Jocelyn Hidalgo 97356

La mujer en el cine

La evolución de la mujer en la industria hollywoodense

Comunicación Audiovisual

Investigación

Historia y Tendencias 15 de diciembre del 2020

Índice Índice de Tablas – Índice de Figuras 3 Introducción 4 Capítulo 1. Inicio del cine 9 1.1. Primeros pasos del cine 11 1.2. Hollywood 12 1.3. Las vanguardias en el cine 15 1.3.1. Vanguardias post Primera Guerra Mundial 16 1.3.2. Vanguardias post Segunda Guerra Mundial 21

Capítulo 2. La Industria Cinematográfica 24 2.1. Sistema de estudios 25 2.2. Cabezas de equipo 28 2.3. Los géneros cinematográficos 31 2.4. El espectador 38 Capítulo 3. La mujer en el cine 41 3.1. Problemática de genero 43 3.2. Reconocimiento 46 3.3. Puesto Secundario 49 3.4. La desigualdad 52

Capítulo 4: Mujeres empoderadas 58 4.1. Pioneras 60 4.2. El club de las mujeres 63 4.3. Persistencia en su labor 67 4.4. Directoras 70

Capítulo 5: La mujer en la actualidad 80 5.1. La ACLU y La DGA 82 5.2. Cifras concretas con casos reales 87 5.3. Contrariedades en el sistema de estudios 90 5.4. Hollywood en la actualidad 93

Conclusiones 98 Imágenes Seleccionadas 103 Lista de Referencias Bibliográficas 106 Bibliografía 108

Índice de Figuras

Figura 1: La porción de directoras de cine en Hollywood de 2007 a 2019. 103

Figura 2: La mujer es una especie en peligro en Hollywood. 103

Figura 3: Evolución de la proporción de mujeres entre los guionistas Hollywood 104

Figura 4: Proporción de mujeres entre los profesionales de detrás de cámara 104

Figura 5: Proporción de mujeres entre los directores de Hollywood. 105

Introducción El presente Proyecto de Graduación (PG) titulado, La mujer en el cine. La evolución de la mujer en la industria hollywoodense, consiste en indagar como fue cambiando el rol de la mujer en la industria cinematográfica estadounidense. Esta investigación plantea evidenciar la relación entre la producción cinematográfica y el aporte profesional de la mujer en la misma, desde sus etapas iniciales hasta la actualidad, con el fin de conocer la importancia que se le da a la mujer dentro de la producción Hollywoodense. Se profundizará en cómo ha ido avanzando la mujer dentro de la producción, indagando en sus diferentes tipos de rubros, desde roles de ámbito técnico hasta roles de mayor jerarquía. Este proyecto de graduación entra en la Categoría de Investigación y en la Línea temática de Historia y Tendencias ya que se hará una exploración a profundidad de la historia del cine y del rol de la mujer dentro de la producción hollywoodense.

En la industria del cine, el hombre siempre ha tomado un papel protagónico. Esto se ha visto reflejado en las diferentes áreas involucradas en la producción de un film, mientras que la mujer ha sido subestimada. El cine ha sido un reflejo de lo que se vive en la sociedad de cada

época, a través de este se evidencia el problema de género que rige en la sociedad. La violencia de género y la desigualdad siguen siendo parte de los problemas contemporáneos y urgentes que enfrenta la sociedad actual.

Para ello se planteó la siguiente pregunta problema: ¿Cómo fue cambiando en la industria cinematográfica el rol de la mujer dentro de los puestos de decisión en una producción cinematográfica? A partir de la problemática introducida anteriormente, el objetivo general es investigar por épocas, como la mujer se ha ido desarrollando dentro de la producción hollywoodense, a pesar de los obstáculos de la desigualdad de género. Se va a indagar sobre los cambios y transformaciones que ha tenido el rol y la función de la mujer dentro de la producción cinematográfica.

En base a esto se plantearon diversos objetivos específicos que darán lugar a la resolución del problema. En principio se dará a conocer desde sus inicios hasta la actualidad, el rol de la mujer dentro del cine. Por otra parte, se investigarán los diferentes rubros profesionales que ocuparon mujeres dentro de la industria cinematográfica. Luego se conocerán las diferencias de género y discriminación que existen dentro de una productora cinematográfica. Se homenajeará a las pioneras del cine, se investigará la historia de los films realizados por ellas profundizando en sus roles. Denotando que pese al trato que recibían en esa época, lograron alcanzar puestos de decisión dentro de la industria.

Para desarrollar el presente proyecto se realizó una búsqueda de antecedentes acorde a la temática a tratar. Galván (2018) Las directoras como factor de innovación en el cine. Propone evidenciar la influencia del género del director en la construcción en las películas de superhéroes, tomando como caso de estudio Wonder Woman (2017) de Patty Jenkins. Se relaciona con el proyecto actual ya que trata sobre la industria hollywoodense y el cambio que generó una directora dentro de las películas de superhéroes. Además, retrata la importancia de este hecho ya que el número de directoras ha sido mucho menor que el de directores.

Por otra parte, Muñoz (2017) Chicas superpoderosas: la superheroína hollywoodense del siglo

XXI. Analiza y describe la representación de la mujer en adaptaciones de comics de superhéroes al cine y la televisión, en referencia a la industria estadounidense en los últimos dos años. Se eligió este proyecto de grado ya que analiza y compara como son representadas las mujeres y las diferencias que tienen con sus pares masculinos. Tiene en cuenta las representaciones de las mujeres en las producciones audiovisuales, las relaciones que mantienen en su entorno y el momento histórico social en el que surgieron.

Siguiendo con la misma temática, Rodrígue (2016) en su proyecto de grado llamado La mujer y el cine el cual tiene como temática preguntarse sobre las cineastas de la llamada nueva generación del cine argentino. Plantea una mirada diferencial con perspectivas de género a

5 partir de la utilización de la técnica cinematográfica. Propone hacer una búsqueda de la reflexión del análisis del cine con perspectiva de género, para dictaminar si existe, desde la técnica cinematográfica, una mirada diferencial con un punto de vista particular. Uno de los objetivos específicos a tomar en cuenta dentro del proyecto, es que se analizará las variables principales que diferencien a la perspectiva de género en el cine y examinará los antecedentes del cine con perspectiva de género.

Merluzzi (2013) en su ensayo ¿Qué pasó con las mujeres? El rol de la mujer en el cine de animación. Cuestiona el desempeño de la mujer en los medios audiovisuales. Haciendo hincapié en el cine de animación, reflexionando sobre los géneros y los medios.

Siguiendo con la misma temática, Hansen (2013) en Discriminación de género: mujeres en igualdad. Abarca aspectos sociales de mercado, publicidad, marketing, diseño y fotografía, con la finalidad de mostrar un estereotipo perfecto de mujer, mediante retoques digitales.

Hansen hace un contraste, afirmando que eso no sucede con el género masculino, enfatizando en las diferencias entre ambos géneros.

Lair Soto (2013) en su ensayo titulado Rocky, perseverancia y revolución femenina, trata sobre la misma temática, compara las películas de Rocky y la lucha de las mujeres desde el nacimiento del movimiento feminista hasta la actualidad.

En el trabajo de Riubrugent (2011) en Princesas, inversión de un estereotipo, aborda sobre la mujer-esposa que busca ser despertada por un príncipe para iniciarse en la adultez, siendo uno de los estereotipos más reconocidos. Planteando un contraste con el rol que se ve de la mujer hoy en día, donde los medios venden una mujer profesional.

Ávila Llorente (2011) en la mujer por la mujer, pretende mostrar que la representación de la fémina ejecutada por la propia mujer, no puede aún escapar e independizarse por completo de la significación masculina que la construye en todo momento. Pero, contrario a lo pesimista

6 que puede parecer tal afirmación existen artistas que están en perpetua búsqueda de esta meta. El fin de este trabajo no es solo demostrar que es posible, sino poder también brindar al mundo entero una visión integral de la mujer, libre de cualquier atadura a mentes masculinas.

El género melodrama describe a una mujer víctima, insatisfecha de su destino, una mujer soñadora y hasta esperanzadora por más de verse limitada. En La mujer y el melodrama: Su presentación en el cine argentino, Morasca (2011) tiene más posibilidades para reflexionar sobre la temática elegida y aportar una mirada propia. Se lleva a cabo una minuciosa observación y reflexión sobre la representación de la mujer en el género melodrama durante el cine clásico argentino. La hipótesis del trabajo cuestiona: La característica moralizante del género melodrama reafirma los valores sociales dominantes y expone una mirada crítica hacia la mujer.

Araujo (2010) desarrolla su ensayo La mujer del siglo XXI, el cual analiza cómo en los medios de comunicación, es común ver a la mujer como objeto sexual. Abordando así el papel del género en la sociedad, sus estereotipos y la relación de los medios con la sociedad en los inicios del nuevo siglo. Se seleccionó este proyecto porque trata a profundidad a la mujer y la perspectiva de lo femenino como un objeto. Representando la desvalorización que sufría la mujer en esa época.

El proyecto estará compuesto por cinco capítulos los cuales se dividirán según sus respectivas temáticas, para generar un análisis en profundidad acerca de los distintos temas a indagar.

En el primer capítulo del proyecto de graduación, se dará a conocer la historia del cine en general desde sus inicios primitivos y los comienzos de la industria cinematográfica

Hollywoodense según Costa. Se profundiza no solo en el lenguaje de la comunicación audiovisual, sino también en las vanguardias cinematográficas.

En el siguiente capítulo llamado, La industria cinematográfica se abordan los diferentes roles dentro de una producción audiovisual. Quienes fueron las principales cabecillas dentro de la industria. También se buscará mostrar que tipo de sociedad o espectador había en esa

época ya que este influía a la hora de realizar películas. Dependiendo del feedback del espectador y de su punto de vista social e individual se escogía cierto tipo de temática y género dentro de los films.

En el capítulo número tres llamado La muñeca del placer se dará a conocer la problemática de género, en principio desde la situación del rol de la mujer dentro de la industria en la antigüedad. Se buscará identificar cómo la sociedad en esa época denigraba a la mujer a tal punto de que en varias películas, utilizaban a la mujer en el papel de la víctima. Asimismo, se planteará el punto de vista social que era aceptado en aquella época y que no era cuestionado por la cultura estadounidense. Una cultura que dejaba a la mujer siempre en puestos secundarios o poco valorados laboralmente. El cine refleja en sus imágenes, lo que la sociedad está viviendo en cada época. El desequilibrio y la desigualdad de género dentro de la industria hollywoodense, se da a causa de ese pensamiento colectivo.

En el cuarto capítulo se hará una búsqueda completa del trabajo realizado por las pioneras dentro del cine hollywoodense. Descubriendo que las mujeres ocupan puestos que varían dentro de una amplia gama de roles en la producción de un film. Con el fin de poder homenajear a las mujeres que lograron atravesar un ambiente de desigualdad laboral, se destacarán sus fortalezas y dificultades que tuvieron.

Finalmente, el ultimo capitulo consistirá en mostrar cómo trabaja la mujer en la actualidad dentro de Hollywood. Se hará un contraste, identificando un antes y un después, mostrando así cuáles fueron los cambios que lograron conseguir al pasar de los años. Se podrá visualizar una nueva industria más reformada, un nuevo cine Hollywoodense, dentro del cual las mujeres generaran en sus films un pensamiento revolucionario.

Capítulo 1: Inicio del cine Es preciso saber sobre el inicio del cine antes de comenzar con la investigación que se realizará. Los orígenes del cine se desarrollaron desde un punto de vista científico antes de que fuera conocido y explorado por el ámbito artístico o comercial. Un avance científico que hay que destacar y que fue el origen directo del posible desarrollo del cine, fueron las observaciones de Peter Mark Roget, secretario de la Real Sociedad de Londres que, en 1824, publicó un importante trabajo científico con el título de Persistencia retiniana de la visión en lo que afecta a los objetos en movimiento. En el cual estableció que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de que la persona deja de tenerlas delante. Este descubrimiento fue la fuente que inspiro a varios científicos a investigar para demostrar ese principio.

En los primeros experimentos se animaban imágenes dibujadas a mano como forma de diversión, se descubrió a partir de esto que, si 16 imágenes de un movimiento que transcurre en un segundo se hacen pasar sucesivamente también en un segundo, la persistencia retiniana hará que la visión las una y se cree la ilusión de movimiento.

Uno de estos inventos fue el zoótropo que consta de una serie de dibujos impresos en sentido horizontal, dispuestos en unas bandas de papel, colocadas en el interior de un tambor giratorio, montado sobre un eje. En la mitad del cilindro una serie de ranuras verticales por las cuales se permite ver el dibujo con la noción de movimiento, al girar el aparato.

William Henry Talbot en el Reino Unido y Luis Daguerre en Francia, trabajaban en un nuevo descubrimiento en esos años que ayudaron al desarrollo del cinematógrafo, la fotografía. Ya que sin este invento no existiría el cine.

Las velocidades de las emulsiones fotográficas aumentaron, y gracias a eso fue posible fotografiar un movimiento real y no un objeto fijo. Eadweard Muybrigde empleo una batería de

24 cámaras para grabar el ciclo del movimiento de un caballo.

Jules Marey por su parte inventó un cronofotógrafo portátil, una especie de fusil portátil donde movía una única banda que permitía obtener doce imágenes en una placa que giraba en su propio eje en un segundo. Sin embargo, esta tira se desgarraba con facilidad, por esto,

Hannibal Goodwin y George Eastman desarrollan más tiras de emulsión fotográfica de alta velocidad montadas en un celuloide resistente. Esta innovación eliminó un obstáculo esencial en la experimentación con las imágenes en movimiento.

Thomas Alva Edison construyó un laboratorio llamado Black María ubicado cerca de West

Orange. Éste se convirtió en un lugar donde realizaban imágenes en movimiento y el primer estudio de cine en el mundo. Crea el kinetoscopio, el cual tenía unos 15 metros de película en un bucle interminable que el espectador tenía que ver a través de una pantalla de aumento. El artefacto que funcionaba depositando una moneda, no se consideró como un espectáculo público y quedó como una curiosidad de salón.

Aunque Thomas Edison creo el kinetoscopio en 1891 el cine y su historia originalmente comienza el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Louis y Aguste Lumière en París, realizaron la primera proyección pública de imágenes en movimiento. Los Lumiere inventaron el cinematógrafo, el cual tenía como antecedente el kinetoscopio de Thomas Edison. El cinematógrafo era cámara, copiadora y proyector en un solo artefacto. Este es el primer invento que se puede calificar auténticamente de cine y que empezó a atraer a un gran número de espectadores; las primeras producciones se caracterizaban por exhibir escenas de la vida cotidiana, las cuales eran filmadas en exteriores. Una de las cintas más reconocidas es la

Salida de la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895).

1.1. Primeros pasos del cine.

Los hermanos Lumiere al crear el cinematógrafo, logran el éxito comercial, ganándose la acogida y posible distribución en todo el mercado. Al ver el potencial que proyectaba el cine económicamente, se convirtió en un cine de feria, económico y popular, no se lo consideraba como arte y era despreciado por los intelectuales. El cine empezó a crecer de manera tal, que ese concepto cambió y ya no era considerado como un entretenimiento barato, sino que rápidamente obtuvo su reconocimiento artístico por los intelectuales de la época por su visible potencial.

Empieza a producirse en todo el mundo películas con mayor calidad y duración. Comienzan a aparecer los primeros estudios cinematográficos. El cine se perfiló como un negocio ya que generaba en el espectador un interés activo que conllevaba detrás excelentes expectativas económicas. Se crearon empresas con la intención de rentabilizar el cine con lo cual aparecieron las productoras.

El lenguaje cinematográfico empezó a crecer en mayor escala, las películas cada vez tenían una producción mayor ya que el espectador a medida que consumía más cine, exigía nuevas historias. Las productoras invertían grandes cantidades de dinero en renovar contenidos, debido a la exigencia creciente de la audiencia.

El cine se iba desarrollando a lo largo de todo el mundo, y se impregno de los valores culturales de cada país. Cada producción era diferente dependiendo del país, lo cual creó distintas identidades cinematográficas a lo largo del mundo.

La producción cinematográfica se convirtió en el resultado de la unión de recursos financieros, técnicos y humanos, tradiciones, convenciones artísticas… Además, el foco se había trasladado por completo a Estados Unidos. Las consecuencias de la Primera Guerra Mundial hicieron prácticamente imposible que los países europeos centraran sus esfuerzos en el cine y eso lo supo aprovechar el mercado norteamericano para convertirse en el gran dominador. (La Razón, 2020)

Estados Unidos en 1920 produjo 796 largometrajes, frente a los 646 producidos por Alemania o a los 65 en Francia. El 80% de las películas proyectadas en Europa fueron estadounidenses.

Hollywood arrancaba como sede mundial de la industria cinematográfica.

1.2. Hollywood.

Uno de los lugares donde se conformaron las industrias más poderosas desde un principio fue

Hollywood. Aquí se concentra la producción, distribución y exhibición de las películas con fines de lucro. Gracias a Hollywood, Estados Unidos empieza a destacar sobre el resto de cinematografías mundiales.

Warner Bros, produjo la película El Cantor de Jazz (1927), de Alan Crossland. Esta fue la primera película que se considera sonora y fue un éxito que impulsó el sonido al resto de las productoras. Gracias al sonido los espectadores podían entender mejor las historias y se empezaron a conocer narrativas más interesantes.

El sonido trajo cambios en la industria cinematográfica, los actores tenían que cumplir expectativas con su voz, que, hasta el momento, no había sido un problema.

Todas las actividades cinematográficas de las productoras y los estudios se vieron obligados a invertir en nueva tecnología que registrara sonido. Hollywood cambió su estructura financiera con la aparición del cine sonoro. El foco de la industria se centra ahora en nuevas tecnologías cinematográficas. Con la llegada del sonido se genera una nueva estética en los films y se renuevan las técnicas de producción. Costa menciona que con la llegada del sonido se nutrieron los diálogos e intensificaron las historias de diferentes géneros como el melodrama y la comedia, las cuales provenían de la literatura (1985).

Gracias a la llegada del sonido se potenció la oferta de trabajo a los guionistas. El cine sonoro enmarcó a la industria hollywoodiense como referencia mundial en el ámbito cinematográfico.

Hollywood se convirtió a partir de ese momento en la referencia para todos los profesionales del cine. Los directores, productores, guionistas, actores, tenían como destino la industria norteamericana para lograr el éxito en sus carreras profesionales.

Hacer una película atractiva era fundamental, en Estados Unidos se interesaban por hacer una historia creíble, atractiva y entretenida para el espectador. El cine desde sus inicios empezó como una industria que podía aportar grandes beneficios económicos, y las productoras se interesaban en generar grandes inversiones en las obras.

En los primeros años el centro de producción de películas se instaló en torno a Nueva York.

Pero debido al clima lluvioso y los largos inviernos, se perdieron muchas horas de rodaje en exteriores y se decidieron trasladarse al extremo del país en Los Ángeles, California.

En las tres primeras décadas del cine hasta los años treinta se empezó a generar la identidad cinematográfica hollywoodense. El star system consistía en crear un vínculo de admiración por parte del público hacia el actor / actriz. Tener historias fácilmente reconocibles y que favorezcan a la resolución del conflicto por parte de la estrella. Se creaban estrellas para poder atraer al público a las salas de cine.

En el cine norteamericano de los años treinta se empezaron a forjar diferentes géneros: el musical, el cine negro, el cine de aventuras, el cine de terror, etc. Los géneros estaban definidos por la industria y eran reconocidos por el público. En los años treinta y cuarenta durante la época dorada de Hollywood se forja un sistema de estudios que constituye el origen de la posterior hegemonía del cine norteamericano.

En 1908 diez importantes fabricantes de equipos cinematográficos se unen para formar parte de la Motion Picture Patents Company (MPPC) que impuso tarifas a productores y exhibidores, debido a su poder de monopolio. Empiezan a surgir las grandes empresas aprovechando el momento de crisis que tiene la MPPC. Se fundaron en la primera década del siglo 20, las más

13 importantes empresas del cine estadounidense. Universal Pictures, La Fox Film Corporation, la United Artist, la Warner Bros, la Metro-Goldwyn-Mayer, la Columbia, la Paramount y la RKO, que sufrirán importantes transformaciones de estructura al unirse con otras empresas dedicadas a la exhibición y la distribución.

Se logró fortalecer la economía de las industrias al momento de unificarse diferentes empresas y productoras. Esta consolidación de fuerzas permitió que esta época se convirtiera en el auge y apogeo de los grandes estudios norteamericanos.

La industria cinematográfica norteamericana dominó el panorama mundial gracias a las grandes cantidades de dinero que eran invertidas en el cine. Competían entre ellas para conseguir el mayor número de espectadores posibles a tal punto que se convirtió en una especie de oligopolio. Este sistema de estudios aportaría el carácter del cine hollywoodense.

Hollywood se concentraba en hacer todo el proceso de creación de una película. Tenía un complicado sistema para controlar la producción, la distribución y la exhibición de las mismas.

El labor de la industria empezaba con la película en cero hasta que esta fuese proyectada ante el espectador.

Las majors integraban la producción, distribución y exhibición de las películas. Algunas majors eran Paramount Pictures, Loew´s Inc, 20th Centtury-Fox, Warner Bros, y Radio-

Keith.Orpheum. Estos eran los estudios más poderosos desde el punto de vista de los recursos tecnológicos y humanos.

La importante presencia de las Majors a nivel planetario nos obliga a la presunción de que existe una mirada diseñada para lograr el mayor beneficio comercial posible, pero a la vez no deja de imponer pautas especificas con el objeto de condicionar a los espectadores para que suman ese gusto, esa cultura, como algo natural y propia. (Nigra, 2004, p.3) United Artist se encargaba de distribuir películas de productores independientes, Universal y

Columbia se concentraron en la producción y distribución. Estos eran estudios pequeños que

14 en un principio no tenían salas propias. Paramount, Fox, Loew´s, RKO y Warner eran más grandes que los anteriormente mencionados.

En los años treinta en Hollywood aparte de los grandes estudios, productoras como Walt

Disney, Poverty Road, Monogram y Republic también realizaban películas.

La extensa red de distribución era la que proporcionaba a los estudios de Hollywood la principal fuente de poder. Esta red no abarcaba solo los Estados Unidos, sino que alcanzaba una escala global. Estas redes les proporcionaba una ventaja enorme en cuanto a los costos de distribución y exhibición.

El sector de exhibición de películas durante los años treinta y cuarenta fue el que más dinero acaparó, alrededor del 90%. La financiación de las cadenas de cines era lo verdaderamente costoso y donde el potencial de competitividad de Hollywood radicaba.

La posesión de salas de cines era el motor que movía la industria. Cuantas más salas se disponía más películas se podría producir. Se llegaba a producir incluso películas mediocres cuya finalidad era rellenar la cartelera. Se encontraban también películas con grandes presupuestos y con estrellas prestigiosas que llenaban las salas.

1.3. Las vanguardias en el cine

Las vanguardias surgen en el campo cultural y transforman sus convenciones a través de lo novedoso y rupturista, este cambio se ve reflejado en la implementación de formas artísticas nuevas. Se desarrolla al margen de la narrativa convencional y representa una transgresión de los límites de lo aceptado por las normas de la sociedad de la época. Una de las características mas importantes del vanguardismo artístico fue la actitud provocadora que empleó, atacando incluso mediante manifiestos, la producción que se venia haciendo hasta el momento.

