BookletRoussel3 4/12/07 19:52 Page 1 OOrrcchehestrstreededePaParriiss CChhrriiststophophEEsscchenhenbacbachh RRoAoAllbbeuseusrtrt sselel SSyymphonmphonyyNNo.o.33 LLeeFFeeststinindedell’’aarraaignéeignée BookletRoussel3 4/12/07 19:52 Page 2 Albert Roussel (1869–1937) S y m p h o n y N o . 3 i n G m i n o r , O p . 4 2

1 I. Allegro vivo 6:04 2 II.Adagio 10:19 3 III.Vivace 3:22 4 IV.Allegro con spirito 6:30

L e F e s t i n d e l ’ a r a i g n é e , O p . 1 7 · The Spider’s Feast P a n t o m i m e b a l l e t i n o n e a c t t o a l i b r e t t o b y G i l b e r t d e V o i s i n s

5 Prélude 3:55 6 A garden. – Sitting in her web, a spider surveys the surroundings. 0:50 7 Entry of the ants. – They find a rose petal. – With great effort they lift the petal and carry it away. 1:28 8 Left alone, the spider daydreams and watches the landscape. – She checks the strength of her thread. – She mends her web with the thread she has drawn from her pocket. 1:41 9 Entry of the dung beetles. 0:50 bk The ants return. – They prepare to carry another petal, when a butterfly appears. 0:15 bl Dance of the butterfly. – The spider invites the butterfly to dance closer to her web. – The butterfly is caught in the web and struggles. – Death of the butterfly. 3:16 bm The spider rejoices. – She frees the butterfly from her web and takes it to her larder. 3:37 bn The spider dances. – Suddenly fruits come crashing down from a tree. The spider jumps backwards. 1:49

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bo Fruit worms enter and prepare to revel in the fallen fruits. 0:58 bp Warlike entry of two praying mantises who lift their frightening blades and forbid anyone to approach. – The two worms approach and, moving between the mantises, quickly penetrate the fruits. 0:45 bq The ants dance in a circle. – The two mantises blame each other for the trick which was played upon them. 0:34 br The mantises challenge each other to a duel. – They fight. – The spider dances in order to make the mantises more excited. – The mantises become caught in the web. – The spider dances. 1:41 bs A mayfly hatches. 1:41 bt He dances. 3:23 ck The mayfly stops, exhausted. – The ants, the spider and finally the dung beetles pay their respects. – The mayfly rejects their advances. – The ants leave. – The worms come out of the fruit. 2:08 cl The mayfly and the fruit worms dance. 1:39 cm The mayfly dies. 0:32 cn The spider prepares to begin her feast, but one of the mantises, freed by the dung beetles from the web, slips behind the spider and kills her. 0:39 co Death throes of the spider 1:19 cp Funeral of the mayfly. – The funeral cortege sets off and vanishes into the distance. 1:55 cq Night falls on the deserted garden. 1:19 [59:41] Christoph Eschenbach , conductor

Recorded by Radio Classique Assistant Balance Engineers: Cover Design and Booklet Layout: Recordings: Paris, Théâtre Mogador, Perrine Ganjean, Laure Cazenave Eduardo Nestor Gomez March 2005 (Live) (Symphony No. 3), (Symphony No. 3) Booklet Editor: Jean-Christophe Hausmann Conservatoire de Paris, July 2005 Editing: Mitsou Carré P 2008 Ondine Inc., Helsinki (Le Festin de l’araignée) Publisher: Éditions Durand Executive Producers: Liner Notes: Damien Top, Centre Ondine Inc. Reijo Kiilunen, Kevin Kleinmann International Albert-Roussel, Cassel (France) Fredrikinkatu 77 A 2 Recording Producer: Mitsou Carré Photos:Gerry Ellis-Getty Images (Cover FIN-00100 Helsinki Balance Engineers: Mitsou Carré Photo), Damien Top Collection Tel.: +358.9.434.2210 (Symphony No. 3), Jean-Christophe (Albert Roussel, Le Festin de l’araignée) Fax: +358.9.493.956 Messonnier (Le Festin de l’araignée) Eric Brissaud (Christoph Eschenbach) E-mail: [email protected] 3 BookletRoussel3 4/12/07 19:52 Page 4

Albert Roussel and his wife in Varengeville (1928) BookletRoussel3 4/12/07 19:52 Page 5

Albert Roussel (1869–1937)

In 1912, during the heyday of the Ballets Russes, the conductor Jacques Rouché profited from the findings of a study trip round Europe to examine the current state of continental theatre productions and to commission a ballet from Albert Roussel that was intended to build on the success of Ravel’s Ma Mère l’oye . Roussel was a former sailor who had studied first with Eugène Gigout, then under the benevolent but strict eye of Vincent d’Indy at the Schola Cantorum, quickly winning his spurs as a with a whole series of powerful yet sophisticated works, including a trio, sonata, songs, the Divertissement for wind quintet and piano and the symphonic prelude Résurrection. Based on memories of his own honeymoon in the Indies, the three pieces that make up Évocations were admired by the whole of the musical world when they were unveiled in May 1912. In the September of that year, Rouché suggested that the composer might consider setting a scenario by the Comte Gilbert de Voisins, a grandson of the famous dancer Marie Taglioni, based in turn on the Souvenirs entomologiques by Jean-Henri Fabre. Having just turned down a similar proposal, Roussel hesitated and accepted only on the insistence of his wife, whose prescience was as evident here as it was on so many other occasions.

