FRETWORK música antigua (Reino Unido) Foto: Chris Dawes • Código PUPEP: BUQ104

Miércoles 19 de octubre de 2016 • 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2016 TOME NOTA

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SÍGANOS EN Sala de Conciertos @ConciertosBR Banco de la República Luis Ángel Arango

Banrepcultural Banrepcultural FRETWORK Asako Morikawa, Richard Boothby, Reiko Ichise, Emily Ashton y Sam Stadlen, violas da gamba.

Foto: Chris Dawes

Este año Fretwork celebrará 30 años de estar interpretando música, tanto antigua como contemporánea, y seguirá haciéndolo en su brillante carrera como el principal consort de violas da gamba del mundo. En el curso de las últimas tres décadas se han dedicado a explorar el repertorio de la gran música inglesa para consort, desde Taverner hasta Purcell, y sus grabaciones clásicas se han convertido en un punto de referencia para otras agrupaciones. Su serie de álbumes para Virgin Classics incluye discos dedicados a , , , , y , mientras que su obra más reciente para Harmonia Mundi USA incluye dos discos de J. S. Bach —El arte de la fuga y Alio modo— recibidos con gran entusiasmo por la crítica. También han grabado discos de música instrumental más temprana (Petrucci), The Hidden Face de Sir , , Alexander Agricola y Fabrice Fitch, con y dos colaboraciones con el coro de Magdalen College de Oxford. Sus grabaciones de canciones de concierto de William Byrd con son especialmente dignas de encomio.

1 Además, se han dado a conocer como los pioneros en la interpretación de la música contemporánea para violas da gamba, con más de 40 nuevas obras especialmente escritas para ellos por los más destacados compositores de nuestro tiempo: George Benjamin, , Sir John Tavener, Gavin Bryars, Elvis Costello, Alexander Goehr, John Woolrich, Orlando Gough, Fabrice Fitch, , Sally Beamish, , Barry Guy, Andrew Keeling, Thea Musgrave, Simon Bainbridge, Poul Ruders, John Joubert y Duncan Druce. A menudo presentan programas exclusivamente de música contemporánea, aunque la mayoría de los públicos consideran que la tensión creativa que se alcanza a través de la combinación de lo antiguo con lo nuevo constituye una experiencia apasionante. Fretwork tiene particular interés por la obra de J. S. Bach. Inicialmente el grupo interpretó y grabó El arte de la fuga, trabajo por el que recibió excelentes críticas. Su arreglo de las Variaciones Goldberg fue lanzado en noviembre de 2011. Recientemente ha hecho arreglos de varias de sus obras para teclado, incluyendo El clave bien temperado y el Clavierübung, recientemente lanzado con el sello HMU y titulado Alio modo. En 2001 crearon algo completamente nuevo para el repertorio del consort: Con la ayuda de la Red de Música Contemporánea idearon una presentación en la que participaron dos bailarines, el coreógrafo Ian Spink, en las luces y la música de Gibbons, Dun, Gough, Nyman, Woolrich y Keeling. La gira de este extraordinario evento por las catedrales de Inglaterra fue unánimemente aclamada. En 2007 viajaron dos veces a Rusia, a España, a Francia y a Irlanda, y participaron en el Festival Internacional de Edimburgo y en los Festivales de Lufthansa, Spitalfields y Aldeburgh. También se presentaron en el Festival de Evensong en seis universidades de Cambridge —King’s, Trinity, John’s, Gonville y Caius y Sidney Sussex— como parte de una residencia en Sidney Sussex College, en donde impartieron clases y grabaron un álbum de Tomkins. Otra grabación de Gibbons, Tomkins y Weelkes con el Coro de King’s College, dirigida por Stephen Cleobury, apareció recientemente en EMI. En 2008 grabaron dos pistas para el último álbum de , Out of Noise. Sakamoto escribió poemas para acompañar las pistas del álbum, uno de los cuales es:

2 I listened to Fretwork’s Escuché In Nomine de Fretwork – – 16th century English Music for música inglesa del siglo XVI para consort of and Second Service consort de violas, y el Segundo & Consort Anthems. servicio y los himnos para consort. Everyday, when I walk, before I sleep, Todos los días, cuando camino, I listen to music. antes de ir a dormir, escucho música. Recently, I have been listening to Recientemente he estado Gustav Leonhardt and Fretwork. escuchando a Gustav Leonhardt y a Fretwork. Although sometimes I do like to Aunque a veces me gusta escuchar shuffle my library. mi biblioteca en modo aleatorio.

