencia para minuciosamente preparada por su director Luis presencia invitada de su antiguo concertino ofrecer las cantatas primera y última del Garrido. En el muy desigual cuarteto solista, se Guiorgui Dimcevski, actualmente aún en las Oratorio de Navidad de Bach, mientras que el aún impuso la cristalina belleza vocal del tenor filas de la Orquesta Nacional. titular de la Orquesta de la Comunitat Tilman Lichdi y la conocida maestría del Peor fueron las cosas en una anodina Tercera Valenciana abrió el nuevo año con un veterano bajo-barítono Klaus Mertens —que a de Schubert, absurdamente situada al final del programa extenso hasta el exceso e sus bien llevados 69 años conserva aún algunas programa, y tras la interpretación incoherente hasta lo incomprensible, que de sus conocidas cualidades vocales—. Para el —absolutamente descartable por excesiva e mezclaba obras de Mahler, Barber y Schubert. olvido quedan el canto insufrible del contratenor inapropiada— de Knoxville: Summer of 1915, Koopman cargó de vitalidad, optimismo y Maarten Engeltjes y las insuficiencias de toda fragmento para voz y orquesta que compone tradición su Bach extravertido y luminoso, cuyo índole de la soprano Martha Bosch. Samuel Barber en 1947 sobre un dulzón y animoso dinamismo en absoluto ignora las Tampoco Roberto Abbado acertó con la relamido texto de James Agee por encargo aristas más severas e introspectivas. Los tempi elección de la soprano para su versión de la expreso de la entonces célebre soprano vivos, las marcadas articulaciones, la claridad de Cuarta de Mahler. La voz pequeña y ajustadita estadounidense Eleanor Steber. Fue un Schubert las texturas armónicas, el equilibrio de la sueca Elin Rombo se mostró inadecuada ayuno de gracia, chispa, pulso, vuelo melódico y contrapuntístico y la afortunada expresión para el celestial movimiento final, planteado flexibilidad rítmica, aunque dicho con valiosa melódica fueron características de este Bach con parsimonia por el maestro milanés en una corrección y sobresaliente calidad instrumental. según Koopman, exento de vericuetos y realización que superó con creces su discreta Por su sustancial cometido, hay que subrayar las recovecos, y que, como él mismo dice, “lo tiene realización de la Séptima sinfonía de mayo estupendas intervenciones del clarinete de Joan todo: alegría y tristeza”. Reducida a su mínima pasado. Un extenso y pulido pianísimo final Enric Lluna. expresión numérica, la Orquesta de Valencia se condujo al silencio absoluto. Durante bastantes plegó al dictado del veterano maestro holandés segundos, la imagen congelada de público y Justo Romero
Temporada de la OSRTVE Dos testamentos
Madrid. Teatro Monumental. 11-I-2019. Benjamin Schmid, violín. Director: Dennis Russell Davies. Obras de Berg y Bruckner.
El Concierto para violín de Alban Berg es a la vez del curso, le dio no sólo la réplica, sino que un lamento y una elegía. Estéticamente no es ya aportó un concepto analítico, secundado por tan afín al expresionismo de muchas de sus una centuria no muy bergiana. Lejos de un obras tempranas o de madurez y supone una Karel Ancerl con Suk como solista, un enfoque apuesta decidida por un melos llevado al límite, discográfico que conserva rescoldos en combinación con las posibilidades de la posrománticos, lejos incluso del atonalidad. Dedicado a la memoria de Manon expresionismo impulsivo para algunos B. Hunziker B. Gropius, muerta en plena juventud, las dos consustancial —salvo en momentos puntuales partes en que se divide —muy lírica la I, la otra, del tiempo último—, se dedicó a poner de eso sí, más desgarradora—, se impregnan de relieve la amarrada arquitectura de la obra con un fuerte aroma del Wozzeck, y aún más de Lulu, la mayor diafanidad posible. Dennis ya que como en Mozart se dan trasvases entre Según Karl Böhm, las últimas sinfonías de Russell Davies su música sinfónica y teatral. El citado hecho Bruckner, en especial la Séptima, eran las más luctuoso impidió, acaso por desgracia, que la bellas de todo su siglo. En ellas es un sabio, un moderna, a lo Gielen, Russell Davies no inconclusa Lulu quedase más perfilada. maestro de obras catedralicio, quien se expresa. impuso los típicos perfiles románicos ni Lo tocó Benjamin Schmid, de muy buen Aparte del dominio del contrapunto, es quizá escarbó biográficamente tras las notas. Sólo en recuerdo en este teatro con el Concerto de el mayor melodista sinfónico existente, junto el Adagio exudó un intenso dolor, un punto Bolcom, y algo más pálido en el virtuosismo con Mozart, Schubert, de clara filiación con él, mahleriano y, ante algún silencio, la batuta se grande de un Mendelssohn. Se le vio motivado Dvorák o Mahler, y el complejo tapiz motívico asomó al abismo. y supo transmitir muy a las claras el delicado de su Novena tuvo una excelente traducción, temblor de tantos momentos de la música. con tempi decididos, más bien veloces y metales Joaquín Martín de Sagarmínaga Nada menos que Russell Davies, la gran batuta muy expandidos. Músico de concepción
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XXIV Ciclo de Grandes Intérpretes Fuera de serie
Madrid. Auditorio Nacional. 8-1-2019. Arkadi Volodos, piano. Obras de Schubert, Rachmaninov y Scriabin.
Volvía Arkadi Volodos con un programa Schubert de los Momentos musicales, para dedicado en su primera parte a Schubert, y una Volodos mira hacia dentro, se recrea en segunda dedicada a Rachmaninov y Scriabin. una morosa nostalgia, casi extática, que Pese a haberle ya visto muchas veces, quien requiere ser expuesta con delicadeza esto firma no deja de sorprenderse ante la talla inalcanzable, como si el tiempo se descomunal del pianismo del de San detuviera. Concepción Petersburgo. El absoluto dominio y la belleza evidentemente no convencional y de la sonoridad, con esa habilidad tan especial que puede resultar demasiado para dotar de peso a las notas sin que parezca estática para quienes no que lo tienen, pero también capaz de levedades participen de la idea del ruso. imposibles, esas en las que las notas parecen Personalmente, me quedo con M. Borggreve M. casi sugeridas más que pulsadas, la dinámica momentos de música con llevada hasta extremos inverosímiles, la mayúsculas como el conseguido facilidad insultante con la que desgrana los más en el cuarto de la serie, en do complejos mensajes y texturas, la elegancia de sostenido menor. Un Schubert su canto, son sólo algunas características del atípico sí, pero de un enorme interés y que creo es, sin lugar a dudas, uno de los más realizado de manera prodigiosa. Lo grandes pianistas de la actualidad. fueron también las páginas de Puede sorprender la elección de la Sonata Rachmaninov, desde el conocidísimo Preludio D 157, obra primeriza en la trabajada colección op. 3 nº 2, ofrecido en una versión imponente, de sonatas de Schubert que queda lejos del hasta el Estudio op. 33 nº 3, pasando por la interés que despierta la serie más adelante, pero elegante Serenata de resonancias españolas muy Éxito justamente apoteósico y propinas es difícil sacarle más partido que el que bien dibujadas. Sensacional igualmente todo lo culminadas con un Brahms maravilloso. consiguió Volodos, con un primer movimiento ofrecido de Scriabin, desde la Mazurka op. 25 nº 3 Sensacional concierto. ligero y luminoso y un Andante dibujado de hasta la inquietante, obsesiva y perturbadora manera lenta pero sublime. Se diría que el Vers la flamme. Rafael Ortega Basagoiti
The London Music N1ghts El arte de la floración rítmica
Madrid. Café Comercial. 15-I-2019. Kebyart Ensemble (Pere Méndez, saxo soprano; Víctor Serra, saxo alto; Robert Seara, saxo tenor, y Daniel Miguel, saxo barítono). Obras de Haydn, Toldrà, Turina, Françaix y Falla.
¿Que tendrá que ver la lejana isla de de Turina —originalmente escrita para Bali con un cuarteto de saxofones que cuarteto de laúdes, aunque el mismo
interpreta a compositores europeos al Rios Ricardo Turina también hizo sendos arreglos anochecer en el madrileño Café para cuarteto de cuerda y orquesta de Comercial? Pere, Víctor, Robert y cámara—. Después llegó el Pequeño Daniel, componentes de Kebyart cuarteto para saxofones de Françaix y fue Ensemble, interpretaron un curioso aquí donde realmente el público pudo programa que constó de cuatro disfrutar de toda la gama de interesantes arreglos hechos por ellos sonoridades del instrumento que mismos para saxofón de obras de Adolphe Sax patentó en 1846. El Haydn, Toldrà, Turina y Falla, y de la programa concluyó con Danza del única obra originalmente escrita para molinero de Falla. Ante el aplauso del saxofón de Jean Françaix —el alumno público, Kebyart regaló dos fantásticas del que Nadia Boulanger hablaba propinas: Danza española de Falla y maravillas—. Gallinwagg’s Cake Walk de Debusy. En la primera parte, Kebyart La palabra kebyar en balinés interpretó el Cuarteto nº 5 en Fa menor de significa “proceso de floración”. El arte Haydn y Vistas al mar de Toldrà. Los cuatro mar evocó imágenes de la Costa Brava (La de la floración rítmica y sonora la puso Kebyart movimientos del cuarteto (Moderato, Minuet- ginesta altra vegada), del interior de Cataluña en el Café Comercial. He aquí la respuesta. Trio, Adagio y Finale-Fuga a due soggetti) (Allà a les llunyanies de la mar) y de las aguas del sonaron bien, aunque habrá a quienes le resulte Mediterráneo (La mar estava alegre). Michael Thallium un tanto extraño escuchar la versión para Kebyart abrió la segunda parte con aires saxofones. El arreglo fue muy logrado. Vistas al de pasodoble interpretando La oración del torero
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Temporada del Teatro Real Un Oro de pocos quilates
Madrid. Teatro Real. 17-I-2019. Wagner, El oro del Rin. Greer Grimsley, Samuel Youn, Joseph Kaiser, Mikeldi Atxalandabaso, Sarah Connolly, Ronnita Miller, Sophie Bevan, Albert Pesendorfer, Alexander Tsymbalyuk, Raimund Nolte, David Butt Philip, Isabella Gaudi, María Miró, Claudia Huckle. Director Musical: Pablo Heras-Casado. Director de escena: Robert Carsen.
Demasiado ha tardado El anillo del nibelungo en regresar al Teatro Real. Desde su reinauguración en 1997, sólo se había Javier del Real Javier programado una vez en el coliseo madrileño, a lo largo de tres temporadas, en 2002-2004. Y no lo ha hecho con la nueva producción de David Pountney, coproducida por la Lyric Opera de Chicago (allí arrancó en 2016), como se planeó hace tiempo, sino que finalmente se ha optado por reponer la producción de Robert Carsen estrenada en Colonia en 2000, que se ha visto en varios teatros, entre ellos el Liceu de Barcelona. Del director de escena canadiense Robert Carsen se han programado en el Teatro Real Diálogos de carmelitas, Katya Kabanova o Salomé de imborrable recuerdo. A juzgar por este Oro del Rin, su Anillo no juega en la misma liga. Visualmente se mueve entre un vertedero (un Rin contaminado y sucio), una escena repleta de grúas y material de construcción y un Excelente actor, Wotan en San Francisco, de Wotan resulta poco creíble. Tampoco ayuda Nibelheim que parece el interior de un enorme Bayreuth y próximamente en el MET, de voz la puesta en escena, que en su crucial escena es silo. No hay rastro del elemento mitológico, de tonante, bien proyectada, con un ligero vibrato, disparatada (cosas del Dr. Freud). Sarah lo sobrenatural o de los símbolos. Wotan no o no tuvo su mejor día o ajustó su forma de Connolly, que hace meses fue una estupenda esgrime lanza alguna, sino que porta un bastón cantar a las directrices de la dirección de Fricka en el Anillo del Covent Garden, estuvo que pasa por distintas manos o permanece escena. Aquí Wotan es un dictadorzuelo, un apagada, vocal y escénicamente. Cumplieron abandonado en el suelo. Los dioses parecen mindundi con ínfulas carente de autoridad. Sophie Bevan, Freia compasiva con el triste aristócratas venidos a menos; Loge, un Y así, por momentos, Grimsley pasó destino de Fasolt, un caso claro de síndrome de mayordomo resabiado; los gigantes, albañiles desapercibido, mientras que en otros Estocolmo que tiene cierta gracia, y David Butt violentos que reclaman su paga y agreden a —pocos— echó el resto y exhibió sus Philip (Froh). En el lado negativo, Raimund Donner y Froh, pareja devenida en dúo cómico estimables medios. La actuación más destacada, Nolte, Donner mediocre, y un trío de ondinas de parientes gorrones que juegan al golf; y así lo reconoció el público, fue la de Samuel muy flojo, calante, que brindó una paupérrima Alberich y las ondinas, andrajosos sin techo. Youn, Alberich imponente, vocalmente seguro, salutación al oro en la primera escena. La escenificación del Preludio es un gag eficaz, de caudal generoso y buena línea de canto. El Una de las sorpresas de la velada fue la pero el ruido interfiere con la música. Asumido canadiense Joseph Kaiser, tenor más ligero que dirección de Pablo Heras-Casado y el esto, la dirección de actores es excelente, pero lírico, de volumen justo, debutante en el papel, rendimiento de la orquesta. Heras-Casado aún tiene que pulir algunas cosas, pero consiguió que la orquesta sonara francamente bien Una de las sorpresas de la velada fue la dirección de Pablo Heras-Casado (olvidemos el Preludio), que casi siempre sonara a Wagner, y que la música fluyera. Y por y el rendimiento de la orquesta lo general cuidó a los cantantes. En el Preludio o en la pesante acumulación del tesoro sólo hubo progresión dinámica, y faltó la pobre resolución de algunos momentos fue un Loge correcto en lo vocal mas un tanto ‘movimiento’. Al sonido de los violines la faltó clave, como las transformaciones de Alberich, neutro, blando, sin doblez. Sorprendió muy cuerpo, redondez. Podría pedir a las maderas el asesinato de Fafner y la aparición de Erda, o gratamente en su primer Mime el tenor vasco que toquen con más intención, en especial a los un descenso al Nibelheim a telón bajado, revela Mikeldi Atxalandabaso, con voz idónea para la oboes, que tocan con distanciamiento y escaso pereza por parte de Carsen, que ha buscado parte, dicción alemana mejorable y eficaz en vuelo poético cuando acompañan las efusiones soluciones ‘económicas’. En los dos sentidos, el escena. La pareja de gigantes formada por líricas de Fasolt (“Ein Weib zu gewinnen”). Cosa material y el intelectual. Habrá que esperar a Alexander Tsymbalyuk (Fafner) y Albert lógica, en su primer Oro del Rin el director ver las restantes jornadas; en El oro del Rin no se Pesendorfer (Fasolt), que sustituía a un granadino no domina los secretos del lenguaje adivinan las líneas maestras de este Anillo ni se indispuesto Ain Anger, cumplió sobradamente, wagneriano, y se le escapan muchos leitmotivs perciben grandes ideas, sólo una sucesión de sobre todo Pesendorfer, bajo cantante de timbre sin subrayar o colorear adecuadamente. gags. Así pareció entenderlo un sector del grato y buen legato, que compuso un Fasolt Con todo, musicalmente fue una velada muy público, que abucheó a Carsen y Eike Ecker, tierno y enamoradizo. Ronnita Miller, de disfrutable. responsable de la reposición. No lo merecían. sólidos medios vocales, fue una Erda El reparto estuvo encabezado por el dramáticamente irrelevante. No consigue Miguel Ángel González Barrio veterano (1956) bajo-barítono Greer Grimsley. transmitir sensación de misterio. El desasosiego
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Ciclo Liceo de Cámara XXI Programazo, conciertazo y musicazos
Madrid. Auditorio Nacional. 17-I-2019. Louisiana Boathouse Ensemble (Andreas Haefliger, piano; Cho-Liang Lin, violín; Martin Beaver, violín; Lise Berthaud, viola; Julian Steckel, violonchelo). Obras de Turnage, Korngold y Elgar.
Para quienes aún no los conozcan —cosa Nacional de Madrid estaba dividido en dos si no se hace, es porque para interpretarla hay muy probable, porque esta es la primera vez partes claramente diferenciadas: una primera, que tener un nivelAZO del que muy pocos que este conjunto de cámara sale de gira con Slide Stride de Mark-Anthony Turnage músicos son capaces. Es una obra bellísima, internacional por grandes teatros—, el (1960) y la Suite para dos violines, violonchelo y piano con momentos de tensión, dramatismo y gran Louisiana Boathouse Ensemble es, (mano izquierda) de Erich Wolfgang Korngold delicadeza. Destacó Beaver como primer violín sencillamente, un grupo de amigos que hacen (1897-1957); una segunda, con el Quinteto para con unas melodías y una sonoridad exquisitas, música de cámara de una calidad inigualable. piano y cuerdas en la menor op. 84, de Edward Elgar y Andreas Haelfiger demostró su maestría con Si hubiera que resumir su paso por Madrid, (1857-1934). La estructura fue clara: empezar la mano izquierda. este sería el único titular: “ProgramAZO, con un lenguaje musical más moderno y La segunda parte del programa la ocupó el conciertAZO y musicAZOS”. disonante (Turnage), pasando por uno a veces Quinteto de Elgar. Beaver asumió divinamente el Este conjunto nació en el año 2012 y, disonante (Korngold), para terminar con uno papel de segundo violín (como primer violín, aunque el nombre pueda llevar a engaño, no menos moderno y más tonal (Elgar). En la desde luego, bordó la obra de Korngold). Lise nació en el estado norteamericano de Luisiana, primera parte, Martin Beaver hizo de primer Berthaud hizo cantar a la viola, especialmente no. Nació en el Museo Louisiana de Arte violín; en la segunda, Cho-Liang Lin. en el Adagio. Julius Steckel, hizo cantar al Contemporáneo de Copenhague, Dinamarca, Slide Stride de Turnage es una obra con violonchelo cuando había que hacerle cantar y lugar en el que suelen tocar ante pequeñas clara influencia jazzística y con muchos le hizo acompañar cuando había que audiencias, íntimas. Llama la atención que el cambios de ritmo, disonante. Para las personas acompañar. Louisiana Boathouse Ensemble no sea más que no estén familiarizadas con este tipo de En definitiva, los cinco integrantes del conocido, porque está formado por músicos lenguaje, quizás ver al Louisiana Boathouse Louisiana Boathouse Ensemble demostraron como la copa de un pino: Andreas Haefliger al Ensemble interpretar esta obra solo les sirva estar conjuntadísimos. El recital fue una piano, Martin Beaver y Cho-Liang Lin a los para poder decir: “Bueno, vale, no lo entiendo, grandísima oportunidad para conocer obras violines, Lise Berthaud a la viola y Julian Steckel pero estos músicos tocan pero que muy bien”. de cámara que, lamentablemente, no al violonchelo. Todos ellos por separado tienen Con la siguiente obra del programa, cambia la menudean por las salas de concierto y que carreras internacionales como solistas formación y la violista se queda entre estos músicos interpretan con genialidad. apabullantes. bambalinas. La Suite de Korngold —escrita Lo dicho: ¡azo, azo y azos! El programAZO que estos brillantísimos para Paul Wittgenstein, pianista manco músicos prepararon muy inteligentemente para hermano del famoso filósofo— es una Michael Thallium la ocasión en la sala de cámara del Auditorio composición que merece interpretarse más, y
Temporada de La Filarmónica Novena gris
Madrid. Auditorio Nacional. 16-I-2019. Orquesta Sinfónica de Düsseldorf. Director: Adam Fischer. Mahler, Sinfonía nº 9.
Mientras desarrolla su ciclo discográfico de postrera resultó, sin embargo, convincente una orquesta las Sinfonías de Mahler (si no me falla la sólo a ráfagas. El mejor momento fue el que está muy memoria, hasta ahora han visto la luz las nº 1, 4, Ländler, donde su manejo del rubato llevó buen lejos de 5 y 7), el húngaro Adam Fischer ha visitado sabor de danza vienesa a una música que sin deslumbrar. Nikolaj Lund Nikolaj Madrid junto a sus huestes de Düsseldorf para duda es la más vitalista de la sinfonía. Faltó, sin En una obra ofrecer ese auténtico miura del ciclo que es la embargo, el contraste, la chispa que otros han en la que la Novena del bohemio. Sinfonía que, como es traído a ese mismo movimiento (hay que cuerda tiene un bien sabido, está teñida de un dramatismo recordar al último Abbado, por ejemplo). papel tan esencial creciente, que empieza con una nostalgia Hubo momentos bien resueltos, como el y cuyo movimiento serena, pasa por el lírico canto del Ländler y el arrebato conclusivo del Rondo, o el final descansa tanto en su amargo desahogo del Rondo-Burleske, para correctamente planteado (sin más) final de la anchura de dinámica y colores, la de culminar en un final desgarrado, en el que obra (el movimiento había empezado, sin Düsseldorf pareció sin suficiente cuerpo pese sobrecoge el desvanecimiento final. embargo, con más languidez que drama), al contingente, y no siempre sonó empastada, Fischer, que como tantos ilustres de la tampoco beneficiado por los tosedores de lo que lastró de forma considerable el batuta, desde Abbado a Mehta, fue discípulo rigor. Pero, en líneas generales, quien esto resultado. Brillaron más madera y metales, con de Swarowsky, es maestro de reconocido firma echó en falta más contraste, más excepción de las trompas, algo toscas y no muy oficio y cuenta en su carrera con algún notable extremos (y Mahler es de extremos), más sutiles en el matiz. Al final, queda la logro, como el muy considerable ciclo intensidad dramática, más amplitud de emocionante belleza de esta partitura sinfónico de Haydn con la Orquesta inflexiones (continuamente demandadas en la excepcional. Pero en esta ocasión nos llegó Filarmónica Austrohúngara Haydn, fundada partitura). traducida de forma más bien discreta y gris. por él mismo. Muy expresivo en el gesto, con Parece obvio que tampoco ayuda a esa batuta o sin ella, su acercamiento a esta obra falta de amplitud la propia formación germana, Rafael Ortega Basagoiti
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> PAÍS VASCO ACTUALIDADNACIONAL
Temporada de la Sociedad Filarmónica En el extremo de la intimidad
Bilbao. Sociedad Filarmónica. 15-I-2019. Magdalena Kozená, soprano. Mitsuko Uchida, piano. Obras de Schumann, Wolf, Dvorák y Schoenberg. Oleg Rostovtsev Oleg
Sin ser una cantante especialmente dotada, y habiendo perdido parte de la frescura y el esmalte de sus inicios (aquella Cleopatra con Minkowski, aquel disco Haendel con Marcon…), Magdalena Kozená tiene inteligencia, musicalidad y encanto más que de sobra para sacar adelante un recital tan complicado como este que abrió el nuevo año en la Filarmónica. Más difícil aún era no quedar pequeña ante el acompañamiento de una gran dama del piano de hoy y de siempre como es Mitsuko Uchida, a la que bastan unos simples compases de Wolf (de Das verlassene Mägdelein, por ejemplo) para dar buena muestra de su fantasía, llevando los sonidos al borde de la extinción, a lo frontera de lo imperceptible o al extremo de la intimidad. Los Poemas de la reina María Estuardo op. 135 dieron comienzo al recital en lo alto: ambas encontraron el tono crepuscular de ese último Schumann, que en sus obras finales abordó temas colindantes con la muerte acaso porque él mismo la sentía cerca. No estamos en el mundo de Dichterliebe o Frauenliebe und Leben, esta música se vuelve más sobria, más austera, más profunda e interior. Así realizaron Kozená y Uchida un viaje al corazón de aquella existencia trágica, sin excesos y sin artificios. Con un punto más de variedad en la expresión por parte de la cantante, pues el piano matizó lo indecible, las once Mörike-Lieder de Wolf hubieran alcanzado el mismo nivel. Lo mejor vino del lirismo puro y sumamente cautivador de las Canciones de amor op. 83 de Dvorák, compuestas poco antes de su marcha a Estados Unidos. Con la voz de la soprano en su ambiente natural (no basta con sabérselas, hay que amarlas como ella las ama y sentirlas como ella las siente), Uchida seguía haciendo magia al piano en canciones como V té sladké moci ocí tvych. Las ocho Canciones de cabaret de Schoenberg podían haber sido una curiosidad como otra cualquiera, pero en tan buenas manos pusieron de relieve varias cosas, entre ellas de qué manera beben de la tradición alemana de canciones de taberna y, desde el piano, lo mucho que Schoenberg debe a Schumann aun en esta música tan aislada dentro de su obra, tan radicalmente separada del camino que ya entonces (1901) empezaba a recorrer.
Asier Vallejo Ugarte
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Estreno de la última ópera de Beat Furrer Cuadros vivos
Berlín. Staatsoper. 13-I-2019. Furrer, Violetter Schnee. Elsa Dreisig, Anna Prohaska, Gyula Orendt, Georg Nigl, Otto Katzameier. Director musical: Matthias Pinstcher. Director de escena: Claus Guth.
Durante las Jornadas Barrocas de la integrarse en la trama. Diversos vídeos de Staatsoper en noviembre del año pasado, el Arian Andiel sirven para cubrir y alterar la conjunto Voces Suaves de Basilea interpretó pintura de Brueghel, y recuerdan en su extractos de los libros de madrigales de estructura gris y borrosa a las imagénes del Monteverdi en la Sala Pierre Boulez. El artista plástico Gerhard Richter. El director de programa incluía también A sei voci, una obra de escena, Claus Guth, incorpora Beat Furrer compuesta en 2017, en la cual evoca permanentemente el lienzo del pintor holandés sonidos esféricos y hace que la voz humana y hace que las figuras vaguen a cámara lenta susurre, balbucee, ría y grite. Solo dos meses por el escenario. Su montaje, caracterizado por después, la Staatsoper Unter den Linden ha los tableaux vivants, es una obra maestra en lo estrenado el último trabajo de Furrer, Violetter que respecta a la captación de los estados de Schnee (Nieve violeta). Con libreto de Klaus Händl ánimo de los personajes, apoyándose en gran basado en una novela de Vladimir Sorokin, medida en una iluminación que juega un papel cuenta la historia de cinco personas atrapadas principal. Las escenas son paisajes nevados, en una tormenta de nieve que esperan en una grises, nebulosos y difusos de páramos habitáculo subterráneo a que amaine el desolados. Se respira una atmósfera temporal. El sol es presentado como un cuerpo apocalíptica, como de Día del Juicio Final. Para celeste extraño e irreal, lo cual hace que la nieve la catástrofe conclusiva, Guth recurre a un adquiera un color violeta. Los cinco personajes espeluznante sol negro, que se va tornando temen que ese fenómeno atmosférico sea el blanco y que ilumina un espacio en el que todo presagio de una catástrofe, razón por la cual rastro de vida ha ido desapareciendo bajo una están permanentemente angustiados. música monótonamente dolorosa. Es fácil Tanja, una misteriosa mujer como de otro captar el mensaje de la obra: se trata una mundo, narra una relato inspirado en el cuadro advertencia al mundo frente a una destrucción El regreso de los cazadores, de Pieter Brueghel. En inminente. La calidad artística de la puesta en su papel de narradora, Martina Gedeck se escena es admirable, pero la obra resulta en su muestra distante; su línea vocal es entrecortada conjunto demasiado sobrecargada en el y no siempre comprensible. Aparece al aspecto intelectual. principio de la obra vestida de blanco y sentada La ópera comienza con unos sonidos que en un banco en una sala del Museo de Arte de van aumentando en intensidad de manera Viena, frente al mencionado cuadro, para luego inquietante para acabar deviniendo en actualidad internacional conjuntos agresivos y disonantes que recuerdan a Alban Berg. Furrer hace silbar, Su montaje, caracterizado por los tableaux vivants, zumbar, tartamudear, surrurar y gritar a las w es una obra maestra en lo que respecta a la captación voces de los cantantes, y halla en Matthias de los estados de ánimo de los personajes Pinstcher, al frente de la Staatskapelle Berlin, un socio de lo más competente y eficaz, dado su gran conocimiento de la música contemporánea. Se nota que ha profundizado en la partitura con esmero, reproduciéndola con absoluta precisión. El elenco vocal se mueve, asimismo, en un nivel muy alto. Elsa
Monika Rittershaus Monika Dreisig como Natascha y Anna Prohaska como Silvia estuvieron magníficas en el control de la tesitura que demandan sus papeles. Por su parte, los barítonos Gyula Orendt como Jan, Georg Nigl como Peter y Otto Katzameier como Jacques cantan con comprensibilidad y caudal sonoro, y a pesar de lo complicado de sus papeles lograron que la belleza de sus voces brillase a través de tan complicada malla musical. El Vocalconsort Berlin, igualmente experimentado en la interpretación de músicas actuales, completa los pasajes corales de manera magistral.
Bernd Hoppe Gyula Orendt y Anna Prohaska en Violette Schnee de Beat Furrer.
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Doblete Strauss en Dresde Modélico Thielemann
Dresde. Semperoper. 13-XII-2018. R. Strauss, Arabella. Camilla Nylund, Bo Skovhus, Katharina Konradi. Director musical: Asher Fisch. Director de escena: Florentine Klepper. 14-XII-2018. R. Strauss, Ariadne auf Naxos. Krasimira Stoyanova, Stephen Gould, Claudia · Mahnke, Daniela Fally. Director musical: Christian Thielemann. Director de escena: David Hermann.
Resulta sorprendente que el que había sido estrenada con mucho Generalmusikdirector de la éxito por Thielemann y Anja Harteros
Semperoper de Dresde, Christian Ludwig Olah en el Festival de Pascua de Salzburgo Thielemann, tan solo dirija dos de 2014 y que luego se escenificó en producciones operísticas a lo largo Dresde en noviembre con más éxito si de la temporada oficial, cuando este cabe. Pero aquí ya no estaban ninguno teatro de repertorio ofrece nada de estos dos grandes artistas y eso menos que 35 títulos diferentes con provocó que la representación bajara nueve producciones nuevas y cerca muchos enteros ofreciendo un saldo de 250 representaciones. Una de final correcto pero poco estimulante, ellas era la de Ariadne auf Naxos sobre todo por culpa de la rutinaria y —objeto de este comentario—, con ruidosa batuta de Asher Fisch, un cinco representaciones, y la otra director muy demandado en los será la reposición en febrero y teatros centroeuropeos sin que uno marzo de Der fliegende Hollander, con sepa bien la razón. tan solo dos representaciones Camilla Nylund, que se mueve dirigidas por él de las cuatro muy bien en este mundo, mostró una programadas. Siete funciones en voz algo carente de brillo, aunque fue total dirigidas por el máximo de menos a más a lo largo de la responsable musical de un teatro función, encarnando el papel de tan reputado como el de Dresde Arabella con mucha naturalidad y resulta inédito, máxime cuando nos profesionalidad. Acertado el Fingerlos, Osuna, Dennis, Jürgens y Daniela Fally en Ariadne auf Naxos. encontramos ante uno de los Mandryka de Bo Skovus: estuvo mejores y más acreditados maestros de la una escena y una dramaturgia muy elegante tanto en el canto como en las formas. actualidad, como demostró con creces en esta convencionales de David Hermann. La sorpresa de la noche fue la magnífica Ariadne straussiana. Está claro que Thielemann Los mejores momentos se vivieron en el Zdenka de la joven soprano, aún veinteañera, es hoy por hoy una de las más relevantes batutas desnudo prologo mediante un juego de puertas Khatarina Konradi, que lo tiene todo para en el repertorio alemán de pura cepa, como es el que dieron agilidad a la acción dramática. triunfar en el futuro. La escena de Florentine caso de Richard Strauss y Wagner. Su La anécdota de la noche fue que Alexander Klepper, para olvidar. En fin, lo mejor de la interpretación de esta filigrana straussiana fue Pereira, actual intendente de la Scala de Milán, velada fue el sonido envolvente de la mítica modélica en todos los aspectos, prestando un encarnó con gran soltura y profesionalidad el Staaskapelle de Dresde, sin rival en este cuidado exquisito a los planos sonoros y a los papel hablado del Mayordomo. repertorio. cantantes, y sacando del foso lo más granado de En la víspera de esta Ariadne, la una obra desnuda y compleja que está cargada Semperoper ofreció la reposición de Arabella, Antonio Moral de sutilezas y refinamientos tímbricos. La respuesta de la orquesta fue sensacional. El reparto vocal puso de manifiesto las dificultades que tienen los teatros de hoy para cuajar una compañía de campanillas. Krassimira Stoyanova es una gran soprano y canta con gusto, pero su Ariadne queda lejos de las grandes cantantes de finales del pasado siglo como Tomowa Sintow o Jessye Norman. El tenor Stephen Gould hizo lo que pudo para salvar los muebles en un papel endemoniado como pocos, máxime cuando ya no se encuentra en el mejor momento de su carrera. La más aplaudida del extenso reparto fue la Zerbinetta de Daniela Fally, que mostró seguridad en su pirotecnia vocal y buenas dotes de actriz. Claudia Mahnke en el sensacional papel del Compositor, no terminó de cuajar un personaje que exige mucho en el plano sicológico y aún más en el vocal. El Maestro de Música fue el veterano Albert Dohmen, que lo bordó dramáticamente. La compañía de cómicos puso color vocal y escénico a una producción poco atractiva visualmente con
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ACTUALIDADINTERNACIONAL > ARGENTINA > BÉLGICA
Thomas Adés en Buenos Aires Ascenso y caída de un ícono sexual
Buenos Aires. Teatro 25 de Mayo. 28-XII-2018. Adès, Powder Her Face. Daniela Tabernig, Oriana Favaro, Santiago Bürgi, Hernán Iturralde. Director musical: Marcelo Ayub. Director de escena: Marcelo Lombardero.
Esta presentación ha significado timbre y perfecta emisión un doble triunfo para mientras Iturralde volvía a Lombardero. Por un lado, en su poner en evidencia sus dotes carácter de director de la Ópera histriónicas y canoras, de Cámara del Teatro Colón, por destacándose sobre todo en el cerrar de forma brillante la rol de juez, cuya doble moral presente temporada graficó Lombardero con acercándonos un título ingenioso recurso: vestía ropa imprescindible de la lírica actual. interior femenina antes de Por otro, como responsable de la colocarse la toga. puesta en escena, por su inmensa La camaleónica habilidad para no cargar las tintas partitura, un hipersofisticado en demasía en una obra donde pastiche que deconstruye era extremadamente fácil caer en multitud de estilos musicales la grosería o el mal gusto, del siglo XX, de Gardel o Cole apelando más a sugerir que a Porter a Weill y Piazzola, con exhibir; manejó muy bien la citas distorsionadas que acción teatral y se permitió el cubren un amplio espectro, simpático gag de recrear sobre el desde El caballero de la rosa a suelo de la habitación el logo de Lulu o The Rake’s Progress, HMV. Su tarea tuvo ritmo, coherencia y plasmar las diferentes etapas de la vida del permitió el amplio lucimiento de Ayub que lucidez. Buena la escenografía de Noelia personaje hasta el derrumbe final. supo guiar con mano firme, gesto claro y buen González Svoboda, con una gran puerta Irreprochable en lo vocal, desplegó su atractivo pulso para mantener la tensión dramática a la central como eje; a tono con el paso del tiempo color, certeros agudos y perfecta línea de canto. quincena de instrumentistas —de excelente el vestuario de Luciana Gutman; sugerente el Los otros tres intérpretes asumieron varias rendimiento— a la vez que cuidar con trabajo de Horacio Efron como iluminador y identidades, en un vertiginoso carrusel de denodado mimo las intervenciones vocales, de apropiadas las proyecciones, a cargo de Natalia personificaciones. Favaro pudo exhibir su las que se lo observó siempre muy pendiente. Ríos y Paula Rodríguez. acendrado dominio de la coloratura superando Una tarea de real valía ante una obra de Como la Duquesa de Argyll, Tabernig con eficiencia los múltiples escollos de su extrema complejidad. realizó una labor sumamente destacable, digna parte; Bürgi mostró gran desenvoltura del más amplio elogio. Muy buena actriz, supo escénica; en lo vocal aportó seguridad, grato Carlos Singer
Un Rossini parisino en Lieja El conde, a la conquista de Argelia
Lieja. Opéra royal de Wallonie. 29-XII-2018. Rossini, Le Comte Ory. Jodie Devos, Josè Maria Lo Monaco, Antonino Siragusa, Enrico Marabelli, Laurent Kubla, Alexise Yerna. Director musical: Jordi Bernàcer. Director de escena: Denis Podalydès.
Para finalizar 2018 con un toque de alegría, la convertirse en el segundo en las habitaciones convincente y simpático, mientras que Ópera Real de Valonia ha propuesto Le Comte del castillo, con importante presencia de una Antonino Siragusa prestó a Ory su fácil aunque Ory, ópera cómica que Rossini escribió para cama. Podalydès escenifica la ópera en clave de a menudo angosta voz tenoril, así como su a París, donde fue presentada en la Sala Le Peletier comedia ligera, un tanto sosa, aunque sin veces exótico francés, actuando en todo caso el 20 de agosto de 1828. Se trata de una vulgaridad, poniendo énfasis en las emociones de forma convincente. En los papeles coproducción con la Opéra Comique de París y amorosas en juego. La única nota discordante secundarios, Enrico Marabelli pudo haber la Opéra Royal - Chäteau de Versailles, con fue la presentación del disfrazado Ory como un hecho más con el aria de Raimbaud Dans ce lieu puesta en escena de Denis Podalydès, quien clérigo viejo y gordo que difícilmente podría solitaire, Laurent Kubla fue un Gouverneur ambienta la acción en el momento de la haber seducido a tantas jóvenes mujeres. decente y Alexise Yerna aportó a la señora composición de la ópera, de forma que los La joven soprano belga Jodie Devos Ragonde elegancia, aunque no demasiada voz. esposos de las mujeres no han marchado a encarnó con buen estilo rossiniano a la joven y El español Jordi Bernàcer supo dar aliento participar en las Cruzadas, sino a conquistar virtuosa —aunque finalmente caiga en la desde el foso al espíritu rossiniano con una Argelia (!), un cambio que afortunadamente no tentación— Condesa Adèle, acometiendo las dirección contrastada y bien equilibrada. tiene demasiada importancia para la melodías y coloraturas del “Cisne de Pésaro” comprensión de la ópera. El decorado de Eric con voz flexible y buena dicción francesa, algo Erna Metdepenninghen Ruf es un espacio anónimo que en el primer que no se puede decir de todos sus colegas. acto alberga un gran confesonario para La mezzo Josè Maria Lo Monaco fue un Isolier
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Verdi y Cilea, en el Met Vulgaridad y perfección
Nueva York. Metropolitan Opera. 18-XII-2018. Verdi, La traviata. Diana Damrau, Juan Diego Flórez, Quinn Kelsey. Director musical: Yannick Nézet-Séguin. Director de escena: Michael Mayer. 4-I-2019. Cilea, Adriana Lecouvreur. Anna Netrebko, Anita Rachvelishvili, · Piotr Beczala, Ambrogio Maestri. Director musical: Gianandrea Noseda. Director de escena: David McVicar.
El Met tiene una larga historia de trío de protagonistas extraño donde los colaboraciones con directores de haya). En su primera intervención como
escena de Broadway, que se remonta Marty Sohl nuevo director musical del Met, Yannick al menos a 1910, cuando Giulio Nézet-Séguin brindó una lectura Gatti-Casazza invitó a David Belasco detallada, aunque algo a trompicones de a supervisar la puesta en escena de la la genial partitura verdiana. adaptación de Puccini de su Girl of the El contraste llegó felizmente el Golden West. Un siglo después, Peter último día del año, gracias a la Gelb ha convocado a artistas como espléndida producción de David Bartlett Sher, Susan Stroman o Jack McVicar de Adriana Lecouvreur, estrenada O’Brien. De hecho, el pasado en Londres en 2010 —y dos años diciembre ha sido un mes Broadway después en Barcelona— aunque nueva en el Met, con La traviata de Michael en el Met. McVicar es un director Mayer añadiéndose a las escénico de probada eficacia en el reposiciones del Trittico de O’Brien, medio operístico, que pone su inmenso el Otello de Sher y La flauta mágica de talento teatral al servicio de la obra (y Julie Taymor (en su versión acortada cuando se aleja de la letra de un libreto, para el público infantil) para lo suele hacer con inteligencia y gusto). conformar la mayor parte de la Diana Damrau y Juan Diego Flórez en La traviata en el Met. Su Adriana gira toda en torno al programación del mes. No perderé el tiempo describiendo unos escenario del Met, siempre visible en los La Traviata de Mayer desprende el aroma decorados dignos de Disneylandia. Diana mutables y hermosos decorados de Charles típico de director de Broadway en el Met: Damrau fue una matizada Violetta, Juan Diego Edwards, mucho más acertados que la cama “Humm... nunca he pensado mucho en esta Flórez un poco comprometido Alfredo, y multiusos de Mayer: para la gran trágica ópera, pero me encantaría intentarlo en el Quinn Kelsey un Germont de voz de cañón (un Adriana, se trata de su dominio legítimo, y el teatro de ópera más famoso del poder del que allí goza lo pierde mundo”. Esta es su tercera trágicamente una vez que sale de producción en el Met, y la segunda él. McVicar capta de manera de la temporada, después de experta el bullicio entre bastidores Marnie, de Nico Muhly, una obra y la intriga fuera del escenario (y el menor respecto de la de Verdi, ingenioso ballet en tercer acto de pero con un esfuerzo colaborativo Andrew George es exactamente lo mayor por parte de Mayer, que debería ser). Anna Netrebko, supongo que por la presencia del en el papel principal, encuentra en compositor. A diferencia de su Adriana un medio ideal para su primer espectáculo en el Met, el voz y su carácter; Piotr Beczala inteligente pero absurdo Rigoletto brindó su poderoso registro de Las Vegas, Mayer ambienta tenoril al servicio de un Maurizio La traviata con estricta fidelidad al realmente aristocrático; Anita periodo, aunque encuentra otras Rachvelishvili, en el rol de la formas de entrometerse en la st vengativa rival de Adriana, fue una concepción de Verdi y Piave, Application form available at fuerza de la naturaleza sutilmente 53 theatreducapitole.fr introduciendo, por ejemplo, a Deadline : 30th april 2019 controlada; por último, Ambrogio Mademoiselle Germont, la virginal INTERNATIONAL Male and female singers, aged Maestri resultó infinitamente hermana de Alfredo, para from 18 to 32 completed years conmovedor (de hecho, fue el eje acompañar de forma improbable a SINGING emocional de la representación), su padre en sus visitas al nido de en el papel del triste enamorado amor de su hijo y al lecho de COMPETITION Michonnet. Desde el foso, muerte de Violetta, quien ocupa Gianandrea Noseda trató a la ostentosamente la centralidad OF TOULOUSE injustamente despreciada obra dramática en el montaje. Y en la maestra de Cilea con mimo y una escena del segundo acto donde THÉÂTRE DU CAPITOLE agudeza dramática equiparable a la compositor y libretista conciben 2 - 7 SEPTEMBER 2019 de McVicar. En su conjunto, la un divertimento alegre y bien función rozó la perfección y se © Patrice Nin Patrice © definido de gitanos y toreadores, tradujo en una memorable velada Mayer nos ofrece un número operística, un elogio que este vulgar, muy estilo Las Vegas, con crítico no suele prodigar. sátiros y ninfas de rostros de calavera danzando lúgubremente. Patrick Dillon
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ACTUALIDADINTERNACIONAL > REINO UNIDO
Herheim retrata a Chaikovski Una Dama de picas biográfica
Londres. Royal Opera House. 13-I-2019. Chaikovski, La dama de picas. Aleksander Antonenko, Vladimir Stoyanov, Eva-Maria Westbroek, Felicity Palmer, John Lundgren, Anna Goyachova. Director musical: Antonio Pappano. Director de escena: Stefan Herheim.
La nueva puesta en escena de La dama de picas de Stefan Herheim en la Royal Opera House, conceptualmente perspicaz pero fatigosa a más no poder en su plasmación escénica, aporrea la obra maestra tardía de Chaikovski hasta convertirla en pulpa, como si su propósito fuera descomponer cada una de sus enzimas. Suele ser la costumbre de Herheim, aunque quizá él no lo vea de ese modo. El Parsifal de Bayreuth del regista noruego, un viaje a través de una franja de la historia alemana, recibió elogios —probablemente merecidos—, estableciendo su fama de director reflexivo, audaz e inteligente. Sin embargo, su Dama de picas, a pesar de innegables momentos de brillantez, se extravía en su propio agujero conceptual. Vista por primera vez en la Ópera Nacional de Holanda en 2016, la producción británica tiene la gran ventaja de estar dirigida musicalmente por Antonio Pappano, quien obtiene una lectura tan fervorosa como atmosférica de la orquesta de la ROH. También a enorme altura estuvo la DANIEL BARENBOIM prestación del coro de la casa, al que se sumaron el Tiffin’s Children’s Choir y el Boys’ Choir, tan seguros de sí mismos como bien adiestrados. THE COMPLETE BERLIOZ RECORDINGS ¿Y quién puede resistirse a tan buena música? ON DEUTSCHE GRAMMOPHON El enfoque de Herheim es biográfico. Ahí está la fatídica vida de Chaikovski: su homosexualidad, sus miedos, sus mujeres, su posible suicidio (representado por numerosos vasos llenos de agua amarillenta “infectada con cólera”)… Su historia de pesadilla se imbrica en el relato de Pushkin acerca de un hombre obsesionado por ganar a las cartas. Deutsche Grammophon presenta una En su libreto, el hermano del compositor, Modest, realizó añadidos al breve original. Por su parte, Herheim construye una ficción de las colecciones más signi cativas de completamente nueva. El príncipe Yeletsky, un papel pequeño pero importante, asume la doble personalidad del propio Chaikovski, las principales obras de Berlioz bajo la conduciendo la acción hacia un final nefasto. El enloquecido compositor dirección de Daniel Baremboim. (o su coro de clones) se agita, se emociona, da golpes a un piano silencioso en un supuesto arrebato creativo, y así sucesivamente. Este conjunto de edición limitada aúna Tolerable en un primer momento, toda esta lectura se va volviendo más y más engorrosa a medida que avanza la función. en 10 discos, interpretaciones célebres Al menos la escenografía es hermosa, con un decorado monocromático de Placido Domingo, Jessye Norman de Philipp Fürhofer, cuyas cristaleras de estilo imperio y sus tres ventanas francesas proporcionan un bello telón de fondo para diversos y Kiri Te Kanawa entre otros. goces visuales. El reparto es bueno, aunque desigual. La mezzosoprano británica Felicity Palmer conserva a sus 74 años la flexibilidad vocal, brindando una poderosa e imaginativa Condesa, un papel que cantó por primera vez hace dos décadas. Como Liza, la soprano holandesa Eva- Maria Westbroek ofreció una presencia atractiva, aunque en la noche del estreno no se encontraba en plena forma. Tampoco lo estuvo el tenor letón Aleksander Antonenko como Hermann, quien logró transmitir el carácter dubitativo y compulsivo de este antihéroe, pero su entonación fue, por decirlo suavemente, caprichosa. La mezzo rusa Anna Goyachova, brindó una brillante Paulina, mientras que el bajo- barítono sueco John Lundgren fue un imperioso Conde Tomsky, Pero lo mejor vino de la parte del barítono búlgaro Vladimir Stoyanov en el doble papel de Príncipe Yeletsky/Chaikovski. Cantó su gran aria de amor frustrado con una elegantísima dulzura, bellamente acompañado por la orquesta. En su simplicidad, resultó todo un revulsivo a las estupideces escénicas, casi tan poderosa como la mirada de una gorgona, pero el doble de tierna.
Fiona Maddocks
deutschegrammophon.com universalmusic.es
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> SUIZA ACTUALIDADINTERNACIONAL
Drama en la Inglaterra victoriana Simpatía por un barbero
Zúrich. Opernhaus. 11-I-2019. Sondheim, Sweeney Todd. Bryn Terfel, Angelika Kirschlager, Melissa Petit, Brinkley Sherraff. Director musical: David Charles Abell. Director de escena: Andreas Homoki.
