IDOMENEO RE DI CRETA WOLFGANG AMADEUS MOZART 13 FEB - 1 MAR Las promesas a los dioses traen consecuencias Dirección musical Ivor Bolton Dirección de escena Robert Carsen Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

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s c h e r z o ¢ Nº 347 ENERO 2018

2 Opinión 96 Encuentros Félix de Azúa José Luis Téllez Jesús Iglesias Javier Pérez Senz Por Justo Romero Tarlova Pablo J. Vayón

Colaboran en este número 100 Jazz 8 Con nombre propio Por Luis Martín Mariano Acero Ruilópez Vasily Miguel Ángel Aguilar Rancel Petr enko Josep Armengol Vasily Petrenko Félix de Azúa Por Michael Thallium Rafael Banús Irusta Elena Bernardi Emili Blasco Peter Eötvös Borggreve M. José Antonio Cantón Por Stefano Russomanno Nacho Castellanos Peter Yahvé M. de la Cavada Eöt vos Jacobo Cortine Flavio Ferri-Benedetti Fernando Fraga 13 Hoja de contactos Ismael G. Cabral Por Benjamín G. Rosado 102 Bandas sonoras Germán Gan Quesada Por Miguel Ángel Ordóñez Benjamín G. Rosado Manuel García Franco Enrique García Revilla 14 Noticias / Agenda Ana García Urcola Miguel Ángel González Barrio 104 Sonido Carlos Javier González Serrano Por Josep Armengol Paul Korenhof 18 Actualidad Juan Ramón Lara Martín Lasalle Norman Lebrecht Nacional / Internacional 14 Músicas sumergidas Martín Llade Josemi Lorenzo Arribas Manuel Luca de Tena Vitezslava Kaprálová Pier Élie Mamou 36 Entrevista Por Juan Manuel Viana Tomás Marco Luis Martín Santiago Martín Bermúdez Thomas Hengelbrock Manuel M. Martín Galán Por Pablo L. Rodríguez 107 El horizonte quimérico Daniel Martín Sáez Joaquín Martín de Sagarmínaga Por Martín Llade Blas Matamoro Erna Metdepenninghen 40 Grabaciones Antonio Moral Andrés Moreno Mengíbar 109 Danza Mario Muñoz Carrasco Entrevistas: Por Silvia Pérez Arroyo Daniel Muñoz de Julián Helena Núñez Guasch Jean Rondeau Miguel Ángel Ordóñez Alexander Lonquich Rafael Ortega Basagoiti 108 Educación Josep Pascual Enrique Pérez Adrián Por Joan-Albert Serra Silvia Pérez Arroyo 78 Libros Javier Pérez Senz Paolo Petazzi Ruth Prieto 110 La guía Arturo Reverter 79 Dosier Barbara Röder Pablo L. Rodríguez David Rodríguez Cerdán Castrati 112 Contrapunto Justo Romero Por Norman Lebrecht Stefano Russomanno Víctor Sánchez Sánchez Farinelli español Urko Sangroniz Por Daniel Martín Sáez Pablo Sanz Javier Sarría Pueyo Joan-Albert Serra Siface, el primer gran divo Carlos Singer Por Elena Bernardi Franco Soda Christian Springer Luis Suñén Carestini y Caffarelli Michael Thallium Por Eduardo Torrico José Luis Téllez José Antonio Tello Sáenz Eduardo Torrico Senesino, mi héroe de infancia Asier Vallejo Ugarte Por Flavio Ferri-Benedetti Pablo J. Vayón Enrique Velasco Juan Manuel Viana José Luis Vidal

SUSCRIPCIÓN ANUAL (11 No.s) Scherzo es miembro de arce, Asociación de Revistas Culturales de España, y de cedro, Centro Español de Derechos Reprográficos. Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Con la colaboración de España 85 € Cultura y Deporte. Scherzo es una publicación de carácter plural y, desde el año 2012, cuenta con la Europa 120 € colaboración de la Fundación bbva, manteniendo su carácter de revista no adscrita a ningún organismo Resto países 140 € público ni privado. La dirección respeta la libertad de expresión de sus colaboradores. Los textos firmados Digital (PDF) 50 € son de exclusiva responsabilidad de los firmantes, no siendo por tanto opinión oficial de la revista. 347 Pliego 1.qxp_Scherzo 17/12/18 21:35 Página 2

e d i t o r i a l Palau de les Arts: último episodio opinión

Que la política activa esté tan imbricada en la cultura de nuestro país —no porque los ¢ políticos sean especialmente cultos sino porque quieren aprovecharse de ella, entre otras cosas porque consideran que la pagan ellos, se diría que con su dinero— puede llevar a situaciones tan disparatadas como la que se produjo en Valencia tras el estreno de la controvertida producción de La flauta mágica a cargo de Graham Vick, director de escena, todo hay que decirlo, de reconocido prestigio. La sala del Palau de les Arts —“templo de la lírica” según algún cronista— presentaba, porque el montaje así lo requería, carteles que en tiempos felizmente olvidados se hubieran llamado subversivos. La producción aludía a cuestiones sociales —fíjense, como en La verbena de la Paloma— y quería ser, con éxito o no, es lo mismo, una nueva lectura de una obra que, por cierto y con la connivencia de muchos teatros, se considera erróneamente poco más que un cuento infantil para disfrute de inocentes criaturas que todavía no saben, aunque lo ejerzan, qué son la misoginia o el racismo. Pues bien, he aquí que el presidente de la gestora del PP de la ciudad de Valencia, Luis Santamaría, ha puesto el grito en el cielo y considerado que el conseller de Cultura, Vicent Marzà, “debería dimitir por destrozar el prestigio del Palau de les Arts”. Y añade: “Lo peor es que el tripartito se ha creído que todo se puede politizar y es lo que están haciendo también en el Palau de les Arts”, rematando que en el montaje había “una clara intención”. Bastaría con reproducir las palabras del señor Santamaría y no añadir ningún comentario para obtener el resultado de lo que entiende por cultura y por política y, lo que casi sería más grave, también lo que no entiende de ópera. En España, y mientras no haya una ley de mecenazgo, los poderes públicos estatales, autonómicos o municipales mantienen las actividades culturales igualmente públicas en mayor o menor medida, casi siempre mayor. Mientras el Teatro Real presume de que casi se basta por sí mismo, todos los demás se quejan de que les dan poco dinero. Pero ni el uno ni los otros se plantearían tolerar la interferencia del poder político más vocinglero no ya en sus programaciones sino en sus representaciones, se supone que hechas desde la profesionalidad e inmediatamente defendibles por ello. En este asunto, sin embargo, se echa de menos la inmediata defensa de la función valenciana por parte de sus responsables. Pero, claro, esos responsables no están ya en un teatro que parece a la deriva, aunque, al fin, tenga a su frente dos nuevos nombres. Desde casi el día mismo de la bronca citada, una nueva directora general, María Inmaculada Plà, sin currículum en estos menesteres. Y a partir del 1 de enero de este 2019 a un gestor artístico de demostrada competencia como es Jesús Iglesias, a quien, en su condición de responsable de los títulos y, sobre todo, de la producciones a programar, es de suponer que el episodio le haya puesto los pelos como escarpias, si se nos permite la expresión. Lo peor de todo esto es que se veía venir y aquí lo hemos señalado en varias ocasiones. Maazel para hoy y hambre para mañana sería el lema que resumiera esta carrera ojalá no imparable hacia el desastre. Lo único que puede frenarla es, como sucede en tantas cosas, el sentido común. Que Plà e Iglesias puedan trabajar libremente desde el deseo de hacer un teatro de ópera simple y llanamente posible, lo que debe incluir la revitalización de la Orquesta de la Generalitat Valenciana. Un teatro de ópera para todos y no solo para que el señor Santamaría ejerza su censura, ese resto de nuestros peores días. ¶

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ESCRITO DE OÍDO OPINIÓN

Edita SCHERZO EDITORIAL S.L. C/Cartagena, 10. 1º C. 28028 MADRID El concierto Tel. 913 567 622 Fax 917 261 864 www.scherzo.es

Félix de Azúa Presidente Santiago Martín Bermúdez

Director Juan Lucas

Redactor jefe Eduardo Torrico [email protected]

Diseño Valentín iglesias

Fotografía de portada Florence Grandidier

No hay muchas novelas españolas en las que la Edición Arantza Quintanilla música juegue un papel notable. Pero al menos una hay y de las buenas, Las noches del Buen Retiro, Educación de Baroja. En ella la música como espectáculo Pedro Sarmiento y Joan-Albert Serra social tiene una presencia clave. La novela es peculiar, una coral de profusos personajes Jazz madrileños a fines del siglo XIX, tratados con un Pablo Sanz sarcasmo furibundo. Docenas de caracteres, Bandas sonoras algunos de la nobleza, otros del bajo pueblo, Don Pío Baroja, retrato de Joaquín Sorolla. Miguel Ángel Ordóñez unos cuantos, de la burguesía, se dan cita en los jardines del Buen Retiro (donde luego se pero la obertura la dirigió Barbieri ya en 1864. Consejo de Dirección Manuel García Franco construyó Correos) durante los meses calurosos A partir de Wagner la música pasa a ser un Santiago Martín Bermúdez de Madrid. Allí disparatan, galantean, pelean o asunto de altura. Caballeros y damas discuten Barbara McShane negocian. Hay incluso un duelo a espada. sobre armonía y modernidad. Los más osados Enrique Pérez Adrián citan a Nietzsche y a Schopenhauer, de quienes Pablo Queipo de Llano Ocaña Lo notable es que la excusa para acudir Arturo Reverter engalanados a esos jardines son los conciertos es improbable que hubieran leído nada, pero que se dan en ellos de continuo. Las gentes, en que, dicen, son imprescindibles para entender a Administración especial las damas de alcurnia y las cortesanas, Wagner. Baroja sí conocía de modo superficial Choni Herrera [email protected] aprovechan el escaparate para buscar la a los filósofos alemanes y sin duda las exhibición, la envidia y la cita secreta. Los opiniones wagnerianas que aparecen en la Contabilidad caballeros, erguidos, con pecheras novela son suyas, aunque cita con sorna a los Mise Rubio [email protected] almidonadas y corbatas de plastrón, vigilan a nietzscheanos. Publicidad Choni Herrera (coordinación) [email protected] Baroja fue uno de los escasísimos escritores españoles de la Generación del 98 Magdalena Manzanares a quien interesó la música y para quien Wagner supuso la modernidad absoluta [email protected] Suscripciones y distribución M. Ángeles Méndez [email protected] sus parejas y tratan de humillar a los enemigos. Como es bien sabido, fue Baudelaire quien Es un retablo infernal. Al fondo suenan primero destacó a Wagner como el músico del Impresión futuro. Le iluminó hacia 1860 un concierto en SANTHER zarzuelas, fragmentos de óperas populares, Depósito Legal: M-41822-1985 alguna música sin voz (poca) y mucha el que oyó, justamente, la obertura de ISSN: 0213-4802 (Impresa) romanza. Algunos días, los más ricos y Tannhäuser. Escribió de inmediato una carta al ISSN: 2387-0257 (Digital) elegantes van, luego de tomar el refresco, al compositor (que le fue contestada) y más tarde Scherzo Editorial, s. l. , a los efectos previstos Teatro Real para asistir a la función. el artículo inaugural de la modernidad en en el artículo 32.1, párrafo segundo del vigente Es un argumento de trámite y desde el Francia. No, no estoy diciendo que Baroja fuera trlpi, se opone expresamente a que cualquiera comienzo se entiende que lo primordial es el nuestro Baudelaire cuarenta años más tarde, de las páginas de Scherzo-Revista de música, o partes de ellas , sean utilizadas para la escenario del cual, por cierto, forma parte el pero sí es cierto que fue uno de los escasísimos realización de resúmenes de prensa. propio Baroja. Oculto en un personaje, Jaime escritores españoles de la Generación del 98 a Cualquier acto de explotación (reproducción, Thierry, expone sus ideas musicales Baroja, las quien interesó la música y para quien Wagner distribución, comunicación pública, puesta a disposición, etc.) de la totalidad o parte de las cuales, todo hay que decirlo, son de una supuso la modernidad absoluta. páginas de Scherzo- Revista de música, simplicidad ratonil, pero es un magnífico La novela del Buen Retiro sigue siendo un precisará de la oportuna autorización, que será documento sobre cómo se oía la música en excelente documento sobre la sociedad concedida por cedro mediante licencia dentro aquella época. Baroja la escribió en 1933 y habla madrileña del muy tardío Romanticismo de los límites establecidos en ella. en ella “de los jardines de hace treinta años”. español y de la llegada de una música, la de © Scherzo Editorial, s. l. Reservados todos los Estamos, por tanto, en pleno 98 y de pronto, vanguardia, que exigiría desde su origen el derechos. Se prohíbe la reproducción total o junto a las zarzuelas, las romanzas y el apoyo de la teoría e incluso de la filosofía para parcial por ningún medio, electrónico o mecánico, incluyendo fotocopias, grabados, o asesinato de Cánovas, se cuela Wagner. El justificarse. Había dejado de ser un cualquier otro sistema, de los artículos aparecidos cambio, tras el estreno de Tannhäuser, es radical, entretenimiento veraniego. ¶ en esta publicación sin la autorización expresa prodigioso. La ópera se dio en el Real en 1890, por escrito del titular del Copyright.

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MUSICA RESERVATA OPINIÓN Inolvidable Barce

José Luis Téllez

Los sesenta años del nacimiento del grupo bien por el cambio de modo, bien (y sobre Nueva Música fueron ampliamente todo) por la posibilidad de reinstaurar la conmemorados en el dosier que esta revista modulación, el paso de un nivel a otro publicó el pasado mes de octubre: es sabido mediante las adecuadas relaciones armónicas, que su impulsor fue Ramón Barce, de cuyo bien que, al establecerse entre escalas con el fallecimiento se cumplía también una década mayor grado posible de sonidos comunes, en 2108, cuestión sobre la que Tomás Marco favorece especialmente las distancias de publicó un hermoso texto en el número de segunda y, sobre todo, el tritono (obsérvese que noviembre. Comenzar el año recordándole una en cualquiera de los modos se mantienen vez más no resultaría excesivo habida cuenta intervalos consonantes como la tercera, la de su capacidad de intervención pública: pero cuarta o la quinta justa, pero esos intervalos es otro el propósito de esta nota. resultan ajenos al nivel correspondiente). El Ramón Barce (junto con Javier Darias y sistema, propuesto en 1966 en la revista Olivier Messiaen) es uno de los escasísimos Atlántida que dirigía el inolvidable Fernando autores del S.XX que se han planteado el Ruiz Coca y nuevamente expuesto con mayor problema de la creación de un sistema profundidad en la revista Sonda en 1968, fue polifonistas sobrenada con insistencia la mayor armónico atonal que permita recuperar utilizado por Barce en todas sus obras a partir parte de los episodios de la obra pero lo que la estructuralmente las funciones armónicas ese momento, si bien su elaboración de mayor unifica es, justamente, la base armónica común desde un lenguaje ajeno a la tonalidad: se trata amplitud e implicaciones estructurales se y el sucesivo juego modulante entre dichas de una especie de sistema modal cuya finalis materializó por primera vez en el tercero de sus secciones: Sol, primer modo, para la inicial, Mi (que Barce denomina “nivel”, para evitar once cuartetos, el conocido como Cuarteto bemol para la sucesiva (con modulaciones equívocos) es la referencia básica del discurso, Gauss, finalizado en 1973, galardonado con el intermedias a los grados IX y VI) hasta cerrar el pero que puede jugar ese papel tanto por su Premio Nacional de Música de aquel año. recorrido sobre el Sol inicial, ahora ya sobre el cuarto modo (establecido solamente en los últimos cuatro compases). Resultan Nadie como Barce habrá planteado de modo tan radical (y al tiempo, de un modo tan discreto, especialmente atractivas el Aria tan carente de gesticulación o exhibicionismo) su propia relación con la historia II, con su amplia expansión melódica y la compleja Exposición III, que juega una función similar a la de un presencia como por su ausencia. El punto de Se trata de una obra de 20 minutos allegro de sonata, que aquí es recapitulatorio en partida reside en la definición de una escala subdividida en 11 secciones enlazadas: lugar de expositivo. (dodecafónica en principio) que puede tener Exposición I (cp.1-32)-Aria I (cp.33-52)-Gauss I Sucede así que todos los elementos de la cuatro formas y en cuyo trazado se suprimen (cp.53-68)-Coral I (cp.69-89)-Exposición II (cp.90- obra proclaman su origen dinástico y, sin justamente aquéllos grados que posibilitarían 125)-Aria II (cp.127-152)-Gauss II (cp.155-174)-Coral embargo, se ha construido con ellos un la resolución tonal bien por tratarse de los II (cp.175-207)-Exposición III (cp.208-259)-Aria III discurso distinto y propio que, al tiempo, armónicos principales respecto al ‘nivel’, bien (cp.260-315)-Coral III (cp.316-368). Las secciones exhibe luminosamente la propia personalidad por tratarse de las notas tendenciales denominadas Aria y Coral juegan el papel de de su autor, su sensibilidad, su emotividad, su inmediatas a él: en el primer modo falta la movimientos lentos, las designadas como inventiva: nadie como Barce habrá planteado dominante y la subdominante, en el segundo, Exposición son amplios desarrollos sobre un de modo tan radical (y al tiempo, de un modo amén de aquéllas, la segunda menor superior al mismo material tratado de formas diferentes en tan discreto, tan carente de gesticulación o nivel (lo que Barce llama “la sensible superior”), cada una, mientras las Gauss son breves exhibicionismo) su propia relación con la en el tercero la sensible propiamente dicha (la desarrollos libres con cierto carácter scherzante historia. Comenzar el año recordándole es, “sensible inferior”), y ambas en el cuarto. sobre material propio cuyo título es una suerte también, un modo de reivindicar una cierta El sistema permite la aparición y de homenaje poético al matemático que forma de clasicismo, de trasparencia, de utilización no funcional de acordes perfectos enunció la primera ley del electromagnetismo. nitidez, de desdén hacia toda forma de (correspondientes a los ‘grados”’ II, III, V, VIII y Cada sección se organiza a partir de un grupo pretenciosidad. ¶ IX en el primer modo y II, III y VII en el cuarto), de células independientes que trazan pero lo significativo es que conserva la polirritmias: la idea, más o menos difusa, de la www.joseluistellez.com posibilidad de establecer contrastes armónicos, isorritmia en el estilo de los antiguos

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DEL LICEU AL PALAU OPINIÓN La cultura, prioridad urgente

Javier Pérez Senz

A la hora de diseñar sus estrategias de informe muestra un estancamiento de la Teniendo en cuenta que la Generalitat actuación, este año los gestores del Gran Teatre facturación y público de los diferentes sectores dedica cifras ridículas a los asuntos culturales, del Liceu, el Palau de la Música Catalana y el que no invita al optimismo. De hecho, en el sorprende que el sector de la música clásica Auditori de Barcelona —sean nuevos o último trimestre la asistencia a conciertos y (también el de los videojuegos) va al alza. La veteranos en el cargo— deben tener bien espectáculos teatrales no ha sido buena en pérdida de espectadores en las salas de cine presente los nada halagüeños datos que arroja general, y más bien a la baja en el ámbito de la sigue su descenso imparable —perdieron el informe sobre el Estado de las Culturas y las ópera y los conciertos clásicos. 570.000 espectadores respecto a 2016— y, Artes 2018 realizado por el Consell Nacional de Un 90% de los ciudadanos saben que tienen como consuelo, el consumo de cine catalán la Cultura i de les Arts (CoNca). Aquí van cerca de casa una biblioteca pública, una librería —versiones originales, dobladas o algunos de los más alarmantes: el 50% de la población de Cataluña no vive la cultura de forma habitual. Hay un 70% de los ciudadanos que escuchan música, ven la televisión La salud cultural es mala y no hay, al menos a corto plazo, habitualmente y acceden a Internet, pero, y síntomas de mejoría a la vista en un año a caballo entre citas electorales, ahora viene una batería de datos preocupantes, campañas y programas políticos que rara vez prestan atención a la cultura un 40% de los ciudadanos no lee nunca libros, un 60% no va a conciertos y exposiciones, un 55% no pisa las salas de cine y un 73% tampoco asiste a espectáculos. o un centro cívico; un 70% tienen cerca un cine, subtituladas— subió un 27% respecto al curso La salud cultural es mala y no hay, al un teatro o una sala de conciertos y más de un anterior. menos a corto plazo, síntomas de mejoría a la 60% sabe que tienen cerca una galería de arte o Por sexos, las mujeres van más a teatros y vista en un año a caballo entre citas electorales, un museo. Lo saben, pero a la mayoría les da auditorios que los hombres y, aunque ha campañas y programas políticos que rara vez igual, porque el uso habitual de esos centros disminuido un 4% el número de conciertos y prestan atención a la cultura. El CoNca insta a culturales no supera el 16%, a excepción de las también han bajado las cifras de asistencia los poderes públicos a mejorar esa situación librerías, que se utilizan por un 21% (tampoco es (1,9%) y recaudación (0,1%), al menos en el caso democratizando el acceso de la ciudadanía a la que la cifra sea para tirar cohetes). de la música clásica se ha registrado un cultura, incidiendo en la necesidad de una Hay otro dato, no por recurrente menos incremento de espectadores (3,1%) y de política de educación que incluya las artes en la catastrófico para las industrias culturales: se facturación (5,1%). Ante este panorama, urge formación desde la primera etapa, de 0 a 3 consume cultura (lo hace el 40% de los un plan de choque que pasa ineludiblemente años. Como declaración de intenciones es ciudadanos), pero si no es gratis el panorama por un cambio en las prioridades de la gestión magnífica, pero, quizá por exceso de cambia. De hecho, para un 80% la asistencia artística y en las políticas culturales de las pesimismo, a muchos se nos antoja que va a al teatro, al cine y a los museos administraciones, no con palabras sino con un quedarse en papel mojado. pasa por la reducción de significativo aumento de La evaluación anual de este consejo, al que precios. recursos destinados a la no se le toma en serio como merece, es un cultura. ¶ termómetro de la salud de los sectores tradicionales de la cultura, cine, artes escénicas, sector editorial y música, y el último

Auditori de Barcelona

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AL SUR DE EUROPA OPINIÓN Entre palacios y olivos

Pablo J. Vayón

En la tarde del pasado 7 de diciembre las Vísperas de Monteverdi sonaron en la Jesús Delgado/FeMAUB Catedral de Baeza. Aunque con el apoyo instrumental del Ensemble La Fenice de Jean Tubéry, que ejerció de director, el proyecto lo encabezaron los hermanos Pérez Valera, fundadores en Calasparra hace dos décadas del Ensemble La Danserye, un singular conjunto de ministriles. Los Pérez Valera llevan años trabajando en la interpretación de la música antigua a partir de sus fuentes originales, pero no sólo en la preparación de los conciertos, sino durante los mismos conciertos, que ofrecen por norma con réplicas exactas de los manuscritos o de las ediciones originales en sus atriles, y en ello implican a su conjunto vocal asociado, la Capella Prolationum. Concierto del Ensemble La Danserye y el Ensemble La Fenice en la catedral de Baeza. El proyecto monteverdiano se presentó como culminación de un taller festival que se ofrece como la más importante El Festival de Música Antigua que vocal de interpretación barroca, acogido por el oferta cultural de ambas localidades al mundo. hermana a las dos localidades nació en 1997 XXII Festival de Música Antigua de Úbeda y En medio de la Andalucía barroca y mora, como un instrumento propagandístico ante la Baeza, cita crucial del calendario anual de la rodeadas por un mar de olivos, repletas de Unesco. En 2003, cuando llegó la declaración, música andaluza. Desde que en 2007 el palacios, casas señoriales e iglesias fecundadas el certamen estaba consolidado y en pleno musicólogo Javier Marín asumiera la dirección por el ingenio del arquitecto Andrés de crecimiento. Desde entonces no han escaseado de la muestra, las actividades académicas, que Vandelvira, Úbeda y Baeza destacan como dos los problemas. En la crisis de la última década, había implantado su antecesor en el puesto, auténticas joyas del Renacimiento. Distantes el CNDM salió en su ayuda y salvación. Hoy, encauzado y estimulado por el entusiasmo y el buen sentido de su director, el festival mantiene sus fechas en fines de semana próximos al Un festival que se ofrece como la más importante oferta cultural de puente de diciembre, pero crece en sedes y en Úbeda y Baeza al mundo horarios y se extiende por la provincia en un amplio recorrido por las localidades con edificios de Vandelvira. El turismo y sus beneficiarios lo agradecen. Sólo una sombra se Rodrigo Checa, se vieron reforzadas. Marín entre sí sólo ocho kilómetros y declaradas cierne sobre su futuro: son tantas las mantuvo los cursos de musicología, pero Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en instituciones de las que depende (Junta, añadió los congresos internacionales, los 2003, las dos localidades mantienen pese a los Diputación, los dos Ayuntamientos, las tres cursos orientados a la interpretación y las lazos que las unen su propia personalidad: más universidades) que aunque eso aleje la idea de conferencias de alta divulgación. La presencia pequeña, de una belleza más concentrada y una brusca desafección que pudiera terminar en el consorcio que mantiene el festival de las muy orgullosa de su pasado (la Catedral, la en liquidación, impide también el que ninguna tres universidades que operan en la provincia Universidad del siglo XVI, su relación con de ellas asuma el riesgo del liderazgo que le jiennense (la Internacional de Andalucía, la de Machado) y hasta de sus modismos diera un mayor impulso. En su aparente Jaén y la UNED) justifica de sobra el peso lingüísticos, Baeza; de un patrimonio más fortaleza descansa su principal debilidad. ¶ notable de las actividades académicas en un disperso, más abierta y diversa, Úbeda.

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con nombreVasily propio ß Petrenko Tarlova “Para mí la música sigue siendo una afición”

Vasily Petrenko viene a España de gira. Lo hace con Orquesta Filarmónica de Oslo y la Joven Orquesta de la Unión Europea. En 2021, Filarmónica de Oslo, que en 2019 cumple cien años. Dirigirá los dos asumirá también el puesto de director musical de la Filarmónica de conciertos para piano de Brahms (con Simon Trpceski de solista), Londres. En septiembre de 2018 salió a la venta su última grabación con Scheherezade de Rimski-Korsakov y la Sinfonía nº 5 de Sibelius. Petrenko la Filarmónica de Oslo interpretando obras de Scriabin en el sello Lawo. comenzó su carrera como director de orquesta desde bien joven. Con Su formación como cantante de la Capilla de la Corte de San apenas 18 años, se puso al frente de la orquesta del Teatro de Ópera y Petersburgo, la escuela de música más antigua de Rusia, se nota en el Ballet de San Petersburgo. Desde entonces ha dirigido otras muchas tono de su voz: agradable, grave y articulada, cercana. orquestas. Su enorme capacidad de trabajo y entusiasmo lo han llevado actualmente a ser director titular de la Filarmónica de Liverpool, la Michael Thallium

No sé si sabe que Celibidache, a finales de se hacía el ensayo y el resto del día era libre. La otro lado, ahora estamos mucho más los años 70, afirmaba con toda rotundidad familia y los amigos quedaban lejísimos. conectados que en aquella época. que los directores de orquesta eran “las Llamarlos por teléfono para estar en contacto Hablando de estar conectados, en personas más ignorantes en el terreno de la con ellos era extremadamente difícil o muy YouTube vi una entrevista suya del año música… después de la prensa”. caro. Actualmente puedes utilizar Skype, 2014 con Darren Henley, el director del Casualidades de la vida, aquí estamos usted WhatsApp o las redes sociales. Ahora estamos Consejo Ejecutivo de las Artes de y yo: un ignorante respondiendo a mucho más ligados unos a otros, aunque, por Inglaterra y director de Classic FM. En ella preguntas de otra persona aún más otra parte, hay algo que también ha cambiado. hablaban de cosas muy interesantes, pero ignorante. ¿Qué tiene que decir al respecto? En la época de Celibidache, la gente hablaba hay una que me llamó la atención. Usted Creo que las cosas han cambiado con el cara a cara mucho más de lo que lo hacemos decía que había tenido una infancia con una paso del tiempo. En muchos sentidos, las hoy. Así que diría que los directores es verdad educación musical muy disciplinada y que personas ahora están mucho más ligadas a los que a veces nos encerramos, porque la mayor eso le había llevado a asociar el error con la asuntos sociales, a las comunicaciones. Las parte de nuestro trabajo es cerebral y cuando culpa. Se sentía culpable cuando se tecnologías están tan avanzadas… En la época estás lleno de música, cuando preparas la equivocaba… de Celibidache, cuando se iba a dirigir a algún partitura, solo piensas en la música y lees Sí, eso es muy cierto. Y creo que la sitio que no fuera el de residencia, simplemente literatura sobre la obra que vas a dirigir. Por principal diferencia entre la educación en

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> VASILY PETRENKO CONNOMBREPROPIO

Rusia, quizás hasta hoy, y en el Reino Unido, ese día llegue, porque la música es mi pasión vidas. Es entonces cuando bastantes de ellos por ejemplo, donde mis hijos van al colegio hoy por hoy. Me quedan muchísimas cosas por regresan a las salas de concierto para escuchar actualmente, es que en Rusia (la Unión hacer. En cuanto a qué haría si algún día dejo la música clásica. Soviética en mis tiempos), si cometías un error, música, sinceramente, no lo sé. Quizás me Parece que actualmente prima la te sentías culpable por ello y te sentías muy, dedicara a una vida retirada en el campo con inmediatez de las cosas. Teniendo en muy mal. Y para no sentirte mal, no tenías que mi familia. Una vida rural y anónima, cuenta que una sinfonía de Mahler, con equivocarte. Mientras que en la educación del trabajando en el campo. La música es mi vida, quien por cierto usted comparte día de Reino Unido suelen decir “bueno, venga, vale. no sé a qué otra profesión me dedicaría. nacimiento, dura más de una hora, ¿cómo La próxima vez será”. Así que los chavales no Usted viaja mucho por el mundo, ve se casa esa inmediatez de la vida actual con sienten tanta culpa, lo cual, por otro lado, les muchos tipos de público. Las personas que el tiempo que requiere escuchar una obra hace sentirse más libres y probar cosas acuden a las salas de concierto suelen ser de música clásica? diferentes. Tienen estados mentales más libres. muy mayores. ¿Qué se puede hacer para Sí, ciertamente, la música clásica no es La contrapartida es que no creen que cometer atraer a los más jóvenes? En Liverpool, inmediata en tanto y cuanto hay obras que errores sea malo en sus vidas. En fin, creo que usted participa en el proyecto “In pueden durar bastante más de una hora. Pero el son sistemas distintos. Harmony”, basado en el Sistema disfrute de una obra sí que es inmediato, porque Esto de la culpa, ¿ha afectado a su venezolano de José Antonio Abreu. ¿Es esa la música se disfruta en el instante en que está forma de dirigir o relacionarse con los la forma de atraer a los más jóvenes? sonando, independientemente de la duración de miembros de la orquesta? Creo que debemos dar la oportunidad a la obra. Sin embargo, es cierto que los jóvenes No creo que haya afectado a la relación con todos. Por eso participo en “In Harmony” y en cada vez están más conectados y que utilizan la orquesta. Estamos hablando de la infancia otros proyectos con jóvenes aquí en Oslo. las redes sociales. Puede que estén perdiendo la cuando estudias y aprendes un montón de cosas. Cuando tienes maestros, literalmente, te controlan. Tienes que hacer exámenes o “Soy un perfeccionista. Así que siempre procuro encontrar el modo de ser mejor hoy trabajos y, luego, otra persona te controla y te que ayer y preguntarme qué puedo hacer mañana para ser mejor que hoy” evalúa con un cinco o con un diez. Sin embargo, más tarde en la vida, ya no tienes a nadie más que te ponga problemas y te evalúe. La única persona que tienes para evaluar lo que Enseño en la Academia Noruega de Música y capacidad de concentrarse durante más tiempo, haces eres tú mismo. Y según vas haciéndote voy a distintas universidades. Siempre procuro lo cual no sé adónde les llevará. Ciertamente, les mayor, eres tú solo quien sabe lo mal o bien que prestar toda la atención que puedo a los jóvenes cuesta más trabajo concentrarse. Quizás algún fueron las cosas. La mayoría de las personas que e influirles para que vengan a los conciertos de día los conciertos para jóvenes sean más cortos te rodean no se dan mucha cuenta de ello. Así música clásica. Sin embargo, hay razones muy y haya que hacer dos o tres minutos de pausa que no diría que la culpa haya afectado a mi naturales por las que el público es relativamente entre obra y obra para que ‘tuitéen’ a sus amigos forma de dirigir… ¡Bueno, sí! Sí que afecta. Al mayor. La primera vez que los niños acuden a lo que están viendo en el concierto y así menos en un sentido: soy un perfeccionista. Así un concierto de música clásica es cuando están concentrarse en la siguiente obra. Lo que está que cada día, procuro encontrar el modo de ser en la escuela, bien sea porque los trae el colegio claro es que la tecnología es imparable. No mejor que ayer y preguntarme qué puedo hacer o por que los traen sus padres. Esto suele podemos pararla ni luchar contra ella. Hay que mañana para ser mejor que hoy. Entiendo la ocurrir entre los 5 y 14 años de edad. Acudes a utilizarla, especialmente en el mundo de la vida como un largo proceso de mejora un concierto al menos una vez. Eso es crucial música clásica. personal. Y aún me queda muchísimo por para mí. Todos los niños tienen la oportunidad Si tuviera que resumir en dos titulares aprender y hacer para estar siquiera cerca de los de venir y disfrutar de la música clásica y de su infancia y la de sus hijos, ¿cuáles serían? niveles de calidad que me exijo a mí mismo. descubrirla. Después de este periodo, muchos Mi infancia, “felizmente ocupado”; la de ¿Sigue siendo entonces la música una jóvenes van a la universidad, lo cual conlleva mis hijos, “ocupadamente felices”. Es decir, la afición para usted? Se lo pregunto porque una inversión de dinero considerable. Además, diferencia es que de pequeño yo estaba muy alguna vez ha contado una anécdota que le los universitarios tienden a pasar las noches ocupado estudiando y ellos están ocupados con ocurrió con George Solti cuando era usted dándose a distintos placeres que requieren aún ser felices. Sinceramente, no sé qué es mejor. un director aún muy joven. Solti terminó más gasto económico. Aparte de estudiar, Con motivo del centenario de la unos ensayos muy conflictivos con los obviamente, los jóvenes se centran más en Filarmónica de Oslo, a finales de este mes, miembros de la orquesta, que se negaban a relacionarse y salir con los amigos. Después de usted estará de gira por España con la seguir sus indicaciones, y usted se le acercó la universidad, se busca trabajo, cosa que no es orquesta. Barcelona, Madrid, Zaragoza… para pedirle consejo. Solti le dijo que “ojalá fácil. Sé que en España es muy difícil conseguir ¿Qué aporta esta orquesta de nuevo al que la música jamás dejara de ser una un empleo en estos momentos. Más tarde, repertorio que presentan? afición”. muchas personas quieren formar una familia, lo Todas las orquestas son diferentes. Son Sí, así es. Y sigue siendo una afición. Vivo cual te hace pasar por dificultades económicas obras que ya hemos interpretado muchas veces para los conciertos y para los ensayos, para cada en muchos casos. Tienes que dedicar mucho y creo que el entusiasmo y profesionalidad con momento en el que estoy sobre el escenario y tiempo a los recién nacidos y a criar a tus hijos. que lo hacemos ya es una muy buena razón hago música. Para mí esa es la parte más Y, claro está, uno termina agotado con todo lo para acudir a la sala de concierto. Además, importante de mi vida y la que más alegría me que tiene que hacer por ellos. Si quieres ir a un contar con Simon Trpceski en los dos da. Obviamente, sigo cometiendo errores y concierto, tienes que encontrar a alguien que se conciertos para piano de Brahms es un lujo. equivocaciones, pero ese proceso es una alegría. quede con ellos o pagar a alguien para que los Actualmente es uno de los pianistas más Salir al escenario y compartir música maravillosa cuide mientras estás fuera. Eso requiere dinero. aclamados. Igualmente, Scheherezade de Rimski- con tantas personas es una verdadera alegría. Así que es difícil acudir a los conciertos a esa Korsakov y la Sinfonía nº 5 de Sibelius son obras En algún momento también ha dicho edad. Algunas personas se las arreglan para que suelen gustar mucho al público. Siempre se que dejará la música cuando se dé cuenta hacerlo, pero no son muchas, y solo cuando los descubre algo nuevo escuchándolas e de que solo la hace por dinero. Si ese día hijos ya han crecido, lo que suele ocurrir interpretándolas. La ocasión lo merece. ¶ llega, ¿a qué se dedicaría? alrededor de los 45 o 50 años. Entonces Es verdad que lo dije y lo mantengo. El comienzan a tener algo más de tiempo libre y la asunto es que me resulta muy difícil pensar que mayoría ya sabe lo que es importante en sus

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CON NOMBREPROPIO Marco Borggreve Marco

Péter

El presente múltiple Eötvös

El 2 de enero cumple 75 años Peter Eötvös, todo un referente de la música contemporánea en la doble faceta de compositor y director de orquesta. Tras sobresalir como intérprete, el músico húngaro se ha destapado luego como un creador especialmente versado en el ámbito sinfónico y operístico. Stefano Russomanno

Cricketmusic es una pieza temprana entre los que oscila la trayectoria del músico anillo. El resultado sonoro es una mezcla entre dentro del catálogo de Péter Eötvös. húngaro. La obra toma como punto de partida El canto del adolescente de Stockhausen y las Compuesta en 1970 para cinta magnetofónica, una grabación del canto de los grillos y la Músicas de la noche de Bartók. no es muy conocida y, sin embargo, compendia somete a múltiples transformaciones, Péter Eötvös nace en 1944 en el pueblo de manera admirable los dos polos genésicos tratándola por medio de un modulador en transilvano de Székelyudvarhely, entonces

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PÉTER EÖTVÖS CONNOMBREPROPIO

perteneciente a Hungría (en la actualidad sonoro y de su poderosa articulación aunque siempre desde una perspectiva crítica, forma parte de Rumanía). Ya en su primera dramática, algo quizá esperable en un músico despojándolos de sus clichés y tópicos. En educación, la música de Bartók y la conexión de su trayectoria y experiencia. Llama sobre Correspondence, Eötvös toma al pie de la letra la con el folclore de su tierra conforman una todo la atención aquí el talante humanista, la célebre definición del cuarteto de cuerda como suerte de lengua materna musical que le capacidad para poner la música al servicio de “conversación entre cuatro personas” y plantea acompañará de manera más o menos visible en una reflexión sobre los tiempos presentes, la pieza como un diálogo imaginario entre todas sus etapas. Desde 1958, estudia en la más en concreto sobre la amenaza nuclear y Mozart padre e hijo. Academia de música Franz Liszt de Budapest y las pulsiones autodestructivas de nuestra Huellas de las diferentes inquietudes de en los años siguientes es una presencia civilización. Esta necesidad de concebir la Eötvös pueden encontrarse en Snatches of a destacada en la escena artística de Budapest música como algo intrínsecamente vinculado conversation, para trompeta de dos campanas, como pianista y compositor de música para el a los debates y a las reflexiones que suscita el narrador y orquesta, Jet Stream, para trompeta y teatro y el cine. En 1968, una beca le permite salir presente acompaña a Eötvös desde siempre, y orquesta, y Paris-Dakar, para trombón y big fuera de su país. Se traslada a Colonia, donde contribuyó en su momento a inmunizarle band, un trío de obras que representan una estudia composición con Bernd Alois contra el árido formalismo aún vigente en personal asimilación del lenguaje jazzístico. Zimmermann, si bien el acontecimiento que muchos círculos vanguardistas allá por los 60 Pese a la explícita geografía de su título, Music más le marca es el encuentro con Stockhausen, y 70. De 1961 (aunque recuperada y revisada for New York resucita en cambio instrumentos de quien se convierte en factótum: asistente, en 1999) es una pieza titulada Cosmos, que el del folclore húngaro (cítara y zanfona) ingeniero, copista, intérprete y director de su joven músico de diecisiete años compuso bajo transformados por un sintetizador. música. Esta última faceta, la directoral, es por la la emoción del primer vuelo orbital de Yuri Si hay una palabra que acompaña y define la obra de Eötvös a lo largo de tantos años, esta sería teatro: “Mi amor por el teatro impregna toda mi vida. Cualquier cosa que hago está Eötvös ha elaborado un lenguaje personal, cuya filiación vanguardista estrechamente ligada al teatro. Crear un tipo de no le impide lanzar guiños a otras áreas y culturas: teatro con la ayuda de la música es el objetivo músicas tradicionales, jazz, rock... que siempre tengo en mente”. Harakiri (1973) y Radamés (1975) son sus primeros acercamientos a la ópera, si bien en formatos de cámara. A la dimensión teatral apelan indirectamente dos que más le irán conociendo los oyentes durante Gagarin. El aliento ‘cósmico’ lo insufla otra obras sui géneris como la orquestal Chinese mucho tiempo, sobre todo después de que vez la ejemplar lección de las ‘músicas de la Opera, testimonio de su interés por las culturas Pierre Boulez le encomiende en 1978 la dirección noche’ bartokiana. del Extremo Oriente, y la vocal Drei musical del Ensemble Intercontemporain, cargo Décadas más tarde, el concierto para Madrilkomödien. En esta última, el compositor que mantuvo hasta 1991. violín Seven (2006) se inspirará en el desastre se remonta al experimentalismo grotesco de la Para entonces, Eötvös no sólo se había del transbordador espacial Columbia, ocurrido ‘comedia madrigalesca’ de Adriano Banchieri consolidado como uno de los máximos el 1 de febrero de 2003. “Fue un dramático (1568-1634) y lo injerta en el filón beckettiano especialistas del repertorio contemporáneo, accidente que me causó una profunda de lo absurdo. sino que su nombre aparecía con regularidad al impresión —comentaba Eötvös—. En especial, Con Tres hermanas, Eötvös da el salto (y el frente de las orquestas más prestigiosas. la imagen televisiva del casco vacío de un asalto) a la ópera de gran formato. Lo hace con Principal director invitado de la Sinfónica de la astronauta que fue encontrado intacto en un la originalidad que requiere la circunstancia BBC entre 1985 y 1988, ha mantenido luego una campo entre numerosos restos, simbolizó para pero sin extremismos, reflexionando sobre la serie de colaboraciones estables con la Budapest mí la tragedia de este desastre, que se cobraba tradición del género e introduciendo Festival Orchestra (1992-95), la National las vidas de siete personas poco antes del sugestiones pertenecientes al teatro musical Philarmonic Orchestra (1998-2001), la Orquesta regreso del Shuttle a la Tierra... Seven es un muy oriental, empezando por la decisión de de la Radio de Stuttgart (2003-05), la Sinfónica personal monólogo y la expresión musical de convertir las hermanas de Chejov en un trío de de Gotemburgo (2003-07) y con la Orquesta de mi simpatía hacia los siete astronautas que falsetes masculinos. A partir de ese momento, la Radio de Viena desde 2009 hasta ahora. perdieron sus vidas mientras exploraban el tal vez bajo el impulso del éxito cosechado por También ha dirigido agrupaciones del calibre de espacio en cumplimiento de un sueño Tres hermanas, la producción operística de las Filarmónicas de Berlín, Múnich y Viena, la fundamental del género humano”. Más Eötvös se incrementa con implacable Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam y recientemente, la pieza Alle vittime senza nome regularidad. En 1999, le toca el turno a As I la de Cleveland. (2016) está dedicada a los inmigrantes Crossed a Bridge of Dreams, inspirado en el Diario Si bien Eötvös nunca ha dejado de magrebíes y subsaharianos fallecidos en el de Sarashina, un libro de memorias escrito por componer, es cierto que al principio su intento de cruzar el Mediterráneo en patera. La una dama de compañía japonesa en el siglo XI. reputación como director de orquesta ha estructura rítmica y la intensidad dramática Luego vendrán Le Balcon (2001-02), basado en la oscurecido su faceta creadora, tal como convergen aquí en lo que el propio compositor homónima pieza teatral de Jean Genet; Angels ocurrió en el caso de otro grandísimo ha definido como un “réquiem danzante”. in America (2002-04); Love and Other Demons director/compositor: Bruno Maderna. En todo Eötvös ha elaborado un lenguaje personal, (2008), transposición de la novela de García caso, a partir de los años 90, Eötvös se dedica a cuya filiación vanguardista no le impide lanzar Márquez Del amor y otros demonios; Lady Sarashina la composición con una intensidad y una guiños a otras áreas y culturas: músicas (también en 2008); Die Tragödie des Teufels (2010), diligencia redobladas. Los resultados no tardan tradicionales, jazz, rock (conocido es su interés Paradise Reloaded (2012-13), Der goldene Drache en llegar. A esta época se remontan dos piezas por Frank Zappa, a quien dedicó su Salmo 151)... (2013-14) y Senza sangue (2015). Esta última ópera que, de alguna manera, marcan un antes y un Con ello, el compositor húngaro da muestra de se basa en una novela de Baricco y está pensada después en su trayectoria creativa y que le una insaciable curiosidad y de una amplitud de para acompañar, en la misma velada, El castillo imponen por fin a la atención del gran público: miras que le permite abarcar la multiplicidad de Barbazul de Bartók. Una vez más (y ya van la obra orquestal Atlantis (1995) y la ópera Tres del presente sin sectarismos ni prejuicios, pero muchas), la figura seminal de Bartók se cruza hermanas (1996-7). sin renunciar tampoco a la complejidad de en el camino de Eötvös. ¶ En Atlantis, Eötvös no sólo demuestra sus signos y significados que subyace en la innegables dotes en el dominio de la escritura comunicación musical. Incluso el pasado y la orquestal, de la estructuración del discurso tradición pueden ser objeto de contemplación,

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organiza organised by

— 3+1 ARTE CONTEMPORÂNEA Lisboa — — 80M2 LIVIA BENAVIDES Lima — ABRA Caracas — ADN Barcelona — ALARCÓN CRIADO Sevilla — — ALEXANDER AND BONIN Nueva York — ÁLVARO ALCÁZAR Madrid — ANA MAS PROJECTS Barcelona — ANCA POTERASU Bucarest — ANDERSEN’S Copenhague — ÀNGELS BARCELONA Barcelona — ANHAVA Helsinki — ANINAT ISABEL Santiago de Chile — ANITA BECKERS Frankfurt — ANITA SCHWARTZ Rio de Janeiro — ANNET GELINK Ámsterdam — ANNEX14 Zúrich — ANNIE GENTILS Amberes — ARCADE Londres — ARRÓNIZ Ciudad de México — AURAL Alicante — BARBARA GROSS Múnich — — BARBARA THUMM Berlín — BÄRBEL GRÄSSLIN Frankfurt — BARIL Cluj — BARÓ São Paulo — BARRO Buenos Aires — BENDANA PINEL París — BOMBON PROJECTS Barcelona — BRUNO MÚRIAS Lisboa — CAR DRDE Bolonia — CARLIER | GEBAUER Berlín — CARMEN ARAUJO Caracas — CARRERAS MUGICA Bilbao — CASA TRIÂNGULO São Paulo — — CASADO SANTAPAU Madrid — CASAS RIEGNER Bogotá — CAVALO Rio de Janeiro — CAYÓN Madrid — CECILIA DE TORRES LTD. Nueva York — CHANTAL CROUSEL París — CHERTLÜDDE Berlín — CLIMA Milán — COPPERFIELD Londres — CRISIS Lima — CRISTINA GUERRA Lisboa — CRONE Viena — DANIEL FARIA Toronto — DEL INFINITO Buenos Aires — DEL PASEO Lima — DENISE RENÉ París — DÜRST BRITT & MAYHEW La Haya — DVIR Tel Aviv — EASTWARDS PROSPECTUS Bucarest — EDWARD TYLER NAHEM Nueva York — EL APARTAMENTO La Habana — — ELBA BENÍTEZ Madrid — ELVIRA GONZÁLEZ Madrid — EMBAJADA San Juan — ESPACIO MÍNIMO Madrid — ESPACIO VALVERDE Madrid — ESPAI TACTEL Valencia — ESPAIVISOR Valencia — ESTHER SCHIPPER Berlín — ETHALL Barcelona — F2 GALERIA Madrid — FEDERICA SCHIAVO Milán — FERNÁNDEZ - BRASO Madrid — FILOMENA SOARES Lisboa — FORMATOCOMODO Madrid — FORSBLOM Helsinki — FORTES D'ALOIA & GABRIEL São Paulo — FORUM Lima — FRANCISCO FINO Lisboa — GALERÍA ALEGRÍA Madrid — GALERÍA DE LAS MISIONES Montevideo — GARCÍA GALERÍA Madrid — GENTILI Florencia — — GINSBERG Lima — GIORGIO PERSANO Torino — GREGOR PODNAR Berlín — GUILLERMO DE OSMA Madrid — HAUSER & WIRTH Nueva York — HEINRICH EHRHARDT Madrid — HELGA DE ALVEAR Madrid — — HENRIQUE FARIA Buenos Aires — HENRIQUE FARIA FINE ART Nueva York — HORRACH MOYA Palma de Mallorca — HOUSE OF EGORN Berlín — IMPAKTO Lima — INSTITUTO DE VISIÓN Bogotá — IVAN Bucarest — JACKY STRENZ Frankfurt — JÉRÔME POGGI París — JOAN PRATS Barcelona — JOCELYN WOLFF París — JOCHEN HEMPEL Leipzig — JOEY RAMONE Rotterdam — JORGE MARA - LA RUCHE Buenos Aires — JOSÉ DE LA MANO Madrid — JOSÉDELAFUENTE Santander — JUAN SILIÓ Santander — — JUANA DE AIZPURU Madrid — KEWENIG Berlín — KLEMM´S Berlín — KÖNIG Berlín — KOW Berlín — KRINZINGER Viena — KROBATH Viena — LA ACACIA La Habana — LA CAJA NEGRA Madrid — LEANDRO NAVARRO Madrid — LELONG París — LEON TOVAR Nueva York — LEYENDECKER Santa Cruz de Tenerife — LMNO Bruselas — LOUIS21 Palma de Mallorca — LUIS ADELANTADO Valencia — LUISA STRINA São Paulo — MADRAGOA Lisboa — MAI36 Zúrich — MAISTERRAVALBUENA Madrid — MARC DOMÈNECH Barcelona — MARC STRAUS Nueva York — MARILIA RAZUK São Paulo — MARLBOROUGH Madrid — MARTA CERVERA Madrid — MARTIN JANDA Viena — MARUANI MERCIER Bruselas — MAUBERT París — MAX ESTRELLA Madrid — MAYORAL Barcelona — MEESSEN DE CLERCQ Bruselas — MEYER RIEGGER Berlín — MICHEL REIN París — MIGUEL MARCOS Barcelona — MIGUEL NABINHO Lisboa — MOISÉS PÉREZ DE ALBÉNIZ Madrid — MOLNÁR ANI Budapest — MONITOR Roma — MOR CHARPENTIER París — NÄCHST ST. STEPHAN ROSEMARIE SCHWARZWÄLDER Viena — NADJA VILENNE Lieja — NF / NIEVES FERNÁNDEZ Madrid — NINO MIER Los Ángeles — NOGUERAS BLANCHARD Madrid — NOSCO Londres — NUEVEOCHENTA Bogotá — NUNO CENTENO Oporto — OPERATIVA Roma — P420 Bolonia — P74 Liubliana — PARAFIN Londres — PARQUE Ciudad de México — PARRA & ROMERO Madrid — PASTO Buenos Aires — PATRICIA READY Santiago de Chile — PEDRO CERA Lisboa — PELAIRES Palma de Mallorca — PETER KILCHMANN Zúrich — PM8 Vigo — POLÍGRAFA OBRA GRÁFICA Barcelona — PONCE + ROBLES Madrid — PPOW Nueva York — — PROJECTESD Barcelona — PROMETEOGALLERY DI IDA PISANI Milán — PROYECTOS ULTRAVIOLETA Guatemala — QUADRADO AZUL Oporto — RAFAEL ORTIZ Sevilla — RAFAEL PÉREZ HERNANDO Madrid — RAFFAELLA CORTESE Milán — — REVOLVER Lima — RICHARD SALTOUN Londres — RODEO Londres — RODRÍGUEZ Poznán — ROLANDO ANSELMI Berlín — — ROLF ART Buenos Aires — ROSA SANTOS Valencia — RUTH BENZACAR Buenos Aires — SABRINA AMRANI Madrid — SÉ São Paulo — SENDA Barcelona — SINDICATO Santo Domingo — STUDIO TRISORIO Nápoles — T20 Murcia — TAIK PERSONS Berlín — TATJANA PIETERS Gante — THADDAEUS ROPAC París — THE GOMA Madrid — THE RYDER Londres — THOMAS BRAMBILLA Bérgamo — THOMAS SCHULTE Berlín — TIM VAN LAERE Amberes — TIMOTHY TAYLOR Londres — TIZIANA DI CARO Nápoles — TRAVESÍA CUATRO Madrid — TWIN GALLERY Madrid — VAN DOREN WAXTER Nueva York — VERA CORTÊS Lisboa — VERMELHO São Paulo — WALDEN Buenos Aires — WILDE Ginebra — — WU Lima — ZAK BRANICKA Berlín

— Programa General — Diálogos — Opening — Perú 347 Pliego 1.qxp_Scherzo 17/12/18 21:35 Página 13

HOJA DE CONTACTOS El mundo de Sophia

Benjamín G. Rosado

Se llama Sophia y ha sido diseñada para imitar el comportamiento humano. Gesticula como nosotros, mantiene conversaciones triviales en el ascensor y hasta concede entrevistas a los medios. Los expertos en inteligencia artificial aseguran que todavía no es capaz de pasar el test de Turing, aunque su bajo rendimiento académico podría ser otro mecanismo de adaptación. Su rostro biónico ha tomado prestadas algunas facciones de la actriz Audrey Hepburn, si bien sus creadores decidieron dejarle los cables del cerebro al descubierto para evitar el rechazo que genera el exceso de apariencia. Bienvenida, Sophia. De momento, la androide dispone de pasaporte saudí para estampar los sellos de sus viajes por el mundo y aspira a cuidar ancianos en una residencia cuando su ajetreada agenda de conferenciante se lo permita. Con el tiempo podrá votar, mantener relaciones íntimas con otros hardwares de última generación, componer su propia música (se confiesa admiradora de Björk) e incluso dirigir una orquesta con la fidelidad de un metrónomo. Eso acabaría de una vez por todas con la tiranía del podio, las lecturas humanizadas del repertorio y la arbitrariedad de las emociones no tipificadas en la partitura. ¿Acaso sueñan ya los músicos con batutas eléctricas?

SCHERZO 13 347 Pliego 1.qxp_Scherzo 17/12/18 21:36 Página 14 F. Sechet F.

John Butt ONE

Gautier agenda Capuçon • Felix Broede Felix ARES

Diego Ares MARCH Grandes En los rinde solistas y orígenes del tributo al directores historicismo padre Soler en el ciclo BARROCO Se cuentan con los dedos de de la OCNE Diego Ares es uno de los Bello rayo una mano las actuaciones en grandes representantes del España —dos veces en el exuberante plantel barroco Festival de Torroella de La Orquesta Nacional de clavecinístico español del Montgrí— del Dunedin España despega el año por momento. Especializado en Consort, extraordinaria todo lo alto. El fin de semana Bach, pero también en los Reunión de alto voltaje formación británica que comienza el viernes 18 grandes teclistas ibéricos de Verónica de enero, su principal barroco: Verónica especializada en música siglo XVIII (Domenico Cangemi director invitado, Christoph Cangemi y Carlos barroca que dirige el Scarlatti y Antonio Soler, Eschenbach, y la violinista Mena se juntan, clavecinista y organista John principalmente), el músico Leila Josefowicz acometerán bajo el epígrafe de Butt. Inaugurará un nuevo gallego ofrecerá un programa integrado por “Un bello rayo ciclo de la Fundación Juan —alternando clave y el Concierto para violín del de esperanza”, March, dedicado en esta piano—, junto al cuarteto compositor y director finés en un concierto ocasión a los orígenes del Casal (los violinistas Felix Esa-Pekka Salonen y la en el que movimiento historicista. En infrecuente Segunda sinfonía Froschhamer y Rachel Späth, interpretarán concreto, a la figura de de Bruckner. Una semana el viola Markus Fleck y el arias de algunas Arnold Dolmetsch, quien a más tarde será el director violonchelista Andreas de las más finales del siglo XIX titular, David Afkham, quien Fleck), un programa que aclamadas óperas de comenzó a restaurar y tocar dirigirá a la orquesta y coro reproduce el concierto Georg Friedrich Haendel y instrumentos barrocos — nacionales y a uno de los homenaje a Antonio Soler de Antonio Vivaldi, especialmente, violas da solistas más mediáticos del que el Cuarteto Ibèric y Joan máximos exponentes de la gamba— que habían caído panorama actual, el Gibert Camins interpretaron figura del compositor- en desuso. El Dunedin violonchelista francés el 24 de mayo de 1936 en el empresario teatral que se dio Consort interpretará obras Gautier Capuçon, en un Palau de la Música Catalana en el siglo XVIII. La soprano de Lawes, Jenkins, Purcell, audaz programa integrado de Barcelona. Contiene dos argentina y el contratenor Kuhnau, Benedetto Marcello, por la obra concertante para quintetos y una sonata de español estarán Haendel, Bach y Ramaeu. violonchelo y orquesta del Soler, así como piezas de acompañados por la Este programa reproduce genial Henri Dutilleux Tout compositores coetáneos al Orquesta Barroca de Sevilla, exactamente el concierto un monde lointain… y en la sacerdote jerónimo: Rafael a cuyo frente se situará en que se interpretó el 18 de segunda parte la Missa in Anglés, Josep Freixanet, José esta ocasión el violinista febrero de 1896 en el taller de Angustiis (también conocida Gallés, Mateo Ferrer, Felipe Andoni Mercero como la familia Dolmetsch en como Misa Nelson) de Franz Rodríguez y Narcís concertino. Londres. Joseph Haydn. Casanovas.

19-I, Sevilla, Teatro de la 9-I, Madrid, Fundación 18/20-I, Madrid, Auditorio 23-I, Madrid, Fundación Maestranza Juan March Nacional March

14 SCHERZO 347 Pliego 1.qxp_Scherzo 17/12/18 21:36 Página 15 Bofill Felix Broede Felix ABAO REAL El Anillo por JERUSALEM

Robert del Real J. El Jerusalem Carsen Quartet, en el

SCALA El Teatro Real pone en marcha José Bros Ciclo Liceo de este mes de enero la segunda Tetralogía wagneriana desde que Cámara Chailly y reabriera sus puertas en 1997. Y, al igual que la anterior, firmada I Lombardi en la Scala escénicamente por Willy Decker, la actual irá subiendo al Fundado en 1996 e integrado por Euskadi escenario madrileño a razón de los violinistas Alexander inician en una jornada por año, Pavlovsky y Sergei Bresler, el comenzando por El oro del Rin, la violista Ori Kam y el España gira Estrenada en la Scala de Milán en ópera que sirve de prólogo a la violonchelista Kyril Zlotnikov, el febrero de 1843, apenas un año monumental creación. En esta Jerusalem Quartet es una de las europea ocasión el Teatro Real ha después de Nabucco, I Lombardi formaciones camerísticas más apostado por uno de los valores alla prima Crociata es la cuarta destacadas del actual panorama. ópera de Verdi y se saldó, como La Filarmónica della Scala y su más sólidos en el panorama Tras ofrecer en el verano de 2013 escénico internacional, el la previa, con un éxito la aclamada integral de los titular Riccardo Chailly dan clamoroso. Genuina comienzo en Madrid, dentro de canadiense Robert Carsen, cuya Cuartetos de Shostakovich, en desoladora visión de esta representante del 'periodo de 2014 los de Janácek y en 2016 los la temporada de Ibermúsica, a galeras' del compositor italiano, una gira europea que los llevará gigantesca fábula sobre el poder de Bartók, regresa ahora a I Lombardi encierra no obstante por algunas de las más y el amor, procedente de la Madrid, al Ciclo Liceo de no pocas bellezas, como podrá importantes capitales del Ópera de Colonia, ha cosechado Cámara, para hacer un programa comprobar quien asista a continente. En Madrid ofrecerán triunfos en diversos coliseos con obras de Haydn (Cuarteto en cualquiera de las cuatro dos programas con solo tres internacionales. El desafío Sol mayor op. 76 nº 1 Hob.III:75, representaciones que tendrán obras en atriles: la pareja musical que para todo director primero de los seis dedicados a la lugar en Bilbao dentro del compuesta por el Concierto para de orquesta supone enfrentarse familia noble húngara Erdody), monumental proyecto Tutto orquesta de Béla Bartók y los al Anillo lo ha asumido Pablo Beethoven (Cuarteto nº 5 en La Cuadros de una exposición de Heras-Casado, principal director Verdi que desde comienzos de mayor op. 18 nº 5, parte de una Mussorgski/Ravel cubrirán el invitado del Real, quien ya siglo viene llevando a cabo tanda dedicada al príncipe primer programa, mientras que brindara hace tres temporadas ABAO. Riccardo Frizza dirigirá Ferdinand Lobkowitz) y la segunda velada estará un estupendo Holandés Errante. El musicalmente el montaje Shostakovich (Cuarteto nº 3 en Fa íntegramente ocupada por la reparto del Rheingold madrileño firmado por Lamberto Puggelli, mayor op. 73, censurado por las gigantesca Sexta de Mahler, toda estará encabezado por Greer con un reparto encabezado por autoridades soviéticas poco una especialidad del director Grimsley (Wotan), Joseph Kaiser José Bros, Ekaterina Metlova y después de su estreno). milanés. (Loge), Samuel Youn (Alberich) y Roberto Tagliavini. Sarah Connolly (Fricka) 11-I, Madrid, Auditorio 23/24-I, Madrid, Auditorio 19/28-I, Bilbao, Palacio Nacional Nacional 17-I/1-II, Madrid, Teatro Real Euskalduna

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I. García 16 Miguel de Amaya SCHERZO • noticias actividad artística. actividad a destinados euros, de millones dos los 2020 hasta para aumentará dotación la que estima Se comunicación. y producción administración, gestión, de equipo un para euros 500.000 de dotación una prevista está ellos 2019. En para presupuestos los aprueben se que siempre 2020, en marcha en pondrán se que actividades las 2019 programar en para pasos primeros sus dará y Ministerial Orden por aprobación mediante artística. al final de sucarrera profesionalesreciclaje de los bailarines promoción al de orientadas actividades eimpulsarpedagógicos transversales la semejanza del Centro Nacional de aimagen de la Danza, y Difusión deconstitución unCentro Nacional de Amaya ha anunciado de Miguel, la (INAEM), yMúsica Escénicas Artes la directora del Instituto Nacional de yelde Danza Ballet Nacional de España, sede estable para la Compañía Nacional de unTeatrocreación Nacional como Tras CONFIRMAR el la pasado octubre Danza de la de Difusión Centro Nacional el crea El INAEM Difusión Musical (CNDM). Musical Difusión además de elaborar programas La creación de esta institución será institución esta de creación La tanto como públicas privadas—, germen de la gestión artística del germen de la gestión artística colaborando con instituciones futuro Teatrofuturo Nacional de la coreográfico español — Danza, aunque de sus Danza, otras valor el patrimonio tareas serán las de poner seránlas en tareas Esta nuevaEsta unidad seráel

DANZA benemérito empeño.benemérito proseguir en suquijotesco y colega,a nuestra animándola a queremos felicitar de todo corazón vinculadosestuvieron aRitmo, que en sudía y periodistas porsiguen críticos siendo firmadas muchas cuales de páginas, las estas tiene Desde el centenario ala vista. de una publicaciónrumbo que ya y de escucha han logrado el variar radicalmente los hábitos de lectura cambios que han modificado nilos gigantescos cultural industria dureza han golpeadotanta nuestra que económicas con sucesivas crisis Ni las de España. musicales un reflejo deyla realidad la vida nueve ha sidolargo de décadas estas director), sutrayectoria(actual alo nieto Rodríguez Fernando Polo Antonio Rodríguez Moreno ysu apasionada por suhijo lealtad conducidaposteriormente con RodríguezFernando del y Río, en noviembreFundada de 1929 por nonagésimo añode existencia. de acaba entrarpaís, en su publicaciones de nuestro musicales de decana las Ritmo, revista La años 90 cumpleRitmo

RITMO Heitman Quinteto Bach, para abordar acontinuación el la Partita nº2 en solitario interpretará alprincipioArgerich, quien de concierto Cuarteto Quiroga la pianista Martha uniráal se de Canaria, Gran Kraus Alfredo 22, en el Auditorio de Tenerife, en el y24, formación Eldía ocho tocará en las islas. porestrenada el Cuarteto Quiroga. Esta compositora tinerfeña Cecilia yserá Díaz 35ºeste de acargo la Festival correrá delIglesia Carmen. Graciosa tendráconcierto en La lugar en la Por el único en suparte, ElHierro. cantidad eigual Gomera en La ytres Fuerteventura, en la Palma yotros tantos en Cinco habrá cuatro en Lanzarote; Canaria. once eidéntico conciertos número en Gran En Tenerife se ochode las islas. celebrarán indicados, habrá en conciertos otros trece João Pires. Barroca de Tenerife o la pianista Maria —junto Argerich—, a Marta la Orquesta Orquesta de Cadaqués, el Cuarteto Quiroga Filarmónica de San Petersburgo, la Filarmónica de Hamburgo, la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, la Orquesta internacionales como la Orquesta formaciones y solistas nacionales e podrán disfrutar de otros ofrecidos por Entre ambos conciertos, los aficionados Auditorio Alfredo de Kraus Gran Canaria. Tenerife y lo clausurará Hespèrion enXXI el Tenerife en el Auditorio Adán deMartín Lo inaugurará la Orquesta Sinfónica de enero y el 10 de febrero— con 43 conciertos. cabildos, este año contará —entre el 10 de de las islas, en colaboración con los Organizado por el Gobierno autonómico Canarias alcanza su 35ª edición. El Festival Internacional de Música de Canarias Internacional de 35º Festival Una dos de encargo para deobras las Además de los dos municipios antes de Schumann. Argerich Martha

de CANARIAS 347 Pliego 1.qxp_Scherzo 17/12/18 21:36 Página 17 Bertrande Pichene

Ensemble Rumorum FTM El Festival de Torroella se integra en EEEmerging necrología CECCHELE EEEmerging es un proyecto creado en 2014, con el apoyo del programa Europa Creativa de la Unión Europea, para Gianfranco Cecchele, apoyar a grupos jóvenes de música antigua y ayudarles en su profesionalización. Desde el pasado mes de diciembre, un tenor a la italiana el Festival de Torroella de Montgrí ha pasado a ser miembro de este proyecto, de tal modo que la villa ampurdanesa acogerá en sede de residencias a grupos Cuando Gianfranco Cecchele hizo su presentación en el Teatro Bellini de Catania, seleccionados. El primero de ellos ha sido el ensemble en marzo de 1964, con La zolfara de Mulè, los referentes tenoriles en los escenarios Rumorum, especializado en música medieval y creado italianos eran tres cantantes ya entrados en la mitología de su cuerda: Mario del hace tres años en Basilea por cinco alumnos de la Schola Monaco, Giuseppe Di Stefano y Franco Corelli. Tres modelos y tres referencias para Cantorum: Grace Newcombe (voz, arpa y teclados, además una incipiente carrera, sobre todo Del Monaco, cuyo repertorio íntegro cantó de ejercer de directora musical), Jacob Mariani (laúd, viola Cecchele, aunque se le resistiera el personaje más asociado al florentino: Otello. de arco, fídula y cistro), Ozan Karagöz (voz y arpa), Félix Con su hermano Marcello, Cecchele trabajó su voz y alguna de sus interpretaciones. Verry (fídula y rabel) y Mara Winter (flautas). Rumorum se La hermosa voz ceccheliana, italiana por todos los contornos, rica en colores, estrenó en Torroella el pasado día 15 de diciembre, en el potente, desprendida y segura de registros, le abrió las puertas de los mayores Cine Petit, con un concierto de canciones devocionales escenarios italianos primero, e internacionales después, cantando con las mejores inglesas (cantadas en inglés medio y en anglonormando) sopranos de varias generaciones durante sus 42 años en activo: Caterina Mancini, de los siglos XII y XIII. Renata Tebaldi, Magda Olivero, Antonietta Stella, Leyla Gencer, Olivia Stapp, A lo largo de 2019, el Festival de Torroella de Montgrí Ángeles Gulín, Elena Suliotis, Renata Scotto, Mara Zampieri, Raina Kabaivanska, acogerá a dos grupos más en residencia: La Vaghezza Orianna Santunione, Eva Renzi, Virginia Zeani, Rita Orlandi Malaspina, Mirella (fundado en 2016 y especializado en música barroca de los Freni, Gwyneth Jones, Martina Arroyo. Y Anna de Cavalieri, con la que dejó en la siglos XVII y XVIII) y Dichos Diábolos (formado en 2013 RAI de Roma en 1965 un testimonio precioso: Calaf de Turandot, probablemente su en el seno de la Escola de Música de Cataluña, ESMUC). mejor personificación, aunque el papel que más veces cantó fuera el Radamès de EEEmerging surgió como iniciativa de varias Aida, y el de mayor proyección el Pollione de Norma, al haberlo representado en instituciones: el Centre Culturel de Rencontre de Paris en 1965 junto a Maria Callas. Ambronay (Francia), el Centro de Música Barroca y Su repertorio fue preferentemente verdiano, llegando a asumir personajes tan Clásica Ghislieri Musica de Pavía (Italia), el Centro de poco frecuentes como Zamoro de Alzira. Pero triunfó también con otros Música Antigua de la Universidad Nacional de Bucarest compositores, siempre encuadrado en su tipología vocal de tenor spinto. Esta (Rumanía), el Händel Festival Internacional de Gotinga actividad escénica se conserva en grabaciones dichas ‘piratas’, ya que su único (Alemania), el Festival Seviqc Brezice de Liubliana testimonio oficial fue un Aroldo verdiano en concierto en el Carnegie Hall (Eslovenia), el National Center for Early Music de York neoyorkino de 1979 junto a Montserrat Caballé. Un momento álgido de su carrera (Gran Bretaña), el Centro de Música Antigua de Riga fue el Turiddu de Cavalleria rusticana grabado para televisión junto a Fiorenza (Letonia) y Ozanggo Productions de Estrasburgo (Francia), Cossotto, bajo la dirección musical de Karajan y escénica de Strehler (1968). Un con el propósito de brindar las mejores condiciones clásico de la filmación operística. posibles de trabajo y de organización a grupos jóvenes. Como intérprete, Cecchele se dejaba llevar por la seducción y el poderío de sus En estos cuatro años de existencia, EEEmerging ha medios, su atractiva y viril presencia capaz de reflejar la entidad de cada personaje, seleccionado a veinticinco grupos y ha posibilitado 70 olvidándose a veces de infundirle un poco más de entusiasmo o dar mayor residencias y 170 conciertos y grabaciones discográficas. profundidad a sus motivaciones. Para el presente año, seis son los grupos Cantó en Madrid y Barcelona, y se prodigó en Bilbao y Oviedo. Para lo seleccionados. Además de los tres ya mencionados, anecdótico: Cecchele despertó la atención de un coronel melómano durante su figuran también Palisander (surgido de la Guildhall Scholl servicio militar, cantando Granada de Agustín Lara. Así y ahí comenzó todo. londinense), Concerto Di Margherita y el español Cecchele falleció el pasado 12 de diciembre en la misma ciudad donde había Cantoria, creado en el marco del Festival Internacional de nacido 80 años antes, Galliera Veneta (Padua). Música Antigua de Sierra Espuña (Murcia) e integrado por alumnos de la ESMUC. Fernando Fraga

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Ciclo la Europa de Murillo Quien tuvo, retuvo

Sevilla. Espacio Turina. 17-XI-2018. Emma Kirkby, soprano. Ensemble Phoenix Munich. Director: Joel Fredericksen. Obras de H. Purcell, D. Purcell y Blow. 7-XII-2018. Céline · Scheen y Lucía Martín-Cartón, sopranos. L’Arpeggiata. Directora: Christina Pluhar. Obras de Cavalli, Cazzatti y Allegri.

