MAHLER Das Lied von der Erde ADAM FISCHER Anna Larsson | Stuart Skelton GUSTAV MAHLER (1860-1911)

Das Lied von der Erde / The Song of the Earth Chinesische Dichtung. Übersetzung von Hans Bethge mit dem Titel “Die chinesische Flöte” Translation of Chinese Poetry by Hans Bethge published under the title „Die chinesische Flöte / The Chinese flute“

1 Das Trinklied vom Jammer der Erde / The Drinking Song of the Sorrow of the Earth 07:55 2 Der Einsame im Herbst / The Lonely One in Autumn 09:20 3 Von der Jugend / Of Youth 03:06 4 Von der Schönheit / Of Beauty 07:03 5 Der Trunkene im Frühling / The Drunkard in Spring 04:25 6 Der Abschied / The Farewell 29:42

Total Time 61:33

ANNA LARSSON Alto STUART SKELTON Tenor DÜSSELDORFER SYMPHONIKER ADAM FISCHER conductor Mahler Edition Vol. VI

Based on live recordings (11-15 January 2018) | Recording Location: Tonhalle Düsseldorf / Germany | Executive Producer: Jochen Hubmacher (DLF) | Recording Producer: Holger Urbach | Recording Engineer: Michael Morawietz Editing, Mix & Mastering: HOLGER URBACH MUSIKPRODUKTION, RATINGEN www.humusic.de Publisher: Kalmus | www.tonhalle.de | www.dradio.de | www.avi-music.de P © 2018 Deutschlandradio / Avi-Service for music 2019 Avi-Service for music, Cologne/Germany | LC 15080 Eine Co-Produktion mit All rights reserved | STEREO | DDD | GEMA | Made in Germany | 42 6008553919 2 | Design: www.BABELgum.de Translations: Stanley Hanks | Fotos: © Susanne Diesner (Fischer, Skelton), Anna Thorbjörnsson (Larsson) Gedanken zu Das Lied von der Erde

Das Lied von der Erde durchdringt eine ganz besondere Stimmung, eine Abschiedsstimmung. Vor Die Lieder sind schwer zu singen, und auch sonst fordert das Lied von der Erde allen Beteiligten allem natürlich im letzten Satz, dem Abschied. Diesen Satz aufzubauen, ist für jeden Dirigenten alles ab. Aber: Es hat zu Mahlers Zeit andere Instrumente gegeben, sie waren wahrscheinlich nicht und für jedes Orchester eine speziell komplizierte, aber wunderbare Herausforderung. Ich finde, so laut. So hat ein „normaler“ Wagner-Tenor die Partie singen können. Man muss vor allem auf die es ist rein technisch das schwierigste Stück zu dirigieren. Mahler sagt sich so sehr vom Takt los! Persönlichkeit der Sänger eingehen, ihren natürlichen Rhythmus. Und gleichzeitig darf man kein Es gibt zwar schon früher bei ihm den Hinweis, man solle nicht den Takt, sondern den Rhythmus Risiko scheuen und muss der Musik ihre große Freiheit geben dirigieren, aber hier ist es noch anders: Diese Dreivierteltakte am Schluss lösen sich förmlich von der Erde, es gibt kaum noch überhaupt irgendwelche Anhaltspunkte zum Zusammenbleiben für Es ist schon etwas überraschend, dass das erst nach Mahlers Tod von Bruno Walter uraufgeführte die Musiker. Es ist eine einzige Auflösung des Lebens. Wenn man alt wird und krank, dann bleibt Lied von der Erde letztlich einer der größten Erfolge Mahlers wurde. Es war sofort populär. Und man eben allein, und langsam hört alles auf. Ich kann diesen Abschied nicht trennen vom letzten als dann in den 60er Jahren die große Mahler-Welle kam, gab es nur drei Stücke, die regelmäßig Satz der Neunten. Wobei die Neunte noch mehr die ganz langsame Auflösung des Lebens in sich aufgeführt wurden. Eines davon war das Lied von der Erde. Allein die Tatsache, dass Mahler das hat, aber im Lied von der Erde fängt sie schon an. Es ist eine große Linie von hier bis zur letzten Werk nicht aufgeführt hat, stellt uns vor eine neue Aufgabe. Denn bei den früheren Symphonien Seite der Neunten. hat er nach der Uraufführung immer Korrekturen vorgenommen. Diese Korrekturen fehlen. Uns muss bewusst sein, dass es die erste und einzige Fassung ist. Dass er Das Lied von der Erde und die Die Musik im Lied von der Erde hat von Anfang an eine ganz spezielle Atmosphäre. Auch die 9. Symphonie nur innerlich hören konnte, ist bewundernswert. Ein Techniker und Taktiker wie Texte, die auf fernöstliche Lyrik zurückgehen, sind eher eine Stimmung: Mahler löst sich immer Mahler hätte wahrscheinlich hier wie dort einige Änderungen vorgenommen. Das ist das große wieder von den Worten, aber die Stimmung bleibt. Die Musik ist so viel mehr als die Worte. Im Fragezeichen. Es tut mir Leid, dass er diese Geheimnisse mit ins Grab genommen hat. dritten Lied geht es zum Beispiel um Spiegelbilder im Wasser – in der Musik sehe ich diese Bilder aber gar nicht. Mahler geht es auch nicht darum, dass man jede Silbe genau versteht. Und wenn © 2018 Adam Fischer eine Stimme in der Verzweiflung vom Orchester übertönt wird und ganz untergeht, ist das ganz im Sinne der Musik. Der Schönklang ist an vielen Stellen nicht wichtig, im Gegenteil: Im Lied von der Erde muss auch deklamiert, gerufen und geschrien werden. Ich glaube, auch Menschen, die den deutschen Text gar nicht verstehen, können über die Musik den Sinn des Ganzen genau erfassen.

