Portrætpris Carlsberg Foundation’S Portrait Award Foundation’S Carlsberg PORTRÆT NU!

2021 Carlsbergfondets Portrætpris Carlsberg Foundation’s Portrait Award Foundation’s Carlsberg PORTRÆT NU!

PORTRÆT NU! 2021 PORTRÆT NU!

Carlsbergfondets Portrætpris The Carlsberg Foundation’s Portrait Award

Samtidig portrætkunst i Norden Contemporary Nordic Portraiture

DET NATIONALHISTORISKE MUSEUM PÅ FREDERIKSBORG 2021 INDHOLD / CONTENT

PORTRÆT NU! PORTRÆT NU! Udstillingen vises 7. maj – 1. august 2021 i Prinsessefløjen Carlbergfondets Portrætpris på Frederiksborg 7

© Det Nationalhistoriske Museum på Frederiksborg 2021 Redaktion: Mette Skougaard og Thomas Lyngby PORTRAIT NOW! Oversættelse: Culturebites ApS / culturebites.dk The Carlsberg Foundation’s Portrait Award at Frederiksborg 11 Layout og tryk: Redhill Design & Print ISSN: 2245-9898 ISBN: 978-87-93049-38-3 Katalog / Catalogue 15 På omslaget: Selvportræt Udført af Pernille Helleskov Pedersen (kat.nr. 121)

Kunstnerindeks / Index of Artists 341 PORTRÆT NU! CARLSBERGFONDETS PORTRÆTPRIS PÅ FREDERIKSBORG

I 2021 afholder Det Nationalhistoriske Museum på Frederiksborg sin nordiske portrætkonkurrence for ottende gang. Som Danmarks nationale portrætgalleri ligger det lige for, at museet gerne vil stimulere interessen for denne kunstneriske genre blandt såvel kunstnere som vore potentielle gæster. Derfor har vi siden 2007 afholdt portrætkonkurrencen hvert andet år. Den er en åben invitation til nordiske kunstnere om at indsende et portræt, de har udført inden for de seneste par år. Konkurrencen modtager værker i alle kunstneriske medier. Malerier, skulpturer, fotos, videoer, installationer med videre deltager på lige fod. Det afgørende er, at en kunstner har søgt at skildre et menneske, som vedkommende selv har stået ansigt til ansigt med. Det er portrættet som menneskefremstilling, der er i centrum, ikke en særlig teknik. Fokus rettes mod det essentielle: Hvordan man kunstnerisk kan give en repræsentation af et menneskes karakter, person, køn, rolle, livsomstændigheder med videre.

Portrætter af tiden Portrættets historie er tæt knyttet til skiftende forestillinger om individet og det personlige – og dermed også det bagtæppe, som den enkelte træder frem på: samfundet og det almenmenneskelige. Det ser man også i de værker, der indsendes til portrætkonkurrencen. I hvert værk møder man et særegent menneske, der i den kunstneriske præsentation også henviser til noget, vi alle har et forhold til. Der har i hver af de nu otte portrætkonkurrencer været ikke planlagte metatemaer, som dels afspejler eksistensens relativt statiske problemstillinger, dels noget højaktuelt i tiden. Brygger J.C. Jacobsen, 1811-87, stifter af Carlsberg Bryggeriet, I 2021-udgaven af portrætkonkurrencen er et metatema, som mange kunstnere Carlsbergfondet og Det Nationalhistoriske Museum på Frederiksborg. har forholdt sig til, COVID-19 og det, pandemien gør ved den enkeltes tilværelse. Malet af August Jerndorff, 1886. Foto: Ole Haupt Der er eksempelvis de umiddelbart synlige tegn på pandemien, hvor kunstnere Brewer J.C. Jacobsen, 1811-87, founder of the Carlsberg Brewery, har portrætteret deres modeller iført mundbind. Ansigtet spiller en helt afgørende The Carlsberg Foundation, and The Museum of National History at Frederiksborg. Painted by August Jerndorff, 1886. Photo: Ole Haupt 7 rolle, når vi skal genkende hinanden og vurdere en andens følelser, intentioner møder i portrætkonkurrencens værker, er ukendte i offentligheden, og man kom- og sindstilstand. Det gælder ikke bare i den klassiske portrætkunst, men også mer næppe til at stifte nærmere bekendtskab med dem, men de afspejler måder i alle mulige situationer i dagligdagen. Ansigtsmaskerne er et konkret fysisk at være menneske på under vilkår, som vi alle må forholde os til. vidnesbyrd om virussens tilstedeværelse, den måde vi søger at beskytte os mod den, og det, mundbindet betyder for vores måde at interagere med hinanden på – Udstilling og prisvindere når vi eksempelvis ikke længere så let kan aflæse udtrykket hos dem, vi møder, De indsendte værker er blevet vurderet af en international jury bestående af ekspedienten i butikken eller lægen, der stiller en diagnose. Christopher Baker, direktør for europæisk og skotsk kunst og portrætkunst ved Blandt de mange portrætter, hvor den afbildede bærer mundbind, er den sven- The National Galleries of Scotland i Edinburgh, Alison Smith, ledende muse- ske kunstner Cecilie Sjölunds Distance (kat.nr. 133). Det paradoksale er, at vi på umsinspektør ved National Portrait Gallery i London, Mikhail Ovchinnikov, en måde bliver mere individualiserede og mindre sociale, når vi kommer mere på vicedirektør for Fabergé-museet i Sankt Petersborg, Pontus Ljungberg, direktør distance af hinanden, men samtidig mister vi også noget af den genkendelighed for Ljungbergmuseet i Småland og Mette Skougaard, direktør for Det Nationalhi- som unikke skabninger, når vi er iført de éns masker, der fjerner en del af vores storiske Museum på Frederiksborg. særegne udtryk. I alt har 1153 kunstnere indsendt deres værker, heraf 819 fra Danmark, 121 En anden gruppe af de indsendte corona-relaterede portrætter skildrer den fra Sverige, 89 fra Finland, 70 fra Norge, 40 fra Island, 6 fra Færøerne, 5 fra isolation, som samfundets delvise nedlukning har været med til at skabe. Der er Grønland og 3 fra Ålandsøerne. Der er udvalgt 151 portrætter til udstillingen, Karen Aarres portræt af den norske skuespiller Ane Dahl Torp, der hjemme på 89 fra Danmark, 15 fra Sverige, 20 fra Finland, 16 fra Norge, 6 fra Island, 2 fra sengen øver sin næste rolle, som hun håber at kunne spille, når teatre og biografer Færøerne og 3 fra Grønland. Det har været en vanskelig opgave for juryen at finde kan genåbne (kat.nr. 151). Allison Barry Rosenlund har i værket Melankoli skil- frem til prinsvinderne. Der uddeles som vanligt en 1., 2. og 3. pris, dertil fem dret sin teenagesøn, der sidder hjemme ved køkkenbordet (kat.nr. 127), og Helen specialpriser og to “Young Talent”-priser til kunstnere, der er under 25 år gamle. Kholin har taget et foto af sig selv med hovedet på et blankt bord, der reflekterer Museet vil gerne takke medlemmerne af den internationale jury for den store efterårssolens stråler – titlen er Mig, mit skrivebord og en stråle af håb – selviso- indsats med at bedømme de mange værker. Dertil kommer den største tak til alle lering nr. 4 (kat.nr. 79). kunstnere, som har deltaget i konkurrencen. Hvert og et af de portrætter, der var Andre værker sætter fokus på de personer, der særligt er blevet ramt af coro- tilmeldt, er et kunstværk i sin egen ret – vidnesbyrd om en fortolkning af et men- naens samfundsøkonomiske konsekvenser. Den danske fotograf Peter Dahlerup neske, som den pågældende kunstner har mødt. Vi håber, at publikum vil få stor har skildret en minkfarmer i blå overalls, der efter at have aftaget sit mundbind glæde af udstillingen. puster ud mellem træstammer, mens han tager sig til hovedet (kat.nr. 37). Islandske Þórdís Erla Ágústdottír skildrer i den dokumentariske fotoserie Unknown Heroes Mette Skougaard det sundhedspersonale, der udgør frontkæmperne imod sygdommens frygtede museumsdirektør konsekvenser (kat.nr. 11). Der kan nævnes mange flere måder, hvorpå corona har influeret på årets por- trætkonkurrence. Portrætkonkurrencen giver således foruden et indblik i, hvad der rører sig i denne kunstneriske genre her og nu, også en fornemmelse for, hvad der er centralt for tidens menneskelige eksistens. De fleste af de personer, man

8 PORTRAIT NOW! THE CARLSBERG FOUNDATION’S PORTRAIT AWARD AT FREDERIKSBORG

The 2021 Nordic portrait competition at The Museum of National History at Fred- eriksborg is the eighth one of its kind. As Denmark’s national portrait gallery, it goes without saying that the museum aims to kindle interest in portraiture, not only among artists but also among our potential visitors. That is why, since 2007, we have held the portrait competition every other year. It is an open invitation to Nordic artists to submit a portrait they created within the past few years. The competition is open to works in all artistic media. Paintings, sculptures, photos, videos, installations etc. are all given equal consideration. What is crucial is that an artist must have sought to portray a human being with whom he or she has had personal contact. It is the portrait as a representation of a human being that is paramount, rather than a special technique. The portrait should focus on essentials, depict in art a person’s character, personality, gender, role, life etc.

Portraits of the age The history of the portrait is closely associated with changing notions of what is individual and personal; thus, also the backdrop against which an individual appears: social and universal. This is also evident in the works submitted for the portrait competition. In each work we encounter a distinctive person who, in the way he or she is represented artistically, also refers to something to which we all relate. Each of our previous portrait competitions had unintentional meta-themes, reflecting partly the relatively static issues of existence, and partly something highly topical at the time. In the 2021 portrait competition such a meta-theme has been COVID-19 and the impact the pandemic has had on our lives. There are some obvious signs of the pandemic. Some artists have portrayed their models wearing face masks. The face plays an absolutely crucial role when it comes to recognising one another and gauging the feelings, intentions and state of mind of another person. This applies

11 not only to classical portrait art, but also to everyday situations. Face masks are Exhibition and prize winners physical evidence of the presence of the virus, the way we seek to protect ourselves The works submitted for the competition were judged by an international jury from it, and what the face mask means in terms of the way we interact with each consisting of: Christopher Baker (Director of European and Scottish Art and Por- other: for example, when we can no longer read the expression of the people we traiture at the National Galleries of Scotland in Edinburgh); Alison Smith (Chief meet, the shop assistant or the doctor making a diagnosis. Curator at the National Portrait Gallery in London); Mikhail Ovchinnikov (Deputy One of the many portraits, in which the subject is wearing a face mask, is Dis- Director of the Fabergé Museum in St Petersburg); Pontus Ljungberg (Director of tance by the Swedish artist Cecilie Sjölund (cat.no. 133). What is paradoxical is the Ljungberg Museum in Småland, Sweden); and Mette Skougaard (Director of that while, in a way, we become more individualised and less social when we are the Museum of National History at Frederiksborg). distanced from other people, we also lose some of our recognisability and unique- A total of 1,153 artists submitted their works: 819 from Denmark, 121 from ness when wearing identical masks that eradicate part of our distinctive expression. Sweden, 89 from Finland, 70 from Norway, 40 from Iceland, 6 from the Faroe Another group of corona-related portraits that were submitted depicts the Islands, 5 from Greenland and 3 from the Åland Islands. 151 portraits were se- isolation to which the partial lockdown of society led. Take, for example, Karen lected for the exhibition: 89 from Denmark, 15 from Sweden, 20 from Finland, Aarre’s portrait of the Norwegian actress Ane Dahl Torp, rehearsing her next role 16 from Norway, 6 from Iceland, 2 from the Faroe Islands and 3 from Greenland. at home in bed: a role she hopes to be able to play when theatres and cinemas can The jury found it extremely difficult to decide on the prize winners. As usual we re-open (cat.no. 151). In her work Melancholy, the artist Allison Barry Rosenlund will award a 1st, 2nd and 3rd prize. In addition, we will award five special prizes has portrayed her teenage son sitting at home at the kitchen table (cat.no. 127); and two “Young Talent” prizes to artists under the age of 25. while Helen Kholin took a photo of herself with her head on a shiny table that The museum would like to thank the members of the international jury for reflects the rays of the autumn sun. This work is entitled Me, my table and the their hard work in judging the numerous works. But most of all we would like to sunray – self-isolation No. 4 (cat.no. 79). express our gratitude to all the artists who entered the competition. Each and every Other works focus on individuals who have been particularly impacted by the one of the portraits that were submitted is a work of art in its own right: evidence socio-economic consequences of the corona pandemic. The Danish photographer of the interpretation of a person that the artist has met. We hope that visitors will Peter Dahlerup has portrayed a mink farmer in blue overalls who, after taking really enjoy this exhibition. off his face mask, is exhaling among logs and clutching his head (cat.no. 37). In the documentary photo series, Unknown Heroes, the Icelandic artist Þórdís Erla Mette Skougaard Ágústdottír depicts health staff – the front-line soldiers struggling to combat the Museum Director dreaded consequences of the disease (cat.no. 11). Corona has influenced this year’s portrait competition in many different ways. Thus, as well as providing an insight into current trends in this artistic genre, the portrait competition also gives us a sense of what is key to the existence of humankind right now. Most of the people we encounter in the works in the portrait competition are unknown to the public, but they reflect ways of being human in conditions that we all have to relate to.

12 KATALOG CATALOGUE 1 FØRSTEPRIS / FIRST PRIZE

Jon Bøe Paulsen (* 1958) Norge / Norway Siste Brev / The Last Letter Olje på lerret / Oil on canvas 70 x 100 cm

Jeg utfører få kunstverk for tiden, men til gjengjeld gjennomarbeider hver enkelt mer grundig enn noensinne. Utilsiktet var godt rustet for isolasjon, siden jeg har atelier hjemme og har i flere år deltatt på utvalgte figurative kunstnettkonkurranser over hele verden. ARC Living Master, New Jersey, USA. Separat og kollektiv utstillinger i Norge, USA, England, Spania og Frankrike. Maleriet Siste Brev. Hun mottar det siste brevet fra slektninger, som er i ferd med å bukke under av pandemien. Jeg har brukt min samboer Heidi Kelday som modell. Inspirasjonen kom faktisk fra et virkelig ekte brev fra hennes niese bosatt på Hawaii, USA, som hadde tenkt å flytte, men smittefaren ved COVID-19 har hittil gjort dette vanskelig.

Right now I only produce very few artworks, but I work far more thoroughly on each of them than ever before. I was unintentionally well equipped for isolation, since I have a studio in my home and have been entering various figurative art network competitions all over the world for several years. ARC Living Master, New Jersey, USA. Solo and group exhibitions in Norway, USA, England, Spain and France. The painting The Last Letter. She is receiving the final letter from a relative who is about to fall victim to the corona epidemic. I used my girlfriend, Heidi Kelday as a model. In fact, the inspiration came from a real letter from her niece, who lives in Hawaii and who was planning to move. But so far the risk of COVID-19 infection has made it difficult.

16 17 Juryen tildeler førsteprisen til Jon Bøe Paulsen med følgende begrundelse: The jury awards the First Prize to Jon Bøe Paulsen with the following citation:

Osökt associerar jag direkt till George de la Tour, en av barockens ljusdunkelmä- Seeing Jon Bøe Paulsen’s painting, The Last Letter, I immediately think of Georges stare, när jag först möter Jon Bøe Paulsens mäktiga målning Siste brev. Målningen de la Tour, one of the great Baroque masters of chiaroscuro. The painting depicts föreställer konstnärens sambo som läser ett sista brev från en långväga släkting the artist’s girlfriend reading a final letter from a far-away relative who is about på väg att förgås av pandemin. En pandemi som lamslagit världen i över ett år. to fall victim to the pandemic: a pandemic that has paralysed the world for more En barockmålning i samtiden! I övrigt är det svårt att hitta specifika detaljer som than a year. A Baroque painting for our times! Incidentally, it is difficult to pin tidsplacerar bilden. Det är ett tidlöst måleri. down specific details that date the picture. It is a timeless painting. Ur ljusdunklet framträder kvinnans händer och ansikte, målade med skärpa The hands and face of the woman, painted clearly and masterfully, emerge och säkerhet. I ett realistiskt måleri är det särskilt viktigt att just händer är from the shadowy background. In a realistic painting, a credible, correct depiction trovärdigt och riktigt återgivna. Här finns ingen tvekan. Betraktarens öga dras of hands is particularly important. Here, there is no doubt. The viewer’s gaze is oemotståndligt till det centrala brevet, som är genombelyst, nästan självlysande. irresistibly drawn to the letter in the centre. It is illuminated and almost luminous. Det får textinnehållet att framträda spegelvänt för betraktaren, man tror sig delaktig It produces a mirror image of the text and you think you can read it. The woman i texten. Kvinnan läser med ett bekymrat och lite ängsligt ansiktsuttryck. Man reads with a worried, slightly anxious expression. We got an impression of the anar allvaret i texten. Ur dunklet framträder händerna, speglingen i glasögonen, seriousness of the letter's content. The hands, the reflection in the glasses, the örhänget, glansen i det rödaktiga håret, den gröna scarfen, brevet … och allt är earring, the lustre of the red hair, the green scarf and the letter emerge from the mästerligt målat! darkness … and every detail is painted masterfully! Associationen till George de la Tour visar sig inte helt fel då Jon Bøe Paulsens It would seem that the association with Georges de la Tour is not entirely arbetsmetod är ungefär densamma som barockmålarnas. Jon Bøe Paulsen berättar: erroneous, because Jon Bøe Paulsen’s method of working is almost the same as “När det kom till målningen Siste brev, var jag tvungen att ställa upp min modell that of the Baroque painters. In Jon Bøe Paulsen’s words: “When I was painting och sambo på en tablå i vårt vardagsrum och ta bilder av henne eftersom det är The Last Letter I had to place my model (my girlfriend) in a tableau in our living ett motiv utan dagsljus. Hon håller det senaste brevet från en släkting som håller room and take photos of her, since it is a motif with no daylight. She is holding the på att ge efter för pandemin. Målarduken täcks med en grund av Raw Umbra. final letter from a relative who is about to fall victim to the pandemic. The canvas Denna bakgrund är aktiv genom hela målningsprocessen eftersom den har samma is covered with a base of raw umber. This background is active throughout the färg som skuggan i människokroppen. Detta är en gammal teknik som användes painting process, since it has the same colour as the shadow of the human body. av barockmålarna”. It is an ancient technique, and one that the Baroque painters used.” Jon Bøe Paulsen har lyckats att fånga ett mänskligt samtidsdrama med målar- Jon Bøe Paulsen has succeeded in deploying a Baroque painting technique teknik från barocken i ett tidlöst måleri. Det är skickligt, stämningsfullt och des- to capture a contemporary human drama in a timeless painting. It is a skilful, sutom, inte minst viktigt, ett utsökt vackert måleri, som utan att vara sentimentalt atmospheric and, most importantly, exquisitely beautiful painting, which, without eller insmickrande lätt söker sig till betraktarens öga. Och dröjer sig kvar där! being sentimental or flattering, easily captures the viewer’s gaze. And will not let it go! Pontus Ljungberg Pontus Ljungberg

18 19 2 ANDENPRIS / SECOND PRIZE

Dag Aronson (* 1944) Norge / Norway Andrea, girl between chairs Olie på lærred / Oil on canvas 130 x 160 cm

Jeg er født og opvokset i Vesterålen i Nordnorge, men nu bosat i Danmark. Den nordlandske natur vil altid på en eller anden måde være til stede i mine billeder. Jeg søger og undersøger tidlige erindringsbilleder. Jeg er autodidakt kunstner, men medlem af Billedkunstnernes Forbund (DK) og Kunstnersamfundet/Akademirådet (DK). Som selvlært kunstner har jeg lært ved at kopiere og parafrasere over temaer fra de mest kendte klassikere; kigget de store mestre over skuldrene. Søgt deres indsigt for at forbinde nutid og fortid. I mit portræt Andrea, girl between chairs er jeg optaget af perioden mellem barn/ung og mellem ung/voksen. Det er denne overgangsfase jeg undersøger. Pigen placeret mellem to stole, hvad betyder det? Er hun på vej til at “falde mellem to stole”, eller læner hun sig op ad dem for at få støtte?

I was born and raised in Vesterålen in Northern Norway, but now live in Denmark. The nature of Nordland will always be present in my pictures in some sort of way. I probe and examine early images from my memory. I am a self-taught artist, but a member of Danish Visual Artists (BKF) and the Royal Danish Academy of Fine Arts/Society of Artists. As a self-taught artist, I learned by copying and paraphrasing themes from famous classic works, looking over the shoulders of the great masters, scrutinising their insights in an attempt to connect present and past. My portrait Andrea, girl between chairs is all about the periods between childhood and youth, and between youth and adulthood. I am examining this transitional phase. The girl is placed between two chairs. What does that mean? Is she about to ‘ fall between two chairs’ or is she leaning against them for support?

20 21 Juryen tildeler andenprisen til Dag Aronson med følgende begrundelse: The jury awards the Second Prize to Dag Aronson with the following citation:

Dette portræt har en iøjnefaldende komposition, hvor figuren er placeret lidt This portrait has a striking composition, with the figure placed just off centre be- forskudt for midten mellem to tunge, røde lænestole. Det smalle, men dristige tween two heavy red armchairs. The narrow but bold choice of contrasting colour valg af kontrasterende farver og nuancer er med til at skabe en stram struktur, and tone helps tighten the structure enhancing the overall sense of counterpoise. der forstærker den generelle følelse af balance. Den røde farve komplementeres Red is complemented by green and the dark wedge at the top of the picture is af den grønne, og den mørke kile øverst i billedet modsvares af det skyggefulde echoed by the shadowy area that anchors Andrea’s feet at its lower edge. The jury område, som forankrer Andreas fødder ved dets nederste kant. Juryen beundrede admired the bold painterly technique and playful shift between abstraction and den dristige maleteknik og det legende skift mellem abstraktion og figuration; representation; the tension between these elements suggests balance but also a spændingen mellem disse elementer antyder en balance, men også en følelse af sense of confinement and unease with the figure of Andrea poised precariously indespærring og ubehag, idet Andreas skikkelse står usikkert mellem stolene. between the chairs. Dag Aronson har kendt Andrea, siden hun var barn, og malede sit første por- Dag Aronson has known Andrea since she was a child and made his first træt af hende, da hun var syv år. Da hun blev 13, malede han et portræt af hende, portrait of her when she was seven. When she reached thirteen he made a portrait der var inspireret af Edvard Munchs berømte maleri Pubertet, som forestiller en of her inspired by Edvard Munch’s famous painting Puberty which shows a young ung pige, der sidder nervøst på kanten af en seng. “Jeg var fascineret af Munchs woman posed anxiously on the edge of a bed: “I was fascinated by Munch’s painting maleri, fordi det afbilder den sårbare og ufærdige tilstand, der karakteriserer because it depicts that vulnerable unfinished state which characterises puberty puberteten og ungdommen.” Andrea, girl between chairs er en videreudvikling af and youth.” Andrea, girl between chairs is a development of the earlier work and det tidligere værk og fremstiller den 16-årige Andrea på tærsklen til voksenlivet presents the sixteen-year-old Andrea on the brink of adulthood uncertain of her og usikker på sin fremtid. De to tunge stole, der omgiver hende, kunne ses som future. The two heavy chairs that surround her could be symbolic in this respect, værende symbolske i den sammenhæng, som kunstneren forklarer: “Maleriet er as the artist explains: “although the painting is open to interpretation, the chairs åbent for fortolkning, men stolene kunne repræsentere det bekvemme middelklas- could represent the comforts of middle-class life, something familiar which is dif- seliv, noget velkendt, som det er vanskeligt for et ungt menneske at forkaste eller ficult for a young person to oppose or struggle against. The girl may fall between kæmpe imod. Pigen sætter sig måske mellem to stole, eller også støtter hun sig til the chairs or lean on them for support as she passes through this transitional stage dem, mens hun går gennem denne overgangsfase i sit liv.” of life”.

Alison Smith Alison Smith

22 23 3 TREDJEPRIS / THIRD PRIZE

Stinne Fuglsbjerg (* 1977) Danmark / Denmark Ingemann Pastel på sort papir / Pastel on black paper 60 x 42 cm

Jeg er født og opvokset i Jylland, uddannet multimediedesigner og bor i dag i København, hvor jeg arbejder som grafiker. Jeg beskæftiger mig mest med at tegne, men også med at male og fotografere. I øjeblikket arbejder jeg på en række tegninger, som skal udstilles til november. Derudover er jeg i gang med at tegne forsiden til den femte bog i en serie om vikinger. I mit portræt møder vi Peter Ingemann – en mand, som har meget på CV’et inden for dansk musik. En stærk personlighed med humor og et glimt i øjet er nogle af de ting, der beskriver ham bedst, og det, som jeg har forsøgt at få frem i portrættet. Her er Ingemann fanget en aften, hvor han øver med nogle af vennerne. Monoklen bærer han med sig til alle tider og er hans særlige kendetegn. Jeg elsker at fordybe mig i en tegning og går meget op i detaljer, udtryk og stemning.

I was born and raised in Jutland and trained as a multimedia designer. Today I live in Copenhagen, where I work as a graphic designer. I mostly draw, but I am also a painter and photographer. Currently I am working on a number of drawings that will be exhibited in November. I am also drawing the cover for the fifth volume in a series of books about Vikings. In my portrait we meet Peter Ingemann. He has accomplished a great deal in the world of Danish music. He can best be described as a strong character with a sense of humour and a twinkle in the eye, and that is exactly what I attempted to render in the portrait. I depicted him on an evening while he was rehearsing with some of his friends. He has his monocle with him at all times. It is his special hallmark. I love immersing myself in a drawing. Details, expression and mood are very important to me.

24 25 Juryen tildeler tredjeprisen til Stinne Fuglsbjerg med følgende begrundelse: The jury awards the Third Prize to Stinne Fuglsbjerg with the following citation:

Kunstneren har forklaret: “Mit portræt forestiller Ingemann, en dansk bassist og The artist has explained: ”my portrait depicts Ingemann, a Danish bassist and sanger født i 1943. Han begyndte at spille rigtig meget i 1960’erne, samtidig med at singer, born in 1943. He started playing a lot in the 1960s while becoming an han uddannede sig til revisor. Siden midten af 90’erne har han hovedsagelig arbejdet accountant at the same time. Since the mid-90s he has spent most of his time as som revisor, men han elsker stadig at optræde på musikscenen. Ingemann har en an accountant but still enjoys performing on the musical scene. Ingemann has a stærk personlighed og en veludviklet sans for humor og har altid et glimt i øjet.” strong personality and a great sense of humour and always a twinkle in his eye.” Portrættet er baseret på et fotografi, som er taget en aften, og omhyggeligt udført The portrait was based on a photograph taken one evening and carefully worked i pastel. Det vækker umiddelbart beundring på grund af det tekniske raffinement up in pastel. It immediately prompts admiration because of its technical sophis- og det forfinede monokrome arbejde. Figuren træder frem fra den mørke baggrund, tication as a refined, monochrome work. The figure emerges from the darkness, hans ansigtstræk er omhyggeligt defineret, og det samme gælder hans intense, lidt with his facial features meticulously defined, as is his intense, slightly fierce gaze vilde blik og gråsprængte hår. Lyset rammer glasset i hans monokel og kanten af and greying hair. Light catches the glass on his monocle and the edge of his ear, hans øre og forstærker indtrykket af noget konkret og virkeligt. Dette er tydeligvis adding to the impression of tangible volume and reality. While clearly a powerful et kraftfuldt, moderne portræt, men indbyder også på en fascinerende måde til contemporary portrait, this work also in a fascinating way prompts comparision sammenligning med ældre traditioner, såsom det tidlige fotografi og værkerne with older traditions – such as early photography and the creations of great pastel af store pastelspecialister fra fortiden, som fokuserede på det monokrome, for specialists of the past who focused on using monochrome, like Seurat. The power eksempel Seurat. Billedets kraft og enkelhed og dets evne til at opsummere den and simplicity of the image, along with its ability to summon up such thoughts is slags tanker er meget raffineret og gør det til en værdig prisvinder. very sophisticated and means that it is a worthy prize winner.

Christopher Baker Christopher Baker

26 27 4 SPECIALPRIS / SPECIAL PRIZE

Niklas Asker (* 1979) Sverige / Sweden Piercer Olie på plade, gammel syæske / Oil on panel, old sewing kit 30 x 21 cm (maleri / painting) & 20 x 27 x 5 cm (syæske / sewing kit)

Niklas Asker er født i Nordingrå, Sverige. Han har studeret kunst ved Konstskolan Kuben og Örebro Konstskola og tegneserietegning ved Serieskolan i Malmö. Efter at have arbejdet i den internationale tegneserieindustri i en årrække begyndte han at male og lærte sig selv at arbejde i olie. Billedet Piercer forbinder fortid og nutid. Det skildrer den unge kvinde Frida, som piercer sit øre med en af sin bedstemors synåle. Maleriet er monteret på hendes bedstemors gamle syæske for at minde os om værkets forbindelse med det virkelige liv. Trææsken fungerer samtidig som en erstatning for en traditionel ramme. Det er et billede af en forbindelse over tid, men også af traditionens vægt og de sociale udfordringer for kvinder før og nu.

Niklas Asker was born in Nordingra, Sweden. He has studied art at Konstskolan Kuben and Örebro Konstskola and comics at Malmö Comics Art School. After working in the international comics industry for several years he started painting, teaching himself how to work with oil. The work Piercer connects present and past. It depicts the young woman Frida piercing her ear with one of her grandmothers sewing needles. The painting is mounted on her grandmothers old sewing kit to remind us of the works connection to real life. The wooden box also works as a substitute for a traditional frame. It is an image of connection over time but also the weight of tradition and the social challenges of women now and then.

28 29 Juryen tildeler en specialpris til Niklas Asker med følgende begrundelse: The jury awards a Special Prize to Niklas Asker with the following citation:

Niklas Askers målning Piercer föreställer en ung kvinna, Frida, som är i färd Niklas Asker’s painting Piercer depicts a young woman, Frida, who is about to med att göra hål i örsnibben. Det är en liten, på samma gång både stillsam och pierce a hole in her earlobe. It is a small, peaceful, yet intense painting. Peaceful, intensiv målning. Stillsam tills man upptäcker nålen som sticks in i örsnibben. that is, until you notice the needle inserted into her earlobe. The image conveys Då kan bilden förmedla både smärta och obehag. Genom att den lilla målningen both pain and discomfort. The combination of the small painting and an object kombineras med ett objekt blir verkan nästan monumental. Objektet är Fridas has an almost monumental effect. The object is Frida’s grandmother’s sewing box, mormors syskrin från vilket nålen hämtats. Syskrinet är ett gammalt arvegods och from which the needle comes. The sewing box is an old heirloom, evoking the för tanken bakåt i tiden. Det upprättar en förbindelse mellan då och nu. Kanske past. It creates a connection between past and present. Maybe also a reminder of också en påminnelse om kvinnorollen. the role of women. Konstnären skapar genom kombinationen med syskrinet en länk mellan mål- By incorporating the sewing box, the artist creates a connection between the ningens fiktiva värld och “verkligheten”. Niklas Asker försöker hitta nya sätt att fictional world of painting and ‘reality’. Niklas Asker seeks to find new ways of arbeta med figuren och det klassiska porträttet. Hans porträtt är oftast inte direkta approaching the human figure and the classic portrait. Often, his portraits are porträtt av specifika personer utan snarare visualiseringar av olika tillstånd. Niklas not direct portraits of specific people, but rather visualisations of various states. Asker har alltmer kommit att intressera sig för rummet, att bygga broar mellan Niklas Asker has become increasingly interested in space, bridging the gap between verken och rummet de befinner sig i. För att uppnå detta använder han sig av tyg, the work and the space in which it is located. To that end, he uses fabric, stones, sten, objekt, skulpturer etc. I Piercer genom kombinationen med syskrinet. objects, sculptures etc. In Piercer it is the combination with the sewing box. Niklas Asker har i Piercer genom ett innovativt tillvägagångssätt lyckats fånga In Piercer, Niklas Asker has succeeded in capturing a human moment with an ett mänskligt ögonblick. Genom kombinationen mellan objektet och ett skickligt innovative approach. By combining the object with a skilfully executed painting, utfört måleri har Niklas Asker skapat en spännande monumental helhet. Porträttet Niklas Asker has created an exciting, monumental entity. The portrait is evoca- är stämningsfullt och dessutom, inte minst viktigt, ett utsökt vackert måleri, som tive and, most importantly, an exquisitely beautiful painting, which, without being utan att vara sentimentalt eller insmickrande lätt söker sig till betraktarens öga. sentimental or flattering, easily captures the viewer’s gaze. And will not let it go! Och gärna dröjer sig kvar där! Pontus Ljungberg Pontus Ljungberg

30 31 5 SPECIALPRIS / SPECIAL PRIZE

Jørgen Geisted (* 1949) Danmark / Denmark Blandt Venner / Among Friends Olie på lærred / Oil on canvas 128 x 80 cm

Jørgen Geisted er autodidakt og debuterede på Charlottenborg Forårsudstilling i 1976 og Kunstnernes Efterårsudstilling i 1977. Han var en del af 1980’ernes danske ny-realisme og medstifter af sammenslutningen Dansk Figuration. Re- præsenteret på Museum Fuglsang, Skive Kunstmuseum og Kobberstiksamlingen (Statens Museum for Kunst). Forfatteren Per Højholt sagde engang, at noget af det eneste, man som kunstner aldrig måtte gøre, var at tage af hovedstolen. Jeg gør næsten ikke andet. Jeg øser af min hovedstol. Jeg maler mig selv, skildrer min tilværelse, går så tæt på, jeg kan, fordi jeg ved at gøre sådan ikke blot fortæller om mig selv, men om alle mennesker, for jeg er ikke anderledes end alle andre. Vi er alle spærret inde i den samme gådefulde eksistenslabyrint.

A self-taught artist, Jørgen Geisted made his debut at the 1976 Charlottenborg Spring Exhibition and the 1977 Artists’ Autumn Exhibition. He was part of the Danish Neo-realism movement of the 1980s and a co-founder of the association, Dansk Figuration. He is represented at Fuglsang Museum, Skive Museum and the Royal Collection of Graphic Art (National Gallery of Denmark). I draw on myself and my life. I paint myself, portray my life and get as close as I can. You see, by doing so, I am describing not only myself, but also everyone, because I am no different from everyone else. We are all trapped in the same, en- igmatic, existential maze.

32 33 Juryen tildeler en specialpris til Jørgen Geisted med følgende begrundelse: The jury awards a Special Prize to Jørgen Geisted with the following citation:

Kunstneren står som det absolutte midtpunkt i forgrunden af kompositionen. Han The artist is at the very centre of the composition’s foreground. He is holding a har palet og malergrej i hånden og er vendt lige mod os, som han iagttager med palette and painting accessories and is facing us head on with a direct and serious et direkte og alvorligt blik. Det er som siger han: “Her er jeg”. look. “Here I am,” is what he is saying. Bag ham er han omkranset af personer og en maske. Nogle er offentligt kendte. Behind him he is surrounded by people and a mask. Some are familiar public Øverst til venstre ses således musikeren og forfatteren Eik Skaløe, nederst til højre figures. At the top left is the musician and author Eik Skaløe; at the bottom right, den tyske, romantiske digter Novalis. De øvrige kender vi måske ikke, men der the German romantic poet Novalis. We may not know the other people, but there er ikke tvivl om, at de har en betydning for portrættets hovedperson. Kunstneren is no doubt that they are significant to the portrait’s protagonist. The artist says oplyser, at det er en kunsthistoriker (Folke Kjems), en skolekammerat, som introdu- they are an art historian (Folke Kjems), a school friend who introduced him to the cerede ham til Bob Dylans musik, hans moder som yngre og hans veninde. Øverst music of Bob Dylan, his mother as a young woman and his girlfriend. At the top til højre ser man kunstneren selv med vinterhue, mens masken er en polynesisk right is the artist himself wearing a woolly winter hat, while the mask is a Poly- træskulptur, som afspejler hans store interesse for “primitiv” kunst. Bagest ses nesian wooden sculpture, reflecting his passion for “primitive” art. At the back en sky-line, der ligner huse fra et københavnsk brokvarter. Sammen med et lille is a skyline resembling houses in one of Copenhagen’s bridge neighbourhoods. Dannebrogsflag angives hermed den geografiske og nationale placering. Together with a small Dannebrog flag, they lend a geographical and national set- Med sit selvportræt maler Jørgen Geisted sig ind i en særlig genre, hvor kunst- ting. neren i dobbelt forstand er til stede – vi møder hans kunstneriske udtryksmåde In his self-portrait, Jørgen Geisted paints himself into a special genre, where og stil, og oplever på samme tid, hvordan han under arbejdet har set på sig selv, the artist is present in two ways. We encounter his artistic mode of expression og hvordan han ønsker at præsentere sig for omverdenen. and style, while also sensing how he looked at himself while working, and how he Det gode selvportræt fortæller imidlertid ikke alene om den ydre fremtoning. wishes to present himself to the outside world. Det giver også indblik i kunstnerens væsen og karakter. På Jørgen Geisteds Blandt But a good self-portrait is not only about external appearance. It also provides Venner får vi på en meget konkret og samtidig fantasifuld måde en beskrivelse af insight into the artist’s nature and character. Jørgen Geisted’s Among Friends pro- kunstnerens egen historie, hans interesser og personlighed; vi møder de mennesker, vides a very tangible, yet highly imaginative description of the artist’s own story, der har haft betydning for ham og bliver introduceret til hans forhold til musik, his interests and personality. We encounter the people who have been important to poesi og kunst. Med tydelig reference til Albrecht Dürers berømte selvportræt him and we are introduced to his relationship to music, poetry and art. Referring fra år 1500 afspejler værket også vigtige kunstneriske inspirationskilder, som clearly to Albrecht Dürer’s famous self-portrait from 1500, the work also reflects forbinder det højst nutidige med en lang kunsthistorisk tradition tilbage til den important sources of artistic inspiration, bridging the gap between contemporary tidlige renæssance. Juryen tildeler Jørgen Geisted en specialpris for værket Blandt art and a long tradition of art history dating back to the early Renaissance. The Venner, der på en særegen og original måde tilføjer nye facetter til selvportrættet jury awards a special prize to Among Friends for its unique, original way of adding som genre. new facets to the self-portrait as a genre.