Emma Kirkby y el Ensemble Phoenix Munich.

Se aproxima a su fin el ciclo musical dedicado L’Arpeggiata, siempre con Christina por Sevilla a la música europea en tiempos de Pluhar a la cabeza, acudió a Sevilla por su parte Murillo, aunque aún habrá tiempo este mes de con un nutrido conjunto instrumental para enero de escuchar al Vocalconsort Berlin los acompañar a las sopranos Céline Scheen y Membra Jesu Nostri de Buxtehude, y al quinteto Lucía Martín-Cartón en un programa a mayor

actualidad nacional Vandalia un programa —rara ocasión esta— gloria del gran Cavalli. Una y otra de polifonía profana hispana del XVII. Entre ejemplificaron dos modos adecuados, pero visitas estimulantes como la de Marco Beasley vocalmente opuestos de acercarse al repertorio y exitosos conciertos como el de Enrico Onofri seicentesco italiano, que aquí incluía escenas de w con los Solistas de la Orquesta Barroca de ópera interludiadas por sinfonías del propio Sevilla, nos detendremos en dos de los más Cavalli y de contemporáneos como Cazzati o esperados conciertos del ciclo: los Allegri. La voz de la belga tardó en convencer, protagonizados por Emma Kirkby y el algo engolada de inicio, pero su belleza de Ensemble Phoenix Munich, por un lado, y el timbre, su redondez y su perfecta colocación dedicado por L’Arpeggiata a la ópera del incluso en las más complicadas agilidades Seicento italiano. acabaron por triunfar plenamente en un A sus casi setenta años sería obviamente repertorio que al fin y al cabo es bel canto. Por insensato esperar de la mítica soprano contra la soprano vallisoletana priorizó la británica una voz fresca y casi infantil como la palabra en su emisión, más natural y directa, que lucía en la plenitud de su carrera. Sin aunque casi siempre bien puesta y afinada, y se embargo, Kirkby manejó con sabiduría sus asió a los textos para transmitir el sentido medios y se apoyó en la dicción y su sentido dramático —humorístico en ocasiones— de teatral para dar vida a unas músicas estos. Pluhar condujo esta vez a su conjunto —canciones y dúos de obras escénicas de por derroteros ortodoxos, sin excursiones por Henry Purcell, aunque no de los más el crossover, pese a las extravagancias de un percusionista (escobillas incluidas) más jazzero que clásico. La viola da gamba de Prada, el Kirkby manejó con sabiduría sus medios y se apoyó en la dicción y su sentido violonchelo de Obregón y la tiorba de Martí teatral para dar vida a unas músicas cuyos secretos conoce al dedillo Durán —junto a la de Pluhar— dieron peso y variedad al continuo, por encima de una cuerda algo tenue y un Doron Sherwin valiente y variadísimo en dinámicas y articulaciones; conocidos— cuyos secretos conoce al dedillo. los arreglos marca de la casa —crescendos y De poner una voz en su mejor momento se decrescendos casi sinfónicos, enlaces encargó Joel Frederiksen, bajo, laudista y instrumentales de producción propia, director artístico para la ocasión: aunó improvisaciones constantes— convencieron al suprema belleza tímbrica con inteligibilidad público. plena, de notas y de palabra. El acompañamiento de Domen Marincic a la Juan Ramón Lara viola da gamba y Axel Wolf a la tiorba resultó no más que discreto y suficiente.

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XII Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza Creciente prestigio

Úbeda y Baeza. Jaén. 24-XI/7-XII-2018. Schola Pueri Cantores de la Catedral de Granada, Escolanía de la S. I. Catedral de Jaén y Capilla Musical de Seises de El Salvador. Héctor Eliel Márquez, Cristina García de la Torre y María Jesús Sánchez, directores, Klezmática. Euskal Barrokensemble. Klezmática. Coro Gulbenkian. Pedro Teixeira, director. Ensemble La Fenice, Capella Prolationum y Ensemble La Danserye. Jean Tubéry, director. Schola Antiqua. Juan Carlos Asensio, director. Javier Artigas, órgano.

histórica de las Vespro della Beata Vergine de Claudio Monteverdi. En el primer caso, una vez más Juan Carlos Asensio llevó a su grupo a lucirse en la reconstrucción de un Oficio de Vísperas del siglo XVI con órgano, fabordón y canto llano alternatim. En el segundo, la gran personalidad artística del director lisboeta Pedro Teixeira obtuvo del Coro Gulbenkian una máxima expresividad musical en un programa titulado “Rosa Immaculata”, que hacía un interesante repaso de piezas corales de Portugal y Schola Antiqva en la catedral de Jaén. España pertenecientes a los siglos XVI y XVII dedicadas a la La programación del Festival de Música mencionar dos actuaciones en las que la Virgen. Su actuación fue un ejemplo de cómo Antigua de Úbeda y Baeza, celebrado entre el 16 música antigua jugaba una función de interpretar con emocionado gusto y estudiada de noviembre y el 8 de diciembre, con más de inspiración manifiesta; así fue en el caso del precisión estas músicas ibéricas nacidas de una treintena de eventos a lo largo de quince grupo Klezmática con su presencia en la Iglesia creadores tan relevantes como Francisco jornadas, ha significado todo un ejemplo de de San Lorenzo de Úbeda, donde hizo una Guerrero, Felipe de Magalhães, Diogo Dias inquietud cultural, acierto en la difusión exposición panorámica de la música klezmer, Melgás, Duarte Lobo o Estêvao de Brito. musical y muestra recreativa y gozosa para con un acordeonista brillante como es Raúl Uno de los acontecimientos más todo tipo de público que, con sus eventos, ha Álvarez, aglutinador del discurso musical de su destacados de esta edición fue el taller de podido sentir ese difícil equilibrio de experimentar la música antigua divertidamente y con emoción. Esta intención se ha El FeMAUB ha significado todo un ejemplo de inquietud cultural, acierto en la conseguido con la organización de cuatro ciclos de conciertos, un importante taller de difusión musical y muestra recreativa y gozosa para todo tipo de público interpretación musical y una interesante conferencia en la que el musicógrafo Juan Lucas puso en contacto la figura de Beethoven grupo, y el violinista Pawel Hutnik, auténtico interpretación musical en torno a las Vísperas de con la música antigua. en estilo. El otro concierto fue el celebrado en la Beata Virgen de Claudio Monteverdi. Reunir a El núcleo de la programación se ha el Auditorio de San Francisco de Baeza por el tres grupos del prestigio del Ensemble La sustanciado desde el lema Vnitas et Diversitas, grupo Euskal Barrokensemble, liderado por su Fenice, la Capella Prolationum y el Ensemble La referido a la declaración de 2018 por la Comisión fundador, el laudista Enrike Solinís, que bajo el Danserye, bajo la dirección del gran cornetista Europea como Año Europeo del Patrimonio título “La profecía de la Sibila” mostró la francés Jean Tubéry y la colaboración de Cultural. De ahí el título de su ciclo más influencia de los ritos paganos en la liturgia Fernando Pérez Valera y el musicólogo Javier importante, “Estilos Nacionales en la Música cristiana del Medievo y el Renacimiento Marín López, a la sazón director del FeMAUB, Antigua”, marco en el que se desarrollaron sus europeos. La equilibrada y destacada calidad ha resultado un éxito sin precedentes en la eventos de más atractivo y mayor significación. técnica de sus nueve componentes fue historia del festival. Sólo cabe calificar su Para iniciar el ciclo, y bajo el título de ‘Europa: estimulada por el duende jondo de la cantaora interpretación como de una absoluta e Concierto de Naciones’, se reunieron en la María José Pérez, que hizo las delicias del inteligente muestra de la representación viva de catedral de Baeza cuatro instituciones corales público, y por la expansiva musicalidad del esta extraordinaria composición que significó para hacer un programa que ofrecía una visión contrabajista Pablo Martín Caminero, un a principios del siglo XVII todo un cambio de de la polifonía que se hacía en los siglos XVI y virtuoso en el manejo de su instrumento. paradigma en la historia de la música europea. XVII en naciones como España, Inglaterra, El Festival alcanzó el grado de excelencia Con conciertos de tal grado de excelencia es Alemania e Italia, destacando la interpretación en tres citas corales de máxima trascendencia donde este festival crece como uno de los conjunta del Miserere a nueve voces de Gregorio estética como fueron las que protagonizaron escenarios imprescindibles de la música Allegri bajo la dirección Héctor Eliel Márquez, Schola Antiqua en la catedral de Jaén, el Coro antigua en España. con una intervención destacada de la Escolanía Gulbenkian de Lisboa en el sancta sanctorum de de la S.I. Catedral de Jaén. la capilla de El Salvador de Úbeda y el José Antonio Cantón Siguiendo con el relato de los momentos celebrado en la catedral de Baeza la víspera del más relevantes de esta edición, hay que día de la Inmaculada, con una interpretación

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ACTUALIDADNACIONAL > ANDALUCÍA > CASTILLA Y LEÓN

Temporada del Teatro de la Maestranza Contra las dictaduras

Sevilla. Teatro de la Maestranza. 2-XII-2018. Krenek, El dictador. Martin Gantner, Natalia Labourdette, Vicente Ombuena Nicola Beller Carbone. Director musical: Pedro Halffter. Director de escena: Rafael Rodríguez Villalobos. Ullmann, El emperador de la Atlántida o La abdicación de la muerte. Martin Gantner, David Lagares, Sava Vemic, José Luis Sola, Vicente Ombuena, Natalia Labourdette, Nicola Beller Carbone. Bailarinas: Cristina Arias y Marta Otazu. Director musical: Pedro Halffter. Director de escena: Gustavo Tamabascio (con reposición de Rafael Rodríguez Villalobos).

Como doble sesión en “memoria de Viktor emperador, ambas piezas basadas en Ullmann y Peter Kein y todos los que murieron movimientos de la Sonata para piano en los campos de concentración durante la nº 7 de Ullmann y orquestadas por dictadura del III Reich”, se han programado Halffter, como toda la ópera, cuya Guillermo Mendo estas dos óperas que muestran de manera versión ya pudo oírse en Madrid, en dramática y sarcástica el horror de las junio de 2016. La puesta en escena dictaduras. El dictador, con libreto del propio del desaparecido Tambascio, Krenek, está inspirado en la figura de repuesta por Villalobos, fue una Mussolini, que exhibe tanto sus ansias de poder grata sorpresa para un público que como su brutal capacidad de seducción sexual. iba con cierta reticencia a estas La ópera se estrenó en Wiesbaden en 1928, y óperas ‘degeneradas’. Aquí la labor noventa años después lo ha hecho aquí en del equipo escenográfico fue mucho España. Son sólo cuatro personajes: el más vistosa que en El dictador, y la Dictador, su mujer Charlotte, un Oficial ciego, dirección del regidor alcanzaba y María su mujer. Esta última pretende vengar a cotas reservadas a los elegidos. La su marido matando al Dictador, pero cae presa trama de la obra es compleja. A la de sus encantos; por celos Charlotte dispara megalomanía del Emperador contra él, pero María se interpone y muere; Overall se contrapone la rebelión de el Oficial llama desesperado a su mujer. la Muerte, que le obliga al suicidio La música potencia la violencia de los hechos. para restaurar el orden en la El barítono Gantner bordó su papel con una sociedad. La obra escrita en un actuación dramática excelente, caracterizado a campo de concentración en 1943 y lo Trump. Labourdette, Ombuena y Beller lo estrenada en Ámsterdam en 1975, secundaron con solvencia. La escenografía de alcanza con la orquestación de Ricardo Sánchez Cuesta, el vestuario de Jesús Halffter, ‘oscura y casi espectral’, su Ruiz y la iluminación de Felipe Ramos plenitud. De nuevo destacó Gantner. enriquecieron la representación en la que Y los demás, incluidas las bailarinas, debutaba en su ciudad el joven Villalobos. crearon un gran espectáculo. Como nexo se interpretaron el Adagio in memoriam Ana Frank y la Pequeña obertura para El Jacobo Cortines Escena de El dictador de Ernst Krenek.

Temporada de la OSCyL Tinte expresionista mahleriano

Valladolid. Auditorio Miguel Delibes. 1-XII-2018. Mahler, Sinfonía nº 9. Director: Andrew Gourlay.

Esa subespecie tan curiosa, la de los sinfonismo romántico y posromántico. Su Andante comodo inicial tuvo el acierto de ser mahlerianos que devoran kilómetros para punto de vista disecciona meticulosamente el guiado (e incluso liderado) por la sección de acudir a escuchar una interpretación de la trabajo de sección con una visión general muy contrabajos con el sentido de avance firme, de música de su héroe, tuvo motivos para salir concreta en mente. El resultado final ante el movimiento y dirección hacia adelante. con la gracia recibida tras una nueva exhibición público es sinceramente apabullante. Extraordinaria interpretación en la que los de grupo compacto, preciso, enérgico y Dejando aparte las intervenciones de cada momentos mágicos se suceden uno tras otro, expresivo como lo es la actual Orquesta uno de los solistas, magníficas todas ellas sin sacando lo máximo de ese gracejo popular con Sinfónica de Castilla y León. En ocasiones, para excepción y espectaculares en el caso de tinte expresionista mahleriano tan bien traído que las cosas sean creíbles, es preciso repetirlas Alberto Menéndez, el trompista invitado, el en su frontera con lo grotesco musical. Tal vez e insistir en ellas, por lo que ciertamente grueso de la formación ofrece unos pasajes pudo haber una sección más floja en los pasajes insistiremos en que no hay un puñado de intensos de tutti expresivos en la cuerda, contrapuntísticos del tercer movimiento, formaciones nacionales con mejores verdaderamente memorables. Los vientos, cuando lo lírico pierde peso frente a los prestaciones sonoras que la OSCyL. Si bien asimismo, exhiben su versatilidad como una de momentos más técnicos, lo cual no impide Andrew Gourlay dejó algunas dudas en su sus mejores virtudes y la mirada de Gourlay se reconocer una orquesta que está en su cima en interpretación de la Décima la temporada encarga de que en el voluminoso todo no se cuanto a sonido con personalidad propia. pasada, a estas alturas se ha confirmado y pierda y no quede sin escucharse ninguna de asentado como un brillante conocedor del gran las notas escritas por Mahler en la partitura. El Enrique García Revilla

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ACTUALIDADNACIONAL ARKADI VOLODOS AUDITORIO NACIONAL MADRID MARTES, 8 DE ENERO. 19:30 H.

CICLO GRANDES INTÉRPRETES 24 Los mejores pianistas del mundo

ORGANIZA PATROCINA COLABORAN

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ACTUALIDADNACIONAL > CATALUÑA

Temporada de BCN Clàssics Un regalo encantador

Barcelona. Petit Palau. 11-XII-2018. Montsalvatge, Una voce in off. Raquel Lojendio, soprano. Carles Pachon, barítono. Marc Sala, tenor. Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana. Ensemble Orquestra de Cadaqués. Director: Miquel Ortega.

Desde su fundación, en 1988, la música de Se ha interpretado poco esta joya lírica de Xavier Montsalvatge ha estado en el ADN de la Montsalvatge desde su estreno en el Liceu en Orquestra de Cadaqués. La relación con el gran 1962. Cuarenta años después de ese estreno, y compositor catalán fue rica y estrecha en lo como homenaje póstumo, Antoni Ros Marbà artístico y en lo sentimental, creando unos dirigió una versión de concierto en el coliseo vínculos de afecto y admiración que, tras su lírico de la Rambla, que acogió su última muerte, en 2002, sigue viva en las temporadas representación en 2015, en un montaje dirigido de la orquesta fundada por Llorenç Caballero. Y escénicamente por Paco Azorín y este año, como regalo navideño a sus abonados musicalmente por Pablo González. Un (tuvieron la entrada gratis), la temporada de historial demasiado corto para una ópera llena BCN Clàssics les ha sorprendido con la versión de atractivos en la que se respira la admiración Miquel de cámara de la ópera Una voce in off dirigida con que su autor sentía por Puccini. En un país Ortega entusiasmo y hondo lirismo por Miquel Ortega, seriamente comprometido con su patrimonio autor también de los refinados arreglos que, lírico, Una voce in off sería un título de interpretando con gran expresivida y una bella utilizando la misma plantilla de la versión repertorio. También en un país serio y voz lírica el papel de Angela, eje del curioso original de El amor brujo, mantiene con vigor el comprometido con sus artistas, Miquel Ortega triángulo amoroso del libreto —escrito en intenso lirismo y los rasgos esenciales del estilo tendría una presencia regular tanto en el Liceu italiano por el propio Montsalvatge, a partir de de Montsalvatge; inspiración melódica —en como en el Palau y el Auditori. No es así, por un relato imaginario de Joan Puigdeval— que este caso con la huella de la gran tradición lírica desgracia, y este doble éxito, como director y muestra cómo se trunca la relación con su italiana—, elegancia en la línea de canto y en los autor de esta bellísima versión de cámara, amante, Mario, al escuchar la declaración de detalles orquestales y una atmósfera teatral con debería cambiar las cosas, máxime después del amor póstuma que su marido, Claudio (la voce deliciosos acentos veristas. gran éxito obtenido en el Teatro de la Zarzuela in off) le deja en una cinta grabada. A gran nivel Tres solistas vocales de gran calidad, una con su ópera La casa de Bernarda Alba, inédita, también rayaron dos voces muy jóvenes en formación coral bien preparada por Xavier por cierto, en el Liceu. ascenso, Carles Pachón, que supo recrear sin Puig y el estupendo Ensemble Orquestra de Subrayó con acierto el sentido cantabile de excesos los acentos veristas de Mario, y Marc Cadaqués, mantuvieron alto el listón de calidad la partitura —comparte Ortega con Sala, que lució un canto elegante, de delicado de una versión de concierto dirigida con buen Montsalvatge la inspiración melódica— y lirismo en la parte de Claudio. pulso dramático, vuelo lírico y máximo acompañó con cuidado a los tres solistas. cuidado en el acompañamiento de las voces. Estuvo magnífica Raquel Lojendio Javier Pérez Senz

Temporada de Palau Bach Fuente de la que mana belleza

Barcelona. Iglesia de Santa Maria del Pi. 3-XII-2018. Schein, Israelis Brünnlein. Collegium Vocale Gent. Director: Philippe Herreweghe.

Si no fuera por el extraordinario músico e secuencias enteras sino frases, a veces muy de Santa Maria Pi. Tratamiento polifónico, sí, investigador que es Philippe Herreweghe, muy breves, lo que le permite explorar pero también atrevimientos armónicos que en pocos recordarían al compositor alemán musicalmente los sentimientos contenidos en la época de Schein tuvieron que asombrar; una Johann Hermann Schein (1568-1630), quien, al cada palabra, es decir, que la tradición de los purísima línea de canto y una dicción esmerada ocupar la plaza de Kantor en la Thomaskirche severos motetes protestantes se ve enriquecida en los cinco solistas vocales; todo conspiró de Leipzig un siglo antes que Johann Sebastian —cuando no substituida— por la influencia para que de la ‘fuente de Israel’ manara una Bach, se convierte quizá en su más ilustre del estilo de los madrigalistas italianos. No en belleza brillante, delicada, extraordinaria. predecesor. vano un contemporáneo de Schein lo llamó Herreweghe, además, optó por dividir la Fue Herreweghe, en efecto, quien hace maestro del stylo madrigalesco. larga serie de 25 frases en tres secciones, en veinte años llevó por primera vez al disco la Herreweghe exploró esa complejidad, cuyos dos intermedios Thomas Boysen a la Israelis Brünnlein (La fuente de Israel, me parece situada en una tradición que arranca de la tiorba desgranó dos tocatas de Kapsberger, un mejor el singular como avala la traducción polifonía medieval alemana y que en La fuente contemporáneo y compatriota de Schein que italiana de la época, Fontana d’Israel), una de Israel aboca ya a ‘madrigales espirituales’, significativamente residió habitualmente en selección de frases de las Escrituras a las que fruto del fecundo influjo de Italia. Sobre un Roma. Estos interludios proporcionaron una Schein pone música y que constituye la más reducido y exquisito tejido instrumental — delicada interrupción de las series de frases impresionante obra del compositor. Se trata, violonchelo, violón, tiorba y órgano— cinco musicadas. Un concierto ‘espiritual’ en un como hace presumir el título, de lugares del solistas vocales —dos sopranos, contratenor, espacio espiritual. Una auténtica delicia para Antiguo Testamento, especialmente de los tenor y bajo— formaban un coro maravilloso. los sentidos y para el alma. Salmos y de los Profetas. Pero Schein, que La música, concertada por la sabia mano de también era poeta, gusta de seleccionar no Herreweghe se proyectaba sobre la nave gótica José Luis Vidal

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Temporada de la OSG Un Mesías al año no hace daño

La Coruña. Palacio de la Ópera. 6-XII-2018. Haendel, El Mesías. Jone Martínez, Francesca Ascioti, Richard Resch, Víctor Cruz. Coro de la Orquesta Sinfónica de Galicia. Coros invitados. Orquesta Sinfónica de Galicia. Director: Carlos Mena.

Precioso Mesías participativo —nueve coros coros convocados, que esperaban este agilidades y muy cuidadosa línea —la forma de invitados, a más del titular— el que Carlos momento y que supieron disfrutarlo escandir las sílabas en el tercer verso de su Mena dirigió a la Sinfónica de Galicia bajo el intensamente. maravillosa aria I know that my redeemer liveth fue patrocinio de la Obra Social La Caixa. El gran Mena dispuso además de cuatro solistas un ejemplo evidente de buen gusto y de respeto contratenor vasco es un muy interesante muy adecuados, un tenor vibrante, un bajo de al bien cantar—. Atentos a su nombre y a sus director que busca en la obra de Haendel muy inteligente capacidad expresiva y una conciertos. En fin, que todos los años por estas fluidez y transparencia, lirismo y energía contralto —más bien mezzo— de muy fechas cae algún Mesías. Pero si es tan animado, cuando uno y otra convienen, y que consigue hermoso esmalte. La sorpresa de la noche tan vivaz, tan gozoso como este de Carlos la complicidad del público a partir de un gesto estuvo a cargo de la joven soprano Jone Mena, no hace daño. siempre cálido. Con él gestionó la nada fácil Martínez, alumna de Olatz Saitua, Maite tarea de unir tantas voces y lo hizo sabiendo Arruabarrena y el propio Mena, de precioso Luis Suñén aprovechar muy bien el entusiasmo de los timbre, muy buena disposición para las

Ciclo Universo Barroco Pasiones humanas de aquí y de allá

Madrid. Auditorio Nacional. 4-XII-2018. Roberta Mameli, soprano. Juan Sancho, tenor. Accademia del Piacere. Director: Fahmi Alqhai. Obras de S. Rossi, Monteverdi, Marini, L. Rossi, Sanz, Hidalgo, Durón y Nebra.

Hace unos años, en una entrevista, Fahmi Alqhai me soltó una frase de esas que solo se le pueden ocurrir a un sevillano castizo del barrio de San Lorenzo como es él: “El día que haga Megias/CNDM Elvira caso a los puristas, me tendré que ir a tocar a la cabaña de Sainte-Colombe”. Después de haber llenado a rebosar auditorios de medio mundo con programas con cantaores flamencos como Arcángel o Rocío Márquez, lo de dar explicaciones de por qué mete en un mismo saco a Monteverdi y a Nebra es algo que, la verdad, se la trae al pairo. Lo hace porque le da la gana, porque toca esta música mejor que nadie y porque tiene un público fiel que disfruta con cada una de sus propuestas, por heterodoxas que estas puedan resultar. “Il Gran Teatro del Mondo”, que así se italiano. Hay pocas interpretes tan cualificadas Rami, violone—, la violagambista Johann Ross, llama su último programa, reúne para este repertorio. Y junto a ella, un viejo el tiorbista y guitarrista Miguel Rincón, y el principalmente músicas italianas y españolas colaborador de los Alqhai, el tenor sevillano clavecinista Javier Núñez) es que lleva tocando del siglo XVII, pero también, en menor medida, Juan Sancho, omnímodo en cuanto al Barroco junta toda la vida y sabe desde el primer del siglo XVIII (solo españolas). No hay respecta, pues se encuentra tan cómodo con minuto y hasta el último a qué juega. En esta ninguna lógica a la hora de aglutinar estas Monteverdi y Cavalli como con Haendel y ocasión se unió el excelente violinista barroco obras. Tampoco existe ningún manual de estilo Bach. Los maravillosos momentos vocales de Daniel Pinteño, quizá para recordar a los que diga cómo debe confeccionarse el Monteverdi (extraídos de Il ritorno d’Ulisse in puristas que la cabaña sigue abierta por si programa de un concierto para satisfacer el patria) se mezclaban con los no menos alguien quiere refugiarse en ella: meter un gusto de los puristas. Es música buena, muy maravillosos de Juan Hidalgo (sacados de Los violín en un consort de violas no era una buena, superlativa… Y no creo que haya mejor celos hacen estrellas), entreverados por piezas combinación orgánica muy habitual en aquel justificación que esa, salvo para los que añoran instrumentales de Salomone Rossi, Biagio tiempo (tal vez, ni siquiera se dio tal a todas horas la cabaña de Sainte-Colombe. Marini o Gaspar Sanz, para concluir con arias combinación), pero ni falta que hace: funciona, Por primera vez Accademia del Piacere de Durón y Nebra (magnífica la pronunciación y no hay que darle más vueltas. contaba con la colaboración de la soprano española de Mameli). Roberta Mameli, de voz tan poderosa como Uno de los secretos de esta gente (los Eduardo Torrico sensual, dominadora plena del primer Barroco hermanos Alqhai —Fahmi, violino da gamba, y

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Liceo de Cámara XXI Elogio a la exuberancia

Madrid. Auditorio Nacional. 11-XII-2018. Cédric Tiberghien, fortepiano. Chiaroscuro Quartet. Obras de Beethoven, Mendelssohn y Schumann

Los motivos que justifican la fama de la que “Razumovski” se suele llegar a la entente cordiale Con un Cédric Tiberghien algo apocado y disfruta durante estos últimos años el de situarlo tras alguna pieza de una extrovertida Alina Ibragimova se inició la Chiaroscuro Quartet van mucho más allá del calentamiento. No fue el caso. Parte de la segunda parte del concierto, con la Sonata para uso de las cuerdas de tripa. Se trata de una dificultad de la pieza radica en su naturaleza violín y piano en Fa menor de Mendelssohn en los concepción general de la música de cámara fronteriza, compuesta en un momento en el atriles. La violinista optó por una visión más muy poco transitada, donde no se suavizan las que Beethoven había comenzado a adentrarse lírica que contenida, como una especie de costuras de los fragmentos melódicamente en nuevos bosques, lejos de aquel mero continuación natural del Beethoven anterior. más descubiertos ni se matiza la oscuridad pronóstico de revolución de unos años antes. Con todo, el epicentro estuvo en el Quinteto para creativa de algunos pasajes. Se podría resumir Trasladar al microuniverso del cuarteto este piano y cuerdas op. 44 de Schumann. Aquí es en que no sólo cambia el sonido en sí mismo nuevo lenguaje es siempre tarea compleja. La donde el paisaje se reinventó por completo sino también la forma de abordarlo en todas versión del Chiaroscuro tuvo un fuerte gracias a la tímbrica exuberante que aportaba sus facetas, desde la presencia sobre el componente narrativo, desplegando un la mezcla entre cuerdas y fortepiano. El balance escenario (de pie) hasta el juego de balances discurso que se fue construyendo en base a instrumental, mucho menos desequilibrado sonoros. En su esperada visita al Auditorio una arquitectura dinámica bien premeditada sin piano de por medio, permitió observar los Nacional hubo algunos cambios, como secuela y al dialogo fluido entre los violines. La pentagramas bajo una luz totalmente distinta, inevitable de la ausencia por enfermedad de trampa que supone el aparentemente plena de romanticismo y sentido de la Kristian Bezuidenhout. deslavazado segundo movimiento se superó naturaleza. Una muestra inicial de valentía fue el con inteligencia, y el violonchelo de Thirion propio arranque del programa. Si se va a defendió sin fisuras ni excesos de brillo el Mario Muñoz Carrasco tocar el primero de los tres Cuartetos Adagio y el Allegro final.

The London Music N1ghts Arte vibrante, epifanía y catarsis

Madrid. Café Comercial. 05-XII-2018. Trío VibrArt. Obras de Schubert y Shostakovich.

Asir lo inasible es, por definición, imposible. 929 de Schubert y el Y eso es lo que ocurre ‘un poco’ con ese arte Trío nº 2 en Mi menor efímero que es la música: asirla resulta op. 67 de

imposible. Sin embargo, ese ‘un poco’ es Shostakovich. Dos Thallium Michael precisamente lo que hace que, aunque no se obras separadas por pueda asir en su conjunto, sí la podamos 116 años, pero disfrutar ‘un mucho’, instante a instante, en el unidas por la transcurso del tiempo, cuando las ondas presencia de la sonoras, por una suerte de magia orgánica, se muerte: la de transforman en el cerebro convirtiéndose en Schubert compuesta bellos sonidos y armónicas melodías que nos en 1828, año de su hacen vibrar en sintonía. Pocas veces se logra fallecimiento, todo que esa sucesión de instantes se convierta en un canto del cisne; la verdadero arte vibrante. Y eso fue de Shostakovich, precisamente lo que logró el Trío VibrArt en las compuesta en 1944 noches del madrileño Café Comercial. Hay entre los horrores de la Segunda Guerra origen judío, comienza con un suave y momentos en que uno es consciente de que Mundial, todo un angustiado canto que evoca melancólico canto del violonchelo en un aquello de lo que es testigo tiene una el holocausto judío. registro muy alto de armónicos al que luego se transcendencia que va mucho más allá del El conocido trío de Schubert es una obra une el violín en un registro muy bajo y, mero entretenimiento. Creo que no me de exquisita belleza melódica y potente finalmente, entra el piano que los acompaña. El equivoco al decir que quienes fuimos testigos expresividad que Schumann y Brahms Trío VibrArt logró la catarsis: expresividad, del recital del Trío VibrArt convendríamos en valoraban en su día por encima de los tríos de angustia, contraste, dinamismo, belleza, afirmar que Miguel Colom (violín), Fernando Beethoven. Fue también una de las últimas que sentimiento, potencia, lucha, arrebato, Arias (violonchelo) y Juan Pérez Floristán el compositor austriaco pudo ver interpretadas delicadeza… Y hete aquí la epifanía: los tres (piano) hicieron arte vibrante no ya de la buena antes de fallecer. El Trío VibrArt interpretó esta músicos españoles se manifestaron como todo manera, sino de la excepcional y única. obra con una visión interior, mental y un referente mundial. En el programa, dos obras de cámara de sentimental, clarísima y definida que superó la dos compositores con un marchamo alteza de la melopea schubertiana. La obra de Michael Thallium inconfundible: el Trío nº 2 en Mi bemol mayor D Shostakovich, llena de melodías y danzas de

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Temporada del Teatro Real Demasiado Wilson para Puccini

Madrid. Teatro Real. 5 y 9-XII-2018. Puccini, Turandot. Irene Theorin/Oksana Dyka, Gregory Kunde/Roberto Aronica, Yolanda Auyanet/Miren Urbieta-Vega, Andrea Mastroni/Giorgi Kirof. Director musical: Nicola Luisotti. Director de escena: Robert Wilson.

Con el habitual remate de Alfano y Toscanini y no el reciente y menos aparatoso de Berio, Robert Wilson fue fiel a sí mismo y a sus ideas Javier del Real Javier teatrales: espacios desnudos, vestuario (Jacques Reynaud) de corte sencillo, casi monacal para el coro y algo más detallado en su chinería para el resto, colores oscuros y mates (salvo un rojo brillante asociado a Turandot), actitudes medidas y solemnes de un estatismo generalizado, momentáneamente sustituidas por movimientos de marionetas o, en el caso de los ministros, de saltimbanquis. Sus montajes son tan parecidos unos de otros que pueden parecer el mismo espectáculo con distinta música de fondo. El variado y expresivo uso de la luz (del propio Wilson) aligeró un tanto la candente monotonía de una abstracción escénica que ignora el apuñalamiento de Liù, el ardiente beso de Calaf y otros datos argumentales, mientras la evocación chinesca se reduce al ya citado vestuario, al prescindir el montaje de decorados que así lo acrediten (ausencia que, por otro lado, facilita la ágil sucesión escénica). Un espectáculo muy trabajado y elaborado, con resultados conformes al discutible concepto; y es que hay que reconocer que, ante tanta caprichosa necedad intenciones. Ella, atenta al fraseo de forma la cantante vasca y más dramática la canaria. que hoy padecemos por parte de algunos detallada y certera; él, exhibiendo la belleza y la El Timur de Andrea Mastroni se impuso con presuntos directores de escena, esta viajera seducción de una voz mediterránea de unos medios sólidos y noblemente timbrados, producción (Toronto, Houston y Vilna) al homogéneos contornos, fácil emisión y puestos en evidencia continuamente y de menos resultó en su conjunto bastante registro seguro y generoso. En el equipo forma muy emotiva en el lamento final por la tolerable. A su peculiar manera expone con alternativo, Irene Theorin y Gregory Kunde esclava; no así ocurrió con Grigori Kirof, de claridad el argumento central, aunque a exhibieron un canto de arrebatadora potencia centro apreciable pero corto de fiato y con una menudo fuera sesgadamente narrado. y espectacular entrega. La Turandot de octava superior limitada. Puede que estuviera Ayudó a ello, sin reticencias, con una Theorin, repetidamente triunfante en cualquier en baja forma. En continuo y agobiante ajetreo, orquesta capacitada para tamaño desafío, la soberbia dirección de Luisotti, de una imponente construcción sonora, suntuosa Robert Wilson fue fiel a sí mismo y a sus ideas teatrales. como la partitura requiere, pero a la vez con Sus montajes son tan parecidos unos de otros que pueden parecer delicados matices y multicolores reflejos. el mismo espectáculo con distinta música de fondo Como buen director de foso que es, Luisotti estuvo atento a las voces y a un coro (un personaje más de la acción, con un maravilloso escenario de prestigio, fue incisiva en el fraseo, superando impertérritos tanta actividad física, canto a la luna que puede ser calificado como imponente de empuje y con una voz que los tres ministros (Joan Martín Royo, Vicenç ‘su’ aria) capaz de sacar a la luz la exigentísima, ganaba fuerza y proyección en los siempre Esteve y Juan Antonio Sanabria), estuvieron a puntillosa y diferenciada escritura pucciniana. generosos y potentes agudos. la altura de la tarea tanto en solitario como en Un elogio extensible a los pequeños cantores Por su parte, Kunde combinó la conjunto. La gloriosa veteranía de Raúl de la JORCAM. equivalente energía canora de la soprano y dio Giménez destacó un Altoum tan bien dicho Nina Stemme, dada su previa y rienda suelta, cuando le fue posible, a un como comunicado. Generoso el Mandarín de problemática Brünnhilde en la Royal Opera, cuidado lirismo de enorme elocuencia vocal. Gerardo Bullón. El grito de despedida tenoril con serios problemas en los agudos, declinó su Un inexorable e ineludible lirismo que del Príncipe de Persia y las intervenciones delle anunciada presencia; el vacío fue cubierto por compartieron las dos Liù, Miren Urbieta-Vega y ancelle de Turandot fueron cubiertas por las otras dos sopranos programadas. La atenta Yolanda Auyanet, ambas dotadas de cantidad y distinguidos y anónimos miembros del batuta, en el caso de la pareja Oksana Dyka- calidad instrumental suficiente para estupendo coro de Andrés Máspero. Roberto Aronica, les facilitó una contención de aprovechar con creces las oportunidades maneras, una prudencia en el planteo capaz de canoras y expresivas que ofrece tan Fernando Fraga llevar a buen puerto sus respectivas arrebatador y adorable personaje, más elegíaca

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Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la UAM Poética y alquímica fusión de culturas

Madrid. Auditorio Nacional. 15-XII-2018. La Grande Chapelle. Director: Albert Recasens. El nacimiento en las tres Culturas.

En esta ocasión, y de la mano de la combinan y se alternan con la koultral, el ‘ud o A lbert Universidad Autónoma de Madrid, La Grande el qanun. Con un resultado que habría que R ecasens Chapelle ha penetrado en territorios poco calificar de exquisito y por momentos hollados que nos han abierto los oídos y la adormecedor, tal es la capacidad de mente, a lo largo de una sesión maratoniana, ensimismamiento a la que llegamos siguiendo sin descanso, de más de una hora y media, los melismas, las danzas, los caracoleos, las dividida en cinco apartados: El recuerdo del frescas resonancias de unas y otras músicas. pasado: El paraíso perdido; El despertar de los Para que así fuera se necesitaba un equipo sentidos, Los desposorios, El nacimiento y La tierra de mixto de categoría. Y lo hubo. Por un lado, el acogida. Un bellísimo programa que se conjunto propiamente dicho de La Grande

enhebraba en torno a esa idea de la natividad y Chapelle, con sus viellas, su laúd, su guitarra, Noah Shaye del origen de la vida enmarcado en el ámbito sus cinco cantores, de cuyos nombres nada se de las culturas musulmana, judía y cristiana. decía en el programa de mano. Y eso que como El tiempo pasado, el despertar de los sentidos, solista de estos últimos figuraba el contratenor el ritual de la boda (con los cantares a la alemán Franz Vitzthum, de bien timbrado y novia) y el hecho del nacimiento mismo afinado instrumento, que hizo algunos solos desfilaron ante nuestros oídos en una lenta y muy bellos, como el de A los maitines eran del gratificante sucesión. Cancionero de la Colombina. Colaboraron, desde Un fresco, bien comentado en el programa la parte sefardí, las cantantes Beihdja Rahal, de concierto y aplaudió unánime después de la de mano por Recasens, situado en torno a timbre opaco y buena articulación (que manejó última pieza, el hermoso Laudate pueri a cuatro 1.500, en el que hallamos cánticos sefardíes también la koultra) y François Atlan, de voces del Cancionero de Palacio, con el pequeño (baladas, cantos de boda, nanas) y obras sonoridades más soleadas y agudas, Nadji coro instalado en el palco y con la polifónicas de los reinos cristianos (villancicos, Hamma (‘ud, el laúd árabe) y Nidhal Jaoua participación en singular fusión de los romances profanos). Encontramos piezas en (qanum, suerte de cítara). intérpretes sefardíes. forma de nuba (reguladas a partir de un modo Recasens, enhiesto, sobrio, sereno, o escala) y piezas en dialecto argelino organizó ese manso discurrir a la perfección Arturo Reverter enlazadas por episodios instrumentales. Las sin un solo fallo. El público, que abarrotaba la vihuelas de arco, vihuela de mano/laúd y arpa sala, siguió —toses aparte— muy atento el

Concierto extraordinario de Navidad Silencio estruendoso

Rascafría. Monasterio de El Paular. 16-XII-2018. Filippo Mineccia, contratenor. Nereydas. Director: Javier Ulises Illán. Obras de Stradella, Pasquini, Cavalli, Hasse, Jommelli, Bisso y Durante.

El público de Madrid tiene fama de ser este bendito silencio. No es, por tanto, Alessandria de Matteo Bisso y Sant’Antonio da especialmente ruidoso. Tanto es así que no casualidad que el nombre de este ciclo sea Padova de Francesco Durante. pocos directores de orquestas internacionales precisamente “Silencios”. Acaso Mineccia no forme parte del actual previenen a sus músicos sobre lo que se van a Javier Ulises Illán, al frente de Nereydas, y star system contratenoril (catalogación que en encontrar cuando han de tocar en esta ciudad o el contratenor Filippo Mineccia proponían dos algún caso viene más determinada por una sus alrededores. Por eso, sorprende el silencio programas en uno. La primera parte, dedicada extravagante personalidad que por una sepulcral que de un tiempo a esta parte se está al castrato Giovanni Francesco Grossi (con arias consistencia canora), pero hay pocos produciendo en algunos de los conciertos de dos oratorios que estrenó, San Giovanni contratenores que canten con la sinceridad, la organizados por la Comunidad de Madrid. Battista de Alessandro Stradella e I fatti di Mosè in honradez y la emotividad con que lo hace ¿Tiene que ver con que el público que acude a Egitto de Bernardo Pasquini, así como de la siempre el florentino. Conjugó la afectividad de estos conciertos no es el habitual y, por ello, se ópera de Francesco Cavalli Scipione Africano, las arias de sentimiento con un desbordante muestra más respetuoso? ¿Puede influir lo uno de cuyos personajes le proporcionó el virtuosismo en las de bravura. La orquesta lo impresionante de un escenario como la capilla apodo con el que pasaría a la posteridad: arropó soberbiamente en todo momento, del Real Monasterio de Santa María de Siface). La segunda parte, con obras sacras de la gracias a una muy adecuada dirección de Illán, El Paular, con su imponente retablo primera mitad del siglo XVIII debidas a al que no se le escapó el más mínimo detalle. renacentista en alabastro? ¿O quizá lo que compositores napolitanos o que fueron La nana Dormi, o fulmine di guerra (del La Giuditta realmente sobrecoge es la belleza de la música estrenadas en la ciudad partenopea: la antífona de Alessandro Scarlatti), ofrecida al final como que se interpreta? Es probable que por sí Alma redemptoris mater de Johann Adolf Hasse, bis, acabó haciendo aún más estruendoso el misma ninguna de estas circunstancias sea un extracto de una lamentación para el silencio. suficiente, pero tal vez la conjunción de las Miércoles Santo de Niccoló Jommelli y arias de tres sí sirve para entender por qué se produce los oratorios San Atanasio il Gran patriarca di Enrique Velasco

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Preludio de Jesús Ruiz Mantilla Cuando las palabras suenan

Madrid. Sala Arte & Desmayo. Adaptación teatral e interpretación de Daniel Ortiz.

Todo empezó con una reseña. Allí, entre las artefacto imaginario páginas de un periódico, el actor Daniel Ortiz al que dan forma las recibió el primer aguijonazo. “El furioso interpretaciones de monólogo de un pianista obsesionado con Tracy Xian y Alfred Chopin y el preludio de su propia muerte”, Cortot. Pero la música decía la nota a propósito de la segunda novela no habita en ellas, del periodista y escritor Jesús Ruiz Mantilla. Al sino en las palabras día siguiente, Ortiz se hizo con un ejemplar de del intérprete, que Preludio (2004). Leyó el libro de un tirón y, al logra interiorizar los llegar la última página, sintió la necesidad padecimientos de un artística y vital de adaptar, producir y llevar a artista obsesionado escena la angustia existencial de su con la perfección y protagonista, León de Vega, pianista genial y nos asoma al abismo atormentado, ‘ambidiestro y ambisiniestro’, tan de un hombre malogrado en sus aspiraciones por llevar una marcado por un vida normal como decidido a sobrepasar los recuerdo de infancia. límites del instrumento. La versión teatral Los Preludios de Chopin no sólo articulan la de la novela (que narración en 24 capítulos —desde el Agitato acaba de reeditar que presenta al personaje atrapado en la Galaxia Gutenberg) soledad de su estudio hasta el conclusivo y dura 85 minutos, que demoledor Allegro apassionato— sino que es el tiempo que tardó Ruiz Mantilla en misma edad que el personaje”, añadía. El además marcan el ritmo interior del monólogo contestar al primer mensaje del actor. En él le resultado es una obra tan sencilla en apariencia y lo impregnan del salitre que rodeó al pedía dos cosas: permiso para resucitar a León como fabulosamente profunda, un ambicioso compositor durante su estancia en Mallorca. de Vega sobre las tablas y disculpas por haberse experimento dramatúrgico que nos reconcilia Fue en la Cartuja de Valldemosa donde Chopin tomado la libertad de adaptar la historia sin su con las excentricidades del intérprete y nos compuso buena parte de su Op. 45, un surtido consentimiento. “Si hubiera leído la novela acerca a la más sombría y sobrecogedora de piezas abrumadoramente breves, imbuidas cuando se publicó hace quince años no habría soledad del piano. de una extraña melancolía, a veces dolorosa y estado preparado para afrontar este reto”, otras gozosamente eufórica, pero siempre confesaba Daniel Ortiz tras el estreno. “Pero un Benjamin G. Rosado arrebatada y sublime. El espacio en el que se guiño del destino quiso que Preludio llegara a mi mueve el actor está vacío. El piano es un vida cuando acababa de cumplir 43 años, la

Temporada de la OSRTVE Adiós a San Lorenzo

San Lorenzo del Escorial. Teatro Auditorio. 30-XI-2018. Daniel Müller-Schott, violonchelo. Director: Erik Nielsen. Obras de Lalo y Dukas.

Edouard Lalo fue uno de los renovadores de detalles como los pizzicati —llovizna impresionista, intermitente, no está ahí en su la música sinfónica francesa de finales del siglo minuciosa— con que poblaron el final del andadura melódica, sino más bien en algunas XIX, junto a Franck y Saint-Säens, las cabezas Andantino. También con un Müller-Schott armonías y en la delicadeza general. Menos más visibles del selecto grupo. Sus obras se muy aéreo, dotado para el canto lírico del aún se manifiesta en su única sinfonía caracterizan por la línea clara de la violonchelo y de notable variedad cromática, superviviente a su enorme autocrítica, una arquitectura y el baño de luz de sus quien puntuó algo más en expresividad que en obra de trazado rectilíneo y a menudo tonalidades. Su wagnerismo, casi obligado en virtuosismo puro. explosiva, con algunos temas franckianos. La tiempos, fue sólo una escarlatina, pues su Si Lalo fue el prototipo de hombre culto, versión de Nielsen fue vibrante, con calor y transparencia y tersura le hicieron inmune a la Dukas lo fue del hombre bueno, aunque lejos cercanía, de propulsión muy marcada en lo bruma y a las permanentes transiciones del de procurarle ello ningún bienestar, al final era rítmico, con sforzandi que eran auténticas coloso alemán. Hombre autoexigente, de gran un alma atormentada. En su legado, corto en zancadas, mas sin descuidar las entradas cultura literaria, era tan musical que hasta su páginas, pero rico en obras maestras, como en dulces ni la trabazón polifónica. En resumen: apellido parece el arranque de una canción Lalo —aún más que en Lalo—, pasma la pasión del director, caras alegres en la orquesta tarareada. El Concierto para violonchelo contó con perfección de la arquitectura interna de las y el público y un punto para quien programó la buena sintonía entre Erik Nielsen, director piezas, con sus misteriosos escalonamientos. una música tan bella e infrecuente. vigoroso, de técnica solvente y gesto muy Dukas compuso una de las pocas óperas abarcador, y una orquesta que respondió francesas posteriores a Pelléas auténticamente Joaquín Martín de Sagarmínaga entusiasmada y sin rutinas, dejando gratos grande, Ariadna y Barbazul; la tentación

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Sociedad Filarmónica Entre la magia y la nostalgia

Bilbao. Sociedad Filarmónica. 4-XII-2018. Steven Isserlis, violonchelo. Alasdair Beatson, piano. Obras de Bach, Schumann, Fauré y Beethoven.

Steven Isserlis es probablemente el fuera de su tiempo, de hecho, mirando Así y todo, más que en este Schumann del violonchelista más completo de la actualidad simultáneamente al pasado y al futuro”, que cabía esperar lo mejor, la verdadera sorpresa por numerosas razones, entre ellas la amplitud escribió en 2011 en un artículo titulado En del concierto vino del piano de Alasdair Beatson, de un repertorio que, desde el Barroco hasta la defensa de Schumann. Sin embargo, no hay mejor escocés con una carrera que va rápidamente a creación contemporánea, abarca al más alto defensa posible de Schumann que la que hizo más. Era su primera vez en la Filarmónica y tanto nivel prácticamente todas las épocas, todos los en este concierto, interpretando las Romanzas en la Sonata para viola de gamba n° 1 de Bach como estilos y todos los géneros del instrumento. op. 94 con una extraordinaria suma de en las dos obras de Fauré (Élégie op. 24 y Romance Dentro de ese gran arco ha destacado desde intensidad, lirismo y sutileza, con esa poesía op. 69) dio un soporte limpísimo a Isserlis, hace mucho tiempo su defensa de la música tan schumanniana en la que se unen a partes mientras que en la Sonata n° 3 de Beethoven puso para violonchelo de Schumann, tanto en sus iguales ensoñación, pasión y emoción. Su de relieve el heroísmo de la etapa central del conciertos y discos como en sus textos y libros. arreglo de la Sonata para violín n° 3, la última de compositor y, al mismo tiempo, la claridad de Uno de los más recientes es, precisamente, un sus obras de envergadura, tuvo igualmente un estilo que luchaba fieramente por renovarse análisis sobre los Consejos para jóvenes músicos. espacio para todo aquello que define al más desde el interior de la propia música que “Schumann no se puede encasillar, es romanticismo, contrastes y virtuosismo, desde la forma. Profundidad, conocimiento, demasiado experimental, se sitúa demasiada nostalgia y ambiente mágico. Incluso la pieza descubrimiento, novedad… Beatson e Isserlis cerca de las fronteras del mundo sonoro interpretada fuera de programa (una de las Fünf lo dieron todo y mucho más. conocido. Armónicamente, rítmicamente, Stücke im Volkston) retrató al compositor en su emocionalmente está por delante de su tiempo; expresión más viva, sentida y coloreada. Asier Vallejo Ugarte

Temporada del Palau de les Arts Fiasco absoluto

Valencia. Palau de les Arts. 1-XII-2018. Mozart, La flauta mágica. Wilhelm Schwinghammer, Mariangela Sicilia, Dmitri Korchak, Tetiana Zhuravel, Mark Stone, Júlia Farrés-Llongueras, Moisés Marín, Camila Titinger, Olga Siniakova, Marta Di Stefano, Deyan Vatchkov. Director musical: Lothar Koenings. Director de escena: Graham Vick.

Fiasco absoluto. Jamás nadie imaginó que el que pululaban disfrazados de curas, público del Palau de les Arts pudiera rechazar de militares, gurús, banqueros y modo tan contundente y airado una producción empresarios. ¡Ni siquiera faltó la operística. Pitidos, gritos, abucheos y huidas de Virgen santísima! espectadores indignados fueron colofón de una Pero aún peor que el inmenso Flauta mágica en la que el director de escena dislate escénico, es que el veterano Graham Vick en absoluto deja asomar su director inglés decidiera traducir los condición de grande de la escena operística. recitativos a una macarrónica Era la inauguración de la temporada lírica mezcla de español y valenciano, y Reina de la noche solo audible en un registro valenciana y el mayor fracaso vivido en Les Arts manipularlos para adaptarlos a su propia sobreagudo no siempre seguro. Wilhelm desde su inauguración en 2005. El naufragio historieta, cargados de postizos y morcillas Schwinghammer encarnó un Sarastro bien escénico se redondeó con una interpretación barriobajeras. “Sarastro, tío, no le fes caso, que expresado, pero exento de solemnidad vocal, musical anodina y rutinariamente concertada te está mintiendo”, dice un figurante. Y así mientras que el excesivamente caricaturizado por el maestro Lothar Koenings. todo. Aquello parecía una función de saldo de Papageno de Mark Stone indagó en las aristas Era la quinta incursión de Vick en La flauta La corte de Faraón. Tanto barullo escénico bufas y se olvidó del empaque musical. El tenor mágica, y cabe suponer que ha querido hacer bloqueaba la socorrida escapatoria de cerrar granadino Moisés Marín defendió un bien algo nuevo, diferente. Ya antes de comenzar la los ojos y concentrarse en la música. amalgamado Monostatos, y el búlgaro Deyan función se intuye la vulgaridad, con el recurso La orquesta, sumergida y rodeada por Vatchkov fue un insufrible Sprecher. Las tres mil veces visto de atiborrar la sala con pasarelas que la rodeaban por completo y por ridiculizadas damas resultaron tan discretitas pancartas, banderas y banderolas: “¡Pensions la que pululaban figurantes, coristas y como los tres angelicales niños. En definitiva: justes, ja!” “Contra la violència masclista” cantantes, sufrió esta antiacústica sordina y una Flauta mágica en la que lo único superlativo “Corrupción no ¡Basta ya!” “No más recortes” quedó enmudecida. La dirección de Koenings fueron las intervenciones desde el foso de la “Democracia real ya”... Daba un poco de grima fue sombra de la excitante lectura ofrecida en el solista de flauta Magdalena Martínez. Ella y su ver a estas alturas demagogias ya tan gastadas mismo escenario, en abril de 2013, por Ottavio flauta perfecta aportaron la única magia de una en la escena. Sobre el atiborrado escenario no Dantone. En el discreto reparto vocal, noche para el olvido que quedará en el registro faltaron la basílica de San Pedro, la sede del únicamente destacaron la Pamina efusiva y como la más gris velada operística vivida en el Banco Central Europeo (con el símbolo del lírica de Mariangela Sicilia, y el noble y bien Palau de les Arts. en lo más alto) ni la de Apple con su manzanita€ definido Tamino de Dmitri Korchak. La mordida. Por la sala, un montón de figurantes ucraniana Tatiana Zhuravel compuso una Justo Romero

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ACTUALIDADNACIONAL

Fundación BBVA Nueve obras, nueve compositoras

Bilbao. Edificio San Nicolás del BBVA. 13-XI-2018. Alexandra Greffin-Klein, violín. Obras de Neuwirth, Czernowin, Nez, Modarresifar, Iannotta, Saariaho, Martínez, Paredes y Sikora.

Ciclo de Conciertos Sinfónicos Magos del ‘Brass Sound’

Alicante. Auditorio de la Diputación. 14-XI-2018. Israel NK Orchestra. Pacho Flores, trompeta. Director y trombón: Christian Lindberg. Obras de Grieg, Lindberg, Mozart y Sibelius.

Pacho Flores

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El director ruso se instala en el Olimpo Petrenko resucita Otello

Múnich. Bayerische Staatsoper. 28-XI-2018. Verdi, Otello. Jonas Kaufmann, Anja Harteros, Gerald Finley, Evan LeRoy Jonson. Director musical: Kirill Petrenko. Directora de escena: Amélie Niermayer.

El nuevo Otello de la Ópera de Baviera había también mimando cada detalle instrumental y despertado gran expectación al reunir un consiguiendo momentos mágicos, como en el reparto de campanillas encabezado por Jonas acompañamiento del dúo de amor del primer Kaufmann y Anja Harteros, bajo la dirección de acto o en la gran escena de Desdemona del Kirill Petrenko, el cual fue el triunfador de una cuarto, por citar solo dos ejemplos de los velada que, sin llegar a ser redonda, tuvo muchos que hubo a lo largo de la función. El momentos extraordinarios y mantuvo el nivel gran director ruso resucita Otello y alcanza el de excelencia al que nos tiene acostumbrados Olimpo junto a los grandes traductores de este teatro. todos los tiempos de esta genial ópera verdiana. Se esperaba con expectación lo que podía La gran sorpresa de la velada fue el sensacional Jago dar de sí la interpretación de Kaufmann, tras su discutido debut del personaje en Londres en del barítono canadiense Gerald Finley junio del año pasado. Pues bien, hay que reconocer que aborda el personaje de Otello En la parte del debe hay que citar la con una cierta contención vocal, apreciable ya rebuscada producción, de corte minimalista, de desde su pálido Esultate! La voz, como ya se ha la directora alemana Amélie Niermayer, con dicho en otras ocasiones en estas páginas, no más experiencia en el mundo teatral que en el es la misma que antaño, ahora se encuentra lírico. Niermayer remueve y distorsiona los más atrás, con un perceptible engolamiento y sentimientos y las pasiones de los personajes a una proyección algo más mate, por lo que en través de una visión totalmente psicólogica del los pasajes más violentos de la ópera —y hay drama, en línea con los postulados del unos cuantos— el tenor se queda corto. Sin Regietheater, centrando su atención en el embargo son muchos los momentos para el personaje de Desdemona. En torno a ella gira la disfrute que nos depara el gran tenor acción y la mantiene en escena durante toda la muniqués, sobre todo en los pasajes más representación valiéndose para ello de dos líricos. En todo caso Kaufmann aborda el planos escénicos enmarcados en una desnuda exigente papel sin esfuerzo aparente, habitación en tonos grises (el espacio de Otello) llevándoselo a su terreno, lo cual es muy con solo tres elementos: una cama, una butaca y inteligente, aunque no termine de convencer a una chimenea, que cambia de orientación en una parte del respetable. cada acto y que se replica al fondo del escenario Anja Harteros, que al parecer fue criticada actualidad internacional en otro espacio similar, esta vez en blanco. Es la en la noche del estreno, tuvo en esta su segunda habitación de Desdemona, por la que deambula función una encomiable actuación, sobre todo y donde se siente atemorizada desde el inicio en la Canción del sauce y subsiguiente Ave María, w mismo del drama. Hay aciertos, no cabe duda, que cantó de manera casi etérea, en un hilo de sobre todo en el notable partido que extrae de voz sobrecogedor. Es sabido que la soprano los intérpretes, sobre todo alemana no rinde igual en el repertorio italiano de Jago, pero también que en el alemán, donde es una referencia

W. Hoesl W. escenas fallidas como la absoluta. Y también es cierto que se le puede ofrenda floral a Desdemona achacar una cierta frialdad vocal, como ocurrió (totalmente kitsch) e en la primera parte de la función, pero, con incongruencias manifiestas, todo, su Desdemona rayó a un gran nivel como en la escena final de interpretativo y vocal. Otello agarrado a la pata de La gran sorpresa de la velada fue el su cama, lejos del cuerpo de sensacional Jago del barítono canadiense Desdemona (a la que Gerald Finley, poco familiarizado aún con el debería pedir un último repertorio verdiano. La voz se encuentra beso de perdón). pletórica y es un actor fantástico, capaz de En el haber, hay que transmitir todos los recovecos del malvado destacar sobre todo la personaje a pesar de que le falta un punto de soberbia dirección musical italianità. Si lo juzgáramos por los aplausos de Petrenko, con unos cosechados fue el gran triunfador de la noche contrastes dinámicos junto a Petrenko. A gran altura lució también el increíbles, una pasión Cassio de Evan LeRoy Jonson, un tenor a quien desbordante y unas habrá que seguir de cerca. El resto del reparto explosiones de la orquesta cumplió con profesionalidad. en fortísimo sobrecogedoras, pero Antonio Moral

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> ALEMANIA ACTUALIDADINTERNACIONAL

Reposición de la Jenufa de Frey Pasiones entrecruzadas

Múnich. Bayerische Staatsoper. 27-XI-2018. Janácek, Jenufa. Sally Matthews, Karita Mattila, Pavel Cernoch, Joseph Kaiser. Hanna Schwarz. Directora musical: Simone Young. Directora de escena: Barbara Frey.

Junto a las funciones de Otello, la Ópera de acto. Era todo lo que había en medio de un encarnó un Steva de escasa presencia vocal. Múnich alternaba la reposición de la escenario desnudo con un difuminado Todo un lujo la veterana Hanna Schwarz como interesante producción de Jenufa de Leos ciclorama de fondo en el que se atisbaban dos Abuela Buryja, que a pesar de sus 76 años sigue Janácek estrenada en abril de 2009 y firmada modernos aerogeneradores en movimiento. conservando unas buenas condiciones vocales. por Barbara Frey, donde se narra de forma El papel principal estuvo interpretado por Adecuados, como siempre, el resto de los sencilla, sin adulteraciones ni distorsiones, ese la soprano británica Sally Matthews, cuyas personajes secundarios que forman parte del magnífico retrato psicológico y sociológico dotes vocales y físicas se adaptan como un elenco artístico del teatro. que nos dejó el magistral Janácek de la sociedad guante a la delicada y sufrida personalidad de La dirección musical corrió a cargo de la rural checa. Bastó una estupenda dirección de Jenufa. Karita Mattila encarnó una Sacristana australiana Simone Young, muy apreciada por el actores y una escenografía mínima para que la de fuerte presencia dramática. Ella es una gran público de Múnich como se pudo apreciar en los función discurriera con naturalidad y la artista y ha sabido reciclarse de manera saludos finales. Volvió a demostrar una vez más necesaria fluidez escénica en un ambiente de inteligente hacia este tipo de papeles de que se trata de una estupenda profesional, pasiones entrecruzadas. La escena presentaba carácter ahora que su voz ha perdido la sacando un gran provecho de la esplendida un pedregoso y desolador paisaje en el primer frescura de antaño. Los tenores que orquesta y del coro del teatro, con lecturas muy acto, para dar paso en el segundo a una completaban el cuarteto protagonista, solventes, aunque un tanto mecánicas y carentes humilde habitación con mobiliario de los años quedaron un punto por debajo de las sopranos. de lirismo como ocurrió con esta Jenufa. 70 de una casa campestre volada, que irá Mejor vocalmente Pavel Cernoch como el perdiendo parte de su estructura en el último compasivo Laca que Joseph Kaiser, que Antonio Moral

I puritani en Fráncfort El canto del cisne

Fráncfort. Oper Frankfurt. 2-XII-2018. Bellini, I puritani. Brenda Rae, John Osborn, Iurii Samoilov, Thomas Faulkner, Kihwan Sim, Michael Porter Bianca Andrew. Director musical: Tito Ceccherini. Director de escena: Vincent Boussard.

El prólogo muestra una fiesta oculta, mágica y tenebrosa. Vincenzo Bellini ha muerto. Los invitados lo lloran en el salón. Contemplan su

tumba, alumbrada por una desnuda bombilla Aumüller Barbara eléctrica, como en los antiguos teatros de ópera. El coro se alinea en la mística sala. Lo mismo hacen los protagonistas y los espectadores de I puritani. La escenografía es de Johannes Leiacker. Todos llevan máscaras con el rostro de Bellini. Desde el exterior se escucha las Réminiscences des Puritains de Bellini, obra de Listz. En el centro aparece un piano negro, símbolo del Romanticismo. Una mujer ataviada de blanco devora rosas rojas. Antes, la forma luminosa del bel canto intenta alojarse en un ángel de la muerte, negro como la pez (la danza corre a cargo de Sofia Pinzou). Esta es la propuesta del director de escena Vincent Boussard para su lectura de la postrera obra belliniana, en un ejemplo del viril y estremecido teatro de otra época, cuando Bellini era el niño mimado, el amante Brenda Rae y John Osborn en I Puritani de Bellini . sentimental y el rompecorazones en los salones de Roma, Londres y París que sutilmente por los vídeos de Isabel Robson y oscuridad, Thomas Faulkner y Kihwan Sim. solicitaban su concurso. Bellini sólo quiso las luces de Joachim Kien. La orquesta suena plena y alocada gloria y fama artística. Las damas de su vida En el papel de Elvira, Brenda Rea se desliza —especialmente las maderas—, dirigida con descendían hasta la profunda penuria del hacia lo ultraterreno. A su mismo nivel de intensa emoción por un inspirado Tito corazón, al igual que sus criaturas escénicas. canto se muestra John Osborn. Como Ceccherini. Para la ocasión, Christian Lacroix diseña un balsámico oponente suyo figura Iuri Samoilov. vestuario que corta el aliento, penetrado Profundos de expresión, con voces de telúrica Barbara Röder

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ACTUALIDADINTERNACIONAL > ARGENTINA > BÉLGICA

Homenaje a Bernstein en su centenario Con la frivolidad de un cómic

Buenos Aires. Teatro Coliseo. 27-XI-2018. Bernstein, Candide. Héctor Guedes, Santiago Martínez, Oriana Favaro, Mariano Gladic, Eugenia Fuente, Rocío Arbizu, Pablo Urban. Director musical: Pablo Druker. Director de escena: Rubén Szuchmacher.

Nuova Harmonia cerró su y de los opuestos Pangloss y temporada 2018 saldando Martin (optimista —con la colaboración del empedernido el primero, Teatro Argentino de La Plata, amargado el otro) se plegó que aportó orquesta, coro así con habilidad al pulso de la como cuerpos técnicos y comedia a la vez que resolvió artísticos— una deuda de manera muy eficiente la histórica: el estreno local de parte vocal. Martínez esta obra de Leonard compuso un excelente Bernstein, a mitad de camino Cándido, al que aportó entre la opereta cómica y el comedida línea de canto, musical, sobre la novela bello timbre y gratas medias satírica de Voltaire, de un voces; en lo histriónico humor de exacerbada acidez, mostró apropiada juventud, que la puesta se encargó de candor y simpleza. Favaro acentuar con toques del arte lució su atractiva presencia, pop y claras referencias a la así como sus valiosas estética de Roy Lichtenstein. condiciones actorales y Sobre una escenografía canoras, brillando en la simple pero práctica de Jorge Pérez de Eulate/Teatro Argentino coloratura de Glitter And Be Ferrari, que a la vez se encargó del llamativo sensible y diestra de Pablo Druker, que supo Gay, mientras Fuente encarnaba con gran vestuario y contando con una iluminación de imprimir a la partitura su desinhibida soltura escénica y amplio despliegue vocal a la fuerte colorido de Gonzalo Córdova, Rubén vivacidad y a la competente labor del conjunto. Vieja dama, con una muy lograda recreación Szuchmacher fusionó, con gran economía de Otro tanto puede decirse del trabajo del coro, del tango I Am Easily Assimilated. En roles de medios y acendrada agudeza, fantasía y preparado con maestría por Hernán Sánchez menor compromiso realizaron ponderables realidad. Una marcación actoral precisa y Arteaga, a pesar de un mínimo desajuste en el prestaciones Arbizu como la sensual Paquette, eficaz aunada con un ritmo ágil y fluido Auto-da-fé, ese pasaje que parece una aviesa el tenor Urban en sus varios personajes y contribuyó al dinamismo general. sátira al similar del Don Carlo verdiano. Gladic, que expuso buen timbre, potencia y Ya desde la impactante obertura se El elenco configuró un equipo desenvoltura actoral. percibió que enfrentábamos una versión de homogéneo, idóneo y muy bien escogido. muy buen nivel orquestal, gracias a una tarea Guedes, en su triple personificación de Voltaire Carlos Singer

Estreno en Flandes La opera india de Glass

Gante. Opera Vlaanderen. 29-XI-2017. Glass, Satyagraha. Peter Tantsits, Mari Moriya, Rihab Chaieb, Robin Adams, Justin Hopkins, Tineke van Ingelgem, Raehann Bryce-Davis, Denzil Delare. Director musical: Koen Kessels. Director de escena: Sidi Larbi Cherkaoui.