Roja de pasión lució la Ópera de Zúrich al ofrecer como tarjeta de Navidad esta horripilante y socialmente crítica comedia musical que es Sweeney Todd, en una inteligente versión debida al intendente del teatro, Andreas Homoki. El Rittershaus Monika diabólico barbero de Fleet Street, imaginado por la pluma de Stephen Sondheim, se ha convertido en un clásico del género. Estrenada en Nueva York en 1979 por Tony Awards, se trata de una pieza de horror tan ardientemente actual que el tintineo de la afilada navaja barberil nos trastorna ahora como entonces. Homoki brinda un trabajo de dirección tan intenso como bien planteado. La escenografía recuerda las novelas de pobres y miserables de Dickens y Víctor Hugo. Y Bryn Terfel logra inocular en el público de Zúrich el aroma de thriller mediante una actuación tan conmovedora como humana. El decorado, con tres niveles visibles de arriba abajo, es minimalista. Paredes de teatro de marionetas abren la vista a la planta superior de una habitación con un sillón de barbería de color Barry Banks y Bryn Terfel en Sweeney Todd de Stephen Sondheim en la Ópera de Zúrich. verde. Un cielo ígneo con negras chimeneas humeantes muestra un escenario apocalíptico. intensa convicción un alma angustiada y amantes están cantados con gran sentimiento En su cocina, la señora Lovett cocina a fuego torturada, un paria en la Inglaterra victoriana por Melissa Petit y Elliot Marode. Brinkley lento sus pasteles de carne humana. La que, por sed de venganza, corta la garganta de Sherraff retrata con finura al juez. El conjunto garganta estrangulada de un cadáver es todo aquel que se interpone en su camino. es fantástico, con mención especial para el señalada por una larga grieta, un hallazgo Su objetivo es el juez Turpin, quien quince años coro. David Charles Abell dirigió con arrojo a estético. La escenografía es de Michael Levine y atrás deshonró a su mujer y raptó a su hija. una flexible Filarmónica de Zúrich, y el el vestuario, de Annemarie Woods. Angelika Kirschlager dota a la señora Lovett de espectáculo se saldó con una ovación de gala. Los Falstaff, Wotan o Sachs de Terfel son toda su entregada crueldad. La entrada del show ya legendarios. Con Sweeney el barítono galés de los barberos tintineantes recuerda la escena Barbara Röder accede a una nueva dimensión, mostrando con del baño en Psicosis de Hitchcock. Los dos
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JAVIER PERIANES ENTREVISTA
El pianista Javier Perianes se ha convertido, a sus 40 años, en uno de los Orpheus Chamber Orchestra, el 22 y 23 de febrero interpretará los cinco intérpretes españoles de mayor reconocimiento internacional. Su agenda conciertos para piano de Beethoven en el Royal Festival Hall de Londres transcurre con naturalidad por los mejores escenarios y festivales junto a la Orquesta Filarmónica, dirigida por el español Juanjo Mena. internacionales, donde actúa tanto en recitales como en conciertos y Antes, los habrá tocado en una gira por España que comprende giras junto a las más reputadas orquestas y directores. Como Zaragoza (15 ), Barcelona (16), Valencia (17), Alicante (18) y Madrid (19 y reconocimiento a tan exitosa carrera, el próximo 10 de mayo recibirá en 20). “Al final las ambiciones son exactamente las mismas que cuando Lucerna el prestigioso premio Artista del Año 2019 que otorgan los comenzaba a estudiar piano en mi pueblo, Nerva: disfrutar de la música International Classical Music Awards (ICMA). Recién editado su y del piano, de los míos y de mi entorno vital”, comenta, a modo de aclamado disco monográfico dedicado a Debussy y caliente aún su preámbulo, en esta entrevista Perianes. triunfo el pasado enero en el Carnegie Hall de Nueva York junto a la Justo Romero
Cuando hace más de dos décadas era aún ceremonia muy especial porque podré Tercer concierto y la poesía e improvisación del una joven promesa negó albergar el sueño compartirla con un artista al que admiro Cuarto. Es un comprometido y hermoso desafío, de convertirse en un aclamado y profundamente, el gran maestro Nelson Freire, para el que no puedo estar mejor acompañado: reconocido pianista. Ahora que el ‘no Premio a una trayectoria y, además, tanto por una orquesta de primer nivel como es sueño’ se ha hecho realidad y han ocurrido curiosamente una de las premiadas con la la Filarmónica de Londres y un maestro como tantas cosas y éxitos en su bien jalonada distinción de Artista del Año”en pasadas Juanjo Mena, con el que me une una relación carrera concertística, ¿sigue pensando lo ediciones ha sido mi amiga y colega Tabea muy especial y de gran complicidad musical. mismo? ¿Qué es lo que más valora de todo Zimmermann, así que no puedo estar más que Parece que hay una curiosa tradición lo ocurrido en este tiempo vertiginoso y encantado y honrado con esta distinción. Será beethoveniana en los mejores pianistas siempre in crescendo? muy emotivo volver a la KKL [Kultur-und españoles: Alicia de Larrocha grabó los Mantengo mi respuesta de entonces: Kongresszentrum Luzern] de Lucerna el cinco conciertos con Riccardo Chailly, disfrutar de la música, de todos y cada uno de próximo mes de mayo para la ceremonia de además del Emperador con Zubin Mehta; los proyectos que tengo la fortuna de afrontar, entrega de los galardones. Eduardo del Pueyo registró y tocó de mi familia y de mi entorno. Claro que han Acaba de llegar de Estados Unidos, reiteradas veces el ciclo completo de las 32 pasado muchas cosas en todos estos años, pero donde ha realizado una gira de conciertos sonatas para piano; Esteban Sánchez todos creo no haber perdido ni la curiosidad ni la junto a la Orpheus Chamber Orchestra, los rondós y bagatelas, además del Cuarto pasión por lo que tengo la suerte de hacer. con el Concierto nº 27 de Mozart. Creo que concierto para piano… Usted mismo, ya en ¿Qué ha sido lo más positivo y qué lo es la primera vez que colabora con este su primer disco, publicado hace ahora más negativo? conjunto orquestal… exactamente veinte años, incluyó la Sonata No lo cifraría tan categóricamente en lo Así es, es nuestra primera colaboración op. 110, y luego, en 2011, volvió a la música más positivo o negativo. Evidentemente, tener juntos y ha sido una experiencia de Beethoven con un denso CD que un calendario con muchos compromisos extraordinaria. Es un grupo de músicos de contenía cuatro de sus sonatas… significa tener menos tiempo para otras cosas. altísimo nivel, haciendo música de cámara y El universal Beethoven es parada casi Lo más positivo, sin duda, es haber tenido la escuchando con atención cada detalle, obligatoria en cualquier viaje para los pianistas, oportunidad de conocer y trabajar durante reaccionando inmediatamente a cualquier por lo que siempre está presente en cualquier todos estos años con músicos extraordinarios cambio en la articulación, dinámica o gran intérprete, con independencia de su origen o con los que he compartido experiencias agógica... Una verdadera gozada, musicalmente pasaporte. Y los españoles no somos una musicales inolvidables. hablando. He disfrutado muchísimo en los excepción en este sentido. Hay un registro Su carrera ha sido atípica en muchos sentidos. También en no estar basada en premios ni concursos. Salvo el de Jaén, que “Tocar seguidos los cinco Conciertos de Beethoven ganó muy tempranamente, en 2001, usted renunció pronto a esa arriesgada vía al es un comprometido y hermoso desafío ” éxito (o al fracaso). ¿Cómo ha podido desarrollarla sin el concurso de los premios y certámenes? cinco conciertos que componían la gira, extraordinario del Cuarto concierto del gran Recuerdo aquellos años del Concurso de aunque confieso que el último, en el Carnegie Esteban Sánchez, y desde luego aquella legendaria Jaén, también del Concurso Vianna da Motta Hall de Nueva York, tuvo ese componente integral con Riccardo Chailly y Alicia de Larrocha en Lisboa. Fueron de algún modo una manera mágico que propicia un escenario y una sala que usted menciona, y que es algo absolutamente estupenda de poner en funcionamiento un con esa historia tan legendaria. referencial, como todo lo que tocaba nuestra gran extenso repertorio. En mi caso, diría que todo En estos días interpreta en España y dama del piano. Beethoven es un compositor ha ido sucediendo de manera natural, un hecho en el Royal Festival Hall de Londres los inagotable para cualquier intérprete, siempre hay ha llevado al siguiente y hasta hoy. cinco conciertos para piano de Beethoven algo más en lo que profundizar, siempre estás Hasta un ‘hoy’ en el que es Premio junto a la Filarmónica de Londres y Juanjo descubriendo nuevos detalles. En este caso Nacional de Música, el Conservatorio de Mena. ¿Qué resulta más comprometido: el particular tendré la suerte de ir recorriendo Huelva lleva su nombre y en pocas semanas reto artístico o el técnico? diferentes épocas en su producción para piano y recibirá en Lucerna, además, el Premio Sin duda el gran reto es de orden artístico: orquesta, un itinerario fascinante. Artista del Año en los ICMA… ¡Menudo viajar desde el primer Beethoven de sus ¿Cómo ha evolucionado su concepto carrerón! tempranos conciertos para piano y orquesta, de Beethoven desde aquella juvenil y Estoy realmente agradecido al jurado de con esa huella indeleble tanto mozartiana como temprana Sonata op. 110 al actual? los International Classical Music Awards por la haydniana, y llegar hasta la plenitud del Han transcurrido muchos años y diría que concesión de Artista del Año 2019. Será una Emperador, pasando por el drama heroico del como en cualquier otro compositor, no
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ENTREVISTA JAVIER PERIANES
solamente en Beethoven, el paso del tiempo y una obra para piano. La programamos con también dedicado a la música francesa, tu propia experiencia vital y musical provocan muchísimo cariño para el próximo recital que concretamente a Maurice Ravel. Se trata del una evolución en el concepto de la obra, tanto haré en el Palau de la Música Catalana. Él estaba Concierto en Sol, junto a la Orquesta de París y a nivel sonoro como de conciencia estructural muy ilusionado en poder escucharla y yo lo Josep Pons, en un disco que incluirá, además, de la misma. Una sonata tan compleja y tan estaba con la idea de estrenarla precisamente las versiones tanto para piano como para densa y profunda como es la Sonata op. 110 pasa en Barcelona, con su presencia. Tristemente orquesta de Le tombeau de Couperin y la Alborada en todos estos años por muchas fases. Es muy nos ha dejado, aunque estoy seguro de que allá del gracioso, de Miroirs. Ponemos frente a frente a interesante ver de dónde vienes para donde esté la escuchará. Estamos hablando de Ravel como pianista y orquestador. Es un comprobar el margen de evolución musical y quien sin duda alguna fue y es uno de los proyecto que nos hace especial ilusión tanto a personal durante todo este tiempo. Espero que grandes compositores españoles. En estas Josep Pons como a mí. Luego vendrá un disco dentro de otros veinte años pueda repetir esta semanas estoy, además, precisamente en con Chopin y sus Sonatas nº 2 y 3. Desde luego, respuesta: eso significaría que uno sigue conversaciones con un compositor peruano siempre tengo en mente la posibilidad de buscando y evolucionando en ese universo que me fascina, Jimmy López. Conozco su incluir más proyectos con música española, beethoveniano. música para orquesta y algunas obras para pero de momento tenemos estas ideas para el Hay un muy difundido vídeo —que en piano. Directores como David Afkham, futuro más cercano. su día incluso obsequió SCHERZO— en el Salonen, Mäkelä o el propio Andrew Davis, que Mozart, Beethoven, Schubert, que toca la Sonata opus 110 de Beethoven ha dirigido en Chicago su ópera Bel Canto, Mendelssohn son compositores para Daniel Barenboim, y este, entre dedicada a Renée Fleming, han confiado en su recurrentes en su ya amplio repertorio. Sin alabanza y alabanza, le hace un sinfín de talento, y yo espero poder hacer algo suyo lo embargo, hay ausencias significativas, indicaciones y recomendaciones. ¿Ha antes posible. Con todo esto creo haber como Bach o Schumann… influido el conocido Beethoven de contestado a su pregunta sobre si en la Es curioso, pero con Schumann sí he Barenboim en su visión? ¿Qué intérpretes actualidad se escribe bien para el teclado… tenido más relación; de hecho, mi debut con beethovenianos tiene de cabecera? ¡Por supuesto que se escribe bien para el piano orquesta se produjo con su Concierto en La ¡Cómo no va a influir en un joven en nuestro tiempo y en todos los tiempos! menor. También he tocado en muchas intérprete las indicaciones y recomendaciones Como todo gran pianista español, la ocasiones el Quinteto con piano y algunas obras de una leyenda del piano y una referencia en música para piano de su país desempeña un para piano solo, pero es cierto que en los Beethoven como Daniel Barenboim, que es probablemente uno de los músicos más relevantes de la historia! Su visión y la de muchos otros grandes siempre “La música española tiene y tendrá en mi repertorio siempre una presencia especial” aportan ángulos nuevos y animan a seguir buceando entre los pentagramas. En cuanto a intérpretes beethovenianos de cabecera, desde el propio Barenboim hasta lugar capital en su carrera. Falla, Albéniz, últimos años no ha tenido tanto protagonismo Gilels, pasando por Edwin Fischer, Arrau, Mompou, Granados, Nebra… Ya ha en mis programas de concierto. Con Bach hay Schnabel, Kempff, Richard Goode, Alicia de grabado la obra para teclado de Falla y algo un vínculo extraordinario de mi época de Larrocha, Sokolov y un larguísimo etcétera... de Granados, cabe suponer que tarde o estudiante, en la que tuve ocasión de trabajarlo ¿A qué pianistas admira? O si no quiere temprano, llegará al disco una integral de mucho, pero sí es cierto que no lo he ser tan preciso, ¿qué tipo de pianistas Iberia y otra de Goyescas… Recuerdo programado con asiduidad en concierto. admira? excepcionales versiones suyas de iberias Lo mismo me sucede con tantos otros Creo que no tenemos ni espacio ni tiempo como El polo y El Albaicín. Por otra parte, compositores en los que me encantaría en esta entrevista para enumerar a todos y cada llama la atención la ausencia total de profundizar en un futuro. uno de los artistas y más concretamente Turina, andaluz como usted... Tampoco se ha prodigado en el pianistas que admiro. Siento verdadera La música española tiene y tendrá en mi repertorio ruso, aunque el pianismo de fascinación por Daniel Barenboim, Grigori repertorio siempre una presencia especial. Scriabin parece ideal para usted, como ya Sokolov, Maria João Pires, Arkadi Volodos, De hecho, en mi próxima gira de recitales por demostró hace años cuando interpretaba Leif Ove Andsnes, Radu Lupu, András Schiff, Europa (Lisboa, Madrid, Barcelona, Fráncfort, su Concierto para piano en fa sostenido menor. Richard Goode... Y por muchísimos pianistas Estambul, París, Londres, entre otras ciudades) ¿Incursionará en las músicas de Prokofiev, del pasado, como Rubinstein, Lipatti, Gilels, Manuel de Falla formará parte del programa Shostakovich y tantos otros grandes rusos? Richter, De Larrocha, Sofronitzki, Orozco... junto a compositores tan apreciados por él Es cierto que hace algunos años Cada uno con sus particularidades, su como Chopin y Debussy. Además, en la estuvieron muy presentes en mi repertorio con identidad, repertorio, sonido y trayectoria son grabación que haré el año que viene junto a la orquesta durante varias temporadas tanto el artistas de primer nivel que hacen e hicieron de violista Tabea Zimmermann también habrá una Concierto para piano de Scriabin como el Segundo la música un arte extraordinario. presencia destacada de compositores españoles, de Rachmaninov. Se trató de una cuestión Una característica singular de su junto a otros latinoamericanos. En cuanto a un circunstancial en un periodo muy determinado repertorio es la versatilidad. Sin embargo, futuro registro de Iberia o de Goyescas, el tiempo de mi trayectoria, en el que como comentaba llama la atención la ausencia en él de dirá. Por ahora prefiero centrarme en los con anterioridad he estado más vinculado a música contemporánea, de la que en sus proyectos presentes y más inmediatos. otros compositores. Pero le aseguro que en el inicios tocó obras como la Chacona de Después de la formidable acogida de su futuro volveré a los grandes compositores Gubaidulina, la Sonatina de Manuel Castillo último disco con el primer libro de rusos. ¡Es una música fascinante! o el Estudio “Pulsación” de Sánchez-Verdú. Preludios de Debussy y Estampes, ¿cuáles Su último y ya mencionado disco, ¿Piensa que no se escribe bien hoy día para son sus próximos proyectos discográficos? dedicado al primer libro de Preludios de el teclado? ¿Llegará algún día la esperada grabación del Debussy y Estampes, ha sido considerado Precisamente el próximo marzo estrenaré segundo libro de Preludios de Debussy? por algunos críticos como una de las la última obra del gran maestro Joan Guinjoan, El programa de grabaciones que tengo mejores grabaciones debussyanas que nos acaba de dejar. Tuve la fortuna de fijado e inexorablemente cerrado va por otros publicadas en la historia del disco, incluso conocerle hace unos años y desde aquel derroteros. Curiosamente, tras Debussy el lo han llegado a equiparar con versiones momento manifestó su interés en dedicarme próximo proyecto con Harmonia Mundi estará tan referenciales como las de Benedetti
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JAVIER PERIANES ENTREVISTA Igor Studio Igor
Michelangeli, Arrau, Zimerman o Podríamos decir sin dudarlo que Debussy primera colaboración no hemos dejado de Gieseking. ¿Cuál es el secreto? profesó una admiración pública por la figura buscar oportunidades de seguir haciendo Debussy ha sido un compositor cercano de Chopin y por su contribución al piano. En música juntos. De hecho, la próxima para mí y muy presente en mi repertorio desde aquel trabajo dedicado a Chopin y Debussy temporada tenemos una gira muy intensa por que era muy joven. Su obra me ha producido recuerdo con mucho cariño el proceso de Estados Unidos y algunas fechas en Europa, siempre una enorme fascinación y su papel selección de obras junto a los musicólogos además del proyecto que ya hemos comentado absolutamente revolucionario y decisivo en la Yvan Nommick y Luis Gago. En muchos casos de la grabación de un CD con obras de historia de la música y del piano es los vínculos eran atmosféricos, de carácter…; compositores españoles y latinoamericanos. incuestionable. Diría que en Debussy se en otros, de índole rítmica o formal. En Grabar la sonata de violonchelo de Debussy encuentra esa mezcla única de lo ingrávido y lo cualquier caso, sí diría que en el último Chopin con Jean-Guihen Queyras fue una experiencia preciso, de lo brumoso y lo articulado. podemos encontrar ya ciertos giros armónicos muy enriquecedora. Es muy fácil hacer música Su contribución novedosa en cuanto al que pueden presagiar lo que estaba por venir. con artistas de este calibre y a la vez de esta tratamiento de la melodía y la armonía e En Chopin hay tantas posibilidades de valía personal. incluso de la forma musical es esencial. acercarse a su música, tantos grandes pianistas También colabora o ha colaborado con La iniciativa de Harmonia Mundi de que desde diferentes visiones han aportado directores de orquesta como Barenboim, homenajearlo en el pasado 2018 —centenario tanto a la música del genio polaco… Intento Dudamel, Dutoit, Jurowski, Maazel, de su muerte— con esta colección me parece aplicar en Chopin esa máxima que creo que Mehta, Temirkanov… Es decir, ha tenido la de enorme interés. En mi caso particular ha puede funcionar en muchos otros fortuna de trabajar con los más grandes sido un verdadero placer y un privilegio poder compositores: ni demasiada distancia ni maestros de su tiempo ¿Con quién se ha participar en la misma tanto con este disco en demasiado azúcar. Al final la virtud está en sentido más cómodo? solitario con el primer cuaderno de Preludios y tratar de encontrar ese equilibrio. Tengo la fortuna de haber disfrutado las Estampes como con el dedicado a sus últimas Otro capítulo esencial en su carrera, trabajando con todos y cada uno de los obras, en el que he colaborado al violonchelista aunque no tan conocido es su dedicación a nombres que menciona y con muchos más. Jean-Guihen Queyras grabando su sonata para la música de cámara. Colabora con De cada uno de ellos me llevo aprendizajes y violonchelo y piano. frecuencia con la violista Tabea experiencias que guardo con enorme cariño. Otro compositor fundamental en su Zimmermann, con la que ofrece conciertos Acompañado por estas figuras de la repertorio es Chopin, del que ha por todo el mundo, con el Cuarteto batuta ha tocado ya con casi todas las grandes orquestas: Sinfónica de Chicago, Concertgebouw, Filarmónica de Viena, Sinfónica de Boston, Cleveland, “En Debussy se encuentra esa mezcla única de lo ingrávido y lo preciso, Filarmónicas de Los Ángeles, Nueva York, de lo brumoso y lo articulado” todas las de Londres, Gewandhaus de Leipzig, San Petersburgo… ¿Le falta algún sueño por cumplir? Siempre he sido una persona que ha comentado que tiene prevista una Quiroga o con el ya mencionado Jean- disfrutado de la realidad y del presente sin grabación futura con sus sonatas para Guihen Queyras... demasiados sueños. Si hace unos años me piano ¿Huye del amaneramiento que tanto Es un verdadero placer poder hacer hubieran contado que iba a tener la perjudicó su imagen y su obra? Uno de sus música con artistas así. Con el Cuarteto oportunidad de trabajar con todas estas éxitos discográficos internacionales fue Quiroga tengo una relación de enorme amistad orquestas no lo habría creído. Todo ha precisamente un volumen dedicado a las y admiración mutua. Hemos trabajado mucho sucedido de la manera más natural posible y músicas de Chopin y Debussy en el que juntos y disfruto muchísimo haciendo música espero y deseo que siga siendo así. ¶ establecía sutiles paralelismos. ¿Acepta con ellos. El año próximo tenemos una gira considerar como pre-impresionista su muy especial por Alemania, Suiza y Holanda. pianismo sutil y cargado de colores y Con Tabea Zimmermann la relación es registros? bastante más reciente, pero desde nuestra
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s c h e r z o — — † LOS EXCEPCIONALES ¢ — del mes de febrero —
La distinción de grabaciones excepcionales se concede a las novedades que a juicio del crítico y de la dirección de la revista presenten un gran interés artístico o sean de absoluta referencia. xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxx
BACH: DEBUSSY: Suite para violonchelo nº 1 Preludes du 1er Livre. Estampes BWV 1007 Partita para violín nº 2 Javier Perianes, piano BWV 1004. Suite en Sol menor HARMONIA MUNDI 902301 (1 CD) BWV 995 Pág. 52 Thomas Dunford, laúd ALPHA 361 (1 CD) Pág. 43
GEMINIANI: VIVALDI: Concerti Grossi op. 7. Café Arias de ópera. Cecilia Bartoli, Zimmermann. Concertino: mezzosoprano. Ensemble Matheus Pablo Valetti. ALPHA 396 (1 CD) Director: Jean-Christophe Spinosi Pág. 44 DECCA 483 4475 (1 CD) Pág. 62
THE FOOD OF LOVE BRITTEN: Obras de Monteverdi, Cazzatti, S. Billy Budd. J. Imbrailo, T. Spence, B. Rossi, Guerrero, Merula, Di Lasso, Sherratt, T. Oliemans, D. Soar, T. Falconieri, Caccini, Kempis, Dowland, Jürgens. Orquesta y Coro del Teatro Scheidt, e.a. Charles Daniels, tenor Real. Director musical: Ivor Bolton. Adam Woolf, trombón Directora de escena: Deborah Wagner LUPOPHONIC (1 CD) BELAIR 154 (2 DVD) Pág. 45 Pág. 64
HAYDN: JAZZ Die Sieben letzten Worte unseres Erlösers am Kreuze. Yago Mahúgo, CYRILLE, SMITH & FRISELL: fortepiano. CANTUS 9229 (1 CD) Lebroba. ECM (1 CD) Pág. 47 Pág. 91
CHAIKOVSKI: BANDAS SONORAS Cuarteto de cuerda nº 1 op. 11. Movimiento de cuarteto op. post. CARLES CASES: Souvenir de Florence (Sexteto de Styles. Carles Cases y Pep Pérez, cuerda). Cuarteto Meccore pianos. Orquesta Unesco Barcelona. MDG 903 2091-6 (1 CD) Warsaw Wind Ensemble. Orq. Sinf. de Pág. 49 Oviedo. Carles Cases Film Music Band. Director: Carles Cases. ROSETTA SOUNDTRACK RECORDS 0002 (1 CD) Pág. 93
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Y GRABACIONES Z FEBRERO 2019
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¿Cuáles son hoy los premios internacionales de aunque predominan los aciertos y las apuestas. referencia para el disco de música clásica? No Entre los primeros destaca, nada más empezar, ICMA 2019 los Grammy, desde luego. A pesar de sus la selección de música medieval de Dinamarca sesenta años de historia, y dedicar diez de Ensemble Peregrina con ese gran contador estatuillas a reconocer a intérpretes, sellos, de historias que es Benjamin Bagby (Tacet). Le Pablo L. Rodríguez productores y conjuntos clásicos, son premios sigue un Bach violinístico flexible con otorgados exclusivamente por profesionales del instrumentos modernos de Frank Peter sector. Nada de críticos o público, valor Zimmermann (Hänssler) y las joyas musicales artístico o comercial, novedad o tradición. Los breslavas del siglo XVII con aroma veneciano criterios obedecen a intereses de la NARAS, la de Stephan MacLeod (Claves). La soprano Elsa Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Dreisig es una apuesta de los ICMA (Erato), Grabación. Y en ellos suele primar el habitual aunque prefiero el fortepiano rebelde e ‘America First’ que no se corresponde con la imaginativo de Maxim Emelyanychev (Aparté). realidad actual de la música clásica, donde Y dianas absolutas son el programa Schumann- Europa ha sido, es y sigue siendo una potencia Widmann (Myrios), ese imponente Prokofiev indiscutible. Además, se confinan a una gala coral en vivo de Kirill Karabits (Audite) y el sencilla, celebrada a mediodía, sin la presencia Rossini de Mark Elder (Opera Rara). Los ICMA representan el verdadero de la mayoría de los premiados y en una sede Pero me parecen errores los tres ex aequo: diferente del Staples Center de Los Ángeles. ni el Sibelius de Dmitrij Kitajenko (Oehms) está palmarés internacional Mucha más repercusión tienen otros al nivel del Bernstein de Pappano (Warner), ni del disco clásico premios discográficos otorgados por Christoph Heesch (Genuin) puede competir asociaciones similares a la NARAS en Francia con el Bartók impresionante de Christian (Grand Prix du Disque), Holanda (Edison Tetzlaff (Ondine), ni tampoco el Mozart Klassiek), Inglaterra (Classic Brit Awards), berlinés de Flimm/Dudamel (Accentus) alcanza Canadá (Juno) o Alemania (Echo), aunque este escénica y musicalmente el doble programa último haya sido suspendido el año pasado, parisino de Warlikowski/Salonen (Arthaus). tras un bochornoso escándalo. Suele ser Bien el disco de Pärt de Tonu Kaljuste (ECM) y habitual, en mayor o menor medida, el noble una revelación las versiones originales de arte de barrer para casa. Y algo parecido sucede Mendelssohn que toca la violinista Chouchane en los premios otorgados por prestigiosas Siranossian (Alpha). Para terminar, resultan revistas inglesas (Gramophone Classical Music incuestionables tanto la colección Sibelius de Awards), francesas (Diapason d’Or) o Leif Segerstam (Naxos), como la caja Birgit australianas (Limelight Award). Por ello, los Nilsson (Sony) y la reedición de la serie únicos premios verdaderamente documental “Belcanto - The Tenors of the 78 internacionales del disco clásico quizá sean los Era” (Naxos). ICMA, tal como indican sus siglas. Nacidos en La mejor noticia española se encuentra en 2011, en sustitución de los Cannes Music el apartado de premios especiales. No sólo en el Awards, que también adoptaron el acrónimo nombramiento, ya anunciado, de Javier Perianes de MIDEM, se han consolidado con un jurado como Artista del Año, sino especialmente por que incluye críticos musicales y periodistas la creación de una nueva modalidad de especializados de revistas y medios de Composición que inaugura el valenciano comunicación turcos, belgas, alemanes, Francisco Coll. Sorprende Ars Produktion húngaros, croatas, italianos, rusos, ingleses, como sello del año, aunque no Numa Bischof luxemburgueses, franceses, polacos, Ullmann como director ejecutivo. Del resto, el finlandeses, españoles y austriacos. tiempo ya lo ha dicho (Nelsons Freire) o lo dirá En diciembre se anunció el palmarés de (Eva Gevorgyan y Matko Smolcic). La finalistas de 2019, en sus dieciséis modalidades ceremonia de entrega de los ICMA tendrá lugar de audio y vídeo. Y, el pasado 17 de enero, el próximo 10 de mayo en el KKL de Lucerna y conocimos, por fin, los ganadores. Hay de todo, en 2020 se celebrará en Sevilla. ¶
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> PREMIOS ICMA
Premios Internacionales de Música Clásica Palmarés 2019
GRABACIONESMúsica antigua Solo instrumental
Miracula: Medieval Music for Saint Mozart: Fantasía K 475. Sonatas para ¢ Nicholas. piano nº 14, 16 y 18 Ensemble Peregrina. Agnieszka Budzinska- Maxim Emelyanychev, piano Bennett. Benjamin Bagby APARTÉ 161 TACET 243
Barroco instrumental Música de cámara
Bach: Conciertos para violín BWV 1041, Es war einmal. Once upon a time 1042, 1052 Obras de Schumann y Widmann Berliner Barock Solisten Jörg Widmann, clarinete. Tabea Zimmermann, Frank Peter Zimmermann, violín viola. Dénes Várjon, piano HÄNSSLER CLASSIC 17046 MYRIOS 020
Barroco vocal Conciertos
17th Century Sacred Music in Wroclaw The Golden Age - Cello 1925 Concerto Palatino, Gli Angeli Genève, Obras de Hindemith, Ibert, Toch, Wroclaw Baroque Orchestra Martinu Director: Stephan MacLeod Christoph Heesch, violonchelo CLAVES 501805 Eroica Berlin. Director: Jakob Lehmann GENUIN 18613
Recital vocal Ex-aequo Miroir(s) Obras de Gounod, Massenet, Puccini, Steibelt, Bartok: Conciertos para violín nº 1 y 2 Rossini, Mozart, R. Strauss. Christian Tetzlaff, violín. Finnish Radio Elsa Dreisig, soprano. Orchestre National de Symphony Orchestra. Director: Hannu Lintu Montpellier. Director: Michael Schønwandt ONDINE 1317-2 ERATO 190295634131
Coral Música sinfónica
Prokofiev: Cantata por el 20º Sibelius: Sinfonía nº 2. Grieg: Allegretto aniversario de la Revolución de octubre grazioso. Melody op. 34/2 Ernst Senff Choir. Erfurt Air Force Music Gürzenich-Orchester Köln. Director: Dmitrij Corps. Staatskapelle Weimar. Director: Kirill Kitajenko Karabits OEHMS CLASSICS 457 AUDITE 97754
Ópera Ex-aequo Rossini: Semiramide Albina Shagimuratova, Daniela Barcellona, Bernstein: Sinfonías completas. Mirco Palazzi, Barry Banks, Gianluca Buratto, Prelude. Fugue. Riffs. Susana Gaspar, David Butt Philip, James Platt. Marie-Nicole Lemieux, Beatrice Rana, Nadine Opera Rara Chorus. Orchestra of the Age of Serra, Josephine Barstow. Orchestra e Coro dell’ Enlightenment. Director: Mark Elder Academia Nazionale di Santa Cecilia. OPERA RARA 9293800572 Director: Antonio Pappano WARNER CLASSICS 01902956 61588
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> PREMIOS ICMA Música contemporánea Premios especiales del jurado Pärt: Sinfonías nº 1- 4 NFM Wroclaw Philharmonic Director: Tönu Kaljuste Premio a una trayectoria ECM New Series 2600 Nelson Freire, piano
Programas variados Artista del año
In Time FEBRERO 2019 Mendelssohn: Concierto para violín op. Javier Perianes, piano 64. Octeto para cuerdas op. 20 Chouchane Siranossian. Anima Eterna Brugge, Jakob Lehmann. Balasz Bozzai, Nicolas Mazzoleni, Bernadette Verhagen, Katya Polin, Joven artista del año Davit Melkonyan, Astrig Siranossian ALPHA 410 Matko Smolcic, fagot
Colección
Sibelius: Música incidental Premio revelación Turku Philharmonic Orchestra Director: Leif Segerstam Eva Gevorgyan, piano NAXOS 8.506032
Sello del año Histórico Ars Produktion Birgit Nilsson. The Great Live Recordings SONY CLASSICAL 88985392322 Compositor del año
Francisco Coll
Representación en vídeo Intérprete del año Bartok: Bluebeard’s Castle Poulenc: La Voix Humaine Stephen Waarts, violín Barbara Hannigan, John Relyea, Ekaterina Gubanova. Paris Opera Orchestra. Director: Esa-Pekka Salonen. Director de escena: Krzysztof Warlikowski ARTHAUS MUSIK 109364 Logro del año
Numa Bischof Ullmann, director Ex-aequo técnico y artístico de la Orquesta Sinfónica de Lucerna Mozart: Las bodas de Figaro Ildebrando D’Arcangelo, Dorothea Röschmann Anna Prohaska, Lauri Vasar, Marianne Crebassa. Staatsoper Unter den Linden. Director: Gustavo Jurado Dudamel. Directores de escena: Jürgen Flimm y Bettina Hartmann Andante (Turquía) Orpheus Radio (Rusia) ACCENTUS MUSIC ACC20366 Crescendo (Bélgica) Pizzicato (Luxemburgo) Das Orchester (Alemania) Plske Radio Chopin (Polonia) Documental Gramofon (Hungría) Radio 100,7 (Luxemburgo) HRT (Croacia) Resmusica.com (Francia, Belcanto. The Tenors of the 78 Era IMZ (Austria) Polonia) Documental de Jan Schmidt-Garre MDR Kultur (Alemania) Rondo Classic (Finlandia) Caruso, Slezak, Tauber, McCormack, Schipa, Gigli, Musica (Italia) Scherzo (España) Schmidt, Koslovsky, Björling, e.a. Musical Life (Rusia) Aarno Cronvall (Finlandia) NAXOS NBD0063-64V2 Musik & Theater (Suiza) Stephen Hastings (Italia) Opera (Gran Bretaña)
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> MEDIEVO > BARROCO GRABACIONES ¢
SPLENDOR DA CIEL BACH: BACH: Obras de G. Mazzuoli, P. Mazzuoli, Da El clave bien temperado El arte de la fuga BWV 1080 Firenze, Zacara da Teramo, Da Bologna, Cédric Pescia, piano Bob van Asperen y Bernhard Klapprott, De Salinis, Da Cascia y anónimos LA DOLCE VOLTA 38.1 (4 CD) clave. AEOLUS 10154 (1 SACD) La Morra. Directores: Corina Marti y Michal Gondko. RAMÉE 1803 (1 CD)
Los seres humanos tenemos una natural El álbum que se comenta es el primero que el Cuando este crítico recibió el CD que nos ocupa atracción por lo oculto, y ahí está para firmante tiene ocasión de escuchar del temió encontrarse ante un ejercicio de escucha confirmarlo el riquísimo patrimonio oral y francosuizo Cédric Pescia (Lausana, 1976), espartana: clave solo, además en un verdadero etnográfico que habla de cuevas, tesoros y afrontando una obra de enorme magnitud instrumento original, por un discípulo de mirabilia o seres terribles que habitan al fondo. como El clave bien temperado. Pescia no intenta Leonhardt, la obra más austera del gran Bach... Algo similar ocurre con los palimpsestos, esos minimizar o camuflar que lo que tiene entre las Equivocado estaba, y para comprobarlo solo códices que en su momento se rasparon para, manos es un gran cola, pero lo maneja con tuvo que sorprenderse con la primera nota del reciclarlos y reaprovechar el pergamino para limpia articulación y mesura en el pedal de primer contrapunto, ya adornada, y no de nuevos usos escriturarios. Es el caso del resonancia. Su visión de Bach extrae con éxito cualquier manera. manuscrito 2211 procedente de la iglesia todas las posibilidades de matiz del Y es que Bob van Asperen dedica su CD a florentina de San Lorenzo. Fotografiado con instrumento, de forma que el dibujo se clarifica demostrar el carácter fundamentalmente cámara multiespectral que permite discriminar por una inteligente planificación de matices, teclístico de la obra; o sea, en lugar de colores y accede al espectro no visible, ha como queda perfectamente reflejado en considerarla una obra especulativa que emergido la música subyacente, compilada a momentos de densa trama polifónica, como la simplemente se puede tocar en el teclado, la comienzos del siglo XV, y raspada una centuria Fuga IV del Libro I o la XVIII del Libro II. afronta como la considera: una obra después. Los tempi están escogidos en general con específicamente concebida para el clave, con No todo lo borrado quizá merezca el gran inteligencia, pero es cierto que algún recursos de escritura propios del instrumento, esfuerzo que supone su recuperación. A fin de aficionado que frecuente interpretaciones de la y en la que por tanto hay que usar con cierta cuentas, la tecnología abaratará en el futuro colección bachiana probablemente levante las libertad sus procedimientos interpretativos, sin estas empresas. Y debemos tener paciencia, cejas ante el arrebatado tiempo del Preludio II eludir incluso la ornamentación. El tempo es en pues hace unas décadas este manuscrito se del Libro I o el sorprendentemente pausado general amplio y exquisitamente flexible —algo hubiera tratado con reactivos químicos que a Preludio V del mismo (creo que pocas veces se complicado en una polifonía tan densa—, buen seguro lo habrían dejado hecho unos escucha de forma tan reposada e intimista). Es tomando el debido aire en pausas cadenciales, zorros, a cambio de apenas resultados. Hoy, cierto que, a falta de indicaciones del pero también los debidos reposos para el por medios no destructivos, se ha podido compositor, son otros elementos (la propia fraseo, en el que el holandés denota una recuperar, y con razón, porque la gavilla escritura, compás, etc.) los que nos pueden comprensión detallada de cada compás de esta musical de este manuscrito de Florencia (más orientar sobre los tempi más adecuados, pero música. En la articulación domina un legato que de 200 piezas del Trecento) tiene interés y está no lo es menos que, aún así, el abanico de realza la belleza del sonido del clave Zell más que justificada la intervención. posibilidades en esa materia para una música original utilizado —Hamburgo, 1741—, afinado Gusta La Morra, solvente ensemble del que tan atemporal y caleidoscópica es amplísimo. en un elegante tamperamento desigual; incluso destaco el equilibrio entre voces e instrumentos, Con alguna excepción, las decisiones de Pescia es usado profusamente el sobreligado (notas de de dar a conocer repertorios inéditos o al respecto parecen en su mayoría plausibles. Y una misma voz que se prolongan más allá del escasamente grabados de los siglos XV y XVI aunque su línea de expresión puede en algún ataque de la siguientes). (por ejemplo, el disco dedicado a Petrus momento parecer algo distante (Preludio I del En el libreto Van Asperen explica al detalle Wilhelmi de Grudencz). Por ello, han dejado en Libro I), en otros (Preludios II, III o IX del Libro II) sus elecciones de contenido de la obra: por el tintero a autores como Antonio Zacara de consigue una línea interiorizada y elegante, ejemplo, excluye la célebre fuga final Teramo o el gran Jacopo da Bologna (solo una muy convincente, adornando con gusto las incompleta, pero incluye varias piezas a dos pieza de cada uno) y han apostado como eje por repeticiones. claves. En resumen, una buena primera opción los desconocidos Mazzuoli (padre e hijo), cuyas Versión, en definitiva, notable, aunque no en su instrumentación original de una obra ya piezas no tienen correspondencia con otros haga olvidar las grandes contribuciones disponible en muchas y buenas grabaciones manuscritos contemporáneos. Merece la pena pianísticas de esta colección, desde Tureck a orquestadas. el proyecto de recuperación, el repertorio, y la Richter, pasando por Gulda o Hewitt. interpretación. Lo disfrutarán. Juan Ramón Lara Rafael Ortega Basagoiti Josemi Lorenzo Arribas
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> BARROCO FEBRERO 2019
BACH: CALDARA: GABRIELI FOR BRASS Suite para violonchelo nº 1 BWV 1007 Cantatas para bajo. Sergio Foresti, Obras de Gabrieli, Lappi, Frescobaldi, Partita para violín nº 2 BWV 1004 barítono. Stile Galante. Massaino, Viadana, Buonamente y Suite en Sol menor BWV 995 Director: Stefano Aresi Gussago. Royal Academy of Music. Thomas Dunford, laúd PAN CLASSICS 10389 (1 CD) Julliard School Brass. Director: Reinhold ALPHA 361 (1 CD) Friedrich. LINN 581 (1 CD)
Seguramente ‘mozartiano’ es un calificativo que Antonio Caldara fue un prolífico compositor En esta grabación participa una veintena larga sirve mejor que ningún otro para definir al cuyas obras, por la mala conservación de que de aventajados estudiantes de instrumentos de laudista Thomas Dunford. Lo es no solo por su han sido objeto a lo largo de los años, han viento-metal (trombones y trompetas) de dos precocidad (a los 14 años ya tocaba acabado diseminadas en diversas bibliotecas. prestigiosas instituciones musicales: la profesionalmente con algunos de las mejores Las cantatas que escribiera para bajo son una londinense Royal Academy of Music y la formaciones francesas), sino por su descomunal rara avis dentro del repertorio que se interpreta neoyorquina Julliard School, más un organista, talento. De casta le viene al galgo, pues Thomas habitualmente en la actualidad. Suponen un Benedit Williams, omnipresente en la es hijo de dos históricos de la viola da gamba: claro reflejo del virtuosismo compositivo que grabación. Emplean la denominada tercera vía, Jonathan Dunford y Sylvia Abramowicz (con posee toda la obra del maestro veneciano. es decir, instrumentos modernos, pero criterios ellos grabó hace tres años un excelente disco en El principal problema de esta grabación es de afinación y demás aspectos interpretativos Musica Ficta con suites de Marin Marais). la poca sintonía que encontramos entre la voz ajustados a las prácticas historicistas. De Dunford ha intervenido en un considerable de Foresti y la orquesta. Da la sensación de que conseguir el ajuste y equilibrio del conjunto se número de grabaciones, bien como integrante se encuentran en planos sonoros totalmente encarga el versátil trompetista Reinhold de grupos, bien dando acompañamiento a opuestos. Por un lado, una voz en primerísimo Friedrich, con sólida trayectoria en ambas cantantes (Anna Reinhold o Iestyn Davies) o plano, con dinámicas poco contrastantes, a prácticas interpretativas. Y la captación de un instrumentistas (el clavecinista Aurelien excepción de los forti al final de frase. Por otro sonido suntuoso y espectacular, sensual y sin Delage). Pero nunca había grabado en solitario. lado, los instrumentos del continuo suenan con estridencias, proyectando una clara sensación Para su estreno en esta faceta… ¡qué mejor que cierta lejanía, pese a que ese fuego enérgico, espacial, es obra de Philip Hobs, ingeniero de acordarse de Bach! Dunford ha escogido tres típico de Stile Galante, nunca se pierde. sonido que lleva a cabo su tarea obras de envergadura: la Suite para violonchelo nº 1 Foresti se presenta como una voz prodigiosamente. BWV 1007, la Partita para violín nº 2 BWV 1004 y la auténticamente heroica y triunfal, pero se echa Todo ello, naturalmente, al servicio de la Suite en Sol menor BWV 995. Las dos primeras, en en falta un atisbo de ternura, de intimísimo en soberana música de Giovanni Gabrieli, de arreglos propios; la última, en arreglo realizado las secciones donde el afecto debería de estar quien se han seleccionado trece obras, por Bach de su Suite para violonchelo nº 5 BWV 1011). por encima de todo. Estamos ante una voz que presentadas junto con otra media docena de Los genios buscan siempre a los genios para durante todo el disco parece que pretende sonar compositores contemporáneos suyos —como exhibir lo mejor que llevan dentro; seguramente más grave de lo que realmente es, olvidándose puede verse en la ficha, casi todos inhabituales por ello este CD es uno de los mejores registros del color evanescente cargado de belleza que en la discografía—, que contribuyen a dibujar que se han hecho nunca con cuerda pulsada de Foresti ha mostrado en otras ocasiones. un contexto más amplio. La interpretación de la música de Bach. La transparencia que Ejemplo claro de ello es el lamento de Il Dario, en estos jóvenes músicos angloamericanos es, consigue Dunford con su archilaúd deja el que incluso el legato y la acentuación propia sencillamente, sensacional y, pese a la derretido al más pintado. Pero tal transparencia del italiano quedan supeditadas a una continua inevitable uniformidad tímbrica, apenas la no sería nada si no fuera acompañada por una vocalización pesante que no termina de combinación de distintas distribuciones musicalidad fuera de lo común. Ha merecido la conectar con la pieza. concretas —entre ellas, una, de Massaino, pena esperar a que se produjera el debut en De Stile Galante cabe mencionar la interpretada con ocho trombones—, introduce solitario de este excepcional intérprete. Ojalá no conexión realmente mágica entre la un reconfortante elemento de variedad. He tarde tanto en estrenarse con el dúo que forma violonchelista Agnieszka Oszanca, el probado a elevar el volumen del reproductor con el clavecinista Jean Rondeau —otro genio de clavecinista Andrea Friggi y el tiorbista Gabriele cerrando los ojos. Me traslado en imaginación su generación— o con el Ensemble Jupiter, Palomba, siempre compenetrados a la hora de a una ceremonia solemne en la basílica de San grupo que ha constituido hace bien poco junto ornamentar y con un entendimiento magistral Marcos. Y sólo un detalle me priva del arrebato al mencionado Rondeau y la mezzosoprano de las diferentes partes de cada cantata, estético: ¿cómo habría sonado si los Lea Desandre. sabiendo oscilar entre lo sutil y lo copioso, instrumentos hubieran sido de época? entre lo íntimo y lo exaltado… Eduardo Torrico Mariano Acero Ruilópez Nacho Castellanos
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> BARROCO
Una inmensa alegría contar con una nueva contribución a este maravilloso caleidoscopio musical que es la obra para clave de Couperin, y que ofrece tantas recompensas al oyente GRABACIONES ¢
COUPERIN: GEMINIANI: Obra completa para clave Concerti Grossi op. 7. Café Carole Cerasi, clave Zimmermann. Concertino: Pablo Valetti METRONOME 1100 (10 CD) ALPHA 396 (1 CD)
Resulta desolador que, habiéndose grabado en siete ocasiones, únicamente permanezcan en A diferencia de sus otras colecciones de concerti catálogo dos integrales de la obra para clave de François Couperin. Y, de ellas, sólo una de calidad grossi (opp. 2 y 3 y los basados en el Op. 5 de (la debida a Olivier Baumont). Solo por esto ya constituye una inmensa alegría contar con una Corelli), el Op. 7 de Francesco Geminiani (1748) ha nueva contribución a este maravilloso caleidoscopio musical que ofrece tantas recompensas al gozado de escasa fortuna, hasta el punto de que oyente. Pero la alegría es mayúscula si la intérprete es una clavecinista del calibre de Carole Cerasi, ésta que edita Alpha es su primera grabación quien nos había dado muestras de su gran talento en valiosísimos y multipremiados discos, desde historicista. Y resulta asombroso, porque se trata la primera integral de Jacquet de la Guerre hasta las rarezas del Manuscrito Möller. Ausente de una serie sensacional, caracterizada por una durante años de los estudios de grabación, reaparece de esta manera, como reivindicando su variedad y originalidad inauditas. espacio, un espacio reservado a los muy grandes. Geminiani fue el auténtico guardián de las La artista sefardí nos regala una versión extraordinaria que iguala y, por momentos, supera a esencias de Corelli y verdaderamente es difícil sus más aquilatados rivales. Muy atinada en el tempo, emplea cuando procede el virtuosismo justo concentrar algo más corelliano que el primer —no hay ni que decir que posee una técnica sobresaliente—, aunque jamás recurre al concierto, cuyo segundo movimiento recibe el exhibicionismo gratuito, pues su máxima preocupación es proporcionar a cada pieza su carácter, curioso nombre de L’Arte della Fuga a 4 Partie algo dificilísimo en esta galaxia eufónica, pero que Cerasi logra con maestría. Siempre elegante y reale, un diáfano homenaje al contrapunto del exquisita, sonríe o se entristece, a veces ríe a carcajadas o llora con dolor, salta, baila, contempla maestro de Fusignano, como también su con ironía o ternura, languidece, ama o se estremece de placer o pena, atendiendo cuarto movimiento, una pastoral cuya filiación escrupulosamente a las indicaciones del compositor. Si corre o se demora es porque así lo pide la es fácil de adivinar. música, no por capricho o regodeo personalista. En el segundo concierto nos vamos al Para los preludios de L’Art de toucher le clavecin se sirve de una espléndida copia del famoso teatro, con un poderoso recitativo que no Ruckers de 1624 del Museo de Unterlinden debida a W.F. Morton. Su refinada sonoridad permite a desentonaría en un melodrama, un dramático la intérprete sumergirse de manera óptima en este microcosmos lleno de belleza. El Primer Libro se fugado, una escena operística y un espléndido interpreta sobre un original de Ruckers con ravalement de Hemsch conservado en Surrey. Algo más juego final de imitaciones. El tercero evoca en ácido y metálico que el anterior —culpa de la toma de sonido— su bello y poderoso sonido es los títulos de sus tres movimientos diversos ideal para estas primeras piezas que, en parte, miran al siglo anterior, donde Cerasi se mueve como estilos nacionales, aunque no hay en él nada pez en el agua. Uno de los más bellos rondós del maestro parisino es Les Silvains, con el que Cerasi especialmente inglés o francés, a diferencia del logra una lectura hermosísima, conmovedora, nostálgica, pero, al tiempo, “majestuosa y sin cuarto concierto, cuyo primer movimiento, con lentitud”, como indica el compositor, con un tempo perfecto. dos flautas traveseras y un fagot, mira Para el Segundo Libro se acude a una copia de un Vater de 1738 (Ph. Humeau), algo más seco y claramente a París, aunque después Roma se diáfano que el anterior, pero no menos rico en texturas y colores, que tanto explota Couperin en imponga con facilidad. Tras un quinto de tinte este visionario libro. Aquí hallamos piezas tan populares como Les Baricades Mistérieuses o trágico, el último concierto es el más Les Bergeries, donde Cerasi emplea un pulso firme y menos fluctuaciones de tempo de lo que es sorprendente de todos: se trata de una sucesión habitual, centrándose en el natural fluir de la música y en sutiles inflexiones rítmicas. Con el Libro de catorce micromovimientos de una variedad y Tercero llegamos al máximo refinamiento tímbrico ofrecido por un modelo ya clásico del gran eclecticismo asombrosos, casi un sampler de las Keith Hill, copia de un Taskin de 1769, con el que obtiene una versión particularmente delicada y posibilidades del concerto grosso, sin perjuicio de bella del delicioso rondó Le Dodo y una lectura de extraordinaria introspección en el dolor en incluir extravagancias tales como un brevísimo L’Âme-en-peine. solo de fagot o una obertura francesa. El Libro Cuarto se hace con un fabuloso original de Vater conservado en Cork, dotado de gran Café Zimmermann realiza, como era pastosidad y densidad en los graves. Quizá es en esta última contribución al clave de Couperin previsible, una interpretación magistral, donde Cerasi logra sus mejores resultados, sin irregularidad alguna, mostrando como pocas veces pluscuamperfecta, con unos tempi, una garra, la amargura, desolación y resignación que destilan muchas de sus piezas. Un inmenso logro, no un mimo, un fraseo y un sonido inigualables. obstante alguna ligera pega aquí y allá, inevitable en una empresa de semejante amplitud. Compra obligada para cualquier amante del barroco. Javier Sarría Pueyo Javier Sarría Pueyo
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> BARROCO FEBRERO 2019
MONTEVERDI: SCHMELZER / KERLL: THE FOOD OF LOVE Vespro della Beata Vergine Sonatae unarum fidium. Passacaglia Obras de Monteverdi, Cazzatti, S. Rossi, Ludus Modalis. Dirección: Bruno Boterf en Re menor. D. Irving, violín. H. Lane, Guerrero, Merula, Di Lasso, Falconieri, RAMEÉ 702 (2CD) arpa triple. T. Anderson, tiorba. J. O’Donnell, Caccini, Kempis, Dowland, Scheidt, e.a. clave y órgano. L. Vaughan, viola da Charles Daniels, tenor. Adam Woolf, gamba y lirone. OBSIDIAN 718 (1 CD) trombón. LUPOPHONIC (1 CD)
Ludus Moralis presenta esta singular grabación Desde la Universidad de Melbourne nos llega Hay veces que, cuando menos te lo esperas, de las Vísperas de Monteverdi con instrumentos esta académica grabación completa de las salta la liebre. Y estas es una de ellas. Me no concertantes, donde la obra del maestro de Sonatae de 1664 de Schmelzer (c. 1620-1680), adelanto y lo digo sin ambages: este CD es una Cremona adquiere una dimensión íntima, pero, violinista austriaco fundamental para entender maravilla desde la primera pieza hasta la a la vez, grandiosa gracias a lo claro que se la difusión de la sonata italiana en el mundo última. Son obras del primer Barroco (aunque puede llegar a apreciar su lenguaje musical. germanohablante y también la música de Biber, podamos encontrar alguna que cronológica y Desentrañando esta gran telaraña de veinticinco años más joven pero claro deudor estilísticamente pertenezca todavía al contrapuntos palestrinianos, nos encontramos estilístico suyo. De hecho, no sería difícil Renacimiento, como la bellísima O virgen, con una masa sonora nítida en cada cuerda y confundir estas sonatas con las del segundo: quando os miro de Francisco Guerrero o como muy homogénea en su conjunto, que fluye basadas en su mayor parte en bassi ostinati, esto Susanne un jour de Orlando di Lasso) para voz e como si todos los integrantes formasen parte es, secuencias repetitivas del acompañamiento, instrumentos obligados —en este caso, el de un inmenso órgano. Debido a este uso de y de amplia duración pese a no ser aún trombón—, yuxtapuestos de tal forma que instrumentos no concertantes, se sustituye totalmente tonales, sus variaciones exigen del puedan evidenciar con claridad las similitudes aquí la Sonata sopra Sancta Maria por un ricercar violinista —Schmelzer era uno de los grandes entre ambos. polifónico de Frescobaldi, en el cual la quinta virtuosos europeos del momento— todos los La voz es la del veterano tenor Charles Daniels voz está interpretada por la sección de artificios entonces posibles, incluidas subidas a y el trombón, el de Adam Woolf, intérprete sopranos. Resulta inteligente colocar dicho posiciones muy agudas. asimismo de amplia experiencia y bien ricercar al comienzo del segundo disco, pues así En lo interpretativo la grabación es merecida reputación (integrante de His el pequeño choque de estilos compositivos que ortodoxa e históricamente documentada al Majesty’s Sagbutts & Cornets o de Caecilia- se puede producir no es tan abrupto (pese a que extremo: el erudito Irving toca sobre Concert, además de colaborador en las Frescobaldi y Monteverdi fueron coetáneos, el manuscrito, con una copia de Steiner y un típico formaciones orquestales de John Eliot lenguaje idiomático del primero —sobre todo continuo de época, y explica profusamente en el Gardiner). Les acompañan otros nombres de en el órgano y en las Fiori Musicali— es muy libreto las decisiones musicológicas y reconocida solvencia en la música antigua: la peculiar). organológicas del registro. No por ello deja de violagambista Romina Lischka, la organista y Musicalmente hablando, la grabación ser buen violinista; miembro habitual de clavecinista Kathryn Cok, el versatilísimo rozaría lo sublime de no ser por una prosodia orquestas barrocas británicas, su interpretación Nicolas Achten (que aquí no dirige, ni canta, ni ausente que ni siquiera en las secciones solistas y la de sus compañeros deja oír la esperable toca el arpa o el clave, pero sí el chitarrone, el llega a vislumbrarse. Es una pena que la belleza influencia inglesa en un conjunto australiano: laúd y la guitarra), la arpista Sarah Louise Ridy, de la palabra se pierda en este tipo de empaste y afinación impolutos realzados por Lies Wyers con el lirone y, al trombón, Wim interpretaciones, quedando una mera salmodia una toma más bien resonante, más interés en la Becu y el navarro Miguel Tantos Sevillano. desnuda y difuminada en las fauces de la belleza del sonido que en los contrastes Daniels está sencillamente glorioso. Habré melodía. La palabra es algo sagrado desde el dinámicos, buen legato, una cierta variedad escuchado cientos de versiones de los nacimiento del gregoriano y el entendimiento tímbrica en el continuo gracias a aportaciones monteverdianos Zefiro torna y Si dolce e’l de esta ha de primar siempre sobre el tono de poco usuales como el lirone o el arpa, y ni la tormento, pero son muy pocos los que se recitado. Esto no solo tendríamos que poder más mínima descomposición del gesto musical, acercan a la sublimidad que muestra aquí el apreciarlo en las antífonas gregorianas, sino siempre aristocráticamente contenido —como tenor inglés, quien, además, se maneja con una también en las secciones del tutti. El cuidado de tal vez corresponda a la música del Kapellmeister más que notable prosodia española en la pieza la palabra era el pilar compositivo de una de la corte de los Habsburgo, aunque el plebeyo de Guerrero. El maridaje entre su voz y el música cuyo nacimiento surge de los textos eche de menos más arrojo, más contrastes, más trombón de Woolf tiene mucho de mágico a lo bíblicos. Sin un texto comprensible, la acentos...—. En suma, un disco muy apetecible, largo de todo el programa, pero especialmente interpretación de esta música no tiene sentido. aunque, grabado ya este repertorio por en estos dos scherzi musicali del cremonés. Holloway y Manze, aporte poco nuevo. ¡Un bendito hallazgo! Nacho Castellanos Juan Ramón Lara Enrique Velasco
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> BARROCO GRABACIONES ¢
FLORILEGIUM PORTENSE THE ENGLISH CONCERT LES MAÎTRES DU MOTET Motetes e himnos. Vocal Concert Obras de Dall’Abaco, Porpora, Obras de Brossard y Bouteiller Dresden. Cappella Sagittariana A. Marcello, Tartini y Telemann Les Arts Florissants Dresden. Director: Peter Kopp Director y clave: Harry Bicket Director: Paul Agnew CARUS 83.492 (1 CD) SIGNUM 549 (1 CD) HARMONIA MUNDI 8905300 (1 CD)
Aunque Erhard Bodenschatz fue el responsable Hay un hecho crucial para la consolidación del Les Arts Florissants, felizmente recuperados de la publicación en 1618 de la colección de movimiento historicista a finales de los años 70: para el sello con el que alcanzaron la gloria, tras motetes Florilegium Portense al amparo del éxito las grabaciones discográficas para el sello el abrupto cierre de Erato, el tránsito poco cosechado por la anterior Florilegium Archiv —con la producción del musicólogo fructífero de Virgin Veritas y la época de selectissimarum cantionum de 1603, no cabe duda Andreas Holschneider— de dos grupos: Musica autoedición, vuelve a la carga de la mano de de que su maestro y antecesor como Kantor en Antiqua Köln y The English Concert. Aquel Paul Agnew, en esta ocasión con bellísima Pforta, Sethus Calvisius, fue el autor intelectual insuperable sonido sirvió para que muchos música vocal del grand siècle francés. Como del proyecto, aunque al final este no pudiera melómanos comprendieran que el historicismo indica bellamente Érik Orsenna en uno de los cumplir con sus intenciones. Esta antología fue iba en serio y que ya no iba a haber marcha ensayos acompañantes, solo el azar ha inicialmente concebida bajo un enfoque atrás. En su casi medio siglo de existencia —fue permitido conservar un puñado de pedagógico, para que los alumnos de la Escuela fundado en 1972—, The English Concert ha composiciones de Pierre Bouteiller, azar de Pforta interpretasen sus motetes antes y sabido mantener un estilo particular e encarnado en la persona de un clérigo ávido de después de las comidas. La dificultad de la intransferible que pocos auguraban cuando partituras, Sébastien de Brossard, por entonces colección no es baladí, y en ella se incluyen Trevor Pinnock decidió dejar la dirección de maestro de capilla de la catedral de Estrasburgo, obras de autores italianos, neerlandeses y TEC en 2003. Su sucesor, Harry Bicket (pasemos quien, a su regreso de su estancia parisina borgoñones, con piezas que van desde las por alto la breve y no demasiada exitosa durante la Pascua de 1695, recaló en Châlons- cuatro hasta las siete voces. Pronto se convirtió presencia en ese cargo de Andrew Manze), ha sur-Marne, donde, a su vez, Bouteiller ejercía de en un gran éxito y su difusión no dejó de sido siempre fiel a ese estilo primigenio y maestro de capilla. Allí se intercambiaron crecer, lo que animó a Bodenschatz a repetir la seguramente gracias a ello TEC sigue siendo a partituras: Bouteiller entregó a Brossard trece edición, con añadidos y descartes, tal y como día de hoy una de las más señeras formaciones motetes y una misa de réquiem y este, en se ha dicho, en 1618, y también en 1621. historicistas, a pesar de que ya no queda nadie retribución, obsequió a aquel con un ejemplar Entretanto, en 1606 Bodenschatz publicó de aquellos primeros momentos. de su Primer libro de motetes recién publicado. también el Florilegium selectissimorum hymnorum, Este disco es una buena prueba de ello. Estos regalos son el único testimonio casi una colección de himnos armonizados por Contiene cuatro conciertos solistas, en los que milagroso del arte de Bouteiller hoy conocido. Calvisius, algo más modesta, eso sí. Una cobran protagonismo varios de los actuales El programa gira en torno a esa Misa de selección de estas cuatro recopilaciones puede jefes de sección de la orquesta: el violonchelista difuntos, a la que se enriquece en una suerte de escucharse aquí, y con ello entenderemos por Joseph Crouch (Nicolo Porpora), la oboísta reconstrucción litúrgica con el Miserere, el Stabat qué incluso Bach las tenía en tan alta estima y Katharina Spreckelsen (Alessandro Marcello), Mater y el primoroso Ave verum corpus de las utilizaba con asiduidad. la violinista Nadia Zwiener (Giuseppe Tartini) y Brossard, más entonaciones de canto llano y Desde el comienzo del álbum se aprecia el violista sevillano Alfonso Leal del Ojo (Georg dos piezas organísticas de André Raison. El un cuidado en la nitidez y la ligereza en las Philipp Telemann). Figura una quinta obra, la resultado es un recital deslumbrante, con una líneas vocales, así como la apuesta por la que abre el programa, que es el bellísimo música de gran emotividad y profundidad elegancia en los acompañamientos Concerto à più instrumenti de Evaristo Felice espiritual, al tiempo rigurosa, con frecuente y instrumentales, siempre en un segundo plano Dall’Abaco. magistral empleo del contrapunto, sin con respecto a las voces, cumpliendo de forma Hay mucha excelencia en esta música, que descuidar, sin embargo, la melodía. más que eficiente con su cometido. El sonido está magistralmente interpretada por TCE. Por La interpretación de los parisinos, del conjunto vocal es fresco y lozano, poner alguna objeción, tal vez habría sido hermosa, sentida y redonda, me resulta especialmente en las voces femeninas, algo que bueno incluir otro concierto para oboe en lugar preferible a la también estupenda dirigida por ayuda a la percepción del entramado y a la del trilladísimo de Marcello, del que existen Niquet (Glossa, 2010), enfático hasta la ductilidad en la prosodia, muy trabajada, por decenas y decenas de versiones. Háganme caso: brusquedad. Sólo un pero le hallo: el órgano cierto. El resultado de todo ello son estas esta orquesta es como los grandes vinos: positivo empleado en Raison se queda muy redondas y convincentes versiones. mejora a medida que envejece. corto para tan solemne música.
