DOCSLIB.ORG

5 Wat Is De Aanleiding Tot Deze Scriptie?

Total Page：16

File Type：pdf, Size：1020Kb

Download full-text PDF Read full-text
5 Wat Is De Aanleiding Tot Deze Scriptie? Inhoudsopgave Inspireren door kopieëren 1 Inleiding pagina 4 – 5 Wat is de aanleiding tot deze scriptie? 2 Inspiratie pagina 4 – 5 Wat bedoelen we nu precies met inspiratie? 3 Inspiratie door de jaren heen pagina 4 – 5 Is inspiratie iets van alle tijden en is daar iets aan veranderd? 4 Recht op kunst pagina 4 – 5 Mag je dan gewoon ander werk kopieëren? 5 Inspireren of kopieëren pagina 4 – 5 Waar ligt die grens van kopieëren? 6 Apropriation Art pagina 4 – 5 Gekopieëerde kunst? Bronvermelding pagina 4 - 5 Bijlagen pagina 4 – 5 1 Bijlage titel 1 Inleiding Wat is de aanleiding tot deze scriptie? Ik wil het gaan hebben over inspiratie. Deze scriptie is geschreven voor het voortgezet onderwijs. We gaan kijken wat inspiratie nu eigenlijk betekend en hoe heeft zich dit door de jaren heen ontwikkeld. Zijn er nieuwe technieken ontwikkeld die hier invloed op hebben gehad? 2 Inspiratie Wat bedoelen we nu precies met inspiratie? Veel mensen hebben als ze terug komen van vakantie, veel nieuwe dingen gezien en de tijd gehad om rustig na te denken. Ze komen vol inspiratie weer thuis. Maar wat is dat nou, inspiratie? Je hebt van die woorden waar iedereen iets anders onder verstaat en daar is ‘inspiratie’ er een van. Als ik hier zelf een antwoord op zou moeten geven dan zou dat zijn: De gedachten die vooraf gaan om te komen tot een goed idee. In het woordenboek staat hierover: de inspiratie zelfst.naamw. (v.) Uitspraak: [ɪnspiˈra(t)si] Verbuigingen: inspiratie|s (meerv.) Toestand dat je creatief nadenkt en weet hoe je iets goed moet doen `op een kookcursus nieuwe culinaire inspiratie opdoen`, Voorbeelden: `Zonder inspiratie wordt het niks met je werk.` Synoniem: bezieling http://www.woorden.org/index.php?woord=inspiratie Inspiratie gaat van binnen uit en komt naar buiten. Een inspiratiebron wordt vaak gezien als een object, gebeurtenis of persoon waar je inspiratie uit kunt putten als kunstenaar. Er zijn veel mensen die geïnspireerd worden door het zien van een uitgestrekt landschap. Maar ook een gebeurtenis als de Tweede Wereldoorlog kan een inspiratiebron zijn. Kunstenaars kunnen ook elkaars inspiratiebron zijn. Alles kan je inspiratie geven. Er zijn dus ook veel mogelijkheden om aan inspiratie te komen. De meest gebruikte zijn: - De natuur, de Schepping - Het leven of de dood - De liefde - De seizoenen - Sociale of maatschappelijke problemen - Gedichten of andere literatuur - De geschiedenis (bijvoorbeeld: de Tweede Wereldoorlog) - Andere kunststromingen http://www.woorden.org/index.php?woord=inspiratie http://nl.wikipedia.org/wiki/Inspiratiebron 3 Inspiratie door de jaren heen Is inspiratie iets van alle tijden en is daar iets aan veranderd? Inspiratie is van alle tijden, elke kunstenaar heeft immers inspiratie nodig en je kunt het overal vandaan halen. De moderne technologie maakt meer mogelijk maar is absoluut geen must om inspiratie te krijgen. De oude Grieken beschouwde de inspiratiebron als zijnde goddelijk van aard, gesymboliseerd door de Muzen. De negen muzen — Clio, Thaleia, Erato, Euterpe, Polyhymnia, Calliope, Terpsichore, Urania, Melpomene — op een Romeinse sarcofaag uit de 2e eeuw Uit de Griekse mythologie kennen we de negen muzen met de godinnen van kunst en wetenschap. Dit stelde de inspiratie voor. Om aan inspiratie te komen, riepen kunstenaars vaak een muze aan voor ze met hun kunstwerk begonnen. Dit zijn de namen van deze muzen en waar ze voor staan: Clio De muze van de geschiedschrijving Erato De muze van de hymne, het lied en de lyriek Euterpe De muze van het fluitspel Kalliope De muze van het heroïsch epos, de filosofie en de retorica Melpomene De muze van de tragedie Polyhymnia De muze van de retoriek en de gewijde liederen Terpsichore De muze van de dans en de lyrische poëzie Thaleia De muze van de komedie Urania De muze van de sterrenkunde Niet zo vreemd dus dat nu het woord ‘muze’ ook wel in de plaats van het woord ‘inspiratiebron’ wordt gebruikt. Zo kan bijvoorbeeld Salvador Dali je muze zijn. http://nl.wikipedia.org/wiki/Muzen Voor de Renaissance ging men er nog van uit dat inspiratie van boven kwam, het goddelijke. Dus niet vanuit de kunstenaar zelf. Een nieuwe generatie van rijke mensen ontstond door de opbloeiende economie. Creativiteit, de natuur en het individu werden belangrijk. Net als de filosofische ideeën uit de klassieke oudheid. De anatomie van de mens en het dier werden nu bestudeerd. Er was tijd om te genieten van het leven, de ontwikkeling van de mens kreeg aandacht en de hemel werd bestudeerd. De kunstenaar werd niet meer gezien als ambachtsman maar als individu. In de middeleeuwen was de ambachtsman in dienst van God en de kunst werd gezien als algemeen goed. De kunstenaar was van ondergeschikt belang. In de Renaissance werden voor het eerst werken door de kunstenaar gesigneerd. Vanaf nu werden ze gezien als geleerden, daardoor stonden zij niet meer gelijk aan handwerklieden. http://kunst-en-cultuur.infonu.nl 4 Recht op kunst Mag je dan gewoon ander werk kopieëren? Auteursrecht is niet iets wat je speciaal aan moet vragen. Je hoeft er zelfs helemaal niets extra’s voor te doen. Op ieder origineel werk kan auteursrecht berusten. Het hoeft niet perse gemaakt te zijn door een kunstenaar, het kan ook een schets zijn in de kladblok van een student. Je zou het nog eens extra duidelijk kunnen maken door een C van copyright met een rondje er omheen, erbij te kunnen plaatsen. Hier achter zet je dan je naam en de datum. Het is meer dat je er mee laat zien dat je belang hecht aan de auteursrechten. Het kan zijn dat de auteur een financiële vergoeding wil voor het gebruik van zijn werk maar het kan ook zijn dat hij er geen geld maar iets anders voor terug wil. Dat kun je dan terug vinden in een licentie. Het kan bijvoorbeeld zijn dat hij wil dat zijn naam genoemd wordt en dat hij dan graag zijn werk beschikbaar stelt. Maar hoe bewijs je nu dat jij eerder was met dat werk? We hebben in Nederland geen register waarin auteursrechten worden vastgelegd. Om je bewijspositie te versterken kun je een exemplaar van het werk of eventueel een foto hiervan, in een dichtgeplakte envallope naar jezelf sturen. Zorg er voor dat er een datumstempel op de sluiting staat en dat je de envalop ongeopend laat. Eventueel kun je het ook nog verturen naar je notaris en hem daar in bewaring laten. Dit brengt dan natuurlijk wel