Musik von Victor Herbert Cellokonzert Nr. 1 D-dur op. 8 Cellokonzert Nr. 2 e-moll op. 30 Einzelwerke für Cello Arien und Chöre, Lieder Lynn Harrell, Cello The Academy of St. Martin in the Fields, Neville Marriner Kingsway Symphony Orchestra & Chorus, Salvatore Camarata , Sopran Symphony Orchestra, Stephen Barlow Eloquence ELQ4827305, PC: BG (2 CD), VÖ: 8.5.2019, 0028948273058 Beliebte Arien und Chöre und romantische Konzerte von einem Pionier der amerikanischen Operette. Der in Dublin geborene Victor Herbert (1859-1924) begann seine Karriere als Cellist in Deutschland, spielte für Eduard Strauss, für Brahms und Liszt und emigrierte als Solocellist der Metropolitan in die USA. In dieser Funktion komponierte er das zweite von zwei für ihn selbst geschriebenen Konzerten. Sie wurden erstmals 1986 von Lynn Harrell auf diesem Decca-Album als Paar aufgenommen. „Herbert war ein virtuoser Cellist“, sagt Harrell, „und das zeigt sich in der Musik. er schrieb so schön für das Cello.“ Das Album wurde mit charmanten Charakterstücken aufgefüllt, ursprünglich für Cello und Klavier, neu transkribiert für die Akademie von St. Martin in the Fields.

Herbert etablierte sich in New York und entwickelte seinen ganz eigenen Orchester- und Gesangsstil. Er gründete und leitete daneben die amerikanische Hauptorganisation zum Schutz des musikalischen Urheberrechts, was zu einem berühmt gewordenen Ereignis führte: als Herbert im Restaurant die Rechnung präsentiert wurde, schrieb er spontan eine Gegenrechnung für die andauernde unberechtigte Verwendung seiner Musik. Das Restaurant wollte nicht bezahlen, er klagte und gewann.

Zu dieser Zeit war Herbert Komponist am Broadway, mit Hits wie „Babes in Toyland“ (1894) und „The Red Mill“ (1906). „Naughty Marietta“ (1910) und „Sweethearts“ (1913) folgten. All dies und mehr ist auf einem Decca-Phase-4-Album von 1975 zu hören, das von Salvatore 'Tutti‘ Camarata und seinem Orchester aufgenommen wurde. Als Zugabe singt Kiri Te Kanawa die große Nummer aus Herberts 1911-Show „The Enchantress“.

Sound the Trumpets Musik für Trompeten und Orgel, Trompete und Cornetto, Trompetenkonzerte von Händel, Bach, Buxtehude, Charpentier, Purcell, Scarlatti, Telemann, Vivaldi, Rathgeber, Franceschini, Grossi, Buonamente, Coprario, Frescobaldi, Corelli, Cazzati, Hingeston Hannes Läubin, Wolfgang Läubin, Bernhard Läubin, Trompeten Don Smithers, Trompete und Zink Norbert Schmitt, Pauken Simon Preston, Orgel und Cembalo English Chamber Orchestra, Simon Preston Eloquence ELQ4828629, PC: BG (2 CD), VÖ: 8.5.2019, 0028948286294 Ein Trompeten- und Orgelspektakel: Drei Original-Argo- und DG-Alben auf einem großzügigen, neu zusammengestellten 2-CD-Set.

In barocken Werken wird die Trompete im Allgemeinen immer von Pauken begleitet, wobei beide Instrumente starke Verbindungen zur Militärmusik haben. Die Orgel hingegen ist in erster Linie mit der Kirche verbunden, und im Rahmen des Festzugs und der Rituale der Gottesverehrung kommt die Kombination von Trompeten, Pauken und Orgel am besten zur Geltung. Das Repertoire dieser Aufnahmen enthält schöne Beispiele aus den deutschen, französischen, italienischen und englischen Schulen, die Originalwerke und Arrangements mischen, jubelnde Fanfaren mit Arien von fließender Schönheit.

Dazu passend gibt es zwei Werke von Buxtehude, der viele Jahre Organist in der Lübecker Marienkirche war. Dort wurde Preston von den drei unglaublich talentierten, zwanzigjährigen Läubin-Brüdern begleitet, um 1985 „Awake the trompet‘s loomy sound“ einzuspielen. Fünf Jahre später wurden sie in den Studios der Abbey Road in London wiedervereinigt, um italienische und deutsche Konzerte voller Pracht und virtuoser, brillanter Figuration aufzunehmen.