Having worked on the scenario, Roussel proceeded to impose his own particular vision on it: “Apart from the spider, which is both a role for a mime and a role for a dancer, male or female, there are two main subjects, the mayfly and the butterfly, whose dances are fairly well developed. […] The praying mantises are taken by mime artists; the dung beetles and the ants require no special qualities.” Roussel added to this cast list some maggots in

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the form of the famous Foottit Clowns, whose mischievous bonhomie already looks forward to the unbridled atmosphere of Roussel’s operetta Le Testament de la tante Caroline. At the end of November, while staying at Bois- le-Roi, Roussel sketched “the garden theme […], which the flute states so timidly over the murmur of the violins”, completing the score on 2 February 1913. The legend that Roussel wrote L e F e s t i n d e l ’ a r a i g n é e (The Spider’s Feast) very quickly needs to be qualified: in order to meet the deadline for the performance, he reused his “Danse de l’oiseau sacré”, part of a ballet project on which he had worked with Ravel and Florent Schmitt, among others, but which had been aborted in 1909, by which date Roussel alone had completed his part of the commission. The instrumentation subtly exploits the instruments’different registers and characterizes each of the protagonists by an appropriate use of timbre. Le Festin de l’araignée recalls not only the Impressionism of Debussy’s Prélude à l’après-midi d’un faune of 1892 but also a sense of delicacy that is clearly in awe of Ravel’s aesthetic and that is here combined with the solidity of conception of d’Indy’s L’Après-midi sous les pins of 1905.

The first performance took place at the Théâtre des Arts on 3 April 1913, with non-traditional choreography by Léo Staats and designs by . The conductor was . This same year produced a plentiful harvest of new and exciting works that included The Rite of Spring and Jeux. Roussel later recalled that “I wrote this little ballet very quickly and certainly did not foresee the success that it would enjoy in the concert hall, as I regarded it as no more than a divertissement of no great significance.” Like Saint-Saëns, who refused to allow his Carnaval des animaux to be staged, Roussel was annoyed by the unfailing success of his “little score” as it overshadowed his other works. And yet the atrocity of this ballet-pantomime is typical of its composer: in spite of the extraordinary skill of the

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orchestration and the liveliness of the writing, it is a tragic work, a meditation on life that prefigures Padmâvatî in reflecting the climate of the age. In the silence and shadow of this prelapsarian Garden of Eden, the Butterfly, Spider and, above all, the Mayfly symbolize the carefree world of the pre-war period as it careered towards the abyss.

Roussel’s Second Symphony marked a stylistic transition brought about by the end of the First World War.The composer settled on the French coast near Dieppe in 1920, and from then on a Greek classicism and a fondness for the 18th century imbued his songs, as well as chamber works such as Joueurs de flûte and orchestral scores such as the Suite in F. Roussel adopted “a clearer style, the culmination of a more completely personal quest for the realization of pure music”. Olivier Messiaen thought that “All French music now seems to me to be polarized on the one hand by Albert Roussel – namely, the composer of the Suite in F and the symphonies – and, on the other, by early Stravinsky.” It was to mark the fiftieth anniversary of his Boston Symphony Orchestra that commissioned a series of works from Honegger (the Symphony in C), Stravinsky (the Symphony of Psalms), Hindemith (the Konzertmusik op. 50), Prokofiev (the Fourth Symphony) and Roussel. It was Roussel’s Third Symphony that was chosen to open the season of concerts.

The T h i r d S y m p h o n y op. 42 was conceived at Vasterival, the composer’s favourite refuge nestling between woodland and ocean. It makes no pretence at a programme. A simple five-note cell holds together the work’s four movements, reappearing in scarcely modified form in respect of its rhythm and intervallic relationships. The work reveals a youthful vigour, an abundance of new ideas and a mastery that is simply astonishing in a composer already in his sixties. “His music is dense, powerful and fleshy,” wrote René Dumesnil; “it is sometimes acidic, sometimes brimming with

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healthy jollity, such a Scherzo or Allegro putting one in mind of a fairground scene painted by an artist like Jacob Jordaens.”

Together with Henry Prunières, the founder and director of the Revue musicale, Roussel and his wife sailed to America on board the Paris and attended the Boston première of the Third Symphony on 24 October 1930, the composer’s discreet presence in Massachusetts causing something of a stir in the local press, with the chronicler Lening Humphrey even striking a dithyrambic note in informing his readers that although Boston did not know it, the town was currently sheltering one of the great figures from the world of modern music. Some would even say that he was the greatest of all. It was as if Richard Wagner, in full possession of his creative faculties, had stayed incognito in Boston.

The first performance proved immensely successful, and by the following day an article in the Irons signed “H.T.P.” had already reported on the occasion, noting that the orchestra had paid an exceptional tribute to the composer, all the players rising to their feet to acclaim him at the end of the performance. Koussevitzky called Roussel over from his seat in the balcony and accompanied him on to the stage in the most friendly manner, while the audience three times acclaimed him with its lively, sincere and warm applause. It was hardly surprising, the reviewer went on, to see Roussel showing such obvious emotion as he shook the hands of both Koussevitzky and the orchestra’s leader, Richard Burgin. He then turned again to the orchestra, applauding them, and bowed in gratitude to the impassioned audience. The Globe echoed the accolades, writing that rarely had the first performance of a new symphony received or merited such a wave of enthusiasm as the one produced by performers and audience on this occasion. Roussel’s correspondence likewise attests to the success of the occasion: “As far as I can judge from his hearing, it is the best thing I have

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written, and I think that this is the general impression.” Newspapers in Boston and New York devoted whole columns to the concert, each article adding to the praise lavished on the work, The Globe even going so far as to claim that if Mozart had been writing in 1930, he would probably not have produced anything very different from Roussel’s Gminor Symphony.