Urko Sangroniz Enrique Velasco Javier Sarría Pueyo
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> CLASICISMO FEBRERO 2019
ANNA BON: HAYDN: HAYDN: 6 sonatas para flauta op. 1 Concerti per Esterházy Die Sieben letzten Worte unseres Monica Finco, flauta. Roberto Scarpa Marco Ceccato, violonchelo. Amandine Erlösers am Kreuze. Yago Mahúgo, Maylougan, órgano Beyer, violín y directora. Gli Incogniti fortepiano. CANTUS 9229 (1 CD) DA VINCI CLASSICS 00116 (1 CD) HARMONIA MUNDI 902314 (1 CD)
Es frecuente hablar de la precocidad de las Resulta sumamente interesante constatar Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz es la compositoras. En este caso, y sin descartarla, lo cómo Franz Joseph Haydn, en la década de los obra más enigmática de Haydn. No que llegó antes de tiempo fue su muerte, 60 y principios de los 70 del siglo XVIII, era disertaremos sobre su encargo por el oratorio acaecida cuando Bon no alcanzaba la treintena capaz de moverse con igual soltura en un gaditano de la Santa Cueva para el Viernes Santo de edad, en torno a 1767. Nació ocho años doble lenguaje estilístico. Si por un lado son de 1787 (remito directamente a las amplias y después de Haydn, pero este vivió 42 años más los años de experimentación con el formato de documentadas notas informativas del CD, en las que ella. Inútil es especular adónde pudiera la sinfonía merced a tener a su disposición una que se especula con que el estreno pudo tener haber llegado esta joven y dotada compositora, buena orquesta en Esterházy y a trabajar para lugar un año antes), ni sobre el arreglo que de o si su carrera se hubiera truncado por avatares un patrón abierto a las novedades, por otro se esta obra orquestal elaboró el compositor familiares, como en tantas otras ocasiones. mantiene fiel a la estética galante y preclásica convirtiéndola en un cuarteto para cuerda, sino Nació en Rusia en 1740, si bien con cuatro en el terreno del concierto, formato para el que sobre la versión paralela para fortepiano que años estaba en el Ospedale della Pietà. Pero sabemos compuso más de una veintena de supervisó el propio Haydn. De esta última se desarrolló su actividad en el norte y centro de obras. En los conciertos que se han presenta aquí la partitura conservada en la Europa (de ahí lo de ‘veneciana’), siguiendo a su conservado, nacidos también en los mismos Catedral de Salamanca, que data de alrededor de padre, arquitecto y escenógrafo, y a su madre, años antes citados, Haydn se limita a seguir el 1800 y que nunca antes se había grabado. la cantante Rosa Ruvinetti (para ambas Haydn modelo de concierto tardobarroco, en el que la Yago Mahúgo es clavecinista de éxito. Lo compuso su primer intermezzo italiano). forma sonata no está aún del todo consolidada prueban sus grabaciones de música barroca El primer libro (6 sonatas para flauta, el que y en el que el material motívico obtiene un francesa, aclamadas por la prensa especializada reseñamos) lo compuso al servicio de la corte escaso nivel de desarrollo y se mueve más bien nacional e internacional. Pero también es de Federico II el Grande de Prusia, en Potsdam. en el juego de los ritornelli alternados con fortepianista (ha registrado los Geistlichen Lieder La Guerra de los Siete años obligó a la familia a pasajes del instrumento solista. und Oden mit Melodien de Carl Philipp Emanuel trasladarse a Baviera, y más tarde a otras En este disco se abordan los dos Bach junto a la soprano Mariví Blasco). Esta localidades. conciertos para violín y orquesta Hob. VIIa:1 y lectura de Las siete últimas palabras no es que lo La flautista Monica Finco y el organista VIIa:4 y el famoso concierto para violonchelo sitúe como un intérprete mayúsculo, pues ya lo Roberto Scarpa nos premian precisamente con Hob. VIIb:1. En los conciertos para violín Beyer era, sino que lo confirma como uno de los más la opera prima de esta cantante, clavecinista y se recrea en una articulación aún atada al grandes fortepianistas de nuestros días. Se vale compositora, seis piezas impresas en 1756, universo del final del barroco, con escaso en esta grabación de una copia de un Anton cuando apenas Bon contaba 16 años. Dos libros legato, arcos cortos y movimientos rápidos de Walter hecha por Keith Hill —el Rolls Royce de más habrían de llegar, uno con piezas para arco, si bien en los tiempos lentos suelta la los constructores de los instrumentos de clave, un año después, y el último para dos mano del lirismo en un fraseo más ligado y teclado histórico—, cuyo sonido es flautas y continuo (1759). con un acompañamiento más relajado. Si absolutamente majestuoso. Su estilo, claro está, es galante y sigue los Beyer demuestra su absoluto dominio del Mahúgo va desgranando los ocho esquemas de las sonatas da camara. Solo la violín, Ceccato hace lo propio con el primeros movimientos (la Intrada y las siete última incluye para rematar la serie los tres violonchelo, sobresaliendo especialmente en el sonatas) no solo con la precisión de un movimientos canónicos más un minueto con brillo y precisión de sus juegos en el exigente cirujano, sino también con la delicadeza de un seis variaciones. El continuo se reserva al registro agudo escrito por Haydn muy en el orífice, hasta llegar a ese brutal estampido que órgano. Sin alharacas, Scarpa cumple con su estilo de Boccherini. Empastado y brillante es el Il Terremoto, acometido por el teclista papel, que no es otro que favorecer el acompañamiento orquestal, que huye del madrileño con desatada furia. virtuosismo de Finco. Y una y otro, al servicio excesivo desmelenamiento pero que no cae Hasta la fecha había dos versiones de esta obra adolescente que preludiaba un tampoco en la languidez galante. referenciales: Ronald Brautigam (fortepiano, genio (una genia) que se malogró. 2004) y Alexei Lubimov (piano tangente, 2014)… Andrés Moreno Mengíbar Esta se coloca claramente por encima de ambas. Josemi Lorenzo Arribas Eduardo Torrico
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> CLASICISMO > SIGLO XIX GRABACIONES ¢
MOZART: BEETHOVEN: BEETHOVEN: Messe C-moll KV 427. C. Landshamer, Sonatas opp. 109, 110 y 111 Sinfonía n°8. Concierto para piano en A. Vondung, S. Davislim, T. Berndt. Chor Alexandre Tharaud, piano Re mayor op. 61A. Gottlieb Wallisch, des Bayerischen Rundfunks. Akademie ERATO 0190295633820 (1 CD) fortepiano. Orchester Wiener Akademie für Alte Musik Berlin. Director: Howard Director: Martin Haselböck Arman. BR KLASSIK 900917 (2 CD) ALPHA 477 (1 CD)
La musicología mozartiana no ha conseguido La ecléctica discografía de Alexandre Tharaud Dentro de la serie Resound Beethoven, en la que aún desentrañar el misterio de la Misa en Do —construida a base de obras y compositores Martin Haselböck está interpretando y grabando menor de Mozart. Para empezar, queda sin referenciales, por un lado, y de incursiones en las sinfonías y otras obras orquestales de resolver el origen de esta composición más allá terrenos pianísticamente mucho menos Beethoven en salas de conciertos de Viena en las de algunas leyendas inconsistentes. Y habituales, por otro— carecía hasta la fecha de que fueron interpretadas en vida del compositor, continuando por el motivo de que Mozart la referencias beethovenianas. Para paliar esta siempre con plantillas e instrumentos lo más dejase incompleta. Incompleta en cuanto a que ausencia, el pianista francés ha escogido ese cercanos posibles al momento en que fueron faltan números del ordinario de la misa (gran hito que constituyen las tres últimas sonatas. compuestas, este disco reúne la Octava sinfonía y parte del Credo y el Agnus Dei) y también en No hace falta insistir en el culmen que suponen una transcripción para piano (realizada por él cuanto a que buena parte de lo compuesto para cualquier gran intérprete y en su dificultad mismo tras una sugerencia de Clementi) del quedó tan sólo en esbozo para voces y bajo, tanto técnica como de concepción, razones Concierto para violín. Para la ocasión Haselböck con puntuales indicaciones de por las que plantean un desafío que, de ser bien optó por la Academia Austriaca de las Ciencias, instrumentación. Ello ha llevado a Clemens superado, consagra a todo aquél que ose un lugar efectivamente muy ligado a Beethoven, Kemme a realizar una nueva edición de esta hacerles frente. aunque ni la sinfonía ni la transcripción del monumental misa, completando las partes La versión de Tharaud resulta casi concierto se estrenaran en él. instrumentales que faltan en los originales. Su apolínea, e intentaremos explicar la elección de La Octava sinfonía es una obra a la que punto de partida para ello es sugestivo: Mozart, este adjetivo. Da la impresión de que este siempre le han sentado bien las fascinado por la música de Bach y Haendel que pianista lleva mucho tiempo analizando sobre interpretaciones muy volcadas al pasado, pues conoce en Viena en el salón del barón Van la mesa, de que su faceta de compositor se ha sus temas recuerdan reiteradamente al siglo Swieten, aborda una composición con una impuesto durante la mayor parte del tiempo de XVIII, así que Haselböck se siente con mano escritura especialmente cuidada en el estudio y de que sólo cuando la comprensión y libre para juguetear con ellos con una contrapunto y que ofrece claras reminiscencias la aprehensión de las partituras ha sido animación, una jovialidad y una vivacidad casi de la estética barroca. completa ha tenido a bien abordar la tan mozartianas como beethovenianas. Arman también lee la Misa desde la interpretación al teclado. El resultado es una Invadida de esa alegría fieramente clásica, la perspectiva barroca y, con el concurso de una visión muy madura, en la que destaca la nitidez Orchester Wiener Akademie deja una espléndida orquesta de ricos matices tímbricos a la hora de mostrar la unidad interna de cada respuesta orquestal a la altura de las mejores. (desde la oscuridad del arranque del Kyrie hasta movimiento a pesar de los muchos y bruscos En el concierto le pasa a Gottlieb Wallisch el brillo de las maderas en el Credo) y un coro cambios de carácter. Desde el punto de vista de lo que a muchos antes que a él, desde de magnífico empaste, realiza una lectura rica la expresividad, y contrariamente a tantas otras Barenboim hasta músicos de la órbita en acentos en la que se agudizan los efectos versiones, el titanismo físico y mental no es historicista como Brautigam o rítmicos de los acompañamientos mediante algo tan patente, sino que son precisamente Schoonderwoerd: la versión original para violín una articulación volcada hacia el staccato en los esos elevadísimos momentos de serenidad y está plegada a un vuelo y a una capacidad de pasajes corales. Con solventes solistas vocales tranquila reflexión que nos regala Beethoven lirismo del que carece el (forte)piano, lo que es se cierra esta interesante nueva versión de esta los que parecen predominar y desteñir sobre lo especialmente patente en el Larghetto central. pieza. Se completa con una narración en demás: el virtuosismo está ahí, claramente y de No le faltaba razón a Donald Tovey cuando alemán a modo de novela radiofónica sobre los qué manera, pero no agota al oyente. estimaba que las obras de madurez de orígenes de la Misa. Como siempre en el caso de Tharaud, Beethoven no pueden concebirse fuera de sus destaca su trabajo de las dinámicas, cuya pautas instrumentales específicas, lo cual no Andrés Moreno Mengíbar infinita gama de matices resulta una vez más, impide subrayar de nuevo la magnífica labor de apabullante. El DVD adjunto permite ver al Haselböck y los suyos en una partitura que pianista en acción en un elegante decorado que orquestalmente se mide de igual a igual con las no estorba al placer auditivo. grandes sinfonías de su misma época.
Ana García Urcola Asier Vallejo Ugarte
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> SIGLO XIX FEBRERO 2019
CHAIKOVSKI: LISZT: PAGANINI: Cuarteto de cuerda nº 1 op. 11. Años de peregrinaje (primer año: Sonatas para violín y guitarra Movimiento de cuarteto op. post. Suiza). San Francisco de Paula Fabio Biondi, violín Souvenir de Florence (Sexteto de caminando sobre las olas Giangiacomo Pinardi, guitarra cuerda). Cuarteto Meccore Francesco Piemontesi, piano GLOSSA 923410 (1 CD) MDG 903 2091-6 (1 CD) ORFEO 944182I (1 CD + 1 DVD)
Anegada por el éxito de las obras más El suizo Francesco Piemontesi ha querido Este disco, grabado en la Beneficencia de rutilantes de su producción sinfónica, rendir tributo a su país y a Ferenc Liszt Valencia en junio de 2017, recoge una pequeña concertística y operística, la música de cámara grabando el primer cuaderno de Años de muestra del amplísimo repertorio de Paganini de Chaikovski sigue siendo poco interpretada, peregrinaje, un viaje musical y descriptivo que el para violín y guitarra, que consta de casi un a pesar de contener probablemente algunas de compositor húngaro publicó en 1855 a partir de centenar de obras entre las cuales las sonatas las mejores páginas del compositor. En este CD, piezas en su mayoría procedentes del Álbum de ocupan un espacio central. No hace falta el cuarteto polaco Meccore, que cuenta ya con un viajero, escrito veinte años antes, con la idea recordar a Paganini como uno de los grandes un recorrido de once años tras de sí de “encontrarse a sí mismo”, como dice nombres del violín de todos los tiempos, pero acumulando premios y experiencia junto a Piemontesi en el fabuloso DVD que acompaña la mucho más secreta es su pasión por la guitarra, destacadas figuras del mundo musical, como grabación, filmado por el ‘mago’ Bruno instrumento que le encantaba tocar desde muy Alfred Brendel o Günter Pichler sin ir más lejos, Monsaingeon. Liszt transita en los nueve joven; no en vano, Biondi y Pinardi interpretan se zambulle con autoridad en el universo del números de Suiza por universos anímicos y dos sonatas compuestas en sus años de Lucca, autor ruso. Estos intérpretes extraen del ambientales muy diversos, desde la contemporáneas de sus primeros caprichos y Cuarteto nº 1 en Re mayor todos los jugos tempestuosidad virtuosística y exigente de previas a su primera gran gira por Italia como chaikovskianos y los combinan con cuidado y Tormenta a la evocación nostálgica y bucólica de músico independiente. En todo caso, el grueso conocimiento: los resabios schubertianos, los Morriña, Valle de Obermann o Pastoral; de la del disco lo ocupan cinco sonatas en dos juegos tímbricos tan propios del compositor, sutileza casi mística de la Capilla de Guillermo Tell movimientos procedentes de la colección las evocaciones de las canciones populares, la o Égloga a las más que avanzas sonoridades de Centone di sonate y compuestas alrededor de dulzura y la simplicidad de algunas melodías, Al borde de una fuente y Las campanas de Ginebra. 1828, en el apogeo de su fama y de su leyenda, las dificultades rítmicas, los acentos Piemontesi se vuelca en la partitura, que en un momento en el que Europa entera se veía cambiantes y hasta esos atisbos de histeria que conoce, ama y entiende al dedillo. Que siente invadida por la moda de los virtuosos. en otros formatos llegan al paroxismo pero que próxima e ideal para sus sólidos medios Será difícil que estas obras acaben en el marco reducido del cuarteto son mecánicos y su sensibilidad de apasionado desplazando la autoridad de Biondi como felizmente contenidos. intérprete. Una versión sin duda sustancial e intérprete barroco italiano, un campo en el que Para completar los efectivos en el más importante, admirable e impecable desde todos ha hecho historia junto a Europa Galante, pero conocido Sexteto para cuerda op. 70, “Souvenir de los puntos de vista. Falta en ella, sin embargo, la su Gagliano de 1767 suena igualmente de Florence”, se les han unido los miembros del fantasía, el fuego, la poesía y la elasticidad maravilla junto a la guitarra de Pinardi Cuarteto Alban Berg Valentin Erben e Isabelle métrica y dinámica que sí habita en otras (romántica de 1825) en este Paganini tan Charisius, colaboradores habituales del grandes referencias, desde Brendel y Arrau a elegante como virtuoso, recreándose en la Meccore. En esta obra, que nos traslada sin Berman o Ciccolini. El misterioso secreto que redondez de sus melodías, en la fantasía de su cesar desde las sonoridades rusas familiares del convierte lo sobresaliente en excepcional. fraseo, sin que las dificultades técnicas pongan compositor a las propias de esos recuerdos El disco se completa con una versión reparos a la expansión de su sonido pleno y meridionales, destaca su sorprendente verdaderamente sobresaliente y sobrecogedora expansivo. La manera en que ambos juegan con capacidad para evocar todos los colores de la de la leyenda San Francisco de Paula caminando las dinámicas en movimientos como la Polacca orquesta, desde los más ligeros y delicados sobre las olas, pletórica de virtuosismo nada de la Sonata n° 7 o el Rondò alla bambina de la n° hasta las densidades más profundas. Y en la gratuito y de un sentido narrativo excepcional. 12, por poner dos ejemplos entre muchos traducción de esta ilusión se puede afirmar que Más próxima —la versión— a Brendel que a posibles, da prueba de la grandeza de un disco los intérpretes hacen un trabajo realmente Kissin o a la mesurada y preimpresionista de que cuenta, además, con un atractivo artículo soberbio, con un sonido redondo y Aimard. Próxima también a la fogosa y poética de Pierre Elie Mamou (en inglés, francés y homogéneo que nos transmite cada matiz y —perdida, sí, pero imborrable e insuperable en alemán) sobre el carácter diabólico de la música cada recoveco del apasionado, atormentado, la memoria— de Esteban Sánchez. de Paganini y la cuidadísima presentación entusiasta y vivaz espíritu de Chaikovski. asegurada siempre por Glossa. Justo Romero Ana García Urcola Asier Vallejo Ugarte
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> SIGLO XIX GRABACIONES ¢
SCHUBERT: SCHUMANN: SCHUBERT / BRAHMS: Sinfonías nº 5 y 8 Canciones de los opp. 107, 49, 119, 83, Quinta sinfonía en si bemol mayor Orquesta Filarmónica de Viena 35 y 142. Christian Gerhaher, barítono D 465. Serenata op. 16. Orquesta del Director: Claudio Abbado Gerold Huber, piano Concertgebouw de Ámsterdam. DG 4835620 (1 CD) SONY 190758889192 (1 CD) Director: John Eliot Gardiner. SDG 729 (1 CD)
En la larga carrera de grabaciones de Abbado Bajo el título general de “Frage” (“Preguntas”, Es extremadamente ocioso encomiar a John hay una época inicial (desde mediados de los que no se responden), la pareja Eliot Gardiner, captado esta vez en vivo el 19 de 60 a principios de los 80) por la que quien esto Gerhaher/Huber presenta una colección de noviembre de 2016. Lo mismo cabe decir de la firma siente un aprecio especial, que luego se canciones realmente interesante. Cree el orquesta holandesa a la cual conduce. Tal vez revitalizó con insólita intensidad cuando barítono que hay pequeños ciclos a los que no sólo convenga subrayar que Gardiner recoge y superó, siquiera durante algunos años, el se presta atención, como los Opus 40 y 90, o los mantiene viva una tradición paradigmática del gravísimo trance vital de su carcinoma 127 y 142, estos sí incluidos en el recital, porque director de orquesta inglés: limpieza de planos, gástrico, justo en el cambio de siglo. El Abbado no se consideran coherentes, sino mera colorido variado y sutilmente propuesto, apego que surgió tras la enfermedad estaba reunión de piezas sin unidad. Otras canciones especial al Romanticismo leído desde un físicamente demacrado, pero sus dejan de tener sentido cuando se sacan de equilibrio clásico junto a un Clasicismo leído interpretaciones tenían una intensidad y una contexto, como la muy conocida de los desde una sensibilidad con experiencia vibración, una frescura, que durante algunos Granaderos de Napoleón (op. 49 nº 1) que tantos romántica. La síntesis es elegante, es decir: años algunos creímos congelada. De la mano artistas interpretan exenta y en serio, al modo inteligente. La inteligencia y la elegancia son de la Radio Austriaca, el sello amarillo nos trae heroico, cuando, en opinión de Gerhaher, es formas de saber escoger. Inglaterra, si no ha este registro, tomado en directo el 31 de mayo todo lo contrario, una burla irónica típica de podido ser genial en su producción musical, ha de 1971 (Abbado tenía entonces 38 años), en un Heine sobre un soldado que en la retirada de sabido escuchar de modo ejemplar la mejor concierto que se completó con el Segundo de Moscú pierde la cabeza. Son los otros dos música del mundo. Bartók interpretado por su amigo Pollini. Los poemas del Op. 49 los que indican la dirección El programa seleccionado tiene un aire compases iniciales de la Incompleta, y le dan un giro burlesco a los pobres juvenil. La Serenata op. 16 pertenece a una etapa exquisitamente dibujada su nostalgia y drama, granaderos. temprana de Brahms y es una suerte de ponen literalmente los pelos de punta. Es obvio Esta pérdida del sentido original tiene cuaderno de apuntes, fresco y desenvuelto, que Abbado sentía especial predilección por lugar también en algunos ciclos breves, como el para decidir una sinfonía. En cuanto a esta obra, que, curiosamente, también Op. 83, en los que Gerhaher ve sarcasmo donde Schubert, dada su vida breve, todo en él es programó en su concierto inicial como titular otros ven, con inocencia, una escena juventud. Su Quinta sinfonía en Si bemol mayor en Berlín (1989) y, muy significativamente, en el sentimental. Incluso en ciclos como el Op. 107, D 465 es una glosa beethoveniana, pero no en último, poco antes de su muerte, en agosto de que parecía un simple álbum de canciones clave de imitación sino de completud a la obra 2013, con su Orquesta del Festival de Lucerna. descartadas de otros ciclos, ve el cantante una del maestro. Es una sinfonía de las jocundas del Escuchando este disco (pese a que la calidad unidad que a veces es casi estructuralista. Pero ‘Gran sordo’, es decir el primer retrato de técnica de la grabación no puede, obviamente, es en el extenso ciclo sobre poemas de Justinus Schubert. A veces, oyendo al de Bonn, nos competir con las de hoy), uno se explica bien por Kerner (Op. 35) donde centra su mayor esfuerzo parece recoger ecos del de Viena, pero el qué este director excepcional fascinó a esta unificador pues lee el conjunto como uno más trámite correcto es el contrario. orquesta y a tantas otras que dirigió. Emoción, de los grandes ciclos (Liederkreis, Dichterliebe), a Gardiner, a partir de estos supuestos, sensibilidad, profunda desolación en el final de la manera de una novela en desarrollo con un propone un acercamiento a las dos piezas. la Incompleta, envidiable efusión y luminosidad protagonista exageradamente romántico que Alivia la orquesta sinfónica schubertiana y en la Quinta, expuesta con envidiable elegancia y roza el surrealismo. redondea tímbricamente al joven Brahms, de un sonido bellísimo, aunque probablemente El concierto es muy original y magnífica la manera que ambas sonoridades resulten hoy, varias décadas después, alguna arista estaría voz del barítono, pero tiene un inconveniente: próximas. Es de notar la maestría con que elige más destacada (quizá él mismo habría cambiado la voz está tan equilibrada con el piano las velocidades, de manera que tengamos su planteamiento, como hizo con Beethoven). (soberbio Huber, también) que en ocasiones es tiempo de recorrer las melodías al mismo Música con mayúsculas en todo caso, de la casi inaudible. Una lástima, porque en este tiempo que explorar la escritura instrumental. mano de uno de los directores más importantes recital la voz ha de ocupar el primer plano de de la segunda mitad del siglo XX. modo dominante. Blas Matamoro
Rafael Ortega Basagoiti Félix de Azúa
50 SCHERZO 99 € 99 CD 23 39’ a a y es st a-piani ales y de cáma- ales st st 1 CD s amplias y un contrapunto muy per- contrapunto y un s amplias CD 23 CESAR FRANCK (1822-1890) FRANCK CESAR organi Virtuoso Edition. tardío compositor, que supo llenar de que supo compositor, tardío melódi- líneas intenso, un cromatismo ca orque obras las sonal ra de su último período, que tendrían tendrían que período, último de su ra franc en la música influencia gran de inicios del siglo XX. del siglo de inicios ESTE MES RECOMEN DAMOS
N O V E D A D E S F E B R E R O íli- as 3 CD 99 € 99 , junto a Victoria a Victoria , junto 13 CD 29’ te la- sta y Guerrero, del trío y Guerrero, del influyente más musical Renacimiento fue CD Este español. por el Coro grabado en la B Victoria ca de Sanca Miguel de Madrid. , formó , formó Lobo Alonso par ec , es el prolí- el es , acado com- acado st 1 CD 13 CD positor del barroco medio. barroco del positor do y el más de más el y do fico e influyente autor de e de autor influyente e fico Johann Pachelbel Johann edición de música para t para música de edición 1 CD 348 Grabaciones.qxp_Scherzo 22/1/19 14:01 Página 51 Página 14:01 22/1/19 Grabaciones.qxp_Scherzo 348 348 Grabaciones.qxp_Scherzo 22/1/19 14:01 Página 52
> SIGLO XX GRABACIONES ¢
LEONARD BERNSTEIN, director BLACHER: DEBUSSY: Obras de Berlioz, Roussel, Saint-Saëns Tanz Suite. Poème. Hamlet. Preludes du 1er Livre. Estampes y Thomas. Orquesta Nacional de Concertante Musik. Orquesta Javier Perianes, piano Francia. CMAJOR 746808 (1 DVD) Sinfónica de la Radio de Berlín HARMONIA MUNDI 902301 (1 CD) Director: Johannes Kalitzke CAPRICCIO 5349 (1 CD)
Programa francés a cargo de Bernstein y la Resulta incomprensible que la música de Javier Perianes lleva la música de Debussy en Orquesta Nacional de Francia, en dos conciertos Blacher, tan repleta de referencias sonoras (de vena. Todo es natural y fluido, como si detrás fechados en París en 1976 y 1981. La primera obra Stravinsky y Bartók a Berg y Hindemith), tan del cúmulo de sonoridades, registros, es la Sinfonía fantástica de Berlioz, de la que desbordante de dinamismo como atractiva en transparencias, vaporosidades, resonancias tenemos que decir que, a pesar de los grandes lo tímbrico, haya desertado prácticamente de armónicas e infinitas sutilidades no se traductores clásicos (Munch, Monteux, Davis o las salas de conciertos y su presencia agazapara el trabajo de un paciente alquimista Mitropoulos), Bernstein logra sobrepasarlos a fonográfica se reduzca a poco más de media que, encerrado en su estudio a solas con el todos en lo que a intensidad, pasión y arrebato docena de discos. piano y su propio talento, ha calibrado, se refiere, equilibrando magníficamente la Puede decirse que la presente antología sopesado y trabajado a conciencia las infinitas inteligencia y el temperamento en una lectura orquestal carece de desperdicio. La Concertante alternativas y posibilidades que brinda la sabia volcánica, demoníaca y alucinada, en la que Musik (1937) supuso el primer gran éxito para su escritura del impresionismo debussyano. nunca se pierde de vista el aspecto formal. La joven autor en una Alemania al borde del Cualquier detalle, cualquier aproximación orquesta está gloriosa en su dimensión colorista abismo. El gusto por la concisión, el refinamiento escrita o contada enmudece ante la poderosa y delirante, sonido del perfecto prototipo del contrapuntístico y la preponderancia del ritmo, magia del sonido en manos del intérprete músico enfrascado en una pesadilla producida que centrará su obra posterior, está ya presente ideal. ¿Cómo describir el modo en que da por el opio, que me hace recordar uno de los en esta pieza centelleante que hubo de bisarse en realidad a la ternura melódica de La fille aux Conciertos para jóvenes en el que Bernstein hablaba su estreno a cargo de Carl Schuricht y la cheveux de lin, al furor tumultuoso de Ce qu’a vu de la Fantástica como “Berlioz takes a trip”. Filarmónica de Berlín. le vent d’ouest, al ritmo puntilloso de La danse de Notables sonido y filmación, que quizá acusan La partitura del poema sinfónico Hamlet Puck, a los aromas inaprensibles de Les sons et les algo el temprano año de realización (1976). (1940), dado a conocer por los mismos parfums, al monumental misterio de La Cinco años más tarde, en 1981, y con la intérpretes, se extravió durante la guerra y el cathédrale engloutie, a la quietud congelada de misma orquesta, Bernstein volvió con un músico hubo de reconstruirla, aunque su Des pas sur la neige, a la pentatónica magia programa francés de resultados similares. En reestreno vienés, en 1980, se produjo ya a título javanesa de Pagodes, a los acentos de una primer lugar, la Tercera de Roussel, en la que, con póstumo. El potencial coreográfico de su Andalucía intuida en forma de habanera de La el dinamismo personal de la batuta, con su música resplandece igualmente en la Tanz Suite, soirée dans Grenade o a los virtuosísticos ecos entusiasmo comunicativo y su sentido del color, un arreglo de Kalitzke que reúne fragmentos de infantiles de Jardins sous la pluie? traduce admirablemente la mejor sinfonía del la ópera Fürstin Tarakanowa (1940) y los ballets Ante semejante maravilla, se antoja hueco autor, al mismo nivel que los grandes directores Lysistrata (1950) —de una incisividad y hablar de perfección, del verdaderamente del compositor francés (Munch, Cluytens, contundencia electrizantes— y Demeter (1963). prodigioso dominio técnico, del inmenso Martinon), con un vigor sutilmente dosificado y También en una de las últimas y más espectro dinámico, del sonido calibrado hasta con colores bien contrastados. Tendríamos que asombrosas partituras de Blacher: Poème (1974), casi la geometría… La fuerza expresiva, la oír a Celibidache, también habitual traductor de dedicado a la bailarina y coreógrafa Tatjana naturaleza artística y el poder descriptivo y esta obra, para poder comparar con esta lectura Gsovsky, estrenado también póstumamente comunicador de estos Preludes y Estampes se de Bernstein, pero, por el momento tendremos por Giulini y la Sinfónica de Viena. erigen protagonistas sobre unos medios que esperar. Las dos últimas obritas, el poema Existen versiones quizá preferibles a las que técnicos que siempre, sin un instante de sinfónico de Saint-Saëns La rueca de Onfalia y la ahora nos brinda Kalitzke: la Concertante Musik en excepción, se pliegan a la noble función de obertura Raymond de Thomas, son en manos de manos de Kegel (Berlin Classics, 1980), paladeada servidores de la música, de dar soporte a la este director igual de convincentes que las dos al milímetro; el Poème por Athinäos (Signum, obra de arte. Perianes y su técnica ‘servicial’ se anteriores. Un fenomenal concierto, con un 1993); la Obertura de la Tanz Suite por Ashkenazy sumergen en el universo debussyano para Berlioz y un Roussel que podemos calificar de (Ondine, 1998). Pero, en su conjunto, este registro venerarlo y hacerlo realidad. Más que una históricos. representa la puerta de acceso ideal para interpretación de Debussy, estas versiones son empezar a conocer a un músico formidable. Debussy. Puro y sin adjetivos. Enrique Pérez Adrián Juan Manuel Viana Justo Romero
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> SIGLO XX FEBRERO 2019
DEBUSSY: FELDMAN: GLIÈRE: L’Isle joyeuse. Arabesques. Suite For John Cage. Erik Carlson, violín Sinfonía nº 3, “Ilya Muromets” Bergamasque. La plus que lente. Aleck Karis, piano Beogradska filharmonija Jardins sous la pluie. Tres piezas de BRIDGE 9498 (1 CD) Director: Gabriel Feltz Images II. E.a. Nicolai Lugansky, piano DREYER GAIDO 21112 (1 SACD) Harmonia Mundi 902309 (1 CD)
Este disco forma parte de una serie con la que En 1950, Morton Feldman (1926-1987) y John Es hora de un renacimiento de esta Tercera sinfonía Harmonia Mundi celebra el centenario de la Cage (1912-1992), los dos imprescindibles y de Glière, según señala el director Gabriel Feltz en muerte de Debussy. Con ese fin ha invitado a fascinantes músicos de la Escuela de Nueva las notas al disco. La valoraron en profundidad las más notables figuras de su sello para que York, se conocen y traban una amistad que grandes directores como Friscay, Scherchen y elijan su Debussy más personal, atendiendo tan duraría hasta el fallecimiento del primero. En Stokowski (con la venia del compositor, el gran sólo a su propio interés, gusto o placer. Nicolai 1982 salía a la luz For John Cage, segunda de una Leopold consiguió versionarla en la mitad de sus Lugansky ha elegido aquí piezas de toda la vida, serie de piezas de gran formato en cuanto a ochenta minutos largos de partitura). La sinfonía desde 1890 hasta 1910. Su selección es deliciosa duración dedicadas a sus amigos artistas. lleva consigo el nombre de “Ilya Muromets”, el y profundamente original. La reconocida Ambos músicos atendían las superficies planas héroe de la mitología popular ucraniana que la técnica del ruso (¡que pianísimos!) se une aquí a de la pintura expresionista del momento inspira, un caballero a caballo (ninguna portada una elegancia que debe calificarse de cuajada de variaciones cromáticas como una suele resistirse a mostrarnos su imagen icónica) afrancesada en el mejor de los sentidos. Daré fuente inspiración para sus nuevas partituras y que recorre episodios de aventura justiciera sólo algunos ejemplos. La Plus que lente es como estrategia que permitía ir borrando de la después de serle milagrosamente devuelta la realmente lenta, casi un minuto más que las memoria retóricas heredadas. Feldman además capacidad de andar a los 33 años. Con el hálito de versiones canónicas, y esto es así porque estudiaba las tramas, colores e irregularidades un poema sinfónico, en cuatro cuadros cargados Lugansky de un modo astuto y refinado imita de las alfombras del Cercano Oriente, de sugestión, escena y narración, esta sinfonía es la entonación salonarde. El arabesco melódico, especialmente aquellas de diseño turco. digna de pertenecer a la historia global de las típico del compositor, en sus dedos parece Esta obra de madurez muestra patrones mejores. De ella se surten melodías cincelado. No es la tradicional curva del Art similares a otras anteriores en sus veinte transcendentes y efectivas, siempre con el Nouveau, sino algo más próximo a las Fleurs du páginas con cinco líneas y nueve barras emocionante dominio de una orquesta Mal. Hay una gota de malignidad en esta entendiéndose como una analogía formal a portentosa que pasea las sombras de Wagner, versión. esos tejidos orientales. Durante casi 72 Chaikovski, Scriabin y Bruckner, entre otros. Siempre de finales del XIX, la minutos, violín y piano se mueven en un Rachmaninov supo reconocer a Glière extraordinaria Suite Bergamasque, de la que tanta medido equilibrio en cuanto a presencia de como un melodista glorioso, mientras gente sólo conoce el manoseado Clair de Lune, voces, serenamente, con una exquisita Shostakovich lo vio como un compositor tiende en Lugansky a prescindir del mundo sobriedad, en un envolvente juego de texturas y mediocre, seguramente arrastrado por factores galante del XVIII para acercarse a los colores, de sutilísimas variaciones que trae cada de afinidad y generación. Como recursos y clavecinistas galos que fueron la inspiración de nueva página, cambios de tonalidad, cambios modas pasados se asumen con mayor Debussy y quien los libró del olvido. De nuevo de ritmo, simetrías y asimetrías en las naturalidad en un presente menos es el metal lo que da consistencia a un material secuencias de notas. Sin apremio se sostiene el comprometido, que se queda con la esencia que particularmente evanescente. Diez años más flujo sonoro en pianissimo, que es la notación nos sigue conectando, damos buena cuenta de tarde Debussy volverá al piano con las Estampes, que aparece a lo largo de toda la partitura. Así que Glière fue un compositor memorable y, de las que Lugansky ha elegido la tercera, lo han tocado Karis y Carlson, dos superlativos pensando en esta sinfonía que viene siendo quizás la más próxima a los grabados japoneses intérpretes en su modo de introducirnos con representada y registrada con frecuencia y a los paisajes de su amigo Jacques-Emile devoción en una dimensión tan íntima, calma y inferior al mérito, muy injustamente extraviado. Blanche de quien se conserva la información. al fin y al cabo conmovedora como solo ha sido La Orquesta Filarmónica de Belgrado, bajo Finalmente, de las Images ha preferido la capaz de crear Feldman. la batuta de Gabriel Feltz, nos ofrece una segunda serie, de nuevo la más cercana al versión natural y detallada, de tempo magistral, espíritu oriental, como en esos peces dorados Manuel Luca de Tena al servicio de los pertinentes valores que fluyen por una caja de laca negra japonesa wagnerianos de leyenda y afectación mientras con apliques de oro y nácar. Un disco lustra con destreza su brillante y emotiva elegantísimo y precioso como un marfil nipón. pátina romántica.
Félix de Azúa José Antonio Tello Sáenz
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> SIGLO XX GRABACIONES ¢
MUCZYNSKI: MUSGRAVE: RACHMANINOV: Música de cámara. Ginevra Petrucci, An Occurrence at Owl Creek Bridge. Conciertos para piano nº 2 y 4. Suite de flauta. Gleb Kanasevich, clarinete Green. Wild Winter I. Jake Gardner. la Partita para violin BWV 1006 de Dorotea Racz, violonchelo London Sinfonietta. Scottish Ensemble. Bach. Daniil Trifonov, piano Dmitry Samogray, piano Red Byrd. Fretwork. Dir.: Thea Musgrave Orquesta de Filadelfia. Director: Yannick BRILLIANT 95433 (1 CD) y Jonathan Morton. NMC 167 (1 CD) Nézet-Séguin. DG 4835335 (1 CD)
Del norteamericano Robert Muczynski (1929- Aunque fechado ya hace siete años, es ahora El presente disco, más allá del marketing que le 2010) poco o nada sabemos por aquí y el una magnífica oportunidad este disco de NMC, rodea, nos trae a uno de los pianistas más presente CD vendrá a ilustrar a muchos sobre él. que recoge grabaciones de BBC3 inmediatas a dotados de su generación, con uno de los más A este compositor, de ascendencia polaca y la fecha de composición de las obras incluidas, celebrados conciertos del repertorio, en la eslovaca, le tocó vivir la época de las vanguardias para acercarse al catálogo de la ‘gran dama’ de primera entrega de un prometido ciclo que y su superación, la postmodernidad y la época la música británica, Thea Musgrave, en plena incluirá los cuatro del compositor ruso. El de las individualidades en que nos hallamos y en coincidencia con los varios homenajes que, con comienzo, quedo, tranquilo, profundamente la que ya no cabe hablar de tendencias o estilos motivo de su nonagésimo aniversario, le han triste, del conocidísimo Segundo concierto, generacionales como tiempo atrás. Muczynski, dedicado, por ejemplo, los festivales de música responde admirablemente a la indicación genuino músico de su tiempo, acusa influencias de Leicester y Estocolmo en 2018. “Moderato – pp poco a poco crescendo”, para claras. En este sentido podríamos señalar como Recoge el registro las tres últimas décadas enfatizar después el cambio a “con pasione”. más inmediatas a Prokofiev, a Bartók, a creativas de Musgrave, representadas en su La interpretación nace de la melancolía y Stravinsky y a Les Six. Pero también parece inicio por la ópera radiofónica An Ocurrence at crece, en efecto, hasta una apasionada efusión, asumir tendencias más o menos evidentes como Owl Creek Bridge (1981), sobre un relato de con un clímax estupendo de solista y orquesta el Neoclasicismo o cierto Romanticismo, en Ambroise Bierce ambientado en la Guerra de (escuchen sobre el 6’44” del primer beneficio de un estilo propio. Secesión estadounidense, revela la capacidad de movimiento). Como cabía esperar, Trifonov luce Ciertamente no parece que Muczynski se Musgrave para la música dramática, renuente al su espléndido sonido, su cristalina articulación y propusiese ser de lo más original (no debió de carácter descriptivo y especialmente feliz su aristocrática elegancia en un discurso comprometerse con las vanguardias más o conforme la anécdota se desliza hacia la profundamente emocionante (escuchen el menos ‘oficiales’ ni tampoco con un introspección psicológica, con el protagonismo cambio al pasaje más lírico sobre los 9’48”), que Neorromanticismo más o menos evidente y, creciente del barítono solista. Por su parte, el culmina en una coda arrebatada y contundente. menos aún, con la simplicidad del Minimalismo), punto de llegada lo marca Green (2007), La suya es una interpretación de contrastes pero sí adivinamos en él un deseo de honestidad, composición para doce instrumentos de cuerda quizá más abiertos (y mejor grabación) que la de componer aquello que siente, y de expresarlo que no nos resulta una aportación demasiado también sobresaliente de Volodos con Chailly, y con libertad más allá de los muchos ismos de la sustancial, dada la previsibilidad de sus texturas, tal vez menos peculiar que la de Zimerman, en época. Así pues, resulta de la audición de este CD su insistente lenguaje neobarroco y la obviedad todo caso de un grandísimo interés pese a su una experiencia gratificante al conocer a un de su contenido narrativo, por oposición de intencionada morosidad. creador sincero que realmente sabe cómo registros y comportamientos sonoros. El lirismo del segundo tiempo está expresarse. Y es que Muczynski es dueño de un Wild Winter I (1993) constituye, por el admirablemente captado, también por un sólido oficio (valga como dato ilustrativo al contrario, una obra lograda: una serie de excelente acompañamiento de la Orquesta de respecto que tuvo entre sus maestros a ‘lamentaciones’ para cuarteto vocal y consort de Filadelfia, cuyo clarinete canta de forma Alexander Tcherepnin). A veces puede parecer violas que entreteje textos variados, con hermosísima el motivo principal. Nézet-Seguin distante en lo expresivo (como Les Six en su Wilfred Owen como hilo conductor y entre los se compenetra admirablemente con Trifonov, versión más genuina), una especie de Hindemith que se cuenta la Casida del llanto lorquiana, también en el interesante pero no tan apreciado que aspira a ser solamente un buen artesano, menos convincente por su toque exotista (como partitura) Cuarto concierto, dibujado con pero su música va un poco más allá y en todo orientalizante; un detalle menor en una pleno acierto por solista y director. Impecable la momento subyace no sólo la expresividad más composición notable, tanto por el acusado interpretación de los arreglos bachianos de sincera sino incluso cierto dramatismo. tinte expresionista de la obra en su conjunto Rachmaninov, que tienen más interés como Las versiones de los cuatro músicos como por el colorido de la escritura vocal Rachmaninov que como Bach (para una convocados para esta grabación son excelentes y (Interlude, sobre Pushkin) y, sobre todo, la transcripción realmente afortunada de esa suponemos que sin competencia, al menos a este transfiguración gesualdiana del Madrigal, que música hay que acudir al maestro Leonhardt). nivel de calidad que es, por supuesto, muy alto. desgrana versos de Petrarca. En todo caso, un consejo: no se lo pierdan.
