Bogdan Achimescu

Matilda Aslizadeh

Rebecca Belmore

Jake & Dinos Chapman

Dana Claxton

Douglas Coupland

Jeremy Deller

Mario Doucette

David Garneau

William Kentridge

Fawad Khan 1

Wanda Koop

Emanuel Licha

Shirin Neshat

Michael Patterson-Carver

Dan Perjovschi

Raymond Pettibon

Nancy Spero

Althea Thauberger

Jason Thiry

Scott Waters

Balint Zsako Dunlop Art Gallery, Regina, SK Part I: July 17 – August 30, 2009 Part II: September 4 – October 18, 2009

Galerie de l’UQAM, Montreal, QC January 15 – February 13, 2010

The Military Museums, Calgary, AB July 22 – October 2, 2011 curated by Amanda Cachia. essays by Dick Averns, Amanda Cachia, Randal Rogers and Sunera Thobani, with an Introduction by Amanda Cachia, and Forewords by Louise Déry and Tom Doucette. Contents Contenu

introduction Amanda Cachia, Director/Curator Dunlop Art Gallery, Regina, SK 6 préface 8 Amanda Cachia, Directrice/Commissaire d’exposition forewords Dunlop Art Gallery, Regina, SK Louise Déry, Director, Galerie de l’UQAM, Montreal, QC 10 Tom Doucette, Director, The Military Museums, Calgary, AB 12 avant-propos 11 Louise Déry, Directrice, Galerie de l’UQAM, Montreal, QC curator’s acknowledgements 14 13 Tom Doucette, Directeur Exécutif, The Military Museums, Calgary, AB

4 Map of Blood 18 16 les remerciements de la commissaire 5 Amanda Cachia 32 Carte de sang In Deference to a New Diabolique 48 Amanda Cachia Dick Averns 56 Eu Égard à un Nouveau Diabolique Everyday Violence and Violence, Everyday 62 Dick Averns Randal Rogers 69 La Violence Quotidienne et la Violence au Quotidien Race and the Art of War 75 Randal Rogers Sunera Thobani 81 La Race et L’Art De la Guerre artist biographies 87 Sunera Thobani

writer biographies 152 87 biographies des artistes

list of works 155 152 biographies des auteurs

155 liste des œuvres INTRODUCTION too much for the more liberal-minded. Where Pandora’s Box showed DUNLOP ART GALLERY bodies naked, in 2009, Diabolique shows bodies in pain. Diabolique, then, is our next major installment of hard-hitting curatorial work, which projects a large mirror out into the community. amanda cachia In proud Dunlop Art Gallery (DAG) tradition, Diabolique is a new group Perhaps this exhibition covers the ground that Blocher was unable to director/curator exhibition that confronts and disturbs the status quo. The Dunlop Art access within her project in Regina, particularly in cooperation with Gallery in Regina is lauded across Canada for presenting exhibitions the Jeremy Deller panel of experts, composed primarily of ex-members that taunt, and impress. From July to October 2009, artwork by the 22 or affiliates with military personnel and those with a ‘specialization’ international artists represented in Diabolique will be scattered across on the wars in Iraq and Afghanistan. Unflinching and unnerving in our the Regina Public Library, both interior and exterior, for all to see from resolve to bring topical issues to the forefront of attention, as curator far and wide. The exhibit is designed to push buttons and to challenge of this exhibition I have woven together a ‘map of blood’ composed of a all stripes of political persuasion and military aggression. Unique for its strong and ambitious line-up of artists who sensitively, yet insistently ideal location within the Regina Public Library in the heart of Regina’s urge visitors to consider new interpretations of war. War— and all Downtown, the Dunlop Art Gallery is able to take advantage of its arteries surrounding this pervasive discourse— will never stop being position: to render hard truth and complex narrative in the tradition of an antithetical source of horror and fascination, one in which all levels critical curatorial projects sponsoring exhibitions that can truly make a of humanity will find a connection or frame an opinion. The layers of difference, for an audience who purposefully walks through the public the exhibition provide rich ground for viewers to attack and devour: 6 library doors and often accidentally steps into the gallery. traditional artwork, new media installations, site-specific projects, 7 In touching on some recent history of DAG exhibits that explore a relational aesthetics conversation piece, a film series, powerpoint the “ecologies of the varied communities within which it operates”1, artist presentations, commissioned essays by three informed and in 2007, the gallery presented the ground-breaking video installation, knowledgeable Canadian academics and a gallery sponsored tour. Most Living Pictures: Wo/Men in Uniform. Originally interested in filming importantly, in Diabolique, we are invited to reflect on the signs of our veterans from the war in Afghanistan, Paris-based artist Sylvie Blocher times and the nature of where and how we live with war. Is our attitude was commissioned to develop a new video in which she interviewed and to war, our participation in and immunity to violence and our ability filmed nine members of the Regina Police Service and created diptych to politically protest stronger now, or worse than before? What is our portraits for display, curated by Annette Hurtig. In her Foreword for capacity and capability to act and react? Is war an aberration or is it the the catalogue, Elizabeth McLuhan outlined how the artist “produced norm, and peace the exception? “Will there ever be an antidote to the 4 a brilliant and thought-provoking profile on the nature of violence perennial seductiveness of war?” 2 Diabolique will tour to Quebec and Alberta from 2010-2011 in order 1. Elizabeth McLuhan, and society and those whom we charge with its protection.” In Foreword in Living Pic- 2008, as then Dunlop Art Gallery curator, I presented Pandora’s Box, to showcase the themes of cruelty and conflict to a wider Canadian tures: Wo/Men in Uniform featuring the contemporary artwork of ten international female artists, audience. It is the privilege and honour of the Dunlop Art Gallery that by Sylvie Blocher, 2008, the Galerie de l’UQAM and The Military Museums are able to participate Regina, SK: Dunlop Art including Regina-based artist . This exhibit was a “timely Gallery, p. 5 exploration of the passions, innovations and diversity that characterize in the dialogue and exchange of the information that this exhibit 3 2. ibid of today.” transmits, and to support our critical curatorial work. The Dunlop Art 3. Joan Borsa, Introduc- If the display of female power, nudity and sexuality was not enough Gallery continues to uphold its reputation as a leader in showcasing tion in Pandora’s Box, to shock the complacent and provoke commentary across diverse contemporary social ideas through the visual arts, and bringing new and curated by Amanda important artists to public attention. 4. Susan Sontag, Regard- Cachia, 2008, Regina, SK: constitutencies invested in representations of women, the simultaneous ing the Pain of Others, Dunlop Art Gallery, p. 6 self-censorship of black paint on gallery window façade may have been 2003, pg. 122 PRéface noire était peut-être trop pour les plus larges d’esprit. Là où Pandora’s Box DUNLOP ART GALLERY exposait des corps nus, Diabolique, en 2009, exposent des corps qui souffrent. Diabolique est donc notre prochain important travail de conservation- amanda cachia Dans la fière tradition de la Dunlop Art Gallery (DAG), Diabolique est une choc qui capte la communauté dans un large miroir. Cette exposition couvre directrice/commissaire nouvelle exposition de groupe qui défie le statu quo et le bouscule. La peut-être le terrain auquel Blocher n’a pu avoir accès dans le cadre de son d’exposition Dunlop Art Gallery à Regina est applaudie de par le Canada parce qu’elle projet à Regina, en particulier pour ce qui est de la coopération avec le groupe présente des expositions qui provoquent et impressionnent. De juillet à d’experts de Jeremy Deller, constitué surtout d’ex-militaires ou de personnes octobre 2009, des œuvres de 22 artistes internationaux représentés dans affiliées à l’armée et de « spécialistes » de la guerre en Iraq ou en Afghanistan. Diabolique seront éparpillées dans la bibliothèque municipale de Regina, à Résolus et dérangeants parce que déterminés à placer au premier plan de nos l’intérieur comme à l’extérieur, pour que tout le monde puisse en profiter, préoccupations des questions d’actualité, j’ai, en tant que commissaire de de près comme de loin. L’exposition est conçue pour provoquer une l’exposition, tracé une ‘carte de sang’ à laquelle contribuent une gamme solide réaction et pour mettre au défi tout le spectre des opinions politiques et et ambitieuse d’artistes qui, avec sensibilité et malgré tout avec insistance, de l’agression militaire. La Dunlop Art Gallery, unique de par sa situation suggèrent aux visiteurs de considérer de nouvelles interprétations de la idéale au sein de la bibliothèque centrale de Regina en plein cœur du guerre. La guerre – et toutes les artères entourant ce discours envahissant, centre-ville de Regina, peut en tirer avantage : rendre une dure vérité et ne cessera jamais d’être une source antithétique d’horreur et de fascination, un récit de faits complexes dans la tradition de projets de conservation une source avec laquelle tous les niveaux de l’humanité trouveront un critiques parrainant des expositions pouvant avoir un réel impact sur lien ou formeront une opinion. Les différentes couches de l’exposition un public qui franchit de son plein gré les portes de la bibliothèque, mais fournissent au public un terrain riche qu’il peut attaquer et dévorer : des 8 9 franchit souvent celles de la galerie par pur accident. œuvres traditionnelles, de nouvelles installations médiatiques, des projets Pour parler de l’histoire récente des expositions de la DAG qui étudie propres au site, un portrait de groupe à l’esthétique relationnelle, une série les « écologies des diverses communautés au sein desquelles elle opère »1, la de films, des présentations powerpoint par des artistes, les essais exécutés galerie a présenté en 2007, l’installation vidéo pionnière Living Pictures: Wo/ sur commande de trois universitaires canadiens bien informés et une visite Men in Uniform. Sylvie Blocher, artiste parisienne, souhaitait à l’origine filmer parrainée par la galerie. Mais chose plus importante, Diabolique nous invite à des anciens combattants de la guerre en Afghanistan, mais on lui a demandé réfléchir aux signes de notre temps, et à la nature de notre cohabitation avec de développer un nouveau vidéo dans lequel elle a filmé des entrevues avec la guerre. Notre attitude vis-à-vis de la guerre, notre participation à la violence neuf membres de la police de Regina et a créé des portraits en deux volets pour et l’immunité que nous ressentons à son égard ainsi que notre capacité une exposition préparée et organisée par Annette Hurtig. Dans son avant- de protestation politique sont-elles plus développées aujourd’hui ou, au propos pour le catalogue, Elizabeth McLuhan souligne la façon dont l’artiste contraire, pires qu’hier? Quelle est notre capacité d’agir et de réagir? La guerre « a réalisé un profil de la nature de la violence dans la société et de ceux à qui est-elle une aberration ou bien s’agit-il de la norme, la paix étant l’exception? 1. Elizabeth McLuhan, 2 4 Avant-propos à Living nous confions sa protection qui suscite la réflexion. » En 2008, à titre de « Y aura-t-il jamais un antidote à l’éternelle séduction de la guerre? » Pictures: Wo/Men in Uni- conservatrice de la Dunlop Art Gallery, j’ai présenté Pandora’s Box qui mettait Diabolique se rendra au Québec et en Alberta en 2010-2011 afin de form par Sylvie Blocher, en vedette l’oeuvre contemporaine de 10 femmes, artistes internationales, présenter les thèmes de la cruauté et du conflit à un plus vaste public 2008, Regina, SK : Dunlop Art Gallery, p. 5 dont l’artiste réginoise Leesa Streifler. Cette exposition était une « étude canadien. C’est pour la Dunlop Art Gallery un privilège et un honneur que

2. ibid. opportune des passions, innovations et de la diversité qui caractérisent la Galerie de l’UQAM et les Musées d’histoire militaire puissent participer 3 3. Joan Borsa, Intro- aujourd’hui l’art féminin. » au dialogue et à l’échange d’information qui découlent de cette exposition duction à Pandora’s Box, Si l’exposition du pouvoir des femmes, de leur nudité et de leur et appuyer notre travail critique de conservation. La Dunlop Art Gallery préparée et organisée par sexualité n’a pas suffi à choquer les indifférents et à provoquer des réactions continue à maintenir sa réputation de chef de file en mettant en vedette des Amanda Cachia, 2008, 4. Susan Sontag, Regard- dans les groupes divers qui se consacrent à la représentation des femmes, idées sociales contemporaines par le biais des arts visuels et en signalant à Regina, SK : Dunlop Art ing the Pain of Others, Gallery, p. 6 l’autocensure simultanée de la façade vitrée de la galerie enduite de peinture l’attention du public de nouveaux artistes importants. 2003, pg. 122 FOREWORD galerie de l’uqam AVANT-PROPOS galerie de l’uqam

louise déry Exhibitions which examine politics, which lash out at bigotry and engage director citizens in dialogue, are an indispensable part of the mission of a university gallery. After L’art inquiet. Motifs d’engagement (1998), celebrating the Les expositions qui examinent le politique, qui malmènent les préjugés louise déry 50th anniversary of the famous manifesto Refus Global, Dominique Blain. et qui engagent le dialogue avec les citoyens constituent d’absolues directrice Monuments (2004), which explored the symbolic value of art and the nécessités dans la mission d’une galerie universitaire. À la suite de L’art safekeeping of artworks in wartime, and Wim Delvoye. Cloaca (2009), inquiet. Motifs d’engagement (1998), qui célébrait les 50 ans du célèbre which dealt with the growing phenomenon of over-consumption, we are manifeste Refus Global, de Dominique Blain. Monuments (2004), qui now able to present Diabolique. As fate would have it, amazingly enough, explorait la valeur symbolique de l’art et la sauvegarde des œuvres en this exhibition launches our programme for 2010, while the 2009 season temps de guerre et de Wim Delvoye. Cloaca (2009), qui portait sur le closed with a new work by the Guerrilla Girls. That work was created in phénomène grandissant de l’hyperconsommation, voilà que nous pouvons remembrance of the carnage at the École Polytechnique de Montréal maintenant présenter Diabolique. Chose étonnante, le hasard fait en twenty years ago when fourteen young women lost their lives, shot by a sorte que cette exposition ouvre notre programmation de 2010, alors gunman who hated women. que celle de 2009 se termine avec une nouvelle œuvre des Guerrilla Girls 10 Like the Dunlop Art Gallery, with whom we have had a happy and créée dans le contexte de la commémoration des 20 ans de la tuerie de 11 rewarding partnership, the Galerie de l’UQAM aims both to support and l’École Polytechnique de Montréal. On se souviendra que quatorze jeunes provoke in-depth reflection on the important issues that constitute the femmes avaient alors perdu la vie sous les balles d’un tireur en proie à la backdrop of our era. When artists probe into the most troubling aspects of haine des femmes. the downfall of humanity, they put us on our guard. The works comprising Tout comme la Dunlop Art Gallery, avec qui nous sommes heureux Diabolique, which we are presenting to the Montreal public with great faith de réaliser cette collaboration fructueuse, la Galerie de l’UQAM entend in their message, represent an opportunity to remember this, to redouble soutenir et provoquer tout à la fois une profonde réflexion sur les grandes our vigilance: they invite us to take action. questions qui forment la toile de fond de notre époque. Lorsque des artistes scrutent les formes les plus inquiétantes de la déroute humaine, ils nous placent en position de guet. Les œuvres faisant partie de Diabolique, que nous présentons au public montréalais avec beaucoup de conviction, constituent une occasion de se le rappeler, de relancer notre vigilance et de nous inviter à l’action. FOREWORD AVANT-PRoPOS the military museums the military museums

tom doucette The Military Museums is a Canadian Forces history, heritage, research Les Musées d’histoire militaire, situés à Calgary, sont une institution des tom doucette executive director and educational institution located in the city of Calgary. The Founders’ Forces armées canadiennes consacrée à l’histoire, au patrimoine, à la directeur exécutif Gallery is a new addition to The Military Museums and comprises some recherche et à l’éducation. La Founders’ Gallery (ou Galerie des fondateurs) 4,000 square feet of temporary gallery space designed to showcase ever- est un nouvel ajout aux musées d’histoire militaire et comprend environ changing art and heritage exhibitions. The Founders’ Gallery would not 4 000 pieds carrés d’espace temporaire d’exposition conçus pour mettre exist were it not for the support of numerous citizens and organizations en valeur des expositions d’art et d’histoire en constante évolution. La and a great debt of gratitude is extended to them. Founders’ Gallery n’existerait pas si ce n’était de l’appui de nombreux The Founders’ Gallery mandate contains a commitment to inspire and citoyens et organismes : nous leur devons une grande reconnaissance. engage the community through exhibitions and educational programs Le mandat de la galerie est d’inspirer et d’engager la communauté par as well as to establish a relationship with the arts community. Diabolique le biais d’expositions et de programmes éducatifs ainsi que d’établir une comprises 22 first-class international and Canadian artists’ interpretation relation avec la communauté artistique. Diabolique présente l22 artistes of ideas and themes related to conflict and the human condition. We are internationaux et canadiens qui offrent des interprétations de premier proud to join the Dunlop Art Gallery and Galerie de l’UQAM to offer this ordre des idées et thèmes liés au conflit et à la condition humaine. Nous unique exhibition to all who visit. sommes fiers de nous joindre à la Dunlop Art Gallery et à la Galerie de 12 Art programming at The Military Museums is a new and unique l’UQAM pour offrir à tous les visiteurs cette exposition unique. 13 venture in terms of establishing a bridge between the military and arts La programmation artistique aux Musées d’histoire militaire est communities. In this way, we seek to contribute to an understanding of un projet nouveau et unique dans la mesure où il jette un pont entre the realities of Canada’s military experience by exhibiting historic and les communautés militaire et artistique. Nous cherchons ainsi à faire contemporary art works, and related artefacts, which invite audiences to comprendre les réalités de l’expérience militaire canadienne en exposant engage and reflect on the nature and dimensions of human conflict. It is des œuvres d’art historiques et contemporaines, de même que des important that we play a key role in honouring our veterans and educating artefacts connexes qui interpellent le public et l’amènent à réfléchir à la our citizens about Canada’s military experience; indeed, our mission is to nature et aux aspects du conflit humain. Il est important que nous jouions remember, preserve and to educate. un rôle clé en rendant hommage à nos anciens combattants et en éduquant Diabolique represents new territory for an embryonic and emerging nos concitoyens au sujet de l’expérience militaire canadienne; en fait, nous art presence at The Military Museums. The exhibition’s themes will be avons pour mission de nous souvenir, de préserver et d’éduquer. challenging and we acknowledge our willingness to venture into this Diabolique constitue un nouveau territoire pour une présence territory to prove a commitment to unbiased interpretation. The Military artistique émergente aux Musées d’histoire militaire. Les thèmes des Museums would like to commend Diabolque’s curator, Amanda Cachia, for expositions constitueront un défi et nous sommes prêts à emprunter cette her exemplary research and vision. Finally, The Military Museums looks voie pour prouver notre engagement envers une interprétation impartiale. forward to the opportunity to apply our strong educational programs and Les Musées d’histoire militaire aimeraient féliciter Amanda Cachia, interpretive skills to Diabolique’s complex and thought provoking content. commissaire de l’exposition Diabolique, de sa recherche et de sa vision exemplaires. Enfin, les Musées d’histoire militaire sont heureux d’avoir l’occasion d’appliquer leurs solides programmes éducatifs et habiletés didactiques au contenu complexe et propice à la réflexion de Diabolique. a great listener and ideas-person, Joyce Clark, Curatorial Assistant has provided her Curator’s stellar attention to detail in regards to all shipping arrangements, touring exhibition coordination and catalogue compilation assistance, Corey Bryson, has worked as Preparator Acknowledgements for all installation aspects and touring exhibition preparation with his diligent team of installers—Colby Avram, Rob Bos, Marc Courtemanche and Jeff Morton and Sonia Parra, Administrative Assistant, has supplied her ever efficient work in typing and gathering contracts, artist resumes and support material and organizing the opening reception. I am Diabolique was born after Pandora’s Box opened at the Dunlop Art Gallery in May 2008. also grateful to the Gallery Facilitators for continuing to provide accessible entry points for One large concept flowed to the other. I was hungry for continued drama, spectacle and this complex exhibit: Margaret Bessai, Amy Lorencz, Janell Ranae Rempel and Jessica Riess. theatricality in an exhibition for 2009. Pandora’s Box had set the stage for a continuing Extended thanks also to Jeff Barber, Library Director, and Julie McKenna, Deputy Director, practice of critical public engagement and broke visitor attendance records. In my for their continued support of my curatorial work at the Dunlop under the auspices of the characteristic curatorial style, Diabolique is yet another large show, each artistic voice a new and improved RPL Service Plan. Once again, I must praise the curatorial backdrop to crucial component to the overall scene. Dividing the exhibit into two parts, and using more which I work—the Dunlop Art Gallery and community of Regina is a rich and continued space by spanning both the interior and exterior of the Regina Public Library and beyond, source of creative and professional sustenance for me. has given me new resources and tools for an even greater statement. I have also enjoyed extending DAG programming to the RPL Film Theatre. To this end, In Diabolique, I thank the wonderful intercontinental artists whom I have met on this I thank Belinda New for generously incorporating several specially- selected war-related particular journey: Bogdan Achimescu, Dana Claxton, Douglas Coupland, Mario Doucette, films into the season’s line-up. David Garneau, Fawad Khan, Wanda Koop, Dan Perjovschi, Nancy Spero, Althea Thauberger, It has been a pleasure and honour working with members of the Regina community who Jason Thiry, Scott Waters and Balint Zsako. My gratitude to the other artists: Matilda made up the panel of experts for Jeremy Deller’s piece, It is What It Is: Conversations About 14 15 Aslizadeh, , Jake & Dinos Chapman, Jeremy Deller, William Kentridge, Iraq. Thank you for sharing your insights with visitors to the Dunlop Art Gallery and Regina Emanuel Licha, , Michael Patterson-Carver and Raymond Pettibon. Public Library: Palwashah Humayun, Keith Inches, Greg Mulatz, Dr. Nilgün Önder, David For assisting with loans of work by some of the artists in Diabolique, I thank: Mark Ramsay, Javid Safi, Dastageer Sakhizai, and Ben Walsh. Hughes, Director, Galerie Lelong, NY; Lissa McClure, Director, Marian Goodman Gallery, I am grateful to Francoise Stoppa and her team at the Institut Francais, University of NY; Laurel Gitlen, Director, Small A Projects, NY; Stacey Bengston, Regen Projects, LA; Regina for French translation and to Don Hall and Trevor Hopkin from the Photography Irene Bradbury, , London, UK and Jessie Green, Gladstone Gallery, NY. I also Department, , for photography. Further thanks are extended to Carl extend thanks to the private lenders: for the drawings by Michael Patterson-Carver, Gail Williamson of Circle + Square design, for a powerful rendition of a horror-filled catalogue, Garlick and Stephane Janssen; for the Mario Doucette , thanks to Andrew Walker and to WestCan PG printers in Winnipeg. and for one of Wanda Koop’s , my appreciation to Kate Davis and John Noestheden. I am pleased that the exhibition will travel to Galerie de l’UQAM and The Military Special mention must be made to Laura Hoptman, Curator and Amy Mackie, Curatorial Museums in 2010 and 2011 respectively. I sincerely thank Louise Déry, Director, Galerie Assistant at the New Museum, NY for their professional assistance and advice towards de l’UQAM and Colleen Sharpe, Curator for Art, University of Calgary at The Military securing the participation of Jeremy Deller. Museums, for their interest in hosting the exhibition as touring partners. I also thank Louise The commissioned writers have brought great strength, intellectual acumen and Déry once again and Tom Doucette, Director of The Military Museums, for contributing critical substance to the discursive development of the Diabolique project. Dick Averns, independent Forewords. Randal Rogers and Sunera Thobani have been delightful to work with and through them, As Diabolique surrounds itself with themes of humanity’s harshness, fear, and anguish, my horizons have most certainly been extended. Marie Lovrod once again has proved a the tragic and the profane, I cannot miss the opportunity to mention my own heart of loyal and consistent editor. I also appreciated editorial feedback from Jason Roettger, darkness in the time that this exhibition devolved: the grief-stricken loss of my fiancé, Cory David Garneau and Randal Rogers and artist suggestions from Bruce Russell, Candice Malone. It is to him that I wish to dedicate this exhibition. My heart will never forget, nor Hopkins and Roy Bernardi. stop loving you. The staff at the Dunlop Art Gallery, have, as usual, been extraordinary in assisting me with all aspects of the exhibition planning: Jeff Nye, Assistant Curator has been Amanda Cachia conservation, a porté une minutieuse attention au détail dans tout ce qui a trait à l’expédition, Remerciements la coordination de l’exposition itinérante et l’aide à la compilation du catalogue; Corey Bryson a travaillé comme préparateur pour tous les aspects de l’installation et de la préparation de Diabolique a vu le jour en mai 2008, après que Pandora’s Box a ouvert ses portes à la Dunlop l’exposition itinérante en compagnie de son équipe d’installateurs diligents – Colby Avram, Art Gallery. Un vaste concept en a entraîné un autre. J’avais besoin de poursuivre le drame, le Rob Bos, Marc Courtemanche et Jeff Morton; Sonia Parra, adjointe administrative, a fait preuve spectacle et la théâtralité dans une exposition en 2009. Pandora’s Box avait préparé le terrain de son efficacité habituelle pour préparer et rassembler les contrats, les curriculum vitae des pour la pratique soutenue d’un engagement public crucial et avait battu tous les records artistes et le matériel d’appoint, de même que pour organiser le vernissage de l’exposition. Je de fréquentation. Selon mon style caractéristique de commissaire d’exposition, Diabolique tiens également à exprimer ma reconnaissance aux animateurs de la galerie qui continuent à se présente encore comme une large exposition où chaque voix artistique est un élément faciliter des points d’entrée accessibles pour cette exposition complexe : Margaret Bessai, Amy crucial de la scène globale. En divisant l’exposition en deux volets et en utilisant plus Lorencz, Janell Ranae Rempel et Jessica Riess. Des remerciements supplémentaires vont à Jeff d’espace, c’est à dire en englobant l’intérieur et l’extérieur de la bibliothèque municipale de Barber, directeur de la bibliothèque, et à Julie McKenna, directrice adjointe, pour leur appui Regina et plus, je me suis créé de nouveaux outils et ressources pour une prise de position soutenu de mon travail de conservation à la Dunlop sous les auspices du nouveau plan de services encore plus solide. accrus de la RPL. Une fois de plus, je dois faire l’éloge de ce qui est la toile de fond de mon travail Dans Diabolique, je remercie les merveilleux artistes intercontinentaux que j’ai de conservation, à savoir la Dunlop Art Gallery et sa communauté à Regina qui me sont une rencontrés au cours de ce curieux parcours : Bogdan Achimescu, Dana Claxton, Douglas source riche et sans cesse renouvelée de subsistance créative et professionnelle. Coupland, Mario Doucette, David Garneau, Fawad Khan, Wanda Koop, Dan Perjovschi, Nancy J’ai également eu le plaisir d’élargir la programmation de la DAG à la salle de cinéma de Spero, Althea Thauberger, Jason Thiry, Scott Waters et Balint Zsako. J’adresse également ma la RPL. Je souhaite donc remercier Belinda New qui a si généreusement ajouté plusieurs films gratitude aux autres artistes : Matilda Aslizadeh, Rebecca Belmore, Jake & Dinos Chapman, soigneusement choisis et reliés à la guerre dans l’offre de la saison. Jeremy Deller, William Kentridge, Emanuel Licha, Shirin Neshat, Michael Patterson-Carver et J’ai aussi eu le plaisir et l’honneur de travailler avec des membres de la communauté 16 Raymond Pettibon. Palwashah Humayun, Ben Walsh, Keith Inches, Greg Mulatz, Dr. Nilgün Önder, David Ramsay, 17 Pour m’avoir aidée à obtenir le prêt d’oeuvres de certains artistes présents dans Diabolique, Javid Safi et Dastageer Sakhizai qui constituaient le groupe d’experts au sujet de la pièce de je remercie : Mark Hughes, directeur, Galerie Lelong, NY; Lissa McClure, directrice, Marian Jeremy Deller, It is What It Is: Conversations About Iraq. Merci d’avoir partagé vos points de vue Goodman Gallery, NY; Laurel Gitlen, directrice, Small A Projects, NY; Stacey Bengston, Regen avec les visiteurs de la Dunlop Art Gallery et de la bibliothèque municipale de Regina. Projects, LA; Irene Bradbury, White Cube, Londres, R. U., et Jessie Green, Gladstone Gallery, Je suis reconnaissante à Françoise Stoppa et à son équipe de l’Institut français, Université NY. Je remercie également les particuliers qui ont prêté les dessins de Michael Patterson-Carver, de Regina, pour la traduction en français, ainsi qu’à Don Hall et à Trevor Hopkin du Département Gail Garlick et Stephane Janssen; pour le tableau de Mario Doucette, merci à Andrew Walker et de photographie, Université de Regina, pour les photos. De plus, je remercie Carl Williamson de pour l’une des pièces de Wanda Koop, ma reconnaissance va à Kate Davis et John Noestheden. Circle + Square design, pour le rendu puissant d’un catalogue rempli d’horreur et aux imprimeurs Je me dois aussi de remercier Laura Hoptman, conservatrice, et Amy Mackie, adjointe à la WestCan PG, de Winnipeg. conservation, au New Museum, NY pour leurs conseils et aide professionnels afin d’obtenir la Je suis heureuse que l’exposition soit présentée à la Galerie de l’UQAM et The Military participation de Jeremy Deller. Museums, en 2010 et 2011 respectivement. Je remercie sincèrement Louise Déry, directrice, Les rédacteurs pigistes ont apporté une grande force, une perspicacité intellectuelle et Galerie de l’UQAM et Colleen Sharpe, conservatrice, University of Calgary at The Military une substance critique au développement discursif du projet Diabolique. J’ai eu un grand plaisir Museums, pour l’intérêt qu’elles ont manifesté à accueillir l’exposition itinérante. Je remercie à travailler avec Dick Averns, Randal Rogers et Sunera Thobani et, grâce à eux, j’ai sans aucun aussi Louise Déry et Tom Doucette, directeur des Musées d’histoire militaire, pour avoir doute élargi mes horizons. Marie Lovrod a de nouveau prouvé qu’elle était une éditrice loyale et contribué leurs propres avant-propos. constante. J’ai également apprécié les commentaires de Jason Roettger, David Garneau et Randal Comme Diabolique s’enrobe de thèmes de la dureté, de la peur et de l’angoisse de Rogers au sujet de la rédaction, de même que les suggestions offertes par Bruce Russell, Candice l’humanité, du tragique et du profane, je ne peux passer sous silence la perte tragique que j’ai Hopkins et Roy Bernardi. moi-même subie pendant la préparation de l’exposition, celle de mon fiancé, Cory Malone. C’est Le personnel de la Dunlop Art Gallery, m’a, comme toujours, apporté une aide à lui que je dédie cette exposition. Cory, mon coeur ne cessera de battre pour toi. extraordinaire pour tous les aspects de la planification de l’exposition : Jeff Nye, conservateur adjoint, possède une oreille attentive et a une foule d’idées; Joyce Clark, adjointe à la Amanda Cachia MAP OF BLOOD

amanda cachia

It is no pigment powder Nor myrrh Pensive odor nor delectation But flower of blood flush with the skin Map of blood map of the blood Bled raw sweated raw skinned raw Nor tree cut to a white thrust But blood which rises in the tree of flesh By catches by crimes No remittance -straight up along the stones straight up along the bones-for copper weight shackle weight heart weight 19 venoms caravaners of the bite at the tepid edge of fangs