El cine como otras disciplinas fue participe del nacimiento de las vanguardias artísticas y de sus características innovadoras y revolucionarias. El cine de vanguardia nace de contextos diferentes y con características propias y marcadas dependiendo del país. Durante la década de los años veinte se desarrolla una relación entre el cine y las vanguardias artisticoliterarias.

Los momentos principales de interacción entre el cine y las vanguardias históricas son:

Futurismo y Dadaísmo, Surrealismo, Expresionismo Alemán, Neorrealismo Italiano, La

Vanguardia Soviética, y la Novuelle Vague.

1.3.1 Vanguardias Post Primera Guerra Mundial

El futurismo, perteneciente a las vanguardias, fue fundado en Italia por Filippo Tommaso

Marinetti, quien redactó el Manifiesto del Futurismo, publicado el 5 de febrero de 1909. En sus reflexiones y experimentaciones teatrales los futuristas habían demostrado estar influenciados por el cine. Los futuristas plasmaban su arte a través de experimentaciones y eso se veía reflejado en el campo de la poesía y el teatro.

Por otro lado, según Peter Weiss autor de El cine de vanguardia de 1974, el dadaísmo se caracteriza por la negación de los valores estéticos tradicionales. Se desarrolló por un periodo corto de 1916 a 1925. El Dadá nace de la literatura y el arte, se centra en romper una serie de valores tradicionales que estaban asentados en esa época. Este tipo de cine busca crear una sensación de desconcierto en el espectador. En el cine dadaísta se encuentra el factor del azar, dejando de lado el concepto tradicionalista del montaje narrativo. “El dadaísmo partió de la necesidad de romper con las tendencias establecidas y propiciar la anarquía en el mundo artístico, incluso, de imponer una ideología y nuevo estilo de vida en el que rechazaba lo tradicional y convencional” (Morales, 2018, s.p).

Trabaja con las imágenes desde una manera más experimental desarrollando las ilusiones

ópticas. Se caracterizaba por usar formas geométricas, destellos de luz, imágenes en

16 movimiento y el tratamiento de la película en negativo. Germaine Dulac comentó sobre La rueda de Abel Gance diciendo: “Sinfonía visual, ritmo de movimientos combinados exentos de personajes en el que el desplazamiento de la línea de un volumen en una cadena variable crea la emoción, con o sin cristalización de ideas” (Citado en Málaga, 2016, s.p).

El dadaísmo permitió que los artistas encuentren en su lado absurdo e incoherente, un modo de reacción ante el caos y la destrucción que dejó la primera guerra mundial. Es un cine abstracto que se diferencia del soviético al no generar un adoctrinamiento.

Como ejemplos claves del cine dadaísta, Marcel Duchamp es considerado el percusor del

Dadaísmo con su concepto el arte por el arte y el film que representa sus ideas estéticas llamado Anémic Cinéma. Film en el cual resta elementos a la imagen ocasionando una desconstrucción. Este contenía efectos de figuras geométricas en movimiento realizados con el cromatoscopio, una aplicación de la linterna mágica.

El fotógrafo americano Man Ray, con el cortometraje Le retour à la raison (1923) había montado fragmentos de película de diversas formas desde lo tradicional a otros no muy ortodoxos, poniendo en contacto materiales como alfileres y clavos. El fracaso de la exhibición pública del cortometraje marca el final del dadaísmo y el inicio del surrealismo.

El surrealismo nace en un periodo de entreguerras en París en 1924, tras la crisis del movimiento dadá, realizando así un nuevo tipo de cine. En este se trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. Trata de expresar el verdadero dictado del pensamiento fuera de cualquier preocupación estética o moral ausente del control de la razón.

Éste critica la racionalidad y ataca el orden lógico de la realidad, al igual que el lado estético.

Rechaza los valores que están impuestos en la sociedad.

André Breton define al surrealismo como “automatismo psíquico puro por el cual se propone expresar, sea verbalmente, sea por escrito, sea de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento”. (Citado en Cine cam, 2010, s.p).

André Breton publicó el primer Manifiesto surrealista (1924) y manejó la teoría psicoanalista de Sigmund Freud, en lo referido a la construcción psíquica del deseo y la sexualidad.

El surrealismo y el dadaísmo, desempeñaron un papel fundamental para inspirar las más libres experimentaciones en el campo cinematográfico. El surrealismo al igual que el dadaísmo intentaron realizar una ruptura cultural con obras que mostraban desprecio hacia lo que se venía mostrando en esa época. Utilizaba la irracionalidad, el mundo de los sueños, e incluso la locura, para poder demostrar el territorio inexplorado del humano y su subconsciente.

Una película de referencia del movimiento surrealista, es Un perro andaluz (1929) de Luis

Buñuel, que nació de la confluencia de dos sueños de Dalí y Buñuel. El guión de este film está desarrollado mediante una regla esencial surrealista: “No aceptar idea ni imagen alguna que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural. Abrir todas las puertas a lo irracional. No admitir más que las imágenes que nos impresionaran sin tratar de averiguar por qué”. (Cine cam, 2010, s.p). La película pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen.

Otro movimiento vanguardista fue el cine soviético. que tomó como eje narrativo principal la caracterización y comprensión de la clase obrera. Nace en la matriz cultural revolucionaria el

27 de agosto de 1919 cuando estaba Lenin en el poder. La vanguardia rusa con el cine soviético está caracterizada por la convivencia de dos proyectos estrechamente relacionados.

Por una parte, tiene el estudio sobre bases experimentales Laboratorio Kuleshov y por otra parte el proyecto revolucionario y la propaganda que este conlleva. Los cineastas rusos fueron partícipes de un movimiento político que creía en la posibilidad de liberar el arte de las

18 condiciones de aislamiento e incomunicación en los cuales los había colocado la cultura burguesa, para convertir el arte en un elemento fundamental en la construcción de una nueva sociedad. En este proyecto fue el cine que desempeñó un papel privilegiado. Este método de combinar la experimentación con el compromiso político, llegaría a causar incomprensión en el público de la URSS que seguía admirando a las estrellas del cine hollywoodiense.

El acorazado Potemkim (1925), de Einsenstein fue una de las películas más emblemáticas del cine soviético. Este film se caracteriza por tener un héroe colectivo, identificable para el pueblo, dejando de lado lo individual que se utilizaba en la tradición occidental.

El cine soviético usó el simbolismo mediante objetos que sirvieron de significantes para mensajes más profundos, esto difería con la utilería utilizada en Estados Unidos. El cine ruso creaba así un espectador activo y crítico, ya que las imágenes cobran significación en el interior reflexivo del espectador.

La vanguardia no pudo encontrar sus aspectos más vivos e innovadores por la represión del aparato político soviético que prefería la eficacia propagandista sobre la investigación formal.

Prefirieron el dogma a la libre experimentación.

Siguiendo con las vanguardias, el expresionismo alemán, es considerado una de las corrientes más importantes de la producción fílmica alemana, data del fin de la primera guerra mundial y toma como principal influencia el expresionismo pictórico, literario y teatral. Pretende expresar el mundo interior del sujeto sensible, como una toma de postura hacia el mundo. El expresionismo alemán no representa al mundo, sino que lo distorsiona. El film más emblemático del este género vanguardista fue El gabinete del doctor Caligari (1919), de Robert

Wiene. Este film tiene un estilo artístico basado en escenografías y raíces teatrales y pictóricas que presentan una realidad con situaciones y espacios deformes. También buscaban reflejar ambientes en espacios únicos y delimitados, la atención hacia ciertos objetos de valor

19 simbólico. Movimientos de cámaras como travellings y panorámicas, angulaciones con efectos dramáticos, simulaban una representación opuesta al naturalismo, haciendo énfasis en lo subjetivo. Al artista expresionista le interesa incursionar sobre la búsqueda de una visión interna intentando encontrar su esencia. Intentaban mostrar en el cine una narración basada en elementos visuales tratando de utilizar lo menos posible los rótulos para narrar el film. El film critica la omnipotencia de la autoridad estatal alemana que se apoyaba en la guerra y el servicio militar obligatorio, representado aquí por el personaje del doctor Caligari.

Para la época aún no se establece la supremacía de Hollywood, que, creaba espectadores pasivos ya que todo se transmitía procesado por el relato. Esto permitió seguir con la experimentación y con la llegada de las vanguardias se pasa a tener un espectador activo, el cual gracias al fuera de campo completa en su cabeza el film.

La influencia más decisiva para el cine expresionista, es el teatro alemán de la época cuya figura fue Max Reinhardt. Reinhardt creó el Kammerspiele, que es un nuevo concepto caracterizado por la intimidad del ambiente en el que se realizaba la representación para una audiencia reducida. Algunos de los aspectos técnicos más importantes del cine expresionista, fueron tomados de la influencia ejercida por él, como el uso de la luz expresiva y sombras. Las técnicas eran novedosas sobre todo en angulación de cámara y encuadres. Esta vanguardia tiene características similares del expresionismo pictórico.

En las películas expresionistas se puede sentir la necesidad del pueblo alemán de enfrentarse a la dominación tiránica. El tirano que para la concreción de su poder comete actos de violencia y crímenes.

Los temas principales en las películas expresionistas son lo sobrenatural, lo fantástico, lo desconocido y lo siniestro. Esto se debe a que, en esa época, Alemania estaba pasando por

20 una difícil situación post guerra y la manera en que reflejaba esa angustia del país era a través del arte.

El expresionismo reflejo en su máxima pureza el miedo y la desesperación del pueblo alemán en una época oscura. La UFA también conocida como Universum Film Akher Gesellschaft monopoliza la industria alemana.

El cine expresionista dejo pilares, el cine alemán y sus principales películas son El gabinete del Dr. Caligari (1919) de Robert Wiene, Genuine (1920) Robert Wiene, El golem de Paul

Wegerner, Del alba a medianoche de Karl Heinz Martin, Las tres luces (1921) de Fritz Lang.

El expresionismo alemán cinematográfico se extinguió hacia 1926 cuando en Alemania apareció una breve etapa de estabilidad económica y política. Fausto de Murnau (1929) y

Metrópolis (1927) de Lang son los últimos exponentes del cine expresionista alemán. El cine de este país se orientará hacia un mayor realismo con temáticas sociales.

1.3.2 Vanguardias Post Segunda Guerra Mundial

Por otro lado, surge en Italia después de la Segunda Guerra mundial a finales de los años 40, el neorrealismo italiano. En 1945 terminada la guerra, el país tiene que comenzar una reconstrucción y aquí surge el neorrealismo. Es un movimiento diverso que apareció con determinados directores y películas. Un movimiento que nace de la desesperación de una nación atacada por la guerra. Abarcará temáticas sociales y con temas afines a la guerra.

En este se muestra la depresión económica y la clase obrera mostrando toda clase de injusticia y abusos, llegando en casos hasta perder dignidad con tal de llevar dinero para subsistir. Las películas surgen de un contexto de miseria dentro de la industria, la situación económica con nuevos modos de producción de pocos recursos, llevaran a buscar actores no profesionales y al ahorro máximo de recursos.

Hay por parte de los directores un compromiso con la sociedad y la realidad que existía en esa

época, se establece una relación entre el artista y la sociedad. El cine neorrealista se enfoca en dar testimonio de lo que sucede en el país en esa época. Este cine será un ejemplo para los países con dificultades de producción como el cine español y el africano.

El cine neorrealista se caracteriza por mostrar estéticamente precariedad en las escenas, se recurría especialmente a calles, espacios públicos y casas como ambientes naturales. La iluminación era poco utilizada al igual que se trabajaba poco con los equipos de sonido, el cual era doblado y utilizaba poca toma directa. Los movimientos de cámara son en mano y la fotografía es bastante ruda. No hay un diseño de producción, se improvisa en el rodaje, aunque se trataba de respetar una cierta continuidad. Se recurría a utilizar actores no profesionales y en ocasiones trabajaban juntos actores profesionales y no profesionales. Los con finales dentro del neorrealismo italiano, estos finales se caracterizaban por ser ambiguos o infelices.

Con el fin del neorrealismo italiano, se abre un debate sobre si el comprometimiento moral debía existir ante la realidad que se vivía. Esta interrogante podría ser el detonante del declive de este movimiento. Este movimiento vanguardista duró menos de una década, pero su influencia fue transcendental para las cinematografías alrededor del mundo. La situación precaria de filmar con pocos recursos abrió una puerta a los realizadores independientes que realizaron películas libremente.

En el caso de la Nouvelle Vague y la vanguardia francesa, nace a finales de los años 50, cuando una serie de críticos franceses de la revista Cahiers du Cinema fundada en 1951 por

André Bazin, reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento; esta publicación se basaba en un análisis de películas provenientes de todas partes del mundo. El plantel original de los críticos incluía algunos nombres que sobresalían Jean-

Luc Godard, Francois Truffaut, Jacques Rivette, Eric Rohmer o Claude Chabrol y su precursor

Jean Pierre Melville.

En 1948 el director y crítico de cine Alexandre Astruc, proclamó el cine de autor, el cual hace hincapié en el que el director se debe encontrar por encima de todo y la película debía nacer de él. Astruc menciona que el director escribe con la cámara, de esta forma proclamó un nuevo estilo fílmico llamado “Camera-Stylo”, dándole importancia al cine de autor (1948).

Estas ideas se convirtieron para los autores de la nouvelle vague en conceptualizaciones teóricas, ya que se habían convertido en verdaderos cinéfilos donde los conceptos de autor y autoría tenían un concepto simbólico.

La Nouvelle Vague francesa no solo fue el comienzo de una nueva generación de cineastas con el anhelo de expresar inquietudes y malestares propios. “Somos los primeros cineastas que saben que Griffith existe” (Costa, 1991, p.143) hay una nueva conciencia del lenguaje cinematográfico que llega con la investigación de la década que vió nacer la semiología cinematográfica. Este inspira y alimenta buena parte de las producciones de la Nouvelle

Vague.

Siguiendo con el ejemplo de Godard estos films son también una especie de ensayo sobre las imágenes y sobre el cine. Sobre las relaciones entre el director y la historia, sobre el actor y el personaje interpretado, sobre la relación entre las palabras y las imágenes y el papel que desempeñan los distintos medios de comunicación.

Con la llegada del fascismo al poder, las vanguardias llegaran a su fin teniendo muchos artistas que exiliarse como el ejemplo de Buñuel que sale de España escapando del franquismo para llegar a México y hacer cine.

Capítulo 2: La industria cinematográfica

En Hollywood se encuentran las principales industrias cinematográficas de occidente, varias películas emblemáticas surgieron de esta industria. A comienzos del siglo 20, el cine se había establecido en diferentes partes del mundo, debido a las innovaciones de los hermanos

Lumiere y Melies.

Según Historia general del cine Vol I: Los orígenes del cine, Thomas Alba Edison tiene una importancia preponderante en el surgimiento de Hollywood. Además de su carrera como inventor, él era un empresario. Luego de haber creado el Kinetoscopio y tras el suceso cinematográfico de los Lumiere, inventó el Vitascopio pero de igual forma se le hizo difícil competir con el invento de los hermanos Lumiere, el Cinematógrafo (1998).

Edison estaba decidido a controlar toda actividad relacionada con el cine especialmente en

Estados Unidos fundando Edison Co. En 1896 empresarios de distintas áreas incursionaban en el cine como precursores; surgieron compañías que sobresalieron en Estados Unidos, New

York: Biograph Company Co. creada por William Dickson un ayudante de Edison y Vitagraph

Co.

Las cintas dejaban de formar parte del entretenimiento de feria y eran proyectadas en teatros especializados llamados Nickelodeon, estas compañías fueron los precursores de las salas que actualmente se manejan. En aquella época en la que recién daba sus primeros pasos la industria, el cine carecía de reglas lo que llevó a una serie de maniobras ilegales. Productores como Edison, Vitagraph y Biograph distribuían a su manera las producciones que llegaban a

Europa. Debido a estos conflictos los hermanos Lumiere optaron por cortar relación con la cinematografía de Estados Unidos.

Edison al lograr dominar el monopolio de la industria cinematográfica, dejaba sin oportunidad a artistas emergentes a poseer derechos sobre sus obras. La guerra de las patentes consistió

24 en una disputa entre varias grandes compañías y empresarios por hacerse con el control de la explotación del monopolio del cine a nivel internacional. Tuvo lugar en 1908 y consistió en la lucha contra el monopolio del mercado que impuso Thomas Edison, que quería poseer todo el control de la industria cinematográfica emergente. Según Historia general del cine Vol I: Los orígenes del cine, sus abogados y detectives se encargaban del allanamiento y clausura de nickelodeons y estudios. Los autores independientes se negaban a pagar las tarifas de las licencias de uso de las cámaras, de la película virgen y de los proyectores. Debido a esto, como consecuencia muchos directores, productores y técnicos, quedaron en la ruina o debieron exiliarse.

2.1. Sistema de Estudios

Dentro de este sistema de estudios, Biograph en particular produjo las primeras películas de género y películas con duración de más de un rollo. También surgió paralelamente el star system en la industria, encontrando en cada estudio actores exclusivos los cuales eran moldeados para convertirlos en estrellas.

Siendo Biograph, más poderosa que la mayoría de productoras, debió pagar más de 500.000 dólares para poder trabajar. La guerra de las patentes concluyó el 15 de diciembre 1908 mediante un trust. Trust, hace referencia a una alianza entre empresas dedicadas a la misma actividad con el fin de monopolizar el rubro, se la conoció como Motion Pictures Patents

Company. Edison lideraba la iniciativa de la que formaban parte las compañías Biograph,

Vitagraph, Essanay, Lubin, Selig, Kalem y dos productores franceses implantados en los

Estados Unidos: Pathé Fréres y Star Film. Edison impulsó obras estrictas como el pago de impuestos por parte de productores asociados, esta modalidad se mantuvo sólo en América ya que nunca se extendió en Europa.

Según Historia general del cine Vol I: Los orígenes del cine, productores independientes eligieron no pagar impuestos a pesar de que esto les traería problemas y empezarían a ser perseguidos. Eran emigrantes judíos y europeos, trabajaban en almacenes vacíos y galpones con equipamiento extranjero. Formaron organizaciones para defender su derecho como por ejemplo IMP Independent Moving Pictures. Hubo mucha tensión entre Edison y los productores independientes, algunos de ellos huyeron a países como Cuba, otros decidieron alejarse de New York donde Edison tenía más influencia e ir hacia la costa este de Estados

Unidos para terminar en Hollywood (1998).

Hollywood había sido fundada en 1857 como un suburbio de los Ángeles, un territorio antes ocupado por los indios Cahuenga. Hollywood significaba bosque de Acebos. Las posibilidades de explotar el terreno, las cálidas temperaturas y la cercanía con México por si se debían huir del país, convertían a Hollywood como el lugar ideal para los productores independientes.

Entre esos productores independientes estaba Carl Laemmle quien fundó Universal Pictures,

Adolph Zukor quien contribuyó a fundar Paramount Pictures. Samuel Goldwyn y Louis B.

Mayer fueron los pilares para crear la Metro Goldwyn Mayer Studios, Inc. Los hermanos

Warner conformaron Warner Bros, William Fox fue uno de los iniciadores de la 20th Century

Fox. Cada uno de estos productores comenzaron a darle forma a una industria creciente lejos de Edison, donde pudieran desarrollarse actores y técnicos.

Por el lado de los actores se consolidó el star system y pronto se sumaron talentos provenientes del teatro. “Consistía en construir una imagen idealizada de los actores o actrices, con contratos muchas veces en exclusiva, y explotarla al máximo para maximizar la rentabilidad de las películas” (Q Cine, 2014). En Hollywood surgieron muchos nombres de directores que adquirieron un notable reconocimiento, pero el que realmente marcó la diferencia en general fue David Griffith. Gracias a él, los actores comenzaron a tener

26 reconocimiento por el hecho de ser nombrados en los créditos. Griffith nacido el 1875 se crió en el sur de los Estados Unidos, se convirtió en actor de teatro para compañías ambulantes y en 1908 llego al cine. Griffith hizo más de 500 películas en donde pudo desarrollarse como director. Trabajó activamente para Biograph, también trabajó en los Ángeles y en 1910, tuvo la oportunidad de participar en el primer film rodado en Hollywood el corto In Old California

(1910). Griffith nutrió el star system hollywoodense debido a sus conocimientos como actor.

Descubrió estrellas como Mae Marsh, las Hermanas Lillian y Dorothy, Gish, y Mary Pickford la famosa novia de América. Griffith quería filmar películas más grandes con más despliegue de producción, pero también más realistas. Realizó la película llamada El Nacimiento de una nación (1915) la cual es una película racista y polémica incluso para la época que fue rodada.

Griffith aplicó todas las técnicas que había utilizado anteriormente en sus trabajos y pulió técnicas que otros directores fundaron y habían realizado. El notable progreso técnico que se empleó en la película, dio cuenta de la posibilidad de desarrollar nuevas técnicas de montaje.

Usó diferentes tamaños de planos, combinó el uso de la luz artificial y de la natural, impulsó los claros oscuros y el fuera de foco, aunque uno de sus puntos fuertes fue el montaje en paralelo.

El nacimiento de una nación (1915) también fue la primera película con una duración de casi

3 horas y con contar con un gran presupuesto. Al principio los socios de Griffith estaban alarmados de la desproporción de los gastos, pero en el estreno del film en febrero en 1915 se calcula que la primera super producción de Hollywood recaudó 20 millones de dólares. El film de Griffith trajo una revolución que no se limitó en la pantalla, hasta entonces los medios gráficos dedicados al cine tenían un enfoque informativo, pero desde aquella película los periodistas empezaron a escribir sus propias teorías o textos a favor o en contra; había nacido la crítica del cine. La polémica premisa de la película dio pie a debates entre los espectadores.

La audiencia de color no disimuló su disconformidad por ser retratados como enemigos. La

27 asociación nacional para el progreso de gente de color solicitó en vano la suspensión de todas las proyecciones.

Griffith al ver la reacción del público frente a El nacimiento de una nación (1915) realizó el film

Intolerancia (1916), que retrata 4 segmentos ambientados en distintos locaciones y periodos históricos. El director exploraba la intolerancia y sus consecuencias, pero a pesar del buen uso de decorados, los actores, extras y larga duración, el film tuvo malas críticas y un fracaso en la taquilla.

En 1919 Griffith se juntó con Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford para fundar

United Artist, pero su carrera después de Intolerancia, jamás fue la misma ya que le costó adaptarse a los cambios.

2.2. Cabezas de Equipo

Griffith es reconocido como el visionario que diseñó un modelo a seguir para toda la narración cinematográfica clásica. Su estilo se aprecia en films de todas las épocas y su legado se mantuvo firme a través de directores. La retirada de Griffith abrió paso a los nuevos grandes talentos de Hollywood, uno de ellos es uno de los discípulos de Griffith, Erich Von Stroheim.

Comenzó en el mundo del cine como actor y trabajar con Griffith lo ayudó a encaminarse e inspirarse. Realizó films a gran escala con búsqueda del realismo, uno de sus grandes films fue Avaricia. Pese a los constantes problemas que tenía como director debido a que los ejecutivos pretendían ejercer control creativo sobre sus películas, Stroheim alcanzó reconocimiento por ser un ejemplar director dentro de Hollywood.

