03·Revista de colección

MARZO DE 2012

8,50€ España · 13€ Francia 3 DanzaBallet 02 La Bayadère La Bayadère Palais Garnier, 1974 Palais Garnier, Palais Garnier, 1974 Palais Garnier, ©Pascal François / CNCS ©Pascal François / CNCS acte III, scène des Ombres acte III, scène des Ombres CNCS/Colección Ópera Nacional de Paris CNCS/Colección Ópera Nacional de Paris Costume de Martin Kamer pour Noëlla Pontois Costume de Martin Kamer pour Noëlla Costume de Martin Kamer pour Rudolf Noureev 2 DanzaBallet 02 Danza Ballet Revista de Colección

STAFF EDITORIAL

Director: Rubén Worcel [email protected] Editora: Carolina de Pedro Pascual [email protected] Secretaria de dirección: Luisa Abellan Barbe SUMARIO Nº 3 [email protected] Danza Ballet Revista de Colección COLABORADORES

Célida Villalón (New York) 06 Carta de la editora, por Carolina de Pedro Pascual Isis Wirth (Paris) Hemos de agradecer la ayuda que nos han prestado desde el 08 Nuestros trajes de portada, por Cruz Santamera Cerceda Iratxe de Arantzibia (Donostia-San Sebastián) principio y con total dedicación: Silvia Sánchez Ureña (Madrid) Clara Caffarena 10 La danza clásica en Estados Unidos, por Célida Villalón Pedro Calleja (Barcelona) Maribel Prades Olarte Cruz Santamera Cerceda (Madrid) María La Placa 20 Schiaparelli and Prada, por The Costume Institute of The Metropolitan Museum of Art Elena Santos (Madrid) Ángela Castaño Daniel Castro Alonso (Barcelona) Daniel Castro Alonso 24 Danser sa vie. Art et danse de 1900 à nos jours, por Centre Pompidou Pablo González Portela (Madrid) Cruz Santamera Cerceda 30 ARCOmadrid. El significado de Arco para un artista, por María La Placa María La Placa (Barcelona) Cristina Puebla Blasi Contacto de publicidad Anne-Laure Bucelle (Centre National 34 En el podio con Ígor Fiódorovich Stravinski, por Danza Ballet José María Seguido - 629 23 60 19 du Costume de Scène de Moulins) [email protected] Nancy Chilton (The Metropolitan Museum 36 Bournonville and Ballet Technique. Erik Bruhn and Lillian Moore, por Isis Wirth of Art of New York) Fotografía Camilla Høy-Jensen (The 42 The Royal Danish Ballet. Historia de una compañía, por The Royal Danish Ballet Material cedido o adquirido especialmente para la publicación y The Royal Danish Ballet School) Traducción Nina Loory (Benois De La Danse) 46 Cristóbal Balenciaga, maestro de maestros, por Iratxe de Arantzibia Ángela Castaño [email protected] Alexandre Kolesnikov (Teatro Bolshoi) 52 Dibujando a los Ballets Russes de Serguéi Diaghilev, por Daniel Castro Alonso Diseño y maquetación También nos dieron muestra de una gran amabilidad y nos Macgrafic ofrecieron generosa cooperación: 56 Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, por Pablo González Portela Le Centre Pompidou (París) Arte 62 Las zapatillas de puntas de Marie Taglioni, por Danza Ballet Paco Castilla Sáez www.macgrafic.com ARCOmadrid 2012 (Madrid) Cristóbal Balenciaga Museoa (Getaria) Imprenta 64 La influencia del ballet romántico en la moda femenina, por Cruz Santamera y Elena Santos GRAFICAS ARCO S.A. Cardedeu - Barcelona Centre National du Costume de Moulin (Moulins) Victoria and Albert Museum (Londres) 70 Experimentación moderna en el ballet de la Rusia de principios del s. xx, por Silvia Sánchez Ureña Distribución en tiendas de música, danza, CaixaForum Barcelona (Barcelona) librerias especializadas e instituciones: Danza Ballet The Royal Danish Ballet (Copenhague) 76 Yuri Nikolaievich Grigorovich, por Carolina de Pedro Pascual Suscripción: [email protected] (Nueva York) 80 Las zapatillas rojas. La apoteosis del film-ballet, por Pedro Calleja Depósito Legal: B-39552-2011 The Costume Institute of The Metropolitan Museum of Art (Nueva York) 88 Ellos han dicho, por Danza Ballet Mercedes-Benz Fashion Week Madrid (Madrid) Danza Ballet Revista de Colección 90 Danser sa vie: una bienvenida antología de textos sobre la danza, por Isis Wirth Cardedeu - Barcelona - España Nuestro agradecimiento a la señora Nina Loory y al señor Nº2 - Noviembre 2011 Alexandre Kolesnikov por su inestimable colaboración para 96 Maya Plisetskaya, el cisne, por Danza Ballet Revista fundada en 2011. la realización de la entrevista realizada en mayo de 2010 con ISSN 2014-525X el señor Yuri Grigorovich.

Schiaparelli and Prada: Impossible Conversations es mate- www.danzaballet.com rial exclusivo cedido por The Metropolitan Museum of Art (Nueva York). Prohibida su reproducción, edición o transmisión total o parcial por cualquier medio y en cualquier soporte sin la autorización escrita de su editora, aún citando la fuente. El conteni- do de Danza Ballet Revista de Colección esta bajo Copyright. Los trajes de portada y contraportada son gentileza exclu- Danza Ballet Revista de Colección respeta la opinión de sus colaboradores y los textos son siva del Centre National du Costume de Scène de Moulins. responsabilidad de quienes los firman. Palais Garnier, 1974. Pascal François / CNCS. 7 DanzaBallet 02 illalón; Kasian . ikolayevich Gri- Nikolayevich , autoridad suprema que suprema ballet master, autoridad ie, en donde la historia de la danza se ha chiaparelli y Miuccia Prada, leyendas que llegan a que leyendas Prada, y Miuccia Schiaparelli Elsa La Feria Interna- ambién ARCOmadrid nos abre sus puertas. Costume Institute of nosotros gracias a Iratxe de Arantzibia y el y abriremos Nueva York, The Metropolitan Museum of Art de la Cibeles Madrid Fashion las puertas a nuevos públicos, ya que Fashion (que ha pasado a denominarse Mercedes-Benz Week entre los Madrid) nos ha acreditado, seleccionándonos Week tras año su candidatura, cientos de medios que presentan año la moda de España. para asistir al gran acontecimiento de T arte más cional de Arte Contemporáneo es, sin duda, la feria de famosa de España. La afamada artista plástica y pintora María La Placa nos cuenta el por qué. megaex- En París, el Centre Pompidou ha hecho brillar una posición, Danser sa V revelado perfectamente diseccionada en épocas y estilos. Mi nos acerca su parte más intelectual con Danser querida Isis Wirth sa vie: una bienvenida antología de textos sobre la danza Estrenamos nueva sección, titulada «La historia de una compañía», en donde, número a número y de la mano de una de las compañías de ballet más importantes y representativas de la historia conoceremos su trayectoria y legado. Nuestro primer invitado es The Royal Danish Ballet, que muy gentilmente nos privilegio un otorgado ha nos y exclusivas imágenes cedido ha absoluto: una histórica fotografía de Erik Bruhn que ilustrará el . Bournonville and Ballet Technique magistral trabajo de Isis Wirth, Erik Bruhn and Lilian Moore. Y más, mucho más. Espero que disfrutéis y os dejéis sorprender por este número tan ruso como original. Carolina de Pedro Pascual Ratmansky es inteligente, versátil e intuitivo. Una especie de e intuitivo. es inteligente, versátil Ratmansky que convierte en de la coreografía, del supremo arte rey Midas por sus manos, ballets que pasan de arte todos los nuevas obras las distancias, los pasado (salvando también en un como ocurría nombrar en resultaría imposible puntos más que estilos y varios actual el con líneas) estas dirigió el Bolshoi desde 1964 hasta 1995. Me refiero aun artista otros: Yury por por unos y no tanto admirado gorovich. semanas de la entrega de los premios En mayo de 2010, a escasas es director artístico y Benois de la Danse, de cuyo proyecto a París me encontraba a punto de viajar presidente del jurado, En ese momento me de Rudolf Nureyev. para ver La Bayadère xcelen- a concederme una entrevista. E comunicaron que accedía pero en inglés, en Danza Ballet Web te noticia, que se publicó no en español. ¿Por qué? Sabía que debía esperar un momento exclusivo como este. George Balanchi- En esta edición también estarán presentes en La danza clásica en ne, quien marcaría un antes y un después Celida V Estados Unidos, de la mano de mi amiga Silvia Sánchez Ureña. Del Goleizovsky y Fyodor Lopukhov, de la de sobre Cristóbal Balen- mismo modo, contaremos con artículos ciaga, Shos- ew York York New Dmitri eatro Bolshoi de Moscú, eatro Bolshoi entimental de la historia y la y historia la de Sentimental . Más rusos que rusos Más Colección. de Revista Ballet Danza uevo número de número Nuevo nunca. el T 28 de octubre de 2011 El pasado una profunda al mundo tras 1776, abrió sus puertas fundado en que años, puesto que los expertos aseguraron renovación de seis el edificio corría riesgo de derrumbe, ya que se encontraba dete- riorado en un 70 %. de pa- semejante icono artístico, muestra Que se viniese abajo que imposible, pues resultaba impensable trimonio cultural, era y a una de sus mayores glorias artísticas algo pudiera sucederle de los tiempos, alma máter de la educación culturales de todos su país. Con una inversión cuyo coste oficial es de veintiún mil millones no moscovitas los euros), de millones quinientos (unos rublos de los medios a su alcance, escatimaron en gastos y pusieron todos del Bolshoi no se pues saben mejor que nadie que la grandeza historia y en su incompa- mide en cifras, sino en la riqueza de su rable prestigio. teatro que volvió a El resultado es un renovado y fastuoso donde de esplendor, brillar y lucir como en las mejores épocas a ascender al trono del el escudo de la dinastía Romanov vuelve de gala palco imperial. El acontecimiento, una verdadera velada a más de cien países. mundial, fue retransmitido en directo pareció un excelente tema Un suceso de semejante magnitud me la pasar dejar podía no de editora, pues carta mi comenzar para reestreno. oportunidad de comentar tan espectacular líneas que el que ha Nadie mejor para acompañarme en estas del nuevo Ballet sido la cara más representativa de la renovación Bolshoi, el coreógrafo Alexei Ratmansky. en San Petesburgo, Rat- Formado en el mismo teatro y nacido a la compañía un presente mansky fue el encargado de devolverle un modernismo inteligentemente compuesto por brillante renovado a través de su revitalizado repertorio. Director artístico del Ballet Bolshoi durante cinco años, bajo su obsesivo y oprimido del ballets olvidados los tutela takóvich vieron la luz, y la compañía de ballet del Bolshoi no ha cesado desde entonces de recibir premios y halagos. Actualmente el Dutch National sus ballets se aprecian en la Opera Garnier, Ballet, el Mariinsky Ballet, el National Ballet of Canada o el . ¡La lista es larga y brillante! El lo contrató como artista en residencia en el año 2009 (confieso que admiro la rapidez de los norteame- ricanos para explotar talentos). El anuncio de su nombramiento en septiembre de 2008 causó una emoción casi sin precedentes en el mundo del ballet. Da comienzo así una estela de grandes éxitos y largas colas en para las taquillas del Metropolitan Opera House de Nueva York asistir a las obras del ruso. Sus coreografías se forman entre otros y académico ballet del léxico el mezclan que fluidos cambios tipos de movimiento que hacen de la pieza una danza expresiva. y sorprendente mente infinita- gran música orquestal, se confiesa abierto admirador de la com- del bailarines los de ejecución la de y rítmica plejidad City Ballet (NYCB), creación de un compatriota suyo, . Carta de la editora de la Carta 29 Apr 2011, Russia --- ITAR-TASS: MOSCOW, RUSSIA. APRIL 22, 2011. MOSCOW, 29 Apr 2011, Russia --- ITAR-TASS: Choreographer Alexei Ratmansky at the Bolshoi Theatre. / Alexei Filippov). R-TASS (Photo ITA Photo/Corbis R-TASS Image by © Filippov Alexei/ITA Photo/Corbis R-TASS Crédito: © Filippov Alexei/ITA 9 DanzaBallet 02 La Bayadère (Acto de las Sombras) a guarnecido con bandas de terciopelo l cuerpo de terciopelo blanco y forrado, es muy estido o tutú. El cuerpo de terciopelo negro lujosamen- a guarnecido con bandas de terciopelo Cuerpo ajustado a la cintura, de manga larga y con escote redondo muy pronunciado. Confeccionado en terciopelo blanco y totalmente forrada. V pequeños y plata de lamé hilo en bordadas lujosamente negro cristales, dibujando motivos vegetales y geométricos de inspira- ción oriental. V en pico, verticales en el delantero, escote ceñido, con dos cortes mangas en forma de hombrera. La falda se tirantes y pequeñas tul para y se confecciona con varias capas de inicia en las caderas realizada centro el en abierta corta, sobrefalda con volumen darle y bandas de lame. en terciopelo blanco V cristales, dibujando te bordadas en hilo lamé plata y pequeños oriental. Las apli- motivos vegetales y geométricos de inspiración sobre los hombros, caciones se disponen de forma exquisita a modo de bordeando el pecho siguiendo la línea de los tirantes, corpiño y posándose, finalmente en la sobrefalda y el plato del tutu con sinuosas líneas de gran belleza. por Cruz Santamera Cerceda

La Bayadère (Acto de las Sombras) 1974 Ópera Nacional de Paris, Palais Garnier, Coreografía de Rudolf Nureyev según Marius Petipa Diseño de vestuario Martin Kamer Confeccionado por atelier de Denise Fougerolle en París CNCS/Colección Ópera Nacional de Paris Photos Pascal François / CNCS Indumentaria masculina de ballet para Rudolf Nureyev en el papel de Solor (3er acto del ballet La Bayadère, el Reino de las Sombras) La Bayadère (Acto de las Sombras) 1974 Garnier, Ópera Nacional de Paris, Palais Petipa Nureyev según Marius Coreografía de Rudolf Kamer Diseño de vestuario Martin París de Denise Fougerolle en Confeccionado por atelier CNCS/Colección Ópera Nacional de Paris Photos Pascal François / CNCS Indumentaria femenina de ballet para Noëlla Pontois en papel de Nikiya (3er acto del el ballet La Bayadère, el Reino de las Sombras) Nuestros trajes de portada Nuestros 8 DanzaBallet 02 02

11 DanzaBallet rust n este último, llegó acompañada de acompañada llegó último, En este Foto de Paul Kolnik, cortesía del NYCB. Sterling Hyltin y Gonzalo Garcia en Rubies de Sterling Hyltin y Gonzalo Garcia en Rubies T Coreografía de George Balanchine. © The George Balanchine Por esa época, los estadounidenses cayeron bajo el hechizo de la vienesa Fanny Elssler (1810-1884), una de las grandes lumina- rias de la era romántica. La Elssler visitaría América en 1841 y 1842; en su primer viaje llevaba de compañero al bailarín James Sylvain (†1856), y debido a los enormes éxitos obtenidos, alargó su estadía en Occidente por dos años, e incluyó a Cuba en su iti- ambas ocasiones. en nerario un pequeño grupo de bailarines, en el que le servía de compañero Jules Martin, de cuya carrera poco se sabe. Otros bailarines de renombre de esa era incluían a la pareja formada por Adele e Hippolite Montplaisir (1821-1877), en 1847, con una numerosa quienes aparecieron en Nueva York compañía europea, que sería el primer gran conjunto en actuar en esta ciudad. Después del romanticismo, el ballet —que se había iler “Dances at a Gathering” a bailarina marchó poco marchó bailarina La Peck, Rebecca Krohn y Abbi Stafford Foto de Paul Kolnik, cortesía del NYCB. Coreografía de , con T .UU. con Paul Hazard, bailarín de la ópera la de bailarín Hazard, Paul con EE.UU. Giselle en la ópera de París, Lee representaría la obra en Boston después a estudiar en la ópera de París, continuó sus éxitos en otras ciudades europeas y nunca más regresó a su patria. de Smith (1820- con gran éxito. Su compañero, George Washington 1899), también oriundo de Filadelfia, fue durante muchos años, después de Durang, el único bailarín masculino de importancia reconocida en su tierra natal. sería la Augusta Maywood (1825-1876), nacida en Nueva York, primera bailarina estadounidense, después de Lee, en adquirir gran fama, en su mayor parte en Europa. Realizaría sus pocos en estudios en 1835 abrió la de París, quien recién llegado a Nueva York primera escuela de ballet de la que se tienen noticias, a la que tiempo. algún por Maywood asistiría Por Célida Villalón lexander Placcide y su esposa, que y Placcide Alexander ueva York. Poste- en 1792 ofrecería una larga temporada en Nueva York. riormente, madame Placide, que se convirtió en prima ballerina en el mundo teatral de Nueva Orleans, interpretó coreografías de George Noverre (1717-1802) y Jean Dauverbal (1742-1806). En 1823, un año después de la muerte de Durang, nació también en Filadelfia la primera bailarina de importancia entrenada en Estados Unidos: Mary Ann Lee (1823-1876), quien hiciera su debut a los catorce años de edad. Cinco años después del estreno - (1768-1822), nativo de Fila como tal, John Durang reputación delfia, aparecería incluido en el programa. desarrollaron artistas estos que todos las actividades A través de durante ese período de tiempo, el clima de la danza comenzó a mejorar en este país. Por sus exitosas apariciones, merece especial de el matrimonio mención yler Angle - eresa Reichlen, Amar Ramasar y T

Foto de Paul Kolnik, cortesía del NYCB.

En el siglo XVIII, la danza era poco conocida en el hemisferio occidental. Sin embargo, ciertos espectáculos bailables, en épocas más impor de las en algunas tan tempranas como 1735, aparecían La danza clásica en Estados Unidos La danza clásica tantes ciudades de Estados Unidos, especialmente en Baltimore, York y Nueva Orleans. Filadelfia, Nueva aventura- se que extranjeros artistas presentaban los bailes Estos ban a llegar a las entonces llamadas «inhóspitas y salvajes tierras de América» en grupos de ópera o de saltimbanquis españoles o italianos, que acudían en busca de nuevos horizontes y buenas nuevo el pisaban que otros había que más por remuneraciones, mundo huyendo de la Revolución francesa. Entre los que apare- cieron en el año 1791 estaba el grupo de Henry Holt, procedente de Inglaterra, para actuar en la ciudad de Charleston, Carolina Cuando este conjunto actuara poco después en Nueva del Sur. importante en ganar estadounidense primer bailarín el York, “” Coreografía de George Balanchine, con T 02

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13 DanzaBallet hompson (1896- irgil Thompson merican Ballet (antes de que la (antes de que del American Ballet formó parte 1989); después CB), City Ballet,NY como New York compañía fuera conocida del famoso ballet del Apolo norteamericano y sería el primer música Balanchine (1904-1983), con coreógrafo ruso George creado para los Ballets Russes de Igor Stravinsky (1882-9171), conside- sería además de Diaghilev en 1928. xx, y en 1946 americano del siglo rado el primer premier danseur Ame- de la facultad de la Escuela de Ballet pasaría a ser miembro sería merican Ballet o SAB). Posteriormente ricana (School of A marchó a San Francisco, maestro del NYCB hasta 1955, cuando de director y coreógrafo principal del Ballet donde llegaría a ser que desempeñaría hasta su fallecimiento. San Francisco, puesto a la coreografía y Loring, por su parte, se dedicó mayormente Kid, en the Billy creó obras para el Ballet Caravan, entre ellas 1938, con música de (1900-1990), que el recién formado Ballet Theatre (BT) incluiría en su primera temporada en 1940. The great American goof, con música de en Nueva York, an de S del Ballet de la escuela dirección la para asumir en 1946 muerte. hasta su que desempeñaría cargo Francisco, recién formado como miembro del tercer Christensen, el Lew, Caravan Ballet (1936), hizo su primer intento coreográfico en de V Filling station, con música 1938 con . George Balanchine, (C) Tanaquil LeClerq, LeClerq, (C) Tanaquil George Balanchine, City Ballet. New York cortesía del “Fancy Free” Gomes, Coreografía de Jerome Robbins con Marcelo David Hallberg y Craig Salstein. cortesía de ABT Foto de Rosalie O´Connor, regón en 1932, fue miembro de la de miembro fue 1932, en Oregón Loring (1911-1982), natural de Mi- unningham, que dejó estipulado que fuera dejó estipulado que Cunningham, uropa. Pavlova también regresaría con su con regresaría también Pavlova Europa. cabulario y una técnica propias, convirtiéndola en una forma cabulario y una técnica propias, convirtiéndola individua- experimentos aislados de medio en coherente artística después de les. Su compañía de danza, que existe precariamente inigualable mensaje de su su muerte, aún continúa exponiendo el creadora. bailarín el tiempo largo por pertenecería Graham la de conjunto Al de su propio y Merce Cunningham (1919-2011), responsable por la compañía muy diferente estilo de movimiento, practicado actividades de acuerdo con que él creara, la cual ha cesado en sus propio del los deseos recientemente. terminada después de su muerte, ocurrida El público estadounidense, sin embargo, había visto danza de escuela o académica por vez primera cuando la mítica Anna en 1910. En 1916, los famosos Pavlova visito Nueva York ofrecieron una temporada en Ballets Russes de Sergei Diaghilev el antiguo Metropolitan, huyendo de los rigores de la primera en mundial guerra compañía en los mismos años por iguales motivos, y ambas apari- ciones lograron acrecentar en algo el interés por la danza clásica, poco estimada entonces por el público de este lado del Atlántico. (1902-2001), Harold (1904- Los hermanos Christensen, William 1989) y Lew (1909-1984), todos naturales de Bringham City, Utah, igual que Eugene fueron los primeros americanos en atraer la lwaukee, Wisconsin, atención sobre sus interpretaciones masculinas y americanizadas, contrapesando con ellas la creencia que hasta entonces existía de que el clasicismo del hombre en la danza clásica era sinónimo de amaneramiento o femineidad. Los tres Christensen se radica- su estableció ron permanentemente en el oeste del país: William en ballet de escuela propia compañía de Michel Fokine y del Ballet de San Francisco, en el que sería maestro y coreógrafo, además de contar en su haber con ser responsable del primer montaje de la versión completa de El lago de los cisnes, en 1944. Harold perteneció a diferentes compa- ñías en la década de los años treinta y se retiró de los escenarios - ondres, París y París Londres, mérica el primer primer el América u encuentro en 1914 con el con 1914 en encuentro Su openhague, Copenhague, hawn (1891-1972), nativo como ella, fue decisivo fue como ella, (1891-1972), nativo Shawn ed T pera de París)—, la Ópera de París)—, Delibes-St. John, en Coppelia, de hawn, y estudió durante varios años en la afamada escuela la afamada en varios años durante y estudió Shawn, enis era una artista admirable. artista una era Denis ed o mismo podía caminar o correr que Lo mismo podía caminar dial en lo que interpretaba. improvisa- la de producto era ella en todo escenario; en el saltar estado de espiritualidad ción, trataba de devolver la danza a un camino a su alcance. El primitivo, que diseminaba por cualquier y la razón solo preva- instinto la guiaba, mientras que la lógica Duncan fue tan liberal lecían en pocas ocasiones. La vida de la Niza, en Francia, cuando, como trágica, y terminaría cerca de bufanda que llevaba paseando en un coche abierto, la larga traseras del auto, pro- anudada al cuello se enredó en las ruedas vocando su muerte por estrangulamiento. Sin embargo, la simpleza continuaría floreciendo Ruth St. Denis (1879- gracias a una joven danzarina llamada en América serio en su propia patria, 1968), la cual logró que se le tomara en desarrollado en la ado- gracias al alto sentido teatral que había de musicales revistas las con contacto su de través a lescencia Broadway. Es posible afirmar que, a pesar de sus limitaciones, St. mantenido con muchos éxitos en éxitos muchos con mantenido la Rusia imperial hasta aproximadamente 1870 (cuando fue es- fue 1870 (cuando aproximadamente hasta imperial la Rusia trenada ende en así en Rusia) y por a decaer en Europa (no comenzó una tradición donde al no existir norteamericana, la nación - de cosas se pro Ese estado y morir. marchitarse propia, pareció nativos elementos cuando xx, siglo del principios hasta longaría el interés por la danza con extraordinaria comenzarían a revivir determinación y fuerza. del baile fue, sin duda del resurgimiento Una de las responsables Describir a la Duncan es alguna, Isadora Duncan (1878-1927). porque resumirlo, tratar de arte o su como explicar difícil tan propia quien sólo guiaban los dictados de su era una rebelde a a ninguna regla o patrón de disciplina inspiración, sin sujetarse de danza muy personal, académica. Duncan crearía un lenguaje primor el movimiento humano como factor en el cual utilizaba de la pareja, pero cuando decidió separarse de ellos, Graham ya tenía una mentalidad muy definida y propia.sus maestros no la satisfacía, ni en lo clásico ni en lo moderno, El repertorio de de la pero tampoco tomó el camino seguido por otra «sacerdotisa que era (1886-1973), Wigman Mary la alemana moderna», danza de intensa expresión personal. Lo más representativo de la Graham, además del hecho de que presentaba sus bailes en términos teatrales, era su calidad estelar. Su apariencia impresionante y total dominio escénico la hubieran teatro a la que se del rama en cualquier en estrella convertido hubiera dedicado. Esta gran artista supo darle a la danza un vo- bailarín sus encontrarse, unieron para la vida de ambos. Poco después de vidas artística y maritalmente. Esa unión —que un empresario - bautizó con el nombre de Denishawn, usado para sus espectácu en moderno baile al darían le escuela— su y los soplo de vida. por lo La escuela Denishawn ofrecía un solo tipo de enseñanza, que sus más famosos discípulos, Doris Humphrey (1895-1958), (1901-1975) y Martha Graham (1894-1991) Charles Weidman se quejaron del incorrecto entrenamiento que recibían y pronto la abandonaron. Humphrey —a su vez profesora de José Limón Weidman y moderna— la danza en otro valor (1908-1872), crearían su propio estilo de movimiento, mientras Graham llegó a ser catalogada como la «madre del ballet moderno». personali- por la fue sugestionada Graham de que duda No hay dad teatral de Ruth St. Denis y por las inteligentes coreografías de T 02

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15 DanzaBallet udor Edvard Theatre aing y John Kriza. John y Laing ambién trataría de hacer bailes para el cine, ambién trataría de hacer bailes para el , le daría al grupo una personalidad propia y diferente, , le daría al grupo una personalidad propia una enorme depresión económica, visualizaban el ballet como ballet como el visualizaban económica, enorme depresión una se América que en y preferían y aristocrático extranjero un arte ese momento por abogando en estilo de danza propia, creara un la danza moderna. adelante en sus siguieron y Kirstein, no obstante, Balanchine los que Kirstein, intervalos, en separaron en cortos planes y se Caravan que iniciación del Ballet patrocinaría la por su parte, temas americanos. Mientras, Balanchine, favorecía obras sobre danza «con sus ojos siempre puestos en la entre 1935 y 1938, tarde su grupo en Hollywood, y más clásica», primero instalaría residente del donde sería el conjunto lo devolvería a Nueva York, crearía nu- Durante esa época, Balanchine Metropolitan Opera. Ballet para otras compañías, como el novel merosas coreografías en al mismo tiempo que probaría su suerte Russe de Montecarlo, , parte Avenue Slaughter on Tenth como los musicales de Broadway, toes de Richard (1936), con música your On del show titulado musical y años más tarde, participaría en el Rogers (1902-1979), de y composiciones vida la sobre (1947), Norway of Song por bailarines o ABT), que debutaría en enero de 1940, formada Ballet, conjunto a su que provenían en su mayoría del Mordkin Michael de Moscú, Bolshoi exbailarín del un por iniciado vez Mordkin (1880-1944). No obstante, el comienzo de la segunda planes de Kirstein y Balan- guerra mundial daría al traste con los chine, no así con los de Chase y Pleasant (este último sería pronto por Oliver Smith) para la recién fundada compañía, sustituido programas. Antony T que seguiría adelante con interesantes sería desde el principio (1908-1987), bailarín y coreógrafo inglés, ballets denominados el coreógrafo principal, y con sus novedosos (1936) y Dark elegies «psicológicos» —entre estos Jardin aux lilas Ballet Rambert del Reno (1937), creados anteriormente para el Unido—, así como con Pillar of fire (1942) y otros más hechos para el BT a la que también (1905-1993) contribuiría. Jerome Robbins (1908-1998), miembro del BT desde su fun- dación, influiría enormemente en los primeros años, no solo por ser un bailarín muy efectivo, sino por dar un chispeante estilo americanizado a sus trabajos, bien expresado en la coreografía de su primera obra para la compañía: Fancy free, sobre música (1918-1990), estrenado con gran éxito en de Leonard Bernstein 1944, en donde el trío principal el día del estreno estaba formado Harold bailarines los y Robbins propio el por Grieg (1843-1907). T como sucedió con Goldwyn Follies (1948), etc. del país, Richard En 1939, dos acaudaladas personalidades Pleasant (1906-1961) y Lucia Chase (1897-1986), se habían de ballet: el Ballet unido para fundar una nueva compañía Ballet 1957, conocido como American (desde Theatre Al finalizar la guerra, Kirstein y Balanchine se embarcaron en otra aventura, el Ballet Society (1946), pequeño conjunto que, mediante una subscripción limitada, ofrecía al público obras ex- perimentales. En 1948, el grupo se presentaría en el teatro City y fue tal el éxito obtenido que un alto Center de Nueva York, político de la ciudad, Morton Baum, ofreció a Kirstein hacer del Ballet Society la compañía oficial del teatro con carácter perma- nente. Al ser aceptada la oferta por los dirigentes, el nombre de la City Ballet (NYCB). compañía cambiaría entonces a New York El futuro quedó así asegurado, y de esa manera pudo comenzar la inmensa trayectoria coreográfica en América de Balanchine y su compañía. edifica- la hasta NYCB al albergando continuaría Center City El ción del elegante Lincoln Center for the Performing Arts (Centro Nueva e Basil De nna Pavlova en Pavlova Anna chaikowski (1840- chaikowski T I. riginal Ballet Russe de Russe Ballet Original o, de Pyotr de Do, uerdas en Cuerdas merican Ballet, el maestro presentaría una corta una presentaría maestro el Ballet, American uropa, después de haber fracasado en su intento su en fracasado haber de después Europa, iaghilev en 1915, y del conjunto de conjunto del y 1915, en Diaghilev icho grupo, que terminaría sus actividades en 1942, entre 1942, en actividades sus terminaría que grupo, Dicho dagio para Adagio de esos años, resultaría años, resultaría del BT de esos repertorio en el también H. Brant, al esfuerzos oring. Sus mejores de L triunfos los mayores uno de final de su vida, no obstante, estuvieron dedicadosen la de California, Universidad de Danza de la Departamento a dirigir el Irvine de eseEstado. ciudad de Catherine Littlefield (1905-1951), natural de Filadelfia, y Ruth entre varias natural de Indianápolis, brillaron Page (1905-1991), clásica. contribuciones a la danza otras más, por sus importantes Littlefield fundaría en 1934 su propia compañía, bajo el nombre de Catharine Littlefield Ballet, del cual, en 1936, emergería de este el primer conjunto totalmente nativo Philadelphia Ballet, el primer logros de esta artista sería el país. Uno de los mayores en La bella durmiente, hecho por su compañía montaje completo de 1937. Chicago sería el ballet residente del 1938 hasta su desaparición, parte, formaría parte de los Ballets Civic Opera. Page, por su de Russes en sus giras por este continente, pero ambas compañías alardea- aunque comenzaban a atraer el gusto del ban de nombres rusos y, además sufrían que estadounidenses, los de mayoría la público, 1918, con el que viajaría a Sudamérica. Finalmente se estableció hoy conocido en Chicago, donde formaría su propio conjunto, como Chicago Ballet. en pro del desarrollo La total consumación de todos los esfuerzos de la danza clásica en los Estados Unidos llegaría a su culmen de una en 1933, cuando (1907-1995), heredero a la disposición de un vasta fortuna, colocó su capital y su interés americana. netamente de ballet escuela la creación de una anhelo: en la aventura, Kirstein interesaría a su amigo Edward Warburg a América para estable- y ambos invitaron a Balanchine a viajar 1934 en Nueva cer la SAB, que abriría sus puertas en enero de del ballet, «la ciudad que hoy es llamada por los amantes York, capital del mundo de la danza». Imperial Rusa de San Pe- Balanchine, que provenía de la Escuela de los Ballets Russes tersburgo y había sido el último coreógrafo (1929), al crear su interesante obra El hijo pródigo de Diaghilev, sobre la partitura de Sergei Prokofiev (1891-1953), estaba sin en trabajo Ballets 1933, y solo de crear su propia compañía (que llamaría la invitación de viajar a duraría seis meses), por lo que al recibir América, aceptó la atractiva oferta inmediatamente. a llegada su de después tiempo poco 1934, de enero En en octubre de 1933, Balanchine abriría las puertas de la York, escuela. En junio de ese mismo año, con un grupo de alumnos llamaría que temporada en junio de 1934, de tres días de duración. Las fun- ciones tendrían lugar en la rica propiedad campestre de Félix —padre de Edward, el colega de Kirstein—, situada Warburg y allí, entre varias otras obras, en White Plains, Nueva York, subiría a la escena del improvisado teatro el ballet , sobre el 1893), primera entre las muchas otras maravillosas creaciones del famoso coreógrafo en este, su nuevo y muy admirado país. Poco antes, sin embargo, el empresario Sol Hurok (1888-1974) había comenzado a patrocinar por todo el país giras y presen- taciones, del recién formado Ballet Russe de Montecarlo, que en 1929, después de la inesperada muerte de Sergei Diaghilev, Blum y René empresario dirección del bajo la surgido había llevaba en sus filas a varios de los artistas que habían quedado del afamado empresario. desplazados después del fallecimiento al representaba también Blum rust “Diamonds”, con Sarah Mearns Foto de Paul Kolnik, cortesía del NYCB. Coreografía de George Balanchine © The George Balanchine T 02