La Ópera de Flandes ha estrenado en Bélgica compañía —Eastman— y del Ballet integró perfectamente tanto en la composición la primera representación escenificada de Vlaanderen insuflaron vida y movimiento a la escénica de Cherkaoui como en el lenguaje Satyagraha, ópera de Philip Glass de 1980 con representación, y junto con el coro musical de Glass: Peter Tantsits (Gandhi, tenor libreto del propio Glass y Constance DeJong, compusieron una suerte de decorado ligero), Mari Moriya (Miss Schlesen, soprano inspirado en la figura de Gandhi, que incluye humano en un escenario casi vacío, dramática), Rihab Chaieb (Kasturbai, mezzo), textos cantados adaptados del Bhagavad Gitâ. bellamente iluminado por Roland Edrich y Robin Adams (Mr. Kallenbach, barítono), Justin Al no existir en Satyagraha una interacción presidido por una gran plataforma móvil Hopkins (Parsi Rustomji/ Krishna), Tineke van real entre los personajes, estando en su suspendida por cables. Ingelgem (Mrs. Naidoo), Raehann Bryce-Davis conjunto más cerca del oratorio que de la Situado sobre todo a ambos lados y en la (Mrs. Alexander) y Denzil Delare (Arjuna). El ópera, no resulta sorprendente la elección de parte posterior del escenario, el coro participa excelente coro de la Ópera de Flandes realizó un coreógrafo, Sidi Larbi Cherkaoui, para no obstante de los estilizados movimientos un magnífico trabajo, mientras que la orquesta, firmar el montaje escénico. Para la Ópera de coreográficos. Los bailarines se mueven sin dirigida con pulso a la vez firme y sensible por Flandes ha supuesto además una magnífica cesar, agrupándose y reagrupándose, y de igual Koen Kessels, hizo justicia a la partitura de ocasión para combinar sus compañías de modo los cantantes se involucran en la génesis Glass con una brillante prestación. ópera y danza en un proyecto conjunto, de la poética visual, especialmente el personaje siendo Cherkaoui el director artístico del de Gandhi, balanceándose como una caña o Erna Metdepenninghen Ballet Vlaanderen. Los bailarines de su propia bien meditando serenamente. El reparto se

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> FRANCIA ACTUALIDADINTERNACIONAL

Alarde proteico de Les Talens Lyriques Del altar al serrallo

Ruan. Chapelle Corneille. 8-XII-2018. Sandrine Piau, soprano. Christopher Lowrey, contratenor. Les Talens Lyriques. Director: Christophe Rousset. Obras de Leo, Porpora y Pergolesi. Caen. Le Théâtre de Caen. 9-XII-2018. Salieri, Tarare. Cyrille Dubois, Karine Deshayes, Jean- · Sébastien Bou, Judith van Wanroij, Enguerrand de Hys, Tassis Christoyannis, Jerome Boutillier, Philippe-Nicolas Martin. Coro del Centro de Música Barroca de Versalles. Director del coro: Olivier Schneebeli. Les Talens Lyriques. Director: Christophe Rousset.

Que una orquesta, bajo la batuta de un mismo Wanroij sea holandesa y Tassis Christoyannis Christophe director, toque dos días seguidos no es sea griego, a efectos musicales los dos son más Rousset infrecuente. Sí lo es el que los programas de franceses que la Torre Eiffel. Una orquesta de esos dos días sean diferentes. Y, desde luego, lo 39 efectivos y un coro de 22 ofrecen ya una que entra en el terreno de la infrecuencia aquilatada idea de la proporcionalidad absoluta es que un día la música corresponda a mayúscula de esta ópera de Salieri, dividida en un periodo y otro pertenezca a un periodo un prólogo y cinco actos (que aquí se hizo sin

completamente distinto. Y si añadimos que ningún tipo de escenificación). Ignacio Barrios uno de los conciertos es de contenido Primera aclaración: si para entender puramente sacro y el otro totalmente escénico, cualquier ópera del Barroco o del Clasicismo entonces ya estamos rizando el rizo. También francés es absolutamente indispensable es verdad que esta infrecuencia habla por sí dominar con soltura este idioma, para Tarare lo sola de la versatilidad de una orquesta, que en es mucho más. El audaz libreto de este caso se llama Les Talens Lyriques. Beaumarchais narra la historia del capitán Dubois estuvo inconmensurable como Tarare. En medio de la convulsa Francia de los Tarare, que ingresa en el serrallo de Atar, sultán Magníficos los barítonos Jean-Sébastien Bou chalecos amarillos, la formación que hace ya de Ormuz, gracias a la ayuda del jefe de los (Atar) y Tassis Christoyannis (Arthénee), y casi treinta años creara Christophe Rousset eunucos, el italiano Calpigi, con el propósito de desternillante el joven tenor Enguerrand de Hys ofreció en Ruan un programa del Barroco rescatar a su amada Astasia. A lo largo de sus como Calpigi. La mezzosoprano Karine tardío napolitano, con el inevitable Stabat Mater tres largas horas de duración, Tarare es una Deshayes se ofreció sobrada de voz, pero de Pergolesi y dos obras que suponen estreno interminable sucesión de arias breves y también de vibrato. Bien el resto del reparto y absoluto en tiempos modernos: un Beatus vir recitativos acompañados, con algunos notable el coro (con notables participaciones para contralto de Leonardo Leo y un Salve momentos corales —igualmente breves— y solísticas de dos de sus miembros, las sopranos Regina en Sol mayor para soprano de Nicola con varios pasajes orquestales largos, que Marine Lafdal-Franc y Danaé Monnié). Porpora. Veintidós horas más tarde, Rousset se constituyen en sí mismos una rareza dentro de Enérgico y preciso, como en él es habitual, ponía en Caen al frente de sus huestes —con la producción de Salieri. Rousset al frente de todos. no pocos cambios en la plantilla— para La ópera peca de una cierta monotonía Estrenada en París, en 1787, Tarare es en abordar la inusual Tarare, tercera y última ópera (incluso, si se salva el escollo del idioma). Y si buena medida una secuela del Rapto del serrallo francesa de Antonio Salieri, que no tiene en esta ocasión no resultó todavía más mozartiano, cinco años anterior, con infinidad parangón en todo el Clasicismo por lo insólito monótona se debió a la formidable labor de de alusiones jenízaras por medio de platillos, de su estructura formal y por lo extravagante solistas (todos, sin excepción), de coro y, por campanillas y demás percusiones. del libreto empleado, debido a Beaumarchais. supuesto, de una orquesta en pleno estado de Para el primer concierto, Rousset, gracia. Van Wanroij bordó sus dos papeles (La Eduardo Torrico excelente conocedor del Stabat Mater Nature, en el prólogo, y Spinette) y Cyrille pergolesiano (lo grabó hace veinte años con Barbara Bonney y Andreas Scholl), recurrió a una de sus más asiduas colaboradoras, la soprano Sandrine Piau, por la que vocalmente no pasan los años (con una carrera que se prolonga ya más de tres largos decenios, su voz sigue estando tan fresca como el primer día, lo cual resulta casi milagroso), y a una de las figuras emergentes del panorama contratenoril, el norteamericano Christopher Lowrey. Este lo bordó en el Beatus vir que abría el concierto, y empastó prodigiosamente con Piau en la obra que lo cerraba, el más conmovedor Stabat Mater de Pergolesi que el abajo firmante ha tenido la ocasión de escuchar nunca (y ya lleva unos cuantos escuchados). Maravillosa Piau, por facultades y por técnica, en el precioso Salve Regina porporiano, una joya inexplicablemente preterida durante tres siglos. Ni Piau ni Lowrey estuvieron en el reparto de Tarare, formado íntegramente por cantantes galos (soprano, mezzo, dos tenores y cuatro barítonos), porque aun cuando Judith van

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Farsa infantil sin sentido Figaro en la Revolución francesa

Ámsterdam. National Opera & Ballet. 20-XI-2018. Rossini, Il barbiere di Siviglia. Nino Machaidze, Julietta Aleksanyan, René Barbera, Davide Luciano, Misha Kiria, Marko Mimica. Director musical: Maurizio Benini. Directora de escena: Lotte de Beer.

No es fácil poner en escena El barbero de Sevilla mitad del segundo acto un cierto obviamente señalaba el despertar de una en la Ópera Nacional de Holanda tras el entretenimiento teatral de altura; pero a partir obsesión que conduce a la violación final. inolvidable montaje de Dario Fo, pero Lotte de de ahí, la casa de Bartolo se convierte Desde el punto de vista musical, lo mejor Beer presentó un espectáculo divertido que fue repentinamente en una lúgubre prisión donde, fue la prestación de la Netherlands Chamber recibido con grandes carcajadas a todo lo largo durante una tormenta, Rosina es violada por su Orchestra, siempre atenta a los brillantes de la obra. Sin duda contribuyó a ello el hecho tutor. Al final, el decorado cambia de nuevo, acentos, a los cambios de ritmo y a los de que gran parte del público joven nunca esta vez al París de los años posteriores a la sorprendentes colores orquestales evocados hubiera visto la producción de Fo. Por su parte, Revolución francesa. De nuevo los por el director Maurizio Benini, quien pudo los asiduos a la ópera no recibieron del todo protagonistas fueron reducidos a actores confiar en un elenco en el que destacó el bajo- bien la vaga relación entre algunos de los trucos secundarios a ambos lados del escenario, barítono georgiano Misha Kiria como un escénicos y la música de Rossini, provocando la mientras que en el centro el silencioso coro y Bartolo lleno de vida que se adueñó de cada hilaridad en momentos en los que la partitura una multitud de bailarines describían los escena en la que participaba. El barítono realmente no lo demanda. Peor todavía fue el turbulentos eventos acaecidos durante ese italiano Davide Luciano fue un Fígaro de hecho de que el ingenioso efecto bola de nieve período. Al parecer, Lotte de Beer ha sonoridad un tanto seca, aunque desplegó la al final del primer acto se perdiera cuando descubierto alguna oculta relación entre ese necesaria autoridad para devenir el maestro de Almaviva entra con todo un regimiento de período de la historia de Francia y la música de sus propias intrigas. Por su parte, el tenor soldados borrachos. Además de eso, el supuesto Rossini, escrita casi tres décadas después por estadounidense René Barbera fue un Almaviva ‘veterinario’ traía consigo un caballo que un compositor italiano que ni siquiera había joven y bien dibujado. Merece la pena constantemente llamaba la atención, nacido cuando se tomó la Bastilla. mencionar al bajo croata Marko Mimica como rompiendo muebles, comiendo papeles, A pesar de que todo este caos teatral llegó un resonante Basilio, y a la joven soprano subiendo escaleras e incluso defecando. Todo a impresionar por su perfección y el armenia Julietta Aleksanyan como una notable ello acabó por convertir una gran comedia en virtuosismo de su realización, tan solo Rosina Berta. A pesar de su timbre sopranil, la una farsa infantil sin sentido, a la vez que los y Bartolo tuvieron la oportunidad de georgiana Nino Machaidze no acabó de ser una auténticos protagonistas se vieron reducidos al convertirse en verdaderos personajes. La Rosina demasiado femenina, impresión que se papel de actores secundarios sin apenas obertura mostró el comienzo de su relación, acentuó por una evidente carencia de vis participación en la acción. cuando Rosina aún era una niña que juega con cómica en su canto. Aunque tales efectos visuales guardaban muñecas y tiene afición por anacrónicos una relación meramente marginal con la mantecados, en un ambiente de cuento de Paul Korenhof partitura, al menos consiguieron crear hasta la hadas que recordaba a El cascanueces, pero que

Un clásico para el inicio de la temporada romana Un Rigoletto fidedigno Yasuko Kageyama Yasuko

Roma. Teatro dell’Opera. 4-XII-2018. Verdi, Rigoletto. Ismael Jordi, Roberto Frontali, Lisette Oropesa, Riccardo Zanellato, Alisa Kolosova. Director musical: Daniele Gatti. Director de escena: Daniele Abbado.

Inauguración de la temporada de ópera orgiásticos. Se comprueba una precisión romana con un título que no puede ser más filológica casi maníaca en el vestuario, a cargo clásico, el Rigoletto de Giuseppe Verdi. La de Francesca Livia Sartori y Elisabetta Antico. producción ha corrido a cargo de dos Danieles: Escenas con mucho metal, que tienen el mérito Gatti en el podio y Abbado como director de crear cuadros con sabor neorrealista. escénico. Aprovechando el estreno de esta Gatti ha procurado recuperar la partitura nueva temporada, se ha anunciado tal y como la escribió Verdi, librándola de la oficialmente el nombramiento de Gatti como tradición de los agudos, de las puntature y de los director musical titular del Teatro dell’Opera. tempi demasiado rápidos. La fuerza dramática Rigoletto es un personaje atormentado de la ópera está siempre presente en el que vive en el secreto para protegerse a sí pensamiento de Verdi, sin que haya necesidad Oropesa es una Gilda de lujo que destaca por mismo y a su hija Gilda. Cultiva el odio y la de añadir nada. Solo hace falta ser un ejecutor su intensidad dramática. El Rigoletto de venganza. Es un forastero rencoroso que vive leal, y el resultado está ahí. Musicalmente, esta Roberto Frontali está lleno de intensidad y su discapacidad por dentro y que, aquí, recorre interpretación ha sido una revelación pues expresividad, aunque su voz ya no posee el el escenario con una chaqueta de lentejuelas a Verdi lo tiene previsto todo. La orquesta está esmalte de antaño. Mucho menos intenso es el pasos cortos, con su joroba. La historia está espléndida y juega el apropiado papel que Duque de Ismael Jordi, la voz menos ambientada en la República de Salò, en la que el realmente le corresponde en esta ópera. interesante del reparto. abuso de poder y el cinismo encuentran Sobre el escenario, los tres protagonistas acomodo entre camisas negras y bailes se muestran bastante desiguales. Lisette Franco Soda

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> ITALIA ACTUALIDADINTERNACIONAL

Inauguración de la temporada de la Scala Chailly triunfa con Attila

Milán. Teatro alla Scala. 7-XII-2018. Verdi, Attila. Ildar Abdrazakov, George Petean, Saioa Hernández, Fabio Sartori. Director musical: Riccardo Chailly. Director de escena: Davide Livermore.

En la producción operística de Verdi, Attila (Venecia, 1846) ocupa un lugar inmediatamente anterior al que supuso su primer gran encuentro con Shakespeare, Macbeth (1847). Brescia & Amisano Brescia Desde el punto de vista dramatúrgico se trata una obra problemática. Pero hay en ella una enorme riqueza de ideas, al tiempo que presenta soluciones nuevas, emplea un lenguaje de inconfundible vigor y originalidad, incluso en lo que tiene de abrupto y áspero. Riccardo Chailly ha elegido Attila para inaugurar la actual temporada operística milanesa (aunque ya fue representado en la Scala hace unos años, en 2011), precisamente con la intención de mejorarla, tal y como pretendió hacer con Giovanna d’Arco antes de acercarse a Macbeth. La ha dirigido con sumo esmero (baste solo mencionar, entre sus más destacables aciertos, los maravillosos colores

del doloroso preludio), ha hurgado en cada Saioa Hernández e Ildar Abdrazakov en Attila de Verdi detalle con un refinamiento de lo más meticuloso. Y todo, con el propósito de más interesante de la obra), Saioa Hernández y con el empleo de nuevas tecnologías (una hacernos redescubrir este título como algo ha mostrado confianza y variedad expresiva. pared LED para mostrar un antecedente: el nuevo, incluso a riesgo de atenuar una energía George Petean ha sido un Ezio autoritario y asesinato del padre de Odabella), caballos sobre que quizás no se pueda disociar de los límites y Fabio Sartori, un Foresto capaz de ofrecer los escenario, un puente que se colapsa cuando de las diferencias de calidad que se dan en un más intensos matices. Attila rechaza las ignominiosas propuestas de partitura desigual. De gusto discutible, la dirección escénica Ezio y muchas referencias al cine (algo En cualquier caso, lo ofrecido por Chailly de Davide Livermore, quien ha querido frecuente en los trabajos de Livermore), desde es una interpretación musical de alto nivel, a la presentar un Attila ampuloso y enrevesado, e Rossellini al Visconti de la Caída de los dioses y, que han contribuido de forma decisiva todos innecesariamente costoso, con ese escenario tal vez, a la Cavani del Portero de noche. los protagonistas vocales —junto con la colosal ambientado en el siglo XX de las orquesta y el excelente coro—, empezando por dictaduras nazi, fascista y soviética (pero con Paolo Petazzi el Attila de Ildar Abdrazakov, de voz magnífica. una cita literal del célebre fresco de Rafael En el insuperable papel de Odabella (tal vez, el sobre el encuentro entre Atila y el papa León I)

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Thomas Hengelbrock entrevista d

“Hacer más Wagner con instrumentos de época cambiará la vida musical en todo el mundo”

Pocos directores han combinado, con tanto acierto, el podio con el proyectos. Su abrupta salida de la NDR, un año antes de lo previsto, intelecto como el alemán Thomas Hengelbrock (Wilhelmshaven, le ha permitido volver a centrarse en el Balthasar-Neumann-Chor & 1958). Un violinista clásico reconvertido en uno de los más Ensemble para desarrollar y amplificar una labor admirable tanto a interesantes directores historicistas, por influencia de Nikolaus nivel musical como docente. En los últimos años, su presencia en Harnoncourt. Creador de dos de las formaciones con instrumentos y España con este grupo ha sido continua, tanto en Madrid, en el criterios de época más importantes de la actualidad, como la Teatro Real y en el CNDM, como en el Festival Internacional de Freiburger Barockorchester y el Balthasar-Neumann-Chor & Santander y en la Quincena Musical de San Sebastián. Precisamente Ensemble, no ha rehuido el trabajo con orquestas modernas. Ha sido regresa este mes con una versión personal del Requiem de Mozart, titular de la NDR Elbphilarmonie de Hamburgo y es director basada en Süssmayr, que combina con la Missa superba de Johann asociado de la Orquesta de París, aunque también colabora con la Caspar Kerll, los días 27 (Madrid, Auditorio Nacional) y 28 Filarmónica de Viena y el Concertgebouw de Ámsterdam. En la (Barcelona, Palau de la Música Catalana). actualidad, y con sesenta años recién cumplidos, Hengelbrock reclama tiempo para estudiar musicología y pensar en nuevos Pablo L. Rodríguez

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THOMAS HENGELBROCK ENTREVISTA

Florence Grandidier

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ENTREVISTA THOMAS HENGELBROCK

En sus inicios fue un violinista tradicional, Balthasar Neumann fue el más grande sonoridad que hemos conseguido en esta obra discípulo del concertino de la Filarmónica arquitecto que ha vivido en Alemania. Y no se para esta gira. de Berlín, Rainer Kussmaul, y también dedicaba tan sólo a construir iglesias o También ha desarrollado varios trabajó como director asistente de Antal castillos, sino también ciudades. Era un genio proyectos teatrales y operísticos con el Dorati. ¿Cuándo comenzó su interés por la combinando todas las artes y juntando sus Balthasar-Neumann-Chor & Ensemble, música antigua y la interpretación manifestaciones. Eso enlaza, para mí, con el como Manfred de Schumann, Peer Gynt de historicista? ideal barroco de que nuestra vida es un don Grieg, Orfeo y Eurídice de Gluck Empezó bastante pronto, cuando tenía divino para construir algo con ella. Y nosotros —coreografiado por Pina Bausch—, Il re alrededor de veinte años. Nikolaus somos, en cierto sentido, constructores como pastore de Mozart —en el Festival de Harnoncourt me invitó a tocar en el Concentus él. Queremos construir algo con este coro y Salzburgo— e, incluso, Rigoletto y Falstaff Musicus Wien durante algún tiempo y orquesta que tenga una verdadera entidad, una de Verdi en Baden-Baden. ¿Cómo ha entonces tuve la oportunidad de hacer música academia, un proyecto educativo y llegado a la ópera? de cámara con Frans Brüggen, Anner Bylsma y humanitario, además de muchas giras de Debo confesar que adoro la ópera. Gustav Leonhardt. Claro, yo era entonces un conciertos. Esa es la razón por la que elegí el Básicamente soy un artista teatral. Es lo que músico de tradición clásica, aunque me empecé nombre de Balthasar Neumann. más me interesa. Y para mí no hay mayor a interesar por la historia y la musicología. Imagino que para un violinista de tradición clásica, acostumbrado al ideal “Yo adoraba tocar con mi violín todo el repertorio romántico. sonoro de la Filarmónica de Berlín, este cambió debió ser muy brusco, casi un shock Pero Harnoncourt me enseñó que lo importante no era la belleza, sino la verdad” Sí, pero fue un shock muy positivo. Yo adoraba tocar con mi violín todo el repertorio romántico; ya sabe: los conciertos de Su repertorio se centra principalmente alegría que poner en común el teatro, tanto en Chaikovski y Brahms con ese sonido grande, en el ámbito del Barroco, Clasicismo y lo que se refiere a la palabra hablada, el gesto, la bello y redondo. Pero Harnoncourt me enseñó Romanticismo. Recuerdo sus últimas iluminación, el vestuario o la escenografía, con que lo importante no era la belleza, sino la actuaciones en la Quincena Musical de San la música y la danza. Es lo que Richard Wagner verdad. También tocaba música zíngara e Sebastián con sinfonías y misas de Haydn, llamaba Gesamtkunstwerk u obra de arte total. incluso jazz con Stan Getz o con el Kenny Beethoven y Schubert. ¿Cuál es la identidad Ya Robert Schumann estuvo buscando algo Werner Trio. Y, precisamente, tocando jazz del Balthasar-Neumann en cuanto a parecido. Y cuando miras hacia atrás en la también encontré una clara conexión con la repertorio? música antigua, incluso antes del Barroco, en el música barroca, ya que en ambas la Efectivamente, en el Balthasar-Neumann- Renacimiento por ejemplo, tienes en la corte de improvisación es muy necesaria para ahondar Chor & Ensemble estamos más centrados en el los Medici fantásticos textos literarios, con en su práctica interpretativa. repertorio barroco, clásico y romántico, pero música y danza, excelentes decoraciones Creo que también colaboró con en los próximos años voy a tener más tiempo y escénicas, fabulosos vestuarios y todo junto ya Mauricio Kagel, Luigi Nono o Witold vamos a poder desarrollar más proyectos desde aquella época. Lutoslawski. juntos. En los últimos siete u ocho años he Todavía se recuerda en Madrid su Siempre me ha estimulado colaborar con estado dirigiendo orquestas modernas, como versión de Parsifal de Wagner con compositores contemporáneos, también ahora titular en Hamburgo y como asociado en París. instrumentos de época y los integrantes del con Jörg Widmann, Jan Müller-Wieland y Ahora he decidido cambiar de objetivo y volver Balthasar-Neumann-Chor & Ensemble en Simon Wills. a mis raíces para dirigir más mi grupo. Por el Teatro Real, en 2013. Pero sigamos con su trayectoria. Tras ejemplo, vamos a empezar este año con una Fue una propuesta radical, pero pienso los años con Harnoncourt puso en marcha gira en donde interpretaremos un programa que hacer más Wagner con instrumentos de la Freiburger Barockorchester, en 1987, y con el Requiem de Wolfgang Amadeus Mozart y época cambiará la vida musical en todo el cuatro años más tarde el Balthasar- la Missa superba de Johann Caspar Kerll, con mundo, pues tomaremos contacto con una Neumann-Chor. Con ellos grabó varios actuaciones en Madrid y Barcelona. idea totalmente diferente del canto operístico. discos importantes para Deutsche De hecho, ya grabó la Missa superba de Ahora es necesario cantar muy fuerte y eso Harmonia Mundi, como la Misa en Si menor Kerl, en Hänssler, dentro del segundo de impide la fluidez. Y, además, se evitan los de Bach, en 1996. Pero, en ese momento, sus discos dedicados a la biblioteca de problemas de equilibrio entre voces y orquesta. optó también por crear el Balthasar- Bach. Y el Requiem de Mozart lo ha dirigido Si recuerda, la orquesta, en el Teatro Real de Neumann-Ensemble. ¿Cuál fue la razón de recientemente a la Orquesta del Madrid, estaba sobre el escenario y no en el esa segunda orquesta? Concertgebouw, aunque en la versión foso, y nunca tapaba a los cantantes. Con las Ahora la Freiburger Barockorchester toca tradicional de Süssmayr. ¿No se ha orquestas modernas el principal problema es también música del Clasicismo y del planteado otra versión? que tocan demasiado fuerte. Y los directores no Romanticismo, pero en ese momento estaba Le confieso que he estudiado y probado cuidan el equilibrio. Con Balthasar-Neumann exclusivamente centrada en el Barroco. todas las versiones del Requiem de Mozart. Para hemos desarrollado, en los últimos ocho años, Tuvimos muchas discusiones, pero ellos esta gira he realizado una nueva un acercamiento totalmente diferente desde el querían seguir en esa época tocando concerti instrumentación a partir de Franz Xaver ámbito del canto para hacer Wagner. Por otro grossi de Corelli y Haendel. Para mí era muy Süssmayr. Obviamente su versión es lado, le confieso que no siempre es fácil necesario ampliar el repertorio y hacer ópera, fundamental, aunque también la he conseguir financiación para este tipo de música religiosa, etc. Por eso necesité fundar combinado con lo que hizo Joseph Leopold proyectos. Fue Gerard Mortier, de hecho, quien otra orquesta, para poder abarcar todo el Eybler y otras fuentes del propio Mozart. Por lo con su tesón consiguió hacerlo realidad, pero repertorio e incluso hacer música tanto, será una versión basada en Süssmayr, es muy difícil sacar adelante un proyecto así. contemporánea, pues algunas veces hacemos pero con un montón de cambios ¿Cómo fue su relación con Mortier? con Balthasar-Neumann repertorio instrumentales que la acercan al espíritu de Gérard ha sido alguien muy importante en contemporáneo con instrumentos modernos. Mozart. Por supuesto, Süssmayr no es Mozart, mi vida. Me invitó muy pronto al Festival de ¿Por qué utilizó el nombre de Johann pero puedes sentir que esta música está muy Salzburgo y a la Trienal del Ruhr, pero también Balthasar Neumann, un arquitecto del cerca de sus ideas y tiene una atmósfera después a la Ópera de París y al Teatro Real de siglo XVIII? verdadera. Estoy muy contento con la Madrid. Era una persona que vivía su propia

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THOMAS HENGELBROCK ENTREVISTA

idea de teatro musical. Estaba completamente inmerso en ella y era un apasionado. Es algo muy raro hoy y creo que también único. Hicimos cosas muy bellas juntos. Y retomando lo que decía sobre Wagner, quizá el mejor lugar para un Parsifal con instrumentos de época sea, sin duda, el Festspielhaus de Bayreuth. De hecho, usted debutó, en 2011, en el Festival de Bayreuth, aunque con Tannhäuser. ¿Cómo recuerda esa experiencia? Trabajar con la orquesta y el coro del Festival de Bayreuth fue muy interesante para mí. Por supuesto, cuando aceptas trabajar en una institución con la tradición del Festival de Bayreuth tienes que aceptar que es algo completamente diferente a como fue en la época de Wagner. Pero para mí, como director, me ha servido para ampliar mi experiencia. Creo, incluso, que fue algo Florence Grandidier fantástico, a pesar de que no fuera satisfactorio. con sinfonías de Schubert, Mendelssohn, juntos de forma muy convincente y también Hubo problemas con la puesta en escena, el Schumann y Dvorák, donde consigue muy interesante para el público. reparto no estaba bien seleccionado, tampoco interesantes resultados de época con una Y para el compositor. Pues, como tuvimos suficientes ensayos, etc. De todas orquesta moderna. usted suele decir, el compositor es el jefe. formas, el arte es una maratón. Y estas Sí, es verdad, ese comienzo de la Cuarta Así es. Pero el problema que tenemos hoy experiencias me han ayudado a dirigir mejor el sinfonía de Brahms está en el autógrafo del los directores, y que yo he padecido en los Balthasar-Neumann u otras orquestas en la compositor. Pero todo eso implica mucho últimos años, es la presión para dirigir mucho y actualidad. trabajo. Me refiero a que hacer esos cambios en composiciones muy diversas sin tiempo para Hablemos de sus otras orquestas. la forma de tocar de las orquestas modernas es hacer una investigación musicológica. Y le Después de terminar su titularidad con la muy difícil, pues ellos tienen su propia confieso que es algo que siempre he hecho en Orquesta de la NDR Elbphilarmonie de tradición que tengo que respetar. Me pasó cada nuevo proyecto. Para preparar cada nueva Hamburgo, en 2018, se mantiene como cuando dirigí a la Filarmónica de Viena. Me obra he leído cientos de páginas de bibliografía director asociado de la Orquesta de París y dijeron durante un ensayo: respete nuestro y he tratado siempre de conseguir el autógrafo colabora asiduamente con el Royal sonido, por favor, y no sea tan radical. del compositor. Es algo que voy a hacer mucho Concertgebouw de Ámsterdam. Nosotros queremos su influencia y sus ideas más ahora que voy a dirigir mucho menos y voy También estoy trabajando con la acerca de cómo deberíamos sonar, pero si se a tener más tiempo para regresar a las fuentes. Filarmónica de Viena. Les he dirigido en tres excede en sus pretensiones, la orquesta perderá Lo considero muy reconfortante para avanzar ocasiones y este año tengo la première de una su calidad. Es una cuestión muy delicada. en los diferentes acercamientos a un proyecto. nueva producción de Medea de Cherubini en el ¿Cómo cambiar el sonido de una orquesta ¿Qué grabaciones ha realizado o tiene Festival de Salzburgo. Y tenemos varios planes moderna hacia una tendencia más de época, previsto realizar próximamente? futuros. Pero, por el momento, mi principal para ser honesto con el compositor, pero sin Por el momento no tenemos ninguna vinculación va a ser con el Balthasar- contravenir la tradición de la propia orquesta? grabación, pero seguramente haremos varias. Neumann-Chor & Ensemble. También quiero Algunas veces resulta imposible, pues las Nuestra compañía, Sony Classical, está tiempo para hacer musicología. Echo de menos orquestas modernas son enormes y están esperando nuevas sugerencias. Por el momento sentarme en una biblioteca para examinar pensadas para tocar Mahler, Stravinsky, estoy más implicado en otros proyectos. Imagino que se refiere a su vinculación a la Academia Balthasar-Neumann y al proyecto asociado con la Academia Juvenil “El problema que tenemos hoy los directores es la presión para dirigir mucho y Cubano-Europea (CuE) composiciones muy diversas sin tiempo para hacer una investigación musicológica” En la actualidad enseño mucho. Y anualmente participamos en varios proyectos de cooperación entre Cuba y Europa. Por ejemplo, cada seis u ocho semanas enviamos personalmente las fuentes. Adoro hacer ese Shostakovich o música contemporánea. Y con profesores del Balthasar-Neumann a Cuba para trabajo y espero seguirlo haciendo en el futuro, un planteamiento ideal para La consagración de la dar clase y tenemos una fantástica pues es la base de los proyectos que he primavera de Stravinsky no es posible tocar colaboración. Es algo realmente necesario, desarrollado con mi grupo y con orquestas Schumann. Son mundos completamente pues cuando les enseñamos un instrumento, modernas en Viena, Ámsterdam y París. diferentes. Es más, la mayor parte de las como el violín o el violonchelo, también les Veo que no cita la NDR orquestas modernas son incapaces de tocar mostramos obras apropiadas para ese Elbphilarmonie, una orquesta con la que ha Schumann en la forma en que este compositor instrumento de compositores conseguido en los últimos años unos pedía que se tocase su música. Una interesante contemporáneos. Y lo mismo hacemos con resultados ciertamente importantes en sus excepción es la Orquesta del Concertgebouw. instrumentos barrocos para Bach o Haendel. Es grabaciones para Sony Classical. Me Este año voy a dirigirles la Sinfonía “Grande” de una educación musical que incluye la práctica refiero, por ejemplo, a su registro de la Schubert y vamos a hacer varios workshops de historicista de forma natural. Además, Cuba es Cuarta sinfonía de Brahms, donde restaura música barroca. Soy muy optimista y espero un país muy dotado musicalmente y donde hay los acordes iniciales que sonaron en el que, en unos tres o cuatro años, podamos talentos realmente fantásticos. ¶ estreno de 1885, o a sus excelentes discos encontrar un camino común para tocar música

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s c h e r z o — — † LOS EXCEPCIONALES ¢ — del mes de enero —

La distinción de grabaciones excepcionales se concede a las novedades que a juicio del crítico y de la dirección de la revista presenten un gran interés artístico o sean de absoluta referencia. xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxx

BACH: MOMPOU: Conciertos para violín BWV 1041, Música callada 1042, 1043 y 1056R Luis Aracama, piano Shunske Sato, violín IBS IBS592018 (1 CD) Il Pomo d’Oro. Directora: Zefira Valova Pág. 59 ERATO 0190295633875 (1 CD) Pág. 44

BACH: REQUIEM. THE PITY OF WAR Preludios. Sonata para órgano BWV Obras de Butterworth, Stepan, Weill 528. Widerstehe doch der Sünde y Mahler. Ian Bostridge, tenor BWV 54. Aria Variata BWV 989. Antonio Pappano, piano Invención a dos voces BWV 783 WARNER 0190295661564 (1 CD) Víkingur Ólafsson, piano Pág. 62 DG 4835022 (1 CD) Pág. 45

SCARLATTI: LINDBERG: Sonatas para clave Tempus fugit. Concierto para violín Jean Rondeau, clave nº 2. Frank Peter Zimmermann, violín ERATO 0190295633684 (1 CD) Finnish Radio Symphony Orchestra Pág. 49 Director: Hannu Lintu ONDINE 1308-5 (1 CD) Pág. 63

SCHUBERT: L’ALESSANDRO AMANTE Sonatas D 958 y D 960. 3 Piezas Arias de Bononcini, Haendel, D 946 Alexander Lonquich, piano Pescetti, Steffani, Draghi, Manini, ALPHA 433 (2 CD) Vinci, Leo y Porpora. Xavier Sabata, Pág. 55 contratenor. Vespres d’Arnadí. Director y clave: Daniel Espasa. APARTÉ 192 (1 CD) Pág. 70

MAHLER: JAVIER CAMARENA, tenor Sinfonía nº 6. Orquesta Filarmónica Páginas de El gitano por amor, La de Berlín. Director: Simon Rattle Cenerentola, Giulieta e Romeo, BPHR 180231 (2 CD + 1 BLU-RAY) Armida, e.a. Cecilia Bartoli, Pág. 58 mezzosoprano. Les Musiciens du Prince-Monaco. Director: Gianluca Capuano. DECCA 483 3958 (1 CD) Pág. 71

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Y GRABACIONES Z ENERO 2019

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Pero la mano de Bach también es La alargada mano de Bach inmensamente larga a nivel fonográfico. Los últimos meses del año que acaba de terminar han visto dos hitos muy relevantes. En Pablo L. Rodríguez septiembre pasado, Masaaki Suzuki completó su monumental ciclo de grabaciones de las cantatas de Bach, en el sello BIS, iniciado en El título de esta columna es figurativo, pero 1995. Ya en 2004, el japonés culminó al frente también literal. El 19 de octubre de 1894 se de su Bach Collegium Japan la integral de las emprendieron las excavaciones, junto a la cantatas sacras, pero sus diez discos dedicados Iglesia de San Juan de Leipzig, para encontrar la a las cantatas profanas han demostrado que tumba anónima de Bach. Tres días más tarde, este corpus rebasa la habitual consideración de se descubrió un ataúd de roble que contenía el mero apéndice. Y lo demuestra en este último esqueleto de un varón añoso. Su estudio volumen con dos cantatas celebrativas, anatómico determinó que podría ser el aparentemente menores, aunque quizá el compositor de Eisenach. La incesante lluvia apelativo de ‘menor’ no sea apropiado para dificultó mucho su extracción y, al parecer, se ninguna composición de Bach. perdieron algunos huesos. El esqueleto de Bach El otro hito juega, precisamente, con la pudo montarse en un tablero que fue cifra triplemente trinitaria del último fotografiado y estudiado, en 1895, por Wilhelm cumpleaños del compositor. “Bach 333” es otro His. Así permaneció hasta 1949, en que los monumento fonográfico donde el Bach Archiv huesos de Bach volvieron a la tierra en su actual de Leipzig y la compañía Universal han reunido ubicación dentro de la Iglesia de Santo Tomás. 32 sellos diferentes para conformar casi Estos restos óseos han vuelto a ser noticia trescientas horas de música en 222 discos, dos recientemente en relación con el 333 libros y un dvd con el documental A Passionate cumpleaños de Bach. Andreas Otte, un profesor Life (2013) presentado por John Eliot Gardiner. de tecnología médica de la Universidad de Quizá lo más destacado de esta caja ha sido que Offenburg, acaba de publicar un extenso trasciende las limitaciones del fondo de armario estudio en dos partes en el Archiv für Kriminologie de uno o varios sellos. La compilación ofrece donde ha podido determinar calidad y variedad con más de setecientos las medidas exactas de Bach, a intérpretes que aseguran, no sólo un registro través de una simulación sonoro de toda la obra de Bach, sino también su Quizá no sorprenda mucho que geométrica y un cálculo historia interpretativa y hasta su legado e matemático. Quizá no influencia postrera. Un tesoro casi infinito. midiera 167 centímetros de altura, sorprenda mucho que midiera Pero 2019 se inicia con más novedades pero sí que la envergadura de su 167 centímetros de altura, pero bachianas. Me ciño a una que lanzará, el mano fuera de 26 centímetros sí que la envergadura de su próximo 4 de enero, el sello Chandos de un mano fuera de 26 centímetros, joven y sensacional pianista italiano, que, es decir, que pudiera abarcar como Bach, exhibe unas manos grandes y fácilmente una duodécima expresivas: Federico Colli (Brescia, 1988), una dentro del teclado de un piano actual. Eso especie de versión actualizada del gran podría explicar lo indicado por su hijo Carl Benedetti Michelangeli, que emula aquí en una Philipp junto con Agricola en la necrológica del impresionante versión de la Chacona, de Bach- Mizler, de 1754, acerca de la facilidad de sus Busoni, como intenso eslalon pianístico. Pero digitaciones, algo que contrastaba con pasajes también es un músico exquisito y refinado. en sus fugas de El clave bien temperado, donde Lo demuestra en la Partita nº 4, ora cantando la exige extensiones de duodécima. La explicación Alemanda, ora dejando flotar la Zarabanda. residía, por lo visto, en la mano No se lo pierdan. Y feliz año Bach, que será asombrosamente alargada del compositor. ya el 334. ¶

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> MEDIEVO > RENACIMIENTO GRABACIONES ¢

VITA CHRISTI D’ISABEL DE VILLENA CATHEDRALS HANDL: Canciones y contrafacta Obras de Gautier de Châtillon, Adam de Motetes. Ensemble Musica Nova Carmen Botella, canto y recitado Saint-Victor, Tuotilo de San Galo y Director: Lucien Kandel. LE PALAIS DES Piacere dei Traversi anónimos. VocaMe DÉGUSTATEURS 010 (1 CD) DSP (1 CD) CHRISTOPHORUS 77420 (1 CD)

La clarisa valenciana Isabel de villena (c. 1430- La idea de este disco no es original: recrear el Alejada de los principales centros de 1490) ha pasado a la historia por ser la primera sonido que se escuchó bajo las bóvedas góticas publicación de la época, Praga experimentó un autora en escribir en su lengua natal. Además, de las catedrales del periodo que amenazaban importante desarrollo editorial desde que los nos dejó una Vita Christi (solo una copia con rasgar la cúpula celeste con las agujas Habsburgo establecieron su residencia en la impresa ha llegado hasta hoy), publicada caladas de sus torres, y para ello se vehicula con ciudad en 1583. Allí, entre 1586 y 1591 y en póstumamente, que es casi un título-reclamo la Missa de Tournai (mediados del siglo XIv), estrecha colaboración con el editor Jirí Nigrin, para celebrar a María, su Madre. Isabel medió bien conocida por ser la primera polifónica que Jacobus Handl publicó su colección de motetes en la llamada “Querella de las mujeres” nos ha llegado entera, concretamente las partes Opus musicum, compilación que constaba de reclamando el protagonismo de las figuras del Ordinario (Kyrie, Gloria, Sanctus, cuatro volúmenes y que incluía música para femeninas que rodearon a Cristo, una forma de Benedictus, Agnus dei e Ite missa est). todo el año litúrgico. El Ensemble Musica Nova posicionarse en el mundo de su momento y en Hasta aquí, pocas novedades. La propuesta ha seleccionado 17 motetes de entre los dos las discusiones sobre la relación entre los sexos de este conjunto de mujeres consiste en primeros tomos, aquellos que contienen que se daban en él. entreverar estas partes supérstites con una música para el Adviento, la Navidad, la Esta figura es la que celebra Piacere dei gavilla un tanto insólita de piezas de los siglos Cuaresma, la Semana Santa y Pentecostés. traversi, un consort valenciano de flautas XII y XIII (más una de Tuotilo de San Galo, del Si se analiza la colección al completo, traveseras que envuelven la voz cantada y siglo IX), entre las que las hay litúrgicamente resulta evidente la planificación conjunta entre recitada de Carmen Botella. Pero Isabel no coherentes con la Misa y su posición en ella, Handl y Nigrin, ya que no dejaron ningún escribió música, por lo que se opta por el otras no, y varias profanas. El resultado detalle al azar, por insignificante que fuese. Sin formato de ‘música en tiempos de’, eso sí, con cuadraría más con un programa de música apenas referencias a los motivos gregorianos una idea general buena y atractiva: la recitación medieval genérico que con el catedralicio, y las preexistentes, estos motetes pudieron ser de fragmentos de su obra que ilustran contrafacta escuetas notas no justifican el porqué de la interpretados tanto en el contexto litúrgico musicales, aprovechando el idiomatismo de las elección. La escucha, en mi opinión, se resiente, como fuera de él. Así queda explicado por el flautas, y textuales para adecuar las piezas al con tanta cabriola programática sobre la propio autor en el prefacio al tercer tomo, y con relato que va enhebrándolas. Mayormente se columna vertebral de Tournai. desde luego, no ello también la libertad interpretativa y el acude a piezas de diversos cancioneros, y se compite el disco con la grabación que en su empleo —o no— de instrumentos, incluye el Canto de la Sibila de Bartomeu momento firmara, por ejemplo, el ensemble de dependiendo de la ocasión y del lugar. En Càrceres. Es adecuada la selección, y eficaz Caelis, que sigue siendo de referencia. cuanto al planteamiento formal y expresivo, la desde el punto de vista programático, si bien el El conjunto empasta bien, sin llegar a esas excepcional compilación de Handl, a pesar de recitado resulta un tanto escolar. sonoridades etéreas e inasibles que la variedad en el formato interpretativo, El disco, financiado por la Generalitat popularizaron grupos como Anonymous 4, a también parece responder a una sólida valenciana, acusa una cierta precipitación. No lo que ayuda la elección de una tesitura por lo concepción unitaria, sin grandes claroscuros en solo una toma de sonido mejorable, porque general tirando a grave, y una interpretación el discurso musical. Esta cohesión interna hace satura en muchas ocasiones, un problema correcta pero que no llega a encandilar, que la claridad declamatoria sea máxima, frecuente tratándose de traversos, sino las sutilmente acompañada en ocasiones por los cobrando singular valor. alusiones a una traducción que no se incluye en instrumentos que tañe Michael Popp. El conjunto lionés presenta una bella y muy las breves notas, aunque sí se proyecta en Rompen con este registro, eso sí, esa trabajada sonoridad, rica en matices, algunos de los recitales del grupo, buena idea etiqueta incómoda de mujeres que hacen solo especialmente en las voces graves, siempre muy para seguir el hilo narrativo. Es decir, parece música de mujeres (dedicaron sus anteriores bien empastadas y afinadas. Las voces superiores, resentirse de lo institucional cuando los medios discos, uno cada tres años, por cierto, a Cassia, en cambio, resultan a veces algo punzantes, con no son muchos, y hubiera merecido más Hildegarda de Bingen y Cristina de Pizan), algunos finales no suficientemente sólidos en la tiempo y esfuerzo de edición, por lo atractivo como si eso fuese menos importante que afinación. Sus interpretaciones, en cualquier de la iniciativa. varones que hacen solo música de varones. caso, son de calidad.

Josemi Lorenzo Arribas Josemi Lorenzo Arribas Urko Sangroniz

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> RENACIMIENTO ENERO 2019

DE RORE: SEGRETI ACCENTI COME TO MY GARDEN 11 madrigales Obras de Marenzio, Luzzaschi, Festa, Obras de Franck, Schein, Haussman y Currende. Director: Erik van Nevel Da Firenze, Da Milano, e.a. Palestrina. Voces Suaves ETCETERA 1630 (1 CD) Cantar alla Viola Director: Jörg-Andreas Bötticher QUARTZ 2125 (1 CD) DHM 19075849752 (1 CD)

Esta propuesta de Currende y Erik van Nevel Las músicas de Luca Marenzio y de Luzzasco El conjunto suizo voces Suaves que dirige el consiste en presentar los madrigales de Luzzaschi protagonizan un disco donde los teclista Jörg-Andreas Bötticher dedica este Cipriano de Rore publicados en venecia (1548) afectos se nos muestran de forma desnuda, sin disco a música profana alemana, como Musica … sopra le stanze del Petrarcha… libro apenas ropajes estéticos que se adaptan más a principalmente vocal, de principios del siglo terzo. Si como explica Nevel en las notas, la estos tiempos que al virtuosismo vocal del XvII. Partiendo del Cantar de los Cantares, ese interpretación de los once madrigales duraría Concerto delle Donne o a los simbólicos célebre poema bíblico de carácter epitalámico una media hora, el disco se expande con la madrigalismos del Renacimiento italiano. que las iglesias cristianas siempre interpretaron inserción de transcripciones instrumentales de de sonoridades heterogéneas, aunque ‘a lo divino’, tratando de justificar sus los propios madrigales —el orgánico consta de rebosantes de carga emocional, los dos contundentes imágenes eróticas, el Cd hace clave, tres violas da gamba y flauta — y el integrantes de Cantar alla viola (Nadine recorrido por madrigales espirituales de declamado de los propios poemas de Petrarca Balbeisi, soprano, y Fernando Marín, violas da Melchior Franck y obras de Johann Hermann sobre un acompañamiento de teclado, antes de gamba) trenzan un programa que nos evoca lo Schein, escritas a partir de traducciones de cada madrigal. El fin expuesto es facilitar la sencillo del sentir y a la vez lo complejo del grandes líricos italianos (Tasso, Guarini). Se comprensión textual, proponiendo el amar, recuperando aquella olvidada forma de incluyen también un par de disminuciones declamado como una forma de arte en sí cantar acompañada por un instrumento de sobre dos de los madrigales espirituales de misma; sin embargo, el recurso distrae, y cuerda frotada de la que hablaba Castiglione en Palestrina basados en el Cantar de los Cantares y podría quedar ligeramente afectado para las su emblemático Il Cortigiano y que nosotros algunas otras piezas instrumentales, como una sensibilidades actuales, debido a los criterios de hemos heredado gracias a Juan Boscán. El dúo Passameza de valentin Hausmann, que funciona declamación aplicados, y no explicitados, en las esboza un camino de sencillez en cuanto a sus a manera de intermezzo del álbum. voces del tenor Peter de Lautentiis y del elementos, pero de una pureza musical rara de Las piezas de Franck salen de una flautista Peter van Heyghen. No deja de ser escuchar hoy en día. colección publicada en1608, mientras que en el extraño, por cuanto la expresividad textual del Nadine Balbeisi exhibe su voz más caso de Schein se extraen de las tres colecciones compositor, reivindicado como una suerte de carnosa, más frágil, más vulnerable, con de Musica boscareccia (1621, 1626 y 1628) y de los predecesor de la seconda prattica, debería hacer vocales afiladas y consonantes que acarician la Diletti pastorali (1624). diferentes combinaciones innecesario este recurso, máxime en una nota, aunque el sentido de la palabra quede de las nueve voces del conjunto suizo y de sus textura de tan sólo cinco voces. sumergido en el hecho musical. Es de destacar instrumentos (violín y corneta como partes Lo cierto es que, como anuncia el propio su Amor tien il suo regno, en el que la soprano melódicas, más el bajo continuo con tiorba, sello en portada del álbum, se trata de una sorprende con un legato ligero y una línea violone y teclado) dan variedad a una grabación en vivo que tuvo lugar en la capilla melódica infinita que te agarra y no te suelta. interpretación atenta a la retórica de los textos de la Escuela de las Artes Lucca, en Lovaina. Los El tañer de Fernando Marín a la viola da y a las posibilidades ornamentales de la música. resultados no han sido los más felices, porque gamba es enérgico, pasional, cabalgando de Especial atención merecen en este sentido los la acústica del local tiende a mezclar las líneas forma continua en aras de la expresión; un madrigales disminuidos de Palestrina: uno, polifónicas, ensuciar el resultado sonoro y galopar atento que aporta en cada movimiento siguiendo la edición de Bassano, que interpreta dificultar la comprensión del texto, sin contar de arco el afecto preciso para crear, junto a la aquí como solista un violín; el otro, en trabajo con las abundantes toses, que tal vez se podrían voz, una atmósfera que roza lo onírico. El del cornetista William dongois, a partir de haber retocado, y alguna que otra entrada Ricercar nº 7 de Francesco da Milano lleva esta instrucciones de Luigi Zenobi, el famoso Luigi desajustada. El resultado es valioso dada la ensoñación a su punto álgido, mostrándonos a del Cornetto, coetáneo de Palestrina. Un intento escasa discografía de un polifonista de tanta un Marín soberbio, de un sentido musical de aplicar estos criterios a la voz en una de las relevancia, pero los resultados globales de la impecable y rebosante de ternura. de esta piezas de Franck se salda con resultados más propuesta tal vez no estén a la altura que las peculiar forma, Cantar alla viola nos devuelve irregulares, por lo estridente del timbre. excelentes intenciones pretendían. un repertorio no conocido en exceso, cuya interpretación no se da con tanta asiduidad. Pablo J. Vayón Miguel Ángel Aguilar Rancel Nacho Castellanos

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> RENACIMIENTO > BARROCO GRABACIONES ¢

A RENAISSANCE CHRISTMAS BACH: BACH: Byrd, Lassus, Victoria, Dering, Guerrero, Conciertos para violín BWV 1041, 1042, Sonatas nº 1 y 2 BWV 1001 y 1003. e.a. The Sixteen 1043 y 1056R. Shunske Sato, violín Partita nº 1 BWV1002 Director: Harry Christophers Il Pomo d’Oro. Directora: Zefira Valova Hilary Hahn, violín CORO 16167 (1 CD) ERATO 0190295633875 (1 CD) DECCA 00289 483 3954 (1 CD)

Hace ahora dos años The Sixteen y Harry El joven y versátil violinista Shunske Sato, nacido veinte años ha tardado Hahn en cerrar un ciclo Christophers presentaron un magnífico álbum en Japón, formado en los Estados Unidos y discográfico, el de las obras para violín solo de poco usual para esta época del año y que afincado en Holanda, se encuentra tan cómodo Bach, que abrió siendo aún adolescente. Lo incluía un programa en el que se alternaban en el repertorio actual y con un instrumento culmina con esta grabación seleccionada desde melodías navideñas tradicionales con obras de convencional que en el repertorio barroco, los dos tandas de tomas, separadas nada menos autores contemporáneos. Con un instrumentos de época y las interpretaciones que por cinco años (junio de 2012 y de 2017). Si planteamiento similar, los mismos artistas nos HIP. Tiene ya una sólida experiencia a sus sumamos a ello el concienzudo estudio diario presentan ahora una selección que combina espaldas en este último campo y ha tocado con de esta música durante toda una vida —según melodías de canto llano con obras del algunos de los grupos más sólidos y reputados de confiesa la norteamericana— nos haremos una Renacimiento cuyo tema son el Adviento, la Europa y de las antípodas. Su último disco en idea de hasta qué punto ha dado una Navidad y la Epifanía. En una época convulsa y este campo fue una electrizante versión de las importancia vital a estas obras, y el resultado profusa en conflictos de índole religiosa, esas Cuatro estaciones vivaldianas con uno de los en manos de una intérprete tan dotada como melodías gregorianas y su influencia como grupos en que se integra habitualmente, ella no puede ser sino brillante: afinadísimo, de modelos de inspiración para los compositores Concerto Köln, que suscitó elogios entusiastas... una limpieza extrema incluso en los pasajes de la Contrarreforma cobran mayor y también alguna crítica por su tendencia a más complejos, y con un sonido rico, lleno, no importancia, además de conferir una mayor sobreornamentar. La música de Bach no le muy vibrado y de amplia gama dinámica, bien cohesión e interés al proyecto. Por otra parte, y resulta en absoluto ajena, ya que, como primer recogido por una toma calurosa y al tiempo centrándonos en el programa, la entidad de las violín de la Netherlands Bach Society, participa cercana. En lo técnico, Hahn pasa por encima obras es diversa y está sabiamente escogida en ese magno proyecto que es “All of Bach”. de las dificultades de mano izquierda y de arco, para no caer en el tedio, con varias piezas Hoy, con otro de los grupos punteros incluidas agilidades y polifonía, con una deliciosas y más reducidas como Quem vidistis, historicistas, Il Pomo d’Oro, esta vez bajo la pasmosa sensación de absoluta facilidad. pastores? de dering, O beatum et sacrosanctum diem dirección de la violinista búlgara Zefira valova, Asunto más opinable es el interpretativo. de Philips o This day Christ was born de Byrd, esas presenta su particular lectura de los conciertos Educada en la gran tradición del siglo XX, y en que contrarrestan la imponencia y el esplendor para violín de Bach. Los dos perfectamente la más lejana a las maneras del historicismo que del Videte miraculum de Tallis, por ejemplo. Esta documentados (La menor y Mi mayor), el doble uno pueda concebir —sus profesores proceden variedad se refuerza con los diferentes concierto en Re menor —donde comparte de la escuela soviética—, Hahn pone por tratamientos corales, desde el más puro protagonismo con la directora— y el encima de todas las cosas la homogeneidad del unísono, la sencilla homofonía o el estilo reconstruido a partir de uno de los conciertos sonido y el legato en el fraseo, organizado a antifonal, con una percepción diferente de las para clave (que quizá procediera de... ya saben). partir de grandes arcos dinámicos. Caracteriza texturas y con un amplio desarrollo Sería difícil que con estos mimbres inteligentemente cada una de las piezas y todo contrapuntístico que incentivan al oyente, sin estuviéramos, sin más, ante una nueva está en su sitio, expuesto con nitidez; sin que este se acomode. grabación de una música que ya cuenta con mil embargo la homogeneidad de ataques y The Sixteen y su director demuestran una interpretaciones. Es una grabación espléndida articulaciones, a veces realmente llamativa — vez más por qué siguen siendo un tándem y que transmite vitalidad a raudales. Hay como en las doubles de la primera partita— referencial en el repertorio renacentista. Sus energía en cada nota, en cada compás. Hay hace echar de menos una mayor jerarquización interpretaciones están cargadas de emoción sin chispa y creatividad en el conjunto. Hay una de las notas en el microfraseo, tan importante desatender la precisión ni los detalles, con un técnica desbordante en el violín solista —y en en el Barroco para ‘decir’ la música, para minucioso trabajo en la prosodia y en las su ocasional acompañante— y un virtuosismo gesticularla, para clarificar y dotar de inflexiones del fraseo, siempre atentos al texto y supremo, que alcanza su cénit en su brillante expresividad su discurso. En todo caso Bach es a su significado. Si a ello se le añade la elegancia ornamentación. Se escucha de cabo a rabo de Bach, este es del mejor, y tan bien tocado como con la que interpretan las melodías un tirón. E, inevitablemente, al concluir, lo está aquí es siempre muy disfrutable. gregorianas, el disfrute está garantizado. pulsamos replay. Juan Ramón Lara Urko Sangroniz Mariano Acero Ruilópez

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BACH: FUENTES: HAENDEL: Preludios. Sonata para órgano BWV Villancicos en valenciano. Aminta e Fillide. Armida abbandonata. 528. Widerstehe doch der Sünde BWV Música Trobada. La Lucrezia. Sonata en trío op. 2 nº 1. 54. Aria Variata BWV 989. Invención a Director: Francesc Valldecabres Sabine Devieilhe, Lea Desandre. Le dos voces BWV 783. Víkingur Ólafsson, LA MÀ DE GUIDO 2151 (1 CD) Concert d’Astrée. Directora: Emmanelle piano. DG 4835022 (1 CD) Haïm. ERATO 01902956336222 (2 CD)

Premio Nacional del Optimismo Islandés (!), Mucho antes de los decretos de Nueva Planta El periodo de formación que Haendel pasó en vikingur Ólafsson no esperó muchos años para ya era habitual usar el castellano, y no el Italia fue particularmente fecundo. En contacto ser un pianista de culto: estrenos de numerosos valenciano, en la música litúrgica de la catedral con músicos como Pasquini, Alessandro Scalatti compositores islandeses, participaciones en de valencia. de hecho, sólo se conservan dos y Corelli, entre otros, maduró estilísticamente y múltiples proyectos (televisivos, con Björk entre ejemplos de partituras del siglo XvII en compuso un buen puñado de obras que, en otras estrellas) innovadores, discos en los que valenciano y unos pocos más en el XvIII. Pero conjunto, ocupan un lugar señero en su confronta Bach y Chopin (Partitas/Preludios) o cuando Pascual Fuentes (1721-1768) llegó a la producción y constituyeron fértil semillero en el Brahms y Beethoven (Op. 116 y 39/Variaciones catedral como maestro de capilla, quiso que su autor espigaría a lo largo de casi toda su Eroica) con su sello dirrindí o, para dG, música cambiar algo las cosas. Nacido en Aldaya, fue vida. destaca entre ellas un centenar largo de de Cage original y (felizmente) recompuesta por infantillo de coro en la catedral para después cantatas —unas, con instrumentos; las más, Christian Badzura. Fiel a su estética de pasar a Albarracín, en cuya catedral estuvo un acompañadas por el simple bajo continuo— confrontación en espejo, el excepcional pianista año como tenor antes de volver a valencia compuestas para las pastoriles reuniones de la riza el rizo metiendo a Bach en un como maestro de capilla de la parroquia de San Academia Arcadia. No son obras del todo caleidoscopio y con un toque igualmente Andrés. En 1757 fue nombrado maestro de olvidadas por los modernos intérpretes, pero cambiante, desde el legatissimo al spiccato, nos lo capilla de la catedral, en sustitución del tampoco es el repertorio más frecuentado en presenta juguetón o melancólico, mozartiano y fallecido José Pradas. disco. Es el primer argumento para dar una lírico, solar o misterioso y a menudo rebosando Compositor prolífico, aunque todavía calurosa bienvenida a esta grabación de de alegría en un fantástico programa de obras poco estudiado, se impregnó del estilo Emmanuelle Haïm y Le Concert d’Astrée. originales (invenciones, sinfonías, preludios italianizante que entonces invadía Europa El segundo es el repertorio concreto elegido. corales, preludios y fugas del Clave bien entera. Y, como hemos señalado, empezó a En primer lugar, la muy extensa (más de uno la temperado, la rarísima Aria variata alla manera componer discretamente (y ab llicéncia o sens ella, califica de serenata) Aminta e Fillide, que con italiana BWV 989, único ejemplo de variaciones con licencia o sin ella) un villancico al año, al hermosas —y reutilizadas— arias desarrolla la bachianas exceptuando las Goldberg), y menos, en valenciano, preferentemente para la clásica historia de amor y desamor entre un recomposiciones por Siloti y su (ex)alumno Navidad, pero también en otras ocasiones pastor y una ninfa, y de la que no conocemos Busoni, por Rachmaninov, Stradal, Wilhelm solemnes, como la festividad de San vicente más que tres grabaciones anteriores. Y dos de las Kempff o el propio vikingur, además de una Ferrer. Se conocen las letras de cinco de ellos más dramáticas, Armida abbandonata, basada en recomposición de un concierto de Alessandro —algunos con interesantes alusiones a la un episodio de la Jerusalén liberada de Tasso, y La Marcello por Bach. dualidad lingüística—, pero sólo de dos (uno Lucrezia, que narra los trágicos últimos Estas veinte obras (35 cortes o visiones navideño y el de San vicente) se conserva la momentos de la heroína romana para escapar a fugitivas) parecen intercambiarse secretos, el música. Constituyen la base del registro que el su violación y que permitieron la aparición del segundo compositor comentando lo que le joven grupo Música Trobada acaba de editar. alma operística del compositor, trazando recios parece digno de serlo, y en estos reflejos An sols lo avís d’una estela (el villancico retratos de mujeres en situación límite. ¿imaginarios? boga la escucha que no se ciñe navideño de 1761) tiene la curiosidad añadida de El tercer y definitivo argumento para solo a lo sonoro sino también a nuestro concluir con la música de la retreta que acababa recomendar este disco es la interpretación, en recuerdo más o menos preciso de la obra de publicar Espinosa de los Monteros y que más la que Haïm luce sus mejores cualidades como original, volviéndola más profunda y acaso tarde popularizaría Boccherini en varias directora, la orquesta —en formación renovada. La reescritura, más que una composiciones. La propuesta de valldecabres y camerística— responde eficazmente y tanto repetición, es aquí una absorción, en su sentido Música Trobada, honestamente realizada, tiene Sabine devieilhe, ligera como Aminta, antiguo de ‘estado de un alma enteramente un indudable interés cultural. Pero deja en el intensamente dramática como Armida, cuanto ocupada’ en el que dos obras amándose cuerpo aire una pregunta: ¿Y si las composiciones Lea desandre, en un tremendo crescendo a cuerpo alcanzan una sola forma de castellanas de Fuentes tienen más interés musical dramático como Lucrecia, tienen anticipación y de espera efímeras. que estos villancicos valencianos? intervenciones totalmente convincentes.

Pierre Elie Mamou Mariano Acero Ruilópez Mariano Acero Ruilópez

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MARENZIO: MONTEVERDI: REINCKEN: L’Amoroso & Crudo Stile Madrigales. Musica Ficta Toccatas, partitas y suites Rossoporpora Ensemble Fontegara Clément Geoffroy, clave Director: Walter Testolin Director: Raúl Mallavibarrena ENCELADE 1705 (1 CD) ARCANA A449 (1 CD) ENCHIRIADIS 2048 (1 CD)

Luca Marenzio representa el punto álgido del En este disco hay música, solo música y nada Grave error reconocer a Johann Adam Reincken madrigal italiano en el siglo XvI. Su facilidad más que música… En un doble sentido: primero, por la influencia —enorme— que tuvo en el para la escritura se refleja en un legado único: porque la carpetilla que lo acompaña carece de joven Johann Sebastian Bach, por su condición más de cuatrocientos madrigales en veintidós cualquier texto informativo (quizá para evitar de pródigo, borrachín y mujeriego, y por su libros publicados entre 1580 y 1599. Esa caer en manidos tópicos, porque de Monteverdi supuesta longevidad (Mattheson le atribuía 99 cantidad supone también variedad y apenas quedan cosas por contar que no se hayan años, aunque está demostrado que no nació en flexibilidad de adaptación al medio contado ya); segundo, porque las siete obras que 1623 como se pensaba, sino hacia 1640... tal vez, madrigalístico italiano. Marenzio pasó la configuran el programa son superlativas, están en 1643), sin fijarnos en la extraordinaria calidad mayor parte de su vida en Roma, pero trabajó excepcionalmente interpretadas y, por si fuera de la música que de él ha sobrevivido, que no es tres años en Florencia (¡y casi dos en varsovia!) poco, son bastante infrecuentes dentro de la mucha porque, en lo referente al teclado, este y visitó Ferrara, verona o venecia, importantes vastísima discografía monteverdiana, excepción hamburgués de nacencia holandesa casi centros musicales de la Italia del tiempo. Su hecha del Lamento della ninfa, cantado aquí, dicho siempre improvisaba y rara vez lo plasmaba en fama era internacional. El estilo de Marenzio, sea de paso, por Alicia Borciani como rara vez papel. Su obra más importante es Hortus elegante, claro y discreto al principio, fue antes se había cantado. musicus, colección publicada en 1687 que consta acercándose al énfasis expresivo de servicio Raúl Mallavibarrena, al frente de sus dos de seis partitas para dos violines, viola da retórico a la palabra que acabaría derivando en grupos, Musica Ficta (vocal) y Ensemble gamba y bajo continuo, parte de las cuales la seconda prattica, pero sin dejar nunca de lado la Fontegara (instrumental), ha entresacado arregló Bach para interpretarlas al clave. Al coherencia del discurso musical. En Marenzio madrigales de los Libros II (Ecco mormorar l’onde), margen de dicha colección, se conservan varios palabra y música alcanzaron un equilibrio VI (Zefiro torna), VII (Tirsi e Clori y Amor che deggio corales, variaciones, tocatas, fugas y ocho suites diríase clásico, que lo mantuvo como gran far) y VII (Su, su, su pastorelli vezzosi, además del para este instrumento. paradigma del género, alabado por todos, más mencionado Lamento della ninfa) y de los Scherzi Clément Geoffroy ha seleccionado aquí allá de las conocidas diatribas doctrinales. Musicali (De la bellezza). No hay el más mínimo dos suites (en La menor y en do mayor), dos dirigido por Walter Testolin, que destacó nexo entre unas piezas y otras, por lo que cabe tocatas (en La mayor y en Sol menor), dos como bajo en conjuntos de madrigales deducir que la selección responde estrictamente Partite diverse (una de ellas, la que lleva por título diversos, pero que aquí no canta, el conjunto al gusto personal del director. Sopra l’aria Schweiget mir vom Weiber nehmen)y Rossoporpora presenta una selección de Musica Ficta está aquí formado por dos otras piezas menores, entre ellas, un preludio diversos libros de Marenzio, incluyendo un par sopranos (Alicia Borciani y Manon Chauvin), transcrito por Bach y un ballet que figura en el de intabulaciones para dos laúdes solos y dos un contratenor (Gabriel díaz), dos tenores Andreas Bach Buch (y que Johann Sebastian arreglos para voz acompañados por los dos (Ariel Hernández y víctor Sordo) y un bajo conoció de niño). Este joven clavecinista laúdes, prácticas corrientes en el XvI (Fabio Barrutia). Y el Ensemble Fontegara, por francés ha optado por un modelo Ruckers (Marenzio mismo fue un prestigioso laudista). dos violines (Elvira Martínez y daniel Pinteño), flamenco, aunque acaso habría sido más Las versiones están dominadas por la calidad un arpa doppia (Sara Águeda), una viola da apropiado un Mietke —padre—, si tenemos en individual de las voces y la mezcla clara y gamba (María Alejandra Saturno) y cuerda cuenta la cuestión geográfica (norte de relajada que consigue Testolin. Están cuidados, pulsada (Pablo Zapico, tiorba y guitarra). Alemania) y la cronológica (este constructor por supuesto, los detalles de retórica textual, dentro del altísimo nivel general, sería injusto fue estricto coetáneo de Reincken). pero la belleza y la homogeneidad del sonido no enfatizar la labor de Borciani (voz nívea, Se trata de la segunda grabación en la que pasan por encima de los aspectos más cristalina, pura y candorosa) y de Hernández, Geoffroy es protagonista (si bien, en la primera, intensamente expresivos, que conjuntos que por momentos hace recordar al llorado dedicada a Antonio vivaldi, el protagonismo lo clásicos, como Concerto Italiano o La Anthony Rolfe-Johnson. compartía con Gwennaëlle Alibert, pues se Compagnia del Madrigale, destacaron La toma sonora es tan increíble que hasta trataba de conciertos para dos claves). haciendo mayor énfasis en el contraste y la podríamos pensar que los músicos están en el Trepidantes lecturas de unas obras de desigualdad tímbrica. salón de nuestra casa. deslumbrante hermosura.