Las costosas películas iniciadas por Griffith tuvieron su continuación en Cecil B. DeMille producciones como Los diez mandamientos (1923) y lo convirtieron en paradigma de espectáculo. Este subgénero luego tuvo exponentes como Rey de Reyes (1961), La Biblia

(1966) y hasta otra versión de Los 10 mandamientos estrenada en 1956 dirigida por DeMile.

A través de la tarea de los productores, directores, actores y otros trabajadores de la industria,

Hollywood evolucionó con rapidez. En 1927 se estrenó El Cantor de Jazz, considerada la primera película sonora de la historia del cine y el primer cortometraje comercial con sonido sincronizado.

En 1927 se fundó la Academia de Artes y ciencias cinematográficas y dos años más tarde nacieron los Premios Oscar. El 16 de mayo de 1929 se realizó la primera edición que reconoció lo más destacado de 1927 y 1928. Lejos de la elegancia de la fastuosidad de las recientes ediciones, aquella ceremonia fue un almuerzo privado en el Hotel Roosevelt, cualquier persona podía asistir a la ceremonia pagando un boleto de 5 dólares.

Así fue como Hollywood nacido como un refugio para productores que querían evadir impuestos, se convirtió en el centro de la industria del cine a nivel mundial. Un ámbito en que la creatividad y los negocios podían ir de la mano permitiendo el desarrollo de buena cantidad de talentos.

Hollywood se consolidó como la más importante industria cinematográfica del mundo, los ejecutivos encontraron la forma de poder combinar arte y negocio contratando a buenos directores de distintas latitudes que contribuyeron a mejorar la calidad de los films.

Desde el éxito que tuvo el film El nacimiento de una nación (1915), se instauro un modelo de narración clásica que fue imitado por todas las películas hollywoodenses sin importar el género al que pertenecieran.

Las obras del cine mudo venían generalmente acompañadas por piezas musicales escritas para piano u orquesta tocadas en vivo y con la presencia de narradores que relataban lo que sucedían en pantalla. El cine sonoro surge en 1930 justo en el preciso momento en que el arte cinematográfico alcanza su máximo esplendor. La compañía Fox fue la primera en incorporar sonido a las películas. El sonido se toma a partir de ese momento como un importante recurso

29 narrativo porque le da fluidez al relato y permite eliminar las imágenes explicativas que utilizaba por ejemplo Chaplin en sus películas. De igual forma el sonido permite incorporar el silencio como un recurso narrativo y dramático logrando así sobresalir del cine mudo.

El cine sonoro no era simplemente el mudo con sonido incorporado, sino una nueva forma de expresión que tenía que reconciliar lo real (la grabación precisa de palabras y sonidos) con lo irreal (la imagen bidimensional), mientras que el cine mudo había sido una unidad armoniosa, completa por si misma (Planeta, 1982). Surge el Código Hays, que fue creado por la asociación de productores cinematográficos de

Estados Unidos, y describía lo que era considerado moralmente aceptable para una película.

Fue escrito por uno de los líderes del partido Republicano de la época, William Hays. Rigió en la industria cinematográfica desde 1934 hasta 1967 sin embargo, después de ese tiempo se aplicó a través del código de la Clasificación por edades, una propuesta de cine con menos crudeza social y menos naturalista. De igual manera, se proponía la defensa del american way of life, que consistía en mostrar una sociedad ordenada y limpia moralmente.

A partir de 1930 se afianzan los géneros cinematográficos. En esa época, predominaban las películas de genero comedia, gansters y los musicales. En 1939 se estrenaron 2 super producciones que se volvieron paradigmáticas en esa época, El mago de Oz (1939) y Lo que el viento se llevó (1939).

En 1939 comenzó la Segunda Guerra Mundial que se extendió hasta 1945. Estados Unidos quiso mantenerse al margen hasta el 7 de diciembre de 1941 cuando Japón atacó la base de

Pearl Harbor. A partir de allí el ejército estadounidense intervino activamente, la industria del cine también accionó de la misma manera. Salieron a la luz películas inspiradas en el suceso ocurrido con Japón y otras que funcionaban como propaganda. Dentro de las películas vinculadas al conflicto Bélico ninguna sobresalió tanto como Casa Blanca (1954).

2.3. Los géneros cinematográficos

Cada estudio buscaba especializarse en un género en específico ya que los requerimientos técnicos estaban a la orden de la narrativa que proponía cada género, es así como existieron estudios que se dedicaron solamente a hacer musicales. El género musical es el más barroco, el más lleno de elementos superpuestos, tiene una estructura narrativa básica y tiene un alto costo. Trataba contextos de fantasías escapistas porque la mayoría se consolidaron en la década de los años 30, momento de la Gran Depresión y resultó ser el género más consumido por el público. La compañía que mejor desarrolló este género fue la compañía Rockefeller.

El mago de Oz (1939) es un claro ejemplo de un musical de la época. Este film se realizó en el año más importante en la industria de Hollywood porque además se crearon otras películas como Lo que el viento se llevó (1939). El mago de Oz fue producido por la Metro Goldwyn

Mayer. Contó con 4 directores, Victor Fleming, Mervyn Le Roy, Richard Thrope, Kig Vidor, y fue la primera película con sistema a color llamado Technicolor. La película rompe con el esquema romántico propio de los musicales.

Por otra parte, se encuentra el melodrama, uno de los géneros que surgió y perdura hasta la actualidad. El melodrama trata un drama exaltado en la narrativa de los films. Los personajes están condenados a sufrir como único destino. Un director reconocido fue William Wyler, el creador de Cumbres borrascosas (1939), basada en la novela de Emily Bronte.

El año 1939 fue uno de los años más importantes de la industria cinematográfica debido a que se realizaron dos películas centrales dentro del género Melodrama en el mismo año que son:

Cumbres borrascosas (1939) y Lo que el viento se llevó (1939). El ultimo film está basado en una novela de Margaret Mitchell. Según Brooks el asunto del melodrama es la virtud triunfante, generalmente representado por una heroína joven apoyada por una nodriza, un fiel campesino o un niño. El personaje principal encarna la piedad y el perdón y esto es reconocido por el

31 resto de los personajes. Se entiende al melodrama entonces como el drama del reconocimiento, la virtud al comienzo despreciada es eventualmente desconocida. A continuación, Brooks menciona que el melodrama está plagado de signos que representan la virtud y que trabajan como puros significantes para la mejor comprensión del espectador.

Existe según este autor una estructura marcada en el melodrama. Se comienza por la representación de la virtud y la inocencia para luego tener la llegada de misterios y ambigüedades de la mano del villano. Aquí se desencadena el proceso de lucha por el reconocimiento final de la virtud. El reconocimiento del mal requiere de un proceso en la audiencia de juzgar lo bueno sobre lo malo.

Siguiendo con los géneros, se encuentra la comedia al cual Bazin hace referencia mencionando que Charles Chaplin acaparó todas las miradas con su contribución a la industria ocupando diferentes roles. Chaplin estuvo mucho tiempo en contra del cine sonoro debido a que no requería un implantado progreso tecnológico y decidió seguir con sus películas mudas

(1972).

Los hermanos Marx produjeron películas de comedia y las actuaron desde 1929 a 1949.

Groucho, Harpo y Chico y los hermanos Marx hacían comedias que afectan las convenciones de la cordialidad y el dialogo.

Durante aquella época en Hollywood cobraron preponderancia 2 géneros que de alguna manera se relacionaban con lo que sucedía en la sociedad de la época, el western y el cine negro.

El western es considerado el género cinematográfico americano por excelencia, principalmente porque hace referencia a un periodo especifico de la historia de los Estados

Unidos. La conquista del oeste durante el siglo 19 y la fundación de un nuevo país. Un contexto en el que predominaban los personajes duros y en el que las leyes eran difusas. La cercanía

32 que tenía los Ángeles con los escenarios naturales en los que se podían rodar grandes planos de persecuciones, batallas y vaqueros, definía las locaciones de los films.

John Ford cineasta de películas de vaquero, llego a Hollywood siguiendo a su hermano Frank y empezó con pequeños trabajos detrás de cámara, incluso fue extra en el nacimiento de una nación de Griffith. Hizo producciones de distintos géneros, pero en el western sobresalía. Uno de sus mayores films fue La diligencia (1939), en la cual el actor John Wayne, se convirtió en un paradigma del cowboy cinematográfico.

Ford siguió haciendo obras maestras ambientadas en el lejano oeste y protagonizadas por

John Wayne como La legión invencible (1949), Mas corazón que odio (1956) y Un tiro en la noche (1962).

Las películas de Ford se caracterizan por presentar personajes rudos, pero de buen corazón y con códigos. En los westerns de Ford también se destacan los paisajes naturales de

Monument Valley ubicado en la frontera entre Arizona, y Utah. Años más tarde también se filmaron ahí largometrajes como Volver al Futuro 3 (1990) que homenajean a los westerns y otros por fuera de esa temática como por ejemplo Forest Gump (1994), evidenciando la potencia cinematográfica de esas locaciones.

Ford también hizo películas fuera de ese género, pero con características similares como El

Delator (1935), Que verde era mi valle (1941) y El hombre quieto (1952). En estas obras rinde tributo a sus raíces británicas. “John Ford no solo fue uno de los directores más notables del cine clásico, sino que su mirada sobre el dolor individual causado por los procesos históricos que configuraron la modernidad es tan profunda como actual” (Noriega, 2018, s.p).

Luego surgió otro director que también estaba inspirado en las películas western, Anthony

Mann, empezó su carrera como actor y luego se desempeñó como asistente de dirección.

Dirigió junto con James Stewart 5 films de género western Winchester 73 (1959), The Kaked

Spur (1953), Bend of the river (1952), The Far Country (1954), The Man Fromm Laramie

(1955).

Uno de los westerns cumbres del periodo clásico fue High Noon (1952), el cual trata de un sheriff interpretado por Gary Cooper, que debe acudir a los habitantes de un pueblo para lograr vencer a los antagonistas que vienen a buscarlo, pero todo el pueblo le da la espalda. Este film es de suma importancia porque se retrataba una metáfora de un asunto político que ocurrió en Hollywood llamado, El Macartismo.

Entre 1950 y 1956 el senador Joseph McCarthy inicio una persecución contra todos los ciudadanos norte americanos sospechosos de ser comunistas. En esta época ya había empezado la Guerra Fría que mantuvo enfrentados a Estados Unidos y la Unión Soviética.

Como consecuencia surgió la lista negra de Hollywood la cual tenía los nombres de los cineastas que presentaban convicciones afines al comunismo y se les impidió trabajar.

Conocida como la amplia lista negra de la industria del entretenimiento, tuvo lugar la práctica de negar el empleo a guionistas, actores, directores, músicos, y otros profesionales del entretenimiento estadounidense. Se les imposibilitó trabajar por la presunta acusación de ser afines al partido comunista.

Otro género que tuvo un gran auge durante y después de la Segunda Guerra Mundial fue el film noir también conocido como cine negro. El cual se refiere a los policiales oscuros que se hacían en los años 40 y 50. El ensayo Panorama du Film Noir Américain de 1941 a 1953 escrito por Raymond Borde contribuyo a definir el género.

El film noir se centra en personajes ambiguos abriéndose camino en lugares impredecibles y decadentes en donde sobreviven los más astutos. Cine noir no solo trataba temas sobre investigaciones policiales, sino que el término noir se sumergía en el sub consciente para tratar temas psicológicos. Este género cuenta con personajes masculinos en los márgenes de la ley

34 y una femme fatale que provoca atracción para los hombres. Un contexto que conspira contra todos los personajes y con elementos de decorado particulares dentro de cada escena con utilería que sugiere vicios. Todo esto visualizado en blanco y negro con altos contrastes.

El Noir tiene su fuente en la literatura de escritores como Raymond Chandler, James M. Cain y Dashiell Hammett. Estos autores tenían temas en común sobre su escritura debido a que incluían la ciudad repleta de vicios y corrupción. Con sus libros nutrieron a Hollywood incluso uno de ellos terminó siendo guionista dentro de la industria. El primer film noir fue Maltese

Falcon (1941) dirigida por John Huston y basado en la novela de Dashiell Hammett.

Un cineasta pionero del cine noir fue Frizt Lang, dentro de Hollywood pudo aplicar su experiencia en el expresionismo para crear personajes oscuros, complejos y lograr traducir sus estados de ánimo mediante la iluminación con sombras y claros oscuros.

Fury (1936), You only live once (1937) y The woman in the window (1944) son películas que realizó Frizt Lang de cine noir. Otro antecedente de cine noir fue El ciudadano Kane (1941) de

Orson Welles. Orson Welles no tenía relación con el cine; venia del teatro y de la radio donde sorprendió con una adaptación de la novela La guerra de los mundos. Es la historia de este programa de radio que es impactante, se trata de que Welles convenció a todo Estados Unidos de que estaban siendo víctimas de una invasión extraterrestre, generando así un gran impacto y atrayendo a productores, logrando así firmar un contrato con la compañía RKO y logrando el surgimiento de El Ciudadano Kane (1941).

Orson Wells revolucionó el lenguaje cinematográfico con esta película, por el uso de iluminación expresionista a cargo de director de fotografía Gregg Toland. Utilizaba angulaciones de cámara novedosas que permitían mostrar los techos de los sets y una narración que sin dejar de ser clásica experimentaba con la voz en off y los flashbacks en el tiempo. Varios de estos recursos que implemento Orson Wells se convirtieron en

35 indispensables para el cine noir. Orson también dirigió películas dentro de este género, como

La dama de Shangháy (1947) y Sed de mal (1958).

Alfred Hicthcock también tuvo gran importancia dentro del género del cine noir, La sombra de una duda (1943) y Pacto siniestro (1951) son películas que pueden ser nombradas como exponentes del género, debidos a sus personajes ambiguos y sus ambientaciones particulares.

Billy Wilder es el director de Sunset Boulevard de (1950) en la cual Gloria Swanson interpreta a Norma Desmond, una diva del cine mudo tratando de resurgir a la fama gracias a un guionista interpretado por William Holden.

A lo largo de su trayectoria, el cine negro o film noir se ha ido consolidando como una figura misteriosa situada entre la lección desconsolada del realismo urbano y el derrumbe existencial de la posguerra y el magnetismo del símbolo y los suntuosos arquetipos de deseo que ha sabido conjurar Hollywood desde sus comienzos. (Disalvo, 2018, p.172).

Los directores que particularmente hacían cine noir como Frizt Lang, Hicthcock y Billy Wilder eran emigrantes que venían de Europa en vísperas de la Segunda Guerra Mundial. Ellos traían consigo mismo un desencantado por la vida que coincidían con los trabajos literarios de

Raymond Chandler, James M. Cain y Dashiell Hammett.

Howard Hawks es un director que incursionó exitosamente en todos los géneros incluyendo el western, con películas como Red River (1948), Rio Bravo (1959), Rio Lobo (1970) y El dorado

(1966). Su paso por el cine noir dejó: The big sleep (1946) y To have and have not (1944).

Howard Hawks reunió dentro del film The big sleep (1946) a dos actores que eran vistos como una pareja emblemática del género noir en Hollywood, Humphrey Bogart y Lauren Bacall. Ellos tenían una relación que se extendió detrás de cámara al punto de convertirse en una de las parejas más legendarias de Hollywood.

Howard Hawks además de hacer películas de género noir también realizó films del género ganster como Scarface (1932). Realizó comedias como La adorable revoltosa (1938), incursionó en cines de aventuras con Solo los ángeles tienen alas (1939), incluso hizo un musical Los caballeros las prefieren rubias (1953) y realizó un film de ciencia ficción y terror llamado El enigma de otro mundo (1951).

Las comedias en Hollywood tuvieron un sub género llamado Screwball basado en situaciones alocadas como Lo que sucedió aquella noche (1934) de Frank Capra. Este sub género de la comedia romántica se hizo popular durante la Gran Depresión y es ampliamente conocido por satirizar la historia de amor tradicional.

La ciencia ficción trajo las invasiones extraterrestres como La guerra de los mundos (1953) de

Byron Haskin y El día que paralizaron la tierra (1951) dirigida por Robert Wise. Este último film contó con el compositor Bernard Herrmann quien generó un clima particular usando un particular instrumento llamado Theremín. Actualmente se podría decir que hoy en día con ese instrumento, Herrmann inventó la música extraterrestre, ya que siempre que se lo escucha, la asociación con el espacio exterior es inmediata.

El auge del cine americano se extendió hasta inicios de los años 60 cuando los estudios entraron en una crisis y debieron formatear sus mecanismos. Pero las películas, los géneros, los actores, los directores, personal que trabajó dentro de esta industria y básicamente la manera de contar películas, se volvieron emblemáticos e influyentes.

Aprovechando la crisis de Hollywood el cine europeo readapto los géneros cinematográficos durante la década del 60 sobre todo Italia. El spaghetti western tomó la esencia de las películas westerns de Hollywood pero con personajes e historias más profundas y violentas. El bueno el malo y el feo (1966), es un ejemplo de spaghetti western.

Los géneros cinematográficos no murieron a pesar de la crisis que hubo en Hollywood, el film noir sigue pesando en el cine moderno, con exponentes que son denominados neo noir.

Algunas de las peliculas: Drive (2011), L. A. Confidential (1997), Los sietes pecados capitales

(1995), Under the silver lake (2018), mantienen firmes algunas de las características del cine noir y le agregan la dualidad moral que existe en el cine actualmente en la modernidad. El barrio chino (1974) de Roman Polanski es una de las películas que hace homenaje al cine noir, por su recreación de la época y de la esencia de aquellas películas.

Los directores de cine clásico de la época dorada de Hollywood como Orson Wells, Hicthcock,

Ford y Howard Hawks marcaron y continúan marcando a generaciones de cineastas desde

Stephen Spielberg a J.J. Abrams, Francis F. Coppola, Michael Mann, etc. La tradición del cine clásico, sigue presente en tanto que influencia para las producciones actuales en diferente medida.

2.4. El espectador.

Tras la victoria norteamericana en la primera guerra mundial, Estados Unidos se vio ampliamente beneficiado económicamente por su hazaña bélica. Resultado de esta bonificación, la clase media tuvo acceso a la vivienda y accedió a mejoras laborales. Pero no tardaría en llegar la gran depresión, debido a los excesos y la inconsciencia de la gran euforia que trajo consigo esta etapa de auge económico. Herbert Hoover, secretario de Estado de

Comercio desde 1921 a 1928, fue quien promovió con éxito la expansión inmobiliaria entre la clase media. Llego a la presidencia en 1929, convencido junto a todo su pueblo de que se tenía que incentivar el consumo para promover el progreso económico.

El cine reflejó lo que ocurría en esa época al igual que la literatura. La publicidad se desarrolló y se profesionalizó para emerger como un negocio millonario. Se contemplan los inicios del marketing moderno en una sociedad de consumo que sirvió para conocer los primeros estudios

38 de mercado. El consumismo y la ferocidad del capitalismo se habrían transformado en un rasgo identitario de la época, la época de la especulación financiera, con una sociedad sin ley, regida por la Wall Street y las mafias.

El golpe de la gran depresión, fue devastador, la inestabilidad se apoderó de las calles quebrantando la supuesta invulnerabilidad de los años veinte. Hacia 1929, la especulación tuvo gran influencia, lo que generó deudas en la sociedad por la cantidad de créditos bancarios. Durante 1930, cientos de empresas cerraron sus puertas debido a la falta de liquidez, lo que ocasionó una baja considerable en la producción de empleos. Sumado a todo esto, la quiebra considerable de los bancos y la sequía que golpeó fuertemente los estados agrícolas, debilitaba aún más la economía masacrada estadounidense. Las condiciones climáticas y la pobreza que se vivía obligaron a miles de familias a emigrar, llevando a personas a terminar en situación de calle o esperando en interminables filas para buscar trabajo mal remunerado.

Surge el cine clásico que requería poca atención del espectador, solo pedía entender el sentido lineal de la historia. No había trabajo mental de reconstrucción o de búsqueda de significantes, ya que la narrativa se desarrollaba en base a líneas argumentales simples. En este tipo de cine se establece un sistema de convenciones semióticas que son fácilmente reconocibles por cualquier espectador de cine narrativo. Se define así la experiencia estética del espectador creando una fuerte tradición cinematográfica. La puesta en escena, está sometida a las necesidades dramáticas de la narración, ya que acompaña al personaje. Se propone entender la estructura narrativa del film con una lógica de unidad fácilmente reconocible por el espectador. Trataban temas, tópicos y arquetipos relacionables con el público de la época. Por ejemplo, el western y sus tramas que giran en torno a la pelea por el territorio, que resultan familiares para el público. El Modo de Representación Institucional asume el verosímil, que se ajusta a las reglas de cada género y parece representar la realidad que vive el espectador. El

39 público a partir de este momento será bombardeado por una gran producción audiovisual en masa, con el único fin de lucrar, sin darle tanta importancia al contenido. En una sociedad, regida por la cultura de masas y de consumo hasta la llegada de la Segunda Guerra Mundial, el cine narrativo clásico desarrollaba films simples y de fácil comprensión. Dentro del panorama estadounidense, el ímpetu optimista por la victoria de la primera guerra mundial, se entremezclaba con el desencanto producido por la gran depresión. De esta mezcla de sentimientos, nace un cine bélico enfocado en señalar defectos o enmarcar virtudes. El cine de la época nace como un reflejo de la cultura e imaginario popular.

Comprendiendo el funcionamiento de la sociedad norteamericana de aquel entonces, se le suma que la mujer no tuvo derecho al voto hasta 1920. No logró salir a trabajar fuera de casa recién hasta la Primera Guerra Mundial, ya que los hombres tuvieron que movilizarse a la guerra y ellas ocupar sus puestos de trabajo en la sociedad.

Capítulo 3. La mujer en el cine Cuando nace el cuestionamiento sobre el rol que ejercían las artistas femeninas dentro del

ámbito del cine industrial hollywoodense, se precisa investigar la totalidad del entorno laboral, abarcando diferentes áreas dentro del rubro.

Los nombres de directoras de cine de los primeros días de Hollywood más sobresalientes en las búsquedas de internet son: Alice Guy-Blaché, Lois Weber, Dorothy Arzner, Ida Lupino, etc.

Pero esta lista no hace merito a la realidad de la época, para encontrar con mayor exactitud cuales fueron las acciones que realizaron las mujeres y en que roles se desempeñaron dentro de la industria cinematográfica de la época, se necesita profundizar un poco más.

Se analizarán cuales fueron las condiciones para la producción de obras cinematográficas hollywoodenses, con el objetivo de ver si hubo algún motivo por el cual, las mujeres no han producido grandes obras cinematográficas en la antigüedad.

El innovador artículo de Linda Nochlin ¿Por qué no ha habido grandes artistas femeninas?, publicado en 1971, en el cual se recomienda examinar los mecanismos en los que se maneja la sociedad en esa época. Nochlin habla de una repetición constante que se encontraba dentro de los libros, programas de televisión y música, que estaba influenciada por el nombramiento de una gran cantidad de artistas masculinos que trascendieron a través de generaciones como

Picasso, Goya, Hitchcock y Kubrick.

