TRAUMGESICHT • MARJATTA THE BLUE PEARL

SOILE ISOKOSKI FINNISH RADIO HANNU LINTU

1 ERKKI MELARTIN 2 ERKKI MELARTIN (1875–1937)

1 Traumgesicht, Op. 70 (1910) 16:37 Symphonische Musik 2 Marjatta, Op. 79 (1914) 13:35 A Legend from for Soprano and Orchestra Music from the ballet The Blue Pearl (Sininen helmi), Op. 160 (1928–30) 26:10 Adapted by Hannu Lintu and Jani Kyllönen 3 II Entrée avec pantomime 4:00 4 XI Danse de Nénuphares 5:23 5 VIII Scène (Tempête) 2:32 6 XIV Pas de deux 3:07 7 XVI Variation II 2:05 8 XVII Coda 1:26 9 XX Poissons à voile 3:46 10 XVI Finale (II acte), tempo di 3:51

SOILE ISOKOSKI, soprano (2) FINNISH RADIO SYMPHONY ORCHESTRA Petri Aarnio, leader Tuomas Lehto, principal cello HANNU LINTU, conductor

3 Erkki (Erik Gustaf) Melartin (1875–1937) was a key figure in Finnish music for four decades, beginning with his début as a composer. He initially studied with in (1892– 1899) and then went to to study composition with for two years (1899–1901). Fuchs was an eminent teacher whose pupils had included , and Erich Wolfgang Korngold. Composing was Melartin’s life’s blood. It was his source of energy amidst setbacks in his private life and recurring chronic illness. “Then came this project, where I had only a few weeks to complete a task for which I would normally have allowed a few months. And I was fired with enthusiasm, overjoyed to be alive! I believe that this has actually improved my health, even though I have been writing at least 10 hours a day,” he wrote in 1907, after an extended convalescence at a tuberculosis sanatorium. In addition to his vocation as a composer, Melartin held many prominent positions in Finnish musical circles. He was trained as a conductor and almost always conducted the premieres of his own works. As conductor of the Viipuri Orchestra from 1908 to 1911, he transformed the musical life of the entire city. For a quarter century of his professional life (1911–1936) he was the Rector and composition teacher at the Music Institute, which was renamed the Helsinki Conservatory during his tenure and would go on to become the in 1939. He was an exceptional manager, educator and personality: encouraging and always striving for the common good. It was thanks to his efforts – in the middle of the 1930s depression, no less – that a purpose-built building for the Conservatory, the first of its kind, was completed in 1932. It remains in the use of the Sibelius Academy to this day. Melartin’s music is rooted in the Germanic musical tradition. The major items in his prolific output, with opus numbers extending to 189, are the six (1903–1924), the Violin Concerto (1913), the opera Aino (1909), the four string quartets (1896–1910) and the Third Lyrical Suite, Impressions de Belgique (1916).

The 21st century has brought a revival of interest in Melartin’s music and his importance in the field of Finnish music. Long-forgotten masterpieces have again seen the light of day, works of which no recordings at all had previously been available. One of the most significant of these is the tone poem Traumgesicht Op. 70, written in 1910.

4 This work achieved a significant international breakthrough for Melartin: it marked his first appearance abroad as an orchestral composer and a conductor. Its premiere in St Petersburg made it the second Finnish orchestral work, after Jean Sibelius’s Pohjola’s Daughter (1906), to be performed in the concert series of Alexander Siloti, one of the big names in the musical life of the city. Melartin had initially offered his Third Symphony to be performed in St Petersburg. There was no room for it on the programme of the coming season, but Siloti promised to programme a shorter piece. Melartin, however, had nothing suitable available, and thus he set to work immediately to write a new piece. Only six weeks later, he completed a tone poem with the working title Yökuva [Night image, roughly equivalent to the final title in German]. He wrote to a friend in late August 1910: “I have been working terribly hard. The night before last I completed Traumgesicht after 15 hours of work that day. Siloti lit such a fire under me by telegraphing and writing me every so often. When I had told him what I was doing, he wanted to see the beginning, and then he urged me to send ‘täglich mehr, täglich mehr’ [daily more, daily more]! He is very delighted. It is a terribly difficult piece, and such orchestral writing has never before been attempted in this country.” The premiere at the St Petersburg Nobility Club in December 1910 was well received, and the work was described as atmospheric. It took some months for Traumgesicht to be performed in Finland, in Helsinki in March and at a concert of Melartin’s works in Viipuri in April 1911. In 1912, the composer conducted the work twice in Riga, and in May 1921 he conducted it at the Nordic Music Days in Helsinki. Georg Schnéevoigt conducted the work one last time in 1932 (under the title Symphonische Musik) at a concert of the Helsinki Philharmonic Orchestra, but then this impressive poem of nocturnal visions disappeared from view for 81 years. Hannu Lintu brought it out of the shadows at a concert of the Finnish Radio Symphony Orchestra in 2013. Traumgesicht is made up of two broad arcs that may with some license be considered the exposition and recapitulation sections of a sonata-form structure. Both open with the same motif but develop in different directions. The latter arc is abruptly interrupted by a Mahlerian funeral march. Recent Melartin research has shown that Traumgesicht is based on incidental music written by Melartin to a Symbolist play by Gabriele d’Annunzio named Un sogna d’una mattina primavera (The Dream of a Spring Morning) in 1905. In adapting this music scored for a small ensemble into a work for large orchestra, Melartin thoroughly revised it. Some elements of the original incidental music remain identifiable, for instance the theme on the oboe against a background of harp and string tremolos that follows the dreamy introduction. 5 Traumgesicht differs from the National Romantic image generally associated with Melartin. It could be described as progressive: the composer was obviously up to date with recent trends, since influences from composers such as , , Nikolai Rimsky-Korsakov and may be detected. It is also conceivable that the young Stravinsky is lurking in the background, considering the St Petersburg connection. The way in which Melartin uses the orchestra in Traumgesicht is completely different from the orchestral writing of any other Finnish composer of his day. Melartin was clearly well aware of the calibre of musicians in St Petersburg for whom he was writing. Lyrical and sensitive, the work is nevertheless written with a virtuoso flair and draws inventively on the sonorous potential of a large string section: at the opening, Melartin plays on rapid shifts between muted and unmuted strings. Traumgesicht is a wholly new aspect of Melartin’s output and demonstrates that Melartin was foremost among Finnish composers in embracing cutting-edge international trends such as Impressionism.