3 Thoughts about Das Lied von der Erde

Das Lied von der Erde is shot through with a special atmosphere: a mood of farewell – mostly, of The songs are indeed difficult to sing, but at any rate Das Lied von der Erde makes demands on course, in the last movement, Der Abschied. When attempting to construct that last movement, all participants. We should nevertheless bear in mind that the instruments in Mahler’s day were every conductor and every orchestra are faced with a challenge that is as complicated as it is thrilling. different from ours, and probably not as loud. Thus a “normal” Wagnerian tenor could sing the In my view, the last movement of Das Lied von der Erde is the most difficult one to conduct in the part. The conductor mainly needs to adapt his procedure to the vocalists’ individual personality entire repertoire. Mahler even abandoned the sensation of regular metre. He had stated elsewhere and to their natural rhythm. At the same time, one must not shirk away from granting the music that one should not conduct the metre but the rhythm, but here things are different. Toward the all the freedom it deserves. end of the last movement, the 3/4 bars seem to lose contact with the ground and start to float in midair; hardly any points of reference are left for the musicians to remain together. This truly is life in It is somewhat surprising that Das Lied von der Erde, premièred by Bruno Walter after Mahler’s the process of dissolving. When we grow old and sick, we are alone, and things start slowly grinding death, went on to become one of the composer’s great posthumous successes and gained immediate to a halt. I cannot disassociate this farewell from the last movement of Mahler’s Ninth Symphony. popularity. When the Mahler revival took place in the 1960s, only three works were performed on Although the slow dissolving of life is even more apparent there, the tendency is already clear in a regular basis, and Das Lied von der Erde was one of them. But already the fact that Mahler was Das Lied von der Erde – a continuous line can be drawn from here to the last page of the Ninth. not able to conduct the premiere himself poses a particular, new challenge to us today. In the case of all previous symphonies, he had the opportunity to make corrections after the first performance. From the onset, the music in Das Lied von der Erde is permeated by a special mood. Even the texts, But we don’t have such marks here. We need to bear in mind that this is the first and only version based on Far Eastern poetry, are more mood than content. Mahler repeatedly abandons the words’ we will ever have. It is astounding to imagine that Mahler was only able to hear Das Lied von der Erde meaning, but the mood remains. The music implies so much more than the words! For instance, and the Ninth Symphony with the help of his inner ear. Under normal circumstances, a tactician the third poem evokes the reflection of a mirror image in water, but I don’t see those images and technician such as Mahler would certainly have made some modifications after rehearsing anywhere in the music. Mahler is not concerned with helping us understand every syllable. If the them with an orchestra. That is the open question mark that remains. I am so sorry that he bore voice, in its anguish, is drowned out by the orchestra, that is what the music is trying to achieve. such secrets with him into his grave. Throughout a great number of passages, “beautiful tone” is not what is important. To the contrary. In Das Lied von der Erde, the singers are likewise required to declaim, cry, and shriek. I think that © 2018 Adam Fischer even those concertgoers who have no command of the German language have no problem in gaining a quite precise grasp of what is going on.

4 Zu Mahlers Das Lied von der Erde

Endzeitmusik Metamorphose der Texte Das Jahr 1907 markiert einen tiefen Einschnitt in Gustav Mahlers Lebensweg. Am 12. Juli verstarb Die sieben den Texten des Liedes von der Erde zugrunde liegenden Gedichte stammen aus der seine älteste Tochter Maria Anna. Unmittelbar danach wurde ihm selbst eine schwere Herzkrankheit Blütezeit der klassischen chinesischen Dichtung, dem 8. Jahrhundert. Ihre Autoren sind Li Bo diagnostiziert. Schließlich ging nach zehn Jahren im Gefolge einer antisemitisch gefärbten Hetz- (bzw. Li Taibo), Qian Qi, Meng Haoran und Wang Wei. Freilich haben deren Dichtungen bis zur kampagne die Ära Mahler an der Wiener Hofoper zuende. Alma Mahler berichtet: „Vor Jahren Vertonung tiefgreifende Metamorphosen durchgemacht. Die originalen Texte wurden zunächst hatte ein lungenkranker alter Freund meines Vaters ihm die neuübersetzte Chinesische Flöte ge- von Marquis d’Hervey-Saint-Denys, einem Sinologen, und von der Schriftstellerin Judith Gautier bracht (Hans Bethge). Diese Gedichte gefielen Mahler außerordentlich, und er hatte sie sich für schon recht frei ins Französische übersetzt. Diese französischen Fassungen übertrug Hans Heilmann später zurechtgelegt. Jetzt ... überfielen ihn diese maßlos traurigen Gedichte, und er skizzierte … ins Deutsche. Hans Bethge bezog sich sowohl auf die deutschen Übertragungen als auch auf die auf weiten einsamen Wegen die Orchesterlieder, aus denen ein Jahr später Das Lied von der Erde französischen Übersetzungen und dichte sie sehr frei nach. Im Ergebnis entstanden deutsche Gedichte werden sollte.“ Die Erinnerungen Alma Mahlers sind freilich nicht ganz korrekt. Die erwähnte nach chinesischen Motiven, welche aus der Perspektive westlicher Kultur und ganz im Sinne des Gedichtsammlung war erst 1907 erschienen. Sie kann Gustav Mahler also nicht schon „vor Jahren damaligen Zeitgeistes arrangiert wurden. Mahler wiederum griff in Bethges Texte nochmals massiv gebracht“ worden sein. Zweifelhaft ist auch, ob der Band im Sommer 1907, in dem Mahler laut ein. Er änderte manches, stellte um und dichtete einige Passagen ganz neu hinzu. Aussage seiner Frau mit dem Skizzieren begonnen haben soll, überhaupt schon vorlag oder doch erst im Herbst des Jahres. Die erhaltenen Niederschriften Mahlers jedenfalls gehören – soweit Eine lyrische Symphonie sie sich eindeutig datieren lassen – sämtlich in das Jahr 1908, in dem Das Lied von der Erde im Im Lied von der Erde brachte Mahler jene beiden Gattungen, auf die sein gesamtes Schaffen mit Wesentlichen fertiggestellt wurde. Letzte Arbeiten könnten ins Jahr 1909 fallen. Mahler hat die wenigen Ausnahmen fokussiert ist, zur Synthese: Lied und Symphonie. Im Ergebnis entstand ein Werk, Uraufführung nicht mehr erlebt. Bruno Walter, einer der besten Sachwalter von Mahlers Musik, das wohl am ehesten mit jenem Begriff der lyrischen Symphonie zu bezeichnen wäre, den Alexander dirigierte das Werk erstmals am 20. November 1911 in München – ein halbes Jahr nach Mahlers Zemlinsky als Titel für sein an Mahlers Vorbild geschultes Werk aus dem Jahr 1922 erfand. Wie Tod. Seine Einspielungen dieses Werkes haben bis heute Referenzcharakter. beim Lied wirkt die strophische Struktur der Texte zwar mehr oder minder deutlich auch musikalisch Die Mitteilungen Alma Mahlers sind aber in einer anderen Hinsicht interessant. Sie lassen erkennen, formbildend, aber sie wird von einer sinfonischen Dynamik überformt, die über die Satzgrenzen dass die von Mahler durchlebten Erschütterungen eine besondere Sensibilität für den auf Untergang, hinaus wirkt und die Gesänge bei aller Verschiedenheit zu einem musikalischen und inhaltlichen Skepsis und Abschied gestimmten Tonfall der Texte befördert haben dürften, der zudem die End- Kontinuum verbindet, deren Zielpunkt der weiträumige Finalsatz ist. zeitstimmung einer sich dem Zusammenbruch zuneigenden Epoche traf. Mit einer sarkastischen bis verzweifelten Schmährede auf das Leben, einem trotzigem „carpe diem“ im Angesicht der Vergänglichkeit hebt das Werk an. Eine zerklüftete musikalische Landschaft breitet

