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Los teclistas del rock

Indice

1.- ………………………………………………………… 2 - 4

2.- ………………………………………………………… 5 - 8

3.- …………………………………………………………………. 9 - 12

4.- Peter Bardens ………………………………………………………… 13 - 15

5.- ……………………………………………………………. 16 - 20

6.- Richard Wright ………………………………………………………. 21 - 24

7.- Dave …………………………………………………… 25 - 31

8.- ……………………………………………………….. 32 - 35

9.- Ray Manzarek ………………………………………………………. 36 - 39

10.- …………………………………………………………… 40 - 44

11.- ……………………………………………………. 45 - 49

12.- …………………………………………………….. 50 - 53

13.- ……………………………………………………… 54 - 58

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Rick Wakeman

Cuando Ángel me propuso colaborar con este excelente blog no tenía muy claro sobre que podía basarse mi participación en ZRS. Estuve meditando durante un tiempo hasta que la iluminación llego a mi mente y recordé cuales fueron mis orígenes en la música. Hace ya mucho tiempo, cuando era un adolescente, entre en el mundo del rock de la mano de lo que en aquella época se llamaba “rock sinfónico”. Mi fascinación por este género era total y el instrumento que me imaginaba tocando eran los teclados, con el tiempo comprendí que no tenía capacidad para asumir semejante tarea. Hablar de sintetizadores, órganos, mellotrones, etc, para mí sería un placer pero entiendo que para la mayoría de los mortales podría suponer un gran dolor de cabeza. Por todo ello creo que mi colaboración puede versar sobre los teclistas del rock.

RICK WAKEMAN

No pretendo contar exhaustivamente la obra y milagros de este genio, eso sería muy largo y tedioso, simplemente daré unas pinceladas sobre su trayectoria basándome en mi experiencia.

Rick Wakeman nació en 1,949 en Perivale, Londres, y como era de esperar estudio diversos instrumentos entre ellos el piano, pero el bueno de Rick era un inconformista y no se regía por los cánones clásicos por lo cual fue expulsado del Royal College Music. Durante algunos años trabajó como músico de sesión colaborando con gente como , Cat Stevens o Al 3

Stewart hasta que entró a formar parte de “”. Con ellos permaneció dos años ( del 70 al 71) y grabó dos discos, “Just a colletion of antiques and curios” y “From the whitchwood”. La gran oportunidad llegó cuando Tony Kaye abandonó “Yes” en 1.971 y fue llamado para sustituirlo. Este hecho le abrió las puestas al estrellato. En esta primera fase en el grupo realizó cuatro grabaciones, “Fragile” (1.971), “Closet o the Edge” (1.972), “Tales from Topographic Ocean” (1.973) y “Yesssongs” (1.973). Paralelamente a su estancia en Yes en 1.973 comenzó su carrera en solitario con la publicación de “Las seis esposas de Enrique VIII” y ese mismo año abandonaría a los “Yes”. En el 74 editaría su mayor éxito, “Journey to the Centre of the Earth” y en el 75 “The Myths and Legends of the King Arthur and the Knights of the Round Table” donde la calidad de su música empezaba a flaquear y su grandilocuencia se estrellaba con ruinosas giras. Ese mismo año compuso la banda sonora de “Lisztomania” una película esperpéntica realizada por Ken Russel sobre la vida de Franz Liszt. Como he dicho al principio quería contar la historia de Rick bajo mi experiencia, pues bien, para mí la calidad de los trabajos de Rick decayó mucho a partir de ese momento, el disco del 76 “No Earthly Connection” era infumable y a pesar de la calidad de “White Rock”, Rick ya no estaba tan inspirado. A partir de ese momento la historia de Rick se desvaneció en mi memoria, es cierto que ha grabado numerosísimos discos de todo tipo y con diferente suerte, desde New Age, pasando por rock cristiano y hasta querer rememorar viejas glorias grabando una segunda versión del “Journey to the Centre of the Earht” con ilustres invitados (Trevor Rabin, , , etc) e incluso se ha vuelto a reunir en varias ocasiones con sus amigos de Yes, en una de las cuales tuve la oportunidad de verlo actuar en Zaragoza. Ya sé que este resumen es una barbaridad para los seguidores de Rick pero vuelvo a repetir que me baso en mi experiencia personal que por supuesto puede que no sea la más valida.

Para finalizar esta primera colaboración quería comentar la obra de Rick que marcó mi adolescencia durante algún tiempo. Sin lugar a dudas su obra maestra fue “Journey To the Centre of the Earht”, basada en la obra de Julio Verne fue grabada en directo en 1.974 en el Royal Festival Hall de Londres con la colaboración de la Sinfónica de Londres y el coro English Chamber. El disco fue un gran éxito y a lo largo de la historia ha vendido más de 14 millones de copias lo que lo hace ser uno de los discos más vendidos de rock sinfónico. La grabación está dividida en cuatro partes unidas por un narrador que va contando la historia del viaje. La primera parte, “The Journey”, es una obertura épica que culmina con el sonido de sintetizador (mini moog) tan tipo de Rick. La obra continua con “Recollection” que dibuja oníricos paisajes y 4 nos hace volar la imaginación. La cara B la abre “The Battle”, comienzo orquestal rememorando el leit motiv de la obra para pasar rápidamente a un gran alarde instrumental de Wakeman. La obra termina de forma apoteósica con “The Forest” al más puro estilo sinfónico.

Video completo de “Journey to the centre of the Earth” http://youtu.be/P0u7luCFMlg

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Keith Emerson

Hola amigos nuevamente estoy en este foro para contaros una nueva historia sobres los teclistas más influyente en el rock. Para esta segunda entrega he elegido a uno de mis músicos preferidos en este género. Durante la década de los 70 compitió duramente en las listas de mejor teclista con nuestro anterior invitado, Rick Wakeman. Sus respectivos grupos también se disputaban la fama realizando espectaculares y mastodónticas giras. Mi primer contacto con su música fue a través de su segundo disco con E, L & P, “Tarkus”, posteriormente descubrí a “The Nice” y reconozco que me dejo KO.

Antes de seguir tengo que advertir que no voy a relatar de forma pormenorizada la vida y milagros de Keith, podría escribir varios libros con el tema, solo voy a dar unas pocas pinceladas de su carrera y sobre todo voy a intentar transmitir mis impresiones sobre su música.

Keith Emerson nació en Todmorde, Inglaterra, en 1.944. Muy pronto empezó a destacar por su habilidad para tocar el piano y a sus catorce años empezó a dar sus primeros conciertos. Sus primeros grupos los formó en Londres y con los “Gary Farr and the T-Bones” realizó algunas giras por Alemania, Francia y Reino Unido. Cumplidos veinte años forma “The Nice” junto a Lee Jackson (Bajo, voz), Brian Davison (batería) y a David O´List (guitarra), como respaldo para el cantante americano, P.P. Arnold. No paso mucho tiempo hasta que “The Nice” se independizó y comenzó su carrera como grupo independiente. El grupo realizó giras con los grandes artistas de la época tales como , , The Move, etc. Sus 6 conciertos se caracterizaban por la espectacularidad y genialidad de Keith en el escenario, incluso se le llamo el “Hendrix de los teclados” ya que era capaz de tocar al revés su maltrecho órgano Hammond o incluso lo golpeaba para sacar nuevos sonidos. La música de “The Nice”, como no podía ser de otra manera, estaba muy influenciada por la música clásica y el , de hecho realizaron multitud de adaptaciones de temas clásicos, “Concierto de Brandenburgo Nº3”, “Suite Karelia”, “America” y por encima de ellas el tema que los identificó de por vida, la adaptación del tema “Blue Rondo a la Turk”, que ellos llamaron simplemente “ Rondo”. Keith estuvo en el grupo del 67 al 70 y grabó cinco discos, “The Throughts of Emerlist Davjack”, “Ars Longa Vita Brevis”, “Nice”, “Five Bridges” y “Elegy”.

En 1.970 Keith decidió formar un nuevo grupo con la colaboración de Greg Lake, ellos se conocían ya que habían coincidido en varias actuaciones con sus respectivos grupos. Para el puesto de batería pensaron en Micht Michell, el batería de la Jimi Hendrix Experience, pero por diversos motivos no acepto la oferta. El segundo candidato fue un jovencísimo Carl Palmer que por aquella época estaba en “Atomic Rooster”, por supuesto Carl no dudó en aceptar la oferta. La leyenda cuenta que le ofrecieron a Hendrix un puesto en el grupo pero la muerte de este trunco toda posibilidad de formar semejante súper grupo. En agosto de 1.970 participaron en el Festival de la isla de Wight cosechando un notable éxito y dejando 7 boquiabiertos a todo el personal. Su primer disco, “Emerson, Lake & Palmer”, llegó en noviembre de ese mismo año y alcanzó las primeras posiciones de las listas inglesas y americanas. En esta primera grabación Keith seguía transformando la música clásica a parámetros más rockeros. Su segundo disco llegó en el 71 con la obra conceptual “Tarkus” cosechando nuevamente un notable éxito. En este disco explotaba todo su saber con los sintetizadores, de hecho hacía años había colaborado con Robert Moog para el desarrollo de dichos instrumentos. En Marzo de 1.971 graban una presentación en vivo donde interpretaban una curiosa y magnífica versión de la obra “Cuadros de una exposición” de Musorgky y como no podía ser de otro modo volvieron a triunfar. Con el paso del tiempo los tres miembros del grupo alcanzaron una gran maestría fruto de la cual en el 72 editan uno de su mejores trabajos “Trilogy” donde el tema estrella era “Hoedown”, una adaptación de “Rodeo” de Aaron Copland. Giras multitudinarias por todo el mundo en el apogeo del rock sinfónico compitiendo con los grandes del género, Yes, Genesis, entre otros, hasta llegar a su obra cumbre en 1.973, “Brain Salad Surgery”, lo cierto es que se me pone la piel de gallina recordando “Kam Evil Nº9”, una pieza de 30 minutos llena de virtuosismo y belleza musical. Nuevamente más conciertos que fueron plasmados en un triple disco, “Welcome Back My Friends to the Show That Never Ends”en 1.974 y la culminación llego son su participación en el California Jam de ese mismo año.