Nochlin concluye su artículo argumentando que:

El arte no es una actividad libre y autónoma de un individuo superdotado, influenciado por artistas anteriores y superficialmente por 'fuerzas sociales', sino más bien que la situación total de la creación de arte, tanto en términos del desarrollo del creador de arte y en la naturaleza y calidad de la obra de arte en sí, ocurren en una situación social, son elementos integrales de esta estructura social y están mediados y determinados por instituciones sociales específicas y definibles, ya sean academias de arte, sistemas de mecenazgo, mitologías del divino creador, artista como hombre o paria social (Citado en Nochlin, 1971, s.p).

Cuando se observa por debajo de las barreras de las instituciones sociales y académicas que existían en la antigüedad, se descubre que las mujeres pudieron haber competido en términos más igualitarios con los hombres, sin embargo, su arte no fue suficientemente expuesto ni apoyado debido a la cultura patriarcal de la época. En la literatura se encuentra una excepción, debido al reconocimiento público de muchas novelistas y poetas famosas lograron un renombre. No obstante, se puede ver que siempre existieron grandes barreras para poder formar parte del mundo del cine siendo mujer. Esto se debió mayoritariamente a las instituciones y costumbres sociales que han impedido históricamente, que las mujeres realicen ciertos trabajos en el pasado.

Es pertinente analizar entonces, de qué manera lograron ciertas directoras de la época, introducirse en una posición jerárquica dentro de la industria hollywoodense, conociendo las dificultades que esto conllevaba. Nochlin, en su artículo al hablar de artistas señala que casi todas las mujeres artistas reconocidas eran hijas de artistas. Esto implica que el apoyo que las directoras recibieron desde el núcleo familiar hasta asociaciones en las que encontraron ayuda, permitió su éxito laboral.

Ethyle Batley dirigió al menos sesenta y cinco películas en Gran Bretaña entre 1912 y 1916.

Comenzó como actriz y se convirtió en directora en la British y Colonial Film Company. Ethyle fue de las primeras directoras en trabajar en las primeras industrias cinematográficas antes de que se levantaran las barreras institucionales que impidieron que las mujeres sigan con su trabajo.

Antes de nombrar unas de las pocas directoras que resaltaron en la industria cinematográfica de la época, es necesario resaltar el trabajo en el área de guión. Por ejemplo, las películas de

Manning Haynes (director) y Lydia Hayward (guionista) realizadas en la década de 1920, W.W.

Jacobs el autor de varias historias, aceptó que Lydia Hayward hiciera una serie de adaptaciones de sus historias y Lydia las transformó adaptando sus obras literarias en guiones para películas cinematográficas. Alma Reville, esposa de Hitchcock es un ejemplo en el cine británico, ella fue la asistente del director la cual alcanzó altos niveles dentro del rol de asistente de dirección antes de casarse con Alfred. Su matrimonio con Hitchcock opacaría el rol de su trabajo en la industria para pasar a ser conocido simplemente como la esposa de un gran director. Las mujeres formaron mas parte del cine en la antigüedad, por eso esta investigación se encargará de mirar más de cerca a las vidas de estas realizadoras cinematográficas porque tienen una historia interesante que contar con carreras fascinantes.

3.1. Problemática de género.

Dentro de este subcapítulo se va a explorar la contribución directamente de las mujeres en el cine, cuando sorprendentemente habían más mujeres empleadas en todos los ámbitos de la industria cinematográfica que en la actualidad. Las mujeres ayudaron a dar forma y contenido a gran parte de la industria cinematográfica desempeñándose en diferentes rubros, tanto en el estilo de la actuación, las decisiones de montaje, escritoras, directoras y productoras, son algunos de los roles que fueron tomando en el desarrollo del negocio del cine. Además del cine, las mujeres se involucraron en otros artes como el periodismo, escribían críticas, fanáticas que influyeron en el desarrollo del cine. Esto conlleva a cuestionarse porque razón se minimizó y ocultó su trabajo, siendo ellas partícipes esenciales para el rubro cinematográfico. Nace el cuestionamiento sobre las decisiones que tomaran las industrias en cuanto a los problemas de la equidad de género en la industria cinematográfica de la época.

Cuando se encuentra información del cine en sus inicios aparecen nombres de directores y productores como: Charlie Chaplin, Douglas Fairbanks, Buster Keaton y Harold Lloyd los cuales cobran gran importancia en esa época. Se puede llegar a encontrar información de ciertas directoras influyentes como Alice Guy-Blaché que quedó fuera de la historia del cine a

43 pesar de ser creadora del cine narrativo. No se llega a encontrar información de mujeres que trabajaban en el área técnica de la industria, como montajistas, asistentes de cámara.

Conociendo la existencia de mujeres que se desempeñaron en el ámbito técnico del cine en sus inicios, nace el cuestionamiento sobre el porqué se las invisibilizó. Rara vez se mencionan en las universidades estrellas femeninas como Mary Pickford la cual fue una estrella desde que era pequeña en Estados Unidos. Mary se convirtió en la novia de la nación y fue cofundadora de United Artists. Se afirma que fue una de las mujeres más poderosas de

Hollywood pero esto en la actualidad no es informado. Pickford recibió un Oscar honorifico en

1976 por su contribución al cine. Otra de las estrellas que fueron olvidadas a medida que iban avanzando con su carrera eran Louise Brooks, Theda Bara y Clara Bow que se desvanecieron cuando se introdujo el sonido. A partir de la época del sonido la única estrella famosa del cine reconocida fue la actriz sueca Greta Garbo con su famosa frase: Quiero estar sola, dentro de la película Grand Hotel (1932) la cual la inmortalizó en la historia del cine. Greta, antes de generar conmoción en la industria, realizó una docena de películas mudas y cuando llegó el cine sonoro en 1930 se convirtió en una de las actrices más populares de Estados Unidos con sus películas taquilleras. Garbo fue nominada tres veces al Premio de la Academia a la mejor actriz y en 1954 recibió el premio honorífico. George Cukor director de la película Two-Faced

Woman (1941) en la cual Greta actuó, pero fue mal recibida por la crítica dijo:

Tenía un talento que pocas actrices o actores poseen. En los primeros planos daba la impresión, la ilusión de un gran movimiento. Movería un poco la cabeza y toda la pantalla cobraría vida, como una brisa fuerte que se hacía sentir (George Cukor: Entrevistas, Robert Emmet Long, 2001, s.p).

Las mujeres fueron una parte significativa del éxito empresarial en el cine debido a que contribuyeron en su crecimiento a través de la comercialización por medio de su apreciación del arte, ellas transmitían en sus obras sus gustos y disgustos. Influyendo así no solo en las películas como tal sino también en lo que se vendía en ellas, como el tipo de vestido,

44 decorados, maquillaje y peinados que llevaban los actores. Otra mujer que alcanzó la fama como actriz inicialmente en las películas mudas fue Nell Shipman que, a pesar de haber alcanzado por ese medio reconocimiento decidió escribir, dirigir, editar y producir sus propias películas buscando así poder salir del sistema que se encontraba dentro de Hollywood el sistema de estudios y se mudó a Idaho en donde estableció su propia productora llamada

Priest Lake. Esta hazaña la convirtió a Nell en una de las primeras cineastas en poder independizarse y trabajar fuera del sistema en el que se manejaba el cine estadounidense de

Hollywood. Marion Wong es una artista estadounidense de origen chino que actuó produjó y dirigió sus propias películas. Frances Marion y Gene Gauntier eran guionistas creadoras de personajes fuertes y luchadores.

Investigadores mencionan que resultaba más fácil encontrar un puesto de trabajo dentro de la industria cinematográfica cuando ésta, se encuentra en un estado de desarrollo, ya que el crecimiento de una industria provoca una mayor rentabilidad y competencia. Los puestos más elevados, desde un comienzo, fueron designados siempre por hombres para hombres, logrando así mayor antigüedad y por ende autoridad dentro de la industria. Los roles dentro de producción, que estaban encargados de tomar las decisiones más importantes estaban ocupados por hombres mientras que las mujeres quedaban excluidas a puestos de menor importancia.

A pesar de todas las trabas que se presentaban en el camino de las mujeres que quisieron incursionar en este rubro, se pueden evocar varias que lograron salir del anonimato silencioso que las seguía. Por ejemplo, Zora Neale Hurston, Alice Guy-Blaché y Lois Weber que se involucraron en la realización de películas de todo tipo de género documental o narrativas que ofrece una perspectiva femenina del mundo. Estas mujeres lograron consolidarse con una mayor fuerza de lo que actualmente se cree en el rubro cinematográfico. No obstante, nunca adquirieron el reconocimiento merecido por el control sindicalista dirigido por hombres, que

45 limitó a las mujeres a puestos de bajo reconocimiento. A pesar de esto las mujeres pudieron mantenerse dentro de la innovación y la expresión artística.

The Business Woman es una serie que detalla alrededor de treinta trabajos diferentes dentro de la industria cinematográfica la cual estaba conformada por mujeres desde actrices, hasta editoras de cine, diseñadora de vestuario, guionista, escenógrafa, directora de casting y departamento, gerente hasta producción y dirección. En el cine hubo verdaderas pioneras femeninas como Nell Shipman, Mary Pickford, Jane Campion, Kathryn Bigelow y Dorothy

Arzner, las cuales ayudaron a forjar los cimientos para futuras generaciones de cineastas que contribuyeron al arte.

3.2. Reconocimiento

Pieter Aquilia es una guionista que habla sobre el rol de las mujeres cineastas y sobre su contribución dentro de la industria, menciona que la presencia de mujeres dentro de una productora filmográfica se puede remitir a los mismos orígenes del cine. A pesar de esto, aun en la actualidad, no se ha logrado un reconocimiento por su labor creativo. Desde la década de 1880 a 1929 existieron muchas mujeres pioneras como actrices, guionistas y directoras que hasta ahora no han sido reconocidas por sus roles. Uno de los ejemplos más claros es el de una productora y directora francesa Alice Guy-Blaché la cual hizo su primera película en 1886 y supervisó más de 150 películas como directora de producción en Gaumont Chronophone, esto fue antes de establecer su propia compañía en New York en 1910 McMahan del año 2002 pero hay que resaltar que en la mayoría de los casos en Hollywood los roles no estaban definidos.

El comportamiento de pensar y las características culturales de varios individuos dentro de la industria es ilustrado en el sistema de estudios en Estados Unidos de 1890 a 1929 que utilizaban los términos de director y productor para describir un cineasta dentro del cine mudo.

Muchos de estos directores y productores se encargaban de manejar grupos grandes de producción dentro de la industria los cuales estaban conformados por mujeres. A continuación, dentro de Hollywood, aparecieron compañías con nombres de estrellas como Olga Petrova,

Leah Baird, Marion Leonard, Hel Gardner, Gene Gaunter, Ethel Grandin, Florence Lawrence y muchas más en las cuales las mujeres tenían tareas cada vez más importantes dentro de estas compañías y productoras queriendo tener más control del producto final. Mary Pickford fue una de las estrellas que consiguió un acuerdo con la industria que le permitía hacer mayores ganancias y tener un control más creativo de sus obras, con el tiempo en 1916 Mary logro igualar a muchos de sus compañeros cineastas ganando un sueldo similar como el de

Chaplin. Pickford logro establecer su producción cinematográfica asegurándose tener voz en sus proyectos como son la asignación de roles de reparto y directores. Firmó en 1918 un acuerdo con First National del cual se le garantizó un control creativo completo desde el guión hasta el montaje final. Pickford junto a Chaplin, Douglas Fairbanks y Griffith se asocian para formar la Corporación de Artistas Unidos “Pese a que su relación con la First National empeora, la fundación de esta nueva compañía distribuidora genera la independencia de los artistas, ofrece nuevas oportunidades y da rienda suelta a la libertad creativa (Aldea de los molinos de agua, 2018)”. A pesar de haber podido controlar sus realizaciones cinematográficas Pickford no recibió nunca crédito de su productora.

La historia muestra que las mujeres lucharon por poder ser definidas como productoras, directoras, guionistas y las realizaciones cinematográficas en las cuales se vieron inmersas comúnmente anuncian su legado, pero en muchos casos sus roles como actrices opacaban su labor como productoras inmortalizando su imagen más no su aporte detrás de camara.

El productor desde sus inicios es responsable del financiamiento, conocimiento técnico y aportación creativa. Desde los comienzos del cine y la industria, al ser Hollywood un ejemplo de generación de ingresos, se convirtió en un negocio creativo y esto obligaba a la industria a

47 que deba generar una taquilla para administrar las ganancias. En la época dorada de esta industria, para las productoras mujeres que trabajaban en el cine mudo eran catalogadas como actrices o directrices, mientras que a los directores masculinos de cine a menudo se los llamaba productores. “Los cargos como productores, ejecutivos de producción, gerentes de estudio o jefes de producción se asignaban a personas que administraban estudios más pequeños dentro de una entidad cinematográfica más grande” (Citado en Cooper, 2010, 40).

Gaines y Vatsal (2011) creen que por esta práctica fue que las mujeres que estaban involucradas en empresas de producción, con el rol de productoras, servía como un medio para agregar una faceta a una carrera, sin embargo, estos títulos solían confundirse, y el rol de productora y directora se entremezclaban. Por este motivo cuando se busca el trabajo de una mujer es importante mirar más allá del título de directora o guionista debido a que muchas mujeres asumieron posiciones de trabajo en otros roles.

Muchas autoras femeninas realizaron y formaron parte de productoras de cine pequeñas e independientes a finales de 1910 buscando tener más participación y reconocimiento en sus proyectos. Wright Wexman (2013) señala la dificultad de determinar las contribuciones precisas de las mujeres cineastas en la era del cine mudo debido a la complicación de frases ambiguas como: adaptación por…, historia por …, editorial por…, y así en general.

La contribución de mujeres al control del financiamiento de la industria del cine mudo está lleno de contradicciones debido a que varios autores opinan de manera diferente. Cooper y Mahar creen que muchas compañías cinematográficas dejaban que los hombres controlen el dinero mientras que Gaines y Vatsal (2013) creen que los hombres eran los que financiaban mal la industria. Esto creían que se manifestaba dentro de los matrimonios de directores y productores importantes como Herbert Blaché esposo de Alice Guy-Blaché. Sin embargo, los investigadores creen que mujeres como Mary Pickford demostraron ser un contraste debido a

48 que manejó con perspicacia sus negocios como la productora Mary Pickford Famous Players

Company.

3.3. Puesto Secundario.

Antes de la industria cinematográfica no había editores de cine, ni realizadores, las personas que filmaban lo hacían por interés propio y por diversión. Los padres del cine, Thomas Edison en los Estados Unidos y Los Lumiere en Francia eran pesimistas sobre el futuro del cine. En esa época había un interés mundial en ver imágenes en movimiento, pero surgía la pregunta del porque la gente pagaría por ver imágenes que ven en su vida cotidiana. Edwin Porter empleado de Edison demostró que estaban equivocados ya que el descubrió que cortando planos y pegándolos podía crear una historia realizando así la película de Life o fan American

Fireman (1903) que trataba sobre un bombero y un incendio el cual impacto a la audiencia.

Hollywood en 1926 empezó a despegar con varios films que realizaban dentro de la industria cinematográfica más grande de Estados Unidos.

El cine al no tener futuro o eso fue lo que creían Edison y los Lumiere, prestaba sus puestos de trabajo dentro de la industria a mujeres debido a que lo veían como entretenimiento de feria. Las mujeres trabajaban reuniendo miles de metros de película para que se pueda contar una historia interesante de forma sencilla. Ensamblar bobinas y cortar negativos era un trabajo tedioso en el que eran ubicadas jóvenes trabajadoras. De este trabajo surgieron mujeres que ayudarían a desarrollar varias técnicas de edición que se convirtieron en el sello distintivo del estilo de Hollywood. Las mujeres no solo actuaban en la época dorada, sino que estaban detrás de cámara, su participación era más profunda y amplia de lo que se escucha. Las madres del cine estaban contribuyendo incluso antes de que las películas sean sonorizadas.

En 1915 Thomas Harper Ince era uno de los productores y directores más conocidos, el cual participó en organizar los métodos de producción en la disciplina que todavía se practica en la

49 actualidad. Este control se organizó detalladamente a través de un guión de continuidad, el cual estaba a menudo presentado por mujeres conocidas como guionistas. La evolución del guión de continuidad fue simultánea con cambios en el estilo cinematográfico, haciendo que los cineastas empezaran a explorar las diferentes escenas y como estas se podían dividir en múltiples tomas. Este estilo requería de un gran trabajo ya que había que tener cuidado por la combinación de escenas y tomas en movimiento. Se necesitó de un gran cambio dentro de los estudios, el cual requería de mucha eficiencia a la hora de trabajar. Un productor asumió la responsabilidad de supervisar toda la producción. En la post producción al rodaje se requería de editores o cortadores para que reunieran los cientos de planos enumerados de la película en la cual el director ya no participaba. En este trabajo no fue ninguna mujer nombrada por su rol de editora haciendo que se pierda con lo largo del tiempo su contribución a la historia cinematográfica y que su labor sea olvidada.

Durante gran parte de la historia de Hollywood no hubo prácticamente oportunidades de reconocimiento y fama para las mujeres, a excepción casos específicos de mujeres que escribían guiones y actuaban. Muchas de las mujeres que trabajaron de editoras o cortadoras casi nunca recibieron su crédito en pantalla, mujeres que se encargaban de ir pasando las películas en bobinas con manivelas cortando y pegando manualmente la película.

Dentro de las áreas de la edición se introdujo una máquina para editar llamada Moviola en

1924, debido a esto el proceso de edición se volvió más rápido y fácil pero no dejaba de ser tedioso y mal pagado, es por eso que la mayoría de trabajadores seguían siendo mujeres jóvenes de clase trabajadora. El rol del encargado de ser cortador de películas se convirtió en mantener una alta creatividad y menos continuidad adecuada.

Un nuevo estudio publicado el miércoles 01 de abril del 2020 en la revista Plos One revela que el cine en Estados Unidos en la época de oro estaba empañado por una profunda desigualdad de género debido a que:

Los investigadores de la Universidad de Northwestern constatan que la representación femenina en la industria del cine alcanzó un mínimo histórico entre 1920 y 1950, tras analizar un siglo de datos del archivo del Instituto Americano de cine y de la base de datos IMDB (Clarín, 2020).

Durante la época dorada de Hollywood, los nombres como, Louis B Mayer, Darryl F. Zanuck,

D. W. Griffith y Cecil B. DeMille se convirtieron en la cara de la influencia y el poder que decidía quien trabajaba y quien no en los estudios de la época. El viejo dicho de que detrás de un gran director hay una mujer se aplica a estos hombres dominantes ya que todos ellos confiaron en el juicio de las mujeres que los rodeaban como por ejemplo Virginia la esposa de Zanuck lo dirigió a lo largo de su vida, esto de igual forma se ve en Mayer quien era dirigido por su secretaria Ida Koverman. El equipo creativo femenino de DeMille en el cual estaba su esposa

Costance y la guionista Jeanie Macpherson. También están estas tres editoras como, Margaret

Booth que comenzó su carrera en el cine mudo y trabajó en la década de 1930 hasta 1950 con Mayer en Metro Golden Mayer y que logró conseguir un puesto administrativo en el estudio. Anne Bauchens con DeMille en Paramount Pictures y Barbara Mclean con Zanuck en

20th Century Fox Film Studios.

Anne Bauchens fue la editora de cine del principal generador de ganancias de Cecil B. DeMille.

Booth, Mc Lean y Bauchens representaron a las tres únicas de ocho editoras de cine que trabajaban en Hollywood en la década de 1930. Booth fue la editora que tuvo más influencia en la industria, mucho después de que Mayer dejara MGM en 1951 continuó ella de editora hasta 1968 donde fue ahí que Ray Stark la contrató como su editora supervisora hasta 1982.

Margaret se convirtió en la decana de la industria cinematográfica uno de los pocos cruces

51 entre el viejo y el nuevo Hollywood. A diferencia de Booth, Barbara se mantuvo firmemente en el departamento editorial por su determinación personal y un historial profesional envidiable.

Anne Bauchens nunca salió de las sombras de la personalidad de DeMille para independizarse como editora.

3.4. La desigualdad

A diferencia del término director de género neutro, cuando uno piensa en las personas que formaban parte del rodaje como detrás de cámara, parece ser un lenguaje común referirse a ellos como camarógrafos. A pesar de que la mujer ha estado detrás de cámara desde que comenzaron las primeras industrias cinematográficas como en Hollywood, los nombres de estas trabajadoras son más desconocidos si se compara con los homólogos masculinos. Sin embargo, ellas han hecho de igual forma contribuciones importantes a la realización temprana de esta industria. Dentro del libro The Guinness book of movie: Facts and feats de Patrick

Robertson (1993) que trata sobre hechos y logros cinematográficos, menciona a Rosina

Cianelli como la primera directora de fotografía del mundo por An Original Transformation

(1915). En el libro, Rosina Cianelli recibió un crédito junto con su esposo Paolo Benedetti quien fue el director de la película. La película tiene un montaje con características del estilo de

Méliès la cual fue protagonizada por los hermanos Lazari y filmada en el primer estudio cinematográfico de Brasil, el Photo-Cinematographica Brasileira. Es curioso mencionar como

Benedetti tiene varias menciones y créditos como director, director de fotografía, productor y actor, mientras que Cianelli pasa desapercibida con poco reconocimiento. Es poco probable saber con exactitud en cuantas películas trabajo Cianelli, a pesar de la cantidad de libros que existen sobre la historia del cine en ese periodo.

Se cuestiona la afirmación del libro Guinnes debido a que hay una tendencia a hablar sobre los inicios del cine desde una perspectiva masculina. El cineasta se llega a preguntar y

52 cuestionarse donde están las contribuciones de las mujeres en esa era de la cual se perdió registro de al menos el 75% de las películas de la época dorada junto con los trabajos de las mujeres.

El cine en sus comienzos al tener poco crecimiento en plena iniciación la persona creativa que quería realizar una película solía estar detrás de cámara siendo el director, ósea que no estaban aun bien definidos los roles. En la era dorada los roles de producción de tecnología y cine a menudo se compartían, pero en 1919 se fundó la Sociedad Estadounidense de cinematógrafos (ASC), la cual consistía en reconocer al director de fotografía por su práctica con la iluminación y cámara para la creación de películas, debido a que cuando empezó a avanzar la tecnología, la gente empezó a dejar de compartir roles y dentro de la industria de cine comenzó a estandarizarse que hubiera una persona que manejara de manera física la cámara y que la utilizara como medio creativo. Al año siguiente de que se reconociera el puesto de dirección de fotografía una revista que en la actualidad publica llamada American

Cinematographer tenía como presidente a Homer Scott desde 1925 a 1926. Scott fue nombrado diez años antes como el primer camarógrafo del director estrella de Hollywood

William Desmond Taylor.

Dentro de Hollywood se han producido una gran cantidad de comentarios sobre la escasa participación del representante femenino. “El campo de la dirección de fotografía, uno de los más importantes en una producción cinematográfica, se mantiene como mayoritariamente masculino, con solo 2% de las películas de alto presupuesto fotografiadas por mujeres durante

2013” (Lincoln, 2020).