The Third Symphony received its Paris première the following year at the Concerts Lamoureux, when the conductor was . From the outset music lovers acknowledged that here was a masterpiece that won over even its most reticent listeners. “The new symphony gave us an astonishing impression of relaxation and freedom,” wrote Émile Vuillermoz in L’Excelsior . “Never before has Roussel expressed himself with such ease, flexibility and strength. Never has he adopted a language as clear-cut and frank, never has his orchestra produced such generous sounds of such great depth. There is no doubt that we were present at a new dawn, bringing with it a new sense of fulfilment.” Paul Landormy thought that in composing the symphony, Roussel had “scaled heights surpassed by no other contemporary work”, while the conductor Edvard Fendler, who was a disciple of Carl Schuricht, exclaimed in his enthusiasm: “I know nothing like it since Beethoven!”

Damien Top Centre International Albert-Roussel, Cassel (France)

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Orchestre de Paris

Founded in 1967, the Orchestre de Paris grew out of the renowned Société des concerts du Conservatoire, the oldest symphonic ensemble in France, which was established in 1828 by François Habeneck who was the first exponent of Beethoven’s symphonies in France.

Charles Munch was the first Music Director of the Orchestre de Paris (1967–1968). He was succeeded by (1969–1971), Sir Georg Solti (1972–1975), Daniel Barenboim (1975–1989) who founded the Orchestre de Paris Chorus, Semyon Bychkov (1989–1998) and Christoph von Dohnányi who acted as Artistic Advisor (1998–1999). A new era began with the appointment of Christoph Eschenbach as Music Director in September 2000.

The orchestra has performed under the direction of famous conductors such as Abbado, Ozawa, Bernstein, Boulez, Kubelik, Giulini, Celibidache, Böhm, Haitink, Mehta, Maazel, Salonen and Gergiev and has accompanied the greatest soloists. Its repertoire covers three centuries of music, in a variety of forms from symphonies to . Special attention has been given to living with commissions and premieres of works by Gilbert Amy, Luciano Berio, Pierre Boulez, Franco Donatoni, Pascal Dusapin, , Jean- Louis Florentz, György Ligeti, Witold Lutoslawski, Matthias Pintscher, Eric Tanguy, Iannis Xenakis and Marc-André Dalbavie, among others.

As an international ambassador of French music and culture, the Orchestre de Paris has undertaken numerous successful tours throughout the world and performed at prestigious festivals such as Salzburg, Aix-en-Provence and the BBC Proms. The Orchestre de Paris has a discography that reflects its

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commitment both to the traditional symphonic repertoire and to contemporary music. Many of its recordings have received major awards.

For further information: www.orchestredeparis.com

Christoph Eschenbach

Christoph Eschenbach became Music Director of the Orchestre de Paris in 2000. Held in high esteem by the world’s foremost orchestras and opera houses for his commanding presence, versatility and consummate musicianship, he has been acclaimed for his creative insight and dynamic energy, as a conductor, collaborator and ardent champion of young musicians. He has also been Music Director of The Philadelphia Orchestra since 2003.

A prolific recording artist, Christoph Eschenbach has made numerous recordings on various labels as conductor, pianist, or both. His discography includes works of Bach, Berg, Berlioz, Brahms, Bruckner, Mahler, Mendelssohn, Messiaen, Mozart, Ravel, Schoenberg, Schumann, Strauss, and Tchaikovsky. A champion of contemporary music, Mr. Eschenbach has also recorded works by such composers as Adams, Berio, Glass, Lourié, Picker, Pintscher, Rouse, and Schnittke.

Before turning to conducting, Christoph Eschenbach had earned a

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distinguished reputation as a concert pianist. He began winning major competitions at the age of 11, and by 1965 was established as the foremost pianist to emerge from post-war Germany, making his United States concert debut in 1969 with the Cleveland Orchestra. He learned the art of conducting under, among others, George Szell, who personally took him as his protégé, and with whom he worked for over three years. In addition, Herbert von Karajan was his mentor for nearly 25 years, and he credits him as having had a tremendous influence on his development as a conductor.

Christoph Eschenbach made his conducting debut in Hamburg in 1972. In 1981 he was named Principal Guest Conductor of Zurich’s Tonhalle Orchestra, and was Chief Conductor from 1982 to 1986. Additional posts include Music Director of the Houston Symphony (1988–1999); Chief Conductor of the Hamburg NDR Symphony (1998–2004); Music Director of the Schleswig- Holstein Music Festival (1999–2002); and Music Director of the Ravinia Festival, summer home of the Chicago Symphony (1994–2003).

Among Christoph Eschenbach’s most recent awards are the Légion d’honneur of France and the Great Cross with Star and Ribbon of the German Order of Merit. In 1993 he received the Award, presented to him by the Pacific Music Festival, where he served as Co-Artistic Director from 1992 to 1998.

For further information: www.christoph-eschenbach.com

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Performance of Le Festin de l’araignée in 1924 BookletRoussel3 4/12/07 19:52 Page 14

Albert Roussel (1869–1937)

En plein apogée des Ballets Russes, Jacques Rouché, mettant à profit les enseignements d’un voyage de documentation à travers l’Europe sur la mise en scène théâtrale, décida – après le succès de Ma mère l’oye de Ravel – de commander un ballet à Albert Roussel. Ancien marin formé auprès d’Eugène Gigout puis à la Schola Cantorum sous la férule bienveillante de Vincent d’Indy, il avait rapidement conquis ses galons de compositeur avec des œuvres fortes et raffinées: Trio, Sonate , mélodies, Divertissement , prélude symphonique Résurrection. La traduction des souvenirs de sa lune de miel aux Indes dans le triptyque Évocations en mai 1912 suscita l’admiration du monde musical. Rouché lui suggéra dès septembre un argument du comte Gilbert de Voisins, petit-fils de la célèbre danseuse Taglioni, d’après les Souvenirs entomologiques de Jean-Henri Fabre. Ayant tout juste refusé une proposition identique, Roussel hésitait. Il n’accepta que sur l’insistance de son épouse, dont on mesure là encore la clairvoyance.

