Cistermúsica 2010 XVIII Festival de Música de Alcobaça Música e Literatura

Nota de Abertura 03

Apresentação 04

30 Maio Quarteto Casals 06

05 Junho Nuno Inácio e Stéphanie Manzo 12

06 Junho Lusio Voce 16

11 e 12 Junho Adriana Ferreira e Trio de Cordas 24

13 Junho L’Angelica 28

19 Junho Orquestra do Algarve 38

20 Junho Trevor Wye 50

26 Junho CeDeCe 54

27 Junho Tubax 60

03 Julho Cláudio Marcotulli 66

04 Julho A Imagem da Melancolia 70

09 Julho London Brass Tentet 78

22 Julho Sonor Ensemble 82

23 e 24 Julho Quinteto À-Vent-Garde 90

30 Julho Jue Wang 96

31 Julho Orquestra Metropolitana de Lisboa 100

Ciclo de Cinema 108

NOTA DE ABERTURA

Sob a temática da Música aliada à Literatura, Alcobaça tem a possibilidade de ver realizar-se uma vez mais o Cistermúsica - Festival de Música de Alcobaça.

Com uma programação sempre cuidada ao pormenor, da responsabilidade do Director Artístico Alexandre Delgado, este Festival vai muito para além dos concertos, colocando ao dispor de todos os interessados actividades de cariz pedagógico e para todas as idades, o que muito contribui também para a formação de novos públicos.

De destacar igualmente o esforço meritório na descentralização dos vários eventos que compõem mais esta edição do Cistermúsica, aproveitando os espaços disponíveis em diversas freguesias do concelho, das igrejas aos Mosteiros, passando pelos mais modernos espaços culturais.

Ainda uma referência à presença de grandes músicos alcobacenses, com créditos bem firmados, quer a nível nacional como internacional, que integram as várias vertentes da programação deste Festival.

O cuidado na diversificação da programação e a aposta na tradição musical do concelho de Alcobaça fazem do Cistermúsica um evento que complementa uma oferta turística e cultural, que se quer de qualidade e acessível a todos e que, ao longo das edições tem mantido um público fiel e interessado, neste que é já um dos festivais de música de referência no panorama nacional!

Por todos os motivos assinalados, este Executivo renova e mantém a posta na continuidade do apoio concedido à organização deste Festival, fazendo votos de sucesso para esta XVIII Edição!

Paulo Jorge Marques Inácio Presidente da Câmara Municipal

3 APRESENTAÇÃO

Procurando ligações entre música e literatura, a 18.ª edição do Cistermúsica percorre a história da música da Renascença aos nossos dias, abarcando os mais diversos géneros e formações no mais longo e ambicioso certame desde a criação do festival. Dos 16 concertos na programação principal, oito têm lugar no Mosteiro de Alcobaça, explorando espaços novos como o renovado claustro de D. Dinis (onde se farão dois concertos ao ar livre), ao mesmo tempo que a aposta na descentralização leva a música a um acrescido número de freguesias e de monumentos do concelho. Com formações e instrumentos inéditos no festival, uma aposta reforçada em jovens talentos e uma conjugação de reportórios raros e de obras de grande popularidade, incluindo várias estreias absolutas, o festival estende-se desta vez até ao final de Julho, aproveitando as noites agradáveis de Verão naquela que é também a edição mais internacional de sempre.

A 5.ª Sinfonia de Beethoven e o Adagietto da 5.ª Sinfonia de Mahler são os dois blockbusters desta edição, reunidos num concerto da Orquestra do Algarve que assinala os 150anosdo nascimento de Mahler e que inclui a estreia da lenda Santo Asinha para barítono e orquestra, baseada em poema de Frederico Lourenço, com música do autor destas linhas (19 de Junho). Outro concerto orquestral junta a Orquestra Metropolitana de Lisboa e o actor Luís Miguel Cintra, conjugando também autores bem-amados do grande público (Gluck, Mendelssohn, Debussy, Ravel) e uma obra em estreia com ligações literárias, neste caso com música de Eurico Carrapatoso e texto de Alice Vieira.

Dois instrumentos têm destaque especial nesta edição: a flauta e a harpa, reunidos num recital de Nuno Inácio e Stéphanie Manzo (5 de Junho). A flautista Adriana Ferreira, vencedora em 2009 do Prémio de Interpretação do Estoril, traz-nosDon Giovanni de Mozart numa versão para flauta e trio de cordas da época do compositor (11 e 12 de Junho). Num divertido espectáculo especialmente dedicado a famílias, o consagrado flautista Trevor Wye– que orientará em Alcobaça o 1.º Masterclasse Internacional de Flauta Transversal – tocará nada menos que 60 flautas diferentes (20 de Junho). Quanto à harpa, além do realce que tem nos já mencionados concertos orquestrais, está presente no espectáculo que reune dois músicos alcobacenses de primeiro plano, o tubista Sérgio Carolino e o saxofonista Mário Marques, com cinco estreias absolutas (27 de Junho).

Mantendo uma das imagens de marca do Cistermúsica - a descoberta e a valorização do património musical português - temos a Serenata L’Angelica de João de Sousa Carvalho, jóia do reportório setecentista que permaneceu enterrada 230 anos, com libreto de Metastasio inspirado num episódio do Orlando Furioso de Ariosto, contando com um excelente grupo de cantores e dois grupos de música antiga sob a direcção de Pedro Castro (13 de Junho). Assinalando o centenário da República, um concerto do grupo Lusio Voce reune obras vocais e corais dos mais diversos compositores portugueses desse período (6 de Junho).

Entre as formações e os instrumentos inéditos no festival, destaque para oLondon Brass Tentet, brilhante grupo de metais que vem de Inglaterra para encher de sons o Claustro de D. Dinis. O primeiro recital de guitarra do festival conta com um intérprete consagrado, o italiano Claudio Marcotulli (3 de Julho). Um ensemble de flautas de bisel e uma cantora,A Imagem da Melancolia,

4 faz-nos regressar ao Renascimento percorrendo a rosa dos ventos da geografia, de afectos e dos elementos (4 de Julho).

Num ano em que o nosso país vizinho tem realce na programação, o concerto inaugural cabe ao catalão Quarteto Casals, um dos mais conceituados quartetos de cordas da actualidade, que o Cistermúsica revelou aos portugueses em 2004 e que regressa agora para tocar Smetana, Bartók e Britten (30 de Maio). O Sonor Ensemble, sexteto formado por membros da Orquestra Nacional de Espanha e dirigido por Luis Aguirre, apresenta um programa ibérico vai do século XVIII à actualidade e inclui canções de García Lorca.

O regresso da companhia de dança CeDeCe ao Cistermúsica faz-se com o espectáculo Contos Dançados de Três Países, neste caso Croácia, Portugal e Canadá (26 de Junho). Ainda em matéria de jovens talentos, o Quinteto À-Vent-Garde toca algumas das obras mais emblemáticas para quinteto de sopros (23-24 de Julho) e o pianista chinês Jue Wang, vencedor em 2008 do Concurso Internacional de Piano Santander Paloma O’Shea, assinala em recital o bicentenário do nascimento de Chopin e de Schumann (30 de Julho).

Em paralelo com a programação principal, o Cistermúsica Júnior acrescenta diversos concertos especialmente voltados para os mais pequenos, ao mesmo tempo que o Cistermúsica off traz alguns happenings ao espaço público da cidade e que um ciclo de cinema oferece adaptações célebres de obras literárias.

Ou seja, uma programação para todos os gostos. A escolha é sua.

Alexandre Delgado Director Artístico

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Cuarteto Casals

30 de Maio (domingo) – 18h00 Concerto Inaugural Sala do Capítulo – Mosteiro de Alcobaça Quarteto de Cordas

1.ª Parte CUARTETO CASALS BENJAMIN BRITTEN Vera Martinez Mehner, violino Quarteto n.º 2 em dó maior, op. 36 Abel Tomàs Realp, violino Allegro calmo senza rigore Jonathan Brown, violeta Vivace Arnau Tomàs Realp, violoncelo Chacony: sostenuto

BÉLA BARTOK Quarteto n.º 4, Sz. 91 Allegro Prestissimo Non troppo lento Allegretto Allegro molto

2.ª Parte BEDRICH SMETANA Quarteto n.º 1 em mi menor, “Da minha vida” Allegro vivo appasionato Allegro moderato alla Polka Largo sostenuto Vivace

Co-produção: Primavera Musical - Festival Internacional de Música de Castelo Branco

7 NOTAS À MARGEM por Alexandre Delgado

Nascido em Litomysl, na Boémia, em 1824, e falecido em Praga em 1884, Bedrich Smetana ocupa um lugar cimeiro entre os compositores nacionalistas da segunda metade do século XIX. “O Moldava” é o mais universalmente conhecido dos seus poemas sinfónicos e faz parte dum grandioso conjunto intitulado “A Minha Pátria”, escrito em 1874. Mas foi sobretudo com as suas óperas — nas quais foi pioneiro a utilizar a língua checa — que Smetana atingiu verdadeira popularidade no seu país. Das suas sete óperas, a mais conhecida é A Noiva Vendida, de 1866. Os dois quartetos de cordas de Smetana foram escritos depois da catástrofe beethoveniana que se abateu sobre o compositor em 1874: um problema no ouvido interno que o conduziu à surdez completa, aos cinquenta anos. O primeiro quarteto, escrito no Outono de 1876, é uma confissão de alma: Smetana chamou-lhe quarteto “Da minha vida” e nele descreve quatro fases marcantes da sua existência. É o primeiro quarteto da história da música a ter um cariz tão assumidamente programático e concretamente autobiográfico.“O que quis fazer” — escreveu o compositor — “foi retraçar em música o desenrolar da minha vida. Primeiro andamento: amor pela arte na minha juventude, atmosfera romântica, nostalgia indizível.... Mas logo no prólogo há uma advertência da desgraça futura, daquela nota mi do final: foi esse apito estridente que irrompeu nos meus ouvidos em 1874, marcando o início da minha surdez. O segundo andamento, quasi polka, faz- me regressar ao alegre turbilhão da juventude, em que eu compunha montes de danças checas e tinha até uma reputação de dançarino infatigável. O Largo sostenuto é uma reminiscência do meu primeiro amor por uma rapariga que se tornou mais tarde a minha querida esposa. O final evoca a tomada de consciência da verdadeira força da música nacional, a alegria de constatar que o caminho tomado conduz ao triunfo, até ao momento da interrupção brutal provocada pela catástrofe; início da surdez, perspectiva de um triste futuro, uma muito ténue esperança de melhoras e, para terminar, um sentimento profundamente doloroso.” A obra foi estreada a 29 de Março de 1879 em Weimar, por iniciativa de Liszt, que reagiu a ela entusiasticamente.

Representante fundamental do modernismo, em paralelo com Stravinsky e Schönberg, Béla Bartók nasceu em 1881 em Nagynszentmiklós, então na Hungria, actualmente na Roménia, e faleceu em Nova Iorque em 1945. Foi em 1905 que começou a dedicar-se, juntamente com Zoltan Kodály, à recolha dos cantos populares húngaros, interesse que se tornaria trave mestra do seu estilo musical. Os seus seis quartetos são pedras miliárias do reportório do século XX e derivam em linha recta dos quartetos de Beethoven. O 4.º quarteto, escrito em 1928, é um dos mais arrojados, com cinco andamentos que formam uma estrutura tipo palíndromo, ou seja, que é igual se fôr vista de trás para a frente, e que pode ser sintetizada como ABCBA: uma estrutura simétrica que desenha um arco cujo ápice ou eixo central é o terceiro andamento. O Allegro inicial mergulha-nos num clima veemente e cheio de tensão, em linhas cromáticas que se estiram e arrepanham sem sossego; um desenho rítmico bem marcado pelo violoncelo apropria-se desse desenho cromático para lhe dar uma forma ritmicamente mais incisiva, que vai ganhar grande importância; um 2.º tema cantado pelo 2.º violino e imitado por todos em cânone tem vestígios pentatónicos do folclore que vêm dar um aspecto mais humano ao discurso. Com o segundo andamento, um scherzo, entramos num mundo fantasmagórico que nos escapa entre os dedos a uma velocidade delirante, com surdina, pianíssimo, sul ponticello

8 e glissandos que mostram influência da Suite Lírica de Berg, num dos mais difíceis andamentos da literatura para quarteto de cordas. Eixo central da obra, o 3.º andamento é um momento de revelação em que Bartók parece ir ao encontro do mundo da natureza: eis-nos perante a textura mais simples, um acorde sustentado e diatónico sobre o qual o violoncelo disserta com a espontaneidade de um bardo; o 1.º violino e a violeta imitam um pássaro; no fim, homem e natureza reunem-se em paz, como quem abraça o mundo. Com o 4.º andamento começa o percurso inverso, a imagem reflectida em espelho dos dois primeiro andamentos: o novoscherzo é ao mesmo tempo um reflexo e uma antítese do fantasmagórico segundo andamento, em que o cromatismo dá lugar ao diatonismo, o tempo abranda para metade e os sussurros sibilinos dão lugar à incisividade dos pizicatos. O 5.º andamento usa como tema principal o 2.º tema do 1º andamento, agora fortíssimo e num tempo selvagem, sobre um acompanhamento que é um colchão de pregos descendente da Sagração da Primavera. Depois dum gaiteiro 2.º tema, cheio de requebros e trejeitos irónicos, surge no violoncelo o tema rítmico do primeiro andamento, que acaba por invadir tudo e contaminar o resto do desenvolvimento e a reexposição desta forma-sonata; é esse tema que tem a última palavra, com um brutalidade enfática e arrastada.

Benjamin Britten, nascido em Lowestoft em 1913 e falecido em Aldeburgh em 1976, éum compositor do século XX cuja música entrou no cânone permanente da vida musical, com obras como as óperas Peter Grimes e The Turn of the Screw, o War Requiem, Les illuminations ou o célebre Young Persons’s Guide to the Orchestra, entre muitas outras. Aluno de Frank Bridge e de John Ireland, Britten chamou a atenção do meio musical com a sua Sinfonietta em 1932 e firmou a sua reputação cinco anos depois com as Variações sobre um tema de Frank Bridge. Entre 1939 e 1942 viveu nos Estados Unidos, onde a sua Sinfonia da Requiem foi estreada no Carnegie Hall sob a direcção de Barbirolli. De regresso ao país natal, Britten instalou-se em Aldeburgh, na costa do Mar do Norte, aí criando com o tenor Peter Pears (seu companheiro de toda a vida) um festival de grande reputação. Da sua produção vastíssima e multiforme, construída com o espírito laborioso do artesão-artista, a ópera ganharia especial destaque a partir do impacto internacional de Peter Grimes em 1945. Britten sempre teve a preocupação de escrever para um vasto público, sem por isso sacrificar a qualidade. A sua produção, essencialmente tonal mas não “neoclássica”, pretende, mais do que reencontrar cânones do passado, criar uma nova tradição a partir dessas raízes — o que, no caso do Reino Unido, foi decisivo para dar à música do país um estatuto universal que ela perdera desde a morte de Henry Purcell em 1695. É precisamente a esse antepassado que é dedicado o 2.º dos três quartetos de cordas de Britten, terminado em Outubro de 1945. Os seus três andamentos têm a mesma tónica, dó: o Allegro calmo senza rigore inicial é uma forma sonata, com três temas principais, o Vivace é um scherzo no modo menor e o final é uma chacone, forma-variação de resonâncias barrocas e purcellianas cujo tema é apresentado em uníssono pelos quatro instrumentos e retomado ao longo de 21 variações.

9 OS INTÉRPRETES

O QUARTETO CASALS rapidamente se afirmou, desde a sua criação na Escola Rainha Sofia de Madrid em 1997, sob orientação do Professor Antonello Farulli, como um dos mais interessantes quartetos de cordas europeus da actualidade. Os seus mestres mais destacados foram Walter Levin, Rainer Schmidt, György Kurtag e o Quarteto de Cordas Alban Berg. Este agrupamento foi premiado em várias competições internacionais, incluindo primeiros prémios no Concurso Internacional de Quartetos de Cordas de Londres (2000) e no Concurso Johannes Brahms (2002). Em 2005 recebeu o prémio da cidade de Barcelona, em 2006 o Prémio Nacional de Música, a mais alta distinção para os músicos em Espanha, e em 2008 recebeu o prestigiante Borletti-Buitoni Trust Award, em Inglaterra. O Quarteto Casals apresentou- se em salas tão importantes e prestigiadas como o Wigmore Hall e o Barbican Center, em Londres, Concertgebouw de Amsterdão, Carnegie Hall e Lincoln Center de Nova Iorque, Konzerthaus e Philharmonie de Berlim, Konzerthaus e Musikverein de Viena, Philharmonie de Colonia, Library of Congress, de Washington, Chatelet de Paris e em digressão pela América do Sul, Estados Unidos, Rússia e Japão, bem como nos Festivais de Salzburgo, Lucerna, Santa Fe, Bantry, Schleswig-Holstein e Kuhmo. A sua residência no Auditori, em Barcelona, onde apresenta anualmente um ciclo de concertos, recebeu calorosos elogios da crítica e aplausos do público. O Quarteto Casals acompanhou os Reis de Espanha em visitas de estado oficiais e actuou no Palácio Real de Madrid, tocando os instrumentos Stradivarius da colecçãoda Família Real. O Quarteto Casals grava em exclusivo para a Harmonia Mundi. A sua gravação dos Quartetos e do Quinteto com Piano de Johannes Brahms foi lançada em Agosto de 2008. Trabalhou com importantes compositores europeus, tendo estreado obras de Jordi Cervelló, David del Puerto e Jesús Rueda em Espanha, colaborado com James MacMillan na Escócia, György Kurtág na Hungria, e gravado o quarteto Morphing, de Christian Lauba, a pedido do compositor. Na interpretação de quintetos, colaboraram também com outros importantes músicos, como Elizabeth Leonskaja, Oleg Maisenberg, Claudio Martinez Mehner, Christophe Coin, Thomas Riebl e Michael Collins. São ouvidos com frequência em programas de rádio e televisão e em transmissões ao vivo efectuadas pela Rádio Nacional Espanhola, Radio France, Deutschland Rundfunk, WDR, NDR, SWR, RAI, NPR e BBC. O Quarteto Casals lecciona Música de Câmara, desde 2003, na Escola Superior de Música da Catalunha.

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Nuno Inácio Stephanie Manzo

5 de Junho (sábado) – 21h30 Recital de Flauta e Harpa Celeiro – Mosteiro de Alcobaça

JOHANN SEBASTIAN BACH Nuno Inácio, flauta Sonata em sol menor BWV 1020 Stéphanie Manzo, harpa I. Allegro II. Adagio III. Allegro

JOSEPH LAUBER Danças Medievais op. 45 I. Rigaudon II. Mascarade III. Pavane IV. Gaillarde

CLAUDE DEBUSSY Syrinx para flauta solo

CLAUDE DEBUSSY Arabesque para harpa solo

JEAN-MICHEL DAMASE Sonata I. Allegro moderato II. Andante con moto III. Adagio-Presto

GABRIEL FAURÉ Fantaisie

13 NOTAS À MARGEM

Johann Sebastian Bach (Eisenach 1685 - Leipzig 1750) é dado como autor da sonata em sol menor para flauta e cravo BWV 1020 nalgumas fontes, embora outras indiquem como compositor da peça o segundo filho do compositor, Carl Phillip Emanuel Bach. A obra foi excluída da recente Neue Bach Ausgabe, o que torna mais provável a autoria desse filho de Bach nascido em Weimar em 1714 e falecido em Hamburgo 1788, um representante da transição do barroco para o classicismo e o mais importanto compositor da chamada corrente daEmpfindsamkeit (em alemão “sensibilidade”).

Joseph Lauber (Ruswil 1864 – Genf 1952) compositor suíço, aluno de Jules Massenet no Convervatório de Paris, foi autor de mais de duas centenas de obras musicais, entre as quais peças para agrupamentos de câmara, onde combina as duas correntes estilísticas que mais o influenciaram: o romantismo tardio alemão e o impressionismo francês. A recriação em termos musicais de uma estética neo-medieval parte em grande medida da utilização da escrita modal na música impressionista francesa.

Claude Debussy (Saint-Germain-en-Laye 1862 – Paris 1918) foi, na sua escrita orquestral, um dos compositores mais sensíveis às potencialidades da harpa, ainda que nunca tenha chegado a compor uma obra especificamente para este instrumento a solo. Contudo, os dois Arabescos para piano de 1888-1891 prestam-se especialmente à transcrição para harpa.

Jean-Michel Damase (Bordeaux 1928 -) distingui-se como um dos mais relevantes compositores franceses do século XX para harpa, circunstância a que não terá sido alheio o facto de ser filho da notável harpista Micheline Kahn.

Gabriel Fauré (Pamiers 1845 – Paris 1924) compôs em 1898 esta Fantaisie para flauta e piano, estreada no mesmo ano no Conservatório de Paris.

OS INTÉRPRETES

NUNO INÁCIO (flauta), actualmente 1.º Flautista da Orquestra Metropolitana de Lisboa, terminou a licenciatura na ESML com classificação máxima. Entre 2000 e 2002, foi discípulo do pedagogo internacionalmente aclamado Trevor Wye, em Inglaterra. A sua intepretação evidência uma clara influência do legado de Marcel Moyse, de quem foram alunos William Bennett, James Galway, Trevor Wye, Michel Debost, Jean Pierre Rampal, entre outros. Aliás, alguns destes músicos foram seus orientadores em várias masterclasses em Portugal e no Estrangeiro. Nuno Inácio foi solista com a Orquestra Sinfónica Portuguesa, Orquestra Gulbenkian, Orquestra Metropolitana de Lisboa, Orquestra da ESML, Orquestra daEscola Profissional de Espinho. Actua regularmente em duo com o pianista Paulo Pacheco e colabora com a OrchestrUtópica e o Ensemble Contrapunctus. Efectuou gravações para a RTP eRDP - Antena 2. Recentemente foram realizados dois programas onde foi protagonista: “Sons da

14 Música” e “Bravo”, na RTP2. Além de apresentações por todo o País, actuou em Itália, Alemanha, França, Espanha, Inglaterra, Dinamarca, em vários formatos de recital. Entre os galardões que recebeu destacam-se o 1.º Prémio no Concurso Internacional de Flauta “L’U.F.A.M.”, em França; o 1.º Prémio no Concurso “Prémios Jovens Músicos” da RDP e Prémio Maestro Silva Pereira; a 6.ª Classificação no Prestigiado Concurso “Carl Nielsen”, na Dinamarca; o 1.º Prémio no Concurso de Improvisação na Convenção Internacional de Flauta, em Inglaterra. Orientou Masterclasses na ESMAE, nos Cursos de Aperfeiçoamento Musical de Vila do Conde, ARTAVE, na Escola Profissional de Mirandela e na Academia de Música de Paredes, e colaborou com o Professor Trevor Wye nas Masterclasses orientadas em Portugal. Integrou o Júri do Concurso “Prémio Jovens Músicos” da RDP em 2007 (Música de Câmara) e 2008 (Flauta). É Professor da Classe de Flauta na Academia Nacional Superior de Orquestra (ANSO) e Professor de Música de Câmara na Escola Superior de Música de Lisboa (ESML). Foi descrito como “...um jovem flautista de ampla e colorida sonoridade, de excelente controle técnico e interessante musicalidade”(in Público, 2005).

STEPHANIE MANZO (harpa) nasceu no Sul de França e iniciou os seus estudos de harpa aos 8 anos de idade com a professora Josey Grauer, antiga aluna de Marcel Tournier. Aos 16 anos ingressou no Conservatório Nacional Superior de Música de Paris, onde estudou com Gérard Devos em harpa e com Jean-Michel Damase em música de câmara. Três anos mais tarde obteve o primeiro prémio “À l’unanimité” em Harpa. Em 1990 obteve a “Mention Spéciale” do Concurso Internacional Louise Charpentier e em 1993 foi finalista do Concurso Internacional Lily Laskine. Aperfeiçoou-se com Catherine Michel e Marielle Nordmann, continuando assim a tradição de dois dos mais famosos harpistas do Século XX, Pierre Jamet e Lily Laskine. Beneficiou também dos conselhos do Fabrice Pierre e Susann Macdonald. Tem-se apresentado em salas e festivais internacionais, como Salle Pleyel (Homenagem a Lily Laskine), Auditorium Saint-Germain, Cassis (Journée de la Harpe), Festival International du Jeune Soliste d’Antibes- Juan-Les-Pins, Festival Méditerranéen, Seattle (Congresso Mundial de Harpa), NDR Hamburgo, Crotone/Itália, Açores (Festival MusicAtlântico), Museu Gulbenkian, CCB - Festival dos 100 Dias. Actuou também a solo com as Orquestra Metropolitana de Lisboa, Orquestra Gulbenkian, Orquestra Clássica da Madeira, Orquestra Regional Provence-Alpes-Côte d’Azur entre outras. Tem sido convidada a tocar com reputadas orquestras, como a Orquestra da Ópera Nacional de Lyon, a Orquestra Nacional de Lyon, a Orquestra Sinfónica de Singapura, a Orquestra Gulbenkian e a OrchestrUtopica. Já tocou com R. Barshai, J. S. Béreau, M. Caballé, A. Dumay, L. Foster, B. Hendricks, E. Krivine, T. Mörk, V. Mullova, M. Rostropovitch e M. Vengerov. Acerca de Stéphanie Manzo, Marielle Nordmann escreveu: “Une des meilleures harpistes de sa génération”. Desde de 1995 é solista da Orquestra Metropolitana de Lisboa e professora da Academia Nacional Superior de Orquestra.

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Lusio Voce

6 de Junho (domingo) – 18h00 OS COMPOSITORES DA 1.ª REPÚBLICA: Celeiro – Mosteiro de Alcobaça Correntes, Influências e Evolução na Música Coral e Vocal Portuguesa

1.ª parte 2.ª parte

MÁRIO DE SAMPAIO RIBEIRO JOLY BRAGA SANTOS Moda do chapéu ao lado Hermosas Ninfas (Garcillaso de la Vega) Na folhinha do salgueiro (coro misto) (coro misto) Quatro Canciones (anónimos séc. XV-XVI) (solistas, coro misto) ARTUR SANTOS Susana Duarte, soprano Alta Vai a Lua (coro misto) André Baleiro, barítono Chula (voz e piano) Manon Marques, meio-soprano DAVID DE SOUSA Chanson d’automne (Verlaine) FRANCISCO DE LACERDA (voz e piano) Desde que os cravos e rosas Ricardo Martins, barítono Quem me dera ser a hera (voz e piano) Manon Marques, meio-soprano VIANA DA MOTA João Moreira, tenor Coro da Tragédia Inês de Castro (António Ferreira) (coro feminino e piano) CLÁUDIO CARNEIRO Marisa Figueira, soprano Por te amar deixei a Deus Lágrimas JOÃO ARROIO Fui à fonte dos amores Sete anos de pastor Jacob servia (Camões) Suspiros (voz e piano) Cores Susana Duarte, soprano (coro feminino) JOLY BRAGA SANTOS ANTÓNIO FRAGOSO Delgadas, claras águas do Mondego (Camões) Canção da fiandeira(António Correia de Oliveira) (voz e piano) (voz e piano) André Baleiro, barítono Marisa Figueira, soprano FREDERICO DE FREITAS LUÍS DE FREITAS BRANCO À barca, à barca segura (Gil Vicente) dos “Madrigais Camoneanos” (coro masculino) Pois meus olhos Alegres Campos JORGE CRONER DE VASCONCELOS (5 vozes mistas) Em Belém, vila do amor (Gil Vicente) (coro misto) Fermoso Tejo meu (Rodrigues Lobo) (coro misto) FERNANDO LOPES-GRAÇA No turbilhão (Antero de Quental) (voz e piano) das “Canções Heróicas” (solistas, coro e piano) Susana Duarte, soprano Ronda (João José Cochofel) Égloga (José Gomes Ferreira) IVO CRUZ Livre (Carlos de Oliveira) Mais alvas que as espumas (Afonso Lopes Vieira) Manon Marques, meio-soprano Marisa Figueira, soprano João Moreira, tenor LUÍS DE FREITAS BRANCO das “Duas Canções ao Gosto Popular” Só te cantamos a ti (José Gomes Ferreira) Daniel Godinho, piano (coro masculino e piano) Clara Coelho, direcção

17 NOTAS À MARGEM por Clara Coelho

A República acompanha uma nova etapa no panorama musical português, onde predominou durante décadas a ópera de influência italiana, a par de uma certa estagnação na produção de música cantada em português. No virar do século XX foram surgindo compositores que tiveram um papel muito importante na afirmação de uma cultura musical de identidade portuguesa, tendência que continuou nas gerações que se lhes seguiram.

Este concerto apresenta um conjunto de obras que, numa perspectiva histórica, reune os nomes mais importantes na composição de música coral e vocal, ao longo das primeiras décadas do século XX.

Ao longo das décadas republicanas foi crescente o interesse dos compositores pela música de identificação portuguesa, com maior ou menor incidência na tradição folclórica, e pela procura e valorização de uma identidade nacional. A parte inicial deste programa é dedicada à poesia de cariz popular, com harmonizações de melodias tradicionais e trechos baseados em poemas populares.

A larga difusão por todo o país das harmonizações de Mário Sampaio Ribeiro (1898-1966) deve- se em grande parte à actividade coral de grupos amadores. Sendo peças de execução acessível, com linguagem harmónica convencional, têm uma escrita vocal muito fluida, textura variada e equilibrada e são muito importantes no repertório português, pelo sucesso que ainda hoje têm e pelo papel pedagógico que cumprem na preservação do nosso património.

