Desde las orillas del Sena Desde las orillas del Sena Tomo XXVIII. Serie “Cartas a Ofelia”

Félix José Hernández

1 Desde las orillas del Sena

A Carmita Pérez y Miguel García

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"La Libertad, Sancho, es uno de los más preciosos dones que a los hombres dieron los cielos; con ella no pueden igualarse los tesoros que encierra la tierra ni el mar encubre; por la libertad así como por la honra se puede y debe aventurar la vida, y, por el contrario, el cautiverio es el mayor mal que puede venir a los hombres". Miguel de Cervantes Saavedra.

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Mis Memorias de Exilio

París, 20 de agosto de 2020.

Queridos amigos:

El origen de Cartas a Ofelia está en las narraciones surgidas inicialmente a partir de las cartas que escribía cada semana a mi madre, Ofelia Valdés Ríos, contándole mis experiencias del exilio parisino. En ellas cuento lo que veo y siento: filmes, obras de teatro, museos, exposiciones, los libros que leo, las relaciones con los galos, la sociedad francesa, la política, Cuba vista desde aquí, los viajes por 79 países a lo largo de estos 38 años, mis éxitos y mis fracasos, mis nostalgias y mi amor por la Libertad, las relaciones con personalidades del exilio,

4 Desde las orillas del Sena mi trabajo en el Instituto y en la Universidad como profesor de Civilización Latinoamericana, las relaciones con colegas, alumnos y estudiantes, etc., en resumen, es la experiencia vivida por una familia cubana en todos estos años.Además aparecen los testimonios de numerosas personas que han logrado conquistar la Libertad. En realidad son mis Memorias de Exilio.

He contado numerosas anécdotas sobre mi infancia en mi querido pueblo natal de Camajuaní (1949-1959), así como de mi adolescencia y juventud habaneras (1959- 1981).

Un gran abrazo a todos desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

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Octavio Paz

“Mis palabras irritarán a muchos; no importa, el pensamiento independiente es casi siempre impopular”. Octavio Paz

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Due sculture femminili di epoca romana sono state acquistate dagli Uffizi

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Firenze, 13 febbraio 2020.

Due sculture femminili di epoca romana arricchiscono da oggi la vasta raccolta di oltre milleduecento marmi romani posseduta dalle Gallerie degli Uffizi. Le opere, insieme a due epigrafi anch’esse romane, sono state acquistate dal museo nell’ambito di un’asta tenuta recentemente da Pandolfini a Firenze.

La prima è una statua a grandezza naturale databile alla prima metà del I secolo d.C.: raffigura una donna abbigliata con una veste rituale, forse un capo sfoggiato dalle novelle spose, che trova i suoi confronti più convincenti nei rilievi dell’Ara Pacis, caposaldo della cultura augustea.

A questo raro marmo si aggiunge uno busto con una testa femminile dalla complessa acconciatura, che riproduce la singolare tipologia di pettinatura in voga fra l’età traianea e l’inizio di quella adrianea (110-130 d.C.). Oltre alle sculture sono state acquisite dagli Uffizi due epigrafi di grande interesse documentario. La prima, proveniente dall’area di Tivoli, ricorda Marco Aveieno, un coactor argentarius, cioè un esattore delle aste pubbliche vissuto nel I secolo d.C. L’epigrafe amplia il nucleo di iscrizioni latine di provenienza tiburtina già da secoli proprietà delle Gallerie fiorentine; è di provenienza tiburtina anche la seconda iscrizione, inedito frammento appartenente ad

8 Desde las orillas del Sena un’epigrafe monumentale che, probabilmente, accoglieva una dedica imperiale.

Tutte queste opere saranno oggi pomeriggio (ore 17,30) al centro di una conferenza tenuta nell’auditorium degli Uffizi dal curatore dell’arte classica del museo Fabrizio Paolucci e dalla studiosa Novella Lapini, sempre degli Uffizi.

“L’acquisto testimonia nel modo più evidente il rinnovato interesse per la collezione di marmi antichi delle Gallerie degli Uffizi, storicamente il vero cuore del museo che, per qualità e numero delle opere, vanta pochi confronti in Italia e all’estero – commenta il direttore Eike Schmidt - Questa incredibile raccolta, ricca di oltre un migliaio di statue, si deve interamente al collezionismo mediceo e lorenese che, per secoli, acquistò sistematicamente sul mercato le più belle opere marmoree restituite dal terreno. Queste ultime acquisizioni, dunque, rientrano pienamente in quella che, per secoli, è stata la politica culturale predominante nella formazione delle raccolte della Galleria”.

“Le opere – aggiunge Fabrizio Paolucci – tutte provenienti da antiche collezioni, non solo rispecchiano perfettamente la natura dei marmi già presenti in museo, ma presentano anche una qualità formale e un interesse

9 Desde las orillas del Sena storico che le rendono pienamente degne di figurare fra i migliori marmi già esposti”.

QUALCHE INFO SULLE SCULTURE

FIGURA FEMMINILE CON ABITO CERIMONIALE

ROMA, I SECOLO d.C.

Altezza 159 cm; altezza base 8-8,5 cm; larghezza 60 cm; profondità 33 cm.

TESTA RITRATTO

ROMA, ETÀ ADRIANEA (ANTE 130 d.C.) 45 × 69 cm

CIVITA. Opera Laboratori Fiorentini.

Andrea Acampa.

Ufficio Stampa - Firenze Musei.

Palazzo Pitti, Piazza Pitti, 1 – 50125 Firenze.

Félix José Hernández.

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Les peintres et les voix de l'au-delà au Musée Maillol

Paris le 13 février 2020.

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La prochaine exposition du musée Maillol, après une première étape au LaM de Villeneuve d’Ascq, révèle l’oeuvre des trois principaux peintres spirites de la fin du XIXe et du début du XXe siècle : Augustin Lesage, Victor Simon et Fleury-Joseph Crépin.

Le parcours de l'exposition, chronologique, historique et thématique, présente plus d’une centaine d’oeuvres provenant de collections publiques et privées d’Europe.

Originaires tous trois du Nord de la France et de milieu modeste, travaillant comme mineurs, plombiers ou cafetiers, rien ne les prédestinait à la peinture, jusqu’à que ce que des voix les enjoignent à le faire.

Naissent alors des œuvres étranges, d’une minutie exceptionnelle et d’une grande qualité plastique, conçues comme des édifications spirituelles, associant des influences et des motifs d’origines disparates : chrétiennes, hindoues, orientales ou encore inspirées de l’Égypte antique. L’ornement et la symétrie dominent dans leurs oeuvres ainsi que dans celles des autres peintres spirites également présentés dans l’exposition.

Le courant spirite, qui apparaît d’abord aux États-Unis au milieu du XIXe siècle, fait des émules en Europe. Communiquer avec les esprits devient rapidement un phénomène de société, favorisé par les guerres qui

12 Desde las orillas del Sena secouent le continent, puis cultivé par les milieux intellectuels. Les surréalistes André Breton ou Victor Brauner seront parmi les premiers à collectionner les oeuvres de ces artistes, jusqu’à Jean Dubuffet.

À travers des documents d’archives, des œuvres contemporaines, des installations, et des vidéos, l’exposition souligne également la survivance des pratiques spirites et leur rayonnement au-delà de la peinture.

Esprit es-tu là ? Les peintres et les voix de l'au-delà.

Commissariat :

Savine Faupin, conservatrice en chef en charge de l’art brut - LaM, Villeneuve d’Ascq. Christophe Boulanger, attaché de conservation en charge de l’art brut - LaM, Villeneuve d’Ascq.

2 avril - 26 juillet 2020.

Musée Maillol. 61 rue de Grenelle - 75007 Paris.

Félix José Hernández.

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La pintura de Lygia Clark en el Guggenheim Bilbao

Lygia Clark. El violonchelista (O Violoncelista), 1951. Óleo sobre lienzo: 105,5 x 81 cm. Colección particular. © Courtesy of “The World of Lygia Clark” Cultural Association.

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Bilbao, 15 de febrero de 2020. Querida Ofelia: El Museo Guggenheim Bilbao presenta Lygia Clark. La pintura como campo experimental, 1948-1958. Pionera de la abstracción, Lygia Clark (Belo Horizonte, Brasil, 1920−Río de Janeiro, Brasil, 1988) fue una artista fundamental de la segunda mitad del siglo XX. La exposición ofrece un nuevo análisis de los cruciales años de formación de la artista, el período comprendido entre1948 y1958, cuando experimentaba entre la figuración y la abstracción con el fin de articular el poderoso lenguaje visual que definiría las creaciones de su época de madurez. Junto con una relevante representación de su trabajo figurativo inicial, esta muestra reúne pinturas de las principales series que Clark creó en esta temprana época, brindando un panorama esencial de la primera década de su carrera artística. Al plantearse la pintura como un “campo experimental”, expresión que la artista utilizó en una conferencia clave que dio en 1956, Clark pretendió redefinir el medio ampliando los límites de la pintura tradicional. Se dedicó al arte sin poseer una formación oficial específica, se integró en el ambiente artístico de Río de Janeiro a finales de la década de1940y participó en movimientos fundamentales, como el Arte Concreto y la Abstracción Geométrica, a lo largo de la década de 1950. La presente exposición se centra en la evolución de Clark mediante

15 Desde las orillas del Sena tres secciones estructuradas históricamente: “Los primeros años, 1948−1952”, “Abstracción geométrica, 1953−1956” y “Variación de la forma: La modulación del espacio, 1957−1958.” Cada bloque presenta las ideas más significativas de Clark y refleja de manera concienzuda su desarrollo artístico a través de una selección de obras.

Esta muestra de las primeras creaciones de Lygia Clark, que coincide con el centenario del nacimiento de la artista, dedica una renovada atención de dimensión internacional a una artista imprescindible del panorama latinoamericano de posguerra. El Museo agradece a la Asociación Cultural Lygia Clark en Río de Janeiro, y a la familia de la artista por el enorme apoyo que han prestado a esta exposición. RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN

Los primeros años, 1948−1952 En su primera etapa como artista, Lygia Clark abordó, mediante dibujos al carboncillo y pinturas al óleo, temas tradicionales como el retrato, el bodegón, los interiores domésticos o del estudio, el paisaje y la arquitectura. Estas obras ilustran el temprano tratamiento de la línea, la forma, el color y el espacio desarrollado por Clark, que serviría como base sustancial de sus creaciones posteriores. La formación extraacadémica de Clark con los artistas modernos brasileños Roberto Burle Marx y Zélia Ferreira Salgado también aportó elementos clavea sus primeras obras,

16 Desde las orillas del Sena como un cromatismo autóctono, la forma estilizada y la planitud de la superficie. Clark siguió desarrollando su característico enfoque de la abstracción durante su corta estancia en París, entre1950 y1952, cuando estudió brevemente pintura con los maestros modernos Fernand Léger y Árpád Szenes; este último había vivido como exiliado en Río de Janeiro con Maria Helena Vieira da Silva entre1940 y1947. La producción de Clark a partir de 1952 engloba desde dibujos al grafito y pinturas de arquitecturas hasta composiciones cromáticas modulares de geometrías prismáticas y agudas formas triangulares. Antes de que regresara a Río de Janeiro, en junio de 1952se celebró su primera muestra individual en el Institut Endoplastique de París, donde es muy probablemente que se exhibiera una selección de las obras incluidas en esta sección de la muestra. Abstracción Geométrica, 1953−1956 Cuando en agosto de 1952 Lygia Clark regresó a Río de Janeiro, el Arte Concreto estaba comenzando a desarrollarse en Brasil, primero con la creación del Grupo Ruptura en São Paulo en 1952 y, posteriormente, con la del Grupo Frente en Río de Janeiro en 1954. Clark se unió a este segundo, junto con sus contemporáneos Aluísio Carvão, Willys de Castro, Hélio Oiticica, Lygia Pape e Ivan Serpa. Al igual que su equivalente en São Paulo, el Grupo Frente absorbió las ideologías del Arte

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Concreto europeo y asumió los estrictos principios de la forma pura y la objetividad, que se oponían al naturalismo y la figuración dominantes en la modernidad brasileña de la primera época. En particular, Clark adoptó una estética geométrica única en diálogo con el auge de la moderna Abstracción Geométrica de Brasil y participó en las exposiciones colectivas del grupo entre 1954 y1956. En esta sección de la muestra se exponen las precisas composiciones geométricas que Clark creó en 1953 y otras series importantes que la impulsaron a cuestionar las convenciones espaciales del plano, como Descubrimiento de la línea orgánica (1954) y Rompiendo el marco (1954). Además, en esta sección se muestran en vitrinas tres modelos arquitectónicos que se han conservado, Maquetas para interior (1955), reflejo del concepto que la artista tenía de un espacio dinámico. Como consecuencia ,en cierto modo, de la influencia de sus antiguos maestros Fernand Léger y Roberto Burle Marx, estas maquetas ponen de manifiesto las investigaciones de Clark sobre la relación entre arte y arquitectura, que posteriormente se plasmarían en las pinturas de caballete de estructuras lisas, planas y modulares que componen su serie Superficies moduladas(1955).Clark había adoptado ya en 1956 un cromatismo más vibrante y variado, que se extendía en composiciones abstractas conformas en zigzag y diagonales, ángulos agudos y patrones rítmicos.

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Variación de la forma: la modulación del espacio, 1957−1958 Hacia finales de la década de 1950, Lygia Clark emprendió una minuciosa y metódica investigación sobre la forma pictórica, creando una serie de grandes composiciones monocromáticas a base de planos positivos y negativos. Su análisis de la forma lineal en un espacio multidimensional pretendería, en última instancia, manipular y deformar la geometría del plano. En esta sección se exponen tres importantes series de obras bidimensionales, creadas en 1957 y1958: Planos en superficies moduladas (1957−58), Espacios modulados (1958) y una nueva versión de Superficies moduladas (1957−58). Estas piezas, algunas de las cuales se expusieron en la Bienal de Venecia de 1968, muestran la capacidad de la artista para concebir una diversidad de configuraciones lineales en serie compuestas por formas geométricas en blanco y negro. Además, se incluye aquí una selección de collages que exploran la mutabilidad de la línea, el color y el espacio generado mediante líneas entrecruzadas y contrastes cromáticos. Biografía de Lygia Clark Lygia Clark nació en 1920 en Belo Horizonte, Minas Gerais (Brasil), y, a finales de la década de 1940, recibió una formación artística más bien informal en Río de Janeiro con los artistas brasileños Roberto Burle Marx y

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Zélia Ferreira Salgado. En 1950 viajó a París para continuar su formación con los maestros modernos Fernand Léger y Árpád Szènes. Celebró su primera exposición, titulada L. Clark-Ribeiro, en 1952 en el Institut Endoplastique de París, donde presentó sus primeros experimentos con la abstracción y las formas constructivas en trabajos bidimensionales. A su regreso a Brasil, a finales de ese mismo año, tuvo su primera muestra en solitario, Lygia Clark 1950-1952, en el Ministério da Educação de Río de Janeiro. Reconocida como artista emergente, Clark comenzó a participar en importantes exposiciones colectivas regionales, incluyendo la primera Exposição Nacional de Arte Abstrata (1953) y la Bienal de São Paulo (1953). En 1954, se unió al colectivo vanguardista denominado Grupo Frente, junto con sus coetáneos Aluísio Carvão, Hélio Oiticica y Lygia Pape, entre otros, y tomó parte en las revolucionarias exposiciones del grupo celebradas hasta 1956. Siguiendo los principios de la abstracción geométrica, su obra de ese periodo optó por una rigurosa representación de formas geométricas, vivos colores y una sensación de orden. También participó en otras exposiciones importantes, tales como el Salão Nacional de Arte Moderna (1956 y 1957), la primera Exposição Nacional de Arte Concreta (1957) y la Bienal de São Paulo (1957). Hacia finales de la década de 1950, las preocupaciones estéticas y filosóficas de Clark confluyeron con las del neoconcretismo, un movimiento

20 Desde las orillas del Sena artístico brasileño creado en 1959 que rechazaba la naturaleza impersonal y objetiva de la abstracción concreta. Los neoconcretistas concebían sus obras como algo a medio camino entre el arte y la vida, y como experiencias en la esfera pública. Clark, miembro fundador, participó en la Exposição Neoconcretade 1959, y creó obras tridimensionales que fomentaban la participación activa del espectador en la obra de arte. Desde 1964 hasta comienzos de la década de 1970, Clark residió en París y creó una serie de obras poco convencionales que discurren paralelas a su prolongado psicoanálisis con el psiquiatra Pierre Fédida, que la llevó a abrazar la idea de una forma de arte terapéutica. Esas investigaciones coincidieron con revolucionarios acontecimientos ocurridos a nivel mundial, tales como los sucesos de Mayo de 1968 en Francia y la aparición de una nueva generación de artistas brasileños implicados en movimientos tales como la Nova Objetividade (nueva objetividad) y Tropicália (tropicalismo). Las obras de Clark pertenecientes a ese periodo incorporan elementos que estimulan el cuerpo a través de los ojos, los oídos y la nariz como una forma de integrar los sentidos sin dar prioridad a lo visual. Su investigación artística en ese periodo se centró en una práctica terapéutica que aspiraba a activar la conciencia subjetiva y corporal. Después de 1978, en los últimos compases de su carrera, Clark se dedicó en exclusiva a su actividad psicoanalítica. Falleció en Río de Janeiro en 1988.

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DIDAKTIKA Como parte del proyecto Didaktika y en el marco del programa Acércate al Arte, patrocinado por BBK, los visitantes dispondrán de información complementaria sobre la trayectoria de Lygia Clark en uno de los espacios educativos de la tercera planta. Por un lado, se contextualizará el escenario artístico latinoamericano entre las décadas de 1940 y 1950 y por otro, se recogerá el pionero papel de Clark en el desarrollo de la investigación y experimentación entre cuerpo y mente. A medio camino entre arte y terapia, lo desarrolló ya en las décadas de 1960 y 1970. La proyección de un audiovisual recoge asimismo testimonios de sus más allegados, responsables de O Mundo de Lygia Clark y, además, el espacio didáctico alberga una serie de réplicas de sus objetos sensoriales, lo que permite reforzar la parte interactiva de la experiencia entre los visitantes. Además, se desarrollarán las siguientes actividades vinculadas con la exposición: Mesa redonda Lygia Clark. La pintura como campo experimental1948–1958 (4 marzo) Esta mesa redonda sobre la obra de Lygia Clark contará con la intervención de importantes especialistas en el campo del arte latinoamericano moderno y contemporáneo. Así, Geaninne Gutiérrez-Guimarães, curator asociada del Museo Guggenheim Bilbao y

22 Desde las orillas del Sena comisaria de esta exposición; Adele Nelson, profesora adjunta de Historia del arte y directora adjunta del Centro de Estudios Visuales Latinoamericanos de la Universidad de Texas, en Austin; y Paulo Miyada, curator del Instituto Tomie Ohtake y curator adjunto de la 34ª Bienal de São Paulo, hablarán sobre la primera etapa de la carrera artística de Clark, partiendo de la selección de obras y las tres secciones históricas dela exposición. Reflexiones compartidas Visitas únicas impartidas por profesionales de las áreas de Curatorial y de Educación del Museo que ofrecen diferentes puntos de vista sobre los contenidos de la exposición. Visión curatorial Lygia Clark (6 marzo) con Geaninne Gutiérrez-Guimarães, curator asociada del Museo Guggenheim Bilbao y de la exposición.

Conceptos clave Lygia Clark (22 abril) con Marta Arzak, Subdirectora de Educación e Interpretación del Museo. Patrocina Fundación Vizcaína Aguirre. Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Bilbao, Félix José Hernández.

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Fotografía humanitaria en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Madrid, 16 de febrero de 2020. Querida Ofelia:

Desde 1997, Médicos del Mundo España convoca anualmente el Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña, dedicado a la memoria de Flors Sirera, Luis Valtueña, Manuel Madrazo y Mercedes Navarro, cuatro cooperantes de la organización asesinados en Ruanda (1997) y Bosnia-Herzegovina (1995) mientras trabajaban en proyectos de acción humanitaria. El certamen reconoce el trabajo de fotógrafos/as profesionales que a través de sus imágenes evidencian todo tipo de injusticias y abusos o dan

24 Desde las orillas del Sena testimonio de las situaciones que los propician o que los combaten. Médicos del Mundo España, en colaboración con la Calcografía Nacional de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, presenta la exposición del 23º Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña, correspondiente a la convocatoria de 2019, en la que se presentaron 311 candidaturas procedentes de 56 países. El renombrado premio anual otorgado por Médicos del Mundo, reconoce la excelencia fotográfica de quienes retratan de forma original e impactante las vulneraciones de los derechos humanos, trascendiendo barreras culturales e idiomáticas. El ganador de la edición 2019 es el fotógrafo iraní Mohsen Kaboli por su serie Madre sustituta. El jurado le otorgó el premio “por su novedosa expresión fotográfica y por su acierto al abordar los matices y la complejidad del controvertido asunto de los vientres de alquiler con gran sensibilidad”.

La exposición incluye, además, las obras de los tres finalistas. El elegido en primer lugar fue Javier Fergo, con El último viaje de Zohra Sarrouj, sobre la repatriación del cadáver de una joven marroquí que murió tratando de llegar a Europa. Le sigue Daniel Ochoa de Olza con su cobertura de la migración

25 Desde las orillas del Sena centroamericana a Estados Unidos en Cruzando la última frontera, en Tijuana. El tercer finalista es Santi Donaire con la serie de fotos en blanco y negro Hijos de la desmemoria, sobre la apertura de fosas de la guerra civil española. Los trabajos de los cuatro autores abordan, pues, temas de actualidad a través de la lente y el lenguaje de la fotografía documental: la complejidad de los vientres de alquiler, la migración hacia Europa o Estados Unidos y las desapariciones forzosas que se dieron en España durante y después de la guerra civil. Todos exploran, desde su enfoque particular, la injusticia social, los derechos humanos y las políticas de Estado. En el marco del 30 aniversario de Médicos del Mundo, el veterano premio fotográfico recala de nuevo en la Calcografía Nacional, donde comenzó su andadura hace más de veinte años. Con este motivo, y siendo este espacio el custodio de las planchas grabadas por Goya, la muestra incorpora excepcionalmente una selección de ocho aguafuertes de los Desastres de la guerra, que dialogan con ocho fotografías de autores galardonados a lo largo de la historia del Premio Luis Valtueña.

En la sala se muestra también un montaje audiovisual resultado del trabajo del ganador de la 22ª edición, Juan Medina, realizado gracias a la beca otorgada por Médicos del Mundo. Este trabajo se centra en el tránsito de varios jóvenes migrantes desde Marruecos hasta Francia, a

26 Desde las orillas del Sena través del territorio español, que es visto como un lugar de paso.

23º Premio Internacional Luis Valtueña Fotografía humanitaria.

Calcografía Nacional / 19 de febrero de 2020 - 26 de abril de 2020.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

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Pop Lamborghini à Mulhouse

Mulhouse le 17 février 2020.

Pour la toute première fois, en 2020, la Cité de l’Automobile met à l’honneur Lamborghini et réunit des modèles phares du constructeur italien, signés par les plus grands noms de la carrosserie et du design. Depuis sa création par Ferruccio Lamborghini, la marque fait sensation auprès de sportifs, acteurs et personnalités, devenant une référence sur la route comme sur grand écran.

Des véhicules rares telle la Lamborghini Flying Star II, un shooting brake exclusif créé par le carrossier Touring, et pour certains même méconnus, donneront un éclairage nouveau sur la dimension de la marque, des années 1960 au XXIe siècle.

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Ces prêts exceptionnels, issus en majorité de collectionneurs privés, viendront compléter la collection Schlumpf, première collection au monde de véhicules historiques, et souligner l’importance de Lamborghini non seulement dans l’histoire de l’automobile mais aussi dans la pop culture.

En 1963, Ferruccio Lamborghini se lance dans la construction de voitures sportives de luxe. Le riche industriel passionné de mécanique, déçu par les marques renommées de l’époque (Ferrari, Maserati, Jaguar, Alfa Romeo...), se donne le pari fou de rivaliser avec les mythiques Ferrari. Née d’une colère, la société Automobili Ferruccio Lamborghini voit le jour le 1er juillet 1963 près de Modène. Plusieurs prototypes sont développés où figure un taureau, signe astrologique de Ferruccio, devenu l’emblème de la société, synonyme de fougue et de caractère, s’adressant à une clientèle en recherche de sensations fortes. En 1965 est présentée la Miura, première sportive de route à adopter le moteur en position centrale arrière des voitures de course et à dépasser les 300 km/h.

De la présentation du premier modèle, la 350 GTV, au Salon de Genève en 1964 à la traversée du désert en Urus l’année dernière, les voitures signées Lamborghini, fières de leur identité latine et héritières des codes créatifs

29 Desde las orillas del Sena italiens, se distinguent par leur radicalité et leur esthétique poussant jusqu’à la limite les théories du design et de la technique de leur époque.

À travers plusieurs thèmes, l’exposition révèle l’histoire parfois tourmentée du constructeur italien, souligne la singularité de ces voitures hors-normes et la part de rêve qu’elles symbolisent encore aujourd’hui, alors que la marque, synonyme de supercars, s’est invitée hors de ses sentiers habituels : sur la piste des circuits en compétition, et en tout-terrain avec l’un des SUV les plus audacieux du marché actuel.

Des premières créations visionnaires aux super-sportives plus récentes qui suscitent rêve et adrénaline, l’exposition retrace l’histoire de la marque et les raisons de ses résurrections multiples défiant les crises économiques.

Aux côtés des véhicules d’exception, sont présentés de nombreux documents d’archives (photographies, séquences de films) et des oeuvres d’art (dont « Disintegrating X » de Fabian Oefner).

Une vision transversale d’une marque avant-gardiste et audacieuse qui a su se forger une place à part dans l’univers des GT et des supercars par sa singularité et ses partis pris.

Pop Lamborghini

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Cité de l’Automobile- à partir du 7 mai 2020- Musée national Collection Schlumpf. 192, avenue de Colmar – Mulhouse.

Commissariat : Frédéric Brun, auteur de plusieurs livres sur l’histoire de l’automobile, journaliste, collectionneur et membre de jurys internationaux pour des Concours d’élégance.

Félix José Hernández.

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Les lumières espagnoles de Joaquín Sorolla

Joaquín Sorolla, Le retour de pêche, 1904 huile sur toile, 45 x 74,3 cm, Musei di Nervi – Raccolte Frugone, Photo : © Armando Pastorino Aix-en-Provence le 18 février 2020. En 2020, l’Hôtel de Caumont-Centre d’art mettra à l’honneur Joaquín Sorolla (1863-1923), l’un des plus grands noms de la peinture espagnole du XXe siècle. On lui doit une des représentations les plus éclatantes d’une Espagne lumineuse et méditerranéenne, optimiste et moderne. Les expositions internationales consacrées à Sorolla réalisées ces dix dernières années, ont souligné le rayonnement international du peintre, son succès dans les grands concours artistiques européens, tels que le Salon

32 Desde las orillas del Sena de Paris ou les expositions de la Sécession à Munich, Vienne et Berlin, tout comme l’importance de ses expositions individuelles dans de grandes villes européennes et nord-américaines. Ses affinités avec les maîtres européens et américains de sa génération, tels que Sargent, Zorn, Degas ou Monet, le placent parmi les artistes les plus importants et influents de son temps.

Fondée sur le naturalisme, sous l’influence de Bastien- Lepage, sa peinture est très marquée par la constante référence à Velázquez, que Sorolla considère comme son grand maître. Cet apprentissage est enrichi par un coup de pinceau libre et lumineux, proche de l’impressionnisme, et par une interprétation de la lumière et de la couleur incroyablement vitaliste et novatrice. Ses compositions magistrales, informées par les nouvelles possibilités de cadrage de la photographie, ainsi que par l’influence de l’estampe japonaise, nous captivent par leur spontanéité, leur immédiateté et leur modernité. L’exposition de l'Hôtel de Caumont aborde la manière dont Sorolla a construit son œuvre, s’attachant à trois questions fondamentales : le processus créatif de l’artiste, les sources de ses principaux sujets de son œuvre et leur évolution au sein de sa production. Aux côtés d’œuvres ambitieuses de grand format, sont exposés de petits dessins et esquisses à l’huile, qui éclairent d'une lumière nouvelle sa conception de l'art, dont le trait principal est la luminosité et la spontanéité.

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Essentielles dans son processus de travail, ces esquisses de petits formats lui permettent de cerner les sujets qu’il explore, de tester des compositions ou des combinaisons de couleurs. L'exposition est aussi l'occasion de découvrir le caractère infatigable, quasi obsessionnel de son travail, et la manière dont Sorolla a élaboré son style le plus personnel. Commissariat : María López Fernández Docteure en histoire de l’art, spécialiste de la peinture des XIXe et XXe siècles, María López Fernández a assuré le commissariat de plusieurs expositions sur Sorolla telles que Sorolla. Jardins de lumière (Ferrare, Grenade, Madrid, 2012-2013) ; Sorolla à Paris (Munich, Giverny, Madrid 2016-2017) ; Sorolla. Un jardin à peindre (Séville, Valence, Madrid 2017-2018) et À la chasse aux impressions. Sorolla en petit format (Madrid, 2019). Elle a aussi rédigé des articles scientifiques pour les catalogues de ces expositions ainsi que pour les ouvrages Clotilde de Sorolla (Madrid 2012) et Sorolla et les Etats- Unis (Dallas, San Diego, Madrid 2013-2014). JOAQUÍN SOROLLA, LUMIÈRES ESPAGNOLES HÔTEL DE CAUMONT - CENTRE D'ART - AIX-EN- PROVENCE - 30 AVRIL – 11 OCTOBRE 2020. Félix José Hernández.

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Mentira y sueño de Franco en el Círculo de Bellas Artes de Madrid

Madrid, 20 de febrero de 2020. Querida Ofelia: El Círculo de Bellas Artes ha presentado esta mañana la exposición, Antonio Saura: Mentira y sueño de Franco . Cuarenta y un dibujos realizados por Antonio Saura entre 1958 y 1962, que permanecieron muchos años ocultos “por motivos obvios”, escribió Saura, y que “solamente algunos amigos los conocieron en su momento”. El artista nunca los pudo ver expuestos (la serie se mostró parcialmente por primera vez en el Musée d’art moderne de Toulouse, en noviembre de 2005). Se trata, como ha destacado durante su intervención el director del Círculo, Valerio Rocco, “de la primera vez que se expone la serie completa, como conjunto único, de

35 Desde las orillas del Sena estos dibujos de Saura”, que constituyen un ejemplo claro de la “crítica política a través del arte”. Realizados con técnicas mixtas, con predominio del aguado, la tinta china y la mina de plomo, los dibujos hacen referencia a un acontecimiento, una anécdota o una persona vinculados directamente al franquismo, la Guerra Civil y la persona de Franco. Todos llevan un título escrito por Saura a mano en el anverso de la obra que se refiere específicamente al suceso ilustrado (Multitudes, Acumulaciones, Señoritas y caballeros, Retratos imaginarios de Goya ...). Esta serie se inscribe en la estela de Los desastres de la guerra, de Goya, y de Sueño y mentira de Franco , de Picasso, que son, para el historiador Bartolomé Bennassar, ejemplos de la “tradición española del panfleto político”. Para Saura hay otro paralelismo que les une; consideraba que su serie había perdido efectividad política al no haberse divulgado tras su creación. “Quizá estos dibujos no hubieran podido surgir en otro momento y probablemente tampoco en otro lugar, pero también es cierto que lo restringido de su difusión los hizo inoperantes. Un consuelo: ni los Desastres de la guerra de Goya ni el Sueño y mentira de Franco de Picasso ayudaron efectivamente a la caída del despotismo”, escribió el artista. Por otra parte, Marina Saura ha subrayado la vigencia que mantiene la obra de su padre, una obra que

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“sobrevive porque mantiene el estilo “Saura”. Además, ha asegurado que no hay mejor lugar para exponer estos dibujos de Antonio Saura que la Sala Goya del Círculo, un lugar al que tiene especial cariño (el CBA le otorgó la Medalla de Oro a su padre en 1999). Junto a la exposición se publica también el libro Menti ra y sueño de Franco (Georg Editeur y Archives Antonio Saura). En él encontramos textos de Eduardo Arroyo y Bartolomé Bennasar. Arroyo eligió los dibujos de Saura que le inspiraron de esta serie para escribir los dieciséis textos que los acompañan e ilustran. Eduardo Arroyo es también el autor de la portada, un collage con una foto del militar con unos ojos pintados por Saura. Por su parte, en el texto titulado “La mirada de un historiador”, Bennasar sitúa cada dibujo, a través de un detallado análisis, en su contexto histórico.

También se presenta Sobre Picasso, un libro (Abada Editores) que Antonio Saura dedicó a Pablo Picasso y en el que ofrece las claves para una nueva lectura del pintor malagueño. Entre otros, recoge los textos: Contra el Guernica o la inédita Carta imaginaria a Pablo Picasso. Antonio Saura en La Caja Negra Fernando Cordero, director de la galería La Caja Negra, ha presentado también FOTO-GRAFÍA 1962, un conjunto de trabajos inéditos de Antonio Saura realizados a principios de los años sesenta. Estos trabajos quedaron

37 Desde las orillas del Sena registrados por el artista en su bitácora bajo el título Foto-Grafía y listos para una producción que no se realizó. Se trata de una serie de superposiciones sobre fotografías intervenidas que muestran una gran capacidad innovadora y experimental dentro de su trayectoria. En palabras de Marina Saura, hija del pintor y responsable de la Fundación Archivo Antonio Saura, la serie que puede verse en la galería La Caja Negra de Madrid “es el resultado de un experimento que sobrevivió a catástrofes, permaneció dentro de una caja durante largos años, fue exhumado en 2005, se imprimió en 2015 y, por fin, se expone por primera vez en 2020”. Los lunes, al Círculo Como complemento a la exposición, Valerio Rocco ha anunciado que el próximo lunes, 2 de marzo, se celebrará la conferencia “¿Culpables de ser inocentes? Abstracción, dictadura y democracia”, a cargo de Manuel Fontán. El foco se podrá en la lógica de las relaciones entre el arte y la política, en general, y en el caso de la España de la dictadura y la transición a la democracia. en la conferencia se ahondará y analizará críticamente cómo parte de la teoría del arte y la historiografía más recientes han entendido –o malentendido– las íntimas relaciones entre el arte y el poder. La escritora Almudena Grandes protagonizará otra charla acerca de Antonio Saura el próximo 23 de marzo.

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Ambas conferencias forman parte del ciclo Los lunes, al Círculo, un espacio de debate, conjunto y periódico, basado en la programación del Círculo de Bellas Artes. ANTONIO SAURA Mentira y sueño de Franco 19.02.2020 > 17.05.2020 Círculo de Bellas Artes (Sala Goya). Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid, Félix José Hernández.

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William Turner de la Collection de la Tate, au Musée Jacquemart-André

J. M. W. Turner (1775 – 1851), Vue des gorges de l’Avon, 1791, crayon, encre et aquarelle sur papier, 23,1 x 29,4 cm Tate, accepté par la nation dans le cadre du legs Turner 1856, Photo © Tate

Paris le 22 février 2020.

En 2020, le musée Jacquemart-André présente une rétrospective de Joseph Mallord William Turner (1775- 1851). Incontestablement le plus grand représentant de l’âge d’or de l’aquarelle anglaise, il en exploita les effets

40 Desde las orillas del Sena de lumière et de transparence sur les paysages anglais ou les lagunes vénitiennes.

Grâce aux prêts exceptionnels de la Tate Britain de Londres, qui abrite la plus grande collection de Turner au monde, le musée Jacquemart-André accueille une exposition de 60 aquarelles et quelque 10 peintures à l’huile, dont certaines n’ont jamais été présentées en France.

Outre ses œuvres achevées destinées à la vente, Turner conservait pour lui-même un fonds considérable d’œuvres, laissé à sa mort dans sa maison et dans son atelier. Avec leur caractère propre, ces esquisses, plus expressives et expérimentales, sont certainement plus proches de sa vraie nature que celles peintes pour le public. Au total, après la mort de l’artiste, la nation britannique en 1856 reçoit un legs immense comprenant d’une centaine de peintures à l’huile, des études inachevées et des ébauches, ainsi que des milliers d’œuvres sur papier : aquarelles, dessins et carnets de croquis. L’écrivain John Ruskin, l’un des premiers à avoir étudié l’ensemble de ce legs, observa que Turner avait réalisé la plupart de ces oeuvres « pour son propre plaisir ». Aujourd’hui conservé à la Tate Britain, ce fonds révèle toute la modernité de ce grand peintre romantique. L’exposition dévoile une partie de ce fonds intime qui

41 Desde las orillas del Sena offre des points de vue uniques sur l’esprit, l’imagination et la pratique privée de Turner.

Cette monographie évoque le jeune Turner, issu d’un milieu modeste. D'abord autodidacte, il travaille chez un architecte, prend des cours de perspective et de topographie, puis entre à l'école de la Royal Academy à l'âge de quatorze ans. Insatiable voyageur, il s'affranchit progressivement des conventions du genre pictural et met au point sa propre technique.

Un parcours chronologique permet de suivre pas à pas son évolution artistique : de ses oeuvres de jeunesse d’un certain réalisme topographique, aux oeuvres de sa maturité, plus radicales et accomplies, fascinantes expérimentations lumineuses et colorées.

Associées ici à quelques aquarelles achevées et peintures à l’huile pour illustrer leur influence sur la production publique de Turner, ces œuvres très personnelles demeurent aussi fraîches et spontanées que lorsqu’elles sont nées sur le papier.

L'Institut de France

Créé en 1795, l’Institut de France a pour mission de proposer aux cinq Académies (française, inscriptions et belles-lettres, sciences, beaux-arts, sciences morales et politiques) un cadre harmonieux pour travailler au

42 Desde las orillas del Sena perfectionnement des lettres, des sciences et des arts, à titre non lucratif. Grand mécène, il encourage la recherche et soutient la création à travers la remise de prix, de bourses et de subventions (plus de 23 millions d’euros distribués chaque année par le biais de ses fondations abritées). Placé sous la protection du président de la République, il est également le gardien d'un important patrimoine, à commencer par le Palais du quai de Conti, quatre bibliothèques dont la bibliothèque Mazarine, ou encore de nombreuses demeures et collections qui lui ont été léguées depuis la fin du XIXe siècle. Parmi elles se trouvent le musée Jacquemart- André, le château de Chantilly, l’abbaye de Chaalis, le château de Langeais, le manoir de Kerazan ou encore la villa Kérylos.

Turner, peintures et aquarelles. Collections de la Tate Commissariat : David Blayney Brown, conservateur senior de l’art britannique du XIXe siècle à la Tate Britain de Londres. Pierre Curie, conservateur du musée Jacquemart-André. Exposition réalisée en collaboration avec la Tate, Londres. Musée Jacquemart-André - Institut de France.158 Boulevard Haussmann, 75008 Paris. Dates : 13 mars - 20 juillet 2020. Horaires : 10h-18h. Nocturne les lundis jusqu'à 20h30.

Félix José Hernández.

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Una nuova rassegna del Festival “Da Firenze all’Europa”

Firenze, 19 febbraio 2020

Una nuova rassegna del Festival “Da Firenze all’Europa”, frutto della collaborazione tra l’Associazione Musica con le Ali e le Gallerie degli Uffizi, torna ad animare la Sala Bianca di Palazzo Pitti

44 Desde las orillas del Sena con un ricchissimo programma di concerti programmati dal 25 al 29 febbraio.

Protagonisti i giovani talenti sostenuti dall’Associazione Musica con le Ali insieme a celebri e affermati interpreti di fama internazionale, in una kermesse che di edizione in edizione promuove l’unione e la reciproca valorizzazione della grande musica classica, dei suoi talentuosi interpreti e del patrimonio culturale italiano.

Il Festival “Da Firenze all’Europa” rappresenta per i giovani musicisti sostenuti dall’Associazione un’opportunità concreta di visibilità e di crescita professionale, e per il pubblico un’esperienza di altissimo livello culturale ed emozionale, accessibile liberamente presentando il biglietto di ingresso al Museo.

Ecco il programma in dettaglio. Si parte martedì 25 febbraio alle ore 16 con il concerto di Ludovica Rana (violoncello) e di Maddalena Giacopuzzi (pianoforte) che eseguiranno musiche di Brahms, Debussy e Chopin. Mercoledì 26 febbraio alle ore 16 si svolgerà il concerto di Gaia Gaibazzi (clarinetto) e di Claudio Laureti (viola), che si esibiranno insieme al celebre pianista Giuseppe Andaloro con musiche di Lovreglio, Schumann, Bassi e Mozart. Giovedì 27 febbraio alle ore 11.30 la violoncellista Lorenza Baldo si esibirà con il pianista Filippo Gamba eseguendo brani di Brahms, Schumann e

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Janáček. Nella stessa giornata, alle ore 16, si terrà il concerto del cornista Martin Owen insieme a Fabiola Tedesco (violino) e Giovanni Bertolazzi: in programma musiche di Beethoven e Ligeti. Anche venerdì 28 febbraio gli appuntamenti saranno due, uno mattutino e uno pomeridiano. Ad iniziare alle ore 11.30 saranno il violinista Indro Borreani e la pianista Clarissa Carafa, che eseguiranno brani di Wieniawski, Grieg, Paganini e Brahms; seguirà, alle ore 16, il concerto del violoncellista Enrico Dindo e della pianista Martina Consonni, che suoneranno Beethoven e Chopin. Sabato 29 febbraio alle ore 11.30 si esibiranno la violinista Francesca Dego e le due musiciste Fabiola Tedesco (violino) e Martina Consonni (pianoforte), eseguendo un programma che spazia da Debussy a Prokofiev, a Poulenc, a Shostakovich. Arriviamo dunque al concerto conclusivo delle ore 16, che vedrà protagonista la pianista Ludovica De Bernardo, che eseguirà musiche di Dvořák e di Mozart accompagnata dall’Ensemble Musica con le Ali, composto da musicisti affermati che si esibiscono insieme ai giovani interpreti sostenuti dall’Associazione, intervenendo come sostegno sinfonico nella proposta di capolavori del repertorio per solista e orchestra. Si tratta di una formazione variabile che in questa rassegna del Festival è composta dai violinisti Leonardo Matucci e Alessia Pazzaglia, dalla violista Camilla Insom, dalla violoncellista Valeria Brunelli e dal contrabbassista Pietro Horvath.

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“Per la terza edizione consecutiva - commenta il direttore delle Gallerie degli Uffizi Eike Schmidt – si rinnova la collaborazione con l’associazione Musica con le Ali per la rassegna che coinvolge sempre più fiorentini e forestieri. Anche quest’anno dal 25 al 29 febbraio Palazzo Pitti si riempirà di musica con i concerti in sala Bianca. Un’esperienza unica che rinnova quel legame profondo tra arte e musica che trovano il connubio perfetto nella Reggia granducale di Palazzo Pitti”.

“Siamo veramente orgogliosi - dichiara Carlo Hruby, Presidente dell’Associazione Musica con le Ali – di presentare in questa nuova rassegna del Festival “Da Firenze all’Europa” tanti giovani musicisti di grande bravura, che hanno la possibilità di esprimere il proprio talento in un contesto di straordinario fascino e valore culturale, insieme a musicisti affermati che costituiscono per loro un modello e un esempio di eccellenza. Un grazie particolare al Direttore Eike Schmidt, che ha dimostrato da sempre una grande attenzione e sensibilità nel progetto di Musica con le Ali, e che ha permesso il compiersi di questo straordinario connubio tra grande musica, giovani talenti e patrimonio artistico”.

ASSOCIAZIONE CULTURALE MUSICA CON LE AL - L’Associazione Musica con le Ali, costituita a Milano nel 2016, rappresenta una realtà di Patronage Artistico unica nel suo genere in Italia e all’estero. Sostiene e

47 Desde las orillas del Sena promuove i migliori giovani talenti italiani della musica classica offrendo loro importanti opportunità di crescita professionale e di visibilità. Per raggiungere questo obiettivo, Musica con le Ali supporta il percorso formativo dei giovani interpreti aiutandoli ad affermarsi nella propria professione attraverso molteplici iniziative in collaborazione con le principali istituzioni culturali e musicali.

Le attività dell’Associazione Musica con le Ali spaziano dall’organizzazione di concerti in luoghi di grande prestigio al sostegno di masterclass di specializzazione, supporto per il prestito di importanti strumenti da parte di mecenati, inserimento di giovani musicisti in festival, rassegne e stagioni concertistiche, fino alla realizzazione d incisioni discografiche con le principali etichette e supporto nella comunicazione, per dare visibilità agli artisti e per valorizzare le loro capacità.

Per ciascun musicista, in particolare, viene concordato un supporto personalizzato in base alle sue esigenze, caratteristiche e attitudini, per aiutarlo a raggiungere i suoi obiettivi in campo musicale

AL VIA LA NUOVA RASSEGNA DEL FESTIVAL “DA FIRENZE ALL’EUROPA”

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Dal 25 al 29 Febbraio. Sala Bianca di Palazzo Pitti – Firenze.

Opera Laboratori Fiorentini. Ufficio Stampa - Firenze Musei.

Andrea Acampa. Palazzo Pitti, Piazza Pitti, 1 – 50125 Firenze.

Félix José Hernández.

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Versailles revival à la charnière des XIXe et XXe siècles

L'impératrice Eugénie par Franz Xaver Winterhalter (1857).

Versailles le 24 février 2020.

À la charnière des XIXe et XXe siècles, le château de Versailles connaît un moment crucial de son histoire. Cent ans après la Révolution française, à l’aube de la « Belle Époque », un phénomène spectaculaire d’engouement, de nostalgie, de curiosité et de passion se développe autour du Versailles de l’Ancien régime. À travers près de 350 oeuvres, documents et photographies, l’exposition retrace ce moment surprenant de l’histoire de l’art où Versailles prend place parmi les grands motifs littéraires, picturaux et musicaux, tandis que s’engage un grand programme de restauration et de remeublement du

50 Desde las orillas del Sena château. On rêve de Marie-Antoinette en même temps que la République réunit ses assemblées à Versailles et y reçoit les souverains étrangers. Les jardins accueillent fêtes aristocratiques et tourisme populaire. Des artistes de toutes origines, peintres, photographes, illustrateurs, s’emparent du lieu et de petits Versailles fleurissent à travers le monde.

Dès le Second Empire, les prémices de ce nouvel engouement se manifestent avec l’impératrice Eugénie et sa vénération pour Marie-Antoinette. Mais c’est à la fin du siècle que la fascination gagne les milieux artistiques et littéraires. Marcel Proust redécouvre ce « Versailles, grand nom rouillé et doux, royal cimetière de feuillages, de vastes eaux et de marbres, lieu véritablement aristocratique et démoralisant, où ne nous trouble même pas le remords que la vie de tant d’ouvriers n’y ait servi qu’à affiner et qu’à élargir moins les joies d’un autre temps que les mélancolies du nôtre ».

La peinture historiciste, déjà en vogue depuis le début du XIXe siècle, connaît un essor spectaculaire à cette époque et trouve certains de ses plus beaux sujets à Versailles. Le mobilier et les arts décoratifs déclinent les grands exemples royaux. Après l’exemple de Louis II de Bavière, le palais sert de modèle aux résidences de Boni de Castellane comme d’Alva Vanderbilt, et jusqu’au paquebot France de 1912 surnommé « le Versailles des

51 Desde las orillas del Sena mers ». D’incroyables fêtes font revivre Trianon. Sarah Bernhardt se produit au château à l’occasion de la visite du tsar Nicolas II en 1896. Une société hors du temps se constitue autour du monument-symbole, avec ses figures mondaines, la comtesse Greffulhe et Robert de Montesquiou ; ses écrivains, Marcel Proust, Henri de Régnier ; ses musiciens, Reynaldo Hahn, Gabriel Fauré ; ses peintres : Paul Helleu ou Giovanni Boldini ; son paysagiste attitré, Achille Duchêne.

Cette vague d’enthousiasme accompagne le travail acharné auquel vont se livrer, à cette époque, les conservateurs du château pour lui rendre sa splendeur perdue et le rapprocher de son état de l’Ancien Régime, au détriment du musée historique inauguré en 1837 par Louis-Philippe. Pierre de Nolhac, directeur du musée de 1892 à 1920, est la grande figure de cette entreprise. L’exposition, présentée dans les salles d’Afrique et de Crimée, met en tension ces deux histoires parallèles. D’un côté la chronique de cette « résurrection » du château, pour reprendre le titre des mémoires de Pierre de Nolhac ; de l’autre, ce moment étonnant de l’histoire de l’art où Versailles inspire les peintres les plus divers, du Russe Alexandre Benois à Georges Rouault en passant par Gaston la Touche, Lucien Lévy-Dhurmer et Henri Le Sidaner, mais aussi des photographes comme Eugène Atget, Edward Steichen et Man Ray.

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Le château de Versailles retrouve, au tournant du XXe siècle, un éclat royal et aristocratique en même temps qu’une popularité nouvelle. Le cinéma s’en empare dès ses débuts, le tourisme s’intensifie, la mode s’en inspire. Les grandes eaux, qui n’ont jamais perdu de leur attrait au cours du XIXe siècle, deviennent une destination pour les foules et dès 1937 le château franchira le million de visiteurs. https://www.youtube.com/watch?v=axBUKvjGwU4&fea ture=emb_logo Félix José Hernández.

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Eterna belleza di Canova

Antonio Canova - Danzatrice mani sui fianchi, 1806-1812 Marmo, 179x76x67 cm The State Hermitage (San Pietroburgo)* Photograph © The State Hermitage Museum, 2019 Foto di Alexander Lavrentyev.

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Roma, 24 febbraio 2020.

Una mostra-evento incentrata sul legame tra Antonio Canova e la città di Roma, con oltre 170 opere e prestigiosi prestiti da importanti Musei e collezioni italiane e straniere.

Incorniciate all’interno di un allestimento di grande impatto visivo, oltre 170 opere di Canova e di alcuni artisti a lui coevi animano le sale del Museo di Roma in Palazzo Braschi. L’esposizione racconta in 13 sezioni l’arte canoviana e il contesto che lo scultore trovò giungendo nell’Urbe nel 1779.

Attraverso ricercate soluzioni illuminotecniche, lungo il percorso espositivo è rievocata la calda atmosfera a lume di torcia con cui l’artista, a fine Settecento, mostrava le proprie opere agli ospiti, di notte, nell’atelier di via delle Colonnette.

A definire la trama del racconto, importanti prestiti provenienti, fra l’altro, dall’Ermitage di San Pietroburgo, i Musei Vaticani, la Gypsotheca e Museo Antonio Canova di Possagno, il Museo Civico di Bassano del Grappa, i Musei Capitolini, il Museo Correr di Venezia, il Museo Archeologico Nazionale di Napoli, le Accademie di Belle Arti di Bologna, di Carrara e di Ravenna, l'Accademia Nazionale di San Luca, il Musée

55 Desde las orillas del Sena des Augustins di Tolosa, i Musei di Strada Nuova- Palazzo Tursi di Genova, il Museo Civico di Asolo.

LA MOSTRA

Dai tesori dei Musei Capitolini a quelli dei Musei Vaticani, dalle raccolte dei Farnese e dei Ludovisi ai marmi inseriti nel contesto urbano dell’epoca, furono tantissime le opere che l’artista - rapito dal loro fascino - studiò minuziosamente, rendendole testimoni e protagoniste del suo stretto rapporto con la città. In mostra si ripercorrono gli itinerari compiuti dallo scultore alla scoperta di Roma, sin dal suo primo soggiorno. Sorprendenti, ad esempio, le sue parole di ammirazione nei confronti del gruppo di Apollo e Dafne di Bernini, visto a Villa Borghese, e riportate nei suoi Quaderni di viaggio.

È inoltre possibile approfondire, attraverso la presentazione di disegni, bozzetti, modellini e gessi, anche di grande formato, il lavoro dell’artista per i grandi Monumenti funerari di Clemente XIV e di Clemente XIII, e per il Monumento agli ultimi Stuart; spicca tra essi, per la grande qualità esecutiva, il marmo del Genio funerario Rezzonico concesso in prestito dall’Ermitage di San Pietroburgo e il modellino del Monumento Stuart della Gypsotheca di Possagno.

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SEZIONI

1. 1779: Canova a Roma 2. La nascita del nuovo stile tragico 3. Canova e la Repubblica romana 4. Ercole e Lica 5. I Pugilatori 6. Il teorema perfetto: Antico e Moderno a confronto 7. Canova e l’Accademia di San Luca 8. Canova, Ispettore delle Belle Arti 9. Canova e i busti del Pantheon 10. Ultime opere per Roma 11. Lo studio di Canova 12. La Danzatrice 13. Morte e glorificazione

CANOVA TRA LETTERATURA E POLITICA

La mostra affronta anche il rapporto tra lo scultore e la letteratura del suo tempo: una piccola sezione è dedicata alla relazione tra Canova e Alfieri, la cui tragedia Antigone, andata in scena a Roma nel 1782, presenta più di uno spunto di riflessione in rapporto alla rivoluzione figurativa canoviana.

Fieramente antigiacobino, Canova abbandonò Roma all’epoca della Repubblica alla fine del Settecento per rifugiarsi nella natia Possagno. Dipinti, sculture, disegni e incisioni documentano in mostra quel momento che

57 Desde las orillas del Sena vide la fine provvisoria del potere temporale del papato con l’esilio di Pio VI Braschi. Canova fu incaricato di scolpire la statua di Pio VI, da collocare inizialmente sotto l’altare della Confessione nella Basilica Vaticana, quindi spostata nelle Grotte Vaticane: in mostra - all’interno del palazzo edificato a fine Settecento proprio per i nipoti di Papa Braschi - è possibile ammirare un modellino per il monumento.

Nell’ultima sala della mostra, uno dei marmi più straordinari di Canova: la Danzatrice con le mani sui fianchi, proveniente da San Pietroburgo. Gira sulla sua base, come Canova desiderava, per di più in un ambiente rivestito di specchi. Si ripete il mito di Pigmalione, innamorato della sua statua, Galatea, che si anima: da marmo diventa carne.

Il percorso espositivo è arricchito da inedite installazioni multimediali appositamente progettate.

UNA MOSTRA NELLA MOSTRA: FOTOGRAFIE CANOVIANE DI MIMMO JODICE

Attraverso 30 fotografie di Mimmo Jodice che ritraggono i marmi di Antonio Canova, il pubblico può ammirare le opere dello scultore attraverso lo sguardo di uno dei più grandi maestri della fotografia. Jodice è riuscito a offrirne una rilettura del tutto inedita e sorprendente, creando una serie di immagini che si sono da subito imposte come una

58 Desde las orillas del Sena delle più emozionanti espressioni della fotografia contemporanea. Le immagini sono una vera e propria mostra nella mostra, offrendo un’occasione unica per accostarsi allo scultore guidati dalla creatività di un grande artista di oggi.

AMORE E PSICHE - L’ARTE INCONTRA LA TECNOLOGIA by Magister con Robotor

Magister presenta la più contemporanea riproduzione in scala reale del gruppo scultoreo di Amore e Psiche giacente di Antonio Canova. A partire da una scansione 3d del gesso preparatorio della scultura oggi esposta al Louvre di Parigi, un robot ha scolpito incessantemente per 270 ore un blocco di marmo bianco di Carrara di 10 tonnellate.

L’installazione di grande potenza emotiva, ideata da Magister e realizzata in collaborazione con Robotor, apre una nuova sfida sui paradigmi della riproducibilità delle opere d’arte: la riproduzione è infatti da leggersi come forma di rispetto per il pensiero dell’artista ed esprime l’aspirazione contemporanea a valorizzarne ancora una volta l’estro creativo.

Ad accompagnare l’installazione, un documentario sulla realizzazione dell’opera e un racconto video della fiaba di Amore e Psiche di Apuleio, in un percorso tra spettacolo e approfondimento, un racconto sui testi di Giuliano

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Pisani, con la voce di Adriano Giannini e la musica originale del violoncellista Giovanni Sollima.

Catalogo Canova. Eterna bellezza Giuseppe Pavanello 23 x 28 cm, 348 pagine, 200 illustrazioni, edizione italiana brossura Editore: Silvana Editoriale Lingua: italiano

Informazioni

Luogo: Museo di Roma Orario : Dal 9 ottobre 2019 al 15 marzo 2020. La mostra è visitabile tutti i giorni dal lunedì alla domenica ore 10.00-19.00 la biglietteria chiude alle ore 18.00, tutti i sabati e le domeniche da novembre 2019 al 15 marzo 2020 orario di apertura prolungato fino alle ore 22.00 la biglietteria chiude alle 21.00.

Félix José Hernández.

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La gran exposición de la colección MUSAC por su 15 aniversario

Joana Vasconcelos, Burka, 2002.

León, 24 de enero de 2020.

Con el título de "Cinco itinerarios con un punto de vista", la exposición ofrece la posición del museo en torno a cinco grandes temas relevantes en las prácticas artísticas contemporáneas, a través de un centenar de obras de artistas nacionales e internacionales pertenecientes a la Colección MUSAC y de una selección de materiales de la colección del Centro de Documentación. Con motivo de la inauguración, que tendrá lugar mañana sábado de 17:00 a 21:00 horas, la entrada al museo será gratuita

61 Desde las orillas del Sena todo el fin de semana y se ofrecen visitas guiadas a los diferentes apartados de la muestra con sus comisarios.

El director de la Fundación Siglo para el Turismo y las Artes de Castilla y León, Juan González-Posada, y el director del MUSAC, Manuel Olveira, han presentado hoy en rueda de prensa la exposición "Cinco itinerarios con un punto de vista. Colección MUSAC", que se abrirá al público mañana, sábado 25 de enero. La muestra, que podrá visitarse en la totalidad de los más de 3.000 m2 de espacio expositivo del museo hasta el próximo 7 de junio, marca el inicio de la celebración del 15 aniversario del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León desde su inauguración el 1 de abril de 2005.

La exposición presenta en torno a un centenar obras de diferentes medios -instalación, fotografía, vídeo, escultura o dibujo- de 84 artistas nacionales e internacionales pertenecientes a la Colección MUSAC, así como una extensa selección de ediciones especiales, libros de artista, fanzines y otros materiales procedentes de la colección del Centro de Documentación. "Cinco itinerarios con un punto de vista" supone la decimocuarta muestra temática de fondos propios celebrada en el museo desde su inauguración, y la cuarta ocasión en la que la colección se exhibe en todo el espacio expositivo del centro, tras "Emergencias" (2005), "Existencias" (2007), y "Modelos para armar" (2010).

62 Desde las orillas del Sena

Las obras expuestas se estructuran a través de cinco itinerarios que se corresponden con cinco temas relevantes en las prácticas artísticas contemporáneas que han guiado, entre otros, el incremento de la colección y la programación del museo desde 2013, año en el que Manuel Olveira (Porto do Son, A Coruña, 1964) asumió la dirección del centro. Se trata de la exploración de las prácticas feministas y de la construcción de los cuerpos e identidades, de las temáticas postcoloniales y decoloniales, del trabajo con el contexto y la acción situada, de los archivos y la escritura expandida en su relación con las artes visuales, y de las publicaciones especiales y los libros de artista.

A lo largo de estos apartados podrán verse obras de Daniel G. Andújar, Luis Camnitzer, Rineke Dijkstra, Dora García, Jenny Holzer, Isaac Julien, Ana Mendieta, Muntean / Rosenblum, Shirin Neshat, Néstor Sanmiguel, o Joana Vasconcelos, entre muchos otros.

La exposición incluye un punto de vista, el del propio museo, que se inserta en un contexto histórico y cultural preciso, del que la institución forma parte. Aunque las cinco temáticas que vertebran Cinco itinerarios con un punto de vista ejemplifican bien la labor del MUSAC durante los últimos años, no muestran todas las líneas de acción emprendidas para dar cuenta del complejo devenir de las artes y la sociedad en este principio de mileno.

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Son, eso sí, una cata prospectiva de asuntos que, o bien han marcando nuestro pasado inmediato, o bien indican algunos retos y vías de transformación para el futuro, o muestran la capacidad del arte para reflexionar en torno al presente y para pensarse a sí mismo y a la ciudadanía de manera crítica.

Paralelamente a la muestra, que podrá visitarse hasta el 7 de junio, la programación de actividades culturales y educativas del museo entre febrero y junio de 2020 estará dedicada al análisis y difusión de la Colección MUSAC a través de una nueva edición del curso de Cultura Contemporánea, de talleres y actividades con artistas y agentes culturales, artes en vivo, y una activa programación infantil y familiar, que se completará durante el mes de abril con una programación especial de aniversario.

Una colección dedicada a las prácticas artísticas contemporáneas

"Cinco itinerarios con un punto de vista" hace hincapié uno de los mayores activos del museo: su extensa colección, que cuenta con más de mil obras de 426 artistas nacionales e internacionales, a las que se suman las 291 obras de la Colección de Arte Contemporáneo de la Junta de Castilla y León, depositada en el museo, y libros de artista y ediciones especiales que forman la colección del Centro de Documentación.

64 Desde las orillas del Sena

El acervo del museo, que comenzó a construirse en el año 2003, se compuso inicialmente de obras posteriores a 1989, año de la caída del muro de Berlín y de la reestructuración política de Europa. En 2013 el marco temporal se amplía hasta finales de los años 60, ya que en torno a estos años tuvieron lugar una serie cambios políticos, sociales, culturales y tecnológicos que configuran el germen de el escenario global de nuestros días y que sientan las bases de la creación artística contemporánea, permitiendo completar los discursos presentes en los fondos del museo.

En la Colección MUSAC están representados artistas internacionales, nacionales y un buen número de autores de Castilla y León, en el empeño por mostrar el más amplio espectro posible de maneras de entender la creación contemporánea de una manera situada que conteste la dinámica centro-periferia.

Un recorrido a través de la creación contemporánea en cinco grandes temas

"Cinco itinerarios con un punto de vista" se compone de cinco recorridos temáticos, distribuidos en la totalidad del espacio expositivo del museo:

El recorrido "Dinámica relacional. Contexto y acción situada", que podrá visitarse en la sala 2, responde a la voluntad del museo de inserción en el contexto al que

65 Desde las orillas del Sena sirve y de construcción del mismo a través tanto de la programación como de la Colección MUSAC, creando puentes de comunicación entre las artes, las expectativas o subjetividades de diferentes públicos y las cuestiones significativas que definen al entorno castellano y leonés. En este sentido, podrán verse trabajos surgidos de proyectos con comunidades desarrollados desde el MUSAC como el LAAV_, Laboratorio de Antropología Audiovisual Experimental o La rara troupe; así como obras de artistas como Abelardo Gil Fournier, Daniel G. Andújar, Luis Melón, Asunción Molinos Gordo o herman de vries, entre otros, producidas en el marco de proyectos vinculados al contexto como "Capital" (2011), "Sector primario" (2015), "chance & change" (2017) o "Región (Los relatos") (2017).

"Performar el género. Corporalidades y feminismos" ocupará la Sala 3 y mostrará una selección de obras relacionadas genéricamente con el cuerpo, la subjetividad o la identidad entendidos como territorios políticos, así como con prácticas feministas que desentrañan el papel subalterno de la mujer o de las minorías políticas en el orden patriarcal. De forma más concreta, algunas de estas obras presentan el territorio ambiguo de la adolescencia y la paulatina concreción de la subjetividad (Muntean/Rosemblum, Rineke Dijkstra), los procesos de identificación (María José Gómez Redondo, Bene Bergado) o aquellos de reconocimiento de la

66 Desde las orillas del Sena construcción social de la identidad (Shirin Neshat, Marina Núñez), las obsesiones por encajar con los patrones estéticos (Sonia Lamur, Joan Morey) y las disidencias o reinvenciones que los liberan (Itziar Okariz, Equipo Palomar). También estarán presentes las presiones sociales, médicas y mediáticas ejercidas sobre el cuerpo, cuya máxima expresión es, entre otras, la crisis del sida, a la que se dedica una vitrina con una selección de materiales del Archivo VIH/sida.