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17 DanzaBallet ABT omasson (1942), quien omasson ntre los más distinguidos más los Entre enter, de menor capacidad escénica, el escénica, capacidad menor de Center, , durante casi veinte años bajo la dirección artística , durante casi veinte años bajo la dirección City Sobre el ABT a Baryshnikov del cargo de Kevin McKenzie, quien sustituyera que como tal ocupara entre 1980 y 1999, la compañía, a diferen- cia del NYCB, basa su repertorio actual en su mayor parte en los grandes clásicos cuando aparece anualmente en sus temporadas de primavera-verano, en el Metropolitan Opera House de Nueva York. en cabo a llevan se que otoño, en celebradas sesiones las Para teatro el están Alexei Ratmansky (1968), actualmente artista en residen- fuera (1973), quien Wheeldom y Christopher compañía, de la cia bailarín del NYCB por algunos años. Ambos ya son reconocidos campo de la en el como grandes potenciales internacionalmente coreografía por la variedad de sus obras, que aparecen actual- mente en el repertorio de varias compañías internacionales. El vasto mapa estadounidense incluye en la actualidad escuelas o estudios de danza en cada una de sus importantes ciudades. No obstante, muchos pesimistas predicen que la danza clásica está existencia la desmiente que aseveración desaparecer, a próxima de infinidad de compañías, igual que las mencionadas escuelas que continúan funcionando en el presente. Entre los grupos de importancia está el Ballet de San Francisco, dirigido desde Helgi T por de años veintena una hace presenta obras cortas y variadas, dando oportunidad a nuevos inéditos. trabajos crear de coreógrafos Igualmente NYCB. del principal figura fue años muchos durante rust, con miras - revo provocó una side story (1957), que West escogido con gran cuidado por los directores del T escogido con gran cuidado por los directores hubiera sido diseñado por a que cada ballet se preserve como si el ilustre maestro. Es imposible en este recuento no dar la importancia que merece la insigne labor de Jerome Robbins, recordado en gran parte inolvidable por su lución en el mundo de la comedia musical. La larga contribución de Robbins a este género marcaría una era, igual que los éxitos que fuera desde a la danza clásica, logrados por su dedicación nombrado director artístico asociado del NYCB en 1969, posición que ocupó hasta su muerte. Entre sus muchos logros de coreogra- fías neoclásicas están los bellos trabajos que compuso sobre la música de Chopin, con acompañamiento de solo de piano. En esa categoría aparecen Dances at a gathering (1969), In the night (1970), y Other dances (1976), esta última hecha especialmente para una gala del Met., en la que aparecería la pareja formada por los entonces recién exiliados Natalia Makarova (1970) y Mikhail Baryshnikov (1974), sus inolvidables intérpretes. Después de la desaparición del gran coreógrafo y maestro, la di- rección artística de la compañía fue entregada al exbailarín danés durante puesto ese ocupado ha quien (1946), Martins Peter veintiocho años, hasta el presente. Aunque el NYCB tiene por sus para trabajos a crear coreógrafos otros a invitar costumbre su (en director actual del los también incluyendo temporadas, mayoría acogidos con ambivalencia), el repertorio del NYCB continúa dominado por los trabajos de Balanchine. . chaikowski, “Seven Sonatas” . Por otra parte, el rust no solo controla las rust Balanchine, creado es- oreografía de Alexei Ratmansky Coreografía chaikowski, dan un brillo especial a onnor, cortesía del ABT cortesía O´Connor, Foto de Rosalie l personal que lleva a cabo esas labores es labores esas cabo a que lleva personal El itulado Jewels (Joyas), se estrenó en 1967 con música único ballet en tres actos y sin argumento que se conoce hasta el presente en la historia del ballet se debe también al ingenio de Ba- lanchine. T una llevan «Esmeraldas», esplendorosas las compositores: tres de partitura de Gabriel Fauré (1846-1924), los «Rubíes» son acom- la así como pañados por los compases modernos de Stravinsky, belleza de las melodías de T los «Diamantes», que finaliza el hechizante trabajo. de Ballet la Escuela en se enseña que mayormente La técnica Americana responde desde su fundación a tres principios: rapidez, musicalidad y escasa expresividad dramática. A casi gran maestro que el años de su muerte, estos principios treinta impusiera se guardan con religiosidad; igualmente sucede con sus obras, de cuya custodia se ocupa el T pecíficamente para cuidar el tesoro coreográfico que el maestro dejara para la historia de la danza. Este T piezas del coreógrafo cuando son presentadas por otras compa- ñías en distintas partes del mundo, sino que toma gran cuidado en enseñan. las quienes 1942), autor de la primera obra sin argumento que vería la luz 1942), autor de la primera obra sin argumento en 1907 con el título de Chopiniana, compuesta para el Ballet de Frédéric Chopin Imperial Ruso, sobre la ensoñadora música sílfides ) desde 1909, (Las (1810-1849), conocida como Les sylphides cuando los Ballets Russes de Diaghilev la presentaron en París, francesa. en su primera temporada en la capital belleza del movimiento, y Balanchine puso siempre su fe en la una vez que «la danza en ella incluía a sus bailarinas (declararía clásicos en lo que es mujer»), basando sus trabajos puramente usaba el vocabulario la música le sugería, para los que siempre la había estudiado en básico de la danza académica, tal como la afamada escuela imperial rusa. Esto quedaría demostrado en hermosas, no solo muchas de sus obras, tres de ellas especialmente por sus seductoras coreografías, sino también por su rico vestua- rio y bellas escenografías, como fueron la llamada en principio Le palais de cristal, conocida hoy como (1946), sobre música de Georges Bizet (1838-1875), Ballet imperial (1941) y y variaciones (1947), ambas con música de T Tema esta última, creación solitaria para el ABT - .A. Hoffman (1776- ittorio Rieti (1898-1994), Don Quijote (1965), partitura específicamente creada .T chaikowski, basado en un cuento de E Sobre el ballet abstracto, no obstante, el título de iniciador de ese estilo le pertenece por derecho propio a Michel Fokine (1880- Balanchine fue, sin duda alguna, uno de los coreógrafos que más se cuya reali- por o contemporáneo, en el ballet abstracto interesaría ayudado por su incesante zación sería un imperturbable trabajador, emanación de inventiva. En su enorme catálogo de obras maestras, se incluyen también las llamadas «ballets en blanco y negro», por los sencillos atuendos que visten los intérpretes: túnicas cortas de color negro de ejercicio para las bailarinas y mallas negras con camisetas blancas para los hombres. En estos trabajos suprimi- ría igualmente el fastuoso vestuario o las ostentosas escenografías para que el público pudiera concentrarse más en la coreografía. Estos ballets contenían movimientos distorsionados que lograban efectos y estructuras tan diferentes como interesantes. a amistad y larga colaboración que existió entre Balanchine y Balanchine entre existió que colaboración larga y amistad La para sirvió xx, siglo del comienzos los desde data que Stravinsky, la creación de infinidad de trabajos del coreógrafo inspirados en Después de la muerte de este último, Balan- piezas del compositor. cual en el chine ofrecería en 1972 el llamado Festival Stravinsky, pareja esta por creadas piezas las de parte gran escena a subirían de colosos rusos, cada cual con su propio y relevante talento. , con arreglos de 1822) titulado El cascanueces y el rey de los ratones La Alejandro Dumas (1802-1870)? Igualmente hay piezas como valse (1951), de Maurice Ravel (1875-1937), las cuales, sin llevar un argumento definitivo, establecen una relación significativa de conflictos humanos entre los personajes. scénicas), que quedaría terminado en 1964. en 1964. terminado quedaría que Artes Escénicas), de las Lincoln y compañía de la permanente es la residencia entonces Desde David H. Koch conocido como teatro tate Theatre, hoy ocupa el S del enorme con- de Balanchine») lo llama «la casa (hay quien al de ballet tres temporadas Allí ofrece regularmente glomerado. de duración. número de semanas una de ellas de igual año, cada arte coreográ- no describió el su trabajo, Balanchine Al hablar de habilidad, una como sino intelectual, logro grandioso un como fico cualquier otra menos exquisita. Repasando adquirida igual que men- a la historia del ballet, es necesario su enorme contribución por en su mayoría, carecen de argumento, cionar que sus obras, en Una de las primeras ser llamadas abstractas. lo que pueden - como un breakthrough (descubrimien esta categoría, considerada , (Los cuatro temperamentos to o avance) fue The four temperaments de de Paul Hindemith (1895-1958), seguida 1946), sobre música (1957) las que destaca especialmente Agon otras muchas, entre de musical partitura la sobre creada innovadoras, más las de una Stravinsky. otras que llevan ar Empero, Balanchine también ha compuesto para la obra por Nicolás Nabokov (1903-1978), cuya historia Cervantes. En el estreno está inspirada en la famosa novela de llevando a su rol titular, aparecería el propio coreógrafo en el Suzanne Farrell, lado a su Dulcinea de esos años, la joven alumna fue compuesta, «como una para quien se comentaba que la obra discípula». declaración de amor del maestro a su Otras piezas con historia incluyen Sueño de una noche de verano (1809- Mendelssohn-Bartholdy Félix de música con (1962), La sonnambula (o Night 1847), sobre la historia de Shakespeare, y V shadow, 1946). sobre una partitura de (1948), con el acompañamiento musical de gumento, como Orfeo (1948), con el acompañamiento musical Stravinsky; no situar en sitio promi- inspirada en la ópera de Bellini. Y ¿cómo taquilleras que nente, dada su fama y las buenas remuneraciones (1957), con música obtiene durante la Navidad, su Cascanueces de T 02

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19 DanzaBallet BanzaBallet_225x300.pdf 1 20/01/12 13:35 20/01/12 1 BanzaBallet_225x300.pdf C M Y K CM MY CY CMY The dance encyclopedia, oronto, 1977. MacMillan Publis- Balanchine, a biography, aper, hujoy y P.W. Manchester, Manchester, P.W. y Chujoy Bibliografía: ballet, Breviarios del Fondo el y danza La Adolfo Salazar, de Cultura Económica. Fondo de Cultura Económica, México, Buenos Aires, 1949. Portrait Gallery - Artists, Impressions, Intimacy Agnes de Mille A Peter Davison Book Boston, 1990 Houghton Mifflin Company, Anatole 1949. Nueva York, Simon and Schuster, Bernard T ueva York, 1974. hing Co. Inc, Nueva York, The concise Oxford dictionary of ballet, Oxford Horst Koegler, T University Press, New York, Robert Grescovic, Ballet 1.0.1. A complete book to learning and 1998. loving the ballet, Hyperion, Nueva York, - City exas aslav Nijinsky aylor (1930) el aylor T harp (1942) y Mark Morris (1956), a wyla Tharp (1942) y Mark Morris (1956), a . Wheater, bailarín escocés entrenado en el Royal entrenado en el escocés bailarín C. Wheater, sta situación sucede igualmente con el Miami el Miami con igualmente sucede situación Esta NYCB. odas podrán cohabitar y continuar viviendo, por los siglos de Ballet, conjunto fundado y hasta el año 2012 dirigido por Edward el año 2012 dirigido fundado y hasta Ballet, conjunto Villella (1936), primera figuramasculina del NYCB desde hace muchos años. direc- desde 2007 bajo la de Chicago funciona El Ballet Joffrey ción de Ashley dirigido desde 2001 por Ballet School. El Boston Ballet está llegó a estas costas procedente de Mikko Nissien (1962), quien ganado competencias de baile. Asimismo, Finlandia, donde había T que trabaja con éxito en el estado de el Ballet de Houston, los siglos, amén• Stanton 2003 por el exbailarín australiano y es guiado desde (1969). Welch clásica, danza la a fundamentalmente refiere se escrito este bien Si mencionar a tres coreógrafos y directores creo imprescindible esta- éxitos con su labor en la escena que han logrado grandes dounidense. Son T porque abarcan el estilo quienes menciono en primera instancia, y Paul el contemporáneo. que igual neoclásico su propio conjunto y por tercero, que igual que Morris, mantiene es reconocido como su larga carrera como director y coreógrafo este de contemporánea danza la en potencias mayores las de una país. de tantos valores en la ¿Podrán pasarse por alto los esfuerzos que los emigrados? Me danza, muchos de ellos nativos, igual existe danza «La optimismo. el escojo y pesimista ser a niego por la tierra, pues caminar desde que el hombre se movió y caminó muchos años un distin- requiere pose y equilibrio», declaró hace Hace A esta aseveración queda poco que añadir. guido escritor. el arte cientos de años, Catalina de Medici transportó a Francia impor su París, en italiana; corte la en inicios sus tuvo que nuevo, tancia aumentaría gracias al Rey Sol, que la convirtió en danza y la bolchevique, seria. Esta sobreviviría a la Revolución francesa y después de que Diaghilev la devolviera a París, transformada las abstractas coreografías en una moderna y hermosa realidad, como V de Fokine y la importancia de bailarines (1889-1950) y Anna Pavlova (1881-1931), que las interpretaban, consolidaron su existencia. De esa manera, la danza de escuela que presente un a llegando siempre, para reafirmada quedado ha apunta hacia un exitoso e imperecedero futuro. Solo me resta reafirmar mi fe en la belleza dela popular. o moderna contemporánea, neoclásica, clásica, esta danza, ya sea T hay que citar al PacificNorthwest Ballet, de cuya dirección se encarga Peter Boal (1965), quien también fue figura principal del 02

18 DanzaBallet ElsaSchiaparelli and MiucciaPrada by The Costume Institute of The Metropolitan Museum of Art

20 21 D anzaBallet D anzaBallet

George Hoyningen-Huené (Russian, 1900–1968) Portrait of Elsa Schiaparelli, 1932 Guido Harari (Italian, born Cairo, 1952) Courtesy of Hoyningen-Huené/Vogue/Condé Nast Archive Portrait of Miuccia Prada, 1999 02 Copyright © Condé Nast Courtesy of Guido Harari/Contrasto/Redux 02 The spring 2012 exhibition organized by The Costume Institute of The Metropolitan Museum of Art will be Schiaparelli and Prada: Impossible Conversations. The exhibition, on view from May 10 through August 19, 2012 (preceded on May 7 by The Costume Institute Gala Benefit), will explore the striking affinities between these two Italian designers from different eras. Inspired by Miguel Covarrubias’s “Impossible Interviews” for Vanity Fair in the 1930s, curators Harold Koda and Andrew Bolton will originate fictive conversations between these iconic women to suggest new readings of their most innovative work. “Given the role Surrealism and other art movements play in the designs of both Schiaparelli and Prada, it seems only fitting that their inventive creations be explored here at the Met,” said Thomas P. Campbell, Director and CEO of The Metropolitan Museum of Art. “Schiaparelli’s collaborations with Dalí and Cocteau as well as Prada’s current Fondazione Prada push art and fashion ever closer, in a direct, synergistic, and culturally redefining relationship.” In the galleries, iconic ensembles will be presented with videos of simulated conversations between Schiaparelli and Prada, and will explore how the women reconciled binary oppositions in their work to advance fashion. “Juxtaposing the work of Elsa Schiaparelli and Miuccia Prada allows us to explore how the past enlightens the present and how the present enlivens the past,” said Harold Koda, Curator in Charge of The Costume Institute. “The connection of the historic to the modern highlights the affi- nities as well as the variances between two women who constantly subverted contemporary notions of taste, beauty, and glamour,” added Andrew Bolton, Curator in The Costume Institute. The exhibition, in the Metropolitan Museum’s first-floor special exhibition galleries, will explore how both women employed un- conventional textiles, colors, and prints to play with conventional ideas of good and bad taste, and how they exploited whimsical fas- tenings, fanciful trompe l’oeil details, and deliberately rudimentary embroideries for provocative outcomes. The galleries will feature approximately 80 designs by Elsa Schia- parelli (1890–1973) from the late 1920s to the early 1950s and Miuccia Prada from the late 1980s to the present. Drawn primarily from The Costume Institute’s collection and the Prada Archive, as well as other institutions and private collections, signature objects by both designers will be compared and contrasted to explore the extraordinary impact of their aesthetics and sensibilities on con- temporary notions of fashionability. Ms. Schiaparelli, who worked in Paris from the 1920s until her house closed in 1954, was closely associated with the Surrealist movement and created such iconic pieces as the tear dress, the shoe hat, and the insect necklace. Ms. Prada, who holds a degree in political science, took over her Miuccia Prada (Italian, born 1949) family’s Milan-based business in 1978, and focuses on fashion that Sienna Miller in dress by Prada, fall/winter 2007-08 reflects the eclectic nature of Postmodernism. Courtesy of Mario Testino/art partner A book by Harold Koda and Andrew Bolton will accompany the exhibition. It will be published by The Metropolitan Museum of Art and distributed by Yale University Press. The exhibition is organized by Harold Koda, Curator in Charge, 22 and Andrew Bolton, Curator, both of the Met’s Costume Institute. 23

D anzaBallet Film director, screenwriter, and producer Baz Luhrmann will be D anzaBallet the exhibition’s creative consultant, working with film production designer Nathan Crowley, who will serve as production designer Schiaparelli and Prada: Impossible Conversations Miuccia Prada (Italian, born 1949) (he was creative consultant for the Met’s exhibitions Superhe- The Museum’s website at www.metmuseum.org Sienna Miller in dress by Prada, fall/winter 2007-08 roes: Fashion and Fantasy and American Woman: Fashioning a will feature the exhibition 02 Courtesy of Mario Testino/art partner National Identity)• May 10–August 19, 2012 02 02

25 DanzaBallet ino aslav a presentación de la de presentación La sta observación de Merce de observación Esta ietzsche, quien colocó a la danza en danza la a colocó quien Nietzsche, In the Palace (2000) [En el palacio] nos Instead Of Allowing Some Thing To Rise Up To Your Your Rise Up To ino Sehgal Instead Of Allowing Some Thing To historia amalgamada de la danza y las artes visuales está marcada por la idea que introdujera Isadora Duncan a principios del siglo anterior: “Mi arte es un esfuerzo por expresar con gestos y movi- Lo único que he hecho desde siempre mientos la verdad de mi ser. es bailar mi vida”2, declaró ella, anunciando una de las constantes del arte del Siglo XX, desde Dada hasta los trabajos participantes el precepto de hacer del arte una manifestación de hoy; es decir, visible de la vida. “...uno tiene que amar la danza realmente para no abandonarla; ella no te da nada a cambio, ningún manuscrito ningún cuadro que colgar en paredes o tal vez en que preservar, museos, ningún poema que imprimir o vender; nada, excepto ese vivo”.3 sientes te en fugaz momento Cunningham adquiere mayor repercusión en momentos en que su muerte, seguida por la de Pina Bausch y la de Kazuo Ohno, estremece las bases del experimento coreográfico- contemporá neo. El problema que tuvo que enfrentar esta exhibición desde el ¡BAILEMOS NUESTRAS VIDAS! NUESTRAS ¡BAILEMOS curadoras y Emma Lavigne, Christine Macel con- de hemos vez, una sea aunque bailemos no que día en el “Y dijo perdido”,1 siderarlo y la apoloniana Entre la aspiración de su estética. pleno centro hecho, un punto la danza fue, de dionisiana de la vida, explosión Con la revolución moderna de la estética. de apoyo crucial en V Isadora Duncan y el genio de pioneros como Loïe Fuller e cuerpo del arte el en precedentes sin ruptura una dio se Nijinsky, en movimiento. Esta revolución ejerció una influencia vitalpartir de entonces, éstas a artes visuales. Y, el desarrollo de las en con la constante, íntima y fructífera relación han mantenido una pic- va más allá de la mera representación danza; un vínculo que del ballet del siglo anterior. tográfica del bailarín entre este diálogo de fusión ocasional Danser sa vie explora artes y la contemporánea por un lado, y las la danza moderna visuales por el otro. en la nunca vista Esta exhibición está centrada particularmente representada por la explosión creativa de la danza occidental, post-moderna america- danza expresionista alemana y la danza tradiciones de la danza no na; las cuales, tomando como fuente las coreográ- un lenguaje de desarrollo en el éxito tuvieron europea, formas clásicas. fico que rompió para siempre con las aún historia una de relevantes más puntos los recorre Danser sa vie comunes a los dos períodos por contar; haciendo énfasis en temas —el contemporáneo y el moderno— como es el caso de la figura del fauno, caracterizada por Nijinsky en 1912 y reestrenada por y los pasos del reciente Matthew Barney en 1990. Siguiendo muestra el arte de hoy, renovado entusiasmo por la danza que de arte contemporá- la exhibición ofrecerá una amplia muestra Olafur Dybbroe Møller, neo – trabajos de artistas como Simon T Mai-Thu Perret y Eliasson, Daria Martin, Kelly Nipper, del arte moderno. Sehgal –en diálogo con obras maestras general del todo, agluti- La primera sala ofrece una perspectiva arte de formas distintas las y períodos diferentes los así nando la exhibición –pintura visual, que constituyen la esencia de moderna, rodajes de los artistas e instalación de espectáculos. Con esa perspectiva nos llegan ecos de La Danse de Matisse y de T Face Dancing Bruce And Dan And Other Things (2000), mientras el filme de Daria Martin ofrece un arreglo en el cual, lo que se mueve en vez del cuerpo es la cámara. El cuerpo permanece fijo en un evocando lugar, a Oskar hasta Baker Josephine desde danza, la de figuras grandes Graham. Martha por pasando Schlemmer, - Yves Hervochon Yves Maurice Béjart et Spatiodynamique 16 ,1953 Épreuve gélatino-argentique, 20,2 x 16 cm Paris, Archives Eléonore de Lavandeyra Schöffer Una exhibición sin precedentes dedicada al vínculo desarrollado precedentes dedicada al vínculo desarrollado Una exhibición sin artes visuales desde 1900 y hasta nuestros entre la danza y las 2.000 entro Pompidou. En un área de más de días, presenta El C dicho la exhibición hace gala de la tradición de metros cuadrados, Una de eventos multidisciplinarios. Centro en la presentación Seban– ha expresado su presidente Alain tradición que –según él quiere revivir. El tema, original y prolífico al mismo tiempo, se expone mediante trabajos de las más importantes figuras ar los de fundadores los de incluyendo obras XX, sigo del tísticas y los aportes de los más movimientos del modernismo artístico destacados artistas y bailarines contemporáneos. visuales artes las y danza la cómo manifiesto de pone Danser sa vie inspirando, tanto a los encendieron la chispa de la modernidad, principales movimientos artísticos como a las figuras centrales y contemporáneo. que escribieron la historia del arte moderno esta exhibición en Uniendo lo moderno y lo contemporáneo, arte y la danza descubren tres actos muestra de qué manera el nos permite descubrir el cuerpo en movimiento. Danser sa vie como continua el lado oculto de los movimientos avant-garde, Establece un fuente de inspiración para el arte contemporáneo. coreográfico arte del partiendo disciplinas, las todas entre diálogo hasta el vídeo la pintura y desde visuales hasta llegar a las artes pinturas, esculturas, ins- contemporáneo. Una vasta selección de de baile, dan testimonio de talaciones, películas, vídeos y cuerpos disciplinas. este permanente intercambio entre ambas (Bailando la vida), fue tomado de la pionera vie sa El título Danser de la danza moderna, Isadora Duncan: “Mi arte es un esfuerzo por expresar con gestos y movimientos la verdad que ha el público duda ante he tenido momento ningún ser … En de mi abarrotado mis presentaciones. Les he entregado los impulsos más secretos de mi alma. Lo único que he hecho desde siempre es bailar mi vida.” 1927). (Isadora Duncan, My Life, New York,

días a nuestros

Centre Pompidou Ángela Castaño Traducción ast la danza desde 1900 h El arte y Danser sa vie sa Danser 02

24 DanzaBallet 02

27 DanzaBallet - tijl y the Bauhaus, the y Stijl De a danza siempre siempre danza “La Depero. rp formaron parte de A aeuber- l invento de la danza abstracta de Gret de abstracta danza la de invento El omoyoshi Murayama, el fundador de Dada oltaire en Zurich en tiempos de la primera n cuanto a la espiritualidad del arte] espiritualidad a la cuanto Art, [En xhibición, sí presagió las revoluciones artísti- revoluciones las presagió sí Exhibición, In everini y Fortunato Fortunato y Severini riadique de 1922. “Qué es lo abstracto, qué quiere riadique de 1922. “Qué es lo abstracto, odas las bailarinas: Mary Wigman, Emmy Hennings, odas las bailarinas: Mary Wigman, choreutics. Su icosahedron – una figura de volumen geométrico odos los avant-gardes y, especialmente, y, avant-gardes los odos fue importante no solo para otros artistas sino para bailarines solo para otros artistas sino para bailarines fue importante no aban. como Rudolf von L con la condujo a ningún compromiso directo Pese a que esto no de su serie Pinturas para aparte Kandinsky, danza por parte de la en Mussorgsky Line to rinde homenaje en su libro Point and Palucca, a quien él dado respuesta a lo que él andaba buscando. Plane, parece haber T por el cuerpo en se comprometieron con la danza; fascinados su ritmo. Y su su línea, su energía y movimiento, por su color, de Oskar Schlemmer con máxima representación estuvo a cargo su Ballet T qué significa? Para resumirlo brevemente, significa simpli- decir, ficación, reducción a lo esencial, a lo elemental, de las cosas… La para oponer una unidad a la multiplicidad a lo primario, danza abstracta entonces debe significar una creación autosu- ficiente en sí misma,” escribió Schlemmer en su Abstraktion in Tanz und Kostume de 1928.7 El cuerpo geometrizado, simplifi- cado, mecanizado y estilizado fue también figura central para los investigadores de Rudolf von Laban, bailarín, peón y fundador de las posibles instancias dentro del cual pueden inscribirse todas bai- en significativa influencia ejerció – movimiento en cuerpo del repercusión gran tuvo también y Forsythe, William como larines de Olafur Eliasson, quien en los investigadores contemporáneos el Movement Micros- creó para esta exhibición un nuevo trabajo, tradición. El cope, 2011, en el cual recoge inspiración de la misma enfocado primor pensamiento humanista de Oskar Schlemmer, guerra mundial, la danza y el espectáculo han estado íntimamente ligados. T Suzanne Perrottet y Sophie T Dada, mientras el año 1920 fuera testigo de la aparición de figuras tanValeska importantes Gert como y Niddy Impekoven, quienes fascinaron a T en Japón. El arte del espectáculo no habría sido el mismo sin la danza. El Black Mountain College fue sede de un intenso fermento creativo cas que se aproximaban. aproximaban. se que cas dialmente en el impacto de la tecnología en el hombre, también encuentra ecos hoy en los trabajos de un gran número de artistas contemporáneos. El trabajo de Alwin Nikolais, por ejemplo, quien integra el mundo de la tecnología a su espectáculo, utili- zando la luz para transformar los cuerpos geometrizados de sus bailarines en elementos fantásticos de toda una composición; o el quien fusiona a los bailari- trabajo del escultor Nicolas Schöffer, nes con esculturas cibernéticas, convirtiéndolos en un organismo único por el que fluye constantemente la energía. LA DANZA Y EL ESPECTÁCULO La última parte de la exhibición explora las conexiones entre la danza y el arte del espectáculo. Desde los primeros actos de Dada en el Cabaret V uestros gestos […] Nuestros de la vida formas y sus su ritmo ha sacado coquetear cons- de las máquinas, los movimientos deben imitar prepararse para pistones, con volantes, neumáticos, tantemente así el metalismo para lograr hombre con la máquina, la fusión del su “Manifesto of Marinetti en Futurista”, escribió de la danza Futurist Dance” [Manifiesto de la danza futurística] de 1917.6 con la danza, propuesta en su Kandinsky La relación de Wassily Spiritual the On rístico de Gino de rístico - con impacto ejerció Dance Serpentine Su Charlotte Rudolph Le Saut de Palucca, vers 1922-1923 Bromure d’argent sur papier légèrement citronné des années 1825 - 22,4 x 16,8 cm Collection Centre Pompidou, Musée national d’art moderne Photo : Adam Rzepka, Centre Pompidou Diffusion RMN © Adagp, Paris 2011 anzar, danzar,” insistía danzar,” comprometido coreógrafo Kurt Jooss. “Danzar, ella, “de otra manera estamos perdidos”.5 LA DANZA Y LA ABSTRACCIÓN La historia de la abstracción no sería la misma sin la danza. Res- pondiendo al desarrollo del cada vez más industrializado Siglo XX, los bailarines y los artistas inventaron un nuevo repertorio de gestos y formas que colocaban al cuerpo en el mundo moderno. Con el advenimiento de la luz eléctrica a finales de siglo, la ima- ginación creativa de Loïe Fuller introdujo otra revolución con quinéticos. ballets sus siderable en los artistas y en su arte, desde las cromáticas y rítmicas sinfonías de Sonia Delaunay hasta el dinamismo futu- erità Emil erità cerca de Ascona, pre- quienes realmente personificaron a la mujer en las garras de Eros de garras las en mujer la a personificaron realmente quienes y Tánatos; prueba de ello es su famosa Hexentanz [La danza de la bruja]. Considerándose a sí misma una bailarina de la condición los pintores en fascinación gran ejerció esta mujer humana, así como también en su alumno Nolde y Ernst Ludwig Kirchner, Gret Palucca. Es esta tradición de Ausdruckstanz en su diálogo con el Expresionismo alemán lo que inspiró la creación del Thea- políticamente del heredera la fuera quien Bausch, Pina de tertanz la comunidad, y que fueron establecidas por Rudolf von Laban en la legendaria colina de Monte V senciaron el surgimiento de prácticas radicalmente nuevas. En Alemania, el movimiento Expresionista vio establecerse un rico diálogo entre pintores y bailarines. Si Rudolf von Laban ejempli- fueron y teórico, maestro como bailarín del figura nueva la ficaba y sus alumnos en la comunidad del Monte V Mary Wigman Des- ollod revive Collod ’Après-Midi d’un Anne ed Shawn. Es, de hecho, la as escuelas de Émile Jaques- Émile de Las escuelas erain celebraron el éxtasis del del éxtasis el celebraron Derain res temas dominantes surgidos del André - inca a su inherente pese la danza”, exponer fue “cómo comienzo la en que a un tiempo todo esto Y representación. para la pacidad cuestionando las danza ha venido estética de la no preocupación historia inmaterial. transmisión de esta formas de un creó recientemente Charmatz de esto, Boris A propósito que como un lugar Está concebido danza en Rennes. museo de que todo un sitio nada; es más – no preserva – paradójicamente que nos Su Expo zéro inaugural, pensar y practicar. para pasar, en cantidad de eventos recientes centrados recuerda a una gran para espectáculo, fue una exhibición de bailes la presentación del de propuesta que enfatiza Semejante a este tipo ver e imaginar. la que los desates de un arte de lo efímero, más lo que es vivir los testimonios (anotaciones, exhibición Danser sa vie presenta filmes, fotografías) producidos deliberadamente por bailarines quisieron, mediante esto, crear una memoria y coreógrafos que presen- del presente. Y con esto se busca colectiva de un arte al más allá de la mera mimesis, usando tar trabajos que van cuerpo que baila en vez de inventar nuevas personificaciones de formas de arte visual. El trabajo coreográfico contemporáneo en cuando memoria, esta a origen da mismo sí pojado de accidentes, el cuerpo en movimiento pareció investido de una verdadera alegría por la vida que recordaba las bacanales de la antigüedad. y Matisse Henri como Así LA DANZA DEL YO: LA DANZA COMO EXPRESIÓN DE SUBJECTIVIDAD “El gesto es el emisario directo del corazón”,4 dijo François Delsarte, un pensador del póstuma en el surgimiento de la danza moderna como arte ex- siglo XIX que ejerció presivo; partiendo de Rudolf von Laban hasta Isadora Duncan, influencia y desde Ruth Saint Denis hasta T Anna Halprin y cuando trabajos como Parades and Changes de Dean le rinde Tacita honores a Merce Cunningham con su filme Craneway Event. que en tres ejes De este modo hemos estructurado la exhibición recorren el siglo precedente. T subjetividad, la de el curadores: los de investigación la de curso que llega a ser parte la cual se incorpora de tal manera al trabajo, del cuerpo reducido a sus de su expresión; el de la abstracción y el del espectáculo, que elementos más simples y mecanizados; nació con los avant-gardes de Dada, los cuales se definieron a sí una fusión que comenzó mismos en relación con la danza como decidimos yuxta- más o menos a partir de los 60. Finalmente colocando el énfasis en la poner trabajos en diferentes medios, sumergirlos, como para experiencia perceptiva del espectador, en el mundo del cuerpo notablemente por medio de la película, en movimiento. invención de una nueva subjetividad que se explora en el surgi- ballet del tradición la de emancipada libre, danza una de miento y ejemplificada en la figura de Isadora Duncan. Los bailarines le dieron expresión a un fervor sensual que algunas veces provocó escándalos, tal como lo hiciera Nijinsky en L de fuente nueva como sirvió que obra fauno], del siesta [La faune época. la de visuales artistas los para dionisiana inspiración cuerpo libre dando vueltas desnudo, o las procesiones de Bach, emergieron en el momento centros de innovación coreográfica en Suiza y Alemania, países muy marcados por la entonces en desnudo. cuerpo del moda cultura Dalcroze, que mediante el ritmo musical buscaron el desarrollo del cuerpo, no solo en escenarios sino en paisajes naturales y en 02