Pero amigos las relaciones humanas son muy complicadas y los tres miembros del grupo se tomaron tres años de descanso para recapacitar sobre su futuro. En 1.977 vuelven con “Works Vol.1”, un doble disco que evidenciaba que las diferencias entre los miembros del grupo seguían vigentes. El disco estaba estructurado de manera que cada miembro era el encargado de una cara del disco confluyendo todos en la cuarta cara del doble disco. La continuación de esta grabación, “Works Vol.2” no solucionó los problemas de ventas que el grupo estaba teniendo, todo esto unido a que el rock sinfónico se estaba desmoronando ocasionó que “Love Beach” , su último disco editado en 1.978, fuera un mero trámite para su disolución. En la década de los ochenta Emerson y Lake se unieron a Cozy Powel para la grabación de un disco y la realización de varias giras. En los noventa los “E, L &P” volvieron a la carga obteniendo diversos éxitos pero no llegaron a las cotas alcanzadas en los setenta.

Por otra parte en 1.980 empezó a realizar bandas sonoras, “Inferno”, “Nighthawks” entre otras muchas y también comenzó su carrera en solitario editando “Honky”, que curiosamente recuerdo que me decepcionó bastante. A lo largo de todos estos años Keith a seguido editando discos con una calidad variable pero siempre demostrando su virtuosismo. También en algunas de su grabaciones ha colaborado con gente como o Marc Bonilla. Si queréis saber más detalles de su vida y su obra os recomiendo leer su autobiografía, “ Pictures of an Exhibitionist”, os aseguro que no tiene desperdicio. 8

Para terminar quería comentar una de las obras de Keith, en principio estaba decidido por alguna de sus grabaciones con “The Nice” ya que es un periodo de su vida musical que me gusta mucho, pero al final me he decidido por una de sus obras con “E, L & P”, que a pesar de no ser su obra cumbre para mi significo una antes y un después en mi trayectoria musical. El disco en cuestión es “Cuadros de una Exposición”. Como he comentado anteriormente es la adaptación de una obra de Musorgky y se grabó en vivo en New Castle. La grabación comienza con “Promenade” que constituye el leitmotiv, le sigue “The Gnome” donde Carl Palmer demuestra porque era elegido mejor batería año tras año. A continuación volvemos con “Promenade” con la intervención vocal de Lake. El cuarto tema, “The Sage” es una adaptación de un tema de Edvard Grieg. La cara A finaliza con “The Old Castle” y “ Variation”, un tema propio donde Emerson brilla con luz propia. La cara B la abre nuevamente “Promenade” para seguir con un trepidante “ The Hut of Baba Yaga” y otro tema propio , “The Curse of Baba Yaga”. El tema “The Great Gates of Kiev” supone la finalización de la adaptación de la obra. Como postre el grupo nos deleita con “Nutrocker”, una adaptación de “El baile de los soldados de estaño” de “El Cascanueces” de Chaikovski.

http://youtu.be/y7WeP-Aa5EI

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Jon Lord

Vamos por la tercera entrega de esta serie sobre los mejores teclistas del rock, para esta ocasión he elegido a un músico que representó una transición en mi andadura musical. Como ya os he comentado en alguna ocasión mis inicios fueron netamente sinfónicos pero mi afán por buscar y evolucionar me llevó a descubrir el hard rock, por lo tanto pasé de escuchar a Yes, Genesis s o E, L & P, a buscar grupos más cañeros como Led Zeppelin o . Por todo ello Jon Lord representó la transición entre estas dos tendencias musicales.

Jon Lord nació en Leicester, Inglaterra, en 1.944. Su padre era músico e intento inculcar el amor por la música a su hijo por ello a la edad de cinco años ya estaba estudiando piano. En su adolescencia empieza a escuchar a gente como Jimi Smith, Jerry Lee Lewis o Buddy Holly y comienza a definir su sonido con el órgano Hammond. En 1.960 se traslada a Londres para matricularse en una escuela de arte. En esa época empezó a actuar en pequeños bares para ganarse la vida y comenzó a integrarse en sus primeros grupos, Red Bludd´s Bluesicians, The Art Wood Combo, Santa Barbara Machine Head, etc. También participa como músico de sesión llegando a tocar el órgano en el primer disco de “The Kinks”. En 1.967 comenzaría a forjarse la leyenda, ese año conoce a y forman “Roundabout” junto a , Nick Simper y . En 1.968 adoptarían el mítico nombre de “Deep Purple” y ese mismo año llegaría su primer éxito de la mano del single “Hush”. Esta primera época de los Purple se ha denominado “MkI” y comprende la grabación de tres discos, “Shades of Deep Purple” (1.968), “The Book ofTaliesyn” (1.9689 y “Deep Purple” (1.969). El sonido del grupo en esta etapa estaba muy influenciado por la psicodelia y los guiños continuos a la música clásica.

El ego de Blackmore comenzaba a despertar y decide con buen criterio que Evans no era el mejor cantante para el grupo y decide contratar a , procedente de los “Episode Six”, que pone como condición la contratación de su amigo Roger Glober ocasionando la salida de Nick Samper. Esta nueva formación iniciaría la etapa “MkII” y la abrirían con la grabación de un proyecto de Jon Lord, la grabación en vivo del “Concierto para grupo y orquesta” y su publicación en 1.970 les llevaría al estrellato. Esta etapa del grupo fue la mas exitosa con discos como “In Rock” (1.9709, “Fireball” (1.971), “Machine Head” (1.972), “Made In Japan” 10

(1.972) y “Who Do We Think We Are” (1.973), que contenían verdaderos himnos del grupo, “”, “Speed King”, “”, etc. Jon lord consolidaba su sonido con el Hammond y desarrollaba largos solos y carreras llenas de virtuosismo junto a Blackmore. Paralelamente a Purple, Jon Lord comenzó a publicar discos en solitario, el primero fue “” en 1.972. Un año más tarde Gillan dejaría la banda y Glober sería despedido, en su lugar entraría un jovencísimo y Glenn Hughes. La sombra de Blackmore era cada vez más alargada y el papel de Lord aunque todavía importante ya no era como al principio. Este periodo es el “Mk III” y se editarían “Burn” y “Stormbringer” (1.974) y por su parte Jon Lord publicaría “Windows” una obra bastante experimental que coqueteaba con la música clásica.

Los aires renovadores de los nuevos miembros no gustaban a Blackmore lo que ocasionó que en el 75 abandonara la banda, en su lugar entró un prometedor guitarrista, , iniciándose el periodo “Mk IV” en el que solo grabarían un disco, “Come Taste The Band”, y se produciría la separación del grupo en 1.976.

Después de la ruptura del grupo Jon Lord seguiría con sus proyectos en solitario realizando colaboraciones y editando un nuevo disco, “Sarabande” en 1.976 hasta que en 1.978 se uniría al nuevo grupo de Coverdale, “Whitesnake”. Este periodo de Lord duraría hasta el 84 editando seis discos en estudio, “Trouble” (1.978), “Lovehunter” (1.979), “Ready and Willing” (1.980), “Come an´Get It” (1.981), “Saints & Sinners” (1.982) y “Slide It In” (1.984). En alguna ocasión Lord comentó que a pesar de los éxitos no estaba muy contento con este periodo debido a sus limitaciones a nivel compositivo. También durante este periodo editó un nuevo disco, “Before I Forget”, escribió varias bandas sonoras y colaboro en discos de amigos suyos, George Harrison, , Cozy Powell, etc. 11

En 1.984, Lord vuelve con los Purple con la mítica formación del periodo Mk II (Lord, Blackmore, Paice, Glober y Gillan) y editan “Perfect Strangers” con el que logran un gran éxito de ventas realizando giras multitudinarias que culminan en el festival de Knebworth. Tuve la oportunidad de verlos en Julio del 85 en el campo de futbol del San Andrés y la verdad es que fue genial, aun conservo la camiseta conmemorativa. Pasaron tres años para que el grupo grabara un nuevo disco “The House of Blue Light” y en el 88 llegará un doble en directo “Nobody´s Perfect”, pero las relaciones entre Blackmore y Gillan no eran buenas lo que ocasionó la salida del grupo del cantante. En su lugar entró un viejo conocido de Blackmore, , con el que publicaron “Slaves & Masters”, un gran disco según mi opinión. A partir de este momento las cosas se precipitan y los cambios en la formación se suceden. Primero despiden a Turner volviendo a la formación Ian Gillan y editando “The Battle Rages On” (1.993). Después sale del grupo Blackmore que es sustituido brevemente por y posteriormente por , Esta formación se estabilizaría y grabaría dos discos en estudio, “Purpendicular” (1.996) y “Abandon” (1.998), y varios en directo. Realizaron en el 99 una gira conmemorativa del 30 aniversario del “Concierto para grupo y orquesta” la cual tuve el inmenso placer de asistir cuando recalaron en Murcia. Por otra parte en 1.998 Lord edita “”, un magnífico trabajo que fue apoyado por una gira que dejaba entrever su salida de Deep Purple la cual se produjo en 2.002.

Liberado de los Purple en 2.003 graba un disco en directo “Jon Lord with Hoochie Coochie Men”, cargado de buen blues y nuevamente mostrando su virtuosismo con el órgano. Durante este periodo de su vida combinaría su amor por la música clásica, “Beyond the Notes” (2.004), “Durham Concerto” (2.007), “Boom of the Tingling Strings” (2.008), “” (2.010), con sus orígenes blues grabando un nuevo disco con “The Hoochie Coochie Men” (2.007). Lamentablemente en 2.011 le diagnostican cáncer de páncreas y casi un año más tarde se produce su muerte. 12

Para ilustrar el artículo he decidido colocaros un tema de su época gloriosa con Deep Purple donde demuestra sus habilidades con el órgano Hammond y con algún sintetizador (ARP) que estaba empezando a utilizar. El tema es cuestión es “Space Truckin” lo solían tocar para finalizar las actuaciones. http://youtu.be/4CQzhGXNWMg

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Peter Bardens

Hola amigos en esta cuarta entrega de esta serie quiero comentaros algunas cuestiones. La primera es que no penséis en ningún momento que esto es un ranking de teclista, nada más lejos de la realidad, solo pretendo relatar mis vivencias sobre aquellos teclistas que influyeron en mi vida musical. Por otra parte y después de tres episodios he pensado en reducir algo los datos y las fechas, creo que no debo abrumaros y que todos esos temas suelen estar bien tratados en la Wikipedia, por ello voy a intentar basarme en mis vivencias y criterios personales. Dicho lo cual vamos con el teclista de esta semana: Peter Bardens. El descubrir a Camel supuso para mí un soplo de aire fresco entre tanta grandilocuencia y pomposidad de los grandes del rock sinfónico. Su música tenía una sensibilidad y elegancia que rayaba la perfección.