La sala 4 acogerá el apartado "La matriz del poder. Teorías y prácticas decoloniales", que muestra una serie de obras que aluden a diferentes cuestiones relacionadas con temáticas postcoloniales y decoloniales en sus diferentes manifestaciones ideológicas, culturales, económicas y sociales: los procesos coloniales (Yto Barrada, Isaac Julien, Paloma Polo, Silvia Zayas, Chus Domínguez), la continuidad de los discursos subalternizantes o extractivistas (Coco Fusco y Paula Heredia, Rogelio López Cuenca), la deconstrucción de algunas prácticas educativas colonialistas (Declinación magnética), la inscripción corporal de los discursos suprematistas (Tatiana Parcero), la multiculturalidad como una forma neocolonial (Paco Cao), la crítica a la epistemología eurocéntrica (Yinka Shonibare), las fronteras y migraciones (Valeriano López, Chus Gutiérrez o Kapwani Kiwanga) y su corolario de xenofobia y racismo (Mujeres creando).

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"Escritura autónoma" es el título del apartado que podrá verse en el Laboratorio 987, dedicado a las interrelaciones entre las diferentes formas de escritura expandida y las artes visuales características de la escena experimental surgida en la década de los sesenta del siglo XX (Francisco Pino, José Luis Castillejo, Mangelos o Valcárcel Medina) que se despliega hasta hoy con múltiples maneras de explorar el lenguaje (Javier Pividal, Francesc Ruiz o Dora García). En ese momento emerge también un tipo de arte inmaterial, procesual, participativo, grupal y/o conceptual que deja tras de sí más documentación que obra (como en el caso de A UA CRAG). Por ello, las textualidades expandidas y los archivos son una parte fundamental para entender algunas de las vías de experimentación de la cultura a nivel global, con especial incidencia en Castilla y León.

El Proyecto Vitrinas mostrará una selección de materiales del Centro de Documentación del MUSAC, bajo el título de "Ni orden ni pulcritud. Libros y revistas de los años ochenta". Comisariado por Mela Dávila, el apartado ofrece un panorama de la variada y compleja producción editorial artística de una década durante la que convivieron fenómenos como el “regreso a la pintura” capitaneado por el neoexpresionismo, el análisis crítico de los medios de comunicación, o los lenguajes y formatos “pop”, como el punk, los grafiti y los fanzines, absorbidos gradualmente por la escena de la “alta

68 Desde las orillas del Sena cultura”. Muchos creadores emplearon libros, postales, carteles y otros soportes impresos como vehículos de expresión política, en respuesta a las crisis sociales de la década, en particular la segunda ola feminista y la pandemia del sida. En España, todo ello coincidió con la efervescencia de la movida, cuyas revistas y fanzines dan fe de un contexto en el que contestación política y superficialidad pop se entrecruzaban a menudo.

Actividades especiales en torno a Cinco itinerarios con un punto de vista con artistas y agentes culturales • Domingo 8 de marzo, 18:30 h. Performance Ya, por Sara Potxemutxka, artista. Con motivo del Día Internacional de la mujer, en relación al apartado de la exposición Performar el género. Corporalidades y feminismos. Sala 3. • Sábado 21 de marzo, 19:00. Actividad especial con Tomás Sánchez Santiago, poeta. En relación al apartado de la exposición Escritura autónoma. Archivos y textualidades expandidas. Laboratorio 987. • Martes 31 de marzo, 19:00 h. Performance São Tomé revisitado (8 años después), por Silvia Zayas, artista. En relación al apartado de la exposición La matriz del poder. Teorías y prácticas decoloniales. Sala 4. • Martes 14 de abril, 19:00h. Visita-charla Revistas independientes de los 80: de la manufactura, la fotocopia

69 Desde las orillas del Sena y el offset... al QuarkXPress con Eloísa Otero, periodista y poeta. En relación al apartado de la exposición Ni orden ni pulcritud. Libros y revistas de los años ochenta. Proyecto Vitrinas. • Miércoles 29 de abril, 19:00 h. Danza. Circula R con Paz Brozas, coreógrafa y bailarinas del Aula de Artes del Cuerpo de la Universidad de León. En relación al apartado de la exposición Performar el género. Corporalidades y feminismos. Sala 3. • Martes 12 de mayo, 19:00 h. Visita guiada. El sonido son los hilos que van de la tierra a la voz, con Abelardo Gil Fournier, artista. En relación al apartado de la exposición Dinámica relacional. Contexto y acción situada. Sala 2. • Martes 26 de mayo, 19:00 h. Charla-performance Mirar con las tripas, con Diego Delas, artista. En relación al apartado de la exposición Dinámica relacional. Contexto y acción situada. Sala 2 MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. Dpto. Comunicación y Prensa. Avda. Reyes Leoneses, 24. 24003, León. T. 987 091103. Un gran abrazo desde nuestra culta y querida España, Félix José Hernández.

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Jeremy Shaw au Centre Pompidou

Paris le 26 février 2020.

Depuis le milieu des années 2000, l’œuvre de l’artiste canadien Jeremy Shaw (né en 1977, basé à Berlin) s’est affirmé comme une entreprise originale mêlant des sources d’inspiration allant des croyances spirituelles aux neurosciences. Sa fascination pour les progrès scientifiques autour du cerveau et des mécanismes de la perception se double d’un intérêt pour les subcultures et la culture techno. Jeremy Shaw présente au Centre Pompidou sa première grande exposition muséale en France avec un projet immersif inédit, « Phase Shifting Index », qui s’inscrit dans la suite de sa série « Quantification Trilogy » dont le Centre Pompidou a acquis la vidéo « Liminals » en 2017, suite à son exposition à la Biennale d’art de Venise en 2017.

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À l’entrée, le visiteur découvre des photographies kaléidoscopiques reprenant des images de transes religieuses ou festives soumises à un processus d’éclatement et de fragmentation. À ces photographies produites pour l’exposition s’ajoute une grande installation conçue spécialement pour la Galerie 3 du Centre Pompidou. L’ensemble est composé de sept écrans vidéo montrant des groupes de danseurs exécutant des mouvements de type rituels et cathartiques jusqu’à se synchroniser dans un moment d’extase collective sur une seule et même bande sonore et visuelle. La musique, premier medium de l’artiste qui a été Dj et a enregistré sous le nom de Circlesquare, prend une part importante dans cette vaste chorégraphie. Les visages des performeurs se déforment ensuite grâce à un outil infographique. Confrontation des aspirations rationnelles et spirituelles dans une future ère posthumaine, l’installation vidéo « Phase Shifting Index » envoûte comme elle effraie, dissolvant les limites de l’image et du son, excitant les nerfs perceptifs du spectateur partagé entre une extase et une frayeur fascinée par elle-même. Le Centre Pompidou s’est associé au Swiss Institute, New York, au Museum of Old and New Art (Mona) et Dark Mofo, Hobart, Tasmanie et au Frankfurter Kunstverein pour coproduire le film présenté dans l’exposition et le montrer de concert, sous quatre formes différentes, à partir de février 2020 au Centre Pompidou, en avril au Swiss Institute (2 avril-14 juin 2020), en juin

72 Desde las orillas del Sena au Mona (5 juin 2020-5 avril 2021) et en septembre au Frankfurter Kunstverein (25 septembre 2020-17 janvier 2021). Le Centre Pompidou et le Swiss Institute se sont associés également pour coéditer la première monographie complète de l’artiste qui paraît en français et en anglais. Jeremy Shaw Phase Shifting Index 26 février – 20 avril 2020 Galerie 3, niveau 1. Dans le cadre de Mutations / Créations #4. Commissaire Christine Macel Avec la collaboration de Roxane Ilias Et d’Aurélien Bernard. Le Centre Pompidou 75191 Paris cedex 04 / T. 00 33 (0)1 44 78 12 33 Métro : Hôtel de Ville, Rambuteau / RER Châtelet-Les- Halles Horaires et Tarifs Exposition ouverte tous les jours de 11h à 21h, le jeudi jusqu’à 23h, sauf le mardi et le 1er mai 14 €, tarif réduit 11 € / Gratuit pour les moins de 18 ans. Les moins de 26 ans*, les enseignants et les étudiants des écoles d’art, ainsi que les membres de la Maison des artistes bénéficient de la gratuité pour la visite du Musée et d’un

73 Desde las orillas del Sena billet tarif réduit pour les expositions. Accès gratuit pour les adhérents du Centre Pompidou. Félix José Hernández.

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C'era una volta Sergio Leone all'Ara Pacis

Roma, 27 febbraio 2020.

Sergio Leone ha reso leggendario il racconto filmico della storia di miti come il West o l'America. Dopo oltre mezzo secolo, lui stesso è diventato mito: si chiama infatti "C'era una volta Sergio Leone", parafrasando i titoli dei suoi celebri film.

C’era una volta Sergio Leone: è il titolo evocativo della grande mostra all’Ara Pacis con cui Roma celebra, a 30 anni dalla morte e a 90 dalla sua nascita, uno dei miti assoluti del cinema italiano.

Promossa dall’Assessorato alla Crescita culturale di Roma Capitale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, l’esposizione arriva in Italia dopo il successo dello scorso anno alla Cinémathèque Française di Parigi,

75 Desde las orillas del Sena istituzione co-produttrice dell’allestimento romano insieme alla Fondazione Cineteca di Bologna.

La mostra è realizzata con il contributo del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e per il Turismo , in collaborazione con Istituto Luce - Cinecittà, Ministère de la culture (Francia), CNC – Centre national du cinéma et de l’image animée, SIAE e grazie a Rai Teche, Leone Film Group, Unidis Jolly Film, Unione Sanitaria Internazionale, Romana Gruppi Elettrogeni Cinematografici. Digital Imaging Partner: Canon. Sponsor tecnici: Italiana Assicurazioni, Hotel Eden Roma, Bonaveri. L’ideazione è di Equa di Camilla Morabito e il supporto organizzativo di Zètema Progetto cultura.

Il percorso espositivo – curato dal direttore della Cineteca di Bologna, Gian Luca Farinelli, in collaborazione con Rosaria Gioia e Antonio Bigini – racconta di un universo sconfinato, quello di Sergio Leone, che affonda le radici nella sua stessa tradizione familiare: il padre, regista nell’epoca d’oro del muto italiano, sceglierà lo pseudonimo di Roberto Roberti, e a lui Sergio strizzerà l’occhio firmando a sua volta Per un pugno di dollari con lo pseudonimo anglofono di Bob Robertson.

Nel suo intenso percorso artistico Sergio Leone attraversa il peplum, (filone cinematografico storico-mitologico), riscrive letteralmente il western e trova il suo culmine nel

76 Desde las orillas del Sena progetto di una vita: C’era una volta in America. A questo sarebbe seguito un altro film di proporzioni grandiose, dedicato alla battaglia di Leningrado, del quale rimangono, purtroppo, solo poche pagine scritte prima della sua scomparsa. Leone, infatti, non amava scrivere. Era, piuttosto, un narratore orale che sviluppava i suoi film raccontandoli agli amici, agli sceneggiatori, ai produttori, all’infinito, quasi come gli antichi cantori che hanno creato l’epica omerica. Ma ciò nonostante, il suo lascito è enorme, un’eredità creativa di cui solo oggi si comincia a comprendere la portata. I suoi film sono, infatti, “la Bibbia” su cui gli studenti di cinema di tutto il mondo imparano il linguaggio cinematografico, mentre molti dei registi contemporanei, da Martin Scorsese a Steven Spielberg, da Francis Ford Coppola a Quentin Tarantino, da George Lucas a John Woo, da Clint Eastwood ad Ang Lee continuano a riconoscere il loro debito nei confronti del suo cinema.

Le radici del cinema di Sergio Leone affondano, naturalmente, anche nell’amore per i classici del passato – in mostra i film dei giganti del western, da John Ford a Anthony Mann – e rivelano un gusto per l’architettura e l’arte figurativa che ritroviamo nella costruzione delle scenografie e delle inquadrature, dai campi lunghi dei paesaggi metafisici suggeriti da De Chirico, all’esplicita citazione dell’opera Love di Robert Indiana, straordinario simbolo, in C’era una volta in America, di un

77 Desde las orillas del Sena inequivocabile salto in un’epoca nuova. Per Leone la fiaba è il cinema. Il desiderio di raccontare i miti (il West, la Rivoluzione, l’America) utilizzando la memoria del cinema e la libertà della fiaba, entra però sempre in conflitto con la sua cultura di italiano che ha conosciuto la guerra e attraversato la stagione neorealista. A partire da Per qualche dollaro in più Leone può permettersi di assecondare la sua fascinazione per il passato e la sua ossessione documentaria per il mito curando ogni minimo dettaglio. Perché una favola cinematografica, per funzionare, deve convincere gli spettatori che quello che vedono stia accadendo realmente.

Grazie ai preziosi materiali d’archivio della famiglia Leone e di Unidis Jolly Film i visitatori entreranno nello studio di Sergio, dove nascevano le idee per il suo cinema, con i suoi cimeli personali e la sua libreria, per poi immergersi nei suoi film attraverso modellini, scenografie, bozzetti, costumi, oggetti di scena, sequenze indimenticabili e una costellazione di magnifiche fotografie, quelle di un maestro del set come Angelo Novi, che ha seguito tutto il lavoro di Sergio Leone a partire da C’era una volta il West.

Seguendo queste tracce, la mostra C’era una volta Sergio Leone sarà quindi suddivisa in diverse sezioni: Cittadino del cinema, Le fonti dell’immaginario, Laboratorio Leone, C’era una volta in America, Leningrado e oltre,

78 Desde las orillas del Sena dedicata all’ultimo progetto incompiuto, L’eredità Leone. Sarà inoltre pubblicato dalle Edizioni Cineteca di Bologna il volume La rivoluzione Sergio Leone, a cura di Christopher Frayling e Gian Luca Farinelli.

Informazioni

Luogo Museo dell'Ara Pacis Orario

Dal 17 dicembre 2019 al 3 maggio 2020

Tutti i giorni ore 9.30-19.30 (la biglietteria chiude un’ora prima)

24 e 31 dicembre 9.30-14.00

1 gennaio ore 14.00-20.00

Chiuso il 25 dicembre e 1 maggio

N.B. per eventuali aperture e/o chiusure straordinarie consultare la pagina dedicata agli Avvisi

Biglietto d'ingresso

Biglietti e videoguide

Ingresso ridotto "solo mostra" con la MIC Card

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Informazioni

All'interno della mostra in corso è consentito scattare fotografie ma non è permesso realizzare videoriprese.

060608 (tutti i giorni 09.00 - 19.00)

Promotori Roma Capitale - Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, Cineteca di Bologna

Mostra a cura di Gian Luca Farinelli in collaborazione con Rosaria Gioia e Antonio Bigini

Organizzazione Fondazione Cineteca di Bologna; Cinémathèque Française

Ideazione Equa di Camilla Morabito; GStrategy

Supporto organizzativo Zètema Progetto cultura

SPONSOR MOSTRA

Con il contributo di Ministero per i Beni e le Attività Culturali e per il Turismo, Direzione Generale Cinema e Audiovisivo

In collaborazione con Istituto Luce - Cinecittà; SIAE

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Sponsor técnico

Italiana Assicurazioni

Hotel Eden Roma

Bonaveri Grazie a

Rai Teche

Leone Film Group

Unidis Jolly Film

U.S.I. Unione Sanitaria Internazionale

Romana Gruppi Elettrogeni Cinematografici.

Digital Imaging Partner Canon SPONSOR SISTEMA MUSEI IN COMUNE

Con il contributo tecnico di Ferrovie dello Stato Italiane

Félix José Hernández.

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Tangos clásicos y modernos en la Biblioteca Nacional de España

Claudio Constantini

Madrid, 27 de febrero de 2020.

En el séptimo concierto del II Ciclo Música en la Biblioteca Nacional de España participa el pianista, bandoneonista y compositor peruano, Claudio Constantini.

Constantini interpretará, entre otras piezas, tangos clásicos y modernos, de Gardel a Piazzolla.

Claudio Constantini nació en Lima (Perú) dentro de una familia de músicos. Su original estilo se define por sus

82 Desde las orillas del Sena sólidas raíces clásicas, aliadas con una incesante pasión por algunos géneros musicales populares entre los cuales la música latinoamericana y la improvisación juegan un papel fundamental. Inició sus estudios de piano en el Conservatorio Nacional del Perú bajo la tutela de su padre, Gerardo Constantini. Más adelante recibió su título superior en Finlandia, su maestría en Holanda, y el ‘diplome de concert’ en París, todos ellos con la mayor distinción del jurado. Ha actuado como solista con la orquesta de la República Checa, la orquesta de Extremadura, la orquesta de Requena, y la orquesta de Murcia.

Muy activo dentro de la música de cámara, colabora frecuentemente con grandes nombres como Leticia Moreno, Ksenija Sidorova o Rafael Aguirre, entre otros. Ha realizado un total de cinco producciones discográficas bajo su nombre, todas con gran proyección y estupenda crítica a nivel internacional.

Entre sus actuaciones destacan sus conciertos realizados en algunos de los más importantes auditorios de la música como lo son la Filarmónica de Berlín, la Konzerthaus de Viena o el Auditorio Nacional de Música (Madrid), así como actuaciones en el festival de Ravinia (Estados Unidos), el de Rheingau (Alemania), o el Klassik an Dom (Austria), entre otros.

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Este programa de se organiza en colaboración con la Fundación Amigos de la BNE y Juventudes Musicales de España.

Información práctica

Jueves, 5 de marzo de 2020, a las 19:00 h.

Salón de actos. Entrega de entradas desde las 18:00 h. hasta completar aforo. Se entregará un máximo de dos entradas por persona.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

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Les intelligences simulées au Centre Pompidou

Paris le 29 février 2020. À l’heure où l’intelligence artificielle s’étend à tous les domaines du monde contemporain, le Centre Pompidou propose pour la première fois, avec « Neurones, les intelligences simulées », une mise en relation de ce phénomène avec l’histoire des neurosciences et de la neuro-computation. Présentée du 26 février au 20 avril 2020 dans le cadre de la quatrième édition du cycle « Mutations / Créations », l’exposition souligne ainsi la continuité des recherches d’artistes, d’architectes, de designers et de musiciens avec les avancées scientifiques et industrielles les plus à la pointe. L’exposition déploie cinq grands axes de recherche, chacun présenté et défini par des champs de références historiques sous forme de graphes permettant la mise en correspondance chronologique des innovations et des créations. Le parcours s’amorce avec les représentations et les images qui constituent l’imaginaire collectif de la

85 Desde las orillas del Sena vie cérébrale, en les opposant à la recherche dans le champ de l’imagerie numérique et à l’idée d’un cerveau artificiel. Un deuxième chapitre met en exergue l’intérêt constant des fondateurs du domaine computationnel pour les jeux, jusqu’à l’expérience ultime de la confrontation homme / ordinateur à travers la défaite du joueur d’échecs Kasparov face au logiciel Deep Blue. Plus loin, un cyber- zoo abrite les tortues électroniques de Walter Ross Ashby et de Grey Walter, la souris de Shannon et le renard électronique d’Albert Ducrocq, présentés comme les ancêtres des objets pilotes et de la voiture autonome. Une section est consacrée aux investigations neuroscientifiques, touchant aux fantasmes de la manipulation des consciences et de l’extension des capacités cognitives. Enfin, la dernière partie s’intéresse au phénomène de Deep Learning, soit le traitement de très grandes quantités d’informations par de nouveaux types de réseaux neuronaux, en relation avec une archéologie des arbres et des schémas, des classifications ayant à toute époque organisé nos compréhensions du savoir et des connaissances.

Informations pratiques L’Exposition Neurones Les intelligences simulées 26 février – 20 avril 2020 Galerie 4, Niveau 1

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Dans le cadre de Mutations / Créations #4 . Commissaires Frédéric Migayrou et Camille Lenglois Chargée de production Dorothée Lacan. Architecte scénographe Laurence Fontaine Le Centre Pompidou. 75191 Paris Horaires et Tarifs Exposition ouverte tous les jours de 11h à 21h, le jeudi jusqu’à 23h, sauf le mardi et le 1er mai 14 €, tarif réduit 11 € / Gratuit pour les moins de 18 ans. Les moins de 26 ans, les enseignants et les étudiants des écoles d’art, ainsi que les membres de la Maison des artistes bénéficient de la gratuité pour la visite du Musée et d’un billet tarif réduit pour les expositions. Accès gratuit pour les adhérents du Centre Pompidou. Félix José Hernández.

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Harper’s Bazaar au Musée des Arts Décoratifs de Paris

Paris le 3 mars 2020.

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À l’occasion de la réouverture des galeries de la mode, entièrement rénovées grâce au mécénat de Stephen et Christine Schwarzman, le Musée des Arts Décoratifs présente du 28 février au 14 juillet 2020 une grande exposition consacrée au célèbre magazine de mode américain Harper’s Bazaar.

Soixante créations de couture et de prêt-à-porter, issues essentiellement des collections du musée, ponctuées de prêts de pièces iconiques prestigieuses sont présentées en correspondance avec leur parution dans ce magazine. Le regard des grands photographes et illustrateurs qui ont fait le renom de Bazaar est ainsi mis en perspective pour résumer un siècle et demi d’histoire de mode. Man Ray, Salvador Dali, Richard Avedon, Andy Warhol, ou encore Peter Lindbergh ont, en effet, contribué à l’esthétique hors pair du magazine. « Harper’s Bazaar. Premier magazine de mode » retrace les moments forts de cette revue mythique, son évolution depuis 1867, en rendant hommage aux personnalités qui l’ont façonnée : Carmel Snow, Alexey Brodovitch et Diana Vreeland. Tous trois, à partir des années trente propulsent le magazine dans la modernité de la mode et du graphisme instaurant une exigence qui fait encore école. La scénographie, tout comme la rénovation et l’aménagement des galeries, a été confiée à l’architecte et designer Adrien Gardère.

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C’est aussi une revue littéraire de portée internationale qui accueille les écrits de Colette, Simone de Beauvoir, Françoise Sagan, Jean Genet, André Malraux tout en accordant aux écrivains de langue anglaise une attention primordiale : Charles Dickens, Virginia Woolf, Patricia Highsmith, Truman Capote ou encore Carson McCullers ont écrit dans Bazaar. Au-delà du contenu, c’est l’aspect esthétique de la composition graphique qui constitue la richesse du magazine. L’équilibre entre les images de mode et l’acuité de sa critique font de Harper’s Bazaar une référence de l’histoire du graphisme et de la mode. Les grands couturiers et couturières : Charles-Frederick Worth, Paul Poiret, Jeanne Lanvin, Madeleine Vionnet, Elsa Schiaparelli, Christian Dior, Cristobal Balenciaga doivent une part de leur mythe au rayonnement de Bazaar.

Déployée sur les deux niveaux des galeries de la mode, l’exposition chronologique et thématique propose une immersion dans le magazine en plaçant des robes face à leur publication originale très agrandie. Le cheminement souligne la contribution de Harper’s Bazaar à l’évolution de la silhouette depuis 150 ans et raconte comment ces images de magazine se sont construites. L’exposition intègre, en effet, croquis, photos et patrons qui ont précédé l’image de mode et nourri son inspiration.

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Lancé en 1867 à New York par Harper & Brothers, Harper’s Bazaar s’adresse aux femmes afin de les instruire en matière de mode, de société, d’art et de littérature. Inscrit dans la tradition des gazettes de mode européennes, il présente l’originalité d’un engagement pour la cause féminine. Sa première rédactrice, Mary Louise Booth est suffragiste, abolitionniste et partisane de l’Union lors de la guerre civile américaine. La francophilie de cette femme de lettre rejaillit dans toute l’histoire du magazine. Au xxe siècle, Picasso, Cocteau, Matisse font partie des nombreux artistes français dont le magazine s’entoure. Bazaar consacre également des articles aux figures de l’École Américaine telles Jackson Pollock, Franck Stella ou William Burroughs.

Le parcours s’ouvre sur un bref rappel de l’histoire des périodiques de mode au xvie siècle. Mary L. Booth, première rédactrice en chef en 1867, donne le ton du magazine et introduit les créations du couturier parisien Charles-Frederick Worth très appréciées par les clientes fortunées américaines. Le magazine prend part à l’évolution des styles en témoignant successivement du goût de l’Art nouveau, puis de l’orientalisme des Ballets russes et de Paul Poiret qui inspire les couvertures que dessine Erté dans les années folles. C’est à cette époque que les photographies du baron Adolphe de Meyer orientent le magazine vers une esthétique photographique que plus tard George Hoyningen-Huene ou George Platt-

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Lynes teintent de surréalisme, à l’unisson des illustrations de Cassandre paraissant en couverture. Ce style répond aux créations d’Elsa Schiaparelli ou de Madeleine Vionnet donnant à la mode une dimension métaphysique et antique.

L’accent est mis sur l’importance de la « sainte trinité » qui, dans les années 1930, fait de Bazaar un magazine de luxe avant-gardiste : Carmel Snow – rédactrice en chef s’allie le talent d’Alexey Brodovitch – directeur artistique – et de Diana Vreeland – chroniqueuse de mode. Vreeland s’impose en styliste photographique ouvrant le magazine aux grands espaces et aux corps ensoleillés que Louise Dahl-Wolfe saisit en couleur Kodachrome. Carmel Snow introduit de grands noms de la photographies tels Man Ray puis Richard Avedon, en accord parfait avec les tendances de mode : le lyrisme d’Avedon se prête à l’envolée des robes du soir d’après- guerre. Elle baptise aussi la première collection « New Look » de Christian Dior en 1947 initiant un véritable Âge d’or. Cependant, les années 1950 remettent en question Bazaar tel que le montre le film Funny Face avec Audrey Hepburn en premier rôle. L’heure est à l’existentialisme et déjà aux premières illustrations d’Andy Warhol. L’évolution de Richard Avedon et les nouvelles ressources optiques photographiques conduisent à la révolution Pop et Op du fameux numéro futuriste d’avril 1965.

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Avec l’arrivée de Glenda Bailey en 2001, en tant que rédactrice en chef, accompagnée par Stephen Gan et Elisabeth Hummer – directeurs artistiques, le magazine se fait spectacle et s’ouvre à la fantaisie. Les photographes tels Jean-Paul Goude ou Simon Procter sont meneurs de revue. L’heure est au backstage, aux coulisses, aux grandes compositions photographiques et aux ambitieuses prises de risque. La beauté et l’éclat du magazine s’accompagnent néanmoins d’un grand respect pour son histoire.

Cette exposition est la première consacrée à un magazine de mode qui ne se limite pas à la simple présentation de photographies : elle se penche autant sur la question de la direction artistique que sur l’impact du graphisme et de la photographie, sur le rôle des femmes et des hommes qui, autant que ceux qui la créent et la portent, défendent une certaine idée de la mode. Dans un musée qui a fait de la mode l’un de ses piliers, il n’est pas inutile de rappeler que le magazine de mode est très souvent le premier matériau qui permet d’en écrire l’histoire comme il est aussi le premier véhicule de la diffusion et de la connaissance de la mode, un élément de définition de son identité, un acteur fondamental du système de la mode remis ici dans sa juste perspective.

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À sa suite, le photographe Hiro fait de la mode un champ d’expérimentations en s’inspirant de l’art cinétique et en combinant films couleurs et flashs. Auras, distorsions, irisations des clichés des années 1970 se reflètent aussi dans la création de mode colorée et brillante des années DDD : Disco, Dallas et Dynastie donnent le ton du Bazaar des années 1980 dirigé par Mazolla marquées par la présence en couverture des portraits de célébrités du Star Système photographiées en ektachrome et en plan très rapproché. En 1992, Liz Tilberis, rédactrice en chef, et Fabien Baron, directeur artistique, renouent avec l’élégance classique du magazine grâce à une refonte de sa typographie et au choix d’une esthétique affirmée. Linda Evangelista et Kate Moss sont mises en lumières par Patrick Demarchelier ou Peter Lindbergh.

Exposition conçue par le Musée des Arts Décoratifs avec le soutien d’American Express, de Veronica Chouet GRoW @ Annenberg. Un remerciement tout particulier à Regina et Gregory Annenberg Weingarten.

Commissaires

Éric Pujalet-Plaà : Attaché de conservation au musée des Arts décoratifs

Marianne le Galliard : Docteur en histoire de l’art, spécialiste de la photographie

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Assistés de Lola Barillot : Chargée de la documentation et de la coordination

Olivier Gabet, Directeur du musée.

Catalogue

Conception graphique : Balginger • Vu-huu 200 pages. Env. 250 illustrations. Format : 23,5 x 31,5 cm. Relié sous jaquette. Version française : Édition MAD 49 €. Version anglaise : Édition Rizzoli USA 75 $.

Musée des Arts Décoratifs. 107 rue de Rivoli, 75001 Paris. Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h (Nocturne le jeudi jusqu’à 21h:seules les expositions temporaires et la galerie des bijoux sont ouvertes)→ entrée plein tarif : 11 €→ entrée tarif réduit : 8,50 €.

Félix José Hernández.

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Istanbul vista da Ara Güler

Roma, 1 marzo 2020.

Nominato uno dei sette fotografi migliori al mondo dal British Journal of Photography Yearbook e insignito del prestigioso titolo di “Master of Leica”, il maestro turco Ara Güler approda a Roma con una mostra monografica dedicata ai suoi scatti in bianco e nero. La tappa romana arriva al Museo di Roma in Trastevere da l30 gennaio al 3 maggio 2020, dopo le esposizioni alla Galleria Saatchi a Londra, alla Galleria Polka a Parigi, al Tempio di Tofukuji a Kyoto, nell’ambito del vertice del G-20, e alla Alexander Hamilton Custom House a New York in

96 Desde las orillas del Sena concomitanza con l’Assemblea Generale dell’ONU, prima di continuare il suo percorso a Mogadiscio.

La mostra è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale –Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturalie presentatadalla Presidenza della Repubblica di Turchia in collaborazione con il Museo Ara Gülere l’Archivio e Centro di Ricerca Ara Güler. Sponsor principali dell’iniziativa sono Halkbank e Ziraat Bank, media sponsor i quotidiani Sabahe Daily Sabahe la compagnia aerea ufficiale la Turkish Airlines. I servizi museali sono di Zètema Progetto Cultura. L’ingresso è gratuito per i possessori della MIC Card.

Lucido osservatore della storia e società turca, il fotografo di origine armena, scomparso poco più di un anno fa, ha lasciato in eredità un archivio di oltre due milioni di foto, alcune delle quali si potranno vedere nella tappa romana del tour. La mostra è composta in gran parte dalle fotografie di Istanbul scattate da Ara Güler a partire dagli anni ’50, periodo fondamentale in cui fu reclutato da Henri Cartier-Bresson per l’Agenzia Magnum e divenne corrispondente per il Vicino Oriente prima per Time Life nel 1956, e poi per Paris Match e Stern nel 1958. Le 45 vedute in bianco e nero della città presenti in mostra costituiranno una preziosa testimonianza di un’umanità ormai quasi cancellata dalla memoria e si affiancheranno ad una sezione, composta da

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37 immagini in tutto, dedicata ai ritratti di personaggi importanti del mondo dell’arte, della letteratura, della scienza e della politica: da Federico Fellini a Sophia Loren, da Bernardo Bertolucci ad Antonio Tabucchi, da Papa Paolo VI a Winston Churchill. Ara Güler era “un marchio globale” per la sua professione a tutti gli effetti –dichiara il Presidente Recep Tayyip Erdoğan–La sua maestria è comprovata dal fatto che tutti i personaggi più importanti degli ultimi 65 anni, che hanno lasciato un segno indelebile nella nostra memoria collettiva con le loro lotte politiche, la loro leadership come uomini di Stato, le loro idee, la loro arte e la loro sensibilità, furono immortalati dal suo obiettivo. È un motivo di grande orgoglio per l’intera nazione vedere le sue fotografie, scattate nel corso di una lunga carriera, che iniziònel 1950 e durò fino al suo ultimo respiro, esposte ancora oggi nelle sezioni più prestigiose di mostre, collezioni e raccolte in ogni angolo del mondo. Il viaggio artistico di Ara Güler, che mise Istanbul, dove fu nato e cresciuto, al centro della sua vita e della sua arte, racchiude in sé una sintesi della nostra storia recente. Lo ricorderemo sempre con profondo rispetto come una delle più edificanti testimonianze della figura del “vero artista” in Italia, con il suo linguaggio originale, avvincente e prolifico, libero da ogni forma di bigottismo.

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ARA GÜLER Istanbul vista attraverso le foto in bianco e nero del maestro turco. Dal 30 gennaio al 3 maggio 2020al Museo di Roma in Trastevere una selezione dei migliori scatti del fotografo racconta la città turca e i suoi ospiti più illustri.

Informazioni

Luogo: Museo di Roma in Trastevere

Orario: Dal 30 gennaio al 3 maggio 2020 Da martedì a domenica ore 10.00 - 20.00 La biglietteria chiude alle ore 19.00 Chiuso lunedì.

Félix José Hernández

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Mostra dedicata dalle Gallerie degli Uffizi alla pittrice barocca Giovanna Garzoni

Firenze, 2 marzo 2020.

In occasione della mostra dedicata dalle Gallerie degli Uffizi alla pittrice barocca, Advancing Women Artists (AWA), con il supporto delle Gallerie degli Uffizi e The Medici Archive Project, lancia un appello ad artisti e istituzioni di tutto il mondo a realizzare opere ispirate al suo debordante immaginario

In vista dell’8 marzo, mentre il mondo si prepara a ricordare e riconoscere le conquiste delle donne, Advancing Women Artists, con il supporto delle Gallerie degli Uffizi Medici e the Medici Archive Project, lanciano una grande sfida nel segno della creatività femminile.

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E’ un appello agli artisti dei giorni nostri ad utilizzare l’arte di Giovanna Garzoni, tra le più grandi pittrici del ‘600, dal 10 di marzo protagonista di una retrospettiva a lei dedicata in Palazzo Pitti, come trampolino di lancio per creare le proprie opere originali. Ed anche le istituzioni culturali ed educative di tutto il mondo sono invitate a partecipare a questa ‘challenge’, della quale, da oggi, sui siti e social degli Uffizi, di AWA e The Medici Archives verrà diffuso un brevissimo, simbolico teaser.

Donna del suo tempo, Giovanna Garzoni (1600-1670) esemplifica l'interesse seicentesco per i dettagli scientifici e il minuzioso realismo, ma il suo occhio ‘miniaturista’ punta a una visione più ampia. L’arte della Garzoni raccoglie e sintetizza in sé le culture dell’Inghilterra, del Giappone, del Messico, della Cina; nelle sue luminose nature morte, le conchiglie raccolte su spiagge lontane si abbinano a preziose fioriture che crescono nella giungla. I deliziosi frutti del ‘giardino di casa’ si accompagnano a porcellane dell’Estremo Oriente. L’artista cattura l’Universo in un dipinto, immortalando manufatti provenienti da tutto il mondo senza mai allontanarsi dal paesaggio locale.

COME FARE A PARTECIPARE

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Fino all’8 aprile, gli artisti e le istituzioni interessati a partecipare possono iscriversi riempiendo un semplice modulo online, fornendo le informazioni di base del loro evento per la Festa delle Donne, o il mezzo su cui produrranno la propria opera d’arte originale.

GARZONI CHALLENGE LIVE IL 9 MARZO, PER L’INAUGURAZIONE DELLA MOSTRA

Il 9 marzo la ‘sfida’ sarà lanciata dal vivo, in occasione della conferenza stampa/inaugurazione della mostra della Garzoni, nella celebre Sala Bianca di Palazzo Pitti. Durante l’evento fiorentino, il direttore delle Gallerie Eike Schmidt tratterà e condividerà con il pubblico il concetto degli Uffizi come ‘museo vivente’ e illustrerà gli sforzi compiuti negli ultimi anni per mettere in luce l’arte femminile. La curatrice Sheila Barker terrà una breve presentazione sul tema ‘L’universo in un dipinto’ in relazione all’opera della Garzoni, in particolare delle opere esposte in questa occasione. La direttrice di AWA Linda Falcone ‘lancerà’ la sfida, con una varietà di esempi ‘fotografati’ degli artisti selezionati, locali e internazionali.

EVENTI CON GARZONI CHALLENGE IN GIRO PER IL MONDO

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Un elenco crescente di partecipanti provenienti da vari ‘percorsi di conoscenza’. Institute of Italian Culture dell’Ambasciata d’Italia a Washington DC, The Women’s Art Library, parte delle collezioni speciali e degli archivi della Goldsmiths University of London. La Fondazione per gli Studi Italiani dell’Università di Dublino presso il Newman Theatre con UCD Alumni Relations nell’ambito di ‘BetterforBalance’. Rio Grande Valley School of Art dell’Università del Texas a Edinburg. De La Salle Catholic College a Cronulla, Sydney, Australia. Ludington Area Arts Center a Ludington Michigan, Il Dipartimento di Storia dell’Arte all’Università di Radboud in Nijmegen, Olanda.

CHI E’ GIOVANNA GARZONI? Durante la permanenza di 10 anni di Garzoni a Firenze, dove si stabilì nel 1642, le luminose nature morte dell’artista avrebbero arricchito la collezione del Granduca Ferdinando II e della Granduchessa Vittoria della Rovere. Quest’ultima includerebbe una selezione di opere d’arte di Garzoni nella sua Wunderkammer a Poggio Imperiale. Precedentemente considerato inferiore alle forme d’arte ‘superiori’ come la pittura di rappresentazioni storiche, il genere di natura morta stava rapidamente guadagnando popolarità, in gran parte grazie agli acquerelli e al guazzo della Garzoni su pelle o pergamena. Le sue opere innovative abbandonarono la

103 Desde las orillas del Sena rigidità delle simboliche ‘pitture floreali’ rinascimentali e rispecchiavano i crescenti gusti delle corti europee, che cercavano il matrimonio tra arte e scienza. In un’epoca in cui i dipinti di fiori venivano venduti nei mercati di tutta Europa al prezzo di un bouquet fresco, Garzoni poteva chiedere praticamente qualsiasi somma per le sue opere commissionate, comprendenti anche la ritrattistica. Piuttosto che essere compensata con gioielli e bigiotteria, come molte delle sue contemporanee, la Garzoni era pagata in denaro e, al momento della sua morte, era una donna benestante. Oltre a godere di uno straordinario successo economico, viaggiò molto, godendo di più libertà rispetto alla maggior parte delle donne dell’epoca – esercitando la sua professione a Roma, Napoli e Torino, nonché in Francia ed Inghilterra. La meticolosa documentazione che la Garzoni teneva delle sue numerose opere – un’altra rarità per un’artista in giovane età - sono conservate all'Accademia di San Luca a Roma, alla quale le fu concesso di aderire negli anni ‘30 del diciassettesimo secolo.

Ufficio Stampa. Advancing Women Artists.Linda Falcone & Cloe Lawlor. CIVITA. Opera Laboratori Forentini. Andrea Acampa. Ufficio Stampa - Firenze Musei. Palazzo Pitti, Piazza Pitti, 1 – 50125 Firenze.

Félix José Hernández.

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Thierry Mugler au Musée des Arts Décoratifs de Paris

Paris le 2 mars 2020.

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À partir du 22 octobre 2020, le Musée des Arts Décoratifs de Paris accueillera l’exposition « Thierry Mugler : couturissime », initiée, produite et mise en tournée par le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM). Cette grande exposition qui retrace l’œuvre d’un créateur à l’imaginaire singulier, qui a révolutionné la mode et la haute couture a été présentée en première mondiale au MBAM en 2019. Avec éclat, cette étape parisienne signe le retour de cet immense créateur dans la ville où il a connu tous les succès, couturier visionnaire, photographe, inventeur de parfums et homme de spectacle. Des années 1970 jusqu’à la page de la mode tournée en 2002, Thierry Mugler s’est imposé comme l’un des couturiers les plus audacieux, les plus inventifs de son temps, allant jusqu’à incarner l’image même des années 1980 grâce à une silhouette graphique d’une force remarquable. Dans les années 1990, il contribue puissamment à la renaissance de la haute couture par ses collections et son sens de la mise en scène de défilés spectaculaires et de photographies grandioses, alliés aux mannequins les plus iconiques, de Jerry Hall à Iman.

Le Musée des Arts Décoratifs se réjouit de lui rendre ainsi hommage grâce au partenariat du Musée des beaux- arts de Montréal : loin d’une rétrospective classique, c’est toute la vie et l’énergie, dont à la fois Thierry Mugler et Manfred sont synonymes, qui sont ici mises à l’honneur

106 Desde las orillas del Sena dans les espaces rénovés et amplifiés des galeries de la Mode Stephen A et Christine Schwarzmann du Musée des Arts Décoratifs. À l’automne 2020, dans les espaces voisins de la nef, ce dernier présentera par ailleurs, en parfaite résonance, une exposition pluridisciplinaire consacrée aux années 80, du design au graphisme, de la mode à la publicité, célébrant une des décennies les plus fécondes et créatives du xxe siècle, une décennie culturelle devenue une source inépuisable d’inspiration pour la création de notre temps. Citations « Curieux de tout, figure éminemment libre et indépendante, il est depuis longtemps une source d’inspiration vibrante pour le monde de la mode. » Olivier Gabet, directeur du Musée des Arts Décoratifs. « Lancée avec un immense succès en première mondiale au Musée des beaux-arts de Montréal en 2019, je suis particulièrement heureuse de voir notre exposition “Thierry Mugler : couturissime” à Paris, après Rotterdam et Munich. Je me réjouis de collaborer avec le Musée des Arts Décoratifs pour une première fois, avec toute l’équipe dirigée par notre talentueux ami, Olivier Gabet. Surtout je ressens une fierté et émotion rare pour moi d’exposer le talent éblouissant de Manfred Thierry Mugler dans sa ville... pour la toute première fois ! »

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Nathalie Bondil, directrice générale et conservatrice en chef du MBAM. « Depuis toujours, je suis fasciné par le plus bel animal sur terre : l’être humain. J’ai utilisé tous les outils qui étaient à ma disposition pour le sublimer : la mode, la mise en scène de spectacles, les parfums, la photographie, la vidéo... Je ne suis pas un homme qui regarde le passé, mais le MBAM et Nathalie Bondil ont été les premiers à me proposer de mettre en scène mes créations et imaginer ensemble une vision artistique globale, libre et réinventée. Je me suis donc plongée dans cette aventure créative ! Aujourd’hui, un très beau chapître s’ouvre à nous avec Paris, ville qui m’a ouvert ses bras et le Musée des Arts Décoratifs qui est pour moi le plus beau des écrins. » Manfred Thierry Mugler. Direction du Musée des Arts Décoratifs Olivier Gabet.

Commissaires Thierry Maxime Loriot sous la direction de Nathalie Bondill, directrice générale et conservatrice en chef du MBAM. Musée des Arts Décoratifs.107 rue de Rivoli, 75001 Paris. Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h (Nocturne le jeudi jusqu’à 21h : seules les expositions temporaires et la galerie des bijoux sont ouvertes)→ entrée plein tarif : 11 €→ entrée tarif réduit : 8,50 €. Félix José Hernández.

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Adiós a Ramiro, un héroe de mi infancia

Foto tomada en Camajuaní, Cuba en 1959, Ramiro al centro de perfil y Miguel García a la derecha.

París, 3 de marzo de 2020.

Ayer fue llamado por El Señor desde la ciudad de Miami el capitán guerrillero cubano Mario Ramiro Lorenzo Vega a los 82 años de edad. Me lo hizo saber mi querido y viejo Amigo Miguel García. Ambos jóvenes camajuanenses, lucharon contra la dictadura de Fulgencio Batista en los años cincuenta, formando parte del II Frente del Escambray, junto William Morgan, Eloy

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Gutiérrez Menoyo, el Dr. Armando Fleites, Roger Redondo y muchos otros.

A todos ellos los conocí en enero de 1959 en el hogar de Carmita y Yayo, primas de Ramiro, durante un almuerzo festivo. Así aquellos héroes de carne y hueso reemplazaron en mi mente infantil a los de los dibujos animados: Superman, Batman, Tarzán, etc. Todos ellos terminarían fusilados, cumpliendo largos años en prisiones y en el mejor de los casos, en el exilio.

Ramiro fue arrestado en 1962 y condenado a 10 años de cárcel por contrarrevolución y enviado al Presidio de Isla de Pinos. Los acabó de cumplir en la cárcel La Alambrada, cerca de Manacas, en la provincia de Las Villas.

En casa sabíamos de él gracias a su prima Carmita y a su querida madre Emma Vega, gran amiga de mi madre.

Al salir de la cárcel intentó escapar junto a un grupo de ex presos políticos a la búsqueda de Tierras de Libertad, desde la costa de Caibarién, fue arrestado y condenado a tres años de cárcel.

Mi esposa Marta se une a mí para hacer llegar nuestras más sinceras condolencias a su esposa Zoe Báez, a sus hijas Geyde y Yipsy, así como a todos sus seres queridos

110 Desde las orillas del Sena y a los guerrilleros que lucharon junto a él por la Libertad de Cuba.

Con Ramiro se van muchos bellos recuerdos de mi infancia en nuestro querido pueblo de Camajuaní.

La bella canción “Cuando un amigo se va”, interpretada por el gran Alberto Cortez, me hacen recordar al héroe de mi infancia: https://www.youtube.com/watch?v=hjfH2oNsa34

Su sepelio tendrá lugar hoy en la funeraria Maspon, 40 St. del S.W. Miami.

Que descanse en paz por la eternidad muy cerca de Dios.

Félix José Hernández.

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Oltre la profezia Sergio Vacchi al Santa Maria della Scala

La tribù di Greta Garbo. Dibattito intorno alla bellezza, 1998. Smalto su tela, cm 218 x 200. Collezione privata.

Siena, 4 marzo 2020.

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Sarà inaugurata il 7 marzo al Santa Maria della Scala la mostra Oltre la profezia Sergio Vacchi 1952- 2006. L’esposizione, promossa dal Comune di Siena con la collaborazione della Fondazione Sergio Vacchi, è curata da Marco Meneguzzi ed ha come obiettivo quello di presentare al pubblico senese la produzione di circa ciquanta anni del pittore emiliano che ha scelto il Castello di Grotti, nelle colline senesi, come buen retiro per gli ultimi dodici anni della sua vita.

Nato a Cartenaso di Bologna nel 1925, Sergio Vacchi, senza seguire studi regolari si accosta inizialmente ad una pittura influenzata dal post cubismo e da Picasso. Dopo un breve periodo in cui tenta di recuperare, come lui stesso afferma, la lezione di Cézanne, dipingendo boschi, paesaggi e scene di vita emiliana, alla fine degli anni Cinquanta si avvicina, per qualche anno, all'informale. La svolta stilistica si compie nel 1959 quando si trasferisce a Roma, dove la sua pittura, benché ancora informale si va sempre di più accostando a quella figuratività che è propria del suo operare. I suoi maestri diventano i grandi artisti europei come Marx Ernst, Otto Dix, Bacon, De Chirico, e la sua pittura risente fortemente dell'espressionismo nato nel vecchio continente ma caratterizzata da una capacità compositiva e descrittiva originalissima, e da una pittura di grande e grandissimo formato, secondo una personale e suggestiva concezione del mondo che lo circondava.

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Per Siena, dove si era trasferito negli ultimi decenni della sua vita, il curatore Marco Meneguzzo ha pensato a costruire negli spazi del Santa Maria della Scala, una sorta di “galleria” fitta di tele grandissime, quasi che l’artista avesse dipinto i muri e le volte del palazzo alla maniera degli antichi maestri, cui evidentemente si rifaceva. Per Meneguzzo infatti: Vacchi ha sempre dipinto su grandi superfici, sin dai suoi esordi ha avuto bisogno di grandi superfici, e questa tendenza si è finalmente espressa appieno col ciclo de Il pianeta, dei primi anni Settanta, quando ha utilizzato molto spesso dimensioni fuori dal comune anche per un pittore contemporaneo. Perché questa necessità, accentuatasi nel corso del tempo? Perché i quadri di Vacchi si guardano, ma soprattutto si leggono. Lo sguardo fa fatica ad abbracciare la grandezza orizzontale di certe tele e quindi le scorre, da sinistra a destra, e anche nelle grandi campiture quadrate l’occhio percorre la tela alla ricerca di una storia. Narrazioni e storie raccontate nei grandi cicli pittorici come il Concilio, Federico II, Galileo, Perché il pianeta, Leonardo, Proust, Greta Garbo. Le trentacinque opere in mostra, tra le più significative della sua produzione – alcune delle quali inedite – conducono lo spettatore all’interno di un mondo visionario, ma allo stesso tempo profetico, sul destino dell’essere umano. La sua ricerca ha spaziato soprattutto nel campo della profezia sulle sorti future dell’umanità in rapporto al pianeta: visioni cupe e desolate, ma non prive

114 Desde las orillas del Sena di ironia, mescolate a una simbologia contemporanea tutta da interpretare.La mostra senese celebra quindi la pittura di Sergio Vacchi (1925 -2016), uno dei più indipendenti e originali pittori del secondo dopoguerra e famosissimo negli anni Cinquanta e Sessanta.

"Quando ho visto in maniera compiuta le opere di Sergio Vacchi, mi ha colpito l'immanenza delle stesse e tutto quello che sapevo di lui è stato superato da una contemporaneità che va oltre un'idea profetica - ha detto il sindaco Luigi De Mossi - Infatti la profezia è sempre di là dal venire, mentre la pittura di Vacchi ha un'accelerazione, un'urgenza che supera le terre ed i castelli vinti e perduti ad un tempo, ma che parla con lampi diretti e traccianti all'uomo del momento. Nessuno si sottrae all'ipnosi delle opere di Vacchi, nessuno attende una risposta, ma un segno, un linguaggio, un monito che dal basso si irradia nella mente e nel cuore di chi osserva, non da spettatore, ma da protagonista dialogante con l'autore".

Un catalogo ricco e completo – edito da Silvana Editoriale – contribuisce alla riscoperta di una delle maggiori figure della pittura italiana contemporanea, grazie anche a uno scritto di Eike Schmidt – direttore della Gallerie degli Uffizi – oltre al saggio del curatore.

Félix José Hernández.

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La Fundación Museo Reina Sofía recibe más de 80 obras en donaciones

Benvenuto Chavajay. Hombres de maíz. Performance ritual en el cementerio parisino de Père Lachaise.

Madrid, 4 de marzo de 2020.

Querida Ofelia:

El coleccionista Jorge Pérez entrega 12 obras por un valor de 1.045.490 euros y Mario Cáder-Frech realiza una donación valorada en174.238 euros.

Más de 80obras de 39 artistas contemporáneos compone la donación que ha recibido la Fundación Museo Reina Sofía. Este hecho supone un importante avance para la Colección del Museo y el proyecto de investigación que

116 Desde las orillas del Sena se está llevando a cabo sobre los movimientos artísticos surgidos en América Latina desde la década de los 60 hasta la actualidad, especialmente en el Arte Mesoamericano y la creación de artistas contemporáneos mayas, y en el eje artístico del Mediterráneo.

Las obras, que serán depositadas en el Reina Sofía para pasar a formar parte de su colección, engloban desde las últimas décadas del siglo pasado hasta la actualidad, prestando especial atención a las creadas en la última década de artistas como Fernando Bryce, Ana Mendieta, Marta Minujín, Claudia Coca, Asier Mendizabal, Benvenuto Chavajav, Karlos Cárcamo, Natalia Domínguez, Antonio Pichillá, Kutluğ Atamano Nil Yalter, entre otros.

Una importante donación de la Colección Jorge M. Pérez

El conjunto de obras provenientes de la Colección Jorge M. Pérez contribuye a dar sentido a la creciente incorporación de artistas de origen latinoamericano a los fondos del Museo Reina Sofía. Refuerza, también, el proyecto de investigación sobre los diferentes conceptualismos del Sur al incorporar nombres históricos que no estaban en la colección del Museo, como pueden ser los de Fernando Bryce, Jorge Eduardo Eielson, Eugenio Dittborno Juan Carlos Alom, uno de los principales renovadores de la fotografía contemporánea

117 Desde las orillas del Sena cubana. Por su parte las piezas de Ana Mendieta y Marta Minujín completarían la presencia de nombres imprescindibles de la historia del arte latinoamericano, nombres que, además, nos permiten ampliar los cánones hegemónicos hacia el feminismo, abriendo la posibilidad de trazar nuevas líneas en sus genealogías y desarrollos.

En los últimos años Fernando Bryceha centrado su investigación en desvelar cómo la industria del cine se convirtió en un vehículo propagandístico de las ideologías, sobre todo en el contexto de enfrentamientos y conflictos internacionales. La serie de dibujos All Quiet at the Western Front representa posters de películas, fotogramas y anuncios como reflejo de la imagen que transmitía el cine y sus películas. El peso de las prácticas artísticas críticas en la colección de Jorge M. Pérez es notable siendo el activismo una de las zonas comunes en el conjunto de piezas: de una manera más sutil o críptica, como en el caso de Dittborn o de los recientes dibujos a carboncillo de Claudia Coca, o retratando directamente personajes reales, con sus problemáticas individuales pero también colectivas, como en las imágenes de Jonathas de Andradeo Juan Carlos Alom. De manera más explícita se evidencia en Magdalena Jitriko en el mural colaborativo de Marcel Dzamay Raymond Pettibon, una de las piezas más significativas del conjunto.

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Además, Pérez ha adquirido para el Museo la obra de Asier Mendizabal Not all that moves is red (tangram)#3 y 4, (2012), una reflexión sobre el discurso ideológico a partir de una escultura que hace alusión a un elemento constructivo ideado por el arquitecto Ramón Estalella para un proyecto de poblados racionalistas en Guinea Ecuatorial en los años sesenta. Un experimento impulsado por Carrero Blanco en el contexto del sueño colonial del franquismo.

Las creaciones de las comunidades indígenas mayas llegan de la mano de Mario Cáder-Frech

Gracias a la donación de Mario Cáder-Frech, centrada en la creación de artistas contemporáneos mayas y en artistas salvadoreños, el Reina Sofía se convierte en un referente internacional en el Arte Mesoamericano ofreciendo la colección más completa de este género en nuestro país. Destacan, de entre todas las obras donadas, las de Waltercio Iraheta, Guadalupe Maravilla, Simón Vega, Marilyn Boror, Edgar Calel, Benvenuto Chavajay, Manuel Chavajay, Antonio Pichillá, los hermanos Ángel y Fernando Poyóno Carlos Mérida.

En lo que a la creación de artistas contemporáneos mayas se refiere es importante la incorporación delos trabajos de Marilyn Boror (Cuerpo vacío, 2018) y Edgar Calel(B’ATZ tejido constelación de saberes, 2015),

119 Desde las orillas del Sena artistas de origen Maya de gran proyección en la escena artística contemporánea guatemalteca y mesoamericana. Otra de las figuras con más proyección internacional del panorama guatemalteco, no solo en lo concerniente al discurso maya de crítica decolonial sino como parte de toda una generación emergente en el país, es Benvenuto Chavajay, que se incorpora a la Colección del Reina con tres obras que constituyen un conjunto clave en la trayectoria de artista en la que la performance tiene especial relevancia. Estas piezas: Ixtetelà, 2016, (donada por Mario Cáder-Frech); Hombre de Maíz, 2019 y Doroteo Guamuch Flores, 2011 (donadas por Julia Borja), y el volumen y precisión documental de sus registros, les convierten en hitos dentro de la trayectoria del artista y en pasajes significativos de la historia del arte reciente en Guatemala. Adem A través de la recuperación de modelos ancestrales de la cerámica maya, y del componente de registro de la memoria que esta práctica objetual ha mantenido en su cultura, Manuel Chavajay reconstruye un relato de la violencia del presente. Junto a las formas evocadoras del bestiario divino, estas vasijas (Ch ab́ aq́ nº1, nº2, nº3 y nº4, 2012) narran escenas habituales de violencia que impregna todo el paisaje nacional en Guatemala.

Partiendo de una investigación interdisciplinar, con fuertes basamentos antropológicos, el artista de la etnia Maya Tz`utujil asentada en la cuenca del Lago Atitlán,

120 Desde las orillas del Sena

Antonio Pichillá, parte de una reflexión estética en la que el discurso etno-racial local interpela la relación ambivalente modernidad/colonialidad como las dos caras de un mismo proceso histórico. Se incorporarán a la Colección sus obras Quipo, de 2016donada por Cáder- Frech; Anudary desanudar, de 2015donada por José Antonio Llorente; y Abuelo, de2016donada por Patricia Phelps de Cisneros.

Por otro lado, la obra de Ángel y Fernando Poyónes un conjunto heterogéneo de documentos y objetos que en su propia reunión señalan la arbitrariedad y el absurdo de la mirada que exotiza a las culturas indígenas. Las obras de la Colección Poyón (2014-2017) que llegarán al Museo son un ejemplo paradigmático de las estrategias de sentido decoloniales que están tomando fuerza en el arte contemporáneo de la región mesoamericana como parte de la conciencia crítica en las emergentes generaciones de artistas.

La Columna vertebral roja, de Sandra Monterroso monumento realizado con 87 faldas de textiles que se fabricaron artesanalmente con el telar de pie, permite al Museo incorporar un relevante ejemplo de la escultura de ascendencia maya realizada por una artista con una importante proyección internacional que pone en valor esa herencia a partir del uso de materiales locales y tradicionales como el textil artesano, pero trabajando con

121 Desde las orillas del Sena códigos contemporáneos del lenguaje escultórico e instalativo.

Carlos Mérida, figura trascendental del arte moderno latinoamericano, vinculado al muralismo mexicano y la vanguardia española en el exilio, fue el iniciador del movimiento del indigenismo en el arte moderno guatemalteco. La llegada de la carpeta Trajes regionales mexicanos (1945) al Museo resulta particularmente interesante ya que permitirá tejer vínculos y redes con el arte de vanguardia español en el exilio durante los años cuarenta ya que en este proyecto colaboró la pintora valenciana Manuela Ballester Vilaseca, durante su estancia como exiliada en México junto a su esposo el artista de vanguardia Josep Renau. Además, se sumará las carpetas de litografías Estampas Del Popol Vuh (1943) y Trajes indígenas de Guatemala (1951). La obra de Mérida ya forma parte de las colecciones de prestigiosos museos como el MOMA o The Met Museum, de Nueva York.

En la parte de la creación de artista salvadoreños destacan:

Un movimiento concreto (2017) es una pieza fundamental en la trayectoria del artista Karlos Cárcamo, ya que esta serie se incluyó en 2009 en la exposición colectiva Zona de Trueque en el Museo de Arte de El

122 Desde las orillas del Sena

Salvador MARTE, que marcaría la incorporación del artista a la joven generación de creadores salvadoreños. Cárcamo regresó por primera vez a El Salvador, de donde había emigrado siendo un niño, para participar en esta muestra.

El artista salvadoreño Waltercio Iraheta se incorpora a la Colección con la serie de fotografías Faraway Brother Style que hace un guiño a famosas publicaciones de arquitectura compiladas como “London Style”, “NY Style”, “París Style”.

Guadalupe Maravilla es uno de los artistas más importantes de la diáspora salvadoreña en los Estados Unidos, con una amplia trayectoria en las instituciones norteamericanas y un referente indiscutible de las prácticas performativas de las décadas recientes. Ghettoblaster Headdress, 2009-2018 es una escultura emblemática del artista, ejemplo de los exuberantes tocados escultóricos, simulacros fantásticos e imaginativos de indumentarias precolombinas, que el artista usa en sus performances.

El pintor Antonio Romero, uno de los principales autores de la pintura salvadoreña contemporánea llegará al Museo con cinco obras de una de las series más importantes en su trayectoria: Navarone.

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Estigma es uno de los trabajos más sobresalientes de Natalia Domínguez. La artista recupera en este proyecto el aura historicista del retrato de tipos populares y costumbres heredado de la pintura colonial para crear una galería de arquetipos sociales en los que se refleja el paisaje político y cultural de El Salvador actual.

Simón Vega es uno de los artistas salvadoreños con mayor circulación internacional y con una obra de investigación histórica y artística de gran interés y consistencia. Su obra, el conjunto Blueprints, es una lectura crítica y de la Guerra Fría en el contexto mesoamericano y sus efectos en el presente.

El eje mediterráneo se refuerza con la incorporación de las obras de los artistas turcos Kutluğ Atamany Nil Yalter y el artista libanes Abu Hamdan donados por Francesca von Habsburg y Mercedes Vilardell Francesca von Habsburg y la Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection yMercedes Vilardell, refuerza el eje mediterráneo dentro de la Colección del Museo con la donación de dos obras de los autores turcos Kutluğ Ataman y Nil Yaltery el artista libanes Abu Hamdan.

Francesca von Habsburg y la Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection van a permitir gracias a su donación la incorporación al Museo de la obra más representativa de uno de los más importantes artistas

124 Desde las orillas del Sena turcos actuales, Kutluğ Ataman. Su obra Küba (2004) busca comprender los límites, tanto geográficos como mentales, de un área urbana. Las historias inquietantes de Kübase presentan en televisores antiguos como parte de una instalación de cuarenta monitores. Delante de cada televisor hay una silla o un sillón, que permite solo un espectador. Visto individualmente, de voz en voz, sus soliloquios presentan un mosaico detallado de humanidad: terror, tragedia, amor, obsesión, resistencia y supervivencia. Vistas juntas, las voces de Küba revelan un retrato comunitario profundamente conmovedor de la sociedad oculta que se enorgullecen de llamar hogar.

Nil Yalter es la artista turca más relevante de su generación, con una gran proyección internacional destacada. Yalter utiliza la noción de documental y de performance, con un cuidado tratamiento formal, caracterizado por la combinación de un lenguaje técnico, como es el vídeo y la fotografía, acompañado de dibujos y textos, generando una composición de gran potencia visual. Para el Museo es interesante poder contar en su Colección con la obra Turquish inmigrants #7. Meatball, (1976-77) gracias a la donación de Mercedes Vilardell, ya que refuerza la presencia de las prácticas conceptuales realizadas por mujeres y, además, en este caso migrante, lo que la hace resurgir de una doble alteridad.

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Además, para reforzar el eje artístico mediterráneo también se incorpora, donada por Mercedes Vilardell, Walled Unwalleduno de los trabajos más recientes del artista jordano Abu Hadmany que fue seleccionado para participar en la Bienal de Venecia de 2019. Tiene significativos rasgos en común con Saydnaya (Ray Traces), una obra anterior también incluida en esta donación.

Patricia Phelps de Cisneros, nos acerca con sus donaciones, a la poesía y el arte visual salvadoreño

Además de la obra de Antonio Pichillá, Phelps de Cisneros también ha donado, en esta ocasión, obras de los artistas salvadoreños Ernesto Bautista y Abigail Reyes.

El trabajo de Ernesto Bautista es una constante colisión entre poesía y realidad social que enfrenta imagen y palabra. Nuevas promesas (2012) es un proyecto de intervención de camiones de carga que cruzan América Central y México hasta la frontera con los Estados Unidos. El artista salvadoreño interviene con vinilo adhesivo estos contenedores con grandes textos poéticos metaforizando la transitoriedad de las ilusiones de los millones de migrantes que intentan realizar la peligrosa ruta hacia el norte. Este es un proyecto literario con implicaciones visuales, un poema en movimiento.

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En Poesía popular, Abigail Reyes extrae frases de conversaciones cotidianas que luego deja sobre las paredes a modo de grandes y provocadores murales, a menudo en espacios públicos. Al aislar la frase y separarla de su contexto verbal habitual, la artista presenta la posibilidad de explorar el significado de las palabras y sus diferentes connotaciones. Trabajando desde una perspectiva femenina, Abigail Reyes alude a la forma en que las circunstancias sociales y políticas pueden influir en los sentimientos de inseguridad e inquietud de una persona.