kosten met zich mee. Er zijn ook bedrijven die dit soort mogelijkheden aanbieden. Mocht je in een rechtzaak belanden dan kan de envalop geopend worden door een rechter of notaris om uw standpunt te versterken. De andere partij zal in dat geval met tegenbewijs moeten komen. Schending van de auteurswet http://www.auteursrecht.nl/auteursrecht/152821/ http://www.auteursrecht.nl Plagiaat Als je echt letterlijk het werk van een ander overneemt zonder de bronvermelding er bij te zetten. Dan pleeg je plagiaat. Dit gaat niet altijd samen met het schenden van de auteursrecht maar in de meeste gevallen is dit wel zo. Vroeger was dit niet zo’n probleem. Doordat je een schilderij met de hand moest naschilderen werd het toch wel anders. De Grieken en Romeinen kreeg je bewondering als je een groots voorganger kon imiteren (imitatio). Als je het ook nog eens voor elkaar kreeg om het beter te maken dan het origineel dan kon je deze overtreffen (aemulatio). En dan is er nog een groep kunstenaars die gewoon naschilderde zonder te willen overtreffen (translatio) http://nl.wikipedia.org/wiki/Plagiaat Imitatio translatio aemulatio Kopiëren is nu van alle dag omdat de apparatuur het zo makkelijk maakt. De computer heeft nieuwe technieken met zich meegebracht. Internet maakt het mogelijk dat het via Facebook razendsnel de wereld over wordt verspreid. Vroeger was kopiëren niet zo aan de orde. Je moest het immers toch met de hand natekenen of schilderen en dat wordt toch nooit exact hetzelfde. Vroeger werd er veel nageschilderd om zo de kneepjes van het vak te leren. En om te proberen om het nog beter te doen dan je voorganger, de drang om te overtreffen. Leren door te imiteren, imitatio translatio aemulatio. Het lijkt er op dat kopieëren en het verspreiden hiervan, in de toekomst steeds makkelijker zal gaan. De ontwikkeling hierin is nu al enorm snel gegaan. Ik ben dan ook erg benieuwd hoe dat in de toekomst zich verder zal ontwikkelen. 5 Inspireren of kopieëren Waar ligt die grens van kopieëren? Moet je origineel en vernieuwend zijn? Is niet alles al eens gedaan? Moet je het wiel uit vinden om origineel te zijn? Bij deze vraag denk je al snel aan uitvinders, maar hoe zit dat met kunstenaars? Zijn zij origineel of lenen kunstenaars ook wel eens wat van hun voorgangers? Of te wel, het terug grijpen in de kunst. De bron als media. Wat zegt het woordenboek hier over? Woordenboek: ori·gi·neel (bijvoeglijk naamwoord, bijwoord) 1 oorspronkelijk, onvervalst 2 uit iem. zelf voortkomend, niet van iem. anders afgekeken 3 met originele ideeën enz.: een originele kerel Enkele voorbeelden uit de kunsteschiedenis van twee totaal andere kunstenaars. Namelijk Picasso en Warhol. Picasso Schilderijen van andere schilders werden door Picasso ontleed zodat hij er zelf een verbeterde versie van kon maken. Dit probeerde hij uit met schilders uit het heden en verleden. Hij zei dat hij het gevoel had dat die oorspronkelijke schilder dan over zijn schouder mee kijkt als hij aan het werk is. Hij liet zich inspireren door het classicisme van de Grieken en Romeinen tot Ingres. Picasso had een brede smaak waardoor hij veel inspiratie uit verschillende stromingen kon putten. Zo had hij bijvoorbeeld ook veel bewondering voor de Romantiek en Delacroix.