Artur Santos (1914-1987), compositor e pianista com uma longa carreira docente no Conservatório Nacional, foi pioneiro da Etnomusicologia em Portugal, actividade a que dedicou muitos anos da sua vida, tendo feito um amplo estudo, recolha e documentação de música tradicional, interesse este que viria a influenciar muitas das suas composições.

Mais conhecido pela sua brilhante carreira internacional como chefe de orquestra, Francisco de Lacerda (1869-1934), natural de ilha de São Jorge, dedicou alguns períodos da sua vida ao estudo do folclore açoriano. As suas Trovas para voz e piano, num total de 36, fruto dessa inspiração popular, são exemplo perfeito da união entre linguagem popular e erudita.

Natural do Porto, autor de um vasto repertório, Cláudio Carneiro (1895-1963) escreveu um conjunto considerável de música para a formação de coro feminino. Foi igualmente na inspiração das trovas populares que escreveu os Males de Amor, selecção de quadras musicadas em género de miniatura. São peças escritas para coro feminino a três vozes, que pontualmente se desdobram em quatro ou cinco vozes. De escrita simples, o uso de síncopas e suspensões medidas dão-lhes uma liberdade rítmica que privilegia o balanço do texto.

António Fragoso (1897-1918) teve uma morte prematura e impressiona a produção musical que deixou nos seus escassos 21 anos de vida. Sendo pianista, as suas composições dão ao piano um lugar de destaque. Não chegou a entrar no domínio da música coral, mas escreveu vários ciclos de canções sobre poesia portuguesa e francesa. Com texto de António Correia de Oliveira (1879- 1960), a Canção da Fiandeira tem forma estrófica e pertence ao ciclo “Canções do Sol Poente”.

18 Frederico de Freitas (1902-1980) foi um músico proeminente que nasceu e viveu a maior parte da sua vida em Lisboa. A sua longa carreira centrou-se sobretudo na composição e na direcção de orquestra, dedicando parte da sua actividade como maestro à direcção de grandes obras corais sinfónicas cantadas pela Sociedade Coral de Lisboa, agrupamento que fundou em 1940. Com texto de Gil Vicente (1465-1536), À barca segura é uma miniatura escrita para vozes masculinas, de escrita homofónica, harmonia cerrada e muito rica, tonal mas com recurso a modulações sucessivas.

Jorge Croner de Vasconcelos (1910-1974), natural de Lisboa, não tem uma obra muito extensa mas é um compositor de referência no contexto tanto da música para coro como da música para voz e piano. Igualmente de Gil Vicente é o texto de Em Belém, vila do Amor, para coro a quatro vozes. Fermoso Tejo meu, sobre poema de Rodrigues Lobo (1579-1621), é uma canção essencialmente homofónica que privilegia o ritmo do texto, numa espécie de recitação a quatro vozes. Em No turbilhão, sobre poema de Antero de Quental, a escrita virtuosística do piano serve o carácter inquieto e atormentado do texto vocal.

Ivo Cruz (1901-1985) nasceu no Brasil e fez os seus estudos em Lisboa e na Alemanha. A sua actividade foi muito importante em vários domínios. Foi director do Conservatório Nacional durante várias décadas, fundou a Orquestra Filarmónica de Lisboa, o movimento Renascimento Musical e a Sociedade Coral Duarte Lobo, estes últimos dedicados à execução, estudo e divulgação da música antiga portuguesa. Juntamente com Mário de Sampaio Ribeiro, foi pioneiro na redescoberta da polifonia portuguesa. Mais alvas que as espumas é uma canção que pertence ao ciclo intitulado “Canções Sentimentais”, com texto de Afonso Lopes Vieira (1878 – 1946), poeta de inspiração bucólica e nacionalista, autor da expressão “a paisagem, o chão e a gente”.

Luís de Freitas Branco (1890-1955) é, sem dúvida, a figura incontornável da altura. Considerado frequentemente o responsável pela introdução do modernismo musical em Portugal, asua importância deve-se tanto à sua criação musical como ao seu legado pedagógico, ao longo dos muitos anos em que ensinou composição no Conservatório Nacional, tornando-se o grande mentor da geração seguinte. À semelhança das Canções Heróicas de Fernando Lopes-Graça, as Duas Canções ao Gosto Popular, escritas já na década de 50, foram concebidas como “Canções Revolucionárias” em sinal de protesto para com o regime salazarista, possuidoras deum carácter inflamado e teor subversivo, neste caso com poema de José Gomes Ferreira.

Muitos dos compositores aqui presentes assistiram às inovações do período Republicano, assumiram novas orientações estéticas colocando o panorama musical português em paralelo com as correntes modernas que circulavam no resto da Europa. Joly Braga Santos (1924-1988), o mais recente deste grupo de compositores, escreveu dois ciclos de peças para coroa capella, em castelhano, de estilo madrigalesco.Hermosas Ninfas, o segundo dos “Três Madrigais” sobre texto do poeta espanhol Garcillaso de la Vega (c. 1500-1536), é uma peça de maturidade. A música dá ênfase à expressividade do texto e são nítidas as características modernas da sua linguagem

19 musical: acordes paralelos, harmonia arrojada, cromática e muito rica em dissonâncias, uso de ritmos irregulares e métrica ao sabor do texto. As Cuatro Canciones são um ciclo de peças curtas, encadeadas, sobre textos anónimos dos séculos XV e XVI. Nas duas primeiras destaca-se voz solista alternada com o coro, que serve simultaneamente de pano de fundo harmónico e de eco das frases do solo. As duas últimas canções têm uma escrita predominantemente vertical. Destas pequenas peças destaca-se, para além da presença de harmonia dissonante, de acordes com notas agregadas e de encadeamentos inesperados, o claro ambiente modal. Compositor muito ligado à monumentalidade da música orquestral e das grandes formas, Joly Braga Santos demonstra com estas peças para coro a capella o génio multifacetado que era. Foi eleito pela UNESCO um dos dez maiores compositores da sua época.

David de Sousa (1880-1918), natural da Figueira da Foz, morreu no mesmo ano que António Fragoso, igualmente vítima de febre pneumónica. Estudou em Lisboa e na Alemanha, foi violoncelista e chefe de orquestra. Com poesia de Paul Verlaine, aChanson d’automne faz parte do seu ciclo de Canções Francesas. Era frequente entre os nossos compositores a composição com traços de estilo francês ou sobre poesia francesa; essa presença da cultura francesa era visível por esta altura, na sociedade portuguesa, em muitos domínios artísticos. Vários destes compositores estudaram e trabalharam em Paris: Francisco de Lacerda, Cláudio Carneiro, Luís de Freitas Branco, Artur Santos, Lopes-Graça e Croner de Vasconcelos.

Viana da Mota (1868-1948) foi um dos músicos mais conceituados da altura e pianista de reconhecido mérito, tanto em Portugal como internacionalmente. Peça emblemática deste programa, o seu Coro da Tragédia Inês de Castro tem um significado especial neste concerto: datada de 1914, em plena infância republicana, foi estreada justamente em Alcobaça, num dos serões musicais e literários dedicados à memória de Inês de Castro. O texto é de António Ferreira (1528-1569), e a escrita vocal, em consonância com o espírito da tragédia grega, é em uníssono.

A última selecção de obras é dedicada à poesia camoneana: de João Arroio (1861-1930), compositor do Porto, fundador do Orfeão Académico de Coimbra – marco importante no início das sociedades corais em Portugal – e autor de várias óperas, o soneto Sete anos de pastor Jacob servia, peça para voz e piano num estilo romântico, de carácter pastoral; de Joly Braga Santos, um dos três sonetos de Camões, para mezzo ou barítono, obra que viria a ter uma versão orquestral, mas que já na composição original para piano revela uma riqueza tímbrica e colorido de dimensão sinfónica; por último, de Luís de Freitas Branco, dois dos Madrigais Camoneanos para vozes mistas. Num total de 28 – divididos entre vozes mistas e vozes iguais, masculinas e femininas – estes ciclos de canções constituem um legado precioso para a música coral do Século XX, combinando na perfeição a prosódia e a riqueza de texturas, a linguagem modal e cromática, o desenho melódico e o significado do texto.

Para a conclusão deste programa foram seleccionadas três das Canções Heróicas de Fernando Lopes-Graça (1906-1994). Natural de Tomar e discípulo de Viana da Mota e de Freitas Branco, é em muitos aspectos justamente considerado como o compositor mais representativo do período moderno em Portugal. Grande opositor ao regime do Estado-Novo, asCanções Heróicas têm uma intenção provocadora e inconformista, sobre textos de poetas contemporâneos, respectivamente João José Cochofel, José Gomes Ferreira e Carlos de Oliveira.

20 OS INTÉRPRETES

LUSIO VOCE

Sopranos: Contraltos: Tenores: Baixos: Marisa Figueira* Fátima Nunes Frederico Projecto André Baleiro* Rosa Caldeira Manon Marques* João de Barros Nuno Fidalgo Susana Duarte* Michelle Rollin João Moreira* Ricardo Martins* Verónica Silva Pedro Rodrigues

*solistas

Daniel Godinho, piano Clara Coelho, direcção

MARISA FIGUEIRA (soprano) licenciou-se em canto em 2004 pela Escola Superior de Música de Lisboa, sob a orientação da professora Elsa Saque. O seu repertório de solista inclui, entre outras obras, Stabat Mater de Scarlatti, Missa em Sol de Vaughan Williams, Missa em Sol,Verbum Caro e Dixit Dominus de Carlos Seixas, Ein Deutsches Requiem de Brahms, Petite Messe Solenelle de Rossini, Cenas do Fausto de Goethe e Das Paradies und die Peri de Schumann, Magnificat de Bach,Gloria de Vivaldi, Gloria e Messias de Händel, Stabat Mater de Pergolesi, Missa da Coroação, Missa em dó menor, David o penitente e Requiem de Mozart. Realizou recitais de Lieder com os pianistas Nuno Vieira de Almeida, João Vasco e Kaoru Tashiro, nomeadamente no Ciclode Jovens Cantores no Teatro S. Luiz, em Lisboa, e nos concertos ao vivo da Antena 2. Realizou concertos com a Orquestra Gulbenkian, a Filarmonia das Beiras, a Capela Real, a Orquestra do Algarve e a Sinfonietta de Lisboa sob a direcção dos maestros Michel Corboz, John Nelson, Fernando Eldoro, António Lourenço, Osvaldo Ferreira, Jorge Matta, Jorge Alves e Vasco Pierce Azevedo. Participou na estreia absoluta da peça de teatro/ópera Dying for Love dirigida por Bogdan Sziber e Karina Reich, integrada nos Encontros ACARTE e apresentada no Grande Auditório Gulbenkian e no Teatro de Dança em Estocolmo, Suécia.

SUSANA DUARTE (soprano), natural de Torres Vedras, iniciou os seus estudos musicais na Escola de Música “Luís António Maldonado Rodrigues”, na classe de Elsa Cortez. Licenciou-se em Canto na Escola Superior de Música de Lisboa, onde trabalhou com Elsa Saque e também com Nuno Vieira de Almeida, Olga Prats e Stephen Bull, entre outros, e em Ciências Musicais na Universidade Nova de Lisboa, tendo concluido também o mestrado em Artes Musicais (Lied e Oratória). Participou em diversos masterclasses, nomeadamente com Max Van Egmond, Helmut Lips, Hilde Zadek, Ralph Döring, Mara Zampieri, Walter Moore, João Lourenço, Claire Vangelisti e ateliers de ópera com Carleen Graham. Tem realizado recitais de canto epiano com os pianistas Francisco Sassetti, Ana Jacobetty, Helder Marques e com Nuno Vieirade Almeida (no Ciclo Novos Cantores do Teatro São Luiz). Apresenta-se frequentemente como solista de oratória e em concertos de música antiga, integrando grupos como a Capela Lusitana, o Concerto Campestre, o Antiquos Ensemble, e o Grupo Vocal Olisipo, entre outros. Tem colaborado com as Voces Caelestes e é membro do Coro Gulbenkian, onde faz solos e integra

21 grupos de câmara com regularidade. Conquistou o 3.º Prémio no Concurso Nacional de Canto Luísa Todi em Junho de 2005. Participou na banda sonora do filmeO Milagre segundo Salomé, do realizador Mário Barroso.

MANON MARQUES (meio-soprano), licenciada em Ciências Musicais pela Universidade Nova de Lisboa, fez os estudos musicais no Instituto Gregoriano de Lisboa. Integrou o Coral Lisboa Cantat e o Coro de Câmara da Universidade de Lisboa; é membro fundador do Coro de Câmara Lisboa Cantat, co-fundadora de Carmin’Antiqua (medieval/renascimento), do octeto vocal Capella Mundi (contemporânea) e do quarteto vocal Biznag (pop vocal). Integra o MediaeVox Ensemble como contralto e sanfonista (música sacra medieval). Trabalha regularmente com os grupos Officium – Ensemble Vocal e Voces Caelestes. Cantou em back-vocals com o grupo pop The Gift, no álbum AM-FM. É reforço do Coro Gulbenkian desde 2005. Desde2001 lecciona Formação Musical, tendo preparado alunos para exames de canto da Trinity School of London, nos quais foi também acompanhadora. Foi co-fundadora da Academia Coral, escola de música dirigida a coralistas criada em 2004, onde lecciona Formação Musical, Prática de Leitura e Teclado. Frequentou diversos cursos: Direcção Coral, Técnica Vocal, Interpretação e Ornamentação na Música Antiga, Balli Renascentistas, curso Kodály no Zoltán Kodály Music Pedagogical Institute da Ferenc Lizst Academy of Music em Kecskemét (Hungria) e também Inglês, Francês, Dança Contemporânea e Teatro Musical. Presentemente frequenta a licenciatura em Formação Musical na Escola Superior de Música de Lisboa. Na mesma instituição, lecciona Educação Auditiva no Curso de Música na Comunidade.

JOÃO MOREIRA (tenor) nasceu em Évora em 1980 e iniciou os seus estudos musicais aos seis anos de idade na Academia de Música Eborense. Integrou o ensemble barroco La Nave Va, tendo interpretado o papel de Ixion na Ópera La descente d’Orphée aux enfers de Charpentier. Com o quarteto Tetvocal, a orquestra Sinfonietta de Lisboa e o coro Ricercare, interpretou e gravou a obra In Paradisum de Eurico Carrapatoso. Membro do Coro Gulbenkian desde 2000, integra frequentemente formações de câmara para a interpretação de um repertório variado, do Renascimento português à música contemporânea. Sob a direcção de Michel Corboz, actuou como solista noStabat Mater a dez vozes de Domenico Scarlatti, em Portugal e em Espanha (num concerto oferecido pelo Presidente da República ao Rei de Espanha) e ainda no Smithsonian Museum em Washington D.C. Participou em digressões na China, Japão, Espanha, França, Holanda, Dinamarca, Malta e Estados Unidos. Colabora regularmente em vários projectos do Nederlands Kamerkoor, em Amesterdão.

ANDRÉ BALEIRO (baixo) nasceu em Lisboa em 1989 e iniciou os seus estudos musicais aos dez anos de idade no Instituto Gregoriano de Lisboa. Nesta escola começou, em 2004, a sua formação vocal com Elsa Cortez com quem ainda estuda a nível particular. Tem colaborado com Officium - Grupo Vocal, Capella Patriarchal, Studio Contrapuncti e é membro reforço do Coro Gulbenkian desde Janeiro de 2009. Em 2007 representou os papéis de Apollon e Titye na ópera La descente d’Orphee aux Enfers de M.-A. Charpentier no Convento de Mafra e em 2009 estreou-se como solista em oratória com Missaa brevis K. 140 de Mozart no festival “Musicalles de Grillon”. Neste momento frequenta a Licenciatura em Direcção Coral e Formação Musical na Escola Superior de Música de Lisboa.

RICARDO MARTINS (baixo), nascido em 1983, estudou piano no Instituto Gregoriano de Lisboa na classe de Manuel Fernandes. Foi admitido em 2004 no curso de Piano da Escola Superior de Música de Lisboa, na classe de Jorge Moyano, tendo terminado com elevada classificação. Foi

22 vencedor do 2º. prémio ex-aqueo do Concurso de Piano Maria Christina Lino Pimentel em 2001 e de uma Menção Honrosa na edição seguinte do mesmo concurso. Participou como pianista acompanhador num masterclasse de Canto de Rudolf Knoll e como pianista e cantor num curso de técnica vocal de Ana Leonor Pereira. Participou também em masterclasses de Piano e aperfeiçoamento técnico de Galina Eguiazarova, Sequeira Costa, Miklos Spaniy e Fausto Neves. Apresenta-se inúmeras vezes quer como pianista solista quer como pianista acompanhador. Foi membro de vários coros e grupos de câmara, entre os quais o Coro Gregoriano de Lisboa, o Grupo Vocal Olisipo e Coro Odyssea, tendo colaborado com grupos como o Cameratta ad Impromptu (do qual foi membro fundador), Grupo Vocal Trítono, Coro Ricercare, Wolf Consort, Orquestra Metropolitana de Lisboa, Orquestra do Algarve e Coro Gulbenkian (como pianista acompanhador). Fez estreias de obras de João Antunes (cantata Maria, Mater Dei) e Bruno Gabirro (ópera Carta do Achamento). Participou como solista e membro do Grupo Vocal Olisipo na ópera Corpo e Alma de Christopher Bochmann. Como pianista é membro do duo Solistas Ibéricos. É actualmente membro do Coro Gulbenkian e do Studio Contrapuncti, bemcomo professor acompanhador na Escola de Música Nossa Senhora do Cabo.

DANIEL GODINHO (piano) nasceu em Lisboa e estudou piano na Escola de Música do Conservatório Nacional, onde concluiu o curso complementar. Em 2007 licenciou-se em Piano na Academia Nacional Superior de Orquestra, tendo sido aluno de Alexei Eremine (Piano e Música de Câmara), Ana Tomasik e José Manuel Brandão (Acompanhamento ao Piano). Aperfeiçoou-se em masterclasses de Música de Câmara, nomeadamente com Marta Gullyas, e de Lied, com Rudolf Jansen, com quem tem trabalhado nos últimos anos. Entre Outubro de 2007 e Abril de 2008 continuou a sua especialização em acompanhamento de Lied, no Conservatório de Amesterdão, com os professores Udo Reinemann, David Selig e Rudolf Jansen. Tem-se apresentado em recital em várias salas de concerto do país, e realizou três gravações para a Antena 2, duas das quais inteiramente preenchidas com canções de Schubert. Participou nos prestigiados concursos “Franz Schubert und die Musik der Moderne” em Graz, e “Internationaler Schubert Lied-Duo” em Dortmund. É professor de Formação Musical no Conservatório de Lisboa, e tem trabalhado como pianista acompanhador na Escola de Música Nossa Senhora do Cabo, em Linda-a-Velha, no Instituto Piaget e na Escola Superior de Música de Lisboa.

CLARA COELHO (direcção) nasceu em Coimbra em 1978 e iniciou os estudos musicais no Conservatório Regional de Música da Covilhã. Nesta escola dirigiu o Coro Juvenil entre 1993 e 1995. Fez os estudos superiores na Escola Superior de Música de Lisboa em Formação Musical (2000) e Direcção Coral (2005), onde estudou com Vasco Azevedo. Está a concluir actualmente o Mestrado em Direcção Coral no Instituto Piaget sob a orientação do professor Paulo Lourenço. Estudou direcção com maestros como António Lourenço, Michel Corboz, Alexander Polishuk, Stephen Coker e Cara Tasher. É desde Janeiro de 1997 membro do Coro Gulbenkian, onde trabalha regularmente desde os últimos dez anos na direcção de ensaios e preparação de grande parte do seu repertório. É desde Junho de 2005 maestrina adjunta no Coro Sinfónico Lisboa Cantat. Dirigiu e foi membro fundador do Coro de Câmara Lisboa Cantat. Desde 2007 é assistente do coro no festival “Les Musicalles de Grillon”, que se realiza anualmente no sul de França. Exerce funções como docentes na Academia Nacional Superior de Orquestra, desde 1998, e na Escola Superior de Música de Lisboa, desde 2000.

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Adriana Ferreira e Trio de Cordas

11 de Junho (sexta-feira) – 21h30 Quarteto com Flauta Igreja Paroquial de Santo André (Cela) 12 de Junho (sábado) – 21h30 Igreja Matriz de Évora de Alcobaça

1.ª Parte 2.ª Parte GORDON JACOB WOLFGANG AMADEUS MOZART Four Fancies Don Giovanni, drama jocoso em dois actos Prelude (arr. J. Wendt, 1788) Gavotte Acto I Incantation Ouverture Folk Dance Madamina, il catalogo è questo Fin ch’han dal vino HEITOR VILLA-LOBOS Riposate, vezzose ragazze Assobio a Jato para flauta e violoncelo Menuetto, Contradance Allegro non troppo Soccorriamo l’innocente! Adagio Trema, trema, o scellerato! Vivo Acto II WOLFGANG AMADEUS MOZART Ah taci, ingiusto core Quarteto em Ré Maior K. 285 Non mi dir, bell’idol mio Allegro Ah signor per carità! Adagio Rondo

Adriana Ferreira, flauta Mi-sa Yang, violino Aurélie Deschamps, violeta Seok Woo Yoon, violoncelo

Parceria: Concurso de Interpretação do Estoril

25 NOTAS À MARGEM

A ópera Don Giovanni de Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburgo 1756 - Viena 1791), com libreto de Lorenzo Da Ponte, motivou várias transcrições e adaptações, além de ter fornecido temas para conjuntos de variações de vários compositores. Uma das primeiras transcrições foi a de J. Wendt, logo no ano seguinte à estreia da ópera em Praga (ocorrida em 1787). Wendt transcreveu a ópera integralmente para flauta, violino, violeta e violoncelo, deixando de fora os recitativos. Neste concerto ouvir-se-á uma selecção de alguns dos números dessa curiosa versão transcrita. Quanto ao Quarteto em ré maior K. 285 que ouviremos no fim do programa, foi uma encomenda do melómano holandês De Jean. A escrita é virtuosística, especialmente nos andamentos inicial e final, este último um dos mais belos rondós de Mozart. Quanto ao comovente andamento lento, foi talvez influenciado pela dança dos espíritos da óperaOrphée et Euridice de Gluck.

Compostas em 1976, asFour Fancies do inglês Gordon Jacob (Londres 1895 – idem 1984) dão-nos um excelente exemplo de música contemporânea que pretende alcançar os seus efeitos por meio de melodias atraentes, sugestivamente ritmadas, sobre uma base harmónica que concilia o moderno com o tradicional. A peça Assobio a Jato foi composta pelo brasileiro Heitor Villa-Lobos (Rio de Janeiro 1887- 1959) em Nova Iorque, em 1950. O título reporta-se ao efeito requerido ao flautista no último andamento, que procura imitar o som de um avião a jacto rasando os céus nova-iorquinos.

OS INTÉRPRETES

ADRIANA FERREIRA (flauta) concluiu o Curso de Instrumentista na Escola Profissional Artística do Vale do Ave - ARTAVE com a classificação de 20 valores, na classe da professora Joaquina Mota, tendo-lhe sido atribuído um Prémio de Mérito pelo Ministério da Educação e Prémio Dra. Manuela Carvalho. Actualmente estuda no Conservatório Nacional Superior de Música de Paris, nas classes de Sophie Cherrier, Vincent Lucas (flauta) e Pierre Dumail (flautim). Recentemente, aperfeiçoou-se ainda com Emily Beynon, Felix Renggli, Magali Mosnier, Vicens Prats e James Galway. Integrou e colaborou com diversas formações, como a Orquestra de Jovens da União Europeia, a Orquestra Gulbenkian e a Orquestra de Paris; e apresentou-se em diversos Festivais, a solo e em Música de Câmara. Obteve o 1° Prémio em cerca de uma dezena de concursos da especialidade, entre os quais o Concurso Internacional de Kiev, Prémio Jovens Músicos/RDP, Concurso de Interpretação do Estoril e Concurso Nacional do Jovem Flautista em França. Apresentou-se a solo com as orquestras Gulbenkian e Artave, tendo estreado o Concerto para Flauta e Orquestra de Joaquim dos Santos, asi dedicado. Actualment com 19 anos, a sua agenda inclui apresentações em diversos Festivais e Carta Branca para Recitais em Portugal e no estrangeiro, o lançamento do seu primeiro CD, Concertos a solo com a Orquestra do Algarve, a Orquestra Sinfónica Portuguesa e a Orquestra Metropolitana de Lisboa, bem como colaborações com a Orquestra Nacional da Ópera de Paris e a Orquestra Sinfónica de Limburgs, entre outras. Ao abrigo do programa Erasmus, frequentará durante o próximo ano lectivo a Escola Superior de Música Hanns Eisler de Berlim, na classe do professor Benoît Fromanger. Paralelamente, frequenta uma Licenciatura em Musicologia na Universidade Paris-Sorbonne, sendo bolseira da Fundação Calouste Gulbenkian desde 2008.

26 MI-SA YANG (violino) frequenta actualmente o Curso Superior de Música de Câmara no Conservatório Nacional Superior de Música de Paris, na classe de Vladimir Mendelsslohn e Michel Strauss, após ter concluído na mesma instituição o Curso Superior de Violino na classe de Jean-Jacques Kantorow e Olivier Charlier. Entre os varios prémios que obteve, recentemente foi laureada em Música de Câmara com o 1.° Prémio (Trio com piano), no Concurso Internacional Maria Canals de Barcelona. Em 2009 apresentou-se em diversos festivais na Europa, além das suas performances com orquestra no Japão. Laureada pela Fundação Rohm Music e pela Fundação Groupe Banque Populaire. SEOK WOO YOON (violoncelo) nasceu em 1984 em Kwang Ju, na Coreia, e iniciou os seus estudos musicais de piano aos seis anos de idade. Dois anos mais tarde iniciou os seus estudos de violoncelo, na classe de Z. Tytlak em Las Palmas, Espanha. Apresentou-se a solo com orquestra pela primeira vez aos quinze anos, interpretando a Elegie de Fauré, e o Concerto de Lalo no ano seguinte. Em 2001 mudou-se para França, ingressando no Conservatório Nacional de Região de Boulogne Billancourt, na classe do professor Michel Strauss, onde obteve o DEM (Diploma de Estudos Musicais). Aperfeiçoou-se ainda com Helene Dautry, na Escola Nacional de Música de Fresnes. Desde 2002 actua regularmente a solo com orquestra, em interpretações que incluem as Variações “Rococó” de Tchaikovsky, o Concerto em Dó de Haydn e o Concerto de Grimbert-Barre, composto para o Festival Envolées Musicales de Paris. O seu interesse pela Música de Câmara levou-o a apresentar-se em diversas formações, do duo ao quinteto com piano, em países como Espanha, França, Holanda, Alemanha e Coreia. Participou em masterclasses de Jean Decroos, Roland Pidoux, Maurizio Kuks, Jean Moulliere, Cristophe Pantillon e Yan Ype Nota. Obteve o 1.° Prémio no Concurso de Cordas de Epernay em 2007 e o 1° Prémio no Concurso Vatelot-Rampal no ano seguinte. Desde 2008, Seok Woo estuda no Conservatório Nacional Superior de Música de Lyon, na classe do professor Yvan Chiffoleau, ao mesmo tempo que frequenta o Curso Superior de Música de Câmara (Trio com piano) no Conservatório Nacional Superior de Música de Paris, na classe de Vladimir Mendelssohn. AURÉLIE DESCHAMPS (violeta), nascida em 1984 iniciou a sua aprendizagem musical em violino aos três anos de idade e começou os seus estudos de violeta em 2002. 1.º Grande Prémio de Marselha e Prémio Tomasi, obteve os Diplomas de Violino, Violeta, Formação Musical e Música de Câmara por unanimidade. Ao mesmo tempo, obteve o 1° Prémio de Violeta por unanimidade do Conservatório Nacional de Região de Paris (CNR), na classe de Tasso Adamopoulos. No Conservatório Nacional Superior de Música de Paris, Aurélie obteve o 1.° Prémio de Violeta por unanimidade na classe de M. Xuereb, seguido de um Ciclo de Aperfeiçoamento de dois anos para Concertistas, em Violeta, no mesmo Conservatório. Apesar da oportunidade de trabalhar em orquestra com diversos maestros, Aurélie dedica-se principalmente à Música de Câmara, onde encontra o equilíbrio necessário entre técnica e emoção, privacidade e expressão. Neste sentido, obteve na secção de Música de Câmara o Prémio Léopold Bellan em Paris (2005) e o 1.° Prémio no Concurso Internacional TIM – International Music Tournament, em Roma (2006). Convidada para diversos festivais, como Les Musicales de Bagatelle (Paris), “Jovens Solistas” (Vitrolles), Musique de Chambre à Giverny, Musique de Chambre en Pays de Gex, Kuhmo Chamber Music (Finlândia), Festival de Alcobaça (Portugal), etc., Aurélie é solicitada para inúmeras manifestações musicais em Paris. Forma com a pianista Emilie Vaute o Duo Lilith, apresentando-se regularmente em público. Aurélie é bolseira da Fundação Meyer, além de laureada pela Fundação Banque Populaire.