26 DanzaBallet 02

29 DanzaBallet ada en Dada llan Kaprow hasta el Black el hasta Kaprow Allan oltaire hasta el despliegue de rutinas (gestos tomados oltaire hasta el despliegue de rutinas (gestos rp, fueron tanto bailarines como artistas Arp, fueron tanto bailarines como aeuber- Danser sa vie. El arte y la danza desde 1900 hasta nuestros días Christine Macel Directora de curadores, jefa del Departamento de Arte Contemporá- neo y Emergente Emma Lavigne asistida por Anna Curadora, Arte Contemporáneo y Emergente, Hiddleston y Florencia Chernajovsky Maciej Fiszer Diseño de exhibición Centro Pompidou 23 Noviembre 2011 - 2 April 2012 www.centrepompidou.fr ipper y a Mary Wigman, Nipper y a Mary Wigman, hasta llegar a Kelly aslav Nijinsky, Una exhibición en tres sectores exhibición Una LA DANZA BARNEY COMO MATTHEW HASTA NIJINSKY VASLAV EXPRESIÓN DEL YO, DESDE a través del es examinada de una nueva subjetividad La invención clásico, del ballet emancipada y libre una danza de surgimiento Expresionismo los años del Isadora Duncan. Hasta a partir de libre o “naturis- (Cultura del cuerpo y del “Freikörperkultur” sin precedentes entre los mo”), hubo en Alemania un intercambio relación evidenciado, por ejemplo, en la artistas y los bailarines, y los pintores Ernst Ludwig Mary Wigman entre la bailarina Barney y olde. Comenzando con Matthew Kirchner y Emil N V con las también se mantuvo en diálogo el arte contemporáneo la danza moderna. grandes figuras de LA DANZA SCHÖFFER NICOLAS FULLER HASTA Y LA ABSTRACCIÓN, las de través a visto es abstracción la de nacimiento el Aquí DESDE LOÏE creaciones coreográficas de Loïe Fuller los avant- los Cubistas, los Futuristas, los Bauhaus y Kandinsky, y en la forma en que gardes rusos se han servido de la danza. Ciertas Sophie T figuras como como visuales. Otros mantuvieron un diálogo con los bailarines, - Josephi con y Calder Palucca con Gret Kandinsky lo hicieran lwin Nikolais Las propuestas de Nicolas Schöffer y A ne Baker. con los ballets mecá- entonces condujeron a una aproximación con las danzas virtuales. nicos, con las creaciones quinéticas y de Olafur Eliasson Esta sección también incluye nuevos trabajos concebidos especialmente para esta exhibición. LA DANZA COMO JÉRÔME BEL ESPECTÁCULO, HASTA DESDE DADA entre la danza y el arte Esta última sección contempla la conexión de actos primeros los desde viceversa, y espectáculo del el Cabaret V - de la vida diaria) por la bailarina Anna Halprin, desde el surgi de representaciones las de miento Mountain College. En los años 60, Merce Cunningham mantuvo con Andy por cierto, un diálogo artístico con John Cage y, Una selección de obras y documentos que nos remiten al Warhol. influencia la destaca se que los en y York, New in Church Judson de las populares culturas del club y del tecno. rans.]. anz und Kostume, traducido ’Age d’homme, 1978). . Marinetti, “Manifesto of Futurist Dance,” en Futurism: An . Wittman ( New Haven y . Poggi y L. Wittman C ed. L. Rainey, Anthology, University Press, 2009), pp. 234, 236. London: Yale Abstraktion in T 7. Oskar Schlemmer, Théâtre et abstraction, trans. Eric al Francés en Oskar Schlemmer, Michaud (Lausanne: L 8. George Didi-Huberman, “Arenas ou les solitudes spatiales,” Le Danseur des solitudes (Paris: Éditions de Minuit, 2006), p. 9. Egghead a Strip- “Was 9. M. Cunningham, citado en Larry Finley, per? U.I. Panel Debates Arts,” periódico no identificado, Noviembre 1967. [Cita retraducida al Inglés de autores franceses – T 5. Pina Bausch, en la película de Wim Wenders, Pina, 2011. Wenders, 5. Pina Bausch, en la película de Wim T 6. F. - viones] viones] wentieth Century Per er una danza Hopi fue lo Hopi fue er una danza Adolphe (baron) De Meyer V ablets,” Thus Spoke Zarathus- rsay, Paris Collection Musée d’Orsay, ed Shawn, Every Little Movement: A l reloj [ El Clock for 60 Dancers Mechanical ienes que amar realmente la danza para Epreuve photomécanique (collotype) - 20,9 x 15,8 cm Nijinsky à mi-corps, tenant une grappe de raisins, 1914 risha Brown, junto a junto Brown, risha T . Witts (London and 2nd edition, ed. M. Huxley and N. Witts formance Reader, Routledge, 2002), p. 167. New York: 4. François Delsarte, citado en T Eagle Print y Binding Co., 1910), p. Book About Delsarte (New York: 23. NOTAS 1. Friedrich Nietzsche, “On Old y New T Penguin, 1978), p. 210. Kaufmann (New York: tra, trans. Walter Boni and Liveright, 1927), p. 3. 2. Isadora Duncan, My Life (New York: 3. Merce Cunningham, “T no abandonarla”, en Changes: Notes on Choreography (New York: en The T Something Else Press, 1968), n.p.; repr. de y The Conversation de Davide Balula para 60 bailarines] mecánico de Alex Cecchetti. de las flechas] [El diálogo of the Arrows con Danser el Centro Pompidou que organiza La exhibición se propone que la acompañan, programa de eventos sa vie y el na- misma por su visuales, artes y las la danza cómo mostrar turaleza, se han influenciado recíprocamente; cómo arte. La y cómo la danza ha cambiado al cambiado con la danza el arte ha del es el tema de preocupación principal vida propiamente dicha coinci- vertientes que algunas veces artista de ambas vertientes; el constante diálogo entre Ilustrando también den en el centro… ofrece en la cultura, la exhibición también las “altas” y las “bajas” arte. el forma de vislumbrar una nueva su a desarrollar de arte Aby Warburg que impulsó al historiador subse- XX y su siglo arte del la historia del sobre enfoque nuevo Florentino, la danza del Renacimiento de reinterpretación cuente lectura antropológica al dándole origen así a una muy particular la exhibición Danser sa vie invita a sus visitantes a una arte. Hoy, lectura polifónica y multidisciplinaria, en la que la definición del de la vida misma. arte se extiende hasta las profundidades - espec importantes presentarán se exhibición la durante Además, [A (1968) como Planes histórica de reactivación táculos risha l arte no El arte “funk lessons” “funk orres. Wolfgang orres. Wolfgang Shiva Dances [Danzas unningham, rompiendo Cunningham, I’m Lost without Your acita Dean, I’m Lost without Your a danza es entretenimiento. La danza ollins sirve de plataforma para las para plataforma de sirve Collins s hora de bailar] de Ferhat de bailar] de hora Now [Es to Dance It Is Time l show debe continuar] en el cual nos debe continuar] en el cual The Show Must Go On, [El show ueva York], las representaciones las representaciones de Nueva York], eatro de danza Judson illmans por su parte, captura la alquimia de los cuerpos en los su parte, captura la alquimia de illmans por en el que la danza y el espectáculo se compenetraron aun más, aun más, se compenetraron espectáculo y el que la danza en el un- Merce C Cage y entre John con la asociación principalmente ningham a finales de 1940. constelaciónUna de artistas, Robert Rauschenberg, y Paik, Andy Warhol ellos Nam June entre ayudándolos y del coreógrafo, tendencia del bailarín seguían la del teatro de total del arte heredado idea del trabajo a vencer la en los stados Unidos, costa occidental deE Allá por la Wagner. una la bailarina Anna Halprin estableció los años 1950, fue donde precedentes entre el arte y la vida. Inventando relación íntima sin ella para la danza y el espectáculo fue como sus “tasks” [rutinas] La con la vida, la naturaleza y la sociedad. logró involucrarse Judson Dance Theater 60 del New York’s innovaciones de los [T los del movimiento Fluxus en los 50 y de Allan Kaprow y las talante en movimiento el termómetro del 60, hicieron del cuerpo formal y con- Desde entonces, la estética social contemporáneo. de y artistas ha sido incesante. Muchos ceptual entre coreógrafos Robert Morris Rainer, Yvonne ellos como Robert Rauschenberg, visuales artistas como mismos sí a definido han se Brown Trisha y tan evidente, que T y como coreógrafos. Una tendencia tanto en museos como en Brown es capaz de desplegar su obra - la calle o en los techos. La danza está en todas partes y cual Deborah Hay, quiera puede ser bailarín, según los coreógrafos Steve Paxton y Anna Halprin. Como apunta el filósofo Georges juntos”8. para estar que todo más “Bailamos Didi-Huberman: de un redescu- La danza popular es el punto de convergencia con el individualismo brimiento del cuerpo colectivo, que rompe una constante inspiración heredado de la modernidad. Ha sido Sonia Delaunay hasta la para los artistas, desde el Bal Bullier de Alexander Calder. danza salvaje de Josephine Baker de al ver los Dance Diagrams Y uno tropieza con los pasos del foxtrot quien había soñado con [Diagramas de danza] de Andy Warhol, - ser un bailarín de tap. La cultura del club que él ayudó a desarro de su propio haciendo de los clubes nocturnos una extensión llar, muchos artistas. La edad de estudio, ha inspirado desde entonces a Travolta John por inmortalizada 70, los de finales a disco del oro Night Fever [Fiebre del y su inolvidable actuación en Saturday hoy por Ange Leccia. La sábado por la noche], es reexaminada Bootsy de obra que Adrian Piper nos ofrece en el filme de Shiva], mientras el baile go-go y el baile de salón inspiran la puesta en escena de obras de Felix Gonzalez-T T arte y el entre contradicción veo ninguna “No electrónico. éxtasis […] el entretenimiento. prohíbe el entretenimiento. El teatro y la danza están en contacto directo con lo contemporáneo. […] Nunca ha sido mi intención cambiar el mundo sino más bien, ver lo que uno puede hacer con Merce declaró tiene”9, que mundo el definitivamente las barreras entre la coreografía contemporánea el club, entre y el teatral el escenario entre popular, y la danza de Jérôme Bel arte y la vida. Esta es una de las preocupaciones en invita a que “bailemos nuestras vidas” y de David Bowie con su ance [Bailemos], entre otros. D exitoso Let’s La interacción creativa en los cines del Centro Pompidou jóvenes de número gran de obras de presentación la con continúa artistas: el Craneway Event de T Rhythm [Sin tu ritmo estoy perdido] de Johanna Billing, Slow - Pa Dance Marathon [Maratón de danza lenta] de Christodoulos el y nayiotou, y también los trabajos que presentan la tendencia pop, Özgür, representada en las obras de Mark Leckey y Rashaad Newsome. 02

28 DanzaBallet 02

31 DanzaBallet snobs también podría también ARCO o hay duda de que el mercado del arte se ha No hay duda de que el mercado del arte

, porque son los comisarios o curadores de curadores o comisarios los son porque COMISARÍA,

, porque todo se ha intentado y todo se ha TE COMEDIA, porque todo se ha intentado y todo arte, TE COMERCIO, porque sirve para la compra y venta de TE COLECCIONISMO, porque es un escaparate muy TE COMPETENCIA, porque visitar una feria como ARCO TE CONCEPTUAL, porque el concepto es importante y hace TE ARCO significaARTE CONTEMPORÁNEO, pues año a este ámbito, que se realiza cada feria internacional dedicada es una de artistas contemporáneos. en Madrid. En ella se exponen obras artista, un de perspectiva la desde Pero significar otras cosas: AR refleja ARCO y arte, el en como realidad la en tanto posible hecho entre ellas esa realidad. Encontramos las últimas tendencias y tantos y tanto, a muchos vemos que, para poder destacar entre al ridículo, a la transgre- artistas se les hace necesario recurrir sión y a la provocación, con el fin de ser considerados «artistas contemporáneos». convertido en todo un espectáculo. AR cultural es, sobre todo, pues aparte de su función de escaparate un gran mercado de arte. Se puede ver mucha obra de calidad, pero también obras que una buena curaduría y conceptos sólidos, cuantos y unos marketing buen un con que recuerdan te más grotesca hasta la obra con dinero que se dejen convencer, por lo exorbitantes y, y penosa obra puede venderse a precios en los informativos del tanto, ocupar sus diez segundos de rigor de deportes. día, robando un par de minutos al tiempo actual: hasta qué punto Este es uno de los dilemas del artista y sensibilidad de nuestra a costa vendible obra producir debemos obedeciendo la tendencia del «cuanto más feo, más hermoso» que parece haberse impuesto en el arte contemporáneo. AR que de suerte la tiene si y, de arte coleccionista el para variado un coleccionista se sorprenda con tu trabajo, seguro que tu obra será mejor valorada y apreciada por el público y también por otros coleccionistas. Hoy en día, con tanta producción y tan poca demanda, los coleccionistas son una pieza clave para mover este mercado y muchos otros, por eso se podría decir que son ellos quienes en realidad marcan las tendencias. AR en calidad de artista no expositor y compararse con otros artistas sienta bien, es estimulante y además brinda la posibilidad de con- la en entrar intentar arte e de y curadores con galeristas tactar competencia encarnizada por los primeros puestos en el orden mundial del arte. AR muchas en que observar se puede pero se sustente, una obra que obras expuestas el concepto prevalece ante la forma, un exceso el ¿Es plástico. rigor y creatividad poca y intelectualización de concepto más importante que el lenguaje estético? AR arte los que tienen la última palabra, figuras aclamadas pero a la Xavier Fiol | CECILIA PAREDES Fiol | CECILIA Xavier 2011 de rosas, en el mar Sirena cuerpo, impresión pintura sobre Foto performance, papel fotográfico lambda sobre on lambda print paint on body, Photo performance, paper photographic 100 x 100 cm Fiol, Palma de Mallorca ourtesy Xavier Cortesía C

para un artista para ARCO El significado de significado El Por María La Placa Por María La 02

30 DanzaBallet vez desacreditadas, que representan el poder en la sombra, que pueden encumbrarte o rebajarte al anonimato: ellos son quienes deciden qué galerías y artistas participarán en la feria. Idealmen- te, los parámetros para tal comisariado deberían ser el rigor, la investigación y el contacto con los artistas o con el tema elegido para el proyecto, y esto se nota en la mayoría de las obras ex- puestas en ARCO. Pero también es necesario subrayar que al observar la calidad de alguna obra expuesta se puede constatar, muy a nuestro pesar, que no siempre es así; queda claro hasta para los ojos menos entendidos que a veces los comisarios de algunas galerías participantes no son ni tan éticos ni tan riguro- sos como debieran ser. Algunos, para nuestra desgracia y la del público, obedecen a influencias que nada tienen que ver con arte, o a tendencias o caprichos sin trascendencia. ARTE COMPROMISO, porque eso es lo que es el arte, o al menos debiera serlo. Y sobre todo son los artistas quienes deberían estar comprometidos. Actualmente, cualquiera con un poco de osadía puede ser artista, y si además está bien relacionado, lleva a cabo una buena campaña de marketing y sabe venderse, puede llegar a ser un artista de éxito. Desgraciadamente, esto ha permitido todo tipo de excesos: desde los creativos conscientes hasta los subproductos artísticos de consumo masivo; caprichos sin depurar, deliberada o inconscien- temente ajenos a la supuesta finalidad trascendental del arte. Entonces, una vez más, me pregunto: ¿dónde queda el compro- miso del artista con el arte? Lo que en su mundo equivaldría al juramento hipocrático que hacen los médicos con un conteni- do de carácter ético para orientar la práctica de su oficio, que es también el juramento que se basa en la responsabilidad del 1 ser humano y conciencia de ella. Esa responsabilidad y ética del artista para consigo mismo y con su público sería algo como 2 intentar plasmar y transmitir lo intangible, lo sublime; en suma, la belleza. Porque lo feo, lo transgresor, lo ordinario y decadente no nos acercan a la esencia•

1. Raquel Ponce | NOÉ SENDAS Crystal girl nº 58, 2011 Impresión de chorro de tinta Epson sobre papel fotográfico Epson Premium Luster Epson inkjet print on Epson Premium Luster photo paper 35 x 25 cm Ed. 2 + 1 PA AP Cortesía Galería Raquel Ponce y el artista Courtesy Galería Raquel Ponce and the artist

2. Andersen’s Contemporary | ULRIK HELTOFT 32 Untitled (Otaku), 2001 33

D anzaBallet C-Print sobre aluminio D anzaBallet C-Print mounted on aluminium Thomas Schulte | IRIS SCHOMAKER 107,5 x 86 cm Cortesía del artista y Andersen’s Contemporary, Copenhague Sitting/listening (grey chair), 2011 Courtesy of the artist and Andersen’s Contemporary, Copenhagen Óleo y acuarela sobre papel Oil and watercolour on paper 02 230 x 157 cm 02 En el podio con Ígor Fiódorovich Stravinski por Danza Ballet

Igor Stravinsky Igor Stravinski (Oranienbaum, 1882 – Nueva York, 1971) es uno Poseedor del don de la composición y descomposición, inventó detalle en los periodos estilísticos que marcaron su carrera Russian born composer Igor Stravinsky conducts a concert, ca. 1968. de los mayores creadores y artistas de todos los tiempos, lo que melodías marcadas por ritmos disonantes y poliarmónicos de compositiva o mencionar una por una las obras que escribió Photo Erich Auerbach © Hulton-Deutsch CollectionCORBIS. propició que, en 1910 y con tan solo veintisiete años, se hiciese una manera atrevida, innovadora y rompedora. Muchos de sus para ballets, óperas y sinfonías, ni nombrar las pequeñas famoso gracias a un cuento de hadas ruso titulado L’Oiseau de feu, títulos sellan un nuevo estilo de armonía inesperada y asimétrica. piezas creadas para piano y para jazz. de la noche a la mañana, de la mano de Sergei Pavlovich Diaghi- La riqueza del trabajo rítmico de Stravinski a lo largo de su obra Nuestra intención es compartir con ustedes las fotografías lev y en la Ópera de París. forma una constelación de inimitable fuerza poética contemporá- del genio en el podio de la orquesta, que hablan por sí solas. nea en constante renovación. Elegante y moderno, hombre de mundo, transgresor y complejo, Ígor Stravinski falleció el 6 de abril de 1971 en Nueva York. amante de la familia y reconstructor del legado clásico, Stravinsk Stravinski fue, desde siempre, un gran admirador del ballet supo escuchar y complacer con su música a bailarines, pintores, clásico y de su gran maestro, Marius Petipa. El cuerpo del pianista, compositor y director fue enterrado «Yo soy un inventor músicos, empresarios, intelectuales y demás coetáneos. en la isla de San Michele, en Venecia, junto a la tumba de No se resistió a la llamada de Diaghilev, y mucho más tarde 34 Diagilev (1872-1929). 35 París, inagotable fuente de creatividad, centro del bullicio artís- tampoco lo hizo al recibir la del noble heredero que culminó con D anzaBallet D anzaBallet de la música» tico que supuso el comienzo del siglo pasado, sucumbió ante su la tradición, George Balanchine (1904-1983). música. Entre tanta efervescencia creativa compuesta por au- «Seguir un solo camino es retroce- Ambos reinventaron el ballet en su forma; ambos hablaban los Ígor Stravinski ténticos talentos fue él, Stravinski, el verdadero protagonista del mismos idiomas: el ruso y el de la música. cambio, que marcó un antes y un después en la historia de la der». Ígor Stravinski música occidental del siglo xx. No es nuestra intención en estas sencillas líneas adentrarnos en 02 02 “Bournonville and Ballet Technique. Erik Bruhn and Lillian Moore”

Por Isis Wirth

“Bournonville and Ballet Technique”, de Erik Bruhn y Lilliam Moore, se publicó originalmente en 1961 por A & C Black Ltd, que he leído en la edición de 2005 de Dance Books Ltd. Lilliam Moore (1911-1967), fue una bailarina norteamericana, asi como escritora e investigadora de la danza. Había estudiado con George Balanchine y Alexandra Fedórova. En el primer capítulo del libro, que sólo firma ella a manera de prólogo, titulado “A Stranger looks at Bournonville”, aduce que la primera vez que vió al Ballet Real de Dinamarca en 1954 se sorprendió con algo que no había oído mencionar anteriormente respecto de los bailarines daneses: la facilidad extraordinaria que mostraban todos los bailarines en ciertos pasos. Le habían adver- tido que no esperara encontrar un fuerte trabajo de puntas (Vera Volkova sólo era la principal profesora de la compañía desde 1951, lo cual haría por los próximos 24 años), ni el “aliento y la simplicidad de movimiento o las bellas líneas alargadas subra- yadas por la escuela contemporánea ruso-francesa”. “Pero nadie me dijo a mí, expresa, que los daneses eran capaces de acometer ciertos aspectos técnicos que habían sido olvidados por completo por el resto del mundo de la danza”. Recuerdo que fue en los años 50 del pasado siglo cuando ese “reservorio” del verdadero estilo romántico francés, y de determi- nadas características técnicas y estilísticas, que es el Ballet Real de Dinamarca, se convirtió en “internacional” en lo que respecta a la confrontación con el exterior, en más de un sentido. Tuvieron 36 lugar giras por Gran Bretaña, y en 1956 la primera en los Estados 37 D anzaBallet Unidos de América. D anzaBallet Moore notó una diferencia entre los pasos individuales y los movimientos que pueden aceptarse como parte de un “efecto general” (el famoso estilo Bournonville) y la técnica en sí. O esa Ballet dancer Erik Bruhn, soloist with the Royal Danish Ballet. 02 dicotomía que puede responder a la misma categorización: cuáles ©The Royal Danish Ballet. Photo's courtesy of The Royal Danish Ballet. 02 02

39 DanzaBallet En heatre, nuestro principal nuestro Theatre, l libro, dedicado por Bournonville por dedicado libro, El uando ella llegó, la escuela entera olkova. Cuando ella llegó, la merican Ballet American l generoso regalo quería decir que Bruhn Bruhn que decir quería regalo generoso El era V ice Bruhn: “Hasta hace diez años atrás, este estilo particular hace diez años atrás, este estilo particular Dice Bruhn: “Hasta era raramente visto fuera de Dinamarca. (el de Bournonville) el Ballet Real Danés comenzó a visitar Entonces (en 1951), Fue ciudades del mundo occidental. (…) algunas de las grandes (…) público. del mayoría la para nuevo completamente algo de la tuvo la suerte de obtener los servicios 1951, la compañía gran Madame V no fuera a olvidar su pasado. olvidar su a fuera no fue reorganizada bajo su dirección. (…) Pero, como cualquiera bajo su dirección. fue reorganizada son más fuertes y puros en su los bailarines daneses puede ver, técnica que nunca antes”. y recibir clases en Londres Bruhn relata que desde 1947, al bailar y París y en el American Ballet Theatre, descubrió otras formas quise incluso olvidar todo de entrenamiento. “Por un momento, trataba de fortalecer esos de la escuela Bournonville, mientras sido quizás descuidados. aspectos de la técnica que habían Dinamarca para mi (…) Entonces, en 1951, cuando me iba de el con gira segunda regalo de despe- crítico, Svend Kragh-Jacobsen, me dio como dida un pequeño y raro libro, ‘Estudios coreográficos’,Bournonville”. por escrito consiste de varios a sus alumnos y a los bailarines profesionales, y se extienden al centro, y ejercicios que comienzan en la barra destinadas a desarrollar el concluyen con combinaciones de pasos ballon y la elevación. (Del libro de Bournonville, se incluyen en regarding the exerci- el de Bruhn y Moore el prólogo y “Remarks Estados Unidos, a Lillian ses”.) Bruhn se lo mostró en 1959, en los Moore quien se entusiasmó con él. El interés de Moore fue como de la herencia que un segundo recordatorio para Bruhn respecto de los valores que yo portaba, “una apreciación más profunda había tomado como gratuitos, asi como una reflexión sobre las dado cuenta antes de una manera cosas de las que yo no me había consciente”. Sobre la base de los ejercicios preconizados por Bournonville en su libro, aderezados con la reflexión en consecuencia, Bruhn y Moore erigieron esta obra (de unas 70 páginas) de un inesti- “Algunos de los ejercicios de Bournonville no son mable valor. conocidos, alega Bruhn, o raramente practicados (o practicados de modo diferente) fuera de Dinamarca. No estamos tratando con ellos de abogar por un nuevo sistema, método o secreto. Sin embargo, pensamos que poseen un capital definitivo que cualquier de entrenamiento puede el en suplemento como beneficioso ser bailarín, si se aplican correctamente (como Bournonville insistió en su pequeño libro) por el profesor o por un bailarín, maduro, para sí mismo. Los presentamos con la esperanza que ellos puedan más conocimiento un lograr cuales los con medios los de parte ser grande y una experiencia artística en permanente desarrollo”. style and technique”, que se En el capítulo VI, “Bournonville’s desglosa en los acápites: “Ballon and the Bournonville style”; “Ronds de jambe”; “Pirouettes”; “Attitudes”; “Elevation and batterie”, Bruhn y Moore refieren los ejercicios que constituyen una suerte de revelación, aguzada, repito, con el análisis. En “Ballon and…” escriben: “Aunque la mecánica de los pasos son pasos esos público, el para obvia ser debe no transición de Det Kongelige Teater. The Royal Danish Theatre. Season 2010/11 The Royal Danish Teater. Det Kongelige Konservatoriet : Balletaften: som balletmester Nicolai Hansen ©Costin Radu The Royal Danish Ballet Courtesy of Ingla- continuó bailando ahí como invitado en los años posteriores. Ya Ya posteriores. años los en invitado como ahí bailando continuó en presentado había se graduó) se (cuando 1947 desde terra, y en 1949 lo hizo por la primera vez con Ballet Theatre, con el cual continuó regularmente durante nueve años. Y no hay necesidad de recordar la carrera internacional de Erik Bruhn, probablemente el mejor bailarín del siglo XX. En el capítulo siguiente al que sólo firma Moore, titulado “My Bournonville Background”, firmado a Bruhn, el bailarín explica que durante los diez años de su entrena- su vez solamente por miento en la escuela Bournonville, existían seis clases diferentes para cada día de la semana. Estas clases estaban establecidas del todo, y se repetían sin cambiar desde el día que se entraba a la escuela hasta la graduación, y así continuaban cuando ya se era un bailarín profesional en la compañía. y ligera en la recepción de los saltos. “Él rió y declaró que una de bailarín, como él en reconocía Bournonville que debilidades las y lo que había heredado su escuela, era una frágil recepción sin un plié suficientemente suave y profundo. Paradefecto (era muy inteligente para reconocer sus debilidades y remediar este trabajar sobre ellas), aprendió a ordenar los pasos de manera que despegue rápido el con disimulada fuera salto un de recepción la hacia un otro salto o de un movimiento rápido; un salto era ra- ramente seguido por una posición sostenida que pudiera delatar una manera abrupta de retornar al suelo”. Erik Bruhn (1928-1986), que “desde niño había estado tan ello que tradición su en y Bournonville técnica la en inmerso devino una parte integrante de sí mismo” (acota Moore), en 1961 había oficialmente abandonado el Ballet Real Danés, aunque erdy, cuyo entrenamiento ha sido francés y ruso. cuyo entrenamiento erdy, iolette V Sin embargo, ví en la ejecución de los ballets de Bournonville muchas cosas más profundas que el estilo”. Ella había visto, “por supuesto”, a Erik Bruhn, pero sabía que su técnica Bournonville original había conocido el agregado de un entrenamiento ruso. La primera vez que Moore y Bruhn discutie- algunos incluyera que le sugirió ella libro, del técnica la parte ron de los ejercicios que les otorgaban a los daneses esa manera suave son las diferencias –y las relaciones- entre técnica y estilo. “El estilo puede ser asimilado, escribe. La técnica tiene que ser lenta bien clásico Un bailarín cuerpo. en el construida y gradualmente entrenado y sensible puede rápidamente aprender a reflejar el estilo de un coreógrafo. Por ejemplo, el exigente, meticuloso y distintivo estilo de Balanchine ha sido inteligentemente dominado por V 02

38 DanzaBallet vueltas vueltas son particularmente fluidas y Fonteyn”. es Margot bellas, sugeridos enchaînements los Entre que para los giros por Bournonville encuen- y Moore se recogen Bruhn (girando seconde la à dos de el tra segunda la desde inmediatamente un plié a la posición en l’ air desde por otro relevé segunda), seguido y cuatro giros sobre el pie de apoyo en attitude. No importa cómo fina- la posición lizará (sea manteniendo de pas a inmediatamente yendo o en dehors), la bourrée en tournant frase es endiablada. “Attitudes” refiere a una de las prin- del estilo cipales características Bournonville, como la effacé que parecía ser su favorita. La attitude más baja del tiempo de Bournonvi- lle, en consonancia con los trajes más largos usados por las bailarinas, no es hoy considerada correctamente clásica. “Los bailarines que sola- mente han sido entrenados en esta que hallan estilo viejo del attitude la lograr imposible es prácticamente línea clásica de los ballets de Petipa y de los coreógrafos contemporáneos”. para los un entrenamiento Aconsejan ambién, en que: “ Las viejas clases de Bournonville jóvenes que les permita la flexibilidad necesaria en la parte media parte la en necesaria flexibilidad la permita les que jóvenes “clásica”, al mismo tiempo de la espalda para lograr la attitude que se refieren en los términos de “interesante y más bien acro- de libro el (Por demás, soviético”. “estilo del la attitude a bática” elegancia las diferencias Bruhn y Moore contrasta sutilmente con cuando naturalmente, entre tal “estilo soviético” – a no desdeñar, fue escrito- y el danés.) la admiración En “Elevation and batterie”, las cuales provocan que ellos se dondequiera por los bailarines daneses irrestricta presentan, aducen que el “secreto” radica simplemente en las exigencias del repertorio de Bournonville, las cuales son un reto constante. T siempre terminaban con un muy largo y complicado enchaîne- ment de elevación. En la clase del miércoles, se incluían tres de esos enchaînements, ¡uno de los cuales duraba 64 compases! La duración promedio de una variación clásica masculina es de 48 - que estos ejerci compases. Hoy en día, se acepta generalmente permiten al y así no le al bailarín exhausto cios tan largos dejan alumno concentrarse con propiedad en su ejecución. No obstante, cada uno de ellos contiene secuencias separadas que pueden ser consideradas de una duración normal, y estas secuencias más muy ejercicios constituyen aislada, manera de ejecutadas cortas, beneficiosos”. El libro de Bruhn y Moore, acucioso, prolijo y sin embargo sintético, expone no sólo la riqueza que deslumbra del “estilo Bournonville” sino sus más íntimos resortes, de los que deben aún hoy beneficiarse los bailarines no entrenados en la escuela danesa, a los que se dirigieron pedagógicamente los autores. Y de ese es intrínsecamente, por encarnar más allá de la técnica, modo concreto la pureza ideal de una estética que los daneses - conservaron, un documento de un verda gracias a Bournonville dero arte de la danza. ©Det Kongelige Bibliotek. August Bournonville (1805-1879) in embargo, una embargo, Sin an Petersburgo en 1894, en Petersburgo San ema y variacio- nes”): Odette, en el segundo acto de “El lago de los cisnes”, debe ejecutar dedans, en jambe de ronds doble pero se hace con un simple relevé en punta, lo que es “infinitamente más fácil que hacerlos en sauté”. “Es muy deprimente ver cómo con frecuencia Los ejercicios que son ejecutados de una manera tan deplorable”. de jambe par terre y en l’ proponen, entre otros, incluyen ronds desde plié y asi como ronds de jambe en dehors y en dedans, air, en quinta posición. Bournonville Las “Pirouettes” son particularmente interesantes. in embargo, como recono- las llamaba “el triunfo del aplomb”. S su técnica como bailarín. ció en su autobiografía, eran lo peor de entrenamiento intenso (Como sabido, tuvo que someterse a un con Baptiste Petit, famoso – lo mismo que su cuñado Louis Duport- por sus piruetas, en la Ópera de París para perfeccio- narse en los giros, antes de pasar el concurso de ingreso.) Entre lo interesante: “Aunque muchas autoridades sitúan el descubrimiento del rond de jambe fouetté en tournant (el paso conocido popularmente como fouetté) hacia más tarde, y acuden al célebre ejemplo de Pierina Legnani introduciendo los 32 en cisnes” los de lago “El en fouettés Bournonville ciertamente incluye algo que él describe como ‘rond de jambe relevé en tournant’. Esto parece ser un fouetté. Menciona ‘pirouettes en rond de jambe’ varias veces”. una desde a girar más se acostumbra especialmente: “Hoy, Y, segunda. una desde que croisé posición cuarta mayor velocidad, estabilidad y fuerza pueden obtenerse desde una preparación en segunda posición, si el plié es limpio y fuerte, y no se mantiene durante mucho tiempo. (…) Una preparación en segunda posición parece ser antigua y fea solamente si se mantiene demasiado tiempo. El mismo principio de un simple y limpio plié en ritmo correcto debe aplicarse a las vueltas desde cuarta posición, sobre todo cuando la bailarina gira sobre las puntas. (…) Incluso buenos bailarines profesionales dependen con frecuencia de la doble preparación para comenzar una limpio. menos como asi seguro menos giro al hace cual lo pirueta, Una bailarina que nunca hace una doble preparación, y cuyas una parte importante de la educación la educación de importante una parte - intensamen debe ser y del bailarín, los más tarde aun si dominada te deli- que subordinarse pasos tienen Uno de con frecuencia. beradamente de de transición favoritos los pasos hasta el conocido era Bournonville escuela como el hace poco en su es exactamente contretemps, que no con ese mismo el paso que se llama Y pasan a des- nombre por doquier”. que incluye cribir un enchaînement ese “otro” contretemps. –“no hay En “Ronds de jambe” variación de prácticamente una incluya un tipo Bournonville que no señalan la im- de ronds de jambe”-, portancia que el coreógrafo danés le confería a los ronds de jambe par terre y en l’ air por medio de dos ejemplos en la obra de otros co- reógrafos. Refiero uno (elBalanchine en “T otro es 02