Load more

Recommended publications
  • Articulos/Articles Arte De Apropiación
    Páginas de Filosofía, Año XVI, Nº 19 (enero-julio 2015), 80-95 Departamento de Filosofía, Universidad Nacional del Comahue ISSN: 0327-5108; e-ISSN: 1853-7960 http://revele.uncoma.edu.ar/htdoc/revele/index.php/filosofia/index ARTICULOS/ARTICLES ARTE DE APROPIACIÓN. RECONSIDERACIONES ALREDEDOR DEL PROBLEMA DE LOS INDISCERNIBLES EN DANTO APPROPRIATION ART: A REASSESSMENT OF DANTO'SAPPROACH TO THE PROBLEM OF INDISCERNIBLE COUNTERPARTS Gemma Argüello Manresa Universidad Autónoma Metropolitana-Lerma Resumen: En este trabajo se desarrollan los argumentos que Arthur Danto elaboró en torno al significado metafórico y el estilo con el objetivo de mostrar si es posible que su modelo permita comprender nuevas formas de Arte de Apropiación. Éstas engloban las prácticas recientes en las que los artistas hacen réplicas más o menos exactas de otras obras que han sido importantes en la historia del arte. Palabras clave: Arte de Apropiación, metáfora, estilo. Abstract: In this paper Arthur Danto’s arguments about metaphorical meaning and style are analyzed in order to show whether it is possible that his model works for understanding new ways of Appropriation Art. These are recent artistic practices in which artists make more or less accurate copies of other artworks that have been important in Art History. Keywords: Appropriation art, Metaphor, Style. Sobre el Arte de Apropiación y sus distintas formas En este trabajo me voy a concentrar en la forma en que Arthur Danto podría enfrentar ciertas prácticas contemporáneas de Arte de Apropiación, las cuales han pasado muchas veces desapercibidas por sus críticos, y que, de hecho, también serían ejemplos idóneos para abordar el problema de los indiscernibles en el arte, más que las obras de Warhol 81 ARTE DE APROPIACIÓN a las que Danto les tuvo tanta estima.
    [Show full text]
  • HARD FACTS and SOFT SPECULATION Thierry De Duve
    THE STORY OF FOUNTAIN: HARD FACTS AND SOFT SPECULATION Thierry de Duve ABSTRACT Thierry de Duve’s essay is anchored to the one and perhaps only hard fact that we possess regarding the story of Fountain: its photo in The Blind Man No. 2, triply captioned “Fountain by R. Mutt,” “Photograph by Alfred Stieglitz,” and “THE EXHIBIT REFUSED BY THE INDEPENDENTS,” and the editorial on the facing page, titled “The Richard Mutt Case.” He examines what kind of agency is involved in that triple “by,” and revisits Duchamp’s intentions and motivations when he created the fictitious R. Mutt, manipulated Stieglitz, and set a trap to the Independents. De Duve concludes with an invitation to art historians to abandon the “by” questions (attribution, etc.) and to focus on the “from” questions that arise when Fountain is not seen as a work of art so much as the bearer of the news that the art world has radically changed. KEYWORDS, Readymade, Fountain, Independents, Stieglitz, Sanitary pottery Then the smell of wet glue! Mentally I was not spelling art with a capital A. — Beatrice Wood1 No doubt, Marcel Duchamp’s best known and most controversial readymade is a men’s urinal tipped on its side, signed R. Mutt, dated 1917, and titled Fountain. The 2017 centennial of Fountain brought us a harvest of new books and articles on the famous or infamous urinal. I read most of them in the hope of gleaning enough newly verified facts to curtail my natural tendency to speculate. But newly verified facts are few and far between.
    [Show full text]
  • Sampling Real Life: Creative Appropriation in Public Spaces
    Sampling Real Life: Creative Appropriation in Public Spaces Elsa M. Lankford Electronic Media & Film (EMF) Towson University [email protected] I. Introduction Enter an art museum or a library and you will find numerous examples of appropriation, all or most of which were most likely legal at the time. From the birth of copyright and the idea that an author, encompassed as a writer, artist, composer, or musician, is the creator of a completely original work, our legal and moral perceptions of appropriation have changed. Merriam-Webster defines appropriation in multiple ways, two of which apply to the discussion of art and appropriation. The first, “to take exclusive possession of” and the second “to take or make use of without authority or right.”1 The battle over rights and appropriation is not one that is only fought in the courtroom and gallery, it also concerns our own lives. Many aspects of our lives involve appropriation, from pagan holidays appropriated into the Christian calendar to the music we listen to, even to the words we speak or write appropriated from other countries and cultures. As artists, appropriation in many forms makes its way into works of any media. The topic of appropriation leads to a discussion of where our creative ideas come from. They, in some sense, have been appropriated as well. Whether we overhear a snippet of a conversation that ends up woven into a creative work or we take a picture of somebody, unknowingly, as they walk down a tree-shadowed street, we are appropriating life. For centuries, artists have been inspired by public life, and the stories and images of others have been appropriated into their work.