Mette Skougaard Mette Skougaard

34 35 6 SPECIALPRIS / SPECIAL PRIZE

Liisa Hietanen (* 1981) Suomi / Finland Aulis Uld, uldblanding, bomuld, polyester skum, vattering, armeringsjern, stål / Wool, mixed wool, cotton fabric, polyester foam, wadding, rebar, steel 175 x 65 x 120 cm

Liisa Hietanen er født i Lohja, Finland. Hun blev uddannet bachelor i design fra Lahti Universitet for Anvendt Videnskab i 2007 og Bachelor i kunst fra Tampere Universitet for Anvendt Videnskab i 2012. Hun bor og arbejder i Hämeenkyrö, Finland. Hietanen arbejder for tiden på en serie med titlen Villagers. I denne serie afbilder hun mennesker fra sin hjemby i hæklede og strikkede skulpturer. Aulis er et portræt af en ældre mand, som indgår i serien Villagers. Jeg møder mine modeller i naturlige dagligdags situationer. Processen med at vælge en model er intuitiv. Jeg mødte af og til Aulis på markedspladsen om lørdagen. Det er ikke helt almindeligt, at nogen letter på hatten, når man møder dem på gaden, og den gestus gav mig absolut lyst til at lære ham at kende.

Liisa Hietanen was born in Lohja, Finland. She graduated as Bachelor of Design from Lahti University of Applied Sciences in 2007 and as Bachelor of Fine Arts from Tampe- re University of Applied Sciences in 2012. She lives and works in Hämeenkyrö, Finland. Hietanen is currently working on a series called Villagers. In the series she depicts people from her home town in crocheted and knitted sculptures. Aulis is a portrait of an elderly man that is a part of the series Villagers. I meet my models in natural everyday situations. The process of choosing a model is intuitive. I met Aulis occasionally on the marketplace on Saturdays. It is not common to have someone lift their hat when you meet them on the street and that is a gesture that definitely invited me to get to know him.

36 37 Juryen tildeler en specialpris til Liisa Hietanen med følgende begrundelse: således udstillet, for eksempel på det lokale bibliotek, hos grønthandleren eller på en restaurant. At arbejde i lokalsamfundet er en essentiel del af Hietanens Den livagtige skulptur viser en ældre herre, der støtter sig til sin rollator, hvis kurv virke, og hun ønsker at skabe en dialog med de mennesker, hun lever iblandt. rummer en indkøbspose. Pensionisten, man møder på gaden på vej til at handle, Med løkkerne i sit garn forbinder hun sig med sine modeller og skaber tråde ud i og som med sit neddæmpede tøj og hele fremtoning ikke gør noget væsen af sig. det samfund, de er en del af. Det er en hverdagssituation og hele figuren fremstår hverdagsagtig. Den giver Juryen tildelder Hietanen en specialpris for dette enestående værk, som ud ved første øjesyn mindelser om den amerikanske billedhugger Duane Hansons over en imponerende håndværksmæssig og teknisk virtuositet på sin helt særegne hyper-realistiske skulpturer forestillende almindelige mennesker. Disse blev skabt måde bidrager til skabe et menneskeligt fællesskab snarere end afstand og ironisk ud fra gipsafstøbninger af udvalgte modeller som efterfølgende blev malet og ud- distance. styret med rekvisitter, som for eksempel en stor og overfyldt indkøbskurv. Hermed forholdt Hansons sig kritisk til emner som forbrugerkultur og småborgerlighed. Mette Skougaard Liisa Hietanens skulptur af Aulis fremstår imidlertid ved nærmere eftersyn meget anderledes. Den er ikke som Hansons – og skulpturer normalt – fremstillet af hårde materialer, men maske for maske bygget op med hæklenål og strik. Også på andre måder adskiller Aulis sig, på trods af sin forbløffende naturalisme, fra Hansons hyperrealisme. Aulis er en del af en større serie Villagers, som Liisa Hietanen har arbejdet på i en årrække. En serie, som skildrer de mennesker, hun møder i sin hjemby Hämeenkyrö (nordøst for Tampere) i Finland. Hun udvælger sine modeller intuitivt – én møder hun på biblioteket, en hundelufter på gaden, en i omklædningsrummet i fitnesscenteret. Hun kender dem ikke i forvejen, men efterhånden som hun går i gang med sin skulptur, lærer hun dem at kende. Det møjsommelige arbejde tager 4-6 måneder afhængig af motivet og detaljen. Hietanen fotograferer først sin model fra alle vinkler. Dernæst skabes en ramme af stål, så formes figuren med bløde materialer som skum, fibervat og stof. Herpå sys de hæklede dele. Hun møder modellerne adskillige gange, for kunstneren er det vigtigt at se modellen under skulpteringsprocessen. Den langsomme, metodiske garnopbygning af en skulptur er for kunstneren et modspil til tempoet, der opleves i nutiden. Hun ønsker med sin teknik at reflektere tålmodigheden, der er nødvendig for at forstå et andet menneske. Derfor er den nøjagtige gengivelse ikke hendes hoved-fokus. Snarere handler det om at lære personen at kende, mens hun bruger tid på at skabe dennes dobbeltgænger. Som tilflytter til byen prøver Hietanen at gøre sit arbejde med kunsten menings- fyldt både for sig selv og for de andre beboere. Når en skulptur er færdig bliver den

38 The jury awards a Special Prize to Liisa Hietanen with the following citation: As a newcomer to the town, Hietanen tries to make her work meaningful both for herself and for the other inhabitants. Once a sculpture is completed, she exhibits The lifelike sculpture depicts an elderly gentleman leaning on his walker, the it, for example at the local library, at the greengrocer’s or in a restaurant. Working basket of which contains a shopping bag. He is an old-age pensioner in the street in the local community is an essential part of Hietanen’s work. She wants to create on his way to the shops, whose subdued clothing and appearance do not attract a dialogue with the people among whom she lives. The loops in her yarn connect much attention. her to her models, creating links with the community she belongs to. It is an everyday situation, and the character is commonplace. At first sight, the The jury awards a Special Prize to this outstanding work. In addition to its work is reminiscent of the US sculptor Duane Hanson’s hyperrealistic sculptures splendid craftsmanship and technical virtuosity, in its unique way it strives to of ordinary people. These were created from plaster casts of selected models and create a human community rather than ironic distance. subsequently painted and fitted with props – a large, over-full shopping basket, for example. Hanson’s works were thus a critique of subjects such as consumer Mette Skougaard culture and petty-bourgeois attitudes. However, when one looks more closely, Liisa Hietanen’s sculpture of Aulis is very different. Unlike Hanson’s sculptures – and sculptures in general – it is not made of hard materials, but constructed stitch by stitch with a crochet hook and wool. Despite its staggering naturalism, Aulis differs from Hanson’s hyperrealism in other ways too. Aulis is part of a large series entitled Villagers, on which Liisa Hietanen has been working for a number of years. The series portrays the people she meets in her hometown of Hämeenkyrö (northeast of Tampere) in Finland. She selects her models intuitively: someone she runs into in the library, a dog-walker in the street, someone in the changing room at the gym. She has no previous knowledge of them, but gets to know them as she embarks on her sculptures of them. Depending on the motif and detail, the painstaking work takes 4-6 months. First, Hietanen photographs her model from every angle. She then creates a steel frame and shapes the figure with soft materials such as foam, wadding and fabric. She sews the crocheted elements onto this base. She meets the models several times. It is important for her to see the model during the sculpting process. For the artist, the slow, methodical yarn construction of a sculpture is a contrast to the pace of modern times. The aim of her technique is to reflect the patience required for understanding another person. That is why accurate reproduction is not her top priority. It is more about getting to know a person as she spends time creating his or her double.

40 7 SPECIALPRIS / SPECIAL PRIZE

Ivana Julma (* 1993) Suomi / Finland Self-portrait with Love and Death Akryl på MDF / Acrylic on MDF board 140 x 120 cm

Ivana Julma er født i Raahe, Finland. Hun tog eksamen i 2017 fra Kankanpää Universitet for Anvendt Videnskab (bachelor i kunst) og er nu ved at tage en mastergrad ved Laplands Universitet med hovedfag i kunstundervisning. I Finland er kunstner noget af det værste, man kan være. Fra et rationelt synspunkt giver det ingen mening for mig at male. Jeg burde holde op med at lave kunst og studere et eller andet, som overhovedet ikke interesserer mig, så jeg kan få et job og en løn, som jeg faktisk vil kunne leve af. Jeg har ikke lyst til at være en sultende, deprimeret kunstner, der konstant lever under fattigdomsgrænsen. Man kan ikke bygge et liv på dette, på kunst. Og alligevel: Tyydyttämättömän rakkauden ääretön piina/Den uendelige smerte ved ugengældt kærlighed//Tyydytetyn rakkauden suurempi piina/Den endnu større smerte ved gengældt kærlighed.

Ivana Julma was born in Raahe, Finland. Graduated in 2017 from Kankaanpää University of Applied Sciences, Finland (Bachelor of Fine Arts), and is currently finishing her studies for a Master of Arts degree at the University of Lapland, majoring in Art Education. In Finland, being an artist is just about the worst thing you can be. From a rational perspective, it makes no sense for me to paint. I should stop making art and study something that does not interest me at all, so I can have a job that actually pays me a living wage. I don’t want to be a starving, depressed artist, always living under the poverty line. You can’t build a life on this, on art. And yet: Tyydyttämättömän rakkauden ääretön piina / The infinite torment of unrequited love // Tyydytetyn rakkauden suurempi piina / The even greater torment of requited love.

42 43 Juryen tildeler en specialpris til Ivana Julma med følgende begrundelse: The jury awards a Special Prize to Ivana Julma with the following citation:

Den finske kunstner Ivana Julmas bidrag til konkurrencen, Self-portrait with Love The Finnish artist Ivana Julma’s submission to the contest, Self-portrait with Love and Death, er lyst i farvepaletten og i følelsesregisteret og rummer en stor mængde and Death, is bright in its palette and emotions and host to a multitude of meanings. betydninger. Man kan sige, at det er indkodet med den klassiske europæiske kunst One could say that it was encoded with the traditions of classic European art, as såvel som med modernismen, Freuds psykoanalyse og New Age-filosofien. Alle well as those of modernism, Freudian psychoanalysis and New Age philosophy. disse forenes her af ironi og en moderne følelse af pessimisme. All of these are reconciled here by irony and a contemporary sense of pessimism. Jeg vil definere den primære fortælling i maleriet som kampen mellem Eros og I would define the painting’s dominant narrative as the struggle between Eros Thanatos, som fastholder individet i en tilstand af følelsesmæssig vekslen og tvinger and Thanatos, which keeps the individual in a state of emotional flux and compels det til at føle frygt, ængstelse og begær. Kunstneren afbilder disse to yderpunkter them to experience fear, anxiety and desire. The artist depicts these two extremes of i vores indre liv i overensstemmelse med traditionen inden for europæisk maler- our internal life in line with the canon of European painting running from Holbein kunst fra Holbein til Hirst via Böcklin og Dalí. Dødens eneste nutidige attribut to Hirst by way of Böcklin and Dalí. Death’s sole contemporary attribute is the er den cigaret, der klæber til hendes kæbe – en dygtig variant af det traditionelle cigarette stuck to her jaw – a clever spin on the traditional hourglass – while the timeglas – mens den buttede kerub med ryggen til beskueren kommer direkte fra chubby cherub with his back turned to the viewer is straight out of a Baroque paint- et barokmaleri. Det er pudsigt, at Eros og Thanatos er afbildet i lyse, “sensuelle” ing. It is curious that Eros and Thanatos have been rendered in bright, “sensual” farver, og at de begge ser ud til at føle sig hjemme i den frodige vegetation, der colors, and that both look right at home against the lush vegetation that forms the udgør billedets baggrund. Derimod er kunstneren selv fremstillet med ansigtet og portrait’s background. Conversely, the artist herself is shown with her face and de fire arme farvet blå som hos en hinduistisk guddom. Op af brystlommen på four arms tinted blue like a Hindu deity. Jutting out of the breast pocket of her hendes røde jakke titter Solen, et tarotkort, som repræsenterer lykke og opfyldelse red jacket is the Sun, a Tarot card representing happiness and the fulfillment of af begær. Og alligevel er hendes blik, som tydeligvis er rettet mod hende selv, desire. And yet her gaze, clearly set on herself, is one of great unease. She seems fuldt af usikkerhed. Det virker som om, hun er utilpas ved de mange lag og den disturbed by the many layers and paradoxical nature of her life, represented here paradoksale natur ved sit liv, her repræsenteret af metaforer og af selve rummet. in metaphors and in the space itself. Selv om de kan se kaotiske ud, virker de mange symboler, kulturelle klichéer Chaotic though they may appear, the myriad symbols, cultural clichés and og dagligdags detaljer på lærredet alligevel velorganiserede og velovervejede. mundane details on the canvas nevertheless come across as well-organized and Kunstneren distancerer sig fra sit personlige liv og bringer det i en tilstand af deliberate. The artist distances herself from her personal existence and brings it harmoni ved hjælp af malerkunstens redskaber. Hendes ironi og hendes kunstne- into a state of harmony through the aid of painterly tools. Her irony and artistic riske dygtighed forhindrer, at vi giver efter for pessimismen, selv om vi ikke kan skill prevent us from succumbing to pessimism, even as we cannot help but be undgå at blive bevidste om, at det, der afsløres for vores øjne, er ethvert moderne aware that laid bare before us is every contemporary individual’s internal life. menneskes individuelle indre liv. Mikhail Ovchinnikov Mikhail Ovchinnikov

44 45 8 SPECIALPRIS / SPECIAL PRIZE

Kristina D. Aas (* 1978) Norge / Norway Viktoria Jacquardvævet tekstil, uld / Jacquard woven textile, wool 160 x 80 cm

Kristina Daukintyte· Aas er født i Klaipe· da, Litauen, bor i Bergen og arbejder med digital jaquardvævning, broderi, installationer, video og collage. I sine værker appellerer hun til vores følesans gennem omhyggeligt og støt håndværk. Hun tog eksamen fra Kunst- og designhøgskolen i Bergen i 2011. Siden 2013 har hun hovedsagelig arbejdet med digital jaquardvævning, en teknik, som forener den gamle måde at tænke på den vævede overflade med den nye digitale teknologi. Mit værk er et portræt af min datter Viktoria. Udgangspunktet er hendes egen selfie, som hun tog til en collage i en app. Jeg tog det og forvandlede det til et vævet kunstværk ved hjælp af mine evner og min viden inden for jaquardvævning. Nogle tråde er vævet stramt, og nogle er løse, idet jeg eksperimenterer meget med den digitale vævnings grænser.

Kristina Daukintyte· Aas was born in Klaipe·da, Lithuania, lives in Bergen, and works with the digital jacquard weave, embroidery, installations, video and collage. In her works, she appeals to our tactile sense through deliberate and steady craftsmanship. She graduated from Bergen Academy of Art and Design in 2011. Since 2013, she has been working mostly with digital jacquard weave: a technique that unites the old way of thinking on the woven surface with the new digital technology. My work is a portrait of my daughter, Viktoria. The starting point is her own selfie that she made to a collage on an app. I took it and transformed it into woven artwork using my skills and knowledge in jacquard weaving. Some threads are woven tight, and some are left loose, as I am very much in experimenting with the limits of digital weaving.

46 47 Juryen tildeler en specialpris til Kristina D. Aas med følgende begrundelse: The jury awards a Special Prize to Kristina D. Aas with the following citation:

I vores “selfie-tidsalder” bliver der lavet millioner af selvportrætter hver eneste In our “Selfie Age”, millions of self-portraits are made every day. People of all ages, dag. Folk i alle aldre, men især de unge, ønsker konstant at fastholde deres følel- but particularly the young, constantly want to capture their emotions and events ser og begivenhederne i deres liv for derefter at dele dem med andre. Selfies, der in their lives to then share them with others. Taken with smartphone cameras and bliver taget med mobiltelefonkameraer og ofte retoucheret med indbyggede filtre often retouched with built-in filters and apps, selfies have become ephemera of og apps, er blevet flygtig populærkunst og har på mange måder erstattet det 20. popular art, in many ways replacing the postcards of the 20th century. århundredes postkort. At the same time, selfies are sometimes taken up as objects of contemplation Samtidig bliver selfies somme tider taget op og undersøgt nærmere af profes- by professional artists, who transform those images by means of more traditional sionelle kunstnere, som transformerer disse billeder gennem mere traditionelle art forms. This makes it possible to single something out in the endless stream of kunstformer. På den måde kan man udvælge et element fra den uendelige strøm ephemera and imbue it with new meaning and significance. af øjebliksbilleder og give det en ny mening og betydning. Viktoria, a piece by the Norwegian artist Kristina D. Aas, is an excellent example Viktoria, et værk af den norske kunstner Kristina D. Aas, er et fremragende of this sort of transformation. A digital self-portrait taken by the artist’s daughter eksempel på denne form for transformation. Et digitalt selvportræt taget af kunst- forms the basis for a tangible work of art that recreates the original image by means nerens datter danner grundlag for et taktilt kunstværk, som genskaber originalen of jacquard weave. The meticulous jacquard technique, augmented by computer ved hjælp af jaquardvæven. Denne omhyggelige jaquardteknik, forbedret gennem control, makes it possible to create textiles with highly precise patterns that are computerkontrol, gør det muligt at skabe tekstiler med yderst præcise mønstre, as interesting to look at as they are to touch. Kristina D. Aas has been working som er lige interessante at se på og at røre ved. Kristina D. Aas har arbejdet og and experimenting in this technique for many years, pushing this traditional art eksperimenteret med denne teknik i mange år og har videreudviklet denne tradi- form to incorporate the philosophical sensibilities of people today. tionelle kunstform til også at omfatte nutidens menneskers filosofiske følsomhed. The young woman’s digital self-portrait is presented to us romantically and Den unge piges digitale selvportræt vises for os på en både romantisk og ra- radically in equal measure. The surreal composition, with flowers sprouting out of dikal måde. Den surrealistiske komposition, hvor blomster vokser ud af det sted, where a face should be and thereby turning that face into a mask, is reminiscent hvor ansigtet skulle være, og på den måde gør ansigtet til en maske, minder om of the body manipulation characteristic of Frida Kahlo’s self-portraits and Cindy de manipulationer med kroppen, som er karakteristiske for Frida Kahlos selvpor- Sherman’s works. It is, of course, difficult to say for certain without looking at the trætter og Cindy Shermans værker. Det er selvfølgelig svært at sige med sikkerhed original selfie, but I believe Kristina D. Aas’ textile panel helps us appreciate it uden at se den originale selfie, men jeg tror, at Kristina D. Aas’ tekstilkunstværk in a more romantic and even decorative context. At the same time, by transferring hjælper os med at værdsætte det i en mere romantisk og også dekorativ kontekst. such an existentially charged image to fabric, the artist reminds us that textiles Ved at overføre sådan et eksistentielt ladet billede til stof minder kunstneren os and weaving are ancient symbols of human life and destiny. samtidig om, at tekstiler og vævning er ældgamle symboler på menneskets liv og skæbne. Mikhail Ovchinnikov

Mikhail Ovchinnikov

48 49 9 YOUNG TALENT PRIZE

Ln Rye (* 1999) Danmark / Denmark Skærmning / Shielding Olie på lærred / Oil on canvas 150 x 200 cm

Ln Rye er født og opvokset i København og er autodidakt kunstmaler. Ln Rye har særligt beskæftiget sig med portrættet i flere medier, dog er olie på lærred det foretrukne. Værket er et portræt af to personer i et rum, skærmet af deres skrald og værdi- genstande. Portrættet er malet under COVID-19.

Born and raised in Copenhagen, Ln Rye is a self-taught painter. Ln Rye has created portraits in a variety of media, but oil on canvas is her favourite medium. The work is a portrait of two people in a room, shielded by their rubbish and valuables. The portrait was painted during the COVID-19 pandemic.

50 51 Juryen tildeler en “Young Talent” pris til Ln Rye med følgende begrundelse: The jury awards a Young Talent Prize to Ln Rye with the following citation:

Maleren har beskrevet, hvordan dette billede blev malet lige i begyndelsen af The painter has described how this portrait was painted at the very beginning of COVID-19-pandemien: “Under den første nedlukning og midt i mit eget ophobede COVID-19: “During the first lockdown and amid my own accumulation of trash affald og mine mest slidte ejendele begyndte jeg at udforske idéen om mennesker and my most used possessions, I started exploring the idea of humans as users som brugere af materialer og skabere af affald … På grund af den ubegribelige of material and makers of waste … Because of the unbelievable situation of the situation under pandemien var jeg kommet tættere på mit affald og tæt forbundet pandemic, I had come closer to my trash and become closely bound to my pos- med mine ejendele. Mit fokus skiftede fra afsky over mit affald og min skadelige sessions. My focus shifted from being disgusted by my waste and my bad impact indflydelse på verden til en følelse af velkendthed og tryghed ved mit affald.” on the world, to becoming familiar and safe in my waste.” Det værk, der blev resultatet af denne oplevelse, er et komplekst billede af en The work that resulted from this experience is a complex image of figures in an række figurer i et interiør, der virker præget af døssighed og dvale. Det er de over- interior which suggests languor and torpor. It is the intriguing, casual and chaotic raskende, tilfældige og kaotiske egenskaber ved sceneriet og den dygtige, glatte qualities of the scene and the clever, slick nature of the painting of many of the måde, som mange af detaljerne er malet på, som tilsammen forklarer værkets ef- details which together explain its impact. The figures are almost overwhelmed by fekt. Figurerne er nærmest overvældet af deres omgivelser. Omhyggeligt skildrede their surroundings. Carefully depicted elements, such as the lamp, drying clothes, elementer som lampen, tøjet, der hænger til tørre, de visne blomster i forgrunden the wilting flowers in the foreground and the reflections in the window all convey og spejlingerne i vinduet formidler alle en følelse af uformelt og klaustrofobisk a sense of informal and claustrophobic domestic life. The palette is muted, being hjemmeliv. Paletten er dæmpet og domineret af hvidt og gråt, men dette brydes dominated by white and grey, but this is broken by the flashes of blue and red. af glimt af blåt og rødt. Dobbeltportrætter i et interiør har tidligere ofte været Double portraits in an interior have in the past often been a formula for conven- en formel for konventionelt, høfligt maleri, men her bliver vi konfronteret med tional, polite imagery – here however, we are confronted by a thought-provoking, en tankevækkende udfordring fra det 21. århundrede til den form for tamme og 21st century challenge to such tame and familiar works. velkendte værker. Christopher Baker Christopher Baker

52 53 10 YOUNG TALENT PRIZE

Astrid Storgaard (* 1996) Danmark / Denmark Corona (toiletpapir) krisen / The corona (toilet paper) crisis Oliemaling på toiletruller / Oil painting on toilet rolls 40 x 30 cm

Født og opvokset i Odense. Studerer “Fine Art” på andet år på Glasgow School of Art. Jeg arbejder i forskellige medier og materialer, som for eksempel tekstil, video og maleri. Jeg er meget bevidst om, hvilke materialer jeg bruger i mine projekter, da jeg gerne vil have, at det bidrager til, hvad værket skal udtrykke. De fleste af mine værker drejer sig om bæredygtighed. Jeg lavede værket lige, da corona ramte verden, og det var en reaktion på, hvordan folk gik ud og panikkøbte varer. Jeg var i isolation, da jeg malede det, og brugte derfor mig selv som model. Værket er dog ikke centreret om mig selv, men nærmere det instinkt af “every man for himself”, der opstod i mange. For at understrege temaet er det malet på toiletruller, og jeg er iklædt toiletpapir. Toilet- papiret er flere steder ved at gå fra hinanden som et symbol på, hvordan “every man for himself”-mentaliteten ikke er holdbar.

Born and raised in Odense. A Fine Art student at the Glasgow School of Art. I work in various media and materials: for example, textile, video and painting. I am very conscious of the materials I use in my projects, since I want them to play a role in the expression of the work. Most of my works are about sustainability. I made this work just when Corona hit the world. It was a reaction to people’s panic buying. I was in isolation when I was painting it, so used myself as a model. But the work is not about me. It is more about the ‘every man for himself’ instinct that many people exhibited. To emphasise the theme, it is painted on toilet rolls and I am wearing toilet paper. In several places, the toilet paper is falling apart – a symbol of how the ‘every man for himself’ mentality is unsustainable.

54 55 Juryen tildeler en “Young Talent” pris til Astrid Storgaard med følgende begrundelse: The jury awards a Young Talent Prize to Astrid Storgaard with the following citation:

Juryen faldt for dette portræt på grund af den vittige hentydning til den panik, The jury alighted on this portrait for its witty allusion to the panic that set in at der opstod i begyndelsen af den globale COVID-19-krise, hvor folk hamstrede the start of the global COVID crisis when people stocked up on toilet paper and toiletpapir og andre fornødenheder af skræk for, at forsyningerne skulle svigte. other necessities fearing that supplies would run short. Astrid Storgaard is a Astrid Storgaard studerer ved Glasgow School of Art og malede billedet under student at Glasgow School of Art and made the painting in quarantine following sin karantæne efter hjemkomsten til Danmark under nedlukningen. Det er et her return to Denmark during lockdown. It is a self-portrait, as she was the only selvportræt, fordi hun selv var den eneste model, hun havde adgang til, men model available, but the focus is not so much on her as an individual as on the fokus er ikke så meget på hende selv som individ som på det overlevelsesinstinkt, instinct for survival that took hold at the time. This would also explain the rather der greb folk på det tidspunkt. Dette kan også forklare det temmelig overlegne haughty expression on the sitter’s face. ansigtsudtryk hos modellen. The artist made the painting by sewing toilet rolls together as a support upon Kunstneren lavede maleriet ved at sy toiletruller sammen til en flade, hvorpå which she painted herself in an outfit made entirely out of toilet paper. The portrait hun malede sig selv i en dragt udelukkende fremstillet af toiletpapir. Portrættet has a solemnity and static quality reminiscent of early Netherlandish portraiture har et højtideligt og statisk præg, som minder om tidlig nederlandsk portrætkunst, especially in the crisp delineation of the white folds and the frozen demeanour især i den sprøde kant på de hvide folder og modellens frosne fremtræden. Brugen of the sitter. The use of toilet rolls as a surface is ingenious as it acts as a foil to af toiletruller som overflade er genial, eftersom det fungerer som baggrund for det the paper bound round the sitter’s face and body. The paper wraps also double papir, der er bundet rundt om modellens ansigt og krop. Papiret er draperet som up as items of clothing, suggesting perhaps a prim bonnet, an evening gown or a klædningsstykker og kan ligne en stivet kyse, en aftenkjole eller en spændetrøje, straitjacket, lending humour, pathos and a touch of eroticism to what is otherwise hvorved det giver noget humor, patos og et stænk af erotik til noget, som i øvrigt a topical subject. The precise application of paint and the patching and piecing er et aktuelt motiv. Den præcise påføring af malingen og sammenføjningen af together of the rolls could also allude to surgery, reinforcing the feeling of pain rullerne kan også hentyde til kirurgi og dermed forstærke den følelse af smerte and isolation conveyed by the image and its treatment. og isolation, der formidles af billedet og behandlingen af det. Alison Smith Alison Smith

56 57 11 Þórdís Erla Ágústsdóttir (* 1961) Ísland /Iceland Unknown Heroes 6 fotos / 6 photographs 30 x 45 cm (hver / each)

Þórdís Erla Ágústsdóttir er født i Island, hvor hun nu bor og arbejder. Hun tog en bachelorgrad i fotografi fra École Supérieure de la Photographie i Arles, Frankrig, i 1989 og en mastergrad i kulturel kommunikation fra Islands Universitet i 2011. Hun har deltaget i adskillige gruppe- og separatudstillinger i forskellige lande. Sundhedspersonalet har været de sande helte i denne hidtil usete COVID- 19-tid, som vi lever i. De gav alt i kampen mod virussen, og derfor følte jeg, at de fortjente at få deres portrætter vist frem for verden som et symbol på heltene fra 2020. I min serie af billeder har jeg valgt at vise dem med ansigterne skjult eller uskarpt, “portræt uden ansigt”, for at symbolisere deres mange kolleger, der kæmpede i frontlinjen.

Þórdís Erla Ágústsdóttir was born in Iceland where she now lives and works. She graduated with a Bachelor degree in Photography from École Supérieure de la Photographie in Arles, France, in 1989, and with Masters in Cultural Communi- cation from the University of Iceland in 2011. She has participated in numerous group exhibitions and solo exhibitions in various countries. Healthcare workers have been the true heroes of these unprecedented COVID-19 times we are living in. Giving their all in the battle against the virus, I felt they deserved to have their portraits shown to the world as a symbol for heroes of the year 2020. In my series of pictures, I chose to have them represented with their faces hidden or vague, “portrait without a face”, to symbolize their many colleagues, fighting the battle on the frontline.

58 59 12 Anna Aho (* 1979) Suomi / Finland Wuthering Heights Digitalt maleri, animation / Digital painting, animation 23 x 16 cm

Jeg er født i Turku, Finland. Jeg studerede kunst ved Pori Kunstskole og ved Turku Universitet for Anvendt Videnskab, hvorfra jeg fik min bachelorgrad i kunst i 2006, og jeg har arbejdet som kunstner siden da. For tiden maler jeg på lærred igen og prøver at finde nogle nye teknikker og nye motiver. Wuthering Heights er et selvportræt, der indgår i min serie Don’t Blink. Det er udstillet på en tablet, der hænger på væggen ligesom et normalt maleri. Det første indtryk er, at det er et digitalt maleri i digitalt format. Men hvis man betragter det længe nok, bevæger personen på billedet sig lige pludselig! Det er “levende”. Bevægelsen er meget lille og får en til at spekulere på, om man faktisk så noget. Det er mit forsøg på at få et maleri til at blive levende.

I was born in Turku, Finland. I studied art at Pori Art school and at Turku Univer- sity of Applied Sciences, from where I got my BA in Fine Arts in 2006 and I have been working as an artist since. At the moment I’m painting on canvas again and trying to find something new technically and some new themes. Wuthering Heights is a self-portrait and it’s part of my Don’t Blink-series. It is on display on a tablet computer that hangs on the wall like a normal painting. The first impression is, that it is a digital painting in digital format. But looking long enough, suddenly the character in the painting moves! It’s “alive”. The movement is very small, it makes one wonder did I really see something. This is my attempt to make a painting come alive.

60 61 13 Annett Ahrends (* 1971) Danmark / Denmark hertil og videre / up to here and on 12 fotos, Hahnemühle Baryta monteret på Dibond / 12 photos, Hahnemühle Baryta mounted on Dibond 110 x 145 cm

Annett Ahrends er født i Berlin og flyttede til København midt i 00’erne. Hun er uddannet fotograf i Østberlin og har studeret Visuel Kommunikation på Universität der Künste i Berlin. Hun arbejder som dokumentar-, teater- og produktfotograf i både Tyskland og Danmark. I 2020 begyndte hun igen at beskæftige sig med portrætfotografiets udtryksmuligheder. Værket hertil og videre er hendes første større arbejde i portrætgenren. Tolv portrætter af tolv kvinder holdt i et mørkt, kontrastrigt univers. Tolv mennesker med tolv livshistorier og disses spor i ansigter og blik. De kvinder, som jeg portrætterer, er på vej. De kommer et sted fra, de standser op et øjeblik, og så, efter fotograferingen, går de videre.

Annett Ahrends was born in Berlin and moved to Copenhagen in the mid-00s. She studied photography in East Berlin and Visual Communication at the Universität der Künste in Berlin. She works as a documentary, theatre and product photographer in both Germany and Denmark. In 2020, she re-introduced the expressive possibilities of portrait photography into her work. The work up to here and on is her first major work in the portrait genre. Twelve portraits of twelve women in a dark, contrasting universe. Twelve people with twelve life stories and the traces of those stories in their faces and eyes. The women I portray are on their way. They come from somewhere, they stop for a moment, and then, after the photo is taken, they move on.

62 63 14 Anette Andersen (* 1960) Danmark / Denmark ID: 2020 Tynd tuschpen på papir. Fritlagt og monteret på sortmalet krydsfinerplade / Drawing with ink-pen, cutout and mounted on black painted plywood 130 x 110 cm

Autodidakt billedkunstner. Arbejder med billedfremstilling i en blandet teknik af foto, tegning, tekst, collage, akrylmaleri og diverse trykteknikker. Har eksperimenteret med både teknik og udtryk de sidste 20 år. I min kunst beskæftiger jeg mig med køn, identitet og retten til at være den, man er, og til at gøre oprør mod de normer, den enkelte underlægges i vores samfund. Corona har sat verden på pause. Fokus er på erhverv, økonomi og de mest sårbare. De unge er for mig en overset gruppe. Mit portræt er en hyldest til vores unge generation, der udviser en selvjustits, empati og solidaritet, som samfundet kun kan være stolt af. Ungdommen bærer deres ansvar med oprejst pande. Jeg er stolt både som mor og samfundsborger – HURRA for vores unge.

Self-taught visual artist. I create my artwork by means of several methods, ranging from photography, drawing and text, to collage, acrylic painting, and a variety of print techniques. I have been experimenting with visual techniques and artistic expressions for two decades. In my art, I deal with issues of gender, identity, and the right to be one’s truest self. I strive to question and rebel against the norms which our society places on individuals. The COVID-19 crisis has put the world on pause. We are all focused on the economy, on businesses, and on the most vulnerable individuals in our society. It seems to me, however, that the youth have largely been overlooked. My portrait is a tribute to our younger generation, who exhibits a sense of self-regulation, empathy and solidarity which our community should pride itself on. I am proud, both as a mother and a member of our community, of the way in which the youth carry the burden of their responsibility with pride, dignity and diligence – my portrait is a celebration of them.

64 65 15 Birgitte Heiberg Andersen (* 1968) Danmark / Denmark Malerens bagage / The Painter’s baggage Foto / Photo 50 x 50 cm

Min baggrund er IT og virksomhedsøkonomi, men mange flytninger fra land til land med min familie afhængigt af min mands karriere fik mig til at skifte retning. Jeg tog en uddannelse som fotograf ved London School of Photography, og i dag betragter jeg primært mig selv som portræt- og landskabsfotograf. Malerens bagage er det første i en serie af værker, som portrætterer den danske kunstner Helge Nordstrøm. Det er inspireret af de allegoriske malerier fra renæs- sancen og skildrer Helge som maler sammen med en række genstande, som viser noget om ham og hans vej som kunstner. Han bærer sin pensel som et lys oven over symboler på de kampe og de aktiviteter, som er en del af hans bagage i hans stræben efter en kunstnerkarriere. Fotografiet blev taget i Helge Nordstrøms atelier og indeholdt ting, som han havde stående der. Det endelige billede blev lavet ved hjælp af Photoshop.

My background is Computer Science and Business Economics, but many country moves with my family following my husband’s career prompted me to change direction. I took a photography education at London School of Photography and today I consider myself primarily a fine art portrait and landscape photographer. The painter’s baggage is the first in a series of works portraying the Danish artist Helge Nordstrøm. It is inspired by renaissance allegorical paintings and depicts Helge as a painter together with items that signify something about him and his path as an artist. He is carrying his paintbrush as a light above symbols of the struggles and activities that are part of his baggage in the pursuit of an artist’s career. The photograph was shot in Helge Nordstrøm’s studio using items he has stored there. The final image was made using photoshop.

66 67 16 Liv Solberg Andersen (* 1968) Norge / Norway Vilde Olje på lerret / Oil on canvas 90 x 90 cm

Født på Notodden, bor og arbeider på Rjukan, Norge. Utdannet ved Høgskolen i Sørøst-Norge. Etterutdanning blant annet ved Slade School of Fine Art, London. Kroppslig erfaringskunnskap er noe jeg søker i maleprosesser, og jeg knytter det til teori rundt begrepet fenomenologi. Emnet har hatt påvirkning for måten, jeg arbeider på, og er en rød tråd i kunstnerskapet mitt. Jeg stiller spørsmål som: Hvordan konstruere mening i maleri? Hvordan opptrer tingene for meg? Hva er det å se? Dette er et portrett av vår yngste datter Vilde, som var 19 år, da portrettet ble malt. Jeg har forsøkt å fange både hennes sårbarhet og hennes styrke. Som alltid når jeg maler, forsøker jeg å konstruere mening i prosess og uttrykk; å holde fast ved idéen om å male modellen slik hun viser seg for meg; å forsøke å legge fra meg antagelser og fordommer om hva maleriet skal være; å tørre å falle ut i rommet.

Born in Notodden, and lives and works in Rjukan, Norway. Studied at the Univer- sity of South-Eastern Norway. Postgraduate studies at the Slade School of Fine Art, London. I aim at physical experience in painting processes, connecting it to a theory of phenomenology. The subject has impacted the way I work and is a common thread in my artistic work. I ask questions like: How to construct meaning in painting? How do things appear to me? What is seeing? This is a portrait of our youngest daughter Vilde, who was 19 years old when the portrait was painted. I attempted to capture both her vulnerability and her strength. As always, when I paint, I tried to construct a meaning in the process and expression, to stick to the idea of painting the model as she appeared to me, trying to leave behind any assumptions and prejudices about what the painting should be, and daring to fall into space.