Pablo J. Vayón Eduardo Torrico Enrique Velasco

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APOTHéOSES TERPSICHORE À PORTUGUESA Obras de F. Couperin, A.L. Couperin y Obras de Rebel y Telemann Obras de Corbett, Seixas, D. Scarlatti, J.F. Dandrieu. Olivier Baumont y Le Concert des Nations Avison y Boccherini Béatrice Martin, claves. Claire Antonini, Director: Jordi Savall Orquestra Barocca Casa da Música tiorba NOMADMUSIC 053 (1 CD) ALIA VOX 9929 (1 SACD) Director y clave: Andreas Staier HARMONIA MUNDI 902337 (1 CD)

En el prefacio de su Apoteosis de Lully (1725), Antes de meterse de lleno en el proyecto La música portuguesa del XvIII gozó de gran François Couperin dejó escrito que esta discográfico que le va a llevar más tiempo en aceptación entre los editores ingleses y, por música, como también la Apoteosis de Corelli, los próximos años (la integral de las sinfonías ende, entre el público de allí. Es de suponer que publicada el año anterior, podía interpretarse de Beethoven), Jordi Savall presenta este Cd con en ello tuvo que ver el viaje que hizo a Londres, con dos claves, indicando que él mismo lo obras del hábitat en el que mejor se ha movido en 1709, domenico Scarlatti, que tanto influyó había hecho en familia con bellos resultados. siempre: el Barroco francés. Y aquí hay que en los compositores de las islas. El 1720, Partiendo de este incontestable fundamento hacer una precisión: una mitad del disco está Scarlatti se estableció en Lisboa como maestro histórico, dos de los mayores clavecinistas se dedicada a Jean-Féry Rebel, que era francés, de música de Bárbara de Braganza. desde la dan la mano para dotar de vida a estos claro ; la otra está dedicada a Georg Philipp distancia, el napolitano siguió siendo apreciado pentagramas tan maravillosos. Y lo hacen Telemann, que eran alemán, sí, pero que y admirado por aquellos ingleses (un ejemplo: apoyados en sendos instrumentos históricos de absorbió mejor que nadie el peculiar estilo de Charles Avison reconvirtió varias sonatas primera magnitud, conservados en el palacio sus vecinos. La música barroca francesa es scarlattianas en concerti grossi). de versalles: el Ruckers de 1628 con ravalement danza, por lo que huelgan explicaciones Las incursiones del clavecinista Andreas francés de 1706 (probablemente, de Nicolas respecto al título del Cd: Terpsícore es, de las Staier por el repertorio ibérico han sido Blanchet) y el Blanchet de 1746. El primero es nueve musas, la que deleita en la danza. frecuentes (Scarlatti y, en menor medida, un viejo conocido, empleado por Christophe Cuatro son las obras de Rebel incluidas: Les Boccherini, de cuyo célebre Fandango hizo un Rousset en su integral del Clave bien temperado Caractères de la Danse (1715), La Terpsichore (1720), brillante arreglo para clave). En este Cd, (Aparté, 2013-2015), suena aquí infinitamente Les Plaisirs Champêtres (1724) y Fantaisie (1729). Y interviene como solista y director artístico de mejor que en la monumental grabación dos, las oberturas-suites de Telemann: La Bizarre la Orquestra Barocca Casa da Música, creada bachiana, por lo que, como uno sospechaba, el y la que integra la parte III de la Tafelmusik. Son en Oporto en 2004 (en la grabación figura gran problema allí fue la defectuosa toma de 52 pistas y en cada una de ellas encontramos como director musical otro insigne sonido. Aquí, por el contrario, disfrutamos de una danza: rondeau, menuet, gigue, bourrée, clavecinista, Laurence Cummings). Entre los una excepcional toma, diáfana y natural. A passepied, rigaudon, sarabande, gavotte, courante, miembros reunidos en torno a este proyecto destacar también la intervención de una tiorba chaconne, musette, loure, tambourin, forlane… figura como concertino el bravo violinista galés en el bajo continuo, siguiendo una constatada No resulta tarea sencilla precisar cuántas Huw daniel (The English Concert, dunedin práctica contemporánea, y de un narrador, que grabaciones ha realizado Savall en su larga y Consort…) y el no menos bravo teclista luso emplea una deliciosa pronunciación del francés exitosa trayectoria, pero creo no exagerar si Fernando Miguel Jalôto. antiguo al introducir los títulos de cada digo que se aproximan a las cuatro centenas. El Concierto “Alla Portuguesa” op. VIII nº 7 de movimiento, algo que ya hiciera con menor Siempre he lamentado que no se haya dedicado Corbett abre un programa que contiene obras éxito Savall en su histórica grabación de 1985. más a este repertorio, que sabe hacer mejor que de Seixas, Avison y, por supuesto, Scarlatti y La competencia en formato de dos claves nadie, en beneficio de otros repertorios Boccherini. de este último, Staier realiza otro se concreta en el dúo Rousset/Christie bastantes menos nobles en el aspecto musical, prodigioso arreglo; ahora, del Quintettino de la (Harmonia Mundi, 1988), que no es poca cosa, aunque mucho más productivos en el Musica notturna delle strade di Madrid. pero me quedo claramente con Baumont y económico. Staier y compañía suenan de maravilla en Martin pues, al margen de la toma de sonido, Hallamos aquí al Savall más genuino, estos cuatro conciertos, como de maravilla muy superior, aportan mayor frescura y rodeado de esos colaboradores —los de toda la suena el clavecinista alemán en las tres sonatas paladean la música con superior afecto y vida y los más recientes— cuyos nombres de Scarlatti que ha seleccionado (K. 8, 13 y 173). delectación. Además, los complementos son somos capaces de recitar casi de memoria. La boccheriniana Música nocturna de las calles de soberbios, cuatro piezas para clave solo, ¡Qué maravillosa primera chacona de la Madrid se convierte aquí en una bendita locura, debidas a dandrieu y Armand-Louis Couperin, Fantaisie! Ella, por si sola, es capaz de resumir lo sobre todo, con esa Ritirata final inspirada en la que igualmente contraponen a Corelli y Lully y que es el espíritu de esta música y lo bien que lo retreta militar escrita en 1761 por Espinosa de los estilos italiano y francés. metaboliza Savall. los Monteros.

Javier Sarría Pueyo Enrique Velasco Enrique Velasco

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> ENTREVISTA

GRABACIONES Jean ¢ Rondeau “No escucho nunca música para clave”

Shura Rusanova Jean Rondeau (París, 1991) es aún un veinteañero, pero está considerado por muchos como el mejor clavecinista del momento y, tal vez, de los tiempos modernos. Sus grabaciones con obras de Bach y con música de compositores franceses han recibido los mayores elogios, y lo han encumbrado como intérprete emblemático. Rondeau se adentra ahora en la música de Domenico Scarlatti, con un impactante CD. Su reciente visita a Madrid, para tocar en la Fundación Juan March, posibilitó esta entrevista.

¿Por qué Scarlatti ahora? Y, teniendo en un CD eso no se puede controlar. La tonalidad ni con el Barroco. Había mucha intensidad y cuenta que se conservan 555 sonatas de de La mayor ayuda en ese sentido: es simple, mucha tensión, y estas improvisaciones me Scarlatti, ¿tiene previsto hacer más cálida y enseguida atrapa al oyente, por lo que servían para relajarme, para despejar la grabaciones de ellas? ya no necesitas preludio: la propia sonata te mente… El ingeniero de sonido grabó algunas Tenía ganas de hacer Scarlatti. coge de la mano para meterte en la historia. sin decirme nada. Luego, cuando las Probablemente haré más en el futuro, pero ni Sin embargo, justo en la mitad del escuchamos, nos pareció bien utilizar una de siquiera me he llegado a plantear cuántos programa hace una improvisación. En ellas con el propósito que le he contado. discos podrían ser. He estado tan concentrado concreto, un interludio que no tiene nada La grabación la ha hecho con un clave en este proyecto que no me ha dado tiempo a que ver con la música barroca y sí con la alemán, cuando lo lógico, desde el punto de pensar mucho más allá. Sin embargo, ha sido creación contemporánea. ¿Qué pretende vista purista, habría sido utilizar un clave todo tan emocionante, me ha causado tanto con ello? ibérico o uno italiano. placer grabar esta música y me siento tan Se trata de un intermedio como los que se No soy partidario de tocar música satisfecho con el resultado que me he dicho a hacen en los conciertos. Creo que escuchar francesa con un clave francés por el mero mí mismo que quiero grabar más Scarlatti, música durante una hora y veinte minutos hecho de que sea música francesa. Y lo mismo aunque solo sea otra vez. obliga a un considerable esfuerzo intelectual. pasa con la italiana. En aquella época los claves ¿Qué criterio siguió para la selección No es fácil estar concentrado durante tanto viajaban de un sitio a otro. No se daba ese de las dieciséis sonatas que ha incluido en tiempo. Al principio puedes estar atento, pero purismo que algunos exigen en nuestros días. este CD? luego te vas distrayendo. Es algo humano. Con Ni siquiera sabemos en qué claves tocaba Quería contar una historia desde el el interludio trato de que quien esté Scarlatti. Sabemos que tenía acceso a los doce principio hasta el final, crear una arquitectura musical. Eso me obligó a leer las partituras de “El mimetismo es algo muy fuerte en el ser humano. Yo huyo de eso. todas las sonatas de Scarlatti. Las que figuran en el disco son las que realmente quería tocar. Quiero que sea la música la que me diga hacia dónde debo ir, Algunas de ellas era la primera vez que las no que me lo marque lo que antes hicieron otros” tocaba y otras las he venido tocando desde que era niño. Grabé algunas más, pero hubo que dejarlas fuera por restricciones de tiempo. escuchando el CD se agite porque, de repente, instrumentos que poseía María Bárbara de Empieza su historia por la Sonata en La escucha algo que no encaja en el programa. Braganza, pero no sabemos con qué Mayor K. 208, ¿tal vez porque es una de las Inmediatamente cogerá el libreto del disco y lo instrumento tocó cada sonata. Si la música es más bellas del catálogo? leerá para ver qué está pasando. Se tomará un buena, puede tocarse perfectamente en un Es una preciosidad. Pero la he escogido respiro y… pronto estará listo para seguir con clave francés, en un clave italiano o, por qué porque también tiene algo de apertura. Me la escucha de la segunda parte. Pero esto ya lo no, en un piano moderno. refiero a que las primeras notas ya empiezan hacía el propio Scarlatti: de repente introducía, Cuénteme algo de este clave. con un unísono que es casi una manera de como por arte de magia, un elemento extraño Es único, ya que se trata de un híbrido. No decir “hola”, de dar la bienvenida. Cuando hago para conturbar al oyente. También tengo que está basado en ningún modelo concreto, sino un concierto, siempre busco una especie de reconocer que esos interludios los hago por mi en varios distintos. Su sonido está más preludio antes de meterme de lleno con el propio beneficio. próximo al de un clave italiano que al de uno programa. Puede ser simplemente una pequeña ¿A qué se refiere? alemán. La elección del instrumento ha tenido improvisación. Lo hago para ayudar a la Durante las sesiones de grabación, entre que ver con las sonatas que iba a interpretar: he audiencia a que se introduzca en la acústica de toma y toma, improvisaba, hacía este tipo de considerado que era el más apropiado para la sala, en la atmósfera, a que se relaje… Pero en música que no tiene nada que ver con Scarlatti ellas. Se trata de un instrumento con una

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personalidad muy fuerte, pero al mismo el Cd. Todo el disco —la música, las notas, las tiempo cálido. fotos…— es como mi recorrido vital por el Siempre se ha dicho que en las sonatas clave. Incluyo en el libreto una frase de un de Scarlatti hay algo de folclore español. filósofo francés que viene a decir que “el primer ¿Lo hay realmente? objetivo de un profesor es reconciliar al Sí. Por eso se da tanta diversidad de alumno con su propia soledad”. También caracteres en sus sonatas: en ellas puedes incluyo una carta de Scarlatti a María Bárbara encontrar, por ejemplo, una atmósfera de caza, con asuntos relacionados con la pedagogía. pero también danza, melodía pura, violencia, Soy un apasionado de la pedagogía. Creo que suavidad, acciacatura… En algunas se siente el una de las cosas más emocionantes de la ambiente amable de los jardines de Aranjuez. Y música es poder transmitir tus conocimientos la inspiración de todo esto reside en la propia a otras personas. ENERO 2019 vida. Es normal que Scarlatti echara mano del ¿Quién fue su Scarlatti particular? folclore que había en Madrid. No era necesario Blandine verlet. Ella fue mi primera que estuviera todo el día en la calle para profesora, y casi se puede decir que la última. imbuirse de ese folclore; bastaba con que un He tenido más profesores, pero ella me marcó día fuera a una verbena y escuchara a alguien el camino. Ha sido como una madre, ya que tocando una guitarra. Lo que quizá choca tanto estuve con ella catorce años. SCARLATTI: es que fue uno de los primeros que buscó esa Verlet no se encuadra en ninguna de Sonatas para clave inspiración popular. Por eso sus sonatas son las escuelas clavecinistas francesas que Jean Rondeau, clave tan novedosas. están en boga. En cierta forma, es una ERATO 0190295633684 (1 CD) ¿Escuchó antes de grabar este CD representante de la vieja escuela, esa que versiones de sus colegas? Y me refiero enraíza con Wanda Landowska. concretamente al que está considerado No le puedo contestar porque, como antes como el gran icono scarlattiano: Scott Ross. comentaba, no escucho música para clave. Lo Ganador del Primer Permio en la edición de No escucho nunca música para clave, todo que sí le puedo decir es que verlet ha sido una 2012 del Concurso Internacional de Clave de lo contrario. Y no me refiero antes de grabar un clavecinista única, absolutamente Brujas —que sólo se ha concedido en siete disco, sino en general. El mimetismo es algo independiente. Es probable que la gente crea en ocasiones— y portento técnico, Jean Rondeau, muy fuerte en el ser humano. Yo huyo de eso, las escuelas, pero yo no creo para nada en ellas, por su calidad y personalidad musical, antes o busco un acercamiento a la música lo más puro pues lo que persiguen es un acercamiento a después tenía que llegar a domenico Scarlatti. posible. Quiero que sea la música la que me cómo tocaba alguien en concreto. Blandine de partida nos encontramos con una selección diga hacia dónde debo ir, no que me lo marque siempre me hizo sentir libre para tocar la peculiar y extraordinariamente bien hecha, que lo que antes hicieron otros. música como yo la sentía. No era una profesora fomenta la faceta más introvertida del Si no escucha música para clave en su convencional en ningún aspecto: había italoespañol, aunque prescinde de los tiempo libre, ¿qué escucha? lecciones en las que se sentaba a mi lado y se emparejamientos sugeridos por Kirkpatrick. Es Cualquier tipo de música, incluido rock. tiraba horas sin pronunciar ni una palabra. muy significativo que abra y cierre el recital con Pero nunca música para clave. Si tengo que Escuche usted a algunos de los que han sido sus sendas sonatas preñadas de intensa melancolía tocar en un concierto una partita de Bach, no alumnos —varios de ellos, muy buenos (maravillosa la K. 481). pongo un disco, cojo la partitura y la leo. clavecinistas— y comprobará que no se Comienza con una lectura reposada, lírica, Usted es un caso especial, porque parecen en nada entre sí. Nunca hice una sola bellísima, de la sonata K. 208, la favorita de empezó tocando el clave de niño, no pasó escala con ella, ni un arpeggio… Todo fue Alain de Chambure. La sonata K. 175, con sus previamente por el piano. musical, incluidos los silencios. terroríficos acordes disonantes, en manos de Empecé con seis años y fue porque un día, Hay un vídeo con una grabación suya Rondeau casi parece un Falla desbocado, por el en la radio, sonaba un clave. No tenía ni idea de de las Variaciones Goldberg realizada en carácter anguloso y desquiciado que aporta. qué era aquello, ni siquiera imaginaba el Brujas recientemente, pero no tiene aún Tras una ensoñadora y casi misteriosa K. 69, aspecto que podía tener. No recuerdo la obra una versión discográfica. ¿No siente la llega el virtuosismo y la flexibilidad, que se que sonaba, ni el autor, pero desde ese necesidad que tienen la mayoría de los apoderan de la K. 141. Otra celebridad, la K. 213, momento decidí que quería tocarlo. Fue una clavecinistas de grabar esta obra? recibe una interpretación profunda y muy casualidad, pues en mi casa nunca ha habido No me gustan los pronombres posesivos. sentida, servida con humanidad y desolación. tradición musical. Los niños suelen fijarse en el No quiero hacer ‘mi’ versión de las Goldberg, La españolísima K. 216 tiene gracia, salero y piano o en el violín cuando empiezan, pero porque esta obra no es mía. Me gustaría grabarla, duende, sin pérdida de la elegancia. La K. 162 nunca en el clave. Y es curioso, porque posee sí, y tal vez lo haga algún día, pero no siento que tiene tanto encanto como luz y frescura la una capacidad pedagógica increíble. Con un sea una necesidad. La música es muy paradójica: K. 132. Espléndida y gatuna, la K. 30 y entre clave cualquiera puede producir por un lado está muy vinculada a lo humano, caballeresca y furiosa, la K. 119, con unos inmediatamente un sonido, cosa que no sucede pero en sí misma es independiente. Es algo que acordes especialmente brutales. con la mayoría de los instrumentos, ya que está en otra dimensión, llena de misterio, que Esta grabación aporta muchas cosas: un para tocarlos son necesarios unos rudimentos tratamos de entender, pero no siempre lo clave compacto, claro y preciso (un híbrido de técnicos y una cierta fuerza física. El sonido del logramos. Jamás toco para expresar como soy, diversos modelos alemanes); una selección clave es sensitivo, delicado, infantil en el como dicen muchos colegas. Si quiero preciosa y, por encima de todo, una estricto sentido del término…Por eso hubo expresarme, utilizo palabras, pero no música. interpretación sublime, que revela una tantos compositores barrocos, como Bach, que No creo en ‘mi’ visión, en ‘mi’ interpretación, en personalidad musical extraordinaria, escribieron ejercicios para que los niños ‘mi’ tempo… Es la propia música la que te dice meditativa, profunda, de inusitada flexibilidad tocaran en el clave. cómo tienes que manifestarte en cada momento. rítmica y agógica, lo que desemboca en una ¿Ese niño con patines que aparece en la Cuanto más profundizas en la música, más inaudita expresividad. Una lectura individual e carátula del disco es usted? preguntas te asaltan. intransferible que propicia uno de los mejores Sí. debía de tener seis o siete años; es decir, discos de Scarlatti hijo jamás editados. por ese entonces probablemente ya habría Eduardo Torrico tocado alguna de las sonatas que se incluyen en Javier Sarría Pueyo

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> BARROCO > CLASICISMO GRABACIONES ¢

JAKUB JÓZEF ORLINSKI, BOCCHERINI: SOLER: contratenor. Obras de Fago, Heinichen, Stabat Mater. Sinfonía G 500 en Re Obra vocal en latín Terradellas, Sarro, Feo, Zelenka, Hasse, mayor. Nuria Rial, soprano La Grande Chapelle Schiassi y Durante. Il Pomo d’Oro Orchester Le Phénix Director: Albert Recasens Director: Maxim Emelyanychev COVIELLO 91813 (1 CD) LAUDA 018 (1 CD) ERATO 0190295633745 (1 CD)

No ha entrado aún en la treintena, pero Jakub Este Stabat Mater de Boccherini es una de las más Gracias a la labor de investigación Józef Orlinski es ya uno de los grandes bellas obras de su nutrido catálogo y también musicológica de los expertos surgen nuevas dominadores de la escena contratenoril. Si una de las principales páginas religiosas del piezas vocales inéditas de Antonio Soler, esas algo le faltaba al polaco para codearse con los siglo XvIII. Pertenece a esa tradición del título que contrarrestan la presencia casi única de su entre los compositores italianos, entre Pergolesi más grandes, he aquí el formidable empujón obra para instrumentos de tecla en las y Rossini, que han hecho sobre el afortunado que le da su fichaje por Erato. Su primera programaciones de conciertos, en las poema de Jacopone da Todi un rimero de grabación para el sello francés se aleja por grabaciones y en el imaginario del aficionado. páginas singularísimas. En efecto, el comedido completo de los cánones establecidos. Se trata Si tenemos en cuenta las múltiples talante que exige el texto, con la dolorosa a los de obras sacras, íntegras o extractadas responsabilidades asociadas a sus cargos de pies de la Cruz, no impide cierta elegancia (oratorios, misas, motetes…), de autores, por maestro de capilla y de organista en El Escorial mundana y un despliegue de entusiasmos otro lado, no demasiado frecuentados. Ocho entre 1758 y 1783, deberíamos poner en valor la estéticos ante la melodía y sus retoques, de las piezas del programa —que pretende ser profusión de obras vocales que compuso variantes y ornamentos. una especie de viaje espiritual— no habían El compositor redactó en 1781 una versión —más de trescientas— a un ritmo envidiable. sido nunca registradas. para voz de bajo y cuarteto de cuerdas, que se dejando a un lado sus villancicos, de los Hay mucha belleza en esta música. interpretó en su estudio de modo privado, que se conservan 125, la obra vocal en latín, la destaca sobremanera la debida al tarantino tomando el propio autor la parte del que nos interesa, ocupa un lugar preponderante Nicola Fago (deslumbrante el aria Alla gente a violonchelo, su instrumento favorito. No está en su catálogo, con piezas que surtieron a la Dio diletta, del oratorio Il Faraone sommerso, claro cuándo revisó la obra para soprano y institución para todo el calendario litúrgico. tesoro que recuperara Fabio Biondi en 2009, orquesta, que es la usual. Son once partes Estas incluyen toda suerte de motetes, salmos, justo trescientos años después de su estreno). concebidas como breves arias de cámara, con lamentaciones, misereres, letanías, etc., en los Podría reprochársele a Orlinski que para este su una vena melodiosa de extrema facundia y feliz que la tradición contrapuntística se enfrenta a debut en solitario las obras seleccionadas no desarrollo, donde la voz, sin exponerla a los nuevos aires italianizantes y a la influencia sean de una gran exigencia y, también, que casi superfluidades de virtuosismo, puede asumir de las ideas ilustradas. Como en otros órdenes, todo el tiempo transite por una tesitura innúmeros matices de expresión servidos con esa dualidad en la obra de Soler no es más que la bastante central. Pero la suya es una voz el proverbial puntillismo boccheriniano. constatación de la reticencia de los artistas para fascinante y él tiene la suficiente inteligencia Para estas tomas se recurrió a una abandonar completamente una tradición para explotarla al máximo. orquesta de pequeño formato que evocara al heredada, respetada y muy considerada, aunque Para que todo discurra tan bien hace falta, cuarteto original y conservara el sesgo ciertos signos de cambio resultan inequívocos e indudablemente, una orquesta no solo brillante camarístico correspondiente. La ejecución es inevitables, como se aprecia en los sino con la habilidad necesaria para ponerse sin ejemplar y se pone en primera fila de lo que acompañamientos instrumentales de los reservas al servicio del cantante. Il Pomo d’Oro pueda ser la discografía comparada. Rial luce vientos, en la ligereza de las líneas vocales o en ha dado sobradas muestras de su versatilidad y su voz pulposa y esmaltada, una emisión el enfoque más teatral y moderno de algunos flexibilidad, y aquí raya a un nivel sencillamente exquisita, una musicalidad intachable y pasajes. formidable. No es de extrañar que sean tantos propone un paseo por los delicados rincones Albert Recasens y La Grande Chapelle los cantantes (especialmente, contratenores) de la partitura, de delicioso y sensible efecto. La consiguen plasmar con gran acierto la riqueza que hacen cola para cantar con ella. El despido orquesta la sigue con prudencia y refinada estilística y compositiva en estas depuradas del triste Riccardo Minasi, hace ya tres años, prolijidad. Lo mismo ocurre con la sinfonía, lecturas. La sección instrumental es muy fue providencial. Con italianos (Onofri, breve y veloz, de simple fórmula y con los pulcra, y la vocal funciona mejor en conjunto y Montanari…), con rusos (Sinkovski, consabidos recursos de quita y pon que son en las piezas de stile antico que en las Emelyanychev…), con búlgara (Zefira valova) o incansable prueba de la maestría constructiva italianizantes, con más secciones a solo y de con griego (George Petrou), el sonido de de Boccherini. resultado más desigual. El balance entre ambas Il Pomo d’Oro es siempre alucinante. secciones es siempre satisfactorio. Blas Matamoro Eduardo Torrico Urko Sangroniz

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BRAHMS: Sinfonías 1-4. Staatskapelle de Berlín Director: Daniel Barenboim DG 4835251 (4 CD)

Segundo ciclo brahmsiano de Barenboim, tras el realizado a principios de los 90 en Chicago. Lo hace esta vez con su Staatskapelle de Berlín, que indudablemente ha crecido, y de qué forma, bajo su mano. Poco que objetar en ese sentido. La prestación orquestal es de primera, sin duda. Pero tras varias escuchas, debo confesar que termino con sensaciones encontradas, eso que los ingleses llaman “mixed feelings”. Las aproximaciones son ahora un tanto más serenas que entonces. Los tempi son notoriamente más contenidos que los de Nelsons (con la Sinfónica de Boston, por remitirme a un ciclo reciente), que a su vez distan de ser apremiantes. Y, dentro de ellos, Barenboim opta por planteamientos muy personales en cuanto a inflexiones, acentos, fluctuaciones. Planteamientos que, en una escucha en vivo, pueden convencer (o no), pero que no puedo asegurar que no fatiguen en escuchas repetidas. Esto sin contar con que hay momentos, movimientos incluso, que podríamos decir admiten con más facilidad esta aproximación más moderada, más inclinada a la recreación que a la vibración. Ocurre en el Andante sostenuto de la Primera (quizá la más lograda de las cuatro) o el Andante de la Tercera. Se agradece también, en términos de grandeza, la amplitud de fraseo en muchos momentos del movimiento final de la Primera o en el primero de la Cuarta, en ambos casos con una aportación magnífica de la cuerda berlinesa. Otros movimientos, sin embargo, quedan un poco caídos, algo ayunos de cierta energía, como el Allegro con spirito de la Segunda, cuya vibración está lejos de la conseguida por Abbado (con la Filarmónica de Berlín en dG, en los 90), o más recientemente, por Jansons (Sinfónica de la Radio Bávara), por no hablar de Carlos Kleiber. Algo parecido sucede con el último movimiento de la Cuarta. Uno termina con la impresión de que el ciclo en su totalidad no acaba de convencer, porque cuando culmina la escucha, queda el regusto de interpretaciones impecablemente ejecutadas, de bella sonoridad y bastante bien grabadas (aunque tanto el de Nelsons como el de Jansons son, en términos de grabación, mejores), pero que enganchan solo a ráfagas. A destacar una notable Primera y una Tercera que tiene (como en sus dos movimientos centrales) muchos momentos de gran belleza. diría que los ciclos de referencia, como Sanderling, Wand, Furtwängler (este también muy personal), Walter, Szell o Giulini, por solo citar algunos, son globalmente más redondos que este segundo del argentino.

Rafael Ortega Basagoiti

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> SIGLO XIX GRABACIONES ¢

BRAHMS / BRUCKER: BRUCKNER: CHOPIN: Sinfonías. Staatskapelle de Dresde. Fil. de Obras para piano 24 preludios. Barcarola. Fantasía- Múnich. Fil. de Viena. Sinf. de la Radio de Ana-Marija Markovina, piano Impromptu. Joaquín Achucarro, piano Colonia. Fil. de Berlín. Orq. Ópera Estatal HÄNSSLER 17054 (1 CD) LA DOLCE VOLTA 44 (1 CD) de Baviera. Director: Hans Knapperts- busch. HÄNSSLER 18048 (10 CD)

Reedición de estas célebres versiones ya Resulta difícil, cuando no disparatado, Joaquín Achúcarro grabó este extenso disco conocidas por los buenos —y viejos— imaginarse a Anton Bruckner componiendo (prácticamente setenta y cinco minutos) ya a aficionados. La única novedad para el firmante cuadrillas de ritmos danzables y obritas de una edad venerable, los ochenta años, con un es una Primera de Brahms con la Staatskapelle de salón para piano a dos y cuatro manos. ¿El repertorio integrado únicamente por Chopin, y dresde registrada en directo en 1956. Completa músico circunspecto al que todos imaginamos básicamente por los Preludios, dos nocturnos, la el disco la Obertura académica extraída del de adusta faz y serio gesto, sumido en sus Barcarola, la Fantasia-Impromtu y alguna otra registro decca de 1957. El resto de Brahms, propios pensamientos al margen de un mundo pieza póstuma del autor polaco. La maestría y incluidas las Variaciones Haydn y la Obertura musical hostil, sentado al piano y la elegancia del pianista vasco quedan trágica, son registros de los años 50, unos en componiendo marzurkas, polcas y valses? plasmadas con unas postales perfectamente directo (Segunda, Cuarta y Obertura trágica) y otros ¿Pequeñas miniaturas de la mano del gran ilustradas con finura y lirismo, sensatez y en estudio (Segunda y Variaciones Haydn), todas constructor de catedrales sonoras? ponderación. Las versiones de Achúcarro publicadas frecuentemente en otros sellos Pues sí, así es… y todo tiene su respiran sobriedad y circunspección, dando al (Orfeo, sobre todo) y comentadas, asimismo, en explicación. Bruckner era consciente (o así lo discurso un halo de equilibrio y reflexión que estas páginas en más de una ocasión. creía), a sus treinta y tantos años, de sus se ajustan a Chopin como anillo al dedo. El En el Bruckner no hay ninguna novedad. carencias en materia de composición, sobre lirismo del piano no apabulla, más bien La Tercera, de 1954, con la Orquesta Estatal de todo en lo relativo a las estructuras formales y persuade con un savoir faire pleno en gentileza y Baviera fue publicada varias veces en Music & su encadenamiento. Acostumbrado a sus distinción, un fraseo intenso penetrante y Arts y Golden Melodram. La Cuarta, con los improvisaciones al órgano, en las que dejaba extendido que no deja indiferente al oyente; berliner en el año 44, también había sido editada volar la inspiración libre y sin ataduras aunque sea mucho atrevimiento, la en varios sellos marginales, aunque esta que formales, su enfrentamiento con la sinfonía le comparación con Rubinstein se hace inevitable ahora nos ofrece Hänssler es la de mejor sonido. obligaba a domeñar su inspiración y someterla por sus evidentes paralelismos. La Quinta, en estéreo del año 56, es la misma de a la férula del desarrollo motívico. de ahí que a Es incuestionable que el artista destila decca, con sonido fenomenal, aunque la sus casi cuarenta años le pidiese a su amigo ponderación al mismo tiempo que de sus edición —como las de las dos anteriores— deje Otto Kitzler, director musical del teatro de Linz dedos emana un sonido exquisito y mucho que desear. La Séptima, con los Wiener, y diez años más joven que él, que le instruyese distinguido; los tempi escogidos ayudan a la del año 49, fue comentada no hace mucho en en el arte de la composición. de aquellas aproximación del autor romántico desde una estas mismas páginas, lo mismo que las Octava lecciones nace el Cuaderno Kitzler, fechado en madurez y una distancia promovida por una y Novena con los berliner, de los años 51 y 50 1862 y en el que encontramos ejercicios visión desde las alturas. Achúcarro promueve respectivamente, reseñadas cuando se compositivos en forma de danzas, estudios, una estética interpretativa de fundamentos publicaron en el álbum Audite con los registros variaciones y hasta un fragmento de sonata poéticos y una mirada llena de conocimiento y de Kna con la Filarmónica de Berlín. (corte nº 1) en el que se puede seguir con detalle sugestión que dibujan un Chopin nostálgico y Nuestro colega Miguel Ángel González el combate de Bruckner por someter su sereno, también reflexivo y recogido. La belleza Barrio nos informa de que la Primera de Brahms inspiración al corsé de la forma sonata. está servida, y al mismo tiempo que su touché que aparece en este álbum no es de Junto a otras piezas de años anteriores, sublima con candor y calidez los más mínimos Knappertsbusch, sino de Klemperer. Hay Markovina ofrece la primera grabación detalles sonoros, su visión arquitectónica matices interpretativos que pueden pertenecer mundial de trece de ellas, con más interés también alienta la sensación de sentido y a uno o a otro. También nos ha informado de la musicológico que musical, si bien la pianista lucidez. Es interesante también remarcar que la discografía de ambos en diversas páginas. de las defiende con amplia solvencia y un fraseo calidad de la toma de sonido, envolvente pero todas formas, pensábamos que un sello de lleno de atención a los ritmos y a los matices no agobiante, ayuda al disfrute casi místico de irreprochable seriedad como Hänssler no se iba dinámicos, sobre todo en las composiciones todas éstas ilustradas interpretaciones. a permitir caer en la treta más vulgar de las más libres. Bienvenida la aportación del veterano empresas piratas. pianista bilbaíno. Andrés Moreno Mengíbar Enrique Pérez Adrián Emili Blasco

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> SIGLO XIX ENERO 2019

GLINKA: SCHUBERT: AUS FLÜGELN DES GESANGES Canciones de cámara. Lieder. Andrè Schuen, barítono Obras de Schubert, Liszt, Mendelssohn, Julia Sukmanova, soprano Daniel Heide, piano R. Schumann, C. Schumann, Wagner, Elena Sukmanova, piano AVI MUSIC 8553373 (1 CD) Wolf, e.a. Christoph Prégardien, tenor HÄNSSLER 17068 (1 CD) Cyprien Katsaris, piano CHALLENGE 72787 (1 CD)

Mikhail Glinka es considerado el patriarca Articular un Cd dedicado a lieder de Schubert “A la minoría, siempre” podría ser el subtítulo fundador del nacionalismo musical ruso y la en torno a la figura del Wanderer, del paseante de este Cd que han grabado el tenor Christoph ejecutoria demuestra que lo merece. Supo tanto en sentido literal como filosófico, es una Prégardien y el pianista Cyprien Katsaris. La recoger danzas y cantos anónimos de su tierra, gran idea que podría parecer relativamente portada, huyendo de cualquier máxima de la en especial de la Rusia europea de dominante habitual, teniendo en cuenta lo recurrente del mercadotecnia actual, nos recibe con una eslavo y religiosidad ortodoxa, y llevarlos a tema en el corpus schubertiano. No siendo así, fotografía de estos dos grandes músicos ya diversos formatos. Los más trajinados son sus es de alabar que el barítono Andrè Schuen y el entrados en cierta edad y anuncia una trabajos escénicos, en especial en el ámbito de pianista daniel Heide hayan partido de este propuesta y una selección de obras no dirigidos la lengua rusa. Pero hay otro Glinka, en buena principio para elaborar una grabación llena de a cualquier público. En efecto, quien sea un medida hijo de la desdicha histórica de su atractivos. En primer lugar, la selección de buen amante del género lied y de la música para patria y, por paradoja, autor de músicas rusas lieder, que combina y alterna cuidadosamente piano (imprescindibles ambas parafilias) sentidas y resueltas a la distancia. todos los estados del alma romántica alemana. disfrutará con deleite de cada minuto. Estos dos En efecto, a causa de la frustrada rebelión Además, la robusta y hermosa voz de Schaun artistas combinan toda una serie de lieder de liberal contra el zarismo de 1825, hubo conquista de inmediato el oído. Esa sensación los compositores más destacados en ese ámbito ejecuciones, cárcel y destierro para quienes de fortaleza y de poderío podría entrar en con sus respectivas transcripciones o paráfrasis participaron en ella o le prestaron apoyo. El colisión con la idea de fragilidad que asociamos para piano de autores como Liszt, Clara poeta Pushkin y nuestro músico figuran entre indefectiblemente a la música del vienés. Sin Schumann, Godowsky y otros. los exilados. Glinka fue a dar a Berlín y allí le embargo, nada más seductor que la virilidad El grandísimo Prégardien asombra porque tocó morir. Estaba lejos y aislado de su tierra, a —con perdón— cuando es capaz de mostrar mantiene prácticamente intacta la frescura de la vez que la llevaba consigo a todas partes en vulnerabilidad, y así es la concepción de Schuen su timbre y nos ofrece, una vez más, una lección su música. Estas veintidós canciones de cámara y Heide: muy terrenal, nada etérea, pero con magistral de canto por su infalible técnica, su son un hallazgo porque casi nunca se incluyen profundos acentos de dolor y de lamento que impecable dicción, su conocimiento de los en los programas del género. Sirven para provienen de una atenta lectura del texto estilos y por una musicalidad impregnada de ilustrar lo que podríamos llamar solución poético y la prosodia musical, como en emoción y una sutil combinación de pasión y Glinka. Es evidente en ellas su estricta Totengräbers Heimweh, por ejemplo. Y qué decir pudor. En cuanto a Katsaris, pianista no tan formación germánica y el conocimiento del de la alegría contagiosa que transmiten en Der conocido como merecería, despliega en esas lied alemán, al mismo tiempo que, con sutileza Musensohn o Auf der Bruck, revelándonos la faceta transcripciones todo su legendario virtuosismo y sin abusos de color, se escucha la voz rusa más vivaz y entusiasta de Schubert: das Wandern sin pretender en ningún momento alardear o que corresponde. Son piezas normalmente no es sólo darle martirio al cuerpo y al espíritu. deslumbrarnos, sino que nos enseña, a la estróficas, a veces narrativas en plan baladas, Schuen es clarísimo en la dicción y posee manera de los buenos maestros, cómo se otras con perfil de voz solitaria y pródiga en una técnica sólida y refinada que le permite traducen al piano los acentos vocales. Respecto anhelos y quejas de amor románticas. Las hay jugar a voluntad con colores y efectos según las a su papel como acompañante sólo podemos en italiano, alemán y, por supuesto, en ruso. En necesidades expresivas. Heide, por su parte, es decir que se revela como el partenaire ideal. El todas la limpidez de la escritura, el melodismo un gran acompañante, poseedor de un muy único pero a esta joya para coleccionistas es de de buena cepa y un acabado tratamiento de la bello sonido, que no renuncia a extraer del orden técnico y lo constituye un molesto voz, cumplen con probidad sus misiones. instrumento una amplia gama de matices, parásito sonoro de origen ignoto, presente sólo Ambas Sukmanova se producen con una incluidos los forti y fortissimi en perfecto en algunas de las obras para piano. Pero desde concentrada atención a las partituras y una acuerdo con el barítono, que hace lo propio. luego, la impresión que domina es la de cuidadosa exposición de los textos. Hay Una versión de carne y hueso, delicada pero inmenso placer por parte de ambos músicos al suficiencia en el canto y en el piano, alejada de concepciones enfermizas: un gran interpretar este repertorio y su sabiduría a la musicalidad y debido carácter estilístico y, por acierto musical. hora de comunicárnoslo. ¿Elitista? ¿Esnob? ¡Y decirlo rápido, nacional. que no falte! Ana García Urcola Blas Matamoro Ana García Urcola

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> ENTREVISTA Alexander

GRABACIONES Lonquich

¢ “En Schubert todo son preguntas sin respuesta”

Cecopato Tras muchos años grabando para discográficas tan diversas como EMI, Audite, Orfeo o ECM, el veterano Alexander Lonquich (Trier, 1960) ha recalado en el sello Alpha en lo que parece ser el inicio de una colaboración a largo plazo, y cuyo primer fruto es un doble Cd que, bajo el título “Schubert 1828”, reúne las últimas obras maestras para el teclado que Schubert compuso pocas semanas antes de su temprana muerte. Reciente aún el recuerdo del magnífico recital que ofreció el pasado mes de septiembre en la madrileña Fundación Juan March, SCHERZO ha conversado con el pianista alemán, radicado hace ya décadas en Italia, acerca de este proyecto. Martín Lasalle

¿Por qué Schubert para su primer registro sonata era muy diferente; era una idea épica, mismo reconoce una y otra vez que la con Alpha? narrativa, un viaje. verdadera comunicación entre los seres Schubert es un músico que llevo muchos La segunda y la tercera son obras humanos es imposible. Es muy interesante, años interpretando; de hecho, el primer estructuralmente similares, parecen porque al mismo tiempo que vive con pasión la concurso de piano que gané, a los 16 años, fue reflejarse una en la otra. amistad —convivió con amigos durante con la Sonata en Do menor. A lo largo de los años En efecto, ambas tienen un segundo muchos periodos de su vida— en última ha ido cristalizando en mí una idea de movimiento que parte de una especie de instancia no cree en la posibilidad de una Schubert, y finalmente me ha parecido que inmovilidad. El primer tiempo de la Sonata en La verdadera comunicación, hasta el punto de que llegaba el momento de realizar un disco. mayor se compone, desde el punto de vista su música transmite una idea de ¿Y cuál es su idea de Schubert? armónico, de preguntas sin respuesta; la distanciamiento, también desde el punto de Pienso que el estilo de Schubert, a armonía se abre, parece que va a llegar algo vista de las dinámicas; escribe por ejemplo diferencia del de Beethoven, es esencialmente diferente, y finalmente lo que llega no es una muchos pianissimi que nunca acaban de ser tales, narrativo; siempre parece estar contando una respuesta, sino otra pregunta. Todo es pues al final se produce siempre un crescendo. historia. Y en este sentido se podrían sorprendente en estas tres obras maestras; por También ha incluido en el doble CD las considerar las últimas sonatas como los tres ejemplo, en el movimiento lento de la Sonata en tres Klavierstücke D 946 capítulos de una única novela, con una trama La mayor, tras una melodía de una melancolía Sí, pues se trata de piezas que, aunque narrativa continua. Por su atmósfera están indescriptible, sobreviene el caos. Nunca antes menos conocidas, pertenecen al mismo además muy cerca del Viaje de invierno, sobre ni después el caos ha sido descrito como lo momento creativo final, están escritas casi todo la Sonata en Do menor. Se trata en todo caso hace Schubert en esta sonata. simultáneamente y guardan muchas de una música fatalista, que traduce una idea En su interpretación usted parece similitudes con las tres sonatas. Tomemos por pesimista de la vida. conceder una especial importancia a los ejemplo el acompañamiento de la primera de ¿Piensa que, cuando escribía estas silencios, un rasgo estilístico muy las tres piezas y hallaremos muchos puntos en obras, Schubert era consciente de su importante en la música final de Schubert. común con la Sonata en Do menor. Yo amo próxima muerte? En efecto, y considero particularmente particularmente la segunda, que transmite con Sabía en todo caso que estaba muy enfermo, importantes los silencios del primer tiempo de fuerza un cierto sentimiento de hipnosis, con y que la muerte era una realidad posible, aunque la última sonata, la escrita en Si bemol mayor; un ritmo siempre igual, sin interrupciones, lo no creo que fuera del todo consciente de que iba aquí el tiempo es fluido, pero de pronto aparece mismo que ocurre en el segundo movimiento a morir tan pronto. Pero sin duda su idea de la un trino, una especie de ruido que termina en de la Sonata en Si bemol mayor. vida era trágica, y esto se puede comprobar un silencio, en una súbita interrupción. Se trata Su carrera discográfica es amplia leyendo sus diarios y sus cartas. de silencios que siguen a una especie de aunque un tanto dispersa. Ha grabado para Desde el inicio parecen evidentes en pregunta. Esto lo repite varias veces durante la muchos sellos diferentes, entre ellos EMI y estas sonatas las relaciones con el universo pieza, hasta el final del movimiento, que parece ECM. ¿Supone este primer disco para Alpha pianístico de Beethoven; para la primera de enlazar con el siguiente. Estos silencios el inicio de una colaboración estable? las tres Schubert eligió una tonalidad tan transmiten una sensación de enorme soledad y Sí, y de hecho ya está programado el beethoveniana como Do menor… de profundo desconsuelo. segundo disco, las Sonatas para violonchelo y piano Y no solo eso, también hay una cita del Es curioso, porque Schubert es en cierto de Beethoven con instrumentos de época, junto tema de las 32 Variaciones en Do menor de modo el paradigma de la música vivida como a Nicolas Alstaedt, con quien he tocado mucho, Beethoven, aunque la escritura de este es más una celebración de la amistad, pero al mismo aunque este será nuestro primer disco juntos. concentrada que la de Schubert, que enseguida tiempo es la música de alguien que habita en ¿Significa eso que ha concluido su divaga por otras tonalidades, sin completar el la más profunda soledad. colaboración con ECM? tema. Aunque también en estas obras se puede En Schubert son parámetros que están Espero que no, me gustaría mucho comprobar cómo Schubert quería distinguirse íntimamente relacionados. Es cierto que, por continuar con ECM, un sello excelente; pero es de Beethoven. Pienso que Schubert tomó de una parte, Schubert profesaba un auténtico cierto que en los últimos tiempos algunos Beethoven la sonoridad, pero su idea de la culto de la amistad, pero si se leen sus diarios, él proyectos con ECM no han acabado de cuajar.

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> SIGLO XIX ENERO 2019

SCHUBERT: TILL FELLNER, piano Sonatas D 958 y D 960. 3 Piezas D 946 Obras de Liszt y Beethoven Alexander Lonquich, piano ECM 2511 4816837 (1 CD) ALPHA 433 (2 CD)

Señala Lonquich en las notas algo que los Que Till Fellner es uno de los mayores pianistas buenos schubertianos seguro que conocen. El de la actualidad es algo consabido. Para quien último año de su vida fue, pese a la salud en aún no lo conozca, esta entrega en vivo — decadencia, de frenética actividad. Volcó todo Viena, 2002 y 2010— bastará para convencerlo. lo que llevaba dentro: tristeza, repentinos Un sonido suntuoso está al servicio de una exabruptos de rebeldía, resignación, dolor, lectura minuciosa y cristalina, un fraseo de exaltación de la vida, lirismo, resonancias de incontables variedades, una solvencia técnica efusión juvenil (al fin y al cabo, se trataba de un suprema y, por si faltase algo, una imaginación chaval de 31 años). En ese último año dio poética de amplísima sensibilidad. Schubert un auténtico ramillete de páginas En Liszt, con los nueve números que geniales. Y en él, las tres últimas Sonatas para integran la primera serie Suiza de los Años de piano y las Piezas D 946 ocupan un lugar muy peregrinaje ofrece una serie de estampas sonoras especial. Se nota que Lonquich, que donde alternan los paisajes imaginarios, las recientemente ha asombrado en Madrid con su cantinelas populares y los momentos de Schubert (un evento extraordinario en la introspección, sea meditativa o atormentada. March), fue alumno del gran experto en En fin: una autobiografía sonora del artista Schubert Badura-Skoda. Porque aquí muestra romántico, solitario y absorto ante la sin duda el resultado de un trabajo tan naturaleza. Aparte de las exigencias expresivas concienzudo como hondamente sentido. demandadas por los múltiples temperamentos, Escuchen el atípico pero espeluznante Liszt exige virtuosismo. Fellner, con suma Andantino de la D 959 y entenderán a qué me inteligencia, no lo expone, sino que lo domina refiero. Ahí está la esencia de este último y lo integra en el discurso, desde una mano Schubert. El canto lírico de infinita melancolía, izquierda capaz de tempestad y una mano el tormentoso arrebato caótico de resonancias derecha, en el extremo opuesto, de tintineo. improvisadas, surgido aparentemente de la El Opus 111 de Beethoven, la Sonata nº 32 en nada en la sección central, el retorno a un canto Do menor, es la despedida pianística del que deviene finalmente resignado. Como señala compositor. De sonata, en sentido canónico, Lonquich, la “aceptación de lo inaceptable”. sólo tiene el nombre porque la componen dos Entre las muchas virtudes de este álbum movimientos, cada uno con un tema único y extraordinario está justamente esa: Lonquich sus infinitas variantes, arte beethoveniano por extrae con supremo acierto cada contraste, excelencia. El primero es dramático, obsesivo, cada crudeza y cada sutileza de estos una lucha entre la melodía que intenta escapar Auditorio Nacional pentagramas. Exquisito en el sonido, elegante y hacia su resolución y sólo consigue variar y 24 enero-19:30 sentido el canto, justo en el rubato, cuidado en exaltar su obsesión. El segundo es una arietta, Concierto de apoyo las inflexiones, atinado dibujante de cada uno con un cantable sereno y melancólico, a veces a jóvenes artistas. de los climas cambiantes que, a veces de forma sorprendido por el drama o por la alegría abrupta, nos presenta este último Schubert. festiva para culminar en lo visionario, de una Compra tu entrada en: Aquí se nos presenta, con envidiable luminosidad con algo de espectral. El pianista www.entradasinaem.es sensibilidad, todo el caleidoscopio de esta sortea todas estas alternancias y construye una música crepuscular. Sin concesiones, en todo historia que remata en una suerte de estática su desgarro, en toda su humanidad, con toda la levitación. emoción. No se lo pierdan. Blas Matamoro Rafael Ortega Basagoiti

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DEBUSSY: DEBUSSY: FAURé: Preludios. Vladimir Ashkenazy, piano Últimas obras. Isabelle Faust, violín. Calígula op. 92. Preludio de Pénélope. PALADINO 0100 (1 CD) A. Melnikov, J. Perianes y Tanguy piano. E.a. Olga Peretyatko, soprano. Benjamin M. Mosnier, flauta. A. Tamestit, viola. X. Bruns, tenor. Orquesta Sinfónica de de Maistre, arpa. J.-G. Queyras, chelo Basilea. Director: Ivor Bolton HARMONIA MUNDI 902303 (1 CD) SONY 19075818582 (1 CD)

Pianista octogenario, al igual que su colega Bellísimas contradicciones que debussy no En realidad es tan secreto este Fauré como Joaquín Achúcarro, quien también acaba de quiso resolver reinan en este testamento puedan serlo otras obras suyas de infrecuente publicar un disco dedicado a obras de musical interrumpido. Y sorprendente, interpretación en las salas de conciertos pero indiscutible repertorio (Chopin, en La dolce enigmática, es la ausencia de ruptura entre el que los amantes de uno de los más grandes vita), se reivindica el polifacético vladimir pasado de la música, del compositor y su músicos franceses conocen por grabaciones Ashkenazy con esta versión de los Preludios de presente. Con una suerte de pudor, anteriores, quizá con la salvedad de las debussy. Con una diferencia: mientras que la Grumiaux/Hadju firmaron la referencia (o una canciones —Les roses d’Ispahan, Soir, Claire de lune grabación del pianista español es enteramente de las mejores versiones) de la Sonata para violín, y Après un rêve— orquestadas por el propio actual, la del artista que nos ocupa no lo es evocando a verlaine tan amado por debussy, autor o por Louis Aubert y Henri Busser. Lo totalmente. El primer cuaderno sí que data de que prefería “el matiz al color, pues solo el secreto en Fauré, en relación a otros músicos de 2017, pero hay que resaltar que el registro del matiz alía la ensoñación con la ensoñación”. su época, sería más bien ese ámbito tan suyo en segundo cuaderno se realizó en el Hunter Los rusos —por ejemplo, Oistrakh/Bauer o el que se equilibran como en ningún otro la College de New York… en 1971. La toma sonora sobre todo dubinsky/Edlina— suelen belleza y la emoción, la elegancia y una también acusa esa diferencia en el tiempo, ya interpretar la obra a la (poca) luz de Sin sol, el locuacidad siempre discreta. Fauré es un que la antigua grabación adolece de una falta de ciclo desesperado de Mussorgski (tan admirado músico para gente tranquila, que atempera la recursos que hace de ella que sea una toma por debussy) con tempi evidentemente mucho pasión con la inteligencia, cosa que él procuró sonora claramente deficitaria; se escucha más lentos (5’40 en vez de 4’15 para el Allegro). hacer a lo largo de su vida. porque no hay más remedio, pero, la verdad, Siguiendo esta estela, Faust/Melnikov Las obras aquí elegidas pueden parecer no se saborea como se debería. añaden un toque expresionista, pesimista menores, sobre todo con respecto al gran Toda la nitidez del primer cuaderno queda incluso, manifestando así el estado de ánimo Fauré, el del Requiem o la música de cámara, ensombrecida por el segundo, con más sombras del compositor agonizante en plena guerra. En pero son un ejemplo más de ese “instante de que luces, en el cual no se aprecian las calidades la Sonata para violonchelo, Queyras/Perianes prodigio” que era para Gerardo diego la música acústicas. El sonido es más nebuloso que claro y destacan con gran elegancia la ‘modernidad’ de del francés, y denotan el excelente gusto de los las partituras quedan afectadas por la curiosa debussy revisitada por los clavecinistas responsables de la grabación. Las versiones son —dudosa— afinación del piano utilizado. franceses, la comedia del arte y sus arlequines probas y en algún momento alcanzan muy Francamente, parece más un improvisado con la mandolina evocada por el violonchelo buena altura, aunque quizá le falte a las lecturas documento del directo que una grabación de (Pierrot enfadado con la luna era el primer título de de Bolton la mezcla precisa de delicadeza e estudio. En el primer cuaderno se respiran otros la obra) y, en el último movimiento, Iberia y sus intensidad, quizá el dominio pleno de un aires: aquí apreciamos a un Ashkenazy en Perfumes de la noche. lenguaje que es algo más que, diríamos, el forma, maduro, sincero, que brilla con un En la Sonata para flauta, viola y arpa, francés hablado. Es lo que sucede cuando nos pianismo acertado y preciso en todos los magníficamente tocada con instrumentos ‘de movemos en el terreno de lo tan sutil. detalles. Los preludios van apareciendo época’, flota una terrible melancolía en la Peretyatko es una estupenda soprano, aunque sucesivamente como postales iluminadas, con armonía “impar, imprecisa más difusa y soluble quizá no sean ni su voz ni su estilo lo más una gran paleta sonora, con un fraseo ágil, en el aire” (verlaine, otra vez). Completan el adecuado a unas canciones que dice con rápido, lleno de energía y carácter. Es un álbum las cuatro últimas piezas para piano entrega pero en las que se echa de menos ese debussy sin elocuencias pero eficaz, ya que el tocadas por Tanguy de Williencourt a quien su punto último de discreto abandono. Sin pianista transmite todo el universo Cd (Wagner recompuesto por Liszt embargo, tanto ella como Benjamin Bruns impresionista con evocación y onirismo. recompuesto por el propio intérprete) situó al están espléndidos, respectivamente, en la suite valorando las múltiples y referenciales lado de estos audaces pianistas improvisadores de Pelléas et Mélisande y en Schylock. Un disco versiones de los Preludios de debussy (actuales e recompositores llamados david Greilsammer, notable, al que le ha faltado un punto de históricas), ponemos en duda la recomendación Tristano Schlimmé o vinkingur Ólafsson. exquisitez para llegar a lo que estas músicas, de este Cd, habida cuenta de todo lo dicho. más exigentes de lo que parece, reclaman. Pierre Elie Mamou Emili Blasco Luis Suñén

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ENESCU: Strigoii. Rodica Vica, soprano. Tiberius Simu, tenor. Bogdan Baciu, barítono. Alin Anca, bajo. Rundfunk-Sinofnieorchester Berlin. Director: Gabriel Bebeselea CAPRICCIO 5346 (1 CD)

Una obra perdida, desconocida, que surge de repente y hay que preparar, reconstruir; está sin terminar. Es el caso de Strigoii (Los espectros) de Enescu, medio teatral, con temática ‘de miedo’, un pequeño oratorio a lo Gurrelieder, con personajes que regresan del ‘más allá’ en un medio de reyes y reinas que rozan lo maldito. Mas sin monumentalidad, no hay coros de envergadura; ni siquiera hay coro. Un bajo asume el cometido de narrador, con momentos de melodrama en sentido estricto (recitado sobre música, sin métrica o dinámicas para el relato, es decir, no es Sprechsgesang). Enescu, compositor y virtuoso del violín, consigue sorprendernos una vez más, sesenta y tantos años después de su muerte. Quien fue capaz de componer una obra como su ópera Edipo, poco conocida de los melómanos hasta su registro por Foster, nada menos que con José van dam (EMI, 1990), no debería sorprender con este oratorio y, sin embargo, vemos que este rumano se hallaba más enraizado en la tendencia que se desarrollaba entonces en Europa central. Como si pudiéramos ubicar a Enescu, sin forzar demasiado los términos, en la pléyade de compositores como Strauss, Schreker, incluso Berg y tantos más. El musicólogo y compositor Cornel Taranu es responsable de la recuperación de la obra, que ahora ya está orquestada: “después de la representación con voces y piano de los años 70 y 80 por los solistas del Conjunto Ars Nova, a los que yo mismo acompañaba al piano, ahora tenemos ya una orquestación de la obra, completada con dedicación y competencia por el compositor Bain Pauta, muy familiarizado con las obras de Enescu, alguna de las cuales ha orquestado ya”. Felizmente, para esta recuperación en toda regla, para su realización sonora de 2017, se ha contado con un equipo también muy competente, y además inspirado, como si la trascendencia de esta obra de aparecidos se reflejara en la devoción y el arte de cuatro excelentes solistas (vica, Simu, Baciu y la infatigable narrativa de Anca), una muy adecuada orquesta para el empeño, la de Radio Berlín, y un director, Gabriel Bebeselea, que sabe traducir el misterio y la intriga de la leyenda no solo por ser compatriota de Enescu, sino por darle una dimensión dramática, teatral, que la obra parece reclamar (y solo lo apreciamos por lo que oímos). Completa el Cd otra recuperación de Enescu, una inspiración que no está lejos de la bruma y la épica de Los espectros; es la Fantasía pastoral para pequeña orquesta, de 1899.

Santiago Martín Bermúdez

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Completísimo documento dedicado a Simon Rattle y a su último concierto como titular de la Filarmónica de Berlín GRABACIONES ¢

MAHLER: MAHLER: Das Lied von der Erde. Magdalena Sinfonía nº 6. Orquesta Filarmónica de Berlín. Director: Simon Rattle Kozená, mezzosoprano. Stuart Skelton, BPHR 180231 (2 CD + 1 BLU-RAY) tenor. Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks. Director: Simon Rattle BRKLASSSIK 900 172 (1 CD)

La página web Arkivmusic arroja unas cien Completísimo documento dedicado a Simon Rattle y a su último concierto como titular de la entradas para grabaciones disponibles de este Filarmónica de Berlín. Se añade la versión grabada de la primera vez que dirigió la orquesta ciclo de canciones para orquesta mahlerianos o berlinesa en 1987 con la misma obra, el concierto filmado de 2018 que se publica ahora en Blu-ray, sinfonía para dos voces en seis movimientos. una extensa documentación de los 16 años que ha pasado Rattle como titular y una introducción de hecho, tras haberla llevada al disco en versión del propio director. Todo ello presentado en un lujoso álbum que, justo es decirlo, es de para tenor y barítono, esta es la segunda versión importancia cultural y musical incuestionable. del director británico, quien ahora la vuelve a Hemos oído a este director asociado con Mahler desde que prácticamente empezó a ser registrar en compañía de su flamante esposa Lady conocido. El firmante le recuerda una Sexta en los Proms sobre la que planeaba la sombra de Rattle, más conocida como Magdalena Kozená. Barbirolli, en una traducción romántica y apasionada, que coincidía con este incluso en los tempi Stuart Skelton, con un punto ligeramente amplios e intensos del comienzo de la obra. después, el lenguaje empezó a hacerse más personal, gutural, tan típico de los tenores en repertorio hasta llegar a la primera traducción de la Sinfonía Trágica en Berlín en 1987. Aquí, Rattle consigue germano, se impone con bravura, autoridad y una lectura técnicamente perfecta, algo insólito si tenemos en cuenta que era su primer encuentro una distinguida enunciación. Felizmente, no se con la agrupación, aunque cabe decir que el idioma, el sonido y el estilo parecen todavía algo recata en ataques agudos en ‘registro de cabeza’ neutrales y distanciados, es decir, sin la enjundia y la impronta personal que directores como el allá donde se requiere apianar y colorear. citado Barbirolli, Bernstein, Neumann, Mitropoulos y tantos otros han sabido dar a este complejo Kozená se presenta con gran distinción en fresco sinfónico. En suma, una primera Sexta berlinesa que ya mostraba evidentes cualidades el ambiente mistérico de Der Einsame im Herbst. mahlerianas; aunque, desde luego, si Rattle se hubiese quedado ahí no habría alcanzado el olimpo Algunos alzarán la ceja considerando el que, como veremos, sí logró en su despedida. instrumento de esta mezzo aguda para la obra, El esplendoroso concierto de despedida, de maravilloso sonido y perfecta filmación, ambos pero lo cierto es que, al menos en grabación, en Blue-ray, es posiblemente, desde el punto de vista técnico, uno de los más bellos registros de resulta satisfactoria, y sabe dar anchura y música sinfónica oídos hasta la fecha por el firmante. El sello de la orquesta ha conseguido el no va oscuridad a los descensos al grave. Adopta más en una sinfonía de Mahler y, de paso, en una obra orquestal sinfónica. Los años han pasado y acentos arrabaleros en Von der Schönheit, lo que los berliner se han hecho ya completamente al idioma mahleriano, lo mismo que el director, que con más frecuencia de lo practicado conviene a aquí, siguiendo la estela de su memorable Décima con esta misma orquesta, nos anuncia que quizá un músico tan inspirado por muy varias estemos ante uno de los primeros traductores de la historia de este compositor. Todo llama la fuentes de músicas populares. atención, aunque el inmenso movimiento final, soberbiamente engarzado y concebido, da la La dirección de Simon Rattle es atenta, impresión de ser una obra completa e independiente en sí misma, a la que todo lo precedente le ligera, muy matizada, de alto vuelo y tonos serviría de prólogo introductorio. refulgentes, pero tal vez demasiado Hay que subrayar también el audaz tratamiento de las estructuras armónicas, así como refinadamente canónica para quien esto escribe. detalles en la instrumentación que dejan sobrecogido al oyente (por ejemplo, los dos tremendos Mima las secciones más intimistas y saca a golpes de martillo, que aquí suenan como quería el compositor, breves, poderosos, de resonancia relucir ese trabajo de tapicería instrumental sorda y carácter metálico). En manos de Rattle, el final expresa desesperanza y decadencia, y sus mahleriano. La Symphonieorchester des atormentadas disonancias son aquí resaltadas con mayor fuerza que en cualquier otra versión, Bayerischen Rundfunks responde con un recordando quizá a Szell en su legendaria interpretación, también en vivo. suntuoso y brillante sonido que se beneficia de En resumen, y añadiendo los interesantísimos bonus (que, para que no falte de nada, se nos una magnífica acústica donde el balance entre ofrecen también en español) estamos ante uno de los mejores registros de la Sexta de Mahler, a la tutti orquestal, y solistas vocales e altura o incluso por encima de las más destacadas, llámense como se llamen sus directores. Rattle instrumentales resulta óptima y donde estos se se une ahora a los Szell, Bernstein, Haitink y compañía para quedar eternamente en el museo de presentan en un diáfano primerísimo plano. las referencias. Gracias, señor Rattle, no esperábamos que su Mahler fuera a alcanzar este nivel versión notable, que se puede recomendar a estratosférico. Felicidades y esperamos sus nuevos registros con la LSO. quien no posea la obra o la tenga en versión para tenor y barítono. Enrique Pérez Adrián

Miguel Ángel Aguilar Rancel

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MOMPOU: PILATI: RAVEL: Música callada Música de cámara para violín, piano y Daphnis et Chloé (suites 1 y 2). La Luis Aracama, piano violonchelo. Francesco Manara, violín Valse. Le tombeau de Couperin IBS IBS592018 (1 CD) Luca Signorini, violonchelo Orquesta Filarmónica de Múnich Dario Candela, piano Director: Sergiu Celibidache BRILLIANT 95352 (2 CD) MPHIL 0013 (1 CD)

Las veintiocho piezas que, agrupadas en cuatro La figura del italiano Mario Pilati (1903-1938) Prosigue el sello de la Orquesta Filarmónica de cuadernos, conforman esta impresionante reúne perfiles singulares, a contar de una Múnich (distribuido por Warner) sacando con colección suponen todo un reto tanto para el existencia relativamente breve que no bloqueó cuentagotas registros de Sergiu Celibidache oyente como para el intérprete. Ambos una obra bastante extensa, de la que dejó al que no habían sido publicados con extremos de la línea de la comunicación deben final, esbozada, una ópera panorámica sobre la anterioridad en las ediciones de EMI. situarse en una especial predisposición, vida de su ciudad, Nápoles, única incursión Recuerden los fenomenales Mahler-Strauss, y interpretativa y auditiva, ante una música que suya en el género. Entre tanto, su deriva dvorák-Schubert, ambos comentados en estas hace a menudo de la nada, de lo mínimo, del profesional fue inquieta, pues empezó en su mismas páginas, a los que se une ahora un puro silencio, la materia sobre la que se eleva el tierra, siguió en Milán y los Estados Unidos sensacional monográfico Ravel con las obras discurso poético más depurado. Si el Cántico para acabar en un retorno al hogar. detalladas en la cabecera. Las grabaciones de la espiritual de Juan de la Cruz sigue a día de hoy A pesar de su corto paso por este mundo, orquesta bávara están realizadas en tres siendo la más alta cumbre de la poesía la producción de Pilati es factible de ubicarse conciertos distintos: 1979 (La Valse), 1984 castellana más pura y esencializada, las en cierto espacio de la música italiana de su (Le tombeau de Couperin) y 1987 (Daphnis), aunque miniaturas de Mompou componen un tiempo. Sus títulos ocupan el repertorio de no hay diferencias ni de sonido ni de concepto muestrario de cómo alcanzar el máximo cámara, la pequeña orquesta y el piano solista en ninguna de estas recreaciones. expresivo con el mínimo de recursos. de ahí el con masa orquestal en forma de concierto. Nada nuevo que decir que no se sepa ya, que todo pianista que quiera poner estas La ópera lo sedujo pero no pudo rematarla. desde la extraordinaria meticulosidad y partituras sobre el atril de su instrumento deba Estéticamente, su materia armónica y refinamiento del maestro dando vida a ese realizar un profundo ejercicio de introspección estructural pertenece al Romanticismo tardío remolino fantástico y fatal que constituye La y de depuración expresiva, un viaje hacia el pero su lenguaje es neoclásico. Está en un Valse, o construyendo nota por nota o acorde interior de sí mismo y de esta música. camino intermedio entre Respighi y Casella, por acorde el vasto fresco sinfónico de Daphnis Luis Aracama así lo hace desde el Angelico donde tal vez pudiera acompañarlo el joven (aquí en dos suites, con intervención del coro) que abre el primer cuaderno mediante un Nino Rota. En todo caso, la mocedad y la vejez o, en fin, destilando como un alquimista ese fraseo trascendido más allá de las propias de Pizzetti, con quien colaboró como homenaje a la música francesa del XvIII que es notas. Juega con los silencios con resultados transcriptor, no le queda lejos. Le tombeau de Couperin. realmente espeluznante en algunos momentos, El menú de este compacto es camarístico y En esas fechas, la Filarmónica de Múnich haciendo que suene en nuestra mente esa en él se advierte una querencia formal ya estaba plenamente imbuida de la filosofía y ‘música callada’ que para el poeta era la consabida, la sonata, una reminiscencia estética de su director musical, suponemos que máxima expresión de la experiencia barroca, la sarabanda, y una cantidad de a costa de numerosos y agotadores ensayos mística/amorosa. El intérprete consigue aquí soluciones románticas como las apelaciones para lograr esa mágica perfección que tan bien algo realmente tan complejo como es populares (tarantela y tamborrada), piezas reflejada queda en este Cd. Sin ánimo de encontrar el tempo exacto para cada pieza, la sueltas, melodías y brevedades en forma de maximizar, el firmante no ha encontrado ni en agógica propia de cada miniatura, así como los improvisaciones como las bagatelas para piano su abundante discoteca personal ni en la de sutiles juegos de dinámicas que eviten la solo distribuidas en dos series. En las sonatas ningún amigo o conocido otra grabación de monotonía y que otorguen personalidad a cada alternan el violín y el violonchelo, siempre estas obras que reúna la fantástica exactitud fragmento. Y el color, con sutiles juegos de seguidos o preludiados por el piano. Los con el color, el clima y el equilibrio que pedales que perfilan esa pátina impresionista ejecutantes han leído con cariñosa atención el podemos encontrar en estas lecturas, que por que recubre el discurso sonoro de Mompou. doble programa comprometido. Son muy lo demás están impecablemente recogidas Todo esto y mucho más es susceptible de ser solventes en lo instrumental, incluidas algunas desde el punto de vista técnico. No se las apreciado gracias a una toma de sonido virguerías para los arcos, y han sabido sintetizar pierdan por nada del mundo. depuradísima realizada en el Palacio de los con astucia e inteligencia la sensibilidad Festivales de Cantabria en septiembre de 2017. romántica y la elocución clásica de Pilati. Enrique Pérez Adrián

Andrés Moreno Mengíbar Blas Matamoro

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SCRIABIN: SHOSTAKOVICH: SHOSTAKOVICH: Sinfonía nº 1 op. 26. Prometheus Integral de las sinfonías. P. Migunov, Tríos nº1 y 2. Quinteto op.57. Sonatas op. 60. Kirill Gerstein, piano bajo. N. Muradimova, soprano. Orquesta opp.134, 40 y 147. Moderato para Orquesta Filarmónica de Oslo Sinfónica Nacional de Tartaristán violonchelo y piano Director: Vasily Petrenko Director: A. Sladkovski DSCH-Shostakovich Ensemble LAWO 1160 (1 CD) MELODYIA CD 10 02470 (13 CD) PARATY 718232 (2CD)

“¡venid, todos los pueblos del mundo, Tal vez sea un atrevimiento valorar en tan Por su largo protagonismo en la vida cantemos las alabanzas al arte! ¡Gloria al arte, pocas palabras una integral sinfónica de doméstica, la música de cámara fue afirmativa, gloria por siempre!”. Este es el texto del coro Shostakovich. Los aficionados tienen sin duda serena e incluso elevada, hasta el del último movimiento de la Sinfonía nº 1 de en su cabeza las siete u ocho grandes integrales Romanticismo, cuando llegó a su corazón el Scriabin, una obra de una hora de duración que que no podemos relacionar ahora. ¿van a venir laberinto dramático de la vida subjetiva. Sin la Filarmónica de Oslo interpreta con Aleksander Sladkovski y la Orquesta de la embargo, yo diría que la música de cámara de dinamismo, pasión y ejemplaridad. El asunto Republica de Tartaristán en 2016 a revolucionar Shostakovich es la primera que puede ser con esta grabación en particular —y con otras el patio o a aportarle algo? Esta puede ser la calificada de trágica en un sentido severo. Si sus muchas actuales en general— es que resulta actitud: una agrupación de provincias no puede cuartetos son lo más agobiante y doloroso que muy difícil decir si es mejor o peor que otras. pretender… Y, sin embargo, lo pretende; y ha dado ese género en el siglo XX, la música El nivel de las orquestas y músicos en los consigue algo sorprendente: estar entre para piano y cuerdas, aquí recogida en su últimos treinta años es tan alto que das una aquellas siete u ocho (que acaso son más). integridad, compite en la profundidad del patada y de debajo de la piedra salen muchas y Merecería más espacio esta integral, como lo dolor, de la condena y la constatación de que no muy buenas grabaciones de las mismas obras. merece siempre Shostakovich, que crece con el hay esperanza para el humano sometido al Para la crítica de este Cd de vasily Petrenko, he tiempo como algunos otros. Prueben, a ver: terror. Aunque la más juvenil de las piezas, el utilizado como referencia la estupenda toda la Octava, como primera cata de Op.8, escrita a los 26 años de edad, goza aún de grabación de estas mismas obras que desolación y terror; el avance implacable de la los últimos fulgores románticos (y eróticos), la Ashkenazy hizo con la Sinfónica de Berlín para derrota de la razón en la Undécima; el lirismo condena al fracaso está ya presente y así seguirá el sello dECCA en los años 90. ¿Con cuál de las hermoso y hondo de la Decimoquinta, mas hasta la última composición, la terrible Sonata dos me quedaría? Es difícil. Por lo que respecta también de la Decimotercera y la Decimocuarta; el para viola op.147, escrita el año de su muerte y a la calidad del sonido, la grabación del sello bello desequilibrio de la Sexta y la Novena; la memoria de su vida entera. En resumidas LAWO es ligeramente superior. En cuanto a la siniestra danza de la Décima; el implacable tema cuentas, este grupo de siete piezas forma la interpretación de la Sinfonía nº 1, Petrenko de la rata de la Séptima; el esperpento del final biografía y el testamento de uno de los más imprime más fogosidad a la partitura y glorioso de la Quinta… grandes músicos del siglo XX. supongo que es cuestión de gustos elegir una u Sí, es cierto, esto es más bien hablar de las El conjunto instrumental que ejecuta este otra versión. sinfonías que de cualquier interpretación. Pero comprometido programa fue fundado en Por lo que respecta a la Sinfonía nº 5 es que Sladkovski sigue esa letra y ese espíritu, Lisboa por el pianista Filipe Pinto-Ribeiro en “Prometeo”, aquí sí que encuentro mayores esa tradición y esa escuela, ese saber decir homenaje al músico ruso con motivo del diferencias a favor de Petrenko. La genial mediante la sugerencia aunque ya no sea primer centenario de su nacimiento. Cada uno interpretación del pianista Kirill Gerstein es necesario disimular lo indecible. Sladkovski fue de los cinco intérpretes de este álbum tiene chispeante, más emocional y excéntrica que la asistente de Mariss Janson y del mismísimo carreras distinguidas. Así, por ejemplo, la de Jablonski con Ashkenazy. La gran ventaja del Rostropovich; el primero, con una integral violista Isabel Charisius, esencial para el Op.147, Cd de Petrenko es que uno puede comparar el insuperable con diversas orquestas. Esta forma parte del gran Cuarteto Alban Berg. El primer Scriabin sinfónico de clara influencia integral a precio asequible la dirige un director violonchelista, protagonista de la Sonata op.40, wagneriana con el último más atonal, que es un valor en alza. Y siempre es es el hijo de Alfred Brendel. La coordinación del octatónico y disonante del acorde místico (La- interesante y enriquecedor volver a grupo, sea a dos a tres o a cinco, es Re#-Sol-do#-Fa#-Si). Para alguien que no tenga Shostakovich, el sinfonista que no lo dijo todo, técnicamente perfecta, pero sobre todo desde la en su colección grabaciones sinfónicas de pero que sabemos que lo contenía. comprensión intelectual de las obras. Se debe Scriabin, la elección preferente es, sin duda, en buena medida al gran Pinto-Ribeiro. Así Petrenko: puro arte y perfección en movimiento. Santiago Martín Bermúdez pues, aunque cada una de estas composiciones Las notas informativas, escritas por Thomas tiene por lo menos una versión histórica, la Erma Møller, figuran en noruego e inglés. integral no admite réplica.

