Rosa Barba Adi Nes Laurent Grasso Élodie Seguin Les

02 n°63 Automne / Autumn 2012 Revue d’art contemporain trimestrielle et gratuite

Rosa Barba Adi Nes Laurent Grasso Élodie Seguin les chemins de l’Émergence Pub 02_Mise en page 1 19/07/12 14:51 Page1 DAGP, Paris 2012 Paris DAGP, DAGP, Paris 2012 Paris DAGP, EIJA-LIISA Mondes parallèlesAHTILA

CARRÉ D’ART NÎMES 12 OCTOBRE 2012 6 JANVIER 2013 (détail), 2002. Courtesy Marian Goodman Gallery, Paris-New York. Photo Marja-Leena Hukkanen. © 2002 Crystal Eye Ltd, Helsinki/A Photo Marja-Leena Hukkanen. © 2002 York. Paris-New Courtesy Marian Goodman Gallery, (détail), 2002. http://carreartmusee.nimes.fr Crystal Eye Ltd, Helsinki/A Photo Marja-Leena Hukkanen. © 2002 York. Paris-New Courtesy Marian Goodman Gallery, (détail), 2002. + 33 (0)4 66 76 35 70 La Maison Exposition organisée par le Moderna Museet, Stockholm, en collaboration avec le Musée d’art contemporain Kiasma, Helsinki La Maison EDGAR ARCENEAUX

AMY BESSONE

ANDREA BOWERS

PHILIPPE DECRAUZAT

John Miller SAM DURANT

8 Sep - 10 Oct 2012 THOMAS FOUGEIROL

Gabriel Hartley GABRIEL HARTLEY

18 Oct - 17 Nov 2012 JULIAN HOEBER

JIM ISERMANN

NATHAN MABRY

FABIEN MERELLE

JOHN MILLER

ADI NES

ROBYN O'NEIL

AMY O'NEILL Sep 28 - 30 I ART PLATFORM LOS ANGELES Oct 18 - 21 I FIAC PARIS MAI-THU PERRET Dec 5 - 9 I ART BASEL MIAMI BEACH DARIO ROBETO

ANTOINE ROEGIERS

BRETT CODY ROGERS

ANALIA SABAN

ERIK SCHMIDT

JIM SHAW

PRAZ-DELAVALLADE MARNIE WEBER 5 Rue des Haudriettes - 75003 Paris www.praz-delavallade.com JOHANNES WOHNSEIFER 08.09 – 25.11.2012 LE FUTUR COMMENCE ICI LE FRAC NORD-PAS DE CALAIS Leigh OUVRIRA À L’AUTOMNE 2013 WWW.FRACNPDC.FR Ledare

LE FRAC NORD-PAS DE CALAIS BÉNÉFICIE DU SOUTIEN DU MINISTÈRE DE LA CULTURE ET DE LA COMMUNICATION/DIRECTION GÉNÉRALE DE LA CRÉATION ARTISTIQUE, DE LA DIRECTION RÉGIONALE DES AFFAIRES CULTURELLES NORD-PAS DE CALAIS, DU CONSEIL RÉGIONAL NORD-PAS DE CALAIS, DES CONSEILS GÉNÉRAUX NORD ET PAS-DE-CALAIS, DE DUNKERQUE GRAND LITTORAL/COMMUNAUTÉ URBAINE, DE LA VILLE DE DUNKERQUE ET DU RECTORAT DE L’ACADÉMIE DE LILLE. Centre d’Art Bruxelles � Contemporain www.wiels.org

FRAC-Revue02-futur-210x297.indd 1 01/08/12 12:58 Le Grand Restaurant Michel Blazy

20 septembre — 18 novembre 2012 Le Plateau Ouvert du mercredi au vendredi Vernissage Place Hannah Arendt de 14 h à 19 h Mercredi 19 septembre de 18 h à 21h Angle de la rue des Alouettes Les samedis & dimanches et de la rue Carducci de 12 h à 20 h Commissaire de l’exposition : F — 75019 Paris Xavier Franceschi T + 33 1 76 21 13 41 www.fracidf-leplateau.com

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du 13 septembre au 10 novembre 2012 À suivre en 2012 ∙ 2013 Du lundi au samedi, de 14:00 à 18:30 et sur rdv. Entrée libre Les référents Commissaires invités : Etienne Bernard et Aurélien Mole 29 novembre 2012 ∙ 26 janvier 2013

antoine dorotte 14 février ∙ 13 avril 2013

adrien missika 16 mai ∙ 6 juillet 2013

Visuel L’Utopie d’August Sander, 2012 © Mohamed Bourouissa, Courtesy l’artiste & kamel mennour, Paris

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Baudach, Berlin • Lelong, Paris, New York, Zürich • Lisson, London • T293, Naples, Rome • Take Ninagawa, Tokyo Bortolami, New York • Isabella Bortolozzi, Berlin • Loevenbruck, Paris • Florence Loewy, Paris • • Richard Telles, Los Angeles • Daniel Templon, • Zak Branicka, Kraków • Luciana Brito Galeria, Luhring Augustine, New York • Maccarone, New Paris • The Approach, London • The Third Line, São Paulo • Broadway 1602, New York • Gavin Yo r k • Mai 36, Zürich • Marcelle Alix, Paris • Dubaï • Tornabuoni Arte, Paris, Florence, Milan • Brown’s Enterprise, New York • BUGADA & Matthew Marks, New York • Gabrielle Maubrie, Triple V, Paris • UBU Gallery, New York • Valentin, CARGNEL, Paris • Bureau, New York • Campoli Paris • Hans Mayer, Düsseldorf • Greta Meert, Paris • Georges-Philippe & Nathalie Vallois, Paris Presti, Paris, London • Capitain Petzel, Berlin Brussels • kamel mennour, Paris • Metro Pictures, • Van de Weghe, New York • Vedovi, Brussels • • Carlier | Gebauer, Berlin • Bernard Ceysson, New York • Meyer Riegger, Berlin, Karlsruhe • Aline Vidal, Paris • VidalCuglietta, Brussels • Anne Paris, Luxembourg, Saint-Etienne, Geneva • mfc-michèle didier, Brussels, Paris • Francesca de Villepoix, Paris • Michael Werner, New York, Cheim & Read, New York • Cherry and Martin, Los Minini, Milan • Massimo Minini, Brescia • Victoria Cologne • White Cube, London • Jocelyn Wolff, Angeles • Mehdi Chouakri, Berlin • Sadie Coles Miro, London • Monitor, Rome • Jan Mot, Brussels, Paris • Xippas, Paris, Geneva, Athens • Thomas HQ, London • Contemporary Fine Arts, Berlin • Mexico City • Nächst St. Stephan Rosemarie Zander, Cologne • Zeno X, Antwerp • Galerie Continua, San Gimignano, Beijing, Boissy-le-Châtel Schwarzwälder, Vienna • Helly Nahmad Gallery, Zlotowski, Paris • David Zwirner, New York • Paula Cooper, New York • Raffaella Cortese, New York • Nelson-Freeman, Paris • Neu, Berlin Milan • Cortex Athletico, Bordeaux • Crèvecoeur, • New Galerie, Paris, New York • Franco Noero, Paris • Chantal Crousel, Paris • Ellen De Bruijne Turin • Jérôme de Noirmont, Paris • Nathalie SECTEUR LAFAYETTE Projects, Amsterdam • Massimo De Carlo, Milan Obadia, Paris, Brussels • Office Baroque, Antwerp AVEC LE SOUTIEN • Elizabeth Dee, New York • Dependance, • Guillermo de Osma, Madrid • Claudine Papillon, DU GROUPE GALERIES LAFAYETTE Brussels • Dvir Gallery, Tel Aviv • Eigen+Art, Paris • Françoise Paviot, Paris • Peres Projects, Berlin, Leipzig • Franck Elbaz, Paris • Eleven Berlin • Galerie Perrotin, Paris, Hong Kong • Plan C L E A R I N G, Brooklyn • Tiziana Di Caro, Rivington, New York • Dominique Fiat, Paris B, Berlin, Cluj • Polaris, Paris • Praz-Delavallade, Salerno • Essex Street, New York • Freymond- • Gaga Contemporary, Mexico City • Gagosian Paris • ProjecteSD, Barcelona • Eva Presenhuber, Guth Fine Arts, Zürich • Gaudel de Stampa, Paris Gallery, Paris, London, New York, Beverly Hills, Zürich • Almine Rech, Paris, Brussels • Regen • Mary Mary, Glasgow • Motive, Brussels • Neue Hong Kong • galerieofmarseille, Marseille • gb Projects, Los Angeles • Michel Rein, Paris • Alte Brücke, Frankfurt • Reena Spaulings Fine Art, agency, Paris • GDM, Paris • Gladstone Gallery, Denise René, Paris • Rodeo, Istanbul • Thaddaeus New York • schleicher+lange, Paris, Berlin New York, Brussels • Laurent Godin, Paris • Elvira Ropac, Paris, Salzburg • Tucci Russo, Torre Pelice Gonzalez, Madrid • Marian Goodman, Paris, New • Sophie Scheidecker, Paris • Esther Schipper, Yo r k • Goodman Gallery, Johannesburg, Cape Town Berlin • Semiose, Paris • Natalie Seroussi, Paris • Index 23/07/12 • Bärbel Grässlin, Frankfurt • Greene Naftali, New York • Karsten Greve, Paris, Cologne, St. Moritz • Informations — [email protected] Cristina Guerra, Lisbon • Hauser & Wirth, Zürich, www.fiac.com London, New York • Henze & Ketterer, Wichtrach (Bern), Riehen (Basel) • Max Hetzler, Berlin • Hotel, London • Xavier Hufkens, Brussels • Imo, Copenhagen • In Situ / Fabienne Leclerc, Paris • Catherine Issert, Saint-Paul • Rodolphe Janssen, Brussels • Jeanne Bucher / Jaeger Bucher, Paris • Jousse Entreprise, Paris • Annely Juda Fine Art, London • Kadel Willborn, Karlsruhe • Kamm, Berlin • Karma International, Zürich • kaufmann repetto, Milan • Kewenig, Cologne, Palma de Mallorca • 18-21 octobre 2012 grand palais & Hors les murs, PARIS

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annonce type Liste_FR.indd 1 31/07/12 10:40 Conception : David Yven

24 juin > 30 sept. Expositions Christian Bonnefoi _Alexandre Hollan Parc de sculptures _Charles-Henry Fertin Collection Tal Coat

Tous les jours de 11h à 19h AGGER Entrée libre Marion Verboom 14.09.2012 - 8.12.2012 Exposition présentée dans le cadre de / This exhibition takes place on the occasion of Les Ateliers de Rennes - Biennale d'art contemporain Du mardi au samedi 14:00 - 18:00 / From Tuesday to Saturday 2:00 - 6:00 pm Fermé les jours fériés / Closed on bank holidays

48 avenue Sergent Maginot, f-35000 Rennes ProPriété déPartementale du morbihan +33 (0)2 90 09 64 11 [email protected] - www.40mcube.org bignan - tél. 02 97 60 31 84 – www.kerguehennec.fr avec le soutien de la draC bretagne et du Conseil régional de bretagne Julien Salaud Armée de l’air, armée de terre, tout le monde dehors !

13 September – 10 November 2012

Opening Thursday 13 September 2012, 6–9pm Tues.–Sat. 11am–7pm & by app.

Belleville Biennale Night Out on Saturday 15 September: 6–9pm

Exhibition catalog will be published in October 2012

SUZANNE TARASIEVE PARIS / LOFT19 Passage de l'Atlas - 5, Villa Marcel Lods F-75019 Paris T: +33 (0)1 45 86 02 02 M: +33 (0)6 79 15 47 85 www.suzanne-tarasieve.com [email protected] 02 n°63 SOMMAIRE Automne /Autumn 2012 Revue d’art contemporain trimestrielle et gratuite –

GUESTS p. 18 Rosa Barba par / by Antoine Marchand p. 25 REVIEWS Adi p. 57 Laurent Le Deunff Nes FRAC Basse-Normandie, Caen par / by Imi Iron En couverture / Cover p. 58 Elodie Seguin Sans titre, 2009. p. 32 Luca Francesconi — Echo of the Moon Sérigraphie encre à l'eau, Musée Beurnier-Rossel, Montbéliard 63 x 44 cm, tirage unique. Laurent CRAC Alsace, Altkirch Courtesy Élodie Seguin et galerie Jocelyn Wolff, photo Doury. Grasso p. 59 – par / by Mathilde Roman Manifesta 9 — Directeur de la publication / Publishing Director Biennale européenne d’art contemporain Rédacteur-en-chef / Editor-in-Chief p. 38 Genk, Belgique Patrice Joly. p. 60 Rédactrice-en-chef adjointe Élodie / Associate Editor-in-Chief Vincent Lamouroux — Néguentropie Aude Launay. Seguin Abbaye de Maubuisson, Saint-Ouen-l’Aumône Rédacteurs / Contributors par / by Aude Launay François Aubart, Alexandrine p. 61 Dhainaut, Imi Iron, Patrice Joly, Grégory et Cyril Chapuisat — Aude Launay, Antoine Marchand, Pauline Mari, Camille Paulhan, Métamorphose d’impact #2 Mathilde Roman, Claire Staebler. Life, Saint-Nazaire Traduction / Translation dossier Simon Pleasance & Fronza Woods. p. 62 Aude Launay. p. 46 Trisha Baga — World Peace Relecture / Proofreading Kunstverein, Munich Aude Launay, MP Launay. les chemins Publicité / Advertising p. 63 Patrice Joly. de l’Émergence Jessica Stockholder — [email protected] par / by Patrice Joly Hollow places court in ash-tree wood Design graphique / Graphic Design École nationale supérieure d’Architecture, Nantes Claire Moreux.

Impression / Printing p. 64 Imprimerie de Champagne, Langres. Playgrounds Lieu Unique, Nantes Éditeur / Publisher Association Zoo galerie 4 rue de la Distillerie 44000 Nantes [email protected] Avec le soutien de la Ville de Nantes.

Textes inédits et archives sur : Unpublished texts and archives: www.zerodeux.fr Rosa

18 par / by 19 Barba Antoine Marchand –

Universal Cinema

Offrir un nouveau point de vue, inédit et ori- filmique – et plus généralement du cinéma. Boundaries of sise dans l’habituel auditorium, réunit Stating the Real tant que forme à une volonté manifeste de modifier notre ginal, porter un regard décalé sur une situation donnée, Consumption (2012), projection vierge de toute image, Sublime (2009) – un projecteur suspendu par sa propre regard, du développement de nouveaux langages à cette voilà tout l’enjeu de l’exposition de Rosa Barba au Jeu de poursuit la réflexion de l’artiste sur le statut de l’image, Rosa Barba bande celluloïd vierge, mécanisme aussi précaire que capacité à perdre le spectateur. Vertiginous Mapping Paume, baptisée « Vu de la porte du fond », comme une tout en instillant une infime part de sensible par un subtil They Shine, 2007. poétique –, Hidden Conference: A Fractured Play (2010- (2008) est à ce titre assez emblématique. Dans ce projet invitation à modifier notre perception d’une situation. jeu d’ombres et de couleurs. Dans les deux installations Film 35 mm / 35-mm film, 4’. 11) et Equal Sonic Contribution to a Distributed Place web commissionné par la Dia Art Foundation de New Cette jeune artiste d’origine italienne, désormais basée à présentées au sous-sol, le texte est l’élément central. (Son / sound : Jan St. Werner, (2012) : soit la projection d’une image vierge qui trans- York, l’artiste s’est penchée sur l’histoire de la ville de Berlin, propose ici une variation autour de son médium Double-Whistler (2011) consiste en deux projecteurs voix / voice : Matt Didemus). forme le vide de la lumière diffusée en entité solide, un Kiruna – ici rebaptisée Alkuna –, Cité minière du Nord de de prédilection, le film, décomposé en ses divers élé- entrelacés par leurs propres bandes de celluloïd, projetant Courtesy de l’artiste / of the artist, film dont la bande-son fragmentaire, composée de bribes la Suède qui va devoir être déplacée de quatre kilomètres ments (texte, lumière, son…), mais façonne également des bribes de dialogues – « to think ; for the two people ; carlier | gebauer, Berlin ; de différents dialogues de films, n’a aucun lien direct avec vers le Nord-Ouest d’ici quelques années, sous peine de une galerie de personnages correspondant chacun aux to think about ; there was nothing » – qui évoquent l’in- Gió Marconi, Milan. les images projetées – une divagation dans les réserves du totalement s’effondrer. À partir de ce fait divers pour le œuvres présentées et qui se répondent à mesure de la time, l’« être ensemble », telles deux voix qui voudraient © VG Bild-Kunst, Rosa Barba. Musei Capitolini de Rome – et une pièce sonore diffusée moins singulier, Rosa Barba a échafaudé une fiction qui se déambulation. Bien que disséminées, les pièces réunies n’en faire plus qu’une. Recorded Expansion of Infinite depuis un haut-parleur installé tel un spectateur lambda, joue de la forme traditionnelle du documentaire. Mêlant composent en effet une installation globale, où tout se Things (2012) se présente sous la forme d’un immense au milieu des sièges. L’exposition de Rosa Barba à la textes historiques, images d’archives, séquences audio croise et s’articule, incluant jusqu’à l’architecture du bâti- panneau en silicone, sur lequel sont reproduits tous les Tate Modern avait été qualifiée d’« installation chorégra- et vidéo capturées sur place, elle a créé une installation ment et l’espace d’exposition lui-même. Ainsi de l’œuvre caractères utilisés par une ancienne imprimerie pour réa- phiée » 1, au sens d’une mise en scène, d’une organisation multimédia labyrinthique, propice à la spéculation et à inaugurale, Allotted and Confined(2012), film 16 mm liser des livres. Une manière pour Rosa Barba de rendre de mouvement dans l’espace. Si la définition sied parfai- l’interprétation, nous laissant dans l’expectative. Selon projeté dans le hall d’entrée, qui diffuse à grande vitesse un vibrant hommage aux technologies « analogiques », tement à sa première exposition parisienne, on pourrait le même procédé, Outwardly from Earth’s Centre (2007) une succession de lettres sur l’une des fenêtres du bâti- aujourd’hui tombées en désuétude. Quant à Coupez ici y adjoindre l’idée d’une symphonie, d’une partition col- revient sur l’histoire de l’étrange île suédoise de Gotska ment, offrant un jeu subtil entre l’intérieur et l’extérieur, (2012), l’installation se compose d’une bande cellu- lective qui ne se révèle que dans l’équilibre et l’harmonie Sandön qui dérive lentement vers le Pôle Nord. À un le personnel et le collectif. L’on se dirige ensuite vers les loïd – enfermée dans une boîte vitrée annexant un des que l’artiste parvient à instaurer. documentaire sur la protection d’une société vouée à salles habituelles de la programmation Satellite, où sont murs du Jeu de Paume – qui serpente inlassablement, Parfaite introduction au travail de Rosa la disparition, l’artiste est venue greffer une fable dans réunies sept œuvres différentes, qui fonctionnent toutes faisant de ce support un élément physique et sculptural Barba, « Vu de la porte du fond » permet d’en envisager laquelle les habitants cherchent à arrimer l’île afin d’éviter selon ce même process de déconstruction du médium à part entière. Enfin, la dernière salle de l’exposition, les multiples facettes, de la déconstruction du cinéma en cet implacable destin. S’agit-il d’une reproduction de la