40 DanzaBallet We know from the history books that early theatre was spiced After World War II there was an increasing tendency for the with songs, music and dance. Opera was the favourite pastime Danish ballet to seek its inspiration in international names. of the royal court, but it was not originally housed in the Royal Choreographers such as Ashton, Cranko and others made their Danish Theatre. It was only when the king bestowed his favour presence felt, and with Flemming Flindt as Artistic Director from on the theatre environment that a demand arose for a national 1966 to 1978, new works and a whole new style found their way opera company. Over the next 20 years the Royal Danish Theatre to the theatre. Perhaps the best known of these innovative new was established as a venue for all the performing arts – and the works was The Triumph of Death from 1971, featuring the rock opera was included. music of Danish band Savage Rose. The original staff of actors may have been small, but the group Obviously, a contemporary company has to maintain a repertoire of dancers was even smaller: 2 males, and 1 female. Trouble and of some breadth, and the Royal Danish Ballet is no exception, strife can arise even in such a small group, and when this came to dancing pretty much everything – from Bournonville to barefoot the notice of the theatre executive, they all got the sack. Curtains stomps, from the abstract works of Balanchine to the action-pac- for the ballet. ked, full-length performances of John Neumeier. Nevertheless, the backbone of the company at Kongens Nytorv remains the The History of the Of course, the dancing continued, albeit under rather chaotic conditions. Italian Ballet Masters, who had been imported to do the job, tended to last but one winter season in the freezing North. Vincenzo Galeotti was the first Ballet Master to bring stability to Den Kongelige Ballet/The Royal Danish Ballet | Sæson/season the theatre: this was in 1775. He is, in fact, the father of the Royal 2007/2008 Danish Ballet, creating around 50 works for the Danish stage GISELLE: Af Nikolaj Hübbe og Sorella Englund efter Jean before his death in 1816. The only one of these ballets, which has Coralli og Jules Perrot. Mads Blangstrup og Gudrum Bojesen Royal Danish Ballet been preserved, is The Whims of Cupid and the Ballet Master Photo: Henrik Stenberg (1786) – but on the other hand it is the oldest ballet in the world still staged to this day. It is common knowledge that the most renowned name in Danish ballet is that of August Bournonville (1805-1879). It is due to by Royal Danish Ballet him that a clearly defined style of ballet was created, based on a specific set of aesthetic ideals, and having its own unique training techniques. His works were numerous, and about ten of them are still being performed to this day. The Royal Danish Ballet thus possesses a treasure trove of 19th century ballets unmatched by any other company in the world. Bournonville, whose father was a dancer of French origin, was appointed Ballet Master in 1830 and he was assigned to the Royal Danish Theatre, with the exception of a few leaves of absence, right up to 1877. With works such as (1836), (1842), (1849), The Kermesse in Bruges (1851) and (1854), Bournonville intro- duced international romanticism to the Danish stage, as well as Danish national romanticism and romanticist idyll. August Bour- nonville was, indeed, a theatrical personality of enormous talent. He was a skilled director and it was he who, together with con- ductor H.S. Paulli, was responsible for the staging of Lohengrin (1870), De Meistersinger (1872) and Tannhäuser (1875), thus introducing Wagner to the National Stage. Bournonville’s retirement was followed by what might be called a dormant period. The rest of Europe was fired, in the early 1900’s, by the innovative performances of Les Ballets Russes, but in Copenhagen under the auspices of Ballet Master Hans Beck, they had little impact. At the Royal Danish Theatre by Kongens Nytorv a series of Bournonville ballets was consolidated, and Hans Beck instigated the definition of the six so-called Bournon- ville Schools. And as late as in the 1930’s, Danish author Kjeld Abell exclaimed, quite rightly, that “Danish ballet is spelt both backwards and forwards BOURNONVILLE”. The revival came when Harald Lander was appointed Ballet 42 43 Master in 1932. Training techniques were revised and Lander D anzaBallet D anzaBallet created a new repertoire of his own works – works that reflected contemporary trends. In Etudes (1948), to the music of Knudåge Den Kongelige Ballet/The Royal Danish Ballet | Sæson/season 2007/2008 Riisager, Lander created the first major international success of the century for the Royal Danish Ballet. Silk & Knife by Jirí Kylián. Corps de ballet. 02 Photo: Per Morten Abrahamsen 02 02

45 DanzaBallet chool each School o strengthen chool, the second second the School, t the Reading the At hey all receive daily ballet daily receive all They heatre has supplied professional professional supplied has Theatre hristmas, and the third is after the exam, demons- exam, the after is third the and Christmas, The Ballet School School The Ballet Royal the 1770ies the Since class contains a small number of pupils providing ample opportu- needs. nity for teachers to cater to the individual child’s The Ballet School 2011/2012 Director: Niels Balle Administrator: Marianne Bennetzen Secretary: Lena Hjarne The Royal Danish Ballet http://kglteater.dk heatre’s Danish Theatre’s for the Royal produces dancers training that Ballet School has past 200 years the During the own company. establishing the contributors in been one of the key therefore - Our compre fame. current world-wide Royal Danish Ballet’s ballet-dancers of has produced renowned training hensive and which have thrilled Danish audiences international magnitude, great recognition abroad. and also harvested Theatre includes approximately The Ballet School at the Royal years. 16 – 6 ageing pupils 60-70 and adult for essential is training ballet daily muscles, the flex and child dancers alike. and education children’s The ballet lessons vary according to the contemporary training. age, and strive to provide a diverse and in Modern Dance, This is achieved by offering a range of courses drama, gymnastics, music and much more. The Exam jury determines whether Ballet exams are held each spring. A each pupil is fit to continue training. Should academic education at the ballet exam, she/ he will not forfeit an the pupil fail the School. Counselling is available if the pupil wishes N. Zahle’s to transfer to another school. Three times annually the parents Initially in the autumn, are invited to observe the ballet classes. Ballet the about information general offering trating exam requirements. The Supervisors teachers trained – all supervisors four Ballet School employs The day. school the entire throughout children of the care - who take The supervisors establish the link between the Ballet and the Reading schools. They are concerned with the pupils’ welfare and all social interactions at school. Furthermore they undertake all communication with the parents regarding performances, re- hearsals and daily routines. are con- pupils the other events, and tours performances, During tinually in the supervisors’ charge. The Reading School School was founded in 1856, con- Reading The Royal Theatre’s sisting of one single class. Since it has expanded and currently levels. class 10 all in pupils contains School. education at the Reading tuition and a comprehensive charge. Any tuition is free of The ballet training the ballet Monday – Fridays, and from The pupils are taught The ballet training also includes Saturdays. third grade onwards based on age and skills. pupils are divided into training classes with 1 1/2 rehearsal room Each morning begins in the theatre’s classes. T hours of Bournonville and classical ballet proceeds visit Dam Cecilie ina Højlund im Matiakis - Axel Fransson Elisabeth ara Schaufuss. eildorf - eildorf T Clark - Jón aroline Baldwin - Baldwin Caroline Ditte alcott - alcott T amand - Aamand Carling Charlotte A to the Artistic Director : Annette Monrad t was, therefore, no surprise no therefore, It was, Bournonville. of August works - ce a grandiose planned Frank Andersen irector Artistic D that the bicentenary on the occasion of of the great Master lebration celebration of year as a similar in 2005 – the same of his birth Andersen. Hans Christian close friend, Bournonville’s occupied with the is constantly a ballet company Naturally, sense. in the broadest teaching recruitment and process of in school holidays, young ballets are performed Children’s out to the Bournonville bus brings the ballet talents are nurtured, of new schools schools, etc. etc. Not to mention the establishment – all towns of Odense and Holstebro of ballet in the provincial the future development of Danish ballet. with a view to ensuring Theatre The Royal Danish ikolaj Hübbe Artistic Director: N Sten Petersen Administrative Director : Henrik Deputy Artistic Director : Silja Schandorff P Financial Controller: Louise Huus Andreasen PR-Manager: Camilla Høy-Jensen Dancers 2011/2012 Principals Susanne Grinder - Gitte Gudrun Bojesen - J'aime Crandall - - Ulrik Birkkjær - Mads Blangstrup Lindstrøm - Amy Watson Alban Lendorf - - Andrew Bowman - Marcin Kupinski - Thomas Lund - Jean-Lucien Massot. Soloists T Lesley Culver - Diana Cuni - Lena-Maria Gruber - Christina Michanek - - Alexandra Lo Sardo - Kizzy Matiakis - Dean - Morten Femke Mølbach Slot - Jodie Thomas - Gregory T Eggert - Nicolai Hansen - Sebastian Kloborg - Fernando Mora - Alexander Stæger. Character dancers is Jeppesen - Eva Kloborg Jette Buchwald - Mette Bødtcher - L - Mogens Boesen - Poul-Erik Hesselkilde. Corps de ballet Female dancers Alba Nadal - Amalie Adrian - Birgitta Lawrence - Camilla - Holst Ruelykke assen - Lassen ee Wilkinson - - Ellen Green - Emma Håkansson - Esther Lee Wilkinson Giorgia Minnella - Hilary Guswiler - Holly Jean Dorger - Josee Howard - Josephine Berggreen - Kristine Drewsen - Laure Dougy - Louise Midjord - Louise Østergaard - Maria Bernholdt - Mathilde Søe - Oda Grøner - Rebecca Labbé - Sascha Haugland - Shelby Elsbree - Stephanie Sahlgren - T Male dancers Alexander Bozinoff - Benjamin Buza - Bryant Steenstra - Byron - Christian Mildwater - Cédric Lambrette - Charles Andersen Hammeken - Christopher Rickert - Constantine Baecher - Eliabe - Gábor Baunoch - James D'Abadia - Jonathan Chmelensky - Julien Ringdahl - Julien Roman - Thomas Flindt Jeppesen. Operaen/The Opera Photo: Lars Schmidt 02

44 DanzaBallet Cristóbal Balenciaga, maestro de maestros

Desde sus primeras labores de costura en Getaria, hasta su éxito internacional en París, el modisto guipuzcoano fue un trabajador incansable

Por Iratxe de Arantzibia

La admiración unánime de sus propios colegas le han valido que haría “ropa preciosa como la que lleva usted”, asegurando epítetos como “el maestro de todos nosotros” (Christian Dior), que podía copiar el vestido que ella llevaba. Dicho y hecho. Desde “el arquitecto de la Alta Costura” (Hubert de Givenchy), “el entonces, la aristócrata se convirtió en su mecenas y protectora. emperador de la moda” (Paco Rabanne), entre otros muchos De su mano fue admitido primero en Casa Gómez (12 años) y, elogios. Incluso la mismísima Coco Chanel le piropeó aseguran- después, se incorporó como aprendiz en la sastrería New England do que era el único capaz de diseñar, cortar, montar y coser un (13 años), ambas sitas en San Sebastián. En 1911, entró en Les vestido de principio a fin, mientras que el fotógrafo británico Grands Magasins du Louvre (16 años) y cumplió la mayoría de Cecil Beaton lo definió como el “Picasso de la moda”. Todos estos edad como jefe de taller. En esa época, está documentado que parabienes recayeron en Cristóbal Balenciaga (1895-1972), una confeccionó el vestido de novia de su prima, Salvadora Egaña Ba- persona discreta y reservada que nunca salió a saludar al finalizar lenciaga, en 1912. También, debido a su cargo, comenzó a realizar un desfile o sólo concedió una entrevista en medio siglo de tra- viajes de trabajo a Paris, a la sede general de la firma. Aprendió la yectoria profesional. importancia del corte y de la exclusividad de las piezas, así como En la pequeña localidad costera de Getaria, nació el quinto hijo de la calidad de los materiales. Por otra parte, pudo ver in situ del matrimonio formado por José Balenciaga Basurto y Martina las creaciones de las casas de costura parisinas, más allá de las Eizaguirre Embil, un lustro antes de entrar en el siglo XX, el 21 nociones que tuviera del lujoso guardarropa de la marquesa de de enero de 1895. El patriarca se dedicaba a la pesca y marinería, Casa Torres. Tras un pequeño período de formación en Burdeos siendo nombrado ocasionalmente alcalde del municipio guipuz- (1914-1916), decidió establecerse por su cuenta en 1917. coano de 1895 a 1898, por el Partido Liberal. Por su parte, su madre realizaba labores de costura, actividad que incrementó al enviudar en 1906. En aquella época, San Sebastián se había con- De San Sebastián a París, puntada a puntada vertido en la sede del veraneo real y la corte en pleno se trasladaba Durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918), San Sebas- de Madrid a la Bella Easo, extendiéndose la afluencia de la aristo- tián se había convertido un enclave cosmopolita y había florecido cracia a localidades cercanas como Zarautz o Getaria. Entre ellos, gracias a la neutralidad española en el conflicto bélico. La Belle se encontraban los marqueses de Casa Torres (Cesáreo Aragón Èpoque donostiarra reunió en su concurrido casino a visitantes Barroeta-Aldamar y Blanca Carrillo de Albornoz), abuelos de la tan ilustres y dispares como Mata Hari, León Trotsky, Maurice reina Fabiola de Bélgica, para quienes Martine Eizaguirre reali- Ravel, Pastora Imperio, entre otros, mientras la Familia Real 46 zaba trabajos de costura. 47

D anzaBallet (reina regente Mª Cristina, rey Alfonso XIII, reina Victoria D anzaBallet En ese ambiente, creció el joven Cristóbal, quien aprendió a dar Eugenia) mantenían el veraneo regio. De hecho, el Teatro sus primeras puntadas de su progenitora. Según cuenta la editora Victoria Eugenia donostiarra acogió dos estrenos de los Ballets Vestido de día en crespón de lana naranja, 1968. de “Vogue” Bettina Ballard, los inicios del maestro de la aguja Rusos de Diaghilev –“Las Meninas” y “Kikimora” en 1916- y una ©Cristóbal Balenciaga Museoa. Foto gentileza tuvieron tintes anecdóticos. Al parecer, un día, la marquesa le nueva visita dos años después. En ese espacio de tiempo, una vez 02 Cristóbal Balenciaga Museoa. preguntó a qué se iba a dedicar de mayor, a lo que éste contestó regresó de su etapa bordelesa, Cristóbal Balenciaga inauguró su 02 02

49 DanzaBallet baby-doll Traje de chaqueta, 1966. de chaqueta, Traje ristóbal Balenciaga Museoa. ©Cristóbal Balenciaga orres. Gracias a ella, el joven joven el a ella, Gracias orres. T Según sus palabras, “un modisto Casa ristóbal Balenciaga Museoa. Cristóbal Balenciaga Foto gentileza ionnet (1876-1975) y Louise Boulanger (1878-1950). amisier, sastres, cortadores, etcétera. amisier, Cristóbal se incorporó como aprendiz a un negocio donostiarra. Precisamente, este vínculo entre Balenciaga y los Aragón-Carri- llo de Albornoz cristalizó en una célebre creación. La nieta de los - los vestidos de noche. Las mujeres resalta día e imaginación en de Balenciaga”, ya que eran diseños prácticos ban la “comodidad con contraste en rellenitas, y delgadas siluetas a favorecían que Así el diseñador vasco ior. la actitud de “pájaro enjaulado” de D falda creó la línea tonneau (1947), la línea marinera (1951), la el abrigo Kabuki (1955), balón (1953), la línea túnica (1955), vestido (1958), imperio línea la (1957), saco vestido el vestidos de cóctel (1958), silueta globo (años 50-60) abombados vestido tubo. En la década y de noche en tafetán, el estilo sari, el el mohair y mezcló éste con de los 60, usó materiales nuevos como fibras sintéticas. sólo moda la a mujer una Balenciaga, para filosofía, su de Dentro con- para suficiente lo misma sí a conocía se si elegante ser podía modisto y no ir detrás de vertirse en clienta habitual de un único La la novedad del momento. Odiaba la vulgaridad y el mal gusto. características. Revisaba extremada minuciosidad era otra de sus había selec- se ver si para primera veces: la cuatro modelo cada para comprobar el diseño. cionado el tejido correcto, las otras tres personalmente a sus ma- Su celo por el trabajo le llevó a formar anónimas, destacando su niquíes en una época en las que eran colaboración con Colette durante casi dos décadas (1937-1954). fueron otra seña de iden- Las llamativas combinaciones de color tidad del diseño Balenciaga. ha de ser virtualmente científico en la selecciónLos estudiosos hablan de su paleta cromática en la que sobre- del colorido”. y especialmente, marrones negros, grises, de los las gamas salen los púrpuras. Pese a su discreción, se sabe que profesó admira- ción hacia las diseñadoras Coco Chanel (1883-1971), Madeleine V Un lujo de clientas La discreción y la lealtad fueron cualidades que cultivó Balencia- ga y que rigieron su vida y la de sus inmediatos colaboradores. El organigrama de la empresa parisina estaba formado por los socios fundadores el propio modisto, Nicolás Bizcarrondo y Wladzio Jaworowski d'Attainville, fallecido en 1948. Por debajo, los empleados que colaboraban en el proceso de diseño: Ramón Esparza y Fernando Martínez Herreros, los aprendices Cou- Renée rrèges y Ungaro, y la directora de las instalaciones T fueron diseñador el hacia fidelidad demostraron también Quienes muchísimas de sus clientas. La primera fue Blanca Carrillo de de marquesa Albornoz, - , número ictoria y Albert elázquez (vestidos venue Georges V llis Miller, conservadora del conservadora Ellis Miller, ejidos y Moda del V imes” (1971), reconoció que “Paris Lesley reeland la inspiración de Balenciaga provenía reeland la inspiración Sin embargo, ebastián, Madrid y Madrid Sebastián, en San con sedes negocio de su presario estaba Balenciaga Cristóbal diseñador, de además Barcelona, como el consagrarse y para internacional su salto para preparado maestros’. ‘maestro de líneas y colores Innovaciones, progresivo, su carrera fue ascendiendo A ritmo pausado pero fundado en 1917, Del salón de modistería puntada a puntada. - individualizadas para clientas particula donde creaba prendas en de París, hasta la apertura de casas res adaptando modelos para, reuniendo un total de 219 empleados, Madrid y Barcelona, finalmente, en 1937, abrir sede y dirigir editora la afirmó Según empleados. 500 con contaba donde todo elParís, negocio desde de moda Diana V de “las plazas de otros, de de los que llevan los pescadores, del frescor holgados blusones los bailarines de flamenco, de los claustros”. Departamento de Muebles, T 10 de la capital francesa, Cristóbal Balenciaga descolló pronto. En la única entrevista que concedió en su vida a la periodista Prudence Glynn de “The T poseía un ambiente especial para la moda, porque tenía cientos de dedicados artesanos ocupados en elaborar encontrarse que no podía de lujo plumas y todo la pasamanería botones, flores, en ningún otro lugar”. Coetáneo de Christian Dior (1905-1957), Look en 1947 -un estilo de costura para mujer quien creó el New que propone hombros torneados, cintura fina y falda amplia en forma de corola a veinte centímetros del suelo. Representa la elegancia clásica y la vuelta a una imagen femenina, y supuso la recuperación del lujo y el exceso tras la depresión de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945)-, Balenciaga fue desarrollando su línea de forma gradual, conjugando comodidad en las prendas de ristóbal Balenciaga (1895-1972), Modisto Museum, en su obra “Cristóbal Balenciaga (1895-1972), Modisto de modistos” (Editorial Gustavo Gili, Barcelona, inglesa, sastrería 2007) la francesa, costura la afirma fueron influencias sus que clericales. Insistía la vestimenta regional española y los atuendos y era usual que descosiera en la proporción, el ajuste, el acabado una pieza si no cumplía su idea. Alta Costura, Balencia- Como requisito para ser parte de la año con un mínimo de 75 ga debía presentar dos colecciones al torno a 200 o modelos. El maestro de Getaria solía presentar en blusas, vestidos de noche, 250 piezas entre trajes de día, vestidos, impermeables, ropa depor conjuntos de estar por casa, abrigos, su tiva y sombreros. Desde la concepción de un modelo hasta finalización transcurrían dos meses. Su ropa de día se caracteri- todo, la sobre de lana y, zaba por el manejo de tweeds, la pañería la manga perfecta, por lo experimentación y obsesión por crear kimono, en que, según Miren Arzalluz, se interesó por la manga En contraste con la un acercamiento hacia la cultura japonesa. fueron un exponente de sobriedad diurna, sus modelos de noche encajes, de pasamanería, empleo para el habilidad fantasía y su flores bordadas y plumas. Los especialistas apuntanración historicista en obras de los pintores V su inspi- Infanta, 1939), Goya (encajes, madroños y flecos) y Zurbarán, así como las influencias de la estética de los trajes regionales es- las de y flamenca cola de bata la de lectura personal su en pañoles chaquetillas del traje de luces, el empleo de elementos del mantón - es de Manila, volantes, mezcla de encajes de la Costa Brava y, de infancia de recuerdos a sus visita constante esa pecialmente, cómo vestían en su tierra natal. Asentado en su establecimiento de la A crêp venida venida de venida de ambién es recordado su diseño para eresa 10. Precisamente, ese 1935, como apunte curioso eresa 10. Precisamente, ese 1935, como ebastián y tras un intento infructuoso de establecerse en establecerse de un intento infructuoso y tras Sebastián de Abraham. A nivel internacional, Balenciaga vistió a los parti- 1938 entre cinematográficas y teatrales obras grandes de cipantes y 1964. Por citar algunos ejemplos, las películas “Boléro” de Jean de Anatole Litvak (1956) con Yul Boyer (1941), “Anastasia” Brynner e Ingrid Bergman y “Le testament d’Orphée” de Jean Cocteau (1959) y las obras teatrales “Histoire de rire” de Armand Salacrou (1940) u “Orphée” de Cocteau (1963), según apunta madame Jouve en la publicación “Balenciaga, París” (Éditions du Regard, 1988). a abandonar empujó a Balenciaga El inicio de la Guerra Civil San Londres, el modisto guipuzcoano terminó en París, si bien el cese de actividad de sus casas españolas fue momentáneo, no llegando a cerrar del todo. El 7 de julio de 1937 constituyó la sociedad “Balenciaga” con Nicolás Bizcarrondo y Wladzio Jaworows- ki d'Attainville. Con 42 años y una dilatada trayectoria desde em- ayudante de su madre, aprendiz de sastrería, jefe de taller, primer establecimiento en capital guipuzcoana, bajo el rótulo de el rótulo bajo guipuzcoana, en capital establecimiento primer en París, las piezas compraba época, En aquella “C. Balenciaga”. el No fue hasta y tejidos. estudiaba su construcción las deshacía, colección presentó su primera de 1918 cuando 9 de septiembre A calle Bergara, esquina en el local de la de modelos el Orfeón Donostiarra, un traje blanco confeccionado en 1946 y modificado en la década de los 60 sobre el mismo modelo en Cristóbal Balenciaga. señalado por Miren Arzalluz en su obra “ Editorial Nerea, San Se- La forja del Maestro (1895-1936)” ( colaboró con una gala a bastián, 2010), el modisto de Getaria beneficio de los familiares de víctimas de naufragios, organizada por la Asociación artística Kutitxi, en el Kursaal donostiarra y para el cual diseñó el vestuario de Mª Elena Arizmendi, bailarina que actos tres de programa un en Ravel, de “Bolero” del solista Luis de salón de fiesta una desde danza la de evolución la ofrecía XVI hasta la actualidad. T n 1919, fundó con las hermanas Benita y Daniela con las hermanas En 1919, fundó la Libertad. él 7.362,25 compañía”, aportando “Balenciaga y Lizaso la entidad de pesetas, y con una duración prevista pesetas y ellas, 60.000 seis años. en con las Lizaso, en 1924, se estableció Finiquitada su asociación solitario en la Avenida de la Libertad 2, con la firma de “Cristó- su San Sebastián”. La buena acogida de bal Balenciaga-Modisto- desfile hizo que entre su clientela figuraran la reina Mª Cristina, de la lfonsa y varias mujeresCasa Real. la infanta Isabel A expansión por la Bella Easo: en 1927, Continuó su progresiva en la calle Okendo 10 con la abrió un segundo establecimiento apellido Eisa Costura” –Eisa, apócope de su denominación de “ media-alta. materno, Eizaguirre-, dirigido a clientas de la clase de 1931 desemboca- Las elecciones municipales del 12 de abril la de proclamación la en y Real Familia la de exilio el en ron a Balenciaga de su II República española (1931-1936), privando regia y aristocrática clientela. Sin embargo, prosiguió su labor, ostura” en 1932, sito en la inaugurando un nuevo local, “B.E. C en calle Santa Catalina 3. El siguiente paso ya era el desembarco la capital española. E. Costura” abrió en Bajo el nombre comercial de “Eisa B. Madrid, en la calle Caballero de Gracia 42, un establecimiento quedándose en la A y reorganizó sus locales donostiarras, ambos lugares. Su de la Libertad y empleando la misma marca en que veraneaba en San contacto con la clase pudiente madrileña la capital. Un año antes Sebastián facilitó su rápida aceptación en Cristóbal del estallido de la Guerra Civil española (1936-1939), situada en la calle Balenciaga inauguró una casa en Barcelona, Santa T 02

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51 DanzaBallet Balenciaga Museoa. Perteneció a la señora Domínguez de Arbide. ©Cristóbal Balenciaga Museoa. Foto gentileza Cristóbal Abrigo de noche en tafetán de seda de color negro, 1935 Ca. -LAU- LOS DATOS DEL MUSEO DEL LOS DATOS Museoa Balenciaga Cristóbal 6; ldamar Parkea, Dirección: A – Gipuzkoa. 20808 Getaria 40. visitante: +34 943 00 88 Atención al BALENCIAGA SOBRE CITAS ser arquitecto para la “Un buen modisto debe músico para la armonía forma, pintor para el color, BALEN- y filósofo para la medida”.CRISTÓBAL CIAGA (1895-1972) en el verdadero sen- “Sólo Balenciaga es modisto cortar tido de la palabra. Solamente él es capaz de y coserla a mano. tejidos, ensamblar una creación de moda”. COCO Los otros son sólo diseñadores CHANEL (1883-1971) Ba- de la costura, entonces “Si Dior es el Watteau el lenciaga es el Picasso de la moda, porque, como un profundo respeto por Balenciaga guarda pintor, la tradición y posee un depurado estilo clásico que subyace a todos sus experimentos con lo moderno”. (1904-1980) CECIL BEATON - “Con los tejidos, nosotros hacemos lo que pode mos. Balenciaga hace lo que quiere”. CHRISTIAN DIOR (1905-1957) “Balenciaga es la elegancia, la audacia, es una obra muy provocadora con una gran sensualidad y una audacia sublime. Él no terminaba de sorprender ni de revelar sus secretos”. YVES SAINT RENT (1936-2008) BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA - MILLER, LESLEY ELLIS, “Cristóbal Balencia ga (1895-1972), Modisto de modistos”. Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 2007. La ARZALLUZ, MIREN, “Cristóbal Balenciaga. forja del Maestro (1895-1936)”. Editorial Nerea, San Sebastián, 2010. “Balenciaga. De París a San Sebas- CATÁLOGO, tián”, varios autores. Edición Fundación Kutxa y Fundación Cristóbal Balenciaga, San Sebastián, 2001. DOSSIER PRENSA, Cristóbal Balenciaga Mu- seoa, 2011. res grandes ictoria, que realizó la primera vuelta primera la realizó que ictoria, V al mundo, cuyo escudo le honra portando la leyenda Primus cir- cumdedisti me ("El primero que me dio la vuelta")- y Cristóbal Balenciaga (1895-1972), ‘maestro de maestros’ en el arte y oficio de la aguja• Iratxe de Arantzibia es Periodista y Crítica de Danza e ha tenido en cuenta para la situación situación para la en cuenta tenido e ha largo. S metros de siete de la nuca la belleza peinado, línea del para la como del manto, al descubierto”. cuello, dejándolos y la esbeltez de su de la novia cuya diseñó Cristóbal Balenciaga, último modelo que Éste fue el el 24 de marzo alicantina de Jávea, en la localidad vida se apagó de 1972. y sede del museo Getaria, cuna del modisto de Museoa, inaugurado el 7 de junio El Cristóbal Balenciaga primer Getaria, Gipuzkoa, se convierte en el 2011, en la villa de en mundo, de sus características, dedicado gran museo en el Gestado bajo la tutela de la Fundación exclusiva a un modisto. misión el Museo hace propia la Cristóbal Balenciaga-Fundazioa, difundir y potenciar la tras- de promocionar, de este organismo y obra importancia y relieve de la persona cendencia, relevancia, en general y en el en la creación artística del genial diseñador T mundo de la moda y la Alta Costura en particular. una cuidada selección de espacios, cuatro plantas, seis salas y 90 piezas inigualables para la colección expuesta, configuran, a y dedicado a uno de grandes rasgos, el primer museo pensado Cristóbal Balenciaga. los mayores genios de la moda universal: parte de las rotatoria, manera de El Museo además de exhibir, de la Fundación han sido más de 1.200 piezas, que bajo la tutela de- donaciones, cesiones, mediante momento, el hasta recibidas, convertirse en un centro pósitos institucionales o privados, busca divulgativa e investigadora internacional con vocación didáctica, en torno a la figura del modisto-creador. una cuidada selección La exposición permanente, compuesta por se encuentra distribui- de 90 piezas, entre trajes y complementos, en pero separados entrelazados espacios da en el Museo en seis - función de criterios temáticos. Sus nombres ya resultan revela Cóctel, Noche, Novias y dores de su contenido: Comienzos, Día, Día, Cóctel, Balenciaga Esencial. Las cuatro salas intermedias – en el mismo Noche y Novias- aparecen en el Museo dispuestas las prendas en los orden en el que tradicionalmente se exhibían desfiles de alta costura. En este sentido, la exposición aspiraser a el desfile de la mejor obra de Cristóbal Balenciaga.seis meses desde su apertura al público, 80.000 visitantes se han En los acercado al museo, en la localidad costera de Getaria, donde nacieron ilustres vecinos como Juan Sebastián Elcano (1476- nao la de –capitán 1526) a forrado en satén. a forrado en satén. a guarnecido con una apli- a guarnecido con una lfonso de Borbón y Dampierre, de Borbón Alfonso ádiz, portaba un diseño de Balencia- de diseño un portaba Cádiz, nderea (alta burguesía franquista) fueron franquista) burguesía (alta Anderea prêt-à-porter -expresión francesa que se refiere divertido pero con gusto. “Es demasiado tarde para ristóbal Balenciaga Museoa de Getaria, lugar donde se donde lugar Getaria, de Museoa Balenciaga Cristóbal mí”. “Llevar un vestido de Balenciaga te da un sentimiento de seguridad. Lástima que éste sea el último de los míos”, lamentó Barbara Rockefeller. En su etapa de retiro en Getaria (1968-1972), Balenciaga asumió de azafatas de las uniforme como el especiales encargos algunos sobre todo, el que sería su último vestido Air France (1969) y, nupcial. El 8 de marzo de 1972, en la capilla del Palacio del Mª del Carmen Pardo, se celebró la boda de la nieta del dictador, con Franco, Martínez-Bordiú ragón, hija de Gonzalo de Mora Gonzalo de hija de y Aragón, de Mora Fabiola marqueses, de Albornoz, y Carrillo ragón de A y de Blanca y Fernández el 15 de rey Balduino I de Bélgica, con el contrajo matrimonio a cero nevado y con el termómetro de 1960. Bruselas diciembre y de San Miguel entró en la catedral a contrayente grados. L que, gracias a vestido de novia, con deslumbrante Santa Gúdula al eco mediático, acontecimiento y televisiva del la retransmisión nombre de Balenciaga a nivel internacional. catapultó aún más el El manera: siguiente la de define lo nupcial, modelo regio este exhibe a y manga japonesa. Con talle barco con escote “Cuerpo ajustado, corta de donde parte la falda fruncida, más la altura de la cadera, en la espalda. V en el delantero que cación de piel de visón blanco perfilando escote, cadera y cola. por línea de los hombros, prolongándose La cola arranca de la toda su extensión. V la espalda para mostrar Fabiola la espalda. El vestido de novia de Cierra en el centro de Madrid. La de Mora y Aragón fue realizado en los talleres de con la personalidad sencillez estructural del modelo armonizaba un vestido de Fabiola. Exquisito y sobrio en su decoración, fue en la ciudad de Bruselas. perfecto para lucir un 15 de diciembre la majestad real”. Como símbolo de otras épocas, la cola exaltaba de Balenciaga fue Mona y clienta Una acérrima admiradora prendas por colección. Bismarck, quien adquiría en torno a 50-80 casas las de cierre del enterada que leyenda la cuenta hecho, De su habitación en tres días. del modisto vasco, Bismarck no salió de y cosmopolita), Claudia Osborne de Heard (clienta glamourosa en la la marquesa de Llanzol (aristócrata española interesada Mayer sra. la moda), París en moda la Mientras guipuzcoano. creador al fieles también la España franquista la tenía otros nombres y pretensiones, en de Balenciaga, Pedro aristocracia y las clases pudientes se vestían Rodríguez y Pertegaz. del irrupción La se que patrones con serie en producidas moda de prendas las a tanto la moda que se ve repiten en función de la demanda; es por a la Alta Costura. A la en la calle a diario- en los años 60, desplazó cerrar edad de 73 años, Cristóbal Balenciaga tomó la decisión de todas sus casas, en 1968. Según comenta la marquesa de Llanzol, el modisto guipuzcoano lamentó no ser más joven para hacer un prêt-à-porter nieto, a su vez, del rey Alfonso XIII. La novia, convertida por de duquesa en matrimonio ga. Así definió la prensa de la época definió el modelo en cuestión: en modelo el definió época la de prensa la definió Así ga. de raso 14 metros, de doble ancho, se emplearon “En su creación natural color blanco con un reflejo gris rosáceo. La tela es de la firma Abraham, de Suiza.Todo el bordado ha sido realizado a mano, sobre tul, luego cuidadosamente recortado. En el bordado desta- Borbón), casa la de (emblema Lis de flores las predominan se utilizaron trabajo dicho Para el pecho. sobre luce la que cando bri- 2.500 perlas, 10.000 de más plata, de hilo de carretes veinte llantes pequeños, 2.200 medianos y 1.700 grandes, además de nácar y cristal. El manto que tiene otro tipo de bordado, mide 02