“Fangs” by Aime Cesaire1

Diabolique cuts a map of blood across white walls. The terrain opens with a disturbing image of Neil Stonechild. His brutalized face hits a raw nerve, shaves close to the bone, for local communities in the province of Saskatchewan. David Garneau’s autopsy portrait of this 17 year old target of racist violence in 1990, face indented, apparently by handcuff blows, reflects the inherent social and political violence that characterizes the devil’s underbelly of this province, whether those responsible for dominant lore care to admit it or not. Like everywhere else, Regina is not immune to cruelty and conflict. The oft-cited, shame-producing Maclean’s Magazine survey that gives Regina number one or two spot (depending on the year) as the most dangerous city in Canada is an undeniable sign that there is war on local turf.2 This exhibition is in Regina because war is in Regina, covert or otherwise, against Aboriginal peoples3, against other disenfranchised and minority groups, and those who live below the poverty lines in all of our communities. 1 Cross on bomb Nancy Spero, 1968 Garneau’s portrait bears uncanny resemblance to that of Emmett Till, a 14 year old © Nancy Spero. Photo: Trevor Hopkin African-American Chicago boy who was visiting relatives in August, 1955. Shot in the head and thrown in the river with a mammoth cotton gin fan tied around his neck for allegedly that Saskatchewan has no position for or against the war in Afghanistan, where the whistling at a white woman, Till’s death mask photograph reveals his head mottled and Canadian military is currently deployed. How can Saskatchewan be on the fence about swollen to many times its normal size. The stark image ran in Jet, and largely through that war, when it is clear that our backyards are littered with violence everyday and everyday medium, both the picture and Till’s story became legendary. Emmet Till’s mother wanted ‘all violence, as Randal Rogers aptly signals in the title to his essay? In another CBC news the world’ to witness the atrocity that had been enacted upon her son.4 Garneau’s painting, report dated June 16, 2009, the same memorial that served as backdrop to D’Autremont’s entitled Evidence, (2006), recalls the photograph of Till’s and similarly requires an act of evasion was tagged with racist . witnessing by viewers. The image is derived from an autopsy photograph taken of Stonechild Lieutenant General Romeo Dallaire writes, in his extraordinary account of time served published in the public domain: an official 2004 report compiled by the Saskatchewan as force commander of the UN Assistance Mission during the genocide in Rwanda in 1994, Commission of Inquiry into Matters Relating to the Death of Neil Stonechild.5 (As a point of Shake Hands with the Devil, that “we watched as the devil took control of paradise on earth interest, another artist in Diabolique, Rebecca Belmore, has also reflected upon Stonechild as and fed on the blood of the people we were supposed to protect.”8 Who is protecting the a subject in her previous work. Clearly, Saskatchewan is haunted by this brutal martyrdom.) widely diverse communities who live in Saskatchewan? Is it the military bases in Moose Jaw In my Introduction to the Diabolique catalogue, I pose the question: “Is our attitude or Dundurn, training and/or sending young men and women off to Afghanistan? Is it the to war, our participation in and immunity to violence and our ability to act politically and RCMP or the Regina Police Service? Or is it ultimately ourselves, fighting for safer lives, for protest, stronger now, or worse?”6 As Dan Perjovschi’s evocative drawing on the cover of human rights, for social justice for everyone? In the end, both military and police operate the catalogue captures, entitled Progress, (2008), it appears that in the space between 2000 under “two contradictory directives, to protect and destroy…they are representatives of and 2009, we have grown more ideological dicks and udders on our virtual military tanks, an the mechanisms of social control.”9 How do we subject ourselves and each other to similar unnatural development akin to Douglas Coupland’s bio-genetically deformed Gorgon. The mixed messages and controls? artists and commentators whose work is featured in this show raise the implicit question: as In Beyond Good and Evil (1886), Nietzsche gives the “highest priority for achieving viewers to such wide ranging approaches to the Diabolique, are we swallowing the chunks of personal freedom—the ultimate goal of the individual—to emphasizing knowledge and 20 21 blood and semen of terrorists and their targets, or of ourselves? above all not looking away from difficult knowledge, although it may be ugly and even Diabolique invites viewers to walk an existential line between conflict and conscience7 deadly.”10 What can viewers learn from facing evil in the eye? Is war permanent and throughout the exhibition: the “heart weight” of vomiting blood, blood-red backgrounds peace illusory? Repelled by horror, ironically, many are equally compelled by the ravages and bloodless car explosions charts the map of blood. There are painted blood rose dents of darkness. “Against our expectation, we find a covert attraction to disaster as well as a on concrete pavements marked by fallen grenades in Sarajevo, Bush dragging a blown- violent reaction to an image of beauty.”11 The beauty of ugliness is an old theme and the up, blood-gushing torso of a soldier in Iraq (blood for oil) and plastic video-game blood “iconography of suffering has a long pedigree.”12 Cultural critic Reesa Greenburg has stated that drips off the face of a child soldier. Like the ephemeral quality of Perjovschi’s cartoon that “playing it safe” is no longer a viable option for museums, curators, critics or viewers guerilla drawings on the exterior glass panels of the Regina Public Library, this map of blood when the questions at hand are, necessarily, so dangerous.13 Viewers are all implicated in - Stonechild’s blood - haunts the spirit, but what is left in the snow? What is the memorial the transgressions of these violent and shameful acts when contemporary art places such trace? In the presence of such atrocity, what space can there be for any meaningful apology excruciating demands. This is the provocative challenge that Diabolique brings to Regina or forgiveness? viewers at the Dunlop Art Gallery. Jacques Derrida argues that “true forgiveness consists in forgiving the unforgivable: Elaine Scarry argues that “When one hears about another person’s physical pain, the a contradiction all the more acute in this century of war crimes” (from the Holocaust, to events within the interior of that person’s body may seem to have the remote Algeria to Kosovo to Saskatchewan) and government sponsored healing tribunals. He also character of some deep subterranean fact, belonging to an invisible geography that, however confirms that none but the bereaved may forgive and that there is absolutely no obligation portentous, has no reality because it has not yet manifested itself on the visible surface to do so. of the earth.”14 Diabolique strives to provide audiences with a large geographic arena, in Saskatchewan’s location at the heart of local and international violence is central, which two temporally separated but spatially congruous ‘chapters’ provide opportunities whether acknowledged or not. On April 23, 2009, Government Services Minister Dan to contemplate social and political crises that have indeed manifested and become visible, D’Autremont was introduced to a crowd gathered at Saskatchewan’s only War Memorial stemming from Saskatchewan, Canada, Italy, Romania, Ethiopia and the rest of the world. located on the grounds of the Legislative Building in Regina. He reported on CBC news 22 international and Canadian artists share what is at stake in human violence and challenge viewers to look beyond the surface sensationalism of conflict to confront how invested any in New York on February 5, 2003, when the U.S. Secretary of State Colin Powell went one can become in winning at all costs. The artwork is scattered across and contextualizes there to make his case for invading Iraq. Maureen Dowd wrote in The New York Times the library’s interior and exterior, questioning the processes of framing knowledge and that, according to diplomats, the picture would have sent “too much of a mixed message… interpellating all from far and wide, to see and challenge our positions and push sometimes Mr. Powell can’t very well seduce the world into bombing Iraq surrounded on camera by painful buttons. By confounding time and space through a doubled use of the exhibition shrieking and mutilated women, men, children, bulls and horses.”17 The suppression of space and transiting sites both within and outside the Dunlop gallery, this work invites art to facilitate war underscores the power of the image in today’s global media culture, consideration of the palimpsested history of human violence, the ways it breaks boundaries even if the image is a drawing, and not a photograph. To further reinforce this point, and always intrudes. on June 23, 2009, an Associated Press story on the Yahoo! News website reports that The artists are presenting art for our time, occasionally providing a glimmer of hope “Iran clamped down on independent media in an attempt to control images of election amidst opportunities for questioning and reevaluation. As the history of war art—or the protests, but pictures and videos leaked out anyway— showing how difficult it is to shut horror represented in art demonstrates— while art can rarely claim to thwart war, it can off the flow of information in the Internet age.”18 Social-networking sites such as Twitter trace the too-often ignored effects of war. While not all images of war become famous, and Flickr became more prominent because of the government restrictions— the U.S. like Picasso’s Guernica, (1937), each has the ability to imprint. As Rosenthal comments State Department called on Twitter to put off a scheduled shutdown for maintenance. in the essay for Apocalypse: “One major task of the artist is to say that, as human beings This followed a massive opposition rally in Iran on June 22, when authorities restricted ourselves, we are all implicated. It is important that we do not look away and merely take journalists from reporting on the streets. “The Iranian government also tried to stop refuge in superficial beauty… We need to confront evil visually.”15 Tangible and intangible its citizens from spreading information. Internet service and cell phone service was elements of anxiety, hope and struggle, power and authority, projections of good, evil, intermittent, with long delays. Reporters were also restricted during the 1979 Iranian banalities and birthrights, processes of minoritization, sublime truths within harsh revolution, which saw the installation of the Islamic regime in power today. Government realities, contemporary and modern renderings of historical events are all juxtaposed in censors and the Internet have often clashed.”19 22 23 this exhibit. The images are threatening, and remind us that we live in an age where fear is One of the most iconic media images from the war in Iraq was a globally broadcast both a political tool and a commodity. photograph of a hooded Iraqi prisoner at the notorious Abu Ghraib prison, forced to stand In this exhibition, the word war is used in the broadest possible sense. While war on a box, naked except for a blanket, his hands outstretched, apparently wired, in front of happens all over the world, every day, in traditional contexts, war is also waged in many ways his American captors. This image revolted the world, and marked a turning point in public and places. Many wars occur within the four walls of our own homes and on our televisions, opinion about the war. Artist Richard Serra created a poster that re-works this iconic image, as artist famously demonstrated in her body of photo-collage work, Bringing entitled “Stop Bush” which became a symbol for antiwar demonstrations and activities the war home: beautiful, (1967-1972). “Assembled from the pages of Life magazine— by artists in the U.S. in 2004. The level of political protest by artists that year— including where the documentary accounts of blown bodies, dead babies, and anguished faces flow posters, artworks, marches, actions, an ArtForum issue dedicated to political protest and seamlessly into mattress ads and photo features of sophisticated kitchens, fastidiously various fund-raising events, exceeded that during the American conflict with Vietnam. The fertilized lawns and art-hung living rooms— Rosler’s montages re-connect two sides of Iraq war continues to draw artist protests.20 In Diabolique, this is demonstrated pointedly in human experience, the war in Vietnam, and the living rooms in America, which have been the work of Raymond Pettibon and Michael Patterson-Carver. falsely separated.”16 Photography and war journalism are represented in Diabolique by the By bringing several artists into the exhibit who reflect on the genre of left-wing artist Althea Thauberger, alongside video documentary in the work of Emanuel Licha. While art activism and protest, propaganda or sloganeer art, rather than art ‘horror’, I am all the other mediums in the exhibit offer streams from the imagination, a photograph and challenging viewers to think in different directions about the relationship between art, video seem to offer realistic depictions, but do they? Digital art and photo manipulation have activism, protest, propaganda and dread. Gregory Sholette, in his essay, Snip, Snip…Bang, played great tricks on the human eye. Historically, within the context of modern warfare, Bang: Political Art, Reloaded, discusses the label “political art” and how many galleries photography has had relationships with notions of atrocity and war crimes as evidence, and museums were adverse to consider hosting such work in the 1980s. “Eventually, manufactured or not. museums bagged and tagged a limited number of socially critical artworks. It was, Consider also, the role of photography in Patterson Carver’s drawing of the covering however, a selective assimilation that favored politically ambiguous work over the directly of a large tapestry reproduction of Picasso’s Guernica in the United Nations headquarters interventionist. Meanwhile, those collectives that had been instrumental in forcing-open the question of art and politics— PAD/D, Group Material, the Art Workers Coalition, 3 George the Terrible 2008, Michael Artists Meeting for Cultural Change, The Guerilla Art Action Group, Paper Tiger, SPARC, Patterson-Carver Carnival Knowledge–– were unceremoniously submerged, partially or wholly, beneath Photo: Courtesy of 21 Small A Projects, New the waves of normative .” In bringing Perjovschi and outsider artist Michael York Patterson-Carver to the group, audiences can engage with these dissenting artists’ voices. Previously on the outskirts or margins of society owing to socio-economic and/or political circumstance, they are, today, validated within a contemporary gallery context. As political activists, their work contains witty elements: indeed, the cartoon nature of their work frames their satiric observations within a traditionally comical-discourse. All ‘political’ subject matter— whether it is the former Bush administration or other world affairs— is fair game for Patterson-Carver and Perjovschi. In Diabolique, the British artist Jeremy Deller’s work is represented by a relational aesthetics piece entitled It is What It Is: Conversations About Iraq (2009).22 In the context of this exhibition, approximately nine members of the Regina community have been selected in order to represent a panel of experts that will be able to host one-on-one discussions on the wars in Iraq and Afghanistan with visitors in the gallery space, although particularly on the war in Afghanistan, given Canada’s relationship with Afghanistan and American soldiers. The panel of experts includes people who can express various informed opinions about the war from unique perspectives. Participants include Ben Walsh, who lost his son, 24 25 MCPL Jeffrey Scott Walsh in 2006 in friendly fire in Afghanistan. Keith Inches has been the 3 Unitary Executive 2008, Michael volunteer curator at the Saskatchewan Military Museum since 1984, and is a retired major Patterson-Carver with the Canadian Army Militia/Reserves 1955-1992. Dr. Nilgün Önder is Assistant Professor Photo: Courtesy of Small A Projects, New and Program Coordinator for International Studies at the University of Regina, and her York areas of specialization include international relations and international political economy. David Ramsay is Deputy Editor of the Leader Post, and spent some time in Kandahar in 2008 reporting on the war. Palwashah Humayun is from Afghanistan and works for the Open Door Society, a neighbour to the Regina Public Library. Palwashah left her native home-land 10 years ago, and was a refugee in India before immigrating to Canada. Dastageer Sakhizai is an Afghani policy consultant with the Saskatchewan Government (which purportedly holds no opinion on the Afghan conflict), who is a well-informed, articulate and intelligent observer of the Afghanistan conflict. The ideas and thoughts and perceptions about notions of war that may be bubbling in visitor’s minds when they enter the Diabolique exhibit can be brought out into the open, and encouraged as fodder for discussion with these people in the gallery space in part two. The exhibition is brought alive, made more dynamic, locally specific and current by this relational aesthetics intervention. The title of the exhibition is partially inspired by Les Diaboliques (1954), a black and white French classic terror film directed by Henri-Georges Clouzot, the title of which translates in English as ‘The Devils’. The women protagonists are dubbed devils because they plot to murder a man who has betrayed them. A revenge-fear classic, this film recalls the ways white supremacists, including the KKK and Aryan Nations, have projected their images in Diabolique. Such symbols and metaphors include the skull, the cross, helicopters own histories of sexual aggression onto members of subordinated groups as justification and tanks, the , the phallus/gun and much more. for further dominance and violence. While combat is commonly seen as masculine, is it Stepping into immersive fictional narrative and filmic videos and animations based on really a male domain? Are men heroes in war, and women devils, in the battle of the sexes? historical events by high-profile artists Shirin Neshat and William Kentridge, audiences will In her essay, Reflections on feminism, war, and the politics of dissent, Leslie Cagan describes be delivered into new worlds of nostalgia, memory, sounds, places, pockets of terror, class, war and feminism as being opposites of each other. “The horror and evil of war can partly power and authority, hierarchy and surrealism and lessons learnt and lost. These stories, be understood in seeing just how much it stands in opposition to feminism and feminist while perhaps not as confrontational as the Jake & Dinos Chapman War skull (2004), or principles. All of the values of feminism are contradicted— if not rendered impossible Cross on bomb (1968) by Nancy Spero, nevertheless illustrate how the power of violence can to achieve— by the realities of war and the machinery of war-making.”23 Cynthia Enloe seep into the subconsciousness in other, long-lasting and psychologically damaging ways. discusses how definitions of masculinities and femininities are carved out and integral to the Diabolique offers a wide scan of how violence has been carried out over the ages— whether it waging of war, and how power will be wielded based on these definitions. The use of violence be traditional, romantic or even biblical: bow and arrow or stoning, as seen in Balint Zsako’s in war to impose control and domination reinforces the traditional power men have had over collage figures cut from Renaissance painting reproductions in books; through stark black women. Yet, while feminists have long opposed war’s destructive and futile fatalisms,23 who and white images of dictatorship and execution; ethnic cleansing through colonial pillaging among us is exempt from the will to power? and burning of Acadian villages; gas masks, tanks and airplanes during the Italian-Abyssinian In Nancy Spero’s drawings, The War Series 1966–1970, men are bombs. In Althea war of 1935; suicide and protest in the 1953 coup d’état in which the CIA reinstalled the Shah Thauberger’s photograph, female Canadian military personnel climb Ma’Sum mountain of Iran; grenades used in the Vietnam War in the 1970’s; car bombs used today in Karachi, with smiles on their faces, seemingly victorious and almost relaxed despite their roles in Istanbul, Baghdad, Kabul, New Delhi or Bali; or prisoners being left to in the snow Afghanistan. In Diabolique, the art works show that gender is not necessarily a basis for (or drown in a river), completing the full cycle of violence through which history— and explosive definitions of those who impose, invoke or are victims of violence and diabolic ignorance— repeats itself. Historical icons and perpetrators of violence, ranging from Hitler, 26 27 action. On the other hand, several artists summon the visual emblem of the phallus as the Ku Klux Klan, Napoleon, Mussolini and Bush junior and senior are invoked and impaled. weapon and tool for destruction, including the drawing by Balint Zsako that blends man, We see others who populate the world of violence, war and terror: Kosovo refugees from the machine, gun for penis and penis for gun, the romance novel interventions by Scott Waters 1990’s by Bogdan Achimescu, front-line soldiers and various manifestations of their ‘family’ in which erect weapons overlay couples entwined in Harlequin bliss and Rebecca Belmore’s unit, innocent victims, women and children, parents, concerned citizens. totem pole, wrapped in torn camouflage material. Taking it a step further, emerging Diabolique was inspired by a post-September-11 world, whatever that might mean given Regina artist Jason Thiry uses imagery from pornographic magazines interlaced within that the events took place on the anniversary of the terrorist coup in Chile, orchestrated the camouflage pattern. Thiry’s blend of porn and war demonstrates how both industries in 1973 by the government of the United States. I was in New York on the most recent 9/11 use extreme male and female body images as weapons of consumer-seduction. In 2007, spectacle and witnessed the events and their aftermath (“it felt like a movie”, rather than an exhibition entitled Love/War/Sex was held at Exit Art in New York. The paradoxical title “it felt like a dream”25). The city became a macabre gallery, like Diabolique, filled with an demonstrates how war is central to human coupling, pulling together a powerful cocktail of eclectic mix of devilish dioramas, and narratives influenced by human conflict, , emotions, passions and idealistic convictions. There is a connection between “longing and the grotesque, masks, hybrids and surreal scenes that might recall Goya’s Disasters of violence and love with war, imaging the business of war in all its sensual manifestations.”24 War, (1810-20) or Dante’s Inferno, (1308-1321). Does my proximity to the visibility of the Weapons used as toys by boys and girls is a cultural practice explored by several artists September 11 event mean that this event was ‘more tragic and diabolical’ for me? How ‘close’ in the exhibition including Douglas Coupland, who has reproduced a giant-size genetically- or ‘distant’ does one have to be to violent events in order to feel a sense of horror, shock or modified toy soldier, Dana Claxton, who repetitively pulls on the trigger of a plastic toy gun loss? Ironically, when I was in New York, surrounded by the chaos of September 11, everyone and Mario Doucette, who explores video game violence aesthetics in his paintings. Fawad ran to television screens and turned on radios in order to find out what was happening. I Khan’s flameless explosions also hint towards video game entertainment— violence that recall sitting in my hotel room in midtown Manhattan, staring frozen at the TV screen news is harmless, even attractive or sublime, yet disarmingly so. Matilda Aslizadeh’s Hero of Our reports, and thinking how strange and horrible it was, that while this event was happening Times also draws on video game aesthetics, and relies on the classic fall and redemption in my own backyard, I still felt quite removed from it, helpless. Was the power of this event narrative. Symbols of war and violence— the visual language of war— appear in many of the for me partly manifested through the channels of the media? After all, my reality of the event, despite close proximity, was still charged by the media—somewhat disillusioning. Art curated by Norman L. Kleeblatt in 2002 for the Jewish Museum in New York, has also Baudrillard remarked several decades ago that “We live in a world where there is more provided rich ground for inspiration and contemplation. and more information, and less and less meaning.”26 Sontag calls this a “pornographic In the Foreword to the exhibition catalogue, Mirroring Evil: Nazi Imagery/Recent Art, appetite for suffering.”27 Why was this event, in this backyard, rendered more powerful for James E. Young asks some provocative questions about how viewers’ attention might some of us than other violent events in other backyards? The power of the media to render be directed: “Where are the limits of taste and irony in art that portrays terror? Must a certain violent events more ‘diabolical’ than others is at play here. Winnipeg artist Wanda depraved crime lead to depraved artistic response? Can art mirror evil, and remain free Koop explores similar ideas in her Green Zone series of paintings in Diabolique, inspired by of evil’s stench? By including some powerful and violent images in their work, are artists watching TV distortions of the Iraq war this decade, similar to Martha Rosler’s inspiration somehow affirming and extending them, even as they intend mainly to critique them and our from Vietnam War footage on television in the 70’s. connection to them? Perhaps this ambiguity between affirmation and criticism is part of the More and more people are traveling to trauma zones, it seems, in efforts to understand artists’ goal.”30 the dynamics that produce them. As Emanuel Licha attempts to show in his video The guest writers in the Diabolique catalogue provide a diversity and depth of documentary, War Tourist, in which he travels from the Auschwitz concentration camp, experience, offering important voices to the discourse in this exhibition. Sunera Thobani is to New Orleans post-Katrina, to the nuclear-bomb site of Chernobyl, and as an article in Assistant Professor of Women’s Studies at the University of British Columbia and former the Globe and Mail dated November 5, 2008, reports, tourists are now flocking to sites of president of the National Action Committee on the Status of Women. She places her work suffering and even into war zones. Laszlo Buhasz explores this desire to pay tribute to and within the tradition of radical, politically engaged scholarship and is committed to social look death in the face. He says “tour buses keep rolling into sites associated with death and justice movements, particularly the position of women and children in war-torn countries. suffering: the Killing Fields of Cambodia, New York’s ground zero, the genocide memorials In 2001, Thobani delivered her now famous paper, War frenzy, at a conference for the Centre in Rwanda and Nazi death camps in Central Europe.”28 The article also quotes Philip Stone, for Research on Globalization. Critiqued in that case by those who should have supported a senior lecturer with the University of Central Lancashire in England, who is studying the her work, here, Thobani has provided an essay that focuses on the complex relationships 28 29 phenomenon of “trauma” tourism. Stone says that visitors have mixed motives for visiting among race, gender, violence and ‘evil’, and works to complicate the act of viewing/ such sites: some come to remember and pay tribute (or to see what they have seen in the witnessing that comes into play in war exhibitions such as Diabolique. movies), but for many, visiting such memorials is a socially acceptable way to confront the “Building on Boris Groys’ question of whether art has its own territory to defend”, most destructive aspects of human nature. Death has been abstracted in our culture and for Diabolique, Dick Averns, an instructor at the Alberta College of Art + Design, has moved out of (comfortable) everyday discussion—death hides in hospitals and funeral highlighted “the ascendancy of contemporary war art, not by residing solely on the well- parlours. Perhaps visiting sites like this can make death and mortality feel more tangible. In trodden path of the artist as activist or unofficial historiographer, but via a probing of reality, however, we never have to travel very far to experience death and suffering, if we seek pluralistic forms of official war art in the shape of the Canadian Forces Artists Program to be aware of the operations of violence in our midst. (CFAP). Specifically, he has argued how” exhibitions like Diabolique enable a rare Diabolique also draws inspiration from the exhibition, Apocalypse: Beauty and Horror in opportunity to consider the role of “official” war artists such as CFAP’s Scott Waters and Contemporary Art, co-curated by and Max Wigram for the Royal Academy Althea Thauberger alongside a raft of “unofficial” war artists, including William Kentridge, of Arts, London, on display from 23 September—15 December 2000.29 Two of the artists in Nancy Spero and the Chapman brothers.31 Diabolique, Jake and Dinos Chapman, were in this same exhibition. The intriguing aspect Randal Rogers (mentioned in an earlier paragraph) is Associate Professor in the Faculty of the London exhibition—apart from the drama, and the way that the theatrical and the of Visual Arts at the University of Regina. He has recently begun a project entitled Seeing heightened sense of suspense were crafted by the curators—was the manner in which the Red: Blood, Bodies and Affect in Visual Culture, which looks at the representation of blood in artists confronted horror, both present and past. The artists were fearless, risk-taking and contemporary television and film. Similar to Diabolique’s ‘map of blood’, Rogers has provided bold in their statements. The curators thoughtfully situated their project in relation to such a tour of the exhibition, touching on artists such as Khan, Thiry, Garneau, and Licha, where varied sources such as Titian, Caravaggio, Goya, Bruegel, Beuys and Charlotte Saloman. he comments on the “violent split” between “violence everyday and everyday, violence”. Their essay carefully juxtaposed these great masters with the work of contemporary artists The artists in Diabolique appeal to our hearts, minds and senses. Some are political in the exhibition, from Wolfgang Tillmans, to Tim Noble & Sue Webster, Richard Prince, activists. Others are captivated by nightmarish experiences, terror and horror, the links Gregor Schneidor and many more. Another exhibition, Mirroring Evil: Nazi Imagery/Recent between weapons and toys. Still others wish to illuminate the mistakes of the past, admitting guilt, without guaranteeing or even requesting forgiveness. Perhaps the contemporary art in 22. http://www.newmuseum.org/exhibitions/408 (Accessed June 20, 2009) Diabolique gathers together symbolic wars that partake of struggle and carnival—battles that 23. Leslie Cagan, “Reflections on feminism, war, and the politics of dissent” in Feminism and War: Confronting U.S. Imperialism, edited by Robin L. Riley, Chandra Talpade Mohanty, bring people together before divisive yet collective weaknesses for atrocity. These artists are and Minnie Bruce Pratt, London and New York: Zed Books, 2008, p. 252 “best positioned to affect our knowledge by confronting us with a synthesis of new and often 24. [email protected] and www.exitart.org (Dated December 2007/January 2008) 32 shocking realities.” Like the poetry of Aime Cesaire, these visual works of art embody and 25. Our world is a media-saturated one – we no longer have to ‘imagine’ what it would be like illuminate blood, pain, fury, rage, destruction, protest and outcry.33 They are also talismans, to be in a warzone, because our lives revolve around the imaginary world of cinema and film instead. Susan Sontag, Regarding the Pain of Others, 2003, p. 22 memorials, (anti-)monuments and shrines. Lest we forget. 26. Baudrillard, Simulacra and Simulation, 1994, Ann Arbor: The University of Michigan Press, p. 79 27. Sontag, Susan, Regarding the Pain of Others, 2003, New York: Picador, p. 41 Amanda Cachia is Director/Curator of the Dunlop Art Gallery, Regina, SK. 28. Laszlo Buhasz, “Travelling to the dark side” in The Globe and Mail, November 2, 2008 29. Many other exhibitions around the world have addressed the theme of war as crucible 1. Clayton Eshleman & Annette Smith, Translated with an Introduction and Notes by, The Collected Poetry: for exploration. That Was Then…This is Now at P.S.1, New York, 2008, curated by Director Aime Cesaire, University of California Press: Berkeley, Los Angeles, London, 1983, p.291 Alanna Heiss was divided into three core themes of Flags, Weapons and Dreams; Signals 2. According to a CBC report from November, 2006, Saskatchewan had more homicides per capita than any in the Dark: Art in the Shadow of War, 2008, was curated by Seamus Kealy for Blackwood other province in 2005, according to figures released by Statistics Canada. The federal agency examined Gallery, Mississauga, Toronto; Robert Storr’s , Think with the Senses – Feel police reports for the year and tallied up 43 cases of murder, manslaughter or infanticide in the province. with the Mind: Art in the Present , 2007; Brave New Worlds, was co-curated by Doryun That gave it a rate of 4.33 homicides per 100,00 people – double the national average of 2.04 homicides per Chong and Yasmil Raymond for the Walker Art Center, Minneapolis, 2007-2008; War 100,000 people. Zones, was co-curated by Karen Henry and Karen Love, 1999 at Presentation House, 3 . www.dickshovel.com/covertwar.html (Accessed June 20, 2009) ; numerous Whitney Biennials in New York, and At War, for the Centre 4. Fred Moten, “Black Mo’nin” in Loss, edited by David L. Eng and David Kazanjian, 2003, Regents of the de Cultura Contemporania de Barcelona, Spain, was curated by a team composed of University of California, p. 59 Antonio Monegal, Francesc Torres and Jose Maria Ridao in 2004. Reaching back further historically, the exhibition A Different War was produced by the Whatcom Museum of 5. www.stonechildinquiry.ca (Accessed June 20, 2009) History and Art in 1990 and circulated by ICI across the US. It was accompanied by a 6. Amanda Cachia, Introduction, Diabolique, 2009, Regina, SK: Dunlop Art Gallery, p. 7 30 catalogue with text by Lucy R. Lippard. This exhibition was the first critical examination 31 7. Gertrude Kearns in “The Art of War: Steeped in modern conflict, artist portrays historic warriors”, by of the impact of the Vietnam War on American art of the past twenty-five years since Anthony Reinhart, The Globe and Mail, October 29, 2008, p. A7 1990. 8. L Gen. Romeo Dallaire, Shake Hands With The Devil: The Failure of Humanity in Rwanda, 2003, Canada: 30. “While this work may seem offensive on the surface, the artist may also ask, is the Random House, p. 7 imagery itself that offends, or is it the artists’ aesthetic manipulations of such imagery? 9. Sylvie Blocher, “Working With Them…” in Living Pictures: Wo/Men in Uniform by Sylvie Blocher, 2008, Does such art become a victim of the imagery it depicts? Or does it tap into and thereby Regina, SK: Dunlop Art Gallery, p. 19 exploit the repugnant power of diabolic imagery as a way to merely shock and move its 10. Norman Rosenthal, Apocalypse: Beauty and Horror in Contemporary Art, Royal Academy of Arts: London, 2000, p. 22 viewers? Or is it both? Perhaps we need to become aware of our motives for gazing on 11. Philip Monk, “Violence and Representation” in Struggles with the Image, 1988, Toronto: YYZ Books, p. 29 such art, or our own need to look evil in the face even as we are repelled by what we see…” 12. Susan Sontag, Regarding the Pain of Others, 2003, New York: Picador Press, p. 40 James E. Young, “Foreword: Looking into the Mirrors of Evil”, in Mirroring Evil: Nazi Imagery/Recent Art, curated by Norman L. Kleeblatt, 2002, New York: Jewish Museum, p. 13. James E. Young, “Foreword: Looking Into the Mirrors of Evil” in Mirroring Evil: Nazi Imagery/Recent Art, xvii 2002, New York: Jewish Museum, p. xvi 31. Dick Averns, “In Deference to a New Diabolique”, in Diabolique catalogue, 2009, Regina, 14. Elaine Scarry, The Body in Pain: The Making and Unmaking of the World, New York: Oxford University Press, SK: Dunlop Art Gallery, p. 46-47 1985, p. 3 32. Norman Rosenthal, Apocalypse: Beauty and Horror in Contemporary Art, London: Royal 15. Norman Rosenthal, Apocalypse: Beauty and Horror in Contemporary Art, London: Royal Academy of Arts, Academy of Arts, 2000, p. 22 2000, p. 19. 33. Sunera Thobani, War Frenzy, Centre for Research on Globalization, 28 October 2001 16. Laura Cottingham, The War is Always Home: Martha Rosler, 1991 (catalogue essay) http://home.earthlink. net/~navva/reviews/cottingham.html (Accessed July 10, 2009) 17. Miriam Hansen, “Why Media Aesthetics?” Critical Inquiry, 30 (Winter 2004): 393 18. http://news.yahoo.com/s/ap/20090617/ap_on_re_mi_ea/ml_iran_election_media_2 (Accessed June 26, 2009) 19. ibid. 20. Toni Burlap, “The Euclidean Triangle” in Whitney Biennial 2006: Day For Night, New York: Whitney Museum of American Art, 2006, p. 42. 21. Gregory Sholette, Snip, Snip…Bang, Bang: Political Art, Reloaded, www.gregorysholette.com/writings/writ- ing_index.html (Accessed June 20, 2009) CARTE de Sang

amanda cachia

Il n’est poudre de piment ni myrrhe odeur pensive ni délectation mais fleur de sang à fleur de peau carte de sang carte du sang à vif à sueur à peau ni arbre coupé à blanc estoc mais sang qui monte dans l’arbre de chair à crans à crimes Rien de remis à pic le long des pierres à pic le long des os du poids du cuivre des fers des cœurs 32 venins caravaniers de la morsure au tiède fil des crocs