Josep Pascual Germán Gan Quesada Rafael Ortega Basagoiti
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> SIGLO XX FEBRERO 2019
RACHMANINOV: Conciertos nº 2 y 3. Yevgeny Sudbin, piano Orquesta Sinfónica de la BBC. Director: Sakari Oramo BIS 2338 (1 CD)
Yevgeny Subdin es un pianista de garantías, sobre todo en la música de su país. Ha realizado estupendos registros de Scriabin y mantiene una constante relación con la obra de Rachmaninov, de la que ha grabado ya MAURIZIO POLLINI buena parte (los Conciertos nº 1 y 4, por ejemplo). En este nuevo CD se vuelca en las dos composiciones más famosas, y mejores, de ese ciclo, los CHOPIN Nº 2 y 3. Difícil es decir a estas alturas algo distinto que no se haya dicho ya acerca de estos tan conocidos pentagramas. El pianista aporta, sin embargo, una visión meditada de ambas partituras, buscando su dimensión más lírica, efusiva y concentrada, en complicidad con el sensible y despierto maestro finés Sakari Oramo, que le presta un apoyo esclarecedor, de tal manera que podemos seguir sin Maurizio Pollini, el eminente experto dificultad los amenos diálogos teclado-tutti que van forjando paso a paso, con transparencia, el tejido respectivo de cada obra. El primer movimiento, en Chopin de su generación, continúa por ejemplo, del Nº 2 está tocado sin blanduras, sin peligrosos dengues, sin elongaciones fuera de lugar, a partir de un fraseo sobrio pero fantasioso y con su exploración cronológica de las una colaboración orquestal muy ajustada. La música fluye con naturalidad últimas obras del maestro polaco. y se llega al clímax sin ningún tipo de forzamiento ni apresuramiento, con el resultado emocional de lo bien hecho. En este CD se reúnen las últimas Muy cantado, a media voz, con hermosos trinos el Adagio sostenuto. El tema inicial del Allegro scherzando se enuncia a toda interpretaciones del pianista incluyendo presión. Se observa un entendimiento y una conjunción fuera de duda la Sonata B menor y Berceuse, entre entre ambas fuerzas. La exposición de la frase más cálida y conocida se lleva a cabo con la sencillez y frescura que convienen, con la acentuación otras. y retenciones más musicales, lejos de sobados modos y maneras. Espíritu que reina asimismo en la consecución del Nº 3, abierto elegantemente con el famoso y repetido tema en re menor, base permanente de la estructura de ese Allegro ma non tanto, algo farragoso en sus tramos centrales. La distribución de voces, la voluntad de dialogar, las suaves transiciones promueven que la interpretación se siga con gusto y que la música se nos haga más digerible que en otras ocasiones. Lejos quedan recreaciones señeras como las de Tatiana Nikolaieva y Sviatoslav Richter, en cuya órbita, aunque con menos pegada que la de este último, se ubica Sudbin, cuyos ágiles dedos no perdonan ni una sola nota. El punto culminante de ese primer tramo es sorteado con solvencia, sin que el piano deje de cantar y de expresar impulsado por la grácil digitación. Se establece luego, en el Intermezzo (Adagio), el debido contraste, y se aprecia cómo el solista entona esa especie de vals sombrío de la sección central. La gran frase, tan habitual en Rachmaninov, en la que piano y tutti se contrapuntean para llevar al cénit la melodía principal, es expuesta con tanta intensidad como elocuencia. Lo mismo que el impresionante y afirmativo cierre.
Arturo Reverter deutschegrammophon.com universalmusic.es
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> ENTREVISTA GRABACIONES ¢ Andrew Gourlay
“La OSCyL se encuentra en un momento apasionante”
Después de unos años intensos grabando para importantes sellos nacionales (Tritó, Verso), internacionales (Bis, Naxos) y multinacionales (Deutsche Grammophon), la Orquesta Sinfónica de Castilla y León ha optado por la auto-edición, una iniciativa contemplada en su vencido 25º aniversario. En el momento de la entrevista, su director titular, Andrew Gourlay (Jamaica, 1982) sale de ensayar la Novena de Mahler y derrocha un entusiasmo que no denota la energía gastada. La isla de los muertos y la Segunda sinfonía de Sergei Rachmaninov son las obras con las que se inaugura este proyecto discográfico.
¿Por qué estas obras para bautizar el sello? el Museo Ruso. Fue una experiencia es muerte, sino que existe la posibilidad de ¿Tal vez se trata de una apuesta fuerte para transformadora para mí, ya que me conectó de explorar una isla mística. ver las posibilidades de la orquesta? una manera profunda con mi pasado, al mismo Tal vez esta es la cuestión por la cual Sin duda. Esa es una de las razones. tiempo tan desconectado de mi realidad actual. usted parece muy interesado en marcar Yo tenía en mente dos motivos principales para No pretendo demostrar que yo sea tímbricas y dinámicas, por acentuar los decidirme a grabar en primera instancia a especialmente ruso, pero sí es verdad que contrastes... Rachmaninov: primero, mostrar todo que la escuchar la música de Rachmaninov de niño Sí, el ritmo y la dinámica están siempre OSCyL puede decir como orquesta; segundo, me ha influido mucho más que ver el nombre dentro de mi cabeza… Mi trabajo al principio quería hacer una música por la que sintiera una de mis antepasados en un libro. es hacer que los músicos toquen las dinámicas conexión especial y que además pudiera Las dos obras que ha grabado son, en que están plasmadas en la partitura. Es aportar algo personal con la grabación. conjunto, obras sombrías, incluso necesario tocar lo que el compositor pide para Por todo ello, el proceso ha sido muy orgánico. conflictivas, pero usted trata de encontrar luego llegar más allá y entrar de lleno en el Ya habíamos trabajado juntos Rachmaninov una línea de claridad que refleje ese mundo meollo de la música. Y hasta que no se produce — en concreto las Danzas sinfónicas, las cuales interior del compositor. ¿Estoy un conocimiento conjunto del ritmo, no es son muy complejas, un verdadero desafío— y equivocado? posible explorar los matices que rodean ese quedé muy impresionado por lo bien que la No, así es. Cuando pienso en la Segunda ritmo. Pero una vez se produce esa conjunción, orquesta había captado el estilo. En otro nivel, sinfonía, pienso en algo muy positivo. se pueden hacer cosas maravillosas, porque es más personal, me apasiona Rachmaninov y Obviamente que hay oscuridad ocasional, pero entonces cuando se produce la verdadera creo que tengo mucho que decir musicalmente. siento una gran alegría dirigiendo esta obra, libertad. Si cada uno busca su propia línea sin ¿Es también, de alguna manera, un algo que no obtengo de muchas otras sinfonías tener en cuenta las demás, es imposible modo de conectar o de saldar deudas con de esta envergadura: es pura felicidad. Como alcanzar una experiencia compartida. su pasado ruso? sabemos, la línea que separa la felicidad de la ¿Ha tenido algún maestro en concreto Interesante cuestión. Hace quince años, tristeza suele ser muy delgada. En La isla de los que le haya inoculado esta forma de cuando estaba en la Universidad, realizamos muertos hay menos opciones de encontrar la entender la dirección? mi familia y yo un viaje a San Petersburgo. Para felicidad, pero aun así hay momentos de luz. En general, para escuchar y seguir las nosotros no eran unas simples vacaciones sino Porque la pintura de Böcking que inspira a dinámicas, Claudio Abbado ha tenido una más bien un viaje para conocer a nuestros Rachmaninov era una copia en blanco y negro, influencia definitiva. Él siempre se centró en la ancestros. Por ejemplo, hay un retrato que y las diferentes secciones estaban aún más importancia de que cada músico escuchase el realizó Ilia Repin de mi tatarabuelo [Alexander marcadas. Por lo tanto, tienes estos contrates conjunto. “¡Escucha a esa sección!”; “Cuando D. Zinoviev, gobernador civil de San entre penumbra y destellos de luz en la obra. toques esto, escucha a aquél…”. Se trata de una Petersburgo con el zar Nicolás II] y que está en Esto es lo que trato de transmitir, que no todo fórmula muy simple, pero que puede solventar
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> SIGLO XX
muchos conflictos, porque los oídos se abren. Solo pude trabajar un mes con Abbado, pero estoy seguro de que quienes estuvieron con él más tiempo dirían lo mismo. El siguiente disco que han anunciado será la Décima de Shostakovich. Podríamos dar la sensación de que estamos centrados solo en música rusa, pero no es así. La Décima de Shostakovich es otra gran sinfonía, con la que igualmente me siento conectado y muy cómodo, que he interpretado
en numerosas ocasiones. Se trata obviamente FEBRERO 2019 de música rusa, pero muy diferente en estilo de la de Rachmaninov. Rachmaninov es tal vez un espíritu más libre, especialmente cuando se fue a vivir a Estados Unidos y liberó sus líneas melódicas, mientras que Shostakovich estaba más constreñido por el ambiente soviético. RACHMANINOV: SHOSTAKOVICH: ¿Y no está interesado en el repertorio La isla de los muertos op. 29. Sinfonía Sinfonías nº 4 y 11. Boston Symphony español para el sello? nº 2 en Mi menor op. 27. Orquesta Orchestra. Director: Andris Nelsons Se trata de algo que sin duda ya me ha Sinfónica de Castilla y León. Director: DG 483 5220 (2 CD) pasado por la cabeza. De hecho, me encanta la Andrew Gourlay. OSCYL 001 (1 CD) música española, y en varias ocasiones la he dirigido. Pero no la tengo tan interiorizada como la pueden tener otros directores, todavía la estoy La nueva aventura discográfica de la OSCyL Desde nuestra perspectiva puede parecer descubriendo y quizá aún sea un poco pronto —grabando con sello propio— da sus primeros asombroso que Shostakovich ocultara para enfrentarme a ella. Me interesa mucho, sin pasos (a la par que los últimos de su aniversario) precisamente la Cuarta sinfonía después de la embargo, la música contemporánea, y trato de con consciencia de lo que pretende ofrecer: condena de su ópera Lady Macbeth de Msensk. abrir oportunidades a compositores e riqueza tímbrica y hedonismo sonoro de la ¿Tan distinta es la Cuarta de la Quinta? Pero si intérpretes españoles. He tenido la oportunidad mano de dos piezas de Rachmaninov que lo percibimos la Cuarta como posterior a la de realizar encargos a jóvenes compositores, y precisan y explotan en el mejor de los sentidos. Segunda y la Tercera, las que menos nos gustan a por el momento este es mi principal La isla de los muertos op. 29 que inicia el CD es una todos, la cosa cambia. La Cuarta era todo un compromiso con la música española. de las obras del repertorio donde resulta más experimento en aquel año 1934. La Cuarta Tal como está el mercado y los hábitos complicado mantener la atmósfera sin quedó oculta durante casi tres décadas, hasta de consumo de la música grabada, ¿es excederse en su retrato de la decadencia. que Kondrashin la rescató en tiempos del necesario un sello discográfico? Andrew Gourlay apuesta por la plasticidad y el ‘deshielo’. La Quinta, por su parte, fingía ser Es una pregunta que yo mismo me he fraseo para no caer en el amaneramiento, una contrición, y eso despistó durante mucho planteado en mi casa, viendo miles de discos buscando una lectura relativamente optimista tiempo. Al atrevimiento formal de la Cuarta que no sé si alguna vez volveré a escuchar, que resta profundidad a los primeros compases. sirve de contraste en este álbum el atrevimiento porque ya tengo en streaming todo a mi alcance. El resultado es una visión algo menos dramática de la Undécima. Era una evocación histórica, la Pero hoy por hoy la música clásica que se que deja un poco de lado la bruma poética que Revolución de 1905, pero hoy se sabe que la escucha a través de las plataformas online no se suele rodear a la partitura. El sonido moroso de misma música descriptiva y evocadora servía ofrece en las mejores condiciones. la cuerda, comunicativa pero sin efectismos, y para dibujar la represión de la desesperada Generalmente el sonido está tan comprimido la flexibilidad en la acentuación rítmica son las revuelta húngara de 1956. que las dinámicas se pierden, mientras que un mejores bazas de la versión. Nelsons se enfrenta aquí, como en el resto de su CD garantiza la calidad más alta. También una Hay una coherencia en cuanto a espléndido ciclo, con el desafío de conseguir el parte de mí me dice que aún necesitamos el planteamiento con la Sinfonía nº 2 en Mi menor op. equilibrio de dos sinfonías que lo ponen difícil. soporte físico, para poder exhibir un producto 27 que completa el programa. Sin caer en la Es asombroso el contraste que puede plantear del que los melómanos de Castilla y León banalidad discursiva se opta por el extremo el director entre el Presto del movimiento puedan sentirse orgullosos. contrario: una casi obsesiva lucha por evitar la inicial de la Cuarta (que, literalmente, Por último, ¿cree que la OSCyL ha retórica romántica inocua. El primer impresiona) y la disolución final del último logrado encontrar su propio sonido? movimiento es muy arriesgado en sus balances, movimiento, marcado Largo y Allegro (que, La orquesta se encuentra todavía en fase de penalizando en algunos momentos a literalmente, te deja en suspenso), y que no crecimiento, y es relativamente joven, pero ya violonchelos y contrabajos. Salvando las resuelve precisamente en allegro. Ese contraste está desarrollando un sonido propio. Yo llevo distancias, se acerca un poco en lo conceptual al es clave en aquel equilibrio. Nelsons resaltaba la tres años como director titular, y puedo planteamiento lírico del Previn de los 70, pero belleza de la Cuarta, que emparenta claramente asugurar que la evolución ha sido enorme. restándole mirada otoñal y algunos gramos de con la ópera maldecida, pero en cuanto a Estamos llegando a un momento apasionante melancolía. El segundo movimiento, algo falto dibujo de belleza tanto lírica como cruel se luce para la OSCyL, cuando merece colocarse en el de nitidez, se contrarresta con un elegante con Boston en la secuencia que crece y crece de mapa junto a las grandes orquestas del mundo. Adagio y un Allegro vivace que sabe llegar al la Undécima, desde el ominoso paisaje ante el Es una afirmación audaz, pero, si quiere una clímax sin arrogancia y con la opulencia precisa. palacio hasta la fatídica alarma final, con instantánea que lo verifique, escuche el alto En resumen, un muy buen lanzamiento culminación en el desolado cantábile que se voltaje de los pasajes centrales de La isla de los inaugural que se beneficia de la acústica natural convierte en himno, Memoria eterna, del Adagio. muertos… ¡Nadie podrá negar la calidad de de una de las mejores salas sinfónicas de Hay varios ciclos de referencia de las sinfonías nuestros músicos! España y sede de la OSCyL, el Centro Cultural de Shostakovich; el de Nelsons es uno de ellos. Miguel Delibes. José Miguel González Hernando Santiago Martín Bermúdez Mario Muñoz Carrasco
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> SIGLO XX GRABACIONES ¢
STRAUSS: SZYMANOWSKI: GERSHWIN / CONSTANTINI / Concierto para trompa op. 11. Serenata Música para piano PIAZZOLA: op. 7. Sonatina nº 1. Metamorfosis. Marek Szlezer, piano Obras para piano Robert Langbein, trompa. Staatskapelle DUX 1367 (1 CD) Claudio Constantini, piano Dresden. Director: Christian IBS 252018 (1 CD) Thielemann. HÄNSSLER 15016 (2 CD)
El Primer concierto de trompa, obra compuesta por Szymanowski fue un personaje central de la Este CD interpretado al piano solo por el pianista Strauss a los 19 años dentro de un espíritu renovación de la música polaca. De 1901 a 1905 y bandoneonista peruano Claudio Constantini clásico-romántico, con ingenuos préstamos de vivió en Varsovia, siendo de esta etapa las quedará como uno de los de referencia en este Schumann (movimiento central) y Weber (finale), composiciones de juventud que configuran el tipo de repertorio no solo por la calidad de además de una prodigiosa dificultad técnica, presente registro: los Preludios, los Estudios op. 4, sonido (tecnología DXD), sino por su calidad encuentra en Robert Langbein el instrumentista los dos cuadernos de Variaciones opp. 3 y 10 (aquí artística. Los compositores elegidos para la adecuado por plenitud de sonido, tranquila solo se interpreta el último opus). grabación son tres: uno norteamericano, seguridad y deslumbrante virtuosismo. Los Nueve preludios op. 1 son los primeros George Gershwin, y dos suramericanos, Astor El acompañamiento de Thielemann, ensayos pianísticos y anuncian ya el estilo futuro Piazzolla y el propio Claudio Constantini. perfectamente acoplado con el solista, es atento de su autor. Escritos en 1899-1900, excepto los nº “América”, que así se titula el CD, es un viaje que y sensible; tanto él como su solista logran una de 7 y 8 que son de 1896, se reconoce el lenguaje de comienza en las calles de Nueva York y termina las mejores versiones modernas de esta juvenil Max Reger y del primer Scriabin, sin olvidar el en las de Buenos Aires. En la versión física de la composición. Las dos obras para instrumentos espíritu divagante de Chopin. De sus Cuatro grabación, por razones de espacio, no se ha de viento, que a juicio del propio compositor estudios op. 4, compuestos entre 1900 y 1902, podido incluir la última pista, Tardecita “son músicas superfluas desde el punto de vista destacamos la originalidad del segundo, en Sol pampeana. Si no, el viaje que nos propone de la historia de la música, solo útiles para la bemol mayor (Allegro molto, leggero e veloce), Constantini nos habría llevado aún más al sur práctica como conjunto de los instrumentistas armonías cromáticas y extrañas y lejanas del continente americano. No obstante, esa que intervienen”, no tienen secretos para la modulaciones que crean un clima inestable e breve ‘joyita pampeana’ se puede encontrar en Staatskapelle, poniendo en evidencia un irreal. Resulta novedoso el cuarto, en Do mayor transmisión digital en las múltiples equilibrio exquisito entre la simplicidad de su (Allegro ma non troppo), que acentúa todavía plataformas que hay en Internet. contenido melódico y el refinamiento del más la incertidumbre tonal con progresiones El programa comienza con la reducción vocabulario armónico de Strauss. armónicas a lo Wagner. Entre 1900 y 1904 para piano solo que hizo el mismo Gershwin La mejor obra de este álbum, Metamorfosis, construyó las Variaciones sobre un tema popular de Rhapsody in Blue, algo que sorprende, pues sigue la línea interpretativa de otro colosal polaco, pieza que divide en dos grupos: sus muchos esperarían escuchar la versión straussiano, Rudolf Kempe, que con la misma primeras cinco variaciones las idea en modo orquestada. A la conocida rapsodia de orquesta que Thielemann logró una fenomenal menor, mientras que las siguientes las hace en Gershwin le siguen sus Tres preludios, publicados traducción de esta música fúnebre. La versión modo mayor, excepto la octava, en Sol menor, en 1926. Constantini muestra su magnífica arte de este último, que cierra el contenido de este una marcha fúnebre que resuena pianística. Luego llegan las asombrosas álbum, no le va a la zaga y logra plasmar obstinadamente. Se incluyen dos Preludios. El Variaciones Summertime, compuestas por adecuadamente la música más profunda e segundo de ellos —compuesto entre 1905 y 1909 Constantini, ricas en armonías y sonoridades y introspectiva del amplio catálogo straussiano. y ganador del segundo premio de un concurso basadas en la conocidísima canción A veces, algunos sforzandi pueden parecer no organizado por un periódico alemán— contiene Summertime de Gershwin. A continuación del todo ortodoxos, pero el titular de la una fuga a cuatro voces, sin la complejidad de la vienen las Estaciones porteñas de Astor Piazzolla, Staatskapelle logra una versión bien que cierra su primera sonata. brillantemente arregladas para piano por cohesionada que acentúa perfectamente el Marek Szlezer, pianista polaco conocido Constantini. El programa termina con otra torbellino y vorágine de la parte central con el por sus magníficas interpretaciones de las obra del compositor argentino, Tango Ballet, contraste de los extremos lentos e obras de Chopin, recrea estas composiciones magníficamente arreglada por Constantini. Las interiorizados. Al nivel de cualquiera de los juveniles de Szymanowski, cautivadoras de por notas al CD están en español e inglés. mejores (Karajan, Kempe, Barbirolli). Sonido sí por su belleza y melodismo, con Constantini abarca toda la amplitud de su excelente y lujoso libreto bien cuidado desde el expresividad, naturalidad extraordinaria y formación musical (arreglista, compositor e punto de vista gráfico y literario. Indispensable atmósfera única. Sus versiones no dejan al intérprete) y aporta una música nueva para el para todo straussiano. oyente indiferente. lucimiento de venideros pianistas.
Enrique Pérez Adrián Manuel García Franco Michael Thallium
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> SIGLO XX > SIGLO XXI FEBRERO 2019
REA CLAUDIA KOST, mezzosoprano CRISTIANO PORQUEDDU, guitarra SELICKIS: Piezas de Hanns Eisler. Canciones de Estudios de Tansman, Dogson, Obras corales. Coro de la Radio de Barbara. Daniel Fueter, piano Cavallone, Patachich y Ponce Letonia. Sinfonietta Riga SONY 289 (2 CD) BRILLIANT 95557 (1 CD) Director: Sigvards Klava ONDINE 1327-2 (1 CD)
No es lo mismo recuperar piezas para teatro de En el primer volumen, presentaba ‘estudios Reconozcámoslo abiertamente desde el un compositor que canciones interpretadas y fáciles’ de Garrido, Smith Brindle, Koshkin y principio: este disco es una sorpresa no solo compuestas por alguien. En este doble Tansman, y vuelve ahora con otra serie de este mayúscula, de esas que rara vez se producen álbum, la excelencia se la lleva el primer CD, compositor polaco, más Manuel Ponce, pero que tan gratas resultan. Todavía, y tras dedicado a Hanns Eisler, con piezas de una de Stephen Dodgson, Franco Cavallone, e Ivan muchas escuchas, nos cuesta creer que apenas las muchas obras en que Brecht se apoderó de Patachich. El proyecto se completará con una unas pocas obras de Andrejs Selickis hayan material ajeno, Schweyk en la segunda guerra tercera entrega, de la que sabemos que repetirá sido publicadas hasta la fecha: tan sólo un par mundial; ciclos de lieder como los basados en al último autor. Cristiano Porqueddu es amante de obras para órgano y una colección de poemas de Tucholsky o Hölderlin, o como el de excesos programáticos, generoso en himnos navideños. Nada más. Tal escasez es Monólogo de Horacio (de Hamlet) y otros poemas. minutaje, ambición y en dar a conocer difícil de entender si consideramos la bellísima Es la música que proviene de la Nueva literatura guitarrística apenas grabada. Su música de este álbum, y por eso, indagando en objetividad, cuya figura mayor fue tal vez Kurt empeño en ir grabando sistemáticamente lo la vida del compositor y en las posibles causas, Weill. Weill y Eisler se exiliaron en Estados que nacieron como obras didácticas o ‘para comprobamos que fue discípulo de Arvo Pärt y Unidos. Weill murió pronto, y Eisler tuvo niños’ es un fino favor para guitarristas, casi que su estilo y obra también están muy problemas con la ola maccarthysta, algo tan únicos destinatarios de estos discos. Esto es influenciados por sus convicciones religiosas. intolerable que hasta el precavido Stravinsky lo devoción por el instrumento y por quienes lo Selickis, profundamente creyente, ha defendió. Al final, lo deportaron tañen. Educación a distancia. permanecido ligado a la Iglesia Ortodoxa de vergonzosamente y se pasó a la recién creada En este volumen se repasan 45 estudios. Letonia desde sus inicios como compositor, RDA. Ay. Doce de Dodgson, compositor no guitarrista colaborando en la producción de música para Barbara es una de las voces más bellas de la que se atrevió a abordar este difícil género sin ser el culto. Su proyección a los escenarios se chanson. Creo haberlo escrito ya: Piaf, Brel, guitarrista, pero bien asesorado. Son piezas produjo en 2012 con la Letanía a la Madre Teresa, Brassens, Barbara. Y, después, todos los demás. ideales para sumergirnos en un lenguaje por encargo de Sigvards Klava. Desde entonces, Pues bien, el segundo CD es espléndido, sin contemporáneo, de dificultad asequible para las colaboraciones entre ambos se han duda, pero aquí recordamos a la propia Barbara cursos altos de grado profesional, las más sucedido y su amistad no ha dejado de y encontramos mucho de adaptación y de complejas de este disco. Otra docena de fortalecerse. diferencia de estilo. No es que pidamos la Tansman, más asequibles y conocidas. De Selickis funde en su lenguaje elementos de mímesis, pero a veces echamos de menos el Patachich se graban 5 Canciones infantiles húngaras, las liturgias ortodoxas rusa, armenia y rumana, original. Rea Claudia Kost sigue la tradición de de las que me quedo con Féher Liliomszal, para así como del rito bizantino y del canto Gisela May, de Ute Lemper; y sin duda tiene en trabajar el estilo fugado. Cavallone aporta diez gregoriano, con excelentes resultados, en una cuenta tanto a Lotte Lenya como a Helene nuevas piezas, ‘progresivas’, con más insistencia música evocadora que alcanza elevadas cotas de Weigel, lo que no es ni mucho menos lo en el color y control del sonido que en espiritualidad. Sólo las bellísimas Himno de los mismo: el altar de Weill frente al grial de cuestiones técnicas (interesantísima a estos fines Querubines y A ti te alabamos hacen que el álbum Brecht. Y el nombre de Lemper, posterior al de la VIII, de más de cinco minutos de duración). merezca la pena. El autor, todo hay que decirlo, Gisele May, sugiere una cosa: capacidad de Finalmente, Ponce cierra el volumen con sus 6 no ha podido encontrar para ellas un adaptarse, capacidad de recrear. La voz cálida Preludios cortos, escritos para una novel Juanita instrumento mejor que este; con él estas obras de Barbara se convierte aquí en la voz aguda y Chávez, la hija de Carlos Chávez, compositor, refulgen y nos conmueven. Nunca dejaremos de con no poco toque humorístico de la aún joven amigo y paisano suyo. Ciertamente, estudios. admirar el trabajo, la honestidad y la calidad del Rea Claudia (Zúrich, 1979), que aparte de este No es el disco en que más luce Porqueddu, Coro de la Radio de Letonia, siempre compacto, repertorio destaca en Mozart, en Gluck o en dado el repertorio, y es guitarrista brillante. empastado, bien afinado y con ese sonido Henry Purcell; y defiende óperas de nuestro Esta humildad y esta entrega desacomplejada al carnoso tan característico de sus cuerdas graves; tiempo. Un hermoso doble álbum, y creo que instrumento y su literatura didáctica del siglo las agudas, a prueba de todo, nos emocionan las razones están claras. XX es para quitarse el sombrero. como pocas. Todo un descubrimiento.
Santiago Martín Bermúdez Josemi Lorenzo Arribas Urko Sangroniz
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> ENTREVISTA
Juan GRABACIONES ¢ Sancho “Haendel es el maestro absoluto en el retrato musical de la condición humana”
Juan Sancho (Sevilla, 1982) es uno de los más reputados tenores de entre los que se dedican a la ópera barroca, aunque no sea este el único repertorio que frecuenta. Con una amplia y reconocida trayectoria que se traduce en una treintena de grabaciones discográficas, Sancho acaba de publicar, en el sello Enchiriadis, su primer CD en solitario, el cual contiene arias de óperas y oratorios de Haendel relacionados con los Siete pecados capitales.
Usted comenzó a trabajar en este proyecto pecados, como la gula y la pereza. A dar con treinta, la voz de un tenor está aún muy hace varios años. A nadie se le había esas arias que faltaban me ayudó Santiago indefinida, pero solo unos años más tarde ya ocurrido antes hacer una grabación sobre Pereira, profesor de clave en el Conservatorio está asentada. Escuchando el disco, pienso que los Siete pecados capitales. Pero entre la Superior de Badajoz y compañero mío en la tal vez ahora habría hecho algunas cosas de grabación y la aparición del disco, alguien ESMUC de Barcelona. Y también él me ayudó a manera diferente, pero, insisto, me identifico tuvo la misma idea: Leonardo García encontrar los interludios instrumentales que plenamente con el tenor que está cantando ahí. Alarcón, esta vez con obras de Monteverdi. preceden a cada pecado. Me gusto. Y, ojo, porque tengo que reconocer Empecé a mediados de junio de 2015, Este debut en solitario se ha hecho que me horroriza escucharme en una cuando me encontraba en Versalles cantando esperar… grabación de estudio. Otra cosa es el directo. la ópera Catone in Utica de Vinci. El disco lo Sí. Y por eso mismo quería que la música ¿Quizá por ello su voz no es tan grabamos en octubre de 2016, pero su que contuviera el disco fuera toda ella presente aquí como lo es la de otros publicación se fue dilatando por diversos maravillosa. No tenía la menor intención de cantantes en grabaciones de ópera barroca? motivos. El tema de los Siete pecados capitales hacer la más mínima concesión en ninguna de Así es. El trabajo realizado por Jakob me parecía muy jugoso. La música barroca se las arias. La recuperación de materiales Händel, después de muchas y muy largas presta a ello porque es todo sensualidad, inéditos y de autores desconocidos me parece conversaciones, ha sido excelente. Yo no quería extravagancia y exceso. No me refiero a encomiable y, a veces, uno se lleva gratísimas ese sonido tan presente que usted menciona; lo abordar esta cuestión desde el punto de vista de sorpresas, pero no deja de ser un riesgo. Por que quería —y lo que ha conseguido Händel la doctrina católica, sino desde la condición eso opté por Haendel, para ir a tiro hecho. como ingeniero— es el sonido del micrófono humana. La miseria que todas las personas ¿No había tenido la necesidad de de la orquesta, apoyado, eso sí, para la dicción llevamos dentro es algo muy operístico, que grabar en solitario hasta ahora? en mi micrófono. No tengo nada que ver con tiene muchas posibilidades expresivas y que encaja perfectamente en la teoría de los affetti barrocos. “La formación de un cantante de ópera no está enfocada a que se le escuche Quizá quien mejor dibujó en la ópera barroca esa miseria humana fue a medio metro, sino a ser escuchado en un teatro de dos mil o tres mil localidades” precisamente Haendel. Él y Monteverdi, sin la menor duda. Monteverdi, en el Seicento y Haendel, en el Ni la había tenido ni tampoco se había los grandes cantantes de los años 50 y 60, pero Settecento. Haendel es el maestro absoluto en el dado la ocasión. Creo que ha llegado en el el sonido de esa gente es el que me gusta. retrato musical de la condición humana, de la momento oportuno. Como antes le decía, Cuando escucho grabaciones de entonces, tragedia que rodea al hombre. grabamos en 2016, que es justo cuando se da en estoy viendo a Birgit Nilsson cantando detrás ¿Tenía ya claro, cuando se le ocurrió el mí un cambio vocal decisivo. Nunca se deja de de la orquesta y a Georg Solti dirigiendo proyecto, en qué óperas y en qué oratorios evolucionar vocalmente, pero el cantante que delante. Es un sonido operístico natural, que es de Haendel iba a encontrar las arias que yo era en 2016 es el mismo cantante que soy el que buscaba en este disco, porque la necesitaba? ahora. Si lo hubiera grabado dos o tres años formación de un cantante de ópera no está Algunas sí, otras no… Sabía que había arias antes, no me sentiría tan identificado. enfocada a que se le escuche a medio metro, que encajaban en algunos de los pecados ¿Se refiere a volumen, a sino a ser escuchado en un teatro de dos mil o capitales, como la lujuria, que tenía que ser oscurecimiento de voz, a técnica o a estilo? tres mil localidades. Jupiter, quien arruina a Semele ofreciéndole A estilo no tanto, pero sí a una evolución ¿Qué le llevó a elegir a la Capella todo lo que sea con tal de que se le entregue. fisiológica y técnica. Mi voz empezó a ser más Cracoviensis? También los celos, con el personaje de madura en ese momento en que grabamos el Había grabado con ellos, para el sello Grimoaldo en Rodelinda. Pero me faltaban otros disco, cuando tenía 34 años. Al principio de los Decca, Adriano in Siria de Pergolesi. Y después
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> ÓPERA
de grabar los Siete pecados capitales, grabamos Germanico in Germania de Porpora, también para Decca. Me entiendo muy bien con ellos, porque son receptivos a todo lo que les propongo. No tienen ese temperamento mediterráneo tan fogoso, pero lo suplen con su flexibilidad. Al final creo que hemos encontrado, entre ellos y yo, un punto intermedio ideal. Con una orquesta más vehemente, tal vez me habría pasado de tuerca. La expresividad mediterránea, el drama de la voz, los
portamenti… todo es está muy bien, pero yo FEBRERO 2019 agradezco que haya alguien que me sepa controlar un poco. Ha intervenido decisivamente en el proceso de selección de las obras, en el sonido que quería de la orquesta, en la toma sonora, en la edición, ha redactado HAENDEL: HAENDEL: las notas informativas… e imagino que la The Seven Deadly Sins. Juan Sancho, Agrippina. P. Bardon, J. Arditi, D. de cuestión visual también ha sido cosa suya: tenor. Capella Cracoviensis Niese, F. Mineccia. Balthasar Neumann la foto es realmente impactante. Director: Jan Tomasz Adamus Ensemble. Director musical: Thomas Es que, hoy en día, la cuestión visual ENCHIRIADIS 2049 (1 CD) Hengelbrock. Dir. de escena: Robert también es importantísima si queremos que un Carsen. NAXOS 2.110579-80 (1 DVD) disco funcione. La foto es de Michal Novak, que es un artista enorme. Yo quería que la portada En un maravilloso momento de temprana Sinceramente, por mucho que me esfuerce, no del disco fuera algo muy extremo. Mi familia y madurez, Juan Sancho deja este testimonio de su logro imaginarme a Pedro Crespo encaramado mis amigos me comentaban que era una aquilatada competencia en el repertorio barroco en lo alto de una máquina cosechadora ni barbaridad ese aspecto tan agresivo, pero tenía con esta grabación integralmente dedicada a contemplar explícitamente y mostrando mucha clarísimo que la imagen debía ser una cosa casi Haendel. Álbum de gran nivel, que responde a carne la violación de su hija Isabel por el abyecto mortuoria; una mezcla entre depravado, un original programa del propio tenor y que da D. Álvaro de Atayde. Pero, claro está, no soy sinuoso y lúgubre… título al disco. Los Siete pecados capitales director de escena operístico. Si lo fuera, me En las notas del disco alude a Rainer constituyen un evocador hilo conductor que da parecería normal representar a Juan Crespo María Rilke para explicar lo que usted pie a presentar arias operísticas y de oratorio de hiriendo con una ráfaga de ametralladora a su entiende que es el canon de la belleza clásica. alto contenido dramático. Con un enfoque vocal indigno capitán... o ambientar la Agrippina de Rilke, en Cartas a un joven poeta, habla de lo e interpretativo muy expresivo y vigoroso, Haendel en la Italia del siglo XX —con banderas, absurdo de la crítica artística. Dice que el único puede sorprender a quienes tengan en mente la despachos, piscinas y mucho bañador—, que es acercamiento posible al arte es el amor al propio aproximación algo meliflua de la primera lo que ocurre en la grabación que estoy arte. Lo que a mí me pasa con esta música es que generación de tenores haendelianos comentando. Continúo clamando —supongo la amo. No la amo como amo a mi mujer o a mis históricamente informados. que en el desierto— por la imperiosa necesidad hijos, pero sí la amo espiritualmente. Sucede La tesitura relativamente central de casi todo de aplicar los criterios historicistas no sólo a la que escucho esta música y no puedo dormir el repertorio le sienta a Sancho como un guante, interpretación estrictamente musical, sino luego por la noche. Si uno se acerca con ese pudiendo lucir graves carnosos y anchos, y también a la escenografía en los montajes amor espiritual a esta música, se vuelve muy ataques seguros y contundentes al agudo. operísticos actuales. Y aún habría, sin duda, permeable a todo lo que ella puede transmitir. Con una emisión cilíndrica donde no se aprecia mucho terreno para que lucieran su desbordante Me ocurre con Haendel, con Bach y con apenas el recurso al modo de cabeza, luce una creatividad esos personajes que parecen celosos Monteverdi. A otro nivel diferente, me puede gama dinámica que va de pianissimi de ensueño a de los compositores y quieren compartir con ocurrir también con Bruckner, con Mahler, con forti poderosos, pero nunca gritados. Las ellos —o arrebatarles— gloria y protagonismo. Brahms o, por supuesto, con Mozart… Pero agilidades son impolutas, seguras, contundentes, Haciendo abstracción de esa Italia como tengo tanta afinidad con la ópera barroca, incluso en presto, y el vibrato está siempre en el mussoliniana, siempre nos quedará la música Haendel me parece definitivo. ámbito de control que requiere el estilo barroco y de Haendel, que, como es bien sabido, contaba ¡Y eso que usted es tenor! Lo digo que permite ofrecer relieve a los trinos. con un magnífico libreto que revistió con parte porque los tenores apenas contaban para Hay muchos momentos de mágica de lo mejor que había producido en sus Haendel… suspensión, en lo que al refinado gusto del tiempos romanos para elaborar una bellísima Era una convención de la época. A mí, cantante se une la Capella Cracoviensis, ópera y cosechar su primer gran triunfo de como intérprete, me habría gustado que orquesta con instrumentos originales, público. El triunfo se sigue produciendo hoy, Haendel hubiera escrito alguno más de los dos idiomática y atmosférica, excelsa en páginas tres siglos después de su estreno. Subrayamos, primeros roles operísticos que escribió para como Forte e lieto o la sinfonía de Esther. Los en este caso, el gran nivel de Thomas tenor (Grimoaldo y Bajazet), pero seguramente tempi ofrecen extraordinaria variedad, incluso Hengelbrock dirigiendo con nervio y pasión, no fue tanto culpa suya como de un público si acaso se nos antoja ligeramente lenta la modulando sabiamente a su habitual Balthasar que en ese momento se inclinaba por otro tipo sublime aria Pastorello d’un povero armento, Neumann Ensemble, que ofrece el soporte de voces. Gracias a Dios, en sus oratorios sí que maravillosamente dicha. Uno tiene la idóneo a unas voces homogéneas como es notable la presencia del tenor en papeles impresión de una perfecta sinfonía entre equipo, entre las que, no obstante, destacan destacados, como en Judas Maccabaeus, que Sancho y el director de la formación, Jan Danielle de Niese y su sentido dramático; acabo de cantar en Polonia precisamente con la Tomasz Adamus, cuya labor es encomiable. Patricia Bardon, infatigable en sus intrigas; Capella Cracoviensis. Grabación, en suma, que el principio sorprende Filippo Mineccia, que cuaja un sólido Ottone, o y al final nos rinde y conquista. el bajo Mika Kares como Claudio. Eduardo Torrico Miguel Ángel Aguilar Rancel Mariano Acero Ruilópez
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> ÓPERA GRABACIONES ¢
MONTEVERDI: VINCI: VIVALDI: Il ritorno d’Ulisse in patria Didone abbandonata. R. Mameli, C. Arias de ópera. Cecilia Bartoli, Furio Zanasi, Lucile Richardot, Hana Allemano, R. Pé, G. Costa. O. del Maggio mezzosoprano. Ensemble Matheus Blaziková, Zachary Wilder. Monteverdi Musicale fiorentino. Dir. musical: Carlo Director: Jean-Christophe Spinosi Choir. English Baroque Soloists. Director: Ipata. Dir. de escena: Deda Cristina DECCA 483 4475 (1 CD) John Eliot Gardiner. SGD 730 (3 CD) Colonna. DYNAMIC 37788 (2 DVD)
Después de grabar La favola d’Orfeo en fecha ya El siglo XVIII es una mina que contiene tesoros Si alguien se pregunta si hay algo más que tan lejana como 1985, seguido por L’incoronazione aún no descubiertos y mucha buena música, Cecilia Bartoli puede decir todavía sobre di Poppea en 1993, Gardiner ha culminado la teatral o no, cuya belleza es tan innegable como Antonio Vivaldi, la respuesta es un ‘sí’ rotundo. grabación de la trilogía de Monteverdi con este limitada. Destaca la ópera con libreto de Por irregulares que sean muchas de las óperas Ritorno d’Ulisse in patria grabado en vivo en el Metastasio, la opera seria, cuya capital fue Viena, completas del veneciano, su producción lírica, Foro Nacional de Música de Breslavia, en y de ahí se extendió por Europa Central. Didone de la que tan orgulloso se mostraba, sigue septiembre de 2017. Hubiera sido más abbandonata, su primer libro, una de cuyas conteniendo suficientes joyas como para conveniente abordarlo en segundo lugar, y más versiones nos ocupa ahora, es un libreto que al agradecer una nueva recopilación. Destinado a por razones musicales que por un prurito parecer se adaptó más de setenta veces: desde conmemorar sus treinta años de colaboración cronológico. Si L’Orfeo (1607) viene ‘animado’ Domenico Sarro, en 1724, hasta Mercadante, con Decca, este CD no deja de constituir un por abundantes testimonios del ‘antiguo’ estilo cien años justos después. La adaptación de evento, por cuanto Bartoli es probablemente la madrigalístico, en L’incoronazione (1643) el estilo Vinci es dos años posterior al estreno de Sarro, primera cantante lírica en haberse convertido recitativo ha evolucionado lo bastante como pero bastante anterior a las de Galuppi y Hasse. en una superestrella centrada casi para contener numerosos núcleos de expansión Este registro de 2017 puede valer para exclusivamente en el repertorio barroco- melódica. Il ritorno es posiblemente la más calmarle a unos los nervios, pero es probable clásico. El álbum no anuncia primeras ‘contenida’ de las tres óperas conservadas del que le induzca ansiedades: es la música de grabaciones mundiales, y, de hecho, contiene compositor de Cremona, y ello plantea Vinci, pero recuerda a aquellas sonoridades de páginas muy transitadas, como esa delicia que superiores desafíos interpretativos, máxime en orquestas esforzadas y, sin embargo, perezosas es Sol da te, mio dolce amore. un registro puramente sonoro, desprovisto del de los años 60 y 70 que se enfrentaron al Dicho esto, Bartoli conserva lo mejor de componente visual. Barroco sin un adecuado nivel de conciencia sus cualidades, que son muchas. El timbre, Aunque se conoce bastante de la praxis sonora. La Orquesta del Maggio Musicale fresco y lozano, no da seña alguna del paso del interpretativa coetánea en términos musicales, Fiorentino está para tocar otras cosas, se diría a tiempo, y la línea de canto sigue igual de es mucho menos lo que se puede aseverar partir de esta toma; lo mismo que el director, plástica y maleable que siempre, con esa respecto a la producción vocal y resultado Carlo Ipata. Podríamos responder de la eficacia pasmosa capacidad para la movilidad melódica, tímbrico, dejándonos en la obligación y responsabilidad artísticas de Mameli, Pé, dinámica y tímbrica. El flujo vocal puede mutar intelectual de juzgar este último en una Costa, Pluda, Allemano y Frasconi, y ya sería de lo anchuroso a un hilo con la maleabilidad ecuación de nuestros gustos contemporáneos mucho decir; pero lo que los envuelve y rodea del agua, y se mantiene la máxima atención a con su adecuación al estilo. En este sentido el es un mundo sonoro ajeno a la ópera barroca. una pronunciación pluscuamperfecta. En el reparto vocal es pobre, con el protagonismo de Ahora bien, en este desfile de antigüedades plano musical Bartoli mantiene esa ‘innata’ un Furio Zanasi que repite el rol pasados sus se lleva la palma la iconografía de Monica exquisitez expresiva, la atención constante a la mejores días y muestra dificultades para el Iacuzzo para la dudosa puesta de Deda Cristina palabra sin exageraciones, un manejo soberbio canto melismático. Como Penelope Lucile Colonna. La bella Roberta Mameli parece una del tempo, y ornamentaciones de singular Richardot, de timbre ingrato y nasalizado, Helena de Troya de aquellas de los tiempos del refinamiento, incluyendo su reiterada muestra acentos tensos y forzados en su intento péplum, entre el Quo Vadis de Mervin Le Roy y costumbre de apianar en los da capi. de aportar dramatismo. El resto del elenco, muy el Ben Hur de Wyler. Ese peinado (peluca) es de Los compañeros de viaje son el Ensemble irregular, resulta con todo de una sustancial antología del kitsch. En fin, este DVD puede ser Matheus y su director, Jean-Christophe Spinosi, homogeneidad y monotonía. El continuo, seco suficiente de momento, hasta que se haga una que bordan la parte instrumental, aunque cabe y machacón, tampoco anima un discurso Didone a la altura del Artaserse de Fasolis con imaginar que ha sido Bartoli la que ha tomado musical tan residenciado en el recitativo y el Concerto Köln, puesta de Silviu Purcarete y buena parte de las decisiones musicales. arioso. El retorno de Gardiner a Monteverdi no protagonismo de Jaroussky, Fagioli y Cencic… Estamos ante un álbum de notable belleza, con parece, ni mucho menos, uno de sus mejores ¡nada menos! una Bartoli esplendorosa. Cabe recomendarlo a acercamientos al drama musical. los amantes del repertorio y de la cantante. Santiago Martín Bermúdez Miguel Ángel Aguilar Rancel Miguel Ángel Aguilar Rancel
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> ÓPERA Todo el Chaikovski operístico en referencias de antaño
Viejos registros del Bolshoi que recogen actuaciones irrepetibles, inimaginables hoy. Lo que aquí oímos es toda una escuela. FEBRERO 2019
CHAIKOVSKI: referencias por antonomasia, los clásicos. Óperas, fragmentos y música incidental de óperas No molesta: reluce. Aquí tenemos auténticas Solistas y directores del Teatro Bolshoi de Moscú reliquias revividas (esto es, devueltas a la vida HÄNNSLER 13287 (22 CD) real y palpitante) como el Onegin de 1936 (Zhukovskaia, Nortsov, y ya estaba Lemeshev por allí) o la Dama de picas de 1937 (Janaiev, Dzezhinskaia, Petrova, dirección de Samosud). Alguien diría, con ‘ironía al revés’, que el como el Onegin de Boris Jaikin con Los nombres de maestros de la talla de contenido de este álbum es desigual. En efecto, Vishnevskaia, que conoció ediciones dudosas Samosud o Jaikin (Khaikin) son garantía de lo es: de lo buenísimo a lo insuperable, pasando pero útiles y muy de agradecer, como aquélla nervio y perspicacia teatrales. Ante estas por lo excelente. Viejos registros que recogen que consistió en poner en formato CD unos referencias, qué podemos argüir, qué necesidad actuaciones irrepetibles, inimaginables hoy. No discos de vinilo; se oía el giro y hasta algún hay de recomendar, instar, encomiar. Esas dos porque hoy se cante peor, sino porque ahora se chisporroteo, y se ‘veía’ la aguja. referencias se valoran por el sencillo enunciado canta de otro modo, se dirige de otro modo, y Aquellos tiempos pasaron y ahora resulta de esos nombres, y puesto que el sonido ha lo que aquí oímos es toda una escuela. En rigor, que algunas de esas grabaciones están en sido mejorado (aunque, claro está, es de es la supervivencia de la escuela. Durante años Internet, o regresan en formatos con mucha aquellos años y además soviético) no quedarán y años parece que no pasa nada, que la Unión mejor calidad sonora que antes o que la de la defraudados el melómano ni el operófilo. Soviética protege el arte de instituciones como red, desde luego. Este álbum nos depara la Hay una referencia de especial excelencia, el Bolshoi de Moscú. No es así, hay una lucha felicidad de las ocho óperas completas que se la de Mazepa, de 1949 (Ivanov, Pkrovskaia, interior de lo más sorprendente. La lógica conservan de Chaikovski, más la Bolshakov, Ivan Petrov; Nebolsin). No resisto revolucionaria exige terminar con esos restos reconstrucción plausible de El voivoda, anterior una cita propia de hace veinte años: “Estamos de superestructura zarista y burguesa: ¡fuera el a todas, y los fragmentillos que pueden antes voces jóvenes, que a menudo no han Bolshoi! Ahora bien, no se trata tanto de rastrearse de Undine y hasta de La mandrágora. cumplido los cuarenta. Hay que empezar por la cultura zarista como de cultura a secas, de Los registros son antiguos, las densidades son maravillosa Maria de Nina Pokrovskaia, una glorias nacionales en composición, en voces, poderosas en lo dramático, las voces están soprano con carnalidad, con dramatismo, con en danza. Eso ha exigido esfuerzo y ha entre lo bello y lo sublime. No es que no haya bello timbre, que consigue una creación cultivado a muchos rusos que antes no términos medios (los hay), es que esos timbres, inolvidable. La Maria de Mazepa, precisamente tuvieron oportunidad (ellos o sus padres) de esas tesituras, esos sentidos dramáticos de la mano de Nebolsin, fue una de sus conocer la belleza de, pongamos, una ópera de constituyen todo un tesoro, y en los tesoros no primeras grandes creaciones, por fortuna Chaikovski cantada por los mejores; y los nos fijamos si esto es plata y aquello es oro y reservada pronto por el sonido grabado en este mejores formaban el equipo del Bolshoi. esto de más allá platino, diamantes, registro. Alexei Ivanov le da grandeza, sin Así que se trataba de convencer a la cúspide, esmeraldas. Tesoro, es la palabra. El sonido ya quitarle su dimensión culpable, a un personaje acaso al padrecito. Y debió de convencérsele, no es el tan precario de antaño, pero no hay poco simpático para el propio compositor. Este aunque no pararan los auténticos que engañarse; es un sonido antiguo, solo que gran barítono que cantó como pocos Oneguin, revolucionarios de mover el rabo durante unos mejorado por las magias técnicas con las que Ruslan, Boris o Igor, pero también Escamillo, cuantos años. Felizmente, la escuela del nuestros antepasados no soñaron. O eso diría Rigoletto y Scarpia, hizo de Mazepa uno de los Bolshoi, dama exquisita, dama grande, uno, que no soñaron con ello, y que para eso papeles más relevantes de su carrera, con su admirada y odiada, se mantuvo. nos llevamos a casa este precioso álbum a timbre fuerte, su volumen poderoso, su fuerza Aquí está este álbum de 22 discos por precio bastante asequible. Por fin despabilaron dramática y su gran capacidad histriónica. cuyas grabaciones suspiramos durante años los de Melodyia. Claro, entre la caída lenta de Sí, al llegar nos damos cuenta de que este muchos melómanos y operófilos, con estrellas los 80 hasta el 91 y las dramáticas historias de álbum requeriría un examen siquiera parcial de del Bolshoi, aunque no siempre con la orquesta ese pueblo en retroceso vital (y no hay que cada una de las referencias. En su día —esto es, del legendario teatro. En los tiempos de la señalar con el dedo, mon cher), no había tiempo hace esas mismas dos décadas, año más, año distribuidora Diverdi, se importaron algunas de acaso para recuperaciones históricas. Pero menos— así lo hicimos, aunque ahora tengamos estas grabaciones y las comentamos en aquel ahora están presentes. Aunque no aquí, en este que limitarnos a recomendar este estuche con el entrañable boletín. Sellos como Dante, Legato, caso: ver la referencia. entusiasmo de quien visita estos repertorios y Myto recuperaban óperas y recitales con los Este álbum no molesta junto al enorme estos mismos registros desde hace años; así, de que soñábamos unas veces, de los que otras estuche con (casi) todo Chaikovski de Brilliant vez en cuando. nos preguntábamos si de veras existieron un Classics, porque en este se encuentran las día. Inexplicablemente, Melodiya se dejaba consecuencias, mientras que en el que ahora Santiago Martín Bermúdez arrebatar por inacción el retorno de tesoros comentamos hallaremos los antecedentes, las
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> ÓPERA GRABACIONES ¢
BRITTEN: PUCCINI: WOLF-FERRARI: Billy Budd. J. Imbrailo, T. Spence, B. Madama Butterfly. Ermonela Jaho, I quatro rusteghi. Mihnea Lamatic, Sherratt, T. Oliemans, D. Soar, T. Jürgens. Marcelo Puente. Coro y Orquesta de la Silvia Beltrami, Romina Casucci, Tansl Orquesta y Coro del Teatro Real. Royal Opera House. Dir. musical: Antonio Akzeybek, Daniela Degennaro. Royal D. musical: Ivor Bolton. D. de escena: Pappano. Dir. de escenas: M. Leiser y P. Philharmonic Liverpool. Director: Vasily Deborah Wagner. BELAIR 154 (2 DVD) Caurier. OPUS ARTE 1268 (1 DVD) Petrenko. RUBICON 1024 (2 CD)
Esta puesta en escena de Billy Budd en el Ermonela Jaho es hoy una de las Butterfly de I quatro rusteghi es una deliciosa comedieta madrileño Teatro Real provocó hace dos años mayor impacto dramático, junto a Opolais y vodevilesca y veneciana del compositor italo- entusiasmo entre crítica y público. Llega ahora Racette, intérpretes que combinan canto y alemán Wolf-Ferrari que, junto a Il segreto di una espléndida filmación de aquello. expresión en dosis intercomunicantes, algo Susanna, mantiene una tímida e intermitente Recordemos que se trata da la versión en dos decisivo en el cosmos pucciniano, con tantas presencia en repertorio. De exquisita escritura actos, que no cambia demasiado la original en frases cortas e incisivas para las que se precisa instrumental y melódicamente encantadora, la cuatro; que las interpretaciones líricas y un certero matiz que permita al personaje ópera no precisa de grandes ni notorias voces, puramente teatrales del trío protagonista crecer ante nuestros ojos y oídos. La albanesa sino de un equipo bien ensamblado que acepte (Imbrailo, Spence, Sherratt) son ejemplares por no deja al azar ninguna de ellas, al margen del la tarea común con un empeño uniforme y la fusión tan lograda de canto y drama, lo que suntuoso desarrollo en las frases melódicas de cooperativo, cosa que aquí se consigue merced indica que hay detrás una muy trabajada mayor aliento, por lo que es imponderable que a la emprendedora y sutil organización de dirección de actores por parte de Deborah disfrute de este testimonio. Petrenko, quien, desde su cargo como director Warner; y que los tres cantantes saben muy Sostenida por un montaje con mucho de la Filarmónica de Liverpool, ofreció en bien adoptar el gestus teatral de cada personaje, clima, respetuoso, detallista, inteligente y versión de concierto la que posiblemente es la alejadísimos en tanto que gestus precisamente sensible a los requisitos de la obra y a favor de partitura más lograda de Wolf-Ferrari. (jerarquía, clase social, edad, objetivos, moral, sus intérpretes, cuidando en particular a la No estamos ante una rareza discográfica: todo eso). omnipresente protagonista, Jaho da una existen en vivo otras lecturas de diversa El nervio y el control de Ivor Bolton (de emocionante lección de cómo traducir a la frágil procedencia. La presente sirve para reavivar un nuevo, unidos y sin contradicción) daban a la japonesa sin caer jamás en el sentimentalismo merecido interés. El rumano Lamatic hace un secuencia una sensación de verdad dramática barato, y si en ciertos momentos puede Lunardo (antes lo cantaron dos artistas bien que sumía a coro, cantantes y actores en un acercarse a la desmesura, esta está totalmente dispares, Nicola Rossi-Lemeni y Fernando relato de tensiones sin respiro (incluso en justificada. Las vigilantes cámaras de Woorward Corena) competente vocal y expresivamente. momentos de calma aparente, porque aquí no se encargan de constatarlo y la minuciosa y La Lucietta de Romina Casucci encaja bien con hay calma, en rigor). delicada dirección de Pappano contribuye a el Filippetto del tenor turco Tansel Akzeybek, La filmación por parte de Jerémie Cuvillier rubricarlo. Triunfo absoluto para la soprano. una parejita que es difícil no asociar con de la insuperable puesta de Warner hace justicia Es de destacar la espléndida Elisabeth Nannetta y Fenton en otra de las afinidades con a los logros de esta por la atención a las dos Deshong, algo menor de acuerdo con sus el Falstaff verdiano. Continuadora de la ópera dimensiones fundamentales de la propuesta posibilidades o currículo, ya que es hoy, por bufa italiana, no faltan tampoco toques fugaces teatral: el barco en que tiene lugar la acción, con ejemplo, un Arsace rossiniano y un importante que evoquen otra procedencia del compositor: coros —excelente—, extras y solistas en una Orsini donizettiano, partes bastante ajenas de Lortzing, por ejemplo. conjunción, en un grupo o en sus subdivisiones, la personalidad musical de Suzuki. Puente pone El resto del equipo encaja sin esto es, el plano largo; las pasiones, alegrías y un buen físico, una bonita voz y un discreto y complicaciones en sus respectivas partes, pesadumbres de los protagonistas y los algo superficial canto a un Pinkerton en mereciendo mención la certera Margarita de primeros secundarios (los oficiales), esto es, el conjunto funcional. Scott Hendricks añade la Silvia Beltrami, afecta justamente al repertorio primer plano y el plano medio, el plano que bonhomía asociada a tan tierno y sensato rossiniano y donizettiano, pues puede sirve para el rostro y para el pequeño grupo personaje. Carlo Bosi es un Goro ideal. El resto recordarnos de pasada a Fedora Barbieri y su visto de cerca. Billy Budd puede seguirse, en este del equipo del teatro inglés colabora atento, imponente Quickly. Daniela Degennaro y los DVD, como un filme especialmente bello y demostrando de nuevo que el trabajo del dos bajos (Stefanoski y Quarello se acoplan conseguido, por el equilibrio del bien y el mal director musical no deja de lado ninguna como decididos y cooperantes para el feliz retratados y sugeridos; por el balance entre eros oportunidad de demostrar su concepto global resultado de la labor. y muerte como pocas veces podrán verlo en del hecho operístico, tratándose de un una filmación. auténtico concertador a la antigua usanza. Fernando Fraga
Santiago Martín Bermúdez Fernando Fraga
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> ÓPERA FEBRERO 2019
JOYCE DiDONATO, mezzosoprano Obras de R. Strauss, Lekeu, Debussy y Heggie Brentano String Quartet ERATO 0190295642198 (1 CD)
Casi todos los recitales de Joyce DiDonato tienen algo de especial, de diferente. Grabado, al igual que el anterior —que contaba con el acompañamiento de lujo de Antonio Pappano en sus labores de pianista— en esa especie de santuario laico de la música de cámara que es el Wigmore Hall londinense, en diciembre de 2017 (lo navideño de la fecha explica que, ente los bises, si antes hubo una memorable versión del clásico tema Over the rainbow, en este caso esté, junto al obligado Morgen straussiano, una muy personal traducción de Noche de paz, anticipándose así al bicentenario del célebre villancico de F. X. Gruber). El grueso del programa —y el que da título al mismo— lo constituye Into the fire, un ciclo de canciones, con un prólogo y un epílogo instrumentales, dedicado a la infortunada Camille Claudel, la que fuera escultora y musa de Auguste Rodin y, al parecer, autora material de algunas de sus esculturas más importantes, y que acabó sus días en un sanatorio mental, donde únicamente iba a visitarla su hermano, el poeta Paul Claudel. Los versos, de un exacerbado dramatismo, son del experimentado letrista neoyorquino Gene Scheer, y la música del norteamericano Jake Heggie. Este compositor, nacido en 1961 en Palm Beach (Florida), es uno de los más activos de su generación, y de del que la diva de Kansas ha incorporado anteriormente los papeles protagonistas de dos de sus óperas más emblemáticas, Death man walking (esa desgarradora Pena de muerte que pudimos ver en el Teatro Real, con ella misma en una impresionante Sister Helen) y Great Scott, en la que encarnaba a una glamurosa dama del teatro musical, y cuyo potencial tanto canoro como expresivo, por lo tanto, conoce muy bien y sabe explotar en todas sus variantes, logrando una obra realmente emotiva y de mucho lucimiento. La última frase, de modo significativo, dice así: “Gracias por recordarme”, al tiempo que la voz y el violín se van desvaneciendo en un bello unísono... El resto del álbum es, digamos, más ‘convencional’, con cinco lieder de Richard Strauss y las Trois chansons de Bilitis de Claude Debussy, en los que la gran artista que es la mezzo norteamericana vuelve a dejar patentes su madurez como intérprete, su infinita capacidad para extraer todos los matices y los perfumes de estos pentagramas, así como su absoluto dominio del género y su versatilidad para abordar cualquier clase de autores y de estilos, siempre muy bien escogidos en sus veladas. El Cuarteto de Cuerdas Brentano actúa al modo de un impecable colchón sonoro en todas las obras, y también tiene ocasión de lucirse en solitario en el hermoso Molto adagio del belga Guillaume Lekeu, de aire tan franckiano.