En la actualidad, Fretwork realiza frecuentes giras por los Estados Unidos y Canadá y ha recibido especial reconocimiento por su programa de música judía para violas da gamba, Birds on Fire. En enero de 2009 actuó en California y Texas con Clare Wilkinson para celebrar el 350 aniversario del nacimiento de Purcell. Su grabación de Birds on Fire fue la elegida como Selección del Editor de la Revista Gramophone y Julie-Anne Sadie comentó: «Esta es una música exigente, maravillosamente excéntrica, que toma su inspiración del klezmer de la tradición Ashkenazi (más como música de cabaret que de cámara), la cual Fretwork logra interpretar con un estilo que sorprende y a la vez deleita.» En 2010 organizaron una serie de conciertos de una semana en Kings Place, la nueva y dinámica sala de conciertos de Londres. La culminación de esta semana, en donde se vieron presentaciones con Emma Kirkby, Michael Chance y Clare Wilkinson, fue el estreno del último encargo de Fretwork, The World Encompassed de Orlando Gough, una obra de 70 minutos en donde se describe la circunnavegación del mundo por Francis Drake en 1577-1580. Drake llevó consigo a cuatro intérpretes de viola da gamba para acompañarlo en su recorrido y la pieza de Gough incorpora música original del siglo XVI dentro de la estructura de esta nueva obra. En noviembre de 2010 llevaron la obra a Estados Unidos en una gira de diez conciertos. En febrero de 2011 el Early Music Show de Radio 3 de la BBC le dedicó todo un fin de semana a Fretwork, en el que entrevistaron a su miembro fundador, Richard Boothby, y presentaron varias pistas de sus numerosas grabaciones. Además, transmitieron una versión de The World Encompassed, grabada durante

3 el Festival de Música Antigua de York, acompañada de una entrevista al compositor, Orlando Gough. En 2011, el Centro Nacional de Música Antigua (NCEM por sus siglas en inglés), en colaboración con la BBC, llevó a cabo un concurso para jóvenes compositores que consistía en escribir una pieza de cuatro minutos para Fretwork. En octubre, el grupo interpretó las piezas con los compositores en el NCEM en York y las ganadoras se estrenaron en Kings Place en diciembre de 2011. En febrero de 2012 se presentaron por primera vez en Carnegie Hall y en octubre del mismo año, en el Wigmore Hall, estrenaron My Days para el Ensamble Hilliard y Fretwork, obra compuesta por uno de los jóvenes compositores más prometedores de nuestro tiempo, Nico Muhly. En 2013, el año más activo de la década, presentaron más de diez conciertos en las salas de concierto más importantes de Londres: Wigmore Hall, Kings Place, Cadogan Hall y en el Royal College of Music. También celebraron el aniversario 450 del nacimiento de John Dowland con varias presentaciones de sus Lachrimæ, con la ilustre laudista Elizabeth Kenny. En noviembre hicieron una larga gira por Estados Unidos, que los llevó desde Texas hasta Mississippi, desde el Medio oeste hasta Nueva York y desde San Diego a Columbia Británica. De hecho, su homenaje a Dowland fue tan extraordinario que continuó en 2014 y le dedicaron dos meses de conciertos a su música instrumental y a sus canciones, con uno de los más reconocidos cantantes de hoy, Ian Bostridge. Visitaron Carnegie Hall nuevamente en 2015 y presentaron la versión modificada deThe World Encompassed, la cual incluye una narración hablada tomada de informes contemporáneos, interpretada también por el reconocido actor Simon Callow en Dartington International Summer School. En junio se celebraron 30 años de la fundación de Fretwork con una noche de gala en Kings Place. Luego volvieron a su acostumbrada rutina en los estudios de grabación y ahora están preparando el lanzamiento de cuatro nuevos álbumes. Visitarán Estados Unidos nuevamente, en la que será su más larga gira hasta el momento.