Michael Thallium Félix de Azúa

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STRAVINSKY : WISSMER: MICHELE MARELLI, clarinete L’Histoire du soldat. Didier Sandre, Obras concertantes. Eva Zavaro, violín. Obras de Fedele, Scelsi, Stockhausen, Denis Podalydès, Michel Vuillermoz, Romain Leleu, trompeta. Christel Van der Aa y Lachenmann. San Diego actores. Olivier Charlier, violín Raynaud, flauta. Anne Ricquebourg, arpa. New Music Ensemble. Orchestra del Director : Jean-Christoph Gayot Orquesta Sinfónica Húngara. Director: Maggio Musicale Florentino. Director: HARMONIA MUNDI 902354 (1 CD). Alain Pâris. CLAVES 50-1811 (1 CD) Brad Lubman. DECCA 481 7271 (1 CD)

La teatralidad de L’Histoire du soldat es precaria. La obediencia musical de los compositores En unos tiempos de extremo conservadurismo El de 1918 fue un proyecto de circunstancias: suizos del pasado siglo optó, por lo general, por parte de las grandes escuderías posguerra, escasos medios, artistas en apuros... entre dos claras vías de influencia: la francesa discográficas no deja de sorprender que se La epidemia de gripe, surgida en plena guerra, y la germana. En el caso de Pierre Wissmer cuele un álbum como este. Michele Marelli ha vino a hundir el proyecto, como hundió tantas dominó por completo la primera; tras los venido a enriquecer la discografía de una de las cosas. Si hace cien años esa teatralidad era más primeros estudios en el conservatorio de su obras que el propio Helmut Lachenmann o menos creíble, hoy naufraga por la explosión Ginebra natal, Wissmer marchó a París donde reconoce como más radicales, su Concierto —es de la dramática por todas partes. Su debilidad se formó al lado de Roger-ducasse y daniel- un decir— Accanto (1975-76) que por dos veces es, sobre todo, lo narrado: el lector habla Lesur, su profesor de contrapunto en la grabó el histórico Eduard Brunner. de entrada, demasiado; el diablo y el soldado, demasiado Schola Cantorum. esta versión no se impone a la muy visceral poco a pesar de ser los protagonistas. La danza, A pesar de su fructífera dedicación a la lectura de aquel junto a la Rundfunk- la marcha, la música, en cambio, han crecido enseñanza y la gestión musical (en la Schola Sinfonieorchester Saarbrücken a las órdenes de con el tiempo, se muestran dignas hijas de parisina, en Ginebra, Luxemburgo y Le Mans) Hans Zender (Wergo). Pero sí que ofrece una Petrushka, culminación de un periodo que la Wissmer no descuidó lo que sería su interés recreación en la que el paso del tiempo ha pereza ha llamado ‘internacional’, porque en prioritario: la composición. Óperas y ballets, hecho su mella, ahormando la música, como esta obra se incluyen tango, vals y rag. Este Cd músicas incidentales, numerosas páginas de buscando una mayor musicalidad (otra cosa es recoge una de las más adecuadas soluciones cámara y hasta nueve sinfonías copan un que hiciera falta tal empeño). Marelli calibra posibles a la teatralidad de la obra de Ramuz amplísimo catálogo en el que afloran también muy bien las tensiones que hay en una con música de Stravinsky, la obra que fascinaba más de una docena de obras concertantes de las partitura furibunda que juega con un espejo a Adorno y que, por eso, la condenaba con que el ubicuo Alain Pâris, un brillante cuarteto mozartiano, pero la orquesta del Maggio temblor de beata iracunda en su atroz Filosofía de de solistas y una notable orquesta húngara han Musicale se muestra algo timorata en los la nueva música. rescatado cuatro ejemplos que ilustran muy bien ataques. Es una versión más limpia que aquellas Un lector, espléndidamente asumido por los rasgos de la escritura wissmeriana, desde el de Brunner y que tal vez permita que alguien se didier Sandre; un diablo sinuoso y de una arcaizante Divertissement sur un Choral (1938), pieza convenza más fácilmente ante el radical credo astucia más que evidente, Michel vuillermoz, juvenil de refrescante finura tímbrica plagada de lachenmaniano. frente a un soldado bobalicón en exceso, guiños y referencias al pasado remoto y reciente, Hay también Stockhausen en el disco, por denis Podalydès. Esto es, un narrador y dos hasta la estética despojada del Concierto para violín aquello de conectar los dos compositores tipos esquemáticos, pero qué sabemos de los nº 2 (1954) en el que se aprecian las huellas de alemanes más contundentes de la segunda diablos sino la tradición que permite reírse de Honegger o Martin y donde, como apunta mitad del siglo XX. Se trata de una versión de ellos, y no solo temerlos (el de Gounod ya era Tchamkerten, “la tonalidad se afirma menos Solo (1965), para clarinete bajo y electrónica. risible). Queda una función difícilmente claramente y la escritura contrapuntística No es una pieza especialmente interesante, mejorable cuyos mayores defectos están en su adquiere cada vez más importancia”. pero Marelli demuestra la vigencia de la música teatralidad périmée. El Concertino para trompeta (1959), encargo del de Kürten incluso en una pequeñez Jean-Christophe Gayot dirige un del Concurso de Ginebra, traerá al oyente ecos electroacústica como esta. La dosis de espléndido conjunto con un violín protagonista de piezas similares firmadas por Jolivet y posmodernismo la pone Michel van der Aa de excepción, Olivier Charlier. No se opta por la Tomasi. Como curiosidad, la soleada Sonatine- con Hysteresis (2013) que objetivamente trompeta, sino por la corneta de pistones Croisière (1966) para flauta y arpa —tríptico de funciona bien en la escucha como bálsamo (Bruno Tomba). Hay excelentes referencias de la inspiración mediterránea (Capri, la Costa entre las obras de los dos teutones. En los música, pero con teatralidad no hallarán algo Azul…) que parece contagiarse del entrantes, una partitura en exceso rizomática y mejor más que remontándose a viejas despreocupado sello de un Ibert— se ofrece exhibicionista (Windex) para clarinete solo de referencias, pero estaría feo quitarle méritos a igualmente en su inmediata orquestación para Ivan Fedele con la que Marelli hace patria y un esta bella hora de música y radio teatro. cuerdas y piano. aforismo del imponente Giacinto Scelsi, Ixor.

Santiago Martín Bermúdez Juan Manuel Viana Ismael G. Cabral

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> SIGLO XX GRABACIONES ¢

REQUIEM. THE PITY OF WAR FRÜHLING / ZEMLINSKY: BACARISSE, BAL Y GAY: Obras de Butterworth, Stepan, Weill y Tríos. Davide Bandieri, clarinete Le jour de l´an Mahler. Ian Bostridge, tenor Joel Marosi, violonchelo Cristina Montes, arpa. Moonwinds Antonio Pappano, piano Marja-Liisa Marosi, piano Joan Enric Lluna, director y clarinete WARNER 0190295661564 (1 CD) BRILLIANT 95394 (1CD) Ibs classical. IBS152018 (1 CD)

Coincidiendo con el aniversario del Armisticio Entre los meses de 1888 y 1896, Alexander von valioso proyecto de Joan Enric Lluna y de 1918, Bostridge y Pappano ofrecen un recital Zemlinsky practicó todas las formas clásicas de Moonwinds que rescata músicas de dos con canciones que tienen que ver con la guerra, la música de cámara, demostrando sus dones notables autores poco frecuentados y menos bien sea por el contenido de sus textos, bien melódicos y su escrupuloso rigor en el asistidos por las discográficas. Ambos fueron porque algunos de sus autores murieron en la aprendizaje de las formas. Este registro hace exiliados, pertenecían a la Generación del 27, Gran Guerra, como Rudi Stepan o George una sugestiva elección de dos interesantes y eran miembros del Grupo de los Ocho, Butterworth, los dos a manos de francotiradores. poco conocidas obras de dos compositores estuvieron vinculados a la Residencia de En ellos la emoción llega no sólo de las austriacos que fueron coetáneos: el Estudiantes y, por tanto, conocían a la circunstancias de esas muertes sino de lo que mencionado Zemlinsky y Carl Frühling (1868- vanguardia musical en persona. supone evocar una felicidad que quedaría 1937), de este último, con apenas referencias, La Guerra Civil y el forzado exilio llevó al truncada. Así la relación con la vida que muestra solo se ha encontrado una breve entrada en la lucense Jesús Bal y Gay (1905-1993) a México y Butterworth a la hora de poner música a los enciclopedia MGG y un artículo de Steven a la Universidad de Cambridge para realizar poemas de Housman en A Shropshire Lad. O la Isserlis publicado en The Guardian. una reconocida labor investigadora en madurez que ya demostraba Rudi Stepan en las El Trío para clarinete, violonchelo y piano en Re musicología, tan absorbente que provocó que canciones de Ich will dir singen ein Hohelied sobre menor op. 3 muestra un sentido de la perfección su catálogo sea breve. Su Divertimento para poemas de Gerda von Robertus. formal poco común en un creador tan joven. cuarteto de maderas deja ver un clasicismo y un Junto a ello, la vertiente menos La obra fue estrenada en viena, en diciembre de lenguaje musical claro y sencillo ligado a la coyunturalmente impostada de Kurt Weill, 1896 y obtuvo el tercer premio de un concurso tradición del folclore sin las complejidades como si no necesitara demostrar militancia organizado por la Tonkünstleverein. rítmicas y estructurales abiertas por sus alguna cuando en realidad lo hace desde el Concebido en tres movimientos, Zemlinsky maestros Falla y Stravinsky. puro arte con las canciones sobre poemas de muestra en el Allegro ma non troppo una París fue el destino definitivo del Walt Whitman, entre las que se incluye quizá la sólida construcción en forma de sonata. El madrileño Salvador Bacarisse (1898-1993). cumbre interpretativa de este disco, aquella Andante ternario que le sigue, lírico y Músico de sólida formación humanística, sobre los versos de Oh Captain! My Captain! Y sentimental por una parte, y contrastado y comprometido con la Segunda República, para rematar tan extraordinario muestrario, dramático por otra, seduce por los tintes ejerció una enorme actividad como tres canciones de Des Knaben Wunderhorn, otoñales del clarinete proporcionados con gran divulgador desde Radio Unión de Madrid y canónicas en lo que toca a la temática guerrera delicadeza. El tercer y último tiempo, Allegro, desde el Grupo de los Ocho del que fue la y, desde luego, a la creación vocal mahleriana. escrito en forma de rondó, responde a un mente más inquieta. Stravinsky, Ravel, La propuesta es enormemente atractiva y encadenamiento de diversos episodios, es más Poulenc, la politonalidad, el neoclasicismo van está maravillosamente resuelta. El tenor, que ha de motivos rítmicos. Obra estilísticamente dando carácter a su obra, empezando aquí por ganado en los graves con el tiempo, sigue cercana a esa afectividad romántica, síntesis de Le jour de l´an para arpa y viento. Y las más deslizándose como nadie por los textos de las Mendelssohn y Schumann y una familiaridad breves Preludio, Elegía y Pasapié para arpa, donde canciones, enfatizando con una naturalidad no con los Tríos opp. 87 y 114 de Brahms. brilla Cristina Montes; o la delicia Chant de exenta de sofisticación lo que las notas y las El Trío en La menor op. 40 fue compuesto l´oiseau qui n´existe pas, homofonía para dos palabras piden. Por su parte, Pappano se por Frühling en cuatro movimientos. de flautas. Final para Introducción, Variaciones y muestra como un magnífico acompañante, lo inferior calidad a la pieza de Zemlinsky, goza, Coda, una reconstrucción para clarinete y que no es de extrañar en quien sabe de voces lo no obstante, de una buena construcción piano realizada por el propio Lluna. que no está escrito. Pero va más allá y su piano melódica. La exquisitez interpretativa con que no solo apoya sino ilustra. Ahí queda, por Bandieri, Joel y Marja Liisa Marosi abordan las Manuel Luca de Tena ejemplo, su trabajo, verdaderamente dramático obras hace atractivo este registro. Por otro lado, en Beat! Beat! Drums! de Weill-Whitman. Un se trata de piezas que se escuchan con poca disco imprescindible. frecuencia en las programaciones.

Luis Suñén Manuel García Franco

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> SIGLO XX > SIGLO XXI ENERO 2019

JOHANNES MARTIN KRÄNZLE, LINDBERG: ODEH-TAMINI: barítono Tempus fugit. Concierto para violín Lámed. Uffukk. Li-Sabbrá. Lámed II. Canciones de Klein, Mahler, Martin y nº 2. Frank Peter Zimmermann, violín Alif. Solo für violine. Lámed III. Ravel. Hilko Dumno, piano Finnish Radio Symphony Orchestra Li-Umm-Kámel. Zafraan Ensemble OEHMS 1887 (1 CD) Director: Hannu Lintu Salome Kammer. Manuel Nawri ONDINE 1308-5 (1 CD) KAIROS 0015023 (1 CD)

El presente Cd del barítono alemán Johannes Con Magnus Lindberg parece asentarse la Es el compositor palestino-israelí Samir Odeh- Martin Kränzle (Augsburgo, 1962) ofrece un inteligencia en lo inteligible. Su estilo Tamini (1970) un creador con firme voluntad de contenido bastante atípico, lo cual nos muestra representa ese camino preciso y agradecido enraizarse en el modernismo posvanguardista. las múltiples inquietudes de este cantante y que proyecta imaginación suficiente para Sin el menor titubeo, ajeno al desaliento, su compositor (ha hecho sus pinitos con la ópera activar de inmediato el deseo de seguir frente a gramática rinde un directo homenaje a de cámara Der Wurm). Se abre y se cierra con sus obras. Es bien conocida su profesión nombres como Xenakis y Scelsi, también a dos obras ‘hebraicas’ que dan cierta unidad al exquisita con la orquesta, el control técnico y la varèse. Afirma estar en una búsqueda constante álbum: los 12 Lieder sobre viejos aires judíos de limpieza en los detalles que lo endiosan como de una expresión que conecte con lo arcaico. Richard Rudolf Klein y las famosas Deux un gran maestro. Pero también y mucho por la Y es así que el conjunto de piezas dispuestas en mélodies hébraiques de Maurice Ravel (la segunda narrativa y la dramaturgia que le son este monográfico destilan una fiera crudeza. de las cuales, L’énigme éternelle, da título al disco). características, que suponen un acercamiento Es música hostil, lo advertiremos ya, pero en El primer ciclo es, sin duda, uno de los mayores gestual con el oyente. absoluto refractaria a una escucha cómplice. alicientes de la propuesta. Klein, que vivió entre Tempus fugit, inspirada por el tópico latino En la obra que abre el álbum, Lámed, para violín, 1921 y 2011 y fue alumno, entre otros, de que nos recuerda la fugacidad del tiempo, puede violonchelo, piano y trombón, del año 2014, ya Wolfgang Fortner, confiesa haber descubierto relacionarse con el plano musical y su vértebra percibiremos un sonido primitivista, que se en 1983 con entusiasmo unas Canciones del gueto, temporal, o ya con la vida propiamente creativa y recrea en fieras disonancias, y que pareciera a las que puso música en la selección que aquí sensible a su paso. Su origen como encargo de la buscar una conexión con un remoto pasado. se nos ofrece. Son páginas con mucho espíritu Orquesta de Filadelfia en su centenario justifica Es un arte sonoro de violencia inusitada, y sabor, que denotan su origen popular y su su elegancia tímbrica, coincidiendo además con que restalla en la partitura Li-Sabbrá (2015) para color ‘judío’ en melismas y temas. la vigente madurez del compositor caracterizada trombón y percusión, ceremonial y ritualista, después de una breve —aunque jugosa— por su voz romántica. La obra se comporta también explosiva, descarnada. El compositor selección de la colección mahleriana Des Knaben como un fuelle, en momentos creciendo de invoca sus conflictivas raíces geográficas y Wunderhorn, en lecturas idiomáticas y muy forma masiva y en momentos simplificando su evoca a Nono y Schoenberg. Su arte es arte de expresivas —sobre todo en la impresionante presencia instrumental a diálogos concertantes. protesta. Y aunque en las piezas para Der Tambourgesell (El joven tamborilero), con su Con una enorme capacidad de evocación y, a la instrumento solo se hagan demasiado implacable redoble—, llegamos a los postre, con un necesario dominio orquestal, evidentes sus maestros (el Solo para violín parece imponentes Seis monólogos del suizo Frank Tempus fugit evoluciona desde un pre-nacimiento una extensión de Mikka de Xenakis), las obras Martin a partir de ese auto sacramental a una presencia indefinida asociada a la imagen de conjunto sobresalen por una tímbrica moderno de Hugo von Hofmannsthal, del título, de lo veloz a lo eterno. El Concierto para inusual. El material no está domesticado, Jedermann, que se representa todos los veranos, violín nº 2 denota distancia con el primero, que fue mucho menos pulido, incluso parece gustarse casi de modo invariable, desde 1920, ante la proyectado a finales de los noventa. Aquí un en una cierta estética abigarrada y feísta. fachada de la catedral de Salzburgo, y que solista más presente y relacionado con la Alif (2015), que resuelve con gran constituye una de las grandes obras de teatro en orquesta, midiendo fuerzas dentro del marco competencia el Zafraan Ensemble, cuenta con la lengua de Goethe. Están poco grabados en su general de brillantez sonora y recorriendo a solas las neutras, grisáceas declamaciones de la versión con piano, realmente muy exigente. El pasajes memorables de exhibición melódica. soprano Salome Kammer. Trabajada por pianista acompañante, el también germano Estamos ante dos obras admirables que grupos reducidos de instrumentos, acaba Hilko dumno, sabe estar aquí a la altura, como llevan consigo la sala de conciertos, deviniendo en una composición a la que en todo el recital. La voz es también impactantes y llenas de inmediatez, querremos volver, deslizante, desestabilizante particularmente exigida, así como el talento oportunamente sumadas en un registro en la audición. Es música desafiante, y no dramático del intérprete. Un disco atípico y merecedor de justos reconocimientos. siempre encontramos sorpresas en la creación muy interesante. Las interpretaciones, para rematar la gloria, contemporánea. El libreto del disco no ayuda, son insuperables. el texto opaca aún más estas urticantes piezas. Rafael Banús Irusta José Antonio Tello Sáenz Ismael G. Cabral

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> ÓPERA

Un nuevo éxito artístico de Jurowski. Un Wozzeck muy diferente y, además, excelente. Pese a abigarramientos GRABACIONES ¢

BERG: MASSENET: Wozzeck. Matthias Goerne, Asmik Grigorian, Gerhard Siegel, Jens Larsen, Cendrillon. K. L. Strebel, A. Czarny, Mauro Peters, John Daszak. Konzervreinigung Wiener Staatsopernchor. K. Melnikova, A. Jung, J. Orozco. Orquesta Wiener Philharmoniker. Director musical: Vladimir Jurowski Filarmónica de Friburgo. Dir.: Fabrice Director de escena: William Kentridge Bollon. Dir. de escena: Barbara Mundel y UNITEL 9809053.4 (1 DVD y 1 Blu-ray) Olga Motta. NAXOS 2.110563 (1 DVD)

El protagonista es un Wozzeck distinto al habitual: sigue siendo, claro, un hombre humillado, Las dos responsables escénicas (Mundel y pero aquí parece menos arme Leute, menos pobre hombre que otras veces; no nos extrañaría que, Motta), de manera original y algo tergiversadora en esa ocasión, reaccionase contra los auténticos autores de su menoscabo. Y una Marie más que en su concepto circense, extraen todo el jugo categórica, con ese equilibrio entre mujer pobre y mujer en su plenitud, humildad más su toque de sentimental, poético y divertido de la partitura, fulgor. Son las opciones o al menos los logros de Matthias Goerne, voz que se considera más con la equivalencia sonora desde el foso de una adecuada para el Lied y que, en nuestra opinión, consigue un Wozzeck que impresiona en medio batuta que destaca la refinada escritura del caos (veremos ‘ese caos’); y de la soprano lituana Asmik Grigorian, que ha cantado la Tamara massenetiana. Un delicioso espectáculo, sin de Demonio, de Rubinstein, en el Liceu, y que pasa de Tatiana a Marietta (Die tote Stadt) o Fedora con caídas de interés o tensión, mucho movimiento facilidad. Hay que comprender la muy distinta opción de Goerne para transitar por este Wozzeck coreográfico (Graham Smith), decorados y con la suficiente dosis de inquietud que el título reclama. Y si ellos dos son los personajes, los vestuario (asimismo de Motta) acordes, los humilladores son solo tipos, asumidos con rigor y movediza distorsión esperpéntica por Siegel, cuales amplifican la idea original. Larsen y daszak, en el capitán muñeco, el médico ogro y el militarcillo estúpido en su fatua Por orden de aparición, el barítono crueldad. mexicano Orozco realiza un notable trabajo Si, como se ha insistido, el Woyzeck de Büchner es antecedente del expresionismo, el Wozzeck de como actor y cantante, definiendo claramente Berg sería plenamente expresionista, lo que no es sino una estilización del signo, un signo que al sensible, tierno y, al mismo tiempo, algo bufo admite el horror y la caricatura. El expresionismo de preguerra es una cosa; el que viene después y modo de ser de su personaje. En contrastada se mezcla con la nueva objetividad, es otra: Otto dix o George Grosz entran en escena para disposición, como debe ser, la imponente retratar con tétrico dolor la realidad circundante. Y de esa estética se nutre, apoyando las incisivas Madame de la Haltière de Anja Jung, con ricos interpretaciones de estos cantantes, la dirección escénica de Kentridge y la escenografía de graves, timbre poderoso y un físico que Theunissen, abigarradas ambas, tanto como los figurines de Goiris. Este abigarramiento ha colabora a la caracterización. Bien apoyada por molestado a más de un comentarista, por su acumulación; y en realidad se basa no tanto en la las dos ridículas hijas, que igualmente escenografía de Theunissen, que es más o menos limitada y sencilla, como en la interacción del aprovechan bien su diferente aspecto corporal. pródigo video de Catherine Meuburgh, que matiza, condiciona y hasta muda por completo la La inglesa Strebel, actriz holgada de recursos, imagen que recibimos del decorado, que queda sumido en las luces, sombras y trazos del video. soprano en lugar de la mezzo habitual (quien la El decorado se desarrolla en un ámbito amplio, aunque a veces la escena tiene lugar en un estrenó fue una soprano, Julia Guiraudon), es tabuco en una parte de la escena, como si los personajes surgieran de un caramanchón o una una importante protagonista tanto por el juego garita (así se resuelve, con claustrofobia y angustia, la escena con el médico). Los detalles son canoro matizadísimo como por medios demasiados para rescatarlos en esta evocación. Pero algunos, merecen detalle. El hijo de Marie y suficientes y atractivos. Melnikova supera sin Wozzeck es aquí un muñeco articulado por una marionetista, y el niño-muñeco lleva una máscara problemas la tesitura aguda y los alardes de gas. La evocación de la primera guerra, en la que participó Berg a su manera y de la que surgió vocales correspondientes al Hada. la estética que hemos recordado, se da en varios detalles con desarrollo y con presencia de caretas La voz de la mezzo israelí Anat Szarny, un antigás, claro está, pero ninguno tan angustioso y conmovedor como el hijo de los protagonistas, poco más rica en las notas graves que en las que resulta ser más bien hijo de un tiempo enfermo, el de la guerra y los padecimientos que agudas, se aquilata muy bien, pese a sus siguieron. Porque, en rigor, este Wozzeck es un recuerdo permanente de esa guerra que tuvo lugar semejanzas tímbricas, con la compañera hace cien años, y uno de cuyos escenarios era la región en que tenía lugar esta función, Salzburgo, sopranil, igual que su canto lo que demuestra la verano de 2017. existencia previa de un trabajo de equipo por La multitud y el aluvión de imágenes, tanto las estáticas como las animadas (dibujos infantiles parte de un serio director-concertador. Cualidad horrorizados) se desenvuelven sobre la trama orquestal y vocal que dirige con maestría vladimir extensible al resto de los componentes, todos a Jurowski. Hay una correspondencia entre el suelo y el envolvente, por un lado, y los despliegues la altura de los compañeros citados. En vocales por otro. El todo, con voces y escena, lo aseguran Jurowski y el foso. Un nuevo éxito resumen, una placentera versión capaz de artístico de Jurowski. Un Wozzeck muy diferente y, además, excelente. Pese a abigarramientos. competir con la más itinerante de Laurent Pelly (publicada en dvd). Sin subtítulos españoles. Santiago Martín Bermúdez Fernando Fraga

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> ÓPERA La movida de Marc Blitzstein Con The cradle will rock creó Blitzstein un tipo de libreto, música y letras que no iba a ser el que se alzaría con la victoria en Broadway y Hollywood. Para eso estaban Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II. ENERO 2019

BLITZSTEIN: The cradle will rock. Solistas y Orquesta de la Opera Saratoga

Director: John Mauceri Gold Gary David BRIDGE 9511 (2 CD)

Si Street Scene, de Kurt Weill, parece un musical por medio. Esto es antes, es la medio operístico compuesto por Gershwin, The época en que se abre paso con cradle will rock (1937) parece un medio Singspiel dificultades determinado tipo compuesto por Weill. Al fin y al cabo, tras las de liberalismo (allí, liberal primeras escenas o apuntes de lo que iba a ser quiere decir izquierdista, no le aquello, el propio Bertolt Brecht animó a den vueltas), con las Blitzstein a que desarrollara el asunto y la instituciones en contra por música en una obra de mayor entidad. Viaje de mucho que Roosevelt ya fuera ida y vuelta, pues; tiempo de crisis y de auge de presidente de la Unión. La la izquierda, que es toda una actitud cívica aportación cultural de las frente a la rabiosa reacción derechista que acciones de artistas y potencia el racismo, el odio a los pobres y el asociaciones obreras en desprecio a las libertades (esto último, latente y momentos de hundimiento activo desde siempre, y manifiesto hoy, 2018, en económico y paro queda el país de la libertad); todo ello da lugar a una patente en figuras como de las épocas más interesantes de la historia Blizstein. artística del siglo XX. Por el filme, muy Blitzstein es uno de los creadores de la recomendable, circulan ópera de Estados Unidos, con su obra Regina personajes de la época, como el (posterior a la guerra y basada en The little foxes, propio Blitzstein (interpretado esto es, La loba, de Lilian Hellman, dama de por Hank Azaria), Orson gran capacidad inventiva: inventó su propia Welles, Nelson Rockefeller, vida en sus memorias). Con The cradle will rock Hazel Hufmann o Diego (traducible en sentido literal pero también Rivera. ¿Rojos peligrosos? Verlo como Habrá movida) creó Blizstein un tipo de puede ser buena compañía para libreto, música y letras que no iba a ser el que se este excelente álbum que alzaría con la victoria en Broadway y contiene una obra prima Hollywood. Para eso estaban Richard Rodgers hermana de Die Dreigroschenoper. Vale empresa poco afortunada en lo comercial e y el autor de textos y lyrics Oscar Hammerstein enfrentarse a ello con nostalgia y con su insuperable en lo artístico que fue la serie II, que impusieron un tipo de musical ajeno a la contrario. Nostalgia: qué ha sido de las defensas Música degenerada. El registro proviene de una crítica social o política. Pero, en lo musical, la que tenía aquella sociedad frente a los abusos producción de la Opera Saratoga de julio de marca es clara, la herencia es duradera y fértil, del sistema. Su contrario: ya entonces la gente 2017. Tiene muy buena pinta, ojalá haya por ahí como demuestran las obras escénicas de votaba a payasos criminales, como aquellos una toma en vídeo. Mauceri cuenta con un Bernstein. Tardíamente, la gente independiente contra los que reaccionan Blizstein y su gente; plantel muy adecuado para una ópera que de Hollywood dio a conocer un filme de 1999 no olvidemos, estamos en 1937. En aquella requiere voces menos exigentes de las de la que contaba las peripecias de la obra que ahora época el sistema y mucha gente envenenada se ópera, claro está, y que impone una multitud comentamos, con el mismo título que la obra tomaba en serio obras así, hasta el punto de de personajes secundarios y episódicos. Se (en español se tituló tanto Abajo el telón, que se intentar asesinar a su autor y a otros miembros halla a sus anchas en medio de esta música refería a la prohibición de la obra, como de la compañía. Hasta conseguir prohibirla, ligera y culta, y consigue una función vigorosa, Aplausos, uno de esos títulos imaginativos), desde luego. ágil, una hermosura que podemos seguir en un película dirigida por Tim Robbins. Desde Tenía que ser John Mauceri quien dirigiera excelente libreto (solo en inglés). luego, Blitzstein fue un blanco perfecto para el la que al parecer es primera grabación mundial Comité de Actividades Antiamericanas, pero de The cradle will rock. Fue él quien grabó a Weill Santiago Martín Bermúdez eso fue más tarde, con una espantosa guerra y muchos otros para la Decca, en aquella

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> ÓPERA

La habilidad de Marco queda de nuevo reflejada en esta obra, que emplea algunas de las pautas sobre las que se asentaba su ópera anterior, la exitosa “El caballero de la triste figura” GRABACIONES ¢

MARCO: PUCCINI: Tenorio. Alfredo García, barítono. Carmen Gurriarán, soprano. Juan Antonio Dúos de óperas. Roberto Alagna, tenor Sanabria, tenor. Coro y grupo Modus Novus. Director: Santiago Serrate Aleksandra Kurzak, soprano. Sinfonia CEZANNE 052 (1 CD) Varsovia. Director: Riccardo Frizza SONY 19075859832 (1 CD)

El 28 de julio de 2017 se estrenaba en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial esta ópera Estamos ante un recital compuesto de Tomás Marco, fruto de un encargo del X Estío Musical Burgalés del año 2009. La crisis íntegramente de dúos operísticos de Puccini a económica impidió su estreno en aquella ocasión. El sello Cezanne ha tenido el acierto de albergar cargo de dos grandes figuras en este terreno, y en su colección, a partir de tomas sonoras escurialenses, la obra. La ópera tiene sólo tres solistas teniendo en cuenta la nula originalidad del vocales protagonistas, un pequeño coro de cuatro voces y una orquesta de diez músicos. repertorio y la selección, todo el interés reside La habilidad de Marco queda de nuevo reflejada en esta obra, que emplea algunas de las en las estrellas protagonistas. Es una invitación pautas sobre las que se asentaba su ópera anterior, la exitosa El caballero de la triste figura. Abundan a escuchar el mismo repertorio con interpretes los ostinati, los glissandi, los temas cantabile reconocibles y se manejan con suma habilidad delgadas renovados y desde estos presupuestos el álbum líneas melódicas de signo muy climático, se recuerda el mundo madrigalesco y se llama al espíritu presenta música archiconocida y de alta de nuestro Siglo de Oro. Las fuentes de las que ha bebido el compositor, que es el autor de su belleza, en interpretaciones de nivel. propio libreto, parten de Zorrilla, Tirso, Molière, Byron, sor Juana Inés de la Cruz y da Ponte, lo La voz de Alagna ha perdido lustre y se que lleva a desarrollar un tratamiento donde la representación teatral se inserta en una reflexión muestra un punto tremolante, con un vibrato de más general sobre el mito. amplia onda de frecuencia y ascensos al agudo Marco sabe ordenar con disciplina algunos de los rasgos que han alimentado sus aventuras en forte con cierta tensión. Pero la ecuanimidad líricas y es capaz de construir conjuntos de cierta complejidad contrapuntística en los que obliga a temperar la memoria con la justeza, y conviven y se alternan varias líneas vocales e instrumentales. Los ritmos son directos, sencillos, vocalmente Alagna sigue siendo un tenor lírico con frecuente presencia del compás ternario. Y hay un general espíritu danzable de contagiosa pleno por el que cualquier teatro de ópera vitalidad. Hay consonancias, estratégicas disonancias y un uso pautado de la modalidad. No son seguiría soñando. pocas las veces que se nos viene a la memoria la atmósfera, la tímbrica y el dibujo melismático de Kurzak muestra un instrumento de fuste, algunas partes del Retablo de Falla, sobre todo en la escritura del Narrador. Y, curiosamente, a veces con volumen, autoridad, cuerpo y mordiente, creemos bañarnos, con la voz del violonchelo o la viola, en las aguas melódicas del poema pero es también claro para una spinto, brillante, sinfónico Don Quijote de Richard Strauss. y muy flexible, y el vibrato nunca compromete En la Obertura-Preludio apreciamos ya un afortunado contraste entre lo jocoso y lo severo. su impoluta afinación. Los ataques pianissimi al Admiramos, con la entrada del Madrigal (cuarteto vocal), la variedad de giros y las estilizadas agudo son de ensueño, los fortissimi nunca se vocalizaciones de doña Inés. Hay mucha atmósfera y buena mano lírica para las galanas frases de destemplan o pierden justeza, y dice y articula la Narración y doña Ana. La famosa invocación “doña Inés del alma mía” permite escuchar con mimo y propiedad. Nunca abusa de una atinados contrastes entre la línea tendida del canto de don Juan con los incisivos contrapuntos del emisión en forte, sino que gradúa las dinámicas Madrigal. Y la no menos célebre pregunta “¿No es verdad, ángel de amor?” permite una hermosa con exquisita sensibilidad. También muestra un melopea de don Juan en paralelo a las dolientes vocalises de doña Ana, con el clarinete, el refrescante uso de un tempo flexible, en la vibráfono y el violonchelo como fondo instrumental. El cierre trabaja sobre imitaciones otra de las menor tradición de lo que las grabaciones nos máximas conocidas, “Polvo serás mas polvo enamorado”. delicadísima conclusión con dos toques dicen de principios del siglo XX. El fraseo es de de címbalo. una clase y elegancia soberanas, y la línea, La interpretación revela estudio concienzudo y adecuada utilización de todos los elementos simple fácil, le permite un inacabable espectro concurrentes, que gobierna con mano segura no exenta de inspiración Santiago Serrate. Alfredo de recursos expresivos. Muy notable es el García, máximo especialista en Marco tras su don Quijote, muestra recio y lírico timbre, manejo de los espacios resonadores para maleabilidad, soltura, buena dicción y fraseo cálido y gentil. Está firme en los pasajes más agudos conseguir una amplia paleta de colores animan (hasta el Fa y Sol 3). Exquisita y poética, no siempre fácil en las escaladas a la zona superior, y dan relieve a cualquier efusión emocional. Carmen Gurriarán, resuelto y elocuente José Antonio Sanabria, de voz delgada y ligera. El cuarteto La Sinfonia varsovia, dirigida por vocal (Blanca Gómez, soprano, Alla Zaikina, mezzo, diego Neira, tenor, y Miguel Ángel viñé ) es Riccardo Frizza, da todo cuanto se pide a un muy bueno y los diez músicos del Modus Novus están a la altura deseable. recital exclusivamente vocal, en el que no se incluye ningún innecesario interludio Arturo Reverter instrumental.

Miguel Ángel Aguilar Rancel

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> ÓPERA

La construcción discursiva está bastante lograda, la orquestación es refinada y atmosférica, y hay muchos pasajes de alto e inspirado vuelo melódico ENERO 2019

MERCADANTE: ROSSINI: Francesca da Rimini. Leonor Bonilla, Aya Wakizono, Merto Sungu, Antonio Aureliano in Palmira. Juan Francisco Di Matteo, Larisa Martínez, Ivan Ayon Rivas. Orchestra Internazionale d’Italia Gatell, Silvia dalla Benetta, Marina Director musical: Fabio Luisi. Director de escena: Pier Luigi Pizzi Viotti, Ana Victoria Pitts. Camerata Bach. DYNAMIC 37753 (2 DVD) Virtuosi Brunensis. Director: José Miguel Pérez-Sierra. NAXOS 8.660448-50 (1 CD)

Ópera infructuosamente escrita para ser estrenada en Madrid en 1830, Mercadante intentó José Miguel Pérez-Sierra viene cimentando una presentarla en la Scala para la temporada 1831-1832, pero quedó inédita en vida del autor. Su sólida y exitosa carrera como director estreno absoluto fue en el Palacio ducal de Martina Franca en verano de 2016, evento que rossiniano. Esta lectura es una prueba más de precisamente recoge este registro. La obra en sí constituye una interesante muestra del arte lírico su sensata construcción narrativa, sentido italiano en un momento de evolución. Mientras las exigencias de la línea vocal, especialmente del apropiado del ritmo, tempi ágiles y acordes con tenor, constituyen epígonos del mundo de Rossini, los largos y sobrios ariosos recuerdan las el canto y el solista. Muy atento a valorar el propuestas ‘clasicistas’ del Imperio Napoleónico, mientras los sutiles ostinati del viento anuncian recitativo, cuidadoso en las exposiciones los aires nuevos de Bellini y donizetti, compositores con los que Mercadante tuvo que competir, y melódicas, valiente en los ascensos al agudo no siempre victorioso. La construcción discursiva está bastante lograda, la orquestación es (alguno apurado o algo seco de vibración), refinada y atmosférica, y hay muchos pasajes de alto e inspirado vuelo melódico. Gatell resuelve la parte de Aureliano con Fiel a su estilo, Pizzi propone un vestuario que sugiere en clave minimalista y colores planos la notable satisfacción, teniendo en cuenta que se moda del Quattrocento italiano temprano. La escenografía es minimalista y despojada, con fondos trata de un papel escrito para un contraltino que en el primer acto recrean una arquitectura clasicista de vagas reminiscencias (Giovanni david, que, por enfermedad, protorrenacentistas, privilegiando el fondo oscuro para el segundo; las pequeñas licencias escénicas finalmente no pudo estrenarlo). con la trama no restan credibilidad al discurso narrativo. La dirección de actores apuesta por una viotti, en una parte de un registro muy actuación naturalista y levemente estilizada, muy acorde con la propuesta escénica. Los interludios amplio escrita para castrado, sin contar con orquestales y corales son acompañados por elegantes escenas de danza que animan e impulsan la unos medios que de inmediato capten la acción, inteligente recurso para una obra cuya duración excede las tres horas. simpatía del oyente, desciende a los graves La soprano Leonor Bonilla asume el rol titular de Francesca da Rimini aportando un (oscuros) y alcanza los agudos (limpios) con indudable empaque y belleza escénicas. Instrumento penetrante, de ligero dramatismo, un vibrato buena disposición y un canto apropiado al estilo plausible y emisión oscura, aunque el timbre no lo sea particularmente, muestra capacidad para la y el personaje. Su voz encaja bien con la de della agilidad y las frases largas y mantenidas, limpios ataques al agudo, buen dominio de las dinámicas Benetta, una lírico-ligera ya bien conocida en y una expresividad sensible, lírica y sincera, alcanzando globalmente altas cotas. este tipo de repertorio, fruto sin duda de un Como uno de los dos protagonistas masculinos, Lanciotto, el tenor Merto Sungu, algo forzado buen trabajo de preparación. La soprano, por su y gutural, de timbre opaco, defiende con dignidad los pasajes de coloratura y apiana con parte, muy autoritaria también en las partes refinamiento. Su fraseo es expresivo y elegante, pero está apurado en los sobreagudos y hay algunas recitadas como debe ser, halla un momento de notas desentonadas. En el rol in travesti del amante Paolo, Aya Wakizono, de trémolo excesivo y felices resultados, en su aria de presentación de graves escasos, consigue convencer por la efusión de su canto y su bravura en l’agilità. Responden tanta diversidad canora, aunque haya secciones sobradamente Antonio di Matteo como Guido y Larisa Martínez como Isaura y también cumple de coloratura un tanto laboriosas. A destacar con efectividad el Coro de la Orquesta Filarmónica Estatal Transilvana de Cluj-Napoca. La orquesta asimismo la buena labor de tenor y soprano en participa en un discreto segundo plano, bajo la idiomática y contrastada dirección de Fabio Luisi, el espléndido dúo del acto segundo. que saca adelante con dinamismo e intensidad una obra de esta extensión. El resto del equipo cumple con más o Es un hecho evidente que una obra de riguroso estreno o una recuperación absoluta en tiempos menos decencia; Anderszhanov, con una modernos exige de una interpretación solvente y cuidada al máximo si se quiere devolverla al sonoridad en el centro de cierto atractivo, saca repertorio o reivindicar a su autor, por cuanto las creaciones y compositores conocidos cuentan con adelante su aria con mayor fuerza de voluntad los referentes de la comparación que evitan las dudas sobre su estatura artística. En este sentido, y que autentica disposición; la Pitts se las arregla pese a algunos elementos mejorables, la calidad de la obra y lo homogéneo de la producción hacen con su aria di sorbetto. Muy bien el coro polaco. de esta propuesta una opción altamente recomendable para cualquiera deseoso de ampliar En conjunto, una lectura tan conseguida como perspectivas sobre el esclerotizado repertorio del Romanticismo temprano. para poder superar otras previas ya en catálogo (seis en total), destacando aquella (en imágenes, Miguel Ángel Aguilar Rancel Martina Franca 2011) en la que Arsace es un formidable Franco Fagioli.

Fernando Fraga

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> ÓPERA

Christophe Rousset realiza aquí la primera grabación comercial de la obra, hecha en vivo en la Opéra Royal de Versalles GRABACIONES ¢

SALIERI: VERDI: Les Horaces. Judith van Wanroij, Cyrille Dubois, Julien Dran, Jean-Sébastien Bou, Il Trovatore. L. Haroutounian, G. Kunde, Philippe-Nicolas Martin, Andrew Foster-Williams, Eugénie Lefevbre. Les Chantres A. Rachvelishvili, V. Bilyy, A. Tsymbalyuk. du Centre de Musique Baroque de Versailles. Les Talens Lyriques Coro y Orquesta de la ROH. Dir. musical: Director: Christophe Rousset. APARTE 4975 (2 CD) Richard Farnes. Dir. de escena: David Bösch. OPUS ARTE 1261 (1 DVD)

desde su altura olímpica como maestro de capilla de la Corte Imperial de viena, a Antonio Salieri Un Trovador de mayoría eslava que no consigue le llegaban encargos de toda la Europa ilustrada de su tiempo. Así, por ejemplo, en 1778 su ópera igualar una edición reciente desde Macerata que L’Europa riconosciuta fue elegida para inaugurar, por encargo de la emperatriz María Teresa de quien esto redacta tuvo ocasión de reseñar en Austria, el Nuovo Teatro Regio ducale de Milán (futuro Teatro alla Scala), en cuya reinauguración, su momento, lo cual hace inevitable la el 7 de diciembre de 2004, la obra fue repuesta con todos los honores bajo la batuta de Riccardo comparación: un escenario de provincias Muti, en una lujosa producción de Luca Ronconi y Pier Luigi Pizzi, unidos para la ocasión, y con italiano le gana la partida a uno de los teatros un reparto de campanillas que incluía, entre otras, las voces de diana damrau, daniela Barcellona más prestigiosos del mundo, el Covent Garden. y Genia Kühmeier. La cohesión del equipo conseguida por Oren en Tras haber triunfado en la escena de la Opéra de París con Les Danaïdes (Las Danaides), aquella no la gestiona Farnes en esta, pese a que estrenada el 28 de abril de 1784 en la entonces llamada Académie Royale de Musique —una hace sonar bien a la orquesta y la maneja con petición que recibió, por cierto, tras el abandono del anciano Gluck, cuyo patrón tomó como mano firme. Kunde, de pasado belcantista, canta modelo de inspiración, como él mismo reconoció abiertamente—, el maestro de Legnago muy bien a Manrico, incluyendo matizaciones presentó, dos años después, una segunda tragédie lyrique, bien en el Palacio de Fontainebleau el 2 de que en él van siendo más escasas desde que se noviembre o justamente un mes más tarde en el de versalles, aunque la fuente más fiable apunta a enfrenta al repertorio spinto. Su timbre, con la citada Académie, el 7 de diciembre de 1786: Les Horaces (Los Horacios). El libreto, debido a Nicolas- algún problema de control de vibrato, suena algo FrançoisGuillard, afronta un argumento muchas veces llevado a la escena, y que ya había rígido y avejentado, lo cual no le beneficia en el producido varias obras maestras, como la tragedia de Pierre Corneille, el ballet-pantomima Les rol de un héroe tan fervorosamente romántico y Horaces et les Curiaces de Jean-Jacques Noverre (uno de los principales creadores del moderno ballet juvenil. francés) y, sobre todo, la ópera seria Gli Orazi e i Curiazi de domenico Cimarosa, sobre un texto de Haroutounian posee una voz asombrosa Pietro Metastasio, hace unos años recuperada por el sello Opera Rara en una magnífica edición. en cualquiera de los tres registros y es capaz de Los fastos y la espectacularidad derivados de un tema clásico convenían perfectamente a la controlarla en los momentos de agilidad. ópera reformada posgluckiana, y Salieri supo aprovechar al máximo las fuerzas que tenía a su Siempre es un placer disfrutar de semejante disposición. Por otra parte, las grandes figuras trágicas estaban de moda, como prueban la material sonoro, aunque el personaje aparezca Andromaque de Modeste Grétry, Le Cid de Antonio Sacchini, o las tragedias declamadas de Jean expresado de forma un tanto rutinaria. Racine, voltaire o el ya mencionado Corneille. Rachvelishvili se muestra imponente: su voz Al igual que en su anterior —y excelente— grabación de Les Danaïdes para Glossa, dentro de impresiona, y esa generosa cualidad se ese admirable proyecto impulsado en pro de la música gala que nunca nos cansaremos de elogiar, evidencia todavía más, ya que la acompaña de Christophe Rousset realiza aquí la primera grabación comercial de la obra, hecha en vivo en la un febril temperamento, perfectamente Opéra Royal de versalles el 15 de octubre de 2016. Rousset ofrece un magnífico trabajo, lleno de ajustado a la categoría y a las situaciones que tensión, de contrastes y de sentido estilístico, al frente de su grupo, Les Talens Lyriques, y de los vive la alucinada Azucena. Bilyy entiende a Cantores del Centro de Música Barroca de versalles, sabiendo hacer plena justicia a las grandes Luna rudo y agresivo; en bastante medida lo es, escenas de masas, los juramentos y los combates, que salpican la intriga y hacen de ella un pero también se trata de alguien a quien su vigoroso drama musical. amor modera y enternece: en consecuencia, lo El reparto vocal es, asimismo, impecable. La soprano holandesa Judith van Wanroij es la menos interesante en esta interpretación es el sufrida heroína Camille, que se debate entre sentimientos contradictorios, por el amor que siente aria. deja para el resto del papel sus mejores hacia el joven Curiace (al que da vida el tenor francés Julien dran, que tiene a su cargo uno de los —aunque no memorables— conquistas, momentos más bellos de la obra, el aria Victime de l’amour, victime de l’honneur) y el odio del viejo siempre a partir de una voz que no muestra Horace (al que da vida con mucho carácter el bajo británico Andrew Foster-Williams), que especial riqueza. Tsymbaliuk suma un digno e transmite a su hijo, el barítono también francés Jean-Sébastien Bou. En suma, un apasionante intencionado Ferrando. El montaje, en general redescubrimiento. sobrio, es una mezcla de originalidad y tradición que, al menos, no molesta ni irrita, si Rafael Banús Irusta bien tampoco deja huella.

Fernando Fraga

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> ÓPERA

Primera producción del proyecto del Festival Verdi en el Teatro Farnese, que ha llevado durante tres años Suscríbase a interesantes producciones al majestuoso marco del barroco teatro de Parma ENERO 2019

VERDI: Giovanna d’Arco. Vittoria Yeo, Luciano Ganci, Vittorio Vitelli. Coro del Teatro Regio di Parma. I Virtuosi Italiani. Director musical: Ramón Tebar. Directores de escena: Saskia Boddeke y Peter Greenaway. UNITEL 745608 (1 DVD)

Primera producción del proyecto del Festival verdi en el Teatro Farnese, que ha llevado durante tres años interesantes producciones al majestuoso marco del barroco teatro de Parma. Un escenario especial nada convencional que permite soluciones arriesgadas e imaginativas, en este caso firmada por Peter Greenaway en 2016, cuya sensibilidad plástica resulta muy acertada. La puesta en escena aprovecha bien el espacio, convirtiendo el ...y le invitamos a uno majestuoso anfiteatro de madera en el centro de la escenografía, sobre el que se proyectan constantemente los videos diseñados por Boddeke. Las de nuestros conciertos. luces colorean el espacio creando efectos mágicos, que contrastan con otras proyecciones más discutibles como imágenes de refugiados o una enorme imagen aniñada —estilo manga— que simboliza la inocencia de la protagonista. Por delante una pequeña plataforma circular sirve de Precio de la suscripción: lugar para los cantantes, que interactúan con dos bailarinas que reflejan - en papel: 85 (Le regalamos dos entradas la dualidad de la protagonista, a modo de Yin-Yang: la Juana de Arco € para el concierto que quiera del CGI 2019, excepto guerrera y la mística. La realización del dvd potencia la originalidad del espacio, con pantallas múltiples simultáneas y poniendo en primer los extraordinarios) plano algunas de estas proyecciones. - digital: 50 (Le regalamos una entrada para Como es habitual en el Festival verdi, las voces son de gran calidad y € resuelven con solvencia el canto verdiano. destaca la soprano el concierto que quiera del CGI 2019, excepto los surcoreana vittoria Yeo, quien luce una bella voz, joven y fresca, de extraordinarios) hermosos tonos líricos y de una técnica capaz de afrontar las complejidades de una partitura y un personaje difíciles. El tenor Luciano Ganci posee una voz pequeña —lo que no resulta un problema en un registro fonográfico— que utiliza con inteligencia para conseguir una línea lírica y afrontar con una fingida fuerza los momentos más intensos de las cabalette. El reparto se completa con el barítono vittorio vitelli, una de las grandes voces verdianas, rica en colores y de una honda Si además quiere abonarse al ciclo tenga en cuenta que los expresividad. suscriptores de la revista disfrutan de un precio especial en el abono (10% de descuento). El director valenciano Ramón Tebar sigue con claridad y energía la partitura, aunque se echa en falta algo más de lirismo en algunos momentos. Sorprenden los inesperados resultados de la orquesta I virtuosi Italiani, una formación de música antigua que nos permite apreciar toda la riqueza de la instrumentación. Una destacada versión de Entre en nuestra web esta hermosa ópera de verdi, injustamente poco conocida, que cuenta www.scherzo.es con el especial atractivo de una bien resuelta realización sobre un espacio no convencional. Ausencia de subtítulos en español. o llámenos al 91 356 76 22 Víctor Sánchez Sánchez

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> ÓPERA GRABACIONES ¢

VIVALDI: L’ALESSANDRO AMANTE MARIA CALLAS, soprano Orlando furioso. S. Prina, M. Antenucci, Arias de Bononcini, Haendel, Pescetti, Páginas de La gazza ladra, Roméo et L. Cirillo, L. Castellano, K. Derri, L. Steffani, Draghi, Manini, Vinci, Leo y Juliette, Macbeth, Carmen, La Wally, Schifano, R. Novaro. I Barocchisti. Dir. Porpora. Xavier Sabata, contratenor Hamlet, La Gioconda, Norma y Tosca musical: Diego Fasolis. Dir. de escena: Vespres d’Arnadí. Director y clave: Varias orquestas y directores Fabio Ceresa. DYNAMIC 37803 (2 DVD) Daniel Espasa. APARTÉ 192 (1 CD) WARNER 95653 (1 CD)

Esta versión escénica del Orlando furioso Pocos libretos han tenido un éxito tan Otra vuelta de tuerca callasiana. Con imágenes vivaldiano, filmada en el festival de Martina clamoroso como el Alessandro nell’Indie de Pietro virtuales (palabra mágica de la actualidad) Franca durante el mes de julio de 2017, cuenta Antonio domenico Bonaventura Trapassi, más acompañadas por orquesta, se realizó un con el aliciente de tener a diego Fasolis conocido como Metastasio. Fueron cerca de documento que está exhibiéndose en espacios —probablemente el mejor director de ópera sesenta las óperas que lo utilizaron a lo largo de europeos y americanos. Previamente se publica barroca de lo que va de siglo— en el podio, un siglo, desde vinci (1729) hasta Pacini (1824). en este Cd su banda sonora remasterizada (otro brindándonos una versión como todas las Compositores tan importantes como Haendel, término mágico moderno) que es el soporte del suyas: viva, profunda, colorista, fina, elegante, Hasse, Porpora, Pescetti, Mancini, Galuppi, filme. Independientemente de su discutible contrastada y, por supuesto, muy teatral, a lo Jommelli, Graun, Traetta, Paisiello, Gluck, programa seleccionado (falta el capítulo que contribuyen unos I Barocchisti tan Cimarosa o Cherubini pusieron sus ojos en el cómico de la diva, Fiorilla y Rosina), se ofrece espléndidos como siempre. La puesta en escena magnífico guion en el que Metastasio relataba una muestra bien clara de lo que fue su corta es vistosa, inspirada en la estética de la época, la conquista de la India por Alejandro Magno. pero sustanciosa carrera, como soprano lírica aunque sin verdaderas preocupaciones Saturado como está el mercado de (el aria de Wally de una pugnante melancolía históricas. Favorece la acción y es bonita, lo grabaciones monográficas dedicadas a los que otras dejan de lado en favor del lucimiento que, en los tiempos que corren, es mucho. grandes —y no tan grandes— castrati del siglo vocal), soprano coloratura (la gran escena de la En el reparto hay de todo. Como era XvIII, Xavier Sabata agrupa aquí arias de los Ophélie de Thomas donde es capaz de lograr previsible, el Orlando de Sonia Prina resulta Alessandros de Haendel, vinci, Pescetti, Mancini, matices inverosímiles ajenos a intérpretes bastante pobre: su recitativo de salida me ha Bononcini, Porpora y Leo, más otras de óperas precedentes y bastantes posteriores) y recordado a Christopher Robson y a lo largo de relacionadas con el conquistador macedonio dramática de agilidad (Lady Macbeth, los dos la representación deja a la vista sus habituales (Steffani y draghi). La fórmula de explorar —y momentos cumbres del inicio y el final, esa defectos: coloratura sucia y emitida como explotar— un personaje histórico parece que escena de sonambulismo sorprendente, puede, graves entubados, afinación inestable…, se va imponiendo: Ann Hallenberg y Anna adjetivo aplicable al talento del compositor y al culminando con un Nel profondo lamentable. En Bonitatibus lo hicieron con Agrippina y de la cantante) o dramática a secas (Gioconda). la escena de la locura, en cambio, su proverbial Semíramis, y Raffaele Pe lo acaba de hacer con No faltan muestras tampoco de sus dos dramatismo rinde buenos réditos. Lucia Cirillo Julio César. La selección de las arias es representativos personajes: Tosca y Norma, al hace una Alcina de excelente carácter y cuenta acertadísima (aunque es una lástima que, junto lado de la Juliette de Gounod que poco la con una voz con cierto cuerpo y carnosidad, a Destrier ch’all’armi usato de Porpora, no se haya identifica. Complementan el soporte sonoro perfecta para la malvada hechicera, bordando incluido la homónima de Pescetti, dos fragmentos orquestales: la obertura de La su Così potessi anch’io. Contrasta muy bien la absolutamente deslumbrante). Salvo las que gazza ladra, obra que jamás cantó Callas al Angelica de Michela Antenucci, con una voz Haendel escribiera para sus óperas Poro y completo ni por partes y un fragmento del muy bonita, ligera, fresca y clara, que se maneja Alessandro, el resto son desconocidas. ballet de Macbeth. El primero con la batuta de a la perfección en la temible coloratura. Sabata —en mi opinión, uno de los cinco Giulini con quien la soprano cantó a menudo; Riccardo Novaro hace un Astolfo con clase y mejores del actual panorama contratenoril— la segunda con Muti con quien nunca lo hizo, a Loriana Castellano se defiende muy bien con está sublime, muy especialmente en las arias de pesar de que el napolitano la quería para su Bradamante. Konstantin derri (Medoro) es sentimiento (Se possono tanto due luci de Haendel, Lady Macbeth que al final sería para Scotto (en bastante soso y su timbre es normalito, pero Serbati a grandi impresi de Pescetti o Chiarie fácil al escena) y Cossotto (en disco). A la espera de los exhibe una técnica fabulosa, con una seguridad di cui lume de Bononcini), arropado por una resultados fílmicos (algunos avances ya están impresionante en la coloratura. Horrible el orquesta que es oro molido, dirigida por ese en Internet) el Cd puede servir de estímulo para Ruggiero de Luigi Schifano, con un Come l’onda genio que es dani Espasa y con ese lujo que son cuando el producto nos llegue, algo que sin espantoso. Subtítulos en seis idiomas, incluido Lina Tur Bonet y Sylvan James al frente de los duda ocurrirá dado el éxito del anterior el coreano, pero no en español. violines primeros y segundos, respectivamente. documental de Tom volf.

Javier Sarría Pueyo Eduardo Torrico Fernando Fraga

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> ÓPERA > VARIOS ENERO 2019

JAVIER CAMARENA, tenor RENéE FLEMING, soprano FESTIVAL DE VERBIER. 25 AÑOS Páginas de El gitano por amor, La Canciones de Sondheim, Rogers & DE EXCELENCIA Cenerentola, Giulieta e Romeo, Armida, Hammerstein, Lloyd Webber, Cole Varios solistas. Orq. del Festival de e.a. Cecilia Bartoli, mezzosoprano. Les Porter, e.a. BBC Concert Orchestra Verbier. Directores: Gergiev, Dudamel, Musiciens du Prince-Monaco. Director: Director: Rob Fischer Masur, Takacs-Nagy, Nagano Gianluca Capuano. DECCA 483 3958 (1 CD) DECCA 483 4215 (1 CD) DG 483143 GM4 (4 CD)

Primer registro a lo grande de Javier Camarena Renée Fleming no es en absoluto la primera Este álbum de dG como celebración de los 25 en un sello internacional. Tiene otros que le cantante de música de canon clásico en años del Festival de verbier tiene, me temo un precedieron, con canciones italianas e interesarse por ese fascinante género de interés relativo, aparte del que le otorga hispanoamericanas, acompañado por Ángel ‘mesomúsicas’ que es el musical. Bajo el título constituir un recuerdo conmemorativo de un Rodríguez, su excelente pianista de confianza, “Broadway”, Fleming presenta una personal evento sin duda muy especial, casi más incluso además de la colectiva participación berlinesa selección de lo que las notas denominan parte para los propios músicos que para los (2015) en un recital solidario. Bajo la cariñosa de la banda sonora de su vida. Lo primero que espectadores del certamen veraniego en este protección de Cecilia Bartoli, que hace aquí llama favorablemente la atención en una lugar alpino. Aunque la nómina de artistas acto de presencia en el bello dúo rossiniano de cantante que tiende con frecuencia a un incluidos es de altísimo nivel, me temo que los Rinaldo y Armida (quizás, anunciando un preciosismo de miniatura es un acercamiento mismos tienen, junto a otras orquestas, próximo papel), nos brinda Camarena este de notable naturalidad, y con un amplio registros de estas mismas obras que quedan disco, destacable por su modélica calidad. espectro de emisiones vocales. desde la muy por encima de lo conseguido por la Centrado en Manuel García, el cantante y operística, hasta una emisión absolutamente notable formación joven del Festival, que no compositor sevillano, contiene páginas suyas desimpostada en ‘modo de pecho’ para So deja de ser una orquesta de circunstancias. —algunas inéditas—, como la hermosísima de Big/So Small, o un acercamiento que sugiere el Sucede en la Patética de Chaikovski por La mort du Tasse, con la delicada presencia del belting, Fleming da toda una soberana lección de Gergiev, lejos de las grabaciones de esta obra arpa; y de ecos rossinianos, pero también muy versatilidad sonora, a veces dentro de la misma que el ruso tiene con Mariinski o la personal. Hay otras ya difundidas canción. La soprano se ve cómoda, dejándose Filarmónica de viena. También, con el mismo anteriormente: El poeta calculista la grabaron llevar por una sucesión de números de un director, en el tercer acto de La Valquiria. Lo entera Mark Tucker y Ernesto Palacio, y la amplio repertorio, tal vez demasiado, que va de mismo cabe decir del Segundo concierto de propia Bartoli registró un aria popularísima en Rodgers a Lloyd Webber o de Porter a Kander. Beethoven por Argerich, que cuenta con una su época, la cual daba título a la grabación de la Por el contrario, y de forma curiosa, la grabación muy superior del mismo junto a mezzosoprano. A las inspiradas páginas del rítmica parece algo encorsetada, demasiado Abbado y la Mahler Chamber. Wang no logra que fue padre de Malibran y viardot, suma el pegada al compás, en claro contraste con la captar, más allá de su bien conocida agilidad, cantante otros personajes rossinianos, como flexible agógica derrochada por Te Kanawa o con el Primero de Mendelssohn, y ni la Suite de Ricciardo o Almaviva —estrenado por el von Stade en este mismo repertorio. Cierto es Tsfasman (Pletnev, con Nagano) ni las Folk Songs propio García junto a Everardo— del hoy que la selección tiende a números más líricos o de Berio (Ernman, con dudamel) son páginas olvidado Romeo de Zingarelli. intimistas que expansivos, pero esa cierta que encandilen especialmente. Estamos ante un repertorio capaz de rigidez rítmica, muy patente por ejemplo en el La joya de este álbum, sin duda alguna, es poner a prueba al intérprete en cuanto a la celebérrimo The Sound of Music de Richard el tercer disco, que contiene interpretaciones exhibición de facultades (¡esos do vertiginosos Rodgers, es marca de casa de la artista. Salvo en sensacionales, electrizantes y magníficamente agudos de don Ramiro, de un fulgor y una All the Things You Are, la BBC Festival Orchestra ejecutadas, del Primer trío de Brahms (Trifonov, seguridad pasmosos!). Camarena ofrece un también se ve algo retenida y sería temerario Gringolts y Mørk) y el Segundo quinteto de matizadísimo, variado y primoroso canto, especular sobre la responsabilidad del dvorák (Kissin, Repin, Korcia, Bashmet, recursos infalibles a los que añade el mexicano fenómeno. Hay nuevas orquestaciones de las Kniazev). Este disco merecería una edición por su temperamento (nunca gratuito ni artificial) y piezas, pero las notas son parcas en detalles; un separado, porque se trata de versiones de su generosa entrega, jamás regateada. trío de jazz añade color en Kern, y Leslie Odom auténtico lujo, en las que estos solistas de Acompañado por una batuta y un grupo que jr. se une a Fleming en el único dúo del álbum, primera hacen música de cámara de la mejor. han entendido su juego canoro —ambos Children Will Listen. Grabación a ratos Pero un álbum de cuatro discos en el que el asociados recientemente a Bartoli—, se trata de sorprendente, puede recomendarse a los interés se concentra en uno no parece, salvo una publicación sin duda extraordinaria, en el amantes de esa banda sonora de tantas’ de para quienes hayan estado en el Festival y sentido más amplio del término. nuestras vidas’. quieran un recuerdo, el mejor balance.

