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IV MUESTRA · ORFEBRERÍA Y JOYERÍA CONTEMPORÁNEAS IV CONTEMPORARY GOLDSMITHING EXHIBITION Organizan Organized by Ministerio de Cultura y Deporte Museo Nacional de Artes Decorativas (MNAD) Asociación de Diseñadores de Orfebrería y Joyería Contemporáneas (AdOC) Comisaria Curator Lorena Martínez de Corral Coordinación y diseño expositivo Coordination and exhibition design Carlos Fernández Hoyos + Magdalena Vélez Salinas Diseño gráfico Graphic design Patricia Gutiérrez Melendro + AdOC Montaje de exposición Exhibition assembly Museo Nacional de Artes Decorativas (MNAD) Asociación de Diseñadores de Orfebrería y Joyería Contemporáneas (AdOC)

SEDES TEMÁTICAS THEMATIC SEES Organizan Organized by Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Museo de Historia de Madrid

SEDES ITINERARIO ITINERANT SEES Organizan Organized by Museo Lázaro Galdiano Casa Museo Lope de Vega Museo de Arte Contemporáneo de Madrid Museo de San Isidro

CATÁLOGO CATALOGUE Diseño gráfico Graphic design Patricia Gutiérrez Melendro + AdOC Impresión y encuadernación Printing and binding PGI Producción Gráfica Integral, s.l. Edita Edit © Asociación de Diseñadores de Orfebrería y Joyería Contemporáneas (AdOC)

DEPÓSITO LEGAL: M-40756-2019 ISBN: 978-84-09-17709-7 7

ASOCIACIÓN DE DISEÑADORES DE ORFEBRERÍA Y JOYERÍA CONTEMPORÁNEAS (AdOC) Premio Nacional de Artesanía 2019. Finalista

La IV Muestra · Orfebrería contemporánea, presenta desde sus orígenes, una plataforma abierta y plural con importante representación nacional e internacional, buscando promocionar y reivindicar el lugar que merece la orfebrería contemporánea.

La exposición, organizada por la Asociación de Orfebrería y Joyería Contemporáneas (AdOC) y el Museo Nacional de Artes Decorativas (MNAD), muestra en sus salas de exposición, al igual que en convocatorias anteriores, piezas originales e inéditas y dibujos, apoyando un nuevo mercado poco explorado hasta el momento.

Los objetos ornamentales y de embellecimiento personal, forman parte de las culturas como elemento esencial del lenguaje simbólico de la sociedad, desde el origen de la humanidad. Nadie duda en considerar sus diseños como parte esencial del arte. Los objetos se transforman en testigos mudos del tiempo.

En esta convocatoria y apoyando la exposición en el MNAD, la IV Muestra · Orfebrería contemporánea, incorpora dos sedes temáticas. En la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la exposición Chus Burés, maestro orfebre y en el Museo de Historia de Madrid (antiguo Real Hospicio de San Fernando), la exposición Orfebres en Madrid.

Cuatro sedes itinerario conforman un recorrido por la ciudad con pequeñas exposiciones individuales que sorprenden al visitante, conviviendo durante dos meses con obras de arte y objetos de distinta naturaleza y cronología. Cuatro instituciones en edificios singulares, convertidas en museos: Museo Lázaro Galdiano, Casa Museo Lope de Vega, Museo de Arte Contemporáneo de Madrid (antiguo cuartel del Conde Duque) y Museo de San Isidro (Los Orígenes de Madrid), serán los protagonistas que constituyen un amplio y especializado itinerario por Madrid.

El desarrollo de un circuito por estudios - taller de orfebres residentes en Madrid completarán esa mirada hacia la orfebrería contemporánea, contribuyendo a hacer de la ciudad, como cada año, la capital internacional del arte contemporáneo. 8 9

ASSOCIATION OF CONTEMPORARY JEWELLERY AND GOLDSMITHING DESIGNERS (AdOC) MUSEO NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS National Craftsmanship Award 2019. Finalists

The IV Contemporary Goldsmithing Exhibition, presents from its origins, an open and plural platform with important national and international representation, seeking to promote and claim the place that El Museo Nacional de Artes Decorativas exhibe un año más, las joyas que selecciona la contemporary goldsmithery deserves. Asociación de Diseñadores de Orfebrería y Joyería Contemporáneas (AdOC). En esta ocasión, el conjunto de piezas de joyería que se contempla, ocupa varias de sus salas de exposición donde The exhibition, organized by the Association of Contemporary Jewelry and Goldsmithing Designers se presenta como una unión de fascinantes creaciones plásticas, que aportan luz y calidez a (AdOC) and the National Museum of Decorative Arts (MNAD), shows in its exhibition rooms, as in previous los contenedores expositivos en los que se albergan, perfeccionando nuevamente el resultado calls, original and unpublished pieces and drawings, supporting a new market little explored so far. del año anterior. En este año 2020, la IV Muestra · Orfebrería contemporánea consigue reunir las producciones de treinta y nueve diseñadores de veintiún países, y lo hace tanto en las salas de Ornamental and personal embellishment objects have been part of cultures as an essential element of este museo nacional como en sedes colaboradoras, ampliando la oferta expositiva dedicada a la the symbolic language of society since the origin of humanity. No one hesitates to consider his designs as orfebrería en la ciudad de Madrid. an essential part of art. Objects are transformed into silent witnesses of time. Desde las salas del Museo Nacional de Artes Decorativas, en calidad de epicentro de In this call and supporting the exhibition at the MNAD, theIV Contemporary Goldsmithing Exhibition la IV Muestra · Orfebrería contemporánea, se extienden dos espacios temáticos y varias incorporates two thematic venues. In the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando, the exhibition sedes itinerario, donde se exponen de manera individualizada las producciones de autores Chus Burés, master goldsmith and in the Museum of History of Madrid (formerly the Royal Hospice of San seleccionados, consiguiendo una riqueza de focos expositivos que genera un atractivo recorrido Fernando), the exhibition Goldsmiths in Madrid. urbano, en múltiples instituciones museísticas que permiten conocer de primera mano el carácter de la creación de joya actual y la labor del orfebre. Four venues make up a tour of the city with small individual exhibitions that surprise the visitor, living together for two months with works of art and objects of different nature and chronology. Four institutions Las joyas de autor de la IV Muestra conviven en el Museo Nacional de Artes Decorativas in unique buildings, converted into museums: Museo Lázaro Galdiano, Casa Museo Lope de Vega, con la colección permanente que cuenta con más de 1.500 piezas de joyería civil y de condición Museo de Arte Contemporáneo de Madrid (formerly the Conde Duque barracks) and Museo de San Isidro religiosa, realizadas desde la Edad Moderna hasta el presente, cuyo número de ejemplares se (Los Orígenes de Madrid), will be the protagonists of a broad and specialized itinerary through Madrid. hallan en un constante incremento. Como en ocasiones anteriores, algunas de las obras de la IV Muestra se integrarán en los fondos de la colección del museo. The development of a circuit through studios-workshops of goldsmiths living in Madrid will complete this look at contemporary goldsmithing, contributing to making the city, as every year, the international Una vez más, agradecemos la confianza que la Asociación de Diseñadores de Joyería y capital of contemporary art. Orfebrería deposita en esta institución y felicitamos a sus autores por las obras presentadas. 10 11

NATIONAL MUSEUM OF DECORATIVE ARTS OFICINA ESPAÑOLA DE PATENTES Y MARCAS, O. A. (OEPM)

El sector de la Artesanía y en particular la Orfebrería y Joyería contemporáneas, viene realizando un gran esfuerzo en la búsqueda de calidad y originalidad en los diseños, combinando tradición y modernidad.

La OEPM, Organismo Autónomo adscrito al Ministerio de Industria, Comercio y Turismo, responsable del registro y la concesión de las distintas modalidades de Propiedad Industrial (PI) colabora en la realización de este catálogo con el objeto de concienciar a artesanos, diseñadores y empresas del sector de orfebrería de la importancia de proteger sus creaciones. La utilización de la PI como parte de su estrategia empresarial, redundará en su mayor competitividad, importancia económica y prestigio.

De los diferentes mecanismos que ofrece la PI, en este catálogo incidiremos en aquellos más apropiados para proteger los artículos de orfebrería, como son las Marcas y los Diseños Industriales y, en algunas ocasiones, las Patentes y los Modelos de Utilidad, para proteger algún aspecto técnico a la hora de elaborar las piezas. The National Museum of Decorative Arts is once again exhibiting the goldsmithery selected by the Association of Contemporary Jewellery and Goldsmithery Designers (AdOC), which occupies several Las Marcas y Nombres Comerciales permiten a aquel que lo solicite distinguir en el mercado of its exhibition halls. On this occasion, the set of jewellery pieces on display is presented as a union of sus productos o servicios, otorgándole el derecho exclusivo sobre el mismo. Gracias a esa fascinating plastic creations, which bring light and warmth to the exhibition containers in which they exclusividad el orfebre puede labrarse una imagen sobre su empresa y aumentar su valor en el are housed, once again perfecting the result of the previous year. In this year 2020, the IV Contemporary mercado, evitando imitaciones baratas y de baja calidad que afecten a su reputación. La duración Goldsmithing Exhibition making manages to bring together the productions of thirty-nine designers from inicial de la protección es de diez años y puede mantenerse indefinidamente renovándose twenty-one countries, and does so both in the halls of this national museum and in collaborating venues, decenalmente. expanding the exhibition offer dedicated to goldsmithery making in the city of Madrid. Un Diseño Industrial protege la apariencia u ornamentación de un producto que hace que From the rooms of the National Museum of Decorative Arts, as the epicentre of the IV Contemporary visualmente sea diferente a otro sin tener en cuenta ninguna de sus características técnicas o Goldsmithing Exhibition, there are two thematic spaces and several itinerary venues, where the productions funcionales. Un Diseño Industrial puede ser tridimensional, bidimensional o una combinación de of selected authors are exhibited in an individualized way, achieving a richness of exhibition focuses los anteriores. that generates an attractive urban tour, in multiple museum institutions that allow to know first-hand the character of the current jewel creation and the work of the goldsmith. Un artesano que posea los derechos sobre un Diseño Industrial puede impedir que otros produzcan, importen, vendan o distribuyan productos que tengan un aspecto idéntico o que no The jewels of the author of the IV Exhibition coexist in the National Museum of Decorative Arts with the difieran sustancialmente del protegido. permanent collection that has more than 1,500 pieces of civil and religious jewellery, made from the Modern Age to the present, whose number is constantly increasing. As on previous occasions, some of the works La protección de los diseños en España es rápida, barata y eficaz, pudiendo incluir en la from the IV Exhibition will be included in the museum’s collection. misma solicitud varios diseños, máximo cincuenta, referidos a productos relacionados. Si un artículo de orfebrería, o el proceso para obtenerlo, contempla aspectos de tipo técnico y no Once again, we are grateful for the trust that the Association of Jewellery and Goldsmithery Designers puramente estéticos, hay que tener en cuenta que éstos pueden ser susceptibles de protección has placed in this institution and we congratulate its authors on the works presented. mediante Patente o Modelo de Utilidad. 12 13

SPANISH PATENT AND TRADEMARK OFFICE (SPTO)

The Crafts sector and, in particular, Goldsmithery and contemporary Jewellery, has been making a great effort in the search for quality and originality in the designs, combining tradition and modernity.

The SPTO –an Autonomous Body attached to the Ministry of Industry, Commerce and the Tourism and responsible for the registration and granting of the different types of Industrial Property (IP) has collaborated in the compilation of this catalogue with the aim of raising awareness among artisans, designers and companies in the Goldsmithery sector of the importance of protecting their creations. When these professionals use Industrial Property as part of their business strategy, they achieve greater competitiveness, economic importance and prestige.

Among the various mechanisms offered by Industrial Property, in this catalogue we will place special focus on those which are particularly relevant for protecting Goldsmithery items, such as Brands and Industrial Designs. In some cases, Patents and Utility Models could also be pertinent in terms of protecting the technical aspects involved in the manufacturing of the pieces.

Trademarks and Tradenames allow those who request them to distinguish their products or services in the market, granting them the exclusive right over them. Thanks to this exclusivity, jewellers and goldsmiths are able project an image of their company and increase their value in the market, in turn avoiding cheap El lenguaje de la orfebrería a lo largo de los últimos años se ha multiplicado y reinventado en and low quality imitations which affect their reputation. nuevos materiales, ocupando espacios hasta hace poco inimaginables.