Guest 02 n°63 Rosa Barba Automne 2012 20 22.05 – 23.09.2012 : Vu de la porte du fond / Back Door Exposure, Jeu de Paume, Paris 21 Commissaire / Curator : Filipa Oliveira. 6.06 – 9.09.2012 : Time as Perspective, Kunsthaus Zürich Commissaire / Curator : Mirjam Varadinis. 7.09 – 30.12.2012 : Desert - Performed, CAM, Contemporary Art Museum, Saint Louis, Missouri Commissaire / Curator : Kelly Shindler. 2.02 – 17.03.2013 : Time as Perspective, Chapter 2, Bergen Kunsthall, Norvège.

réalité ? D’une vision transformée, fragmentée, fantas- les concours de vitesse) et futur (les immenses champs témoigne le mieux de son rapport au paysage. Produite prête à lui faire subir tous les outrages pour enfin par- mée ? Difficile d’établir clairement le moment de bascule d’éoliennes et de panneaux solaires), les images captu- à l’occasion de son exposition à Vassivière 3, cette installa- venir à le cerner. Toutefois, loin d’une réflexion close et entre fiction et réalité dans les univers dystopiques dé- rées dans ces territoires chargés d’histoire(s) acquièrent Rosa Barba tion jouait avec l’architecture pensée par Aldo Rossi dans hermétique, coupée des réalités du monde extérieur, loin peints par l’artiste. Contrairement à des artistes comme immédiatement un statut particulier, toile de fond intem- Boundaries of Consumption, 2012. les années quatre-vingt. Rosa Barba avait en effet détour- également de la déstructuration prônée notamment par Mario Garcia Torres ou Jeremiah Day, que l’on pourrait porelle à partir de laquelle extrapoler et divaguer. Dans Film 16 mm, projecteur, boules né une lucarne à l’étage du bâtiment, pour transformer ce Jean-Luc Godard au début des années soixante-dix ou des qualifier d’archéologues contemporains et dont la dé- They Shine (2007), par exemple, des centaines de miroirs en métal, boîtes de film / 16-mm film, 1. Nataša Petrešin-Bachelez, « De dernier en un projecteur géant. Si, durant la journée, seul expérimentations de l’expanded cinema, elle parvient à la performance des traces que nous film projector, metal balls, film boxes. phantasmatic marche s’apparente à une forme d’investigation, la pra- dirigés vers le ciel tournent lentement en réfléchissant les laissons dans l’histoire », in Rosa Barba. le bruit du projecteur était audible, l’œuvre prenait toute insuffler une part de sensible, de « », dans tique de Rosa Barba ne s’articule pas autour de cette idée paysages alentours. Accompagnées d’une bande-son qui Vue d’installation / Installation view White Is An Image, Osfildern : Hatje son ampleur une fois la nuit venue, lorsque le faisceau de ses recherches, pour finalement toucher à l’universel, à Cantz Verlag, 2011, p. 241-243. Kunsthaus Zürich, 2012. storytelling de relecture parallèle de l’histoire mais bien d’une volonté rapporte les tentatives d’explications des autochtones, les 2. Hilke Wagner, « Semiotic Systems », lumière blanche venait littéralement encadrer une partie une forme de qui s’adresse à chacun. d’offrir un récit ouvert, qui laisse toute sa place à l’inter- images diffusées font écho aux nombreuses expérimen- © 2012 ProLitteris, Zürich. in Rosa Barba. In conversation with, de la nature environnante, offrant une expérience aussi Milan : Mousse Publishing, 2011, p. 43 – prétation et aux doutes, à la frontière de l’analytique et du tations réalisées par l’armée américaine sur ces terres, 3. « Est-ce que c’est une analogie à spectaculaire que contemplative sur ce lac devenu écran sensible. Qualifiée de « romantic structuralist » par Hilke leur conférant d’emblée un statut énigmatique, voire Vue de l’exposition au Jeu deux dimensions ou une métaphore ? », de projection. Ce faisant, elle renversait son principe de 2 exposition au Centre international de Paume Vu de la porte du fond. Wagner , l’artiste indiquait d’ailleurs préférer le terme inquiétant puisqu’en marge du champ de vision public. d’art et du paysage de Vassivière, du travail habituel, en venant écrire l’histoire et inscrire un « phantasmatic », en ce qu’il évoque quelque chose de Quant à The Long Road (2010), il s’agit du survol d’un View of the exhibition at the Jeu de Paume 28 février au 4 juillet 2010. Commis- document dans ce paysage artificiel, entièrement façonné saires : Chiara Parisi et Andrea Viliani. “Back Door Exposure”. l’ordre de l’indicible, entre réalité et fiction. circuit automobile abandonné dans le désert californien, 4. Débuté en 2004, Printed Cinema est par l’homme. C’est d’ailleurs l’une des raisons qui ont qui apparaît tel un immense dessin émergeant du sable. Photo : Romain Darnaud, un projet éditorial unique. Chacun des Au fil de ses différentes productions, Rosa numéros publiés accompagne l’une © Jeu de Paume, 2012. poussé Rosa Barba à situer l’action de plusieurs de ses Ce film 35 mm permet à Rosa Barba de rendre un hom- des œuvres produites par Rosa Barba, Barba semble chercher la réponse à une seule et unique in- films dans les contrées du Nord de l’Europe, territoires mage à peine déguisé – le point de vue aérien, l’inscrip- en permettant ainsi une nouvelle terrogation : est-ce du cinéma ? Lorsqu’il n’y plus d’image, Spiral appréhension, basée sur le texte et encore mal connus et sources de fantasmes et de projection dans le paysage – à la désormais mythique donc complémentaire de sa version est-ce du cinéma ? Lorsque des lieux et des temporalités tions en tous genres. L’artiste envisage en effet le paysage Jetty de Robert Smithson et à ses théories sur l’entropie, filmique. S’ils précèdent les travaux différentes s’entremêlent, est-ce du cinéma ? Lorsque le finis, ces écrits perdurent également comme un « document », marqué par les différents évène- dont elle offre ici une très belle variation. Ou comment la après l’exposition, contrairement aux projecteur est installé dans la salle, est-ce encore du ciné- ments qui s’y sont déroulés. Il est donc tout à fait logique nature finit toujours par reprendre ses droits. Mais parmi images des films projetés. Ce faisant, ma ? Lorsqu’il n’y a que du texte, est-ce toujours du ciné- ils interrogent le bouleversement 4 qu’elle se soit également intéressée au désert du Mojave, le corpus développé depuis près d’une quinzaine d’années de la hiérarchie entre mot et image ma ? Autant de questions qui témoignent avant tout de à l’Ouest des États-Unis. Entre passé (les tests nucléaires, par l’artiste, c’est peut-être White Museum (2010) qui qu’implique une telle initiative. l’amour inconsidéré que Rosa Barba porte à ce médium,

Guest 02 n°63 Rosa Barba Automne 2012 Rosa Barba 22 Double-Whistler, 2011. 23 Film 16 mm, deux projecteurs, texte / 16-mm film, two film projectors, Universal Cinema text, 2’ 30". Vue d’installation / Installation view Kunsthaus Zürich, 2012. © 2012 ProLitteris, Zürich.

Vue de l’exposition au Jeu de Paume Vu de la porte du fond. View of the exhibition at the Jeu de Paume “Back Door Exposure”. Photo : Romain Darnaud, © Jeu de Paume, 2012.

Offering a new viewpoint, one that is original and books. A way for Rosa Barba to pay a vibrant tribute to hitherto unknown, and casting an offbeat eye on a given “analog” technologies, which have today become obso- situation: this is the whole challenge of Rosa Barba’s lete. As for Coupez ici (2012), this installation is made up show at the Jeu de Paume, entitled “Back Door Exposure”, of a celluloid reel—enclosed in a glass box attached to like an invitation to alter our perception of a situation. one of the Jeu de Paume walls—which meanders tire- This young artist of Italian origin, now Berlin-based, lessly, turning this medium into a fully-fledged physical here proposes a variation around her favourite medium, and sculptural element. Last of all, the show’s final room, film, broken down into its diverse elements (text, light, located in the usual auditorium, brings together Stating sound…), but she also creates a gallery of characters each the Real Sublime (2009)—a projector suspended by its tallying with the works on view, and responding to one own blank celluloid reel, a mechanism as precarious as it another as visitors stroll through the show. Though is poetic—Hidden Conference: A Fractured Play (2010- scattered, the pieces brought together actually form an 11) and Equal Sonic Contribution to a Distributed Place overall installation, where everything is overlapping and (2012). This is the projection of a blank image which articulated, even including the building’s architecture and transforms the void of the diffused light into a solid entity, the exhibition space itself. So the opening work, Allotted a film whose fragmentary soundtrack, made up of snip- and Confined (2012), a 16 mm film screened in the foyer, pets from different film dialogues, has no direct link very rapidly broadcasts a succession of letters on one with the images projected—a ramble in the stacks of the of the building’s windows, offering a subtle interplay Musei Capitolini in Rome—and a sonic piece broadcast between inside and out, the personal and the collective. from a loudspeaker installed like an ordinary spectator, in You then head towards the usual rooms of the Satellite the middle of the seats. Rosa Barba’s show at the Tate programme, where seven different works are brought to- Modern was described as a “choreographed installation”1, gether, all functioning on the basis of this selfsame process in the sense of something stage-directed, or an organiza- of film deconstruction—and cinema deconstruction more tion of movement in space. If this definition perfectly fits generally. Boundaries of Consumption (2012), a projec- her first Paris exhibition, we might add to it the idea of a tion completely free of imagery, continues the artist’s line symphony, a collective score which is only revealed in of thought on the status of the image, while at the same the balance and harmony which the artist manages to time instilling a tiny perceptible part through a subtle play introduce. of shadows and colours. In the two installations on view As a perfect introduction to Rosa Barba’s work, “Back in the basement, the text is the central factor. Double- Door Exposure” enables us to see its many different fac- Whistler (2011) consists of two projectors interlinked ets, from the deconstruction of cinema as a form to by their own celluloid reels, projecting snippets of dia- an obvious wish to alter the way we look at things, from logues—“to think; for the two people; to think about; the development of new languages to this capacity to lose there was nothing”—which conjure up intimacy, “being the onlooker. In this respect, Vertiginous Mapping (2008) together”, like two voices keen to be just one. Recorded is quite emblematic. In this web project commissioned Expansion of Infinite Things (2012) is presented in the by the Dia Art Foundation of New York, the artist has form of a huge silicon panel, on which are reproduced all focused on the history of Kiruna—here renamed Alkuna, the characters used by an old printing press to produce a mining town in northern Sweden which will have to

Adi Nes Untitled, 2008. Photographie couleur contrecollée sur aluminium / Color photograph mounted on aluminum, 125 x 100 cm / 178 x 140 cm. Courtesy galerie Praz-Delavallade, Paris. be moved four kilometres to the northwest within a few ing status, because they are on the sidelines of the public years’time, or else totally collapse from subsidence. Based field of vision. As for The Long Road (2010), this involves on this nothing if not unusual news item, Rosa Barba has a flight over an abandoned race track in the Californian devised a fiction which sidesteps the traditional documen- desert, which appears like a huge drawing emerging from tary form. Mixing historical texts, archival pictures, and the sand. This 35 mm film enables Rosa Barba to pay a audio and video sequences captured on the spot, she barely disguised tribute—the aeriel viewpoint, the incor- has created a maze-like multimedia installation, inviting poration in the landscape—to Robert Smithson’s now speculation and interpretation, and leaving us expectant. mythical Spiral Jetty, and his theories about entropy, Using the same procedure, Outwardly from Earth’s which she offers a very beautiful variation of here. Or Centre (2007) returns to the history of the strange how nature always ends up by reclaiming her rights. But Swedish island of Gotska Sandön, which is slowly drifting among the body of work developed over almost fifteen towards the North Pole. Onto a documentary about the years by the artist, it is perhaps White Museum (2010) protection of a society doomed to disappear, the artist has which best illustrates her relation to the landscape. grafted a fable in which the inhabitants try to secure the Produced for her exhibition at Vassivière,3 this installation island to avoid this inexorable fate. Is this a reproduction played with the architecture devised by Aldo Rossi in the of reality? Of a vision transformed, fragmented, and fanta- 1980s. Rosa Barba had in fact appropriated a skylight on sized? It is hard to clearly establish the moment when the building’s upper floor, to turn this latter into a gigantic fiction tips over into reality in the dystopian worlds projector. During the day, only the noise of the projector depicted by the artist. Unlike artists such as Mario Garcia could be heard, but the work assumed its full scope once Torres and Jeremiah Day, whom we might describe as night had fallen, when the beam of white light literally contemporary archaeologists, and whose approach is akin framed part of the surrounding nature, offering an experi- to a form of investigation, Rosa Barba’s praxis is not organ- ence that was as spectacular as it was contemplative on ized around this idea of a parallel reading of history, but that lake which had become a projection screen. In so rather around a desire to offer an open narrative, leaving doing, the artist upturned her usual work principle, by 1. Nataša Petrešin-Bachelez, “On plenty of room for interpretation and doubt, on the writing history and including a document in that artificial performing the traces that people borderline between the analytical and the perceptible. landscape, entirely fashioned by human beings. leave behind in history”, in Rosa Barba. 2 White Is An Image, Osfildern : Hatje Described as a “romantic structuralist” by Hilke Wagner, Through her different productions, Rosa Barba seems Cantz Verlag, 2011, p. 133-155. the artist incidentally hinted that she preferred the term to be seeking the answer to a sole and single question: is 2. Hilke Wagner, “Semiotic Systems”, in Rosa Barba. In conversation with, “phantasmatic”, in so much as it evokes something to it film? When there are no more images, is it film? When Milan : Mousse Publishing, 2011, p. 43. do with the indescribable, somewhere between reality different places and time-frames intermingle, is it film? 3. “Est-ce que c’est une analogie à deux dimensions ou une métaphore ?”, and fiction. When the projector is set up in the auditorium, is it still exhibition at the Centre international This, moreover, is one of the reasons that have film? When there is just text, is it still film?4 All questions d’art et du paysage de Vassivière, from 28 February to 4 July 2010. Curators: prompted Rosa Barba to situate the plots of several of her which attest above all to the reckless love Rosa Barba has Chiara Parisi and Andrea Viliani. films in northern European countries, territories still little for this medium, ready to subject it to all manner of out- 4. Started in 2004, Printed Cinema is a one-off publishing project. Each of known and sources of every manner of fantasy and pro- rage in order to finally manage to define it. For all this, far the issues published accompanies one jection. The artist actually sees the landscape like a “docu- from a closed and hermetic line of thought, cut off from of the works produced by Rosa Barba, thus offering a new understanding, ment”, marked by the different events that have taken the realities of the external world; far, likewise, from the based on the text and also complemen- place in it. So it is altogether logical that she has also destructuring advocated in particular by Jean-Luc Godard ting the film version. If they precede the finished works, these writings shown an interest in the Mojave desert, in southern in the early 1970s, and “expanded cinema” experiments; also carry on after the show, unlike California. Between past (nuclear tests, speed races) and she manages to imbue her research with a dose of the the images of the films screened. In so doing, they question the upheaval future (huge wind and solar farms), the images captured perceptible and the “phantasmatic”, and in the end of the of the hierarchy between word and in these (hi)story-laden territories immediately take on day touch something universal—a form of storytelling image implicit in such an initiative. a special status, a timeless backdrop from which to ex- addressed to one and all. trapolate and ramble. In They Shine (2007), for example, hundreds of mirrors aimed at the sky slowly revolve, – reflecting the landscapes roundabout. Accompanied by a soundtrack which recounts local people’s attempted explanations, the images broadcast echo the numerous experiments conducted by the US army on these lands, lending them right away an enigmatic, not to say disturb-