Rafael Banús Irusta
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> ÓPERA GRABACIONES ¢
HUI HE, soprano NADINE SIERRA, soprano LISA DELAN, soprano Arias de Verdi. Orquesta Fondazione Canciones de Bernstein, Stravinsky, Canciones de Copland, Getty, Heggie y Arena di Verona. Director: Roberto Rizzi Villa-Lobos, Golijov, Gordon y Tilson Thomas sobre textos de Emily Brignoli. SONY 19075863732 (1 CD) Theofanidis. Royal Philharmonic Dickinson. Orquesta Filarmónica de Orchestra. Director: Robert Spano Marsella. Director: Lawrence Foster DG 4835004 (1 CD) PENTATONE 5186 634 (1 SACD)
Es lógico y hasta recomendable que para su La joven soprano estadounidense Nadine Sierra Nunca pensó Emily Dickinson que sus poemas primer trabajo discográfico esta soprano china es la nueva apuesta de Deutsche Grammophon. serían cantados durante siglos. Este programa haya elegido un repertorio verdiano, ya que En primer término, llama la atención la es un excelente muestrario de lo que la poetisa hasta ahora ha basado en él principalmente su selección de obras que se ha hecho para un romántica de clásica claridad y austera dicción actividad. Es una spinto de centro ancho, acontecimiento de estas características, pues, produjo en la canción de cámara robusto y bien timbrado que se maneja mejor a aunque figure un aria, parece más una selección norteamericana de nuestras décadas. Sin duda, partir del tipo de soprano del que Verdi se valió de canciones de compositores con el mundo dickinsoniano se presta a la voz a partir de la Mina de Aroldo, una vocalidad que nacionalidades americanas, incluyendo a Igor cantante. Hay en él una voz inconfundible y un carece totalmente de exigencias virtuosísticas y Stravinsky. Junto a él ocupan lugares preferentes clima alterno de muerte, inmortalidad, de cuya precedente Lina incluye la cantante su Leonard Bernstein y Heitor Villa-Lobos, y los desconcierto del orbe y fascinación por sus momento solista principal, aunque evitando, nombres menos conocidos de Osvaldo Golijov, imágenes. Nada más lírico, más allá de la de acuerdo con lo escrito, la ornamentada y Ricky Ian Gordon y Christopher Theofanidis. La contención justamente lírica de su palabra. ágil cabaletta. Sin embargo, sí incluye un propuesta no acaba de parecer redonda para El menú es variado. Aaron Copland opta laborioso Di tale amor che dirsi de la presentación quien se propone como estrella, combinando por respetar la letra y proporcionarle cierto de la Leonora aragonesa. algunos lugares comunes con muchos recitativo que destaque su decir, mientras la He tiene temperamento para el Ritorna descubrimientos de interés cuestionable. orquesta rellena armónicamente la línea de vincitor de Aida y para sus variados estados de Sierra es una voz claramente lírico-ligera, canto. Otra opción muy distinta es la de Jake ánimo, aunque se encuentra más inspirada en pero con una emisión en laringe baja de Heggie, en cuyas piezas reinan la melodía y la la más contemplativa O patria mia, dominando notoria oscuridad, que redunda en una complacencia de cantar, mientras la orquesta siempre un fuerte vibrato con tendencia a inteligibilidad textual precaria y un demasiado completa con obediencia lo que la solista está descontrolarse y exhibiendo unas medias voces pronunciado trémolo que resta estabilidad a la mostrando. En cambio, tanto Gordon Getty cualitativamente muy atractivas, sobre todo en línea de canto. Sierra demuestra que está como Michel Tilson Thomas se inclinan por la los tres ascensos al agudo, notas atacadas sobrada en los sobreagudos, pero estos oscilan solución dramática. Exploran la trastienda de primero en pianissimo y, una vez asentada la voz demasiado de entonación. La soprano da lo Dickinson, donde hay desgarro, lampos de lo en ellas, astutamente reforzadas. Su límpida mejor de sí en las ‘canciones’ de tono recogido, siniestro, soledad, elegía, amor lejano y tal dicción, subrayando alguna que otra palabra pero no sin ciertas reservas, pues es aparente como lo dice ella misma, una “abyecta decisiva para el estado anímico del personaje, le cierta tendencia a una expresión musical pobreza”. Aquí la orquesta es decisiva porque ayuda a dar a cada momento oportuna afectada, tal vez extemporánea en un climatiza, anuncia, comenta, contrapuntea y concreción dramática. repertorio globalmente poco pretencioso. epiloga lo que la voz ha ido diciendo. Estamos ante unas interpretaciones que si El There’s a place for us que da título al álbum Las versiones son cuidadas y se ajustan a la no brillan por su desbordada imaginación, sí queda enfático y rozando el amaneramiento diversidad de exigencias del menú propuesto. ofrecen una respetable dignidad. Caben mientras en las Bachianas Brasileiras nº 5 de La soprano tiene una vocalidad que puede destacar la Tu che le vanità de la Valois con Villalobos la afinación deja de ser impoluta y evocar fácilmente a Emily: es clara, ligera de registro suficiente para los graves y agudos, el hay generosidad con los portamenti. textura y tintineante de timbre, con algo de Morrò ma prima in grazia de la sufrida Amelia La Royal Philharmonic Orchestra, bajo la niña sorprendida ante la variedad ilusionante y (más convincente que en el intenso Ecco l’orrido dirección algo almibarada de Robert Spano, amenazante del mundo. Destaca por la nitidez campo) y el Madre, pietosa vergine de la otra hace lo que puede con esta propuesta insólita. de su dicción y la intencionalidad de su Leonora, algo por encima de un correcto Pace, No es que las obras carezcan de belleza, pero el elocuencia. Foster conoce la materia y la sirve pace, mio Dio, donde consigue superar el proyecto no acaba de funcionar como vehículo con equilibrio a la vez que colorea la tramposo salto de octava. Rizzi Brignoli de exhibición vocal, ni tampoco como una instrumentación y distingue las divergentes acompaña con suficiente atención a la tarea coherente presentación de un material musical propuestas de los compositores. encomendada. inédito y cualitativamente ambicioso. Blas Matamoro Fernando Fraga Miguel Ángel Aguilar Rancel
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> ÓPERA > VARIOS FEBRERO 2019
RUTH-MARGRET PÜTZ, soprano CONCERTI NAPOLETANI PER SCHUMANN / RAVEL / BARTÓK: Obras de Mozart, Nicolai, Donizetti, MANDOLINO Fantasiestucke op.12. Gaspard de Verdi y R. Strauss Obras de Paisiello, Giuliano, Caudioso y la nuit. Szabadban. Diversas orquestas y directores Cecere. Artemandoline Dénes Varjon, piano HÄNSSLER 18012 (1 CD) SONY 19075841512 (1 CD) ECM 4817003 (1 CD)
Nacida en Krefeld en 1931, la soprano alemana La mandolina se abre paso en los repertorios De la noche, o acaso De las noches, una por Ruth-Margret Pütz correspondería por su reclamando el olvidado lugar que le pertenece. compositor, y para Schumann, una noche naturaleza vocal a eso que llamaríamos una La obra de exhumaciones que cumple el múltiple, la primera, interior, de los “soubrette mejorada”, de la que tantos —y conjunto Artemandoline es, en este sentido, Fantasiestucke (Des Abends): sehr innig zu spielen = excelentes— testimonios hemos tenido, desde ejemplar. Junto a Paisiello, tardío dieciochesco, “se debe tocar en el interior de uno mismo”, allí Erna Berger, pasando por Hilde Güden (quizá la hay compositores de los que apenas se sabe que donde duele (el canto, en la mano derecha, mejor), Erika Köth, Emmy Loose, Lisa Otto... corresponden al Setecientos, como Giuliano y poco a poco en el interior de ambas manos) Forma parte de dos grabaciones ‘históricas’, Caudioso, y Cecere, de quien se conocen fechas con las disonancias en los tiempos fuertes; como Amore en el Orfeo ed Euridice de Gluck más certeras. febril, la segunda (Aufschwung), como la con Grace Bumbry y Václav Neumann para la La mandolina es un instrumento de aspiración romántica hacia algo inalcanzable; EMI y, sobre todo, en la Papagena de la mítica transición entre el laúd y la guitarra barroca misteriosa, con la pregunta infantil ¿por qué? Flauta mágica de Otto Klemperer para el mismo para anunciar el gran arte guitarrístico del (Warum), pregunta sin respuesta; noche sello. En su repertorio figuraban los típicos Romanticismo con la guitarra moderna. chopiniana (In der Nacht); cambiante (Fabel) con cometidos de una soprano lírico-ligera, con Andrés Segovia definió a su habitual su tema lento, su pausa, su tema precipitado; facilidad para las agilidades: Lucia di compañera como un planeta en miniatura. agitada por visiones (Traumes Wirren = Sueños Lammermoor, Sophie en el Caballero de la rosa, La mandolina, si no un planeta, es un cumplido inquietos)... Músicas inspiradas en la obra de Ännchen en Der Freischütz, etc. También satélite o asteroide, igualmente luminosos en E.T.A. Hoffmann, Fantasiestücke a la manera de apareció en varias ocasiones en el Festival de su afán por brillar de modo angélico en el cielo Callot, autor de una commedia dell’arte poblada Bayreuth, como una de las Muchachas-Flor en de los encantos y miniaturas que resplandecen por criaturas inquietantes que se deslizan en el Parsifal o como el Pájaro del Bosque en Sigfrido. en la noche del infinito tenebrista. La huella de lisztiano y diabólico (el tema y el virtuosismo) En el presente recital, Ruth-Margret Pütz Vivaldi es notoria y alegra con su jocundo Scarbo, tercer movimiento del tríptico de Ravel, sabe dar ese particular encanto a papeles como desenfado estas rescatadas partituras. tras el nocturno acuoso de Ondine y la noche Gilda en Rigoletto o Norina en Don Pasquale, El conjunto consta de cuerdas modernas inmóvil de Gibet (horca). pero también sale muy airosa de tesituras más junto con ingenios antiguos: guitarra barroca, El pianista húngaro, excelente comprometidas como Konstanze en El rapto en clavecín y tiorba. Destacan los solistas: Juan schumanniano (varios CD en ECM) y finísimo el serrallo (que cantó con la fogosa batuta del Carlos Muñoz, Mary Fe Pavón y Alla virtuoso (“Precipitando”) cambia de color, de húngaro István Kertész en el Festival de Tolkacheva. Su sonido cristalino, su impecable paleta, de piano se diría. Sorprende también el Salzburgo de 1961) y hasta la Zerbinetta de musicalidad y su arrebatada destreza en tinte impresionista que imprime a Szabadban Ariadna en Naxos, que mereció los elogios del fiorituras y agilidades rayan fácilmente en el (Al aire libre); percutir, sabe hacerlo, y lo hace mismísimo Herbert von Karajan cuando la virtuosismo, dentro de un clima de rigor con humor (Con tambores y pífanos) y menos interpretó en la Staatsoper de Viena en 1960, a estilístico admirable. brutalidad que el compositor (magnífica cuya compañía igualmente perteneció. La La integralidad del ensamble es cumplida grabación de 1926); interpreta Musettes con escena de Frau Fluth de Las alegres comadres de por su equilibrio de volúmenes y su brío gracia austera, a veces naíf, y más refinamiento Windsor, esa preciosa ópera de Otto Nicolai expresivo. Los intérpretes huyen de toda que Bartók; Músicas nocturnas, expresionista en (que asimismo llevó al disco con Robert Heger, palidez arqueológica y cumplen con el deber de la versión del compositor (y fabuloso pianista), con Gottlob Frick en un estupendo Falstaff) y el todo músico cabal: tornar moderno el tesoro se vuelven debusistas con Varjon que atenúa aria de concierto KV 416 de Mozart, Mia de los siglos. Nápoles, al fondo, vuelve a (¿o no exagera?) los acentos, y no sabría decir speranza adorata, nos ofrecen otras facetas del situarse entre las principales capitales de la quién tiene razón. Pero para una Caza arte de esta admirable cantante, que hoy vive música de su época, con la exquisita elocuencia (conclusión de la suite) absolutamente felizmente retirada, tras un tiempo dedicada a del más alto nivel entre unas obras que, en terrorífica, Bartók gana el último set. la enseñanza, cerca de cumplir los 90 años. apariencia modestas por su resolución formal resultan, no obstante, modelos de maestría. Pierre Élie Mamou Rafael Banús Irusta Blas Matamoro
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> VARIOS
Un bien equilibrado balance entre registros muchos años fuera de circulación con otros que ven la luz por primera vez; la GRABACIONES mayoría data de los años 1960-61 ¢
MARTHA ARGERICH, piano Obras de Bartók, Beethoven, Brahms, Chopin, Liszt, Mozart, Prokofiev, Ravel, Sarasate y Schumann HÄNNSLER 18050 (4 CD)
Valiosa contribución a la discografía de la insigne pianista argentina, con DG 120º ANIVERSARIO un bien equilibrado balance entre registros muchos años fuera de circulación con otros que ven la luz por primera vez; la mayoría data de ORFF: CARMINA BURANA los años 1960-61, aunque hay dos previos: uno de Buenos Aires 1955 (el Estudio nº 1 de Chopin, tocado en forma magistral y a fantástica DESDE LA CIUDAD PROHIBIDA velocidad, pero la grabación es deficiente: es la única que no alcanza estándares mínimos de calidad) y otro en vivo de Ginebra 1957 (una de las dos versiones de la Rapsodia Húngara nº 6 de Liszt) el llamado “bonus”, que le hace un flaco favor a la artista: a una pobre toma de sonido se suma su descontrol en el final Presto en el que es posible detectar pifias El sello clásico más antiguo y (mano izquierda) inhabituales en ella. En la primera de sus varias aproximaciones al Concierto en Sol de prestigioso del mundo aprovecha Ravel vemos a la artista que disfruta de los tiempos rápidos, incluso en el Adagio assai, llevado a buen paso (suena irónico que el librito, su 120 aniversario para celebrar su erróneamente, consigne Allegro assai) aunque luciendo un fino lirismo. duradero legado con conciertos en vivo, En el Presto final el andar fluctúa, con la orquesta (la no más que correcta de Radio Baden-Baden dirigida por Ernest Bour) frenando el eventos especiales, lanzamientos de discurso y Martha acelerando un par de veces (1’43” y 3’23”). Pese a estos vaivenes, el movimiento se completa en tiempo récord, 3’50”. También discos y mucho más. ‘vuela’ en Gaspard de la Nuit (haciéndola 3 y 4 minutos más rápida que en En esta ocasión presenta el concierto registros posteriores); si Ondine queda parca, Scarbó es notable. Atractivas y estilísticas lecturas de la Sonatina y de Juegos de agua con la obra de Orff: Carmina completan el espacio dedicado al músico francés. Es sumamente raro que Argerich aborde Sonatas de Beethoven: la Burana. Grabada en directo en la caja incluye una excelente traducción de la nº 7 en Re Mayor, poderosa, Ciudad Prohibida de Pekín. Con la vital y bien delineada; también es atípico que se enfrente al Brahms para piano solo. Aquí presenta con robustez y pasión, así como buena dosis de Orquesta Sinfónica de Shanghai poesía en las partes líricas, las Rapsodias op. 79; en cambio, es conocida su dirigida por Long Yu y la colaboración afinidad con Schumann, de quien sirve con energía y esmero la Toccata op. 7, una pieza que luego parece haber dejado de lado. de Aida Garifullina, Toby Spence y El último CD reúne tres compositores que figuran profusamente en su repertorio: Liszt, Chopin y Prokofiev. Del ruso presenta con poderoso Ludovic Tézier. impulso y gran autoridad la Toccata y de forma sobresaliente la mordaz y frenética Sonata nº 3 mientras del húngaro ofrece otra versión —grabada en estudio— ahora sí espléndida e impecable de la Rapsodia húngara nº 6. r%JTQPOJCMFFO$% %7%Z#MV3BZ Tanto en la Barcarola como en el Scherzo nº 3 o la Balada nº 4 de Chopin ya se vislumbra a la futura ganadora del concurso que lleva ese nombre, con traducciones de elevado nivel no solo por la perfección técnica sino por su hábil mixtura de fuego y poesía, de intensa fiereza con depurada finura.
Carlos Singer
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> VARIOS FEBRERO 2019
SHURA CHERKASSKY, piano Obras de Liszt, Barber, Grieg, Mendelssohn, Schumann, Brahms, Paganini, Rachmaninov, Shostakovich, Stravinsky, Prokofiev, Rameau, Chaikovski, Mozart, Cherkassky, Beethoven, e.a. Diversas orquestas. Directores: Boult, Menges, Karajan, Ludwig, Kraus y Fistoulari. HÄNSSLER 18037 (10 CD)
... de pana y seda, el sonido, desde la opulencia hasta una timidez encantadora. Escuchemos su Chopin, menos untuoso que el de Arrau o Bolet, más impalpable: la Balada en Fa menor, entre sombra y luz, los JOHN ELIOT GARDINER graves líquidos, los agudos opalescentes. O el Scherzo en Mi mayor, tocado con ligereza, ora lánguido, ora nervioso, con una ambigüedad felina y BERLIOZ REDISCOVERED nunca fueron tan cercanos Chopin y el Debussy de Children’s Corner. ... la calidad vocal, cantable, mercurial del sonido (agudos alados, diamantinos, nunca saturados) que tenían ayer Lhevinne, Ginsburg o Josef Hofmann que fue el maestro de Cherkassky, y hoy, Mitsuko Uchida. El uso del pedal, de los registros (ff con una corda, por ejemplo), que sigue los meandros de la frase, la posición de los dedos en el centro exacto de John Eliot Gardiner y la Orchestre las teclas (vídeos YouTube), el alto virtuosismo sin el más mínimo esfuerzo, su rubato libre que algunos encuentran exagerado, sus pausas Révolutionnaire et Romantique son los audaces, como respiraciones, podrían explicar algo de este misterio. Escuchemos su Liszt: la elegancia suprema de las Reminiscencias de Mozart, intérpretes más reconocidos de las el glamur del Vals de Fausto e incluso la Fantasía húngara para piano y obras de Berlioz a nivel internacional. orquesta, a pesar de la dirección criminal de Von K. ... algunos de los pianistas geniales (Gilels, Pollini, Lupu, Kissin, Decca presenta este formato especial Sokolov...) por su contundencia y/o perfección, parecen ofrecernos ‘la’ coincidiendo con el 150º aniversario versión ideal, única. Escuchemos la Fantasía de Schumann: en vez de lanzarse fogosamente para devorarla o quemarse con ella, Cherkassky la de la muerte del compositor francés. toca entre puntos de interrogación; como si la (o nos) interrogara. No atacándola con frenesí sino abordándola, oblicuamente se diría, Una caja con 9 discos que incluye acostándola (acaso en todos los sentidos). Que conozcamos o no la obra, Romeo y Julieta, Sinfonía Fantástica tenemos la impresión que podría sonar de manera diferente: Cherkassky nos ofrece su versión y nos permite soñar con otras versiones posibles. y La Condenación de Fausto entre Quizá porque lima las diferencias jerárquicas entre las voces: surgen así otras voces (generalmente en la mano izquierda) que eliminan el otras obras. ronroneo habitual melodía/acompañamiento (Ogdon, Kubalek y Feltsman a veces, tienen esta rara cualidad, esta impredecibilidad). Con Cherkassky, hoy reconocido como uno de los primeros pianistas, la interpretación no es sino una caricia que sobrevive a la desaparición de la última nota. En el repertorio romántico como en el ruso, los Cuadros de Musorgski, el Segundo de Prokofiev, el Concierto para piano y trompeta de Shostakovich o, claro está, los de Chaikovski, suena una voz extraña, lírica, a veces herida por algún lejano recuerdo. Obras grabadas en 1950-60, en concierto, medio que prefería el pianista, salvo el décimo CD (1925-35), y comprobamos que genio y figura...
Pierre Élie Mamou
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> BREVES GRABACIONES ¢
BACH: DALL’ABACO: KREBS: Sonatas y Partitas BWV 1001-1006 Capricci a Violoncello solo Obra completa para órgano Giuliano Carmignola, violín Francesco Galligioni, violonchelo Manuel Tomadin, órgano DG 4835050 (2 CD) BRILLIANT 95762 (1 CD) BRILLIANT 95363 (7 CD)
No seré yo quien discuta la categoría de Además de ofrecer una muy buena A los teclados de cuatro magníficos Carmignola. Ahí están sus muchas y celebradas interpretación de los Caprichos para violonchelo instrumentos Tomadin nos ofrece una notable grabaciones de música barroca (pese a que él solo de Joseph-Marie-Clement Dall’Abaco (hijo lectura de la opera omnia organística de quien nunca ha tenido formación historicista). Pero el de Evaristo Felice), que se une a las grabaciones fuera uno de los alumnos predilectos de Bach. barroco italiano es una cosa y Bach es otra. Ya previas de Bruno Cocset —quizá la favorita— y La huella del maestro se aprecia por doquier se vio con los conciertos para violín del Kantor de Kristin von der Goltz, el disco de Francesco —incluso en los temas—, en particular en un que grabó en 2014 junto a Concerto Köln. Estas Galligioni ofrece el aliciente de incluir cinco estilo contrapuntístico muy barroco y lecturas de las Sonatas y Partitas no pasan de fragmentos del prácticamente desconocido totalmente desfasado para la época. Para discretas, tirando a anodinas. E.T. compositor Jean Daniel Braun. M.A.R. amantes del órgano dieciochesco. J.S.P.
MOZART: ROSSINI: DONIZETTI: Don Giovanni. S. Alberghini, I. Lungu, A. Oberturas. Orchestra del Teatro Nuits d’Été à Pausilippe. Sampetrean, K. Knezikova. Orquesta y Comunale di Bologna Letizia Calandra, soprano. Fausto Tenzi, Coro del Teatro Nacional de Praga. D. Director: Michele Mariotti tenor. Ilario Nicotra, piano musical: Plácido Domingo. D. de escena: PENTATONE 5186 719 (1 SACD) BRILLIANT 95672 (1 CD) Jiri Nekvasil. C MAJOR 745208 (2 DVD)
A los 230 años de su estreno, Plácido Domingo se Aunque todas no pueden estar, sus 81 minutos La mayor virtud de este CD consiste en ponía al frente de Don Giovanni en el mismo aseguran mucha música, más que la mayoría de presentar una bonita selección de obras vocales teatro donde sonó por primera vez. La dirección los discos dedicados a las oberturas de Rossini. de cámara del compositor de Bérgamo. En se muestra atada a usos interpretativos propios Mariotti entra un terreno dominado por cuanto a la interpretación, mejorable sin duda, de hace cuarenta años, cuanto menos: tiempos grandes nombres italianos (Giulini, Abbado, cuenta con un pianista eficaz y borroso, una pesantes, acentuación escasa, ausencia de Chailly) y sale muy bien parado merced a su soprano aplicada pero gazmoña y un esforzado dramatismo en el fraseo… Cantantes poco afines amor hacia esta música, a su experiencia en el tenor que reúne todas las características de eso al espíritu mozartiano (salvo Novikova), con un teatro y a la respuesta de una orquesta que algunos llaman “italianidad”. Cada cual que rudo Simone Alberghini a la cabeza. A.M.M. rossiniana hasta la médula. A.V.U. imagine lo que le parezca. A.G.U.
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> BREVES FEBRERO 2019
CHOPIN: GLAZUNOV / CHAIKOVSKI: DESSY: Nocturnos opp. 15/1, 48/1 y 62/1 Las estaciones. Serenata para Requiems. Estonian Philharmonic Baladas opp. 23, 38, 47 y 52 cuerdas. Orquesta Filarmónica de Chamber Choir. Tallin Chamber Leif Ove Andsnes, piano Zagreb. Director: Dmitri Kitayenko Orchestra. Jean-Paul Dessy, violonchelo SONY 19075822932 (1 CD) OEHMS 1889 (1 CD) Director: Risto Joost CYPRES 4652 (1 CD)
Andsnes no es el más temperamental de los Las estaciones de Glazunov es uno de tantos Requiems de Jean-Paul Dessy es un ritual pianistas, desde luego, pero personalmente ballets rusos cuya audición resulta siempre un funerario basado en una selección de textos en esperaba, más allá de la claridad, el matiz, el placer. A las órdenes de Kitayenko, la Orquesta seis lenguas (sánscrito, árabe, hebreo, arameo, cuidado sonido y la excelencia técnica, bastante Filarmónica de Zagreb suena poderosa y, a griego y latín) realizada por Jean-Yves Leloup. más intensidad dramática en las Baladas, que ratos, espectacular, lo que permite apreciar la Ayudada por los recursos corales e siempre parecen aquí extremadamente riqueza de esta composición. La célebre instrumentales, la obra potencia el efecto contenidas y gélidas. Acudan, sin duda, entre los Serenata de Chaikovski deviene aquí en más que espiritual de las fuentes. Los seis movimientos modernos, a Perahia o Zimerman, y entre los un complemento. La interpretación de tan se complementan muy bien con dos piezas para clásicos a Arrau o Rubinstein, por ejemplo. R.O.B. hermosa obra, en la misma línea. J.P. violonchelo solo a cargo del propio Dessy. U.S.
STRAVINSKY: SZYMANOSKI: CINEMA Petruchka. Jeu de Cartes. Mariinsky 9 Preludios op. 9. Sonata op. 21. Obras de Morricone, Barry, Williams y Orchestra. Director: Valery Gergiev Mazurkas op. 50. Etude op. 4 nº 3 Mancini. Renaud Capuçon, violín Mariinsky. MAR0594 (1 SACD) Radoslaw Sobczak, piano Brussels Philharmonic. DUX 1502 (1 CD) Director: Stéphane Denève ERATO 0190295633936 (1 CD)
Perfecto programa ruso para el más ruso de los Los bellos Preludios son obra de principiante que Para Capuçon y su violín era un sueño directores y su orquesta rusa. Ambas piezas ya sabe mucho. La Sonata op. 21 es pieza de pendiente atender a este repertorio nacen de los recuerdos infantiles de Stravinsky. primera madurez, primeros aciertos y las cinematográfico, extramuros de lo clásico, pero El títere Petruchka, “feo, grotesco, sentimental”, Mazurkas op. 50 son ya plena madurez. Sobczak sin complejos, por un gusto personal que lo es convertido en héroe trágico. Y las partidas de rinde excelente tributo a uno de los mayores también de medio mundo, de admiradores de casino que soñó en su infancia con la malvada compatriotas con la belleza sugerente y sensorial los trabajos de Morricone, Barry, Williams y figura del Joker como lejana caricatura de del pianismo de Szymanowski. Para dejarse Mancini. La emancipación es posible, pero con Hitler. La de Petruchka es la infrecuente versión conquistar por seductores aromas sonoros. más facilidad en los temas menos populares. de 1911. F.A. S.M.B. J.A.T.
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Nadia en la Boulangerie
La editorial Acantilado recoge las conversaciones del violinista y LIBROS cineasta Bruno Monsaingeon con Nadia Boulanger c
BRUNO MONSAINGEON: Nadia renunció a componer más o menos Madamoiselle. Traducción de Javier a los veinte años. Explica por qué en este libro: Albiñana. ACANTILADO (Barcelona, porque su música era inútil. En cambio, admira 2018). 174 págs. la de su hermana menor, Lili Boulanger, fallecida demasiado pronto, antes de cumplir los veinticinco, unos días antes que Debussy y cuando aún faltaban ocho meses para concluir Nadia Boulanger vivió entre 1887 y 1979. Estas la gran guerra. Hemos conmemorado aquí charlas son de la segunda mitad de la década ambas desapariciones. Lili está presente de 1970, cuando la maestra ya estaba ciega y siempre en la vida de Nadia y lo está en este vivía sus últimos años, aún consciente; y libro. Y Nadia agradece a Igor Markevich que contienen mucho testimonio de primera dirigiera obras de Lili. Pero si Nadia dejó de mano de quien nació en una familia musical componer, el mundo ganó una profesora que ya hecha, con un padre compositor pero algo fue trascendental. Nadia no es modesta, pero es mayor ya, que los abandonó pronto; que nació justa, no se adorna con plumas ajenas. en plena expansión de Brahms, vivió el auge Considera, por ejemplo, que sus trabajos de la herencia wagneriana (Strauss y la escuela pioneros en Monteverdi en la década de 1930 (lo alemana y austriaca, si es que eso es una que la llevó a grabar un disco con algunos de escuela), se educó en tiempos de hegemonía sus discípulos eminentes) no son en rigor de los herederos de César Franck, vio surgir las pioneros; ya lo había hecho antes Vincent figuras de Debussy, Dukas y Ravel, intimó de d’Indy, nos dice, y desde luego es cierto. manera entrañable con el viejo Fauré, Tenemos las palabras de la propia Nadia, compartió aventuras musicales con algunos recogidas por el violinista Bruno Monsaingeon (cineasta, con documentales sobre Nadia renunció a componer más o menos a los veinte años. Nadia, sobre Glenn Gould, sobre Explica por qué en este libro: porque su música era inútil. Oistrakh; más dos En cambio, admira la de su hermana menor, Lili sobre Menuhin y dos sobre Anderszewski, y muchos más). Y estas de los Seis (ah, sus bellos recuerdos de palabras nos dan una dimensión sobre la vida y Poulenc) y con Manuel de Falla, de quien habla los trabajos de la incansable Nadia. Ahí está su con extrema simpatía; comprendió a mundo, al menos la parte más importante de su Stravinsky como nadie, desde el principio y mundo, explicado con exigencia y con claridad, siempre, y tuvo con él y su familia una aunque no se asomen por estas páginas estrecha amistad; vio el surgimiento de la determinados aspectos que serían más Escuela de Viena (amó Wozzeck, no así Lulu) y, adecuados para una biografía. más tarde, la vanguardia de posguerra Para el lector interesado en una dimensión (siempre tuvo en alta estima a Boulez, el genio más amplia de Nadia Boulanger podemos altanero e insolente). Eso, y mucho más en recomendar libros como la espléndida tanto que profesora y directora de orquesta. biografía de Léonie Rosentiel, Nadia Boulanger, A Son un tesoro esa cabeza y ese corazón, tienen Life in music (WW Norton & Company) o la obra mucho que decir casi cuarenta años después de Alan Kendall The Tender Tyrant. Nadia de aparecer este libro, fallecida ya Nadia. Boulanger, a life devoted to music (Macdonalds & Apenas tenemos espacio para sus amores Jane’s). O un libro de Jerôme Spucket musicales; era insaciable en escuchar música, abundante en iconografía, Nadia Boulanger ponía la radio en cuanto llegaba a casa… pero (Pendragon Press). Bach sonaba en su alma, en su corazón, y era su favorito, tal vez testimonio de Dios, aunque Santiago Martín Bermúdez aquí no lo diga así.
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> LIBROS FEBRERO 2019
FERNANDO FRAGA: PAUL R. LAIRD: MARIO LERENA: Rossini y España Vida y obra de Leonard Bernstein El teatro musical de Pablo Sorozábal FÓRCOLA (Madrid, 2018). 163 págs. TURNER MÚSICA (Madrid, 2018) (1897-1988). UNIVERSIDAD DEL PAÍS 197 págs. VASCO (Bilbao, 2018). 498 págs.
Casi en total coincidencia con el En el mismo año del centenario del nacimiento Pablo Sorozábal fue ante todo un hombre de sesquicentenario del óbito de Gioachino de Leonard Bernstein, Turner Música ha teatro, y el teatro musical ha tenido en España Rossini, Fernando Fraga mandaba a imprenta publicado en castellano una de las últimas un nombre protagonista: la Zarzuela. Por ello su personal aportación a la efeméride —seguramente la última hasta ahora— de las se imponía la necesidad de un análisis rossiniana. Con su estilo ágil y desenfadado que biografías aparecidas sobre la figura del profundo y documentado de los vínculos del rehúye del lenguaje y los formalismos compositor y director de orquesta maestro vasco con la mejor tradición de académicos, pensado para un público no norteamericano. Lejos de la ambición a través nuestro teatro lírico, así como el análisis de sus erudito, Fraga va desgranando con desparpajo y del seguimiento pormenorizado que lucía la divergencias y rupturas, sus progresos y gracia las relaciones del “Cisne de Pésaro” con que quizá sea todavía la mejor en su género, la asimilaciones y todo aquello que lo diferencia España. Hay aquí que entender el término que Humphrey Burton publicara en 1994, el de los del resto de sus contemporáneos y relaciones en el sentido más amplio posible, tono de la firmada por Paul R. Laird se acerca antecesores. Desde el punto de vista técnico y pues a los contactos más directos y personales más a la excelente de Paul Myers, curiosamente estilístico, también Sorozábal fue un renovador se suman en estas líneas algunas digresiones en del mismo año. Pero quizá la mejor aportación, que conocía y afirmaba la tradición, a la que las que la conexión de Rossini con nuestro país diríamos que narrativa más que documental, abrió nuevas perspectivas de desarrollo, a la es meramente casual o incluso soñada. Pasan sea en este caso la forma en la que Laird trata al vez que mostraba las múltiples posibilidades ante nosotros, así pues, figuras tan relevantes en Bernstein más cotidiano, al ser humano mucho que encerraba el teatro para el compositor de la vida del compositor como Isabel Colbrán, su más vulnerable de lo que parecía, resumida su su tiempo. musa indiscutible de las óperas napolitanas; el felicidad en el encuentro con su familia o en el Una de las lagunas más evidentes en el sevillano Manuel García, su primer Almaviva y amor por su mujer, Felicia, y su dolor, sobre ámbito de la música vasca ha sido la su principal propagandista por Europa y todo, en el desconcierto de los últimos años, inexistencia de una colección de monografías América; el banquero también sevillano siempre con el problema de una sexualidad que de investigación que pusiera al día las Alejandro Aguado, su agente de finanzas y cada vez explicitaba más su deseo de ser biografías de los compositores más destacados mecenas; el gallego Manuel Fernández Varela, correspondida mientras reconocía su fracaso de Euskadi. Tres instituciones (Eresbil, comitente del Stabat Mater; y tantos otros práctico entre las maniobras más o menos Musikene y la Universidad del País Vasco) han personajes hispanos que se cruzaron en algún limpias con las que la propia profesión juzgaba logrado presentar el resultado de un proceso de momento en la trayectoria del astro de la ópera. sus trabajos como compositor. investigación sobre la figura y la obra musical El estilo distendido, no obstante, no El libro sería, pues, a la vez informativo y del compositor donostiarra. Su autor, Mario debería estar reñido con el cuidado por la entretenido en su lectura si no sufriera de un Lerena, pianista y musicólogo, fruto de su tesis exactitud de algunos datos mencionados: si grave problema que no es otro sino el de una doctoral galardonada en 2016 con el Premio Juan Colbrán fallece en 1820, difícilmente pudo traducción que lo impide con unos errores Orfeón Donostiarra, acaba de publicar una adquirir para su hija la finca de Castenaso en —también tipográficos, como el criterio a la adaptación de la misma en forma de libro y 1822 (págs. 43-44); Aguado no nació en 1794 hora de señalar los títulos de las obras— que cuyo resultado es un volumen fundamental (pág. 34), sino diez años antes; lo que canta don hacen su lectura enormemente aflictiva por para la musicología española. El libro se Álvaro en Il viaggio a Reims no es un fandango, muy buena voluntad que se ponga en ello. No articula en dos ejes complementarios: uno es sino una caña (pág. 70); no se menciona que hay espacio aquí para señalar siquiera unos de carácter biográfico-histórico y de su una de las motivaciones de Rossini para el viaje cuantos —los hay muy duros—, pero sí para producción, el otro es un análisis estético y a Madrid era cobrar una abultada deuda del lamentar que una editorial de la habitual sociológico del repertorio. Finaliza con la duque de Alba; en 1804 Joaquina Briones no seriedad de Turner no haya cuidado la revisión bibliografía y un apéndice a modo de fichas formaba parte de la compañía de Cádiz, sino de de esta traducción, ya que no encargado una sobre las principales características la de Madrid; y algunos otros deslices que, de nueva a la vista de la misma. Una lástima. dramatúrgicas, musicales e históricas de cada todas formas, no hurtan interés por este libro. uno de los veinte títulos teatrales originales Luis Suñén tomados como base para su análisis. Andrés Moreno Mengíbar Manuel García Franco
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x dosier x Música y pensamiento (III)
PASIÓN , REDENCIÓN , SÍMBOLO
El tan admirable, fascinante y cautivador poder de la música se expresa no sólo técnicamente, a través de la armonía, la melodía y el ritmo. Esta proteica y extraña potencia contiene, sobre todo, una dimensión anímica de muy difícil conceptualización que puede conducir al éxtasis de las pasiones (corporal) o, en el otro extremo, al apaciguamiento o reconciliación con la vida en todas sus formas, e incluso, en última instancia, a la redención (éxtasis espiritual). En este tercer dosier sobre pensamiento y música se dan cita tres perspectivas distintas, pero en absoluto excluyentes, a la hora de interpretar el arte musical. Si en Schelling aparece como la primera de las artes figurativas y representa el movimiento como tal, depurado de los objetos, en Philipp Mainländer refleja los estados de la voluntad, sus “vibraciones” (alegría, valentía y temor, esperanza y desesperación, amor y odio…), y, en fin, en el danés Kierkegaard se presenta atronadora y casi jactanciosamente en todo su esplendor como el arte de las pasiones, expresada de manera incomparable en el Don Giovanni mozartiano. Tres vías singulares y en algunos puntos extremas de comprender el influjo de la música en nuestro ánimo.