Grace Davison nació de una familia adinerada de Long Island y se educó en escuelas públicas y privadas en la ciudad de Nueva York. Ella actuaba en obras cinematográficas, pero tenía experiencia en tomar fotografías con una cámara Graflex. Su fascinación por la fotografía

53 aumento y comenzó a tomar lecciones formales hasta que empezó a filmar escenas para el director Albert Ray. Davison empezó a trabajar junto con Harry A. Fischbeck y Al Ray convirtiéndose así en la camarógrafa del estudio. Grace más tarde estableció su productora y en 1918 produjo su primer largometraje llamado Wives of Men (1918) en el cual tuvo un pequeño papel. El film fue filmado por su antiguo mentor Harry Fischbeck y escrita y dirigida por John M Stahl. A pesar de que Grace participó en el rol de productora dentro del film y enfocó su carrera a estar detrás de la cámara no quedó registro de su carrera después de su papel principal en el melodrama The Splendid Lie (1922) dirigido por Charles Horam para J.

G. Pictures.

En 1914 Katherine Symon realizó una entrevista a Francelia Billington sobre su papel delante y detrás de la cámara en Photoplay Magazine en la cual ayudaba al director W. C. Cabanne en Reliance Majestic, uno de los estudios de la industria de cine donde D. W. Griffith trabajó.

En la entrevista Francelia le reconoce a Symon que sigue siendo una novedad ver a una chica más interesada en un problema mecánico que en el maquillaje, haciéndole recordar que siempre había sido una fanática de la cámara. Su padre le había obsequiado una cámara de pequeña lo cual llamó su atención, desde pequeña empezó a introducirse en la industria por medio de las actuaciones que hacía en producciones escolares. En 1912 comenzó a trabajar en los West Coast Studios de Kalem Company y luego se mudó al Reliance Majestic. En 1915

Photoplay reprodujo una fotografía de Billington detrás de la cámara informando que todavía estaba trabajando en Reliance Majestic. Francelia se centró en la actuación obteniendo elogios de la crítica apareciendo en westerns y melodramas. Murió en 1934 de tuberculosis a los treinta y nueve años, su muerte pasó desapercibida en la comunidad cinematográfica. Pero según esta evidencia parece que el trabajo de Billington detrás de la cámara en 1914 sea anterior a Rosina Cianelli y Grace Davison.

Louise Lowel es una de las mujeres que puede reclamar el primer puesto a el camarógrafo de noticiarios bajo el contrato con Fox News en 1920. Photoplay describe su vida comentando que Louise siempre llevaba su cámara y tomaba fotos de sus aventuras en el Lejano Oriente y América del Sur, las cuales utilizó para acompañar en los artículos que escribió su padre.

Louise se mudó a Inglaterra donde estudio aviación y reemplazó la cámara fija. Las imágenes que tomó y fueron publicadas impresionaron a Foxs News, lo cual hizo que firme un contrato como la primera reportera de noticias en el mundo y la primera aérea. Lamentablemente la afirmación de que Lowel es el primer fotógrafo de noticieros, puede ser discutida debido a que en Moving Picture World el 9 de junio de 1917 está la historia de Miss Dorothy Dunn, actriz que tiene la distinción de ser la única fotógrafa del personal en el campo de la fotografía cinematográfica debido a que firmo para trabajar en Universal Animated Weekly.

Dorothy Dunn apareció en el mundo del cine atraída por los aspectos técnicos de este, fue tan grande la atención que tuvo sobre él que pasó su tiempo libre aprendiendo sobre las cámaras y el rodaje. Se unió al cuerpo de fotógrafos de noticieros Universal Animated Weekly donde cubría su trabajo de igual forma como los demás trabajadores que operaban una cámara.

Dunn puede haber sido sin duda la primera mujer fotógrafa del personal en el campo de la fotografía en movimiento. Una de las mujeres que también participó en la realización dentro del cine fue Katherine Bleecker, una mujer interesada en trabajar en el proyecto de Alexander

Clealand el cual consistía en documentar una película en tres de las instituciones penales más importantes de New York que son Auburn, Sing Sing y Great Meadow. En las cuales creó una serie de documentales y películas educativas para presos. Bleecker tomó fotografías de prisioneras cultivando, construyendo carreteras y trabajando en una parcela de conservación, ya que esos videos eran dirigidos para campañas de JCPR para mejorar las condiciones carcelarias. La motivación de Katherine era acabar con secciones tan indescriptibles de Hades como Sing Sing, y comenzar colonias agrícolas para mejorar la condición física y mental de

55 los convictos. Los registros de la Oficina de Películas Comunitarias incluyen tres cortometrajes educativos lanzados en 1915 llamados Un día en Sing Sing (1915) y Una prisión sin muros

(1915). En 1931 el Spokane Sily Chronicle público un artículo sobre el nombramiento de

Bleecker como secretaria social de la postal telegraph company con el mandato de corregir los errores sociales de Estados Unidos. La experiencia de Katherine de documentar los sucesos que sucedían en la prisión, contribuyó a su posterior cargo que ocupó en Broadway

Theatre the Universal Film Company de gerente.

Las mujeres que trabajan en Estados Unidos detrás de cámaras son más discutidas que las que trabajan en el Reino Unido, ya que representan una minoría. Como por ejemplo Jessica

Elvira Borthwick quien incursionó en el cine de manera breve pero impactante ya que filmó y fotografió la segunda guerra de los Balcanes. Al momento de dirigirse a esta expedición lo realizó por su propio interés ya que no trabajaba con ninguna organización. Cabe destacar que una de las mujeres que trabajaba detrás de cámara antes de 1913 fue Laura Eugenia Smith nacida en Ramsgate, Kent en 1864, ella junto a sus hermanas Blanche, Florence y Eva actuaron en la compañía de teatro de J. D. Hunter y en 1908 obtuvieron un patente para un proceso de película en color. Laura formo parte de la grabación y realización de las cámaras que vendieron. Smith con Charles Urban dirigieron la Warwick Trading Company en la cual diseñaron una cámara llamada la Biokam. El Biokam es una cámara de 17, 5 mm que tiene la mitad del ancho estándar de 35 mm y su intención era alentar a las mujeres específicamente a filmar películas. Esta herramienta también era una impresora y un proyector. Tony Fletcher un historiador cinematográfico descubrió que entradas de Biokam se dan bajo las iniciales L.

E. S., que significa Laura Eugenia Smith. Se comercializaron más de 1000 películas de

Biokam, Smith se retiró del cine durante la primera guerra mundial y su última entrada en sus libros de caja de LE Smith fue en 1908. Laura nunca ha sido considerada miembro por derecho propio en la historia del cine, sino que fue conocida como la esposa de Smith ya que al morir,

56 su esposo registró su muerte anotando su ocupación como esposa de George Albert Smith, asesor técnico de cinematografía. Los logros de la pantalla son un final triste para una mujer que puede presumir ser la primera directora de fotografía del mundo, pero en realidad solo fue olvidada como todas estas mujeres que han sido silenciadas a lo largo del tiempo dentro de esta industria.

Capítulo 4. Mujeres empoderadas En este capítulo se encuentra una amplia gama de mujeres inspiradoras que hacen películas de diferentes formas. Esta tesis plantea una ayuda a futuras cineastas que pretenden encontrar historias de mujeres que trabajaron dentro de la industria cinematográfica hollywoodense cuando se encontraba llena de prejuicios en aquella época.

Para mencionar el compromiso que tuvieron las mujeres en el cine, es esencial trazar una historia que vaya más allá de los roles pioneros desempeñados por directoras y guionistas en los principios de Hollywood. Tenían trabajos como periodistas, criticas, activistas y educadoras, debido a que las mujeres definieron el panorama de la cultura cinematográfica estadounidense en sus primeras tres décadas. En 1915, escribir sobre cine constituye un elemento clave de la cultura que rodeaba las películas. Los periódicos revisaban las películas de la década de 1910, fomentaban un discurso crítico sobre las técnicas de interpretación, las líneas argumentales preferidas y el estilo cinematográfico. Debido a esto la cultura cinematográfica se extendió más allá de los límites del teatro, para abarcar una amplia gama de discursos sobre el arte, la industria, el género y la etnia publicados en periódicos, revistas y otras variedades de fuentes. Las mujeres fueron las autoras centrales en estos discursos, a su vez también formaban parte de la audiencia. Periodistas como Mary Heaton Vorse y Olivia

Howard Dunbar proporcionaron algunos de los primeros relatos de las audiencias cinematográficas. Escribiendo en revistas de moda como The Outlook y Haper’s Weekly,

Vorse y Dubar, interpretaron que el nuevo fenómeno de ir al cine estaba destinado para una elite educada. Los Ángeles Times fue el primer periódico que se interesó activamente en el negocio del cine, asignó a Grace Kingsley como columnista de películas en 1913 y creó una sección llamada The Preview para presentar escritos sobre la industria, sus estrellas y sus proyectos. Kingsley es referido por fuentes recientes como una columnista de chismes, pero su escritura, proporcionó retratos de los principales actores de Hollywood, incluidas muchas

58 de sus mujeres. Kingsley fue una de las primeras periodistas que dió forma a la cultura cinematográfica estadounidense a mediados de la década de 1910. La columnista sindicada con sede en Chicago, Gertrude Price, ayudó a promover el trabajo de las mujeres en todos los niveles de la industria cinematográfica. Su columna, publicada por primera vez a finales de

1912 se convirtió en una de las fuentes de chismes e información más leídas sobre las estrellas emergentes del cine. Los artículos de Price se centraban en las mujeres de la industria: artistas, directoras y guionistas. Kitty Kelly en el Chicago Tribune comenzó a escribir sobre películas a principios de 1914, los escritores de los periódicos de todo el país pronto siguieron su ejemplo. Casi todas mujeres: Mary B. Leffler escribió la columna Flashes from Filmdom en el Fort Worth Star-Telegram y editó la página de su película, Dorothy Day escribió la columna

News of the Movies en el Des Moines Evening Tribune. Columna diaria de Daisy Dean Nuevo

Notes from Movieland se distribuyó en los periódicos del Medio Oeste, una Film Girl anónima relató los estrenos en el Syracuse Herald. Mabel Condon corresponsal en la costa del New

York Dramatic Mirror, fue una de las varias mujeres que escribieron para periódicos comerciales en la industria. En Moving Picture World, Margaret I. MacDonald llamó la atención sobre las mujeres que trabajaban en Hollywood y recordó a los expositores y comerciantes sobre la importancia de su clientela femenina. Marion Howard escribió una columna regular que combinaba breves reseñas de películas con noticias sobre estrellas y próximas producciones. Las revistas femeninas de circulación masiva, se dedicaron a las películas a partir de al menos 1912, cuando Ladies World publicó la primera ficción en serie vinculada con la serie de películas ¿What Happened to Mary? En 1920 publicaciones como Ladies Home

Journal, Good Housekeeping y Womans Home Companion, todas con circulaciones masivas, publicaron perfiles de mujeres que trabajaban en Hollywood. Estas publicaciones ayudaron a posicionar a las mujeres como la audiencia principal de las películas y la cultura cinematográfica. Las mujeres fueron autoras de gran parte de este discurso de los fanáticos,

59 ellas fueron parte de proporcionar crecimiento a los aficionados del cine. En 1910 y 1920 la mitad de las piezas destacadas en cada volumen fueron escritas por mujeres como Adele

Whitey Fletcher, Fritzi Remont, Aline Carter y Pearl Gaddis entre otras mujeres que fueron colaboradores de Motion Picture.

4.1. Pioneras

En Photophay la mayoría de los escritores eran mujeres, siendo las más conocidas Ruth

Waterbury, Elizabeth Peltret, Mabel Condon, Agnes Smith y Frances Denton. En 1920 Adela

Rogerts fue una de las periodistas reconocidas que contribuyó en Photophay escribiendo cuentos de la vida en Hollywood en ficción y sobre todo en novelas en serie en las cuales denomina a Hollywood el puerto de las chicas desaparecidas. Empezaron las escritoras a desempeñarse en puestos de liderazgo editorial como es el caso de Florence M Osborne, que se convirtió en editora de Motion Picture en 1925. Por otro lado, Ruth Biery se desempeñó como editora de Photoplay y Kathryn Doughert también tomó importantes decisiones editoriales en dicha empresa asumiendo la dirección editorial en 1932. A la par de esta gestación importante de roles de la mujer en la industria, se crea una cultura de fanáticos que generó una industria del chisme sobre la vida de los famosos en Hollywood. En los titulares de la época, los cuales contenían escándalos de las estrellas de 1921 a 1922, se puede encontrar diferentes escándalos: el divorcio de Mary Pickford y el matrimonio con Douglas Fairbanks en

1920, el matrimonio de Charlie Chaplin con Lita Gray y el matrimonio poco convencional de

Rudolph Valentino con Natacha Rambova. La principal columnista de chismes fue Louella

Parsons, conocida por su columna diaria Flickerings from Film Land distribuida entre 1926 y

1965. Parsons se posicionó dentro de Hollywood evolucionando hasta convertirse en una especie de celebridad, proporcionó a los lectores una ventana única y privilegiada sobre la cultura de Hollywood. Parsons formó parte de un club de prensa de mujeres en Hollywood en

1928, que incluía a la editora anteriormente mencionada Ruth Biery. Periodistas que escribían

60 sobre mujeres activas en los inicios de Hollywood elaboraron retratos de estrellas femeninas.

Al crear un espacio de ocio centrado en mujeres dentro de la industria del cine lograron influenciar a las mujeres lectoras y fanáticas que leían y estaban interesadas en el cine de la

época. Dando paso a que los lectores puedan aprender sobre el cine femenino, como por ejemplo el caso de Helen Holmes, que combino el cine y la maternidad, o Lois Weber que trabajó en colaboración con su marido. Las mujeres periodistas fueron las primeras en escribir sobre el impacto social del cine y estas publicaciones salían en revistas populares y periódicos comerciales. Las mujeres desempeñaron un papel notable al ayudar a definir el creciente impacto del cine en la sociedad, sobre todo particularmente para las mujeres de clase media que participaban activamente en el movimiento de reforma. Las cuales ayudaron a atraer la atención sobre la mayoría de las mujeres, no solo las altos mando del área técnica dentro del cine industrial. Estos artículos de diferentes editoriales ayudaron a fomentar la crítica de las tendencias en Hollywood, brindando acceso privilegiado a celebridades y creando una cultura de fans con mujeres, estrellas, escritoras y lectoras. Ayudaron a dar forma a un discurso crítico y cultural en evolución sobre el cine popular, regularon el seguimiento del cine y la asistencia al mismo. Las mujeres utilizaron la función de ir al cine para promover su propia influencia, aprovechando su papel de consumidores como arbitras de su propio consumo y el de los demás. El activismo de las mujeres se basó en una visión anticuada que hace referencia a que las mujeres blancas de clase media, extendían su mano ayudando a las comunidades de inmigrantes y de clases trabajadoras.

Los comienzos de la década de los 20 fueron especialmente excitantes para las mujeres. En veinte años el número de trabajadoras fuera del hogar se había doblado. La mujer de los veinte tenía más poder adquisitivo que su madre y la industria la colmó pronto de necesidades para competir con éxito en el mercado social. (Huellas, 1982, p 6).

En Chicago las reformistas Jane Addams y Louise De Koven Bowen investigaron y escribieron sobre las condiciones en los teatros de Nickelodeon de la ciudad, con el fin de promover las películas como medio de entretenimiento para la gente joven de clase trabajadora. Ambas jóvenes querían alentar la regulación pública de la industria hollywoodense. Jane Addams pensaba que las películas podían transmitir lecciones esenciales sobre la sociedad y la moral.

Ella hacia 1907, instaló un teatro de cinco centavos en el Hull House Settlement donde vivía y trabajaba.

En 1910 las características de las narrativas cinematográficas comenzaron a dominar el mercado, los realizadores dejaron de lado las condiciones del teatro las cuales fueron su principal preocupación inicialmente y centrando su atención en regular el contenido de las películas. Las mujeres principalmente de clase media se ofrecieron para formar parte como voluntarias de la junta nacional de censura, las cuales evaluaban que películas iban a ser lanzadas. En 1915, 100 de 115 voluntarios eran mujeres. Poco se sabe sobre el personal que proyectó películas en juntas estatales de censura, pero es probable que fueran muchas mujeres activas en reformas progresistas.

Con el tiempo, hacia 1914, Chicago reemplazó su junta de censura policial con una comisión de diez personas de civiles asalariados. Las mujeres ocuparon la mitad de los puestos. Cuando

Nueva York estableció su comisión de censura cinematográfica en 1921, Variety, una entrevista dedicada al entretenimiento estadounidense, comentó sobre la novedad de una junta de censura sin mujeres, informando que se postularon sin éxito para los puestos dentro de la comisión de censura.

4.2. El club de las mujeres

Por otro lado, en aquella época surgió la Unión de mujeres cristianas por la templanza (WCTU) es una organización de mujeres que se interesaron activamente por el cine. Esta organización visitó los cines locales para calificar la buena disposición que ofrecían y enviaron cartas de agradecimiento a las empresas que produjeron fotografías. Los grupos de WCTU patrocinaron proyecciones de películas educativas en iglesias y salones comunitarios debido a que se percataron de los efectos que causaban las películas en los niños. La WCTU proclamaría que las películas están teniendo un efecto dañino sobre la moral pública y la juventud.

Empezó a aparecer un activismo moderado sobre el movimiento de mejores películas, una campaña de base para promover imágenes de calidad a través de revistas y clubes de mujeres. En 1916 el comité de cine de la Federación General de Clubes de Mujeres organizó una serie de conferencias a cargo de Mary Gray Peck, directora del Comité de drama de la

Federación, con la intención de asesorar a las mujeres de los clubes sobre la mejor manera de filmar para obtener imágenes de mejor calidad.

La Federación Internacional de Alumnas Católicas conocida como IFCA, estaba compuesta exclusivamente por mujeres. Revisó hasta 11.000 películas al año y luego distribuyó listas de títulos recomendados a las escuelas católicas de todo el país. El congreso nacional de padres y maestros, integrado principalmente por mujeres, distribuyó un folleto sobre películas respaldadas, entre las organizaciones de padres y maestros de todo el país. Revistas populares como Woman's Home Companion y Ladies World alentaron a los lectores a ejercer su deber como espectadores y exigir imágenes de calidad en sus comunidades, ayudaron a difundir los títulos recomendados y exigieron mejores tarifas a los expositores locales.

Woman´s Home Companion dirigió un Better Films service que publicó listas de películas recomendadas para sus lectores, el cual fue coordinado por la directora de la oficina Anna

Steese Richardson. Muchas integrantes del club formaron parte de un papel decisivo en el trabajo con los exhibidores comerciales, para diseñar programas saludables, entretenidos y adecuados para las familias con niños.

En 1912 El Women's Civic Club of Independence, Missouri se asoció con un exhibidor local para proyectar películas una tarde y noche cada semana ayudando en su campaña. Los clubes de mujeres participaron especialmente en la campaña de proyecciones infantiles.

En New York, Laura Cogsweel conocida como The Motion Picture Mother, fue quien formó la

Children’s Motion Picture League en 1913. Se hizo cargo de un teatro comercial en el empobrecido llamado Lower East Side de la ciudad para ofrecer proyecciones matinales gratuitas para los niños del barrio los sábados por la mañana. Los clubes de mujeres de Atlanta y Nueva Orleans hicieron esfuerzos similares, donde las integrantes del club contrataron a un fabricante de películas local para cortometrajes de un carrete con niños que asistían a sus programas matinales. Las mujeres no solo transformaron los espacios comerciales de exhibición con fines educativos, sino que también llevaron la proyección de películas a poblaciones desfavorecidas. Surgieron por ejemplos, las proyecciones de películas dentro de cárceles las cuales se convirtieron en una parte integral del movimiento más amplio de la reforma humana de la prisión en la década de 1910. Las mujeres estaban involucradas en un movimiento activo más amplio como lo demostró Alison Griffiths.

Cuando New York estaba envuelta en un escándalo de esclavitud, la Sra. SM Haggen, presidenta de Immigrant Girls Home propuso proyectar películas sobre el tema a mujeres inmigrantes nuevas en la ciudad. El interés que existía en esa época por promover el cine de calidad, llevó a los activistas de mejores películas a involucrarse en el movimiento del pequeño teatro. Se buscaba expandir la distribución de películas de arte europeas en los Estados

Unidos. En 1928 Regge Doran fundó Filmarte Theatre de Hollywood y en ese mismo año Little

Picture House de Nueva York fue inaugurada por un grupo de mujeres de la alta sociedad.

Aunque las revistas de mujeres y patrocinadores a menudo caracterizaron el movimiento de las mejores películas como un grupo de madres que estaban a favor del entretenimiento saludable para sus familias, de igual forma existían activistas que tenían una larga trayectoria en el servicio social y público.

Los 20 parecían ser la década de la prosperidad y la esperanza y las películas reflejaron rápidamente esta promesa. Se incluían ahora mujeres solteras que pretendían retratar a las ‘chicas’ de la época dorada del Jazz. Este cambio de imagen era solo de apariencia y estilo pues su fin último seguía siendo el matrimonio. Todos los films de la época tenían por objeto propagandizar en contra de la promiscuidad femenina y en favor de los antiguos valores (Huellas, 1982, p 6). Catheryne Cooke Gilman dirigió un movimiento de mejores películas en Minneapolis. Antes de asumir una posición de liderazgo nacional, había sido maestra de escuela y trabajadora de asentamientos en Hull House. Participaba activamente en campañas por el sufragio femenino.

Gilman tenía un interés progresista, ella creía que, si los problemas sociales eran documentados y publicitados, la sociedad respondería. La lucha de las mujeres afroamericanas en clubes contra la película El nacimiento de una nación en 1915 fue un notable activismo que se lo puede tomar como ejemplo. Margaret James Murray, presidenta de la Federación Noreste de Clubes de Mujeres de Color y esposa de Booker T. Whashington, organizó una campaña exitosa de redacción de cartas en protesta por la asociación de la escuela con la epopeya racista. Según Richard Kozsarski, las campanas tuvieron un impacto duradero en la cultura estadounidense debido a que el movimiento de las mejores películas estuvo bien organizado. Paramount estaba construyendo una marca identificada con el cine de calidad, invitando a las asistentes del cine que hablen directamente con los exhibidores en sus cines sobre los films que deseaban ver allí. Los líderes de la industria tuvieron cuidado de cultivar un espíritu anti censura entre los activistas involucrados en la campaña. Se decía a las mujeres del club que la censura no se adaptaba a una sociedad progresista y moderna. El

65 escritor de Moving Picture World W. llamado Stephen Bush promovió la cooperación constructiva entre los expositores y las jóvenes, alabando su valioso y constructivo trabajo que promovió campañas en todo el país. En 1919 surge la Federación Nacional de Mejores

Trabajadores del Cine. Delegadas de todas las organizaciones de mujeres prominentes, incluido el consejo nacional de mujeres, la WCTU, las hijas de la revolución americana y la asociación nacional del sufragio de la mujer, se reunieron en Nueva York para diseñar una plataforma opuesta a la censura oficial de películas. La censura era demasiado propensa a caer bajo la influencia de los políticos, la ex presidenta del grupo Wome’n City Club de los

Ángeles exigía que las imágenes dentro del cine tengan un mensaje. Barry había trabajado con éxito con expositores en California y estaba ansiosa por poner en práctica sus métodos a escala nacional. Insistió en que las mujeres del club estaban mejor capacitadas para proteger los intereses de la comunidad y de la industria cinematográfica, antes que los políticos. Cuando

Will Hays asumió el liderazgo de la Asociación de productores y distribuidores de películas

MPPDA en 1922, no perdió el tiempo en contactar grupos de mujeres que habían sido críticos en Hollywood. Hays apoyó públicamente la realización de películas con mejor contenido y calidad para incentivar a los niños dentro de la sociedad. Cultivó relaciones con activistas prominentes como Catheryne Cooke Gilman.