5 sich im Trinklied vom Jammer der Erde aus. Der Glanz des üppig besetzten spätromantischen Orchesters von der Erde konstitutiv ist. Kaum ein größerer Gegensatz ist denkbar als zwischen der wild auffahren- ist verabschiedet. Dissonant aufgeraut erscheint das Klangbild. Grell und unvermittelt sind die Farben den Eröffnung des Eingangsstückes und dem einsamen Oboensolo der Herbst-Musik. Dennoch sind ausgestellt. Extrem hoch ist die Singstimme über weite Strecken geführt. Aber auch kammermusi- der machtvolle Einsatz der Violinen im Trinklied und die Oboenmelodie des Einsamen im Herbst kalischen Verfahren und feinsten klangfarblichen Nuancierungen wird zumal in den dynamisch zu- aus ein und demselben Motiv geboren. Diese Gestalt aus fallender großer Sekunde und anschließender rückgenommenen Partien Raum gegeben. Die Wildheit und Wucht, die von dieser Musik ausgeht, hat kleiner Terz ist von Mahler allenthalben in die Faktur des Werkes verwoben worden. Manchmal nicht zuletzt etwas mit ihrer Gangart zu tun: Die Energie der ganztaktig organisierten Perioden staut tritt sie – wie am Beginn – als prägnantes Motiv an die Oberfläche, dann wieder ist sie unauffälliges sich oft in synkopischen Rhythmen und Tempoverzögerungen, um sich mit größter Vehemenz Ferment eines größeren melodischen Gebildes wie am Anfang des Gesanges Von der Jugend. Die gleich brechenden Wellen auf die Kulminationspunkte zu entladen. Gestalt findet sich auch in gespiegelter oder rückläufiger Form (etwa im Finale bei Die Blumen Die strophische Struktur des Satzes ist der Sonatenform angenähert. Die ersten beiden Strophen etablieren blassen im Dämmerschein). Ganz am Ende beschließt sie das Werk, wenn sie in einem zwischen Dur je zwei kontrastierende thematische Felder und werden abgeschlossen durch das pessimistische und Moll oszillierenden Akkord eingebunden ist. Diese Tonfolge hat zweierlei Funktion. Einerseits Fazit Dunkel ist das Leben, ist der Tod. Das folgende Orchesterzwischenspiel und die anschließende verbindet sie die Sätze durch Substanzverwandtschaft. Zudem entspricht sie aber auch dem charakte- dritte Strophe haben Durchführungscharakter. Der abrundende Refrain bleibt hier ausgespart ristischen Bruchstück einer pentatonischen Skala, wie sie in asiatischen Tonsystemen gebräuchlich zugunsten einer Steigerung, die auf den mit dem Beginn der vierten Strophe verknüpften Einsatz ist. Die Allgegenwart dieser Tonfolge verleiht der gesamten Textur des Liedes von der Erde einen der Reprise zielt und in der grell dissonanten, expressionistisch anmutenden Vision eines auf den exotischen Hauch – zumal in den genrehaften Gesängen von der Jugend und der Schönheit. Freilich Gräbern heulenden Affen gipfelt, ehe der Satz nach einem knappen Epilog zusammenstürzt. bedient sich Mahler der Exotismen nicht des koloristischen Reizes wegen, sondern sie werden Der von Verzweiflung grundierten Leidenschaft des Trinkliedes antwortet „etwas schleichend, ihm – wie in früheren Werken Elemente der Trivialmusik und des Volksliedes – zum Mittel der ermüdet“ eine entkörperlichte, todestrunkene Musik. Verschattet ist der Klang der gedämpften Verfremdung und Stilisierung. Sie rücken das Erklingende in distanzierende Ferne, projizieren es Streicher. Die Harmonien haften an Orgelpunkten, deren Schwerkraft auch die zart und beseelt in die zart angedeutete Landschaft eines künstlichen Chinas. Schönheit und Jugend gerinnen so sich entfaltenden Melodiezüge nicht zu entkommen vermögen. Die Singstimme des Einsamen im gleichnishaft zu Bildern. Das unendlich ferne Traum-China wird zur Chiffre von unwiederbringlich Herbst entsagt über weite Strecken aller Emphase, amalgiert sich stattdessen den Instrumenten und Verlorenem, Vergangenem. durchmisst in Skalen den Klangraum. Auch die alternierenden Episoden entraten der Kraft, ihre Das Gedicht vom Pavillon aus grünem und aus weißem Porzellan beschreibt eine idyllische Szenerie zaghaft anhebenden Aufschwünge erstarren alsbald wie unter einem Frosthauch. Die „Sonne der und deren Spiegelbild im Wasser des Teichs. Am poetischen Bild entzündet sich die Phantasie des Liebe“, die der Text beschwört, ist für immer versunken. Komponisten. Allenthalben begegnen originale Gestalten ihren rückläufigen Ebenbildern und findet Betrachtet man die Anfänge dieses und des ersten Satzes, wird eine Eigenart offenbar, die für das Lied das Bild sein Echo außerdem in der harmonischen Rückung nach Moll im Mittelteil des Satzes.