The protection has an initial duration of ten years and can be indefinitely renewed every ten years. En la orfebrería de nuestros días los lenguajes se entrecruzan y el conocimiento se acompaña en una propuesta continua de imágenes, sugestiones y formas que provienen An Industrial Design protects the appearance or ornamentation of a product or part of a product, which de la literatura, de la historia, de la botánica, de la física, de la matemática, de lo cotidiano, makes it visually different from another product, without taking into account its technical or functional produciéndose una contaminación de lenguajes y de referencias. Ese entrelazado de prácticas characteristics. As a general rule, an industrial design can consist of three dimensional objects, two artísticas convierten al orfebre en una persona en evolución constante, nunca estable sobre un dimensional elements or a combination of the two. concepto o sobre una técnica, sino continuamente abierto a la experimentación. Dotado de una extrovertida creatividad conectada por una predominante dimensión personal. An artisan or visual artist who owns the rights to an Industrial Design incorporated into a product may prevent others from producing, importing, selling or distributing products that look identical or that do not No sabría decir a ciencia cierta desde cuándo me gusta la orfebrería, pero es un amor que differ substantially from the protected aspect. ya tiene muchos años y que ha recorrido muchos caminos. En esta ocasión he tenido la suerte de conocer de primera mano, a través del trabajo de treinta y nueve orfebres que conforman la The protection of the Designs in Spain is fast, cheap and effective, being able to include in the same IV Muestra · Orfebrería contemporánea, esa particular escenografía de colores y obsesiones que application several designs, maximum fifty, concerning related products. toman forma en esa orfebrería caleidoscópica donde la relación entre el objeto y el sujeto se transforma en sorpresa para el espectador. If an item of Goldsmithery, or the process for obtaining it, involves aspects of a technical nature which are not purely aesthetic, it is important to take into account that these may be subject to protection through LORENA MARTÍNEZ DE CORRAL means of a Patent or Utility Model. Comisaria IV Muestra · Orfebrería Contemporánea 14

The language of goldsmithing over the last few years has multiplied and reinvented itself in new materials, occupying spaces until recently unimaginable.

In today’s goldsmithing, languages are intertwined and knowledge is accompanied by a continuous proposal of images, suggestions and forms that come from literature, history, botany, physics, mathematics, and the everyday, producing a contamination of languages and references. This interweaving of artistic practices makes the goldsmith a person in constant evolution, never stable on a concept or a technique, but continually open to experimentation. Gifted with an extrovert creativity connected by a predominant personal dimension.

I can’t say for sure how long I’ve liked goldsmithing, but it’s a love that’s been around for many years and has gone down many paths. On this occasion I have had the good fortune to get to know first-hand, through the work of thirty-nine goldsmiths who make up the IV Contemporary Goldsmithing Exhibition, that particular scenography of colours and obsessions that take shape in that kaleidoscopic goldsmithery where the relationship between object and subject is transformed into surprise for the spectator.

LORENA MARTÍNEZ DE CORRAL Curator IV Contemporary Goldsmithing Exhibition IV MUESTRA · ORFEBRERÍA CONTEMPORÁNEA IV CONTEMPORARY GOLDSMITHING EXHIBITION MUSEO NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS 18 19

PIRARUCÚ. Brazalete

El pirarucú o arapaima (Arapaima gigas), es el segundo pez de agua dulce más grande, llegando a alcanzar tres metros de longitud. Vive en la cuenca del río Amazonas, concretamente en el río negro, en plena Amazonía, compartiendo hábitat con Brasil, Colombia, Venezuela…

El aspecto acorazado de su piel y sus ásperas y duras escamas han servido de referencia en el diseño de la pieza. El doblado del metal crea una superficie de aparente agresividad, similar al solapamiento de las escamas en la superficie del pez, reforzada con la oxidación central de la pieza.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Latón bañado en oro (18K.) y oxidaciones.

PIRARUCU. Bracelet

The pirarucu or arapaima (Arapaima gigas), is the second largest freshwater fish, reaching three meters in length. It lives in the Amazon River basin, specifically in the Rio Negro, in the middle of the Amazon, sharing its habitat with Brazil, Colombia, Venezuela...

The armoured appearance of its skin and its rough, hard scales have served as a reference in the design of the piece. The bending of the metal creates a surface of apparent aggressiveness, similar to the overlapping of the scales on the surface of the fish, reinforced by the central oxidation of the piece.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Gold-plated brass (18K.)

Telma Aguiar Telma and oxidations. 20 21

UXÍA. Gargantilla

La palabra joya deriva del latín “iocus”, juego, y del francés “joie”, alegría. Joyas diseñadas a modo de pequeñas piezas con referencias a las artes plásticas, tanto en aspectos artísticos como técnicos, y especialmente a la escultura.

El brillo, el color y las propiedades físicas de la plata permiten una adaptación a cualquier gema y especialmente al ágata. La maleabilidad, dureza y elasticidad permiten crear formas ergonómicas, cómodas y perfectamente adaptables al cuerpo.

Las ágatas aportan color, irregularidades y misteriosos dibujos naturales. Combinación entre el rigor geométrico de la plata, la calidez de las gemas y su sugerente arbitrariedad, en una referencia constante a la naturaleza.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Ágata negra bandeada y plata (925/1000).

UXY. Choker

The word jewel is derived from the Latin “iocus”, game, and from the French “joie”, joy. Jewels designed as small pieces with references to the plastic arts, both in artistic and technical aspects, and especially to sculpture.

The shine, colour and physical properties of silver allow it to adapt to any gem and especially to agate. The malleability, hardness and elasticity allow for the creation of ergonomic shapes that are comfortable and perfectly adaptable to the body.

Agate brings color, irregularities and mysterious natural patterns. A combination of the geometric rigour of silver, the warmth of the gems and their suggestive arbitrariness, in a constant reference to nature.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Silver plated black agate

Belén Bajo (925/1000) 22 23

REDES. Collar

Diseño realizado con materiales plásticos a los que se da una segunda vida fuera de su contexto habitual. Experimentando y transformando redes plásticas que contuvieron ajos, cebollas, naranjas... se generan composiciones sugerentes que se amoldan al cuerpo dado su escaso peso.

Redes adquiridas en mercados de Madrid y Ciudad de México se convierten en delicados collares, broches y aderezos. Redes yuxtapuestas, formando complejas y aleatorias figuras como dibujos generados por un espirógrafo, que conservan los recuerdos de situaciones donde fueron adquiridas.

Piezas de plata trabajadas y laminadas se combinan con las redes conformadas a partir de presión y calor.

Fotografía: Raquel Mendiola

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería, plástico trabajado a presión y calor. Redes de plástico de ajos y plata (925/1000).

NETWORKS. Necklace

Design made with plastic materials that are given a second life outside their usual context. By experimenting and transforming plastic nets that contained garlic, onions, oranges... suggestive compositions are generated that adapt to the body due to their low weight.

Nets acquired in markets in Madrid and Mexico City become delicate necklaces, brooches and dressings. Juxtaposed networks, forming complex and random figures like drawings generated by a spirograph, which preserve the memories of situations where they were acquired.

Worked and laminated silver pieces are combined with the nets formed from pressure and heat.

Photography: Raquel Mendiola

Technique and materials: traditional goldsmithing techniques, plastic worked under

Saskia Bostelmann pressure and heat. Plastic garlic nets and silver (925/1000). 24 25

INTERWEAVE. Brazalete

Referencias a las culturas oriental y occidental, ejemplo de complementariedad y compatibilidad entre dos mundos supuestamente antagónicos.

El diseño aúna características propias de un espíritu práctico e industrializado, al tiempo que artesanal, en una proporcionada alianza entre técnicas de la orfebrería tradicional y las nuevas tecnologías que influyen en el proyecto de diseño, su ejecución material y posterior acabado.

Diseño surgido como reflexión sobre los múltiples aspectos del ser humano, entorno personal y las pequeñas historias, anécdotas y detalles de la vida que van surgiendo de manera espontánea cada día y que contribuyen como referencias a enriquecer el proyecto de diseño.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería, impresión 3D y engastado. Circonita cúbica, hilo de poliéster y plata (925/1000).

INTERWEAVE. Bracelet

References to eastern and western cultures, an example of complementarity and compatibility between two supposedly antagonistic worlds.

The design brings together characteristics of a practical and industrialized spirit, while craft, in a proportionate alliance between techniques of traditional goldsmithing and new technologies that influence the design project or execution material and subsequent finishing.

Design emerged as a reflection on the multiple aspects of the human being, personal environment and the small stories, anecdotes and details of life that emerge spontaneously every day and that contribute as references to enrich the design project.

Technique and materials: traditional goldsmithing techniques, 3D printing and setting.

Yu-Chi Chien Yu-Chi Cubic zirconia, polyester thread and silver (925/1000) 26 27

UNTITLED. Cubertería, espátula y bandeja

Conjunto de piezas que aúnan conceptos y especial cuidado por el detalle y acabado, buscando una singularidad y calidad en el trabajo a partir de las ideas que generan el proyecto.

La experiencia en diversos campos del diseño articula múltiples oficios, utilizando materiales naturales, surgidos de la tierra. Cobre, plata y mármol de Carrara intervienen como nexo e hilo conductor para desarrollar una cubertería.

La plata, elemento generador y conductor de energía, actúa como material esencial que permite el transporte de los alimentos que consumimos con perfecta higiene.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Cobre, mármol de Carrara y plata (925/1000).

UNTITLED. Cutlery, spatula and tray

A set of pieces that combine concepts and special attention to detail and finish, seeking uniqueness and quality of work from the ideas that generate the project.

The experience in various fields of design articulates multiple trades, using natural materials, arising from the earth. Copper, silver and Carrara marble intervene as a link and thread to develop a cutlery.

Silver, an energy generator and conductor element, acts as an essential material that allows us to transport the food we consume with perfect hygiene.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Copper, Carrara marble

Gabriel Corchero and silver (925/1000). 28 29

KINTSUGI. Anillo I, II, III y IV

Kintsugies una técnica ancestral japonesa utilizada para arreglar fracturas en la cerámica, mezclando barnices y resinas con polvo de materiales nobles. Las roturas y reparaciones forman parte de la historia de un objeto, lo embellecen y ponen de manifiesto el paso del tiempo, haciendo única cada una de las piezas.

¿Por qué las cicatrices asustan? Nuestros defectos son origen de nuestra fuerza. El viaje hacia el equilibrio y la armonía es un viaje lleno de lucha y tentaciones que no se deben ocultar y en muchas ocasiones fuentes de inspiración creativa.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería y kintsugi. Madera de ébano, barniz, resina, plata (925/1000) y oro (14K.).

KINTSUGI. Ring I, II, III and IV

Kintsugi is an ancient Japanese technique used to fix fractures in ceramics, mixing glazes and resins with powder of noble materials. Breakages and repairs are part of the history of an object, they embellish it and revealing the passage of time, making each piece unique.

Why scars are scary? Our defects are the source of our strength. The journey towards balance and harmony is a journey full of struggle and temptations that should not be hidden and in many cases sources of creative inspiration.

Technique and materials: traditional techniques of goldsmithing and kintsugi Ebony wood,

Katarina Cudic varnish, resin, silver (925/1000) and gold (14K.) 30 31

QUARTILE. Collar

Formas botánicas para capturar lo efímero de la naturaleza, haciéndonos reflexionar sobre la nobleza de los materiales.

¿Qué es lo que hace noble un material, su estética, su utilidad? Por los metales nobles no pasa el tiempo, a diferencia de nosotros y la naturaleza que nos rodea.

El deseo de poseer estos metales ha sido causa de innumerables guerras y sufrimientos. El temor que nos provoca nuestra propia muerte, ¿hace que veneremos tanto estos materiales que son prácticamente inmortales?. Nos fascinamos con lo que brilla y nos resulta imposible imaginar como sería nuestra sociedad sin metales preciosos.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Esmalte de uñas, hilo de seda natural y plata (925/1000).

QUARTILE. Necklace

Botanical forms to capture the ephemeral nature, making us reflect on the nobility of the materials.

What makes a material noble, its aesthetics, its usefulness? Time does not pass through noble metals, unlike us and the nature around us.

The desire to possess these metals has been the cause of countless wars and sufferings. Does the fear of our own death cause us to revere these materials so much as they are practically immortal? We are fascinated by what glitters and find it impossible to imagine what our society would be like without precious metals.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Nail polish, natural silk

Lena Marie Echelle thread and silver (925/1000). 32 33

SOMETIMES IT HURTS. Brazalete

La belleza a veces duele, por su intensidad, por la pasión, por los sentimientos que desencadena…

La colección “Sometimes it hurts”, (a veces, duele) está técnicamente realizada por fundición directa de ramas de acacia combinadas con coral rojo del Mediterráneo y perlas cultivadas.

El diseño alude a la posibilidad real de hacerse daño con las púas si no se tiene cuidado al manipularlas. Son piezas que sin delicadeza en el uso y disfrute pueden hacer daño. Los usuarios serán los que decidan entre dolor y disfrute estético.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería y microfusión directa de ramas de acacia. Coral rojo de Marruecos, perlas cultivadas y plata (925/1000).

SOMETIMES IT HURTS. Bracelet

Beauty sometimes hurts, because of its intensity, because of the passion, because of the feelings it triggers...

The collection “Sometimes it hurts”, is technically made by direct casting of acacia branches combined with Mediterranean red coral and cultured pearls.

The design alludes to the real possibility of getting hurt by the tines if you are not careful when handling them. They are pieces that without delicacy in use and enjoyment can be harmful. The users will be the ones to decide between pain and aesthetic enjoyment.

Technique and materials: traditional techniques of goldsmithing and direct microfusion of

Marta Caballero Fernández acacia branches. Moroccan red coral, cultivated pearls and silver (925/1000). 34 35

GRATTAGE. Florero, broche y brazalete

El término grattage hace alusión a una técnica utilizada, especialmente en el surrealismo e informalismo, referida a los desgarrones y raspados producidos sobre capas sucesivas de papel.