The Impressionist streak is even more prominently displayed in the grand tone poem Marjatta Op. 79 for soprano and orchestra, written on the eve of the First World War in 1914. Melartin himself described it as a “legend”, perhaps as a reference to Sibelius’s Lemminkäinen, the orchestral legends of Dvořák or the mythological text. He dedicated the work to the soloist at the premiere, Aino Ackté. In June in that year, Ackté had asked Melartin to write her an expansive orchestral solo that she might perform in concerts in Finland and abroad. She had similarly approached Sibelius in May in the previous year for a new work to be performed in England. Sibelius duly obliged with Op. 70 (1913), with a text describing the creation of the world taken from the first poem of the Kalevala; Melartin’s choice of text a year later was from the last poem of the epic, describing the arrival of Christianity in Finland in mythological terms. Luonnotar and Marjatta can with good reason be regarded as parallel works or siblings, even though they are very dissimilar in musical style. The choice of a topic from the Kalevala was also a product of the political situation of the day. Finland’s status as an autonomous Grand Duchy in the Russian Empire was under threat, and Melartin’s aim – by his own account – was to defend the Finnish identity and ancient Finnish culture as enshrined in the Kalevala “now that we are being downtrodden and Russianised in all quarters”. Melartin adapted the text, cutting it down to less than a third of the original poem.

6 Melartin worked at his typically rapid pace: he completed the orchestral score within less than a month and a half of starting. Aino Ackté performed Marjatta to piano accompaniment in Viipuri in early November, and the orchestra version was premiered in Helsinki in January 1915. Newspaper critics commended the work for its elegantly translucent orchestration and noted that the evocation of a Karelian landscape in spring was eminently suited to Melartin’s composer personality. Ackté also performed Marjatta at a grand concert she gave in a few weeks later. Despite the National Romantic subject, Melartin wrote the work in a bold and unprejudiced style. He uses the large orchestra skilfully, with some surprising effects. The clarinet imitates the cuckoo in independent tempo underneath the soprano cadenza, and at the point in the narrative where Marjatta finds a lingonberry (which will eventually impregnate her with the Saviour), a shimmer resembling a modern sound field is produced by the flutes, celesta and violins. Marjatta is noteworthy for its orchestration, which particularly in the early part of the work is elegant and gossamer-thin. Towards the end, the orchestral sound turns towards a Melartin’s more conventional writing. The expressive soprano part narrates the story, while the orchestra illustrates the events in subtle colours. Due to Melartin’s care in setting the text in natural, speech-like rhythms, the score is littered with metre changes. The first half of the work is very much pastoral in character. After an extensive orchestral interlude, the latter part of the work is a monologue by Väinämöinen. Built almost entirely on an extended E flat pedal point, it ascends to superhuman heights in a sort of apotheosis for this central figure in the epic. The pedal point is exceptionally prominent and could be seen as a reference to Sibelius’s frequent use of pedal points. Melartin, however, uses it as a more general symbolic device, although the ending was in its day also interpreted as a patriotic message: the raising of Väinämöinen’s legacy, music, into a symbol of the independence of Finland and the vitality of Finnish culture.

Sininen helmi (The Blue Pearl) Op. 160, premiered in 1931, is the first full-length ballet written in Finland. Its librettist Kaarlo Eronen contacted Melartin in February 1929, inviting him to the National Opera to discuss creating a fairy-tale ballet. Melartin, though nearing the end of his creative arc, was inspired by the commission and worked on the ballet intensely through the spring.

7 The work was completed in December 1929, but the production was delayed by over a year. Sininen helmi has remained popular since its premiere thanks to its delightful and fresh score. In the 1930s and 1940s, it was performed more than 40 times. An abridged version was performed at matinees of the Ballet School of the Finnish National Opera almost as often in the 1980s. The action in this three-act ballet is set on an island in the South Seas, where an octopus-like monster holds a Princess captive. In the crown of this aquatic monster there is a blue pearl that allows it to control the forces of nature. A Prince is shipwrecked on the island in a storm. He finds the Princess and wins both her and the pearl by defeating the monster. The ballet concludes with a celebration where emissaries from various lands and continents perform their dances for the happy couple and their guests, much like in Peter Tchaikovsky’s The Nutcracker. Indeed, Sininen helmi largely consists of separate dance numbers, the focus being more on character dances than on action or drama. In 1930, Melartin adapted a five-movement orchestral suite from the music of the ballet. The selection on the present disc, however, consists of eight numbers from Acts I and II of the ballet: interesting, colourful and original numbers that are somehow reminiscent of the style of Traumgesicht and Marjatta. Composer , in his review of the premiere, noted how skilful the orchestration was and how simply ingenious some passages were. He makes special mention of the Impressionist-style water-lily scene in Act II, which he found admirably poetic and effective. Stylistically, the ballet follows on from where Melartin had arrived in his Sixth Symphony. In the 1920s, he sought to economise and reduce his idiom. This new asceticism is clearly present in Sininen helmi: though the music is very colourful, the colours are executed with simpler means than before. The ballet is scored for a smallish orchestra, but the instrumentation is idiosyncratic, including a wind machine and a piano. Sininen helmi remained Melartin’s last major work, and as such it marks a final high point in a remarkably diverse career in Finnish music.

