LA MUSE OUBLIÉE WOMEN COMPOSERS

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LA MUSA OLVIDADA herramienta androcéntrica que refuerza el supuesto rol de la mujer como inspiradora y “La composición me causa un gran placer… no como creadora. Este proyecto “La musa no hay nada que sobrepase la alegría de la olvidada” quiere recuperar la noción original creación, de musa como diosa poderosa vinculada tal vez porque con ello te olvidas de todo especialmente al arte de la música, musa para vivir en un mundo de sonidos”. como generadora en primera persona de Clara Schumann obras de arte valiosas e imprescindibles. Las musas son cada una de las nueve El pianista Antonio Oyarzabal nos deidades que, según la mitología griega, propone un recorrido por la obra de trece habitaban, presididas por Apolo, en el compositoras, la mayoría pianistas, que Parnaso o en el Helicón y protegían las para él suponen motivación e inspiración ciencias y las artes liberales. Calíope, Clío, puras. Reivindica la figura y la producción Erato, Euterpe, Melpómene, Polimnia, de estas creadoras que ha sido relegada al Talía, Terpsícore y Urania fueron de vital olvido injusta y tristemente a la sombra de importancia para el desarrollo artístico en la composiciones escritas por hombres. Un Antigua Grecia, ya que los poetas, “simples” viaje sonoro en clave femenina que admite mortales, creían sincera y fervientemente muy diversas trayectorias: desde el Barroco en su poder divino. Con la imposición del francés de Jacquet de la Guerre hasta las cristianismo, todo tipo de culto pagano fue propuestas vanguardistas de comienzos del prohibido. Así, el devenir de la historia ha ido s. XX de la norteamericana Ruth Crawford transformando ese concepto de “musa” en Seeger; desde la languidez consustancial a un vocablo que, de forma general, designa Lili Boulanger hasta la jovialidad constante a aquellas mujeres amantes o esposas de Germaine Tailleferre, o desde las que, desde un segundo plano invisible, han más populares Clara Schumann y Fanny servido como estímulo del genio de grandes Mendelssohn hasta las prácticamente artistas mayoritariamente masculinos. Por desconocidas Mana Zucca o Lūcija Garūta. eso, en la actualidad, esa cierta desvirtuación Y todo ello de la mano de la extraordinaria del término “musa” se considera como una sensibilidad de este intérprete que, a través

2 LA MUSE OUBLIÉE ESP de una larga y profunda investigación, se ha La compositora y pianista Amy Beach (1867- empapado de la vida y el contexto histórico 1944) fue la primera mujer estadounidense de estas trece singulares voces artísticas en tener éxito como creadora de obras de con el fin de otorgarles la relevancia que gran formato. Beach vivió en un tiempo merecen. en el que los autores de su país buscaban en el folklore africano e indígena nativo la El Preludio, Op. 73 en do sostenido menor de esencia de la música nacional americana, la compositora, actriz, cantante y pianista siguiendo los planteamientos que importó neoyorquina Mana Zucca (1885-1981) abre Antonin Dvorak desde su Bohemia natal. el camino con su sonoridad romántica Sin embargo, ella quiso encontrarla en la y a la vez cálida e interrogativa. Nacida herencia de las islas británicas que, en su Gussie Zuckermann, de padres emigrantes opinión, reflejaba con mayor precisión la polacos, Mana Zucca fue una niña prodigio naturaleza cultural angloamericana. De tremendamente precoz. A los tres años y esta manera, haciendo referencia a sus medio ya ofreció su primera interpretación propios orígenes celtas, escribió obras como pública al piano. Hacia 1907 viajó a Europa, la Sinfonía Gaélica, Op. 32 (1894-1896) o donde conoció a varios músicos destacados Scottish Legend (Leyenda escocesa), Op. como el virtuoso violinista catalán Joan 54 nº 1 para piano (1903). En esta leyenda Manén, con el que firmó un contrato imitó las sonoridades populares escocesas para tocar sesenta conciertos en una gira a través del Scotch snap (sucesión de figura de tres años por Alemania y Rusia. Sus breve y larga típica de las danzas del país creaciones vocales fueron interpretadas británico), la combinación de los modos por destacados cantantes ya que tenía gran mayor y menor y la aparición de armonías talento para la melodía, lo que también se que enfatizan las sextas paralelas. El pone de manifiesto en estePreludio , Op. 73 resultado fue una hermosa pieza, de que se construye en base a un sencillo pero presencia majestuosa, cuya riqueza deriva ingenioso motivo de dos compases que se de la inspirada melodía y la exuberante repite y varía de forma obstinada. armonización caracterizada por la aparición regular de acordes en textura homofónica.

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Siete figuras femeninas de la mitología o predominio de texturas ligeras arpegiadas. la literatura con destino legendario fueron Phoebe, Op. 30 refleja musicalmente la las inspiradoras de Mel Bonis (1858-1937) historia de Febe, a menudo relacionada en para escribir una colección de piezas la mitología griega con la luna y la noche. independientes que fueron recopiladas de De ahí la atmósfera mágica y nocturna forma póstuma por su bisnieta Christine que Bonis crea con la sonoridad modal y la Géliot en una suite titulada Femmes de sucesión de figuraciones rápidas en matices Légende (Mujeres de leyenda) (1909 - suaves en la mano izquierda, a la manera 1922). Pero la propia compositora francesa de un arpa, junto a los retazos melódicos de también tuvo un devenir fuera de lo común la mano derecha. Desdémona, Op. 101 está que le llevó a sufrir graves depresiones. Fue encabezada por una inscripción que remite alumna de César Franck y Ernest Guiraud en a la premonitoria “Canción del sauce” del el Conservatorio de París, pero sus padres personaje de Desdémona del Otelo (ca. la obligaron a casarse a los 25 años con 1603) de Shakespeare: “La pobre alma un empresario y desde entonces no pudo sentóse suspirando al pie de un sicomoro, desarrollar ni su carrera profesional ni su cantad todo al sauce verde”. Bonis recrea vida personal como le hubiera gustado. el canto lastimero de la mujer a la que De hecho, tuvo una hija fuera de aquel asesinará Otelo en una especie de “romanza matrimonio de conveniencia con un amor sin palabras” con una ornamentada de juventud que se le había prohibido. melodía quebrada y melancólica. Viviane, Escritas fundamentalmente en su Op. 80 presenta un primer tema de segundo período compositivo (1900-1914), carácter desenfadado, fresco y saltarín, Phoebe, Desdémona, Viviane y Mélisande casi danzable, que nos remite al encanto y continúan la tradición de la pieza de carácter gracia de la Dama del Lago de las leyendas romántica, y despliegan un lenguaje de artúricas. Las contrastantes y majestuosas tintes impresionistas que se palpa en el uso sucesiones de octavas evocan su faceta de de la escala de tonos enteros, el tritono, las diosa de las aguas. Y Mélisande, Op. 109 quintas aumentadas, los saltos de tercera nos lleva directamente al poema simbolista menor o los cromatismos, así como en el Pelléas et Mélisande (1893) de Maurice