« Des crocs », Aimé Césaire1

Diabolique trace une carte de sang sur les murs blancs. La carte s’ouvre sur une image troublante de Neil Stonechild. Pour les collectivités locales de la Saskatchewan, son visage tuméfié touche la corde sensible, nous atteint jusqu’à la moelle. Réalisé par David Garneau, le portrait d’autopsie de ce jeune des Premières nations, âgé de 17 ans, cible en 1990 de violence raciste, le visage défoncé apparemment par des coups de menottes, reflète la violence sociale et politique inhérente caractérisant les entrailles diaboliques de cette province, que ceux qui sont responsables du discours dominant veuillent l’admettre ou non. Comme tout autre endroit, Regina ne bénéficie pas d’une immunité contre la cruauté et le conflit. Le sondage de Maclean’s Magazine, souvent cité et source de honte, qui décerne à Regina la première ou seconde place (selon l’année) dans la liste des villes les plus dangereuses au Canada est un signe indéniable que la guerre existe bel et bien sur la scène locale.2 Cette exposition a lieu à Regina parce qu’à Regina, il existe une guerre, secrète ou non, contre les Autochtones3, contre d’autres groupes privés de 1 2008 leurs droits et minoritaires, et contre ceux vivant sous le seuil de la pauvreté dans toutes nos Balint Zsako Photo: Courtesy of communautés. the Artist Le portrait que Garneau peint de Stonechild ressemble étrangement à celui de Emmett l’Holocauste à l’Algérie, au Kosovo, à la Saskatchewan) et de tribunaux de guérison parrainés Till, un jeune Afro-américain de Chicago, âgé de 14 ans qui, en août 1955, rendait visite à des par l’État. Il confirme également que seuls les affligés peuvent pardonner et qu’ils ne sont membres de sa famille. Il avait été tué d’un coup de feu à la tête et jeté dans la rivière avec, nullement tenus de le faire. attachée autour du cou une énorme égreneuse à coton pour avoir, semble-t-il, sifflé une La situation de la Saskatchewan au coeur de la violence locale et internationale est femme blanche. La photo de son masque mortuaire révèle une coloration irrégulière de la cruciale, qu’elle soit reconnue ou non. Le 23 avril 2009, Dan D’Autremont, ministre des peau et une taille bien supérieure à la normale de la tête qui avait enflé sous les coups. Cette services gouvernementaux, est présenté à la foule réunie autour du seul monument aux dure image a été publiée dans Jet, et surtout grâce à ce véhicule, la photo et l’histoire de Till morts de la Saskatchewan, situé à proximité du Palais législatif à Regina. Il déclare aux sont devenues légendaires. La mère de Till voulait que « le monde entier » soit témoin de actualités télévisées de CBC que la Saskatchewan n’a pas de position pour ou contre la l’atrocité infligée à son fils.4 Le tableau de Garneau, Evidence, (2006), rappelle la photo de guerre en Afghanistan, où des groupes de soldats canadiens sont actuellement déployés. Till et, comme elle, exige du spectateur qu’il soit témoin. L’image est dérivée d’une photo Comment la Saskatchewan peut-elle s’abstenir de prendre position à propos de la guerre d’autopsie de Stonechild appartenant au domaine public et publiée, en 2004, dans un lorsqu’il est clair qu’à nos portes la violence quotidienne et la violence au quotidien rapport préparé par la Commission d’enquête de la Saskatchewan sur les questions reliées à pullulent, comme le signale judicieusement Randal Rogers dans le titre de son essai? la mort de Neil Stonechild.5 (Point intéressant, une autre artiste exposant dans Diabolique, Dans une autre nouvelle de CBC, en date du 16 juin 2009, on annonçait que sur le même Rebecca Belmore, s’est également penchée sur le sujet de Stonechild dans une oeuvre monument ayant servi de toile de fond à la dérobade de D’Autremont on avait ajouté des antérieure. Il est clair que la Saskatchewan est hantée par ce brutal calvaire.) graffiti racistes. Dans mon Préface au catalogue de Diabolique, je pose la question suivante: « Notre Dans J’ai serré la main du diable, son extraordinaire récit de la période où il a servi attitude vis à vis de la guerre, notre participation à la violence et le fait que nous y sommes comme commandant des forces de la Mission des Nations unies pour l’assistance au habitués, et notre capacité à agir au niveau politique et à manifester sont-elles meilleures Rwanda pendant le génocide en 1994, le Lieutenant-Général Roméo Dallaire écrit « nous maintenant ou pires? »6 Comme le saisit bien Progress, (2008), le dessin évocateur de Dan avons regardé pendant que le diable saisissait le paradis sur terre et s’abreuvait du sang des 34 35 Perjovschi en couverture du catalogue, il semble que de 2000 à 2009, nous ayons ajouté plus gens que nous étions censés protéger. »8 Qui protège les communautés très diverses qui de phallus et de mamelles idéologiques à nos tanks militaires virtuels, un développement demeurent en Saskatchewan? Est-ce que ce sont les bases militaires de Moose Jaw ou de allant à l’encontre de la nature et analogue à la Gorgon bio-génétiquement déformée de Dundurn qui envoient de jeunes hommes et femmes en Afghanistan? Est-ce la GRC ou la Douglas Coupland. Les artistes et commentateurs/critiques dont les travaux sont présentés force policière de Regina? Ou bien en fin de compte, est-ce nous, en luttant pour une vie plus dans cette exposition soulèvent la question implicite : en tant que spectateurs d’approches si sécuritaire, pour les droits de la personne, pour la justice sociale pour tous? Finalement, variées au Diabolique, sommes-nous en train d’avaler le sang et le sperme des terroristes et de tant l’armée que la police opèrent sous « deux directives contradictoires, protéger et leurs cibles, ou bien les nôtres? détruire… ce sont des représentantes de mécanismes de contrôle social. »9 Comment Diabolique invite les spectateurs à parcourir une ligne existentielle entre conflit et nous assujettissons-nous, nous-mêmes et les uns les autres, à des messages et contrôles conscience7 tout au long de l’exposition : le poids du sang régurgité, des fonds rouge sang contradictoires? et des explosions de voitures sans effusion de sang constituent cette carte de sang. Il y a des Dans Par-delà bien et mal (1886), Nietzsche accorde « la priorité la plus élevée à la liberté cicatrices laissées par l’explosion de grenades dans les rues de Sarajevo et transformées en personnelle — le but ultime de l’individu —, à la mise en valeur de la connaissance et, par- roses rouge sang, Bush traînant le torse déchiqueté d’un soldat en Iraq déversant des flots dessus tout, au fait de regarder bien en face la connaissance difficile bien qu’elle puisse être de sang (sang contre pétrole) et le sang synthétique du jeu vidéo ruisselant du visage d’un laide et même mortelle. »10 Que peuvent apprendre les spectateurs en regardant le mal enfant soldat. Tout comme le caractère éphémère des dessins de bandes dessinées sur la dans les yeux? La guerre est-elle permanente et la paix illusoire? Dégoûtés par l’horreur, guérilla de Perjovschi qu’on voit sur les panneaux de verre extérieurs de la bibliothèque nombreux sont ceux qui, ironiquement, se sentent irrésistiblement attirés par les ravages municipale de Regina, cette carte de sang — le sang de Stonechild — hante l’esprit, mais que des ténèbres. « Contre toute attente, nous découvrons dans la catastrophe une secrète reste-t-il dans la neige? Quelle est la trace mémorielle? En présence de telles atrocités, quelle attirance ainsi qu’une violente réaction à une image de la beauté. »11 La beauté de la laideur place peut-il y avoir pour une excuse ou un pardon valable? est un thème ancien et l’«iconographie de la souffrance a/possède une longue histoire/tradition ».12 Selon Jacques Derrida, « le seul pardon qui vaille consiste à pardonner La critique culturelle Reesa Greenburg déclare que « jouer avec prudence » n’est plus l’impardonnable », une contradiction d’autant plus vive en ce siècle de crimes de guerre (de une option viable pour les musées, commissaires d’exposition, critiques ou spectateurs lorsque les questions qu’on se pose sont, nécessairement, si dangereuses.13 Les spectateurs Dans cette exposition, on se sert du mot guerre dans son sens le plus large. Bien qu’il sont tous impliqués dans les transgressions de ces actes violents et honteux lorsque l’art y ait des guerres dans le monde entier, tous les jours, dans des contextes traditionnels, contemporain place sur eux des exigences si insoutenables. C’est le défi provocateur que on mène aussi des guerres de bien des façons et dans bien des endroits. De nombreuses Diabolique lance aux spectateurs de Regina à la Dunlop Art Gallery. guerres se déroulent au sein des quatre murs de nos propres foyers et sur les écrans de Selon Elaine Scarry, « Lorsqu’on entend parler de la douleur physique qu’éprouve une nos téléviseurs, comme l’a prouvé avec brio l’artiste Martha Rosler dans ses travaux de autre personne, ce qui se passe à l’intérieur du corps de celle-ci peut nous sembler posséder photocollage, Bringing the war home: House beautiful, (1967-1972). « Assemblés à partir des le caractère éloigné d’un fait souterrain, profondément enfoui, appartenant à une géographie pages de la revue Life — où des comptes rendus documentaires de corps déchiquetés, des invisible qui, de si mauvais augure soit-il, n’a aucune réalité parce qu’elle ne s’est pas encore bébés morts et des visages angoissés se fondent en douceur avec des publicités de matelas manifestée à la surface visible de la Terre. »14 Diabolique s’efforce de fournir au public une et un photo-reportage consacré à d’élégantes cuisines, des pelouses méticuleusement vaste arène géographique dans laquelle deux ’chapitres’ temporellement distincts, mais fertilisées et des salons aux murs ornés d’œuvres d’art — les montages de Rosler réassocie en harmonie spatiale donnent l’occasion de contempler des crises sociales et politiques, deux aspects de l’expérience humaine, la guerre au Vietnam et les salons américains, qui provenant de la Saskatchewan, du Canada, d’Italie, de Roumanie, d’Éthiopie et du reste du ont été séparés à tort.»16 La photographie et le journalisme de guerre sont représentés dans monde, qui se sont en fait manifestées et qui sont devenues visibles. Vingt-deux artistes Diabolique par Althea Thauberger, aux côtés de la vidéo documentaire de l’œuvre d’Emanuel internationaux et canadiens partagent ce qui est en jeu dans la violence humaines et mettent Licha. Alors que tous les autres médiums dans cette exposition découlent de l’imagination, les spectateurs au défi d’aller en deçà de la surface du sensationnalisme du conflit afin de une photo et une vidéo semblent offrir des représentations réalistes, mais est-ce vraiment le confronter la façon dont n’importe qui peut s’investir dans la victoire à tout prix. Les oeuvres cas? L’art digital et la manipulation de la photo ont joué bien des tours au regard humain. Sur sont éparpillées et replacent dans leur contexte l’intérieur et l’extérieur de la bibliothèque, le plan historique, dans le contexte de la guerre moderne, la photographie a servi de preuve remettant en question les processus consistant à encadrer les connaissances et à interpeller pour des atrocités ou des crimes de guerre, fabriqués ou non. tout le monde de partout, afin de reconnaître et de mettre au défi nos positions et, parfois, Considérez aussi le rôle de la photographie dans le dessin de Patterson Carver sur 36 37 de presser une touche sensible. En confondant temps et espace grâce au double usage de le voile couvrant la grande tapisserie reproduisant le Guernica de Picasso aux quartiers l’espace de l’exposition et des sites de transition tant à l’intérieur qu’à l’extérieur de la généraux des Nations Unies à New York le 5 février 2003, lorsque le Secrétaire d’État Dunlop Gallery, ces œuvres nous invitent à tenir compte des palimpsestes de l’histoire de la américain, Colin Powell, s’y est rendu pour défendre l’invasion de l’Iraq. Dans le The New violence humaine, et de la façon dont elle brise les limites et s’impose toujours. York Times, Maureen Dowd a écrit que selon les diplomates, l’image aurait transmis « un Les artistes présentent de l’art conçu pour notre époque, offrant parfois une étincelle message trop contradictoire…M. Powell ne peut pas quand même pas convaincre le monde d’espoir parmi des occasions de remise en question et de réévaluation. Comme l’histoire de de bombarder l’Iraq alors que l’œil de la caméra le montre entouré de femmes, d’hommes, l’art militaire ou l’horreur représentée dans l’art le démontre, alors que l’art peut rarement d’enfants, de taureaux et de chevaux mutilés et hurlant. »17 La suppression de l’art pour prétendre empêcher la guerre, il peut tracer les effets trop souvent ignorés de celle-ci. Bien faciliter la guerre souligne bien la puissance de l’image dans la culture médiatique mondiale que toutes les images de guerre ne deviennent pas aussi célèbres que le Guernica de Picasso d’aujourd’hui, même si l’image est un dessin et non une photo. Pour mieux renforcer ce (1937), chacune est capable de laisser une empreinte. Comme le dit Rosenthal dans son point, le 23 juin 2009, une dépêche de l’Associated Press sur le site de nouvelles Yahoo! News essai pour Apocalypse: « l’une des tâches principales de l’artiste est de dire que, puisque rapporte que « l’Iran a bâillonné la presse indépendante pour tenter de contrôler les images nous sommes nous mêmes des êtres humains, nous sommes tous impliqués. Il importe de manifestations contre les résultats de l’élection, mais des images et des vidéos ont réussi à que nous ne détournions pas notre regard et cherchions simplement refuge dans la beauté passer malgré tout — ce qui prouve combien il est difficile à l’ère d’Internet de bloquer le flot superficielle…Il nous faut confronter le mal visuellement. »15 Des éléments tangibles et d’information. »18 Des sites de réseautage social tels Twitter et Flickr ont pris de l’importance intangibles d’anxiété, d’espoir et de lutte, de pouvoir et d’autorité, des projections du à cause de restrictions gouvernementales — le Département d’État américain a demandé à bien, du mal, des banalités et des droits acquis à la naissance, des processus de création de Twitter de retarder une fermeture prévue pour l’entretien du site, ceci à la suite d’une énorme minorités, des vérités sublimes au sein de dures réalités, des interprétations contemporaines manifestation d’opposants au régime en Iran le 22 juin lorsque les autorités ont interdit aux et modernes d’événements historiques, tous sont juxtaposés dans cette exposition. Les journalistes de rendre compte de ce qui se passait dans la rue. « Le gouvernement iranien a images sont menaçantes et nous rappellent que nous vivons à une époque où la peur est à la aussi tenté d’empêcher ses citoyens de divulguer de l’information. Les services d’Internet fois un outil politique et un produit commercial. et les téléphones portables ne fonctionnaient que de façon intermittente et avec de longues périodes d’attente. Lors de la révolution iranienne de 1979, qui a vu l’installation du régime In Diabolique, l’oeuvre de l’artiste britannique Jeremy Deller est représentée par une islamique toujours au pouvoir, les reporters avaient également été muselés. La censure pièce d’esthétique relationnelle ayant pour titre It is What It Is: Conversations About Iraq gouvernementale et l’Internet se sont souvent heurtés. »19 (2009).22 Dans le cadre de cette exposition, neuf membres de la communauté réginoise L’une des images médiatiques les plus emblématiques de la guerre en Iraq est la photo ont été choisis pour constituer un panel d’experts qui pourront engager une discussion d’un prisonnier iraquien prise à la tristement célèbre prison d’Abu Ghraïb. Diffusée à individuelle avec les visiteurs sur la guerre en Iraq et surtout sur la guerre en Afghanistan, l’échelle du globe, on y voit l’homme, la tête couverte d’un capuchon, forcé de rester debout étant donné la relation du Canada avec l’Afghanistan et les soldats américains. Ces experts sur une caisse, nu si ce n’est d’une couverture, les mains tendues apparemment liées avec sont des personnes capables d’exprimer diverses opinions informées sur la guerre de leurs du fil de fer, devant ses geôliers américains. Cette image a révolté le monde et a provoqué un points de vue respectifs. Ils comprennent Ben Walsh, qui a perdu son fils, le Caporal-chef virage de l’opinion publique au sujet de la guerre. En 2004, l’artiste Richard Serra a créé une Jeffrey Scott Walsh en 2006, victime d’un tir ami en Afghanistan. Keith Inches est, depuis affiche intitulée « Stop Bush » qui reprend l’image et qui est devenue le symbole aux États- 1984, le conservateur bénévole du Musée militaire de la Saskatchewan et il a été Major, Unis des manifestations et activités contre la guerre organisées par des artistes. Cette année- aujourd’hui à la retraite, de la Milice de l’Armée canadienne/forces de réserve de 1955 à 1992. là, le niveau de protestation par les artistes, y compris affiches, oeuvres d’art, manifestations, Nilgün Önder, Ph. D., est professeur adjoint à l’Université de Regina où elle coordonne le actions, un numéro de ArtForum consacré à la protestation politique et divers événements programme des Études internationales. Elle se spécialise, entre autres, dans les relations de levées de fonds, a dépassé celui atteint pendant le conflit du Vietnam. La guerre en Iraq internationales et l’économie politique internationale. David Ramsay est éditeur délégué au continue à déclencher des protestations de la part des artistes.20 Dans Diabolique, l’oeuvre de Leader Post et, en 2008, il passé un certain temps à Kandahar pour effectuer des reportages Raymond Pettibon et Michael Patterson-Carver le démontre ostensiblement. sur la guerre. Palwashah Humayun est originaire d’Afghanistan et travaille à la Open Door En regroupant dans l’exposition plusieurs artistes qui se penchent sur l’activisme Society, voisine de la bibliothèque municipale de Regina. Elle a quitté son pays natal il y a et la protestation de l’art gauchiste, la propagande ou l’art du slogan facile, plutôt que 10 ans et était réfugiée en Inde avant d’immigrer au Canada. Dastageer Sakhizai est Afghan l’art ‘horreur’, je mets le spectateur au défi de réorienter sa réflexion sur le lien entre l’art, et consultant en matière de politique auprès du gouvernement de la Saskatchewan (il dit 38 39 l’activisme, la protestation, la propagande et l’effroi. Dans son essai Snip, Snip…Bang, Bang: n’avoir aucune opinion sur le conflit afghan). Il s’exprime clairement et est un observateur Political Art, Reloaded, Gregory Sholette parle de l’étiquette « art politique » et du nombre de avisé et bien informé sur ce conflit. Avec ces personnes présentes dans la galerie pendant galeries et musées qui se montraient défavorables à de telles oeuvres dans les années 1980. le deuxième volet, on peut faire valoir les idées, pensées, et perceptions de la guerre « Éventuellement, des musées ont ‘capturé et étiqueté’ un nombre limité d’oeuvres d’art susceptibles de bouillonner dans l’esprit des visiteurs lorsqu’ils pénètrent dans l’exposition critiquant la société. Il s’agissait toutefois d’une assimilation sélective favorisant l’oeuvre Diabolique, et s’en servir pour nourrir la discussion. L’exposition prend vie, devient plus politiquement ambiguë par rapport à l’œuvre directement interventionniste. En attendant, dynamique, plus propre à la région et plus actuelle grâce à cette intervention d’esthétique les groupes qui ont joué un rôle clé en forçant /dans l’ouverture forcée de la question de l’art relationnelle. et de la politique — PAD/D, Group Material, the Art Workers Coalition, Artists Meeting for Le titre de l’exposition s’inspire en partie d’un film classique d’horreur en noir et blanc Cultural Change, The Guerilla Art Action Group, Paper Tiger, SPARC, Carnival Knowledge du réalisateur français Henri-Georges Clouzot : Les Diaboliques (1954). Les personnages — ont été submergés/emportés sans cérémonie, partiellement ou complètement, par féminins y sont ‘diaboliques’ car elles complotent le meurtre d’un homme qui les a trahies. les vagues de l’histoire de l’art normative. »21 En incluant Perjovschi et l’artiste marginal Un classique vengeance-effroi, ce film rappelle la façon dont les tenants de la suprématie Michael Patterson-Carver au sein du groupe, la Dunlop permet au public d’entendre blanche, y compris le KKK et Aryan Nations, ont projeté leurs histoires d’agression sexuelle ces voix dissidentes d’artistes. Alors qu’auparavant, ils se situaient sur le pourtour ou sur des membres de groupes subordonnés afin de justifier la poursuite de la domination et en marge de la société à cause de circonstances socio-économiques et/ou politiques, ils de la violence. Alors qu’on envisage communément le combat comme relevant du domaine sont aujourd’hui acceptés dans le contexte d’une galerie contemporaine. Comme ils sont masculin, est-ce vraiment le cas? Les hommes sont-ils les héros de la guerre et les femmes, des militants politiques, leurs travaux contiennent des éléments pleins d’esprit: en fait, la diables, dans la guerre des sexes? Dans son essai, Reflections on feminism, war, and the politics of nature ‘bande dessinée’ de leurs travaux contextualise leurs observations satiriques au sein dissent, Leslie Cagan décrit la guerre et le féminisme comme étant à l’opposé l’un de l’autre. d’un discours traditionnellement comique. Toute matière ‘politique’ — qu’il s’agisse de « L’horreur et le fléau de la guerre peuvent être en partie compris lorsqu’on voit combien ils l’ancienne administration Bush ou d’autres affaires mondiales — est bonne pour Patterson- s’opposent au féminisme et aux principes féministes. Toutes les valeurs du féminisme sont Carver et Perjovschi. contredites — sinon rendues impossibles — par les réalités de la guerre et la machinerie guerrière. »23 Cynthia Enloe discute de la manière dont les définitions de masculinité et féminité sont tirées du combat et intégrales à celui-ci, et de la façon dont on exerce le pouvoir en se fondant sur ces définitions. Le recours à la violence en temps de guerre pour imposer la domination renforce le pouvoir que, traditionnellement, les hommes exercent sur les femmes. Cependant, bien que les féministes s’opposent depuis longtemps aux fatalismes destructeurs et futiles de la guerre,23 qui parmi nous échappe à soif de pouvoir? Dans de dessins de Nancy Spero, The War Series 1966–1970, les hommes sont des bombes. Dans la photo d’Althea Thauberger, du personnel militaire féminin grimpe la montagne de Ma’sum Ghar le sourire aux lèvres, apparemment victorieux et presque détendu malgré son rôle en Afghanistan. Dans Diabolique, les œuvres d’art montrent que le genre n’est pas forcément la base de définitions explosives de ceux qui imposent et invoquent la violence ou l’action diabolique, ou en sont victimes. D’un autre côté, plusieurs artistes font appel au symbole visuel du phallus comme arme et instrument de destruction : le dessin de Balint Zsako, qui mêle homme, machine, fusil pour pénis et pénis pour fusil; les interventions d’histoires sentimentales de Scott Waters dans lesquelles des armes dressées recouvrent des couples enlacés baignant dans la félicité Harlequin; le mât totémique de Rebecca Belmore enveloppé de tissu de camouflage déchiré. Poussant un peu plus loin, Jason Thiry, nouvel artiste de Regina, se sert d’images de revues pornographiques entrelacées de motifs de camouflage. Ce mélange de pornographie et de guerre montre 40 41 combien les deux industries se servent d’images extrêmes des corps masculin et féminin comme armes de séduction du consommateur. En 2007, une exposition intitulée Love/War/ Sex a eu lieu à Exit Art à New York. Le titre paradoxal montre bien comment la guerre est au cœur de l’accouplement humain, formant un puissant cocktail d’émotions et de convictions idéalistes. Il existe un lien entre « le désir et la violence, l’amour et la guerre, c’est pourquoi l’exposition visait à rendre la guerre sous toutes ses manifestations sensuelles. »24 Les armes dont petits garçons et petites filles se servent comme jouets est une pratique culturelle qu’étudient plusieurs artistes représentés dans l’exposition. Par exemple, Douglas Coupland qui a reproduit en format géant un soldat miniature génétiquement modifié; Dana Claxton, qui appuie de façon répétitive sur la gâchette d’un fusil-jouet en plastique; Mario Doucette qui, dans ses tableaux, étudie l’esthétique de la violence du jeu vidéo. Les explosions sans feu de Fawad Khan font aussi allusion aux divertissements vidéos — la 1 *stan 1991-2009 violence inoffensive, même attirante ou sublime, et pourtant désarmante. Hero of Our Photo: Bogdan Times, de Matilda Aslizadeh, s’inspire aussi de l’esthétique du jeu vidéo et repose sur le Achimescu récit classique de la chute et de la rédemption. Des symboles de guerre et de violence — le langage visuel de la guerre — sont présents dans de nombreuses images de Diabolique. De tels symboles et métaphores incluent la tête de mort, la croix, l’hélicoptère et les tanks, le swastika, le phallus/fusil et plus encore. En entrant dans le récit fictionnel et les vidéos et animations filmiques immersifs s’appuyant sur des événements historiques par les réputés artistes Shirin Neshat et William Kentridge, le public va être emporté dans de nouveaux mondes de nostalgie, de souvenirs, à penser combien il était étrange et horrible qu’alors que tout cela se passait à ma porte, je de sons, de lieux, de poches de terreur, de classe, de pouvoir et d’autorité, de hiérarchie et ressentais malgré tout un éloignement; je me sentais désarmée. La force de cet événement de surréalisme ainsi que de leçons apprises mais oubliées. Ces histoires, bien que peut-être s’est-elle en partie manifestée par le biais des médias? Après tout, ma perception de la réalité moins conflictuelles que le crâne de War (2004), de Jake & Dinos Chapman, ou Cross on de l’événement, malgré sa proximité, était quand même nourrie par les médias — quelque bomb (1968), de Nancy Spero, illustrent néanmoins comment la puissance de la violence peu décevante. Baudrillard a remarqué, il y a plusieurs décennies, que « nous vivons dans peut s’infiltrer dans l’inconscient d’autres façons durables et psychologiquement nuisibles. un monde où il y a de plus en plus d’information et de moins en moins de sens. »26 Sontag, Diabolique présente un vaste aperçu de la façon dont la violence a été mise à exécution à elle, parle d’un « appétit pornographique pour la souffrance. »27 Pourquoi cet événement-ci travers les âges — qu’elle soit traditionnelle, romantique ou même biblique : arc et flèche ou sur le pas de cette porte-là a-t-il pris plus de force pour certains d’entre nous que d’autres lapidation, comme on le voit dans le collage de Balint Zsako qui a découpé des figures dans événements violents sur le pas d’autres portes? Le pouvoir que possèdent les médias des livres de reproductions de tableaux de la Renaissance; par le biais d’austères images en de rendre certains événements violents plus ‘diaboliques’ que d’autres entre ici en jeu. noir et blanc de dictature et d’exécution; de nettoyages ethniques avec le pillage et l’incendie Dans Diabolique, l’artiste Wanda Koop, de Winnipeg, explore des idées similaires dans sa de villages acadiens aux mains des puissances coloniales; avec des masques à gaz, tanks et série de peintures Green Zone qui lui a été inspirée par les distorsions de la guerre en Iraq avions pendant la guerre italo- abyssinienne de 1935; par des suicides et des manifestations qu’effectuent la télévision, tout comme Martha Rosler, au cours des années 70, avait trouvé lors du coup d’état de 1953 avec la collaboration de la CIA qui a remis le Shah d’Iran au son inspiration dans les reportages télévisés de la guerre du Vietnam. pouvoir; par les grenades utilisées pendant la guerre du Vietnam dans les années 1970; par Il semble que de plus en plus de gens voyagent dans des zones de traumas pour les voitures piégées dont on se sert aujourd’hui à Karachi, Istanbul, Baghdad, Kabul, New essayer de comprendre la dynamique qui les provoquent comme Emanuel Licha tente de le Delhi ou Bali; ou bien par les prisonniers qu’on laisse geler dans la neige ou se noyer dans montrer dans son vidéo documentaire, War Tourist, en se rendant au camp de concentration une rivière, bouclant le cycle de la violence par laquelle l’histoire — et l’ignorance — se d’Auschwitz, à la Nouvelle-Orléans après Katrina, sur le site de la catastrophe nucléaire répète. On évoque et on empale des groupes ou personnages historiques emblématiques de Chernobyl. Comme le rapporte un article du Globe and Mail daté du 5 novembre 2008, 42 43 de violences, allant de Hitler au Ku Klux Klan, à Napoléon, à Mussolini et aux Bush, père et les touristes se rendent aujourd’hui en masse dans des lieux de souffrance et même dans fils. On voit d’autres gens qui peuplent le monde de la violence, de la guerre et de la terreur : des régions en guerre. Laszlo Buhasz étudie ce désir de rendre hommage à la mort et de des réfugiés du Kosovo dans les années 1990, de l’artiste Bogdan Achimescu, des soldats de la regarder dans les yeux. Il dit : « Des autocars affrétés arrivent par vagues sur des sites première ligne et diverses manifestations de leur unité ‘familiale’, des victimes innocentes, associés à la mort et à la souffrance : les massacres du Cambodge, le point zéro à New York, femmes et enfants, parents, citoyens concernés. les monuments aux victimes du génocide au Rwanda et les camps de la mort nazis en Europe Diabolique a été inspirée par un monde post-11 septembre, peu importe ce que cela centrale. »28 L’article cite également Philip Stone, maître de conférence à la University signifie exactement, étant donné que les événements se sont déroulés le jour anniversaire du of Central Lancashire en Angleterre, qui étudie le phénomène du tourisme orienté sur le coup d’État terroriste orchestré au Chili, en 1973, par le gouvernement des États-Unis. J’étais « trauma ». Selon Stone, les visiteurs ont des motifs variés pour se rendre sur de tels sites : à New York lors du plus récent spectacle du 11 septembre et j’ai été témoin des événements certains viennent se recueillir et rendre hommage (ou voir ce qu’ils ont vu dans des films), et de leur contrecoup. (« On avait l’impression d’être dans un film » plutôt que « On avait mais pour beaucoup, visiter de tels endroits commémoratifs est une façon socialement l’impression de rêver »25). La ville s’est transformée en galerie macabre, comme Diabolique, acceptable de confronter les aspects les plus destructifs de la nature humaine. Dans notre remplie d’un mélange éclectique de dioramas diaboliques et de narrations influencées par culture, la mort est devenue une notion abstraite et a été escamotée de la conversation le conflit humain, la torture, les masques, le grotesque, des scènes hybrides et surréelles quotidienne (convenable) — la mort se cache dans les hôpitaux et les salons funéraires. La pouvant évoquer les Désastres de la guerre, (1810-20) de Goya ou l’Enfer (1308-1321) de Dante. visite de tels sites rend peut-être la mort et la mortalité plus tangibles. En réalité, toutefois, Ma proximité aux événements du 11 septembre signifie-t-elle que ces événements ont il n’est pas nécessaire d’aller bien loin pour rencontrer la mort et la souffrance, si nous été ‘plus tragiques et diaboliques’ pour moi? À quelle distance doit-on être d’événements cherchons à être conscient des actes de violence qui prennent place parmi nous. violents pour ressentir des sentiments d’horreur, de perte ou le choc? Ironiquement, lorsque Diabolique s’inspire aussi de l’exposition Apocalypse: Beauty and Horror in Contemporary j’étais à New York, entourée par le chaos du 11 septembre, tout le monde se précipitait sur les Art, co-préparée et organisée par Norman Rosenthal et Max Wigram pour l’Académie écrans de télévision et allumait la radio pour savoir ce qui se passait. Je me souviens d’avoir royale des arts à Londres, et qui a eu lieu du 23 septembre au 15 décembre 2000.29 Jake été figée dans ma chambre d’hôtel au milieu de Manhattan, à fixer les reportages télévisés et et Dinos Chapman, deux des artistes présents dans Diabolique, y participaient. Un des aspects intrigants de l’exposition de Londres — en dehors du drame et de la façon dont les Diabolique offrent une rare occasion de considérer le rôle d’artistes militaires « officiels », commissaires d’exposition ont créé un côté théâtral et un sentiment de suspense exacerbé tels Scott Waters et Althea Thauberger du PAFC », parallèlement à des artistes militaires — était la façon dont les artistes ont confronté l’horreur, actuelle et passée. Les artistes ont « officieux » dont William Kentridge, Nancy Spero et les frères Chapman. »31 fait preuve de courage, ont pris des risques et se sont montrés audacieux dans leurs prises de Randal Rogers, mentionné plus haut, est professeur agrégé au Département d’arts position. Les commissaires ont judicieusement placé leur projet en relation avec des sources visuels à l’Université de Regina. Il a récemment entamé un projet intitulé Seeing Red: Blood, aussi variées que le Titien, le Caravage, Goya, Bruegel, Beuys et Charlotte Saloman. Leur Bodies and Affect in Visual Culture, qui étudie la représentation du sang dans les émissions essai juxtaposait avec soin ces grands maîtres aux travaux d’artistes contemporains présents télévisées et films contemporains. Tout comme la ‘carte de sang’ de Diabolique, Rogers dans l’exposition, de Wolfgang Tillmans à Tim Noble et Sue Webster, Richard Prince, Gregor fournit une visite de l’exposition s’arrêtant à des artistes tels Khan, Thiry, Garneau et Schneidor et bien d’autres encore. Une autre exposition, Mirroring Evil: Nazi Imagery/Recent Licha, où il commente la « division violente » entre la violence quotidienne et la violence au Art, préparée et organisée en 2002 par Norman L. Kleeblatt pour le Musée juif de New York, a quotidien. aussi fourni un terrain fertile pour l’inspiration et la contemplation. Les artistes exposés dans Diabolique parlent à notre coeur, notre esprit et nos sens. Dans l’Avant-propos du catalogue de l’exposition Mirroring Evil: Nazi Imagery/Recent Certains sont militants. D’autres sont captivés par des expériences cauchemardesques, la Art, James E. Young pose des questions qui ne laissent pas indifférent sur la façon dont terreur et l’horreur, le lien entre les armes et les jouets. D’autres encore souhaitent jeter la l’attention du spectateur peut-être guidée/canalisée : « Où se trouvent les limites du goût et lumière sur les erreurs du passé, acceptent la culpabilité sans garantir ou même demander de l’ironie dans l’art qui fait le portrait de la terreur? Un crime dépravé doit-il aboutir à une pardon. L’art contemporain de Diabolique regroupe peut peut-être des guerres symboliques réaction artistique dépravée? L’art peut-il être le miroir du mal et ne pas être affecté par son qui tiennent de la lutte et du carnaval — des batailles qui rassemblent les gens devant odeur fétide? En incluant dans leurs œuvres des images puissantes et violentes, les artistes des faiblesses pour l’atrocité. Ces faiblesses sont sources de discorde bien qu’elles soient les soutiennent et les enrichissent-elles d’une certaine manière, même si leur intention collectives. Ces artistes sont les « mieux placés pour affecter nos connaissances en nous est avant tout de les critiquer ainsi que le lien qui nous lie à elles? Cette ambiguïté entre confrontant à une synthèse de réalités nouvelles et souvent choquantes.»32 Tout comme la 44 45 assertion et critique relève peut-être de l’objectif de l’artiste. »30 poésie d’Aimé Césaire, ces œuvres d’art visuelles incarnent et éclairent le sang, la douleur, Les collaborateurs invités à prendre part au catalogue de Diabolique apportent une la furie, la rage, la destruction, la protestation et les huées.33 Ce sont aussi des talismans, des diversité et un fonds d’expériences, ajoutant des voix importantes au discours de cette mémoriaux, des monuments aux victimes et des anti-monuments, ainsi que des lieux de exposition. Sunera Thobani est professeur en étude de la condition féminine à l’Université pèlerinage. Souvenons-nous. de Colombie-Britannique et ancienne présidente du Comité canadien d’action sur le statut de la femme. Elle place ses travaux dans le contexte des études radicales, de Amanda Cachia est directrice et conservatrice de la Dunlop Art Gallery à Regina, SK. l’engagement politique et est une adepte convaincue des mouvements de justice sociale, 1. Clayton Eshleman & Annette Smith, Translated with an Introduction and Notes by, The Collected Poetry: en particulier en ce qui a trait à la position des femmes et des enfants dans des pays ravagés Aime Cesaire, University of California Press: Berkeley, Los Angeles, London, 1983, p. 290 par la guerre. En 2001, Thobani a présenté sa communication aujourd’hui célèbre, War 2. Selon un reportage de la CBC en novembre 2006, la Saskatchewan a connu, en 2005, plus d’homicides frenzy, à une conférence du Centre de recherche sur la mondialisation. Critiquée alors par par habitant que tout autre province selon des chiffres publiés par Statistique Canada. L’agence fédérale a ceux qui auraient dû appuyer ses travaux, Thobani nous livre ici un essai qui se penche étudié les rapports de police et a dénombré 43 cas de meurtre, homicide involontaire ou infanticide dans la province. Cela équivaut à 4,33 homicides pour 100 000 habitants, soit le double de la moyenne nationale, qui sur les relations complexes entre race, genre, violence et mal, et les œuvres qui rendent est de 2,04 homicides pour 100 000 habitants. plus compliqué l’acte de voir/d’être témoin qui entre en jeu dans des expositions comme 3. www.dickshovel.com/covertwar.html (consulté le 20 juin 2009). Diabolique. 4. Fred Moten, “Black Mo’nin” in Loss, edited by David L. Eng and David Kazanjian, 2003, Regents of the University of California, p. 59. « En élaborant pour Diabolique sur la question de Boris Groys, à savoir si l’art a son 5. www.stonechildinquiry.ca (consulté le 20 juin 2009). propre terrain à défendre » , Dick Averns, un instructeur au Alberta College of Art + Design, 6. Amanda Cachia, ‘Preface’, Diabolique, 2009, Regina, SK: Dunlop Art Gallery, p. 9. « a mis l’accent sur l’empire de l’art militaire contemporain, non pas en restant sur les 7. Gertrude Kearns in “The Art of War: Steeped in Modern Conflict, Artist Portrays Historic Warriors”, by sentiers battus de l’artiste en tant qu’activiste ou historiographe officieux, mais en sondant Anthony Reinhart, The Globe and Mail, 29 octobre 2008, p. A7. les formes pluralistes de l’art militaire officiel sous la forme du Programme d’arts des Forces 8. L Gen. Romeo Dallaire, Shake Hands With The Devil: The Failure of Humanity in Rwanda, 2003, Canada: Random House, p. 7. canadiennes (PAFC). En particulier, Averns a montré comment « des expositions comme 9. Sylvie Blocher, “Working With Them…” in Living Pictures: Wo/Men in Uniform par Sylvie Blocher, 2008, Regina, SK: Dunlop Art Gallery, p. 19. ce genre, ou bien en regard du besoin que nous éprouvons de regarder le diable dans les yeux même si ce que 10. Norman Rosenthal, Apocalypse: Beauty and Horror in Contemporary Art, Royal Academy of Arts: London, nous voyons ne nous inspire que répulsion… » James E. Young, “Foreword: Looking into the Mirrors of Evil”, 2000, p. 22. in Mirroring Evil: Nazi Imagery/Recent Art, curated by Norman L. Kleeblatt, 2002, New York: Jewish Museum, 11. Philip Monk, “Violence and Representation” in Struggles with the Image, 1988, Toronto: YYZ Books, p. 29. p. xvii. 12. Susan Sontag, Regarding the Pain of Others, 2003, New York: Picador Press, p. 40. 31. Dick Averns, «Eu égard à un nouveau Diabolique», dans le catalogue d’exposition Diabolique , 2009, Regina, SK: Dunlop Art Gallery, p. 52-53. 13. James E. Young, “Foreword: Looking Into the Mirrors of Evil” in Mirroring Evil: Nazi Imagery/Recent Art, 2002, New York: Jewish Museum, p. xvi. 32. Norman Rosenthal, Apocalypse: Beauty and Horror in Contemporary Art, London: Royal Academy of Arts, 2000, p. 22. 14. Elaine Scarry, The Body in Pain: The Making and Unmaking of the World, New York: Oxford University Press, 1985, p. 3. 33. Sunera Thobani, War Frenzy, Centre de recherche sur la mondialisation, 28 octobre 2001. 15. Norman Rosenthal, Apocalypse: Beauty and Horror in Contemporary Art, London: Royal Academy of Arts, 2000, p. 19. 16. Laura Cottingham, The War is Always Home: Martha Rosler, 1991 (essai dans le catalogue d’exposition) http://home.earthlink.net/~navva/reviews/cottingham.html (consulté le 10 juillet 2009). 17. Miriam Hansen, “Why Media Aesthetics?” Critical Inquiry, 30 (Hiver 2004): 393. 18. http://news.yahoo.com/s/ap/20090617/ap_on_re_mi_ea/ml_iran_election_media_2 (consulté le 26 juin 2009). 19. ibid. 20. Toni Burlap, “The Euclidean Triangle” in Whitney Biennial 2006: Day For Night, New York: Whitney Museum of American Art, 2006, p. 42. 21. Gregory Sholette, Snip, Snip…Bang, Bang: Political Art, Reloaded, www.gregorysholette.com/writings/writing_index.html (consulté le 20 juin 2009). 22. http://www.newmuseum.org/exhibitions/408 (consulté le 20 juin 2009). 23. Leslie Cagan, “Reflections on Feminism, War, and the Politics of Dissent” in Feminism and War: Confronting 46 U.S. Imperialism, edited by Robin L. Riley, Chandra Talpade Mohanty, and Minnie Bruce Pratt, London and 47 New York: Zed Books, 2008, p. 252. 24. [email protected] et www.exitart.org 25. « Notre monde est saturé par les médias – il n’est plus nécessaire ‘d’imaginer’ ce que ce serait de vivre dans une zone de guerre, car nos vies dépendent dorénavant du monde imaginaire du cinéma et du film. » Susan Sontag, Regarding the Pain of Others, 2003, p. 22. 26. Baudrillard, Simulacra and Simulation, 1994, Ann Arbor: The University of Michigan Press, p. 79. 27. Sontag, Susan, Regarding the Pain of Others, 2003, New York: Picador, p. 41. 28. Laszlo Buhasz, “Travelling to the Dark Side” in The Globe and Mail, 2 novembre 2008. 29. Bien d’autres expositions à travers le monde ont abordé le thème de la guerre en tant que creuset d’explora- tion. That Was Then…This is Now à P.S.1, New York, 2008, préparée et organisée par la directrice Alanna Heiss était divisée en trois thèmes principaux - Flags, Weapons and Dreams (Drapeaux, armes et rêves) ; Signals in the Dark: Art in the Shadow of War, 2008, préparée et organisée par Seamus Kealy pour la Blackwood Gallery, Mississauga, Toronto; Think with the Senses – Feel with the Mind: Art in the Present Tense, présentée à la Bien- nale de Venise en 2007; Brave New Worlds, co-préparée et organisée par Doryun Chong et Yasmil Raymond pour le Walker Art Center, Minneapolis, 2007-2008; War Zones,co-préparée et organisée par Karen Henry et Karen Love, 1999 à Presentation House, Vancouver; de nombreuses biennales du Whitney à New York, et At War, pour le Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, en Espagne, qui a été préparée et organisée par une équipe composée d’Antonio Monegal, Francesc Torres et Jose Maria Ridao, en 2004. L’exposition A Different War avait été organisée en 1990 par le Whatcom Museum of History and Art et avait fait le tour des États-Unis sous les auspices de ICI. Elle était accompagnée d’un catalogue auquel a contribué Lucy R. Lippard. Il s’agissait de la première étude critique sur la guerre du Vietnam sur l’art américain depuis 1990. 30. « Bien que cette œuvre puisse paraître choquant au premier abord, l’artiste peut aussi poser la question, est-ce l’imagerie même qui choque ou bien est-ce la façon dont les artistes manipulent esthétiquement celle-ci? Un art de ce genre est-il victime de l’image qu’il dépeint? Exploite-t-il le pouvoir répugnant de l’imagerie diabolique pour tout simplement choquer et émouvoir ceux qui le regardent? Les deux sont-ils vrais? Peut-être faut-il que nous soyons plus conscients de nos motifs lorsque nous contemplons un art de the role of “official” war artists such as CFAP’s Scott Waters and Althea In Deference Thauberger alongside a raft of “unofficial” artists, including Nancy Spero, William Kentridge and Matilda Aslizadeh. For without considering this larger spectrum of contemporary war art, we cannot fully appreciate the value of to a new first-hand representations in framing the darker side of humanity. Such is the Diabolique need to give deference to a new diabolique. 2. unraveling the warping of conflict & creativity via the weft of aesthetics & power dick averns From the outset, it is important to acknowledge that the idea of “All politics is about power, and the political agency in art—the ability for art to exert social change via political final arbiter of power is violence”1 re-calibration—is a highly contested ground. It may not be an explicit intent — Hannah Arendt of Amanda Cachia, curator of Diabolique, to continue this debate but her interest in social justice, reinforced by the assembling of artists in this show, “Does art have its own territory that is necessitates a brief overview of related paradigms. 2 worthy of being defended?” Key, is the Frankfurt School and its critics who, between the 1930s — Boris Groys and 1960s, batted critical theories back and forth—dialectics continuing to 48 the present— positing various integrations of labour, capital, politics and 49 culture, including art, centering on “decreasing domination and increasing freedom in all their forms.” 4 In practical terms there is, on one hand, what 1. introduction Carr more recently referred to as “the paradox of the avant-garde” 5. Here, Relationships between the warping of conflict and creativity, and the weft of the ability for avant-garde practices to effect political and/or social change is 4. Critical Theory and the Stanford Encyclope- aesthetics and power, have long been a contested ground; one that demands negated by an opposing force: the rationale being that once an opposition has dia of Philosophy (Accessed March 29, of warring, be they emotional, economic or full-blown acts of violence. But on the other hand, there are well-documented examples of 2009)