6 Im Gesang Von der Schönheit werden die Exotismen streckenweise einem volksliedhaften Tonfall stocken scheint, deren Atem für Momente aussetzt wie der eines Schlafenden. Nur allmählich verdichtet verbunden, der wie aus tiefer Vergangenheit heraufdämmert und „süßen Duft aus Märchenzeit“ sich der Satz, rauscht gar einmal hymnisch auf: „O Schönheit! O ewigen Liebens, Lebens trunk’ne verströmt – etwa in der unsäglich zarten Episode, die von den „langen Blicken der Sehnsucht“ Welt.“ Aus dem Einsturzfeld der Steigerung erwächst ein Kondukt, in dem sich Trauer rückhaltlos erzählt und dem anschließenden instrumentalen Epilog. In den zentralen Partien freilich gerät der und wortlos artikuliert. Erst anschließend kündet die Singstimme „erzählend und ohne Espressivo“ Satz in den Sog eines tosend losbrechenden Marsches, der alsbald umschlägt in eine aufkreischende (Mahlers Vortragsbezeichnung) vom eigentlichen Abschied. Am Ende aber lichtet sich das Klangbild, Groteske und den Tonfall der Burleske aus Mahlers 9. Symphonie vorwegnimmt, dem „Virtuosen- wird äußerst zart „die liebe Erde“, wie sie der Abschiednehmende nennt, im Verschwinden umfasst: stück der Verzweiflung“ (Adorno). „Dem Blick der Musik, der sie verlässt, rundet sie sich zur überschaubaren Kugel, wie man sie mittler- Diese Charakterisierung stünde dem Gesang des Trunkenen im Frühling erst recht an. Der betreibt weile aus dem Weltall bereits photographiert hat, nicht das Zentrum der Schöpfung, sondern ein dionysische Weltenschau im Rausch. Wenn jenes Glück, das die Idyllen zuvor beschworen, ohnehin Winziges und Ephemeres. Solcher Erfahrung gesellt sich die schwermütige Hoffnung auf andere nur Fiktion und Traum sei – so könnte man seine Worte deuten –, „warum denn Müh und Plag“ Gestirne, die von Glücklicheren bewohnt wären als den Menschen. Aber die sich selber fernge- des wirklichen Lebens auf sich nehmen, dem er folgerichtig absagt: „Ich trinke, bis ich nicht mehr rückte Erde ist ohne die Hoffnung, die einst die Sterne verhießen. Sie geht unter in leeren Galaxien. kann.“ Wie trunken schwankt das Tempo, kühn wechseln die bis an den Rand mit bittersüßem Ausdruck Auf ihr liegt Schönheit als Widerschein vergangener Hoffnung, die das sterbende Auge füllt, bis es geladenen Harmonien. Dann wird dem Trunkenen, der schon die Zone des Todes berührt, so etwas erfriert unter den Flocken des entgrenzten Raumes.“ (Adorno) wie eine pantheistische Offenbarung zuteil, beginnt die Natur durch die Stimme eines Vogels zu reden und verheißt neues Leben. Der musikalische Raum weitet sich ins Ungeheure, als sei noch © 2018 Der Text ist ein Originalbeitrag für diese CD von Jens Schubbe Hoffnung: „Aus tiefstem Schauen lauscht ich auf “. Aber die Transzendenz bleibt Illusion, der Satz stürzt zurück in den Taumel, bis sein Lebensband von einem schneidend scharfen Quintklang Anmerkung: Neben den letzten Zeilen, in denen wir Mahler als Textautor kenntlich gemacht haben, durchtrennt wird. gibt es etliche Modifikationen der Übertragungen Betghes durch Mahler. Bethge wiederum ist bei Im Finalsatz hat Mahler zwei Gedichte – In Erwartung des Freundes und Abschied des Freundes –, seinen Nachdichtungen überaus frei verfahren. Wer die Wandlungen der Originale, deren Urheber die freilich auch in Bethges Sammlung aufeinander folgen, zu einer Art Szenenfolge verbunden, hier in Klammern aufgeführt sind, zu den letztlich vertonten Texten nachvollziehen möchte, dem dabei (wie schon in den anderen Sätzen) bearbeitend in die Texte eingegriffen, auch Eigenes (so sei der Text „Chinesische Gedichte ohne Chinesisches in Gustav Mahlers Lied von der Erde” von ein leicht modifiziertes Fragment aus einem eigenen Gedicht aus dem Jahr 1884) eingefügt oder Jürgen Weber empfohlen, der im Internet zugänglich ist. Anderes neu hinzugedichtet. Der Satz hebt an, als töne er aus einem Reich der Abgeschiedenen. Gesangstexte: www.mahlerarchives.net Kein Ziel mehr kennend fügen sich musikalische Trümmer wie Treibgut im Strom der Zeit, die zu

7 About Mahler‘s The Song of the Earth

Doomsday music Textual metamorphoses 1907 was a year of profound, pivotal change in Mahler’s life. Maria Anna, his eldest daughter, died The Song of the Earth is based on seven poems from the golden age of Classical Chinese poetry: the of scarlet fever and diphtheria, and Mahler himself was diagnosed with a serious coronary disease 8th century. The authors were Li Bai, Qian Qi, Meng Haoran, and Wang Wei, but their texts, until shortly thereafter. To top it all, in the wake of a ten-year anti-Semitic smear campaign, Mahler’s era Mahler set them to music, were thoroughly modified and transformed. To begin with, sinologist at Vienna Hofoper came to a close. Alma Mahler reports: “There was an old consumptive friend of Marquis d’Hervey-Saint-Denys and author Judith Gautier translated them quite freely into French. my father‘s […]. It was from him Mahler got hold of The Chinese Flute, a recent translation from Then Hans Heilmann translated the French versions into German. Hans Bethge based his adaptations the Chinese by Hans Bethge. He was delighted with it and put it aside for future use. Now, […] on the German translations as well as on the French ones, thereby creating his own versions that were these poems came back to his mind; their infinite melancholy answered his own. Before we left obviously quite free. The result consisted in German poems based on Chinese motifs, viewed and Schluderbach he had sketched out, on our long, lonely walks, those songs for orchestra which took modified from the vantage point of Western culture, and set entirely in the mood of the European final shape a year later as Das Lied von der Erde.” Admittedly, however, Alma Mahler’s memory Zeitgeist. Mahler subsequently made his own extensive modifications, not hesitating to exchange must have betrayed her somewhat. Bethge’s anthology was only published that same year, 1907. certain elements for others, to rearrange the order or even to invent new passages out of the blue. Thus the book cannot have been brought years earlier to Mahler’s attention. It is even doubtful whether the collection was already available in the summer of 1907 when Mahler, according to his A lyric symphony wife’s statement, supposedly began with the sketches; the book may only have been published in In The Song of the Earth, Mahler took the two genres on which he had focused his output – art autumn. At any rate, Mahler’s preserved notes – as far as they can be dated – are all from 1908, the song and symphony – and combined them into a new synthesis. The result can be best described year in which Das Lied von der Erde was fleshed out. Final touches may have been applied in 1909. as a “lyric symphony”, a title which Alexander Zemlinsky indeed adopted for his own 1922 work, Mahler did not live to witness the première. Bruno Walter, one of the composer’s best advocates, closely modelled on Mahler. As in art song, the stanza structure of the texts can have a lesser or conducted the work for the first time on 20 November 1911 in Munich, already half a year after greater effect on the general musical form; in Das Lied von der Erde, however, the stanza structure Mahler’s passing. Walter’s recordings of this work have always been regarded as benchmarks. of the poems is remodeled by an overriding symphonic progression that transcends individual Alma Mahler’s statements offer great interest, however, from another point of view. They remind us movements and blends all the songs – in spite of their great variety – into a continuum in terms of that the shocks Mahler underwent must surely have encouraged a special sensitivity to the attitudes music and textual content, building up to highlight the expansive final movement. expressed in the texts: downfall, skepticism and farewell, all moods which aptly reflected the Mahler’s monumental lyric symphony sets in with a diatribe in favor of life and against it, in a tone doomsday atmosphere of an entire era approaching utter collapse. ranging from recklessness to sarcasm. The Drinking Song of Earth’s Sorrow is a defiant carpe diem in face of mortality that spreads out a landscape of fragmented debris. Farewell to the mellow sheen