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L’Angelica Serenata per musica

13 de Junho (domingo) – 18h00 JOÃO DE SOUSA CARVALHO (música) Sacristia – Mosteiro de Alcobaça PIETRO METASTASIO (texto)

Parte Prima Parte Seconda

Abertura recitativo ed aria [Tirsi] [Allegro] – Andante Comodo – Allegro assai “Il tuo pianto i tuoi sospiri” recitativo ed aria [Angelica] recitativo ed aria [Licori] “Mentre rendo a te a vita” “Non curo del fato richiezze e tesori” recitativo ed aria [Medoro] recitativo ed aria [Medoro] “Terrore m’inspira” “Bella diva all’ombre amica” recitativo ed aria [Licori] recitativo ed aria [Angelica] “Ombre amene” “Io dico all’antro addio” recitativo ed aria [Orlando] recitativo ed aria [Orlando] “Vane felice al rio” “Da me che volete infauste comete” dueto [Angelica e Medoro] Coro [tutti] “Ah, non dirmi” “Viva l’Augusta prole”

Pedro Castro,direcção artística CONCERTO CAMPESTRE Joana Seara, soprano & QUARTETO ARABESCO Lídia Viñes Curtis, mezzo Pedro Castro, Luís Marques,oboés Fernando Guimarães, tenor Pedro Coutro Soares, Osvaldo Barros, traversos Maria Luísa Tavares, meio-soprano Paulo Guerreiro, Tracy Nabais, trompas Sandra Medeiros, soprano Denus Stetsenko, Raquel Cravino, violinos Lúcio Studer, violeta Ana Raquel Pinheiro, violoncelo Sofia Diniz,viola da gamba Duncan Fox, contrabaixo Flávia Almeida Castro,cravo

Co-produção: Primavera Musical - Festival Internacional de Música de Castelo Branco

29 NOTAS À MARGEM por Pedro Castro

As “serenatas” setecentistas são pequenas óperas de câmara sem encenação. São cantatas dramáticas, normalmente celebratórias, para dois ou mais cantores com orquestra. Deve acrescentar-se que, à ópera, elas vão buscar os textos e os temas profanos e, à oratória, a estrutura em duas partes. Os textos são mais alegóricos, sem um verdadeiro enredo, do que normalmente seria de esperar numa ópera. Para além disso, esse texto é muitas vezes alusivo a um personagem ou acontecimento ao qual a obra é dedicada. Os libretistas e os compositores destas obras eram geralmente locais, muito por questões de conveniência, já que quando era necessário celebrar um nascimento ou uma vitória militar, o tempo de preparação era limitado.

É interessante reflectir também sobre a imagem romântica que existia no período quanto ao significado duma serenata. Veja-se o exemplo da ópera Cosi fan tutte de Mozart, que se passa em Nápoles do séc. XVIII e onde um dos dois jovens amantes comenta que, se ganhasse uma certa quantia de dinheiro, iria com certeza dedicar à sua amada uma sumptuosa serenata. A visão romântica do apaixonado que executa uma serenata à janela da sua diva, passa pelo burguês rico que contrata músicos para o acompanhar, até chegar ao membro da família real que encomenda uma obra a um compositor importante, da sua confiança, para ser realizada no aniversário de um familiar, sem deixar de servir bebidas no intervalo.

Observando-se o que se conhece da obra de João de Sousa Carvalho não se pode deixar de notar a quantidade de serenatas que compôs: ao todo estão catalogadas 10 destas obras, ao lado de 5 óperas, 7 missas e 1 oratória. As últimas investigações sobre o compositor vieram atribuir a maior parte da sua música sacra a João de Sousa Vasconcelos, o que nos deixa a composição de serenatas como a principal actividade deste músico, tão querido da família real e da corte da sua época.

Composta em 1778 e baseada num libreto de Pietro Metastasio, esta foi a primeira serenata realizada por este compositor ao serviço da corte de D. Maria, por sinal dedicada à irmã desta, Maria Benedita, e executada no Palácio Nacional da Ajuda e no Palácio de Queluz. Conta a história de como Angelica jurou o seu amor ao poderoso Orlando para acalmar os seus ciúmes e, assim, poder fugir com o seu amado Medoro.

Havendo registo de mais de 80 destas obras realizadas por todo o séc. XVIII, 35 das quais, no último quartel, torna-se evidente a importância desta tradição nacional, que não se reflecte ainda nas salas de concerto actuais. A realidade é que nenhuma das serenatas deste compositor e seus contemporâneos foi ainda executada, editada ou gravada nos nossos dias, fazendo deste programa uma oportunidade singular de fruição do nosso património cultural.

João de Sousa Carvalho nasceu em Estremoz a 22 de Fevereiro de 1745. Através dos registos da sua confissão na freguesia da Ajuda, crê-se que este compositor terámorrido entre as quaresmas de 1799 e 1800. Foi em Vila Viçosa que iniciou os seus estudos musicais, a 23 de Outubro de 1753 e, logo aos 15 anos, a 15 de Janeiro de 1761, ingressa no conservatório de Santo Onofre de Capuana, em Nápoles, na qualidade de bolseiro do Rei D. José I e na companhia dos irmãos Jerónimo Francisco e Brás Francisco de Lima.

30 Em 1766, a Ópera “La Ninetti” foi apresentada em Roma e, aparentemente, é no ano seguinte que volta a Portugal, pois foi nesta altura que ingressou na irmandade de St.ª Cecília. Torna-se então professor de contraponto e, mais tarde, mestre de capela do seminário da Patriarcal.

Em 1778 sucede a David Perez na qualidade de professor de música da corte. É a partir daqui que escreve anualmente uma serenata para celebrar aniversários e outros eventos festivos da corte. É considerado por vários musicólogos (Sampayo Ribeiro 1938, Santos Luís 1999) como um dos compositores preferidos da corte no seu período. Não só foi aquele que partilhou de um relacionamento mais íntimo com os membros da família real, na qualidade de tutor musical, mas, de facto, das 10 óperas compostas por compositores portugueses no seu tempo, são-lhe atribuídas 4, e das 36 serenatas do período de D. Maria I, são-lhe atribuídas 10.

Foi também uma das suas Serenatas - Penelope nella partenza de Sparta - que fez parte de um conjunto de partituras que foram enviadas por esta mesma soberana a Madrid, a fim de lá serem apresentadas. Isto faz de João de Sousa Carvalho um dos compositores preferidos dacorte, principalmente em relação aos restantes compositores nacionais.

As referências à predilecção que este compositor tinha na corte são várias, nomeadamente, na Carta de Pinto da Silva de 7 de Abril de 1783. Comentando sobre a falta de bons cantores e da decadência da música, em geral, no resto da Europa, este diplomata declara que “actualmente não existe compositor como o nosso João de Sousa Carvalho, e que tanto ele como o seu discípulo António Leal Moreira recentemente compuseram excelentes serenatas” (apud Brito 1989).

Segundo o catálogo elaborado por Santos Luís (1999), no seu legado musical contam-se 11 serenatas, 5 óperas, 3 Te Deum, 4 missas e uma oratória, além de algumas peças de tecla e modinhas luso- -brasileiras. Mais recentemente foram encontradas evidências que explicam o enigma da identidade dos compositores JSV (João de Sousa Vasconcelos) e JSC (João de Sousa Carvalho) e a dúvida levantada inicialmente por Ernesto Vieira (1900), refutada por Sampayo Ribeiro (1938) e ignorada por outros musicólogos. Santos Luís (1999) revela mais provas da existência de um outro compositor cujas obras foram inicialmente atribuídas a JSC. Será, no entanto, Cristina Fernandes (2005) que finalmente revela a identidade de João de Sousa como sendo de João de Sousa Vasconcelos, músico que entrou para a Irmandade de St.ª Cecília em 1760 e faleceu em 1799. Esta autora identifica JSV como autor, exclusivamente, de música religiosa e atribui-lhe algumas obras deste tipo anteriormente tidas como da autoria de JSC. Tal torna necessária uma revisão pormenorizada do trabalho de Santos Luís.

A composição de música dramática e especificamente de serenatas foi, portanto, uma das suas funções principais, o que vem ao encontro da definição do género, pois trata-se de um compositor local, mais frequentemente contratado para este tipo de trabalho. O facto de partilhar alguma intimidade com a família real era também significativo, já que, sendo estas obras dedicadas por um familiar a outro, é natural que o compositor escolhido para o efeito fosse alguém de uma certa proximidade e não um artista longínquo que enviava uma determinada obra por encomenda.

31 OS INTÉRPRETES

O CONCERTO CAMPESTRE, cujo nome é inspirado no famoso quadro de Giorgone, éum grupo de música de câmara que se dedica à interpretação da música europeia, desde o renascimento ao período barroco, chamada “música antiga”. É constituído por jovens profissionais especialistas nos instrumentos da época, tais como cravo, oboé barroco, viola da gamba e violoncelo barroco. Os seus elementos são formados nas principais escolas europeias e trabalham em vários grupos da especialidade, tais como Ricercar Consort, Al Ayre Español, Les Talens Liryques e Divino Sospiro. O grupo está sediado em Lisboa e tem a direcção artística de Pedro Castro. A sua constituição é versátil, tendo sido já realizados desde projectos com um trio de câmara a projectos com um conjunto de dez músicos e cantores na execução de cantatas e concertos de J.S. Bach, Telemann e Seixas. Apresentou-se na Festa da Música no CCB, nos Encontros de Música Antiga de Loulé, no átrio do Museu Gulbenkian, na “Festa no Chiado”, nas “Festas de Lisboa” e nos Encontros de Música Antiga de Tomar, no Festival Terras sem Sombra e nos Festivais de Outono em Aveiro. Em colaboração com o Quarteto Arabesco, apresentou a estreia moderna da Serenata L’Angelica, de João de Sousa Carvalho, em Outubro de 2009. Os seus compromissos recentes incluem um programa dedicado à retórica na música instrumental, récitas daL’Angelica no Festival Cistermúsica de Alcobaça e no Festival de Música de Castelo Branco e um programa em trio dedicado a G. Ph. Telemann.

O QUARTETO ARABESCO tem-se evidenciado como um agrupamento pioneiro em Portugal pela sua abordagem original do mais variado repertório, sendo os seus programas sempre resultado de uma pesquisa aprofundada. Está especializado em interpretações historicamente informadas, em instrumentos da época, de música dos períodos Barroco e Clássico. Este trabalho de procura de uma interpretação cada vez mais autêntica tem sido seguido e orientado por grandes mestres como Gaetano Nasillo, Enrico Onofri, Alfredo Bernardini e Richard Gwilt. Tem-se igualmente apresentado em instrumentos modernos, interpretando música dos mais variados quadrantes, desde o flamenco e fado até à música contemporânea. Colabora regularmente com solistas de renome como Pedro Castro (oboé), Rui Paiva (órgão), António Carrilho (flauta bisel), Marcos Magalhães (cravo) e Pedro Jóia (guitarra). Tem-se igualmente apresentado com outros agrupamentos tais como Concerto Campestre, La Nave Va, Os Músicos do Tejo, Coro de Santa Maria de Belém, Coro Opus 21 e Grupo Vocal Olisipo. Desde a sua estreia em 2006 já se apresentou em mais de 60 concertos com os mais variados e ousados programas. Nestes se incluem festivais tais como o Festival Internacional da Madeira, Festival Música em Leiria, Temporada Musica em S. Roque, Festival Internacional de Orgão de Lisboa, Semana Santa de Óbidos, Festival Maio Barroco de Óbidos, Ciclo Órgãos Históricos de Mafra, Festival de Órgão de Faro, Festival Terras sem Sombra e Encontros de Musica Antiga de Loulé. Já se apresentou nas principais salas de concerto do país tais como o Teatro D. Maria II, Igreja da Cartuxa, Mosteiro dos Jerónimos, biblioteca do Palácio Nacional de Mafra, Casa da Música, Centro Cultural de Belém, Culturgest e Fundação Calouste Gulbenkian.

LYDIA VIÑÉS CURTIS (meio-soprano), nascida em Barcelona, com ascendência em vários países europeus, possui una ampla experiência artística graças à sua carreira completa como

32 violinista, às suas intervenções no mundo do teatro e da dança e, finalmente, à sua formação como cantora lírica com o professor Jorge Sirena. O seu caminho começou no conservatório de Barcelona, depois no Conservatório Nacional de Toulouse e finalmente na Schola Cantorum de Basileia. Foi membro do Coro de Câmara do Palau de la Música Catalana e em 2008 do octeto vocal especializado em música do Renascimento espanhol Nova Lux Ensemble. Gravou parte do Cancioneiro de Medinaceli como solista com o maestro David Guinda na etiqueta Arsis. Actuou em Die Zauberflöte no teatro de ópera de Sabadell e com a Orquesta Sinfónica de Navarra como meio-soprano solista. Habitualmente colabora nas montagens cénicas dirigidas por David Mason e Richard Levitt com repertório de Purcell, Händel e Monteverdi, no âmbito do Festival de Noches de la lírica del Palacio de Hualle (Santander). Também em Lisboa colaborou com Pedro Castro e o quarteto Arabesco na representação e recuperação da serenata L’Angelica de João de Sousa Carvalho. Por outro lado, a sua especialização em música antiga durante quatro años no Conservatório de Toulouse, tocando violino barroco, permitiu-lhe colaborar em orquestras de prestígio como o Ensemble Baroque de Limoges, a Orquestra Barroca Catalana, Al Ayre Español, L’ Acadèmia 1750 e no seu recente grupo de câmara especializado em música do Renascimento, Movimento Arioso.

FERNANDO GUIMARÃES (tenor), licenciado em Canto pela Escola das Artes da UCP-Porto, na classe de António Salgado, foi galardoado com o Prémio Jovens Músicos 2007 da RDP e com o 2.º Prémio no Concurso Nacional de Canto Luísa Todi. Como vencedor do Concurso Internacional de Canto “L’Orfeo” em Verona, cantou o papel principal desta ópera de Monteverdi em Mantova (no 400º aniversário da sua estreia), Berlim e Budapeste. Foi, entre muitos outros: Ferrando em Così Fan Tutte, Don Ottavio emDon Giovanni, Almaviva em Il Barbiere di Siviglia (Rossini), Nencio em L’Infedeltà Delusa, de Haydn (em Estrasburgo, com Le Parlement de Musique, sob direcção de Martin Gester); Ippolito em La Spinalba de Francisco António de Almeida (no CCB, com a orquestra “Músicos do Tejo”); Testo em Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, de Monteverdi (Fundação Gulbenkian). Integrou o elenco da fantasia musical Evil Machines (com música de Luís Tinoco sobre libreto de Terry Jones), com estreia mundial em Janeiro de 2008 no Teatro S. Luiz. Estreou-se recentemente no Teatro Nacional de S. Carlos (como Monostatos emDie Zauberflöte) e no Grande Auditório da Fundação Gulbenkian (na Paukenmesse de Haydn, sob direcção de Erwin Ortner), bem como em ambos os auditórios da Casa da Música (Porto). Participou nas digressões europeias da Académie Baroque Européene de Ambronay de 2008 e 2009, com programas dedicados a Giovanni Gabrieli (sob a direcção de Jean Tubéry) e Mozart (com Martin Gester). Cantou, com excelente recepção da crítica, as árias de tenor na Matthäuspassion de J. S. Bach no Centro Cultural de Belém, com a orquestra barroca Divino Sospiro dirigida por Enrico Onofri, tendo-se apresentado no mesmo papel no festival de Aldeburgh, sob a direcção de Masaaki Suzuki e como bolseiro do Britten-Pears Young Artists Programme. Entre os seus compromissos para esta temporada incluem-se: Vespro della Beata Vergine de Monteverdi com L’Arpeggiata em Gent, Metz e Barcelona; Matthäuspassion com o Coro e Orquestra Gulbenkian sob direcção de Michel Corboz; cantatas pascais de Bruhns e Eberlin com o Ensemble Diderot na Alemanha e Inglaterra (Festival de Aldeburgh); e uma digressão com música de Vivaldi (com

33 o Choeur de Chambre de Namur e Les Agréments) nos festivais da Valónia e de Ambronay. Ainda esta temporada gravará dois discos para a etiqueta Ricercar e com o Ensemble Clematis (Leonardo García Alarcón) dedicados respectivamente à música profana de Matheo Romero e às cantatas de Georg Böhm.

JOANA SEARA (soprano) iniciou os seus estudos musicais e de canto na Academia de Música de Santa Cecília e no Conservatório Nacional de Lisboa, sob a orientação de Elsa Saque. Foi membro e solista do Coro Gulbenkian durante seis anos e participou em inúmeros concertos, em Portugal e no estrangeiro, sob a direcção de Michel Corboz, Frans Brüggen, Fernando Eldoro, Jorge Matta, Michael Zilm, Claudio Abbado e Richard Hickox. Joana decidiu-se pelo canto solístico, tirando a Licenciatura, Mestrado em Performance e Curso de Ópera na Guildhall School of Music and Drama (GSMD), em Londres, com Laura Sarti. Participou também em cursos e masterclasses de aperfeiçoamento orientados por Thomas Hampson, Thomas Allen, Felicity Lott, Christa Ludwig, Jill Feldman, Emma Kirkby, Graham Clark e Paul Kiesgen. Enquanto estudante, foi bolseira da Fundação Calouste Gulbenkian, da Wingate Foundation, E M Behrens Charitable Trust e da Worshipful Company of Barbers.Prémios incluem o Worshipful Company of Glass Sellers Music Prize 2005 e um Sybil Tutton Award. Foi finalista na Handel Singing Competition 2007. Joana já trabalhou como solista para companhias como English National Opera, Glyndebourne Festival Opera, Castleward Opera, New European Opera, Bampton Classical Opera, Independent Opera at Sadlers Wells, Opera Restor’d e British Youth Opera. Os seus papéis incluem Galatea (Acis and Galatea), Gretel (Hänsel und Gretel), Damigella (The Coronation of Poppea), Despina, Zerlina, Juliet (Romeo and Juliet de Benda), Margery (The Dragon of Wantley de Lampe), Vespina (La Spinalba), Dorinda (Orlando de Handel) e Nannetta (Falstaff). Em concertos e recitais, Joana tem-se apresentado como solista, na interpretação de grandes obras como a Sinfonia nº 2 de Mahler, a Sea Symphony de Vaughan William e o Messias de Händel e, mais recentemente, na Paixão Segundo São João com os King’s Consort, sob direcção de Mathew Halls. Apresentou-se no Festival de Händel 2008 e no Festival de Lieder de Oxford 2006 com os pianistas Bernard Robertson e Sholto Kynoch. Actua regularmente com o Ensemble Barroco do Chiado, sob direcção de Marcos Magalhães, e com a Orquestra Barroca Divino Sospiro, sob direcção de Enrico Onofri, com quem participou em concertos para os festivais barrocos de Ile de France, Ambronay e Mafra. Futuras apresentações incluem Galatea em Acis and Galatea em Londres, Paris e Nantes, Vespina na reposição da produção do CCB e Músicos do Tejo de La Spinalba, 1ère Femme em Medée e Clotilde em Norma, na Fundação Gulbenkian, e Gretel em Hänsel und Gretel para Opera Holland Park.

MARIA LUÍSA TAVARES (meio-soprano) iniciou os seus estudos de canto em Lisboa, com Maria Antónia Palhares, Álvaro Malta e Filomena Amaro (Conservatório Nacional), e terminou-os no Centre d’Etudes Musicales Supérieures de Toulouse, onde estudou com Marie-Thérèse Cahn, Gabriel Bacquier e Jean-Christophe Benoît. Estudou interpretação do repertório barroco no Departamento de Música Antiga do Conservatório de Toulouse, e na Academia de Música Antiga de Lisboa, tendo trabalhado com Jill Feldman, Guillemette Laurens, Richard Gwilt, Antonio Florio, e Hervé Nicquet, entre outros. Desde 1998 tem cantado como solista com maestros como Brad Cohen (Estúdio de Ópera do Porto e Remix Ensemble), Jorge Matta (Orquestra Gulbenkian), João Paulo Santos, Giovanni Andreoli, Zoltán Peskó e Donato Renzetti (Teatro Nacional de S.Carlos/Orquestra Sinfónica Portuguesa), Richard Gwilt, Massimo Mazzeo,

34 Harry Christophers e Christina Pluhar (Divino Sospiro). Participou nas óperas Venus and Adonis (John Blow) como Venus, Dido and Aeneas (H. Purcell) como Dido, L’Amore Industrioso (João de Sousa Carvalho) como Giulietta, Il Barbiere di Siviglia (G. Rossini) como Berta, The Turn of the Screw (B.Britten) como Mrs.Grose, La Déscente d’Orphée aux Enfers (M. A. Charpentier) como Proserpina e Die Zauberflöte como Segunda Dama. Em Outubro de 2003, obteve o 3.º Prémio no Concours International de Chant Baroque de Chimay, na Bélgica. É elemento efectivo do Coro do TNSC e colabora regularmente com agrupamentos de câmara, em Portugal e na Holanda, tais como o Nederlands Kamerkoor, o Grupo Vocal Olisipo (dir. Armando Possante), o Kassiopeia Quintet (com o qual gravou o IV, V e VI livros de madrigais de D.Carlo Gesualdo, para a Globe), a Capela Joanina (dir. João Paulo Janeiro), o Ensemble Barroco La Nave Va (que fundou juntamente com o flautista António Carrilho), e o trio Breathing of Statues (coma soprano Orlanda Velez Isidro e o alaúdista Tiago Matias). Com estes grupos tem-se apresentado em festivais como Música em S. Roque, Terras Sem Sombra, o Festival Internacional de Música de Mafra, a Temporada de Cravo de Óbidos, o Festival de Música de Alcobaça, o Festival Are- More em Vigo e o Gesualdo Festival na Holanda.

PEDRO CASTRO (oboé barroco, flauta de bisel e direcção artística) nasceu em 1977 no Porto. É diplomado pela Escola Superior de Música de Lisboa, sob a orientação de Pedro Couto Soares, e pelo Conservatório Real de Haia, na Holanda, sob a orientação de Sebastien Marq (flauta) e de Ku Ebbinge (oboé barroco). No âmbito do mestrado em artes musicais, na Universidade Nova de Lisboa, realizou a tese “Serenata L’Angelica – um estudo performativo”. Foi bolseiro do Centro Nacional de Cultura. A sua actividade profissional passa pelos seguintes agrupamentos: Al Ayre Español, Le Talens Liryques, Divino Sospiro, Capela Real, Orquestra barroca de Sevilha, Flores de Música, Sete Lágrimas, Quarteto Arabesco, A Imagem da Melancolia e Os Músicos do Tejo. Tem, assim, oportunidade de trabalhar sob a direcção de Eduardo Lopez Banzo, Enrico Onofri, Christophe Rousset, Alfredo Bernardini e Monica Hugget, entre outros importantes nomes do meio da interpretação histórica. Como solista, além da sua actividade em música de câmara, apresentou-se também com a Orquestra Capela Real no concerto para oboé de A. Marcello, no duplo concerto para violino e oboé de J.S. Bach e com a Orquestra Divino Sospiro, no concerto para oboé d’amore do mesmo compositor. No oboé clássico e com o Quarteto Arabesco apresentou-se com o quarteto de Mozart, ícone do repertório virtuosístico do classicismo. Em Outubro de 2009 dirigiu a estreia moderna da serenata L’Angelica de João de Sousa Carvalho em 5 récitas por todo o país, integrado num projecto apoiado pela Direcção Geral das Artes/ Ministério da Cultura. Ensina oboé barroco, flauta de bisel e música de câmara, na Academia de Música de Santa Cecília, na Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo e na Escola Superior de Música de Lisboa. É o director artístico do Concerto Campestre.

SANDRA MEDEIROS (soprano) nasceu em S.Miguel, Açores, e estudou no Conservatório Regional de Ponta Delgada com Imaculada Pacheco. É licenciada em Canto pela Escola Superior de Música de Lisboa tendo integrado a classe da professora Joana Silva. Como bolseira da Fundação Calouste Gulbenkian e do Centro Nacional de Cultura prosseguiu estudos de pós- graduação em canto com Julie Kennard e Clara Taylor na Royal Academy of Music (RAM) em Londres, onde se graduou com “Distinção”, obteve o Dip. RAM e o prémio Amanda von Lob memorial Prize. Frequentou cursos de aperfeiçoamento em Portugal, Áustria, Espanha e Inglaterra com personalidades tis como Ileana Cotrubas, Teresa Berganza, Gundula Janowitz,

35 Rudolf Knoll, Marimi del Pozo, Jill Feldmann, entre outras. Foi premiada em concursos nacionais e nos concursos Isabel Jay Singing Prize e Elena Gerhard Lieder Prize em Londres. Foi finalista nos concursos Wigmore Award (Londres), XVII Concours International de Chant de Marmande (França) e no 2.º Concurso Internacional de Ópera do Mediterrâno (Bari/ Itália-2009). Obteve ainda o 2.º Prémio no V Concurso Internacional de Canto Bidu Sayão no Brasil. Gravou para a RTP, RTP-Açores, RTPI e RDP (Antena 2). A sua actividade como solista distribui-se pela música antiga, oratório, lied, melodie, canção do séc.XX e ópera, tendo actuado sob a direcção de maestros de renome como Michael Corboz, Charles Mackerras, Laurence Cummings, Alberto Lysy, Giancarlo De Lorenzo, Lawrence Foster, Marc Minkowski entre muitos outros. Também actuou com as mais destacadas orquestras portuguesas e com as orquestras Barroca da RAM, Camerata Lysy de Gstaad e Sinfonia Varsóvia. Tem colaborado em recitais com os pianistas João Paulo Santos, Nuno Vieira de Almeida, Alexei Eremine, Gabriela Canavilhas, Alessandro Segreto, Paulo Pacheco, Carla Seixas e Francisco Sassetti. Tem participado nos principais festivais de música do seu país e nos de Macau, Plasencia (Espanha), Festival Musicatlântico (Açores), London Bach Festival e Brancaster Midsummer Music Festival (Inglaterra). Actuou ainda na Expo 98 (Lisboa), Expo An Meer 2000 (Alemanha) e na Festa da Música 2006 (CCB- Lisboa). No domínio da ópera os seus papéis incluem Barbarina (Nozze di Figaro, Mozart), Princese (L’énfant et les sortiléges, Ravel), Gémea Siamesa (Corvo Branco, Philip Glass), Dragonfly A( raposinha matreira, Janacek), Frasquita (Carmen, Bizet), Serpina (La serva padrona, Pergolesi), Carlota (As Damas Trocadas, Marcos Portugal), D. Anna (D. Giovanni, Mozart) e Cardella (Lo frate namorato, Pergolesi). No estrangeiro Sandra Medeiros actuou em Espanha, Luxemburgo, Alemanha, Inglaterra, Brasil e Uruguai.

36

Orquestra do Algarve

19 de Junho (sábado) – 21h30 Concerto Sinfónico Cine-Teatro de Alcobaça

1.ª Parte ORQUESTRA DO ALGARVE GUSTAV MAHLER Alexandre Delgado, direcção Luís Rodrigues, barítono Adagietto da Sinfonia n.º 5 ALEXANDRE DELGADO Santo Asinha, lenda para barítono e orquestra (estreia absoluta, obra encomendada pela Orquestra do Algarve) I. O Renegado II. O Monge III. O Lenhador IV. O Milagre

2.ª parte LUDWIG VAN BEETHOVEN Sinfonia n.º 5 em dó menor, op. 67 I. Allegro com brio II. Andante con moto III. Allegro IV. Allegro-Presto (Finale)

39 NOTAS À MARGEM por Alexandre Delgado

Nascido em Kaliste, na Boémia, em 1860, e falecido em Viena em 1911, Gustav Mahleré uma figura equiparável a Richard Strauss, também ele um brilhante chefe de orquestra e um compositor que marcou a sua época. Ao contrário da natureza ensolarada do músico bávaro, nesse austríaco de origem judaica encontramos uma concepção trágica da vida que se reflecte nos seus ciclos de canções e nas suas nove sinfonias que são outros tantos frescos capazes de abarcar o universo.

Nenhum compositor esteve tão dividido entre o século XIX e o século XX como Mahler: a sua música encarna o dualismo entre o mundo romântico e o mundo moderno, sobrepondo-os a cada momento sem os fundir. Daí vem muito do seu fascínio e da sua carga expressiva: Mahler sintetizou um mundo que chegava ao fim e um mundo que começava a nascer. Evocação nostálgica de um passado que não podia ser reencontrado, a não ser de forma mais ou menos corrompida ou com o fermento de uma nova época. Pelos seus contemporâneos Mahler era considerado insultuosamente moderno ou estranhamente fora de moda; esta última visão foi a mais frequente a seguir à sua morte, em 1911, durante os anos de “limbo” em que a sua obra mergulhou (apesar de alguns defensores incansáveis, como os três compositores da 2.ª escola de Viena, que viam nele um percursor). Até que na década de 60 se deu a grande viragem: Mahler tornou-se um dos compositores mais adorados a nível planetário. Esse trajecto tem curiosamente algo a ver com o do estilo Arte Nova Jugendstil( na Áustria), que depois da 1.ª guerra mundial se julgou irremediavelmente antiquado e fora de moda e que com os anos ganhou um fascínio irresistível, fazendo com que os quadros de um Gustav Klimt estejam hoje entre os mais cotados do planeta. Só então se viu a que ponto tal movimento estético era rico e inovador, a que ponto sintetizava uma época e anunciava a seguinte.

A 5.ª Sinfonia, composta entre 1901 e 1902, forma uma trilogia com a 6.ª e a 7.ª, constituindo uma nova fase que prescinde da voz e do subtexto literário presentes nas sinfonias anteriores. Sobre o andamento mais célebre dessa sinfonia, o Adagietto, é impossível não mencionar Morte em Veneza, o filme realizado por LucchinoVisconti em 1971, que fez mais pela conversão à música de Mahler do que muitos milhares de concertos: o quarto andamento da 5.ª Sinfonia foi aí utilizado como contraparte musical da nostalgia crepuscular da novela de Thomas Mann, que narra a paixão do velho escritor Aschenbach por um efebo, a sua ânsia por uma beleza inalcançável, no quadro de um mundo em desintegração que é Veneza contaminada pela cólera. Esse amor impossível é também a percepção dolorosa dum universo que chegava ao fim: o século XIX tem no Adagietto da 5.ª de Mahler a sua mais sublime despedida. Encontramos aqui a veia lírica da plena maturidade do compositor, entregue às cordas e à harpa numa singela forma-canção que é também uma declaração de amor a Alma Schindler. Refira-se, contudo, a interessante constatação feita por Frederico Lourenço (no livro Novos Ensaios Helénicos e Alemães) de como a figuração rítmica inicial deste Adagietto, bem com a sua tonalidade de fá maior, nos remetem para a forma musical do barroco francês intituladaTombeau, um lamento pela morte de alguém; o que nos aproxima do conceito romântico da indissociabilidade do amor e da morte.