Attendant to such events are a legend of visions and texts and it is to these, creative endeavour that may be argued to have exerted political and social 5. Carr, C. On Edge: partially, that we must look to better understand the darker forces of human sway. Picasso’s Guernica helped put the Spanish Civil War in the world’s Performance at the End 1. Arendt, Hannah, On of the Twentieth Century, Violence, Harcourt, Brace nature: but where to begin? The route proposed for this essay will be to spotlight. The Art Worker’s Coalition poster depicting the My Lai massacre University Press of New & World, 1970, p. 11. reverse-engineer Arendt’s opening quote, to explore politicized imagery that problematized US actions in the Vietnam War. And more recently American England, 1994, p.xx. Carr 2. This opening question engages with one of the most predominant forms of violence for our time: artist Steve Kurtz drew worldwide attention to the appropriateness of US may also be referring to is posed by Groys in his the nebulous War on Terror. court proceedings against his creating bio-genetic artwork. Charges against Greenberg’s seminal text essay “The Logic of Equal from the period, “Avant- Aesthetic Rights” in Art Building on Groys’ question of whether art has its own territory to Kurtz revolving around unfounded involvement in bio-terrorism and mail Garde and Kitsch.” Power, p. 12 6 defend, I will highlight the ascendancy of contemporary war art, not by fraud were eventually dismissed . 6. MIT Press, 2008 that exhibitions like Diabolique enable a rarely seen opportunity to consider to determine. (Accessed April 30, 2009) 3. a context and continuum for diabolique a hard task for any artist or politician.10 Aslizadeh’s Hero “stars” as a child “Pain and suffering and evil,” convey both a first-hand account of soldier caught in a virtual plot, concluding with him digging his own grave. the My Lai massacre and an apt description for many of the works in This highlights a factor that reinforces Groys’ question apropos art as a Diabolique .7 Taking it as a priori that such arduous circumstances do not territory worth defending. Namely, that politics and art are “connected in form an optimum basis for balancing the world’s injustices, and noting that one fundamental respect: both are realms in which a struggle for recognition war is very much about such demons, I propose that art projects “in all their is being waged.” 11 forms” that seek to mitigate these imbalances, become worthy of enquiry.8 When the struggle, or content, is child soldiering, one would like to think At the least, this is my answer to Groys’ opening question, “Does art have consensus could be built around defending such a territory, by which I mean its own territory that is worthy of being defended?” More specifically, to defending the right to contain and outlaw the practice. Although, curiously, contextualize this with my proposed route to reverse-engineer Arendt’s this is not indisputably the case with Canadian officialdom: a thorny topic assertion that “all politics is about power, and the final arbiter of power that brings us closer to both the value of art in the political and how to access is violence” it is also necessary to establish a contextual corollary for or promote a less mediated, or more democratic, theatre of war. 12 Diabolique. For while Aslizadeh fits what I would term unofficial war art, Hero draws 10. I am inspired here by At the outset, it is imperative to acknowledge that not all violence is attention to an official policy on child soldiers that lies at the centre of a Francis Alys and his work about politics, and not all violence is about war. But all war is invariably complex relationship between labour, capital, politics and culture. Notably, “Sometimes doing some- rooted in the political. Between 1966 and 1970 the only topic of artistry the topic of contemporary child soldiering has, until relatively recently, thing poetic can become political and sometimes for Nancy Spero was war—more specifically Vietnam and her War seemingly been confined to non-western spheres, particularly Africa. But doing something political 7. Hugh C. Thompson, Series.9 Spero’s Helicopter Eagle (Magnet) Victim provides a context for more recently the issue of whole families being involved in regional and can become poetic.” a U.S. Army helicopter cold war imperialism and suffering that, vis-à-vis Diabolique, is a point of global conflicts, including the War on Terror, has become a prominent topic. The work is both a book 50 pilot, helped expose and exhibition, e.g. 51 the My Lai massacre in commencement for a continuum of related practices. Specifically, she Giving recognition to this framework highlights not just divisions of David Zwirner Gallery, Vietnam. He and his crew portrays conflict borne of the home-front unofficial perspective. labour in terms of those caught up in the fighting—and by implication the Feb 15–Mar 17, 2007. put themselves in harm’s In comparison, William Kentridge, a white South African, has spent broader military industrial complex—but also those persons committed to civilians. Thompson later many years drawing out internal struggles of self and state by capturing the its creative representation. This leads to my final section on those artists (Accessed April 2, 2009) testified about the day’s crushing consequences of apartheid: a war of race, economics and often afforded official front-line access to military activity. 11. Groys. “Equal events. The footnote violence that, as a sovereign battle, enabled his view from Johannesburg to Aesthetic Rights” p.13 and Thompson’s quote are drawn from an constitute both home-front and front-line representations. Well known for 5. diabolique: war art now! 12. Canadian Omar national public radio his charcoal animations, the crumbling and erasure concomitant with these Khadr was arrested in In an age of embedded journalism, stringent laws surrounding Afghanistan at age 15, a interview: includes two artists that have been able to travel to Afghanistan to create (Accessed March 30, to have kept him largely free from censorship, an indication how nuance can to be treated as a child 2009) new work. Scott Waters and Althea Thauberger, both allied to the Canadian soldier. He has spent 6 go some way to counter the paradox of the avant- garde. years in Guantanamo 8. I use the term for Forces Artists Program (CFAP), provide officially enabled views into what Bay. The Canadian embracing art projects is clearly an ascendant practice, war art. Disputed as a genre, but prevalent government has not lob- “in all their forms” to be 4. divisions of labour and recognition globally in exhibitions and cultural venues, Canada appears to have a leading bied for his repatriation consistent with the quote on the basis that he from the previous section At this juncture, our continuum needs contextualizing with role in the promulgation of such practices, placing Diabolique at the forefront faces serious charges in a re: political agency and 13 contemporary accounts of war. It is all too clear that some conflagrations of this curve. foreign country, although the Frankfurt School (see receive scant attention from Western mediated eyes—e.g., Rwanda, Darfur, Remarkably, the CFAP comprises a particularly democratic structure: in April 2009 the also footnote # 4). Burma (Myanmar)— while the War on Terror is omnipresent and knows no the selection process is essentially a public call, as opposed to being by Canadian Federal Court 9. Nancy Spero is quoted 14 ordered the government from an interview in the borders. In Diabolique, Matilda Aslizadeh cogently bridges these worlds via invite. Whilst not unusual in the art world, I consider it novel for the to support Khadr’s movie Our City Dreams. her video Hero of our Time, a work that trades in both poetics and politics: military to be so open. I know of no comparable program whereby another repatriation. country has an open submission for artists to avail themselves of the opportunity to be deployed with their military. Whilst Diabolique is not a formal art historical compare and contrast

exercise, what does stand out is that both Waters’ and Thauberger’s official 13. War art as a genre, representations eschew the more explicit depictions discussed elsewhere is questioned by Laura (viz. Spero, Kentridge, Aslizadeh), instead adopting portrayals to which Brandon in her book Art & War, although I tend you have to metaphorically lend a ear, as much as a concerting eye. Waters’ to believe it is deserving paintings and of Harlequin Romance novels, and Thauberger’s of such consideration. photographs of women at war make for fertile constructs, more so perhaps Shows to which I allude include War Zones, Pre- than the violent imagery created by artists operating solely from the home- sentation House Gallery; front. Perhaps this duo, having experienced the trepidation of front-line Canvas of War, national access to the War on Terror, know that the most heartfelt feelings are always touring show; Art and Activism, YYZ; Signals in found in the self, and via self-questioning. For my part, as a writer and the Dark: Art in the Shadow artist also in the CFAP who has experienced the waiting game of front-line of War; Blackwood Gal- lery & Justine M Barnicke deployment to the Middle East, I can certainly attest to the need for both Gallery; A Brush with War: greater reflection and ambivalent engagement. Military Art from Korea Much of the material in Diabolique may be hard to initially digest, to Afghanistan, national touring show. Venues to but Groys makes a strong case for such a territory in that “art institutions which I allude include are practically the only places where we can actually step back from the the new Canadian War 52 53 present and compare it with other historical eras.” 15 And as a colleague Museum, Ottawa (2005), and the Founders Gallery in performative arms, Governor General award winner Rita McKeough, at the radically over- recently said, “as soon as you stop the chaos, you experience the subversive hauled Military Museums power of silence. Dialogue and listening are politically and socially the most in Calgary (2009). powerful tools for change.” 16 From these perspectives it is valid to consider 14. (Accessed April In sum, what we have here is not a case of bringing conflict into the 30, 2009) gallery, but taking terror and trepidation out of the everyday. In an age 15. Boris Groys, “Art & War” p.16, in Signals in the whence war art now, it is increasingly important to invest these constructs Dark: Art in the Shadow of 17 into culture, as much as the Kultur of the military industrial complex. War, Justina M Barnicke Giving deference to this new diabolique is a small price to pay. Gallery, 2008 16. (Accessed April 30, 2009)

17. War Art Now is the title of the author’s cur- rent visual art & writing 1 War Art Now 2008 Dick Averns. Photo: project for the Canadian Courtesy of the Artist Forces Artists Program. 3 Helicopter, Eagle, (Magnet), Victim 1968 Nancy Spero © Nancy Spero. Courtesy Galerie Lelong, New York

54 55 Programme d’arts des Forces canadiennes (PAFC). Je suggère que des expositions comme Diabolique sont des occasions rares d’examiner le rôle des artistes de guerre « officiels » tels Scott Waters et Althea Thauberger du Eu égard à PAFC en relation avec celui d’artistes « non officiels », dont Nancy Spero, William Kentridge et Matilda Aslizadeh. Car, sans étudier cette gamme un nouveau plus étendue d’œuvres d’art de guerre contemporaines, il est impossible d’apprécier à leur juste valeur des représentations de première main sans Diabolique contextualiser la question du côté sombre de l’humanité, si pressant est le besoin d’avoir égard à un nouveau Diabolique.

dick averns 2. démêler la chaîne du conflit et de la créativité par la trame de l’esthétique et du pouvoir “All politics is about power, and the final arbiter of power is violence”1 Dès le départ, il est important de reconnaître que l’idée de l’art — Hannah Arendt comme agent de changement politique — la capacité qu’a l’art d’exercer un changement social par la réévaluation du politique — est un terrain “Does art have its own territory that is hautement contesté. Ce n’est peut-être pas l’intention explicite d’Amanda 2 worthy of being defended?” Cachia, commissaire de l’exposition Diabolique, de poursuivre ce débat, mais — Boris Groys l’intérêt qu’elle porte envers la justice sociale, que renforcent les artistes 56 rassemblés ici, nécessite un bref survol de paradigmes connexes. 57 Un point clé est l’École de Francfort et ses critiques qui, entre les années 1. introduction trente et les années soixante, ont débattu des théories critiques — un débat Les relations entre la chaîne du conflit et de la créativité et la trame qui perdure - avançant comme postulat diverses intégrations du travail, du de l’esthétique et du pouvoir sont depuis longtemps un terrain contesté. capital, de la politique et de la culture, y compris de l’art, tournant autour de C’est un terrain qui exige un réexamen à une époque de conflagration l’idée de « décroître la domination et accroître la liberté sous toutes leurs mondiale croissante et de ruptures culturelles3. Les loci de telles ruptures se formes. »4 En termes concrets, on retrouve d’un côté ce à quoi Carr a fait manifestent invariablement sous une forme quelconque de guerre, qu’elle récemment allusion, c’est-à-dire au « paradoxe de l’avant-garde ».5 Ici, la soit émotionnelle, économique ou qu’elle s’exprime par des actes de violence capacité qu’ont les pratiques de l’avant-garde d’effectuer des changements 4. Critical Theory and généralisés. À ces événements s’associe une légende de testes visuels et politiques et sociaux est contrecarrée par une force opposée, la raison étant the Stanford Encyclope- autres et c’est vers ceux-ci, partiellement, que nous devons nous tourner que, lorsqu’une opposition a enregistré les objectifs d’une avant-garde, elle dia of Philosophy & World, 1970, p. 11. où commencer? La voie proposée dans cet essai est de disséquer la citation Mais de l’autre côté, il existe des exemples très documentés d’activités (Trouvé le 29 mars 2009) 2. Cette question est d’ouverture d’Arendt pour explorer un réseau d’images politisées qui traite créatrices dont on peut dire qu’elles ont exercé une influence politique 5. Carr, C. On Edge: posée par Groys dans son d’une des formes prédominantes de violence à notre époque : la nébuleuse et sociale. Grâce au Guernica de Picasso, les feux de l’actualité se sont Performance at the End essai “The Logic of Equal of the Twentieth Century, Aesthetic Rights” in Art guerre contre le terrorisme. braqués sur la guerre civile espagnole. L’affiche de la Art Workers’ Coalition University Press of New Power, p. 12 Prenant appui sur la question que pose Groys, à savoir si l’art a son dépeignant le massacre de My Lai a rendu problématiques les actions des England, 1994, p.xx. Il est 3. La place de l’agenti- propre territoire à défendre, je montrerai l’ascendance de l’art de guerre États-Unis pendant la guerre du Vietnam. Plus récemment encore, l’artiste possible que Carr réfère vité re: art contemporain contemporain en ne me contentant pas d’emprunter le sentier battu de américain Steve Kurtz a attiré l’attention du monde entier sur la justesse aussi au texte séminal et esthétique est traitée de Greenberg écrit à la dans Art Power, Boris l’artiste en tant que activiste ou historiographe non officiel mais en sondant de l’action en justice du gouvernement américain contre la création de son même époque, “Avant- Groys. MIT Press, 2008 aussi les formes pluralistes de l’art de guerre officiel, en particulier le œuvre d’art biogénétique. Les chefs d’accusation contre Kurtz se rapportant Garde and Kitsch.” à sa participation à des actes de bioterrorisme et de fraude postale se régime de l’Apartheid. Notablement, l’ambiguïté de nombre de ses œuvres soldèrent par un non-lieu.6 semble aussi l’avoir en grande partie préservé de la censure, ce qui montre Bref, ces exemples contextualisent un des débats centraux sur l’art. comment la nuance peut servir d’une certaine manière à contrer le paradoxe Mais ils ne réussissent pas ni à établir un contexte sociopolitique actuel à de l’avant-garde. l’art de guerre, ni à présenter une relation avec les œuvres de Diabolique; des points que je vais entreprendre d’éclaircir. 4. Les divisions du travail et la reconnaissance

À ce carrefour, il devient nécessaire de contextualiser notre continuum 3. Un contexte et un continuum pour Diabolique grâce à des récits de guerre contemporains. Il est tout à fait clair que certaines 6. par Francis Alys et son (Trouvé le 30 avril 2009) que de telles circonstances ne forment pas la meilleure base pour équilibrer Dans Diabolique, Matilda Aslizadeh relie de façon convaincante ces mondes oeuvre “Sometimes 7. Hugh C. Thompson, les injustices du monde entier, et notant que la guerre est véritablement à avec sa vidéo Hero of our Time, une œuvre à la fois poétique et politique, doing something poetic un pilote d’hélicoptère de propos de tels démons, je propose que les projets artistiques « dans toutes tâche ardue que l’on soit artiste ou politique.10 Le Hero d’Aslizadeh’s « joue can become political l’Armée américaine a aide and sometimes doing leur formes » qui cherchent à mitiger ces déséquilibres méritent une le rôle « d’un enfant-soldat objet d’un complot virtuel qui se termine avec à exposer le massacre something political can 8 de My Lai massacre au enquête. Tout au moins, c’est ma réponse à la question d’ouverture de une image de lui creusant sa propre tombe. Cela souligne un facteur qui become poetic.” L’oeuvre Vietnam. Son équipage Groys, “Does art have its own territory that is worthy of being defended?” renforce la question de Groys au sujet de l’art comme territoire qu’il vaut la est à la fois un livre et et lui ont risqué leur vie une exposition, p.ex. à la Plus précisément pour contextualiser cette question avec la voie que je peine de défendre; c’est-à-dire que la politique et l’art sont « rattachés d’un pour sauver des civils David Zwirner Gallery, 58 vietnamiens. Thompson me propose d’emprunter, c’est à dire de disséquer l’assertion d’Arendt certain côté fondamental : ils sont tous deux des mondes dans lesquels se 15 février -17 mars 2007. 59 a témoigné plus tard au selon laquelle “all politics is about power, and the final arbiter of power déroule une lutte pour la reconnaissance. » 11 de la journée. La note is violence”, il est aussi nécessaire d’établir un corollaire contextuel à Quand la lutte, ou le contenu, concerne l’enfant-soldat, on aimerait (Trouvé le 2 avril 2009) de bas de page et la Diabolique. croire qu’il est possible de forger un consensus sur la défense d’un tel 11. Groys. “Equal citation de Thompson D’entrée de jeu, il est impératif de reconnaître que toutes les formes de territoire, et par cela j’entends la défense du droit de contenir et d’interdire Aesthetic Rights” p.13 sont tirées d’une entrevue qu’il a donnée violence ne sont pas nécessairement des actes politiques et qu’elles ne sont la pratique. Pourtant, curieusement, ce n’est incontestablement pas le cas 12. Le Canadien Omar à une radio publique pas toutes non plus des actes de guerre. Mais toute guerre a invariablement pour l’administration canadienne - un sujet épineux qui nous rapproche et de Khadr avait 15 ans quand il a été arrêté en nationale: Spero était la guerre — plus précisément la guerre du Vietnam dans sa War guerre moins médiatisé, ou plus démocratique, ou de le préconiser. Parce pour beaucoup, mérite (Trouvé le 30 mars 2009) Series.9 Le Helicopter Eagle (Magnet) Victim de Spero établit un contexte que si l’œuvre d’Aslizadeh correspond à ce que j’appellerais l’art de guerre qu’il soit traité comme un enfant soldat. Il a passé 8. J’emploie pour l’impérialisme et son cortège de souffrances pendant la guerre froide non officiel, Hero attire l’attention sur une politique officielle concernant six ans à Guantanamo l’expression “ sous toutes qui, en ce qui concerne Diabolique, est le commencement d’un continuum les enfants-soldats qui repose au centre d’une relation complexe entre le Bay. Le Gouvernement ses formes” pour parler canadien n’a pas fait des projets artistique de pratiques connexes. Plus précisément, Spero dépeint le conflit issu de la travail, le capital, la politique et la culture. Notablement, le sujet des enfants- pression pour qu’il soit pour être cohérent avec la soldats à l’heure actuelle, s’était apparemment confiné, jusqu’à relativement perspective non officielle du front civil. Par comparaison William Kentridge, rapatrié en s’appuyant citation de la section un Blanc sud-africain, a passé de nombreuses années à esquisser des luttes récemment, aux sphères non occidentales, particulièrement à l’Afrique. sur le fait qu’il fait précédente re: l’agenti- face à de graves chefs vité politique et l’École de intérieures entre le soi et l’État en captant les conséquences funestes de Mais plus récemment, la question de l’implication de familles entières dans d’accusation dans un Francfort (voir aussi note l’Apartheid : une guerre raciale, économique et souvent violente qui, en tant des conflits régionaux et planétaires, dont la guerre contre le terrorisme, est pays étranger, en dépit de bas de page no 4). que bataille souveraine, a permis à sa perspective depuis Johannesburg de devenue un sujet dominant. du fait qu’en avril 2009, 9. Citation de constituer des représentations à la fois du front civil et de première ligne. Reconnaître ce cadre met l’accent non seulement sur les divisions la cour fédérale du Nancy Spero tirée d’une Canada a ordonné au entrevue dans le film Our Réputé pour ses animations au fusain, médium dont le caractère friable et du travail à la lumière de ceux qui sont pris dans les combats — et par gouvernement d’appuyer City Dreams. effaçable signifie à la fois l’effacement de l’humanité et la chute éventuelle du implication dans un plus vaste complexe industriel militaire — mais aussi son rapatriement. chez les personnes qui se sont engagées à en faire sa représentation créative. De prime abord, une grande partie des œuvres présentées dans Cela m’amène à ma partie finale sur les artistes qui jouissent d’un accès de Diabolique peut être difficile à digérer mais Groys présente de bons première ligne officiel aux activités militaires. arguments en faveur d’un tel territoire en déclarant que « les établissements artistiques sont pratiquement les seuls endroits où on peut véritablement 5. Diabolique: War Art Now! prendre du recul par rapport au présent et le comparer à d’autres époques. » Et une collègue dans les arts de la performance, la lauréate du Prix du À une époque où il existe des journalistes intégrés, des lois très Gouverneur général Rita McKeough, a récemment déclaré : « Dès que vous strictes concernant le terrorisme, et des réglementations draconiennes mettez fin au chaos, vous donnez au silence une dimension subversive. 13. L’art militaire/de des déplacements pour des raisons de sécurité, il est remarquable que Le dialogue et l’écoute sont les outils les plus efficaces pour amener des la guerre en tant que l’exposition Diabolique comprenne deux artistes qui ont pu se rendre genre est contesté par changements.» — Partant de ces perspectives, il est valable de considérer en Afghanistan pour créer de nouvelles œuvres. Scott Waters et Althea Laura Brandon dans son des projets connexes comme contexte pour s’interroger sur les conflits, en ouvrage Art & War, bien Thauberger, tous deux du Programme d’art des Forces canadiennes (PAFC), particulier sur la guerre contre le terrorisme qui n’est toujours pas résolue. que j’aie tendance à croire fournissent des vues officiellement validées sur ce qui est clairement une qu’il est digne d’une telle En somme, ce qu’on a voulu ici, ce n’est pas faire entrer le conflit dans la pratique artistique de plus en plus courante, l’art de guerre, genre contesté considération. Les expo- galerie mais ôter la terreur et la trépidation du quotidien. À une époque, où la sitions auxquelles je fais mais répandu dans les expositions et les établissements culturels et dont le guerre est omniprésente (war art now), il devient de plus en plus important allusion comprennent Canada semble s’être fait le chef de file, plaçant Diabolique à la fine pointe de War Zones, Presentation d’intégrer ces constructions mentales dans la culture, autant que dans Avoir cette courbe. 13 House Gallery; Tableaux égard à ce nouveau diabolique est un petit prix à payer. de guerre, exposition Remarquablement, the PAFC possède une structure particulièrement itinérante nationale démocratique, le processus de sélection se faisant essentiellement sous itinérante; Art and Acti- Dick Averns est un artiste et écrivain qui est actuellement instructeur à l’Alberta 60 forme d’appel public plutôt que par invitation.14 Si ce processus n’est pas 61 vism, YYZ; Signals in the College of Art & Design à Calgary (Alberta). Dark: Art in the Shadow of inhabituel dans le monde artistique, je considère qu’il est novateur pour War; Blackwood Gallery le militaire de faire preuve d’autant d’ouverture. Je ne connais par de & Justine M Barnicke programme comparable à l’étranger où un pays invite des artistes à profiter Gallery; Sur le vif – L’art militaire de la Corée à de l’occasion de d’être déployés avec leurs Forces. l’Afghanistan, exposition Bien que Diabolique ne se veuille pas un exercice formel de 15. Boris Groys, “Art & itinérante nationale. comparaisons en histoire de l’art, il ressort que les représentations officielles War” p.16, in Signals in the Les établissements Dark: Art in the Shadow of auxquels je fais allusion et de Waters et de Thauberger évitent les représentations plus explicites War, Justina M Barnicke comprennent le nouveau discutées autre part (re : Spero, Kentridge, Aslizadeh), préférant des Gallery, 2008 Musée canadien de la guerre, Ottawa (2005), descriptions s auxquels on doit métaphoriquement prêter l’oreille, autant 16. http://www. réorganisation radicale. encore plus que les images violentes créées par les artistes n’opérant que canadacouncil.ca/ prix/ggavam/2009/ 14. (Trouvé les plus sincères sont toujours trouvés au fond de soi, et par la remise en le 30 avril 2009) question personnelle. Quant à moi, écrivain et artiste du PAFC qui ai vécu 17. War Art Now est le IN FRENCH http:// l’attente du déploiement en première ligne au Moyen-Orient, je peux titre du projet d’art visuel www.cmp-cpm.forces. et d’écriture de l’auteur gc.ca/dhh-dhp/gal/ap-pa/ certainement attester du besoin à la fois d’une réflexion en profondeur et pour le Programme d’arts index-fra.as d’un engagement ambivalent. des Forces canadiennes. Everyday Violence and Violence, Everyday

randal rogers

Being a tourist today one is rendered the ideal of contemporary experience, marked as it is by the fleeting, intransigent and non-totalizing experiences so aptly captured by Charles Baudelaire and others well over a century ago when discussing the transformations wrought 62 upon people in rapidly expanding urban centres. And yet, today forms of experience 63 continue to accelerate the very notion of fragmentation as life itself is distilled into nearly infinitesimal separate and unique elements. Consider your timetable, online experience, television viewing, shopping, and the accessibility to you that has been achieved by the mobile telephone. Be anywhere, do anything, at anytime, is the mantra of today. And while this may be accelerated over earlier periods, it remains a question whether this experience is fundamentally different from that of Baudelaire in the 1860s in Paris, or of the tourist born in the period just prior. But if the tourist is one element of Diabolique’s multiple themes, then it must be placed alongside the exhibition’s drive to look more closely, or forensically, simultaneously. This is not a tour easily submitted to the happy keepers of memory and time. For example, Emanuel Licha’s “War Tourist” (2004-2008) guides viewers on tours of cities ravaged by war or natural disaster in similar vein to the Surrealist tours of the Paris sewers, alternative tourist experiences which Lonely Planet and other travel guides now produce as part of their regular arsenal. Since the Vietnam War we have become accustomed to certain 1 War Tourist 2004-2008 forms of war tourism, in television news, Hollywood and documentary film. With Althea Emanuel Licha Thauberger and Scott Waters viewers are shown the other side of this tour, the military Photo: Courtesy of the Artist organization of war and the soldiers who serve it, and how they at times embody the violence in which they are embedded, men and women alike. But what is striking is the mundanity of it all. Women embedded in the war machine in Thauberger’s photographic fictions, while Cheesy romantic novels and machines of war appear together with paintings of soldiers in tactical gear by Scott Waters. With these portraits naming is important, individualizing and identifying usually anonymous elements of the war machine and personalizing them pattern that became ridiculously popular just as we marched soldiers off to war in Iraq and for the artist and us as known people, family, friends. In a similar vein, David Garneau’s Afghanistan. Fashion cares. But Thiry demands that I look more closely, that my body not “Evidence” presents viewers with a body and an identity—Neil Stonechild—reminding us remain distant from the scene. Look beyond the surface to see deeper and reveal other of a violence we condone everyday, here enormously magnified, refusing to not be seen. And forms. Camouflage covers and obfuscates. It provides disguise for the body so as to remain one feels this violence everyday in these times of the post-millenial “new normal” where hidden. But camouflage here also provides a screen to mediate the interdictions related to security has become the central principle determining our lives. And yet, I go to work, shop the pornographic body, glimpsed yet not revealed beyond the surface. Two bodies brought for food or shoes, have drinks with friends and chat about the weather. I worry about other into relation reminding us simultaneously of interdictions on bodies and the omniscient daily events—what to eat for dinner—and at day’s end I watch the news, everyday, and learn presence of the state in a time of increasing securitization, while undulating, heaving and about the ongoing war in Iraq and Afghanistan, the so-called random violence of individual swelling forms seduce viewers at both levels. Violence, everyday. men who decide their only response to life today must be to heavily arm themselves and kill In another manner but with equal power, Fawad Khan’s carnography is at times more people—at a mall, a university classroom, or on the street. A child abducted (and killed). literal and at times more complex while remaining, like Thiry’s, somehow playful. With design A local murder. A terrorist act. Fires and vehicle accidents. And it is the responses to these elements reminiscent of graphic novels Khan directly represents the scene of the crash, violences that Diabolique captures so effectively. Everyday violence and violence, everyday. which is no crash at all. Rather, his works explode in my face and I have to leap back to avoid While war art has a long tradition that Diabolique draws upon, as curator Amanda the contagion of flesh, just as I then must get closer to the violence that in each instant has Cachia reminds us in her essay, it is also marked for the ways in which the spectacular and shredded the bodies and penetrated my own. As Jaspir Puar reminds in Terrorist Assemblages the mundane are forced into contiguity while an ethics of viewing refuses to let viewers (2007), the suicide bomber is an interesting figure (is model too much?) because of the remain unimplicated. Simultaneously, it is former US President George W Bush’s prescient convergence and contagion of flesh which occurs during the blast, the site at which identity declaration of “grey war” that is the centre here. Dramatically escalating, expanding and disappears—if only too briefly—as the bomber’s body becomes my own and mine the next deepening structures inherited from the Cold War, the enemy is now everywhere. And person outward from the detonation. In Khan’s work for Diabolique, a Karachi taxicab, an 64 only forensic vision will out. Fingerprint and iris scans at the airports across the globe; everyday element of urban life, flies toward viewers as it is discharged by the explosion of 65 latex gloved searches at an airport security check in Kitchener; juries now asking for more form behind it. Looking more closely one recognizes that these are the bodies of fatigues- forensic evidence in a situation termed the “CSI Effect”, a demand derived directly from wearing soldiers. Here the mundanity of urban life referenced through the taxicab is drawn television and film viewing experience; crashes of planes, trains, automobiles that must into association with the violence of everyday life represented by military presence, the threat “rule out” terrorism, first and foremost. The list goes on and on. And have not television and of car bombs and insurgency, which mark contemporary life in Pakistan. Everyday violence. film responded with entirely new genres to capture this fear? Evidence. Law and Order for For his part, Emanuel Licha tours viewers through the aftermath of such violence. the strictly legal side, ER for the medical, and CSI bringing them together in these dramas Licha reminds us of how war and disaster transform—people, places, things. Geographies of control, where the body is mapped, disciplined, organized, fragmented, penetrated, reordered through violence, lines drawn up streets as place is erased to become something scanned, probed, analyzed, controlled, and, especially, filtered through visual technologies else again. Sarajevo, New Orleans, Paris, Chernobyl, Auschwitz. War, natural disaster, riot, to heighten pleasurable effects, not to mention political affects. And, of course, to police human disaster, war—what is the difference? Each is marked by unimaginable violence, an bodies while teaching us how to police each other and ourselves. How many of these inability to return to a former self, with only memory to keep the violence in check, in place. programs exist today? This is 1984 and the new “spectacle of the scaffold” together. George And who can forget the “Roses of Sarajevo”? They describe the sites in Sarajevo where shells Orwell and Michel Foucault are probably together at this very moment looking down over a have fallen to the streets and broken the pavement in a floral pattern that citizens have nice cool drink, delighted and horrified, just as we are when we watch a car crash or Dexter. begun to paint red. Shocking and exquisite. A rose where death was planned. The violence Yet, Diabolique asks us, not to look away, but to look even more closely, more forensically, reversed while the red memory of loss is embedded in the streets of the city. The crimson through the critical lens that is almost always left out of the relationship of viewers to images will fade just as the blood would have and in this lies its most excruciating beauty. But isn’t today. the tour guide here a little too well versed in the language of weapons as he describes so It is carnography at the centre of these relationships, where violence meets intimately the shells, missiles, bombs, grenades and ammunition used to produce each new pornography in a visual tumult, such as when one comes upon a car accident—where form of destruction? He then reminds us that “war is bad” but “not bad for everyone” and desire to see crashes into the prohibition upon looking. Jason Thiry captures it well in finally asks for his forty Euro fee. No one is outside as carnography turns to tourism. “Untitled Camouflage”. Pornography and violence of war described through a fabric If television such as CSI accelerates my gaze and multiplies it to the point of distraction, then David Garneau stops me in my tracks and demands that I stay to look carefully. In "Evidence" is painted an autopsy photograph of Neil Stonechild, a seventeen year old Cree boy who died after being released into the frigid winter night of Saskatoon during a "starlight tour" by Saskatoon Police Service officers Dan Hatchen and Ken Munson. Neil Stonechild’s face pushes beyond the edges of the canvas, everywhere rendered in blue tones with a blood red shroud—blood’s life and death imagined in extremis. Eyes closed Neil Stonechild appears to be sleeping, resting, reposed. Except a series of gashes on his nose and shadows that seem like bruises betray his sleep. He is dead. He was beaten before being left to die. These wounds are “Evidence”. Around them is constructed Neil Stonechild, the events of his life and death, and a very simple history of violence against Aboriginal people in Canada. Kinder. Gentler. Nation. If forensic aesthetics in popular culture obfuscates through its speed and multiplicity, then Garneau’s has stopped me. Dead. Unable to move away from the painting, the forensic look has returned to its objective of discovery, a pathological pedagogy to reconstruct the event. Like the autopsy itself, not to mention the long history of Anthropology’s engagement with Others, “Evidence” envisions the scene of death, magnifies it, brings me too close, forces my eyes upon it, makes me examine it, refusing the distance of disengagement. Its power lies in holding me within the supposed objectivity of the forensic gaze as it documents, records, reproduces, and imitates, but not to bring us into the courtroom to 66 67 punish those who performed this murder. Rather, Garneau’s forensic aesthetic returns us to the person, Neil Stonechild, a boy of seventeen, and forces us to contemplate the relation between his life and the visual overdetermination that is media at every level today. In this sense, Garneau says explicitly what each of the artists discussed here collectively point toward—everyday violence and violence, everyday. The works too briefly discussed here each position the viewer as a type of tourist. But this is not a Lonely Planet guide to Paris, its best attractions, food, restaurants, and alternative non-tourist sites. These works take viewers on tours that mark in other ways and refuse to let go. And this it seems to me is the point of Diabolique. If carnography revels in the desire/repulsion relation, then so too does forensic aesthetics, but with an important codicil. Rather than telling us to move to the next spectacle in the frenzy of the visible, these works ask us pause, for a moment or longer. Look. Observe. Feel. And don’t turn away. Acknowledge the violence of the everyday and everyday’s violence. Tour Diabolique. But beware its cruel and artful pleasures.