Peter nació en Westminster, Londres, en 1.944. Desde 1.962 hasta su entrada en Camel en 1.971, estuvo en varios grupos: “Hamilton King´s Blues” junto a Ray Davis, “The Cheynes” junto a Mick Fleetwood, “Them” junto a Van Morrison, “Peter B´s Loonies” con , y Peter Green , y “Village”. También le dio tiempo a grabar dos discos en solitario “The Answer” (1.970) y “Write My Name in the Dust” (1,971).

En diciembre de 1.971 Peter entró a formar parte de Camel junto a Andrew Latimer (guitarra), Doug Ferguson (bajo) y Andy Ward (batería). Con esta banda Bardens alcanzaría la fama y la popularidad siendo uno de los periodos de su vida más fructíferos musicalmente. Su estancia en el grupo duró siete años (1.971 – 1.978) y en ese periodo grabó siete discos: “”Camel” (1.973), “Mirage” (1.974), “The Snow Goose” (1.975), “Moonmadness” (1.976), “Rain Dances” (1.977), “Breathless” (1.978) y “A live Record” (1.978).

Después de dejar a Camel volvió a reunirse con su viejo amigo Van Morrison para la grabación del disco “Wavelenght” y sacó el disco “Heart to Heart” en 1.979. Cinco años más tarde forma “Keats” con los que edita un disco. Su carrera en solitario continuaría con “Seen One Earth” 14

(1.986), “Speed of Light” (1.988), “Water Colors” (1.991) y “Further Than You Know” (1.993), todos ellos trabajos carentes de fuerza y que no mostraban ni el potencial ni el verdadero virtuosismo de Bardens. En 1.994 decide dar un giro a su carrera y junto a Andy Ward, Dave Sinclair y varios ex miembros de Caravan, forma el grupo “Mirage” con los que realiza algunas gira tocando temas de Camel y Caravan y plasmándolas en el disco “Mirage: Live” (1.995). Ese mismo año volvió a editar un disco en solitario “Big Sky”, en el que colaboraban Mick Fleetwood y Andy Latimer. Lamentablemente en 2.001 se le detectó un tumor cerebral y como despedida ese mismo verano realizó un concierto junto a John Mayall, John McVie, Mick Fleetwood, Ben Harper, etc. El 22 de enero de 2.002 moría en Malibú.

Como siempre la elección de un disco que represente toda una carrera musical es extremadamente difícil pero como os he comentado en varias ocasiones la música no es igual para todos y depende de las vivencias de cada uno. Por todo ello mis dudas estaban entre “Moonmadness” y “The Snow Goose”, al final me he decidido por el segundo.

El disco es una obra conceptual basada en la obra homónima del escritor Paul Gallico. La 15 novela trata de un jorobado de aspecto grotesco que vive en un faro cuidando todas aquellas aves que necesitan su ayuda. Un buen día una niña, Fritha, decide visitarlo para que cure a un Snow Goose (ganso procedente de Canadá) que había encontrado. El paso del tiempo forja una gran amistad entre ellos hasta que el ganso se recupera y vuelve a volar. La guerra llega a Europa y el jorobado siente que debe participar pero su marcha ya no tiene retorno, es el ganso el que regresa con el espíritu del jorobado. Perdonareis por este resumen tan poco literario pero solo quería que supierais de que iba la obra.

Los compositores fundamentales de la obra fueron Bardens y Latimer, y contaron como productor a David Hitchcock. Las partes orquestales fueron arregladas por David Bedford con la participación de la Orquesta Sinfónica de Londres. Para darle más emotividad a la obra Latimer pensó que sería bueno incluir partes narradas, para ello pidieron la conformidad del autor pero dicha autorización no llego debido a un malentendido, Gallico pensaba que el nombre del grupo tenía relación con la marca de cigarrillos. Por fin el disco se editó en abril de 1.975 obteniendo un notable éxito, la grabación en vivo de la obra se editó años más tarde en el disco “A Live Record”.

Recuerdo que en España se edito en formato de doble disco junto a su segunda obra “Mirage”. La portada correspondía a este último y era una serie barata que incluía los dos discos en una carpeta simple. Mi impresión sobre la obra es que es una verdadera joya, al margen de la descripción tema por tema que podéis leer en Wikipedia, Camel llegó a la cima de su carrera donde se mantuvo durante algún tiempo en posteriores trabajos. Mis recuerdos me llevan a ver a cuatro adolescentes entorno a un arcaico tocadiscos de maleta con los ojos cerrados imaginándonos los paisajes que nos describía la música de Camel. La guinda del pastel la ponía la inclusión de elementos orquestales que le daban gran majestuosidad y servían de arma arrojadiza hacia nuestros padres cuando nos decían que esa música de melenudos era solo ruido.

http://youtu.be/eg75nFifO90

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Tony Banks

Como pasa el tiempo, ya vamos por la quinta entrega de esta serie y para esta ocasión quería mostraros la vida y milagros de un músico que pienso que está infravalorado debido a que siempre ha estado en la sombra. Recuerdo el primer “cassette”(los más jóvenes se preguntaran ¿qué es eso?) que me compré de Genesis fue “Trespass”, estuve todo un mes escuchándolo repetidas veces hasta llegar a sabérmelo de memoria. Los paisajes que dibujaba Tony Banks con sus teclados eran de una gran belleza y mi tierna imaginación no paraba de volar. Sin lugar a dudas Genesis fue uno de mis grupos favoritos en aquellos primeros años.

Anthony Banks nació en East Hoathly, Sussex, Inglaterra en 1.950. Recibió clases de piano y guitarra y asistió a la escuela de Charterhouse. Este hecho fue fundamental para su futuro ya que en dicha escuela conoció a Peter Gabriel con quién formó su primer grupo, “Graden Wall”, junto al batería Chris Stewart. La banda actúa de forma local hasta que se fusionan con dos miembros del grupo “The Anon”, Anthony Phillips y Mike Rutherford, pasando a denominarse “The New Anon”. En 1.966 el tipo de música que realizaban era muy innovadora por ello llaman la atención de un productor de la compañía Decca con la que firman un contrato discográfico. Su primer disco, “From Genesis To Revelation” lo graban en 1.969, durante la grabación el batería Chris se marcha y es sustituido por John Silver que acabado el disco también abandonaría siendo sustituido por John Mayhew. El LP pasa totalmente desapercibido por ello para su segundo trabajo, “Trespass” (1.970), buscan a otro productor, Tony Stratton. Este segundo trabajo contenía seis temas destacando por encima de todos “The Knife” por sus continuos cambios de ritmo. Lamentablemente Anthony Phillips deja el grupo (os recomiendo su carrera en solitario) y John Mayhew decide hacer lo mismo. Para sustituirlos entran en el grupo Phil Collins (batería) y Steve Hackett, este último refinaría el sonido del grupo con su 17 peculiar forma de tocar la guitarra, utilización de multitud de efectos que incluso le impedían tocar de pie. Con esta formación graban “Nursery Crime” en 1.971 El peso de la composición musical recaía sobre Banks y Rutherford encargándose de las letras Peter Gabriel. Durante esta fase grabaron tres discos en estudio, “Foxtrot” (1.972), “Selling England by the Pound” (1.973) y “The Lamd Lies Down on Broadway” (1.974), y un disco en directo “Genesis Live” (1.973). Durante periodo los encumbro como uno de los mejores grupos de rock sinfónico realizando giras mundiales y asombrando a todo el mundo con sus presentaciones en vivo. Para algunos, entre ellos yo, esta época fue la mejor de la banda con gran nivel compositivo y alejado de la comercialidad.

En 1.975 Peter Gabriel decide dejar el grupo y Phil Collins asume el mando, con una formación de cuatro miembros grabaron dos discos “A Trick of the Tail” (1.976) y “Wind & Wuthering” (1.976). En este último disco hay un gran tema compuesto por Banks, “Afterglow”, que se convertiría en un verdadero Himno de Genesis. Para las actuaciones en vivo contrataron primeramente a y posteriormente a Chester Thompson. El disco “Seconds Out” (1.976), nos muestra a los Genesis de este periodo. Al finalizar la gira Steve Hackett. 18

Ya como trío el grupo edita “And Then There Where Three” en 1.978 y dos años más tarde llegaría “Duke”, donde el peso compositivo ya recaía sobre Phill Collins. Por su parte Banks, en 1.979, edita su primer disco en solitario, “A Curious Feeling”, donde el piano y las capas de sintetizadores de cuerdas tienen gran relevancia. La década de los ochenta fue la más exitosa comercialmente de Genesis llegando a editar tres discos, “Abacab” (1.981), “Genesis” (1.983) y “Invisible Touch” (1.986). Banks también realizó algunas bandas sonoras, “The Wicked Lady”, “Quicksilver”, y editó su segundo disco en solitario, “The Fugitive” (1.983), en que se decidía a cantar y con el que consiguió cierto éxito. Tardaría ocho años en llegar su tercer disco “Still” donde aparecía “Fish” (ex cantante de Marillion) en dos temas.

En 1.991 Genesis llega a la cima de su éxito publicando “We Can´t Dance” y alcanzando el número uno en Inglaterra. Las giras multitudinarias que se vieron reflejadas en dos discos en directo, “The Way We Walk Volume one and Two” (1.992 – 1.993) y un incremento en la popularidad de Phil Collins debido a sus trabajos en solitario y su participación en bandas sonoras, ocasionó la salida de Collins del grupo en 1.996. A pesar de todo Rutherford y Banks se lían la manta a la cabeza y junto al cantante Ray Wilson editan “Calling All Stations”, el disco a pesar de tener cierto éxito pasó sin pena ni gloria lo que precipitó un parón muy importante en la carrera de Genesis.