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Maeterlinck. Considerada por la propia Bonis en Sol Mayor, constituyen un modelo de como su “obra favorita”, esta recreación elegancia y equilibrio. En ellas Jacquet de impresionista del dorado, luminoso y la Guerre combina con habilidad los rasgos escurridizo cabello de Melisenda, a través de del Barroco francés e italiano y muestra su cadenas interminables de arpegios en fusas, conocimiento del instrumento de tecla. gozó de gran éxito en su época. Ethel Smyth (1858-1944) es la más La clavecinista y compositora francesa polifacética de las trece autoras. No sólo Élisabeth Jacquet de la Guerre (1665-1729) fue compositora, directora de orquesta fue una pionera en la creación femenina. y escritora, sino que además se convirtió Proveniente de una reconocida familia de en una de las líderes del movimiento músicos, Jacquet de la Guerre también sufragista. De hecho, en 1910 se unió a la reveló a muy temprana edad sus grandes WSPU (Women’s Social and Political Union) dotes artísticas. Desde los cinco años ya y al año siguiente compuso La marcha de las tocaba el clave y cantaba en la corte de mujeres, obra que se convirtió en el himno de Luis XIV, quien la apoyó vivamente durante las activistas. Sus apasionadas relaciones toda su carrera. Fue muy admirada en su amorosas dejaron huella en su legado época como intérprete, creadora y maestra, musical y nunca ocultó su atracción por las y actualmente está considerada como la mujeres. Su Klavierstück in E (Pieza para primera mujer en escribir una ópera en piano en Mi Mayor), escrita probablemente Francia: Céphale et Procris (1694). Entre durante su primera etapa compositiva en lo más destacado de su producción se Leipzig (ca. 1877), muestra la influencia del encuentran el Libro de piezas para clave lenguaje pianístico germánico romántico, (que constituye su primera publicación en fruto de su pertenencia a los círculos 1687) y las Piezas para clave que pueden musicales de Brahms, Grieg, Joachim o Clara ser interpretadas con violín (1707). Este Schumann. Y es que Dame Ethel Smyth conjunto de miniaturas, aquí representadas consideraba Alemania como su “hogar por la “Gavotte” de la Suite en la menor, los espiritual”. A la nítida textura de melodía “Rigaudons I y II” de la Suite en re menor acompañada inicial de la pieza, en un 6/8 de y el “Menuet” y el “Rondeau” de la Suite carácter danzable en Mi Mayor, se agregan

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progresivamente líneas contrapuntísticas Entre 1853 y 1855 concibió las Romanzas, intermedias que enriquecen el discurso Op. 21, la última colección relevante de su pianístico al más puro estilo brahmsiano. catálogo. Se las dedicó a Johannes Brahms, quien se convirtió en un apoyo insustituible Clara Wieck (1819-1896) también fue para Clara durante la enfermedad mental una niña prodigio, pero volcó su talento de Robert y tras su fallecimiento. En estas principalmente en la interpretación tres miniaturas se comprueba la maestría y pianística. Tras una lucha encarnizada originalidad de la compositora. La primera, contra su padre, el prestigioso pedagogo en la menor, se inicia en un conmovedor musical Friedrich Wieck, consiguió casarse clima de profundo sufrimiento con un en 1840 con Robert Schumann, junto al nostálgico tema de carácter descendente que tuvo ocho hijos. Su carrera compositiva que sólo logra consuelo en el pasaje central se resintió durante los primeros años de “animato”. La breve segunda, en Fa Mayor, matrimonio: es una variación de textura homofónica “Clara ha escrito algunas pequeñas piezas y carácter ligero y juguetón del tema de en las que muestra su calidad musical la sexta pieza, “Canción de cuna”, del y una dulzura de invención como nunca Albumblätter, Op. 124 de su marido. La había alcanzado. Pero sus hijos y su marido, tercera, en sol menor, expresa una imparable quienes siempre vivimos en el reino de agitación interior con un diseño continuo y la imaginación, no somos demasiado cromático de semicorcheas que se alternan compatibles con las tareas compositivas”. o superponen en ambas manos. Y es que estas piezas son testimonio del contexto Así se expresaba Robert en 1843. Pero en el que nacieron: en 1854, Robert, tras no sólo la dificultad de conciliar la vida un intento de suicidio, fue ingresado en un familiar con la profesional frenó la carrera hospital psiquiátrico en Endenich del que no compositiva de Clara. También tuvieron volvería a salir. mucho que decir los prejuicios de la sociedad de la época: “Alguna vez creí que tenía Lili Boulanger (1893-1918) creció en el talento creativo, pero he renunciado a esta caldo de cultivo apropiado para desarrollar idea; una mujer no debe desear componer”. un prodigioso talento que comenzó a