Randal Rogers is Associate Professor in the Faculty of Fine Arts at the University of Regina, SK, where he teaches Interdisciplinary Studies and Art History in the Department of Visual Arts. La violence quotidienne et la violence au quotidien

randal rogers

Être touriste de nos jours, c’est rejoindre l’idéal de l’expérience contemporaine marquée comme est l’est par les sensations fugaces, éphémères et non totalisantes dépeintes de façon très pertinente par Charles Baudelaire et d’autres il y a plus d’un siècle dans leurs écrits sur la façon dont les centres urbains en expansion rapide affectaient les citadins. Et 69 pourtant, la diversité de l’expérience contemporaine continue à intensifier l’idée même de la fragmentation alors que la vie est sublimée en éléments infinitésimaux, distincts et singuliers. Pensez à votre horaire, au temps que vous passez en ligne, aux heures passées devant votre téléviseur, dans les centres commerciaux et à la facilité avec laquelle les autres peuvent vous rejoindre grâce à votre téléphone portable. Aujourd’hui, le mantra c’est de pouvoir tout faire, peu importe le moment ou l’endroit. Et même si cela a pu être accéléré 1 Ma’Sum Ghar 3 antérieurement, on peut se demander si cette expérience est fondamentalement différente 2008, Althea Thauberger de celle de Baudelaire à Paris en 1860 ou de celle du touriste qui a émergé dans la période Photo: Courtesy of précédente. Mais si le touriste est un élément des multiples thèmes de Diabolique, il doit the Artist être mis en parallèle avec la visée de l’exposition qui est à la fois, de regarder de plus près et de scruter selon une perspective criminalistique. Ce n’est pas une visite à laquelle se soumettent facilement les heureux gardiens de la mémoire et du temps. Par exemple, War Tourist d’Emanuel Licha (2004-2008) nous fait visiter des villes ravagées par la guerre ou par des catastrophes naturelles à la façon des visites surréalistes des égouts de Paris, expérience touristique hors de l’ordinaire qui fait maintenant partie de la panoplie de Lonely Planet et autres guides touristiques. La guerre du Vietnam nous a habitués à certaines formes de tourisme de guerre par le biais des actualités télévisées et par les films et documentaires provenant de Hollywood. Althea Thauberger et Scott Waters nous font voir l’autre côté de cette visite : l’organisation militaire de la guerre et des soldats qui sont à son service et la façon dont ils, hommes et femmes, peuvent à certains moments incarner la violence à surveiller les corps en nous incitant et à l’auto surveillance et à la surveillance des autres. laquelle ils sont intégrés. Ce qui frappe, c’est la banalité. Les femmes intégrées à la machine Combien y a-t-il de programmes semblables aujourd’hui? C’est à la fois 1984 et le « spectacle de guerre dans la fiction photographique de Thauberger et les couvertures de romans de l’échafaud ». George Orwell et Michel Foucault regardent probablement tout ceci sentimentaux mièvres sur lesquels figurent des engins de guerre accompagnés de peintures attablés devant une boisson fraîche, à la fois ravis et horrifiés, tout comme nous le sommes de soldats avec leur équipement de guerre présentés par Scott Waters. Il est important pour quand nous voyons un accident d’auto ou regardons Dexter. Pourtant, Diabolique nous l’artiste ainsi que pour nous, pour la famille, les amis, de donner un nom à ces portraits, de demande de ne pas détourner le regard mais de regarder encore de plus près, de façon plus les individualiser et d’identifier des éléments normalement anonymes de la machine de criminalistique, à travers la lentille critique qui est, de nos jours, presque toujours écartée de guerre. De la même façon, Evidence, de David Garneau nous présente un corps et une identité la relation du spectateur avec les images. , Neil Stonechild, et nous rappelle une violence que nous excusons de façon quotidienne, Le carnage pornographique est au centre de ces relations, là où la violence rencontre la mais amplifiée dans ce cas et refusant de ne pas être vue. Et nous ressortons cette violence de pornographie dans un tumulte visuel semblable à celui qui se produit lorsque nous croisons façon quotidienne dans cette nouvelle normalité post millénaire où la sécurité est devenue un accident d’auto — là où le désir de voir se heurte à l’interdit dès que nous regardons. Jason le principe central autour duquel la vie s’organise. Et pourtant, je me rends au travail, je vais Thiry rend très bien cette tension dans Untitled Camouflage. La pornographie et la violence acheter de la nourriture ou des chaussures, je prends un verre avec des amis tout en causant de la guerre sont interprétées à travers un dessin dans des tissus populaires à outrance au du temps qu’il fait. Je me fais du souci au sujet d’autres événements quotidiens - ce qu’on moment où nous avons envoyés des soldats en Irak et en Afghanistan. La mode s’y intéresse. mangera ce soir — et à la fin de la journée, je regarde les actualités, chaque jour, et je suis Mais Thiry exige que nous regardions de plus près, il enjoint notre corps à ne pas se distancer informé de ce qui se passe dans la guerre en Irak et en Afghanistan, de la violence soi-disant de la scène. Regardons sous la surface pour scruter de plus près et découvrir d’autres formes. aveugle d’individus qui ont décidé que la seule réponse possible à la vie aujourd’hui est de Le camouflage dissimule et obscurcit. Il déguise le corps pour le rendre invisible. Mais ce s’armer et de tuer — dans un centre commercial, dans une salle de classe ou dans la rue. Un camouflage est un écran qui concilie les interdictions liées au corps pornographique, entrevu 70 enfant enlevé (et tué). Un meurtre dans ma localité. Une action terroriste. Des feux, des mais non révélé au-delà de la surface. Deux corps mis en relation nous rappellent à la fois 71 accidents d’auto. Ce sont les réponses à ces diverses violences que Diabolique capture si les interdictions placées sur le corps et la présence omnisciente de l’État dans une période efficacement. La violence quotidienne et la violence au quotidien. de sécurisation grandissante pendant que des formes ondulantes, mouvantes et fluctuantes Ainsi que nous le rappelle Amanda Cachia dans son essai, l’art militaire possède une séduisent le spectateur. La violence, au quotidien. longue tradition dont s’est inspiré Diabolique et il est aussi remarquable pour la manière D’une manière différente mais tout aussi puissante, le carnage pornographique de dont le sensationnel et le banal sont juxtaposés alors qu’une éthique du visionnement Fawad Khan est parfois plus littéral, parfois plus complexe tout en demeurant, comme celui refuse de laisser le spectateur indifférent. En même temps, la déclaration presciente d’une de Thirly, badin d’une certaine façon. En se servant d’éléments de stylisme qui évoquent les ‘guerre grise’ par Georges W. Bush, ancien Président des États-Unis, est cruciale. C’est romans graphiques, Khan présente de front une collision d’autos qui n’est pas du tout une l’escalade sur toutes les dimensions des structures héritées de la Guerre Froide, l’ennemi est collision. Cette œuvre explose devant moi et je recule d’instinct pour éviter la contagion de maintenant partout. Et la perspective forensique seule peut agir. Des balayages d’empreintes la chair en même temps que je suis poussé à me rapprocher de la violence qui a déchiqueté digitales et d’iris dans tous les aéroports du monde; des fouilles par des mains gantées les corps et pénétré le mien. Jaspir Puar nous rappelle aussi dans Terrorist Assemblages de latex aux points de sécurité à Kitchener; les jurés qui demandent maintenant plus de (2007) que l’auteur d’un attentat-suicide à la bombe est un personnage intéressant (serait- preuves forensiques dans des situations provoquées par ‘l’effet CSI’, une exigence qui il outrancier de dire que c’est un modèle?) à cause de la convergence et de la contagion vient directement de la télévision et du cinéma; écrasements d’avions, accidents de trains, de la chair au moment de la déflagration, le site de la disparition de l’identité — de façon d’automobiles dont on doit, d’abord et avant tout, écarter le terrorisme comme cause. La trop rapide — alors que le corps de l’assassin devient le mien et que le mien devient celui liste s’allonge. La télévision et le cinéma n’ont-ils pas répondu avec de tout nouveaux genres le plus rapproché de l’explosion. Dans une des œuvres de Khan pour Diabolique, un taxi à pour prendre avantage de cette peur? La preuve : La loi et l’ordre pour l’aspect strictement Karachi, élément banal de la vie urbaine, est projeté vers le spectateur dans une explosion judiciaire, ER pour l’aspect médical et CSI qui rassemble ces deux aspects dans ces émissions représentée par une forme qui, lorsqu’on la regarde de plus près, est composée de corps de contrôle où le corps est cartographié, discipliné, organisé, fragmenté, pénétré, balayé de soldats en habit de combat. Dans cette œuvre, la banalité de la vie urbaine rendue par le par scanner, sondé, analysé, contrôlé et, surtout, filtré par des technologies visuelles pour taxi est associée à la violence quotidienne représentée par la présence militaire, la menace intensifier les effets agréables, sans mentionner les effets politiques. Et aussi, bien sûr, de voitures suicide et l’insurrection qui caractérisent la vie contemporaine au Pakistan. La violence quotidienne. regard criminalistique alors qu’elle documente, enregistre, reproduit et imite, sans toutefois Emmanuel Licha, pour sa part, entraîne le spectateur dans les conséquences d’une nous faire pénétrer dans la salle d’audience pour punir ceux qui ont perpétré ce crime. telle violence. Licha évoque la transformation que produisent la guerre et les désastres sur L’esthétique criminalistique de Garneau nous retourne plutôt à la personne, Neil Stonechild, les gens, les endroits, les choses. La géographie est redessinée par la violence, des frontières un jeune garçon de dix-sept ans, et nous force à envisager le lien entre sa vie et l’acharnement sont tracées le long des routes alors que le lieu est effacé pour donner lieu à quelque à outrance que représentent les medias de nos jours. Dans ce sens, Garneau nous dit chose d’autre. Sarajevo, la Nouvelle-Orléans, Paris, Tchernobyl, Auschwitz. La guerre, les clairement ce que chaque artiste dont il a été question ici a à dire : la violence quotidienne et catastrophes naturelles, les émeutes, la guerre — où est la différence? Chacune est marquée la violence au quotidien. par une violence inouïe, une incapacité de retourner à un état premier, et seule la mémoire Les œuvres dont il a été question ici transforment le spectateur en une sorte de demeure pour contenir la violence, la brider. Qui peut oublier les « roses de Sarajevo »? Elles touriste. Mais elles ne sont pas un guide Lonely Planet de Paris, de ses attractions, sa cuisine, représentent les endroits à Sarajevo où les obus tombés sur le pavé ont formé des cratères à ses restaurants et ses sites non touristiques et non conventionnels. Ces œuvres guident le motif floral que les citoyens ont peint en rouge. Choquant et exquis. Une rose pour une mort spectateur dans une visite qui affecte d’une façon autre et qui refuse de lâcher prise. Et c’est ordonnée. La violence est inversée et le souvenir écarlate d’une perte est imbriqué dans les là, selon moi, l’essentiel de Diabolique. Si le carnage pornographique se repaît dans la relation pavés de la ville. L’écarlate s’estompe peu à peu tout comme l’aurait fait le sang et c’est dans désir/répulsion, il en va de même de l’esthétique de la criminalistique sauf pour un à-côté cela que réside sa beauté atroce. Mais le guide n’est-il pas un peu trop versé dans le langage d’importance. Plutôt que de nous exhorter à pousser vers une nouvelle frénésie visuelle, des armes ? Il décrit en effet de façon minutieuse les obus, les missiles, les bombes, les ces œuvres nous demandent de faire une pause plus ou moins longue. Regardez. Observez. grenades et les munitions employés pour entraîner chaque nouvelle forme de destruction. Il Ressentez. Et ne détournez pas votre regard. Constatez la violence quotidienne et la violence nous rappelle ensuite que la « guerre est néfaste » mais qu’elle « n’est pas néfaste pour tous ». au quotidien. Allez voir Diabolique. Mais méfiez-vous de ses plaisirs cruels et malins. Il exige ensuite son paiement de 40 euros. Personne n’est laissé à l’écart quand le carnage 72 pornographique se transforme en tourisme. Randal Rogers est professeur agrégé la Faculté des beaux-arts à l’Université de Regina en 73 Si les programmes de télévision tels que CSI accélèrent mon regard et l’éclatent de Saskatchewan. Il dirige le programme en études interdisciplinaires à la Faculté des études façon frénétique, David Garneau me fait carrément arrêter et exige que je freine et regarde supérieures et enseigne l’histoire de l’art au Département d’arts visuels. de près. « Evidence » est la peinture d'une photo d'autopsie de Neal StoneChild, un jeune Cri de dix-sept ans, décédé après avoir été relâché à la périphérie de la ville par deux policiers de Saskatoon, Dan Harchen et Ken Munson, au terme d'une 'balade sous les étoiles' par un nuit glaciale. Le visage de Neil Stonechild déborde la toile, tout est rendu en tons de bleus avec un suaire couleur de sang — la vie et la mort du sang imaginées in extremis. Les yeux fermés, Neil Stonechild semble dormir, reposé. Sauf que plusieurs coupures sur le nez et des ombres qui ressemblent à des ecchymoses contredisent ce sommeil. Ces blessures constituent la ‘preuve’. C’est autour d’elle que se construit Neil Stonechild, sa vie et sa mort, ainsi qu’une simple histoire de violence contre les Autochtones au Canada. Une société ouverte et tolérante. Alors que l’esthétique de la criminalistique dans la culture populaire brouille les choses par la vitesse et la multiplicité, Garneau m’arrête net. Je suis incapable de quitter sa peinture, son regard criminalistique étant retourné à la recherche de l’objectivité, à la pédagogie pathologique nécessaire à la reconstruction de l’événement. Tout comme l’autopsie même, pour ne pas mentionner l’engagement de l’anthropologie envers l’autre au fil du temps. Evidence contemple la scène de la mort, l’intensifie, m’en place beaucoup trop près, y astreint mon regard, me fait la réexaminer, rejette la distanciation du désengagement. Le pouvoir qu’elle exerce vient de ce qu’elle me retient dans les limites de la présumée objectivité du RACE AND THE ART OF WAR

dr. sunera thobani

“…I was once told of a very poor fisherman who went about peddling shellfish in a basket. This poor fisherman refused to sell his shellfish to a young gentleman who wanted all of them. He offered to pay the fisherman whatever price he asked, but the fisherman refused to sell for the simple reason that he took a dislike to the young gentleman. And he simply said to him: “I am the master in my hunger.” — Eduardo Galeano 1

To be the master in one’s hunger. In one’s pain. In one’s brutalization. That, 7 Munis (still) 2008 75 Shrin Neshat it seems to me, is to be in utter objection to the diabolical. It is a reaching Photo: Trevor Hopkin towards the sublime. If the cruelty of hunger, torture, war can be conceived of as diabolical, the formidable power of human beings to resist in the most devastating of circumstances attests to the lure of the sublime. To stand firm in one’s claim to human dignity over humiliating servitude is an indelible articulation of the sublime. There is no shortage of images of the atrocious. Indeed, the sites of daily life are punctured with these. Even as I write this essay for Diabolique, an exhibition that features artists’ interpretation of war, a heated public debate rages on the use of torture by the U.S. in the War on Terror. The photographic evidence of the torture seems incontrovertible; it has circulated in the global public domain since the release of the notorious Abu Ghraib photographs in May 2004. It seems equally likely that international laws have been broken, the Geneva Conventions violated, war crimes committed. What meanings, then, have these graphic images of torture acquired? What possibilities 1. Galeano, Edu- ardo (1990) ‘Salgado, 17 exist for the war artist to disrupt the dominant discourse that frames them? Times’, translated by How to insist on the dignity of those whose very humanity is denied in the Asa Zatz. In Salgado, grotesque violence perpetrated on their bodies? What sorts of affiliations Sebastiao. An Uncertain Grace. New York: are invoked in those who produce—and those who consume—these images? Aperture Foundation. For the politics of race and gender that have been writ large on the tortured 7-15. Quote pg. 8. bodies in Afghanistan and Iraq are no less central to war viewing than they one with the power to perpetrate such violence with impunity. The bombing are to the war making. raids and airstrikes in Afghanistan and Iraq by the U.S., in conjunction with The War on Terror that is the context for the staging of Diabolique has their allies, attests to the power of the West to continue waging such violence been popularly presented as a battle between a civilized, democratic ‘West’ with impunity. and a barbaric, misogynist Islamic extremism. The status of Muslim women, Leon F. Litwick describes the festival-like environment as whites defined as abject victims of their men, community and religion, is key to gathered in large numbers in the southern U.S., bringing along family and the rationale for waging the war: the Americans, Canadians and British, the friends, to participate in the lynching of Black men and women. Schools world is told, are fighting only to bring democracy to the Muslim world, and allowed white children to attend, special trains were scheduled, newspapers to liberate the women and girls who live in it. Gender is central to the official announced timings and locations—and followed up with descriptions of 2. If Republican Vice-President Dick war narrative, as is race, with ‘Muslim’ no longer referring only to a religious the — cameras took photographs, postcards were printed, sold Cheney, and the identity. As the new anti-terrorism measures target Black and Brown bodies and circulated, community leaders built political capital by organizing and neo-conservatives in the (i.e. those who ‘look’ like Muslims), the category ‘Muslim’ operates as a defending these events, etc., etc. The staging of racial violence thus became Bush Administration, defended going to the religio-racial one. The Muslim men who are accused of hating the ‘West’, an important site of white community formation, “…lynchers came together “dark side” in this war in equated with wanting to ‘destroy’ it, are assumed guilty as charged simply in an impressive show of racial and community solidarity.” 7 the U.S., the liberal intel- by dint of their religious identity. ‘They’ hate the West and women, ‘we’ are How then, might viewers of Diabolique engage with the exhibit? Will lectual/politician Michael Ignatieff defended it as liberating women and girls, is the crude and improbable—yet incredibly they feel pity, compassion, empathy even, as they proceed through the a “lesser evil’ in Canada. seductive—narrative that brought Canadians onto the U.S. side in this war. exhibition? Compassion, empathy, words that attest to the most humane See Ignatieff, Michael Torture, if used in the interest of national security, is necessary, even if not of human characteristics. Now irrevocably soiled by their tethering to the (2004). The Lesser Evil: 76 Political Ethics in an Age entirely welcome, argued politicians and intellectuals, conservatives and imperialist projects of the West. Will audiences want to rush out to save the 77 of Terror. Edinburgh: liberals alike.2 What space exists, in this situation, for the disruption of this victims of this War, even as their governments purport to be doing just that Edinburgh University narrative? If the Abu Ghraib photographs did not result in the implosion of by waging war? Or will they be shaken into recognition of their own role in Press; and Mayer, Janet (2008) The Dark Side: the dominant narrative in North America, what hope can there be for other the War being fought in their names, awakened rudely into awareness of their The Inside Story of How the kinds of representations to shatter these dominant ‘truths’ about the War? own responsibility for the death and destruction being wreaked to further War on Terror Turned into In her study of the representation of Black men in American Art, their national interests? a War on American Ideals. New York: Doubleday. Elizabeth Alexander notes that images of violence against Black bodies Featured in Diabolique, Shirin Neshat’s film,Munis , marks the complicity

3. Alexander, Elizabeth teach “traumatized” African-Americans “…a sorry lesson of their continual, of the West in the political violence that destroyed the lives of countless (1994). “Can you be physical vulnerability...” 3 The act of witnessing such violence highlights Iranians. The film begins with the British and American engineered coup Black and look at this?” the awareness among Black people of their “bottom line blackness” that led to the overthrow of popular Iranian Prime Minister, Mohammed Reading the Rodney King Video(s). In Golden, which makes them all potential targets. Knowledge of their own peril Mossadegh, in 1953. Neshat complicates the gender politics of that critical Thelma (ed.) Black Male: constitutes a community of the “we” among Blacks, she argues, which juncture: as Munis leaps into her death after she witnesses a young man being Representations of Mas- subsumes their internal difference. Alexander goes on to discuss the utter shot in the streets during a demonstration, she ties her fate inseparably to culinity in Contemporary 7. Litwack, Leon F. American Art. New York: terror experienced by Frederick Douglass upon witnessing the “horrible the fate of the male revolutionary. Both are struggling against the different (2000) ‘Hellhounds’, in 4 Whitney Museum of exhibition” of the flogging of an aunt by his master. Convinced he was next forms of oppression that keep them ensnared—western imperialism and Allen, James, Hilton Als, American Art. 91-110. for such brutalization, Douglass hid in fear as he found himself “doomed patriarchy. Where the War on Terror seeks to separate out the fate of Muslim Congressman John Lewis Quote, p 95. and Leon F. Litwack, to be a witness and a participant.”5 The “communally witnessed violence” women from their societies by marking them the beneficiaries of western 4. Alexander (1994:96). Without Sanctuary: recounted in slave narratives becomes a “text” that is “carried in African- intervention, Neshat’s film points unambiguously to the shared struggle, and Lynching Photography in 5. Frederick Douglass, 6 America. Santa Fe, New quoted in Alexander American flesh”, is Alexander’s compelling argument. fate, of revolutionary Iranian men and women. Mexico: Twin Palms (1994:96). If witnessing such violence constitutes Black people as a community, Although exhibitions are based on the assumption that the displays Publishers. 8-37. Quote 6. Alexander (1994:96). watching the violence likewise constitutes white spectators as a community, are open to all, the meaning of the consumption of such spectacles is p19. infinitely more complex. Alexander emphasizes how viewing the flogging of his aunt becomes a turning point in Frederick Douglas’ narrative. Determined to escape slavery, he dedicates himself to this task as well as to the emancipation of other slaves. Turning his back on the diabolical, Douglas decides to strive for the sublime. In a similar vein, the power of the lynching photographs to inspire resistance persists over generations and over centuries, as attested to by contemporary writers who are both devastated and galvanized into resistance by viewing them.8 Who, then, is the community of the ‘we’ that the war artist seeks to invoke in his/her creation? The experience of engaging with war art will be 8. In his essay on watch- ing the photographs of significantly different for those whose history has been shaped by colonial lynchings, Hilton Als and imperialist violence perpetrated against their communities, and describes his pain and those whose history includes the infliction of such violence. For it is surely visceral sense of identification with the inconceivable that Aboriginal viewers will have the same responses in murdered men and remembering Neil Stonechild (David Garneau’s Evidence, 2008) as the non- women. The difference Aboriginal viewer who is the beneficiary of their ongoing colonization and between them, he tells readers, “…is that I am dispossession. not dead, have not been The communities-in-formation to which viewers find themselves 78 lynched or scalded or 79 burned or whipped or aligned can disrupt the community of the ‘we’ in whose name wars are being stoned.” (39) But he has fought. But such an occurrence becomes possible only with the rejection been “watched”, he has of the pornographic benevolence and compassion that the West claims to witnessed the “harm in people’s eyes” upon feel in its relations with the Rest. The most urgent task facing the artist who seeing his Blackness, and wants to interpret and represent this war is to rupture the politics of such this watching is the benevolence and compassion. “prelude to becoming a dead nigger.” (39). Al- Will the viewers of Diabolique be able to meet the gaze of the hungry though he “avoided being fisherman who says to them ‘keep your money’? I am the master in my the Black guy” in the past, hunger. Als vows after watching the photographs never to engage in the tokeniza- Dr. Sunera Thobani is Assistant Professor at the Centre for Research in Women’s tion of his Blackness: “I Studies and Gender Relations/Women’s Studies Programme at the University of will never write from this niggerish point of view British Columbia in Vancouver, BC. again”(40). Als, Hilton (2000) ‘GWTW, in Allen, James, Hilton Als, Congressman John Lewis and Leon F. Litwack, Without Sanctuary: Lynching Photography in America. Santa Fe, New Mexico: Twin Palms Publishers. 38-44. LA RACE ET L’ART DE LA GUERRE

dr. sunera thobani

…On m’a un jour raconté l’histoire d’un pêcheur très pauvre qui vendait ses crustacés au colportage, dans un panier. Ce pauvre pêcheur a refusé de vendre ses crustacés à un jeune homme qui voulait les acheter tous. Il a offert de payer au pêcheur le prix qu’il demanderait, quel qu’il soit, mais ce dernier a refusé de les lui vendre pour la simple raison qu’il avait pris le jeune homme en grippe. Il lui a donc tout simplement dit : « Malgré ma faim, je reste le maître.» — Eduardo Galeano 1 (Traduction libre)

Rester le maître dans sa faim, dans sa douleur, dans la brutalité qu’on lui 7 Munis (still) 2008 80 81 inflige. Selon moi, il s’agit là d’une objection absolue au diabolique. C’est Shrin Neshat Photo: Trevor Hopkin une tentative d’atteindre le sublime. Si la cruauté de la faim, de la torture, de la guerre peut être conçue comme diabolique, la formidable capacité des êtres humains à résister aux circonstances les plus dévastatrices témoigne de l’attrait qu’exerce le sublime. Faire preuve de fermeté lorsqu’on revendique la dignité humaine plutôt qu’une servitude humiliante est une expression indélébile du sublime. Les images de l’atroce ne font pas faute. En vérité, notre vie quotidienne en est bombardée. Au moment même où je rédige cet article pour Diabolique, une exposition mettant en vedette l’interprétation de la guerre selon des artistes, un débat public passionné fait rage à propos de l’usage de la torture par les É.-U., dans le cadre de la guerre à la terreur. Les preuves photographiques de la torture semblent irréfutables; elles ont circulé dans le domaine public global depuis la publication, en mai 2004, des photos tristement célèbres de Abu Ghraïb. Il semble aussi fort possible qu’on ait 1. Galeano, Eduardo enfreint des lois internationales, violé les Conventions de Genève, commis (1990) ‘Salgado, 17 des crimes de guerre. Quelle signification ces images explicites de torture Times’, translated by Asa Zatz. In Salgado, ont-elles donc acquise? Quelles possibilités existe-t-il pour l’artiste de guerre Sebastiao. An Uncertain de perturber le discours dominant qui les encadre? Comment insister sur la Grace. New York: dignité de ceux dont l’humanité même est reniée par la violence grotesque Aperture Foundation. 7-15. Quote pg. 8. perpétrée sur leur corps? Quels types d’affiliations ceux qui produisent ces images — tout comme ceux qui les consomment — revendiquent-ils? Car la de sa tante aux mains de son maître.4 Convaincu qu’il serait le prochain à politique de la race et du genre, qui a été largement exploitée sur des corps être soumis à une telle brutalité, Douglass se cache alors qu’il se découvre « torturés en Afghanistan et en Iraq, n’est pas moins au coeur de la vision de la condamné à être témoin et participant ».5 L’argument fascinant d’Alexander guerre qu’au cœur de sa genèse. est que la « violence dont on est témoin collectivement », rapportée dans les La guerre à la terreur qui est le contexte de la mise en scène de récits des esclaves, devient un « texte » que « la chair afro-américaine porte Diabolique a été généralement présentée comme une bataille entre en elle ».6 l’Occident civilisé et démocratique, et un extrémisme barbare et misogyne Si être témoin d’une telle violence constitue les Noirs en communauté, islamique. Le statut des femmes musulmanes, définies comme abjectes regarder la violence, de la même façon, constitue les spectateurs blancs victimes de leurs hommes, de leur communauté et de leur religion, est à en communauté, une communauté qui a le pouvoir de perpétrer cette la source des raisons pour faire la guerre : on dit au monde entier que les violence impunément. Les raids de bombardement et frappes aériennes des Américains, Canadiens et Britanniques ne se battent que pour apporter la États-Unis et de leurs alliés en Afghanistan et en Iraq attestent du pouvoir démocratie au monde musulman et pour libérer les femmes et jeunes filles que possède l’Occident de continuer à sa campagne de violence en toute qui y vivent. Le genre est au cœur du discours officiel de la guerre, tout impunité. 2. Si Dick Cheney, comme la race d’ailleurs, car ‘musulman’ ne se réfère plus à une identité vice-président américain, Leon F. Litwick décrit l’ambiance de quasi festival alors que des blancs et les néo-conservateurs religieuse. Alors que les nouvelles mesures antiterroristes visent les corps se rassemblent en grand nombre dans le sud des États-Unis, accompagnés de de l’administration noirs et bruns (c.-à-d., ceux qui ont l’air de musulmans), la catégorie leur famille et de leurs amis, afin de participer au lynchage d’hommes et de Bush, ont défendu aux ‘musulman’ fonctionne comme une catégorie religio-raciale. Les musulmans États-Unis leur passage femmes noirs. Les écoles autorisent les enfants blancs à y assister, des trains defended going to the qu’on accuse de haïr l’Occident, qu’on dit vouloir ‘le détruire’, sont jugés supplémentaires sont prévus, les journaux annoncent l’heure et le lieu - et « face obscure », le 82 coupables de l’accusation à cause de leur identité religieuse. ‘Ils’ haïssent en font le suivi avec des descriptions des tortures infligées — on prend des 83 politicien/intellectuel libéral, Michael Ignatieff, l’Occident et les femmes, ‘nous’ libérons les femmes et jeunes filles : c’est photos, on imprime des cartes postales qu’on vend et distribue, les chefs de l’a défendu au Canada là le discours rudimentaire et invraisemblable — bien que terriblement file de la communauté étoffent leur avantage politique en organisant et en comme « un moindre mal séduisant — qui a conduit les Canadiens à se ranger aux côtés des É.U. dans défendant de tels événements, etc. etc. La mise en scène de la violence raciale ». Voir Ignatieff, Michael (2004). The Lesser Evil: ce conflit. La torture, si on s’en sert dans l’intérêt de la sécurité nationale, est ainsi devenue un site important pour la constitution d’une collectivité Political Ethics in an Age est nécessaire, même si elle n’est pas totalement bienvenue, ont déclaré blanche, « …les lyncheurs se rassemblent pour une démonstration of Terror. Edinburgh: 2 politiciens et intellectuels, conservateurs et libéraux. Dans cette situation, impressionnante de solidarité raciale et communautaire. »7 Edinburgh University Press; et Mayer, Janet quel espace y a-t-il pour perturber ce discours? Si les photos de Abu Ghraib Comment les spectateurs de Diabolique peuvent-ils donc réagir (2008) The Dark Side: n’ont pas provoqué l’implosion du discours dominant en Amérique du Nord, à cette exposition? Ressentiront-ils de la pitié, de la compassion, peut- 4. Alexander (1994:96). The Inside Story of How the peut-on espérer que d’autres types de représentations vont fracasser ces 5. Frederick Douglass, War on Terror Turned into être même de la sympathie, au fur et à mesure qu’ils progressent dans cité dans Alexander a War on American Ideals. ‘vérités’ dominantes au sujet de la guerre? leur visite de l’exposition? La compassion, la sympathie : des mots qui (1994:96). New York: Doubleday. Dans son étude consacrée à la représentation des hommes noirs dans témoignent de caractéristiques humaines justement les plus humaines. 6. Alexander (1994:96). 3. Alexander, Elizabeth l’art américain, Elizabeth Alexander relève que les images de la violence Dorénavant associées aux projets impérialistes de l’Occident, elles sont (1994). “Can you be 7. Litwack, Leon F. perpétrée contre des corps noirs enseigne aux Afro-américains « traumatisés irrémédiablement souillées. Les spectateurs voudront-ils se précipiter Black and look at this?” (2000) ‘Hellhounds’, in : Reading the Rodney King », «… une triste leçon à propos de leur vulnérabilité physique continuelle… pour sauver les victimes de la guerre, alors même que leurs gouvernements Allen, James, Hilton Als, 3 Video(s). In: Golden, » Chez les Noirs, être témoin d’une telle violence met en évidence une prétendent que c’est ce qu’ils font en faisant la guerre? Ou bien seront-ils Congressman John Lewis Thelma (éd.) Black Male: conscience de leur « noirceur essentielle » qui fait de chacun d’eux une cible and Leon F. Litwack, Representations of rudement amenés à reconnaître leur propre rôle dans la guerre qui est Without Sanctuary: Masculinity in Contempo- potentielle. Chez les Noirs, soutient-elle, connaître le péril qu’ils courent menée en leur nom, à prendre conscience de leur propre responsabilité Lynching Photography rary American Art. New constitue une communauté de « nous » qui subsume leur différence interne. dans la mort et la destruction qu’on sème pour mieux servir leurs intérêts in America. Santa Fe, York: Whitney Museum Alexander poursuit en parlant de la terreur absolue qu’a ressentie Frederick Nouveau Mexique : Twin of American Art. Pp. nationaux? Palms Publishers. Pp. 91-110. Citation p.95. Douglass lorsqu’il a été témoin de « l’horrible spectacle » de la flagellation Le film de Shirin Neshat, Munis, qui figure en vedette dans Diabolique, 8-37. Citation p.19. souligne la complicité de l’Occident dans la violence politique qui a détruit l’artiste qui veut interpréter et représenter la guerre est de briser la politique la vie d’innombrables Iraniens. Le film s’ouvre sur le coup d’état monté d’une telle bienveillance et d’une telle compassion. par les Britanniques et les Américains qui aboutit au renversement du Les spectateurs de Diabolique seront-ils capables de faire face au regard populaire Premier ministre iranien, Mohammed Mossadegh, en 1953. du pêcheur affamé qui leur dit de ‘garder leur argent’? Malgré ma faim, je Neshat complique la politique de genre à ce point critique : alors que reste le maître. Munis se précipite vers sa mort après avoir vu un jeune homme abattu dans la rue au cours d’une manifestation, son sort devient inséparablement Sunera Thobani, (Ph. D.) est professeur adjoint au Centre for Research lié à celui du mâle révolutionnaire. Les deux luttent contre différentes in Women’s Studies and Gender Relations/Women’s Studies Programme à la 8. Dans son article au sujet des photos de lyn- formes d’oppression qui les tiennent pris au piège de l’impérialisme University of British Columbia à Vancouver, CB.British Columbia in Vancouver, chages qu’il voit, Hilton occidental et du patriarcat. Là où la guerre à la terreur cherche à séparer BC. Als décrit la douleur qu’il le sort des femmes musulmanes de leur société en les désignant comme ressent et le sentiment viscéral d’identification bénéficiaires de l’intervention occidentale, le film de Neshat souligne, sans avec les hommes et les équivoque, la lutte et le sort que partagent les hommes et femmes iraniens femmes qu’on assassine. révolutionnaires. La différence entre eux et lui, dit-il au lecteur, Bien que les expositions partent du principe que ce qu’elles montrent « c’est que je ne suis est ouvert à tous, ce que signifie la consommation de tels spectacles est pas mort, je n’ai pas été infiniment plus complexe. Alexander met l’accent sur le fait qu’être témoin lynché ou ébouillanté ou brûlé ou fouetté ou de la flagellation de sa tante marque un virage dans le récit de Frederick 84 lapidé. » (39) Mais on Douglas. Résolu à fuir l’esclavage, il se consacre à cette tâche ainsi qu’à 85 l’a « regardé »; il a lu le l’émancipation d’autres esclaves. Tournant le dos au diabolique, Douglas « mal dans les yeux des gens » lorsqu’ils le voient, décide de s’efforcer d’atteindre le sublime. Dans la même veine, la capacité lui, le Noir, et ce regard des photos de lynchage à inspirer une résistance persiste de génération qu’on a posé sur lui est en génération et à travers les siècles, comme en témoignent les écrivains le « prélude à la mort d’un nègre. »(39). Bien contemporains qui sont à la fois anéantis et poussés à la résistance lorsqu’ils qu’auparavant, il ait « les voient. 8 évité d’être le type noir Alors, qui est donc cette communauté de « nous » que l’artiste de guerre de service », après avoir vu ces photos, Als jure de cherche à évoquer dans sa création? L’expérience de se faire à l’art de la guerre ne plus jamais se laisser sera fort différente pour ceux dont l’histoire a été façonnée par la violence prendre au symbolisme de sa négritude : « Je coloniale et impérialiste perpétrée contre leurs communautés et ceux dont les n’écrirai plus jamais ancêtres ont infligé une telle violence. En effet, il est absolument inconcevable de ce point de vue de que l’Autochtone réagisse de la même façon que le non Autochtone, nègre. »(40). Als, Hilton (2000) ‘GWTW, dans qui continue de bénéficier de la colonisation et de la dépossession des Allen, James, Hilton Als, Autochtones, lorsqu’ils se souviennent de Neil Stonechild (David Garneau, le Congressman John 2008). Lewis et Leon F. Litwack, Without Sanctuary: Les communautés en formation sur lesquelles les spectateurs se Lynching Photography trouvent alignés peuvent perturber la communauté des ‘nous’ au nom de in America. Santa Fe, laquelle on fait ces guerres. Mais ceci n’est possible que si l’on rejette la Nouveau Mexique : Twin Palms Publishers. Pp. bienveillance et la compassion pornographiques que l’Occident dit ressentir 38-44. dans ses relations avec le Reste. La tâche la plus urgente à laquelle fait face Artist Biographies Bogdan Produced in thousands of pieces, these multiplicity of faces are drawn on the flimsy 1. Dana Fabini, “Bogdan support offered by tracing paper (the darker of which have been doused in engine oil). Achimescu: I exist in no country”, from www. *stan has been installed by Polish-Romanian artist Bogdan Achimescu in clusters, clouds Achimescu b.1956, timisoara, romania achimescu.com/articles/ or cascades, its images floating on strings, filling the spatial geometry of the library texts/fabini.html ceiling like a vessel. These pseudo-endless variations of pairs of human faces represent (Accessed June, 2009) the mass displacement of people – refugees. Achimescu created this installation over a 3 *stan 1991-2009 long period of time, spanning from 1991 to 2009, while in art residencies or at home. The Photo: Trevor Hopkin inspiration for his drawings range from war reports (about Iraq in the early nineties or Kosovo at the end of the decade) to personal memories or aspects of his family history. The title, “stan”, is the termination of many names of troubled places (Afghanistan, Tadjikistan, Tatarstan, Uzbekistan, etc.) and the * (star or asterisk) in programming represents a wild card, to be replaced with the characters of one’s choice. This series indicates a preoccupation with crowds and the mix of human relationships under the duress of flight. — B.A., A.C., D.F. 1