Tuire Ranta-Meyer and Jani Kyllönen Translation: Jaakko Mäntyjärvi

8 SOILE ISOKOSKI 9 Soile Isokoski is recognized as one of the world’s finest lyric sopranos and regularly appears on the most renowned stages. After graduating from the Sibelius Academy, she gave her début recital in Helsinki in 1986 and subsequently won a number of important international singing competitions. She made her début at the Finnish National Opera as Mimi in Puccini’s La Bohème and has since delighted audiences and critics alike at opera houses in Vienna, , Munich, Hamburg, London, Milan, , and New York, and at the festivals of Salzburg, Savonlinna, Ravinia, Tanglewood, Edinburgh, and Orange. Soile Isokoski has worked with numerous distinguished conductors such as Jukka-Pekka Saraste, Esa-Pekka Salonen, Mikko Franck, Seiji Ozawa, John Eliot Gardiner, Sir Colin Davis, Zubin Mehta, Daniel Barenboim, Sir Simon Rattle, Bernhard Haitink, Riccardo Muti, Claudio Abbado, Valery Gergiev, and James Levine. She has an extensive concert repertoire, and she regularly gives recitals in the most renowned stages. Soile Isokoski is also a respected pedagogue currently holding the post of a visiting professor at the Sibelius Academy. Soile Isokoski’s award-winning recordings for include Sibelius’s Luonnotar and other orchestral by Jean Sibelius, with the Helsinki Philharmonic Orchestra under (2007 BBC Music Magazine Award ‘Disc of the Year’ and MIDEM Classical Award), and Four Last Songs and other orchestral songs by Richard Strauss, with the Berlin Radio Symphony Orchestra under Marek Janowski (2002 Gramophone Award). In honour of her notable contribution to Finnish music, Soile Isokoski was awarded the Pro Medal in 2002. In 2008, she received in Vienna the honorary title of “Österreichische Kammersängerin”.

10 The Finnish Radio Symphony Orchestra (FRSO) is the orchestra of the Finnish Broadcasting Company (Yle). Its mission is to produce and promote Finnish musical culture. Its Chief Conductor as of autumn 2013 is Hannu Lintu, following a season (2012/2013) as the orchestra’s Principal Guest Conductor. The FRSO has two Honorary Conductors: Jukka-Pekka Saraste and Sakari Oramo. The Radio Orchestra of ten players founded in 1927 grew to symphony orchestra strength in the 1960s. Its previous Chief Conductors have been Toivo Haapanen, Nils-Eric Fougstedt, Paavo Berglund, Okko Kamu, Leif Segerstam, Jukka-Pekka Saraste and Sakari Oramo. The latest contemporary music is a major item in the repertoire of the FRSO, which each year premieres a number of Yle commissions. Another of the orchestra’s tasks is to record all Finnish orchestral music for the Yle archive. The FRSO has recorded works by Eötvös, Nielsen, Hakola, Lindberg, Saariaho, Sallinen, Kaipainen, Kokkonen and others, and the debut disc of the opera Aslak Hetta by (ODE 1050-2D). Its discs have reaped some major distinctions, such as the BBC Music Magazine Award and the Académie Charles Cros Award. The disc of the Sibelius and Lindberg Violin Concertos (Sony BMG) with Lisa Batiashvili as the soloist received the MIDEM Classical Award in 2008, in which year the New York Times chose the other Lindberg disc (ODE 1124-2) among its best Recordings of the Year. The FRSO regularly tours to all parts of the world. All the FRSO concerts both in Finland and abroad are broadcast, usually live, on Yle Radio 1. They can also be heard and watched with excellent live stream quality on the FRSO website.

www.yle.fi/rso

11 Chief Conductor of the Finnish Radio Symphony Orchestra since August 2013, Hannu Lintu previously held the positions of Artistic Director and Chief Conductor of the Tampere Philharmonic Orchestra, Principal Guest Conductor with the RTÉ National Symphony Orchestra and Artistic Director of the Helsingborg Symphony and Philharmonic . Lintu’s most recent appearances include with the Gürzenich-Orchester Köln, Orchestre de Chambre de Lausanne, Orchestre national de Lille, Gulbenkian Orchestra, and the Iceland Symphony, Baltimore Symphony, Moscow State Symphony and Seoul Philharmonic orchestras. He conducted the Finnish Radio Symphony Orchestra on tour in Japan in autumn 2015 – as part of his complete cycle of Sibelius’ symphonies with the New Japan Philharmonic – and on tour in Vienna, Salzburg and Innsbruck in January 2016 with violinist Leila Josefowicz. Recent engagements have included the Philharmonia, BBC Scottish Symphony, Royal Stockholm Philharmonic, Cleveland and St Louis Symphony orchestras; the Houston Symphony, MDR Sinfonieorchester Leipzig and the Orchestre national de Lyon; and debuts with the WDR Sinfonieorchester Köln, the Hallé, and the Detroit Symphony and Minnesota orchestras. In May 2016 Lintu returns to Finnish National Opera to conduct Wagner’s Tristan und Isolde, having previously conducted them in – directed by Harry Kupfer, Carmen, and Aulis Sallinen’s King Lear. Other recent operatic projects include Sallinen’s at the 2014 Savonlinna Opera Festival and Tannhäuser with Tampere Opera in 2012. Lintu has also worked with Estonian National Opera, recording Tauno Pylkkänen’s Mare and her son. Hannu Lintu’s recent recordings for Ondine feature works by Ligeti, including the Violin Concerto with Benjamin Schmid, and Messiaen’s Turangalîla Symphony with Angela Hewitt and Valerie Hartmann-Claverie – both with the Finnish Radio Symphony Orchestra. Lintu has received several accolades for his recordings, including a 2011 Grammy nomination for Best Opera CD plus Gramophone Award nominations for his recordings of Enescu’s Symphony No.2 with the Tampere Philharmonic Orchestra.