Con el grupo desintegrado Banks tiene tiempo para desarrollar una idea que hace tiempo que le rondaba, la grabación de un disco de música clásica compuesta por él y junto a una gran orquesta. El disco salió en 2.004 bajo el título de “ Seven: A Suite for Orchestra”. Banks toca el piano junto a la Orquesta Filarmónica de Londres desarrollando unos paisajes sonoros de extremada belleza, siento gran debilidad por la música clásica lo reconozco. Tony volvería a repetir la experiencia en 2.012 editando “Six Pieces for Orchestra” esta vez acompañado por la Orquesta Filarmónica de Praga. 19

En 2.007 Phill volvería a reunir a Banks y Rutherford para la realización de la gira “Turn It On Again” fruto de la cual se editó “Live Over Europe”.

Para finalizar el artículo voy a comentar uno de los discos en los que participó Banks en la época más gloriosa de Genesis, me refiero a “Foxtrot”, cuarto disco del grupo y segundo de la formación clásica (Gabriel, Collins, Rutherford, Banks y Hackett. La obra comienza con “Watcher of the Skies”, tocando Banks una gran entrada con uno de sus instrumentos favoritos, el mellotrón. En el segundo tema, “Time Table”, es una tierna balada donde Bakns se luce con el piano. La música se vuelve más compleja en el tercer tema, “Get Em Out by Friday2, con continuos cambios de ritmo y con un Peter Gabriel muy teatral en su interpretación. Bank combina sabiamente el órgano con el sintetizador. La sensibilidad y la delicadeza vuelven en el siguiente tema, “Can- Utility and the Coastliners”, con una parte instrumental con el mellotrón y las de guitarras de Hackett para acabar con el lucimiento de Banks con el órgano. El siguiente tema es una joya instrumental de Hackett tocando la guitarra, reconozco que siempre que puedo intento emularlo con mi guitarra. Por fin llegamos al plato fuerte del disco, “Supper´s Ready”, una suite de 23 minutos dividida en siete secciones. La obra nos transporta a mundos ocultistas imaginados por Gabriel y musicalizados 20 fundamentalmente por Banks apoyado por el resto del grupo. Este tema es la cumbre de Genesis donde Banks saca a relucir toda su artillería, piano Hohner, mellotrón, Hammond, etc.

http://youtu.be/KLQORWmqpuo

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Richard Wright

Hola amigos, hoy mi artículo va a tratar sobre un músico que fue miembro de un grupo que consiguió revolucionar el mundo de la música progresiva durante la década de los 70. Mi primer contacto con Pink Floyd fue a través dl disco “The Dark Side of the Moon” y posteriormente “Wish You Were Here” fue el que acabo por noquearme. En aquel tiempo estaba fascinado por los secuenciadores, sintetizadores y demás artilugios. La labor de Richard Wright siempre estuvo en la sombra pero no cabe duda que sobre todo en los inicios del grupo fue un pilar importante.

Richard Wright nació en Londres en 1.943, con tan solo doce años ya sabía tocar la guitarra, la trompeta y el piano. En 1.962 se matricula en la Politécnica Regent Street donde conoce a Roger Waters y Nick Mason junto con los cuales formó el grupo Sigma 6. Dicho grupo cambio de nombre en multiples ocasiones, Megadeath, Abdabs, etc, hasta que algunos de sus miembros decidieron formar una nueva banda “Tea Set”. Curiosamente en estos primeros grupos Wright tocaba la guitarra. Tras algunos cambios en la formación de la banda llega al grupo un excéntrico joven llamado Syd Barret covirtiendose en el motor de la banda. En un concierto se dan cuenta que hay un grupo con su mismo nombre y deciden cambiar su denominación por la de “The Pink Floyd Sound”, posteriormente desaparecería la palabra Sound. Muy pronto se hicieron populares en la escena musical londinense y la publicación de sus primeros singles, “Arnold Lane” y “See Emily Play”, acrecentaron su fama.

El primer LP del grupo llegaría en agosto de 1.967 bajo el título de “The Piper at the Gates of Dawn”, un trabajo lleno de psicodelia que empezaba a mostrar las paranoias de Barret y donde Wright comenzaba a realizar sus pinitos con un viejo . La grabación fue un éxito rotundo en Inglaterra permitiéndoles realizar múltiples conciertos incluso una gira con Jimi Hendrix. La entrada de dinero en el grupo permitió la adicción al Lsd de Barret , esto unido a su 22 inestabilidad mental ocasionó que su participación en el grupo fuese errática y la banda optase por sustituirlo por David Gilmour.

El siguiente disco “A Saucerful of Secrets” (1.968), todavía con la participación de Barret, nos mostraba una serie de temas en su mayoría descartados de su anterior publicación. La participación compositiva de Wright era notable, “Remenbar Day”, “See-Saw”, y “A Saucerful of Secrets”, incluso era la voz principal en algunos temas. Las sonoridades del disco todavía eran muy psicodélicas pero ya se veía cierta experimentación que sería desarrollada en el siguiente disco “Ummagumma” (1.969). El LP era doble conteniendo en el primer disco dos actuaciones en directo del grupo. El segundo disco estaba repartido en cuatro partes, una para cada miembro del grupo, la parte correspondiente a Wright, “Sysyphus”, estaba dominada por la experimentación. Ese mismo año realizan la banda sonora de la película “More” donde combinan la experimentación con ambientes mas folclóricos.

En 1.970 el grupo da un paso más grabando “Atom Heart Mother” cuya primera cara la ocupa un largo tema grabado conjuntamente con una orquesta. En la segunda cara encontramos cuatro temas, uno de ellos compuesto enteramente por Wring, “Summer 68”, tema que comienza con susurrantes notas al piano y que poco a poco va evolucionado hasta llegar a un final orquestal. Una año más tarde editan “Medle” cuyo tema estrella “Echoes” ocupaba toda la segunda cara del disco y donde la participación de Wright era más que notable. En el 72 realizan la banda sonora de la película “El valle” y la editan bajo el nombre de “Obscured by Clouds”.

Después de siete discos el grupo estaba preparado para afrontar su mayor reto y grabar lo que a la postre sería su obra más conocida y uno de los discos más vendidos de la historia, “The Dark Side of the Moon” (1.973). Este disco conceptual marco la cima de la música progresiva en los 70. Wright fue coautor de varios temas entre los que destaca “Us and Tehm” compuesto conjuntamente con Waters. El siguiente paso del grupo fue la realización de un disco tocados con objetos caseros como sierras, martillos,copas, etc, afortunadamente se dieron cuenta que el proyecto no tenía sentido y pusieron manos a la obra para la composición de su siguiente obra maestra, “Wish You Were Here” (1.975). La obra contiene “Shine On You Crazy Diamond” dividida en nueve partes donde Wright es coautor, también podemos escuchar el éxito “Wish You Were Here”. En definitiva un gran disco que les volveria a elevar a lo más alto. 23

Llegados a este punto nos encontramos en la segunda mitad de los 70, la corriente punk estaba en pleno apogeo y los Pink Floyd ecditan “Animals” (1.977), con predominio de las guitarras sobre los teclados y sin la participación compositiva de Richard Wright. En este momento deciden darse un respiro para realizar sus proyectos individuales y Wright edita “Wet Dream” (1.978), un disco cargado de tranquilas melodías.

En 1.979 el grupo se ve envuelto en un escándalo financiero y por problemas fiscales abandonan Inglaterra refugiándose en Francia, país donde grabaron su siguiente producción, “”, compuesta casi íntegramente por Water y con una labor casi testimonial de Wright llegando incluso a abandonar la grabación. En la gira promocional del disco Wright era un asalariado más sin ninguna participación en el grupo y en el siguiente proyecto de la banda , “The Final Cut”, Richard ya no pertenecía al grupo.

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En 1.984 Wright junto con Dave Harris (“10 CC”) forman Zee, un extraño proyecto que combinaba new wave y progresivo, solo editarían un disco “Identity”. Dos años más tarde recibe una llamada de Gilmour para reorganizar Pink Floyd, esta vez sin Waters, y grabar un nuevos disco con temas del guitarrista. El LP vería la luz en 1987 bajo el titulo de “A Momentary Lapse of Reason”. Por problemas legales Wright no figuraba como miembro del grupo pero si participo en la gira promocional y en la grabación del directo, “Delicate Sound of Thunder” (1.988). Pasaron siete años hasta la publicación de un nuevo trabajo de Pink Floyd, “Division Bell” (1.994), donde Wright ya era miembro formal del grupo y participaba con la composición de cuatro temas. La gira fue grabada bajo el nombre de “P.U.L.S.E.” (1.995).

El segundo disco como solista de Wring llegó en 1.996, “Broken China”, con la colaboración de Sinéad O´Connor. Durante los años posteriores participaría en diversas actuaciones acompañando a Gilmor y en 2.005 se uniria con Water, Mason y Gilmour en el concierto “Live 8” para tocar cuatro temas. Esta actuación acrecentó los rumores sobre el regreso de la banda que nunca se llegó a producir. Lamentablemente en 2.008 , Richard Wright moría de cáncer.

Para finalizar vamos a comentar un poco una de las obras más relevantes dee Pink Floyd. Para esta ocasión la elegida ha sido “Wish You Were Here”. Es uno de los discos del grupo que más me gustan, “Shine On You Crazy Diamond”, es una obra maestra, bases de teclados a cargo de Wright y una excelente guitarra de Gilmour. La letra a cargo de Waters recordaba a su amigo Syd Barret. “Welcome to the Machine”, es realmente épica, me encantan sus efectos sonoros. En “Have a Cigar” la base de piano que aporta Wright es magnífica y que podemos decir del tema “Wish You Were Here”, un auténtico icono de la música moderna.

http://youtu.be/Qxd-kWMzZNk 25

Dave Greenslade

Después de dar un repaso durante algunas semanas a la vida y obra de los teclistas más famosos del panorama musical, les llega el turno a aquellos que son menos conocidos y que también han tenido gran relevancia en mi formación y disfrute personal. estuvo presente en dos bandas, Colosseum y Greenslade, que durante algún tiempo tuvieron un espacio de honor en mi discoteca. Mi primer contacto con su música fue a través de “”, un disco que recomiendo encarecidamente. Como en anteriores artículos nos vamos a centrar en su producción musical analizándola brevemente.

Dave Greenslade formó parte de la primera etapa de Colosseum desde 1.968 hasta 1.971, durante ese tiempo grabaron los siguientes discos:

- “Those Who Are About to Die Salute You” (1.969), primer disco de la banda formada por (batería), Tony Reeve (bajo), (guitarra, voz), Dick Hecktall – Smith (vientos), Jim Roche (guitarra) y Dave Greenslade (teclados). La grabación nos muestra una excelente fusión entre el jazz y el rock de la mano de unos excelentes músicos.