Cette multitude de visages, faits de milliers de petites pièces, sont dessinés sur le fragile support 1. Dana Fabini, « Bogdan qu’est le papier calque (les plus foncés ont été plongés dans de l’huile pour moteur). L’artiste Achimescu : I exist in no country », www.archi- polonais roumain Bogdan Achimenescu a installé *stan en grappes, en nuages ou en cascades; mescu.com/articles/texts/ les images flottent sur des fils et remplissent la géométrie spatiale du plafond de la bibliothèque fabini.html 88 tel un vaisseau. Ces variations illusoirement infinies de doublets de visages humains 89 représentent le déplacement massif de personnes : les réfugiés. La création de cette installation s’est étalée de 1991 à 2009; Archimescu y a travaillé alors qu’il était artiste en résidence ailleurs et lorsqu’il travaillait chez lui. L’inspiration lui est venue de rapports de guerre (l’Irak au début des années quatre-vingt-dix ou le Kosovo à la fin de cette même décennie), de souvenirs personnels ou de son histoire familiale. Le titre, « stan », est la dernière syllabe du nom de plusieurs points névralgiques (l’Afghanistan, le Tadjikistan, le Tatarstan, l’Ouzbékistan, etc.) et « * » (étoile ou astérisque) représente, en programmation, un caractère de substitution qui peut être remplacé par un caractère au choix. Cette série dénote un grand intérêt pour les foules et la complexité des relations humaines dans la détresse de la fuite. — B.A., A.C., D.F. 1

Bogdan Achimescu gravitates between his native Romania and his adoptive Poland. Achimescu’s practice is an eclectic one. He remains faithful to drawing while making incursions in fiction writing, video, theory, interactivity, installation, etc. He follows these multiple threads and binds them into an essay about history, transculturalism, utopia and serendipity. Achimescu’s work has been featured prominently in many international exhibitions and is included in many major collections in the United States and Europe, including MoMA, New York and the Uffizzi Gallery, Italy. In 2001, Bogdan represented Romania at the Venice Biennale.

3 *stan (detail) 1991- www.achimescu.com 2009 Photo: Trevor Hopkin 90 91 Matilda

Aslizadeh b.1975, isfahan, iran

1. “Matilda Aslizadeh: An immediate parallel with the video-game aesthetic can be drawn with the installation Child Soldiers, Born and by Matilda Aslizadeh. Over the course of 19 minutes, Hero of Our Time, 2008, part Made”, , May 29, 2008. The phrase documentary, part myth/fable, offers an aesthetically rich narrative video that follows “the pain of others” has the rise and fall of Hero, a 12-year-old fictional child soldier in an unnamed “other” been borrowed from the country. Using a combination of staged sequences that highlight artifice, classical title of a book by Susan Sontag, Regarding the Pain filmmaking techniques that emphasize verisimilitude and found/documentary footage of Others, 2003. from YouTube, the video engages (and sometimes echoes) our cultural database of representations – artistic and otherwise – of the pain of others.1 The piece is based on careful research of classical narrative of fall and redemption. It works to jar the viewer from a comfortable relationship with the material that, with deeper reflection and awareness, might be better understood as difficult.

The concept of the hero can be traced in several of the artists’ works, ranging from

92 Doucette, Garneau and Aslizadeh. Even Coupland’s Gorgon bears a hint of the hero – 93 or at least the antithesis of one. — A.C., M.A.

1. Matilda Aslizadeh : On peut dès l’abord établir un parallèle entre l’esthétique des jeux vidéo et l’installation de Child Soldiers, Born and Matilda Aslizadeh. En partie documentaire, en partie mythe et fable, Hero of Our Time, Made , Canadian Art, 29 mai 2008. L’expression 2008, nous présente pendant 19 minutes une narration vidéo esthétiquement riche qui suit la « the pain of others » (la grandeur et la décadence de Hero, un enfant soldat fictif de 12 ans dans un pays « autre » non douleur des autres) vient identifié. Au moyen d’un assemblage de séquences orchestrées faisant ressortir les artifices, de du titre d’un livre de Susan Sontag, Regarding the Pain techniques du vraisemblable issues du cinéma classique et d’images trouvées/de documentaires of Others, 2003. glanés sur YouTube, la vidéo engage, et fait parfois écho à notre base de données représentations 1 Matilda Aslizadeh is an emerging artist based in Vancouver. Her video work has Hero of our Time culturelles – artistiques et autres –sur la douleur des autres. Cette œuvre est fondée sur une 1 been featured in solo exhibitions in Vancouver (Artspeak, 2003, Or Gallery, 2005), (still) 2008, photo: recherche soignée de la narration classique de la chute et de la rédemption. Elle ébranle la Courtesy of the Artist Montreal (SKOL, 2005, La Centrale, 2009) and Toronto (Pari Nadimi Gallery, relation de confort que le spectateur ressent par rapport à ce sujet qui, avec plus de réflexion et 2008) and included in the Golden Horse Film Festival in Taipei (2005), Viper une plus grande lucidité, peut être perçue comme pénible. Festival of New Media in Basel (2006) and LA Freewaves Festival in Los Angeles (2002, 2006). Matilda completed her MFA at University of California, San Diego in On retrouve l’idée du héros dans les œuvres de plusieurs artistes, dont Doucette, Garneau et 2004. She currently teaches at Emily Carr University. She is represented by Pari Aslizadeh. Même dans Gorgon de Coupland, on fait allusion au héros, ou à tout le moins, à Nadimi Gallery, Toronto. l’antithèse du héros. — A.C., M.A. Rebecca

Belmore b.1960, upsala, ontario

In part two, visitors will see a First Nations-like totem pole erected in the centre of the 1. Glenn Alteen, space, equally traditional and phallic, this monumental structure adorned with camouflage “Making Always War”, Stride Gallery, Calgary, material that had been ripped and nailed to the object (or crucifix) in a coarse performance 2009, brochure by Rebecca Belmore, entitled Making Always War. This performance was staged at the Morris and Helen Belkin Gallery, University of British Columbia in the last few minutes of daylight on March 13, 2008. It was produced during a residency at UBC. Adjacent to this ‘memorial’ or ‘cenotaph’, viewers can watch Belmore’s documented performance in a small projection, and glean the original context from which the memorial came. Using this memorial (and that of Coupland’s The Gorgon in part one) as centerpieces, visitors can then rotate around them, viewing the works on paper, and paintings on the surrounding walls. — A.C.

The title of Belmore’s work, Making Always War, was inspired from a John Trudell lyric. “It reconfigures the original words into an odd arrangement…: making war always, always

making war, war making always etc. This reconfiguration creates an ambiguity in the work. 95 Is the performance a homage to the soldiers who died, an anti-war statement, a memorial, a cenotaph? It is all of these things. Yet, the title also speaks of the older men (the politicians, the generals) who send young men and women off to die. Making Always War implicates them in a system that needs constant war to exist, in spite of the inevitable body count and collateral damage. Belmore’s performance speaks to a system more than a particular situation. It looks at the wars in Afghanistan and Iraq as part of a larger military culture of power and conflict.” — G.A.1

Rebecca Belmore is currently living in Vancouver. She attended the Ontario College of Art and Design. Belmore was Canada’s official representative at the 2005 Venice Biennale. Her work has appeared in numerous exhibitions both nationally and internationally. Belmore’s solo exhibitions include, Rising to the Occasion, Vancouver Art Gallery, (2008); March 5 1819, The Rooms, St. John’s Newfoundland (2008); The Named and the Unnamed, Morris and Helen Belkin Art Gallery, (2002). Her group exhibitions include, NeoHoodoo: Art for a Forgotten Faith, The Menil Collection, Houston, Texas (2008); Houseguests, , Toronto, 1 Making Always War 2008, photo: Oker Chen Ontario (2001); Longing and Belonging: From the Faraway Nearby, SITE Santa Fe, Santa Fe, New Mexico (1995); Land, Spirit, Power, National Gallery of Canada (1992); and Creation or Death: We Will Win, Havana Biennial, Havana Cuba (1991). 3 Making Always War Dans la deuxième partie de l’exposition, les visiteurs verront un mât totémique à la manière des 2008, Installation view, Premières nations érigé au centre de l’espace. Autant traditionnelle que phallique, cette structure Diabolique Part I, Dunlop Art Gallery, monumentale est ornée d’un tissu de camouflage qui avait été déchiré et cloué à l’objet (ou au Sept. 4–Oct 18, 2009 crucifix) lors d’une performance crue de Rebecca Belmore intitulée Making Always War. Réalisée photo: Trevor Hopkin lors d’un stage à UBC, cette performance, a été présentée à la Morris and Helen Belkin Gallery à 1. Glenn Alteen, UBC, le 13 mars 2008, au cours des dernières minutes de la lumière du jour. Les visiteurs pourront “Making Always War”, Stride Gallery, Calgary, voir, à côté de ce « monument » ou « cénotaphe », une projection de la performance documentée 2009, brochure de Belmore et prendre connaissance du contexte d’origine du monument. Ce monument, ainsi que Gorgon de Coupland dans la première partie, agissent comme des pivots autour desquels les visiteurs peuvent évoluer pour regarder les œuvres sur papier, les sculptures et les peintures sur les murs environnants. — A.C.

Le titre de l’œuvre de Belmore, Making Always War, est inspiré des paroles d’une chanson de John Trudell. « L’ordre des paroles originales est remanié en un agencement étrange… : making war always, always making war, war making always (faire la guerre toujours, toujours faire la guerre, faire toujours la guerre). Ce réaménagement crée une ambiguïté. La performance est-elle un hommage aux soldats qui sont morts, une déclaration anti-guerre, un monument, un cénotaphe? 96 97 Elle est tout cela. Pourtant, le titre renvoie aussi aux hommes âgés (les politiciens, les généraux) qui envoient de jeunes hommes et de jeunes femmes à la mort. Making Always War les engage dans un système qui ne peut exister sans la guerre, peu importe l’inévitable décompte des morts et les dommages collatéraux. La performance de Belmore interpelle un système plutôt qu’une situation particulière. Elle estime que les guerres en Afghanistan et en Irak font partie d’une vaste culture militaire du pouvoir et du conflit. » — G.A.1 JAKe & DINOS The Chapman brothers’ gruesome injured skull, War, encapsulates and embodies all the critical dialectical elements that inform this exhibition: from horror to wonder. CHAPMAN b.1966, cheltenham, uk & b. 1962, london, uk This antithetical , festooned with flies and maggots, stitched-up forehead and multiple bloody, pink, fleshy lesions is also symbolic of other outcomes of diabolical action: disease, corruption, erosion, decomposition, destruction. And yet, there is clownish mockery and wry black humour with the addition of the fake plastic ears on either side of the skull. Perhaps the Chapman brothers are poking a stick at us and attempting to humanize this wounded skull, making the object more like us than we would care to comfortably admit. One stone blue eyeball raised skywards (the only hopeful symbol of redemption), the gory meaty residue of the other picked out by vultures, this juxtaposition of life and death pulsates painfully like a light globe at the entrypoint in part one of Diabolique. — A.C.

War, le sinistre crâne mutilé des frères Chapman synthétise et incarne tous les éléments dialectiques critiques qui dominent cette exposition : de l’horreur à l’émerveillement. Cette sculpture antithétique, décorée de mouches et de vers, au front couvert de points de suture, parsemée de nombreuses lésions sanglantes, rosées, charnues, est également symbolique d’autres conséquences d’une action diabolique : la maladie, la corruption, l’érosion, la

décomposition, la destruction. Il y a cependant une plaisanterie bouffonne et un humour noir 99 dans l’ajout d’oreilles postiches sur les deux côtés du crâne. Les frères Chapman veulent sans doute nous piquer au vif en tentant d’humaniser ce crâne blessé et de le rendre plus semblable à nous qu’il nous plaît de l’admettre. Un œil en pierre bleue tourne son regard vers le ciel (le seul symbole d’espoir de rédemption) tandis que l’autre n’est qu’un résidu sanglant picoré par les vautours. Cette juxtaposition de la vie et de la mort tressaille douloureusement telle une lumière au point d’entrée de la première partie de Diabolique. — A.C.

After working as assistants to the artists Gilbert and George at The , Jake and Dinos Chapman began their own collaborations in 1992. The Chapmans make iconoclastic sculpture, prints and installations that examine, with searing wit and energy, contemporary politics, religion and morality. They have exhibited extensively, including solo shows at Tate Liverpool 1 War 2004 Photo: Courtesy of (2006) Kunsthaus Bregenz (2005), Museum Kunst Palast Düsseldorf (2003) and White Cube, London (2003). Group exhibitions have included ARS 06, Museum of Contemporary Art KIASMA, Helsinki, the , Tate Britain (2003) and PS1 Contemporary Art Center, New York (2000). Group exhibitions have included Summer Exhibition 2007, Royal Academy of Arts, London; ARS 06, Museum of Contemporary Art KIASMA, Helsinki; and the Turner Prize, Tate Britain (2003). They live and work in London and are represented by White Cube, London. Dana

Claxton b.1959, yorkton, saskatchewan

Furthering the exploration of violence from a female perspective in Diabolique is Gunplay (Part Two) by Dana Claxton. On a 1:30 loop, this video gun culture looks at girls and gangs, the cowboy narrative and indigenous resistance. The toy gun becomes an instrument of contradiction - no longer an innocent toy but a symbol of violence. The irritating clacking sound of the toy gun when the trigger is squeezed pops in the ear —similarly to the shot of a real gun—and effectively reverberates across the gallery space. — A.C., D.C.

Gunplay (Part Two) de Dana Claxton poursuit l’étude de la violence dans Diabolique selon une perspective féminine. Sur une boucle d’une minute et demie, cette vidéo sur la culture des armes à feu examine les jeunes femmes et les gangs, l’histoire des cowboys et la résistance autochtone.

Le pistolet jouet devient un instrument de contradiction : il n’est plus un jouet inoffensif, mais 101 plutôt un symbole de la violence. Le claquement irritant de la gâchette du pistolet jouet éclate dans l’oreille – comme le ferait un vrai coup de feu – et se répercute dans toute la salle. — A.C., D.C.

Dana Claxton is a member of the Hunkpapa Lakota Nation. Her family reserve is Woodmountain. She is an interdisciplinary artist who works in film, video, installation, photography, , curation, aboriginal broadcasting and pedagogy. The critical intent of her practice is to seek social justice for First Nations people in North America. Her work has been exhibited in prominent galleries across North America and is held in international public collections including the Vancouver Art Gallery, , National Gallery of 1 Gunplay (Part Two) Canada and the Eitljorg Museum. Her films have been screened at the Museum 2007, photo: Courtesy of Modern Art in NYC, Walker Art Center in Minneapolis, Sundance Festival and of Video Out Microwave in Hong Kong. She currently resides in Vancouver. Douglas

Coupland b.1961, baden-baden, germany

3 The Gorgon 2003 Strategically placed in the centre of the gallery, in part one of Diabolique, is Coupland’s Photo: Trevor Hopkin memorial, Gorgon, a marker and a reminder of loss. Loss is the ultimate tragic ending that stems from human conflict, war and violence. The larger-than-life, genetically-deformed toy soldier has multiple heads, legs and guns, pointing in different directions.— ­ A.C.

I remember from being a child that in the end, all girls cut the hair off their Barbies, and all boys melt their toy soldiers together. It seems like a hard-wired human characteristic. After these cuttings and meltings, children then enter the next level of socialization where actual bodies are involved—actual body modification, sex and violence. The Gorgon works as a road sign that marks the point where pretending no longer works. — D.C.

Dans la première partie de Diabolique, le mémorial de Coupland, Gorgon, témoin et rappel de la mort, est placé de façon stratégique au centre de la pièce. La mort est l’aboutissement tragique du conflit humain, de la guerre, de la violence. Le petit soldat, plus grand que nature, est génétiquement déformé : il possède plusieurs têtes, plusieurs jambes et il pointe plusieurs

102 fusils dans différentes directions. ­— A.C.

Je me souviens, pour avoir été enfant, qu’en fin de compte, toutes les petites filles coupent les cheveux de leurs Barbies et tous les petits garçons font fondre ensemble leurs petits soldats. Cela semble être une caractéristique bien ancrée chez les humains. Après ces coupes et ces fontes, les enfants accèdent au prochain niveau de socialisation où le corps en chair et en os est impliqué – de vraies modifications corporelles, le sexe et la violence.Gorgon agit comme un panneau de signalisation qui indique l’endroit où faire semblant ne peut plus fonctionner. — D.C.

Douglas Coupland was born on a Canadian Air Force base near Baden-Baden, Germany. In 1965 his family moved to Vancouver, Canada, where he continues to live and work. Coupland has studied art and design in Vancouver, Milan, Italy and Sapporo, Japan. His first novel, Generation X, was published in March of 1991. Since then he has published nine novels and several non-fiction books in 35 languages and most countries on earth. He has written and performed for the Royal Shakespeare Company in Stratford, England, and in 2001 resumed his practice as a visual artist, with exhibitions in spaces in North America, Europe and Asia. 2006 marks the premiere of the feature film Everything’s Gone Green, his first story written specifically for the screen and not adapted from any previous work. In 2007 Coupland’s novel jPod, was adapted into a series on CBC. His next novel, Generation A, will be published in the UK, Canada and US in the fall of 2009. He is represented by Monte Clark Gallery, Vancouver. Jeremy

Deller b.1966, london, uk

In the relational aesthetics-style piece, It Is What It Is: Conversations About Iraq, by British artist Jeremy Deller, a panel of experts have been set up on shifts to sit in the gallery space, and engage in conversations with gallery visitors regarding various aspects of the Iraq and Afghanistan wars, through various fields of expertise. Participating experts include war journalists, war veterans, parents of children who have enrolled in the military and are fighting or have fought in either Iraq or Afghanistan, academics, Afghani immigrants, etc. Originally conceived for a touring exhibition that included the New Museum in New York, the MCA Chicago and the Hammer Museum, LA, the panel of experts was previously accompanied by a banner and the blown-up shell of a car originally used in a terrorist attack in Baghdad. — A.C.

It Is What It Is : Conversations About Iraq, œuvre esthétique relationnelle de l’artiste britannique Jeremy Deller, présente un panel d’experts qui se relaient. Selon leur domaine d’expertise personnelle, ils engagent la conversation avec les visiteurs sur divers aspects de la

104 guerre en Irak et en Afghanistan. Parmi les experts, on retrouve des journalistes de guerre, des 105 anciens combattants, des parents de jeunes qui se sont enrôlés dans les forces militaires et qui combattent ou ont combattu en Irak ou en Afghanistan, des universitaires, des immigrants venus d’Afghanistan. Conçu à l’origine pour une exposition itinérante au New Museum à New York, au Museum of Contemporary Art à Chicago et au Hammer Museum à Los Angeles, le panel d’experts était auparavant accompagné d’une banderole et de la carcasse d’une auto utilisée dans une attaque terroriste à Bagdad. — A.C.

1 It Is What It Is: Over the past ten years, Jeremy Deller has archived, examined, and often staged Conversations About demonstrations, exhibitions, historical reconstructions, parades, and concerts Iraq 2009 Installation view, New as a way to both celebrate and critically examine them as forms of social action. Museum, New York His work focuses on cultural history — how it is made, recorded, manipulated, Photo: Benoit Pailley and remembered. One of his most well-known works, a re-creation of a battle between pickets and police during the miner’s strike in the north of England in 1984, was subsequently made into a documentary by Mike Figgis and was broadcast internationally. A more recent work, a documentary about Crawford, Texas (the hometown of George W. Bush) and the siege in nearby Waco, entitled Memory Bucket, won Deller the prestigious Turner Prize in 2004. In 2007, Deller was appointed a trustee of the Tate Gallery.

www.jeremydeller.org www.jeremy-deller.co.uk Mario

Doucette b.1971, moncton, new brunswick

New Brunswick artist Mario Doucette draws on the violence of Canadian Acadian history in his paintings, rendered in a style re miniscent of video games. Doucette discusses the influence of video games on his boyhood: “Men and machinery brought extreme violence upon each other, while we as children would ignore any reason or cause. We could distinguish each army, not by their nationality, but by the colour of their uniforms. We admired the weaponry that allowed for the destruction of the other ‘team’. I had perceived war as a game and not as the abominable crime of our society. Later I would learn about the destructive nature of war and the great loss of life. This discovery has transposed itself onto paper into adulthood, as the elements of combat and struggle between nations have become an ever present concern to me.”

The city of Moncton is named after Lieutenant-Colonel Robert Monckton, a young officer who is responsible for the deportation and deaths of thousands of Acadians. Doucette finds it shocking that a community would be named after someone who took part in the ethnic cleansing of Acadians (depicted in the painting Monckton, 2008) and 106 it is most shocking that he has chosen to make it his home. It is, however, an historical 107 Acadian artist Mario Doucette has exhibited professionally since 1998. He Monckton 2008 irony that Moncton has now become the educational and intellectual center of the 1 utilizes various mediums — drawings, paintings, performances, videos and Photo: Courtesy of the Acadian community in New Brunswick. — M.D. Artist Super 8 films — within the confines of exhibits and events in Canada and Natif du Nouveau-Brunswick, l’artiste Mario Doucette puise dans la violence de l’histoire internationally (France, Haiti, Dominican Republic). Active in his artistic community, Mario is a member of Collectif Taupe. In 2004, a residency in Brouage, des Acadiens du Canada pour ses peintures exécutées dans un style qui évoque les jeux vidéo. France, resulted in Histoires, a series of works half-drawing and half-painting Doucette décrit ainsi l’influence des jeux vidéo sur son enfance : « Les hommes et les machines that continues to inspire thoughts and reflections on the effects of colonization. s’infligeaient mutuellement une extrême violence tandis que nous, enfants, ne percevions Doucette was shortlisted for the Sobey Art Award in 2008. aucun motif ou aucune cause. Nous pouvions reconnaître chaque armée, non pas par sa nationalité, mais par la couleur de son uniforme. Nous admirions cet arsenal qui permettait la destruction de l’autre ‘équipe’. Je percevais la guerre comme un jeu et non comme le crime abominable de notre société. Plus tard, j’ai appris la nature destructive de la guerre et le grand nombre de vies perdues. À l’âge adulte, cette découverte s’est transposée sur le papier et les combats et les luttes entre nations sont devenus une préoccupation constante. »

La ville de Moncton est ainsi nommée en l’honneur du lieutenant-colonel Robert Monckton, jeune officier responsable de la déportation et de la mort de milliers d’Acadiens. Doucette trouve scandaleux qu’une communauté soit nommée en l’honneur d’une personne qui a pris part à la purification ethnique des Acadiens (dépeinte dans le tableauMonckton , 2008) et il est lui- même choqué d’avoir choisi d’y habiter. C’est cependant une ironie de l’histoire que Moncton soit devenue le centre universitaire et intellectuel de la communauté acadienne au Nouveau- Brunswick. — M.D. David

Garneau b.1962, edmonton, alberta

This painting is of an autopsy photograph of Neal Stonechild, a boy of 17 who froze 7 Evidence 2006 Photo: Courtesy of to death in a field on the outskirts of Saskatoon in November, 1990. The death was the Artist determined not to be the result of foul play. A decade later, Darrell Knight said he was dumped on the edge of town by police officers in freezing weather. Saskatoon police officers Dan Hatchen and Ken Munson were jailed for the offence. This set in motion a massive R.C.M.P. investigation. The Stonechild case was re-examined and a public inquiry called, a condition of which was that blame could not be determined. Even so, it was clear that the initial investigation was “botched” and that Stonechild and Knight were not the only Aboriginal people to be taken by police on “Starlight Tours.”