www.hannulintu.fi

12 Members of the original cast of The Blue Pearl, Helsinki 1931 Erkki (Erik Gustaf) Melartin (1875−1937) oli säveltäjädebyytistään alkaen neljäkymmentä vuotta suomalaisen musiikkielämän keskeisiä hahmoja. Hän opiskeli ensin kotimaassa Martin Wegeliuksen johdolla (1892−1899) ja hakeutui sitten kahdeksi vuodeksi (1899−1901) Wieniin Robert Fuchsin luo jatkamaan sävellysopintojaan. Fuchsin merkittävään oppilaskaartiin ovat kuuluneet muiden muassa Gustav Mahler, Jean Sibelius ja Erich Wolfgang Korngold. Säveltäminen merkitsi Melartinille elämän koko sisältöä. Se antoi elinvoimaa arkipäivän takaiskujen ja toistuvien sairauksien keskellä. ”Sitten tuli tämä, jossa oli pakko parissa viikossa valmistaa työ, johon tavallisissa oloissa olisi pari kuukautta laskettava. Ja minä sytyin työintoon, niin että oli ilo elää! Luulenpa melkein, että se on tehnyt hyvää terveydellenikin, vaikka olen vähintään 10 tuntia päivässä säveltänyt”, hän kirjoitti vuonna 1907 oltuaan pitkään potilaana tuberkuloosiparantolassa. Säveltäjänkutsumuksensa ohella Melartin ehti toimia monissa muissakin musiikkialan merkittävissä rooleissa. Hän oli ammattimainen kapellimestari ja johti omat teoksensa lähes aina itse. Toimiessaan Viipurin orkesterin kapellimestarina 1908−1911 hän nosti samalla koko kaupungin musiikkielämän aivan uudelle tasolle. Helsingin musiikkiopistosta ensin konservatorioksi ja 1939 Sibelius-Akatemiaksi rakentuneen oppilaitoksen rehtorina ja sävellyksenopettajana hän toimi neljännesvuosisadan. Johtajana, pedagogina ja ihmisenä hän oli poikkeuksellinen: kannustava ja yhteiseen hyvään pyrkivä. Melartinin ponnistelujen ansiosta − vieläpä suuren laman keskellä − valmistui vuonna 1932 Sibelius-Akatemialle sen ensimmäinen ja edelleenkin käytössä oleva toimitalo. Melartinin musiikin perusta on germaanisessa sävellystraditiossa. Mittavan, opuslukuun 189 yltävän tuotannon kulmakivinä ovat kuusi sinfoniaa (1903−1924), viulukonsertto (1913), ooppera Aino (1909), neljä jousikvartettoa (1896−1910) sekä kolmas lyyrillinen sarja Belgialaisia kuvia (1916).

2000-luvulla on kiinnostus Melartinin musiikkia ja merkitystä kohtaan lisääntynyt. Sen myötä on päässyt päivänvaloon pitkään unohduksissa olleita mestariteoksia, joista ennen tätä levytystä ei ole ollut saatavilla lainkaan äänitteitä. Näistä merkittävimpiä on vuonna 1910 syntynyt sinfoninen runo Traumgesicht (Op. 70). Tämä teos merkitsi askelta kansainväliselle uralle − ja samalla Melartinin ensiesiintymistä ulkomailla orkesterisäveltäjänä ja kapellimestarina. Pietarissa tapahtuneen kantaesityksensä myötä Traumgesicht nousi Jean Sibeliuksen Pohjolan tyttären (1906) jälkeen järjestyksessä toiseksi

14 suomalaiseksi sävellykseksi, joka kuultiin kaupungin keskeisen musiikkivaikuttaja Aleksandr Silotin konserttisarjassa. Melartin oli tarjonnut ensin kolmatta sinfoniaansa Pietarissa esitettäväksi. Sille ei kuitenkaan löytynyt tulevalla konserttikaudella tilaa, mutta Siloti lupasi ottaa ohjelmistoon jonkin suppeamman teoksen. Kun säveltäjällä ei ollut sopivaa sävellystä valmiina, hän ryhtyi heti työhön. Jo kuuden viikon päästä oli syntynyt sinfoninen runo, jonka työnimenä oli ”Yökuva”. Ystävälleen hän kirjoitti siitä elokuun lopussa 1910: ”Olen ollut hirveässä työssä. Toissa yönä lopetin Traumgesichtin tehtyäni 15 tuntia töitä sillä vuorokaudella. Siloti pani minuun sellaisen vauhdin kun se vähän väliä sähkötti ja kirjoitti. Pyysi ensin alkua, kun olin kertonut mitä laitoin, ja sitte ’täglich mehr, täglich mehr’. On kovin ihastunut. Se on hirvittävän vaikea kappale ja sellaista orkesterinkäsittelyä ei meillä vielä ole yritettykään.” Pietarin aatelisklubin salissa jouluaattona 1910 pidetty esitys sai hyvän vastaanoton ja sävellystä pidettiin tunnelmallisena. Suomessa Traumgesicht kuultiin vasta joitakin kuukausia myöhemmin: Helsingissä maaliskuussa ja Melartinin omille sävellyksille omistetussa konsertissa Viipurissa huhtikuussa 1911. Vuonna 1912 säveltäjä johti sen kahteen kertaan Riiassa ja toukokuussa 1921 Pohjoismaisilla musiikkipäivillä Helsingissä. Georg Schnéevoigt johti vielä vuonna 1932 teoksen (silloin nimellä Symphonische Musik) Helsingin kaupunginorkesterin konsertissa. Sen jälkeen tämä vaikuttava yöllisten näkyjen runoelma unohdettiin 81 vuodeksi, kunnes Hannu Lintu johti sen Radion sinfoniaorkesterin kanssa 2013. Traumgesicht rakentuu kahdesta laajasta kaarroksesta, jotka ovat väljästi tulkittavissa sonaattimuodon esittely- ja kertausjaksoiksi. Molemmat alkavat samalla aiheella, mutta lähtevät kehittelyn osalta eri suuntiin. Jälkimmäisen kaarroksen keskeyttää yllättäen esiin nouseva Mahler- vaikutteinen surumarssi. Viimeaikainen Melartin-tutkimus on osoittanut, että Traumgesicht pohjautuu Melartinin vuonna 1905 säveltämään musiikkiin Gabriele d’Annuzion symbolistiseen näytelmään Kevätaamun unelma (Un sogna d’una mattina primavera). Melartin loi pienelle orkesterille kirjoittamansa näytelmämusiikin materiaalista kokonaan uuden teoksen suurelle orkesterikokoonpanolle. Esimerkiksi unelmoivan johdannon jälkeen tuleva, oboen soittama harppujen ja tremolojousten säestämä A-duuri- teema on peräisin tuosta varhaisemmasta näytelmämusiikista.