68 69 17 Thinna Aniella (* 1965) Danmark / Denmark Motherhood Foto, Hahnemühle papir 210 g / Photo, Hahnemühle paper 210 g 30 x 40 cm

Thinna Aniella er født og opvokset i Danmark. I 2012 afsluttede hun uddannelse på Københavns Film & Fotoskole. I 2023 afslutter hun en 4-årig uddannelse på Aarhus Kunstakademi. Lige nu er det kvinderne og psykologien, som har hendes fokus. Hun er ved at lave tekst og musik til sine billeder, som hun har arbejdet på siden 2017. Siden afslutningen på København Film & Fotoskole har Thinna Aniella være meget optaget af hverdagslivet, det fotojournalistiske. Hun har altid sit kamera med rundt over alt. På barselsbesøg hos min veninde, som lige havde født, og som faldt i søvn under amningen. At lade det ske, som sker, uden forstyrrelse. Hverdagen.

Thinna Aniella was born and raised in Denmark. In 2012, she graduated from the Copenhagen School of Film and Photography. In 2023 she will complete a 4-year course at Aarhus Art Academy. Currently, her main interest is women and psychol- ogy. She is currently creating text and music for the pictures on which she has been working since 2017. Since graduating from the Copenhagen School of Film and Photography, everyday life has been her greatest interest – photojournalism. She has her camera with her wherever she goes. On a maternity visit to my friend who had just given birth and who fell asleep while breastfeeding. Letting what happens happen without interruption. Everyday life.

70 71 18 Clara Arnbjørn (* 1992) Danmark / Denmark Adrian & Adrian Keramisk skulptur / Ceramic sculpture 55 x 41 x 27 cm, 51 x 42 x 28 cm

Clara Arnbjørn har en bachelorgrad fra Designskolen (KADK) i Nexø. Hun vil forny vores aflæsning af busten. Historisk set er busten blevet skabt for at hylde et menneskes velstand, viden eller magt og for at fastholde vedkommendes eftermæle. I stedet bruger hun busten til at skabe eftertanke. Ved at portrættere mennesker i almindelighed og i særdeleshed fortolke dem i relation til de sårbare, ærlige eller fortrængte sider af dem selv håber hun, at busten kan bruges til at møde hinanden i øjenhøjde. Adrian og Adrian hedder kæresteparret, der er portrætteret. Adrian er fra Kroatien og Adrian er fra Schweiz. Værket er en hyldest til grænseløs kærlighed og en fortolkning af en skrifttale fra antikken, komediedigteren Aristofanes’ i Platons Symposion. Mennesket var oprindeligt dobbeltvæsner med to køn, fire arme, fire ben, men de blev overmodige over for guderne. Guderne halverede mennesket i to. Siden da har mennesket søgt efter sin tabte halvdel.

Clara Arnbjørn holds a Bachelor’s degree from the School of Design (KADK) in Nexø. Her aim is to get us to look at the bust with new eyes. Historically, the bust was created to pay homage to a person’s wealth, knowledge or power, and to preserve their legacy. Instead she uses the bust to kindle reflection. By portraying people in general and interpreting them particularly in relation to their vulnerable, honest or repressed sides, she hopes that the bust can be used to help people meet as equals. Adrian and Adrian are the names of the couple portrayed. Adrian is from Croa- tia, and Adrian is from Switzerland. The work is a tribute to boundless love and an interpretation of a text from antiquity: by the comic playwright Aristophanes in Plato’s Symposium. Human beings were originally double creatures with two genders, four arms and four legs, but they became impious towards the gods. The gods cut humans in two. Ever since, humans have been searching for their lost half.

72 73 19 Anna-Brith Arntsen (* 1964) Norge / Norway Selvportrett som danser / Self-portrait as a Dancer Olje på lin / Olie på linned 105 x 60 cm

Født i Norge og vokst opp ved hav og fjell og svært nært knyttet til naturen. En del av min kunstfaglige utdannelse er fra et treårig studie ved Florence Academy of Art i Firenze. Fra høyt i nord, i Tromsø, hvor jeg også driver en kunstskole innenfor den klassiske figurasjon, maler jeg primært mennesker – men også landskap deler av året. Selvportrett som danser er utført utelukkende gjennom observasjon i speil. Dansen kan gjenspeiles i mykheten i hoftene – men ikke i den krummede tåa og det faste grepet rundt penselen – så det kan være hun later som, at hun er danser. Å male seg selv som “noe” starter en refleksjon rundt, hvem man gir seg ut for å være, hvem man ønsker å være, og hvem man egentlig er – essensen av selvet. Selvportrettet er også en refleksjon av den tida, vi lever i, det er tidsåndens for- ståelse av selvet – og således mer enn en kunstsjanger.

Born in Norway and raised in the proximity of the sea and mountains and very closely associated with nature. My education as an artist included three years at the Florence Academy of Art in Florence. In Tromsø, in the far north, where I also run an art school teaching classical figuration, I mainly paint people – but also, during part of the year, landscapes. I painted Self-portrait as a Dancer purely on the basis of observation in a mirror. The dance is reflected in the agility of the hips – but not in the bent toe and the firm grip on the brush – so maybe she is just pretending to dance. Painting yourself as ‘something’ leads to considerations about who you pretend to be, who you would like to be, and who you really are – your essence. The self-portrait is also a reflection of the age in which we live. It is the zeitgeist’s notion of the self, and thereby more than an artistic genre.

74 75 20 Megan Auður (* 1994) Ísland / Iceland Megan Auður. She/her. 26. Icelandic. Reflecting on Whiteness Video 7:43 min

Megan Auður bor og arbejder i Utrecht. Hun tog en bachelorgrad i kunst i 2020 fra Hogeschool voor de Kunsten Utrecht og studerede post-konceptuel kunstpraksis under et Erasmus-udvekslingsophold på Akademie der bildenden Künste i Wien. Gennem forskellige installationsværker udforsker Megan Auður strategier og teknikker inden for forskellige sociale strukturer. Auðurs værker indbyder til dialog og forandring i håbet om at skabe et mere ligeværdigt liv for alle. Megan Auður. She/her. 26. Icelandic er en del af serien Reflecting on Whiteness, en række interviews, som undersøger, hvordan det at være hvid opleves individuelt, udleves og fungerer som en strukturel form for undertrykkelse. Kunstneren håber, at Reflecting on Whiteness vil vække et ønske om at tænke over situationen og stimulere dialog og opmærksomhed. Videoen Megan Auður. She/her. 26. Icelandic er et interview med kunstneren selv i begyndelsen af projektforløbet.

Megan Auður lives and works in Utrecht. She graduated with a BA in fine art in 2020 from the Hogeschool voor de Kunsten Utrecht and did an Erasmus exchange at the Akademie der bildenden Künste Wien in Post-Conceptual Art Practice. With divergent installation works, Megan Auður explores strategies and tactics of various social structures. Auður’s works are propositions towards dialogue and intervention, hoping to create a more equitable existence for all. Megan Auður. She/her. 26. Icelandic, is part of the series Reflecting on White- ness, a collection of interviews that investigate how Whiteness is individually experienced, enacted, and operates as a structural form of oppression. Reflecting on Whiteness, hopes to raise a desire to reflect, and to stimulate dialogue and awareness. The video Megan Auður. She/her. 26. Icelandic, is an interview with the artist herself at the outset of the art project.

76 77 21 Helene Aurell (* 1960) Sverige / Sweden In Her Hair Beton / Concrete 26 x 16 x 23 cm

Jeg er født i Göteborg, men vokset op i Stockholm. I 1985-88 studerede jeg bil- ledhuggerkunst ved Emerson College i Sussex. Mine hovedfag under studiet var portrætter, tegning og stenhugning. Jeg fordybede mig også i studier af metamor- fose, form og bevægelse i plante- og dyreriget. Det blev en inspirationskilde til mit eget kunstneriske sprog. Mit arbejde er baseret på min egen opfattelse af verden, udtrykt i mit eget sprog. Det kan være et billede, jeg ser, en udtalelse fra en eller anden, en drøm eller bare en længsel, der sætter gang i en arbejdsproces. Det slår mig ofte, at det endelige resultat, skulpturen, er relevant i forhold til, hvor jeg er i mit liv på det tidspunkt. En bearbejdning af indre oplevelser og tanker. Portrættet kan med små midler udtrykke næsten alt fra følelseslivet. Landskaber og dyreformer er også en inspirationskilde for mig. I dag arbejder jeg hovedsagelig i beton.

I was born in Gothenburg but grew up in Stockholm. At Emerson College in Sussex, I studied sculpture between 1985-88. My main subjects in the education were portrait, drawing and stone carving. I also immersed myself in studies of metamorphosis, form and movement in the plant and animal world. It became a source of inspiration in the development of my own artistic design language. My work is based on my own experience of the world, expressed in my own language. It can be a picture I see, a statement from someone, a dream or just a longing that starts a work process. It often strikes me that the finished result, the sculpture, is relevant in relation to where I stand in my life at the moment. A processing of inner experiences and thoughts. The portrait can with small means express almost anything from emotional life. Landscape and animal forms are also a source of inspiration for me. Today I work mainly in concrete.

78 79 22 Pierre André Camille Auzias (* 1954) Kalaallit Nunaat / Greenland Mettis afsked / Metti’s farewell Olie på papir opklæbet på masonit og træ / Oil on paper glued on masonite and wood 75,5 x 54 cm

Født i Lyon, Frankrig, uddannet som balletdanser og flyttet til Danmark i 1989. Officiel marinemaler for Den Kongelige Danske Marine fra 1994 til 2016. Under flådens sejlads i Nordatlanten fik jeg lejlighed til at studere livet i de arktiske områder og blev betaget af Grønlands natur, folk og deres kultur. Flyttede til Uum- mannaq (Grønland) i 2006. Værket er en fortolkning af de unges og kvindernes vilje til at flytte fra Grøn- land for at studere eller gifte sig i Danmark eller i udlandet. Billedet viser Metti klædt i sin nationaldragt, på vej væk fra sin families afskedsfest, en såkaldt kaffemik. I baggrunden ses Uummannaqs store fjeld i hjerteform som symbol på en af de smukkeste af vestkystens øer, som befolkningen holder meget af. Metti ved, at hun ikke kommer tilbage til Uummannaq efter sine studier i Danmark. Metti smiler med en tåre i øjnene, men ser bestemt ud. Metti tager fat på sin fremtid, hilser, takker og går fremad.

Born in Lyon, France, trained as a ballet dancer, moved to Denmark in 1989. Official painter for the Royal Danish Navy from 1994 to 2016. During the navy’s voyages in the North Atlantic, I had the opportunity to study life in the Arctic regions and became fascinated by the nature of Greenland, and the country’s people and their culture. Moved to Uummannaq (Greenland) in 2006. The work is an interpretation of the determination of young people and women to move from Greenland to study or marry in Denmark or abroad. The picture depicts Metti in her national costume, leaving her family’s farewell party – a so-called kaffemik. Metti knows that she will not return to Uummannaq after her studies in Denmark. Metti smiles with a tear in her eye, but looks determined. Metti is seizing the future, giving people her love, saying thank you and moving on.

80 81 23 Sissel Bergfjord (* 1972) Danmark / Denmark Kim Olie på lærred / Oil on canvas 150 x 110 cm

Jeg er billedkunstner og forfatter, født i København. Jeg har gået på en kunstskole I Firenze et år og et år på Det Fynske Kunstakademi. Senere har jeg taget en BA i kunsthistorie og har gået på Forfatterskolen. Jeg har udgivet skønlitterære bøger på blandt andet Gyldendal, men har i år startet mit eget forlag, Ombelico. Portrættet af Kim Leine er en del af den serie af forfatterportrætter, jeg stadig arbejder på. Kim er det første portræt, der bliver udstillet. Maleriet er malet uden undermaling og skitser (alla prima), og Kim har tålmodigt siddet model i en periode over halvandet år, hvor vi har mødtes en del gange. Det sjoveste og mest udfordrende var nok den periode, hvor Kim tabte sig, og jeg måtte gøre hans ansigt næsten en centimeter smallere. Figuren er ikke grønlandsk – men afrikansk. Det er en figur Kim har stående i sit arbejdsrum, hvor han skriver.

I am a visual artist and author, born in Copenhagen. I attended an art school in Florence for one year, and the Funen Art Academy for one year. I later got a BA in Art History and attended Forfatterskolen (The Danish Academy of Creative Writing). I have had novels published (for example, by Gyldendal), but this year started my own publishing house, Ombelico. The portrait of Kim Leine belongs to a series of portraits of authors, which I am still working on. Kim is the first portrait to be exhibited. It was painted without underpainting and sketches (alla prima), and Kim was a patient model for more than one-and-a-half years, during which we met quite a few times. The most fun and challenging aspect was probably the period when Kim lost weight and I had to make his face almost a centimetre narrower. The figure is not Greenlandic, but African. It stands in his study, where he writes.

82 83 24 Anders Birger (* 1981) Danmark / Denmark At Home in Another Foto, Archival Pigment Print på Museum 350 g-papir, monteret på karton / Photo, Archival Pigment Print on Museum 350 g paper, mounted on carton 60 x 80 cm

Jeg arbejder som dokumentarfotograf og foredragsholder. Jeg er født i Helsingør og har en bachelorgrad i fotojournalistik fra DMJX (2003) og en mastergrad i fotojournalistik og dokumentarfotografi fra London College of Communication (2011) og er nu ved at tage min anden mastergrad, denne gang på Det Kongelige Kunstakademi i Haag i afdelingen Masters of Photography and Society, ledet af Donald Weber. Mit arbejde drejer sig om magtstrukturer og intimitet. At Home in Another kommenterer de forhold, vi bygger op i vores egne små verdener, og hvordan de er blevet endnu mere synlige det seneste år. Det handler om eventyret i hverdagen, eftersom vi har været tvunget til at kigge indad og udforske vores alsidige selv og opdage det ualmindelige i det almindelige.

I work as a documentary photographer and lecturer. I was born in Elsinore, Denmark, and have a BA in Photojournalism from DMJX (2003), a Masters in Photojournalism and Documentary Photography from London College of Com- munication (2011), and I am currently undertaking my second Masters, this time in The Hague, at the Royal Academy of the Arts, at the Masters of Photography and Society, lead by Donald Weber. My work revolves around power structures and intimacy. At Home in Another comments on the relationships we build in our own small worlds and how they have become even more visible during this last year. It is about the adventure in the everyday as we have been forced to look inwards and explore our multifaceted selves and see the extraordinary in the ordinary.

84 85 25 Malene Bjelke (* 1965) Danmark / Denmark Tvillinger / Twins Gips / Plaster 145 cm (højde / height)

Malene Bjelke er født i Danmark og uddannet scenograf i 1993 fra DDS (nu KADK). Har arbejdet 20 år som scenograf og 10 år som billedhugger. Portrættet er en af tre skulpturer, som er en del af et nyt værk til Hendriks- holmskolen i Rødovre, 2021. Tvillingerne Asta og Klara har stået model til denne skulptur, som er blevet et ‘sammensmeltet’ portræt af dem begge.

Malene Bjelke was born in Denmark and graduated as a set designer in 1993 from DDS (now KADK). She has worked for 20 years as a set designer and 10 years as a sculptor. The portrait is one of three sculptures: part of a new work for Hendriksholm School in Rødovre (2021). The twins Asta and Klara were models for this sculpture, which became a ‘ fused’ portrait of the two of them.

86 87 26 Ulla Bjulver (* 1968) Danmark / Denmark Homo Animalium 3 fotografier, Hahnemühle mat art paper 260 g, dibond / 3 photos, Hahnemühle matte art paper 260 g, dibond 80 x 60 cm (hver / each)

Ulla Bjulver er fotograf og arbejder i Aarhus. Hun arbejder hovedsagligt inden for temaer som køn, identitet og humanisme og har baggrund i sociologi og samfunds- fag. Bjulver arbejder både med hverdagssituationer og iscenesatte tableauer, hvor både naturligt og kunstigt lys er med til at understrege stemningen. Spejlinger, transparens og dobbelteksponeringer er ofte kendetegnende for hendes fotografier, som er med til at betone indre landskaber, facetterne i menneskers liv og forskydninger i tid og rum. Hvad adskiller dyr fra mennesker? Er det vores hjerne, sjæl, moral eller vores frihedstrang, der definerer os som menneskelige? Eller er vi blot selv en del af naturen? Med grisetryne og griseører, undersøger jeg nogle af grisens ydre kendetegn i form af udseende, bevægelsesmønstre og positurer. Værkerne er også en indadvendt blotlæggelse af, hvor jeg selv kan genkende min egen dyriske adfærd. De underliggende temaer i værket er kvindelighed, krop, seksualitet og aldring.

The photographer Ulla Bjulver works in Aarhus. The main themes of her work include gender, identity and humanism. She has a background in Sociology and Social Studies. Bjulver uses both everyday situations and staged tableaux, in which both natural and artificial light help to underscore the mood. What distinguishes animals from humans? Is it our brain, soul, morality or desire for freedom that defines us as human? Or are we merely part of nature ourselves? With pig snouts and pig ears, I examine some of the pig’s external characteristics in terms of appearance, movement patterns and postures. The works are also an introverted exposure of where I myself can recognise my own animal behaviour. The underlying themes of the work are femininity, body, sexuality and aging.

88 89 27 Uffe Boesen (* 1967) Danmark / Denmark Maske / Mask Akvarel på papir / Watercolor on paper 42 x 29,7 cm

Uffe Boesen er visuel kunstner. Han har siden 2013 koncentreret sig om billed- skabende og formmæssige processer på daglig basis, hvilket har været en opda- gelsesrejse ind i kunstens mange muligheder og udfordringer. Denne rejse har resulteret i en lang række forskellige kunstneriske udtryk både i det abstrakte og det figurative billedsprog. Udgangspunktet for at male akvarel var at fordybe sig i den kreative proces samt at lære teknikker såsom: vådt i vådt, abstrakt, figurativ, lys, skygger og farver med mere. Mit maleri tager afsæt i et menneske i opløsning og isolation.

Uffe Boesen is a visual artist. Since 2013, he has concentrated day in and day out on image-creating and formative processes. This has been a voyage of discovery through the many possibilities and challenges of art. This journey has resulted in a wide variety of artistic expressions in both abstract and figurative imagery. The reason I painted in watercolour was because I wanted to explore the creative process and learn techniques such as wet-on-wet, abstract, figurative, light, shadows and colours etc. My painting is based on a human being in a state of dissolution and isolation.

90 91 28 Jens Bohr (* 1952) Danmark / Denmark Ørnefjer på Linderum / Eagle Feather on Linderum Træsnit / Woodcut 40 x 30 cm

Jeg er uddannet på Det Jyske Kunstakademis tekstil- og grafiklinje i Aarhus 1983-87. Har siden hovedsageligt arbejdet med grafik – især træsnit og litografi – figurativt – fortællende. Jeg arbejder altid selv med hele processen fra idé, skitse over behandling af matrice til trykning og færdigt arbejde. Optaget af til stadighed at følge den grafiske proces’ muligheder – overvindelse af dens begrænsninger. Ørnefjer på Linderum er et portræt af forfatteren Thøger Jensen, som jeg blandt andet har sejlet med i flere omgange med Johannes Larsen Museets skib, Rylen. Vi har besøgt diverse danske øer. Her er Thøger portrætteret gående på stranden på øen Linderum i sommeren 2020, omgivet af diverse detaljer. Thøger Jensens forfatterskab er i høj grad præget af hans sans – netop for detaljen. Jeg har arbejdet med skitser på sejlturene og siden bearbejdet dem på værksted – snittet, trykt med mere.

I studied textile and graphics at the Jutland Art Academy in Aarhus (1983-87). Since then I have worked mainly with graphics – particularly woodcuts and lithographs – figurative – narrative. I always work on the whole process myself: from idea, sketch and matrix processing to printing and finished work. I am constantly intrigued by the possibilities of the graphic process – and how to overcome its limitations. Eagle Feather on Linderum is a portrait of the author Thøger Jensen, with whom I have sailed several times on the Johannes Larsen Museum’s ship, Rylen. We have visited various Danish islands. Here, surrounded by various details, Thøger is portrayed walking on the beach on the island of Linderum in the summer of 2020. Thøger Jensen’s literary works are very much influenced by his sense of detail. I have worked on sketches of our sailing trips and then processed them in the studio – cutting, printing etc.

92 93 29 Nanna Drewes Brøndum (* 1977) Danmark / Denmark Minik Rosing Gips på træsokkel / Plaster on wooden plinth 45 x 20 x 25 cm

Uddannet på Wimbledon School of Arts i London, BA (hons) 2003. Mine arbejder, portrætter såvel som helfigurer, har alle et psykologisk perspektiv, en søgen efter dét, der ligger under overfladen, bagved formen. Det er mennesket, individet samt det almenmenneskelige, der kredses om i værkerne. Jeg arbejder med egne værker, portrætbuster samt større arbejder til det offentlige rum – Dirch Passer på Frederiksberg og Anker Jørgensen i Sydhavnen. Minik Rosing, født 1957, Nuuk, Grønland. Professor i geologi ved Københavns Universitet, Geologisk Museum, Statens Naturhistoriske Museum. Han er kendt for at have beskrevet dannelsesmiljøet for Jordens ældste sedimenter, som findes i Isua NØ for Nuuk. Han har desuden påvist, at sedimenterne indeholder kemiske spor af liv, der dateres 3,8 mia. år tilbage – det indtil dato ældste kendte liv på Jorden. Minik Rossing er en fantastisk historiefortæller, forfatter og taler.

Graduated from Wimbledon School of Arts in London in 2003 with a BA (Hons). All my works, both portraits and full-length figures, have a psychological perspective, reflecting a quest for that which lies beneath the surface, behind the form. My works are about people, in both the individual and human sense. I work both on my own portrait busts and on larger works for public spaces. Minik Rosing, born in 1957 in Nuuk, Greenland. Professor of Geology at the University of Copenhagen, the Geological Museum and the Natural History Mu- seum of Denmark. He is famous for having described the formation environment of the Earth’s oldest sediments, which are found in Isua, north east of Nuuk. He has also shown that the sediments contain chemical traces of life dating back 3.8 billion years: the oldest known life on Earth to date. Minik Rosing is a wonderful storyteller, writer and speaker.

94 95 30 Carsten Boye Bundgaard (* 1980) Danmark / Denmark Inuit Amulet Foto / Photo 60 x 40 cm

Jeg er opvokset på den jyske vestkyst. Jeg er uddannet fotojournalist fra Dan- marks Journalisthøjskole i 2010 og har siden da arbejdet som freelance fotograf. Jeg fotograferer mest portrætter, men jeg har fotograferet alt imellem himmel og jord i min tid som fotograf. Jeg holder meget af portrætfotografiet, det giver mig et flygtigt indblik i utallige menneskers liv. Maya Sialuk er grønlandsk tatovør, og hun arbejder med at bevare traditionerne inden for inuit tatoveringer. Tatoveringerne i inuit kultur er forbeholdt kvinderne og knytter sig til den spirituelle verden og er amuletter med forskellige egenskaber. Mandens amuletter er syet i hans tøj og skåret i hans fangstredskaber. Hovedfor- målet med tatoveringerne var at sikre jagtlykke. Det er en praksis Maya Sialuk arbejder på at bevare. Det er en immateriel kulturarv, der skal genopdages og hjælpe med at forstå inuitternes åndelige verden.

I grew up on the west coast of Jutland. I studied Photo Journalism at DJMX, graduating in 2010, and have since worked as a freelance photographer. I mainly photograph portraits, but in my time as a photographer I have photographed everything under the sun. I love portrait photography. Maya Sialuk is a Greenlandic tattoo artist. Her work aims to preserve the traditions of Inuit tattooing. The tattoos in Inuit culture are reserved for women and are associated with the spiritual world. They are amulets with various properties. The man’s amulets are sewn into his clothes and cut in his fishing gear. The main purpose of the tattoos was to ensure luck when hunting. This is a practice Maya Sialuk is working to preserve. It is an intangible cultural heritage that must be rediscovered, helping us to understand the spiritual world of the Inuits.

96 97 31 William Bjørn von Bülow (* 1982) Danmark / Denmark Manden med de mange farver / The man of many colors Film. 1080 HD 21 min

William Bjørn von Bülow er instruktør, producer og stifter af Fantom Film. Han er uddannet i Design & Business på KEA med speciale i iværksætteri og idéudvikling. De sidste 10 år har han beskæftiget sig med film med fokus på portrætter både i sit kommercielle og kunstneriske virke. Fantom Film er kunstnerens kreative produktionsselskab, der siden 2015 har fortalt virkelige menneskers historier ved at tale til folks følelser og skabe indlevelse. Manden med de mange farver er et intimt og farverigt portræt af kunstner Henrik Schütze. Som i en leg kaster Henrik sig sansende ud i livet. Med stor nysgerrighed bruger han verdens poesi til at skabe sine værker. Undervejs filo- soferer Henrik over både berømmelse, sin egen dødelighed og dét at sætte pris på selve eksistensen gennem malerkunsten. Filmen er skabt i tæt samarbejde og kunstnerisk dialog mellem instruktør og kunstner.

William Bjørn von Bülow is a director and producer, and the founder of Fantom Film. He studied Design & Business at KEA (Copenhagen School of Design and Technology). For the last 10 years he has been working in film, concentrating on portraits in both his commercial and artistic work. Fantom Film is the artist’s creative production company. Since 2015, it has been telling the stories of real people by appealing to people’s emotions and creating empathy. The man of many colors is an intimate, colourful portrait of the artist, Henrik Schütze. As if in a game, Henrik hurls himself into life with all his senses. With great curiosity, he uses the poetry of the world to create his works. Along the way, Henrik philosophises about fame, his own mortality and what it means to value existence itself through the art of painting. The film was made on the basis of close collaboration and artistic discussions between the director and the artist.

98 99 32 Bente Christensen-Ernst (* 1941) Danmark / Denmark George the Antiochene Olie på lærred / Oil on canvas 135 x 135 cm

Bente Christensen-Ernst er født i Aarhus i 1941 og debuterede på Charlottenborgs Forårsudstilling i 1989. Hun blev inviteret til Charlottenborgs Efterårsudstilling i 1991. Hun har deltaget i udstillinger i 10 forskellige lande, og i løbet af de sidste 10 år har hun foruden Danmark haft separatudstillinger i Damaskus, Aleppo (før krigen), Istanbul, Beirut (2 gange), New York og Amman (2 gange). Hun har boet i Mellemøsten i mere end 20 år, og det har påvirket hendes udtryk og valg af motiver. Mit værk er et portræt af min mand Jørgen Christensen-Ernst, som er cand.mag. i Mellemøstens sprog og kultur. Vi har boet en årrække i Antiochia ad Orontem (Antakya, Hatay) i Tyrkiet, lige op ad grænsen til Syrien. Min mand betragter derfor sig selv som antiokener. Folk i byen kan ikke udtale navnet Jørgen, så de kalder ham George.

Bente Christensen-Ernst was born in Aarhus in 1941 and made her debut at the Charlottenborg Spring Exhibition in 1989. She was invited to take part in the Char- lottenborg Autumn Exhibition in 1991. Her work has been featured in exhibitions in 10 different countries and, over the past 10 years, in addition to Denmark, she has had solo exhibitions in Damascus, Aleppo (before the war), Istanbul, Beirut (twice), New York and Amman (twice). She has lived in the Middle East for more than 20 years and it has influenced her expression and choice of motifs. My work is a portrait of my husband Jørgen Christensen-Ernst, who has a MA in the Language and Culture of the Middle East. For a number of years, we have lived in Antioch ad Orontem (Antakya, Hatay) in Turkey, right on the border with Syria. So, my man regards himself as a man of Antioch. People in the city cannot pronounce the name Jørgen, so they call him George.

100 101 33 Mirza Cizmic (* 1985) Suomi / Finland Stolen memories – Secret of oblivion Oliefarver på grundet papir, grafitpen / Oil colors on primed paper, graphite pen 76 x 56 cm

Mirza Cizmic er født i Banja Luka i Bosnien-Herzegovina. Han tog eksamen fra High School of Applied Arts i Sarajevo og har en mastergrad fra Kunstakademiet i Helsinki, Afdelingen for Malerkunst. Udover moderne maleri arbejder han også med skulpturer, performance og film. I de senere år har han holdt adskillige separatudstillinger og har deltaget aktivt i gruppeudstillinger både i Finland og i udlandet. Om Stolen memories – Secret of oblivion: Er barndommen en persons egentlige forælder? Min barndom blev ødelagt i ekstrem grad. Mange af de skadelige begi- venheder og interaktioner, jeg har været ude for i fortiden – især i min barndom – er usynlige. Men alligevel kan jeg mærke dem. De er meget diskrete. Jeg kan ikke flygte fra dem. Jeg kæmper konstant med min fortid; det er en uendelig kamp uden vindere. Frihed er mit mål, modet er min forbundsfælle.

Mirza Cizmic is born in Banja Luka, Bosnia and Herzegovina. He graduated from High School of Applied Arts in Sarajevo. He holds a master’s degree from the Acad- emy of Fine Arts in Helsinki, Department of Painting. In addition to contemporary painting he is also involved in sculpture, performance, and film. In recent years he has held several solo exhibitions and has participated actively in group exhibitions both in Finland and abroad. About Stolen memories – Secret of oblivion: Is childhood the real parent of a person? My childhood was violated on a massive scale. Many of the damaging events and interactions that happened to me in the past – mostly from my childhood – are invisible. Yet, I can feel them. They are very subtle. I cannot escape from them. I am constantly fighting with my past; it is an infinite fight with no winners. Freedom is my goal, courage is my ally.

102 103 34 Andreas von Cotta-Schønberg (* 1976) Danmark / Denmark F Major D Minor Olie på lærred / Oil on canvas 100 x 80 cm

Billedkunstner, illustrator og tatovør med base i København. Som billedkunstner har Andreas von Cotta-Schønberg et udtryk, der udspringer af en mere klassisk, figurativ tradition, primært inspireret af de gamle mestre, men han henter også inspiration i den kontemporære kunstverden. Han finder sin inspiration i det nære og det daglige. Personerne, vi omgiver os med, og stederne, vi færdes, er en uudtømmelig kilde til inspiration. Det er Andreas von Cotta-Schønbergs mission at tappe ind i de følelser, som de relationer vækker i os. Hans primære medie er oliemaling på plade eller lærred. Maleriet er et selvportræt af kunstneren og hans datter, Sally. Andreas prøver at vise den nærhed og ømhed, som er i far-datter forholdet. På samme tid reflekterer han dog over den store personlige rejse, som ligger foran den lille pige, og den æng- stelighed, som man som forælder kan opleve ved tanken om, at man skal give slip.

Visual artist, illustrator and tattoo artist based in Copenhagen. Andreas von Cotta- Schønberg’s visual art reflects a more classical, figurative tradition, inspired mainly by the old masters. But he also draws inspiration from the contemporary art world. He finds his inspiration in familiar, everyday themes. The people we surround ourselves with and the places we move around in are a source of endless inspiration. Andreas von Cotta-Schønberg’s mission is to tap into the emotions that those relationships evoke in us. His principal medium is oil painting on wood or canvas. The painting is a self-portrait of the artist with his daughter, Sally. Andreas aims to show the closeness and tenderness of the father-daughter relationship. However, he also contemplates the huge personal journey that lies ahead for the little girl, and the anxiety that a parent can feel at the thought of letting go.

104 105 35 Helle Rask Crawford (* 1964) Danmark / Denmark Grisefest – Best Friends Forever / Pig Feast – Best Friends Forever Bronze 17 x 40 x 15 cm

Helle Rask Crawford er født i Ribe og er nu bosiddende i Satrup i Nordsjælland. Hun arbejder i bronze. Hendes værker er ekspressive og figurative. Særligt portræt og magisk realisme har hendes interesse. Hun er elev af Keld Moseholm, Tove Elmquist og Ulrik Hoff, har udstillet mange steder i ind- og udland og er blandt andet præmieret på Det Skotske Kunstakademi. Kunstnerens datter, Sophia, ønskede sig brændende en kælegris til sin non- firmation. Her sidder Sophia med sin ønskegris. Som så mange andre i sin generation er Sophia meget miljøbevidst og empatisk og går ikke ind for at holde husdyr under fabrikslignende forhold. Grise er intelligente og sociale dyr og kan være gode kæledyr. Titlen på portrættet, Grisefest, udtrykker umiddelbart noget positivt, men alluderer til en tradition fra 70’erne, hvor danskere tog på charterferie i Spanien, drak sangria og holdt fester, hvor nyslagtede pattegrise blev grillet på spyd.

Helle Rask Crawford was born in Ribe and now lives in Satrup in North Zealand. She works in bronze. Her works are expressive and figurative. Her main interests are portraiture and magic realism. She was a student of Keld Moseholm, Tove Elmquist and Ulrik Hoff, has exhibited in many places in Denmark and abroad and was awarded a prize by the Royal Scottish Academy. The artist’s daughter, Sophia, desperately wanted a cuddly pig for her non- firmation. We see Sophia sitting with the pig. Like so many others in her generation, Sophia is very environmentally conscious and empathetic and is against keeping livestock in factory-like conditions. Pigs are intelligent, social animals and can make great pets. The title of the portrait, Pig Feast suggests something positive, but alludes to a tradition in the 1970s, when Danes went on package holidays to Spain, drank sangria and threw parties at which freshly slaughtered piglets were grilled on spits.

106 107 36 Øistein Sæthren Dahle (* 1988) Norge / Norway uten tittel (Love Kills My Words) / untitled (Love Kills My Words) RA4 farvefremkaldelse med tape / RA4 colour darkroom print with tape 100 x 70 cm

Født i Oslo, Norge. Uddannet i kunst og fotografi fra Atelier Smedsby i Paris, Akademin Valand i Göteborg og Tromsø Kunstakademi. Dette portræt er en del af et større bogprojekt, som har titlen Love Kills My Words. Bogen bliver udgivet af Kodoji Press senere i år.

Born in Oslo, Norway. Educated in art and photography from Atelier Smedsby in Paris, Akademin Valand in Gothenburg and Tromsø Academy of Fine Arts. This portrait is part of a larger book project which is entitled Love Kills My Words. The book will be published by Kodoji Press later this year.

108 109 37 Peter Dahlerup (* 1950) Danmark / Denmark Mink Farmer Fotografi / Photography 90 x 60 cm

Peter Dahlerup blev født i 1950 i Langå tæt på Randers, hvor han blev uddannet hos fotograf Bent Madié. Allerede i læretiden havde han eget studie, og hans store passion var fotografiet, hvor han deltog aktivt i en fotoklub. Efter endt karriere i Forsvaret blev han ansat i et EDB-firma med mainframe computere. Sideløbende deltog han i fotokonkurrencer og dyrkede sin hobby med fotografi i fritiden. I 1989 fik Peter Dahlerup officielt registreret firmaet Peter Dahlerup Fotografi, og fra 1991 og frem til i dag har han ernæret sig som professionel portrætfotograf og reklamefotograf på fuld tid. Peter Dahlerup har valgt et portræt, der viser noget tidstypisk for corona-året 2020: en minkavler, der med mundbind i hånden ser opgivende ud efter nedslagt- ning af hele minkbesætningen.

Peter Dahlerup was born in 1950 in Langaa close to Randers, where he was educated by photographer Bent Madié. During his education he had his own studio and was an active member of a photo club because of his passion for photography. After a career in the army he was an employee in a computer company with main frame jobs. In his spare time he was attending several photo competitions. In 1989 Peter Dahlerup officially got his company Peter Dahlerup Photography registered, and from 1991 and forward he has worked fulltime as a professional portrait and commercial photographer. Peter Dahlerup has chosen a portrait where something typical of the COVID-19 year 2020 was visible: A mink farmer with face mask in his hand and the look of resignation after the slaughter of all his minks.

110 111 38 Fu Deng (* 1972) Danmark / Denmark I den virkelige verden: Eventyr / In the real world: Fairy tale Olie på lærred / Oil on canvas 50 x 50 cm

Jeg blev født i Chongqing, Kina. Efter eksamen fra Sichuan Academy of Fine Arts med hovedfag i kinesisk maleri arbejdede jeg på Chengdu Institute of Education i 15 år, herunder 5 år for at studere “Freie Kunst” på Hochschule für bildende Kunst Hamburg, Tyskland. Mine vigtigste malematerialer er oliemaling og lær- red, og nogle gange bruger jeg også papir. Emnet for mine billeder er mennesker og landskaber. Jeg begyndte at male en serie af små portrætter fra slutningen af 2020 under emnet I den virkelige verden. Inspirationen kommer fra mine egne fotos af min familie, venner, fodgængere etc. Jeg kan godt lide at vise mine personlige præ- ferencer, forståelser og fortolkninger af emnerne gennem mine malerier af ofte uperfekte og slørede fotografier, der nok af de fleste ellers ville være blevet slettet.

I was born in Chongqing, China. After graduating from Sichuan Academy of Fine Arts with a major in Chinese painting, I worked at the Chengdu Institute of Education for 15 years, including 5 years of studying “Freie Kunst” at the Hoch- schule für bildende Kunst Hamburg, Germany. My main painting materials are oil paint and canvas, and sometimes I use paper too. The subject of my pictures is people and landscapes. I started painting a series of small portraits from the end of 2020 under the theme In the real world. The inspiration comes from my own photos of my family, friends, pedestrians etc. I like to show my personal preferences, understanding and interpretation of the topics through my paintings of often imperfect and blurred photographs that probably would have been deleted by most other people.

