Denys Blacker Arte Contemporáneo y Exploraciones Performáticas de la Muerte y la Mortalidad
En esta unidad exploraremos la muerte y la mortalidad en relación con el arte de performance. Voy a ofrecer una introducción a este lenguaje artístico explícitamente corporal que utiliza el cuerpo como estimulo, contexto, forma y lugar del trabajo para abordar las experiencias humanas mas profundas, marginales y transgresoras.1
El territorio del arte de Performance Art es indefinible o, en el mejor de los casos, difícil de categorizar por su diversidad de formas de hacer, pero artistas y teóricos coinciden en reconocer que hay tres simples características que son comunes; el tiempo, el espacio y la presencia. A lo que podemos añadir – la relación entre artista y público.
Artistas de performance toman el verdadero riesgo de ‘aparecer’ corporalmente en el mundo, no solo para exponer sus preocupaciones y inquietudes, pero también para cuestionar los limites de las normas sociales establecidas por ejemplo con preguntas incomodas: ¿como se debemos o se puede comportarse en el espacio publico? o ¿quien debe vivir o morir.? 2
Por lo que respecta a la muerte y morir, las obras que ahora veremos son viscerales, arriesgadas, polémicas, provocativas y apelan por igual a las emociones y el intelecto. También estimulan reacciones y preguntas profundas sobre nuestra existencia y nuestra relación con la muerte. No voy a analizar a todas las obras mas bien quiero que se dejen adentrar en el imaginario de cada artista para sentir desde el cuerpo y la intuición las sensaciones y pensamientos que surgen cuando lo miramos.
A través de las obras de arte de performance acercaremos la muerte desde diferentes perspectivas; 1. El desafío de la muerte por parte del artista, con acciones que ponen en peligro su propia vida. 2. La contemplación de la muerte, como aceptar la mortalidad y la contemplación de la transitoriedad o la ‘impermanencia’.
1 Josephine Machon, ‘(Syn)Aesthetics and Immersive Theatres’, in Affective Performance and Cognitive Science: Body, Brain and Being, ed. by Nicola Shaughnessy (London and New York: Bloomsbury Methuen Drama, 2013), pp. 199–215 (p. 27). 2 Judith Butler, Notes Toward a Performative Theory of Assembly (Cambridge, Massachusetts and London: Harvard University Press, 2015). 3. Conmemorando los muertos, como se puede honorar y conmemorar a personas a nivel personal y en relación con los demás. 4. Las sincronicidades
La performance nos puede ofrecer nuevas maneras de abordar el duelo y la perdida en acciones transformadoras que alivian y dan sentido. También podemos dejarnos imaginar nuestras propias formas de imaginar en acción. 3
Desafiando la muerte
Voy a empezar hablando sobre las artistas que con su trabajo se pone en peligro. Desafíen la muerte para denunciar la violencia, para despertar la empatía o para enfrentarse con la indiferencia. Empezamos con la obra de una artista muy conocida, Yoko Ono:
Yoko Ono (1933, Japón) 4
En 1964, Ono realizó la performance Cut Piece por primera vez en Kioto. La performance empieza con Ono arrodillada en el suelo, con unas tijeras delante de ella. Se invita al publico a subir al escenario para cortarle un trozo de su ropa que se lo puede quedar. El publico se ve implicado en un acto de agresión potencial sobre el cuerpo de una mujer totalmente pasiva que le van desnudando.
Marina Abramovic (Serbia 1946)
Diez años mas tarde la conocida artista serbia Marina Abramovic, en su performance Rythm 0 (1974) hace algo parecido – presentándose ante el publico de pie, al lado de una mesa sobre lo cual ha colocado 72 objetos. Empieza la performance explicando al público que ella es objeto y invitando a que utilicen sobre ella los objetos en la mesa. Los objetos incluyen una rosa, miel, pan y uvas, pero también una pistola cargada, tijeras y un bisturí. Durante las seis horas que dura, los miembros del publico la llegan a cortar a su ropa y a su piel con el cuchillo y incluso una persona le acerca la pistola cargada a su cabeza. "Lo que aprendí fue que…si lo dejes al publico a decidir, te pueden matar… me sentí realmente violada: me cortaran la ropa, me pincharon con rosas y una
3 Denys Blacker, ‘Interconnection, Synchronicity and Consciousness in Improvised Performance Art Practices.’ (Northumbria University, 2019). 4 Alexandra Munroe, ‘Spirit of YES: The Art and Life of Yoko Ono’, in Y E S Yoko Ono, 2000, pp. 10–37. persona me apunto en la cabeza con la pistola y otra persona se lo quitó. Creó un ambiente agresivo. Después de 6 horas exactas me puse de pie y caminé hacia la gente. Todos huyeren, para escaparse de una confrontación real.”