Fernando Fraga Miguel Ángel Aguilar Rancel Rafael Ortega Basagoiti

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> VARIOS

Valioso documento sonoro, testamento último de uno de los grandes del teclado. Ciccolini figura entre los pianistas más versátiles y dotados de su tiempo GRABACIONES ¢

KYRILL KONDRASHIN, director MOZART / RACHMANINOV: Obras de Shostakovich, Chaikovski, Concierto para piano nº 20. Concierto para piano nº 2 Rimski-Korsakov, Taneyev, Smetana, Aldo Ciccolini, piano. London Philharmonic Orchestra Rachmaninov, Stravinsky, Hindemith y Director: Yannick Nézet-Séguin. LPO 0102 (1 CD) Casella. Varios solistas. Varias orquestas. HÄNSSLER 18046 (13 CD)

Esta es una edición extraordinaria por su Maestro de maestros y no precisamente por haber intentado enseñar al autor de estas líneas, extensión, sus intérpretes y las fechas de Aldo Ciccolini (1925-2015) figura entre los pianistas más versátiles y dotados de su tiempo, que se grabación. Se anuncian como conciertos en expande desde mediados del siglo XX hasta bien entrado el XXI. Su vastísimo repertorio no vivo de 1937 a 1963, pero sólo hay uno de 1937. conocía límites, y abarcaba desde obras absolutamente olvidadas hasta todo el repertorio En realidad, son todos, menos dos, de los años convencional. El sello de la London Philharmonic Orchestra edita un Cd en el cual el viejo pero 60, por lo que el sonido, si no perfecto, es muy eternamente joven Ciccolini toca el Concierto en Re menor de Mozart y el Segundo de Rachmaninov, aceptable. El aficionado tiene aquí casi una ambos dirigidos por Yannick Nézet-Séguin, quien escribe en las notas del álbum unas sentidas historia de la música rusa interpretada por uno líneas sobre el desaparecido pianista: “Jamás olvidaré mis colaboraciones con Aldo Ciccolini […], de sus más remarcables directores. Kondrashin, su poesía y claridad, siempre con la mayor integridad. ¡Gracias, querido Aldo!”. Ciccolini era la nacido en 1914, fue una batuta enérgica, casi felicidad de la música. Su talento, pulido por la inteligencia, la cultura y su carácter de bon vivant, le furiosa, pura escuela rusa. A veces puede llegar permitía tocar con absoluta libertad y naturalidad, además de dejar fluir su impresionante a ser brutal, pero enteramente integrado en la naturaleza artística. Fue así hasta su muerte en 2015, con 89 años. tradición. Fue amigo de Shostakovich y de En estas grabaciones, efectuadas en vivo, en el Royal Festival Hall de Londres en 2009 Rostropovich, a quienes ayudó cuando fue (Rachmaninov) y 2011 (Mozart), encontramos al mismo Ciccolini de siempre: expansivo, necesario. Finalmente se refugió en Holanda. apasionado, elocuente y virtuoso. Artista total. “Mozart me hace bien, me ayuda a vivir” solía Hay en esta colección auténticas joyas. decir. Y lo reafirma en esta grabación. El modo en que se adentra en las oscuridades dramáticas en El estreno en 1962 de la Sinfonía nº13 de absoluto responde a un intérprete anciano, sino a un artista que nutre y estimula su vitalidad Shostakovich es quizás la cima. Mravinsky se personal y artística con el genio mozartiano. Bastan las sencillas primeras notas del piano en el había negado a estrenarla por razones que aún primer movimiento para percibir la maravillosa naturalidad de esta versión, a un tiempo cristalina se ignoran. Kondrashin da una lectura violenta y oscura, en que intérprete y creador parecen fundidos en un único latir. Mozart versus Ciccolini es de esta versión original que fue luego muy puro Mozart. cambiada por el compositor. de él también La gran música romántica fue siempre uno de los pilares de la carrera de Ciccolini. La reestrenó la Cuarta, oculta desde 1936 y aquí grabación del Segundo de Rachmaninov es ciertamente admirable por su sentido cantable y incluida. Remarco sin duda el Concierto para apasionadamente romántico, en el que se regodea, sin por ello cargar nunca las tintas en falso ni violín nº 1, con Kogan en una cadencia gloriosa. mucho menos almibarar los peligrosos compases. Ciccolini canta, se explaya y recrea a través de Impresionantes los Chaikovski a una un pianismo que es poesía y claridad. También honestidad, calidad, tradición y sabiduría. Los tempi velocidad vertiginosa: en la Patética el Adagio son vivos, pero se estiran en los momentos más expansivos, para otorgar empaque y sentido a una dura 18:15, cuando a Celebidache se le va a 25:00 versión tan deslumbrante como emotiva. Impresiona además de admirar el modo ligero, y a Bernstein 22:34. El Concierto para violín data de consistente y cargado de fuste con que el eterno Ciccolini resuelve el Allegro scherzando final, que 1957 y la orquesta suena un poco lejana, pero técnicamente parece tocado por un joven virtuoso a punto de conquistar cualquier importante Oistrakh está inmenso. Espectacular Gilels en el premio internacional. concierto para piano; el sonido no es bueno A tono con la entidad del solista, el acompañamiento de Nézet-Séguin y los filarmónicos (1949), pero vale la pena. Hay rarezas. El londinenses aparece imbuido de calidad, complicidad y criterio. La ligereza y mesura clasicista de Concierto para violín de Stravinsky por Kogan es Mozart se tornan aliento romántico en un Rachmaninov pletórico de inspiración y densidad distinto a todas las versiones que he oído. El dramática, en el que el joven director canadiense exhibe las razones por las que es una de las Concierto de piano de Rimski por Richter (1950), grandes batutas de la actualidad. La Filarmónica de Londres se muestra como el instrumento supremo. La Cuarta de Weinberg, maravillosa. Y dúctil, ensamblado y estilizado de sus mejores días. La estupenda toma de sonido redondea la quizás lo más raro, La novia vendida de Smetana excelencia de tan valioso documento sonoro, testamento último de uno de los grandes del teclado. completa, espléndida, con solistas, coros y orquesta del Bolshoi (1949) y el inconveniente Justo Romero de estar cantada en ruso y sin libreto. Soberbias Danzas sinfónicas de Rachmaninov (1963).

Félix de Azúa

72 SCHERZO s s. ípulo . sta sc OU a para guitarra” a para et 3 CD a Roberto Gerhard st a compl os. sic -romántico Federico Mompou st GERHARD & MOMP GERHARD “Mú La obra para guitarra sola, de dos magistrales compositores catalane El moderni (1896-1970) y el miniaturi po (1893-1987). El primero, di de Schönberg. El segundo influido por Fauré y Poulenc. Ambos geniale músic 1 CD o. ESTE MES RECOMEN DAMOS stas NOVEDADES ENERO , es ov 1 CD estr stsoviétic eves que se s br za sta Valentín Silv Valentín el compositor de e pie reunen bajo el título Me-of “...Touching mory”. Música vocal y de cámara de un po maestro e via- st , es el autor de e inanteasc por el conjunto so 1 CD 2 CD je f de sus sonatas para piano. Alexander Scriabin, exube- rante compositor y piani ru 1 CD 347 Grabaciones.qxp_Scherzo 17/12/18 19:33 Página 73 Página 19:33 17/12/18 Grabaciones.qxp_Scherzo 347 347 Grabaciones.qxp_Scherzo 17/12/18 19:33 Página 74

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Antiguas y ‘raras’ grabaciones de Gina Bachauer registradas entre 1949 y 1962 GRABACIONES ¢

DE VEZ EN CUANDO LA VIDA GINA BACHAUER, piano Obras de Serrat, Valls, Flecha, Ruiz de Obras de Bach-Busoni, Beethoven, Brahms, Debussy, Fauré, Grieg, Liszt, Ribayaz y anónimas Liszt-Busoni, Mozart, Ravel y Saint-Saëns Cappella Mediterranea. Director: Varias orquestas y directores Leonardo García Alarcón HÄNSSLER 18018 (4 CD) ALPHA 412 (1 CD)

A estas alturas de la película son ya muy pocas ¿Quién conoce hoy a Gina Bachauer fuera del ámbito limitado de los pianistas? Incluso dentro las cosas que sorprenden en la música antigua. mismo de los profesionales del teclado que aún no han cumplido la cincuentena abundan los que Pero hay que reconocer que meter en un apenas saben de esta inmensa pianista más que por el premio internacional de piano que lleva su mismo saco a Joan Manuel Serrat, Francisco nombre. Alumna de Cortot y Rachmaninov, dominadora —como su amiga la gran Alicia de valls, Lucas Ruiz de Ribayaz, Mateo Flecha “el Larrocha— de un amplísimo repertorio sin límites de estilo ni de técnica, había nacido en Atenas viejo” y Federico Mompou sí es una de ellas. Si en 1913, en el seno de una familia judía de ancestros alemanes y austriacos. Fue una virtuosa alguien se lo puede permitir —y, además, sin absoluta, que igual te dejaba boquiabierto con un Mozart de exquisita factura que con un Brahms necesidad de tener que dar explicaciones de por cargado de músculo y lirismo; con un Chopin, debussy y Ravel bien heredados de su maestro qué lo hace— es Leonardo García Alarcón, que Cortot que con un Rachmaninov o Prokofiev pletóricos de fuerza y rotundidad o un Scriabin de rinde con este Cd homenaje a su ídolo musical misteriosas luminosidades. de niñez-juventud: Serrat, todo un icono en Era una artista única. Incomparable como todos los de verdad. Bien lo sabía su segundo Argentina desde hace medio siglo. esposo, el director de orquesta Alec Sherman, quien abandonó su carrera para consagrarse a la de Junto a cinco canciones del cantautor ella. “directores de orquesta hay muchos, pero Gina Bachauer hay solo una”, dijo con más razón barcelonés (Romance de Curro “el Palmo”, De vez en que un santo. Amiga de músicos compatriotas como Maurice Abravanel y dimitri Mitropoulos, y cuando la vida, Aquellas pequeñas cosas, Pare y, por maestra de pianistas como Irene de Grecia, con la que actuó en varias ocasiones en recitales y supuesto, Mediterráneo, que por algo el grupo de conciertos con orquesta, su figura sin fisuras ha quedado relegada en un tiempo sin memoria García Alarcón se llama Cappella deslumbrado por los oropoles de los colorines y la mercadotecnia. Mediterranea), todas ellas arregladas por Quito HÄNNSLER recupera en este álbum antiguas y ‘raras’ grabaciones de Bachauer registradas Gato, figuran varias piezas de los antes entre 1949 y 1962. Todo es oro en este cofre imprescindible. desde un Segundo de Brahms cargado mencionados compositores del Barroco de intensidad, aliento romántico y nervio pianístico, grabado en 1962 junto a la Sinfónica de español, dos anónimos populares catalanes y Londres y Stanisław Skrowaczewski, o un Emperador de Beethoven junto a estos mismos un arreglo para arpa de la Música callada de intérpretes que derrocha estilo, vigor y fantasía, a un Mozart transparente, comedido y cargado de Mompou, debido igualmente a Gato e registros y sentido clásico, que llega en grabaciones londinenses de 1955 (Concierto nº 24) y 1951 interpretado por su mujer, Marie Bournisien. (Concierto de la Coronación) dirigidas ambas por su esposo Alec Sherman. La protagonista del registro es la soprano No menos admirables son las elocuentes y radiantes versiones del Segundo concierto para piano Mariana Flores, que canta cuatro de las de Saint-Saëns y del de Grieg, este último interpretado en la noche de clausura de los Proms de canciones de Serrat con esa exquisita elegancia Londres junto a la Sinfónica de la BBC y Basil Cameron El álbum contiene dos rarezas: la versión y con esa desmesurada sensualidad que la con orquesta de la Balada op. 19 de Fauré y la muy comprensiblemente olvidada transcripción para caracterizan. Aparecen también la soprano piano y orquesta que escribió Busoni de la Rapsodia española de Liszt. María Hinojosa, la mezzo Giuseppina Bridelli, En solitario, se puede disfrutar de la personalidad irrepetible de Bachauer en su penetrante y el contratenor Leandro Marziotte, el tenor límpida interpretación de la Toccata, Adagio y Fuga en Do mayor de Bach en la visión romantizada de valerio Contaldo y el bajo Hugo Oliveira Busoni; un Gaspard de la nuit de Ravel y un Pour le piano de debussy de tantos quilates virtuosísticos (española, italiana, uruguayo, italo-suizo y como estilísticos, y unos estremecedores e introspectivos Funerales de Liszt que contrastan con el portugués, respectivamente: toda una sabor popular y rítmico con que Bachauer da vida a una centelleante y bien cantada Rapsodia declaración por parte de Cappella húngara nº 12 grabada en 1949. ¡Una maravilla! Mediterranea). A Hinojosa le corresponden las Una oportunidad excepcional para conocer y amar a esta artista maravillosa, que quizá tres piezas en lengua catalana (las dos algunos conozcan sin conocer por el vídeo que corre por YouTube que recoge la actuación folclóricas y Pare); a los demás, las barrocas. conjunta de ocho colosos del teclado en Londres, en 1974, cointerpretando un divertido arreglo Todos ellos, a un muy buen nivel. para ocho pianos de la Marcha turca de Las ruinas de Atenas de Beethoven. Bachauer es la señora con Los defensores de la fe purista abominarán pinta de Tatiana Nicolayeva que aparece junto a Alicia de Larrocha, Jeanne-Marie darré, Jorge de esta grabación; los que no sean tan Bolet, Radu Lupu, John Lill, Garrick Ohlsson y Bálint vázsonyi. ¡Qué tiempos! escrupulosos, disfrutarán enormemente con ella. Justo Romero Enrique Velasco

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> VARIOS

Grabaciones hasta ahora inéditas del gran Emil Gilels en recitales realizados en el Concertgebouw de Ámsterdam en los 70, en condiciones técnicas estupendas ENERO 2019

DIÁLOGOS DE VIEJOS Y NUEVOS EMIL GILELS, piano SONES. Mi son que trajo la mar. Obras de Beethoven, Brahms, Schumann, Prokofiev, Liszt, Chopin, Preludio. Bambera. E.a. Rocío Márquez, Mozart, Scriabin, Ravel y Bach/Siloti cante, Fahmi Alqhai y Rami Alqhai, viola FONDAMENTA 1803032 (5 CD) da gamba. Agustín Diassera, percusión ALQHAI & ALQHAI 010 (1 CD)

Hazaña: no me refiero (solo) a la excelencia La colaboración del sello Fondamenta con devialet permite recuperar, en condiciones técnicas vocal e instrumental sino a la creación de una estupendas, una serie de grabaciones hasta ahora inéditas del gran Emil Gilels en recitales estética capaz de absorber con coherencia realizados en el Concertgebouw de Ámsterdam en los 70. El nieto del pianista, Kirill Gilels, explica poética todos los estilos o climas musicales la especial predilección de su abuelo por Holanda y por la sala del Concertgebouw y su público, y aquí reunidos: repertorio tradicional español y comenta que siempre se esmeraba en ofrecer allí lo mejor de su repertorio. La escucha de estos americano, romancero, canción sefardí, discos confirma inmediatamente que esta afirmación tiene todo el fundamento. Porque lo cierto pasando por el madrigal italiano para es que desde el primer disco uno tiene la sensación de estar escuchando algo excepcional. Cierto, desembocar en Angelitos negros que inmortalizó la op. 79 de Beethoven no es la mejor de las sonatas del gran sordo, pero la asombrosa Antonio Machín. Para ello, en vez de jugar la interpretación que Gilels hace de Los Adioses que le sigue o de la op. 90 a continuación de esta le carta de la sorpresa a toda costa buscando el deja a uno sin respiración. Y confirma que, en efecto, Gilels ofrecía a su público holandés eslabón perdido entre el krummhorn de los verdaderos manjares musicales. Cárpatos y el surnaï uzbeco, o ‘sinfonizando’ el Beethoven de ejecución asombrosa, vibrante, emocionante, grandioso. Qué forma de cantar acompañamiento con mil y un instrumentos, el segundo tiempo de la op. 90, con una nostalgia inalcanzable, una sensibilidad exquisita y un Alqhai & Alqhai utilizan el inmenso poder de matiz maravillosamente conseguido. En el folleto acompañante al álbum relata el pianista y sus violas da gamba, ora suaves ora fundador de Fondamenta, Frédéric d’Oria, su encuentro en Moscú con Kirill Gilels y el encargo de tempestuosas, mientras el percusionista este para localizar las grabaciones que ahora se ofrecen. Relata también cómo se quedaron diassera comenta la acción con tacto (aquí, en boquiabiertos cuando escucharon las cintas originales por primera vez. No puedo estar más de algunos casos, el ingeniero de sonido hubiera acuerdo con esa impresión, porque es exactamente la misma que he tenido yo. El sonido, el matiz, acaso podido filtrar algunos decibelios). el fraseo, la intensidad, la emoción. En cuanto a la voz, Rocío Márquez se aleja Hay alguna repetición (la selección de idénticas piezas de las Visiones fugitivas de Prokofiev, tanto de las cursilerías como de los suspiros de traducidas con una acidez extraordinaria, la Arabeske de Schumann, de contenido lirismo), pero es bestia en celo (y no digo que no tienen su un mal menor, sobre todo porque el nivel de lo ofrecido es tan extraordinario que uno termina por encanto) para privilegiar la finura, el equilibrio escuchar rendido todo el contenido sin que la repetición importe un rábano. Porque, tras el y la ductilidad; la admirable cantaora puede así Beethoven formidable del primer disco (hay más, del mismo nivel, en el tercero —una intensa utilizar su cultura musical cuando es necesario recreación de la op. 26— y el quinto —nada menos que la op. 10 nº 3, dibujada con tanta elegancia sin aflamencar otros repertorios. Sigue la estela como vibración, y las Variaciones y Fuga op. 35, una electrizante maravilla—), vienen las cuatro de una estrella como Pino de vittorio, en la que Baladas op. 10 de Brahms de las que, como es bien sabido, Gilels hace una interpretación encontramos a Marco Beasley, Maria Marone espeluznante. (del Neapolis Ensemble, no la cantante de La versatilidad del genial ruso se expande hasta Scriabin (Estudios op. 8 nº 2 y op. 2 nº 1, este de Eurovisión) o Luisa Cottifogli, artistas que una sutileza exquisita) y Ravel (si son buenos los Juegos de Agua y la Alborada del gracioso, lo abarcan varios mundos vocales con una(s) sobrecogedor llega en la Pavana para una infanta difunta, dibujada con un refinamiento sonoro y una técnica(s) superlativa(s) y un arte único. Claro, melancolía que te hace contener el aliento). Preciosa también la oferta mozartiana, especialmente no todos apreciarán su manera de ‘recitar- por un maravilloso tiempo lento de la Sonata K. 533, una elegantísima y contrastada Fantasía K. 397 y cantando’ el madrigal Si dolce è’l tormento de otro clásico de la casa: las Variaciones K. 398, recreadas también de manera sobresaliente. No falta Monteverdi o Vivo sin vivir en mí (sí, el poema de tampoco el romanticismo de Liszt (su excelente lectura de la monumental Sonata) y Chopin Santa Teresa) por bambera andaluza (sensacional sobre todo la dramática Polonesa op. 40 nº 2 y la estupenda versión, también un clásico, (aprovechando, dicho sea de paso, las métricas de la Sonata nº 3, en la que uno no sabe si admirar más el emocionante canto del Largo o la coincidentes del poema y del cante campero) y, trepidante tensión del tiempo final). Un álbum, en suma, delicioso, con muy buen sonido y con en cambio, otros se dejarán acunar por una interpretaciones absolutamente sobresalientes. Si les gusta Gilels (y ya dudo de que no les guste), dulce ensoñación en la que el tiempo fluye no deben dudar. como la miel. Rafael Ortega Basagoiti Pierre Élie Mamou

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> BREVES GRABACIONES ¢

BACH: VIVALDI: MOZART: Suite para violonchelo nº 1-6 Conciertos RV 761 y 342. Las cuatro Conciertos para piano y orquesta nº 9 y Yo-Yo Ma, violonchelo estaciones. Anastasiya Petryshak, 12. Andrea Bacchetti, piano. Orquesta SONY 19075854652 (2 CD) violín. Archi dell’Accademia Nazionale di del Teatro Carlo Felice. Director: Santa Cecilia. Director: Luigi Piovano Fabio Luisi. CONCERTO 2106 (1 CD) SONY 19075860302 (1 CD)

Tercera incursión de Yo-Yo Ma en las Suites de Me había mentalizado para retroceder en el túnel Me temo que tras el entusiasmo despertado por Bach. No se acerca a lo históricamente del tiempo hasta los años 60 del siglo pasado, discos de conciertos mozartianos como los de informado (esperable), pero entre las pero el acercamiento de Petryshak (con el Piemontesi y Anderszewski, la escucha de este tradicionales (Starker, Schiff, Isserlis, Fournier, stradivarius “Tuscan”) y de la orquesta es le deja a uno frío. Versiones correctas, aseadas, Rostropovich) la suya parece desnortada, lejos bastante fidedigno. A ella le sobra vibrato y pero carentes (especialmente la del precioso de captar la esencia de esta música. Las notas amaneramiento, especialmente en los K. 271) de chispa y gancho. Grabaciones en vivo están en su sitio. Los interesados en movimientos lentos, pero hay que reconocer que que tampoco captan desde el lado de la aproximaciones tradicionales para esta es una buena violinista. Y a la orquesta le hace brillantez de la toma, discreta para los patrones maravilla harán bien en considerar las opciones falta un clavicémbalo que no suene a lata. E.T. actuales. Prescindible. R.O.B. citadas. R.O.B.

CORBETTA: ALADO CISNE DE NIEVE DVORÁK: Suites. Izhar Elias, guitarra barroca Tonos humanos y divinos Tríos con piano nº 3 y 4, “Dumky” BRILLIANT 95587 (1 CD) Musica Ficta (Colombia) Christian Tetzlaff, violín. Tanja Tetzlaff, ETCETERA 1609 (1 CD) violonchelo. Lars Vogt, piano ONDINE 1316-2 (1 CD)

El Rey Sol gustó de la guitarra, y se rodeó de ta- Este álbum está dedicado al arpista de la Capilla El tercer CD del trío alemán formado por los ñedores, entre los que sobresalió Francesco Real Juan de Navas. Tonos humanos y divinos y hermanos Tetzlaff y el pianista Lars Vogt Corbetta. El holandés Izhar Elias tañe 24 piezas alguna tonada se combinan con dos piezas de muestra la indiscutible calidad de esta extraídas de las dos ediciones de La guitarre roya- Gaspar Sanz. De forma menos coherente, pero formación. Brillante interpretación en la que lle (1671 y 1674), dedicadas a los reyes inglés y no carente de belleza, se incluyen obras de destacan la compenetración, la unidad de francés respectivamente, donde imperan la tra- Lully y del desconocido Pierre Bucquet, quien criterio y la preocupación por diferenciar un dición popular y la maestría idiomática de este vino a Madrid acompañando a Felipe V. Cinco estilo más brahmsiano en el Trío nº 3 del más ‘Bach de la guitarra’ para seducir a príncipes… primeras grabaciones mundiales lo convierten personal, fantasioso y de inspiración popular y a villanos. J.L.A. en una apreciable aportación. M.A.A.R. en el afamado Dumky. A.G.U.

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> BREVES ENERO 2019

PROKOFIEV / SHOSTAKOVICH / SHOSTAKOVICH: BRAGA SANTOS: RACHMANINOV: Obertura op. 96. Concierto para piano Dos oberturas sinfónicas. Vivir o morir. Sonata para violonchelo y piano op.119 op. 102. Sinfonía nº 9 op. 70 Pastoral. Romance. Preludio. E.a. y op.40. Vocalise. Catherine Hewgill, Sabine Weyer, piano. NWD Goran Filipec, piano. Orquesta violonchelo. Vladimir Ashkenazy, piano Philharmonie. Director: Erich Polz Filarmónica de Liverpool. Director: DECCA 481 6562 (1 CD) ARS 38 256 (1 SACD) Álvaro Cassuto. NAXOS 8.573903 (1 CD)

La sonata de Prokofiev es menos motórica de lo Una sinfonía ‘rara’, un concierto habitual y una Primeras grabaciones de estas obras, debidas al habitual, vence la melodía. La estrenaron obertura de celebración: tres Shostakovich en portugués Joly Braga Santos (1924-1988). Richter y Rostropovich en una versión uno que es capaz de remedar la fanfarria de la Anteriores entregas de Naxos ya han difundido su insuperable. También la de Shostakovich es Metro y de defraudar con una sinfonía ‘menor’ labor. De influencia francesa, entre Roussel y más romántica que trágica. Ese carácter de cuando se esperaba una de victoria. Hay Poulenc, destaca por su dominio de la masa pura belleza une a las dos piezas. La australiana momentos del Concierto que participan del orquestal, de decidido color y empaque expresivo. Hewgill es excelente, pero lo mejor es un tenso júbilo de la Sinfonía. Polz dirige con En el concierto hay toques bartokianos. Los Ashkenazy dueño absoluto de su piano en un elevado equilibrio artístico. La interpretación intérpretes ofrecen lecturas cuidadosas, de repertorio inesperado. F.A. de Weyer es dúctil, rica y contrastada. S.M.B. excelente sonoridad y dominio estilístico. B.M.

DUTILLEUX: WATKINS: VERDI: Sinfonía nº1. Métaboles. Les Citations Symphony. Adam Walker, flauta. Alina Un giorno di regno. Gocha Abuladze, Orchestre National de Lille Ibragimova, violin. Halle Orchestra. Davide Fersini, Valda Wilson, Elisabeth Director: Jean-Claude Casadesus BBC Symphony Orchestra. Directores: Jannson. Capella Aquileia. Czech NAXOS 8.573746 (1 CD) Ryan Wigglesworth y Edward Gardner Philharmonic Choir Brno. Director: NMC D224 (1 CD) Marcus Bosch. COVIELLO 91802 (2 CD)

No es frecuente oír en vivo la Primera sinfonía de Recién concluida su vinculación a BBC Now Habrá que esperar hasta el postrer Falstaff para Dutilleux. Es injusto. Se trata de una de las más como compositor residente, NMC nos brinda conocer el verdadero sentido de la comedia de espectaculares piezas de la posguerra. Se una muestra de la obra sinfónica del galés Huw la mano de un anciano compositor que 53 años estrenó en 1951 e interesó a directores como Watkins (1976), composiciones del último dece- atrás había en vano intentado seguir la senda de Ansermet o Fricsay. Luego cayó en el olvido. Es nio —dos conciertos, para flauta y violín, data- Donizetti con las aventuras del fingido una fantástica progresión sonora y rítmica que dos en 2010 y 2013; una sinfonía de 2016—, en Estanislao. Bosch la dirige con buen pulso y requiere una orquesta valiente y multicolor. La solventes interpretaciones, que reflejan un len- respirando con unos cantantes de un nivel de Lille, que ya editó la Segunda, es la mejor guaje conciliador, cómodo en moldes clásicos y medio aceptable, sin voces especialmente relevantes, pero tampoco desechables. A.M.M. especialista actual en Dutilleux. F.A. de indudable oficio orquestal. G.G.Q.

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lli LIBROS c

GERMÁN EREÑA MÍNGUEZ: STEFANO RUSSOMANNO: Isidoro Fagoaga, el tenor olvidado El concierto GOBIERNO DE NAVARRA (Pamplona, FORCOLA (Madrid, 2018). 135 págs. 2018). 572 págs.

Isidoro Fagoaga (vera de Bidasoa, 1893 - San Leyendo La música invisible brotaba sola la idea Sebastián, 1976) fue uno de los principales de que la cabeza que había escrito un ensayo así tenores wagnerianos de los años 20 y 30 del debía dar el salto a la ficción lo antes posible. siglo pasado. Cantó Wagner en la Scala bajo la Pues bien, ha ocurrido. Russomanno no logra batuta de Arturo Toscanini, Siegfried Wagner, engañarnos: estamos ante un escritor nato que Karl Elmendorff y victor de Sabata, entre otros. se hace pasar por musicólogo y periodista sólo Siempre en italiano, como era costumbre en la para despistar. Una premisa de partida tan época fuera de Alemania. En 1928 Siegfried sencilla como sugestiva para todo ‘melolector’ Wagner le escuchó en audición privada y le y para el resto del personal civil: un evocador recomendó estudiar en alemán el rol titular de crucero por el Mediterráneo, un apasionado de Tannhäuser, con posibilidad de cantarlo en Arturo Benedetti Michelangeli a bordo, y un Bayreuth en 1930. La dificultad del papel y de la concierto del propio Michelangeli que tendrá lengua alemana echaron para atrás al tenor, y lugar en el barco en algún momento, o no. Siegfried murió en agosto de 1930. Fagoaga dejó desde ahí, Russomanno, con ecos de Baricco y de cantar en 1937, tras el bombardeo de Zweig, especula sobre lo que pudo ocurrir en Guernica, para entregarse a una vida de exilio torno a aquel concierto real del año 72, y con la dedicado al periodismo y la escritura. mayor sutileza perfila la figura de un artista Coincidiendo con el 125º aniversario de su cuya singularidad aguardaba su abordaje por la nacimiento, aparece esta biografía de Isidoro novelística desde hace demasiado. Fagoaga, un trabajo riguroso, muy completo, Pese a la brevedad de la obra, que en minuciosamente documentado y ningún momento pretende esconder la profusamente ilustrado debido a Germán Ereña devoción del propio autor por el pianista, y que Mínguez, fruto de largos años de investigación parece la cristalización honesta de una idea en los que ha tenido acceso al legado del tenor feliz, de pensamientos destilados gota a gota navarro. Con pluma ágil y amena, Ereña nos con el tiempo, esta no se limita a una lleva en volandas por los primeros años de la descripción lineal de lo que pudo ser. Con gran vida de Fagoaga, de los que apenas hay sentido de lo perceptivo, con desarmante documentación; traza un rico retrato de su sencillez en unos tiempos en los que lo que se carrera y sus éxitos; analiza las causas del presenta encriptado se identifica abandono de la vida artística y el autoexilio, automáticamente con la calidad, Russomanno primero en el País vasco francés, luego en superpone a esa pureza de líneas de la trama un Argentina, hasta su retorno definitivo a su simple pero eficacísimo juego de reflejos querida tierra vasca en 1964, deteniéndose en su distorsionados, referencias cruzadas y intensa actividad periodística y comentando metarreferencias biográficas. La narración sus obras de ensayo. El pormenorizado relato siempre avanza, a la justa velocidad de crucero de la vida y carrera de Fagoaga se enriquece con y de un cliffhanger a otro, hasta que la página que reseñas de la prensa de la época y cartas de volvemos es la contraportada. Y lo hace con un nuestro protagonista, alguna tan reveladora estado carencial de afectación, distribuyendo como la de agosto de 1928 en la que describe con precisión farmacéutica las dosis exactas de con detalle su estancia en Bayreuth. Una obra humor, de amor y de nostalgia, y situando los necesaria que revive a un gran cantante golpes de efecto con gran intuición. olvidado. Daniel Muñoz de Julián Miguel Ángel González Barrio

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x dosier x Castr ati

Gaetano Berenstadt, Francesca Cuzzoni y Senesino en Flavio de Haendel, en el King’s Theatre de Londres, 1723. Grabado de William Hogarth.

Hace ahora justo un cuarto de siglo el cineasta belga Gérard dicho— las lagunas existentes: el grabado que aparece en esta Corbiau estrenó su película Farinelli, il castrato. Para muchos página, debido a William Hogarth, es tal vez la imagen más melómanos fue una puerta abierta a un universo tan conocida en que aparecen castrati. Casi todas las fuentes fascinante como desconocido, el de los castrati, grandes divos mencionan que se trata de los capones Senesino y Gaetano de la ópera del siglo XVIII y acaso los primeros ídolos de masas Berenstadt (al que otras fuentes sustituyen por Farinelli) y de la de la industria del espectáculo, capaces por sí mismos de llenar soprano Francesca Cuzzoni, durante el estreno de la ópera teatros y de provocar las más encendidas pasiones no solo Flavio de Haendel (hay quien dice que es durante el estreno de entre los aficionados a la música sino también entre las damas Giulio Cesare). Casi de forma unánime señalan que Senesino es de la nobleza europea, subyugadas por la singular condición el cantante de la izquierda, el más alto, cuando en realidad se sexual de estos irrepetibles cantantes. Pero quedan muchos trata de Berenstadt, según ha podido demostrar recientemente aspectos por desentrañar sobre ellos, incluso de los que fueron Lowell Lindgren, profesor emérito de Música en la Universidad celebridades máximas en su tiempo y cuyos nombres hoy nos de Harvard. Está claro que los castrati siguen rodeados en pleno resultan relativamente familiares: Farinelli, Senesino, Caffarelli, siglo XXI de un halo de misterio. Carestini, Siface… Sirva un dato para ilustrar —nunca mejor

SCHERZO 79 DOSIER CASTRATI Farinelli español: más allá del mito del castrado

Daniel Martín Sáez

Aún nos queda mucho por saber acerca de Carlo Broschi, apodado 54 años, Farinelli se retiró a Bolonia, donde viviría dos décadas más con “Farinelli” (1705-1782) y considerado habitualmente el mejor cantante de el sueldo vitalicio otorgado por la corte española. Pese a todo, nuestra todos los tiempos. Toda figura histórica implica la reconstrucción de un imagen del músico sigue estando marcada por la leyenda del cantante de perfil a partir de testimonios, documentos y monumentos donde existen todo tipo exageraciones, omisiones, incoherencias y mitos, atravesados en La famosa película de Gérard Corbiau “Farinelli, il castrato” (1994) mayor o menor medida por ideologías e se detiene justamente cuando el cantante llega a Madrid, instituciones con sus propios intereses políticos, como si su biografía hubiese dejado de ser interesante a partir de entonces religiosos, académicos, etc., que a menudo subrayan y eluden lo que les conviene. Farinelli pasó más años trabajando como cortesano, embajador y organizador de festejos en Madrid que como cantante de ópera en el ópera, comparado desde el siglo XVIII con el semidiós Orfeo y con el rey resto de capitales europeas. Cuando llegó a España, acababa de cumplir bíblico David, entre lo mitológico y lo hagiográfico. los 32 años, ocupando desde el principio una insólita situación de privilegio dentro de la corte de Felipe V, que mantendría e incluso Mito de entrada y mito de salida incrementaría durante el reinado de Fernando VI, cuando se le impuso la Cruz de Calatrava. Sólo tras la muerte del Prudente, cuando contaba Sería imposible citar aquí todas las obras de teatro, zarzuelas, óperas, novelas, notas de prensa, programas de radio y televisión, Uno de los dibujos de la Descripción de Farinelli, donde observamos al propio biografías, libros de historia de España y monográficos de historia de la cantante (dcha.) entregar un ejemplar de la obra a los reyes de España (centro). l

a música donde la estancia de Farinelli en Madrid se reduce a dos mitos: el n o i

c ‘mito de entrada’ en la corte, según el cual Carlo Broschi vino a España a N

o

i invitado por Isabel de Farnesio para curar la melancolía de Felipe V n o m

i mediante el canto, ejerciendo desde entonces como músico-terapeuta r t a P

real, y el ‘mito de salida’, según el cual Carlos III le habría expulsado de . a c

e manera inmisericorde tras la muerte de Fernando VI, por motivaciones t o i l b

i igualmente psicológicas, derivadas de la falta de gusto del rey por la B

l a

e música. Esta doble imagen, que abre y cierra su estancia en España, ha R contribuido como ninguna otra a subrayar su labor como cantante en detrimento de su trayectoria como cortesano. En la última década estamos asistiendo a un insólito resurgimiento del mito de entrada, que hemos podido observar desde Madrid hasta Nueva York, desde Londres hasta Sicilia, en gran medida potenciado por la novela de Jesús Ruiz Mantilla y el melodrama de Claire van Kampen dedicados a su figura. Que esta mitología ha ensombrecido la historia del personaje en España es evidente. La famosa película de Gérard Corbiau Farinelli, il castrato (1994) se detiene justamente cuando el cantante llega a Madrid, como si su biografía hubiese dejado de ser interesante a partir de entonces. Algo parecido podemos encontrar a menudo en el ámbito académico, pese a los estudios de enorme rigor que se han hecho sobre su trayectoria. En 1998 se inauguró en Italia el Centro Studi Farinelli, que en los últimos diez años ha dedicado diversos congresos, ediciones y encuentros al castrato. Sin embargo, su estancia en España ha sido prácticamente arrinconada, pese a ser con diferencia la más extensa e interesante en términos históricos, artísticos, operísticos y políticos.

Farinelli como casus belli

La razón por la cual sus primeros años como cantante han eclipsado más de dos décadas al servicio de la monarquía borbónica no se deriva de la mera fama de su canto, ni siquiera de la vulgar necesidad de poner etiquetas monolíticas a hechos complejos que nos resultan difíciles de comprender (aunque, sin duda, ambas cosas hayan

80 SCHERZO CASTRATI DOSIER t e r n a r g u t t o u b l S e e i M

r , e a l i l r a o g t s c i t a V

a f t o

S y r e l l a G l a n o i t a N

Cuadro de Jacopo Amigoni (c. 1752) donde podemos observar, de izquierda a derecha, a Metastasio, a la Carlo Broschi retratado por Amigoni en Aranjuez, 1752. soprano Teresa Castellini, al propio Farinelli y a Jacopo Amigoni, además del paje de Farinelli y su perro.

contribuido a ello). Lo esencial fue la imagen que construyeron, ya en Algo parecido ocurre en la obra inglesa titulada Una escena político- vida del propio Farinelli, un elevado número de propagandistas e burlesca y comi-fars-operática entre el rey y la reina de España, un marinero inglés y ideólogos ingleses, desde embajadores y editores de prensa hasta Farinelli, publicada en Dublín en la imprenta de James Hoey en 1741. historiadores, artistas y académicos de prestigio, en pleno contexto En ella se relata la victoria de Inglaterra sobre Portobello en manos de bélico entre España e Inglaterra. Edward Vernon, así como sus ataques a Cartagena de Indias (donde, sin Los años del músico en Londres coinciden con los años en que se embargo, Inglaterra acabaría siendo derrotada). La obra empieza con la está articulando un casus belli contra la monarquía española, como melancólica entrada del rey español, quien entona un triste lamento por muestra el famoso episodio de la oreja de Jenkins. Cuando Farinelli la victoria de Vernon. La reina intenta consolarle haciéndole ver que, al abandona los teatros de ópera para establecerse en Madrid, en gran menos, tiene a Farinelli, que aparece desde el principio como una especie medida descontento con ellos, hace explotar un conflicto diplomático de ministro de confianza. El rey es informado alternativamente sobre los entre ambas cortes, que los ingleses aprovechan para remarcar la asuntos de guerra por otros personajes cómicos, en consonancia con la crueldad de España. La imagen del ‘rapto’ del mejor cantante de todos los imagen que la prensa inglesa, a través de Farinelli, daba de España como tiempos, equiparado una y otra vez al ‘robo’ de mercancías inglesas en una corte gobernada por personajes de baja extracción social. Como aguas españolas, servirá para realzar simbólicamente ese casus belli en la luego veremos, Farinelli no era ajeno a estos asuntos de política prensa inglesa, aprovechando de paso la imagen de un rey loco internacional y tenía su opinión al respecto. gobernado por un castrado. La propaganda de guerra inglesa atraviesa El primero en vincular la locura del rey con el canto de Farinelli fue el todo el siglo XVIII, con menciones constantes a Farinelli y España, embajador inglés Benjamin Keene, quien asegura en su correspondencia incluso tras la muerte del músico. con el duque de Newcastle que el rey sentía una aversión natural por la El origen del mito de entrada coincide con la llegada del cantante a música, y que fue Isabel de Farnesio quien ‘retuvo’ al cantante con la Madrid en 1737, tras haber pasado tres años en Londres. Sería imposible intención de entretener a Felipe V a causa de su “melancolía”, cantando desde entonces las mismas “cinco arias” al rey. Por supuesto, Farinelli no fue retenido. Al menos desde 1735 expresa su deseo de alejarse de los teatros y, poco Cuando Farinelli abandona los teatros de ópera para establecerse en Madrid después de llegar a Madrid, subraya varias veces su hace explotar un conflicto diplomático entre ambas cortes, contento con su nueva posición. Tampoco es cierto que los ingleses aprovechan para remarcar la crueldad de España que el rey sintiera aversión por la música. Felipe V ya había contado con castrados como Henry Desmarest (1701) y Valeriano Pellegrini (1722), una tradición monárquica que, por lo que se refiere a España, citar aquí las decenas de notas de prensa publicadas en los diarios podemos remontar a la época de Carlos II y Matteo Sassano. El 16 de ingleses donde se menciona la contratación de Farinelli en España. Al febrero de 1738, el propio Farinelli hace notar a su amigo Sicinio Pepoli hacerlo, como ocurre en el caso de Jenkins, se omite todo aquello que que la corte le considera un “embajador”, y el 23 de agosto le asegura que pueda favorecer a España y se exageran sus acciones negativas, los reyes le tratan “como uno de sus hijos”. El 27 de octubre de 1739 su recogiendo e impulsando la literatura negrolegendaria que se había nombre aparece en La Gaceta de Madrid ligado a otro tipo de vertido contra ella desde el siglo XV. Una de esas notas equipara celebraciones. explícitamente el rapto de Farinelli con el episodio de la oreja de Jenkins. Pese a todo, Johann Georg Keyssler, miembro de la Royal Society, se Las artes contribuyeron enormemente a este proceso mitopoyético. Ese referirá de nuevo a la melancolía en su libro de viajes, publicado en alemán mismo año apareció la canción Lamentación de Inglaterra por la pérdida de en 1741 y en inglés entre 1756 y 1757, en sintonía con las incesantes notas de Farinelli , que dos años después apareció junto a un grabado de Henry prensa inglesa donde se destaca el poder alcanzado por el castrado en la Roberts en el primer volumen de Calliope or English Harmony (1739), el corte. Tras la muerte de Felipe V, en su propio libro de viajes de 1771, mismo año en que comenzó la Guerra del Asiento entre Inglaterra y Charles Burney repetirá la idea del embajador inglés, según la cual Farinelli España. Allí se habla ya de la “cruel España” que habría forzado a Farinelli cantó unas pocas arias (esta vez, “cuatro”), no ya durante el primer año, a quedarse en la corte de Madrid. sino durante los diez años de su reinado. Burney no se refiere entonces a la

SCHERZO 81 DOSIER CASTRATI melancolía, como sí lo hará su compatriota John Hawkins en la primera ceñida a la época de Fernando VI, fue legada por el propio Farinelli en su historia de la música que llega hasta su presente (1776). Sólo entonces, el manuscrito, redactado en español y titulado Descripción del estado actual historiador francés Jean Benjamin de Laborde, tomando algunos del Real Teatro del Buen Retiro. De las funciones hechas en él desde el año 1747 elementos de la prensa inglesa, publica el relato que ha llegado hasta hasta el presente: de sus individuos, sueldos y encargos; de las diversiones que nuestros días, según el cual Isabel de Farnesio colocó a Farinelli en una anualmente tienen los reyes nuestros señores en el Real Sitio de Aranjuez . Se trata cámara contigua a la real, haciéndole cantar hasta que consiguió recobrar de un documento histórico único, tanto por su contenido escrito como la salud del rey, quien prometió al castrado otorgarle como recompensa lo por sus dibujos, entre los cuales podemos observar al propio Farinelli que pidiera. Lo hace en 1780, causando la réplica del académico Pedro entregando una copia de la obra a los reyes. Francisco Jiménez de Góngora y Luján, duque de Almodóvar, que En ella, el músico relata su labor como organizador de festejos en el considera el relato francés un conjunto de dislates. teatro del Buen Retiro y en el Palacio de Aranjuez, estableciendo cada detalle de las representaciones operísticas, desde los sueldos de cada Los capones de Carlos III artista hasta la escenografía, como podemos observar en otros dibujos de la descripción. Farinelli no sólo conseguía a los mejores libretistas, El culmen de esta historia llegó cuando Burney plagió el relato de destacando especialmente su estrecha colaboración con su amigo Laborde (se trata de una traducción casi literal) en su historia de la Metastasio, sino también a los mejores cantantes, escenógrafos y música (1789), donde también plagia al padre Fontenay otras anécdotas tramoyistas. Jacopo Amigoni nos dejó un testimonio sin igual de esta farinellianas, siendo desde entonces la fuente más citada y repetida hasta el día de hoy en torno a Farinelli. Tanto Burney como Laborde se plagian mutuamente en muchos pasajes, lo que no ha impedido que la mayoría de Según el mito de salida, Carlos III expulsó a Farinelli de manera historiadores, desde entonces hasta el presente, haya inmisericorde, sentenciando que los capones sólo le gustaban sobre la mesa repetido esa leyenda sin citar siquiera una fuente. Lo mismo ocurre con el mito de salida, según el cual Carlos III expulsó a Farinelli de manera inmisericorde, sentenciando que los capones sólo le gustaban sobre la mesa. El primero unión de artes en su cuadro de 1752, donde se autorretrata junto al en publicarlo fue Joseph Baretti, ligado a la Royal Academy of Arts de músico-embajador, la soprano Teresa Castellini y el citado libretista. Londres, en 1771, también famoso por haber difundido el mito del epur si Estas óperas eran ya eventos políticos de primera magnitud, como muove galileano. lo era su propia presencia en la corte, destinados a fortalecer la imagen Desde Góngora y Luján, no ha vuelto a haber en España, ni en de la monarquía en el extranjero. Esteban de Arteaga (1783) comparó este ningún sitio, una oposición a esta leyenda. A esto contribuyó, sin duda, periodo musical con los antiguos fastos de Atenas, y Antonio Eximeno el uso que hizo de ella la musicología nacionalista española del siglo XIX, (1796) lo presentaba como una verificación de la fábula de Anfión. No al considerar a Farinelli como símbolo del desprecio cortesano por la menos interesante es su papel en la publicación de la historia musical del música autóctona en favor de la música extranjera. Las óperas y zarzuelas dedicadas al castrado por Joaquín Espín y Guillén (1854), d n a

Mariano Vázquez (1855) y Tomás Bretón (1902) no son ajenas a ese uso l t o c

ideológico. El tópico xenófobo de la ‘invasión italiana’ ha favorecido S

f o

y

desde entonces que nadie intente cuestionar esta leyenda hasta la r a r b publicación de nuestro artículo La leyenda de Farinelli en España en la i L

l a

Revista de Musicología (XLI, nº 1, 2018, 57-59). n o i t a

El historiador inglés Henry Kamen, uno de los más prestigiosos N estudiosos de la historia de España, lo ha repetido en el artículo que le encargaron en Broadway (diciembre de 2017) para el citado espectáculo de su compatriota Van Kampen, en cuyo programa de mano se vertía sobre España toda la literatura de la leyenda negra. También lo han repetido sus biógrafos, desde Giovenalle Sacchi (1784) hasta Sandro Cappeletto (1995), pasando por René Bouvier (1943) y Patrick Barbier (1987). Kamen al menos reconoce su deuda con el embajador inglés, cosa que no hace ningún musicólogo desde Antonio Ferrer del Río, pasando por Soriano Fuertes, Barbieri, Carmena y Milán, Peña y Goñi, Mitjana, Cotarelo y Mori, Subirá, Martín Moreno, Margarita Torrione o Ellen T. Harris, entre otros, que repiten el mito plagiado por Burney sin aportar ninguna fuente.

Una imagen contra-legendaria

Lo más interesante de la bibliografía farinelliana, en todo caso, no es lo que afirma acerca de Farinelli, sino lo que oculta. La mayoría de fuentes de la época nos muestran una imagen mucho más luminosa, compleja y articulada. Conservamos más documentos, esculturas, retratos pictóricos, grabados y testimonios fiables de Farinelli como Portada de la noble o embajador que como cantante, y muchos de ellos fueron England’s promovidos por él, en sintonía con la defensa que por entonces hacía de Lamentati la monarquía española. Baste recordar que, recién finalizado el famoso on for the lost of Sitio de Cartagena de Indias (1741), defendido por Blas de Lezo, Farinelli Farinelli, mostró su alegría a su amigo Pepoli refiriéndose a ella como una en “victoria completa sobre el Rost Bif”, un contrapunto evidente respecto a Calliope or English la imagen de la obra de teatro inglesa dedicada a la victoria de Vernon. Harmony La fuente más importante que conservamos sobre su labor, aunque (1739)

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Fernando VI y Ba ́rbara de Braganza en los jardines de Aranjuez de Francesco Battagliolli . Cuadro encargado por Farinelli.

padre Martini, cuando este mismo solicitó al “caballero don Carlo (concretamente, la Real), casi como si estuviésemos ante un militar de la Broschi” que mediara ante la reina Bárbara de Braganza, a quien armada o, al menos, ante un noble o embajador de confianza (como finalmente dedicó su obra gracias al castrado. simboliza el perro), que a través de la música —partitura en mano —y Además de la música y las artes, Farinelli organizaba los famosos los festejos reales, contribuye a la grandeza del poderío naval español y paseos por el río Tajo en su paso por Aranjuez, concebidos como la monarquía, de cuyo honor también participa a través de la Cruz de respuesta a los realizados por Haendel en el río Támesis, que sirven a la Calatrava. Una comparación entre este retrato y otro de la época, donde monarquía para presentar ante los dignatarios extranjeros una prueba de aparece el teniente general de la Real Armada Esteban de Mari (c. 1680- su riqueza, cultura y poder, en un momento en que España está 1742), sito en el Museo Naval de Madrid, refuerza esta interpretación renovando su armada por iniciativa del marqués de la Ensenada, fiel (véanse las embarcaciones, situadas en los márgenes inferiores del amigo de Farinelli. Las armas y las letras, la guerra y el arte conforman cuadro y a espaldas de los retratados, estando ambos en tierra firme). No menos elocuente respecto a su faceta política es el palacio que Farinelli se hizo construir en Aranjuez, a pocos metros del Sólo un patriotismo mal entendido ha evitado situar al músico Palacio Real, un monumento sin igual del poder en el panteón de los españoles, como lo está Lully entre los franceses alcanzado por el músico, aunque la negligencia o Haendel entre los ingleses de nuestros poderes públicos haya impedido reconocerlo como tal. Que hayamos permanecido mudos ante su estado de semiabandono durante décadas y, en los últimos entonces las dos caras de la misma moneda. Los reyes cazaban, cantaban meses, hayamos asistido a su destrucción casi completa tras el incendio y tocaban el clave desde la embarcación, ofreciendo un espectáculo sin del pasado mes de mayo, es sólo una prueba de las trágicas igual que podía contemplarse desde la costa, cubierta al anochecer con consecuencias de la idea negrolegendaria construida en torno a su miles de luces, entre las cuales algunas estaban dispuestas para que figura. Farinelli, que solicitó en su testamento ser enterrado con la Cruz pudiera leerse “Vivan el Rey y la Reina”. A la embarcación real, donde de Calatrava, hizo más por España de lo que estamos habituados a viajaba el propio Farinelli junto a los reyes y otros nobles, seguían otras pensar. Sólo un patriotismo mal entendido ha evitado situar al músico con sus esposas, las camaristas y mayordomos, debidamente en el panteón de los españoles, como lo está Lully entre los franceses o engalanados, como también lo estaban los embajadores y prelados a los Haendel entre los ingleses. Pero para ello hemos de superar el mito del que se permitía acudir para observarlos. Conservamos una importante cantante órfico-davídico y situarnos, más bien, en la idea del embajador cantidad de obras gráficas dedicadas a tales celebraciones, como los y organizador de festejos que realmente fue. ¶ cuadros del Palacio de Aranjuez de 1756 encargados a Battaglioli por el propio Farinelli, donde podemos observar hasta qué punto el público Daniel Martín Sáez es musicólogo y doctor en Filosofía formaba parte del propio espectáculo. Farinelli también encargó a Battaglioli reproducir al óleo algunas de las escenografías operísticas realizadas en el Retiro. Hoy Referencias conservamos nueve de ellas, otro documento insólito en Europa. Algunos de ellos se pueden visitar en el museo de la Academia de Bellas Artes de San Fernando. MARTÍN SÁEZ , D ANIEL : La leyenda de Farinelli en España: Historiografía, También es muy significativa la forma en que Farinelli decide mitología y política, Revista de Musicología, vol. XLI, nº 1 (2018), pp. retratarse por entonces. En uno de los retratos de Corrado Giaquinto 57-97. podemos observar al músico-embajador en primer plano, observándose — Farinelli en España: del mito a la tragedia, Mundoclasico.com, 3 de octubre al fondo una de las embarcaciones del escuadrón del Tajo de 2018.

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DOSIER CASTRATI Siface, el primer gran divo de la ópera

Elena Bernardi

“Singularísim[o] por la rareza de su voz, y por el modo de cantar al corazón” hermanos de Elena Forni, quienes con este gesto habían querido vengar (Giovanni Battista Mancini) la afrenta sufrida. Rinaldo I, duque de Módena, entonces mecenas del Siface, se enfureció y envió enseguida a sus hombres de mayor confianza La literatura de todas las épocas está diseminada de anécdotas picantes al lugar del suceso. Tuvieron mucho eco las investigaciones por el feroz sobre los amoríos de los castrati. Estos ‘hombres a medias’ poseían asesinato y el subsiguiente proceso, en el cual fueron condenado los características del todo peculiares que hechizaban tanto al público instigadores al exilio. De nada valieron las innumerables súplicas; los masculino como al femenino, pues encarnaban el ideal turbador del Marsili únicamente fueron perdonados con la llegada del nuevo papa. jovencito afeminado, cargado en aquella época de un fuerte erotismo. Un poeta anónimo contemporáneo quiso recordar con una cariñosa Gracias a una fatal unión de virilidad y feminidad, los castrati utilizaban el composición literaria la triste suerte del castrato, víctima nada menos que arma de la seducción para incrementar su éxito, ya fuera en el escenario, de los “celos de Júpiter”1. donde a menudo interpretaban el rol del héroe enamorado, ya fuera en Más allá de su truculenta muerte, Siface fue recordado sus conquistas amorosas. unánimemente por su mal carácter, definido a menudo como insolente, Uno de los más célebres ejemplos de atormentado amor entre un caprichoso, corrupto y altanero. John Evelyn, en su célebre Diario, lo castrato y una mujer es, quizá, el que tuvo como protagonista a Giovanni describía como “petulante, afeminado, desdeñoso, orgulloso y lleno de Francesco Grosi, alias Siface. Se cuenta que Elena Marsili, hija de una amor propio”2. A lo largo de su vida fue protagonista de algunos importante familia de terratenientes boloñeses y ya viuda Forni, embarazosos incidentes diplomáticos, como el que ocurrió en 1683 con frecuentaba muy a menudo la corte de los Este en Módena y, en una de el embajador de Francia Jean II d’Estrées, hermano del cardenal. El agente estas ocasiones, conoció al emasculado cantor. Entre los dos nació modenés Ercole Panciroli relató en una carta al duque estense que el enseguida una irresistible pasión que empezó pronto a irritar a los castrato, recién llegado a Roma, fue invitado por el embajador a cantar en hermanos de ella. Para no manchar la reputación de su familia, los una serenata en la residencia donde se alojaba. Por desgracia, a Grossi se Marsili decidieron encerrarla en el monasterio de San Leonardo, en le escapó decir que para ir a cantar exigía dinero y no sorbetes, como Bolonia. Ese obstáculo no desanimó al joven enamorado, el cual, al solían hacer los franceses. Esta descarada provocación llegó enseguida a encontrarse en Bolonia para oídos de los dueños de la vivienda, cantar en el pasticcio Perseo, siguió quienes se enfurecieron y lo visitando intrépidamente a su echaron de mala manera. El bella y alardeando de ello con el escándalo fue tan grande que el mundo, sin querer reparar en las duque decidió que el cantante posibles consecuencias. volviera de inmediato a Módena y En la trágica noche del 27 de quedara confinado en las mayo de 1697, un triste destino habitaciones del palacio, en un aguardaba a Grossi de regreso a estado de detención ‘aparente’, Bolonia desde Ferrara, donde procurando que, una vez recobrada había sido invitado a cantar para la libertad, se mantuviese callado y el Pentecostés por la Accademia no hablase con nadie del dello Spirito Santo. Cerca de lamentable suceso. donde pasa el río Reno —y más Afortunadamente, un mes más concretamente en Coronella, la tarde el cardenal d’Estrées actual calle Musico— cuatro perdonaba la ligereza del castrato, sicarios al acecho y en la volviendo a requerir sus servicios. oscuridad lo asesinaron a golpes Francesco de Castris, colega de de arcabuz, partiéndole el cráneo Grossi, manifestó su malhumor de un disparo. Los diarios hacia este durante los ensayos legaticios cuentan que no se le venecianos de Il ratto delle Sabine de sustrajo nada de sus joyas ni Pietro Simone Agostini en una tampoco dinero, dando a carta dirigida a su protector, entender desde el primer Ippolito Bentivoglio: “El ilustrísimo momento que se trataba de un y excelentísimo impecable Siface crimen de honor. El cadáver fue (…) siempre que se le presenta la llevado a Ferrara y enterrado en la oportunidad me la juega, pero yo, Chiesa de San Paolo. Muy pronto que no le tengo miedo, replico a quedó claro que los verdaderos todas las críticas y las opiniones 3 inductores del homicidio eran los Listado de provisiones llamado “Pedido para el Señor Sifatio” de la corte de Módena. que expresa” .

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CASTRATI DOSIER

San Giovanni Battista en la iglesia de los Florentinos. Además, se le contrató sin necesidad de audición en la Cappella Sistina. Grossi fue aclamado intérprete de producciones operísticas en el Teatro Tordinona, patrocinado Cristina de Suecia y, en aquellos años, dirigido por Filippo Acciaiuoli. Cabe recordar su debut sobre el escenario en la nueva versión de Scipione affricano de Francesco Cavalli (con prólogos elaborados por Stradella), lo que le valió el apodo con el que se le identificó toda su vida: Siface, rey de Numidia. A partir del año siguiente, en efecto, le encontramos a menudo nombrado con este epíteto en los justificantes de los pagos. Cantó en el Tordinona al menos en otras dos ocasiones. Muy pronto fue contratado por la familia Grimani para participar en algunas óperas dentro del espectacular circuito veneciano (en los teatros SS. Giovanni e Paolo y San Grisostomo). Encontramos su nombre en los libretos de Il Vespasiano y del Nerone de Carlo Pallavicino, representados en los años 70 y en otras producciones hasta 1683, siempre al lado de ilustres colegas.

Al servicio de la familia Este

Una bula fechada en 1679 ratifica la protección del duque Francisco II d’Este al músico Siface. De los recibos salariales se desprende que se le pagó Francisco II hasta su muerte una retribución mensual de 198 liras modenesas. Además d’Este, del sueldo, el duque costeaba los alimentos del castrato: en el Archivo de duque de Módena Estado de Módena se halla un interesante listado de provisiones llamado “Pedido para el Señor Sifatio” en el que despuntan algunas ‘exquisiteces’ Solida formación musical tales como: ternera, hígado, pollos, pavos o salami cocido4. Los cometidos de los cantantes al servicio de la casa estense eran El acta de bautismo, hallada en el Archivo de las Parroquias de la múltiples: participar en las celebraciones sacras en la iglesia de San Diócesis de Pescia, informa de que Giovanni Francesco nació en 1653 en Vincenzo, en las cantatas de cámara en el Palazzo Ducale y en las óperas Chiesina Uzzanese, en la frontera del territorio mediceo. Desde el siglo en el teatro de la ciudad, llamado el “Fontanelli”. Siface fue protagonista XVI, la comarca de Pistoya fue patria de muchos otros ilustres castrati: en el teatro modenés en óperas de Carlo Pallavicino (Bassiano), Carlo Onofrio Gualfreducci, Felice Cancellieri, Antonio Rivani (el favorito de Ambrogio Lonati (I due germani rivali), Domenico Gabrielli (Flavio Cristina di Suecia), los hermanos Fedi (Giuseppe y Francesco Maria, Cuniberto e Mauritio), Giovanni Legrenzi (Eteocle e Polinice) y Antonio activos en Roma) y los Melani, entre los que despunta la emblemática Giannettini (L’ingresso alla gioventù di Claudio Nerone), entonces maestro de figura de Atto (célebre espía al servicio de Luis XIV). No son todavía capilla de la corte. claros los motivos que impulsaban una familia a castrar a su propio hijo. Durante la regencia de Laura Martinozzi, madre de Francisco y En muchos casos era una decisión calculada, no solo por simple ánimo sobrina del cardenal Mazzarino, se fundaron en Módena numerosas de lucro, sino con la intención de elevar el rango de su propio linaje congregaciones religiosas de fuerte espíritu devocional. Se impuso la gracias a la protección y al sostén de un ilustre mecenas. El cantante costumbre de representar al término del Carnaval dramas sacros de contenido moralizante. El duque Francisco, por su parte, fue un ilustrado patrocinador de la música y, de modo particular, del oratorio. Más allá de su truculenta muerte, Siface fue recordado unánimemente por su mal Gracias a él, este género vivió un periodo de carácter, definido a menudo como insolente, caprichoso, corrupto y altanero renovado esplendor, utilizándose además por medio de la cuidadosa elección de los argumentos, como verdadero soporte de la causa estense. Se montaron allí oratorios de castrado se convertía así en una de las posibles y seguras profesiones Alessandro Stradella (Susanna), de los boloñeses Giovanni Paolo Colonna para los hijos no primogénitos —y, por tanto, sin dote— como y Giacomo Antonio Perti, de Giovanni Battista Vitali, Giovanni Battista alternativa a la carrera eclesiástica o al celibato. Bassani (Giona) y Bernardo Pasquini (I fatti di Mosè nel deserto), en todos los Tras una sólida formación en el duomo de la cercana Pescia o, tal vez, cuales participó Siface. por parte de su propio padre (no en Loreto con Tommaso Redi, como Gracias a su fama, Siface fue requerido por cortes de toda Italia, pese muchos sostienen) y gracias a la probable ayuda de algún noble mecenas a la opinión a menudo contraria de su mecenas, quien le recordaba o familiar, Giovanni Francesco Grossi en 1671 hizo su presentación en continuamente sus obligaciones. Fue muy apreciado sobre todo por el Roma en uno de los más intensos periodos culturales de la ciudad. virrey español Gaspar de Haro y Guzmán, marqués del Carpio, quien lo En aquellos años dominaban la escena musical compositores como el invitó a menudo a Nápoles para cantar en las más diversas ocasiones. pistoyés Bernardo Pasquini, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti, todos De esta manera fue como Grossi, en los años 80 del siglo XVII, debutó ellos situados en la órbita de la magnética figura de Cristina de Suecia. junto a otros cantantes romanos en las óperas de Alessandro Scarlatti La La vida de Grossi se movió entre los compromisos en las más Psiche, Pompeo e Fetonte, así como en la Stellidaura vendicante de Francesco renombradas iglesias romanas (San Luigi dei Francesi, San Giacomo Provenzale, título que también supuso el debut sobre el escenario del degli Spagnuoli, San Giovanni Battista dei Fiorentini o Santa Maria célebre castrato Nicolino (cuyo verdadero nombre era Nicolò Grimaldi). Maggiore), en archiconfraternitas, academias, palacios cardenalicios Le llegaron de nuevo muchas contrataciones desde Roma, donde (especialmente, el de Benedetto Pamphilj) y en el más amplio círculo de Cristina, consciente del gran éxito que Siface despertaba en cada los virtuosos favoritos de la reina, participando en las cantatas de cámara aparición, lo requirió en 1684 para cantar en la ópera de ascendencia que se interpretaban en el Palacio Riario (hoy Corsini). Siempre se le española de Bernardo Pasquini La vita è un sogno di notte. Al año siguiente, pagó bien y se le trató con la máxima consideración. En el Año Santo interpretó el papel de Penitencia en el oratorio Santa Maria Maddalena de 1675 cantó, junto a otros varios, el oratorio de Alessandro Stradella Alessandro Scarlatti, con libreto del cardenal Benedetto Pamphilj y bajo

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la dirección del violonista Giovanni Lorenzo Lulier, en el Seminario Romano. Siface siempre fue uno de los artistas mejor pagados. Su última presencia documentada en Roma data de 1690, con motivo de las celebraciones, en la Embajada de España, de la boda del rey Carlos II con su segunda esposa, Mariana de Neoburgo. El Gran Príncipe Fernando de Médici no quiso ser menos y contrató a Grossi para sus esponsales con Violante de Baviera en el teatro de la Pergola, donde se representó Il greco in Troia, con música de Giovanni Maria Pagliardi.

Viaje musical y político a Inglaterra

La misión más importante de Siface —no solo artística— tuvo lugar con su viaje a Londres, en 1687, para visitar a la reina María de Módena (Maria Beatrice Eleonora Anna Margareta Elisabeta d’Este), hermana de Francisco y concedida en matrimonio al católico Jacobo II bajo fuerte presión del rey de Francia Luis XIV y del papa Carlos X. Este viaje se enmarcaba en el amplio panorama político de consolidación del poder católico en Inglaterra, que encontró terreno fértil también en el campo musical. Los primeros castrati llegados a territorio inglés procedían principalmente del círculo romano de la reina Cristina de Suecia. La casa Estuardo adquirió así, junto a las estables ascendencias francesas, un verdadero estilo musical italiano, que influyó fuertemente las óperas de los compositores ingleses que vinieron a continuación. En los primeros días de diciembre, al término de la temporada de otoño del teatro modenés, Siface estaba listo para salir con un conveniente pasaporte ducal: Francisco II rogaba a todos los reyes, príncipes y ministros de los reinos por los que el castrato pasara que lo dejasen transitar libremente y, sobre todo, para que le concediesen todas las cortesías y las asistencias pertinentes en caso de necesidad. La primera etapa fue París, donde el castrato se exhibió ante la delfina en Versalles, pero no consiguió nunca cantar María de Módena, esposa de Jacobo II de Inglaterra. Óleo de Simon Verelst. ante el rey. Siface pasó más tiempo del previsto en la corte francesa, acaso deslumbrado por la ostentación y por las numerosas En los últimos años de su vida, Siface movió a lo largo y ancho de gratificaciones recibidas. Finalmente, el 16 de enero, Grossi llegó a Italia: Módena por sus encargos ducales, Nápoles, Roma, Florencia Londres y fue presentado ante la reina. Al día siguiente, María escribió (Casino di San Marco y Pratolino), Parma (por las bodas de Eduardo una carta a su hermano en la que contaba haber escuchado el canto de Farnese), Piacenza (por una ópera de Bernardo Sabadini), Milán (para Siface y haber captado inmediatamente las dotes extraordinarias de su cantar cinco títulos, todos nuevas versiones de dramas venecianos de bellísima voz, a pesar del cansancio del viaje. María agradecía también a algunos años antes) y Reggio Emilia (donde cantó en el Almansorre in Francisco tan precioso regalo. Alimena de Carlo Francesco Pollarolo). Sin embargo, el riguroso clima inglés perjudicó la salud de Grossi, Junto al teatro empresarial, todavía era intenso el intercambio de los quien muy pronto enfermó y quedó afónico. Una vez restablecido, logró mejores virtuosos de la época dentro del llamado “Circuito ducal”, que cantar en los aposentos de la reina y en otros escenarios —como la capilla papal o en casa de la nobleza—, pero no volvió a actuar más en teatro. El repertorio interpretado en estas ocasiones no está Cuando abandonó Londres, Purcell compuso una emotiva pieza para clave especificado, pero muy probablemente se trató de dedicada al cantante: Sefauchi’s Farewell cantatas de cámara de procedencia romana, que Siface contribuyó seguramente a divulgar en Inglaterra, como las de Giacomo Carissimi. Giovanni Francesco Grossi entró en contacto directo con el célebre Henry Purcell, quien unía las más importantes señorías italianas, entre las que contaban los escribió para él un anthem: My Song Shall be Alway (Z. 31). Este, los Médici, los Farnese, los Bentivoglio y los Saboya, y que incluía Por desgracia, debido a las continuas indisposiciones del castrato, se también, como hemos visto, a Cristina de Suecia y a los gobernadores tomó la triste decisión de hacerlo regresar a su país antes de lo previsto. españoles de Nápoles y Milán. El mecenas obtenía prestigio al ser Recibió muchos regalos y un precioso diamante por parte de la reina. representado por un artista talentoso y lograba reducir una parte de los Con motivo de esta partida repentina, Purcell compuso una emotiva costes compartiendo gastos; por otro lado, el artista, cuyo rango se pieza para clave dedicada al cantante: Sefauchi’s Farewell (Addio al Siface). elevaba gracias a esta noble vinculación, podía gozar de mayor libertad y Leemos en la carta de la reina inglesa a su hermano lo siguiente: “Esta de mayor movilidad, consiguiendo en algunos casos pactar su carta mía os será entregada por Siface, quien vuelve a vuestro servicio al remuneración y elegir personalmente sus futuras contrataciones, como ser este país y este clima tan poco conformes a su talento y a su salud que muy a menudo hizo Grossi. no puede quedarse más tiempo aquí, y no obstante se marcha con mi La vida de Siface es un espejo de la evolución y del cambio que la buena autorización, estando yo más que satisfecha con él y figura del cantante experimentó a lo largo del siglo XVII: músico en considerándolo como el mejor cantante del mundo”.5 diversas instituciones religiosas, estuvo paralelamente activo en la corte

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y en el teatro público. En él se delinea una profesionalidad cada vez más septiembre de 1683). Una nueva e importante aliada fue Inglaterra, que desvinculada de las dinámicas del poder —pero nunca completamente había vuelto a ser católica tras la llegada de los Estuardo (si bien aún por ajena a ella—, preludio de la mayor supremacía y autonomía que los poco tiempo, hasta la Gloriosa Revolución de 1689 y la llegada del virtuosos tuvieron en el siglo XVIII. protestante Guillermo de Orange) y estrechamente vinculada con Módena a través del matrimonio entre el rey Jacobo II y María d’Este. Dulzura y refinamiento incomparables Siface ha sido un personaje muy controvertido, recordado sobre todo por su escandalosa muerte. Fue uno de los primeros divos Su voz es recordada por sus características rare e soavi y, sobre todo, auténticos de la historia de la ópera. Llevaba consigo toda la complejidad por su capacidad comunicativa para llegar directo al corazón (tal como de la figura del castrato: medio-hombre —obligado a vivir toda su vida en lo describe Giovanni Battista Mancini)6. Pier Francesco Tosi, en su un cuerpo no suyo y a sufrir penas de amor—, primo uomo, artista tratado de 1723 Opinioni de’ cantori antichi e moderni [Opiniones sobre los histriónico, caprichoso e insolente… Fue también —y sobre todo— cantantes antiguos y modernos], alaba al “divino melifluo” Siface y lo moneda de cambio y trofeo entre las más importantes cortes europeas, compara con la magistral escuela boloñesa de Antonio Maria Bernacchi7. que explotaron plenamente las múltiples dotes y ambigüedades de los Ampliamente celebrado por su maestría en el uso de la messa di voce, John castrati, utilizándolos como verdaderas armas políticas para tratar de Evelyn lo describe así de minuciosamente: “Es admirable su modo de mover ‘al son de música’ los peones sobre el tablero de la historia. emitir una nota y su delicadeza a la hora de abrirla y prolongarla con dulzura y refinamiento incomparables”.8 Elena Bernardi es musicóloga Fue un verdadero contralto, y no un soprano como a menudo se indica, con una extensión muy limitada, pero con grandísimas dotes interpretativas, que le hicieron famoso por comunicar aquellos affetti tan Notas: amados en aquel siglo. Las arias en aquella época poseían una estructura muy sencilla, eran relativamente breves e intercaladas por ritornelli 1. Citado en Angus Heriot, I castrati nell’opera, Milano, Rizzoli, 1963. instrumentales, todavía estrechamente ligadas a la palabra y al texto, 2. John Evelyn, Memoirs illustrative of the life and writings of John Evelyn, London, muy lejos del divismo funambulesco de los castrati dieciochescos, que Alex Murray&Son, 1871. aprovecharían los da capi para hacer alarde de su virtuosismo. 3. Citada en Carlo Vitali, Un cantante legrenziano e la sua biografia, Firenze, Gracias a los personajes que interpretó, Siface encarnó —de manera Olschki, 1990. más o menos inconsciente— los ideales imperiales de los libretos de 4. I- MOas, Archivo por materias, Música e músicos, carpeta Siface. molde veneciano, a menudo basados en la historia romana, gracias a 5. I- MOas, Correspondencia Príncipes Extranjeros, Maria Beatrice d’Este. héroes como Tito, Hostilio, Mitridate, Flavio Cuniberto, Enea o Polinice. 6. Giovanni Battista Mancini, Riflessioni pratiche sul canto figurato [1777], En aquellos años Venecia estaba ligada por una fuerte alianza al Imperio Bologna, Forni, 1970. Habsburgo y, al mismo tiempo, se estaba acercando a su acérrima 7. Pier Francesco Tosi, Opinioni de’ cantori antichi e moderni [1723], Celle, enemiga Roma —gracias al apoyo de Francia—, todos ellos unidos en Jacobi, 1966. contra de la común amenaza turca (la célebre batalla de Viena es de 8. Cfr. Evelyn, op. cit.