1968 hatte Preston mit „Music for trumpet and cornetto“ einen kommerziellen und künstlerischen Erfolg erzielt, eine Sammlung, die sich in ein wenig bekanntes Gebiet vor dem Barock wagte und die einzigartig abgerundete Klangfülle des Zink, eines Vorgängers der Trompete, erstmals präsentierte. Solist war der Amerikaner Don Smithers, der erst ein Jahrzehnt vorher mit dem Erlernen der Trompete begonnen hatte, sich jedoch schnell einen internationalen Ruf als Trompeter von erstaunlicher Sicherheit und Virtuosität erarbeitete, insbesondere im Repertoire der frühen Musik.

Francesco Cavalli (1602-1676) L‘ Wakefield, Runge, Garcisanz, van Bork, Alister, Cuénod, Howells, Berbié, Davia, Van Allan London Philharmonic Orchestra, Raymond Leppard Eloquence ELQ4829382, PC: BG (2 CD), VÖ: 8.5.2019, 0028948293827 Ein Meilenstein der barocken Opernaufnahmen, neu remastert. Diese „königliche Unterhaltungsmusik“ wurde von Cavalli auf ein Libretto von Giovanni Faustini geschrieben und 1644 in Venedig aufgeführt, zwei Jahre nachdem „L‘incoronazione di Poppaea“ entstanden war. In „Ormindo“ verfolgen wir die Abenteuer zweier Liebespaare, die vor dem unvermeidlichen Happy End lügen, betrügen und voreinander flüchten. Eine Todesszene im Gefängnis für den gleichnamigen Prinzen und seine Geliebte Erisbe wurde durch ihr eindrückliches Pathos über die Oper hinaus bekannt.

1967 leitete Leppard „Ormindo“ beim Glyndebourne Festival und läutete damit die Wiederbelebung von Cavallis Vermächtnis an. Kritiker stellten die bedeutenden Überarbeitungen und Umgestaltungen des Dirigenten fest, waren sich jedoch einig, dass sie hier erstmals das Werk eines wegweisenden Opernkomponisten hörten und auf der Bühne sahen und das bei Aufführungen, die sowohl der Musik als auch dem Drama in vollem Umfang gerecht wurden. Leppard und Glyndebourne sorgten für eine üppige Continuo-Besetzung und wurden für die damalige Zeit der reich verzierten Sprache der venezianischen Oper des 17. Jahrhunderts überaus gerecht.

Der große Erfolg von „Ormindo“ in Glyndebourne führte zu einer Fortsetzung mit Leppards ähnlich einfallsreicher Umsetzung von „Calisto“, die ebenfalls von Eloquence (482 9400) neu aufgelegt wurde. „L‘Ormindo“ war seit langem nicht mehr verfügbar, und das Booklet enthält die Originaltexte von Raymond Leppard und eine Zusammenfassung.

Jean-Philippe Rameau (1683-1764) Hippolyte et Aricie Tear, Hickey, Rhys-Thomas, Baker, Blans, Woodland, Fleet, Shirley-Quirk, English, Stalman St. Anthony Singers English Chamber Orchestra, Anthony Lewis Eloquence ELQ4829394, PC: BG (2 CD), VÖ: 8.5.2019, 0028948293940 Dies ist erste kommerzielle Aufnahme von Rameaus erster Oper. Dank mehrerer Veröffentlichungen von Eloquence ist die Pionierarbeit von Anthony Lewis auf dem Gebiet der Barockoper ab sofort verfügbar: „The Fairy Queen“ (482 7449) von Purcell, Händels „Semele“ (482 5055) und eine Sammlung von Händel-Arien (482 4759) wurden alle zum Zeitpunkt ihrer ursprünglichen Veröffentlichung in den 1950er und 60er Jahren von den Kritikern hoch gelobt und haben durch die neuen Eloquence-Remasterings ein neues und dankbares Publikum gewonnen. Weitere Lewis-Neuauflagen sind in Vorbereitung.

Als Direktor einer jährlichen Serie von Operninszenierungen des Barber Institute in der Universität Birmingham brachte Lewis zunächst ein lokales Publikum mit Barockopern in Berührung, und dann ein internationales Publikum mit diesen Aufnahmen von Decca und Argo. Denn diese faszinierenden Werke sollten nicht Gelehrten vorbehalten bleiben, sondern die Chance haben, so beliebt zu werden wie Werke von Mozart und Puccini.