40 Foi através do livro Itinerário Português - O Tempo e a Alma de José Hermano Saraiva que conheci em 1987 a lenda de Santo Asinha, essa comovente história dum assassino recebeu dum monge a graça divina e acabou por ser ele próprio assassinado e “santificado” pelo povo minhoto, que lhe dedicou uma ermida barroca que ainda hoje pode ser visitada na Serra d’Arga. Pedi então a minha mãe Iva Delgado que convertesse essa história em conto, com o intuito de a adaptar em música. O impulso para compôr a obra só surgiu duas décadas depois: aproveitando uma encomenda da Orquestra do Algarve, pedi a Frederico Lourenço que convertesse esse conto em poema e foi a partir dele que compus, entre 2 de Janeiro e 7 de Maio de 2010, esta lenda para barítono e orquestra, com duração aproximada de 18 minutos.

SANTO ASINHA Poema de Frederico Lourenço (a partir dum conto de Iva Delgado)

1. O Renegado No rigor agreste do planalto a que os antigos chamavam deserto, não havia mosteiro, igreja ou nicho milagroso. A serra não dava agasalho a ninguém. Eram os perigos todos dignos de crónica: um renegado malfeitor, capaz de tudo, praticava assaltos, roubos e matanças. Quando as ventanias, em noites de temporal, desciam os vales e açoitavam os frágeis casebres, tremiam de medo homens e mulheres. Nesses apertos momentosos era tal o terror que havia notícia de mães que morriam, hirtas, com o rosário nas mãos; o rosto lívido, a boca de esguelha, apertando os filhos que mamavam no gélido peito. As freguesias das faldas oravam e queimavam velas para que Deus as livrasse da temida criatura. Mas o Senhor não escutava os humildes, deixando medrar o bandido, todo ele arrogância e ruindade. Então se lembraram de pedir justiça a El-Rei, que prometeu alvíssaras pela sua captura. Mas quem teria coragem coragem para travar voz com o miserável? Prosseguia assim o escandaloso tormento, sem freio nem medida. A peçonha do mal era tanta, que com a serra se confundia.

41 2. O Monge Um monge que ali passava, distraído nas rezas, agradecia a Deus o sol e o ar e as belezas do céu. Era dos que vão descalços e atentos às pedras do caminho. Quando menos esperava, uma voz dura e seca travou-lhe o passo: “Alto! Aqui da Serra d’Arga!” Admirado, rodou e voltou a rodar, mas não viu criatura alguma. “Quem fala com tal desmando?” Num lampejo, saiu dum rochedo um homem de jeito feroz que bradou assim: “Se tens amor à vida, dá-me os teus bens!” “Se me queres roubar, perdes o teu tempo. Se me queres matar, perdes a tua alma.” Vendo chegada a sua hora, o frade encetou a oração dos caminhantes. “Graças, Senhor Deus, por me apresentares esta criatura. Graças por este salvador que não mereço. A ti, irmão, agradeço o favor que me fazes. Mata-me já. Bem-aventurado sou como nenhum cristão à face da terra.” Ajoelhado, esperou os golpes mortais, mas o punhal não desceu. As feições do malandro chispavam não ódio mas sim espanto. “Porque dás graças a Deus por eu te matar?” “Porque com o martírio me abres as portas do céu. Morrendo às tuas mãos eu morro bem, enquanto tu, coitado, viverás mal.” “Mal! Que sabes tu da minha vida?” “Sei que são enormes as tuas fadigas, e que o inferno te alucina; sei que vives só e sem esperança. A serra não é tua como julgas, tu és seu prisioneiro. Crês ser livre, mas estás acorrentado ao mal que praticas. É esse o teu castigo, criaste-o com tuas próprias mãos. Emenda-te e pede perdão a Deus.” Na mente do bandido somavam-se razões. A todos metia medo menos àquele monge solitário, que bendizia a morte. Descaiu o punhal, sem ânimo para o enterrar. Estava cansado de ser foragido, de pertencer à raça dos malditos. No rosto do pecador passavam receios antigos, clamores e misérias, todo o missal da desgraça humana. Escrito em cada ruga, via-se o mapa duma vida de crimes. “Ah! Matei gente demais!”

42 Soltas as amarras do tempo, as aves voltaram à sinfonia. A luz do entardecer desdobrou-se como um dossel de pano. O frade ergueu o arrependido: “Por figura te vejo asceta, não criminoso. Por espírito te vejo homem de bem, não pecador. Tens uma dívida para com os serranos. Ajuda os homens que por aqui passam. Será essa a tua expiação.” O dia ficou pendurado no crepúsculo até que os ventos da noite assolaram as encostas e o silêncio a tudo envolveu.

3. O Lenhador Algum tempo passado, subia a custo a montanha certo astuto lenhador, sonhando com o lucro da sua lenha, quando no sítio onde é áspera a encosta, se entornou o carro de bois do montanhês. Remoendo uma praga, amaldiçoou a hora em que se meteu por atalhos. Surgiu então dos azinheiros um homem de lento pisar, que lhe ofereceu em voz mansa os seus préstimos: “Mãos à obra, meu amigo, que se faz tarde o dia!” Ferido de dúvidas, o aldeão fez seus cálculos. Tão certo como estar na Serra d’Arga, aquele homem era o bandido dos vaus. Vendo o outro entregue à tarefa de concertar-lhe o carro, o aldeão media-o de esguelha. Já se via furado no peito com golpe de punhal e quanto mais medos bulia, mais violências fabricava. Estudava pausas, movimentos, como furtivo caçador. Mediu a distância, como quem mede o último passo da sua vida. Era chegada a vez, sem hesitar: Agora! Agora! Ergueu o machado e num golpe único desfez o coiro ao malvado. O ruído bruto empapou os ares e o eco chapou fundo no céu. Viu-lhe o espanto nos olhos parados, inundados num charco de sangue. Já ser humano não era, mas cadáver.

43 4. O Milagre Não acreditavam as gentes da aldeia que o vilão da serra se deixara matar. Queriam vê-lo pendurado pelo pescoço, a balouçar. Logo monte acima se estreou o alcaide com os seus homens para confirmar o óbito. Seguia atrás o povo, à má fila, mais curioso que convencido. Caminhavam sisudos, pois o caso era de monta. Sob o sol dardejante o arquejar dos peitos batia ritmo certo. Sobrepunham-se as dúvidas ao alívio enorme de chegarem ao fim tantos anos de terror. Estaria morto deveras? Estaria feito em pedaços? Queriam vê-lo enterrado por suas próprias mãos. Subitamente, no mais ébrio dos acasos, como num acesso de esplendor, todas as aves do mundo de amor cantaram. Fugiam sons de ínfimos esconderijos, rompiam melodias dos arbustos, esgueiravam-se arpejos das pedras, como num claustro invadido por coros. Que sucedia, meu Deus, que acontecia? Que coisa de espantar! Quedaram-se mudos, piedosos, prontos para a oração. Ali, a poucos passos, jazia, de mãos postas, aquele que fora bandido de profissão, rente ao canteiro de flores que em redor nasciam; sereno, mergulhado no sossego, sem marcas de bruteza ou corrupção carnal. Muitos julgaram ver um anjo a dormir. Alguém murmurou: “Milagre, deve ser milagre.” Juraram erguer altar no local abençoado. Baptizaram logo o patrono de Santo Asinha, pois num ai passou do barco dos pecadores à nave dos santos. Pouco tempo passado se construiu ermida, rude e imaculada. Todos os anos, no dia da festa, romeiros de estandarte

44 e músicas sobem a serra em procissão. A alegria é madre de bons momentos e santa é a montanha que tais maravilhas produz.

Ludwig van Beethoven (Bona 1770 - Viena 1827) começou a conceber a sua 5.ª Sinfonia em 1803 e completou-a em 1808; a estreia deu-se a 22 de Dezembro desse ano, na mesma academia em que se estreou a 6.ª Sinfonia,Pastoral. A obra é dedicada a dois dos seus principais mecenas, o conde Razumovski e o príncipe Lobkowitz, e ganhou especial notoriedade em parte graças a um artigo de E.T.A. Hoffmann publicado naAllgemeine Musikalische Zeitung em 1810 (e posteriarmente integrado no livroKreisleriana ). Essa crítica, uma das mais célebres da história da música, contribuiu para a definição do espírito romântico, três anos antes da publicação do livro De l’Allemagne de Madame de Staël. Dele traduzimos a seguir um excerto:

«O crítico tem diante de si uma das obras mais importantes do mestre cuja proeminência como compositor instrumental decerto ninguém põe em causa; estando de tal maneira impregnado pelo assunto desta crítica, não lhe levem a mal se exceder os limites do elogio convencional e se esforçar por transpôr em palavras todas as sensações profundas que esta composição nele fez nascer. Quando se fala da música como arte independente, esse termo só se pode aplicar convenientemente à música instrumental, que desdenha qualquer ajuda, qualquer mistura de outras artes, e dá pura expressão à sua própria e peculiar natureza artística. É a mais romântica de todas as artes – podemos quase dizer que é a única puramente romântica. A lira de Orfeu abriu as portas do Hades. A música revela ao homem um reino desconhecido, um mundo claramente separado do mundo exterior sensual que o rodeia, um mundo em que ele deixa para trás todos os sentimentos delimitados pelo intelecto, e se torna capaz de abarcar o indizível. De que modo tão obscuro foi essa peculiar natureza da música entendida por aqueles compositores instrumentais que tentaram representar sensações ou mesmo acontecimentos circunstanciais, tratando assim esculturalmente a arte mais oposta à escultura! Essas sinfonias de Dittersdorf, bem como todas as mais recentes Batailles des trois empereurs etc., deviam ser condenadas ao total esquecimento como ridículas aberrações. No canto, onde a poesia justaposta sugere afectos precisos através das palavras, o poder mágico da música actua como o elixir miraculoso do filósofo, do qual bastam algumas gotas para tornar qualquer bebida maravilhosamente deliciosa. Qualquer paixão – amor, ódio, raiva, desespero, etc. – que nos é apresentada na ópera vem vestida pela música com o brilho púrpura do romantismo, de tal modo que até as nossas sensações mundanas nos tranportam do dia-a-dia para o reino do infinito. O poder enfeitiçante da música é tal que, ao crescer cada vez mais, só pode romper as cadeias de qualquer outra arte.

Decerto que não foi apenas a melhoria dos meios de expressão (perfeição dos instrumentos, maior virtuosismo dos executantes), mas também uma noção mais profunda da natureza peculiar da música, que permitiu a grandes compositores elevar a música instrumental ao nível de hoje. Haydn e Mozart, os criadores da música instrumental moderna, foram os primeiros a mostrar-nos a arte em toda a sua glória; mas aquele que a olhou com total devoção e penetrou na sua natureza mais íntima foi Beethoven. As composições instrumentais de qualquer um dos três mestres respiram o mesmo espírito romântico precisamente porque todos eles captam intimamente a natureza essencial da arte; contudo o carácter das suas composições é acentuadamente diverso.

45 As composições de Haydn são dominadas por um sentimento de optimismo infantil. As suas sinfonias conduzem-nos por infindáveis caminhos verdejantes ao longo da floresta, num tropel de gente alegre e variada. Rapazes e raparigas passam dançando em roda; crianças riem-se por trás das árvores, escondem-se atrás das roseiras, atirando flores traquinamente umas às outras. Um mundo de amor, de bem-aventurança, de eterna juventude, como que anterior à Queda; sem sofrimento, sem dor; apenas um anseio doce e melancólico da amada visão flutua ao longe no clarão vermelho do entardecer, que não se aproxima nem se afasta; e enquanto lá estiver a noite não cairá, pois a visão é o próprio brilho do entardecer, que ilumina os montes e o caminho.

Mozart faz-nos mergulhar a fundo no reino dos espíritos. O medo está em redor, mas sustem os seus tormentos e torna-se antes uma intimação do infinito. Ouvimos as vozes gentis do amor e da melancolia, o mundo nocturno dos espíritos dissolve-se numa poalha púrpura, e com um anseio inexprimível seguimos as figuras esvoaçantes que nos acenam amáveis por entre as nuvens, para nos juntarmos à sua eterna dança das esferas (como, por exemplo, na sinfonia de Mozart em mi bemol maior, conhecida como ‘o canto do cisne’).

De modo semelhante, a música instrumental de Beethoven desvenda-nos o reino da grandeza e do incomensurável. Raios brilhantes de luz atravessam as trevas e apercebemo-nos de sombras gigantes que avançam e recuam, cada vez mais próximas, destruindo em nós qualquer sentimento que não seja a dor de um infinito anseio, no qual todos os desejos se afundam e desvanecem, brotando em sons exultantes. Só nessa dor, em que o amor, a esperança e a alegria se consomem sem ser destruídas, que ameaça romper os nossos corações com um grito concertado de todas as paixões, nós vivemos como visionários extáticos.

A sensibilidade romântica é rara, e o talento romântico ainda mais raro, e provavelmente por isso é que tão poucos são capazes de tocar a lira que abre as portas do maravilhoso reino do infinito. Haydn apreende romanticamente a humanidade na vida humana; está mais próximo do homem comum. Mozart escolhe como domínio o sobre-humano, a qualidade mágica que reside no íntimo ser. A música de Beethoven põe em movimento a maquinaria do temor, do medo, do terror, do sofrimento, e desperta aquele infinito anseio que é a essência do romantismo. Beethoven é um compositor puramente romântico, e como tal verdadeiramente musical. Isso pode talvez explicar porque é menos bem sucedida a sua música vocal, uma vez que não permite esse vago anseio e exprime em vez disso os sentimentos do reino do infinito que podem ser descritos por palavras; talvez por isso a sua música instrumental raramente cative a multidão. Mas nem a multidão desconhecedora da profundidade de Beethoven lhe negará um alto grau de inventividade; pelo contrário, é habitual encarar os seus trabalhos apenas como produtos de um génio que ignora a forma e o discernimento e se subjuga ao seu fervor criativo e aos ditames flutuantes da sua imaginação. Contudo, ele está plenamente à altura de Haydn e Mozart em matéria de reflexão, o seu controlo é independente do mundo dos sons, que domina com absoluta autoridade. Assim como os nossos fiscais estéticos muitas vezes se queixaram da total falta de verdadeira unidade e coerência interna em Shakespeare, quando só uma contemplação profunda mostra como o esplêndido tronco, os rebentos e as folhas, florescem e frutificam a partir de uma mesma semente, também só o estudo perspicaz da estrutura interna da música de Beethoven pode revelar o seu elevado grau de reflexão, que é inseparável do verdadeiro génio e se alimenta do estudo contínuo da arte. Beethoven transporta o romantismo da música, que ele exprime com tal originalidade e autoridade nas suas obras, nas profundezas do seu espírito.

46 O crítico nunca sentiu isso com tanta acuidade como na presente sinfonia. Ela revela o romantismo de Beethoven, crescendo num clímax até ao fim, mais do que em qual outra das suas obras, arrastando irresistivelmente o ouvinte para o maravilhoso reino espiritual do infinito.»

OS INTÉRPRETES

A ORQUESTRA DO ALGARVE (OA) estreou-se no Festival Internacional de Música do Algarve em 2002. Criada ao abrigo de um programa promovido pelo Ministério da Cultura, tem como fundadores, além da Região de Turismo e da Universidade do Algarve, um núcleo de autarquias algarvias: Albufeira, Faro, Lagos, Loulé, Portimão e Tavira. Os municípios de Alcoutim, Castro Marim, Olhão, Lagoa, S. Brás de Alportel, Vila Real de S. António, Silves e Vila do Bispo, juntamente com o Governo Civil de Faro e a Direcção Regional de Educação do Algarve tornaram-se, entretanto, associados. A OA é composta por músicos seleccionados em concurso público internacional, reunindo cerca de 17 nacionalidades diferentes. Destinada a dotar a Região de uma estrutura cultural de elevado nível artístico, desenvolve uma actividade multifacetada, com programação destinada às populações locais e turistas. Promove também acções pedagógicas, junto de camadas escolares, e formativas, para jovens músicos. O então Maestro Titular e Director Artístico Álvaro Cassuto teve um papel fundamental na constituição da sua formação, mantendo a sua ligação a esta Orquestra até Julho de 2008, na posição de Principal Maestro Convidado. No seu currículo, constam apresentações nos principais palcos nacionais, como o Teatro S. Luiz, Sala do Senado da Assembleia da República, Teatro D. Maria II e Culturgest. Foi convidada, em 2007, para protagonizar o concerto de celebração da assinatura do Tratado de Lisboa. Neste último, a OA levou à capital um novo conceito que já tinha apresentado em Albufeira, na Praia dos Pescadores: a edição dos “Sons Ardentes”, um inovador espectáculo que combina a pirotecnia e a música clássica tocada ao vivo,tem brindado o público algarvio anualmente, no mesmo local, com sucesso cada vez mais reconhecido. Em 2008, com a ópera “O Elixir d’ Amor”, uma produção da Fundação INATEL/ Teatro da Trindade, percorreu as salas do Teatros da Trindade e das Figuras, Coliseu do Porto, e dos Centros Culturais de Caldas da Rainha e Guimarães. 2009 foi o ano em que a OA estreou mais um conceito inovador, com o apoio institucional da DREALG e da autarquia de Portimão e o patrocínio da Caixa Geral de Depósitos; o “Mega Concerto Promenade para Escolas”, com a participação especial do cantor André Sardet, foi um grandioso espectáculo para cerca de 3.500 alunos, professores e educadores do concelho de Portimão. Em Janeiro de 2010, a OA viajou, pela primeira vez, ao Açores, para uma grandiosa actuação em conjunto com o Coral de São José, no Teatro Micaelense, onde estiveram em palco mais de cem músicos. A nível internacional, a OA realizou, em 2004, a sua primeira digressão, marcando presença em Itália e Espanha. Desde então, capitais europeias como Bruxelas (2006), Viena de Áustria (2007) e Londres (2008) foram palco de concertos entusiasticamente aplaudidos por público e crítica. A convite da Orquestra de Extremadura, seguiu-se uma nova digressão por Espanha (2008), passando por Cáceres, Badajoz, Mérida e Plasência. O seu repertório discográfico é composto de obras de Joly Braga Santos, João Domingos Bomtempo, Mozart, Juan C. Arriaga, entre outros, para etiquetas como a Naxos (“a mais vendida no Mundo”, segundo o New York Times), a Marco

47 Polo e a Numérica. Durante a sua relevante actividade cultural, a Orquestra do Algarve tem sido dirigida por maestros de envergadura internacional, como Joji Hattori, Wolfgang Czeipek, Thomas Kalb, Joel Levine, Nino Lepore, Alexander Polishchuk, Stuart Stratford, Nikolay Lalov, Laurent Wagner, Jesus Amigo, Vasily Petrenko, Josep Caballé-Domenech, entre outros, e contou já com a colaboração de vários maestros portugueses, tais como Osvaldo Ferreira, Cesário Costa, Vasco Pearce de Azevedo, Joana Carneiro, Ferreira Lobo e Alberto Roque e ainda, como maestros estagiários, António Sérgio Ferreira e João Tiago Santos. Destaque também para a colaboração com solistas de renome como Ingeborg Baldaszti, Mário Laginha e Bernardo Sassetti, Artur Pizarro, Maria Orán, Pedro Burmester, Sequeira Costa, Ana Quintans, Fernando Guimarães, Luís Rodrigues, Mário Alves, Ana Ester Neves, Dora Rodrigues, Lara Martins, Elisabete Matos, Patrícia Kopatchinskaja, Ute Lemper, Ruth Ziesak, entre muitos outros. Actualmente, Osvaldo Ferreira acumula as funções de Maestro Titular e Director Artístico, enquanto Alexandre Delgado é Compositor Associado da OA. A crítica especializada é unânime nas apreciações quanto à qualidade artística desta Orquestra, reafirmando, cada vez mais, o seu lugar no panorama da música clássica.

ALEXANDRE DELGADO (direcção), compositor e violetista, nasceu em Lisboa em 1965. Estudou na Fundação Musical dos Amigos das Crianças e foi aluno em composição de Joly Braga Santos e de Jacques Charpentier, tendo-se diplomado com o 1.º prémio de composição do Conservatório de Nice em 1990. É autor da ópera de câmara O Doido e a Morte (1993), cuja estreia dirigiu no Teatro Nacional de São Carlos e no Theater Am Halleschen Ufer em Berlim, do Concerto para violeta e orquestra (2000) que estreou como solista em Portugal, Espanha e Holanda, e da ópera A Rainha Louca (2009), cuja abertura foi estreada no Rudolfino de Praga. Assina o programa A Propósito da Música na Antena 2 desde 1996 e é autor dos livros A Sinfonia em Portugal, A Culpa é do Maestro (crítica musical) e Luís de Freitas Branco (Caminho 2007). Director artístico do Festival de Música de Alcobaça desde 2002, é membro do Quarteto com Piano de Moscovo desde 2005 e free-lancer como instrumentista, conferencista e comentador de concertos.

48 LUÍS RODRIGUES (barítono) estudou no Conservatório Nacional com José Carlos Xavier e na Escola Superior de Música de Lisboa com Helena Pina Manique. Nestes estabelecimentos de ensino trabalhou também sob a orientação de Armando Vidal, Nicholas McNair, Olga Prats e Nuno Vieira de Almeida. Participou em cursos de aperfeiçoamento com Ileana Cotrubas, Marimi del Pozo, Elsa Saque, Lorraine Nubar, Gérard Souzay e Dalton Baldwin. Actualmente, trabalha repertório com João Paulo Santos. Em 1995, foi laureado com o 3º prémio ex-aequo no concurso de solistas da Juventude Musical Portuguesa e com o 1º prémio no II Concurso de Interpretação do Estoril. Ganhou também, com o pianista David Santos, o concurso de Música de Câmara do Prémio Jovens Músicos da RDP. Em 1996, foi vencedor do 4º Concurso de Canto “Luísa Todi”, e obteve o 2º Prémio no Concours-Festival de la Mélodie Française, em Saint- Chamond (França). Já em 1999 foi o vencedor ex-aequo do concurso PoulencPlus (Mélodies de Poulenc), em Nova Iorque. Reconhecido intérprete de música de câmara, Luís Rodrigues tem-se afirmado em simultâneo no domínio da ópera, em papéis como os de Schaunard (La Bohème), Conde Robinson (Il Matrimonio Segreto), St. Ignatius (Four Saints in Three Acts) e Harlekin (Ariadne auf Naxos) no Teatro Nacional de São Carlos, Pai (A Casinha de Chocolate) no Teatro da Trindade, Anthony (Sweeney Todd), com o Novo Grupo, no Teatro Nacional D. Maria II, Mr. Gedge (Albert Herring), também com o Novo Grupo, no novo Teatro Aberto, Semicúpio (Guerras do Alecrim e Mangerona), com a Capela Real, no Acarte e no Teatro da Trindade, cuja criação lhe valeu o Prémio Bordalo da Imprensa 2000 para Música Erudita, Marcello (La Bohème), com o Círculo Portuense de Ópera e a Orquestra Nacional do Porto, no Coliseu daquela cidade, Tom (The English Cat), com a Cornucópia e a ONP, no Rivoli e Teatro Nacional de São Carlos, Giorgio Germont (La Traviata), com a Orquestra do Norte, no Coliseu do Porto, e Belcore (L’Elisir d’Amore) e Figaro (Il barbiere di Siviglia), com a Eventos Ibéricos e a Orquestra do Norte. Participou ainda na estreia absoluta das óperas Édipo, A Tragédia do Saber (Culturgest e Teatro Nacional de São João) e Os Dias Levantados (Teatro Nacional de São Carlos), ambas de António Pinho Vargas, Sol de Invierno, de David del Puerto, com o grupo Drumming (Madrid, Auditorio Nacional de Música, e Porto, Teatro Nacional de São João), e Melodias Estranhas, de António Chagas Rosa, com o Remix Ensemble - Casa da Música, co-produção das Capitais Europeias da Cultura Roterdão e Porto 2001. Também como solista de oratória tem mantido uma actividade regular, podendo-se realçar as suas apresentações no Requiem de Brahms, em Macau, na Petite Messe Solennelle de Rossini, em São Carlos, no Oratório de Natal de Saint-Saëns, no Europarque, e em vários programas com o Coro e Orquestra Gulbenkian, com os quais gravou, para a Aria Music, o Requiem de Suppé, e para a Strauss-Portugalsom um Gloria de Bomtempo, ambos sob a direcção de Michel Corboz.

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THE CARNIVAL CONCERT

20 de Junho (domingo) – 18h00 Concerto para Famílias Cine-Teatro de Alcobaça

1.ª Parte Trevor Wye, flauta JEAN-LOUIS TULOU Juliet Edwards, piano Fantaisie

EDWARD ELGAR (Obra a anunciar)

GAETANO DONIZETTI Concertino

2.ª Parte

50 variações para 60 flautas e piano

51 NOTAS À MARGEM

“The Carnival Concert” é um espectáculo da autoria do flautista Trevor Wye que tem percorrido todo o mundo nos últimos trinta e cinco anos. Este concerto conta com uma primeira parte de recital em Flauta de Amor e, depois do intervalo, a hilariante perfomance das 50 Variações do Carnaval de Veneza para 60 Flautas e Piano.

O Carnaval começa com uma pequena introdução seguida das Variações interpretadas com uma colecção das mais variadas flautas, esta colecção inclui a “Flauta Mágica” original de Mozart, uma flauta que dá luz, a “Emotive Flute”, uma tíbia humana, a flauta mais rara do mundo – um flautim triplo, uma flauta com 750 anos, uma bomba de ar de bicicletas, várias flautas electrónicas, flautim, flautas contralto e baixo, uma flauta barroca, uma ocarina, uma flauta de cenoura, flautas de Pã, uma flauta que lança chamas e muito, muito mais. As Variações incluem obras de Aldord, Bach/Gounod, Beethoven, Briccialdi, Chopin, Drouet, Genin, Greig, Mendelsshon, Mozart, Rachmaninov, Rossini, Sousa, Saint-Saëns, Scott, Strauss, Schubert, Spike Jones, Tchaikovski, Weber, Wye, Bloggs e um pouco mais de Mozart.

Todas as flautas electrónicas foram feitas por Trevor Wye, os arranjos de piano são da autoria de Robert Scott.

52 OS INTÉRPRETES

TREVOR WYE (flauta) é um dos mais consagrados pedagogos e flautistas do seu tempo. É autor de uma série de livros, cuja temática incide sobre aspectos técnicos da execução da flauta transversal. Começou a sua actividade como estudante de flauta com catorze anos de idade e, contrariamente ao que é esperado de um famoso músico flautista, não frequentou nenhuma escola superior ou conservatório de música, tendo desenvolvidos estudos em privado com os professores Geofrey Gilbert e com o célebre Marcel Moyse, de quem absorveu a forma de tocar, de ensinar, o gosto pela escrita e criação de livros. Durante muitos anos apresentou-se como freelancer, tanto em orquestras como em agrupamentos de música de câmara em todo o panorama Londrino, tendo feito um grande número de gravações a solo, notavelmente na sua especialidade da “flûte d’amour”, introduzida por si nos tempos modernos. O seu período de formação foi vincadamente influenciado por muitos instrumentistas e cantores, de destacar, William Bennett e Alfred Deller. No ensino desenvolveu a sua actividade como Professor na Guildhall School of Music and Drama, em Londres e, durante 21 anos, leccionou no Royal Northern college of Music, em Manchester. É autor dos famosos “Practice Books for the Flute”, recebidos e aclamados com grande fervor em todo o mundo, e que já se encontram traduzidos em onze línguas diferentes. Recentemente foi o responsável pelo lançamento da muito elogiada biografia de Marcel Moyse, publicada em várias línguas, encontrando-se agora a trabalhar numa enciclopédia de flauta. Durante o ano, Trevor Wye lecciona no seu estúdio, em Kent, um curso anual para estudantes pós-graduados (licenciados), e viaja por todo o mundo, apresentando- se em concertos e masterclasses, o que inclui várias aparições anuais por toda a Europa, E.U.A. e Japão. É do seu agrado surgir, frequentemente, como jurado em importantes concursos internacionais de flauta e como concertista em recitais, apresentando “Flutes Fantastic!”, um hilariante espectáculo comentado, no qual toca mais de cinquenta flautas diferentes, algumas electrónicas, cuja construção lhe pertence. Fundador da “British Flute Society”, Trevor Wye também foi o fundador e director da “International Summer School” entre 1969 e 1988, o maior “acampamento” de Verão de flauta realizado em todo o mundo. Em 1990 foi homenageado pelo Royal Northern College of Music, tendo-lhe sido atribuído o título de membro honorário.

JULIET EDWARDS (piano) apresentou-se em concerto um pouco por todo o mundo ao longo da sua carreira, tocando com inúmeros solistas e ensembles de renome incluindo Paul Archibald, Emma Bell, William Bennett, David Campbell, Philippa Davies, Gerard McChrystal, Crispian Steele-Perkins, Robert Tear, Trevor Wye, the Schildof Quartet e o seu próprio grupo The Edwards Ensemble. Toca regularmente em masterclasses na Royal Academy of Music e orienta os alunos nas classes de repertório instrumental e performance. Trabalha ainda regularmente com a Orquestra Sinfónica de Londres como parte do projecto “LSO Discovery”. Assuas gravações mais recentes incluem o disco “Joie de Vivre” com repertório francês para trompete e piano para a Brass Classics e a Sonata Virtuosa para Trompete do compositor e proprietário da editora MaxOpus Sir Peter Maxwell Davies, ambos com o trompetista Paul Archibald. Gravou ainda com o International Celebrity Trumpet Ensemble “Khaldis”, um concerto para trompetes, piano e percussão de Alan Hovhaness para a Brass Classics CD Proclamation. Para além da sua actividade como concertista Juliet produz gravações, incluindo projectos recentes com a Royal Opera House e com os “London Mozart Players”.