6 LA MUSE OUBLIÉE ESP manifestarse con sólo dos años. Sus padres célula motórica de cuatro compases. y su abuela eran músicos profesionales La pianista y compositora navarra Emiliana y su hermana Nadia ya destacaba como de Zubeldía (1888-1987) desarrolló la mayor alumna de composición. Pero Lili también parte de su trayectoria fuera de España. fue precoz en la enfermedad, porque a esa Estudió en la Schola Cantorum de París misma edad sufrió una severa neumonía con Vincent d’Indy y Blanche Selva. Años que debilitó su sistema inmunitario. después conoció al investigador mexicano Falleció con 24 años. Aún así, consiguió ser Augusto Novaro en Nueva York, cuyo la primera mujer en recibir el prestigioso Sistema Natural de Música, que proponía Premio de Roma en 1913. La naturaleza rectificar el sistema temperado, le fascinó. experimental de su lenguaje, especialmente Siguiendo al maestro se mudó a México en en lo referente a la armonía, así como el 1937 y una década después fue nombrada halo de tristeza y amargura que domina responsable de la escuela de música de la el grueso de su producción, se ponen de Universidad de Sonora. Constantes en su manifiesto en susTres piezas para piano producción son la vocación de experimentar (1914), escritas en Roma y publicadas con el lenguaje o la añoranza de su póstumamente en 1919. D’un vieux jardin tierra natal, que en ocasiones se plasma (De un viejo jardín) nos propone viajar por en la inspiración directa en el folklore una ensanchada tonalidad de do sostenido musical vasco. Esa nostalgia del hogar la menor cuyos cromatismos producen una encontramos en Esquisses d’une après- expresión atormentada. Por su parte, midi Basque (Bocetos de una tarde vasca), D’un jardin clair (De un jardín luminoso) serie de preludios escrita en 1923, momento pone el foco de atención en los arpegios y en el que acababa de tomar la decisión de en las resonancias, haciéndonos recordar no volver a Pamplona y continuar en París. páginas acuáticas de Debussy y Ravel. Para Estos seis brevísimos bocetos sonoros son terminar, Cortège (Cortejo) rompe con el de carácter más evocador que descriptivo lenguaje cromático anterior en favor de una (Hacia el bosque, Eco en la montaña, Bajo página amable que se construye mediante el viejo roble, La pequeña flor solitaria, la variación continua de una desenfadada Un recuerdo de Usandizaga – A la orilla

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del manantial y Vuelta a casa). El discurso piano publicadas en 1954 encontramos es de carácter conservador si comparamos de nuevo esa textura nítida cimentada en la serie con otras obras incluso de la un moto perpetuo típica del lenguaje de misma época. Pero reconocemos una clara Tailleferre. El Larghetto se presenta como influencia del pianismo de Debussy y Ravel, un poema soñador e hipnótico en su agudo, con sus sonoridades modales, sus cascadas etéreo y cantabile discurrir, y el Vals lento de arpegios y sus juegos rítmicos. es un arreglo de una miniatura de 1928 para dos pianos. Aquí Tailleferre se expresa Germaine Tailleferre (1892-1983) fue la única de forma tierna y delicada a través de la mujer del conocido como “Grupo de los Seis” repetición variada de una misma fórmula franceses. Consideraba que escribir música que se va enriqueciendo armónicamente optimista y accesible era una liberación de con sugerentes acordes. las penurias vitales. Por eso, la frescura y el desenfado están siempre presentes en sus El Preludio nº 6 “Andante Mystico” (1927) obras neoclásicas, como comprobamos en de la compositora y etnomusicóloga su Pastoral en Do Mayor (1929). Y eso que Ruth Crawford Seeger (1901-1953) se en aquella época sufrió uno de sus reveses desmarca claramente del resto de piezas amorosos más duros. Tres años después por su carácter experimental. En 1930, de haber contraído matrimonio con el la autora estadounidense fue la primera caricaturista Ralph Barton, Tailleferre se mujer en recibir una beca Guggenheim en quedó embarazada. Barton le aseguró que composición, lo que le permitió vivir en si disparaba al feto ella saldría ilesa. Ante Europa y entrar en contacto con autores semejante propuesta, Germaine intentó como Bartók, Schoenberg o Berg. De hecho, huir, pero Barton la disparó y perdió el en su segunda etapa compositiva, entre bebé. Obviamente, no se volvieron a ver. De 1930 y 1933, desarrolló un estilo complejo sonoridad acórdica robusta y transparente, basado en técnicas seriales, si bien durante el esqueleto de la Pastoral está formado por la primera, de 1924 a 1929, su principal un perpetuum mobile de semicorcheas. Se la influencia sería Scriabin, de cuya mano dedicó a Alfred Cortot, quien la interpretaba llegó a franquear los límites de la tonalidad en sus recitales. En las Dos piezas para y los ritmos irregulares. En sus primeros

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Preludios para piano ya se manifiesta compás), los dolientes cromatismos y los esta vocación de innovar, como en el nº acordes rebosantes de sonidos proporcionan 6. Escrita en tres pentagramas, la pieza al discurso una complejidad y una densidad se sustenta en un ostinato de ocho notas sonora que nos dan una idea de la destreza dobles en el registro agudo acompañadas técnica como pianista de Garūta, así como por lúgubres y graves acordes que generan de su comentada sensibilidad. un espacio contemplativo e introspectivo. Al igual que Lili Boulanger, la compositora Aunque lamentablemente Crawford dejó y directora checa Vítězslava Kaprálová de componer con el nacimiento de su primer (1915-1940) falleció demasiado pronto, hijo, volcó su talento en un valiosísimo con 25 años. Comenzó a escribir música trabajo de transcripción y arreglo de la a los nueve, y en 1937 se trasladó a París música tradicional estadounidense que para continuar su formación con Bohuslav luego aplicó con éxito a la pedagogía Martinů y Charles Munch. Fue admirada musical. por Rafael Kubelik y por Rudolf Firkušný, Alumna de Alfred Cortot en piano y de Paul para quien escribió sus Preludios de abril, Dukas en composición a finales de los años Op. 13 (1937). Todo el talento creativo y el veinte en París, Lūcija Garūta (1902-1977) personal lenguaje de Kaprálová se advierte es probablemente la compositora más ya en esta colección, que posee resonancias desconocida de todo el disco. Nacida en del mundo sonoro de Bartók y Martinů y que Letonia, comenzó a enseñar teoría musical se ha convertido en su obra para piano más y composición en el Conservatorio Estatal interpretada. En el primer preludio, “Allegro letón en 1940. En su catálogo, de casi 200 ma non troppo”, la autora saca partido a la obras, destaca la música programática a la cualidad percusiva del instrumento a través manera del postromanticismo y el universo de distintos diseños repetitivos que danzan scriabiniano. Este último se palpa en el con una variada gama de articulaciones y Preludio en Mi Mayor, el segundo de los de combinaciones rítmicas. El segundo, cuatro que escribió en 1927, bajo la indicación “Andante”, con su estudiado cromatismo, de “Andante meditativo”. La variedad genera una pieza oscura y brumosa que, de rítmica (aparecen continuos cambios de nuevo, juega con la repetición obstinada de