Los arranques fortuitos en anuncios callejeros crean diferentes niveles gráficos de información publicitaria, a modo de excavación arqueológica urbana que nos hace reflexionar sobre el paso del tiempo.

Objeto encontrado, sucesivos estratos que dan testimonio de tiempos pretéritos, configurando una memoria común. Piezas de orfebrería donde los continuos arranques se asemejan a una excavación arqueológica que deja al descubierto materiales nobles atrapados entre las distintas capas de papel.

Técnica y materiales: grattage en papel y laminación en frío. Resina epoxi, barniz, cartón, vidrio y plata (925/1000).

GRATTAGE. Vase, brooch and bracelet

The term grattage refers to a technique used, especially in surrealism and informalism, referring to the tears and scrapes produced on successive layers of paper.

Fortuitous outbursts in street advertisements create different graphic levels of advertising information, in the manner of an urban archaeological excavation that makes us reflect on the passage of time.

Found object, successive layers that give testimony of past times, configuring a common memory. Pieces of silverware where the continuous uprooting resembles an archaeological excavation that reveals noble materials trapped between different layers of paper.

Technique and materials: paper grattage and cold lamination Epoxy resin, varnish,

Carlos Fernández Hoyos Carlos Fernández cardboard, glass and silver (925/1000). 36 37

LANDSCAPE. Brazalete

Diseños realizados a partir de la observación de paisajes de la ciudad, auténtico archivo personal a modo de diario gráfico, de una realidad fotografiada con un teléfono móvil. Imágenes capturadas de todo el entorno producto de reflexión, atenta mirada, bagaje personal y archivo iconográfico, referencia para actuales y posteriores proyectos.

Imágenes bidimensionales transformadas en piezas de orfebrería en tres dimensiones con ayuda de técnicas de fotograbado. Objetos diseñados con referencias al dibujo y grafismos urbanos. “Landscapes”, paisajes urbanos que forman parte de los recuerdos como parte de la cotidianidad y del día a día.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería y fotograbado. Zafiros blancos, oxidaciones y plata (925/1000).

LANDSCAPE. Bracelet

Designs made from the observation of the city’s landscapes, a real personal archive in the form of a graphic diary, of a reality photographed with a mobile phone. Images captured from the whole environment, product of reflection, careful look, personal background and iconographic archive, reference for current and future projects.

Two-dimensional images transformed into three dimensional pieces of goldsmith with the help of photo-engraving techniques. Objects designed with references to drawing and urban graphics. “Landscapes”, urban landscapes that are part of memories as part of everyday life.

Technique and materials: traditional techniques of goldsmithing and photoengraving.

Antonello Figlia Antonello White sapphires, oxidations and silver (925/1000) 38 39

NORMAN FOSTER. KUBRICK. Anillo I y II

Los diseños se nutren, de las más variadas fuentes para sus creaciones. El cine, la pintura o la arquitectura son campos que proporcionan tanto la idea generadora, como los elementos estéticos y estructurales.

De la utilización de entramados de acero sobre formas curvas y rectilíneas, habituales en la arquitectura de Norman Foster, surge el diseño del anillo, realizado con materiales nobles, técnicas tradicionales y prototipado.

La película “2001 una odisea del espacio”, es referente del anillo Kubrick, realizado en oro blanco y diamante.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería y prototipado. Diamante talla brillante (0.18ct.), oro rosa y blanco (18K.).

NORMAN FOSTER. KUBRICK. Ring I and II

The designs are nourished, from the most varied sources for their creations. Cinema, painting or architecture are fields that provide both the generating idea and the aesthetic and structural elements.

From the use of steel frames on curved and straight shapes, common in Norman Foster’s architecture, the ring design arises, made with noble materials, traditional techniques and prototyping.

The film “2001 a space odyssey” is a reference to the Kubrick ring, made of white gold and diamond.

Technique and materials: traditional techniques of goldsmithing and prototyping. Brilliant

Fernando Gallego Fernando cut diamond (0.18ct.), pink and white gold (18K.). 40 41

CONFETI. Broche

Simplicidad, abstracción, asimetría, deconstrucción y diferencia. Interés por la imperfección, que hace único e irrepetible un diseño.

Piezas inspiradas en ambiente festivo y de celebración. Confeti suspendido en el aire y en el tiempo, a modo de una instantánea fotográfica que recoge ese fugaz momento.

Originariamente, se lanzaban al aire pétalos de flores al paso de emperadores y reyes como símbolo de pleitesía y reconocimiento. En la antigua China se cultivaban rosas con el fin de usar sus pétalos a modo de confeti, que en la actualidad hemos sustituido por pequeños trozos de papel de colores.

Técnica y materiales: corte con segueta, soldaduras múltiples, pulido, mateado. Latón y baño de plata (925/1000).

CONFETI. Brooch

Simplicity, abstraction, asymmetry, deconstruction and difference. Interest in imperfection, which makes a design unique and unrepeatable

Pieces inspired by a festive and celebratory atmosphere. Confetti suspended in the air and in time, like a photographic snapshot that captures that fleeting moment.

Originally, flower petals were thrown into the air in the path of emperors and kings as a symbol of worship and recognition. In ancient China, roses were grown for the purpose of using their petals as confetti, which we have now replaced with small pieces of coloured paper.

Technique and materials: cutting with a saw, multiple welding, polishing, matting. Brass

Rosa García García Rosa García and silver plated (925/1000). 42 43

FIORE. Broche

Piezas de metacrilato negro brillante cortadas con láser y unidas mediante elementos de plata, que actúan a modo de bisagras o ejes. El poético título alude al paulatino proceso de desarrollo y florecimiento de las plantas, permitiendo en su manipulación obtener diferentes posiciones y posibilidades formales del objeto, girando las piezas por sus articulaciones.

El usuario tiene la posibilidad de cambiar a voluntad la pieza según el momento, variando el aspecto formal, al igual que ocurre en el mundo de la botánica con el libre desarrollo y crecimiento de las flores.

Técnica y materiales: corte con segueta y láser, taladrado y armado. Metacrilato negro brillante y plata (925/1000).

FIORE. Brooch

Shiny black methacrylate pieces cut by laser and joined by silver elements, which act as hinges or shafts. The poetic title alludes to the gradual process of development and flowering of the plants, allowing in its manipulation to obtain different positions and formal possibilities of the object, turning the pieces by their joints.

The user has the possibility of changing the piece at will according to the moment, varying the formal aspect, just as it happens in the world of botany with the free development and growth of flowers.

Technique and materials: Cutting with a saw and laser, drilling and assembly. Shiny black

Li ya Huang Li ya methacrylate and silver (925/1000). 44 45

CYBERIA BLACK. Anillo I, II, III

El nombre Cyberia proviene de la combinación de las palabras Cyber y Siberia. Piezas que nos recuerdan el uso excesivo de la tecnología y su impacto psicológico en nuestra sociedad. Apariencia arquitectónica y minimalista. Agresividad y asimetría en contraposición con una suave belleza y gusto impredecible.

Técnicas tradicionales de orfebrería con incorporación de métodos contemporáneos como el diseño CAD, uniendo tradición y tecnología. Piezas que reflejan la desconexión que tenemos entre nosotros representado por la absorción del color negro. El zircón simboliza la conexión con nuestro pasado.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería y diseño asistido. Latón y baño de plata (925/1000).

CYBERIA BLACK. Ring I, II, III

The name Cyberia comes from the combination of the words Cyber and Siberia. Pieces that remind us of the excessive use of technology and its psychological impact on our society. Architectural and minimalist appearance. Aggressiveness and asymmetry as opposed to a soft beauty and unpredictable taste.

Traditional goldsmithing techniques with the incorporation of contemporary methods such as CAD design, uniting tradition and technology. Pieces that reflect the disconnection that we have between us represented by the absorption of the color black. The zircon symbolizes the connection to our past.

Technique and materials: traditional goldsmithing techniques and computer-aided design.

Antoaneta Ivanova Antoaneta Brass and silver plated (925/1000). 46 47

MIRADAS, MIRADA NOSTÁLGICA. Collar y colgante

Me miras, te miro... Expreso mi mirada, El planeta ojos me observa, te observo. Me siento viva porque siento tu mirada. Siento tu mirada porque estoy viva. Quiero ver tu cara, tus miedos, tu alma. Sólo siento... Sólo veo tu mirada, simpática, ridícula. Tu mirada clavada en la mía, ¿Con qué cara me miras? Me quedo con ésa mirada. Y cruzando nuestras miradas, Tu mirada refleja tu alma, Me veo en ésa mirada.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Coral rojo mediterráneo, turquesa “sleeping beauty”. Diamante en chatón de oro amarillo (18K.) y plata (925/1000).

LOOKS, NOSTALGIC LOOK. Necklace and pendant

You look at me, I look at you... I express my gaze, The eye planet is watching me, I’m watching you. I feel alive because I feel your look. I feel your look because I’m alive. I want to see your face, your fears, your soul. I just feel... I just see your look, nice, ridiculous. Your gaze is fixed on mine, What are you looking at me for? I’ll take that look. And by crossing our eyes, Your gaze reflects your soul, I can see myself in that look.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Mediterranean red coral,

Marian Jaén turquoise “sleeping beauty”. Diamond in yellow gold (18K.) and silver (925/1000) chaton. 48 49

UNTITLED. Pulsera I y II

Apariencia etérea donde las referencias a la música y lo intangible se transforman en piezas de orfebrería. Dibujos intuitivos, superficies libres y orgánicas crean un diálogo entre el espacio interior y exterior como límite de la forma.

Una estructura realizada en plata y burbujas de papel japones “washi”, fabricado con fibras vegetales de corteza de Kozo, se ayudan mutuamente permitiendo su uso y funcionalidad. Tensión creativa entre la rigidez de la estructura y la delicada y frágil apariencia orgánica de los volúmenes sostenidos por ella.

Fotografía: Julia Goehr

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Papel kozo, cola, tinta, lápiz de color, acrílico metalizado, barniz y plata (925/1000).

UNTITLED. Bracelet I and II

An ethereal appearance where references to music and the intangible are transformed into pieces of silversmith. Intuitive drawings, free and organic surfaces create a dialogue between the inner and outer space as a boundary of the form.

A structure made of silver and Japanese “washi” paper bubbles, made of Kozo bark vegetable fibers, help each other allowing their use and functionality. Creative tension between the rigidity of the structure and the delicate and fragile organic appearance of the volumes it supports.

Photography: Julia Goehr

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Kozo paper, glue, ink,

Yael Kaduri Yael coloured pencil, metallic acrylic, varnish and silver (925/1000). 50 51

CUERNAS. Gargantilla

La carga simbólica, las referencias al arte y un especial interés por los acabados son preocupación constante. La elección de los materiales, las técnicas y herramientas se adaptan al diseño.

Conformación en frío (corte, desbaste, forja…) y la soldadura ayudan a dar forma al metal. Diferentes acabados que van desde pulidos, mateados, martellé, y pátinas diversas hacen de cada pieza algo único e irrepetible.

Diseño como condicionante en el proceso de un producto, donde importantes referencias étnicas se hacen visibles recreando el crecimiento en nudos de las cuernas de un antílope. Pieza única y original.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería, fundición de arena, pulido, mateado, conformado en frío y forja sobre metal. Plata (925/1000).

HORNS. Choker , estudio-taller The symbolic load, the references to art and a special interest in the finishes are a constant concern. The choice of materials, techniques and tools are adapted to the design.

Cold forming (cutting, roughing, forging...) and welding help to shape the metal. Different finishes ranging from polished, matt, hammered, and various patinas make each piece unique and unrepeatable.

Design as a conditioning factor in the process of a product, where important ethnic references become visible by recreating the growth in knots of the antelope’s horns. Unique and original piece.

Technique and materials: traditional techniques of goldsmithing, sand casting, polishing,

La Malicia matting, cold forming and forging on metal Silver (925/1000). 52 53

NATURE, NIDO DE VÍBORAS. Collar

La naturaleza, como fuente de inspiración inagotable por su belleza y perfección, se hace patente en la colección Nature. Las piezas combinan la representación animal en plata esmaltada, con gemas naturales, fruto de experiencias previas en pintura y grabado.

El animal elegido para esta propuesta es la serpiente, símbolo de nuestro crecimiento interior, ya que precisa liberarse de su piel, para seguir creciendo. Diseños para usuarios valientes que disfrutan de piezas únicas y especiales. Animales, gemas naturales fusionados en un diseño, unión de fuerza y color.

Técnica y materiales: corte con segueta, soldaduras múltiples, pulido, mateado. Latón y baño de plata (925/1000).

NATURE, SNAKE’S NEST. Necklace

Nature, as an inexhaustible source of inspiration for its beauty and perfection, is evident in the Nature collection. The pieces combine the animal representation in enameled silver, with natural gems, fruit of previous experiences in painting and engraving.

The animal chosen for this proposal is the snake, a symbol of our inner growth, as it needs to free itself from its skin in order to continue growing. Designs for brave users who enjoy unique and special pieces. Animals, natural gems fused into one design, union of strength and color.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Brass and silver plated

Raquel Lobelos Centeno (925/1000). 54 55

LAS CUATRO ESTACIONES. Puertas, instalación

Síntesis entre naturaleza y arquitectura. Pasar una puerta es cruzar un umbral sin retorno, atender la llamada. Viaje del héroe individual, transitoriedad, movimiento, aventura y sueño.