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CeDeCe Contos Dançados de 3 países · Estreia Absoluta

26 de Junho (sábado) – 21h30 CeDeCe – Companhia De Dança Cine-Teatro de Alcobaça Contemporânea

Croácia derrotou o invasor castelhano. Chegando a BEFORE DREAM (antes do sonho) casa cansada mas satisfeita, despertou-a um Coreografia: Staša Zurovac estranho ruído: dentro do forno estavam sete Música original: Marjan Necak castelhanos escondidos. Brites pegou na sua Um conto inspirado num drama do escritor pá de padeira… croata Lada Kartelan acerca do tema balcânico “The Legend of the Cow’s Bell” (“a lenda do chocalho da vaca”) Canadá THE INUIT GODS (Os Deuses Inuit) Coreografia: Jacques St-Cyr

Portugal Música: Tradicional Inuit – Voz: Tanya Tagaq PÃO DE BRITES Direcção de Cena e Desenho de Luz: António Coreografia: Fernando Duarte Rodrigues Música: Wolfgang Amadeus Mozart Elenco: (1.º Andamento da Sinfonia n.º 25 K. 183 Patricia Silva: Sol Allegro con brio | 3.º Andamento da Serenata Joana Puntel: Mar para sopros K. 361, Adagio | Introitus e Dies Rafaela Reis: Vento irae do Requiem K. 626 | Ária Dove Sono da Catarina Correia: Caça ópera “As Bodas de Fígaro” por Elizabeth Vanessa Vieira: Fertilidade Schwarzkopf, soprano) e música cigana do séc. XVIII. “Tenho como objectivo, neste bailado, proporcionar ao público europeu algo da Elenco: cultura maravilhosa deste povo, pela sua Catarina Correia: Brites de Almeida harmonia com as forças da natureza e os Joana Puntel: Padeira Velha deuses que a representam.” (Jacques St-Cyr) Patricia Silva, Vanessa Vieira, Rafaela Reis, Luciano Fialho: Castelhanos

O dia 14 de Agosto de 1385 amanheceu com os primeiros clamores da batalha de Aljubarrota e Brites não conseguiu resistir ao apelo da sua natureza de mulher dura e de feições ásperas, que enfrentava sem medo qualquer homem. Pegou na primeira arma que achou e juntou- se ao exército português que naquele dia

Estrutura financiada por Apoios Companhia residente em

55 OS INTÉRPRETES

A CeDeCe é uma Companhia de Reportório fundada em Abril de 1992 e dirigida artisticamente por Maria Bessa e António Rodrigues, desde a sua fundação em Setúbal. Aposta numa flexibilidade que permite diferentes perfis na sua linha de criação e na inter-relação da maturidade artística com o jovem talento. Mantém em cada ano um elenco permanente de bailarinos e com eles tem realizado espectáculos em quase todo o País e ainda em Lübeck, Hamburgo, Emden, Berlim, Frankfurt, Londres, Bienne, Aberdeen, Edimburgo, Macau, Nápoles, Curitiba, Ponte Vedra, Tui, Ourense, Madrid, Madeira, República da Irlanda, Rijeka e Varazdin na Croácia. Considera marco no seu repertório, que conta com 157 obras em estreia absoluta e 55 coreógrafos,A Sibila, Dançar Zeca Afonso e T’ai Chi Modern Dance de António Rodrigues, Um Outro Musical e Mecânica de Gagik Ismailian, Por de trás de um acontecimento feliz de Hofesh Shechter, Cântico dos Cânticos de Staša Zurovac, Romeu e Julieta de Graham Smith, A verdade, é que somos todos malucos de Sónia Rocha e Swing It de Iolanda Rodrigues, entre alguns outros. Destaca EXCHANGE 2007 e 2008 pelo diálogo intercultural e intercâmbio dos públicos; Pioneiros da Dança em Portugal, A Influência do Bailado na Grã-Bretanha, A Influência da Dança Norte-Americana entre nós e Dança e Politica Cultural no âmbito da Memória e Modernidade; Muito Jovens Coreógrafos/Bailarinos assinam também, no lançamento de novos talentos; Aprender para Saber Ver ou Ver para Aprender ou ainda tão somente programas de Dança enquanto entertainment, são os vectores -base do seu percurso. É também serviço público reconhecido, apoiado financeiramente pelo Ministério da Cultura e pelos Município em que tem sido residente. Tem tido o apoio pontual do British Council e da Embaixada dos Estados Unidos, e ainda das Embaixadas dos Países Baixos, do Chipre, do México, da Croácia e do Canadá.

FERNANDO DUARTE nasceu em Lisboa em 1979. Iniciou e completou os seus estudos de bailado na Academia de Dança Contemporânea de Setúbal sob a orientação dos professores Maria Bessa e António Rodrigues. Em 1995/96 foi bailarino estagiário na CeDeCe – Companhia de Dança Contemporânea na qual dançou obras de António Rodrigues, Vasco Wellenkamp, Gagik Ismailian e Sónia Rocha. Ingressou no Corpo de Baile da Companhia Nacional de Bailado em Setembro de 1996, sendo promovido a Corifeu em 1998, a Solista em 1999 e finalmente a Bailarino Principal em 2003. Na CNB tem dançado na maioria dos seus espectáculos quer em território nacional, quer em território estrangeiro. Do seu repertório fazem já parte as interpretações dos papéis principais nos bailados Cinderela, A Bela Adormecida, Coppelia, Raymonda, O Quebra-Nozes, A Dama das Camélias, Romeu e Julieta e Sonho duma Noite de Verão. Apolo, Agon, Serenade e Who Cares!? de Balanchine são outros exemplos assim como bailados de W. Forsythe(In the Middle Somewhat Elevated), Hans van Manen (5 Tangos, Kammerballet, Solo), Renato Zanella (Adagietto), Nacho Duato (Without Words), Roberth North (Troy Game, Light Fandango, Entre Dos Aguas), Kevin O’Day (Aract, A Cloud in Trousers), Olga Roriz, Vasco Wellenkamp, David Fielding e Rui Lopes Graça. De Agosto de 2005 a Junho de 2007 fez parte do elenco do Nasjonalballetten da Noruega onde se destacou, como solista, em vários bailados, tais como White Darkness de Duato, Polyphonia de Christopher Wheeldon, Subject to Change de Lightfoot/Léon, O Quebra-Nozes (Príncipe), Bodas de Aurora (Príncipe), Os 4 Temperamentos (Fleumático), Symphony in Three Movements(3rd Couple) e Symphony in C (Solista, 1º Andamento) de Balanchine e no papel de LenskyOnegin em de John Cranko. Participou na I e II Galas Internacionais de Bailado de Lisboa, assim como

56 outras em Miami e Imatra, na Finlândia. Coreografou para a CeDeCe Fantasia em len(sol) maior em 2002, para a DançArte foi co-autor do programa Abril, Águas Mil e participou nos Estúdios Coreográficos da CNB em 1999, 2001 e 2003. Em 2009 coreografou para a CeDeCe, O Corvo e a Raposa integrado no programa Um Encontro de Personagens das Fábulas de La Fontaine. A convite da Direcção Artística da CNB apresentou na V Gala Internacional de Bailado de Lisboa, em estreia absoluta,Címbalo Obbligato sobre música de Carlos Seixas.

MARJAN NECAK nasceu em 1976 em Bitolj, na Macedónia. Os seus estudos musicais foral levados a cabo na Escola de Música dessa cidade. Graduou-se como violoncelista e cantora solista. Desde muito novo que se interessou pela composição e neste campo, poder-se-á dizer que é uma autodidacta. Desde 1997 que compõe, nomeadamente para teatro, tendo as suas obras sido apresentadas nos teatros nacionais da Macedónia e da Albânia. Algumas obras foram também especialmente encomendadas para opereta, ópera, musicais e para bailado. Neste âmbito o seu trabalho é especialmente conhecido nos teatros nacionais de Bitolj, Albânia, Kosovo, Macedónia… e muitos mais, tendo trabalhado com distintos Directores tais como Blagojce Bozinovski, Dusko Naumovski, Vladimir Milcin, Kustrim Bektesi. Foram- lhe atribuídos 3 prémios “Best Theatr Music” no Festival de Teatro Vojdav Cenodrinski da República da Macedónia. É autora musical de Penélope e Cântico dos Cânticos, contribuindo assim largamente para a unidade do espectáculoAncient Times Today.

JACQUES ST-CYR é natural do Canadá. Da sua formação destaca George Balanchine do New York City Ballet, Bob Fosse, Maurice Bejart, John Butler e Gene Kelly.Foi bailarino solista durante 10 anos na prestigiada companhia Les Grands Ballets Canadiens de Montreal. Com esta Companhia realizou digressões por toda a Europa, 40 Estados dos Estados Unidos da América, México, Cuba, Rússia, Japão, Tahiti e Guadalupe. Interpretou grandes bailados do reportório clássico e neo-clássico, tais como: Concerto Barocco, Serenade, 4 Temperaments, Theme & Variations, Rubies, Allegro Brillante, Nutcracker, Carmina Burana e Romeo & Juliet. A sua carreira inclui as posições de Director Artístico dos Les Ballets Jazz du Quebec e das Produções Pro-Arts. Tem sido Maître de Ballet convidado no Sarosota Ballet, na Companhia Rosas da Bélgica, na Companhia Norrdans da Suécia e na CeDeCe – Companhia de Dança Contemporânea. Em 2009 coreografou um solo para a Companhia Norrdans da Suécia e para a CeDeCe, Queen of Egipt, com ante-estreia em 5 de Junho no Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça.

STAŠA ZUROVAC, bailarino, coreógrafo e primeiro bailarino do Ballet CNT (Teatro Nacional Croata) em Zagreb, formou-se na Escola Clássica de Ballet em Zagreb como aluno da professora Tatjana Lucic-Šaric e continuou os estudos de dança em Petrograd na Academia Vaganova como aluno de V. C. Onoschko. Em 1989 integrou-se no Ballet do Teatro Nacional Croata em Zagreb onde trabalhou com vários coreógrafos conhecidos. Desde 1996 dedicou-se à dança e à coreografia. As suas duas primeiras coreografias New Beginning em 1996 e Cantata em 1997 foram apresentados durante o 1º e 2º Workshops Coreográficos organizados pelos membros do CNT Ballet em Zagreb. Entre 1996 e 1999 foi artista convidado na Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo, cujo director artístico é o coreógrafo português Vasco Wellemkamp. Em 2000 ganhou o Croatian Acting Award para melhor criativo jovem no bailado Please, Wake

57 me up! No ano 2001, em conjunto com Mark Boldin, estabeleceu o Atelier Coréographique e criou a coreografia para o bailiado Gods are Angry (Les dieux sont fachés). Em Maio de 2001 ele foi honrado com o Primeiro Prémio e o Prémio Audiência pela coreografia de The Fiancée’s Dream no 5º Festival de Miniaturas Coreográficas em Belgrado. Em Junho de 2003 a mesma coreografia mereceu-lhe o Segundo Prémio no Concurso Internacional para Coreógrafos em Hannover. No mesmo ano também criou o seu ballet completo Crikus Primitif Ballet. Em Agosto de 2003, na 49ª Split Summer Festival, coreografou em conjunto com Be’er Butterflies e foi-lhe atribuído o prémio Peristyl Music Award do jornal Morning Paper, para o melhor performance musical/cénica. Em Outubro de 2003 para ISCM World Music Days na Eslovénia coreografou dois bailados, Purgatório e Kirklos, e recebeu o prémio do Júri Internacional para o melhor trabalho de dança. Em Novembro 2003 tornou-se director artístico do ballet do CNT “Ivan pl. Zajc” em Rijeka, Croácia. Em Maio de 2004 criou a sua segunda obra completa, Do You Like Brahms?, para o Ballet CNT “Ivan pl. Zajc” em Rijeka, Croácia. Em Dezembro de 2004 a sua terceira obra completa, Who is Singing There?, para o Ballet do Teatro Nacional de Belgrado, que ganhou o prémio da Sociedade Profissional de Artistas do Ballet da Sérvia e o Prémio da Cidade de Belgrado. Em Fevereiro de 2005 coreografou a obra Marquezomania para o Ballet da CNT “Ivan pl. Zajc”. Em Agosto de 2005 foi galardoado com o Peristyl Music Awarddo Morning Paper. Em Março de 2006 assina The Divine Comedy para o Ballet do Teatro Nacional da Sérvia em Novi Sad. Em Maio de 2006 renovou o seu bailado Cirkus Primitif Ballet para o CNT «Ivan pl. Zajc» em Rijeka. Em Novembro de 2007 cria a seu 7º bailado completo para o Ballet do Teatro Ivana pl. Zacja, Rijeka – Croácia. Staša Zurovac é autor do bailado Cântico dos Cânticos coreografado para a CeDeCe, no âmbito da co-produção Ancient Times Today, estreado em Julho de 2008.

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60 TUBAX

27 de Junho (domingo) – 18h00 Centro Cultural Gonçalves Sapinho (Benedita)

PEDRO SANTOS (Portugal) TUBAX O Sonho do Arlequim * Sérgio Carolino, tuba e lusofone ‘Lucifer’ para saxofone tenor, tuba, harpa, piano e Mário Marques, saxofones soprano e tenor quarteto de cordas Telmo Marques, piano

PAULO JORGE FERREIRA (Portugal) Quarteto de Cordas AMOROSO Rítmo Set * Maria Kagan, Ianina Khamelik, violinos para saxofone soprano, tuba, acordeão e Trevor McTait, viola quarteto de cordas Vanessa Pires, violoncelo

MIKE FITZPATRICK (Austrália) Convidados: Chimbaroza * Paulo Jorge Ferreira, acordeão para saxofone tenor, tuba, piano e quarteto Ilaria Vivan, harpa de cordas

HOWIE SMITH (EUA) Color Wheel * suite para saxofone soprano, tuba, piano e quarteto de cordas

JERRY GRANT (EUA) Mountain Dances * para saxofone soprano, tuba, piano e quarteto de cordas 1. Spring Wild Flowers 2. Winter Blue

* obras em ESTREIA MUNDIAL encomendadas por, escritas para e dedicadas a Sérgio Carolino e ao projecto TUBAX.

Parceria: Centro Cultural Gonçalves Sapinho

61 NOTAS À MARGEM

PEDRO SANTOS (1976 – Portugal): O Sonho do Arlequim (2010). Natural de Oliveira de Azeméis, Pedro Santos iniciou os seus estudos musicais na Academia de Música de S. João da Madeira, onde frequentou o curso de piano. É licenciado em Composição pela Escola Superior de Música e das Artes do Espectáculo do Porto e Mestre em Composição pelo Conservatório Real de Haia, na Holanda, onde estudou com Diderik Haakma Wagenaar e Clarence Barlow entre 2002e 2005. Sobre esta obra, escreve o seguinte: “Arlequim é um personagem cómico da commedia dell’arte italiana. Apresenta-se geralmente mascarado, envergando um traje feito de retalhos multicoloridos em forma de losango e uma espada mágica. Arlequim é dotado de uma agilidade física que utiliza para divertir o público, mas esta qualidade é contrabalançada por uma profunda ingenuidade que o torna vítima de manipulação por parte dos seus companheiros. O Sonho do Arlequim é uma peça musical que se inspira livremente neste personagem apresentando, tal como ele, duas realidades distintas e contrastantes. A primeira parte da peça, lentae contemplativa, apresenta uma escrita harmónica e recorre ao quarteto de cordas como principal núcleo instrumental sobre o qual os restantes instrumentos vão surgindo gradualmente. A segunda parte é iniciada sem interrupção pela tuba com um gesto instrumental que despoleta um andamento enérgico de carácter buffo. Este instrumento dá assim início a uma música rápida e mais virtuosa marcada pela colagem de materiais que, apesar de diferentes, se inter- relacionam pelo dinamismo rítmico.”

PAULO JORGE FERREIRA (1968 – Portugal): ver biografia nos Intérpretes.

MIKE FITZPATRICK (Austrália): Chimbaroza (2009). “Chimboraza é o nome de um vulcão extinto no Equador, que chegou a ser considerado o ponto mais alto do mundo. Por causa do fenómeno invulgar da curva equatorial, o cume do Chimboraza é o ponto da crosta terrestre mais afastado do centro da Terra. O Chimboraza é ainda famoso na história do povo Inca. Foram encontrados restos de um altar no cume, onde outrora virgens foram sacrificadas aos Deuses. Muitos caçadores de tesouros acreditam hoje em dia que muito do ouro perdido do último rei Inca estará depositado do fundo de um lago algures a ocidente desta outrora montanha sagrada. A minha obra Chimboraza divide-se em três secções: rápido, lento e rápido. A secção inicial usa como base ritmos sul-americanos e o tango. O tango evoluiu depois das suas origens na Argentina, primeiro através da música de Astor Piazzola e depois pela introdução de ritmos latinos com influências do jazz norte-americano. É esta última evolução da dança original que forma a ideia rítmica principal desta secção, que estabelece a ambiguidade rítmica de três contra dois. A secção central é bastante mais lenta e está dividida em duas partes, uma em compasso quaternário e outra em compasso ternário. A secção final é mais uma vez fortemente baseada na fusão de ritmos jazz e latinos, mas desta vez utilizando o conceito afro-cubano de tempo compostoversus tempo simples.” (Mike Fitzpatrick, Sydney, 9/9/2009).

JERRY GRANT (EUA): Mountain Dances (2010). “Mountain Dances foi originalmente composta para orquestra de jazz há alguns anos atrás e os seus quatro andamentos reflectem as quatro estações. Quando decidi adaptar Winter Blue e Spring Wildflowers para tuba e saxofone soprano tornou-se evidente que seria necessário reescrever grande parte da obra, o que só vem provar que não se deve voltar a pegar numa peça previamente escrita. Estes andamentos

62 transformaram-se num dueto para piano com acompanhamento de cordas. Refiro-me a este estilo como Jazz Sinfónico, não incidindo tanto na harmonia de jazz como no sabor dos ritmos e do fraseado.Winter Blue retrata o aspecto azul acinzentado do inverno nas montanhas e esconde algures um blues. Spring Wildflowers retrata a celebração do renascer com começos que imitam o borbulhar de uma nascente de montanha à medida que se encaminha para o seu leito.” (Jerry Grant, Los Angeles, 9/7/2009).

OS INTÉRPRETES

MÁRIO MARQUES (saxofone) tem cultivado o interesse por diversas áreas e estilos de expressão musical, que fazem dele um dos mais versáteis saxofonistas portugueses da actualidade. Nos últimos anos tem colaborado regularmente com a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica Portuguesa, a Orquestra Nacional do Porto, a Orquestra Metropolitana de Lisboa, entre outras, executando as principais obras orquestrais que incluem o saxofone como solista. Como solista concertante apresentou obras como o Concerto for Stan Getz de R. R. Bennett, Concertino for tenor saxophone de Bob Mintzer, Duplo Concertino op. 22 de Luís Cardoso e brevemente concertos para saxofone alto de Mike Mower e de Anne Vitorino d´Almeida. A sua actividade musical leva-o para múltiplas áreas de expressão artística, actuando nos principais palcos e em diversos festivais de música. A televisão, o teatro musical, o cinema e o estúdio são áreas onde colaborou com nomes como a Big Band do Hot Club de Portugal, Bernardo Sassetti, The Gift, Deolinda, Xutos e Pontapés, Sérgio Godinho, Amália Hoje, Silence4, entre outros. De alguns anos a esta parte tem estado envolvido em projectos musicais de diferentes âmbitos e linguagens tais com: “Quarteto Saxofínia”, “The Estardalhaço Brass Band”, “The Postcard Brass Band”, “Saxteto” e “Tubax”. Para além de saxofonista, Mário Marques é também produtor discográfico de projectos como: “European Tuba Trio”, “Saxofínia”, “António Vitorino d´Almeida”, “The Postcard Brass Band”, “Duo Xasonaip”, “2tubas & Friends”, “Avondano Emsemble”, “Concertos para Bebés”, “Estardalhaço da Geringonça”, entre outros. Actualmente é professor de saxofone na Academia de Música de Alcobaça e na Universidade de Évora, onde simultaneamente frequenta um Doutoramento em Performance Musical.

SÉRGIO CAROLINO (tuba e lusofone ‘Lucifer’), tubista português e Artista Yamaha, éum dos tubistas mais aclamados no panorama internacional, estando em constante actividade quer como solista quer como professor nos mais diversos festivais de música, conservatórios e universidades um pouco por todo o Mundo (Espanha, França, Suíça, Finlândia, Bélgica, Holanda, Eslováquia, Alemanha, República Checa, Hungria, Inglaterra, Áustria, Austrália, EUA, Noruega), incluindo brevemente a Tailândia, o Brasil e o Peru. O seu primeiro disco a solo “Steel aLive!” recebeu em 2008 o ‘Roger Bobo Award Prize for Excellence in Recording’, organizado pela International Tuba-Euphonium Association (ITEA) e entregue na Universidade de Cincinnati, nos EUA. Recebeu também o prémio de Músico Revelação de Jazz 2004 em Portugal, pelo crítico de jazz José Duarte, para além de ter ganho o Prémio Carlos Paredes pelo

63 1.º disco do trio TGB “TubaGuitarra&Bateria”, editado pela editora portuguesa Clean Feed. O seu vasto leque de interesses e a sua curiosidade musical leva-o por diferentes caminhos de expressão musical, desde o típico repertório clássico ao mais puro jazz e à música improvisada. Estabeleceu-se como virtuoso no repertório standard e contemporâneo para tuba. Desde 2002 está envolvido em novos e inovadores projectos musicais: os ‘TGB’ com Mário Delgado e Alex Frazão, ‘2tUBAS&friends’ com Anne Jelle Visser (tuba), ‘Trio XL’ com Telmo Marques (piano) e Jeffery Davis (vibrafone/marimba), o ensemble português de tubas ‘How Low Can You Go?’, o ‘European Tuba Trio’ com François Thuillier (tuba) e Anthony Caillet (eufónio), ‘The Postcard Brass Band’, ‘TUBIC’ com a companhia SA Marionetas, os ‘The Low Frequency Tuba Band’ com Marcus Rojas, Jay Rozen e Oren Marshall (tubas), ‘TUBAX’ com Mário Marques (saxofone), ‘Tu B’Horn’ com José Bernardo Silva (trompa), ‘Tuba ‘n Saxe’s Company!’, ‘Mr SC & The Wild Bones Gang’ e mais recentemente, o grupo de Hip-hop, Funky e Drum&Bass - ‘Funky Bones Factory’. Actualmente é professor de tuba e música de câmara na Escola Superior de Música e das Artes do Espectáculo (ESMAE) do Instituto Politécnico do Porto (IPP) e, desde 2002, tuba solo da Orquestra Nacional do Porto.

TELMO MARQUES (piano) nasceu no Porto em Agosto de 1963. Frequentou o Conservatório de Música do Porto onde estudou Piano e Composição com vários professores de entre os quais Fernanda Wandschneider, Cândida Lima e Fernando Lapa. Fez cursos de aperfeiçoamento com Jean Martin, Carlos Cebro, Fernando Puchol, Paul Trein, Robert Houlihan, entre outros.É licenciado em Piano pela ESMAE, onde obteve o prémio Eugénio de Almeida com a melhor classificação, e terminou o mestrado em Artes na Educação Musical na Universidade de Surrey Roehampton (Grã-Bretanha). Actualmente encontra-se a frequentar um programa de doutoramento em Música por Computador na Universidade Católica. Lecciona as disciplinas de Piano Jazz, Análise Musical, e de Técnicas de Composição na ESMAE – Escola Superior de Música e das Artes do Espectáculo do Instituto Politécnico do Porto. Participou em várias gravações de artistas portugueses, como pianista, compositor e/ou produtor. Como compositor, contribuiu para um vasto conjunto de obras de teatro musical, documentários e centenas de anúncios publicitários.

MARIA KAGAN (violino) nasceu em Moscovo. Alternou os seus estudos musicais entre Rússia e Alemanha, país onde mais tarde terminou o mestrado em violino na cidade de Munique. Participou em inúmeros festivais de música de câmara. Actualmente é membro da Orquestra Nacional do Porto.

IANINA KHMELIK (violino) nasceu em Moscovo, onde iniciou os seus estudos musicais aos 5 anos de idade. Já em Portugal, em 2005 terminou a Licenciatura em violino na Escola Superior de Música e das Artes do Espectáculo do Porto. Actualmente é membro da Orquestra Nacional do Porto.

TREVOR MCTAIT (violeta) nasceu em Inglaterra e iniciou os seus estudos musicais na Royal Academy of Music de Londres, onde viria a concluir os seus estudos de violeta com um curso de pós-graduação. Actualmente é a viola principal do Remix Ensemble assim como da Orquestra Barroca da Casa da Música.

64 VANESSA PIRES iniciou os seus estudos musicais aos 5 anos de idade na sua terra natal, Viana do Castelo. Mais tarde terminou a Licenciatura em violoncelo na Escola Superior de Música e das Artes do Espectáculo do Porto. Actualmente é professora de violoncelo e Directora Pedagógica da Escola de Música Guilhermina Suggia - FMAC. É membro da Orquestra Barroca da Casa da Música.

ILARIA VIVAN (harpa) começou o estudo da harpa aos nove anos de idade no Conservatório da sua cidade natal,Trieste (Itália). Diplomou-se em 1994 e continuou os seus estudos na Academia de Santa Cecilia em Roma e na Escola de Música de Fiesole em Florença. Aperfeiçoou-se tambem com o professor Fabrice Pierre. Tocou em varias orquestras em Itália e no estrangeiro, executando concertos tambem como solista e em agrupamentos de câmara. Desde 2000 é membro da Orquestra Nacional do Porto como Harpa Solista. Em Portugal colaborou e colabora com varias orquestras e com grupos dedicados à música contemporânea (Orquestra Gulbenkian, Orquestra Sinfónica Portuguesa, Orquestra Metropolitana de Lisboa, Remix Ensemble, Orchestrutópica). Lecciona desde 2002 lecciona na Academia de Música de Viana do Castelo.

PAULO JORGE FERREIRA (composição e acordeão) nasceu em Lisboa em 1966. Iniciou os estudos musicais aos cinco anos com o acordeonista José António Sousa. Participou em concursos nacionais e internacionais, obtendo honrosas classificações, e frequentou seminários com alguns dos mais prestigiados acordeonistas contemporâneos. Concluiu o curso complementar de acordeão no Instituto de Música Vitorino Matono, tendo posteriormente finalizado os seus estudos superiores na Escola Superior de Artes Aplicadas de Castelo Branco. Tem realizado recitais em Portugal e no estrangeiro, nomeadamente em França, México, Bélgica, Áustria, Itália, Macau, Espanha e Hungria, e concertos de música de câmara, actuando com artistas como Maria João Pires e António Victorino d’Almeida. Apresentou-se como músico convidado de orquestras sinfónicas e de câmara, tais como a Orquestra de Pequim, a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica Portuguesa, a Orquestra Nacional do Porto,a Sinfonietta de Lisboa e o Remix Ensemble, e a solo com o Esart Ensemble e Remix Ensemble, trabalhando com maestros como Stefan Asbury, Jürjen Hempel, Lawrence Foster, Peter Rundel, Martin André e Emílio Pomàrico, entre outros. Constitui com Pedro Santos um duo de acordeões (Duo Damian), com Pedro Vasconcelos um duo de acordeão e piano (Ars Duo), com Carlos Alves um duo de acordeão e clarinete (Artclac) e um quinteto com quarteto de cordas. Ao longo da sua carreira musical tem participado em inúmeras gravações discográficas, em programas radiofónicos e televisivos. Simultaneamente tem desenvolvido também a sua actividade como compositor, escrevendo obras para instrumentos solo, música de câmara e orquestra. Recentemente foi escolhida uma peça sua (acordeão solo) como obra obrigatória de um concurso no País Basco. É professor na Escola Superior de Artes Aplicadas em Castelo Branco, no Conservatório Regional de Castelo Branco e na Escola de Música do Conservatório Nacional. Alguns dos seus alunos e grupos de música de câmara têm obtido primeiros prémios em concursos nacionais e internacionais de acordeão e de música de câmara. É convidado com regularidade como membro de júri em concursos internacionais de acordeão. Editou em 2004 um CD a solo, “Percursos”.

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Claudio Marcotulli

3 de Julho (sábado) – 21h30 Recital de Guitarra Sacristia – Mosteiro de Alcobaça

1.ª Parte HEITOR VILLA-LOBOS Douze études

Animé (mi menor) Très animé (lá maior) Un peu animé (ré maior) Un peu moderé (sol maior) Andantino (dó maior) Un peu animé (mi menor) Très animé (mi menor) Moderé (dó sustenido menor) Un peu animé (fá sustenido menor) Animé (si menor) Lent (mi menor) Un peu animé (lá menor)

2.ª parte FRANCISCO TÁRREGA Variações sobre “Carnevale di Venezia” de Niccolo Paganini

AGUSTÍN BARRIOS Una limosna por el amor de Diòs Valsa op. 8 n.°4 La Catedral

CARLO DOMENICONI Koyunbaba op.19 Moderato, Mosso, Cantabile, Presto

Claudio Marcotulli, guitarra

Co-produção: Festival Internacional de Guitarra de Leiria

67 NOTAS À MARGEM

HEITOR VILLA-LOBOS (Rio de Janeiro 1887- id. 1959) é o maior compositor brasileiro do século XX. Fazendo uma síntese entre as mais variadas correntes da música europeia e a música tradicional e popular do Brasil, na confluência entre nacionalismo e modernismo, é autor duma obra gigantesca, com de mais de mil títulos, que o tornam um dos compositores mais prolíficos da história da música.