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células motóricas como seña de identidad. presentes en este disco, vivió inmersa En la misma línea, pero con un desarrollo en una constante contradicción entre las armónico menos disonante y tenso, se expectativas de la sociedad de su época desarrolla el “Andante semplice” que pone para una mujer y su voluntad creadora, en valor, en este caso, el potencial lírico del lo que hizo que desplegara su carrera piano en su expresión melódica melancólica. musical en la esfera privada y decidiera Por último, el luminoso “Vivo” final nos publicar sus obras sólo unos meses antes conecta de nuevo con el mundo de la danza de morir prematuramente a los 41 años. y de las sonoridades autóctonas checas en Su contribución al pianismo de su hermano una deliciosa pieza que combina tradición está en plena fase de estudio en el s. XXI. y modernidad a través de una brillante y Ojalá sea éste el camino a seguir con tantas virtuosa escritura pianística. otras autoras injustamente olvidadas. Con toda seguridad, encontraremos gratas Y por fin, como si de una coda se tratase, la sorpresas. Melodía en do sostenido menor, Op. 4 nº 2 (1847) de Fanny Mendelssohn (1805-1847) Eva Sandoval se convierte en una resolución optimista, afirmativa y simétrica de este recorrido musical en clave femenina iniciado en la misma tonalidad. Compositora y pianista, al igual que su hermano Felix Mendelssohn disfrutó de una infancia rica en estímulos culturales. Está considerada como una de las autoras más prolíficas del s. XIX y una de las primeras mujeres en escribir un cuarteto de cuerda. Esta Melodía, de carácter dulce y evocador, es una buena muestra del lirismo cantabile y nostálgico de su estilo romántico, así como de su libertad formal. Como muchas de las compositoras

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A mi madre con extremo cuidado en el proceso, fue tornándose cada vez más adecuado el Este trabajo nace de mi curiosidad por lo incluir piezas para piano de estas trece oculto, lo que pudo ser y no fue; por las luces mujeres que son para mí como heroínas. en las sombras, lo mantenido en secreto y lo He recogido en este proyecto obras que poderoso de revelarlo. bajo mi punto de vista son, en mayor o Siempre me he preguntado dónde estaban menor medida, joyas compositivas. Joyas ellas; creadoras que no aparecían en los que merecen ser rescatadas de las sombras, libros, que casi nadie nos enseñaba en clase, independientemente del género de sus y sin embargo se intuía su presencia. De la creadoras. manera más natural y cuando el tiempo ha Sueño con un día en el que no haya que creído oportuno, y seguramente motivado medir porcentajes de cuántas obras por la gran influencia de las mujeres en todos escritas por mujeres se incluyen en las los ámbitos de mi vida, abro mi particular programaciones de música clásica; un día en caja de Pandora de la investigación y así el que sea absolutamente natural escuchar comienza a gestarse “La Musa Olvidada”. conciertos con música de compositoras Tras muchos meses de lecturas y escuchas, al menos toda una mitad del programa. horas al piano estudiando toda la música Significará normalización. Hasta entonces encontrada (¡y lo costoso que es encontrar queda mucho trabajo por hacer y depende muchas de las partituras!), hubo que en gran parte de nosotros los intérpretes saber seleccionar; separar las “buenas construir el cambio. obras” de las “obras maestras”, usando Por todo ello, me dedico a este proyecto con lo más objetivamente posible el criterio pasión. Si este álbum ayuda un poquito más musical. Creo importante que podamos en la amplificación y visibilización de toda opinar abiertamente si cierta obra es esa gran música dejada en una habitación a mejor que otra, igual que lo haríamos con oscuras, me hará muy feliz. las de los compositores, y poder debatir sobre ello. Actuar de manera diferente Antonio Oyarzabal es contraproducente. De esta manera y

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ANTONIO OYARZABAL Fundación March, Festival Pirineos Classic, Martes Musicales y Festival Internacional Antonio Oyarzabal es un pianista versátil de Paxos (Grecia). Recientemente, Antonio que combina los conciertos como solista realizó su debut en el Palacio Euskalduna de con la música de cámara. Tras estudiar Bilbao, dentro del Festival AurreraFest. con Marta Zabaleta y Miguel Borges en De solista con orquesta, destacan el Musikene, continúa sus estudios de Máster Concierto n. 2 de Shostakovich con la en la Guildhall School of Music and Drama London Euphonia Orchestra. El Concierto en (Londres) con Caroline Palmer, donde Sol de Ravel con la YMSO en St John Smith obtiene también el prestigioso título de Square, la Rhapsody in Blue de Gershwin Artist Diploma. Antonio también ha recibido como solista con la EUYO, el Concierto n° masterclasses de Pascal Rogé, Anne 23 de Mozart con la Aldwych Sinfonia y Quéffélec, Denis Pascal, Émile Naoumoff, el Concierto nº 12 de Mozart con The Arch Guigla Katsarava, y Josep Colom entre otros. Sinfonia en Lille (Francia). Antonio debutó en el Barbican Hall (2017) y Becado por la Guildhall School Trust, LSO St Luke’s (2018) de Londres. Además Antonio ha sido también premiado con el es miembro fundador del Trisquel Arts Premio Especial del Público y Premio de Ensemble, con los que ha ofrecido recitales Finalista en el Concurso Internacional de en España y Reino Unido. También forma Piano de Campillos 2015, y con el segundo dúo junto a la chelista Emma Besselaar, premio en el Concurso Internacional Île de con la que toca regularmente alrededor de France en París, 2009. Holanda y Reino Unido. Antonio ha tocado El CD debut de Antonio, The Inner child junto a renombrados músicos como Andrew (Orpheus Classical 2017), fue galardonado Marriner, Caroline Palmer, Matthew Jones y con el Melómano de Oro por la revista el Allegri Quartet. Melómano. Su segundo CD, la obra del Además de la actividad concertística compositor vasco J. Martínez Villar (ARSIS, alrededor de Reino Unido, Antonio 2019) ha sido recientemente premiado con ofrece regularmente recitales en España el mismo galardón. Su tercer álbum, La Muse y el extranjero. Destacan el Festival de Oubliée (IBS Classical 2020), reúne obras para Grafenegg (Austria), Fundación Botín, piano íntegramente escritas por mujeres.