112 113 39 Cecilia Thorell DeVore (* 1984) Sverige / Sweden Alexis Olie på hør / Oil on linen 45 x 34 cm

Jeg er født på Sveriges vestkyst i nærheden af Göteborg. Jeg har altid været tiltrukket af realismen og prøvede tidligt at male så realistisk som muligt. I 2007 begyndte jeg på et treårigt uddannelsesprogram på Florence Academy of Art. Jeg mødte min mand på skolen, og vi har nu malet sammen i vores hjem i 10 år. Jeg arbejder for tiden på et portræt af vores ældste datter Ella og på flere stilleben. Jeg havde min niece på besøg, for at hun kunne sidde model. Mens vi holdt pause, frøs hun lidt og tog den gule pelsjakke på, som hun havde haft på, da hun kom. Jeg så over på hende og syntes, hun så dejlig rolig og smuk ud, så jeg tog et billede af hende, uden at hun opdagede det. Jeg viste hende det, og vi var begge glade for det. Jeg holder meget af min niece og håber, at det kan ses i mit maleri.

I was born on the west coast of Sweden near Gothenburg. I have always been drawn to realism and tried early on to paint as realistic as possible. In 2007 I started a three year long program at the Florence Academy of Art. I met my husband at that school and together we have been painting from home for over 10 years now. I am currently working on a portrait of our eldest daughter Ella along with several still lifes. I had my niece over for a modeling session. While we were taking a break she felt a little cold and put on her yellow fur jacket that she had worn when she came over. I looked over at her and loved how calm and beautiful she looked so I took a picture of her when she wasn’t aware. I showed her and we were both very pleased with it. I love my niece and hope it is visible in my painting.

114 115 40 Kasper Dyrberg (* 1991) Kalaallit Nunaat / Greenland Kvinde / Woman Digitalt print på lærred / Digital canvas print 80 x 60 cm

Mit navn er Kasper Dyrberg. Jeg er en kreativ portrætfotograf lokaliseret i Nuuk, Grønland. Jeg er uddannet cand.mag. i international virksomhedskommunika- tion med speciale i visuel kommunikation. Jeg er født og opvokset i Danmark, men har boet i Grønland det meste af mit voksne liv. Jeg startede min rejse ind i fotografiets verden, fordi jeg manglede flotte motiver til mine egne vægge. Dette har siden grebet om sig, og nu kan jeg ikke lægge mit kamera fra mig. Grønland er mit hjertes hjem. Mit billede præsenterer beskueren for indbegrebet af traditionel inuit skønhed og kulturarv. Kvinden bærer den traditionelle vestgrønlandske nationaldragt samt håndlavede smykker lavet af narhvalstand. Billedet er en hæder til den grønlandske sy-kunst og en påmindelse om, hvordan skønheden i traditionelt håndværk går tabt i vores moderne livsstil.

My name is Kasper Dyrberg. I am a creative portrait photographer, based in Nuuk, Greenland. I have an MA in International Business Communication and specialised in Visual Communication. I was born and raised in Denmark, but have lived in Greenland most of my adult life. I started my journey into the world of photography because I needed something beautiful on my own walls. It has since taken hold of me and now I cannot put my camera down. Greenland is where I feel at home. My picture introduces the viewer to the epitome of traditional Inuit beauty and cultural heritage. The woman wears the traditional national costume of West Greenland and handmade jewellery made of narwhal tusk. The picture is a tribute to the Greenlandic art of sewing and a reminder that the beauty of traditional craftsmanship has been lost in our modern lifestyle.

116 117 41 Torben Eskerod (* 1960) Danmark / Denmark Kirsten Delholm Fotografi, giclée print / Photo, giclée print 84 x 118 cm

Torben Eskerod er uddannet på Aalborg Universitetscenter og har læst videre på Arkitektskolen i Aarhus og Fatamorgana i København. Eskerod er en prisvindende fotograf, som har publiceret flere monografier, og hvis billeder er i offentlige samlinger i Danmark, Tyskland, England, USA og Japan. Han har udstillet på gallerier og museer rundt om i verden. Torben Eskerod er repræsenteret af Galleri KANT i København. Portrættet af kunstneren Kirsten Delholm er lavet i anledning af hendes 75 års fødselsdag i 2020. Kirsten Delholm er den kunstneriske leder og det kreative kraftfelt bag teaterkompagniet Hotel Pro Forma.

Torben Eskerod studied at Aalborg University Centre and pursued his further studies at Aarhus School of Architecture and Fatamorgana in Copenhagen. Eskerod is an award-winning photographer who has published several monographs and whose pictures can be seen in public collections in Denmark, Germany, England, the United States and Japan. He has exhibited in galleries and museums throughout the world. Torben Eskerod is represented by Galleri KANT in Copenhagen. The portrait of the artist Kirsten Delholm was taken on the occasion of her 75th birthday in 2020. Kirsten Delholm is the Artistic Director and creative force behind the theatre company Hotel Pro Forma.

118 119 42 Martin Fasting (* 1967) Danmark / Denmark Kvinde med blyant (portræt af Anna) / Woman with Pencil (portrait of Anna) Olie på lærred / Oil on canvas 100 x 80 cm

Martin Fasting er født på Bodø, Norge. Han er halvt dansk, halvt norsk. Uddannelse: Det Jyske Kunstakademi, Aarhus, 1989-92, Gerrit Rietveld Academie, Amster- dam, 1992-95. Et kendetegn ved Martin Fastings maleri er interessen for figuren, menneskekroppen som objekt, interessen for den psyko-dynamiske dimension, der følger med, samt interessen for figurens væren en del af de globale fortællinger. Kvinde med blyant er et portræt af min søster Anna. Maleriet har to indgange. Den ene, at det er et portræt, et billede af en person med de ligheder og den psykologiske dimension, man kan finde i det. Den anden er det tema, maleriet som maleri i sig selv slår an. Figuren er malet i en slags ubalance. Hun famler i mørket, men har samtidigt et klart fokus mod blyantens spids. Blyanttegner i det frie rum. Her kan noget nyt, uventet aftegne sig, opstå.

Martin Fasting was born in Bodø, Norway. He is half Danish, half Norwegian. Education: the Jutland Art Academy, Aarhus (1989-92), the Gerrit Rietveld Acad- emie, Amsterdam (1992-95). Hallmarks of Martin Fasting’s painting is his interest in the figure, the human body as an object and the psycho-dynamic dimension that accompanies, and the figure’s role in global narratives. Woman with Pencil is a portrait of my sister Anna. The painting has two aspects. Firstly, it is a portrait, a picture of a person with the similarities and the psychological dimension one can detect in it. Secondly, it tackles the theme of painting, which the painting in itself brings up. The figure is painted in a kind of imbal- ance. She gropes in the dark, but at the same time has a clear focus on the tip of the pencil. Drawing with a pencil in open space. Here, something unexpected may stand out and arise.

120 121 43 Else Fergo (* 1973) Danmark / Denmark Shouganai Olie på lærred / Oil on canvas 200 x 150 cm

Jeg er figurativ oliemaler og især optaget af menneskers relation til deres omgivelser. Mine billeder vil gerne vise forbundetheden mellem de store tragedier og stille sejre, som udspiller sig samtidigt i både den enkeltes liv og på et større plan for samfund og generationer. “Shouganai” er et japansk udtryk beslægtet med “pyt” (det nytter ikke at ærgre sig). Portrættet er af min mor, Takako. Hun kom fra Japan til Danmark i 1968 med kufferten fuld af håb og drømme. Men drømme går ikke altid i opfyldelse, og hun har gennemlevet mange svære ting gennem årene, uden at det har knækket hende. Når jeg spørger, hvordan hun kan være så rolig og afklaret med det, hun har mistet, svarer hun: “shouganai” – at det blev hendes plads i livet. Udtryk- ket rummer både melankoli og ukuelighed. Det er styrken i at kunne acceptere skæbnen uden bitterhed.

I am a figurative oil painter, particularly fascinated by people’s relationship to their surroundings. My pictures aim to show the correlation between major tragedies and quiet victories, which occur simultaneously in both the life of an individual and, on a larger scale, in society and generations. “Shouganai” is a Japanese expression meaning something like “it can’t be helped” (the acceptance of a bad situation). The portrait is of my mother, Takako. She came from Japan to Denmark in 1968 with her suitcase full of hopes and dreams. But dreams do not always come true, and she has experienced many difficult things over the years. But she survived. When I ask her how she can be so calm and serene in terms of what she lost, she answers, “shouganai”, meaning that it was her destiny. The term encompasses both melancholy and indomitability. It is the strength of being able to accept fate without bitterness.

122 123 44 Kresten Fjord (* 1967) Danmark / Denmark Kigger på fugle / Bird watching Foto trykt på hård forex-skumplade påmalet akryl / Photo printed on forex foam and acrylic paint 100 x 80 cm

Født i Slagelse. Min farfar lagde grunden til min interesse for foto og gode motiver. Når jeg som barn kom på sommerferie hos mine bedsteforældre, lånte han mig gerne sit Rolleiflex Automat 6x6, som jeg så gik rundt i byen og tog billeder med. Senere købte jeg et lidt mere handy Pentax, som jeg slæbte med rundt i hele verden. Det nåede at dække alt fra Nordkorea til Tjernobyl. Kunstværket er resultat af et samarbejde på en lidt anden måde, idet Poul Janus Ipsen med sine farver og streger lægger sin personlighed oven på Kresten Fjords fotografi. Billedets motiv er tvillingerne Alberte og Michelle i en uvant situation, i en dunkel kælder under Bogø Kostskole, hvor edderkopper og deres spind lægger sig hen over deres ansigter. Billedet bliver på denne måde et helt spontant udtryk for en ganske grundlæggende følelse af angst og ubehag, tilsat et stænk af humor.

Born in Slagelse. My grandfather paved the way for my interest in photography and interesting motifs. When I spent my childhood holidays with my grandparents, he would lend me his Rolleiflex Automat 6x6 and I would wander around the town taking photos with it. Later, I bought a slightly handier Pentax, which I took with me around the world. It travelled from North Korea to Chernobyl. The work is a result of a slightly unusual collaboration. Poul Janus Ipsen uses his colours and strokes to add his personality to Kresten Fjord’s photograph. The motif in the picture is the twins Alberta and Michelle in an unfamiliar situation, in a dark basement under Bogø Boarding School, where spiders and their webs cover their faces. The image is a totally spontaneous expression of a very basic feeling of anxiety and discomfort, with an added touch of humour.

124 125 45 Frida Franko-Dossar (* 1964) Danmark / Denmark Break out Bemalet og loddet glas i glasmontre på podie / Painted and soldered glass in glass showcase on podium 77 x 37 x 31 cm

Født i Ungarn og bosat i Danmark siden 1991. Autodidakt tegner, illustrator og skulptør med hang til en fabulerende og figurativ motivverden. Frida Franko- Dossars motivmættede stil ses tydeligt i hendes billedbog under titlen Om dengang hunden, katten og musen blev fjender for evigt. Nysgerrigheden efter at udforske mulighederne for at bruge detaljeret grafisk udtryk i rummelige værker har de seneste år ført hende til at arbejde med bemalet og loddet glas. Metoderne er en nytænkning af gamle teknikker, såsom glasmosaik brugt i skulpturelle værker, hvor glasset ofte er kombineret med keramik og andre materialer. Kunstnerens hidtidigt væsentligste værk er altermosaikken i Vestre Kapel i Horsens. Værket er et selvportræt over tilstanden af frustration over at være låst – sat i bur – sat i bås.

Born in Hungary and living in Denmark since 1991. Self-taught illustrator and sculptor with a penchant for a dreamy, figurative world of motifs. Frida Franko- Dossar’s style is saturated with motifs and is clearly evident in her picture book, Om dengang hunden, katten og musen blev fjender for evigt (About the Time when the Dog, the Cat and the Mouse Became Eternal Enemies). In recent years, her fascination for exploring the possibilities of using detailed graphic expression in spacious works has led to work on painted, leaded glass. The methods are a new take on old techniques: for example, glass mosaic used in sculptural works, where the glass is often combined with ceramic and other materials. The artist’s most important work to date is the altar mosaic in the West Chapel in Horsens. The work is a self-portrait of the state of frustration at being locked in a cage and being pigeonholed.

126 127 46 Sven Frøkjær-Jensen (* 1943) Danmark / Denmark Da efteråret trak sine spor over din hud / When the Autumn moved across your Skin Akryl og olie på lærred og påklæbet papir / acrylic and oil on canvas and glued paper 60 x 42 cm

Født og opvokset i Hørve, Odsherred. Cand.mag. fra Københavns Universitet i 1969 (historie og religion). Debut på Kunstnernes Sommerudstilling i 2011 som 68-årig. Efter 2008 begyndte jeg at arbejdet mere seriøst med billedkunst og har siden udstillet mange steder, blandt andet i USA, Tyskland, Grækenland, Polen og Danmark. Jeg stræber mod teknisk perfektion for at opnå den kunstneriske frihed, der gør det muligt at skildre det nutidige menneske og dets erfaringer. “Når efteråret drager over hendes hud og sætter såvel fremtid som fortid på spil, er billedets funktion at få tiden til at stå stille og sammenfatte det levede liv.” Med portrættet har jeg søgt at beskrive aldring og kærlighed, to væsentlige menneskelige erfaringer. Aldring vist gennem rynker og begyndende forfald og accepten deraf. Kærlighed og taknemlighed over for denne proces og især over for modellen, som har været min elskede i mere end 50 år.

Born and raised in Hørve, Odsherred. I hold an MA in History and Religion (1969) from the University of Copenhagen. Made my debut at the Artists’ Summer Exhibition in 2011 at the age of 68. After 2008, I started working seriously with visual art and have since exhibited in many different places, including the United States, Germany, Greece, Poland and Denmark. I strive for technical perfection in order to achieve the artistic freedom that enable me to portray humankind and its experiences. “When autumn suffuses her skin and both future and past are at stake, the function of a picture is to make time stand still and summarise the life that is lived.” In the portrait I attempted to describe ageing and love, two essential human experiences. Ageing evident in wrinkles and incipient decay and the acceptance of it. Love and gratitude for this process, and particularly for the model who has been my beloved partner for more than 50 years.

128 129 47 Anna Fröman (* 1973) Sverige / Sweden Solen / The Sun Video 3 min

Född i Fjärås, Sverige. Utbildad vid Konsthögskolan Valand i Göteborg. För när- varande undersöker jag ämnena minne och förlust. Jag är intresserad av hur det ser ut i det lilla och i det stora, i det privata och i samhället vid förändring och förlust. Vi har alla fått uppleva det nu i den här tiden. Allt har förändrat sig här. Det finns en längtan att återskapa ett minne. Om att försöka återvända till ett inre och yttre landskap, till en plats som inte längre finns. Om att söka det som var och som inte kan återfinnas. Ett verk om att förlora en far, utifrån en minnestavla, en blyertsteckning. Solen föll in över bilden som kom till liv och jag kände min fars närvaro. För ett ögonblick kände jag liv – andetag. I bakgrunden svagt ljud av fåglar och en klockas tickande.

Born in Fjäräs, Sweden and studied at Valand Art Academy in Gothenburg. Right now, I am investigating the topics of memory and loss. I am interested in the nature of change and loss on different scales, for the individual and for society. We have all had recent experience of it. Everything has changed. There is a longing to recreate a memory. To try to return to an inner and outer landscape, to a place that no longer exists. To search for what was and cannot be retrieved. A work about losing a father, outwardly a memorial plaque, a pencil drawing. The sun fell over the picture, which came to life, and I felt my father’s presence. For a moment I felt life – a breath. In the background a faint sound of birds and the ticking of a clock.

130 131 48 Espen Gees (* 1971) Norge / Norway Portrait of a Tango Dancer, Karine Digital print på aluminium / Direct digital print on aluminum 90 x 60 cm

Født i Asker, Norge i 1971, bor i Oslo. Bachelor of Arts med udmærkelse fra Kent Institute of Art & Design, Rochester, England. Espen Gees er “Overall Winner” af London Photographic Awards 2000 og har udstillet på separat- og gruppeudstillinger både i Norge og i udlandet. Billedet Portrait of a Tango Dancer, Karine indgår i en serie af portrætter af tangodansere fra Oslos tangoforening. Karine er queer-danser, hvilket vil sige, at hun for det meste har rollen som leder af parret, en rolle, som sædvanligvis as- socieres med mandlige dansere. Hun klæder sig også maskulint, når hun danser tango. Serien er inspireret af renæssancens portrætkunst, af de hollandske mestre og desuden af film noir-genren. Et fælles træk i disse traditioner er betydningen af hovedpersonens blik i forhold til beskueren. Blikket er en vigtig og integreret del af tangokulturen.

Born in Asker, Norway 1971, lives in Oslo, Bachelor of Arts with Honours, Kent Institute of Art & Design, Rochester, England. Espen Gees is the “Overall Win- ner” of the London Photographic Awards 2000 and has exhibited solo shows and participated in collective shows both in Norway and abroad. The picture Portrait of a Tango Dancer, Karine is part of a series of portraits taken of Tango dancers from the Oslo Tango community. Karine is a queer dancer, which means that she mostly dances the role of the leader in the couple, a role associated mostly with male dancers. She also dresses up in a masculine manner for Tango. The series is influenced by Renaissance portraiture, the Dutch masters and also the Film Noir genre. A common feature in these traditions is the importance of the protagonists gaze in relation to the viewer. The gaze is an important and integral part of tango culture.

132 133 49 Mette Giæver (* 1938) Norge / Norway Jeg er Meg / I am Me Akryl på lerret / Acrylic on canvas 140 x 100 cm

Jeg er utdannet cand. oecon ved Oslo Universitet i 1965. Jeg ble pensjonist i 2000 for å gjøre det, jeg lenge hadde drømt om: Å male. Jeg gikk rett inn på Mosebekk- skolen i 2 år. Siden har jeg malt på heltid. Det er viktig for meg å male slik at folk forstår det. Jeg har noen slagord “Humor i Kunsten” og “Kunsten ut til deg og meg”. Jørgen Foss er født på Sagene i Oslo i 1989. Han har et stort engasjement for lokalmiljøet, og Sagene Kirke i bakgrunnen er et viktig holdepunkt for energien i hans liv. Foss er politiker for Arbeiderpartiet, og har en rekke tillitsverv i ulike organisasjoner. Han har vært skuespiller og forbundsleder i Landsforeningen for Overvektige. Han er en ressursperson og bærer sine kilo med stor verdighet, tyngde og godt humør. Han bruker sin tid på å gjøre verden bedre, spesielt på Sagene, hvor han bor. Jeg håper portrettet også speiler hans indre kvaliteter.

I graduated from the University of Oslo in 1965 with a Master in Economics. I retired in 2000 to do what I had long dreamed of doing: painting. I went directly to Mosebekkskolen for 2 years. Since then, I have been painting full time. It is important for me to paint in a way people understand. I have some catchphrases: ‘Humour in Art’ and ‘Art for You and Me’. Jørgen Foss was born at Sagene in Oslo in 1989. He has a strong commitment to the local community, and Sagene Church in the background is an important point of reference for the energy in his life. Foss is a Labour Party politician and holds a number of positions of trust in various organisations. He has been an actor and Chairman of the National Association for the Obese. He is a person with a wealth of resources and carries his kilos with great dignity, weight and a sense of humour. He spends his time making the world a better place, especially at Sagene, where he lives. I hope the portrait also reflects his inner qualities.

134 135 50 Meeto Worre Kronborg Grevsen (* 1981) Danmark / Denmark Pige med halskæde / Girl with Necklace Print på hærdet glas / Print on tempered glass 100 x 100 cm

Jeg er født på Christiania i København. Jeg er uddannet i film og medievidenskab på Københavns Universitet med sidefag i kunsthistorie. Jeg har hovedsagligt be- skæftiget mig med film og lever af at laver reklame- og dokumentarfilm. Jeg har altid lavet kunst i en eller anden form og har de seneste år arbejdet med kunstfotografiet ved siden af mit arbejde som filminstruktør. Jeg har tidligere udstillet tre gange på Kunstnernes Efterårsudstilling. Værket er et portræt af en ung kvinde, der står i et udefinerbart rum. Et rum, som har et simpelt udtryk. Et rum, der giver os mulighed for at læse vores egen tolkning ind i billedet. Pigens blik er rettet væk fra vores, så vi får mulighed for at betragte hende på næsten voyeuristisk vis. Billedet er taget med et mellemfor- mat, der giver billedet en næsten malerisk kvalitet, og jeg synes, at billedet giver mindelser om barok malerkunst som Vermeers Pige med perleørering.

I was born in Christiania in Copenhagen. I read Film and Media Studies at the University of Copenhagen with a minor in Art History. I have worked mainly in film and make a living from making commercials and documentaries. I have always created art in some form or another and in recent years have worked as an art photographer alongside my job as a film director. I have previously exhibited three times at the Artists’ Autumn Exhibition. The work is a portrait of a young woman standing in an indefinable space. A space with a simple expression. A space that allows us to interpret the picture in our own way. The girl is looking away from us, enabling us to view her in an almost voyeuristic way. The picture was taken with a medium format, lending it an almost picturesque quality, and I think it evokes Baroque painting: for example, Vermeer’s Girl with a Pearl Earring.

136 137 51 Kim Herholdt Groth (* 1964) Danmark / Denmark Jonas Olie på lærred / Oil on canvas 80 x 65 cm

Jeg startede med at tegne i mine teenagerår og havde min første lille soloudstil- ling på det lokale bibliotek. Jeg drømte om at vælge en kunstnerisk uddannelse og levevej, vidste dog ikke hvordan og fik ikke kyndig vejledning, og er derfor i dag autodidakt billedkunstner. Hen over årene ændrede det sig fra tegning til akrylmaleri, og jeg arbejder i dag udelukkende med olie på lærred. På Frederiksborg Slot så jeg et fantastisk maleri af J.P. Jacobsen malet af Ernst Josephson i 1879. I mine øjne en atypisk repræsentant for tidens portræt, da det viser en følsom mand, siddende med en bog og blomst foran sig og meget eftertænksom, hvor man typisk så stolte verdensmænd. Jeg har længe tænkt, om jeg ikke kunne male et værk med den samme følsomhed og eftertænksomhed. Jeg løb ind i Jonas Brøns Piché, en ung kunststuderende på Ærø Kunsthøjskole, og kunne med det samme se Jonas som min model til det ønskede værk.

I started drawing in my teens, and had my first small solo exhibition at the local library. I dreamed of choosing an artistic education and way of life, but did not know how and did not receive expert guidance. So today I am a self-taught visual artist. Over the years I switched from drawing to acrylic painting, and today I work exclusively in oil on canvas. At Frederiksborg Castle I saw a fantastic painting of J.P. Jacobsen painted by Ernst Josephson in 1879. I see it as an atypical representative of the portrait of the time, as it shows a sensitive man, sitting with a book and a flower in front of him, and very pensive, whereas portraits generally featured proud men of the world. For some time I wondered whether I could paint a work with the same sensitivity and contemplation. Ran into Jonas Brøns Piché and could immediately see Jonas as my model for the desired work.

138 139 52 Jesper Grønnemark (* 1988) Danmark / Denmark Iceman Foto, pigmenteret blæk på Fine Art Hahnemühle papir / Photo, pigmented ink on Fine Art Hahnemühle paper 90 x 60 cm

Jesper Grønnemark, født i Slagelse, Danmark, opvokset i Østjylland, uddannet reklamefotograf ved Medieskolerne i Viborg med læretid ved fotograf Jakob Ler- che. Jesper Grønnemarks speciale er fotografering af sport til kommercielt brug i både ind- og udland. Portræt af den danske udholdenhedsatlet Anders Hofman før han, som den første, gennemførte en fuld Ironman triatlon distance (3,9 km svømning, 180,2 km cykling, 42,2 km løb) på Antarktis.

Jesper Grønnemark was born in Slagelse, Denmark, grew up in East Jutland, trained as an advertising photographer at the Media Schools in Viborg and was apprenticed to the photographer Jakob Lerche. Jesper Grønnemark specialises in commercial sports photography for both the Danish and the international market. Portrait of the Danish endurance athlete Anders Hofman before he became the first athlete to complete a full Ironman triathlon (3.9 km swimming, 180.2 km cycling, 42.2 km running) in Antarctica.

140 141 53 Martin Gustavsson (* 1964) Sverige / Sweden The Aesthetics of Fruit on a Bed Olja på linneduk / Oil on linen cloth 100 x 150 cm

Född i Uddevalla och utbildad på Kungliga Konsthögskolan, Stockholm 1996, och BA Fine Art (hons) vid Middlesex University, London 1994. Solo presentationer inkluderar Un Chant Ecarlate, 2019, Konstakademien, Stockholm. Saints and Fuckers, 2016, Proyecto Amil, Lima. El Mirage, 2015, Participant Inc, New York. In No Particular Order, 2010, Maria Stenfors, London. Målningen ingår i en större serie The Aesthetics of Fruit. Den är på ett sätt två målningar utförda under olika tider 2005 och 2019 som krashar in i varandra och alltså inte bara beskriver en tidsaspekt utan faktiskt innefattar en tidsaspekt på samma yta. Den tidigare målningen använde sig av odalisk traditionen för att problematisera begärstematiken i den ‘manliga’ blicken. Den finns förstås kvar men fått ytterligare komplikationer då den i sin nuvarande inkarnation också refererar till målerihistoria på fler sätt och också digitala tekniker.

Born in Uddevalla and graduated from Kungliga Konsthögskolan in Stockholm in 1996. Also holds a BA (Hons.) in Fine Art from Middlesex University, London (1994). My solo exhibitions include: Un Chant Ecarlate, 2019, Konstakademien, Stockholm; Saints and Fuckers, 2016, Proyecto Amil, Lima; El Mirage, 2015, Participant Inc, New York; In No Particular Order, 2010, Maria Stenfors, London. The painting is part of a larger series entitled The Aesthetics of Fruit. In a way, it is two paintings completed at different times (in 2005 and 2019), which collide and thus not only portray an aspect of time, but in fact also incorporate an aspect of time. The earlier painting used the odalisque theme, tackling the issue of lust in the ‘male’ gaze. It still exists, of course, but has acquired an additional complication, since in its current incarnation it also refers to the history of painting in several ways and also to digital techniques.

142 143 54 Søren Hagen (* 1957) Danmark / Denmark Frederiksbergs borgmester Jørgen Glenthøj / Frederiksberg Mayor Jørgen Glenthøj Olie og akryl på lærred / Oil and acrylic on canvas 90 x 60 cm

Jeg har været så heldig, at jeg siden 1986 har kunnet leve af min kunst. Jeg har kunnet fordybe mig i mit fag på den totalt nørdede måde. Når det er blevet for meget, så har jeg foretaget rigtig mange studierejser. Man kan sige, at jeg har set verden. Studierejserne har været utroligt vigtige for mig, da det har været ligesom at få blæst tavlen ren – starte forfra på nye retninger. Min seneste studierejse var til Myanmar. Det er nok ikke til at se direkte, men uden den renselsesproces, som det at rejse har været, ville mit portræt af borgmester Jørgen Glenthøj ikke se ud, som det gør.

I have been so lucky. Since 1986, I have been able to make a living from my art. I have been able to immerse myself in my subject in a totally nerdy way. When things got too much, I went off on study trips. I have certainly seen the world. The study trips have been incredibly important to me. It has been like cleaning the slate, starting all over again and making different choices. My most recent study trip was to Myanmar. It is probably not directly evident, but without the cleansing process travelling has provided, my portrait of Mayor Jørgen Glenthøj would look completely different.

144 145 55 Claus Handgaard (* 1969) Danmark / Denmark Udsigt fra Kunstnerens vindue / View from the Artist’s Window Akryl på MDF / Acrylic on MDF 80 x 60 cm

Uddannet fra Det kgl. Danske Kunstakademi i 1998 hos Professor Vibeke Mencke Nielsen. Jeg er medlem af Kunstnersammenslutningen Corner. Efter mange år, hvor jeg primært lavede grafik, begyndte jeg igen i 2013 at koncentrere mig om maleriet. Mit maleri bevæger sig i en stadig mere registrerende retning og be- skæftiger sig ofte med den hverdag, der bogstavligt talt passerer forbi mine øjne. Portrættet forestiller min datter Kaya. Hun kigger op på os, mens hun for en kort stund forlader den verden, hendes smartphone tilbyder hende. Kaya sidder foran et vindue, og i vindueskarmen står en model af et skib, et af den slags skibe man drog ud og kortlagde verden med. Portrættet deler titel med et maleri af guldaldermaleren Martinus Rørbye. Han malede det i 1825, hvor han stod overfor at skulle forlade sit barndomshjem og drage ud i verden på egen hånd. I Rørbyes billede står vinduet åbent, i portrættet af Kaya er det op til beskueren.

I studied at the Royal Danish Academy of Fine Arts in Copenhagen with Professor Vibeke Mencke Nielsen, and graduated in 1998. I am a member of the Corner Painters. After many years of mainly graphic work, in 2013 I started painting again. My painting is moving in an increasingly documentary direction and often deals with the everyday life that literally passes in front of my eyes. The portrait depicts my daughter Kaya. She is looking up at us, briefly depart- ing from the world her smartphone offers her. Kaya is sitting in front of a window, and on the window sill is a model of a ship, one of the kind of ships people would sail off in to map the world. The portrait has the same title as a painting by the Golden Age painter Martinus Rørbye. He painted it in 1825, when he was faced with having to leave his childhood home and go out into the world on his own. In Rørbye’s picture the window is open, in the portrait of Kaya it is up to the viewer.

146 147 56 Steffen Harder (* 1957) Danmark / Denmark Lånte fjer / Borrowed Feathers Acryl på lærred / Acrylic on canvas 130 x 100 cm

Født i København. Autodidakt billedhugger og maler. Debuterede på efterårsud- stillingen 1989 med stenskulpturer. Har fortrinsvis arbejdet med sten, men de senere år mest malet. Jeg har altid fundet portrættet interessant, måske fordi jeg som frisør har set på så mange forskellige hoveder. Maleriet er efter Horace Vernets portræt af Thorvaldsen fra 1833. Jeg har malet mit eget ansigt i stedet for Thorvaldsens. Det er en kommentar til tidens trang til at udstille og fremhæve os selv i stærkt forskønnet udgave. Med denne sammenligning mellem Thorvaldsen, den nok mest berømte billedhugger Danmark har haft, og mig selv håber jeg at karikere tidens trang til selvhøjtidelighed.

Born in Copenhagen. Self-taught sculptor and painter. Made my debut at the Autumn Exhibition in 1989 with stone sculptures. Have mainly worked with stone, but in recent years mostly painted. I have always found the portrait genre interesting, perhaps because as a hairdresser I have looked at so many different heads. The painting was inspired by Horace Vernet’s portrait of Thorvaldsen (1833). I have painted my own face instead of Thorvaldsen’s. It is a commentary on today’s penchant for exhibiting and promoting ourselves in a highly embellished version. With this comparison between Thorvaldsen, probably the most famous sculptor Denmark has had, and myself, I aim to caricature today’s penchant for self-importance.

148 149 57 Jesper Hasseltoft (* 1960) Danmark / Denmark Meat and Marble Fotografi, giclée print / Photo, giclée print 84,1 x 118,9 cm

Født i Odense. Begyndte som 17-årig som teatermalerlærling på Odense Teater, senere skiftede jeg til lysafdelingen. Pressefotograf på Avisen Fyn. Uddannet skuespiller på Aarhus Teaterakademi. Lang karriere som skuespiller og lysdesigner. Min baggrund i teatret smitter af på min fotografiske praksis. Billederne er ofte iscenesatte og indeholder sanselige elementer fra virkeligheden. En romersk borger fra år 100 er endt på Glyptoteket i København. Her er han blevet forenet med en nutidig dansk borger. Der er mere der forener os mennesker, end der adskiller os.

Born in Odense. Started my career at the age of 17 as a scene painter at Odense Theatre and later transferred to the lighting department. Press photographer at Avisen Fyn. Studied acting at Aarhus Theatre Academy. A long career as an actor and lighting designer. My theatre background rubs off on my photography. The photos are often staged and contains sensuous elements from reality. A Roman citizen from the year 100 has ended up in the Glyptotek in Copenha- gen. Here he has been united with a contemporary Danish citizen. There is more that unites us than devides us as human beings.

150 151 58 Kennet Islandi Havgaard (* 1962) Danmark / Denmark Skuespiller Magnus Sjørup / Actor Magnus Sjørup Fotografi, inkjetprint på bomuldspapir / Photo, inkjet print on cotton paper 100 x 70 cm

Kennet Islandi Havgaard er født i Valby, København. Uddannet fagfotograf 1984. Selvstændig fotograf i København fra 1987. Har primært beskæftiget sig med at fotografere mennesker, herunder musik, mode og portræt. Udgivet flere portræt- bøger, senest Fjæs i 2020. Studieportræt af skuespiller Magnus Sjørup på sort baggrund.

Kennet Islandi Havgaard was born in Valby, Copenhagen. Finished my studies as a professional photographer in 1984. Freelance photographer in Copenhagen since 1987. I have mainly photographed people, including people from the worlds of music and fashion. I have published several books of portraits: most recently Fjæs (Face) (2020). Studio portrait of the actor Magnus Sjørup against a black backdrop.

152 153 59 Ole Hedeager (* 1967) Danmark / Denmark T. sleeping Olie og kul på lærred / Oil and charcoal on canvas 160 x 110 cm

Jeg bor i den smukke landsby Klovborg i Danmark. Jeg vandt min første tegne- konkurrence allerede som 13-årig og solgte mine første tegninger samme år. Jeg er uddannet folkeskolelærer med linjefag i billedkunst. Jeg arbejder med min kunst på fuld tid og har specialiseret mig i det, der kaldes “drip painting”, og så vidt jeg ved, er jeg næsten den eneste i Europa, der laver disse på lærred. I mine drip-paintings forsøger jeg at give en maskulin indsigt i det fysiske. Mit portræt er baseret på transformationen fra dreng til ung mand. Det forestiller min søn Theodor. Om natten under søvnen foregår transformationen, noget opløses, og noget andet samler sig til en næsten magisk ny version af et menneske. Linjerne snor sig, samles og skilles i portrættet via drip-paint-teknikken og understreges af samme teknik. Spørgsmålet for beskueren er: Bliver han opløst eller samlet?

I live in the lovely village Klovborg in Denmark. I won my first drawing competition already as a 13-year-old, and sold my first drawings the same year. I am educated primary school teacher with a line subject in visual art. I work full time with my art and have specialized in what is called “drip painting”, and am as far as I know almost the only one who makes these on canvas in Europe. In my drip-paintings, I try to give a masculine insight into physicality. My portrait is based on the transformation from boy to young man. It is my son Theodor. At night, in sleep, the transformation takes place, something dissolves and something else gathers into an almost magical new version of a human being. The lines twist, assemble and separate in the portrait via Drip-paint and are emphasized by the technique itself. The question for the viewer is: Does he dissolve or assemble?

154 155 60 Gertrud Heide (* 1948) Danmark / Denmark Én jeg kender / Someone I know Metal og træ / Metal and wood 23,5 x 25 x 7,5 cm

Født i Jylland. Autodidakt. Jeg har primært beskæftiget mig med blyantstegning, farveblyant på papir, bemaling på metal, figurer i metal og fotografi. Rå og slidte materialer, men alligevel med en vis skønhed. Jeg håber, at skil- dringen giver indtryk af en følsomhed sammen med en optimisme, fremhævet ved guirlanden over ansigtet.

Born in Jutland. Self-taught. My work has mainly included pencil drawing, crayon on paper, painting on metal, figures in metal and photography. Raw, worn materials, but still with a certain beauty. I hope the depiction and the garland over the face give the impression of sensitivity and optimism.

156 157 61 Ninni Heldt (* 1971) Suomi / Finland Omakuva / Self-portrait Olie på kobber / Oil on copper 45 x 36,5 cm

Uddannet ved Helsinki Universitet for Kunst og Design og på Florence Academy of Art i Italien. Jeg bruger den samme metode, som jeg har studeret hos mestrene fra det 19. århundrede. Når jeg maler efter levende model, udforsker jeg lyset, skyggerne og mellemtonerne. Mine værker er primært baseret på direkte iagttagelse af naturen. Den aktuelle situation har fået mig til at trække mig mere ind i mig selv og blive mere introspektiv. Jeg begyndte på dette selvportræt i foråret 2020. Det var et tidspunkt, hvor vi havde flere restriktioner på grund af coronavirussen, og jeg bad ikke folk om at komme ind i mit atelier for at sidde model. Jeg påbegyndte projektet ved at tegne mig selv via spejlet med blyant på håndtonet papir. Jeg arbejdede på tegningen i flere måneder, før jeg overførte den til en kobberplade til oliemaleri. Dette lang- varige projekt har været meget helende for min personlighed og har også været psykologisk meget interessant.

Trained as an artist in Helsinki University of Art and Design and in the Florence Academy of Art in Italy. I use the same method studied by the masters of the 19th century. While painting the live model I focus on exploring the light, shadows and halftones. My artworks are mainly based on direct observation of nature. The current situation has made me go more inside of myself and to become more introspective. I started this self-portrait project in spring 2020. That was the time when we had more restrictions due to the corona virus and I didn’t ask people to come into my studio for modelling. I started the project by drawing myself from the mirror with pencil on hand toned paper. I worked on the drawing for several months until I transferred it on the copper plate for oil painting. This lengthy project has been very deeply healing my personality as it’s been also psychologically very interesting.