    [Show full text]
  • PIER 34 Something Possible Everywhere Something Possible
    NYC 1983–84 NYC PIER 34 Something Possible Everywhere Something Possible PIER 34 Something Possible Everywhere NYC 1983–84 PIER 34 Something Possible Everywhere NYC 1983–84 Jane Bauman PIER 34 Mike Bidlo Something Possible Everywhere Paolo Buggiani NYC 1983–84 Keith Davis Steve Doughton John Fekner David Finn Jean Foos Luis Frangella Valeriy Gerlovin Judy Glantzman Peter Hujar Alain Jacquet Kim Jones Rob Jones Stephen Lack September 30–November 20 Marisela La Grave Opening reception: September 29, 7–9pm Liz-N-Val Curated by Jonathan Weinberg Bill Mutter Featuring photographs by Andreas Sterzing Michael Ottersen Organized by the Hunter College Art Galleries Rick Prol Dirk Rowntree Russell Sharon Kiki Smith Huck Snyder 205 Hudson Street Andreas Sterzing New York, New York Betty Tompkins Hours: Wednesday–Sunday, 1–6pm Peter White David Wojnarowicz Teres Wylder Rhonda Zwillinger Andreas Sterzing, Pier 34 & Pier 32, View from Hudson River, 1983 FOREWORD This exhibition catalogue celebrates the moment, thirty-three This exhibition would not have been made possible without years ago, when a group of artists trespassed on a city-owned the generous support provided by Carol and Arthur Goldberg, Joan building on Pier 34 and turned it into an illicit museum and and Charles Lazarus, Dorothy Lichtenstein, and an anonymous incubator for new art. It is particularly fitting that the 205 donor. Furthermore, we could not have realized the show without Hudson Gallery hosts this show given its proximity to where the the collaboration of its many generous lenders: Allan Bealy and terminal building once stood, just four blocks from 205 Hudson Sheila Keenan of Benzene Magazine; Hal Bromm Gallery and Hal Street.
    [Show full text]
  • The Autonomous Artwork’
    Towards a Justifiable Conception of ‘the Autonomous Artwork’ in Today’s Artworld Filosofisk institutt, Universitet i Bergen Hovedfagsoppgave Arlyne Moi Våren 2005 i ACKNOWLEDGEMENTS I would like to thank Lars Fr. H. Svendsen, Deirdre C. P. Smith, Kjetil Skjerve, Thomas E. Payne, Vibeke Tellmann, Anders Reiersgaard and Christer Swartz for reading portions of earlier drafts of this paper, and for commenting on aspects of them. Also thanks to Hanne Beate Ueland of Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Oslo, for making available to me many of the artworks discussed here. In the time of writing, the work of writing can never be concluded: the work remains unfinished and unfinishable, as if beginning and beginning again in an eternal return of a present that endures without a future and from which there is no exit. (Maurice Blanchot, The Step Not Beyond) Stamp out, and eradicate, superfluous redundancy. (Thomas E. Payne) ii CONTENTS ACKNOWLEDGEMENTS ii CONTENTS iii PROLOGUE v 1. INTRODUCTION 1 The autonomous artwork is a controversial issue 1; The autonomous artwork is a confused issue 4; Problemstilling and thesis statement 6; overview of chapters 6 2. BACKGROUND AND ROOTS OF ‘THE AUTONOMOUS ARTWORK’ 8 Nomos 8; Auto: The self 9; Autonomous combined with artwork-self 10 3. KANT AND THE BUILDING BLOCKS OF AUTONOMY 11 The four moments, the artist genius and the aesthetic idea 12; What are the building-blocks of autonomy? 16 4. TOWARDS A CONCEPTUAL CLARIFICATION OF ‘THE AUTONOMOUS ARTWORK’ 18 SECTION I: CONCEPTIONS OF THE ‘AUTONOMOUS ARTWORK’ WITH WEAK ONTOLOGICAL COMMITMENTS 19 A. The work’s autonomous status as being related to the artist 19 B.