Cuatro puertas para cuatro estaciones, cuatro portales, cuatro estados vitales. Primavera, a la primera vez, al nacimiento, al comienzo, al despertar. Verano, a la travesía del desierto, a la lucha del héroe, al fuego purificador. Otoño, al atardecer del guerrero, a la puesta de sol, al tiempo de descanso. Invierno, al refugio acogedor, a la mirada interior, al brillo del hielo.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Esmalte tradicional al fuego, tabicado, excavado, vitral y oxidaciones térmicas. Cobre y plata (925/1000). Modelo a escala 1:10.

THE FOUR SEASONS. Doors, installation

Synthesis between nature and architecture. To pass through a door is to cross a threshold of no return, to answer the call. Individual hero’s journey, transience, movement, adventure and dream.

Four doors for four seasons, four portals, four vital states. Spring, the first time, the birth, the beginning, the awakening. Summer, to the crossing of the desert, to the fight of the hero, to the purifying fire. Autumn, at the warrior’s dusk, at the sunset, at the time of rest. Winter, to the cozy shelter, to the inner look, to the glow of the ice.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Traditional enamel to the fire, partitioned, excavated, stained glass and thermal oxidations. Copper and silver

Juan José Loscos Fernández (925/1000). 1:10 scale model 56 57

BRIDGE. Anillo

Belleza, simplicidad y vacío son los conceptos que protagonizan el diseño. Investigación en torno a la perla en libertad como centro de atención, buscando en el vacío un espacio que sea al mismo tiempo leit motiv, tema recurrente y principal de las piezas.

Las perlas parecen estar suspendidas, en equilibrio, abrigadas, apoyadas, siempre sobre metales nobles, que al tiempo que las protegen las dejan en libertad para disfrutar de su imagen, tocándolas… nunca son agujereadas… descansan sobre o dentro del oro blanco… canto a la belleza desarrollando su libertad incluso en el desequilibrio que guarda armonía.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Oro blanco (18K.) y perlas australianas.

BRIDGE. Ring

Beauty, simplicity and emptiness are the concepts that are at the heart of the design. Research around the pearl in freedom as the center of attention, looking for a space in the void that is at the same time leitmotiv, recurrent and main theme of the pieces.

The pearls seem to be suspended, in balance, sheltered, supported, always on noble metals, which while protecting them they leave them free to enjoy their image, touching them... never pierced... they rest on or inside the white gold... song to the beauty evolving its freedom even in the imbalance that keeps harmony.

Technique and materials: traditional goldsmithing techniques. White gold (18K.) and

Laura Márquez González Márquez Laura Australian pearls. 58 59

GOLAE. Gargantilla

El collar Golae está inspirado en las golas del Siglo de Oro español. Este elemento de adorno se coloca alrededor del cuello sujetado firmemente. Está formado por un tejido de hilo de plata conformando las características ondas drapeadas y cosidas a la gargantilla base, que se ajusta al contorno del cuello.

Golae posee un marcado sentido escultórico que juega con los claroscuros y reflejos al incidir la luz sobre la pieza.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería e hilo tejido a crochet. Plata (925/1000).

GOLAE. Choker

The Golae necklace is inspired by the gems of the Spanish Golden Age. This ornamental element is placed around the neck and held firmly in place. It is made of a silver thread fabric forming the characteristic draped waves and sewn to the base choker, which adjusts to the contour of the neck.

Golae has a marked sculptural sense that plays with chiaroscuro and reflections when light falls on the piece.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques and woven silver thread.

Cristina Martín Más Silver (925/1000). 60 61

ONÍRICA. Broche

La naturaleza es siempre referencia inagotable para la creatividad. Su belleza y perfección, se hace patente en el diseño.

La pieza está compuesta por una serie de elementos direccionales inspirados en plantas flexibles y ligeras, que reproducen ondulaciones y movimiento a través de los hilos y las piezas de vidrio situadas en los extremos.

Combinación de diferentes materiales, experimentando formas y texturas. Trabajo artesanal con soplete utilizando materiales sostenibles y respetuosos con el medio ambiente, promoviendo el desarrollo de nuevos modelos de comercio, en los que la ética y la sostenibilidad son compatibles con el desarrollo y el crecimiento.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería y vidrio con soplete. Vidrio calcosódico y plata (925/1000).

ONYRIC. Brooch

Nature is always an inexhaustible reference for creativity. Its beauty and perfection is evident in the design.

The piece is composed of a series of directional elements inspired in flexible and lightweight plants that reproduce undulations and movement through the threads and glass pieces situated at the ends.

Combination of different materials, experimenting with shapes and textures Craft work with torch using sustainable and environmentally friendly materials, promoting the development of new business models, where ethics and sustainability are compatible with development and growth.

Technique and materials: traditional techniques of goldsmithing and glass with a

Chama Navarro blowtorch. Glass, sodium carbonate and silver (925/1000). 62 63

EATING A BIRD. Collar

Obra de clara influencia surrealista, que reflexiona y cuestiona íntimamente nuestro tiempo. Trabajo como un arte expresivo en sí mismo, y no solo como un arte aplicado o arte ornamental.

Enfoque visual, narrativo y poético que permite crear objetos de pequeña escala, llenos de imágenes o símbolos equívocos. Diseño realizado acorde con las técnicas tradicionales de orfebrería, en un diseño único y singular.

Valor artístico añadido por las posibilidades de los materiales alternativos mediante un uso singular, donde cada elemento añade una parte del diseño global.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Plumas de urraca, seda, cuarzo natural con inclusiones y plata (925/1000) texturizada con oro (18K.).

EATING A BIRD. Necklace

A work of clear surrealist influence, which reflects on and intimately questioning our time. I work as an expressive art in itself, and not only as an applied art or ornamental art.

Visual, narrative and poetic approach that allows to create small scale objects, full of images or equivocal symbols. Design made according to the traditional techniques of goldsmithing, in a unique and singular design.

Artistic value added by the possibilities of alternative materials through a unique use, where each element adds a part of the overall design.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Magpie feathers, silk,

Karine Niemand natural quartz with inclusions and silver (925/1000) textured with gold (18K.). 64 65

LEGADOS. Hombreras

El diálogo entre técnicas tradicionales y nuevas tecnologías, permite crear lenguajes estéticos y discursos formales. La naturaleza es un tema recurrente y de gran importancia para nuestra sociedad. La colección explora y relaciona tradición y contemporaneidad mezclando materiales y técnicas.

Materiales acrílicos cortados con láser y metales como plata, bronce y cobre cortados manualmente se combinan en los diseños. La superposición de capas reflexiona sobre el sentido del tiempo, lo que trasciende, lo que perdura, de la mano de su misma esencia y evolución. Aportando sus cualidades únicas, los materiales y sus respectivos procesos logran equilibrarse armónicamente creando así accesorios contemporáneos provocativos.

Técnica y materiales: corte a láser y manual. Bronce.

LEGADOS. Shoulder pads

The dialogue between traditional techniques and new technologies allows the creation of aesthetic languages and formal discourses. Nature is a recurring theme of great importance to our society. The collection explores and relates tradition and contemporaneity by mixing materials and techniques.

Laser-cut acrylic materials and metals such as silver, bronze and copper cut by hand are combined in the designs. The superimposition of layers reflects on the sense of time, what transcends, what lasts, hand in hand with its very essence and evolution. By bringing out their unique qualities, the materials and their respective processes manage to balance themselves harmoniously, thus creating provocative contemporary accessories.

Fiorella Pattoni Fiorella Technique and materials: traditional silversmithing and laser cutting techniques. Bronze. 66 67

CUCU. Anillo

En un mundo donde se persigue reafirmar la individualidad, la joyería escultórica, vincula el arte contemporáneo con el día a día.

El ambiente cubano e internacional se vincula con la joyería para ampliar la personalidad de su portador, y demostrar que el arte puede coexistir con la cotidianeidad, convirtiendo la joyería en un nuevo lienzo. Arte sobre el cuerpo.

Conceptos y técnicas del arte concreto y cinético jugando con formas geométricas de diferentes tamaños y colores, incorporan elementos que dan movimiento a las piezas fuera de escala, para lograr impacto y visibilidad.

Produce: Laura Lis Peña, design.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Corte con láser. Esmalte, plata (925/1000) y baño de oro (24K.).

CUCU. Ring

In a world where individuality is sought to be reaffirmed, sculptured jewelry links contemporary art with everyday life.

The Cuban and international environment is linked to jewelry to expand the personality of its wearer, and show that art can coexist with everyday life, making jewelry a new canvas. Art on the body.

Concepts and techniques of concrete and kinetic art playing with geometric shapes of different sizes and colors, incorporate elements that give movement to the pieces out of scale, to achieve impact and visibility.

Produce: Laura Lis Peña, design.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Laser cutting. Enamel,

Laura Lis Peña Laura silver (925/1000) and gold-plated (24K.). 68 69

QUINTESSENZA. Anillo

Una semilla es un misterio, contiene un universo; vida, muerte, principio y fin. Almacenada durante años puede convertirse en mil granos que representan la comida en el invierno, y la esperanza de siembra en primavera. La semilla también representa nueva vida en el seno familiar, como parte de la comunidad y fruto cosechado.

No es sorprendente que la semilla se use a menudo en las tradiciones religiosas, para ilustrar el viaje espiritual y el cambio entre estaciones meteorológicas. La semilla simboliza el despertar, crecer y morir. Símbolo del ciclo de vida.

Fotografía: Adina Tocmelea

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería, fundición a la cera perdida. Semillas naturales de jacaranda, diamante talla brillante y oro rojo (14K.).

QUINTESSENZA. Ring

A seed is a mystery, it contains a universe; life, death, beginning and end. Stored for years it can become a thousand grains that represent food in the winter, and hope for planting in the spring. The seed also represents new life within the family, as part of the community and harvested fruit.

Not surprisingly, the seed is often used in religious traditions to illustrate the spiritual journey and the change between seasons. The seed symbolizes awakening, growth and death. Life cycle symbol.

Photography: Adina Tocmelea

Technique and materials: traditional techniques of goldsmithing, lost wax casting. Natural

Andreia Gabriela Popescu Andreia jacaranda seeds, brilliant-cut diamond and red gold (14K.) 70 71

PLEGADOS. Brazalete I, II y III

Recoger, doblar y plegar las velas de una embarcación al llegar a buen puerto, era sinónimo de que el trabajo y el viaje habían finalizado.

El metal se pliega a la voluntad del fuego, y el martillo guiado por la mano, manteniendo la suavidad y ligereza de la tela de la velas y creatividad formal. Plegado de metales que pretenden llevar a su destino sueños e ilusiones.

Rígidas, fuertes pero siempre delicadas, livianas, firmes y elegantes, en aparente movimiento, como los pensamientos y sentimientos de un viajero que llega a su destino final.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería, foldforming. Cobre, baño galvánico de oro (18K.) y baño galvánico de plata (925/1000).

FOLDED. Bracelet I, II and III

Picking up, folding and bending the sails of a boat when it arrives at a good port, was synonymous with the fact that the work and the journey had been completed.

The metal folds to the will of the fire, and the hammer guided by the hand, maintaining the softness and lightness of the canvas and formal creativity. Folding of metals that are intended to lead to their destination, dreams and illusions.

Rigid, strong but always delicate, light, firm and elegant, in apparent movement, like the thoughts and feelings of a traveller who arrives at his final destination.

Technique and materials: traditional techniques of goldsmithing, foldforming. Copper,

Lucía Ramírez Lucía gold (18K.) galvanic bath and silver (925/1000) galvanic bath 72 73

GUIPUR. Brazalete

Homenaje en material noble, a las labores tradicionales de la artesanía del bordado en relieve. Técnicas clásicas de reproducción y vaciado, experimentando con diferentes temperaturas para lograr un resultado tridimensional, donde la textura de la tela bordada sea la protagonista de la pieza.

Vaciado manual del bordado en Guipur en dos dimensiones con una forma predeterminada, para conseguir mediante técnicas de taller y torneado en caliente, un resultado troncocónico en tres dimensiones y con todos los detalles del bordado tradicional, con la apariencia de hilo bordado en plata.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Microfusión directa sobre bordado embebido en parafina. Plata (925/1000).

GUIPUR. Bracelet

Homage in noble material, to the traditional work of the embroidery crafts in relief. Classic reproduction and casting techniques, experimenting with different temperatures to achieve a three-dimensional result, where the texture of the embroidered fabric is the protagonist of the piece.

Manual draining of the embroidery in Guipur in two dimensions with a predetermined shape, to achieve through workshop and hot turning techniques, a truncated cone result in three dimensions and with all the details of traditional embroidery, with the appearance of silver embroidered thread.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Direct microfusion on

Victoria Recreo Victoria paraffin-soaked embroidery. Silver (925/1000). 74 75

VERNÁCULA. Collar y pendientes

La experiencia de cuatro generaciones de orfebres, se hace notar en el dominio y recreación de las técnicas tradicionales de orfebrería, que con destreza, renuncia a cierres mecánicos, muelles y presiones.

El metal se manifiesta con toda su naturalidad, sin brillos, con el fin de obtener un acabado atemporal, adelantándose a la pátina que el tiempo deja en los objetos. La piedra, en talla cabujón, huyendo de todo artificio y descartando tallas elaboradas, deja a las turmalinas expresar su color e imperfecciones tal como son, mostrando el diseño en su esencia.