158 159 62 Jonny Krucow Heng (* 1972) Norge / Norway Self-portrait (cold morning) Olie på lærred / Oil on canvas 48 x 32 cm

Efter tre års uddannelse inden for visuel kommunikation på gymnasieniveau fort- satte Jonny Krucow Heng sin uddannelse i de følgende år ved at foretage adskillige rejser til en række store europæiske museer, hvor han studerede og lærte de gamle mestres håndværk. Især studieturene til Skt. Petersborg fik stor betydning for hans videre kunstneriske udvikling. I denne periode fik han også vejledning af blandt andet Jan V. Sæther, professor emeritus ved Statens Kunstakademi i Oslo. Dette selvportræt er malet en kold morgen i begyndelsen af januar 2021 foran et spejl. Der er anvendt en klassisk begrænset palet – rød, gul, sort og hvid – og brugt dæmpede farver og en forenklet komposition for at opnå en højere grad af intimitet og psykologisk dybde. Desuden forsøger jeg med penselstrøgene at forstærke dette ved at understrege det essentielle udtryk og karakteren.

After three years of training in visual communication, secondary school level, Jonny Krucow Heng continued his education over the following years by making several excursions to a number of European major museums, where he studied and learned the craftmanship of the old masters. Particularly study tours to St. Petersburg became of great importance for his further artistic development. During this period he also received guidance from a.o. Jan V. Sæther, professor emeritus, State Academy of Art, Oslo. The self-portrait was painted on a cold morning early January 2021 in front of a mirror. A classic restricted palette is applied – red, yellow, black and white – using muted colors and simplified composition, in order to obtain a greater degree of intimacy and psychological depth. Further, the brush strokes attempt to reinforce this by emphasizing on the essential expression and character.

160 161 63 Thomas Holm (* 1957) Sverige / Sweden Självporträtt med Eckersberg / Self-portrait with Eckersberg Olie på lærred / Oil on canvas 80 x 130 cm

Jeg påbegyndte min uddannelse inden for mode på Anders Beckmanns Skole i Stockholm, hvor jeg studerede tegning, mode og mønstre. Interessen for kunst blev den stærkeste, og jeg gik videre til to år på Gerlesborgsskolan i Stockholm og maleri efter nøgenmodel efterfulgt af en uddannelse på Det Kgl. Danske Kunstakademi i København. Albert Mertz var min professor. Efter at have været i Rom og studeret Eckersberg motiver i Villa Borghese og maleriet Parti i Villa Borgheses have med de samme motiver på SMK i København ville jeg gerne have et nært forhold til begge dele. Mønstrene i baggrunden og et lille parti i grisaille er fra maleriet i Villa Borghese, malet efter hukommelsen. Den virkelige oplevelse af at sidde og se nøje efter og betragte sig selv er en god træning for mig, som normalt maler ud fra idéer i mit hoved. En koncentreret tid, og det er derfor, jeg ser sådan ud!

I started my education in fashion at Anders Beckman School (Stockholm) where I studied drawing, fashion and patterns. The interest in art took over and two years at Gerlesborgsskolan (Stockholm) and painting after nude model followed by the Royal Danish Academy of Fine Arts. Albert Mertz was my professor. After being in Rome and studying Eckersbergs motives at Villa Borghese and the painting View of the garden of the Villa Borghese in Rome with the same motifs at SMK in Copenhagen I wanted to have a close realationship with both. Patterns in the background and a small part in grisaille from the painting in Villa Borghese is painted according to memory. The reality of sitting eyeballing and watching yourself is a good training for me, who usually paints from ideas in my head. A concentrated time, that is why I look that way!

162 163 64 Nina Høfdinghoff (* 1992) Danmark / Denmark Julie Papir / Paper 120 x 80 cm

Nina Høfdinghoff er uddannet fra TEKO (nu VIA Design) som designteknolog. Derudover har hun taget en del af fotografuddannelsen på Medieskolerne i Viborg. Hun har solid erfaring med fotografi, design og udtryk særligt inden for mode- branchen. Hendes yndlingsgenre er portrættet. Portræt af Julie Kirstine Nielsen. 90 år. Kælenavn: “Julle”. Snyder konsekvent i Yatzy og opfordrer lystigt andre til at gøre det samme. Stærk som få, udadvendt og har let til både smil og latter. Elsker fest og farver, Spunk Saltlakrids og Baileys. Er mor, svigermor, mormor, farmor, oldemor, søster og enke. Sagde “ja” til Egon, sin ægtemand gennem 65 år, blot en uge efter de mødte hinanden. Hun betalte for ringen. Er født og opvokset med Vesterhavet brusende omkring sig i Nordby på Fanø, men har levet størstedelen af sit liv i Lind uden for Herning omgivet af heden.

Nina Høfdinghoff is a graduate of TEKO (now VIA Design), where she studied Design Technology. She has also completed a number of photography courses at the Media Schools in Viborg. She has substantial experience in the fields of photography, design and expression, especially in the fashion industry. Her favourite genre is portraiture. Portrait of Julie Kirstine Nielsen. 90 years old. Nickname: ‘Julle’. Constantly cheats at Yatzy and cheerfully encourages others to do the same. Stronger than average, outgoing and always smiling or laughing. She loves fun and games, Spunk Salt Liquorice and Baileys. She is a mother, mother-in-law, grandmother, great-grandmother, sister and widow. Said “yes” to Egon, her husband of 65 years, just a week after they met. She paid for the ring. She was born and raised near the North Sea in the village of Nordby on the island of Fanø, but has lived most of her life in Lind on the outskirts of Herning, surrounded by heathland.

164 165 65 Anna Kathrina Højgaard (* 1954) Føroyar / Faroe Islands Sorg uden ramme / Sorrow without Frame Foto / Photo 90 x 60 cm

Jeg er født i Tórshavn på Færøerne. Svendeudlært fotograf i 1975 hos “Bambus”, Svend Poulsen i Tórshavn. Dette er en beskrivelse af min ven den færøske multikunstner Tróndur Paturs- son, der i et øjebliksbillede så sin hustru Borgny for sig. Efter kort tids sygdom døde hun af cancer efter mange års givtigt og kreativt samliv i Kirkjúbø. Tróndur Patursson, kunstner uden ramme … kun sorg. Kun sorg efter hans hustrus død, det var, hvad jeg så.

I was born in Tórshavn, The Faroe Islands. Educated as photographer in 1975 in portrait and commercial photo at “Bambus”, Svend Poulsen in Torshavn. This is a description of my friend the Faroese multi-artist Tróndur Patursson, who in a snapshot imagined his wife Borgny. After a short illness, she died of cancer after many fruitful years of living and creating together in Kirkjúbø. Tróndur Patursson Artist whith no frame ... just sorrow. Just sorrow after his wife’s death, that was what I saw.

166 167 66 Heidi Persdatter Greiner Haaker (* 1965) Norge / Norway Dementia, Who Am I? Foto / Photo 29,7 x 21 cm

Født og vokst opp i Finnmark, i Nord-Norge. Same og kven. Billedkunstutdan- nelse fra Nydalen Kunstskole i Oslo. Utstillinger i Oslo, Treviso, Italia, Lakselv og Kirkenes. Holder på med skulpturer, redesign, innstallasjoner, malerier, foto og tegning. Bildet er av min demente far. Han sitter å funderer på, hvem han er, og hvor han er. Bestefaren hans het Per Iver Hansen Madvig, som han er oppkalt etter. Han vet, at han bor i Storbukt, men han vet ikke helt, hvem han bor sammen med. Han vet han kjenner oss, men vet ikke helt, hvem vi er. Man kan lese fortvilelsen og spørsmålet i ansiktet hans.

Born and raised in Finmark in northern Norway. Sámi and Kven. Studied visual art at the Nydalen Art School in Oslo. Exhibitions in Oslo, Treviso (Italy), Lakselv and Kirkenes. Her work includes sculptures, redesign, installations, painting, photography, and drawing. The picture is of my demented father. He sits, pondering who he is and where he is. His grandfather, after whom he is named, was Per Iver Hansen Madvig. He knows he lives in Storbukt, but he is not exactly clear about whom he lives with. He knows he knows us, but does not quite know who we are. You can see the despair and questioning in his face.

168 169 67 Jórun á Fløtti Jacobsen (* 1951) Føroyar / Faroe Islands Plukke bær / Picking Berries Fotografi på bomuldspapir / Photo on cotton paper 31 x 46 cm

Jeg er født på Færøerne, i bygden Eide, voksede op i 50’erne med hele familien omkring mig på et frit, godt og naturvakkert sted. At fotografere er min interesse og min hobby. Det, som jeg har lært inden for fotografering, har jeg lært på aftenskole og skaffet mig viden om selv i bøger og andet. Ellers arbejder jeg med mennesker, som har særlige behov, og som jeg har uddannet mig til at kunne hjælpe og være noget for. I fritiden er det skønt at tage ud i naturen med fotografiapparatet og håbe på et godt billede. Da jeg var barn, var det almindeligt, at vi som familie tog op i fjeldet for at plukke bær en søndag i august måned. Denne tradition er næsten glemt nu. Jeg ville vise den til mine børnebørn, som er repræsenteret på billedet. De fik en god oplevelse, plukkede mange bær, var nærværende, rolige og glade, og vil gerne afsted igen.

I was born in the Faroe Islands, in the village of Eide, and grew up in the 1950s with the whole family around me, in a wonderfully free, picturesque place. Photography is my interest and my hobby. What I have learned in photography I learned in evening school and from books etc. Otherwise, I work with people who have special needs. I was trained to help and be there for them. In my free time, I love walking in the great outdoors with my camera, hoping for a great photo. When I was a child, my family would often go hiking to pick berries on a Sunday in August. Today this tradition is almost a thing of the past. I wanted to show it to my grandchildren, who feature in the picture. They really enjoyed themselves, picked lots of berries, were calm and happy and would like to repeat the experience.

170 171 68 Dorte Jensen (* 1958) Danmark / Denmark Karla Tekstil / Textile 110 x 80 cm

Dorte Jensen er født og opvokset i Sprattenborg – en lille landsby på Fyn. Hun er oprindelig uddannet sygeplejerske og har arbejdet 20 år i psykiatrien. 2007- 14 boede Dorte Jensen i Polen på grund af sin mands arbejde. Da hun flyttede, sagde hun farvel til sygeplejen og fik i stedet mulighed for at forfølge sin interesse for tekstiler på fuld tid. I løbet af disse år udviklede hun således sin egen teknik til at sy portrætter. Efter tilbageflytningen til Danmark har Dorte Jensen taget uddannelsen bachelor i tekstildesign, -håndværk og -kommunikation, men som tekstilkunstner er hun autodidakt. Dette værk er et portræt af den 112-årige Karla Jensen fra Herning – den person i Danmark, som har opnået den højeste alder nogensinde. Karla døde i december 2020 efter et godt og langt liv, men ville ellers være blevet 113 år på denne udstillings åbningsdag den 7. maj 2021.

Dorte Jensen is born and raised in Sprattenborg – a small village on Funen, Denmark. She originally took an education to become a nurse, and she worked for 20 years in psychiatry. 2007-14 Dorte Jensen lived in Poland because of her husband’s job. When she moved, she said goodbye to nursing and instead she got the opportunity to pursue her interest in textiles full-time. During that period, she thus developed her own technique to sew portraits. After moving back to Denmark, she took an education to become a Bachelor in Textile-design, -handicraft and -communication, but as a textile artist she is self-taught. This work is a portrait of the 112-year-old Karla Jensen from Herning – the person in Denmark who has reached the highest age ever. Karla died in December 2020 after a good and long life, but would otherwise have turned 113 on the opening day of this exhibition the 7th of May 2021.

172 173 69 June Jin (* 1977) Danmark / Denmark … & immortalizing time Olie på Plexiglas / Oil on plexiglass 86 x 66 cm

Den dansk-koreanske kunstmaler June Jin er født i Sydkorea og bor i København. Rent kunstnerisk har June Jin været vidt omkring, før hun fandt sin rette hylde som maler. Hun tog eksamen fra Billedkunstlinjen på Seminariet for Formgivning i 2000, hvorefter hun har arbejdet med design til museumsudstillinger, TV, reklame og assisteret kunstnere som Christian Lemmerz og Peter Land med deres kunstproduktion. Dette maleri med titlen …& immortalizing time af den danske sanger og sang- skriver Thomas Buttenschøn er ikke kun et portræt af en musiker, en sjæl, men skal også afspejle tidens samfund. Portrættet er bestilt som et led i en samling af historiske portrætter ejet af Horsens Gymnasium. June Jins udtryksformer er olie på lærred samt plexiglas, og hun kombinerer også disse materialer. Hendes malerier er fusioner mellem de gamle mestre som Rembrandt van Rijn og moderne design.

Danish-Korean fine art painter June Jin was born in the Republic of South Korea. The artist is based in Copenhagen. Artistically June Jin has traveled far and wide, before she found her métier as a painter. The painter graduated from The College of Visual Art & Design in 2000, whereafter she has been in set decoration for museum exhibitions, TV, commercials and also assisted artists like Christian Lemmertz & Peter Land in their art-production. This painting …& immortalizing time of Danish sing and song writer Thomas Buttenschøn is not only a portrait of a musician, a soul, but also meant to reflect our contemporary society. The portrait is commissioned into a collection of histori- cal portraits owned by Horsens Gymnasium. June Jin’s expression form is oil on canvas and plexiglass, she combines these materials as well. Her paintings are fusions between the old masters like Rembrandt van Rijn and modern design.

174 175 70 Paul Enøe Johansson (* 1954) Danmark / Denmark Selvportræt / Self-portrait Akryl på masonit / Acrylic on masonite 123 x 123 cm

Frelance journalist og fotograf. Uddannet lærer i håndværk, biologi og billedkunst. Mest kendt fra de større auktionshuse som Bukowskis, Bruun Rasmussen og Lauritz. com, der har fungeret som Paul Enøe Johanssons vindue ud mod verden. Google er hans foretrukne galleri. PORTRÆT NU! i 2011, 2015 og nu 2021. Hans motiver er oftest nøgne kvinder, portrætter eller anakroniske stillleben med elementer fra fortid og nutid, hvor han leger med dimensioner, vinklinger, sammenstillinger og betydninger. Han har ofte eksperimenteret med at minimere mængden af maling på en måde, så værkerne alligevel kan betegnes som “malerier”. Det udstillede værk på PORTRÆT NU! 2021 er et eksempel på brugen af et minimum af maling.

Freelance journalist and photographer. Trained as a Handicraft, Biology and Art teacher. Best known from the larger auction houses such as Bukowskis, Bruun- Rasmussen and Lauritz.com, which have served as Paul Enøe Johansson’s window to the world. Google is his favourite gallery. PORTRAIT NOW! in 2011, 2015 and now 2021. His motifs are usually nude women, portraits or anachronistic still lifes with elements from the past and present, in which he plays with dimensions, angles, juxtapositions, and meanings. He has often experimented by minimising the amount of paint, so the works can still be described as ‘paintings’. The work in the exhibition is an example of the use of a minimum of paint.

176 177 71 Karl Jóhann Jónsson (* 1968) Ísland / Iceland Birtan við Skagen / The Light at Skagen Olie på lærred / Oil on canvas 50 x 45 cm

Jeg er fra Island, født i Reykjavík og bor nu i Kópavogur, hvor jeg også arbejder som kunstner og kunstlærer. Jeg afsluttede min kunstuddannelse ved Islands Kunstakademi i 1993. I begyndelsen arbejdede jeg samtidig med, at jeg var kunstner, for det meste som gartner på en kirkegård, men i 2006 tog jeg eksamen som kunstlærer fra samme akademi og har undervist i kunst på alle niveauer siden da. Min hovedinteresse inden for malerkunsten er at male portrætter, oftest af fa- miliemedlemmer og venner med en underliggende historie. Dette er et selvportræt malet på et af mine yndlingssteder, Skagen, og er min personlige hyldest til mine yndlingsmalere, Skagensmalerne, og udtryk for min kærlighed til de pragtfulde malerier af søfolkene, og samtidig udtryk for min “sorg” over ikke at være en af dem, men kun en midaldrende deltidsmaler med nostalgi efter fortiden.

I am from Iceland, born in Reykjavík and now I live in Kópavogur, where I also work as an artist and an art teacher. I finished my art education in The Iceland University of The Arts in 1993. Early on, along with being an artist, I worked mostly as a gardener in a cemetary but in 2006 I graduated as an art teacher from the same University and have been teaching art on all age levels since then. My main interest in painting is making portraits and most often of family and friends with an underlying story. This is a self-portrait, staged at one of my favorite places Skagen. It is my personal tribute to my favorite painters, the Skagen painters, and my love for their magnificent paintings of the sailors, and at the same time my “grief” not being one of them, just a middle-aged temporary painter with a nostalgia for the past.

178 179 72 Simone Juice (* 1998) Danmark / Denmark Venteposition / The Waiting Room Foto, Fine Art Print (Hahnemühle) / Photo, Fine Art Print (Hahnemühle) 63 x 53 cm

Simone Juice er en dansk freelance fotograf fra Sønderborg, nu bosat i Aarhus. Størstedelen af hendes værker er lavet i hjørnet af hendes lille stue, hvor hun har bygget et studie, som hun hovedsageligt bruger til sine forskellige selvportrætter. Juice skaber karakterer, der strækker sig helt fra rokokoens overdådige og graciøse univers til surrealistiske portrætter præget af stærke farver og formløse rum. Venteposition er et selvportræt stærkt inspireret af rokokoens pompøsitet, som samtidig med dets selfie-inspirerede trutmund og pallietklæde rækker ud til nutidens SoMe-kultur og selviscenesættelse.

Simone Juice is a Danish freelance photographer from Sønderborg, now based in Aarhus. She creates most of her works in the corner of her small living room, where she has built a studio, which she mainly uses for her various self-portraits. Juice creates characters that range from the lavish and graceful universe of the Rococo to surrealistic portraits featuring bright colours and shapeless spaces. The Waiting Room is a self-portrait, strongly inspired by Rococo pomposity. With its selfie-inspired pout and sequinned costume it evokes today’s SoMe culture and self-staging.

180 181 73 Josua Justesen (* 1988) Danmark / Denmark Carls-Åges Vej / Carl-Åge’s Path Akrylmaling på hørlærred / Acrylic on linnen 100 x 80 cm

Jeg er født i Frederikssund og er udlært af min far kunstneren Jerry Adder. Jeg er blevet undervist på Billedskolen og Kunstskolen Spektrum i København. Gengivelse af noget blidt og følsomt er et gennemgående tema i mine malerier, især når jeg maler øjne. Jeg fordyber mig i alle nuancerne og detaljerne i mennesker, dyr og ikke mindst naturen, som jeg dyrker meget. Jeg kan godt lide, når kunst stimule- rer fantasien, inspirerer til at åbne sindet op og stræbe efter at gøre livet smukt. Landskabet i baggrunden illustrerer den vej, Carl-Åge har valgt at følge. Han er blevet placeret i et kuperet terræn, som han ikke selv har valgt. Hvis man kender Carl-Åge, ved man, at han er en generøs og venlig mand. Han smiler til alle de mennesker, han møder, på trods af han ikke altid selv er blevet mødt med den samme venlighed. Ingen ved helt hvorfor, måske fordi han udviser en sårbarhed, som mange andre ikke tillader sig selv at vise. Øjnene illustrerer sårbarheden.

I was born in Frederikssund, and was taught by my father, the artist Jerry Adder. I attended Billedskolen and Kunstskolen Spektrum in Copenhagen. The rendition of something gentle and sensitive is a recurring theme in my paintings, especially when I paint eyes. I immerse myself in all the nuances and details of people, animals and, particularly, nature, which is very important to me. I love it when art stimulates the imagination, and inspires people to open their minds and strive to make life beautiful. The landscape in the background illustrates the path Carl-Åge has chosen to follow. He has been placed in a hilly terrain that was not of his own choosing. If you know Carl-Åge, you know that he is a generous and kind man. He smiles at everyone he meets, despite the fact that he has not always been met with the same kindness.

182 183 74 Markku Järvelin (* 1981) Suomi / Finland Professori Seppo Villa / Professor Seppo Villa Olie på lærred / Oil on canvas 80,5 × 64 cm

Jeg er en finsk portrætmaler fra Helsinki og har malet en række forskellige billeder på bestilling siden 1999, blandt andet 18 officielle portrætter. Jeg har studeret under direkte vejledning af kunstneren Mark Carder, som har malet bestilte portrætter af to amerikanske præsidenter. Min stil er realismen. Et godt portræt er som et vindue ind til modellens sjæl – et, der siger noget om modellen. I slutningen af 2019 bestilte studenterforeningen Varsinaissuomalainen osakunta (VSO) ved Universitetet i Helsinki et portræt af deres foresatte. Først ledte vi efter en passende baggrund til portrættet i Helsinki. Til sidst fandt vi den bedste atmosfære i professorens hjem i Turku. Lyset fra et stearinlys og et vindue fungerede perfekt. Jeg blandede farverne til portrættet af fem primære oliefarver: blå, brun, rød, gul og hvid.

I am a Finnish portrait painter from Helsinki and have made various commissioned paintings since 1999, including 18 official portraits. I have studied under artist Mark Carder, who has painted commissioned portraits of two U.S. presidents. My style of art is realism. A good portrait is like a window into the subject’s soul – one which says something about the model. At the end of 2019, the University of Helsinki student community Varsinais- suomalainen osakunta (VSO) commissioned its inspector’s portrait. First, we looked for a suitable environment as a background for the portrait in Helsinki. In the end, we found the best atmosphere at the professor’s home in Turku. The lightning between a candle and a window worked splendidly. I mixed the palette for the portrait from five primary oil colors; blue, brown, red, yellow, and white.

184 185 75 Amanda Karlsson (* 1989) Sverige / Sweden Skrämma lite / Scare a little Olja på duk / Oil on canvas 120 x 100 cm

Jag är en svensk konstnär, född och uppvuxen i Värmland men för tillfället boende i Göteborg. Mitt konstnärskap tar avstamp i en alternativ fiktiv verklighet där det finns ett svar på det mest grundläggande mänskliga. Där det finns en djupare universell sanning att nå bara man anstränger sig tillräckligt mycket. Utgångs- punkten ligger i berättandet. Att utforska vår sociopolitiska samtid, klassperspektiv och mellanmänskliga relationer genom ett lager av fiktion. Jag använder mig av mytologi för att hitta mening och betydelse i dåtiden och science-fiction för att utforska alternativa framtidsskildringar. Skrämma lite är ett porträttering av att försöka närma sig skräcken. En person på ett fält som i affekt iklär sig en spökdräkt. Målningen vill beskriva ett ögonblick av kamp mot rädslan. Ett försök att kontrollera det inre med yttre handlingar. Om jag blir skrämd, skrämmer jag tillbaka.

I am a Swedish artist, born and raised in Värmland but currently living in Gothenburg. My work is based on an alternative fictional reality where there is an answer to the most fundamental aspects of human existence. Where there is a deeper universal truth to be reached if you just try hard enough. My starting point is the narrative. To explore our sociopolitical society, class, and interpersonal relationships through a layer of fiction. I use mythology to find meaning in the past, and science fiction to explore depictions of the future. Scare a little is a portrayal of an attempt to approach the horror. A person standing on a field, trying to dress herself in a ghost costume. The painting wants to depict the moment of struggle against fear. An attempt to control the inner self with external actions. If I get scared, I scare you back.

186 187 76 Søren Kastalje (* 1966) Danmark / Denmark Selvportræt 2020 / Self-portrait 2020 Olie på lærred / Oil on canvas 105 x 110 cm

Jeg er som kunstner selvlært, født i København, medlem af Billedkunstnernes Forbund og Danske Grafikere og har blandt andet udstillet på Den Frie, Charlot- tenborg, Overgaden, Johannes Larsen Museet, Kunsthal Aarhus og Rundetårn. Endvidere har jeg udstillet på gallerier og museer i byer som London, New York, Skt. Petersborg, Paris, Athen, Stockholm, Vancouver og Cairns i Australien. Jeg er desuden repræsenteret på Arbejdermuseet og China Print Museum. Jeg har nænsomt sammenflettet et lærred, med personlige tråde af ophobede følelser og påvirkninger fra en stresset verden under hastig forandring. Maleriet bevægede sig i mange retninger under tilblivelsen, men da lyset slap gennem hullet i kassen, faldt det hele endelig på plads.

I am a self-taught artist and I was born in Copenhagen. I am a member of Danish Visual Artists (BKF) and Danish Graphic Artists and have exhibited at Den Frie Centre of Contemporary Art, Charlottenborg, Overgaden, the Johannes Larsen Museum, Kunsthal Aarhus and the Round Tower. I have also exhibited at galleries and in museums in cities such as London, New York, St. Petersburg, Paris, Athens, Stockholm, Vancouver, and Cairns in Australia. I am also represented at the Workers’ Museum in Denmark and the China Print Museum. I have lovingly intertwined a canvas with personal threads of accumulated emotions and influences from a stressed world that is undergoing rapid change. The painting moved in many directions during its genesis, but when the light came through the hole in the box, everything finally fell into place.

188 189 77 Katja Kastrup (* 1970) Danmark / Denmark Selvportræt / Self-portrait Olie på plade / Oil on board 40 x 26,5 cm

Fra barnsben var mit store ønske at komme ind på et grafisk/kunstnerisk studie, men jeg måtte først en tur gennem uddannelse som Teknisk Assistent, som heldigvis åbnede for en overbygning som 3D Illustrator (i UK). Gennem årene har jeg selv efterfølgende opsøgt steder/kurser, læst, studeret og øvet mig for langsomt at skrabe viden sammen. Visualisering, design/grafik samt form/farve/komposition har altid været omdrejningspunktet for mine valg. I 2000 startede jeg som freelance Art Director, og ja, det laver jeg såmænd stadigvæk den dag i dag. At lave et portræt er en udfordrende disciplin. Det skal ikke nødvendigvis være vellignende, men det skal få dig til at tænke over, hvem den portrætterede er (eller var)? Fornemme, hvordan vedkommende har det? Kan det få dig til at komme ind bag glæderne og sorgerne og netop indfange den historie eller de kendetegn, som gør vedkommende til noget særligt? Dette var min baggrund for at lave selvportrættet. Dette er mig.

Even as a child I wanted to study graphics and art. But first I had to train as a Technical Assistant, which fortunately paved the way for graduate studies as a 3D Illustrator (in the UK). Ever since I have sought out courses, read, studied and practiced in order to accumulate knowledge. Visualisation, design/graphics and shape/colour/composition have always directed my choices. In 2000 I started as a freelance Art Director, and that is still my career today. Making a portrait is a challenging discipline. It does not necessarily have to be lifelike, but it should get people thinking about who the person in the portrait is (or was). Get a sense of what the person is feeling. Can it transport the viewer into the person’s joys and sorrows and capture the story or characteristics that make that person special? This was what prompted me to paint the self-portrait. This is me.

190 191 78 Arto Kettunen (* 1987) Suomi / Finland Elina Olie på lærred / Oil on canvas 45 x 33 cm

Jeg tog en bachelorgrad fra Saimaa Universitet for Anvendt Videnskab i 2016. Efter min eksamen har jeg haft adskillige separat- og gruppeudstillinger rundt omkring i Finland. For tiden arbejder jeg med interiørmalerier i stor størrelse. Jeg maler også portrætter og landskaber. Jeg arbejder primært i olie. I dette værk har jeg malet min kone Elina. Jeg ønskede at male et portræt på en traditionel måde. Jeg ønskede også at inkludere nogle samtidige elementer i billedet, som forbinder det med vor tid.

I received a Bachelor of Arts Degree from Saimaa University of Applied Sciences in 2016. After the graduation I have had several solo and group exhibitions across Finland. Currently I’m working with large-scale interior paintings. I also paint portraits and landscapes. I work mainly with oil paints. In this work I’ve painted my wife Elina. I wanted to paint a portrait in a traditional way. I also wanted to include some contemporary elements to this picture which links it to our times.

192 193 79 Helen Kholin (* 1985) Danmark / Denmark Mig, mit skrivebord og en stråle af håb – selvisolering nr. 4 / Me, my table and the sunray of hope – self-isolation No. 4 Fotografi / Photo 50 x 70 cm

Jeg blev født i Skt. Petersborg, Rusland, og i 2009 flyttede jeg til København. Jeg er billedkunstner, men har taget uddannelser i såvel samfunds- og sundhedsvi- denskab som kunst. Jeg tror på, at alt omkring os er uforklarligt forbundet, som det ene menneskes liv er med hele universet. Selvportræt, som jeg tog i november 2020, da jeg igen skulle selvisolere mig og ikke havde mere energi og håb, da den sjældne efterårssol pludselig begyndte at stråle fra vinduet. Det taler sammen med mit korte digt, Alt, hvad der er tilbage … : En ny dag smiler/gennem tykke vrede skyer./Det høje rør på Bispebjerg, skærer himlen./Hjerte er i stykker og i skiver.//De skrigende ravne,/faldne lysstråler på tomme veje/er alt,/hvad der er tilbage af/stemmer fra den livløse vækkede by./Jeg skriger sammen med ravnene,/men der er ingen/som kan høre mit skrig.

I was born in St Petersburg, Russia, and moved to Copenhagen in 2009. I am a visual artist, but I have studied both Social and Health Sciences and Art. I believe that everything around us is inexplicably connected, as one person’s life is with the whole universe. The self-portrait, which I took in November 2020, when I had to self-isolate again and had no more energy and hope, when the rare autumn sunshine suddenly began to shine from the window. It reflects my short poem, All that is Left …: A new day smiles/through thick angry clouds./The high pipe on Bispebjerg cuts through the sky./Heart is broken and in slices.//The screeching crows,/fallen rays of light on empty roads/are all/that remain of/voices from the lifeless, awakened city./I scream together with the crows,/but there is no one/to hear my scream.

194 195 80 Helene Knoop (* 1979) Norge / Norway Selvportrett med menn / Self-portrait with Men Olje på lerret / Oil on canvas 50 x 40 cm

Helene Knoop er en af de førende figurative billedkunstnere i Norge. Elev hos Odd Nerdrum, 1999-2000. Hendes motiver har klare associationer til italiensk renæssance og barok kunst. I hendes portrætter viser hun os stærk individualitet og fortolker den italienske renæssances tradition på nye måder. “Jeg ønsker at male det, der altid har interesseret mennesket, og det som påvirker os i vores eget liv: længsel, kærlighed, hengivenhed og sorg.” Maleriet er malt i forbindelse med en utstilling med tittel Kvinner skaper menn, hvor jeg som kvinnelig malerinne skulle fremstille mannen som objekt. Gjennom denne serien malte jeg blant andre maleriet Selvportrett med menn for å vise en side av mannen, som invaderende i ett kvinneliv, hvor alt hun ser er ham, alt hun hører er om ham, alle hennes tanker dreier seg rundt ham, og ikke minst trer han inn i sjelen. På en symbolsk måte inntar de små mennene alle hennes sanser.

Helene Knoop is one of Norway’s leading figurative visual artists. She studied at Odd Nerdrum (1999-2000). Her motifs allude clearly to Italian Renaissance and Baroque art. In her portraits, she shows us strong individuality and reinterprets the Italian Renaissance tradition. “I want to paint that which has always interested humankind, and that which affects us in our own lives: longing, love, affection and sorrow.” The picture was painted for an exhibition entitled Women Create Men, for which the brief was for me as a female painter to portray man as an object. In the series I painted the picture Self-portrait with Men to show an aspect of man that was invasive in a woman’s life: where everything she sees is him, everything she hears is about him, all her thoughts revolve around him and, most of all, he penetrates her soul. In a symbolic way, the little men take over all her senses.

196 197 81 Sasha Knudsen (* 1998) Danmark / Denmark Mor / Mom Fotografi / Photo 28,5 x 28,5 cm

Jeg er født og opvokset i en lille by på Vestfyn ved navn Ebberup. Jeg er i gang med at uddanne mig til fagfotograf. De sidste par år har jeg særligt beskæftiget mig med – og ikke mindst – brændt for fotografiet. Altså ikke bare billeder, men fotografiet. Teknikken, det kreative, det visuelle, historien og alt hvad der ellers er grundstenen for fotografiet. Det er dét, som er så spændende, og som gør, at det netop er fotografiet, jeg brænder for. Måske skal jeg egentlig ikke skrive så meget om dette portræt, men lade det være som det, det i virkeligheden er. Nemlig en hyldest. Ikke bare en hyldest til min mor, for at være min bundsolide klippe, når min egen grundvold ryster, men en hyldest til alle de stærke mødre ude i verden. Dem, som har fået; dem, som kæmper; og dem, som har mistet.

I was born and raised in a small town on West Funen called Ebberup. I am currently studying to be a professional photographer. During the past few years, I have been particularly interested in – or rather passionate about – photography. So, not just pictures, but photography in itself. The technique, the creative aspect, the visual aspect, the history and everything else involved in photography. That is what is so exciting and makes me passionate about photography. Maybe I should not actually write too much about this portrait, but let it be what it really is. It is a tribute. Not just a tribute to my mother for being my solid cornerstone when my own foundation shakes, but a tribute to all strong mothers in the world. Those who have received, those who struggle and those who have lost.

198 199 82 Eva Kobberrød (* 1949) Danmark / Denmark Helge Akryl, kridt og olie på lærred / Acrylic, chalk and oil on canvas 110 x 90 cm

Jeg er født i København og autodidakt maler. Hovedsagelig maler jeg store landskaber. Helge er en god ven og landskabsmaler. Jeg har forsøgt at fange den afslappede måde, han sidder i stolen efter at have været ude og male i naturen.

I was born in Copenhagen and I am a self-taught painter. I mainly paint large landscapes. Helge is a good friend and a landscape painter. I tried to capture the relaxed way he sits in the chair when returning from painting en plein air.

200 201 83 Ross Kolby (* 1970) Norge / Norway Venus of SoMe Olie på træ / Oil on wood 125 x 98 cm

Ross Kolby er født i Oslo og uddannet ved Kunst og Design College i Oslo og ved Accademia di Belle Arti i Rom. Han arbejder med en klassisk figurativ udtryks- form kombineret med moderne symboler. Venus of SoMe er en kommentar til de millioner af unge kvinder og mænd over hele verden, som er dybt utilfredse med deres udseende. De sammenligner ubarmhjertigt sig selv med det, de ser på de sociale medier (SoMe) og i skønheds- blade. Men disse fotos er manipulerede, og den “virkelighed”, de unge mennesker sammenligner sig med, er falsk. Millioner af mennesker bliver deprimerede, og mange påfører sig selv ar i selvdestruktion. Andre søger plastikkirurgi i deres jagt efter perfektion. I Venus of SoMe har jeg portrætteret en ung kvinde plaget af dette perfektionstyranni, arret af selvhad og omgivet af overskrifter fra VOGUE-blade.

Ross Kolby is born in Oslo and educated at the National College of Art and Design in Oslo and at Accademia di Belle Arti in Rome. He works in a classical figurative expression combined with modern symbols. Venus of SoMe comments on the millions of young women and men all over the world who are deeply unsatisfied with their looks. They mercilessly compare themselves to what they see at Social Media (SoMe) and in beauty magazines. But these photos are manipulated, and the ‘reality’ the young compare themselves with is false. Millions of people get depressed and many scar themselves in self destruc- tion. Others seek plastic surgery in their hunt for perfection. In Venus of SoMe I have portrayed a young woman in this perfection tyranny, scarred by self hatred and surrounded by headlines from VOGUE magazines.

202 203 84 Astrid Kongsted (* 1992) Danmark / Denmark Ask står op / Ask rises Akryl på lærred / Acrylic on canvas 199 x 89 cm

Født i Haderslev, med en BA (og igangværende MA) fra HAW Hamburg. Hvordan jeg betragter, iscenesætter og konstruerer mig selv, er et evigt tilbagevendende tema i min kunstneriske udfoldelse. På trods af et konstant behov for at afprøve og udforske nye teknikker og emner er selvportrættering min evige interesse. Hver gang jeg møder min refleksion, bliver jeg konfronteret med både min egen selvopfattelse og andres opfattelse af mig, hvilket skaber en stor lyst til at omsætte disse tanker til billeder. Da stjerneskuddet flyver gennem himlen, kigger jeg både mig selv og verden i øjnene med en vished om, hvem jeg er. Mine rødder sørger for, at jeg ikke vælter omkuld i stormvejr; mit navn er Ask. Ask står op er en opvågning til, hvem jeg altid har været, men som jeg ikke altid har givet plads til at være.

Born in Haderslev. I have a BA from HAW Hamburg (and am working on a MA). How I view, present and construct myself is an ever-recurring theme in my artistic expression. Despite a constant need to try out and explore new techniques and topics, self-portraiture is my enduring interest. Every time I encounter my reflection, I am confronted with both my own self-perception and others’ perception of me, and this kindles a huge desire to translate these thoughts into images. As the shooting star flies through the sky, I look both myself and the world in the eye with a certainty of who I am. My roots make sure I do not fall over in stormy weather. My name is Ask (Ash). Ask rises is about me waking up to the person I have always been, but whom I have not always allowed space for.

204 205 85 Stephanie Kullberg (* 1992) Sverige / Sweden Britta in an Interior Olie på hør / Oil on linen 96 x 78 cm

Under min opvækst i Skånes landbrugsland lærte jeg at værdsætte det langsomme tempo og tilbringe tid i naturen. Naturen er blevet en inspiration af mysticisme og bringer inspiration fra fantasy og historiefortælling ind i mine værker. Jeg arbejder for tiden på en serie malerier i dæmpede farver med en begrænset palet. Med en palet begrænset til tre farver: hvid, ultramarinblå og transparent oxydrød ønsker jeg at udforske den begrænsning, som mangel på farve giver, og fokusere på valør, temperatur og tegning. Britta in an Interior blev malet efter et meget inspirerende besøg på Göte- borgs Kunstmuseum, hvor de havde en udstilling af malerier af den danske maler Vilhelm Hammershøi. Jeg var fascineret af “manglen” på farve og den stærke følelse af atmosfære og stilhed og den lidt uhyggelige stemning. Jeg anbragte min gode veninde og malerkollega Britta i mit atelier og påbegyndte den første del af maleriet efter levende model.