FRANCISCO TÁRREGA (Villareal 1852 - Barcelona 1909), guitarrista e compositor espanhol, foi um dos responsáveis pelo renascimento da guitarra no século XX, que deu ao instrumento o estatuto solístico. Amigo de Albéniz e Granados, fez inúmeras transcrições do grande reportório para piano, foi professor de grandes guitarristas como Emilio Pujol e Josefina Robledo e a sua produção inclui cerca de 78 obras para guitarra.

AGUSTÍN BARRIOS (San Bautista de las Misiones 1885 - San Salvador 1944), guitarrista e compositor paraguaio, fez uma grande carreira internacional como virtuoso da guitarra e foi comparado pelos críticos a Segovia e Paganini. Foi o primeiro guitarrista clássico a gravar discos de gramofone (1910) e a tocar uma suite completa de Bach. Várias obras suas fazem actualmente parte do reportório dos maiores guitarristas.

CARLO DOMENICONI (Cesena 1947), guitarrista e compositor italiano, diplomou-se em Pesaro e estudou composição na Universidade de Berlim, onde leccionou durante 20 anos. Viveu e leccionou bastante tempo em Istambul, tendo-se apaixonado pela cultura turca, um facto que se reflecte na sua obra mais célebre,Koyunbaba para guitarra solo.

68 O INTÉRPRETE

CLAUDIO MARCOTULLI é considerado um dos guitarristas mais interessantes da sua geração e possui um curriculum de grande relevância artística que tem merecido uma especial atenção do público e da crítica. Revelou desde cedo, sob a orientação de M. Ialenti e M. Severi, uma técnica brilhante e grandes qualidades musicais, tendo vencido todos os concursos nacionais em que participou. Obteve o seu diploma no Conservatório L. Cherubini de Florença com elevada distinção, sob a orientação de Alfonso Borghese. Estudou com Alberto Ponce na “École Normale de Musique” de Paris, onde obteve em 1983 a “Licence Supérieure d’Exécution Musicale” e no ano seguinte o “Diplôme Supérieur de Concertiste”. Fez cursos de aperfeiçoamento com A. Diaz, A. Lauro, J. Williams e ganhou diversos concursos em Itália e França. Ganhou o 1.º Prémio no Concurso “F. Tárrega” em Espanha, um dos concursos de guitarra mais importantes do mundo, e também o prémio especial de “Melhor Interpretação das Obras de F. Tárrega”. Tem apresentado regularmente repertório a solo, de música de câmara e de guitarra com Orquestra um pouco por toda a Europa e na China, México e Cuba. Tocou com orquestras como a Orquestra Internacional de Itália, as Orquestras Sinfónicas de Iashi e Timisoara (Roménia) e com maestros como Donato Renzetti, Ennio Morricone, Ignacio Yepes, Christian Mandeal, Ion Baciu, Allesio Vlad, Carmine Carrisi e Riccardo Serenelli. Acompanhou, em várias ocasiões, Luciano Pavarotti com a Orquestra Internacional de Itália. Em 1995 colaborou com a Orquestra de Câmara da Europa na ópera “O Barbeiro de Sevilha” de G. Rossini e em 1999 com a Orquestra de Câmara G. Mahler na ópera “Falstaff” de G. Verdi, em ambas as ocasiões sob a direcção de Cláudio Abbado.

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A Imagem da Melancolia

4 de Julho (domingo) – 18h00 PENTAGRAMA Convento de Cós ou a longa sombra do peripatético

TERRA (outono, norte, melancólico) ÉTER (espírito, centro, ideia) INEFABILIDADE DO BELO* (Christopher Io son ferito ai Lasso – Giovanni Perluigi da Marlowe) Palestrina / Bovicelli In nomine – William Byrd EPITÁFIO DE UM ALQUIMISTA (Christian Pavan “The Image of Melancholy”– Anthony Hofmann von Hofmannswaldau) Holborne Sonata Settima – Johann Rosemüller Galliard “Ecce quam bonum” – Anthony Holborne AR (primavera, este, sanguíneo) Ah, silly soul – William Byrd Frais et galliard – Clemens no Papa / Bassano DE TI ME SEPAREI NA PRIMAVERA (William ÁGUA (inverno, oeste, fleumático) Shakespeare) CANÇÃO (Pinar) Pavana Ferrarese, Gagliarda Au joly bois, Basso Con que lavaré – Anónimo Anglese, Saltarello, Fantasia sobre Con que la lavaré – António Branle Simple, Passamezzo d’italie, Saltarello – Carreira Pierre Phalése Tento por D La Sol Re – António Carreira A la fontaine du prè – Adrian Willaert FONTE DE DOR, RIO DE PADECIMENTO O TÚMULO DO MEU AMOR (tradição oral (Christine de Pisan) celta)

FOGO (verão, sul, colérico) Canzona francesa chromatica – Giovanni Trabaci O AMOR TRANSFORMOU-ME EM FOGO VIVO (Gaspara Stampa) Aria di Passagaglia – Girolamo Frescobaldi FERA SOU DESTE LUGAR SOMBRIO (Chiara Matrani) Passacaglio a 4 – Biagio Marini Magna Ferreira, canto Inês Moz Caldas, Marco Magalhães, Paulo Gonzalez, Pedro Castro, Pedro Sousa Silva, Susanna Borsch,flautas de bisel

* Indicam-se em MAIÚSCULAS poemas que serão declamados.

71 NOTAS À MARGEM

Pentagrama s.m. pauta musical com cinco linhas; figura mágica simbólica, semelhante a uma estrela de cinco pontas, formada por cinco letras ou sinais ligados por linha contínua, e a que se atribuíam virtudes mágicas.

A nossa proposta de programa de concerto não é uma proposta convencional. Primeiro, porque o programa apresentado não tem, ao contrário do que costuma acontecer num grupo de música antiga, uma organização fundamentada em critérios musicológicos. Segundo porque a forma de apresentação não é de um concerto usual, com os intérpretes num lado e o público no outro.

É o Pentagrama que estrutura este evento, que proporciona a relação entre os elementos temáticos de cada um dos cinco blocos apresentados. Essa relação estabelece-se a vários níveis: geográfico (música inglesa para Norte, Ibérica para Oeste, etc.) mas sobretudo estético, com a escolha de obras que ilustrem cada um dos afectos, humores ou ambientes sugeridos em cada bloco. É ele também que dispõe os músicos em cena, as cinco flautas formando uma estrela de cinco pontas, com a cantora ao centro.

TEXTOS

INEFABILIDADE DO BELO AH, SILLY SOUL Christopher Marlowe (1563-1593) (tradução: Pedro Sousa Silva) (tradução: Luiz Cardim) Ah, alma ingénua, como são teus Se as penas todas que jamais serviram pensamentos confundidos mãos de poetas, houvessem haurido por dois amores tão distantes quanto os sublimes conceitos e arroubos diferentes? que o peito, a mente e a musa lhes moveram O amor do prazer é cego, e por nenhuma ao descantar seus temas portentosos; razão circundado. se a quinta-essência que elas destilaram O amor do céu é claro, e belo para além de das flores imorredouras de seus versos, qualquer comparação. onde, qual num espelho, apercebemos as culminâncias do engenho humano – Não admira pois que este amor te não se tudo, tudo isto, num só período ilumine o pensamento: tivessem combinado, e na expressão enquanto olhares através do falso amor, teus da magia do belo: mesmo assim, olhos serão cegos. sempre naquelas almas ansiosas havia pelo menos de restar um pensamento, graça ou maravilha que nenhuma virtude, nenhum estro logrará digerir em vis palavras.

72 CANÇÃO FONTE DE DOR, RIO DE PADECIMENTO Pinar (séc. XV) (tradução: José Bento) Christine de Pisan (1363-1431) (tradução: Filipe Jarro) A voz da minha canção é de uma dor que a alma toca Fonte de choro, rio de padecimento, que os agudos leva a boca, Flancos de dor, mar de amargura plena os graves o coração. Que mareias e afogais em pena As palavras são as dores Meu coração cheio de sofrimento. que andam no pensamento, Assim me afundam e largam em tormento; padecendo o sofrimento Pois corre em mim mais forte do que o Sena que as torna ainda maiores. Fonte de choro, rio de padecimento. De tal som marcadas vão que sua voz a alma toca, São ondas tais, de tanto elevamento que os agudos leva a boca, Quão mais o vento de Infortúnio acena, os graves o coração. Que em mim caindo, só na mais dura pena Me salvarei do vosso abatimento, CON QUÉ LA LAVARÉ Fonte de choro, rio de padecimento. (anónimo) O AMOR TRANSFORMOU-ME Con qué la lavaré EM FOGO VIVO la flor de la mi cara? Gaspara Stampa (1523-1554) Con qué la lavaré (tradução: José Henrique Bastos) que vivo mal penada? O amor transformou-me em fogo vivo Lávanse las casadas como uma nova salamandra no mundo, con agua de limones; tal como o animal não menos raro lávome yo cuitada, que no mesmo sítio nasce e morre. con penas y dolores. Todo o meu prazer e o deleite é viver ardendo e não sentir dor, sem preocupar-me com quem me impele se tem ou não alguma piedade de mim.

Apenas o primeiro ardor estava extinto foi outro a incendiar o Amor, ainda mais vivo e maior do que todos os que provei.

Não me arrependo de arder de Amor, se alguém roubar de novo o meu coração há-de ficar com o meu ardor pleno e satisfeito.

73 ARIA DI PASSACAGLIA FERA SOU DESTE LUGAR SOMBRIO (tradução: Pedro Sousa Silva) Chiara Matrani (1514-1597) (tradução: José Henrique Basto) Assim me desprezais, Assim me burlais? Fera sou deste lugar sombrio Tempo virá em que Amor E com uma flecha no ombro Fará do vosso coração fujo, triste, ao cabo da minha dor Aquilo que fizeste do meu; e o cerco que lentamente me agrilhoa. Não mais palavras, adeus. Como a ave que o fogo arde Dai-me então martírios, entre as plumas, a fugir num voo Burlai os meus suspiros, do seu ninho quente, e ao debandar Negai-me mercê, o fogo aviva com as próprias asas. Ultrajai a minha fé, Assim eu entre a aurora estival e as sombras, Que depressa então vereis voando alto com as asas do desejo, Aquilo que vós me fazeis. tento escapar do fogo que me queima. Beleza não sempre reina, Quanto mais eu voo entre as margens E se ela assim vos ensina fugindo deste mal, com um salto feroz A desprezar a minha fé, sobre a morte lente, procuro a vida curta. Acreditai antes em mim, Que se hoje me aniquilais, Amanhã vos arrependereis. IO SON FERITO AI LASSO (tradução: Pedro Sousa Silva) Não nego, é certo, que em vós Amor tem seus favores, Eu estou ferido, ó infelicidade, e até gostaria Mas sei que o tempo persegue de acusar quem o fez, mas não tenho prova Beleza, que foge e passa. e sem indícios não se dá fé ao mal. Se não me quereis amar, Eu não quero penar. Nem deita sangue a minha nova ferida; eu espasmo e morro mas o golpe não se vê, A vossa loira crina, a minha inimiga não se encontra armada. A face purpurina Mais velozes que Maio Que eu possa a ela regressar, que cruel decisão, Passarão fugazmente. para que apenas me possa curar quem me feriu. Apreciai-as bem agora, Que bem rirei eu depois.

74 EPITÁFIO DE UM ALQUIMISTA A LA FONTAINE DU PRÉ Christian Hofmann von Hofmannswaldau (tradução: Pedro Sousa Silva) (1616-1679) (tradução: João Barrento) Na fonte do prado Banhava-se Margot Eu era um alquimista. Toda a vida cismei Seu amigo passava Com a arte que da morte nos fosse livrar. E a observava. Aquilo que buscava, isso não encontrei, Bela que fazeis aí E o que não procurei acabou por chegar. Margot Marguerite Rego a minha salsa DE TI ME SEPAREI NA PRIMAVERA E a minha segurelha. William Shakespeare (1564-1616) (tradução: Luiz Cardim) O TÚMULO DO MEU AMOR De ti me separei na Primavera: Tradição oral celta (galês, séc. XVII) quando o radioso Abril, ao sol voando, (tradução: José Domingos Morais) em cor e luz, a plenas mãos, cantando, Passeava sem cuidados no cemitério nova alegria entorna pela esfera… Onde repousam mais de cem corpos. No viridente bosque até dissera Pousei o pé na tumba do meu amor o pesado Saturno ver folgando... E no peito saltou meu coração. Porém nem cor vistosa ou cheiro brando lograram incender minha quimera.

A brancura dos lírios, não a vi... O vermelhão das rosas, desmaiava... Eram fantasmas só: ao pé de ti

- o seu modelo – quanto lhes faltava! Par’cia inverno; e eu, a viva alfombra, só pude imaginá-la a tua sombra.

75 OS INTÉRPRETES

“Rigorosos, apaixonados e irrepreensíveis” (Diana Ferreira, in Público), A IMAGEM DA MELANCOLIA foi fundada em Dezembro de 2002 por Pedro Sousa Silva com o objectivo de explorar o reportório polifónico renascentista. O núcleo do ensemble é constituído por cinco flautistas e uma cantora aos quais se agregam outros instrumentistas e cantores em função do projecto em curso. Na construção do seu conceito interpretativo, A Imagem da Melancolia socorre-se do estudo atento de fontes musicais, literárias e iconográficas coevas do reportório executado. O ensemble procura explorar de uma forma laboratorial alguns aspectos linguísticos característicos da prática interpretativa quinhentista (como a afinação, os conceitos de frase, ou a teoria melódica) e confrontar o ouvinte moderno com experiências sonoras distantes das convencionais nos dias de hoje. Assumindo o anacronismo dos formatos interpretativos modernos (nomeadamente o concerto e o registo fonográfico) em relação à música do Renascimento, pretende-se confrontar o ouvinte moderno com uma experiência sonora distante do nosso quotidiano e restaurar uma quase perdida sacralidade inefável característica da Música enquanto fenómenoex tempore. A aquisição de cópias de instrumentos do séc. XVI é uma prioridade para A Imagem da Melancolia desde o momento da sua fundação. Presentemente o ensemble tem à sua disposição um conjunto de mais de 30 flautas construídas pelos mais prestigiados artesões contemporâneos (Luca de Paolis, Monika Musch, Tom Prescott, Adriana Breucking, Peter van der Poel e Adrian Brown), das quais se destacam os consorts Rafi e HIERS construídos por Luca de Paolis e Adrian Brown, respectivamente. A Imagem da Melancolia tem realizado concertos em inúmeros locais do país, Holanda e Galiza, convidada por algumas principais salas de espectáculo e festivais (Casa da Música, Centro Cultural de Belém, Faro Capital da Cultura, Encontros de Música Antiga de Loulé, Cistermúsica, Festival Are Mo clássica).

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London Brass Tentet

9 de Julho (sexta-feira) – 21h30 Grupo de Metais Claustro D. Dinis – Mosteiro de Alcobaça

ANTHONY HOLBORNE LONDON BRASS TENTET (arr. R. Harvey) Decateto de Metais de Londres The Fairie Round John Barclay, trompete JOHANN SEBASTIAN BACH Gareth Small, trompete (arr. C. Mowat) Daniel Newell, trompete Suite Andrew Crowley, trompete ANTONIN DVORAK Richard Bissill, trompa (arr. D. Stewart) Lindsay Shilling, trombone Dança Eslava n.º 8 Richards Edwards,trombone Byron Fulcher,trombone e eufónio HEITOR VILLA-LOBOS David Stewart, trombone baixo (arr. R. Harvey) Oren Marshal,tuba Mazurka – Choro MANUEL DE FALLA (arr. E. Crees) Dança do Fogo WITOLD LUTOSLAWSKY (arr. R. Harvey) Variações sobre um Tema de Paganini DUKE ELLINGTON (arr. Richard Bissill) Caravan BILLY STRAYHORN (arr. P. Smith) Lush Life VINCENT YOUMANS (arr. M. Nightingale) La Carioca PAUL HART Surprise Variations

Co-produção: Festival Internacional de Música de Espinho

79 NOTAS À MARGEM

Pouco se sabe acerca da vida de ANTHONY HOLBORNE (ca. 1545 - 1602), mas acredita-se que deverá ter sido consideravelmente respeitado entre os mais talentos compositores do seu tempo. Chegaram até aos nossos dias mais de 150 obras suas, principalmente instrumentais, tais como pavanas e galhardas, almains e outras pequenas árias. A típica suite inglesa não tinha ainda desenvolvido o estilo italiano idiomático da escrita virtuosa instrumental, especialmente para o violino. Mantém-se a possibilidade de uma abordagem flexível da orquestração. Numa partitura de Holborne de 1599 pode ler-se no título que “violas, violinos ou instrumentos de sopro” podem tocar a obra. O madrigal de origem italiana estava na moda naquele tempo e o seu homólogo instrumental revelava-se aparentemente um veículo menos promissor, mas os títulos fantasiosos que os compositores atribuíram a estes andamentos de dança sugerem que a sua execução jamais deverá descurar a intensidade e a expressão.

De JOHANN SEBASTIAN BACH (Eisenach 1685 – Leipzig 1750), a suite para metais que ouviremos (num arranjo de Christopher Mowat) inclui trechos dos dois grupos de Suites Inglesas e Francesas para instrumento de tecla. Embora os andamentos aqui reunidos não correspondam ao modelo padrão, quase cumprem as regras base de organização da suite. Três das quatro danças “obrigatórias” estão presentes nos 2.º, 3.º e 5.º andamentos, enquanto a Gavotte é uma das danças opcionais que Bach incluia com frequência. As tonalidades, embora não sendo as mesmas em todos os andamentos, estão relacionadas entre si (fá maior, fá menor e dó menor). O Prelúdio, um dos andamentos característicos do concerto grosso, está presente nas Suites Inglesas e neste arranjo temos o contraste entre um pequeno grupo solista (dois trompetes, trompa e trombone) e o grupo completo.

WITOLD LUTOSLAWSKY (Varsóvia 1913 – id. 1994) conseguiu, durante o período de ocupação nazi da Polónia, manter a sua actividade musical juntamente com o compositor seu amigo Andrzej Panufnik e, apesar das suas actuações públicas terem sido proibidas, tocavam duetos ao piano em cafés. Ambos compuseram e fizeram arranjos, mas a única obra capaz de sobreviver à insurreição de Varsóvia foi o arranjo de Lutoslawsky doCapricho n.º 24 de Paganini. Muita da música original do violinista é conservada intacta, mas é reforçada pelas harmonias cromáticas complexas e picantes de Lutoslawsky. O arranjo para metais procura preservar as texturas detalhadas do piano e o apanágio virtuoso, que exige dos intérpretes uma articulação meticulosamente leve e controlada. Fanfarras, glissandos na trompa, articulação dupla e tripla nos trompetes apoiada pelo lado mais escuro e potente dos trombones contribuem para transformar este magnífico trabalho num enormetour de force.

DUKE ELLINGTON (Washington 1899 – Nova Iorque 1974) é o monstro sagrado do jazz,o primeiro grande compositor desse género musical de raízes negras que surgiu no sul dos Estados Unidos. Pianista e director da big band que actuava no Cotton Club de Nova Iorque, ganhou celebridade mundial até ser condecorado com a Ordem da Liberdade dos Estados Unidos, a Legião de Honra francesa e condecoraçõeshonoris causa das mais importantes universidades do mundo. Caravan é um dos seus temas mais célebres.

80 BILLY STRAYHORN (Dayton 1915 – Nova Iorque 1967) era um jovem arranjador obcecado por música quando conheceu Ellington através de um amigo em 1938. O resultado foi imediato e Billy colaborou em muitas obras não editadas chegando mesmo a escrever algumas que apareceram como sendo do próprio Ellington. Esta extraordinária melodia, soberbamente adaptada, é-nos trazida pelo trombone de Richard Edwards.

VINCENT YOUMANS (Nova Iorque 1898 – id. 1946) foi um aclamado autor de canções, cujo longo palmarés inclui temas célebres como Tea for Two e La Carioca, canção escrita para a dupla Bing Crosby / Bob Hope no filme Flying down to Rio (de Thornton Freeland, com Dolores del Rio), que recebeu o óscar da Academia para a melhor canção original em 1935.

PAUL HART é um músico talentoso e multi-facetado. Para além de ser um virtuoso violinista de jazz e teclista (tocou com Cleo Laine e John Dankworth vários anos), compôs música para rádio, televisão, cinema e para as grandes salas de concerto. As suas Variações Surpresa (inspiradas na Sinfonia n.º 94 em sol maior de Haydn) são apresentadas por cada elemento do grupo, cujas capacidades e características Paul conhece bem, pois trabalharam com ele ao longo de vários anos, tendo gravado vários spots no seu estúdio no Soho. As dez variações mostram praticamente tudo o que é possível fazer com um instrumento de metal, incluindo um solo de trombone com um desentupidor como surdina e a imitação de uma flauta contralto (no trompete) na 4.ª variação.

OS INTÉRPRETES

Os LONDON BRASS surgiram em 1986 com o propósito de promover a sonoridade e virtuosismo da música clássica de câmara para metais. Muitos dos membros fundadores tinham já trabalhado com o Philip Jones Brass Ensemble, experiência que se revelou fundamental para o processo de ascensão e rápido sucesso do grupo, dando concertos e fazendo gravações pioneiras. O grupo funciona com várias formações. É fundamentalmente conhecido em todo o mundo como decateto, no entanto, a formação inicial de Philip Jones que deu origem a este grupo pioneiro foi, na realidade, o quinteto. A carreira dos London Brass tornou-se cada vez mais sólida, e ao longo das duas últimas décadas fizeram inúmeras gravações e concertos com um vasto repertório que vai desde obras do compositor veneziano do séc. XVI Giovanni Gabrieli, passando por Freddie Mercury até Harrison Birthwistle. Os locais onde se apresentam têm sido igualmente variados e incluem salas de concerto como o Lincoln Center em Nova Iorque, uma fábrica Norueguesa de fornos de metal e até mesmo a sombra de uma árvore de montanha nos Alpes Italianos Dolomites. No Reino Unido, sua terra natal, os London Brass apresentaram-se nos Concertos Promenade da BBC, no Bath International Music Festival e tocaram para a Rainha com transmissão em directo para todo mundo a partir da Saint Paul’s Cathedral aquando das cerimónias do Jubileu de Sua Alteza Real em 2002. Este ano viajam até Portugal, Holanda e Alemanha. Em Agosto voltam ao Royal Albert Hall para os Concertos Promenade da BBC onde irão tocar, em estreia mundial, “Wilful Chant” de Stephen Montagues, obra encomendada pela BBC. O seu CD mais recente, Surprise, tornou-se num dos álbuns de maior sucesso do grupo.

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Sonor Ensemble

22 de Julho (quinta-feira) – 21h30 Voz e Sexteto com Piano Sala do Capítulo - Mosteiro de Alcobaça

LUIGI BOCCHERINI SONOR ENSEMBLE Pequena Música Nocturna LUIS AGUIRRE, direcção musical ROMÁN ALÍS Kremena Gantcheva,violino La Rueda del Tiempo, três canções sobre José Francisco Montón, violino poemas de Salvador Espríu Virginia Aparicio, violeta Gudrún Oláfsdóttir, meio-soprano José María Mañero, violoncelo Bárbara Veiga, contrabaixo CONSUELO DÍEZ Sebastián Mariné,piano Tentative para cinco instrumentos não Gudrún Oláfsdóttir,meio-soprano determinados

JOAQUÍN TURINA Rapsódia Sinfónica para piano e cordas Piano: Federico Jusid

EURICO CARRAPATOSO O Espelho da Alma

FEDERICO GARCÍA LORCA Cinco Canções Populares Espanholas Gudrún Oláfsdóttir, meio-soprano

MANUEL de FALLA Duas danças de El Amor Brujo

Co-produção: Festival do Estoril

83 NOTAS À MARGEM por Luis Aguirre

LUIGI BOCCHERINI (Lucca 1743 – Madrid 1805). Violoncelista virtuoso e compositor, cedo partiu da sua Toscânia natal para Viena, Milão, Paris e posteriormente para Madrid, onde teve como mecenas o Infante D. Luís e começou a compor os seus famosos quintetos. Quando morreu o Infante, em 1785, Boccherini procurou novos patrões nas figuras de Frederico Guilherme da Prússia e da família Benavente-Osuna de Madrid. Ambos os mecenatos cessaram em 1798 e finalmente passou a depender de Lucien Bonaparte, embaixador de Napoleão em Madrid. Dos três números que hoje se interpretam da Música Nocturna de Madrid, a “Ritirata” é o mais conhecido. Originalmente enquadrado no Quinteto com Piano n.º 6, foi objecto de múltiplos arranjos e adaptações pelo seu colorido e imaginação salpicada de sabor espanhol. A marcha, seguida de 11 variações simétricas, é altamente descritiva: um pelotão militar de guarda nocturna aproxima-se a grande distância e depois de atingir a máxima proximidade e intensidade afasta-se até se perder na noite.

ROMÁN ALÍS (Palma de Maiorca 1931 – Madrid 2006). A 29 de Outubro de 2006 faleceu um dos nomes mais brilhantes da criação musical espanhola do século XX e figura chave para muitos compositores de sucessivas gerações que usufruiram da sua docência sobretudo na cátedra de Composicão do Real Conservatório Superior de Música de Madrid. Román Alís cultivou todos os géneros, com excepção talvez da ópera, e foi um dos compositores espanhóis mais premiados e solicitados, recebendo encomendas ininterruptamente desde 1971. O ciclo Cançons de la Roda del Temps foi composto entre Maio e Agosto de 1982, baseado nos poemas íntimos do então recém- falecido poeta catalão Salvador Espríu, com quem Román Alís pôde contactar pessoalmente durante o projecto da obra. O ciclo completo tem doze canções, das quais aqui se interpretam a 3.ª, a 4.ª e a 5.ª. Román Alís conduz a voz por registos extremos, com grandes intervalos e tensões crispadas, em páginas de grande subtileza e inegável beleza, que correspondem fielmente ao estilo hiper-sensível do seu autor.

CONSUELO DÍEZ (Madrid 1958). A compositora madrilena de origem leonesa Consuelo Díez fez os seus estudos de piano e composição no Real Conservatório Superior de Música da sua cidade natal, tendo-se paralelamente licenciado em Geografia e História na Universidade Complutense. En 1985 mudou-se para os Estados Unidos para realizar um mestrado em Composição e Música Electroacústica na Universidade de Hartford. Ao longo da sua brilhante carreira recebeu numerosos prémios e ocupou importantes cargos oficiais, que contribuiram para impulsionar e favorecer a música e os músicos espanhóis. Tentative foi composta em 1986 para um grupo de cinco instrumentos não determinados. Estruturada em cinco secções, proporciona liberdade e iniciativa aos intérpretes, que se convertem de certo modo em co- autores duma obra aleatória e que por conseguinte se interpreta sempre de maneira diferente.

JOAQUÍN TURINA (Sevilha 1860 - Madrid 1949). A vocação musical de Turina, tal como a de Falla, tomou um rumo decisivo em Paris, onde residiu entre 1904 e 1914. Federico Sopeña disse dele: “Incapaz de sonhar com revoluções trascendentais ou com mudanças decisivas, usufruiu em vez disso do prazer das pequenas coisas do dia a dia”. Turina surge como encarnação de um paraíso perdido e isso reflecte-se na sua música de traços serenos, com alguns sabores impressionistas matizados na oficina do “andaluz”. Tanto a construção rapsódica comoa escrita virtuosística para piano da Rapsódia Sinfónica se fundem com a tradição romântica. O

84 jogo de oposições entre duas ideias temáticas – Andante e Allegro - é paralelo ao próprio plano instrumental, que não procura a integração de solista e cordas, mas sim o jogo dialético entre os recursos de ambos os mundos sonoros.

EURICO CARRAPATOSO (Bragança 1962) licenciou-se em História pela Faculdade de Letras da Universidade do Porto e foi aluno de composição de José Luís Borges Coelho, Fernando Lapa, Cândido Lima e Constança Capdeville, tendo concluido em 1993 o Curso Superior de Composição no Conservatório Nacional de Lisboa com Jorge Peixinho. Recebe regularmente encomendas das principais instituições culturais portuguesas e a sua música tem vindo a ser executada, editada e difundida desde 1987 na Europa e nos restantes continentes. Ganhou as primeiras edições do Prémio de Composição Lopes Graça da Cidade de Tomar e do Prémio Francisco de Lacerda. Em 2001 foi distinguido pela Sociedade Histórica da Independência de Portugal com o Prémio da Identidade Nacional e a 10 de Junho de 2004 foi condecorado pelo Presidente da República com a Comenda da Ordem do Infante Dom Henrique (ver também concerto de 31 de Julho). Sobre Espelho da alma escreve o compositor: “Neste conjunto de harmonizações de música popular dos vários mundos portugueses, do planalto mirandês (a minha terra mítica!) às brumas açorianas, cada som é essencial e também testemunha dessa portugalidade filtrada pela minha própria linfa transmontana.”