Técnica y materiales: cera perdida, lijado, pulido y chorro de arena. Turmalinas en cabujón y oro (18K.).

VERNACULA. Necklace and earrings

The experience of four generations of goldsmiths is evident in the mastery and recreation of traditional goldsmithing techniques, which skillfully renounce mechanical seals, springs or pressure.

The metal is shown in all its naturalness, without glitter, in order to obtain a timeless finish, anticipating the patina that time leaves on objects. The stone, in cabochon carving, fleeing from all artifice and discarding elaborate carvings, lets the tourmalines express their color and imperfections as they are, showing the design in its essence.

Technique and materials: lost wax, sanding, polishing and sandblasting Tourmalines in

Juan José Ríos Goñi cabochon and gold (18K.). 76 77

GOLDEN NETWORK. Broche

Redes encima y debajo del suelo logran que las plantas interactúen entre sí y con otros organismos, asegurando su supervivencia y prosperidad.

Múltiples elementos en capas y unidos para formar un todo, siempre mayor que la suma de sus partes.

Colores vibrantes del titanio al fuego, ilustran la representación espectrográfica de las frecuencias de sonido recopilados de las abejas locales.

Revisión contemporánea de la complejidad, elegancia y misteriosa belleza de la naturaleza, utilizando oro, plata y titanio. Metales preciosos y alternativos dotan de una apariencia delicada, extraña, ajena a nuestro entorno.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Titanio, oro (18K.) y plata (925/1000).

GOLDEN NETWORK. Brooch

Nets above and below ground make plants interact with each other and with other organisms, ensuring their survival and prosperity.

Multiple elements in layers and joined together to form a whole, always greater than the sum of its parts.

Vibrant colours from titanium to fire, illustrate the spectrographic representation of sound frequencies collected from local bees.

Contemporary review of the complexity, elegance and mysterious beauty of nature, using gold, silver and titanium. Precious and alternative metals give a delicate, strange, alien appearance to our environment.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Titanium, gold (18K.) and

Lorna Romanenghi silver (925/1000). 78 79

ENREDADO. Pulsera

Tejido precolombino utilizado por indígenas Laches y Tunebos elaborado con fibras de algodón o fique. Hilos de plata, dando creación a diversas joyas tejidas manualmente como la “cinta de plata”, caracterizada por su resistencia y flexibilidad, que permite se pueda enrollar en el brazo, dedos y cuello, con múltiples posibilidades de diseño en brazaletes, gargantillas y collares.

Piezas únicas inspiradas en la naturaleza del material y desarrollo de una técnica en donde se modifica el tejido con plata, dando firmeza y solidez a las piezas después de ser fundidas y permitiendo la realización de múltiples diseños.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería, tejido armado y microfusión directa. Plata (925/1000).

ROLLING. Bracelet

Pre-Columbian fabric used by the Laches and Tunebos Indians made of cotton or fique fibers. Silver threads, giving creation to various hand-woven jewels such as “silver ribbon”, characterized by its strength and flexibility, which allows it to be wound on the arm, fingers and neck, with multiple design possibilities in bracelets, necklaces and chokers.

Unique pieces inspired by the nature of the material and development of a technique where the fabric is modified with silver, giving firmness and solidity to the pieces after being cast and allowing the realization of multiple designs.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques, reinforced fabric and

Adriana Ruge direct microfusion. Silver (925/1000). 80 81

MÈRDINÉ, COMO BEBER SABIA DE LIRIO. Anillo

La ciudad de Mardin (3000 a.C.) es conocida por su técnica de filigrana. Artesanía donde la mano es prolongación de la inteligencia y la sensibilidad.

Heidegger rechaza la idea del artista estigmatizado como artesano. La artesanía es arte, la creatividad guía la mano en el arte. La esencia es la verdad, que a su vez es poesía, al igual que en todas las artes, la orfebrería es poesía.

Arte, diseño, artesanía y poesía unidos en la creación de piezas de orfebrería. Piezas inspiradas en la poesía del conde de Lautréamont y Edip Cansever.

Fotografía: Serkan Akkaş

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería y filigrana. Obsidiana y plata (925/1000).

MÈRDINÉ, HOW TO DRINK LILY-WATER. Ring

The town of Mardin (3000 BC) is known for its filigree technique. Craftsmanship where the hand is an extension of intelligence and sensitivity.

Heidegger rejects the idea of the stigmatized artist as a craftsman. Craftsmanship is art, creativity guides the hand in art. The essence is the truth, which in turn is poetry, as in all the arts, goldwork is poetry.

Art, design, craftsmanship and poetry united in the creation of pieces of goldwork. Pieces inspired by the poetry of the Count of Lautréamont and Edip Cansever.

Photography: Serkan Akkaş

Technique and materials: traditional techniques of goldsmithing and filigree. Obsidian and

Sadâ , Seda Uslu silver (925/1000). 82 83

ESTÁS AQUÍ… Broche

La ausencia de seres queridos, es algo difícil de aprender. Los broches “estructurales” representan la sensación de que el portador, a pesar de no tener contacto físico con el cuerpo principal de la pieza, la percibe como una presencia casi ingrávida, flotando cerca de su propio cuerpo de manera permanente. Metáfora de los seres queridos que no están y siguen presentes en nuestra cotidianidad.

Movilidad, viajes, traslados que establecen distancia entre el que se queda y el que se va, deseo de lo nuevo y el temor a lo desconocido, dos caras de una misma moneda, la migración.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería y textil cosido a mano. Textil impreso con dibujos originales, alpaca y plata (925/1000).

YOU ARE HERE... Brooch

The absence of loved ones is a difficult thing to learn. The “structural” pins represent the sensation that the wearer, despite not having physical contact with the main body of the piece, perceives it as an almost weightless presence, floating close to his own body permanently. A metaphor for loved ones who are not but remain present in our daily lives.

Mobility, travel, transfers that establish distance between those who stay and those who leave, desire for the new and fear to the unknown, two sides of the same coin, migration.

Technique and materials: traditional goldsmithing techniques and hand-stitched textiles.

Teresa Sansón Teresa Textile printed with original drawings, alpaca and silver (925/1000) 84 85

TRIZAS OTOÑO. Brazalete

Objeto realizado con arcilla polimérica que permite un gran desarrollo plástico, por su versatilidad, ligereza, fácil manipulación y pintado.

Material duradero y profesional que terminado con resina epoxi transparente y brillante, permite ser lijado y pulido añadiendo una mayor conservación y durabilidad.

Cada pieza es única y singular, creando un universo dentro de ella, que se adapta funcionalmente para formar gargantillas o collares.

Piezas inspiradas en la naturaleza, en el universo que habita en su interior donde todo tiene vida y color. “El arte que se lleva…”

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Arcilla polimérica, resina epoxiy plata (925/1000).

TRIZAS AUTUMN. Bracelet

Object made with polymer clay that allows a great plastic development, due to its versatility, lightness, easy manipulation and painting. Durable and professional material finished with transparent and shiny epoxy resin, allows to be sanded and polished adding a greater conservation and durability.

Each piece is unique and singular, creating a universe within it, which is functionally adapted to form chokers or necklaces.

Pieces inspired by nature, by the universe that lives inside it where everything has life and colour. “The art that is taken...”

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Polymer clay, epoxy resin

Coral Selas Coral and silver (925/1000). 86 87

MYTHICAL SEASHELLS. Anillo

Recuerdos de playa, salitre, arena y mar de los veranos de infancia en Japón, vienen a la memoria al escuchar el sonido de las olas del mar en el interior de las conchas marinas. Nostalgia, evocación y presencia de la vida infantil, de un pasado que forma parte de nuestra memoria.

Al usar este anillo, sentiremos el recuerdo de la infancia y tal vez el recuerdo de la vida anterior. Piezas de orfebrería inspiradas en la forma de conchas marinas e instrumentos de música.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería, modelado a mano, cera perdida y microfusión. Hierro, oxidaciones y plata (925/1000).

MYTHICAL SEASHELLS. Ring

Memories of beach, saltpetre, sand and sea from the summers of childhood in Japan come to mind when you hear the sound of the sea waves inside the seashells. Nostalgia, evocation and presence of childhood life, of a past that is part of our memory.

By wearing this ring, we will feel the memory of childhood and perhaps the memory of a previous life. Goldsmithery pieces inspired by the shape of seashells and musical instruments.

Technique and materials: traditional goldsmithing techniques, hand modelling, lost wax

Yukié Shirakawa Yukié and microfusion. Iron, oxidations and silver (925/1000) 88 89

NON PLACES TO PLACES II. Broche

Movimiento vivo y memoria en carreteras y calles. Metal como medio para crear y registrar la trayectoria de las personas que se mueven y se comunican en el mundo.

Especialistas en geografía humana argumentan que, a través de los comportamientos repetitivos y las actividades regulares, los no lugares pueden transformarse en lugares, en un proceso de transformación del significado local a través de los viajes, mediante el uso de GPS.

Combinación de piezas de joyería con diseños de carreteras y mapas. Registros realizados en Tiawan (Fort San Salvador, primera isla a la que llegaron los españoles) y Valencia.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería y remaches metálicos. Latón y acero inoxidable.

NON PLACES TO PLACES II. Brooch

Living movement and memory on roads and streets. Metal as a means to create and record the trajectory of people who move and communicate in the world.

Specialists in human geography argue that, through repetitive behaviors and regular activities, non-places can be transformed into places, in a process of transforming local meaning through travel, using GPS.

Combination of jewellery pieces with road and map designs Records made in Tiawan (Fort San Salvador, the first island where the Spanish arrived) and Valencia.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques and metal rivets. Brass and

Yuchen Tseng Yuchen stainless steel. 90 91

RANA. Anillo

Metales nobles y piedras semipreciosas se unen para expresar la cultura y el ser costarricense, a través de iconos y símbolos que evocan una respuesta emocional, que enlaza directamente con el imaginario colectivo de Costa Rica.

La flora y especialmente la fauna, representan la biodiversidad que habita en los húmedos bosques envueltos entre nubes, manglares, zonas lacustres y bosques secos tropicales. Variedad zoológica y botánica que permite encontrar grandes referencias figurativas entre los animales, árboles, hojas y flores. La rana como símbolo de supervivencia y referente iconográfico.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería, esculpido, biselado, y calado. Crisocola y plata (925/1000).

FROG. Ring

Noble metals and semi-precious stones come together to express Costa Rican culture and being, through icons and symbols that evoke an emotional response, which links directly to the collective imagination of Costa Rica.

The flora and especially the fauna represent the biodiversity that lives in the humid forests surrounded by clouds, mangroves, lake areas and dry tropical forests. Zoological and botanical variety that allows to find great figurative references among the animals, trees, leaves and flowers. The frog as a symbol of survival and iconographic reference.

Technique and materials: traditional techniques of goldsmithing, carving, bevelling, and

Milton Valeriano Milton fretwork. Chrysocolla and silver (925/1000). 92 93

J2020. Colgantes

La lámina de oro se quiebra, otorgándola un abstracto anhelo de prisma con elementos ajenos. Los zafiros rompen el punto focal de la pieza a través de sus incrustaciones tanto dentro como, especialmente, en los bordes de la hoja dorada. Los pequeños vástagos a modo de báculo, cuya voluta encierra la joya preciosa, traen lejanamente un perdido mundo visigodo.

La propia plancha se convierte en un grabado con relieve, donde dibujos deslavazados e incrustaciones de diamantes logran atraer de nuevo la atención del espectador. Nos encontramos ante una nueva mirada al eterno Klimt, tal es la firmeza de estas sutiles joyas.

Técnica y materiales: fundición a la cera perdida. Zafiros, brillantes, oro (18K.) y plata (925/1000).

J2020. Pendant

The gold leaf breaks, providing it an abstract desire for a prism with foreign elements. The sapphires break the focal point of the piece through their inlays both inside and especially on the gold leaf edges. The small stems like a staff, whose volute encloses the precious jewel, remotely bring a lost Visigothic world.

The plate itself becomes an engraving with relief, where unstuck drawings and diamond inlays manage to attract the viewer’s attention once again. We are before a new look at the eternal Klimt, such is the firmness of these subtle jewels.

Technique and materials: lost wax casting. Sapphires, diamonds, gold (18K.) and silver

Magdalena Vélez Salinas Magdalena Vélez (925/1000). 94 95

I AM SAYING IT 3. Broche

Expresión de un espacio común entre occidente y la cultura china, en una sociedad con una identidad global. Compleja simplicidad, estética y tradición permiten un trabajo con libertad de imaginación que se proyecta en una mayor comprensión y relación entre ambas culturas.

Esmalte basado en las técnicas tradicionales de pintura china con pincel e inspirado en los paisajes de Jilin Rime, en los patrones y estructuras de las coníferas que crecen en el lugar. Universalidad sin una identidad determinada que permite que cada usuario pueda encontrar alguna relación entre los objetos, su mundo y experiencia.

Técnica y materiales: técnicas tradicionales de orfebrería. Esmalte y plata (925/1000).

I AM SAYING IT 3. Brooch

Expression of a common space between the West and Chinese culture, in a society with a global identity. Complex simplicity, aesthetics and tradition allow a work with freedom of imagination that is projected in a greater understanding and relationship between both cultures.