15 Traumgesicht poikkeaa Melartiniin yleensä liitetystä kansallisromanttisesta kuvasta. Sitä voisi pikemminkin luonnehtia edistykselliseksi: säveltäjä oli selvästi perillä aivan uusimmista virtauksista, ja esimerkiksi Richard Straussin, Claude Debussyn, Nikolai Rimski-Korsakovin ja Aleksandr Skrjabinin musiikin antamat vaikutteet ovat sen taustalla. Myös nuoren Stravinskyn vaikutus Traumgesichtiin on Pietari-yhteyksien valossa mahdollista. Orkesterin käyttö sellaisena, kuin se ilmenee Traumgesichtissa, on täysin poikkeuksellista tämän ajan muiden suomalaisten säveltäjien orkesterimusiikkiin nähden. Melartin selvästi tiesi, millaiselle soittajistolle hän teostaan Pietariin kirjoitti. Lyyrisen ja hienovireisen teoksen kirjoitustapa on virtuoosinen, ja esimerkiksi teoksen alussa Melartin hyödyntää kekseliäästi suuren jousiston mahdollisuuksia: sordinoidun ja sordinoimattoman soinnin nopeaa vaihtelua. Kokonaisuudessaan Traumgesicht avaa uudenlaisen näkymän tekijänsä säveltäjäkuvaan ja osoittaa, että suomalaisista säveltäjistä juuri Melartin otti vastaan kansainväliset impressionistiset virikkeet hyvin varhain.

Vielä selvemmin impressionistisia piirteitä on ensimmäisen maailmansodan kynnyksellä, elokuussa 1914 syntyneessä suuressa sävelrunossa Marjatta (Op. 79) sopraanolle ja orkesterille. Säveltäjä itse antoi sille lajimääreen ”legenda” viitaten sillä ehkä Sibeliuksen Lemminkäiseen, Dvořákin orkesterilegendoihin tai teoksen myyttiseen tekstiin. Hän omisti teoksen sen kantaesittäjälle Aino Acktélle. Ackté oli saman vuoden kesäkuussa toivonut Melartinilta ohjelmistoonsa uutta teosta: suurta orkesterilaulua koti- ja ulkomaisia konserttiesiintymisiä varten. Vastaavalla tavalla hän oli pyytänyt edellisen vuoden toukokuussa Sibeliukselta suurta vokaaliteosta esittääkseen sen Englannissa. Sibelius sävelsi 1913 Kalevalan aloitusrunoon perustuvan, maailman syntyä kuvaavan Luonnottaren (Op. 70); Melartin valitsi 1914 aiheekseen kansalliseepoksesta kristinuskon syntyyn viittaavan viimeisen runon. Näitä kahta sävelrunoa voidaan pitää monin tavoin rinnakkais- tai sisarteoksina, vaikka musiikkinsa osalta ne tyylillisesti ovat melko kaukana toisistaan. Kalevalaisen aiheen valinta liittyi myös ajankohdan historialliseen tilanteeseen. Suomen autonomia oli uhattuna, ja Melartin halusi omien sanojensa mukaan korostaa suomalaisuutta ja Kalevalaan perustuvaa kulttuuria ”nyt kun olemme joka puolelta joutuneet poljetuiksi ja venäläistetyiksi”. Melartin myös lyhensi tekstin itse alle kolmasosaan alkuperäisestä runosta.

16 Sävellysprosessi oli tekijälle tyypilliseen tapaan varsin nopea: orkesteripartituurin Melartin sai valmiiksi vajaan puolentoista kuukauden sisällä sävellystyön aloittamisesta. Aino Ackté esitti Marjatan jo marraskuun alussa pianon säestyksellä Viipurissa, ja orkesteriversion ensiesitys oli tammikuussa 1915 Helsingissä. Päivälehtien kriitikot antoivat teokselle kiitosta soitinnuksen hienosta läpikuultavuudesta ja pitivät karjalaisen kevätmaiseman kuvausta erityisen hyvin Melartinin säveltäjälaatuun soveltuvana. Ackté esitti Marjatan muutaman viikon päästä myös suuressa Tukholman-konsertissaan. Kansallisromanttisesta aiheesta huolimatta Melartin on antanut teokselleen ennakkoluulottoman ja rohkean toteutuksen. Suurelle orkesterille kirjoitettu Marjatta sisältää paikoin yllättäviä tehokeinoja. Klarinetti kukkuu vapaarytmisesti sopraanon kadenssin taustalla, ja kohdassa jossa Marjatta löytää puolukan (”keksi marjasen mäeltä”), huilut, celesta ja viulut soittavat taustalla modernia sointikenttää muistuttavaa havinaa. Huomionarvoista Marjatassa on värikäs soitinnus ja orkesterinkäsittely, joka on erityisesti alkupuolella hienostuneen ohutta ja ilmavaa. Loppupuolella teos hieman taittuu Melartinille perinteisemmän orkesterinkäsittelyn suuntaan. Ekspressiivinen sopraano-osa toimii kertojana, ja orkesteri maalaa taustaa hienovaraisin värein tapahtumia konkretisoiden. Pyrkimys tekstin puheenomaisen rytmin säilyttämiseen näkyy Marjatasta myös runsaina tahtilajien vaihdoksina. Pastoraalinen kuvaus korostuu teoksen alkupuolella. Laajan orkesterivälikkeen jälkeen loppupuoli muodostuu Väinämöisen laajasta monologista. Se nousee eräänlaiseksi yli-inhimilliseen suuruuteen kohoamisen apoteoosiksi perustuessaan pitkälle es-urkupisteelle. Urkupisteen painoarvo on poikkeuksellinen ja se tuntuu olevan alleviivaava viittaus Sibeliuksen tapaan käyttää urkupistettä. Melartin haluaa toteuttaa keinovaran kuitenkin laajempana ja symbolistisesti väritettynä. Teoksen loppu on aikoinaan voitu tulkita myös patrioottisena viestinä: haluna kohottaa Väinämöisen perintö, musiikki, symboliseen asemaan maan itsenäisyyden ja kulttuurin takeena.