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DOSIER CASTRATI Carestini y Caffarelli, dos divos tan maravillosos como insoportables

Eduardo Torrico

“¿Estábais allí cuando el castrato Caffarelli nos sumía en el arrobamiento” irremediablemente a las damas de la nobleza (sobre todo, a las inglesas). (Diderot) Emperadores, reyes y príncipes pagan auténticas fortunas por el privilegio de escucharle cantar. Solo cuando él abandona Londres —y, En contra de la creencia generalizada, incluso por la mayoría de los con ello, abandona en buena medida la ópera—, para cantar en exclusiva amantes de la ópera, el bel canto es muy anterior a Rossini, Donizetti y ante Felipe V de España, Carestini y Caffarelli encuentran vía libre en la Bellini. Nace en Italia a finales del siglo XVII y se expande por buena gran metrópoli británica para exhibir su arte. Y no siempre lo consiguen: parte de Europa en los decenios siguientes. Sin ánimo de querer entrar en Londres, impactado aún por la marcha de Farinelli, repudia a Caffarelli; a polémicas con quienes hoy en día se han adueñado del término, duras penas consigue aguantar allí dos temporadas. Lo mismo ocurre podríamos incluso asegurar que la edad del oro del bel canto se sitúa en con Carestini, que apenas es capaz de hilvanar tres palabras en inglés. las décadas de los 30 y 40 del siglo XVIII gracias fundamentalmente a Tanto es así que cuando Haendel repone el oratorio Athalia, con él como cuatro cantantes castrados: Francesco Bernardi, alias Senesino; Carlo gran reclamo en el rol de Joad, se ve obligado a introducir numerosos Broschi, que pasaría a la posteridad por su sobrenombre de Farinelli; cambios en la partitura y a escribir ex profeso cinco arias y un dúo en Giovanni Carestini, apodado Cusanino, y Gaetano Majorano, conocido italiano para justificar la presencia del capón sobre el escenario. como Caffarelli. Las gigantescas figuras de Farinelli y Senesino han opacado un tanto Carestini, debut precoz las de Carestini y Caffarelli, recuperados en estos últimos años por iniciativa de contratenores como Philippe Jaroussky o Franco Fagioli, Giovanni Carestini nace en 1705. Lo hace en Filottrano, cerca de que han hecho suyo, en concierto o en grabaciones discográficas, el Ancona, región de Las Marcas. Como tantos otros niños italianos de repertorio de aquellos. Establecer comparaciones resulta siempre aquella época dotados de una buena voz, es sometido a la emasculación odioso, pero son muchos los especialistas en el periodo Barroco que por su familia, que ve en ello una oportunidad para escapar de la miseria. sitúan las virtudes canoras de Carestini y Caffarelli por encima de las de Si la gran mayoría de los castrados fracasa en su intento de alcanzar el Senesino y Farinelli. A favor de estos dos últimos juegan otras estrellato, Carestini consigue su objetivo muy pronto: debuta en Roma, circunstancias que no tienen que ver solo con las voces. con la ópera La Griselda de Alessandro Scarlatti, cuando solo tiene 16 Senesino es algo mayor que los otros tres años. Con 12, se había trasladado (mejor dicho, (veinte años en el caso de Farinelli y Carestini, lo habían trasladado) a Milán para quedar bajo y veinticinco en el de Caffarelli). Cuando él el patronazgo de la poderosa familia de los irrumpe de manera estelar en los escenarios de Cusani (de ahí, su apodo de “Cusanino”).

Dresde y Londres —dos de los grandes centros British Museum. Pero ya antes, con 14 años, se había operísticos de aquella Europa—, no hay subido por primera vez a un escenario. Fue en ningún otro castrato que le haga sombra, al el Teatro Ducal de Milán, en el estreno de menos hasta que Farinelli irrumpe en la capital Porsena, título debido a un ignoto compositor inglesa. Cuenta, además, con una enorme boloñés, Giuseppe Vignati. Quizá Vignati fue ventaja: Georg Friedrich Haendel, el más mucho más importante de lo que se supone, grande compositor operístico del Barroco como lo prueba el hecho de que en algunas de tardío, escribe para él sus mejores papeles. sus óperas intervinieran cantantes tan Exactamente, diecinueve (Rinaldo, la segunda renombrados como la mezzosoprano Faustina versión de Radamisto, Muzio Scevola, Floridante, Bordoni, la soprano Francesca Cuzzoni o Ottone, Flavio, Giulio Cesare, Tamerlano, Rodelinda, Antonio Maria Bernacchi, otro gran castrato, Scipione, Alessandro, Admeto, Riccardo Primo, quien precisamente ejercería de profesor de Siroe, Tolomeo, Poro, Ezio, Sosarme y Orlando), es canto de Carestini. Unos días después, decir, casi la mitad de la producción operística Carestini canta, también en Milán, La pace fra del genial sajón, además de la serenata Acis and Seleuco e Tolomeo de Francesco Gasparini. Galatea y dos oratorios, Esther y Deborah. El triunfo en Roma del adolescente Farinelli, por su parte, es más que un divo Carestini le abre de par en par las puertas de operístico. A sus insuperables condiciones los principales teatros no solo de Italia canoras, une un don de gentes y una (Nápoles y Venecia), sino también de Europa: bonhomía que no se dan en ninguno de sus con 18 años debuta en Viena. En la corte colegas (el caso de Caffarelli es, en ese sentido, imperial de Carlos VI (el antiguo pretendiente paradigmático, como veremos más adelante). Es culto, como lo Habsburgo al trono de España), Carestini pasa dos años, interviniendo atestiguan su larga correspondencia epistolar con el poeta Metastasio o en Praga en la ópera Costanza e Fortezza, compuesta por Johann Joseph la fastuosa colección de obras pictóricas que consigue atesorar. Por si Fux para la coronación del emperador austriaco como rey de Bohemia. esto fuera poco, tiene un atractivo físico irresistible, que cautiva También en la estadía vienesa colabora con Leonardo Vinci, quien le

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CASTRATI DOSIER National Gallery. Londres. Gallery. National

Marriage a la Mode 4: The Toilette, de William Hogarth, 1743. Giovanni Carestini canta sentado a la izquierda. reclamaría años más tarde, en 1730, para Artaserse (deslumbrante ópera San Petersburgo, reclamado por Francesco Araja (autor de catorce recuperada en 2012 por la agencia Parnassus, propiedad del contratenor óperas para la corte imperial rusa de Isabel Petrovna Romanova) y, en Max Emanuel Cencic) y con el gran Nicola Porpora, que además de 1756, se instala en Nápoles, ciudad en la que su estrella empieza a compositor es maestro de canto (entre otros muchos, lo sería de Farinelli declinar. Odiado entonces por el público napolitano, su última actuación y de Caffarelli). tiene lugar en el Teatro San Carlo, en julio de 1758, con el Ezio de Gaetano Regresa a Italia. En Roma, además de la mencionada Artaserse, Latilla. Nada se sabe de los últimos años de su vida, ni siquiera la fecha interviene en la Andromaca de Francesco Feo. Viaja esporádicamente para exacta de su muerte, acaecida probablemente en 1760. cantar en varias producciones de Johann Adolf Hasse. Actúa en Mantua, Venecia, Nápoles y en otras localidades menos importantes, en óperas De sopranista, a contraltista de Tomaso Albinoni, Giovanni Porta, Giovanni Battista Pescetti, Baldassare Galuppi, Carlo zuccari, Domenico Natale Sarro o Francesco El rango vocal de Carestini cambió a lo largo de su carrera. Brusa. Es admitido en la Accademia Filarmonica de Bolonia y, durante Comenzó con una “poderosa y clara voz de soprano”, como escribió el un breve lapso de tiempo, ejerce de virtuoso da camara del duque de Parma. cronista Charles Burney, pero con el paso del tiempo, según el propio En 1731, cruza de nuevo los Alpes y pone esta vez rumbo a Múnich, Burney, se convirtió en el “contratenor más completo, más fino y más profundo que quizá se haya escuchado jamás”. No deja de ser curioso que Burney utilice el término counter-tenor, bastante inusual en aquel Según Burney, Carestini se convirtió en el “contratenor más completo, entonces y muy habitual en nuestra época. Era más propio, para definir esa voz, el término más fino y más profundo que quizá se haya escuchado jamás” falsetista, sobre todo, en Inglaterra, donde los castrati convivían profesionalmente con los cantantes masculinos que empleaban falsetto (utilizados sobre todo en la música sacra, contratado por el duque Carlos Alberto VII, que cuenta como aunque Haendel llegó a emplear falsetistas en alguno de sus oratorios). compositor de cámara con el excelso Pietro Torri. Finalmente, en 1733, es Carestini pasaba sin problema del Do 3 al Do 5. contratado por Haendel para el londinense King’s Theatre de Haymarket. Hasse sintió debilidad por él. Llegó a decir que “quien no ha escuchado a Carestini no conoce el más perfecto estilo de canto”. Johann Londres y Haendel Joachim Quantz, compositor y notable teórico, afirmó que tenía “una extraordinaria virtuosidad en los pasajes brillantes, que cantaba con voz Carestini interviene en cuatro óperas haendelianas: Terspsicore (que de pecho, de acuerdo con los principios de la escucha de Bernacchi —su en realidad es el prólogo del reestreno de Il pastor fido), Arianna in Creta, maestro— y de Farinelli”. Tuvo, asimismo, fama de buen actor, gracias a Ariodante y Alcina. También participa en las serenatas Parnasso in festa y su apostura (era “alto y majestuoso”). Pero sus relaciones con Haendel Acis and Galatea y en los oratorios Deborah, Esther y Athalia, así como en fueron siempre tormentosas. varios pastiches. Como antes relatábamos, Carestini no sintoniza con el Haendel lo escuchó por primera vez en la temporada 1728-29 de público londinense, que añora a Farinelli. Así pues, en 1735 está de vuelta Bolonia, durante la gira italiana que realizó para contratar cantates para en Nápoles, donde se topa con Caffarelli. El hecho de que en la ciudad el King’s Theatre, tras haber tenido que disolver unos meses antes la partenopea le ofrezcan un contrato superior al de este hace que pronto Royal Academy of Music, devorada por las deudas. Carestini formaba salten chispas entre los dos divos belcantistas. parte de la compañía de quien había sido su profesor, Bernacchi y, según Regresa en 1740, por un corto periodo de seis meses, a Londres, una crónica de la época, los dos castrati se peleaban como “perros y ahora con algo más de fortuna. Y, de nuevo, viaja a la Europa central, gatos”. En cierta ocasión, Bernacchi pretendió vetar su presencia en primero contratado por María Teresa (reina de Hungría, archiduquesa de Nápoles. El veterano castrato intentó imponer en el reparto a su amante, Austria, duquesa de Milán y futura emperadora consorte) y, más tarde, la contralto Antonia Maria Merighi (famosa por intervenir en tres óperas por Hasse para que cante dos temporadas seguidas en la corte sajona de de Haendel: Lotario, Partenope y Poro), al tiempo que exigió que se anulara Dresde. Luego, pasa casi cinco años (1750-1754) en Berlín; de allí, parte a el contrato de Carestini. En la disputa intervino hasta el propio virrey de

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Nápoles (el conde de Harrach, gran melómano, poseedor de un No es menos cierto que era el propio niño Caffarelli quien con más impresionante archivo de partituras), que se puso de lado de Bernacchi. ahínco deseaba convertirse en eunuco. De hecho, había persuadido ya a Pero la nobleza napolitana se posicionó a favor de Carestini, por lo que su abuela para que le legara en herencia dos viñedos, con cuya venta, Harrach reculó y Bernacchi y Merighi tuvieron que abandonar la ciudad según se lee en el documento legal, pudiera dedicarse “al estudio de la de mala manera. Gramática y de la Música, a la que tiene una gran inclinación”.

Caprichos y malas pulgas En manos de Porpora

El proverbial mal carácter de Carestini no parece que fuera Sin Caffaro no había existido Caffarelli, pero seguramente la consecuencia del trauma de la castración, como ocurrió con muchos de influencia que tuvo en el plano musical sobre el futuro divo fue sus colegas. Patrick Barbier relata en su libro Historia de los castrati insignificante comparada con la de su segundo maestro, Porpora, que ya (Editions Grasset & Fasquelle, París, 1989) que “Carestini o Salimbeni lo había sido antes, entre otros, de Farinelli. Fue, eso sí, Caffaro quien le reían a carcajadas cuando se les compadecía” por su condición sexual. recomendó que viajara a Nápoles para estudiar en el Conservatorio de Ese mal carácter o, tal vez, ese exceso de personalidad queda reflejado en San Onofrio con Porpora, notable compositor de óperas (una una anécdota: se encontraba cantando en el Teatro Aliberti de Roma la cincuentena de títulos) y futuro director de la Opera of the Nobility, ópera Artaserse de Vinci (en concreto, el aria Deh respirar lasciatemi) cuando compañía londinense creada por un grupo de nobles (con el príncipe de irrumpió la Guardia Suiza para anunciar que acababa de fallecer el papa Gales a la cabeza) para rivalizar con la segunda Royal Academy of Music Benedicto XIII (23 de febrero de 1730) y para pedir que se guardara de Haendel. Según la leyenda, Porpora mantuvo al joven Caffarelli silencio en señal de duelo. Lejos de sentirse abatido por la noticia y de trabajando con una hoja de ejercicios durante seis años, al término de los hacer caso a la petición de los guardias, Carestini siguió cantando cuales le espetó: “Vete, hijo mío: no tengo más que enseñarte. Eres el incluso con más agilidad y humor, jugando con lo oportuno de la palabra “lasciatemi” (“abandóname”). La reacción del público no se hizo esperar: no solo no recriminó al castrado Patrick Barbier relata en su libro Historia de los castrati que “Carestini o Salimbeni su actitud, sino que le ovacionó al grito de “¡viva reían a carcajadas cuando se les compadecía” por su condición sexual Carestini!”. No faltaron en su carrera los caprichos de divo. En cierta ocasión pidió la astronómica cifra de 800 doblones y, encima, exigió al empresario que le diera las mejor cantante de Italia y de Europa”. gracias porque en realidad su caché era aún más alto: “Para tener la feliz Caffarelli debutó como cantante en Roma, en el Teatro delle Dame, oportunidad de trabajar en esta ciudad [Nápoles], tendrá que darme 800 durante el Carnaval de 1726. Cantó el tercer papel femenino (Alvida) en la doblones españoles. De lo contrario, déjeme libre, ya que tengo otros ópera Valdemaro de Sarro. Tenía 15 años y apareció en el cartel contratos pendientes y espero que no quiera dañar mis intereses. Sabe anunciador como “Caffarellino”. No hay testimonios de cómo se recibió usted muy bien que soy único en Italia y que merezco ganar al menos su debut, pero no debieron de ser malas las críticas pues, apenas dos 1.100 doblones”. Incapaz de pagar tal cantidad, el empresario recurrió años más tarde, era contratado por el veneciano Teatro San Samuele para sustituirle a Caffarelli, que aceptó cantar por ‘solo’ 500 doblones. para cantar en la ópera Nerina de Antonio Pollarolo durante la Fiesta de la Ascensión. Luego vinieron el Teatro Regio de Turín, con sendas obras Caffarelli, una castración de Antonio Stefano Fioré (I veri amici), y Feo voluntar ia (Arianna), y el Teatro Ducale de Milán, con la Didone abbandonata de Sarro. Gaetano Carmine Francesco Paolo Vuelve a Roma en el Carnaval de 1730, Majorano, “Caffarelli”, nació el 12 de abril de para cantar en el Teatro Capranica los roles 1710 en Bitonto, provincia de Bari, en el seno de Tigrane y Siface en las óperas Mitridate y de una familia campesina pobre. Aunque a los Siface de su maestro Porpora. Su españoles de hoy esta localidad no les diga vinculación con la ciudad eterna es nada, Bitonto tuvo una gran importancia en la estrecha: en el Carnaval de 1732 canta Pirro historia de España: el 25 de mayo de 1734 en la ópera Cajo Frabricio de Hasse y (justo el año de debut de Caffarelli en Nápoles, Arminio en el Germanico in Germania de con la ópera de Leo Il castello d’Atlante), las Porpora. Regresa a Venecia con otra obra tropas borbónicas, al mando de José Carrillo de Hasse, Euristeo; viaja a Milán, a Bolonia de Albornoz, conde Montemar, derrotaron a (con un título más de Hasse, Siroe, re di las austriacas del príncipe de Belmonte, Persia)… El 5 de agosto de 1734 pide licencia poniendo de esta manera final al dominio de a Carlos VII, el recientemente proclamado los Habsburgo en el Reino de Nápoles (cedido rey de Nápoles, para viajar al extranjero, por Felipe V tras la Guerra de Sucesión) y pero no queda constancia de dónde actua. entronizando a Carlos VII (futuro Carlos III de A su regreso de este periplo, canta en España) como nuevo rey. Venecia, primero en el Teatro San Su apodo no le venía dado por el Bartolomeo (Il castello d’Atlante de Leo) y patronazgo de un noble o de un potentado, tal luego, en el Teatro San Giovanni y como era la costumbre, sino por haber sido su primer maestro Grisostomo (Merope de Geminiano Giacomelli, coincidiendo en el Domenico Caffaro, en Bari. El niño, en lugar de trabajar en el campo con reparto con Farinelli). su padre, prefería ir a la iglesia para escuchar música, detalle que no pasó inadvertido a ojos de Caffaro. Caffarelli perdió sus atributos masculinos Carlos VII y, de nuevo, Haendel (y nació así para el canto y para la posteridad) en Norcia, centro habitual donde se practicaba la orquiectomía a niños que aspiraban a ser estrellas Los éxitos se suceden, lo cual anima a Caffarelli a presentar una del canto. En esto también fue decisiva la intervención de Caffaro, que se nueva solicitud a Carlos VII, esta vez pidiendo la concesión del puesto las apañó para convencer al reacio progenitor a que autorizase la que ocupaba Matteo Sassano (incapacitado por su avanzada edad) en la castración, hablándole de un futuro esplendoroso y lleno de dinero. Capilla Real napolitana. El rey no atendió la solicitud, dicen que por la

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CASTRATI DOSIER Museum of Fine Arts, Boston Fine Arts, Museum of

Caffarelli , caricaturas de Pier Leone Ghezzi.

supuesta aversión que sentía hacia los castrati: según la leyenda popular, Luis XV y la delfina una de sus primeras decisiones como rey de España fue prescindir de los servicios de Farinelli, con aquella lapidaria frase que se le atribuye de que Tras la aventura londinense, siguió cantando, con el mismo éxito de “en mi reino, los únicos capones que tienen cabida son los que se sirven siempre, por toda Italia. Incluso recibió otra invitación regia, en 1753, a en mi mesa”. Sin embargo, varias semanas más tarde, Carlos VII acabaría cargo de Luis XV, quien pensó en él para amenizar en Versalles las aceptando la recomendación del marqués d’Arenzio —capitán de la veladas de su nuera, la delfina Maria Josepha de Sajonia —esposa de Luis Guardia Inspectora de Músicos y Comediantes, y amigo personal del Fernando de Francia —, que se hallaba embarazada. La delfina era una monarca— de que contratara a Caffarelli para suplir como primo musico gran amante de la ópera seria italiana, la cual había seguido con en la Capilla Real a Domenico Francesconi, asignándole un suelo de tres entusiasmo en Dresde desde casi su infancia. Caffarelli residió en la corte ducados mensuales. francesa casi un año, cantando principalmente óperas de Hasse. Y, para Tal vez aquel cargo en la Capilla Real le sirvió a Caffarelli para variar, no se libró del escándalo tampoco esta vez el castrato, sobre todo, ganarse definitivamente el favor de Carlos VII, que rara vez puso cuando hirió gravemente a un poeta con el que se había batido en duelo. impedimentos para que viajara para cantar en los más importantes La experiencia francesa no resultó en modo alguno satisfactoria teatros de Italia. Es más, fue el propio monarca quien, en el verano de para el engreído divo, acostumbrado a recibir todo tipo de obsequios 1739, le propuso desplazarse a Madrid para cantar en el Teatro del Buen caros. El rey le había proporcionado una casa, una carroza de dos Retiro con motivo de los esponsales de su hermano, el infante Felipe de caballos y una mesa de ocho cubiertos con criados de librea real. Nada de ello le parecía suficiente a Caffarelli, que exigía que Luis XV se hiciera cargo hasta de Caffarelli residió en la corte francesa casi un año. Y, para variar, no se libró del escándalo, sus gastos menores. A pesar del sonado sobre todo, cuando hirió gravemente a un poeta con el que se había batido en duelo incidente con el poeta, el rey le quiso regalar una caja para rapé de oro, la cual el castrato rechazó con desdén alegando que había recibido una treintena de ellas Borbón (más adelante, Felipe I de Parma), con la princesa Luisa Isabel de mucho más hermosas y que esta no tenía ni siquiera el retrato del Francia. Ordenó, además, que le fueran abonados 100 doblones de oro monarca. “Las tabaqueras con el retrato de Su Majestad son solo para los como ‘bolsa de viaje’. embajadores”, le explicó alguien, a lo que él replicó: “Pues muy bien, que Pero antes de visitar Madrid, Caffarelli había estado ya en Londres. vengan los embajadores y que canten ellos”. Por suerte, a Luis XV la Fue durante la temporada operística de 1737-38. Haendel le había reacción de Caffarelli le pareció divertida. No sucedió lo mismo con la cursado una invitación, pensando que era la tabla de salvación para la delfina, que varios días más tarde le entregó personalmente un diamante ruinosa situación económica de su compañía. El sajón compuso para acompañado de un pasaporte en regla, instándole a que abandonara él dos magníficas óperas, Faramondo y Serse (en ambas coincidió con Francia en el plazo de diez días. “Está firmado por el rey, lo cual es para Antonia Maria Merighi, la que había sido amante del castrato vos un gran honor”, le comentó de manera sarcástica. Bernacchi, el gran rival de Carestini). Ninguna de ellas se vio coronada por el éxito, en especial Serse, en la cual Haendel introdujo un buen El terremoto de Lisboa número de elementos cómicos. Este fracaso de público hizo que Caffarelli ni siquiera se planteara pasar más tiempo al otro lado del Regresó de visita a Madrid en 1756, tras haber pasado varios meses en Canal de la Mancha. Lisboa, donde cantó cuatro óperas —tres de ellas, del napolitano Davide

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Perez— en la recién inaugurada Ópera do Tejo. Es fácil deducir por qué salió precipitadamente de Lisboa: el 1 de noviembre de 1755 se produjo el terremoto que asoló todo el país (y buena parte de España). Aquel terremoto, seguido por un maremoto y por un devastador incendio, causó decenas de miles de muertos y acabó con prácticamente todos los

edificios de la ciudad, incluida la fastuosa Ópera do Tejo, cuya existencia Venecia. Cini. Fondazione había durado exactamente siete meses y un día (fue inaugurada, con presencia de Caffarelli en el escenario, el 31 de marzo). En Madrid coincidió con Farinelli, a la sazón director de los teatros reales del Buen Retiro y Aranjuez. Los dos castrados pasaron juntos varias semanas, sin ningún compromiso musical de por medio. Regresó a Nápoles y decidió retirarse de los escenarios —aunque siguió cantando música religiosa—, en agradecimiento al Altísimo: el día del terremoto de Lisboa, había decidido pasar la jornada en Santarem. Eso, seguramente, hizo que salvara la vida. En 1763, rechazó dirigir el Teatro San Carlo. No lo necesitaba, pues había amasado una gran fortuna que le dio para comprarse una finca en Calabria y un palacio de varios pisos en Nápoles, propiedades en las que pasaría los últimos años de su vida, que se extinguiría el 31 de enero de 1783. Murió sin ver colmada una de sus grandes aspiraciones: la concesión de un título nobiliario. Eso sí, pudo comprar el dominio de San Donato y el ducado que le correspondía, cerca de Otranto, en Apulia.

Una voz sin parangón posible

La voz de Caffarelli era de mezzosoprano, con un registro muy amplio (más de dos octavas) y una tesitura muy alta. Era inigualable haciendo trinos. Por su voz y por su propia condición de fanfarrón y pendenciero, resultaba muy apropiado para abordar las arias de bravura en la ópera. Para muchos de aquellos que tuvieron la suerte de escucharle cantar, fue el más grande de su tiempo, solo superado por Farinelli. En una entrevista concedida hace unos años a SCHERzO, el contratenor Franco Fagioli (quien mejor ha cantado en nuestros días las arias que se escribieron para Caffarelli) hacía una curiosa definición de Caffarelli como Farnaspe en Adriano in Siria acarreando el Teatro San Giovanni Senesino, Carestini y Caffarelli, utilizando un símil tenístico Grisostomo, por Antonio Maria Zanetti. —Fagioli es un apasionado de este deporte—: “Senesino era como Federer, por su elegancia. Carestini era como Djokovic, por su obras de caridad. Charles Burney, que se reunió con él durante su célebre personalidad histriónica. Y Caffarelli era como Nadal, por su amplitud viaje a Italia, quedó encantado con la cortesía de que hizo gala. Su de registro”. presuntuosidad se resume con la placa que mandó colocar en la fachada La voz de Caffarelli envejeció mal, y es probable que esa fuera la de su palacio napolitano, y que aún se puede ver: “Amphyon Thebas, ego causa de su retiro voluntario, más que el terremoto de Lisboa. El pintor, domum” (“Anfión construyó Tebas; yo, esta casa”). arquitecto e ingeniero Luigi Vanvitelli, a quien se debe la construcción Fue, por último, un auténtico Don Juan. Las damas de la nobleza del Palacio Real de Caserta, le oyó cantar música religiosa a principios de anhelaban mantener relaciones sexuales con un castrato, en el los 60 y no dudó en afirmar que era una vergüenza que se presentara convencimiento de que jamás correrían el riesgo de quedar ante el público “cantando capronescamente”. “Canta —escribía Vanvitelli embarazadas. Pese a su vanidad y mal humor, Caffarelli tuvo decenas de en una carta— como un viejo castrato que conoce la música, pero parece amantes. Pero solo con una lo fue de forma estable. Era una aristócrata una cabra gorda de voz fea y dura”. En ese momento, Caffarelli tenía 53 años. Quizá él mismo se dio cuenta de su imparable decadencia y, al cumplir los 60, dejó también Era inigualable haciendo trinos. Por su voz y por su propia condición de fanfarrón y de cantar en la iglesia. pendenciero, resultaba muy apropiado para abordar las arias de bravura en la ópera Acaso el principal enemigo de Caffarelli fue su propio carácter. Era famoso por su arrogancia. Arrogancia para con los compositores, para con sus compañeros de profesión y para con el romana, cuyo nombre nunca trascendió. La historia acabó mal, porque público… Sufrió varios arrestos domiciliarios y hasta entró en prisión el marido burlado se enteró del asunto y una noche trató de por agresiones, mala conducta en una ópera (Olimpia nell’isola d’Ebuda de sorprenderlos in flagrante delicto. Caffarelli reaccionó a tiempo y pudo Lattilla), gestos obscenos, burlas a otros cantantes mientras estos esconderse en un pozo que había en el jardín, pero hubo de pasar allí estaban actuando y humillación a la protagonista femenina en el toda la noche. Como consecuencia de ello, contrajo una gripe que le Antigono de Hasse. En cierta ocasión, en medio de un servicio religioso mantuvo un mes en cama. Poco después, el esposo cornudo le tendió en la iglesia Donna Regina de Nápoles, comenzó a pelearse con otro una emboscada con el propósito de asesinarle, si bien pudo escapar de castrato llamado Reginella. Fue por celos profesionales, ya que la parte nuevo de manera milagrosa. A partir de entonces, cuando paseaba por que cantaba Reginella era más larga que la suya. A resultas de la reyerta, las calles de Roma, lo hacía acompañado de cuatro guardaespaldas, que Reginella quedó maltrecho y hubo de ser evacuado urgentemente del no pagaba él… sino su enamorada joven, es decir, la esposa de quien templo. Fue condenado a prisión, pero Carlos VII no dudó en indultarle. pretendía asesinarlo. La situación no le resultaba cómoda y Caffarelli Llegaba siempre tarde a los ensayos e, incluso, a los conciertos. Y en optó por abandonar Roma y, con ello, a la que seguramente fue la mujer ocasiones, ni aparecía. Cuentan que en los últimos años de su vida su de su vida. ¶ carácter se fue dulcificando y que entregó grandes sumas de dinero para

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CASTRATI DOSIER Fammi combattere!: Senesino, mi héroe de infancia

Flavio Ferri-Benedetti

Después de que Senesino dejara, definitivamente, Inglaterra en 1736 y volviera a su Siena natal, rodeado de lujos y comodidades tras haber acumulado una enorme fortuna cantando para compositores de la talla de Bononcini, Haendel o Porpora, la conmoción en el seno de la sociedad melómana londinense fue considerable. Un año más tarde, la situación se hizo aún más cruda cuando la soprano Francesca Cuzzoni, compañera de nuestro castrato en tantas y tantas óperas, abandonaba el país buscada, al parecer, por la justicia (moriría en 1772 en extrema de France. Nationale Bibliothéque pobreza, fabricando botones en Bolonia), y cuando el divino Carlo Broschi, o sea Farinelli, se decantaba por la corte de Madrid para ser cantante de cámara (o de alcoba) de Felipe V. Como demostración de este ‘luto’ por la partida de tantos ruiseñores, se publicó en un número de The Musical Entertainer de 1737 una cancioncilla satírica para voz y bajo continuo con flauta travesera llamada The Ladies Lamentation for ye Loss of Senesino (El lamento de las damas por su pérdida de Senesino). En ella, una dama explica a un señor preocupado por su copioso llanto que su desesperación se debe a la desaparición de un cantor celestial, ni hombre ni mujer, “la sombra de algo, un sexo sin nombre…”. El narrador pregunta si se trata de un pájaro y ella contesta que se trata del “dulce Senesino”, al cual despide junto a Cuzzoni y Farinelli, como ya hemos relatado. Londres se quedaba de golpe sin tres de sus más célebres estrellas italianas, aunque contarían con el castrato Carestini y con Anna Strada del Pò algunos años más. Pero, ¿de dónde venía Senesino y cómo había conseguido llegar a tal estatus? Francesco Bernardi —tal era su nombre— fue prácticamente coetáneo de Haendel, Bach y Domenico Scarlatti, aunque no se conoce exactamente su fecha de nacimiento. Tampoco está muy claro con quién estudió canto y cuándo fue castrado. Algunas fuentes aseguran que fue alumno del gran Bernacchi, lo cual es prácticamente imposible, ya que el maestro boloñés también nació alrededor de 1685. Lo que importa es que su carrera despega a principios del XVIII de manera gradual y sólida, partiendo de las mayores plazas italianas (con títulos de Albinoni, Alessandro Scarlatti, Gasparini, Sarro…) y llegando al magnífico oasis deparó). La voz de Senesino debía de ser de gran calidad, por lo cual musical que era la corte de Dresde, donde brilla sobre todo en óperas del Haendel decide llevárselo a Inglaterra para su King’s Theatre de gran Lotti, al menos desde 1717. Allí comparte escenario con algunos de Haymarket. los mejores cantantes de su época. Por ejemplo, la mezzosoprano Durastanti o el barítono Boschi… nombres que sonarán, con toda Llegada a Inglaterra seguridad, a los aficionados haendelianos. De hecho, Haendel, en busca de nuevas voces tras sus primeros triunfos londinenses, viaja por el En la capital del Támesis, nuestro castrato debuta en la deliciosa continente y, justo en Sajonia, se encuentra en 1719 con Senesino ópera de Giovanni Bononcini Astarto (1720). Fue tal la impresión que causó en el público londinense que Astarto tuvo más de veinte reposiciones. Tras ello, se estrena con las obras del caro Sassone. La primera es Senesino era un actor más dado a lo heroico que a lo sentimental. Se encontraba Radamisto, readaptada para él, ya que había sido más a gusto encarnando a un Alejandro Magno que a un pastorcillo enamorado estrenada unos meses antes por la mezzosoprano Durastanti en su mismo papel. Le siguen el pasticcio Muzio Scevola y Floridante… Estos títulos se alternan rítmicamente y rivalizan con los de Bononcini (por ejemplo, el cantando en la Teofane del citado Lotti (Haendel ya conocía a Durastanti y éxito apabullante de Griselda), hasta que Haendel, en 1723, realiza un a Boschi desde hacía al menos diez años, debido a sus brillantes debuts decidido sorpasso con el debut de su magnífico Ottone, re di Germania, italianos, como la Agrippina veneciana de 1709, que tanto éxito le ópera basada en el mismo libreto de la Teofane de Lotti que Haendel había

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presenciado en Dresde. Eso sí, con un reparto nunca antes visto: ópera seria hoy en día darían lo que fuera por volver atrás en el tiempo y Senesino, Durastanti y Boschi cantan sus mismos papeles que en la presenciar una sola noche de ese Artaserse increíble con Farinelli, Teofane de 1719, la contralto Robinson encarna a Matilde —papel en el que Senesino y la Cuzzoni… ¡Todo un lujo! lamenta, según las incendiarias cartas que escribe a Haendel, no poder Se dice que nuestro castrato era un actor más dado a lo marcial y lo lucirse más— y, dulcis in fundo, la novísima primadonna Francesca heroico que a lo sentimental. Se encontraba más a gusto, sin duda, Cuzzoni, recién llegada a Londres, en el papel de la princesa griega encarnando a un Alejandro Magno que a un pastorcillo enamorado. Teofane. El revuelo fue mayúsculo. Algunas anécdotas hablan de una figura atractiva y de un rostro no A estas alturas, Senesino ya había conquistado la capital inglesa, no desagradable. Otras, en cambio, mencionan su sobrepeso. Hay quien solo merced a sus papeles en óperas de Haendel, sino también de Ariosti directamente se ensaña con él. zambeccari, en 1715, critica la presencia (como el dramático Vespasiano). Llegan a continuación nuevas escénica de ‘estatua’ que ofrece Senesino, así como sus dificultades para producciones de Haendel, como Flavio, re de’ Longobardi o el icónico Giulio mantenerse a tempo. Sin embargo, tampoco hemos de tomar al pie de la Cesare in Egitto (1724), título que el público de hoy en día enseguida asocia letra los comentarios de un empresario teatral probablemente al compositor de Halle. La lista sigue aumentado, plagada de éxitos y más enfurruñado por no haber podido contratar al prometedor castrato. Ya éxitos de la ópera seria haendeliana: Tamerlano, Rodelinda, Scipione, tras su regreso a Italia, en la década de los 40, después de todos los Alessandro, Admeto, Riccardo Primo, Siroe, Poro, Tolomeo, Ezio, Sosarme… triunfos londinenses y en plena decadencia de su carrera canora, Senesino encarna una infinidad de héroes provistos, cada uno, de arias Senesino es avistado en su Siena natal por el político y escritor Horace inolvidables, muy probablemente ejecutadas con una pericia y una voz Walpole (primo de Lord Nelson, dicho sea de paso), quien narra de que desde luego eran especiales. manera bastante sarcástica haberle reconocido a duras penas: El último héroe que Senesino estrenaría para Haendel —quizás fue “Pensábamos que se trataba de una señora vieja y gorda, pero nos habló uno de los más peculiares que interpretó en toda su trayectoria— es con esa vocecita aguda y demostró ser Senesino”. Desde luego, no cabría Orlando, papel de gran dificultad y poco comprendido tanto por el esperar mucho lenguaje políticamente correcto en pleno siglo XVIII… propio cantante como por el público, que ya intuía la gran crisis que llevaría a todos los cantantes de Haendel (excepto Anna Strada del Pò) a Perspectiva personal traicionarle para unirse a la Ópera de la Nobleza, compañía rival en la que Nicola Porpora era compositor. ¡Pero qué gran papel fue el de Me perdonarán la serie interminable de fechas, eventos y citas. No Orlando! Quizás, más completo y musicalmente más profundo que el era mi intención hacer un artículo meramente biográfico sobre el castrato mismísimo Julio César, tan amado por el público. Lamentablemente, el favorito de Haendel. ¡Para eso ya hay mucha información en Internet y éxito nunca es eterno. Los tiempos cambian, los aires cambian… y muchos libros que pueden ser consultados! Lo que me gustaría ahora es, Senesino, algunos años más tarde, decidió abandonar Londres, para si me lo permiten, añadir una perspectiva puramente personal sobre un desesperación de las damas. personaje que, para mí, ha sido muy importante, no ya a nivel histórico- musicológico, sino a nivel motivacional. Me explico... Blanco de las críticas Cuando tenía unos doce años, y cuando el colegio me lo permitía, vivía pegado a unas partituras y al catálogo de discos del sello Harmonia En las citas de los comentaristas de la época vemos que se trata de Mundi. Era un catálogo precioso que me sabía de memoria, soñando con un artista excepcional, enormemente querido por el público. sus portadas, los nombres de sus artistas, y calculando qué disco le iba a Excepcional lo era, desde luego, como lo demuestran las calificaciones pedir a mis padres por Navidad o por mi cumpleaños, algo que nunca tan positivas de que fue objeto. Pero también hubo descalificaciones podía concretar, pues los quería todos. En la biblioteca de mi pueblo satíricas y burlonas. ¡Carne de críticos! Por ejemplo, es famosa la había una colección de discos de música antigua y, cuando me di cuenta descripción de su voz que hace Quantz, la cual nos llega a través de de ello, no paré hasta haberlos escuchado todos. En particular me llamó Charles Burney. En ella, el autor alemán habla de una voz de contralto la atención un recopilatorio sobre Haendel, con arias de óperas y “potente, clara, homogénea y agradable, de afinación perfecta y trino oratorios. Me fascinaba la idea de que hubiera hombres cantando en la excelente, de buenas maneras y buena dicción, además de tener buen ‘octava de arriba’, y me fascinaba todavía más escuchar la celebérrima gusto ornamentando”. Algo bueno debía de tener cuando era capaz de aria Vivi, tiranno de Rodelinda, compuesta para Senesino y cantada por el rivalizar con el mismo Farinelli en contratenor Drew Minter bajo la celebridad y cuando John Gay —el batuta de Nicholas McGegan. Para mí polémico autor de The Beggar’s Opera— fue una revelación. Escuché los oboes, escribía una sátira en 1723 —el año de los trinos, la coloratura, la letra y Ottone y Flavio— en la que venía a decir pensé: “¡Esto es lo que quiero hacer!”. que la gente de Londres había olvidado Pero, ¿quién era Senesino y por a Homero, Virgilio y César, y que qué había un álbum entero dedicado a Senesino ocupaba el hueco de estos él? La trampa había funcionado: a como celebridad. partir de ahí me obsesioné, como Claro que las anécdotas son las puede obsesionarse un niño, por anécdotas y, a veces, tienen cierto Haendel, los castrati, los da capi, los sabor de leyenda. El mismo Burney recitativos secos y esas cosas. Como narra el encuentro estelar sobre el no podía hacerme con el disco entero escenario, por fin, de Farinelli y (el recopilatorio de la biblioteca solo Senesino en Artaserse, un pasticcio en contenía una pista de la grabación de toda regla de Riccardo Broschi y otros Minter), empecé a llamar como un autores. El cronista cuenta cómo, desesperado al Buzón del Oyente de durante una escena en la que Farinelli Radio Clásica, con el corazón a mil, se encuentra prisionero del tirano pidiendo arias de ese disco. La interpretado por Senesino, el primero amabilísima Araceli, la presentadora, canta con tal dulzura que el contralto me decía por teléfono: “¡Pero qué voz de Siena se lanza a abrazarlo y besarlo tan aguda tienes!”. Y yo, en vez de conmovido, olvidando por completo decirle que tenía doce años, le su papel. Parece toda una escena de El autor de estas líneas, el contratenor Flavio Ferri-Benedetti, junto a la explicaba que era contratenor… ¡Qué soprano Roberta Invernizzi, durante la representación de Teseo de película, pero muchos aficionados a la Haendel. risa! De esta manera conocí

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The Ladies Lamentation for ye Loss of Senesino en The Musical Entertainer (1737) (La canción satírica sobre la salida de Senesino de Inglaterra: nótese, en la caricatura, la altura del

British Museum castrato comparada con la de las damas: los castrati crecían, por razones hormonales, mucho más que la media, llegando a hasta 1,90 m., como era el caso de Farinelli). Fondazione Cini. Venecia. Cini. Fondazione

Faustina Bordoni-Hasse y Senesino en el Teatro Tron di San Cassano de Venecia, caricatura de Antonio Maria Zanetti, 1729.

momentos inolvidables de Riccardo Primo, de Flavio o de Tolomeo. Para mí Ese álbum de Drew Minter de finales de los 80, maravilloso, pionero, ya no había vuelta atrás. Escuchar ese recitativo accompagnato del tercer figuraba junto a otros tres álbumes dedicados a Cuzzoni, Durastanti y acto en el que Tolomeo, rey de Egipto, está cansado de luchar contra Montagnana, todo un póker de ases. Era una discografía grandiosa, de todo el mundo, suspirar cuando Minter suspiraba antes de caer dormido una época sin hashtags, sin YouTube y sin los vídeos difuminados ni las tras beber la supuesta copa de veneno en la célebre aria Stille amare… veleidades de los pequeños divos barrocos de hoy en día. En esa época La emoción era incontenible. O, tal vez, yo era muy friki. todo era valiente, nuevo, emocionante... Luego vinieron muchas Pero ya no solo se trataba de Barroco o de contratenores grabaciones de óperas que Senesino había estrenado y el cuadro inolvidables de la discografía de mis años mozos: el mismo Senesino se discográfico se fue completando. En 2005, llegó otro importante había convertido en mi héroe ideal. Un tipo interesante que cantaba monográfico sobre nuestro castrato, protagonizado por el gran Andreas Scholl, con arias más desconocidas y un repertorio que se salía del En los momentos más paroxísticos, llegaba a gritar recitativos en mi cuarto, vestido con un Haendel de siempre, gracias a títulos de Porpora, Albinoni o Lotti. mantel de cocina e imaginando que era un traje de escena, para desesperación de mis padres Queda aún mucho por escuchar de Senesino, y las partituras de algunas de sus óperas, música muy buena y encima en un registro ‘agudo’, como lo simplificaba desgraciadamente, se han perdido para siempre. Pero aquí estamos, yo entonces: “¡Mira, mamá, si cantas esto puedes cantar arriba!”… Para haciendo todo lo que podemos para lograr revivir tanto a él como a un niño de doce años que estaba teniendo la muda de la voz y deseaba todos sus compañeros de aventuras de la opera seria. Si me preguntan, ardientemente ser contratenor para poder emular a Senesino (en vez de nunca olvidaré la felicidad que sentí cuando estrené Orlando en un darle a un balón para poder ser futbolista), la imagen de un Senesino con pequeño teatro de Alemania, con gestos barrocos y un presupuesto pelucón y un millón de trinos era muy impactante. Era como un mito, y prácticamente escolar. Era como un sueño hecho realidad, un sueño de además una justificación para poder cantar en falsete, luchando con esa la infancia, poder finalmente tumbarme en el suelo y dormirme al son de voz de bajo-barítono que te llega con la pubertad y que sientes algo dos violas, cantando Già l’ebro mio ciglio, cubierto con algo más que el extraña, dándole a la voz de cabeza día sí y día también. mantel de la cocina. Así que, por lo que a mí respecta, grazie, Francesco! No teníamos aun internet ni teléfonos móviles, y los cassettes aun Sea como fuere, el nombre de Senesino permanecerá ligado siempre ‘molaban’, así que pasaba horas y horas en las bibliotecas, después del al de la ópera seria y al increíble mundo de los castrati. Y, por supuesto, instituto, copiando a mano fechas, listados, trocitos de partitura que estará siempre asociado a la maravillosa música que Haendel salían en las enciclopedias como ejemplos de obras… Devoré todo. compusiera para él durante tantos años. En boca del poeta Mitchell, en el Cuando llegué al Bachillerato, me sabía los nombres de todas las óperas año 1721, con nuestro contralto recién llegado a Londres: “¿Quién no de Haendel y quién había cantado cada papel, creando en mi cabeza toda sabe esto, acaso, cuando Haendel toca / Y cuando Senesino canta? / una jerarquía de sopranos, castrados y secundarios, imaginando los Nuestras almas aprenden a extasiarse con sus cantos / Y mientras, los repartos, leyendo libretos… En los momentos más paroxísticos, llegaba ángeles, desafiados, muestran asombro / Y dejan caer sus alas doradas”. ¶ a gritar recitativos en mi cuarto, vestido con un mantel de cocina e imaginando que era un traje de escena, para desesperación de mis Flavio Ferri-Benedetti es contratenor, docente de Canto Histórico en el padres. ¡Todo por culpa del pobre Senesino! Conservatorio de Zúrich y docente invitado en la Schola Cantorum Basiliensis

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Javier del Real encuentros d

Jesús Iglesias

“Hay que poner en velocidad de crucero al Palau de les Arts”

Desde el 1 de enero Jesús Iglesias (Gijón, 1971) es el nuevo director como de las dificultades que tendrá que afrontar. “En fin, nada nuevo artístico del Palau de les Arts de Valencia. Baqueteado en teatros como el bajo el sol”, dice el veterano gestor cultural con el temple de quien se sabe Colón de Buenos Aires, el Real de Madrid o la Ópera Nacional de dominador del terreno que pisa. En esta conversación, mantenida en Ámsterdam, recala en la capital del Turia consciente de desembarcar en Valencia pocas semanas antes de incorporarse a su nuevo puesto en el un espacio operístico envuelto en una aguda crisis financiera y en un Palau de les Arts, reivindica “la cotidianeidad” de la ópera y habla de sus evidente declive artístico y de imagen tras la etapa Davide Livermore. ideas y proyectos, de sus objetivos y de cómo piensa materializarlos. “Trataré de recuperar su propia identidad, incorporar nuevos nombres y optimizar la gestión”, afirma tan convencido de sus ideas y criterios Justo Romero

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JESÚS IGLESIAS ENCUENTROS

Su carrera como gestor operístico ¡Hombre, siempre hay que mantener lo ¿Potenciará la presencia de cantantes comenzó lejos de su Gijón natal, nada bueno de las cosas! Sé que llego a un teatro valencianos y españoles, muy descuidada menos que en el Teatro Colón de Buenos abierto y operativo, pero al que hay que poner en en la italianizada época de Livermore? Aires, cuando fue llamado para trabajar en velocidad de crucero, porque está muy parado. Mi idea es contar con ellos lo más que se el departamento de comunicación. No tengo todavía un conocimiento profundo de pueda. En Ámsterdam tuve que hacer un gran Así es, aunque ya antes había colaborado la situación. He de sumergirme en todo para ver ejercicio de imaginación y trabajo para con un festival de música que había promovido qué interesa y qué no. Helga Schmidt fue la que programar cantantes holandeses. Por fortuna, en Oviedo Emilio Casares y que luego lo inició el proyecto, con un plan quizá no creo que aquí resultará mucho más sencillo. La continuó Luis Iberni. Pero verdaderamente mi sostenible a largo plazo, pero que posiblemente dinámica de los cantantes de la tierra existe en primer trabajo como profesional de la música era la única manera de poder comenzar. Soy todos los sitios. fue en el Colón. muy consciente de que hay que trabajar mucho Dígame cinco cantantes españoles que Y de allí volvió directamente al Teatro en la orquesta, que hay que estar mucho más admire. Real de Madrid… sobre ella. Hay en el teatro y en su orquesta una ¡Uf! ¿Solo cinco? Hay que comenzar por Llegué al Real solo tres meses después de base muy importante, y sobre ella tenemos que Plácido Domingo, el único aún en activo de la que se reinaugurara en octubre de 1997. De la construir. El Palau de les Arts comenzó muy alto, gran generación de cantantes de su tiempo. mano de García Navarro, que era entonces su pero luego ha tenido que topar con la realidad, y Me refería a jóvenes, de la nueva director artístico y musical, y que iba con se ha estrellado. La etapa de Livermore la generación. frecuencia a Argentina por mantener una conozco menos porque ha tenido mucha menos Ahora estoy algo desligado, después de estrecha relación con la Orquesta Filarmónica resonancia, no alcanzó la gran repercusión tantos años fuera. Pero claro que conozco, y de Buenos Aires. Allí le preguntó al conocido inicial de la época de Schmidt... También me hay nuevos cantantes muy valiosos, como, por empresario Alejandro Szterenfeld si sabía de pilló más lejos, ya en Holanda… decir un nombre, Ruth Iniesta. El otro día alguien que pudiera colaborar con él en ¿Comparte la idea de que el mayor escuché a la valenciana Marina Monzó, que me Madrid. Szterenfeld le habló de mí. Así le error artístico de la época de Livermore gustó mucho. Hay una nueva generación, muy joven, a la que hay que prestar atención. La que sucede a cantantes como Carlos Álvarez, Isabel Rey o Ainhoa Arteta. “Tengo muy claro que hay que abrir el repertorio. Pero es difícil encontrar un equilibrio Naturalmente, espero que participen y con una programación que realmente consta solo de cinco o seis títulos por temporada” estén presentes en la escena valenciana. Supongo que para esta nueva hornada de cantantes se fijará bien en los alumnos del Centre de conocí y comencé a trabajar con él y con Juan fue olvidarse del repertorio alemán y Perfeccionament Plácido Domingo del Cambreleng. Luego, tras su muerte, seguí con centroeuropeo para escorar la propio Palau de les Arts. López Cobos, Emilio Sagi y Antonio Moral y, programación hacia el italiano, ¡Por supuesto! Pero me ha llamado la finalmente, con Gerard Mortier, hasta 2012. marginando los éxitos wagnerianos de la atención los pocos alumnos españoles que Cuando se marchó a Ámsterdam, a la época Schmid? ¿Volverá con usted el tiene. Después de analizar las razones de esta Ópera Nacional de Holanda… ¿Lo hizo repertorio alemán al Palau de les Arts? baja proporción, posiblemente habrá que porque no estaba cómodo en Madrid, en el Sí, sí y sí. Y no solo Wagner, sino también incrementarlos. También habrá que revisar las nuevo Teatro Real de Mortier? Strauss, o el repertorio checo, con las óperas de fechas de audiciones de nuevos alumnos: ahora No, en absoluto. Fue porque consideré que Janácek… Entiendo que las limitaciones se hacen en julio, cuando ya se han hecho en Madrid era ya una etapa terminada. Llegó un económicas son grandes, pero un teatro no casi todos los sitios, y los mejores quizá ya han momento en que pensé que ya lo había hecho puede vivir sin cuidar todos los ámbitos. Tengo encontrado plaza en otro centro. Son muchas todo, que no tenía nada más que hacer en el muy claro que hay que abrir el repertorio, no las cosas que hay que ver, analizar, estudiar, Real. Hay gente que piensa que me fui por solamente hacia Wagner, Strauss o Janácek, sopesar y obrar en consecuencia. Tengo la idea Mortier, por incompatibilidad con él, pero no. sino también al repertorio ruso, a Berg y la de abrir alguna disciplina nueva. Por otra parte, Tuve siempre una buena relación con él, a ópera de siglo XX, ¡que es ya el siglo pasado! Y creo que los dieciséis cantantes que hay ahora pesar de que yo no era el tipo de perfil que él pinceladas al repertorio del XXI, que es el son muchos (piense que la Ópera de Zúrich, quería para trabajar con él. Pero respetó nuestro. Pero es difícil encontrar un equilibrio que tiene función diaria, tiene también siempre mi espacio y, cuando le dije que me con una programación que realmente consta dieciséis), e introducir un par de pianistas, un iba, reaccionó de modo muy elegante e incluso solo de cinco o seis títulos por temporada. asistente de dirección… amistoso. No ha dicho una palabra de repertorio Producciones, coproducciones, líneas Y ahora, tras casi siete años en español… de programación… Holanda, aterriza en Valencia, en el Palau Y por supuesto también la lírica española, Mi idea es dar un cambio estético. Hay una de les Arts. Se ha dicho y escrito que de la con presencia irrenunciable de la zarzuela. serie de directores de escena muy importantes mano de Plácido Domingo… Estoy absolutamente convencido de ello. Mi que aún no han hecho nada aquí. Robert ¡Pues no! A Plácido Domingo le conozco, ideal sería hacer cada año una zarzuela grande Carsen, Christof Loy… son nombres que por supuesto. ¿Que ha podido hablar bien de y otra de ‘género chico’; una en la Sala Principal tienen que figurar en las próximas temporadas. mí? ¡Es posible, no le digo que no! ¡No lo sé!… y otra en el Teatre Martín i Soler. Ya es muy El problema es que es muy tarde para Me presenté al concurso que se había tarde, pero intentaré que todas estas líneas encontrar su disponibilidad a corto plazo. Por convocado como cualquier otro hijo de vecino, programáticas que le comento estén ya otra parte, la política de producciones y sin más apoyos ni recomendaciones. presentes en la próxima temporada, aunque coproducciones viene limitada por el corto, Ahora, desde el 1 de enero, será el queda muy poco tiempo. Por supuesto, mínimo me atrevo a decirle, presupuesto del tercer director artístico del Palau de les retomaremos el proyecto de recuperar óperas Palau de les Arts, por lo que en las primeras Arts. El heredero, de alguna manera, de sus del valenciano Martín i Soler, también las de temporadas, y aunque estamos comenzado a predecesores Helga Schmidt y Davide [José Melchor] Gomis, del que no se ha hecho crecer económicamente, andamos realmente Livermore. ¿Qué respetará y mantendrá de nada, y daremos presencia por supuesto a la bajo mínimos. Por ello, por esta realidad, mi lo que ellos han hecho? Si es que quiere producción lírica de otros valencianos, como idea para esta primera temporada y quizá mantener algo… Chapí o Serrano. también la siguiente es traer producciones

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ENCUENTROS JESÚS IGLESIAS

sólidas, algunas con nombres nuevos en el número de funciones de cada título Cincuenta y cinco músicos exactamente. Valencia. operístico, para así rentabilizar mejor el Sí, por supuesto que conozco bien la situación. Una pequeña y económica revolución… trabajo, aunque soy consciente de la dificultad Y me ocupa y preocupa, obviamente. Habrá, Llámelo como quiera. Pero es evidente que de encontrar nuevos públicos. Y por supuesto sin duda, que cubrir vacantes, y hacerlo tienen que venir otros nombres y otras de que no es lo mismo programar La traviata coordinadamente con los propios músicos y estéticas, un poquito más centroeuropeas, sin que La casa de los muertos. de acuerdo con la disponibilidad que esto signifique provocación o escándalo. ¿Qué impresión tiene del equipo presupuestaria que tengamos. No le puedo No hay que perder el público que gusta de lo técnico y gestor del Palau de les Arts? ¿Ha decir el número de plazas que sacaremos, pero tradicional, siempre que sea bueno, pero es podido ya contactar con ellos? tengo claro que, desde la base que tenemos preciso y necesario incorporar a otros que Aún no he tenido ocasión de entrar en ahora, la orquesta hay que ampliarla, y, gustan de cosas diferentes. Busco la entresijos, aunque ya he conocido a bastantes además, compensar el gran desequilibrio que cotidianeidad, que ir a la ópera no suponga algo excepcional. Yo no soy un talibán de la ópera, me encantaría que a todo el mundo le “Hay que ampliar la orquesta y compensar el gran desequilibrio entre sus secciones. gustara, pero no puedo imponerla. Hay que intentar agrandar la base social del público de Y comenzar por cortar la sangría permanente de músicos que se marchan” Les Arts, pero nunca imponiéndole la ópera. ¡Claro que procuraré seducir con la lírica!, pero soy consciente de que tengo un edificio con trabajadores de la casa. Lo que sí me gustaría hay entre sus secciones. Y desde luego, cuatro salas que hay que llenar de contenidos. decirle es que toda la gente que conozco que ha comenzar por cortar la sangría permanente de Abrir la mentalidad de lo que es la ópera, y venido a colaborar al Palau de les Arts me ha músicos que se marchan. enriquecer la programación con zarzuela, hablado siempre maravillas de su personal, de sus Y los que se marchan suelen ser teatro musical, comedia, recitales, danza, equipos técnicos, del buen ambiente profesional precisamente los mejores… conciertos líricos… Y que la parte sinfónica que hay y de cómo se trabaja aquí. No he ¡Evidentemente! Conozco el problema. tenga siempre un contenido vocal. conocido a nadie que me haya dicho lo contrario. Le supongo al corriente de una ¿Un espacio para todos? Hablemos de la orquesta titular del encuesta hecha hace algo más de un año ¡Exacto! ¡El Palau de les Arts tiene que Palau de les Arts, de la Orquestra de la entre los músicos de la orquesta, en la que convertirse en un espacio para todos, más Comunitat Valenciana, considera por ni los dos titulares que tenía entonces plural, dinámico y social! Algo que en absoluto muchos como la mejor agrupación —Fabio Biondi y Roberto Abbado— ni el está reñido con la calidad. Piense que hay veces sinfónica de España. Supongo que está al principal director invitado, Ramón Tebar, que Broadway tiene más calidad que el corriente de que ahora, con apenas consiguieron ni un solo voto de apoyo. Metropolitan. ¡Abrámonos a todas las cincuenta y tres músicos, es casi más una Como resultado de ello, Biondi presentó su disciplinas líricas y artísticas! ¡Hay muchísimo formación de cámara que una orquesta dimisión, sin embargo siguen aún en sus por hacer! Espero también poder incrementar propia de un teatro de ópera. puestos tanto Abbado como Tebar. Caras nuevas en Les Arts

Jesús Iglesias, Susana Lloret, María Inmaculada Plà, Pierre Bouillard… Las nuevas caras se acumulan en el liderazgo del Palau de les Arts, en un cambio vertiginoso cargado de

riesgos, pero también de expectativas e incertidumbres. Lorenzo Miguel En este nuevo organigrama, Castellón —la tierra natal del hiperatareado consejero de Educación, Investigación, Cultura y Deporte, Vicent Marzà Ibáñez— se impone con claridad, al ser también la tierra originaría de la nueva directora general, María Inmaculada Plà, y del francés Pierre Bouillard, recién llegado como “director adjunto de Optimización de Recursos” con los méritos subrayados en su currículo de haber asesorado a la Embajada de España en Roma y hablar inglés y valenciano “con nivel B1” [sic]. En la actualidad, añade la nota biográfica entregada por la propia Conselleria, el optimizador Bouillard cursa un “MBA en Gerencia Internacional en la Pontificia Susana Lloret, nueva presidenta del Patronato, Jesús Iglesias y Vicent Marzà Ibáñez Universidad Católica del Perú”. Salvo el caso del nuevo director artístico, el gijonés Jesús Iglesias, Estos flamantes nombres cubren y reemplazan a otros que han de sólida e intachable carrera profesional en el universo operístico, abandonado el Palau de les Arts motu proprio o bien han sido invitados todos estos nuevos altos nombramientos resultan absolutamente o forzados a marcharse, como Davide Livermore, Fabio Biondi o ajenos al universo profesional de la música y de su gestión Francisco Potenciano. Solo queda ya pendiente el relevo del aún especializada. Algo ciertamente inquietante y que carga de director musical Roberto Abbado, único representante de una era interrogantes el futuro próximo del Palau de les Arts. Cabe suponer recién fulminada —la fracasada era Livermore, aupada en el último que, como contrapartida a este páramo de conocimiento musical, momento del último Gobierno del Partido Popular en Valencia, Jesús Iglesias podrá obrar con mayor poder y autonomía al no tener cuando, ya perdidas las elecciones, estaba en funciones y, por ello, sin ningún interlocutor musicalmente cualificado en el entorno del legitimidad para realizar nuevos nombramientos— en la casa Gobierno del Palau de les Arts. compleja pero fascinante que siempre ha sido el Palau de les Arts. ¶

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JESÚS IGLESIAS ENCUENTROS

Sí, claro, estoy al corriente de la famosa ópera. Se requieren muchas semanas de trabajo cualquier posible desviación presupuestaria. encuesta. Quiero ser prudente. Con Abbado consecutivas y esto es muy difícil de encontrar En este sentido, la bienvenida entrada del aún no he hablado, aunque me puso un en periodos a medio plazo. Los calendarios de Ministerio de Cultura en el Patronato también mensaje de felicitación cuando supo que venía los grandes maestros están ya completos para puede ser muy importante y valiosa. al Palau de les Arts, pero tengo entendido que él la temporada 2020-21. ¡Esta es una de las ¿Se ha concretado ya algo de la llegada mismo no tiene intención de renovar su dificultades! Así que prefiero esperar un poco del Ministerio al Palau de les Arts? contrato, y así está asumido por todos. para encontrar la persona adecuada antes que Aún no se ha detallado nada. Tendrá dos En cualquier caso, hasta que no hable con él no nombrar una persona por nombrarla. Gustavo representantes en el Patronato, y desde luego puedo decir nada concreto al respecto. Gimeno es una posibilidad, aunque tiene sus llega con la intención de participar en la toma de En cuanto a Tebar, pues es evidente que su compromisos y una agenda sin huecos durante decisiones y en los acuerdos que se planteen. situación en Les Arts es difícil de asumir al ser los próximos años. Pero le repito, más allá de la Como ha dicho públicamente el ministro titular de la Orquesta de Valencia. De otra parte, posibilidad de poner a un determinado Guirao, no quiere ser un mero ‘pagador’, sino la figura del director invitado no la veo, y menos nombre, hay una cuestión de disponibilidad. La también implicarse activamente en su gestión. en un teatro con una programación lírica tan realidad es tozuda. Y le insisto: la titularidad de Y esto es algo que hay que asumir con regocijo y corta. En cualquier caso, creo que hay que la orquesta tiene que llegar tras un examen en absoluto como una injerencia o intromisión. analizar todo en su conjunto, por ser temas que concienzudo de su realidad y, Como también la implicación de otras entidades se interrelacionan entre sí, y tomar decisiones consecuentemente, de sus necesidades y y organismos de la ciudad y de la Comunitat. valorando todas sus aristas y consecuencias. peculiaridades. Para ello, lo primero que hay ¿No se ha concretado nada para que el Hay que meterse de lleno en la situación que que aclarar es qué orquesta vamos a tener, qué Ministerio se implique activamente en el tiene la orquesta, consolidar lo que hay… orquesta podemos tener. No es lo mismo saneamiento de las precarias cuentas? Lo que hay es Abbado y Tebar. ofrecer la que hay ahora, con sus cincuenta y Creo que no, que todavía no. Son pasos que se van dando, y pienso que van en muy buena “Si no se menguan los gastos estructurales, el proyecto del Palau de les Arts es imposible dirección. Pero le tengo que matizar que yo no soy a medio plazo. Estamos como quien tiene un Mercedes pero no tiene dinero para la gasolina” intendente, sino director artístico, por lo que estos detalles no son propiamente Hablo de la orquesta. Prefiero pensar antes cinco instrumentistas, que la que pueda haber de mi incumbencia. Pero sí le puedo decir que, en la gallina que en los huevos. Creo que es después de ese estudio riguroso y realista, tanto a nivel de Conselleria como de la necesario estudiar primero la situación de la hecho desde la base de que los costes presidenta del Patronato [Susana Lloret], están orquesta en detalle, y solo después de ese análisis, estructurales del Palau de les Arts son enormes. dando en este sentido los pasos adecuados y ver qué director o perfil de director requieren la ¿Se pueden menguar esos enormes siempre en la misma dirección. orquesta y el proyecto artístico del teatro. costes estructurales? ¿Plácido Domingo seguirá vinculado al Pero supongo que tendrá sus Es que si no se menguan el proyecto del Palau de les Arts? candidatos. En Ámsterdam era casi vecino Palau de les Arts es imposible a medio plazo. Domingo es un lujo para cualquier teatro. del valenciano Gustavo Gimeno, el Estamos como quien tiene un Mercedes pero Es de esos artistas únicos que son siempre director que en aquella sonada encuesta no tiene dinero para la gasolina. Hemos de deseados. Así que, por supuesto, seguirá salió como claro favorito junto al húngaro asumir la realidad y plegarnos a ella. A nivel presente. Es una suerte poder tenerlo. Tiene un Henrik Nánási. político, y es la impresión que tengo, están proyecto artístico cada año, y lo que tengo Sí, claro. Gustavo Gimeno sería un trabajando en esta línea. Hay que poner en hablado con él es que seguirá viniendo como estupendo candidato. El problema es que orden las finanzas. Y esto no es ninguna cantante y como guía del Centre de ningún gran maestro tiene calendario tontería. Los números no engañan, y lo Perfeccionament al que da nombre. ¶ disponible para la titularidad de un teatro de primero que hay que hacer es corregir