- “Valentine Suite” (1.969), grabado con la misma formación que su anterior trabajo con la salvedad de Jim Roche que había abandonado el grupo. Para algunos es la obra maestra del grupo. La banda está en todo su esplendor mezclando no solo jazz y rock, también podemos encontrar algo de psicodelia. Los desarrollos instrumentales son magníficos llegando su culminación en “The Valentine Suite” una pieza dividida en tres partes compuesta en su mayoría por Dave. 26

- “The Grass is Greener” (1.970), este es un disco que solo se editó en Estados Unidos y que contiene cuatro temas inéditos grabados con el nuevo guitarrista Dave Clempson (“Jumping off the Sun”, “Lost Angeles”, “Rope Ladder to the Moon”, y “Bolero”), también encontramos tres temas que ya aparecían en su anterior trabajo pero regrabados con Clempson a la guitarra (“Butty´s Bluess”, “The Machine Demands a Sacrifice” y “The Grace is Greener”). La grabación se completaba con “Elegy”, versión idéntica que la editada en “Valentine Suite”.

- “Daugther of Time” (1.970), en el grupo se habían producido ciertos cambios, era sustituido por y posteriormente por , y el cambio fundamental era la entrada en el grupo del cantante . El disco tiene se ve influenciado por los diversos de formación y a pesar de la gran fuerza vocal de Farlowe no llega a las cotas de su anterior trabajo. 27

- “Colosseum Live” (1.971), grabado en directo en la Universidad de Manchester y en el Big Apple Club de Brighton, nos muestra el verdadero poderío del grupo en sus actuaciones. Largos temas mostrando todo el virtuosismo de sus miembros, con un Hecktall capaz de tocar varios instrumentos de viento a la vez. Chris Farlowe está inconmensurable y Greenslade nos deleita con largos solos de órgano. Un disco de obligada escucha para todos aquellos amantes de la buena música y en especial para los progresivos.

En 1.994 Dave vuelve a unirse a Colosseum editando varios discos más (“Live The Reunion Concerts”, “Bread & Circuses”, “Tomorrow´s Blues”, “Live 05”).

Después de la separación de Colosseum, Dave formó “Greenslade” junto a su amigo Tony Reeves, este periodo duró desde 1.972 hasta 1.976, sus logros discográficos fueron los siguientes: - “Greenslade” (1.972), completaban la formación Andrew McCulloch (batería) y David Lawson (teclados). La portada era obra del genial Roger Dean. La característica fundamental del disco era la ausencia de guitarra y sus coqueteos con el jazz y un poquito con el blues. Dave utiliza ampliamente un instrumento que empezaba a ponerse de moda, el mellotrón. 28

- “Bedside Manners Are Extra” (1.973), con la misma formación que en su anterior trabajo y con la portada nuevamente a cargo de Roger Dean. Su sonido se consolida y se muestra con una gran banda de jazz rock.

- “Spyglass Guest” (1.974), el guitarrista participa en dos temas, “Little Red Fry Up” y “Siam Seesaw”). Es el disco más popular del grupo, entre sus temas incluyen el famoso “Theme for an Imaginary Western” de Jack Bruce.

- “Time and Tide” (1.975), Tony Reeves había sido sustituido por Martin Briley. El sonido del grupo ha cambiado hacia una especie de pop progresivo destinado al 29

mercado americano. Curiosamente la gira de presentación por Estados Unidos la realizaron junto a Kraftwerk.

En 1.976 Dave disolvería la banda y no sería hasta el 2.000 cuando se volvería a reunir con Reeves para grabar un nuevo disco “Large Afternoon” y posteriormente una grabación en directo “”Greenslade 2.001”.

Po otra parte Dave Greenslade ha editado varios discos en solitario:

- “Cactus Choir” (1.976), acompañado por Tony Reeves (bajo),Simon Phillips (batería) y Mick Grabham (guitarra) entre otros, nos muestra una obra conceptual sobre la colonización del oeste americano. La portada nuevamente de Roger Dean y el sonido vuelve a ser progresivo con tintes jazz. Tema destacado “Swings and Roundabouts”.

- “The Pentateuch of the Cosmogony” (1.979), un doble disco conceptual realizado en colaboración con el escritor y dibujante Patrick Woodroffe. El disco original contenía numerosos textos e ilustraciones lujosamente presentados. También presentaba la colaboración especial de Phil Collins. 30

- “From the Discworld” (1.994), colaboración con el escritor Terry Pratchett y basándose en sus novelas sobre Discworld. Participa Clem Clempson.

- “Going South” (1.999), un disco bastante flojo ya que utiliza batería electrónica e intenta emular la guitarra ye l bajo con los teclados obteniéndose un sonido muy sintético.

- “Routes Roots” (2.011), en donde Dave nos muestra un compendio de todos los estilos que ha manejado durante su trayectoria. 31

Bueno creo que por hoy ya está bien de tanto rollo http://youtu.be/gbz4VT-vTaU http://youtu.be/bS4VrCJlYmk http://youtu.be/l6bgnmueZ1w

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Thijs van Leer

Hola amigos, el artículo de esta semana va a versar sobre un músico perteneciente a un grupo que influyo notablemente en mi cultura musical. A mediados de los 70 mi mente se estaba abriendo al rock, era un adolescente con muchas ganas de descubrir nuevos sonidos, en esa época la mayor fuente de información musical era la radio. En la ciudad donde vivía en ese momento había un gran programa de radio que semanalmente realizaba un monográfico sobre un grupo de rock, en dicho programa escuché por primera vez a Focus. Puedo decir sin temor a equivocarme que mi interés por este tipo de música nació ese día, con mis pocos ahorros y con mi inexperiencia me compre mi primer documento sonoro, un “cassette” de Focus, en concreto el “Moving Pictures”. Era realmente un pipiolo sin ningún tipo de formación musical y compre lo primero que vi del grupo, posteriormente me di cuenta que no era el mejor disco del grupo. Por tanto Focus fue la primera piedra de mi construcción musical y de mi colección discográfica. Por cierto se me olvidaba hoy vamos a hablar de Thijs van Leer.

Thijs van Leer nació en Ámsterdam en 1.948 en el seno de una familia netamente musical, su madre comenzó a darle clases de piano a los tres años y su padre comenzó a enseñarle a tocar la flauta a los doce. Su formación se completó estudiando arte en la Universidad de Ámsterdam y flauta, piano, órgano y orquestación en el conservatorio de Ginebra. En alguna ocasión ha declarado que con ocho años compuso el tema “Moving Waves” y con dieciséis “Hocus Pocus” que a la larga sería uno de sus mayores éxitos.

En febrero de 1.968 realiza su primera aparición profesional fue en el show de Ramses Shaffy en un teatro de Ámsterdam. Un año más tarde se une a Martijn Dresden (bajo) y Hans Cleuver (batería) y forma un trío que combinaba temas de jazz con otros de corte más rockero. En 33

1.970 estos tres músicos se integran en la orquesta que ponía la música en la obra “” en Holanda, donde también tocaba que procedía del grupo Brainbox. Jan decide abandonar su grupo y unirse al trío de Thij van Leer formando el grupo Focus. En apenas seis meses editan su primer disco “Focus Plays Focus” (1.971), editado solo en Holanda pero debido al éxito obtenido por el tema “” se reedita en Inglaterra bajo el título de “In and Out Focus”. Las tensiones comienzan en el grupo dando como resultado la salida de Dresden y Cleuver, en su lugar entran Pierre van der Linde (batería y viejo amigo de Akkerman) y Cyril Havermans (bajo). Con esta formación graban “Focus II” (1.971) o como se llamó fuera de Holanda “Moving Waves”, junto al productor Mike Vernon ( , John Mayall, Ten Years After, etc.). La grabación resulta ser un completo éxito, temas como “Hocus Pocus” o la extensa suite que ocupa la segunda cara, “Eruptión”, son verdaderas joyas que aúnan jazz, rock y clásica. La popularidad del grupo aumenta saliendo incluso en un programa de la televisión británica. , pero las tensiones siguen en el grupo y Havermans es sustituido por Bert Ruiter.

En 1.972 el grupo vuelve a entrar en el estudio para la grabación de un nuevo disco pero se dan cuenta que tienen mucho material y lo convierten en un doble llamado “Focus III” (1.972). El disco contenía el tema “Sylvia” que alcanza los primeros puestos en las listas y Focus son aclamados como el mejor grupo extranjero en Inglaterra y su guitarrista es considerado como mejor guitarrista del mundo. En la grabación también podemos encontrar un extenso tema, “Anonymous Two”, de más de veinticinco minutos donde los cuatros miembros del grupo van realizando solos con sus respectivos instrumentos. El grupo se embarca en giras interminables tanto en America como en Europa fruto de las cuales resulta el disco “Focus Live at the Rainbow” (1.973). Ese mismo año Thijs van Leer edita su primer disco en solitario, “Introspection”, un disco orientado a la música clásica. Un año más tarde se produce la salida del grupo de Van der Linder siendo sustituido por . En 1.974 graban “”, uno de sus discos más complejos y que cerraría la época dorada del grupo. La segunda cara del disco contenía el magnífico “Hamburger Concerto” inspirado en un tema clásico de Johannes Brahms. La dirección musical del grupo empezaba a no estar clara fruto de la cual llega “” (1.975” donde Colin Allen solo participó en un tema el resto lo 34 grabó . El sonido de la grabación se separa del que habían mantenido hasta ahora, aires más orientados al mercado americano con algún pequeño tinte funk. Todo esto da como resultado la salida de Akkerman del grupo en 1.976. Entre tanto Thijs van Leer había editado en el 75 su segundo disco en solitario, “O My Love”, donde canta algunos temas con su mujer mezclando funk, jazz y clásica y en el 76 publica “Introspection II”, continuando con la línea marcada con su primer volumen.

En 1.977 Thijs van Leer reorganiza el grupo contando con (guitarra), Bert Ruiter (bajo), Steve Smith (batería), Eef Albers (guitarra) y el cantante americano P.J. Proby. Con dicha formación editan en el 78 “Focus with Proby”, disco que recibió muy malas críticas y que supuso la disolución del grupo.