Après avoir travaillé au scénario, le compositeur imposa sa vision : « En dehors de l’araignée, qui est à la fois un rôle de mime et un rôle de danseur (ou de danseuse), il y a deux sujets principaux, l’éphémère et le papillon dont les danses sont assez développées. Les vers de fruit s’accommoderaient parfaitement de clowns dans le genre des fils Footitt. Les mantes sont des rôles de mimes; les bousiers et les fourmis ne demandent pas des qualités bien spéciales .»Distribution à laquelle il intégra des vers de fruit, les célèbres clowns Foottit, dont la malicieuse bonhomie anticipe sur l’atmosphère débridée de son opérette LeTestament de la tante Caroline. A Bois-le-Roi, fin novembre, il esquissa « le thème du jardin […] que la flûte dit

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si timidement par-dessus le murmure des violons » et acheva sa partition le 2 février suivant. Il faut relativiser la légende de la rapidité d’écriture du F e s t i n d e l ’ a r a i g n é e : pour respecter les délais, Roussel réemploya sa Danse de l’oiseau sacré , projet de ballet collectif cosigné avec entre autres Ravel et Schmitt, avorté en 1909, et dont il avait été le seul à composer sa partie. L’instrumentation exploite subtilement tous les registres et caractérise chacun des protagonistes par l’utilisation idoine des timbres. Autant qu’à l’impressionnisme du Prélude à l’après-midi d’un faune (1892), le Festin relève du tact émerveillé de l’esthétique ravélienne, mâtiné de la solidité de conception de L’Après-midi sous les pins (1905) de d’Indy.

La première eut lieu au Théâtre des Arts le 3 avril 1913 dans une chorégraphie anti-conformiste de Léo Staats, des décors de Maxime Dethomas et sous la direction de Gabriel Grovlez. Année fructueuse qui vit naître également le Sacre du printemps et Jeux. « J’ai écrit très rapidement ce petit ballet, je ne prévoyais certes pas la fortune qu’il devait avoir plus tard au concert et je ne considérais cela que comme un divertissement sans grande portée. » A l’instar de Saint-Saëns refusant de faire représenter sa fantaisie “ Le Carnaval des animaux”, le succès jamais démenti de sa « petite partition » agaçait Roussel car il occultait ses autres oeuvres. Et pourtant les minuscules atrocités de ce ballet-pantomime sont typiques de son auteur : malgré l’extraordinaire habileté de l’orchestration et la vivacité de l’écriture, c’est une oeuvre tragique, une méditation sur la vie humaine reflétant, avant Padmâvatî , le climat de l’époque. Dans le silence et l’ombre du jardin paradisiaque, Papillon, Araignée, Ephémère surtout, symbolisent l’insouciance des années folles qui s’acheminent vers l’anéantissement.

La Deuxième Symphonie constitua une transition stylistique à l’issue de la Première guerre. Avec l’installation sur la côte dieppoise en 1920, atticisme

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classique et dilection pour le XVIIIe siècle imprégnaient désormais mélodies, musique de chambre ( Joueurs de flûte ) et oeuvres orchestrales ( Suite en fa ). Roussel adopta « un style plus clair, aboutissement d’une recherche plus complètement personnelle poussée vers la réalisation d’une musique pure. » Olivier Messiaen estimait : « Toute la musique française me semble aujourd’hui polarisée par Albert Roussel, celui de la Suite en fa et des symphonies, et par le premier Stravinsky .»

Pour célébrer le cinquantième anniversaire de son orchestre de Boston, Serge Koussevitzky commanda des œuvres à Honegger ( Symphonie en ut), Stravinsky ( Symphonie de Psaumes ), Hindemith ( Konzertmusik op. 50 ), Prokofiev ( Symphonie n°4), etc. ainsi qu’à Roussel qu’il décida de programmer pour le premier concert de sa saison.

Conçue entre sylve et océan dans le cher domaine de Vasterival, devenu son séjour favori, la T r o i s i è m e S y m p h o n i e op. 42 n’affiche pas de programme. Une simple cellule de cinq notes relie les quatre mouvements, réapparaissant à peine modifiée dans son rythme ou ses intervalles. La symphonie atteste d’une vigueur juvénile, d’un renouvellement de la pensée et d’une maîtrise stupéfiante chez le compositeur sexagénaire. « Sa musique est drue, puissante et charnue, parfois acide, souvent débordante de saine gaieté, tel scherzo, tel allegro font songer à une scène de kermesse traitée par un Jordaens » constata René Dumesnil.

En compagnie d’Henry Prunières, directeur de la Revue Musicale, les Roussel s’embarquèrent sur le Paris afin d’assister à Boston à la création de la troisième symphonie le 24 octobre 1930. Sa présence discrète dans le Massachusetts mit la presse en émoi. Le chroniqueur Lening Humphrey se montra même dithyrambique : « Boston, sans que sa population le sache, abrite l’une des plus grandes figures du monde de la musique moderne -

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certains diraient presque : la plus grande. C’est presque comme si Richard Wagner, en pleine possession de ses facultés créatrices, avait fait un séjour incognito à Boston.»