SCHERZO 99 347Final.qxp_Scherzo17/12/1818:41Página100 vida y,vida por supuesto, reediciones aficionado que discográficas cualquier puede disfrutar. de acerca su películas publicados ydiarios, de en artículos revistas infinidad continúa biografías, suscitando artística Baker Chet de unseguimiento sigue 31 de años sudesaparición, disfrutando personalidad envidiable.A casi Sufuerte encontrarle desestabilizado debido al consumo pieza, pese a que ya era muy habitual Ángeles, afirman que era un hombre de una primeros años 50 en los que regresó a Los estadounidense en 1952. en la Armada fracaso el mundo ouna vocación sino prematura, su ganas las de hacerse confamiliares, unlugar en le llevó asermúsico, presiones no las fueron adecirdeque, algunos lo biógrafos, de que sus delmejores momento. jazzistas es Ylo cierto participado de jam-sessions en unsinfín había grabado muchos discos yhabía definiciones generalizada difusión, adquiriesen remedio. No obstante, antes de que estas pulmones por el unheterodoxo corazón, sin losmito untrompetista alaire, que sustituyó 100 aire al mito Un hecho de élunpersonaje imprescindible. su forma de tocar la trompeta ycantar, habían categoría presenciay Supeculiar física en vida. de los pocos músicos que había esa adquirido Baker Sencillamente, Chet yadel uno jazz. era hecho grande en la historia entrar por la puerta sin embargo, como de haberle ha se afirmado, 13 de mayo de 1988 en Ámsterdam. ventana de unhotel lo se llevó de mundo este el la desde una caída James, trompetista Harry transmitirle la fascinación por la obra del de Jack Teagarden, yde una madre que supo Yale. de unintérprete de banjo Hijo admirador Steinbeck. Como aquellos, oakie también,de era mantiene con los personajes de la novela de sin embargo, el único punto en común que devíspera la Nochebuena de 1929. este, No es Baker nació H. Chesney con en la la Depresión, Como J A Quienes conocieron al músico en aquellos los un desde comienzos, BakerChet fue, El controvertido detalleresponsable, no es SCHERZO Z el clan ira la uvas de losde Joad, de, Las Z con los grabó en Los Ángeles el 6 de noviembre de 1956. Freeman – Chet Baker”, que la firma Pacific Jazz entre críticos y especialistas como aquel “Russ voces. Pocos discos concitan tanta unanimidad el trompetista probaba suerte doblando en Freeman un cuarteto en el que, por vez primera, de Mulligan y crear junto al pianista Russ Chet Baker, pocos meses después, a separarse principal solista del Mulligan Tentet. yBunker, Larry antes de convertirse en 1953 en el Quartet, junto a Bob Whitlock, Chico Hamilton la oportunidad de trabajar con el Pianoless el Haig. Y fue precisamente el último quien le dio quienes trabajó en clubes como el Billy Berg’s o afición con Charlie Parker y Mulligan,Gerry con de estupefacientes. Coincidía en tan oscura 1964 tuvo yun añomástarde una clamorosa adicción drogas. alas reiterados contratiempossufrió debido asu Sinembargo, trabajo este debería perderse. antológicos que ningún buen aficionado otro títulos para “Reunion”, de grabar esos volvió Mulligan a formar vez otra con Gerry Evans, AlHaig yKenny Bill Konitz, Drew, y junto Pepper aJohnny Lee Adams, Griffin, deactuó Registródiscos, cantidad gran patria. convirtiéndoseque en susegunda terminaría viajó frecuentemente aEuropa, uncontinente Europa, patria adoptiva patria Europa, Pero la pasión por la independencia llevó a Chet BakerChet en Nueva instaló se York en En los diez que años siguieron, Baker Chet Chet Baker fue un mito al aire, un trompetista que sustituyó los pulmones los pulmones sustituyó untrompetista que alaire, unmito fue Baker Chet por el corazón, un heterodoxo sinremedio elpor corazón, unheterodoxo de Chet Baker Chet de eterna vida La diciembre pasado, habría cumplido 89 años. hotel en el que alojaba se En en Ámsterdam. 1988 cayó por fortuitamente la ventana del el cuando 13 deCosta murió mayo Oeste, de cool del estilo que supuso la irrupción máximos responsables del ‘hecho diferencial’ y, químicas sustancias uno también, de los alas aficionado bebidas blancas, alas que amómucho que fue mujeres, alas vida, su sobre documental espléndido un Weber dirigió Bruce cinematográfico realizador el Incluso, jamás. descendido hubiera no popularidad su si como Era nuevo Europa. de a viajó y Mulligan Gerry con volvióreunirse a estadounidense, CTI Trabajó la para escenarios. los a regreso lento su de instigador el fue Él Gillespie. Dizzy por brindada ayuda la a apaciblegracias más infierno un de medio en transcurrieron de California. servicio como lavacoches en diversas de estaciones en años los trabajos quevarios hubo de realizar enviándoleen Francisco, San de aunexilio la mandíbula le fracturó debanda traficantes unaintervenciones en clubes fila, de segunda superar numerosostras avatares alternando en 1968, cuando, mostró también supeor cara ABaker el destino sumúsica. le electrificado repudiado por la audiencia por haber de aquel festival, unjoven BobDylan era Paradójicamente, fases ende otra las Getz. Stan en junto el Festival de Newport actuación a Luis Martín Luis De poco sirvió el esfuerzo. Este hombre, Este el esfuerzo. pocoDe sirvió vida su de años últimos Los Let’s Get Lost. Get Let’s en la ¶

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JAZZ

AMBROSE AKINMUSIRE: KEITH JARRETT: JEMEEL MOONDOC QUARTET: Origami Harvest La Fenice The Astral Revelations BLUE NOTE (1 CD) ECM (1 CD) ROGUE ART (1 CD)

Primero Robert Glasper y segundo Kamasi De nuevo, Keith Jarrett. Esta vez el repertorio Después del legendario cuarteto de John Washington son probablemente los dos elegido por el pianista es mixto. Por un lado, Coltrane con McCoy Tyner, Jimmy Garrison y máximos exponentes de esa nueva fórmula de sus obsesiones improvisatorias de las que sale Elvin Jones, que entre 1961 y 1965 sentó las oro que fusiona el jazz con las estéticas y muy bien parado. De otro, el jazz a la luz de bases del formato (saxo, piano, contrabajo y sonoridades raperas. No es que sean pioneros en estándares inmortales como Stella by Starlight, batería) como nadie lo había hecho antes, ha este tipo de propuestas, ni mucho menos, y ahí The Sun Whose Rays o la tradicional My Wild Irish habido incontables grupos siguiendo su estela. están popes como el mismísimo Herbie Rose. En el otoño del pasado año el pianista fue Entre ellos, uno de los que destaca como Hancock, pero sí desde luego todos la estrella de la bella Venecia, tras ser heredero a la altura es el que capitaneó el gran coincidiremos en señalar a estas dos jóvenes galardonado con el León de Oro a su trabajo David S. Ware junto a Matthew Shipp, William referencias del género como los profesionales por la música en el Festival de Música Parker y diferentes bateristas, hasta su muerte que mayor rédito —artístico, mediático y Contemporánea de la Bienal de la ciudad en 2012. Jemeel Moondoc, coetáneo de Ware y económico— han cosechado. Ahora se suma a italiana. El productor Manfred Eicher agradece uno de los grandes improvisadores esta ecuación sonora, o más bien la amplía, el ahora el detalle publicando este concierto afroamericanos de su generación, ha recogido trompetista Ambrose Akinmusire, una de las producido el 19 de julio de 2006 en el teatro La el testigo con un cuarteto extraordinario, referencias jazzísticas más excitantes de los Fenice. En él, cada nota, cada acorde, es lo más también con Matthew Shipp, y la sección últimos lustros. Y lo hace distinguiéndose por parecido a una ola envolvente, un estado de rítmica formada por Hilliard Greene y una combinación musical que incorpora la flotación del que uno despierta con una especie Newman Taylor Baker. estética camerística aportada por el neoyorquino de caricia en el interior del cerebro. Grabado en directo tres años después de Mivos Quartet, formación de cuerda compuesta En un momento de desanclaje de la belleza su extraordinario The Zookeeper’s House (Relative de violines, chelo y viola. Y en el sugerente y de una cultura de lo ínfimo, Jarrett insiste en Pitch, 2014), el cuarteto de Moondoc adquiere experimento le vienen todos los éxitos de este la experiencia conceptual, en la sensualidad de en The Astral Revelations las propiedades y quinto álbum de Akinmusire, “Origami Harvest”, lo imprevisto. Las ocho partes unitarias de la cualidades de un grupo a la altura de las un trabajo donde los lenguajes efectivamente se larga suite que dedica a Venecia siguen la pauta formaciones clásicas que ha dado el jazz post- contaminan e interactúan, saliendo más que espiritual y estética de este creador, con su Coltrane. airoso de la aventura, pues a nadie se le escapa sonoridad romántica y abstracta y su aire de Escuchando el disco vienen a la mente los que los antecedentes entre jazz y música clásica genio dando el máximo frente al público. Y con grupos de Charles Gayle y, particularmente, el cuentan con más errores que aciertos. tanta minuciosidad, lleva las melodías por los de Ware, aunque hay una gran diferencia entre El álbum surge por encargo del Ecstatic escarpados terrenos del jazz de avanzada; nos la música de Moondoc y la de estos. Por un Music Festival de Manhattan y de las St. Paul’s muestra alguna que otra localización con los lado, el saxofonista suena cada vez más Liquid Music Serie, reuniendo a raperos como colores del hard-bop; se detiene en pasajes de ‘ornettiano’ (atención al emocionante tema que Kool AD y LMBR-JCK-T y una base jazzística carácter hímnico, y, finalmente, aborda un cierra el álbum, dedicado al maestro Ornette integrada por el saxofonista tenor Walter Smith calcinante blues. Coleman), con un lenguaje más articulado y III, los pianistas-teclistas Sam Harris y Michael En el resto del temario, como decíamos, el con menos gravedad que Ware, y menos Aarberg, y el baterista Marcus Gilmore. Todos genio carga con el American Great Book a las beligerante que el Gayle clásico. Por otro, el ellos sostienen, bien con audacia lírica, bien con espaldas, y nos regala una versión papel de Shipp también se aleja de lo que el músculo jazzístico e intensidad hiphopera, 6 extraordinaria de la bellísima balada céltica pianista tocaba con Ware, no solo por su composiciones originales, prologadas por la My Wild Irish Rose. El buen hacer de este sintonía con el personal lenguaje de Moondoc, reivindicativa A Blooming Bloodfruit In A Hoodie, maestro del ilusionismo pianístico ha vuelto a sino porque Greene y Taylor Baker construye inspirada en el asesinato de Trayvon Martin en conseguir que pasemos del otro lado del espejo. paisajes diferentes, apoyados en una Florida, y rematadas con The Lingering Velocity On Keith Jarrett a solas con su magia, pleno y concepción rítmica intuitiva que deja respirar The Dead´s Ambitions, colocando en el medio la arrebatador. muy bien a la música. Si el grupo sigue en esta fabulosa Americana…. Dice Akinmusire que línea, estamos ante uno de los grandes quería un disco de contrastes y lo que le ha Luis Martín cuartetos del nuevo siglo. salido es un todo poliédrico. Grande Ambrosio. Yahvé M. de la Cavada Pablo Sanz

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bandas sonoras Miguel Ángel Ordóñez v

Ciudadano Saiz

Entrevistamos a Juan Ángel Saiz, fundador de la valenciana Rosebud Tienda de Cine

¿Cuándo se dejó de pagar por la música? Esa que podía ser interesante hacer una revista que mismo realizo todas las labores, es una cuestión recurrente entre los que aún mostrase no solo la actualidad, sino también ocasionalmente contando con la ayuda de sobreviven gracias a la industria discográfica. Si estudios en profundidad de scores clásicos y algún colaborador”. mediados los 90 esta no dejaba de crecer, con la compositores. Así surgió Rosebud Banda A pesar del férreo control del producto, llegada del nuevo milenio la situación comenzó Sonora. Saimel Ediciones fue consecuencia de Saiz no cree en fórmulas de éxito, “muy al a revertirse. Los cambios en el consumo y la la revista. A mediados de los 90 había pocas contrario, lo que a veces parece que va a aparición de nuevos formatos de audio fueron ediciones de bandas sonoras españolas, por lo funcionar luego no se vende y bandas sonoras a solo la punta del iceberg. El apogeo de la era que pensé que algunos números de la revista priori menos interesantes tienen mayor digital, un punto sin retorno que ha puesto en podían llevar la opción de comprarlas a precio repercusión de la esperada. El hombre que no su mira al sector. “La industria discográfica se ha visto enormemente perjudicada, sobre todo, por la piratería en Internet. Hay una gran cantidad de páginas y blogs de descargas “La previsión de los expertos dice que en unos años no habrá prácticamente CD, ilegales. La previsión de los expertos dice que aunque pienso que siempre quedarán pequeñas tiradas destinadas a coleccionistas” en unos años no habrá prácticamente CD en formato físico, aunque pienso que siempre quedarán pequeñas tiradas, de 300 o 500 ejemplares, destinadas a coleccionistas”. Son reducido. Hablé con José Nieto y le planteé quería ser santo es un Nino Rota que no había las palabras de alguien que vive de cerca la hacer un recopilatorio de trabajos suyos tenido edición previa y contaba con una crisis, Juan Ángel Saiz, propietario de Rosebud, inéditos. Él me propuso, a cambio, la edición de música excelente. Lo editamos con generosa la única tienda en nuestro país dedicada a la su música para El perro del hortelano. Me pareció duración, una muy delicada restauración venta especializada de bandas sonoras. una buena idea. Hablé con una compañía musical y no se vendió. El criterio que sigo a la Desde hace años ha tenido que diversificar discográfica especializada en bandas sonoras y, hora de elegir los títulos es personal, me dejo la comercialización de productos con la cuando teníamos la revista preparada, la llevar por lo que me gusta, los compositores intención de sumar nuevos clientes, una compañía discográfica se echó atrás y me vi por los que siento predilección y las películas reacción defensiva ante la bajada drástica de sus con los compromisos adquiridos frente a los que aprecio”. ventas. “Nos hemos tenido que orientar hacia productores de la película y Nieto, lo que me En este ambiente, volátil e inseguro, otros campos diferentes de la música, llevó a montar Saimel Ediciones y convertirlo tampoco se ve capaz de marcarse grandes potenciando cartelería, merchandising, libros y en el primer título de nuestro catálogo”. objetivos para el 2019. “Lo primero, sobrevivir… películas en formatos asequibles. Si fuese por Gran amante del cine italiano, por su sello que no es poco. Respecto a posibles ediciones, rentabilidad debería cerrar la tienda. Desde han desfilado no pocos compositores de su algún trabajo reciente de Carlo Siliotto, pero luego, la crisis económica ha influido mucho brillante ‘Edad de plata’: Morricone, Savina, también Piero Piccioni y Carlo Rustichelli, en la situación actual”, nos comenta a punto de Piccioni, Rota, Lavagnino, Rustichelli. Ahora, espero que estén en nuestro catálogo para el año cumplir 30 años al frente de este pequeño con más de una centena de ediciones a la que viene, aunque no puedo concretar títulos”, negocio. Tantos años que cuando piensa en ello espalda, sigue sintiendo pasión por el proceso nos comenta poco antes de despedirse y volver no puede evitar un punto de nostalgia: “Un que conlleva su faceta de productor: “Comienza al trabajo —es, además, ingeniero eléctrico y sábado por la noche, en 1990, iba paseando con tomando la decisión de qué banda sonora profesor de la Universidad Politécnica de unos amigos por el centro de Valencia y vamos a producir. Localizamos a los Valencia—. Eso sí, frente a la corriente atravesando un pasaje comercial que estaba propietarios de los derechos y llegamos a un dominante que reivindica la enorme crisis junto a varias salas, comentamos que sería un acuerdo con ellos. Nos envían el máster, creativa del sector, él no deja de mostrarse buen lugar para poner una tienda de cine”. normalmente con las sesiones de grabación optimista: “No creo que el panorama Cumplido ese deseo, fue tan solo el inicio completas en un único archivo de audio. cinematográfico actual sea especialmente de un sueño aún mayor. Poco tiempo después Separamos las pistas y revisamos el estado en diferente al de hace una o más décadas. Siempre editaba una revista especializada y montaba un que se encuentran. Se restauran, buscando que se tiende a pensar que antes se hacían mejores sello discográfico propios: “Existían un par de tengan el mejor sonido posible, y se organizan películas y bandas sonoras, pero en la actualidad revistas de música de cine en España, pero dándoles un orden y asignándoles un título. también tenemos excelentes trabajos”. ¶ habían cerrado por falta de rentabilidad. Pensé Finalmente se diseña y escribe el libreto. Yo

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> CLASICISMO BANDASSONORAS

JAMES NEWTON HOWARD: IVÁN PALOMARES: El cascanueces y los cuatro reinos. Lang Lang, piano. James Ehnes, violín. En las estrellas. E. Frías, piano. M. T. Philharmonia Orchestra. Directores: Gustavo Dudamel y Pete Anthony. WALT Gómez, viola. M. Borrego, violín. M. Raga DISNEY RECORDS 0050087405434 (1 CD) y J. Sánchez, flauta. C. Alonso, corno Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald. Orquesta de Estudio. inglés. O. S. RTVE. Director: I. Palomares. Director: Pete Anthony. SONY 19075903012 (1 CD) QUARTET RECORDS 338 (1 CD)

El cascanueces y los cuatro reinos es una entrada importante en la carrera de Howard, quien en los En las estrellas es una banda sonora que últimos años se ha promovido activamente en la escena de concierto, aceptando encargos de descoloca por rara y por buena. Con rara solistas y orquestas y rodeándose de figurones como Dudamel o Salonen. Para la rutilante quiero decir artesana y no extravagante. adaptación disneyana del popular cuento de E.T.A. Hoffmann que dio pie al aún más popular La mayoría de músicos actuales se dedica a ballet, junta uno de los casts musicales más lujosos que han desfilado últimamente por una banda secuenciar y todos esos mecanos multipistas sonora y se codea estilosamente con Chaikovski jugando a su Cascanueces como si lo hubiera suenan igual: prefabricados, lineales, aburridos. compuesto él. Obviamente, la música está escrita para gran orquesta, celesta y coros silábicos que Pero la última banda sonora del muy talentoso suenan a nácar y a copitos de nieve. Howard cita y referencia con elegancia números de la suite compositor, orquestador y director madrileño oficial como la Danza del hada de azúcar, el Gran vals y la Marcha y hasta se da el gusto de escribir y Iván Palomares —que puede además presumir variar una fantasía para piano, coro blanco y orquesta sobre la Obertura en miniatura que Lang Lang de un aceptable corpus de obras de concierto— interpreta más sensible que virtuoso en las dos piezas de concierto que abren y cierran la está escrita a mano alzada y se ha cocido como selección. Pero el autor angelino aporta también varios leitmotiv encantadores de cuño propio que el pan de esos obradores molones y barbudos están muy en la línea de su fantasiosa Maléfica y que condensa en los cinco primeros cortes del que parecen haber monopolizado la famosa disco: Presents from Mother, Drosselmeyer, Clara’s New World y Mouserinks, perfectas expresiones de una moda de lo lento. Así que también es artesana lograda síntesis estética entre el imaginario romántico del ruso y su propio hacer. La música por intransferible: En las estrellas, la película, incidental y de acción fastidia por anodina, pero suerte la nuestra que el estupendo Polichinelles, un podría tener otra banda sonora, pero la que agitato a lo Stravinsky con violín obligado que fue descartado para la peli, recala en el disco tiene no podría ir cosida a otra película sin subiendo la nota media de la audición. No obstante, sobran como veinte minutos largos de música causar un estropicio. Zoe Berriatúa, quien que no van a ninguna parte. aparte de cineasta es melómano de buen Segundas partes nunca fueron buenas, que dice el refrán. Pero como Animales fantásticos y yantar, le pide a Palomares una música dónde encontrarlos tampoco les salió precisamente maravillosa, sorprende poco o nada que la nueva romántica, decadente, onírica, neorrealista, entrega de este spin off del universo potteriano, titulada Los crímenes de Grindelwald, sea un nostálgica, clasicota, con aroma a cine mudo, a descalabro bien gordo. Curiosamente, no puede decirse lo mismo del apartado musical, porque Rota, Honegger y Shostakovich, y Palomares le Howard se crece en la vuelta de tuerca al dejar un poco de lado la parafernalia electrónica que da todo eso soslayando la retromanía y el calco. afeaba la partitura anterior y, detalle clave, acercarse estéticamente de manera más clara al estilo Inspirado por esta oda de Berriatúa al fundacional de John Williams para conectar Los crímenes con el universo sonoro de la saga de creador anacoreta y heroico, En las estrellas es Daniel Radcliffe, como demuestran a nivel contenido las ensortijadas variaciones del Hedwig’s una partitura donde los violines vuelan sin Theme en el corte Nagini. Gracias a este movimiento, que implica sobre todo la imitación de la miedo al legato y la orquesta dice a lo grande. escritura williamsiana más clásica, la música se enriquece, sonando más voluptuosa y complicada El tema central, muy hermoso, es un vals que que la anterior. Howard recupera el material primordial de Newt Scamander y suma dos nuevos a suena a roto, a tristura, y el pianista Eduardo la colección, que mejoran lo presente por su cuidado armónico y que rinde, junto a la marcha de Frías lo toca como si fuera cristal de Murano. los animales, en un precioso tríptico para piano solo como bises del disco. Pero hay mucho más: divertimentos y No comparece en esta ocasión el rag de Kowalski, pero en su lugar dedica un hermoso pasaje persecuciones en vivace que dan juego a la de amor a Tina y Newt (Salamander Eyes), un fugato bien majestuoso para la Ciudad de la Luz (Newt madera, pasajes texturales y disonantes para and Jacob Pack for Paris) y al Blitz una marcha fúnebre coloreada en grises metálicos (Vision of War), celesta, timbal y vibráfono que nos viajan a lo completando la oferta con unos pasajes de acción más y mejor elaborados de lo que viene siendo celeste y un trabajo armónico y la norma. El clímax —Spread the Word y Wands into the Earth— precisa de todos los poderes del contrapuntístico la mar de serio. De remate, compositor, que aquí decide rompernos un poco los esquemas embutiéndose en la túnica unos Créditos finales apabullantes donde Frías, postminimalista para proyectar sus típicos y grandilocuentes crescendi aditivos y dejarnos clavados María Teresa Gómez —viola— y el concertino al asiento. Variedad y calidad que justifican los casi 80 minutazos de birlibirloque. Miguel Borrego se van turnando el tema central con expresión llena. Una de las mejores bandas David Rodríguez Cerdán sonoras del año.

David Rodríguez Cerdán

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sonido > CLASICISMO Josep Armengol y

Amplificadores

Entre la fuente de sonido y los altavoces, el amplificador da potencia a la señal y puede ofrecer más funciones

Hace unos meses dedicamos esta sección a los dispone de ello (o es de inferior calidad). nivel en alta potencia: es el amplificador en sí, y amplificadores de válvulas (si se lo perdieron, También muchos amplificadores ofrecen cuando es independiente se le llama ‘etapa’ de les recomiendo recuperar SCHERZO número 339 controles para retocar ligeramente el sonido, potencia. De hecho, cuando se necesita mucha de abril de 2018). En aquel entonces nos pareció que utilizados juiciosamente son bienvenidos. potencia o se quieren separar al máximo los llamativo que esta tecnología, ya centenaria, Por ejemplo, el control de balance permite componentes para minimizar interferencias, siga estando muy viva entre los aficionados recuperar el equilibrio entre canales si nuestra las etapas de potencia no contienen dos —y profesionales— del sonido o la alta sala nos obliga a tener las cajas en una amplificadores (para los canales derecho e fidelidad, y nos centramos en sus aspectos más colocación asimétrica respecto del punto de izquierdo del estéreo) sino uno solo. En ese destacados. Como hablábamos de escucha. Otro ejemplo son los controles de caso reciben el nombre de ‘etapas monaurales’ amplificadores, también vimos someramente tono: de graves para reducir su peso si las cajas y tendríamos en el equipo un previo y dos qué tipos encontramos en el mercado y qué son demasiado generosas con las frecuencias etapas, una por canal. funcionalidades ofrecen. Pero, centrados en la bajas, y de agudos si las cajas son un poco magia de las válvulas y también sus chillonas y alguna grabación también tiene ese Más funciones particularidades, no entramos a fondo en el perfil y queremos moderarlo. Otro control tema más general de los amplificadores. Vamos bastante habitual, el loudness, lo que hace es La evolución digital ha hecho que los a verlo en este número, y nos centraremos en ajustar (al alza) graves y agudos cuando amplificadores hayan tomado últimamente un modelos que no usan válvulas sino el escuchamos a bajo volumen, compensando así nuevo papel, siendo una fuente en sí mismos. componente más habitual y eficiente, aunque que nuestro oído es menos sensible a esas En realidad, esto se inventó hace muchas puede ser igualmente musical: los transistores.

De la fuente a las cajas Los amplificadores actuales pueden ir más lejos de solamente “amplificar”. Son también fuentes y un elemento clave del equipo En cualquier sistema tenemos de un lado las ‘fuentes’ de sonido y del otro las cajas que convierten las señales eléctricas en movimiento frecuencias en ese caso. Un control menos décadas, cuando los amplificadores tenían en del aire y música. Las fuentes, y hemos visto ya habitual permite pasar de modo estéreo a su misma caja una radio. Se les llama la mayoría de posibilidades en estas páginas, ‘mono’, útil con grabaciones antiguas. receptores en vez de amplificadores para hacer pueden ser analógicas puras (un tocadiscos o notar que disponen de esa función (radio). La una radio-sintonizador) o digitales (un lector Integrado o separado diferencia es que ahora los receptores además de discos compactos o un reproductor en red), de tener (en algún caso) radio FM interna, lo pero todas ofrecen una señal de muy poca Lo vimos con los amplificadores de que tienen son funciones digitales: conexión a potencia eléctrica. Ninguna ofrece más que una válvulas, pero es algo general: al hablar de internet para poder recibir radio por esa vía, pequeña fracción de vatio, cuando las cajas amplificador solemos referirnos a los aparatos música compartida en la red doméstica, acústicas suelen necesitar decenas de vatios integrados, es decir, que incluyen en una sola incluso recepción Bluetooth para enviarles para ofrecer un sonido de buen volumen. caja las dos funciones básicas. De un lado, música desde el móvil. Para eso están los amplificadores: les llega como hemos visto, la selección de fuentes y Como pueden recibir señales digitales, la señal de baja potencia de las fuentes, y la volumen (y otras posibles funciones extra); de disponen de circuitos internos de conversión amplifican para ‘atacar’ como es debido a los otro, la amplificación en sí de las señales desde digital-analógica, a los que es normal que se altavoces. Además de esa, que es su función el reducido nivel de las fuentes hasta la pueda acceder a través de algunas entradas elemental, los amplificadores también sirven potencia que exigen los altavoces. extra. Estos amplificadores modernos tienen como punto de concentración y control: Pero hay otra posibilidad, que es disponer pues entradas analógicas tradicionales junto a cuando tenemos (muy normal) varias fuentes de esas dos funciones por separado: de un lado, algunas digitales (eléctricas u ópticas) para (plato, CD, etc.) todas se conectan a él y desde su la unidad de control, a la que se llama admitir señales de CD, Blu-ray, o el propio control elegimos qué queremos escuchar. preamplificador o ‘previo’. Esta recibe las televisor. Una familia especializada de este tipo Además, también permite elegir a qué volumen señales de las fuentes, dispone de un selector de amplificadores (o receptores) digitales son queremos escucharlo: es precisamente ese el para elegir cuál escuchamos, tiene control de los dedicados a los sistemas de cine en casa, que mando normalmente más grande o destacado volumen, y puede tener también funciones además de lo nombrado tienen entradas y de cualquier amplificador, el control de extra. Incluso es normal que tenga una sección salidas de vídeo (hoy día simplificadas gracias volumen. para amplificar las señales procedentes del al HDMI), circuitos que procesan los tipos de Además de estas funciones básicas, un tocadiscos, de menor nivel aún. sonido multicanal (Dolby, DTS, etcétera), y amplificador puede ofrecer algunas extras que Por otro lado, tendremos la parte que se etapas de potencia internas para más de dos pueden ser muy prácticas: una salida para dedica a amplificar la señal (que le llegará del canales (de cinco a siete lo más habitual). Pero auriculares, por ejemplo, si la fuente no previo), es decir que convierte señales de bajo ésa es otra historia. ¶

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> SIGLO XXI SONIDO

Amplificadores accesibles

A partir de precios asequibles podemos para sonar bien, y no todos los amplificadores británico Cyrus One (875 o 1.250 euros la encontrar amplificadores capaces de ofrecer un económicos están a la altura. Un buen punto versión HD con DAC interno) es un buen buen sonido, pero además que puedan ‘mover’ inicial puede ser el Marantz PM6006 (569 ejemplo de amplificador aún razonable de cajas difíciles. Curiosamente, muchos altavoces euros) pero muy musical y muscular es el excelentes prestaciones. de gama económica necesitan buena potencia británico Rega Brio (799 euros). El también

Marantz PM6006 Rega Brio Cyrus One

Amplificadores para exigentes

Podemos escalar en precio sin perder de vista más exclusivo Marantz PM-10 (8.399 euros). un futuro clásico, con tecnología tradicional que un aparato así es una auténtica inversión, A medio camino podemos tener el Yamaha (transistor en clase A pura). En contraste, el pues puede durar décadas funcionando sin A-S3000 (4.799 euros) con sus clásicos francés Devialet 220 Pro (7.990 euros) usa problemas. El Denon PMA-2500NE (2.499 vúmetros de aguja. Uno de los mejores tecnología digital propia para resultados euros) es la última versión de un clásico top de amplificadores que hemos escuchado es el sobresalientes también. la marca, y otro tanto podemos decir del aún Esoteric F-03A (14.690 euros), posiblemente

Denon PMA-2500NE Marantz PM-10 Yamaha A-S3000

Esoteric F-03A Devialet 220 Pro

Conjuntos separados de ‘previo’ y ‘etapa de potencia’

Cuando se separan las funciones de previo y etapa el coste aumenta lógicamente (dos cajas en lugar de una, con sus alimentaciones y conexiones). Pero eso no significa que no haya opciones económicas ‘separadas’ interesantes: el mismo Parasound Zpre3 (699 euros) es un previo pequeño pero versátil y muy capaz. Saltamos al Electrocompaniet Electrocompaniet EC 4.8 (3.750 euros) de EC 4.8 y AW-400 nórdico minimalismo, pero gran Parasound Zpre3 y Model 275 musicalidad. Y sabemos que no hay techo, pero el Yamaha C-5000 (6.999 euros) ya es una buena muestra del siguiente paso en previos. En cuanto a etapas, lo mismo: desde la esbelta Parasound Model 275 (949 euros) a unas bestiales Electrocompaniet AW-400 (10.660 euros la pareja), o la Yamaha M-5000

(6.999 euros) ‘pareja’ del previo citado. Yamaha C-5000 y M-5000

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músicas sumergidas Juan Manuel Viana a

Vítezslava Kaprálová

El prodigioso talento musical de Vítezslava británico de la Sinfonietta, Kaprálová —quien, sin sombra de duda, estaba con su autora al frente de la llamada a ser una de las voces más poderosas Sinfónica de la BBC, de la música checa del pasado siglo— afloró provoca el entusiasmo. En muy pronto. Hija de Václav Kaprál, compositor su reseña para Musical (alumno de Janácek), profesor y pianista Opinion, Havergal Brian la (discípulo de Cortot), y de la cantante Viktorie califica como “una obra de escritura orquestal Kaprálová, de líneas melódicas angulosas y Uhlirova, a los nueve años compone sus asombrosa”. Y la Little girl conductor —así la armonías a menudo disonantes, sería primeras piezas pianísticas, En el reino de los definen los periódicos ingleses— se convierte, impensable sin el influjo de Martinu, que habla mitos y Guerra, y a los quince ingresa en el según la revista Time, en la estrella del de ‘nuestros’ Ricercari, que compone para ella Conservatorio de Brno, su ciudad natal, para concierto inaugural. —a la manera de Janácek respecto a Kamila en estudiar composición, dirección coral y Con poco más de 20 años, y pese a que el Cuarteto “Cartas íntimas”— su apasionado dirección de orquesta con Chalavala. aún no ha dado por concluida su formación Cuarteto de cuerda nº 5, que le dedica sus Durante sus años de formación en la musical, Kaprálová afianza ya su propia voz, Bergerettes, que ve en Vitka (su diminutivo capital morava (1930-1935) se suceden los inscrita en ese modernismo checo que desde familiar) a esa Julietta deseada, a medio camino primeros hitos de su carrera. Canciones como hace unos años ejemplifica Martinu, más entre el sueño y la realidad. Enero, para soprano, piano, flauta, dos violines receptivo y atento —vía Janácek— a sus raíces Pero los acontecimientos políticos se y violonchelo, sobre texto del surrealista folclóricas, a la lección rítmica aprendida de precipitan. En marzo de 1939 las tropas de Vítezslav Nezval, o las contenidas en los ciclos Bartók y Stravinsky y a la ‘línea clara’ de la Hitler invaden la joven república checa. En la Chispas de cenizas y Manzana en el regazo, escuela francesa posdebussysta que a la partitura del Concertino para violín, clarinete y inspirado en los versos de Jaroslav Seifert, atonalidad preconizada por la trinidad vienesa. orquesta la compositora expresa su desconsuelo revelan su temprana sensibilidad poética. La Sonata appassionata y la Suite en miniatura para orquesta de cámara se suman a un incipiente catálogo que culminará su obra de graduación Con poco más de 20 años Kaprálová afianza ya su propia voz, inscrita en ese en el Conservatorio: el Concierto para piano en Re modernismo checo que desde hace unos años ejemplifica Martinu menor, estrenado por la Orquesta de la Radio de Brno con la compositora al frente y otro relevante discípulo de Janácek, Ludvík Kundera, padre del futuro autor de Los Y es que el músico de Policka será con una cita del Libro de Job (30,26): “Esperaba el testamentos traicionados, como solista. Es trascendental en la vida futura de Kaprálová. bien y vino el mal, aguardaba la luz y he aquí la también entonces cuando Kaprálová descubre Establecido en París desde 1923, Martinu era un oscuridad”. En junio escribe a sus padres que la música de Martinu al escuchar a Rudolf viejo amigo de su familia cuando en abril de ella y Martinu planean vivir juntos, pero el Firkusny su Concierto para piano nº 2. 1937, con ocasión de un viaje a Praga para compositor no se decide a romper con su En 1935 ingresa en el Conservatorio de preparar con Talich el estreno de Julietta, el esposa. Descartada la huida a Estados Unidos, Praga para estudiar composición con Novák y maduro maestro y su joven admiradora son Kaprálová contrae matrimonio el 23 de abril de dirección con Talich. Junto con la galardonada presentados oficialmente. Pese a que les 1940 con uno de sus jóvenes amigos de París, el Passacaglia grotesca, los encantadores Preludios de separan 25 años, la atracción mutua es escritor Jirí Mucha, hijo del célebre ilustrador abril, dedicados a Firkusny, y el formidable inmediata. En Martinu, un musicien à l’éveil des moravo, que un año antes proporcionaba a Cuarteto de cuerda que el Cuarteto Moravo sources (Actes Sud, 1990), Guy Erismann afirma Martinu el texto de su Misa militar. A primeros estrena en Brno, Kaprálová concluye en febrero que “el amor que alimentaba por la hija de su de mayo se evidencian los primeros síntomas de 1937 la obra que, de la noche a la mañana, colega Kaprál le exaltaba y le distraía de una de una enfermedad terminal de naturaleza dará a conocer su nombre más allá de las vida conyugal sin relieve y que se deshacía desconocida. Kaprálová es evacuada a un fronteras de su país. La Sinfonietta militar, lentamente”. hospital de Montpellier donde muere el 16 de estrenada en Praga por la Filarmónica Checa En octubre de 1937 Kaprálová se traslada a junio. Dos días antes los alemanes entraban en bajo su batuta en noviembre de ese año y que le París para estudiar con Charles Munch en la París. En su última canción, Carta (1940), valdrá el premio de la fundación Bedrich École Normale y recibir los consejos de escuchamos: “Dijiste no. Bueno… El destino Smetana, es elegida para inaugurar el 17 de Martinu en materia compositiva. El separó nuestros pasos. Lo lamenté. Pero eres junio de 1938 la decimosexta edición del acercamiento profesional y personal entre feliz y veo que no te herí. Y no juzgo quién es Festival de la Sociedad Internacional de Música ambos tendrá consecuencias decisivas para su culpable y quién pierde más”. ¶ Contemporánea (SIMC) en Londres. El estreno música: la Partita para piano y cuerdas de

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e el horizonte quimérico> SIGLO XXI Martín Llade

El mensaje equivocado

Entreabrió los párpados y una luz, que se sin necesidad de haber sido articulada - “¿Su…mundo? ¿Y cuál es su mundo…?”. hubiese dicho partículas de polvo cósmico, previamente por un sistema fonador, y Y a medida que empezó a percibir la inundó sus globos oculares. Acertó a distinguir penetrara en su mente hasta retumbarle con impaciencia de su interrogador sintió que su ante él una figura flanqueada por otras cuatro inquietante suavidad en los tímpanos. Los serenidad iba diluyéndose. tan idénticas a ella que por unos instantes evocó escasos movimientos que realizaba tenían - “Ese mensaje que usted ha llamado las simetrías rebeldes de un laberinto de espejos lugar también en sus acompañantes al mismo Neptuno. Es una llamada de auxilio. Una en una feria. Pero dudaba mucho que ahora se tiempo. Acaso no fuera un ser, sino un ente invocación de la más sagrada ley del socorro encontrase en una. De hecho, era incapaz de repartido en cinco cuerpos distintos. interplanetario. Usted nos llamó y aquí recordar cuál era el último lugar en el que había - “La señal nos llamaba poderosamente la estamos. Díganos qué necesita la tierra de estado antes y cómo llegó a acabar sujeto por atención. Retumbó en las ondas magnéticas nosotros”. unos correajes livianos, como hechos de luces del universo el año de esa gran guerra que Ya no pudo más. Quería abalanzarse hacia cálidas, a una especie de diván de una materia hubo en el planeta tierra”, explicó el ser. “Pero ellos y arrancarles las caretas de los rostros y aterciopelada. Incluso hasta había olvidado nosotros no teníamos constancia de la reírse en sus narices. quién era. Ellos se lo recordaron: existencia de planetas con vida inteligente más - “Es que me están tomando el pelo?”, gritó - “Señor Holst”, dijo la figura que ocupaba allá de la constelación que aquí llaman de al fin. el puesto central. Sus ojos eran redondos y de Orión. Nuestros observadores dieron con la Y no le gustó nada el dolor de tímpanos una tonalidad amarillenta, con el iris oblicuo, ubicación de esa señal y se quedaron que le produjo la vibración de aquel mensaje un poco a la manera de gatos cuando atisban asombrados al percibir un lenguaje inteligible saltando de una mente a otra: una presa. Dedujo que pudo ser un efecto para nosotros y lo que en él se decía. Así que - “¿Le parece que hayamos recorrido el visual debido a la escasa luz que había en emprendimos el viaje para dar con la fuente universo durante cinco años terrestres para aquella estancia de la que no le era posible emisora de la señal. Usted”. venir a ‘tomarles el pelo’?”, contestó. distinguir más que unos vagos paneles metálicos, amén de un techo repleto de pequeñas luces que no dejaban de titilar. No murió en aquel instante, pero la fisura en el cráneo casi vació su cerebro de ideas. - “Para servirle a usted”, musitó. Si no estaba Tardó semanas en volver a recordar quién era y nervioso, su cuerpo desde luego que lo estaba. - “Lamentamos haber tenido que traerle en cuando se animó a intentar componer de nuevo le fue imposible estas circunstancias”, prosiguió el individuo. Le pareció que su piel era de un tono grisáceo. Su cabeza era completamente calva y de un Era una broma. Tenía que serlo. Estaba Ahora ya sabía dónde estaba. Dirigiendo volumen un tanto desproporcionado respecto tratando de adivinar en el techo algún relieve un concierto en el Royal Albert Hall. Se al cuerpo. Vestía una suerte de guardapolvos que indicase que no se trataba sino de algún encontró de repente suspendido en el vacío y corto de color ceniza. pub con las paredes recubiertas de papel cayó sobre el patio de butacas. Si lo habían traído de algún sitio, eso a lo satinado. Pronto sus amigos aparecerían de No murió en aquel instante, pero la fisura mejor significaba que él no habia venido motu entre las sombras gritando algo así como en el cráneo casi vació su cerebro de ideas. proprio. Y cuando dedujo que acaso le habían “¡sorpresa!”. Y todos se reirían. Incluso él. Tardó semanas en volver a recordar quién era y drogado y que por eso sus sentidos, incluyendo - “Vamos a ver… —trató de seguir el cuando se animó a intentar componer de el del temor, estaban aletargados sintió juego—, ¿de qué me están hablando?”. nuevo le fue imposible. Lo habían devuelto desentumecerse un escalofrío en su espina El ser giró la cabeza y por primera vez abruptamente a su mundo acaso llevándose dorsal. miró a los suyos. ¿Era aquello una mueca de consigo aquello que le hacía ser Gustav Holst y - “¿Qué quieren de mí?”, se atrevió a contrariedad? Sintió resonar ahora en sus sin lo cual no fue hasta el final de sus días sino preguntar al fin. oídos aquella voz sin timbre con más un tipo corriente que un día escribiera, por - “Eso es lo que nosotros queríamos contundencia. pura chiripa, un mensaje equivocado bajo el preguntarle a usted”, replicó. - “¿Pues qué va a ser? Ese modo de título Los planetas. ¶ Apreció que su boca no se movía al hablar. expresión al que han llamado música pero que Era como si su voz surgiera de aquel cuerpo, no es sino el idioma de nuestro mundo”.

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danza > CLASICISMO Silvia Pérez Arroyo q

Madrid en danza, marcosGpunto más que un festival internacional Christian MartinChristian en SER .

No es noticia que Bruce Springsteen arrase con rompen con lo convencional y recorren un representados. Porque lo están, y con su nuevo espectáculo, pero sí lo es el formato abanico que va desde la danza académica más propuestas de primer nivel, como la de Kukai que ha adoptado: él solo, en acústico y en un ortodoxa hasta las propuestas contemporáneas Dantza, que con su espectáculo Oskara ganó el pequeño teatro de Broadway donde el artista más vanguardistas. Dos ejemplos de lo año pasado tres Premios Max por su mezcla de mezcla sus grandes éxitos con un monólogo primero: la gala de ballet homenaje a Marius danza tradicional vasca y movimientos confesional en el que habla de su vida y su Petipa con motivo del segundo centenario de contemporáneos. Los canadienses del Ballet forma de entender el mundo y la música. ¿Por su nacimiento. El maestro y coreógrafo más British Columbia que dirige Emily Molnar han qué hablar de Bruce Springsteen en esta página? importante de la historia de la danza ha sido presentado una triple propuesta, tan audaz Porque, entre los recuerdos que comparte con el recordado a través de la presencia de primeros como inquietante, con maravillosas músicas de público, recientemente dijo esto: “Mi madre era joven en plena II Guerra Mundial. Bailaba mucho. Bailar era necesario Madrid en Danza es un festival cada vez más consolidado, para sobrevivir. Ahora la visito en la residencia, cada vez más internacional y, sobre todo, cada vez más interesante por la variedad de y, aunque casi no habla, le pongo música y ella mueve las manos. Baila. Mi madre sigue propuestas que rompen con lo convencional y recorren un amplio abanico bailando para sobrevivir”. Me gusta imaginarme a Springsteen hablando de danza. No como divertimento u artistas de las dos compañías de ballet más Haendel, Brahms, Mozart y Bellini. Y no se ha opción cultural, sino como una necesidad vital, importantes de Rusia: el Bolshoi de Moscú y el quedado atrás Hervé Koubi y sus Noches la misma que ha ayudado a su madre a lo largo Mariinski de San Petersburgo. Ver a semejantes bárbaras o The Great Gatsby Ballet. Lo de su vida. Y la misma que ha llevado al bailarín artistas bailando extractos de El lago de los cisnes, contemporáneo, por lo tanto, está y de forma y creador Christian Martín a poner en pie su La bella durmiente, El cascanueces, Don Quijote, rotunda. Y lo mismo con la danza española y el primer espectáculo. Se llama SER y con él se Paquita o La bayadera es todo un lujo. flamenco, gracias a nombres señeros como cierró la 33 edición del Festival Internacional Segundo ejemplo: la primera visita a Joaquín Grilo y Eduardo Guerrero, este último, Madrid en Danza. Este joven artista, curtido nuestro país del Ballet Nacional de China, que un bailaor de zapateado poderoso y técnica con José Granero, Teresa Nieto, Manuel Liñán y trajo bajo el brazo una de sus creaciones más portentosa, fue uno de los encargados de Daniel Doña, tiene claro que “no es flamenco, legendarias: El destacamento rojo de mujeres. inaugurar el festival con el espectáculo Faro, un no es contemporáneo, no es clásico. SER es un Basada en una heroica leyenda de la década de homenaje a esos lugares solitarios, guardianes espectáculo libre de etiquetas”, y explica la 1930, la pieza recoge el perseverante espíritu de incansables de los marineros. inspiración del proyecto: “Lo que me motivó la revolución de las mujeres chinas. Esta Imposible hacer un repaso a este Festival para hacer SER es el tema de los apegos y el compañía fue fundada en 1959 por el sin dejarse cosas en el tintero, pero el espacio se dolor que nos producen. Yo sentía mucho coreógrafo ruso Pyotr Gusev y actualmente acaba y hay una cifra que se duplica en la cita apego por mi madre y a raíz de su muerte, está considerada una de las diez mejores del de esta edición: 200. Por un lado, son los años cuando pasó el duelo, surgió este espectáculo”. mundo, con un repertorio que no se limita a del nacimiento de Petipa. Por el otro, el Un joven bailarín y coreógrafo se abre paso en espectáculos basados en la cultura oriental, consabido bicentenario de la inauguración del el mundo de la danza recordando a su madre sino que también ha producido montajes Museo del Prado, evento que Aída Gómez no en un pequeño teatro de Madrid. Lo mismo occidentales de renombre, como los clásicos ha querido pasar por alto, llevando la danza a que ha hecho, a 6.000 kilómetros de distancia, anteriormente citados. la gran pinacoteca con un variado grupo de un gigante del rock. Atrás quedan los años en que este festival artistas y una pincelada muy escogida de la Christian Martín ha puesto el broche a las se asociaba en gran medida a la danza danza española: una versión para tres tres semanas de Madrid en Danza, un festival contemporánea, un estereotipo que ha roto bailarinas del intermedio de Goyescas, de cada vez más consolidado, cada vez más con éxito Aída Gómez, su directora desde hace Enrique Granados. ¶ internacional y, sobre todo, cada vez más tres años. Eso sí, esta ruptura no significa que interesante por la variedad de propuestas que el resto de estilos de danza no se vean

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¢ educación Joan-Albert Serra

La calidad de la educación musical superior

MusiQuE es el primer organismo especializado en la mejora de la calidad de la educación musical superior en Europa

¿Cómo se puede evaluar el nivel de calidad de Enhancement) en el 2014, en la enseñanza que ofrece un centro, escuela o colaboración con EMU (European conservatorio superior y de qué manera Music School Union) y PEARLE podemos impulsar su mejora? (Performing Arts Employers Associations Estas preguntas son relevantes para League Europe). MusiQuE es un distintos stakeholders: los alumnos que estudian organismo independiente de en los centros y los que aspiran a hacerlo; las evaluación externo a nivel europeo administraciones públicas que los financian; que tiene como objetivo ayudar a las los ciudadanos que contribuyen con sus instituciones de educación musical impuestos; los patrocinadores y mecenas; y los superior a mejorar su calidad y sectores cultural, educativo y de la industria de contribuir al incremento de la la música a los que se incorporan los calidad de la educación musical graduados. Es responsabilidad de las superior en Europa y más allá. autoridades educativas y de los propios centros MusiQuE funciona de acuerdo velar por que se ofrezca una formación de la con los estándares y las pautas del máxima calidad y que esté de acuerdo con su ESG y está inscrito en el Registro misión, visión y objetivos; para lo cual son Europeo de Aseguramiento de la necesarios unos criterios claros y Calidad (EQAR). Una de sus transparentes. Además, en un mundo cada vez características diferenciales es que más globalizado y con una creciente movilidad se centra específicamente en la de los profesionales de la música, estos música. Los procesos de revisión de criterios deben ser compartidos instituciones o programas se llevan internacionalmente. a cabo cubriendo todos aquellos Una de las consecuencias positivas del aspectos que tienen transcendencia Proceso de Bolonia ha sido la creación de los en la calidad educativa a través de Standards and Guidelines for Quality Assurance - una serie de estándares que sirven ESG (Criterios y directrices para el aseguramiento de de guía, agrupados en las siguientes Calidad) en el Espacio Europeo de Educación Superior áreas: 1) Misión institucional, visión - EEES), que fueron aprobados en 2005 y y contexto. 2) Procesos educativos: programas, conocimientos y experiencia. Se trata por lo actualizados en 2015. Estos criterios se aplican evaluación e internacionalización. 3) Perfil de tanto de una colaboración entre ‘colegas’ que a todos los estudios superiores que se imparten los estudiantes: admisión, progreso y conocen bien las características, exigencias y necesidades del medio, y pueden aportar una mirada externa que pueda ayudar al centro. Se trata de una colaboración entre ‘colegas’ que conocen bien las características del MusiQuE ha realizado revisiones en medio y pueden aportar una mirada externa que pueda ayudar al centro numerosas instituciones europeas, también en España donde se han llevado a cabo junto con las agencias de calidad autonómicas. Su en los países del EEES, pero no siempre es fácil empleabilidad. creciente prestigio ha llevado a centros fuera de su adaptación a las especificidades de la 4) Profesorado: cualificación, actividad Europa a solicitar sus servicios. Recientemente educación musical. Muchos conservatorios o profesional y composición del cuerpo docente. he tenido la oportunidad de formar parte del escuelas superiores se encuentran con que los 5) Instalaciones, recursos financieros y Review Team que ha llevado a cabo la revisión propios organismos nacionales o autonómicos personal de apoyo. 6) Comunicación, del Grado de Música del College of Music de la que velan por la calidad en la enseñanza organización y toma de decisiones. 7) Cultura Mahidol University en Bangkok, Tailandia. universitaria no terminan de entender la interna de calidad. 8) Contextos culturales, Todo ello demuestra que el sector de la naturaleza de sus centros y las características artísticos y educativos, interacción con el educación musical superior en Europa es capaz de las enseñanzas que imparten. sector profesional e información pública. de tomar la iniciativa y dar una respuesta Los equipos humanos internacionales que adecuada a los retos que tiene planteados. Music Quality Enhancement llevan a cabo las revisiones están formados por Esperemos que el camino iniciado sirva de profesionales de reconocido prestigio de la acicate para que los conservatorios y escuelas Para dar respuesta a este reto, la educación musical superior (peer-reviewers) y su superiores de música den un salto de calidad y Asociación Europea de Conservatorios (AEC), composición se determina de acuerdo con la las administraciones lo reconozcan y apoyen. ¶ continuando una labor iniciada en el 2008, naturaleza de la institución o el programa a impulsó la creación de MusiQuE (Music Quality revisar, para ofrecer un abanico adecuado de

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¢g l aeducación guía > CLASICISMO Joan Albert Serra

La guía de Scherzo

ORCAM (Orquesta de la Teatro de la Maestranza Comunidad de Madrid) Paseo de Cristóbal Colón, 22. 41001 Sevilla. Teléfono 954223344. www.orcam.org www.teatrodelamaestranza.es

Lunes 21 de enero de 2019, 19:30h Del 9 al 12 de enero 19 de enero Audirtorio Nacional. Sala Sinfónica. BALLET NACIONAL CHECO VERONICA CANGEMI Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid Director artístico: Filip Barankiewicz CARLOS MENA Víctor Pablo Pérez, director La Bayadère ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Concertino-director, Andoni Mercero LAS NUEVE SINFONÍAS DE BEETHOVEN (I) Dirección musical: Václav Zahradník Un bello rayo de esperanza. Obras de A. H. Berlioz: Trista, Op. 18 Vivaldi y G. F. Haendel L. van Beethoven: Sinfonía nº 1, Op. 21. Sinfonía Con el patrocinio de Teknoservice nº 2, Op. 36

Teatro Real Información y venta: Taquilla 902 24 48 48. www.teatro-real.com

Ópera sinfónico según el texto de Stéphane Piano: Leyre Lisarri. Violonchelo: Marta García. Mallarmé). Coréografo: Jerome Robbins Diseño y creación de proyecciones: Voilà DAS RHEINGOLD Escenógrafo e iluminador: Jean Rosenthal. Producciones. Figurines: Gabriela Salaverri. Prólogo en cuatro escenas del festival escénico Figurinista: Irene Sharaff Diseño de luces: Rosalía Alves. Escenografía: Der Ring des Nibelungen. Música y libreto de SONATINE Cristina Martín. Dramaturgia: Sara Pérez. Richard Wagner (1813-1883) Música de Maurice Ravel (1875-1937). Enero: 19, 20, 26, 27. 12.00 y 17.00h. Estrenada en el Königlichen Hof- und Coreógrafo: George Balanchine Sala Gayarre. Nationaltheater de Múnich, el 22 de septiembre A SUITE OF DANCES de 1869. Estrenada en el Teatro Real el 2 de Música de Johann Sebastian Bach (1685-1750) ¡Todos a la Gayarre! Talleres marzo de 1910.Producción de la Oper Köln. (Preludio y giga de la Suite para violonchelo nº1 familiares Orquesta Titular del Teatro Real. en Sol mayor, BWV 1007; Sarabande de la Suite Dirección musical: Pablo Heras-Casado. para violonchelo nº 5 en do menor, BWV 1011; IV AVENTURA BAJO EL AGUA. Dirección de escena: Robert Carsen. preludio de la Suite para violonchelo nº 6 en Re El nibelungo Alberico fabrica un anillo mágico Escenografía y figurines: Patrick Kinmonth. mayor, BWV 1012).Coreógrafo: Jerome con el oro de las ninfas. (Actividad paralela a Iluminación: Manfred Voss. Robbins. Figurinista: Santo Loquasto. Das Rheingold). Arpa: Camille Levecque Iluminadora: Jennifer Tipton 13 de Enero. 12.00 h y 17.00 h. Wotan: Greer Grimsley. Donner: Raimund 3 GNOSSIENNES Sala Gayarre. Nolte. Froh: David Butt Philip. Loge: Joseph Música de Erik Satie (1866-1925).(Gnossiennes Kaiser. Fasolt: Ain Anger. Fafner: Alexander nº 1, 2, 3). Coreógrafo: Hans van FLAMENCO REAL Tsymbalyuk. Alberich: Samuel Youn. Mime: Manen.Figurinistas: Joop Stokvis y Hans van Mikeldi Atxalandabaso. Fricka: Sarah Manen.Iluminador: Jan Hofstra LAS PEQUEñAS COSAS Connolly. Freia: Sophie Bevan. Erda: Ronnita RUBIS La gran bailaora Úrsula López, acompañada de Miller. Woglinde: Isabella Gaudí. Wellgunde: Música de Ígor Stravinsky (1882- la guitarra de Javier Patino y la voz de Jeromo Maria Miró. Flosshilde: Claudia Huckle. 1971).(Capriccio para piano y orquesta). Segura, mostrará su baile más puro buscando Enero: 17,19, 22, 25, 27, 30. 20:00 y Coreógrafo: George Balanchine. Escenógrafo y esas “pequeñas cosas” que nos tocan el alma. 18.00h domingos. Febrero: 1. 20:00 h. figurinista: Christian Lacroix. Iluminadora: 16 de Enero. 20.30h. Salón de baile. Sala principal. Jennifer Tipton Enero: 21, 23, 24 a las 20.00h. y 26 a las LAS MINAS FLAMENCO TOUR Danza 17.00 y 21.30h. Sala Principal Un recorrido por el flamenco con las tres disciplinas más importantes de este arte: el BALLET DE L’OPÉRA NATIONAL DE PARIS REAL JUNIOR; Funciones familiares cante, la guitarra y el baile. El cante y la guitarra Director musical: Maxime Pascal. Orquesta de Ricardo Fernández del Moral, y el baile de la Titular del Teatro Real. PULCINELLA mano de Karime Amaya, como artista invitada. Pulcinella, espectáculo de danza con música de Cante y palmas: Rocío Díaz. Guitarrista: El Tati. AFTERNOON OF A FAUN Stravinsky, Caccini, Vivaldi y Pergolesi. Palmas y baile: José Jurado Música de Claude Debussy (1862-1918) Reposición del Teatro Real. A partir de 4 años 30 de Enero. 20.30h. Salón de baile (Prélude à l’après-midi d’un faune, poema Coreografía y dirección: Fernando Lázaro.

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¢ sonido > SIGLO XXI Juan J. Pérez LAGUÍA

CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical) c/ Príncipe de Vergara, 146. Teléfono: 91 337 02 34 / 40. www.cndm.mcu.es Localidades Auditorio Nacional / Teatro de la Zarzuela: taquillas, teatros del INAEM, 902 22 49 49 y www.entradasinaem.es

Ciclo SERIES 20/21 Ciclo LICEO DE CÁMARA XXI Ciclo UNIVERSO BARROCO MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. REINA SOFÍA. Auditorio 400 Sala de Cámara. Sala Sinfónica. Domingo, 27. 19:00h Lunes, 14. 19:30h. Entrada libre BALTHASAR-NEUMANN-CHOR & DRUMMING GRUPO DE PERCUSSÃO Jueves, 17. 19:30h ENSEMBLE. THOMAS HENGELBROCK, Obras de S. Reich, L. Tinoco y J. Rueda LOUISIANA BOATHOUSE ENSEMBLE director . Katja Stuber, soprano. Marion ANDREAS HAEFLIGER, piano Eckstein, contralto. Jan Petryka, tenor. Reinhard Ciclo BACH VERMUT Obras de M-A. Turnage, E. W. Korngold y E. Mayr, bajo . W.A. Mozart: Requiem en re menor AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. Elgar Sala Sinfónica. XXV Ciclo de LIED Sábado, 19. 12:30h Martes, 22. 19:30h TEATRO DE LA ZARZUELA WAYNE MARSHALL, órgano LEILA JOSEFOWICZ, violín Lunes, 28. 20:00h Obras de W. Marshall, A. Ager, J. Roger- JOHN NOVACEK, piano ADRIANNE PIECZONKA, soprano Ducasse, F. Schmidt y H. Willan Obras de J. Sibelius, S. Prokófiev, O. Knussen, WOLFRAM RIEGER, piano G. Mahler y B. A. Zimmermann F. Schubert: Winterreise

contrapunto u Haendel en Londres (continuación)

Viene de la página 112 su estilo en The Beggar’s Opera, que obtuvo gigantescas conmemoraciones póstumas con sesenta y dos representaciones consecutivas, su música (seguro que no muy diferentes de gays, y que sus cien cantatas de cámara eran frente las diez de Haendel. mis Mesías participativos). una referencia codificada a sus placeres. Harris Haendel, no hace falta decirlo, se recuperó. Poco después del Mesías, Haendel sufrió un escribe: “Una lectura homosexual de Acis and Si el público aristocrático carecía de la derrame cerebral. Escribió Samson, mostrando Galatea no sólo es posible, sino muy probable”. voluntad para mantener una temporada de al héroe después de quedarse ciego, y Bueno, todo es posible, pero no existe ninguna ópera, ofrecería a las clases medias urbanas un respondió a la derrota de la última rebelión evidencia de que Haendel se liase con nadie, concepto completamente nuevo de escocesa con Judas Maccabaeus, que celebra una ambos sexos incluidos. Parece más creíble que entretenimiento: oratorios bíblicos, cantados victoria judía sobre las pretensiones helénicas. invirtiera todas sus energías sexuales en una en inglés y con partituras tan dramáticas como Jane Glover no tiene nada que decir sobre el agenda de trabajo frenética, emergiendo de ello cualquier ópera. Comenzó con Esther, situando abundante filosemitismo de Haendel. Un algo así como un Julio César asexuado. a una heroína judía en el centro de la escena trabajo reciente de David Hunter muestra Su oronda figura delata una propensión a como nunca antes. “Ya su primer aria, Breathe escepticismo acerca de la importancia de los la glotonería y hay historias que cuentan que soft, ye gales, mostraba las nuevas riquezas de su contactos entre Haendel y los judíos. A pesar Haendel no se levantaba de la mesa hasta que escritura orquestal, al incluir dos flautas, de ello, algunos judíos londinenses afirman que no había devorado la ración de cuatro hombres. además de oboes, fagotes, y una verdadera Haendel tomó el famoso See the conq’ring hero Pero es más probable que su enorme apetito batería de instrumentos para el continuo”, comes de la liturgia Hannukah. tuviese su origen en una afección maníaco- escribe Jane Glover. Por si fuera poco, Haendel Al enterarse de la muerte de Johann depresiva, diagnosticada de manera produjo sus cuatro himnos para la coronación Sebastian Bach y previendo la suya propia, convincente por la psicóloga de Washington del rey Jorge II, y el nuevo formato despegó. Haendel donó los derechos del Mesías al Kay Redfield Jamison. Un contemporáneo, Siguió con Deborah, Athalia, Saul e Israel en Foundling Hospital, y gastó sus últimas Charles Burney, dejó esta descripción de su Egipto, dirigidos a una audiencia de energías en conciertos de caridad y buenas bipolaridad: “El aspecto general de Haendel era inconformistas y judíos que conocían bien su acciones, hasta su muerte en abril de 1759. un tanto pesado y agrio; pero cuando sonreía, Antiguo Testamento y a quienes encantaba El retrato de Haendel que nos brinda este era su padre, el sol, saliendo de una negra nube”. verlo cobrar vida en la escena londinense. libro es el de un músico adicto al trabajo y Jane Glover se mantiene alejada de estas El Mesías se estrenó en Dublín el 3 de abril poseedor de un genio para la invención y un controversias para centrarse en los aspectos de 1742, pero fue en Londres donde al parecer el genuino deseo de mejorar la condición prácticos de la puesta en escena de varias rey se puso de pie en el Aleluya, estableciendo humana. Felicitado al término de un Mesías con óperas nuevas cada temporada y en el desastre una tradición sagrada. Arrojando un pequeño el cumplido de que había “entretenido que se produjo cuando un presuntuoso vaso de agua fría, Glover señala que “no existe poderosamente” a su público, Haendel italiano, Giovanni Bononcini, fue traído a absolutamente ninguna prueba de que Jorge II respondió: “Señor mío, lamentaría mucho si Londres por los rivales de Haendel, dividiendo asistiese a ninguna de las tres funciones”. Lo solo les hubiese entretenido; mi deseo es a su público y llevando al compositor a una cual es bastante triste, ya que los mejorarlos”. El bien, no la gloria, era su meta. situación de cuasi insolvencia. No menor fue hannoverianos amaban realmente a Haendel, su desesperación cuando John Gay ridiculizó hasta el punto de que Jorge III ordenaría Norman Lebrecht

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contrapunto > CLASICISMO Norman Lebrecht u

Haendel en Londres Haendel, retratado por Balthasar Denner. (National Portrait Gallery, Londres) Gallery, Portrait (National por Balthasar Denner. retratado Haendel,

Hace algunos años solía ir yo por Pascua al concertista y, no lo digan muy alto, con una sirviente, sino un contratista independiente que Royal Albert Hall para cantar en un Mesías duquesa veneciana. Ninguno de estos rumores se alquilaba a teatros y más tarde financiaría participativo. Los cinco mil que nos ha sido nunca corroborado. sus propios espectáculos. Hay razones de peso juntábamos en el auditorio éramos Tan inquieto como capaz, Haendel dejó para afirmar que Haendel fue el primer aficionados: director de orquesta, solistas, Hannover y regresó a Halle para visitar a su músico-empresario de la Historia. Antes de orquesta y coros mixtos. Todos a una. Algunos madre antes de recordar una invitación para ir cada temporada reclutaba cantantes en Italia y de los músicos estaban tan entusiasmados que a Londres, por entonces la mayor metrópolis músicos locales, dirigiendo representaciones habían construído sus propios instrumentos del mundo. A las pocas semanas de su llegada, desde el clave y con el ojo siempre puesto en la para la ocasión. No todos los cantantes eran en 1710, fue presentado a la reina Ana y taquilla. Cada noche, al terminar el capaces de leer una partitura o de mantener la contratado para componer y estrenar Rinaldo espectáculo, acudía con sus ganancias al Banco afinación. El ruido que hacíamos en el Aleluya en Haymarket. Ópera acerca del sitio de de Inglaterra, que mantenía abierta una podía escucharse en medio Hyde Park. Jerusalén, Rinaldo fue compuesta haciendo ventanilla hasta tarde para recibir los ingresos Aquellos cantos masivos eran sumamente buen acopio de trabajos anteriores, una de Mr. Haendel. O así dice la historia. placenteros y magníficamente iluminadores. práctica que Haendel adoptó no tanto por Dos acontecimientos perturbaron su Demostraban que Georg Friedrich Haendel no pereza o falta de ideas como por pura carrera. La rebelión jacobita de 1715 desafió la había perdido nada de su atractivo popular y necesidad. Tuvo tan solo dos semanas para legitimidad hannoveriana y cerró los teatros seguía perteneciendo al corazón de Londres, la ciudad donde habitó —y a veces dominó— durante dos tercios de su vida. El libro de Jane Glover examina cómo un músico alemán de fuertes convicciones El nuevo libro de Jane Glover, titulado y temperamento impredecible logró capturar los ritmos de una capital mundial Haendel en Londres, examina cómo un músico alemán de fuertes convicciones y temperamento impredecible logró capturar los escribir la ópera y, por si fuera poco, se le hasta que la insurrección fue sofocada por el ritmos de una capital mundial. Existen muchos recordó que tenía que producir una cantata antepasado de Winston Churchill, el duque de libros sobre Haendel que coinciden unos con para el cumpleaños de la reina. La ópera, que Marlborough. Y el desplome de la South Sea otros en asuntos como su originalidad, su obtuvo una primera tanda de quince Company en 1720 pinchó la falsa burbuja de religiosidad, sus hábitos alimentarios y su representaciones, sería la fuente de ingresos prosperidad de Londres, menguando las sexualidad. El mérito de esta narración estriba más regular de su vida. fortunas de los amigos de Haendel en Chandos. en que ignora todas esas voces para centrarse Tras una segunda estancia en Hannover, A partir de entonces tendría que avanzar o caer en la mecánica y el contexto sobre los que Haendel emigró en 1712 a Londres. Residió recurriendo tan solo a su talento. Haendel concibió y realizó una música de primero en la propiedad de un rico hombre de Escribió ópera tras ópera: Teseo, Silla, las imperecedera belleza. Glover ha dirigido más negocios en Surrey y, luego, como huésped del muy exitosas Radamisto, Floridante, Ottone, de cien Mesías; algo sabrá de ello. duque de Chandos, para quien compuso los Flavio, cuarenta y dos en total. En 1724 alcanzó Nacido en 1685 en la protestante Halle, célebres Chandos Anthems y la ópera Acis and la perfección con Giulio Cesare, cantada, como ciudad con muchos órganos pero poca chispa, Galatea. Pero apenas su uso del inglés había todas las buenas óperas, en italiano y con un Haendel la abandonó a los 17 años para superado el nivel de lo funcional, la reina castrato de agudo registro, Senesino, en el papel escuchar la música que Georg Philipp murió, siendo sucedida por el elector de titular. Pausemos un instante para considerar Telemann estaba inventando en Hamburgo. Hannover, el patrón nominal de Haendel. las implicaciones de representar al gobernante Luego se fue al sur para mejorar sus La cosa se tornó complicada, aunque no tan imperial como un eunuco —es curioso, al conocimientos de la ópera italiana. Tras un complicada como la historia ampliamente parecer nadie en su época se percató de ello— duelo musical en Roma con los Scarlatti, padre aceptada de que Haendel tuvo que componer la antes de pasar rápidamente a la cuestión de la e hijo, y un triunfo en Venecia con Agrippina, su Música acuática y tocarla en una barcaza junto al sexualidad de Haendel. primera ópera, llamó la atención de la familia rey para recuperar el favor real. Jane Glover Durante la última década, una cierta gobernante de Hannover y se le ofreció un señala que, una semana después de su llegada a musicología de orientación gay ha reivindicado trabajo en la corte, algo que en aquellos Inglaterra, el rey Jorge I mandó que se a Haendel como homosexual practicante. El tiempos serviles significaba un trabajo de por interpretase un Te Deum de Haendel en la año pasado, una profesora del MIT, Ellen T. vida. Bronceado y bien parecido, además de un Capilla Real, suavizando las relaciones entre la Harris, argumentó en un libro titulado Handel tigre al clavicémbalo, Haendel desató corte y el compositor. as Orpheus que muchos de sus amigos eran habladurías en el norte de Alemania por una La diferencia respecto de su vida anterior

supuesta relación sexual con la esposa de un fue que en Londres Haendel ya no era un Continúa en la página 111

112 SCHERZO CICLO GRANDES INTÉRPRETES 24 TEMPORADA | AUDITORIO NACIONAL MADRID 2019

Los mejores pianistas del mundo

08.01 VOLODOS 11.02 POLLINI 04.03 SOKOLOV 26.03 QUEFFÉLEC 11.04 PERIANES 07.05 COLOM 29.10 BUNIATIASHVILI 12.11 RANA 26.11 ARGERICH

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LICEU.CAT – 902 787 397 #MADAMALICEU