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53 DanzaBallet ©Daniel Castro Alonso Polopsianas, de la ópera “Príncipe Igor” (1909) Según diseño de Nikolai Roerich para las Danzas - iáguilev, pero aparte Diáguilev, rayonistas de Larionov para Chout, iempre sentí una gran curiosidad por los Siempre sentí una gran Rusos de Ballets algunos artistas de referencias de las plásticos como Picasso o Braque, que par ticiparon en sus producciones, no conocía mucho más. La exposición en Caixa Forum de Barcelona era una oportunidad más contacto tener un para inmejorable cercano con esta compañía de danza. Los primeros años del siglo xx fueron, - sin lugar a dudas, de una enorme activi tan diversos en campos dad intelectual como las artes, la ciencia, la filosofía o la - política. En ese contexto se va a desarro reo llar la actividad de los Ballets Rusos. C iba que cuando visité la exposición no - preparado para lo que vería. Me impre sionó por la enorme capacidad creativa allí reunida, y sobre todo, por los diseños para el vestuario que artistas de primer nivel de las vanguardias del momento crearon para la ocasión. Desde los diseños de León Bakst, coloristas y geométricos; los vestuarios creados por Roerich; los diseños que a la dinámica de la danza agrega la de los trazos en los trajes, hasta los aportes de Picasso, que combinan el refinamien- to del traje del prestidigitador chino de Parade con los diseños carnavalescos y po- pulares de los dos empresarios, en todos ellos se ve el triunfo de la abstracción en las artes plásticas de esos años. Incluso en artistas que no estuvieron vinculados a esta corriente, como Matisse o Giorgio de Chirico, se observa esa influencia. y apuntes, de cuaderno un en exposición, la en directamente realizados fueron dibujos Estos en las que los responden tanto a la impresión que me causaron los trajes como a las condiciones la necesidad hice: con una iluminación pensada para resaltar los vestuarios, lo que implicaba de encontrar un punto de vista que tuviera suficiente luz para poder dibujar; o el trasiego del provo- público, que muchas veces se detenía delante de las obras expuestas y que, obviamente, caba una interferencia en el fluir del dibujo. los Ballets Rusos Mientras dibujaba, en la sala donde se desarrollaba un audiovisual sobre en España se contaba una anécdota que retrata a Diághilev y el papel y la importancia de los artistas en la sociedad. Hablando con el rey Alfonso XIII, le dijo: «Majestad, yo soy como vos, no trabajo y no hago nada, pero soy imprescindible»• Por Daniel Castro Alonso Por Daniel Castro ón exposici la sito de ropó A p

Según diseños de Henri Matisse para “Le Chant du Rossignol” (1920) ©Daniel Castro Alonso Los Ballets Rusos de Diághilev, 1909-1929 Diághilev, de Rusos Ballets Los 02

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54 DanzaBallet Mercedes-Benz Fashion Week Madrid

nueva cara y una mayor proyección internacional para la semana de la moda madrileña

Pablo González Portela

En tiempos de crisis, los presupuestos se recortan y las cola- boraciones descienden. La moda, al igual que otros muchos sectores, ve sus perspectivas de futuro afectadas por el efecto dominó de la crisis financiera que arrastra a la sociedad hacia una situación económica desastrosa. La confirmación de Adolfo Domínguez sobre el porqué de su retirada, por un tiempo, de la semana de la moda de Madrid era simplemente el resultado de algo que ya veíamos desde lejos. De nuevo las disciplinas artísticas se tornaban en algo innecesario para una sociedad cuyo principal problema era y es el económico. Hoy en día se tiende a prescindir de la creatividad y la pasión que mueve la labor de los jóvenes talentos del mundo del diseño, sustituyéndola por un ansia incontrola- da que simplemente busca vender en un mercado cada vez más competitivo. Y es que, en cierta medida, la expansión internacional es quizás la solución más segura para la con- tinuación de una seña de identidad como lo es la marca o la firma que el diseñador consagrado lleva creando y dando forma desde el comienzo de su carrera profesional, bien sea en su mente, bien sea en su estudio. Por eso, en cierta medida la actitud de nuestros diseñadores frente al panorama nacional podría estar justificada en algunos casos, y es que además la decisión de Adolfo Domínguez no supuso una novedad dentro del sector, ya que anteriormente otros dise- 56 ñadores decidían centrar su atención en diversos proyectos 57 D anzaBallet para paliar el efecto que la situación actual había causado en D anzaBallet sus empresas. Es el caso de Lydia Delgado o Miriam Ocariz. La que fue la LV Edición de la Semana de la Moda de Madrid Francis Montesinos Victorio&Lucchino no fue novedosa por lucir un vestido nuevo, marcado por 02 Foto Ugo Camera / IFEMA Foto Ugo Camera / IFEMA ese cambio de nombre, sino por iniciar una nueva etapa en 02 02

59 DanzaBallet - eresa Helbig. El cuero jugó un papel Backstage. Foto Ugo Camera / IFEMA rzuaga, su segunda línea, dominaron los dominaron línea, segunda su Arzuaga, uria, la hija del diseñador, quien realiza quien diseñador, del hija la Nuria, Amaya de AA En el trabajo creativo, no renunció a una de sus especialidades: la a una de sus creativo, no renunció el trabajo además transparencias homenaje a las e nuevo rindió lencería. D peinetas y man- no se separó de española, pues de a la cultura Amaya lado a una mujer parisina muy sexy. tillas, sin dejar de pero trabajo, por un buen lo que entendemos Arzuaga nos ofreció para abrirnos el apetito y de nuevo hacernos simplemente sirvió princi- tarde, en París, la que es su línea esperar para ver más pal. . Chinoiserie en el se inspiraban que estampados a través de vida que Sardá, Andrés para en su mayoría, fueron, Las felicitaciones cumplía cinco décadas en la industria de la moda. La firma, en es actualmente que la contrastes, y la paleta de colores se decantó por el negro, el rojo de colores se decantó por el negro, contrastes, y la paleta y el gris. Entre moños postizos y flequillos, los cortes perfectos la base de una colección que nos de Juanjo Oliva volvieron a ser pelo y del Klein y el mostaza, y donde el sorprende por el uso las cremalleras tienen un protagonismo especial; mientras, Ángel deportivas que se inter Schlesser añadía a su colección prendas . calaban con acabados metalizados y paillettes madrileña comenzó con El tercer día de la semana de la moda el pase de la colección de T muy importante en las prendas, dominadas por un verde que en muy importante en las prendas, dominadas fucsia y un gris. El toque ocasiones dejaba que se lucieran un con botas cowboy romántico de la colección se rompió y finalizó - uyos jugó con la sensualidad y sensualidad la con jugó Duyos looks. De ese otros. entre María Lafuente, idal o , chubasqueros transparentes y estampados transparentes paillettes, chubasqueros erino tuvo el placer de abrir el programa de la Mer el programa de la el placer de abrir erino tuvo l éxito sobre la pasarela también acompañó a Francis a acompañó también pasarela la sobre éxito El ntonio García, Juan V García, Antonio completa una semana en se convirtió madrileña la pasarela modo, desfiles cuatro y treinta los a gracias disfrutar que la con moda de Ego. los participantes de y a los pases de del programa Roberto V Aires seventies, esmóquines Madrid. Fashion Week cedes-Benz femeninos, en esta ocasión. Contó con en Nueva York de pitón se inspiran Jon Korta- modelo internacional reconocido del la presencia jarena. sus cuarenta con su colección además celebró Montesinos, quien haciendo un viaje por las ciudades años de carrera profesional, a través de sus creaciones. El vacío en esta que marcaron su vida sin segundo Pozo, del Jesús de desfile el en sentirse pudo ocasión trabajo, y primero sin contar con su la presencia del diseñador en a los desiertos gracias Medio a Oriente que nos transportó los inspiraban se que los la elegancia en su estado más puro gracias a tonos empolvados tonos a gracias puro más estado su en elegancia la veinte; mientras que Elisa en vestidos que nos llevaron a los años atrevidos, como el fucsia, y Palomino se decantó por colores más el terciopelo y las plumas, rindió homenaje a las transparencias, a nadie indiferente. acompañados de tocados que no dejaron aires con colección una con jornada segunda la abrió Ailanto mandarinos cobraban orientales, donde nenúfares y diamantes l primero también se expuso en la en expuso se también primero El Roadster. Roadster. SLS off contaron también con la presencia de las colecciones de plaza de Callao, con la posibilidad de que alguno de los transeún- tes que se fotografiara con él ganara un viaje a la pasarela para asistir a uno de los desfiles de ese mismo día. Elflota servicio Mercedes de no la fue destinado exclusivamente a los invitados probar los diferentes modelos e pues los asistentes pudieron VIP, informarse acerca de las novedades de la marca. Además del cambio de nombre, la semana de la moda madrileña se adelantó dos semanas con respecto a otros años para que no coincidiera con el resto de fashion weeks internacionales. y un modelo un y Una de las firmas encargadas de ir abriendo boca en esta edición fue Alvarno, que el 31 enero, fuera del programa estipulado, que dio comienzo el pasado día 1 de febrero, volvió a desprender ele- una pasarela un tanto especial que se y savoir faire sobre gancia desarrolló en la residencia del embajador de Francia en España. Arnaud Maillard y Álvaro Castejón, los diseñadores que se en- cuentran al frente de la firma, dejaron clara su preferenciala gasa para la noche y el barroco punk para la temporada otoño/ por invierno 2012-2013, en una colección en la que priman el color verde, el mostaza y el berenjena y que se inspira en la alta costura francesa. A ella se sumaron las colecciones de otros diseñado- res, como Jorge Acuña, Alberto Puras o Santiago del Palacio, Traje. Estos quienes desfilaron el día 30 de enero en el Museo del desfiles Además de eso, dentro del pabellón se pudieron ver dos modelos exclusivos de Mercedes-Benz, uno con vinilos de Amaya Arzuaga a marca creó también un nuevo espacio llamado «Mercedes-Benz llamado espacio nuevo un también creó marca La Living», que además de ser el lugar donde diseñadores, colabora- también era el sitio dores y visitantes podían comer y descansar, idóneo donde disfrutar de los desfiles en directo a través de una nota a cada largo, y también poner metros de pantalla de casi seis uno de los looks de la semana de la moda a través de varios iPad. su trayectoria, gozando de una ayuda fundamental y un pilar básico para su recuperación y expansión a nivel internacional. Nos referimos así al apoyo de la marca automovilística alemana evento en la del que ya había sido patrocinadora Mercedes-Benz, «Esta alianza le permitirá reforzar su desarrollo edición anterior. en el ámbito internacional y entrar a formar parte del exclusi- vo mapa de las grandes pasarelas mundiales patrocinadas por la marca alemana, como lo son la Mercedes-Benz Fashion Week - comenta Berlin», Week Fashion o la Mercedes-Benz New York ban los responsables de Mercedes e IFEMA. Y es que la unión dio un buen resultado, al igual que lo hizo en otras capitales del mundo de la moda. La ardua labor de haber realizado una brillan- te tarea en la organización y el apoyo de Mercedes a la semana de la moda española tuvo como uno de sus principales objetivos ampliar los horizontes del diseño patrio. Backstage. Foto Ugo Camera / IFEMA 02

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61 DanzaBallet Roberto Verino Foto Ugo Camera / IFEMA - eresa Helbig con el reconocimiento a la mejor a la reconocimiento el con Helbig eresa T dio un giro a la temática de inicio de la pasarela, pues en este pues pasarela, de la inicio de la temática giro a dio un re- británicos, parques urbanos en se inspiraba la colección caso color, la paleta de de la elección en a verse que volvió ferencia atención y el vino. Especial el verde, el gris donde predominaron requieren los estampados en seda, que reflejaban la naturaleza, en la colección. introducir el cuero que empleó para y la técnica Sita Murt no renunció a la esencia de la firma, pues denuevo el tejidos con junto que creaciones, sus de central eje el fue punto vaporosos y pantalones masculinos defienden la comodidad a la María Barros jugaba con la Mientras, mujer. hora de vestir a la para mostrar a una mujer misteriosa seda y las formas circulares Lorenzo Jesús pusieron lo jornada la a final broche El elegante. y los dos grandes peleteros, que incorporaron y Miguel Marinero, Otro de los actos impor poco más de color. a sus colecciones un entrega de los premios de L´Oréal Paris, que tantes del día fue la a la mejor modelo de Saladich con el premio galardonó a Beatriz y a pasarela, la colección del certamen. todo el protagonismo La última jornada de la pasarela concedió Ego, plataforma que sirve a los diseñadores emergentes gracias a promesas del mundo del como vía de lanzamiento para nuevas las colecciones diseño. Entre algunos de los pases pudimos ver Castro. Y es que de Leandro Cano, David del Río o Mercedes el showroom de Ego, un además MBFWM contó también con y cinco marcas pudieron lugar en el que alrededor de cuarenta creaciones. mostrar su trabajo e incluso vender sus En definitiva, esta nueva edición de la semana de la moda ma- de la pasarela y drileña nos ha demostrado que la recuperación a ligados siempre y esfuerzo, talento con consigue se la moda de han demostrado su valía la inestimable experiencia de los que ya se abren camino en el junto al empuje de aquellos que todavía prometedor futuro que les espera• - Chris- as celebraciones celebraciones Las aquerizo cantaron el aquerizo cantaron nude. ras un vídeo de cine negro Absolutamente al final del desfile. Hannibal Laguna mostró ouboutin, mientras que el diseñador experimentaba con experimentaba diseñador el que mientras Louboutin, Backstage. Foto Ugo Camera / IFEMA tian impoluto, blanco un de sus prendas de algunas y teñía látex el co- su giraba que la a torno en palabra la a referencia haciendo con la Para llevar a cabo esa ida contó lección: «rehabilitarse». de la íntimos: Pelayo Díaz diseñó los bolsos ayuda de sus más Bosé, Alaska y Mario V colección, y Bimba tema el auténtica a través de una colección donde una mujer española chis- algunos por ser no a creaciones, las dominar parecía negro años y lo algunos looks. Ion Fiz cumplía diez pazos de dorado en tres di- colección en la que encontramos hacía con una perfecta y noche. Presentó día, tarde organizadas: perfectamente visiones las de deconstrucción la con jugó y elegantes azafatas ello para y la per una vez más su técnica depurada prendas, demostrando con unos vestidos de fiestaen negro y no terminaron en la Mercedes-Benz Fashion Week, pues Da- Week, Fashion en la Mercedes-Benz no terminaron española. pasarela la sobre años diez sus conmemoró videlfín de zapatos imponentes sobre subieron se modelos Las noche. Una de las citas fección de los cortes en los vestidos de ese mismo día: el pase de más esperadas de la pasarela tuvo lugar la colección de Ana Locking. La diseñadora volvió a sorprender dos décadas diferentes: por al público con una conversación entre década actual. Una de los un lado, los años veinte, y por otro, la del esmoquin. Otra elementos más aclamados fue su reinvención esta tercera jornada fue el de las celebraciones que tuvo lugar en debut de Aristocrazy. pase el con comenzó moda la de semana la de jornada cuarta La de la colección de Maya Hansen. T creado por la firma, dio comienzo un espectáculo exmodelo Juncal Rivero. La alta costura pudo palparse sobre la que abrió la acompañados de pasarela gracias a faldas largas y minivestidos planos que cristales de Swarovski, fruncidos, lazos y sombreros Lamothe nos recordaron al glamour de los años cincuenta. Martin 02

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63 DanzaBallet A full length, coloured lithograph. A pencil A full length, coloured Thea, Harry Beard Collection.© V&A Images. inscription on the back describes the image as inscription on the back Marie Paul Tagolioni in La Fee aux Fleurs from Marie Paul Tagolioni La l 12 El aglioni, y de aglioni en una aglioni aglioni está inextricable- uecia, en una familia de familia una en Suecia, iena en 1822 y obtuvo Estocolomo, an Petersburgo, por no hablar de sus de hablar no por Petersburgo, San cadémie Royale de Musique. de Royale Académie iena y París. aglioni, y de Jean-François Coulon. London. ictoria and Albert Museum, aglioni hizo su debut en V erminó su carrera en 1847 después de bailar en Londres, el 12 enseñanza a la dedicó se 1847, en bailarina como retirarse ras frecuentes regresos a V T de julio de 1845, el rol principal del famoso Pas de quatre creado por Jules Perrot y con música de Cesare Pugni, para ella y otras tres grandes divas de ballet romántico: Carlota Grisi, Fanny Cerrito y la danesa Lucile Grahn. De las grandes bailarinas de aquella época, solo Fanny Elssler no participó. T de la danza clásica. Fue nombrada Inspectrice de Dance de la Ópera de París. En el imaginario romántico, Marie T mente ligada al papel de la Sylphide. Falleció el 24 de abril de 1884 en Marsella• Bibliografía Théophile GAUTIER, Écrits sur la danse, chroniques choisies, présentées et annotées par Ivor Guest, Mayenne, Actes Sud, 1995. apatillas de puntas usadas por la bailarina Maria T Maria la bailarina usadas por de puntas 1. Zapatillas - ante la empe bailó 1842, cuando en en San Petersburgo privada función ratriz. hilos de seda raso negro con finos está confeccionada en La zapatilla blanco. La suela forrado en algodón bordes. Su interior está blanca en los los lados, siendo de la punta y a y llevan un zurcido debajo es flexible puntas de este para el trabajo sobre el único apoyo adicional este, quizá, periodo. y de mediados del siglo xix son objetos escasos, Las zapatillas de ballet convierte en una pieza Taglioni, las de Marie esto, asociado a la figura de la danza y el diseño de calzado. importante en la historia Imágenes © V Marie Taglioni fue una de las historia de la danza. Considerada como el último símbolo del figuras más importantes en la más allá de los límites de la ballet romántico, su influencia ha ido del siglo XIX. Nacida vida artística y teatral de la primera mitad 1804 en de abril de 23 el Filippo T bailarines y artistas, de padre italiano, madre sueca, Sophie Karsten, bailarina y pintora. madre su con París en infancia su de parte mayor la pasa Marie Ambos son alumnos de y su hermano Pablo, también bailarín. su padre, Filippo T Marie T a un gran éxito. En 1827 llegó a París y en 1831 ascendió la de bailarina primera de marzo 1832 se consagra definitivamente en el papel de que inaugura la sylphide, ballet creado por su padre para ella y era romántica en el ballet. Schneitzhœ- Con libreto de Adolphe Nutre y música de Jean oblet, Marie se acompañada por Joseph Mazilier y Lisa N ffer, primera vez en la historia consagró al bailar en puntas de pie por y el de la danza. Al mismo tiempo, introdujo el tutú romántico el vestido clásico femenino corpiño ajustado que se convirtió en bai- grande más «la como vitoreada Fue XIX. siglo del ballet del larina del momento». Aclamada por la crítica como la expresión más pura del ballet romántico, fue invitada a los teatros más grandes de Europa: Milán, Berlín, Londres, 1

as puntas de Las puntas Por Danza Ballet Marie Taglioni Taglioni Marie 02

62 DanzaBallet Portrait of Empress Maria Alexandrovna (1824 – 1880). Francois Xavier Winterhalter (1805–1873). St. Petersburg, 1857.

El siglo xix, marcado por las revoluciones políticas e industriales, contribuyó a los grandes cambios sociales y a la creación de un nuevo y lucrativo negocio: la moda al alcance de todos. Dejando aparte los avances tecnológicos, uno de los agentes que más contribuyeron a la expansión de la moda fue la prensa. Al inicio del periodo romántico, en 1825, hicieron su aparición las revistas de temática femenina, que abordan desde los ecos de sociedad y las buenas costumbres hasta las nuevas tendencias en indumentaria de cada temporada. Este tipo de publicaciones incluían imágenes ilustradas de los modelos con explicaciones del tejido, la hechura, los adornos y los complementos. «La moda ocupará, por supuesto, gran parte de nuestra páginas. Dará cuenta el correo a sus amables lectoras de los decretos de esta veleidosa reina del mundo espiada desde el brillante trono que ha querido erigirle la capital de Francia». El Correo de las Damas. 7 de enero de 1835. Las revistas también se ocupaban de temas asociados al arte y la literatura y eran plataforma de autores como Balzac o Larra. Los comentarios pormenorizados sobre los bailes y estrenos teatrales darían protagonismo a personajes que influirían en la moda y sus tendencias. En España hubo numerosas publicaciones como el El Correo de las Damas, El Semanario Pintoresco Español o La Moda Elegante. A lo largo de este siglo la moda femenina se caracterizó por una silueta en constante cambio. Se inició con el uso del vestido de talle alto o imperio, que rompió los cánones de la indumentaria durante dos décadas, principalmente por la sencillez de la figura, la desaparición de los corsés y ahuecadores de faldas y el uso de tejidos ligeros como el algodón blanqueado, sustituto de la seda tras la Revolución francesa.

A partir de 1820 el nuevo espíritu romántico que proclamaba la Portrait of Caroline Ferdinande of Bourbon-Two La influencia libertad del artista, exaltaba el nacionalismo, cultivaba la literatu- Sicilies (1798–1870). ra popular y los dramas históricos, se difundió entre la sociedad Duchess of Berry. Oil on canvas. 1825. Sir Thomas de la época mediante el teatro y reflejó un cambio en la indumen- Lawrence (1769–1830). taria hacia una estética medieval. Lo más relevante fue que la cintura adoptó una posición natural y se recuperó el corsé, que del ballet romántico moldearía las formas femeninas hasta finales del s. xix. «Así hemos visto desterrados hace tantos años los vestidos de talle alto, porque el cinturón, ceñidor o ajuste del traje (que han usado Los tejidos de este periodo son ligeros como el algodón, gasas y y usarán todos los pueblos de la tierra) ha de caer precisamente muselinas, y translúcidos como el organdí, y en ellos dominan en donde la naturaleza colocó la cintura en el cuerpo humano…». los colores claros. Los nuevos sistemas de estampación (como el 7 de enero de 1835. El Correo de las Damas. Perrotine, en 1834, que abarata la producción) ponen de moda el en la moda femenina uso de pequeños motivos florales que se hicieron muy populares La figura de la mujer era de hombros y caderas anchas y redon- por su precio asequible y que disimulaban cualquier error en la deadas; este efecto conseguía que la cintura se percibiera más técnica de confección y ocultaban la suciedad. estrecha gracias a los escotes pronunciados, las mangas de pernil y la falda generosa y acampanada. Para adecuarse a la estricta Una de las grandes influencias culturales de este periodo fueron 64 El siglo xix, marcado por las revoluciones políticas e industriales, contribuyó a los grandes sociedad victoriana los escotes se cubrían con fichus y esclavinas. los cuentos y leyendas llenos de seres mitológicos: ninfas, hadas, 65 D anzaBallet ondinas y willis, que serían representados con maestría en los D anzaBallet cambios sociales y a la creación de un nuevo y lucrativo negocio: la moda al alcance de todos. La influencia de los dramas medievales en las modas del momento ballets románticos describiendo el ideal de mujer de esta época: dieron denominación a todo tipo de prendas como el «cuerpo a delicado, melancólico y sumiso. la Irene» (hija de Belisario, de Donizetti) «traje a la Lucrecia» (Borgia, ópera de Donizetti) o «manteleta Matilde» (heroína de El icono que representó este estándar apareció en 1832 cuando 02 Por Cruz Santamera y Elena Santos Guillermo Tell, de Rossini). se estrenó en la Opera de París el ballet La sylphide, cuya prota- 02 02

67 DanzaBallet va de los trajes de 1850. A lo largo de esta década se utilizaron anchos y estrechos, y si el tejido era muy ligero podían llegar a colocarse hasta treinta y cinco filas de volantes. de deseado aspecto este visualmente se conseguía Aunque sílfide, la realidad era que el vestido de las damas era especial- mente pesado. Para que las faldas fueran más acampanadas y voluminosas se rellenaban con capas de enaguas, cada vez en mayor proporción, y regido todo ello por las normas del recato una cordón, con ajustados largos calzones «Unos decencia: la y enagua de franela, otra enagua amplia (alrededor de tres metros de ancho), una enagua guateada hasta las rodillas y atiesada en la una enagua blanca almidonada con tres volantes parte superior, final- y, muselina de enaguas dos otras almidonados, rígidamente mente, el vestido». cri- la sayas numerosas las de sustituto como emplea se 1840 En nolina, realizada con crin de caballo tejida en algodón o lino, que se inspiraba en los verdugados del siglo xv y que resultaba lo faldas, las de volumen el sujetar para como sólido suficientemente pero engorroso e igualmente pesado. el miri- elabora en 1850 se en la siderurgia a los avances Gracias ñaque, un ahuecador con alambre de acero, mucho más ligero y de- sin faldas las de redondeado tamaño el mantenía que flexible, 1. Marie Taglioni in La Sylphide (Souvenir 1. Marie Taglioni d’adieu, No. 5). Lithograph coloured by A hand by T H Maguire after a drawing by E Chalon, 1845. © V&A Images. 2. Louise Fleury in La Jolie fille de Gand. Lithograph coloured by hand by R J Lane after a drawing by A E Chalon, 1844. © V&A Images. 3. Lithograph of Fanny Elssler dancing the Cachucha in the ballet Le Diable Boiteux, circa 1838. © V&A Images. 3 Flora y Céfiro) arísimo Jovellanos estuvo sobresaliente Jovellanos estuvo Carísimo El Semanario Nº 499, 14 de noviembre de 1863. que dejaban lucir los brazos desnudos, y los escotes generosos, que en algunos casos bajaban hasta la línea de los hombros, algo totalmente impensable para los trajes de día. «… la señorita Antonia el llevo con que gusto delicado y el perfección simplicidad, por su traje de sílfide». Montevideo. Las amplias faldas se realizaban con los mismos materiales ligeros que utiliza la bailarina, para ser como ella cuando baila, alguien las fin tal para utilizaban Se tejidos. sus envuelven quien a etéreo el crespón, el barés, los chaconada), como (conocidas muselinas las gasas y los tules; los colores ideales eran los blancos y fular, los tonos pastel. «En las pequeñas reuniones […] llevan las jóvenes vestido echarpe y mitones corta, manga de linón, o muselina de blancos de blonda negra». Correo de las Damas, 28 de agosto de 1833. Del mismo modo que el drama medieval dio nombre a una variedad «man- como: otras a denominó ballet del influencia la prendas, de teleta Camargo» (bailarina), «fichú céfiro» (ballet o el «vestido sílfide» (ballet deTaglioni). La guarnición de tres volantes de este vestido se convirtió en la característica distinti- - El traje de bailarina incorporó las importantes innovaciones textiles que revolucionaron esta industria a finales del como el torno de hilado de Samuel Crompton, creador de la s. xviii, muselina y la técnica de decoloración de blanqueo mediante cloro descubierta por Berthollet en 1791. Así pues, el empleo de materiales ligeros como muselinas, gasas y tules facilitó los mo- vimientos de las bailarinas en brazos y piernas, y el uso del color blanco asociado a la pureza y a la inocencia tomó protagonismo en la moda como símbolo de elegancia. Las damas de la época romántica que imitaban a la bella y delicada sílfide adecuaronel vestido de bailarina a los suyos, y la fue victorianas normas las de salirse sin de lucirlos forma mejor utilizados los es decir, sociedad; de los denominados trajes con para bailes, salón, teatro y ópera. Este tipo de trajes, que podemos ver en cualquiera de los retratos y grabados de la época, consistían en cuerpos ceñidos con cinturas muy ajustadas por el uso de los corsés, que volvían a estar refor más adelante, por las de ballena, zados con varillas metálicas y, más flexibles. El uso de esta prenda producía tal constricción en el tórax que en muchos casos impedía respirar a sus portadoras, provocando los tan representativos desmayos. Dos de las licen- cias posibles en los trajes de baile eran las mangas muy cortas, 2 1 cuando se consagró se Giselle, cuando aglioni, encarnaba a un ser bello, frágil y etéreo gonista, Maria T envuelto en gasas y tules que se deslizaba sobre el escenario tan delicadamente que parecía no hacer ningún esfuerzo. El diseño de su vestido, posiblemente de Eugène Lami, fue una sociedad, la de damas las para y ballet el en estética revolución que adoptaron este modelo con las pertinentes modificaciones exigidas por la estricta moral de la época. Consistía en un cuerpo ajustado en seda con generoso escote, manga corta y cintura muy entallada, de donde arrancaba una falda blanca, voluminosa y acampanada que se conseguía con numerosas capas de muselina y gasa sobre otras tantas de tarlatana. Se acompañaba de medias de punto de seda en tono claro o rosado y zapatillas de seda con cintas que se sujetaban al tobillo. Como aderezo, un pequeño bouquet de flores en el pelo. de estreno con el en 1841, que Hasta definitivamente el ballet romántico y se estableció como definiti- vo este representativo traje de bailarina, hubo pequeñas licencias para época, la de grabados los en ver podemos como diseño, el en Por obra. la de argumento el según indumentaria la relacionar ejemplo, la aplicación de encajes negros que utilizó la bailarina en La cachucha en París danza en la como Florinda Fanny Elssler 1836. 02

66 DanzaBallet 02

69 DanzaBallet PdL13 Annonce-inscript VECT.pdf 1 12.01.12 17:23 1 12.01.12 VECT.pdf Annonce-inscript PdL13 - al siglo xx. La colección del Ins- aschen. 2003 Nacional. E. Madrid; Patrimonio raje C.I.P. indumentaria histórica y etnográfica que conllevan una y la okyo; Museo Balenciaga. Getaria; Museo de Artes Decorativas. vación de obras de arte. Dedicada desde 1991 a la restauración textil siendo avalada por diversos organismos públicos, fundacio- nes y empresas privadas nacionales y extranjeras (Queen Sofia Saitama Museum of Modern Art. Spanish Institute. Nueva York; T Madrid; Museo del T Madrid) Su actividad engloba la restauración y conservación de tejidos planos (arqueológicos, ornamentales, banderas, tapices, reposte- ros) dificultad añadida por su tridimensionalidad. www.crelrestauraciondetejidos.es BIBLIOGRAFÍA en España, 1828-1868. - El traje en el Romanticismo y su proyección de Lozoya. 2006 Pablo Pena González. Premio Marqués - Moda. Una historia desde el siglo xviii tituto de Indumentaria de Kioto. T 1981. Carmen Pérez de Andrés. Modelo del mes. Ciclo - Tutú, 2009. Museo del traje - Hemeroteca. Biblioteca Nacional de España Y ELENA SANTOS son restauradoras CRUZ SANTAMERA URACION DE TEJIDOS textiles de la empresa CREL RESTA S.L. de larga trayectoria en el ámbito de la restauración y conser aglioni se ste podía ser el ser podía Este La Ilustración. Periódico mantendrá en la indumentaria escénica como traje representativo e imagen ideal de la bailarina de ballet clásico• ofía Fuoco, que bautizó un peinado muy de caso de la bailarina Sofía Fuoco, que bautizó un peinado muy moda, el «peinado a la Fuoco». lectoras, del peligro- «… huyendo, se lo aconsejamos a nuestras que causado, ha trastornos tantos que Fuoco la a peinado sísimo ha roto…». tantos matrimonios en ciernes Universal. Madrid, 29 de junio de 1850. fue se moda y la mujer la de actitud la en sílfide la de influencia La diluyendo al mismo tiempo que terminaba el periodo romántico, hacia 1870, cuando la silueta se hizo más ajustada, abandonó las femeninos. arquetipos nuevos creó y acampanadas faldas grandes No obstante, el modelo creado en 1832 para Maria T formarse y se balanceaba al andar, proporcionando un toque de toque un proporcionando al andar, balanceaba se y formarse los vestidos en la que la década Esta es y atrevimiento. coquetería y las faldas se Los cuerpos se hacen más exuberantes. de sociedad que caen en cascada. con tejidos vaporosos multiplican que eran parte complementos, olvidarnos de los No podemos importante para completar la indumentaria de la dama-sílfide. hasta 1840 eran que se utilizaron sin tacón y planos Los zapatos - iguales, a los de las bailarinas. Se confeccio muy parecidos, si no que se tejidos a juego, utilizando unas cintas naban con sedas y estrecha con suela de cuero o cabritilla muy ajustaban al tobillo pequeño y delicado. Sombreros, tocados, conformando un pie para prendas decorativas que se añadían guantes… numerosas de La deseado, como leemos en este articulo conseguir el estilo de 1850: Universal. Madrid, 29 de junio Ilustración. Periódico de pita y de chaconada son los más «… Los vestidos de barége, raso con volantes lgunos se ven de riquísimo usuales en paseo. A mangas a la reli- Están en auge las poéticas o túnicas de encaje. torneado brazo lindo un brillar dejan bien tan y tanto que giosa con sobrepuestas, mangas las usan se también blanquísimo: y y formando elegantes manguitos de tul prolijamente planchados de transpa- fuelles… Las capotas son elegantísimas, unas veces siempre con lujosas rente gasa y otras de calada paja, adornadas flores y cintas… Por lo demás, sabido es que en este tiempo las chales los y cabeza la de dominante adorno el son naturales flores seda guarnecidas de tul de barége, gasa, etc.; las manteletas de los trajes sencillos, de la y de diferentes formas: otras veces, en del cuerpo…». misma tela del vestido suele ser el adorno llega a ser contradicto- La imagen de la bailarina en este siglo ria. Por un lado es una mujer que, por su oficio, no se ajustaactiva y muy provocativa, las normas morales del momento: es a una época en la que era pues enseña los brazos y las piernas en totalmente censurable. Causaban estragos entre la población féminas por su por las sin embargo, eran imitadas y, masculina indumentaria. ensoñadora su y pose afectada 02