Enamel based on traditional Chinese brush painting techniques and inspired by the landscapes of Jilin Rime, the patterns and structures of the conifers that grow there. Universality without a specific identity that allows each user to find some relationship between objects, their world and experience.

Technique and materials: traditional silversmithing techniques. Enamel and silver

Boya Yu Yu Boya (925/1000). Sedes temáticas Thematic sees 98 99

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando es la institución artística de más larga trayectoria y mayor vigencia cultural del país. Corporación sectorial de derecho público, está adscrita al Instituto de España.

Se inauguró en 1752 reinando Fernando VI. Desde 1773 tiene su sede en el palacio de Goyeneche, diseñado por José de Churriguera y adaptado al gusto neoclásico por Diego de Villanueva.

En la actualidad se compone de cincuenta y seis académicos de número, personalidades de reconocido prestigio en los campos de la arquitectura, pintura, escultura, música, cine, arte gráfico, fotografía, diseño e historia y teoría del arte.

El Museo de la Academia exhibe obras de grandes maestros desde el siglo XV al XXI. La Corporación alberga en su estructura, además del Museo, a la Calcografía Nacional, al Taller de Vaciados y a un importante Archivo – Biblioteca.

Dentro del programa de exposiciones temporales y como Sede Temática de la IV Muestra · Orfebrería contemporánea, acoge la exposición Chus Burés, maestro orfebre.

The Royal Academy of Fine Arts of San Fernando is the artistic institution with the longest trajectory and greatest cultural validity in the country. A sectorial corporation under public law, it is attached to the Institute of Spain.

It was inaugurated in 1752 under the reign of Ferdinand VI. Since 1773 it has been based in the Goyeneche Palace, designed by José de Churriguera and adapted to the neoclassical re taste by Diego de Villanueva.

orfeb At present, it is composed of fifty-six academics of number, personalities of recognized prestige in the fields of architecture, painting, sculpture, music, cinema, graphic art, photography, design and history and theory of art.

The Academy Museum exhibits works of great masters from the 15th to the 21st century. It houses the National Chalcography, the Emptying Workshop and an important Archive- Library. Cuerdas, 1985 As part of the programme of temporary exhibitions and as the Thematic Venue of the Colección Madrid 1984-1985 Pendientes IV Contemporary Goldsmithing Exhibition, it is hosting the exhibition Chus Burés, master Plata goldsmith. Foto © Alberto García Alix Real Academia de Bellas Artes de San Fernando maestro Chus Burés, 100 101

Buttons Tilkin, 1998 Colección Mae Nam Colección Vol de Nuit Brazalete Collar Oro de 18K y seda Plata Foto © Juan Merinero Foto © Sean McCormick 102 103

Matador, 1985 Supernovae I Horquilla / Broche Colección L’or dans l’univers, 2014- 2016 Plata Colgante Edición firmada ilimitada Oro amarillo 18 K y latón Foto © Béatrice Hatala Foto © Chus Burés Studio 104 105

Bowles I, 1998 À table ! 1990 Colección Vol de Nuit Colección À table ! 1990 Brazalete Collar Plata Plata Foto © Sean McCormick Foto © Benjamín Alcázar 107

El arte de la Platería y de la Joyería ha estado vinculado desde su origen, durante siglos, preferentemente a la élite social, pues los materiales que le son propios –oro, plata y gemas– adquirieron muy pronto la consideración de “preciosos”, atendiendo inicialmente a la singularidad de su apariencia (color, brillo, transparencia o configuración formal) y a sus favorables o excepcionales condiciones físicas (blandura o dureza, ductilidad, maleabilidad). Posteriormente, se añadió también a estos materiales un valor económico elevado. Por un lado, a partir del momento en que el oro y la plata empezaron a usarse también para acuñar moneda. Por otro, como consecuencia de una eventual dificultad para obtener sobre todo ciertos materiales gemológicos muy apreciados, bien por no contar con una fuente de aprovisionamiento segura o por el agotamiento de ésta, bien porque los trastornos políticos impidieran la fluidez del comercio que los difundía a menudo desde lugares muy lejanos. Este valor repercutió significativamente en el precio final del objeto realizado, que pasó a convertirse así en un artículo de lujo, al alcance de nuevo sólo de un reducido sector social que podía realizar encargos de forma regular, mientras para otras capas de población con capacidad económica suficiente era un patrimonio excepcional, obtenido con motivo de una ocasión especial, sujeto siempre a simplificaciones en el diseño, en la naturaleza y calidad de los materiales, y en el proceso de ejecución.

La Revolución Industrial abriría ya a partir del siglo XIX nuevas posibilidades, abaratando costes para conseguir una expectativa de mercado más amplia, en un momento en el que comenzaba el desarrollo definitivo de la clase media en la sociedad occidental. Se consiguió gracias a la introducción de la máquina que aceleró el tiempo de ejecución, pero también a costa de romper con algunos principios básicos, al sustituir los materiales genuinos por sucedáneos que imitaban su apariencia, o al orientar el grueso de la producción a la confección de objetos seriados frente a la tradición del objeto único y exclusivo propio de las artes suntuarias. Por otra parte, llevar a cabo un proceso de fabricación en la medida de lo posible con alta participación de la máquina, exigió también una simplificación de formas y ornamentación en los diseños. Durante la Gran Exposición de las obras de la Industria de todas las Naciones celebrada en Londres, en 1851, quedó en evidencia la vulgarización y monotonía en la que rápidamente había incurrido la primera producción fabril. Las reflexiones realizadas a posteriori –incluso en sede 108 109

parlamentaria– tuvieron como consecuencia cambios legislativos determinantes en el sistema reproducidos en los grabados que el maestro había recopilado expresamente para usarlos como de formación de los oficios artísticos, otorgando la responsabilidad docente a las nuevas material docente. Como signo de modernidad derivado del pensamiento ilustrado, se preveía Escuelas de Artes y Oficios cuyo modelo sería imitado después en la mayor parte de los países. que la Escuela de Antonio Martínez admitiera también a un máximo de seis niñas, pues se las Pero, además, se recomendó a las empresas dedicadas a la realización de objetos de esta índole consideraba especialmente aptas para pulir, recortar oro, y también para cargar y pulir esmalte. que incluyeran en su plantilla a un diseñador o director artístico como responsable de la creación de los modelos, con el fin de que su formación o experiencia práctica en Bellas Artes En cambio, la Escuela de Artes y Oficios fundada en Madrid en 1871 tendió gradualmente garantizara un nivel estético en la producción, acorde a la calidad media que históricamente a una formación más generalista, de manera que la especialidad en Platería y Joyería fue había distinguido a estas artes y que al mismo tiempo atrajera el gusto del gran público. Incluso, quedando superada por un enfoque de las artes del metal orientado preferentemente a la se fundó un museo en South Kensington (actual Victoria & Albert) donde se irían recogiendo las escultura y la forja ornamental. Son actualmente otros centros de enseñanzas artísticas, obras más destacadas de los maestros contemporáneos en las diferentes artes decorativas para públicos o concertados, los que mantienen viva la formación especializada en este arte. que sirvieran de ejemplo y estudio a los jóvenes aprendices. Muchos de los plateros que se encuentran en activo han aprendido en centros de este tipo; también una parte de ellos cuenta en su formación con un grado universitario en Bellas Artes Se trataba en definitiva de incorporar al producto industrial un principio básico de cualquier o en Arquitectura, manteniendo así el vínculo histórico entre las artes. creación con aspiraciones artísticas: la armonía de estética y técnica. Tradicionalmente, las corporaciones gremiales de plateros habían planteado la importancia del dominio del dibujo por En efecto, en todas las épocas, los artífices más aventajados han procurado abrir sus parte de los aprendices, pues su práctica les permitía adiestrar tanto la mano como comprender expectativas tanto a la arquitectura como a las artes plásticas de su época, asumiendo buena la importancia de las proporciones, así como la relación entre estructura y decoración, aspecto parte de sus principios en sus propias creaciones, además de la imitación circunstancial de éste imprescindible sobre todo en la concepción de los objetos de platería pues han de responder sus modelos. A la inversa, varios artistas del Renacimiento se formaron primero como plateros, también a la lógica de la función práctica que deben desempeñar; pero también en los de joyería derivando después a otras disciplinas artísticas (Brunelleschi, Ghiberti, Verrocchio, Cellini, Durero, ya que en ellos se conjugan a menudo diversos materiales con diferentes colores y texturas. Hans Holbein el Joven…, entre otros). Por otra parte, el nivel de exigencia de los comitentes de El ensayo continuado del dibujo también les daría ocasión de poner en juego y desarrollar sus más alto grado, ha obligado a los plateros –como a otros artistas– a poner en juego toda su dotes creativas. Por eso, una de las pruebas del examen de maestría consistía en dibujar una capacidad de invención para crear piezas únicas e irrepetibles, pero también a estar atentos al pieza de la facultad que se hubiera elegido (Platería o Joyería), pasando a convertirse el ejercicio ritmo de evolución de las corrientes artísticas del momento, no sólo para asumirlas sino incluso una vez obtenida la aprobación en un documento público que acreditaba su título de maestro. para ser capaces de contribuir a su desarrollo con aportaciones propias.

En los libros de matrícula de alumnos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Por ejemplo, la custodia de asiento de la catedral de Toledo realizada por Enrique de Arfe en del periodo 1752 - 1815 figuran los nombres de diversos plateros. Una parte de ellos –según 1524 es, constructivamente, un inteligente y complejo mecano de más de tres metros de altura, las Memorias de Larruga (t. IV, 1789)–, se formaban paralelamente en la Escuela de Platería y en el que por un lado se resolvió eficazmente el imperativo de tener que albergar en el primer Máquinas que don Antonio Martínez había fundado en Madrid el año 1778 (Real Fábrica desde piso del templete la imponente custodia de oro que había pertenecido a la reina Isabel la Católica, 1792). En este establecimiento se exigía como requisito inexcusable de admisión demostrar mientras por otro se la dotaba de una apariencia ligera, airosa, elegantemente afiligranada en suficiencia en el dibujo y un tiempo a prueba con el maestro para determinar su capacidad en el la forma aunque prolija en la ornamentación. Se evidencia en ella la complejidad del momento aprendizaje del arte. Si todo iba bien, el aprendiz iniciaba formalmente un periodo de formación artístico en el que fue realizada, pues si bien su estructura responde todavía al gótico flamígero que duraría cinco años, durante el cual aprendería los aspectos más relevantes del arte de la que habían traído a Castilla en el siglo XV artistas de origen renano - mosano, las figuras exentas Platería y de una incipiente bisutería, así como el manejo de las nuevas máquinas que Martínez o en relieve repartidas por toda su estructura y la ornamentación de grutescos, evidencian la había traído de sus viajes a Londres y París. También se adiestraría en el uso de materiales de singular transición desde el gótico internacional hacia un impreciso renacimiento imbuido ya de reciente aparición, y reforzaría sus capacidades creativas estudiando motivos ornamentales y rasgos manieristas afines, por ejemplo, a los de un artista como Alonso Berruguete. Si Francisco modelos figurativos inventados por artistas destacados del Renacimiento o contemporáneos, Merino no tuvo oportunidad de viajar a Italia, a Florencia y a Roma, para estudiar in situ los 110 111