    [Show full text]
  • Curriculum Vitae, Paris-Venice-Budapest-Skopje, Author Project of E.D
    EVGENIJA DEMNIEVSKA [email protected] 1972 Finished the post-graduate studies at the Academy of Arts in Belgrade, SerBie 1973-76 Visited Japan, the Tokyo University of Arts - Tokyo GeiJutsu Daigaku as a fellow of the Japanese Government, MomBusho scholarship. 1976 Gained her Master's Degree at the Tokyo University of Arts - Tokyo GeiJutsu Daigaku Member of French artists society « La maison des artistes » since 1981 Active in painting, installations, video, interactive proJects, fax and Internet proJects with participation of artists and the spectators. AWARDS 1969 Painting award of the Academy of Fine Art, Belgrade 1981 Ransom award of the OctoBer Salon, Belgrade 1982 Painting award at the 23rd October Salon, Belgrade First prize for painting at the exhibition Belgrade Inspiration of Artists, Gallery of the Cultural Center, Belgrade 1983 Award for the portrait of Milena Pavlovic-Barili at the Biennial of Milena Pavlovic-Barili, Pozarevac Award of the Academy of Science and Art from ZagreB at the Triennial of Yugoslav Drawing, Sombor Award of the spectators at the Biennial of Yugoslav Art, New York 1986 Painting award at the Exhibition Ecka ‘85, Zrenjanin 1997 Internet project Evrinomin Gambit\Chaos in Action nominated as one of the three most original projects realized during the European Telework Week), Brussels, Belgium 2014 Digital work "Janus" was selected at the Call for projects of the Municipality of Montreuil, France. WORKS IN COLLECTIONS Museum of Contemporary Art, Belgrade National Museum, Belgrade Cit Museum of KraguJevac
    [Show full text]
  • The Persistence of Pollock
    THE PERSISTENCE OF POLLOCK 3 May – 28 July 2012 Bobbi Coller and Helen A. Harrison Co-Curators The Persistence of Pollock From our vantage point at the beginning of the twenty-first century, it’s hard to imagine the pictorial landscape before Pollock. There was, of course, Picasso, whose dazzling and protean presence Pollock admired and envied, but from whom he tried to differentiate himself. But when Pollock first started to exhibit his singular and revolutionary poured paintings, he caused an earthquake that shattered the syntax of visual language, destabilized fundamental expectations of how a painting should be made, and liberated future generations of artists. Something about Pollock transcends the confines of painting. His art and persona have inspired numerous creative responses in many forms: musical compositions, poems, novels, choreography, performance art, a superb film with Ed Harris, and a one-act play by his friend B.H. Friedman. His immediately identifiable poured-paint look has been easily adapted for everyday products, including textiles, wallpaper, and pottery. Pollock has become part of culture, a symbol, and a point of reference. After his death, Pollock’s widow, the artist Lee Krasner, tried to correct many inaccurate myths that grew up around him, but sometimes truth is less powerful than mythology. For artists, the idea of Pollock has become as open and multilayered as an abstract painting. This exhibition, “The Persistence of Pollock,” assembles thirteen works in a variety of media that reflect Pollock’s powerful impact and attest to his continuing relevance for contemporary artists. They represent each of the decades of the sixty years since Pollock’s death in 1956.