4 PROGRAMA

In Nomine

In Nomine (1490-1545) Crye CHRISTOPHER TYE (c. 1505-1572) Trust

In Nomine ROBERT PARSONS (c. 1535-1572) Ut re mi fa sol la De la Court

Browning WILLIAM BYRD (1543-1623) In Nomine In Nomine PICFORTH (c. 1580)

Dos In Nomines en cinco partes ORLANDO GIBBONS (1583-1625)

INTERMEDIO

Slow (2015) NICO MUHLY (n. 1981) In Nomine en cinco partes

Serie de piezas en sol menor WILLIAM LAWES (1602-1645) para consort Fantazy On the plainsong Aire

In Nomine (1995) GAVIN BRYARS (n. 1943) Basado en el In Nomine de Purcell

Dos fantasías en cuatro partes HENRY PURCELL (1659-1695) Fantasía sobre una nota

CONCIERTO No. 63

5 NOTAS AL PROGRAMA

Por Guillermo Gaviria

El programa de hoy se concentra en el llamado In nomine, una forma de música instrumental que se originó y desarrolló durante los siglos xvi y xvii en el periodo Tudor y post-Tudor, cuando Inglaterra disfrutaba de un renacimiento musical que el investigador Robert Donington considera el más creativo que conocemos de la historia musical inglesa. El período de los Tudor es el período entre 1485 y 1603 en Inglaterra y Gales e incluye el período isabelino, que termina con el fin del reinado de Isabel I en 1603. El gobierno de la dinastía de los Tudor tuvo como primer monarca a Enrique VII (1457-1509). Donington, en uno de los primeros artículos sobre los orígenes del In nomine, comenta que en el siglo xvi los instrumentistas empleaban la música vocal, tal como estaba escrita o adaptada, tocando motetes y madrigales en violas, laúdes e instrumentos de viento o teclado. “La deuda de los instrumentistas con los cantantes quizás ha sido exagerada, pero fue muy real” y afirma, además, que “la música de danza, con sus formas simétricas y ritmos incisivos, aportó una cuota adicional”. El In nomine fue el medio por el cual la polifonía vocal influyó de manera decisiva en la conformación de la música de cámara en Inglaterra. “Como forma se trata de una composición polifónica normal que toma la melodía de un cantus firmus y lo trata en diferentes secciones cada una de las cuales tiene sus propios puntos de imitación, generalmente, u otro material temático”. El cantus firmus se toca en notas largas, de valores iguales, mientras que las otras voces o líneas que participan elaboran, alrededor de esta, una textura contrapuntística (1949: 101).

La particularidad que señala Donington sobre el In nomine es “su fidelidad a un único cantus firmus, el de la antífona gregoriana Gloria tibi Trinitas”. El punto de partida es la misa a seis voces de Taverner, Gloria tibi Trinitas. Este cantus firmus, el de la antífona gregoriana, aparece generalmente en las voces

6 intermedias. En el Benedictus, en la parte correspondiente al In nomine Domine, aparece completo, en notas de igual duración y con tres voces acompañándolo:

Uno de los asuntos que más ha intrigado a los investigadores es la razón para que la forma instrumental tome el nombre de In nomine, considerando que la antífona no contiene el texto mencionado. Una de las teorías que pretende responder a este interrogante es la propuesta por Sir Richard Terry, citado por Ernst H. Meyer, quien supone que el origen del nombre fue el de “basarse en el espíritu omnipresente de la devoción, que en el arte isabelino era instinto, y estas fantasías instrumentales han mantenido como un título genérico la frase In Nomine, cuyo significado fue la fuerza motivadora del compositor. Para los grandes maestros de la época, al componer sus fantasías sobre el cantus firmus, In nomine Domini, llamarlos In nomine fue tanto el resultado del espíritu de la vida cotidiana como una cuestión de tiempo”. Sin embargo, Meyer aclara: “aunque esta suposición suena muy plausible, no he sido capaz de encontrar ninguna prueba de ello” (1936: 27). De acuerdo con Meyer los In nomine más antiguos parecen ser los del propio John Taverner, compuestos entre 1530 y 1550. Seguidos por Whitbroke (ca. 1540), Parsons († c.1569-1570), Parsley († 1585), Woodson († 1581), Robert White († 1574), y Christopher Tye († 1572). Hacia mediados del siglo xvi el número de In nomine compuestos era creciente, lo que permite inferir que ya era bastante bien conocido, aunque aún no era una forma instrumental pura. Hacia la segunda mitad del siglo, el número siguió aumentando y tuvo un amplio desarrollo hasta cuando Purcell escribió el suyo en 1680. La mayor cantidad de In nomine fueron compuestos entre 1570 y 1600. A la fecha se conservan más