Durante este tiempo Thijs edita varios discos, “Nice to Have Met You” (1.977), “Introspection 3” (1.978), “Introspectión 4” (1.980) y “Reflections” (1.981). Ese mismo año se traslada a España para colaborar con Miguel Rios con el que graba tres discos, “Extraños en el escaparate” (1.981), “Rock & Rios” (1.982) y “El rock de una noche de verano” (1.983. También acompaña al cantante español en sus respectivas giras y es ahí donde podemos ver a Thijs tocando su famoso “Hocus Pocus”, recuerdo que me quede alucinado no me lo podía creer, pero el logotipo de Focus en los teclados y la característica forma de tocar la flauta de Thijs acabo por confirmármelo, todo un lujo. En aquella época el grupo de Miguel Rios estaba lleno de grandes estrellas (Salvador Dominguez, John Parsons, Sergio Castillo, etc). En 1.985 se vuelve a reunir con Akkerman para la grabación de “Focus: Akkerman & Thijs van Leer”, disco que quería rememorar tiempos pasados sin llegar a conseguirlo y en 2.002 vuelve a reorganizar Focus con nuevos miembros y grabando varios discos, “Focus8” (2.002), “Focus 9” (2.006) y “” (2.012). Po otra parte la carrera en solitario continua grabando más de diez discos, “Renaissance” (1.986), “I Hate Myself” (1.987), Introspection 92” (1.992), Musical Melody” (1.994), Summertime” (1.996), “Instrumental Hyms” (1.997), “The Glorious ” (1.999), Bach for a New Age” (1.999), “Etudes SAns Gene” (2.006) y “The Home Concert” (2.008).

Para terminar el artículo he escogido una grabación que circula en Youtube del tema “Hamburger Concerto” grabada en el año 1.975. 35

http://youtu.be/ePsf5KHqs7M

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Ray Manzarek

Una semana más voy a intentar contaros la vida y obra de un teclista que según mi criterio debe estar en la lista de los mejores. Quizás no haya demostrado ser un virtuoso, aunque lo sea, pero lo que sí consiguió es tener un sonido propio característico y totalmente reconocible. Muchos teclistas de gran talento no llegan a tener su propio sonido pero Ray lo tenía y cualquier persona medianamente puesta en la música es capaz de reconocerlo. Lo cierto es que no viví la época dorada de Manzarek (65- 73), yo era muy joven, y lo descubrí años más tarde cuando me compré “Absolutely Live”. Siempre he pensado que la sombra de Jim Morrison fue muy alargada y tapaba la genialidad de los grandes músicos que tenía en el grupo.

Raymond Manzarek nació en 1.939 en Chicago y a muy temprana edad sus padres comenzaron a darle clases de piano. A pesar de que sus primeras inquietudes eran deportivas siguió 37 estudiando hasta obtener una titulación en economía. Durante su adolescencia descubrió el jazz y el blues cambiándole notablemente la forma de tocar el piano. En 1.962 se traslada a Los Ángeles para matricularse en la Universidad de California y cursar estudios de cinematografía, curiosamente en esa universidad también estudiaba Jim Morrison. Durante ese periodo Ray tenía un grupo junto a sus hermanos llamado “Rick and the Ravens”. Cuenta la leyenda que Ray y Jim fundaron “The Doors” tras un encuentro transcendental que tuvieron en la Venice Beach. La primera formación de The Doors estaba formada por miembros del grupo de Manzarek junto a Jim Morrison y al batería John Densmore pero pronto la banda se reformó con la entrada del guitarrista Robby Krieger. Una de las singularidades del grupo es que no tenían bajista y ese hueco lo cubría Manzarek con su peculiar piano Fender Rhodes. La banda es contratada para amenizar la noche en el Whisky a Go Go y allí es donde el presidente de la compañía discográfica Elektra los vio actuar y tuvo clara el futuro de la banda.

En 1.967 editan su primer disco “The Doors” conteniendo temas que habían estado tocando durante varios años y que se convertirían en grandes éxitos del grupo, “ Break on Throught”, “Alabama Song”, “Light my Fire”, “The End”, etc. Dada la rebeldía que manifestaba Jim Morrison, pronto se hizo muy popular entre los jóvenes llegándose a convertir en un verdadero icono juvenil. La fama del grupo iba en aumento y no solo por su música, las actuaciones de Jim, tanto en los conciertos como en la televisión, estaban cargadas de rebeldía ocasionándole múltiples altercados y problemas con la justicia. Su segundo disco, “Strange Day”, llegó ese mismo año y a pesar de la notable calidad de sus temas no obtuvo el éxito de ventas esperado. En la grabación la banda incluía “Moonlight Drive”, un viejo tema compuesto por Jim. La fama del grupo estaba en su punto más alto y las drogas y el alcohol potenciaban el carácter de Morrison ocasionando numerosos escándalos en sus actuaciones. Con ese ambiente llega su tercer disco, “Waiting for the Sun”, que alcanza el número uno en las listas con temas como “Hello, I loveYou” o “The Unknown Soldier”. En 1.968 el grupo realiza una serie de conciertos por Europa incluyendo un show en Amsterdan sin Jim Morrison debido a problemas con las drogas.

A pesar del gran éxito del grupo 1.969 fue un año difícil para el grupo debido al incidente ocurrido en el Dinner Key Auditorium de Miami, Morrison perdió el control y fue detenido por provocar diversos incidentes y enseñar su miembro viril al público. Todo esto supuso un gran daño para la banda pero a su vez fue un punto de inflexión para Morrison que se mantuvo más moderado en sus actuaciones dejando más espacio al grupo. En Julio de ese mismo año editan “The Soft Parade” un disco con múltiples dificultades en su grabación debido a los excesos con el alcohol de Morrison. A nivel musical el disco contiene un gran número de temas compuestos por Krieger con algunos arreglos de instrumentos de cuerda y viento que dulcificaban su sonido. 38

Cuando todo el mundo pensaba que el grupo estaba en fase descendente, editan “Morrison Hotel” (1.969) volviendo a sus orígenes con un sonido más duro y con aires blues. Aquí podemos encontrar uno de mis temas favoritos de la banda, “Roadhouse Blues”, versioneado en múltiples ocasiones. Con continuación de su éxito actúan en el Festival de la isla de Wight junto a Jimmi Hendrix, The Who, Jethro Tull, etc. Y editan su primer disco en directo, “Absolutely Live” (1.970).Los problemas de Morrison con la justicia continuaban llegando a ser condenado a ocho meses, sentencia que no cumplió al ser recurrida. La última actuación de The Doors fue en diciembre de 1.970 con un Jim Morrison muy deteriorado físicamente. En abril de 1.971 editan “L.A. Woman”, último disco con Jim ya que moriría tres meses después. El disco está cargado de temas con acento blusero estacando la canción que da título al LP.

Tras la muerte de Morrison el grupo estuvo durante algún tiempo buscando cantantes hablándose incluso de la posibilidad de fichar a Iggy Pop, pero finalmente la banda descarto la idea y siguieron adelante como trío. Personalmente pienso que fue un error, la losa de Morrison eran demasiado grande y pesada y debieron disolver la banda. En este periodo editaron dos discos, “Other Voices” (1.97) y “Full Circle” (1.972), grabaciones bastante mediocres que solo se salvan en algunos momentos por el buen hacer instrumental de Manzarek y Krieger, pero sus voces, sobre todo la del guitarrista, no llegan a la altura deseada. La separación del grupo se produjo en 1.973. 39

Para casi todo el mundo después de la Muerte de Morrison la carrera musical de Manzarek cayó en el olvido. Nosotros vamos a intentar rescatarla:

- “The Golden Scarab” (1.973), primer disco en solitario de Manzarek, se hace acompañar por Larry Carlton (Guitarra), Jerry Scheff (bajo) y Tony Williams (batería). Buen jazz rock combinado con ritmos exóticos caribeños. - “The Whole Thing Started with Rock & Roll Now It´s Out of Control” (1.974), aparecen en los créditos Joe Walsh y Patti Smith. El disco es muy irregular. - “Carmina Burana” (1.984), es la adaptación de la obra clásica de Carf Off para ser tocada por una banda de jazz rock. Ayudado por Phillip Glass y utilizando como director de orquesta Michael Riesman.

A parte de estos discos también fue el director y compositor de la película “Love Her Mandy” (2.006). Realizó colaboraciones con diversos artistas tales como Iggy Pop, Michael McClure, Darryl Lee y editó dos discos con el guitarrista Roy Rogers, “Ballads Before the Rain” (2.008) y “Translucent Blues” (2.011). Durante algún tiempo formó parte del grupo Nite City llegando a grabar dos discos “Nite City” (1.977) y “Golden Days Diamond Night” (1.978). Oro de sus proyectos fue producir a la banda The X.

En 2.002 decidió revivir a The Doors reuniéndose con Krieger y Ian Astbury formando “The Doors of the 21st Century” que por problemas legales pasaron a llamarse “Riders on the Storm”. Finalmente en mayo de 2.013 moría a causa de un cáncer hepático.

http://youtu.be/cl5-c8DM5OY

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Don Airey

Hola amigos, en el capítulo de hoy vamos a hablar de un auténtico trotamundos, un teclista que a lo largo de su historia ha pasado por múltiples formaciones y en todas ellas ha dejado su huella. Don Airey es uno de los teclistas más queridos y reputados dentro del mundillo musical, desde 1.974 lleva colaborando con multitud de grupos. Algunas de sus más ilustres participaciones han sido en grupos como Rainbow, , Whitesnake, , Colosseum II, Thin Lizzy, Ozzy Osbourne, Wishbone Ash, Michael Schenker, Deep Purple y así podríamos estar un largo rato enumerando sus colaboraciones. Mi primer contacto con el teclista fue cuando compré “Electric Savage” de Colosseum II, recomiendo a todo el mundo la escucha del tema “The Schord”, la intro y los duelos con Gary Moore son auténticamente increíbles. Posteriormente su participación en Rainbow y su memorable “Difficult to Cure” le forjaron una gran reputación. La última vez que tuve la oportunidad de verlo fue con Deep Purple en Murcia y tengo que decir que no estuvo muy fino, su actuación se basó fundamentalmente en hacer mucho ruido y pocas nueces, como se suele decir.

Hoy no voy a meteros el rollo sobre su vida simplemente analizaremos un poco su obra en solitario, que no es mucha, y nombraremos algunas de sus más sonadas colaboraciones.