En otra ocasión Abramovic se acerca a la muerte otra vez cuando realiza la performance Rhythm 5 (1974). Empieza la performance delante de una estrella formada con serrín empapada de gasolina, lo enciende y empieza a cortar sus uñas y su pelo, tirándolos sobre el fuego. Después se mete al centro de la estrella y se acuesta. El publico tarde un poco en darse cuenta de que ha perdido la consciencia por falta de oxigeno. Poco después el publico reacciona y la llevan al hospital.
Y en la obra Rest Energy (1980), Abramovic y su pareja Ulay están de pie, cara a cara. Ulay sostiene en sus manos a un arco cargado con una flecha. El arco este estirado al máximo y apuntando al corazón de Abramovic. Los dos llevan micrófonos en el corazón.5 Para cuatro minutos y medio se mantiene en esta posición tensa y realmente peligrosa y el público escucha como el ritmo de sus corazones aumenta. Si Ulay deja ir la flecha, Abramovic muere.
Chris Burden (EEUU, 1946-2015)
El artista american Chria Burden se enfrenta a la muerte en 1971 en su performance Shoot . Burden pide a un amigo suyo de dispara contra su brazo con un rifle calibre .22 mientras él se espera de pie con la espalda contra la pared de la galería de arte F Space en California. Esta obra se creó durante los últimos años de la guerra de Vietnam y Burden explica que buscaba sentir como uno se siente cuando le disparen.
El tiene una fascinación en ponerse en situaciones de peligro en obras de el que nos habla de la violencia que según el deja indiferente a un mundo desensibilizado y a que se quiere confrontar. En Transf- Fixed (1974), se auto-crucifica con clavos a la chapa de un Volkswagen y en la performance Velvet Water (1974) se sumerge la cabeza en agua una y otra vez, hasta perderse el conocimiento.
Abel Azcona (España, 1988)
5 https://www.moma.org/audio/playlist/243/3120 Recuperado el 12/09/20 El joven artista Abel Azcona, más de 40 años mas tarde que Abramovic, se enfrente a la indiferencia ante la violencia y el dolor de forma parecida con su performance La Muerte del Artista (2018). 6 En el vestíbulo del Círculo de Bellas Artes de Madrid, el artista invita por carta a las organizaciones, colectivos y entidades que le habían amenazado, denunciado, perseguido o agredido por razones ideológicos o religiosos. En la documentación de la performance vemos a Azcona en la escalera del vestíbulo. Delante de el, un arma de fuego esta suspendido sobre una suporte de plástico y apunta hacia el. El publico pueden acedar y usarlo si quieren. Azcona escribe que, en caso de su muerte, haría de su cuerpo su ultimo obra de arte.
Contemplando a la muerte
En las obras que miramos ahora, se puede ver como se puede abordar la muerte desde una perspectiva mas pacifico. Marilyn Arsem es una artista americana quien trabaja con procesos duracionales y contemplativos.
Marilyn Arsem (EEUU) 7
En su performance duracional, Ensayando a mi Futuro (2018), la artista americana sube en una mesa, se tumba de espaldas y se tapa con una manta lentamente uno y otra vez representando la acción de enterarse.
En otra obra suya Borde (2013)), se siente en una mesa desde las 4 de la tarde hasta las 11 de la noche, empujando lentamente dos vasos llenos de agua hacia el otro lado de la mesa, al final inevitablemente se caen los vasos al suelo rompiéndose. La comisaria Vela Phelan nota que central a este trabajo de Arsem es el tema del tiempo: Es un momento de existencia absoluta, donde uno recibe la vida y la muerte con igualdad y se encuentra fuera del cuerpo y fuera de las estructuras del tiempo’
En la performance duracional Undertow (Resaca de Mar) de 2005, Arsem habla del suicidio de su tía abuela, quien se ahogó en el océano. Arsem se mete en al agua en
6 https://abelazcona.art/lamuertedelartista/ recuperado 30/09/20 7 Liz Munsell and Edward Saywell, The Performance Art of Marilyn Arsem (Boston: Museum of Fine Arts Boston, 2016). la orilla del mar, las olas llevan su cuerpo arriba y abajo. Se enreda su cuerpo con las algas de mar. Y durante horas de deja ir con el movimiento del océano. Esta forma de derivar es según ella, ‘una forma de pensar con el cuerpo sobre la experiencia de perderse a uno mismo.