8 of the large Late Romantic orchestra: here the timbre is usually dissonant, creating direct, stark another to the greatest imaginable degree: the first one violently rears its head with the powerful contrasts among colors. Extended passages require the voice to sing in an extremely high range. In entry of the violins, whereas the autumnal music of the second one is introduced by a solitary oboe other sections where the dynamics are softer, procedures normally associated with chamber music solo. Yet the same motif underlies both movements. It consists in a descending major second followed create finest nuances of sonority. But the wildness and vehemence we often encounter in this music by a minor third, and Mahler weaves it into the work’s structure throughout. Occasionally, as in can be credited, for the most part, to the rhythm of its phrases. The energy of phrases designed to the work’s beginning, it appears on the surface as a distinctive motif; at other points, however, it occupy one measure is often hemmed by syncopation and delays in tempo, only to surge forth with fulfills its task in the background like a quasi-unnoticeable enzyme, capable of fermenting until it even greater forcefulness, like waves that are about to break. produces an extended melodic structure such as the one which opens the third movement, Youth. The first movement’s strophic structure has similarities with sonata form. The first two stanzas The same figure appears in mirror inversion or backwards (as, for instance, in the finale, in the music establish two contrasting thematic areas; the ‘exposition’ is rounded off with the pessimistic conclusion on the text Die Blumen blassen im Dämmerschein). And it closes the work at the end, embedded Dark is life, dark is death!. The ensuing orchestral interlude and a subsequent third stanza are akin within a chord oscillating between major and minor. This underlying series of notes fulfills two to a development section. The usual closing refrain for the development section is left out; instead, functions. On the one hand, it works as a subjacent common essence that interconnects all movements. we hear a crescendo progression that leads into the onset of the reprise, likewise coinciding with But it is also a characteristic portion of the pentatonic scale used in Far Eastern cultures. This the beginning of the fourth stanza. It culminates in the harshly dissonant, quasi-Expressionist vision motif ’s omnipresence thus imbues the entire texture of Das Lied von der Erde with an exotic flair, of an ape howling over tombstones before the movement collapses in a brief epilogue. particularly in the two Orientally-tinged songs that evoke Youth and Beauty, respectively. Yet Mahler The drinking song’s passion with an undercoat of despair finds a contrasting response in the second does not use such exoticism to provide local color; instead, similarly to the fragments of popular movement’s disembodied music, “somewhat dragging, exhausted”, and inebriated with the idea of death. music and folk song he incorporated into his earlier works, the Asian element helps to achieve a Muted strings produce a shady timbre; harmonic progressions get stuck in fermatas so heavy that Verfremdungseffekt (defamiliarization) along with stylization. It transports the music far off into they even partially succeed in hemming the deployment of a tender, blissful cantilena. The lyrical the distance, projecting it onto the delicately suggested scenery of an artificial, imaginary China, narrator of The Solitary One in Autumn tends to forsake any kind of emphasis or accentuation; instead, where Beauty and Youth congeal until they are no more than pictorial allegories of themselves. Thus the vocal line blends into the instrumental arcs while it surveys the tonal expanse in a series of slow the China of our dreams, endlessly far away, becomes a coded reference to all which remains irre- scales. Even the contrasting episodes seem to lack power deliberately: their timidly initiated ascents soon trievably lost in the past. freeze under an icy wind. The text evokes a “sun of love”, but that sun has set, never to rise again. The idyllic scenery of a pavilion of green and white porcelain is reflected as a mirror image in the If we closely observe the beginnings of the first and second movements, we uncover a special trait water of the pond that surrounds it. This poetic depiction kindles the composer’s imagination. that is characteristic of The Song of the Earth. Admittedly, the two movements contrast with one Thus, throughout the fourth movement, motifs in their original form intermesh and collide with

9 their reverse images; the idea of mirror reflection is likewise structurally embodied by a shift from text, even incorporates a fragment of one of his own earlier poems (from 1884), and adds phrases that major to minor, which forms a middle section. are completely new. The movement begins as if it was resounding within the realm of the departed. The song Beauty frequently combines exotic Asian elements with a folksong-like tone that seems Musical remains flow like lost driftwood caught up in the current of time. At certain moments, to rise up from the distant past in order to conjure the “sweet perfume of the age of fairy-tales” as apnea occurs: time seems to stop in its tracks and hold its breath. The movement only gradually acquires in Schoenberg’s Pierrot lunaire: for instance in the almost unbearably tender episode that tells of musical density: at one point it rears its head in hymnic ecstasy: “O Beauty! O world, drunk with “long looks full of adoration”, as well as in the ensuing instrumental epilogue. The central sections never-ending love and everlasting life”. This culmination, however, only leaves a heap of ruins. Out of succumb to the lure of a march that thunderingly breaks forth, only to metamorphose into a shrieking the rubble rises a funeral dirge that manages to articulate utter grief without words, yet with no holds grotesquerie that prefigures the tone of the Rondo-Burlesque in Mahler’s9th Symphony, that “masterful barred. Only after this musical interlude does the voice start to utter its true farewell: “merely demonstration of despair” (Adorno). narrating, without espressivo”, as Mahler indicates. The texture becomes more transparent towards The same characterization applies even more aptly to the song evoking The Drunkard in Spring, the end. “The dear Earth”, as the narrator calls her, is lovingly engulfed and carried along in the va- who cries out his Dionysian world view in the midst of his inebriation. If the happiness previously nishment’s embrace. “For the gaze of music that leaves her behind, the Earth becomes a mere globe evoked in the idylls was nothing more than a fiction, a dream – at least that is how the drunkard’s as seen from space: not the center of creation, but something tiny and ephemeral. This experience words can be interpreted – then why bother to assume the “troubles and toils” of daily life? The is coupled with the despondent hope that other worlds may be inhabited by beings who are happier drunkard draws his conclusion: he rejects them outright. “I drink until I no longer can”. The tempo than humans. But the Earth has grown remote to itself, and has lost the hope once promised by the totters and staggers in conjunction with bold shifts in harmonies saturated with bittersweet ex- stars. It is sinking into empty galaxies. On its surface lies beauty as the glimmer of bygone hope, filling pressiveness. But then, after having touched upon the death zone, the drunkard experiences a kind the eye which slowly freezes to death amidst the iceflakes of boundless outer space.” (Adorno) of pantheistic revelation. Nature starts to speak to him with the voice of a bird, promising new life. The musical panorama widens into an unseemingly vast expanse, as if there were still reason © 2018 The liner notes are an original text written by Jens Schubbe for hope. “In profound rapture, I listen”. But the moment of transcendence is only an illusion. The music totters back into drunken frenzy – until its bond with life is mercilessly severed by the Note: Apart from the last lines of his own pen which he added to the last movement, Mahler modified trenchant, abrupt interval of a fifth. Bethge’s translations in many other ways. And Bethge himself had been quite free in his versions. The In the last movement, Mahler combines two poems that appear together in the Bethge edition: reader who wants to find out more about all the transformations undergone by the original Chinese Awaiting the Friend and The Friend’s Farewell. The musical result sounds like two scenes witnessed poems, whose authors are indicated in brackets, is advised to consult Jürgen Weber’s article “Chinesische by the listener in succession. Once again, just as in the previous movements, Mahler alters the Gedichte ohne Chinesisches in Gustav Mahlers Lied von der Erde”, available on the Internet. Song texts: www.mahlerarchives.net