Guest 02 n°63 Rosa Barba Automne 2012 26 27 L’Étranger

par / by Imi Iron –

Ces longues années pendant lesquelles j’ai les symboles traversent en nombre les frontières géogra- côtoyé le photographe Adi Nes et son travail m’ont ame- phiques, reliant ainsi les gens de différentes cultures. née à penser que, de toutes ses séries d’images, ressort un La multi-stratification de ses œuvres est par- élément central : la stratification. faitement illustrée par son « garçon au cheval » (Untitled, Il y a, à la surface des œuvres d’Adi Nes, 2008) issu de la série The Village – tout récemment expo- une beauté équivoque : ses photos – qui sont le produit sée à Paris et New York et qui le sera prochainement à d’une composition exigeante, très soignée et, par là, Londres – qui fait allusion au Garçon conduisant un che- impressionnante – pleines de symboles familiers, habile- val de Picasso (1906). Tandis que chez Picasso, le garçon ment élaborées, nimbées d’une lumière précise presque est nu et que, de sa main droite, il semble tenir le cheval, parfaite, démesurées, émouvantes, sont manifestement dans la version de Nes, le garçon est habillé et se tient belles. Il serait possible de simplement les apprécier. Mais simplement à côté du cheval. C’est un garçon à l’air doux si l’on gratte un peu la surface, un autre monde apparaît : dont les caractères féminins et masculins sont simultané- inquiétant, plein d’incertitudes, dans lequel, d’un côté, ment évidents ; l’on ressent son intimité avec le cheval, ses habitants se sentent bien, tandis que leur expression qui est tout à la fois proche et détaché du garçon, ce qui craintive éveille les soupçons sur leur bien-être ; ce qui semble insinuer que le gamin n’est peut-être pas dans une crée une identification entre celui qui observe et ceux qui relation très harmonieuse à sa sexualité : là pourrait être sont observés. son secret, tapi parmi les arbres du verger. En dépit de la flagrante « israélité » de Un autre registre de strates apparaît dans le ses œuvres – il n’y a pas de soldats comme les soldats chœur (Untitled, 2009) de la même série d’images. Au israéliens, pas de kibboutz ni de village comme ceux premier regard, ce n’est qu’un groupe de personnes qui qui existent en Israël, pas d’hommes comme ceux chantent, évoquant toutefois sans conteste le chœur du d’Israël – il y a une relation universelle possible à l’art théâtre classique grec avec ses élements satiriques, co- d’Adi Nes. Cette relation provient des symboles qui miques et tragiques. Il est difficile, si ce n’est impossible, irriguent ses œuvres juste sous leur surface, parce que de déceler des élements comiques ou satiriques dans

l’œuvre de Nes, mais les éléments tragiques y abondent. assise nue face à lui, tandis que son attitude corporelle peut Sous les pins, qui sont si israéliens, se tient un groupe laisser supposer qu’il essaye de repousser ses avances. Adi Nes d’hommes eux aussi très isréaliens, avec leurs moustaches À quel point ce sentiment d’étrangéité est-il Untitled, 2008. et tous leurs signes masculins. Parmi eux, une seule habituel chez Adi Nes ? Dans un entretien publié par le 1 Photographie couleur femme, qui s’intègre à leur masculinité par son vêtement New York Times à l’occasion de l’ouverture simultanée contrecollée sur aluminium / et par sa coiffure aux cheveux serrés, qui n’est pas, dans de ses expositions à New York, Tel Aviv et Paris, il était Color photograph mounted on aluminum, ce monde, signe de féminité. Cela ne fait aucun doute : la dit qu’il tient beaucoup à son sentiment d’étrangéité, ou 100 x 125 cm / 175 x 223 cm. chanson du chœur n’est pas joyeuse. C’est exactement ce peut-être le mot « outsider » définit-il plus exactement ce Courtesy galerie qui se passe lorsque l’on s’intéresse réellement au travail qu’il ressent. Certains éléments biographiques apparais- Praz-Delavallade, Paris. d’Adi Nes – l’on découvre ce qui se trouve sous l’image saient dans l’article : fils d’immigrés venus d’Iran ; scola- soigneusement élaborée. risé en marge à une époque où les gens croyaient que le Adi Nes Les personnages des photos de Nes dégagent sionisme sanctifiait la force et la détermination contre la Untitled, 2009. toujours une certaine étrangéité, tant par rapport à l’endroit vulnérabilité et la dépendance qui caractérisaient les juifs Photographie couleur où ils sont photographiés qu’aux gens qui les entourent. de la diaspora ; homosexuel. « Je serai toujours un étran- contrecollée sur aluminium / Par exemple, face à l’image – et sans exclure la question de ger. Tout d’abord, parce que je suis photographe, et qu’un Color photograph mounted on aluminum, la stratification – qui met en scène un garçon coincé dans photographe est toujours hors de l’image. Mais l’origine 100 x 125 cm / 175 x 223 cm. une source thermale avec deux filles et un autre garçon de cette étrangéité remonte à l’enfance : si l’on grandit Courtesy galerie qui s’approche de lui, il suffit d’un rapide coup d’œil pour comme un étranger, l’on sera toujours un étranger. Le Praz-Delavallade, Paris. saisir que le garçon ne se sent pas à l’aise dans le coin où seul endroit qui m’en préserve est ma famille, quand je il s’est installé – ou peut-être on l’y a fait reculer ? – ni à suis avec mon partenaire et nos quatre enfants. » 1. James Estrin et David Furst, sa place parmi ceux qui l’entourent. Mais une observation « Underpinnings of Greek Tragedy – in Israel », The New York Times, plus attentive nous amène à une conclusion possiblement 17 juillet 2012. différente : le regard du jeune homme est dirigé vers la fille

Guest 02 n°63 Adi Nes Automne 2012 28 29

Adi Nes Adi Nes Untitled, 2009. Untitled, 2011. Photographie couleur Photographie couleur contrecollée sur aluminium / contrecollée sur aluminium / Color photograph mounted on aluminum, Color photograph mounted on aluminum, 100 x 125 cm / 140 x 178 cm. 100 x 125 cm / 175 x 223 cm. Courtesy galerie Courtesy galerie Praz-Delavallade, Paris. Praz-Delavallade, Paris.

Guest 02 n°63 Adi Nes Automne 2012 30 31 Foreign Universalism

My long acquaintance over the years with the art The multi-layered aspect of his works can be exempli- and other masculine signs, with only a single woman How familiar is the feeling of foreignness to Adi Nes? photographer Adi Nes and his work led me to the conclu- fied by looking at his Boy & Horse from his series The amongst them blending in with their masculinity thanks In an interview he gave to The New York Times 1 on the sion that all his different series of photographs are accom- Village (being exhibited now in Paris, New York, and Adi Nes to the way she’s dressed and the way her hair is gath- occasion of the simultaneous opening of his exhibition in panied by one central element: multiple layers. soon in London) which hints at Picasso’s Boy Leading Untitled, 2010. ered which is never (in this world) a symbol of feminin- New York, Tel Aviv and Paris, it was noted how closely he On the surface of Adi Nes’ work is misleading beauty: a Horse (1906). While in Picasso the boy is nude and Photographie couleur ity. The viewer has no doubt: the chorus is not singing a holds on to the feeling of foreignness, or perhaps the word photographs which are the product of well thought-out, his right hand grasps the horse, in Nes’ version, the boy contrecollée sur aluminium / happy song. This is what happens when looking deeply “outsider” defines more accurately what he feels. Aspects breathtaking and exacting composition, full of familiar is dressed and not at all holding the horse. He’s a soft- Color photograph mounted on aluminum, into Nes’ work—one finds what’s beneath the neatly of his biography were mentioned in the article—he’s symbols, neatly planned, illuminated with nearly perfect, looking boy whose signs of masculinity and femininity are 100 x 125 cm / 140 x 178 cm. planned image. the son of immigrant parents who came from Iran, was precise lighting, oversized, emotional, and without a apparent simultaneously; one feels his intimate closeness Courtesy galerie The figures in Adi Nes’ photographic series always educated in the periphery during a time when people still doubt: beautiful. It would seem possible just to enjoy with the horse, even though the horse is close to, yet Praz-Delavallade, Paris. radiate some sort of foreignness—to the place in which believed that Zionism sanctified strength and determina- them. Yet if one scratches the surface a bit, a netherworld detached from the boy at the same time, which hints that they’re photographed, and to the people around them. tion over vulnerability and dependence which typified appears, troubling, full of doubts, a world in which the the lad may not have a full and harmonious connection Adi Nes Take, for example, (and not exclusive of the issue of diaspora Jews, and is a homosexual. “I will always be an inhabitants “enjoy” on the one hand, while fearful ex- with his own sexuality, which may be his secret which is Untitled, 2012. multi-layeredness) the picture in which one boy is cor- outsider. First of all, because I’m a photographer, and a pressions awaken speculation as to how much they really latently lurking amongst the trees of the orchard. Photographie couleur nered in a spring of water, with two women and another photographer is always outside the picture. Yet the source enjoy; this creates feelings of identification in the viewer, Another level of layers can be found in the chorus contrecollée sur aluminium / lad closing in on him. A quick glance at the picture of this foreignness is from childhood: if you grow-up as an with those being viewed. (Untitled, 2009) from the same series. At first glance, Color photograph mounted on aluminum, informs the viewer that the boy feels awkward in the outsider, you’ll always be an outsider. The only place I Despite the glaring Israeliness of his series of works— this is just a group of people singing, yet without a doubt 100 x 125 cm / 175 x 223 cm. corner which he’s entered (or to which they maneu- don’t feel that way is with my family, with my partner and there are no soldiers like Israeli ones, no kibbutz or village it also hints at the chorus which appears in classical Courtesy galerie vered him?) as well as out of place among those sur- our four children”. like what exists in Israel, nor men like Israeli men—there Greek theatre which had satirical, comical and tragic Praz-Delavallade, Paris. rounding him. A deeper look leads one to the conclusion exists a universal connection to Nes’ creations. This connec- elements. It’s difficult, if not impossible, to find comical that this is not necessarily what he thinks: his glance is – tion is due to the symbols which flood his works just beneath or satirical elements in Nes’ works, yet tragic elements 1. James Estrin and David Furst, directed toward the woman seated extrovertedly naked “Underpinnings of Greek Tragedy the surface, since there are many symbols which cross geo- are plentiful. Beneath the pine trees which are so Israeli in Israel”, The New York Times, in front of him, while his body language implies that he’s graphic borders and connect people from different cultures. a group of very Israeli men stands, with moustaches July 17, 2012. trying to repel their advances toward him.

Guest 02 n°63 Adi Nes Autumn 2012 32 33 Laurent Grasso

Une vision décentrée

par / by Mathilde Roman –

L’exposition étant pour Laurent Grasso le Les néons comme 1619 ancrent le regard dans des lieu d’une stratification perceptive de l’œuvre, ses mo- contextes historiques passés tout en utilisant un maté- nographies sont des occasions privilégiées pour saisir riau très daté, mais servent aussi à nommer des œuvres, les liens qu’il tisse entre le visible et l’imaginaire. Dans comme The Silent Movie. Ce titre offre aussi un moment « Uraniborg » au Jeu de Paume à Paris, l’espace était d’anticipation mentale puisque la contemplation de conçu autour de points de vue qui imposaient d’emblée l’écriture lumineuse précède et imprègne la découverte une réflexivité au regard. S’enfonçant dans un couloir du film. Laurent Grasso accentue souvent l’ouverture sombre et vide, le spectateur était mis au centre d’un réceptive de ses œuvres, plaçant à divers endroits des parcours s’articulant autour de son expérience mentale. liens inattendus entre elles quand leurs styles semblaient Toutes les images : Avec Laurent Grasso, l’exposition est un en- à première vue les éloigner. Ce procédé d’évasement Vue de l’exposition Uraniborg trelacement de temporalités, une mise en abyme volon- coexiste de manière contradictoire avec l’imposition de 22.05 – 23.09.2012 : Uraniborg, Jeu de Paume, Paris au Jeu de Paume, Paris. tiers déroutante. Les œuvres dialoguent entre elles, se limites et de contraintes dans les postures perceptives. Commissaire / Curator : Marie Fraser, Marta Gili, Laurent Grasso. Photo : Romain Darnaud, citant mutuellement, variant les supports et les ancrages Le spectateur ne peut ainsi pénétrer l’espace des sculp- 7.02 – 28.04.2013 : Museum of Contemporary art, Montreal. © Jeu de Paume, 2012. dans les époques : des peintures se référant au style tures, les contourner, et doit accepter de les regarder Courtesy galerie de la Renaissance reprennent certains motifs de vidéos d’un seul point de vue. Il découvre également les vidéos Chez Valentin, Paris. tournées dans une esthétique cinématographique très par l’arrière des écrans, à travers un système de découpe contemporaine, tandis que des livres anciens emprun- ouvrant des fenêtres dans le couloir permettant d’aperce- tés à des musées retrouvent certains de leurs motifs voir l’envers de l’œuvre projetée. Le regard vit ainsi une dupliqués dans des sérigraphies. Les anachronismes sont expérience déconstruite, où l’immersion est seconde. nombreux, installant un climat de trouble temporel. Ce sont par exemple des images tronquées et insonores

Guest 02 n°63 Laurent Grasso Automne 2012 34 35 An Off-centered Vision

d’une plongée dans un parc qui constituent la première Dans sa quête de ce qui échappe au regard expérience de l’œuvre Bomarzo (2011), magnifique quotidien, Laurent Grasso s’intéresse aux manipulations déambulation narrative sur la passion du comte Orsini des ondes par les militaires comme aux mainmises sur qui, à la Renaissance, avait installé dans son bois sacré l’image par les pouvoirs politiques. Lors de la cérémonie d’étranges sculptures grotesques. Pour Laurent Grasso, des obsèques de Jean-Paul II, il filme ainsi le dispositif de le lieu d’où se construit la vision est fondamental, et les retransmission télévisuelle (The Construction of History, fortes impressions qu’il produit dans ses œuvres sont 2012), dans un geste rappelant celui de Roberto Rosselini toujours ébranlées par une mise à jour des mécanismes de dans La prise de pouvoir par Louis XIV (1966). Tous deux l’illusion. La scénographie offre la distance nécessaire mettent en exergue l’importance de la scénarisation du pour associer à la plongée dans le récit visuel une visible en tant que stratégie de mainmise sur le pouvoir. conscience de la manière dont il se construit. Cette Ce qui est rendu visible participe d’une gestion politique réflexion hérite des questionnements menés depuis les très précise. Dans un procédé parallèle, la scénographie années soixante-dix par Dan Graham sur les dispositifs de l’exposition donne alternativement au spectateur le de monstration de la vidéo et du cinéma, par lesquels sentiment de ne rien voir, celui de voir ce qui devrait res- il cherche à mettre en place des postures réceptives ter caché, et celui de ne pas voir ce qui importe, puisque conscientes de ce qui les permettent. Chez Laurent les cadres découpés dans les parois ne permettent qu’une Grasso, l’association de néons, peintures, photographies perception partielle et à distance de certains objets et objets sculpturaux élabore un parcours complexe qui exposés. Il se sent à son tour manipulé et contraint met en scène le regard du spectateur et interroge en dans son expérience de l’œuvre, enfermé au sein d’une filigrane les modes de prise de pouvoir du visible. scénographie rappelant celle inspirée du panoptique mis Ainsi, tandis qu’une black box permet au en place par Régis Michel dans l’exposition « La peinture spectateur de se laisser saisir par la fascination produite par comme crime » (Louvre, 2001). La réflexion politique un vol d’étourneaux dans le ciel de Rome (Les Oiseaux, sous-jacente est ainsi clairement affirmée et questionne le 2008), des livres anciens d’astronomie, des instruments spectateur sur sa relation aux images et au visible. d’optique et une statue antique viennent mettre l’action On retrouve cette réflexion dans On Air de la caméra dans la perspective historique du regard (2009), vidéo tournée au Qatar. Une caméra filme par des interrogateur, mais réprimé par l’Église, que l’homme plans larges l’avancée d’une voiture sur une route isolée a depuis toujours lancé vers les abîmes de l’univers. Le dans des paysages grandioses, avant de s’arrêter sur un conflit entre science et croyance est central dans l’œuvre faucon encapuchonné. Lorsque des mains libèrent ses de Laurent Grasso, et l’oscillation entre ce que l’on voit yeux, il s’élance dans un vol d’une vitesse vertigineuse. et ce que l’on croit voir, fondamentale. Sa résidence à la L’impression est forte car une caméra fixée sur l’oiseau Villa Médicis lui a permis de déployer une réflexion sur fait vivre l’intensité de ses retrouvailles avec la liberté. les relations du Vatican à l’astronomie, et les photogra- Le spectateur peut se plonger avec lui dans le plaisir phies des prêtres installés derrière des télescopes qu’il a d’une expérience de vision inconnue, et imaginer l’acuité sorties des archives pourraient être drôles si elles n’évo- exceptionnelle de l’œil du rapace débordant les cadres de quaient pas l’Histoire tragique de Giordanno Bruno ou de la perception humaine. C’est cette impression qui domine Because, for Laurent Grasso, the exhibition is the moment of mental anticipation, because contemplation of Galilée. Le temps long – quatre cents ans – nécessaire au au sortir de la visite d’« Uraniborg » : celle d’avoir assisté place where the œuvre is perceptively layered, his mono- the writing in light precedes and imbues the discovery of pouvoir religieux pour accepter l’évidence scientifique est à une mise à jour, jouant avec la frustration, des méca- graphs are opportunities for grasping hold of the links the film. Laurent Grasso often underscores the receptive symptomatique de la distance que doit franchir le regard nismes encadrant nos rapports au monde. Les bordures, he weaves between the visible and the imaginary. In openness of his works, putting in different places links pour accepter de mettre en cause ses assises symboliques. les restrictions perceptives deviennent avec Laurent “Uraniborg” at the Jeu de Paume in Paris, the space was which are unexpected when their styles seemed, at first Si les vidéos de Laurent Grasso sont nom- Grasso le support d’ouvertures vers des imaginaires qui devised around viewpoints immediately imposing some- glance, to distance them. This widening procedure co- breuses à être captivantes et profitent d’une qualité imprègnent durablement la mémoire. thing reflexive on the eye. Plunging into a dark and empty exists in a contradictory way with the imposition of limits d’image et de dispositifs de projection immersifs, la fina- corridor, spectators were put in the middle of a circuit and restrictions in the perceptive stances. So spectators lité ne réside donc pas seulement dans cette expérience. – organized around their mental experience. cannot enter the space of the sculptures, and walk around La frustration s’installe même souvent face aux images, All images: With Laurent Grasso, the exhibition is an intertwine- them, and must accept to look at them from a single view- comme dans Uraniborg (2012), hommage à Tycho Brahé, View of the exhibition Uraniborg ment of time-frames, an intentionally disconcerting exer- point. They also discover the videos from the back of the astronome danois dont l’histoire est racontée tandis que at the Jeu de Paume, Paris. cise in endless duplication (mise en abyme). The works screens, through a cut-out system opening windows in la caméra filme une île sans autre vestige de l’impression- Photo : Romain Darnaud, talk among themselves, mutually quoting one another, the corridor making it possible to glimpse the flipside of nant observatoire qu’il fit construire qu’une sculpture © Jeu de Paume, 2012. varying media and moorings in different periods: paint- the projected work. The eye thus has a deconstructed érigée en l’honneur du savant. Des vues d’hélicoptère de Courtesy galerie ings referring to the Renaissance style borrow certain experience, where immersion comes second. It is, for l’île alternent avec des images du ciel, mais la reconstruc- Chez Valentin, Paris. motifs from videos filmed in a very contemporary cine- example, truncated and soundless images of a plunge into tion d’un imaginaire disparu ne peut se faire que par la matographic aesthetic, while old books borrowed from a park which form the initial experience of the work participation mentale du spectateur. La tâche de la camé- museums rediscover some of their motifs duplicated in Bomarzo (2011), a magnificent narrative stroll around ra tournée vers le passé semble aussi difficile que celle du silkscreen prints. There are many anachronisms, setting Count Orsini’s passion, he who, in the Renaissance, télescope de Tycho Brahé quand il s’agit de faire voir ce up a climate of temporal confusion. Neons like 1619 installed strange grotesque sculptures in his sacred wood. que l’on ne peut percevoir à l’œil nu. Uraniborg évoque anchor the gaze in past historical contexts while using a For Laurent Grasso, the place from which the vision is tout autant un personnage mythique que la complexité very dated material, but they are also used to name constructed is fundamental, and the powerful impres- toujours actuelle à rendre visible ce qui est invisible. works, like The Silent Movie. This title also offers a sions he produces in his works are always shaken by light