68 DanzaBallet Experimentación moderna en el baLLET DE la Rusia de principios del s. xx

Por Silvia Sánchez Ureña

Bolshoi Theatre © Damir Yusupov

Existe una curiosa paradoja con respecto al ballet ruso como ya en 1905, el primer proyecto que llevó Diaghilev a París fue Petrouchka es uno de los ballets más representativos del momento, segunda hornada de reformadores de los Teatros Imperiales. entidad. A principios del siglo xx, el país se conoce como un una exposición de obra pictórica rusa, apoyada por el grupo Mir por su música de Igor Stravinsky, la ambientación de Aleksandr Como coreógrafo, Goleizovsky buscaba la expresividad emo- vivero de profesionales de calidad, pero son pocas las obras rea- iskusstva («Mundo del arte»). Benois y un tratamiento de los personajes de corte expresionista. cional y musical de los movimientos de ballet, junto a un gusto lizadas por coreógrafos rusos dentro de Rusia que se conservan Desde el Mariinsky, se comenzó a planear la escenificación del estético por el constructivismo en el diseño escénico y coreográ- Pero las obras de los Ballets Russes, como por ejemplo la Pe- en el repertorio de la época. Este artículo intenta presentar una montaje original en 1918, pero tras varios incidentes (incluida la fico. trouchka (1911) de Mikhail Fokine, no fueron representadas tan panorámica del estado del ballet ruso tanto dentro como fuera del marcha definitiva de Fokine del país), se estrenó en 1920 bajo la habitualmente en Rusia, a pesar tener una importante influencia Sus obras no han pasado al repertorio mundial actual, salvo en país, en estos años de comienzos del s. xx, así como del trabajo de dirección de Leonid Leontiev, y un año después en Moscú por en los coreógrafos dentro del país. El Fokine que se representaba el caso de alguna miniatura como Narciso (1960), con música dos coreógrafos, Kasian Goleizovsky y Feodor Lopukhov. Vladimir Riabtsev. También en 1921, Feodor Lopukhov decidió a principios de siglo en Rusia era el de sus primeras obras, como de Nikolay Tcherepnin, que aparece en alguna gala. Pero los crear su propia versión. El siglo xx representó la confirmación de Rusia como una de las El pabellón de Armida (1907) o Chopianina (1908), conocida en Oc- aficionados al ballet sí que han visto coreografías suyas sin re- principales, si no la principal, base del ballet clásico, sucediendo cidente como Las sílfides, no el de Schéhérazade (1910), El pájaro de El último coreógrafo ruso de notoriedad que salió de los Ballets conocerlas, pues Kasian Goleizovsky es el autor de varias de las a Francia y París (centro neurálgico de la producción coreográ- fuego (1910) o Petrouchka (1911). Estos tres ballets, posiblemente Russes fue George Balanchine. Formado en la escuela de los danzas gitanas de los solistas de carácter en Don Quijote. Estas fica romántica). Este trasvase queda representado en la propia los mayores éxitos de Fokine, fueron estrenados en París antes Teatros Imperiales en San Petersburgo, donde comienza su danzas se añadieron en 1942 en el Bolshoi, en la producción de figura del francés Marius Petipa, que se traslada a Rusia y que a que en Rusia. actividad coreográfica; emigra junto a un grupo de jóvenes bai- Mikhail Gabovich, basada en la de Alexandr Gorsky de 1900. su muerte, el 14 de julio de 1910 (tras sesenta años de actividad larines y se integra en los Ballets Russes. Pero fue tras su llegada Entre otros, suyos son los solos de Mercedes y Espada en la Schéhérazade no se representaba en Rusia por la prohibición de la profesional en el país), deja en los Teatros Imperiales de San Pe- a América en 1933, de la mano del empresario Lincoln Kirstein, taberna y el de la gitana en el campamento. Estas nos sirven de viuda del compositor, Nikolai Rimsky-Korsakov. En sustitución tersburgo todo un corpúsculo de obras que se convertirán en la cuando comenzó la mayor parte de la producción que llevará su ejemplo para descubrir a un coreógrafo interesado por trascender de este ballet, Fokine presentó en 1912 Islamey, con música de 70 piedra angular del repertorio clásico. nombre a la historia. tanto las reglas académicas como folclóricas en pos de la expre- 71 Mily Balakirev y orquestación de Sergei Liapunov. Este ballet D anzaBallet sión de una emoción verdadera. D anzaBallet El siguiente gran núcleo de producción coreográfica, que revolu- compartía con Schéhérazade la misma temática de amor y muerte, cionaría ya no solo el ballet, sino toda la cultura artística a nivel con una orgía y la masacre final del amante de la esposa del Sheik Elizabeth Souritz, en el libro Soviet choreographers in the 1920´s, Kasian Goleizovsky europeo, fueron los Ballets Russes del empresario Sergei Diaghi- y el suicidio de esta. La imaginaria oriental, con su exotismo y presenta a Goleizovsky como estudiante de la escuela de los lev. Sus creaciones unieron elementos artísticos inherentemente erotismo, se convirtió en un recurso muy popular en el ballet de Kasian Yaroslavich Goleizovsky (Moscú, 7 de marzo de 1892 Teatros Imperiales de San Petersburgo desde 1902, mientras rusos con la emergente modernidad cultural europea. De hecho, la época. - Moscú, 4 de mayo de 1970) es uno de los coreógrafos de la que otras fuentes rusas la Enciclopedia del Ballet de la editorial 02 02 02

73 DanzaBallet - ras su vuelta a Bolshoi Theatre eatros Imperiales de ©Private Collection ras acudir a una representación de ras acudir a una representación Según su biógrafo americano, Bernard asilievich Lopukhov (San Petersburgo, 19 de octubre aper, este encuentro motivó la creación del Ballet Joven, su aper, se con el coreógrafo para no estropear sus recuerdos de juventud. Fyodor Lopukhov Fyodor V de 1886 - Leningrado, 28 de enero de 1976) fue uno de los princi- época, la de coreográfica experimentación la de exponentes pales en San Petersburgo. A diferencia de la situación en Moscú, Boris los coreógrafos de San Petersburgo (como Pavel Petrov, Romanov o el propio Balanchine) tendían a un estilo mucho más ballet del artístico director fue Lopukhov clásico. unificadamente del Mariinsky en 1922-1931, 1944-1946 y 1955-1956. Lopukhov se gradúa de la escuela de los T influencia Por Legat). Nikolai de (clase 1905 en Petersburgo San su compañía en San Petersburgo en 1921, Balanchine diría que intentar para dio coraje le primero que lo a Goleizovsky fue ver algo distinto por su cuenta. T primera compañía y con la que saldría a Europa. T City Ballet, Balanchine acudió Rusia en 1962, junto al New York a un ensayo del ballet de Goleizovsky Scriabiniana (1962), pero el trabajo lo desilusionó hasta el punto de que renunció a encontrar Kasian Goleizovsky es considerado una de las primeras influen- cias en George Balanchine. T mperiales con- eatros Imperiales T siguieron salvar los teatros y continuaron su actividad en la representación del repertorio clásico. El Mariinsky de San Pe- B (acrónimo de Gosudarstvennïy tersburgo, convertido en el GATO Operï i Baleta) y el Bolshoi de Moscú, fueron Akademicheskiy Teatr adoptados como instituciones del nuevo Estado. En su caso, debido a su formación clásica, Goleizovsky no rechaza desde pero obras, sus en usa la y completo clásica por técnica la otro punto de vista. Poco antes de su muerte, Goleizovsky escribe en un comentario sobre el estado de la coreografía de ballet tras el Concurso de Ballet de Moscú (Razmyshleniia o sudbackh klassi- cheskoi khoreografii posle l mezhdunarodnogo konkursa artistov baleta v Moskve): «Si el artista (en este caso el coreógrafo) no experimenta de estado en un vive no y atrasado, si viejo usa algo y siempre búsqueda constante de revelaciones y éxtasis creativo, mata en sí mismo el sentimiento de inspiración y entusiasmo. Pierde su amor por la forma (ese poderoso medio de expresión del pen- samiento), por el color y por la belleza, que no conoce límites ni ataduras en su desarrollo». influencia de Isadora Duncan con su movimiento libre y la popu- la y libre movimiento su con Duncan Isadora de influencia laridad de los programas gimnástico-dancísticos de las escuelas de Dalcroze (de origen sueco) y Sokol (de origen eslavo), junto a la iniciativa popular habían hecho surgir nuevos estudios y com- pañías que proclamaban la muerte del ballet clásico al uso. de los antiguos Pero los directores (1922), interpreta- también para su ballet de cámara. (1922), ras la revolución de 1917 y durante los enus desnuda de Giorgione, compuesta según arkhovskaya. Otro ejemplo son los vestuarios La siesta de un fauno un de siesta La da por Zinaida T para pesar de las críticas, Goleizovsky no muestra desnudos com- desnudos no muestra Goleizovsky críticas, las pesar de A pletos en sus obras, ni siquiera en su coreografía más explícita, una danza de los siete velos para su Salomé te expuesta, esa pierna desnuda que muestra el teatro de Kasian Goleizovsky en sus evocaciones? Absolutamente nada en sentido artístico. Incluso la V el sutil pincel de un genio, si se levantara y moviera enfrente de ideal- nosotros, perdería todo su encanto. El bello cuerpo de mujer, mente desnudo, es mejor en reposo, no en movimiento». Elisabeth Souritz describe de esta manera los diseños de Boris Erdman para ese ballet: «Una pieza de cuerda envuelta como un turbante alrededor de la cabeza para el fauno, y bonetes ajusta- dos para las ninfas. Círculos de cuerda enredados en espirales y atados a las orejas completaban el tocado. […] Cuerdas se ciñen al cuerpo desnudo, abrazando el pecho, cruzándose en el abdomen falda». como flecos espesos unos en caderas las desde colgando y Durante su carrera, Goleizovsky se vio entre dos frentes, el de la danza académica tradicional y el de la modernidad y las formas de movimiento libre. T primeros años de la Unión Soviética, la cuestión de la relevan- en convirtió se académico clásico ballet del supervivencia y cia un asunto importante en la vida cultural del país. En Rusia, la olynsky, olynsky, chaikovsky y coreografía chaikovsky demás, hizo sus pinitos como coreógrafo como pinitos sus hizo Además, an Petersburgo, pero es transferido en el en transferido pero es Petersburgo, San mperiales de Moscú, donde permanece- eatros Imperiales de Moscú, , con música de , con músicaT Les saisons (1912). Aziade mperiales de Imperiales El cuerpo desnudo en escena (Obnazhennoe telo na stsene), Golei- continuación en Moscú, como recién A continuación en Moscú, eatro Mariinsky). yukom eatros ras terminar su formación, Goleizovsky entra al ballet de los Goleizovsky entra al ballet ras terminar su formación, omashev) hasta hasta Domashev) de N. P. (clase de Moscú Imperiales eatros Ligados al tema del erotismo, para Goleizovsky era importante presentar al público el cuerpo sin ataduras de sus bailarines. En su artículo zovsky escribe que un cuerpo joven, bello y desnudo es una visión ampliamente moral y estética. Pero no se trata del primer coreó- grafo de la época en recurrir al desnudo, y alega para ello varios motivos: un culto a lo natural, un deseo de impactar a la pequeña burguesía o, simplemente, un gusto por lo picante (representado por la nueva popularidad de los cabarets). Esto provoca las críticas del sector tradicionalista del ballet, como las de Akim V decano de los críticos peterburgueses, que dice de Goleizovsky en un artículo sobre esta tendencia a la desnudez en la danza: «Pero ¿qué aporta una pierna desnuda aquí, tan descaradamen- mismo año a los T bailarín hasta 1918. ría oficialmente como Mikhail Fokine había trabajado para En la escuela, Goleizovsky ideas más experimentales con sus alumnos, (que solía probar sus oposición que desde el bando tradicionalista al encontrar menos del T Gorsky, participa en obras de Alexander llegado a la compañía, de primera generación. considerado también como un reformador Moscú en 1916 y compa- Goleizovsky abrió su propio estudio en de profesor y coreógrafo. ginó su actividad como bailarín con la Mikhail para libretista como trabajó Goleizovsky inicios, sus En de Anna Pavlova Mordkin (que se hizo famoso como partenaire y con sus giras por Estados Unidos) y escribió para él el ballet oriental T mbas fuentes coinciden en que se gradúa en San Pe- que se gradúa en coinciden en 1906. Ambas fuentes en Andrianov K. Obukhov yS. K. en la clase de M. tersburgo lena junto a E interpreta Goleizovsky su graduación, 1909. Para L la de curso último del profesor el era (que Fokine Mikhail de división femenina). T local de vodevil moscovita en cabarets, por ejemplo en el famoso Letuchaya Mysh, de Nikita El Murciélago, conocido en ruso como y en circos como el de los hermanos Nikitin. Baliyev, su algunos rasgos de quizá marcaron Sus inicios en el cabaret como Leonid trabajo. Al igual que otros coreógrafos posteriores, al igual que también Jacobson, Goleizovsky era un miniaturista, este tendía a los ballets de lo era su maestro Fokine, pero mientras corta de pieza la en menudo a centraba se Goleizovsky acto, un en o media duración. La emoción amorosa era un tema principal atracción, éxtasis sus obras, hablando de encuentros, despedidas, o conflictos. Pero en lugar de la expresión amorosa estilizada en los primeros reformado- los ballets académicos o en las obras de en locales privados), res, Goleizovsky (quizá por estos comienzos presenta un erotismo sin filtros. Su interés era por la emoción en sí, por lo que no utiliza argumentos complicados. En el vestuario, para Goleizovsky inherentemente unido a la acción coreográfica, también se permite buscar la innovación. Al principio, él mismo diseñaba el vestuario, pero a lo largo de su carrera colaboró con Boris Erdman, Nikolay Musatov y Anatoly En los dibujos y bocetos que se conservan de ellas, se Petritsky. puede observar una gran influencia del movimiento constructi- vista (de gran influencia en la nueva Rusia soviética), con líneas y figuras geométricas rectas que se mezclan con las curvas natu- rales de los cuerpos de los bailarines. scuela de los en la Escuela previa formación en una insisten Soglasie T 02

72 DanzaBallet 02

75 DanzaBallet 16.06.11 13:33 Anzeige 1 dB.indd 1 Stanley raducción raducción de raducción dward Grieg organizado Grieg Edward heatre (aunque no conserva la coreogra- la conserva no (aunque Theatre Ambos ballets comparten un ambiente de parodia Akim. Ballet´s magic kingdom. (T a música, un collage de collage un música, La isson y Sally Banes). Dance Books, Londres, 1990. ISBN merican Ballet American olynsky, olynsky, arios, Enciclopedia del ballet ruso. Editorial Soglasie, Rusia, 1997. arper, Bernard. Balanchine, a biography. University of California arper, ynn V V Bright Stream. Fyodor Lopukhov. Lopukhov. Bright Stream. Fyodor Choreography by Alexei Ratmansky. Bolshoi soloists and the Bolshoi Corps de Ballet. © Damir Yusupov. decorados. Press, 2008. ISBN 978-0-300-12462-0. Rabinowitz ). Yale - T Press, 1984. ISBN 978-0-520-20639-7 por Boris Asafiev y Alexandr Gauk, marcaba una ambientación de las nórdica. Se trata de un ballet que seguía la estructura tres actos, con un perso- grandes producciones tradicionales en que se naje masculino, Asak, enamorado de una dama de hielo, convierte también en la aldeana Solveig. La dama de hielo que se en- En una grabación del paso a dos de ver el estilo de en youtube, se puede aún disponible cuentra con una con una técnica inherentemente clásica pero Lopukhov, paso a dos que bordea lo ambientación moderna y un trabajado puramente soviético. acrobático, en un ejercicio de pas de deux vive en la actuali- Otro de sus ballets, El cauce brillante (1935), 2003 de gracias a la versión de renacimiento dad un nuevo Bolshoi y que forma parte del repertorio el Alexei Ratmansky, del fía original). El cauce brillante es una nueva colaboración entre del problemático El después Dimitri Shostakovich y Lopukhov, (1931). tornillo de la vida social típicamente soviética. En resumen, tanto el trabajo de Goleizovsky como el de Lopukhov representan un intento no de ruptura, sino de maduración de las formas académicas clásicas en busca de su potencial total emocio- nal, musical y técnico• Bibliografía - Souritz, Elisabeth. Soviet choreographers in the 1920´s. (T L 1-85273-018-8 - V ISBN 5-85270-099-1. - Akim Alexandra La dama de opukhov era Lopukhov a segunda se segunda La lexandr Gorsky Alexandr Ivanova, opukhov fue Lopukhov Lidia lexandrinsky, tres de los tres de Alexandrinsky, eatro Musicalmente, la obra representaba una Musicalmente, la obra representaba opukhova (1892-1981), la más conocida fuera (1892-1981), la más ydia Lopukhova ida en la muerte y muerte en vida»; la tercera, «Energía opukhov acepta una invitación de invitación una acepta Lopukhov ntre otros, participaron otros, Entre (1922), de Pavel Petrov. De hecho, se usaron los mismos (1922), de Pavel Petrov. ergueyev estaban Sergueyev que solo Legat o que consideraba olynsky, ras verse como el único coreógrafo en el Mariinsky, las primeras las Mariinsky, el en coreógrafo único como el verse ras - posición fueron de recons medidas de Lopukhov desde su nueva remontó Durante su primera temporada trucción del repertorio. e hizo correcciones en La bella durmiente con algunos cambios lexandr y El caballito jorobado. Según dice A Raymonda, Harlequinade de objetivo el la época, de artículo un en Benois pero Lopukhov obtuvo el capacitados para remontar a Petipa; apoyo del propio Benois y de Boris Asafiev. Lopukhov comenzó Con el apoyo de estas dos personalidades, (1921), con a trabajar en su propia versión de El pájaro de fuego La obra música de Stravinsky y diseños de Pavel Goncharov. de tener una inspiración tuvo una recepción mixta y fue acusada reflejo el buscar de hora la a exagerada en Dalcroze y la Euritmia de la música en los movimientos. titulada La mag- Su siguiente trabajo fue una sinfonía dancística nificencia del universo. cinco hermanos harían carrera en la danza, siendo su hermana su hermana siendo la danza, carrera en harían hermanos cinco L pequeña, de Diaghilev. los Ballets Russes por su trabajo con de Rusia, 1909, En a vuelve temporada una tras pero Bolshoi, el en bailar para con coreógrafo como pinitos sus hace donde Petersburgo, San n la temporada de para conciertos propios. E pequeñas piezas con sus primeras grandes piezas, El sueño, 1916-1917 compone Shcherbachev y El salón mejicano, con música música de Nikolai de Leonid Goncharov. T el hecho de que considera «no tanto introducir algo nuevo, sino la vieja coreografía que, necesario el devolver a su estado anterior recono- ser no hasta cambiado había tiempo, del influencia la bajo Estas vital». significado simple su incluso perdido había y cible… crítico veterano del las críticas costaron le reconstrucciones V tendencia coreográfica, pero además sentó precedente en su abs- Gorsky habían tracción. Coreógrafos anteriores como Fokine o un argumento aun cuando sentido la necesidad de que hubiera Como una obra mayor. utilizaban música independiente de género, la sinfonía dancística busca una danza no representativa argumental, sino musicalmente. En este aspecto, se pueden en- contrar precedentes en el repertorio tradicional, y se considera La bella durmiente de Petipa como el mejor ejemplo de ello, por sus danzas con entidad propia. Este ballet se representó solo una vez, en 1923, ante un público al que se confundió con el experimento. A pesar de tratarse, como hemos dicho, de danza no representativa, sí que era un Lopukhov por decía el programa, escrito ballet temático, según y el poeta Gleb Struve. La introducción tenía dos partes «El sol». del nacimiento «El y luz» la de nacimiento llamaba «V - y la quinta, «Mo termal»; la cuarta, «La alegría de la existencia», vimiento eterno». Los intérpretes que participaron en este experimento pertene- al grupo del Joven cían, en su mayoría, además de al Mariinsky, Ballet. de su padre, un trabajador del T trabajador padre, un de su ste ballet bebía del éxito de un ballet anterior, hielo (1927). Este ballet bebía del éxito de un ballet anterior, Solveig avronsky, Piotr Gusev y George Balanchine Piotr Danilova, Leonid Lavronsky, convertirá, quien se Georgi Balanchivadze), aún (por entonces precisamente, en un maestro de la sinfonía dancística. de populares más ballets los de Uno 02

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77 DanzaBallet sta nueva versión, la séptima, la la versión, Esta nueva chaikovsky (1840-1893) subió al nuevo chaikovsky (1840-1893) subió al nuevo inaisky, director musical y director director assily Sinaisky, Yury comentaba la espera que desde mayo de 2010 mayo de desde que espera la comentaba eatro Mariinsky de San Petersburgo, se estrenó eatro Bolshoi. eatro T eatro Bolshoi. Me comenta muy amablemente a lo avid Hallberg, el primer estadounidense en la en estadounidense primer el Hallberg, David Por Carolina de Pedro Pascual Grigorovich Nikolayevich Nikolayevich en enero de 1890 bajo los pasos de Marius Petipa (1818-1910). Petipa Marius de pasos los bajo 1890 de enero en qui- Bolshoi de escena la en triunfado ha momento aquel Desde nientas cincuenta veces. bailarín El el fue moscovita, teatro el en solista como actuó que historia príncipe Desiré, y la rusa Svetlana Zakharova, bailarina prin- cipal del teatro, Aurora. La dirección musical estuvo a cargo del maestro y pianista V principal del Bolshoi. La escenografía y el vestuario (más de cuatrocientos trajes repre- sentativos de las dos épocas), corrieron a cargo del reconocido matrimonio formado por Ezio Frigerio y Franca Squarciapino, ambos amigos y colaboradores de Rudolf Nureyev (1938-1993), con quien trabajaron en la reposición de las obras del bailarín durante su vida en la Opera Garnier. Centrada en la figura de Grigorovich, me comunico con su asis- tente en el T largo de nuestra conversación que el 2 de enero de 2012 el coreó- master cumplió 85 años y que aunque los años grafo y actual ballet cuentan él es un hombre lleno de proyectos. escenario del escenario de la noche de apertura del teatro, la que refleja los siglos xvii y mismo modo que el del Grigorovich y, xviii, estuvo dirigida por teatro, volvió renovada. Creada para el T n mi carta de presentación del actual número 3 de Danza Ballet En mi carta de presentación del actual Colección de Revista especial para un acontecimiento hasta encontrar he mantenido Grigorovich (1927). en español, mi entrevista con Yuri publicar, Creo que el momento ha llegado. La bella durmiente, com- El pasado 28 de octubre de 2011 el ballet puesto por Piotr I. T MOSCOW, RUSSIA. SEPTEMBER 20, 2011. Famous choreographer Yuri Grigorovich (L) and Russia’s president Grigorovich (L) and Russia’s RUSSIA. SEPTEMBER 20, 2011. Famous choreographer Yuri MOSCOW, Dmitry Medvedev at the newly-renovated Bolshoi Theatre. The main building of the Bolshoi is to re-open on 28 / Mikhail Klimentyev) R-TASS October 2011 after more than 6 years of extensive renovation. (Photo ITA Photo/Corbis R-TASS Image by © Klimentyev Mikhail/ITA 02

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79 DanzaBallet eatro eatro T ictor Ullate, ste premioEste Danse. o decir que el ballet del ballet el que decir No ratar de transmitirle a la nueva ge- eatro Bolshoi, y solo después de la muerte eatro Bolshoi, y solo ntonovna, recordando mis deseos de llevar de deseos mis recordando Antonovna, Irina demás, tengo mucho trabajo como director artístico yartístico director como trabajo mucho tengo Además, l jurado internacional, que cambia cada año y que estáque y cambia cada año que internacional, jurado El uperviso mis ballets, reestreno alguno de ellos, trabajoellos, de alguno reestreno ballets, mis Superviso raducción por gentileza de Ángela Castaño hostakovich había visto que Shostakovich animaba mucho saber ambién me Bolshoi el día 29 de abril de 1991. Desde entonces, el premio —el la prensa como el Óscar deúnico en su género— fue bautizado por danza. la competentes del mundo deconstituido por los representantes más más grandes, coreógra- la coreografía: los líderes de las compañías y estrellas mundiales delfos excepcionales, famosos instructores ballet, nombra los candidatos al premio y escoge a los mejores en el transcurso del año. Entre 1992 y 2009, alrededor de ciento setenta entraron países treinta de ballet del figuras y coreógrafos bailarines, al Círculo Benois. Entre ellos hay españoles también: V con bailarines jóvenes y llevaré a escena una nueva versión de Lacon bailarines jóvenes y llevaré a escena escenariodurmiente para la noche de estreno en el histórico bella después de su recons- del Bolshoi el día 11 de octubre de 2011, trucción. la de Benois Proyecto del jurado del presidente a las produccio- internacional de la danza se otorga anualmente nes coreográficas más sobresalientes ejecutadas el año previo. El la Asociación Internacio- premio fue establecido en Moscú por Danza, y pornal de Danza, actualmente Unión Internacional de del escenario el público en presentado al fue vez primera Nacho Duato, Joaquín de Luz, José Martínez y otros. Así que me muevo entre Romeo y Julieta y el Benois de la Danse. Sin lugar a dudas su nombre y su talento forman parte de la historia de la danza. ¿Usted siente que su vida ha sido afortu- nada? trabajé que años esos todos durante feliz muy fui Yo sí. que Claro con talentos tan extraordinarios: compositores, actores, baila- rines, diseñadores y músicos en el Bolshoi. Realizamos muchas presentaciones y visitamos muchos países. Éramos felices juntos. La escuela rusa del ballet es sinónimo de tradición y excelen- cia académica. ¿Cómo se logran estas metas? La educación no puede detenerse en el ballet. Hay que mantener un fuerte repertorio clásico. T años. los de experiencia la neración pasado era mejor• T esde febrero 2008 he sido el coreógrafo permanente del T Desde febrero 2008 he sido el coreógrafo Bolshoi. Los ballets que usted creó durante sus treinta y tres años al frente del Ballet del Bolshoi le pertenecen. Aunque forman parte del repertorio de su propia compañía Ballet Krasnodar, habido ¿Ha Bolshoi. del escenario el en presentando siguen se algún acercamiento con la administración actual del Bolshoi? ¿Cuál es su rol en el Bolshoi actual? De tema. a tocar este que volví hasta tiempo y pasó mucho nado, hostakovich de S de los ballets siempre mucho se hablaba hecho, todos los cocreadores conocía a casi teatrales. Yo en los círculos ellos. Y nunca con muchos de y había trabajado de sus ballets al escenario. futuro ellos volvieran de que en el perdí la ilusión T La flor el Kirov, larga duración en primeros ballets de dos de mis de ellos en la prensa. Amor. Él habló muy bien de y Leyenda piedra de - co como Moscú, en después, mucho ser que tendría embargo, Sin T reógrafo principal del en La edad de oro. La viuda de cuando yo trabajara del compositor, Shostakovich, hostakovich, me llamó por teléfono y me de Shostakovich, me llamó a escena los ballets instó a que lo considerara. - Europa Les sylphi- n aquel momento aquel En Le spectre de la rose, ambién nos presentaremos al hostakovich, era hermana del hermana era Shostakovich, eningrado, no en Moscú. Fue Fue Moscú. en no Leningrado, Yuri Grigorovich. Photo Nina Alovert Yuri aganova del Ballet Ruso, y fue allí donde del Ballet Ruso, y fue allí aganova eatro Bolshoi de Rusia. de Bolshoi eatro T hostakovich. Una vez, me llené de valor, y pedí y valor, de llené me vez, Una Shostakovich. eatro Kirov de Ópera y Ballet en Leningrado y empecé contamos con ochenta bailarines aproximadamente. Regular contamos con ochenta bailarines aproximadamente. Rusia, por giras hacemos y allí presentamos nos mente y Asia. A finales del año pasado hicimos reestrenos de los ballets de Mikhail Fokine como Petrushka, Príncipe Igor. Este des, y «Las danzas polovtsianas» de la ópera de aniversario centésimo al homenaje en presentado ha se ballet Algunos bailarines de los teatros Las estaciones rusas de Diaghilev. como solistas compañía esta en colaboran Mariinsky y Bolshoi que llegaron y tomaron invitados. Hay algunos bailarines nuevos Estaremos de gira durante papeles protagónicos en el repertorio. el verano, como de costumbre. T en Grigorovich, de Yuri Concurso de Ballet Juvenil Mundial Sochi, en octubre de 2010. ¿Cómo fue trabajar con Shostakovich? Mi producción del ballet de Shostakovich La edad de oro se llevó a el en 1982, en cabo Pero la prehistoria de nuestra relación comenzó yo era su director. en fue y eso, que antes mucho antes de la guerra, a principios de los 1940, cuando yo era alumno del Colegio Estatal de Coreografía de Leningrado, conocido hoy como la Academia A. V me familiaricé con la música de Dmitry Shostakovich. Mi profeso- escuela, Mariya la en piano de ra y ella veneraba la música de su renombrado hermano, compositor, hablaba mucho de él y tocaba varias de sus composiciones para nosotros, sus alumnos. Fue ella quien me dijo que Shostakovich había escrito música para ballet. Después, cuando fui solista en el T a experimentar como coreógrafo, montaba bailes individuales para diferentes compañías teatrales con música de las suites de de ballets los una reunión con Shostakovich, quería pedirle permiso para hacer sabía, por supuesto, que después de reestrenos de sus ballets. Yo los editoriales de Pravda —Caos en vez de música y La falsedad del ballet—, los tres ballets de Shostakovich habían sido prohibidos en nuestros teatros. Pero una vez suspendida la prohibición, me pareció que era el momento preciso. Sin embargo, Shostakovich me dijo literalmente lo siguiente: «No hace falta, como entenderás, me fui muy decepcio- revivir estos ballets. No me gustaría»… Yo - iolette V Además, opFoto. xiste una gran Existe una a decisión que teníamos La decisión eatro Bolshoi va a ser ahora irsaladze y yo era inusual incluso n cierto modo ella fue mi inspiración ella fue cierto modo En l terciopelo negro sirvió de fondo para los para fondo de sirvió negro terciopelo El Romeo y Julieta en el T iebermann me invitó a llevar a escena la segunda escena a llevar a invitó me Liebermann erdy era la directora artística de la más prestigiosa compañía erdy era la directora artística de la más Natalya Bessmertnova (left), People’s Artist of the USSR, and Yury Artist of the USSR, and Yury (left), People’s Natalya Bessmertnova Artist of the USSR and chief ballet mas- Grigorovich (right), People’s ©RIA Novosti / T ter at the Bolshoi Theatre, at a rehearsal. representado por bailarines que jamás han visto en escenario este en escenario visto que jamás han por bailarines representado salvo, tal vez, en su temprana infancia. ballet, en ballets mis repito nunca Yo versiones. dos las entre diferencia otros teatros, al menos no completamente. No se trata de entrar dos veces en el mismo río, sino de intentar hacer revivir esos per sonajes de Shakespeare en nuestro tiempo, de regresar a la eterna eterna. verdaderamente música la a y también historia tengo recuerdos personales de Natalia Bessmertnova, mi primera producción. en Julieta como coreógrafo. Su personalidad fue una gran influencia en el ballet shakesperiano de nuestros tiempos. fundada compañía propia su Krasnodar, Grigorovich Ballet El en 1996, sigue presentándose en los Rusia y Europa. ¿Cuál es la situación principales actual de la compañía y teatros de qué planes tiene para el futuro? Yo continúo con mi trabajo en esta compañía, todo está bien en Yo Nos enfocamos en la tradición clásica rusa y ahora Krasnodar. Usted está trabajando actualmente en su versión de Romeo y que la y versión esta entre diferencias las son ¿Cuáles Julieta. se estrenó en 1979? Julieta, y de Romeo producción Mi primera de Sergei Prokofiev, En ese momento, de París en 1978. en la Ópera tuvo lugar V Ópera, el en la de ballet. Después del éxito de Iván el Terrible Rolf director shakesperiana. la versión producción: que tomar el diseñador Simon V de Shakespeare se había para nosotros: el mundo de la tragedia no eran sus colores convertido en algo demasiado abstracto, ni tampoco los los de la percepción optimista del Renacimiento teatral. romanticismo el por suavizados ballet, del colores típicos el color común de la No, todo tenía que ver con el negro, con más. nada tragedia, - individuales. El mundo estaba exento de asuntos coti detalles Después supimos que dianos. Solo quedaba la sinfonía del amor. de la misma Julieta y cierto artista francés había producido Romeo manera, liberando el escenario de cualquier detalle que no tuviera conexión con el tema principal, el desarrollo del amor entre los protagonistas. - eatro arna, Danse, ombrado por Yuri Yuri por Nombrado Danse. ras su aniversario empezaba una gira por Japón con la compañía compañía con la por Japón una gira empezaba aniversario ras su nacional de Ballet de Estambul, el Concurso Internacional V el Concurso Internacional de Ballet de Pekín y el Concurso In- ternacional de Ballet del Japón. Preside también el jurado del la de Benois el exclusivo, más premio otado con un excepcional e innato talento, Grigorovich aprendió Dotado con un excepcional e innato talento, el complejo proceso de la creación coreográfica y se dedicó com- pletamente a su desarrollo. Es más conocido como coreógrafo, ni prestigio internacional. y sus creaciones no han perdido fama irector Artístico del Ballet En 1964, Grigorovich fue nombrado D Bolshoi de Moscú, una de las más importantes compañías de ballet clásico en el mundo, que presidió con mano 1995, aportando brillo a los escenarios del ballet de Moscú con su firme hasta estilo, elegancia y esplendor coreográficos. Creó los ballets más inolvidables y representativos de la época en Rusia, y su criterio artístico e intelectual fue punta de lanza en la renovación de la historia del ballet, con espectáculos a gran escala en los que el corp drama del central y importante más parte la constituía de ballet (1975), La flor puesto en escena. Espartaco (1967), Iván el Terrible de piedra (1957), Leyenda de amor (1961), Raymonda (1984) y La bayadère (2004) son solo algunos de los ballets que llevó a escena Grigorovich y que instantáneamente convirtió en obras maestras. algunas de las más prestigiosas el director de es Grigorovich Hoy, competiciones internacionales de ballet, como el Concurso Inter Mariinsky), donde se especializó en personajes demi-caractère. NacióMariinsky), donde se especializó en personajes al Ballet Imperial Rusoen el seno de una familia artística vinculada las más grandes primas ballerinas de todos losde una de y fue esposo - tiempos: la inmortal Natalia Bessmertnova (1941-2008). Grigoro laperpetuar a y coreografía la de arte al entera vida su dedicó vich ruso. tradición de excelencia del ballet clásico Leningrado en 1946, Gri- Graduado en el Colegio de Coreografía de Kirov (hoy en día T gorovich entró a formar parte del Ballet o solo como la leyenda viva del ballet, sino como uno de los más No solo como la leyenda viva del ballet, mitad del siglo XX, Yuri imponentes coreógrafos de la segunda presentación. Nikolaievich Grigorovich (1927) no necesita de cuyo proyecto es director artístico y presidente del jurado, y artístico y presidente es director de cuyo proyecto ballets planes para rehacer uno de sus en otoño prepara nuevos (1530- e históricos: hablo de Iván el Terrible más emblemáticos musical de Mikhail Chulaki sobre la obra 1584), con adaptación Prokofiev. homónima de Sergei de pueden asemejarse a las de ser consciente Pocas experiencias sido en mi caso el hecho de haber estar viviendo un privilegio, considerada y recibida por una figura para la realización de esta en- Nikolayevich Grigorovich histórico-culturalYury como versión ha solicitado desea poder leer en su trevista, que según traducida al español. yo al realizarla. Espero que ustedes la disfruten tanto como del Bolshoi, a cuya finalización enlazaba con el The Grigoro- con su compañía los Estados Unidos meses por una girade tres Krasnodar. vich Ballet ani- el vigésimo conmemora 2012 mayo de de el próximo mes En la de Benois ballet de internacional concurso del versario T Burlaka (1968), actual director artístico y maestro de baile del sucesor de Alexei Ratmansky (1963), Gri- además, Bolshoi y, gorovich vuelve al Bolshoi como coreógrafo, maestro de baile y supervisor del repertorio de la era soviética en Rusia. Hace apenas un par de semanas, Grigorovich presentó un rees- treno de su versión de Romeo y Julieta, de Sergei Prokofiev, un ballet cuyo estreno se llevó a cabo el 26 de junio de 1979. 02