10 Anna Larsson Anna Larsson

Anna Larsson wurde in Stockholm geboren und absolvierte dort ihre musikalische Ausbildung am Anna Larsson obtained her music diploma at the University College of Opera in Stockholm, her University College of Opera. Im Jahre 1992 traf sie die Atem- und Gesangslehrerin Anna Sims aus home town. In 1992 she met the British breathing and vocal coach Anna Sims, with whom she continues London, mit der sie nach wie vor zusammenarbeitet. Anna Larsson gab ihr Operndebüt in Tokfursten / to work until today. Anna Larsson sang her opera début in 1996 in Carl Unander-Scharin‘s Tokfursten/ The King of Fools von Carl Unander-Scharin auf Schloss Vadstena (1996). International ließ sie 1997 als The King of Fools at Vadstena Castle. She went on to draw major international attention in her Konzertsängerin in Mahlers 2. Symphonie mit den Berliner Philharmonikern unter Claudio Abbado performance of Mahler’s Resurrection Symphony (No. 2) with the Berlin Philharmonic and Claudio aufhorchen. Anna Larsson hat sich mit ihrer vollen, fließend-samtigen Stimme u.a. einen weltweiten Abbado in 1997. With her rich, velvety, flowing voice, Anna Larson has made herself a worldwide Ruf in der Rolle der Erda mit Auftritten in den Opernhäusern von Berlin, Wien, Salzburg, Aix-en-Provence reputation in the role of Erda in Wagner’s Ring cycle, with performances in the opera houses of und Mailand erworben. Außerdem trat sie als Waltraute, Orphée, Fricka, Dalilah und Zia Principessa an der Berlin, Vienna, Salzburg, Aix-en-Provence, and Milan. She has also covered the roles of Waltraute, Königlichen Oper in Stockholm, an der Bayerischen Staatsoper in München, am Palau des Arts Valencia, Orphée, Fricka, Dalilah and Zia Principessa in venues such as Stockholm Royal Opera, Bavarian bei den Salzburger Festspielen, den Festspielen in Aix-en-Provence und an der Finnischen Nationaloper State Opera (Munich), the Palau des Arts (Valencia), and Finnish National Opera, along with the auf – mit Dirigenten wie Daniel Barenboim, Zubin Mehta, Christoph von Dohnányi und Kent Nagano. festivals in Salzburg and Aix-en-Provence, collaborating with conductors including Daniel Barenboim, Im Januar 2011 debütierte sie als Kundry (Parsifal) am Théâtre de La Monnaie in Brüssel. Zubin Mehta, Christoph von Dohnányi, and Kent Nagano. In January 2011 she sang her début as Kundry (Parsifal) at the Théâtre de La Monnaie in Brussels. Als Konzertsängerin arbeitet sie regelmäßig mit den großen Orchestern der Welt zusammen, darunter die Berliner und Wiener Philharmoniker, New York und Los Angeles Philharmonics, Chicago As a concert vocalist she has collaborated with some of the world’s greatest orchestras, including Symphony Orchestra, London Symphony und London Philharmonic Orchestra. Die Schwedin singt the Berlin, Vienna, New York and Los Angeles Philharmonics, the Chicago Symphony, the LSO, nahezu das gesamte Konzertrepertoire für Alt und Orchester, wobei sie sich vor allem als Interpretin and the LPO. Anna Larson masters practically all the classical repertoire for contralto and orchestra, der Werke von Gustav Mahler profiliert hat. Zudem hat Anna Larsson ein besonderes Faible für die and has especially made herself a name as an interpreter of Mahler. She also loves to sing Lieder, Interpretation von Liedern. Sie ist daher regelmäßig mit internationalen Begleitkünstlern auf Tour und going regularly tour with internationally renowned pianists in vocal programmes featuring a wide gibt Solo-Rezitale mit einem breiten Repertoire deutscher, englischer und skandinavischer Lieder. range of German, British and Scandinavian art song repertoire. Im Dezember 2010 wurde der Schwedin von König Carl XVI. Gustaf der Titel Königliche Hofsängerin In 2010, King Carl XVI Gustaf of Sweden conferred Anna Larsson the title of Royal Court Singer. verliehen. 2011 eröffnete sie ihren eigenen Konzertsaal: „Vattnäs Concert Barn“ im Dorf Vattnäs In 2011, she inaugurated her own concert hall: the Vattnäs Concert Barn in the village of Vattnäs bei Mora in Dalecarlia. near Mora in the Swedish province of Dalarna. www.annalarsson.nu www.annalarsson.nu