Guest 02 n°63 Laurent Grasso Autumn 2012 36 37

being shed on the mechanisms of illusion. The set offers which he winkled out of the archives might be droll if In his quest for what eludes the everyday gaze, We find this line of thinking in On Air (2009), a video the distance necessary to associate with the plunge into they did not conjure up the tragic History of Giordano Laurent Grasso is interested both in the manipulations shot in Qatar. In broad shots, a camera films a car moving the visual narrative an awareness of the way it is con- Bruno, or Galileo. The long time—400 years—it took the of frequencies by the military and in the way the politi- forward on an isolated road in grandiose landscapes, structed. This line of thought is heir to issues broached religious powers-that-be to accept the scientific evidence cal powers-that-be exercise their hold over imagery. before alighting on a hooded falcon. When hands free its from the 1970s on by Dan Graham, to do with systems is symptomatic of the distance the eye has to cover to During the funeral ceremony for John Paul II, he thus eyes, it flies off at a dizzy speed. The impression is power- for displaying video and film, whereby he seeks to set up accept challenging its symbolic foundations. films the TV rebroadcasting system (The Construction ful, because the camera fixed on the bird brings to life the receptive stances conscious of what permits them. With Many of Laurent Grasso’s videos are captivating and of History, 2012), in a gesture calling to mind that of intensity of its rediscovery of freedom. The spectator can Laurent Grasso, the association of neons, paintings, pho- benefit from a quality of imagery and immersive projec- Roberto Rossellini in his film The Rise of Louis XIV plunge with it into the pleasure of an unknown experi- tographs and sculptural objects makes for a complex itin- tion systems, but the end purpose does not therefore (1966). Both stress the importance of the scripting of ence of vision, and imagine the exceptional keenness of erary which stages the spectator’s gaze and, between the reside in this experience. Frustration sets in, often, the visible as a strategy of having a hold on power. What the bird of prey’s eye going beyond the frames of human lines, questions the ways in which the visible takes over. even, in front of the images, as in Uraniborg (2012), a is made visible is part of a very precise political manage- perception. It is this impression which stays with you So, while a “black box” enables spectators to be tribute to Tycho Brahe, the Danish astronomer whose ment. In a parallel procedure, the setting of the show when you end your “Uraniborg” visit: one of having wit- gripped by the fascination produced by a flight of starlings story is told while the camera films an island without gives spectators, as an alternative, the feeling of not see- nessed an update, playing with the frustration and mecha- in the Roman sky (Les Oiseaux, 2008), ancient books on any vestiges of the impressive observatory he had built ing anything, one of seeing what ought to remain hid- nisms defining our relations to the world. With Laurent astronomy, optical instruments and an antique statue all other than a sculpture erected in honour of the scholar. den, and one of not seeing what matters, because the Grasso, edges and perceptive restrictions become the me- put the camera’s action in the historical perspective of the Helicopter views of the island alternate with images of frames cut out in the walls only permit a partial and dium for openings towards imaginations which lastingly questioning eye, but one repressed by the Church, which the sky, but the reconstruction of a vanished imagina- remote perception of certain objects on view. They feel steep the memory. man has forever cast towards the world’s abysses. The tion can only be achieved by the spectator’s mental par- in their turn manipulated and restricted in their experi- conflict between science and belief is central to Laurent ticipation. The task of the camera turned towards the ence of the work, confined within a set recalling the one – Grasso’s œuvre, and the wavering between what we see past seems as difficult as that of Tycho Brahe’s telescope, inspired by the panopticon set up by Régis Michel in the and what we think we see is fundamental to it. His resi- when what is involved is showing what cannot be seen exhibition “La peinture comme crime ” (Louvre, 2001). dency in the Villa Médicis permitted him to develop a line with the naked eye. Uraniborg evokes a mythical char- The underlying political thinking is thus clearly asserted of thinking about the Vatican’s relations to astronomy, and acter as much as the ever topical complexity of render- and questions spectators about their relation to imagery the photographs of the priests standing behind telescopes ing what is invisible visible. and the visible.

Guest 02 n°63 Laurent Grasso Autumn 2012 Élodie Seguin

Elodie Seguin Not yet titled, 2012. Encres à l’eau, papier, colle, bois / Water based ink, paper, wood, glue. Vue de l’exposition / View of the exhibition Gestes et mesures à l’horizon des surfaces, galerie Jocelyn Wolff, Paris, 2012. 40 41 Point et ligne sur plan, et inversement

par / by Aude Launay –

Il est parfois malaisé de distinguer l’œuvre Posées sur deux murs en angle, les encres colorées for- de l’espace dans lequel elle s’inscrit, de l’espace qu’elle ment un cube qui semble vu en contreplongée quand l’on révèle, avec lequel elle s’entremêle. C’est notamment l’un est assis, et reprend son volume normal lorsque l’on se des traits marquants du travail d’Élodie Seguin. Ce n’est lève : clin d’œil au Christ qui, dans La Cène, semble suivre pas que l’on doive chercher l’œuvre du regard, comme le spectateur du regard. chez Gedi Sibony qui s’emploie à mettre en lumière le Oscillant entre une construction rigoureuse déjà-là, ou chez Fernanda Gomes, qui assemble les ma- et une prise en compte des hasards, les œuvres d’Élodie tériaux trouvés sur place en des agencements abstraits Seguin trouvent leur origine soit dans le dessin en pers- subtils qui ne portent qu’une trace minimale de son inter- pective, soit dans l’existant dont elle décide de reproduire vention ; c’est qu’elle dialogue si bien avec l’espace qui un fragment. D’abord pensées dans l’atelier, elles ont très l’environne que l’on peine à déterminer où l’une com- vite dû être créées spécifiquement pour les expositions mence et où l’autre la laisse entrer en jeu. Pour l’exposi- qui se sont rapidement enchaînées sans laisser à la jeune tion « Mouvement des atomes, mobilité des formes », en Parisienne le temps de reprendre une pratique d’atelier 2010, à l’ENSBA Paris dont elle était tout juste diplômée entre chaque. Le principe auquel elle s’astreint de ne pas et félicitée, elle produisit deux wall paintings impeccables : remontrer la même pièce fait de chacune de ses œuvres Bocal, magnifique remise en perspective de l’un des esca- une création unique au lieu dans lequel elle est exposée et liers de l’école, répondant avec une grande justesse aux pourtant pas forcément intrinsèquement in situ. Nombre lignes de force qu’il dessine en les contrariant par une hori- d’entre elles naissent d’heureuses juxtapositions acciden- zontalité et une blancheur simples mais efficaces puis en le telles de sa réserve de matériaux, achetés ou parfois trou- prolongeant sur le mur adjacent par un écho aux couleurs vés, puis laissés posés dans un coin de l’atelier. Il ne s’agit assourdies, et Compte tenu, contenu suivant, intrusion pas ici d’un art de l’objet pour l’objet, mais d’une mise en espiègle du blanc d’une cimaise sur le brun du mur contigu. scène des relations qu’ils développent entre eux – ce que L’architecture fonctionne ici comme un l’on retrouve aussi chez Gedi Sibony et Fernanda Gomes. donné, comme un « objet trouvé » qu’il s’agit de partielle- « Gestes et mesures à l’horizon des surfaces », le titre de sa ment neutraliser pour que l’on ne voie presque plus que récente exposition à la galerie Jocelyn Wolff le dit très bien. Elodie Seguin l’élément choisi par l’artiste. Pour « Voûte, voûte », l’été C’est un travail précis, chirurgical, à la production minu- Espace de projection, 2012. dernier à l’Abbaye aux Dames de Saintes, de petits bassins tieuse et finalement assez coûteuse, la plupart des maté- Art Basel, Art Statements, 2012. rectangulaires emplis d’eau venaient refléter l’architecture riaux utilisés étant neufs, même s’ils sont très simples : romane. Posés à même le sol, commme des excroissances scotch, papier, carton, bois… L’artiste évoque à leur propos du dallage, ils ajoutaient un point de vue inhabituel en ce une « grammaire des matériaux », aimant à les présenter lieu dans lequel on lève généralement les yeux plus qu’on comme des possibles, forts d’usages à venir, des matériaux ne regarde à terre. Élodie Seguin venait tout juste, à Milan, « disponibles » ; nous dirons qu’elle en manie la syntaxe en instant donné, une vision qu’il s’agit de faire ressurgir. Des dans l’espace mêlent plans et volumes, espaces réels et de se confronter à un autre espace empli de spiritualité, procédant par apposition, agglutination et réserve. titres comme Voilà ou Not yet titled en attestent ; les ma- illusoires, sans « désir de présence autoritaire » 2. Il semble quoique virtuel : La Cène de Léonard de Vinci, exposée Lors de la dernière foire de Bâle, Élodie tériaux entassés, qui évoquent la temporalité de l’atelier, le plus simple de tenter de les circonscrire par la négative, dans un bâtiment voisin du Centre Culturel Français. Elle Seguin présentait, dans la section des Statements, un ins- confirment ; ils sont la matière d’œuvres « en puissance », comme l’écrivait par exemple Marc Desgranchamps, proposa, avec Debout, derrière, une déconstruction des tantané fixé sous la forme d’une installation qui se donnait à la manière dont l’Hermès qu’évoque Aristote est en alors commissaire de l’exposition « Mouvement des mécanismes de perception de cette duperie visuelle. La autant comme sculpture que comme expérience optique. puissance dans le marbre ou l’airain. Il n’est pas question atomes, mobilité des formes » : « il s’agit de l’énonciation perspective de la fresque prolonge en effet la salle du réfec- Elle reproduisait là une vision fugitive qui lui était appa- d’un aboutissement ni d’une forme parfaite mais plutôt d’une peinture sans tableau ». Dans le même temps, toire du monastère Santa Maria delle Grazie pour laquelle rue dans le jardin jouxtant l’atelier d’un ami : le reflet du d’œuvres qui se cristallisent dans leur appréhension par Élodie Seguin s’interrogeait elle-même : « comment fuir elle a été conçue, explorant le principe du trompe-l’œil à mur du jardin dans la vitre de la fenêtre de l’atelier, la le spectateur. À l’instar du lecteur qui, chez Barthes « est le tableau ? » ; deux ans plus tard, elle avoue s’intéresser des fins métaphysiques. La jeune artiste a, quant à elle, couleur du mur se superposant aux œuvres et matériaux l’espace même où s’inscrivent toutes les citations dont est « au dessin même, à ce que l’absence de certains traits en choisi de recréer l’espace pictural en trois dimensions, stockés à l’intérieur. Le stand était scindé en deux surfaces faite une écriture » 1, le spectateur – quel terme impropre, signifie d’autres ». Elle opère par extractions, est-ce pour prolongeant à son tour l’expérience du maître italien, en égales par une grande vitre rendant impossible la pénétra- ici – change la syntaxe d’Élodie Seguin en littérature. L’on autant de l’abstraction ? Elle parle volontiers d’épure, élaborant une construction de deux cubes blancs réinter- tion dans la partie gauche, dans laquelle étaient disposés touche aussi à la dichotomie site / non-site de Smithson d’amorce, de moyens limités, de restrictions, peut-on alors prétant les lignes de fuite originelles à l’intérieur du white contre un mur planches, tasseaux et divers rouleaux de car si l’œuvre parle autant du temps d’avant que du temps parler d’art pauvre ? « Il y a un acheminement du matériau cube du Centre Culturel, mettant ainsi le visiteur dans papier. Dans la partie droite, un wall painting composé d’après celui de l’exposition, elle se donne presque aussi pauvre vers l’abstraction, envisagée comme non-figuration la position incongrue de surgir par l’arrière de la scène, d’un grand rectangle rose et d’un autre, plus petit, bleu comme non-site de l’atelier. mais aussi comme un démembrement des éléments qui comme face au peintre. nuit, faisait penser, en regard des matériaux entreposés, à De multiples catégorisations et adjectifs composent la sculpture. » 3 Éléments démembrés, gestes 1. Roland Barthes, Le bruissement S’apparentant à un décor de théâtre tant par des peintures elles aussi empilées, dans l’attente d’un quel- de la langue, Paris, Éditions du Seuil, peuvent être appliqués au travail d’Élodie Seguin mais au- déconstruits, l’œuvre d’Élodie Seguin est la somme de ses matériaux – moquette, contreplaqué, carton, papier conque déploiement. Lorsque nous nous en approchions, 1984, Collection Points. cun ne parviendra à le cerner dans son ensemble. Uniques tout ce qu’elle n’est pas, tentant de problématiser notre 2. Robert Morris, « American Quartet », in situ kraft – que par le fait qu’elle constitue un espace fictionnel son reflet dans la vitre venait recouvrir les planches et Art in America, décembre 1981. à leur lieu de monstration sans être , évoquant un regard tout en nous échappant. au cœur d’un espace réel, l’installation se donne comme les rouleaux d’un halo coloré parfaitement symétrique 3. Joana Neves, « Finalement même ça ailleurs sans être tout à fait un non-site, statiques mais disparaîtra », catalogue de l’exposition – une troublante réflexion sur l’illusion, prolongée plus loin à celui que nous contemplions à l’instant. L’œuvre est « Pour un art pauvre », Nîmes, non figées, partiellement ready-made, parfois peinture, par un wall drawing réalisé dans la bibliothèque du Centre. ici pensée comme un moment, un état des choses à un Carré d’Art, 2011, p. 17. plus souvent sculpture ou installation, ses interventions

Guest 02 n°63 Élodie Seguin Automne 2012 42 43 Point and Line to Plane, and vice versa

It is sometimes not chose to re-create the picto- easy to set an artwork apart rial space in three dimen- from the space it is exhibited sions, in her turn pro in, from the space which it longing the Italian master’s reveals, and with which it experiment by developing intermingles. This is in par- a construction of two white ticular one of the salient cubes re-interpreting the features of Élodie Seguin’s original vanishing lines in- work. It is not that one has side the white cube of the to go looking for the work Cultural Centre, thus put- with the eye, as with Gedi ting the visitor in the incon- Sibony, who strives to high- gruous position of emerg- light the already-there, and ing from behind the scene, Fernanda Gomes, who as- as if facing the painter. sembles materials found on Akin to a theatrical the spot in subtle abstract décor, as much for its mate- arrangements which only rials—fitted carpet, ply- bear the tiniest sign of her board, cardboard, kraft own intervention; it is paper—as for the fact that rather that the work has it forms a fictional space at such a good dialogue with the heart of a real space, the space surrounding it, the installation comes that one has trouble decid- across like a disturbing Elodie Seguin ing where the one starts reflection about illusion, Debout, derrière, 2011. and the other lets it enter extended further still by a Vue de l’exposition « Scène the fray. For the exhibition wall drawing made in the ouverte » au Centre Culturel “Mouvement des atomes, Centre’s library. Set on two Français de Milan / View of the mobilité des formes ”, held walls in the corner, the exhibition “Scène ouverte” at the Centre in 2010 at the National coloured inks form a cube Culturel Français in Milan. School for Advanced Studies in Fine Arts [ENSBA] in which seems to be seen from below when you are sitting Commissaire / curator : Paris, from which she had just graduated summa cum down, and re-assumes its normal volume when you get Luca Cerizza. laude, she produced two flawless wall drawings: Bocal, up: a wink at Christ who, in the Last Supper, seems to be a magnificent new perspective on one of the school’s following the spectator with his eye. Compte tenu, contenu suivant. staircases, responding with great relevance to the force Wavering between a rigorous construction and a con- Exposition / Exhibition lines drawn by it, while disrupting them with a white but sideration of haphazardness, Élodie Seguin’s works have « Mouvement des atomes, effective horizontality and whiteness, then by prolonging their root either in the perspectival drawing, or in what mobilité des formes », them onto the adjacent wall through an echo of under- exists, a fragment of which she decides to reproduce. ENSBA Paris, 2010. stated colours; and Compte tenu, contenu suivant, a Thought up first of all in the studio, they have very swiftly mischievous intrusion of the white of a picture rail on the had to be created specifically for the shows which fol- brown of the contiguous wall. lowed one another in quick succession, without leaving Architecture here functions like something given, like the young Parisian time to resume studio activity between a “found object” which must be partly neutralized so that each one. The principle she clings to, of not showing the we see almost nothing more than the element chosen by same piece again, means that each one of her works is a the artist. For “Voûte, voûte ”, last summer at the Abbaye one-off creation, unique to the place where it is exhibited, aux Dames in Saintes, small rectangular ponds filled with and yet not necessarily intrinsically in situ. Many of them water reflected the Romanesque architecture. Set directly come about from felicitous accidental juxtapositions of on the floor, like things growing out of the flagstones, they her stock of materials, bought or at times found, then left 22.09.2012 : Street Painting 2, biennale de Belleville 2. added an unusual viewpoint in this place where, as a rule, in a corner of the studio. What is involved here is not an Oct. – Nov. 2012 : Hilary Crisp gallery, Londres. your eyes look upwards rather than down. Élodie Seguin art of the object-for-object’s-sake, but a presentation of Mars / March 2013 : I have looked at the sea through my tears, GalleriaVistamare, Pescara, Italie had just tackled another space, in Milan, filled with spir- the relations that they develop between them—which Commissaire / Curator : Luca Cerizza. ituality, albeit virtual: Leonardo da Vinci’s Last Supper, on we also find with Gedi Sibony and Fernanda Gomes. view in a building close to the French Cultural Centre. “Gestures and Measures on the Horizon of Surfaces”, With Debout, derrière she came up with a deconstruc- the title of her recent show at the Jocelyn Wolff gallery, tion of the perceptual mechanisms of this visual trickery. puts it nicely. It is a precise, surgical work, painstakingly The perspective of the fresco actually prolongs the refec- produced and in the end quite costly, most of the materi- tory hall of the monastery of Santa Maria delle Grazie, for als used being new, even if very simple: scotch tape, which it was conceived, exploring the trompe-l’oeil prin- paper, board, wood… In their regard, the artist conjures ciple to metaphysical ends. For her part, the young artist up a “grammar of materials”, keen to display them as

Guest 02 n°63 Élodie Seguin Autumn 2012 44

Elodie Seguin Bocal, 2010. Peinture murale / Wall painting. Exposition / Exhibition « Mouvement des atomes, mobilité des formes », ENSBA Paris, 2010.