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81 DanzaBallet nton Walbrook), Walbrook), (Anton Lermontov “Si por algo una obra de arte algo una obra “Si por como Las zapatillas rojas debe rojas debe zapatillas Las como visionada y estudia- seguir siendo generaciones es da por las nuevas para inspirar, por su capacidad - para provocar sen para motivar, saciones...” as zapatillas rojas funde –y a veces El argumento de Las zapatillas rojas funde –y a veces interesantí- en una, estableciendo varias historias confunde– chérina), la prima ballerina que bailará la pieza sobre el escena- la prima ballerina que bailará la pieza sobre chérina), simas correspondencias temáticas y estéticas entre la realidad, la simas correspondencias temáticas y estéticas ficción y la ensoñación subjetiva. La acción transcurre a finales la rodada fue que en época misma (la cuarenta los de década la de europea artística escena la de cardinales puntos tres en película), de aquellos años: Londres, París y Montecarlo. El film comienza con un estreno en el Convent Garden. Meló- manos y balletómanos con entradas baratas se pelean por ocupar los mejores asientos del gallinero. Los primeros han venido a segundos los famoso compositor; un obra de nueva la escuchar están allí para rendir pleitesía a Irina Boronskaya (Ludmilla T rio. Los balletómanos comentan excitados la presencia en la sala Boris empresario excéntrico del uno de los Minutos más tarde, del espectáculo. responsable melómanos, el joven músico Julian Craster (Marius Goring), comprueba con enojo que la partitura que interpreta la orquesta desde el foso se parece sospechosamente a una composición suya. Alguien se la ha plagiado. En la fiesta posterior al estreno, Lermontov conocePage (Moira Page), una ballerina que desea formar parte de su a Victoria compañía. “¿Por qué quiere usted bailar?”, le pregunta el empre- sario a la aspirante. A lo que ella le responde: “¿Por qué quiere usted vivir?” Lermontov sonríe satisfecho. Al día siguiente, por la mañana, Julian irrumpe en la habitación de hotel de Lermontov para quejarse del robo de su música. El ímpetu del joven satis- artísticas de miles de futuros bailarines, músicos, coreógrafos, es- coreógrafos, músicos, bailarines, futuros de miles de artísticas figurinistas, danza, de maestros escena, de directores cenógrafos, incluso, de quizás, y, diseñadores, escritores, críticos, periodistas algún que otro empresario maquiavélico. siempre iba verano en que delicada y fina niña una vez una “Había tenía que usar pesados descalza, porque era pobre, y en invierno horriblemente”. zuecos, y los tobillitos se le enrojecían Hans Christian Andersen. Los zapatos rojos. 2 l principio, la relación relación la principio, Al hearer, revitalizó la carrera por entonces por carrera la revitalizó Shearer, l cine comercial y la danza clásica iniciaron su tormentosa su tormentosa iniciaron clásica y la danza comercial El cine siglo. un de más hace amor de historia entre ambas expresiones artísticas fue muy provechosa. Las fue muy expresiones artísticas entre ambas de repletas estaban veinte años los de mudas películas mejores y las actrices gesticulaban os actores ballet romántico. L guiños al y se movían como bailarines; parecían flotaren medio de- deco recreaban mitos Los argumentos inspiración pictórica. rados de peso. tradicionales y obras literarias de grecolatinos, fábulas fantásticos y de ultratumba, los romances Abundaban los seres inamovibles. imposibles y las maldiciones dejó sonoro, el ballet del cine la llegada A partir de 1927, tras de ejercer su decisiva influencia estética sobre el séptimo arte y que excusa para una en mero adorno, en un convertirse a pasó menos luciesen rodando secuencias más o los camarógrafos se de buen gusto consensuado. El musical preciosistas en entornos treinta, género estrella de las décadas de los para la gran pantalla, coreó- aprovechó también el talento de cuarenta y cincuenta, casi pero del ballet, del mundo procedentes y bailarines grafos de brillantina, plumas, siempre en espectáculos con derroche al o variétés de al teatro cercanos más largas, y piernas sonrisas music-hall. –y se le le ha dado que se más destacado el uso Curiosamente, sigue dando–, al menos en el ámbito cinematográfico, al ballet y guionistas urdan truculen- su entorno es el de acicate para que los pasionales y superación tas tramas de celos artísticos, asesinatos personal. Lo que Arlene Croce, la legendaria crítica de danza de - denomina “la tradición de lo morboso”, omni The New Yorker, sobre tutús y puntas que se presente en la mayoría de las películas desde la semidesapare- han hecho dentro y fuera de Hollywood, 1937) a la recientísima évy, cida La mort du cygne (Jean Benoît-L 2011). Black Swan (Black Swan, Darren Aronofsky, La influencia del cine en ballet el es, en cambio,la escenografía y el vestua- sutil y variada, y afecta, sobre todo, a bastante más rio, a la combinación de imágenes filmadas con actuaciones en (incorporación narrativa puramente la experimentación vivo y a de flashbacks, elipsis, cámaras rápidas y lentas, yde montaje audiovisual). Casi todos los coreógrafos relevantes otros trucos que han trabajado en el ámbito del ballet clásico y neoclásico en las últimas décadas, desde la época de Les Ballets Russes hasta nuestros días, cuentan con alguna pieza de espíritu cinematográ- fico en su haber. A pesar de este continuo toma y daca creativo y recreativo, son pocas las propuestas que han logrado fusionar cine y ballet en una única obra. Las zapatillas rojas (The Red Shoes, Michael 1948) forma parte integrante y Powell y Emeric Pressburger, y es- especialistas muchos Para grupo. selecto este de destacada tudiosos, supone el máximo exponente de un género aún en vías de desarrollo que podríamos denominar film-ballet. El encanto sensorial y la importancia histórica de Las zapatillas tiempo. paso del el con acrecentarse que más hecho no ha rojas Genuina película de culto que fascina sin remedio a una genera- ción tras otra de cinéfilos y balletómanos, este largometraje la cambió le de technicolor, furioso en filmado británica, producción vida a muchas personas. a la jovencísima convirtió en estrella internacional Para empezar, Moira actriz y ballerina languideciente del mítico bailarín y coreógrafo Léonide Massine, pro- y guionistas realizadores, de pareja como talento el consagró abrió ductores del tandem compuesto por Powell y Pressburger, nuevos caminos expresivos para la ficción cinematográfica con las vocaciones despertó de todo, encima por y, fantástico toque 1 Starring Moira Shearer Por Pedro Calleja

The Red Shoes (1948), directed by Michael Powell

La apoteosis del film-ballet

2007 Bard Summerscape: Film Festival - British Postwar Classics. (845-758-7900). www.fishercenter.bard.edu Las zapatillas rojas Las zapatillas 02

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83 DanzaBallet Les The Red Shoes. Posters. ©Private Collection Danza Ballet nfante, escribiendo con el pseudónimo el con escribiendo Infante, Cabrera Guillermo de Caín, publicó en la revista Carteles una estupenda crítica icky mientras un buen samaritano le quita las zapatillas rojas de 4 souliers rouges se representará como estaba previsto, pero sin la presencia de su protagonista sobre las tablas. La última imagen del film muestra a en Ljubov, el papel del zapatero, haciendo una pi- rouette y acercando las zapatillas rojas hacia la cámara. The End. “Ella se espantó e intentó quitarse los zapatos rojos, pero estaban firme- mente sujetos; se desgarró las medias, pero los zapatos se le habían pegado a los pies y bailaba y bailaba sin parar sobre campos y prados, bajo la lluvia y el sol, de noche y de día... Aunque era mucho peor de noche.” Hans Christian Andersen. Los zapatos rojos. Roto de dolor, Julian abraza a la moribunda y ensangrentada a la moribunda abraza Julian dolor, de Roto V los pies. Dentro del teatro, Lermontov comunica al público, con el ballet entrañas, que las de sale le que aguda extraña voz una de Las zapatillas rojas en 1957, en la que exlicaba que la película seguía “la doble peripecia de una ballerina que ama al ballet más y música la a vida, la a ama que compositor un de vida, la a que a la ballerina, pero desdeña el ballet, y el catalizador de ambos, el empresario que no ama más que al ballet y odia todo lo demás, incluidos la música, el compositor y la vida, y exceptuando a la ballerina. Interviene el amor y la flecha de Cupido es un puñal icky se icky baila icky escucha a boutique fantasque (de fantasque boutique La emos a Julian dirigiendo la icky, en las que explican que él está a en las que icky, ivy, ras otra gira plagada de éxitos, Livy, icky ejecuta un pas de deux con unas deux con de pas un ejecuta icky V icky discute con el empresario y se marcha icky discute con el empresario y se marcha icky y Julian se abrazan ocultos en la parte de icky y Julian se abrazan ocultos en la icky su compromiso con la danza. Ella, abatida, icky bailando pasajes de pasajes bailando icky V es souliers rouges es un éxito. V El estreno de Les souliers rouges otro cambiando de un escenario a poseida por su personaje, ovent Garden mientras se prueba las zapatillas rojas que rojas las zapatillas se prueba mientras Garden Covent como por arte de magia, burlando las leyes del tiempo y el espacio. burlando las leyes del tiempo y el como por arte de magia, le regala unas interpretado por Ljubov, Un zapatero diabólico, color rojo. Nada más ponérselas,V zapatillas de baile de en una sin descanso, día y noche. Primero, ve obligada a bailar feria, rodeada de figurantes y atracciones. Después,de reproducciones parecen que fantasmagóricos escenarios tos en distin- sim- de repletos surrealistas, y expresionistas abstractos, cuadros bología psicoanalítica. dado, un momento En en un bailarín (Boleslaws- hojas de periódico que se transforman de butacas el patio desde el escenario observa ky). Más tarde, del teatro transfigurado en un mar rugiente, después de sentirse amenazada por las figuras sobrepuestas del zapatero, el músico a fallece agotada, final, Al (Lermontov). empresario el y (Julian) maldito le quita las las puertas de la iglesia, mientras el zapatero a colocar en el escaparate zapatillas rojas de los pies y las vuelve de su tienda-taller. y La compañía de Lermontov sale de gira por todo el mundo cosecha ovaciones en todas partes. V a y orquesta De vuelta a Montecarlo, la Massine), Coppelia y Les Sylphides. en un chiringuito del troupe al completo celebra el éxito cenando puerto, mientras V somnoliento. atrás de un carro tirado por un caballo de que su Prima Ba- Lermontov no puede soportar el hecho llerina prefiera el amor al arte y toma la impetuosa decisión de despedir a Julian. V con el músico para casarse con él. La ruptura parece definitiva. Les souliers rouges no volverá a representarse. Lermontov prepara un encuentro aparentemente fortuito con su ballerina favorita en un tren y ambos llegan a un acuerdo para Pero antes, ella debe volver a colaborar juntos en un nuevo ballet. volver a bailar Les souliers rouges en una gala especial que se celebrará en Montecarlo. La noche del reestreno, V nerviosa la retransmisión radiofónica de la ópera de Julian desde el usará esa misma noche en la función. Inesperadamente, su marido irrumpe en el camerino y le exige volver con él a Londres. Lermontov se enfrenta al recién llegado y le recuerda a V partes, inicia en dos y el alma dividida con el corazón destrozado de ves- por su ayudante sostenida el camino hacia el escenario, tuario. De pronto, las zapatillas rojas parecen cobrar vida propia y la ballerina sale corriendo hacia la ventana y salta al vacío. Su por arrollado ser de antes ferrocarril del vías las sobre cae cuerpo un tren. Después de retorcidas cavilaciones y noches en blanco, Lermon- tov retoma el contacto con Irina Boronskaya y la convence para que regrese a la compañía. T Ljubov y Ratov le piden a su hermético jefe que lea un par de cartas enviadas por Julian y V punto de estrenar una ópera y que ella se muere por volver a bailar. 3 illa Leopolda partir de ese de partir A es souliers rouges. souliers Les icky, ataviada con un vestido de princesa ataviada con icky, icky y Julian no se separan ni un segundo, preparan- ermontov, quien la espera rodeado quien illefrance, la mansión de Lermontov, Antes de la secuencia con Julian, Lermontov ha recibido con disgusto la noticia de la próxima boda de Irina Boronskaya, que anuncia la buena nueva en medio de un ensayo de Giselle en el que precioso Foyer de la Danse de la Ópera de París. Lermontov, se siente traicionado, se traslada con toda la compañía a Monte- carlo, sin ni siquiera despedirse de la diva. En la Riviera Francesa, tras un largo paseo por la costa en un Bentley descapotable, V parisino modisto por el confeccionado azul, de color cuento, de de la V Fath, sube las escalinatas de piedra Jacques en V de sus más estrechos colaboradores. Allí, el empresario le ofrece de papel protagonista el momento, V do el ballet que les convertirá en estrellas. “Pero cuando quería ir a la derecha los zapatos bailaban hacia la izquier- da, y cuando quiso ir arriba los zapatos bailaron hacia abajo, bajaron la escalera, hacia la calle, y salieron por la puerta de la ciudad. Bailaba sin continuó hasta el oscuro bosque.” y así poder dejar de bailar, Hans Christian Andersen. Los zapatos rojos. icky y Julian, los espectado- El lago de los cisnes en el Mercury ictoria bailar smond Knight) es el director de orquesta y orquesta de director el es Knight) (Esmond Livy res iremos familiarizándonos poco a poco con el mundillo que se esconde detrás de un escenario de teatro. Lermontov es un tipo inquietante. Se comporta con calculada altivez, seguro de sí mismo, atractivo y mefistofélico. Maneja a a forzándoles ellos de mejor lo antojo. Saca su colaboradores a sus traspasar los límites del agotamiento. Ljubov (Léonide Massine) es el maître de ballet y coreógrafo de la compañía, un hombre pequeño, pasional e iracundo. Boleslawsky (Robert Helpmann) es el bailarín principal, un perfeccionista con mucha paciencia. Ratov (Albert Basserman) es el viejo escenógrafo y diseñador de decorados. arreglista. de ver a V Después face al empresario y Julian sale del edificio con un trabajo en la compañía. A través de los ojos de V Rare Behind the Scenes Photograph of the Cast and Crew of The Red Shoes (1948). Rare Behind the Scenes Photograph of the ©Private collection Museum of Cinema. Theatre de Notting Hill Gate, cuartel general de la troupe de la exbailarina de Les Ballets Russes y coreógrafa polaca Marie Rambert (que aparece en el film haciendo un cameo), Lermon- tov decide apostar por ella. Lo mismo hace con Julian, a quien encarga la escritura de la música de un nuevo ballet, Les souliers rouges, basado en un cuento de Hans Christian Andersen. Mientras le explica el argumento del ballet a Julian, el empresa- en pie del mármol en reproducción una manos las con acaricia rio puntas de Anna Pavlova. 02

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85 DanzaBallet iziano alois se enfadaría y la y enfadaría se alois V horpe, 1952), quien le quien 1952), Thorpe, inette de Ninette alois le pidió por favor que hiciese la enda, Richard Richard Zenda, o era delgaducha, lo que pasa es que no pasa es lo que delgaducha, No era as zapatillas rojas, rojas, zapatillas Las Más difícil resultó encontrar a la protagonista femenina. Al encontrar a la protagonista femenina. Más difícil resultó de pocos años antes fue el actor Stewart Granger, parecer, aconsejó a Powell que se fijase en Moira una Shearer, jovencísi- ma ballerina de roja cabellera y preciosa figura, que acababa de nuevo participaba en Miracle in the Goals, el cumplir los veinte y Ballet, Robert Helpmann. Wells del Sadler’s ballet de su colega - A Powell le encantó Moira. En el primer volumen de su autobio describía grafía, A Life in Movies, publicado en 1986, el cineasta T así a la ballerina: “Era alta, con el cabello rojo al estilo de más glorioso que jamás hubiese yo visto en una mujer. Y había mujer. una visto en yo hubiese jamás glorioso que más a muchas. (...) visto tenía ni una sola onza de carne superflua encima”. tenía ni una sola onza de carne superflua tratando de con- Casi dos años invirtió el empecinado realizador su película. Según él, ella vencer a Moira para que trabajase en aceptaba el papel protago- deseaba ser actriz pero temía que, si de nista adler’s Wells Ballet. En realidad, como la propia Wells echaría del Sadler’s sucedía todo lo de aclarar posteriormente, se encargó ballerina contrario. An Autobiography of En una entrevista incluida en el libro en 1994, Shearer British Cinema, de Brian McFarlane, publicado le había parecido malo y señalaba que el guión de Pressburger “no tenía ni idea de ballet”. Moira que se notaba que Powell estaba empezando a pro- explicaba también que, en 1946, ella ya interrumpir su carrera tagonizar ballets importantes y no deseaba “sólo por salir en una peliculita edulcorada”. Al según su relato, Ninette de V final, siempre película para poder así “quitarse de encima” al pesado de Powell. “Supongo que fui una ingenua –aseguraba Moira en esa misma entrevista–. Helpmann me confesó después que la única razón por la que De Valois quiso que yo hiciese el film era para apro- vecharse de su posible éxito y utilizarlo después como campaña de promoción de la primera tournée americana de la compañía, prevista para 1949. Cosa que, por supuesto, sucedió”. Durante el rodaje de Las zapatillas rojas, todo el equipo técnico se hizo fan de Moira Shearer, desde Jack Cardiff hasta el último de los eléctricos. Actuaba con na- el director de fotografia irradiando frescura y talento. Bailaba turalidad, sin exagerar, como una diosa, con una elegancia y una precisión envidiables. Pressburger se entusiasmó con ella, lo mismo que Marius Goring, el actor que interpretaba a Julian, su amorcito en la ficción. La de infancia de ídolos los de uno era que Massine, con relación la joven escocesa, y con Helpmann, con quien ya había traba- jado en varios ballets, también fue excelente. Los únicos que la trataron con cierta rudeza e indiferencia, según algunos historia- a encarnaba que actor el y Powell fueron cinematográficos, dores Anton Walbrook. Lermontov, “Su alma voló hacia Dios transportada por la luz del sol, y nadie preguntó por sus zapatos rojos.” Hans Christian Andersen. Los zapatos rojos. olomon’s Las minas del Rey Salomón (King Solomon’s hacerse famoso con - Andrew Morton, 1950),Scaramou Mines, Compton Bennett y de 1952) y El prisionero George Sidney, che (Scaramouche, of Prisoner The ( Zenda Moira Shearer in The Red Shoes (1948). in The Red Shearer Moira IS Collection/CORB Hulton-Deutsch 7 - Nar chaikovsky. Su trabajo acabaría siendo chaikovsky. chérina, Prima Ballerina de los Ballets de asdale dijo haberse inspirado en la música para los pas de deux Easdale dijo haberse inspirado en la música de los ballets clásicos de T De la escenografía se ocupó Hein recompensado con un Oscar. con el Movimiento Heckroth, un artista alemán relacionado que origen, de país su en teatral experiencia mucha con Bauhaus, Las zapatillas rojas. también ganaría un Oscar por su labor en del ballet Les souliers Para preparar los distintos decorados de todos ellos y los rouges, Heckroth hizo esbozos detallados sirvió que animado cortometraje un en plano por plano montó luego de storyboard para la filmación definitiva. El director de veloci- fotografía Jack Cardiff, por su parte, combinó distintas dades, superpuso imágenes fijas y en movimiento, y experimentó con todas las posibilidades que le ofrecía el technicolor de la época, tal y como ya había hecho previamente en A vida o muerte negro (Black arciso 1946) y N and Death, of Life (A Matter cissus, 1947), ambas a las órdenes de Powell y Pressburger. El australiano Robert Helpmann, bailarín y coreógrafo del amigo personal de Powell, además de in- Ballet, Wells Sadler’s compañía de la bailarín primer Boleslawsky, papel de el terpretar personalmente todo lo que tenía algo supervisó de Lermontov, de coreografía la desde ballet: el con lejos de o cerca de ver que Les souliers rouges (sintética e inspirada) a la ambientación de las salas de entrenamiento y los backstages teatrales que salen en pantalla (absolutamente verosímiles). La principal estrella invitada del film, Léonide Massine, excoreógrafo de Les Ballets al maître de ballet Ljubov y coreo- encarnó Russes de Diaghilev, cuento). del zapatero del los (incluyendo solos propios sus grafió En cuanto a Ludmilla T Montecarlo, hija de un Príncipe ruso educada en París, recitó sus diálogos en inglés después de aprendérselos fonéticamente (sin entender ni una palabra de lo que decía). “Y confesó todos sus pecados, y el verdugo le cortó los pies con los zapatos rojos, pero los zapatos se fueron marchando con los piececitos dentro, atra- vesaron el campo y penetraron por el profundo bosque.” Hans Christian Andersen. Los zapatos rojos. - The Easdale, ijinsky, Nijinsky, aslav n el Mercury, los En el Mercury, ydia Lopokova (que en trachey a la cabeza, ytton Strachey a adler’s Wells Ballet, en 1931, a en 1931, Ballet, Wells Sadler’s Ashley Dukes. ictoria Page, fuese interpretado por una irginia Woolf y L y irginia Woolf Nicolas eatro Mariinsky de San Petersburgo, alois, germen de lo que luego pasaría a llamarse a pasaría luego que lo de germen alois, V ouncil of Great Britain (un invento político de John John de invento político Britain (un of Great Council liot, W.H. Auden y Christopher Isherwood. .S. Eliot, W.H. Powell y Pressburger se habían impuesto a sí mismos dos con- diciones para rodar Las zapatillas rojas. La primera era la de lga Preobrazhenskaya, y Olga Preobrazhenskaya, Michel Fokine amara Karsavina, Royal Ballet. Otro fue The Ballet Club, afincado en el Mercury que por la ya mencionada Marie Rambert, Theatre y regentado el escritor estaba casada con con obras escenario romántico compartían del repertorio ballets de T del Sadler’s Durante la Segunda Guerra Mundial, la actividad Wells Ballet fue incesante. De Valois organizó galas benéficas, provincias. El exmaître actuaciones para las tropas y giras por de ballet ruso del T Sergeyev, afincado en Londres repertorio. Las primeras montajes de los grandes clásicos del desde 1932, supervisaba los - estrellas de la compañía, la rusa Alicia Markova y la sudafrica Fonteyn, ojito na Pearl Argyle, fascinaban al público. Margot bombardeos derecho de Ninette, actuaba incluso en medio de los no tardó en conver de los aviones nazis sobre la capital británica: una inspiración para los tirse en un símbolo de la resistencia, en inmarchitable. más jóvenes y en un icono de belleza balletística en marcha la preproduc- Cuando Powell y Pressburger pusieron Ballet acababa de Wells ción de Las zapatillas rojas, el Sadler’s Covent Garden, en parte cambiar de sede y se había mudado al a través del recién creado gracias a las subvenciones recibidas Arts en el futuro). repercusión Maynard Keynes que tendría mucha Para la función de apertura de la nueva temporada 1946-1947, se eligió un nuevo montaje de La bella durmiente, protagonizado por Margot Fonteyn. El estreno de la sesión matinal estuvo a cargo de otra ballerina muy joven y muy prometedora: la pelirro- ja escocesa Moira Shearer. bailaba en la oscura noche, los zapatos la “Bailaba y bailaba sin parar, hacerse hasta arañaba se donde rastrojos y espinas entre arrastraban sangre.” Hans Christian Andersen. Los zapatos rojos. realidad era inglesa de nacimiento y se llamaba Hilda Munning). de nacimiento y se llamaba Hilda Munning). realidad era inglesa que no tardarían en hacerse realidad. De allí surgieron proyectos del fue la creación Uno de ellos maîtresse de ballet de Les Ballets Russes y cargo de la exballerina de Ninette iaghilev, y de algunos artistas relacionados relacionados artistas de algunos y Diaghilev, de Serguei Russes, V nna Pavlova, como A compañía, mítica con esta T entre otros, influenciarone inspiraron a los más destacados inte- de entreguerras. lectuales ingleses A finales de los años veinte, muchos integrantesdel Círculo de con V Bloomsbury, Keynes del economista gay John Maynard solían reunirse en casa la ballerina L y su esposa por conveniencia, incluir en la película un ballet completo, con música, coreogra- fía, libreto y escenografía originales, de al menos 15 minutos de duración, sin cortes y sin diálogos. La segunda condición sine qua non consistía en la necesidad imperiosa de que el papel de la ballerina protagonista, V auténtica ballerina profesional. Brian compositor al encargada sido había ya música La autor de la banda sonora del anterior esfuerzo conjunto de The Archers, Narciso negro (Black Narcissus, 1947), la película que Para componerla, hizo mundialmente famosa a Deborah Kerr. 6 - - - ampoco los jefazos de beron, nunca se rodó. Una década más tarde, más década Una rodó. se nunca Oberon,

El ballet inglés había evolucionado mucho en las cinco primeras décadas del siglo XX. Pasó de ser un divertimen-

to para teatrillos de variedades a un espectáculo respetable y de respetable to para teatrillos de variedades a un espectáculo de Les Ballets visitas 1909 y 1929, las repetidas masas. Entre hora la ballerina ama más al amor más al amor ama la ballerina Ahora empresario. espalda del en la al obligan la empresario el y compositor el entre y ballet, al que suicidio. El film termina con el homenaje póstumo del empresa- espectacular: es homenaje el empresario un de trata se como rio: calzase las fantasma de la ballerina baila como si el el ballet se rojas”. zapatillas y Pressbur la película de Powell le gustó mucho Al escritor cubano ger. Incluso cuando la vió por segunda ger. vez (que es cuando firmó párrafo hemos extraido la sinopsis poética del la crítica de la que mismo, él siempre se había considerado a sí anterior). Y eso que La en una sala de cine de antes de revisar Las zapatillas rojas que como una de esas personas que opina Habana precastrista, para que gimnasia sueca con música de fondo “el ballet no es más dormir niños”. narrar un cuento de más destacadas de Las zapatillas rojas Una de las características - inmune al paso del tiempo es, precisamen como película de culto que sino balletómanos, los a y cinéfilos los a gusta sólo no que te, que los a ballet, de nada saben no que los a mundo: el todo a gusta el cine pero no el ballet, no les interesa el cine; a los que les gusta cine; a los que sueñan en a los que les gusta el ballet pero no el Absolutamente blanco y negro, a los que sueñan en technicolor. a todos. No siempre fue así. Cuando se estrenó la película, en 1948, muchos críticos británicos protestaron por el final- sanguinolen se mofaron de los “clichés to, que consideban “de mal gusto”, y en el guión. T presentes melodramáticos” la productora-distribuidora Rank confiaban demasiado más gancho comercial. De hecho, trataron de detener el rodaje en en su respondió adecua- el público sí que de una ocasión. Por fortuna, Por poner un ejemplo damente, convirtiéndola en un taquillazo. significativo, en The Bijou, una sala del off-Broadway consecutivos. años dos neoyor de más cartel en mantuvo se film el quino, en la que Pressbur El origen del proyecto data de 1937, fecha huido de un brillante escritor de origen húngaro que había ger, Unido, le vendió el la Alemania nazi para instalarse en el Reino Alexander Korda guión de Las zapatillas rojas al megaproductor a cambio de dos mil libras. El film, que ibaMerle por do a ser protagoniza- el propio Pressburger, con la complicidad de su socio creativo, el propio Pressburger, Powell (juntos eran conocidos como The Archers), recuperaron los derechos de la historia por doce mil libras. Powell, cineasta inglés formado en el Sur de Francia, donde trabajó como ayudante del realizador de películas mudas Rex Ingram, llevaba mucho tiempo deseando hacer un largometraje ambientado en el mundo del ballet clásico. Su padre había sido y eso Francesa, la Riviera Ferrat, en en Cap de un hotel dueño le había permitido entrar en contacto con los artistas rusos emi- grados residentes en la zona. De joven, llegó a ver a Les Ballets Russes en Montecarlo. En la década de los cuarenta, mantenía amistad con algunos de los mejores bailarines y coreógrafos del Reino Unido. “–¡Bailarás con tus zapatos rojos hasta que te quedes pálida y fría! ¡Hasta que la piel se te quede pegada a los huesos como en los esqueletos!” Hans Christian Andersen. Los zapatos rojos. 5 02

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87 DanzaBallet Y axi - oro Salvaje (Raging Bull, 1980) y Uno de ROJAS EN DVD Y BLU RA ATILLAS esoro, Noviembre 2011). Es una edición muy river, 1976), T axi Driver, EDICIONES DE LAS ZAP El cineasta italoamericano Martin Scorsese, autor de películas como T Driver (T los nuestros (Godfellas, 1990), es un admirador incondicional de Las zapatillas rojas. Fue él quien supervisó la restauración y posterior digita- un trabajo lización del master original del film de Powell y Pressburger, que duró tres años y que culminó con la presentación de una nueva y flamante copia en el Festival de Cannes de 2009. Esta versión es la que se puso a la venta en Dvd y Blue Ray el pasado año, 2011, en el Reino Unido y Francia (con montones de extras interesantísimos). Existe una editada por el sello especializado The Criterium Collec- versión anterior, tion, de 1999, también de muy buena calidad (igualmente acompañada por entrevistas y documentos de todo tipo). La edición española, editada por Divisa, por desgracia, cuenta con poquísimos extras. EL CUENTO DE HANS CHRISTIAN ANDERSEN La edición más reciente del cuento original de Hans Christian Ander sen en castellano se titula Los zapatos rojos (Editorial Impedimenta, Colección El Mapa del T recomendable: la traducción del danés es de Enrique Bernárdez. El texto está profusamente ilustrado con dibujos originales de Sara Morante. Las citas que aparecen encabezando las distintas partes del artículo sobre Las zapatillas rojas están tomadas de esta edición. 2 1 3 opFoto.co.uk ndersen como Andersen 1. The Red Shoes.Posters 3. The Red Shoes. Posters ©Private Collection Danza Ballet ©Private Collection Danza Ballet as zapatillas rojas tuvo tanto rojas zapatillas Las opham Picturepoint. T 2. Moira Shearer in The Red Shoes ©2004 CreditT obra de arte dentro de otra obra de arte– que transpira gran parte gran parte transpira arte– que obra de de otra de arte dentro obra las secuencias Adoro me gusta. la que más A mí, es película. de la creativas de ballet, las reuniones las clases matinales de ensayos, con mucha Powell describe de distintas disciplinas. entre artistas sutileza los vaivenes del proceso creativo, reflexiona el punto de vista de cine, contrasta como director propia función sobre su de fabula la utiliza realidad, la con ballerina la de realiza- y viceversa. Por otra parte, el un espejo del argumento dor filma los números deballet con una delicadeza apabullante, de la coreografía sin romper el encadenado captando cada detalle montados milimétricamente generales planos en movimientos, de unos con otros. debe seguir rojas Las zapatillas arte como una obra de Si por algo es por estudiada por las nuevas generaciones siendo visionada y provocar sensacio- para motivar, para su capacidad para inspirar, y explicarse el en su autobiografía, trata de explicar nes. Powell, “Creo echando mano de la memoria histórica. éxito de su criatura cual la razón por la verdadera que de que, durante diez años, éxito –escribe el cineasta– fue el hecho salir era correcto lo que de idea la inculcando estado habían nos de casa para sacrificar nuestras vidas por la Libertad y la Demo- cracia, por esto y por aquello. Las zapatillas rojas lo que nos decía morir por el Arte”• era que teníamos que salir ahí fuera para - - Les chérina, merican in American - publi y Street iaghilev como anto Diaghilev como e aleja de mí. ¿Por qué Theatre ermontov y sus pupilas y sus Lermontov ictoria Page, a las que despre- ictoria Page, a las chérina, Massine y el bailaor Antonio, en la que chérina y el bailarín y coreógrafo Frederick Ashton; era Savina. own, 1949), Un americano en París (An París en americano Un 1949), own, T incente Minnelli, 1951) y Cantando bajo la lluvia (Singin’

ermontov es el otro grandísimo personaje de Las personaje el otro grandísimo es Lermontov Boris com- lo construyeron y Pressburger Powell rojas. zapatillas