Melartinin vuonna 1931 kantaesitetty Sininen helmi (Op. 160) oli ensimmäinen suomalainen kokoillan baletti. Sen libretisti Kaarlo Eronen oli ottanut yhteyttä Melartiniin helmikuussa 1929 ja pyytänyt häntä Kansallisoopperaan neuvottelemaan tämän satuaiheisen teoksen säveltämisestä. Jo luomistyönsä kaaren lopussa oleva Melartin inspiroitui tehtävästä ja työskenteli balettimusiikin parissa intensiivisesti koko kevään.

17 Teos valmistui joulukuussa 1929, mutta itse produktio viivästyi yli vuodella. Musiikkinsa puolesta ihastuttavana ja raikkaana pidetty Sininen helmi on ollut varsin suosittu. Esitysten lukumäärä 1930- ja 1940 luvuilla kohosi yli 40:een. Miltei yhtä paljon sitä esitettiin lyhennettynä versiona Kansallisoopperan balettikoulun näytöksissä 1980-luvulla. Kolminäytöksisen baletin juoni kertoo Etelänmeren saaresta, jossa mustekalahahmoinen vesihirviö pitää prinsessaa vankinaan. Vesihirviön kruunussa on sininen helmi, jonka avulla hän hallitsee luonnonvoimia. Myrskyssä prinssi ajautuu saarelle, kohtaa prinsessan ja saa omakseen sekä tämän että helmen voittamalla vesihirviön. Lopussa vietetään juhlaa, jossa eri maiden ja maanosien edustajat esittävät hääparille ja vieraille tanssejaan hieman Pjotr Tšaikovskin Pähkinänsärkijän tapaan. Sininen helmi koostuukin pääosin erillisistä tanssikohtauksista painon ollessa enemmän karakteeritansseissa kuin toiminnassa ja draamassa. Melartin laati vuonna 1930 baletista myös viisiosaisen orkesterisarjan. Tähän nyt käsillä olevaan levytykseen on kuitenkin valittu varsinaisen baletin ensimmäisestä ja toisesta näytöksestä kahdeksan osaa: kiinnostavia, värikkäitä ja persoonallisia numeroita, joissa on näkyvillä säikeitä Traumgesichtin ja Marjatan tyylistä. Jo baletin ensi-illan arvostelussa esimerkiksi Leevi Madetoja kiinnitti huomiota taiturimaiseen orkesterinkäyttöön ja joihinkin aivan nerokkaisiin osuuksiin. Hän mainitsi erityisesti toisen näytöksen impressionistisen lumpeenkukkakohtaukseen, joka oli hänen mielestään ihailtavan runollinen ja vaikuttava. Tyylillisesti baletti jatkaa siitä, mihin Melartin oli kuudennessa sinfoniassaan jäänyt. 1920-luvulla hänen tavoitteenaan oli sanottavan tiivistäminen ja keskittäminen. Uudenlainen askeettisuus toteutuu Sinisessä helmessä, vaikka teoksen sävelkieli sinänsä on värikästä. Koloristisuus on kuitenkin toteutettu huomattavasti niukemmin keinoin kuin aiemmin. Musiikki on kirjoitettu pienehkölle orkesterille, mutta Melartin käyttää hyvin monipuolista soittimistoa, esimerkiksi tuulikonetta ja pianoa. Sininen helmi jäi säveltäjänsä viimeiseksi suurimuotoiseksi teokseksi ja on yksi merkittävä päätös Melartinin monipuoliselle uralle maamme säveltaiteen parissa.

Tuire Ranta-Meyer ja Jani Kyllönen

18 Sopraano Soile Isokoski on äänityyppinsä hienoimpia laulajia ja esiintyy säännöllisesti maailman johtavilla oopperanäyttämöillä ja konserttisaleissa. Hän opiskeli Sibelius-Akatemiassa ja piti ensikonserttinsa siellä vuonna 1986. Ensikonserttinsa jälkeen Isokoski voitti lukuisia merkittäviä kansainvälisiä laulukilpailuja. Hän debytoi Suomen Kansallisoopperassa La Bohèmen Mimin roolissa ja on sittemmin saavuttanut niin yleisön kuin kriitikkojenkin suosion Wienin, Berliinin, Münchenin, Hampurin, Lontoon, Milanon ja Pariisin oopperataloissa ja Metropolitan-oopperassa sekä musiikkifestivaaleilla Salzburgissa, Savonlinnassa, Raviniassa, Tanglewoodissa, Edinburghissa ja Orangessa. Soile Isokoski tekee yhteistyötä useiden tunnettujen orkesterinjohtajien kanssa, joista mainittakoon Jukka-Pekka Saraste, Esa-Pekka Salonen, Mikko Franck, Seiji Ozawa, John Eliot Gardiner, Sir Colin Davis, Zubin Mehta, Daniel Barenboim, Sir Simon Rattle, Bernhard Haitink, Riccardo Muti, Claudio Abbado, Valery Gergiev ja James Levine. Hänellä on laaja konserttiohjelmisto, ja hän pitää resitaaleja säännöllisesti maailman tärkeimmissä konserttisaleissa. Soile Isokoski on myös arvostettu pedagogi ja toimii Sibelius-Akatemian vierailevana professorina. Soile Isokoski on tehnyt useita levytyksiä Ondinelle. Isokosken levytys Richard Straussin Neljä viimeistä laulua -teoksesta ja muista orkesterisäestyksellisistä lauluista Marek Janowskin ja Berliinin radion sinfoniaorkesterin kanssa sai Gramophone-palkinnon 2002. Ylioppilaskunnan Laulajien kanssa tehty joululevy Jouluyö, juhlayö, sai kultalevyn yli 15 000 kappaleen myynnistä joulukuussa 2006. Ansioistaan suomalaisen säveltaiteen edistämisessä Soile Isokoski sai Pro Finlandia –mitalin joulukuussa 2002. 2008 hänelle myönnettiin kamarilaulajattaren arvonimi Wienin valtionoopperassa.