Détail, vue de l’exposition collective à la galerie Jocelyn Wolff, Paris, 11 -12.2010. Detail, view of a group show at Jocelyn Wolff gallery, Paris, 11 -12.2010. Commissaires / Curators : Erik Verhagen, Jocelyn Wolff.

possibles, with plenty of uses in the offing, “available” ma- on Smithson’s site/non-site dichotomy, because the work terials”; we might say that she handles the syntax by pro- talks as much about the time before as the time after that ceeding via apposition, agglutination, and unworked areas. of the exhibition, and is also almost presented as the non- At the latest Basel art fair, in the Statements section, site of the studio. Élodie Seguin presented a frozen moment in the form of Much pigeonholing and many adjectives can be an installation which came across as much like a sculp- applied to Élodie Seguin’s work, but none will manage to ture as like an optical experiment. In it she reproduced a define it as a whole. Her interventions in space—unique fleeting vision which had appeared to her in the garden to their place of display without being in situ, evoking an adjoining a friend’s studio: the reflection of the garden elsewhere without being altogether a non-site, static but wall in the glass of the studio window, with the colour of not frozen, part readymade, but painting, more often the wall overlaid on the works and materials stocked in- sculpture or installation—mix planes and volumes, real side. The stand was divided into two equal surfaces by a and illusory spaces, without any “desire for authoritarian large sheet of glass making it impossible to enter it in the presence”. 2 It seems simpler to try and define them left part, where planks, battens and rolls of paper were through the negative, as Marc Desgranchamps wrote for arranged against a wall. In the right part, a wall painting example, when he curated the exhibition “Mouvement composed of a large pink rectangle and another smaller des atomes, mobilité des formes ”: “It is a question of the midnight blue one called to mind—with regard to the statement of a painting without a picture.” At the same materials stocked there—paintings which would also be time, Élodie Seguin was questioning herself: “How to es- piled up, awaiting some kind of development. When we cape the tableau?” Two years later, she admits to being drew nearer, its reflection in the glass covered the planks interested “in the drawing itself, and the fact that the and rolls with a coloured halo, perfectly symmetrical with absence of certain lines signifies others.” She operates the one we had just been looking at. The work is con- through extractions, but does this mean there is abstrac- ceived here as a moment, a state of things at a given in- tion? She talks readily about pruning, beginnings, limited 1. Roland Barthes, The Death stant, a vision that has to be brought forth again. Titles means, restrictions, so can we then talk about “poor art”? of the Author, 1968. such as Voilà and Not yet titled attest to as much; the “The poor material shifts here towards abstraction, which 2. Robert Morris, “American Quartet”, Art in America, December 1981. heaped materials, which conjure up the time-frame of the is seen not only as non-figuration but also as a dismantling 3. Joana Neves, “Ultimately even studio, confirm as much; they are the stuff of “potential” of the elements that constitute sculpture.” 3 Dismantled this will disappear”, translated by Charles Penwarden, catalogue works, the same way that the Hermes referred to by elements, deconstructed gestures, Élodie Seguin’s œuvre of the exhibition “Towards a Poor Art”, Aristotle is potential in marble or bronze. It is not a ques- is the sum of everything that it is not, trying to make an Nîmes, Carré d’Art, 2011, p. 17. tion of a culmination, or of a perfect form, but rather of issue out of the way we see things, while eluding us. works which are crystallized in the way they are understood by the onlooker. Like the reader who, for Barthes, – “is the space on which all the quotations that make up a writing are inscribed without any of them being lost”, 1 the spectator—what an improper term, here—changes Élodie Seguin’s syntax into literature. We are also touching

Guest Élodie Seguin 46 47 Les chemins de l’émergence I : Les salons

par / by Patrice Joly –

L’émergence est sans doute le mot le plus ren- leur désir de servir la « cause » des jeunes artistes. Apparues à contré lorsque l’on parcourt les communiqués de presse des époques et dans des contextes différents, elles divergent relatifs aux scènes locales, aux événements saisonniers ou tout autant dans l’esprit et la lettre de leur fonctionnement. biennaux que produisent régulièrement les grandes métro- La Ville de Mulhouse organisait, du 9 au 12 juin poles françaises, mais aussi aux grandes expositions collec- 2012, Mulhouse 012, dixième édition de son exposition de tives dans des endroits aussi courus que le palais de Tokyo jeunes talents issus des écoles supérieures d’art européennes. ou le Musée d’Art moderne. En France, depuis les années Créée en 2001, devenue biennale en 2008, cette manifesta- 2000, l’émergence est devenue un espace d’affirmation tion est la seule des trois à provenir d’une impulsion muni- pour les structures privées, publiques et mixtes qui s’en sont cipale, sous les auspices de l’élu à la culture de la ville. Le emparées afin de faire la promotion d’une création nouvelle, discours est assez clair : pour Mulhouse, qui dispose d’une inédite, inouïe – par opposition à des pratiques reconnues et école d’art importante, d’un centre d’art tout neuf et qui est bien établies. Le jeune artiste est vu comme une marchan- surtout proche de la plus grande foire d’art contemporain dise précieuse qu’il faut savoir repérer, bichonner et promou- du monde, la création de cette biennale dédiée aux jeunes voir dans les meilleures conditions. artistes obéit à une logique limpide qui est celle d’ancrer la Julien Nédélec L’émergence n’est en soi ni bonne, ni mauvaise, ville dans une dynamique européenne à laquelle sa situation Vue d’installation / Installation view, c’est un phénomène quasi « naturel » qui se traduit par l’arri- géographique lui permet de prétendre. Par ailleurs, elle pos- Mulhouse 010, 2010. vée sur le marché, à chaque nouvelle saison, de nouvelles tule à la place de plateforme de lancement pour des post-di- Courtesy galerie ACDC. pousses qui viendront dynamiser ou rafraîchir une scène qui plômés en recherche de visibilité au sortir de leur scolarité, la Lauréat 2010 / 2010 prizewinner. aura vieilli d’une année. Accompagner l’émergence, dans ce foire de Bâle devant servir d’hameçon de luxe pour ramener cas, semble aussi indiqué que le geste du jardinier tuteurant dans le giron de la métropole haut-rhinoise malmenée par Hoël Duret la plante pour guider son développement. Peut-être est-il les sinistres à répétition de la postindustrialisation, la riche Vue d’installation / Installation view, également question d’« empathie intergénérationnelle », les clientèle bâloise défilant pendant la semaine magique dans Mulhouse 012, 2012. aînés se souciant du sort de la génération montante ? les allées de la first fair. De fait, l’idée de la concomitance © Hoël Duret. Ces volontés a priori désintéressées peuvent souffre quelque peu de la comparaison : pour détourner le Lauréat 2012 / 2012 prizewinner. cependant masquer d’autres enjeux qui n’ont rien à voir flot des visiteurs d’Art Basel, il ne suffit pas de mettre en avec l’artistique. Pour les villes par exemple, l’émergence place une biennale de jeunes au moment de la foire, il fau- Thomas Couderc représente de plus en plus un enjeu d’image qui rentre dans drait créer une véritable coopération entre les deux villes, & Téoman Gurgan une stratégie de dynamisme et de rayonnement plus global. ce qui revient à dire que Mulhouse profitera amplement de Vue d’installation / Installation view, On imagine mal aujourd’hui qu’une ville, une métropole, sa proximité avec Bâle le jour où elle parviendra à créer des Mulhouse 012, 2012. puisse se passer d’une scène artistique digne de ce nom : événements de même magnitude que ceux que propose la l’émergence est l’indicateur de la bonne santé de la ville, son métropole rhénane… Bien qu’elle se positionne intelligem- absence ou sa présence font état de sa capacité à faire éclore ment sur un créneau qui devrait exploser dans les années des talents mais aussi à en attirer de nouveaux. L’émergence à venir, celui des tout jeunes diplômés européens, la jeune artistique pourrait très bien s’entendre d’un point de vue biennale peine encore à convaincre : manque de moyens 1, sportif, où il serait question de « pousser » les jeunes artistes manque de communication externe, manque d’une scé- comme on pousse les jeunes athlètes à la prouesse, dans le nographie audacieuse, manque de synergie avec le ou les but de faire éclore des équipes performantes. Mais l’analogie centres d’art proches, elle reste un peu en dessous de ses trouve vite ses limites dans les définitions respectives des ambitions même si la liste des lauréats témoigne d’une véri- deux champs. Poussée à son comble, une vision compétitive table capacité à défendre des profils exigeants 2. de l’émergence favorise l’adhésion aux valeurs de la société Le Salon de Montrouge, quant à lui, fonctionne marchande et influence la production artistique vers des sur un tout autre régime, partant d’une initiative totalement dimensions plus spectaculaires ou « visuellement efficaces » personnelle : l’ancien salon moribond ne promotionnait au détriment des pratiques plus réflexives ou critiques. Elle plus que des artistes en fin de carrière ou un peu margina- laisse aussi de côté la réflexion sur le fait de savoir s’il y a un lisés lorsque le très déterminé Stéphane Corréard réussit à « bon âge » pour l’art en privilégiant un système d’émergence convaincre la municipalité de Montrouge de lui confier ses éclair suivie de près d’une disparition tout aussi rapide des rênes il y a tout juste quatre ans. Création d’un « collège » ex-prodiges sans vraiment chercher à en analyser les causes, composé de la fine fleur de la critique nationale pour consti- ni tenter d’en tirer des enseignements. Cela est tout parti- tuer le jury, carte blanche à la designeuse star Matali Crasset culièrement vrai pour la France où, hormis quelques excep- pour la scénographie, publication d’un gros ouvrage agrégatif tions notables, les meilleurs artistes ont tendance à dispa- faisant office de catalogue : le salon s’est fait sérieusement raître après des carrières bien trop brèves, et sans réellement lifter. Très rapidement, « Montrouge » a pris ses marques réussir à percer hors des frontières nationales. dans la galaxie de l’émergence pour devenir un passage Les trois structures que nous avons décidé obligé pour les débutants, qui, pour la plupart effectuent en d’étudier ici affichent des positions relativement claires dans cette banlieue proprette de Paris, leurs premiers pas dans le

Dossier 02 n°63 Émergence Automne 2012 48 49 The Paths of Emergence I: Salons monde de l’art parisien. Au-delà des discours d’auto-satisfac- tion sur l’esprit d’entomologiste nécessaire au repérage des meilleurs candidats, le succès de Montrouge tient à quelques recettes efficaces et surtout à un contexte local, à des conditions d’accès ouvertes et à l’éventualité de rencontres fruc- tueuses. Aussi, si la réussite du salon tient pour moitié dans l’habileté et la faconde de son mentor, elle le doit aussi à une évidence qui n’avait pas encore sauté aux yeux de tout le monde : chaque nouvelle saison apporte ses cohortes de nouveaux diplômés et autres postulants au métier d’artiste alors que le monde de l’art contemporain n’a pas su créer sa « filière » de sortie des écoles. Le salon version Montrouge obéit à une mission quasi sociologique qui est de mettre en vis-a-vis une population d’artistes sélectionnée par un groupe d’experts face à ses futurs interlocuteurs : la foule des mar- de débouchés d’envergure. Toutes deux initient des parte- chands, galeristes, curateurs, directeurs de centres d’art et nariats avec des écoles invitées (Montrouge) ou avec des autres musées à la recherche de nouveaux talents. Qui plus structures curatoriales (Jeune création). L’une comme l’autre 57e Salon de Montrouge, œuvres est, le Salon de Montrouge possède un côté franchouillard entendent favoriser l’émergence des jeunes artistes en leur de / works by Claire Trotignon. qui l’éloigne un peu des critères de sélection du marché permettant de rencontrer les professionnels du milieu ainsi international mais lui confère une dimension rassurante. Il qu’un public concerné. Les différences de taille se situent 57e Salon de Montrouge, n’est pas sûr cependant que cette dimension franco-française principalement dans l’organisation qui permet aux lauréats scénographie de / scenography by (même si les étrangers y sont les bienvenus) ne nuise à un des années précédentes de rentrer dans le dispositif de sélec- Matali Crasset, œuvre de / moment donné à sa vocation de tremplin puisque de plus tion de l’édition future pour Jeune Création, là où le salon work by Jean Hubert. en plus l’offre d’une telle structure se doit d’être crédible de Montrouge fonctionne avant tout sur l’équipe constituée sur le plan international si elle veut se frotter à la « vraie » autour de son refondateur. Enfin, une autre différence fon- 57e Salon de Montrouge, émergence, mais Montrouge est avant tout une plateforme damentale tient aussi dans les projets de développement scénographie de / scenography by directement reliée à la scène parisienne et nationale qu’elle de Jeune Création qui souhaite ouvrir un centre culturel en Matali Crasset, œuvre de / a parfaitement réussi à capter… grande banlieue avec une orientation résolument citoyenne work by Cyril Verde. La troisième et dernière structure, Jeune là où Montrouge n’envisage pas spécialement de projet de ce “Emergence” is probably the word most often encoun- Création, est issue de Jeune Peinture, manifestation fon- genre mais plutôt la fixation du salon en ses terres de proche Photos : Fabrice Gousset. tered when you peruse press releases about local scenes, and dée par le peintre Paul Rebeyrolle en 1949. Tout comme périphérie. seasonal and biennial events regularly held in France’s major Montrouge, Jeune Peinture commençait à souffrir d’un sé- Parier sur des plateformes spécialisées dans cities, as well as bulletins about major group shows in venues rieux problème d’image lorsque la nouvelle équipe a pris la l’émergence en revivifiant des structures obsolètes ou en as popular as the Palais de Tokyo and the Museum of décision de changer de nom en 2000 et de l’ouvrir à toutes en créant de nouvelles de toutes pièces semble une option Modern Art, in Paris. Since the 2000s, emergence in France les pratiques de l’art contemporain. Même si ses jeunes diri- assez peu risquée en cette époque où l’affluence des jeunes has become a space for private, public and mixed organiza- geants s’en défendent un peu, Montrouge apparaît comme le artistes sur les scènes française et européenne n’a jamais été tions to assert themselves in, organizations which have grand concurrent, l’objectif à dépasser. Tout oppose ces deux aussi forte et les filières de sortie aussi peu développées, d’où taken it over in order to promote art that is new, novel structures : d’un côté, un manager décidé qui capitalise sur le succès d’une manifestation comme Montrouge. Encore and hitherto unseen—as opposed to recognized and well son nom et sa connaissance aiguë du milieu pour booster le faut-il avoir suffisamment d’audace, d’habileté ou d’ambi- established activities. The young artist is seen as a precious also attract new ones. Artistic emergence might well be développement du label Montrouge, de l’autre, une équipe tion pour produire de véritables tremplins. Encore faudrait-il merchandise to be identified, pampered and promoted in the understood from a sporting viewpoint, where it is a matter of de jeunes artistes dont on ne connaît même pas les noms, également que ces initiatives s’accompagnent de véritables best possible conditions. “pushing” young artists the way young athletes are pushed une véritable démocratie de décisions qui s’incarne dans un réflexions sur la signification profonde de ces phénomènes Per se, emergence is neither good nor bad: it is an almost to ever higher feats, with the goal of creating high-perfor- turnover régulier de l’équipe en place. Les oppositions ne sans minorer les risques d’instrumentalisation pour les jeunes “natural” phenomenon conveyed by the arrival on the mar- mance teams. But this analogy swiftly comes up against its s’arrêtent pas là : Jeune Création est gérée par des artistes qui artistes. Aussi les dispositifs de l’émergence ne peuvent-ils ket, with each new season, of new growth which will invig- limits in the respective definitions of the two fields of activity. connaissent de l’intérieur les besoins de ces derniers pour es- bien s’appréhender que dans une globalité qui interroge orate, and/or re-invigorate, a scene that has aged by a year. Pushed to its utmost, a competitive vision of emergence sayer de répondre à leur aspirations. Nul scénographe trendy et revalorise la place des différentes structures, des écoles Accompanying emergence, in this case, also seems to indi- encourages clinging to the values of commercial society and non plus pour assurer le buzz : la communication ainsi que la d’art, en premier lieu, jusqu’à l’ensemble que constituent les cate that the gardener’s gesture of staking up young plants nudges art production towards more spectacular and “visu- 1. Il faut toutefois nuancer cette scénographie sont produites en interne et bénévolement. Le réseaux associatifs, les centres d’art et autres fonds régionaux remarque : le lauréat de la biennale will guide their development. Perhaps what is also involved ally effective” dimensions, to the detriment of more reflec- salon évolue de place en place, ayant successivement occupé d’art contemporain qui exécutent ce travail de fond depuis se voit décerner une bourse de 15 000 is “intergenerational empathy”, with the elders worrying tive and critical practices. It also leaves aside the line of think- euros, ce qui est une somme plus le Palais de Tokyo, le MNAM, la Villette puis récemment le des années sans forcément en retirer les lauriers ; ceci dans le qu’honorable pour débuter une about the lot of the rising generation? ing about the fact of knowing if there is a “good age” for art, Centquatre avec lequel l’équipe vient d’engager un partena- but de replacer le « travail de l’art » et des jeunes artistes non carrière d’artiste… These on the face of it disinterested desires may never- by favouring a system of lightning emergence closely fol- 2. La biennale a distingué entre riat de longue durée. Tout comme Mulhouse et Montrouge, plus uniquement dans des perspectives de marché ou d’évé- autres Morgane Tschiember, theless hide other challenges which have nothing to do with lowed by a just as rapid disappearance of former prodigies, Jeune Création s’adresse principalement aux jeunes artistes nementialité mais aussi de développement et d’infiltration de Aurélien Froment et Julien Nédélec. things artistic. With cities, for example, emergence increas- without really trying to analyze the causes, or trying to learn de tous bords mais, là où Mulhouse recrute à la sortie des l’art dans la société. ingly represents an image-related challenge which is part of a from them. This is very particularly true for France where, écoles européennes et où Montrouge privilégie la French more global strategy of dynamism and influence. Nowadays with one or two notable exceptions, the best artists tend to touch, Jeune Création a décidé de prendre une orientation – it is hard to imagine that a city, major or minor, can do with- disappear after far too brief careers, and without managing résolument internationale. Ces dernières bénéficient par out an art scene worthy of the name: emergence is the clue to break through beyond France’s borders. ailleurs toutes les deux de la proximité de la place parisienne to a city’s sound bill of health, and the absence or presence The three organizations that we have decided to exam- qui draine une scène abondante manquant cruellement thereof indicate its capacity—or not—to hatch talents but ine here display relatively clear positions in their desire