El estridentismo de Ramón Alva de la Canal se incorpora al Museo tras la donación de Juan Antonio Pérez-Simón

La selección de obra de Ramón Alva de la Canal que ha donado Juan Antonio Pérez-Simón, ilustran algunos de los momentos más importantes del estridentismo, por un lado, dos grabados para dos de los textos más importantes del grupo: El pentagrama eléctrico de Salvador Gallardo (Casa Editora List Arzubide-Colón Gallardo, Puebla, 1925) y El movimiento estridentista adelante de Germán List Arzubide (Ediciones de Horizonte, Jalapa, Veracruz, 1926). El tercer grabado refleja el tipo de arquitectura expresionista/futurista que favorecía Alva de la Canal en sus representaciones. La donación se completa con dos dibujos relacionados con

127 Desde las orillas del Sena la revista Horizonte, la tercera revista del grupo tras Actual e Irradiador. Horizonte surge tras el traslado de Maples Arce a Jalapa en 1925 como secretario general del gobernador de Veracruz, el general Heriberto Jara. Junto a él irán Germán List Arzubide, Leopoldo Méndez y el propio Alva de la Canal.

La biblioteca del Museo se enriquece con la llegada a sus fondos de 15 publicaciones diseñadas por el artista Cruz- Fiez donados por Diana Lopez y Herman Sifontes

Diana López y Herman Sifontes a través de la Fundación Archivo Fotografía Urbana han donado 15 publicaciones que recogen 6 ejemplares de la década de los cincuenta de la revista que el Ministerio de Educación de Venezuela le dedicó a la poesía venezolana y9 ejemplares que constituyen una significativa representación de los libros diseñados para el fotógrafo e historiador de arte venezolano Alfredo Boulton, uno del escritor Alfredo Armas Alfonso y uno del impresor Ernesto Armitano.

Esta donación no sólo contribuiría a completar la poliédrica figura de Cruz-Díez en las colecciones de la biblioteca del Museo, sino que constituye un ejemplo vivo de la evolución del diseño venezolano en particular, y de la transformación de las industrias gráficas en general. Todos estos libros tuvieron un peso considerable en la formación de los jóvenes diseñadores venezolanos

128 Desde las orillas del Sena durante la década del setenta, ahora formados en las primeras escuelas exclusivamente dedicadas a la enseñanza del Diseño Gráfico. Un proceso transformador que se ha vivido de manera similar en todas las geografías, un fenómeno que ha tenido una escala global, y pone de relieve una vez más la historia en común.

Se incorpora a la colección del Museo la pintura Banana Absolut, de Moisés Barrios

La obra de Moisés Barrios, artista fundamental de la escena latinoamericana cuyo trabajo se ha desarrollado entre Guatemala y Costa Rica, forma parte esencial de uno de los fenómenos más interesantes en la pintura latinoamericana durante los años noventa del siglo XX, que apropiándose de las corrientes postmodernas, revisa críticamente la historia del arte occidental y los repertorios de imágenes de la modernidad europea.

El tema de las bananas ha sido sinónimo de compromiso de revisar la historia de Guatemala, sus procesos de colonización y sus respectivas contradicciones en la contemporaneidad. En años recientes, cuando muchos artistas de la escena latinoamericana están indagando en el tropicalismo, la obra de Moisés Barrios continúa insistiendo sobre la toma de conciencia de ese pasado de invasiones para cuestionar y entender el origen de los clichés del Ser tropical, contenidos en conceptos como el

129 Desde las orillas del Sena manido “repúblicas bananeras”. La contaminación viral que propone en su trabajo más reciente es su respuesta al pillaje histórico de bienes culturales y recursos que sigue cobrando facturas en el presente. La pintura que se incorporará al Museo es Banana Absolut, del año 1996.

Los artistas Rolando Castellón y Luciano Figueiredo donan dos piezas claves en su trayectoria artística

Rito pagano (Serie Pos-Colombina) es una pieza clave en la trayectoria de Rolando Castellón, protagonista de sus principales exposiciones e imagen de algunas de sus invitaciones y portadas. Se trata de la primera obra en la que el artista comienza a utilizar barro, un elemento que desde 1981 es distintivo de su trabajo y que comenzó precisamente con esta pieza realizada a partir de doblar una pintura anterior y aplicarle barro como pigmento.

La obra Jornal imaginário de 1984 forma parte de este período inicial de la carrera de Luciano Figueiredo como artista visual donde predomina la experimentación de materiales: en ella la densidad del color es el resultado de la superposición de las láminas de papel, proceso recurrente a lo largo de toda su producción. Esta obra que forma parte de la serie que lleva el mismo nombre, formó parte de su primera exposición individual realizada en el año 1984, en la Galería Paulo Klabin ubicada en Río de Janeiro.

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Además de las donaciones, la Fundación ha decidido comprar para el Museo una serie de obras de los artistas guatemaltecos Moisés Barrios y Jorge de León.

La Fundación Museo Reina Sofía

La Fundación Museo Reina Sofía es una entidad cultural privada sin ánimo de lucro, entre cuyos objetivos principales se cuenta el de fomentar y apoyar la misión del Museo Reina Sofía como vehículo para la promoción, el conocimiento crítico y el acceso del público al arte moderno y contemporáneo en sus diversas manifestaciones, en una simbiosis público-privada orientada a crear sentido de pertenencia al Museo entre la sociedad civil. Pone particular énfasis en el ámbito internacional, con especial atención a América Latina.

Nace en el contexto en el que se ensayan nuevas relaciones entre las instituciones culturales públicas y el ámbito de lo privado, crecidas al calor de los nuevos retos del Museo en el siglo XXI.

Creada el 23 de noviembre de 2012 por iniciativa de un grupo de coleccionistas españoles e iberoamericanos afines al Museo, actúa desde entonces como una herramienta en la que distintos sectores de la sociedad civil, a nivel internacional, colaboran con el Museo

131 Desde las orillas del Sena aplicando nuevas formas de protección, mecenazgo y patrocinio. Los patronos signatarios del Acta Constitucional son Patricia P. Cisneros (Venezuela), Jorge Grüenberg (Perú), Helga Müller de Alvear (España), Jose Olympio Pereira (Brasil), Juan Antonio Pérez Simón (México), Álvaro Saieh Bendeck (Chile), Silvia Gold Turjanski y Hugo Sigman Pomerantz (Argentina), Susana Leirner y Ricardo Steinbruch (Brasil), Beatriz de Vasconcelos Quintella y Luiz Augusto Teixeira de Freitas (Brasil), y Juan Carlos Verme (Perú).

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

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Il Museo di Roma in Trastevere presenta la mostra Fotografie di Stefano Cigada

Roma, 5 marzo 2020.

La mostra presenta 21 preziose stampe che raccontano la passione del fotoreporter Stefano Cigada per l’archeologia e la sua ricerca di far “palpitare” le statue antiche.

Il suo percorso si distingue dalla ricerca di altri fotografi contemporanei e pone l’accento su alcuni particolari delle statue antiche mettendone in risalto le parti danneggiate, ferite ancora vive che possono essere assimilate alla "carne viva".

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E' la prima mostra in Italia di Stefano Cigada, fotografo che, dopo anni passati all’estero come fotoreporter in ambito marino, cambia rotta, rallenta, rientra nel suo paese d’origine e inizia a cercare un’altra forma per esprimersi, sempre con la macchina fotografica, ritrovando una vecchia passione per l’archeologia.

Le opere di Cigada accompagnano lo spettatore in un viaggio nel tempo e nello spazio insieme al senso preciso di quella frazione di secondo, quando il pezzo di pietra sembra girare, ruotare, sollevare peso, respirare, piegarsi o sospirare.

La ricerca dell’artista diventa un’ossessione: quella di far "palpitare" le statue antiche, arrivate a noi quasi mai integre, come dichiara egli stesso: "Cercando quello che manca, quello che non si vede, cercando l’infinito nel frammento".

Viaggia in tutta Europa, visita i musei per scovare le statue di cui coglie non l’interezza ma la fragilità, mettendo a fuoco la rottura, la faglia, nell’attimo in cui quel particolare "è toccato dalla luce naturale". Le immortala quando vengono colpite da un raggio di sole attraverso una finestra o una porta, le va a trovare in diverse ore del giorno, mese dopo mese, stagione dopo stagione. L’immobilità diviene movimento, la materia fredda del marmo rivive con l’inganno dell’effetto mimetico.

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E come Cigada stesso racconta: "Conosco statue ed orari in cui sono colpite dalla luce, con che incidenza arriva la luce secondo il calendario. Ad esempio alla Centrale Montemartini il 27 di settembre una delle mie statue preferite – il guerriero morente del tempio di Apollo Sosiano – è accarezzata per dieci minuti da un raggio di sole. Una settimana prima e una settimana dopo il sole passa oltre, e la fotografia è inutile. Solo durante quei 10 minuti succede qualcosa di magico. E quelli sono i miei dieci minuti, quelli che voglio acciuffare".

Cigada dialoga con le statue, divinità, animali, guerrieri, atleti, ninfe, senza preferenze, scegliendo quelle che gli "parlano" e che lo illuminano.

Le fotografa senza cavalletto, senza luce artificiale, con lenti luminose, apertura massima di diaframma e poca profondità di campo. Mette a fuoco il punto il punto di rottura, elevando quel frammento a protagonista mentre tutto il resto sfuma. Cigada consegna questo frammento allo spettatore per riempirlo con un’immagine, percependo molto di più di quel che realmente vede. La magia di questi Frammenti risiede nello strato subatomico della materia: il marmo è vivo, allo stesso modo di piante e animali. Il livello molecolare della pietra, infatti, si muove, magari in modo differente dalle altre specie animate, ma si muove. La luce del giorno,

135 Desde las orillas del Sena che cambia nel giro di un istante, fornisce una prova del dato scientifico, quasi come una performance.

Cigada va alla ricerca di quell’esatto momento, che carpisce dopo innumerevoli prove ed errori: la sua ossessione permette allo spettatore di assaporare la fugace ma palpabile evidenza di una materia viva, che respira.

Stefano Cigada è definito dalla curatrice Jill Silverman van Coenegrachts un amateur. Come il British Conceptual artists ART & LANGUAGE ha scritto in diverse occasioni "vogliamo essere dilettanti, perché la qualità che rende interessante un amateur è la sua vulnerabilità, l’apertura di pensiero verso l’argomento in questione. L’amateur affronta il lavoro senza pregiudizi, con occhi spalancati e mente priva di preconcetti. Partendo da questo, con un po’ di fortuna, realizza qualcosa di completamente nuovo".

Il progetto prevede anche un percorso didattico dedicato alle scuole.

Informazioni

Luogo: Museo di Roma in Trastevere Orario : Dal 22 gennaio al 15 marzo 2020. Da martedì a domenica ore 10.00 - 20.00 La biglietteria chiude alle ore 19.00

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Promossa da: Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale, Sovraintendenza Capitolina ai Beni Culturali Servizi museali: Zètema Progetto Cultura

Tipo: Mostra|Fotografía

Curatore : Jill Silverman van Coenegrachts.

Félix José Hernández

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Le dessin sans réserve au Musée des Arts Décoratifs

Marguerite Porracchia —Mme Simone habillée par Jeanne Lanvin1920-1922.Don Bruno Gaudenzi et Sandra Nahum, 2013© Marguerite Porracchia

Paris le 5 mars 2020.

Le Musée des Arts Décoratifs présente les chefs-d’œuvre du Cabinet des Dessins à travers une grande exposition qui célèbre toute la richesse de ses collections. Uniques au monde, réunissant plus de 200 000 œuvres, celles-ci offrent un panorama très large de la création du xv e siècle à nos jours, en Europe et jusqu’au Japon.

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Méconnu, ce fonds est l’un des plus importants au monde. S’y côtoient des dessins de maîtres, tels Le Brun, Watteau, Fragonard, Degas ou Rodin, les œuvres d’ornemanistes et de décorateurs tels Chareau et Royère et des modèles pour la joaillerie et la haute couture.

Pour mieux saisir toute sa profusion et sa diversité, une sélection de 500 œuvres est présentée dans un parcours original sous forme d’abécédaire qui célèbre les thèmes chers au dessin (A comme Architecture ; P comme Paysages ; D comme Décor ; S comme Séduire).

À travers une scénographie confiée au collectif H5, « Le dessin sans réserve. Collections du Musée des Arts Décoratifs » est une invitation à découvrir « de A à Z » des fonds complets d’artistes, des grands ensembles iconographiques et les découvertes stupéfiantes de ces dernières années.

Sur une idée de Marie-Noël de Gary, François Mathey, alors conservateur en chef, crée le cabinet des dessins en 1974. La collection elle-même se constitue dès les années 1880, peu après la fondation de l’institution. Des donations légendaires d’éminents amateurs d’art sont à sa source telles celles de Jules Maciet, auteur du projet utopique d’encyclopédie par l’image, ou encore Philippe de Chennevières, l’un des plus célèbres collectionneurs. Des achats judicieux en vente publique (1885, 1891, 1896) complètent ces générosités comme ceux des dessins de meubles d’André Charles Boulle, d’une

139 Desde las orillas del Sena grande rareté, en raison de l’incendie qui détruit son atelier en 1720.

Les artistes et leurs descendants ont également largement contribué à enrichir le Cabinet par des dons majeurs, comme Auguste Rodin qui donne huit de ses dessins en 1908, ou bien Jean Dubuffet, Jean Royère et Emilio Terry qui offrent au musée des ensembles complets issus de leurs fonds d’atelier, apportant un éclairage capital sur les étapes du processus de création et révélant l’intimité des artistes. En plus d’un siècle et demi s’est ainsi constituée une collection d’exception dans laquelle brillent les noms des plus grands maîtres et créateurs. Ces pièces uniques voisinent avec des séries, qui sont l’une des signatures du musée : projets de papiers peints Art nouveau, katagami (pochoirs japonais), bijoux Art déco.

Déployée au niveau 3, l’exposition propose un dispositif original en reprenant la formule d’un abécédaire servie par une scénographie évoquant l’univers des réserves, et avec elle, le versant mystérieux des musées : les œuvres sont ainsi présentées avec fantaisie dans leurs caisses de transport. Le parcours se prolonge dans les galeries permanentes en se terminant par la Bibliothèque pour une déambulation au plus près de la création.

L’architecture (A) inaugure ce parcours avec un recueil de relevés de Jacques Androuet Du Cerceau, précieux

140 Desde las orillas del Sena témoignage de la Renaissance sur l’architecture antique, et pour le xx e siècle, l’iconique pavillon du Tourisme de Robert Mallet-Stevens pour l’exposition de 1925, que complètent les compositions oniriques d’Emilio Terry. Si les dessins d’architecture tiennent une place considérable, c’est également le cas de leur corollaire évident : les décorations intérieures. Ainsi, le décor (D) est évoqué par les études de plafonds de Charles Le Brun et Charles de La Fosse, récemment attribuées donc inédites, ainsi que de Claude III Audran. Le Cabinet des Dessins conserve également le Recueil des décorations intérieures de Percier et Fontaine mais aussi les projets conçus par de grands ensembliers (E) à l’instar de Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens et Pierre Chareau dont le bureau- bibliothèque de l’ambassade française à l’exposition de 1925 trouve sa réalisation grandeur nature dans le musée. La passion immodérée pour le xviii e siècle, typique du Goût Goncourt (G), s’exprime avec les œuvres de Carle Van Loo, François Boucher sans oublier Jean Honoré Fragonard. Le fonds de dessins de mobilier (M) se distingue par des études d’armoires d’André Charles Boulle jusqu’au Tube Chair de Joe Colombo en passant par les œuvres de Jacques-Emile Ruhlmann et de Jean Royère. La joaillerie et la mode trouvent leur plus charmante expression dans la section séduire (S), qui rassemble des précieux ensembles de bijoux par René Lalique et Alphons Mucha, et des projets de robes de Victor Lhuer pour Paul Poiret, récemment identifiés, mis

141 Desde las orillas del Sena en regard de la robe Mosaïque (vers 1910) réalisée par le couturier. Pour la première fois sont montrés les dessins du fonds de Marguerite Porracchia, dont le crayon a secondé les pensées de Jeanne Lanvin. Enfin, c’est aussi l’opportunité de célébrer la splendeur de la capitale (V comme Vie parisienne) qu’illustrent avec virtuosité les dessins de Jules Chéret pour Les Coulisses de l’Opéra au musée Grevin ou le Décor pour le ballet de Cléopâtre par Léon Bakst.

L’exposition affirme une vision transversale et résolument pluridisciplinaire ; on y rencontre les projets de grands et petits maîtres pour les jardins, la sculpture, la peinture, les objets, l’orfèvrerie et les papiers peints. Elle est aussi l’occasion de dévoiler les récentes découvertes, touchantes pour certaines, spectaculaires pour d’autres. Parmi celles-ci figurent des maquettes inédites pour les décors du pavillon Une ambassade française à l’exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925. Les plus spectaculaires sont, sans aucun doute, le pastel à taille réelle Étude pour un cheval d’Albert Besnard (1883) et le modèle redécouvert de Jean Souverbie pour le grand escalier monumental du théâtre national de Chaillot (1937), tous deux restaurés à cette occasion.

140 ans après la première grande exposition consacrée aux dessins de décoration et d’ornement des maîtres

142 Desde las orillas del Sena anciens présentée par le Musée des Arts Décoratifs au palais de l’Industrie en 1880, « Le dessin sans réserve » invite à découvrir l’incroyable diversité d’une collection unique qui ne cesse de s’enrichir. Elle propose d’en préciser l’histoire et les contours et d’envisager l’avenir d’un fonds né pour fournir des modèles aux artistes, et qui illustre à lui seul la création de ces six derniers siècles. Commissaires : Benedicte Gady, Conservatrice du Patrimoine en charge du Département des Arts Graphiques, assistée de Sarah Catala, Curatorial Fellow Getty Foundation Département des Arts Graphiques.

Olivier Gabet, Directeur du musée.

Musée des Arts Décoratifs. 107 rue de Rivoli, 75001 Paris.

Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h (Nocturne le jeudi jusqu’à 21h : seules les expositions temporaires et la galerie des bijoux sont ouvertes)→ entrée plein tarif : 11 €→ entrée tarif réduit : 8,50 €.

Félix José Hernández

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El Prado rinde homenaje a las artistas que fueron silenciadas en su día

Imagen de la lona que reproduce la obra Estudio del natural de Concepción de Figuera, instalada en la fachada de Velázquez para celebrar el Día Internacional del Mujer. Foto © Museo Nacional del Prado Madrid, 6 de marzo de 2020. Querida Ofelia: La lona reproduce la obra Estudio del natural (1887) realizada por Concepción de Figuera, pero que fue adquirida por el Estado como atribuida a un hombre y depositada en el Museo del Prado. Esta acción es un anticipo de la exposición “Invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931)”, que se inaugurará el próximo 30

144 Desde las orillas del Sena de marzo para analizar en profundidad el papel de la mujer en el sistema español de arte en el siglo XIX y primeros años del XX. Empleadas del Museo protagonizan un vídeo coral en el que se cuenta la historia de esta pintura, que simboliza momentos y situaciones de clara discriminación hacia las artistas.

Para celebrar el Día Internacional de la Mujer, el Museo del Prado ha instalado, en la fachada de Velázquez, una lona que reproduce la pintura Estudio del natural, una obra de Concepción de Figuera, artista española del siglo XIX. Firmada bajo el pseudónimo Luis Lármig, recibió una medalla honorífica por el conocimiento que de la vieja escuela española del Siglo de Oro revelaba su autor y fue adquirida por el Estado para el Museo del Prado. Una representación de las empleadas del Museo del Prado, una veintena, narra en un vídeo la historia de esta pintura y su autora, que ocultó su condición de mujer bajo un pseudónimo masculino. Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid, Félix José Hernández.

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Réouverture du musée Cernuschi de Paris

Paris le 3 mars 2020.

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Après une campagne de rénovation d’envergure, le musée des Arts de l’Asie de la Ville de Paris rouvre ses portes avec un nouveau parcours permanent repensé.

Lieu de référence sur l’art de la Chine, le musée Cernuschi réaffirme sa vocation d’espace privilégié de découverte de l’Asie extrême-orientale à travers les échanges artistiques qui unissent la Chine au Japon, à la Corée et au Vietnam. À l’issue d’une réflexion sur la pédagogie du parcours et après un chantier de rénovation de près de 9 mois, le musée inaugure une nouvelle phase de son histoire, avec un parcours de visite repensé, véritable invitation au voyage dans l’écrin de l’hôtel particulier imaginé au XIXe siècle par Henri Cernuschi.

Ce parcours, dont la scénographie a été confiée à l’Atelier Maciej Fiszer, présentera de nouvelles facettes de la collection, mettant en avant une large sélection d’oeuvres dont une majorité n’était pas exposée jusqu’à présent (430 nouveaux objets sur 650).

Débutant avec une présentation de la collection initiée par Henri Cernuschi lors de son séjour en Asie entre 1871 et 1873, la visite est d’abord envisagée comme une invitation au voyage dans l’esprit de son fondateur, qui a placé les arts du Japon et de la Chine au coeur de sa collection.

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Dans un second temps, le visiteur est amené à se plonger dans une histoire singulière qui, de dynastie en dynastie, offre une vaste perspective sur les arts de la Chine, considérés dans leur continuité, depuis la préhistoire jusqu’au XXIe siècle.

Ce parcours chronologique qui accompagne l’évolution culturelle et artistique de la Chine est ponctué de moments consacrés aux autres aires culturelles majeures de la collection, la Corée, le Japon et le Vietnam. Des vitrines « grand angle » proposent en effet d’élargir les perspectives en présentant les échanges entre les différentes aires culturelles de l’Asie orientale ou les singularités de chaque pays.

En fin de parcours, la nouvelle « salle des peintures », permet de présenter au public, sur un rythme de quatre rotations chaque année, une cinquantaine d’oeuvres d’arts graphiques (peintures sur papier ou sur soie, ou encore éventails et paravents) extrêmement fragiles issues de la riche collection d’arts graphiques du musée, notamment célèbre pour sa collection unique d’artistes asiatiques du XXe siècle.

À l’occasion de ces travaux une importante campagne de restauration des collections a été réalisée par le musée notamment grâce au soutien d’un financement participatif pour la restauration des céramiques archéologiques vietnamiennes.

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Une visite approfondie par des outils de médiation

Des outils numériques et des vitrines thématiques permettent désormais d’approfondir la découverte des collections.

Un compagnon de visite (application mobile gratuite) apportera des éléments multimédia et interactifs de contextualisation permettant une meilleure lecture des oeuvres phares de la collection, selon un parcours court ou une déambulation plus développée au gré du visiteur.

Des tables tactiles réparties dans le parcours des collections permanentes offriront une diversité de contenus : modélisation 3D, agrandissements de détails, présentation d’oeuvres fragiles ou surdimensionnées pour une présentation permanente. Afin de répondre aux attentes de tous les curieux de découvrir les arts de l’Asie d’hier et d’aujourd’hui ces outils tactiles enrichiront l’expérience de visite d’informations et d’explications inédites.

Le musée des Arts de l’Asie de la Ville de Paris est né de la volonté d’Henri Cernuschi (1821-1896), son fondateur. Familier de Léon Gambetta, d’Émile Zola, aussi bien que de Sarah Bernhardt ou d’Edmond de Goncourt, Cernuschi est une figure marquante du Paris intellectuel et artistique de la fin du XIXe siècle. Homme politique d’origine italienne aux engagements républicains,

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économiste et financier célèbre pour ses théories monétaires, Henri Cernuschi est aujourd’hui principalement connu à travers le prisme des arts asiatiques. Au début des années 1870, Henri Cernuschi découvre l’Asie, véritable but d’un voyage autour du monde entrepris en compagnie du critique d’art Théodore Duret. Après avoir traversé le continent américain et l’océan Pacifique, il arrive au Japon, porte ouverte sur l’Asie et son art. Du Japon, il gagne la Chine, puis Java, Ceylan, Singapour et l’Inde. Ce périple est à l’origine d’une des plus importantes collections européennes d’art asiatique réunies au XIXe siècle. En 1873, dès son retour à Paris, Cernuschi expose sa collection fraîchement constituée au palais de l’Industrie. Fort de ce succès, il fait construire dans un quartier récemment aménagé à proximité du parc Monceau, un hôtel particulier où il vit entouré de ses collections. Accueillant les artistes et les amateurs d’art asiatique, Cernuschi fait de sa demeure l’un des hauts lieux du japonisme jusqu’à sa mort en 1896. L’hôtel particulier et ses collections sont légués à la Ville de Paris.

Ouvert au public en 1898, le musée Cernuschi devient rapidement le théâtre d’expositions principalement consacrées aux arts de la Chine et du Japon. Pendant la première moitié du XXe siècle, les importantes découvertes archéologiques en Chine et au Vietnam

150 Desde las orillas del Sena impulsent une nouvelle orientation au musée, désormais largement consacré aux origines des cultures d’Asie orientale. Depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale, le musée Cernuschi s’est ouvert aux arts asiatiques modernes et contemporains. Au cours des dernières décennies, les multiples collaborations avec les créateurs asiatiques ont fait du musée non seulement un lieu d’exposition et de conservation d’œuvres contemporaines, mais aussi de partage des connaissances et des pratiques artistiques actuelles. Héritage de cent cinquante ans de découvertes, les collections du musée Cernuschi embrassent près de cinq millénaires, de la préhistoire au XXIe siècle. À travers ces œuvres, le public du musée est invité, dans l’esprit de son fondateur, au voyage en Asie.

Inauguré le 26 octobre 1898, le musée Cernuschi est ouvert au public depuis 121 ans et porte le nom de son fondateur, Henri Cernuschi, qui confia à l’architecte William Bouwens Van Der Boijen, la construction d’un hôtel particulier où il résidera, entouré des œuvres d’art rapportées de son périple asiatique effectué de 1871 à 1873. Infos pratiques MUSÉE CERNUSCHI

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Musée des Arts de l’Asie de la Ville de Paris 7, avenue Vélasquez 75008 Paris Félix José Hernández

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Los estuches del Tesoro del Delfín en el Museo del Prado

Estuche para jarro de pico en cristal Paris, 1690-1711 Madrid, Museo Nacional del Prado. Madrid, 9 de marzo de 2020 Querida Ofelia:

El Museo del Prado presenta ante el público, por vez primera, el conjunto integral de estuches del Tesoro del Delfín, exhibiéndolo en una sugestiva museografía que pretende mostrar su riqueza y variedad, y que resalta lo extraordinario del número y calidad de cada obra. En dos vitrinas complementarias se exhiben, por un lado, varios estuches abiertos, junto a la pieza que protegen, lo que permitirá al visitante apreciar los detalles de su diseño. Y por otro, una serie de estuches en una posición inusual, boca abajo, para descubrir lo que nunca es visible, la decoración que aparece en la base con motivos

153 Desde las orillas del Sena que podrían identificar posibles autores, talleres o coleccionistas. Esta presentación singular de la colección, es una propuesta del Área de Conservación de Escultura y Artes Decorativas del Museo del Prado, que dirige Leticia Azcue Brea. El llamado “Tesoro del Delfín” es una colección de obras suntuarias creadas fundamentalmente en los siglos XVI y XVII, de gran valor artístico, tanto por sus valiosos y escasos materiales (entre otros lapislázuli, ágata, jaspe, jade o el excepcional conjunto de cristal de roca), como por la importancia de sus guarniciones, la mayoría de oro y plata, a veces esmaltadas y enriquecidas con diamantes, rubíes, esmeraldas y otras gemas. Luis, el Gran Delfín de Francia (1661-1711), hijo de Luis XIV y Mª Teresa de Austria, reunió esta colección siguiendo el ejemplo de su padre. Aunque era el heredero, nunca llegó a reinar, pues falleció en 1711. Su hijo Felipe, primer rey Borbón de España recibió, como parte de su herencia, un lote enviado desde París que se componía de 169 obras y sus correspondientes estuches. Los estuches, guardianes del Tesoro Se han conservado la gran mayoría de los estuches que protegían las obras del Tesoro, algunos muy lujosos, y todos ejemplares únicos, diseñados ex profeso y de forma individual, por lo que bien pueden denominarse el otro Tesoro, dado su

154 Desde las orillas del Sena valor histórico artístico y singularidad. Los estuches no solo preservaban las obras, sino que permitían trasladarlas con seguridad y facilitaban su recuento en los guardajoyas de los palacios, al ser fácilmente reconocibles porque se adaptaban a sus formas y diseño. Son muy escasas las instituciones que conservan estuches para piezas del coleccionismo regio, por lo que el conjunto del Museo del Prado es uno de los más destacados del mundo en su género. La colección llegó a Madrid en 1715 y fue posteriormente trasladado al nuevo palacio en La Granja de San Ildefonso, donde permaneció almacenado durante décadas en la llamada “Casa de las Alhajas”. Este traslado lo salvó del incendio del Real Alcázar de Madrid en 1734. En 1776, Carlos III decidió trasladar el Tesoro al recién inaugurado Real Gabinete de Historia Natural, por sus excepcionales valores mineralógicos. Fue saqueado y enviado a París por las tropas francesas en 1813, pero sin la protección de los estuches. En 1815 fue devuelto al Real Gabinete, aunque con importantes deterioros y el extravío de varias piezas, que nunca se han localizado. En 1839 el Director del Museo del Prado - entonces denominado Real Museo de Pintura y Escultura - solicitó el Tesoro del Delfín junto con sus estuches, alegando su valor histórico artístico. De esta forma, veinte años

155 Desde las orillas del Sena después de su inauguración, se incorporaron a esta Institución las Artes Suntuarias. En 1867, el Tesoro se expuso en el lugar más emblemático del Museo, la Galería Central, en dos grandes vitrinas, una para las piezas de cristal de roca y otra para las realizadas en piedra de color. Los estuches, sin embargo, nunca se expusieron.

El Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid, que ya disponía de su nueva sede y espacio en la calle Montalbán, solicitó en 1935 el depósito de los estuches, a donde fueron enviados a finales del año. En 1937 el Tesoro, considerado una colección excepcional, se evacuó a Ginebra junto con las grandes obras maestras de pintura del Museo del Prado. Para ello, los estuches fueron devueltos de forma urgente al Museo, de forma que el Tesoro pudiera viajar protegido dentro de sus estuches, aunque, en algún caso, la obra no encajaba en su estuche, porque durante el siglo XIX se habían ensamblado piezas que no se correspondían con el diseño original. Regresó al terminar la Guerra Civil, sin que hubiera que lamentar deterioros. De nuevo, la mayor parte de los estuches fueron depositados en el Museo Nacional de Artes Decorativas, donde ha estado expuesta una selección, y de donde regresaron en 2017.

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De este relato se deduce la importancia de los estuches, 124 obras, datadas entre los siglos XVI al XVIII, de los cuales 23 están expuestos de forma permanente en la sala del Tesoro del Delfín (sala 79 B) y 101 en esta muestra temporal, una presentación singular de las colecciones del Museo. Estructura, forma y marcas Los estuches se desmontan generalmente en dos partes que se unen por un sistema de aldabillas metálicas, tal como se puede comprobar en una de las vitrinas donde se exhiben dos obras del Tesoro junto a sus estuches. Tienen un alma de madera y el interior está forrado de paño de lana roja o, en ocasiones, de gamuza, seda o terciopelo, lo que el visitante podrá comprobar al contemplar algunos estuches abiertos. Junto a un pequeño grupo cuyo exterior presenta telas ricas como brocado o terciopelo, una gran parte se recubren por un tipo de fina piel teñida de rojo, satinada y lustrosa, denominada tafilete, tal como ya recogían los inventarios históricos, y que fueron encargados para Luis, el Gran Delfín de Francia. Están decorados en su mayoría con motivos dorados, principalmente lises y delfines, en ocasiones con el escudo del Gran Delfín, e incorporan a veces los collares de las órdenes francesas de San Miguel y del Espíritu

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Santo, junto a otros motivos ornamentales similares a los usados en encuadernaciones. Varios de ellos tienen en la base diversos motivos decorativos que podrían identificar sus posibles autores, talleres o coleccionistas. El más frecuente es una mosca, aunque en ocasiones aparecen lises, gallos, florones y otros elementos, e incluso una figura alada.

En el que se considera el primer inventario correlativamente estructurado, el de 1746, se describen, junto a su pieza, como “Caja de tafilete”, “felpa” o “terciopelo”, etc., de diferentes colores, mientras que en 1776 se suelen denominar simplemente “caja”. Fue Letizia Arbeteta quien inició su estudio y difusión en 1991, e identificó y relacionó la totalidad de los estuches con sus piezas en su tesis doctoral de 1999, publicada por el Museo del Prado en 2001. Sus propuestas de catalogación son las hipótesis más probables, a la luz de los datos que actualmente se conocen. El diseño refleja la forma de las obras originales, alterada por las modificaciones, daños o pérdidas que han podido sufrir. Precisamente, gracias a que se conservan estuches de alguna obra desaparecida a lo largo de la azarosa historia del Tesoro, particularmente durante la Guerra de la Independencia y en un robo detectado en 1918, se ha podido averiguar cómo era su forma básica, lo que ayuda a completar la información sobre estas obras perdidas, descritas en los antiguos inventarios.

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Los estuches. Su valor en sí mismos La colección tiene elegantes ejemplares, bellamente decorados, elaborados en diferentes cortes europeas, cuya calidad y variedad no solo los hace únicos en sí mismos, sino que son especialmente atractivos como contenedores de lujo. Como colección del heredero de la corona francesa, se encuentran destacados ejemplares, en su mayoría italianos, centroeuropeos y franceses. Esta exposición se plantea como un reto, un descubrimiento estético a través del cual el visitante podrá comprobar la intrínseca relación entre las excepcionales piezas del Tesoro del Delfín y los estuches diseñados para protegerlas. Se trata de un acercamiento diferente a las Artes Suntuarias, a unos contendores que se abrían solamente en las grandes solemnidades, y se almacenaban en espacios recónditos de los palacios, y cuyos deterioros – que se han respetado - muestran los avatares sufridos por esta colección a lo largo de su historia. Es una mirada trasversal que permite analizar cómo la historia del arte y la historia social tienen muchas lecturas, y cómo los contenedores de lujo se relacionan con el mundo de la estuchería, la encuadernación, y los objetos de gran valor coleccionados por la realeza. Montaje y medios complementarios El montaje, para el que se ha contado con la colaboración y asesoramiento

159 Desde las orillas del Sena museográfico de Letizia Arbeteta, Conservadora de Museos especialista en esta colección, intenta trasmitir, con una visión impactante, la variedad de este conjunto de estuches, y su colorido interno y externo, que se ha conservado a pesar del paso del tiempo. Funciona de forma parecida a los antiguos guardajoyas, almacenes en donde la forma de cada estuche permitía localizar la obra que guardaba. Ha sido diseñado por el equipo de ESTUDIONOTE. Priman por ello los valores estéticos, con la intención de que atraiga la atención de los visitantes, en especial la de los jóvenes para que descubran y puedan animarse a investigar esta faceta de las Artes Suntuarias, y desde luego la de los encuadernadores y la de los diseñadores, que encontrarán en este conjunto una fuente de inspiración.

La exposición se complementa con una experiencia digital, la misma que se puede consultar en la sala del Tesoro del Delfín, patrocinada por Samsung y desarrollada por Lalivingston, que permite disfrutar cada pieza en todo su esplendor, contemplarla y ampliarla a la máxima resolución, además de conocer sus características y catalogación, y relacionarla con su estuche, que se muestra cerrado y abierto. Como actividad complementaria, del 16 al 18 de marzo tendrán lugar las jornadas internacionales En torno al Tesoro del Delfín. Coleccionismo regio europeo,

160 Desde las orillas del Sena dirigidas por Letizia Arbeteta Mira y Leticia Azcue Brea, en las que los máximos especialistas españoles y del resto de Europa, explicarán los pormenores de esta colección, y en las que se dedicará una sesión a los estuches, lo que aportará un mayor conocimiento sobre este excepcional conjunto. Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

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Décalcomanies d’Elena Balzamo

Paris le 12 mars 2020.

Un plaisir de lecture, un livre profondément distrayant !

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De la Russie des années 60 à l’actualité française, l’auteur livre un essai plein de drôlerie qui donne matière à réflexion.

C’est la Russie de Brejnev dont se rappelle Elena Balzamo. Toujours totalitaire, le régime est pourtant proche de la dissolution : imperceptiblement, l’étau se desserre un peu… C’est l’époque où les Moscovites se mettent au vert dans les datchas (le plus souvent de simples bicoques) ou s’enthousiasment (en l’absence de toute structure hôtelière) pour le camping sauvage… Grâce au ski pratiqué en compétition, l’auteur voit du pays et glisse du Nord industriel aux Carpates dans des stations bricolées à partir du matériel allemand datant de la Seconde Guerre. Il n’est pas si loin le temps où les Russes hurlaient de rire en lisant des recettes exigeant des quantités « pantagruéliques » d’œufs et de sucre. La France n’est pas en reste avec ses chauffeurs de taxi, les gilets jaunes et les prescriptions féministes en matière de langage (« autrice » ? la barbe !).

Souvenirs, observations, anecdotes, autant de fragments littéraires jetant, avec humour, parfois gravité, et toujours ce sens du détail qui la caractérise, d’inattendues passerelles entre la France et la Russie.

Elena Balzamo est née à Moscu en 1956, est une auteure, essayiste, traductrice et critique littéraire, spécialiste des littératures scandinaves russe. Elle a fait

163 Desde las orillas del Sena des études à l'Université de Moscou, puis à Tbilissi, en Géorgie. Elle est en France depuis 1981. Elle a soutenu une thèse de doctorat : Le Conte littéraire scandinave : l'évolution d'un genre (1987). Elle est essayiste, critique littéraire, traductrice (allemand, anglais, danois, norvégien, russe, suédois).Elle est lectrice pour plusieurs éditeurs français. Elle est chargée de conférences à l’Ecole pratique des Hautes Etudes (Histoire et philologie de la Scandinavie ancienne et médiévale). Elle a traduit du suédois des œuvres de August Strindberg, Hjalmar Söderberg, C.L.J. Almquist, Sigrid Combüchen, Kerstin Ekman, C.H. Wijkmark... Son travail a été récompensé par le Prix de traduction de l'Académie suédoise 2001.Elle est docteur honoris causa de l’université d’Umeå (Suède).

Décalcomanies. Elena Balzamo. Éditions Marie Barbier, 12,5 × 19,5 cm, 0.164 Kg ,152 pages, Broché, Grand Format, 12 €. ISBN : 978-2-9561193-7-1

Félix José Hernández.

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Les contes de Jacobsen au Musée Bourdelle

La Petite Sirène de Jacobsen - Vue de l'exposition, photo : Hélène Boubée

Paris le 13 mars 2020.

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Jusqu’au 31 mai 2020, le musée Bourdelle accueille la toute première exposition française consacrée au sculpteur et céramiste danois Niels Hansen Jacobsen. Contemporain méconnu d’Antoine Bourdelle, son œuvre est marquée par un goût pour l’étrange, l’ambigu, voire le macabre…

Originaire d’une petite ville du sud du Danemark, Niels Hansen Jacobsen (1861-1941) s’installe à Paris en 1892, où il restera dix ans dans un atelier du boulevard Arago – pas si loin, donc, de l’atelier du grand Bourdelle depuis transformé en musée !

L’exposition s’attarde sur cette période parisienne riche en rencontres : Jacobsen fréquente des artistes symbolistes, dont l’imaginaire débridé l’influence durablement. Confrontant ses œuvres à celles de Bourdelle, Redon, Carriès, Moreau, Kupka... l’exposition offre ainsi une petite mais spectaculaire anthologie du premier symbolisme français.

L’entourage multiple d’un artiste danois

Lorsque Niels Hansen Jacobsen arrive à Paris en 1892, la ville est de plus en plus cosmopolite. Les Américains y viennent en nombre pour suivre la mouvance impressionniste, et ils ne sont pas les seuls : Montparnasse et Montmartre deviennent petit à petit des ruches fourmillantes d’artistes de toute l’Europe.

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Dans son atelier du boulevard Arago, sorte de « couvent artistique », Jacobsen est entouré de ses amis danois, les peintres Axel Hou, Jens Lund, Henriette Hahn ou encore Johannes Holbeck. L’émulation est d’autant plus vive qu’ils y côtoient des acteurs majeurs du symbolisme : comme le céramiste Jean Carriès, voisin d’atelier de Jacobsen, qui façonne dans la terre d’improbables grenouilles à oreilles de lapin… Ou encore le dessinateur Art Nouveau Eugène Grasset dont certaines illustrations singulières sont fortement marquées par le symbolisme comme l’aquarelle Trois femmes et trois loups vers 1892, qui renvoie aux fantasmagories de la forêt.

Toutes ces rencontres nourrissent ses influences, très loin de la tendance au naturalisme de la fin du XIXème siècle… Et Jacobsen va, lui aussi, chercher dans la littérature fantastique et dans les contes ses motifs les plus énigmatiques.

Première œuvre majeure de l’exposition : La Petite Sirène de Jacobsen datant de 1901, adaptation de plâtre du célèbre conte d’Andersen (1805-1875). Un choix qui révèle toute l’attention du sculpteur aux récits et aux créatures fantastiques qui participent à l’étrangeté de son œuvre.

Plus loin, le Troll qui flaire la chair de chrétiens de 1896 impressionne par son élan et ses formes pointues, vigoureuses… effrayantes, aussi. Le troll est une figure

167 Desde las orillas del Sena emblématique du folklore scandinave : bien que ressemblant à l’homme, il porte des cornes, une queue et des serres à trois doigts, et émerge de la forêt sombre.

Niels Hansen Jacobsen s’intéresse aux insaisissables mystères de l’existence, et tâche en 1897 de représenter L’Ombre dans un mouvement de bronze onirique, qui là encore s’inspire du conte éponyme d’Andersen. Tout comme sa très sombre La Mort et la Mère, qui termine le parcours sur une note dramatique.

« Ce qui me plaît dans la céramique, c’est que l’on crée soi-même la matière... » Niels Hansen Jacobsen.

Jacobsen était aussi un fou de céramique qu’il commence à pratiquer vers le milieu des années 1890 et ne cesse d’expérimenter. Il crée des pots et des sculptures affaissées, aux émaux dégoulinants, s’amuse avec cet aspect « raté » et en fait le cœur de son travail.

Comme bien des céramistes à la même période – qui ont découvert la beauté brute des pots en grès japonais à l’Exposition universelle de 1878 –, Jacobsen s’emploie à explorer les surépaisseurs, les coulures, les compositions asymétriques, les assemblages… Ses cruches noueuses et étranges ont d’ailleurs quelque chose de nordique, de trollesque.

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L’exposition profite de cette passion pour faire le point sur les différentes techniques de la céramique, notamment grâce à une petite vidéo explicative. Et présente plusieurs vitrines de pots et de sculptures en grès émaillé, aux couleurs aussi lyriques que les motifs venus des contes étranges d’Andersen !

Les contes étranges de N. H. Jacobsen Jusqu’au 31 mai 2020 Musée Bourdelle 18, rue Antoine Bourdelle 75015 Paris.

Félix José Hernández

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Balzac par Eduardo Arroyo

Paris le 14 mars 2020.

Avec cette nouvelle exposition, la Maison de Balzac présente un artiste qui est le seul à s’être intéressé à la fois à la figure de Balzac, aux personnages tirés de ses romans mais aussi aux endroits où l’écrivain a vécu. À travers une trentaine de peintures, collages et dessins, réalisés depuis 2014, La Comédie humaine, Balzac par

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Eduardo Arroyo montre comment cet artiste utilise sa connaissance très fine de Balzac pour se pencher sur ses propres impressions.

Portraits de l’écrivain, intérieurs et personnages deviennent ainsi le prétexte à un vagabondage dans les souvenirs, à une narration qui prolonge les mémoires du peintre. Les oeuvres nous invitent à une promenade dans le Paris d’hier et portent une rêverie nourrie de souvenirs liés à cette ville, explorent des sensations qu’Arroyo place dans la lignée des romans d’Aragon. Littérature et peinture se croisent tant et si bien qu’elles se fondent. Eduardo Arroyo s’est fait connaître dans les années 1960, comme l’un des fondateurs du mouvement pictural « Figuration narrative ». Sa peinture aux couleurs vives, au dessin précis, exprime le fort tempérament d’un peintre contestataire, engagé dans la politique comme dans l’art.

Le premier contact d’Arroyo avec Balzac lorsqu’il arrive à Paris dans les années 60, c’est la sculpture de Rodin sur le boulevard Raspail, il découvre ensuite les curieux portraits de l’écrivain par Picasso. Mais ce lien se concrétise lorsque Gilles Aillaud propose en 1964 le thème du roman Une passion dans le désert à Eduardo Arroyo et Antonio Recalcati pour un cycle de treize peintures, peu après présenté par les critiques comme le manifeste d’un nouveau mouvement pictural, la figuration narrative.

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C’est en 2013, qu’Arroyo réintroduit Balzac dans sa peinture, avec près d’une trentaine d’oeuvres. En 2015, il décide de publier une Comédie humaine illustrée, chantier colossal, propre à stimuler l’artiste. Curieux, il a figuré les héros d’ouvrages peu connus, comme Melmoth réconcilié ou Les Employés. Il n’hésite pas à peindre des personnages que Balzac lui-même renonce à décrire, comme s’il y voyait un défi à relever. Arroyo ne restitue d’ailleurs pas La Comédie humaine, ni la vie de Balzac, mais y trouve l’inspiration, en retient des impressions qui se mêlent à des souvenirs personnels, pour des créations souvent surprenantes.

Le projet a malheureusement été brisé par sa disparition en 2018, mais de nombreux portraits de personnages ont néanmoins été réalisés : ces oeuvres d’Arroyo forment la première tentative d’illustration de La Comédie humaine par un artiste d’envergure. La Maison de Balzac est la première institution en France à consacrer un hommage à cet artiste disparu.

Maison de Balzac. 47, rue Raynouard 75016 Paris.

Horaires d'ouverture : Ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h. Fermé les lundis et certains jours fériés.

Félix José Hernández.

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Cœurs au Musée de la Vie Romantique

Paris le 13 février 2020.

Du romantisme dans l’art contemporain. Le musée de la Vie romantique présente une sélection inattendue de 40 œuvres de trente artistes contemporains autour de la représentation du cœur comme expression du

173 Desde las orillas del Sena sentiment amoureux, en écho à l’une des thématiques phares du romantisme.

Cette exposition souhaite ouvrir la programmation du musée au-delà du XIXe siècle en explorant les prolongements du romantisme dans l’art contemporain, en résonance avec ses collections. À la manière des écrivains et peintres romantiques qui inscrivaient les passions au cœur de leur création, l’exposition invite à une découverte esthétique du cœur et de sa représentation.

Thématique de l'exposition

Le cœur en tant qu’organe, motif et symbole est présenté ici à travers différentes techniques : peinture, dessin, sculpture, céramique, néon et photographie. Certains artistes évoquent leurs sentiments et leurs tourments intérieurs en harmonie avec le romantisme du XIXe siècle. D’autres reprennent le motif en tant que forme esthétique et invitent à des pensées humanistes en ouvrant des horizons de sensibilité vers le rêve, l’idéal et le sublime. Outre les figures emblématiques de Niki de Saint Phalle, Jim Dine, Annette Messager, Sophie Calle, Pierre et Gilles, Jean-Michel Othoniel et Françoise Pétrovitch, le visiteur pourra découvrir dans cette présentation une vingtaine d’autres artistes.

Parcours de visite

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Le parcours se décline en sept sections autour d’un récit sur l’amour et se poursuit dans l’ensemble du musée et du jardin, invitant le visiteur à revoir de façon sensible et poétique les collections permanentes. Le principe de la déambulation permet de faire ressentir au public les multiples nuances du sentiment amoureux en évoquant les grands thèmes de la séduction, du coup de foudre, de la déclaration d’amour, de l’érotisme, de la rupture, du deuil et de l’amour éternel. Des miniatures, dessins et objets précieux, aux côtés de formats plus spectaculaires, mêlant une approche naturaliste à une vision idéaliste, illustrent ce motif populaire, son sens symbolique et ses appropriations esthétiques dans l’art d’aujourd’hui.

Commissariat général

• Gaëlle Rio, Directrice, musée de la Vie romantique • Maribel Nadal Jové, curatrice invitée

Artistes présentés

Martine Aballéa, Pilar Albarracín, John M. Armleder, Gilles Barbier, Ronda Bautista, Sophie Calle, Hsia-Fei Chang, Delphine Coindet, Jim Dine, Jacques Halbert, Oda Jaune, Ouka Leele, Philippe Mayaux, Annette Messager, Marc Molk, Mrzyk & Moriceau, Claude Nori, Vincent Olinet, Jorge Orta, Jean-Michel Othoniel, Françoise Pétrovitch, Pierre et Gilles, Sarah Pucci,

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Agatha Ruiz de la Prada, Niki de Saint Phalle, Ida Tursic et Wilfried Mille, Luise Unger, Winshluss.

Cette exposition ouvrira pour la Saint-Valentin, lors d’une journée exceptionnelle gratuite destinée à tous les amoureux de l’art, de la musique et de la poésie. Une riche programmation culturelle, des animations et des dispositifs de médiation comme un photomaton, un parcours de visite pour les enfants, un mur à messages d’amour, une carte du cœur ainsi que des visites guidées et des ateliers, feront battre le cœur du public au musée de la Vie romantique.

Musée de la Vie romantique Hotel Scheffer-Renan 16, rue Chaptal 75009 Paris

Horaires d'ouverture : Ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h. Fermé les lundis et certains jours fériés.

Félix José Hernández.

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El confinamiento de la población en Francia

Monsieur Emmanuel Macron, Presidente de la República Francesa durante sus palabras a la Nación el 16 de marzo de 2020.

París, 17 de marzo de 2020.

Ayer a las 8 p.m. el Sr. Presidente Emmanuel Macron se dirigió de nuevo al pueblo para informar de las nuevas medidas que se aplicarían para combatir la pandemia de Coronavirus.

Los helicópteros del ejército transportarán a los enfermos graves desde los pequeños hospitales de provincias hacia los grandes hospitales, entre ellos los cinco militares que existen en la Nación. También se construirá un hospital militar de campaña en la zona más afectada del país.

Ya anteriormente se habían ido tomando medidas paulatinamente, según se hacía más grave la situación

177 Desde las orillas del Sena como las de cerrar: los estadios, salas de espectáculos, teatros, cabarets, cines, bares, restaurantes, tiendas, centros comerciales, escuelas y universidades. Los profesores ya imparten las lecciones por medio de la Internet.

Se habían prohibido las visitas a los asilos de ancianos y a las cárceles. Y se desaconsejaba que los niños visitaran en sus casas a los abuelos ancianos, para evitar infectarlos en caso de que fueran portadores sanos.

Se recomendaba a las personas de más de 70 años el que salieran de casa lo menos posible. Por ello, yo pasaba los días leyendo, escribiendo, escuchando música, etc., pero cada tarde daba un paseo con mi esposa.

Monsieur Macron informó también que la segunda vuelta de las elecciones municipales no tendrán lugar el domingo próximo, no dijo para qué fecha se harían, aunque se sabe que el primer ministro Édouard Philippe, había propuesto a los dirigentes de los distintos partidos políticos el 21 de junio. Hay que recordar que el partido gubernamental “La República en Marcha” sufrió una debacle en las elecciones del domingo pasado.

La medida más impresionante que anunció Monsieur Macron fue la de que a partir de las 12 del día de hoy 17 de marzo, toda la población debía mantenerse en sus hogares por lo menos durante quince días. De este

178 Desde las orillas del Sena confinamiento se podrá salir solamente para comprar alimentos, medicinas, ir al médico o ir a trabajar (para la minoría que sigue haciéndolo). Pero para ello hay que imprimir un formulario por medio del sitio web del Ministerio del Interior y llenarlo como declaración jurada, indicando a qué lugar uno se desplaza y por qué. Más de cien mil agentes del orden público se situarán a lo largo y ancho de la Nación y pedirán estos formularios a todo aquel que encuentren al exterior de sus hogares, pudiendo poner multas entre 38 y 135 euros en caso de dudas a la persona interpelada.

Los transportes públicos serán reducidos de 20% y se impedirá que se produzca un éxodo de las grandes ciudades hacia los pueblitos, para evitar la extensión posible del virus.

300 mil millones de euros serán dedicados a paliar los efectos negativos a empresas o personas de la pandemia de Coronavirus.

Cada tarde el Ministro de Salud Pública Monsieur Olivier Véran se dirige al pueblo por la televisión sobre la situación de la pandemia, ayer informó que había 6663 infectados, más de 400 en estado grave y 148 fallecidos.

Pero como solo se hacen los análisis a los que tienen mucha tos, fiebre de +39° y dificultad para respirar (solo en ese caso se llama al 115 y la ambulancia le va a

179 Desde las orillas del Sena buscar), los especialistas estiman que la cantidad de infectados es muy superior a la declarada por las autoridades sanitarias.

La ex Ministra de Salud Pública Madame Agnès Buzyn, la cual tuvo que renunciar a su puesto para ser candidata del partido gubernamental a la alcaldía de París, declaró ayer que ella había dicho al Primer Ministro y al Presidente de la República en enero, sobre el riesgo sanitario que representaban las elecciones municipales. Pronosticó que habrá miles de muertes en Francia.

Desde hace varios días hay largas filas en los supermercados para almacenar alimentos en los hogares por temor al confinamiento -lo que se produjo hoy-. Ayer recorrí tres supermercados y no encontré: arroz, pasta italiana, papel sanitario, guantes desechables, etc.

Al exterior de las farmacias hay carteles que anuncian: “No tenemos guantes desechables, termómetros, mascarillas ni gel antibacterial para manos”. También se restringieron las ventas de paracetamol a solo una caja por persona.

Ayer la Unión Europea cerró sus fronteras exteriores a los 27 países que la forman. El gobierno declaró que todos los franceses residentes en otras Naciones si lo desean, serían repatriados. Mientras tanto debido a la caída del tráfico aéreo, se cerro el aeropuerto Orly 2 y la

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Compañía Air France anunció que cancelaba el 90% de sus vuelos.

El inmueble en el que vivo en estos momentos está rodeado de andamios a causa de reparaciones. Cuando miro por las ventanas hacia la avenida por donde no pasa ya nadie ni ningún coche, o cuando desde el balcón observo el parque vacío donde suelen jugar tantos niños, me da la impresión de que mi esposa y yo estamos dentro de una jaula.

La situación de confinamiento en la que estamos todos los habitantes de Francia me hace recordar tres películas que en su momento me impresionaron y que recomiendo:

-El filme estadounidense de Ranald MacDougall “Mundo, carne y deseo” (1959), interpretado por Harry Belafonte, Inger Stevens y Mel Ferrer, en el que aparece un New York de calles desiertas donde toda la población ha desaparecido, salvo tres supervivientes

-El filme mexicano de Luis Buñuel «El ángel exterminador» (1962), interpretado por Silvia Pinal, en el cual los invitados a una cena en una bella mansión no logran salir por razones inexplicables y comienzan a aparecer según pasan los días los instintos más primitivos de los seres humanos.

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El filme cubano de Tomás Gutiérrez Alea «Los sobrevivientes» (1979), interpretado por Enrique Santiesteban, Germán Pinelli, Reynaldo Miravalles, Vicente Revuelta y Carlos Ruiz de la Tejera. En él una familia adinerada cubana se encierra en su mansión con abundante comida, a la espera que el Régimen de los Castro caiga.

Pero sobre todo, me trae a la mente los desagradables recuerdos de los meses vividos confinado en mi hogar de la calle Soledad 507 en Centro Habana, en el ya lejano 1980, cuando después del mitin de repudio, debido a que mi suegro nos había mandado a buscar por el Puerto de Mariel y nos habían impedido partir hacia Tierras de Libertad. Los inquisidores rojos del C.D.R. (Comité de Defensa de la Revolución), nos tenían amenazados con “darnos una buena monda” si salíamos a la calle. Pero gracias a Dios pudimos escapar hacia Francia el 21 de mayo de 1981.

Confío en que Dios nos ayude a todos a pasar por esta difícil prueba que se está extendiendo por todo el Mundo.

Félix José Hernández.

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Les Parisiens dans l’exode (1940), au Musée de la Libération de Paris

Paris le 20 mars 2020.

Printemps 1940 en France : huit millions de personnes fuient sur les routes pour échapper à l’avance des armées allemandes. 80 ans après, le musée de la Libération de Paris- musée du général Leclerc – musée Jean Moulin revient sur cette tragédie française et européenne.

Du début du mois de mai à la mi-juin 1940, les populations ont traversé un moment historique bouleversant : la fuite sur les routes de huit millions de personnes pour échapper à l’avance des armées allemandes. Les trois quart des Parisiens se sont jetés sur les routes, entassant comme ils le pouvaient leurs affaires les plus précieuses, dans un chaos inimaginable. Cet effondrement brutal des structures et de l’organisation de la société explique pour partie l’accueil fait à l’armistice demandé par le Maréchal Pétain.

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De cet épisode traumatique, force est de constater qu’il ne reste que peu de traces. Très peu d’objets et dessins témoignent de ce moment, au contraire de nombreuses images fixes et animées, journaux, archives qui seront présentés dans l’exposition. 80 ans après, le musée de la Libération de Paris- musée du général Leclerc – musée Jean Moulin revient sur une tragédie française et européenne.

L'exposition raconte la fin brutale, en quelques semaines traumatisantes, d’une société pourtant bien organisée et porte la réflexion sur l’expérience des réfugiés, d’hier à aujourd’hui.

COMMISSAIRE : Sylvie Zaidman, conservatrice en chef du patrimoine et directrice du musée de la Libération de Paris – musée du général Leclerc – musée Jean Moulin.

COMMISSAIRE INVITÉE : Hanna Diamond, historienne spécialiste de l’exode, professeur à l’université de Cardiff (Pays de Galles/UK).

Félix José Hernández.

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La Fondation Cartier présente « La Lutte Yanomami » de Claudia Andujar

Susi Korihana thëri au bain, Catrimani, Roraima, 19721974. Pellicule infrarouge, 68 × 102 cm. Paris le 21 mars 2020. « Je suis liée aux Indiens, à la terre, à la lutte première. Tout cela me touche profondément. Tout me semble essentiel. Peut-être ai-je toujours cherché la réponse au sens de la vie dans ce noyau fondamental. J’ai été poussée là-bas, dans la forêt amazonienne, pour cette raison. C’était instinctif. C’est moi que je cherchais. » CLAUDIA AUDUJAR La Fondation Cartier pour l’art contemporain présente la plus vaste exposition jamais consacrée à l’œuvre et au

185 Desde las orillas del Sena militantisme de la grande photographe brésilienne Claudia Andujar qui, depuis les années 1970, dédie sa vie à la photographie et à la défense des Yanomami, peuple amérindien parmi les plus importants de l’Amazonie brésilienne. Fruit de plusieurs années de recherche dans les archives de la photographe, cette exposition, conçue par Thyago Nogueira pour l’Instituto Moreira Salles au Brésil, présente son œuvre à travers plus de 300 photographies en noir et blanc ou en couleur (dont un grand nombre d’inédits), une installation audiovisuelle ainsi que des dessins réalisés par des artistes Yanomami et des documents historiques. Reflétant les deux versants indissociables de sa démarche, l’un artistique, l’autre politique, elle révèle à la fois la contribution majeure de Claudia Andujar à l’art photographique et le rôle essentiel qu’elle a joué – et joue encore – en faveur de la défense des droits des Indiens Yanomami et de la forêt qu’ils habitent. Née en 1931 à Neuchâtel, Suisse, Claudia Andujar vit à São Paulo. Après une enfance en Transylvanie, elle rejoint la Suisse avec sa mère pendant la Seconde Guerre mondiale pour fuir les persécutions nazies en Europe de l’Est. Son père, Hongrois de confession juive, est déporté à Dachau où il est exterminé avec la plupart des membres de sa famille. Après la guerre, Claudia Andujar immigre aux États-Unis et s’installe définitivement en 1955 au

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Brésil, où elle entame une carrière d'artiste et de photojournaliste. UNE INTERPRÉTATION DE LA CULTURE YANOMAMI Elle rencontre pour la première fois les Indiens Yanomami en 1971, alors qu’elle participe à un reportage sur l’Amazonie pour le magazine Realidade. Fascinée, elle décide d’entreprendre un travail photographique approfondi sur le monde des Yanomami grâce à une bourse de la Fondation Guggenheim. Son approche diffère nettement du style documentaire de ses contemporains. Les photographies prises à cette période montrent les diverses techniques qu’elle expérimente pour traduire ce qu’elle perçoit de l’expérience chamanique des Indiens Yanomami. En appliquant de la vaseline sur l’objectif de son appareil, en utilisant une pellicule infrarouge ou en jouant avec la lumière, elle crée des distorsions visuelles qui imprègnent ses images d’une certaine surréalité. Claudia Andujar réalise également de nombreux portraits en noir et blanc à travers lesquels elle saisit la noblesse et la dignité des Yanomami. Elle privilégie les plans resserrés de visages ou de fragments de corps, et crée des effets de clair-obscur pour instaurer un sentiment d’intimité et mettre en valeur, avec empathie, l’intériorité de ses sujets. Dans le même temps et afin de mieux comprendre leur culture, elle propose aux Yanomami de

187 Desde las orillas del Sena représenter eux-mêmes leur univers métaphysique en leur fournissant papier, stylos et feutres. Une sélection de ces dessins montrant des scènes mythologiques ou rituelles et des visions chamaniques est présentée dans l’exposition. LE MILITANTISME La fin des années 1970 marque un tournant dans la carrière de Claudia Andujar. La construction, par le gouvernement militaire brésilien, de la route transamazonienne dans le sud du territoire Yanomami ouvre la région à la déforestation ainsi qu’à des projets de colonisation agricole, et provoque la destruction de communautés entières en favorisant la propagation d’épidémies. Cette situation dramatique n’est pas sans rappeler à Claudia Andujar le génocide auquel elle a assisté en Europe, et cette prise de conscience la pousse à s’engager entièrement dans la lutte en faveur de la défense des droits des Yanomami et de la protection de leur forêt. En 1978, elle fonde avec le missionnaire Carlo Zacquini et l’anthropologue Bruce Albert la Commissão Pro-Yanomami (CCPY) et se lance dans une campagne longue de près de quinze ans pour la délimitation de leur territoire, condition essentielle de la survie physique et culturelle de ce peuple. Son militantisme prend alors le pas sur son travail artistique et la photographie devient pour elle une préoccupation secondaire, dont la vocation est désormais de soutenir la cause des Yanomami.

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C’est à cette époque que Claudia Andujar réalise, lors d’une campagne de vaccination, des photographies en noir et blanc de Yanomami portant autour du cou un numéro servant à les identifier sur des fiches médicales. Elle reprendra plus tard ces photographies dans l’une de ses séries les plus célèbres, celle des Marcados [Marqués]. L’ambiguïté de ces images réside dans le malaise que crée l’identification numérique des individus, qui n’est pas sans rappeler le tatouage des juifs pendant la Shoah bien que le procédé soit ici, à l’inverse, mis en place pour la survie d’un peuple. Des photographies inédites issues de cette série seront dévoilées pour la première fois dans l’exposition.

En réaction aux décrets signés en février 1989 par le gouvernement brésilien pour démembrer le territoire Yanomami en un archipel de dix-neuf micro-réserves, Claudia Andujar crée Génocide Yanomami: mort du Brésil (1989-2018), un manifeste audiovisuel réalisé à partir de photographies tirées de ses archives qu’elle re- photographie à l’aide de filtres et d’éclairages divers. Véritable point d’orgue de l’exposition, cette œuvre, présentée dans une nouvelle version réalisée pour l’occasion, montre le bouleversement d’un monde amérindien dévasté par la prédation de la civilisation occidentale. Une bande-son composée par Marlui Miranda à partir de chants Yanomami et de musique expérimentale accompagne l’installation.