. Minnelli) y recibió una negativa como respuesta (fue sustitui- binando las figuras de dos poderosos encantadores de serpientes: serpientes: de encantadores poderosos dos de figuras las binando Russes, y Les Ballets creador de Serguei Diaghilev, por un lado, de docenas de pelícu- el productor Alexander Korda, por el otro, y mundial. T del cine británico las míticas por afán su refinados, gustos sus por atención la llamaban Korda extra- buen ojo para descubrir talentos y sus controlarlo todo, su de profesionales, tales como vivir en hoteles vagancias sociales y lujo, recibir a las visitas a la hora del desayuno y... ¡pillar unos o sus protegidos de que alguno vez cada descomunales cabreos emanciparse! protegidas decidía con película la en sucede que igual Al V rebeldes, Irina Boronskaya y al la felicidad amorosa a la dedicación cia en cuanto anteponen Diaghilev expulsó de 1913, en septiembre Arte con mayúsculas, más enterarse de que el a Nijinsky de Les Ballets Russes nada húngara, integrante bailarín se había casado con una admiradora aprovechando de Pulszky, del corps de ballet, llamada Romola ños más tarde, en 1917, el una gira americana de la compañía. A Karsavina contrajo empresario ruso volvió a enfurecer cuando Henry James Bruce. El matrimonio con el diplomático inglés de Diaghilev se produjo en tercer rebote emocional y profesional la a esposa su en convirtió y abandonó le Massine cuando 1921, ballerina V titulada autobiografía, brillante su En cada en 1930, Karsavina recordaba a Diaghilev comportándose cada en 1930, Karsavina recordaba a exactamente igual que Lermontov en la película de Powell y dedicar Pressburger: “Se rebelaba contra mis deseos de querer le algo de tiempo a mi vida privada. Me decía, medio en serio, le algo de tiempo a mi vida privada. T medio en broma: ‘Detesto a tu familia. ¡Así me habríais per demonios no te habrás casado con Fokine? tenecido los dos!’.” con se ha revalorizado rojas que más El aspecto de Las zapatillas de los atrevi- hemos señalado algunos el tiempo es el formal. Ya ballet del secuencia la a convirtieron que estéticos mientos de la historia las más espectaculares en una de souliers rouges influen- Su parecido. nada filmado había se antes Nunca cine. del cia se dejó notar posteriormente en tres de los mejores musicales made in Hollywood de todos los tiempos: Un día en la ciudad the (On Paris, V in the Rain, Stanley Donen, 1952), protagonizados los tres, por ofreció a en 1954, le El mismo Kelly que, por Gene Kelly. cierto, Moira Shearer el papel protagonista de Brigadoon (Brigadoon, V da por la maravillosa Cyd Charise). Powell y Pressburger repitieron la experiencia de Las zapati- llas rojas en otros films menos la logrados, de cinematográfica versión como1951), Hoffman, of (Tales Hoffman Los cuentos de Helpmann, ópera de Offenbach, en la que participaron Shearer, Massine, T Oh... Rosalinda!! (1955), adaptación de la opereta vienesa Die Fledermaus (El Murciélago), de Johann Strauss, con T

nneliese Rothenberger, y Luna de Miel y la soprano Anneliese Rothenberger, Walbrook en y rodada solitario en por Powell 1959), dirigida (Honeymoon, España, con T se incluye una espléndida versión del ballet El amor brujo, de Manuel de Falla. Menos apreciada por los expertos ha sido la faceta de cine dentro del cine –o teatro dentro del teatro, o ballet dentro del ballet, u 8 02

86 DanzaBallet “No vivo en el pasado ni en el dance until late in the evening “Le gustaba el dinero. Lo futuro. Estoy en el presente” on plateaux enflamed by the sun, necesitaba para indemnizarse Ígor Fiódorovich Stravinski (1882 –1971) and among the sweet herbage of de la insolvencia de su infancia the valleys. All was celebration, famélica. Cuando murió, a los 54 without end” años, tenía casas en media docena Ellos han dicho... “Hombre de ambiciones, Mary Wigman (1886 - 1973) de países y una isla en el Adriá- […] homosexual apasionado y tico, había aprendido a invertir celoso, […] supersticioso hasta en paraísos off shore y cultivaba el ridículo, […] y, sobre todo, “The dancers inspired my la amistad de los Rothschild y dotado de una asombrosa visión paintings, and they in turn likely otros banqueros. Su madre aún en cuanto al futuro de un creador inspired the dancers” le mandaba cartas preguntando “Indeed, Bessmertnova Bessmertnova no provenía de “Siempre creía y sigo creyendo o de una obra y de un instinto casi Emil Nolde (1867 – 1956) si necesitaba comida. Pero, por brought a poetic spirit into the una familia de artistas, su padre que ‘El lago de los cisnes’ es una infalible en cuanto a sus posibili- debajo de la espuma glamouro- Bolshoi Ballet of the late 1950s era médico. Sin embargo, Natalia prueba para cualquier bailarina. dades de éxito” sa del lujo y del placer, lo que and early 1960s. She was a new y su hermana Tatiana decidieron En este ballet no se puede ocultar “Cada vez era como un descu- Rudolf era por dentro lo supo ver sort, quite unlike any other balle- estudiar en la escuela de ballet nada. Todo está en la palma de la André Boucourechliev (1925–1997) sobre Serguei Diaghilev (1872-1929) brimiento, había algo nuevo en su Tennessee Williams, que le con- rina before, unusually pure and de Moscú. Una vez allí, Mikhail mano: dos personajes, el negro interpretación. Cada espectáculo sideraba alguien condenado a la sublime. She was a divinely-mar- Gabovich vio el talento de la y el blanco, toda la paleta de era una impresión que se quedaba más profunda soledad, como él ked ballerina” frágil muchacha de ojos saltones, colores y pruebas técnicas, el arte “La música es incapaz de para toda la vida. Es digna de ad- mismo. El dramaturgo dijo que y dijo: “Esta chica tiene un gran de la transformación, el drama Vadim Gaevsky said of Bessmertnova (1941 expresar nada por sí misma” miración la vida de Plisétskaya en nunca se curaría de la nostalgia de – 2008) futuro por delante de ella” del final”. Ígor Fiódorovich Stravinski (1882 –1971) el ballet” Rusia. Muchas fueron las noches Mikhail Lavrovsky (1941) sobre Natalia Maya Plisétskaya (1925) Viacheslav Gordéev sobre Maya Plisétskaya que lo sorprendieron despierto Bessmertnova (1941 – 2008) bebiendo, solo, dos botellas de “Por mucho tiempo el Bolshoi (1925) “No me marché de la URSS Stolichnaya y dejándose abrazar fue un museo. Lo que quiero es “Mi nacionalidad es la danza, porque el Bolshói era, es, para por la melancolía depredadora redireccionar a la compañía y “La moda nace de pequeños mi domicilio un escenario” bailar lo mejor del mundo. El es- “Dancing is a visible action of que abismó a los personajes de agregar algunos ballets modernos hechos, de tendencias, de aconte- Rudolf Nureyev (1938 – 1993) cenario, el ángulo, las maderas, life; if dance is irrelevant, then life Dostoievski” al repertorio. El ballet clásico ruso cimientos históricos, nunca trata las medidas. No he visto nada is irrelevant” ha dado y da mucho al mundo. de fabricar plisados o de hacer Julie Kavanagh «Rudolf Nureyev. The life», igual en ningún sitio, está hecho 2007. Una persona rusa sabe que vestidos más o menos largos” Merce Cunningham (1919-2009) “They want me to dance jolly para la danza clásica.” nuestro ballet clásico continúa Elsa Schiaparelli (1890 - 1973) and cheerful things. I do not like existiendo, y siempre sera uno de Maya Plisétskaya (1925) jollity. I love life” “La inspiración de Balenciaga “Hoy en dia hay más ballet los mejores del mundo..” Vaslav Nijinski (1890 -1950) provenía de las plazas de toros, deportivo, atlético; nada lírico. “My Art is just an effort to Alexei Ratmansky (1963) “Si Dior es el Watteau de la de los bailarines de flamenco, de Quizá alguna bailarina se dedique express the truth of my Being costura, entonces Balenciaga es el los holgados blusones que llevan a esto y destaque. Hay una rusa, in gesture and movement. It has “Ver a Goleizovsky fue lo Picasso de la moda, porque, como los pescadores, del frescor de los Paulina Simeonova, que tiene 20 “No hay que bailar con la taken me long years to find even primero que me dio en coraje el pintor, Balenciaga guarda un claustros” años y baila en Berlín; es mara- música, hay que bailar la música” one absolutely true movement. para intentar algo distinto por mi profundo respeto por la tradición villosa, y salta, y baila, y hace de Words have a different meaning. Diana Vreeland (1903-1989) Maya Plisétskaya (1925) cuenta” y posee un depurado estilo clásico todo. Es mi preferida ahora”. Before the public which has George Balanchine (1904 -1983) sobre que subyace a todos sus experi- Maya Plisétskaya (1925) thronged my representations I Kasian Goleizovsky (1892-1970) mentos con lo moderno” “Nureyev fue uno de esos va- “Junto con Glazunov, Fokine have had no hesitation. I have gabundos internacionales, esa era el hombre más desagradable given them the most secret Cecil Beaton (1904-1980) gente que puede estar en cualquier que he conocido en mi vida” impulses of my soul. From the “Don’t stop education in parte. Me interesa esa gente que first I have only danced my life” Ígor Fiódorovich Stravinski (1882 –1971) ballet. Keep a strong classical “We were young. And está siempre buscando un hogar Isadora Duncan (1877 - 1927) repertory. Try to transmit the together with the sunlit beauty donde quedarse, un lugar físico o 88 89 experience of age to the younger of the landscape, the freedom of quizá más etéreo, como la danza. D anzaBallet D anzaBallet generation. Don’t say that ballet “Shakespeare es a la literatura, lo those summer weeks loosened Es una característica que agrupa a was better in the past” que Karinska a los trajes!” our limbs and opened the spi- muchos de mis personajes” Yuri Grigorovich (1927) George Balanchine (1904 -1983) sobre ritual doors of our vitality. We Colum McCann (1965) Barbara Karinska (1886 – 1983) would walk in the woods […] 02 02 02

91 DanzaBallet risha T Saint-Point aléry (1871- 1945) alentine de alentine V ada sólido, tampoco, en tampoco, sólido, Nada ouppe, es de un aliento, un de un aliento, Louppe, es ommaso Marinetti (1876- 1944), “La danza l cuerpo “El literatura.) es danza esta también, aléry se incluye asimismo “Filosofía de la danza” (1936), que aléry se incluye asimismo “Filosofía de ella no baila”. Paul V ella mujer que baila (…) y téphane Mallarmé (1842-1898), se incluyen: “Ballets”, de (1842-1898), se incluyen: “Ballets”, De Stéphane Mallarmé la bailarina, la que ordinariamente ignora libretista El (“ 1886 medio de pasos, no entiende otra elocuencia, cual se expresa por “Consi- advertencia válida aún hoy); y incluso la del gesto”: los arte del ballet y la Loïe Fuller” (1893), deraciones sobre el a la danza. En “Ballets”, se encuentra, dos textos que le dedicó además, la célebre paradoja del poeta: “¡El juicio, o el axioma, a afirmar de hecho sobre el ballet! A saber que la bailarinano es una en “Degas Danse Dessin” (1938): explicaría esta declaración una mujer que bailaba “Mallarmé dijo que la bailarina no era bailaba. Esta observa- ya que no era ni una mujer ni tampoco cierta. Y no es sólo cierta ción profunda no sólo es profunda, es (…) sino que puede ser verificada, y yo la heLa más vistolibre, la verificada. más flexible, la más voluptuosa, se me presentó grandes medusas: no eran en una pantalla donde se mostraban ni mujeres ni estaban bailando. No eran mujeres sino seres de y sensible, carnes de una sustancia incomparable, translúcida vidrio locamente irritables. (…) Nada de un suelo, nada sólido (…) absolutas. bailarinas estas para no hay huesos, articu- sus cuerpos de cristal elástico; tampoco, inguna bailarina humana, laciones, ligaduras invariables (…) N fuerzas sus de veneno del movimiento, de ebria ardiente, mujer de cargadas miradas las de quema que presencia la de excedidas, mímico llamado el sexo, del imperiosa ofrenda la expresa deseo, esta gran medusa, que (…) de la necesidad de prostitución, como se transforma en el sueño de Eros”. De V comienza y finaliza conAntonia Mercé, “Madame Argentina”. Sobre San Agustín: “obsesionado (el filósofo deValéry) por su embarazosa situación la con penumbra su en soñando recuerdo, del gran santo: “¿Qué es el tiempo? Pero, ¿qué es la danza?”. A este texto, pertenece la definición valeryana de: “¿Qué es una metáfora sino una especie de pirueta de la idea?” Un extracto de la autobiografía de Loïe Fuller (1862- 1928), “Mi vida y la danza”, no me entusiasmó mucho. Pero es lúcido, preciso (“Rembrandt le dio al mundo una nueva escuela de pintura pero se sirvió de cosas viejas”), aboga por la abstracción. El texto que le continúa evidencia cuánto su autora se equivocó, y cuánta furia la poseía contra el ballet. Su escaso nivel de formulación teórica, contrasta no sólo con la sosegada Fuller que la precede sino con todo el resto del libro. En éste, pueden haber escritos obsoletos como el de Filippo T futurista” (1917); o extraños como el de el como extraños o (1917); futurista” a Métachorie” (1913), en el que preconiza velar, (1875- 1953), “La Métachorie” (1913), en el que preconiza velar, en el acto del baile, toda parte del cuerpo donde la carne domine sobre el músculo. Otros, me eran desconocidos, como el del artista brasileño Helio Oiticica (1937- 1980), “La danza en mi experiencia”, pero fue una agradable revelación nietzscheana. 1981) y Mouth”, in the Myself (“Looking Rainer Yvonne Brown (“Un misterio concreto”), expresan la verdad que les co- (Porque, rresponde. (2000), de Laurence como poética” rigor y una enjundia que eleva, otro “descubrimiento” en sus des- Emil Nolde Emil 1910/11 Schleier, mit violettem Tänzerin olde Ada und Emil N Stiftung Seebüll tiftung Seebüll 2011 © Nolde S ; - avigne, son también las autoras también son Lavigne, Emma elsarte (1811-1871), con extractos de “Curso de con extractos (1811-1871), Delsarte

hristine Macel y Macel Christine

algan las precisiones, todas. Así, no echaríamos de menos a los ed Shawn, quien adoptó su sistema. Retengo: “El desarrollo del de esta antología de textos sobre la danza, la cual completa ciertos exposición la de catálogo el en publicados ya manifiestos y textos –advierten en el prefacio-, “reagrupa escritos sobre la danza, in extenso o en fragmentos, iluminándola desde diferentes puntos de vista, desde el fin del siglo XIX hasta nuestros días”. V teórico del ballet de Louis XIV escritos del padre Le Ménestrier, ni a George Balanchine o Lincoln Kirstein. Con tino, Friedrich Nietzsche (“Así hablaba Zaratustra”, 1883) no se incluye en el índice de textos sino que los preside en exergo, dios un en creer puedo “Sólo frase: conocida la anoto cual del que baile”. François Abre de estética aplicada”, remitentes a cuadernos de estudiantes impartidos cursos, tales durante tomadas notas contenían que por Delsarte entre 1850 y 1860. Un texto hermético (por la in- fluencia de HermesTrismegisto), esotérico y metafísico; en fin, la danza como espiritualidad trascendente. Delsarte influenció a T gesto exteriorizado, a partir de que no es sino un eco del gesto interior del que nace y que lo comanda, debiera ser menos impor tante que el del gesto interior”. “Danser sa vie” (Éditions du Centre Pompidou, 2011; 234 del exposición la de ocasión la en sido publicado ha páginas), mismo nombre, presentada en el Centro Pompidou de París entre el 23 de noviembre de 2011 y el 2 de abril de 2012. Sus comisa- rias,

Por Isis Wirth tología de textos sobre la danza una necesaria an Danser sa vie Danser Constantin Brancusi Costume ‘la sorcière’ de Lizica Codreano pour Gymnopédies d’Erik Satie, 1922 Ensemble dissociable de 2 épreuves gélatino-argentiques - 23,8 x 17,8 cm Paris Collection François Fontenoy, © Adagp, Paris 2011 02

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93 DanzaBallet creación coreográfica: “Concebí en total cinco coreografías. (…) Cada coreografía intentaba resolver lo que, en la época, se con- sideraba un problema o un conjunto de problemas. Calificar y clarificar la noción de ‘resolver un problema’ como instrumento mental apropiado a la creación de coreografías, necesita un de- sarrollo que excede los límites de este artículo. No obstante, se trataba de indicar como la problemática pudo servir de sintaxis”. Lo presentado de Doris Humphrey (1895- 1958), se remite a su “The Art of Making Dances” (1959); de Martha Graham “Blood su de bailarina…”) soy (“Yo fragmento un (1894- 1991), Memory” (1991), son bien conocidos. Quizás lo son menos, dos magníficos artículos de Merceningham (1919- 2009). En “Espacio, tiempo y danza” (1952), Cun- escribe: “En cuanto a mí, me es suficiente que la danza seaejercicio espiritual bajo una forma física, y lo que uno ve, es lo un que es. Y no creo que sea posible ser ‘demasiado simple’. Lo que hace un bailarín es la cosa más realista que se pueda hacer…” En “La función de una técnica para la danza” (1951), precisa: “Lo más importante en la disciplina de la danza, es la devoción, la constante y espontánea en el tiempo, que hacen que el dedicación trabajo en clase sea otra cosa que una hora y media de gimnástica un trabajo penoso cotidiano. Esa dedicación – o, poniéndolo peor, ajarov, Sajarov, aban y Laban rgentina, Wigman, Joss, Wigman, Argentina, Duncan, tutti quanti, haciendo una ensalada rusa o un cocktail america- no y le hacen saber a la prensa que son los inventores de una nueva escuela artística. ¿Quiere ello decir que el público crédulo es culpable o se burlan de él? En modo alguno, ya que todavía no está preparado para juzgar a las manifestaciones coreográficas y subordina su juicio al de los periodistas (…) Es solamente en la prensa especializada dedicada al cine donde he leído artículos elogiosos sobre quien es sin embargo un muy gran artista, el más original quizás entre todos los bailarines actuales. (…) Este monarca del tap-dance es un creador verdadero, que crea ritmos nuevos, aptos para enriquecer el arte musical y el de la danza. ¿Por qué no se le hace saber al gentío con la misma admiración que le muestran a Lifar y tutti quanti?” (1886- 1973), se De la discípula de Dalcroze, Mary Wigman incluye un fragmento de “El lenguaje de la danza” (1963), en el que sobre todo explica el origen y el proceso de creación de su célebre “Danza de la bruja” (“Hexentanz”), acaso tan impresio- nante en palabras como su propio baile. No conocía un texto del artista Robert Morris, “Notas sobre la danza” (1965), en el que apunta a lo que es el núcleo de la ijinsky, Isadora Nijinsky, fabrican un arte personal copiando los procedimientos de procedimientos los copiando personal arte un fabrican riebold Ernst Ludwig Kirchner Ernst Ludwig Huile sur toile - 110 x 149 cm Huile sur toile Couverture catalogue “Danser sa vie” otentanz der Mary Wigman, 1926-1928 Mary Wigman, otentanz der T Collection Centre Pompidou Adagp Paris 2011 odos conocemos a escritores que escriben que a escritores conocemos odos odo lo que la euritmia se esfuerza por expresar euritmia se esfuerza odo lo que la Wichtrach/Berne, Galerie Henze & Ketterer& T Galerie Henze Wichtrach/Berne, Charlotte Rudolph Le Saut de Palucca, vers 1922-1923. aban) no vamos a abordar sin contar a Laban) no vamos a abordar acaso, en Franz Kafka, del movimiento que se hace visible en aquí. La euritmia es el arte que en de este movimiento se expresa lo el espacio, y por medio música. la y palabra la con transcurre humano ser del interior el palabra visible que uno expresa por una “Es así, dice Steiner, se forma en el aire cuando nuestras palabras la misma cosa que (…) T resuenan. o una el fundamento de un poema no es sino lo que constituye obra musical”. - De Émile-Jaques Dalcroze (1865- 1950), quien haría evolucio Delsarte, nar la euritmia de Steiner aunque también se remite a verdad. Es un fragmento se incluye un delicioso texto, pleno de Sobre la importancia de “Recuerdos. Notas y críticas” (1942). “T asaetea: estilo, del se que a políglotas conocemos ¿Pero en lenguas diferentes. bien de su obra en alemán, divertirían con escribir el primer capítulo y el cuarto en portu- el segundo en italiano, el tercero en francés gués? En la danza, en este momento de la historia coreográfica, mezclan”. (…) “Otros se constatamos que todos los estilos se Steiner ision of Dynamic Capacidad (auto) ietzsche, pero no menos el menos no pero Nietzsche, aslav Nijinsky (1889-1950), “Sentimien- rabajar en desacuerdo con la forma y el movimiento de rabajar en desacuerdo con la forma y el Que esta mujer haya podido ser tomada en serio, se manifiesta en el texto que le sigue a continuación del suyo: el bello “Sobre lo espiritual en el arte y en la pintura en particular” (1911), de Vassily Kandinsky (1866- 1944). Se refiere arte encarnara una necesidad. Y retoma su “danza del futuro”, a ella como si su que le es útil para un concepto similar con el que teoriza sobre la pintura. ¡Cuánta diferencia, no obstante, entre Kandinsky e Isadora Duncan! Lo que se incluye de V tos” de sus “Cuadernos” en la versión integral; o de Rudolf von Laban (1879- 1958), un fragmento de “A V Space” (1938-1950), es bastante conocido como para volver sobre ello. Lo es menos, “Ritmo original, canto original y arritmia”, 1921 Rudolf en dio en Dornarch que una conferencia palabra euritmia, “La su en retomaría luego que y 1925), (1861- invisible”. En un principio teósofo, creador de la antroposofía (de in- sola cuya figura una es Steiner euritmia), la parte forma que la fluencia en el arte de las denominadas “vanguardias” (o también, La cito: “T contra la ley de la la naturaleza, esforzarse –en vano- luchando del individuo, como gravedad o contra la predisposición natural estériles, movimientos produce hoy, ballet de escuela la hace lo y que por el contra- incapaces de engendrar otros movimientos, (…) “La escuela de ballet rio, mueren enseguida que se hacen”. en muerte la de degeneración, la de expresión una es moderno históri- vida”. (…) “A todos esos que a pesar de todo, por razones cas o coreográficas, o por no importa cuál razón, se complacen en yo les digo: ustedes no esos movimientos deformes (los del ballet), ustedes tienen músculos ven más allá de las mallas, y bajo éstas, huesos deformes, es un es- deformes, y bajo los músculos, tienen queleto deforme el que baila delante de ustedes si van a ver ballet. Esta deformación bajo un vestuario no adaptado, causada por un movimiento incorrecto, es el resultado del entrenamiento que exige el ballet. ¡El ballet se condena a sí mismo al favorecer la de- formación del bello cuerpo femenino! Ninguna razón histórica ni coreográfica puede justificarlo”. profeta Nijinsky, recorren su reflexión. su recorren Nijinsky, profeta Loïe de al índice el en continúa le que refiero me que al texto Ese pan- por su espíritu con todos los otros y que contrasta Fuller, fletario –o mejor dicho, su ausencia de espíritu-, es el de Isadora confe- futuro”, sobre una 1927), “La danza del Duncan (1877- fue publicada en 1923. eipzig en 1903 y que rencia que dio en L - para “explicarse” –contrariamen Duncan se limita sobremanera, “nuevo” que buscaron con honestidad algo te a todos los otros, Su al ballet, el “origen de todos los males”. y personal-, a atacar definición del “futuro” es la negación de la danza clásica, ya que bailarines los a Presenta físicas”. “malformaciones produce ésta hay que monstruos deformados, a los que de ballet como pobres redimir…sino prohibir. “imprescindible”, la Duncan haya sido Se acepta que, como Por demás, el título de la exposición, incluida en la antología. O Isadora Duncan “Danser sa vie”, remite a su “bailar mi vida”. de la “revolución que abrió una puerta -¿quién se lo negaría?- genio, nada más”, que con un toque de moderna”. La “rebelde decía Arnold L. Haskell, definió gracias a ese “toque” el resto. Pero, ¿qué queda de Isadora Duncan hoy sino la…gimnasia la de Dalcroze)? con rítmica (sin relación narcisismo megalómano. propagandística no le faltó, ni tampoco pone de relieve, Lo cual explica su éxito. Y lo que la antología además, es su nulo valor literario. tellos. Y de nuevo, el imprescindible imprescindible el nuevo, de Y tellos. 02

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95 DanzaBallet · Preparation for entrance exams to international schools and for competitions · Adults intensive introductory course to classical dance in July and August · Regular and intensive courses Information: Monday to Friday from 10am to 8.30pm: 659 24 17 84 For further information visit www.danzaballet.com Ballet classes for young people and adults in Barcelona Beginner and intermediate level Pointes and technique Graham technique. Barre à terre Barcelona – España www.danzaballet.com [email protected] Puntas y técnica · Cursos regulares e intensivos Nivel básico e intermedio o las 24hs en www.danzaballet.com Técnica Graham. Barre à terre · Preparación para exámenes de ingreso en escuelas y concursos internacionales Estudio de ballet · Ballet School Estudio de ballet · Intensivo de iniciación a la danza clásica para adultos durante el mes de julio y agosto Clases de ballet para adultos en Barcelona Información: Lunes a viernes de 10 a 20.30 horas: 659 24 17 84, orbis ©C Carolina de Pedro Pascual de Pedro Carolina l texto se alinea en una comprensión de comprensión una en se alinea El texto inci condujeron a resultados de una armonía matemáti- de una armonía a resultados inci condujeron el signo de la mecánica, de la máquina, de la abstracción o de o la abstracción de de la máquina, mecánica, de la el signo política”. una tendencia (de ballet mecánico) profunda: “¿Cómo el concepto una estética cosa similar no ha ¿Es que una devenir ese slogan? ha podido que mecaniza el nuestra época la ¿Es solamente existido nunca? Leonardo de Albrecht Dürer y de Las proporciones ballet? (…) da V cuerpo uno puede decir con justeza que el ca sorprendente, y la imagen original y el modelo de la mecánica humano representa orgánica”. cierto de la danza” (1926) otorga un Su otro texto, “Matemática - lamentacio las a “¡No escribe: lo mismo él Como placer. gran sino nes sobre la mecanización! ¡Sí a los placeres de la matemática!” Stra- es una religión”), que Recuerda a Novalis (“la matemática a y a Pergolesi; que Busoni ha regresado vinsky ha vuelto a Bach “escapadas temerarias de los recién llegados”. Mozart. Fustiga las una parte del arte clásico, (…) “Con el viejo ballet, desaparece - ligada a la forma”. (…) “La precisión del entrenamiento, una co la ‘libertad dentro de reografía que se desarrolló durante siglos, El genio ruso de la danza, la regla’, pueden aún hoy fascinar (…) tradición a la feliz más manera la de alió se vitalidad, de lleno éxitos. Después, vino el francesa, para dar lugar a los últimos es vecino del éxtasis ex- caos: el costado metódico de la academia la mecánica del cuerpo, presionista (…) Por mi parte, yo profeso matemática es bienvenida la danza matemática. (…) Una cultura al equilibrio deseado”. en el mundo de la danza, con tal de arribar Desde luego, es un intenso manifiesto abstracto, geométrico, en el que se refiere a su “Ballet triádico” (concebido en 1912, y es- ha abierto la vía de una trenado del todo en 1922) como el que de una técnica nueva y “época nueva que se sirve naturalmente forma y receptáculo, al de materiales nuevos para ponerlos, como nombres: lo intelectual, lo servicio de un contenido que tiene por técnica nueva, Época fin”. en religioso, lo metafísico, lo abstracto, y materiales nuevos, sí, pero Schlemmer se inspira en el pasado, se erige sobre él. triádico” y el ballet de Hay una acusada conexión entre “Ballet la danza teatral francesa del siglo XVII –llamémosla si se cour, - quiere “barroca”-, en la que Schlemmer vio un campo de experi mentación. Las ideas sobre la danza que Schlemmer expresa en 1926, están a contracorriente de las tendencias de la época. No lo escribió en estos dos textos, pero sí en cartas y diarios, cosas como: “La euritmia, el coro del movimiento que se desprende de ella, es un el ballet nuevo culto de la fuerza y de la belleza”. Para Schlemmer, con el culto de la “nueva danza del alma”. clásico es incompatible Schlemmer fue catalogado por el régimen nazi de “artista degenerado”. En una suerte de emigración interna, murió en Ba- den-Baden en 1943. Contrariamente a otras prácticas artísticas, la danza expresionista no fue considerada como “degenerada”. Más aún, Laban (aunque pronto tuvo que salir al exilio en Londres), artísticamente Greta Palucca, Kreutzberg, colaboraron Wigman, con el III Reich. Pero esto es otra historia. Si me he permiti- do el anotarla, es por la tensión que se desprende de los textos de los alemanes (con la excepción de Nietzsche), presentes en el catálogo; asi como por el “misterio” de que la danza expresionista, no fuera etiquetada la “nueva danza del alma” según Schlemmer, como “degenerada”• El libre juego eschaton logos que es posible pronunciar en cada instante de la historia de la historia de la humanidad”. Concluye: “ Y la bailari- na, que parece perdida en el espeso bosque de sus gestos, da, en realidad, la mano en secreto a su propia aporía, y se deja conducir por su propio laberinto”. Dejo para el final (aunque aparecen en el índice más bien en su primera parte) los dos textos de Oskar Schlemmer (1888-1943). El creador de “Ballet triádico” era un visionario. Culmina “Ballet mecánico” (1927) con: “Hay que decir aún que no deben ser las exigencias de la moda las que decidan (…) sino la eternamente nueva exigencia del arte: la belleza. vieja y siempre de la imaginación forjará los únicos valores que cuentan. Una bajo hará se advenimiento su si es orden segundo de cuestión permite que el tiempo pasado en clase sea también un momento un momento también clase sea en tiempo pasado que el permite un proceso esencia, es, por su no proceso artístico Un de danza. un proceso inventado”. natural; es término el acuñó quien 1985), (1893- Martin John crítico Del título una de justo bajo este moderna”, se presenta de “danza y 1932 y 1931 entre dio tema, que sobre el las conferencias que fueron publicadas en 1933. Define a la “moderna” contra la conmovió a “La revolución romántica “clásica” y la “romántica”: - manera fundamental gracias a las innovacio la danza clásica de de los Ballets Rusos. (…) No obstante, nes radicales de Fokine, al ballet permanecieron siendo el fundamento las formas propias todo el movi- En consecuencia, durante de este nuevo método. no se que duró asombrosamente muy poco, miento romántico, a lo nueva”. O sea, llama “danza romántica” creó ninguna forma de) los Ballets Rusos. sucedido en (y a partir - con un fragmento de “Arenas o las soleda La antología cierra (París, el libro “El bailarín de las soledades” des espaciales” en 2006), del filósofo e historiador de arte francés Georges Didi- Huberman (1953-). Es sobre Israel Galván, en su espectáculo Sin dudas, el “Arenas”. “Sin dudas, se baila para estar juntos. humano. Incluso la bailar no puede aislarse de ningún momento de los vivos que se muerte se baila, no solamente en la coreografía danza de movimientos los que de hecho el en aun sino lamentan las sobre esculpidos encuentran se antigüedad, la de bellos más ya, sin embargo, hace casi un año paredes de los sarcófagos. Y, Israel Galván sobre la una noche, en Sevilla, al ver aparecer a (…) de alguien que la impresión tuve de la Maestranza, escena evidencias. Él bailaba, desplazaba magistralmente todas esas de otros menos solo. No porque avanzara al frente, separándose (…) Él parecía más bien, virtuosos que él para hacer un solo. su bailar con su soledad, como si ésta fuese, fundamentalmente, de imágenes, una soledad compleja, habitada partenaire, es decir, así, bailaba sus soledades…” sueños, fantasmas, memoria. Y, Otros dos filósofos actuales se incluyen: el neocomunista Alain Del primero, “La Badiou (1937-) y Giorgio Agamben (1942-). (1998), sobre “Así danza como metáfora del pensamiento” - hablaba Zaratustra” de Nietzsche, aunque con otras referen cias (Mallarmé, Spinoza…). Escribe Badiou: “Hay una molestia esencial entre la danza y el teatro. Nietzsche la aborda de la manera más simple posible: por medio de una estética anti-tea- tral. (…) La verdadera palabra de orden del arte moderno es el sustraerse (y con ello se beneficia la metáfora de la danza, como nuevo nombre dado a la tierra) al detestable poder decadente de la teatralidad”. Particularmente interesante, el ensayo de Agamben, “El Gesto y la danza” (1992). Para Agamben, el gesto es la finalidad sin fin kantiana que adquiere su significación concreta.es así la “El gesto consistencia que adquieren los sucesos del juicio final, el 02

94 DanzaBallet Maya Plisetskaya El cisne

“... ella es la verdadera reina de los cisnes, ave prepotente, altiva e íntegra en su amor y en su nostalgia ...”

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Boris Leonidovich Pasternak (Rusia, 1890-1960) del libro “Maya Plisetskaya” Russian Prima Ballerina Maya Plisetskaya Traducción del ruso por M.Kumarián Editado en URSS Photo Catherine Cabrol. 1993.Paris, France 02 Editado en Buenos Aires por Editorail Progreso, 1976. © Catherine Cabrol/Kipa/Corbis 02 A la memoria de NUM.03 Revista de colección Laura Barbé de Pedro MARZO 2012 1949 - 2012

Danza Ballet Revista de Colección. Fundada en 2011. Barcelona - España Prohibida su cita, reproducción, edición o transmisión total o parcial por cualquier medio y en cualquier soporte sin la autorización escrita de Danza Ballet Revista de Colección aún citando la procedencia. El contenido de Danza Ballet Revista de Colección esta bajo Copyright. Danza Ballet Revista de Colección respeta la opinión de sus colaboradores y los textos son responsabilidad de quienes los firman. NUM.03 Revista de colección

MARZO 2012

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