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En cuanto a su discografía los discos que ha editado hasta la fecha son:

- “K2” (1.988), parece increíble que un personaje que lleva desde el 71 dando guerra haya tardado tanto tiempo en editar su primer disco. Para la ocasión se reunió con un buen grupo de amigos: Gary Moore, Mel Galley, Laurence Cottle, Keith Airey, Colin Blunstone, Genki Hitomi y Gordon Honeycombe como narrador. El disco es una obra conceptual que trata sobre la dureza de la mítica montaña. En cuanto a la música la podríamos definir como un rock sinfónico con algunos tintes hard.

- - “A Light In The Sky” (2.008), pasan veinte años desde su anterior trabajo esta vez para tratar uno de sus temas favoritos, el espacio exterior. A Don siempre le ha gustado la astronomía y el universo y en este trabajo intenta plasmar sus sentimientos al respecto. Acompañado por Laurence Cottle y Chris Childs al bajo, Darrin Mooney y Harry James a la batería, Rob Harris a la guitarra, Danny Bowes y Carl Sentance cantando y Lidia Baich. Don Airey mezcla sabiamente hard rock, sinfónico, jazz, 42

progresivo, géneros que conoce a la perfección después de años de carrera. Temas destacados los instrumentales “”Pale Blue Dot “y “Big Crunch”.

- - “All Out” (2.011), este quizás sea el disco que más me gusta de Don, acompañado por dos grandes guitarristas, y Bernie Masden, y por los habituales en sus trabajos anteriores (Harris, Airey,Mooney, etc). El sonido es muy cercano a sus trabajos con Rainbow o Deep Purple mezclado con pinceladas progresivas como en “Estancia” cargada de Hammond. Como curiosidad la cover del tema “Fire” de Hendrix.

- - “Keyed Up” (2.014), recién salido del horno y con la presencia estelar de Gary Moore, si el gran Gary, se rescataron algunos punteos del gran maestro y alrededor de ellos se construyeron dos temas “Mini Suite “y “Adagio”. Los músicos son los habituales en 43

los proyectos de Airey reforzados por Graham Bonnet, Simon Macbride, Alex Meadows y Tim Goddver. El bueno de Don Airey recuerda su pasado en Rainbow con una nueva versión de “Difficult to Cure”. Un disco muy recomendable.

Por último vamos a nombrar algunas de las participaciones más destacadas de Don Airey:

Con Cozy Powell

- “Over the Top” (1.979) - “Tilt” (1.981)

Con Colosseum II

- “Strange New Flesh” (1.976) - “Electric Savage” (1.977) - “War Dance” (1.977)

Con Rainbow

- “Down to Earth” (1.979) - “Difficult to Cure” (1.981) - “Finyl Vinyl” (1.986)

Con Ozzy Osbourne

- “” (1.980) - “Bark at the Moon” (1.983)

Con Michael Schenker

- “The Michael Schenker Group” (1.980) - “In the Midst of Beauty” (2.008) - “Temple of Rock” (2.011)

Con Gary Moore

- “Back on the Streets” (1.979) - “Corridors of Power” (1.982) - “Dirty Fingers” (1.983) - “Rockin´Every Night” (1.983) - “Run for Cover” (1.985) - “After the War” (1.989) - “” (1.990) - “Old New Ballads Blues” (2.006)

Con Deep Purple

- “Bananas” (2.003) - “Rapture the Deep” (2.005) 44

- “They All Came Down the Montreux” (2.007) - “Live at Montreaux” (2.011) - “Now What?” (2.013)

Con Living Loud

- “Living Loud” (2.003) - “Live in Sydney” (2.004)

Como ya he comentado al iniciar el artículo Don Airey ha participado en más de treinta proyectos diferentes que os invitó a descubrir por vosotros mismos. Saludos y hasta la próxima. http://youtu.be/8NNbl7o9UKE

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Jordan Rudess

Hola amigos, hasta ahora habíamos hablado de verdaderos dinosaurios del rock, teclistas que forjaron las bases del rock sinfónico en los años 70, hoy vamos a contar la historia de un teclista que a pesar de ser uno de los más extraordinarios virtuosos del género no salto a la fama hasta la publicación de su segundo disco en 1.993 y obtuvo su confirmación al entrar a formar parte de en 1.999. La característica fundamental de Rudess, sin lugar a dudas, es su virtuosismo unido a un gran amor por la tecnología, no olvidemos que tiene una compañía, “Wizdom Music”, dedicada al desarrollo de productos tecnológicos musicales.

A pesar de darse a conocer al gran público con 36 años su actividad ha sido bastante intensa. Al margen de su obra en solitario ha realizado multitud de colaboraciones con gente como , Steve Wilson, Paul Winter, David Bowie, , Morgenstein, etc. Por supuesto su reputación se ha forjado en grupos como Dixie Dreg ( el grupo de Steve Morse), Liquid Tension Experiment super grupo (, , Mike Pornoy y Jordan Rudess) con los que grabó dos discos en estudio y como no con la gran banda de progresivo Dream Theater con los que sigue en la actualidad y ha grabado ocho discos en estudio ( “Metropolis Pt. 2”, “Six Degrees of Inner Turbulence”, “Train of Thought”, “”, “”, “Black Clouds & Silver Linings”, “A Dramatic Turn of Events” y “Dream Theater”) y tres en vivo( “Live Scenes From New York”, “Live at Budokan” y “Score”).

Hoy vamos a intentar dar un resumido repaso a su discografía en solitario:

- “Arrival” (1.988), este primer disco de Rudess se editó en cassette bajo el nombre de Rudes. Es una obra intimista, Jordan utiliza básicamente el piano para crear sus pasajes sonoros en los cinco temas que contiene la grabación. 46

- “Listen” (1.993), este disco le sirvió para obtener el reconocimiento mundial y ser elegido como “Best New Talent” por la revista Keyboard. Le acompañan Barbara Bock (voz), Jim Simmons (bajo), Chris Amelar (guitarra) y Ken Mary (batería). En este disco Rodess comienza a emplear toda la artillería electrónica dando como resultado una especie de pop progresivo.

- - “Secrets of the Muse” (1.997), en esta obra Jordan se enfrenta en solitario a multitud de inspiradas improvisaciones. Es una delicia escuchar a Rudess tocar el piano, la sensibilidad que desprende en temas como “Stillness” o “Cradle song”, no está al alcance de cualquiera.

- - “Resonance” (1.999), nos toca seguir disfrutando del mejor Rudess al piano. 47

- “” (2.001), en este disco Rudess cuenta con la colaboración de grandes músicos, , Steve Morse, John Petrucci, , dando como resultado un disco con grandes pasajes instrumentales del mejor rock progresivo.

- “4NYC” (2.002), la grabación sirve de homenaje a las víctimas del 11 de Septiembre. Parte del disco se grabo en vivo en el Helen Hayes Performing Arts Center tan solo trece días después de la tragedia debido al afán de Rudess en ayudar de alguna forma a las víctimas. Laos temas grabados en estudio tienen una gran carga emocional. 48

- “Christmas Sky” (2.002), en este LP Jordan nos muestra los clásicos villancicos de toda la vida (“White Christmas”, “Silent Night”, “The Little Drummer Boy”, etc) ejecutados magistralmente al piano y con el sello Rudess.

- “” (2.004), para esta grabación Jordan se rodea de un gran arsenal de buenos guitarristas (Satriani, , Steve Morse, Vinnie Moore, Jakubovic) con estos miembros y alguno más (Dave Larue, Morgenstein) el resultado es un gran disco de rock progresivo que hará las delicias de los amantes de Dream Theater.

- “The Road Home” (2.007), es un álbum de covers de temas de rock sinfónico, “Dance on a Volcano” (Genesis), “Sound Chaser” (Yes), “Just the Same” (), “Tarkus” (Emerson, Lake & Palmer) y una Medley al piano interpretando partes de 49

“Soon” (Yes), “Supper´s Ready” (Genesis), “I Talk to the Wind” () y “And You and I” (Yes). El único tema original es “Piece Of the ” . Como invitados Neal Morse, Steve Wilson, , entre otros. 휋

- “Notes of the Dream” (2.009), nuevamente encontramos a un intimista Rudess al piano tocando en su mayoría temas de Dream Theater, incluso algunos anteriores a su entrada en el grupo.

- “All Thatt is Now” (2.013), grabado en el salón de su casa con su piano Steinway D y financiado por la contribución de 1.000 seguidores del artista. Clásica, progresivo, jazz, qué más da, todo se reúne en una gran sensibilidad musical y un virtuosismo fuera de toda duda.

Bueno amigos creo que por hoy ya vale, espero que disfrutéis con este genio que en otra época hubiese sido uno de los grandes de la interpretación y composición clásica.

http://youtu.be/j4G-bmET9yo

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Patrick Moraz

Hola queridos lectores hoy nos encontramos ante un músico que a pesar de haber sido miembro de dos de los más afamados grupos de la historia del rock sinfónico, parece como si hubiese pasado de puntillas por el panorama musical. Sus composiciones nos muestran claramente que estamos ante un músico de formación netamente clásica y que por inquietudes personales eligió el rock como expresión musical.

Patrick Moraz nació en Villars-Sainte-Croix, Suiza, en 1.948, desde muy pequeño empezó a estudiar violín y piano destacando fundamentalmente en este último instrumento. En esa etapa de su vida tuvo la oportunidad de conocer a la gran pianista rumana Clara Haskil la cual influyó notablemente en el joven Patrick. Se matriculó en el conservatorio de Lausana para estudiar armonía y contrapunto, y con tan solo nueve años ya estaba dando conciertos de piano. Gracias a que su padre era propietario de varios restaurantes y teatros, conoció a Louis Armstrong, Maurice Chevalier, Lionel Hampton, Duke Ellington, etc. Incluso llegó a recibir algunas clases de John Lewis del Modern Jazz Quartet. Todas estas influencias acabaron de formar a Patrick y lo convirtieron en un gran pianista llegando a ganar el premio al mejor solista en el festival de jazz de Zurich con tan solo dieciséis años

En 1.964 se traslada a Inglaterra con la intención de aprender inglés y para completar su salario de cocinero en una escuela comienza a dar conciertos en pequeños locales. Al poco tiempo es denunciado por el secretario de músicos locales y es expulsado del país, pero Patrick no se rinde y vuelve a Inglaterra y aprueba el examen de cualificación de inglés ( Proficiency). En 1.968 decide dedicarse plenamente a la música como músico profesional y funda el grupo de rock progresivo “Mainhorse” grabando en el 71 un único legado. Ese mismo año realiza la banda sonora de la película “Le salamandre” (Alain Tanner) y un año más tarde el grupo se 51 disuelve. Después de realizar una gira con el Ballet de Brasil por el lejano Oriente se embarca con su amigo Guy Bovet en la composición de la banda sonora de “L´invitacion” (1.973) que gana el festival de Cannes.