7 de 150 obras sobre el cantus firmus empleado por Taverner, pero es importante considerar que la tradición se retomó en el siglo xx, ejemplo de lo cual son las dos obras de compositores vivos, Nico Muhly y Gavin Bryars, que aparecen en el programa. John Taverner, el originador del In nomine, es considerado el músico inglés más importante del siglo xvi, conocido por su música religiosa. En su juventud fue miembro del coro de la Iglesia de Tattershall, en donde luego, en 1524, sería empleado laico. En 1526 fue director de los coros del Cardinal College de la Universidad de Oxford (hoy el Christ College). Taverner logró suficiente riqueza y reconocimiento, que le permitieron retirarse de una carrera en la música activa y pasar los últimos años de su la vida como un ciudadano respetado. Roger Bowers (2009) subraya las características y aportes de Taverner como compositor y persona: “Enriqueció y transformó el estilo florido Inglés haciendo uso de sus mejores cualidades, así como de algunas técnicas continentales y más tarde, cuando así lo dictaron consideraciones ideológicas, fue capaz de utilizar su experiencia y madurez para producir trabajos más simples con el mayor equilibrio y refinamiento”. Su obra incluye ocho misas, 28 motetes y tres piezas seculares. La fecha y lugar de nacimiento de Christopher Tye son desconocidos, pero dado que gran parte de su vida transcurrió en Cambridge, Ely y áreas vecinas, pudo haber nacido en la región del este de Inglaterra, donde su apellido era común. Compuso 23 In nomine, un número superior al de cualquier otro compositor, escritos a cinco voces, textura que se convirtió en la norma para la música de consort a mediados del siglo xvi. Nadie sabe con exactitud la razón de lo que el nombre de muchas de piezas de Tye significa, aunque presumiblementeCrye caracteriza el motivo de la nota repetida, motivo que impregna este extraordinario In Nomine, mientras que Trust tal vez tiene algo que ver con los problemas de mantener el tiempo, cuando la melodía del canto llano se pone en métrica a cinco. Muchos de los In Nomine de Tye (Crye especialmente) muestran un alejamiento de las texturas vocales austeras de Taverner, hacia una textura algo más característica de la composición instrumental (Edwards, 1987: 4). Poco se sabe de Robert Parsons, su lugar de nacimiento como la fecha precisa del mismo permanecen desconocidos. El 17 de octubre de 1563, Parsons fue recibido en la Capilla Real, y juramentado como un caballero en enero del año siguiente. Se cree que es posible que haya sido un contratenor. El 30 de mayo 1567, la corona le concedió un contrato de arrendamiento durante 21 años en tres rectorías cerca de Lincoln-Sturton, Ranby y Stainton. Parsons se ahogó mientras se bañaba, aunque algunos sugieren que se suicidó. Los hechos