Anyone who grew up on the prairies can identify with nearly freezing. So, when I heard this story, I had a visceral identification. In 2001, I painted a fairly abstract representation of the idea of freezing to death. I wasn’t satisfied with “Starlight Tour” because people read everything into it but my intent. I wanted to make a clearer statement. I remembered it violated the protocol of making images of the dead. Another Aboriginal friend, artist 108 hearing on the radio that there was an autopsy photograph showing that Stonechild had 109 probably been hit in the face with handcuffs. I found the horrible image on the internet, and professor, agreed. I was floored. I knew about this prohibition but have seen it broken made a large charcoal drawing of it on canvas and titled it “Evidence”. I wanted to record many times before—the image I used was on the internet and in the inquiry. the evidence in case it was covered-up. Not wanting to offend the community, I thought I would show the painting covered with After I completed the picture, I was dissatisfied. It was too brutal. I wasn’t sure what to a veil. I later rejected that idea because then the work would be a piece do. A little while later, I was invited to a sweat and went into the process with the painting about the protocol rather than a political history painting about the unresolved crime on my mind. During the third stage, I saw dancing little flashes of light and the face I had and on-going issues. I talked to several elders about the role of the artist. They agreed drawn. Back in the studio, I did a field of red dots over his cool face. I was thinking about that Artists are like shaman—not all, not always, not literally. To pursue their research, the little sparks in the sweat, Metis beading and wanting to put a veil over his face. they may need to violate protocols. They are granted a certain license, though, because their results often provide a social good greater than the harms their research may inflict. I wasn’t sure I could or should show the painting. I just felt it was something I needed And, in any case, it is not up to the community to punish, if the artist is not doing things to make. My “Cowboy and Indians (and Metis?)” exhibition tour had taken me to many in the right way, there will be metaphysical consequences. One cultural leader, while in small communities with high Aboriginal populations and teenaged people often said that front of “Evidence” said that it would be wrong not to show it. I feel this way, too. One they thought my pictures were good but wondered when I was going to do something of my colleagues had suggested I contact Neil’s mother—she even got her number for about the present day! me—but I didn’t want to drag all this up for her and I question whether I should be asking I had “Evidence” in my studio for a few years only showing it to a few Aboriginal people for permission at all. Another colleague argued that no individual could grant or deny who reacted quite strongly to it. I exhibited it in Yorkton, in 2008, along side a painting permission to violate a protocol. It seems to me that my head and heart are right on this, of soldiers who died at Batoche. The feedback was good. This winter, Amanda Cachia, that these issues are too important to be covered up. — D.G., May 2009 asked for the piece for her Diabolique exhibition. I was very pleased with the context and company. Then an Aboriginal friend, artist and professor, saw “Evidence.” She enthused that it was a powerful and what a shame that it could not be exhibited because Ce tableau est une photo de l’autopsie de Neal Stonechild, un garçon de 17 ans qui est mort de l’interdiction mais je l’avais vue ignorée bien des fois auparavant — l’image dont je me gelé dans un champ à la périphérie de Saskatoon, en novembre 1990. On a déterminé que sa servais se trouvait sur Internet et dans le dossier d’enquête. mort n’était pas due à un acte suspect. Une décennie plus tard, Darrell Knight déclare que des Comme je ne tenais pas à offenser la communauté, j’ai pensé le montrer recouvert d’un voile. agents de police l’ont lâché dans un champ à la lisière de la ville alors qu’il gelait. Les policiers de Plus tard, j’ai rejeté cette idée car l’oeuvre serait alors une oeuvre d’art conceptuelle au sujet Saskatoon, Dan Hatchen et Ken Munson, ont été emprisonnés pour ce délit. Ceci a donné lieu du protocole, plutôt qu’un tableau d’histoire politique à propos de crimes non résolus et de à une enquête de la GRC. La cause Stonechild a été réexaminée et on a demandé une enquête problèmes permanentes. J’ai parlé à plusieurs Aînés du rôle de l’artiste. Selon eux, les artistes publique car, entre autre, on ne pouvait pas déterminer qui était responsable. Malgré tout, il sont comme un shaman — pas tous, pas toujours, pas littéralement. Pour poursuivre leur était clair que l’enquête initiale avait été bâclée et que Stonechild et Knight n’étaient pas les seuls recherche, il peut être nécessaire qu’ils violent des protocoles. On leur accorde toutefois une Autochtones que la police avait emmenés faire un tour sous les étoiles ou « Starlight Tour». certaine liberté, car les résultats apportent souvent à la société des bienfaits plus nombreux que Quiconque a grandi dans les Prairies peut comprendre ce que c’est de quasiment geler. Donc, les maux que peut infliger la recherche. Et, de toute façon, ce n’est pas à la communauté de sévir quand j’ai entendu cette histoire, je m’y suis identifié viscéralement. En 2001, j’ai peint une : si l’artiste ne fait pas les choses comme il faut, il subira des répercussions métaphysiques. Un représentation assez abstraite de l’idée de geler à mort. Je n’étais pas satisfait de « Starlight chef culturel, alors qu’il était devant Evidence a déclaré que ce serait un tort de ne pas l’exposer. Tour » car les gens y lisaient tout, sauf ce que voulais leur montrer. Je voulais faire une Je suis d’accord. Un de mes collègues a suggéré que je mette en rapport avec la mère de Neil — déclaration plus claire. Je me suis souvenu avoir entendu à la radio qu’il existait une photo elle m’a même trouvé son numéro — mais je ne voulais pas déterrer tout cela pour elle, et je d’autopsie montrant que Stonechild avait probablement été frappé au visage avec des menottes. me demande si je devrais même demander la permission. Un autre collègue m’a dit qu’aucune J’ai trouvé cette affreuse image sur Internet, en ai fait un grand dessin au fusain sur une toile et personne n’avait le droit d’accorder ou de refuser la permission de violer un protocole. J’ai l’ai intitulé Evidence. Je voulais enregistrer la preuve au cas où il y aurait un camouflage. le sentiment que ma tête et mon coeur ont raison sur ce point, que ces questions sont trop 110 111 importantes pour être dissimulées. — D.G., mai 2009 Une fois l’image terminée, je n’étais pas satisfait du résultat. Elle était trop brutale. Je ne savais pas trop quoi faire. Un peu plus tard, j’ai été invité à une cérémonie de la suerie et j’y suis allé avec ce tableau dans la tête. Au cours du troisième stade, j’ai vu de petites étincelles de lumière et David Garneau is an Associate Professor of Visual Arts at the University of le visage que j’avais dessiné. De retour à l’atelier, j’ai peint un champ de points rouges par dessus Regina. He has a BFA in Painting and Drawing, and an MA in American Literature, ce visage génial. Je pensais aux petites étincelles perçues à travers la sueur, au perlage métis et à both from the University of Calgary. Garneau was born and raised in Edmonton; l’envie de placer un voile sur son visage. he was schooled and taught in Calgary (ACAD). He has been living in Regina since 1999. David Garneau’s practice includes painting, drawing, curation and Je n’étais pas sûr de pouvoir ou de devoir montrer ce tableau. Je ressentais simplement le besoin critical writing. His solo exhibition Cowboys and Indians (and Metis?) toured de le faire. Mon exposition itinérante Cowboy and Indians (and Metis?) m’avait amené à me Canada (2003-7). His work often engages issues of nature, perception, history, rendre dans de nombreuses petites communautés comportant un nombre élevé d’Autochtones masculinities, and the negotiation of Settler and Metis identities. He has curated et les adolescents m’ont souvent dit que mes tableaux étaient bons, mais qu’ils se demandaient two large group exhibitions in Calgary: The End of the World (as we know it) and quand est-ce que j’allais faire quelque chose lié au temps présent! Picture Windows: New Abstraction, and four in Regina: Transcendent Squares, Sophisticated Folk, Contested Histories for the Art Gallery of Regina, and Making J’ai gardé Evidence dans mon atelier pendant quelques années, ne le montrant qu’à quelques it Like a Man for the MacKenzie Art Gallery. Garneau is currently exploring the Autochtones qui réagissaient assez fortement à sa vue. En 2008, je l’ai exposé à Yorkton, Carlton trail, making “beaded” landscapes, and painting road-kill. parallèlement à un tableau de soldats tués à Batoche. Il a été bien reçu. Cet hiver, Amanda Cachia, m’a demandé cette pièce pour son exposition Diabolique. Le contexte et la compagnie m’ont plu. Puis, un ami autochtone, artiste et professeur, a vu Evidence. Elle a déclaré avec enthousiasme que le tableau était puissant et que c’était vraiment dommage de ne pas pouvoir l’exposer parce qu’il violait le protocole de rendre des morts en images. Un autre ami autochtone, artiste et professeur, était d’accord. Ce la m’a réduit au silence. J’étais au courant William

Kentridge b.1955, johannesburg, south africa

3 What will come In the eight-minute anamorphic film, What Will Come, 2007, Kentridge takes the title Photo: Courtesy of from a Ghanaian proverb: “What will come has already come”. The piece has, at its Marian Goodman Gallery, New York core, images and music from the Italian Abyssinian war of 1935.1 In this captivating installation, revolving charcoal animated drawings from carousel animals through to 1. The Second Italo–Abyssinian War tanks and aeroplanes are projected from the ceiling and cast down onto a round table was a brief colonial war underneath. Double vision and optical effects are created using a cylindrical mirror that started in October device propped up on the centre of the table. William Kentridge’s art addresses the 1935 and ended in May 1936. The war was fought nature of human emotions and memory, as well as the relationship between desire, between the armed ethics and responsibility. He explores the possibilities of poetry in contemporary forces of the Kingdom society, and yet provides a satirical commentary on that society. Kentridge is interested of Italy and the armed forces of the Ethiopian in the longterm trajectory of the terrors of hierarchy. — A.C. Empire (also known as Abyssinia). The war Kentridge a emprunté le titre de What Will Come, 2007, film anamorphosé de huit minutes, resulted in the military à un proverbe ghanéen : « Ce qui doit arriver est déjà arrivé ». Le cœur de cette œuvre est 113 occupation of Ethiopia constitué d’images et de musique provenant de la guerre italo-abyssienne de 1935.1 Dans and its annexation William Kentridge continues to live and work in Johannesburg. His body of 1. La Seconde guerre into the newly created cette œuvre fascinante, des dessins au fusain animés d’animaux de manège, de chars d’assaut, work, which includes prints, drawings, and work in film and theater, presents a italo-éthiopienne, guerre colony of Italian East d’avions, sont projetés à partir du plafond sur une table ronde. Un dispositif en forme de unique emblematic view of South African politics, while encapsulating universal coloniale de courte durée, a Africa. However, Ethiopia commencé en 1935 et s’est miroir cylindrique posé au centre de la table crée une double vision et des trucages optiques. ideas of identity, memory and mortality. Perhaps best known for his animated never capitulated or terminée en 1936. Ce conflit films, Kentridge realized them through filming a meticulous process of drawing, surrendered. The war is L’art de William Kentridge sollicite la nature des émotions humaines et de la mémoire ainsi opposait les forces armées layering, and erasure. These films stand as a palimpsest of making and unmaking, also remembered for the que les liens entre le désir, l’éthique et la responsabilité. Il explore le potentiel de poésie dans la du Royaume d’Italie et illegal use of mustard appearance and disappearance—themes that reoccur throughout his oeuvre. celles de l’empire éthiopien société contemporaine, mais nous offre aussi un commentaire satirique de cette même société. gas and phosgene by the Kentridge has had his work exhibited widely throughout the world, including a (aussi connu sous le nom Italian armed forces. Kentridge s’intéresse à la portée, à long terme, des terreurs de la hiérarchie. — A.C. recent retrospective that opened in March 2009 at the San Francisco Museum of d’Abyssinie). Suite à la http://en.wikipedia.org/ guerre, l’Éthiopie a été Modern Art, which will tour to the Fort Worth Museum of Art, Texas, the Norton wiki/Second_Italo-Abys- militairement occupée Museum, Florida; The Museum of Modern Art, New York; and other European sinian_War (Accessed et annexée à la nouvelle June, 2009) venues through 2010. Other forthcoming projects include a production of colonie d’Afrique orientale Shostakovich’s opera, The Nose, which will premiere at the Metropolitan italienne. L’Éthiopie n’avait Opera, New York in 2010. In 2003, he was the recipient of the Kaiserring Prize, cependant jamais capitulé. Mönchehaus-Museum für Moderne Art, Goslar, and the Sharjah Biennial 6 Prize; Ce conflit reste en mémoire pour l’emploi interdit in 2000 he was awarded the Carnegie Prize from the Carnegie Museum of Art, du gaz moutarde et du Pittsburgh for his contributions to contemporary art. phosgène par les forces militaires italiennes. http:// fr.wikipedia.org/wiki/ Seconde_guerre_italo- Áthiopienne Fawad Khan’s media-inspired renderings of soldiers are fragmented and joined with those of vintage, foreign-model automobiles inspired by memories of his early upbringing in Libya and Pakistan. As an adult, Khan has become fascinated with images from the Khan b.1978, tripoli, libya oppressive and aggressively militaristic cultures of his past. Certainly media-saturation of the current war in Afghanistan has contributed to his obsession. Though his recent work plays on the visceral undertones of the current political climate, his goal is to ensure that the political content is not too overt. His explosions are violent, but they are bloodless. They are chaotic, but they are choreographed. Ambiguity is an important element of his work. — F.K.

Œuvre d’art in situ de Fawad Khan, artiste pakistanais-américain né en Lybie et installé à New York, cette murale en acrylique intitulée Datsun Sunny Dissonance explose littéralement dans l’espace de la Dunlop Art Gallery. Elle a été créée en une semaine et les explosions, bien que monstrueuses, sont pourtant dépourvues de flammes. L’auto amalgamée aux formes en motif de camouflage est l’épave d’un vieux taxi dans lequel Khan se souvient être monté au cours de son enfance à Karachi. Reconnaissables par leur toit « jaune-taxi » et leur carrosserie d’un noir délavé, ces vieux véhicules rafistolés et en besoin constant de réparations sont toujours en usage au Pakistan. La plupart fonctionnent au gaz naturel comprimé (GNC) en raison du prix élevé de l’essence et des lois sur l’environnement. Fait particulièrement important, Khan voulait 114 employer un véhicule qui desservait le grand public. Un taxi Datsun typique, banal, présenté 115 dans une scène de déflagration avec des fragments de soldats en tenue de camouflage, signale la montée de l’insurrection dans la ville, fait allusion à la peur des autos piégées à tout moment et à tout endroit, et illustre la présence militaire dans le secteur public.

Inspirées des médias, les images de soldats sont fragmentées et juxtaposées à des images de voitures classiques de marque étrangère, elles-mêmes suscitées par les souvenirs d’enfance de Khan en Lybie et au Pakistan. Khan, adulte, est fasciné par les images des cultures militaires brutales et oppressives de son enfance. La saturation créée par les médias sur le conflit en 1 Datsun Sunny The site-specific acrylic wall mural entitled Datsun Sunny Dissonance by Libyan-born, Dissonance 2009 Afghanistan a certainement contribué à cette obsession. Bien que son travail récent joue sur les Pakistani-American artist Fawad Khan, now based in New York, literally explodes into Photo: Trevor Hopkin nuances profondes du climat politique actuel, il n’a pas l’intention de laisser le contenu politique the Dunlop Art Gallery space. Created over one week, the explosions are extravagant, devenir trop manifeste. Les explosions qu’il crée sont violentes mais elles ne font pas couler de yet flameless. The auto fused with the camo-forms is an old, derelict Datsun taxi Khan sang. Elles sont à la fois chaotiques et orchestrées. L’ambiguïté est un élément important de son recalls riding in as a child growing up in Karachi. With their signature, taxi-cab-yellow travail. — F.K. rooftops and faded black bodies, these old vehicles, often patched up and overhauled with constant repairs, are still being used in Pakistan today. Most of them run on Compressed Natural Gas (CNG), in light of the high gas prices and environmental Fawad Khan is a Pakistani-American painter based in New York. He received his MFA from the School of Visual Arts, New York, in 2003 and his BFA at regulations. More importantly, Khan wanted to use an auto which serves the public. the Maryland Institute College of Art, Baltimore in 2001. Khan has received Having a typical, mundane Datsun taxi in an explosive format with fragments of numerous awards and fellowships, and has exhibited internationally. He is camouflaged soldiers speaks to the rising insurgency in the city, hints at fears of car represented by 33 Bond Gallery. bombs at any given time in any given location, and also illustrates a military presence www.fawadkhan.com within the public sector. Wanda

Koop b.1951, vancouver, british columbia

1. Robert Enright, “The night the Iraq War started in 2003, I was at Elk Horn Ranch and I jumped up and Robin Laurence, Mary started making notes in the dark on post-it notes. I became absolutely mesmerized by Reid, Wanda Koop: Green Zone, 2008, Winnipeg: this static image that in an earlier time wouldn’t have made it on the television, and yet City Press, p. 3 everyone was glued to their television screens watching two lights, a bit of movement and every now and then a flare or an afterflash. The images, which were non-stop because they were using stationary cameras, were completely static and banal. We’d be waiting for something to happen. There is a way in which all the paintings were paintings-in-waiting. In a sense the cameras were embedded just as the journalists were. Then there was this calming voiceover, as if nothing serious was really happening. They were trying to give the impression that it was a war of technology and that everything was under control, despite the fact that anyone with a thinking mind knew everything was out of control. The information that was coming over the news didn’t collate with what we were actually seeing. It seemed not unlike a novel where you had to fill in the 116 pieces. So you could either feel the horror of it all, like some kind of suppressed poem, or you could listen to what CNN was saying and think, “Hey, this isn’t half bad, it’s a clean little war.” Up until then I had been shooting my own video, but I realized that something was being presented to me here. I knew instantly I could do something with it and that it would be a way to articulate the opposite of what I was seeing.” — W.K. 1

« La nuit où la guerre d’Irak a commencé en 2003, j’étais au Elk Horn Ranch et j’ai commencé fébrilement à prendre des notes dans le noir sur des feuillets autocollants. J’étais totalement fascinée par cette image statique qui auparavant n’aurait jamais abouti à l’écran, et pourtant, tout le monde était collé devant la télé et regardait deux lueurs, un léger mouvement et, de temps en temps, une flambée ou un flash. Les images continues, à cause de l’emploi de caméras stationnaires, étaient totalement statiques et banales. On attendait que quelque chose se passe. Toutes les peintures étaient alors des peintures en attente de devenir. D’une certaine façon les caméras étaient intégrées tout comme l’étaient les journalistes. Puis on entendait une voix 1 Untitled (from the hors champ réconfortante, comme s’il n’y avait rien d’alarmant. Ils essayaient de nous donner Green Zone series) (02114) 2003 l’impression que c’était une guerre technologique, que tout était sous contrôle bien que toute Photo: Courtesy of personne dotée d’un peu d’entendement savait que tout était hors de contrôle. L’information the Artist qui nous parvenait dans les bulletins de nouvelles ne cadrait pas avec ce que nous voyions. Ça ressemblait un peu à un récit où il faut trouver les éléments manquants et boucher les trous. On pouvait donc soit ressentir toute l’horreur de la situation, comme une sorte de poème réprimé, soit écouter ce que disait CNN et penser, ‘ Bon, ce n’est pas si mal, c’est une petite 119

guerre propre.’ Jusqu’à ce moment, je filmais ma propre vidéo mais je me suis rendu compte 1 Untitled (Night Vision from the Green qu’on me présentait quelque chose. J’ai su immédiatement que pourrais m’en servir et que ce Zone series) 2007 serait une manière d’articuler le contraire de ce que je voyais. » — W.K. 1 Photo: Courtesy of the Artist

Wanda Koop is one of Canada’s most distinguished and inventive artists. Her career spans three decades and includes over 50 solo exhibitions. Koop moved to Winnipeg, as a young child and has called this remarkable city home ever since. Over the course of her career, she has been the recipient of numerous national and international awards in recognition of her achievements as an 1 Untitled (from the artist. In 2002, she was awarded with the Queen’s Golden Jubilee Medal and Green Zone series) (02113) 2005 received her Doctors of Letters from the University of Winnipeg. She was granted Photo: Courtesy of her second honorary doctorate from the Emily Carr University in Vancouver in the Artist 2007, and in 2009, an honorary Doctor of Laws was awarded from the . Her work is included in numerous private collections and is represented in several prestigious museum collections such as the National Gallery of Canada, Ottawa, Ontario. The Winnipeg Art Gallery and the National Gallery of Canada are currently working in partnership on a major exhibition of Koop’s oeuvre that will tour across Canada and internationally from 2010 on. Emanuel

Licha b.1971, montreal, canada In Emanuel Licha’s War Tourist, presented in Diabolique, a professional tourist guide is hired and asked to organize a guided tour of cities which have been through a war recently, or which are known to be dangerous. These tours are then filmed. Cities include New Orleans, Sarajevo, a suburb of Paris, Auschwitz and Chernobyl. The artist says, “A war tourist wants to see the destruction, chaos and the pain of others, at close range. He travels the world, searching for ever-greater sensations. But, paradoxically, this curiosity functions as a means to keep these events at a distance. A war tourist travels to make sure that this is really happening elsewhere, that it’s not happening where he normally lives. It is right to say that War Tourist is my alter ego. Its been a very practical invention to get rid of my scruples, allowing me to load this character with some of my greatest basic instincts. My first projects as an artist dealt with voyeurism; later, through various trips in conflict zones I became increasingly interested in war and how it forces the public sphere into people’s private lives and spaces.” — A.C., E.L.

Dans War Tourist, d’Emmanuel Licha, on embauche un guide professionnel pour qu’il organise un voyage dans des villes où une guerre a récemment eu lieu ou qui sont réputées dangereuses. Sont ensuite filmées les visites organisées à la Nouvelle-Orléans, Sarajevo, dans une banlieue de 121 Paris, à Auschwitz et à Tchernobyl. L’artiste déclare : « Un touriste de guerre veut voir de près la destruction, le chaos et la douleur des autres. Il voyage partout dans le monde à la recherche de sensations de plus en plus fortes. De façon paradoxale, cette curiosité sert à tenir ces événements à distance. Un touriste de guerre voyage pour s’assurer que ces événements se passent vraiment ailleurs, qu’ils ne se produisent pas là où il habite. Il est vrai de dire que War Tourist est mon alter ego. Il s’est révélé être une invention pratique pour me débarrasser de mes scrupules, me permettant d’accabler ce personnage de certains de mes plus profonds instincts. Mon premier projet en tant qu’artiste traitait du voyeurisme; plus tard, après divers voyages dans des zones de conflit, je me suis intéressé de plus en plus à la guerre et à la façon dont elle fait entrer la sphère publique dans la vie et les espaces privés des gens. » — A.C., E.L.

Emanuel Licha lives and works in Paris and Montreal. He received a post- 1 War Tourist graduate diploma from Ecole nationale des beaux-arts de Lyon (2000-01) and a 2004 -2008, Photos: Bachelor of Fine Arts (BFA) from , Montreal (1993-96). He Courtesy of the Artist has exhibited extensively nationally and internationally. Licha’s work is in the collections of MACBA, Barcelona; Fonds National d’art contemporain, Paris; Musée d’art contemporain de Montréal; Fonds Régional d’art contemporain Franche-Comte, Besançon; and University of South Florida Contemporary Art Museum.

www.emanuel-licha.com Shirin

Neshat b.1957, quazvin, iran

7 Summer 1953, series #1, 2008 1. The British and U.S. “Neshat’s work engages the viewer through powerful images, sweeping scores, and © Shirin Neshat. spy agencies replaced evocations of human passions and desires, while examining the social tropes that Courtesy of Gladstone the government of the Gallery, New York and popular Prime Minister both stratify and unite. Neshat pitches these dialectics of East/West, man/woman, Galerie Jérôme de Mosaddeq with an and oppressor /oppressed, to such a degree that these seemingly immutable polarities Noirmont, Paris all-powerful ‘shah’ or become malleable locations for query. monarch, Mohammed Reza Pahlevi who ruled In two new films and accompanying photographs, Neshat continues her exploration for the next 26 years until he was overthrown of Shahrnush Parsipur’s novel Women Without Men. In adapting the magical realism of in 1979 during the Parsipur’s fantastic retelling of the 1953 coup d’etat in which the CIA reinstalled the Shah Iranian Revolution. of Iran1, Neshat continues a project she began in 2003. Neshat dissects the individual ‘Shah’ is the term for an Iranian monarch. narrative threads of Parsipur’s interwoven tale of five Iranian women as they each http://en.wikipedia. seek freedom from their oppressive lives. Their struggle parallels that of their nation, org/wiki/1953_Iranian_ a country in crisis fighting for a sense of independence from foreign forces. Neshat’s coup_d’´tat (Accessed June, 2009) project is two-pronged, consisting of a feature length film as well as a series of video

122 2. All text from installations exploring the psychologies of the five main female characters. 123 Gladstone Gallery, NY Diabolique includes one of the five episodes: Munis, 2008, follows the story of young press release, 2008. Last sentence by Amanda woman whose intense passions for social justice are perpetually stymied by her 7 Summer 1953, Cachia. oppressive brother. Happening to witness the death of a political activist drives Munis series #2, 2008 © Shirin Neshat. to take her own life, beginning a magical encounter between herself and the dead Courtesy of Gladstone Gallery, New York and activist. Only in death can Munis finally experience the strange carnival of political Galerie Jérôme de 1. Les agences unrest; however, she finds that ‘reality’ in close proximity can be both promising Noirmont, Paris d’espionnage britannique et and disillusioning”.2 Towards the conclusion of the film, a section from the English américaine ont remplacé le subtitles reads “And no-one remains to chronicle the darkness of human history.” gouvernement du premier ministre Mossadegh par « L’œuvre de Neshat engage le spectateur par ses images puissantes, sa musique somptueuse et le tout-puissant ‘Shah’ ou monarque Mohammed sa représentation des passions et des désirs humains parallèlement à l’exploration des tropes Reza Pahlavi qui a régné sociaux qui stratifient et unissent à la fois. Neshat pousse les dialectiques Est-Ouest, homme- pendant les 26 années femme, oppresseur-opprimé à un tel niveau que ces polarités supposées immuables deviennent suivantes jusqu’à ce que son gouvernement soit renversé des lieux propices au questionnement. en 1979 pendant la révolu- tion iranienne. ‘Shah’ Neshat poursuit son étude de Femmes sans hommes, roman de Shahrnoush Parsipour, dans désigne un monarque deux nouveaux films et leurs photos d’accompagnement. Dans un projet commencé en 2003, iranien.http://fr.wikipedia. elle adapte le réalisme magique du récit fantastique que fait Parsipour du coup d’État de org/wiki/Opération_Ajax 1953 qui a vu le Shah d’Iran1 revenir au pouvoir grâce à la CIA. Neshat dégage une à une les 2. Extrait d’un com- muniqué de presse de la histoires individuelles dans les récits entremêlés de cinq femmes iraniennes qui cherchent à se Gladstone Gallery, 2008. libérer de leurs vies opprimantes. Leur lutte recoupe celle de leur nation, un pays en crise qui 3 Summer 1953, se bat pour s’affranchir de forces étrangères. Le projet de Neshat comprend deux éléments: un series #3, 2008 © Shirin Neshat. long-métrage et une série d’installations vidéo qui scrutent la psychologie des cinq femmes. Courtesy of Gladstone Gallery, New York and Diabolique présente un des cinq épisodes. Munis, 2008, suit l’histoire d’une jeune femme dont Galerie Jérôme de la passion intense pour la justice sociale est constamment contrariée par son frère. Lorsqu’elle Noirmont, Paris est témoin de la mort d’un activiste politique, elle est poussée au suicide. Commence alors une rencontre magique entre elle et l’activiste mort. Ce n’est que dans la mort que Munis peut finalement vivre l’expérience du carnaval étrange des troubles politiques; elle se rend compte cependant que la ‘réalité’ vue de près peut être à la fois source de promesses et de désillusions. » Vers la fin du film, on peut lire dans les sous-titres anglais : « And no-one remains to chronicle the darkness of human history. » (Et il ne reste plus personne pour faire la chronique de la noirceur de l’histoire humaine.)

Shirin Neshat moved to the United States in 1974. She currently lives and works in New York. She has had solo exhibitions at the Museo de Arte Moderno, Mexico City; Contemporary Arts Museum, Houston; Walker Art Center, Minneapolis; Espoo Museum of Modern Art, Finland; Castello di Rivoli, Turin; Dallas Museum of Art; Wexner Center, Columbus; the Art Institute of Chicago; the Serpentine Gallery, London; Museo de Arte Contemporaneo in Leon, Spain; and the 124 Hamburger Bahnhof, Berlin. Her work was included in Documenta XI, the 1999 125 Venice Biennale, and the 2000 Whitney Biennial. Neshat was awarded the First International Award at 48th Venice Biennale, the Hiroshima Freedom Prize, and 3Summer 1953, series #4, 2008 the Lillian Gish Prize. She is represented by Gladstone Gallery, NY. © Shirin Neshat. Courtesy of Gladstone Gallery, New York and Galerie Jérôme de Noirmont, Paris 1 Munis & Revolutionary Man, 2008 © Shirin Neshat. Courtesy of Gladstone Gallery, New York and Galerie Jérôme de Noirmont, Paris Michael Patterson-

Carver b.1958, chicago, illinois

3 Follow the Money The world of Diabolique is composed of large memorials, but it also demands intimate 2008, Photo: Courtesy views, including the detailed drawings presented by Michael Patterson-Carver. of Small A Projects, New York Previously homeless, Portland-based artist Patterson-Carver’s colourful demonstration drawings depict people on the march, fighting for everything from the war in Iraq, to gay marriage, animal rights, women’s suffrage and civil rights. In the drawings displayed in Diabolique, Patterson-Carver uses a comical caricature of George Bush fighting the war on terror in two different scenes – as George the Terrible (Napolean conquerer) and as a member of the Ku Klux Klan, again with his VP partner-in-crime, Cheney. In Follow the Money, the Grim Reaper is threateningly nestled in amongst a crowd of protestors holding placards with various anti-war sentiments. — A.C.

L’univers de Diabolique comprend des œuvres commémoratives d’envergure, mais il exige aussi 128 un regard plus intimiste. C’est celui que porte Michael Patterson-Carver, autrefois sans-abri et maintenant établi à Portland, dans ses dessins colorés de manifestations dépeignant des gens en marche pour toutes sortes de causes : guerre en Irak, mariage gai, droits des animaux, droit de vote des femmes, droits de la personne. Dans les dessins présentés dans Diabolique, Patterson- Carver emploie une caricature loufoque de Georges Bush qui fait la guerre au terrorisme dans deux scènes différentes : comme George le Terrible (conquérant napoléonien) et comme membre du Ku Klux Klan, toujours accompagné de Cheney, son vice-président et complice. Dans Follow the Money, la Mort est placée de façon menaçante dans une foule de protestataires brandissant des pancartes exprimant diverses opinions contre la guerre. — A.C.

Two years ago Michael Patterson-Carver, a lifelong political activist, was selling his colorful drawings of anti-war demonstrations outside a Portland grocery store. Colorful but almost childlike in their two-dimensional simplicity, they caught the interest of internationally acclaimed artist Harrell Fletcher, who teaches at Portland State University. After years of living on the margins of society, Patterson-Carver soon found himself, with Fletcher’s help, showing at galleries in Europe and New York, including at White Columns in New York and London’s Institute of Contemporary Arts. During an era of tremendous political friction over the Iraq war and the Patriot Act, his depictions of political protests have struck a strong chord. Patterson-Carver currently lives and works in New Orleans. He is represented by Small A Projects, NY. Dan

Perjovschi b.1961, sibiu, romania Dan Perjovschi’s arresting and spontaneous political commentary has been temporarily 1. www.perjovschi.ro recorded over the course of one July 2009 week, on the east and north glass exterior (Accessed June, 2009) of Regina Public Library. Equipped with a genie lift and black-marker pen, Dan’s raw material is derived from a large archive of work he has developed in the last 20 years, in addition to fresh research based on reading Canadian local and national newspapers during his brief time in Regina. Perjovschi’s practice is informed by the incisive social criticism of humorous cartoons. With a profound ability to respond to his context, he deploys irony to comment cuttingly on local and global politics, economics, and culture. Perjovschi’s unique language and technique is composed of comic-strip-style sketches of persons, objects, places, and symbols drawn onto walls, floors, ceilings, glass or blackboard with either marker-pens or chalk. The artist examines, for instance, universal questions (love and death), intellectual debates (about the presence of capitalism in formerly communist countries, for example), and current international affairs (the recent admission of countries, such as his native Romania, to the EU).1 — A.C.

Le commentaire politique saisissant et spontané de Dan Perjovschi a été consigné de façon 130 131 temporaire au cours d’une semaine de juillet 2009 sur les parois de verre situées à l’est et au nord de la bibliothèque municipale de Regina. Équipé d’un monte-charge portatif et de marqueurs noirs, Dan a réalisé ce commentaire en s’inspirant des nombreuses œuvres qu’il a créées au cours des vingt dernières années ainsi que de recherches récentes, effectuées pendant son bref séjour à Regina, dans les journaux canadiens locaux et nationaux. La pratique de Perjovschi est influencée par la critique sociale cinglante des bandes dessinées. Doté d’une grande capacité de réponse à son milieu, Perjovschi fait appel à l’ironie pour commenter de façon caustique la politique locale et mondiale, l’économie et la culture. Sa technique et son langage très personnels se traduisent par des croquis, à la manière de la bande dessinée, de personnes, d’objets, d’endroits et de symboles tracés au marqueur ou à la craie sur les murs, le plancher, le plafond, les parois vitrées ou sur un tableau noir. L’artiste aborde, notamment, des sujets universels (l’amour et la mort), des débats intellectuels (la présence du capitalisme dans 1 The Public Drawing les pays autrefois communistes) et les affaires internationales (l’admission récente de pays au 2009, Photo: Trevor 1 Hopkin sein de l’Union européenne, comme celle de son pays natal, la Roumanie). — A.C. 133

13 The Public Dan Perjovschi is an artist, writer and cartoonist. Originally trained as a Drawing (exterior & painter, Perjovschi turned to other artistic strategies during the communist detail) 2009, Photo: Trevor Hopkin dictatorship of Nicolae Ceausescu. Together with his wife Lia Perjovschi he organized performances and other activities in their apartment in Oradea under the Contemporary Art Archive (CAA), known as the Center for Art Analysis after 2001. After the execution of the dictator and his wife, the couple began, now also in public, to strongly advocate a new definition of Romania’s cultural politics. The dissolution of the repressive regime and the subsequent confusion in the months after the turn of events, were the reason for this engaged activism combined with the search for alternatives in politics and art. Perjovschi is a member of the “Group of Social Dialogue”, Romanian intellectuals, who advocate critical dialogue and have been publishing the weekly newspaper “Revista 22” since 1990. The artist began working for the paper in 1991, and regularly today as an illustrator and columnist. He has exhibited extensively internationally, including Sydney Biennale, 2008, Venice Biennale and Museum of Modern Art in 2007, Tate Modern, 2006 and Istanbul Biennale 2005. Dan and Lia Perjovschi had their first retrospective exhibition at the Nasher Museum of Art at Duke University in North Carolina in the Fall of 2007. He currently lives and works in Bucharest and is represented by Lombard Fried Projects, New York and Gregor Podnar Galerie, Berlin.

www.perjovschi.ro Raymond

Pettibon b.1957, tuscon, arizona

1. Raymond Pettibon: Raymond Pettibon’s gestural use of watercolour ink on paper – blood spurting and Whatever It Is You’re gushing forth like a fountain from decapitated heads or mutilated limbs, emphasizes the Looking For, You Won’t Find It Here, Vienna, influence of popular culture and popular commentary in his comic-like style, with often Kuntshalle Wien, 2006, disturbing, ironic or ambiguous captions: mostly attacks on the Bush administration/s, back cover and raw anti-authoritarian sentiment.

Described as “one of the most thorough chroniclers of American milieaus of popular culture” and a Goya of our times, Pettibon depicts less the wars actually waged than the confrontations taking place inside people’s heads, the battles between youth cultures, and the cops-‘n’-robbers games transfixed into durable and quotable shape in the repertoire of images provided by film noir. The artist says, ‘Los Angeles spread itself out before me. I used a gun to get in.’”1 — A.C. 134 135 1. Raymond Pettibon: La peinture gestuelle à l’encre aquarelle sur papier de Raymond Pettibon – le sang qui gicle et Whatever It Is You’re Look- jaillit, comme l’eau d’une fontaine, de têtes décapitées ou de membres mutilés – fait ressortir ing For, You Won’t Find It Here, Vienne, Kuntshalle l’influence de la culture populaire ou du commentaire populaire sur son style bédéïque et Wien, 2006, plat verso. ses dialogues souvent troublants, ironiques et ambigus. Il s’agit surtout d’attaques contre le In 1977, Raymond Pettibon received a degree in economics from UCLA. From 1 Untitled (Iran, Iraq) gouvernement Bush et l’expression sans fard de sentiments antiautoritaires. the late 70s through the mid-80s Pettibon was affiliated with the South Bay 2007, Photo: Courtesy of Regen Projects, Los Décrit comme « l’un des plus rigoureux chroniqueurs des milieux américains de la culture punk scene. Many of his artworks from that time appeared on flyers and Angeles, CA. © album covers, including those of Sonic Youth, The Minutemen, and Black Flag. Raymond Pettibon populaire » et comme un Goya contemporain, Pettibon dépeint moins les conflits eux-mêmes Over the last two decades Raymond Pettibon has acquired an international que ceux qui se déroulent dans la tête des gens, les affrontements entre cultures de jeunes et les reputation as one of the foremost contemporary American artists working jeux de gendarmes et de voleurs transmués en formes durables et dignes d’être citées dans le primarily with a drawing practice. Pettibon combines the high and the low répertoire des images du film noir. L’artiste déclare : « Los Angeles s’offrait à moi. Je me suis and incorporating literature, popular culture, Hispanic comic strips and servi d’un fusil pour y entrer. »1 — A.C. noir cinema. Drawing on anything and everything that might be considered American culture, Pettibon skewers and rhapsodizes the world around him. Pettibon eschews the notion of the works being autobiographical, and the multiplicity of vantages is part of the generosity of the work itself. As one of Pettibon’s drawings pronounces, ‘imitate my life, not my art.’ He is represented by Regen Projects, LA and David Zwirner Gallery, NY. 7 Untitled (Don’t run this) 2006, Photo: Courtesy of Regen Projects, Los Angeles, CA. © Raymond Pettibon

136 137 Nancy that Vietnamese peasants saw it as a giant monster. I viewed the helicopter as the symbol 1. Nancy Spero: The of this war – the omnipresent image of the chopper hovering, transporting soldiers, War Series 1966-1970, 2003, Galerie Lelong, New napalming villages, gunning fleeing peasants or picking up wounded and dead US Spero b.1926, cleveland, ohio York et Edizioni Charta, soldiers.”1 — A.C., N.S. Milan, p. 1.

La gestuelle est mise en valeur dans les peintures encadrées de Nancy Spero. Celles-ci incarnent les images essentielles du langage présent dans toute l’exposition : armes, crânes, symboles de guerre. Spero représente de façon puissante l’intervention féministe et traite depuis longtemps de la guerre, de la dominance masculine, de l’abus et des atrocités. Les tableaux présentés dans le cadre de Diabolique appartiennent à sa série prolifique sur la guerre du Vietnam, peinte dans les années 60.

Nancy Spero est citée dans The War Series 1966-1970 : « Pendant cinq ans, de 1966 à 1970, j’ai créé (avec gouache et encre sur papier) The War Series : Bombs and Helicopters. Ces œuvres étaient des manifestes contre notre incursion [les États-Unis] au Vietnam, une tentative personnelle d’exorcisme. Les bombes sont phalliques et odieuses, des représentations sexuelles exagérées du pénis : des têtes à la langue pendante, des images violentes du corps humain (surtout mâle). Les nuages causés par les bombes sont remplis de têtes qui hurlent et vomissent du poison sur les victimes en contrebas, par exemple. L’hélicoptère est anthropomorphique, un oiseau ou insecte primitif et maléfique qui sème la destruction. Je me disais que les paysans 139 vietnamiens devaient s’imaginer que c’était un monstre géant. Je voyais l’hélicoptère comme le symbole absolu de cette guerre, une présence omniprésente dans le ciel qui transporte des soldats, largue du napalm sur les villages, abat les paysans qui fuient ou évacue les soldats blessés ou morts. »1 — A.C., N.S.