Honorata Martin (1984, Polonia)
Diez años mas tarde, en la performance Momento (2015) la artista polonesa Honorata Martin se adentra en el canal Radunia en Gdańsk. Lleva puesto una camisa de si amiga Emilia quien había muerto trágicamente. Se queda dentro del agua para cubrir todo el cuerpo y después quedarse un tiempo flotando. Ella explica que le interesa las emociones que acompañen a nuestras propias limites y miedos y la búsqueda de los limites de la fuerza psicológico, físico y emocional.
Araya Rasdjarmrearnsook (Thailand 1957)
Araya Rasdjarmrearnsook una artista tailandesa trabajó directamente con cadáveres en la obra titulada La Clase (2005), donde ofrece una clase para cuerpos sin vida en la morgue de Chiang Mai en el norte del país. El tema de su enseñanza es la muerte y mantiene una conversación con los cadáveres sobre las actitudes y creencias en relación con la muerte. El reconocimiento es central para los tailandeses para lo que seria una buena muerte y la voz del plañidero esencial, un acto de generosidad que acompaña al muerto en su viaje.8
En otra obra, Reading Ianow for One Female Corpse (2001) la artista recita a una mujer solitaria no reconocida, ni reclamada, yacida en la morgue. El texto es del Inau – muy conocido por el público tailandés. No es una lamentación tradicional sino una obra clásica del ciclo 18 que habla de un príncipe y su cortejo de tres mujeres. Contiene largos textos donde las mujeres expresen sus deseos y sus añoranzas sexuales. Históricamente las largas lamentaciones públicos central en los funerales de Tailandia. eran realizados por mujeres. Ahora son los monjes budistas que lo hacen, y el lamento de las mujeres, que ahora están relegadas al trabajo inviabilizado de vestir y preparar los cadáveres, se han silenciado. Rasdjarmrearnsook explica su visión diciendo;
8 Marsha Meskimmon Response and Responsibility: On the Cosmo-politics of Generosity in Contemporary Asian Art http://press-files.anu.edu.au/downloads/press/p298341/html/Text/ch06.xhtml?referer=147&page=11 Recuperado el 2/10/20 “En realidad. No se debería entender la vida y la muerte como opuestos. La gente intenta tratar con ello escondiéndolo. Se esconden detrás del ritual o esperen prevenirlo con medicinas. Quiero que la gente tenga mas imaginación para confrontarse con la realidad”. También es interesante saber que en Tailandia los budistas practiquen una meditación donde contemplan un cadáver durante días hasta su desintegración total. La intención es de darse cuenta de la transitoriedad de la vida.
Denys Blacker (Inglaterra, 1961) Ahora voy a presentar una obra mía, Separaciones presentado en las Jornadas de la Muerte y el Morir en Elche en 2010. La performance empieza con un vestido blanco tendido en el suelo en forma de ataúd que tiene 9 tiras largas de 9 m, de porcelana blanca adjuntas. Pido al publico que me ayuden ponérmelo y explico que durante la performance voy a ir girando mi cuerpo de manera que se vaya cubriendo con las tiras de porcelana. De la forma que se vayan acercando hacia el centro las participantes se tienen que dejar la tira y irse porque no les queda mas espacio. Se ponen en 9 líneas sosteniendo la cerámica y empiezo a girar, poco a poco me cubren de arriba abajo. En este momento pido que me ayuden a salir. En vez de hacerlo que acabamos de hacer en reverso, la gente empiecen a desenredarlo sin acordar un plan. Lo que costo 5 minutos en hacerse costó 45 minutos para deshacer.
Gina Pane (France, 1939-1990)
En 1974 la Artista Gina Pane realizó su performance Death Control (1974). La artista esta tumbada en el suelo, ojos cerrados, su cara cubierta de gusanos que están retorciéndose sobre su boca, sus ojos y su nariz, mientras que ella golpea el suelo con sus puños. A lado de ella se ve en dos monitores las imagines de una fiesta de niños cantando ‘cumpleaños feliz’. La performance fue transmitida en directo a otra sala a través de un monitor. Con su acción, Pane trata de reflexionar sobre la inevitabilidad de la muerte y también a la naturaleza cíclica de la existencia humana.