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En 1992, grâce au combat mené sans relâche par Claudia Andujar, Carlo Zacquini, Bruce Albert et le chaman et porteparole des Indiens Yanomami Davi Kopenawa, le gouvernement brésilien a accepté de reconnaître légalement le territoire des Yanomami. L’intégrité de ce territoire, homologué à la veille de la conférence générale des Nations unies sur l’environnement tenue la même année à Rio, est encore aujourd’hui menacée par une invasion massive de chercheurs d’or et la déforestation causée par les grands éleveurs. En retraçant le combat d’une vie et en dévoilant la richesse formelle du travail de Claudia Andujar, l’exposition Claudia Andujar, La Lutte Yanomami montre pour la première fois son œuvre dans toute sa beauté et sa complexité. Elle offre une immersion dans l’univers cosmologique et la vie quotidienne des Yanomami ainsi qu’une puissante mise en accusation politique des abus dont ils sont victimes. Commissaire : Thyago Nogueira (directeur du Département de photographie contemporaine de l’Instituto Moreira Salles, Brésil), assisté de Valentina Tong Conservatrice : Leanne Sacramone, assistée de Juliette Lecorne L’exposition est organisée en collaboration avec l’Instituto Moreira Salles (Brésil) et bénéficie du soutien de l’Association Yanomami Hutukara (Boa Vista) et de l’Instituto Socioambiental (São Paulo et Boa Vista).

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La Fondation Cartier pour l’art contemporain soutient la cause Yanomami et le travail de Claudia Andujar depuis 20 ans. Claudia Andujar et des artistes Yanomami, tels que Taniki, Joseca, Ehuana et Kalepi ont participé à plusieurs expositions et figurent parmi les artistes de la collection de la Fondation Cartier. La Fondation Cartier pour l’art contemporain présente son travail pour la première fois en 2003 dans l’exposition Yanomami, l’esprit de la forêt. Claudia Andujar renouvelle sa collaboration avec la Fondation Cartier en 2012 pour l’exposition Histoires de voir, dans laquelle elle présente le travail de Taniki, premier dessinateur Yanomami à travailler sur papier. En 2013, elle participe à l’exposition América Latina, 1960-2013 avec Marcados, une série émouvante de photographies prises pendant une campagne de vaccination des Yanomami à laquelle elle a participé entre 1981 et 1983. Itinérance de l'exposition Dans le cadre du partenariat entre la Fondation Cartier et Triennale Milano, Claudia Andujar, La Lutte Yanomami sera présentée à Milan à partir de l’automne 2020. L’exposition voyagera également au Fotomuseum Winterthur (Suisse) à partir du 6 juin 2020, et à la Fondation Mapfre (Espagne) à partir du 11 février 2021. Félix José Hernández.

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Les cerisiers en fleurs de Damien Hist à la Fondation Cartier

Damien Hirst dans son studio, 2018. © Damien Hirst and Science Ltd. All rights reserved, DACS 2019 Paris le 22 mars 2020. De juin à novembre 2020, la Fondation Cartier pour l’art contemporain invite l’artiste britannique Damien Hirst à dévoiler sa dernière série de peintures Cherry Blossoms [Cerisiers en Fleurs]. Fruit de deux années de travail solitaire dans son atelier londonien, cette série s’inscrit dans la continuité de ses recherches picturales et témoigne du plaisir de retrouver, grâce à la peinture, le geste de l’artiste. Cerisiers est la première exposition institutionnelle de Damien Hirst en France. La série Cherry Blossoms réinterprète avec une ironie joyeuse le sujet traditionnel et populaire de la peinture de paysage. Sur la toile, Damien Hirst mêle touches épaisses et projections de peinture faisant référence tant à

192 Desde las orillas del Sena l’impressionnisme et au pointillisme qu’à l’action painting. Les peintures monumentales, entièrement recouvertes de couleurs vives et saturées, enveloppent le spectateur dans un paysage végétal oscillant entre figuration et abstraction. À la fois détournement et hommage aux grands mouvements artistiques de la fin du xixe et du xxe siècle, cette série marque une forme d’aboutissement des recherches que Damien Hirst mène depuis le début de sa carrière sur la couleur, la beauté, la perception et le rôle de l’artiste. D’abord étudiant à Leeds puis au Goldsmiths College of Art de Londres à la fin des années 1980, Damien Hirst devient rapidement le chef de file des Young British Artists, un groupe d’artistes partageant un goût pour l’expérimentation et la création de dispositifs, parfois perçus comme choquants, qui domina la scène britannique dans les années 1990. Les cadavres d’animaux plongés dans d’immenses aquariums remplis de formol de la série Natural History deviennent ainsi rapidement des images emblématiques de l’œuvre de Damien Hirst et de cette scène artistique. Dès cette époque, la peinture joue un rôle essentiel dans la pratique de Damien Hirst : « J’ai toujours été un grand amoureux de la peinture et pourtant j’ai constamment cherché à m’en éloigner. En tant que jeune artiste, on est nécessairement influencé par les tendances du moment, et dans les années 1980 la peinture n’était pas dans l'air du

193 Desde las orillas del Sena temps. » Si les toiles des débuts sont inspirées de l’expressionnisme abstrait – qu’il qualifie de « paint how you feel » – il entreprend dès 1986 la série Spot Paintings (non achevée à ce jour) qui s’inscrit davantage dans la lignée du minimalisme et de l’art conceptuel des années 1960. Dans ces œuvres, les points colorés semblent réalisés par une machine, gommant toute trace d’intervention humaine. L’approche qui caractérise Visual Candy (1993-1995), une série de toiles aux titres ironiques composées de taches épaisses et de couleurs exubérantes superposées, est quant à elle déjà une célébration du plaisir de peindre. Avec la série Cherry Blossoms, commencée juste après l’ambitieuse exposition de sculptures Treasures from the Wreck of the Unbelievable présentée à Venise (2017) qui l’a occupé pendant près de 10 ans, Damien Hirst retrouve la spontanéité du geste pictural. L’image d’une peinture mécanisée, omniprésente dans la série Spot Paintings, est ici remplacée par la faillibilité de la main de l’artiste qui les réalise seul dans son atelier. « Cherry Blossoms parle de beauté, de vie et de mort. Ces peintures sont excessives — presque vulgaires. Comme Jackson Pollock tourmenté par l’amour. Elles sont décoratives bien que directement inspirées de la nature. Elles parlent de désir, de la manière dont on perçoit les choses qui nous entourent et ce qu’on en fait, mais évoquent aussi l’incroyable et éphémère beauté

194 Desde las orillas del Sena d’un arbre en fleurs dans un ciel sans nuages. J’ai adoré travailler sur ces toiles, me perdre entièrement dans la couleur et la matière à l’atelier. Les Cherry Blossoms sont tape-à-l’œil, chaotiques et en même temps fragiles, c’est grâce à elles je me suis éloigné du minimalisme, du fantasme d’un peintre mécanique. Et c’est ça que j’ai vraiment trouvé excitant. ».

Félix José Hernández.

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Cézanne et les maîtres. Rêve d’Italie au Musée Marmottan Monet

Paul Cézanne, La Montagne Sainte-Victoire, vers 1890, Paris, musée d’Orsay. Donation de la petite-fille d’Auguste Pellerin, 1969 © RMN-Grand Palais (musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski Paris le 25 mars 2020. Le musée Marmottan Monet organise, du 27 février au 5 juillet 2020, une exposition intitulée Cézanne et les maîtres. Rêve d’Italie. Pour la première fois, le travail de l’Aixois sera mis en regard de chefs-d’œuvre des grands maîtres italiens du xvie au xxe siècle. Ainsi une remar- quable sélection de toiles de Cézanne, parmi lesquelles l’iconique Montagne Sainte-Victoire, les incontournables Pastorale et natures mortes, fera face à un rare ensemble de peintures anciennes signées Tintoret, Bassano, le Greco, Giordano, Poussin, Rosa, Munari et, pour les modernes, Boccioni, Carrà, Rosai, Sironi, Soffici,

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Pirandello ou encore Morandi. Cette manifestation inédite a reçu le soutien exceptionnel de quarante-trois prêteurs : collections particulières ainsi que musées français, canadien, américains, suisses, allemands, écossais, espagnol, japonais et, bien sûr, italiens ont permis de réunir une soixantaine de toiles. Venues du monde entier, ces œuvres mettent en lumière l’importance de la culture latine dans l’art de Cézanne et la manière dont l’Aixois s’est nourri de l’exemple de ses illustres prédécesseurs pour asseoir une peinture « nouvelle ». Elles illustrent également l’influence qu’a exercée à son tour le Français sur les artistes du Novecento.

La première partie de l’exposition est consacrée au dialogue que Cézanne entretient avec les maîtres italiens des xvie et xviie siècles tout au long de sa vie. Lecteuér de Virgile, d’Ovide et de Lucrèce dans le texte, infatigable visiteur des musées du Louvre et d’Aix-en- Provence, Cézanne – qui ne fera jamais le voyage en Italie – se tourne dès ses débuts vers les maîtres de ce pays. L’influence de Venise est déterminante. Son hommage au plus célèbre élève du Titien, le Greco, dont il réinterprète La Femme à l’hermine (collection particulière), y fait référence. Pour autant, Cézanne ne verse jamais dans la simple copie. Au contraire, il assimile l’art des musées pour créer une œuvre qui lui est propre. Il en dégage l’esprit et le modernise. Des peintres de la lagune, il étudie la touche. Le Portrait d’Antonio da

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Ponte d’après Bassano (Paris, musée du Louvre) et sa Tête de vieillard (Paris, musée d’Orsay) témoignent d’une même approche de la couleur. À Venise et à Aix, elle est l’élément clé dont émergent tout à la fois la forme, le volume et la lumière. Elle est la pierre angulaire de leur art. En ce sens, la couleur prime sur le dessin, elle le contient. Cézanne capte également l’emphase, voire le tragique d’un Tintoret. Ses toiles les plus violentes, exécutées à ses débuts, s’inscrivent dans ce sillon. Son Meurtre (Liverpool, Walker Art Gallery) à l’impulsion de La Déploration (Nancy, musée des Beaux-Arts) de Tintoret, sa Femme étranglée (Paris, musée d’Orsay) reprend, en l’inversant, le mouvement du corps du Christ de La Descente de Croix du même artiste (Strasbourg, musée des Beaux-Arts). Le modèle napolitain l’inspire également. Les toiles sont plus silencieuses, empreintes de mystère, comme le montre le voisinage du Prophète en buste lisant du Maître de l’Annonce aux bergers (Bordeaux, musée des Beaux- Arts) et du Portrait de la mère de l’artiste (Saint Louis Art Museum). Toutefois, c’est à travers le modèle romain et Nicolas Poussin que Cézanne élabore l’œuvre de la maturité. Dorénavant l’Aixois ne quitte plus le Midi, il embrasse le point de vue des classiques, leur modèle est le même : la nature et la lumière méditerranéennes. La Montagne Sainte-Victoire (Paris, musée d’Orsay) fait alors écho à la silhouette des monts Albains que Francisque Millet place dans son Paysage classique

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(Marseille, musée des Beaux-Arts). Château-Noir (Paris, musée Picasso) et la carrière de Bibemus dialoguent avec les épe-rons rocheux du Latium tels qu’ils apparaissent dans le Paysage avec Agar et l’ange de Poussin (Rome, Galleria Nazionale, Palazzo Barberini). De fait, Cézanne partage avec Poussin le même désir de permanence ; il veut « faire du Poussin sur nature ». Ainsi les nymphes du Paysage de Bacchus et Cérès (Liverpool, Walker Art Gallery) et les figures du Moïse sauvé des eaux (Paris, musée du Louvre) préfigurent-elles les baigneuses sans que celles-ci les copient jamais. Empreintes du même équilibre classique, ces baigneuses résument la démarche de Cézanne : « faire de l’impressionnisme quelque chose de solide et durable comme l’art des musées ». La seconde partie du parcours est dédiée à l’influence de Cézanne sur les peintres du Novecento. Soffici, Carrà, Boccioni, Morandi, Pirandello découvrent l’Aixois soit à Paris à l’occasion de la rétrospective posthume de 1907, soit en Italie où il est exposé dès 1908 et recherché des ama-teurs Egisto Paolo Fabbri et Charles Loeser, installés à Florence. Tous reconnaissent en Cézanne le passeur d’une certaine idée classique, un peintre de la permanence, et établissent un lien entre la solidité des primitifs italiens et le Français. Les Italiens rompent définitivement avec la peinture religieuse ou mythologique des anciens ; ils privilégient le

199 Desde las orillas del Sena dépouillement et la simplicité des thèmes cézanniens : paysages, figures et natures mortes. Le portrait d’enfant de Boccioni (collection particulière) fait écho à celui de Mme Cezanne (collection particulière). Cabanes sur la plage de Carrà (Turin, Galleria Civica d’Arte Moderna) et Paysage de Morandi (Aix-en-Provence, musée Granet) partagent l’atmosphère silencieuse, voire mystique de l’ultime chef-d’œuvre de Cézanne, Le Cabanon de Jourdan (Rome, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea). Les Cinq Baigneurs (Paris, musée d’Orsay) de l’Aixois offrent à Morandi en 1915 et à Pirandello en 1955 la matrice de leurs toiles sur le même thème. Enfin, les natures mortes de Morandi mises en regard de Nature morte, poires et pommes vertes (Paris, musée de l’Orangerie) résument à elles seules la portée métaphysique et silencieuse qui réunit l’œuvre de Cezanne et celles des maîtres italiens du Novecento. Commissariat : Alain Tapié, conservateur en chef, honoraire des musées de France Marianne Mathieu, Historienne de l’art, Directrice scientifique du musée Marmottan Monet. Félix José Hernández.

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Gallerie degli Uffizi : “Francesca da Rimini nell'Inferno dantesco” di Nicola Monti

Nicola Monti (Pistoia 1780 – Cortona 1864), Francesca da Rimini nell'Inferno dantesco, 1810. Huile sur toile. 168 x 121 cm..

Firenze, 24 marzo 2020.

Il pittore protoromantico, artista stravagante e scrittore prolifico, era attivo in Toscana, Polonia e Russia. Parte inoltre la mostra online sulle ‘Immagini dantesche dalle Gallerie degli Uffizi’. E su Facebook il tour virtuale negli ‘inferi’ del museo.

201 Desde las orillas del Sena

Un acquisto importante, una mostra tematica, un tour negli ‘inferi’ sotterranei medievali degli Uffizi. Con il museo chiuso a causa del coronavirus le molte iniziative messe in campo dalle Gallerie per celebrare il Sommo Poeta nell’occasione del primo Dantedì di domani 25 marzo si trasferiscono online.

L’ACQUISTO DI ‘FRANCESCA DA RIMINI NELL’INFERNO DANTESCO’ (1810) DI NICOLA MONTI (Pistoia 1780 – Cortona 1864). L’opera (olio su tela, 168x121 cm) è la prima documentata dell’artista e fu realizzata per il negoziante livornese Luigi Fauquet, suo principale mecenate. Esponente di spicco della pittura protoromantica e grande ammiratore di Michelangelo (in un periodo in cui ad esser venerato come sommo era invece Raffaello), Nicola Monti fu una bizzarra e poliedrica figura di artista e di intellettuale poligrafo. Fu infatti anche autore di numerosi scritti teorici e biografici tra i quali il Trattatello sul nudo, una specie di manuale che rappresenta per noi una preziosa testimonianza della prassi didattica vigente nel XIX secolo nell’Accademia fiorentina, e la Poliantea, sincero e arguto diario che ricostruisce le tappe del suo viaggio in Polonia ed in Russia, durato ben tre anni - dal 1818 al 1821 - durante i quali realizzò un nutrito gruppo di opere. Francesca da Rimini nell’Inferno dantesco si ispira al notissimo episodio del V canto del poema dantesco. Il dipinto riflette l’animo solitario e tormentato di questo artista,

202 Desde las orillas del Sena dotato di una fantasia feconda e di una notevole ricchezza di invenzione, quasi da neo manierista, come ricordavano i suoi contemporanei.

L’IPERVISIONE DANTESCA SUL SITO DEGLI UFFIZI: a partire dalla notte tra il 24 e il 25 marzo sarà disponibile su www.uffizi.it una esposizione virtuale dedicata a Dante, “Non per foco ma per divin’arte. Immagini dantesche dalle Gallerie degli Uffizi”: una scelta di 11 opere appartenenti alla collezione delle Gallerie, tra dipinti, disegni e sculture dal Quattrocento all’Ottocento racconteranno la figura, i personaggi e la fortuna dell’Alighieri nella storia dell’arte. Tra queste il celeberrimo affresco di Andrea del Castagno raffigurante il Poeta e scene dalla Divina Commedia come La Selva oscura di Federico Zuccari (1540 ca. - 1609) e l’Ingresso nell’Ade con Virgilio di Livio Mehus (1630 ca. - 1691), oltre a capolavori di Cimabue, Giotto, Botticelli e Pio Fedi. Introduce l’ipervisione un saggio su Dante e l’arte di Paolo Procaccioli, professore ordinario all’università della Tuscia di Viterbo (il 26 marzo sarà disponibile anche la versione in inglese).

IL TOUR (VIRTUALE) NEGLI “INFERI” DELLA GALLERIA: una visita divisa in due episodi, alla scoperta dei sotterranei della chiesa medievale di San Pier Scheraggio, inglobata nel XVI secolo da Giorgio

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Vasari nella fabbrica degli Uffizi: questo viaggio virtuale negli scavi dell’antico edificio riporterà i visitatori indietro nel tempo, alla Firenze di primo Trecento quando nel luogo si riuniva il Consiglio del Popolo di cui fu membro Dante Alighieri. Nel primo video Novella Lapini, assistente museale, illustra i rapporti tra la chiesa romanica di San Pier Scheraggio e il Sommo Poeta. La “discesa agli inferi” avverrà con la guida di un ‘Virgilio’ d’eccezione, il funzionario archeologo e curatore dell’arte classica della Galleria, Fabrizio Paolucci, che scendendo negli scavi non visibili al pubblico ci farà recedere a tempi ancora più antichi, fino al periodo romano. Entrambi i video verranno resi disponibili sulla pagina Facebook degli Uffizi la mattina del 25 marzo (www.facebook.com/uffizigalleries). Già alla vigilia del Dantedì, sempre sul canale Facebook degli Uffizi, sarà pubblicato un altro video, sulla Pala di San Barnaba di Sandro Botticelli (1487). Esso fa parte della serie #raccontidipinti, dedicata al rapporto tra poesia e pittura, partita il 21 marzo in occasione delle Giornata Mondiale della Poesia. Nella grande pala d’altare, sull’ultimo gradino del trono della Vergine troviamo inciso l’incipit dell’ultimo canto del ‘Paradiso’, “Vergine madre e figlia del tuo figlio”: una preziosa testimonianza dell’ammirazione di Botticelli per il sommo poeta.

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”Dante fa parte del patrimonio delle Gallerie degli Uffizi - commenta il direttore Eike Schmidt – non soltanto per via delle nostre collezioni dantesche, ma anche per il luogo che egli frequentò nella sua veste pubblica e politica, l’ex chiesa di San Pier Scheraggio, nel Cinquecento inglobata dal Vasari nella fabbrica degli Uffizi. Per questo motivo partecipiamo da protagonisti, con fierezza, alla prima festa nazionale del Dantedì, con i mezzi digitali che in questo periodo di isolamento fisico sono diventati strumenti fondamentali di legame tra tutti gli italiani. Nessun personaggio storico rappresenta l’unità nella diversità dei vari popoli d’Italia quanto il Sommo Poeta”.

Ufficio stampa Gallerie degli Uffizi. Opera Laboratori Fiorentini – Civita . Andrea Acampa.

Félix José Hernández

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Une question de peinture au Musée Marmottan Manet

Paris le 31 mars 2020.

Depuis plus de trente ans, dans un parcours diversifié qui va de la sculpture et des installations à la peinture et au dessin, l’artiste britannique Keith Tyson, lauréat du prix Turner, sonde, dissèque, explore et interroge la réalité. Sa mission, qui ne se limite pas à un unique style artistique, consiste à questionner l’art et à interpeller le public. Travaillant avec divers matériaux – peinture, argile, métal, résine –, il remet en question notre connaissance de ce monde que nous percevons comme réel, et le rôle de l’art dans la représentation qu’il en donne.

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Dans les années 1990, alors qu’il n’est encore qu’étudiant, Tyson invente The Art Machine, dispositif conceptuel qui lui permet de repousser les limites du rôle traditionnel de l’artiste comme créateur. Cet algorithme génère en effet, de façon aléatoire, des propositions d’œuvres d’art. The Art Machine donnait la séquence des instructions, Keith exécutait les œuvres. Certaines lui déplaisaient par leur esthétique, leur style ou leur contenu conceptuel, mais il « s’exécutait » simplement parce que la machine lui en donnait l’ordre.

Dans des œuvres ultérieures, c’est la peinture elle-même qui devient le co-artiste. Dans Nature Painting (2008), la pâte, mélangée à des produits chimiques et versée sur de l’aluminium, trouve elle-même sa voie vers la forme et la solidification. Plus récemment, dans Life Still (2019) – série de natures mortes –, Tyson déconstruit des tableaux de fleurs traditionnels du xviie siècle et concçoit des œuvres stylistiquement très différentes les unes des autres. Dans une série appelée « Cyborgs », il photographie numériquement des fleurs sur lesquelles il peint par la suite avant de les photographier à nouveau, donnant ainsi naissance à des objets suspendus entre le monde réel et le monde numérique.

Ce refus de considérer l’artiste comme unique créateur d’une œuvre d’art originale, et la conviction que l’artiste n’est au contraire qu’une entité qui coexiste de façon

207 Desde las orillas del Sena enchevêtrée et interconnectée avec les divers éléments qui composent le monde, semblent faire de Keith Tyson le deuxième artiste le plus improbable pour engager un dialogue avec Claude Monet. Mais c’est précisément ce qui le qualifie pour participer aux Dialogues inattendus dans lesquels, deux fois l’an, des artistes contemporains sont invités à réagir de manière surprenante aux œuvres permanentes de la collection du musée Marmottan Monet.

Pour cette commande, Keith Tyson a choisi deux œuvres très différentes : Le Pont de l’Europe, la gare Saint- Lazare – peinture urbaine réaliste de Paris à l’ère de la machine à vapeur – et Bras de Seine près de Giverny, soleil levant , paysage résolument romantique représentant un arbre près d’une rivière. Dans le premier, une masse d’acier se déplace dans l’environnement bâti d’une ville, la solidité matérielle du train étant masquée par une vapeur diaphane. Dans le second, la lumière brille sur un arbre penché vers l’eau de la rivière où scintillent les couleurs du temps qui passe. Ces deux tableaux sont des explorations magistrales du phénomène du temps, de l’espace et de la lumière.

La physique nous apprend que ces phénomènes sont intimement liés. Si nous regardons un arbre, nous ne le voyons qu’à cause de la lumière. C’est elle qui fait ressortir la matière qui le compose et, à partir de cette

208 Desde las orillas del Sena lumière qui franchit les distances et atteint nos yeux, nous reconstituons l’apparence d’un arbre. En raison du temps qu’il nous faut pour recréer cette apparence, nous voyons toujours l’arbre dans le passé. En ce sens, il n’est pas vraiment présent au moment où nous le voyons. Le regard, tout comme l’acte de peindre, donne une représentation du passé, et non du présent.

Si la réponse de Tyson à Monet est tout à fait curieuse, c’est que l’artiste anglais dans ses œuvres conçues pour l’occasion, représente la réalité en utilisant comme matériau une multiplicité de passés. Son œuvre rassemble plusieurs regards dans le temps et dans l’espace, et non un unique point de vue fixe dans une lumière immuable. Son tout récent tableau sur la ville de Londres est troublant, irréel et futuriste. Il semble embrasé. En réalité, il est composé de multiples lumières, couleurs et reflets réunis en une même scène filmée sur l’espace d’un an. Un autre tableau, Four Seasons, représente la maison de Tyson, à la campagne, sur une durée d’un an. Les formes fractales par lesquelles une partie de la vue se transforme en une autre à la saison suivante font écho à celles du tableau de Monet. Dans ces deux œuvres, l’artiste remet en question les limites de la peinture et la quantité d’informations sur le temps et l’espace que peut contenir une seule toile.

209 Desde las orillas del Sena

Une grande part du travail de Tyson est influencée par les sciences. La physique quantique, l’informatique, la biologie, la chimie et l’astronomie font partie de sa palette au même titre que la matérialité de la peinture. Monet aussi avait trouvé une source d’inspiration dans la science, qui l’a aidé à représenter le monde. Il a été tout particulièrement été influencé par les recherches sur la lumière, et notamment par le « cercle chromatique » défini par le chimiste français Michel Eugène Chevreul dans son ouvrage publié en 1839 De la loi du contraste simultané des couleurs et de l’assortiment des objets colorés considérés d’après cette loi dans ses rapports avec la peinture, les tapisseries. Ce cercle, qui permettait d’étudier les couleurs complémentaires et les illusions produites par leur proximité, a inspiré l’utilisation de la couleur par Monet : ce qui ressemble de loin à une plage de couleur unie se compose en fait de centaines de couleurs différentes, soigneusement choisies pour donner l’impression d’une lumière tombant sur une surface.

Par l’intérêt qu’ils portent à la science et par leur remise en question des conventions – concernant ce qu’est la peinture et ce qu’elle peut représenter –, Monet et Tyson montrent l’un et l’autre que la réalité n’est pas ce qu’elle paraît. Tous deux explorent dans leurs œuvres les limites de la peinture et les possibilités de capter la vérité de l’existence. Tous deux montrent aussi que l’art n’existe pas dans un vide, mais est profondément lié aux sciences

210 Desde las orillas del Sena dans un processus qui cherche à révéler les mystères de l’univers et du monde matériel dans lequel nous vivons.

Commissaire invitée : Ariane Koek

Les dialogues inattendus. Tyson / Monet. Une question de peinture. Musée Marmottan Manet. 2, rue Louis-Boilly, 75016 Paris

Du 22 octobre 2019 au 5 avril 2020. Félix José Hernández.

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Carte blanche à Ru Xiao Fan au Musée Guimet

Paris le 1 avril 2020.

À l’occasion de cette 9e édition de Carte blanche, le musée national des arts asiatiques – Guimet a choisi l’artiste contemporain chinois Ru Xiao Fan. Peintre, sculpteur, conteur, amoureux de la vie, poète de l’humour, il a imaginé pour le MNAAG un panthéon de divinités délicates et facétieuses. 72 œuvres sculptées en porcelaine, disposées en éventail à la manière d’un

212 Desde las orillas del Sena mandala, seront réunies spécialement dans la rotonde du 4e étage. Cette installation fera écho aux splendides collections de porcelaines chinoises du musée du 2e étage, qu’elles soient issues de Jingdezhen ou de Dehua. Entre permanence et différence, tradition et contemporanéité, Orient et Occident, les dualités se retrouvent aussi dans la double éducation artistique de Ru Xiao Fan.

En résonance avec l’espace sacral de la rotonde, ces figures de méditation exaltent le geste millénaire des artistes de la porcelaine, mêlant biscuit sans glaçure et glaçure céladon ou blanc bleuté. L’assise de ces sculptures est composée des bols de cuisson des fours Song que l’artiste découvrait par hasard il y a dix ans sur un marché de la ville de Jingdezhen.

Les personnages à tête de fleurs sont caractéristiques de la production de l’artiste. Ils évoquent à la fois le mandala bouddhique mais aussi la tradition céramique du site de Jingdezhen. C’est en visitant le musée que l’artiste s’est rappelé qu’il avait représenté un bouddha assis sur un grand plat avec un bouquet de fleurs à la place de la

213 Desde las orillas del Sena tête. Il décida de reprendre en partie cette idée et de fixer sur les assiettes serties dans leur socle un moine en céramique (appelé luohan ou arhat - un disciple du Bouddha) et de disposer les pièces en éventail, forme parfaitement adaptée à l’espace circulaire. Telle une ode du cheminement, chacune des figures installées sur une boule de cristal, comme en apesanteur, semble voler sur la mer ou dans le ciel.

Ru Xiao Fan est un artiste que l’on pourrait qualifier de proustien. D’ailleurs À la recherche du temps perdu en version chinoise est son livre de chevet. Dans le développement de son œuvre, la peinture préfigure souvent la sculpture dont les séries sont autant d’expérimentations spatiales interrogeant le rapport entre leurs différentes composantes : sculpture, socle et verre. Cocktail de formes, de couleurs, de textures et d’hybridation, ses œuvres évoquent un art populaire où dominent le fantastique et l’esthétique mais aussi l’humour et la gaieté. Une synthèse parfaite entre l’humain et le végétal qui se retrouvent

214 Desde las orillas del Sena fondamentalement unis dans la pensée chinoise, sans toutefois se départir d’un sens esthétique empli de poésie.

Ru Xiao Fan est né en 1954 à Nankin (Chine). Il est diplômé des Beaux-Arts de l’École Normale Supérieure de Nankin en 1982 et de l’École nationale des Beaux- Arts de Paris en 1986. Il a été boursier de la Casa Velasquez à Madrid en 1988 et 1990. Il vit et travaille à Paris. De par sa double éducation artistique, Ru Xiao Fan passe tour à tour d’un langage pictural occidental rappelant le Pop Art, à des sculptures réalisées dans des techniques traditionnelles chinoises telles la laque et la porcelaine. Si la consommation moderne et la nature morte sont des sujets récurrents dans son œuvre, les fleurs en sont un thème majeur depuis sa série de peintures intitulées 100 fleurs (2003), faisant référence au mouvement « Que cent fleurs s’épanouissent » (1957).

Carte blanche à Ru Xiao Fan

Exposition du 11 mars au 8 juin 2020

215 Desde las orillas del Sena

Commissaires : Sophie Makariou Présidente du MNAAG, commissaire générale et Henri-François Debailleux Commissaire invité

Publication : Ode du cheminement Beaux-arts de Paris éditions. Dessins, aquarelles, sculptures. Préface de Sophie Makariou, entretiens d’Henri-François Debailleux et de Ru Xiao Fan, poèmes de François Cheng – 19 €

Musée national des arts asiatiques – Guimet 6, place d’Iéna, 75116 Paris.

Félix José Hernández

216 Desde las orillas del Sena

Ilusoria y contradictoria posición de los EE.UU.

Miami, 2 de abril de 2020.

Ante la gravísima crisis humanitaria, política, económica, social, sanitaria y militar que está destrozando a Venezuela el Decano del Colegio Nacional de Periodistas de Cuba en el Exilio Lic. Salvador Romaní Orúe, quien vivió desterrado por casi 50 años en Venezuela y donde desde el mismo año 1959 inicio la lucha contra el Castro-

217 Desde las orillas del Sena comunismo, dio a conocer a continuación la moción presentada por el distinguido colega Dr. Omar J Estacio, vice Decano del CNPExilio que refleja y recoge la posición Institucional del Colegio Nacional de Periodistas de Cuba en el Exilio

En el plano personal, tengo gratitud empeñada por los esfuerzos del señor Trump, presidente de EE. UU. y su gobierno en relación con Venezuela. Otra cosa es que en el caso específico de la pretendida conformación de un presunto gobierno de transición propuesta ayer por los Sres. Pompeo y Abraham, me considere en la obligación de calificarla de decepcionante. ¿La oposición venezolana va a cogobernar, con representantes de un narco-régimen, según las acusaciones presentadas el lunes de esta misma semana por tres Fiscalías Federales de EE. UU., contra los titulares de los Poderes Ejecutivo, Judicial y Parlamentario del régimen de Maduro? ¿Ese cogobierno, será el que va a presidir una pretendidas elecciones presidenciales y parlamentarias? Días atrás, reflexionaba sobre los pretendidos paralelismos entre la tragedia venezolana y la que se vivió recientemente en Ucrania en 2013 que condujeron a la renuncia del entonces presidente Víktor Yanukovich. Con todo y el prontuario criminal de este último, con todo lo represivo y lo coludido que estuvo con Rusia en perjuicio de la soberanía de Ucrania, jamás descendió a

218 Desde las orillas del Sena las cotas de criminalidad de sujetos como Maduro, Cabello, Padrino López, Maikel Moreno y una retahíla de bribones que han saqueado Venezuela. Cuando el Sr. Yanukovich, constató que era repudiado por su pueblo, al menos dimitió. Maduro y su pandilla, a mayor rechazo popular, mayor represión para seguir aferrados al Poder. No me imagino que la sociedad norteamericana, para liberarse de la criminalidad desatada de sujetos como Al Capone, en el Chicago de la década de los años 30, hubiese formado un cogobierno de transición, municipal, estadal o nacional, con los secuaces del gánster. Capone, comparado con Maduro y sus secuaces, era un hombre decente ¿A qué tipo de elecciones puede llamar un cogobierno del cual formen parte compinches del Sr. Maduro? La narco satrapía que desmanda en Venezuela, ha demostrado hasta la saciedad que no respeta los resultados electorales, a menos que le sean favorables. Para no remontarnos muy lejos, ahí está su desconocimiento de los resultados de las votaciones parlamentarias de 2015 y, después, el desconocimiento de los resultados de las elecciones regionales, en las que perdieron las gobernaciones de Táchira, Nueva Esparta y Anzoátegui y les han montado a los gobernadores legítimos, entes paralelos que les han arrebatado atribuciones y presupuesto. Las bandas de criminales se enfrentan con medidas policiales. A nadie se le ocurrió cesar al Chapo Guzmán o a Pablo Escobar, con votos. Los gobiernos

219 Desde las orillas del Sena democráticos de la región están emplazados, en sus propios resguardos, a formar una coalición con la disidencia venezolana, para apresar a la banda criminal presida por Maduro. En tal caso, la vacante de este último se supliría con los mecanismos constitucionales.

Lic. Salvador Romaní Orúe. Decano del Colegio Nacional de Periodistas de Cuba en el Exilio.

220 Desde las orillas del Sena

L'élégance des formes de René-Jacques au Château de Tours

Couple sur la plage, Royan, 1932. René-Jacques. © ministère de la Culture /Médiathèque de l’architecture et du patrimoine / Donation René-Jacques

Paris le 4 avril 2020.

Vingt-cinq ans après la dernière exposition qui lui était consacrée, le Jeu de Paume – Château de Tours présente cet automne une rétrospective consacrée à René-Jacques. Étudiant en droit, ce qui le prédestinaient à une tout autre carrière, il fait très rapidement le choix de suivre la voie artistique et d'adopter définitivement son nom d'artiste, afin de s'adonner à sa passion : la photographie.

221 Desde las orillas del Sena

« L'élégance des formes » dévoile une sélection de cent vingt tirages originaux, dont certains montrés pour la première fois, à travers un parcours rythmé par huit sections chrono-thématiques qui retracent les thèmes emblématiques de l'œuvre de ce photographe qui demande a être redécouvert.

Figure marquante de la photographie française d’après- guerre, René-Jacques (né René Giton, 1908-2003) débute sa carrière dans les années 1930. Très rapidement, il embrasse les mille métiers de la photographie, se faisant tour à tour reporter pour L’Intransigeant, illustrateur pour les éditions Grasset ou photographe industriel pour la régie Renault. Arpenteur des rues d’un Paris vide, sur les traces de Carco et Léon-Paul Fargue, il est aussi photographe de plateau pour Lucot, Pabst et Grémillon.

Conscient de la difficulté des photographes à faire valoir leurs droits et reconnaître leur art, René-Jacques, comme François Kollar, son aîné, ou Jean Dieuzaide, son cadet, participe aux différents groupes qui animent la photographie française : Le Rectangle, sous l’égide d’Emmanuel Sougez ; le Groupe des XV, à partir de 1946, où il retrouve Daniel Masclet, Willy Ronis, Robert Doisneau et son ami Marcel Bovis. Défendant ses images et ses points de vue, il participe aux nombreuses expositions que ces groupes organisent. Président pour

222 Desde las orillas del Sena les photographes du conseil d’administration de la Spadem (Société de la propriété artistique des dessins et modèles) à partir 1946, il prend également la tête du syndicat de la photographie publicitaire en 1961 et représente les photographes à la Commission nationale des sites.

Dans les photographies de René-Jacques, rien n’est anodin : chaque image est pensée et trouve sa source dans ses expériences préalables. Ainsi, quand il propose des illustrations pour des œuvres de Carco et de Montherlant, il traduit en images les ambiances et les formes évoquées par les textes. De même, le jeu des ombres et des reflets sur les matières, qu’il affectionne dans ses natures mortes industrielles, fait suite à ses premières recherches et à son expérience de l’éclairage sur les plateaux de cinéma. Pour René-Jacques, professionnel exigeant, répondre aux demandes de ses commanditaires suppose de proposer, au-delà d’une image techniquement parfaite, un supplément d’âme et une vision renouvelée du paysage, du monument ou de l’objet industriel.

En 1991, conscient de la richesse de son travail photographique, il fait don à l’État de son œuvre. Aujourd’hui conservée à la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine (MAP), la donation René-Jacques regroupe ses négatifs, un ensemble de plus de 20 000 tirages, ainsi que de très riches archives formées de ses

223 Desde las orillas del Sena publications, de sa correspondance professionnelle et des planches de tirages de lecture qui servaient à la diffusion de ses images.

René-Jacques. L'élégance des formes.

Du 15 novembre 2019 au 24 mai 2020.

Commissaire : Matthieu Rivallin

Exposition coproduite par le Jeu de Paume et la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine, en collaboration avec la Ville de Tours. Jeu de Paume – Château de Tours 25 avenue André Malraux. 37000 Tours. Félix José Hernández.

224 Desde las orillas del Sena

El Museo del Prado enseña a pintar un mito

Narciso. Jan Cossiers (1636-1638). Óleo sobre lienzo, 97 x 93 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado. Madrid, 1 de abril de 2020. Los mitos son relatos que recogen historias de dioses y semidioses y su relación con los hombres. Sus protagonistas son los dioses del Olimpo, que no sólo regían el destino de los hombres, sino que adoptando en

225 Desde las orillas del Sena ocasiones una apariencia humana que los hacía más cercanos. Sus historias también servían para explicar todo tipo de fenómenos de la naturaleza o del universo que les rodeaba. De origen incierto transmitían de forma oral, modificándose paulatinamente con nuevos añadidos y diferentes versiones. En el caso de los mitos griegos, los primeros testimonios escritos no se remontan más allá del siglo A lo largo de la historia, la mitología clásica ha sido una constante fuente de inspiración para todo tipo de artistas, que se acercaron a esos mitos de forma muy diversa. El Museo del Prado recoge ahora Reinoso Museo Nacional del Prado, comenta del Ciudadano García para enseñar mitología a sus usuarios de una forma lúdica y accesible.

A través de una selección de cuarenta obras destacadas de su colección, el Museo del Prado y Radio Nacional de España realizan un fascinante recorrido por la mitología clásica. Cada día en las redes sociales del Prado, se publica un episodio de Píntame un mito, una sección del programa de Esto me suena. Las tardes del Ciudadano García emitida, los jueves, del 26 de julio mayo de 2019. Félix José Hernández.

226 Desde las orillas del Sena

Confinados en París desde hace tres semanas

Monumento a Santa Genoveva, Patrona de París, situado a orillas del Sena. París, 6 de abril de 2020. Los días pasan y la vida sigue igual, en La Ciudad Luz reina el silencio, salvo a las 8 p.m., cuando se abren balcones y ventanas y los parisinos aplauden al personal de los hospitales en su combate cotidiano por salvar a los infectados por el coronavirus.

227 Desde las orillas del Sena

Cada día a las 7 y 30 p.m., las cadenas de televisión nos muestran en directo a Monsieur Jérôme Salomón, número dos del Ministerio de Salud Pública, el cual nos informa sobre la situación nacional e internacional de la pandemia que sufre la Humanidad. En su comparecencia de anoche Monsieur Salomón dio los siguientes datos sobre Francia: 28 891 hospitalizados, 70 478 infectados, 6 978 graves en cuidados intensivos, 16 185 curados y 5 889 fallecidos durante la hospitalización. A continuación informó que en los asilos de ancianos se habían infectado 22 361 personas, de las cuales 2 189 habían fallecido. Por tal motivo, hasta ahora han muerto en Francia 8 078 a causa de la pandemia. A los asilos de ancianos solo puede entrar el personal que en ellos trabaja, las visitas de las familias están prohibidas, por tal motivo los ancianos comunican con sus seres queridos por medio de los teléfonos y las redes sociales. Se presenta el drama para las familias de los que mentalmente no pueden hacerlo y para los que se ven confinados en sus habitaciones cuando se detecta a alguien infectado en el asilo.

Algo curioso es como los animales han ido recuperado el terreno que perdieron con la construcción de pueblos y ciudades, al estas no tener tráfico ni peatones, así en París se pueden ver los patos y liebres en La Place de la Concorde, cisnes gaviotas y pavo reales en los bulevares,

228 Desde las orillas del Sena provenientes de las orillas del Sena y de los bosques de Bolonia y de Vincennes. Mientras que en muchos pueblos hay jabalíes que osan entrar a ellos. El cierre de las fábricas, la ausencia de coches y un transporte público reducido al 8% ha provocado una baja considerablemente de la contaminación atmosférica, por lo cual gozamos de un cielo de un azul casi tropical y un sol brillantísimo. Las zonas más afectadas por el coronavirus son las ciudades del este de la Nación e Île de France (París con sus barros adyacentes). Los hospitales de ambas regiones están a punto de la saturación por la gran cantidad de enfermos. Gracias a la solidaridad de la Unión Europea, desde los hospitales de las ciudades del este como Estrasburgo y Mulhouse, siguen partiendo los helicópteros conduciendo a los enfermos graves hacia los hospitales de Austria, Suiza, Alemania y Luxemburgo. Por otra parte, desde el parisino aeropuerto de Orly siguen partiendo aviones con enfermos graves hacia las ciudades del oeste, centro y sur de la Nación, al igual que los trenes desde las diferentes estaciones de ferrocarril de la capital. Desde el 17 de marzo solo podemos salir de casa para comprar alimentos, medicamentos, hacer ejercicios o sacar los perros pero por tiempo limitado, también para ayudar a personas minusválidas. Para ello se debe

229 Desde las orillas del Sena imprimir un documento (o descargarlo en el móvil) desde el sitio web del Ministerio del Interior y llevarlo consigo para mostrarlo a la policía en los frecuentes controles en la calle, los cuales pueden multar a los que incumplan las medidas de confinamiento. Tengo la impresión de que estoy viviendo en un filme de ciencia ficción. ¿Quién hubiera podido imaginar que esto podría ocurrir en pleno siglo XXI? Según la tradición, Santa Genoveva salvó a Lutecia - actual París- en el año 451, de la destrucción por parte de Atila -el azote de Dios-, gracias a sus oraciones. Es por ello que es la Santa Patrona de la Ciudad Luz y su estatua se levanta a orillas del Sena, frente a las islas de Saint Louis y de La Cité, donde fue fundada la capital de Francia.Los atentados terroristas del 13 de noviembre de 2015 y el incendio de Notre- Dame el 15 de abril de 2019, habían golpeado fuertemente a los parisinos, así como a toda la población de la Nación, ahora las autoridades estiman que la pandemia de coronavirus es el drama nacional más grande que ha sufrido Francia desde el fin de la Segunda Guerra Mundial en 1945. Estimo que en esta Semana Santa que ha comenzado viendo por la televisión la Misa del Domingo de Ramos, al estar todas las iglesias cerradas, los cristianos debemos orar a Nuestro Señor por toda la Humanidad. Félix José Hernández.

230 Desde las orillas del Sena

Le Supermarché des images au Jeu de Paume

Addressability 2011. Jeff Guess. Courtesy de l’artiste © Jeff Guess.

Paris le 7 avril 2020.

Nous habitons un monde de plus en plus saturé d’images.

Leur nombre connaît une croissance tellement exponentielle – aujourd’hui plus de trois milliards d’images partagées chaque jour sur les réseaux sociaux – que l’espace de la visibilité semble être littéralement submergé. Comme s’il ne pouvait plus contenir les images qui le constituent. Comme s’il n’y avait plus de place, plus d’interstices entre elles. On s’approcherait ainsi de la limite que Walter Benjamin, il y a un siècle

231 Desde las orillas del Sena déjà, imaginait sous la forme d’« un espace à cent pour cent tenu par l’image ».

Face à une telle surproduction d’images, se pose plus que jamais la question de leur stockage, de leur gestion, de leur transport (fût-il électronique) et des routes qu’elles suivent, de leur poids, de la fluidité ou de la viscosité de leurs échanges, de leurs valeurs fluctuantes – bref, la question de leur économie. Dans l’ouvrage dont est issue cette exposition, la dimension économique de la vie des images prend le nom d’iconomie.

Les œuvres choisies pour « Le supermarché des images » posent un regard incisif et vigilant sur de tels enjeux. D’une part, elles réfléchissent les bouleversements qui affectent aujourd’hui l’économie en général, qu’il s’agisse de stocks aux dimensions inouïes, de matières premières raréfiées, du travail et de ses mutations vers des formes immatérielles ou encore de la valeur et de ses nouvelles expressions, notamment sous forme de cryptomonnaies. Mais, d’autre part, ces œuvres interrogent aussi le devenir de la visibilité à l’ère de l’iconomie globalisée : entraînée dans des circulations incessantes, l’image – toute image – nous apparaît de plus en plus comme un arrêt sur image, c’est-à-dire comme une cristallisation momentanée, comme l’équilibre provisoirement stabilisé des vitesses qui la constituent.

232 Desde las orillas del Sena

Dans le supermarché qui s’expose ici, en somme, les images de l’économie parlent chaque fois de l’économie de l’image. Et vice versa, comme si elles formaient un recto-verso.

Le Supermarché des images.

Du 11 février au 07 juin 2020

Commissaire général : Peter Szendy Commissaires associés : Emmanuel Alloa et Marta Ponsa.

Exposition produite par le Jeu de Paume, Paris.

Partenaires média : Le Figaro, Les Inrockuptibles, Konbini, L'OBS, France Télévisions.

Félix José Hernández.

233 Desde las orillas del Sena

Sarah Moon au Musée d’Art Moderne de Paris

Sarah Moon, Yohji Yamamoto II, 1996. © Sarah Moon Paris le 11 avril 2020.

234 Desde las orillas del Sena

« C’est à la fois pour m’approcher et m’échapper de la réalité qu’instinctivement j’ai regardé à travers l’objectif d’un appareil photographique. » Sarah Moon Le Musée d’Art Moderne de Paris présente l’exposition « PasséPrésent » autour de l’œuvre de Sarah Moon. Reconnue comme une grande photographe de mode, active en France et à l’étranger depuis la fin des années soixante, ses réalisations débordent pourtant ce seul domaine, et l’exposition souhaite faire découvrir la singularité de son travail, tant photographique que cinématographique, oscillant entre reflets et transparence, mirages et obscurité. Dans le prolongement de sa carrière de mannequin, au début des années soixante, Sarah Moon commence à pratiquer la photographie en autodidacte et reçoit ses premières commandes. En 1968, sa collaboration avec Corinne Sarrut pour l’image de la marque Cacharel bénéficie d’un écho international dans la photographie de mode, dominée par les hommes. Elle façonne un imaginaire immédiatement reconnaissable au fil de ses campagnes, affiches et magazines. Les femmes qui peuplent ses photographies semblent suspendues dans le cours d’un récit où affleurent les références littéraires et cinématographiques. En 1985, à la mort de son assistant, Mike Yavel, Sarah Moon développe une pratique personnelle, au-delà des commandes qui continuent d’affluer. Des thématiques

235 Desde las orillas del Sena apparaissent de façon rémanente dans ses photographies, à travers une recherche perpétuelle de l’imprévisible et de l’instant suspendu. À rebours de tout déroulé chronologique, Sarah Moon a souhaité croiser pour cette exposition les époques, les typologies, les sujets, afin de montrer leurs porosités. Le parcours est constitué autour d’un choix de films, pour la plupart des adaptations de contes populaires, qui forment un fil narratif à partir duquel le visiteur est invité à évoluer. Chaque film – Circus (2002), Le Fil rouge (2005), Le chaperon noir (2010), L’Effraie (2004), Où va le blanc ? (2013) - fonctionne comme une escale autour de laquelle les images s’organisent et s’animent. L’exposition est complétée par une salle, dans le parcours des collections permanentes, dédiée à Robert Delpire (1926-2017), qui partagea la vie de Sarah Moon durant quarante-huit ans. Elle présente des photographies, des affiches, des livres, des films, qui restituent les activités plurielles de ce personnage phare de l’histoire culturelle française, l’un de ses plus importants éditeurs, mais aussi directeur artistique de l’agence de publicité Delpire qu’il a créée, et fondateur du Centre National de la Photographie qu’il a dirigé de 1983 à 1996. Un catalogue comprenant des essais et des témoignages est publié aux Éditions Paris Musées. Directeur Fabrice Hergott

236 Desde las orillas del Sena

Commissaire Fanny Schulmann Assistante de l’exposition Pauline Roches Informations pratiques Musée d’Art Moderne de Paris 11 Avenue du Président Wilson 75116 Paris Ouvert du mardi au dimanche De 10h à 18h Nocturne le jeudi jusqu’à 22h Billetterie Tarif plein : 12 € Tarif réduit : 10 €. Félix José Hernández.

237 Desde las orillas del Sena

Victor Brauner au Musée d’Art Moderne de Paris

Victor Brauner, Portrait de Mme. R.B, 1925. © Adagp, Paris, 2020. Paris le 13 avril 2020. Le Musée d’Art Moderne de Paris consacre à Victor Brauner (1903-1966), figure singulière du surréalisme, une importante monographie regroupant plus d’une centaine d’œuvres, peintures et dessins, dont certaines montrées en France pour la première fois depuis la

238 Desde las orillas del Sena dernière rétrospective à Paris au musée national d’art moderne en 1972. Le parcours chronologique de l’exposition permet de redécouvrir l’univers braunerien, complexe de par la richesse de ses sources et de l’intrication constante de sa biographie avec ses œuvres. Il se décompose ainsi : une jeunesse roumaine (1920-1925) ; Paris, la rencontre avec l’univers surréaliste (1925-1932) ; L’aventure surréaliste (1933-1939) ;« Les frontières noires » de la guerre (1939- 1945) ; Autour du Congloméros (1941-1945) ; Après la guerre (1946-1948) ; Au-delà du surréalisme (1949- 1966). Né en Roumanie, Victor Brauner participe à l’effervescence artistique de Bucarest dans les années 1920, avant d’intégrer le mouvement surréaliste à Paris en 1933 et jusqu’en 1948, date de son exclusion du groupe. Il est un familier des avant-gardes (expressionnisme, constructivisme et dada), dont la radicalité correspond à son caractère indépendant, jusqu’au glissement progressif vers une peinture surréaliste lors de ses séjours à Paris entre 1925 et 1938, date de son installation définitive. Dès son adhésion au surréalisme en 1933, il participe alors aux manifestations du groupe autour d’André Breton. La perte de son œil en 1938 fait de son Autoportrait, peint sept ans auparavant, une œuvre prémonitoire : illustration des théories surréalistes, sa peinture revêt

239 Desde las orillas del Sena alors un caractère magique. La guerre va le contraindre, de par son statut de juif, sa situation irrégulière et son opposition à toute forme d’oppression fascistes et totalitaires, à entrer dans la clandestinité dans le sud de la France, ne pouvant émigrer aux États-Unis. Brauner invoque alors les doctrines les plus secrètes (tarot, alchimie, spiritisme, kabbale) pour se protéger de la France occupée en se réfugiant dans ce monde de rêve où la réalité n’a pas cours donnant à ses œuvres une dimension mystérieuse. Paradoxalement, cette période de frayeur et de dénuement matériel est d’une grande richesse d’invention techniques (l’usage de la cire et de matériaux de récupération) et de formes.

L’après-guerre est marquée par une traversée de styles due à sa liberté recouvrée, sans atténuer les angoisses et les tourments des évènements qui l’entourent. D’autres influences se font sentir de la psychanalyse à la pensée sauvage à travers des cycles, comme les Victor de la série Onomatomanie, les Rétractés, puis Mythologies et Fêtes des mères. Il crée un langage nouveau pour donner à voir non pas le réel, mais les ressorts invisibles du monde. Le catalogue présente de nouvelles analyses sur l’artiste avec des contributions d’écrivain et historiens d’art tels Georges Sebbag, Fabrice Flahutez, Radu Stern, Sophie Krebs, Camille Morando et Jeanne Brun.

240 Desde las orillas del Sena

Conçue par le Musée d’Art moderne, cette exposition sera ensuite présentée à La Barnes Foundation à Philadelphie d’octobre 2020 à janvier 2021. Je suis le rêve Je suis l’inspiration 24 avril – 16 août 2020. Directeur Fabrice Hergott Commissaire Sophie Krebs Commissaires invitées Jeanne Brun et Camille Morando Assistante de l’exposition Nadia Chalbi. Informations pratiques Musée d’Art Moderne de Paris 11 Avenue du Président Wilson75116 Paris Ouvert du mardi au dimanche

De 10h à 18h Nocturne le jeudi jusqu’à 22h Billetterie Tarif plein : 13€

Tarif réduit : 11 € Félix José Hernández

241 Desde las orillas del Sena

Visitas virtuales en español a las obras de arte españolas en los Uffizi

La Virgen con el Niño y el rosario, Bartolomé Esteban Murillo.

Florencia, 18 de abril de 2020

242 Desde las orillas del Sena

Las colecciones de los Uffizi serán comentadas en idioma español por trabajadores del museo. El Director Schmidt: “Damos voz a las obras de los artistas españoles atesoradas en nuestra Galería y abrimos las puertas de la colección española del Renacimento y del Barroco más significativa fuera de España”

Obras producto de la paleta de Murillo, El Greco, Velázquez, Goya y otros hablarán en español a los amantes del arte.

Domingo 19 de abril, el tour virtual #uffiziencastellano en el canal uffizigalleries de Facebook comienza en la Sala de Marte al interno de la Galería Palatina de Palacio Pitti con Alejandra Micheli, lengua madre española y asistente del Museo. Describirá la Virgen con el Niño realizada por Bartolomé Esteban Murillo al año después de la epidemia de peste que en el 1649 mató en Sevilla (ciudad natal del pintor) más de 60 mil personas (el 46% de la población de la ciudad).

Además en la Sala de Marte - que era parte de los aposentos del Granduque Fernando II de Medici - está expuesta la Virgen con el Niño y el rosario, también de Murillo.

Las visitas virtuales en español (con subtitulos en italiano) de la Galería de los Uffizi van a continuar en las

243 Desde las orillas del Sena próximas semanas con las obras de los pintores del 1500 Alonso Berruguete, El Greco, y de otras de las figuras más representativas de la pintura española durante el “Siglo de Oro” junto a Murillo: Diego Velázquez, Francisco de Zurbarán y Jusepe de Ribeira. Del 1700 y 1800 se podrán apreciar tres extraordinarias obras de Francisco de Goya y Lucientes.

Estos son algunos de los artistas españoles cuyas obras están custodiadas en la Galería de los Uffizi: entre otros se encuentran pinturas de Fernando Yáñez de la Almedina, Antonio de Pereda, Sánchez Coello Alfonso y Luis de Morales. En el Gabinete de dibujos y estampas de la Galería, se encuentra además la colección de diseños españoles más grande del Renacimento y del período barroco fuera de España.

El Museo amplía con Facebook su propia oferta digital y su presencia en la redes sociales, que se suma a los ya existentes account Twitter e Instagram (este último ha superado los 460 mil seguidores y donde todos los días se publica un nuevo post comentado en italiano y en inglés). En el sitio web oficial existe una sección dedicada a las muestras virtuales que offrecen puntos de vista sugestivos y imágenes en alta definición de las obras expuestas en la Galería con comentarios en italiano (https://www.uffizi.it/mostre-virtuali) y en inglés (https://www.uffizi.it/en/online-exhibitions).

244 Desde las orillas del Sena

“En este mes de restricciones hemos continuado a pensar a nuestros visitantes – comenta el director de la Galería de los Uffizi, Elke Schmidt – y en como acercarnos a todos los amantes del arte. Por éste motivo estamos multiplicando las iniciativas en nuestras redes sociales y ampliando nuestra página web. Valorizamos el arte através del idioma que identifica una cultura y su pueblo. Hemos decidido iniciar con España, en homenaje al país europeo que en estos tiempos difíciles comparte, más que otros, con Italia la tragedia del Covid-19. Por otra parte, no debemos olvidar una significativa relación historica con nuestra ciudad: una de las figuras mas carismáticas de la historia de Florencia, la hija del virrey español, Eleonora di Toledo, era la esposa del Granduque Cosimo I de Medici. Los videos sobre nuestras colecciones españolas intentan ser un regalo para todos aquellos que desde España y América Latina han venido a visitar la Galería de los Uffizi y también para quienes han soñado con visitarla. En futuro habrán otros aportes en otros idiomas que esperamos puedan viajar virtualmente en el mundo como un mensaje de esperanza”.

Oficina de Prensa de la Galería de los Uffizi. Opera Laboratori Fiorentini – Civita. Andrea Acampa.

Félix José Hernández.

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La Princesa de Asturias y la Infanta Doña Sofía participan en la Lectura del Quijote del Círculo de Bellas Artes

Madrid, 19 de abril de 2020.

Querida Ofelia:

El CBA vuelve a organizar una de las actividades más destacadas en la celebración del Día del Libro. Esta vigésima cuarta edición de la Lectura Continuada del Quijote será virtual y se podrá ver a partir de las 18h. del próximo jueves, 23 de abril, en la web del Círculo de Bellas Artes.

Ante la imposibilidad de realizar una lectura en directo debido al estado de alarma en el que se encuentra el país, el Círculo ha organizado una lectura virtual en la que los participantes han enviado sus grabaciones, completando así algunos de los capítulos más destacados del Quijote.

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El poeta Joan Margarit, Premio Cervantes 2019, será el encargado de inaugurar la lectura. A continuación, y dentro del primer capítulo de la novela, intervendrán la Princesa de Asturias, Doña Leonor y la Infanta Doña Sofía, que de esta forma quieren impulsar y subrayar la importancia de la lectura en niños y jóvenes, especialmente en este duro momento en el que nos encontramos.

Importantes personalidades del mundo de la política tomarán también la palabra: la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, el Ministro de Cultura y Deporte, José Manuel Rodríguez Uribes y el Alcalde de Madrid, José Luis Martínez Almeida. En representación del mundo de la cultura, participarán Juan Miguel Hernández León, presidente del Círculo de Bellas Artes, Valerio Rocco Lozano, director del CBA y el filósofo Emilio Lledó.

El CBA ha querido que esta edición sea un homenaje a todos aquellos que están en primera línea en esta difícil situación y para ello contaremos con la participación de sanitarios, entre ellos, el doctor Juan Jorge González Armengol, presidente de la SEMES y jefe del Servicio de Urgencias del Hospital Clínico San Carlos, de Madrid; además intervendrá personal de limpieza, mantenimiento, vigilancia, fuerzas de seguridad del estado, etc.

Así mismo, colectivos e instituciones de diferentes países nos han hecho llegar sus grabaciones, gracias a las cuales esta lectura vuelve un año más a situarse como uno de los focos internacionales más importantes en torno al Día del

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Libro. De esta forma nos llegarán fragmentos desde India, México, Brasil, Japón, Filipinas, Chile, Panamá, Rumanía, Honduras, China, Bélgica, República Checa, Francia, Italia, Argentina o Alemania, entre otros muchos.

XXIV EDICIÓN DE LA LECTURA CONTINUADA DEL QUIJOTE

Jueves, 23 de abril. 18h.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid, Félix José Hernández.

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Ante el umbral de Clemente Bernad en el Museo Reina Sofía

Madrid, 14 de abril de 2020. Querida Ofelia: Con motivo de la celebración del Día Mundial del Arte La exposición virtual Ante el umbral nos acerca a las imágenes tomadas por el fotógrafo Clemente Bernad durante el estado de alarma. La muestra reúne las 30 fotografías tomadas en Madrid por el fotográfo desde que se estableció el estado de alarma a causa del coronavirus (COVID-19) La página web del Museo Reina Sofía nos acerca, con motivo del Día Mundial del Arte, a la exposición virtual

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Desde el umbral, una muestra que recoge las 30 imágenes que el fotógrafo Clemente Bernad ha tomado de la ciudad de Madrid desde que entraran en vigor las medidas de confinamiento causadas por la pandemia del coronavirus (COVID-19). Desde que la pandemia se instaló en Madrid y obligó a la gente al confinamiento, el fotógrafo Clemente Bernad ha realizado a diario el mismo ritual: cruzar el umbral de su puerta, recorrer la ciudad, fotografiar lo que en ella encuentra y regresar a casa con imágenes del exterior. Esta práctica, que en un contexto normalizado no tendría mayor relevancia, se convierte en estos momentos en una especie de viaje al inframundo. Las calles que hoy transita Bernad no son las de ayer. Aunque parezcan las mismas, hay una atmósfera que ha transformado un ámbito familiar en un lugar extraño. Observamos esa extrañeza al ver espacios habitualmente llenos convertidos en zonas por completo vacías, como si el tiempo de una larga noche hubiera anidado en las entrañas de la ciudad y no la soltara. El fotógrafo camina entonces por paisajes conocidos como si estuviera pasando por un arrabal o un callejón oscuro, un territorio donde los límites y las distancias se desdibujan y se vuelven amenazantes. Es por eso que cruzarse con alguien bajo este estado de ánimo genera síntomas de sospecha y miedo, movimientos corporales hacia el repliegue o la huida. La ciudad convertida en

250 Desde las orillas del Sena umbral. En esta situación se huye o se deambula, pero nunca se pasea. Y deambulan aquellos que quedan cuando ya no queda nadie, los que viven arropados entre cartones, con las puertas de su rellano siempre abiertas. Cuerpos solitarios que en una urbe vacía recuerdan a los restos de un naufragio. Junto a esos cuerpos, los otros, los que flotan en el asfalto también sin destino, aquellos guantes que primero sirvieron para salvarnos de nosotros mismos y que ahora, abandonados y mutilados sobre las aceras, evocan a todos los cadáveres sin duelo que está dejando esta pandemia. El fotógrafo los examina con detenimiento, encontrando en ellos la forma precisa para representar un dolor que pueda ser visto y compartido... lejos de cifras y de números. Entre seres invisibles, enmascarados, deambulantes, abandonados vaga Clemente Bernad como un fantasma que merodea por esa especie de atmósfera o laguna estigia en la que ha quedado convertida la calle en esta muestra virtual, comisariada por Jorge Moreno Andrés. Un fotógrafo interroga al mundo preguntándose por sus apariencias en cada encuadre que hace, en cada foto que toma. Como el poeta, persigue una forma que atraviese la frontera de lo aparente para encontrar lugares desde donde divisar imágenes que, paradójicamente, nos permitan ver aquello que acontece y nos rodea, pero que no vemos (ahora menos que antes, constreñidos a permanecer dentro de nuestras casas). Esa ha sido justo la

251 Desde las orillas del Sena tarea de Bernad en el trabajo que aquí nos muestra: asomarnos al umbral. Sin embargo, volver del inframundo con la cámara llena de escenas que sirvan para orientarnos en la oscuridad es un trabajo doloroso del que con dificultad se sale indemne. Cuando regresa, cruzando las últimas calles de vuelta a casa, nadie le devuelve la mirada. Tiene entonces la tentación de buscarse en el espejo para confirmar su existencia. No es un espectro más, pero podría llegar a serlo. Se vislumbra y dispara la cámara sobre su propio cuerpo reflejado en los escaparates. El vacío le devuelve una versión deformada de sí mismo, un yo fantasmagórico, solitario, sin comunidad... algo que parece definir al sujeto que transita en estos días por una ciudad desolada. Clemente Bernad. Licenciado en Bellas Artes en la especialidad de Fotografía, Cine y Vídeo por la Universitat de Barcelona (UCB) y diplomado en Estudios Avanzados de Sociología por la Universidad Pública de Navarra (UPNA), ejerce de fotógrafo y cineasta documental desde 1986, con un gran interés por las temáticas sociales y políticas de su contexto cultural más cercano. Entre sus series fotográficas destacan Jornaleros (1987-1992), Mujeres sin tierra (1994), Pobres de nosotros (1995), Canopus (2001), el libro y la película documental El sueño de Malika (2004), Basque chronicles (1987-2015), en torno al conflicto político de Euskal Herria y Donde habita el recuerdo (2003-en curso), sobre las exhumaciones de fosas de la guerra civil

252 Desde las orillas del Sena española, que incluye los documentales Morir de sueños y A sus muertos. En la actualidad trabaja sobre la presente situación sociopolítica y desarrolla su actividad como profesional independiente, en un amplio sentido del término. Jorge Moreno Andrés. Antropólogo, fotógrafo y cineasta, es doctor en Antropología Social y Cultural con especialización en antropología de la imagen. Director del proyecto de investigación Mapas de Memoria de la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED), donde también es profesor, actualmente comisaría la exposición itinerante Las pequeñas cosas para esta Universidad. Es director artístico del Certamen internacional de cine documental sobre migración y exilio en México (CEME DOC). Entre sus publicaciones destaca El duelo revelado. La vida social de las fotografías familiares de las víctimas del franquismo (CSIC, 2018) que fue Premio Nacional de Edición Universitaria a la mejor monografía de arte y humanidades en el año 2019. Como fotógrafo y cineasta, ha realizado ensayos fotográficos como The Pig Slaughter (2013) o películas documentales como What Remains (2015). Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid, Félix José Hernández.