8 ocurrieron en el río Trent, cerca de Newark, el 25 de enero de 1572. Si bien el In nomine predomina en la música isabelina para ensamble, no es la única fuente de inspiración. Existen otras melodías que se usan de la misma manera o se componen nuevas. Es el caso de Parsons, quien “crea una clase de melodía artificial a partir de seis notas ascendentes y descendentes” (Edwards, 1987: 5). William Byrd nació en Londres. Parece que hizo parte de la Capilla Real, pues se menciona como alumno del organista y eminente figura, Thomas Tallis. Byrd luego tendría una relación muy cercana con Tallis, por lo que es posible que después del cambio de voz, se haya quedado en la Capilla Real como su ayudante. La figura de Byrd ha sido apreciada a través de los siglos; Kermann y McCarthy en su biografía en el Diccionario Grove declaran: Se admira cada vez más su multiplicidad de formas de moldear una frase, un período, o una pieza completa. La línea, el motivo, el contrapunto, la armonía, la textura y la figuración, todo se puede poner en juego, y se pone en juego en nuevas combinaciones. La forma era expresión para Byrd y la extraordinaria variedad de efectos que obtuvo en sus piezas provenía de su instinto fértil para la forma y la construcción musical. Como muchos de los In nomine fueron compuestos por compositores en su madurez, pronto se convirtió en una prueba de habilidad contrapuntística propicia para que los jóvenes demostraran sus capacidades, como Byrd en su In Nomine, “una obra que muestra signos indudables de un futuro musical brillante” (Edwards, 1987: 5). Del compositor Picforth no se tiene información acerca de su vida, la fecha probable de su muerte es 1580. De sus obras solo sobrevive el In nomine a cinco, que es inusual en cuanto cada parte está realizada con un valor de duración diferente que se mantiene durante toda la pieza. En el In nomine de Pickforth el cantus firmus está en cuadradas [una cuadrada equivalente a dos redondas u ocho negras], a éste se añaden cuatro partes en contrapunto. La primera parte contiene solo figuras de redondas con puntillo [equivalentes a seis negras], la segunda solo redondas, la tercera solo negras con puntillo, la cuarta solo negras. Estos ritmos se conservan estrictamente durante toda la pieza; esto da lugar a una combinación muy compleja, y la conducción de cada parte se ve obligada a saltar violentamente, como consecuencia de su subordinación al cantus firmus, con el fin de mantenerse dentro del esquema rítmico (Meyer, 1936: 35). Orlando Gibbons, quien nació en Oxford en una familia de músicos, es el último gran compositor del estilo polifónico. Fue miembro del coro en el Kings College, Cambridge. Más tarde se convirtió en Caballero de la Capilla Real, donde

9 se desempeñó como organista. Luego también sería organista en la Abadía de Westminster. Gibbons es reconocido como un maestro de la música polifónica seria; sin embargo, la gravedad y la destreza del contrapunto se complementan con la vitalidad y el ingenio en su música de cámara. Harper y Le Huray (2010), en el Diccionario Grove, advierten sobre el riesgo de dejar de lado algunos de sus aportes: “El énfasis excesivo de las cualidades graves y polifónicas de su música puede oscurecer las características modernas de la música de Gibbons: el ingenio y vitalidad, el tratamiento declamatorio del texto, incluso en un lenguaje contrapuntístico y el uso de figuras rítmicas y armonía periódica”. William Lawes fue nombrado oficialmente músico para laúd y voces en la corte en 1635, pero ya había estado, por algunos años, vinculado al círculo de músicos de la corte que estaban bajo guía del influyente compositor John Copriaro. Este grupo incluyó a compositores como Gibbons, Ferrabosco y el propio Copriaro. Lawes escribió numerosas piezas para voces e instrumentos. Sus obras de cámara son innovadoras, especialmente las de violas o violines con bajo continuo. Fue uno de los compositores más reconocidos para el teatro (incluyendo la máscara), en el período 1630-1645. Su música es muy personal, con melodías poco predecibles y armonías colorísticas, en muchas ocasiones en forma de movimientos de danza que se agrupan en ‘sets’ de acuerdo con su tonalidad, como la obra que aparece en el programa, cuya primera pieza es una fantasía que sirve como preludio a las danzas, Consort set en sol menor (Serie de piezas en sol menor para consort). Nico Muhly, compositor estadounidense cuyas influencias van del minimalismo a la tradición coral anglicana, ha sido beneficiario de comisiones de la Metropolitan Opera, el Carnegie Hall, la Catedral de St. Paul, entre otros. Ha escrito más de 80 obras, incluyendo óperas, un concierto para viola y obras corales. Muhly colabora con frecuencia con el coreógrafo Benjamin Millepied y, como arreglista ha trabajado con Sufjan Stevens, Rufus Wainwright, Joanna Newsom, y Antony and the Johnsons, entre otros. Nacido en Vermont, estudió composición con John Corigliano y Christopher Rouse en la Juilliard School antes de trabajar como editor y director de orquesta de Philip Glass. Actualmente vive en la ciudad de Nueva York. Refiriendose aSlow , Muhly (2014) menciona la influencia de Orlando Gibbons: Un viaje dentro de una idea diferente de lo que es repetición y cómo proponer grandes estructuras. Estoy escribiendo un cantus firmus que es como la mente de la pieza. De arriba abajo y de abajo arriba. Es una estructura simple. Y para cada nota el cantus firmus tiene su propio desarrollo. Usted ataca una nota que es una especie de drone como base para variaciones en sí misma. Y para mí es algo que muy explícitamente viene del mundo de Orlando Gibbons por ejemplo, el rol