La création de l’oeuvre obtint un triomphe prodigieux. Dès le lendemain, un article de l’Irons signé H.T.P. relatait la première : «[l’orchestre] rendit [au compositeur] un exceptionnel hommage, lorsque, comme un seul homme, à la fin de l’audition, il se leva sur place pour le saluer. Pendant ce temps, M. Koussevitzky l’avait appelé de son siège au balcon et l’avait escorté très amicalement sur la scène. Là, une fois, deux fois, trois fois, le public l’acclame de ses applaudissements vifs, sincères et chaleureux. Pas étonnant de voir M. Roussel trahir une émotion aussi véritable. Il serre maintenant la main de M. Koussevitzky; il se tourne à nouveau vers l’orchestre en l’applaudissant, ou bien il s’incline avec reconnaissance vers le public passionné.»The Globe fit écho à ce succès : «rarement la création d’une nouvelle symphonie obtient ou mérite un déferlement d’enthousiasme tel que celui qui émana des interprètes et du public. » La correspondance de Roussel attestait pareillement de sa réussite : « Autant que je puisse en juger après cette audition, c’est ce que j’ai fait de mieux et je crois bien que c’est l’impression générale.»Boston et New York consacrèrent des colonnes entières à l’événement. Chaque article ajoutait aux louanges : « Mozart, écrivant en 1930, n’aurait probablement pas produit quelque chose de nature très différente... de cette symphonie en sol mineur de Roussel.»(The Globe)

Lors de la création française, l’année suivante, aux Concerts Lamoureux, sous la direction d’Albert Wolff, les mélomanes reconnurent d’emblée une pièce maîtresse qui conquit même les plus réticents. Emile Vuillermoz écrivit dans l’Excelsior : « la nouvelle symphonie nous a donné une impression étonnante de détente et de liberté. Jamais Roussel ne s’était exprimé avec autant d’aisance, de souplesse et de force. Jamais il n’avait adopté langage

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aussi fort et aussi franc, jamais son orchestre n’avait sonné avec cette générosité et cette profondeur. Nous avions assisté vraiment à une éclosion et à un épanouissement. » Paul Landormy la considérait comme « un sommet qu’aucune oeuvre contemporaine n’a dépassé .»Quant au chef Edvard Fendler, disciple de Carl Schuricht, il s’écria dans l’enthousiasme : « Je ne connais rien de tel depuis Beethoven!»

Damien Top Centre International Albert-Roussel, Cassel (France)

Orchestre de Paris

Créé en 1967, l’Orchestre de Paris est issu de la Société des concerts du Conservatoire, première formation symphonique française, fondée en 1828 par François Habeneck, le premier interprète des symphonies de Beethoven en France.

Le premier directeur musical de l’Orchestre de Paris fut Charles Munch (1967–1968). Lui succédèrent Herbert von Karajan (1969–1971), Sir Georg Solti (1972–1975), Daniel Barenboim (1975–1989), également à l’origine du Chœur de l’Orchestre de Paris, Semyon Bychkov (1989–1998) et Christoph von Dohnányi, comme conseiller artistique (1998–1999). Une nouvelle ère a commencé en septembre 2000 avec l’engagement de Christoph Eschenbach à la direction musicale.

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L’Orchestre a joué et joue sous la direction des chefs les plus célèbres, comme Abbado, Ozawa, Bernstein, Boulez, Kubelik, Giulini, Celibidache, Böhm, Haitink, Mehta, Maazel, Salonen, Gergiev et il accompagne les plus grands solistes. Son répertoire couvre trois siècles de musique et va du symphonique à l’opéra. Une attention particulière est portée aux compositeurs contemporains avec des commandes et des créations d’œuvres de Gilbert Amy, Luciano Berio, Pierre Boulez, Franco Donatoni, Pascal Dusapin, Henri Dutilleux, Jean-Louis Florentz, György Ligeti, Witold Lutoslawski, Matthias Pintscher, Eric Tanguy, Iannis Xenakis et Marc-André Dalbavie, entre autres.

Ambassadeur de la culture française à l’étranger, l’Orchestre de Paris effectue régulièrement des tournées dans le monde entier et est invité par les festivals les plus prestigieux comme Salzbourg, Aix-en-Provence, les BBC Proms… Enfin, l’activité discographique de l’Orchestre, dont de nombreux enregistrements ont été salués par la presse, témoigne de sa vitalité à faire vivre le patrimoine symphonique et à favoriser la création contemporaine.

Pour plus d’informations : www.orchestredeparis.com

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Christoph Eschenbach

Christoph Eschenbach est directeur musical de l’Orchestre de Paris depuis 2000. Il est tenu en haute estime par les plus grands orchestres et opéras du monde pour son autorité, sa polyvalence et sa perfection musicale. L’intuition créatrice et l’énergie galvanisatrice qui le caractérisent ont fait sa réputation comme chef d’orchestre, partenaire artistique, et ardent défenseur de jeunes talents. Depuis l’an 2003 Christoph Eschenbach est également le directeur musical du Philadelphia Orchestra.

Christoph Eschenbach a à son actif de nombreux enregistrements, sous divers labels, comme pianiste ou chef d’orchestre, si ce n’est les deux à la fois. Son répertoire de disques inclut des œuvres de Bach, Berg, Berlioz, Brahms, Bruckner, Mahler, Mendelssohn, Messiaen, Mozart, Ravel, Schönberg, Schumann, Strauss et Tchaïkovski. Défenseur de la musique contemporaine, il a également enregistré des œuvres de compositeurs tels qu’Adams, Berio, Glass, Lourié, Picker, Pintscher, Rouse et Schnittke.

Avant de se consacrer à la direction d’orchestre, Christoph Eschenbach s’était déjà acquis une réputation internationale de pianiste concertiste. Il commença sa carrière à l’âge de onze ans, gagnant d’importants concours. S’affirmant, dès 1965, comme le plus grand parmi les jeunes pianistes de l’Allemagne d’après-guerre, il fit ses débuts aux États-Unis en 1969 avec l’Orchestre de Cleveland. Il apprit l’art de tenir la baguette avec, entre autres, George Szell qui le considéra comme son protégé et avec qui il travailla pendant plus de trois ans. Fut également son mentor, pendant près de 25 ans, Herbert von Karajan à qui il attribue une influence décisive sur sa carrière de chef d’orchestre.