Carlos Javier González Serrano Coordinador del dosier
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MÚSICA Y PENSAMIENTO (III) DOSIER La música como dominio de las pasiones: Søren Kierkegaard
Carlos Javier González Serrano
“La genialidad sensual es el objeto absoluto de la “El público”, “el pueblo”, “la sociedad”, “la música” . (Kierkegaard) opinión”… abstracciones que no hacen sino deteriorar la necesaria relación dialéctica y Søren Kierkegaard (1813-1855), prolífico y dialógica que ha de existir entre los polémico pensador que influyó miembros de cualquier grupo humano. hondamente en importantes autores En esto Unamuno siguió estrictamente a posteriores (Nietzsche, Kafka, Heidegger, Kierkegaard, a quien el vasco llamó “su Levinas, Unamuno, Albert Camus, hermano”. Corremos el riesgo de que Simone de Beauvoir, Sartre, Wittgenstein la nivelación (noción que Kierkegaard o Karl Jaspers, por mencionar sólo a unos emplea para referirse a la “tranquilidad pocos), y del que se dice abrió las puertas sepulcral” que nace de la falsa sensación del existencialismo europeo más de “ser todos iguales”) anide temprano, suele ser estudiado en su definitivamente en nuestras sociedades. vertiente más puramente filosófica. Su Esta ‘nivelación’, tan aparentemente obra queda en ocasiones relegada a los democrática y buenista, nos conduce a estrechos muros de la prisión académica, y la inacción e indolencia. Y sugiere una por ello no logra llegar con la fuerza situación reveladora: “Cansada de sus adecuada al público no especializado. quiméricos esfuerzos, nuestra época En una época dominada casi en exclusiva descansa a ratos en la completa indolencia. Su por la concepción hegeliana de la historia condición es la del que se queda en la cama por (primer tercio del siglo XIX), según la cual el la mañana: grandes sueños, luego desarrollo de los tiempos consiste en el despliegue adormecimiento, finalmente una cómica o de un Espíritu o Idea absolutos, y en cuyo progreso una ingeniosa idea para excusar el haberse suerte de ‘ardid de la razón’ no dudaría en sacrificar las Søren quedado en la cama”. Kierkegaard pasiones particulares de los individuos en pos de conseguir la dibujado por Niels Vivimos un momento, a juicio de realización de ‘lo universal’, Kierkegaard, posicionándose en el polo Christian Kierkegaard. Kierkegaard —y justo es hablar en presente, contrario, pone el acento en el individuo, en la persona singular, a la que dada la actualidad de su pensamiento—, en el concibe como un ser en guerra, repleto de sentimientos en constante que se anuncian medidas que nunca llegan, intenciones que no se puja y condenado a luchar por intentar ponerlos en orden. cumplen, anhelos que jamás se materializan (aunque, ironiza, “para todo Lo abstracto, lo no singular, queda cargado para Kierkegaard de un se tiene manuales”); es la época de la publicidad y del anuncio componente sospechoso, incluso falsario, que nos aleja de la realidad. embaucador, de la parálisis social: “Cada uno sabe muy bien, como todos En esta línea, en su escasamente conocida obra La época presente (1846) no sabemos, qué caminos se debe seguir y cuáles son los caminos duda en arremeter contra el concepto de ‘público’, en contraste con el alternativos, pero nadie quiere ponerse en movimiento”. Y qué cosa más lector único que se compromete y actúa en conformidad con lo que lee: triste, explica Kierkegaard, que ver a una época revolucionaria carente de “El público es una monstruosa nada. […] Pero adoptar la misma opinión empuje. que un público es un engañoso consuelo, ya que un público sólo existe en abstracto. Jamás una mayoría ha estado tan segura de estar en lo El forjamiento del filósofo cierto y de tener la victoria como lo está el público”. Análisis que se nos hace extrañamente actual. Aunque en muchas ocasiones se sintiera como una pieza Kierkegaard fue un pensador crítico e incluso mordaz y sarcástico, desubicada en una gigantesca maquinaria que estaba destinada a sobre todo cuando se refiere al papel de la prensa o a la naciente sociedad absorberle sin pena ni gloria, ya desde su juventud Kierkegaard pujó por de masas. Lo que diferencia a la sociedad actual de los pueblos antiguos, hacerse un hueco en la intelectualidad de la época. Pero los comienzos y en particular, de la paradigmática ágora griega, es que las sociedades no fueron fáciles. Hasta la muerte de su padre, su vida transcurrió de un modernas, tomadas como un todo, no son nunca algo ‘concreto’: “Lo modo un tanto aséptico e incluso disoluto; Søren no tenía apenas desconsolador de la Antigüedad era que el hombre de excelencia era preocupaciones, y dedicaba su tiempo a realizar diversos viajes, leer y aquello que los demás no podían ser. Ahora lo alentador será que aquel pasar largas noches discutiendo amigablemente con sus compañeros de que religiosamente se gane a sí mismo, logrará ser lo que todos pueden estudio. Es en este momento cuando comienza su identificación con el ser”. Por eso el público lo es todo y nada, “el más peligroso de todos los Don Giovanni mozartiano, con el componente erótico-musical de la poderes y el más desprovisto de sentido. Se puede hablar a toda una existencia: nación en nombre del público y, sin embargo, el público vale menos que “Así vivo en Copenhague: el único individuo que no es una sola persona real”. formal, que no gana dinero, que no realiza nada, ¡un pobre
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servicio de los deseos. Y en esto, amigos, todos falláis de una u otra manera” (In vino veritas).
La vida humana como una existencia en conflicto Biblioteca Real Danesa. Danesa. Real Biblioteca
Comencemos, para entender, de nuevo por el principio. La infancia de Kierkegaard transcurre en un contexto pietista, luterano. Su padre le matricula en estudios de Teología y, más tarde, para confeccionar su tesis, el joven filósofo escribirá sobre Sócrates (la influencia de la Grecia clásica nunca le abandonó desde su primer acercamiento a ella). Las relaciones con su padre siempre fueron turbulentas; el progenitor deseaba encauzar la vida de su hijo hacia la religión, con el objetivo de que acabara cumpliendo con el oficio de pastor luterano. Kierkegaard afirma en numerosos fragmentos de sus obras que fue “hijo de la vejez” (último de siete hermanos), lo que acaso influyera en las decisiones paternas. Años después conoce a su gran amor, Regina Olsen, con la que no llegó a consumar la vida de pareja. La relación entre ambos fue muy tormentosa y nunca existió una auténtica afinidad, pues ella se encontraba (en opinión y terminología del propio filósofo) en el terreno estético y él en el ético-religioso. Su pensamiento puede ser interpretado dialécticamente, en oposición de contrarios. Sobrevolando todas sus obras se sitúan los conceptos de inmediatez y relación. El ser humano pasa por tres estadios: etapa estética, etapa ética y etapa religiosa, o si lo reducimos a un binomio dialéctico: etapa estética y etapa ético- religiosa. Al estado estético Kierkegaard le dedica una obra tan atrevida como inmortal: Diario de un seductor. Este estado responde a una creación genuina y original del danés: lo estético pertenece al plano de lo superficial, supone una fuerza negativa, instintiva, frente al estado ético-religioso. El ser humano estético Kierkegaard un año antes de su muerte. Dibujo de H.P. Hansen. vive en la inmediatez, en la pura sensibilidad. Ambos estados son excluyentes entre sí (como deja dicho en el título de otro de diablo medio loco! Así me juzga la turba: y aun los pocos que sus escritos: Lo uno o lo otro). A lo largo de toda su vida, Kierkegaard ven con algo más de profundidad no se lamentan de que este sea experimentó esta misma oposición en sus propias carnes, lo que quedó el juicio que de mí se forman”. expresado en numerosos fragmentos, como leemos en sus diarios: Su disipada existencia da un giro radical cuando promete a su “La interioridad es lo eterno, y el deseo es lo temporal, pero lo progenitor, que se debate entre la vida y la muerte, terminar sus estudios temporal no puede fundamentarse sin lo eterno. El deseo e introducir en su vida la regularidad y la calma que hasta aquel disminuye y por último desaparece, pero el tiempo de la eternidad momento le habían faltado. Aunque en efecto finaliza la carrera (de nunca acaba. La interioridad, la eternidad nunca acaba”. Teología, por cierto, y tras seis duros meses de encierro que cataloga Lo estético siempre va a unido en Kierkegaard a la vida instintiva, en como “el paréntesis más largo de mi vida”) e incluso se doctora con la la línea del placer sensual y del erotismo. La finalidad del goce inmediato, máxima calificación (magister artium), siempre conservará de su primera del instante fugaz, de lo indiferente o de lo interesante son formas o época un fresco recuerdo de la rebeldía que expresó en sus primeros variantes de la misma existencia inauténtica que Kierkegaard agrupa años de estudiante, y que puede rastrearse en cualquiera de sus bajo el genérico nombre de “lo estético”. El ser humano estético encara la producciones posteriores. realidad desde el punto de vista de la pura exterioridad: vive una Muchos quisieron amordazar la voz de este pensador de existencia no comprometida que tiene por objetivo de toda acción la incomparable capacidad de escritura, que no dudó en aplicar su lenguaje búsqueda instintiva del placer inmediato. La espontaneidad que lo dirige más procaz para denunciar las vergüenzas de su tiempo, incluidas las del obedece al instante y al interés egótico propio, por lo que su biografía no cristianismo institucional. Además, si por algo se caracteriza el posee unidad: es una secuencia indeterminada de momentos pensamiento de Kierkegaard es por su enigmático significado. Detrás del yuxtapuestos, despojada de forma y estabilidad. La inmediatez del placer mundo en el que vivimos, escribía el danés en su fundamental Diario de es pues la única vía para el quien se decanta por la vía estética. un seductor, trasunto del Don Giovanni de Mozart, allá al fondo hay otro El progresivo desarrollo personal de nuestra existencia consiste en mundo que mantiene con él una relación similar a la que tienen, en el la vivencia de las llamadas experiencias de vértigo, que él mismo sufrió y teatro o en la sala de conciertos, la escena real y la que a veces vemos o padeció durante toda su vida, que nos abocan a la angustia y la siquiera intuimos detrás de ella: “A través de un fino velo vemos como un desesperación. Ritos de paso que experimentó, sobre todo, cuando se mundo de velos, más ligero, más etéreo, de otra calidad que el real. vio obligado por su temperamento a romper su compromiso Muchas personas que se muestran corpóreamente en el mundo real no matrimonial con su amada Regina. La experiencia del vértigo existencial pertenecen a este sino a aquel otro”. Así, en sus diarios, explicitará este es descrita de modo singularmente original en la encarnación de las carácter enigmático que se autoimponía: “Después de mi muerte no se figuras de Juan el seductor y de Don Juan (Don Giovanni), que siguen el encontrará en mis escritos (y esta es mi consolación) una sola camino estético que el propio Kierkegaard no duda en denominar, así, explicación de lo que en verdad ha colmado mi vida. No se encontrará en camino del abismo. los repliegues de mi alma aquel texto que lo explica todo”. Kierkegaard nunca pudo aceptar el sincero amor de Regina por “Lo esencial en la existencia no es tener ideas claras y pertenecer al terreno de lo estético (de lo sensual), por formar parte del sublimes, sino la resolución de la voluntad, la resolución al lado ‘bajo’ del mundo, y por ello condenado al tedio y la desesperación
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propios de todo lo terreno y perecedero. En el estadio religioso, último de los estipulados por Kierkegaard, se disipan las ilusiones estéticas y quedamos expuestos abiertamente, pero también sinceramente, a la angustia del existir, de la libertad más extrema. Por eso nuestra existencia resulta tan misteriosa e incluso irracional, en tanto que nos hallamos en una relación con lo Absoluto (con Dios) tan incómoda como peligrosa: el estadio religioso no nos desliga de lo más bajo de la vida, sino que nos expone a la angustia de hacerle frente sin dejar jamás de luchar contra el —llamado por Schopenhauer, tan próximo en esto a Kierkegaard— “monstruo de la voluntad”. De ahí que escribiera Kierkegaard en una de sus obras cumbre, Temor y temblor, que “La fe no es, por lo tanto, un movimiento estético, sino que pertenece a un estadio más elevado; precisamente por eso ha de ir precedida de la resignación; no es un impulso inmediato del corazón, sino la paradoja de la existencia”.
Música y vida: la pasión erótica
Del concepto de inmediatez deriva Kierkegaard el de ser humano inmediato, un sujeto atenido a lo externo y entregado al mundo del vértigo existencial que hace del placer sensual singular una obsesión compulsiva de tipo adictivo, incluso patológico. Ya escribió Ovidio en mostrada? Solamente a través de la música”. Y añade respecto al Amores (III, 4) que “siempre estamos buscando lo prohibido y deseamos Don Giovanni: “Lo más afortunado en el caso de Mozart es que este halló lo que se nos niega”. Los personajes más representativos de este estadio una materia que es en sí misma absolutamente música, y si algún otro estético son para Kierkegaard tres inmortales figuras masculinas de la compositor compitiera con Mozart, no tendría otro remedio que volver a literatura universal: el Don Giovanni de Mozart, Fausto de Goethe y componer el Don Juan”. Ahasverus (el Judío Errante), constructos a los que denomina “las tres Llegó Kierkegaard a asegurar que, en lo referente al estadio erótico- grandes ideas” o “encarnaciones de la vida fuera de lo religioso en su inmediato, “todo lo que tengo que decir se lo debo pura y exclusivamente triple dirección”. La vía de Don Giovanni es la del goce sensual, la de a Mozart”. Sólo la música, y en particular el Don Giovanni (que escuchó en Fausto es la de la duda y la del Judío Errante es la desesperación. numerosas ocasiones en directo en el Teatro Nacional de Copenhague), Centrémonos en el primero. Kierkegaard no inventa el personaje de acierta a expresar la sensualidad del estadio estético. Tal fue la obsesión Juan el seductor. Aunque la figura de Don Juan sea universal, no parece kierkegaardiana con Mozart que dedicó al Don Giovanni todo un tratado que el danés conociera al burlador de Tirso de Molina, así como en O lo uno o lo otro, bajo el título de Los estadios eróticos inmediatos, o el tampoco la versión de Zorrilla de 1844. Sin embargo, estuvo durante erotismo musical, fundamental para entender el pensamiento del danés y toda su vida obsesionado con la figura mozartiana de Don Giovanni: para acercarse a cuanto el filósofo sintió durante su juventud. Toda la biografía y la obra de Kierkegaard giraron en torno a la posibilidad de La experiencia del vértigo existencial es descrita de modo singularmente original desembarazarse de esta vertiente estético-erótica en la encarnación de las figuras de Juan el seductor y de Don Juan (Don Giovanni), de la vida, que gira en torno al deseo (Don que siguen el camino estético que el propio Kierkegaard no duda en denominar, Giovanni representa la incontenible fiebre de quien desea satisfacer un anhelo imposible de así, camino del abismo colmar). En la búsqueda infructuosa de la Eternidad, Don Giovanni ostenta el papel de quien ni siquiera la contemplación de la belleza “Una sola de las obras de Mozart hizo de él un compositor resulta suficiente: sólo su posesión, y ni siquiera esta (puesto que la clásico y absolutamente inmortal. Dicha obra es el Don Juan. posesión de la pasión pide la satisfacción de una nueva pasión), puede Las otras cosas que produjo pueden causar alegría y gozo, aminorar su incontenible ánimo. despertar nuestra admiración, enriquecer el alma, saciar los Raro y atribulado temperamento, que deambuló desde la más oídos, alborozar el corazón, pero en nada contribuiría a su sublime alegría hasta los más cenagosos abismos de la tristeza y el inmortalidad que uno las pusiese todas juntas y las considerara desamparo, Kierkegaard encontró en Mozart un consuelo, una explicación igualmente grandiosas. El Don Juan es su carta de presentación. a sus excesos de juventud, pero también una condena que le puso sobre la Con el Don Juan entra en aquella eternidad que no se encuentra pista de una dura constatación: la pasión, y en concreto la erótico-musical, fuera del tiempo sino en medio de este”. sólo puede ser superada con el cuchillo entre los dientes. El salto Este burlador esteta caracteriza la persistente actitud de vivir en cualitativo de un estadio de vida inmediata a otro estado de vida sólo se la mentira, lo que, esencialmente, le hace constituirse como un puede llevar a cabo por medio de una brusca conmoción existencial. ser mentiroso: engaño, máscara, falsedad y doble vida, tales son sus El hombre inmediato (estético) y el hombre relacional (ético- atributos. La vida inmediata del estadio estético es la mejor definición de religioso) se oponen por la distinta opción radical que llevan a cabo en la mentira. En ella todo es pura inmediatez. En su Diario de un seductor, su existencia, expresada en la forma diferente de manejar la angustia y la Kierkegaard otorga especial importancia a la mirada para comprender la desesperación en sus vidas. La vida estética (erótico-musical), cuando es categoría de inmediatez: “El que lucha desde lo lejos no tiene, en general, observada como la única y exclusiva fuente de obtención de felicidad, otras armas que las de sus ojos. Claro que, si los sabe mover con la debida termina conduciendo a la insatisfacción existencial, una insatisfacción estrategia, alcanzará buenos resultados. Para eso tendrá que posarlos que se manifiesta primordialmente a través del tedio y el aburrimiento. sobre la muchacha con una ternura engañosa, que le producirá el mismo Y es que la existencia, tras recorrer los caminos de los placeres estéticos, efecto que si la rozara casualmente con su cuerpo. Incluso podrá asirla se vuelve naturalmente insuficiente y sólo pide Eternidad. ¶ con su mirada tan fuertemente como si la tuviera entre sus brazos”. Pero no sólo la vista, sino también y sobre todo la música expresa Carlos Javier González Serrano, Freigeist, es editor, investigador y profesor como ningún otro arte el dominio de las pasiones: “La idea más abstracta que cabe pensar es la genialidad sensual. Pero ¿en qué medio puede ser
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La genialidad sensual en el Don Juan de Mozart
Søren Kierkegaard
«¿Cuál es, en definitiva, la fuerza con la que Don Juan seduce? Es la alguna vez bajo la condición de haber sido antes dichosa con Don Juan. fuerza del deseo, la energía del deseo sensual. En cada mujer desea lo Así pues, aunque continúe hablando de Don Juan como un seductor, femenino en su totalidad, y en esto consiste la fuerza sensual idealizante en absoluto lo imagino proyectando solapadamente sus proyectos y con la cual él embellece todavía más y a la par conquista su presa. Los calculando con astucia el efecto de sus intrigas. No, Don Juan engaña reflejos de esta pasión gigantesca sirven para embellecer y agrandar el mediante la genialidad de la sensualidad que él mismo encarna. Don Juan objeto deseado, que experimenta, al ser embestido por ese resplandor, el carece de prudencia reflexiva y calculadora; su vida es espumosa como el tibio sonrojo de una intensa belleza. De la misma manera que el fuego vino con el que cobra fuerzas, y está siempre en movimiento como los que anima el corazón del entusiasta es capaz de iluminar con su brillo sonidos musicales que acompañan la jovialidad de sus banquetes. seductor incluso a los más disidentes en cuanto, renunciando un poco a Sí, Don Juan es siempre un triunfador. No necesita preparativos, ni su frialdad, entran en contacto con aquel, así también él transfigura, planes, ni tiempo, pues está siempre listo. Nunca está sin fuerzas, ni aunque en un sentido infinitamente más profundo, a cualquier tampoco sin deseo. ¡Cómo le iba a faltar el deseo si cabalmente desear es muchacha con la que entable una relación. Y esta es la razón de que para el único elemento en el que su vida se desarrolla normalmente! él se desvanezcan todas las diferencias particulares ante el hecho Contempladle sentado a la mesa, alzando la copa con la alegría de un dios, principal: que sea una mujer. A las mayores las rejuvenece de tal suerte de pie con la servilleta en la mano, dispuesto para el ataque. Si Leporello que entran a formar parte de los bellos coros medios de la femineidad, y a las niñas las torna maduras en un abrir y cerrar de ojos. Todo lo que sea mujer es su presa —purché porti la gonnella, voi La música es el único medio que puede expresar esta fuerza que hay sapete quel che fa (basta que lleve faldas, y ya sabéis lo en Don Juan, que yo no sabría designar mejor que con el siguiente predicado: que hará)—. Sin embargo, en modo alguno hay que entender esto como si la sensualidad que le domina es una jovialidad vital y alciónica fuese ceguera. Porque Don Juan, instintivamente, sabe muy bien diferenciar y, sobre todo, no se cansa nunca de idealizar. Quizá el lector recuerde algunas de las cosas que dije a propósito del le despertara en mitad de la noche, abandonaría el lecho en un santiamén, primer estadio, el del paje. Es conveniente volver aquí a la comparación siempre seguro de su victoria. Sin embargo, esa fuerza y ese poder que hice entre una réplica del paje con una de Don Juan. Cuando colosales no admiten la expresión verbal; solo la música puede darnos Cherubino, ligero como un pájaro, salta audazmente por la ventana, la una idea aproximada de ellos, pues para la reflexión y el pensamiento es impresión que le causa a Susanna es tan grande que está a punto de algo indecible. Podríamos describir con palabras las astucias de un desmayarse y, cuando vuelve en sí, exclama: “¡Ah, y cómo corre el seductor determinado de manera ética, pero sería vano intentar realizar bribonzuelo! ¡Cuán afortunado no será con las muchachas!”. Es lo mismo con la música. Pero en el caso de Don Juan ocurre lo contrario. perfectamente lógico que Susana hable así, y sin duda que la causa de su ¿Cuál es la fuerza que le impulsa? Nadie es capaz de descifrar este desfallecimiento no es tanto la impresión recibida por el atrevido salto misterio. Si, por ejemplo, le preguntáramos a Zerlina antes de llegar al del paje, como el hecho de que ya ha tenido fortuna con ella. En este baile en casa de Don Juan: ¿qué poder es ese con el que te tiene cautivada?, sentido se puede afirmar que el paje es el futuro Don Juan, sin que esto sin duda la joven respondería: “No se sabe”. Y yo, por mi parte, le diría: deba entenderse ridículamente como que el paje se transformaría en “¡Bien dicho, niña mía! Hablas con más sabiduría que la de los sabios de la Don Juan al volverse viejo. Pero Don Juan no solamente tiene éxito con India. Richtig, das weiss man nicht (exacto, no se sabe), y por desgracia las jóvenes, sino que logra también hacerlas felices y… desdichadas. Y lo tampoco yo puedo darte una respuesta”. curioso del caso es que ellas mismas quieren correr esa suerte o riesgo, y La música, pues, es el único medio que puede expresar esta fuerza sería mísera aquella muchacha que no deseara llegar a ser desgraciada que hay en Don Juan, que yo no sabría designar mejor que con el
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siguiente predicado: es una jovialidad vital y alciónica. Por esta razón, cuando Kruse1 le hace decir a Don Juan, en el momento en que este entra en escena en la boda de Zerlina: “¡Alegría, amigos! Veo que estáis ataviados para una boda…”, lo que dice es muy significativo y exacto, aparte de que dice más de lo que probablemente piensa. Porque indica que él mismo trae la alegría consigo y, en lo que respecta a la boda, también encierra su importancia el detalle de que los invitados estén vestidos para una boda; porque Don Juan no es únicamente un hombre para Zerlina, sino que también festeja con juegos y canciones las bodas de todas las jóvenes de la comarca. ¿Qué tiene, pues, de extraño que las alegres muchachas se arracimen en torno de él? Y podemos estar seguros de que no quedarán defraudadas, pues él tiene suficiente para todas ellas. Lisonjas, suspiros, miradas atrevidas, suaves apretones de mano, susurros secretos, la peligrosa proximidad y la tentadora ausencia… y esto por no citar nada más que los recursos menores, los que podríamos llamar simples regalos de boda. Para Don Juan es un regocijo inmenso el espectáculo de una mies tan rica y en sazón. Él se ocupa de la comarca entera, y es muy probable que le lleve menos tiempo que el que Leporello necesita para realizar el recuento. El pensamiento, mediante estos breves análisis anteriores, regresa de nuevo a lo que constituye el objeto propio de este ensayo, a saber, la musicalidad absoluta de Don Juan. Su deseo es sensual. Seduce por el poderío demoníaco de la sensualidad, y las seduce a todas. La palabra y el parlamento le son ajenos, pues por ese camino se convertiría inmediatamente en un individuo reflexivo. Don Juan, en resumen, carece de permanencia, siendo más bien un soplo que se precipita en un incesante desaparecer. Exactamente como la música, de la cual se puede afirmar que desaparece tan pronto como cesa de sonar y solo renace dijera esas cosas, el lector atento podría replicar con pleno derecho: cuando vuelve a sonar. Si me permito preguntarme aquí, por tanto, “¡Ved, amigos, cómo nuestro autor lo ha echado todo a perder con este cómo es Don Juan físicamente, si es hermoso, joven o viejo, cuál es su discurso! Porque ha olvidado —¿quién lo iba a decir?— que Don Juan no edad aproximada, lo hago a la manera de una adaptación, y todo lo que puede ser visto, sino oído”. Por estas razones, como es lógico, no estoy se pueda decir sobre estas cuestiones solo tiene cabida en el presente dispuesto a pronunciar en serio un discurso semejante ni, en general, ensayo en el sentido en el que una secta es tolerada dentro de la Iglesia ningún discurso. Pues en este tema no tengo más que una palabra que estatal. Digamos que Don Juan es apuesto, aunque algo entrado en años. decir: escuchad a Don Juan, pues jamás lograréis haceros una idea de él si no es oyéndole. No hay otro camino. Escuchad el comienzo de su vida; como el rayo que se desata de la preñada oscuridad de las nubes de Escuchad el apetito desenfrenado de la pasión, el suave murmullo del amor, el susurro tormenta, así surge Don Juan desde el fondo de de la tentación, el torbellino de la seducción y la calma impresionante del instante… la seriedad, más raudo y caprichoso que el ¡Sí, escuchad, escuchad, escuchad el Don Juan de Mozart! propio zigzag del rayo y no menos inestable. Escuchad cómo se lanza sobre la rica variedad de la vida y cómo arremete contra sus sólidas murallas. Escuchad los sonidos de violín, Si tuviera que sugerir una edad determinada, yo señalaría los 33 años, ligeros como pasos de danza. Escuchad los signos de la alegría, el júbilo pues es la edad de la generación. Lo malo de todas estas disquisiciones es del placer y la festiva dicha del gozo. Escuchad los ecos de su vuelo que fácilmente pierde uno con ellas la perspectiva del conjunto, fijándose salvaje, cuando huyendo se adelanta a sí mismo, cada vez más veloz y nada más que en los detalles particulares e insignificantes, como si Don más caprichoso. Escuchad el apetito desenfrenado de la pasión, el suave Juan sedujese por su belleza o por cualquiera otra de sus cualidades más murmullo del amor, el susurro de la tentación, el torbellino de la o menos dignas de mención. De esta manera lo estaríamos viendo, pero seducción y la calma impresionante del instante… ¡Sí, escuchad, habríamos dejado de oírle. O lo que es lo mismo, lo habríamos perdido escuchad, escuchad el Don Juan de Mozart!». para siempre. Por tanto, si yo ahora me esforzase por ayudar al lector a formarse una idea de Don Juan, y dijese: mirad, amigos, contemplad a El presente texto reproduce los últimos párrafos del capítulo 3º de Don Juan, ahí le tenéis delante de vuestros ojos. Mirad cómo los suyos El erotismo musical de Sören Kierkegaard, titulado “La genialidad sensual echan llamas. Ved cómo sus labios se abren al sonreír, tan seguro de su definida como seducción”. victoria. Contemplad su mirada regia, que reclama lo que es del césar. Para la traducción nos hemos basado en la realizada por Demetrio Ved con qué ligereza participa en el baile, con qué orgullo alarga la mano Gutiérrez Rivero (Ediciones Guadarrama, 1969). ¶ y cuán dichosa se siente aquella a quien se la ofrece… O si dijese: prestad atención, que Don Juan está ahora en medio del bosque sombrío. Vedle apoyado en un árbol, acompañándose con una guitarra. Y mirad a una muchacha en flor escondida entre los árboles, temerosa como un animal Notas sorprendido por los perros de los cazadores. Don Juan, sin embargo, no se precipita, porque sabe muy bien que ella le anda buscando… 1. [Este es el nombre del traductor danés —tan frecuentemente citado por O si dijese: contemplad ahora a Don Juan reposando en la orilla del lago Kierkegaard— del libreto de Don Juan. La presente referencia es como sigue en una noche estrellada y tan hermosa que la luna se detiene y revive en el libreto de Da Ponte, act. I, esc. VIII: aquellas noches de amor de su juventud. Sí, una noche tan bella que las “Cari amici, buon giorno. Seguitate muchachas de la ciudad darían cualquier cosa por poder acercarse a a stare allegramente, hurtadillas hasta él y, aprovechando un momento de oscuridad, mientras seguitate a suonar, o buona gente. la luna emprende de nuevo su carrera brillante por el cielo, besarle. Si yo C’è qualche sposalizio?”]
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Almas que vibran: la filosofía de la música de Mainländer
Manuel Pérez Cornejo
El año 1876, fecha clave en la historia de la música por el estreno el 13 de (FR, Apéndice, pp. 523 y ss.) Este había sostenido que las diversas artes agosto de la Tetralogía wagneriana en el Teatro de Bayreuth, estuvo reflejan las diferentes ideas en las que se objetiva la esencia del mundo, marcado también en filosofía por dos acontecimientos estrechamente mientras que la música refleja la propia voluntad de vivir, la cosa en sí, relacionados entre sí: el suicidio del joven filósofo alemán Philipp que late, con diversas modulaciones, en el fondo de toda realidad. Mainländer (seudónimo adoptado por Philipp Batz en homenaje a su Oponiéndose a Schopenhauer, Mainländer sostiene, en cambio, que la localidad natal, Offenbach am Main), y la ruptura entre Nietzsche y voluntad no debe interpretarse a la manera de un sustrato universal que Wagner, provocada por el desencuentro que se produjo entre ambos a se halla en la base de todos los seres, sino que, en su filosofía, lo único finales de ese mismo año, durante su estancia en Sorrento. que realmente existe es la ‘voluntad de vivir individual’ que anima a cada Hasta hace poco prácticamente olvidado, Mainländer comienza a ser, y muy especialmente al ser humano (FR, p. 169). ser reconocido como uno de los pensadores más originales del siglo XIX. Activo también en el ámbito de la poesía (Diario de un poeta, Plaza y Valdés, Madrid, 2015), el teatro (Die letzten Frente a las demás artes, la poesía y la música se ocupan inmediatamente Hohenstaufen, 1876) y la novela (Rupertine del Fino. de la voluntad individual, captando su esencia más profunda Novela filosófica, Guillermo Escolar, Madrid, 2018), Mainländer fue un seguidor radical del pesimismo de A. Schopenhauer, cuyos presupuestos prosiguió hasta sus últimas consecuencias en su obra más Por medio de la autoconciencia, el ser humano capta, de modo importante: la Filosofía de la redención (Xorki, Madrid, 2014), publicada a inmediato, las ‘cualidades de la voluntad’: envidia, benevolencia, finales de marzo de 1876. En cuanto tuvo entre sus manos los primeros crueldad, nobleza, soberbia, vanidad, pundonor, etc., así como los ejemplares del libro, Mainländer puso fin a su vida. Tenía solo 34 años. ‘estados’ de la misma: alegría, tristeza, amor, odio, sosiego, etc. Es en este La Filosofía de la redención es una obra realmente original por el núcleo íntimo de nuestro ser en el que se sumergen los poetas y los novedoso concepto del mundo que Mainländer expone en sus páginas: músicos. Frente a las demás artes (arquitectura, escultura, pintura), la para el joven filósofo de Offenbach, el problema no es determinar si poesía y la música se ocupan inmediatamente de la voluntad individual, existe o no existe Dios; según Mainländer Dios existió, pero ‘ya no’ captando su esencia más profunda. Así, dice Mainländer, “el músico existe: “Dios ha muerto —dice—, y su muerte fue la vida del mundo” capta en su propio seno, con mayor o menor claridad, un conjunto de (FR, p. 137). Abrumado por el hastío que le producía su existencia estados, y el poeta un conjunto de estados y de pre-cósmica, Dios “se suicidó”, y su extinción dio origen al universo, cualidades de la voluntad del hombre, pues el con la multiplicidad de seres que han heredado su indecible genio tiene precisamente la capacidad de sufrimiento existencial y se encaminan a través del tiempo hacia producir en sí mismo cualidades de la la ‘nada’ final. Esta concepción de un universo surgido del voluntad que son transitorias y de “estallido” de la unidad divina, y recorrido por una entropía trasladarse a cualquier estado. Mas lo universal, anticipa de forma verdaderamente visionaria la que encuentra lo plasma en objetos cosmología del Big Bang desarrollada en el siglo XX. sustanciales, en palabras y sonidos, y Nietzsche, quien leyó con gran interés el libro de por eso las obras de los poetas y los Mainländer nada más publicarse durante su estancia en músicos están libres del espacio y de Sorrento, tomó de él literalmente su conocida idea de la la materia, pero se dan en el tiempo” “muerte de Dios”, planteándose, poco tiempo después, (FR, p. 173). Esto significa que, oponer el concepto del “eterno retorno” al entropismo puesto que el núcleo del músico y nihilista mainländeriano. del poeta es voluntad de vivir, como el de todos los demás seres Vibración de las almas: humanos, apoyándose en la la música, “el arte más poderoso” observación objetiva que hace del mundo, el genio poético y/o musical Igual que en Nietzsche, la música juega un tiene la capacidad de dar a su importante papel en la reflexión de Mainländer, aunque él, voluntad individual un carácter como poeta, concede primacía a la poesía frente a la diferente del suyo, y sentir los cambios música. En su Estética, expuesta en la 3ª parte de la Filosofía de que experimenta la voluntad de vivir de la redención, Mainländer se ocupa de analizar el arte musical. otro individuo. Como el sonido y la Su filosofía de la música parte de realizar una dura crítica a la palabra, bases de la música y la poesía, famosa metafísica de la música de su maestro Schopenhauer respectivamente, tienen su fundamento en las
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oscilaciones de la voluntad, los movimientos que esta experimenta se comunican al aire, con una objetivación tan perfecta que la voluntad del oyente es captada por ese movimiento y vibra con él (FR, p. 145). La diferencia entre poesía y música estriba, según Mainländer, en que esta última se limita a reflejar los ‘estados’ de la voluntad individual, es decir, sus “vibraciones”, en los afectos, como alegría, valentía y temor, esperanza y desesperación, amor y odio. Mediante las vibraciones sonoras, la música traslada la voluntad del oyente a un estado de vibración parecido, lo que Mainländer llama un “vibrar compartido (Mitvibrieren)” (FR, Apéndice, p. 504), y produce en él el mismo estado de placer o de dolor, aunque de un modo subrogado: “Es ahí —afirma Mainländer— donde reside el secreto del maravilloso poder que ejerce [la música] sobre el corazón humano” (FR, pp. 92-93, Apéndice, p. 497). Si, utilizando la expresión habitual, llamamos a este núcleo íntimo del sujeto “alma”, y cambiamos la palabra “estados” por sentimientos, entonces podríamos decir que la música le permite a nuestra alma vibrar al unísono que el alma de otros individuos y calar en el fondo de los sentimientos que las agitan, permitiéndonos sentir lo que ellas sienten (FR, p. 96, Apéndice, p. 497). De esta manera, por poner un ejemplo, Johannes Brahms, en su Cuarteto para piano y cuerdas nº 3 en Do menor op. 60, “Werther” (esbozado en 1856, completado en 1875 y estrenado en febrero de 1876 en Wiesbaden, con el propio Brahms al piano), no solo consigue hacernos vibrar con los sentimientos que imagina debieron conmover el alma del joven personaje de Goethe, sino también y, sobre todo, nos hace sentir los estremecimientos que experimentaba su propia como el lied o la ópera, será poderosísima, y tendrá un efecto voluntad, agitada por el amor que sentía por Clara Schumann. arrebatador sobre el ánimo de quien la oiga (recuérdese, a este respecto, Pero el asunto es más complejo, porque el gran descubrimiento que lo que le escribía Wagner a Mathilde Wesendonck en una de sus cree haber hecho Mainländer es que tras la voluntad de vivir individual apasionadas cartas: “Este Tristán e Isolda es lo más terrible… ¡Ese último late una voluntad más profunda: la ‘voluntad de morir’ (Wille zum Tode), acto! Temo que la ópera sea prohibida, a menos que se interprete como eco inconsciente de aquella “muerte de Dios” que dio origen al universo: una parodia; una gran interpretación debería enloquecer a la gente”). Mainländer va a sostener que la vida es el medio del que se vale la El fascinante hechizo que ejerce el canto sobre el alma se explica porque voluntad de morir para alcanzar su objetivo: la nada, la aniquilación “los sonidos trasladan la voluntad del oyente al mismo estado del que absoluta. Los motivos de la nada y la muerte, tan característicos del han surgido” (FR, p. 188), e idéntico efecto tienen los instrumentos Romanticismo, encuentran así una genial fundamentación ontológica “cuando el artista les insufla su alma, su estado anímico, por decirlo de en la muerte de Dios y la disolución de la unidad pre-cósmica algún modo; no siendo así, su efecto es más bien mecánico y no nos mainländerianas, que anticipan la conocida dualidad freudiana Eros- entusiasma” (FR, p. 188). Cuando escuchamos “un simple lied, o un canto Thanatos. Siendo esto así, la poesía y la música no solo nos transmiten polifónico, un dueto o un terceto, o una sonata, cantata, misa, motete, las vibraciones de la voluntad de vivir individual, sino también, y, sobre gran himno, réquiem o sinfonía, siempre y en todos los casos la música nos habla de bienestar y dolor, de tristeza, del amor, de nostalgia, de alegría, de desesperación, de la paz del ser humano” (FR, p. 189), y unida a Si pensamos en el anhelo de muerte y de reposo que mueven a Tristán e Isolda, la poesía, como hemos dicho, su efecto y poder tendremos un magnifico comentario musical de las ideas nihilistas de Mainländer resultan mucho mayores. acerca de la exaltación vital y el triunfo postrero de la muerte Mainländer distingue, por lo demás, entre ‘música ideal’ y ‘música realista’. Identifica la primera con la belleza formal del clasicismo, en la que cree reconocer un eco lejano del ‘primer todo, la sombría vibración de la voluntad de morir. Si pensamos en el movimiento armónico y libre’ que llevó a cabo la unidad simple divina anhelo de muerte y de reposo que mueven a Tristán e Isolda, o en la cuando decidió disolverse en la multiplicidad del cosmos (FR, p. 156), y destrucción final del universo, con la que se cierra el Götterdämmerung considera que es una música que “trata preferentemente de los estados wagneriano, tendremos un magnifico comentario musical de las ideas del alma bella: la alegría comedida, el júbilo contenido, una pasión nihilistas de Mainländer acerca de la exaltación vital y el triunfo postrero mesurada [en la que] todos estos movimientos de la voluntad tienen de la muerte. lugar sin atropello alguno, de manera que el músico ideal puede hacer Como dijimos, en la discusión romántica acerca de la primacía de la valer lo bello formal en toda su perfección: sus composiciones son música o de la poesía en el sistema de las artes, Mainländer, como poeta diáfanas, claras, simples, llenas de nobleza, y en general de la tonalidad y en principio, toma decididamente partido por la poesía, porque esta mayor, que es fuerte y sana” (FR, p. 190). Es evidente que Mainländer, sin nos muestra totalmente la idea del ser humano, tanto externa como mencionarlos —apenas cita directamente músicos concretos en sus interiormente, y además mediante sus descripciones es capaz de reflejar obras—, está pensando en autores como Haydn o Mozart. la naturaleza entera, por lo que habría que considerarla “el arte “El músico realista, en cambio —prosigue— describe todos los supremo”; en cambio «la música únicamente tiene que ver con el ser estados del ser humano: angustia, desesperación, desfallecimiento, humano; todas las demás ideas le son ajenas, y trata solo del interior del júbilo desmedido, las bruscas transiciones del placer al displacer, la hombre, y, dentro de él, únicamente de los ‘estados’. Según esto, es un pasión sin límites, el sentimiento desgarrador”; y para poder proyectar arte esencialmente más imperfecto que la poesía, pero dado que su todo ello en su obra, le es necesario “ir más allá de los límites de lo bello material es el sonido, no la palabra hablada, habla un lenguaje inteligible formal, aunque —advierte Mainländer— cuando se trata de un para todos, (…) y por eso ha de considerarse el arte “más poderoso compositor realista genial, como Beethoven, se aproxima de nuevo, en (die mächtichste Kunst)” (FR, pp. 187-188). cuanto puede, a tales límites”, dejando que la belleza de los sonidos De aquí se deduce —aunque Mainländer no lo afirma “flote de manera serena y transfiguradora sobre el ondulante mar de las explícitamente— que una composición que reúne poesía y música, sensaciones” (FR, p. 190).
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DOSIER MÚSICA Y PENSAMIENTO (III)
En la ópera, que, a tenor de todo lo expuesto, sería el arte más elevado, por reunir poesía y música, “la música se pone decididamente al servicio de la poesía, pues los sonidos iluminan, por así decirlo, el corazón de los personajes que actúan, nos desvelan las fuentes de donde fluyen sus acciones, y deja que los movimientos del ánimo influyan con fuerza sobre nosotros, más de lo que serían capaces de hacerlo las simples palabras” (FR, p. 190). Como estamos viendo, el concepto de ópera que expone Mainländer se aproxima más al drama musical wagneriano, con su fusión entre poesía y música, que a la concepción schopenhaueriana de la ópera, en la que la música ha de destacar sobre la palabra dentro de la representación.
L a Filosofía de la redención y el Parsifal wagner iano
Aunque Mainländer no menciona nunca a Wagner en sus escritos, la afinidad entre algunos aspectos del ideario estético-musical Escenografía de Max Brückner a partir de los bocetos de Paul von Joukowsky para el tercer acto del estreno de Parsifal en Bayreuth, en 1882. Pintura de P. Giljum. wagneriano y la reflexión sobre la música de Mainländer va mucho más allá, llegando hasta la última obra religión cristiana y el budismo, y seguramente Nietzsche le comentaría a maestra del gran músico germano: Parsifal. Como es sabido, aunque Wagner su lectura de la Filosofía de la redención, comprobando el efecto Wagner venía interesándose por el poema de Wolfram von Eschenbach que las ideas mainländerianas sobre la virginidad redentora debieron de desde 1845, fue precisamente después de su alejamiento de Nietzsche, a producir en el atormentado espíritu del músico. No podemos saber, finales de 1876, cuando decide dedicarse a la composición de su desde luego, si las cosas sucedieron de este modo, pero es muy probable “festival escénico sacro (Bühnenweihfestspiel)”, que se estrenaría en que fuera así. En cualquier caso, aunque Wagner no cita nunca al Bayreuth el 26 de julio de 1882. El carácter cuasi-sacro de esta extraña malogrado filósofo de Offenbach, no hay más que leer el libreto de pieza, que no acaba de ser plenamente cristiana, y en la que una Parsifal y escuchar su maravillosa música, para abrirnos a los ideales misteriosa Orden de caballeros-sacerdotes, dedicados a la custodia del mainländerianos de virginidad, espiritualidad y redención. Grial, ha hecho voto de castidad y de defender los valores espirituales Pero hay más: cuando Mainländer se suicidó, dejó inéditos una serie frente a las tentaciones mundanas, plantea dos preguntas: ¿qué de ensayos, que formaban el segundo volumen de la Filosofía de la determinó la ruptura ‘definitiva’ entre Nietzsche y Wagner? ¿Qué papel redención, y que serían publicados en 1886 por su hermana Minna, con la jugó Mainländer en todo este asunto? ayuda del editor Otto Hörth. Entre esos ensayos aparece uno dedicado al Parsifal de Wolfram von Eschenbach y a la simbología del Grial, ¡y otro centrado en el Aunque Mainländer no menciona nunca a Wagner en sus escritos, fantástico proyecto de crear una Orden caballeresca contemporánea, a la que la afinidad entre algunos aspectos del ideario estético-musical wagneriano denomina la “Orden del Grial”, cuyo objeto y la reflexión sobre la música de Mainländer va mucho más allá, seria luchar por la redención de la llegando hasta la última obra maestra del gran músico germano: Parsifal Humanidad! Es evidente que todo este material resultó desconocido para Wagner, que falleció en 1883, pero muestra que su pensamiento y el de Mainländer recorrieron La respuesta es, sencillamente, que no lo sabemos; pero podemos cursos estrictamente paralelos, hasta el punto de que creo poder afirmar adivinarlo. En 1876, Nietzsche había leído intensamente en Sorrento la que quien no haya leído la Filosofía de la redención no puede entender Filosofía de la redención, en la que, además de anticiparse la idea de la plenamente el mensaje redentor que encierra Parsifal. Sintiendo el muerte de Dios, que antes hemos comentado, también se apunta al estremecimiento que recorre nuestras almas cuando escuchamos su imperativo de la virginidad como el método más eficaz para acabar con profunda música, capaz de hacernos vibrar hasta lo más hondo, el sufrimiento que nos impone la voluntad de vivir. Además, en el libro comprendemos que el joven filósofo suicida tenía razón: sin duda, la aparecía una serie de críticas de Mainländer a Schopenhauer, que música es el arte más poderoso. ¶ reforzaban las dudas que Nietzsche venía mostrando desde hacía unos años hacia la filosofía del Buda de Fráncfort. Cuando Wagner recaló en Manuel Pérez Cornejo, “Viator”, es doctor en Filosofía y licenciado en Sorrento, buscando reponerse de la depresión que le había producido el Historia del Arte, presidente de la Sección Española de la relativo fiasco de la primera representación del Anillo, se entrevistó con Internationale Philipp Mainländer Gesellschaft Nietzsche entre el 27 de octubre y el 7 de noviembre. En el curso de sus paseos sorrentinos, Wagner debió de comunicarle a Nietzsche su cansancio vital y su atracción creciente por el aspecto redentor de la
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MÚSICA Y PENSAMIENTO (II) DOSIER Schelling y la arquitectura como música congelada
Virginia Moratiel
Existe una frase, convertida en tópico entre los amantes de la arquitectura, que funda el derecho de esta disciplina a erigirse en una de las bellas artes, pues desprecia la utilidad frente a la búsqueda de la belleza: “La arquitectura es música congelada”. Pocos saben, sin embargo, en qué obra apareció por primera vez, quién fue su autor y qué puede significar realmente. Algunos la atribuyen a Goethe, otros a Schopenhauer, Fr. Schlegel, Mme. de Stäel o Henry Crabb Robinson y, cuando por fin se acierta con el creador, se recalca su carácter intuitivo aislándola de su contexto, como si se tratara de una mera ocurrencia genial. Al olvidar que la proposición pertenece a un sistema filosófico de rigurosísima factura, se destruyen las diferentes capas semánticas que convergen en ella, dejándola desconectada de toda una concepción del universo, cuya base reside en una ontología estética. La frase surgió en lengua alemana: “Die Architektur ist die erstarrte Musik”. El verbo erstarren se aplica a un flujo que se detiene y se estanca, a un fluido que se solidifica, a un movimiento que se paraliza o a una articulación que se anquilosa por falta de flexibilidad. Así pues, la expresión se presenta con ciertas variaciones al traducirse al español, como música congelada, petrificada o fijada. Su primer registro se encuentra en la Filosofía del arte de Schelling (Sección IV), donde se construyen las formas particulares del arte a partir de la oposición de dos series, la real y la ideal, más específicamente, en los parágrafos dedicados a las artes figurativas. Esta obra, editada tras la muerte del filósofo idealista por su hijo, recoge los manuscritos que le sirvieron de apoyo para impartir lecciones en la Universidad de Jena en el semestre de invierno de 1802-03. Repetidas en Wurzburgo dos años más tarde, Daguerrotipo de Schelling, 1848. obtuvieron un éxito clamoroso, siendo el puntapié inicial para la difusión de la estética romántica por toda Europa, desde Gran Bretaña hasta Italia. La confusión sobre la autoría de la frase se debe a su difusión con “Saludad ahora a una obra maestra del espíritu; pues he aquí anterioridad a la publicación del libro. Se sabe que Mme. de Stäel llegó a que las nubes se disipan en música al marcharse. Weimar cuando las clases habían finalizado y contactó con un alumno De los etéreos sonidos fluye una fuerza que nadie puede ver, inglés, Henry Crabb Robinson, quien había asistido al curso y, con el pues, al moverse, todo es melodía; correr de los años, se convertiría en introductor del romanticismo en retumban los fustes y los triglifos, Inglaterra. De Stäel leyó sus apuntes y mantuvo con él varias entrevistas parece que cantase todo el templo”. para debatir los temas tratados. Finalmente, embelesada por la potencia especulativa y el poder de sugerencia de las concepciones estéticas de La metáfora sonora de la basílica de San Pedro, que reúne ideas Schelling, utilizó sus expresiones en obras posteriores, por ejemplo, en pitagóricas sobre la concepción musical del cosmos con ideas su novela Corinne (1807), al describir la catedral de San Pedro en Roma masónicas sobre Dios como gran arquitecto universal, se hizo como una música continua y fija. recurrente. Así, topamos otra vez con ella en las Memorias del músico Veinte años más tarde, Goethe creaba una variante de aquella romántico Berlioz: definición y la consignaba en sus papeles. La arquitectura se mostraba ahora como música silenciada o muda, recordando a Orfeo, quien “Atraídos por la luz, mis ojos se alzaron hacia la gloriosa cúpula de construía casas con liras. La verdad es que no era extraño que el gran Miguel Ángel y mis ideas experimentaron una abrupta transformación escritor alemán se atribuyese ideas de otros o, como en este caso, […]: pasé, en un instante, a la Música de las Esferas, al coro de serafines, traspapelase notas tomadas ante un pensamiento inspirador sin indicar a la bondad y a la serenidad, y a la paz infinita de los cielos”. su procedencia. Está claro que aquella relación entre música y arquitectura produjo un gran impacto en él porque, en la segunda parte La asociación entre el orden dórico y la música se volvió reincidente del Fausto, volvía a utilizarla refiriéndola a la catedral de San Pedro. Y, gracias a la difusión de dicha idea a través de Goethe. Por ejemplo, en un para mayor coincidencia, la enmarcaba en el contexto de la arquitectura ensayo sobre la arquitectura norteamericana del famoso escultor griega, con evidente alusión al estilo dórico, igual que en la Filosofía del Horatio Greenough se indicaba que el templo griego “pierde su armonía arte de Schelling: si en la ejecución se omite una nota”.