    [Show full text]
  • DAVID WOJNAROWICZ (1954–1992) B
    DAVID WOJNAROWICZ (1954–1992) b. 1954, Red Bank, NJ d. 1992, New York, NY SOLO EXHIBITIONS 2020 I is Someone Else, Morán Morán, Los Angeles CA David Wojnarowicz, Photography & Film, Morris and Helen Belkin Art Gallery, Vancouver, BC 2019 History Keeps Me Awake at Night, Museum Reina Sofia, Madrid David Wojnarowicz, Photography & Film, Kunst-Werke Institute for Contemporary Art, Berlin 2018 History Keeps Me Awake at Night, The Whitney Museum of American Art, New York, NY Soon All This Will be Picturesque Ruins: The Installations of David Wojnarowicz, P·P·O·W, New York, NY David Wojnarowicz: Video and Photography, KW Institute for Contemporary Art, Berlin, Germany. David Wojnarowicz: Flesh of My Flesh, Iceberg Projects, Chicago, IL 2016 Raging Through: The Art of David Wojnarowicz, Zimmerli Art Museum, Rutgers University, New Brunswick, NJ 2011 Spirituality, P·P·O·W, New York, NY 2009 David Wojnarowicz, Supportico Lopez, Berlin, Germany 2006 Rimbaud in New York, CABINET, London, England David Wojnarowicz, Between Bridges, London, England 2004 Out of Silence: Artworks with Original Text by David Wojnarowicz, P·P·O·W, New York, NY David Wojnarowicz: Rimbaud in New York, Roth Horowitz Gallery, New York, NY Close Up sur David Wojnarowicz, Forum des Halles Espace Rencontres, Paris, France 2001 Featured Works VI: David Wojnarowicz: The Elements, Fire and Water, Earth and Wind, Krannert Art Museum, University of Illinois, Urbana-Champaign, IL 1999 Fever: The Art of David Wojnarowicz, New Museum, New York, NY David Wojnarowicz: The Boys Go Off
    [Show full text]
  • After Picasso: 80 Contemporary Artists
    Wexner Center for the Arts School Programs Resources AFTER PICASSO: 80 CONTEMPORARY ARTISTS Exhibition Overview This fall, the Wexner Center for the Arts will present After Picasso: 80 Contemporary Artists, an expansive show tracing Pablo Picasso’s potent legacy and persistent impact on a variety of international artists across multiple generations. On view September 19 through December 27, 2015, the exhibition will feature more than 150 works from such artists as Art & Language, Walead Beshty, Marlene Dumas, Richard Hamilton, Rachel Harrison, Jasper Johns, Martin Kippenberger, Maria Lassnig, Louise Lawler, Roy Lichtenstein, Arnulf Rainer with Dieter Roth, Thomas Scheibitz, Andy Warhol, and Heimo Zobernig, among dozens of others. Wexner Center Director Sherri Geldin says, “This ambitious exhibition is a perfect complement and bookend to our own 25th Anniversary Season, inaugurated last fall with Transfigurations: Modern Masters from the Wexner Family Collection. That show included 19 masterworks by Picasso spanning his entire career, with stellar examples of his boundless imagination and talent. The depth and diversity of works in After Picasso demonstrates just how seismic (and reverberating) a force the modern master remains.” The exhibition, originally titled Picasso in Contemporary Art, was organized by the Deichtorhallen, a highly respected contemporary art institution in Hamburg on the occasion of its 25th anniversary and was curated by its general director, Dirk Luckow. Select American artists have been added to the Wexner Center presentation of the German- born exhibition. “Picasso’s art is so influential, because his work and his person cannot be divided from one another and this makes his work exemplary,” says Luckow.
    [Show full text]
  • Literature for the 21St Century Summer 2013 Coursebook
    Literature for the 21st Century Summer 2013 Coursebook PDF generated using the open source mwlib toolkit. See http://code.pediapress.com/ for more information. PDF generated at: Sun, 26 May 2013 16:12:52 UTC Contents Articles Postmodern literature 1 Alice Munro 14 Hilary Mantel 20 Wolf Hall 25 Bring Up the Bodies 28 Thomas Cromwell 30 Louise Erdrich 39 Dave Eggers 44 Bernardo Atxaga 50 Mo Yan 52 Life and Death Are Wearing Me Out 58 Postmodernism 59 Post-postmodernism 73 Magic realism 77 References Article Sources and Contributors 91 Image Sources, Licenses and Contributors 94 Article Licenses License 95 Postmodern literature 1 Postmodern literature Postmodern literature is literature characterized by heavy reliance on techniques like fragmentation, paradox, and questionable narrators, and is often (though not exclusively) defined as a style or trend which emerged in the post–World War II era. Postmodern works are seen as a reaction against Enlightenment thinking and Modernist approaches to literature.[1] Postmodern literature, like postmodernism as a whole, tends to resist definition or classification as a "movement". Indeed, the convergence of postmodern literature with various modes of critical theory, particularly reader-response and deconstructionist approaches, and the subversions of the implicit contract between author, text and reader by which its works are often characterised, have led to pre-modern fictions such as Cervantes' Don Quixote (1605,1615) and Laurence Sterne's eighteenth-century satire Tristram Shandy being retrospectively inducted into the fold.[2][3] While there is little consensus on the precise characteristics, scope, and importance of postmodern literature, as is often the case with artistic movements, postmodern literature is commonly defined in relation to a precursor.