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Il Museo Galileo lancia nuove rubriche sui canali social

Firenze, 14 aprile 2020. In questo periodo di temporanea chiusura il Museo Galileo è lieto di rendere ancora più accogliente la propria casa digitale promuovendo nuove rubriche di approfondimento destinate ai canali social, Facebook e Twitter.

Facendo ricorso alle molteplici possibilità offerte dagli strumenti digitali, il Museo propone di raccontarsi secondo modalità più dirette e coinvolgenti, offrendo così una visione di sé non solo come luogo deputato alla conservazione dei manufatti scientifici ma anche come community virtuale aperta allo scambio e al dialogo.

Ecco quindi le rubriche “A cosa serviva”, in cui scopriremo come funzionano gli antichi strumenti delle collezioni, “Frammenti di scienza” per rivivere alcune

254 Desde las orillas del Sena delle tappe fondamentali del pensiero scientifico, “Giocando e riprovando” che fornirà utili indicazioni per ricreare a casa gli strumenti della scienza, “Galileo” incentrata su informazioni e curiosità relative allo scienziato toscano. “Mostre virtuali” permetterà di esplorare le numerose esposizioni del Museo Galileo con un solo clic, “Scienza e artigianato” sarà invece una sorta di viaggio tra le antiche tecniche artigiane e, ultima ma non meno interessante, la rubrica “Curiosità dalla biblioteca” proporrà, non solo ai bibliofili, storie inedite e tesori nascosti del patrimonio della biblioteca, la principale in Italia per la storia della scienza e delle tecniche.

Il potenziamento dei canali comunicativi, che costituirà un modus operandi abituale anche dopo la riapertura, contribuirà a offrire interessanti spunti e approfondimenti virtuali a tutte le tipologie di pubblico.

CIVITA. Opera Laboratori Fiorentini. Salvatore La Spina Ufficio Stampa - Firenze Musei Palazzo Pitti, Piazza Pitti, 1 – 50125 Firenze.

Félix José Hernández.

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Declaración del Colegio de Periodistas de Cuba en el Exilio (CNP)

Miami, 20 de abril de 2020.

El Colegio de Periodistas de Cuba en el Exilio apoya en su totalidad la declaración Es hora de cerrar filas contra los contagios por coronavirus, la represión y la miseria, que denuncia la crisis generada en la Isla por causa de la pandemia del nuevo coronavirus, junto a decenas de actores de la sociedad civil independiente cubana y del exilio.

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Juntos a ellos estamos denunciando la incapacidad criminal del régimen cubano para enfrentar la crisis generada por el aumento de contagios por la #Covid-19, el aumento de la represión por parte de las autoridades de la dictadura contra opositores pacíficos, prisioneros políticos, defensores de los derechos humanos, periodistas independientes y contra todo el que exponga la alarmante realidad que se vive y el peligro para la vida y la seguridad de nuestro pueblo por el desabastecimiento y la ausencia de condiciones sanitarias para las personas, lugares públicos, incluidos los hospitales y centros de internamiento, debido a la inacción, la corrupción y la negligencia de quienes detentan el poder en Cuba.

Salvador Romaní Orue. Decano

José Arenal. Secretario

Es hora de cerrar filas contra los contagios por coronavirus, la represión y la miseria.

Hoy, mientras creemos que aún estamos a tiempo, tenemos la responsabilidad de alertar e intentar proteger a nuestro pueblo ante la tendencia al agravamiento de una crisis que puede convertirse en una tragedia nacional de proporciones inmanejables.

Denunciamos ante la comunidad internacional la intensificación de la represión por parte de las autoridades de la dictadura y el consecuente aumento del riesgo de contagio de COVID-19 para los ciudadanos que

257 Desde las orillas del Sena esta práctica conlleva. Alertamos sobre el peligro para la vida y la seguridad de nuestro pueblo por el desabastecimiento y la ausencia de condiciones sanitarias de los lugares públicos, incluidos los hospitales y centros de internamiento, debido a la inacción, la corrupción y la negligencia de quienes detentan el poder en Cuba.

En los últimos días, en la medida en que aumenta el número de personas contagiadas con el coronavirus, y de fallecidos por esta peligrosa enfermedad en Cuba, el régimen castrocomunista incrementa las acciones represivas contra opositores pacíficos, prisioneros políticos, defensores de los derechos humanos, periodistas independientes y contra todo el que exponga la alarmante realidad que se vive en medio de la escasez y la crisis entorno al COVID-19.

La represión aumenta cada hora. Muchos activistas, pero también ciudadanos no organizados, han sido detenidos, amenazados, despojados de sus celulares e incluso agredidos físicamente y llevados a prisión por las autoridades por tomar una foto o hacer una publicación en redes sociales. La dictadura emplea el artículo 68 del Decreto-Ley 370, que considera una infracción difundir, a través de las redes públicas, información contraria al “interés social, la moral, las buenas costumbres y la integridad de las personas”.

Por todo el país se agrava el ya crónico desabastecimiento de alimentos y productos de primera necesidad, mientras la dictadura persigue e impone

258 Desde las orillas del Sena prohibiciones a los cuentapropistas. Los cubanos deben realizar largas filas que se convierten en aglomeraciones masivas para adquirir lo poco que los mercados estatales ofertan, por lo que es prácticamente imposible cumplir medidas elementales para evitar el contagio. El transporte público está paralizado, la mayoría tiene que recorrer kilómetros y más kilómetros a pie buscando lo indispensable para sobrevivir. Todotiende a agravarse con el paso de los días.

Mientras la vida se torna cada vez más difícil, el régimen, que controla todos los medios de comunicación masiva, con mentiras y propaganda trata de generar una falsa y peligrosa sensación de seguridad entre los cubanos, a la vez que manipula y exagera las noticias sobre los problemas que enfrentan otras naciones con gobiernos críticos del castrismo.

Especialmente indignantes son las condiciones en que se encuentran nuestros presos políticos y las acciones en su contra en momentos en que sus vidas corren mayor peligro. Hoy son víctimas de confinamiento en celdas de castigo, traslados a prisiones distantes de sus familiares, confiscación arbitraria de alimentos y productos de aseo, y suspensión de llamadas telefónicas, mientras el régimen obstaculiza la ayuda desde el exilio. A todo esto, hay que sumar el hacinamiento, la pésima higiene y alimentación, y la deficiente atención médica.

Considerando lo anterior, exigimos la liberación inmediata de los más de 8 mil inocentes que, sin haber cometido delito, se encuentran condenados por

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“Peligrosidad Pre-delictiva” y la liberación de todos los presos políticos. Ante el agravante de la pandemia del COVID-19 y la ausencia de condiciones sanitarias en las cárceles, la liberación urgente es lo “justo y necesario”, como ha pedido el Secretario General de la OEA, Luis Almagro.

Cuba necesita ayuda y queremos tomar la responsabilidad de solicitarla hoy a la comunidad internacional. Urge que la sociedad civil independiente y todo cubano de buena voluntad, demos de inmediato los pasos necesarios para crear mecanismos y poner en práctica medidas para combatir al coronavirus, frenar la creciente represión de la dictadura, y aliviar las dificultades y la miseria generalizada. Hacemos un llamado a la unidad del movimiento democrático cubano, en la Isla y la diáspora, y pedimos el apoyo de la solidaridad internacional, para superar la crisis que atraviesa nuestro pueblo.

Organizaciones firmantes:

Berta Soler, Damas de Blanco Ana Carbonell, Instituto la Rosa Blanca, Promotores de Cuba Decide Manuel Silvestre Cuesta Morua, Partido Arco Progresista José Díaz Silva, Mov. Opositores por una Nueva República, Promotores de Cuba Decide José Daniel Ferrer, Unión Patriótica de Cuba (UNPACU), Promotores de Cuba Decide René Gómez Manzano. Corriente Agramontista

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Alejandro González Raga, Observatorio Cubano de Derechos Humanos José “Pepe” Hernández, Fundación Nacional Cubano Americana Iván Hernández Carrillo, A. Sindical Independiente de Cuba, Promotores Cuba Decide Javier Larrondo, Cuban Prisoners Defenders Ángel J. Moya Acosta, Movimiento Libertad Democrática por Cuba Félix Navarro, Partido por la Democracia Pedro Luis Boitel, Promotores Cuba Decide Eduardo Marcos Pacheco, Movimiento Recuperación Democrática Ramón Saúl Sánchez, Movimiento Democracia, Promotores de Cuba Decide Rosa María Payá, Fund. para la Democracia Panamericana, Promotores de Cuba Decide

Individuos firmantes:

Camila Acosta Rodríguez Frank Calson Eduardo Díaz Fleitas Dámaso Alberto Fernández Doimeadiós Niober García Fournier Elena Larrinaga Librado Linares García Ana Iris Miranda Leyva Orlando Luis Pardo Lazo Leticia Ramos Herrería Omara Isabel Ruiz Urquiola Ángel Santiesteban Prats

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Diddier Santos Moleiro Invitamos a todos los ciudadanos y organizaciones en la isla y el exilio sumarse a este llamado.

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Los libros vistos por los grandes pintores del Museo del Prado

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"La extracción de la piedra de la locura" del Bosco. Museo Nacional del Prado

Madrid, 23 de abril de 2020. Querida Ofelia, Para celebrar el Día del Libro, el Museo Nacional del Prado propone un recorrido por 10 obras de su colección en las que los libros trascienden todas las épocas y escenarios, como testigos de la vida cotidiana, como emblemas de la condición social o intelectual de quien los posee o como instrumentos al servicio de la educación, la ciencia o la religión.

Cualquier objeto que haya sido llevado al lienzo por artistas como Goya, Rubens o Velázquez, merece el ejercicio de ser analizado, porque nada es aleatorio en las obras de los grandes maestros. Y cuando se trata de libros, se sigue pensando en ellos como hace 500 años. Los libros son objetos a los que conviene asociarse. Así lo hace una divinizada santa Clotilde pintada por Sorolla o la emperatriz Isabel de Portugal imaginada por Tiziano -el retrato es póstumo-, a quien la dignidad imperial le impide desviar su mirada hacia el pequeño libro de horas que la espera. O el médico representado por el Greco, cuya mano izquierda extrae de un libro el discurso sostenido por su mano derecha, que es la que habla en su nombre, al permanecer su boca cerrada. O el cardenal don Luis María de Borbón

264 Desde las orillas del Sena y Vallabriga retratado por Goya, que luce un libro y un anillo sin disimular su pasión por el lujo y la etiqueta, confirmado en un deslumbrante repertorio de condecoraciones. Pero los libros también pesan, porque pesada es la carga que contienen. Velázquez lo plasmó como nadie en su Bufón con libros, cuyas hojas, transformadas en una espesa masa blanca, apenas puede manejar. Y quiso Rubens asociarlo al peso del sacrificio, representándolo en un libro que requiere de la mano miguelangelesca del apóstol san Simón para pasar sus páginas. En su simbolismo pictórico, los libros también ayudan a identificar a personajes cuyas historias se han desdibujado con el paso del tiempo. Así, el Heráclito de Ribera fue reconocido como tal por las lágrimas que vierte sobre el libro que escribe, pintado a la manera de una monografía de claroscuros que nos recuerda al estilo del artista. También la Judit de Rembrandt recuperó su protagonismo gracias, en parte, al gran libro abierto que el pintor quiso representar sobre la mesa, más acorde a la condición de una heroína bíblica que a la de una abnegada esposa.

Finalmente, los libros asumen su condición más elemental, como instrumento de educación y fuente de conocimiento, en las obras de Murillo, cuya escena de santa Ana enseñando a leer a la Virgen demuestra que nada ha cambiado en el ritual de iniciación al mundo

265 Desde las orillas del Sena representado en palabras; o del Bosco, que en La extracción de la piedra de la locura reivindica lo contrario a lo que representa cuando coloca un libro sobre la cabeza de una mujer, esto es, que el libro, para ser útil, ha de ser leído. Enlace al vídeo: Los libros en los maestros del Prado https://youtu.be/zzL6BaOwC9s

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid, Félix José Hernández.

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Mi abuelo don Claudio Valdés Yera

Camajuaní 1951. Yo a la edad de 2 años con mi abuelo don Claudio Valdés Yera. París, 24 de abril de 2020. Querida Ofelia: Durante este confinamiento a causa del coronavirus que ya dura cinco semanas, sigo escribiendo y oyendo viejos discos, o mejor dicho, discos nuevos de viejas canciones. Compré hace unos meses en Málaga un estuche de cinco CD «The Best of Cuba», tiene algunas canciones que me traen muchos recuerdos agradables: He venido (Los Zafiros), Aléjate (Gina León), En las Tinieblas (José Tejedor), No tengo edad (Luisa María Güell), Otro Amanecer (Meme Solís), Días como hoy (Marta Estrada), etc. Esta última recuerdo que la vi en el teatro

267 Desde las orillas del Sena de la Comunidad Hebrea de la calle Línea, en pleno ciclón, éramos pocos y ella se sentó en el borde del escenario y decía al mismo tiempo que se daba golpes en el pecho: “¡Mi público! ¡Mi público!” Con gran emoción nos cantó "Abrázame Fuerte", vestida de negro como una Piaf tropical llena de temperamento. ¡Qué época! Nosotros los cubanos hemos evolucionado por dos vías paralelas, pero muy diferentes gracias a la "heroica revolución". Muchos de los que estamos en el Mundo Occidental tolerante, libre y democrático, donde reinan los valores de la denominada Libertad burguesa de: Patria, familia, tolerancia religiosa y de respeto al prójimo, hemos aprendido a defender nuestras ideas, nuestros puntos de vista frente a los que no las comparten y no por eso deseamos que sean fusilados, encarcelados o desterrados.

Muchas veces cuando hablo con alguien recién llegado de mi Cuba, constato que un abismo nos separa, no es cuestión de edad sino que son parte del “hombre nuevo con el que soñara el Dr. Guevara de la Serna". El sistema ideológico del Líder Máximo no sólo ha provocado el derrumbe económico de la Nación, sino algo peor que es el derrumbe moral, la caída de los valores de: sinceridad, honestidad, amistad y fidelidad. Es por lo que me pregunto, cómo se puede ayudar a esas personas que llegan desde mi lejana Isla, que sólo tienen

268 Desde las orillas del Sena como "valores" el dólar y el sexo. No es culpa de ellas, son el resultado de sesenta años de embrutecimiento ideológico, de discursos de odio e intolerancia, de sálvese quien pueda, de mercado negro y de ateísmo. Mi madre vino a París en el verano de 1985. Durante tres meses la estuve paseando en un sillón de ruedas, para que no se cansara, creo que no existe una turista cubana que haya conocido como ella la capital gala. Me trajo de la Perla de las Antillas muchas viejas fotos, entre ellas una en la que mi abuelo Claudio me tiene cargado a la edad de 2 años, en el patio de su casa. El recuerdo más viejo que tengo concierne a mi abuelo, al que todos llamaban Don Claudio. Recuerdo su figura vestida siempre de un blanco inmaculado, pantalones de dril cien, guayabera y sombrero de jipijapa, con su bastón, caminando por aquel largo corredor que atravesaba toda la larguísima casa de madera: portal, sala, saleta, comedor, tres cuartos, cocina. Él me decía que le diera la mano y le ayudara a llegar al portal y yo desde la altura de mis cuatro años le “ayudaba”, a él, que me parecía gigantesco. Se sentaba en el taburete que a mí me gustaba mucho pues como era de cuero me podía arrodillar en él, no como en las sillas de caoba y pajilla de la sala, que me estaban prohibidas por la autoridad materna.

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Mi abuelo me besaba siempre en la cabeza, la cual cogía al mismo tiempo con sus inmensas manos, y me llevaba a la cocina donde me permitía coger una cucharadita de azúcar prieta, de un pomo que estaba en una vitrina. Una mañana de primavera del 1953 en lugar de mi madre, me despertaron nuestras vecinas Digna y Nena, y me sentaron sobre la mesa del comedor y allí me vistieron. Mi madre vino a buscarme y me dijo que Papá, como yo le llamaba, se había ido para el Cielo. Me llevó para la casa de mis abuelos y allí en el primer cuarto él estaba tendido. Detrás del ataúd había una gran cortina morada y un Cristo plateado. Seis cirios le rodeaban y a lo largo de las paredes estaban mi abuela y sus seis hijas sentadas en sendos sillones. Fue el primer funeral que vi en mi vida, a pesar de tener sólo 4 años, me acuerdo muy bien. ¡Cuántas flores! La sala, la saleta, el portal, todo estaba lleno de coronas, con aquel profundo olor. Al salir hacia el cementerio la comitiva, recuerdo a mi abuela desconsolada viendo alejarse el coche fúnebre precedido de la banda municipal. Yo sentía una gran confusión, pues si mi abuelo se había ido para el Cielo, cómo era posible que estuviera allí “dormido”. En aquella casa no hubo ni fiestas de Nochebuena, ni de cumpleaños ni de nada hasta muchos años después. Cada vez que veía el taburete me acordaba de aquella figura vestida de blanco.

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La única nota discordante fue la de Antonia, la señora de Julito, la cual no sé por qué motivos, nunca fue aceptada por mi abuela. Ella... ¿en venganza?, se vistió de rojo y se paró en la acera de enfrente durante el funeral. Ese gesto tan poco apropiado le costó que, mi madre y sus cinco hermanas no le dirigieran nunca más la palabra, no así mis seis tíos que con el tiempo, que como todos sabemos cicatriza las heridas, y por cariño con Julito, le volvieron a hablar. Esa señora era una mujer grande, fuerte, con un bozo muy desarrollado. ¿No existían cremas para depilarse en aquellos tiempos? Era isleña, como se les llamaba a los procedentes de las Islas Canarias. No se afeitaba jamás las piernas. Tenía una gran cabellera rizada y un fuerte carácter que contrastaba con la feminidad de mis tías. Conmigo siempre fue amable, aunque era la única persona en mi niñez que en lugar de tutearme me trataba de usted, lo cual me divertía. Durante años, cuando yo iba a Camajuaní desde San Cristóbal de La Habana, pasaba a saludar por su casa y siempre me preguntaba por mi padre, pero jamás por mi madre. Como no podía tener hijos, adoptó a una niña que llamó Carmencita y, para que aprendiera las labores domésticas, cuando regresaba de la escuela en lugar de jugar, ver los "muñes" en la tele o hacer las tareas como todos los demás niños, tenía que limpiar la casa y lavar la batea de ropa cotidiana. Era tan pequeña que tenía que

271 Desde las orillas del Sena encaramarse sobre un banquito. La pobre tenía sus manos de niña destruídas, lo cual indignaba a todos. Si ello hubiera ocurrido aquí en Francia, país de Liberté Egalité et Fraternité, le hubieran retirado a la niña y se la hubieran dado a adoptar a otra familia. Julito era de mediana estatura, gordito, simpático, jaranero, siempre vestido con guayabera blanca, lazo y sombrero Panamá. Tenía un repertorio de chistes muy grande, quizás igualado por pocos. Sus bromas junto a mi tío Claudito hacían reír a todos. ¿Cómo podía vivir con la austera, seria y rígida Antonia? Sólo Dios lo sabe. Julito nunca fue "compañero", su bodega le fue expropiada por los "compañeros" en 1968 a causa de la Ofensiva Revolucionaria, pero él lo tomó con mucha calma en espera de tiempos mejores que nunca llegaron. Al fallecer, aquel pueblo perdió a un hijo muy querido y popular, a uno de sus personajes más carismáticos. Aquí en París, hace varios años la Cinemateca pasó un ciclo de documentales cubanos y entre ellos vi uno sobre las Parrandas de Remedios y Camajuaní. Para mí fue una gran sorpresa ver a Julito con aquella risa jacarandosa, mirada burlona y espíritu inquieto, contar una anécdota sobre las parrandas. En mi terruño camajuanense, el pueblo se divide entre sapos y chivos, los cuales compiten con un changüí y una carroza cada año, en otros tiempos por el 19 de marzo,

272 Desde las orillas del Sena día del santo patrón San José, después en el verano, gracias a la "infinitamente heroica revolución" y ahora de nuevo en marzo. Desde el lado de acá del Atlántico te deseo todo el bien del mundo: Siempre estás entre mis más bellos recuerdos de mi lejana isla caribeña. Y recuerda: ¡Quédate en casa!, solo así podrá evitar el infectarte con el coronavirus. Un gran abrazo, Félix José Hernández

Nota bene: Esta crónica aparece en mi libro "Memorias de Exilio". Les Éditions du Net, 2019.

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Gli Uffizi sbarcano sul più giovane tra i grandi social, TikTok

Firenze, 29 aprile 2020.

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Da oggi video brevissimi e divertenti, secondo il taglio tipico del social, con opere delle collezioni Il direttore Schmidt: “L’arte e l’autoironia per regalare a tutti un sorriso” Gli Uffizi sbarcano sul più giovane tra i grandi social, TikTok. Su questo canale, molto popolare tra i ragazzi (ma ultimamente in espansione anche tra i non giovanissimi), vengono postati brevissimi video, fino a 15 secondi, caratterizzati da un taglio scherzoso e ironico. Da oggi attivi sulla piattaforma (con il nome @uffizigalleries, usato anche su tutti gli altri social del museo), gli Uffizi hanno adottato in pieno questo approccio, inaugurando il nuovo canale con quattro clip che mettono in scena le opere d’arte delle Gallerie. Ne sono protagonisti alcuni pesi massimi delle collezioni come il Tondo Doni di Michelangelo Buonarroti, il doppio Ritratto dei duchi di Montefeltro di Piero della Francesca, la Maddalena di Tiziano e molti altri. Il primo video mostra il Cavaliere Pietro Secco Suardo, dipinto del ‘500 di Giovanni Battista Moroni, aggirarsi per i corridoi degli Uffizi in cerca di una festa.

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TikTok è l’ultimo capitolo del lancio degli Uffizi sui social: le Gallerie sono infatti presenti con un proprio profilo su Twitter, YouTube, Instagram (su cui hanno oltre 470mila follower, classificandosi tra i musei più seguiti al mondo) e Facebook, dove, sbarcati all’indomani dell’inizio della quarantena, postando video delle opere e degli spazi museali, hanno in poco più di un mese superato la soglia degli 1,9 milioni di visualizzazioni.

“Così come un giornale non è completo senza la vignetta e la caricatura della prima pagina – commenta il direttore degli Uffizi, Eike Schmidt – così anche un museo può fare umorismo: serve ad avvicinare le opere a un pubblico diverso da quello cui si rivolge la critica ufficiale, ma anche a guardare le opere in modo diverso e scanzonato. In particolare, in un momento difficile come questo, è importante, ogni tanto, concedersi un sorriso e un po’ di autoironia. E se è possibile farlo grazie alla grande arte, ancora meglio”.

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Le Gallerie degli Uffizi rivolgono un ringraziamento particolare alla squadra interdipartimentale che ha reso possibile la loro presenza su TikTok, e inoltre a Francine Filiè, Daphne Falce e Davide Calabrese. Ufficio stampa Gallerie degli Uffizi. Opera Laboratori Fiorentini – Civita. Andrea Acampa. Félix José Hernández.

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Carta desde Miami del Capitán Roger Redondo González.

Miami, 2014. De izquierda a derecha: el poeta Yndamiro Restano, Félix José Hernández, el Dr. Comandante Armando Fleites (+) y Roger Redondo González

París, 3 de mayo de 2020.

Querida Ofelia:

Nuestro viejo y querido amigo ex guerrillero del Segundo Frente del Escambray contra el régimen de Fulgencio Batista, el Capitán Roger Redondo, me envió la siguiente carta:

Miami, 1° de mayo de 2020.

Estimado amigo:

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¿Será comunista? ¿Será socialista? La respuesta es: ¡No! Soy un estoico, total y completo de nacimiento. Así nací. La naturaleza es lo mío. Para mí el oro no tiene ningún valor. Con el tiempo supe que Sócrates era estoico. No lo estudié. Yo no tuve forma de estudiar.

La muerte no es mala, es natural. Es por ello que siento tanta simpatía por los que son médicos por vocación. Cuando llegue la muerte no me va a sorprender, la estaré esperando… ojalá con una sonrisa.

Es a la virtud y a la razón a las que siempre seré fiel. Iré a vivir al monte, a dormir rodeado de árboles, mirando las estrellas.

¡Qué techo tan lindo! ¡Brillante! Escucharé el rugir del jaguar, y de los coyotes durante la noche. Mientras que por el día oiré el canto de los tucanes, de las bandas de loros y de las aves de mil colores.

Viviré estoicamente y nadie me va a doblegar, ni me pondrá de rodillas. Mi cuna fue una hamaca de yute, lo que para mí es un honor y de ello me siento muy orgulloso.

Un gran abrazo,

Roger Redondo González.

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La explotación de niñas en el despalillo de tabaco en Camajuaní

Familia Valdés Ríos en Camajuaní, Cuba, 1919. París, 4 de mayo de 2020. Querida Ofelia: En esta foto tomada en Camajuaní en 1919, aparecen mis abuelos campesinos maternos Aurelia (en estado de mi tío Renato) y Claudio. Este último había matado un cerdo y se disponía a vender su carne entre los vecinos y amigos. De izquierda a derecha mis tíos: Claudito, Lutgarda (Luga), Eusebia (Biba) y Celia. Mis abuelos maternos tuvieron 12 hijos, 6 niñas y seis niños. Las niñas solo fueron a la escuela primaria hasta el segundo grado para aprender a leer y escribir, pues como casi todas las niñas pobres del pueblo, tenían que ir a trabajar como despalilladoras de tabaco en la manufactura de una empresa estadounidense. Esta

280 Desde las orillas del Sena compañía explotó y se enriqueció con el trabajo infantil durante décadas, gracias a la complicidad de las corrompidas autoridades locales. Preferían darle trabajo a las niñas debido a que éstas tenían los dedos más finos que sus madres y lógicamente… las pagaban mucho menos. Al regresar a casa del trabajo, las seis niñas aprendían con su mamá doña Aurelia y la abuela materna doña Bruna a : bordar, tejer, cocer, coser, a ocuparse de los hermanitos menores y a hacer flores de papel crepé, para que fueran en el futuro buenas amas de casa. Mientras que los niños aprendían con su padre el oficio de carniceros. Al triunfo de la Revolución, la transnacional estadounidense fue nacionalizada y sus propietarios expoliados, pero ninguna de las víctimas de la explotación fue indemnizada. Mi madre trabajó como despalilladora desde los 7 años (1925) de edad hasta los 41 años (1959), cuando se vio obligada a partir hacia San Cristóbal de La Habana con mi padre, mi hermano y yo, debido a la intransigencia revolucionaria del nuevo régimen que se instalaba. Cuando estuve recorriendo La India y Ceilán en febrero del año pasado y vi a tantas niñas trabajando, en lugar de jugar e ir a la escuela, recordé la triste niñez de tantas

281 Desde las orillas del Sena campesinitas cubanas, entre ellas la de mi madre y mis tías. Puedo asegurar que en nuestra querida Patria antes de 1959, no todo era negro o blanco, como pretenden muchos, sino que había muchos matices. Qué descansen en paz por la eternidad muy cerca de Dios.

Un gran abrazo desde estas tierras lejanas allende los mares, Félix José Hernández.

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Gioielli agli Uffizi

Ghirlandaio.

Firenze, 8 maggio 2020.

Se si pensa agli Uffizi, viene subito in mente lo scenografico edificio vasariano contenitore di dipinti famosi e sculture antiche: non si immagina certo di trovare al suo interno anche bellissimi gioielli. Ma quelli, opera del pennello, che si possono ammirare nei dipinti della Galleria, (gli oggetti preziosi di vere gemme e metalli sono custoditi nelle sale del Tesoro dei Granduchi, in Palazzo Pitti), sono ugualmente preziosi perché raccontano di mode passate, rivelano il gusto di un’epoca, spesso costituiscono la memoria di oggetti perduti e, allo stesso tempo, aiutano a comprendere meglio il significato di un’opera o ad identificare un personaggio che vi è ritratto. Che siano descritti con maniacale perfezionismo o resi sommariamente con

283 Desde las orillas del Sena sintetica eleganza, essi sono sempre ricchi di significato, diventando una chiave supplementare per decifrare l’iconografia di un quadro. Realizzati con materiali preziosi, rari e esotici, i gioielli non rispondono soltanto alla necessità di abbellire e impreziosire il corpo, ma anche all'urgenza di 'rafforzarlo' secondo una concezione magica che sopravvive almeno fino al XVII secolo. Grazie a testi antichi, noti come “lapidari”, è oggi possibile decifrare il linguaggio misterioso delle gemme e, interpretando le forme degli ornamenti stessi e i luoghi del corpo ove sono indossati, scoprire significati di volta in volta diversi. Così, i monili raffigurati nei dipinti non restano quasi mai meri dettagli decorativi, ma elementi parlanti di un rebus, indizi, o tracce rivelatorie della cultura dell’artista. Raccontare tutto questo per immagini è l’intento dell’ipervisione intitolata “Gioielli agli Uffizi: un itinerario tra i misteri delle gemme dipinte”. Sul sito delle Gallerie (all’indirizzo https://www.uffizi.it/mostre- virtuali/gioielli-agli-uffizi) è da oggi visitabile un percorso che dal XV secolo arriva agli inizi del XVI, mostrando riproduzioni ad alta definizione di capolavori che vanno dall’Adorazione dei Magi di Gentile da Fabriano al Ritratto di Richard Southwell di Hans Holbein, attraverso 26 tappe costituite da opere famosissime, veri e propri pilastri della storia dell’arte, esposte al secondo piano delle Gallerie. L’inedito taglio

284 Desde las orillas del Sena proposto permette di scoprire ambizioni e valori dei grandi protagonisti dei ritratti, noti e ignoti, di intravederne paure e desideri, ma anche di comprendere meglio le raffigurazioni sacre attraverso il linguaggio delle gemme e la forma dei gioielli restituendo agli artisti inaspettate competenze nell’oreficeria e nella gemmologia. I diamanti sono davvero i migliori amici delle ragazze? Forse non solo in senso frivolo, se si guarda al ritratto di Elisabetta Gonzaga di Raffaello e alla pietra che le brilla in fronte, segno della forza del suo intelletto: anche in questo caso l’Urbinate mostra allo stesso tempo eloquenza psicologica e profonda cultura di oreficeria. E lo stesso può essere detto per tutti gli altri artisti che compaiono in questa luccicante carrellata. “Sono trascorsi due mesi esatti, a partire dall’inizio della chiusura dei musei. In questo tempo le ipervisioni degli Uffizi – le mostre tematiche visitabili sul nostro sito ufficiale, www.uffizi.it – hanno raggiunto il record di 3,7 milioni di visualizzazioni: una crescita del 3.500% rispetto al periodo precedente – spiega il direttore delle Gallerie, Eike Schmidt - E l’ interesse per le ipervisioni sta continuando a crescere: merito degli argomenti trattati, così rilevanti per l’attualità. Con la mostra virtuale sui gioielli nei dipinti, curata da una specialista di vaglia e conoscitrice dell’ambito come Silvia Malaguzzi, si può affermare che la collana della nostra

285 Desde las orillas del Sena offerta gratuita si arricchisce di un’altra perla preziosa”.

Félix José Hernández.

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Aspettando il David di Donatello

Il David di Donatello

Firenze, 6 maggio 2020.

In occasione della 65ᵃ edizione dei “Premi David di Donatello”, in onda su Rai Uno venerdì 8 maggio, i Musei del Bargello dedicano una serie di approfondimenti all’originale della statua rinascimentale in bronzo da cui ha preso nome e forma il premio cinematografico.

Attraverso i canali della comunicazione digitale, in questi giorni di chiusura dei musei, si racconterà la

287 Desde las orillas del Sena storia di un’opera rivoluzionaria: la più celebre statua del primo Rinascimento fiorentino, custodita nel Museo Nazionale del Bargello e che è diventata portatrice di valori come eroismo, forza e bellezza, modello figurativo per molte successive fasi di rinascita e rinnovamento culturale.

Aspettando l’evento televisivo in cui le eccellenze del cinema italiano verranno premiate con la celebre statuetta aurea che si richiama all’Oscar americano nelle dimensioni, ma al capolavoro di Donatello nella forma e nella denominazione, i Musei del Bargello offriranno al proprio pubblico una serie di approfondimenti tematici dedicati al David. E, non potendo ancora aprire le porte d’ingresso del Museo Nazionale del Bargello, porteranno virtualmente il David “originale” nelle case degli italiani attraverso i propri canali digitali.

Sul sito ufficiale www.bargellomusei.beniculturali.it verranno pubblicate news, approfondimenti e album fotografici attraverso i quali conoscere meglio la storia e l’iconografia del David. Il canale Instagram @bargellomuseums, invece, racconterà il David, esplorando le tante ragioni che hanno reso quest’opera una star dell’arte. Dal profilo Instagram dei Musei del Bargello, è già partita una

288 Desde las orillas del Sena call fotografica in cui tutti gli Igers sono invitati a postare e condividere le foto del David di Donatello provenienti dai propri archivi fotografici e che poi, nella giornata di venerdì 8, verranno ripubblicate e condivise nelle storie del @bargellomuseums. Un modo per vedere il David di Donatello attraverso gli occhi dei visitatori e degli appassionati e condividere insieme le immagini di un’icona che appartiene un po’ a tutti noi.

Il premio

Un’immersione digitale alla riscoperta del capolavoro che negli anni ‘50 del 900 l’allora Club internazionale del Cinema (oggi Accademia del Cinema Italiano) scelse di dedicare alle eccellenze cinematografiche per omaggiare la fervente rinascita culturale del dopoguerra italiano. Il giovane eroe di Donatello che sconfigge il gigante Golia si prestava in tutta la sua perfezione ad essere l'emblema della genialità, della creatività e della perfezione stilistica italiana. Probabilmente fu Oreste Petrolini, figlio del più famoso Ettore, a scegliere proprio il capolavoro di Donatello come modello. Mentre al gioielliere Costantino Bulgari spettò il compito di crearne una versione in oro e in scala ridotta che dal 1956 (prima edizione del

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Premio) sfila ogni anno insieme ai più grandi artisti italiani.

L’originale

Il David, realizzato da Donatello attorno agli anni 40 del Quattrocento, su commissione di Cosimo il Vecchio de’ Medici, raffigura il giovane pastore mentre si erge vittorioso sopra la testa del gigante Golia che ha reciso con la sua stessa spada. Tale soggetto biblico era particolarmente sentito nella Firenze dell’epoca, ma la versione di Donatello si circonda di numerosi significati simbolici, cui si aggiungono quelli attribuitigli dalla fortuna dell’opera nel tempo e che l’hanno resa non solo la scultura più nota dell’artista fiorentino, ma anche l’emblema più riconoscibile del primo Rinascimento italiano.

Il bronzo è stato pensato a grandezza naturale (è alto 158 cm) per essere collocato su un’alta colonna ed ammirato dal basso e da più punti di vista. Donatello sorprende per l’eleganza del corpo e l’assorto stupore che traspare dal volto del giovane eroe vincitore. Si tratta, infatti, del primo esempio di nudo a tutto tondo realizzato dai tempi della statuaria classica.

290 Desde las orillas del Sena

L’opera fu subito oggetto di ammirazione e interesse e, nel corso dei secoli, pur rimanendo sempre nella città di Firenze, ha cambiato sovente la propria dimora: il cortile di Palazzo Medici fu la prima sede di cui abbiamo testimonianza; poi, con la cacciata dei Medici del 1494, fu trasferito a Palazzo Vecchio; quindi a Palazzo Pitti e dal 1777 nella Galleria degli Uffizi. Infine nel 1865 il capolavoro di Donatello ha trovato la sua collocazione definitiva nel Museo Nazionale del Bargello - primo museo dell’Italia unita - nato proprio quell’anno per custodire la più importante collezione al mondo di statuaria rinascimentale.

Al Bargello, il David è diventato emblema del museo ed ha continuato a stupire e meravigliare il mondo intero. Tra le tappe più significative che incorniciano la sua storia nella nuova sede ci sono la prima grande Esposizione Donatelliana e l’ultimo sorprendente intervento di restauro. Nel 1887, in occasione dei 500 anni dalla nascita di Donatello, la grande Sala delle Udienze posta al primo piano del Palazzo del Bargello viene trasformata in un grande salone espositivo dedicato al maestro. Il successo è tale che da quel momento lo stesso magnifico Salone verrà intitolato a Donatello e il David ne diverrà elemento essenziale nell’allestimento dedicato ai capolavori della

291 Desde las orillas del Sena scultura del Quattrocento. Tra il 2007 e il 2008, col finanziamento della Protezione civile, la statua è stata sottoposta ad un delicatissimo intervento di restauro, realizzato nello stesso Salone di Donatello, che ha riportato in luce molte tracce di inaspettate dorature: il David realizzato da Donatello, pur se non completamente dorato come la statuetta dei premi cinematografici, era impreziosito da numerosi dettagli dorati (il pomo della spada, le foglie del cappello, le palmette dei calzari, le ali dell’elmo di Golia) e, soprattutto, aveva i capelli biondo oro come tramandato dai testi sacri. In pochissime, eccezionali occasioni, il David ha lasciato temporaneamente il Bargello per farsi ammirare nel mondo, contribuendo così a diffondere la conoscenza dell’arte italiana e ad alimentare il mito della sua grandezza. Nel 1930, con la controversa trasferta alla Royal Academy of Arts di Londra per la mostra dedicata all’eccellenza artistica italiana (Exhibition of Italian art: 1200– 1900), o per l’Expo 1967 di Montreal, quando il David fu protagonista assoluto del padiglione italiano in un allestimento appositamente realizzato da Carlo Scarpa.

Prototipo di bellezza, emblema di eroismo, simbolo di potere ma anche di libertà: il David di Donatello è tutto questo e anche di più. Nella sua lunga storia,

292 Desde las orillas del Sena iniziata a Firenze all'alba del Rinascimento, approdata al Museo del Bargello, ha proseguito il suo viaggio virtuale guadagnandosi una fama mondiale – non capolavoro tra tanti, ma monumento all'ingegno umano, alle sue potenzialità e alla sua grandezza.

Félix José Hernández.

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The Medici Game. Murder at Pitti Palace

Firenze, 8 maggio 2020.

#iorestoacasa - #ilmuseoacasatua. A Firenze, in uno dei Palazzi tra i più belli e noti al mondo, puoi trovare una splendida sala da ballo: parliamo della Sala Bianca di Palazzo Pitti, la straordinaria reggia medicea. Per ora non si può visitare, ma noi ti ci facciamo entrare regalandoti il primo capitolo dell’avvincente videogame “The Medici Game. Murder at Pitti Palace” ambientato proprio in questa Sala. Se poi vorrai proseguire, l’intera storia ti attende tra enigmi e misteri inaspettati da risolvere

294 Desde las orillas del Sena muovendoti negli altri ambienti del Palazzo, nel quale la giovane storica dell’arte, Caterina, appassionata della storia dei Medici, si trova invischiata in un inspiegabile omicidio consumato tra le ombre di Palazzo Pitti a Firenze.

“The Medici Game. Murder at Pitti Palace” è il primo videogame in 3D dedicato ad un museo italiano (oltre che il primo videogioco incentrato sulla celebre dinastia granducale e sulla loro fastosa residenza): realizzato per le Gallerie degli Uffizi da Sillabe, in coproduzione con Opera Laboratori Fiorentini-Civita, dall’associazione TuoMuseo è scaricabile FREE nei principali store digitali con app in purchase, per Ios e Android (tablet e cellulare), in 7 lingue, italiano, inglese, spagnolo, russo, portoghese, cinese e giapponese.

L’avventura inizia con Caterina che, grazie all’aiuto di un amico, il custode notturno Pietro, si intrufola in Palazzo Pitti, a caccia di un misterioso tesoro. Appena entrata in Sala Bianca si imbatte in un uomo morente, colpito da un dardo avvelenato: accasciato a terra, le affida prima di spirare un taccuino con strani simboli, pregandola di fuggire dalla reggia e distruggerlo il prima possibile. Troppo tardi: Caterina si rende conto di essere intrappolata nel maestoso edificio avvolto dall’oscurità, e riuscire ad uscirne, da viva, si rivelerà una missione tutt’altro che facile.

295 Desde las orillas del Sena

Le sale nelle quali si troverà Caterina sono ricche di opere d’arte e di dettagli. L’investigazione di Caterina entrerà sempre di più nel vivo a mano che si andrà avanti con i capitoli, con nuovi misteri da svelare e inaspettate rivelazioni sulla Famiglia Medici e sul destino della città di Firenze.

La trama, ricca di colpi di scena ed elementi fantasy, è costellata di spunti storico-artistici sui protagonisti delle vicende dei Medici, accuratamente ricostruiti grazie ad approfondite ricerche. I luoghi più suggestivi della reggia sono stati realizzati fedelmente sulla base di una minuziosa campagna fotografica, tesa a restituire ai giocatori in ogni dettaglio l’aura affascinante dell’edificio granducale.

Félix José Hernández.

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Le Gallerie degli Uffizi acquistano una rara veduta di Firenze

Firenze, 27 aprile 2020

Si tratta di un’incisione risalente alla metà del 1500 rintracciata in California

Una rarissima stampa, risalente alla metà del ‘500 e raffigurante una veduta completa della Firenze del Rinascimento, una delle più antiche giunte ad oggi attraverso i secoli: a rintracciarla ed acquistarla da un antiquario in California, riportandola “a casa”, sono state in questi ultimi mesi le Gallerie degli Uffizi. Si tratta di

297 Desde las orillas del Sena grandissima incisione su tre fogli di carta (per un totale di oltre 36 centimetri di altezza x 1 metro e 30 di larghezza), realizzata a bulino e acquaforte nel 1557 ad Anversa nella stamperia di Hieronymus Cock e ripubblicata a Parigi nel 1601 da Paul van der Houve. La stampa, particolareggiatissima, mostra la Firenze di metà Cinquecento: cinta ancora dalle antiche mura (fatte abbattere dall’architetto Giuseppe Poggi nel 1865, quando ridisegnò il volto della città aggiungendo i viali) e circondata dai campi. All’interno della cerchia muraria si possono distintamente riconoscere i principali monumento, tra i quali il Duomo, il campanile di Giotto, Palazzo Vecchio, Palazzo Pitti, la basilica di Santa Maria Novella, quella di Santa Croce. Non ci sono gli Uffizi, che Cosimo I non aveva ancora commissionato all’ “archistar” toscana del tempo, Giorgio Vasari (avrebbe iniziato a farli costruire di lì a poco, nel 1560): nella porzione di spazio accanto a Palazzo Vecchio è ancora visibile la struttura dell’antica chiesa di San Pier Scheraggio, poi inglobata nel grande complesso voluto dal sovrano per gli uffici delle magistrature fiorentine. Alcuni degli edifici raffigurati, inoltre, non hanno ancora l’aspetto con cui sono conosciuti ed apprezzati oggi: il Duomo presenta ancora la sua antica facciata incompiuta, e così Santa Croce. Palazzo Pitti, da poco acquistato dai Medici, nell’incisione ha un posto prominente e sembra dominare tutta la zona d’Oltrarno. Naturalmente non ha ancora i maestosi rondò laterali (entrambi costruiti secoli

298 Desde las orillas del Sena dopo), e alle spalle della reggia Boboli è raffigurato come poco più di una enorme distesa di prati, appoggiati sul fianco della collina: erano ancora di là da venire le opere che lo avrebbero trasformato in uno dei più fastosi e riusciti esempi di giardino all’italiana, modello in Europa nel ‘600 e nel ‘700.

L’opera costituisce la seconda più antica veduta di Firenze dopo quella detta “della Catena”, attribuita a Francesco Rosselli, e verrà inclusa nella raccolta del Gabinetto dei Disegni e delle Stampe degli Uffizi.

DESCRIZIONE: eseguita ad Anversa nella stamperia di Hieronymus Cock, incisore ed editore che nel XVI secolo svolse un ruolo di grande rilievo nel panorama europeo della produzione e diffusione di immagini e cartografia a stampa, l’opera è composta da tre grandi fogli assemblati. Presenta lungo il bordo superiore il titolo “FLORENTIA” tra due putti che sostengono rispettivamente lo stemma mediceo a sinistra e il giglio fiorentino a destra. Nell’angolo inferiore destro una lunga iscrizione decanta le qualità di Firenze e dei suoi cittadini illustri, a partire dalla casata dei Medici e ricordando poi Dante, Poliziano, Petrarca, Boccaccio, Michelangelo. La veduta fu incisa nel 1557 dai fratelli Lucas e Jan Van Doetecum, abituali collaboratori di Cock, sotto l’attenta supervisione di quest’ultimo. Di questa stampa ottenuta dalla matrice originale esiste solo un altro esemplare al mondo:

299 Desde las orillas del Sena appartenuto in passato a Leo Olschki ed esposto in una mostra alla Galleria dell’Accademia nel 1935, oggi si conserva a Stoccolma alla Kungliga Biblioteket, la biblioteca nazionale di Svezia.

Eike Schmidt, direttore delle Gallerie degli Uffizi: “Le Gallerie sono felici di essere riuscite ad acquisire questa stampa molto rara, che accosta la competenza tecnico- cartografica a quella artistica. Un’ opera minuziosa e raffinatissima che è, allo stesso tempo, un documento di grande valore anche sentimentale: ci mostra infatti, in tutto il suo splendore, l’aspetto della Firenze medievale e rinascimentale, con le casupole e gli orti fuori le mura, le torri, qualche ponte sull’Arno, gli splendidi palazzi, i monumenti e le cupole che ci sono tanto cari. Di lì a poco, la città avrebbe visto nascere un altro fondamentale polo urbanistico, uno dei suoi complessi architettonici più celebri: gli Uffizi”.

Laura Donati, curatrice delle stampe e coordinatrice del Gabinetto dei Disegni e delle Stampe: “Rispetto all’ancor più antica veduta “della Catena”, frammentaria e nota nella sua completezza solo attraverso copie successive, la versione di Cock risulta più raffinata ed elaborata nell’esecuzione. La volontà di resa quanto più possibile oggettiva della città si traduce nella realizzazione di un’immagine realistica e nello stesso tempo suggestiva dell’aggrovigliato impianto

300 Desde las orillas del Sena urbanistico ancora in parte medievale che caratterizza la Firenze del Rinascimento”.

Sulla pagina Facebook delle Gallerie degli Uffizi (https://www.facebook.com/uffizigalleries/) viene oggi pubblicato un video in cui Laura Donati, coordinatrice del Gabinetto dei Disegni e delle Stampe degli Uffizi, illustra nei dettagli la nuova acquisizione.

Félix José Hernández.

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Il progetto D.A.V.I.D.

Lunedì 11 maggio 2020. La Galleria dell’Accademia di Firenze ha il piacere di presentare “D.A.V.I.D.” (“Defense of Cultural Heritage and Assessment of Vulnerability through Innovative Technologies & Devices”), secondo progetto selezionato dalla Regione Toscana tra i 102 finanziati, all’interno del bando del Fondo Sociale Europeo per progetti congiunti

302 Desde las orillas del Sena di alta formazione attraverso l’attivazione di assegni di ricerca. Il progetto ha come priorità la tutela del Patrimonio architettonico e artistico del Museo attraverso il supporto delle più avanzate tecnologie di rilievo geomatico e di diagnostica. Focus dell’attività di ricerca è la salvaguardia dell’edificio e delle collezioni dal rischio indotto da attività antropiche o da eventi estremi come quelli sismici. Durante la ricerca saranno sviluppati alcuni modelli: il H-BIM (Heritage Building Information Modeling), pioneristica applicazione in Italia di uno strumento di supporto a servizio del museo, rivolto a una più efficiente gestione della manutenzione e conservazione, nonché a un’ottimale organizzazione degli interventi e dei cantieri in programma; i modelli numerici per lo studio e la rappresentazione del comportamento dei singoli elementi architettonici e artistici rispetto a diversi fattori di rischio. Il progetto è stato co-finanziato dalla Galleria dell'Accademia di Firenze ed è stato fortemente voluto e sostenuto dalla dott.ssa Cecilie Hollberg, Direttore del Museo, co-adiuvata dall'arch. Carlotta Matta, funzionario tecnico del Museo. Il gruppo di ricerca dell’Università degli Studi di Firenze – DICEA (Dipartimento di Ingegneria Civile e Ambientale), che ha ideato il progetto, è coordinato dal Prof. Ing. Claudio Borri, Ordinario di Scienza delle Costruzioni, con Michele

303 Desde las orillas del Sena

Betti, Vladimir Cerisano Kovacevic, Grazia Tucci e Andrea Vignoli. “D.A.V.I.D.” affonda le sue radici nell’ambito di un protocollo d’intesa sulla valutazione del rischio sismico attivo tra i due Enti dal 2016. L’intenso lavoro svolto e il rapporto sinergico creato tra Istituzioni hanno dato i primi frutti nell’estate del 2018: gli esiti del lavoro precedente sono stati presentati in occasione di importanti convegni internazionali e avranno la loro naturale prosecuzione grazie all’importante traguardo raggiunto con il bando in oggetto. L’attività di ricerca vincitrice del bando POR FSE della Regione Toscana è stata avviata a maggio 2020 e avrà durata biennale. Ad occuparsi del progetto “D.A.V.I.D.” per i futuri due anni sarà la dott.ssa Silvia Monchetti, assegnista del Dipartimento DICEA e vincitrice del concorso indetto dall’Università di Firenze per l’aggiudicazione dell’assegno di alta formazione.

Félix José Hernández.

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Il Giardino di Boboli riapre el 21 maggio

Firenze, 19 maggio 2020

Dopo oltre dieci settimane di chiusura a causa dell’emergenza epidemiologica, il Giardino di Boboli riapre le sue porte giovedì 21 maggio alle ore 9. Il giardino è un vero e proprio museo all’aperto unico al mondo, con uno straordinario patrimonio botanico, e un impianto paesaggistico e architettonico che ospita, tra i suoi viali, aiuole e boschetti, una collezione di oltre 300 sculture dell’età classica, del Rinascimento e del Barocco. Con il favore della bella stagione si riparte dunque da Boboli, che sarà accessibile sia attraverso l’ingresso di Palazzo Pitti, sia attraverso la porta di Annalena tutti i giorni della settimana, ovvero dal lunedì alla domenica (ad eccezione del primo e l’ultimo lunedì

305 Desde las orillas del Sena del mese) dalle ore 8,45 alle 18,15 (ultimo ingresso alle ore 17,15).

All’interno del Giardino valgono tutte le norme nazionali e regionali per contrastare la diffusione del coronavirus. In particolare si rammenta che è vietato l’ingresso a persone con la temperatura corporea oltre 37,5 gradi; è obbligatorio l’utilizzo della mascherina durante tutta la permanenza all’interno del giardino; è necessario mantenere la distanza interpersonale di almeno 1,80 m; sono vietati assembramenti di ogni genere; i gruppi non posssono eccedere il numero di 10 persone, e ad ogni buon conto sono tenuti a rispettare sempre la distanza interpersonale di 1,80 m; le guide turistiche devono sempre utilizzare il sistema whisper (microfono e auricolari), indipendentemente dal numero dei componenti del loro gruppo. Nel rispetto delle norme, la Grotta Grande e il Museo delle Porcellane rimarranno chiusi. Tuttavia, la Botanica Superiore con i suoi tesori di piante acquatiche sarà aperta ogni mattina da lunedì a venerdì dalle 10,00 alle 13,00.

“Con il giardino di Boboli è di nuovo accessibile non solo il cuore verde di Firenze, ma anche uno straordinario museo all’aperto – commenta il direttore delle Gallerie degli Uffizi, Eike Schmidt – Seguendo l’indicazione del Comitato tecnico-scientifico della Presidenza del Consiglio di aprire gradualmente prima i

306 Desde las orillas del Sena parchi monumentali e i musei con meno di 100mila visitatori annui, e solo successivamente i musei grandi, cogliamo l’occasione di ricordare che nelle sue varie parti rinascimentali e barocche Boboli è stato per secoli il modello a cui si sono ispirati tutti gli altri giardini di corte in Europa, incluso quello di Versailles. Nell’ultimo mese e mezzo le prime fioriture della primavera, le statue e le fontane sono state osservate solo da gatti, volpi, e uccelli, oltre naturalmente ai nostri botanici e giardinieri che hanno trasmesso sui canali social degli Uffizi molte meraviglie e segreti del giardino. D’ora in poi, per fortuna, tutti potranno di nuovo partecipare all’arrivo della bella stagione.”

Félix José Hernández.

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Comunicazione di Cecilie Hollberg, Direttore della Galleria dell’Accademia di Firenze

Firenze, 14 maggio 2020 Gli articoli usciti sulla stampa, che ho avuto modo di leggere anche negli ultimi giorni, continuano a descrivere la Galleria dell’Accademia di Firenze, che ho ripreso a dirigere da circa due mesi, in modo non corrispondente alla reale situazione ed anche quando si determinano situazioni vantaggiose per la funzionalità delle attività queste sarebbero conseguenza di misteriose scoperte occasionali. È evidente che i vari passaggi di attribuzione dell'Istituto prima agli Uffizi e poi di nuovo ritornato autonomo,

308 Desde las orillas del Sena quest’ultimo avvenuto in piena esplosione della pandemia del Covid 19, non hanno consentito di poter correttamente esercitare la necessaria e doverosa attività di informazione che avrebbe evitato la pubblicazione di notizie incomplete, imprecise e frammentarie. Cercherò con questa comunicazione di esporre, in modo chiaro ed esaustivo, gli elementi più interessanti in merito alla vicenda dell'impianto di climatizzazione della Tribuna del David che ha tanto attivato la fantasia di molti, con il proponimento di essere in futuro più puntuale e cadenzata anche nelle attività di informazione. Innanzitutto, va precisato che già nel 2018 sono stati effettuati, in attesa della redazione di una progettazione organica e complessiva, interventi di grossa manutenzione all'impianto di climatizzazione con sostituzione di gruppi frigo ed elementi per il trattamento dell'aria, nonché la sostituzione dei filtri dell'aria che non veniva effettuata da svariati anni. In ogni caso l'aria immessa era preventivamente fatta passare dai filtri che, come detto, sono stati in questo ultimo periodo periodicamente sostituiti. È stata cura di questa direzione coinvolgere costantemente l’ASL in queste operazioni che sono state eseguite dall’IGEAM, società che ha in gestione il servizio di RSPP per il MiBACT, nonché da laboratori accreditarti presso il Ministero della Salute e, dunque, adeguatamente specializzati nel settore.

309 Desde las orillas del Sena

L’intervento di manutenzione straordinaria di questo impianto era stato dunque programmato già da tempo e, dovendo seguire la corretta prassi imposta dal codice dei contratti, oltre un anno e mezzo fa fu avviata la gara per l’affidamento di uno studio di fattibilità tecnica ed economica, non solo di questo impianto, ma della climatizzazione dell'intero Museo, unitamente alla revisione degli impianti elettrici e di illuminazione in quanto il sistema impiantistico esistente risultava vetusto e bisognevole di continui interventi manutentivi. Contestualmente fu avviata anche la progettazione di altri interventi di particolare rilevanza, come quella sulle condizioni poco esaltanti delle capriate lignee delle coperture della sala del Colosso, per la quale si è arrivati alla gara per l’affidamento dei lavori, purtroppo sospesa per l’attuale contingenza.

Tornando agli impianti di climatizzazione, una volta ottenuto lo studio di fattibilità si è passati alla gara per la redazione del progetto definitivo ed esecutivo. Tra il primo ed il secondo livello progettuale si ritenne giustamente necessario effettuare delle prospezioni, condotte anche con telecamera montata su robot, per indagare sullo stato di conservazione delle canalizzazioni; esse misero in evidenza una condizione di mancata manutenzione dei condotti che durava da alcuni decenni e che richiese ulteriori approfondimenti di natura igienico sanitaria atte a valutare se fosse conveniente prevedere con il progetto esecutivo la sanificazione delle

310 Desde las orillas del Sena canalizzazioni o la loro sostituzione. L’opzione assumeva una certa valenza anche economica in quanto, per la sanificazione di questi elementi si sarebbe dovuto realizzare una sorta di rivestimento delle pareti interne da ottenere con tecniche molto particolari, mentre la sostituzione delle canalizzazioni sembrava in un primo momento possibile solo operando dall’alto con la rimozione del pavimento. Anche queste scelte, quindi, richiedevano maggiori approfondimenti ed opportune valutazioni. Mentre davamo incarico all’ASL ed ai laboratori specializzati di eseguire accurate indagini sulla qualità degli ambienti, ci siamo preoccupati di consultare gli archivi ed il materiale documentale relativo agli ultimi interventi di sistemazione del Museo. Quindi, non di una fortuita ed inaspettata scoperta si è trattato, ma la semplice consultazione di alcune fotografie dell’inizio degli anni Ottanta ha messo in evidenza la realizzazione di un solaio di calpestio per la galleria dei Prigioni, lasciando una intercapedine alta circa un metro e mezzo, spazio in cui furono collocate le esistenti canalizzazioni dell'impianto. Questa constatazione ha consentito di optare per la scelta della sostituzione dei canali, di più semplice esecuzione ed è stato richiesto al gruppo di progettazione di redigere un primo stralcio del progetto che permettesse la immediata esecuzione di un primo intervento urgente.

311 Desde las orillas del Sena

L’impianto di climatizzazione, spento lo scorso gennaio, doveva comunque essere chiuso per consentire la sostituzione dell'UTA (unità trattamento aria), vecchia di alcuni decenni e causa di diversi malfunzionamenti nel corso degli ultimi tempi. Con questo importante intervento di manutenzione sulle macchine principali dell'impianto si è potuto effettuare doverosi accertamenti sulle condizioni delle canalizzazioni per la distribuzione dell'aria, poste in opera più di quarant’anni fa al di sotto del solaio e da allora mai visionate. Oggi l’accertamento è stato possibile grazie all’utilizzo di mini robot telecomandati, muniti di telecamera. Lo scopo di questa indagine visiva di tipo sofisticato era necessario per capire se si dovessero sostituire anche le canalizzazioni, oltre alle macchine di trattamento dell'aria. La verifica ha mostrato una condizione di fatiscenza ed inadeguatezza degli elementi che ne hanno poi imposto la sostituzione. Questi accertamenti, previsti per scrupolo e che hanno destato tanto scalpore a causa di una comunicazione irresponsabile, sono da collocarsi nella volontà di andare a fondo rispetto a problematiche emerse, invece del facile atteggiamento di operare con l’obiettivo del solo conseguimento di risultati di maggior ritorno mediatico come, ad esempio per il caso in questione, di cambiare solo l’UTA, ammodernare qualche elemento di contorno di maggior presa per il pubblico ed organizzare un'inaugurazione ben supportata mediaticamente. Le modalità operative imposte da questa direzione hanno,

312 Desde las orillas del Sena invece, perseguito l’obiettivo di agire in maniera tecnicamente e logicamente corretta sistemando finalmente in maniera ottimale una situazione trovata in condizioni deplorevoli, invece che continuare a mettere toppe su un impianto vecchio di 40 anni e, fino al mio arrivo, trascurato in modo irresponsabile. In parallelo ci siamo documentati sulle scelte da fare e, per quanto riguarda i risultati degli esami di laboratorio sulla qualità dell'aria, abbiamo acquisito anche i pareri espressi dalla Società IGEAM e, soprattutto, dalla USL Toscana Centro; quest’ultimo ha elaborato ulteriori esami di laboratorio sulle osservazioni effettuate. Le indagini sulle quali gli enti preposti in materia di salute, sicurezza e igiene si sono espressi sono state eseguite a tutto tondo ed hanno incluso: l’analisi della tipologia e delle dimensioni di FAV (Fibre Artificiali Vetrose) eventualmente presenti, l’analisi della qualità dell’aria interna e il prelievo e campionamento di fibre areodisperse. I campioni sono stati analizzati dal laboratorio Delta A.P.S. Service S.r.l., qualificato dal Ministero delle Salute ai sensi della normativa vigente per queste tipologie di materiali. I risultati emersi sono stati del tutto in linea con quanto ipotizzato da questa Direzione e risultano assolutamente compatibili con l’utilizzo degli spazi della Galleria dell’Accademia di Firenze. Le FAV presenti nei canali dell’impianto NON appartengono alla “categoria: agenti cancerogeni” e la stessa USL ha dichiarato che “non sussistono rischi di

313 Desde las orillas del Sena esposizione”. Infine, le analisi sui campioni aerodispersi hanno evidenziato che non sussiste contaminazione in ambiente e hanno riscontrato una concentrazione di fibre ben al di sotto del limite di riferimento ammesso dalla normativa vigente in materia di salute e sicurezza. Tali risultanze hanno fornito una chiara e, soprattutto, scientificamente documentata condizione dei luoghi; al contrario, le notizie riportate nei mesi scorsi dalla stampa, prive di dati documentali o supporto scientifico, non hanno fatto altro che sortire un inutile e, forse, dannoso risultato di allarmare per i lavoratori e gli utenti, causando un significativo danno d’immagine al Museo da me diretto. Con questi risultati assolutamente tranquillizzanti il primo stralcio di lavori urgenti fu affidato all’inizio del mese di marzo e, nonostante la contingenza del blocco delle attività, è stato rilevato che questa tipologia di lavori era tra quelle consentite. Sono state studiate e concordate con la ditta e con i rappresentanti dei lavoratori del Museo le modalità di corretta conduzione dell'intervento in sicurezza per tutti. È stata fatta comunicazione al Prefetto e alle altre autorità di vigilanza, come anche ai vertici del MiBACT, i lavori sono stati avviati e alla fine del mese di maggio l’intervento sarà anche concluso. Con questa rivisitazione quasi cronologica degli eventi che hanno determinato la esecuzione di questo

314 Desde las orillas del Sena importante intervento di adeguamento impiantistico della Galleria si è cercato anche di evidenziare la notevole capacità tecnica e amministrativa del personale dell'Accademia che, seppur nelle ridottissime unità delle quali dispone, comunque opera con cura e capacità non usuali: magari non è stato possibile fornire adeguate informazioni (peraltro non richieste), ma si è dovuto operare anche nelle condizioni di precarietà ed incertezza che prima ho avuto modo di accennare e, evidentemente, l’obiettivo da privilegiare in tali condizioni non poteva che essere diverso dal raggiungimento del risultato concreto. Galleria dell’Accademia di Firenze. Via Ricasoli, 58- 60 - Firenze

Félix José Hernández.

315 Desde las orillas del Sena

Muglia tra i Luoghi del Cuore del Fai

Firenze, 23 maggio 2020.