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DOSIER MÚSICA Y PENSAMIENTO (III)
Las artes figurativas en el sistema de Schelling La música, que —por primera vez con Schelling— aparece en la clasificación de las bellas artes bajo el rubro de figurativa, tiene un vínculo Al margen de las ideas de Mme. de Stäel y su impronta en la estética profundo con la naturaleza porque en ella todo tiene un ritmo, un ciclo de romántica, lo fascinante del tratamiento hecho por Schelling de las artes vida o de movimiento, incluidos los cuerpos astronómicos. De hecho, los y su interrelación es que no se funda en conexiones empíricas ni pitagóricos decían que todo es número y todo posee una correspondencia azarosas, sino que es el resultado de una construcción sistemática a musical, de modo que hasta el movimiento planetario produce un sonido, priori, sin la cual el filósofo jamás hubiese conseguido asociar la música sólo que ningún oído humano es capaz de escucharlo. con la arquitectura ni desarrollar semejante analogía con tanta La música es la primera de las artes figurativas, de ahí que profundidad. represente el movimiento como tal, depurado de los objetos. El ritmo, en Como corresponde a toda visión idealista, el punto de partida para cuanto que es su esencia, está necesariamente ligado a las formas establecer estas conexiones son procesos espirituales, en este caso, naturales primigenias, en particular, a los cuerpos inorgánicos, como los procesos cognitivos o modos de representación. Se trata de los metales, cuya sonoridad depende de su cohesión y, por tanto, de la movimientos que utiliza la conciencia para perfilar el mundo gravedad primordial del universo físico, que —según Schelling— es la circundante, construyendo síntesis entre lo inteligible y lo sensible, característica general de la materia. El órgano del cuerpo que permite la gracias a la facultad de la imaginación. Para Schelling, dichos captación del sonido, el oído, reproduce la asociación con el procedimientos son tres: el esquema, la alegoría y el símbolo. magnetismo en un nivel de mayor perfección, y está constituido en su El ‘esquema’ reúne lo general, lo uno, lo universal, lo eterno (o el exterior analógicamente, por cuerpos rígidos y sonoros. Así, la música concepto) con lo particular, lo múltiple, lo individual y temporal (o la sensación), que queda subsumido al primero. Lo intuido sensiblemente se subordina al concepto y sale El arte constituye una totalidad de fuerzas o potencias, donde cada disciplina, de la esfera de lo exclusivamente subjetivo para obra, estilo, movimiento o artista, ocupa un lugar necesario, irrenunciable alcanzar una cierta objetividad. Lo ideal se vuelve entonces real. Este último lo acoge en su e intransferible, que cobra sentido en relación al conjunto interior de una manera directa, convirtiéndose en un caso particular de aquél. Así, —según Schelling— el esquema significa lo particular, pero no lo es. Esto ocurre en todas las lenguas, pues, aunque nos humana refleja la armonía de la naturaleza visible y transcribe el refiramos a las cosas particulares, lo hacemos siempre a través de movimiento de los cuerpos celestes, donde las figuras se muestran términos generales. Lo mismo sucede en la aritmética y la geometría. Y surgiendo del caos mismo, presentadas en la pura forma del ello se debe a que el esquema construye el saber en general. Por supuesto movimiento, abstraídas de lo corpóreo. Es por eso que, siendo este el también acontece en las dos artes vinculadas primariamente a dichas arte más primitivo, sin embargo se le atribuye una espiritualidad y una ciencias: la música y la arquitectura, que, evidentemente, proceden de inmaterialidad cercana a la del lenguaje. De algún modo, las artes una manera esquemática. discursivas son una potenciación de las figurativas en el plano del La ‘alegoría’, en cambio, realiza el movimiento contrario: va de lo espíritu, de modo que la poesía no es más que música, ritmo convertido particular a lo general. Desde lo real apunta a lo ideal, pero no lo es. en lenguaje, expresado de forma claramente racional, y no emotiva, Nunca llega a identificarse completamente con él. Por eso, en las artes como sí ocurre en esta última. alegóricas, como la pintura o el bajorrelieve, predomina lo finito en el En segundo lugar, dentro de las artes figurativas, la pintura objeto artístico. Lo particular se revela en toda su caducidad contrastando corresponde a la luz, que es la siguiente de las potencias de la naturaleza. con lo infinito hacia el que tiende, de un modo parecido a como ocurre en Ella es capaz de subordinar lo particular a lo universal sin suprimir la la acción, al concretarse en actos que aspiran a un proyecto ideal, pero diferencia, haciendo simultáneo en el espacio lo que antes se mostraba sólo lo realizan en parte con las limitaciones propias del caso. como sucesión e impregnando con la idea las dos dimensiones de la Finalmente, el símbolo reúne los dos movimientos, el que va de lo materia. ideal a lo real y viceversa. Se opera entonces la síntesis del esquema con Finalmente, las artes plásticas representan la tercera potencia: la del la alegoría, de tal manera que la imagen y su referente convergen organismo. La arquitectura está en el primer nivel, ocupando un lugar produciéndose el máximo punto de unión entre pensar y ser. De ahí que similar al de la música en la esfera inorgánica. Tiene que ver con el reino el símbolo sea y, al mismo tiempo, signifique, y que Schelling se refiera a vegetal, el más sencillo y primario de los tres, mientras que el él con la palabra Sinnbild, donde se reúne la imagen con el sentido. En el bajorrelieve plasma mejor el medio animal, y la escultura, el mundo mundo natural, el símbolo por excelencia es el organismo, porque refleja humano. Con esta, las artes figurativas alcanzan su culminación para dar la estructura de la razón, como ya habían visto Kant y Fichte. En el paso a las discursivas, que se desarrollan en el terreno del lenguaje, ámbito de las artes figurativas, la plástica posee un carácter simbólico y, patrimonio exclusivo de la humanidad. dado que se compone de otras tres artes: la arquitectura, el bajorrelieve y Por estar vinculada a lo más primario (lo inorgánico y lo la escultura, esta última es la que consigue llevarlo a su máximo emocional), la música es un arte del tiempo relacionado con la esplendor. A su vez, entre las actividades humanas o potencias aritmética. Plasma el fluir mismo de la conciencia, que va de emoción en espirituales, la creación estética es, frente al saber y a la acción, la emoción o de idea en idea, y —como dijo Leibniz— constituye propiamente simbólica, porque genera un objeto que tiene una entidad “el arrebato del alma que no sabe que se numera a sí misma”. por sí mismo, pero lo trasciende al expresar una idea, es decir que, La arquitectura, en cambio, es un arte del espacio, donde la fluencia se además de ser algo, lo significa. congela o se detiene al exteriorizarla. Así, el espacio podría definirse como alienación, cosificación o exteriorización del tiempo y, en La correlación entre las artes y la naturaleza consecuencia, la arquitectura sería la música petrificada.
Como corresponde a una visión realista, surgida de la Filosofía de la El arte como reflejo del universo naturaleza, estos procesos subjetivos también son reflejo de las fuerzas naturales y de su organización en tres potencias y en tres reinos, es decir, Esta concepción orgánica de sistema implica que en cada parte está que las distintas artes reproducen al nivel del espíritu los estratos presente la totalidad, por tanto, cada una de las artes reaparece en algún naturales y su interrelación. Incluso cada una se mueve en una aspecto de las otras reflejando a las demás. Así, por ejemplo, el dibujo es dimensión espacial específica: la música en la línea, donde se configura el lado musical o rítmico de la pintura, el claroscuro es la pintura en la la sucesión, la pintura en el plano y la plástica en la profundidad. pintura y el colorido, en tanto que acentúa la perspectiva, es la plástica
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MÚSICA Y PENSAMIENTO (III) DOSIER
en la pintura. Pero también se trata de un sistema genético, donde cada una actúa como un embrión dando lugar a la siguiente en un movimiento continuo cuyo fin es desplegar la espiritualidad. Primero, a través de las artes figurativas, que, apegadas aún a la materia, recorren los distintos reinos de la naturaleza, para finalmente ascender al mundo humano en la esfera de las artes discursivas, y de este modo llegar a la libertad más plena, expresada en la tragedia. Es como si se desenvolvieran en un movimiento en espiral, como un remolino nacido desde la tierra, en cuyo ascenso pasa una y otra vez por el mismo lugar, estableciendo un punto de mira más abarcador y elevado; un flujo de energía que se plasma en toda clase de imágenes y sintetiza en cada producto la razón con el sentimiento y la sensibilidad, lo consciente con lo inconsciente; una fluencia, que ni siquiera se detiene al llegar a la tragedia sino que desciende en su opuesto, la comedia, para regresar hacia la figuración, generando nuevas artes, como el canto o la danza. En definitiva, el arte constituye una totalidad de fuerzas o potencias, donde cada disciplina, obra, estilo, movimiento o artista, ocupa un lugar necesario, irrenunciable e intransferible, que cobra sentido en relación al conjunto. En su aparición histórica, los productos estéticos van construyendo un mundo, una grandiosa teofanía, que surge desde la imaginación divina actualizada en cada uno de los artistas. Ellos traen a la luz lo absoluto en su plenitud, pero contraído en ideas, porque un desvelamiento completo de la totalidad resquebrajaría cualquier visión. Cada uno a su manera plasma lo infinito desde una cierta perspectiva y, en su conjunto, todas muestran el orbe ideal, el mundo de los dioses olímpicos. De ahí que para Schelling la mitología constituya la auténtica materia estética. En suma, el arte imita el poder de la creación universal, de la totalidad única y divina, pero, al no poder plasmarlo en toda su intensidad ni en su plena variedad, lo refleja sintetizándolo con lo finito, en una mezcla de panteísmo y politeísmo. De esta manera, el arte presenta lo absoluto en lo finito y desvela la infinidad de sus matices, tanto de lo bueno como de lo malo, de lo bello y lo feo, de lo amoroso y lo terrible, de la felicidad y el dolor. Desde la óptica individual, esta visión sacraliza la tarea artística. Dice Schelling en su diálogo Bruno que tanto el filósofo como el artista realizan un culto o un servicio divino. El primero lo profesa de forma 3*$$"3%0$)"*--: consciente en su interior, como conocimiento, mientras que el segundo lo hace exteriormente y sin saberlo, o sea, como revelación. De esta PUCCINI: forma, la filosofía y la poesía cumplen en la cultura moderna igual misión que los misterios y la mitología en la antigüedad, pues ."%"."#655&3'-: reproducen su mutua relación: la filosofía construye un conocimiento esotérico y secreto que se objetiva, haciéndose accesible al gran público y volviéndose exotérico a través del arte. Esto es posible porque en su núcleo más íntimo, el arte reposa en una experiencia religiosa, extática, que trasciende los límites particulares de cada artista y termina por Riccardo Chailly restaura la versión negar su Yo particular, anegado o entregado a la pura acción creadora y, por tanto, divina. Esto es lo que Schelling llama “intuición intelectual”, de dos piezas de Puccini de la obra punto de partida de la filosofía, que se objetiva en la intuición estética, con lo cual esta representa la prueba y el documento de aquélla. Madama Butter y, versión original Por otra parte, desde el punto de vista de la obra y ya no desde el del de 1904, en el escenario de La Scala sujeto, la flexibilidad del movimiento creador, que fluye de manera ininterrumpida y apunta de un arte hacia otra inscribiendo sugerencias y después de más de un siglo de su haciendo resonar ecos entre ellas, pone en evidencia que la actividad estética tiene una completa unidad, aunque se explaye en matices, estreno. Con Maria Jose Siri, Carlos modulaciones y diferentes técnicas. En los artistas, esta unidad, esta Alvarez, Bryan Hymel y Annalisa integración de las distintas artes, se concreta en el gusto por la sinestesia o en la búsqueda de la obra total, de lo que Wagner llamó Gesamtkunstwerk y Stroppa. trató de llevar a la práctica a través de la ópera. También Schelling ve en la ópera esta posibilidad de globalización, ya que reúne diversas ocupaciones estéticas. Por eso la sitúa al final del sistema después de su r&OGPSNBUP%7%Z#MV3BZ culminación en la tragedia, a pesar de reconocer que el arte operístico de su época no estaba aún a la altura de semejantes exigencias y que sólo había logrado plasmar una caricatura de la obra universal. ¶
Virginia Moratiel, filósofa, escritora y traductora de Schelling. Ha sido profesora en UCM, UNAM y UBA e investigadora en Harvard y Oxford www.deccaclassics.com universalmusic.es
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“El teatro ha sido siempre un espacio de descubrimiento e invención, no un museo”
Robert Carsen (Toronto, 1954) es uno de los directores de escena más admirados y solicitados del planeta ópera, y lo lleva siendo durante las tres últimas décadas. Muchos de sus montajes han entrado desde su estreno en la mitología de la escenografía moderna, recibiendo una y otra vez reposiciones en teatros de todo el mundo. El público español ha tenido la oportunidad de presenciar, bien en el Liceu barcelonés o en el Teatro Real de Madrid, montajes ya legendarios, como los realizados sobre Dialogues des carmélites de Poulenc, Katia encuentros Kabanová de Janácek, Salome de Richard Strauss o Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner. Precisamente es el montaje de Das Rheingold, primera entrega del Anillo (que ya ha podido d verse al completo en Barcelona), lo que ha traído este pasado mes de enero a Carsen a Madrid. Aunque el plato fuerte llegará a partir del 19 de febrero, cuando el Teatro Real acoja el estreno absoluto de su nueva producción de Idomeneo, la primera obra maestra absoluta de Mozart en el terreno dramático, y una ópera por la que Carsen manifiesta una profunda admiración en esta extensa entrevista que el regista canadiense ha concedido a SCHERZO en mitad de una frenética actividad madrileña, dividida entre la supervisión de Rheingold y la puesta a punto de su nueva escenografía mozartiana.
Juan Lucas
Robert
Carsen86 SCHERZO 348 Final.qxp_Scherzo 22/1/19 12:32 Página 87
ROBERT CARSEN ENCUENTROS
He oído que Idomeneo es una ópera que a generoso debería hacer, que no es dramático que pretendíamos no era posible usted le apetecía mucho llevar a escena. probablemente lo que Idomeneo haría. ofrecerlo todo, resultaba demasiado largo y el Cierto, aunque de hecho se trata de una Idomeneo posee un carácter shakespeariano; flujo dramático podía perderse. Quizá es a eso ópera con la que guardo una relación de uno siente su grandeza, pero al mismo tiempo a lo que se usted se refiere: hay en efecto antiguo. hace muchos años, cuando era está anulado por su propia situación, demasiados diálogos entre Ilia e Idamante, y no asistente en Glyndebourne, trabajé en un especialmente por la precipitada decisión de es eso sobre lo que la ópera trata realmente; es montaje de Idomeneo y enseguida me enamoré salvar su propia vida a cambio de la de otro, que tan solo un elemento, pero no puede de ella, y más tarde dirigí una puesta en escena finalmente resulta ser la de su hijo, en un predominar, y hay que estar vigilantes para que para el teatro de ópera de Saint Louis. En todo ejemplo de cómo los dioses griegos juegan con no predomine. En cuanto a Elettra, pienso que caso, la que presentamos ahora es totalmente cruel ironía con el destino de los hombres. hay hay que ser cuidadosos; ella es también una diferente; entonces se trataba de una otros grandes asuntos en Idomeneo, y uno de víctima, ha tenido que huir de Argos, carga producción modesta para un teatro ellos es el de los desplazados, los refugiados (y consigo una terrible historia familiar: su padre relativamente pequeño, no una coproducción no olvidemos que estamos en el Mediterráneo, ha matado a su hermana, su madre a su padre, entre varios grandes teatros, como ahora. con todas las imágenes que eso nos suscita). Y su hermano a su madre, y ella ha intentado ¿Cómo la situaría dentro de la tenemos por fin las tragedias individuales que se escapar de todo eso. Su caso es parecido al de producción operística de Mozart? desarrollan contra este gran trasfondo de Ilia, que ha perdido a su padre y a sus Idomeneo es una obra importantísima, y en eventos sobre los que nadie parece tener control. hermanos, y mis instrucciones a la cantante muchos sentidos única. Lo que Mozart ¿Ambienta por tanto la ópera en el que interpreta a Ilia es que trate a Elettra, no consigue con esta partitura es una suerte de mundo actual? con agresividad sino con la máxima drama musical, y resulta muy revelador Efectivamente. compasión, pues la situación de esta es incluso presentarla junto a Das Rheingold, porque ¿Cómo resuelve las cuestiones peor que la suya. En realidad Idomeneo es una Mozart realiza en ella progresos que luego sobrenaturales, la intervención de ópera donde impera el sufrimiento, y siento Wagner retomará para sus propias obras. Es Neptuno, el monstruo…? una gran compasión por todos los personajes. increíble cómo Mozart transformó y Para los griegos, como para cualquier El personaje de Idomeneo sufre porque el acto modernizó el género de la ópera seria sistema de creencias, los dioses representan que ha realizado no es honesto, y sin duda el mediante una escritura transcompuesta que fuerzas superiores, aquello que es más grande monstruo es su propia culpa, la mentira en la destruía las viejas nociones operísticas basadas que el ser humano; pero esas fuerzas pueden que ha incurrido para salvar a su hijo, pero que en la seca alternancia del aria y el recitativo: la ser también fuerzas de la naturaleza, como las se convierte en algo peor, en ese monstruo que obertura se funde con el comienzo, el aria de tormentas marinas. Los griegos tenían una aparece destruyéndolo todo, hasta que Elettra termina con la irrupción de la tormenta, visión muy interesante acerca de la relación del finalmente se ve obligado a decir la verdad y y así sucesivamente. Es una partitura hombre con la naturaleza, y de cómo las aceptar el sacrificio de su hijo. Y la solución no extraordinariamente fluida. La comparación acciones humanas pueden desequilibrar y llega hasta que Neptuno ha comprobado que la más próxima es Gluck, sobre todo su Iphigénie causar catástrofes naturales. No es mi siguiente generación es más digna, cuando en Tauride, compuesta dos años antes. No sé si intención realizar un banal quid pro quo Idamante acepta su sacrificio e Ilia se ofrece Mozart conoció esta partitura, pero Idomeneo —pienso que el público no lo necesita— pero también como víctima. Es entonces cuando el muestra un interés similar por reformar la ciertamente la guerra, las crisis humanitarias, dios señala que ese es el camino. ópera y volver a los elementos esenciales del los desplazamientos masivos de gentes que drama, desembarazándose de todo aquello que tienen que huir y abandonar el lugar donde El ‘estilo Carsen’ no es necesario. Se trata de un avance viven, son cosas que vemos a diario en el psicológico inmenso, y sorprendente en un Mediterráneo, con las incesantes oleadas de En general su estilo se basa en la compositor de 25 años. Pero, en fin, Mozart refugiados llegando a las islas griegas e utilización de muy pocos elementos siempre nos sorprende de una manera u otra. italianas. A lo que podemos sumar los escénicos y un trabajo en profundidad con ¿Cuáles son los principales asuntos que desastres naturales, tsunamis aquí, huracanes el diseño de luces, que incluso suele firmar a su juicio plantea Idomeneo, y cuál es su allá, provocados en gran medida por la acción usted mismo, junto con Peter van Praet. visión de los mismos? del hombre, por nuestros conflictos con el ¿Cuándo y cómo surgió ese interés por la Son varios y diversos. Por un lado están los clima. Y lo curioso es que se trata de lo mismo iluminación? grandes temas: la guerra entre griegos y que estamos diciendo en el montaje de Der Al principio trabajé con muy buenos troyanos, dos pueblos enfrentados durante Ring; las dos producciones presentan extraños iluminadores, pero pronto me di cuenta de que mucho tiempo; tenemos la vieja generación puntos en común. no sentía la luz de la misma manera que ellos, así que empecé a ocuparme yo mismo. Para mí, la luz es capital, bien sea utilizada de forma “Lo que Mozart consigue con Idomeneo es una suerte de drama musical, descriptiva y narrativa, o tratada de manera psicológica para ir al interior del drama. Más y resulta muy revelador presentarla junto a Das Rheingold” tarde regresaré al tema del estilo —porque en realidad no creo que yo tenga un estilo—, pero en mis montajes intento utilizar la luz de una representada por Idomeneo, Agamenón y los Quizá el punto más débil del libreto de manera cinematográfica. En el cine es posible otros generales, con sus viejas fórmulas para Varesco es la relación entre los dos jóvenes aproximarse hasta el primer plano, o tratar las situaciones políticas, y enfrente la amantes, Ilia e Idamante, y el triángulo con panoramizar, pero no en el teatro, donde el esperanza de que la siguiente generación no Elettra, sobre todo en relación con la trama espectador mantiene una distancia y un punto cometa los mismos errores. No en vano la voz principal… de vista fijos respecto al escenario; pero de Neptuno dice al final que Idomeneo debe Bueno, no es esa mi forma de mediante la luz puedo modificar esa dejar paso a la nueva generación, que quizá aproximarme a una obra. Mi trabajo consiste perspectiva y producir la sensación de pueda encontrar una solución para detener la en hacer que lo que está escrito funcione, sin acercamiento, alejamiento e incluso guerra. Es interesante que lo primero que pensar si está bien o mal. Pero, dicho esto, desplazamiento. Respecto a los decorados, expresa Idamante cuando entra en escena es su hemos tomado con Ivor Bolton algunas pienso que la ópera es un arte con muchos voluntad de alcanzar la paz, la unión de los decisiones respecto a determinados cortes, niveles dramáticos, precisamente por la pueblos, en suma, aquello que un vencedor porque para obtener el tipo de impacto presencia fundamental de la música. Y, en mi
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ENCUENTROS ROBERT CARSEN Bill Cooper/ROH Rudy Amisano/Scala Rudy Brescia Amisano/Scala Brescia
Escenas de producciones de Robert Carsen para Falstaff de Verdi en la Scala de Milán, Iphigénie en Tauride de Gluck en el Covent Garden de Londres y Katia Kabanová opinión, si hay demasiados elementos que en el teatro no hay tradición. Para mí, la están diciendo. Algunos tienen una difícil escénicos resulta muy difícil escuchar e, tradición en el teatro significa una colección de relación con el lenguaje, otros tienen una incluso, ver. Además, no me gusta presentar al malos hábitos. El teatro ha sido siempre un relación intensa con la música. Y de alguna público algo totalmente cerrado y decirle: esto espacio de descubrimiento, de invención y manera hay que situarlos a todos en la misma es así, y punto. Prefiero que el público tenga de reinvención; no es un museo, y a quienes nos obra, lo que quiere decir que tienen que alguna manera que completar la historia. Es apasiona la ópera nos gusta contar al público reaccionar y escucharse unos a otros —eso como cuando de niños nos contaban una una vieja ópera como si fuese nueva. Además, precisamente es actuar— y no limitarse a historia que había que imaginar. Es necesario si observamos de cerca la historia de muchas esperar su momento para cantar. La otra regla poner en funcionamiento la imaginación del de las óperas que más admiramos, veremos lo fundamental que repito siempre a los cantantes público; de otra forma el espectáculo se controvertidas que fueron en su momento: La es que deben recordar al final de la jornada que, convierte en lo que Peter Brook llamaba “teatro traviata fue un fiasco, Butterfly fue abucheada como en la vida real, nunca somos capaces de muerto”, un tipo de teatro que para mí resulta duramente el día de su estreno, Le nozze di Figaro decir exactamente lo que pensamos, y que eso demasiado pictórico. En el caso de Idomeneo, fue una pieza tremendamente audaz por el mismo ocurre con los personajes. El libreto da pienso que no se pueden tener menos elementos en escena, a no ser que se opte por el escenario vacío. El decorado es mínimo, “Me gusta cambiar en función de cada obra aunque la iluminación es interesante, creo. ¿Por qué dice que no tiene estilo? y no tener un estilo preciso y perfectamente identificable ” Usted tiene un estilo muy reconocible. Me refiero a que pretendo hacer las cosas de manera muy diferente con cada ópera que asunto tan subversivo que abordaba, Verdi indicaciones, pero lo que la persona dice no es abordo. Me gusta cambiar en función de cada tuvo muchos encontronazos con los exactamente aquello que piensa, así que deben obra y no tener un estilo preciso y censores… en fin, el teatro ha sido siempre un estar conectados con el deseo de expresar su perfectamente identificable. Cada ópera es espacio de controversia, y creo que el sentimiento más allá de esas palabras que no son diferente y mi trabajo consiste en contarla Regietheater, sea lo que sea lo que quiera decir exactamente lo que piensan. Se trata de acceder como un todo en sí mismo. No me gustaría ese término, es muy válido. Es posible que no a una dimensión más amplia, aunque con estar haciendo siempre lo mismo, que el sea lo que todo el mundo quiera ver, pero nadie frecuencia alcanzar este grado de intensidad público tenga la sensación de que eso ya lo ha quiere ver la misma cosa. Por eso es tan supone un enorme y extenuante esfuerzo para visto antes; me acabaría aburriendo de mi importante tener un buen director artístico, el intérprete y para todos. Pero es el ideal. propio trabajo. como el que tiene este teatro, que proponga ¿Cuál es su opinión acerca de la obras diferentes de periodos diferentes con Filias, fobias y proyectos controversia en torno al llamado diferentes equipos escénicos, de manera que se Regietheater y, en especial, de determinados convocan muchos estilos, lo que mantiene vivo ¿Elige usted los proyectos en los que se montajes que vuelven casi irreconocible la el debate y, aún más importante, mantiene embarca, o está abierto a propuestas por historia original, e incomprensible para vivas las obras. parte de los teatros? quien no conozca muy bien la ópera en El trabajo actoral es otro de los puntos A veces tengo suerte. Recientemente, por cuestión? fuertes de sus montajes… ejemplo, la he tenido en dos ocasiones, cuando En mi caso, siento que mi responsabilidad La ópera es teatro, y el teatro es actuación, y Barrie Kosky me convocó en la Komische Oper es hacer que la obra funcione; no estoy yo soy un apasionado de la actuación (de hecho, de Berlín para hablar de un posible proyecto y particularmente interesado en escribir una yo he sido actor). Hay dos cosas especialmente yo le sugerí Die tote Stadt de Korngold; y cuando obra nueva. Pero creo que las óperas se pueden difíciles en lo que concierne al trabajo actoral en sugerí Idomeneo al Teatro Real. A veces, el teatro interpretar de formas muy diferentes. Una una ópera: la primera es meter a todos los te pregunta si te gustaría hacer esto o lo otro. producción no es más que una propuesta, no actores-cantantes en la misma obra, porque Afortunadamente mi abanico de intereses es es la forma definitiva de ver algo, y la respuesta cada uno proviene de un mundo distinto y tiene amplio. frente a una determinada propuesta variará un background diferente. Por ejemplo, en ¿Cuáles son los compositores con los con cada persona. Para mí, si un trabajo Rheingold algunos hablan alemán y saben que más a gusto se siente? escénico está realizado con sinceridad, es perfectamente lo que están diciendo; otros no Adoro a Gluck; una de mis óperas perfectamente válido. Es cierto que hay quien hablan alemán pero saben lo que están diciendo; favoritas es Iphigénie en Tauride, una obra que aboga por lecturas más tradicionales, pero creo y algunos no hablan alemán ni saben lo que muestra de forma increíble las posibilidades de
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ROBERT CARSEN ENCUENTROS Bill Cooper/ROH Annemie Augustijns
de Janácek en Amberes. la ópera. Amo a Mozart, por supuesto, pero es tan difícil de poner en escena… es muy expuesto, aunque es increíble lo que consigue hacer. Y por supuesto haendel: he montado hace poco Agrippina, y en octubre se presentará un nuevo Giulio Cesare en la Scala. Y, a la inversa, ¿hay compositores a los que está cerrado? Quizá el único caso sea Rossini; no puedo con él. Sin duda es ‘mi’ problema, pero no siento afinidad con su mundo dramático, siento que no funciona, o en todo caso que no lo entiendo, me resulta en exceso artificial. Solo he montado una ópera suya, L’italiana in Algeri, hace SEIJI OZAWA muchos años; fue una experiencia divertida, pero se trata de una obra diferente, más loca y dadá. Desde entonces no he vuelto a Rossini. BEETHOVEN: 9 ¿Qué ópera que todavía no ha hecho le gustaría llevar a escena? Una ópera que me apetece hacer desde hace mucho tiempo es The Rake’s Progress, una obra que me encanta, como por lo demás toda la música de Stravinsky. Muchos de sus montajes se reponen a lo largo de años, de décadas incluso. ¿Los modifica, los hace evolucionar? Seiji Ozawa regresa con la épica A veces. Por ejemplo, en este Rheingold, que ya tiene veinte años, hemos introducido algunos cambios. De todas formas algunos montajes novena sinfonía de Beethoven con la están más abiertos que otros a cambios. Por regla general los principales que debutó hace 45 años en el sello cambios se efectúan entre la primera y la segunda reposición. Aunque evidentemente siempre estoy abierto a las ideas que pueda tener un Philips, esta vez acompañado de la Mito nuevo cantante. ¿Cuál es su relación con la ópera contemporánea? ¿Le gusta Chamber Orchestra trabajar con compositores vivos? Por supuesto. Mi siguiente producción, programada para marzo en Berlín, es una nueva ópera titulada Ocean, del compositor alemán Detlev Glanert, basada en una novela de Theodor Fontane sobre la ondina Melusina. ¿No siente su libertad más limitada al tener a su lado al compositor y al libretista? No, al revés, es estupendo poder consultarles. Además, no me gusta la idea de que con un compositor muerto puedo hacer lo que quiera. Mi trabajo es intentar comprender lo que el compositor quería con esa obra, por qué la escribió de esa manera, qué era nuevo cuando la escribió y por qué el público se sintió sorprendido. Para mí, cada ópera que acometo es nueva. El hecho de que Idomeneo se haya compuesto hace tantos años no impide que siga siendo nueva y nos siga inquiriendo aquí y ahora. La diferencia está en que a los compositores vivos se les puede preguntar por aquello que quieren decir, por qué hacen esto o lo otro. Pero a veces tampoco ellos son capaces de responder, porque la música es un dominio del subconsciente. Lo interesante de la ópera estriba precisamente en la combinación que se produce entre las palabras concretas, que suponen el intelecto, y la música, que es lo abstracto, el corazón. Es esta reacción alquímica entre las palabras, portadoras de significado, y la música, que nadie sabe lo que significa, que solo se siente, como un color emocional sobre un dato intelectual, lo que
constituye el núcleo de la experiencia operística. ¶ www.deccaclassics.com universalmusic.es
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Pablo Sanz JAZZ El jazz-flamenco ya tiene su ‘songbook’
Flamenco Standards pretende crear un repertorio de temas y reunirlos en un libro, siguiendo el modelo del jazz norteamericano
El jazz español se hizo mayor a finales de los complejos, con autoridad, con orgullo. luz el primer volumen de una larga serie años 80 y principios de los 90, cuando se dio El crecimiento como género ha sido tal discográfica, que estrenaron en el Festival cuenta que podía ser imagen, y no espejo, con que hoy ya cuenta con semilleros, teniendo Internacional de Jazz de Madrid, Jazzmadrid’18. respecto al eco dominante norteamericano. incluso su particular catálogo compositor. A él La expectación generada se vio generosamente hay muchos factores para sostener esta ha decidido entregarse y conferirle el satisfecha y compensada, incluso siendo afirmación, pero una de ellas, quizás la de consecuente poso intelectual, histórico y conscientes de que al proyecto le espera todavía mayor peso, fue la maduración del musicológico el grupo Flamenco Standards, un largo recorrido y un horizonte todavía denominado jazz-flamenco, un estilo que liderado por el contrabajista Pablo Martín lejano. Pero, por fin, este estilo tan identificativo habían impulsado con anterioridad, aunque de Caminero e impulsado democráticamente por de nuestro jazz se mostraba listo para entrar en forma muy puntual e individual, distintos cuatro maestros: el trompetista Enriquito, el los conservatorios, academias y escuelas jazzistas como Pedro Iturralde, por no hablar guitarrista Rycardo Moreno y el baterista Marc musicales, para asaltar la historia de nuestra de la prehistoria de este sentimiento jazzístico, Miralta. La importancia de la aventura música popular. Junto a las primeras entregas la que protagonizaron en los años 30 y 40 los trasciende por supuesto sus nombres, versionadas (La leyenda del tiempo de Ricardo guitarristas Sabicas y los hermanos Ramón y Carlos Montoya, y los saxofonistas Fernando Vilches y el Negro Aquilino. El jazz-flamenco es una de las mejores ventanas que cuentan nuestros músicos Sea como fuere, la época de maduración de esta expresión jazzístico-flamenca, a nadie para asomarse al mundo, sin complejos, con autoridad, con orgullo se le escapa, vino rubricada por músicos hoy faros luminosos del género, léase Jorge Pardo y Chano Domínguez. Su capacidad de síntesis, residiendo en el valor que adquiere la Pachón y Lo bueno y lo malo de Ray heredia), la traduciendo los dos lenguajes a uno solo (hasta compilación de los temas que están dado iniciativa deja huellas de su vitalidad al recrear ese momento el jazz y el flamenco se amaban, forma, alma y pensamiento al jazz-flamenco, temas icónicos de la contemporaneidad del pero sin roce ni abrazo), así como la creación así como su traslado al pentagrama, para que jazz-flamenco como El faro de Jorge Pardo, y de una literatura compositora propia, con los interesados dispongan de unas partituras Alegrías del Río de la Plata de Guillermo McGill, temas originales y no versiones de clásicos de sobre las que introducirse o avanzar en este Calabazas de Martín Caminero, La verbena de uno y otro repertorio, provocaron un salto legado cultural. Enriquito e Impro romaní de Ricardo Moreno, cuantitativo y cualitativo en la evolución, El grupo lo cuenta a su manera: “Flamenco aportando cosecha coral en los temas F.S. y creación y desarrollo de esta fusión. El éxito no Standards surge con la intención de crear un Crónica de una muerte en Granada. sólo llegó desde lo artístico, sino que el repertorio de temas que vienen del jazz- Son los primeros capítulos de un songbook experimento se vio refrendado por un público flamenco como género, y reunirlos en un libro jazzístico-flamenco al que se le augura muchas masivo, que saludó con satisfacción todas estas a modo de los estándares del jazz páginas, teniendo todas las garantías musicales de nuevas formulaciones, así como fue testigo del norteamericano. El cancionero potencial es poderosos jazzistas como Marc Miralta, interés de poderosos jazzistas por el jazz- muy amplio, desde Manuel de Falla y Enrique flamencos como Rycardo Moreno y espíritus flamenco como Dave holland o Wynton Granados hasta Jorge Pardo y Paco de Lucía, libres como Martín Caminero y Enriquito. Una Marsalis, por no hablar de Chick Corea, quien pasando por ellos mismos o músicos como vez más se incide, no ya en la altura interpretativa ya había dejado claro desde hacía tiempo su Chano Domínguez, Guillermo McGill, Ricardo y creativa de los miembros de Flamenco fascinación en temas como Spain o La fiesta. Pachón, Carles Benavent, Ray heredia y un Standards, que es estratosférica, sino en el hoy, queda claro, y a pesar de la saturación de larguísimo etcétera de autores de cuyas necesario y justo reconocimiento de un este tipo de propuestas que llegamos a tener en composiciones se pueden sacar temas en forma cancionero que ya se estudia en el Berklee College nuestro país, el jazz-flamenco es una de las de estándares sobre los que improvisar”. Music de Boston y se interpreta en instituciones mejores ventanas que cuentan nuestros El primer gran paso de esta ambiciosa obra como el Lincoln Center de Nueva York. Era músicos para asomarse al mundo, sin se acaba de producir, pues el pasado mes veía la tiempo de ser profetas en nuestra tierra. ¶
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JAZZ
GERRY MULLIGAN / JOHNNY CYRILLE, SMITH & FRISELL: JONATHAN FINLAYSON: MANDEL: Lebroba. ECM (1 CD) 3 Times Round I want to live! PI RECORDINGS I77 (1 CD) POLL WINNERS (1 CD)
Años hubo, finalizando la década de los 50 del Jazz científico, tridimensional y poético, o Cuando Jonathan Finlayson debutó de mano de siglo pasado, en los que con bastante fortuna el pongámosle nombres propios: Wadada Leo su maestro Steve Coleman tenía 18 años. cine recurrió a los intérpretes de jazz para Smith, Andrew Cyrille y Bill Frisell, una de las Ahora, casi dos décadas después, el trompetista ilustrar las bandas sonoras musicales de sus ternas creativas más difíciles de superar en el es uno de los músicos más interesantes de esa producciones. La incursión del saxofonista actual olimpo jazzístico de la improvisación gran familia formada por las ramificaciones barítono Gerry Mulligan en I want to live! no fue más desenfrenada. El guitarrista y el baterista que han ido emergiendo a partir de los avances la única experiencia del artista en este medio, cuentan a pares antecedentes, sumándose al de Coleman a lo largo de los años. La música de pero sí posiblemente la más importante. viaje este trompetista de ideario rabiosamente Finlayson, que no ha dejado de militar en los La música del film, propiamente dicha, se propio y audaz. El título del registro toma Five Elements del saxofonista en todo este la encargó el productor cinematográfico Walter nombre de las ciudades natales de los tiempo, está inevitablemente marcada por esa Wranger a Johnny Mandel, y Mulligan se limitó protagonistas, Leland, Brooklyn y Baltimore, herencia. a aportar seis temas de música incidental, que apenas una excusa para nominar lo imposible, Después de dos álbumes como líder con su grabó el 14 de mayo de 1958 en unos estudios de pues todo es un constante transitar por grupo Sicilian Defense, Finlayson ha Los Ángeles. La colaboración estuvo territorios inexplorados que, no por convocado a músicos con los que ha coincidido fundamentada en su aparición en pantalla, reconocibles estéticamente, dejan de ser en diferentes proyectos, construyendo una como figurante cualificado. En el comienzo de inhóspitos. banda superlativa para dar forma a este nuevo la película, varias escenas desarrolladas Frisell aparca su habitual y agradecida paso en su música. Por un lado, Steve Lehman y durante una fiesta requerían la presencia de sensibilidad melódica para buscar contextos John hébert, con quienes ha tocado en grupos músicos en acción, y ahí estuvieron —dándolo sonoros de gran inventiva y frescura; Smith se del primero; por otro, Matt Mitchell, que como todo con Gerry Mulligan— Art Farmer, Bud reivindica una vez más como el verso suelto hébert ya aparecía en el anterior álbum del Shank, Frank Rosolino, Pete Jolly, Red Mitchell que es, y Cyrille lo sujeta todo con un instinto trompetista, y Brian Settles, habitual de grupos y Shelly Manne. rítmico inagotable. En total se entregan cinco de Tomas Fujiwara en los que ha tocado Esta edición recoge, por supuesto, esta composiciones, aunque la escucha asiduamente Finlayson. entrega, así como la partitura que escribiese ininterrumpida de todo el lote da buena cuenta Entre los solistas, destaca Lehman, que Johnny Mandel, interpretada por una orquesta de que en realidad se trata de una sola obra. protagoniza algunos momentos memorables, y en la que destacan Jack Sheldon en la Frisell firma la autoría del saludo, Worried especialmente Mitchell. Además, la elección de trompeta, Bill holman en el saxo tenor, y Russ Woman, una etérea pieza que se diluye entre Finlayson de eliminar la guitarra (otro Freman al piano. El resultado es de una sonoridades imposibles. El trompetista rasta protegido de Coleman, Miles okazaki, estaba al brillantez y una solvencia equivalentes a la rubrica, por su parte, la densa Turiya, Alice cargo de ella en los Sicilian Defense del calidad de la película de Robert Wise; un relato Coltrane Meditations & Dreams: Love. Por último, trompetista), dando al piano un importante estremecedor, basado en los artículos del Cyrille se encarga de remitir la genérica Lebroba papel en la sección rítmica, es uno de los periodista Ed Montgomery acerca de la y la balada final Pretty Beauty, convocándose elementos clave en la evolución que muestra su experiencia de una mujer que, tras haberse todos a una en la democrática TDG. música en este álbum. La forma en que fluye el visto involucrada en un asesinato, fue Como se ha sugerido, todo es reconocible, acompañamiento de Mitchell con algunos condenada a morir en la cámara de gas. también los guiños a la música negroafricana y pasajes solistas es colosal, y da buena muestra La inclusión sorpresa de tres temas del su eco bluesero, pero la capacidad instrumental de la efervescencia de la dirección y pluma del grupo de Gerry Mulligan, grabados en el ilimitada de estos tres guerrilleros y, líder. De hecho, podemos decir que el Finlayson verano de 1959 para la película The especialmente, su valentía y arrojo para trompetista no resulta protagonista en esta subterraneans, basada en la novela de Jack construir desde la nada hacen que este álbum grabación, sino una pieza más del engranaje Kerouac, y una fantástica labor de sea candidato a ser uno de los mejores discos que el Finlayson compositor y líder pone en redigitalización redondean la espléndida de la temporada. No es lo que cuentan, sino marcha con este nuevo proyecto. Y el potencial calificación final que obtiene este disco. cómo lo cuentan, con el corazón en la mano y que muestra es fuera de serie. la mente desnuda. Luis Martín Yahvé M. de la Cavada Pablo Sanz
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bandas sonoras Miguel Ángel Ordóñez v
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LO MEJOR DE 2018 (I) Nuestra selección de la mejor música de películas y series estrenadas durante 2018
01 THOMAS ADÈS: Colette anodino trabajo firmando una de sus partituras movimiento de la suite sinfónica grabada para (Lakeshore) más elegantes. La obra se articula sobre un el segundo volumen discográfico de la serie. Pocos imaginaban al enfant terrible minimalismo sinfónico de poderosos londinense —por estilo e intereses— en el crescendos y un tema de amor áspero y frágil. 08 NICHOLAS BRITELL: Vice (Decca) mundo del cine. La película elegida es una Difícil no sucumbir a ese ramillete de bloques Tras acaparar no pocos y merecidos elogios producción británica que cuenta la historia de escritos para contener la respiración —Annette, con lo nuevo de Barry Jenkins, If Beale Street Could la desprejuiciada escritora Sidonie-Gabrielle Revenge, Promotion—. Talk, Britell vuelve a demostrar el fantástico Colette (1873-1954), quien llegó a presidir la estado de forma que atraviesa en este biopic sobre Academia Goncourt y fue condecorada con la 05 MARK McKENZIE: Max and Me el exvicepresidente de los Estados Unidos, Dick Legión de honor. Frente a un ideario musical (Sony Masterworks) Cheney. Líneas heráldicas con armonías que no dominado por armonías en continuo Tras no pocos años condenado al acaban por resolverse, fugas clásicas, pasajes movimiento circular, Adès nos sorprende aquí ostracismo, el artesanal McKenzie regresa con íntimos de un romanticismo reflexivo o sobrias con una obra de profundo lirismo y exquisita un encargo de la productora mexicana Dos piezas sinfónicas de vívidas orquestaciones, son sencillez, repleta de encanto en su evocadora Corazones. Eso sí, hecho a su medida. Esta las credenciales de un compositor llamado a dar puesta al día de la música del período. película animada, basada en la historia del mucho que hablar en los próximos años. sacerdote polaco Maximiliano Kolbe y los retos 02 ALBERTO IGLESIAS: Yuli que afrontó durante la Segunda Guerra 09 TOMÁS BARREIRO: Museo (Milan) (Quartet Records) Mundial, expone la maravillosa vena melódica Desde la primera escena —que retrata Yuli es un milagro. Una de esas músicas de un compositor que como ya demostrara en unos niños de primaria tocando la flauta—, que nacen libres, tuteándose con la imagen. Durango o La desaparición de García Lorca, queda claro el papel fundamental de la música Cinta que adapta las memorias del bailarín consigue emocionar a partir de una ampulosa en Museo. Metáfora de la actual cultura musical cubano Carlos Acosta, Iglesias compone escritura para cuerda, en la que luce, además, de un país —México— que Barreiro equipara al música para ser danzada y sentida, situándonos un inspirado Joshua Bell. empleo de flautas desafinadas, evocando dentro del elemento escénico. obra madura, de silbatos precolombinos, la partitura incluye un una concreción extraordinaria, ofrece algunos 06 ALBERTO IGLESIAS: Quién te intencionado homenaje a La noche de los mayas de los mejores pasajes creados por el autor cantará (Quartet Records) de Revueltas y hace gala de un sonido vasco. Y eso es decir mucho. Su estilo parece 2018 ha sido el año de Iglesias. Para la electrónico muy setentero como alegoría de dirigirse hacia una nueva etapa, austera y película de Carlos Vermut, un fascinante retrato esta historia real basada en el robo infantil de descarnada, donde los recursos, cada vez más del fracaso y el éxito, realiza uno de los trabajos unos estudiantes que actúan como frente a la expuestos, lucen renovados y auténticos. más austeros y conceptuales de toda su carrera. pantalla de un videojuego. Escrita para una pequeña formación que 03 JONNY GREENWOOD: You Were incluye flautas, marimba, arpa, mezzo y 10 KIM YONG, NAM HYE-SEUNG & Never Really Here (Lakeshore) contratenor, cada nota se convierte en un PARK SANG-HEE: Mr. Sunshine Jonny Greenwood, guitarrista —y mucho acontecimiento. Profunda y estética, la obra (Stone Music) más— de Radiohead, vuelve a su universo posee un diseño preciso, es rica tímbricamente La serie surcoreana Mr. Sunshine ha gozado experimental en el último filme de la directora y misteriosa en sus profundidades. Además, de una inesperada proyección internacional escocesa Lynne Ramsay, con una partitura que plasma con precisión un ideal de belleza, gracias a su difusión en la plataforma Netflix. De rebosa imaginación. Desde el uso del inspirado en el universo de Takemitsu, donde gran factura técnica, destaca por una partitura sintetizador y la caja de ritmos al empleo de una se niega a elegir entre lo dulce y lo áspero. de corte clásico, armada alrededor del piano y la orquesta de cuerda, Greenwood se muestra al cuerda. Incluye un bellísimo tema central para tiempo brutal y conmovedor en una dura y, a 07 HARUMI FUUKI: Segodon viola y orquesta interpretado por Richard veces, indescifrable cinta que trata del amor, el (Avex Classics) Yongjae o’Neill, estrella de Juilliard que cuenta deber y la violencia. Sin abusar de dramatismos. La joven compositora de osaka, con tres con varios ‘cameos musicales’ en scores de Con la sequedad de una bala a quemarropa. nominaciones a los premios de la Academia hwang Sang-jun —The Pirates, The Himalayas—. japonesa a sus 33 años, se adentra de nuevo en 04 MARCO BELTRAMI & MARCUS el universo del Taiga Drama tras la reciente y otros títulos destacados: 11. Isle of Dogs TRUMPP: L’Empereur de Paris estimable Sekigahara, compuesta un año atrás. (Alexandre Desplat) (ABKCo) / 12. Frontier of (Gaumont) El acercamiento no puede diferir más. Love (Mark Chait) (Milan) / 13. The Ancient La pareja Beltrami/Trumpp no es ajena al Alejándose de la sobriedad dramática de Magus Bride (Junichi Matsumoto) (Flying Dog) cine del francés Jean-Francois Richet. hace una aquella, en Segodon exhibe una panoplia más / 14. han Solo (John Powell & John Williams) década colaboraron en la irregular Mesrine. amplia de emociones entre las que incluye (Walt Disney) / 15.Watership Down (Federico Ahora, Beltrami se toma la revancha de aquel humor y tradición. Sublime el tercer Jusid) (Decca). ¶
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> CLASICISMO BANDASSONORAS
Este box set reúne tres espléndidas bandas sonoras de Carles Cases y una miscelánea de temas cinematográficos y televisivos en reducciones a piano
ARMAS JÄRNEFELT: CARLES CASES: Song of the Scarlet Flower Styles. Carles Cases y Pep Pérez, pianos. Orquesta Unesco Barcelona. Warsaw Gävle Symphony Orchestra. Director: Wind Ensemble. Orquesta Sinfónica de Oviedo. Carles Cases Film Music Band. Jaakko Kuusisto Reconstrucción y Director: Carles Cases. Rosetta Soundtrack Records 0002 (1 CD) restauración: Jani Kyllönen y Jaakko Kuusisto. ONDINE 1328-2 (2 CD)
Armas Järnefelt fue algo más que el cuñado de Esta retrospectiva de Cases es una felicidad. Porque es felicidad que alguien saque la espada por Sibelius. Aún hoy, sobre su figura pesa una este músico enorme. Dice Arrabal que la fama “es un trozo de nada”, pero indigna pensar que pátina de desconocimiento: muchas de sus Cases pudiera acabar orillado en los libros de historia. Y es que junto a Alberto Iglesias es el otro composiciones se encuentran sin fechar y el mejor compositor de bandas sonoras en activo en este país. ha musicalizado con excelencia catálogo de obras dirigidas —su labor como docenas de películas para Jesús Verdaguer, Jaime Chávarri, Jesús Garay, Gonzalo Suárez, Jaume director de orquesta fue aún más relevante que la Balagueró y, sobre todo, Ventura Pons, con quien hizo un tándem de aire muy parecido al de Satoh de compositor—, con numerosos huecos en y Mizoguchi. Siempre con el jazz a cuestas, jazz del bueno, ligero o metafísico, pero siempre suyo. blanco. Personaje capital del movimiento Y mediterráneo. Y luego mucho barroco, y mucha mezcla, y mucho concepto como ese Music for cultural finés en las tres primeras décadas del the Temple que no cabe en ninguna casilla, porque Cases, igual que Guinovart o Paús, se pone las siglo XX, su encuentro con Jules Massenet aduanas por montera. condicionará profundamente su estética musical, Este box set reúne tres espléndidas bandas sonoras suyas y una miscelánea de temas marcada hasta entonces por los poemas cinematográficos y televisivos en reducciones a piano. La primera, Desde el balcón, (2000-2001) no sinfónicos y suites orquestales, para inclinarse había conocido disco. Y lo que nos estábamos perdiendo. Se trata de la partitura orquestal de la por el mundo operístico. Como parte de ese giro miniserie emitida por TV3 basada en la trilogía novelesca de Monserrat Roig. La época sitúa conceptual, en 1907 se establece en Suecia y se estéticamente la música entre el novecentismo y el modernismo de un Pahissa o un Toldrá con convierte en uno de los directores de la Ópera apuntes de cobla y vals que incidentalizan la acción y un piano obligado jugando a una burguesía Real de Estocolmo —sería su director oficial anclada todavía en el pasado: la montura es consonante pero los adornos prefiguran el atonalismo desde 1923— y, más tarde, también en la opera duro que vendrá después; el número central (Des del balcó; Al claustre) es un miniconcierto de piano Nacional Finlandesa, ya mediados los años 30. en forma rondó y la audición discurre entera como una fantasía. Esa posición le permitió cultivar un El segundo trae Oviedo Express (2007), obra maestra de Cases nominada al Goya que fue su profundo conocimiento de las relaciones entre cuarta colaboración con Gonzalo Suárez. Aunque el registro original ya había salido en la serie música y drama, por lo que su elección para club de JMB, estamos ante una revisión que se presenta como una música absoluta sobre el componer, en 1919, el score de la primera divertimento metalingüístico que propone la película. El concepto es claro desde los película sueca proyectada con extraordinarios Diálogos (para piano y orquesta) que abren el telón: sobre el mismo modernismo acompañamiento musical resultó de lo más pantonal de un García Abril, un Gerhard o un Balada, Cases transustancia el realismo mágico de natural. Sången om den eldröda blomman es una la película mediante exuberantes encajes armónicos y situaciones melódicas contrapuestas y un cinta no siempre atinada del brillante director, gesto de corcheas en fortissimo que ordena la gramática —atención al scherzo/coda del último Mauritz Stiller, autor de esa obra maestra del ‘diálogo’—. A su querido Bach también le hace sitio (Allegro), y luego tenemos una inédita elegía cine mudo que es La leyenda de Gösta Berling. para cuerda (Amantes), una viñeta con concha marina incluida (La Regenta) y una marcha Järnefelt despliega todo lo que se espera de él: neoclásica con mucha sorna y sordina donde desfilan hasta flautas microtonales (El bufón). una batería de leitmotivs en la mejor tradición Y de cierre, otro inédito: un largo para saxo contralto y orquesta —Turbación— que por sí solo wagneriana, una música de aliento romántico y justifica la caja. Glorioso. nacionalista, carente de credenciales Mil cretins (2011), por otro lado, es una bendita locura en la que Cases reinventa a lo Nyman vanguardistas, una epopeya poética que con una banda de viento-metal y cuerda el jazz y la big band de los años 20 echando mano de enardece la vida rural frente a la de la gran haendel o Purcell si hace falta: blues, charlestones, ragtimes, foxtrots, incluso algo de manouche ciudad. Mimbres que lucen lo justo entre tipo Reinhardt, pero todo muy Cases, todo muy neobarroco y divertido. Una delicia. Como lo es el pasajes pastorales de valor y evocadoras líneas último disco —“Solo Pianos”— en el que se lo pasa bomba a solo o con Pep Pérez repasando melódicas algo acartonadas y decimonónicas. números de su repertorio. La cosa es a veces circunloquio y otras diálogo: hay chispa y tristura, Su escritura no depara sorpresas, su gesto recuerdo y ensueño, y todo ceniciento, porque la melancolía es tónica y dominante a la vez, y se deviene en floritura, su estética está repleta de nota que Cases sabe de lo que compone al tocarla. Glosa introspectiva, meditación cenital, pasión y trazo firme. Un discurso cuya autorretrato. Un piano esdrújulo. Imprescindible. tonalidad marca una base lógica y ética. David Rodríguez Cerdán Miguel Ángel Ordóñez
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sonido > CLASICISMO Josep Armengol y A vueltas con los vinilos
En pleno siglo XXI siguen apareciendo muchas novedades para obtener la mejor música de nuestros vinilos
Ya tocamos el tema vinilos y tocadiscos en coleccionando vinilos porque nos gusta más Cifras y letras una ocasión en esta sección hace unos meses, cómo suenan, además querremos que el y seguro que volveremos más veces a ellos. tocadiscos esté a la altura de nuestra colección, A pesar de todas sus desventajas por ser El hecho es que la frase “el vinilo está muy vivo” de nuestras exigencias. ¿Es perder el tiempo un sistema mecánico, la dinámica (y relación sigue estando muy al día: incluso en la reciente (y dinero) perseguir la mejor reproducción señal/ruido) de un LP puede estar en unos feria de la electrónica CES de Las Vegas, la más analógica, o tiene sentido? Este formato buenos 70 dB (depende de sistema y disco). importante del mundo y que se celebra en esta analógico tiene algunas ventajas técnicas sobre Similar a una buena emisión (y recepción) de ciudad americana en enero, no había los digitales, y si bien también tiene radio FM, pero con un espectro de frecuencias precisamente pocas novedades dedicadas a la desventajas, al final en la balanza para muchos completo (la radio emite algo recortada en reproducción analógica de la música. Sí, al lado pesan más las primeras. graves y agudos). Eso equivale a una señal de coches autónomos, robots, móviles y Desde el punto de vista subjetivo, el digital de 12 bits, mientras los antiguos discos ordenadores de última generación… también constante pero suave ruido de fondo y cómo de 78 r.p.m. rondaban los 50 dB (8 bits). había platos, brazos, cápsulas, etc. llega la distorsión dan esa calidez tan Aquello fue un gran salto porque, en un Conozco a bastantes aficionados con bienvenida de su sonido, un poco como ocurre equipo normal, escuchado en una sala colecciones milenarias de vinilos, y muchos que no tienen miles, pero sí varios centenares de ellos. En muchos casos son colecciones Romanticismos aparte, en la práctica un tocadiscos no está tan lejos propias, completadas durante décadas: desde de las cifras técnicas del CD. Por eso sigue al día que no había otra forma de comprar música, hasta ahora en que es algo, digamos, especializado. Algunos llegaron a vender o con los amplificadores de válvulas: suena bien, normal y con ruido de fondo normal, ese es regalar su colección cuando llegó el disco bonito, y cuando distorsiona sigue sonando nuestro umbral de escucha: apreciamos unos compacto con su ya famosa —pero caduca— ‘natural’. Es inevitable que la aguja esté rozando 70 dB, 80 a lo sumo con un equipo muy promesa de ‘sonido perfecto para siempre’ y con el microsurco al leer la música físicamente, silencioso y resolutivo y en gran silencio. he años después, además de tirarse de los pelos, mientras la música digital está libre de eso (por estado en audiciones en las que el plato acabó están intentando recuperar algunas de las obras el láser del CD o la falta de mecanismos con la siendo la mejor fuente, frente a una digital (CD que tenían. Porque, todavía hoy, hay muchas enviada o grabada). Ahí se genera un suave o streaming). interpretaciones que sólo podemos volver a ruido de fondo al que se sumará algún Los 16 bits del CD le otorgan 96 dB teóricos. disfrutar en vinilo. inevitable crujido según lo limpio o gastado ¿Muy superior? Sí, pero ya la propia sección otros no tienen edad para haber vivido que esté el disco de vinilo. interna de conversión y la posterior electrónica aquella época y han descubierto los vinilos más Los tocadiscos con brazo no tangencial rara vez consiguen alcanzar esa relación recientemente, porque no se puede negar que (es decir cuyo brazo gira sobre un punto, no señal/ruido en la práctica. Y hay otro problema: hay cierta ‘moda’ que los ha recuperado. Y sigue una línea recta) provocan distorsiones en la música tal como se graba en los estudios y, revalorizado: desde 2010 las ventas y producción la lectura de la aguja (suele ser peor al final de más recientemente, cuando lo hacen pensando de vinilos nuevos no ha parado de crecer (lo cada cara) porque esta no está siempre en móviles, suele tener (por desgracia) mucha mismo ocurre con los usados) y es un negocio perfectamente alineada con los surcos. Y la menos dinámica que esas cifras. Esto ocurre que compite con el de las descargas en línea propia lectura mecánica tiene sus limitaciones mucho con música moderna, pero por (legales). Modas aparte, sí es cierto que la de movimientos que generan distorsión. Por desgracia algún caso hay con clásica, es el experiencia física de un disco, con su funda, su otra parte, la señal eléctrica que genera la llamado loudness war. Aquí tenemos otra ventaja portada, su tamaño... mejora lo que un CD puede cápsula (donde está la aguja) es unas mil veces de los vinilos: los antiguos se grabaron con aportar. Por no hablar de la poca sustancialidad más débil que la señal de otras fuentes, y cuidado, buscando la máxima calidad, y los de la música digital ‘desmaterializada’ que como necesita una mayor amplificación previa antes actuales muchas veces usan los mejores su nombre indica no tiene soporte, sino que nos de la amplificación para los altavoces. Ahí se masters o mezclas. Un CD o una pista en llega por un cable. pueden introducir de nuevo ruidos y formato comprimido para distribuir por distorsión. A cambio esa señal original, internet posiblemente acabará en un móvil o Ventajas y desventajas aunque débil, siempre es la misma, analógica y altavoz portátil y se comprime para eso. ¶ libre de conversiones complejas. En esa Unos y otros necesitan un tocadiscos para pureza, además de los factores subjetivos poder escuchar toda esa música. Si estamos comentados, radica su atractivo.