Conmemorando a los muertos
Ahora voy a hablar sobre la conmemoración de seres queridas y también de desconocidos, por ejemplo – victimas de guerra. Linda Montano (EEUU, 1942)
En 1977, el exmarido de la artista americana Linda Monta su murió de repente. En su obra Mitchell's Death (1977), ella intenta encontrar una forma de aceptar su muerte. En el video de la obra, vemos la cara de Montano, con ojos cerrados y lleno de agujas de acupuntura. Esta cantando de forma reminiscente de un mantra budista y nos esta cuenta todos los detalles de su experiencia de la muerte desde el momento en que recibió la llamada telefónica que la avisaba hasta llegar a presenciar el cuerpo sin vida de el.
Gordon Matta Clarke (EEUU, 1943-1978)
Matta Clarke era un arquitecto quien trabajaba en grandes obras monumentales con edificios enteros. Tenia un gemelo, Sebastián, con quien mantuvo una relación difícil. En 1976, Sebastián se suicidó arrojándose por la ventana del estudio de su hermano. Matta estaba destrozado y en su obra Descendiendo las escaleras para Batan (1977), conmemora a su gemelo creando la obra que consistía en hacer un agujero profundo en el suelo de la galería en Paris cortando una escalera hacia abajo pero a ninguna parte.
Karolina Jonderko (Polonia, 1985) La artista polonesa Karolina Jonderko en el año 2015, se fotografía en una serie de performance por camera en la serie Self Portrait with My Mother (2015) para procesar la muerte de su madre por cáncer. En las fotos la vemos vestida con la diferente trajes y ropa de su madre. El impulso de hacerlo explica le vino al encontrar un pelo de su madre sobre una prenda suya después de morir.
Wafaa Bilal (Iraq, 1966)
El artista iraquí, Wafaa Bilal en su performance And Counting…(2010) conmemora a su hermano, matado por un misil en su cuidad natal de Kufa en Iraq. Bilal vio que los centenares de miles de persona de iraquís muertos como su hermano, eran invisible para los americanos. En una performance en directo, se hizo tatuar un mapa de Irak sin fronteras en su espalda. Por cada victima de guerra iraquí o americano, se tatuó un punto: 5,000 solados americanos con 5,000 puntos rojos y 100,000 victimas iraquís en tinta ultravioleta verde, puntos solo visibles bajo una luz negra. Durante la performance se leyó el nombre de los muertos. El artista pidió al publico una donación de 1 dólar para dar becas a americanos y iraquís quienes habían perdido sus padres durante.
Elvira Santamaría (Méjico, 1967)
La artista mejicana Elvira Santamaría en su serie de trabajos titulado Parábolas de Desalojo y Regeneración (2014-16) nos acerca a la situación actual en México respecto a la violencia e injusticia y las situaciones postraumáticas. Ella realiza sus performances muchas veces en lugares donde ha habido mascares, asesinatos o situaciones traumáticos. Con la conmemoración de todas las victimas Santamaría entiende que la cura emocional o psíquica es un proceso, no un estado. Las relaciones que establece con personas desconocidas en el espacio publico muchas veces dan pie a que le expliquen sus propios perdidas y experiencias de violencia.
En la performance Parábola II- Ruta en Flor Urbano, Santamaría interactúa con la gente en el autobús que durante 12 horas sigue su ruta por barrios conflictivos en la Cuidad de Mejico.. Previamente ha tapiado el techo con claveles de color rosa.
En su serie de obras Corpología de la Resiliencia Performativa (2019-2020), Santamaría contempla el arte de performance como una forma de sanar a las personas y sociedades afectadas por la violencia. En los procesos creativos ve una forma de transformar el duelo. Ella explica, En este proyecto me interesa trabajar sobre lo que llamo el ‘duelo humanizador’: proceso creativo que busca promover un trabajo introspectivo activo que ayude a movilizar los recursos psíquicos del individuo, procesar el dolor que estanca el ánimo y reformular el entendimiento de uno mismo a
través de acciones simbólicas. 9
En una obra de la serie titulado La bandera de la Paz es muy Grande, hace volar a volar un plástico 3 x 12 m con la inscripción: Lucha Por la Paz. Ella nos cuenta que, El objetivo es hacerla elevarse verticalmente en el aire, lo que logro por unos segundos. Es difícil, muy difícil, pero se puede lograr, mientras más se practica. Por otro lado, el despliegue escultórico del plástico en el viento es meditativo y de gran belleza para quien lo intenta como yo. Tratar de lograr mi objetivo, significa entablar una danza o luchar exhaustiva con el viento. Así, levantar una
bandera de paz, equivale a un esfuerzo y compromiso con nosotros mismos. 10
9 https://www.elvirasantamariatorres.co.uk/corpologia-de-la-resiliencia-perf Santamaría dedica toda su obra con profundo respeto a los sobrevivientes de las barbaries humanas y al frente humano en contra de estas.