En 1927 la MPPDA intensificó la autorregulación de la industria, formando así un comité de relaciones de estudio para evaluar guiones y películas terminadas. Asistieron organizaciones de mujeres, incluidas la Federación General de Clubes de Mujeres, la IFCA y los grupos de bibliotecas. En 1928, Hays llamó a las mujeres del club y eligieron a Alice Ames Winter, ex presidenta de la Federación General de Clubes para que formara parte del comité de relaciones del estudio. Los esfuerzos que realizaba Hays para atraer a las mujeres reformadoras no siempre tuvo éxito, debido a que sus aliados se desilusionaron con los esfuerzos de la MPPDA por vigilar la industria desde adentro. Maude Aldrich, directora de

WCTU el departamento de películas, rechazó la oferta de Hays, eligiendo en cambio continuar abogando por el control federal de las películas. En 1925 tanto Alice Ames Winter, como

Maude Aldrich, se unieron al Consejo Federal de Cinematografía. Este buscaba crear una comisión independiente que supervisaba la industria cinematográfica, inspeccionando y modificando si es necesario la película por contenido sexual, desnudez, juicio criminal o consumo excesivo de alcohol.

Las mujeres siguieron siendo el rostro público de la campaña del grupo, el consejo propuso que al menos cuatro de los nueve puestos de la comisión, fueran ocupados por mujeres. En

1928 Gilman fue elegido presidente y junto con la directiva del consejo decidieron que la reforma cinematográfica era en última instancia un asunto de mujeres. Los reformadores junto con las mujeres de club centraron la atención en regular la industria del cine. Las jóvenes como objetivos de reforma desempeñaron un papel decisivo en la promoción, proyección y visualización de películas. Se daban lugar en entornos no teatrales como escuelas, museos, bibliotecas, clubes y lugares de trabajo. Surgieron nuevas publicaciones como Educational

Film Magazine y Educational Screen, que proporcionaron información a educadores, trabajadores sociales y bibliotecarios, la mayoría de los cuales eran trabajadoras mujeres. Los libros escritos por Gladys y Henry Bollman como Motion Pictures for Community Needs: A

Pratical Manual of Information and Suggestion for Educational de 1920, brindó consejos prácticos sobre como reservar películas de intercambios y de cómo equipar y administrar una instalación para proyección.

4.3. Persistencia en su labor

Las mujeres ayudaron a ser pioneras en la distribución de películas no teatrales. En 1911 dentro del departamento de Educación de la General Film Company, Ruth Dolesé se convirtió en la primera jefa. Ella se encargó de compilar su primer catálogo de películas educativas que

67 abarcaban diferentes categorías como por ejemplo, sociología, bellas artes, geografía, viajes, ciencias naturales, arte e historia. Dolesé escribió artículos promoviendo películas educativas y habló sobre su valor en entrevistas. Katherine F. Carter fundó en 1915, Educational Films

Corporation que se ocupaba de promocionar entretenimiento cinematográfico para clubes, hoteles y residencias privadas. Carter antes de Educational Films, estaba a cargo de la división educativa de General Film el cual dirigía divisiones educativas encabezadas por mujeres.

La educación fue el campo por el que la mujer abrió brecha en su búsqueda de trabajo remunerado y reconocimiento social. Al menos en el ámbito occidental, la mujer como docente lleva más de un siglo asentada y el cine parece no cansarse de llevarla a la pantalla (Wangüemert, 2016, p.3).

La introducción de tecnología en 1923, contribuyó a la circulación de películas fuera de los circuitos de exhibición comercial. Surgió un nuevo indicador que mostraba que solo ese año,

15.000 escuelas, iglesias y clubes proyectaban películas. Esto ayudó a estimular un movimiento de instrucción visual entre los maestros de escuela. Anna Verona Dorris, autora de instrucción visual en las escuelas públicas en 1928, estaba interesada en ayudar a las mujeres a sentirse como en casa utilizando la tecnología de 16 mm en sus aulas. Las bibliotecarias de las cuales la mayoría eran mujeres, fueron fundamentales para apoyar las proyecciones no teatrales y cultivar una cultura cinematográfica. Los bibliotecarios sugerían libros que podían leerse junto con las proyecciones de cine locales. Muchas de las primeras organizaciones feministas produjeron películas para obtener apoyo por sus causas. Una gran parte del activismo femenino se centró en la vigilancia del cine en esos años, reconociendo así su autoridad persuasiva. Las dos principales organizaciones de sufragio femenino de

Estados Unidos, utilizaron películas para promover su causa a principios de la década de 1910, cuando la lucha por el derecho al voto se intensificó en todo el país. En 1912 la Unión política de mujeres WPU produjo una comedia de un carrete llamada Sufragio y un joven que aprende a valorar el activismo de su pareja. Ese mismo año, la National American Woman Suffrage

Association produjo Votes for Women. Un drama de dos carretes que incluía documentales del desfile por el sufragio de 1912 en New York, junto con apariciones en pantalla de la líder de la organización Anna Howard Shaw y Jane Addams. Tuvieron apariciones en diferentes películas como por ejemplo cuando la líder de la WPU, Harriot Stanton Blatch se interpretó a sí misma en la parte dramática de la película, apoyando a la heroína de la película.

En Chicago, NAWSA se unió a Selig Polyscope, Productora de The Adventures of Kathlyn, para hacer su película Your Girl and Mine en 1914. Se contrató a Gilson Willets, autora de la serie de Kathlyn para redactar la función de Sufragio. La presidenta de NAWSA, Anna Howard tuvo una nueva aparición en la película. Ambas organizaciones promovieron sus películas en entornos comerciales y no comerciales. La otra causa feminista principal de la época era la lucha por legalizar la anticoncepción o la maternidad voluntaria, tema que también fue dramatizado en varias películas.

Margaret Sanger coescribió el largometraje Control de la natalidad, en 1917. Una crónica de su carrera como enfermera transformada en defensora del control de la natalidad, interpretándose a sí misma en la pantalla. Sanger planeaba hacer una gira por el país con la película que promocionaba su causa, pero fue interrumpida por las prohibiciones de control de la natalidad en varias comunidades. Sanger al igual que los activistas de la causa de Sufragio, veían a los espectadores como potenciales compañeros que podían ser convocados para la acción. Las salas de cine se imaginaban como espacios de organización revolucionario. La lucha de Sanger fue dramatizada por Lois Weber en la película The Hand That Rocks The

Cradle, en 1917, quien también interpretó al personaje principal de la película como una defensora del control de natalidad, a quien los críticos contemporáneos reconocieron como una sustituto de Sanger. Si la propia película de Sanger terminó con la activista en prisión,

Weber reinventó la narrativa para concluir con su heroína liberada de prisión y la legalización de la anticoncepción en el estado de Illinois.

Las mujeres estuvieron presentes en los primeros esfuerzos por reformar la política, las aulas y los lugares de trabajo estadounidenses mediante el uso de imágenes en movimiento, para también reformar al cine. Las mujeres desempeñaron un papel fundamental en la definición de la cultura cinematográfica estadounidense. Analizaron el nuevo fenómeno social de la asistencia al cine, fueron pioneras en el arte de la crítica de películas y crearon una cultura de fanáticos por, para y sobre las mujeres. Una historia del cine que reconoce este trabajo de incidencia y activismo, mueve a las mujeres de los márgenes a un centro. Reconociendo la importancia de su labor para el crecimiento del cine y la escritura de guiones en la configuración de la cultura cinematográfica durante la era del cine mudo.

4.4. Directoras

Es común encontrarse con espectadores que desconocen el hecho de que existieron varias mujeres involucradas en los primeros pasos del cine. Esto se debe a la falta de reconocimiento en cuanto a la mención de las mismas en las producciones. La búsqueda que se realizó para implementar dentro de este proyecto de grado, se focalizó en profundizar en la historia del cine y evidenciar que las mujeres han estado presentes desde las primeras instancias. La historia del cine es mucho más diversa de lo que comúnmente se reconoce.

Cuando hablamos de Cine y Mujeres, de Mujeres y Cine, habitualmente, debido a un hábil trabajo de marketing llevado a cabo en las últimas décadas por los productores y distribuidores, conscientes de que un importante porcentaje de los espectadores es femenino, asociamos el cine de mujeres con las mujeres directoras. Pero las relaciones entre las Mujeres y el Cine, van mucho más allá […] (Castejón, 2004, p.304).

Hay muchas directoras ocultas en los archivos como Ida May Park, Vera McCord, Leontine

Sagan, Wanda Tuchock, Germaine Dulac, Lotte Reiniger, Esfir Shub, Lucie Derain, Jacqueline

Logan, Elizabeth Pickett y Dorothy Davenport. Hay que destacar a tres directoras que tuvieron un impacto extremadamente significativo en los inicios de la industria cinematográfica

Hollywoodense. Alice Guy-Blaché, quien realizó la primera película narrativa en 1896 en Paris y posteriormente llevó este film a New York. Lois Weber siguió los pasos de Guy y llegó a

California donde fue la directora mejor pagada en Hollywood en 1916. Dorothy Arzner emergió de los sistemas de Hollywood y se convirtió en una sorprendente directora realizando importantes producciones de estudio hasta 1943, marcando el comienzo de la edad de oro de

Hollywood. Estas directoras tienen una filmografía sustancial ya que lograron formarse como estrellas más allá del dinero y reconocimiento por sus grandes películas. Estas mujeres no estaban en los alrededores de la industria cinematográfica, sino que fueron promotoras haciendo películas y tomando decisiones. A pesar de este reconocimiento que tuvieron en su

época, en la actualidad, encontrar su información resulta complicado. La historia cinematográfica las ha borrado junto con sus esfuerzos. Afortunadamente, poco a poco, las pioneras del cine temprano están obteniendo más reconocimiento y más exposición a través de la investigación de Ally Acker, Alison McMahan, Shelley Stamp y Karyn Kay, Gerald Peary,

Anthony Slide, Judith Mayen y muchos otros.

Alice Guy-Blaché nació el 1 de julio de 1873 en Saint Mande, Francia. En 1894 consiguió un empleo como secretaria en una empresa de fotografía fija con Leon Gaumont, lo que la llevó a introducirse al mundo de las imágenes en movimiento y en convertirse en una de las primeras pioneras del cine. Guy se asoció con los mejores artistas de Paris, incluido Gustave Eiffel,

Louis y Auguste Lumiere y George Melies. En diciembre de 1895 fueron invitados a asistir a una proyección de la película de los hermanos Lumiere. La proyección del film despertó un interés en Guy por las imágenes en movimiento. Pidió permiso para hacer algunos cortometrajes con la cámara en movimiento, y fue Gaumont quien la autorizó, siempre y cuando no interfiriera con su trabajo de secretaria. Guy empezó haciendo tomas en su tiempo libre logrando así de 1896 a 1907, completar varios rollos de película. Dentro de los cuales se encuentra The Cabbage Patch Fairy de 1896, considerada una de las primeras narrativas

71 cinematográficas. De igual forma ella utilizó varios tipos de técnicas al momento de grabar debido a que jugaba con los ángulos de cámara, trucos y desarrolló descubrimientos cinematográficos. Su producción de tomas la convirtió en jefa de producción de Gaumont

Pictures en 1897. La filmografía de Guy está llena de películas diversas, entretenidas y con temáticas diferentes, se encuentra Wonderful Absinthe (1899), Faust y Mephistopheles (1903),

Las consecuencias del feminismo (1906), Madam¨s Fanciaes (1907) y Cristo (1906). Guy también fue una de las primeras al momento de experimentar con el sonido y la imagen en movimiento. Hizo más de cien escenas fonográficas de artistas populares de esa época, las cuales grabó con la invención de Gaumont de un sistema de sonido sincronizado. Alice Guy conoció a Herbert Blaché, un joven camarógrafo que trabajaba para Gaumont Pictures, se casó con él en Paris poco después. Ambos viajaron a Nueva York llevando consigo el cronófono. Con el tiempo Herbert empezó a dirigir en Gaumont Pictures en Nueva York y nació su primera hija en 1908 llamada Simone. En los estudios Gaumont en Flusing, Nueva York la pareja fundó una productora llamada Solax con Blaché a la cabeza el 7 de septiembre de 1910.

Con el tiempo Solax se unió a Motion Picture Patents Company MPPC o Movie Trust, que ofrecía distribución a grandes compañías cinematográficas independientes como Essaynay,

Vitagraph y Biograph. Solax ganó popularidad y prestigio al producir películas de alta calidad con actuaciones llamativas. Guy Blaché dirigió la producción de cientos de películas tempranas como Canned Harmony (1912), Algie the Miner (1912), Falling Leave (1912). Guy tenía buena relación con sus actores y un equipo de trabajo con el que trabajaba seguido. No se puede subestimar la contribución de Guy-Blaché al cine estadounidense. Su conocimiento técnico ayudo a perfeccionar las técnicas que se utilizaban en Nueva York. Solax tuvo un gran

éxito, lo que permitió que Guy se compre un estudio en 1912 en Fort Lee, New Jersey. Solax producía tres bobinas a la semana, la misma tasa de producción que Griffith, que filmaba en

Fort Lee. Alice se convirtió en propietaria de un estudio respetado. Pero al poco tiempo, Carl

Laemmle pasó a ser director de Universal Pictures, él había formado Independet Moving

Pictures en 1909, un año antes de que se formara Solax. Laemmle, se unió con varios independientes en 1912 y se unió a Universal Film Manufacturing Company, creando uno de los primeros consorcios. El reconocimiento que logró alcanzar Guy en tan poco tiempo se desintegró y su lugar en la historia del cine desapareció. Herbert Blaché asumió la presidencia de Solax y su esposa no asistió a más reuniones. La exclusión de las mujeres de las reuniones de negocios permitió que, dentro de ese ambiente, los hombres dominen en las próximas décadas. En 1919 Guy contrae influenza española, una gripe mortal que mató a muchos de sus colegas. Debido a la primera Guerra Mundial, la industria del cine en Nueva York estaba sufriendo ya que los ingresos recibidos de los mercados europeos habían sido reducidos. Para evitar las restricciones del MPPC, muchos independientes se mudaron a California por el clima más cálido y las horas de luz del día. Solax fue subastada en 1920 al no poder mantener la producción durante este periodo de cambio.

Alice Guy-Blaché se divorció, intento recuperar su carrera y en 1927 trató de encontrar sus películas en vano, desanimada regresó a Francia. Otro golpe para Guy llegó 1930, cuando

Gaumont publicó una historia de su compañía cinematográfica, la cual dejaba fuera cualquier publicación anterior a 1907. Guy molesta por su falta de reconocimiento, se quejó para que se corrija la situación. En 1954 Leon Gaumont lo corrige, pero solo fue publicado por su hijo Louis en 1954.

Por su contribución en el cine, en 1955, Guy Blaché recibió la Légion d'Honneur, el más alto honor de Francia. En 1940 Guy empezó a escribir sus memorias las cuales contienen una mirada de su vida y obra. Ella estaba consciente de la falta de reconocimiento que le correspondía en la historia del cine y en su memoria se puede llegar a entender los matices de su carrera y su destreza como cineasta.

Aunque generalmente es aceptado que fue la primera mujer cineasta y existe mucha controversia sobre si es la autora de la primera película narrativa de la historia, se la puede considerar la primera narradora visual del cine, la fundadora del cine como narración cultural y la primera persona que dirigió una película en la Historia del Cine. Llegó a competir con Hollywood como productora y directora independiente, adelantándose así a sus contemporáneos y a su tiempo (“Alice Guy Blaché”, s.f, s.p).

Blaché fue un pilar a tener en cuenta dentro de los primeros pasos del cine. El Gremio de

Directores de Estados Unidos tardó cien años en reconocer su increíble contribución y en

2012, recibió el premio American Lifetime Achievement Award, otorgado por Martin Scorsese.

Lois Weber trabajaba los estudios de Gaumont, junto con Hebert Blanché como cantante e interprete. Weber comenzó a dirigir y escribir escenarios cortos. Guy-Blaché mencionó brevemente a Weber en sus memorias diciendo que Herbert Blaché había dirigido en el pequeño estudio de Gaumont en Fort Lee, a una cantante llamada Lois Weber que grabó varias canciones para el cronófono. Los primeros comienzos de Weber fueron diferentes a los de Guy-Blaché. Weber nació en Allegheny, Pensilvania en una familia religiosa, lo que tuvo efecto en sus películas. Weber vió el potencial del cine como medio para expresar sus ideales, ella se encontraba preocupada por la pobreza y otras injusticias sociales. Además, Weber también ya había experimentado vivir en la pobreza debido a su trabajo misionero en los barrios marginales de pobreza extrema. Weber parecía atraída a dar voz a los que no tenían voz. Las películas de Weber no eran puro entretenimiento, sino que eran comentarios sobre lo que ella veía que estaba mal dentro de la sociedad. Desde su infancia, Weber se inclinó por el arte, fue concertista de piano profesional a los dieciséis años, y unos años más tarde se unió a un par de compañías de teatro en gira como cantante e interprete. Ahí fue donde conoció a Phillips Smalley, un director de escena que terminaría siendo su marido. Weber mantuvo su apellido de soltera a lo largo de su carrera por lo cual se la conoce principalmente como Louis

Weber. En 1908, ella se aventuró a trabajar como cantante en Gaumont, pero Smalley y Weber

74 continuaron como un equipo de actuación y dirección para muchas compañías cinematográficas independientes. El tiempo que ambos trabajaron en Gaumont ayudó a impulsar su carrera cinematográfica. Lois Weber y Philips Smalley pasaron del teatro al cine y se convirtieron en los jefes de Rex Motion Picture Company20, que se convertiría en parte de

The Universal Manufacturing Company, dirigida por Carl Laemmle. En 1915 se mudaron a

California, lo que llevo a Weber a formar parte de la industria hollywoodense. Louis como en muchas de sus primeras películas dirigió, actuó y escribió Suspense (1913). En esta película utilizaba planos atractivos visualmente para atraer al público, el uso de la pantalla dividida triple mostrando acciones que ocurren simultáneamente en diferentes ubicaciones. El retrato de

Dorian Gray (1913), es una película dirigida por Smalley y protagonizada por Oscar Wilde, en la cual se aprecia el potencial de Weber en la literatura. Weber también dirigió, adaptó y actuó en El mercader de Venecia (1914) de Shakespeare. Con Hypocrites, en (1915) llegó la notoriedad y la controversia debido a que trataba sobre la hipocresía de la iglesia y en la sociedad. La película genera controversia debido a que Weber elige representar la verdad como una mujer desnuda superpuesta en la película, haciendo de esto literalmente la verdad desnuda. Algunas audiencias respondieron con disturbios en contra del film en Nueva York, en Ohio y Cleveland estaba prohibida la película y solo se mostraba si el cuerpo tenía ropa pintada en el negativo. La controversia que generó el film ante el público, impulsó su éxito en países como Inglaterra y Australia.

Weber estaba decidida a contar historias sin temer al hecho de abordar temas controversiales y estaba decidida a contarlas desde su forma de pensar. Where Are my Children (1916), es una película que abordó el tema sobre el control de la natalidad, el cual catalogaba de crimen al nacimiento de bebes no deseados en hogares inestables y de bajos recursos. En consecuencia, al tratar un tema controversial, fue prohibida en algunos estados. Otro film sobresaliente de Weber es Zapatos (1916), que trata sobre una niña pobre que no tiene dinero

75 para comprarse unos zapatos. Debido a esto decide prostituirse para obtener el dinero y comprárselos. Weber en este film muestra planos realistas como por ejemplo un primer plano de la niña extrayendo astillas de la planta de sus pies. Louis junto con Guy podrían describirse como las primeras autoras ya que tenían el control total de las imágenes que trabajaban. Se estima que Weber hizo cerca de 200 películas, incluidas más de cuarenta largometrajes.

Alcanzó reconocimiento en pocos años y en 1916 su salario era más alto que el de cualquier director en esa época. Weber dirigió su propia empresa llamada Lois Weber Productions en

1918 y se llenó de éxito comercial. La importancia que ella generó ante los medios se muestra reflejado en comerciales, artículos y revistas de la época. Desafortunadamente las memorias de Weber se consideran perdidas al igual que muchas de sus películas.

Cuando la carrera de Weber había llegado a su fin y Guy-Blaché había regresado a Francia,

B.P. Schulberg promovió a Dorothy Arzner de editora a directora en Players-Lasky, productora que con el tiempo se convirtió en Paramount Pictures. Arzner es una de las primeras directoras más referenciadas debido a que cuando ella ingresó a la industria, la realización de películas se había vuelto más seria. La carrera de Arzner se había desarrollado dentro del sistema de estudios. Arzner es una figura importante en la historia del cine debido a su teoría del cine feminista de la década de 1970. Dorothy Arzner nació en San Francisco y se mudó junto con su familia a Los Ángeles, donde su padre Louis Arzner dirigía el Hoffman Café. Era un lugar frecuentado por muchas estrellas silenciosas de la época, como Sara Bernhard, Charlie

Chaplin, DW Griffith, Erich von Stroheim y James Cruze para quienes Arzner trabajo como editora. Dorothy visitó Players-Lasky Studios con Ambulance Corp y vió los estudios por primera vez. Arnez empezó a trabajar como secretaria en Players-Lasky y se abrió camino dentro del estudio para convertirse en guionista y más tarde en editora. De 1920 a 1926, Arzner trabajó como editora y escritora en Paramount Pictures es varias producciones. La primera película que trabajó fue en Modas para mujeres (1927). Trabajó junto con varias directoras ya

76 mencionadas dentro del área de guion como por ejemplo, Doris Anderson, Tess Slesinger,

Agnes Brand Leahy, Vera Caspary y Hope Loring. También trabajó en el área de edición junto con editores de renombre como Marion Morgan, Adrienne Fazan, Viola Lawrence y Janer

Loring.

La llegada del sistema de los estudios y, todavía más, la reorganización económica que supuso la entrada del sonoro, implicaron inversiones en gran escala por parte de los bancos y la industria electrónica. El dinero y la jerarquía de los estudios cerraron las puertas de manera tan hermética que Dorothy Arzner e Ida Lupino fueron literalmente las únicas mujeres que dirigieron películas regularmente en Hollywood hasta los años setenta (Mulvey, s.f, p.15).