Dossier 02 n°63 Émergence Autumn 2012 Vue d’exposition / Exhibition view Jeune Création 2012, Centquatre, Paris. 50 51 Claudia Imbert Le Garage, 2010. Blue Ray HD, 2’25, boucle / loop. © Claudia Imbert. Lauréate du prix Jeune Création 2011 / 2011 prizewinner. to serve the “cause” of young artists. They all appeared at the salon’s success has to do, fifty percent, with the adroit- Simon Nicaise different times and in different contexts, and they differ in ness and fluency of its mentor, it also owes it to an obvious Souffre, 2009. both the spirit and the letter of the way they work. factor which had not yet become plain for all to see: each Allumettes / Matches, Between 9-12 June 2012, the City of Mulhouse organ- new season ushers in its cohorts of new graduates and other 115 x 60 x 125 cm. ized Mulhouse 012, its tenth exhibition of young talent nur- candidates for the artist’s profession, whereas the contempo- Courtesy galerie Dominique Fiat. tured by advanced European art schools. Created in 2001, rary art world has not managed to create its “network” for Lauréat du prix Jeune Création and becoming biennial in 2008, this show is the only one of those leaving school. The Montrouge version of the salon 2009 / 2009 prizewinner. the three here in question to be a municipal brainchild, un- complies with an almost sociological brief which is to square der the auspices of the city’s cultural director. The discourse off a population of artists selected by a group of experts is quite straightforward: for Mulhouse, which has an impor- against their future interlocutors: the horde of dealers, gal- tant art school, and a brand new art centre, and is above all lery owners, curators, directors of art centres and museums close to the world’s largest contemporary art fair, the creation all seeking out new talent. What is more, the Salon de of this biennial devoted to young artists complies with a very Montrouge has a typically French side which distances it a clear logic, which is to root the city in a European dynamic, little from the selection criteria of the international market, which its geographical situation allows it to lay claim to. but lends it a comforting dimension. It is nevertheless not Furthermore, it is setting itself up in the position of launch- certain that this pure French dimension (even if foreigners pad for post-graduates looking for visibility as they finish their are welcome) may not, at a certain moment, harm its calling education, with the Basel Fair acting as a luxury hook for as a springboard, because, more and more, the offer of such bringing the wealthy clientele from Basel—as they parade an organization must be credible at an international level if it past during the magic week in the very rich aisles of the “first wants to rub shoulders with the “real” emergence; but, fair”— into the orbit of the Haut-Rhin capital, damaged by above all, Montrouge is a platform directly linked to the Paris the litany of disasters caused by post-industrialization. The and national scene, which it has managed to capture, quite concomitance is actually suffering somewhat from the com- perfectly… parison: to divert the flow of Art Basel visitors, it is not The third and last organization, Jeune Création, came enough to set up a biennial for young artists at the same time out of Jeune Peinture, an event founded by the painter Paul as the fair; it would be better to create a spirit of real coop- Rebeyrolle in 1949. Just like Montrouge, Jeune Peinture was eration between the two cities, which comes to the same beginning to suffer from a serious image problem when the thing as saying that Mulhouse will benefit amply from its new team took the decision to change its name in 2000, and closeness to Basel the day when it manages to create events open the event up to all contemporary art practices. Even if of similar magnitude to those proposed by the Rhenish me- its young directors will sometimes deny it , Montrouge ap- tropolis… Even though it is shrewdly positioned in a slot pears to be the great competitor, the goal to be outstripped. which should explode in the years to come—the one filled These two organizations could hardly be more different: on by very young European graduates—the young biennial is the one hand, a resolute manager who is capitalizing on his still struggling to win people over: shortage of wherewithal 1, name and his keen knowledge of the milieu to boost the lack of external communication, lack of a bold setting, ab- development of the Montrouge label; on the other, a team of sence of synergy with nearby art centres, it falls a little short young artists whose names are not even known, a veritable of its own ambitions, even if the list of prize-winners attests democracy of decision-making which is incarnated in a regu- to a real ability to champion particular profiles.2 lar turnover of the team in place. The contrasts do not stop The Salon de Montrouge, for its part, works in a quite here, either: Jeune Création is run by artists who are ac- different system, starting out from a thoroughly personal ini- quainted, from the inside, with the needs of artists to try and tiative: the moribund old salon was no longer promoting meet their aspirations. No trendy settings, either, to keep the found mainly in the organization which permits prize-win- to produce real springboards. And it is still necessary for anyone other than artists at the dusk of their careers, or peo- buzz going: communication and settings alike are produced ners from previous years to become part of the selection pro- these plans to be accompanied by real lines of thinking about ple who had been slightly sidelined, when the most deter- in-house and on a volunteer basis. The salon evolves from cess for the future Jeune Création show, precisely where the the deep-seated significance of these phenomena, without mined Stéphane Corréard managed to persuade the place to place, having successively occupied the Palais de Salon de Montrouge functions above all around the team downplaying the risks of exploitation for young artists. So the Montrouge municipal authorities to let him take over the Tokyo, the MNAM, La Villette, and, more recently, the formed about the person who relaunched the place. Lastly systems of emergence can indeed only be grasped in an over- reins just four years ago. He presided over several things— Centquatre, with which the team has just struck up a long- another basic difference also crops up in Jeune Création’s all picture which questions and enhances the place of the the creation of a “college” made up of the cream of France’s term partnership. Just like Mulhouse and Montrouge, Jeune development projects, keen as it is to open up a cultural cen- different organizations, from art schools, first and foremost, critics to form the jury; carte blanche for the star designer Création mainly addresses young artists of every hue but, tre in the outer suburbs of Paris with a determinedly citizen- to all the other structures which form associative networks, Matali Crasset for the sets and scenery; and the publication where Mulhouse recruits people as they leave European based orientation, whereas Montrouge is not specially envis- art centres and regional art collections which have been car- of a stout all-encompassing volume acting as a catalogue— schools, and where Montrouge favours the French touch, aging any project of this ilk, but rather aiming to establish rying out this essential task for years, without necessarily and the salon duly underwent a serious face-lift. In no time, Jeune Création has decided to adopt a decidedly interna- and root the salon on its turf in the inner outskirts. gleaning their just desserts; and this with the aim of reposi- “Montrouge” made its mark in the galaxy of emergence, tional tack. These last two organizations also benefit from Placing bets on platforms specializing in emergence by tioning the “labour of art” and young artists no longer solely becoming an obligatory stop for beginners who, for the most their proximity to the Parisian forum which taps a busy and re-invigorating obsolete structures, and/or by creating new with an eye on market prospects, or other factual situations, part, make their first steps in the Paris art world in this neat crowded scene cruelly lacking in sizeable outlets. Both are 1. This observation needs qualifying, ones from scratch, seems to be a not very risky option in this but also with an eye on developing art and helping it find its and tidy Paris suburb. Over and above self-satisfied discours- starting up partnerships with invited schools (Montrouge) though: the biennial prize-winner is age when the upsurge of young artists in French and way into society. es on the entomologist’s spirit necessary for identifying the and curatorial organizations (Jeune Création). Both intend to awarded a scholarship of 15,000 euros, European art scenes has never been so marked, and the net- which is a more than honourable sum – best candidates, Montrouge’s success involves one or two encourage the emergence of young artists by enabling them to kick of an artist’s career with… works for students leaving schools has never been so poorly 2. The biennial has awarded prizes to, effective recipes and above all a local context, with open ac- to meet people professionally involved in art circles, as well among others, Morgane Tschiember, developed, whence the success of an event like Montrouge. cess conditions and the possibility of fruitful encounters. So if as a concerned public. The differences in scale are to be Aurélien Froment and Julien Nédélec. It is still necessary to have enough daring, skill and ambition

Dossier 02 n°63 Emergence Autumn 2012 . nuit blanche — samedi les . églises Vernissage 6 octobre 2012 EMMANUEL RÉGENT centre — de 17 h d’art Montbéliard harmonIE 8 contemporain samedi à minuit de la ville 13 octobre 2012 Musée du château elke silvia krystufek de chelles à Partir des ducs de Wurtemberg 28 sept - 16 déc 2012 de 11 h 30 Sortir de son lit en parlant d’une rivière (dernière définition) Du 1er juin au 14 octobre 2012

12 octobre 2012 - 27 janvier 2013 melik Katinka Bock MUSÉE D’ART MODERNE ET D’ART CONTEMPORAIN Sophie Bueno-Boutellier ohanian Promenade des arts - 06000 Nice +33 (04) 97 13 42 01 Chiara Camoni Points www.mamac-nice.org Thea Djordjadze d’intentions Camille Henrot melik ohanian Hassan Khan exPosition , 2009, rue éterlet Florian Pugnaire 77500 chelles — Ian Kiaer — du lundi Gabriel Kuri au vendredi : 14& octobre daVid 2012 ra -FF ini Le triangle de Vespucci scolaires, 20 JanVier 2013 Lloyd Corporation individuels Fabrice gygi et groupes 19 octobre - 08 décembre 2012 Chloé Maillet et Louise Hervé sur rdV Julien clauss — du vendredi Adrien Missika au dimanche GALERIE BERTRAND BARAUDOU Jean-Luc Moulène

My 4 year old could do that 300 x 200 cm, Courtesy Elke Silvia Krystufek de 14 h à 17 h : visites libres 62 rue Saint Sabin - 75011 Paris Nashashibi / Skaer +33 (0)9 53 47 41 62 navette le 13 octobre Shahryar Nashat départ à 11h www.galeriebaraudou.com de Paris - bastille Gyan Panchal sur réservation : +33 (0)1 64 72 65 70 [email protected]

Archéologiearchéologies contemporaines : Thomas Huot-Marchand

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– Chapelle du Genêteil, centre d’art contemporain Château–Gontier, T 02 43 07 88 96 Exposition du 15 septembre au 11 novembre 2012 Du mercredi au dimanche de 14:00 à 19:00 –––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– Sophie Bueno-Boutellier, Oursin Fossile, 2008 (détail) Collection Ginette Moulin - Guillaume Houzé, Paris © Alexis Zavialoff / Design graphique jeunecreation.org – 01 42 54 76 36 4 — 11 novembre au Centquatre 5 rue Curial Paris 19

Jeune Création 2012 Exposition internationale d’art contemporain © Gabriel Léger, Élodie Huet © Gabriel Léger, Élodie Huet et Boesner la Culture, le ministère de le centre quatre, avec le soutien de la mairie de Paris, la région Ile de France la région Ile de France

/MARCHER DANS LA COULEUR /MARCHER DANS LA COULEUR Daniel Buren, Ann Veronica Janssens, Mai-thu Perret, Daniel Buren, Ann Veronica Janssens, Mai-Thu Perret, Veit Stratmann, James Turrell, Felice Varini, Jessica Warboys Veit Stratmann, James Turrell, Felice Varini, Jessica Warboys DU 1ER JUILLET AU 28 OCTOBRE 2012 DU 1ER JUILLET AU 28 OCTOBRE 2012 /GUILLAUME LEBLON /GUILLAUME LEBLON MUSÉE RÉGIONAL D’ART CONTEMPORAIN /ALERTE MÉTÉO 3 LANGUEDOC-ROUSSILLON /ALERTE MÉTÉO 3 146 avenue de la plage Diplômés 2012 des écoles d’art du languedoc-roussillon Diplômés 2012 des écoles d’art du Languedoc-Roussillon BP4-34410 SÉRIGNAN Du 18 Novembre 2012 Au 24 Février 2013 +33(0)4 67 32 33 05 DU 18 NOVEMBRE 2012 AU 24 FÉVRIER 2013 http://mrac.languedocroussillon.fr Ouvert du mardi au vendredi de 10h à 18h le week-end de 13h à 18h Fermé le lundi et les jours fériés 57 Laurent Le Deunff par AlexAndre FRAC Basse-Normandie, Caen, du 6 juillet au 23 septembre 2012 Camille Paulhan –

L’exposition personnelle de Laurent Le dA CunhA Deunff au FRAC Basse-Normandie aura, sans vernissAge 5.10.12 doute, de quoi en surprendre plus d’un. Ceux qui attendaient au tournant ses dessins vapo- exposition 6.10—30.12.12 reux d’accouplements animaliers et ses sculp- le grAnd CAfe · Centre d’Art ContemporAin tures détournant des matériaux précieux (quartz, albâtre…) en objets volontairement rudimentaires seront déçus. On oserait même dire, au sens où pouvait l’entendre Gérard Gasiorowski dans sa série du même nom, que Place des Quatre z’Horloges. 44600 Saint-Nazaire l’exposition de l’artiste a valeur de « régres- www.grandcafe-saintnazaire.fr · t. +33 (0)2 44 73 44 00 sion ». Pour celle-ci, Laurent Le Deunff a choisi Tous les jours, sauf lundis et jours fériés de 14:00 à 19:00 une économie de moyens frappante : une seule les mercredis de 11:00 à 19:00. Entrée libre pratique, la sculpture par assemblage, un seul médium, le papier mâché, et une seule teinte s’accordant quelques légers écarts, le gris. Utilisant un matériau inexorablement lié à Co - commissariat de Zoë GRAY et Sophie LEGRANDJACQUES des souvenirs de confection de masques ou de cadeaux de fête des mères, Laurent Le Deunff l’a délibérément laissé à l’état brut, non verni, non peint. Malgré la présence, çà et là, de da cunha.indd 1 04/08/12 11:19 quelques petites touches roses (provenant d’un matériau bien commun dont on taira le nom Biennale de Belleville 2012 par bienséance) ou orangées, l’ensemble des galerie melanieRio œuvres évoque un univers pour le moins miné- 56, rue de la Fontaine au Roi ral, renforcé par l’utilisation de ciment en leur Paris 11e sein. Mais c’est encore et toujours de l’animal, sujet cher à l’artiste, dont il est ici question : divers coquillages, une galerie de taupe et des trompes d’éléphant constituent cette exposi- Electroshield, projet / réplique tion que l’on pourrait croire à première vue hétéroclite. Les trois motifs ont cependant en commun le fait de n’être qu’une image de BENOÎT-MARIE MORICEAU l’animal parti, évanoui ou encore mutilé : la en collaboration avec BAT editions taupe désorientée qui aura tenté de creuser Laurent Le Deunff COMMIssARIAT ETIENNE BERNARD des dizaines de taupinières au gré d’une déam- Matelas doré, 2012. En arrière-plan : Nœud de trompe 5, 2012. bulation erratique s’est enfuie par un des accès, Photo : Marc Domage. les mollusques ont quitté le nid et laissent der- Vernissage le 15 septembre 2012 rière eux leurs coquilles vides et les trompes d’éléphant semblent avoir été arrachées, telles Exposition du 19 septembre au 21 octobre 2012 de précieuses défenses, à leurs propriétaires. eux très éloignés des ormeaux nacrés ornant ne vient que corroborer ces réflexions. Ce que du mercredi au samedi de 15h à 19h Mais le trophée de chasse se fait impuis- les dessus de cheminée, et leur aspect rugueux l’on pourrait prendre de loin pour des lingots sant : au mur, les trompes d’éléphant, loin de incite à les imaginer recouverts de berniques d’or disposés méticuleusement les uns à côté se dresser fièrement, ramollissent au point de et autres lichens. Leur taille monstrueuse en des autres révèle au second coup d’œil un pouvoir se lier en d’improbables nœuds ma- regard des trompes qui les côtoient pourrait motif déjà présent dans l’iconographie de l’ar- rins. Les entrelacs des trompes rappellent les presque les rapprocher des nombreuses sculp- tiste, le matelas. Mais miniaturisé, et recouvert serpentins de sable que produisent sur les tures conçues par Laurent Le Deunff pour être de feuilles d’or, il prend ici l’apparence d’une bords de mer les arénicoles, espèce que l’on exposées en plein air. Las ! Leur composition, stèle funéraire. aurait d’ordinaire du mal à relier à la supposée malgré la solidité du ciment venant fortifier Matelas de plage, retour à la terre, safari à galerie melanieRio, puissance de l’éléphant. Les sculptures faites leur structure, semble être constamment sur dos d’éléphant, ramassage de coquillages sur le 56, rue de la Fontaine au Roi, Paris 11e de ces nœuds entremêlés semblent récrire le point de s’effriter. sable… Autant d’images légères des vacances 34, bd Guist’hau, 44000 Nantes melanie rio erwann le gars l’histoire de l’enfant d’éléphant (d’une insa- De fait, l’exposition ne parle que d’un objet distillées par les agences de voyage, et que

galerie www.rgalerie.com [email protected] / 0033 6 81 60 51 86 [email protected] / 0033 6 87 34 46 51 tiable curiosité) qui n’aurait cette fois-ci pas insaisissable, disparu, et dont ne resteraient Laurent Le Deunff se plaît à savamment ruiner réussi à résister au crocodile du conte de que quelques traces sous l’aspect de vestiges dans une exposition d’été plus qu’inquiète. Rudyard Kipling, et lui aurait laissé son pré- mélancoliques. Même l’ultime œuvre, posée cieux organe. Les coquillages semblent quant à au sol sur le parquet, là où on pourrait l’oublier, –

Review 1 58 59 Luca Francesconi Manifesta 9 par par Echo of the Moon Aude Launay Biennale européenne d’art contemporain François Aubart

Musée Beurnier-Rossel, Montbéliard, du 30 mars au 26 août 2012 – Genk, Belgique, du 2 juin au 30 septembre 2012 – CRAC Alsace, Altkirch, du 15 juin au 16 septembre 2012

Luca Francesconi Vases, 2012. Vue de l'exposition « Echo of the Moon » au Musée d'Art et d'Histoire de Montbéliard. Photo : Samuel Carnovali.