FEDERICO GARCÍA LORCA (Fuente Vaqueros 1898 – Víznar 1936). A personalidad do poeta e dramaturgo granadino Federico García Lorca, universalmente valorizada no terreno literário, incluía uma inclinação instintiva para a música e uma sensibilidade inegável neste campo artístico. Lorca tocava piano, relacionou-se em Madrid com músicos como Adolfo Salazar, Turina e tantos outros, e sobretudo manteve uma estreita relação de amizade e colaboração com Manuel de Falla em Granada. Interessado especialmente pelas manifestações artísticas populares, Lorca deu ouvidos ao folclore e pesquisou os cancioneiros espanhóis mais significativos. Daí resultaram as suas Canções Espanholas Antigas, versões musicalmente tão singelas quanto fiéis ao espírito popular andaluz que lhes deu origem. Federico Jusid, por encomenda do “Sonor Ensemble”, adaptou as versões de García Lorca tanto para grupo instrumental misto como para quinteto de cordas e piano.

MANUEL DE FALLA (Cádiz 1876 – Alta Gracia, Argentina 1946) compôs o seu bailado El amor brujo entre 1914 e 1915 para a “bailaora” Pastora Imperio. Para trás ficaram os anos que viveu e estudou em Paris e o contacto com Debussy, Ravel e outros génios da arte que foram fundamentais para atingir o enorme refinamento e qualidade que serão características essenciais de toda a sua produção musical. Falla converteu-se além disso no mais destacado representante espanhol do nacionalismo musical que se prolongou para lá do romantismo. O argumento de El amor brujo é simples e resume-se assim: una jovem cigana, Candelas, é perseguida pelo fantasma do seu falecido amante, que lhe aparece de cada vez que ela se predispõe a beijar o seu novo amor, Carmelo. Lucía, outra jovem cigana, consegue por fim quebrar o feitiço e a obra acaba em alegria. Falla realizou em 1926 um arranjo para cordas e piano de dois dos números do bailado: a Pantomima, com a sua impetuosa frase pontuada a que se segue uma melodia asperamente bela em compasso de sete por oito, e a Dança ritual do fogo, com a sua implacável métrica, fibra e poder de sedução.

85 TEXTOS

EL CAFÉ DE CHINITAS Este niño chiquito En el café de Chinitas no tiene cuna, dijo Paquiro a su hermano: a, a, a, a, Soy más valiente que tú, no tiene cuna, sí, más torero y más gitano. no tiene cuna, no, a, a, a, a. Sacó Paquito el reló y dijo de esta manera: Su padre es carpintero, Este toro ha de morir y le hará una, antes de las cuatro y media. a, a, a, a, y le hará una, sí, Al dar las cuatro en la tarde y le hará una, no, se salieron del café a, a, a, a. y era Paquiro en la calle un torero de cartel. ANDA JALEO Yo me subí a un pino verde LOS CUATRO MULEROS por ver se la divisaba, De los cuatro muleros, y solo devisé el polvo mamita mía del coche que la llevaba. que van al agua, Anda jaleo, jaleo, el de la mula torda ya se acabó el alboroto mamita mía, y vamos al tiroteo. es mi marío. De los cuatro muleros…. No salgas, paloma, al campo, mira que soy cazador, NANA DE SEVILLA y si te tiro y te mato Este galapaguito para mí será el dolor, no tiene mare, para mí será el quebranto a, a, a, a, Anda jaleo, jaleo, no tiene mare, sí, ya se acabó el alboroto no tiene mare, no, y vamos al tiroteo. no tiene mare, a, a, a, a. En la calle de los Muros han matado a una paloma. Lo parió una gitana, Yo cortaré con mis manos lo echó en la calle, las flores de su corona. a, a, a, a, lo echó en la calle, sí, Anda jaleo, jaleo, lo echó en la calle, no, ya se acabó el alboroto a, a, a, a. y vamos al tiroteo.

86 LAS TRES HOJAS CANCIÓN DE LA MUERTE Debajo de la hoja RESPLANDECIENTE de la verbena, Fortunas de mar tengo a mi amante malo: me llevarán consigo. ¡Jesús, que pena! No podrás Debajo, debajo de la hoja orzar ni perder, de la verbena. uno a uno, velero blanco, todos los palos. Debajo de la hoja de la lechuga Por el engaño tengo a mi amante malo de luz de mediodía, con calentura. eres súbito prisionero Debajo, debajo de la hoja de un viejo canto. de la lechuga En qué puerto Debajo de la hoja se enroló, serviola, del perejil este nuevo timonel tengo a mi amante malo tan extraño? no puedo ir. Yo no sé Debajo, debajo de la hoja que caminos de mi sueño del perejil. lo han llevado al gobierno de la nave. La Roda del Temps (Salvador Espríu) CANCIÓN DE LA MAÑANA ENCALMADA Ásperas manos El sol ha ido dorando nunca dejan la rueda, el largo sueño del agua. y ya calmo se torna Estos ojos tan cansados mi tiempo. De quien llega a la calma Lejos, más allá Han mirado, han sabido, De palabras amargas, Olvidaban. Encontré una muerte Resplandeciente. Lejos, más allá de la mar, se ya yendo mi barca. CANCIÓN DE LA PLENITUD De tierra adentro, un canto DE LA MAÑANA con el aire la sigue: Luz de retorno de barca: “Te perderás por el camino la soledad ganada. del que nunca hay regreso”. En el oro caminado del día, Bajo la luz clemente luz de retorno de barca. de la mañana, en la casa Soy, Y en uno leve, benigno de los viejos de mi viejo nombre, hálito de vida de aire, hoy digo: “Aún soy”. por mar y sueños llevaba Me dormiré mañana la soledad ganada. sin miedo y sin pesar. Y el oro nuevo besará la serenidad del mármol.

87 OS INTÉRPRETES

O SONOR ENSEMBLE é um grupo de câmara formado essencialmente por solistas e membros da Orquestra Nacional de Espanha. Os seus elementos são profissionais de alto nível, con grande experiência sinfónica e de câmara, e todos eles actuaram em numerosas ocasiões como solistas, interpretando os concertos mais representativos do reportório para o seu próprio instrumento. Os mais diversos compositores escreveram e continuam a escrever obras para o Sonor Ensemble, o que dá uma ideia da política de estreias que este grupo de câmara tem seguido desde a sua fundação, sem esquecer todas as obras fundamentais acumuladas durante trezentos anos de criação musical. O Sonor Ensemble aborda os períodos tradicionais do Barroco, do Classicismo, do Romanticismo, etc., mas dá especial ênfase aos grandes compositores do século XXe à criação contemporânea, para se assumir desse modo como um veículo essencial para a expressão artística dos compositores actuais. Entre os compositores que escreveram parao Sonor Ensemble podemos citar Zulema de la Cruz, Ángel Oliver, Manuel Angulo, Claudio Prieto, Delfín Colomé, Javier Jacinto, Federico Jusid e Oliver Rappoport. A apresentação do grupo teve lugar na Universidade de Alcalá a 24 de Janeiro de 2005. Desde então difundiu a música espanhola actuando em diferentes concertos e festivais em países como Espanha, Bulgária, Finlândia, Suécia, Suiça, China, Rússia, Coreia do Sul e Itália. O Sonor Ensemble gravou para a Rádio Nacional de Espanha, para a Radiotelevisão Espanhola, para a etiqueta Fundación Autor e proximamente para a etiqueta Verso com obras de compositores contemporâneos espanhois. Por encomenda da Comunidade de Madrid, realiza um importante trabalho educativo e pedagógico oferecendo concertos a milhares de jovens estudantes.

LUIS AGUIRRE (direcção musical) nasceu em Madrid, onde fez estudos de Economia na Universidade Autónoma e de Piano, Composição e Direcção de Orquestra no Real Conservatório Superior de Música. Prosseguiu os seus estudos na Guildhall School of Music and Drama de Londres, na Hochschule für Musik und Darstellende Kunst “Mozarteum” de Salzburgo e na Universidade de Indiana (EUA). Em 1985 acedeu por concurso ao lugar de Maestro Assistente da Orquestra Nacional de Espanha, desempenhando esse cargo e colaborando com oentão maestro titular Jesús López Cobos, entre 1986 y 1987. Desde então actuou em diferentes países da Europa, da América, da África e da Ásia e fez gravações para a RNE, a TV5, a RTVE e para a etiqueta Fundación Autor. Além da Orquestra Nacional de Espanha, dirigiu entre outras a Orquesta Sinfónica da RTVE, a Sinfónica de Madrid, a New Orchestra of Boston, a Bournemouth Symphony Orchestra, os Solistas do Metropolitan de Nova Iorque, a Sinfónica deSantaFé (Argentina), a Filarmónica de Jalisco (México), a Orquestra Sinfónica Portuguesa e a maioria das restantes formações sinfónicas espanholas. Director musical e artístico doSonor Ensemble, fez concertos, gravações e numerosas digressões pelo estrangeiro à frente deste grupo de câmara. As suas actividades incluem numerosos artigos musicais, conferências e concertos didácticos. Fez parte do Comité de Especialistas Independentes da Comissão Europeia de Cultura e colabora como coordenador e assessor artístico do Ministério da Cultura de Espanha na selecção de músicos espanhóis para a Orquestra Juvenil da União Europeia (EUYO) e a Gustav Mahler Jugend Orchester.

88 KREMENA GANTCHEVA (violino) nasceu em Sófia (Bulgária) e graduou-se “cum laude” na Academia Estatal de Música da Bulgária e na Escola Superior de Música Rainha Dona Sofia de Madrid, onde estudou com o célebre professor Zakhar Bron. Outros mestres que influiram na sua carrera foram Yehudi Menuhin, W. Marschner, Vl. Avramov e David Zafer, entre outros. Foi convidada a actuar nos festivais internacionais de Schleswig-Holstein, Santander, Judenbourg, Feldkirch e Yemdad Hami. Deu concertos em muitas das grandes salas da Europa (Espanha, Alemanha, Itália, Áustria, Holanda, Finlândia, Bulgária, Rússia) e de outros continentes (China, Corea, Israel). Foi concertino de várias formações de câmara e de grandes orquestas sinfónicas: Orquestra Internacional Juvenil (Trento), Orquestra da Escola Rainha Sofía, Orquestra Sinfónica de Chamartin, Orquestra Sinfónica do Infantado, sob as batutas de Zubin Metha, Danielle Gatti, Enrique García Asensio. Em 2003 ganhou o lugar de violino solista da Orquestra Nacional de Espanha. Actualmente é concertino e solista do Sonor Ensemble. Futuros projectos: concertos na Rússia, em Portugal e na Argentina.

SEBASTIÁN MARINÉ (piano) estudou piano com R. Solís, composição com R. Alís e A. G.ª Abril e direcção de orquestra com I. G.ª Polo e E. G.ª Asensio no Conservatório Superior de Música de Madrid, obtendo diplomas de honra em todos os cursos e o prémio de “Fim de Curso” em piano. Ao mesmo tempo, licenciou-se em História da Arte na Universidade Complutense de Madrid. Actuou como solista com as orquestras da RTVE, Sinfónica de Madrid, de Sevilha, das Baleares, da Comunidade de Madrid, de Granada, de Valladolid, das Astúrias, etc. Estreou os concertos para piano e orquestra a si dedicados por Valentín Ruiz, Rafael Cavestany e Fernando Aguirre. Gravou quatro CDs com música espanhola para saxofone e piano. Gravou também um CD com as sonatas para piano solo e para piano e clarinete de Robert Stevenson. Desde 1979 é professor do Conservatório Superior de Música de Madrid, bem como, desde a sua fundação em 1991, da Escola Superior de Música Rainha Dona Sofia, dirigida por Paloma O'Shea.

GUDRÚN ÓLAFSDÓTTIR (meio-soprano) estudou canto no Conservatório de Música de Reykjavík, na sua Islândia natal, com a professora Ruth Magnússon. Depois de se mudar para Londres estudou na Guildhall School of Music & Drama com Laura Sarti, obtendo um Master of Music. Cantou os papéis de Dorabella em Cosí fan tutte (Mozart), Rosina em Il Barbiere di Siviglia (Rossini) e Príncipe Orlowsky em Die Fledermaus (J. Strauss), entre outros. Trabalhou com a Orquestra Sinfónica da Islândia, a Orquestra de Câmara de Reykjavík, a Orquestra Sinfónica La Mancha e a Orquestra Schola Camerata, e deu recitais na Islândia, em Inglaterra, Escócia, Ilhas Feroe, Espaha e Itália. No campo da oratória, o seu reportório vai daMissa em si menor de Bach à estreia deA Child is Born de John Speight, cuja gravação com a Orquestra Sinfónica da Islândia foi retransmitida por rádio em toda a Europa e editada em CD. Outros projectos dentro da música contemporânea incluem Iero Oniro (Sir John Tavener) em directo para a BBC Radio 3 como parte dos BBC Proms e Vocalise (Hjálmar H. Ragnarsson) cuja gravação foi também lançada em disco. Foi galardoada com a Bolsa Miriam Licette (Royal Opera House Covent Garden), o Prémio de Lieder Schubert, o Prémio Madelin Finden Memorial Trust, o Prémio para a melhor intérprete de Lieder no Concurso Kathleen Ferrier no Wigmore Hall em Londres, e o terceiro prémio no Concurso Vocal Internacional de Música Sacra em Roma. Tem actuado como solista com o Sonor Ensemble em diversos concertos em Espanha e no estrangeiro.

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Quinteto À-Vent-Garde

23 de Julho (sexta-feira) – 21h30 Quinteto de Sopros Igreja Matriz de São Martinho do Porto 24 de Julho (sábado) – 18h00 Igreja de Nossa Sra. da Ajuda (Vestiaria)

1.ª Parte QUINTETO À-VENT-GARDE ANTON REICHA Rui Borges Maia, flauta Paulo Barros Areias, oboé Quinteto n.º 2 em mi bemol maior op.88 Ricardo Gama Henriques, clarinete Allegro moderato Hélder Vales, trompa Scherzo Ricardo André Santos, fagote Andante grazioso Finale: Allegro molto

DARIUS MILHAUD Suite La cheminée du Roi René I. Cortège II. Aubade III. Jongleurs IV. La Maousinglade V. Joutes sur L’arc VI. Chasse a valabre VII. Madrigal-Nocturne

2.ª Parte CARL NIELSEN Quinteto de Sopros op. 43 I. Allegro ben moderato II. Menuet III. Preludium - Tema com variazioni

FREDERICO DE FREITAS Modinha (do Quinteto de Sopros)

91 NOTAS À MARGEM

O quinteto de sopros À-Vent-Garde apresenta algumas das obras mais emblemáticas do reportório para flauta oboé, clarinete, trompa e fagote.

ANTON REICHA (Praga 1770 - Paris 1836), compositor checo naturalizado francês, é autor duma obra vastíssima, que inclui duas dúzias de quintetos de sopros, entre os quais este, publicado em 1817. A sua música de câmara parece-se mais como a música do século XVIII. O estilo musical é relativamente conservador e formal, as obras são melodiosas e bem construídas. Reicha tinha reputação de ser um excelente professor de composição e nessa qualidade ele era respeitado pela maioria dos músicos da sua época. Os seus tratados de composição tornaram-se das obras mais importantes do género no século XIX.

Figura fulcral do modernismo musical na Dinamarca, CARL NIELSEN (Nørre Lyndelsee 1865 - Copenhaga 1931) é um compositor de profunda originalidade. Este quinteto, uma das obras-primas da sua maturidade, está composto num estilo neoclássico e tem alguns toques modernos do período final de Nielsen, embora ainda seja muito tonal e acessível a um público amplo. Muito bem recebido desde a estreia em 1922, tornou-se um pilar do repertório para quinteto de sopros, sendo dedicado aos membros do Quinteto de Sopros de Copenhaga, que fez a 1.ª audição.

DARIUS MILHAUD (Aix-en Provence 1892 - Genebra 1974), um dos mais prolíficos e multifacetados autores franceses do século XX, compôs La cheminée du Roi René na Suiça em 1939: trata-se duma suite oriunda da música do filme Cavalcade d’amour, evocadora da época e da música dos trovadores. O filme é composto de três histórias de amor passadas na corte francesa do século XV, do Rei René d’Anjou (1409-1480). A musica prima por uma expressão imediata e directa, criando paisagens musicais da época: Milhaud era natural de Aix-en- Provence, onde a corte e o castelo foram outrora sediados, e sempre manteve um fascínio pelo reinado do rei René, inclusive estudando alguns dos manuscritos musicais da época.

FREDERICO DE FREITAS (Lisboa 1902 - id. 12.1.1980) é um dos compositores mais polivalentes e representativos da música portuguesa do século XX, autor duma vasta produção que abrange todos os géneros, com destaque para o bailado (do qual Dança da Menina Tonta, de 1940, é o título mais conhecido). Entre a sua música de câmara destaca-se o Quinteto de Sopros, escrito em 1950, do qual ouviremos aqui o terceiro andamento, uma deliciosa modinha.

92 OS INTÉRPRETES

RICARDO ANDRÉ SANTOS (fagote) iniciou os estudos musicais na filarmónica local e mais tarde no Conservatório de Leiria. Aos 15 anos ingressa na Escola Profissional de Artes da Beira Interior (EPABI), na classe de fagote do Professor João Brito. Em 2006 termina a Licenciatura em fagote pela Escola Superior de Música de Lisboa e ruma a Madrid onde, em 2007, finaliza a Pós- graduação em música de câmara no Instituto Internacional de Música de Câmara de Madrid. Fez parte da Orquestra Sinfónica da EPABI, com a qual realizou inúmeros concertos por todo o País e fez digressões por Itália, Espanha e Palestina. Integrou a Orquestra da Semana Internacional da Música do Luxemburgo, a Orquestra Portuguesa das Escolas de Música, a Orquestra de Sopros de Jovens da União Europeia, a Orquestra Sinfónica Juvenil, a Orquestra APROARTE, a Orquestra Nacional de Sopros dos Templários e a Orquestra de Câmara Rainha Sofia. Como músico convidado apresentou-se com as orquestras Sinfonietta de Lisboa, Orquestra Clássica da Madeira, Orquestra de Cascais e Oeiras, Orquestra do Algarve, Metropolitana de Lisboa e Orquestra de Câmara Portuguesa. Tocou com prestigiados músicos, tais como: Maria João Pires, Misha Maisky, Augustin Dumay, Miguel Borges Coelho, Bruno Pasquier e António Rosado. Participou em masterclasses de aperfeiçoamento de fagote com Henning Trog (fagotista da Orquestra Filarmónica de Berlim), Mathias Racz, Asger Svendsen e Afonso Venturieri.

RUI BORGES MAIA (flauta) nasceu na Maia em 1983. Começou a estudar flauta aos dez anos. É bacharel pela Escola Superior de Música de Lisboa, na classe do Professor Olavo Barros, licenciado pela Academia Superior de Orquestra, na classe do professor Nuno Inácio, epós graduado em música de câmara pelo Instituto Internacional de Música de Câmara de Madrid, e em flauta pela Escola Superior de Música da Catalunha, na classe da professora Júlia Gállego. Actualmente frequenta a classe de flauta do professor Jacques Zoon na Escola Superior de Música Rainha Dona Sofia como bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian e da Fundação Albéniz. Como formação complementar, realizou inúmeras masterclasses de Flauta e Música de Câmara, designadamente com os professores Jaime Martín, Maurice Bourgue, Maxence Larrieu, Trevor Wye, Michel Debost, Herbert Weissberg, Patrick Gallois, Jorge Caryevsky, Carlos Bruneel, Felix Renggli e Christian Wetzel. Colaborou com várias orquestras, entre as quais a Orchestrutopica, a Orquestra de Cámara Reina Sofia (Espanha), a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Metropolitana de Lisboa, o Ensemble Perspektive (Alemanha), a Orquestra Sinfonietta de Lisboa e a Zoltan Kodaly World Youth Orchestra (Hungria), que lhe deram a oportunidade de trabalhar com vários maestros, tais como, Michael Zilm, Vladimir Ashkenazy, Joana Carneiro, Sian Edwards, Tomas Vásary, Stephen Asbury, Ian Cober, Pablo Heras-Casado, Antoni Ros Marbá e Jesus Lopez Cobos.

PAULO BARROS AREIAS (oboé) nasceu em Viana do Castelo em 1983. Iniciou os seus estudos de oboé com 11 anos na Escola Profissional de Música de Viana do Castelo, efectuando concertos com a orquestra desta mesma escola em Portugal, Espanha e Brasil. É licenciado em oboé pela Escola Superior de Música de Lisboa, na classe do professor Andrew Swinnerton, desde 2006. Em 2007 finalizou uma pós-graduação em música de câmara no Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid, no qual teve como professor de oboé o prestigiado oboísta alemão Hansjorg Schellenberger. Paralelamente realizou masterclasses em Portugal e Espanha com

93 Stefan Schilli, Lazlo Hadady, Ernest Rambout, Pedro Ribeiro, Alex Klein, Thomas Indermuhle, Christian Wetzel e Maurice Bourgue. Frequentou várias orquestras das quais se destacam Orquestra Gulbenkian, Orquestra de Câmara de Cascais e Oeiras, Orquestra Sinfonietta de Lisboa, Orquestra Sinfónica da Póvoa de Varzim, Orquestra Bracara Augusta, Orquestra APROARTE e Camerata do Instituto Internacional de Música de Câmara de Madrid. Em 2003 apresentou-se como solista com a Orquestra Juvenil executando o concerto para oboé e orquestra de W. A. Mozart, e em 2006 tocou a solo a cantata BWV 82 de J.S.Bach com a Orquestra Filarmonia das Beiras. Em 2007 exerceu funções de 1º oboé na Kodály Zoltán World Youth Orchestra (Hungria), com concertos na Hungria, Bélgica, Alemanha e Eslováquia. Actualmente é professor de música de câmara e oboé na Escola Profissional de Música de Viana do Castelo.

RICARDO GAMA HENRIQUES (clarinete), natural de Torres Novas, iniciou os seus estudos musicais na filarmónica local e mais tarde na Escola de Música da Sociedade Filarmónica Gualdim Pais (Tomar) com os professores Francisco Ribeiro, Bruno Graça e Felipe Dias. Terminou o ensino complementar no Conservatório Regional de Tomar na classe do professor Felipe Dias. Em 2005 concluiu a Licenciatura em Instrumentista de Orquestra na Academia Nacional Superior de Orquestra na classe de clarinete do professor Nuno Silva. Concluiu uma pós-graduação em Música de Câmara com o Quinteto À-Vent-Garde no Instituto Internacional de Música de Câmara de Madrid (Escola Rainha Sofia) em 2007, na classe dos professores Klaus Thunemann, Radovan Vlatkovic, Hansjorg Schellenberger, Eduard Brunner e Jack Zoon. Participou em várias masterclasses de aperfeiçoamento de clarinete com professores como Philip Cuper, Fabrizio Meloni, Jonahtan Cohler, António Saiote, Joan Eric Lluna entre outros. Foi bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian. Foi premiado em vários concursos, sendo-lhe atribuído o 2º Prémio no concurso Prémio Jovens Músicos da RDP na modalidade de clarinete nivel médio e o 1º Prémio no Concurso Jovens Clarinetistas e tendo sido semi-finalista na 4ª edição do Concurso Internacional Henri Tomasi (Marselha) para Quintetos de Sopros com o quinteto À-Vent-Garde. Fez parte da Orquestra Portuguesa das Escolas de Música, daOrquestra Nacional de Sopros dos Templários, da Orquestra Académica Metropolitana e da Orquestra da Escola Superior de Música Rainha Sofia. Como músico convidado apresentou-se com a Orquestra Metropolitana de Lisboa e com a Orquestra de Cascais e Oeiras, com a qual colabora actualmente.

94 HÉLDER VALES (trompa) nasceu no Porto em 1975. Iniciou os seus estudos em trompa no Conservatório de Música de Gaia com o professor Eddy Tauber, tendo estudado também na Escola Profissional de Música do Porto com os professores Peter Gryp e Bohdan Sebestik. É licenciado em trompa pela Escola Superior de Música do Porto. Frequentou masterclasses em Portugal e na República Checa com Hermann Baumann, Jindric Petras, Froydis Ree Weekre, Adam Friederich e Javier Bonet. Foi 1.º Trompa em vários estágios com orquestras de jovens portugueses. Obteve, em 1993, um lugar de solista na Orquestra do Norte, desempenhando essa função até 1997, altura em que obteve a mesma posição na Orquestra Filarmonia das Beiras. Apresentou-se como artista convidado com diversas entidades: Camarata Musical do Porto, Orquestra Clássica do Porto, Orquestra Metropolitana de Lisboa, UMO - Jazz Orchestra (Helsínquia), Orquestra Sinfónica Portuguesa, Remix Ensemble, Orquestra Nacional do Porto, entre outras. Participou em festivais internacionais de música em Portugal, Espanha e França. É membro fundador do Quinteto de Sopros Cromeleque. Do leque de personalidades com quem trabalhou destacam-se: Jan Cober, Leo Brower, Maria Schneider, Luciano Pavarotti, Patrick Gallois e Roger Bobo. Actuou a solo com a Orquestra do Norte, a Orquestra de Câmara de Santiago de Compostela e a Filarmonia das Beiras. Foi por diversas vezes convidado a participar em eventos juntamente com compositores portugueses, actuando na estreia das suas obras. Orientou cursos de aperfeiçoamento instrumental em Espinho, Taveiro e Coimbra e leccionou nos Conservatórios de Música de Gaia e Castelo Branco. É actualmente professor na Academia de Música de Oliveira de Azeméis e na Escola Profissional Artística do Vale do Ave - Artave.

95

Jue Wang

30 de Julho (sexta-feira) – 22h00 Recital de Piano Claustro D. Dinis – Mosteiro de Alcobaça

1.ª Parte Jue Wang, piano MAURICE RAVEL Sonatina Moderé Mouvement de Menuet Animé Miroirs Noctuelles Oiseaux tristes Une barque sur l’ocean Alborada del gracioso La vallé des cloches

ROBERT SCHUMANN Carnaval de Viena op. 26 Intermezzo

2.ª Parte FRÉDÉRIC CHOPIN Polonaise em lá bemol maior op. 53, Eroica Balada n.º 4 em fá menor op. 52

PIOTR TCHAIKOVSKI / FRANZ LISZT Polonaise da ópera Eugen Oneguin

Co-produção: Festival do Estoril

97 NOTAS À MARGEM

MAURICE RAVEL (Ciboure 1875 - Paris 1937), com Debussy o mestre supremo da escrita impressionista para piano, conseguiu com a sua Sonatine de 1903 uma obra-prima de concisão musical, em que, não obstante a presença de texturas diáfanas tipicamente impressionistas e de sequências modais “antigas”, predomina uma concepção de base classicizante, dir-se-ia mesmo neo-setecentista. Miroirs, uma das suas obras mais célebres e arrojadas para piano, é uma suite de cinco peças escritas entre 1904 e 1905, cada uma das quais dedicada a um dos pintores do grupo conhecido como Les apaches.

ROBERT SCHUMANN (Zwickau 1810 - Endenich 1856), supremo cultor da música para piano no Romantismo alemão, compôs em 1839 Faschingsschwank aus Wien (Cenas do Carnaval de Viena), ciclo de cinco peças construído em torno das letras musicáveis do apelido do compositor, ASCH, tomando em parte como modelo a sonata op. 26 de Beethoven (n.º 12, em lá bemol maior). O Intermezzo, 4.º número do ciclo, é em mi bemol menor e tem a indicação mit grosster Energie (com máxima energia).

FRÉDÉRIC CHOPIN (Zelazowa Wola 1810 - Paris 1849) cultivou ao longo de toda a sua vida de compositor duas formas que exprimiam a sua ligação afectiva à Polónia: a mazurka e a polaca. As últimas duas polonaises do compositor, ambas em lá bemol maior, levam o género à sua expressão mais rarefeita e decantada, antevendo a última (Polonaise-Fantaisie op. 61) já a estética impressionista. A polonaise dita “heróica” é uma das obras mais virtuosísticas do repertório pianístico, com a sua célebre coda em oitavas na mão esquerda, cuja execução requere dons verdadeiramente heróicos.

Estreada em 1879, a ópera Eugen Oneguin de PIOTR TCHAIKOVSKY (Votkinsk 1840 - São Petersburgo 1893) encontrou logo no ano seguinte um ouvinte entusiasta, nada menos que FRANZ LISZT (Raiding 1811 – Bayreuth 1886), que realizou uma transcrição da brilhante polonaise que celebrizou a ópera na Europa, em antecipação das estreias nos vários teatros europeus.

98 O INTÉRPRETE

JUE WANG (piano), natural de Xangai, tem desenvolvido uma intensa actividade concertista no seu país de origem desde os seus 10 anos. Rapidamente se fez notar como um jovem intérprete talentoso, tendo-se já estreado nas mais prestigiadas salas de concerto de todo o mundo. Como vencedor do Concurso de Santander, Jue Wang recebeu um generoso prémio monetário, uma gravação para a editora Naxos e várias tournées nas quais fez mais de 100 apresentações, quer em concerto que em recital ao longo de quatro anos. São de destacar as suas estreias em Nova Iorque no Zankel Hall (Carnegie Hall) e no Wigmore Hall em Londres. Tem ainda concertos agendados no NDR Hall em Hannover, Alemanha, na Sociedade Filamónica de Bilbao, no Auditório de Congressos de Zaragoza em Espanha, na Salle Gaveu em Paris, nos Festivais Internacionais Santander e Penderecki em Varsóvia, bem como noutras prestigiadas salas na Suiça, Argentina, Chile, Uruguai, Venezuela, Brasil, Perú, Panamá e México. Jue Wang tem ainda concertos programados com a Orquestra Filarmónica de Oviedo, com a Orquestra de Câmara de Viena, com as Orquestras Sinfónicas da Rádio Televisão Espanhola, da Região de Múrcia, Nacional da Colômbia e Nacional da República Dominicana. Obteve o Diploma de Mestrado pelo Conservatório de Xangai em 2009. Actualmente frequenta o Artists Diploma na classe do Dr. Marc Silverman na Manhattan School of Music.