diseños arquitectónicos de Miguel Ángel y la singularidad de sus modelos figurativos, es evidente de la cultura humana, en lo relativo a usos y costumbres, como distintivos del estatus social y que debió utilizar otros medios indirectos (copias en dibujo, pero también el ejemplo directo de económico, como expresión –por su función y eventual contenido simbólico– de ideologías y las obras de los arquitectos Andrés de Vandelvira, Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera) creencias, de valores morales y de reflexiones acerca de la trascendencia de la vida humana, de que le permitieran conocerlos suficientemente como para trasladar su esencia a las importantes los afectos y de las relaciones diplomáticas, de los caprichosos vaivenes de la moda, y del placer obras que realizó (algunas insólitamente por iniciativa propia) para las catedrales de Toledo y en fin de poseer cosas bellas que dan esplendor a la vida. Sevilla. Por eso no se sostiene la injusta clasificación entre artes “mayores” y artes “menores”, Buena parte de la colección de joyas que René Lalique realizó para Calouste Gulbenkian establecida en su día por un enfoque erróneo de la Historia del Arte que, a pesar del tiempo fue exhibida al público en 1903, en la primera exposición monográfica de su obra en la transcurrido y de todo lo que se ha publicado hasta ahora demostrando lo inconveniente de GrafftonGallery de Londres, repitiéndose el éxito alcanzado dos años después con una nueva este prejuicio, todavía hoy sigue impidiendo que haya en el programa del Grado de Historia del muestra en la prestigiosa galería Agnew’s de Bond Street. El conjunto se exhibe actualmente en Arte de algunas universidades públicas españolas una asignatura dedicada a las artes llamadas la fundación lisboeta que lleva el nombre de su mecenas, en una sala propia, reconociendo el “decorativas”, “aplicadas” o “industriales”. En estos casos, sólo el empeño personal de algunos valor como obra de arte de los objetos que la conforman, pues en la excepcional concepción de profesores consigue darles cabida dentro del periodo histórico que imparten o al menos referirse Lalique se hace evidente la superación del carácter funcional de la joya en favor de la propuesta a ellas al tratar de las técnicas artísticas. estética desarrollada en su diseño. A su vez, artistas plásticos como Alphonse Mucha, Paco Durrio, Julio González, Manolo Hugué, Salvador Dalí, Alexander Calder, Georges Braque, Joan Tal ninguneo es inmerecido, pues las obras más destacadas que se han conservado por Miró o Max Ernst, y arquitectos como AugustusPugin, Charles Rennie Mackintosh, Robert ejemplo en el caso de la Platería y la Joyería, acreditan sobradamente cualidades que permiten Ashbee, Henry Van de Velde, Peter Behrens, Joseph Hoffmann o Josef MariaOlbrich, entre otros, su consideración no sólo como obras de arte, sino incluso como obras maestras, y con ello crearon diseños para objetos de joyería o de platería en los que no sólo proyectaron su personal también el reconocimiento de sus creadores como artistas. Además, existen numerosas pruebas estilo, sino que experimentaron con los recursos estéticos vinculados con las principales documentales del aprecio y admiración que suscitaron entre sus contemporáneos, demostrado tendencias de su época, igual que en las esculturas, pinturas o diseños arquitectónicos por los también por una valoración económica (sin contar el metal ni las gemas) que en piezas que cada uno ellos es más conocido. Algunos afrontaron por sí mismos incluso la ejecución singulares podía superar con creces el de una pintura o una escultura de maestro reconocido. práctica de dichas obras, enfrentándose al desafío de unos materiales, de unos procedimientos Y esto no sólo se reduce a la época en que se realizaron, sino que en ocasiones su aprecio técnicos, e incluso de unas proporciones y de un imperativo funcionalista, ajenos a su también se ha sostenido y acrecentado en el mercado de antigüedades actual. Baste un ejemplo: trabajo habitual. La mayoría, sin embargo, dejaron el proceso en manos de plateros que en una terrina de plata realizada en 1733 - 34 por el platero francés Thomas Germain superó en correspondencia tuvieron que poner en juego todos sus recursos para interpretar de la forma 1996, durante una subasta celebrada en Nueva York, los siete millones y medio de euros. más certera tales diseños. Por eso es de agradecer la favorable disposición mostrada por la Real Academia de Bellas Pocas artes como la Platería y la Joyería han sido capaces de generar a lo largo del Artes de San Fernando de Madrid (que ya tiene en su haber, por cierto, la presentación de otras tiempo un abanico tan amplio de posibilidades en la diversidad de materiales, genuinos o muestras del arte de la Platería en su espacio de exposiciones temporales), al acoger ahora sucedáneos, y en los procedimientos técnicos utilizados, derivados en buena medida de estas en su sede las obras de un destacado diseñador como Chus Burés. Denota así una certera variables, pero también de los retos estéticos planteados por el diseño, lo que ha obligado en comprensión de la esencia y diversidad del acto creativo, y de cómo la razón estética se expresa no pocas ocasiones a un trabajo colaborativo de varios especialistas en la ejecución de un con igual intensidad y solvencia en las diferentes disciplinas artísticas. Porque, en definitiva, todo mismo objeto. Esto además del largo catálogo tipológico que se ha ido generando, incluyendo es cuestión de ingenio, sensibilidad y maestría en la ejecución. diversas alternativas en la formulación de los modelos de cada época que confirman las piezas conservadas. Lo que las convierte, desde una perspectiva histórica, en un testimonio material MARGARITA PÉREZ GRANDE no sólo de una inquietud estética sostenida en el tiempo, sino también de las diversas facetas Historiadora 113

The art of Silverware and Jewellery has been linked since its origin, for centuries, preferably to the social elite, since the materials that are proper to it - gold, silver and gems - very soon acquired the consideration of “precious”, attending initially to the singularity of its appearance (colour, brightness, transparency or formal configuration) and to its favourable or exceptional physical conditions (softness or hardness, ductility, malleability). Subsequently, a high economic value was also added to these materials. On the one hand, from the moment that gold and silver started to be used for coinage as well. On the other hand, as a consequence of a possible difficulty in obtaining, above all, certain gemmological materials which are very much appreciated, either because they do not have a secure source of supply or because the supply is exhausted, or because political upheavals prevent the fluidity of trade which often spreads them from very far away. This value had a significant impact on the final price of the object made, which thus became a luxury item, once again within the reach of only a small social sector that could place orders on a regular basis, while for other layers of the population with sufficient economic capacity it was an exceptional asset, obtained on the occasion of a special occasion, always subject to simplifications in the design, in the nature and quality of the materials, and in the execution process.

The Industrial Revolution would open up new possibilities as early as the 19th century, lowering costs to achieve a wider market expectation, at a time when the definitive development of the middle class in Western society was beginning. This was achieved thanks to the introduction of the machine that accelerated the time of execution, but also at the cost of breaking with some basic principles, by replacing the genuine materials with substitutes that imitated their appearance, or by orienting the bulk of the production to the manufacture of serial objects as opposed to the tradition of the unique and exclusive object typical of the sumptuary arts. On the other hand, to carry out a manufacturing process as far as possible with high machine participation, also required a simplification of forms and ornamentation in the designs. During the Great Exhibition of the Works of Industry of All Nations held in London in 1851, the popularity and monotony that the first factory production had quickly incurred became evident. The reflections carried out afterwards -even in parliament- resulted in decisive legislative changes in the training system of artistic professions, giving the responsibility of teaching to the new Schools of Arts and Crafts whose model would later be imitated in most countries. But, in addition, it was recommended that the companies dedicated to the realization of objects of this nature include in their staff a designer or artistic director as responsible for the creation of the models, so that their training or practical experience in Fine Arts would guarantee an aesthetic level in the production, according to the average quality that had historically distinguished these arts and at the same time would attract the taste of the general public. A museum was even founded in South Kensington (now Victoria & Albert) where the most outstanding works of contemporary masters in the different decorative arts would be collected to serve as an example and study for young apprentices. 114 115

In short, the idea was to incorporate into the industrial product a basic principle of any creation with rhythm of evolution of the artistic currents of the moment, not only to assume them but even to be able to artistic aspirations: the harmony of aesthetics and technique. Traditionally, the guilds of silversmiths had contribute to their development with their own contributions. raised the importance of the mastery of drawing by the apprentices, because their practice allowed them to train both the hand and understand the importance of proportions, as well as the relationship between For example, the seat monstrance of the cathedral of Toledo made by Enrique de Arfe in 1524 is, structure and decoration, this aspect is essential especially in the design of silverware because they must constructively, an intelligent and complex Meccano of more than three metres in height, in which on the also respond to the logic of the practical function to be performed, but also in the jewelry since they often one hand the imperative of having to house on the first floor of the temple the imposing gold monstrance combine various materials with different colors and textures. The continuous rehearsal of drawing would that had belonged to Queen Isabel the Catholic was effectively resolved, while on the other hand it was also give them the opportunity to put into play and develop their creative skills. Therefore, one of the tests endowed with a light, graceful, elegantly filigree appearance in its form although tidy in its ornamentation. of the master’s examination consisted in drawing a piece of the chosen faculty (Silverware or Jewelry), It shows the complexity of the artistic moment in which it was made, because although its structure still and the exercise was converted into a public document that accredited his master’s degree. corresponds to the Flamboyant Gothic that artists of Rhenish-Moorish origin had brought to Castile in the 15th century, the figures in relief spread throughout its structure and the ornamentation of grottos, show the In the registration books of students of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando of the period unique transition from the international Gothic to an imprecise Renaissance already imbued with mannerist 1752-1815 appear the names of various silversmiths. A part of them -according to Memoirs of Larruga features similar, for example, to those of an artist like Alonso Berruguete. If Francisco Merino did not have (ca. IV, 1789)-, were formed at the same time in the School of Silverware and Machines that don Antonio the opportunity to travel to Italy, Florence and Rome, to study Michelangelo’s architectural designs and the Martinez had founded in Madrid in 1778 (Royal Factory from 1792). In this establishment, it was required uniqueness of his figurative models in situ, it is clear that he had to use other indirect means (copies in as an unavoidable admission requirement to demonstrate proficiency in drawing and a time test with drawings, but also the direct example of the works of the architects Andrés de Vandelvira, Juan Bautista the teacher to determine his ability to learn the art. If all went well, the apprentice would formally begin a de Toledo and Juan de Herrera) that would allow him to know them well enough to transfer their essence five-year training period, during which he would learn the most relevant aspects of the art of Silversmithing to the important works he carried out (some of them unusually on his own initiative) for the cathedrals of and of an incipient jewellery, as well as the handling of the new machines Martinez had brought from his Toledo and Seville. trips to London and Paris. He would also be trained in the use of newly emerging materials, and would strengthen his creative skills by studying ornamental motifs and figurative models invented by prominent Much of René Lalique’s jewellery collection for Calouste Gulbenkian was exhibited to the public in 1903 Renaissance or contemporary artists, reproduced in the prints that the teacher had collected expressly for at the first monographic exhibition of his work at London’s Graffton Gallery, repeating the success achieved use as teaching materials. As a sign of modernity derived from Enlightenment thought, it was foreseen that two years later with a new show at the prestigious Agnew’s gallery in Bond Street. The set is currently being the Antonio Martínez School would also admit a maximum of six girls, as they were considered especially exhibited at the Lisbon Foundation, which bears the name of its patron, in its own room, recognising the suitable for polishing, cutting gold, and also for loading and polishing enamel. value as a work of art of the objects that make up the collection, since in Lalique’s exceptional conception it is evident that the functional character of the jewel has been overcome in favour of the aesthetic proposal On the other hand, the School of Arts and Crafts founded in Madrid in 1871 gradually tended to a developed in its design. In turn, visual artists such as Alphonse Mucha, Paco Durrio, Julio González, Manolo more generalist training, so that the speciality of Silverware and Jewellery was gradually superseded by an Hugué, Salvador Dalí, Alexander Calder, Georges Braque, Joan Miró and Max Ernst, and architects such as approach to the arts of metal oriented preferably towards sculpture and ornamental forging. At present, Augustus Pugin, Charles Rennie Mackintosh, Robert Ashbee, Henry Van de Velde, Peter Behrens, Joseph other public or subsidised art education centres keep specialised training in this art alive. Many of the Hoffmann and Josef Maria Olbrich, among others, They created designs for jewellery or silverware in which silversmiths who are currently working have learned in centres of this type; some of them also have a they not only projected their personal style, but also experimented with the aesthetic resources linked to university degree in Fine Arts or Architecture, thus maintaining the historical link between the arts. the main trends of their time, as in the sculptures, paintings or architectural designs for which each one is best known. Some even faced the practical execution of these works themselves, facing the challenge In fact, in all periods, the most advanced artists have tried to open their expectations to both the of materials, technical procedures, and even proportions and functionalist imperatives, which were alien architecture and the plastic arts of their time, assuming a good part of their principles in their own creations, to their usual work. Most, however, left the process in the hands of silversmiths, who had to use all their in addition to the circumstantial imitation of their models. On the other hand, several Renaissance artists resources to interpret such designs in the most accurate way. were first trained as silversmiths, and then derived to other artistic disciplines (Brunelleschi, Ghiberti, Verrocchio, Cellini, Dürer, Hans Holbein the Younger..., among others). On the other hand, the level of Few arts like Silverware and Jewellery have been able to generate such a wide range of possibilities demand from the highest level of the clients has forced the silversmiths -as well as other artists- to put into over time in the diversity of materials, genuine or substitute, and in the technical procedures used, derived play all their capacity of invention to create unique and unrepeatable pieces, but also to be attentive to the in good measure from these variables, but also from the aesthetic challenges posed by design, which 116 has often forced the collaborative work of several specialists in the execution of the same object. This is in addition to the long typological catalogue that has been generated, including various alternatives in the formulation of the models of each period that confirm the preserved pieces. This makes them, from a historical perspective, a material testimony not only of an aesthetic concern sustained over time, but also of the various facets of human culture, in terms of uses and customs, as distinctives of social and economic status, as an expression - because of its function and eventual symbolic content - of ideologies and beliefs, of moral values and of reflections on the transcendence of human life, of affections and of diplomatic relations, of the whimsical swings of fashion, and of pleasure in order to possess beautiful things that give splendour to life.

This is why the unjust classification between “major” and “minor” arts, established at the time by an erroneous approach to Art History, is not sustained. Despite the time that has passed and everything that has been published so far demonstrating the inconvenience of this prejudice, it still prevents the existence of a subject dedicated to the so-called “decorative”, “applied” or “industrial” arts in the Art History degree programme of some Spanish public universities. In these cases, only the personal commitment of some teachers manages to make room for them within the historical period they teach or at least to refer to them when dealing with artistic techniques.

This is not undeserved, since the most outstanding works that have been conserved, for example in the case of silverware and jewellery, have more than enough qualities to be considered not only as works of art, but even as masterpieces, and thus also the recognition of their creators as artists. Moreover, there is ample documentary evidence of the appreciation and admiration that they aroused among their contemporaries, also demonstrated by an economic valuation (not counting metal or gems) that in singular pieces could far exceed that of a painting or a sculpture by a recognized master. And this is not only reduced to the time when they were made, but sometimes their appreciation has also been sustained and increased in today’s antiques market. Just one example: a silver terrine made in 1733-34 by the French silversmith Thomas Germain exceeded seven and a half million euros in 1996 during an auction held in New York.