11 Stuart Skelton Stuart Skelton

Der 1968 in Sydney geborene Heldentenor Stuart Skelton zählt zu den profiliertesten Sängern seines Born in Sydney in 1968, Stuart Skelton is one of the finest heldentenors on the stage today. He was Faches. Er war der erste Australier, der den renommierten Wiener Belvedere Wettbewerb gewann. Seine the first Australian to win the renowned Hans Gabor Belvedere Singing Competition in Vienna. Ausbildung erhielt er in seiner Heimatstadt Sydney sowie am Conservatory of Music der University Stuart was trained as an opera singer in Sydney, as well as the University of Cincinnati Conservatory of Cincinnati bei Barbara Honn und Thomas Baresel. Als Mitglied der Adler Fellowship startete er of Music in the classes of Barbara Honn and Thomas Baresel. As an Adler Fellowship member, seine Sängerkarriere in San Francisco. Heute gastiert der Preisträger zahlreicher Wettbewerbe an den Stuart Skelton began his international singing career in San Francisco. The multiple prizewinner weltweit bedeutendsten Opern- und Konzerthäusern, u.a. an der Met in New York, der English National now makes guest appearances on the most renowned opera and concert hall stages worldwide: at Opera, der Opéra National de Paris, dem Opernhaus Zürich, der Dresdner Semperoper, der Deutschen the New York Metropolitan Opera, English National Opera, Opéra National de Paris, Opernhaus Oper Berlin sowie an den Staatsopern in Wien, München, Hamburg und Berlin. Zürich, Dresden Semperoper, Deutsche Oper Berlin, and the State Operas of Vienna, Munich, Neben den großen Wagner-Rollen seines Fachs (Lohengrin, Parsifal, Erik, Siegmund und Rienzi) Hamburg, and Berlin. umfasst sein Repertoire viele der anspruchsvollsten Charaktere der Oper, von Beethovens Florestan, Apart from the great Wagnerian Heldentenor roles (Lohengrin, Parsifal, Erik, Siegmund, and Rienzi), Saint-Saëns‘ Samson, Dvořáks Dimitrij bis zu Strauss‘ Kaiser und Brittens Peter Grimes. Überdies Skelton’s repertoire comprises many further demanding opera parts, including Beethoven’s Florestan, wird der Tenor von den großen Symphonieorchestern als Konzertsolist eingeladen. So zählen Daniel Saint-Saëns’s Samson, Dvořák’s Dimitrij, Strauss’s Kaiser und Britten’s Peter Grimes. He continues to Harding, James Levine, Lorin Maazel, Simone Young, Michael Tilson Thomas und Daniel Barenboim be in demand on concert stages around the world, collaborating with conductors of the likes of Daniel zu den Dirigenten, mit denen Stuart Skelton regelmäßig zusammenarbeitet. Harding, James Levine, Lorin Maazel, Simone Young, Michael Tilson Thomas and Daniel Barenboim. Stuart Skeltons umfangreiche Diskographie umfasst u.a. Janáčeks Glagolitische Messe und Schönbergs Stuart Skelton’s extensive discography includes Janáček’s Glagolitic Mass and Schoenberg’s Gurrelieder Gurre-Lieder (Edward Gardner / Bergen Philharmonic Orchestra), Elgars Traum von Gerontius (Edward Gardner / Bergen Philharmonic Orchestra), Elgar’s Dream of Gerontius (Sir Andrew (Sir Andrew Davis / BBC Symphony Orchestra) und Mahlers Das Lied von der Erde (Michael Tilson Davis / BBC Symphony Orchestra), und Mahler’s Das Lied von der Erde (Michael Tilson Thomas / Thomas / San Francisco Symphony). Zudem trägt er zu drei Aufnahmen von Wagners Ring-Zyklus San Francisco Symphony). He is also participating in three separate complete recordings of Wagner’s bei: mit den Hamburger Philharmonikern unter Simone Young und mit der Seattle Opera und der Ring cycle: with the Hamburg Philharmonic conducted by Simone Young, with Seattle Opera, and Staatsoper Südaustralien unter der Leitung von Asher Fisch. with the State Opera of South Australia under the baton of Asher Fisch. Bei den International Opera Awards 2014 wurde er zum „Male Singer of the Year“ gewählt und The 2014 International Opera Awards named him Male Singer of the Year; furthermore, Skelton has darüber hinaus zweimal mit dem Sir Robert Helpmann Award ausgezeichnet, einmal 2004 für been twice honoured with the Sir Robert Helpmann Award: once for his performance of Siegmund seine Auftritte als Siegmund in der Staatsoper von South Australia und erneut 2010 für den besten in the State Opera of South Australia’s 2004 production of the Ring Cycle, and again in 2010 for männlichen Performer in einer Hauptrolle für seine Darstellung des Peter Grimes. Best Male Performer in a Lead Role for his portrayal of Peter Grimes for Opera Australia. www.stuartskelton.com www.stuartskelton.com

12 Adam Fischer Adam Fischer

Seit Beginn der Saison 2015/16 ist Adam Fischer Principal Conductor der Düsseldorfer Symphoniker At the beginning of the 2015/16 season, Adam Fischer was appointed Principal Conductor of the und Künstlerischer Berater der Tonhalle Düsseldorf. Er ist Ehrendirigent der Österreichisch- Düsseldorfer Symphoniker and Artistic Consultant of the Düsseldorf Tonhalle. He is also Honorary Ungarischen Haydn Philharmonie, Gründer der Haydn-Festspiele in Eisenstadt sowie Gründer Conductor of the Austrian-Hungarian Haydn Orchestra, founder of the Eisenstadt Haydn Festival, and und Leiter der Budapester Wagner-Tage. Adam Fischer ist ein politisch engagierter Künstler, der founder and director of the Wagner Festival in Budapest. Well-known for his courageous political commit- vielfach für die Menschenrechte eintritt. Zusammen mit András Schiff reichte er 2011 bei der EU ment, Adam Fischer has spoken out often in favor of human rights. Together with András Schiff he initiated eine Petition gegen Rassismus und Ausgrenzung ein. and signed a petition against racism and discrimination, which they submitted to the European Union.