Dalla lotta per impedire la discarica al progetto di un centro di educazione ambientale

L’Italia è un paese straordinario con un patrimonio artistico e ambientale immenso ma al tempo stesso molto fragile e in alcuni casi a rischio. Dal 2003 il Fai – Fondo per l’Ambiente Italiano ha lanciato I Luoghi del Cuore, un’iniziativa che ha l’obiettivo di recuperare un luogo particolarmente caro agli italiani che possono salvarlo con il loro voto.

316 Desde las orillas del Sena

Quest’anno abbiano deciso di candidare Muglia nel comune di Centuripe in Sicilia, il nostro Posto del Cuore, una Vallata meravigliosa, ricca di calanchi e colline di creta, di masserie e di resti di antiche miniere di Zolfo, di insediamenti preistorici e di tombe romane.

Da diversi anni stiamo lottando per evitare che si costruisca nel cuore della vallata una discarica. Siamo in attesa dei vincoli ambientali che il compianto Assessore Sebastiano Tusa aveva avviato prima della tragica scomparsa e che il Presidente della Regione Nello Musumeci aveva assicurato di proseguire. Ci auguriamo che il neo Assessore Alberto Samonà completi il lavoro iniziato dal suo predecessore e sigilli definitivamente la salvaguardia di questo straordinario territorio siciliano (uno dei pochi posti rimasti incontaminati della Sicilia) in modo tale che nessuno possa immaginarsi, in futuro, di costruirci qualcosa che ne possa compromettere la sua integrità.

Oggi ci auguriamo che le persone ci aiutino a salvare questo luogo con il loro voto; un gesto semplice che ci permettere non solo di far conoscere meglio questo angolo meraviglioso della Sicilia ma anche, in caso di vincita, di realizzare un centro di educazione ambientale e storica nella vallata che sarà gestito dalle Associazioni di Centuripe già impegnate sul territorio.

317 Desde las orillas del Sena

Associazioni ed Enti coinvolti nel progetto: Associazione Zona Libera e Comitati NO Discarica di Catenanuova e Centuripe (SiciliAntica, Liberart, Associazione Kento), Meetup 5 stelle Centuripe, Insieme per Centuripe, Coraggio Centuripe con il contributo di Confartigianato imprese Centuripe e Presidio Partecipativo del Fiume Simeto.

Per votare basta cliccare sul link sottostante, è gradita inoltre la diffusione. https://fondoambiente.it/luoghi/muglia?ldc

Per L'Associazione Zona Libera. Salvatore La Spina . 3457107371

Félix José Hernández.

318 Desde las orillas del Sena

Riapre a Firenze il Parco di Villa il Ventaglio e il Cenacolo di Sant'Apollonia

Firenze, 26 maggio 2020.

La Direzione regionale musei della Toscana, riapre da mercoledì 27 maggio 2020 il Parco di Villa il Ventaglio e il Cenacolo di Sant'Apollonia a Firenze.

Parte da questi due luoghi prestigiosi il piano di riapertura graduale dei musei e luoghi della cultura di pertinenza della Direzione regionale (in totale 49), che avverrà nel rispetto di tutte le norme di sicurezza previste per i visitatori, il personale, gli ambienti e le opere, in linea con le indicazioni del Comitato tecnico scientifico

319 Desde las orillas del Sena nazionale e con le indicazioni operative fornite dalla Direzione Generale Musei.

Entrambi i musei hanno un importante valore simbolico e affettivo per i fiorentini.

Il Parco di Villa il Ventaglio è particolarmente amato dai cittadini e residenti ed è stato recentemente riaperto interamente al pubblico il 31 maggio 2018 grazie all'impegnativo intervento di recupero finanziato dalla Fondazione CR Firenze tramite uno dei progetti Art Bonus della Direzione regionale musei della Toscana. Il Parco di Villa Il Ventaglio si estende su un fianco della Collina delle Forbici per circa cinque ettari. Nacque verso la metà dell'Ottocento per ottenere un viale carrozzabile che consentisse una risalita dolce e panoramica del pendio, permettendo così un accesso alla Villa del Ventaglio più agevole ed esclusivo rispetto alla ripida via delle Forbici. Come per la Villa, il progetto di questo incantevole parco romantico all’inglese si deve all’architetto Giuseppe Poggi (1811-1901), che creò scorci e prospettive incantevoli tramite l'alternanza tra le grandi masse arboree e le ampie superfici a prato, sottolineando i valori paesaggistici del luogo e le spettacolari vedute sulla città e anticipando così il progetto del Viale dei Colli, da lui realizzato al tempo del trasferimento della capitale del Regno d’Italia a Firenze nel 1865.

320 Desde las orillas del Sena

Il Cenacolo di Sant'Apollonia fa parte di quel patrimonio ingiustamente considerato "minore" che contiene meraviglie tali da destare stupore nel visitatore che lo riscopre, un patrimonio spesso fuori dai grandi flussi turistici che oggi, più che mai va rivalutato alla luce delle nuove modalità di fruizione del patrimonio artistico e culturale che la gestione della crisi epidemica impone. Il Cenacolo è rimasto "segreto" fino all'Ottocento, custodito dalle monache di clausura del convento delle benedettine di Santa Apollonia, fondato nel 1339. Nel 1447 circa, Andrea del Castagno affrescò la parete di fondo del refettorio con l'Ultima Cena, un tesoro artistico per la ricchezza dei dettagli e la riuscita illusione prospettica, la Crocifissione, la Deposizione e la Resurrezione. Sotto la gestione della Direzione regionale musei della Toscana negli ultimi anni è stato al centro di importanti iniziative di carattere culturale tra le quali il progetto di Virgilio Sieni Cenacoli Fiorentini_Grande Adagio Popolare e Strings City, il festival diffuso, tra Firenze e i comuni della Città Metropolitana, dedicato alla musica e agli strumenti a corda.

Parco di Villa il Ventaglio Firenze, Via Aldini 10/12 Tel. 055 580283 [email protected]

Orari Aperto gratuitamente dal martedì alla domenica:

321 Desde las orillas del Sena dal 27 al 31 maggio ore 8.30-18.30 Giugno-Agosto 8.30-19.30

Chiuso il lunedì

Modalità di fruizione

- Accesso vietato in caso di febbre superiore a 37.5° - Evitare gli assembramenti - Vietato l'utilizzo di fontanelli - Non sostare negli spazi di passaggio - Distanza di sicurezza ALMENO 1,5 metri - Lavare/igienizzare spesso le mani - Usare la mascherina

Nel caso in cui non sia possibile garantire il rispetto delle disposizioni di sicurezza sarà disposta la chiusura temporanea del parco

Rimane inoltre in vigore il regolamento del parco esposto all'ingresso. Si ricorda in particolare che è vietato l'accesso ai cani e ad animali di qualsiasi genere, giocare con palla o altri oggetti di qualsiasi genere, consumare pasti, entrare con biciclette, pattini o mezzo di qualsiasi genere

Cenacolo di Sant'Apollonia Via XXVII Aprile 1, 50129 Firenze Tel. 055 290656 [email protected]

322 Desde las orillas del Sena

Aperto gratuitamente dal lunedì alla domenica dalle 8,30 alle 13,30 Chiuso il 1°, 3°, e 5° sabato e domenica di ogni mese

Modalità di fruizione

- Rispettare la separazione dei flussi in entrata e in uscita - Accesso consentito a non più di 10 visitatori alla volta - Non sono consentite viste guidate di gruppo - Accesso vietato in caso di febbre superiore a 37.5° - Evitare gli assembramenti all'interno e all'esterno - Non sostare negli spazi di passaggio - Distanza di sicurezza di ALMENO 1,5 metri - Lavare/igienizzare le mani - Usare la mascherina

Félix José Hernández.

323 Desde las orillas del Sena

El Museo Nacional del Prado reabrirá sus puertas el 6 de junio

Puerta de los Jerónimos. Foto © Museo Nacional del Prado.

Madrid, 28 de mayo de 2020.

Querida Ofelia:

La reapertura del museo con condiciones especiales el 6 de junio de 2020 se produce en el marco de la aprobación del Plan de Contingencia y de Prevención del MNP ante la COVID 19, fruto de la negociación y del consenso unánime entre la Administración del organismo, y el Comité de Seguridad y Salud y el Comité Empresa (CCOO, CSIF, USO y UGT).

El Plan prevé diversas medidas, en vigor en principio hasta el 15 de septiembre de 2020 (fecha estimativa),

324 Desde las orillas del Sena para garantizar la seguridad y protección de los empleados del museo y de sus visitantes. Entre las principales medidas para asegurar la protección de los empleados del museo ante la COVID 19 cabe destacar:

Los controles de temperatura corporal en todos los accesos la disponibilidad de abundantes Equipos de Protección Individual (mascarillas quirúrgicas y FPP2, pantallas faciales, guantes, dispensadores de gel y mamparas de protección en puestos de atención al público) una completa Evaluación de Riesgos Laborales ante la COVID 19 la preferencia del servicio en línea como modalidad prioritaria de servicio cuando sea posible y medidas de conciliación, así como de flexibilización y de reducción de la jornada. un específico protocolo de limpieza y desinfección ante la COVID 19 Asimismo, junto al establecimiento de un aforo máximo de 1800 visitantes diarios, el museo ha incrementado la calidad del aire interior desde la calificación “IDA 2” fijada en el Reglamento de Instalaciones Térmicas en los Edificios como aire de buena calidad aplicable para museos, a “IDA 1”, un aire de óptima calidad aplicado en hospitales, clínicas, laboratorios y guarderías.

Además, en el sistema de climatización se han realizado los ajustes necesarios partiendo de las recomendaciones

325 Desde las orillas del Sena de la Asociación Técnica Española de Climatización y Refrigeración, basadas en el documento de REHVA (Federation of European Heating Ventilation and Air Conditioning Associations) COVID 19 guidance document, April 3, 2020, en cuanto a aire de impulsión y extracción, humidificación, secciones de recuperación de calor, equipos sin uso de recirculación (fancoils) y filtración.

El esfuerzo por superar la calificación del aire estándar para edificios de uso no sanitario a un aire de óptima calidad propio de hospitales junto al establecimiento de aforo diario, durante, al menos, fase actual, permitirá disfrutar de nuevo de la visita al Museo Nacional del Prado con todas las garantías de salubridad.

Otras de las medidas adoptadas para la protección de visitantes y empleados son:

Las entradas se adquirirán a través de la web del Museo Nacional del Prado, incluso para el horario de gratuidad, seleccionando día y hora de la visita con un mínimo de 24 horas de antelación. Se recomienda puntualidad para optimizar las visitas.

Habrá controles de la temperatura corporal en los accesos y será obligatoria la utilización de mascarilla durante toda la visita.

326 Desde las orillas del Sena

Se podrán a disposición del visitante toallitas de papel, geles desinfectantes y papeleras con cierre.

Tanto en el interior como en el exterior del Museo, si hay que esperar fila, la distancia mínima interpersonal deberá ser de 2 metros. En el Portal Web del MNP www.museodelprado.es el visitante podrá descargar el plano del Museo y consultar los contenidos del recorrido. Además, se contará con señalética y pantallas con información complementaria sobre la visita.

La utilización de los ascensores queda reservada exclusivamente para personas con movilidad reducida o con carritos de bebé.

Estará controlado el aforo en distintos puntos durante el itinerario de la visita.

Por motivos de seguridad no se ofrecerán los servicios de consigna, audioguías, guiado de grupo.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

327 Desde las orillas del Sena

Hans Hartung. La fabrique du geste au Musée d’Art Moderne de Paris

Hans Hartung, T1966-K40, 1966. Peinture vinylique sur toile 38 x 61 cm. Fondation Hartung Bergman, Antibes © ADAGP, Paris, 2019.Photo : Fondation Hartung-Bergman. Paris le 30 mai 2020. À l’occasion de sa réouverture après une année de travaux de rénovation, le Musée d’Art Moderne de Paris présente Hans Hartung, La fabrique du geste du 11 octobre 2019 au 1er mars 2020. La dernière rétrospective dans un musée français datant de 1969, il était important de redonner à Hans Hartung (1904-1989) toute la visibilité qu’il mérite. L’exposition porte un nouveau regard sur l’ensemble de l’œuvre de cet artiste majeur du XXe siècle et sur son rôle essentiel dans l’histoire de l’art. Hans Hartung fut un précurseur de l’une des inventions artistiques les plus marquantes de son temps : l’abstraction. Acteur d’un siècle de peinture, qu’il traverse avec une soif de liberté à la mesure des phénomènes qui viennent

328 Desde las orillas del Sena l’entraver – de la montée du fascisme dans son pays d’origine l’Allemagne à la précarité de l’après-guerre en France et à ses conséquences physiques et morales – jamais, il ne cessera de peindre. Le parcours de la rétrospective comprend une sélection resserrée d’environ trois cent œuvres, provenant de collections publiques et particulières françaises et internationales et pour une grande part de la Fondation Hartung-Bergman. Cet hommage fait suite à l’acquisition du musée en 2017 d’un ensemble de quatre œuvres de l’artiste. L’exposition donne à voir la grande diversité des supports, la richesse des innovations techniques et la panoplie d’outils utilisés durant six décennies de production. Hans Hartung, qui place l’expérimentation au cœur de son travail, incarne aussi une modernité sans compromis, à la dimension conceptuelle. Les essais sur la couleur et le format érigés en méthode rigoureuse d’atelier, le cadrage, la photographie, l’agrandissement, la répétition, et plus surprenant encore, la reproduction à l’identique de nombre de ses œuvres, sont autant de recherches menées sur l’original et l’authentique, qui résonnent aujourd’hui dans toute leur contemporanéité. Hans Hartung a ouvert la voie à certains de ses congénères, à l’instar de Pierre Soulages qui a toujours admis cette filiation. L’exposition est construite comme une succession de séquences chronologiques sous la forme de quatre

329 Desde las orillas del Sena sections principales. Composée non seulement de peintures, elle comprend également des photographies, témoignant de cette pratique qui a accompagné l’ensemble de sa recherche artistique. Des ensembles d’œuvres graphiques, des éditions limitées illustrées, des expérimentations sur céramique, ainsi qu’une sélection de galets peints complètent la présentation et retracent son itinéraire singulier. Afin de mettre en relief le parcours d’Hans Hartung, en même temps que son rapport à l’histoire de son temps, cette exposition propose des documents d’archives, livres, correspondances, carnets, esquisses, journal de jeunesse, catalogues, cartons d’invitations, affiches, photographies, films documentaires, etc. Figure incontournable de l’abstraction au XXe siècle, Hans Hartung ne se laisse pas pour autant circonscrire dans ce rôle de précurseur historique, car sa vision d’un art tourné vers l’avenir, vers le progrès humain et technologique, vient nous questionner aujourd’hui encore. Le parcours met en tension et en dialogue ces deux aspects complémentaires qui constituent le fil rouge de cette exposition. Un catalogue comprenant une quinzaine d’essais et une anthologie de textes est publié aux Éditions Paris Musées. Directeur Fabrice Hergott Commissaire Odile Burluraux

330 Desde las orillas del Sena

Assistante de l’exposition Julie Sissia Scénographe Cécile Degos Informations pratiques Musée d’Art Moderne de Paris 11 Avenue du Président Wilson75116 Félix José Hernández.

331 Desde las orillas del Sena

Hubert Duprat au Musée d’Art moderne de Paris

Hubert Duprat, Tribulum, 2012.Mousse florale, éclats de silex, 100 x 70 x 18 cm.© Hubert Duprat.© ADAGP, Paris, 2020.Photo F. Gousset, courtesy Art : Concept, Paris. Paris le 31 mai 2020. Pour la première fois en France, l’œuvre d’Hubert Duprat fait l’objet d’une rétrospective majeure au Musée d’Art moderne de Paris. À travers divers ensembles, photographiques, sculpturaux et la réactivation d’œuvres in situ, l’exposition retrace l’itinéraire de cet artiste

332 Desde las orillas del Sena français, né en 1957 et qui depuis plus de trente ans développe sa pratique à la manière d’un chercheur, plus doué pour la traque que pour la capture selon ses propres mots. L’exposition rend compte des lignes de force d’une création aussi ouverte que rhizomatique qui fédère le monumental et la miniature, les lignes épurées et une virtuosité maniériste. Riche, exigeante et complexe, l’œuvre d’Hubert Duprat s’enrichit aussi du hasard et de l’empirisme. Inspirée par la découverte d’objets, de vestiges ou de textes, elle conjugue une mise à l’épreuve des matières, des techniques et des gestes. L’artiste puise indifféremment dans la nature ou dans la manufacture des étrangetés minérales (pyrite, calcite, ulexite..), des espèces inclassables (ambre, corail..) ou des matériaux industriels courants (polystyrène, béton, paraffine, pâte à modeler...). Les procédés, déplacés de leur domaine d’origine, proviennent en grande partie de l’artisanat comme la marqueterie, l’orfèvrerie, la tapisserie d’ameublement, mais également des arts populaires à l’exemple du string art. La recherche d’Hubert Duprat porte sur la culture matérielle. Sa créations’appuie sur des artefacts, des objets de savoir issus de domaines aussi divers que les premières industries lithiques, les ruines-antiques, le religieux ou le décoratif des XVIème et XVIIème siècles.

333 Desde las orillas del Sena

Montrant l’ampleur d’une prospection anthropologique, l’exposition questionne ces objets qui font monde. L’atelier est un point d’origine dans la mai production de l’artiste. Il a donné lieu au début des années quatre-vingt à de multiples spéculations qui ont emprunté successivement la forme de camera obscura, de panneaux teints et marquetés et de reconstitutions en béton adoptant un point de vue. Peu montrés depuis leur création, ces travaux occuperont une place centrale dans l’exposition. Défiant les lois de l’apesanteur, une structure en béton reprenant les plans d’un atelier antérieur, viendra s’emboîter dans l’architecture du musée. L’activité des larves de Trichoptères inspire à Hubert Duprat dès ses débuts une œuvre fondatrice. Observant les modes de construction de l’insecte qui bâtit un cocon avec des éléments prélevés dans son milieu aquatique, l’artiste pourvoit l’animal de paillettes d’or et de perles et lui délègue l’exécution d’étuis délicats. Un aquarium abritera quelques spécimens, permettant une parfaite observation «in vivo» de leur savoir-faire. L’ensemble intitulé Miroir du Trichoptère / The Caddisfly’s Mirror, fruit d’une recherche de près de trente ans et constitué de deux mille ouvrages, de gravures, de photographies, d’objets et de films prendra place dans un espace dédié au sein des collections permanentes.

334 Desde las orillas del Sena

Ainsi le Musée d’Art Moderne de Paris propose avec cette exposition une vision synthétique d’une œuvre au long cours. Une production qui se déploie dans la durée, à distance des mouvements et des classifications et prend tout son sens dans l’exploration et la quête. Une publication accompagne l’exposition. Elle réunit de nombreuses contributions de critiques et d’écrivains parmi lesquels, Patricia Falguières, Pierre Senges, Roland Recht, Anna Gritz, Nicole Caligaris, ou Martin Herbert. Largement illustré, cet ouvrage de référence propose une synthèse de la production de l’artiste associant reportage photographique de l’exposition et images inédites d’archives. Directeur Fabrice Hergott Commissaire Jessica Castex Assistante de l’exposition Asia Bretonnier

Informations pratiques Musée d’Art Moderne de Paris 11 Avenue du Président Wilson75116 Paris

Félix José Hernández.

335 Desde las orillas del Sena

Christo et Jeanne-Claude au Centre Pompidou

Le Pont-Neuf empaqueté, Paris, 1975-1985. © Christo 1985. Paris 2 juin 2020. Intitulée « Christo et Jeanne-Claude. Paris ! » et présentée dans la Galerie 2 du Centre Pompidou, cette exposition majeure consacrée à Christo et Jeanne-Claude retrace leur période parisienne, entre 1958 et 1964, ainsi que l’histoire du projet The Pont-Neuf Wrapped [Le Pont-Neuf empaqueté], Paris, 1975-1985. Elle se présente comme une avant-première au projet L’Arc de Triomphe, Wrapped (Project for Paris, Place de l’Étoile – Charles De Gaulle), visible du 18 septembre au 3 octobre 2021 (cf. page 15).

336 Desde las orillas del Sena

Ces sept années passées dans la capitale sont essentielles pour l’évolution du travail de Christo. Il s’affranchit de la surface du tableau, empaquette les objets du quotidien et élabore des œuvres temporaires dans l’espace public. Il commence également à donner une dimension monumentale à ses œuvres en concevant différents projets pour la ville. La première partie de l’exposition présente environ 80 œuvres créées de 1958, année où Christo et Jeanne Claude se rencontrent, jusqu’à 1964, date à laquelle les artistes s’installent définitivement à New York. La deuxième partie, The Pont-Neuf Wrapped Documentation Exhibition [Le Pont-Neuf empaqueté, exposition-dossier], rend compte de toutes les étapes du projet menant à la réalisation de l’œuvre monumentale The Pont-Neuf Wrapped, Paris, 1975-1985, avec la présentation d’environ 300 pièces, incluant des dessins et collages originaux, une maquette, des photographies, des documents d’archives, des études et des éléments d’ingénierie issus du projet réalisé. L’exposition intègre également la projection du film d’Albert et David Maysles, Christo in Paris (1990), qui retrace les dix années consacrées par Christo et Jeanne- Claude au projet The Pont-Neuf Wrapped et évoque la biographie de ce couple exceptionnel, dont le travail commun a fait naître des œuvres parmi les plus spectaculaires de l’histoire de l’art des 20e et 21e siècles.

337 Desde las orillas del Sena

Commissaire Sophie Duplaix Chargée de recherche Marion Guibert Chargée de production Anne-Claire Gervais Architecte scénographe Corinne Marchand Christo (Christo Vladimirov Javacheff) et Jeanne-Claude (Jeanne-Claude Marie Denat) sont nés tous deux le 13 juin 1935, respectivement à Gabrovo (Bulgarie) et à Casablanca (Maroc). Christo fuit la Bulgarie communiste pour se rendre à Prague en 1956. Il parvient à s’échapper du bloc soviétique en 1957 en passant dans un premier temps par Vienne, puis par Genève, pour finalement s’établir en mars 1958 à Paris, où il rencontre Jeanne- Claude à l’âge de 23 ans. Malgré sa formation classique à l’Académie des Beaux-Arts de Sofia, Christo développe son propre langage artistique durant ces années parisiennes, en travaillant la surface, les textures, l’empaquetage d’objets et l’appropriation sculpturale de l’espace. Par la suite, il commence avec Jeanne Claude à développer les projets temporaires monumentaux pour lesquels ils sont désormais célèbres. À son arrivée à Paris, afin de gagner sa vie, Christo réalise des portraits à l’huile sur toile de familles de la haute société, signant la plupart de ces œuvres de son vrai nom, « Javacheff ». Dans la chambre de bonne qui lui sert d’atelier, il commence à créer ce qu’il appelle son Inventaire – un ensemble de boîtes en métal, de bouteilles, de caisses et plus tard de barils, empaquetés dans du tissu rigidifié par de la laque et ficelés, qu’il

338 Desde las orillas del Sena signe de son nom d’artiste, « Christo ». Christo s’intéresse alors particulièrement au travail de la surface : « Il ne s’agissait pas tant de créer un objet, mais plutôt la texture de l’objet lui-même » dit-il. Les Surfaces d’Empaquetage résultent de ces expériences réalisées avec du papier, parfois du tissu, auquel Christo donne un aspect accidenté par des froissages et des plis qu’il rigidifie avec de la laque, la peinture venant rehausser les reliefs. Dans la continuité de ces recherches, il créé la série des « Cratères ». Peu connue et présentée ici pour la première fois, elle se caractérise par une forte matérialité : le sable et la poussière mêlés à la peinture et à la colle créent un paysage lunaire qui envahit la surface de l’œuvre en ménageant aspérités et crevasses. Les Cratères réalisés par Christo peuvent être considérés comme une réponse au travail matiériste de Jean Dubuffet des années 1950. La plupart des Empaquetages caractéristiques de Christo sont réalisés entre 1958 et le début des années 1960, à partir d’objets du quotidien. Le tissu, dans un premier temps froissé et laqué, puis laissé à l’état brut, simplement attaché avec des cordes et des ficelles, fait aussi place par la suite au polyéthylène. La transparence et la rigidité sculpturale de ce film plastique en feront un matériau de prédilection pour l’empaquetage de statues et de modèles vivants.

339 Desde las orillas del Sena

Les premières œuvres de Christo dans l’espace public sont des structures temporaires, faites de colonnes ou d’accumulations de barils. La plupart de ces œuvres sont réalisées dans l’atelier dont l’artiste dispose également à Gentilly, en banlieue parisienne. « Je trouvais que les barils de pétrole ressemblaient déjà à des sculptures », dit-il, « Les taches d’huile, les couleurs délavées, la rouille, les bosses – Je les trouvais fascinants, très beaux, car ils faisaient “vrais”.» En réaction à l’édification du Mur de Berlin en 1961, Christo et Jeanne-Claude imaginent de barrer une des rues les plus étroites de Paris avec un mur constitué de 89 barils. Érigé dans la nuit du 27 juin 1962, le Mur provisoire de tonneaux métalliques – Le Rideau de fer, rue Visconti, Paris, 1961-1962, consitue leur deuxième intervention dans l’espace public. Dès 1961, Christo et Jeanne-Claude envisagent pour la première fois d’empaqueter un bâtiment public (salle de concert, salle de conférence, prison, parlement...). À cette époque, Christo, qui habite non loin de l’Arc de triomphe, réalise différentes études de ce monument dont le photomontage Édifice public empaqueté (Projet pour l’Arc de triomphe, Paris), 1962-1963. Ce projet doit finalement voir le jour à l’automne 2020. Centre Pompidou. 1er juillet – 19 octobre 2020 Galerie 2, Niveau 6. Félix José Hernández.

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Adiós a América Fissolo

América y Marius Fissolo, 1957. París, 2 de mayo de 2020.

El pasado 30 de marzo, falleció en La Ciudad Luz, una gran dama cubana. América nació en San Cristóbal de La Habana en 1932, donde estudió periodismo.

En 1956 un ingeniero francés llamado Marius Fissolo, que había ido a Cuba por motivos de trabajo, visitó el Salón de Esgrima en el que la joven América estaba entrenándose. Como él no sabía español, a alguien se le ocurrió llamar a América, la que estudiaba italiano. La muchacha sirvió de intérprete al galo (que también hablaba italiano), pero parece que en aquel momento Cupido se encontraba volando sobre la capital cubana y los flechazos fueron fulminantes. En 1957 se casaron y se fueron a vivir a Ecuador por motivos de trabajo de Marius. En ese país estuvieron en contacto con exiliados cubanos que habían huido del

341 Desde las orillas del Sena régimen de Fulgencio Batista. En enero de 1959, ambos regresaron muy entusiasmados a Cuba para celebrar, durante unos cuantos días, el triunfo de la Revolución. Siguieron sin embargo viviendo en Quito hasta 1961, fecha en la cual América y su esposo continuaron viaje hacia París en donde vivieron hasta el final de sus días. América tuvo esperanzas de que en Cuba regresara la Democracia. Fue invitada como periodista en 1966 a la Conferencia Tricontinental, pero no le permitieron hacer ninguna entrevista. Ese mismo año decidió no volver a su tierra natal, debido a los terribles cambios que ella había podido ver en su patria querida. Conocí a América, su esposo y a Jean-Luc, fruto del amor entre América y Marius, en 1981 al llegar a Francia con mi esposa e hijo de 5 años. Su apartamento en París era una especie de Embajada de Cuba Libre. América se dedicó en cuerpo y alma a ayudar en todo lo que pudo a los numerosos cubanos que llegaban como refugiados a París. Siguió militando por la Defensa de los Derechos Humanos hasta su último suspiro, siempre con esa educación y refinamiento que la caracterizaron. Recuerdo con que cariño y simpatía nos recibió en su hogar para cenar hace dos años. Considero que dejó una excelente imagen entre todos los que tuvimos la suerte de conocerla y/o de formar parte de su entorno. Su sepultura se encuentra en el cementerio de Montparnasse. Su

342 Desde las orillas del Sena partida me hace recordar una bella canción de Alberto Cortez: “Cuando un amigo se va”: https://www.google.com/search?client=firefox-b d&q=cuando%20un%20amigo%20se %20va&fbclid=IwAR3RoUjQ1DtdXon3qBQltkCoIrumg IOaqCzFY_GCa6COn_-JZkbhN33rslM Querida América: Mi esposa e hijo se unen a mí para enviar nuestras más sinceras condolencias a Jean-Luc y desearte que descanses en paz por la eternidad junto a Marius.

Félix José Hernández.

343 Desde las orillas del Sena

You. Œuvres de la collection Lafayette Anticipations

Mélanie Matranga, You, 2016. © Mélanie Matranga. Collection Lafayette Anticipations.

Paris le 2 février 2020.

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente une sélection d’une cinquantaine d’œuvres d’artistes contemporains français et internationaux choisies parmi la collection Lafayette Anticipations, Fonds de dotation Famille Moulin (Paris), qui compte aujourd’hui plus de 300 pièces. C’est la première fois qu’une partie de cette collection familiale et d’intérêt général est présentée dans un musée. L’exposition sera l’occasion d’une donation au Musée d’Art Moderne.

344 Desde las orillas del Sena

Pensée autour d’œuvres et d’installations acquises depuis 2005 qui intègrent la sculpture, la vidéo, ou la performance, l’exposition présente un aperçu des dernières évolutions de l’art et rend compte de la capacité des artistes à interroger et décrypter notre monde en mutation.

L’exposition propose une réflexion autour des notions de proximité, de partage, et tout particulièrement de dialogue, de la manière dont les œuvres échangent avec le public, se répondent, mais aussi se transforment en se côtoyant. Des pièces spectaculaires alternent avec d’autres plus sensibles, parfois à la limite du perceptible (Anicka Yi), convoquant la vision, l’ouïe, l’odorat, mais aussi l’imaginaire de la science et de la fiction (Max Hooper Schneider). Elle compose ainsi un panorama où les sens et l’intellect sont stimulés.

Aussi singulières et autonomes soient-elles, les œuvres de l’exposition ont en commun de refléter, chacune à leur manière, les mues de notre monde. Elles traduisent une certaine opacité poétique (Ketuta Alexi-Meskhishvili, Olga Balema, Trisha Donnelly...) reposant souvent sur le ready made. Elles renvoient autant à la préhistoire qu’au digital (Marguerite Humeau, Rachel Maclean...), et utilisent les images de fragmentation, de transmutation, voire de disparition comme des métaphores vivantes ; la fumée, le liquide ou encore le plastique émergent ainsi

345 Desde las orillas del Sena sous plusieurs formes au fil de l’exposition (Michaela Eichwald, Guillaume Leblon, Liz Magor...).

Chacune des œuvres évoque ainsi un organisme ouvert, un monde en miniature (Ian Kiaer) ou en évolution, qui résiste à l’idée même de conservation figée. Elles semblent chargées de la mémoire de leur propre passé (Yorgos Sapountzis), mais aussi de la promesse de leur possible réinvention. Elles parlent de fractures (Saâdane Afif) autant que de force créatrice (Anne Imhof), la destruction pouvant aussi permettre une renaissance (Michael E. Smith, Petrit Halijaj). En faisant dialoguer et interagir différentes œuvres renvoyant de manière poétique à des éléments pluriels et complexes croisant les théories des éléments orientale et occidentale (le Métal, mais aussi l’Eau, le Feu, l’Air et la Terre), l’exposition crée autant de situations, de microclimats qui, agrégés ensemble, contribuent à la création d’une atmosphère plus globale, bien qu’elle aussi fluctuante : plus ou moins froide, humide, chaude, tempérée ou sèche (Yngve Holen, Michel Blazy, Raphaela Vogel, Tatiana Trouvé, Timur Si-Qin).

L’exposition se propose de repenser les oppositions dépassées entre les notions de nature et de culture, dans un monde de soi-disant progrès, où l’homme, entre l’animal et la machine, détruit autant qu’il produit. Comme alternatives, il peut alors choisir la

346 Desde las orillas del Sena dématérialisation ou encore la performance d’une identité autre (Wu Tsang, Rosalind Nashashibi et Lucy Skaer). L’exposition refuse ainsi une vision fataliste. En effet, les œuvres, en reprenant le pouvoir, nous invitent à repenser notre rapport à l’art et à travers lui, au monde (Julien Creuzet, Abraham Cruzvillegas) Avec : Saâdane Afif, Ketuta Alexi-Meskhishvili, Danai Anesiadou, Matthew Angelo Harrison, Olga Balema, Eric Baudelaire, Camille Blatrix, Michel Blazy, Katinka Bock, Peter Coffin, Delphine Coindet, Julien Creuzet, Abraham Cruzvillegas, Pauline Curnier Jardin, Trisha Donnelly, Vava Dudu, Michael E. Smith, Michaela Eichwald, Lydia Gifford, Petrit Halilaj, Yngve Holen, Max Hooper Schneider, Marguerite Humeau, Anne Imhof, KAYA (Kerstin Brätsch et Debo Eilers), Morag Keil, Ian Kiaer, Guillaume Leblon, Maggie Lee, Sam Lewitt, Rachel Maclean, Liz Magor, Helen Marten, Mélanie Matranga, Lucy McKenzie, Rosalind Nashashibi et Lucy Skaer, Shahryar Nashat, Reto Pulfer, Lili Reynaud Dewar, Rachel Rose, Cameron Rowland, Yorgos Sapountzis, Timur Si-Qin, Tatiana Trouvé, Wu Tsang, Raphaela Vogel, Erika Vogt, Anicka Yi.

Un catalogue de l’exposition est publié aux éditions Paris Musées avec des essais de Elena Filipovic et Tim Ingold.Lafayette Anticipations – Fonds de dotation Famille Moulin.

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Constitué à partir de la collection familiale de Ginette Moulin et Guillaume Houzé, le Fonds de dotation Famille Moulin a été créé en 2013. D’intérêt général, il a réuni sous la direction de Guillaume Houzé et de François Quintin deux comités d’experts, regroupant d’abord Michel Gauthier, Marianne Lanavère et Saâdane Afif, qui fut ensuite rejoint par Elena Filipovic et Francesco Stocchi. Résolument tourné vers la création émergente, le Fonds de dotation a accompagné de nombreux artistes dans la finalisation de leurs œuvres via le soutien à la production ou l’acquisition.

You. Œuvres de la collection Lafayette Anticipations. Fonds de dotation Famille Moulin, Paris

Directeur : Fabrice Hergott

Commissaire : Anne Dressen

Scénographe : Maciej Fiszer

Informations pratiques Musée d’Art Moderne de Paris 11 Avenue du Président Wilson75116 Paris

Félix José Hernández.

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Guarigioni miracolose. Il potere curativo e salvifico della grande arte

San Sebastiano, Giovanni Colacicchi

Firenze, 10 giugno 2020.

Botticelli, Beato Angelico, Rembrandt in un viaggio in 15 capolavori sul sito delle Gallerie per raccontare il prodigio della guarigione. Il direttore Schmidt: “L’esperienza della malattia fa parte della condizione umana e la guarigione ci ricorda i molti motivi per cui vale la pena vivere”

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Il potere curativo e salvifico della grande arte: questo il tema centrale della nuova mostra virtuale proposta dalle Gallerie degli Uffizi sul loro sito (https://www.uffizi.it/mostre-virtuali/guarigioni- miracolose), nella delicata fase della ripresa dopo il lockdown.

“Guarigioni miracolose. Malattia e intervento divino. L'arte interpreta il miracolo in opere dal Tre al Novecento” è il titolo dell’ipervisione, realizzata dalle Gallerie degli Uffizi con il coordinamento di Patrizia Naldini: quindici le opere, scelte tra quelle delle collezioni del Museo e non solo, realizzate da grandi maestri come Beato Angelico, Sandro Botticelli, Rembrandt, solo per citare alcuni nomi.

Ad aprire il percorso è una scena di miracolo della Beata Umiltà nel polittico degli Uffizi dipinto da Pietro Lorenzetti intorno al 1335, dove si mostra il risanamento della gamba di un monaco che ne aveva rifiutata l’amputazione. Il gesto sembra prefigurare quello analogo dei due santi medici Cosma e Damiano nello scomparto di predella della pala di San Marco ora nell’omonimo museo fiorentino, una delle prove più alte della pittura dal Beato Angelico, anch’essa inclusa nell’ipervisione. Chini su una sorta di tavolo operatorio, Cosma e Damiano sostituiscono la gamba in cancrena del

350 Desde las orillas del Sena diacono Giustiniano con quella tolta ad un etiope seppellito nel cimitero di San Pietro in Vincoli.

I santi medici, scelti come simbolici protettori spirituali dei signori di Firenze, compaiono di nuovo in una delle opere più belle del giovane Botticelli, la pala di Sant’Ambrogio, esposta nella galleria delle Statue e delle Pitture nella stessa sala dove si trova la celebre Primavera. Un disegno storicamente attribuito alla scuola di Raffaello raffigura uno dei miracoli più belli di Gesù, la guarigione del cieco nato, uno dei sette segni narrati nel Vangelo di Giovanni, mentre la miracolosa potenza del gesto taumaturgico è espressa da un’incisione di Rembrandt e dal San Pietro guarisce gli infermi con la sua ombra, dipinto attribuito al francese Laurent de La Hyre: soggetto di cui Firenze vanta un illustre precedente quattrocentesco, l’affresco da Masaccio sulle pareti della Cappella Brancacci in Santa Maria del Carmine.

La conclusione del viaggio nel prodigio della cura è affidata a un grande autore del Novecento, Giovanni Colacicchi, che nel 1943, nel pieno infuriare della seconda guerra mondiale, rappresenta con grande originalità un San Sebastiano non trafitto dalla consueta pioggia di frecce: a caratterizzare il martire, nel lavoro del pittore di origini anagnine, è invece un corpo seducente e perfetto, quasi un inno metafisico

351 Desde las orillas del Sena all’intangibilità dello spirito e della bellezza da parte del male.

“Ciò che vogliamo raccontare con ‘Guarigioni miracolose’ è la vittoria della speranza sulla sofferenza, sul male, sulla malattia - spiega il direttore delle Gallerie degli Uffizi Eike Schmidt – lanciando un messaggio forte di sostegno alle tante persone che ancora sono in pericolo e a quelle che hanno passato momenti terribili durante la pandemia. L’esperienza della malattia fa parte della condizione umana e la guarigione ci ricorda i molti motivi per cui vale la pena vivere: è il miracolo inspiegabile che ci riempie di speranza e ci ricorda che dobbiamo essere grati per tutto quello che l’esistenza ci riserva”.

Ufficio stampa Gallerie degli Uffizi. Opera Laboratori Fiorentini – Civita. Andrea Acampa.

Félix José Hernández.

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El famoso Cuaderno C de Francisco de Goya en el museo del Prado

Madrid, 11 de junio de 2020.

El Museo del Prado presenta el libro único que ofrece la reproducción fiel y completa del famoso Cuaderno C de Francisco de Goya.

Compuesto originalmente por al menos ciento treinta y tres hojas, ocho de ellas desconocidas hoy en día, el denominado Cuaderno C (1814-1823) resume, quizá como ningún otro cuaderno, la ambivalencia de la obra de Goya, quien en sus dibujos se expresó al margen de

353 Desde las orillas del Sena convencionalismos y sin ninguna clase de autocensura impuesta por la corrección política.

“Es la primera vez que se puede contemplar el Cuaderno C de Goya de la forma en que fue concebido, en su orden secuencial, con los anversos y reversos de los dibujos. La posibilidad de tenerlo en la mano, tal y como lo tuvo Goya, amplía el campo de posibilidades interpretativas de su obra. Pienso sinceramente que hay un antes y un después de este libro para conocer a Goya sin intermediarios”, José Manuel Matilla, Jefe de conservación de Dibujos y Estampas del Museo Nacional del Prado.

Coeditada a nivel internacional con Skira, la publicación ya está disponible en Tienda Prado y www.tiendaprado.com y en librerías de Italia, Francia, Bélgica, Luxemburgo y Suiza.

Solo el primero de sus cuadernos de dibujo, el Cuaderno italiano, se ha conservado íntegro y con su encuadernación original. Los restantes fueron descuadernados tras la muerte de Goya, reorganizados en álbumes y vendidos separadamente. De este modo, las hojas se dispersaron en subastas y ventas particulares en colecciones públicas y privadas. Una excepción a esta dispersión es este Cuaderno C, del que el Museo del Prado posee ciento veinte dibujos, y del que se ha

354 Desde las orillas del Sena pensado que podría ser una suerte de diario gráfico en el que Goya fue dibujando todo aquello que le preocupaba, especialmente la suerte de los más desfavorecidos, de las víctimas que de una u otra forma padecían las consecuencias económicas, sociales y políticas de la posguerra, con las que un artista ya mayor, sordo y en una precaria situación económica y política debido a sus ideas, podría en gran medida identificarse.

El libro reproduce en su orden y tamaño original todas las obras conocidas del Cuaderno C, anverso y reverso, con fotografías realizadas ex profeso para esta publicación por el Archivo Fotográfico del Museo del Prado. Además, cierra el libro un texto en cinco idiomas de José Manuel Matilla, Jefe de conservación de Dibujos y Estampas del Museo Nacional del Prado, que analiza formal y técnicamente el Cuaderno, y nos ofrece las claves del contexto histórico y personal en el que este fue realizado.

Entre los meses de julio y septiembre se llegará a Reino Unido y el resto de países europeos, Asia, Australia, Estados Unidos y Sudamérica.

A la venta en Tienda Prado y www.tiendaprado.com

Datos de la publicación Fecha de publicación: 10 de junio de 2020. 304 páginas Medidas: 22,5 x 16,5 cm.

355 Desde las orillas del Sena

Encuadernación: tapa dura con tela. Edición de cinco idiomas: castellano, inglés, francés, italiano y alemán. ISBN: 978-84-8480-538-0 Precio: 40 €.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

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Piero incontra Bansky

Girl with Balloon

Firenze, 17 giugno 2020.

Il Museo Civico di Sansepolcro presenta la mostra AFFRESCHI URBANI. PIERO incontra un artista chiamato BANKSY a cura di Gianluca Marziani e Stefano S. Antonelli, voluta e sostenuta dal Comune di

357 Desde las orillas del Sena

Sansepolcro, promossa e prodotta da MetaMorfosi Associazione Culturale, in collaborazione con Civita.

Originario di Bristol, nato intorno al 1974, identità nascosta fin da subito, inquadrato nei confini generici della street art, Banksy rappresenta il più grande artista globale del nuovo millennio, esemplare caso di enorme popolarità per un autore vivente dai tempi di Andy Warhol. Banksy incarna la miglior evoluzione della Pop Art originaria, il primo ad aver connesso le radici del pop, la cultura hip hop, il graffitismo anni Ottanta e i nuovi approcci del tempo digitale. A parlare, al posto di colui che nessuno ha mai visto e di cui nessuno conosce il volto, sono le sue opere. Immagini e forme di inaudita potenza etica, evocativa e tematica.

La mostra AFFRESCHI URBANI. PIERO incontra un artista chiamato BANKSY riapre, dopo l’emergenza covid19, gli spazi espositivi del museo civico cittadino. Un luogo che, sin dalla sua fondazione, celebra Piero della Francesca (Borgo Sansepolcro, 12 settembre 1416/1417 – 12 ottobre 1492), genio indiscusso del Rinascimento italiano, di cui il museo conserva opere di indiscutibile valore, prima fra tutte La Resurrezione. Emblema e simbolo della città, affrescato intorno al 1460 nella sala dei Conservatori del Palazzo della Residenza, è stata definita dallo scrittore inglese Aldous Huxley “la più bella pittura del mondo”.

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A Sansepolcro, dal 20 giugno 2020 al 10 gennaio 2021, saranno in mostra una selezione di oltre venti serigrafie, quelle che Banksy considera tracce fondamentali per diffondere i suoi messaggi etici. Le opere riprodotte hanno avuto genealogie e percorsi eterogenei, diventando talvolta veri e propri “affreschi urbani”, spesso rimossi rubati o consumati dal tempo. Sono queste le immagini che hanno decretato il successo planetario di un artista tra i più complessi, geniali e intuitivi del nostro secolo.

Tra le opere in mostra ci sarà l’iconica Girl with Balloon, serigrafia su carta del 2004-05, votata nel 2017, in un sondaggio promosso da Samsung, come l’opera più amata dai britannici. Ci sarà poi Love is in the Air, un lavoro su carta che riproduce su fondo rosso lo stencil apparso per la prima volta nel 2003 a Gerusalemme, sul muro costruito per separare israeliani e palestinesi nell’area della West Bank, raffigurante un giovane che lancia un mazzo di fiori, messaggio potente a un passo dai lanciatori di pietre del palcoscenico più caldo del Mediterraneo. Altra opera fondamentale, con tutti i suoi rimandi all’iconografia del Rinascimento, reinterpretata secondo la tecnica del “détournement” che ne mette in crisi il significato classico, è la Virgin Mary, conosciuta anche come Toxic Mary, una serigrafia su carta del 2003 che, secondo alcuni, rappresenta una dura critica di Banksy al ruolo della Religione nella Storia.

359 Desde las orillas del Sena

Riguardo ai legami tra Piero e Banksy, scrivono nel catalogo i curatori Antonelli e Marziani: “L’immagine ieratica del Cristo emana un solido sentimento civico, ricreando il peso iconico della guida per un futuro morale. Il Cristo di Piero è un leader di spirito e azione che indica percorsi e stigmatizza errori, offrendo alla città un modello inclusivo e partecipativo, basato su alchimie di pietas e pathos. Quel Cristo che tiene il vessillo in mano, maestoso con la sua postura atletica, osserva il nostro presente con le armi etiche dei temi universali, gli stessi temi che tornano, con le dovute differenze, nel complesso immaginario di Banksy. Educazione dei giovani, lotta ai soprusi e al potere ingerente, messa in guardia sul controllo sociale, amore per la natura, tolleranza e integrazione come prima pagina dell’agenda umana: le ossessioni morali di Banksy somigliano alle visioni ideali di Piero della Francesca, al suo sogno di una polis che comunichi valori elevati attraverso muri narrativi e metafore ad alto impatto figurativo.”

Banksy preferisce da sempre la diffusione orizzontale di immagini rispetto alla creazione di oggetti unici. Una lezione mutuata da Andy Warhol con il suo approccio seriale e l’uso metodico della serigrafia. È un immaginario semplice ma non elementare quello di Banksy, perfetto per tempi e modi di produzione, confezionato per la comunicazione di massa: un nucleo di

360 Desde las orillas del Sena messaggi immediati che, affrontando i temi del capitalismo, della guerra e del controllo sociale, mette in scena le contraddizioni e i paradossi del nostro tempo. Per la prima volta una mostra esamina e analizza le immagini originali di Banksy all’interno di un quadro semantico esaustivo che ne veicoli origini, riferimenti, relazioni tra gli elementi, implicazioni e piani di pertinenza. A completamento del percorso espositivo, il pubblico avrà a disposizione un’infografica sulla cronologia dell’artista e ampie schede analitiche su tutte le opere.

Per Pietro Folena, Presidente di MetaMorfosi, “siamo veramente orgogliosi di avviare con questa mostra una collaborazione con la città di Sansepolcro. Produciamo una “scintilla” culturale ed emotiva fra le più importanti opere iconiche di Banksy e i capolavori di Piero della Francesca. Per MetaMorfosi valorizzare i territori e le loro vocazioni è una scelta strategica, tanto più dopo la pandemia”.

“Di primo acchito potrebbe sembrare azzardato associare la nostra tradizione pittorica dell’affresco con la street art – dichiara l’assessore alla Cultura di Sansepolcro Gabriele Marconcini - Tuttavia entrambi questi linguaggi utilizzano il vuoto delle superfici murarie per creare opere di grande valore comunicativo, oltre che estetico. In particolare, i graffiti di Banksy sono in grado di

361 Desde las orillas del Sena interagire efficacemente con le masse, stimolando l’uomo contemporaneo a prendere coscienza di sé e del mondo circostante: seppur con i dovuti distinguo, su questo aspetto si può riscontrare una certa analogia con l’arte figurativa dei secoli scorsi, in particolare con quella di Piero della Francesca. Il nostro Museo Civico riapre dunque i battenti con una proposta culturale che saprà richiamare visitatori e stimolare ulteriormente quei processi creativi contemporanei che nel nostro territorio stanno cercando di coniugare la valorizzazione del passato con le più originali interpretazioni del presente e del futuro”. Questa mostra è esito di un progetto scientifico, analitico e critico indipendente. L’artista conosciuto come Banksy non è coinvolto nel progetto espositivo, pur essendone stato informato.

Ufficio Stampa Comune di Sansepolcro. Simona Buracci

Ufficio Stampa MetaMorfosi. Maria Grazia Filippi

Opera Laboratori Fiorentini –Civita. Salvatore La Spina

Félix José Hernández.

362 Desde las orillas del Sena

La collection d’Helena Rubinstein

Paris le 10 juin 2020. Précieux reliquaires kota ou fang, pièces d’exception baoulé, bamana ou senoufo ... Si l’ascension vertigineuse d’Helena Rubinstein, première femme d’affaires du 20e siècle que Cocteau surnommait « l’Impératrice de la beauté » est connue de tous, son parcours de collectionneuse intuitive et son rôle pionnier dans la reconnaissance des arts africains et océaniens l’est sans doute moins. À travers soixante-cinq œuvres issues de sa collection, le musée du quai Branly – Jacques Chirac lui rend hommage et révèle la fascination de Madame pour les arts extra-européens. Construite essentiellement à Paris au gré de ses rencontres et sans cesse enrichie par l’acuité de son regard, la collection de Madame rassemble plus de 400

363 Desde las orillas del Sena pièces d’arts extra-occidentaux. Dans ses intérieurs de Paris, New York et Londres, cet extraordinaire ensemble voisine avec les œuvres de peintres et sculpteurs de la modernité, Chagall, Braque et Brancusi, Modigliani, Picasso et Miró. Devenue mythique à travers ses participations à des expositions majeures, comme African negro art au Museum of Modern Art en 1935, sa collection est dispersée en 1966 à New York, lors d’une série de ventes exceptionnelles qui ont marqué une étape essentielle de la valorisation des arts africains. Aujourd’hui, elle reste associée au temps des premiers amateurs des arts « lointains » – où l’on relève peu de femmes.

Helena Rubinstein est une pionnière. À cette époque, le marché des arts extra-occidentaux commence tout juste à se développer. La fréquentation assidue des cercles intellectuels, des galeries d’art et des ventes publiques, lui permet d’accéder à une large typologie d’objets. Initiée à ce domaine par le sculpteur Jacob Epstein, Helena Rubinstein collectionne des pièces plus inattendues, notamment du Nigeria, du Cameroun, de République populaire et République démocratique du Congo. Elle apprécie l’expressivité et la force de ces sculptures qui répondent à ses goûts d’avant-garde. Son attention aux aspects figuratifs d’objets utilitaires (étriers de poulie de métier à tisser, portes, sièges, instruments de musique), et au traitement sculptural du visage par les

364 Desde las orillas del Sena artistes africains rejoint une recherche personnelle constante sur la beauté et ses multiples expressions. Un important travail de recherche a précédé cette exposition. Hélène Joubert, Responsable de l’Unité patrimoniale des collections Afrique du musée et commissaire, a mené deux ans d’enquête dans les institutions nationales et internationales ainsi que dans les grandes collections privées et les fonds d’archive. Une importante iconographie a été réunie pour illustrer l’histoire de cette collection. Guidée par des catalogues de vente de 1966, par des publications et références diverses, par le recueil de témoignages ou encore par l’analyse de photographies des appartements d’Helena Rubinstein, la commissaire met en avant la construction d’une collection, son histoire, sa particularité. C’est aussi la sensibilité originale de Madame qui se révèle ici, une facette jusqu’alors très peu explorée. La collection d’Helena Rubinstein témoigne de choix artistiques audacieux pour la majorité de ses contemporains. Son regard visionnaire et sa curiosité la porte vers des œuvres rares et puissantes, devenues majeures aux yeux de la postérité. Une sélection de soixante-cinq objets provenant d’Afrique et d’Océanie, d’Insulinde et d’Amériques pour une moindre part, évoque les choix de cette figure majeure du collectionnisme de la première moitié du 20e siècle.

365 Desde las orillas del Sena

CommissaireHélène Joubert, Conservateur en chef Responsable de l’Unité patrimoniale des collections Afrique du musée du quai Branly – Jacques Chirac Helena Rubinstein : la collection de MadameGalerie Marc Ladreit de LacharrièreDu 19 novembre 2019 au 28 juin 2020. Félix José Hernández.

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Reencuentro en el Museo Nacional del Prado

Galería del Museo del Prado. Madrid, 22 de junio de 2020. Querida Ofelia: El Museo Nacional del Prado recorre las obras más emblemáticas de “Reencuentro” a través de la voz de Sheila Blanco que pone letra a la composición “El verano” de Vivaldi.

“Reencuentro” es un montaje que, compuesto por 249 obras, sigue una ordenación preferentemente cronológica, desde el siglo XV a los albores del siglo XX, pero dada su excepcionalidad, diluye la tradicional distribución por escuelas nacionales y plantea diálogos entre autores y pinturas separados por la geografía y el tiempo; asociaciones que nos hablan de influencias, admiraciones y rivalidades y señalan el carácter profundamente autorreferencial de las colecciones del Museo del Prado.

367 Desde las orillas del Sena

La contemplación en un mismo espacio de La Anunciación de Fra Angelico y El Descendimiento de Van der Weyden, los Saturno de Goya y Rubens, y Las Meninas y Las Hilanderas de Velázquez, entre otras muchas obras maestras de la pintura universal, procuran momentos emocionantes y una suerte de diálogos excepcionales.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid, Félix José Hernández.

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Il sogno di Lady Florence Phillips

Cezanne - Les Baigneurs © Johannesburg Art Gallery.

Siena 25 giugno 2020.

Il sogno di Lady Florence Phillips - La Collezione della Johannesburg Art Gallery è la mostra di Opera – Civita, promossa dal Comune di Siena, a cura di Simona Bartolena, che presenterà, dal prossimo 24 luglio 2020 fino al 10 gennaio 2021, al Santa Maria della Scala, la collezione di capolavori conservata permanentemente alla Galleria d’Arte di Johannesburg.

Una selezione di circa sessanta opere, tra olii, acquerelli e grafiche, ripercorrerà oltre un secolo di storia dell’arte

369 Desde las orillas del Sena internazionale, dalla metà del XIX secolo fino al secondo Novecento, attraverso i suoi maggiori interpreti: Degas, Monet, Cézanne, Van Gogh, Matisse, Modigliani, Turner, Rodin, Moore, Lichtenstein, Derain, Pissarro, Corot, Sargent, Sisley, Bacon, Rossetti, Warhol, Signac, Picasso e molti altri.

Aperta al pubblico nel 1910, la Johannesburg Art Gallery è il principale museo d’arte del continente africano. La mostra presenta una selezione di 64 opere scelte dalle sue vastissime collezioni, spaziando dai grandi artisti europei dell’Ottocento ai maestri (ben meno noti e per questo ancor più sorprendenti) della scena sudafricana del XX secolo: da Degas a Rossetti, da Corot a Boudin, da Courbet a Monet, da Signac a Van Gogh, da Picasso a Bacon, Lichtenstein e Warhol, fino a William Kentridge. Una serie inaspettata di capolavori che permettono di percorrere un vero e proprio viaggio nella storia dell’arte del XIX e XX secolo, spaziando dall’Europa agli Stati Uniti, fino al Sudafrica.

Ma la vera protagonista dell’esposizione è Lady Florence Phillips, la fondatrice del museo, figura straordinaria, tutta da scoprire. Lady Phillips era nata il 14 giugno 1863 a Cape Town. Suo padre, Albert Frederick Ortlepp, è un naturalista, ispettore dei territori di Colesberg. Nel 1885 Florence aveva sposato Lionel Phillips, figlio di mercanti della lower middle-class londinese, e con lui si era

370 Desde las orillas del Sena trasferita a Johannesburg. Nel 1892 Lionel era stato eletto presidente della Chamber of Mines, acquistando sempre più potere e perseguendo interessi politici che sfoceranno nel coinvolgimento personale nel “Jameson Raid”, il fallimentare tentativo britannico di sovvertire il governo sudafricano, allora ancora in mano ai boeri. Consegnatosi alla giustizia per chiedere la grazia, Phillips venne invece condannato a morte, ma dopo sei mesi di prigionia venne liberato e costretto all’esilio in Inghilterra. Florence, che fino ad allora aveva viaggiato molto, torna in quell’occasione accanto al marito e lo segue a Londra. È in questo periodo che Florence comincia ad appassionarsi all’arte, prima timidamente, poi con sempre maggior convinzione, cominciando a maturare la convinzione che l’arte possa essere utile, farsi strumento di aiuto sociale, in particolare per le fasce di popolazione più bisognose. Tornata a Johannesburg nel 1906, comincia a dare corpo al suo sogno di realizzare qualcosa di importante per il Sudafrica. Guidata da uno straordinario filantropismo, oltre che dalla volontà di dare visibilità e credibilità culturale al proprio paese d’origine, Lady Phillips immagina una galleria pubblica di livello internazionale, con sede a Johannesburg. Ma il contributo di Florence per il proprio paese non si ferma alla creazione del museo. Collezionista di manufatti africani, Lady Phillips si prodiga nella divulgazione e protezione delle tradizioni dei nativi. Florence morì il 23 agosto del 1940, nella tenuta di famiglia nel West Somerset. Le sembianze di

371 Desde las orillas del Sena questa donna straordinaria sopravvivono in alcune immagini fotografiche e, soprattutto, in alcuni splendidi dipinti. Uno di questi è la tela di Antonio Mancini, che ritrae Florence a 46 anni, da cui prenderà avvio il percorso della mostra.

Nei propositi espressi in occasione della fondazione del Museo, Lady Phillips sottolinea un importante scopo del suo progetto: “Noi possiamo sperare che in futuro cresca una Scuola d’Arte Sudafricana e che lo studio dei capolavori che siamo riusciti ad assicurare a questa galleria aiuti anche a incentivare gli artisti locali”. La valorizzazione dell’arte e della cultura sudafricane ha quindi un ruolo importante nelle finalità dell’Art Gallery.

Dopo un’introduzione alla figura di Lady Phillips, la mostra comincia il proprio percorso espositivo con la sezione dedicata all’Ottocento inglese, con opere del grande protagonista del romanticismo britannico Joseph Mallord William Turner, dei Preraffaelliti Dante Gabriel Rossetti e John Everett Millais e di Sir Lawrence Alma- Tadema.

Un nucleo di opere francesi della seconda metà dell’Ottocento sono le protagoniste della sezione successiva: in esposizione la veduta delle falesie normanne di Étretat di Gustave Courbet e opere di François Millet e Henri-Joseph Harpignie.

372 Desde las orillas del Sena

Il percorso prosegue con la straordinaria novità del linguaggio impressionista delle opere di Monet, Sisley, Degas e Guillaumin e con alcuni protagonisti della scena postimpressionista. Notevole spazio ha in mostra il pointillisme grazie alla presenza di due capolavori di Paul Signac, un paesaggio di Lucien Pissarro e un importante lavoro di Henri Le Sidaner.

Segnano, invece, il passaggio al XX secolo i disegni di due grandi scultori: Auguste Rodin e Aristide Maillol. In mostra, al rigore di André Derain fanno da contrappunto l’approccio già avanguardista di Ossip Zadkine e l’inconfondibile eleganza del segno di Amedeo Modigliani e dello sguardo di Henri Matisse. Quattro grafiche e una significativa Testa di Arlecchino a pastello raccontano la ricerca di Pablo Picasso.

La collezione storica dedicata al secondo Novecento è testimoniata da un tormentato ritratto maschile di Francis Bacon, un intenso carboncino di Henry Moore, e due capolavori pop di Roy Lichtenstein e Andy Warhol.

L’ultima sezione della mostra è dedicata all’arte africana e si chiude con tre splendide opere di William Kentridge, il più noto rappresentante dell’arte sudafricana nel mondo contemporaneo.

373 Desde las orillas del Sena

Fino al 10 gennaio sarà possibile, quindi, ammirare questa collezione di capolavori presso le sale del Santa Maria della Scala, attraverso questa grande mostra, organizzata in collaborazione con Vidi e con catalogo Skirà, che si preannuncia come l’esposizione più significativa del 2020 a Siena.

Félix José Hernández.

374 Desde las orillas del Sena

Gli antichi manoscritti rubati tornano alla luce in una mostra delle Gallerie degli Uffizi

Firenze, 23 giugno 2020

‘Storie di pagine dipinte. Miniature recuperate dai Carabinieri’: in mostra a Palazzo Pitti fino a ottobre quaranta codici preziosi e pergamene illustrate dai maestri del Medioevo e del Rinascimento. C’è anche il celebre ‘Ufficio dei morti’ di Papa Leone X.

375 Desde las orillas del Sena

Un tesoro di sapere, arte e devozione, prima rubato e poi ritrovato: sono libri antichi e preziosi come il minuscolo Ufficio dei Morti appartenuto a Papa Leone X de’ Medici, i grandissimi corali, le pergamene finemente illustrate e decorate dai alcuni dei più grandi maestri del Medioevo e del Rinascimento. La mostra “Storie di pagine dipinte. Miniature recuperate dai Carabinieri” organizzata dalle Gallerie degli Uffizi comprende circa quaranta opere, recuperate dopo il furto da questo speciale comando dell’Arma. I manoscritti e le singole pagine miniate in mostra attraversano la grande stagione di produzione libraria dell’Italia centrale dal Duecento al Cinquecento: provengono da Castelfiorentino, Colle di Val d’Elsa, Firenze, Perugia e Pistoia, e le miniature sono opera di artisti importantissimi come il Maestro di Sant’Alessio in Bigiano, che malgrado sia ancora anonimo era a capo della bottega più attiva in Toscana nell’ultimo quarto del XIII secolo; Pacino di Buonaguida (uno dei primi e più dotati tra i seguaci di Giotto); fino ad Attavante degli Attavanti e Gherardo e Monte di Giovanni, illustratori di libri di fama internazionale ai tempi di Lorenzo il Magnifico.

La bellezza e il pregio delle opere esposte non è la sola attrazione di questa mostra: la sua spettacolarità sta nella storia dei furti e dei recuperi di cui è protagonista ogni volume, ogni singola pagina, ogni miniatura ritagliata. Tra queste i corali provenienti dal convento dei Minori Osservanti di San Lucchese a Poggibonsi, oggetto di ben

376 Desde las orillas del Sena due furti, negli anni Trenta del ‘900 e poi di nuovo nel 1982; gli oltre venti volumi dell’abbazia benedettina di Montemorcino in Umbria che, trasferiti nell’abbazia di Monte Oliveto Maggiore ad Asciano, vennero rubati nel 1975; l’Ufficio dei Morti di Leone X de’ Medici, prezioso ed elegante come si conveniva a quel papa, raffinato intellettuale. La rassegna non esclude le opere sfregiate, le pagine da cui sono state ritagliate le miniature, i fogli strappati dai codici, ed è quindi un’occasione per pensare al furto di questi manufatti non solo come a una sottrazione di un bene comune, ma come una violenza che va dritta al cuore della nostra cultura e che attacca i testi, la nostra lingua, le pitture che la decoravano e la spiegavano.