Concha Jerez (España, 1941)
La artista española Concha Jerez conmemora a su amiga en la performance Carta a una amiga robada: Maria Lluïsa Borràs (2010). Es una, en una serie de obras que Jerez ha dedicado a amigos y amigas suyas fallecidas y en esta acción dedicada a su amiga la critica de arte, María Lluïsa Borràs. Jerez empieza la performance sentada en una mesa escribiendo una carta ilegible sobre un rollo de papel vegetal con letra grandes y interconectada. Se deja recordar eventos y momentos de su pasado con Borràs. El papel lo va desenrollando mientras escribe y el papel se pliega sobre al suelo. Al final, cuando ha acabado la carta, Jerez recoge todo y lo enciende, las palabras son devorados por el fuego como culminación de la acción. Las cenizas del papel se regalaron a la hija de Borràs. Como un acto mágico de conexión y curación que conecta el publico, la amiga robada y la artista en el acto de recordar su pasado con Borràs.
Y para acabar quiero reflexionar sobre la sincronía que puede aparecer con frecuencia en las performances y que nos puede hacer reflexionar sobre la interconexión de la vida y la muerte.
La interconexión de la muerte y la vida
Ana Mendieta (Cuba, 1948-1985)
La artista Cubana Ana Mendieta es muy conocida. Las performances de Ana Mendieta se centraron muchas veces en la muerte y la mortalidad. En la serie silueta empezado en 1973, ella deja marcado en la tierra huellas de sus acciones en forma de la silueta de mujer. Ella ve la tierra como una fuerza femenina y sus acciones son fotografiadas y a veces son filmadas. Mendieta explica que lo relaciona con su emigración diciendo,
He estado trayendo un diálogo entre el paisaje y el cuerpo femenino (basado en mi propia silueta). Creo que es el resultado directo de haber sido arrancada
10 https://www.elvirasantamariatorres.co.uk/single-post/2019/09/26/Corpolog%C3%ADa-de-la-resiliencia- performativaLa-bandera-de-la-paz-es-muy-grande de mi patria en mi adolescencia. Estoy sobrepasada por el sentimiento de haber sido alejada del útero (la naturaleza). Mi arte es el camino mediante el
cual restablezco los lazos que me atan al universo.11
Ara Osterweil escribe en un articulo sobre su obra que las siluetas nos recuerdan a esculturas neolíticas, sugiriendo al mismo tiempo las siluetas de tiza de una escena de un crimen moderno. Las siluetas de Mendieta según el trazan cuerpos caídos. 12
Me interesa aquí exponer una obra suya que parece prever su propia muerte. En la serie de fotos y video Moffitt Building Piece, (1973) se ve una acera delante de la puerta de su apartamento. La acera está manchada con sangre y restos de carne. Mendieta y su hermana documentan la reacción de las personas que van pasando por la calle.
Pero cuando sabemos que Ana Mendieta murió en 1985 cuando cayó de la venta de su apartamento - del piso 34 - después de una discusión con su marido el artista Carl André nos puede hacer pensar. El caso fue polémico y acabo como suicidio.
En otro caso de sincronicidad, el artista Matta Clarke parece intuir la separación de su gemelo. Matta Clark murió joven a los 35 años de cáncer del páncreas. En su relativamente corta vida artística, llego a hacer siete obras monumentales. En estas obras Matta Clarke cortaba edificios enteros usando herramientas de mano. En la obra suya Splitting (Partición), realizada el 1974 a Nueva Jersey, Estados Unidos vemos como divide una casa abandonada en 2 partes.
Mirando todo - se puede ver la obra partición con otros ojos pensando en los gemelos separados. ¿Un acto pre-cognitivo? ¿Un presagio?
11 https://womanarthouse.com/2018/03/11/ana-mendieta/ 12 BODILY RITES: THE FILMS OF ANA MENDIETA Ara Osterweil