19 Radion sinfoniaorkesteri (RSO) on Yleisradion orkesteri, jonka tehtävänä on tuottaa ja edistää suomalaista musiikkikulttuuria. Hannu Lintu on orkesterin ylikapellimestari syksystä 2013 lähtien, kaudella 2012–2013 hän toimi päävierailijana. RSO:n kunniakapellimestarit ovat Jukka-Pekka Saraste ja Sakari Oramo. Radio-orkesteri perustettiin vuonna 1927 kymmenen muusikon voimin. Sinfoniaorkesterin mittoihin se kasvoi 1960-luvulla. RSO:n ylikapellimestareita ovat olleet Toivo Haapanen, Nils-Eric Fougstedt, Paavo Berglund, Okko Kamu, Leif Segerstam, Jukka-Pekka Saraste ja Sakari Oramo. RSO:n ohjelmistossa on tärkeällä sijalla uusin suomalainen musiikki ja orkesteri kantaesittää vuosittain useita Yleisradion tilausteoksia. RSO:n tehtäviin kuuluu myös koko suomalaisen orkesterimusiikin taltioiminen kantanauhoille Yleisradion arkistoon. RSO on levyttänyt mm. Eötvösin, Nielsenin, Hakolan, Lindbergin, Saariahon, Sallisen, Kaipaisen ja Kokkosen teoksia sekä Launiksen Aslak Hetta -oopperan ensilevytyksen (ODE 1050-2D). Orkesterin levytykset ovat saaneet merkittäviä tunnustuksia, kuten BBC Music Magazine - ja Académie Charles Cros’n palkinnot. Lindbergin ja Sibeliuksen viulukonsertot sisältävä levy Lisa Batiashvilin kanssa (Sony BMG) sai MIDEM Classical Awards -palkinnon 2008. Samana vuonna New York Times valitsi Ondinelle tehdyn Lindberg-äänitteen (ODE 1124-2) yhdeksi Vuoden levyistä. RSO tekee säännöllisesti konserttikiertueita ympäri maailmaa. RSO:n kotikanava on Yle Radio 1, joka lähettää orkesterin kaikki konsertit yleensä suorina lähetyksinä niin Suomesta kuin ulkomailtakin. RSO:n verkkosivuilla konsertteja voi kuunnella sekä katsella korkealaatuisen livekuvan kautta.

www.yle.fi/rso

20 Hannu Lintu aloitti Radion sinfoniaorkesterin kahdeksantena ylikapellimestarina elokuussa 2013 ja jatkaa näin jo vuosia jatkunutta menestyksekästä yhteistyötä RSO:n kanssa. Ensimmäisen kerran Lintu johti RSO:ta tammikuussa 1995 nauhoittaen tunnusmusiikin Ylen uuteen musiikkiohjelmaan Amadeus. Ylikapellimestarikautensa alkaessa hän on konsertoinut RSO:n kanssa peräti 40 kertaa. Ennen RSO:a Hannu Lintu toimi Tampere Filharmonian taiteellisena johtajana ja Helsingborgin Sinfoniaorkesterin ylikapellimestarina. Lisäksi hän on ollut Irlannin kansallisorkesterin päävierailija. Lintu työskentelee säännöllisesti myös Avanti!-kamariorkesterin kanssa ja oli vuonna 2005 Avantin Suvisoitto -festivaalin taiteellinen johtaja. Lintu on johtanut merkittävimpien suomalaisten orkestereiden lisäksi mm. Lontoon Philharmonia -orkesteria, BBC:n Skotlannin sinfoniaorkesteria, Clevelandin, Houstonin, Minnesotan, Detroitin ja St. Louisin sinfoniaorkestereita, Leipzigin ja Kölnin radion sinfoniaorkestereita sekä Lyonin kansallisorkesteria. Lintu on viime aikoina vieraillut johtamassa mm. Islannin ja Baltimoren sinfoniaorkestereita, Moskovan valtion orkesteria ja Soulin filharmonikkoja. Toukokuussa 2016 Hannu Lintu palaa Suomen Kansallisoopperaan johtamaan Wagnerin Tristan ja Isolden. Aiemmin Lintu on johtanut mm. Sallisen Kullervon Savonlinnan Oopperajuhlilla 2014 ja Tannhäuserin Tampereen Oopperassa 2012. Viron Kansallisoopperan kanssa hän on taltioinut Tauno Pylkkäsen opperan Mare ja hänen poikansa. Hannu Lintu on johtanut lukuisia levytyksiä joista monet ovat saavuttaneet palkintoja kotimaassa ja ulkomailla. Grammy-ehdokkuuden Lintu sai Einojuhani Rautavaaran Kaivos-oopperan ensilevytyksestä. RSO ja Hannu Lintu ovat levyttäneet mm. Fagerlundin, Berion, Messiaenin ja Ligetin musiikkia. Myös Enescun 2. sinfonian levytys Tampere Filharmonian kanssa oli Gramophone- palkintoehdokkaana 2013.

www.hannulintu.fi

21 2. Marjatta 2. Marjatta

Marjatta, korea kuopus, tuo on piika Marjatta the petted damsel, Was a very little pikkarainen damsel, päätyi karjan paimeneksi, läksi lammasten Went to lead the herds to pasture, And beside keralle. the sheep was walking.

Neiti asteli ahoa, lepikköä leyhytteli. On the plain the maiden wandered, Käen kumman kukkuessa, hope’isen hoilatessa. Tripping through the alder bushes. While there called the golden cuckoo, And the silvery birds were singing.