Dorothy Arzner fue la única directora inmersa en el sistema de estudios de Hollywood desde

1930 a 1940 y también fue la única mujer Gremio de Directores de Estados Unidos. Arzner trabajaba dentro de una industria donde se habían perfeccionado las técnicas de filmación y donde se había formado el negocio del cine. La segunda película de Arzner llamada La fiesta salvaje (1929), incluía imágenes sonoras de última tecnología. Dentro de esta película actuaba

Clara Bow y mientras ellas trabajaban juntas Arzner inventó el micrófono boom, el cual consiste en conectar un micrófono a una caña de pescar para seguir a los actores y escuchar lo que dicen en sus diálogos. Este invento permitió que Clara pueda tener mayor libertad en sus movimientos dentro de la escena. El debut de Bow fue un gran éxito debido a que antes de la invención del boom gracias a Arzner los actores debían estar estáticos para que el sonido fuera grabado con claridad. Arzner realizó una gran cantidad de películas bajo contrato con

Paramount Pictures entre 1927 y 1932 y luego dirigió de forma independiente para varios estudios. Un ejemplo de estos fue la película Christopher Strong 1933, protagonizada por

Katharine Hpeburn. Arzner realizó siete películas como directora autónoma en Hollywood hasta 1943. Ella al igual que Guy y Weber era conocida por medio de revistas especializadas y admiraciones de fans por su trabajo, ya que era conocida como directora superior. Ella llegó a tener tanto éxito como las leyendas del cine en su época, como por ejemplo John Ford,

Howard Hawks y Frank Capra. Arzner ayudó a formar la carrera de muchos artistas como

Katharine Hepburn, Sylviaz Sidney, Lucille Ball y Cary Grant. La última película que hizo Arzner bajo contrato con Paramount Pictures fue Merrily we go to hell (1932), una película que trata sobre una joven que se enamora de un periodista alcohólico. La película es una tragicomedia y Arzner utiliza la imagen humorística para representar el posible trágico error de casarse con un alcohólico. Las escenas más naturales y reales entre mujeres se pueden encontrar en las películas de Arzner debido a que la dinámica femenina se representa con facilidad. Dorothy se mostró abiertamente lesbiana y es un icono actualmente queer. La mirada de ella ofrece una narrativa completa. En su película Working Girls (1931), Dorothy muestra varios planes de mujeres cambiándose de ropa de forma natural y no creadas para satisfacer la mirada masculina. Las películas de Arzner se destacan por estar centradas en las mujeres en un

Hollywood fuertemente dominado por hombres. Dentro de sus películas el espectador se puede encontrar con personajes femeninos complejos y a menudo historias femeninas desafiantes. Arzner dejó Hollywood en 1943 y se mudó a La Quinta con Marion Morgan, su compañera de trabajo y coreógrafa de la película Dance, Girl, Dance (1940). Arzner se desvinculó del mundo de Hollywood, hizo películas de entrenamiento para el ejército y enseñó a mujeres a editar en el ejército.

Dorothy empezó el primer curso de realización de películas en Pasadena Playhouse con un presupuesto inexistente. Hizo comerciales de Pepsi-Cola para Joan Crawfor y enseñó cine en la UCLA en la década de 1960, donde tuvo como estudiante a Francis Ford Coppola. Arzner murió en 1979 dejando grandes proyectos que ahora son considerados iconos de la comunidad LGBT.

Se podría decir que estas tres mujeres directoras y autoras ayudaron a sentar las bases dentro de la industria cinematográfica hollywoodense. Tanto en el ámbito técnico como en la parte artística y financiera. Su influencia en el cine ha sido profunda, Guy fue una de las primeras

78 directoras en utilizar el cine para contar historias, experimentando así con la edición, el sonido y los efectos especiales. Guy introdujo un estilo más natural dentro de las imágenes en movimiento. Weber introdujo una conciencia social en Hollywood creando así historias profundas y relevantes, dándole un estatus internacional a Hollywood. Arzner generó una gran cantidad de ingresos para Hollywood y sus estudios ayudando también a crear películas sonoras. Fue precursora del invento del micrófono boom, todavía utilizado en la actualidad.

Desafortunadamente muchas películas se han perdido y hay un largo trabajo por hacer para recuperar esa herencia femenina que quedó en el olvido. Estas tres directoras son realmente necesarias a tener en cuenta dentro de la historia del cine y dentro de los grandes pioneros cinematográficos.

Capítulo 5: La mujer en la actualidad.

Es indiscutible observar desde los inicios del cine como las mujeres se encontraban involucradas dentro de la realización de películas de todo tipo de género como por ejemplo documentales o ficcionales, educativas o comerciales, que ofrecen una perspectiva femenina del mundo en esa época. Sorprendentemente las mujeres lograron alcanzar el éxito como cineastas en mayor número de lo que se ven hoy. Antes de continuar, es importante apreciar la lucha que ha persistido durante el último siglo para que las mujeres cuenten sus historias en el cine y la televisión. Hay que reconocer el talento de las mujeres que han ayudado a construir y crear el cine dentro de la industria Hollywoodense. La Unión Estadounidense por las Libertades Civiles declaró que las directoras calificadas, enfrentan un patrón sistémico y el racismo institucionalizado que existen dentro de los medios estadounidenses, son actualmente objeto de investigación estatal y federal. El 12 de mayo del 2015, The New York Times publicó una historia y una carta que cambiará el panorama de las directoras para siempre. Consiste en una carta de 15 páginas, escrita por las abogadas de ACLU Melissa Goodman y Ariela

Migla. La EEOC y dos agencias estatales iniciaron una investigación en toda la industria de

Hollywood sobre la discriminación en contra de las mujeres directoras. La ACLU tiene evidencia indiscutible de que las directoras están casi completamente excluidas de los medios estadounidenses. Hollywood tiene el peor historial de discriminación sexual, se encuentra entre los máximos infractores del Título Séptimo de la constitución que habla de la ley de igualdad de oportunidades de empleo en EE.UU. Los medios comerciales, películas, programas de televisión provienen casi al 100% de una perspectiva masculina. Goodman y

Migdal escribieron que estas estadísticas revelan, lo que la corte suprema ha llamado, el inexorable cero que representa la ausencia evidente de mujeres, indicio indicativo de discriminación laboral sistémica.

Al ver este artículo publicado por The New York Times, se comprendido que llegaría una acción legal en toda la industria. Esta noticia, más la carta de la ACLU, exigen una investigación de toda la industria, quizá la más grande dentro del historial de entretenimiento de Estados

Unidos.

Según la carta de la ACLU, un estudio reciente de la USC encontró, que solo el 1,9% de los directores de las cien películas taquilleras de 2013 y 2014 eran mujeres. Eso significa que el

98,1% de las películas de estudio de Estados Unidos provienen de la perspectiva de los hombres. Las estadísticas en este tiempo sugieren que la participación de directoras, retrocedió a tal punto que podía llegar a cero. Solo alrededor de 4% de todos los largometrajes creados por mujeres, están producidos en los estudios principales, Disney, Universal,

Paramount, Fox, Sony y Warner Bros. Es el mismo caso para los estudios independientes:

Weinstein Company, Relativity y Lionsgate. Cabe destacar que las mujeres de color desde el

2003 hasta el 2015 no dirigieron ninguna de las películas más taquilleras. El 4% de las películas, son dirigidas por mujeres que son estrellas de cine, hijas o esposas de los magnates del cine. Dando a conocer el hecho de que por más que las mujeres estén dentro de la industria hollywoodense un gran porcentaje son conocidas por su dinero o su apellido. Según un estudio realizado por la Universidad de San Diego, en el año 2014, el 95% de los directores de fotografía, el 93% de los directores, el 81% de los productores ejecutivos y el 77% de los productores, fueron hombres. La mezcla de sexismo y el miedo ha mantenido a las mujeres aún más confinadas como en Silicon Valley, donde las mujeres ejecutivas ocupan el 10,8%, en American Corporativa, solo el 16% de directores son mujeres y en el congreso donde las mujeres representan el 20% de toda la cámara y el senado.

En el año 1995, se marcaría el tope de las contrataciones de directoras en Estados Unidos, a partir de ahora las directoras se enfrentarían al estancamiento y la disminución del empleo. La exclusión de las mujeres se hacía más notable dentro del área de dirección de largometrajes.

Este sistema se mantuvo hasta el 2015 cuando aparecieron las redes sociales, las cuales ayudaron a que varias directoras se conecten y puedan llegar a una equidad necesaria para un balance de género en Hollywood. Varias mujeres trabajaron para formar juntas una equidad de género como por ejemplo Geena Davis y su Instituto de Género en los medios, Melissa

Silverstein y Jennifer Seibel Newsom de Mujeres y Hollywood. Estas mujeres cuestionaban a la industria y a la escasez de trabajo hacia las representantes femeninas. Los ejecutivos de los estudios de Hollywood no son los únicos culpables de que no se contrate a mujeres directoras, sino que el verdadero problema es un bloqueo en el programa de diversidad dentro de el mismo Directors Guild of América también llamado la DGA.

En septiembre de 2014. La Organización de las Naciones Unidas (ONU) afirmó que la industria del cine a escala mundial discrimina a las mujeres, tanto que sólo un tercio de todos los papeles en las películas son protagonizados por una fémina. (Telesur, 2015).

Se sabe que la discriminación hacia las mujeres existe y prevalece en varias industrias de

Estados Unidos. Este problema se debe a los conflictos de interés y de reconocimiento. El sindicato, dirigido en su mayoría por hombres blancos, no supervisa el cumplimiento de los acuerdos de diversidad basados en el Titulo Séptimo de la Constitución. No se puede esperar que directores como Paris Barclay, que están buscando activamente trabajos dentro del cine abogue por otras mujeres y directoras de minorías a través del Grupo de Trabajo sobre

Diversidad de la DGA.

5.1. La ACLU y La DGA.

En 1979 seis directoras de la DGA, se convirtieron en las primeras mujeres en la historia de la industria cinematográfica estadounidense, en encabezar una demanda colectiva que desafía la discriminación racial y de género. Estas mujeres son Victoria Hochberg, Lynne Littman,

Dolores Ferraro, Joelle Dobrow, Nell Cox y Susan Bay. La histórica demanda colectiva de la década de 1980, hizo que las cifras de empleo de directoras se dispararan del 0,5% en 1985, al 16% en 1995 en tan solo diez años. De 1979 a 1985, estas mujeres arriesgaron sus carreras para forjar un cambio para todas las mujeres de la industria. El trabajo que hicieron estuvo acompañado paralelamente por el Movimiento de Liberación de la Mujer en la década de 1970 y el movimiento de derechos civiles en la década de 1960.

Eran tiempos de revolución, debido a que existió la comisión de igualdad de oportunidades en el empleo en Estados Unidos, q preparaba informes que detallaban la discriminación racial y sexual en Hollywood. Esos informes de la EEOC declararon que era necesario hacer algo con el trato que había en la industria de Hollywood hacia las mujeres y las minorías. La DGA tenía un sistema que discriminaba a las mujeres y a las minorías tanto como los estudios. En la demanda colectiva realizada a la DGA por parte de estas seis abogadas, se puede ver el fallo en el dictamen de la jueza Pamela Rymer del Tribunal de Circuito del Noveno Distrito de

California en 1985. En el resultado del dictamen se muestra que los requerimientos pautados fueron denegados. Rymer tuvo que descalificar a la DGA para liderar la clase, porque según su opinión, el Gremio no compartía los intereses de las mujeres y las minorías en la clase. El tribunal requirió garantías de que las partes representativas protegieran justa y adecuadamente los intereses de la clase. Rymer falló, la DGA no podía liderar el caso de acción de clase contra los estudios porque discriminaba a las mujeres y las minorías. La DGA y los estudios se reunieron para establecer acuerdos y programas de diversidad en cumplimiento del Título Séptimo. Tuvieron lugar programas como becas de dirección de televisión, proyectos de tutoría, programas de redes, paneles sobre diversos temas y eventos,

83 para glorificar éxitos de directoras. Pero desafortunadamente con el paso del tiempo, ninguno de estos programas fue efectivo. El verdadero problema es un bloqueo en el programa de diversidad en el mismo Directors Guild of America. La cuestión del conflicto de intereses de la

DGA que la jueza Pamela Rymer había señalado no solo había perdido a las mujeres en el caso de acción de clase en 1985, sino que también les había impedido avanzar durante los

últimos veinte años.

Después del aumento inicial en las cifras de empleo de directoras, desde 1995 en adelante, este número ya no tiene la estabilidad de antes. Esto debido a que la fuerza del movimiento de mujeres nunca tomó la fuerza requerida. Los productores masculinos no llegaron a comprender el declive en el que se sentían las mujeres directoras. Esto se ve reflejado, por ejemplo, en un debate que se produjo cuando el director de Jurassic World, Colin Trevorrow, respondió a una pregunta de Tweet de Stephan Jansen. Le preguntaba si pensaba que hubiese tenido la misma oportunidad de dirigir la película Jurassic World siendo mujer.

Threvorrow respondió diciendo que no creía que las mujeres quisieran dirigir estas grandes películas. Trevorrow dirigió Jurrasic World con un presupuesto de $ 150 millones de Steven

Spielberg después de haber dirigido solo una película independiente llamada Safety

Guaranteed en 2012 con un presupuesto más bajo de $750.000. El comentario incoherente del director desató una serie de críticas y un aluvión de artículos feministas, uno de los cuales fue escrito por ReBecca Theodore de Film Fatale. Trevorrow fue elegido para dirigir Jurrasic

World con un presupueto de 150 millones de dólares y la película generó 1600 millones de dólares, después de esto el firmó para dirigir la novena pieza de Star Wars.

Como señaló Theodore-Vachon, Spielberg ha dejado constancia de que Trevorrow le recordaba a una versión más joven de sí mismo, y estaba en el set para ser mentor del director advenedizo. Llega el cuestionamiento de cómo son elegidos los directores, si por su habilidad de contar historias o por el simple hecho de sentir cierta identificación con la persona. Sin

84 embargo, actualmente los medios de comunicación están haciendo hincapié sobre comentarios negativos, sexistas y que afectan a la mujer, permitiendo así que la lucha por la igualdad de género siga activa.

Kathyn Bigelow fue la única mujer que obtuvo un gran presupuesto para su película, Wonder

Woman 2020, con la directora Patty Jenkis. Cabe resaltar que ninguna mujer en Hollywood, ha dirigido una producción con un presupuesto de 100 millones de dólares en una película con acción real. The New York Times Magazine menciona que todas las mujeres que han tenido una película en Sundance, han visto a sus compañeros masculinos, lograr con facilidad trascender desde el festival, para llegar a trabajar dentro de los estudios de Hollywood.

Manejando grandes financiaciones y sueldos elevados. El director Adam Mckay menciona que si se hace una película de 150 millones de dólares con directoras y productoras mujeres se les haría más difícil.

Leslye Headland es una escritora y directora de 34 años que estuvo en la misma clase de

Sundance de 2012 y era compañera de Trevorrow. Ella hizo Sleeping With Other People

(2015), una comedia protagonizada por Jason Sudeikis y Alison Brie en 25 días por $5 millones. A partir de un guion que redactó en dos semanas, trata a una chica y su obsesión por su exnovio. Headland menciona a Quentin Tarantino y a su película llamada Pulp Fiction

(1994) que fue realizada con 8 millones de dólares, ella dice que cualquier film que el realice puede y será celebrado con un alto reconocimiento. Ella menciona que quiere tener esa talla de director pero que no la puede alcanzar simplemente por ser directora.

Actualmente existen menos mujeres trabajando como directoras de cine y televisión que hace dos décadas. Las directoras aseguran que este fracaso de intentar trabajar de manera estable en la industria, no se debe a la falta de interés o preparación, porque son egresadas de las mejores escuelas de cine. Además, según la ACLU, el número de mujeres estudiantes de cine es casi equivalente al de hombres. (Telesur, 2015).

Lena Dunham creadora de Girls (2012), menciona que las directoras están dentro de un ciclo oscuro. Que las mujeres si no tienen experiencia, no pueden ser contratadas y sin no son contratadas no pueden trabajar dentro de la industria ni adquirir esa experiencia. Dunham propone al espectador reflexionar según su conocimiento y sin buscar en Google sobre cuántas mujeres conocen que han dirigido más de tres películas dentro de la industria hollywoodense. Esto con el fin de dar a entender la poca participación que hay de las mujeres en los estudios.

Gracias a la ACLU y los principales medios de comunicación, en el movimiento de la cumbre de Mujeres directoras de la DGA, se produjo la Cumbre de Mujeres de Acción de la DGA. Se llevó acabo el 2 de marzo de 2013 y fue el evento más grande jamás realizado para mujeres directoras en los casi ochenta años de historia del Gremio. Melanie Wagor, Dieane Bartlow,

Rena Sternfeld y Rachel Feldman fueron las directoras de DGA, que ayudaron a combatir al

Gremio de directores cuando intentaron impedir producir el evento revolucionario. El 2 de marzo de 2013 se convirtió en un día historio ya que la Cumbre de Mujeres de Acción de la

DGA, reunió a 150 mujeres en Los Ángeles para un evento de un día. Diseñado para crear soluciones al problema de la subrepresentación y el subempleo de directoras en Hollywood.

Dentro del evento estaba Geena Davis, y las principales directoras y productores de la industria hollywoodense.

La DGA produjo un cambio de percepciones sobre el poder de transformación que las mujeres podían crear. Las repercusiones inmediatas del éxito que tuvieron incluyeron nuevos estatus obligatorios, estos parecían ser un esfuerzo para fortalecer el comité poniéndolo bajo un mayor escrutinio y control del liderazgo del Gremio. Tras una lectura a los estatutos se hizo evidente que estas leyes debilitarían a la CSM, alejándola de su intención original de acción política para las mujeres en la industria hollywoodense. Se supo al instante que, si se aprobaba, permitiría delegar cierto liderazgo a las mujeres. La DGA podría supervisar las elecciones,

86 controlar y tomar el control del comité. Si las mujeres se negaban a los estatus en ley en la

CSM, podrían seguir siendo independientes en el control del Gremio. Si fracasaban, podían perder el poder del comité para siempre. En la reunión final de estatus no les permitieron tener a una mujer presidiendo su propia reunión, en cambio instalaron un segundo director ejecutivo nacional asociado de la DGA, Bryan Unger. La reunión final de estatutos que tuvo lugar en la sede de la DGA en Sunset Boulevard el 6 de abril de 2013. Las diversas voces de las mujeres de la DGA fueron silenciadas. Se eliminó así la esencia de la lucha del comité de mujeres, que sostenía que las mujeres miembros de la DGA pudieran hablar libremente, luchar por un mayor empleo y equidad de género. Los asientos de copresidente de la CSM están ocupados por personas leales al Gremio, dispuestos a cumplir con las ordenas de los líderes. Estos son recompensados con más puestos de trabajo y puestos superiores. Las mujeres en el 2015 no podían conseguir trabajo sin experiencia previa y tampoco podían postularse como voluntarias para participar en los subcomités. Los presidentes en esa época solo podían participar con cita previa lo que pone fin a la posibilidad de que las voces diversas silencien las de las mujeres en el comité de diversidad que tienen las mujeres. La DGA siguió silenciando en ese año a las mujeres. En la actualidad con las nuevas copresidentas leales se trató de detener el evento de seguimiento de la Cumbre que ya había sido votado y aprobado por los copresidentes anteriores, Melanie Wagor y Rachel Feldman. El evento iba a celebrar a las seis abogadas en su celebración del 35 aniversario. Paris Barclay y el director Shelton de televisión Millicent, intentaron detenerlo diciendo que el Comité Directivo de Mujeres, en realidad no se había fundado en 1979 sino en 1991. Esta afirmación la seguían sin importar que en la página oficial de DGA, DGA.org, indicaba que se fundó en 1979.

5.2. Cifras concretas con casos reales

En un estudio que se realizó en el año 2015, sobre la discriminación de la mujer en el campo de la realización cinematográfica estadounidense, se informa de la Unión estadounidense por

87 la Libertades Civiles, la ACLU. Se subraya que, en el año 2014, el 4,6% de los estrenos estuvieron dirigidos por mujeres. También le pide al departamento de Igualdad en el Puesto de trabajo en California, que tome medidas en el asunto. El informe de la ACLU es el resultado de 49 entrevistas en la industria hollywoodense y un análisis detallado sobre la contratación de las mujeres como directoras, en las producciones de Hollywood. La Universidad del Sur de

California hizo un estudio al igual que ACLU, donde señala que solo el 1,9% de los mayores

éxitos estrenados entre 2013 y 2014, tuvieron a una mujer como directora. De 2007 a 2014 la investigación que realizó Smith en la Universidad del Sur de California, demostró que las mujeres representaron solo el 30,2 por ciento de los personajes que hablan o nombran en las películas de ficción taquilleras.

Además, hay que recalcar que existe otro informe del Sindicato de directores que señala que, en ese mismo periodo, tan solo el 14% de las producciones de televisión, estuvieron dirigidas por mujeres. Los Ángeles Times también tuvo un motivo de denuncia debido a la escasez de camarógrafas en la industria. Esta revista elaboró un análisis subrayando esta tendencia y dio a informar que, en el año 2009, la presencia media de las realizadoras se limitó al 6%, mientras que, en el año 2010, subió a un 8.1%. El interés de la ACLU es tomar acciones contra lo que puede ser una flagrante discriminación sexual contra las mujeres en el puesto de trabajo por parte de los grandes estudios.

Solo un 7 % de las 250 películas más taquilleras de 2014 y un 31 % de los programas de televisión fueron dirigidos por mujeres, según denunció esta semana la organización American Civil Liberties Union (ACLU), que pidió a las autoridades federales que investiguen "el fallo sistémico" que impide las contrataciones de realizadoras. Los datos que maneja la ACLU indican que menos mujeres ejercieron de directoras en Hollywood en 2014 que en 1998. Paralelamente, aquellas que logran su objetivo suelen tener más dificultades a la hora de que se reconozcan sus méritos. (Mexía, 2015).

Hollywood se ha destacado por ser una industria con fuertes críticas de denuncia social, debido a que tiene una larga trayectoria a la hora de evitar escrutinios externos en sus prácticas de

88 trabajo. Esto en la actualidad si se observa con atención, se puede percibir en aquellas mujeres afectadas por la discriminación dentro de la industria. Ellas expresan su opinión de forma temerosa, para no ser mal vistas por los productores de alto mando. En el 2015 la actriz Patricia

Arquette ganó el Oscar a Mejor Actriz Secundaria, ella en ese momento aprovechó para reivindicar los derechos de las mujeres. Tras este anuncio sus compañeros de profesión, directoras, guionistas y demás profesiones, apoyaron su protesta. En el año 2016 se puede observar la escasa presencia femenina en los guiones, en el equipo técnico y se puede observar la gran brecha salarial que existe entre los hombres y las mujeres. Estos son los problemas más notables que se pueden percibir dentro de Hollywood. Figuras como Jennifer

Lawrence, Amy Poehler y Lena Dunham ayudaron a visibilizar el problema. Presentaron numerosos datos y reivindicaciones que eran llevadas a cabo por las mujeres dentro de la industria. Una de las figuras mencionadas, Jennifer Lawrence, escribió un artículo para un medio online feminista llamado Lenny, en el cual menciona que las actrices, incluyéndose a ella misma, al momento de hablar deben hacerlo con cuidado debido a como pueden ser vistas por los productores de alto mando. Afirma que sus compañeros no sienten esa presión al momento de expresarse. Además, Lawrence menciona que, en la cláusula de su contrato con

Sony, descubrió que su salario era menor que el de sus compañeros masculinos. De igual forma Amy Adams, recibió menos dinero como Jennifer a comparación de Jeremy Renner, por su trabajo en American Hustle (2013). Resulta interesante saber que la mayoría de los ejecutivos superiores de Sony, eran casi todos hombres y blancos. Gillian Anderson es otra actriz de Hollywood que menciona que su sueldo es la mitad de lo que está cobrando su compañero el actor David Duchovny, por su trabajo en la nueva temporada de la serie,

Expediente X. El papel que interpreta Anderson tiene la misma relevancia narrativa que el del actor.