‘PAGINE DIPINTE’: UN LABORATORIO DI TUTELA PER GIOVANI DIFENSORI DELL’ARTE La realizzazione della mostra è dovuta a storici dell’arte, specializzandi e dottorandi di Storia della Miniatura all’Università degli Studi di Firenze, sotto la guida della professoressa Sonia Chiodo, una dei massimi esperti della materia. Particolarmente in un campo complesso come lo studio dei volumi (codicologia) e delle loro decorazioni, è indispensabile che il lavoro anti crimine dei Carabinieri si avvalga di precise competenze specialistiche, come in questo caso: ogni miniatura o libro antico recuperato deve poter essere ricondotto al

377 Desde las orillas del Sena contesto di appartenenza, ed è in questo ambito che un drappello di giovani studiosi ha costruito l’esposizione di Palazzo Pitti. E la concretezza, l’importanza dei risultati da loro raggiunti non saranno legate soltanto all’occasione temporanea della mostra: il loro lavoro include infatti il censimento di tutte le mancanze in modo da mettere a disposizione della Banca Dati dei Carabinieri una messe di informazioni aggiornate, essenziali alle investigazioni in corso e a quelle future. VIGNETTE INTERATTIVE PER SCOPRIRE I CODICI MINIATI Storie di pagine dipinte ha anche un particolare corredo infografico: sette disegni della nota illustratrice Vanna Vinci, resi interattivi mediante una tecnologia touch, che presentano ai visitatori, in modo chiaro e accattivante, i luoghi e i protagonisti delle storie che la mostra ricostruisce: copisti, miniatori, religiosi e, da ultimo, i ladri e le forze dell’ordine. Le Gallerie degli Uffizi – commenta il direttore Eike Schmidt - hanno all’attivo molte collaborazioni e progetti con istituti di ricerca, in Italia e in Europa. Il gruppo dell’Università di Firenze diretto da Sonia Chiodo è un esempio di applicazione pratica dello studio, in questo caso con un altissimo valore civico. Possiamo dire che si è trattato di un vero e proprio “laboratorio di tutela”, in cui i giovani studiosi e la loro valorosa professoressa hanno affiancato l’Arma dei Carabinieri,

378 Desde las orillas del Sena insieme ai funzionari e agli assistenti degli Uffizi, raggiungendo un risultato che non solo si traduce oggi in una mostra bella e sofisticata, ma che durerà nel tempo. A questi ragazzi abbiamo affidato un compito delicatissimo, e loro l’hanno svolto in maniera egregia”. Il Generale di Brigata Roberto Riccardi, Comandante del Nucleo Carabinieri per la Tutela Patrimonio Culturale: “L’avvio di questa mostra è carico di significati importanti. È una luce che si accende alla fine del tunnel, la bellezza che sopravvive all’orrore e torna a rincuorarci. È la traccia di un impegno per la difesa dell’arte che niente e nessuno potrà fermare. È il segno di un’attenzione, quella della direzione degli Uffizi, verso la quale sento di esprimere, a nome di tutti i Carabinieri per la Tutela del patrimonio culturale, la più profonda e affettuosa riconoscenza”.

Mostra a cura di Sonia Chiodo Firenze, Palazzo Pitti, sala delle Nicchie, dal 24 giugno al 4 ottobre 2020. Catalogo Sillabe, 392 pagine prezzo 40 euro. Ufficio stampa Gallerie degli Uffizi.Opera Laboratori Fiorentini – Civita. Andrea Acampa. Félix José Hernández.

379 Desde las orillas del Sena

Il Cherubini a Palazzo Pitti

Firenze, 30 giugno 2020.

Torna la musica per tutti alla Sala Bianca di Palazzo Pitti, con una serie di concerti dei maestri del conservatorio fiorentino. I concerti avranno cadenza settimanale, ogni sabato alle ore 11, e in questa prima programmazione si concluderanno sabato 5 settembre, e con la sola interruzione di sabato 15 agosto Le Gallerie degli Uffizi e il Conservatorio Luigi Cherubini di Firenze si sono uniti per offrire, concerti musicali aperti a tutti i visitatori della Reggia medicea.

380 Desde las orillas del Sena

Nei mesi di luglio e agosto l’iniziativa propone un programma che coinvolge allievi e docenti della scuola. Le esibizioni saranno ogni sabato alle ore 11 e dureranno ciascuna non più di 40 minuti, con una varietà di proposte che suscita curiosità e promette un’esperienza densa di emozioni. L’accesso è incluso nel biglietto del museo, fino ad esaurimento posti. Il primo appuntamento, sabato 4 luglio, è dedicato a Ludwig van Beethoven, con il Quartetto Astro che eseguirà quartetto op.18 n.1: un omaggio al grande compositore del quale ricorre quest’anno il 250esimo dalla nascita. La musica del Sei-Settecento è rappresentata da vari concerti, con ensemble comprendenti cantati, organo, clavicembalo, violino, violoncello e anche arpa celtica, strumento non frequente in un ambito classico; ampia la scelta degli autori, da Bach, Händel, Frescobaldi, Vivaldi, Monteverdi fino a brani di autori del Medioevo per l'arpa celtica (concerti dell'11- 18 luglio, 22-29 agosto, 5 settembre). La fisarmonica sarà presente nel concerto del 25 luglio, con musiche di Piazzolla e addirittura di Bach. Ascolteremo brani virtuosistici di chitarra acustica in brani del primo Ottocento (concerto del 1 agosto).

381 Desde las orillas del Sena

Il flauto, nella straordinaria riscoperta del Novecento, sarà in dialogo con l'arpa (concerto dell'8 agosto): interprete d’eccezione il direttore del Conservatorio, Maestro Paolo Zampini, con l’arpista Letizia Lazzerini. Il Direttore delle Gallerie degli Uffizi Eike Schmidt: “Questi concerti estivi ribadiscono l’unione delle arti nel Museo, organismo vivo che deve offrire al visitatore un’esperienza completa. Lo spazio meraviglioso della Sala Bianca di Palazzo Pitti, nato per la musica, riprende così il suo ruolo originario. Nella Galleria Palatina è conservato un capolavoro come le Tre età dell’Uomo di Giorgione, che con la metafora musicale celebra la vita: ora i migliori maestri del Conservatorio fiorentino portano la musica vera tra le opere del Museo, facendo palpitare di nuova vita le collezioni.” Il Direttore Conservatorio Cherubini Maestro Paolo Zampini: “Ripartire con i nostri concerti in un luogo così prestigioso come la Sala Bianca di Palazzo Pitti ci riempie di soddisfazione. Con questa collaborazione il Conservatorio Cherubini consolida il suo rapporto con la città di Firenze e con Le Gallerie degli Uffizi, rapporto già attivo da molti anni con la presenza della collezione dei nostri strumenti storici alla Galleria dell’ Accademia e con gli innumerevoli concerti tenuti nelle sedi museali cittadine.”

Félix José Hernández.

382 Desde las orillas del Sena

A través de los rayos X el Museo Nacional del Prado descubre algunas de sus obras

"Carlos II con armadura" de Carreño de Miranda y radiografía de la obra. Museo Nacional del Prado. Madrid, 3 de julio de 2020. Querida Ofelia: En el año 1975 entra en funcionamiento la instalación radiactiva del Museo del Prado con el objetivo de aplicar los métodos científicos y en concreto la técnica radiográfica, al estudio de las obras de arte de la colección. Ya desde sus inicios se establece que el trabajo no debe limitarse a la obtención de los documentos, sino que debe ir más allá, especializándose en la interpretación de los resultados y comprometiéndose a la publicación de las conclusiones para difundir el conocimiento del patrimonio español. Desde entonces la radiografía se ha convertido en una herramienta indispensable en el estudio de las pinturas, esculturas, marcos y objetos de arte del Museo. Esta

383 Desde las orillas del Sena técnica revela lo que el ojo no ve y muestra el interior de las obras, aportando una información de gran valor tanto de la fabricación de los soportes, las modificaciones durante el proceso pictórico, el estado de conservación de las piezas, como de los materiales y procedimientos empleados por los artistas. La primera obra analizada con esta técnica fue El Descendimiento de Rogier van der Weyden. Gracias a su estudio se obtuvo información esencial de la estructura original del soporte que formado por 11 tableros verticales de madera de roble unidos a artista viva y con espigas en las juntas, responde a la tipología propia de la escuela flamenca del siglo XV. La Virgen y las ánimas del Purgatorio de Pedro Machuca, el retrato del rey Carlos II a edad adulta de Carreño de Miranda, La Magdalena penitente de Juan de Mena, El cazador cargando la escopeta de Goya y Judith en el banquete de Holofernes son algunas de las obras que podrán verse a través de rayos X. Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid, Félix José Hernández.

384 Desde las orillas del Sena

Black Presence nelle Gallerie degli Uffizi

Perseo che libera Andromeda, Piero di Cosimo Firenze, 6 luglio 2020. Via al progetto “Black Presence”, il 4 di luglio diretta su TikTok e concerto su Facebook. I dipinti del museo con protagonisti africani vengono raccontati in compagnia di Justin Randolph Thompson, fondatore del Black History Month Florence, e del polistrumentista del Burkina Faso Gabin Dabirè Ogni sabato video per “capire la storia ma anche il nostro presente”, spiega il direttore Eike Schmidt Nelle Gallerie degli Uffizi, tra i quadri rinascimentali e barocchi, batte anche un cuore africano. Insieme alla Venere di Botticelli, alla Medusa di Caravaggio, al

385 Desde las orillas del Sena

Tondo Doni di Michelangelo e a tanti altri capolavori, il celebre museo fiorentino accoglie infatti un nucleo di opere nelle quali un ruolo centrale è affidato a personaggi “black”, storici, biblici o mitologici. Ci sono i ritratti dei re dell’Abissinia e dell’Etiopia realizzati nel Cinquecento da Cristofano dell’Altissimo su commissione di Cosimo I de’ Medici, per una serie di dipinti dedicati a uomini illustri del tempo; l’Adorazione dei Magi di Albrecht Dürer, dove uno dei tre re ha tratti inequivocabilmente africani; l’episodio mitologico con Perseo che libera Andromeda - definito da Giorgio Vasari il migliore dipinto di Piero di Cosimo - in cui compare, in primo piano, una musicista dalla pelle nera e i capelli ricci; il trio di popolani immortalato dal fiammingo Justus Suttermans nella “Madonna ‘Domenica delle Cascine’, la Cecca di Pratolino e Pietro Moro”, e molte altre opere ancora. Ed è proprio dall’esigenza di andare a riscoprire gli elementi artistici della cultura nera disseminati nella collezione degli Uffizi che è nato il progetto “Black Presence”. Al suo centro, video e dirette sui social delle Gallerie: attraverso l’esplorazione tematica di un gruppo di nove dipinti con protagonisti africani, si illustra e contestualizza la presenza sociale e culturale di quel continente nella coscienza dell’Europa del Rinascimento, testimoniando il fecondissimo rapporto di scambio che già allora aveva luogo tra queste due aree del pianeta. Al contempo, si offrono spunti di

386 Desde las orillas del Sena riflessione nel dibattito sui temi razziali che anima la cronaca e la discussione politica attuale. Black Presence prenderà il via simbolicamente sabato 4 luglio, nella ricorrenza della Dichiarazione di Indipendenza degli Stati Uniti d’America, con un doppio evento live sui social degli Uffizi: su Tik Tok, dalle 20, Justin Randolph Thompson, direttore e cofondatore del Black History Month Florence, festival dedicato alla cultura nera organizzato annualmente a Firenze, in una passeggiata tra i corridoi e le sale del museo racconterà le opere, soffermandosi anche sulle istanze di uguaglianza razziale tornate di recente alla ribalta. A seguire, su Facebook, dalle 21, sempre in diretta dalla Galleria delle Statue e delle Pitture, il polistrumentista del Burkina Faso Gabin Dabirè si esibirà in un concerto con strumenti tradizionali africani davanti al Perseo che libera Andromeda di Piero di Cosimo. A completare l’evento Black Presence sarà una serie di otto video pubblicati ogni sabato su facebook a partire dal 4 luglio, dove Thompson illustrerà nel dettaglio ciascun dipinto della rassegna social. Il direttore Eike Schmidt: “Gli Uffizi non sono una ‘turris eburnea’ dell'arte e anzi nelle loro collezioni comprendono i grandi temi della contemporaneità: attraverso l’arte il museo può raccontare la grande storia del passato e fa vivere le opere nel presente. I capolavori infatti parlano una lingua universale che

387 Desde las orillas del Sena aiuta non solo a comprendere meglio il loro tempo, ma anche il futuro che intendiamo costruire”.

Félix José Hernández

388 Desde las orillas del Sena

El Museo del Prado y la Organización Mundial del Turismo promueven la cultura como vínculo de unión tras la pandemia

Madrid, 7 de julio de 2020.

Los funcionarios de la Organización Mundial del Turismo, la única agencia de Naciones Unidas cuya sede está en España, han visitado esta mañana la exposición “Reencuentro”, el actual montaje expositivo de las

389 Desde las orillas del Sena colecciones del Museo Nacional del Prado en el que se muestran 250 de las grandes obras de la institución.

Esta visita es un mensaje sobre la necesaria recuperación de la normalidad en el marco de la pandemia del Covid- 19y, al mismo tiempo, una señal para el mundo de que, a pesar de las necesarias restricciones, la cultura es y debe seguir siendo un motor del conocimiento entre los países.

La visita se inscribe en la cautelosa reapertura de fronteras internacionales que la OMT impulsa como #RestartTourism, subrayando la importancia de reiniciar el turismo de manera responsable y consciente de que es el sector idóneo para restaurar la confianza entre las personas, el ingrediente vital para la “nueva normalidad”.

Los trabajadores de la OMT, que emplea a funcionarios procedentes de medio centenar de países, han podido seguir las explicaciones del montaje a través de las palabras del director, Miguel Falomir, y de los comisarios de la muestra, cuyo audio está desde ayer disponibleen la web.

Además de disfrutar de las obras de los grandes maestros de la pintura universal, desde Mantegna hasta Fortuny, pasando por Fra Angélico o Goya, junto a la espectacular sala XII donde cuelgan las grandes obras de Velázquez, los empleados de la OMT colaborarán en la grabación de

390 Desde las orillas del Sena un vídeo que se grabará en numerosas lenguas extranjeras y se difundirá próximamente en redes sociales.

El secretario general de la OMT, Zurab Pololikashvili, ha señalado que la cultura es una de las principales motivaciones de los ciudadanos de todo el mundo para viajar y que, precisamente ahora, los museos pueden ser un motor de acercamiento que combata los miedos entre fronteras. Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid, Félix José Hernández.

391 Desde las orillas del Sena

Galileo e i segreti del cannocchiale

Firenze, 24 giugno 2020. Un fine settimana, quello del 27 e 28 giugno, dedicato a uno dei più importanti tesori delle collezioni medicee: il cannocchiale di Galileo. Sabato pomeriggio (alle 15, alle 16 e alle 17) e domenica (alle 10, 11, 12 e ancora alle 14 e alle 15) sarà Galileo in persona ad accogliere i visitatori: un incontro ravvicinato imperdibile, al solo costo del biglietto di ingresso.

Lo scienziato toscano racconterà la storia del suo incontro con il cannocchiale - il nuovo giocattolo di provenienza olandese che verso il 1609 si trovava in vendita nelle fiere di molte città - mostrerà come costruì

392 Desde las orillas del Sena il proprio esemplare, svelando i segreti della lavorazione delle lenti e rievocando la straordinaria avventura umana e scientifica scaturita dall’averlo puntato verso il cielo. Nelle mani di Galileo l’oggetto divenne infatti uno strumento di investigazione scientifica e segnò una tappa fondamentale nello sviluppo della conoscenza. Il Museo Galileo rimane aperto ai visitatori durante la fase 3, e almeno fino alla metà di luglio, nei giorni di venerdì, sabato, domenica e lunedì dalle 9.30 alle 18.00. In ragione delle disposizioni sanitarie vigenti, dati gli accessi limitati, la prenotazione è caldamente consigliata ed è da effettuarsi allo 055 265311 (dalle 9.30 alle 18.00).

CIVITA. Opera laboratorio Fiorentini. Salvatore La Spina. Ufficio Stampa - Firenze Musei. Palazzo Pitti, Piazza Pitti, 1 – 50125 Firenze.

Félix José Hernández.

393 Desde las orillas del Sena

Gallerie degli Uffizi: un'estate di divertimento ed arte per i bambini

Firenze, 3 luglio 2020.

Un’estate di divertimento e arte pensata per i bambini, tra i capolavori degli Uffizi e di Palazzo Pitti oppure nei prati del giardino storico di Boboli: ad offrirla a tutte le famiglie, con un ampio e vario ventaglio di iniziative, eventi e visite guidate, è il museo stesso, che, grazie al sostegno di Unicoop Firenze, ha dato vita al progetto “R- Estate con l’arte”. Tante saranno le attività di svago e apprendimento, suddivise essenzialmente in due tipologie: letture animate e racconti sul giardino di Boboli a cura dell’Associazione Allibratori (dal martedì al venerdì mattina), che si terranno alla Vasca dell’Isola;

394 Desde las orillas del Sena visite guidate a tema, ideate per i bambini, agli Uffizi, nei musei di Palazzo Pitti e, di nuovo, nel giardino di Boboli.

Il direttore delle Gallerie degli Uffizi Eike Schmidt: “Agli Uffizi, l’estate in città diventa una vacanza formativa, intelligente, divertente. L’arte e la natura, la nostra Storia, i personaggi veri e quelli di fantasia costruiscono un unico racconto, affidato a specialisti che offriranno ai piccoli – ma anche ai grandi che li accompagnano – un’esperienza emozionante negli spazi più belli delle Gallerie e del Giardino di Boboli. Sarà anche un meraviglioso risarcimento dopo i lunghi mesi di isolamento forzato“.

Le attività sono offerte gratuitamente grazie al generoso contributo di Unicoop Firenze.

L’Innovation and Strategic Marketing Manager di Unicoop Firenze Marco Vannini: “L’impegno della cooperativa è volto a valorizzare una idea di cultura come bene comune alla portata di tutti e come risorsa accessibile con cui nutrire bene la mente. In questa fase difficile per il Paese, dopo il lockdown, siamo felici di poter offrire ai cittadini, piccoli e grandi, occasioni per conoscere il grande patrimonio artistico e culturale delle nostre città. La promozione delle visite guidate a Boboli e agli Uffizi, pensate appositamente per le famiglie che passeranno l'estate a Firenze, vanno in questa direzione.”

395 Desde las orillas del Sena

Tutte le informazioni e il calendario delle iniziative saranno disponibili sul sito delle Gallerie degli Uffizi, www.uffizi.it

IL PROGETTO

LETTURE ANIMATE A BOBOLI

Letture animate e racconti sul Giardino a cura dell’Associazione Allibratori, in un grande prato ombroso vicino alla Vasca dell’Isola, popolata di fiori, agrumi, pesci e tartarughe, con al centro la grande statua di Oceano. Da martedì al venerdì, dalle 10 alle 11.30, a partire da martedì 7 luglio fino venerdì 7 agosto (è previsto un secondo periodo di cui verrà data comunicazione in seguito). Non è richiesta la prenotazione. Ingresso gratuito per i residenti a Firenze. Attività gratuita. Si consiglia di entrare dall’ingresso di Annalena in via Romana, più vicino al prato dove si svolgerà l’attività.

VISITE GUIDATE SU PRENOTAZIONE

Uffizi

Uffizi: Pronti, attenti, via!

396 Desde las orillas del Sena

Il percorso è inteso come un “primo incontro” con gli Uffizi. Verrà raccontata la storia del museo e dei personaggi della famiglia de’ Medici; i bambini partecipanti impareranno a “leggere” un’opera d’arte, e verranno introdotti i concetti di conoscenza e tutela di un Patrimonio che è di tutti.

Uffizi Celebrities È risaputo come gli Uffizi siano un museo ricchissimo di grandi opere d’arte, una più bella dell’altra. Nell’impossibilità di ammirarle per intero, questo percorso porterà i piccoli visitatori alla scoperta dei capolavori assoluti, realizzati dai più grandi maestri: Giotto, Botticelli, Leonardo, Michelangelo e Raffaello, per un itinerario che va dal Gotico al Rinascimento.

Mostri Nascoste (ma non troppo) nelle opere d’arte, in Galleria ci sono moltissime creature fantastiche. La visita, guidata da una nostra educatrice museale, diventerà una sorta di caccia al tesoro nel museo, pensata per i piccoli visitatori ma stimolante per tutti, con una chiave di lettura originale, “alla ricerca del mostro”.

U come Uffizi Il percorso è dedicato alla nascita e allo sviluppo dell’edificio costruito da Vasari nel cuore civile della città di Firenze, tra il Palazzo della Signoria e l’Arno.

397 Desde las orillas del Sena

Protagoniste, le statue della Loggia dei Lanzi e quelle del porticato degli Uffizi.

Palazzo Pitti

La reggia delle meraviglie Un percorso che accompagna i bambini alla scoperta della storia del Palazzo, delle collezioni e delle tre famiglie (Medici, Lorena, Savoia) che vi hanno vissuto dal Cinquecento al Novecento.

Bambini a corte La vita dei bambini di tre dinastie regnanti (Medici, Lorena e Savoia) viene ricostruita attraverso dipinti che consentono di parlare di aspetti della loro vita quotidiana quali l’abbigliamento, lo studio, i giochi, ma anche gli obblighi di Corte. I piccoli potranno così scoprire analogie e differenze tra la loro quotidianità e modelli di vita ormai lontani, dei quali le opere dipinte mantengono una puntuale memoria. Il percorso si estenderà agli ambienti di tutto il Palazzo.

Volti e storie di donne (Galleria d’Arte Moderna) Mentre si attraversano le sale della Galleria d’Arte Moderna di Palazzo Pitti a Firenze sono tanti gli occhi che guardano. C’è Napoleone, Gioacchino Rossini, ma anche tantissime dame, tutte da conoscere. Osservare questi volti femminili può dire tanto su come tra

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Ottocento e Novecento il ruolo della donna nella famiglia e nella società stava cambiando. “Va’ pensiero…”: musica, colori e sguardi di chi ha fatto l’Italia (Galleria d’Arte Moderna) Pensieri, idee, grandi personaggi, rivoluzioni, battaglie. Il tutto accompagnato dalle musiche del Risorgimento italiano. Dal compositore Rossini che ha scritto il primo inno patriottico, a Mazzini passando per Garibaldi e Giuseppe Verdi, fino ad arrivare al Caffè Giubbe Rosse, questo speciale itinerario è pensato per far scoprire con le Arti la passione civile per l’Unità d’Italia.

La meraviglia della natura (Tesoro dei granduchi) Una perla può diventare una scimmietta. Una preziosissima pietra rossa può diventare la piuma su un’ala di un uccellino e una zanna di un elefante si trasforma in un cavallino. Da ogni materiale, grazie alla sapienza, ma anche a un po’ di magia, si possono creare oggetti straordinari. Una passeggiata tra gli oggetti del Tesoro dei Granduchi per un percorso affascinante alla scoperta dei segreti della natura.

La reggia delle curiosità e delle bizzarrie (Tesoro dei Granduchi) Alla corte del Granduca Ferdinando II dei Medici la vita scorreva nel fasto e nella ricchezza. Gli appartamenti estivi, in particolare, erano ornati di affreschi ed arredi concepiti per stupire e meravigliare gli ospiti abituali e

399 Desde las orillas del Sena gli invitati occasionali. Un fuoco d’artificio di colori, di sorprese e di invenzioni. Ancora oggi, come un tempo, le figure grottesche e i buffi personaggi, gli animali reali o immaginari e le tante altre curiosità, animano quelle sale e fanno divertire i piccoli e i grandi visitatori che entrano nella splendida reggia dei Medici.

Ai piedi degli dei (mostra temporanea presso Galleria della moda e del costume) Nell’ambito dell’esposizione temporanea alla Galleria del Costume, si porteranno i bambini a scoprire le storie che ci narrano le scarpe: calzature antiche che raccontano la grande abilità e maestria dei primi calzolai della storia, e calzature moderne utilizzate nei film ambientati nell’antichità.

Giardino di Boboli

Il giardino dei piccoli Granduchi Dal desiderio di una mamma di dare un giardino ai suoi figli, alla realizzazione di un palazzo che fu la corte di tre dinastie regnanti: al centro dell’itinerario l’affascinante relazione fra gli interni e il verde della collina.

Giro giro tondo

400 Desde las orillas del Sena

Intorno alla magnifica Vasca dell’Isola, con i suoi fiori e profumi, un girotondo di storie e personaggi che popolavano la vita a corte nel Seicento.

INFORMAZIONI IN DETTAGLIO

Gli incontri sono di due tipi:

1) Nei fine settimana, a partire dal 4 luglio, esclusivamente su prenotazione, visite guidate tematiche rivolte a bambini e ragazzi dai 6 ai 14 anni. Nel rispetto delle norme nazionali e regionali per contrastare la diffusione del coronavirus, i gruppi non potranno eccedere il numero di 10 persone (guida compresa): a tal fine vi invitiamo a favorire la partecipazione di un maggior numero possibile di bambini limitando il numero di accompagnatori.

2) Da martedì a venerdì, dalle ore 10 alle 11.30, a partire dal 7 luglio, al Giardino di Boboli (prato vicino alla Vasca dell’Isola) attività di lettura animata rivolta a bambini di ogni età. Non è necessaria la prenotazione.

COME PRENOTARE

Sono aperte le prenotazioni per i percorsi previsti nei fine settimana.

401 Desde las orillas del Sena

1) Le prenotazioni dovranno pervenire a partire dalla data indicata esclusivamente via email all’indirizzo: ga- [email protected] indicando nell’oggetto: “R-Estate con l’arte”.

2) Vi preghiamo di indicare nella mail il numero di partecipanti (adulti e bambini), data e titolo dell’incontro di vostro interesse.

COSTI

1) L’ingresso ai musei fino ai 18 anni è gratuito; dai 18 ai 25 anni è ridotto; gli adulti pagano il biglietto d’ingresso al museo dove previsto.

2) L’ingresso al Giardino di Boboli è gratuito per i residenti a Firenze.

3) La visita “U come Uffizi” presso la Loggia dei Lanzi e loggiato degli Uffizi non prevede biglietto.

4) La prenotazione è gratuita.

5) L’accompagnamento didattico e l’attività di lettura animata sono gratuite, offerte da Unicoop.

6) Per ogni visita è previsto un numero massimo di circa 9 partecipanti (chiediamo di favorire la partecipazione

402 Desde las orillas del Sena dei bambini limitando il numero di adulti accompagnatori).

7) Le modalità di pagamento per gli adulti e i dettagli organizzativi quali il punto di incontro e alcune buone regole di visita saranno comunicate al momento della conferma della prenotazione.

Andrea Acampa. Ufficio stampa Gallerie degli Uffizi. Opera Laboratori Fiorentini – Civita.

Félix José Hernández.

403 Desde las orillas del Sena

Goya or not Goya, that is the questions

París, 12 de julio de 2020.

Estimados amigos:

404 Desde las orillas del Sena

Se anuncia el "Combate del Siglo" entre una lata de frijoles blancos Goya y una de frijoles negros Conchita. El árbitro será la sazón tropical Badía. Visto los cientos de miles de personas que participarán a este Histórico Momento, se está buscando un lugar dónde se pueda realizar dicho acontecimiento, digno ejemplo del surrealismo tropical. Ya las cadenas de televisión de casi todo el Mundo desean transmitir en directo el combate a latazo limpio. Lo único que podría impedir este acontecimiento digno de entrar en los Anales de la Historia de la Humanidad, sería que la aplanadora de la Calle 8 fuera a destruir todas las latas de productos similares a los de la Heroica Goya.

¡Y que la mejor lata gane!

Por otra parte, se han descubierto daños colaterales para el clima por el aumento del consumo de frijoles negros Goya en la Florida.

Hay un llamado urgente de los científicos ante la masa de gases que se está elevando desde hace poco hacia la capa de ozono desde la Florida. Según fuentes serias se estima que este fenómeno se deba a las flatulencias de los seres humanos, a causa de la gran cantidad de frijoles negros Goya que está consumiendo.

405 Desde las orillas del Sena

Las flatulencias son un proceso habitual que se produce cuando el gas es liberado en las reacciones químicas de la digestión.

Hasta ahora eran los gases emitidos por los intestinos de las vacas en parte responsables del efecto invernadero. Cada uno de estos animales, y hay millones de ellos, produce a diario entre unos 3 y 4 litros de gas metano, además del óxido nitroso. Las vacas y los comedores de frijoles negros Goya, son serios responsables del cambio climático. Ambos están poniendo en peligro el clima. Por favor, coman otros productos que no sean frijoles: ¡Evitemos el cambio climático! Saludos cordiales desde La Ciudad Luz, Félix José Hernández. Nota bene: Cuentan que a Mr. Trump y a Melania les gustan los frijoles negros Goya con ropa vieja y tostones.

406 Desde las orillas del Sena

Itinerario di emozioni e sentimenti attraverso la statuaria antica delle Gallerie degli Uffizi

Amore e Psiche

407 Desde las orillas del Sena

Firenze, 16 luglio 2020.

È online Rinascenza, ultima ipervisione delle Gallerie Così la statuaria antica del museo diventa “tavolozza dei sentimenti” e dialoga con lo spettatore contemporaneo Prosegue l’onda lunga del boom per le mostre virtuali del complesso museale: nel bimestre post lockdown oltre 350mila visualizzazioni

Anche Sigmund Freud, il padre della psicanalisi, attribuiva un grande potere catartico all’arte classica, capace, a suo parere, di tradurre nel modo più diretto e immediato le passioni e i desideri fondamentali degli esseri umani. Ed è indubbio che l’arte classica, improntata su criteri di simmetria, chiarezza compositiva, equilibrio e nitidezza dei tratti, eserciti un potere ipnotico sullo sguardo dell’uomo contemporaneo, rivelandosi capace di indurre in chi la osserva un sentimento di pacatezza e serenità.

Questa consapevolezza ha ispirato l’ultima delle ipervisioni proposte dalle Gallerie degli Uffizi, curata da Lorenza Camin e Fabrizio Paolucci: Rinascenza. Itinerario di emozioni e sentimenti attraverso la statuaria antica delle Gallerie degli Uffizi (www.uffizi.it/mostre- virtuali/rinascenza, in inglese: http://www.uffizi.it/en/online-exhibitions/rebirth).

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Una selezione di suggestive immagini che ritraggono alcuni fra i più celebri marmi antichi del museo fiorentino accompagnerà il navigatore in un viaggio attraverso le emozioni e i sentimenti. Paura, tristezza, rabbia, solitudine, gioia, amore, amicizia, fratellanza trovano, infatti, la loro espressione figurata più potente ed evocativa nei volti e negli atteggiamenti di queste splendide sculture. Le immagini sono accompagnate dal commento di un brano greco o latino, in modo che sia l’Antichità stessa a dialogare con il presente, con la Contemporaneità, attraverso le sue parole e le sue forme.

“La riscoperta e la comprensione dello straordinario patrimonio di arte classica delle Gallerie degli Uffizi - sottolinea il direttore Eike Schmidt - può avvenire in molti modi. Quello che abbiamo scelto per questa ipervisione nasce dalla volontà di attualizzare il messaggio di questi marmi millenari. Recuperare il loro messaggio primario significa, infatti, condividere con queste sculture valori eterni che ce le fanno sentire nostre compagne della vita quotidiana”.

“Reduci da un lungo periodo in cui i nostri affetti sono stati messi così duramente alla prova - rileva la curatrice Lorenza Camin - “è forse motivo d'ispirazione ritrovare gli stessi sentimenti incarnati, in modo spontaneo e coinvolgente, in sculture create migliaia di anni fa. La

409 Desde las orillas del Sena selezione che proponiamo vuole proprio essere una sorta di antologia di passioni e sentimenti universali e attuali, rivissuti, però, attraverso l’occhio e la parola del passato greco e romano”.

I NUMERI DELLE MOSTRE VIRTUALI DEGLI UFFIZI

Complessivamente, le ipervisioni realizzate dalle Gallerie e pubblicate sul loro sito ufficiale (www.uffizi.it/ipervisioni), aperto nel 2016, sono 24. Ad oggi il totale delle visualizzazioni raccolte è 4.181.474. Nel bimestre post-lockdown (maggio-luglio) le mostre virtuali hanno ottenuto 352.918 visualizzazioni, a fronte del boom da 3.723.668 visite realizzato durante i tre mesi di chiusura del complesso museale (marzo-aprile). Il dato è, in ogni caso, di gran lunga superiore al bimestre pre- lockdown (gennaio-febbraio) durante il quale le visualizzazioni erano state 7.148: a riprova del fatto che l'onda lunga del boom digitale, scatenata dal lockdown, sta comunque continuando.

La top five delle ipervisioni degli Uffizi più visti, ad oggi, è:

1. On Being Present (sulle tracce di cultura black nelle collezioni delle Gallerie) – 266.913 visualizzazioni

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2. Nella luce degli angeli (Giotto, Beato Angelico, Leonardo da Vinci, Rosso Fiorentino e altri) – 258.318

3. Tour virtuale delle nuove sale del ‘500 (Bronzino, Barocci, Vasari, Allori, Tiziano, Giorgione e tanti altri maestri)– 165.050

4. La Sala di Saturno a Palazzo Pitti (con i capolavori di Raffaello) – 136.989

5. Non per foco ma per divin’arte (dedicata a Dante) – 136.058

Ufficio stampa Gallerie degli Uffizi. Opera Laboratori Fiorentini – Civita. Andrea Acampa.

Félix José Hernández.

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Aprende a dibujar con los grandes maestros del Museo Nacional del Prado

Madrid, 14 de julio de 2020.

Querida Ofelia ; La incorporación de cuatro obras icónicas del Museo Nacional del Prado a S Pen Academy, exclusiva para Tablets Samsung con S Pen, que ofrece cursos impartidos por un profesor especializado en dibujo digital, permitirá al usuario aprender un amplio abanico de técnicas y estilos, que incluyen desde el óleo sobre tabla utilizado por el Bosco hasta los dibujos a lápiz, aguafuerte y

412 Desde las orillas del Sena sanguina de Goya, pasando por el óleo sobre lienzo de Mariano Fortuny. Estos cursos, que aportan comentarios sobre la técnica y el contexto de cada una de ellas, permiten compartir las nuevas creaciones del alumno con sus amigos. La colección de dibujos del Prado, resultado de la colaboración entre Samsung y el Museo Nacional del Prado, permitirá recrear detalles delas siguientes obras: Ydioma universal. El Autor soñando y Brabisimo!, de Francisco de Goya; El jardín de las delicias, del Bosco; y Los hijos del pintor en el salón japonés, de Mariano Fortuny y Marsal. La aplicación está disponible para Tablets Samsung con S Pen para su descarga en el siguiente enlace: https://play.google.com/store/apps/details?id=samsunges. spenacademy

Esta iniciativa forma parte del marco de colaboración entre Samsung y el Museo del Prado que busca acercar el arte a la sociedad de una manera innovadora, a través del desarrollo de proyectos interactivos y multimedia. Ambas instituciones han colaborado en la creación de la galería digital Museo Nacional del Prado disponible en el televisor The Frame. Recientemente, Samsung ha ampliado su colección artística en su Tienda de Arte pasando de 37 a 48 obras de arte, coincidiendo con la conmemoración del Bicentenario del Museo del Prado.

413 Desde las orillas del Sena

Samsung. Apoyo a la cultura El apoyo a la cultura y su desarrollo se engloba dentro del proyecto Tecnología con Propósito, en el que Samsung trabaja para mejorar la vida de las personas rompiendo barreras a través de la tecnología. Una iniciativa capaz de construir una sociedad mejor. Un compromiso permanente que se materializa en tres pilares de actuación: educación y cultura, accesibilidad y bienestar, empleabilidad y emprendimiento. Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid, Félix José Hernández.

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El PSP y la Reforma Agraria en Las Villas

París, 24 de julio de 2020.

Querida Ofelia:

Te envío este interesante artículo que me hizo llegar desde La Habana el Sr. Frank Artola Rodríguez:

“Aunque ya se ha escrito sobre este tema, en particular, por el Capitán. del Ejército Rebelde Roger Redondo, testigo presencial de aquellos acontecimientos, es bueno confirmar, con testimonios, parte de lo sucedido, y del por qué del Congreso campesino Escambray en Octubre de 1959.

415 Desde las orillas del Sena

Comenzaré por un fragmento del discurso que pronunció el Cdte. Fidel Castro el día que se firmó la Ley de Reforma Agraria:

" La ley se ajusta a los principios de la Constitución del 1940, y esperamos, que se ha estado insistiendo en los preceptos de esa Constitución, que no se olvide que la proscripción del latifundio es un mandato de nuestra Constitución de 1940."

Entonces. Regresamos a la raíz de este asunto. Creo que para el pueblo de Cuba, aquella Reforma Agraria era necesaria. Dos meses y medio antes del triunfo de la Revolución, llegan a Las Villas, primero, La Columna de Camilo Cienfuegos, y según un informe del propio Camilo a Fidel “me reciben en territorio Libre” *Libro Camilo Sr. de la vanguardia .

Territorio liberado por el II FRENTE NACIONAL, que luego de rechazar la ofensiva de verano del ejército, extendió sus dominios más allá de la sierra. Es bueno conocer que el D.R apenas contaba con 60 hombres y había creado su guerrilla independiente apenas 2 meses antes y, el PSP similar en cantidad de hombres, pero estaban alzados desde más tiempo.

Días después llega la columna de Ernesto Guevara, el Che. Estas columnas llegan apoyadas por el PSP. Cosa

416 Desde las orillas del Sena que se desconocía por el núcleo de guerrilleros de la región y creo también por la mayoría de los revolucionarios en general. El hombre a cargo, Wilfredo Velázquez, alias “compañero José”, agente de la KGB. Esto es fácil de verificar en el libro “Camilo Sr. de la vanguardia.”

Los miembros del PSP, no gozaban de buena reputación en Las Villas, por su anterior alianza con Batista y sobre todo por el asesinato en público del líder obrero, amigo y colaborador de Julio Antonio Mella, Sandalio Junco, acto cometido ante más de 100 personas.

A la llegada del Che, se complican las cosas, acoge y protege a prófugos de la justicia revolucionaria y a Faure, divisionista e intrigante quien sólo llevaba 2 meses en el Escambray.

Se desarrollan los acontecimientos del fin de la guerra y ahora, insertaremos datos históricos, sacados de libros publicados en Cuba (excepto nota de libro de Barquín) para recrear el ambiente en que se desarrollaron los hechos.

El Cdte. Jefe de Las Villas (CHE) destina al capitán Erasmo Rodríguez como jefe de la zona Sancti Spiritus, Trinidad, carretera central hasta Jatibonico. El capitán puede extender las zonas….y además tiene la misión de

417 Desde las orillas del Sena implantar las leyes… dando especial importancia a la Reforma Agraria. * Del libro una mancha azul hacia el Occidente. Este señor, es Armando Acosta, una figura clave en el asesinato de Sandalio Junco. "En los meses finales de la guerra civil, hacendados, colonos y ganaderos aportaron al Che en Las Villas 700.000 dólares…a través de Antonio Núñez Jiménez.” Nota del libro lucha de guerrillas Ramón, Barquín. "Camilo notifica al Che el envió un camión de sacos de arroz para suministro se la Columna 8.*del libro El Che en combate. Núñez Jiménez

DIC 58. Fomento …El Che ocupa el Central Soledad, una gran riqueza tabacalera y 54.505 cabezas de ganado. * Libro, El Che en combate. Núñez Jiménez. O sea, antes del triunfo ya se están expropiando bienes y propiedades en exceso, para una guerrilla. Entonces, triunfa la Revolución. El Comandante Guevara deja a cargo de Las Villas al capitán Calixto Morales, expedicionario del Granma, como Gobernador militar y civil provisional de esa provincia. Entrevista al Dr. Fidel Castro “Al asumir el cargo de Presidente el magistrado Manuel Urrutia, a partir de ese instante el será la máxima autoridad de este país. Que nadie piense que yo pretenda

418 Desde las orillas del Sena ejercer facultades por encima del Presidente de la República.” El capitán Calixto fue detenido meses después por orden del Presidente Urrutia. Se le acusó de hacer una Reforma Agraria diferente a la aprobada por el gobierno revolucionario. Calixto argumentó, que él no tenía nada que ver con la Reforma Agraria.” Eso, el Che, se lo había encargado al PSP, específicamente a Ovidio Díaz y esos se habían aprovechado”. El capitán Calixto salió absuelto por mediación y defensa de Camilo Cienfuegos.( entrevista personal a Calixto Morales.) Quiero aclarar que ese suceso no lastró para nada la reputación de Calixto. Murió siendo fidelista, y fiel a la revolución socialista. En general estos datos confirman que en Las Villas el Cdte. Che Guevara y el PSP impusieron una Reforma Agraria de tipo soviética, Koljos y sovjos. Granjas de explotación colectivas y estatales, y precios marcados por el Estado la cual creó descontento en el campesinado. Un día, hace algunos años, Eloy y yo comentábamos sobre el libro de Núñez Jiménez. Al Jefe del II FNE le causó risa, y comento/-Y… ¿a nosotros nos dijeron “ comevacas”? A la celebración del primer aniversario posrevolución del asalto al Cuartel Moncada, 26 de Julio de 1959, se convocó y programó el traslado hacia La Habana de miles de campesinos, sobre todo de Oriente y Las Villas.

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Entre esos campesinos llegaron muchos del Escambray que al contactar con los oficiales del II FNE, comentaron su descontento con aquella Reforma Agraria. Estos argumentos fueron decisivos en la Comandancia del II FNE para organizar en coordinación con Camilo el Congreso Campesino en el Escambray. Igual, en pocos años la R.A, basada en la Constitución del 1940, se fue a bolina….

Frank Artola Rodríguez”

Frank Artola Rodríguez, actor y guionista de tv., cine y teatro. La Habana. Miembro UNEAC. Miembro de las Artes Escénicas. 40 años en estos medios.

Saludos cordiales desde estas lejanas tierras allende los marres,

Félix José Hernández.

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Eusebio Leal a Castro firmó la infame carta apoyando los fusilamientos en Cuba

Foto: Hugo Chávez, Fidel Castro y Eusebio Leal, La Habana.

París, 1 de agosto de 2020.

Querida Ofelia:

Me acabo de enterar que el compañero Eusebio Leal a Castro acaba de morir.

Te envío un documento que podríamos titular "Algo para recordar”:

“Ocho días después del juicio sumario y fusilamiento de los jóvenes Enrique Copello Castillo, Bárbaro Leodat Sevilla García y Jorge Luis Martínez Isaac, por intentar secuestrar una embarcación para escapar de Cuba, un

421 Desde las orillas del Sena grupo de intelectuales cubanos divulgó una carta pública respaldando tácitamente la drástica acción del gobierno de Fidel Castro.

CARTA DE INTELECTUALES CUBANOS FRENTE A LOS ATAQUES A LA REVOLUCIÓN

Mensaje desde La Habana para amigos que están lejos.

En los últimos días, hemos visto con sorpresa y dolor que al pie de manifiestos calumniosos contra Cuba se han mezclado consabidas firmas de la maquinaria de propaganda anticubana con los nombres entrañables de algunos amigos. Al propio tiempo, se han difundido declaraciones de otros, no menos entrañables para Cuba y los cubanos, que creemos nacidas de la distancia, la desinformación y los traumas de experiencias socialistas fallidas.

Lamentablemente, y aunque esa no era la intención de estos amigos, son textos que están siendo utilizados en la gran campaña que pretende aislarnos y preparar el terreno para una agresión militar de los Estados Unidos contra Cuba.

Nuestro pequeño país está hoy más amenazado que nunca antes por la superpotencia que pretende imponer una dictadura fascista a escala planetaria. Para

422 Desde las orillas del Sena defenderse, Cuba se ha visto obligada a tomar medidas enérgicas que naturalmente no deseaba. No se le debe juzgar por esas medidas arrancándolas de su contexto.

Resulta elocuente que la única manifestación en el mundo que apoyó el reciente genocidio haya tenido lugar en Miami, bajo la consigna Irak ahora, Cuba después, a lo que se suman amenazas explícitas de miembros de la cúpula fascista gobernante en los Estados Unidos.

Son momentos de nuevas pruebas para la Revolución cubana y para la humanidad toda, y no basta combatir las agresiones cuando son inminentes o están ya en marcha.

Hoy, 19 de abril de 2003, a cuarenta y dos años de la derrota en Playa Girón de la invasión mercenaria, no nos estamos dirigiendo a los que han hecho del tema de Cuba un negocio o una obsesión, sino a amigos que de buena fe puedan estar confundidos y que tantas veces nos han brindado su solidaridad.

Firmado por:

Alicia Alonso Roberto Fernández Retamar Miguel Barnet Julio García Espinosa Leo Brouwer

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Fina García Marruz Abelardo Estorino Harold Gramatges Roberto Fabelo Alfredo Guevara Pablo Armando Fernández Eusebio Leal Octavio Cortázar José Loyola Carlos Martí Raquel Revuelta Nancy Morejón Silvio Rodríguez Senel Paz Humberto Solás Amaury Pérez Marta Valdés Graziella Pogolotti Chucho Valdés César Portillo de la Luz Cintio Vitier Omara Portuondo.”

Por otra parte, recuerdo que el "compañero" Eusebio Leal a Castro afirmó en San Cristóbal de La Habana a Prensa Latina (la agencia oficial de desinformación del régimen cubano), que Fidel Castro volvería, al éste último encontrarse enfermo.

424 Desde las orillas del Sena

"Fidel Castro está allí, luchando, y volverá a estar al frente de Cuba, siempre volverá", aseguró el "compañero" Historiador de la Ciudad de La Habana.

"Las palabras claves de hoy -dijo- son certeza y seguridad en el presente y en el futuro".

A continuación precisó: "ese espíritu está claramente reflejado en recientes declaraciones del primer vicepresidente y ministro de las Fuerzas Armadas Revolucionarias, Raúl Castro, en quien el líder cubano delegó sus principales funciones oficiales".

Leal a Castro destacó asimismo el protagonismo de Raúl, junto a Fidel, a lo largo de la historia de la revolución.

El historiador oficial del régimen, rechazó especulaciones de elementos contrarrevolucionarios en el exterior y resaltó el respaldo irrestricto del pueblo cubano a la revolución.

"Hoy, al llegar a mi oficina, varios trabajadores me esperaban para ofrecer insistentemente hasta su sangre, si fuera necesario, para el Comandante en Jefe. ¡Eso es lo más grande!", exclamó el compañero Leal a Castro.

¿Será necesaria tanta sangre?

425 Desde las orillas del Sena

Siguiendo el ejemplo de las oligarquías rojas de los antiguos países comunistas del Este de Europa, a Eusebio Leal a Castro, quizás le esperaba un brillante porvenir lleno de dólares y euros en la futura Cuba, si se lograba reciclar en "hombre de negocios capitalista". Creo que ya debe de haber tenido sus buenos contactos internacionales. Por ejemplo, una tienda de antigüedades cubanas en Barcelona sería una buena idea.

¿Te acuerdas de Eusebito, aquel monaguillo flaco de espejuelos que ayudaba en la misa al Padre Clemente Becerril en la Iglesia de Nuestra Señora del Carmen de Neptuno e Infanta? Lo encontrábamos allí cada domingo. ¿Quién hubiera podido imaginar que se convertiría en portavoz cultural de un régimen tan abyecto?

¡Vivir para ver!

Te quiere siempre,

Félix José Hernández.

426 Desde las orillas del Sena

Gallerie degli Uffizi “Ai piedi degli Dei”

Firenze, 3 agosto 2020.

Ad agosto nel Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti un viaggio attraverso l’arte della calzatura tra antica Roma, Cinema Colossal e moda contemporanea

I martedì e venerdì di agosto le Gallerie degli Uffizi offrono gratuitamente delle visite guidate alla mostra “Ai piedi degli Dei. Le calzature antiche e la loro fortuna nella cultura del Novecento” allestita nelle sale del Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti fino al prossimo 27 settembre (https://www.uffizi.it/eventi/ai- piedi-degli-dei). I visitatori potranno passeggiare, accompagnati dai curatori dell’esposizione, Lorenza Camin e Fabrizio Paolucci, tra le robuste caligae dei

427 Desde las orillas del Sena soldati romani, i seducenti sandali delle cortigiane greche, i raffinati calzari indossati dagli dei oppure dall’aristocrazia romana; senza dimenticare la ricca varietà di calzature indossate dalle star dei colossal dedicati all’antichità, da Ben Hur al Gladiatore, e le più recenti creazioni di moda, ispirate dallo stile delle calzature del mondo classico e realizzate da protagonisti del fashion contemporaneo come Emilio Pucci, Salvatore Ferragamo, Yves Saint Laurent.

Nel percorso espositivo, formato da circa 80 opere, figurano gli esemplari delle principali tipologie di calzature usate nel periodo compreso fra il V secolo a.C. e il IV d.C..

L’antico è messo a diretto confronto con il contemporaneo e con le calzature realizzate per alcuni dei film “peplum” divenuti veri e propri cult: come i sandali di Liz Taylor-Cleopatra, i calzari di Charlton Heston-Ben Hur, quelle del Gladiatore Russell Crowe, le calighe di Alexander-Colin Farrell.

Le visite guidate accompagnate per tutto il mese di agosto saranno effettuate il martedì e il venerdì di ogni settimana (con l’eccezione del 14 agosto) suddivise in due gruppi di massimo nove persone. Il primo gruppo dalle 9.30-10.30 e il secondo dalle 10.30-11.30. Per prenotazioni si prega rivolgersi al numero 055 290383.

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Il direttore delle Gallerie degli Uffizi Eike Schmidt: “Le visite guidate si inseriscono tra le tante e differenti attività che offriamo in estate ai visitatori e che rendono, se è possibile, ancora più speciale la loro esperienza al museo. Ad agosto ci sarà l’imbarazzo della scelta tra le attività per famiglie e bambini a Boboli, i concerti nella sala Bianca di Palazzo Pitti in collaborazione con il Conservatorio Cherubini e il festival musicale ReGeneration nell’Anfiteatro del Giardino di Boboli. Vogliamo garantire così sempre più occasioni per poter vivere i nostri musei dopo mesi di isolamento forzato”.

Félix José Hernández.

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Le mani di Lorenzo Quinn nel Giardino Boboli

Firenze, 4 agosto 2020

Da oggi anteprima di ‘Give’, dono dell’artista alla città di Pietrasanta, nel segno del rispetto della natura e della lotta contro il cambiamento climatico.

Per un mese sarà esposto in anteprima nel Giardino di Boboli ‘Give’ di Lorenzo Quinn (Roma, 1966), l’ultima creazione dello scultore noto per le sue grandi installazioni di mani. Si tratta di un dono dell’artista e della sua galleria alla città di Pietrasanta, dove a settembre sarà installato nel Parco Internazionale di

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Scultura e dove farà parte di un progetto Onu contro il cambiamento climatico.

Quinn, conosciuto al grande pubblico per le mani installate in Canal Grande a Venezia nel 2017 durante la Biennale dell'Arte, torna ad esplorare i significati del suo soggetto preferito. La nuova opera, esposta con il contributo della Fondazione Ginevra Olivetti Rason, simboleggia il senso del donare senza ricevere. Secondo l’artista l’ispirazione è maturata dal rapporto tra l’umanità, il mondo e in particolare la natura che ha sempre dato e continua a dare senza pretendere niente in cambio. L'artista ha realizzato la scultura in resina e materiale riciclato, in modo da trasmettere un messaggio basato sulla sostenibilità ambientale. La mano di un uomo si unisce a quella di una donna per sottolineare il valore del dare. L’opera è portatore di un messaggio di pace rivolto all’umanità e simboleggiato da una pianta di ulivo.

Il direttore delle Gallerie degli Uffizi Eike Schmidt: "Ancora una volta gli Uffizi si rendono protagonisti di un’iniziativa artistica che collega il capoluogo con un’altra città sul territorio della Toscana. Il giardino di Boboli temporaneamente accoglie un'opera destinata a Pietrasanta, per richiamare inisieme il rispetto, l’attenzione e la tutela dovuti all’ambiente e al nostro bellissimo paesaggio.”

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Il sindaco di Pietrasanta Alberto Stefano Giovannetti: "Quando il maestro Lorenzo Quinn ha espresso la volontà di regalare alla comunità di Pietrasanta l'opera "Give" siamo stati onorati perché è un omaggio che fa a questa terra da sempre legata alla cultura dell'arte. Questa donazione al patrimonio del Parco Internazionale di Scultura Città di Pietrasanta sancirà il rapporto di stima e lunga amicizia del maestro Quinn nei confronti delle maestranze locali e della città stessa. Un bellissimo gesto che, specialmente in questo periodo storico, assume un significato ancora più profondo".

L'artista Lorenzo Quinn: “Nella vita per ricevere bisogna dare. E tutti noi abbiamo ricevuto e continuiamo a ricevere molto dalla terra. Per questo Boboli è da sempre una fonte di ispirazione con il suo verde e il richiamo alla natura. Il mio vuole essere un messaggio di speranza. La mano dell’uomo è mia, quella della donna è di una modella, la loro unione rappresenta tutta l’umanità. Il bianco è il colore della purezza e dell’innocenza, della colomba e della pace. Per questo ho scelto di offrire un ulivo come messaggio universale”.

Il presidente della Fondazione Ginevra Olivetti Rason, Gian Paolo Olivetti Rason: “Il messaggio dell’artista internazionale Lorenzo Quinn ‘Give’ esprime valori nei quali ci identifichiamo nelle attività della Fondazione

432 Desde las orillas del Sena che porta il nome di mia figlia. Donare, pensando al prossimo, impreziosendo la vita quotidiana di contenuti e messaggi positivi, anche nelle arti, soprattutto in un momento complesso come quello attuale.”

Félix José Hernández.

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Donata agli Uffizi la collezione di Carlo del Bravo

Rodolfo Meli, Volto, (Pietro G.), 2016, olio su tela, cm 75 x 49,5

Firenze, 30 luglio 2020

La donazione conta 455 opere tra dipinti, disegni e sculture dal XVI al XXI secolo e comprende lo spettacolare San Giovannino del Rosso Fiorentino e capolavori del Tribolo, di Jacopo Vignali, Giovanni Battista Foggini, Ingres, Pio Fedi, Giuseppe Bezzuoli e tanti altri

Il direttore Schmidt: “È una delle più importanti e consistenti donazioni ai musei fiorentini dal secondo

434 Desde las orillas del Sena dopoguerra, ringraziamo profondamente Del Bravo e il suo erede Lorenzo Gnocchi”

Un tesoro di 455 opere d’arte, tra dipinti, sculture e disegni dal ‘500 al ventunesimo secolo, con capolavori del Tribolo, Jacopo Vignali, Giovanni Battista Foggini, Ingres, Pio Fedi, Giuseppe Bezzuoli, e lo straordinario San Giovannino del Rosso Fiorentino, ultimo quadro del genio manierista fino ad oggi in mani private.

A circa tre anni dalla sua morte, entra a far parte del patrimonio degli Uffizi la straordinaria collezione di Carlo del Bravo (16 luglio 1935 – 12 agosto 2017), professore di storia dell’arte all’Università di Firenze, studioso di fama internazionale e scopritore di vaste aree nel campo artistico dal Rinascimento al contemporaneo. Il lascito è stato reso possibile grazie alla generosità e lungimiranza del suo allievo ed erede universale Lorenzo Gnocchi, anch’egli professore all’ateneo fiorentino. Laureatosi nel 1959 con Roberto Longhi, Carlo Del Bravo in seguito insegnò all’Istituto d’Arte di Porta Romana, prima di diventare assistente di Roberto Salvini all’Università di Firenze. Nel 1982 gli viene conferita la cattedra di Storia dell’Arte Moderna nello stesso Ateneo, dove insegna fino al 2008, e in forma volontaria anche oltre: sotto la sua guida si sono formate generazioni di studenti, tra i quali tre direttori della Galleria d’Arte Moderna, Ettore Spalletti, Carlo Sisi, Simonella

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Condemi, e Antonio Natali, già direttore della Galleria degli Uffizi. La produzione scientifica di Carlo del Bravo è vastissima e spazia, fra l’altro, dall’arte senese del Quattrocento – ricordiamo il suo pionieristico libro sulla scultura senese di quel secolo, del 1970 – a Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello; dalla pittura del Seicento fiorentino (e non solo) alla scultura di Cellini e Lorenzo Mochi; dagli artisti italiani ed europei dell’Ottocento alla scultura italiana tra le due Guerre. In una serie di indimenticabili saggi ha affrontato argomenti “trasversali” con un approccio interpretativo originalissimo: ricordiamo qui, tra gli altri, Sul significato della luce nel Caravaggio e in Gianlorenzo Bernini, del 1983; Ritratti petrarcheschi, del 1997; L’iconologia generale e Rodolfo, del 2012. È impossibile comprimere nello spazio di poche righe la portata dei suoi studi come storico dell’arte di respiro internazionale, e l’importanza del suo insegnamento: a testimoniare la straordinaria personalità di Carlo Del Bravo, la sua schiettezza severa nel rapporto con gli studenti, la fiducia che sapeva ispirare e che riponeva in loro, sta oggi questo dono alla città di Firenze e all’Italia, per mano del suo allievo ed erede Lorenzo Gnocchi.

LE OPERE D’ARTE DELLA DONAZIONE

Entra così a far parte del patrimonio pubblico lo stralunato, irriverente San Giovannino del Rosso

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Fiorentino – l’ultimo quadro del grande pittore manierista finora in mani private – e farà parte del nuovo allestimento della pittura del primo Cinquecento agli Uffizi (in corso di preparazione). Due tele tra le più struggenti del fiorentino Jacopo Vignali – il Giovane flautista e Gesù incoronato di spine – verranno esposte nella Galleria Palatina. Ma la maggior parte della collezione, con opere di maestri dell’Ottocento come Giuseppe Bezzuoli, Léon Bonnat, Antonio Ciseri, Raffaello Sernesi, e molti altri; nonché dipinti di amici artisti come Bruno Innocenti, Giovanni Colacicchi, Renzo Dotti e Rodolfo Meli, verrà esposta in due sale dedicate nella Galleria d’Arte Moderna di Palazzo Pitti, che verrano restaurate e allestite nei prossimi mesi: spazi per molti decenni chiusi al pubblico e utilizzati come uffici, ma con una veduta spettacolare sui monumenti di Firenze che sempre incantava Del Bravo quando si affacciava a quelle finestre. Altre due sale adiacenti, anch’esse inaccessibili da più di mezzo secolo e ultimamente adoperate come depositi, ospiteranno di nuovo le sculture di Domenico Trentacoste (1859-1933), come era in origine. La collocazione del lascito Del Bravo alla Galleria d’Arte Moderna di Palazzo Pitti è particolarmente appropriata, dato che lo studioso è stato per decenni membro della Commissione per la valutazione e le nuove acquisizioni della Galleria d’Arte Moderna di Palazzo Pitti, che in quegli spazi si riuniva regolarmente. All’interno di questo organo, Del Bravo ha

437 Desde las orillas del Sena rappresentato un modello culturale all'avanguardia per scelte e indirizzo metodologico, caldeggiando acquisti di importanza fondamentale fra cui i disegni di Pietro Benvenuti, il celebre Paesaggio a Grizzana di Giorgio Morandi, la stele marmorea di Lorenzo Bartolini.

Inoltre, è in preparazione una mostra su Carlo Del Bravo come collezionista, studioso e maestro di generazioni di studenti, e un catalogo scientifico completo di tutte le opere della sua collezione. Secondo la politica delle Gallerie degli Uffizi di contribuire attivamente al risveglio culturale del territorio, alcuni gruppi di opere dal Lascito Carlo Del Bravo saranno esposte a San Casciano Val di Pesa, luogo di nascita e della prima infanzia dello studioso.

Commenta il direttore delle Gallerie degli Uffizi Eike Schmidt: “Così come negli studi accademici, anche la collezione che Carlo Del Bravo mise insieme nel corso della sua vita – una delle più importanti donazioni ai musei fiorentini dal secondo dopoguerra– è il frutto di una vita all’insegna di passione del sapere e senso del bello, studi rigorosi e intense amicizie artistiche. Proprio questi valori hanno ispirato oggi l’atto di generosità compiuto dal suo allievo ed erede universale Lorenzo Gnocchi, che ha consegnato i tesori più preziosi, personali ed intimi del suo maestro al popolo italiano intero: si realizzano così la volontà e le speranze del

438 Desde las orillas del Sena testatario, con lungimiranza e vero amore filiale verso uno dei più grandi storici dell’arte che il secondo Novecento ha visto”.

Lorenzo Gnocchi, professore di storia dell’arte all’Università degli studi di Firenze, allievo ed erede universale di Carlo Del Bravo: “Carlo Del Bravo ha consacrato l’intera sua esistenza alla bellezza portatrice di grandi pensieri, ed ha rappresentato una vera luce, negli studi, nell’insegnamento, come nelle amicizie. Egli ha profuso gran parte delle proprie, molte, forze umane ed intellettuali, con severità, ma anche con affettuosa partecipazione, con straordinaria chiarezza e lessicale elezione, e privilegiando una didattica seminariale; instaurava così con gli allievi vere amicizie fondate sull’intesa dei valori dell’arte e della bellezza: i corsi presentavano ogni anno argomenti nuovi e metodologicamente formativi, e le «Lezioni di lettura e attribuzione di opere d’arte» dal XV al XXI secolo allargavano la conoscenza a quegli artisti che egli presentava in largo anticipo sui tempi della loro riscoperta, come, già dagli anni sessanta, i pittori scandinavi, gli «accademici» italiani ed europei dell’ottocento, le secessioni fotografiche, gli scultori figurativi fra le due guerre”.

Félix José Hernández.

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Petrit Halilaj en el Palacio de Cristal de Madrid

París,7 de agosto de 2020.

Querida Ofelia:

El artista Petrit Halilaj (Kostërrc, Skenderaj, República de Kosovo, 1986) presenta su proyecto personal para el Palacio de Cristal titulado A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados, en el que vemos grandes flores y elementos de la naturaleza de los que sirve el autor para abordar temas como el hogar, la nación, la identidad

440 Desde las orillas del Sena cultural y el amor. Se trata de la primera muestra individual que se le dedica a Halilaj en España, y de la primera que se inaugura en el Reina Sofía después de la pandemia, que hizo que este montaje quedara interrumpido.

A un cuervo y los huracanes...es un proyecto que tiene mucho de colaborativo, de implicar a varias personas en su planteamiento, en una época en la que se ha visto que ha de primar el trabajo conjunto por encima de las individualidades para conseguir avanzar como sociedad.

Halilaj ha estado trabajando dos años en esta exposición, e investigó mucho acerca de los orígenes del Palacio y de la primera exposición que hubo en 1887: “Este es un lugar increíble, pero bastante difícil para trabajar. Me gustan mucho los lugares altos y poder jugar con los equilibrios entre el espacio y la obra”, declara el propio artista. “Yo veo el Palacio de Cristal como una plaza abierta donde la gente está invitada a transitar libremente. Me gusta concebir mis exposiciones como espacios públicos”. Para crear ese ambiente de tránsito, se han abierto varias ventanas del Palacio e instalado estructuras y comederos que atraigan a las aves y demás insectos que habitan el Parque del Retiro. Los pájaros son un elemento muy recurrente en su trabajo, y representan la metáfora de la libertad sobre lo que no pueden hacer los humanos: volar y vivir sin fronteras.

441 Desde las orillas del Sena

Halilajse ha inspirado en el singular ritual de apareamiento de los bowerbirds, unas aves que construyen elaboradas estructuras (bowers) y las decoran con objetos coloridos para atraer a la pareja. Son como grandes nidos donde buscan su hogar, el refugio donde sentirse seguros y formar su familia. También está la obra History of a Hug [Historia de un abrazo, 2020] en la que un cuervo blanco antropomórfico sostiene un trozo de madera. Esta pieza alude a un momento particular en la historia familiar de Halilaj: El tronco era la herramienta de trabajo de su abuelo en el campo y el objeto que sostenía cuando supo que su esposa había dado a luz a su primer hijo. Incapaz de expresar en público su alegría, que podría haber sido interpretada como un signo de debilidad en una sociedad patriarcal, abrazó el poste con tanta fuerza que pensó que lo rompería. Para el artista el motivo del cuervo blanco sugiere también la diversidad, la lucha y la resistencia al cambio para ser aceptado.