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THE FORGOTTEN MUSE woman being a mere “inspirer” rather than a creator. “The Forgotten Muse” project seeks “Composing gives me great pleasure... to restore the original meaning of Muse as a there is nothing that surpasses the joy of powerful goddess linked especially to the art creation, of Music; Muse as an individual who creates if only because through it one wins hours of valuable and essential pieces of art. self-forgetfulness when one lives in a world of sound”. Pianist Antonio Oyarzabal takes us on a Clara Schumann journey through the work of thirteen different female composers, most of them pianists. The Muses were nine deities who, according to Their pieces have been a real source of Greek mythology, lived on Mount Parnassus motivation and inspiration for him. Here he or Mount Helicon, presided over by Apollo, pays tribute to the names and work of these and they protected sciences and liberal women, unfairly and sadly neglected, in the arts. Calliope, Clio, Euterpe, Melopomene, shadow of compositions written by men. It is Terpsichore, Erato, Polyhymnia, Urania and a musical journey that takes us on different Thalia were of vital importance for artistic paths: from Jacquet de la Guerre’s French development in Ancient Greece, since poets, Baroque style to the avant garde proposals of “simple” mortals, believed sincerely and Ruth Crawford Seeger in the beginning of the devotedly in their divine power. With the XXth century; from Lili Boulanger’s languor arrival of Christianity, any kind of pagan to Germaine Tailleferre’s constant joviality; or worship was forbidden. Since then, history from the more popular Clara Schumann and has gradually transformed the concept of Fanny Mendelssohn to the almost completely “muse” into a term which, generally, refers unknown Mana Zucca or Lūcija Garūta. All to female lovers or wives who, from behind of this is expressed by the extraordinary the scenes, have acted as a stimulus of sensitivity of a performer who, through long the genius of great artists, predominantly and intense research, has dived deep into the male. Today, this distortion of the term life and historical context of these thirteen “muse” is considered an androcentric tool unique artistic voices, in order to provide them that reinforces this presumed idea of the with the relevance they deserve.

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Prelude, Op. 73 in C sharp minor, written by preferred to look into the heritage of the the New York born composer, actress, singer British Isles which, in her opinion, reflected and pianist Mana Zucca (1885-1981), begins the nature of Angloamerican culture more our journey with its reflective warm and accurately. In this way, by referring to her romantic sonority. Originally named Gussie own celtic origins, she wrote works such Zuckerman, this daughter of Polish émigrés as Gaelic Symphony, Op. 32 (1894-1896) or was a child prodigy. She was only three years Scottish Legend, Op. 54 nº 1 for piano (1903). old when she offered her first public piano In this legend, she portrayed Scottish popular performance. Around 1907 she travelled to sonorities using the Scotch snap (a rhythmic Europe, where she met various outstanding pattern consisting of a short note followed musicians, such as virtuoso Catalan violinist by a long one), the combination of major and Joan Manén, alongside whom she signed minor keys and the abundance of harmonies a contract for a sixty-concert tour around that emphasise parallel sixths. The result is Germany and Russia that lasted three years. a beautiful piece of majestic character, with Her vocal compositions were sung by the a particular richness derived from its inspired best singers of the time, due to her talent melody and lush harmonies with a regular for melody writing, which is also noticeable use of chords in homophonic texture. in this Prelude, Op. 73, built on a simple but Seven female figures taken from mythology ingenious two-bar motif which is repeated or from legends in literature were the and varied incessantly. inspiration for a collection of independent Composer and pianist Amy Beach (1867- piano pieces written by Mel Bonis (1858- 1944) was the first US-born woman to 1937), that were posthumously compiled by achieve success as a creator of large-scale her great-grandaughter Christine Géliot in a compositions. Beach lived at a time when suite called Femmes de Légende (Legend writers of her country were trying to find women) (1909 - 1922). But the composer’s the essence of American music in African fate too was indeed unusual and it led her to and Native American folklore, following suffer severe depression. She was a student the leading concepts imported by Antonin of César Frank and Ernest Guiraud at Paris Dvorak from Bohemia. However, she Conservatoire, but her parents forced her to