    [Show full text]
  • Lot Description LOW Estimate HIGH Estimate 6000 Soviet Air Force
    LOW HIGH Lot Description Estimate Estimate Soviet Air Force dagger, having gilt accents on handle and sheath, decorated with a 6000 hammer and sickle, and airplanes, 13.5"l $ 400 - 600 Russian icon, depicting the Mother of God, 17th/18th century, having polychrome paint 6001 decoration, 11.5"h $ 3,000 - 5,000 6002 Russian icon, having a silver oklad, depicting Christ Pantocrator, 10"h x 9"w $ 600 - 900 6003 Russian icon, depicting Christ Pantocrator, having a brass oklad, 7"h x 6"w $ 250 - 450 6004 Russian icon, having a silver oklad, depicting the Mother of God, 9.5"h $ 500 - 700 (lot of 2) Russian wedding icons, depicting the Mother of God, and Christ Pantocrator, 9"h 6005 x 7"w $ 400 - 600 6006 Russian icon, having a silver oklad, depicting the Mother of God, 11.5"h x 10.5"w $ 600 - 900 6007 Russian icon, depicting the Mother of God, 8"h x 7.5"w $ 400 - 600 6008 Russian icon, having a brass oklad, depicting St. Nicholas, 7.5"h x 7"w $ 250 - 450 6009 Russian icon, having a silver oklad, depicting St. George slaying the dragon, 8"h x 7"w $ 500 - 700 (lot of 2) Russian traveling icons, one depicting St. George slaying the dragon, the other 6010 depicting Michael the Archangel, largest: 3"h x 2.5"w $ 300 - 500 6011 (lot of 3) Russian traveling icon group, two having silver oklads, one depicting St. George slaying the dragon, another depicting Christ Pantocrator, largest: 2"h $ 300 - 500 Russian traveling icon group, each having a silver oklad, one depicting St.
    [Show full text]
  • Newsweek Article
    Turkish Delight After so many decades of trying to become Western, Istanbul glories in the rediscovery of a very modern identity. European or not, it is one of the coolest cities in the world. By Owen Matthews and Rana Foroohar Newsweek International Aug. 29, 2005 issue - Spend a summer night strolling down Istanbul's Istiklal Caddesi, the pedestrian thoroughfare in the city's old Christian quarter of Beyoglu, and you'll hear something surprising. Amid the crowds of nocturnal revelers, a young Uzbek-looking girl plays haunting songs from Central Asia on an ancient Turkic flute called a saz. Nearby, bluesy Greek rembetiko blares from a CD store. Downhill toward the slums of Tarlabasi you hear the wild Balkan rhythms of a Gypsy wedding, while at 360, an ultratrendy rooftop restaurant, the sound is Sufi electronica— cutting-edge beats laced with dervish ritual. And then there are the clubs—Mojo, say, or Babylon—where the young and beautiful rise spontaneously from their tables to link arms and perform a complicated Black Sea line dance, the horon. The wonder is that each and every one of these styles is absolutely native to the city, which for much of its history was the capital of half the known world. The sounds of today's Istanbul convey something important. They're evidence of a cultural revival that's helping the city reclaim its heritage as a world-class crossroads. After decades of provincialism, decay and economic depression—not to mention the dreary nationalism mandated by a series of governments dominated by the military—Istanbul is re-emerging as one of Europe's great metropolises.
    [Show full text]