1949 in Budapest geboren, studierte Adam Fischer Komposition und Dirigieren in Budapest und Born in 1949 in Budapest, Adam Fischer studied composition and conducting in the Hungarian bei Hans Swarowsky in Wien. Nach Stationen als Erster Kapellmeister in Helsinki, Karlsruhe und capital, and with professor Hans Swarowsky in Vienna. an der Staatsoper in München war er Generalmusikdirektor in Freiburg, Kassel und Mannheim sowie After appointments as Kapellmeister in Helsinki, in Karlsruhe and at Munich State Opera, Fischer Künstlerischer Leiter der Ungarischen Staatsoper in Budapest. Seit 1999 leitet er das Dänische held the post of General Music Director successively at the opera houses of Freiburg, Kassel and Nationale Kammerorchester Kopenhagen. Mannheim, and was also Music Director of Hungarian State Opera in Budapest. Since 1999 he has been Chief Conductor of the Danish National Chamber Orchestra in Copenhagen. Regelmäßige Auftritte führen Adam Fischer an die größten Opernhäuser in Europa und in den USA, darunter die Wiener Staatsoper, Mailänder Scala, Bayerische Staatsoper, Covent Garden, Regular engagements have led Adam Fischer to perform in the great opera houses of Europe and the Metropolitan Opera und die Bayreuther Festspiele. Als Konzertdirigent arbeitet er mit Orchestern US, including Vienna, Milan, Munich, Covent Garden, the New York Met and Bayreuth Festival. In wie den Wiener Philharmonikern, den Wiener Symphonikern, den Münchner Philharmonikern, orchestra appearances he also conducts the Vienna Philharmonic, the Vienna Symphony, the Munich dem Orchestre de Paris, dem London Philharmonic, dem Orchestra of the Age of Enlightenment, Philharmonic, the Orchestre de Paris, the London Philharmonic (LPO), the Orchestra of the Age dem Chicago und Boston Symphony und dem NHK Symphony Tokio. of Enlightenment, the Chicago and Boston Symphonies and the NHK Symphony in Tokyo.

Unter seinen preisgekrönten CD-Einspielungen findet sich sowohl das gesamte symphonische Fischer’s award-winning CD releases include the complete symphonic works of Haydn (distinguished Werk Haydns (ausgezeichnet mit dem Echo Klassik) als auch Mozarts. Außerdem erhielt er u. a. with the German national prize “Echo Klassik”) as well as of Mozart. He has also been awarded the Grand den Grand Prix du Disque für Goldmarks Königin von Saba und Bartóks Herzog Blaubarts Burg. Prix du Disque twice: for his recordings of Die Königin von Saba (Goldmark) and of Bluebeard’s 2017 wurde Adam Fischer zum Ehrenmitglied der Wiener Staatsoper ernannt. Castle (Bartók). In 2017, Adam Fischer was named Honorary Member of Vienna State Opera.

13 Düsseldorfer Symphoniker Düsseldorfer Symphoniker

„Orchester für Düsseldorf “ – das ist eine Aufgabe und ein Anspruch, dem sich die Düsseldorfer “An orchestra for Düsseldorf ”: that is the objective and the high standard that the Düsseldorfer Symphoniker 250 mal im Jahr stellen. Das Orchester mit dem ungewöhnlichen Profil – es arbeitet Symphoniker set for themselves – 250 times a year. This orchestra has an uncommon profile, since it sowohl in der Tonhalle als auch in der Deutschen Oper am Rhein mit zwei Opernhäusern – trägt performs not only in the Tonhalle, but also for the Deutsche Oper am Rhein in Düsseldorf and in darüber hinaus mit seinen Konzertreisen nach Amsterdam, Salzburg, Wien, China und Japan den Duisburg. On its regular tours to Holland, Austria, China and Japan, the orchestra carries Düsseldorf ’s Ruf Düsseldorfs als Kulturstadt in die ganze Welt. reputation as a city of culture out into the world.

Im 18. Jahrhundert arbeiteten international gefeierte Musiker, u.a. Händel und Corelli, mit der Already in the 1700’s, internationally celebrated artists such as Handel and Corelli collaborated on „Düsseldorfer Hofkapelle“ bis zur Auflösung des Hofes. 100 Jahre später, 1818, entstand mit der occasion with the “Düsseldorf Court Orchestra” until the court was dissolved. A century later, in Gründung des Städtischen Musikvereins erneut eine Orchesterkultur in Düsseldorf, die berühmte 1818, orchestral culture was re-introduced into Düsseldorf when the Municipal Music Society Musiker und Leiter wie Felix Mendelssohn Bartholdy und Robert Schumann anzog. Wirklich städtisch (Städtischer Musikverein) was founded, attracting celebrated musicians of the likes of Mendelssohn wurde das Orchester 1864. Es ist damit nach Aachen der zweitälteste kommunale Klangkörper in and Schumann to serve as conductors. The orchestra became truly “municipal” in 1864, and after Deutschland. In den folgenden Jahrzehnten entwickelte es sich zu einem der führenden und größten Aachen it is thus the second oldest civic orchestra in Germany. Throughout the following decades it Orchester Deutschlands, zu deren Leitern nach dem Wiederaufbau 1945 Heinrich Hollreiser und became one of the leading and largest orchestras in the country. Its conductors in the postwar era have anschließend namhafte Dirigenten wie Eugen Szenkar, Jean Martinon, Rafael Frühbeck de Burgos, been Heinrich Hollreiser, Eugen Szenkar, Jean Martinon, Rafael Frühbeck de Burgos, Henryk Czyz, Henryk Czyz, Willem van Otterloo, Bernhard Klee, David Shallon, Salvador Mas Conde, John Willem van Otterloo, Bernhard Klee, David Shallon, Salvador Mas Conde, John Fiore and Andrey Fiore und zuletzt Andrey Boreyko gehörten. Seit Beginn der Saison 2015/16 leitet Adam Fischer Boreyko. Starting in the 2015 season, Adam Fischer has taken up the post of Principal Conductor. als Principal Conductor die Düsseldorfer Symphoniker. The orchestra went on tour to Spain in 2011, guested at the Beethoven Easter Festival in Warsaw in 2011 unternahm das Orchester eine Spanien-Tournee, 2012 gastierte es beim „Beethoven Easter Festival“ 2012, and enjoyed resounding success in Moscow that same year. In 2014, the Düsseldorfer Symphoniker (Polen) und begeisterte bei einem Gastspiel in Moskau. 2014 gaben die Düsseldorfer Symphoniker ihr gave a superb début performance at the Musikverein in Vienna, and were likewise well-received at fulminantes Debüt im Wiener Musikverein und gastierten erfolgreich im Amsterdamer Concertgebouw. the Concertgebouw in Amsterdam. In May 2015 they made nine acclaimed appearances in Tokyo. Im Mai 2015 wurden sie bei neun Konzerten in Tokio gefeiert. 2017 folgten Gastspiele in Arnheim In 2017 the orchestra was invited to open the new concert hall in Arnheim, guested in Moscow and (Einweihung des neuen Konzertsaals), in Moskau und erneut im Concertgebouw Amsterdam. played again at the Concertgebouw in Amsterdam.

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Ebenfalls verfügbar / Also available

MAHLER MAHLER MAHLER MAHLER MAHLER Symphony No. 7 Symphony No. 4 Symphony No. 5 Symphony No. 1 Symphony No. 3