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En 1972 Christoph Eschenbach fit ses débuts de chef d’orchestre à Hambourg. En 1981 il fut nommé premier chef invité de l’orchestre de la Tonhalle de Zurich dont il fut entre 1982 et 1986 le principal chef d’orchestre. Puis il occupa successivement les postes de directeur musical de l’Orchestre symphonique de Houston (1988–1999), de chef principal de l’Orchestre symphonique du NDR à Hambourg (1998–2004), de directeur artistique du Festival de musique du Schleswig-Holstein (1999–2002) et de directeur musical du Ravinia Festival, la résidence d’été de l’Orchestre symphonique de Chicago (1994–2003).

Parmi ses distinctions les plus récentes il faut citer la Légion d’honneur et en Allemagne la grand-croix fédérale de l’Ordre du mérite. En 1993 il reçut le Prix Leonard Bernstein du Pacific Music Festival où il exerça les fonctions de co- directeur artistique de 1992 à 1998.

Pour plus d’informations : www.christoph-eschenbach.com

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Albert Roussel (1869–1937)

Auf dem Höhepunkt der Ballets Russes und nach dem großen Erfolg von Maurice Ravels Ma mère l’oye , beschloss Jacques Rouché, der gerade eine Informationsreise quer durch Europa in Sachen Bühneninszenierung hinter sich hatte, nunmehr bei Albert Roussel ein Ballett zu bestellen. Der ehemalige Marineoffizier Roussel hatte es – nach dem Studium bei Eugène Gigout und dann in der Schola Cantorum unter der wohlwollenden Führung von Vincent d’Indy – schnell zu kompositorischen Ehren gebracht mit hoch kultivierten, eindrucksvollen Werken, als da waren: Trio, Sonate , Lieder, Divertissement und das Symphonische Vorspiel Résurrection. Im Mai 1912 hatte die Verarbeitung seiner asiatischen Hochzeitsreise in dem Triptychon Évocations die Bewunderung der musikalischen Welt ausgelöst. Noch im September des gleichen Jahres legte ihm Rouché aus der Feder des Grafen Gilbert de Voisins, Enkel der berühmten Tänzerin Taglioni, einen Handlungsentwurf vor, der von Jean-Henri Fabres Bildern aus der Insektenwelt inspiriert war. Roussel, der gerade erst einen ähnlichen Vorschlag abgelehnt hatte, war zögerlich. Erst auf Drängen seiner Gattin, die damit einmal mehr den ihr eigenen Weitblick bewies, nahm er an.

Nach Überarbeitung des Szenarios erläutert der Komponist seine Vorstellung von den Rollen: „Außer der Spinne, die gleichzeitig eine mimische und eine tänzerische Rolle ausfüllt, gibt es zwei Hauptfiguren mit recht anspruchsvollen Tanzaufgaben, die Eintagsfliege und den Schmetterling… die Gottesanbeterinnen sind rein mimische Rollen; die Schmeißfliegen und die Ameisen erfordern keine besonderen Fähigkeiten.“ Diese Besetzung erweiterte er um Obstmaden, die berühmten Clowns Foottit, deren sympathische Eulenspiegelei wie eine Vorwegnahme der lockeren

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Atmosphäre in der Operette LeTestament de la tante Caroline wirkt . Ende November skizzierte er in Bois-le-Roi „das Gartenthema […], das sich durch die Flöte so zaghaft über das Gemurmel der Violinen erhebt“ und vollendete die Partitur am 2. Februar 1913. Die Legende von der angeblich raschen Niederschrift von L e F e s t i n d e l ’ a r a i g n é e (Das Festmahl der Spinne) ist zu relativieren; denn die Einhaltung des Termins war nur möglich durch Wiederverwendung seiner Danse de l’oiseau sacré, einem 1909 gescheiterten kollektiven Ballettprojekt, an dem unter anderen auch Ravel und Schmitt mitarbeiten sollten, für das aber nur Roussel seinen Teil auch wirklich komponiert hatte. Die Instrumentierung nutzt in subtilster Weise alle Register und charakterisiert jede Figur durch die passende Klangfarbe. Das Festmahl ist dem Impressionismus von Debussys Prélude à l’après-midi d’un faune (1892) ebenso verpflichtet wie dem verzückten Zartgefühl der Ästhetik Ravels, daneben aber auch der soliden Konzeption von d’Indys L’Après-midi sous les pins (1905).

Die Uraufführung fand am 3. April 1913 im Théâtre des Arts statt, in einer nonkonformistischen Choreographie von Léo Staats, mit dem Bühnenbild von Maxime Dethomas und unter der musikalischen Leitung von Gabriel Grovlez. Welch ein Ballettjahr, in dem gleichzeitig Strawinskys Sacre du Printemps und Debussys Jeux entstanden! „Ich habe das Ballettchen rasch runtergeschrieben, ohne im mindesten seinen späteren Konzerterfolg vorherzusehen; für mich war es damals nur ein Zeitvertreib ohne größere Bedeutung.“ Genauso wie Saint-Saëns sich weigerte, das Phantasiestück Karneval der Tiere wieder aufführen zu lassen, hat sich Roussel über den nie nachlassenden Erfolg seines „Partitürchens“ geärgert, weil es seine anderen Werke verdeckte. Und doch sind die winzigen Grässlichkeiten dieses pantomimischen Balletts typisch für seinen Autor: trotz der außerordentlich geschickten Orchestrierung und der Rasanz des Stils handelt es sich um ein

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tragisches Werk, um eine Meditation über das Menschenleben, in der schon vor Padmâvatî die Zeitstimmung zum Ausdruck kommt. In Stille und Schatten des Paradiesgartens verkörpern Schmetterling, Spinne und vor allem Eintagsfliege die Sorglosigkeit der tollen Jahre kurz vor dem Abgrund.