Growing up on the farmlands in Scania I appreciated the slow pace of life and spending time in the nature. Nature has become an inspiration of mysticism and she pulls inspiration from fantasy and storytelling into my artworks. I am currently working on a series of low chromatic, limited palette paintings. With the limitation of three colors, white, ultramarine blue, and transparent red oxide I want to explore the limitation with lack of color and to focus on values, temperature and drawing. Britta in an Interior was painted after a very inspirational visit to the Gothenburg Art Museum where they held an exhibition with paintings by the Danish painter Vilhelm Hammershøi. I was intrigued by the “lack of” color and great sense of atmosphere and stillness yet slightly unnerving mood. I set up my dear friend and fellow painter Britta in my studio and started the first part of the painting from life.

206 207 86 Berit Kyed (* 1952) Danmark / Denmark Min ven Palle 87 år / My friend Palle 87 years Akryl på lærred / Acrylic on canvas 120 x 90 cm

Født i Sønderborg. Har deltaget på adskillige censurerede udstillinger rundt om i landet. Har været fast tilknyttet flere gallerier blandt andet Galleri 7 i Frede- rikshavn og Skagen, Galleri Clifford i Daugaard Vejle, Galleri Max Seidenfaden på Frederiksberg. Min store interesse er at arbejde med portrætter og kroppe. Arbejder primært med akvarel, tusch og akryl. Angst, ensomhed, sårbarhed, lys og mørke, omsorg og håb. Alt er i spil. Portrættet er et ud af en serie malet ud fra mange samtaler med Palle – en ven, som er uhyre skarp, vidende, interessant og behagelig. Projektet var at male ham i hverdagssituationer. Det mest rørende øjeblik var da Palle satte sig ved sit flygel og spillede og sang. Det har været vigtigt for mig af få udtrykt respekt, beundring, sårbarhed, tillid, ro. Den stemning, som opstod. Et rum og en ven i harmoni.

Born in Sønderborg. Has taken part in several censored exhibitions throughout Denmark. Has had an ongoing association with several galleries: for example, Gallery 7 in Frederikshavn and Skagen; Galleri Clifford in Daugaard, Vejle; and Galleri Max Seidenfaden in Frederiksberg. My main interest is portraits and bodies. I work principally with watercolour, Indian ink and acrylic. Anxiety, loneliness, vulnerability, light and darkness, care and hope. It is all there. The portrait is one of a series, painted on the basis of numerous conversations with Palle – a friend who is extremely bright, knowledgeable, interesting and pleasant. The idea was to paint him in everyday situations. The most touching moment was when Palle sat at his grand piano and played and sang. It was important for me to express respect, admiration, vulnerability, trust and calmness. The atmosphere that emerged. A room and a friend in harmony.

208 209 87 Chloé Lagier (* 1972) Danmark / Denmark Lina in Wonderland Foto / Photo 63 x 112 cm

Jeg har en uddannelsesmæssig baggrund inden for grafisk design, erhvervs/livs- coaching og fotografi. Fotografi har altid været en stor del af mit liv og noget, jeg gerne ville beskæftige mig med på fuld tid. Da min familie og jeg boede i San Francisco, blev denne drøm til virkelighed. Jeg er blevet meget interesseret i at fotografere mennesker og bruge min baggrund inden for grafisk design til at skabe billeder, der illustrerer folks karakter og deres håb og drømme. Portrættet blev til, da jeg fik mulighed for at revidere den danske smykkedesigner Lina Christensens hjemmeside. Jeg skabte en kunstnerisk kombination af Lina og hendes atelier omgivet af natur for at illustrere hendes primære inspirationskilde. Lina har arbejdet mange forskellige steder, mens hendes bord følger hende overalt, og derfor er det i centrum i billedet. Værket er sammensat af mange billeder, og jeg har leget med farver, størrelser og filtre for at skabe en speciel stemning og en følelse af et drømmeland.

I have an educational background in Graphic Design, business/life coaching, and photography. Photography has always been a big part of my life and something I wanted to pursue full time. When my family and I lived in San Francisco this dream became reality. I have found a passion in photographing people, and using my background in graphic design, to make images that illustrate people’s character and aspirations. The portrait came to life when I got the opportunity to remake the website cover page for Lina Christensen, a Danish jewelry designer. I created a fine art composite of Lina and her workspace surrounded by nature, to illustrate her main source of inspiration. Lina has been working in many different locations, but her table fol- lows her, and therefore is the center of the frame. The piece is constructed of many images to create a special mood and a sense of a wonderland.

210 211 88 Charlotte Lakits (* 1994) Danmark / Denmark Elias Fotografi / Photography 70 x 50 cm

Charlotte Lakits er en fransk fotograf bosat i København. Hun er født i 1994 og voksede op i et multikulturelt miljø. Hun studerede politisk filosofi og etik ved Sorbonne Universitet. Efter at have taget eksamen i 2018 rejste hun til Grønland for første gang og begyndte at indsamle portrætter og historier til sit første doku- mentarprojekt om kulturel diversitet i Nuuk. Siden da har hun arbejdet i Grønland, Danmark og Alaska. Hendes seneste projekt, Who we are, portrætterer Nuuks ungdom gennem 100 portrætter og tekster. “Jeg har altid haft en feminin side. Jeg går i kvindetøj, når jeg har lyst. Jeg viser, hvem jeg er. Og hvis nogle kigger på mig på gaden, så viser jeg også dem, at man kan godt, at det ok at være sig selv. Jeg lever det liv, jeg ville have.” Elias, Nuuk, 2019.

Charlotte Lakits is a Copenhagen based French photographer. Born in Paris in 1994, she grew up in a multicultural environment. She studied political philosophy and ethics at Sorbonne University. After she graduated in 2018, she travelled to Greenland for the first time and started collecting portraits and stories for her first documentary project about cultural diversity in Nuuk. Since, she has worked in Greenland, Denmark and Alaska. Her latest project, Who We Are, portrays the Youth of Nuuk through 100 portraits and texts. “I’ve always had a feminine side. I wear women’s clothes whenever I want. I show who I am. And if anyone looks at me in the street, I also show them that it’s possible, that it’s absolutely fine to be yourself. I live the life I want.” Elias, Nuuk, 2019.

212 213 89 Mai-Britt Larsen (* 1957) Danmark / Denmark Skygge / Shadow Fotografi / Photo 40 x 50 cm

Jeg begyndte at fotografere, da jeg var 57, og jeg har efterfølgende taget fotokurser på aftenskole. Der blev sat skub i min fotografiske udvikling, da jeg startede i foto- klubben Klub Key Point i 2019, og jeg fik fornøjelsen af at fotografere ved diverse velgørenhedsevents, blandt andet Halloween i Måløv i 2019, Rock for Hjemløse i 2019 og 2020 og Mere Monitor, Volume 4, Baltoppen 2020. Jeg bad min veninde om at stå model en solskinsdag og tage sommerhatten på, idet hatten gav nogle meget flotte skygger ned over ansigtet. Jeg kan godt lide det udtryk, jeg har fanget – det virker ikke iscenesat, selvom jeg er meget tæt på (jeg er spejlet i hendes øje), og man undrer sig måske over, hvad hun står og tænker – der er noget majestætisk over portrættet. I stedet for sort/hvid redigering har jeg valgt sepia, da det giver mere varme til ansigtet, og fotoet er skåret så tæt som muligt, da det er skyggerne, der skal være fokus på.

I started photography when I was 57 and went on to take photography courses at evening school. My photographic development got a boost when I joined the Klub Key Point photography club in 2019 and had the pleasure of photographing various charity events: for example, Halloween in Måløv (2019); Rock for Homeless (2019 and 2020); and Mere Monitor, Volume 4, Baltoppen (2020). I asked my friend to model on a sunny day and to wear a summer hat, because the hat created some lovely shadows on her face. I like the look I captured. It does not look staged, even though I am very close (I am reflected in her eye), and you maybe wonder what she is thinking. There is something majestic about the portrait. Instead of black and white, I went for sepia, since it lends more warmth to her face, and the photo is cropped as tightly as possible, so that the focus is on the shadows.

214 215 90 Thor Larsen (* 1985) Danmark / Denmark Mimer Resin med sort marmor / Resin with black marble 43 x 30 x 27 cm

Jeg er opvokset i København og gik som barn på Rudolf Steiner skole, hvor min kreativitet blev vækket af de mange musiske fag, som sådanne skole tilbyder. Jeg fik mit svendebrev som stenhugger i 2009 og senere mit diplom som billedhugger fra The Florence Academy of Art i 2014. Jeg arbejder med den naturalistiske skulptur/figur. Mimer, den klogeste af alle. Dybt i tanker.

I grew up in Copenhagen where I attended a Rudolf Steiner school. My creativity was kindled by all the artistic subjects that such a school offers. I completed my ap- prenticeship as a stonemason in 2009, and then got my diploma as a sculptor at the Florence Academy of Art in 2014. My work features naturalistic sculptures/figures. Mímir, renowned for his knowledge and wisdom. Lost in thoughts.

216 217 91 Ritva Larsson (* 1965) Suomi / Finland A Portrait of Love Olie på lærred / Oil on canvas 50 x 40 cm

Ritva Larsson har taget eksamen fra Universitetet for Anvendt Videnskab, Institut for Kunst i Lahti (2009). Hun har desuden en mastergrad i socialvidenskab (1996). Larsson bruger teknikker, som er baseret på klassiske traditioner. Kombinationen skaber en interessant spænding mellem de traditionelle teknikker og de moderne temaer, hvor “det sociale” møder “realismen”. Det er fascinerende, hvordan kunsten kan fremsætte et kraftfuldt udsagn om sociale spørgsmål. Men selve processen er først og fremmest langsom. I den sidste ende står værket tilbage som kunstnerens kommentar til et bestemt emne, men reproducerer sig selv gennem beskuerens opfattelse. Dette billede er et studie i vold i familien, som er alt for hyppigt forekommende i Finland. Dette er det store mysterium med hensyn til menneskelige forhold: Hvordan kan nogen gøre den person fortræd, som han/hun elsker, og hvad får offeret til at tilgive og blive i forholdet igen og igen?

Ritva Larsson graduated from the University of Applied Sciences, Institute of Fine Arts Lahti (2009). She also holds a MA in social sciences (1996). Larsson uses techniques that are based on classical traditions. The combination creates an interesting tension between the traditional techniques and the modern themes, where “the social” meets “realism”. It is fascinating, how art can make a powerful statement about social issues. Yet the process itself is crucially slow. In the end the piece remains as the artist’s statement towards a certain issue but reproduces itself due to the perception of the viewer. This painting is a study of domestic violence which is too common in Finland. This is the mystery of human relationships; how can anyone hurt the one he/she loves, what makes the victim forgive and stay again and again.

218 92 Lone Laue (* 1967) Danmark / Denmark Anton Fotografi på PhotoArt mat lærred / Photo on PhotoArt matte canvas 90 x 60 cm

Uddannet inden for kommunikation, journalistik og fotografi. Har hidtil arbejdet med PR og markedsføring af bøger, design og brugskunst. I dag selvstændig som fotograf og skribent. Med billedet af 18-årige Anton har ønsket været at skabe et portræt af en ung mand, der har forladt sin barndom, måske endnu ikke helt føler sig som en voksen mand, men som allerede nu møder de voksnes problemstillinger. Alvoren begynder at gøre sit indtog, men det er også drømmenes, frihedens og de store tankers tid. Det spirer.

Studied Communication, Journalism and Photography. Has so far worked in the field of PR, marketing books, design and applied art. Today a freelance photographer and writer. The aim of the photo of 18-year-old Anton was to create a portrait of a young man who has left childhood behind, maybe does not yet feel like an adult man, but is already facing adult problems. Seriousness is beginning to take hold, but it is also a time for dreams, freedom and visions. Things are burgeoning.

220 221 93 Raana Lehtinen (* 1990) Suomi / Finland Veljekset / The Brothers Akryl og olie på lærred / Acrylic and oil on canvas 92 x 81 cm

Raana Lehtinen er født og bor i Helsinki, Finland. Hun er uddannet maler fra Free Art School i 2019. I den senere tid har hendes kunstneriske arbejde især drejet sig om den menneskelige tilværelse og menneskers forhold til hinanden og til den omgivende verden. Lehtinen arbejder for tiden på to kommende separatudstillinger. Dette er et portræt af mine sønner. De sidder sjældent stille ret længe ad gangen, så jeg skitserede dem hurtigt, og maleprocessen var meget intuitiv. Jeg ønskede at skildre det lette og naturlige, som ofte er tydeligt i forholdet mellem søskende. I dette værk udtrykker jeg også min egen oplevelse af at være forælder. Hvis jeg skulle opsummere den i tre ord, ville de være: stolthed, bekymring og kærlighed.

Raana Lehtinen was born and lives in Helsinki, Finland. She graduated as a painter from Free Art School in 2019. Recently, her artistic work has dealt primarily with humanity, people’s relationships to each other and to the surrounding reality. Lehtinen is currently working on two upcoming solo exhibitions. This is a portrait of my sons. They rarely stay still for a long time so I sketched them quickly and the painting process was very intuitive. I wanted to bring out the ease and naturalness which is often in evidence in a sibling relationship. In this work I also express my own experience of being a parent. If I had to sum it up in three words they would be: pride, worry and love.

222 223 94 Hannu Leimu (* 1969) Suomi / Finland Labyrinth Olie på lærred / Oil on canvas 140 x 93 cm

Hannu Leimu er født og bor i Kokkola, Finland. Leimu har tegnet og malet gennem hele sin opvækst. Han er autodidakt kunstner. Han fokuserer nu på at tegne og skrive grafiske romaner. Hans første album udkom i 2021, publiceret af LIKE. Alle søger efter lykken i deres liv, også min kone, som er portrætteret i dette værk. Somme tider er denne søgen som en endeløs vandring gennem en kæmpestor labyrint.

Hannu Leimu was born and lives in Kokkola, Finland. Leimu grew up drawing and painting. Leimu is a self-taught artist. He now focuses on drawing and writing graphic novels. His first album was released in March 2021 published by LIKE. Everybody is searching for happiness in their lives, like my wife who is portrayed in this artwork. Sometimes searching is like a never ending walk in a huge labyrinth.

224 225 95 Riikka Lenkkeri (* 1971) Suomi / Finland Tauolla / Taking a break Olie, akryl og oliepind på lærred / Oil, acrylic and oil-stick on canvas 200 x 150 cm

Riika Lenkkeri bor og arbejder i Mänttä. Hun boede og studerede op igennem 1990’erne i Italien og tog eksamen fra L’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova. Lenkkeris værker er repræsenterende, og motivet er ofte en menneskelig figur. Fokus er på vore dages menneskelige tilværelse og almindelige omgivelser. Hendes viden om traditionen inden for malerkunsten tilfører sit eget element til hendes arbejde. Hun bruger forskellige stilarter og præsentationsformer. En følelse af noget fysisk og af en vis tyngde udgør sammen med brugen af stærke farveelementer grundlaget for Lenkkeris kunst. Taking a break skildrer et intimt øjeblik i kunstnerens liv i atelieret, hvor modellen (Lenkkeris mand Sampsa) sidder og holder pause indhyllet i et tæppe og kigger på sin telefon. Maleriet indgår i en serie, som udforsker malerens eget liv og forholdene i atelieret.

Riikka Lenkkeri lives and works in Mänttä. She studied and lived the entire 1990s in Italy and graduated 1995 from L’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova. Lenkkeri’s works are representational, and often the subject is a human figure. The focus is on today’s humanity and ordinary settings. Her knowledge of the tradition of the art of painting adds its own element to her work. She makes use of different styles and ways of presentation. A sense of physicality and weight, together with the use of strong color elements forms the foundation of Lenkkeri’s art work. Taking a break depicts an intimate moment of artist’s study life, with the model (Lenkkeri’s husband Sampsa) on break sitting wrapped in a blanket and looking at the phone. The painting is part of a series that explores the painter’s work itself and study conditions.

226 227 96 Preben Lorentzen (* 1960) Danmark / Denmark Hans Henning på Skovgaarden / Hans Henning at Skovgaarden Digitalt foto, printet på lysfølsomt fotopapir / Digital photo printed at light sensitive photo paper 63 x 90 cm

Jeg er født i Sønderjylland og har fotograferet, siden jeg var 13 år gammel. Por- trætfotografiet har altid haft min største interesse, og et portrætfoto er for mig en person, der er fotograferet i sine omgivelser, eller i en situation, som bidrager til at vise et billede af, hvem personen er. Hans Henning bor på sin fædrene gård, hvor han også er født, og er uden tvivl det mest klimavenlige og dyreelskende menneske, jeg kender. Ingenting bliver kasseret og intet nyt bliver indkøbt. Hans hænder er godt skruet på, og han fikser alt selv, om det så er reparation af sine traktorer. Det betyder også, at hans hjem stort set ser ud, som det var for 50 år siden, omgivet af alle minderne fra hans liv. Han har et stort hjerte for dyrene på gården, som består af nogle få køer og grise og en masse katte.

I was born in South Jutland and have been taking photographs since the age of 13. I have always been very interested in portrait photography. For me, a portrait photo is a person photographed in their environment, or doing something that helps convey an image of who the person is. Hans Henning lives on his ancestral farm, where he was also born. He is un- doubtedly the most climate-friendly and animal-loving person I know. He throws away nothing and buys nothing new. He is incredibly practical and does everything himself – even repairing his tractors. It also means that his home looks pretty much as it did 50 years ago, surrounded by all the memories of his life. He has a huge affection for the animals on the farm: a few cows and pigs and a lot of cats.

228 229 97 Anetta Lukjanova (* 1993) Suomi / Finland Kuvankaunis / Portrait of Jukio (“Picturesque”) Olie på lærred / Oil on canvas 60 x 60 cm

Anetta Lukjanova er en klassisk uddannet maler, født i Turku, Finland. Hun tog eksamen fra Barcelona Kunstakademi i 2019. Hun arbejder med tegning, oliemaleri og store murmalerier. Hendes kærlighed til traditionen fra 1800-tallet er tydelig i hendes værker. Hun bruger farver og brudte former i sine kompositioner for at skabe multifacetterede fortællinger, der bygger bro mellem nutidige og tidløse fænomener. For tiden er Lukjanova interesseret i at arbejde med blandingen af billedelementer mellem europæisk og japansk kunst og den måde, hvorpå de har påvirket hinanden gennem de to sidste århundreder. Kuvankaunis er et portræt af musikeren Jukio Kallio. Maleriet er en afbild- ning af mandlig sensualitet, stadier af overgivelse og tillid til en elsket person. Inspirationen til maleriet er i høj grad baseret på Jukio Kallios musik.

Anetta Lukjanova is a classically trained painter born in Turku, Finland. She graduated from Barcelona Academy of Art in 2019. She works in the mediums of drawing, oil painting and large scale murals. Her love for painting tradition of the 1800’s is evident in her work. She uses color and broken shapes in her composi- tions to achieve multifaceted narratives bridging current and timeless phenomena. At the moment Lukjanova is interested in elaborating on the mixing of pictorial elements between European and Japanese art and how they have influenced each other through the past two centuries. Kuvankaunis is a portrait of a musician Jukio Kallio. The painting is a depiction of male sensuality, states of surrendering and trust for a loved one. Inspiration for the painting is heavily based on Jukio Kallio’s music.

230 231 98 Niels Lyksted (* 1949) Danmark / Denmark Portræt af Jesper Bruun Rasmussen, Bruun Rasmussen Kunstauktioner / Portrait of Jesper Bruun Rasmussen, Bruun Rasmussen Art Auctions Foto på Hahnemühle FineArt Baryta fotopapir 325 g / Photo printed at Hahnemühle FineArt Baryta photo paper 325 g 60 x 60 cm

Journalist, fotograf og tv-producer fra København. Har mange års erfaring i Public Relations branchen i ind- og udland. Arbejder som kunstanmelder ved kunstnyt.dk. Har produceret flere end 250 videoer om dansk og international kunst. Videoerne er alle tilgængelige på YouTube. Jesper Bruun Rasmussen har handlet med kunst hele sin karriere. Han foretrækker den klassiske kunst. Fotoet er taget foran et maleri af Anne Harboe Flensburg. Maleriet har titlen Hebe. Hebe var gudinden for ungdom i græsk mytologi. Portrættet handler således ikke blot om Jesper Bruun Rasmussen som kunsthandler, der foretrækker den klassiske kunst. Det handler også om alder: kontrasten mellem alderdom og ungdom.

Journalist, photographer and TV producer from Copenhagen. Worked for many years in the PR industry, both in Denmark and abroad. Works as an art critic for kunstnyt.dk. Has produced more than 250 videos on the subject of Danish and international art. The videos are all available on YouTube. Jesper Bruun Rasmussen has been an art dealer throughout his career. He prefers classical art. The photo was taken in front of a painting by Anne Harboe Flensburg. The title of the painting is Hebe. In Greek mythology, Hebe was the goddess of youth. So, the portrait is not merely about Jesper Bruun Rasmussen as an art dealer who prefers classical art. It is also about age: the contrast between old age and youth.

232 233 99 Oliver Daniel Lyster (* 1998) Danmark / Denmark Perfektum – Præsens – Futurum / Perfektum – Praesens – Futurum Bly på papir / Pencil on paper 42 x 29,7 cm

Jeg hår gået på Rudolf Steiner-skole, hvor den kreative tilgang altid var prioriteret højt. Derefter har jeg studeret tegning på fuldtid hjemmefra og gået på opdagelse i kunsthistoriens gemmer. Særligt den danske guldalder optog mig meget med dens håndværksmæssige dygtighed og følsomhed. Jeg ønskede selv at tilegne mig lignende tekniske kundskaber og søgte derfor til Sverige, hvor jeg gik på The Swedish Academy of Realist Art i halvandet år. Nu er jeg i mesterlære på Sydfyn. Mit værk er et selvportræt, hvor jeg foran spejlet nøje analyserede min fremtoning og mit følelsesliv, så jeg kunne gengive mig selv så troværdigt og ærligt som muligt for mig selv og eftertiden. Titlen viser, at der er tale om flere tider på én gang. Fortiden, som genspejler sig i klædedragten og holdningen, nutiden som fæstner sig i det tilstedeværende blik, og fremtiden indikeret med en lys og lovende baggrund mod højre, som også fungerer som lyskilden i billedet.

I attended a Rudolf Steiner school, where creativity was paramount. I then studied drawing full time at home, exploring the hidden treasures of art history. I found the Danish Golden Age particularly fascinating, on account of its expert craftsmanship and sensitivity. I wanted to acquire similar technical knowledge, so for a year and a half I attended the Swedish Academy of Realist Art. I am now an apprentice in South Funen. My work is a self-portrait. In front of a mirror, I carefully scrutinised my appearance and emotional life, so I could render myself as credibly and honestly as possible for myself and posterity. The title points to the fact that the picture involves multiple times: the past, reflected in the clothes and stance; the present, in the at- tentive gaze; and the future, indicated by a bright, promising background on the right-hand side, which also serves as the source of light in the picture.

234 235 100 Simon Læssøe (* 1991) Danmark / Denmark Koreograf Sebastian Kloborg / Choreographer Sebastian Kloborg Fotografi / Photo 42 x 29,7 cm

Simon Læssøe er en fotograf, der arbejder med portrætter, reportage og længere projekter med base i København. Han er professionsbachelor i fotojournalistik fra Danmarks Medie- og Journalisthøjskole fra 2017, og hans billeder har været bragt i samtlige danske dagblade samt adskillige internationale. I dag arbejder han freelance, primært for magasiner, aviser, organisationer og virksomheder. Hans fotografiske arbejde har vundet flere priser både nationalt, ved blandt andet Årets Pressefoto, og internationalt. Koreograf og balletdanser Sebastian Kloborg på Det Kgl. Teater i København, fotograferet i forbindelse med sin modtagelse af Kronprinsparrets Kulturelle Stjernedryspris for sit arbejde. Sebastian Kloborg er uddannet balletdanser fra Den Kongelige Balletskole og har siden 2011 arbejdet som koreograf.

Simon Læssøe is a Copenhagen-based photographer who works on portraits, reportage and longer projects. He holds a Bachelor’s degree in Photojournalism from DMJX (2017) and his photos have been published in all Danish newspapers and several international ones. Today he works freelance, mainly for magazines, newspapers, organisations and companies. His photographic work has won several awards both nationally (for example, Press Photo of the Year) and internationally. The choreographer and ballet dancer Sebastian Kloborg at the Royal Danish Theatre in Copenhagen, photographed when he received the Crown Prince Couple’s Stardust Award for his work. Sebastian Kloborg trained as a ballet dancer at the Danish Royal Ballet School and has worked as a choreographer since 2011.

236 237 101 Ville Löppönen (* 1980) Suomi / Finland Approaching Perception (Portrait of Joonas Martikainen) Akryl og olie på plade / Acrylic and oil on panel 50 x 40 cm

Ville Löppönen tog eksamen fra Afdeling for Malerkunst ved Det Finske Kunst- akademi i 2007 og har en mastergrad i ortodoks teologi fra Østfinlands Universitet fra 2018. Löppönen har deltaget i gruppeudstillinger i Finland og i udlandet, både i Europa og Nordamerika. Hans separatudstillinger har været vist blandt andet på Mikkeli Kunstmuseum i 2015 og i Bonnafont Gallery i San Francisco i 2013. I 2013 vandt hans portræt af den finske maler Henry Wuorila-Stenberg 3. præmie i PORTRÆT NU! i Danmark. Mit maleri er et portræt af Joonas Martikainen, direktør for Silence Festival. Værket handler om oplevelsen af visuel perception og forståelse.

Ville Löppönen graduated from the Department of Painting at the Finnish Acad- emy of Fine Arts in 2007 and has a MA in Orthodox Theology from the University of Eastern Finland in 2018. Löppönen has participated in group exhibitions in Finland and abroad, both in Europe and North America. His solo exhibitions have been shown, e.g. in Mikkeli Art Museum in 2015, and in the Bonnafont Gallery in San Francisco in 2013. In 2013, his portrait of the Finnish painter Henry Wuorila- Stenberg won third prize at PORTRAIT NOW! in Denmark. My painting is a portrait of Joonas Martikainen, managing director of Silence Festival. The work is a discourse of the event of visual perception and comprehen- sion.

238 239 102 Morten Huba Madsen (* 1954) Danmark / Denmark Stig Møller Akryl, olie og grafit på lærred / Acrylic, oil and graphite on canvas 65 x 92 cm

Jeg har igennem tiden malet portrætter af musikalske personligheder inklusiv mig selv. I 2006 erhvervede Frederiksborg mit billede af Kim Larsen. Senere har undertegnede været udstillet i PORTRÆT NU!-sammenhæng. Jeg udtrykker mig meget bredt, men vender altid tilbage til det traditionelle portræt. Mit portræt af sanger, guitarist og komponist Stig Møller viser ham med sin selvdekorerede gibsonguitar. Jeg har valgt Stig, fordi han udgør en epoke i dansk rock og rytmisk musik og er meget farverig – en nulevende repræsentant for en svunden tid.

Over the years, I have painted portraits of musical personalities, including myself. In 2006, Frederiksborg acquired my picture of Kim Larsen. Later I have been exhibited in PORTRAIT NOW! My expression is wide-ranging, but I always return to the traditional portrait. My portrait of singer, guitarist and composer Stig Møller shows him with his self-decorated Gibson guitar. I chose Stig because he represents an era in Danish rock music and is a very colourful character – a living representative of a bygone era.

240 241 103 Jón Magnússon (* 1966) Ísland / Iceland DJ Yamaho Olie på lærred / Oil on canvas 90 x 70 cm

Jón Magnússon har studeret på Parsons School of Design i Paris, hvor han tog en BFA. Han var særligt optaget af at male og tegne og har siden suppleret med grafisk design. I 2016 begyndte han at studere samtidskunstmaleri på Reykjavik School of Visual Art, hvorfra han dimitterede i foråret 2018. “Jeg føler mig fri i mit maleri og emne. Jeg arbejder meget ud fra mine egne fotografier, men når jeg ser noget, der resonerer, tager jeg det og gør det til mit eget.” Maleriet forestiller Natalie Gunnarsdóttir eller DJ Yamaho. Et af 12 malerier i en serie af portrætter malet mellem 2018 og 2020, der endte med en udstilling, hvor jeg sammen med en kollega havde det koncept samtidigt at male den samme model med olie på lærred, men på hver vores måde. Det, jeg synes om selve maleriet, er, at det ikke prøver at være hyperrealistisk, men spiller på og overdriver hudtoner, der naturligt findes.

Jón Magnússon studied at the Parsons School of Design in Paris and graduated with a BFA. Painting and drawing were his major interests, followed by graphic design. In 2016, he started a contemporary art course at Reykjavik School of Visual Art and graduated in spring 2018. “I feel free in my painting and subject. My work is very much based on my own photographs, but when I see something that resonates, I take it and make it my own.” The painting depicts Natalie Gunnarsdóttir or DJ Yamaho. It is one of a series of 12 portraits painted between 2018 and 2020, which were then exhibited together with the works of a colleague. We both painted the same model with oil on canvas, each in our own way. What I think of the painting itself is that it does not attempt to be hyperrealistic, but plays on, and accentuates skin tones that naturally exist.

242 243 104 Khaled Matar (* 2001) Sverige / Sweden I ripped the key from around my neck Kridt og kul på tonet papir / Chalk and charcoal on toned paper 40 x 30 cm

Jeg er født i Iasi, Rumænien. Jeg begyndte mine studier på et kunstgymnasium i Iasi, men eftersom de havde en mere modernistisk tilgang til kunsten, havde jeg intet andet valg end at studere på egen hånd. Sidste år blev jeg færdig med gymnasiet og begyndte at studere ved Det Svenske Akademi for Realistisk Kunst. Siden da har jeg arbejdet hver dag for at udvikle min kunnen som kunstner. Dette portræt forestiller den arketypiske helt, der holder en nøgle i hånden, som han har revet af sin hals som et tegn på sin beslutning om at tage sit liv og sine idealer i sin egen hånd.

I was born in Iasi, Romania. I started to study at an art high-school in Iasi, but since they had a more modernistic approach to art, I had no other choice than to study on my own. Last year I finished high-school and I started studying at The Swedish Academy of Realist Art. Since then, I work every day on developing my skills as an artist. This portrait represents the archetypal hero holding in his hand the key that he ripped from around his neck, representing the decision to take his life and ideals in his own hands.

244 245 105 Silke Mathe (* 1968) Norge / Norway Patrick Olje på lerret / Oil on canvas 80 x 60 cm

Jeg blev MA fra Akademie der Bildenden Künste Nürnberg i 2001 under Professor Johannes Grützke. Jeg maler i olje og er opptatt med å lete etter sannheten, opptatt av mennesker og det, som står bak en person, den “skjulte sannheten”, og å utforske og synliggjøre det “skjulte”, en mulig presens, en paralelle tilstedeværelse, paralelle realiteter som omgir oss. “Karakteriseringen af den afbildede person, “repræsentationen” af vedkommendes indre, virkelige personlighed, denne indre verden er vigtigere for maleren end bare at skabe et vellignende billede af personens ydre. Brugen af farver er her, sammen med de ekspressive penselstrøg et vigtigt middel til at udtrykke karakteriseringen. Virkningen er bemærkelsesværdig, kombinationen af farverne med beskuerens idé om den afbildede persons personlighed er gennemført intuitivt på et ikke-mimetisk niveau.” Dr. Daniela Uher, kunsthistoriker

I completed my MA at the Akademie der Bildenden Künste in Nuremberg where I studied under professor Johannes Grützke and graduated in 2008. I paint in oil and aim to look for the truth. I am intrigued by people and by what lies behind their façade, the ‘hidden truth’. I love exploring and revealing what is ‘hidden’ – a possible presence, a parallel presence, parallel realities that surround us. “The characterisation of the person painted, the “representation” of their inner, actual personality, this inner world is more important to the painter than just creating an exterior of the model that is similar. The use of colour here is, along with the expressive brush strokes, an important means of expression of the characterisation. The effect is remarkable, the matching of the colours with an idea of the viewer about the personality of the figure portrayed is conformed intuitively on a non-mimetic level.” Dr. Daniela Uher, art historian

246 247 106 Henrik McDougall (* 1949) Norge / Norway In the mirror Olie på lærred / Oil on canvas 80 x 70 cm

Jeg er født i Oslo og uddannet ved Statens Håndværks- og Kunstindustriskole og Statens Kunstakademi. Desuden har jeg studeret i 10 år under Rolf Schønfeld. Jeg er ved at lære de gamle mestres teknikker og arbejder som grafisk kunstner og maler. Motiverne rangerer fra landskaber over fantasiværker til portrætter. Maleriet er et selvportræt, malet mens jeg så på mig selv i et spejl i mit atelier. Når jeg arbejder, tænker jeg ofte på rollemodeller, mennesker, som inspirerer mig med deres evne til at udføre deres arbejde. Og i dette tilfælde blev fire hjørnesten en del af billedet.

I am born in Oslo, Norway. Educated at the Arts and Crafts School and The Academy of Fine Arts in Oslo. In addition to this I studied ten years under Rolf Schønfeld. Learning the techniques of the old masters I work as a graphic artist and painter. The motifs range from landscapes through fantasy works to portraits. The painting is a self-portrait, painted while I look at myself in a mirror in my studio. When working I often think about role models, people who inspire me with their ability to carry out their work. And in this case four cornerstones became part of the picture.

248 249 107 Trine Mielche (* 1966) Danmark / Denmark Den flyvende Kuffert / The Flying Trunk Olie på hørlærred / Oil on linen 140 x 80 cm

Jeg er født i Stilling i Jylland. At være kunstner har været en del af min families erhverv gennem generationer. Som autodidakt kunstner søger jeg til stadighed at dygtiggøre mig og perfektionere min teknik. Jeg arbejder udelukkende med olie på lærred, fordi jeg finder en spændende kombination mellem den ældgamle kunstform og vores moderne liv med meget teknologi. Jeg har en klar holdning til alt i mine malerier, intet er overladt til tilfældighederne. Jeg vil gerne lade lær- redet fortælle om vores moderne liv. Værket Den Flyvende Kuffert er en moderne fortolkning af det gamle eventyr, men det er også et portræt af et ungt menneske, der er parat til at flyve ud i verden og møde den med åbne øjne og fuld af forventning. Forventningsfuld uden at være naiv. Hun er frit flyvende – men også med en stor bagage. Kufferten er således tænkt som alt det, vi bærer med os ud i verden, og som holder os flyvende – for- håbentligt: Det er smukt, men også lidt usikkert.

I was born in Stilling in Jutland. There have been artists in my family for generations. As a self-taught artist, I constantly seek to improve my skills and hone my technique. I work exclusively in oil on canvas, because I find it exciting to combine an ancient art form with our modern life and all its technology. I have a clear attitude to everything in my paintings. I leave nothing to chance. The idea is for the canvas to reveal something about our modern life. The Flying Trunk is a modern interpretation of the old fairy tale, but it is also a portrait of a young person who is ready to fly out into the world and face it with eyes open, full of anticipation. Hopeful without being naïve. She is free flying – but with a lot of luggage. The trunk represents everything that we carry with us in the world and that keeps us flying – hopefully. It is beautiful, but also rather uncertain.

250 251 108 Mark Holm Møller (* 1986) Danmark / Denmark Face value swagger Olie på præpareret bomuldspapir / Oil on prepared cotton paper 84 x 64 cm

Billedkunstner, oversætter, kunsthistoriker. To søjler markerer undertegnedes indgang til kunstens tempel: Protrahere – at skildre de menneskelige gebærder; uddrage livfuldheden til digt og allegori. Genius loci – at skildre stederne og deres særpræg; fra fjerne, forrevne kyster til befærdede byrum. På kontinentet særligt Frankrig og Italien, men tillige Norden og senest Odsherreds landskaber. Swagger-genren i nye gevandter: Et portræt af den historieløse alder. Palet: Zorn. “Og lad mig her straks fremsætte en bøn: Læs så få æstetisk-kritiske ting som muligt – det er enten partisynspunkter som er blevet forstenede og meningsløse i deres livløse forhærdelse, eller behændige ordspil, hvori den ene mening vinder i dag og den modsatte i morgen.” R.M. Rilke: Breve til en ung digter.

Visual artist, translator, art historian. Two pillars mark my entrance into the temple of art: Protrahere; to depict human gestures, to crystallize passion for life in poetry and allegory. Genius loci; to depict places and their uniqueness, from remote, rugged coats to crowded urban spaces. On the continent (especially in France and Italy), but also the Nordic region and, most recently, the landscapes of Odsherred. The Swagger genre in new robes: a portrait of the history-less age. Palette: Zorn. “But let me make this request right away: Read as little as possible of literary criti- cism – such things are either partisan opinions, which have become petrified and meaningless, hardened and empty of life, or else they are just clever word-games, in which one view wins today, and tomorrow the oppsite view” R.M. Rilke: Letters to a Young Poet.