14 LA MUSE OUBLIÉE ENG marry a businessman at the age of 25, after willow - Prithee, hie thee, he’ll come anon - which her career and personal life could no Sing all a green willow must be my garland.” longer develop as she would have wanted. Bonis thus recreates the plaintive song In fact, she had a daughter outside this of the woman whom Othello is about to marriage of convenience, with a lover from kill in a sort of “song without words” with her youth whom she had been forbidden an ornamented melody, melancholic and to meet. Written fundamentally during her broken. Viviane, Op. 80 presents a first second period of composition (1900-1914), fresh and jumpy theme of a lighthearted Phoebe, Desdémona, Viviane and Mélisande and dancelike nature, which connects us continue the tradition of the Romantic with the charm and grace of the Lady of the character piece, but they also display a Lake from the legend of King Arthur. The language of impressionistic character majestic contrasting octave successions sensed in the use of the whole-tone scale, evoke her aspect of water fairy. And the tritone, augmented fifths, minor third Mélisande¸ Op. 109 takes us directly to jumps or chromaticisms, and also in the the symbolist poem Pelléas et Mélisande predominance of arpeggiated light textures. (1893) by Maurice Materlinck. Considered by Bonis herself as her “favourite work”, this Phoebe, Op. 30 is a musical depiction of the recreation of Mélisande’s bright golden and story of Phoebe, often related to the moon flyaway hair through the chains of never- and the night in Greek mythology. This is the ending arpeggios of demisemiquavers reason behind the magical and nocturnal found great success at the time. atmosphere that Bonis creates, using modal sonorities and a succession of quick French harpsichordist and composer harplike figures in quiet dynamics in the Élisabeth Jacquet de la Guerre (1665- left hand, alongside melodic motifs in the 1729) was a pioneer in the world of female right hand. Desdémona¸ Op. 101 is preceded composers. Coming from a family of by a written inscription which refers to the renowned musicians, Jacquet de la Guerre premonitory song “Willow” sung by the also revealed her remarkable artistic character Desdemona in Shakespeare’s abilities at a very young age. From the age Othello (ca. 1603): “Lay by these - willow, of five, she was already singing and playing

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harpsichord in the Court of Louis XIV, who Her passionate relationships left a mark strongly supported her throughout her on her musical legacy, and she never hid whole career. In her time, she was truly her attraction to women. Her Klavierstück admired as a performer, composer and in E (Piece for piano in E Major), probably educator; and today she is considered the written during her first compositional period first woman to have composed an opera in in Leipzig (ca. 1877), shows the influence of France: Céphale et Procris (1694). Among her the German Romantic pianistic language, most significant works we find herPieces for a result of being part of the same artistic Harpsichord (her first publication, 1687) and circles as Brahms, Grieg, Joachim and Clara Pieces for harpsichord that can be played Schumann. Indeed, Dame Ethel Smyth with violin (1707). This group of miniatures, considered Germany her “spiritual home”. hereby represented by the “Gavotte” from To the initial clear texture of accompanied the Suite in A minor, the “Rigaudons I melody of this E Major piece, written in a and II” from the Suite in D minor and the danceable 6/8, middle counterpoint lines “Menuet” and “Rondeau” from the Suite are progressively added, enriching the in G Major, provide a model of elegance pianistic speech in the most Brahmsian way. and balance. In these, Jacquet de la Guerre combines the qualities of both French and Clara Wieck (1819-1896) was also a child Italian Baroque styles and demonstrates prodigy, but focused her talent mostly on her knowledge of the keyboard instrument. performance. After a fierce struggle with her father, prestigious music pedagogue Ethel Smyth (1858-1944) is the most Friedrich Wieck, she was finally able to multifaceted of the thirteen composers. marry Robert Schumann in 1840, and bore Not only was she a composer, conductor him eight children. Her career as a composer and writer, but she also became one of the suffered during the first years of marriage: leaders of the suffrage movement. In fact, she joined WSPU (Women’s Social and “Clara has written a number of smaller Political Union) in 1910 and the year after pieces which show musicianship and a composed The March of the Women, which tenderness of invention such as she has became the official anthem of the activists. never before attained. But children and

16 LA MUSE OUBLIÉE ENG a husband who is always living in the inner agitation through a continuous realms of imagination do not go well with chromatic design of semiquavers that composition.” alternate or overlap in both hands. These pieces are indeed a testimony to the context This is how Robert expressed himself in in which they were born: in 1854, Robert 1843. But it was not only the difficulties of tried to commit suicide and was admitted finding a balance between domestic and to a psychiatric hospital in Endenich which professional life that put a stop to Clara’s he would never leave. career as a composer. The prejudice of the society of her day also played a large part: “I Lili Boulanger (1893-1918) was born in the once believed that I had creative talent, but most appropriate environment to develop I have given up this idea. A woman must an extraordinary talent that started to show not wish to compose”. Romanzen, Op. 21 at the early age of two. Her parents and were written between 1853 and 1855, and grandmother were professional musicians are the last important collection in Clara’s and her sister Nadia already stood out catalogue. She dedicated them to Brahms, as a composition student. Unfortunately who became an indispensable support for Lili’s long-term illness was also premature: Clara during her husband’s mental illness she suffered at that same age a severe and subsequent death. In these three pneumonia that would weaken her immune pieces, the mastery and originality of the system. She died at the young age of 24. composer are evident. The first piece, in A Even so, she managed to become the first minor, begins with a moving atmosphere of woman ever to receive the prestigious Prize deep suffering and a nostalgic theme that of Rome in 1913. The experimental nature only finds solace in the central passage of her language, especially harmonically, “animato”. The brief second piece, in F together with the halo of sadness and Major, is a variation in homophonic texture resentment that predominates in her and playful character of the theme in the musical output, are evident in her Three sixth piece “Cradle song” of Albumblätter, pieces for piano (1914), written in Rome Op. 124 written by her husband. The third and published posthumously in 1919. D’un piece, in G minor, expresses an unceasing vieux jardin (Of an old garden) takes us