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Orquestra Metropolitana de Lisboa

Dia 31 de Julho (Sábado) – 21h30 Concerto Sinfónico Cine-Teatro de Alcobaça

1.ª Parte ORQUESTRA METROPOLITANA DE LISBOA MENDELSSOHN João Paulo Santos, direcção Abertura A Bela Melusina Stéphanie Manzo, harpa CHRISTOPH WILLIBALD VON GLUCK Luís Miguel Cintra, narração Dança das Fúrias e Bailado dos Espíritos Bem- aventurados da ópera Orphée et Eurydice

RAVEL Pavana para uma Infanta Defunta

DEBUSSY Danse sacrée, Danse profane para harpa e cordas

2.ª Parte EURICO CARRAPATOSO A Arca do Tesouro pequeno conto musical

Texto de Alice Vieira Obra encomendada pela Orquestra Metropolitana de Lisboa

101 NOTAS À MARGEM

FELIX MENDELSSOHN (Hamburgo 1809 - Leipzig 1847) foi o mais clássico dos românticos, um menino prodígio que revelou a plenitude do seu génio aos 16 anos com a abertura Sonho duma Noite de Verão. Numa curta vida de 38 anos, abrangeu todos os géneros musicais e enquanto director do Gewandhaus de Leipzig foi um dos criadores da conceito moderno dos concertos de “música clássica” e uma das figuras mais prestigiadas da vida musical europeia. Superiormente culto, inspirou-se muitas vezes em obras literárias e, no caso da aberturaA Bela Melusina, partiu duma narrativa de Ludwig Tieck (1773-1853), inspirada numa velha lenda francesa sobrea história do amor do cavaleiro Lusignan pela sereia Melusina. Composta em 1833, trata-se dum poema sinfónico cujo aquático e ascendente tema inicial (que inspirou o motivo fluvial doOuro do Reno de Wagner) representa o mundo sobrenatural e feminino da sereia, por oposição ao mundo real e masculino do príncipe, representado por um tema fortíssimo e descendente, no modo menor; um terceiro tema mais lírico representa o amor de ambos.

CHRISTOPH WILLIBALD VON GLUCK (Erasbach 1714 - Viena 1787) é uma figura-chave da história da ópera, responsável por uma reforma do género que influenciaria a concepção do drama musical wagneriano. Com Orfeu e Eurídice, ópera escrita em Viena em 1762 e reformulada em Paris em 1774, afastou-se quer da ópera italiana e da subjugação aos cantores eao virtuosismo, quer da ópera francesa com o seu gosto do aparato e do artifício. Às peripécias dos enredos de Metastasio, Gluck preferiu o reencontro com a verdade dos clássicos. A concisão dramática e a humanização dos personagens levaram-no a diluir as fronteiras entre árias e recitativos e a conferir maior naturalidade ao fluir do drama. Atribuiu uma nova importância à orquestra, tornando-a um elemento fulcral do drama e dando uma atenção ao timbre que influenciou Mozart e fascinou Berlioz (cuja ópera Les Troyens, de 1863, é uma herdeira das tragédies lyriques de Gluck). Exemplo do seu sentido orquestral são os dois mais célebres momentos instrumentais de Orfeu e Eurídice, a Dança das Fúrias e o Bailado dos Espíritos Bem- aventurados, que decorrem respectivamente no inferno e nos campos elíseos, usando neste último a flauta com rara poesia.

MAURICE RAVEL (Ciboure 1857 - Paris 1937), filho de pai suíço e mãe basca, estudou no Conservatório de Paris mas a sua triunfal carreira como compositor decorreu quase totalmente à margem das instituições. A sua música evidencia, nas obras para piano, um virtuosismo pianístico de influência lisztiana, e também um interesse pela herança musical do passado que conduziria ao neoclassicismo das suas obras dos anos trinta. Porém, esse interesse pelo passado manifesta-se em Ravel desde as suas obras de juventude, entre as quais se pode considerar a Pavane pour une infante défunte, escrita originalmente para piano em 1899 e dedicada à princesa Edmond de Polignac. A versão orquestral, de 1910, foi estreada em Londres, num concerto Promenade, no Verão de 1911, sob a direcção de Henry Wood. De acordo com o próprio Ravel, a escolha do título tinha apenas a ver com a sonoridade das palavras e não com a evocação de qualquer figura histórica: “Evitem dramatizar. Esta não é a deploração fúnebre de uma infanta que acaba de morrer, mas a evocação de uma pavana que poderia ter sido dançada por essa pequena princesa, outrora, na corte de Espanha.”

102 CLAUDE DEBUSSY (Saint-Germain-en-Laye 1862 - Paris 1918) fez os mais rigorosos estudos académicos antes de ser tornar um “libertino” musical: aluno durante 12 anos do Conservatório de Paris, recebeu o Prix de Rome antes de transformar a sua carreira um manifesto contra o academismo, ou contra aquilo a que os franceses chamam “estilo pompier”. Quebrando as regras escolásticas, o Prelúdio à Sesta de um Fauno fez em 1894 a proclamação dum novo estilo musical que, por analogia com a pintura, ficou conhecido como estilo impressionista (embora os seus arabescos hedonistas também tenham muito a ver com o estilo Arte Nova). A obraDanse sacrée, Danse profane foi composta por Debussy em 1904 por incentivo da casa Pleyel de Paris, que tentava na altura impor um novo modelo de harpa cromática (que acabou por não vingar, pelo que as execuções actuais da peça recorrem à usual harpa de pedais). O estilo da primeira dança tem algo do ambiente sonoro da ópera Pélleas et Mélisande: a transparência da escrita e a linguagem modal dão-lhe uma aura lendária, perdida na mais remota antiguidade. A segunda dança apresenta afinidades com La mer: o ritmo ternário e o recorte mais nítido dos desenhos melódicos dão-lhe um cunho menos etéreo, com um diálogo vivo entre harpa e cordas que nos transporta do celestial para o terreno.

EURICO CARRAPATOSO (Bragança 1962) é licenciado em História pela Faculdade de Letras da Universidade do Porto. Iniciou os seus estudos musicais em 1985, tendo sido sucessivamente aluno de composição de José Luís Borges Coelho, Fernando Lapa, Cândido Lima e Constança Capdeville. Concluiu em 1993 o Curso Superior de Composição no Conservatório Nacional de Lisboa com Jorge Peixinho. Foi assistente de História Económica e Social na Universidade Portucalense. Leccionou na área da composição em várias instituições, nomeadamente na Escola Superior de Música de Lisboa e na Academia Nacional Superior de Orquestra. É desde 1989 professor de Composição na Academia de Amadores de Música e no Conservatório Nacional, sendo professor do quadro desta última instituição. Recebe regularmente encomendas das principais instituições culturais portuguesas e a sua música tem vindo a ser executada, editada e difundida desde 1987 não apenas na Europa bem como nos restantes continentes. Ganhou as primeiras edições do Prémio de Composição Lopes Graça da Cidade de Tomar e do Prémio Francisco de Lacerda. A sua música representou três vezes Portugal na Tribuna Internacional de Compositores da UNESCO, realizadas em Paris em 1998, 1999 e 2006, com “Cinco melodias em forma de Montemel” (para soprano, trompa e piano), “Deploração sobre a morte de Jorge Peixinho” (para grande orquestra) e “O meu poemário infantil” (para tenor e orquestra). Em Maio de 2001 foi distinguido pela Sociedade Histórica da Independência de Portugal com o Prémio da Identidade Nacional. Foi condecorado pelo Presidente da República com a Comenda da Ordem do Infante Dom Henrique em 10 de Junho de 2004.

Testemunho do compositor acerca deste projecto: “De entre as minhas obras, tenho três, das mais dilectas, para (e com) miúdos: uma ópera (A Floresta, sobre história de Sophia e libreto de Isabel Alçada e Ana Maria Magalhães), uma cantata profana (O lobo Diogo e o mosquito Valentim, sobre alegoria de António Pires Cabral) e uma série de pequenas psicografias zoológicas (O meu poemário infantil): horas felizes que me deram da música mais solar por mim achada. A perspectiva, agora, de trabalhar com Alice

103 Vieira é, só por si, um estímulo precioso. Acresce o facto deste projecto se ancorar no seio da Orquestra Metropolitana de Lisboa, com a qual já tive uma daquelas experiências inesquecíveis: O meu poemário infantil, sobre textos de Violeta Figueiredo. Esta obra para tenor e orquestra, dedicada a um público infanto-juvenil, foi levada à plenitude da transparência interpretativa pela OML, sob a direcção de Brian Schembri, num concerto transmitido em directo parao mundo pela UER. Não conhecia pessoalmente Alice Vieira. Mas já nos encontrámos para um primeiro contacto. Tivemos aquela sensação de que nos conhecíamos há muito tempo, tal a cumplicidade e sintonia. Ficámos com vontade grande de avançar com esta nova experiência, desta vez para narrador (Luís Miguel Cintra, segundo a nossa vontade) e orquestra. Vamos a isto. Sim: vamos a isto.” (Eurico Carrapatoso, Junho de 2009)

ALICE VIEIRA nasceu em 1943 em Lisboa. É licenciada em Germânicas pela Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa. Em 1958 iniciou a sua colaboração no suplemento «Juvenil» do Diário de Lisboa e a partir de 1969 dedicou-se ao jornalismo profissional. Desde 1979 tem vindo a publicar regularmente livros tendo, editados na Caminho, mais de cinco dezenas de títulos. Recebeu em 1979, o Prémio de Literatura Infantil Ano Internacional da Criança com Rosa, Minha Irmã Rosa, em 1983, com Este Rei que Eu Escolhi, o Prémio Calouste Gulbenkian de Literatura Infantil, e em 1994 o Grande Prémio Gulbenkian, pelo conjunto da sua obra. Foi indicada, por duas vezes, como candidata portuguesa ao Prémio Hans Christian Andersen. Trata-se do mais importante prémio internacional no campo da literatura para crianças e jovens, atribuído a um autor vivo pelo conjunto da sua obra. Alice Vieira é uma das mais importantes escritoras portuguesas para jovens, tendo ganho grande projecção nacional e internacional. Foi igualmente apresentada por duas vezes, como candidata ao ALMA (Astrid Lindgren Memorial Award).

Testemunho da escritora acerca deste projecto: “As pessoas sensatas, antes de aceitarem qualquer nova proposta, pensam bem. Pensam muito bem. Pensam mesmo muito, muito bem. Depois aconselham-se com a família, com os amigos, com o santo protector. Depois pesam os prós, depois pesam os contras. Depois avaliam. E depois decidem. Eu, para atalhar caminho, comecei logo pelo fim: quando o director da Orquestra Metropolitana de Lisboa, Cesário Costa, me convidou para escrever uma história que seria depois musicada – eu disse logo que sim. Acho que só no dia seguinte é que me dei conta do que tinha acontecido: estava metida numa verdadeira aventura, ainda por cima ao lado de um nome grande da música portuguesa, com quem eu nunca sequer sonhara um dia vir a colaborar. (De resto, quando avançaram com o nome dele, eu perguntei duas vezes: “com o Eurico Carrapatoso?! Palavra?”) E pronto.A partir daí fez-se o que tinha de ser feito, ou seja, sentei-me a uma mesa com ele, conversámos, conversámos, de amigos, de infâncias, de gente que cruzara as nossas vidas, de isto e daquilo. E de música também, claro. E eu tive a certeza absoluta – tanto quanto as nossas certezas podem ser absolutas – de que sempre nos tínhamos conhecido. Combinámos prazos, acertámos agulhas – e agora… Agora já não há nada a fazer. Nada – senão o melhor.” (Alice Vieira, Julho de 2009)

104 OS INTÉRPRETES

A ORQUESTRA METROPOLITANA DE LISBOA (OML) estreou-se no dia 10 de Junho de 1992. Desde então, os seus músicos asseguram uma extensa actividade que compreende os repertórios barroco, clássico e sinfónico – integrando, neste último caso, os jovens intérpretes da Orquestra Académica Metropolitana. Esta versatilidade, que lhe permite abranger géneros tão diversos, como a Música de Câmara, o Jazz, o Fado, a Ópera ou a Música Contemporânea, tem contribuído para a criação de novos públicos e consolidado o carácter inovador do projecto da Metropolitana. Esta entidade, que tutela a orquestra, tem como principais singularidades a interligação entre a dimensão artística e a prática pedagógica das suas escolas – a Academia Superior de Orquestra da Metropolitana, a Escola Profissional Metropolitana e o Conservatório Metropolitano de Música de Lisboa – e uma criteriosa actuação no domínio da responsabilidade social, de que é exemplo a recente implementação do ensino musical integrado nas escolas da Casa Pia de Lisboa. Cabe-lhe, ainda, a responsabilidade de assegurar uma programação regular em várias autarquias da região centro e sul, para além de promover uma efectiva descentralização cultural do norte ao sul do país. Desde o seu início, a OML afirmou-se como uma referência incontornável do panorama orquestral nacional. Além-fronteiras, apresentou- se em Estrasburgo e Bruxelas somente um ano após a sua criação. Desde então tem tocado em Itália, Índia, Coreia do Sul, Macau, Tailândia e Áustria. Em Julho de 2009 deslocou-se a Cabo- Verde, numa ocasião histórica, em que pela primeira vez se apresentou uma orquestra clássica no arquipélago. Mais recentemente, no final de Dezembro de 2009 e início de Janeiro de 2010, efectuou uma digressão pela China. Ao longo dos anos foi dirigida pelos mais importantes nomes da direcção orquestral portuguesa e por inúmeros maestros estrangeiros de elevada reputação, onde se incluem Arild Remmereit, Nicholas Kraemer, Lucas Paff, Joana Carneiro, Jean- Sébastien Béreau, Álvaro Cassuto, Cesário Costa, Brian Schembri, Manuel Ivo Cruz, Michael Zilm, Victor Yampolsky e, mais recentemente, Christopher Hogwood e Theodor Guschlbauer. Colaborou com grandes solistas como Maria João Pires, José Cura, Monserrat Caballé, Kiri Te Kanawa, José Carreras, Felicity Lott, Elisabete Matos, Leon Fleisher, Natalia Gutman, Augustin Dumay, Oleg Marshev, Pascal Rogé, Artur Pizarro, Tatiana Nikolayeva, Anabela Chaves, Anne Queffélec, Irene Lima, Paulo Gaio Lima, Eric Stern, Gerardo Ribeiro e António Rosado. Mais recentemente, juntaram-se a este rol os nomes de António Meneses, Sol Gabetta, Michel Portal, Marlis Peterson, Thomas Walker e Dietrich Henschel. Na presente temporada, a OML tem como principal solista convidado o violinista Augustin Dumay. A OML já gravou dez CDs – um dos quais disco de platina – para diferentes editoras, incluindo a EMI Classics, a Naxos e a RCA Classics. Registam-se no seu historial várias encomendas de obras orquestrais a compositores portugueses, destacando-se nas últimas temporadas O Violino Cigano de Pedro Faria Gomes, Abertura Breve de António Victorino d’Almeida, Um Discurso de Thomas Bernhard de António Pinho Vargas e Fados Sinfónicos de Álvaro Cassuto. A Orquestra Metropolitana de Lisboa tem vindo ainda a protagonizar inúmeras estreias absolutas de obras de autores portugueses, tais como a ópera de câmara Jerusalém de Vasco Mendonça ou, nos últimos anos, Contos Fantásticos e Evil Machines de Luís Tinoco, O Meu Poemário Infantil de Eurico Carrapatoso, O Sonho de Pedro Amaral, entre outras. Desde a sua constituição, a Metropolitana foi presidida por Miguel Graça Moura, tendo esse lugar sido ocupado desde Novembro de 2003 até Novembro de 2008

105 por Gabriela Canavilhas. A actual direcção é constituída por Cesário Costa (Presidente), Fátima Angélico e Paulo Pacheco (Vogais).

LUÍS MIGUEL CINTRA (narrador) nasceu em Madrid em 1949. Iniciou a sua carreira de actor e encenador de teatro no Grupo de Teatro da Faculdade de Letras de Lisboa. Frequentou a Bristol Old Vic Theatre School em Inglaterra. Em 1973 fundou em Lisboa com Jorge Silva Melo o Teatro da Cornucópia que desde então dirige, agora com Cristina Reis, e onde tem encenado e representado textos de todo o reportório teatral. Encenou ópera para o Teatro Nacional de S. Carlos, o Teatro da Cornucópia, a Culturgest e a Culturporto e o Teatro Aberto, quase sempre em colaboração com o maestro João Paulo Santos:L’Enfant et les Sortilèges de Ravel, Dido e Eneias de Purcell, As Bodas de Figaro de Mozart, Façade e O Urso de William Walton, The Strangler de Martinu, L’isola disabitata de Haydn, The English Cat de Hans Werner Henze, Jeanne d’Arc au Bûcher de Honegger/Claudel (que também interpretou), Medeia de Cherubini, Le Vin Herbé de Frank Martin. Interpretou e dirigiu ainda no Teatro Nacional de S. Carlos o melodrama Manfred de Schumann/Byron e como intérpete participou na ópera Policcino de H. W. Henze na Culturgest. Participou com a sua companhia de teatro no Festival de Teatro da Bienal de Veneza em l984, no Festival de Avignon de 1988, no Festival de Outono de Paris em 1989 e em 1991 na Europália de Bruxelas e na sessão da École des Maîtres que lhe foi dedicada. Em 1997 trabalhou como actor em Paris no Théâtre de la Commune-Pandora, Aubervilliers e em 2005 encenou no Teatro de la Abadia de Madrid. Faz regularmente recitais de poesia e gravou oito discos de literatura portuguesa. Tem participado como recitante em vários concertos. No cinema interpretou filmes de João César Monteiro, Paulo Rocha, Luis Filipe Rocha, Solveig Nordlund, Jorge Silva Melo, Manoel de Oliveira, Christine Laurent, José Álvaro de Morais, Pedro Costa, Joaquim Pinto, Maria de Medeiros, Patrick Mimouni, Teresa Vilaverde, João Botelho, Pablo Llorca, Jorge Cramez, John Malkovich, Raquel Freire, Jean Charles Fitoussi, Catarina Ruivo, Margarida Gil, João Constâncio.

JOÃO PAULO SANTOS, nascido em Lisboa em 1959, concluiu o curso superior de Piano no Conservatório Nacional desta cidade na classe de Adriano Jordão. Trabalhou ainda com Helena Costa, Joana Silva, Constança Capdeville, Lola Aragón e Elizabeth Grümmer. Na qualidade de bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian aperfeiçoou-se em Paris com Aldo Ciccolini (1979/84). A sua carreira atravessa os últimos 34 anos da biografia do Teatro Nacional de São Carlos onde principiou como co-repetidor (1976), função que manteve durante a permanência em Paris. Seguiu-se o cargo de Maestro Titular do Coro (1990-2004), desempenhando actualmente as funções de Director de Estudos Musicais e Director Musical de Cena.Oseu percurso artístico distingue-se, essencialmente, em três áreas. Estreou-se na direcção musical em 1990 com a ópera The Bear (William Walton), encenada por Luis Miguel Cintra, para a RTP. Desde então tem dirigido obras tão diversas quanto óperas para crianças (Menotti, Britten, Henze, Respighi), musicais (Sondheim), concertos e óperas nas principais salas nacionais. Estreou em Portugal, entre outras, as óperas Renard (Stravinski), Hanjo (Hosokawa), Pollicino (Henze), Albert Herring (Britten),Neues vom Tage (Hindemith), Le Vin herbé (Martin), e The English Cat (Henze) cuja direcção musical foi reconhecida com o Prémio «Acarte 2000». Colabora com compositores portugueses, destacando-se a estreia absoluta de obras de António Chagas Rosa, António Pinho Vargas, Eurico Carrapatoso e Clotilde Rosa. Na qualidade de pianista apresenta- se a solo, em grupos de câmara e em duo, nomeadamente, com a violoncelista Irene Lima e

106 o violinista Bruno Monteiro. Concertos e recitais por todo o País com praticamente todos os cantores portugueses preenchem regularmente o seu calendário artístico. A recuperação e reposição do património musical nacional ocupam um lugar significativo na sua carreira de músico sendo responsável pelas áreas de investigação, edição e interpretação de obras dos séculos XIX e XX. São exemplos as óperas Serrana, Dona Branca, Lauriane e O Espadachim do Outeiro que já foram levadas à cena no Teatro Nacional de São Carlos e no Centro Cultural Olga Cadaval. Fez inúmeras gravações para a RTP (rádio e televisão) e gravou discos abrangendo um repertório diverso desde canções do Chat Noir aos clássicos tais como Saint-Saëns e Liszt passando por Erik Satie, Martinů, Poulenc, Luís de Freitas Branco ou Jorge Peixinho. Quer como consultor, quer na direcção musical, é frequentemente convidado a colaborar em espectáculos de prosa encenados por João Lourenço e Luis Miguel Cintra.

STÉPHANIE MANZO (harpa) nasceu no Sul de França e iniciou os seus estudos de harpa aos 8 anos de idade com a professora Josey Grauer, antiga aluna de Marcel Tournier. Aos 16 anos ingressou no Conservatório Nacional Superior de Música de Paris, onde estudou com Gérard Devos em harpa e com Jean-Michel Damase em música de câmara. Três anos mais tarde obteve o primeiro prémio «À l’unanimité» em Harpa. Em 1990 obteve a «Mention Spéciale» do Concurso Internacional Louise Charpentier e em 1993 foi finalista do Concurso Internacional Lily Laskine. Aperfeiçoou-se com Catherine Michel e Marielle Nordmann, continuando assim a tradição de dois dos mais famosos harpistas do Século XX, Pierre Jamet e Lily Laskine. Beneficiou também dos conselhos do Fabrice Pierre e Susann Macdonald. Tem-se apresentado em salas e festivais internacionais, como Salle Pleyel (Homenagem a Lily Laskine), Auditorium Saint-Germain, Cassis (Journée de la Harpe), Festival International du Jeune Soliste d’Antibes-Juan-Les-Pins, Festival Méditerranéen, Seattle (Congresso Mundial de Harpa), NDR Hamburgo, Crotone/Itália, Açores (Festival MusicAtlântico), Museu Gulbenkian, CCB - Festival dos 100 Dias. Também a solo com as Orquestra Metropolitana de Lisboa, Orquestra Gulbenkian, Orquestra Clássica da Madeira, Orquestra Regional Provence-Alpes-Côte d’Azur entre outras. Tem sido convidada para tocar com reputadas orquestras, como a Orquestra da Ópera Nacional de Lyon, a Orquestra Nacional de Lyon, a Orquestra Sinfónica de Singapura, a Orquestra Gulbenkian e a OrchestrUtopica. Já tocou com R. Barshai, J. S. Béreau, M. Caballé, A. Dumay, L. Foster, B. Hendricks, E. Krivine, T. Mörk, V. Mullova, M. Rostropovitch eM. Vengerov. Acerca de Stéphanie Manzo, Marielle Nordmann escreveu: «Une des meilleures harpistes de sa génération». Desde 1995 é membro associado da Orquestra Metropolitana de Lisboa e professora de Música de Câmara na Academia Nacional Superior de Orquestra.

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Ciclo de Cinema

18, 19, 25 e 26 de Julho Cine-Teatro de Alcobaça

O LEOPARDO O DESPREZO 18 Julho (domingo), 21h30 19 Julho (segunda-feira), 21h30

Um dos maiores filmes do mestre italiano Adaptação de um dos grandes romances do Luchino Visconti, esta adaptação da obra escritor italiano Alberto Moravia por Jean- homónima de G. Tomasi di Lampedusa Luc Godard, um dos magos e mentores da venceu a Palma de Ouro de Cannes e contou Nouvelle Vague, com a presença mítica de Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Jack Palance com interpretações de Burt Lancaster, Alain e Fritz Lang. Delon e Claudia Cardinale.

Sinopse Sinopse Em 1860, enquanto Garibaldi inicia o Um olhar crítico sobre as divergências entre movimento de unificação de Itália, D. o cinema comercial e a independência Fabrício (Burt Lancaster) é um aristocrata a artística onde o próprio realizador acabou por lutar por manter o anterior modo de vida. personificar o conflito do filme ao deparar-se Ameaçado pelos ventos da mudança e a pela primeira vez com um orçamento vasto ascensão da burguesia, combina então casar e uma actriz no auge da sua carreira: Brigitte o seu sobrinho Tancredi (Alain Delon) com Bardot – e que toma como ponto de partida Angélica (Claudia Cardinale), filha de um rico a adaptação da “Odisseia” de Homero, em e influente administrador de propriedades. Capri, sob a direcção de Fritz Lang.

Título original: Il Gattopardo Título original: Le mépris de Luchino Visconti de Jean-Luc Godard com Burt Lancaster, Alain Delon, Cláudia Cardinale, Paolo com Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Jack Palance, Fritz Lang Stoppa FRA/ITA (1963) | 102’ | Cor | M/12 | 35mm ITA/FRA (1963) | 178’ | Cor | M/12 | 35mm

109 WASHINGTON SQUARE MORTE EM VENEZA 25 Julho (domingo), 21h30 26 Julho (segunda-feira), 21h30

Revisão de uma das melhores obras de Henry Baseado no clássico da literatura do James, um dos escritores norte-americanos escritor germânico Thomas Mann, uma das mais proeminentes do séc. XIX, realizado adaptações mais apaixonadas de Luchino pela cineasta polaca Agnieszka Holland e Visconti, que resulta numa profunda reflexão com interpretações de Jennifer Jason Leigh e sobre a arte e a vida, a beleza e a morte, ao Albert Finney. som de Gustav Mahler.

Sinopse Sinopse Nova Iorque, final do séc. XIX. Catherine Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) é um Sloper (Jennifer Jason Leigh) é uma rapariga compositor austríaco que viaja até Veneza rica que não herdou da mãe nenhuma das em busca de repouso, após um período características que o seu pai (Albert Finney) turbulento da sua vida. Aí desenvolve uma admirava: é pouco carinhosa e o charme, paixão obsessiva por um jovem, Tadzio a elegância, a beleza e a inteligência não a (Björn Andrésen), que encontra em férias favorecem. Muito tímida, um dia apaixona- com sua família. Enquanto uma epidemia de se loucamente por Morris Townsend cólera assola a cidade, Tadzio representa para (Ben Chaplin), um rapaz bonito, mas sem o artista o mais puro ideal de beleza. dinheiro.

Título original: Washington Square Título original: Morte a Venezia de Agnieszka Holland de Luchino Visconti com Jennifer Jason Leigh, Albert Finney, Maggie Smith, Ben com Dirk Bogarde, Bjorn Andresen, Silvana Mangano, Chaplin Marisa Berenson EUA (1997) | 115’ | Cor | M/12 | 35mm ITA/FRA (1971) | 130’ | Cor | M/12 | 35mm

110 A história das relações entre a literatura e o cinema tem sido um caso quase tão antigo quanto a própria história das imagens em movimento, um mundo em certas ocasiões povoado de equívocos, noutros momentos marcado por desfechos felizes. Algo que poderíamos ainda descrever, insistindo na metáfora conjugal, por vezes como um amor à primeira vista e noutras alturas como um casamento com resultados desastrosos: e quem nunca comparou as diferenças entre um filme e um livro ou as suas manifestas desigualdades? Talvez por isso, porquea palavra e o texto literário nunca deixaram de ter o poder de suscitar imagens e oferecerem-nos narrativas, a Sétima Arte pela mão dos seus a maiores cineastas foi sempre buscar ao campo da literatura o melhor que esta tinha para oferecer. Razão porque as adaptações literárias continuam a constituir ainda hoje uma das maiores fontes de inspiração do próprio cinema, um manancial de grandes histórias, enredos e personagens, à espera de serem eternizadas na sala de cinema. Mais uma vez em colaboração com a actual edição do Cistermúsica, a rede *aurora apresenta o ciclo “Cinema e Literatura”, uma iniciativa que responde não apenas ao lema do festival, procurando evocar alguns dos melhores episódios de adaptações literárias no universo do cinema ao longo das últimas décadas – onde destacamos as obras de um dos mestres que melhor soube respeitar o espírito do texto literário original: Luchino Visconti com “Morte em Veneza” e “O Leopardo” –, mas que representa ainda uma homenagem ao melhor que o cruzamento entre estas duas artes nos ofereceu. Se escritores como Thomas Mann, Alberto Moravia, Giuseppe Tomasi di Lampedusa ou Henry James deram à literatura algumas das suas maiores obras-primas, a verdade é que Luchino Visconti, Jean-Luc Godard e Agnieszka Holland não deixaram os seus méritos por mãos alheias.

David Mariano (programador)

111 FICHA TÉCNICA Director Artístico Alexandre Delgado

Director Executivo Rui Morais

Direcção de Produção Hélio Vazão e Lídia Pereira

Produção Isabel Martins e Rosário Ribeiro (CMA) Ana Cristina Vieira, Ana Cristina Pestana, Ana Teresa Norte e João Coelho

Comunicação David Mariano

Design Gráfico www.velcrodesign.com

Impressão Arte Artaca

AGRADECIMENTOS

Directora do Mosteiro de Sta. Maria de Alcobaça, CeDeCe, Centro Cultural Gonçalves Sapinho e Armazém das Artes.

Párocos de Alcobaça, Aljubarrota, Cela, Cós, Évora, São Martinho do Porto e Vestiaria. Presidentes das Juntas de Freguesia de Alcobaça, Aljubarrota, Benedita, Cela, Cós, Évora, São Martinho do Porto e Vestiaria.

Associação de Amigos do Mosteiro de Sta. Maria de Alcobaça. Associação de Comércio, Serviços e Indústria de Alcobaça.

Ana Alves, Ana Paula Trindade, Dalila Vicente, Sofia Silva, João Pedro Mendes dos Santos, Frederico Lourenço e Piñero Nagy.

O Cistermúsica agradece ainda a colaboração fundamental de todos os voluntários e profissionais aqui não identificados.