Durante mucho tiempo en Hollywood había una especie de omerta al hablar de la desigualdad de género. Había un código dentro de Hollywood que no permitía que las mujeres hablen, debido a que les era difícil poder ser escuchadas. Una actriz llamada Helen Hunt decía que las mujeres no podían expresarse, debido a que eran mal vistas por los demás y catalogabas como trabajadoras mediocres.

La realidad para las mujeres en la industria Hollywoodense, es que sigue siendo desfavorable incluso ya en el 2016. La Actriz Anjelica Huston en la entrevista que dió a New York Times

Magazine, menciona que los acontecimientos sucedidos en la industria, son similares a los que ocurren con la Iglesia. Donde el padre John Huston ayudó a sentar las bases para directores machistas. Enfatizando en que ellos nos quieren de monjas sumisas y no de curas.

El crecimiento dificultoso que empezaron a tener las mujeres en los inicios del cine hollywoodense, como por ejemplo el caso de Alice Guy Blaché, Lois Weber y Dorothy Arzner.

Habían sido borradas a través de los años haciendo que el crecimiento de las mujeres en

Hollywood retrocediera.

5.3. Contrariedades en el sistema de estudios.

Estados Unidos es un país que creció a gran escala cinematográficamente, debido a la taquilla que género en Hollywood. En los años 80, se estrenó Tiburón (1975), que generó medio billón de dólares en taquilla. Existe un paradigma que dice que Tiburón, ayudo a crear cambios en

Estados Unidos. Los estudios fueron aglomerados por los conglomerados y como lo había mencionado Norma Desmond, el negocio de cine se encogió.

Los mercados extranjeros tomaban las decisiones dando así lugar a las empresas extranjeras que empezaron a proporcionar estimaciones de preventa por el valor de una película y sus estrellas fuera de los Estados Unidos. Esos tipos de puestos eran manejados por hombres debido a que creen que tienden a tener más valor en las ventas al exterior.

Paul Feig creador de Freaks and Geeks (1999), mencionó en la entrevista con The New York

Times Magazine, sobre tratar de romper todos los mitos machistas que quitan creatividad. El menciona que Melissa McCarthy, fue llamada mujer honoraria por interpretar personajes femeninos diferentes a los que se suelen ver en Hollywood. Concretamente en los films

Bridesmaids (2011) y Spy (2015). Feig confesó que le había costado persuadir a los estudios hollywoodenses para realizar protagonistas femeninas por miedo a que fracasaran en el extranjero. La película Spy realizó 125 millones de ganancias en el extranjero, pero en Japón y Rusia tuvieron problemas para su proyección. Feig menciona en la entrevista que Rusia se resistió en publicarlo debido a las protagonistas femeninas.

Actualmente existen películas dirigidas por mujeres que generaron grandes ganancias como

Frozen (2013), dirigida por Jennifer Lee, Mamma Mia (2008), de Phyllida Lloyd, Los juegos del hambre (2012), producida por Nina Jacobson y protagonizada por Jennifer Lawrence, Maléfica

(2014), protagonizada por Angelina Jolie, Cincuenta sombras de Grey (2015), dirigida por Sam

Taylor Wood, Pitch Perfect 2 (2015), dirigida por Elizabeth Banks. A través de los años han surgido mujeres importantes como Katheleen Kennedy, presidenta de Lucasfilm, la potencia de ABC Shonda Rhimes y Donna Langley presidenta de Universal Pictures. Las cuales generan y acuñan dinero en Hollywood.

Shona Rhimes en un artículo en The New York Times Magazine, menciona que cada vez que un proyecto impulsado por mujeres tiene éxito, pareciera que en Hollywood lo toman como un

éxito casual, sin darle mucha importancia, menospreciando el crédito que debería tener. Las mujeres que escriben su propio material en Hollywood tienen más posibilidades de dirigirlo, por ejemplo, la guionista Nora Ephron con su creación del film Sleepless in Seattle (1993), la cual escribió y dirigió. Dee Rees, escribió Pariah (2011) y también tomó el cargo de directora.

Rees también escribió y dirigió Bessie (2015), un film de HBO que trata sobre una cantante de blues Bessie Smith, protagonizada por Queen Latifah, la cual obtuvo excelentes críticas. Rees

91 trabajó para una serie limitada que trata sobre la Gran Migración con FX y Shondaland, la productora de Shond Rhimes. A pesar de que las mujeres escriban sus propias obras audiovisuales tienen que lidiar en la fase de escritura con convenciones de Hollywood. Estas convenciones intentan mostrar a las mujeres en pantalla para adherirse a los estereotipos convencionales de belleza. Elizabeth Meriwether creadora de New Girl (2011) de Fox por 34 años, comenta en el artículo The New York Times Magazine, que recibía notas de los ejecutivos de Fox comentándole que no entendía cómo podía hacer un personaje inteligente y a la vez sexy.

Las que logran situarse al frente de una empresa no suelen hacerlo con los mayores salarios. Un análisis publicado por The New York Times en 2014 muestra que solo un 5,5 % de los 200 directores ejecutivos mejor pagados de Estados Unidos son mujeres. (Mexía, 2015).

En la noche que Patricia Arquette ganó el Oscar en el año 2015, Meryl Streep saltó a aplaudir su discurso en el cual pedía una remuneración igualitaria para las mujeres que trabajan dentro de la industria Hollywoodense. Streep financió para las mujeres guionistas mayores de 40 años un laboratorio de escritura. Streep junto con más actores intervienen para que las voces de mujeres como Amy Poehler, Jenni Kooner, Reese Witherspoon, Paul Feig y Lena Dunham sean escuchadas. Otros productores han creado empresas de producción destinadas a mostrar nombres como JC Chandor, Anna Gerb, Adam McKay y Will Ferrel.

Un dato particular a mencionar es que Meryl Streep en su gira Suffragette, contó el número de críticos hombres versus mujeres en Rotten Tomatoes y se encontró con una proporción de

760 a 168 a favor de los hombres. La directora de Crepúsculo 2008, llamada Catherine

Hardwicke ganó $ 400 millones para Summit Entertainment. A pesar de haber logrado un gran

éxito taquillero con la saga de vampiros, fue criticada por ejecutivos masculinos de estudio, debido a que comentaban que ella era demasiado emocional al momento de dirigir.

Amy Pascal comenzó su trabajo como ejecutiva de Sony, hizo varias películas para mujeres como League of Their Own (1992), de Penny Marshall, Mujercitas (1994), de Gillian Armstrong y Girl Interrupted (1999), que le valió a Angelina Jolie un Oscar. También realizó Sentido y sensibilidad (1995) y Los Angeles de Charlie (2000). Pascal para no sentir que era categorizada como realizadora que producía películas para mujeres, quería demostrar que podía realizar cualquier tipo de películas. Así que centro toda su atención en Spider-Man y

James Bond, eligió a Tobey Maguire y Daniel Craig y ganó miles de millones para el estudio.

Esto mientras seguía realizando producciones para películas como Julie y Julia (2009). Pascal fue despedida de Sony debido a un escándalo que hubo sobre piratería informática. Después de ser despedida volvió a realizar películas con protagonistas femeninas y con historias donde las mujeres tienen acciones controversiales y son de relevancia para el film.

5.4. Hollywood en la actualidad.

En el año 2018 la academia de los Oscar anunció nuevas cuotas de diversidad para dos de las categorías de premiación. Mejor película británica y mejor debut de un guionista, director o productor británicos con el fin de ayudar a una industria abierta, accesible e inclusiva. En el

2018 un estudio de la Universidad de San Diego registró, que el protagónico para mujeres por parte de estudios independientes fue del 68% y el 32% para estudios de Hollywood. Mientras que en el 2019 registró un 45% de papeles protagónicos para mujeres en estudios grandes y un 55% en películas independientes.

Como dato, actualmente es de conocimiento general que existieron casos de abuso sexual y hostigamiento hacia las mujeres en la industria Hollywoodense. Por ejemplo el caso de Harvey

Weinstein y los desgarradores testimonios que surgieron de sus víctimas, las cuales salen a la luz en un crudo documental llamado Untouchable (2019).

En Hollywood Lena Dunham y Jill Soloway han estado nutriendo a directoras. Los estudios están comenzando a buscar programas dirigidos por mujeres y reclutando mujeres para crearlos. Tom Rothman, presidente de Sony Pictures, dijo recientemente en una entrevista a

The Hollywood Reporter, que existe un mito en Hollywood de que los hombres jóvenes son los que conducen la taquilla. El desmiente este mito afirmando que esto era cierto hasta más de una década y que ahora en la actualidad son las mujeres las que conducen la taquilla.

Soloway se ha convertido en una militante feminista. Ella ha estado presionando a la DGA para permitir que los directores tengan más tiempo flexible debido a que varios altos ejecutivos hablan sobre el problema de la deserción de directoras para tener una familia. Existe en

Hollywood un ambiente de miedo para muchas directoras, debido a que tener hijos puede representar el fin de sus carreras.

Las directoras que han sido nombradas en este capítulo han tenido un comienzo rápido, pero han tenido trabas con el tiempo dificultando concretar futuros proyectos. Esta turbulenta trayectoria se ha visto a lo largo de las carreras que vienen haciendo las mujeres. Un ejemplo claro de esta situación es el de Mimi Leder la cual comenzó su carrera cinematográfica con la película de acción de George Clooney llamada The Peacemaker (1997). A continuación, luego de un año dirigió Deep Impact (1998), la cual fue producida por Spielbeg. Leder fracasó cuando dirigió Pay It Forward 2000, la cual generó en su carrera un estancamiento de varios años.

A lo largo de la historia Hollywoodense ha habido un puñado de mujeres en la cima de la industria, en la mayoría de casos, acompañadas por un productor o ejecutivo masculino.

Sherry Lansing se convirtió en la primera mujer en convertir un estudio importante cuando llegó a ser presidenta de 20th Century Fox en 1980. Logrando así encabezar dos de los Big

Six Hollywood estudios. Las mujeres en Hollywood pese a haber protagonizado películas taquilleras no son igual de aclamadas a diferencia de sus compañeros. Larson, Jolie y

Zellweger son las actrices que tuvieron en común, haber protagonizado en el año 2019, películas taquilleras en Estado Unidos. Logrando conformar parte de la representación de protagonistas femeninas en filmes con grandes éxitos en la actualidad. Según la investigación del Center for the Study of Women in Television and Film de la Universidad de San Diego en

California, el 40% de los filmes taquilleros en Estados Unidos tenían a mujeres que se encargaban de un papel protagónico, 9% más que el año anterior. Pero a pesar de que el porcentaje demuestra que las mujeres están ocupando más puestos a nivel actoral, las mujeres negras y otras minorías raciales, están siendo relegadas del sector según el reporte de la Universidad de San Diego. Box Office Mojo es una web que compila información especializada, la cual indica que el 43% de las películas más taquilleras tenían a un hombre de protagonista. Mientras que los títulos con protagónicos equitativos constituyeron el 17%.

Las nuevas estadísticas en Hollywood solo analizan las interpretaciones de actrices de forma cuantitativa y no cualitativa. Esto se debería tomar con más cautela debido a que no se sabe cómo fueron los papeles de mujeres en esos filmes. No se sabe cuanta participación tuvieron, si fueron representadas de manera positiva o si tuvieron muchos diálogos y un papel con acciones que generaran consecuencias importantes dentro de la película.

Rebecca Harrison quien conforma la crítica de cine le dijo a la BBC que el aumento de mujeres protagonistas solo sirve para megaestrellas como Jolie, Larson, Zellweger, Scarlett Johansson y Margot Robbie. Mujeres que fueron nominadas en el galardón por ser mejores actrices en los premios del Sindicato de Actores de Estados Unidos. Pero para las mujeres de color la representación es todavía baja, debido a que por las estadísticas se llegó a la conclusión de que el 68% de las mujeres eran blancas, comparando con sus compañeras negras que son de un 20%, las asiáticas con un 7% y por ultimo las latinas, con un 5%. El director Sam Mendes ganó el premio a mejor director en los Globos de Oro por su película llamada 1917 (2019). Ese

95 mismo año ninguna mujer fue nominada en esa misma categoría por séptimo año consecutivo en los Bafta.

Este 2020, por 87ª vez en 92 años de celebración de los Oscar, la Academia ha decidido no nominar a ninguna mujer en la categoría a mejor director. Hollywood ha dejado fuera a Greta Gerwig, cuyo filme Mujercitas ha recibido 6 nominaciones (entre las que destacan “mejor película” y “mejor guión adaptado”), a Lulu Wang, con su película The Farewell, y a Marielle Heller, directora de Un amigo extraordinario (A Beautiful Day in the Neighborhood), entre otras. (Palomar, 2020).

La ausencia de directoras dentro de Hollywood constituye un problema amplio en la industria.

Los grandes estudios Hollywoodenses a menudo son criticados por tener una mirada de una forma corporativa, debido a que usan las mismas caras por recelo a no generar taquillas. La representación femenina es menor ahora que en los años 30 debido a que este suceso fue confirmado por un método no oficial llamado el test de Bechdel. Consiste en evaluar si una obra de ficción, tiene al menos dos mujeres identificadas con nombre propio y que se comunique sobre temas no relacionados al hombre. El test recibe el nombre de la artista Alison

Bechdel, la cual realizó un comic en 1985, donde aparecía el concepto de Bechdel.

Convirtiéndolo así en una teoría extendida en la crítica de cine. En 44 películas de las 89 que ganaron el Oscar a mejor film, pasan el test de Bechdel. Según la página web de Bechdel y la investigación que realizó la BBC conformado por un equipo de 100 mujeres la representación femenina es menor ahora, datos basados en la observación de docenas de películas usando el test de Bechdel. También hay que resaltar que según el análisis de la Fundacion Annenberg,

34 de las 100 películas más importantes del 2016, tenían una mujer protagonista o coprotagonista. No había personajes femeninos de raza negra que hablaran en casi la mitad de las 100 películas del 2016 y dos tercios no tenían mujeres asiáticas y latinas. El Instituto

Geena Davis afirma que otros países productores de películas tienen más éxito a la hora de hacer filmes más equilibrados. China tiene el número más alto de películas con equilibrio de

96 género, seguido de Corea del Sur, Reino Unido, Brasil y Alemania, según un análisis de una selección de películas estrenadas entre 2010 y 2013.

Conclusiones

El presente Proyecto de Graduación propuso investigar el tema de como ha ido cambiando el rol de la mujer en la industria cinematográfica hollywoodense y el peso de su influencia dentro de la toma de decisiones en una producción. El proyecto planteó particularmente comprender cuales fueron las condiciones laborales de las mujeres en esta industria. Es por estos motivos que el objetivo que el Proyecto de Graduación planteó fue investigar por épocas, cómo la mujer se ha ido desarrollando dentro de la producción hollywoodense, a pesar de los obstáculos de la desigualdad de género. De la misma manera, otro de los aportes que tuvo el Proyecto, fue una indagación por los principales estudios cinematográficos de la época para entender la situación laboral en la que se encontraban inmersas las mujeres. Mediante el uso de bibliografías pertinentes, archivos documentales, libros y entrevistas, el Proyecto de

Graduación logró llegar a los resultados planteados. El presente Proyecto se interesó por estudiar diferentes sucesos e historias que sirvieron como base para contextualizar la situación a la que veía enfrentada la mujer. Dentro de los objetivos específicos que el Proyecto de

Graduación definió, se propuso identificar las características de las condiciones laborales de los estudios de la época. Resultó importante analizar las desigualdades en cuanto a condiciones laborales para entender que el puesto que ocupa la mujer el día de hoy, fue resultado de un largo proceso de evolución. Un proceso que, hasta la actualidad, no se puede dar por culminado ya que esa brecha de género no desaparece del todo.

Para entender el rol de la mujer dentro de esta industria, fue pertinente realizar un recorrido histórico de la evolución de la sociedad como espectador. El Proyecto de Graduación, parte desde el análisis de los comienzos de la industria cinematográfica, hasta abordar temáticas actuales que tienen como protagonistas a mujeres en el rubro. Hoy en día, la mujer toma un papel elemental en el desarrollo de la industria cinematográfica en Estados Unidos. Se desempeñan en diversas áreas de la producción audiovisual, tanto en roles de producción,

98 como en áreas técnicas, o en puestos de mayor jerarquía ligados a la dirección. Esta situación, no se desarrolló siempre de la misma manera. Las primeras mujeres involucradas en las etapas iniciales de Hollywood, no obtuvieron un reconocimiento por su labor, ya sea porque su asistencia no representó un trabajo de importancia para los ejecutivos o porque simplemente se las dejaba de lado, en el olvido. Un caso emblemático es el de Alice Guy

Blaché, quien pese a lograr tener su propia productora, haber dirigido varios films, y ser la autora de la primera película narrativa, quedó invisibilizada con el tiempo para su tardío reconocimiento.

Por otro lado, se encuentra Dorothy Arzner quien fue la única directora inmersa en el sistema de estudios durante una década y llevo el sonido de sus producciones a una máxima optimización tecnológica. Alcanzó tanto reconocimiento público como grandes leyendas del cine de la época incluyendo a John Ford. Existió una evolución en cuanto al poder que pudo ejercer la mujer dentro de la toma de decisiones de una producción. En los inicios de

Hollywood, el cine se veía como algo incierto al ser considerado un entretenimiento de feria, pero con el tiempo, el potencial lucrativo salió a la vista. Los hombres tomaron el control de los puestos de mando y se auto atribuyeron mayor cantidad de puestos de trabajo. Los films que se producían presentaban entonces, personajes femeninos estereotipados, sujetos a ser objetivados. Personajes pensados en algunos casos como medio de consumo, los cuales se replican en la sociedad de la época. El cine muestra un reflejo de la sociedad de cada época, por lo tanto, el machismo que se vivía hacia 1920, se reproducía en la gran pantalla, determinando cual es el rol de la mujer en la sociedad.

El espectador de la época, sumergido en una sociedad de consumo, es victima de un bombardeo de producción audiovisual en masa. Producción que no se preocupa mayoritariamente por el contenido y su calidad, sino por su regularidad con el fin de lucrar por las proyecciones. Emplea narrativas de fácil comprensión, con líneas narrativas simples, que

99 se asemejan a la realidad del ciudadano promedio de la época. El cine se muestra entonces como un reflejo de la sociedad, con sus virtudes y defectos.

En esta época, paralelamente, movimientos de activistas feministas se movilizaban para reclamar su derecho a voto. Mujeres trabajadoras e inmigrantes llegan a la industria en busca de nuevas oportunidades laborales. Encuentran su lugar, para desempeñarse en diferentes puestos de trabajo, ya que muchas de ellas no tenían un rol definido. Aparte de las mujeres directamente ligadas con la industria cinematográfica, existieron otras que ayudaron a la divulgación de las películas a través de artículos escritos. Por ejemplo, el club de mujeres cristianas llamado WTCU que se interesó en el contenido de los films y su influencia en los niños. También se encontraban organizaciones de mujeres que se dedicaban a categorizar el contenido de los films para crear una censura apta para el público de la época. Al visualizar dichos casos de autogestión femenina, se puede afirmar que la mujer jugó un rol esencial en la difusión de los films. Se conocen casos de organizaciones de mujeres que se dedicaban a hacer proyecciones en asociaciones infantiles y cárceles, generalmente para poblaciones desfavorecidas. Hablando de la organización interna de la industria cinematográfica en sí, existían las desigualdades laborales que conocen las mujeres en la actualidad. Hoy en día, existen organizaciones que velan por los derechos y la dignidad laboral de las mujeres. No obstante, tanto en Hollywood como a escala global, sigue existiendo una gran desigualdad de condiciones. Hay encuestas que denotan que los puestos de trabajo dentro de esta industria, son mayoritariamente ocupados por hombres. Como es de esperarse, las remuneraciones van en acorde a lo que estas encuestas presentan. La brecha salarial entre los hombres y las mujeres es un hecho que existe y es evidente incluso en la actualidad.

A pesar de que en la actualidad contamos con un sinfín de directoras, actrices, guionistas y montajistas, la diferencia de porcentajes de puestos ocupados por hombres y mujeres sigue siendo significativa. La industria hollywoodense, pese a tener hoy en día, la presencia

100 reconocida de mujeres en los diferentes rubros, sigue teniendo barreras casi infranqueables para grupos étnicos minoritarios. Actualmente, muchas de las películas más taquilleras, que generan millones de dólares para la industria cinematográfica norteamericana, son dirigidas por mujeres. Sin embargo, como menciona Shona Rhimes en un artículo en The New York

Times Magazine, para que una mujer logre dirigir una mega producción, es más fácil si ella mismo fue la autora del guion de la película. Pese a tener la posibilidad de guionar sus propias narrativas, las escritoras no tenían rienda suelta para crear sus personajes, estaban censuradas por convenciones adoptadas en Hollywood. Los personajes femeninos que aparecían en pantalla tenían que representar los cánones y estereotipos de belleza impuestos por la sociedad de aquella época. Se hace referencia en concreto al caso de Elizabeth

Meriwether, que declaró en una entrevista a The New York Times Magazine, que recibió notas por parte de los ejecutivos de Fox, cuestionando las características de sus personajes femeninos, que no encajaban del todo con lo que la industria buscaba representar.

La inestabilidad de las condiciones laborales a las cuales se enfrentan las mujeres dentro de la industria del cine en Estados Unidos, sugiere cuestionarse sobre las condiciones que alcanzaran en un futuro.

Pese a todas las adversidades que se les presentaron y se les siguen presentando a las mujeres en la industria cinematográfica hollywoodense, han llegado a trascender hacia puestos jerárquicos de toma de decisiones. Las mujeres representan ahora un pilar básico para la estructura de cualquier producción cinematográfica, sin importar el área de ejercicio de trabajo. Para lograr esa equidad necesaria en cuanto a condiciones laborales, es necesario que las mujeres por su lado, sigan trabajando, imponiendo sus criterios, sensibilidades y particularidades en el cine.

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Este proyecto también permite cuestionarse sobre el hecho de que exista una brecha salarial vigente aun en nuestros días. Una industria que en los cimientos de su historia cuenta con la participación activa e irrefutable de varias mujeres y ha ido evolucionando en cuanto a la equidad de condiciones. Se llegó a un momento en el cual tanto los hombres como las mujeres tienen acceso similar a espacios de muestra creativa. El aporte del Proyecto reside además en la posibilidad de entablar un cuestionamiento sobre el futuro del rol de la mujer en esta industria. Por lo que se llega a la conclusión que existe una necesidad de que las mujeres sigan trabajando y generando contenido propio dentro de la industria.

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Imágenes Seleccionadas

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Figura 5: Evolución de la proporción de mujeres entre los directores de películas de Hollywood entre 1998 y 2019. Fuente: Statista (2020). Recuperado de: https://es.statista.com/estadisticas/636276/porcentaje-de-directoras-en-hollywood/ https://www.elblogdeyus.com/post/quc3a9-es-el-test-de-bechdel

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