For this reason, we are grateful for the favorable disposition shown by the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid (which, by the way, already has in its possession the presentation of other samples of the art of Silverware in its temporary exhibition space), by now hosting in its headquarters the works of an outstanding designer such as Chus Burés. It thus denotes an accurate understanding of the essence and diversity of the creative act, and of how aesthetic reason is expressed with equal intensity and solvency in the different artistic disciplines. Because, in the end, it’s all about ingenuity, sensitivity and mastery of execution.

MARGARITA PÉREZ GRANDE Art historian 118 119

Museo de Historia de Madrid. Antiguo Real Hospicio de San Fernando.

Creado como Museo Municipal en 1929 y rebautizado como Museo de Historia de Madrid en 2007, se ubica en un edificio del siglo XVIII del arquitecto Pedro de Rivera. El museo narra, a través de sus colecciones, la historia de la ciudad desde su elección como capital de la monarquía por Felipe II en 1561, hasta las primeras décadas del siglo XX.

En 2014 el Museo de Historia de Madrid renace con nuevo discurso expositivo y amplio programa de actividades. Se articula en tres áreas temáticas: Madrid: Villa, Corte y capital de dos mundos; Madrid, Centro ilustrado del poder; Madrid, El sueño de una ciudad nueva.

Dentro del programa de exposiciones temporales y como Sede Temática de la IV Muestra · Orfebrería contemporánea, acoge la exposición Orfebres en Madrid, mostrando obras de las diseñadoras: Belén Bajo, Saskia Bostelmann, Li Ya Huang y Laura Márquez González.

Located in the old Hospicio de San Fernando, an 18th century building by Pedro de Ribera, it was created as a Municipal Museum in 1929 and renamed Museo de Historia de Madrid in 2007. The museum narrates, through its collections, the history of the city from its election as the capital of the monarchy by Philip the Second in 1561 until the first decades of the 20th century.

In 2014 the Museo de Historia de Madrid is reborn with a new way of exhibition and an extensive programme of activities. It is divided into three thematic areas: Madrid, Villa, Corte and capital of two worlds; Madrid, Illustrated Centre of Power; Madrid, The dream of a new city.

Within the program of temporary exhibitions in the context of the IV Muestra · Orfebrería contemporánea (IV Contemporary Goldsmithing Exhibition) hosts the thematic exhibition Orfebres en Madrid (Goldsmiths in Madrid), displaying works by Belén Bajo, Saskia Bostelmann, Li Ya Huang y Laura Márquez González. Belén Bajo Museo de Historia de Madrid Museo de Historia González Márquez Huang - Laura Belén Bajo - Saskia Bostelmann Li ya 120 121

Saskia Bostelmann Li ya Huang 122

Laura Márquez González Sedes itinerario Itinerant sees 126 127

El Museo Lázaro Galdiano abrió sus puertas en 1951, cumpliendo el deseo de José Lázaro Galdiano de que su Colección sirviera para formación y disfrute de generaciones futuras.

Su inauguración supuso motivo de admiración tanto por la riqueza y variedad de las colecciones, como por su museografía. Pese a ocupar las cuatro plantas del palacio de parque Florido, no pretendía recrear la casa como tal, sino exponer las diferentes colecciones siguiendo criterios museográficos, historiográficos y estéticos. Algunos espacios fueron modificados pero sin abandonar el ambiente de la residencia del coleccionista.

En la actualidad el Museo muestra más de cuatro mil piezas, siendo un centro, según define su Plan estratégico, de referencia del coleccionismo.

Dentro de esta iniciativa y como una de las Sedes Itinerario de la IV Muestra · Orfebrería contemporánea, se inscribe la exposición de la diseñadora Yukié Shirakawa.

The Lázaro Galdiano Museum opened its doors in 1951, fulfilling José Lázaro Galdiano’s desire that his Collection would serve for the education and enjoyment of future generations.

Its inauguration was a reason to admire the richness and variety of the collections, as well as its museography. In spite of occupying four floors, he did not pretend to recreate the house as such, but to exhibit the different collections according to museographic, historiographic and aesthetic criteria. The spaces were modified without leaving behind the atmosphere of the

collector’s residence.

At present the Museum shows more than four thousand pieces, becoming a reference centre of collecting, as defined in its strategic plan: “Lazaro Collection: a Museum for Collecting”.

Within this initiative and the temporary exhibitions programmed in the context of the IV Muestra · Orfebrería contemporánea (IV Contemporary Goldsmithing Exhibition) the designer Yukie Shirakawa displays her most recent work. Museo Lázaro Galdiano Museo Lázaro Shirakawa Yukié 128 129

“… mi casilla, mi quietud, mi huertecillo y estudio…” decía Lope, pecando de falsa humildad, ya que el edificio adquirido en 1610 era destacado para la época. La Casa Museo Lope de Vega abrió sus puertas en 1935.

Allí vivió Lope de Vega un cuarto de siglo, hasta su muerte en 1635, escribiendo algunos de sus textos más notables. Instituciones públicas y privadas aportaron obras de arte, mobiliario, enseres y ediciones bibliográficas.

“Hermosa babilonia, en que he nacido”, llamaba a la ciudad el poeta. La Casa Museo Lope de Vega, es puerta de entrada al Siglo de Oro español y al Madrid del XVII, a sus viviendas, su sociedad, su historia, religión y cultura.

Formando parte de una de las Sedes Itinerario de la IV Muestra · Orfebrería contemporánea, la diseñadora Marta Fernández Caballero expone sus más recientes piezas en el despacho del poeta.

“… my little house, my quietness, my tiny garden, my study…”Lope said, sinning from false

humility, since the building acquired in 1610 was already outstanding for the time. The Lope de Vega House Museum opened its doors in 1935.

Lope de Vega lived there for a quarter of a century, until his death in 1635, writing some of his most notable texts, public and private institutions contributed works of art, furniture, household goods and bibliographic editions.

“Beautiful Babylon, in which I was born, ” the poet called the city. The Casa Museo Lope de Vega is the gateway to the Spanish Golden Age and the Madrid of the 17th century, to its homes, its society, its history, religion and culture.

Within the program of temporary exhibitions of the IV Muestra · Orfebrería contemporánea (IV Contemporary Goldsmithing Exhibition), the designer Marta Fernandez Caballero displays her most recent work in the poet’s office. Museo Lope de Vega Marta Caballero Fernández 130 131

Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. Antiguo cuartel del Conde Duque.

El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid abre dos salas permanentes con el proyecto El Museo portátil. El Despacho de Ramón Gómez de la Serna y El orden de la colección.

El Despacho de Ramón Gómez de la Serna es una tarjeta de identidad en conexión con la colección permanente, que muestra una selección de pinturas, esculturas, fotografías, estampas y dibujos.

El Museo portátil es un proyecto concebido para dos nuevas salas del Museo de Arte Contemporáneo, nexo de unión de dos realidades interconectadas: el despacho de Ramón Gómez de la Serna y una selección de la colección permanente, donde el concepto del museo dentro del museo, plantea una relectura de la colección.

La diseñadora Antoaneta Ivanova, muestra sus más recientes piezas dentro del programa de exposiciones temporales, en el contexto de la IV Muestra · Orfebrería contemporánea.

The Museo de Arte Contemporáneo de Madrid opens two permanent rooms with the project The Portable Museum. The Office of Ramón Gómez de la Serna and The Order of the Collection.

The Office of Ramón Gómez de la Serna is an identity card in connection with the permanent collection, which shows a selection of paintings, sculptures, photographs, prints

and drawings.

The portable Museum is a project conceived for two new halls of the Museo de Arte Contemporáneo, a link between two interconnected realities: the Office of Ramón Gómez de la Serna and a selection of the permanent collection, where the concept of the museum within the museum proposes a re-reading of the permanent collection.

The designer Antoaneta Ivanova displays her most recent pieces within temporary exhibitions programmed in the context of the IV Muestra · Orfebrería contemporánea (IV Contemporary Goldsmithing Exhibition). Museo de Arte de Madrid Contemporáneo Ivanova Antoaneta 132 133

Museo de San Isidro. Los Orígenes de Madrid.

Popularmente denominada Casa de San Isidro según la tradición, fue la casa de los Vargas, amos de San Isidro, en ésta vivió y murió el Santo. El edificio fue construido durante la primera mitad del siglo XVI por la familia de los Lujanes. Tras muchas vicisitudes el conjunto fue demolido casi en su totalidad en 1974, y reconstruido, previa excavación arqueológica.

En el nuevo edificio, destacan la Capilla de los siglos XVII y XVIII, el Pozo del Milagro y el patio renacentista del siglo XVI.

La exposición permanente, se dedica a la arqueología madrileña y a la historia de la ciudad desde la Prehistoria hasta el traslado de la Corte en 1561.

Dentro del programa de exposiciones temporales, el diseñador Fernando Gallego presenta sus más recientes piezas en el contexto de la IV Muestra · Orfebrería

contemporánea.

Popularly known as Casa de San Isidro and according to the tradition it was the house of the Vargas, masters of San Isidro, where the Saint lived and died. The building was built during the first half of the 16th century by the Lujanes family. After many vicissitudes the complex was almost completely demolished in 1974, and reconstructed after archaeological excavation.

In the new building, the Chapel of the 17th and 18th centuries, the Well of the Miracle and the Renaissance courtyard of the 16th century stand out.

The permanent exhibition is devoted to the archaeology of Madrid and the history of the city from Prehistory to the transfer of the Court in 1561.

Within the programme of temporary exhibitions in the context of the IV Muestra · Orfebrería contemporánea. (IV Contemporary Goldsmithing Exhibition), the designer Fernando Gallego displays his most recent work. Museo de San Isidro Gallego Fernando Diseñadores Designers ASOCIACIÓN DE DISEÑADORES DE ORFEBRERÍA Y JOYERÍA CONTEMPORÁNEAS (AdOC)

Premio Nacional de Artesanía 2019. Finalista

Inscrita en el Registro Nacional de Asociaciones : Sección 1ª/ Número Nacional 611304. 2/11/2016 admadoc. wixsite. com/ad-oc asoc.adoc@gmail. com

Calle Amor de Dios, 4 - Bajo C 28014 - Madrid DISEÑADORES / DESIGNERS

Telma Aguiar (Brasil) Antonello Figlia (Italia - Reino Unido) [email protected] [email protected] ig: @telmaguiarjewelry figlia.uk

Belén Bajo (España) Fernando Gallego (España) [email protected] [email protected] belenbajo.com joyeriafgallego.com

Saskia Bostelmann (México - España) Rosa García García (España) [email protected] [email protected] saskiabostelmann.com [email protected]

Yu-Chi Chien (Taiwan - Estados Unidos) Li Ya Huang (Taiwan - España) [email protected] [email protected] ycchien.com @lialiaLYH

Gabriel Corchero (España) Antoaneta Ivanova (Estados Unidos) [email protected] [email protected] gabrielcorchero. org antoanetta.com

Katarina Cudic (Serbia) Marian Jaén (España) [email protected] [email protected] katarinacudic.com ig: @marian_jaen_joyas

Lena Marie Echelle (Argentina) Yael Kaduri (Israel) [email protected] [email protected] lenastudio.com ig: @yael.kaduri

Marta Fernández Caballero (España) La Malicia, estudio-taller (España) [email protected] [email protected] martafernandezcaballero.wordpress.com lamalicia.es

Carlos Fernández Hoyos (México - España) Raquel Lobelos Centeno (España) [email protected] [email protected] carlosfernandezhoyos.com tabatamorgana.com DISEÑADORES / DESIGNERS DISEÑADORES / DESIGNERS

Juan José Loscos Fernández (España) Victoria Recreo (España) Milton Valeriano (Costa Rica) [email protected] [email protected] [email protected] ig: @jjloscos fb: @vegavaleriano

Laura Márquez González (España) Juan José Ríos Goñi (España) Magdalena Vélez Salinas (Estados Unidos - España) [email protected] [email protected] [email protected] lauramarquez.es ig: @riosygoni mvs50.es

Cristina Martín Más (España) Lorna Romanenghi (Italia - Reino Unido) Boya Yu (China - Australia) [email protected] [email protected] [email protected] veidimannaprotum.com lornaromanenghi.com boyajewellery.wixsite.com/website

Chama Navarro (España) Adriana Ruge (Colombia) [email protected] [email protected] chamanavarro.com adrianaruge.com

Karine Niemand (Francia) Sadâ, Seda Uslu (Turquía) [email protected] [email protected] karineniemand.com ig: @______sada______

Fiorella Pattoni (Costa Rica) Teresa Sansón (Venezuela) [email protected] [email protected] fiorellapattoni.com teresanson.com

Laura Lis Peña (Cuba - España) Coral Selas (España) [email protected] [email protected] lauralisdesign.com coralselas.com

Andreia Gabriela Popescu (Rumanía) Yukié Shirakawa (Japón - Francia) [email protected] [email protected] andreia-popescu.ro yukieshirakawa.com

Lucía Ramírez (Venezuela) Yuchen Tseng (Taiwan) [email protected] [email protected] luciaramirez.com fionagotmail.wixsite.com/ycnsj