252 253 109 Malene Nelting (* 1986) Danmark / Denmark Don’t talk to me Fotografi, print på vævet papir / Photo printed at woven paper 100 x 70 cm

Jeg er født i Aabenraa, Sønderjylland, og afslutter fagfotograf-uddannelsen ved Medieskolerne i Viborg, september 2021. Jeg har en særlig kærlighed til portrætter og tager mange billeder af mig selv i forbindelse med et større selvportrætsprojekt, som jeg startede i sommeren 2019. Jeg holder af at fotografere alle slags mennesker, og feminisme er et bærende element i mit fotografi. Jeg anser mig selv som aktivist og fotograf. Når jeg fotograferer mig selv, bruger jeg meget processen som en ventil, og lige denne dag var jeg i dårligt humør og havde brug for at føle mig stærk, kvindelig og badass. Jeg elsker at bruge mig selv som motiv og finder en stor ro og kraft i at tage selvportrætter. Don’t talk to me er ét værk ud af indtil videre over 3500 billeder, jeg har taget af mig selv til mit selvportrætsprojekt.

I was born in Aabenraa, Southern Jutland, and will graduate from the Professional Photography Programme at the Media Schools in Viborg in September 2021. I am particularly fond of portraits and am taking many photos of myself in the context of a major self-portrait project that I started in the summer of 2019. I love photographing all kinds of people, and feminism is a mainstay of my photography. I consider myself an activist and photographer. When photographing myself, I use the process as a valve. That day I was in a bad mood and needed to feel strong, female and badass. I love using myself as a motif. Taking self-portraits gives me a great sense of peace and power. Don’t Talk to Me is one of 3,500 photos I have taken so far of myself for my self-portrait project.

254 255 110 Marianne Nerving (* 1944) Danmark / Denmark Den rødhårede pige med den lyserøde frakke på Vangede Station / The girl with auburn hair, in the pink coat waiting for the train Olie på lærred / Oil on linen 140 x 70 cm

Jeg er translatør, bachelor i kunsthistorie og har været elev hos en dansk portræt- maler i årevis. Sprog og maleri har fyldt mit liv. For mig er maleriet også sprog. Elementerne flyttes rundt, til jeg opnår det udtryk, jeg søger. Motiv, farver, komposition, lys og mørke, alt skal være i harmoni. Jeg søger at skabe en stemning i mine værker ved hjælp af min opfattelse af farven, baseret på Ittens farvelære. Jeg ønsker, at mine portrætter bliver andet og mere end en gengivelse af virkeligheden. Jeg jagter sjælen og historien. For at give mig selv en udfordring har jeg ledt efter en rødhåret model. Pludselig stod hun der på Vangede station en kold morgen i februar. Jeg forklarede, at jeg var maler, og spurgte, om jeg måtte tage et billede af hende. Hun sagde heldigvis ja. Jeg har ønsket at fange hendes forventning og nysgerrighed. Hvor er hun på vej hen, i hvilken retning, hvad venter der hende i livet?

I am MA in translation, BA in art history, and I have been a pupil of a Danish portrait painter for years. Language and painting have filled my life. To me painting is language. I move elements around, till I reach the desired design. I strive for harmony in motif, colour, composition, light and darkness. Creating a mood, applying colours based on Itten’s colour theory. I aim for my portraits to be more than a mere record of reality, I search for the soul. To challenge myself, I had been looking for someone with auburn hair. Sud- denly there she was, waiting for the train one morning in February. I explained that I was a painter, asking her permission to take a photo. Fortunately, she said yes. I wanted to capture her excitement and curiosity. Where is she going, in what direction, what will life bring?

256 257 111 Zaga Nilsson (* 1995) Sverige / Sweden Soggy Cereal Olie på krydsfiner / Oil on plywood 62,5 x 60,5 cm

Kunstneren Zaga Nilsson er født i Piteå i Nordsverige og har tilbragt de seneste par år i den nærliggende by Luleå, hvor hun studerer kunst på Sunderby Folkhögskola. Hendes aktuelle arbejde afspejler hendes fascination af kontraster og former. Med polykromatik versus monokromatik og organisk versus arkitektonisk som centrale punkter. Soggy Cereal er malet i november 2020 under en periode i isolation på grund af vores nuværende situation. En tid med selvrefleksion, hvor vi lærte at nyde vores eget selskab og leve med turbulensen. Værket er et selvportræt, inkarnationen af kunstnerens alenetid klædt i en hyggelig anorak.

Born in Piteå, in the north of Sweden, artist Zaga Nilsson has spent the last couple of years in its neighbouring town Luleå, where she studies art at Sunderby Folkhögskola. Her current work portrays her intriguement for contrasts and shapes. With polychromatic against moknochromatic and organic against architectural as central points. Soggy Cereal was painted in November 2020, during a period of isolation due to our current climate. A time of self reflection, learning to enjoy our own company and coping with the turbulence. The artwork is a self-portrait, the embodiment of the artists time alone, in a cozy anorak.

258 259 112 Isaac Nissen (* 1995) Danmark / Denmark Overgro / Overgrown Foto / Photo 66,6 x 46 cm

Fotograf og performancekunstner Isaac Nissen er født i Aarhus og opvokset i Stor- københavn. I sine værker arbejder han ofte med selvportrætter og skaber cinema- tiske narrativer, hvilket stammer fra hans år i filmbranchen som ung filmfotograf. Senere blev han mentee under Peter Land og Jørgen Michaelsen, og i dag er han bachelorstuderende på Det Kongelige Danske Kunstakademi. I Overgro mødes kedsomheden og længslen i et selvportræt, hvor stueplanterne har overtaget et soveværelse. Værkets hovedperson ligger sløvt på maven, mens beskueren voyeuristisk titter ind i værelset, men han har set os, og han venter på, at beskueren vil handle; sige noget, gøre noget, komme helt ind i værelset eller gå igen. Det er en længsel efter nyt, efter mennesker, og efter at slippe ud af so- veværelset i en periode af lockdown, før kedsomheden slår rødder, og man bliver helt overgroet.

The photographer and performance artist Isaac Nissen was born in Aarhus and grew up in Greater Copenhagen. His works often feature self-portraits and create cinematic narratives, which stem from his years in the film industry as a young cameraman. Later his mentors were Peter Land and Jørgen Michaelsen, and today he is an undergraduate student at the Royal Danish Academy of Fine Arts. Overgrown features boredom and longing. The houseplants have taken over a bedroom. The work’s protagonist is lying lazily on his stomach, while the viewer peeks voyeuristically into the room. But he has seen us and is waiting for the viewer to act: to say something, to do something, to enter the room or leave. It is a yearning for something new, for people, a yearning to escape from the bedroom in a period of lockdown, before boredom takes root and the plants take over completely.

260 261 113 Tero Nurminen (* 1972) Suomi / Finland Self-portrait as HULK Olie på papir / Oil on paper 39 x 29 cm

Født i Helsinki. Uddannelse: MFA (malerkunst) Kunstakademiet (Helsinki, Fin- land). Arbejder hovedsagelig med oliefarver. Maleriet er et selvportræt af kunstneren. Det indeholder også indikationer af den vanskelige tid, vi lever i under pandemien.

Born in Helsinki. Education: MFA (painting), Academy of Fine Arts (Helsinki, Finland). Working mostly with oil colours. The painting is a self-portrait of the artist. It also reflects indications of the difficult time we are living in during the pandemic.

262 263 114 Karen Nyholm (* 1976) Danmark / Denmark My Animal Heart Glas, keramik, oliemaling / Glass, ceramics, oilpaint 54 cm (højde / height)

Jeg er født i Fårvang, Danmark. Jeg har arbejdet med glas siden 1998. I 2002 blev jeg færdig som glasformgiver fra Glas & Keramikskolen på Bornholm. I 2004 åbnede jeg Nyholm Cantrell Glas i Aarhus, sammen med min mand og kollega Ned Cantrell. I 2015 flyttede vi til Ebeltoft for at blive en del af byen blomstrende glas- miljø. Jeg arbejder med det varme glas som skulpturelt materiale. At sammensætte glas med andre materialer har altid været et gennemgående tema i mit arbejde. My Animal Heart er en del af en serie værker, hvor jeg har brugt min egen krop som udgangspunkt for en række Alter Egoer. Jeg skaber Alter Egoerne ud fra selfies taget med min mobiltelefon på selvudløser. Jeg forestiller mig forskellige situationer, som jeg placerer mig selv i. Stivnet i en bevægelse eller en handling. Når jeg er tilfreds med fotografiet, laver jeg en tegning ud fra fotoet. Tegningen er ikke kun en skitse, men også et færdigt værk i sig selv. Ud fra tegningen laver jeg værket i glas.

I was born in Fårvang, Denmark. I have been working with glass since 1998. In 2002, I graduated as a Glass Designer from the Glass and Ceramic School on Bornholm. In 2004, I opened Nyholm Cantrell Glass in Aarhus, together with my husband and colleague Ned Cantrell. In 2015, we moved to Ebeltoft to become part of the town’s thriving glass scene. I use hot glass as a sculptural material. Com- bining glass with other materials has always been a recurring theme in my work. My Animal Heart is part of a series of works, in which I used my own body as the basis for a number of Alter Egos. I create the Alter Egos on the basis of selfies that I take with my mobile phone with the self-timer. I imagine different situations to place myself in. Frozen in a movement or action. When I am happy with the photo, I make a drawing on the basis of it. The drawing is not just a sketch, but also a finished work in itself. On the basis of the drawing, I make the glass work.

264 265 115 Cecilie Nyman (* 1970) Danmark / Denmark Hr. Nyman / Mr. Nyman Kul på papir / Charcoal on paper 85,1 x 59,4 cm

Cecilie Nyman er født og opvokset i Danmark. Hun har modtaget tegneundervis- ning på Fyns Kunstskole i Odense og arbejder både med tegning og maleri. Hun er optaget af besjæling af det fremstillede, i landskabet, opstillinger (stilleben) og portrættet. Interessen for portrættet opstod ved mødet med Auguste Rodins skulpturer. Hans evne til at skabe styrke, mod, smerte og lidelse, gjorde stærkt indtryk. Siden 2018 har Cecilie Nyman udført en række portrætopgaver efter sin deltagelse i TV-udsendelsen Danmarks Bedste Portrætmaler. Kunstneren har iagttaget den levende model og arbejdet hurtigt, nærmest intuitivt, for at indfange udtrykket og sindstilstanden i den portrætterede. At skabe et ærligt portræt med genkendelighed og sjæl er, hvad kunstneren tilstræber.

Cecilie Nyman was born and raised in Denmark. She studied drawing at the Funen School of Art in Odense, and her work includes both drawing and painting. She is fascinated by animating what she portrays: in landscapes, still lifes and portraits. Her interest in the portrait genre was kindled by her encounter with the sculptures of Auguste Rodin. His ability to create strength, courage, pain and suffering made a strong impression on her. Since 2018, Cecilie Nyman has taken on a number of portrait assignments, following her participation in the TV show Danmarks Bedste Portrætmaler (Denmark’s Best Portrait Painter). The artist observed the living model and worked quickly, almost intuitively, to capture the expression and state of mind of the person portrayed. Creating an honest portrait with recognisability and soul is what the artist strives for.

266 267 116 Xenia Ockens (* 1999) Danmark / Denmark Et øjekast for lidt / Too short of a glance Papmache / Paper mache 50 x 47 x 53 cm

Jeg er en dansk kunstner, født og opvokset i en lille by i Sønderjylland. Jeg har altid fundet inspiration i at udtrykke mine tanker, oplevelser og erfaringer gennem kreativitet og kunst. Særligt hos min farmor og farfar har jeg som lille brugt mange timer på at være kreativ. 2018-19 gik jeg på Den Skandinaviske Designhøjskole, hvor jeg studerede grafisk design. Jeg har netop søgt ind på Kunsthøgskolen i Oslo, hvor jeg ønsker at studere og dygtiggøre mig i kunst. Med mit portræt ønsker jeg at sætte fokus på ikke at dømme et andet menneske ved første øjekast, da det begrænser menneskets mange nuancer og mangfoldighed. Jeg ønsker, at vi som mennesker bliver mere opmærksomme på, at vi tænker, inden vi taler dømmende om andre. Hvad end andre tænker eller siger om dig, så lad det ikke forme din virkelighed: du må gerne tænke det/men for guds skyld/lad være med at sige det højt/hvis det alligevel ikke/gør nogen forskel/Tak.

I am a Danish artist, born and raised in a small town in Southern Jutland. I have always found it inspiring to express my thoughts and experiences through creativity and art. As a child, I spent many creative hours, particularly in my grandmother and grandfather’s home. From 2018 to 2019, I attended the Scandinavian Design College, studying Graphic Design. I have just applied to the Oslo National Academy of the Arts, where I want to study and hone my artistic skills. With my portrait, I want to focus on not judging another human being at first glance, because that limits all the different nuances and diversity of a person. I want human beings to become more conscious of thinking before speaking judg- mentally about others. Do not let what other people think or say about you shape your reality: in your mind/you can judge me/but for God’s sake/don’t say it out loud/if it dosen’t change anything/Thanks.

268 269 117 Mathilde Friis Olsen (* 1993) Danmark / Denmark Min veninde Marie / My Friend Marie Akrylmaling på akrylplade / Acrylic paint on acrylic board 70 x 50 cm

Mathilde Friis Olsen arbejder til dagligt som arkitekt i København, men har også siden 2015 haft sin virksomhed M.F. Olsen Illustration, hvor hun sælger originale værker og kunstprints. Mathilde Friis Olsen er selvlært og har de seneste år fokuseret på at udvikle sig inden for kvindeportrætter og benytter oftest akrylmaling eller farveblyant. Hun dyrker baggrunden som element, enten ved brug af tekstur og flade fra gråt papir – eller ved helt at undlade den i sine malerier på glas og akrylplader. Min veninde Marie er et øjebliksbillede af den portrætterede. Fordi baggrunden er transparent, ændrer værket karakter efter hvilken kontekst det placeres i – på samme måde som en person ændrer karakter efter hvilken situation eller rolle, personen befinder sig i. Marie er blandt mange andre ting sygeplejerske, kæreste og datter, men jeg kan kun portrættere hende, som jeg ser hende gennem mine egne øjne: som min veninde Marie.

Mathilde Friis Olsen works as an architect in Copenhagen, while since 2015 she has had her own company, M.F. Olsen Illustration, selling original works and art prints. Mathilde Friis Olsen is self-taught, and in recent years has been perfect- ing her skills in the portrayal of women, most often using acrylic paint or crayon. The background plays a major role in her works, either by using the texture and surface of grey paper or by leaving it out completely in her paintings on glass and acrylic sheets. My Friend Marie is a snapshot of the person portrayed. Because the background is transparent, the work changes character according to the context in which it is placed: in the same way that a person changes character according to the situation they are in or the role they are playing. Marie is a nurse, girlfriend and daughter etc. But I can only portray her as I see her through my own eyes: as my friend Marie. 270 271 118 Lone Osmann (* 1964) Danmark / Denmark Sabbatår 2021 / Sabbatical 2021 Bronze 60 cm (højde / height)

Jeg har arbejdet med skulptur siden slutning af firserne. Lærte bronzestøbning i halvfemserne. Mine dejlige døtre har været model for mange af mine værker gennem årene, og kærligheden til dem er muligvis min største inspirationskilde. Portrættet til denne udstilling var næsten oplagt, da min smukke yngste datter, Amanda, havde sabbatår uden mulighed for at rejse udenlands. Trippende på stolen, lettere irritabel over alt det, hun går glip af, venter hun på genåbning af Danmark, genåbning af hele verdenen, så hun endelig kan udleve drømmen om at rejse.

I have been working with sculpture since the late 80s. I learned bronze casting in the 90s. My lovely daughters have modelled for many of my works over the years, and my love for them is possibly my greatest source of inspiration. The theme of the portrait for this exhibition was almost a foregone conclusion, since my beautiful youngest daughter, Amanda, had a gap year, but no opportunity to travel abroad. Fidgeting on the chair, slightly irritable about everything she is missing out on, she is waiting for the re-opening of Denmark and the re-opening of the entire world, so she can finally make her travel dream come true.

272 273 119 Mette Ovgaard (* 1974) Danmark / Denmark Ursula Foto på Epson Enhanced Matte Paper 180 g / Photo on Epson Enhanced Matte Paper 180 g 50 x 60 cm

Jeg har blandt andet gennemført et uddannelsesforløb på Fatamorgana Danmarks Fotografiske Billedskole i visuel historiefortælling og en uddannelse som MA i portrætfotografi. Kombinationen af de to har især formet min tilgang til fotografiet, hvor jeg beskæftiger mig med projekter, der omhandler køn, alder og identitet. Jeg ønsker at skabe fortællinger om de mennesker, jeg portrætterer, og give deres historier liv – ofte til dem, der sjældent får et sted i lyset. Ursula fangede min opmærksomhed, da hendes fremtoning brød med min egen klassiske forestilling om, hvordan modne kvinder ser ud. Jeg blev tiltrukket af Ursulas personlighed og livsfortælling. Portrættet af Ursula viser en kvinde med tydelige tegn på levet liv. Det stærke blik, det bløde nærmest hvide hår, rynkerne og tatoveringerne er som en samling af fortællinger om det levede liv i evig forandring.

I have among others completed a course at Fatamorgana the Danish Scool of Art Photography in Visual Storytelling and an education as MA in portrait photography. The combination of the two has especially shaped my approach to photography, where I work with projects that deal with gender, age and identity. I want to create stories about the people I portray and bring their stories to life – often to those who rarely get a place in the light. Ursula caught my attention as her appearance broke with my own classic notion of what mature women look like. I was attracted to Ursula’s personality and life story. The portrait of Ursula shows a woman with clear signs of lived life. The strong look, the soft almost white hair, the wrinkles and the tattoos are like a collection of stories about the life lived in constant change.

274 275 120 Sami Parkkinen (* 1974) Suomi / Finland Arvi at 8 Foto, pigmentprint på aluminium / Photo, pigment print on aluminium 62 x 46,4 cm

Sami Parkkinen er en finsk fotograf. Han bruger fotografi og skulptur til at udforske menneskets bevidsthed og behovet for at genopbygge samfundet. Siden 2009 har han udstillet på en række museer og gallerier, inklusive PORTRÆT NU! Arvi at 8 er et portræt fra serien Father and Son. Father and Son er et langvarigt projekt, som begyndte i 2012. Hvordan ser et lille barn verden? Hvad er et barns verdenssyn? Spørgsmålet har optaget voksne mennesker, disse forhenværende børn revet op med rode, i generationer. Jeg var interesseret i, hvordan mit barn oplevede verden omkring sig og studerede den gennem leg. I årenes løb har disse observationer af et barns indre liv udviklet sig til et fælles far-søn-kunstprojekt.

Sami Parkkinen is a Finnish photographer. He employs photography and sculpture to investigate the human consciousness and the need to rebuild society. Since 2009, he has exhibited at a number of museums and galleries, including PORTRAIT NOW! Arvi at 8 is a portrait form the series Father and Son. Father and Son is a long term project started in year 2012. How does a small child see the world? What is a child’s worldview? The question has intrigued adults, those uprooted once-children, for generations. I took an interest in the way my child experienced the world around him, and studied it through play. Over the years, these observations into a child’s inner life have formed into a joint father-son art project.

276 277 121 Pernille Helleskov Pedersen (* 1968) Danmark / Denmark Selvportræt / Self-portrait Olie på hørlærred / Oil on linen 67 x 49 cm

Jeg er født i Danmark. Jeg er autodidakt som billedkunstner, men har dog taget nogle kurser gennem årene. Jeg har tegnet, siden jeg var helt ung, og begyndte at male i 2012. Indtil 2020 malede jeg i akryl, men skiftede sidste år til olie. Jeg maler figurativt, og mine motiver er især mennesket og portrættet. Mit udgangspunkt er Albrecht Dürers selvportræt fra 1500, hvor han med sin frontale stilling næsten giver sig selv royal eller guddommelig status. Jeg har i mit portræt ønsket et mere realistisk udtryk og tilføjet nutidens redskaber og udfordringer via mundbind, bh, høretelefoner. Samtidig viser jeg også min usikkerhed og tvivl som kunstner via klovnenæsen og bjælden fra en narrehat. Bjælden er samtidig et udtryk for den larm, vi tror, vi hele tiden skal lave for at blive set. Den grønne kugle er et symbol for håbet om at blive bedre, og at det nok skal gå alt sammen.

I was born in Denmark. I am a self-taught visual artist, but over the years have attended various courses. I have been drawing since a very early age and started painting in 2012. Until 2020, I painted in acrylic, but switched to oil last year. I paint figuratively. My main motifs are people, including portraits. The basis for the work is Albrecht Dürer’s self-portrait from 1500, in which his frontal position invests him with almost royal or divine status. In my portrait I wanted a more realistic expression and added today’s tools and challenges, using face masks, bras, headphones. I also show my insecurities and doubts as an artist in the clown’s nose and the bell from a jester’s hat. The bell is also an expression of the noise we believe we have to make all the time in order to be seen. The green ball is a symbol of the hope of getting better and that everything will be fine.

278 279 122 Anna Lind Petersen (* 2000) Danmark / Denmark Spejlbillede / Reflection Olie på lærred / Oil on canvas 80 x 60 cm

Jeg er en 21-årig kunstner fra Langeland, der, siden jeg var helt lille, har interesseret mig for at tegne og male. Jeg er selvlært kunstner og går i øjeblikket på Engelsholm Højskole. Primært har jeg beskæftiget mig med at male naturalistiske portrætter, hvor jeg de seneste år har specialiseret mig i olie som medium. Når man ser sig selv i spejlet, ser man sig selv på en måde, som ingen andre har mulighed for at opleve én. I mit selvportræt Spejlbillede tvinger jeg beskueren til at se direkte ind i mit spejlbillede – en situation, der føles både uvant og ube- kvem for beskueren. Samtidig er der dannet en distance til beskueren, ved at selve rummet, jeg befinder mig i, er omkranset af rammen om spejlet. Denne distance ser jeg som et symbol på afstanden til omverdenen, som var kendetegnende for 2020 – et år præget af nedlukning og isolation.

I am a 21-year-old artist from Langeland. From a very early age I was interested in drawing and painting. I am a self-taught artist and currently attend Engelsholm Folk High School. I have mainly painted naturalistic portraits and in recent years specialised in the use of oil as a medium. When you see yourself in a mirror, you see yourself in a way that no one else ever does. In my self-portrait, Mirror Image, I force the viewer to look directly into my reflection – a situation that feels both unfamiliar and uncomfortable for them. I have also created a distance for the viewer: the room I am in is bordered by the frame of the mirror. I regard this distance as a symbol of the distance from the outside world that was the hallmark of 2020 – a year marked by lockdown and isolation.

280 281 123 Thomas Petri (* 1959) Danmark / Denmark Aiko Foto, Archival Pigment Print / Photo, Archival Pigment Print 70 x 46 cm

Født i København og har siden 1982 arbejdet som fotograf. De sidste 20 år har jeg professionelt fotograferet portrætter, teater, opera, ballet/dans. Sideløbende arbejder jeg med personlige projekter, hvor jeg er optaget af at skildre mennesker i alle aldre. I vidt forskellige iscenesatte situationer har jeg fokus på temaer som blandt andet uskyld, nærvær, glæde, sårbarhed og længsel. Eksistentielle følelser, som jeg forsøger at indfange så autentisk som muligt. Portrættet af min datter Aiko har historiske referencer til renæssancen og barokken samt til den nutidige Disney-figur Elsa. Aikos uforbeholdne glæde over det forunderlige ved sæbebobler minder os om, at livet skal gribes i nuet, at det er dyrebart, og at vores iboende nysgerrighed og evne til at forundres og betages aldrig må mistes. Som fotograf arbejder jeg med mennesker og vender gang på gang tilbage til temaet uskyld.

Born in Copenhagen and a professional photographer since 1982. For the past 20 years I have photographed portraits, theatre, opera, ballet/dance. I also work on personal projects that reflect my curiosity and depict people of all ages. In very diverse, staged situations, I tackle themes such as innocence, intimacy, joy, vulnerability and longing: existential feelings that I try to capture as authentically as possible. The portrait of my daughter Aiko alludes to the Renaissance and Baroque periods and to the contemporary Disney character Elsa. Aiko’s unreserved delight at the marvellousness of soap bubbles reminds us that we should seize the moment, that life is precious, and that we must never lose our innate curiosity and ability to marvel and be enthralled. As a photographer, I work with people and constantly return to the theme of innocence.

282 283 124 Jussi Pirttioja (* 1988) Suomi / Finland My Mother Olie på lærred / Oil on canvas 89 x 65 cm

Jussi Pirttioja tog eksamen fra Saimaa Universitet for Anvendt Videnskab i 2016. Pirttiojas seneste værker handler om elementer af forfald kombineret med por- trætmalerier for at skabe værker, som tilhører en sfære af direkte erfaringer og frihed løsrevet fra metafysiske, videnskabelige eller filosofiske forklaringer på tilværelsen, ved at kombinere forskelligt materiale fra fantasi og referencer, så det bliver til et ensartet sprog på den barokke måde. Portrættet er et enkelt billede af min mor. Det at male er en åben proces for mig; jeg havde en rå skitse til værket, men ingen fastlåste detaljer. Jeg kan godt lide at lade dele af værket være lettere forsømte eller “ufærdige”. Det, der virkelig er vigtigt for en kunstner, er den måde, man ser på verden på, og energien. Bil- ledet kan fungere som et vindue, som opsummerer overskuddet af erfaringer og den materielle verden i et glimt af indsigt.

Jussi Pirttioja graduated from Saimaa University of Applied Sciences in 2016. Pirttioja’s recent work revolves around elements of decay, combined with portraiture in order to create works, which belong in the realm of direct experientiality and freedom detached from the metaphysical, scientific or philosophical explanation of being by combining diverse material from imagination and references so that this develops into a unified language in its baroque manner. The portrait is a simple picture of my mother. Painting is an open process for me; there was a rough sketch for the work, but no locked details. I like to leave parts of the work slightly neglected and ‘unfinished’. What is really important to an artist is the way you look at the world and energy. The image can serve as a window that sums up the surplus of experience and the material world into one flash-like insight.

284 285 125 Bente Polano (* 1953) Danmark / Denmark Self-portrait – two sides Bronze, cyan patineret, granit sokkel / Bronze, cyan patinated, granite plinth 54 x 24 x 15 cm

Jeg er født i Hørsholm og uddannet på Danmarks Designskole (Skolen for Brugskunst), Linie for tegning og grafik, 1970-75, del af Det Kongelige Danske Kunstakademi. Jeg debuterede på Forårsudstillingen, Charlottenborg, København, 1981, og har siden udstillet separat og med flere kunstnersammenslutninger, både i Europa og Skandinavien. Self-portrait – two sides udtrykker den usikkerhed, vi lever i lige nu. Lige nu og her, hvor jeg er i tvivl om det, jeg skaber, bliver forstået. Udtrykker jeg med min skulptur den udefinerbare iagttagelse, jeg gerne vil videregive af selvmodsigelse, håb og tvivl? Formen og rummet imellem de to flader skaber den foranderlighed, der opstår ved iagttagelsen fra mørkt til lyst og fra en positiv til en negativ flade. Cyan-patineringen i bronzen er med til at skabe en stemning i skulpturen af det uvisse og drømmende – håber jeg.

I was born in Hørsholm and studied at the Royal Danish Academy of Fine Arts, School of Design, specialising in Drawing and Graphic Design (1970-75). I made my debut at the 1981 Charlottenborg Spring Exhibition, and have since had solo exhibitions and exhibited with several artists’ associations, both in Europe and Scandinavia. Self-portrait – Two Sides expresses the uncertainty in which we are currently living. Right now, when I have doubts about whether what I create will be under- stood. In my sculpture, am I expressing the undefinable observation I would like to pass on of contradiction, hope and doubt? The shape and space between the two surfaces create the mutability that arises from dark to light and from a positive to a negative surface. The cyan patination in the bronze helps to create an atmosphere of uncertainty and dreaminess in the sculpture – I hope.

286 287 126 Pernille Ringsing (* 1982) Danmark / Denmark The Wood Hunter C Print 30 x 40 cm

Jeg er født og bor i København og arbejder som freelance kommerciel fotograf og tager portrætbilleder. Jeg er uddannet fra Københavns Tekniske Skole, som i dag hedder NEXT. Jeg er meget optaget af at fortælle historier og indfange det specielle øjeblik og det særlige udtryk hos personen foran kameraet, og jeg arbejder også detaljeret med lyset. I dette tilfælde er min lyssætning meget cinematografisk og omfatter mange lamper for at gøre The Wood Hunter og hans omgivelser meget detaljerede med et blødt udtryk og masser af atmosfære. The Wood Hunter samler gamle egetræer hos skovhuggerne i de danske skove. Træer, som er blevet kasseret, fordi kvaliteten ikke var god nok til møbelindustrien. I sit værksted forvandler han egetræsblokke til smukke genstande og skåle, blokke, som ellers ville være blevet til træflis.

I am a Copenhagen born and based freelance commercial photographer, shooting portraits. Educated from Copenhagen Technival College, today named NEXT. Passionate about telling stories and catching that special moment and expression with the person in front of the camera, I also work in details with my lightening. In this case my lightening is very cinematic and includes many lights to make The Wood Hunter and his environment very detailed with a soft expression and lots of atmosphere. The Wood Hunter collects old oak trees from lumberjacks in the Danish forests. Trees that are leftover wood, because the quality is not good enough for the furniture industry. In his workshop he is turning blocks of oak into beautiful objects and bowls, blocks that otherwise would have been wood chips.

288 289 127 Allison Barry Rosenlund (* 1967) Danmark / Denmark Melankoli – Portræt af Kristoffer / Melancholy – a diptych portrait of Kristoffer Olie på lærred / Oil on canvas 85 x 60 cm (hver / each)

Jeg bruger traditionelle maleteknikker som de gamle mestre, mens mine emner er moderne. Jeg ønsker at male alle de komplekse, overvældende følelser af nutidens liv på en elegant måde. Jeg blev født i Washington DC og voksede op i Georgia. Siden boede jeg i New York City i 11 år, hvor jeg tog en bachelor i kunst på Par- sons. I 2000 flyttede jeg til Aarhus som IT-farvespecialist. Siden 2012 har jeg været selvstændig kunstner. Min teenagesøn Kristoffer sidder ved køkkenbordet, som kun en teenager kan. Alene med sine tanker, forhindret i at gå i skole på grund af corona-nedlukninger. Jeg blev inspireret af de simple geometriske former dannet af hans tøj og møblerne. Normalt maler jeg først et grå-skala studie, hvorefter jeg maler farve-lagene ovenpå. I dette tilfælde besluttede jeg at lave både en grå-skala version, som jeg faktisk syntes passer til temaet melankoli, og en farvet-version baseret på få primærfarver.

I use traditional painting techniques like those of the old masters to tackle modern subjects. I aim to paint all the complex, overwhelming emotions of today’s life in an elegant way. I was born in Washington DC and grew up in Georgia. I later lived in New York City for 11 years, where I took a BA in Art at Parsons. In 2000, I moved to Aarhus as an IT colour specialist. Since 2012, I have been a freelance artist. My teenage son Kristoffer is sitting at the kitchen table in a typical teenager way. Alone in his thoughts, prevented from going to school due to the corona lockdown. I was inspired by the simple geometric shapes formed by his clothes and the furniture. Usually I start by painting a grayscale study, then paint the layers of colour over it. In this case, I decided to make both a grayscale version, which I thought was appropriate to the theme of melancholy, and a coloured version using few primary colours.

290 291 128 Toni-Petri Ruotsalainen (* 1988) Suomi / Finland Sanzaru (Three wise monkeys) Akryl på lærred / Acrylic on canvas 60 x 140 cm

Toni-Petri Ruotsalainen har studeret ved United World College of the Adriatic i Italien og på Lewis & Clark College i Portland, Oregon, med hovedfag i malerkunst. Hans seneste arbejder har fokuseret på at bygge bro mellem impressionistisk pointil- lisme og pixelkunst og skabe værker, som ved første øjekast virker fotorealistiske, men ved nærmere eftersyn opløses i pixelerede farvefelter. Sanzaru er et tredobbelt portræt af kunstnerens søster. Det er desuden en variation over de tre vise abers princip: “Se intet ondt, hør intet ondt, tal intet ondt”. Der cirkulerer en mængde misinformation om coronavirus, og dette billede er et forslag til, hvordan man kunne bruge engangsmundbind til at beskytte mod spredningen af falske nyheder. Det skal dog bemærkes, at de metoder, der præsenteres her, ikke er effektive mod selve virussen. Maleriet består af 33.600 pixels malet i hånden med en 5 mm bred flad svinehårspensel.

Toni-Petri Ruotsalainen studied at the United World College of the Adriatic in Italy, and Lewis & Clark College in Portland, Oregon, majoring in painting. His most recent work has focused on bridging the gap between impressionist pointillism and pixel art, creating works that at first glance appear photorealistic, but upon closer inspection break down to pixelated masses of color. Sanzaru is a triple portrait of the artist’s sister. It is also a variation of the three wise monkeys’ maxim “see no evil, hear no evil, speak no evil”. There is a lot of misinformation going around about the coronavirus, and this painting serves as a suggestion on how one might use disposable face masks to protect against the spreading of false information. However, it should be noted that the methods presented are entirely ineffective against the virus itself. The painting is comprised of 33,600 pixels, painted by hand using a 5 mm flat bristle brush.

292 293 129 Henrik Saxgren (* 1953) Danmark / Denmark Theresia Foto, Hahnemühle Fine Art Baryta, Dibond / Photo, Hahnemühle Fine Art Baryta, Dibond 150 x 120 cm

Henrik Saxgren, fotograf og billedkunstner med en stor bog- og udstillingsproduk- tion bag sig. Han er repræsenteret i adskillige offentlige samlinger. Theresia er gift med storfanger og isbjørnejæger Quanguaq Nielsen og bor i Savissivik i Thule-distriktet i Nordvest-Grønland. Hun er 75 år og har hele sit voksne liv udgjort et team med Quanguaq, hvor hendes opgave har været at bearbejde den fangst – skind, ikke mindst – som han hjembragte. Jeg har boet i Savissivik i to omgange, hvor jeg lavede et lille atelier i min hytte og fotograferede bygdens kvinder. Mellem 15.00 – 17.00 kom der et smukt lys ind af et vindue, som var velegnet til portrætterne. Theresia fotograferede jeg flere gange. Der bor 50 mennesker i Savissivik.

Henrik Saxgren, a photographer and visual artist who has exhibited extensively and published many books. He is represented in several permanent collections. Theresia is married to the whaler and polar bear hunter, Quanguaq Nielsen and lives in Savissivik in the Thule district of Northwest Greenland. She is 75 years and throughout her adult life has formed a team with Quanguaq, in which her job was to process the catch – in particular the hides – that he brought home. I have stayed in Savissivik on two occasions. I set up a small studio in my cabin and photographed the women of the village. Between 3.00 and 5.00 pm a beautiful light came through the window, which was perfect for the portraits. I photographed Theresia several times. Savissivik has a population of 50.

294 295 130 Rasmus Sigvaldi (* 1971) Danmark / Denmark Annika Aakjær Foto, 235 g silkemat fotopapir / Photo, 235 g tissue matte photo paper 100 x 70 cm

Rasmus Sigvaldi beskæftiger sig primært med portræt-, reportage- og modefotografi og er uddannet fra NEXT (som fotograf) og fra Danmarks Medie- og Journalist Højskole (som grafisk designer). Han er født og opvokset i Danmark. Billedet af Annika Aakjær blev til som et “ekstra”-billede, da jeg skulle lave det officielle billede af Annika Aakjær som den kommende vært for uddelingen af Bodil-statuetten 2021.

Rasmus Sigvaldi works mainly in the fields of portrait, reportage and fashion photography. He studied at NEXT (as a photographer) and the Danish School of Media and Journalism (as a graphic designer). He was born and raised in Denmark. The picture of Annika Aakjær is an ‘extra’ photo from when I was taking the official photograph of her as the upcoming presenter for the 2021 Bodil Award ceremony.

296 297 131 Dóra Dúna Sihvatsdóttir (* 1984) Ísland / Iceland Snæfríður Ingvarsdóttir Foto, Hahnemühle German Etching paper / Photo, Hahnemühle German Etching paper 42 x 30 cm

Dóra Dúna er født i Aarhus og vokset op i Bordeaux, Frankrig, Vestmannaeyjar og Reykjavík. Hun tog eksamen fra Reykjavík Fotoskole i januar 2021 og arbejder for tiden på en separatudstilling, mens hun tager portrætfotos af kunstnere og andre mennesker i Island. Dóra Dúna bruger intimiteten ved sort/hvide portrætfotos, lys og skygge til at indfange essensen af sine modeller. Værket er et højtideligt sort/hvidt portræt af den islandske skuespiller Snæfríður Ingvarsdóttir. Modellens indbydende blik ind i kameraet resulterer i en legende dans mellem lys og intet lys.

Dóra Dúna was born in Aarhus, Denmark, and raised in Bordeaux, France, Vest- mannaeyjar and Reykjavík, Iceland. She graduated from the Reykjavík School of Photography in January 2021, and is currently working on a solo exhibition whilst shooting portraits of artists and the people of Iceland. Dóra Dúna uses the intimacy of black-and-white portraiture, shadows and light, to capture the essence of her subjects. The artwork is a solemn black-and-white portrait of the Icelandic actress Snæ- fríður Ingvarsdóttir. The model’s inviting gaze into the camera results in a playful dance between light and the absence of it.

298 299 132 June Sira (* 1965) Norge / Norway Ghost in the Machine Kull og pastel på preparert lereret / Charcoal and pastels on primed canvas 100 x 120 cm

June Sira er utdannet ved Kunsthøyskolen i Oslo, hvor hun studerte maleri, grafikk og skulptur fra 1985 til 1992. Hun har videre en Master of Art fra Chelsea School Of Art, 1999/2000. Etter endt utdanning deltok hun i UBS Art Award, hvor hun ble kåret nasjonal vinner av en jury med blant andre Sir Nicholas Serota. Hun er innkjøpt av museer og institusjoner og stiller ut regelmessig. I June Siras bilder møter vi mennesker med tvetydig alder i portretter eller tablåer, som er fabulerende, symbolske eller fragmenter av en historie. Ghost in the Machine er et portrett av datteren Jil, som er en innbygger i den moderne verden, med en hilsen til Goyas The Sleep of Reason Produces Monsters.