Otra de las piezas centrales es Here To Remind You[Aquí para recordarte, 2020], dos grandes patas de pájaro majestuosas que se tocan entrelazadas y que simulan dos personalidades diferentes: dos pájaros que se hacen uno.

El otro componente fundamental de la exposición son las grandes flores que decoran el Palacio. Están realizadas en un marco de acero y lienzo pintado, y son fruto del

442 Desde las orillas del Sena trabajo colaborativo con su compañero Álvaro Urbano, también artista. Su elección forma parte de la historia personal que les une y tiene el propósito de celebrar su relación: forsythias, semillas de palma, flores de cerezo, amapola, clavel y lirio. Todas ellas son flores que tiene un significado especial para Petrit, ya que han formado parte de su vida en momentos puntuales de su relación con sus familiares y con los de Álvaro. “He querido trata el Palacio de Cristal como un lugar de celebración del amor”, cuenta el artista, “y en origen, este proyecto incluía una performance simbólica simulando una unión matrimonial entre Álvaro y yo”.

Todo el trabajo de Halilaj gira alrededor de la apertura de espacios, de la metáfora de la libertad a través del vuelo de los pájaros, y de cuestionar las barreras sociales y políticas: “Para mí, estar aquí en España es un hecho muy importante. Kosovo está muy aislado, no tenemos visados, y como sucede con otros muchos países, España no nos reconoce como estado. Pero, por otro lado, aquí tengo la libertad personal que no encuentro en mi país. Ser una persona homosexual supone que mi amor no es plenamente reconocido ni por mi familia ni por la mayoría de la sociedad kosovar, y eso es algo también muy complicado para mi”.

Petrit Halilaj fue el artista que representó a Kosovo en su primer pabellón en la 55ªBienal de Venecia (2013) y ha participado en la 57ª Bienal de Venecia (programa

443 Desde las orillas del Sena internacional) así como en la 6ªBienal de Berlín (2010)y en la 15ª Bienal de Lyon (2019). A pesar de su corta edad, su trabajo ya ha sido objeto de exposiciones individuales en museos y centros de arte como, entre otros, Hangar Bicocca (Milán, 2015), Bundeskunsthalle (Bonn, 2015) o New Museum (Nueva York, 2017).

Petrit Halilaj. A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados.

FECHAS:16 de julio de 2020 -28 de febrero de 2021

LUGAR: Palacio de Cristal

ORGANIZACIÓN: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

COORDINACIÓN: Soledad Liaño.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

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“Que nos roban la memoria” en el Museo Reina Sofía

Madrid, 8 de agosto de 2020. Querida Ofelia: La exposición Que nos roban la memoria, de Concha Jerez(Las Palmas de Gran Canaria, 1941), Premio Velázquez de artes plásticas 2017, tiene como principal eje vertebrador el concepto de la memoria, una cuestión que ha ocupado gran parte de su trayectoria. Con esta temática de fondo, la artista recupera y revisa su trabajo desde los años setenta hasta la actualidad desde una perspectiva en la que se entrecruza su propia memoria personal con la memoria colectiva para abordar de forma crítica asuntos relativos a la represión de la libertad, la censura política y artística o la marginación de determinados colectivos sociales. En las obras e instalaciones multimedia (vídeo, audio, fotografía) que pueden verse en la muestra-organizada por el Museo Reina Sofía con la colaboración de la

445 Desde las orillas del Sena

Comunidad de Madrid-aparecen a menudo dos de los elementos utilizados por Concha Jerez desde los inicios de su carrera: las noticias de prensa y los escritos autocensurados como caligrafía ilegible. A ellos ha incorporado temas de actualidad, especialmente aquellos relacionados con el feminismo y la inmigración y su olvido o maltrato en los medios y en las políticas oficiales. Además de la memoria, en su actual etapa personal de reflexión y síntesis de épocas anteriores, Concha Jerez trata otra serie de temas con los que ha venido trabajando recurrentemente a lo largo de estos últimos cuarenta años, como las ideas de ambigüedad, cotidianidad, medición, tiempo, utopía o la vigilancia electrónica y los límites. La exposición se despliega por diversos espacios del edificio Sabatini del Museo. En la Sala de Bóvedas-en el sótano-y en la planta tercera se presenta una retrospectiva parcial en la que pueden verse algunas de las primeras obras de la artista sobre papel, que han sido expuestas raras veces desde los años setenta, así como instalaciones realizadas a partir de los años ochenta.

La Sala de Protocolo, en la planta primera, muestra una selección de dibujos originales de proyectos de Concha Jerez, un enlace virtual a la Base de Datos Ideas Instaladas y a la Base de Datos de Jerez y el músico José Iges Expanded Radio, bocetos de experimentaciones con

446 Desde las orillas del Sena diversas materias (1972-73), bocetos y obras minimalistas (1972-75), obras originales de Mail Art, objetos intervenidos y publicaciones de la autora. Por último, Concha Jerez ha tomado las cuatro escaleras de piedra como soporte para crear para esta ocasión cuatro nuevas intervenciones específicas como espacios de memoria: la Memoria olvidada, la Memoria autocensurada, la Memoria escrita y oralizada, y la Memoria silenciada. Esta es la primera vez que una exposición utiliza estos cuatro lugares singulares a la vez, que para la artista definen el tránsito por ellos delos diversos tiempos de memoria de los que ha sido testigo el edificio, de antiguo hospital de la beneficencia al museo de hoy. Intervenciones específicas en las escaleras de Sabatini Para esta exposición, Concha Jerez ha creado cuatro espacios de memoria en las escaleras de piedra del edificio Sabatini, siendo tratada cada una como una sola obra en su totalidad. Así, en una de ellas se desarrolla la instalación Xm3 de Memoria Escrita y Oralizada, y pone en escena una especie de laberinto sonoro creado a partir de composiciones nuevas, surgidas del conjunto de un gran número de grabaciones de poetas internacionales - muchos de ellos ya desaparecidos-, leyendo su propia poesía. Las fuentes de sonido parten de tiestos ubicados en cuatro sillas distribuidas por los rellanos con acetatos transparentes intervenidos con escritos ilegibles

447 Desde las orillas del Sena autocensurados. Como acompañamiento visual, en el hueco central de la escalera se muestran cuatro escaleras de aluminio intervenidas con acetatos transparentes, procedentes de la instalación de la autora Jardín de Palabras Escritas (2001). Otra escalera la ocupa la instalación Xm3 de Memoria Autocensurada donde, además de intervenir las ventanas, se han situado unos módulos integrados por una silla y una mesa cubierta totalmente por un poliéster translúcido intervenido con escritos ilegibles autocensurados. En una tercera, la instalación lleva por título Xm3 de Memoria olvidada, cuyo tema específico se centra en la consideración del edificio de Sabatini como un testigo del olvido generalizado de hechos y realidades importantes acaecidas en el siglo XX. En los primeros tramos de este espacio figura una intervención que parte de la instalación de la artista Que Nos Roban La Memoria (2002-2020) integrada por imágenes paradigmáticas de hechos relevantes del siglo XX aparecidas en la prensa e intervenidas por la autora, mezcladas con imágenes anónimas inexistentes de acontecimientos que pudieron haber ocurrido, pero que no aparecieron fotografiados por los medios. También dialoga con la escalera otra intervención que parte de su obra en proceso Paisaje De Memoria (2006- 2020) integrada por necrológicas aparecidas en la prensa a lo largo del tiempo, que presentan personajes

448 Desde las orillas del Sena relevantes, muchos de ellos olvidados, y recuperada su memoria a través de dicha prensa. También estas necrológicas aparecerán mezcladas con retratos anónimos de personas que nunca aparecieron en las necrológicas. Xm3 de Memoria Silenciada es la obra creada para la cuarta escalera y su temática se basa en huellas y testimonios de la represión franquista en sus diversos aspectos sucedidos en el período que va desde 1939 a la transición democrática. En ella aparecen una serie de jaulas en cuyo interior un dispositivo reproduce audios de testimonios orales significativos de personas que sufrieron directamente la represión franquista. Además, se muestra un video con imágenes correspondientes a lugares de reclusión y tortura del franquismo, de campos de refugiados, de lugares de ejecuciones y de personas represaliadas, en la intervención también figuran listados de nombres de personas ejecutadas por la dictadura en el período posterior a la guerra civil escritos a mano por la artista. Por otro lado, aparecen en este espacio, ya en el acceso a la sala de Bóvedas, obras anteriores de Jerez como Límite de la cotidianeidad (1986) o Diario Límite (1996). En Retrato Interior de Rosario (1997), la artista parte de una fotografía -tomada de la prensa inglesa-del rostro de una madre salvadoreña anciana, nacida en 1898, forzada a huir, con los nombres y fechas de nacimiento y muerte de

449 Desde las orillas del Sena los quince miembros de su familia asesinados a lo largo de su vida, atrapada entre dos parrillas de asar. Finalmente, para reforzar el aspecto unitario de la obra realizada en cada escalera, en todas ellas se ha realizado una intervención mediante vinilos que desarrolla como tema la dicotomía entre los conceptos de Paisaje Interior y Paisaje Exterior de Memoria.

Sala de Bóvedas y 3ª Planta En la sala de Bóvedas y en la planta tercera del edificio Sabatini se presenta trabajos anteriores de Concha Jerez. Así, en la primera sala mencionada se pueden contemplar obras esenciales de la autora que han sido realizadas por la misma a lo largo de los años como Medida Límite (1986-1996), Muro de Silencio (1986) o Jardín de Ausentes(2002). Esta última es una instalación con video en el que aparecen, sobre los restos de un viejo barco abandonado que la cámara recorre, fotos de algunos personajes relevantes del siglo XX y cuya banda sonora incorpora las voces de algunos de ellos –Marinetti, Orson Welles, James Joyce o Gertrude Stein–. En tres espacios de la tercera planta del edificio Sabatini, zona en la que la artista ha realizado también intervenciones que parten de su definición del silencio como aspecto complementario de la memoria, figuran diferentes obras de Concha Jerez.

450 Desde las orillas del Sena

Por ejemplo, uno de ellos alberga la instalación El Lado Oscuro del Espejo(1997), que tuvo su origen en las acciones que con el título de Paréntesis de Interferencias fueron llevadas a cabo por la artista durante dos semanas en el Centro Penintenciario de Carabanchel -sección de hombres-en 1994 cuando todavía funcionaba como cárcel, a partir del día 6 de diciembre, día de la Constitución Española. Esta pieza visual y sonora, está integrada por seis pupitres de hierro con flexors y con libros de artista y luces giratorias de alerta situadas debajo de los mismos. Esta sala está vigilada por una cámara de seguridad cuyas imágenes en tiempo real se pueden ver de forma continuada en un monitor fuera de la misma. Otro ejemplo es Caja de Memoria (1988-2020), un contenedor de memoria que vuelve a centrarse en personas relevantes en la historia de la humanidad, unas veces reconocidas y otras anónimas cuyas necrológicas han aparecido en periódicos diarios. En una caja transparente se recogen vasos de cristal transparentes en cuyo interior se sitúan fotocopias intervenidas en acetato transparente –procedentes de la prensa diaria-, de necrológicas de mujeres que han sido relevantes o que han permanecido anónimas precisamente por su condición de ser mujeres. Sala de Protocolo

451 Desde las orillas del Sena

Finalmente, la exposición presenta en la Sala de Protocolo el archivo personal de Concha Jerez para ilustrar el recorrido que en el contexto del arte ha venido realizando la artista a lo largo del tiempo. En él se incluyen, de forma selectiva, materiales diversos pertenecientes a la artista, recopilados por la misma desde comienzos de los años setenta hasta 2020. Dicho archivo está compuesto por proyectos de instalaciones; bocetos, dibujos, pequeñas obras, libros de artista y obras de Mail Art. Catálogo Con motivo de la exposición, el Museo Reina Sofía publica un catálogo en castellano e inglés que, además de incluir imágenes de las obras e instalaciones de la muestra, incluyen ensayos de autores como Fernando Castro Flórez, José Iges, Nieves Correa, Karin Ohlenschläger y Mieke Bal. Concha Jerez. Que nos roban la memoria 28 de julio de 2020 / 11 de enero de 2021. Museo Reina Sofía (Madrid). Edificio Sabatini. 3ª Planta, Sala de Bóvedas, Sala de Protocolo y escaleras. Comisario: Joao Fernandes. Coordinación: Patricia Molins. Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid, Félix José Hernández.

452 Desde las orillas del Sena

¡Qué testimonien los verdaderos protagonistas de la Conspiración Trujillista--Batistiana, no los farsantes!

Foto: Roger Redondo al centro, escribiendo un informe al lado de Jesús Carreras. Podemos reconocer a la derecha a Joaquín Rodríguez y Efrén Mur, en el centro a Vázquez Robles el Bibe.

París, 10 de agosto de 2020.

Querida Ofelia:

Te envío una carta testimonio que me hizo llegar desde Miami nuestro viejo y querido amigo Miguel García, ex

453 Desde las orillas del Sena combatiente del Segundo Frente del Escambray contra el régimen de Fulgencio Batista.

“Miami, 8 de agosto de 2020.

En estos días del Coronavirus unos buscan entretenerse de la mejor manera leyendo, pero ya yo deje esa costumbre hace mucho rato, en mi casa de Westchester donde viví 37 años lo hacía mucho y mi amigo de la lucha en el Escambray Roger Redondo González, me visitaba diariamente y nos poníamos a recodar lo que nosotros vivimos en el tiempo que estuvimos en esa lucha militar contra el gobierno de la tiranía de Batista.

Roger que aparenta ser un guajiro y no lo es, se aparecía bien temprano con una telera de pan y pasteles y yo hacía un batido de frutas tropicales cosechadas en el poblado de Homestead aquí en el sur de la Florida.

Después Roger se recostaba en un reclinable y yo en la computadora, y como yo no soy mecanógrafo, con los dos dedos empezaba a escribir nuestras anécdotas que vivimos en el Escambray, un día yo comenzaba y otro día comenzaba él.

Roger con una historia revolucionaria más amplia que la mía y con una mente privilegiada, me iba contado y algunas veces me ampliaba mis conocimientos de lo que

454 Desde las orillas del Sena vivimos en esa lucha desigual que nosotros sin armas ni pertrechos, de comida ni una retaguardia y con el bloqueo de los dirigentes del Movimiento 26 de Julio y los demás dirigentes de la lucha contra el régimen de Batista. Pudimos luchar por más de 14 meses y resistir en aquel lomerío, del que los expertos decían que allí no se podía hacer un frente militar.

Pero bueno en estos trajines en este mes de julio me encontré con mi amigo Haroldo Morales y me regaló un libro que se titula " Una Fascinante historia” , y en letras más pequeñas La Conspiración Trujillista.” Al yo ver eso me dije: bueno ahora tengo algo para leer, y pensé en Roger que se conoce esta historia muy bien. Roger desde el Escambray era el hombre en el que Menoyo confiaba para averiguar e investigar los problemas que allí se sucedían, y como yo soy un poco desconfiado, me fui a la página de los agradecimientos y vi que mencionaban al II Frente del Escambray. Me dije: este libro parece que está bueno, Pero…¿Cuál no sería mi sorpresa después de seguir hojeándolo y constatar que no aparece ninguno de los verdaderos protagonistas de ese hecho que ocurrió en los meses del año de 1959? Me encabroné tanto que llamé a Roger y le dije: Roger tú y Fidel Salas Veloso son los únicos seres conocedores vivos que quedan, de estos hechos y no han escrito nada. Roger me contestó -“pero Miguelito tú eras el jefe de la policía de Trinidad en esos tiempos, por eso Eloy cogió

455 Desde las orillas del Sena la ciudad de Trinidad para engañar a Trujillo, si ellos averiguaban sabrían por su inteligencia que tú eras del II Frente del Escambray.” A lo que yo le respondí- “en aquellos días yo estaba preso en Santa Clara por un incidente que tuve en Camajuaní, tú eres el que sabe la verdadera Historias y cómo se produjeron los hechos.” A partir de ese día, Roger se está dedicando a escribir su experiencia en la Conspiración Trujillista-Batistiana. Les aconsejo que la lean, pues él es el único sobreviviente de esos hechos. Lo mejor de todo es que Roger Redondo González nunca dice una mentira. Él contará lo que él vivió en esa época, solamente nos queda esperar su narración.

Miguel García Delgado (Miguelito Camajuaní)

Nota bene: Fidel Salas Veloso, fue herido en ese hecho ocurrido en el avión en el que habían llegado los Trujillistas-Batistianos y donde murieron Eliope Paz Alonso y Frank Hidalgo Gato, ese 13 de agosto de 1959.”

Un gran abrazo desde estas lejanas tierras allende los mares,

Félix José Hernández.

456 Desde las orillas del Sena

El Color vivo de Lee Krasner en el Museo Guggenheim Bilbao

Sirena (Siren), 1966. Óleo sobre lienzo128,6 x 206,1 cm. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington D.C. The Joseph H. Hirshhorn Bequest, 1981, 86.2768. © The Pollock-Krasner Foundation. Fotografía de Cathy Carver, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden.

Bilbao,12 de agosto de 2020.

Querida Ofelia:

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Lee Krasner. Color vivo, una retrospectiva dedicada a la artista neoyorquina pionera del expresionismo abstracto, que

457 Desde las orillas del Sena reúne una amplia selección piezas, algunas nunca antes mostradas en Europa. En la exposición el público comprobará la constante reinvención y exploración que caracteriza a la obra de Lee Krasner (1908-1984) a lo largo de cincuenta años de carrera: desde sus tempranos autorretratos y dibujos del natural, hasta las exuberantes y monumentales obras de principios de la década de 1960, pasando por sus “Pequeñas imágenes” de finales de los 1940 y sus rompedores collages de los 1950.

Nacida en Brooklyn en el seno de una familia inmigrante judía ortodoxa, Lee Krasner decide que quiere ser artista a los 14años de edad. Tras años de esfuerzo en su formación artística, Lee Krasner se convierte en un referente y activo del incipiente Expresionismo Abstracto, un multifacetado movimiento que convierte a Nueva York en el centro del arte en la época de la posguerra.

En 1942 la obra de Lee Krasner se incluye en la exposición de pintura americana y francesa que se celebra en la galería McMillen Inc., junto a la de sus amigos Willem de Kooning y Stuart Davis. El único de los artistas participantes en aquella exposición al que Krasner no conoce es Jackson Pollock, a quien visitará en su estudio y con quien se casará en 1945.

458 Desde las orillas del Sena

A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Lee Krasner rechaza la idea de elaborar una “iconografía de firma”, por parecerle demasiado rígida. La artista trabaja en ciclos y busca continuamente nuevos medios para una expresión auténtica, incluso en sus épocas más difíciles como la que sucede a la repentina muerte de Pollock en un accidente de automóvil en 1956.

RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN

De Lena a Lee

El nombre original de la artista es Lena Krassner, pero en 1922 adopta el más norteamericano “Lenore”, que a su vez se convierte en “Lee” cuando estudia en la Women's Art School de Cooper Union. De esta primera época son los tres autorretratos ubicados al principio de la exposición. Uno de ellos lo pinta el verano de 1928 en la casa de sus padres en Greenlawn, Long Island, para lo cual clava un espejo en un árbol del jardín y plasma su imagen sobre un fondo boscoso.

Con 19 años, graduada y tras un breve periodo en la Art Students League, se dispone a entrar en la prestigiosa National Academy of Design, esperando que su Autorretrato (Self Portrait), c. 1928 le permita el acceso a la clase de dibujo del natural. Aunque en un principio la academia se niega a creer que el retrato haya sido

459 Desde las orillas del Sena realizado en el jardín, considerando que era un retrato de interior con el bosque añadido más tarde Krasner protesta y consigue la admisión. En la Academia, la artista batallará contra el enfoque tradicional de la misma y criticará su “ambiente estéril de [...] mediocridad congelada”.

Dibujo del natural

La Gran Depresión de la década de 1930 obliga a Krasner a abandonar la National Academy y matricularse en un curso para enseñantes en el City College de Nueva York, donde la formación es gratuita. En paralelo empieza a asistir a clases de dibujo del natural en Greenwich House con Job Goodman, que había sido discípulo del pintor regionalista Thomas Hart Benton y defiende un método clásico de dibujo, inspirado en “maestros” renacentistas como Miguel Ángel. Los cuatro Estudios de desnudo (Studies from the Nude, 1933), que se exponen aquí muestran la desinhibición con respecto a la desnudez de Krasner, que utiliza la barra Conté para subrayar la musculatura del cuerpo del modelo.

En 1937 obtiene una beca para estudiar en la Hans Hofmann School en la calle Nueve Oeste de Nueva York. Hofmann es un modernista alemán que ha vivido y trabajado en París y ha conocido a Picasso y a Matisse, que para Krasnerson “dioses”. Hofmann enseña una

460 Desde las orillas del Sena versión del cubismo analítico, preocupándose principalmente por la tensión entre el plano y la tridimensionalidad, a la que denomina el “tira y afloja” de una obra. Los seis dibujos que se exponen aquí muestran las primeras incursiones de Krasner en la abstracción.

Escaparates para el War Service

Tras el desplome económico de 1929, el presidente Franklin D. Roosevelt pone en marcha una serie de programas para reconstruir la economía de Estados Unidos. En 1935 crea la Works Progress Administration (WPA) con objeto de crear puestos de trabajo en obras públicas por todo el país para los millones de desempleados. Ese mismo año se funda, patrocinado por la WPA, el Federal Art Project (FAP), que ofrece apoyo a los artistas y financia proyectos que fomentan el espíritu americano y sus valores de trabajo, comunidad y optimismo.

A lo largo de la década de 1930 Krasner colabora en algunos de estos proyectos y en 1942 le encargan la supervisión del diseño y montaje de veinte escaparates de grandes almacenes de Manhattan y Brooklyn, en los que se anuncian cursos de formación para la guerra. La artista acaba de conocer a Jackson Pollock y consigue que asignen a éste a su equipo de proyecto. Krasner decide

461 Desde las orillas del Sena fotografiar los cursos e integrar las imágenes en sus diseños, junto con una tipografía dinámica y referencias abstractas que sugieren sus intereses artísticos. Aunque estas obras ya no existen, las fotografías de los diseños de los collages originales se proyectan aquí con las dimensiones propias de un escaparate.

Pequeñas imágenes

Cuando Krasner se traslada en el otoño de 1945a Springs, a la granja adquirida gracias al apoyo económico de Peggy Guggenheim a Pollock, está superando un impasse artístico: la muerte de su padre el año anterior le impide pintar otra cosa que lo que ella denomina sus “losas grises”.

Pronto esta inmersión en la naturaleza hace surgir un nuevo tipo de iconografía y Krasner comienza a trabajar en sus “Pequeñas imágenes” (“Little Images”), que son abstracciones vibrantes, semejantes a joyas. En algunas de ellas aplica densas capas de pintura con una espátula, que después trabaja con una brocha dura, mientras que en otras crea una trama de arabescos mediante pintura rebajada con trementina. Ejemplo de estas obras son Color hecho añicos (Shattered Color, 1947), Abstracción nº 2 (Abstract No. 2, 1947), y Sin título (Untitled, 1947). En esta sala se presenta Mesa de mosaico (Mosaic Table, 1947) que la artista realiza partiendo de la rueda de un

462 Desde las orillas del Sena viejo carromato que se encontraba en la granja e incorporando elementos como teselas desechadas, fragmentos de bisutería, llaves, monedas y trozos de cristal.

Stable Gallery

Tras sus “Pequeñas imágenes”, en 1950 Krasner empieza a trabajar para su primera exposición individual, que se inaugurará en la Betty Parsons Gallery en octubre de 1951. Para la ocasión, crea14 obras abstractas geométricas plasmadas en colores suaves y luminosos, que obtienen buenas críticas, pero no son consiguen ser vendidas. La artista, decepcionada, empieza a trabajar en una serie de dibujos en blanco y negro, que va clavando en las paredes del estudio desde el suelo hasta el techo, con la esperanza de que le sugieran una nueva orientación. Un día entra en el estudio, decide que “no los puede soportar” y los rompe. Incapaz de volver al estudio durante varias semanas, cuando lo hace descubre sorprendida que allí hay “un montón de cosas que empiezan a interesarme”.

Los restos de papeles rotos son el punto de partida de una serie de collages, que pega sobre doce de los lienzos de la exposición de la Betty Parsons Gallery. Incorpora trozos de arpillera, hojas de periódico rotas y papel fotográfico, así como algunos de los dibujos de Pollock que éste

463 Desde las orillas del Sena había desechado, añadiendo a todo ello algunas pinceladas de pintura. Todas estas obras de grandes dimensiones como Luz hecha añicos (Shattered Light, 1954), Charla de pájaros (Bird Talk, 1955), Águila calva (Bald Eagle, 1955) y Asclepia (Milkweed, 1955), se exponen en septiembre de 1955 en la Stable Gallery de Eleanor Ward.

Profecía

En el verano de 1956, en un momento complicado en su relación con Jackson Pollock, Krasner pinta Profecía (Prophecy), una obra que no se parece a ninguna de las anteriores, y en la que dominan las formas ondulantes, carnosas, enmarcadas en negro y con toques de rosa que subrayan la iconografía corporal. La propia artista comenta que el cuadro le “inquieta enormemente” y se queda en el caballete cuando ella parte sola en un viaje a Francia. El 12 de agosto, recibe una llamada telefónica en la que se le comunica que Pollock ha fallecido en un accidente de tráfico. Pocas semanas después, Krasner retoma los pinceles y crea tres obras que continúan la serie comenzada con Profecía: Nacimiento (Birth), Abrazo (Embrace) y Tres en dos (Three in Two). Dos de estos lienzos, Nacimiento y Tres en dos, están presentes en la exposición y parecen ser agitados paisajes animados por oscuras fuerzas psicológicas. Preguntada por su decisión de ponerse a pintaren medio del dolor, las

464 Desde las orillas del Sena palabras de Krasner son: “Pintar no es algo ajeno a la vida. Es la misma cosa. Es como si me preguntan si tengo ganas de vivir. Mi respuesta es sí y por eso pinto”.

Viajes nocturnos

En 1957 Krasner decide instalarse en el estudio de Pollock, en el granero de Springs, lo que le permite trabajar en obras de dimensiones hasta entonces implanteables, clavando directamente en la pared los lienzos sin bastidor. Como por aquel entonces padece insomnio crónico, trabaja por la noche y decide restringir su paleta a los colores blanco y tierra tostada, pues no le gusta aplicar el color con luz artificial. La elección del tono terroso umbra confiere a sus obras una calidad orgánica, mientras que las finas capas de pintura hacen que permanezca fiel a su “impulso original”.

Su amigo el poeta Richard Howard bautiza estas obras como sus “Viajes nocturnos”, y la propia Krasner explica que algunos títulos como Asalto al plexo solar (Assault on the Solar Plexus, 1961), eran “embarazosamente realistas [...]. Había tenido un encontronazo con Greenberg, mi madre había muerto [...]. Fue una época muy dura”. El encontronazo al que hace referencia se debe a que el influyente crítico de arte Clement Greenberg decide cancelar una exposición que estaba organizando de Krasner porque no le gusta el rumbo que

465 Desde las orillas del Sena ha tomado su pintura. En lugar de abandonar la serie, la pintora se lanza de lleno y expone las obras resultantes en la Howard Wise Gallery en 1960 y 1962, recibiendo una notable acogida.

Serie primaria

A principios de la década de 1960, Krasner permite que el color vuelva a estallar en sus cuadros. Al igual que sus “Viajes nocturnos”, Otra tormenta (Another Storm, 1963) tiene una paleta reducida, pero el color umbra ha dado paso a un carmín de alizarina más luminoso. Cuando Krasner se rompe el brazo derecho, aprende a manejar la mano izquierda, aplicando la pintura directamente del tubo y utilizando los dedos de la mano derecha para dirigir los movimientos. De este modo crea obras más táctiles, como A través del azul (Through Blue,1963) e Ícaro (Icarus, 1964). En los años siguientes, el gesto de Krasner se hará más suelto, más caligráfico, con atrevidas formas en tonalidades disonantes.

Los colores que utiliza Krasner en esta serie resultan exuberantes, en referencia a Matisse, su héroe artístico, que había declarado que “con el color se obtiene una energía que se diría que procede de la brujería”. La confianza de la que la artista hace gala durante esta época se debe tal vez a la exposición individual que le organiza el comisario Bryan Robertson en la Whitechapel Gallery

466 Desde las orillas del Sena de Londres en 1965; essu primera exposición en una institución pública y obtiene unas críticas muy positivas. Dibujos de la serie primaria Para Krasner, cada cuadro tiene que surgir auténticamente desde dentro, de modo que nunca realiza bocetos preparatorios. Sin embargo, en 1968 se hace con un lote de papel elaborado a mano por el artesano local Douglass Howell, y decide utilizarlo para un nuevo corpus artístico, experimentando con la sencillez de utilizar uno o dos pigmentos puros: “Tenía unas ganas locas de hacer aquello y se vendieron en un santiamén”. La exposición presenta catorce de estas obras.

Palingenesia

A principios de la década de 1970, Krasne revoluciona, pasando de las suaves formas biomórficas de sus últimas obras a unas composiciones abstractas con elementos más recortados. Se ha ganado su reputación como colorista con la exposición de 1955 en la Stable Gallery y con su más reciente “Serie primaria”, pero en este momento su obra tiene una energía más reposada. Como observa la historiadora del arte Cindy Nemser, da la impresión de que aquellos nuevos cuadros son “expansivos, aunque contenidos [...] regios y de lentos movimientos”.

467 Desde las orillas del Sena

Expuestos en primer lugar en la Marlborough-Gerson Gallery, los cuadros forman un destacado conjunto en la exposición Lee Krasner: Large Paintings (Lee Krasner: Obras de gran formato), comisariada por Marcia Tucker y celebrada en el Whitney Museum of American Art en 1973; es la primera gran muestra individual de su obra en una institución pública en Nueva York, su ciudad natal. Los cuadros dan fe de la fuerza creativa de Krasner, incluso en la última etapa de su carrera. Palingénesia (Palingenesis, 1971), el lienzo de mayores dimensiones en este espacio, toma su título de la palabra griega que significa “nacer de nuevo”, un concepto fundamental en la práctica de Krasner. Como explica la artista en una entrevista con la comisaria Barbara Rose, “evolución, crecimiento y cambio prosiguen. El cambio es vida”.

Once maneras

En 1974 Krasner encuentra una vieja carpeta con dibujos realizados por ella cuando estudiaba en la escuela de Hans Hofmann, y decide utilizarlos como materia prima para una nueva serie de collages: los corta con tijeras en formas angulares, y los dispone en dinámicas composiciones sobre el lienzo, a modo de espejo de la geometría de los dibujos originales. Incorpora así mismo las imágenes espectrales que aparecen en el reverso de algunas de las hojas y deja otras zonas del lienzo sin trabajar, reflejando el espacio vacío alrededor del modelo

468 Desde las orillas del Sena desnudo. Los collages se exponen en la Pace Gallery en 1977 bajo el título colectivo “Eleven Ways to Use the Words to See” (“Once maneras de utilizar las palabras para ver”), titulando cada obra con una forma verbal diferente, como Pretérito imperfecto de indicativo (Imperfect Indicative, 1976), Imperativo (Imperative, 1976) y Futuro de indicativo (Future Indicative, 1977). Numerosas reseñas se centraron en el ingenioso uso de una obra previa con tanta carga emocional, y Art in America comentó que “la energía [de los dibujos] se ve recargada por la energía de esta reelaboración, que por un lado los idolatra, como tantos otros trofeos, y por otro lado los rechaza como parte de un pasado mediocre.”

Lee Krasner fallece el 19 de junio de1984, recibiendo al final de su vida el reconocimiento que tanto se merecía. Sin embargo, ella misma reconoce que, en determinados aspectos, el hecho de que se le hubiera ignorado había sido una “bendición”. Liberada de una gran presión crítica y del control de una camarilla de marchantes y coleccionistas, Krasner crea las obras que se ve impulsada a hacer fluyendo a su antojo con cada nueva corriente, sin verse nunca obligada a repetirse. Esta exposición ha sido posible gracias al apoyo de la Terra Foundation for American Art.

Lee Krasner. Color vivo

469 Desde las orillas del Sena

●Fechas: 18 de septiembre 2020 –10 de enero 2021.

●Comisarias: Eleanor Nairne, Barbican Art Gallery y Lucía Agirre, Museo Guggenheim Bilbao.

●Exposición organizada por el Barbican Centre de Londres en colaboración con el Museo Guggenheim de Bilbao.

Un gran abrazo desde la culta Bilbao,

Félix José Hernández.

470 Desde las orillas del Sena

La Conspiración Trujillista. Efeméride

Inicio del desfile por los mártires de la Trujillista, La Habana.

París, 13 de agosto de 2020.

Querida Ofelia:

Te envío este interesante artículo que me hizo llegar hoy desde La Habana el Sr. Frank Artola Rodríguez:

“La Habana, 13 de agosto de 2020.

13 de agosto: aniversario 61 de unos sucesos casi inverosímiles, bien organizados, y naturalmente secretos en su momento. Lamentablemente, hoy se aúnan

471 Desde las orillas del Sena criterios y testimonios de personajes sin relevancia en aquellos acontecimientos.

En el mes de Febrero del año 1959, al Comandante del Ejército Rebelde William A. Morgan le ofrecen una recompensa de 1 Millón de dólares para asesinar al líder revolucionario Fidel Castro.

Mes de FEBRERO.: Apenas unos 40 días luego del triunfo de los guerrilleros, creo nadie se había opuesto públicamente a los vencedores.

El Cdte. Morgan pertenecía al II Frente Nacional, frente que había sido el baluarte indiscutible de los territorios villareños. Hoy a Morgan le acusan de agente CIA. Nadie a enseñado un documento que lo demuestre.

Fragmento de discurso Cdte. Fidel Castro el 13 Marzo, 1959:

‘¡ porque cuando empezamos la guerra vinieron también los técnicos de guerra!, los militares, ¡los que no confiaron!, a decir que era un fracaso, que era una locura, que de acuerdo con las leyes de la guerra, esa guerra era una locura!, etcétera, íbamos a ser derrotados.

El resultado fue que todos los técnicos se equivocaron, los que no confiaron se equivocaron! y los guajiros de la Sierra Maestra y del Escambray!, ¡ el Segundo Frente

472 Desde las orillas del Sena

Nacional, está aquí, en La Habana, derrotaron a la tiranía ! (APLAUSOS). Si, derrotaron a la tiranía.¡(APLAUSOS , VIVA FIDEL, VIVA EL II FRENTE)’

Curioso, no mencionó al Directorio Revolucionario en ninguna parte de su largo discurso homenaje por el asalto a Palacio.

Entonces, luego de la proposición de atentado, William se va a informar al Cmte. Eloy Gutiérrez Menoyo y se dirige a su apartamento de Calle Línea y F, Vedado. Allí le dicen / está almorzando en la fonda de la esquina/. Esta fonda, barata, servía almuerzo a miembros del Ejército Rebelde por acuerdo con el Gobierno Provisional. El E.R, aun no percibía salario. Los oficiales del II FNE, se alojaban cerca del apartamento del Jefe en modestos alojamientos de una o dos habitaciones, en edificios cercanos o casas de huéspedes.

En la Fonda de F y 11, Vedado, la Habana, (aún existe el local) encuentra a los Comandantes Eloy, y Lázaro Artola. Eufórico, les plantea la posibilidad de timar al contratista del atentado a favor de la Revolución.

La idea es buena. Luego de un breve análisis entre ellos, el Comandante Lázaro Artola parte para informarle a Fidel.

473 Desde las orillas del Sena

Lázaro se entrevista con el Cdte. Ramiro Valdés, y a partir de ahí, luego de ser informado, Fidel se pone al frente de la conspiración y además la hace crecer.

A Fidel se le ocurre “dar cordel”, como en la pesca. Le proporciona a Willian una casa bien grande en el reparto Miramar, para que fluya la operación.

Miles de dólares se entregan, William trae armas “clandestinas” y propone aviones y ejércitos. Rafael L. Trujillo, cayó en el “jamo “y aportaba esporádicamente armas y dinero.

Fidel deja a los Cdtes. del II FNE al frente de los contactos iniciales y en el desarrollo de los mismos. De los Cmdtes, del 26/7, tengo entendido, solo Ramiro, Raúl y Camilo sabían de esto. Esta operación, fue estrictamente SECRETA.

El capitán Roger Redondo Jfe. Inteligencia del II FNE entregaba partes al Cmte. Raúl Castro. Cuando algo se complicaba Eloy, William o Artola se entrevistaban con Fidel.

Llego un momento en que Eloy se desvinculó de la conspiración. Siempre había soñado con ir a luchar contra el dictador español Francisco Franco. Tiempo después de comenzar la intriga se fue a Europa con algunos hombres para preparar un movimiento antifranquista. Fue detenido en Bélgica, con hombres y

474 Desde las orillas del Sena pertrechos militares. Por mediación del embajador cubano Arcos Bernes se logró su liberación. Esto desmiente cualquier insinuación de que Eloy quería cargos en el gobierno revolucionario. Luego, se reinsertó en la Conspiración Trujillista.

Esta trama dura 6 meses y medio. Ya, no da más, se filtran algunos detalles, El cte. en Jefe, decide parar. Eloy propone Trinidad para el desenlace. Fidel aprueba. También se acuerda NO fusilar a nadie, de nuevo, Fidel acepta.

Hoy los libros mencionan argumentos de una serie de Comandantes que no tuvieron ningún protagonismo en aquellos hechos, ni conocían lo que Fidel y los Comandantes del II FNE habían tramado.

El día 13 de agosto fue el desenlace de aquella conspiración. El último avión con personal y armas tuvo que ser neutralizado combatiendo. La operación de captura la dirigió el Cdte. Lázaro Artola con hombres seleccionados de su confianza. Muertos y heridos de ambos bandos.

Este acontecimiento fue noticia de relevancia Internacional. Hoy apenas se menciona porque algunos de sus protagonistas no se alinearon con el actual sistema político.

Los Mártires los puso el Segundo Frente Nacional.

475 Desde las orillas del Sena

Frank Artola, miembro de la UNEAC, Artes Escénicas. Cuba.”

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

476 Desde las orillas del Sena

Gallerie degli Uffizi. Una mostra virtuale per celebrare la festa dell’Assunzione

Firenze, 14 agosto 2020.

Online da oggi sul sito del museo, ne sono protagonisti i due capolavori “gemelli” di Andrea del Sarto: l’Assunta Panciatichi e l’Assunta Passerini, entrambe custodite nella Galleria Palatina di Palazzo Pitti

“Perpetua virginitas”: una mostra virtuale con protagonisti due capolavori “gemelli” di Andrea Del

477 Desde las orillas del Sena

Sarto, l’Assunta Panciatichi e l’Assunta Passerini, per celebrare la festività cristiana dell’Assunzione di Maria in cielo, coincidente con il Ferragosto. L’ipervisione, a cura di Anna Bisceglia, è presentata dalle Gallerie degli Uffizi ed è online da oggi sul sito del museo (all’indirizzo www.uffizi.it/mostre-virtuali/assunta- andrea-del-sarto).

Celebrato il 15 di agosto, il passaggio di Maria al cielo non solo nello spirito ma anche nel corpo, in quanto madre di Cristo, nasce molto presto nella devozione cristiana e si afferma soprattutto durante il Medioevo e nei secoli successivi. La Galleria Palatina di Palazzo Pitti ne custodisce due superbe raffigurazioni, argomento della mostra virtuale di questo Ferragosto: l’Assunta Panciatichi e l’Assunta Passerini, entrambe opere di Andrea del Sarto, realizzate tra il 1523 e il 1526 e tra le più spettacolari del grande pittore fiorentino del Cinquecento. L’ipervisione offre la possibilità di avvicinarsi ai due dipinti, spiegandone l’iconografia, la committenza, il passaggio alle collezioni granducali (che nel caso dell'Assunta Passerini fu davvero traumatico, perché venne comperata dal Granduca Ferdinando II che pagò sì alla chiesa dei Serviti di Cortona una cospicua somma di danaro, ma non riuscì ad evitare una vera e propria insurrezione popolare dei fedeli inferociti per la sottrazione). L’ipervisione accompagna il visitatore alla scoperta dei particolari più suggestivi e curiosi dei

478 Desde las orillas del Sena dipinti, rivelando anche il processo utilizzato da Andrea del Sarto nel preparare i suoi lavori. Una serie di disegni conservati al Gabinetto dei Disegni e delle Stampe permette infatti di entrare nei meccanismi creativi dell’artista: il tratteggio minuzioso dei singoli dettagli e soprattutto lo studio del corpo umano dal vero, per renderlo più vivo e reale nella stesura finale dell’opera. Oltre ai dipinti di Andrea del Sarto vengono presentate altre raffigurazioni dell’Assunzione di Maria e di episodi che precedono l’evento: tra questi anche l'Annuncio dell'Angelo a Maria nell’incisione di Federico Zuccari e la splendida Incarnazione di Gesù e santi di Piero di Cosimo.

Il direttore delle Gallerie degli Uffizi Eike Schmidt: “Le Gallerie degli Uffizi propongono regolarmente mostre virtuali in occasione delle principali festività. Nel giorno di Ferragosto, ricordiamo quella dell’Assunta con una rassegna di immagini ad alta definizione e schede esplicative: l’intento è indurre a osservare opere sublimi delle nostre collezioni con occhio attento ai significati, ai contenuti, ai processi esecutivi dei manufatti artistici”.

Ufficio stampa Gallerie degli Uffizi. Opera Laboratori Fiorentini – Civita. Andrea Acampa.

Félix José Hernández.

479 Desde las orillas del Sena

Carta de Ernesto Che Guevara a la Revista Bohemia

480 Desde las orillas del Sena

París, 18 de agosto de 2020.

Querida Ofelia:

Te envío este interesante artículo que me hizo llegar hoy desde La Habana el Sr. Frank Artola Rodríguez, miembro de la UNEAC, Artes Escénicas. Cuba:

“Carta del comandante Guevara (Título de la Revista Bohemia.)

Un escrito poco divulgado del Cmdt. Che Guevara. Al leerla, me recordó el soliloquio de Shakespeare escrito para la obra Hamlet, TO BE OR NOT TO BE….SER O NO SER, en español.

Lo trajo a mi memoria la cantidad de interpretaciones que tiene el discurso dramatúrgico. Desde, inseguridad, honestidad, conveniencia etc. Pero llamo mi atención que negara su condición de COMUNISTA. Lo era desde su natal Argentina. Lo era desde su captación, al Partido, por su tío materno.

También, esta misiva, me actualizó un comentario muy criollo del amigo Roger Redondo, ex capitán del Ejército Rebelde, conspirador anti batistiano desde aquel génesis, fundador del 26/7 en Sancti Spiritus y fundador del Frente guerrillero de Las Villas…/ Yo puse mi empeño en

481 Desde las orillas del Sena armar un tren, que iría hacia Pinar del Rio. Lo armamos. Me monto, y al final de la travesía, me dicen que ese tren, va para Santiago…/ la geografía no es interesante en este análisis, es la contradicción.

Aquí el Che habla de democracia, libertad de prensa, de desarrollo industrial, prosperidad para el Pueblo de Cuba. De limpiar de dictadorzuelos el panorama americano, de la Unidad de los revolucionarios. De metas por cumplir. Eso, metas por cumplir. Y también, manifestó su condición de luchador por las causas populares. Esto, fue una verdad para él, no importa la razón o, la sinrazón. Tampoco la calidad de los opinantes, o tendencia política, En el transcurso de 6 años, trató de fundar guerrillas en varios países.

Ahora, la carta:

UNA CARTA DEL COMANDANTE GUEVARA

La Habana, 23 de mayo de 1959.

Dr. Miguel Angel Quevedo, Director de la revista BOHEMIA, CIUDAD. De mi consideración:

482 Desde las orillas del Sena

ESPERANDO de su tradicional espíritu democrático, el respeto a las normas de libertad de prensa, le remito estas líneas de contestación al señor Jules Dubois que tiene el pomposo título de redactor de la página latinoamericana de la revista BOHEMIA.

No es mi intención defenderme de las falaces imputaciones y de la insidiosa puntualización de mi nacionalidad argentina; soy argentino y nunca renegaré de mi Patria de origen (si me perdona el atrevimiento histórico por la comparación, tampoco Máximo Gómez renunció a su Patria dominicana), pero me siento cubano independientemente de las leyes que lo certifiquen o no, porque como cubano compartí los sacrificios de este pueblo en las horas de la lucha armada y comparto hoy sus esperanzas en la hora de las realizaciones. No soy comunista tampoco (si lo fuera, lo afirmaría a los cuatro vientos, como afirmo mi condición de luchador por las causas populares y reafirmo mi esperanza de que las armas del propio pueblo de cada país oprimido limpien de dictadorzuelos el panorama americano). Sucede que los amos de Jules Dubois, La United Fruit y otras compañías fruteras, mineras, ganaderas, telefónicas o eléctricas, explotadoras del pueblo, en tres palabras, han ordenado desatar la clásica cortina de las mentiras asalariadas.

483 Desde las orillas del Sena

Que no se engañen los esclavos ni los amos; la palabra de Fidel Castro fue terminante “si nos agreden le damos armas hasta el gato”. Es obvio, señor Dubois, que para darle armas al gato hay que ensenárselas a usar, y no crea que encontrará usted, o los otros esclavos que puedan venir a estas tierras un hato de corderos atemorizados; encontrará un pueblo vibrante y unido dispuesto a la lucha armada hasta más allá del último cartucho, como lo dijera nuestro Primer Ministro en su última comparecencia ante la prensa. Los hombres de la Revolución están firmemente unidos y no valdrán insidias ni amenazas para separarlos en su último camino hacia la consecución de las grandes metas del pueblo de Cuba. Reforma Agraria, Reforma Arancelaria, Reforma Fiscal y las otras leyes cuya traducción es industrialización del país y su consecuencia última, mejoramiento del nivel de vida del pueblo, liberación nacional, dignidad internacional. Reciba, señor Quevedo, las muestras de mi consideración, aunque no pueda felicitarlo por dejar introducir en las páginas de su Revista un chacal disfrazado de cordero.

Ernesto che Guevara, Comandante-Jefe del R. M. A.

NOTA DE LA DIRECCION: Respetuosa como siempre lo ha sido de la libre emisión del Pensamiento y de toda

484 Desde las orillas del Sena opinión responsable, BOHEMIA publica esta carta del doctor Ernesto Guevara: con tanta más razón, cuanto que proviene de uno de los gloriosos comandantes que nos han librado de la tiranía bajo la cual sufrió Cuba durante años. Solamente queremos aclarar que el señor Jules Dubois –que tanto ha luchado en favor de la libertad de prensa—no es “redactor de la página latinoamericana” de BOHEMIA, sino destacado columnista colaborador de la Sección Internacional.”

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

485 Desde las orillas del Sena

Concepción Arenal (1820-1893) en la Biblioteca Nacional de España

Madrid, 19 de agosto de 2020.

Querida Ofelia:

El 31 de enero de 2020 se cumplían los 200 años del nacimiento de Concepción Arenal, en Ferrol. Se trata de la pensadora más importante del siglo XIX y una figura clave de la cultura española en la forja de una conciencia nacional liberal. Sin embargo, sus contornos tanto biográficos (especialmente biográficos) como intelectuales quedaron rápidamente difuminados, subrayándose únicamente su dedicación a la caridad y su valía en la defensa de una reforma penitenciaria, cuando,

486 Desde las orillas del Sena en efecto, las cárceles españolas no eran más que unos edificios sórdidos donde los presos se hacinaban de cualquier modo y sin expectativas de reinserción social. Arenal será la primera mujer, y una pionera en su época, que lucha por defender la necesidad de reincorporarlos a la sociedad a fin de que dispongan de una segunda oportunidad. Todo, cualquier forma de injusticia social, fue descrita, denunciada, analizada por Arenal a través de La Voz de la Caridad, una publicación única en su especialidad y una referencia europea. Pero lo relevante es que detrás de la acción arenaliana latía un sólido pensamiento filosófico que se ha ignorado casi por completo.

Por tanto, el objetivo primero de la exposición es destacar la figura de esta gran desconocida para el público español. Hacer próxima tanto la persona como sus aportaciones. Hacer ver a Arenal como una mujer movida por una intensa pasión por conocer, por comprender y por contribuir a la mejora de su mundo. Apasionada en sus afectos y desafectos, era distante en las relaciones convencionales, pero cálida con los suyos y compasiva con los más desfavorecidos.

Este acercamiento requiere introducir al espectador en los ambientes en los que vivió CA y, en lo posible, en las alegrías, las penas, los aprendizajes, logros y frustraciones, que supusieron para ella. Habrá que

487 Desde las orillas del Sena servirse de los recursos visuales, de instalación y audiovisuales que permitan hacer presentes su vida, sus vicisitudes, sus valores y sus búsquedas. Se propone entender a la persona para comprender y valorar sus importantes contribuciones al pensamiento y a la reforma de las instituciones.

Un objetivo central es enlazar a Concepción Arenal con su tiempo. Con la pugna constante entre liberales y absolutistas, que marcaba el gobierno de la nación y dividía a familias, ciudades e instituciones. Concepción hace suya la afinidad de su padre con la causa liberal y se apoyará en las redes y recursos de personas ilustradas para, con su pensamiento y su acción institucional, contribuir decisivamente a hacer avanzar esta perspectiva. Pero su acción se detiene bruscamente, hundiéndola en la desesperación, cuando soplan vientos absolutistas en el poder político e institucional. Por más duros que fueran los golpes, nunca renunció a luchar por su causa, produciendo revistas y fundaciones, publicando hasta su muerte sus ideas transformadoras y sus críticas del statu quo.

En este sentido es importante destacar lo que Concepción Arenal tiene en común con las mujeres de su tiempo (Gertrudis G. de Avellaneda, Carolina Coronado, Cecilia Böhl de Faber…), que, como ella, se vieron obligadas a ajustar sus expectativas al androcentrismo imperante.

488 Desde las orillas del Sena

Fueron mujeres entusiastas y luchadoras por el cambio personal y social que deseaban, pero su lucha tuvo mucho de solitaria y finalmente se sintieron vencidas, sin estarlo, por el espíritu conservador triunfante.

Se tratará de hacer comprensible el contexto de las acciones sociales de Concepción Arenal, como visitadora de prisiones, cronista de guerra, publicista, autora de importantes reflexiones, propuestas y recomendaciones para la mejora de la educación, de las cáceles, de la consideración y la vida de la mujer, de la esclavitud, etc.

La exposición se estructurará en ocho espacios biográficos (Ferrol, Armaño, Madrid, Potes, Coruña, Madrid, Gijón, Vigo) en los que vivió, pensó, escribió, amó y reparando en textos, manuscritos, objetos e imágenes vinculados a su vida. Otros cuatro espacios temáticos se articularán con éstos, o se mostrarán en paralelo (amores y desamores; modelos y valores; ¿Quién soy yo? Retratos; Concepción Arenal activista, sus causas). Paralelamente a este recorrido biográfico, se mostrarán imágenes de la España de la época, que contextualizan las vivencias y actividades de Arenal.

Comisarias: Anna Caballé y Cristina Peñamarín

Información práctica

489 Desde las orillas del Sena

Del 15 de diciembre de 2020 al 4 de abril de 2021

De lunes a viernes de 10 a 18 h. Sábados de 10 a 14 h. Domingos cerrado

Aforo limitado: 16 personas

Último pase media hora antes del cierre. Entrada libre y gratuita.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

490 Desde las orillas del Sena

A los 80 años de su fallecimiento en el exilio, Azaña en la Biblioteca Nacional de España

Madrid, 21 de agosto de 2020.

Querida Ofelia:

Manuel Azaña es una de las figuras más relevantes de la historia contemporánea de España, tan admirada como vilipendiada. Fue uno de los defensores de la causa aliada durante la Gran Guerra. Tuvo un papel destacado en el Ateneo de Madrid, del que fue Secretario y Presidente. Colaboró en diferentes periódicos, dirigió la revista España y fundó La Pluma. Recibió el Premio Nacional de Literatura en 1926 por un trabajo sobre Juan Valera y fue un notable traductor del inglés y del francés.

491 Desde las orillas del Sena

En su dimensión política, Azaña es uno de los principales promotores de la llegada de la República en abril de 1931. Los grandes debates del periodo cuentan con su destacada, y a veces controvertida, intervención: el Estatuto de Cataluña, la Reforma Agraria, la cuestión religiosa o el voto de la mujer. No en vano, se identificó a la República con Azaña y a Azaña con la República y se le culpó del desenlace de la Guerra Civil, cuando no de su mismo comienzo.

La Exposición pretende proporcionar una imagen completa de Manuel Azaña, en su triple dimensión: humana, intelectual y política, subrayando, además de su labor como Ministro, Jefe del Gobierno y Presidente de la República, su condición de intelectual de prestigio, así como las duras condiciones de su exilio, que concluyó con su fallecimiento en la ciudad francesa de Montauban, donde su recuerdo sigue presente ochenta años después.

Siguiendo una secuencia cronológica que permite entender su trayectoria en diferentes periodos: su infancia y juventud en Alcalá, su posterior desarrollo en Madrid, la exposición se adentra en tres etapas cruciales de la historia de España: la Segunda República, la Guerra Civil y el Exilio. En la muestra se exhibirán unas doscientas obras procedentes tanto de la BNE como de otras instituciones españolas y extranjeras. Para esta conmemoración se han rescatado fotografías y vídeos,

492 Desde las orillas del Sena muy poco conocidos, que permiten acercarse no sólo a la figura y a la obra de Azaña, sino también a la memoria de su tiempo.

Comisaria : Ángeles Egido León

Comisario Adjunto: Jesús Cañete Ochoa

Información práctica :

Del 17 de diciembre de 2020 al 4 de abril de 2021. De lunes a viernes de 10 a 18 h. Sábados de 10 a 14 h. Domingos cerrado. Aforo limitado: 16 personas. Último pase media hora antes del cierre. Entrada libre y gratuita. Sala Jorge Juan.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

493 Desde las orillas del Sena

Índice :

1- Sculture femminili di epoca romanza sono state acquistate dagli Uffizi

2- Les peintres et les voix de l'au-delà au Musée Maillol 3- La pintura de Lygia Clark en el Guggenheim Bilbao 4- Fotografía humanitaria en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando 5- Pop Lamborghini à Mulhouse 6- Les lumières espagnoles de Joaquín Sorolla 7- Mentira y sueño de Franco en el Círculo de Bellas Artes de Madrid 8- William Turner de la Collection de la Tate, au Musée Jacquemart-André 9- Una nuova rassegna del Festival “Da Firenze all’Europa” 10- Versailles revival à la charnière des XIXe et XXe siècles 11- Eterna belleza di Canova

494 Desde las orillas del Sena

12- La gran exposición de la colección MUSAC por su 15 aniversario

13- Jeremy Shaw au Centre Pompidou

14- C'era una volta Sergio Leone all'Ara Pacis

15- Tangos clásicos y modernos en la Biblioteca Nacional de España

16- Les intelligences simulées au Centre Pompidou

17- Harper’s Bazaar au Musée des Arts Décoratifs de Paris

18- Istanbul vista da Ara Güler

19- Mostra dedicata dalle Gallerie degli Uffizi alla pittrice barocca Giovanna Garzoni

20- Thierry Mugler au Musée des Arts Décoratifs de Paris

21- Adiós a Ramiro, un héroe de mi infancia

22- Oltre la profezia Sergio Vacchi al Santa Maria della Scala

495 Desde las orillas del Sena

23- La Fundación Museo Reina Sofía recibe más de 80 obras en donaciones

24- Il Museo di Roma in Trastevere presenta la mostra Fotografie di Stefano Cigada

25- Le dessin sans réserve au Musée des Arts Décoratifs

26- El Prado rinde homenaje a las artistas que fueron silenciadas en su día

27- Réouverture du musée Cernuschi de Paris

28- Los estuches del Tesoro del Delfín en el Museo del Prado

29- Décalcomanies d’Elena Balzamo

30- Les contes de Jacobsen au Musée Bourdelle

31- Balzac par Eduardo Arroyo

32- Cœurs au Musée de la Vie Romantique

33- El confinamiento de la población en Francia

496 Desde las orillas del Sena

34- Les Parisiens dans l’exode (1940), au Musée de la Libération de Paris

35- La Fondation Cartier présente « La Lutte Yanomami » de Claudia Andujar

36- Les cerisiers en fleurs de Damien Hist à la Fondation Cartier

37- Cézanne et les maîtres. Rêve d’Italie au Musée Marmottan Monet

38- Gallerie degli Uffizi : “Francesca da Rimini nell'Inferno dantesco” di Nicola Monti

39- Une question de peinture au Musée Marmottan Manet

40- Carte blanche à Ru Xiao Fan au Musée Guimet

41- Ilusoria y contradictoria posición de los EE.UU.

42- L'élégance des formes de René-Jacques au Château de Tours

43- El Museo del Prado enseña a pintar un mito

44- Confinados en París desde hace tres semanas

497 Desde las orillas del Sena

45- Le Supermarché des images au Jeu de Paume

46- Sarah Moon au Musée d’Art Moderne de Paris

47- Victor Brauner au Musée d’Art Moderne de Paris

48- Visitas virtuales en español a las obras de arte españolas en los Uffizi

49- La Princesa de Asturias y la Infanta Doña Sofía participan en la Lectura del Quijote del Círculo de Bellas Artes

50- Ante el umbral de Clemente Bernad en el Museo Reina Sofía

51- Il Museo Galileo lancia nuove rubriche sui canali social

52- Declaración del Colegio de Periodistas de Cuba en el Exilio (CNP)

53- Los libros vistos por los grandes pintores del Museo del Prado

54- Mi abuelo don Claudio Valdés Year

498 Desde las orillas del Sena

55- Gli Uffizi sbarcano sul più giovane tra i grandi social, TikTok

56- Carta desde Miami del Capitán Roger Redondo González

57- La explotación de niñas en el despalillo de tabaco en Camajuaní

58- Gioielli agli Uffizi 59-Aspettando il David di Donatello 60- The Medici Game. Murder at Pitti Palace

61-Le Gallerie degli Uffizi acquistano una rara veduta di Firenze

62- Il progetto D.A.V.I.D. 63- Il Giardino di Boboli riapre el 21 maggio 64- Comunicazione di Cecilie Hollberg, Direttore della Galleria dell’Accademia di Firenze 65- Muglia tra i Luoghi del Cuore del Fai

66-Riapre a Firenze il Parco di Villa il Ventaglio e il Cenacolo di Sant'Apollonia

499 Desde las orillas del Sena

67- El Museo Nacional del Prado reabrirá sus puertas el 6 de junio

68- Hans Hartung. La fabrique du geste au Musée d’Art Moderne de Paris 69- Hubert Duprat au Musée d’Art moderne de Paris 70- Christo et Jeanne-Claude au Centre Pompidou

72- Adiós a América Fissolo 73- You. Œuvres de la collection Lafayette Anticipations

74- Guarigioni miracolose. Il potere curativo e salvifico della grande arte

75- El famoso Cuaderno C de Francisco de Goya en el museo del Prado

74- Piero incontra Bansky

75-La collection d’Helena Rubinstein

76- Reencuentro en el Museo Nacional del Prado

77- Il sogno di Lady Florence Phillips

78- Gli antichi manoscritti rubati tornano alla luce in una

500 Desde las orillas del Sena mostra delle Gallerie degli Uffizi

79- Il Cherubini a Palazzo Pitti

80- A través de los rayos X el Museo Nacional del Prado descubre algunas de sus obras 81- Black Presence nelle Gallerie degli Uffizi

82- El Museo del Prado y la Organización Mundial del Turismo promueven la cultura como vínculo de unión tras la pandemia

83- Galileo e i segreti del cannocchiale

84- Gallerie degli Uffizi: un'estate di divertimento ed arte per i bambini

85- Goya or not Goya, that is the questions

86- Itinerario di emozioni e sentimenti attraverso la statuaria antica delle Gallerie degli Uffizi

87- Aprende a dibujar con los grandes maestros del Museo Nacional del Prado 88- El PSP y la Reforma Agraria en Las Villas

89- Eusebio Leal a Castro firmó la infame carta apoyando los fusilamientos en Cuba

501 Desde las orillas del Sena

90- Gallerie degli Uffizi “Ai piedi degli Dei”

91- Le mani di Lorenzo Quinn nel Giardino Boboli

92- Donata agli Uffizi la collezione di Carlo del Bravo

93- Petrit Halilaj en el Palacio de Cristal de Madrid

94- “Que nos roban la memoria” en el Museo Reina Sofía 95- ¡Qué testimonien los verdaderos protagonistas de la Conspiración Trujillista--Batistiana, no los farsantes!

96- El Color vivo de Lee Krasner en el Museo Guggenheim Bilbao

97- La Conspiración Trujillista. Efeméride

98- Gallerie degli Uffizi. Una mostra virtuale per celebrare la festa dell’Assunzione

99- Carta de Ernesto Che Guevara a la Revista Bohemia 100- Concepción Arenal (1820-1893) en la Biblioteca Nacional de España

502 Desde las orillas del Sena

101- A los 80 años de su fallecimiento en el exilio, Azaña en la Biblioteca Nacional de España

503 Desde las orillas del Sena

Agradecimientos

Puede encontrar todas las crónicas de este libro y de los 48 libros anteriores en mi sitio web www.cartasaofelia.com cuyo webmaster es el ingeniero don Leonel Mena Valdés.

Gracias al historiador cubano don Ferrán Núñez, director de Españoles de Cuba, se pueden leer todas las crónicas en español en: https://espanolesdecuba.info/

y también descargar gratuitamente en Google Drive los cuarenta y tres libros que reúnen todas las crónicas que he escrito desde mayo de 1981 hasta hoy día en español, francés e italiano en la siguiente dirección: https://drive.google.com/drive/folders/0B2JGTV0Z- vJ5fkwyck1hbENQT2pDWC1ZLUFqZTBqVjZNQUR4 aGJWblllT09kYmpWeUhlSGc

Todos los libros se pueden encontrar también en el sitio web de Bibliocuba, gracias a su director don Miguel Ángel García Puñales, historiador y sociólogo cubano, presidente de la ONGD Ceninfec (Centro de Información y Documentación de Estudios Cubanos): https://cubamatinal.net/hemeroteca/hemeroteca-cartas-a- ofelia/

504 Desde las orillas del Sena

Desde Miami las crónicas en español han sido publicadas por don Roberto A. Solera director de Cuba en el Mundo, en:

www.cubaenelmundo.com

Don Guillermo Milán Reyes y su señora doña Eva Beffrage, representantes en Suecia de UNPACU (Unión Patriotica de Cuba), han publicado numerosas de estas crónicas desde Estocolmo en: http://www.cubademocraciayvida.org

Mis más sinceras gracias a todos ellos por su colaboración desinteresada para difundir las Cartas a Ofelia.

Félix José Hernández.

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Félix José Hernández habla y escribe en español, francés e italiano. Ejerció como profesor de Geografía (1969-1980) y traductor e intérprete de italiano (1972- 1980) en La Habana. Tras obtener el asilo político en 1981 en Francia, Hernández fue profesor de español en diferentes Institutos de Segunda Enseñanza parisinos (1985-2014). Trabajó enseñando La Historia de América Latina, en l'Université Paris Est Marne-la-Vallée (1995 - 2010). Ha recibido varios premios internacionales en Suecia, los EE.UU. y España por su labor periodística. Es miembro del Pen Club de Escritores Cubanos en el Exilio y del Colegio Nacional de Periodistas de la República de Cuba en el Exilio, del cual es delegado en Francia.

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Desde las orillas del Sena. Tomo XXVIII Número 49 de la Serie “Cartas a Ofelia” Depósito Legal, agosto de 2020. © Versión PDF para la Internet, foto de la portada, web y edición en papel; diseño, maquetación y montaje: Félix José Hernández Valdés. Editado en París, agosto de 2020. Foto de la portada: El autor.

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