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on a journey through an expanded tonality in Esquisses d’une après-midi Basque of C sharp minor, whose chromaticisms (Sketches of a Basque afternoon), a series produce a somewhat tormented expression. of preludes written in 1923, in a moment On the other hand, D’un jardin clair (Of a when she had decided not to return to luminous garden) focuses the attention on Pamplona, but to continue her life in Paris. the arpeggios and resonances, reminding The character of these very short musical us of aquatic pieces by Debussy and Ravel. sketches is evocative rather than descriptive Lastly, Cortège (Procession) breaks with the (Into the woods, The echo at the mountain, previous chromatic language in favour of an Under the old oak tree, The lonely little uplifting character, built on the continuous flower, A souvenir from Usandizaga - At variation of a tender four-bar motif. the banks of the spring, Returning home). This composition’s language is quite Navarra-born pianist and composer conservative if compared with other pieces Emiliana de Zubeldía (1888-1987) developed of the same era. Nonetheless, the influence most of her professional career outside of of the pianism of Debussy and Ravel is Spain. She studied with Vincent d’Indy and visible in her use of modal sonorities, Blanche Selva at the Schola Cantorum in cascading arpeggios and rhythmic games. Paris. Some years later, she met Mexican theorist Augusto Novaro in New York. His Germaine Tailleferre (1892-1983) was the Natural System of Music, which propose only female member of the French group an alternative to the Equal Temperament, “Les Six”. She considered writing optimistic fascinated her. Following Maestro Novaro, and approachable music a liberation from she moved to Mexico in 1937 and a decade life’s hardships. This is why freshness and later became Head of the music school of jollity are always present in her neoclassical Sonora University. Throughout her work, works, as they are in her Pastoral in C she constantly experimented with her (1929), even though in that same year musical language, while also showing signs she lived through one of the toughest of homesickness, often revealed in her periods of her life. Three years after having direct inspiration by Basque folklore. This married famous caricaturist Ralph Barton, nostalgia for her homeland is clearly found Tailleferre fell pregnant. Barton, who did

18 LA MUSE OUBLIÉE ENG not want a child, assured her that if he were ever to receive a Guggenheim Fellowship to shoot the foetus, Germaine would be in composition, which allowed her to live left unharmed. As soon as she heard this, in Europe and to meet composers such as Germaine tried to run away, but Barton Bartók, Schoenberg and Berg. In fact, during shot her and she lost the baby. After this, her second compositional period (1930-1933), they never saw each other again. The she developed a complex style based on skeleton of her Pastoral in C is formed by a serialism, whilst during her first period (1924- perpetuum mobile of semiquavers, and her 1929), Scriabin was her main influence, which chordal sonority is robust and transparent. led her to go beyond the limits of tonality and She dedicated the piece to Alfred Cortot, irregular rhythms. This desire for innovation who performed it in his recitals. In her Two is already stated in her first Preludes, as it is pieces for piano, we find once again that also in nº 6. Written on three staves, this piece particular sharp and clear texture inside stands on an eight double-note ostinato a moto perpetuo, a typical feature of written in the high register and accompanied Tailleferre’s language. Larghetto unfolds by low, sombre chords, which together like a dreamy and hypnotic poem in its generate a meditative and introspective high, ethereal cantabile melody; and Valse atmosphere. Although it is unfortunate that Lente is an arrangement of a miniature for Crawford stopped composing after giving two pianos written in 1928. Here, Tailleferre birth to her son, she then threw herself into a expresses herself delicately and tenderly, very valuable process of work, arranging and using a varied repetition of a single theme transcribing traditional music from the US, that becomes harmonically richer and more which she later successfully used for music sensuous as the piece develops. pedagogy. Prelude nº 6 Andante Mystico (1927) by Lūcija Garūta (1902-1977), a piano student ethnomusicologist and composer Ruth of Alfred Cortot and composition student Crawford Seeger (1901-1953) differentiates of Paul Dukas at the end of the 1920s in itself from the rest of the pieces due to Paris, is probably the least-known composer its experimental character. In 1930, this among these thirteen women. Born in American composer became the first woman Latvia, she became a composition and

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theory teacher at the Latvian Conservatoire popular piano work. In the first prelude, in 1940. In her catalogue of almost 200 “Allegro ma non troppo”, the composer works, the highlights are the programmatic takes advantage of the percussive quality pieces written in post-romantic style with of the piano through different repetitive reminiscences of Scriabin. This influence designs that are displayed with a wide range can be clearly heard in her Prelude in E Major of articulations and rhythmic combinations. (Andante Meditativo), the second of a set of The second prelude, “Andante”, with its four preludes written in 1927. The rhythmic calculated chromaticism, creates a dark and variety (with continuous time signature misty atmosphere in which, once again, the changes), the grieving chromaticisms and composer plays with stubborn repetitions the chords overflowing with sounds provide of motifs as her signature. The “Andante the musical speech with a complexity and Semplice” is created following the same density that indirectly give us an idea of pattern but in a less dissonant and tense Garūta’s skills as a pianist, both in terms of harmonic language, highlighting the lyrical technique and sensitivity. potential of the piano in its melancholic melodic expression. Finally, the bright Just like Lili Boulanger, Czech composer “Vivo” takes us back to the world of dance and conductor Vítězslava Kaprálová (1915- and the native Czech sonorities with a 1940) died prematurely, at only 25 years of delicious piece that combines tradition and age. She started writing music when she modernity through brilliant and virtuoso was nine, and in 1937 she moved to Paris to pianistic writing. continue her studies with Bohuslav Martinů and Charles Munch. She was greatly admired Finally, as if it were a coda, the Melody by Rafael Kubelik and Rudolf Firkušný, for in C sharp minor, Op. 4 nº 2 (1847) by whom she wrote her April Preludes, Op. 13 Fanny Mendelssohn (1805-1847) brings an (1937). The creative talent and very personal optimistic, affirmative and symmetrical language of Kaprálová can already be ending to a musical journey that began observed in this collection of pieces, which in the same key. Composer and pianist, reminds us of the sound worlds of Bartók like her brother Felix, Fanny was raised and Martinů. This set has become her most in an environment full of cultural stimuli.