Il met en évidence « la relativité de la percep- Pour sa neuvième édition, Manifesta s’ins- tion que nous avons des choses : on ne peut fina- talle à Genk, dans l’ancien site d’exploitation lement les observer et les penser que les unes par minière André Dumont abandonné depuis la rapport aux autres. » 1 En effet, la Lune ne brille cessation de son activité en 1987. L’exposition pas directement mais reflète les rayons du soleil se déroule dans les trois étages du bâtiment et la lumière réfléchie par la surface de la Terre. en autant de parties chapitrées. En fait, ce Et si « la lumière et son contraire constituent contexte et son histoire servent littéralement la partie tangible, empirique du temps » 2, c’est de socle au projet. On trouve en effet au au Musée Beurnier-Rossel que cette phrase de premier étage une compilation de différents Francesconi prend tout son sens. Tous les objets documents sur la vie dans les mines. Des tapis réunis là évoquent la transparence : la sphère de de prière turcs importés par la première généra- cristal de roche, la chemise de soie qui laisse voir tion d’immigrants, une collection de livrets une mue de serpent suspendue sous son voile, d’ouvriers, des broderies. Tous ces objets la table en verre sur laquelle viennent se friper forment le portrait d’une masse glorieuse et des agrumes et s’effriter des os de seiche… La anonyme à l’image des petites sculptures de lumière est intense, presque aveuglante, combi- Manuel Duràn, ancien mineur qui compose nant tubes fluorescents et francs rayons de soleil. une foule de portraits de petite taille sur diffé- Et c’est en pénétrant dans la dernière salle que rents matériaux de récupération. C’est cette nous sommes littéralement saisis par la force de foule grouillante que l’on retrouve dans les l’œuvre de l’Italien qui achève alors de nous fiches de police exhumées pour la première fois convaincre. La lumière est presque devenue ici et dans les documentaires sur les grèves en concrète, entrant largement par les fenêtres aux Belgique. Une foule qui se donne comme une Mikhail Karikis & Uriel Orlow vitres claires et jouant avec les parties colorées masse sans identité, véritable moteur de cette Sounds from Beneath, 2010-11. Capture vidéo. Luca Francesconi est, pourrait-on dire, un à mesure que nous les parcourons de la lumière des vitraux, se projetant au sol et sur les murs, se société industrielle. http://catalog.manifesta9.org/en/karikis-mikhail-uriel-orlow/ artiste sans œuvres car, comme il le dit lui-même, naturelle à la sombreur, de suivre le cours de reflétant, se réfractant, faisant briller les quatre Après ce brainstorming géant sur le dans ses expositions, il montre « des objets, pas l’évolution d’une journée. L’on y rencontre un vases de verre vides disposés sur un carré de contexte, viennent, au deuxième étage, les des œuvres d’art ». Tout son travail s’articule au- coquillage nacré incrusté dans un mur, une bâche plastique transparente qui ne fait qu’en œuvres historiques. Là, c’est le charbon qui tour de la mise en scène de ces objets, de la com- pierre grise présentant un étrange cercle blanc, amplifier l’éclat. La poudre de nacre déposée sur tient le premier rôle. Et c’est probablement la les mutations du capitalisme à notre ère post- Headles Ltd. Mais malgré ce travail et quelques position de sortes de natures mortes à la façon quelques figures humaines avec de petits cailloux certains des vases fait surgir des coruscations et la partie la plus illustrative de cette exposition, en industrielle. Significativement, elle s’ouvre rares autres tentatives d’exploration des carac- des petits arrangements de souvenirs que l’on pour tête et des manches de chemises enfilées physique rejoint la métaphysique dans un même tout cas sans grande surprise. On y trouve la sur une installation monumentale de l’artiste téristiques de notre économie globalisée, on peut faire chez soi, sur le coin de son bureau ou sur des tiges d’acier pour corps aérien, puis plus mouvement, celui d’un rayon de soleil. C’est re-création par Raoul Ubac du fameux plafond chinois Ni Haifengá : une montagne de plu- reste bien souvent à un niveau illustratif et le dessus de sa cheminée avec des coquillages, loin, de petites coloquintes aux formes biscor- comme si ce flamboiement avait, en un souffle, de sacs de charbon réalisé par Marcel Duchamp sieurs tonnes de morceaux de tissus mis au littéral qui reformule le même motif né de des feuilles d’automne, des plumes ramassées nues, des vases de terre cuite aux formes simi- décidé de la disposition de tous les éléments pré- pour l’exposition internationale du surréalisme rebut assemblés au cours de l’exposition en l’ère industrielle. dans l’herbe… Les objets manufacturés se laires contenant des épis de blé, des pavots et des sents dans l’exposition, tandis que dans un coin et des installations de Richard Long, Bernar une seule grande pièce. Sans grand intérêt, mêlent aux matières naturelles : verre et soie, hortensias secs. Alliant artisanat, cucurbitacées pour l’instant réfractaire au chatoiement des Venet, David Hammons ou Marcel Broodthaers. cette œuvre reproduit le même motif d’une – néons et fleurs séchées, plastique et marbre, etc. sculpturales et faisant avec ses fleurs séchées vitraux, à même le parquet, des feuilles d’horten- Le charbon se fait motif donc et cette nouvelle masse unie par le travail que l’on retrouve dans Sa double exposition dans l’Est de la France émergeant harmonieusement des céramiques sias fanées, sans doute balayées là en petit tas, énergie est encadrée, là encore, d’une masse cette partie de l’exposition, ou plutôt que l’on témoigne de cet intérêt pour la dualité des un clin d’œil à l’ikebana, Vases (2012) compose concluent la part solaire d’« Echo of the Moon ». qui se décline sous différentes figures : mécani- voit disparaître, comme dans la magnifique choses : à Montbéliard, il signe un display nimbé une vanité aux accents champêtres qui, par sa Métaphoriquement, l’on pourrait se laisser sée dans une superbe sélection de films « docu- vidéo de Mikhail Karikis et Uriel Orlow qui de lumière tandis qu’à Altkirch ses compositions référence à une tradition séculaire encore vivace aller à imaginer que le phénomène responsable modernistes » des années trente, révoltée dans recompose une musique à partir des chants de se dévoilent dans une obscurité travaillée. « Echo déjoue le memento mori que l’on aurait attendu de l’artification d’un objet banal serait semblable la reconstitution par Jeremy Deller et Mike mineurs anglais et fait résonner la mélancolie of the Moon » est ainsi une exposition troublante ici. De tous ces objets prélevés ici et là – pour à un rayon lumineux venant le transfigurer. Figgis de la bataille qui opposa, en 1987, de la disparition de la classe laborieuse que l’on qui, sous ses airs de ne presque pas en être une nombre d’entre eux, sur les rives du Pô non loin – les mineurs en grève et les forces de l’ordre trouve un peu partout à cet étage. tant le vide y est présent, tant les objets qui y sont duquel il réside – et qu’il considère avec l’intérêt 1. Sophie Kaplan et Aurélie Voltz, « Quelques réflexions à Orgreave, puis, finalement, morte dans Ceux qui sondent véritablement les parti- présentés semblent au premier abord avoir été d’un ethnographe, Luca Francesconi propose sur le travail et l’exposition duelle de Luca Francesconi », Les registres du Grand-Hornu de Christian cularités économiques de notre époque décou- Echo of the Moon, catalogue de l’exposition éponyme. abandonnés là, sonde la notion même d’exposi- une lecture poétique nourrie d’un intérêt pour la 2. Luca Francesconi, « Echo of the Moon », op.cit. Boltanski, un mur de boîtes métalliques por- vrent une autre disparition, celle de la figure de tion. Les salles du CRAC Alsace qui lui sont dé- physique, la biologie, la philosophie et la magie Commissaires : Sophie Kaplan, directrice du CRAC Alsace tant les noms des ouvriers de cette mine. l’exploitant qui ne cesse de se dérober dans la volues sont en effet plongées dans une pénombre mais aussi par l’observation attentive du cycle et Aurélie Voltz, directrice des Musées de Montbéliard. Enfin le troisième étage se présente comme quête fictionnelle menée par Goldin+Senneby plus ou moins appuyée qui donne l’impression, des jours et des saisons. une réflexion sur les changements engagés par pour remonter la piste de la bien nommée

Review 2 Review 3 60 61 Vincent Lamouroux Grégory et Cyril Chapuisat par par Néguentropie Pauline Mari Métamorphose d’impact #2 Alexandrine Dhainaut

Abbaye de Maubuisson, Saint-Ouen-l’Aumône, du 4 juillet au 19 novembre 2012 – Life, Saint-Nazaire, du 15 juin au 2 septembre 2012 –

extrémité. Un tel symbole achève de projeter le Découvrir une œuvre des frères Chapuisat, visiteur dans des temps immémoriaux, effet du c’est faire l’épreuve de son propre corps, de ses paysage de ruines « virtuelles » de l’exposition. propres sens, si l’on veut bien ou peut, selon Que serait devenue l’abbaye de Maubuisson si ses capacités physiques, se prêter au jeu. la pierre n’avait pas été traitée ? Rien que du Concepteurs-bâtisseurs de grotte, de belvédère, sable. Et pour cause, celui-là provient des car- de tour gigantesque ou de labyrinthe, souvent rières de Saint-Pierre-lès-Nemours, à proximité construits à partir de matériaux simples comme de Fontainebleau. le bois ou le carton, les artistes suisses ravissent Pourtant, en vertu du registre smithsonien, par l’approche empirique de leur travail, entre Lamouroux réussit à exprimer l’exact contraire sculpture et architecture, autant qu’ils effraient du sculpteur américain. Là où Smithson se par une dimension parfois coercitive de leurs réclamait de l’« entropie », loi de la désorgani installations (claustrophobes et nyctophobes, sation progressive, Lamouroux, au contraire, s’abstenir). En effet, les visiteurs sont invités à illustre le principe de « néguentropie ». ramper, à grimper, à se faufiler entre les parois Le terme a été forgé par Léon Brillouin en souvent exiguës de leurs installations réalisées 1959 dans Science et théorie de l’information. in situ, sollicitant autant la vue que le toucher Il est la contraction de negative-entropy, thèse ou l’ouïe. À l’image d’Hyperespace (2005), qui défend la présence de l’ordre à l’intérieur tunnels en carton à expérimenter dans le noir, des êtres vivants. Dès lors, il faut voir dans la Métamorphose d’impact #2, présentée au coquille non plus le fossile, mais un schème Life de Saint-Nazaire et réalisée dans le cadre de perfection rivalisant avec le répertoire gra- d’Estuaire 2012, s’appréhende dans la semi- phique cistercien. Accepter que l’informe et obscurité. Un sas introductif à la lumière noire Vincent Lamouroux le construit relèvent de la même chaîne orga- permet à nos pupilles de se préparer à la vision Exposition Néguentropie, sculpture de sable, salle des religieuses, 2012. nique, sachant que le premier est le stade origi- nocturne, puis l’on nous guide jusqu’à la salle © Photo : Louise Briskmann. Courtesy Vincent Lamouroux. nel (ou le destin) de l’autre. La répartition du d’exposition sans souffler mot de ce qui s’y Les Frères Chapuisat sable a d’ailleurs été modélisée pour ressem- trame. Dès les premiers mètres, la perception Métamorphose d’impact #2, bler aux murs érodés de l’abbaye. Mais comme est à ce point troublée qu’on hésite à avancer, LiFE - Saint-Nazaire, 2012. Photo : Marc Domage chaque passage supprime ces aspérités et une bande-son diffusée en continu et composée L’exposition « Néguentropie » à l’abbaye de hension haptique de l’espace. Dans ce nowhere donne au sable un aspect lisse et vierge, c’est la uniquement d’infrabasses participe d’une an- Maubuisson marque en apparence un tournant sans coordonnées, le percept est rendu à ses trace des pas qui disparaît, illusion anti-entro- goisse naissante. dans le parcours de Vincent Lamouroux : fondamentaux kinesthésiques. Le spectateur, pique par excellence. Smithson n’y avait pas Une masse noire se profile dans le vaste là. Dans ce cratère inversé semblent vibrer l’on pense voir ou s’il s’agit d’images fantômes. jusqu’ici, le patrimoine religieux lui avait plutôt encouragé par des souvenirs régressifs, peut pensé lorsqu’il écrivait, en 1967, dans « Une espace d’exposition, mais où exactement ? De encore davantage les infrabasses, se concentrer C’est cet instant de doute quant au réel qui les inspiré des structures ascensionnelles issues du se déplacer à sa guise. Monter, se coucher, se visite aux monuments de Passaic » : « Imaginez quelle taille ? À quelle distance ? Difficile à dire. l’énergie, en attestent les crépitements du intéresse, « ce moment magique où la vision se roller coaster américain. lever, errer. le bac à sable divisé en deux, avec du sable noir Puisque nos yeux font défaut, du moins pour le papier. Une fois sorti de cette matrice, l’expé- met à vibrer »�1, autant que la découverte de la En 2007, dans la Chapelle Jeanne d’Arc à Sans doute, ces dénivellements sont à ins- d’un côté et du sable blanc de l’autre. Prenons moment, le corps prend alors le relais. On se rience ne s’arrête pas là, car Métamorphose forme finie, nouvelle prouesse du binôme. Thouars, son Héliscope à gravir – un axe héli- crire dans la filiation de Sol (2002) qui, déjà, un enfant et faisons-le courir […] ensuite, fai- déplace à pas de loup et la main fait office de d’impact #2 se révèle dans la lenteur pour don- Île volcanique renversée, cumulonimbus coïdal incliné de dix degrés par rapport à la ver- trompait le spectateur avec l’idée d’un plan- sons-le courir dans le sens inverse, le résultat pare-chocs. Première prise de contact : une ner lieu à un vertige à retardement : nos yeux, vrombissant présageant d’un orage imminent, ticale – obligeait le grimpeur à resituer constam- cher mou, non loin de l’imaginaire science- ne sera cependant pas une restauration de la vaste structure de bois semble pousser vers le désormais habitués à l’obscurité, découvrent coque d’un vaisseau fantôme en suspension ment son centre de gravité. En 2011, à l’Abbaye fictionnel des sables mouvants. En art contem- division d’origine mais un degré de gris plus sol en un point unique et se concentrer en un peu à peu une sculpture monumentale prolifé- (en résonance avec l’histoire du lieu, une an- de Fontevraud, un arsenal de sinusoïdales en porain, de tels fantasmes ont été approchés de intense et un accroissement de l’entropie. » petit halo de lumière rouge, douce et éthérée. rante, composée de formes géométriques imbri- cienne base sous-marine), l’installation en trois bois dit Belvedère(s) reconduisait, sur le mode près, comme en 2009, à la Biennale de Venise, Bien que « Néguentropie » n’atteigne pas La vue reprend peu à peu du poil de la bête quées, qui s’étend sur la quasi-totalité du temps fait fonctionner l’imaginaire à plein du gigantisme, cette expérience de l’instabilité où le Palazzo Papadopoli du pavillon ukrainien le grandiose des installations précédentes, c’est mais c’est encore le corps qui est sollicité. En plafond du Life, vaste greffe suspendue de régime et soustrait un instant au monde dans la marche. À Maubuisson, rien ne vient avait été envahi par plusieurs tonnes de sable, avec ce genre de subtilités que Lamouroux spéléologue improvisé, il faut découvrir le pot vingt-neuf tonnes. Voilà dans quoi nous avons extérieur pour mieux nous illuminer. Un pur plus perturber aucun système géométrique. sur une idée de Illya Chichkan et de Mihara parvient à enrichir sa réflexion sur la phénomé- aux roses en rampant, en se contorsionnant mis les pieds… et le reste du corps. moment d’extase. Pour activer un processus déambulatoire, Yasuhiro. Construit au bord du Grand Canal, le nologie et la réversibilité. jusqu’à l’entrée d’un trou d’où la lumière est Les Chapuisat aiment à jouer sur l’ambiva- – Vincent Lamouroux s’est référé à l’autre grande palais ranimait le souvenir de l’Atlantide, la cité émise et y pénétrer. Une fois à l’intérieur, on lence des choses. Ici, l’excédent de matière 1. Entretien des frères Chapuisat par Olivier Kaeser occurrence du Land Art : l’informel. engloutie. De même, Earthwork de Walter De – se tient debout et l’expérience est à son qui s’étale sur dix-sept mètres de long et sa et Jean-Paul Felley, in « Planète Chapuisat », revue Le Phare n˚9 , Centre Cuturel Suisse, sept.-déc. 2011. Parmi les trois salles de l’abbaye investies Maria, présenté à la Heiner Friedrich Galerie paroxysme : au-dessus de notre tête se laisse réalité pondérale contredisent l’impression de par l’installation, deux d’entre elles ont été en 1968, aurait pu s’imposer comme l’un découvrir une cavité orangeoyante, recouverte flottement des débuts nyctalopes ; l’envers remplies de sable, de façon à enterrer une des antécédents de « Néguentropie » si l’artiste de papier doré et froissé, donnant une texture et l’endroit se confondent ; l’aspect brut du partie des colonnes et à recouvrir par intermit- avait levé l’interdit de pouvoir arpenter la terre. accidentée, quasi minérale à la matière synthé- dehors tranche avec la préciosité du dedans ; tence le dallage à glaçure du sol. La contrainte, En fait, l’installation de Lamouroux renoue tique, proche de l’intérieur d’une améthyste, le gigantisme escamote le minuscule, etc. qui était l’apanage des œuvres pseudo-modu- davantage avec l’univers de Robert Smithson. qui s’illumine à notre entrée. Véritable épi Métamorphose d’impact #2 repose aussi sur laires de Lamouroux, a donc cédé à l’inertie. La salle du parloir accueille une monumentale phanie de l’installation, cette anfractuosité dé- le trouble entre le réel et le perçu. Durant Comme chez Carl Andre, il reste encore à la sculpture en carton et plâtre à l’image d’une clenche un choc visuel d’autant plus fort que les premières secondes dans ce vaste espace « sculpture » le pouvoir de favoriser une appré- coquille d’escargot fossilisée et effritée à son nous étions maintenus dans les ténèbres jusque- obscur, on ignore si l’on voit vraiment ce que