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> SIGLO XXI SONIDO
Novedades del año
Siguen llegando bastantes novedades a un muchos admiran) y si el año pasado deslumbró buen plato para todo). La también japonesa mundo tan tradicional como los tocadiscos. En con el alto de gama SL-1000R (16.000 euros) en Audio Technica lanzó modelos más la feria CES de Las Vegas dos marcas populares esta ocasión presentó los más terrenales SL- asequibles, los AT-LPW 30 y 40 con chasis de tuvieron sus titulares: Technics y Audio 1500C (con brazo y cápsula rondará los 600 madera y que rondarán los 300 euros con Technica. La primera, en la órbita de euros) y una nueva versión del clásico SL-1200 brazo y cápsula. Panasonic, sigue siendo la que todos miran (y (mk7 ya y orientado al mercado DJ, aunque un
Plato Technics SL-1500C Plato Technics SL-1200 mk7 Plato Audio Technica AT-LPW 30
Partimos de cero
Es posible que tengamos un tocadiscos más o austriaca Pro-Ject y la británica Rega. Todas euros hasta 6.000 o más) las propias Pro-Ject y menos antiguo, o fuera de juego, y queramos ofrecen platos sencillos y robustos, de excelente Rega tienen buenas opciones, a las que se un conjunto entero nuevo. Con presupuesto sonido, a partir de 300 euros y hasta unos suman especialistas como EAT, Clearaudio, ajustado las marcas que destacan son (además 1.000. Si estamos dispuestos a invertir más (no Thorens… En este nivel es normal elegir de un de Audio Technica) la alemana Dual, la hay ‘techo’ pero digamos desde esos 1.000 lado plato y de otro brazo y cápsula.
Plato Dual CS455 Plato Pro-Ject 2Xperience SB Plato Rega Planar 2 Plato Thorens TD 2015
Mejorando lo presente
Quizás nuestro plato era bueno (¡lo seguirá que tienen vida limitada. Todo lo relacionado primer paso, desde 50 euros hasta unos 600. siendo!) y lo que necesita es una puesta al día. con los vinilos depende de mecánica de El siguiente escalón son las de bobina móvil Aparte de una posible revisión o ajuste en precisión y, como el jamón, no hay o son muy (MC), desde 200 euros hasta 3.000 o más, y que buenas manos (un buen aficionado o un raros los chollos: mejorar siempre cuesta más. pueden exigir un previo de fono dedicado. profesional), renovar la cápsula (incluye aguja) Las cápsulas tradicionales de imán móvil (MM) suele ser una inversión buena y necesaria ya todavía pueden ofrecer mucha música y son el
Cápsula Goldring 1042 Cápsula MC Denon DL-103 Cápsula MC Ortofon Quintet Cápsula MM Grado Black 2
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músicas sumergidas Juan Manuel Viana a
Gabriel Dupont
En su apenas conocida autobiografía de Turín, Florencia, Palermo, zúrich, Fráncfort, 14 números lo que su vecino de inmueble en infancia, Las palabras, Jean-Paul Sartre Budapest, Varsovia y hasta en El Cairo. París, Romain Rolland, describió con precisión: recordaba cómo vio la muerte a los cinco años: Llegó después La Glu, estrenada en Niza “Es el relato melancólico, febril y poético de un “Era en Arcachon; Karlémari y mi madre en 1910 y basada en una novela, luego joven artista enfermo: el pequeño universo que visitaban a la señora Dupont y a su hijo convertido en drama, de Jean Richepin (cuyos ve desde el lecho de su habitación cerrada, a Gabriel, el compositor. Yo jugaba en el jardín poemas inspiraron igualmente a Gounod, través de la ventana, en el rinconcito del jardín de la villa, atemorizado porque me habían Chabrier, Fauré, Chausson, Pierné, Schmitt, que bordea sus miradas; el eterno poema del dicho que Gabriel estaba enfermo y se iba a Vierne y Delius). Y también La Farce du cuvier, día y de la noche… el drama silencioso de la morir”. Lo que el pequeño Sartre desconocía que conquistó el escenario de La Monnaie de enfermedad que consume el cuerpo y era que aquel joven al que, en efecto, quedaban Bruselas en 1912 y a la que Debussy atormenta el alma”. pocos años de vida, era ya mucho más que una consideraba admirable. Mas el estreno de su La casa entre las dunas (1907-1909), su otro de las grandes promesas de la música francesa. último trabajo escénico, el cuento heroico gran diario íntimo, tan conmovedor como el Se hablaba de él como del nuevo Bizet y, según Antar, previsto para el otoño de 1914, hubo de anterior, se colorea e ilumina en contacto con henri Collet, Fauré lo consideraba el músico suspenderse por el estallido bélico. La muerte la Naturaleza consoladora, según indica el más dotado de su generación. de Dupont, el 1 de agosto de ese mismo año, epígrafe de Nietzsche que lo encabeza: “Solo El conservatorio de Caen, ciudad donde pasó desapercibida. Como recordaba Robert con el cielo claro y con el mar libre”. Como nació Dupont en 1878 y en la que cursó sus Jardillier en 1924: “Su último año fue algo apuntó Jankélévitch, Dupont fue el segundo, primeros estudios musicales antes de atroz. Se arrastraba a la Ópera para asistir a los tras Debussy, “en dar voz a las nubes, a los trasladarse a París para formarse con ensayos de Antar. había puesto su suprema vientos del oeste y al rugido del mar”. Ahora Massenet y Widor, conserva una fotografía de los seleccionados para el Prix de Rome de 1900 en la que puede verse a Dupont al lado de Florent Schmitt, Roger-Ducasse y Maurice Se hablaba de él como del nuevo Bizet y, según Henri Collet, Ravel. Solo un año después el músico Fauré lo consideraba el músico más dotado de su generación normando obtenía con su cantata Myrrha el primer Segundo Premio, por detrás de Caplet, que logró el Primer Premio, y delante de Ravel. La carrera de Dupont se iniciaba así esperanza en el estreno. Esta alegría le fue que acabamos de celebrar el centenario del bajo los mejores auspicios. En torno al negada: la guerra, que llegaba, le ganó”. Y es primero y que la más reciente grabación de cambio de siglo componía sus primeras que el músico normando había contraído la esta segunda suite la sexta ya tras Girod, mélodies sobre poemas de Verlaine, Rimbaud, tuberculosis durante su servicio militar en Val- Kerdoncuff, Naoumoff, Lemelin y Paul- Sylvestre, Régnier y Rodenbach, y en 1900, de-Grâce a finales de siglo. Su breve existencia Reynier , a cargo de Severin von Eckardstein Guy Ropartz, siempre generoso con las habría de repartirse entre largas (Artalinna, 2018), hermana el nombre de jóvenes generaciones, daba a conocer en convalecencias invernales en Cap Ferret, en la Dupont al del autor de las Imágenes, es hora de Nancy su tríptico sinfónico Día de verano. bahía de Arcachon, curas termales en hyères y hacer realidad las hermosas palabras del Pero Dupont, influido acaso por Massenet, su retiro de Le Vésinet, al oeste de París. pianista que estrenó ambas colecciones, sentía una profunda atracción por el teatro. A Pero hoy no recordamos a Dupont por su Maurice Dumesnil, en su Homenaje a Gabriel finales de 1903 participó, frente a más de 200 olvidado legado operístico, sin duda estimable, Dupont (Le Monde Musical, 1933): partituras llegadas de todo el mundo, en el sino como artífice de dos fascinantes ciclos “El monumento más bello que puede erigirse a concurso de ópera que organizaba la editorial pianísticos que figuran, por derecho propio, la gloria de un compositor es hacer oír sus Sonzogno de Milán (el concurso que en 1889 entre los más extraordinario que el repertorio obras. Porque cuando resisten con éxito el había consagrado a Mascagni con Cavalleria francés de su tiempo produjo. Tal como afirmó paso del tiempo, cuando después de muchos rusticana). El jurado formado, entre otros, por Collet (Le Ménestrel, 1921), “la obra de Gabriel años todavía son jóvenes y frescas, es porque humperdinck, Cilea, Bretón y Massenet le Dupont es una autobiografía”. Nada mejor para llevan dentro de sí esa savia intangible y otorgó el único premio (además de 50.000 confirmarlo que Las horas dolientes (1903-1905), duradera que resistirá los ataques y caprichos francos). La cabrera, drama de tintes veristas estremecedor testimonio del sufrimiento de su de las sucesivas modas”. ¶ ambientado en la costa vasca española, se autor, un condenado a muerte que se sabía representó con éxito en la Scala de Milán y en carcomido por la tuberculosis. A modo de la opéra-Comique de París, pero también en proustiano viacrucis musical, Dupont evoca en
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e el horizonte quimérico> SIGLO XXI Martín Llade
Sinfonía π Mahler dirigiendo en la Ópera de Viena. Caricatura de Hans Schliessmann. de Hans Schliessmann. Caricatura Viena. de dirigiendo en la Ópera Mahler
Mil ejecutantes no eran suficientes, pero le absoluta estuviera dividida en movimientos, Según algunas versiones, elaboró un habían procurado, contra todo pronóstico, su por lo que decidió que constase de uno solo sin material musical que alcanzaba las setenta primer éxito. hasta ese momento sus siete solución de continuidad. Aunque después de horas; otros afirman que superó las doscientas. sinfonías anteriores fueron recibidas con las ponerse a trabajar en ella optó por dividirla en Su propósito era que durase para siempre mismas objeciones: “Interminables, erráticas y infinidad de secciones a fin de no perderse él jamás. El médico auscultó su corazón y se lo aberrantes”. Pero ahora les había dado todo eso mismo. El número de intérpretes sería variable. advirtió: elevado a la enésima potencia y por vez La plantilla podía constar de un millón de – “¡Está loco, se matará!¡Tiene que parar!” primera le calificaban de genio. Fue a orillas del ejecutantes repartidos por todo el planeta en Alma se lo suplicó por la única hija que les lago Attersee donde tuvo una nueva revelación: diversas orquestas sonando al unísono. Él quedaba. Pero él fue inflexible: “El mundo no para de moverse —le dijo a podría ser el director máximo, dando – “¿No lo entiendes? Mi tiempo se acaba”. Alma— y, sin embargo, creemos que somos instrucciones a otros cien directores que a su Como si de una maldición se tratara, ella nosotros los que nos movemos sobre tierra vez se comunicasen por teléfono con los de trató de destruir la monstruosa sinfonía estática. La idea de poder intuir la dimensión del todo y lo ridículos que debemos parecer en él causa terror a los mortales. Por eso prefieren Según algunas versiones, elaboró un material musical que alcanzaba imaginar el mundo como algo fácilmente las setenta horas; otros afirman que superó las doscientas. recorrible en tren o en barco. El telégrafo y el teléfono contribuyen a tornarlo más pequeño. Su propósito era que durase para siempre Pero, ¡cuánto se engañan los pobres!”. La música era una de las pocas cosas que podía ser tan eterna como el firmamento aquellos cientos de formaciones logrando una arrojándola por la borda del barco que les aunque hasta la fecha casi ningún compositor perfecta sincronía. Aunque también era posible trasladaba desde Estados Unidos a Europa, con hubiera hecho hincapié en ello. Sólo en que le filmaran dirigiendo y luego su imagen se él ya agonizante. Wagner advertía esa tentación de dejar que las proyectara ante todas las orquestas. Los – “hay que añadirle unas variaciones sobre notas siguieran fluyendo en el escenario una redobles de tambor causarían aludes de nieve Das klinget so herrlich de Mozart”, fueron sus vez vaciado el patio de butacas. Pero sólo se en las montañas del himalaya y las ballenas últimas palabras. Alguien creyó que quedaría había limitado a abrir la puerta a lo infinito y embarazadas parirían prematuramente en el más cumplido para la posteridad acortarlas en ahora era tarea de otros atravesar su umbral y océano Pacífico. Tal vez la vibración de la “Mozart, Mozart”. perderse en aquel punto en el que las formas se música en la corteza terrestre provocara que Después de esto, Alma rogó a Bruno tornaban de una misma naturaleza intangible brotasen árboles frutales en los desiertos y las Walter que hiciera algo con las partituras de la refractadas por la luz de las estrellas. Y estaba sierras áridas rompieran en manantiales de interminable Sinfonía π que se salvaron de claro que la música no era sino luz sonora y aguas medicinales. acabar en el océano. Este fue capaz de extraer constituía la única expresión de lo inmaterial Añadió todos los instrumentos que de ellas una serie de movimientos que agrupó capaz de viajar por el universo. conocía a la plantilla, incluso algunos que sólo como la Sinfonía nº 9, La canción de la tierra y el Por eso decidió que él elaboraría aquella llegó a ver en museos y cuya sonoridad imaginó adagio de una incompleta Sinfonía nº 10. sinfonía definitiva que plasmara todos los a partir de un cálculo de sus dimensiones. – “El resto es incomprensible”, afirmó anhelos del hombre y fuera capaz de seguir Realizó las combinaciones de solistas más descorazonado. sonando por sí sola más allá de la extinción de insólitas y dúos que ni Vivaldi hubiera soñado, Respecto a Gustav Mahler, si bien la la humanidad, vagando por el espacio por los inspirándose en el concepto del concerto grosso. Y historia es unánime a la hora de calificar de siglos de los siglos. por supuesto incluyó voces de toda índole, fracaso su propósito de alcanzar la música Decidió que esta sinfonía no se cantando los textos más peregrinos en todos los absoluta que siguiera sonando después de la denominase Novena sino π debido al carácter idiomas conocidos: poemas chinos milenarios muerte, nada nos asegura que no haya seguido infinito de los decimales de este número. vertidos al alemán, el Bhagavad-gita en lengua escribiéndola desde entonces, en forma de Naturalmente, era una tontería que una obra vasca u Hojas de hierba en farsi. cometa, más allá de las estrellas. ¶
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danza > CLASICISMO Silvia Pérez Arroyo q
Sol Picó
“A veces pienso sí debería quedarme ya en casa”
Sol Picó acaba de cumplir veinticinco años de carrera, o lo que es lo mismo, toda una vida de absoluta entrega al arte dancístico, una dedicación que tradujo en 2014 al espectáculo One hit wonders, cuyo montaje se mantiene de gira en 2019, habiéndose visto recientemente en el Festival Escena Abierta de Burgos. Charlamos aquí con la bailarina y coreógrafa alicantina sobre su cuarto de siglo de trayectoria.
Danza clásica y española, pero siempre en como sucede ahora, así que me las pintaba. de anteriores espectáculos. Por eso hay el marco de la expresión contemporánea y Durante años acumulé botes de pintura y fragmentos de obras como Bésame el cactus, que sobre unas puntas rojas. ¿Se trata de la seña pinceles en casa y acababa con las manos rojas me trajo muchas buenas nuevas, Paella mixta de identidad artística de Sol Picó? durante días de pintar las zapatillas. que hice con Israel Galván y también anécdotas No lo he hecho adrede. Llevaba a cuestas Carlos Gardel nos cantó en su famoso que se producen a lo largo de una vida. Algo mi carrera de clásico y de danza española, pero tango Volver que “... 20 años no es nada”. muy importante para mí en este espectáculo es me dedicaba al contemporáneo. Un día, en ¿A usted se le han pasado rápido o tiene la que hablo de esos hits entendidos como éxitos, medio de las horas de ensayo (que dan mucho sensación de haber vivido varias vidas? pero también hablo del fracaso, que es algo de de sí) me puse las puntas después de más de Después de veinticinco años bailando, a lo que se habla muy poco. diez años sin calzármelas y empecé a bailar una veces pienso sí debería quedarme ya en casa. ¿Cómo ha gestionado el fracaso a lo bulería. Y me funcionó. A partir de ahí empecé En este tiempo ha pasado de todo, pero el largo de su carrera? a investigar qué pasaba en el mundo de las balance es absolutamente maravilloso y si Todos en algún momento de la vida nos puntas más allá del ballet. volviera a nacer volvería a hacer lo mismo, pero hemos sentido fracasados, pero lo importante ¿Por qué eligió el color rojo para las además cantando. Es una tarea pendiente. es que ese sentimiento no te hunda más de lo zapatillas de punta? Con motivo de la celebración del 20º necesario, sino que te dé incluso fuerza para Querer bailar algo de flamenco y hacerlo aniversario de la compañía en 2014, creó decir “esto no va a poder conmigo”. Al menos con zapatillas rosas no era lo propio, por eso el One hit wonder, con el que siguen de gira. es lo que a mí me ha funcionado hasta ahora. rojo se convirtió en mi color ideal. Pero en esa Háblenos de este montaje. Recientemente participó en el Festival época no existían los colores para las puntas Es una revisión, una mirada hacia esos hits Escena Abierta de Burgos, un evento que,
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danza q
según sus organizadores, “homenajea a los ¿Por ejemplo? que resisten en la escena contemporánea”. Tenemos que seguir creando redes ¿Se considera una superviviente? importantes de distribución para mostrar Totalmente. La nuestra es una carrera de espectáculos. Y, sobre todo, esto es lo más resistencia. grave, no interrumpir procesos. Cuando ¿Cuál es entonces el secreto para alguien tiene un puesto político importante, querer sobrevivir en el mundo de la danza puede hacer este tipo de maniobras y tiempo contemporánea en España? después es destituido, viene otra persona y Creo que el secreto está en levantarte por muchas veces hay que empezar de cero. Esto la mañana y mantener la ilusión, a pesar de lo empobrece mucho y hace que no avancemos duro que resulta el que con tanta frecuencia los con respecto al resto de países europeos donde programadores no quieran tus espectáculos, o la danza contemporánea es un arte totalmente que el público no los entienda. Aun así, cada reconocido. día voy a La Piconera, que es la sede de la En su compañía también han compañía en Barcelona. Allí voy a moverme, a desarrollado una vertiente social basada en ASHTON: trabajar, a crear… Y siempre hay un momento la inserción de niños inmigrantes. Ballets. Royal Ballet. Royal Opera House en el que empiezan a pasar cosas. Se crea el ¿Continúan con esa labor? Orchestra. Director musical: Emmanuel embrión de una idea y eso solo pasa mientras Cuando creamos La Piconera nos pusimos Plasson. Coreógrafo: Frederick Ashton. estás trabajando. Es como una meditación en en contacto con una escuela cercana a nuestra OPUS ARTE 1264 (1 DVD) movimiento y así nace mi inspiración. sede con un noventa por ciento de sus alumnos ¿Y cuáles son las fuentes en las que se inmigrantes. Acordamos con el director del inspira hoy en día Sol Picó? colegio dar clases de danza durante las de En 1926 el joven coreógrafo Frederick Ashton firmó su primer ballet: The Tragedy of Fashion. Seguramente en aquel momento Ashton, que “Querer bailar algo de flamenco y hacerlo con zapatillas rosas no era lo propio, contaba con tan solo 22 años, no pensaba que se convertiría en el padre del ballet inglés. Más por eso el rojo se convirtió en mi color ideal” de cien años después de su nacimiento, el Royal Ballet —la compañía que lo vio nacer como artista y con la que maduró al mismo tiempo En general me nutro de cualquier gimnasia. Y de ahí pasamos a realizar unos hasta convertirse en lo que ambos son hoy— expresión artística: una obra de teatro, una talleres con niños con dificultades económicas, sigue celebrando su gran legado coreográfico. exposición… Pero ahora mismo estoy en no solo focalizado en la inmigración. Este DVD incluye tres de sus más de cien ballets: proceso de creación de un encargo de la Esa vertiente social también la ha The Dream (Mendelssohn), Symphonic Variations Generalitat Valenciana. Se trata de una obra plasmado en un espectáculo… (Franck) y Marguerite and Armand (Lizst). sobre la esencia del pueblo valenciano. Llevo Sí, se llama Halab, que es la traducción al Se trata de un triple bill, como le suele un mes empapándome de libros de un árabe de la ciudad de Alepo, en Siria, de donde gustar a la compañía británica llamar a este historiador que se llama Vicent Baydal y de salen la mayor parte de las embarcaciones para tipo de programas variados, con el que se gente maravillosa que me está dando unas llegar a Europa. Es un espectáculo que habla ofrece una rápida panorámica de la obra de charlas increíbles. Además, estoy investigando sobre la gente que tiene que abandonar sus Ashton, desde ballets narrativos, como el una tierra que es la mía, porque yo nací en casas y pierde la vida en el mar durante el descarnado drama Marguerite and Armand Alcoy y siento que estoy conectando con mis intento. Para el montaje, me puse en contacto —basado en La dama de las camelias de Dumas— raíces. con la organización open Arms, me dejaron , pasando por la también teatral The Dream, Lleva muchos años viviendo en las balsas de las que rescatan a la gente cuando hasta el abstracto: Symphonic Variations, primer Barcelona. ¿Por qué se fue allí? llega a la costa, que ellos recogen, parchean y ballet que Ashton creó en 1946 tras combatir en En la época en la que yo empecé a dejan en Barcelona. Cada vez que tengo una la Segunda Guerra Mundial. desarrollarme como bailarina, en Alcoy era muy actuación me dejan una de esas balsas. Una peculiaridad de esta grabación es que difícil, así que me fui a Valencia, pero en ese ¿Halab, se incluye en sus giras de 2019? incluye la última actuación de la bailarina tiempo la danza contemporánea estaba Sí, junto a este montaje de claro española zenaida Yanowsky, que tras 25 años forjándose muy lentamente en nuestro país y compromiso social está nuestro montaje- formando parte de la compañía británica se Barcelona me ofrecía claras posibilidades y fue el celebración de los 20 años de la compañía, despidió de las tablas de Covent Garden dando lugar donde aterricé. Luego pasé un par de años One hit wonders y también un tercero llamado vida al papel que Ashton creó para Margot en París y Madrid, y después volví a Barcelona y Dancing with frogs, que habla sobre la Fonteyn en Marguerite and Armand. La gran me quedé. Tengo mucha suerte de trabajar y vivir masculinidad. estatura de Yanowsky, que muchos no han aquí, la siento como mi segunda casa. ¿Y qué tendrán que ver las ranas con dejado de lamentar a lo largo de toda su carrera ¿Barcelona sigue siendo el cuartel los hombres? y que en muchas ocasiones le ha provocado general de la danza contemporánea en ¿A usted no le han dicho que si besaba a dificultades para dar con una pareja de su España? una rana se podía convertir en un príncipe? altura, no le impide sacar toda su vena Creo que no. Ahora está mucho más Pues en este espectáculo me rodeo de un interpretativa y desarrollar con profundidad y distribuido. hay propuestas interesantes en montón de hombres-rana estupendos, a los apasionadamente el papel de Marguerite muchas ciudades, festivales cada vez más que no beso, pero con los que bailo y, sobre Gautier. Su Armando es el apolíneo Roberto potentes en ciudades más pequeñas y está todo, a quienes intento entender. ¶ Bolle, que pocos podrían decir que supera con descentralizándose todo un poco; y está muy creces los 40 años y que, en esta ocasión, como bien que haya esa dispersión y esa variedad. en tantas otras, vuelve a ser el partenaire perfecto. Aunque el nuestro es un país donde sigue faltando mucho por hacer. Helena Núñez Guasch
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¢ educación > CLASICISMO Pedro Sarmiento
Pentagrama
La notación musical como ejemplo para encontrar las soluciones más sencillas a los problemas más complejos
Es una pena que aún haya personas que se acercan a la notación musical como algo aburrido que no queda más remedio que aprender para avanzar en los estudios musicales. La notación musical merecería estudiarse, mucho más allá de su función práctica de representación, como ejemplo de la inteligencia humana para encontrar las soluciones más sencillas a los problemas más complejos. Acostumbrados a la notación musical, la consideramos algo obvio, pero los múltiples intentos de sistematizar un estándar de notación para la danza dan idea de lo complejo que es inventar un sistema de notación cuando no existe. Especialmente cuando ese algo sigue unas pautas sencillas que permiten usarlo de forma casi intuitiva. La notación musical, en el sentido más amplio de la palabra, no es tanto un invento sino una acción o un impulso propio de la cultura humana. Escribir música, en el sentido de representarla con grafismos sobre cualquier superficie, es algo que se ha hecho durante Gloria de la Messe de Nostre Dame de Guillaume de Machaut, 1360 (Bibliothèque Nationale de France). milenios sin intentar por ello crear sistemas de La escritura es memoria y la notación, pentagramas! Dejando volar la imaginación validez universal. Basta con ver cómo se afanan mucho antes que cumplir su papel de cabe imaginar, junto a la mujer barbuda, el en dibujar y garabatear los niños a los que se transmisión o archivo de la música creada, hombre perforado o el gigante forzudo, una invita a reflejar en papel la música que oyen. surgió como apunte y recordatorio. El móvil caseta del viejo circo en la que un sordo escribe Les gusta y les resulta natural intentarlo. Crean que hoy nos permite grabar la más sencilla idea partituras. en segundos pequeñas hermenéuticas de lo musical fue, en su momento, una pluma sobre Uno de los rasgos de la notación musical intangible y es habitual que sigan patrones un pergamino. es la economía. Solo necesita siete predecibles, como por ejemplo representar el La notación musical occidental no es ni monosílabos para nombrar doce notas y siete paso del tiempo en algún tipo de secuencia perfecta ni única. Convive con sistemas posiciones en el pentagrama para representar espacial, representar diferentes duraciones de creados para otras tradiciones musicales o doce. La economía también alcanza a cadenas sonidos o diferencias de intensidad con diferentes tamaños, etc.
La versátil Muchos programas informáticos siguen traduciendo, por defecto, los sonidos a pentagramas. Lejos de suponer una derrota, se puede leer como La notación musical se ha puesto el traje prueba de una versatilidad a prueba de revoluciones del conocimiento digital y se ha alejado tanto del papel y el lápiz que hace ya años desapareció el negocio de venta de papel pautado. hoy la manera más rápida de escribir música es tocar un teclado y nichos específicos, y siempre ha compartido habituales de notas (escalas, arpegios), a su vez dejar al ordenador hacer el resto. Sin embargo, espacio con intentos de renovación más o asociadas a patrones gráficos fáciles de la vieja simbiosis teclado-notación no menos efímeros, más o menos extendidos. Su identificar por el ojo humano. Una misma desaparece, sino que sale reforzada. Muchos presencia en la tradición educativa ha sido tal, secuencia de sílabas (Do-Fa-Si) vale tanto para programas informáticos siguen traduciendo, que el conocimiento de la notación ha llegado a representar una ascensión por cuartas o un por defecto, los sonidos a pentagramas. Lejos encarnar la idea misma de conocimiento descenso por quintas. En su habilidad para de suponer una derrota, se puede leer como musical, en paralelo a la consideración de la simplificar, la notación musical ha sabido prueba de una versatilidad a prueba de alfabetización como sinónimo de cultura. conformarse con cinco líneas allí donde revoluciones del conocimiento. La revolución La fascinación que sigue produciendo a parecían necesarias seis, nueve o quince. digital se ha hecho amiga de un invento del tantas personas que un Beethoven sordo “Make it easy”, dicen los psicólogos de la siglo XI que tiene antecedentes en la Grecia pudiera escuchar en su cabeza música no es conducta: que sea fácil. Y así ha sido. ¶ clásica y que ha pasado sin rechistar del tanta. Incluso se puede dejar de lado la belleza tórculo, las planchas de estaño y la litografía a de la música creada. Lo fascinante para mucha la impresora láser y a la pantalla del móvil. gente es… ¡que pudiera traducirlo a
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FEBRERO 2019
ADDA SIMFÒNICA. Josep Vicent, irector Titular
1 de febrero de 2019, 20h 2 de febrero de 2019, 20h 8 de febrero de 2019, 20h ADDA SIMFÒNICA VICENT FLORISTÁN ÁLVARO PIÉRRI LA GRANDE CHAPELLE “Romántica” Guitarra clásica “Música para el rey Planeta” Eugenia Boix, Lina Marcela López, sopranos. Juan Floristán, piano Albéniz, Seis hojas de álbum GabrielGabrie Díaz Cuesta, alto. Gerardo López Josep Vicent, director Bogdanovic, Homage à Jacques Tati Gámez, tenor . Eyal Streett, bajón. Sara Bogdanovic, Ricercare Rossini, Guillaume Tell, Obertura Ruiz, viola de gamba. Manuel Minguillón, Walton, Five Bagatelles Rachmaninov, Concierto para piano n.2 guitarra/tiorba. Sara Agueda, arpa. Herman Carlevaro,Carl Dos “Preludios Americanos” Brahms,B Sinfonía n.2 Stinders, órgano positivo. Albert Recasens, Piazzolla, Cinco piezas director Brouwer, Rito de los Orishas JuanJua Hidalgo (1614-1685), tonos, villancicos y Barrios, Tres piezas obras para el teatro
9 de febrero de 2019, 20h 12 de febrero de 2019, 20h 15 de febrero de 2019, 20h ADDA SIMFÒNICA MACÍAS LA CAPELLA REIAL DE CATALUNYA DUO CASSADÓ “Rojo” “Metallics” HESPÈRION XXI SAVALL Damián Martínez, ioloncello Stefan Dohr, trompa “Las Rutas de la Esclavitud” Marta Moll de Alba, iano Nury Guarnaschelli, trompa Jordi Savall, director Brahms, Sonata en mi menor José García, trompa C. Schumann, Romanzas Las Rutas de la Esclavitud David Melgar, trompa R. Schumann, Stücke im Volkston 1444 – 1888 Händel, RoyalR Fireworks Music R. Shumann, RomanzasRoma Schumann, Konzertstück para 4 trompas Mendelssohn, Sinfonía n.4 18 de febrero de 2019, 20h 23 de febrero de 2019, 20h LONDON PHILHARMONIC ORCHESTRA CAPILLA ANTIGUA DE MURCIA MENA PERIANES “Il Duello Finale” “El piano de Beethoven” Carmina Sánchez, soprano Javier Perianes, piano Laura Martínez-Boj, quintus Juanjo Mena, director Juan Francisco Sanz, alto Íñigo Casali, tenor Mozart, Obertura Don Giovanni Albert Alcaraz,Al bajo Beethoven, Concierto para piano y orquesta n.1 Rocío Hernández Carrillo, clave y dirección Mozart,M Sinfonía n.39 www.addaalicante.es Obras de Nanino, Marenzio, Falcone, Soriano, Raval, Gesualdo y Monteverdi
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¢g l aeducación guía > CLASICISMO Joan Albert Serra
La guía de Scherzo
ORCAM (Orquesta de la Comunidad de Madrid) www.orcam.org
Martes 13 de Febrero de 2019. 19.30h Martes 26 de Febrero de 2019. 19.30h SALA SINFÓNICA. SALA SINFÓNICA. AUDIToRIo NACIoNAL DE MUSICA AUDIToRIo NACIoNAL DE MUSICA orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid Félix Redondo maestro de Coro Jóvenes Cantores de la Comunidad de Madrid José Ramón Encinar director Ana González maestra de Coro Víctor Pablo Pérez director PRoGRAMA L. Boulanger: D’un matin de printempsº PRoGRAMA: LAS NUEVE SINFoNÍAS DE L. de Pablo: Cantata femenina “Anna Swir” * BEEThoVEN (II) M. de Falla: El sombrero de tres picos L. van Beethoven: Sinfonía nº 3, Op. 55 “Heroica”. Sinfonía nº 4, Op. 60 º Estreno en España. *Primera vez oRCAM J. Brahms: Geasang der Parzen, Op. 89*
Teatro Real Información y venta: Taquilla 902 24 48 48. www.teatro-real.com
Ópera Eleonora Buratto (Feb. 19, 21, 23, 25, 27. Mar. 1), A partir de 12 años. Guión y presentación: hulkar Sabirova (Feb. 20, 26, 28). Arbace: Fernando Palacios, Pianista: Marta Espinos. IDoMENEo Benjamin hulett (Feb. 19, 21, 23, 25, 27. Mar. 1), Febrero: 15, 16, 22 y 23. 20.00 h. Febrero: Ópera seria en tres actos, KV 366. Música de Krystian Adam (Feb. 20, 26, 28). El gran 17 y 24. 19.00 h. Sala de orquesta. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Libreto sacerdote de Neptuno: oliver Johnston. de Giovanni Battista Varesco, basado en la obra La voz de Neptuno: Alexander Tsymbalyuk. ¡Todos a la Gayarre! Talleres Idoménée (1712) de Antoine Danchet, sobre la Febrero: 19, 20, 21, 23, 25, 26, 27, 28. familiares obra teatral homónima (1705) de Prosper Jolyot 19:00 h. Marzo: 1. 19:00 h. de Crébillon. Estrenada en el Residenztheater Sala principal. V TRoYANoS Y CRETENSES. de Múnich el 29 de enero de 1781. Estreno en el El príncipe mata a la serpiente marina de Teatro Real el 17 de julio de 2008. Versión Conciertos y recitales: Neptuno y acaba convirtiéndose en rey revisada por Wolfgang Amadeus Mozart, (Actividad paralela a Idomeneo) estrenada en el Palacio de Auesperg de Viena el BRYN TERFEL 10 de Febrero. 12.00 h y 17.00 h. Sala Gayarre 10 de marzo de 1786. Nueva producción del VoCES DEL REAL. Richard Wagner: Arias de Teatro Real, en coproducción con la Canadian Lohengrin, Los maestros cantores de Núremberg y FLAMENCO REAL opera Company de Toronto y el Teatro La valquiria. Arrigo Boito: Aria de Mefistofeles. dell’opera di Roma. Kurt Weill: Aria de La ópera de los tres peniques. TALEGoNEANDo, una nueva palabra, un Coro y orquesta Titulares del Teatro Real Rodgers & hammerstein: Arias de Oklahoma y nuevo zapateo con el que esta gran bailaora Dirección musical: Ivor Bolton. Dirección de Camelot. Jerry Bock: Arias de El violinista en el expresa y transmite sus raíces y su personal escena: Robert Carsen. Escenografía: Robert tejado. manera de sentir y recorrer los sentidos. Carsen, Luis F. Carvalho. Iluminación: Robert Bryn Terfel, bajo-barítono. 13 de Febrero. 20.30h. Salón de baile. Carsen, Peter van Praet. Figurines: Luis F. Josep Caballé Domenech, director musical. Carvalho. Coreografía: Marco Berriel. orquesta Titular del Teatro Real. A MI TIEMPo Dirección de vídeo: Will Duke. Dirección del 22 de febrero. 20.00 horas. Sala principal. De la mano de artistas de primera fila, Joselito, coro: Andrés Máspero. bailaor, y Diego del Morao, guitarrista, A mi REAL JUNIOR; Funciones familiares tiempo dibuja un poderoso viaje del pasado al Idomeneo: Eric Cutler (Feb. 19, 21, 23, 25, 27. presente del flamenco, desde los cantes más Mar. 1), Jeremy ovenden (Feb. 20, 26, 28). PIANo EN PENUMBRAS puros y ortodoxos hasta los más rítmicos y Idamante: David Portillo (Feb. 19, 21, 23, 25, 27. Músicas espectrales a contraluz. obras de actuales. Mar. 1), Anicio zorzi Giustiniani (Feb. 20, 26, Bach, Liszt, Grieg, Mussorgski, Mompou, Falla, 27 de Febrero. 20.30h. Salón de baile. 28). Ilia: Anett Fritsch (Feb. 19, 21, 23, 25, 27. Mar. Granados, Consuelo Velázquez, Aníbal Troilo y 1), Sabina Puértolas (Feb. 20, 26, 28). Elettra: otros. Nueva producción del Teatro Real.
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¢ sonido > SIGLOLAGUÍA XXI
CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical) c/ Príncipe de Vergara, 146. Teléfono: 91 337 02 34 / 40. www.cndm.mcu.es Localidades Auditorio Nacional / Teatro de la Zarzuela: taquillas, teatros del INAEM, 902 22 49 49 y www.entradasinaem.es
Ciclo SERIES 20/21 Ciclo FRONTERAS MUSEo NACIoNAL CENTRo DE AUDIToRIo NACIoNAL DE ARTE REINA SoFÍA. MÚSICA. Sala de Cámara Auditorio 400 Jueves, 21. 19:30h Lunes, 4. 19:30h. Entrada libre SABINE MEYER, clarinete CUARTETo ARDITTI ALLIAGE QUINTETT obras de G. Kurtág, J. Rueda y obras de L. Bernstein, P. Dukas, G. Ligeti D. Shostakóvich, D. Milhaud, I. Stravinski y A. Borodin Lunes, 18. 19:30h GRUPo ENIGMA XXV Ciclo de LIED NACho DE PAz, director TEATRo DE LA zARzUELA obras de J. Rueda, C. halffter y Lunes, 25. 20:00h D. Shostakóvich DoRoThEA RÖSChMANN, RAFAL BLECHACZ & BOMSORI KIM Ciclo LICEO DE CÁMARA XXI soprano AUDIToRIo NACIoNAL DE MALCoLM MARTINEAU, piano DEBUSSY, FAURÉ, MÚSICA. Sala de Cámara obras de F. Schubert, G. Mahler, R. Schumann y R. Wagner SZYMANOWSKI AND CHOPIN Sábado, 9. 19:30h CUARTETo QUIRoGA JÖRG WIDMANN, clarinete obras de P. Eötvös, B. Bartók y C.M. von Weber El pianista Rafal Blechacz regresa con Jueves, 28. 19:30h un repertorio de música de cámara CUARTETo BELCEA Hoffmann H. PIoTR ANDERSzEWSKI, piano francesa y polaca. Para su primera obras de J. S. Bach, L.v. Beethoven grabación de música de cámara en el y D. Shostakóvich Dorothe a sello DG se une a la exquisita violinista Röschmann Bomsori Kim. Teatro de la Maestranza Paseo de Cristóbal Colón, 22. 41001 Sevilla. Teléfono 954223344. www.teatrodelamaestranza.es
7, 9 y 10 de febrero 19 de febrero LA TABERNERA DEL PUERTo de oRQUESTA BARRoCA DE Sorozábal SEVILLA Dirección musical, Óliver Díaz STEFANo BARNESChI, Dirección de escena, Mario Gas concertino-director Con María José Moreno, Antonio NURIA RIAL, Soprano Gandía, Ángel Ódena, Ernesto Cuando la púrpura ríe Morillo, Ruth González, Vicky Peña… 24 de febrero Real orquesta Sinfónica de Sevilla MALANDAIN BALLET BIARRITz Coro de la A.A. del Teatro de la Marie-Antoinette Maestranza Con el apoyo institucional del Producción, Teatro de la zarzuela Institut Français de Madrid 25 de febrero, 2019. Sala Manuel García 17 de febrero ÁLVARo CAMPoS JAREÑo, QUoRUM BALLET piano deutschegrammophon.com universalmusic.es Saudade / Back to Fado Integral de Préludes de Debussy
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contrapunto > CLASICISMO Norman Lebrecht u Miedo a lo desconocido
Andrei Eshpai, Grazyna Bacewicz, Giya Kancheli, Boris Tischchenko y Meredith Monk.
En una ocasión mantuve una conversación causado infinidad de daños a nuestra vida del ochenta por ciento del aforo en el Barbican con Mariss Jansons acerca de compositores concertística. Desde el primer día que Centre de Londres y no mucho más del setenta rusos que habían sido marginados durante la empuñan una batuta, los directores son por ciento en el Royal Festival hall. Gran parte era comunista y cuya música nunca, hasta el adoctrinados para que no se les ocurra desafiar del esfuerzo de los ejecutivos se dedica a cubrir día de hoy, había recibido una adecuada la tiranía de la taquilla, siguiendo la férrea las filas vacías y a hacer apaños con las cifras, atención. Jansons no solo reconoció cada máxima que dice que el público sólo pagará pero la realidad es que los auditorios no se nombre que yo mencioné, no importa lo por escuchar lo que ya conoce. ha habido llenan, lo cual representa una oportunidad para oscuro que fuera, sino que fue capaz también algunos directores rebeldes —Pierre Boulez, cambiar de registro. Si el público no acude a de hablar analíticamente de ellos, diciéndome, que tenía carta blanca en la Sinfónica de la escuchar lo que ya conoce, este podría ser el por ejemplo, que su segunda sinfonía era BBC, o Claudio Abbado, que llegó a Berlín tras momento de intentar llegar a públicos superior a la tercera, o que su verdadero talento el periodo Karajan como un redentor —, pero diferentes, con un mayor sentido de la aventura. estaba en la música vocal. algunos colegas recuerdan que a Boulez lo Los directores se están volviendo algo más Jansons conocía todas esas partituras por despidieron de Nueva York con cajas audaces. El holandés Jaap van zweden, un caso la biblioteca privada de su padre, Arvid destempladas, y que Abbado entró en conflicto atípico al frente de la Filarmónica de Nueva Jansons, un maravilloso director letón con una con los Berliner casi desde el día en que llegó. York, está a punto de anunciar una segunda carrera internacional cercenada por las autoridades soviéticas. Cuando pregunté a Mariss si consideraba la posibilidad de Desde el primer día que empuñan una batuta, los directores son adoctrinados interpretar algo de Andrei Eshpai, Vissarion para que no se les ocurra desafiar la tiranía de la taquilla Shebalin, Boris Tischchenko o Alemdar Karamanov, se encogió de hombros con cierta ironía, como diciendo: “vamos hombre, Como consecuencia de todo ello, las temporada llena de sorpresas y sobresaltos, estamos en el mundo real, y ya sabes cómo son programaciones se han ido estrechando, con tras una temporada inaugural que se centró en las cosas; nadie quiere ahuyentar al público”. incesantes interpretaciones de un número cada el delicado asunto político de la inmigración. Tuve conversaciones parecidas con Valery vez menor de obras y un ciclo Mahler cada vez Aunque Van zweden no sea la primera opción Gergiev y con otros directores de la era que la imaginación se agota. Los principales para Beethoven o para la Quinta de Mahler, es soviética. Gergiev, que siguió interpretando al culpables son los propios directores, que no se posible que el público neoyorkino se sienta estalinista Tikhon Khrennikov mucho después atreven a alterar el statu quo por temor a que inclinado a probarlo en Andriessen o Julia de que dejara de ser obligatorio, también pueda afectar a sus contrataciones. Y, para Wolfe. Y ante la perspectiva de que no se favoreció las obras de Rodion Shchedrin, de cuando son lo suficientemente ricos y famosos vendan suficientes entradas, la presidenta de la quien era amigo personal. Finalmente arribó a como para hacer lo que les plazca, se vuelven orquesta, Deborah Borda, ha recaudado un la mística Galina Ustvolskaya, cuya Tercera intelectualmente perezosos y apenas se fondo extra de cincuenta millones de dólares sinfonía dirigió en un memorable concierto de molestan en repensar las reglas. para minimizar los riesgos del experimento. los Proms en 2016. Pero, en general, su actitud Y así, las fabulosas sinfonías de Bohuslav Van zweden no está solo. El nuevo titular de respecto a los compositores olvidados no era Martinu, Giya Kancheli, Alfred Schnittke, la Filarmónica de Berlín, Kirill Petrenko, muestra muy distinta de la de Jansons: el público no Arthur honegger, Albert Roussel o Vaughan su querencia por el sinfonista vienés Franz compra entradas para escuchar música escrita Williams quedan en barbecho y rara vez son Schmidt. En Birmingham, Mirga Grazinyte-Tyla por nombres desconocidos. escuchadas, por no hablar de las primeras está decidida a poner la música de Mieczyslaw Lo mismo cabe aplicar al resto de la cinco o seis de Schubert y Dvorak, las del Weinberg en el mapa. Vladimir Jurowski ha profesión. Los directores estadounidenses se brasileño heitor Villa-Lobos o las voces exhumado en la Filarmónica de Londres a los limitan a dirigir música de Bernstein, Gershwin femeninas de Grazyna Bacewicz, Elizabeth rusos más marginados, y Sakari oramo, en la y Adams, excluyendo a otros compatriotas. Los Maconchy, Viteslava Kapralova o Meredith Real Filarmónica de Estocolmo, ha puesto en alemanes omiten gran parte del siglo XX, Monk. Y todo porque el ordenador de la marcha un ciclo de obras de la nonagenaria empezando por hindemith, hartmann y taquilla dice: “No”. compositora escocesa Thea Musgrave. henze. Los franceses han olvidado a Magnard y Afortunadamente, el terreno se está Pueden parecer pajas en el viento, pero así Milhaud, mientras que los británicos se aferran moviendo bajo los pies de los dinosaurios a es como el clima acaba cambiando. El público a Elgar y Britten. Y punto final. medida que cambia la demografía concertística ha perdido su apego por lo conocido y el miedo Se trata de un rasgo de la mentalidad de y la taquilla cuenta cada vez menos. La mayoría a lo desconocido. Va siendo hora de que los los maestros que viene de antiguo, y que ha de los conciertos orquestales venden por debajo directores se pongan al día. ¶
104 SCHERZO Los mejores pianistas del mundo
Localidades desde 32€, jóvenes 6€ ÓPERA LA CALISTO FRANCESCO CAVALLI 17 - 26 MAR
Dioses, ninfas y constelaciones
Dirección musical Ivor Bolton (Mar. 17, 19, 20, 21, 23, 24, 25) Christopher Moulds (Mar. 18, 26) Dirección de escena David Alden
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