Die Zweite Symphonie markierte ausgangs des Ersten Weltkriegs einen stilistischen Übergang. Seitdem Roussel sich 1920 an der Küste von Dieppe niedergelassen hatte, bestimmten klassischer Attizismus und Vorliebe für das 18. Jh. Lieder, Kammermusik ( Joueurs de flûte ) und Orchesterwerke ( Suite en fa ). Sein Stil wurde jetzt „klarer, als Resultat einer sehr viel persönlicheren Suche nach einer absolut reinen Musik.“ Olivier Messiaen meinte: “Die gesamte französische Musik scheint mir zur Zeit fokussiert auf Albert Roussel, den der Suite en fa und der Symphonien, und auf den frühen Strawinsky.“ Zur Feier des 50. Geburtstags des Bostoner Symphonieorchesters gab Serge Koussevitzky bei mehreren Komponisten Werke in Auftrag: Honegger (Erste Symphonie), Strawinsky ( Psalmensymphonie), Hindemith ( Konzertmusik Op. 50 ), Prokofiew (Vierte Symphonie), etc. und bei Roussel, der für das Saisoneröffnungskonzert vorgesehen war.

Die in dem ihm zum Lieblingsaufenthalt gewordenen Besitz Vasterival zwischen Wald und Ozean entstandene D r i t t e S y m p h o n i e Op. 42 kommt ohne Programm aus. Eine Keimzelle von fünf Noten bindet die vier Sätze untereinander durch ihre jeweilige nach Rhythmus und Intervallen kaum veränderte Präsenz. Der 60jährige Komponist beweist jugendliche Kraft, Erneuerung des musikalischen Denkens und eine verblüffende Meisterschaft. „Seine Musik ist kompakt, potent und fleischig, manchmal scharf, oft voller gesunden Übermuts, dieses oder jenes Scherzo oder Allegro erinnern an eine von Jordaens gemalte Kirmesszene“ urteilte René Dumesnil.

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In Begleitung von Henry Prunières, dem Herausgeber der Revue Musicale, ging das Ehepaar Roussel an Bord der Paris, um am 24. Oktober 1930 in Boston der Uraufführung der Dritten Symphonie beizuwohnen. Ob seines allzu diskreten Auftretens im Staate Massachusetts bekam die Presse Zustände. Der Kritiker Lening Humphrey wurde gar überschwänglich: “In Boston weilt zur Zeit, ohne dass die Bevölkerung es weiß, einer der größten Vertreter der modernen Musik in der Welt – manche würden sagen: der größte. Es ist fast, als ob Richard Wagner im Vollbesitz seiner schöpferischen Fähigkeiten inkognito in Boston gewesen wäre.“

Die Uraufführung wurde zum Triumph. Schon am nächsten Tag berichtete ein mit H.T.P. unterzeichneter Artikel des Irons : „Das Orchester erwies dem Komponisten die außergewöhnliche Ehre, sich nach der Aufführung als Hommage wie ein Mann von den Plätzen zu erheben. Unterdessen hat ihn Koussevitzky von seinem Balkonplatz hergeholt und freundschaftlich auf die Bühne geleitet. Dort beklatscht ihn das Publikum einmal, zweimal, dreimal auf das Lebhafteste, Aufrichtigste und Herzlichste. Wen wird wundern, dass Monsieur Roussel zutiefst gerührt ist. Jetzt drückt er die Hand von Koussevitzky; er wendet sich wieder zum Orchester und applaudiert, oder er verbeugt sich dankbar vor dem begeisterten Publikum.“ Der Boston Globe sieht es nicht anders: „Selten erwirkt oder verdient die Uraufführung einer neuen Symphonie eine derartige Welle der Begeisterung, wie sie hier von den Interpreten und vom Publikum ausging.“ In Boston und New York wurden dem Ereignis ganze Spalten gewidmet. Die Artikel übertrafen sich gegenseitig: „Hätte Mozart 1930 komponiert, so wäre vermutlich nichts wesentlich anderes herausgekommen… als diese g-Moll-Symphonie von Roussel.“ ( The Boston Globe )

Als die Symphonie im Jahre darauf bei den Concerts Lamoureux unter der Leitung von Albert Wolff ihre französische Erstaufführung erlebte, da

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erkannten die Melomanen sofort ein Meisterstück, das selbst die Reserviertesten in seinen Bann schlug. Émile Vuillermoz schrieb im Excelsior : „Die neue Symphonie macht staunen ob ihrer Entspanntheit und Ungezwungenheit. Nie hat sich Roussel vergleichbar souverän, geschmeidig und kraftvoll gezeigt. Nie hat er eine so klare und offene Sprache gesprochen, nie hat sein Orchester zugleich so gedankenreich und so tiefgründig geklungen. Wir haben wirklich ein Aufblühen und eine Erfüllung erlebt.“ Paul Landormy hielt sie für „einen Gipfelpunkt, den kein zeitgenössisches Werk überflügelt hat.“ Und der Dirigent Edvard Fendler, Schüler von Carl Schuricht, rief in seiner Begeisterung aus: „Ich kenne nichts dergleichen seit Beethoven!“

Damien Top Centre International Albert-Roussel, Cassel (France) Übersetzung: Régine Hausmann-Manet

Orchestre de Paris

Das 1967 gegründete Orchestre de Paris ging aus der berühmten Société des concerts du Conservatoire hervor, dem ersten symphonischen Ensemble in Frankreich, welches 1828 von François Habeneck, dem ersten Interpreten von Beethovens Symphonien in Frankreich, ins Leben gerufen worden war.