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She is considered one of the most prolific To my mother composers of the nineteenth century, and This work is born of my curiosity for the was one of the first women to write a string obscure; for what could have been but wasn’t; quartet. This Melody, with its sweet and for the light in the shadows; for what has been evocative character, is a good example of kept secret and the power in revealing it. the nostalgic and song-like lyricism of her Romantic style, and of its free form. Like I have always wondered where they were; many of the composers featured here, Fanny women that did not appear in books, lived in a constant contradiction between women that were not named in class, and her creative will and what the society of her yet whose presence could be sensed. In the time expected of a woman. It is because of most natural manner, when time found it this that her career developed in private and appropriate, I opened my particular Pandora’s box of research, undoubtedly motivated by that she decided to publish her works only the huge influence that women have had months before her premature death at the on all aspects of my life. This is how “The age of 41. Her contributions to her brother’s Forgotten Muse” started to take shape. pianism are only today coming to light. Let us hope that we will see the same renewed After many months of researching and interest in so many other unfairly forgotten listening, hours and hours at the piano women composers; there will certainly be studying all the music I found (it is worth much to surprise us. mentioning how hard it was to get hold of some of these scores!), there came a point Eva Sandoval where I had to learn to select, to be able English translation: Antonio Oyarzabal to separate the “good pieces” from the “masterpieces” by using the most objective possible personal judgement. I think it is important to be able to openly discuss and debate whether one work is better than another work, in the same way that we would do with works written by men. To

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act differently would be counterproductive. ANTONIO OYARZABAL In this way, working with extreme care Antonio Oyarzabal is a versatile concert in the process, it became more and more pianist and sought-after musician living appropriate to include the pieces of these in London. He obtained his Masters and thirteen women that I have chosen and Artist Diploma as a soloist at the Guildhall whom I see almost as heroines. School of Music and Drama, studying with In this project I have collected pieces that in Caroline Palmer. Antonio combines solo my opinion are, to a greater or lesser extent, and chamber music performance. He made compositional jewels. Jewels that deserve to his debut in LSO St Luke’s (2018) with LSO be rescued from the shadows, independently violist Lander Etxebarria and in Barbican of the gender of their creators. Hall (2017) with the Klimt Quintet. He has also performed with LSO solo clarinetist I dream of the day when we will no longer Andrew Marriner, violist Matthew Jones and need to measure percentages of works alongside the Allegri Quartet and Southbank written by women included in concert hall Sinfonia. As a soloist with orchestra, season programmes; the day when it will recent performances include Mozart Piano be absolutely natural to listen to concerts Concerto nº23 and nº 9, Shostakovich Piano where music by women occupies at least an entire half. This will mean normalisation. Concerto in F, Poulenc Concerto for two Until then, there is a lot of work to be pianos and orchestra, Gershwin Rhapsody done and a large part of it depends on us in Blue with the EUYO in Grafenegg (Austria) performers in order to make a change. and Ravel Piano Concerto in G with YMSO at St John Smith Square (London) For all of the above, I am passionately Antonio received the Audience Special Prize committed to this project. If this album and Finalist Prize in Campillos International helps at all to amplify and to draw attention Competition 2015, and the 2nd prize at the to all this wonderful music left in oblivion, it “Concours International d’Ile de France” in will certainly make me very happy. Paris, 2008. Antonio Oyarzabal

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As a solo pianist, Antonio actively performs around the UK, Spain and abroad. He presented his CD The Inner Child in Fundación March (Madrid), in St Martin in the Fields (London) and in many cities around the UK. This debut CD was recorded with Orpheus Classical international record label and was awarded with Golden Melomano prize in prestigious Melomano magazine. In 2019 he recorded another CD with the works by Basque composer J. Recording venue: 28-30th August Martínez Villar with Arsis record label, which Auditorio Manuel de Falla, Granada has also received the Golden Melomano Music Producer: Paco Moya award. Recently, Antonio recorded his third CD with IBS Classical record label; La Muse Mixer & Mastering: Iberia Studio Oubliée, a collection of piano works by Sound engineer: Cheluis Salmerón women composers. Liner notes: Eva Sandoval . Translation: Antonio Oyarzábal [Revision by Alice Jacobs] Acknowledgements Photographer: Romain Thiery Gemma Classical Music Trust Producer: Registered Charity No. 1121090 Gloria Medina · IBS Artist http://gemmatrust.com/ Auditorio Manuel de Falla CD time 73:17 © 2021 Copyright: IBS Artist Ayuntamiento de Granada NºCat: IBS52021 | DL GR 143-2021

ANTONIO OYARZABAL 23 LA MUSE OUBLIÉE ANTONIO OYARZABAL PIANO

Mana Zucca (1885-1981) Emiliana de Zubeldía (1888-1987) 1. Prelude Op.73 2:41 Esquisses d’une après midi Basque Amy Beach (1867-1944) 19. No.1. Vers le bois 0:38 2. Scottish Legend 3:00 20. No.2. L’Écho dans la montagne 0:53 21. No.3. Sous le vieux roble 1:08 Mel Bonis (1858-1937) 22. No.4. La petite fleur solitaire 0:57 Femmes de Légende 23. No.5. Un souvenir d’Usandizaga - 3. Phoebe 2:34 Au bord du ruisseau 1:28 4. Desdémona 2:27 24. No.6. Retour à la maison 0:53 5. Viviane 2:34 6. Mélisande 2:28 Germaine Tailleferre (1892-1983) 25. Pastorale 3:28 Élisabeth Jacquet de la Guerre (1665-1729) Deux pièces: Sélection de Pièces de Clavecin 26. No.1. Larghetto 2:40 7. Gavotte 1:15 27. No.2. Valse lente 1:23 8. Rigaudon 0:40 9. Rigaudon II 1:44 Ruth Crawford Seeger (1901-1953) 10. Menuet 1:05 28. Prelude No.6: “Andante Mystico” 2:52 11. Rondeau 1:18 Lūcija Garūta (1902-1977) Ethel Smyth (1858-1944) 29. Prelude in E 3:10 12. Klavierstück in E 3:49 Vítězslava Kaprálová (1915-1940) Clara Wieck-Schumann (1819-1896) April Preludes Drei Romanzen Op.21 30. No.1. Allegro ma non troppo 1:57 13. No.1. Andante 4:53 31. No.2. Andante 3:02 14. No.2. Allegretto 1:16 32. No.3. Andante semplice 1:53 15. No.3. Leidenschaftlich schnell 4:27 33. No.4. Vivo 1:43 Lili Boulanger (1893-1918) Fanny Mendelssohn (1805-1847) Trois Morceaux pour piano 34. Mélodie Op.4 No.2 1:39 16. No.1. D’un vieux jardin 2:51 17. No.2. D’un jardin clair 2:01 CD Time 73:17 18. No.3. Cortège 1:44