10 de las violas que siempre están variando las melodías, en sí mismas, en donde el primer pulso del compás, por así decirlo, contiene el código secreto que revela la cosa completa. Pero igual encuentra usted esto en otros compositores, cuando el coro de la canción da la pauta para un desarrollo casi sinfónico en el interior de la pieza. Gavin Bryars, nació en Yorkshire en 1943. Inicialmente conocido como bajista de jazz, trabajó a principios de los años sesenta con improvisadores como Derek Bailey y Tony Oxley. Abandonó la improvisación en 1966 y trabajó durante un tiempo en Estados Unidos con John Cage. Posteriormente colaboró estrechamente con compositores como Cornelius Cardew y John White. De 1969 a 1978 enseñó en los departamentos de bellas artes en Portsmouth y Leicester. Fundó el departamento de música en el Politécnico de Leicester (más tarde Montfort University) y fue profesor de música allí de 1986 a 1994. Su primera obra importante como compositor fue la música para la película El hundimiento del Titanic (1969) y Jesus’ Blood Never Failed Me Yet (1971). Ha compuesto prolíficamente para el teatro, la danza, la sala de conciertos y la ópera. SuIn Nomine, basado en el In Nomine de Purcell, está dedicado a Fretwork y se estrenó en el Purcell Room, en Londres, en mayo de 1995. Sobre sus motivaciones para componer dentro de esta tradición, plantea: Hubo varios factores que me atrajeron a escribir una pieza para Fretwork basado en el In nomine de Purcell. Uno de ellos era mi interés en escribir para cuerdas y en particular para las familias de instrumentos de cuerda. He escrito una serie de cuartetos de cuerda, por supuesto, pero una pieza temprana mía era la “nueva familia de violín” a ocho partes, y he prestado especial atención a la composición para las cuerdas dentro de un contexto orquestal - la ópera Medea utiliza solo violas, violonchelos y contrabajos. La mezcla homogénea del ensamble a seis partes, con sus tres pares de violas, es un sonido que he disfrutado desde hace algún tiempo. Un segundo factor se relaciona con un interés por la música que se refiere a otro tipo de música o de otros valores musicales. En el pasado reciente, por ejemplo, he escrito piezas para otros “especialistas en música antigua”, como el , donde he incorporado técnicas vocales y de ensamble de su repertorio, que se remonta al siglo xii. La propia Fantasía a seis partes de Purcell aparece casi al final de dos siglos en los que muchos compositores ingleses escribieron piezas basadas en la misa de Taverner, Gloria tibi Trinitas, y me enfoco en este origen, así como en la propia Fantasía de Purcell. Hay muchos, para mí, aspectos curiosos del ensamble de violas como conjunto, por ejemplo, la afinación de los instrumentos que hace que los armónicos naturales sean una técnica útil, dado el hecho de que hay una cuerda para cada