June Sira was educated at the Oslo National Academy Of The Art where she studied painting, printmaking and sculpture from 1985 to 1992. She has a Master of Fine Art from Chelsea School Of Art, 1999/2000. After graduation she was selected for the UBS Art Award and received the national winner prize from a jury including Sir Nicholas Serota. Her work has been purchased by museums and institutions and she exhibits regularly. In June Sira’s paintings we meet people of ambiguous age in portraits or tableaus that are fabulistic, symbolic or fragments of a story. Ghost in the Machine is a portrait of the artist’s daughter Jil, who lives in the modern world, with a nod to Goya’s The Sleep of Reason Produces Monsters.

300 301 133 Cecilia Sjölund (* 1955) Sverige / Sweden Distance Olie på lærred / Oil on canvas 60 x 50 cm

Cecilia Sjölund bor og arbejder i Stockholm. Hun er arkitekt, uddannet ved Kungliga tekniska högskolan og har i løbet af sin karriere især arbejdet som projektleder ved byudviklingsprojekter. Hun har for nylig trukket sig tilbage og er begyndt at male på fuld tid og ser det som begyndelsen på en ny karriere som kunstner. Hun arbejder for tiden på en serie landskabsmalerier. Cecilia Sjölund er hovedsagelig autodidakt som kunstner og arbejder med oliemaleri. Maleriet Distance er et forsøg på at vise, hvor svært jeg har haft ved altid at huske at holde afstand til den person, jeg taler med. Mundbindet skaber også en visuel distance. Det får mig til at føle mig anspændt i interaktioner med andre mennesker. Maleriet er et selvportræt.

Cecilia Sjölund lives and works in Stockholm. She is an architect educated at KTH Royal Institute of Technology and has during her career worked mainly as a project manager with urban development projects. She has recently retired and started painting full time and sees it as if she has started a new career as an artist. She is currently working on a series of landscape paintings. Cecilia Sjölund is mainly self-taught as an artist and works with oil painting. The painting Distance is an attempt to show how difficult I have found it to always have in mind to keep a distance to the person I am talking to. The mask also creates a visual distance. It makes me feel tense in interaction with other people. The painting is a self-portrait.

302 303 134 Lars Skovfoged (* 1951) Danmark / Denmark Selvportræt 2021 / Self-portrait 2021 Blyant på papir / Pencil on paper 100 x 70 cm

Læge og autodidakt billedkunstner. I mange år har maleriet været det foretrukne medium, men de sidste år har tegningen givet mig ny inspiration. De fleste tegninger med et konceptuelt tilsnit, hvor temaet især har været natur kontra teknik. Min tegning har titlen Selvportræt 2021, men kunne lige så godt hedde “Det halve ansigt”. Siden 2020 har vi alle båret et mundbind, der dækker det halve ansigt. Hvad gør det ved os? Vi kan ikke længere aflæse vores medmenneskers mimik. Nu kan vi ikke se smilet bag mundbindet. Portrættet har også den dob- belthed, at jeg som læge har været vant til at bære mundbind og det i mange år med en vis stolthed. Som praktiserende læge forsvandt mundbindet, men vendte tilbage i 2020. Ringen var sluttet.

A doctor and self-taught artist. For many years, painting was my preferred medium, but in recent years drawing has provided me with new inspiration. Most of my drawings are conceptual in character, and their theme tends to centre around nature versus technology. My drawing is entitled Self-portrait 2021, but ‘The Half Face’ would have described it equally well. Since 2020, we have all been wearing a face mask that covers half our face. What does that do to us? We can no longer read the facial expressions of our fellow human beings. Now we cannot see the smile behind the face mask. The portrait also possesses a duality, in that for many years as a doctor I was used to wearing a face mask – with a certain degree of pride. For me as a general practitioner, the face mask disappeared, but made a comeback in 2020. Things had come full circle.

304 305 135 Sussanne Snoeck (* 1968) Sverige / Sweden Ebba Ler / Clay 35 cm (højde / height)

I slutningen af 2017 begyndte jeg at koncentrere mig 100 % om at lave kunst og fokusere på at udvikle min kunnen. Som primært autodidakt kunstner har jeg som mål at røre mennesker, at vække følelser og tanker gennem mine skulpturer og malerier. Når et billede rører mig, får jeg lyst til at indfange følelsen og formidle den gennem mit arbejde. Mit seneste værk Body Talk er en serie skulpturer, som fokuserer helt og holdent på følelser og kropssprog. Ebba er et portræt, som for mig indeholder mange forskellige udtryk. Hendes udtryk eller følelse ændres, afhængt af hvordan hun placeres. Karakteren går fra genert til beslutsom, fra arrogant til tilbagetrukket, fra drillende til ydmyg. Da jeg skulle finde ud af, hvordan jeg skulle fremstille hende, besluttede jeg, at hun skulle have så meget fleksibilitet som muligt for at vise alle de forskellige karaktertræk, hun har. Hun er noget af en personlighed, Ebba, som vi alle sammen er!

At the end of 2017 I committed myself to make art and focus on developing my skills. As a primarily autodidact artist, my aim is to touch people, to evoke a feeling and thought through my sculptures and paintings. When an image touches me, I want to capture the feeling, convey it in my work. My recent work Body Talk is a series of sculptures that focuses entirely on emotions and body language. Ebba is a portrait which, for me, contains many different expressions. Just depending on the way she is placed, her expression or emotion changes. It moves from shy to decisive, from arrogant to withdrawn, from teasing to humble. When deciding how to present her, I decided she needed as much flexibility as possible, to show all these different characteristics she has. She is quite a personality, Ebba, just like each and every one of us!

306 307 136 Jacob Stage (* 1969) Danmark / Denmark Selvportræt i skyggen af corona / Self-portrait in the shadow of corona Foto, 300 g Museumspapir / Photo, 300 g Museum paper 60 x 90 cm

Jacob Stage, født i Hørsholm. Tværæstetisk hybridkunster og fotograf. Arbejder i et krydsfelt mellem teater og billedkunst. Med afsæt i scenekunsten og en aktiv praksis som blandt andet Reumertvindende teaterinstruktør, koreograf og performer, benytter han i sit fotografiske udtryk ofte dramatiske virkemidler som røg, videoprojektion, kunstlys og rekvisitter til en personlig fortolkning af sine motiver. En spejling af en stemning og en tid, kroppen minimeret til et isoleret hoved. To minutter, hvor sollyset lagde sig blødt i rummet. Tre vertikale felter. Fire forsøg med selvudløser.

Jacob Stage, born in Hørsholm. Cross-aesthetic, hybrid artist and photographer. His work hovers between theatre and visual art. With a background in the performing arts and a career as a Reumert-winning theatre director, choreographer and performer, in his photography he often uses dramatic effects such as smoke, video, artificial light, and props for a personal interpretation of his motifs. A reflection of a mood and a time, the body reduced to an isolated head. Two minutes, when gentle sunlight filled the room. Three vertical areas. Four attempts with a self-timer.

308 309 137 Taini Stieper (* 1976) Danmark / Denmark Tiden før i morgen / The time before tomorrow Fotografi printet på Canson Fiber Rag 310 g / Photo printed on Canson Fiber Rag 310 g 60 x 80 cm

Taini Stieper er en dansk fotograf, der bor og arbejder i Roskilde. Hun beskæf- tiger sig primært med portræt- og kunstfotografiet og efterstræber i sit arbejde med fotografiet at få æstetik og fortælling til at mødes. Hendes værker tager ofte udgangspunkt i det genkendelige i mennesket og naturen. Mormor – min mormor Alice på 93 år i sit hjem, under første corona-lockdown i foråret 2020. Tid er en forgængelig faktor, jo ældre vi bliver, og den bliver sat yderligere i perspektiv, når vi oplever forandring. Værket er lavet i sammenhæng med følgende digt: En smule/men nok,/Det blæser/Genkender rutinen/Genkender mig selv/Dagen der larmer/Vinden der letter/Som damp fra en kedel/Så rigtigt/ Så forkert.

Taini Stieper is a Danish photographer who lives and works in Roskilde. She works mainly in the fields of portrait and art photography, striving in her work to merge aesthetics and narrative. Her works are often based on the recognisable aspects of humankind and nature. Grandma – my grandma Alice, 93 years old, at home during the first corona lockdown in spring 2020. The older we get, time becomes a transitory factor, and it is further put into perspective when we experience change. The work was created in conjunction with the following poem: A little/but enough/It’s blowing/Recognise the routine/Recognise myself/The noisy day/The relieving wind/Like steam from a kettle/So right/So wrong.

310 311 138 Rikke Stiig (* 1965) Danmark / Denmark Den nøgne sandhed / The naked truth Stentøj / Stoneware 36 cm (højde / height)

Jeg er født i København og vokset op i Jyllinge. I 1991 startede jeg på Danmarks Design Skole og gik på keramisk linje i 4 år. Siden har jeg elsket at formgive i leret. De figurer, jeg former, er inspireret af mennesker, jeg har set på gaden, på film eller i tegneserier, jeg har læst. Jeg elsker at betragte den fantastiske frodige kvinde, jeg ser på Strøget, i knaldgul regnfrakke, den gamle sømand, der fortæller mig historier på et skib, eller alle de mennesker, der lufter deres små hunde i byens parker. Den nøgne sandhed er et selvportræt. Jeg har modelleret utallige skulpturer af mange forskellige modeller i de sidste 30 år. Mange af os kvinder har et be- sværligt forhold til vores krop. Når jeg sidder som kunstner – er alle kroppe lige spændende, smukke og fantastiske. Så ved at modellere min egen krop, prøver jeg at distancere mig fra mit eget egos mindreværd – og ser som skulptøren, min krop som et smukt landskab, formet af tiden.

I was born in Copenhagen and grew up in Jyllinge. In 1991 I started at the Dan- ish Design School studying ceramics for 4 years. Since then, I have loved working with clay. The characters I shape are inspired by people I have seen on the street, in movies, or in comics I have read. I love watching the amazing lush woman I see on the street in a bright yellow raincoat, the old sailor telling me stories on a ship or all the people walking their little dogs in the city parks. The naked truth is a self-portrait. I have modeled countless sculptures of many different models over the last 30 years. Many women have a troublesome relationship with their body. When I sit as an artist – all bodies are equally exciting, beautiful and amazing. By modeling my own body, I try to distance myself from the inferiority of my own ego and as the sculptor, see my body as a beautiful landscape, shaped by time.

312 313 139 Arnajaraq Støvlbæk (* 1976) Kalaallit Nunaat / Greenland Den Sidste Vinter / The Last Winter Fotografi / Photo 60 x 80 cm

Jeg er uddannet på Listaháskoli Íslands (Iceland Academy of the Arts). Kunstskolen i Nuuk, Billedskolen i København og KBH Film & Fotoskole indgår ligeledes i mit cv. Efter 11 år i den administrative del af kulturlivet som kulturhusleder, tog jeg springet som selvstændig i 2019 og beskæftiger mig igen med kunst. Det seneste værk er en kunst- og lydinstallation i Nuuk Kunstmuseum med titlen Aanaa – Memories of Smell (aanaa = bedstemor). Den Sidste Vinter er en del af mit arbejde med konceptet bedstemor. Portrættet er taget hjemme hos min bedstemor, den sidste vinter hun levede. Hun var blevet enke et par år forinden, og lyset i hendes øjne var slukket. Jeg bruger sjældent studielys og arbejder med den belysning, som er i rummet, og ofte med blitzen i kameraet. Jeg vil gerne vise den rå sandhed af min sørgende bedstemor, uden at pakke den ind i “et filter” af tekniske færdigheder.

I went to Listaháskoli Íslands (Iceland Academy of the Arts). I also studied at the School of Art in Nuuk, the Copenhagen Children’s School of Art and the Copenhagen School of Film and Photography. In 2019, after 11 years of working in administra- tion as the director of a cultural centre, I went freelance so I could concentrate on my own art. My latest work is an art and sound installation in Nuuk Art Museum entitled Aanaa – Memories of Smell (aanaa = grandmother). The Last Winter is part of my work on the concept of the grandmother. I took the portrait in my grandmother’s home during the last winter of her life. She had been widowed a few years earlier and the light in her eyes had gone. I rarely use studio lights and work with the lighting that is in the room, often using a flash. I want to show the raw truth of my grieving grandmother, without wrapping it in ‘a filter’ of technical skills.

314 315 140 Pasi Tammi (* 1971) Suomi / Finland Meitä oli siellä kolme / There were three of Us Olie på krydsfiner / Oil on plywood 35 x 39 cm

Jeg har studeret ved Helsinkis Kunstakademi fra 1991 til 1995 og på College of Fine Arts, Carnegie Mellon University i Pittsburg, USA, i 1996. Efter min eksamen fra kunstakademiet har jeg arbejdet som professionel kunstner i de sidste 26 år. Det betyder, at jeg maler hver dag, uanset om jeg har en forestående udstilling eller ej. Vi begyndte at arbejde på dette portræt i midten af juni 2020. To uger senere fødte min kone Pia vores lille dreng Artturi. Vi bor på landet langt væk fra stor- byen. Derfor har pandemien ikke haft nogen virkelig dramatisk effekt på vores liv. Ikke desto mindre føler jeg, at den mørke og tomme baggrund på portrættet afspejler Pias følelser omkring nedlukningen og umuligheden af at rejse. På trods af mørket er der stadig en antydning af et smil i hendes ansigt, som viser en tro på, at alt vil blive bedre i den sidste ende.

I studied at the Academy of Fine Arts Helsinki from 1991 to 1995 and at the College of Fine Arts, Carnegie Mellon University, Pittsburgh USA in 1996. After my graduation from the Academy, I have been working as a professional artist for the past 26 years. This means that I paint every day whether or not I have an upcoming exhibition. We started working on this portrait in the middle of June 2020. Two weeks later my wife Pia gave birth to our little boy Artturi. We live in the countryside, far away from the city. Therefore, the pandemic did not really have a dramatic effect on our lives. Nevertheless, I feel that the dark and empty background in the portrait reflects Pia’s emotions about the lockdowns and travel bans. Despite the darkness, there is still a glimpse of a smile on her face, indicating a belief that things will eventually get better.

316 317 141 Maura Tavares (* 1974) Sverige / Sweden Självporträtt av konstnären i stormigt landskap / Portrait of the Artist in Stormy Landscape Olie på hør / Oil on linen 107 x 107 cm

Siden sin uddannelse på Florence Academy of Art i Italien har Maura Tavares malet i forskellige stilarter, men har gradvis etableret sig som en maler, der fokuserer på traditionel tegning og oliemaleri. Hendes store interesse er at male mennesker – men i det seneste år har hun udviklet sit landskabsmaleri. Dette selvportræt blev malet udendørs, on location, ved hjælp af et spejl. Det understreger kunstnerens kamp for at bevare sin integritet og sit mål i disse vanskelige tider. Teknikken og materialerne er ældgamle – hele maleriet er udført med kun fire tuber maling: sort, hvid, okker og rød. Ligesom computere bruger et binært sprog, kan malerkunsten beskrive verden med meget få komponenter. Lærredet er grundet med en traditionel gesso-blanding, men står råt i kanterne for at gøre processen synlig og følbar.

Since her training at The Florence Academy of Art in Italy Maura Tavares has painted in various styles but has gradually established herself as a painter focusing on traditional drawing and oil painting. Her passion lies in painting people – but during the past year, she has developed her landscape painting. This self-portrait was made outside, on location, using a mirror. It emphazises the struggle of the artist to maintain integrity and purpose in these troubled times. The technique and materials are age-old – the entire painting was made using only four tubes of paint: black, white, ochre and red. Much as computers use a binary language, painting can describe the world using very few components. The linen has been prepared with a traditional gesso mixture, but has been left raw at the edges, to make the process visible and tangible.

318 319 142 Ulrik Teisner (* 1944) Danmark / Denmark Indre dialoger, selvportræt / Inner Dialogues, self-portrait Fotografi – collage / Photo – collage 56 x 51 cm

Jeg er født i Gentofte og har i mit professionelle liv beskæftiget mig med madlav- ning. Gennem de sidste 10 år er fotografiet blevet en seriøs beskæftigelse. Under et forløb på Fotoskolen Fatamorgana i 2017 blev jeg inspireret af surrealister som Man Ray. Interaktionen mellem det bevidste og det ubevidste fascinerede mig dybt, og collagen blev mit foretrukne udtryk. Under nedlukningen sidste forår kedede jeg mig som resten af verden, og ideen om collager, der beskrev mit liv i isolation, opstod. Det blev til en fotografisk føljeton, foreløbig fjorten collager, om kollektivet med “Hippien”, “Den Berejste”, “Kunstneren” og “Ældste”. Fire meget dominerende karaktertræk, som jeg hver dag lever med og prøver at få til at fungere sammen. I Indre dialoger skildres bekymringen for ensomheden, døden, sygdommen og længslen efter en længst forsvunden kærlighed, der kan trøste og holde i hånd.

I was born in Gentofte and have had a career as a chef. Over the past 10 years, photography has become a serious occupation. On a course at the Fatamorgana Photo School in 2017, I was inspired by surrealists like Man Ray. The interaction between the conscious and the unconscious really fascinated me, and collage became my favourite mode of expression. During last spring’s lockdown, like everyone else I was bored, and the idea of collages depicting my life in isolation arose. It became a photographic serial, provisionally fourteen collages, about my affinity with certain designations: ‘The Hippy’, ‘The Well-travelled’, ‘The Artist’ and ‘Oldest’ – four dominant classifica- tions that I live with every day and try to make work together. Inner Dialogues depicts my anxiety about loneliness, death, disease and a longing for a long-gone love that can comfort and hold hands.

320 321 143 Julius Christian Telmer (* 1985) Danmark / Denmark Inuk & The Green Land Film, 1080 HD 10 min

Julius Telmer er dansk forfatter og instruktør, uddannet fra Det Amerikanske Filminstitut i Los Angeles som instruktør i 2017. Har lavet intense og menne- skenære dramaer i Danmark, USA og Australien i over 10 år. Han har vundet en lang række internationale priser for blandt andet sin australske outback web serie Greenfield, der i år udkommer i Australien som hans første spillefilm. “Jeg ville være mig selv og ikke bare mine forældres barn” – Inuk Silis Høegh. Inuk & The Green Land er et episk og intimt portræt af den grønlandske kunstner Inuk Silis Høegh, søn af de berømmede kunstnere Aka Høegh og Ivars Silis. Inuk reflekterer over at være vokset op i skyggen af sine berømte forældre, modviljen mod at blive som dem og hans oprør mod hans kultur. Hvordan han flygtede fra Grønland for at finde sig selv og vende tilbage år senere som kunstner i sin egen ret.

Julius Telmer is a Danish writer and director, who graduated from the American Film Institute in Los Angeles as a director in 2017. He has been making intense, human-interest dramas in Denmark, the United States and Australia for more than 10 years. He has won numerous international awards: for example, for his Australian outback web series Greenfield, which is due out this year in Australia and will be his first feature film. “I wanted to be myself and not just my parents’ child.” Inuk Silis Høegh. Inuk & The Green Land is an epic, yet intimate portrait of the Greenlandic artist Inuk Silis Høegh, son of the acclaimed artists Aka Høegh and Ivars Silis. Inuk is thinking about growing up in the shadow of his famous parents, his reluctance to be like them and his breaking away from his culture. How he fled Greenland to find himself and returned years later as an artist in his own right.

322 323 144 Bergur Thorberg (* 1951) Ísland / Iceland Rayan Foto / Photo 60 x 45 cm

Bergur Thorberg er født i en lille fiskerby i det nordlige Island. Hans far var fotograf, og som dreng tilbragte Bergur mange timer i sin fars mørkekammer. Som teenager studerede han litteratur, drama og film. Han begyndte at arbejde på teater- og musikscenen og blev senere interesseret i malerkunst. Igennem årene har han boet og arbejdet i mange europæiske lande og har fokuseret på sin kunst, især maleri, men også på videokunst, fotografi og performance. Jeg fulgte Rayan, mit barnebarn, ved en fødselsdagsfest, da han var 15 måneder gammel. Han nød tydeligvis sin nyfundne evne til at gå. På dette billede havde han fundet en af gæsternes mappe og var på vej ud fra festen, som om han skulle ud på en ganske uskyldig tur. I det øjeblik kom jeg til at tænke på hans far, som var flygtning, da han var 15 år. Den ydre verden forandrer sig konstant, så jeg tænkte: Hvad vil verden have at tilbyde denne dreng i fremtiden?

Bergur Thorberg’s father was a photographer, and as a boy Bergur spent many hours in his father’s darkroom. As a young adult he studied literature, drama and film. He started working within the theatre and music scene and later turned his interest to the art of painting. Throughout the years he’s been working and living in several European countries focusing on his art, mainly paintings but also video art, photography and performance art. I was following Rayan, my grandson at a birthday party when he was 15 months old. He seemed to be celebrating his newly found walking abilities. In this photo he had found one of the guests’ briefcases and was on his way out as if he was ready to leave on an obviously innocent trip. In that moment I was thinking of his father who was a refugee when he was 15 years old. The outside world is everchanging, so my thoughts were, what will this world offer this boy in the future?

324 325 145 Morten Vejlgaard (* 1982) Danmark / Denmark Everything in between Inkjet print opklæbet på dibond / Inkjet print glued on dibond 84 x 66 cm

Født i Jylland. Bosat i københavn. Gået på Københavns Film- og Fotoskole. Primært selvbiografisk fotografi og landskabsfotografi. I denne såkaldte metroseksuelle tid skulle man tro, at maskulinitetsbegrebet efterhånden ville være en gammeldags måde at leve sit liv efter. Men maskulinitet og femininitet synes for mig at være milevidt fra hinanden. Oplevelsen af at være fastspændt og korsfæstet på sit mandetegn i et “sådan er det bare”-samfund, hvor manden har bukserne på og overarmen spændt, og kvinden bærer kjolen med et naturligt svaj i ryggen. Jeg undersøger disse grænser, der er imellem køn.

Born in Jutland. Based in Copenhagen. Attended the Copenhagen School of Film and Photography. Mainly autobiographical photography and landscape photography. In this so-called ‘metrosexual’ age, one is led to believe that the concept of masculinity is an old-fashioned way of living one’s life. But masculinity and femininity seem to me to be miles apart. The experience of being strapped and crucified on a symbol of one’s manhood in a ‘that’s how things are’ society, in which the man wears the trousers and a flexed upper arm, and the woman wears the dress with a natural sway in the back. I examine the boundaries that exist between the sexes.

326 327 146 Michelle Vestbo (* 1985) Danmark / Denmark Selvportræt / Self-portrait Foto / Photo 50 x 60 cm

Deltaget i undervisning inden for skuespil, dans og performances 2004-2008. Uddannet ergoterapeut 2019 og autodidakt fotograf. Jeg beskæftiger mig primært med portrætfotografering. I arbejdet med fotografiet veksler jeg mellem minutiøs planlægning, iscenesættelse samt en spontan tilgang, altid med det formål at sætte personen i centrum og skabe et åbent fortolkningsrum. Hjertet, som jeg holder mellem mine hænder på mit selvportræt, symboliserer to voldsomme og skelsættende hændelser, som har fundet sted i mit liv. Disse oplevelser har været med til at forme mig til det menneske, jeg er i dag. I 2013 oplevede jeg, at min daværende kæreste faldt om med et hjertestop – jeg forsøgte at genoplive ham, men det lykkedes ikke for mig. Han døde en uge senere på ho- spitalet. I 2015 var jeg ude for en lignende situation, denne gang var det dog min far, som faldt om. Her lykkedes det mig at genoplive ham, uden at han fik varige mén.

Took classes in acting, dance and performances from 2004 to 2008. Qualified as an occupational therapist in 2019, and self-taught photographer. My work is mainly portrait photography. In my photography I alternate between meticulous planning, staging and a spontaneous approach, always aiming to focus on the person and allow for free interpretation. The heart I am holding in my self-portrait symbolises two violent, landmark events that took place in my life. These experiences helped make me the person I am today. In 2013, my then partner collapsed with a cardiac arrest. I tried to revive him, but did not succeed. He died a week later in hospital. In 2015, I was in a similar situation, but this time it was my father who collapsed. In this case I managed to revive him and he sustained no permanent injuries.

328 329 147 Pauli Viljanen (* 1979) Suomi / Finland Harley Olie på lærred / Oil on canvas 160 x 110 cm

Født i Tampere, Finland. Jeg tog eksamen fra Free Art School i 2015 og studerede maling og tegning ved Skt. Petersborgs Kunstakademi 2015-2019. Som kunstner er jeg interesseret i at kombinere klassisk og moderne kunst. I en dialog med nutiden og med forsvinden. I min kunst vil jeg gerne skildre det, der er smukt og interessant for mig. Menneskers ansigter er altid fascinerende, gamle, unge, glatte, rynkede. Hvordan man fremstiller personens udseende og personlighed. Med mine malerier vil jeg gerne formidle energi, kraft og kærlighed. Jeg malede dette billede i vinteren 2020, mellem februar og april. Det er et portræt af min ven Harry med kælenavnet Harley. Jeg har malet efter levende model mange gange og har også brugt fotografier. Hans personlighed og påklædningsstil inspirerede mig til at male i denne portrætstil.

Born in Finland, Tampere. I graduated from Free Art School in 2015, and studied painting and drawing at the St. Petersburg Academy of Fine Arts 2015-19. As an artist I am interested in combining classical and modern art. Dialogue with the present and disappearance. In my art I want to bring out what is beautiful and interesting to me. People’s faces are always fascinating, old, young, smooth, wrin- kled. How to record the appearance, the personality at the person. In my paintings I want to share energy, power and love. I painted this work in winter 2020 between February and April. It is a portrait of my friend Harry, nick name Harley. I have painted after living model many times and also use photographs. His personality and style of wearing clothes inspired me to paint this style of portrait.

330 331 148 Shaun Walls (* 1985) Sverige / Sweden En bruksbögs historialektion / A small town faggots history lesson Video 19:23 min

Britt-Finsk-Svensk ickebinär bög. Författar till krönikan “Bruksbögen” i lokaltid- ningen Fagersta-Posten. Jag jobbar för att queers ska kunna bo kvar i småstäder utan att diskrimineras av våra egna kommuner där vi betalar skatt. Vad innebär hbtqia+ personers utsatthet egentligen? Det här är historialektio- nen som undanhölls genom 10 års Svensk skoltvång och “undervisning”. Viktiga händelser och årtal för gay, trans och andra hbtqia+ personer tillsammans med personliga händelser för en bög och icke-binär. Med en upplevelse av att bli tejpad till något du själv inte valt som lämnar dig orörlig och oigenkännbar.

Brit-Finn-Sweed nonbinary faggot. Author behind the column “Bruksbögen” (The small town faggot) in local paper Fagersta-Posten. I work to make small towns safe for queers, so we aren’t discriminated against by the societies we pay tax to. What does lgbtqia+ people’s vulnerabillity mean? This is the history lesson kept untold through 10 years of Swedish compulsory “education”. Defining events and years for gay, trans and other lgbtqia+ people, along with personal events for a gay and non-binary individual. With an added sensation of being taped to something out of your control until it leaves you immobile and unrecognizable.

332 333 149 Eva Wilms (* 1960) Sverige / Sweden Källan / The Source Tempera, blyerts på trä / Tempera, pencils on wood 80 x 120 cm

Jag söker med min konst gestalta något tidlöst och allmänmänskligt där jag låter samtid och dåtid mötas, i motiv och måleritekniker från förr och nu. Mina speci- alkunskaper är äldre måleritekniker och jag arbetar förutom med min bildkonst även ofta med stora restaureringar i kyrkor och andra kulturhistoriska byggnader. Det här porträttet är en kärleksförklaring till min barndomsvän, Ramona. Vi möttes 1971 i forna Östtyskland, där hon bodde och jag hälsade på min tyska farmor. Det mötet har blivit en livslång vänskap. På bilden är vi tonåringar med långa gängliga kroppar, på väg in i vuxenvärlden. Jag ville gestalta den skörhet som två tonårsflickor utstrålar och har målat oss nästan som om vi satt ihop, som en kropp. Bildens namn, Källan, kommer av den betydelse som vår vänskap har fått för oss båda, och som de knotiga gamla träden som speglar sig i vattnet är vi även de, fast gamla.

In my art I attempt to shape something timeless and universal, in which I allow the present and the past to meet, in motifs and painting techniques from past and present. I have a special knowledge of ancient painting techniques and, in addition to my own art, I do major restoration work on churches and other heritage buildings. This portrait is a declaration of love for my childhood friend Ramona. We met in 1971 in the former East Germany, where she lived, and I was visiting my German grandmother. That meeting led to a lifelong friendship. In the picture, we are teenagers with long, gangly bodies, on our way to the adult world. I wanted to depict the fragility that two teenage girls exude, and I painted us as if we were sitting together as one body. The title of the picture, The Source refers to how significant our friendship has been for us.

334 335 150 Serguei Zlenko (* 1960) Suomi / Finland Back Stage. Scandinavian Hunks. Olie på lærred / Oil on canvas 80 x 100 cm

Serguei Zlenko er født i Republikken Georgien i 1960 og tog først eksamen fra Det Russiske Akademis Kunstskole og fik senere en bachelorgrad og en mastergrad i kunst fra Surikov-kunstakademiet i Moskva. Han er medlem af både den finske og den russiske kunstnerforening og er repræsenteret i gallerier og samlinger i Finland og andre lande i Europa og i USA. Mit maleri symboliserer for mig på mange måder betydningen af vor tids behov for sammenhold, kærlighed uden fordomme og respekt for andre mennesker uanset religion, race og seksuel orientering. Dette billede forestiller den yngre generation af showgruppen “Scandinavian Hunks”, som fejrede sit 20 års jubilæum i 2020. Modellerne er fra venstre til højre: Kriss Jackson, Ilja Serov, Matias Starmans, Antti Leht og Kimmo Kemppi.

Born in the Republic of Georgia in 1960. Serguei Zlenko graduated first from the Russian Art Academy’s Art School, and later received a Bachelor and Masters of Fine Art from the Moscow Surikov Art Academy. A member of both the Finnish and Russian Artist’s Associations. He is featured in galleries and collections in Finland and throughout Europe and United States. My painting symbolises in my mind in many ways the importance of today’s need for togetherness, love without prejudice, respect for humans, regardless of religion, race and sexual orientation. In this painting are presented the younger generation of the show group “Scandinavian Hunks”. In 2020 this group celebrated 20 year jubilee. Models from left to right: Kriss Jackson, Ilja Serov, Matias Starmans, Antti Lehto, Kimmo Kemppi.

336 337 151 Karen Aarre (* 1972) Norge / Norway Forberedelser / Preparations Olje på lin / Oil on linen 90 x 120 cm

Karen Aarre er født i London, men oppvokst i Oslo. Hun har studert ved Det frie Kunstakademi i Den Haag, Nederland, og ved Kunstakademiet i Lisboa, Portugal. Hun har også en doktorgrad i sosialantropologi fra University of Oxford. Aarre arbeider fulltid som billedkunstner og stiller jevnlig ut. Forberedelser er et portrett av den norske skuespilleren Ane Dahl Torp, som er kjent fra teater, film og tv-drama. Bildet er malt under korona-nedstengningen. Ane er portrettert sittende hjemme i sin egen sofa, mens hun innstuderer et nytt manus, og venter på at kulturlivet gjenåpnes. Hun er omgitt av fargerike tepper som, hun har heklet på fritiden under pandemien. Det tidkrevende håndarbeidet blir således et visuelt uttrykk for, hvor lenge pandemien har vart, og den tålmo- dighetstesten kunstlivet har vært igjennom.

Karen Aarre was born in London, but grew up in Oslo. She studied at the Free Academy of Visual Art in The Hague, in the Netherlands, and at Academy of Art in Lisbon, Portugal. She also holds a PhD in Social Anthropology from the Uni- versity of Oxford. Aarre works full time as a visual artist, and exhibits regularly. Preparations is a portrait of the Norwegian actress Ane Dahl Torp, famous for her work in theatre, film and TV. I painted the picture during the corona lockdown. In the portrait, Ane is sitting at home in her sofa, studying a new script and waiting for cultural life to start up again. She is surrounded by colourful rugs, which she crocheted in her spare time during the pandemic. The time-consuming craftsmanship is thus a visual expression of how long the pandemic has lasted, and of how the patience of cultural life has been put to the test.

338 339 KUNSTNERINDEKS INDEX OF ARTISTS

Ágústsdóttir, Þórdís Erla 58 Dahle, Øistein Sæthren 108 Aho, Anna 60 Dahlerup, Peter 110 Ahrends, Annett 62 Deng, Fu 112 Andersen, Anette 64 DeVore, Cecilia Thorell 114 Andersen, Birgitte Heiberg 66 Dyrberg, Kasper 116 Andersen, Liv Solberg 68 Aniella, Thinna 70 Eskerod, Torben 118 Arnbjørn, Clara 72 Arntsen, Anna-Brith 74 Fasting, Martin 120 Aronson, Dag 20 Fergo, Else 122 Asker, Niklas 28 Fjord, Kresten 124 Auður, Megan 76 Franko-Dossar, Frida 126 Aurell, Helene 78 Frøkjær-Jensen, Sven 128 Auzias, Pierre André Camille 80 Fröman, Anna 130 Fuglsbjerg, Stinne 24 Bergfjord, Sissel 82 Birger, Anders 84 Gees, Espen 132 Bjelke, Malene 86 Geisted, Jørgen 32 Bjulver, Ulla 88 Giæver, Mette 134 Boesen, Uffe 90 Grevsen, Meeto Worre Kronborg 136 Bohr, Jens 92 Groth, Kim Herholdt 138 Brøndum, Nanna Drewes 94 Grønnemark, Jesper 140 Bundgaard, Carsten Boye 96 Gustavsson, Martin 142 von Bülow, William Bjørn 98 Hagen, Søren 144 Christensen-Ernst, Bente 100 Handgaard, Claus 146 Cizmic, Mirza 102 Harder, Steffen 148 von Cotta-Schønberg, Andreas 104 Hasseltoft, Jesper 150 Crawford, Helle Rask 106 Havgaard, Kennet Islandi 152

341 Hedeager, Ole 154 Lagier, Chloé 210 Ockens, Xenia 268 Snoeck, Sussanne 306 Heide, Gertrud 156 Lakits, Charlotte 212 Olsen, Mathilde Friis 270 Stage, Jacob 308 Heldt, Ninni 158 Larsen, Mai-Britt 214 Osmann, Lone 272 Stieper, Taini 310 Heng, Jonny Krucow 160 Larsen, Thor 216 Ovgaard, Mette 274 Stiig, Rikke 312 Hietanen, Liisa 36 Larsson, Ritva 218 Storgaard, Astrid 54 Holm, Thomas 162 Laue, Lone 220 Parkkinen, Sami 276 Støvlbæk, Arnajaraq 314 Høfdinghoff, Nina 164 Lehtinen, Raana 222 Paulsen, Jon Bøe 16 Højgaard, Anna Kathrina 166 Leimu, Hannu 224 Pedersen, Pernille Helleskov 278 Tammi, Pasi 316 Haaker, Heidi Persdatter Greiner 168 Lenkkeri, Riikka 226 Petersen, Anna Lind 280 Tavares, Maura 318 Lorentzen, Preben 228 Petri, Thomas 282 Teisner, Ulrik 320 Jacobsen, Jórun á Fløtti 170 Lukjanova, Anetta 230 Pirttioja, Jussi 284 Telmer, Julius Christian 322 Jensen, Dorte 172 Lyksted, Niels 232 Polano, Bente 286 Thorberg, Bergur 324 Jin, June 174 Lyster, Oliver Daniel 234 Johansson, Paul Enøe 176 Læssøe, Simon 236 Ringsing, Pernille 288 Vejlgaard, Morten 326 Jónsson, Karl Jóhann 178 Löppönen, Ville 238 Rosenlund, Allison Barry 290 Vestbo, Michelle 328 Juice, Simone 180 Ruotsalainen, Toni-Petri 292 Viljanen, Pauli 330 Julma, Ivana 42 Madsen, Morten Huba 240 Rye, Ln 50 Justesen, Josua 182 Magnússon, Jón 242 Walls, Shaun 332 Järvelin, Markku 184 Matar, Khaled 244 Saxgren, Henrik 294 Wilms, Eva 334 Mathe, Silke 246 Sigvaldi, Rasmus 296 Karlsson, Amanda 186 McDougall, Henrik 248 Sihvatsdóttir, Dóra Dúna 298 Zlenko, Serguei 336 Kastalje, Søren 188 Mielche, Trine 250 Sira, June 300 Kastrup, Katja 190 Møller, Mark Holm 252 Sjölund, Cecilia 302 Aarre, Karen 338 Kettunen, Arto 192 Skovfoged, Lars 304 Aas, Kristina D. 46 Kholin, Helen 194 Nelting, Malene 254 Knoop, Helene 196 Nerving, Marianne 256 Knudsen, Sasha 198 Nilsson, Zaga 258 Kobberrød, Eva 200 Nissen, Isaac 260 Kolby, Ross 202 Nurminen, Tero 262 Kongsted, Astrid 204 Nyholm, Karen 264 Kullberg, Stephanie 206 Nyman, Cecilie 266 Kyed, Berit 208

342 2021 Carlsbergfondets Portrætpris Carlsberg Foundation’s Portrait Award Foundation’s Carlsberg PORTRÆT NU!

PORTRÆT NU! 2021