En 1.973 forma un nuevo grupo “Refugee” junto a dos afamados músicos, Lee Jackson y Brian Davison, que habían pertenecido al grupo “The Nice” junto a Keith Emerson. Un año más tarde editan un único disco “Refugee” y Patrick es invitado a formar parte de “Yes” tras la marcha de Rick Wakeman. Con gran entusiasmo entran en el estudio de grabación para componer lo que sería el séptimo disco del grupo en estudio, “Relayer “ (1.974). Con una portada del mítico Roger Dean y con tan solo tres temas en su interior, uno de ellos de veinte minutos, la grabación se convierte en un notable éxito que culmina con una gira multitudinaria por todo el mundo. En el 75 los miembros del grupo deciden dedicarse a sus proyectos personales tiempo que es aprovechado por Patrick para grabar su primer disco en solitario, “Story of I” (1.976). La grabación es premiada como el mejor disco de teclados del año por la prestigiosa revista “Keyboard” y Patrick obtiene el título de mejor nuevo talento. Yes se vuelve a reunir para realizar una gira presentación de los trabajos personales de sus miembros al término de la cual Moraz es invitado a marcharse. Un año más tarde graba su segundo disco en solitario “Out in the Sun” (1.977), siguiendo la línea de su anterior trabajo, ritmos brasileños cargados de sintetizadores y sinfonismo. En el 78 llegaría su tercer trabajo, “Patrick Moraz, una de sus 52 mejores producciones, el disco nos muestra una lucha entre lo primitivo y lo moderno todo ello expresado con el lenguaje de los sintetizadores y la percusión.

Dada la fama que tenía Patrick por aquellos tiempos, The Moody Blues, lo contratan para la gira de presentación de su “Octave” (1.978), dado que su teclista oficial, Mike Pinder, los había dejado en la estacada. Con esta banda estuvo del 78 al 91 grabando cinco discos, “Long Distance Voyager” (1.981), “The Present” (1.983), “The Other Side Of Life” (1.986), “Sur la Mer” (1.988) y “Keys of the Kingdom” (1.991). En este último disco solo participó en algunos temas ya que fue despedido por el grupo ante de completas la grabación. Patrick siempre se quejo por su escasa participación en la composición de los temas de la banda. Tras su marcha el grupo se portó realmente mal con Moraz quitando sus fotos de los discos en los que había participado y declarando que no fue un miembro del grupo si no un mero asalariado. Patrick tuvo que acudir a la justicia para reclamar sus derechos y a pesar de ganar en los tribunales recibió una ridícula indemnización.

Durante todo el tiempo que estuvo con los Moody Blues, casi trece años, Patrick siguió trabajando en sus discos en solitario:

- “Future Memories Live On Tv” (1.979), que como su nombre indica fue grabado en directo en la televisión suiza. Patrick mezcla dos de sus elementos preferidos la experimentación y el jazz. Memorable su interpretación al piano en “Black Silk”. - “Coexistence” (1.980) fue un disco realizado a dúo junto al flautista “Syrinx” y obteniendo una sonoridades realmente curiosas. - Music for Piano and Drums” (1.983), esta vez la colaboración es con su amigo Bill Bruford que ya había participado en “Out in the sun”. - “Timecode” (1.984), disco decepcionante totalmente pop y fruto del momento que estaba viviendo con Moody Blues. - “Future Memories II” (1.984), siguiendo la línea del anterior “Future Memories”, improvisando sobre la marcha los temas. - “Flags” (1.985), nuevamente colaborando con Bruford. - “Human Interface” (1.987) , disco plenamente sinfónico y donde coquetea con la música clásica, “Modular Synphony” 53

- “Windows of Time” (1.994), a pesar de su desastrosa portada el interior nos muestra a Patrick con su querido piano realizando múltiples improvisaciones. Genial. - “Patrick Moraz in Princeton” (1.995) nuevamente solo con su piano e interpretando algunos clásicos del jazz y variaciones propias. - “Resonance” (2.000), sigue con el piano y asombrando por su virtuosismo - “Esp – Etudes, Sonatas, Preludes” (2.003), disco que recibió fuertes críticas por aquellos falsos amantes de la música clásica que desprecian que un melenudo entre en sus dominios. - ·Change of Space” (2.008), vuelve Moraz con sus cacharros electrónicos y su sinfonismo. - En 2.012 se editaron dos viejos conciertos en directo: “Live at Abbey Road” (1.987) y “Music for piano and drums: Live in Maryland” (1.984) este último junto a Bruford. http://youtu.be/fQ-ktGaWYlg

Bueno pienso que por hoy esto es todo amigos.

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Eddie Jobson

Hola, nuevamente con vosotros para contaros la vida y milagros de los magos de las teclas. Esta vez hablaremos de un músico que no solo se maneja bien con los teclados, también domina a la perfección en manejo del violín. Eddie Jobson ha participados en grupos de renombre y a pesar de ello creo que no ha obtenido el reconocimiento que se merece. Comencé a tener noticias de él cuando estaba dentro de las filas de pero reconozco que no le presté mucha atención ya que el grupo no es uno de mis favoritos, ya se amigos que la banda es una de las que ha marcado una época pero su estilo está fuera de mis gustos personales. Mi contacto directo con Jobson fue a través del grupo “UK” y creo personalmente que fue la etapa más gloriosa de Eddie.

Edwin Jobson nació en 1.955 en la localidad inglesa de Billinghan, a los siete años comenzó a tocar el piano y el violín. Con tan solo dieciséis años pretendía entrar en la Royal Academic of Music pero la edad mínima para su admisión era de diecisiete años. Con un grupo de amigos de la universidad forma su primer grupo “Fat Grapple” y actuaron de teloneros de Fairpot Convention y con estos últimos incluso llegó a tocar en uno de sus temas. En 1.973 se produce una gran reforma en las filas de Curved Air y Jobson es reclutado para ocupar el puesto del teclista fruto de lo cual editan “” (1.973), la grabación no obtuvo los resultados esperados y Eddie abandono el grupo. 55

Para entonces Jobson ya tenía cierta reputación en el mundillo musical y por ello Bryan Ferry se acuerda de él para la grabación de su disco en solitario “These Foolish Things” (1.973). Ese mismo año Brian Eno abandona Roxy Music y es sustituido por Jobson con tan solo diecinueve años. Con esta popular banda grabaría tres discos en estudio, “Stranded” (1.973), “Country Life” (1.974) y “Siren” (1.975). En 1.976 grabarían un disco en vivo titulado “Viva” tras el cual la banda se separaría. Por cierto Jobson había intervenido en la grabación de “USA” (1.975) de los King Crimson, realizando unos “overdubs”. La relación con Ferry continúa interviniendo en su tercer disco en solitario “Let´s Stick Together” (1.976) y ese mismo año edita su primer EP conteniendo dos temas “Yesterday Boulevard” y “On a Still Night”. También participaría en el primer disco de Phil Manzaneda, “Diamond Head” (1.975) y posteriormente en su segundo disco “Listen Now” (1.977).

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Durante la última gira de Roxy Music, Jobson traba amistad con y en el 76 entra a formar parte del genial guitarrista. Podemos oír a Eddie en el disco “ “(1.978), grabaciones en vivo realizadas en 1.976.

En 1.977 y Bill Bruford (ex- King Crimson) trabajan en la formación de un nuevo grupo, “UK”, para ello cuentan con Eddie Jobson y con el guitarrista (, Gong). Con esta formación editan su primer disco en 1.978, una grabación cargada con temas progresivos con el toque dulzón de la voz de Wetton. Diversos problemas llevan a la salida de Allan y Bruford de grupo, el hueco es ocupado por el batería Terry Bozzio viejo conocido de Jobson de la época de Zappa. En el 79 editan “” y ese mismo año llegaría un disco en vivo “Night After Night”. Las diferencias entre Wetton y Jobson son notables, el bajista quería una línea más comercial del grupo, en 1.980 el grupo da por terminada su andadura. 57

La trayectoria de Jobson continua cuando Ian Anderson lo recluta para la grabación del disco de Jethto Tull titulado “A” y participa en la gira promocional de la grabación. Por otra parte Eddie tuvo una efímera estancia en el grupo “Yes”cuando Tony Kaye abandonó momentáneamente el grupo en 1.983, incluso llegó a aparecer en el video “Owner of a Lonely Heart”.

En 1.983 llega su primer disco en solitario “Zinc”, una grabación que a pesar de las buenas intenciones de Jobson resulta ser una especie de pop progresivo. Su segundo disco llegaría en 1.985, “”, metido de lleno en la “New Age” y utilizando los últimos artilugios electrónicos, incluido. Un disco relajante.

Durante los ochenta y los noventa Jobson estuvo dedicado a la composición de bandas sonoras para el cine y para la televisión (Nash Bridges, The Haunted Mansion, Brother Bear, etc.), incluso llego a recibir algunos premios por su labor compositiva en anuncios publicitarios. En 2.000 crea su propio sello discográfico “Globe Music Media Arts” y tras muchos años sin subirse a un escenario e el 2.008 participa en el festival de Kazan junto a Patti Smith, Fairport Convention y varios miembros de King Crimson. Previamenter había formado el grupo “UKZ” junto a Terry Gunn, Alex Marchacek, Marco Minnermann y Aaron Lipert, editando en 2.009 el EP “Radiation”.

En estos últimos años ha estado actuando junto a músicos de la talla de Marc Bonilla, Simon Phillips, Gary Husband (“Ultimate Zero Tour – Live” (2.010) e incluso ha reunido a John Wetton y Terry Bozzio para una gira de reunión de “UK”. En 2.013 realizó una gira por Japón. 58

Bueno amigos por hoy ya vale hasta la próxima.

http://youtu.be/OlcgIle1DiI