11 nota de la escala, excepto el si. Además, la restricción dentro del rango dinámico del ensamble me atrajo especialmente (ff no es realmente dinámica para una viola) por lo que es un vehículo natural para quedarse uno corto. Nacido en una familia de músicos, Henry Purcell, compositor y organista, se convirtió en miembro del coro de la Capilla Real en 1669 y allí recibió una sólida educación musical. Como parte de su formación se sabe que copió minuciosamente obras de sus mentores Locke y Blow, así como música anterior de Tallis, Byrd, Gibbons y Tomkins. Heredó el arte del contrapunto renacentista que había estado de moda durante el periodo isabelino. Purcell es considerado el compositor más importante del siglo xvii. La fantasía (también conocida como fancy) fue una de las pocas formas instrumentales de la música renacentista. Cuando se escribe para ensamble de tres a siete violas (viola da gamba) la fantasía ofrece una homogeneidad de timbre similar a la que posteriormente proporcionaría el cuarteto de cuerda. Purcell compuso 15 fantasías e In nomine, para ensambles que van desde tres hasta siete violas, al parecer durante el verano de 1680, cuando tenía solo 20 años, “en un rapto de entusiasmo e inspiración” (Westrup, 1965: 37). Dentro de su forzosamente limitada paleta expresiva, las fantasías a cuatro partes llevan su destreza técnica abierta y orgullosamente, y muestran a Purcell saboreando los recursos a su disposición. Puede ser que no tengan el peso expresivo del Arte de la fuga de Bach, pero al igual que el ejemplo sin par de la habilidad de contrapunto, son la creación de un compositor que es sumamente seguro de lo que quiere y de cómo lograrlo (Adams, 1995: 13). La Fantasía sobre una nota presenta un do en la viola tenor que suena a lo largo de la pieza, mientras las otras voces desarrollan saltos y adornos cada vez más complejos. No se sabe si Purcell escribió la viola tenor para que un aficionado pudiera tomar parte o se impuso el desafío de componer con esta restricción.

Bibliografía Adams, Martin. 1995. Henry Purcell: The origins and development of his musical style. Cambridge University Press. Bryars, Gavin. 1995. “In Nomine (After Purcell)”. Gavin Bryars, Work. http:// www.gavinbryars.com/ Donington, Robert, and Thurston Dart. 1949. “The Origin of the in Nomine.” Music & Letters. pp. 101-106. Edwards, Warwick. 1987. Fretwork: 16th C. English music for viols including the

12 complete consort music of Thomas Tallis. Program notes. AMON RA, STEREO CD-SAR 29 John Harper and Peter Le Huray. 2010. “Gibbons, Orlando.” Grove Music Online. Oxford Music Online. Oxford University Press. Accessed September 12, 2016. Joseph Kerman and Kerry McCarthy. 2014. “Byrd, William.” Grove Music Online. Oxford Music Online. Oxford University Press. Web. 12 Sep. 2016. Meyer, Ernst Hermann. 1936. “The ‘In Nomine’ and the birth of polyphonic instrumental style in England.” Music & Letters 17.1. pp. 25-36. Muhly, Nico. 2014. Nico Muhly on his new commission ‘Slow’. https://youtu.be/ VakcSNZzeZc Roger Bowers, et al. 2009. “Taverner, John.” Grove Music Online. Oxford Music Online. Oxford University Press. Web. 12 Sep. 2016. Taruskin, Richard. 1995. Text and act: Essays on music and performance. Oxford University Press. Westrup, Jack Allan. 1965. Purcell. Dent, London.

Nota: las gráficas incluidas en estas notas al programa fueron tomadas del artículo de Robert Donington.

Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la cual inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y a la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986.

13 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ

FÁBIO CURY, fagot (Brasil) ALESSANDRO SANTORO, piano (Brasil)

Domingo 23 de octubre de 2016 11:00 a. m. Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

Fábio Cury y Alessandro Santoro también se presentarán en Cúcuta.

J. S. BACH: Sonata No. 3 en sol menor, BWV 1029. C. SANTORO: Dúo para fagot y piano. C. SANTORO: Introducción y danza. M. BITSCH: Concertino para fagot y piano. R. BOUTRY: Interferencias I.

Foto: Heloísa Bortz

LAS ÁÑEZ, dúo vocal (Colombia)

La música en familia Domingo 30 de octubre de 2016 11:00 a. m. Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

J. ÁÑEZ: Espinas que se van; Con el agua; Pocahontas; No siendo más; Buenos tiempos; Enjambre frutal; Pensar y pensar; Pensar y pensar. V. ÁÑEZ: Péndulo; Canción de agradecimiento; Don Tomate; La electrónica; La curva.

Foto: Andrés Garzón Forero