American artist Nancy Spero grew up in Chicago. She received a BFA from 1 Pilot/Gunship 1968 The gestural act is enhanced by the framed paintings of Nancy Spero. These embody the School of the Art Institute of Chicago (1949) and has honorary doctorates © Nancy Spero. core icons prevalent in the language generated throughout the entire exhibition: from the School of the Art Institute of Chicago (1991) and Williams College Courtesy Galerie Lelong, New York weapons, skulls and war symbols. Spero powerfully represents the feminist (2001). A pioneer of feminist art, Spero’s work since the 1960s is an unapologetic intervention. Long a great chronicler of war, male dominance, abuse and violent statement against the pervasive abuse of power, Western privilege, and 1. Nancy Spero: The male dominance. Executed with a raw intensity on paper and in ephemeral War Series 1966-1970, atrocities, her paintings in Diabolique are from the prolific Vietnam War series developed installations, her work often draws its imagery and subject matter from 2003, Galerie Lelong, in the 60s. New York and Edizioni current and historical events such as the torture of women in Nicaragua, the Charta, Milan, p. 1 In the text, The War Series 1966-1970, Nancy Spero is quoted as follows: “For five Holocaust, and the atrocities of the Vietnam War. She has received many honours and awards and major exhibitions include Centro Galego de Arte years, from 1966-1970, I painted (gouache and ink on paper) The War Series: Bombs and Contemporanea, Spain; MIT List Visual Arts Center, Massachusetts; Institute of Helicopters. These works were intended as manifestos against our [the US] incursion Contemporary Art, Boston; Museum of Modern Art, New York, and the Museum into Vietnam, a personal attempt at exorcism. The bombs are phallic and nasty, of Contemporary Art, Los Angeles. Spero lives and works in New York. She is exaggerated sexual representations of the penis: heads with tongues sticking out, violent represented by Galerie Lelong, NY. depictions of the human (mostly male) body. The clouds of the bomb are filled with screaming heads vomiting poison onto the victims below, etc. The helicopter becomes anthropomorphic – a primeval (prime evil) bird or bug wreaking destruction. I imagined Althea

Thauberger b.1970, saskatoon, saskatechewan

Image: Combat Engineers Thauberger was in Afghanistan as part of the Canadian Forces Artists Program in of Forward Operating Base March of 2009. She took some photographs that include some of the women who were Ma’ Sum Ghar, Kandahar Province. Left to right: Cpl stationed at Forward Operating Base Ma’Sum Ghar. In this photograph, the Pashtu Cindy Duncan, 2 FD AMB, word Ghar means mountain, and the mountain the base is built on is called Ma’Sum. CFB Petawawa, ON; Spr It is in the Panjwaii District, south west of Kandahar City. In the background is most of Elyse Rivest, 4 ESR, CFB Gagetown, NB; Spr Marika the base. There are the offices and quarters and also most of the armoured vehicles and Grys, 1 CER, Edmonton, tanks. The Canadian flag is laid out in spray painted gravel rocks, (all the gravel is hauled AB; MCpl Amanda Perry, 4 ESR CFB Gagetown, NB; in) and it is beside a cross and a place where there are hand painted stone markers for Cpl Joanne Austin, MSE every soldier who has been killed while being stationed at that base. When Thauberger OP, CFB Kingston, ON. was there, she counted about 20. The base gets fairly frequent rocket attacks, but they were lucky not to have had one while she were there. In fact, it had been 25 days since the last attack, which was a record for them. — A.C., A.T. 140 Image: Génie d’assaut de Thauberger s’est rendue en Afghanistan, en mars 2009, dans le cadre du Programme d’arts la base d’opérations avancée des Forces canadiennes. Elle y a pris des photos dont certaines de femmes en garnison à la base de Ma’Sum Ghar, province de Kandahar. De gauche à d’opérations avancée de Ma’Sum Ghar. En pachto, le mot Ghar signifie montagne et celle sur droite : Cpl Cindy Duncan, laquelle est construite la base se nomme Ma’Sum; elle se trouve dans le district de Panjwaii 2 Amb C, BFC Petawawa, au sud-ouest de la ville de Kandahar. On peut voir à l’arrière-plan de cette photo la majeure ON; Sap Élyse Rivest, 4e Althea Thauberger has exhibited nationally and internationally since graduating 1 Untitled (Ma’Sum RAG, BFC Gagetown, partie de la base : les bureaux, les quartiers ainsi que la plupart des véhicules blindés et des chars with an MFA from the University of Victoria in 2002. Her work has been presented Ghar 1) 2009, N.-B.; Sap Marika Grys, 1er Photo: Courtesy of d’assaut. Le drapeau canadien, fait de pierres de gravier peintes au pistolet (tout le gravier at Manifesta 7, Trento, Italy; the Morris and Helen Belkin Art Gallery, Vancouver, the Artist RGC, Edmonton, AB; Cplc 2008; Vancouver Art Gallery, 2008; BAK, Utrecht, 2007; Künstlerhaus Bethanien, Amanda Perry, 4e RAG, vient d’ailleurs), est placé à côté d’une croix et d’une rangée de pierres blanchies commémorant Berlin, 2006; Kunstverein Wolfsburg, 2006; Art Gallery of Nova Scotia, Halifax, BFC Gagetown, N.-B.; Cpl la disparition de chaque soldat tué alors qu’il était en poste à Ma’Sum Ghar. Thauberger en a 2006; Singapore History Museum, 2006; Presentation House Gallery, North Joanne Austin, Chauf MR, compté une vingtaine. La base fait souvent l’objet d’attaques à la roquette mais par chance, il BFC Kingston, ON. Vancouver, 2005; Museum van Hedendaagse Kunst, Antwerp, 2005; Berkeley n’y en a eu aucune lors de son séjour. En fait, il n’y en avait pas eu depuis 25 jours, ce qui était un Art Museum, 2005; Insite, San Diego/Tijuana, 2005; White Columns, New York, record. — A.C., A.T. 2004; and Seattle Art Museum, 2004. In 2004 she was short-listed for the Sobey Arts Award. In 2008, she was awarded with a Canadian Forces Artists Program (CFAP) residency, and during 2009 she travelled to the Canadian Forces Base in Kandahar, Afghanistan to work on collaborative photographs with military members, some of which are presented in Diabolique. Thauberger currently lives in Vancouver.

www.altheathauberger.ca Jason

Thiry b.1981, inuvik, northwest territories

A continuing theme in Thiry’s work is using wallpaper pattern as a starting point, rooted in the domestic space. From there, the artist starts to add other elements: urban density, opulence, weaponry, etc. While these incorporated elements may not be specifically associated with the domestic, in essence, there are strong connections because of the way we gather and are exposed to information and commodities from around the globe in our homes. Both intrigued and horrified by the recent advertising campaigns used by the Canadian and American military, based on the popular music video genre, these recent collages are Thiry’s attempt to re-visualize the iconic imagery of the camouflage pattern in a way that mimics this shift as well as to signal a warning about the trajectory of this kind of marketing. There is a gratuitousness and glorification of war and the military life in these new media representations that are a deliberate attempt to spin the public’s perception on the military and our involvement in a positive light. But, it goes much further than this now when it is directly available on the Internet and on our televisions, where it takes on a new guise as entertainment. War video games are 142 a good example of this shift in attitudes about how we represent armed conflicts as entertainment, and even more telling is the popularity and large amounts of money being made on these kinds of ventures. In dropping the pretense of journalistic merit, historical accuracy, or any kind of mindful portrayal, these mediated representations risk a kind of violent stimulant, a kind of war pornography. — A.C., J.T.

Une constante dans le travail de Thiry est son emploi de motifs de papier peint comme point de départ ancré dans l’espace domestique. De là, l’artiste commence à ajouter d’autres éléments : la densité urbaine, l’opulence, les armes, par exemple. Bien que ces éléments ne soient pas associés à l’univers domestique, il existe en fait des liens étroits puisque nos demeures sont des lieux où pénètrent l’information et des biens venant de toutes les régions du monde. À la fois intrigué et horrifié par les récentes campagnes publicitaires des forces armées canadienne et américaine encore plus révélateur, c’est la popularité de ces entreprises et les immenses sommes d’argent 1 Untitled Camouflage (Wal-mart wallpaper, qu’elles génèrent. En évacuant toute valeur journalistique, toute exactitude historique ou toute conçues à la manière de vidéos musicales, Thiry tente par ses récents collages de re-visualiser flocked wallpaper, l’imagerie emblématique typique du motif de camouflage d’une manière qui imite cette tendance description juste, ces représentations médiatisées risquent de devenir un stimulant violent, une Swank magazines, Pretty Pink acrylic sorte de guerre pornographique. — A.C., J.T. tout en mettant en garde contre ce genre de marketing. Ces nouvelles représentations créées paint) 2009 Photo: Courtesy of par les médias comporte en effet un élément d’arbitraire et une glorification de la guerre et Jason Thiry received his Bachelor of Fine Arts majoring in Printmaking from the the Artist de la vie militaire; il s’agit d’une tentative délibérée de modifier et de rendre plus favorable la University of Regina in 2005. Recent group exhibitions include The Ecology of perception qu’a le public de l’armée et de notre engagement militaire. Mais cela va beaucoup Self-Replicating Systems: Dorkbot & Battery Operated at Neutral Ground; Regina, plus loin quand ce marketing est disponible directement sur Internet et sur nos téléviseurs Real Estate: Ceremonies of Possession, Art Gallery of Regina; Paper Works, at Estevan Art Gallery and Museum and The Gun Show at Mysteria Gallery, all in où il devient une forme de divertissement. Les jeux vidéo de guerre sont un bon exemple de ce 2007. Thiry currently lives in Regina. changement d’attitude : les conflits armés sont perçus comme des divertissements. Ce qui est Scott

Waters b.1970, preston, england

3 Family Portrait The bookwork (book covers) series Wish You Were Here presents the illusory promise (Private Adams) 2008 of the Ideal; the belief that there is a utopic version of our lives just out of reach. Over (1 of 8 works) Photo: Courtesy of the rolling green hills and the rumbling explosions in the distance is an alternate life the Artist we know to be a fiction but hold dear nonetheless. Romance novels and militaria seem obvious erotic twins; subjects that are so loaded, but also so ubiquitous as to have become quotidian themselves. Helicopter gunships and prairie virgins here stand in for the idea of the ideal. Through violence and passion, promise and predictability, they make the everyday exotic, the exotic everyday and the Ideal within illusory reach.

Any portrait is offered as a means to glimpse the psyche of the sitter. We are told that artist and pigment will give us a distillation that neither eye-to-eye contact nor the frozen instant of the photograph can offer. This is, of course, a fiction. The assembled Family Portrait hopes to emphasize its own shortcomings. There is little hope of accessing what takes place inside the minds of these soldiers as they train to deploy to

144 Afghanistan. How can we possibly glimpse what lies in wait for them (as this is what we care about), or perhaps more importantly, what version of themselves will come back to Canada, if at all? — S.W.

Les travaux d’édition (couvertures de livres) Wish You Were Here nous parlent de la promesse illusoire de l’Idéal, de la conviction qu’il existe, à peine hors de notre portée, une version utopique de notre vie. Au-delà des douces collines verdoyantes et des déflagrations au loin, il y a une autre vie que nous savons être une fiction mais qui nous est chère malgré tout. Les romans à l’eau de rose et les militaria semblent être des jumeaux érotiques évidents, des sujets tellement lourds de sens, mais aussi tellement omniprésents qu’ils en sont devenus banals. Les hélicoptères armés et les pucelles des prairies représentent ici le concept de l’idéal. Par la violence et la passion, les promesses et le présumable, ils rendent l’ordinaire exotique, l’exotique ordinaire et l’Idéal illusoirement accessible.

Tout portrait est un moyen d’entrevoir l’âme du sujet. On nous dit que l’artiste et le pigment nous donnent une sublimation que ni le regard ni l’instant figé d’une photo ne peuvent offrir. C’est évidemment une fiction.Family Portrait espère faire ressortir ses propres lacunes. Il y a peu d’espoir d’accéder à ce qui se passe dans la tête de ces soldats à l’entraînement avant d’être envoyés en Afghanistan. Comment pouvons-nous entrevoir ce qui les attend (puisque c’est ce qui nous intéresse) ou plus important peut-être, ce qu’ils seront devenus lors de leur retour au Canada, s’ils reviennent? — S.W. Scott Waters graduated from Toronto’s York University with an MFA in 2004. 7 Vanquished by He has been gathering attention for his social analysis and sharp wit. Waters’ Nighthawk 2008 Photo: Courtesy of recent and ongoing work draws on his period in the Canadian Army from 1989 the Artist to 1992. Serving as an infantryman in the Third Battalion of Princess Patricia’s Canadian Light Infantry, Bravo “B” Company, he was stationed in Wainwright, 6 Badlands 2009 Photo: Courtesy of Alberta, and Victoria, British Columbia. In the fall of 2006, Waters produced the Artist Hero Book, a hybrid work, including drawings, paintings and writing, about his experiences in the Army. Waters has been awarded grants from the Ontario Arts Council and The for the Arts. He has participated in several group exhibitions, including A Brush with War that is touring across Canada from 2009 to 2011. In 2009, his solo exhibition It’s Great to be a Man in Times Like These was presented at Rodman Hall, St. Catharines, Ontario. He participated in an artist residency in 2006 at Open Studio, in Toronto. Waters worked with the Second Battalion of the Royal Canadian Regiment to do a series of portrait- based works of an army unit training for Afghanistan in 2006, as part of the Canadian Forces Artist Program. www.scottwaters.ca

147 Balint

Zsako b.1979, budapest, hungary

3 Untitled 2006 Zsako has shaped a practice that is often described as quirky, disturbing, otherworldly Photo: Courtesy of and a little bit dirty. His work is jubilant and dark. Lofty topics (i.e. Life and Death) are the Artist disguised within seemingly whimsical semiotics. Zsako updates traditional Eastern 1. Clarke, Bill, European folk art motifs in a way that speaks to contemporary anxieties.1 “Mythic…and a Little Bit Dirty”, Canadian Drawn Negatives (Photographs): In Drawn Negatives, Zsako wants to explore the Art, April 17, 2008, on- line review, http://www. intersection of the inherent properties of photography and the artist’s hand drawn line. canadianart.ca/online/ These works are made by tracing small photographs onto clear 35mm film using a quill reviews/2008/04/17/ pen and India ink. The resulting negative, identical in shape and size to a traditional balint-zsako/ (Accessed June, 2009) negative, is printed using an enlarger and colour photographic paper. Subject matter includes stark black and white scenes of violence: execution, Mussolini dictating, a war helicopter and finally, a skeleton as metaphor for death.

Collages: With this series Zsako wanted to make collages that looked like reproductions of works that could have been painted that way three hundred years ago, but that also reveal a subtle strange postmodern disconnect when observed closely. Historical, romantic and even biblical forms of violence are depicted, including death by bow and arrow and death by stoning.

Drawings: Using pen, brush, ink and watercolour Zsako creates characters that illustrate tales of archetypal experience. Sex, death, technology, mythology, bodily functions and primitive narratives are the themes that animate these drawings. Anatomical distortions serve as parallels to psychological states and mechanical appendages recall the conflict between the organic and the industrial. The morphing of human and animal characteristics also features significantly in these works. Whether illustrating themes of dark grotesquery or light-hearted metaphor each drawing tells its story using a vocabulary of bright colours and accessible symbols. These works are not intended to illustrate a specific concept: each figure presents an opportunity to contemplate various tales of love, death, failure, hope and futility. Zsako’s web of male folk art figures don masks and guns shooting flags and penises in the framed watercolour and ink on paper in Diabolique. — A.C. & B.Z.

Zsako a développé une pratique souvent décrite comme singulière, troublante, détachée du monde et quelque peu osée. Son travail est exubérant et noir. Des thèmes nobles (la vie et la mort) sont camouflés à l’intérieur de symboles d’apparence fantaisiste. Zsako rajeunit les motifs populaires traditionnels de l’Europe de l’Est d’une façon qui reflète les angoisses contemporaines.1 1. Clarke, Bill, Négatifs dessinés (photographie) : les négatifs dessinés sont l’occasion pour Zsako “Mythic…and a Little Bit d’explorer l’intersection entre les propriétés inhérentes à la photographie et la ligne dessinée Dirty”, Canadian Art, 17 avril 2008, critique de la main de l’artiste. Il crée ces œuvres en traçant des photos de petite dimension sur un film en ligne, http://www. 35 mm transparent à l’aide d’une plume d’oie et d’encre de Chine. Le négatif ainsi produit, canadianart.ca/online/ identique dans sa forme et sa dimension à un négatif conventionnel, est imprimé à l’aide reviews/2008/04/17/balint- zsako/ d’un agrandisseur et de papier photo couleur. Les sujets sont des scènes de violence exprimées sobrement en noir et blanc : une exécution, Mussolini le dictateur, un hélicoptère de guerre et enfin, un squelette, métaphore de la mort.

Collages : pour cette série, Zsako voulait faire des collages semblables à des reproductions d’œuvres qui auraient été peintes de cette façon il y a 300 ans, mais qui, vues de plus près, révèlent de façon subtile une étrange rupture postmoderne. On y voit des formes de violence historique, romantique et mêmes biblique, dont la mort par flèches et par lapidation.

Dessins : en se servant de plumes et de brosses, d’encre et de couleurs pour aquarelle, Zsako crée des personnages qui illustrent des histoires primordiales. Le sexe, la mort, la technologie, la mythologie, les fonctions corporelles et les histoires primitives sont les thèmes qui animent ces dessins. Les déformations anatomiques constituent des analogies pour des états psychologiques et les appendices mécaniques évoquent le conflit entre l’organique et l’industriel. La fusion de 150 caractéristiques humaines et animales occupe une place importante dans ces œuvres. Qu’elles 151 illustrent des thèmes d’un grotesque noir ou des métaphores anodines, chacune raconte son histoire à l’aide de couleurs vives et de symboles accessibles. Elles ne veulent pas illustrer un concept précis; chaque image offre l’occasion d’observer une histoire d’amour, de mort, d’échec, d’espoir ou de futilité. Dans l’exposition Diabolique, l’aquarelle et encre sur papier de Zsako est peuplée d’un assemblage de personnages masculins inspirés de l’art populaire qui portent des masques et de multiples appendices : armes, drapeaux et pénis. — A.C. & B.Z.

Balint Zsako immigrated to Canada in 1989 and received his BFA from Ryerson University, Toronto. Working with photography, mixed media, painting, drawing and sculpture, Zsako’s works have been exhibited extensively internationally in Europe, South Korea, Hong Kong, Canada and the USA. He has received awards from the Ontario Arts Council and du Maurier Arts Council and was shortlisted for the Untitled Arts Awards. Zsako currently lives 1 Untitled 2007 in New York and is represented by The Proposition, NY. Photo: Courtesy of the Artist www.balintzsako.com in New York. Other internships included Tate Modern, London, National Writers Gallery of Australia and Museum of Contemporary Art, Australia. In 2004 she immigrated to New York City and worked as Assistant Director at Cynthia Biographies Broan Gallery in Manhattan and Program Manager at Aljira, a Center for Contemporary Art in Newark, New Jersey until 2006. Prior to that, previous positions included Curator of the New England Regional Art Museum in Dick Averns Armidale, NSW, Australia (2003-2004) and Director of the Blake Prize for Born in London (England), Dick Averns is a writer and artist whose practice Religious Art one of Australia’s oldest and most established art prizes (2002). investigates the commodification of space. Dick is actively involved in In 2008, Cachia curated Pandora’s Box for the Dunlop Art Gallery, which tours the contemporary art world via critical writing for catalogues, journals, to Plug-In ICA, Winnipeg, MB in 2009, followed by Kitchener-Waterloo Art conferences and magazines, also exhibiting in shows and performative Gallery, ON and Kamloops Art Gallery, BC in 2010. Other curatorial projects events at public galleries, museums and artist run centres, both nationally for the Dunlop Art Gallery include Daniel Barrow: Learning to Love the Normal and internationally. In 2008, the Department of National Defence selected Amount (2009), Joan Scaglione: Excavation (2009), Garden Folk (2008) and Dick for the 2008-2009 Canadian Forces Artists Program, for which he Abnormal Growth (2007). has undertaken a new project engaging the War on Terror. Upcoming and recently published articles include The Vanguard War Art of William Randal Rogers MacDonnell (Canadian Art), Art in the Face of The Project for the New American Randal Rogers is Associate Professor in the Faculty of Fine Arts at the Century: A Postmodern Rake’s Progress, in Crossing Cultures: Conflict, Migration, University of Regina, where he teaches Interdisciplinary Studies and Art Convergence (University of Melbourne Press – Miegunyah imprint), and History in the Department of Visual Arts. He holds a PhD (2004) and MA

152 Windy City: Reconciling The Weathermen and Barack Obama (On Site Review). (1999) in Art History from Concordia University in Montreal and a BA 153 Recent group exhibitions include Art & Activism (YYZ) and Revolver (Gallery (1992) in Art History from University of British Columbia in Vancouver. OneOneOne), while solo shows include Ambivalence Blvd (Art Gallery Randal’s research is on universal exhibitions, with his MA and PhD focusing of Calgary and Vernon Public Art Gallery) and War Art Now (Military on Canada’s self-representation at Expo 1967 in Montreal and Expo 2005 Museums). As an instructor at the Alberta College of Art and Design, in Hanover, Germany. With Dr. Christine Ramsay from the University of Dick teaches studio and Liberal Studies subjects, including Sculpture, Regina, Randal is editing a volume titled Mind the Gap: Saskatchewan’s Cultural Performance and Installation, Drawing and First Year Studies. He studied Spaces (forthcoming 2010), which investigates the historical and theoretical at the Parsons School of Art and Design in Manhattan before returning construction of Saskatchewan as a gap, non-space, or blank. Additionally, he to London and studying at the City Literary Institute. Formal art training has recently embarked upon a project on the cultural histories of blood. The continued full-time at the Wimbledon School of Art and subsequently at first element is entitled Seeing Red: Blood, Bodies and Affect in Visual Culture, Cheltenham. A Master of Fine Art (Studio) was received from the University which looks at the representation of blood in contemporary television of British Columbia in 2003. For more details visit www.averns.com or and film. Randal teaches a wide variety of undergraduate courses in Art www.ccca.ca. History, Visual Culture and Media Studies including: Introduction to Media; Cultures of Display; Global Migrations; Mapping Illness; Queer: Theories Amanda Cachia and Cultures. Recent publications include: “If It Were…” with JG Hampton, Amanda Cachia has been Director/Curator of the Dunlop Art Gallery since catalogue essay for the JG Hampton exhibition titled The Circle and the Abyss, November 2008. Previously she was Dunlop Art Gallery Curator (June Neutral Ground Artist Run Centre, Regina, June 2009; “Archeologies of the 2007-October 2008) and Assistant Curator (January-May 2007). Cachia Past, Present and Future: Claybank as Palimpsest” in, Sighting. Citing. Siting. was born in Wollongong, NSW, Australia. She received her BA/BCA from Kathleen Irwin and Andrew Houston, eds. Regina: CPRC Press, 2009: 81- the University of Wollongong (1999), and an MA in Curatorial Studies from 89; “Colonial Imitation and Racial Insubordination: Photography from the Goldsmiths College, University of London (2001). This was followed by Louisiana Purchase Exposition, St. Louis, 1904” History of Photography 32, 4 internships at the Museum of Modern Art and the Dia Centre for the Arts (2008): 354-74. Sunera Thobani List of Works Sunera Thobani’s degrees are from Middlesex University (BA in Social Sciences), University of Colorado (MA in Social Sciences and Certificate in Women’s Studies) and (PhD in Sociology). Prior All measurements are in centimetres. Height precedes width precedes depth. to coming to UBC she was the Ruth Wynn Woodward Endowed Professor in Women’s Studies at Simon Fraser University (1996-2000). Dr. Thobani 1. Bogdan Achimescu 8. Mario Doucette was the Lansdowne Scholar in Residence at the School of Social Work, *stan 1991-2009 Monckton 2008 University of Victoria (1997). Since her appointment at UBC, Dr. Thobani mixed media pastel, ink, pencil and acrylic on wood has been committed to using an interdisciplinary approach in her teaching various dimensions 66.0 x 122.0 Collection of the Artist Courtesy of Andrew and Lyndal Walker, and research, and to maintaining her involvement in community and social Toronto justice activities. She teaches WMST 100 “An Introduction to Women’s 2. Matilda Aslizadeh Studies” and WMST 480 “Women as Agents of Change - A Practicum in Hero of our Time 2008 9. David Garneau DVD (19 minutes) Evidence 2006 Women’s Studies”. Dr. Thobani’s academic publications include articles Collection of the Artist acrylic on canvas in journals such as Canadian Woman Studies, Atlantis: A Women’s Studies 120.0 x 150.0 Collection of the Artist Journal, Journal of Canadian Women and the Law, Refuge and Race & Class. Her 3. Rebecca Belmore Making Always War 2008 research focuses on globalization, citizenship, migration and race and gender Video installation (DVD, 48 minutes: 45 10. William Kentridge relations. Her current research projects include a Hampton Research Grant seconds) & sculpture What will come 2007 various dimensions Anamorphic projection: 35 mm film project, ‘Gender, Globalization and International Conflict: Representation Collection of the Artist transferred to DVD; 8 min., 40 sec: cold rolled of Women in the Print Media’ and a SSHRC funded project, Television steel table 154 Courtesy of Marian Goodman Gallery, New 155 Representations of Women and the War on Terrorism. Dr. Thobani is also 4. Jake & Dinos Chapman York past president of the National Action Committee on the Status of Women War 2004 painted bronze (NAC), Canada’s then largest feminist organization. The first woman of 14.5 x 19.0 x 22.5 11. Fawad Khan colour to serve in this position, Dr. Thobani’s tenure was committed to Co urtesy of White Cube, London Datsun Sunny Dissonance 2009 acrylic on wall making the politics of anti-racism central to the women’s movement. In her various dimensions 5. Dana Claxton Courtesy of the Artist and 33 Bond Gallery community work she has written and spoken on many issues, including the Gunplay (Part Two) 2007 impact of globalization on women’s citizenship; Canadian immigration and DVD 1:30 Collection of the Artist 12. Wanda Koop social policy; new reproductive technologies; violence against women; and Untitled (from the Green Zone series) (02110) 2006 women and APEC. She has been invited to help organize and give addresses 6. Douglas Coupland acrylic on canvas The Gorgon 2003 at numerous international conferences, including the NGO Forum at the 61.0 x 91.4 aluminum and fibreglass Collection of Kate Davis and John Noestheden United Nations Fourth World Conference on Women in Beijing, China 255.0 x 262.5 x 162.5 (1996), the First International Women’s Conference on APEC in Manila, Collection of the Artist Philippines (1996), and the National Association of Black, Asian and Ethnic 13. Wanda Koop Untitled (from the Green Zone series) (02111) 7. Jeremy Deller Minority Councillors in Manchester, Britain(1998). She is also a founding 2005 It Is What It Is: Conversations About Iraq 2009 acrylic on canvas member of the cross-Canada Researchers and Academics of Colour for Panel of experts discussing Iraq (and 40.6 x 50.8 Afghanistan) with gallery visitors. Originally Equity (RACE) network. Collection of the Artist presented by the New Museum and Creative Time as part of the Three M Project, a series organized by the New Museum, New York; the 14. Wanda Koop Museum of Contemporary Art, Chicago; and Untitled (from the Green Zone series) (02112) the Hammer Museum, Los Angeles, to com- 2004 mission, organize, and co-present new works acrylic on canvas of art. Courtesy of the Artist 40.6 x 50.8 Collection of the Artist 15. Wanda Koop 23. Michael Patterson-Carver 31. Althea Thauberger 39. Balint Zsako Untitled (from the Green Zone series) (02113) Follow the Money 2008 Untitled (Ma’Sum Ghar 2) 2009 Untitled 2007 2005 colour pencil on paper colour photograph watercolor and ink on paper acrylic on canvas 37.5 x 50.0 28.3 x 35.5 45.0 x 60.0 27.9 x 35.6 Collection of Stephane Janssen Collection of the Artist Collection of the Artist Collection of the Artist 24. Dan Perjovschi 32. Althea Thauberger 40. Balint Zsako 16. Wanda Koop The Public Drawing 2009 Untitled (Ma’Sum Ghar 3) 2009 Untitled 2006 Untitled (from the Green Zone series) (02114) black marker pen on east and north glass pan- colour photograph photograph 2003 els, exterior of Regina Public Library building 28.3 x 35.5 60.0 x 45.0 acrylic on canvas Various dimensions Collection of the Artist Collection of the Artist 30.5 x 35.6 Courtesy of the artist and Lombard Fried Collection of the Artist Projects, New York 33. Jason Thiry 41. Balint Zsako Untitled Camouflage (Wal-mart wallpaper, Untitled 2006 17. Wanda Koop 25. Raymond Pettibon flocked wallpaper, Swank magazines, Pretty photograph Untitled (from the Green Zone series) Untitled (Iran, Iraq) 2007 Pink acrylic paint) 2009 60.0 x 45.0 (00456) 2006 pen, ink, gouache and acrylic on paper mixed media collage Collection of the Artist acrylic on canvas 66.7 x 101.6 92.0 x 91.5 61.0 x 91.4 Courtesy of Regen Projects, Los Angeles Collection of the Artist 42. Balint Zsako Collection of the Artist Untitled 2006 26. Raymond Pettibon 34. Scott Waters photograph 18. Wanda Koop Untitled (Don’t run this) 2006 Husky vs. Harrier 2008 60.0 x 45.0 Untitled (Night Vision from the Green Zone pen, ink, gouache, acrylic and collage on paper acrylic on book cover Collection of the Artist series) 2007 52.1 x 76.2 16.85 x 10.0 x 2.5 acrylic on canvas Courtesy of Regen Projects, Los Angeles Collection of the Artist 43. Balint Zsako 156 120.0 x 150.0 157 Untitled 2006 Collection of the Artist 27. Nancy Spero 35. Scott Waters photograph Pilot/Gunship 1968 Insertion Play 2009 60.0 x 45.0 19. Emanuel Licha gouache and ink on paper acrylic on book cover Collection of the Artist War Tourist 2004 -2008 62.9 x 100.3 16.85 x 10.0 x 2.5 Composed of five episodes: War Tourist in Courtesy of Galerie Lelong, New York, Collection of the Artist 44. Balint Zsako Sarajevo; War Tourist in the Suburbs of Paris; GL6302 Untitled 2008 War Tourist in New Orleans; War Tourist in 36. Scott Waters collage Chernobyl; War Tourist in Auschwitz. 28. Nancy Spero Badlands 2009 12.75 x 10.5 DVD Helicopter, Eagle, (Magnet), Victim 1968 acrylic on book cover Collection of the artist Collection of the Artist Gouache and ink on paper 16.85 x 10.0 x 2.5 70.0 x 107.3 Collection of the Artist 45. Balint Zsako 20. Shirin Neshat Courtesy of Galerie Lelong, New York, Untitled 2008 Munis 2008 GL6995 37. Scott Waters collage High-definition video/DVD Vanquished by Nighthawk 2008 12.75 x 17.5 (approx. 20 minutes) 29. Nancy Spero acrylic on book cover Collection of the artist Courtesy of Gladstone Gallery, New York Cross on bomb 1968 16.85 x 10.0 x 2.5 gouache and ink on paper Collection of the Artist 21. Michael Patterson-Carver 91.4 x 61.0 George the Terrible 2008 Courtesy of Galerie Lelong, New York, 38. Scott Waters colour pencil on paper GL6303 Family Portrait 2008 (8 works) 37.5 x 50.0 acrylic and oil on canvas Collection of Gail Garlick 30. Althea Thauberger 30.0 x 22.5 Untitled (Ma’Sum Ghar 1) 2009 Collection of the Artist 22. Michael Patterson-Carver colour photograph Unitary Executive 2008 49.5 x 62.5 colour pencil on paper Collection of the Artist 37.5 x 50.0 Collection of Gail Garlick This publication originates from an exhibition organized by the Dunlop Art Gallery, a © 2009, Dunlop Art Gallery, Dick Averns, Amanda Cachia, Louise Déry, Tom Doucette, department of Regina Public Library. The Dunlop Art Gallery gratefully acknowledges the Randal Rogers, Sunera Thobani, and all artists. financial assistance of the Regina Public Library, the Saskatchewan Arts Board, and The Canada Council for the Arts. This catalogue has been developed in partnership with Galerie de l’UQAM Dunlop Art Gallery and The Military Museums. Regina Public Library 2311 – 12th Avenue The Saskatchewan Publishers Group has supported the catalogue through the Cultural P.O. Box 2311 Industries Development Fund. The Consulate General of the Republic of Poland in Toronto Regina, Saskatchewan supported Bogdan Achimescu’s travel. Canada, S4P 3Z5

Thanks to the Saskatchewan Council for International Cooperation for sponsoring the fees for TEL (306) 777-6040 the panel of experts in Jeremy Deller’s work, It Is What It Is: Conversations About Iraq, through the FAX (306) 949-7264 [email protected] Public Engagement Fund www.dunlopartgallery.org Thanks and acknowledgements are extended to the Marion Fund at the Alberta College of Art + Design, for supporting Dick Averns’ research towards the essay In Deference to a New Diabolique.

Publication Co-Publishers: Galerie de l’UQAM & The Military Museums Editing: Marie Lovrod Translating: Francoise Stoppa, Institut Francais, University of Regina Photography: Trevor Hopkin, Department of Photography, University of Regina, except as noted 159 Design: Circle & Square, Brooklyn, NY Printing: WestCan Printers PG, Winnipeg, MB Cover Image: Dan Perjovschi, Progress, 2008, black marker drawing Page 2: Installation view, Diabolique Part I, Dunlop Art Gallery, July 17–August 30, 2009, photo: Trevor Hopkin Endpapers and back cover: Dan Perjovschi, The Public Drawing, 2009, site-specific installation on glass panel exterior of Regina Public Library

Library and Archives Canada Cataloguing in Publication

Diabolique / essays by Dick Averns ... [et al.] ; forewords by Louise Déry and Tom Doucette; translated by Françoise Stoppa.

Curated by Amanda Cachia. Includes some text in French. Catalogue of an exhibition held at the Dunlop Art Gallery, July 18-Oct.. 18, 2009, Galerie d’UQAM in 2010 and the Military Museums, Calgary, in 2011. ISBN 978-1-894882-34-7

1. Dunlop Art Gallery--Exhibitions. 2. Galerie de l’UQAM--Exhibitions. 3. Military Museums (Calgary, Alta.)--Exhibitions. 4. Art, Modern--21st century--Exhibitions. I. Averns, Dick, 1964- II. Cachia, Amanda, 1978- III. Dunlop Art Gallery IV. Galerie de l’UQAM V. Military Museums (Calgary, Alta.)

N6496.3.C3R44 2009a 709’.05 C2009-904088-3