Review 4 Review 5 62 63 Trisha Baga Jessica Stockholder par par World Peace Claire Staebler Hollow places court in ash-tree wood Alexandrine Dhainaut

Kunstverein, Munich, du 28 avril au 17 juin 2012 – École nationale supérieure d’Architecture de Nantes, galerie Loire – du 15 juin au 2 septembre 2012

Trisha Baga L’artiste américaine Jessica Stockholder réa- Hard Rock, 2012. lise depuis les années quatre-vingt des sculptures Vidéo 3D, lunettes 3D, objets divers, 7’58". et installations formalistes, monumentales ou de Dimensions variables. Courtesy Vilma Gold, London. petite taille, issues de matériaux de récupération, « immédiatement disponibles et le moins cher possible » 1 (meubles, objets en plastique, électro- ménager, etc.), qu’elle assemble, superpose, ment sur des cartons, peintures, baskets, boule recouvre de peinture ou de tissus, faisant du réel disco, micro-sculptures et installations formant une vaste abstraction. Non sans rappeler les un paysage et projetant leurs ombres sur la Combines de Rauschenberg, le chaos organisé vidéo, figurant ici une tour, là un personnage. de matières, formes et couleurs de Stockholder L’espace d’exposition devient littéralement s’inscrit toujours dans l’espace dans lequel il est l’extension du bureau de l’ordinateur ouvert exposé. Ses œuvres, souvent décrites comme sur différents programmes, le mur, une surface des « paintings in space », sont pensées à la fois de jeu augmentée dans laquelle la lucarne en termes d’équilibre, de poids, de volume, Skype peut apparaître à tout moment. Quand propres à la sculpture et composées selon des elle ne performe pas elle-même, Trisha Baga critères de rythme, de surface, de tonalité observe comment les objets, par définition et complémentarité des couleurs propres à la inactifs, performent pour elle. Comment don- peinture. À travers l’agencement de matériaux ner du mouvement à ce qui est statique ? cheap issus du quotidien, l’artiste prolonge les La position du spectateur est également au réflexions de Schwitters ou du mouvement Dada Jessica Stockholder centre des préoccupations de la jeune artiste sur l’imbrication de l’art et de la vie, sur la notion Vue de l’exposition Hollow Places Court in Ash-Tree Wood. pour qui l’insertion des conditions de vision du de beauté et sur le conditionnement social, poli- Photo : Marc Domage. public est primordiale. L’expérience et le com- tique ou culturel de nos goûts. Dans son texte d’introduction de son atelier et sur le lieu de l’exposition, Trisha portement du visiteur sont considérés comme À l’occasion de son exposition à la galerie de Documenta 13, Carolyn Christov-Bakargiev Baga conçoit des dispositifs intuitifs et bricolés, un matériau dans son travail et relancent la l’École d’Architecture de Nantes dans le cadre analyse l’impact d’internet sur la production pop et sonores. Débarrassée de toute tentative question de l’art participatif face au développe- d’Estuaire 2012, Jessica Stockholder affiche un du bois qui la jouxte. Mais Stockholder prend ses compositions antérieures, le mordant de ses et la circulation des connaissances dans notre de narration, elle propose une expérience ment du web 2.0 et des réseaux sociaux qui changement radical dans sa pratique. Tout est toujours soin de créer des décalages entre les agencements, les vibrations de la couleur, bref ce société actuelle. Elle s’interroge sur la manière déconstruite et décousue d’immersion dans semble coller à cette génération d’artistes nés parti d’un arbre mort. Abattu pour cause de ma- formes redondantes, de ménager des espaces qui faisait de l’art de Stockholder un pur travail dont le numérique affecte le politique, l’éco son univers virtuel. au milieu des années quatre-vingt. Poursuivant ladie, le frêne en question qui trônait dans le parc vides entre les planches, pour donner à l’installa- plastique, détonnant et pétillant, fait ici un peu nomique et le social. Au cours des quinze Dès son arrivée dans l’exposition, le spec- son exploration de la consommation culturelle du Aldrich Museum (dans le Connecticut) fut tion une sorte de musicalité, défilant à la manière défaut. Exit l’exubérance habituelle, l’exposition dernières années, ajoute-t-elle, les ordinateurs tateur plonge dans Rain, une projection de de masse, Trisha Baga fait de Madonna la guest confié à la discrétion de l’artiste, qui décida de le d’un paysage. apparaît en demi-teintes, trop lisse, sans doute portables, iPads, iPhones, BlackBerrys ont mo- chute d’eau, en noir et blanc, accompagnée de star de World Peace, dont elle s’est d’ailleurs débiter en planches et de s’en servir comme sup- Ce double aspect continuité / discontinuité trop linéaire (impression renforcée par la décli- difié les rapports humains et notre relation à plusieurs bouteilles d’eau posées au seuil de inspirée pour le titre. Avec Body of evidence, port. Pour cette inconditionnelle des matériaux anime également les deux paravents en bois naison en planches), même si les discontinuités l’image et à l’information. Les smartphones ont l’escalier et dont les ombres projetées semblent la jeune américaine démontre par un dispositif synthétiques ou manufacturés et surtout concep- dont chaque battant se distingue par un traite- de l’accrochage ou les miroirs placés de-ci de-là contribué à relier les personnes de façon iné- dessiner une chorégraphie sur le mur. Plus loin, très élémentaire la position centrale de trice d’œuvres éphémères, c’est une évolution ment et une couleur spécifique, creusé ou non, viennent troubler l’ordonnancement des pièces dite, construisant des réseaux sur le modèle pour l’installation centrale Burning Up (2012), Madonna dans tous ses clips : en plaçant une plus que notoire. De ces tranches, elle réalisa peint intégralement ou non, à l’aide de couleurs en bois. Les éléments ne semblent plus « lutter des structures moléculaires à l’intérieur des- une foule d’objets négligemment posés au sol bouteille d’eau dans le champ du projecteur plusieurs pièces, dont une spécialement conçue vives ou sombres, superposées ou non, jouant pour coexister » 2 et former le chaos éclatant qui quelles les individus sont de plus en plus s’inscrit dans le champ du vidéoprojecteur diffusant une compilation de ses tubes, l’icône pour le projet nantais. Brut ou transformé, sus- entre le recto et le verso, les pleins et les vides de faisait encore, il y a quelques années, les beaux connectés et cependant de plus en plus isolés. lui-même tout juste sorti de sa boîte en carton. pop disparaît à l’ombre de la bouteille aux pendu ou posé à même le sol, sérigraphié, peint, la matière et orchestrant une joyeuse cacophonie jours du Musée des Beaux-arts de Nantes, avec Dans ce monde digitalisé et dématérialisé, que Les dispositifs de Trisha Baga jouent sur une proportions idéales. Si, pour Madonna, « Music recouvert de venilia ou creusé, le bois a offert à des formes. Dissonance que l’on retrouve aussi la remarquable installation vert et jaune Nit reste-t-il de réel ? Pour World Piece, sa pre- construction chaotique et apparemment impro- mixes the bourgeoisie and the rebel », avec Stockholder une variété de formes et de traite- dans l’œuvre spécialement conçue pour la gale- Picking Trumpets of Iced Blues Vagaries. En es- mière exposition personnelle dans une institu- visée, cherchant délibérément à créer cet état Trisha Baga, l’art sample et compile images ments qui ont donné lieu à un ensemble dyna- rie de l’École : suspendues au plafond par des pérant que le support pérenne ne soit pas un tion européenne, Trisha Baga, née en 1985 à de confusion entre l’achevé et l’inachevé. artificielles et fenêtres sur la vie réelle. mique et cohérent. D’autant plus cohérent dans chaînes, trois gigantesques planches entrecou- tournant dans la pratique de cette artiste, mais Venice (Floride) croise simultanément ou en Sommes-nous en train d’assister au montage – Hollow Places Fat Hollow Places Thin qu’elle pées d’un luminaire se dressent à quelques centi- plutôt un léger détour, une digression. différé plusieurs temps et plusieurs espaces : de l’exposition ? Avons-nous interrompu joue des rappels de couleurs et / ou de répéti- mètres du sol et trouvent à leur pied des miroirs – elle ouvre une série de fenêtres virtuelles dans quelque chose ? Projetées dans un angle, du sol tions de motifs : des planches sont alignées le convexes qui, lorsque l’on s’y penche, font oscil- 1. Entretien vidéo de Jessica Stockholder l’architecture de la Kunstverein de Munich, au plafond, les images de Burning up sont long des grandes baies vitrées et des murs de la ler le tout entre lévitation et enfouissement. Là avec Arielle Péllenc, réalisé lors de sa résidence à l’Atelier Calder en 1997. mêlant différentes sources d’images superpo- issues de différentes sources : youtube, séries galerie et déclinent des motifs sérigraphiés (issus encore, Stockholder confronte les matériaux et 2. Idem. sées à des objets. Prenant à parti l’espace du américaines, clips, publicités, documentaires de la culture indigène du Nord-Ouest des États- les techniques : bois / fer, ready-made / support Une exposition du Frac des Pays-de-la-Loire sur centre d’art, le plus grand qu’elle ait investi à animaliers, archives familiales. Par le biais d’un Unis qui a bercé son enfance) ou des lettres (qui brut, peinture / sérigraphie. Les formes sérigra- une invitation d’Estuaire Nantes / Saint-Nazaire 2012. ce jour, la jeune artiste américaine présente logiciel type Photoshop ou Sketch, graphisme restent l’énigme de ces pièces) ; le rectangle bleu phiées sont ici abstraites, orthogonales, et leurs Commissariat : Laurence Gateau, directrice du Frac. plusieurs installations dans la continuité de ses et texte sont insérés en direct sur ce collage ciel qui sert d’arrière-plan à l’imagerie indigène a couleurs ont été choisies en fonction de l’envi- récents projets, de Plymouth Rock (2012) à d’images, donnant au spectateur le sentiment été repris seul sur un mur ; une forme abstraite ronnement proche de la galerie, nous dit-on. Pas Hard Rock (2012). À l’aide de quelques vidéo- de voir se construire la vidéo sous ses yeux. Les rouge, unique intervention de l’artiste sur une forcément convaincant. Ni l’ensemble des pièces projecteurs, d’objets personnels collectés dans images sont projetées sur le mur mais égale- planche isolée, entre en résonance avec l’aspérité d’ailleurs. Car il faut bien le dire, la rugosité de

Review 6 Review 7 64 Playgrounds par Lieu Unique, Nantes, du 15 juin au 19 août 2012 Patrice Joly –

teurs-joueurs doivent désormais loger une balle dans le trou pratiqué au sommet de la rotondité centrale qui tient lieu de terrain ; il ne s’agit donc plus d’opposer binairement et musculaire- ment deux équipes mais plutôt de faire preuve de patience et d’adresse et d’alterner les phases de jeu avec les phases d’attente. Altères du collectif Block se situe au niveau de l’expé- rience de physique amusante du musée de la découverte ; les autres jeux, pour la plupart, sont des mixtes de jeux existants qui ne font qu’adapter au contexte d’autres jeux ou en mixer plusieurs. Le Gogol(f), notamment, est relativement pauvre dans sa réalisation et, surtout, il n’arrive pas à la hauteur de ce qu’avait déjà produit il y a quelques années François Curlet pour le centre d’art de Château-Gontier. Une autre difficulté à l’appréhension de la proposition tient au fait que cette dernière se situe à la fois dans une espace clos (le lieu unique) et dans divers endroits de la ville où elle côtoie des projets initiés par Le Voyage à Bantoosh, collectif Fichtre (Nantes). Nantes, avec les mêmes architectes ! La possibi- lité offerte aux commissaires de pouvoir investir des lieux qui généralement assurent des fonc- tions de représentation de l’autorité républi- Littéralement cour de récréation en anglais, plutôt intéressants (le terrain de Banaball par caine ou tout simplement sont des lieux de le projet « Playgrounds » affiche sans ambages exemple se situe sur le toit de l’école d’architec- fierté architecturale locale ne débouche sur ses prétentions : transformer les divers lieux ture qui offre un panorama à 360 degrés sur le aucune réflexion durable sur les rapports entre qu’il envisage d’investir en autant de terrains de centre ville et la Loire). Si le communiqué de urbanisme, mécanisme de la représentation jeux. Manifestation réalisée sous la houlette de presse met l’accent sur le côté blagueur : se collective et processus de la commande pu- Patricia Buck, responsable des expositions au payer le toupet de ringardiser le scénario britan- blique, par exemple. Alors que la tendance lieu unique et de Rafaël Magrou, architecte et nique en lui opposant une alternative frenchy de l’« art contemporain » à vouloir s’implanter critique d’architecture, le projet ne s’embar- fair play (pas sûr cependant que l’événement sur l’espace public s’affirme de plus en plus et rasse pas trop de subtilités langagières : comme nantais fasse la moindre ombre au tableau de témoigne de la volonté des promoteurs de ces le communiqué de presse le dit expressément chasse journalistique de l’événement londo- projets de reconstruire de nouvelles monumen- « Si Paris a perdu les JO en 2012, Nantes orga- nien), « Playgrounds » laisse de côté (volontaire- talités, il est dommage qu’une telle initiative ne nise cet été ses propres jeux : “Playgrounds”. » ment ou non) l’intérêt principal de cette mani- donne pas plus lieu à de réels débats sur la Argument de vente imparable : comment sur- festation qui est en premier lieu de mettre en forme d’une ville, sur les devenirs et les enjeux monter la claque de l’échec de la candidature lumière les prédispositions « naturelles » du architecturaux qu’elle met en branle, même si de Paris aux JO et rivaliser avec l’événement sport à vouloir canaliser des conduites sponta- en surface, il ne s’agit a priori que de distraire la communicationnel number one qui va envahir nées en des formes récurrentes (les règles du population… À moins que ce ne soit ça le vrai tout l’été vos tablettes et autres smartphones ? jeu…). Pour ce qui est d’interroger le sens et problème ? Simplement en amenant une contre-proposi- la fonction des jeux à travers ses dispositifs – tion « décalée », autrement dit, pour détailler la mêmes, les résultats sont assez inégaux et 1. Cf. article de Rozenn Canevet, 02 n˚55. proposition, en confiant à des équipes d’archi- loin de rivaliser avec une exposition comme www.zerodeux.fr/reviews/aires-de-jeux-contre- emplacement-a-micro-onde-velizy-villacoublay-aire- tectes le soin d’inventer et de réaliser de nou- « Aires de jeux », au centre d’art Micro Onde à de-jeux-la-police-ou-les-corsaires-a-quartier-quimper/ veaux jeux – soit des hybrides de jeux existants, Vélizy-Villacoublay, qui arrivait sans peine à arti- Commissaires : Patricia Buck et Rafaël Magrou. soit des inventions pures, soit encore de vrais- culer réalisations formelles associant artistes Avec les architectes : a/LTA, Pierre Audat + Laure Dezeuze faux jeux consistant à rentrer un peu dans ce et designers et problématisations conceptuelles architectes, Clément Bâcle & Ludovic Ducasse, Block, le collectif FARO, Fichtre, Métalobil, Projectiles 1 qui fait le sens profond du sport – et de les sans tomber dans le ludo-participatif . La propo- et Jean-Benoit Vétillard. disperser dans divers endroits stratégiques de sition de Fichtre est certainement la plus inté- la ville : le toit de l’école d’architecture, le lieu ressante puisqu’elle reprend la forme-enceinte unique, la place Royale… c’est-à-dire pour la générique du stade qu’elle redimensionne plupart, des lieux très fréquentés, centraux ou intelligemment pour la transformer en un banc qui représentent des points de vue sur la ville volumineux (et bien ouvragé) où les specta-

Review 8