Marjatta, korea kuopus, katselevi, kuuntelevi. Marjatta the petted damsel, Looked around her Istui marjamättähälle, vaipui vaaran rintehelle. and she listened, Sitting on the hill of berries, Resting on the sloping hillside,

Tuossa tuon sanoiksi virkki, itse lausui, noin And she spoke the words which follow, And in nimesi: words like these expressed her: ”Kuku, kultainen käkönen, hope’inen, hoilattele, “Call thou on, O golden cuckoo, Sing thou still, tinarinta, riukuttele, Saksan mansikka, sanele, O bird of silver, käynkö viikon villapäänä, kauan Sing thou from thy breast of silver! Tell me true, karjanpaimenena O Saxon strawberry, näillä aavoilla ahoilla, leve’illä lehtomailla! Shall I long remain unhooded, Long among the Kesosenko, kaksosenko, tahi ei täytehen flocks as herd-girl, tätänä?” On the wide-extending heathlands, And the far-extending woodlands, For one summer, for two summers, Or the time fulfilled already?”

22 Marjatta, korea kuopus, meni matkoa vähäsen, Marjatta the petted damsel, Went a very little meni marjan katsantahan, punapuolan distance, poimintahan. Went to look upon the berry, And the cranberry Keksi marjasen mäeltä, punapuolan kankahalta: to gather, on marja näkemiänsä, puola ilmoin luomiansa, On the hill she found the berry, On the heath she found the cranberry; ‘Twas a berry in appearance, And it seemed to be a cranberry,

Niinpä marjan maasta nosti, Then from ground the berry mounted sitten suuhun suikahutti. Then into her mouth it glided,

Siitä meidän Marjatalle kasvoi poika Then the son of our Marjatta Grew into a youth kaunokainen. most beauteous,

Ei tietä nimeä tuolle. But they knew not what to call him, Emo kutsui kukkaseksi, But his mother called him Floweret, vieras vaimon joutioksi. And the strangers called him Sluggard.

Etsittihin ristiätä, And they sought a man to cross him, katsottihin kastajata. And to sprinkle him with water;

Tuli ukko ristimähän, And an old man came to cross him, Virokannas kastamahan Virokannas to baptize him. Karjalan kuninkahaksi, As the king of all Carelia, Kaiken vallan vartiaksi. And the lord of all the mighty.

Siitä suuttui Väinämöinen, jopa suuttui ja Then was Väinämöinen angry, Greatly shamed häpesi. and greatly angry, Itse läksi astumahan rannalle merelliselle. And prepared himself to journey From the lake’s Tuossa loihe laulamahan, lauloi kerran extended margin, 23 viimeisensä: And began his songs of magic, For the last time lauloi vaskisen venehen, kuparisen umpipurren. sang them loudly, Sang himself a boat of copper, With a copper deck provided.

Itse istuvi perähän, läksi selvälle selälle. In the stern himself he seated, Sailing o’er the Virkki vielä mennessänsä, lausui sparkling billows, lähtiellessänsä: Still he sang on his departure, And he sang as ”Annapas ajan kulua, päivän mennä, toisen he was sailing: tulla, “May the time pass quickly o’er us, One day taas minua tarvitahan, katsotahan, kaivatahan passes, comes another, uuen sammon saattajaksi, uuen soiton And again shall I be needed. Men will look for suosijaksi, me, and miss me, uuen kuun kulettajaksi, uuen päivän To construct another Sampo, And another harp päästäjäksi, to make me, kun ei kuuta, aurinkoa eikä ilmaista iloa.” Make another moon for gleaming, And another sun for shining. When the sun and moon are absent, In the air no joy remaineth.”

Siitä vanha Väinämöinen laskea karehtelevi Then the aged Väinämöinen Went upon his venehellä vaskisella, kuutilla kuparisella journey singing, yläisihin maaemihin, alaisihin taivosihin. Sailing in his boat of copper, In his vessel made of copper, Sailed away to loftier regions, To the land beneath the heavens.

Sinne puuttui pursinensa, venehinensä väsähtyi. There he rested with his vessel, Rested weary, Jätti kantelon jälille, soiton Suomelle sorean, with his vessel, kansalle ilon ikuisen, laulut suuret lapsillensa. But his he left us, Left his charming harp in Suomi, 24 For his people’s lasting pleasure, Mighty songs for Suomi’s children.

Teksti: Katkelmia Kalevalan 50. runosta, koonnut Text: Extracts from Runo 50 of the Kalevala by Elias Lönnrot (1802–1884) Elias Lönnrot (1802–1884) Translation by W.F. Kirby (1907)

25 Publisher: All works edited by Jani Kyllönen and published by the Erkki Melartin Society. This editorial project was funded by the Finnish Cultural Foundation. All works are distributed through Fennica Gehrman Recordings: , Finland, VI/2015 (Traumgesicht), VIII/2015 (Marjatta), V/2015 (The Blue Pearl) Executive Producer: Reijo Kiilunen Recording Producer: Laura Heikinheimo Recording Engineers: Jari Rantakaulio (Traumgesicht; The Blue Pearl) & Anna-Kaisa Kemppi (Marjatta) – Yle; Enno Mäemets Mixing & Mastering: Enno Mäemets, Editroom Oy, Helsinki

℗ & © 2016 Ondine Oy, Helsinki

Booklet Editor: Joel Valkila Cover painting: Lyricism in the Forest (1910) by Alphonse Osbert (1857–1939) Photos of Erkki Melartin: Melartin c. 1930 (p. 2); Original cast of the Blue Pearl (p. 13) – photo from the archives of the Finnish National Opera and Ballet; Erkki Melartin c. 1910 (inlay) – photo from the private collection of Tuire Ranta-Meyer Photo of Soile Isokoski: Heikki Tuuli Photo of Hannu Lintu: Veikko Kähkönen Design: Santi Tanalgo

This recording was produced with support from the Finnish Music Foundation (MES) ALSO AVAILABLE

ODE 1264-5 ODE 1262-5

ODE 1227-5 ODE 1251-5

For more information please visit www.ondine.net HANNU LINTU