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Der erste Musikdirektor des Orchestre de Paris war Charles Munch (1967– 1968). Ihm folgten Herbert von Karajan (1969–1971), Sir Georg Solti (1972– 1975), Daniel Barenboim (1975–1989), der den Chor des Orchestre de Paris gründete, Semyon Bychkov (1989–1998) sowie Christoph von Dohnányi als künstlerischer Berater (1998–1999). Eine neue Ära begann im September 2000 mit der Ernennung von Christoph Eschenbach zum Musikdirektor.

Seit seiner Gründung hat das Orchester unter der Leitung der angesehensten Dirigenten gespielt, darunter Abbado, Ozawa, Bernstein, Boulez, Kubelik, Giulini, Celibidache, Böhm, Haitink, Mehta, Maazel, Salonen und Gergiev, und es hat die größten Solisten begleitet. Sein musikalisches Repertoire erstreckt sich über drei Jahrhunderte und schließt zahlreiche Gattungen von Symphonik bis Oper ein. Ein besonderes Augenmerk gilt der zeitgenössischen Musik, wovon vielfache Kompositionsaufträge und Erstaufführungen zeugen (Werke von Gilbert Amy, Luciano Berio, Pierre Boulez, Franco Donatoni, Pascal Dupin, Henri Dutilleux, Jean-Louis Florentz, György Ligeti, Witold Lutoslawski, Matthias Pintscher, Eric Tanguy, Iannis Xenakis und Marc-André Dalbavie, u.a.).

In zahlreichen Tourneen rund um die Welt hat das Orchestre de Paris seine herausragende Rolle als Botschafter französischer Musik und Kultur unter Beweis gestellt. Regelmäßig tritt es bei so angesehenen Festivals auf wie in Salzburg, Aix-en-Provence, BBC Proms u.a. Die Diskographie des Orchesters, die zahlreiche mit Auszeichnungen dotierte Aufnahmen enthält, spiegelt sein vitales Engagement sowohl im Bereich des etablierten symphonischen Repertoires wie auch für Werke lebender Komponisten wieder.

Für weitere Informationen: www.orchestredeparis.com

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Christoph Eschenbach

Christoph Eschenbach ist seit 2000 Directeur musical des Orchestre de Paris. Bei den weltbesten Orchestern und Opernhäusern ist er wegen seiner Präsenz, Vielseitigkeit und musikalischen Ambition hoch angesehen. Einfallsreichtum und Dynamik haben ihm als Dirigenten, künstlerischen Partner und leidenschaftlichen Förderer junger Musikbegabungen weltweite Anerkennung eingebracht. Seit 2003 ist Christoph Eschenbach auch Music Director des Philadelphia Orchestra.

Christoph Eschenbach kann auf zahlreiche Einspielungen bei verschiedenen namhaften Labels verweisen, als Pianist wie als Dirigent, wenn nicht gar beides zugleich. Seine Aufnahmen umfassen unter anderem Werke von Bach, Berg, Berlioz, Brahms, Bruckner, Mahler, Mendelssohn, Messiaen, Mozart, Ravel, Schönberg, Schumann, Strauss und Tschaikowski. Als engagierter Förderer zeitgenössischer Musik hat er auch Kompositionen wie die von Adams, Berio, Glass, Lourié, Picker, Pintscher, Rouse und Schnittke eingespielt.

Bevor er sich dem Dirigieren zuwandte, hatte Christoph Eschenbach bereits einen internationalen Ruf als Konzertpianist. Seine Karriere begann er im Alter von elf Jahren als Sieger von großen Wettbewerben. 1965 war er im Nachkriegsdeutschland als führender junger Pianist anerkannt. 1969 gab er mit dem Cleveland Orchestra sein Debüt in den Vereinigten Staaten. Das Dirigieren erlernte er unter anderem bei George Szell, der ihn als persönlichen Protégé unter seine Obhut nahm und mit dem er mehr als drei Jahre lang arbeitete. 25 Jahre lang war auch Herbert von Karajan sein Mentor. Ihm schreibt er den größten Einfluss auf seinen Werdegang als Dirigent zu.

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Seinen ersten Auftritt als Dirigent hatte Christoph Eschenbach 1972 in Hamburg. 1981 wurde er zum Ersten Gastdirigenten des Tonhalle-Orchesters Zürich ernannt; zwischen 1982 und 1986 war er dessen Chefdirigent. Weitere Positionen folgten: Music Director des Houston Symphony Orchestra (1988– 1999), Chefdirigent des NDR Sinfonieorchesters Hamburg (1998–2004), Intendant und Künstlerischer Leiter des Schleswig-Holstein Musik Festivals (1999–2002) und Music Director des Ravinia Festival, der Sommerresidenz des Chicago Symphony Orchestra (1994–2003).

Zu seinen jüngsten Auszeichnungen zählen das Große Verdienstkreuz mit Stern und Schulterband des Verdienstordens der Bundesrepublik Deutschland und die Aufnahme in die französische Ehrenlegion. 1993 wurde er mit dem Leonard Bernstein-Preis des Pacific Music Festival ausgezeichnet, wo er zwischen 1992 und 1998 als Intendant fungierte.

Für weitere Informationen: www.christoph-eschenbach.com

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“This is one disc that all lovers of French music, and great symphonies, simply must have.” David Hurwitz, ClassicsToday.com

ODE 1065-2

“What makes this (...) recommendable is the superb playing and Ondine's first-rate sound.” Guy Rickards, Gramophone

ODE 1092-2 31 BookletRoussel3 4/12/07 19:52 Page 32

ODE 1107-2