Rameaus Platz im Pantheon der Barockkomponisten neben Bach und Händel ist jetzt gesichert, dies auch dank der überzeugenden Kraft und Intensität von Aufnahmen wie dieser von „Hippolyte et Aricie“, aufgenommen im Juli 1965 in Deccas West Hampstead-Studios. Die Handlung beschreibt Phaedras inzestuöse Liebe zu ihrem Sohn Hippolytus, dessen ebenso hoffnungslose Liebe zu Aricia und viel gewalttätige göttliche Intervention und Vergeltung. Tatsächlich hatte diese klassische Tragödie nicht den Ruf anderer Bühnenwerke von Rameau zu dessen Lebzeiten genossen, aber sie wird jetzt (nicht zuletzt dank Lewis 'Bemühungen) als einer der Höhepunkte in der Arbeit des Komponisten anerkannt.

Francesco Cavalli (1602-1676) Trama, Gottlieb, Cotzrubas, Bowman, Baker, Cuénod, Hughes, Davià, Brannigan, Kubiak Glyndebourne Festival Opera Chorus London Philharmonic Orchestra, Raymond Leppard Eloquence ELQ4829400, PC: BG (2 CD), VÖ: 8.5.2019, 0028948294008 Raymond Leppards zweiter und renommierterer Beitrag zur modernen Wiederbelebung von Cavalli: ein Klassiker unter den barocken Opernaufnahmen, der den begehrten Rosette-Preis des Penguin Record Guide erhielt.

Im Jahr 1651, sieben Jahre nach „Ormindo“ (ELQ482 9382 in Leppards Aufnahme), schafften Cavalli und sein Librettist Faustini einen weiteren Hit bei dem nach Neuheiten gierenden, aber anspruchsvollen venezianischen Opernpublikum mit einer Erzählung aus Ovids Metamorphosen. Die Veränderung, die alle zentralen Charaktere von Ovid durchmachen, wird in diesem Fall von der Nymphe Calisto durchlebt. Die wird von der Göttin Diana verfolgt, durch die Furien in einen Bären verwandelt und von Jupiter wieder zum Menschen gemacht. Jupiter setzt sie schließlich als Stern an den Himmel als Belohnung für ihre Geduld und ihre Liebe.

Stanley Sadie schrieb im Sommer 1970 als Herausgeber der Musical Times, dass die Wiederaufführung von Calisto durch Raymond Leppard – wahrscheinlich die erste Aufführung seit 1651 – wie bereits drei Jahre zuvor „Ormindo“ „mit Begeisterung aufgenommen wurde“. Die folgenden Jahrzehnte haben uns die vollständigere und unbearbeitetere Originaloper geliefert, nach der Sadie verlangt hat, aber sie haben den leidenschaftlichen Schwung von Leppards Einrichtung und Interpretation nicht geschmälert. Auch der Gesang von , James Bowman und Ileana Cotrubas in den zentralen Rollen wurde nicht von ihren Nachfolgern verdunkelt.

Das Top-Engineering-Team von Decca, geleitet von Kenneth Wilkinson, war für die Argo-Aufnahme verantwortlich. Wie bei „Ormindo“ entschieden sie sich, nicht in Glyndebournes Haupthaus aufzunehmen, sondern in dem kleineren und akustisch günstigen Orgelraum, in dem die ersten Opernaufführungen des Hauses stattfanden.

Die Orgel im Opernhaus von Sidney Werke von Bach, Albinoni, Clarke, Mendelssohn, Franck, Murrill, Davies, Widor Peter Hurford, Orgel Eloquence ELQ4840351, PC: BL, VÖ: 8.5.2019, 0028948403516 Weltweit als Organist zu hören, dabei stets auf seine Arbeit in seiner Heimat England konzentriert, gab Peter Hurford während seiner langen Karriere immer wieder Orgelkonzerte in Australien. Er spielte jedoch kaum ein Instrument, das in seiner Wirkung und seine Möglichkeiten blendender ist als die Orgel, die im Sydney Opera House installiert wurde.

Die Orgel (fünf Manuale, über 100 Register) wurde im Mai 1979 für 1,2 Millionen US- Dollar fertiggestellt und gilt als eines der besten Instrumente dieser Art in der südlichen Hemisphäre. Sie wurde von dem Australier Ronald Sharpe und in der letzten Bauphase von der österreichischen Orgelbaufirma Gregor Hradetzky gebaut.

Sowohl das Instrument als auch das rhythmisch animierte Spiel von Hurford werden zu Recht in diesem Album populärer Orgelklassiker verewigt. Es beginnt mit „Toccata und Fuge d-moll“, höchstwahrscheinlich nicht für Orgel geschrieben und wahrscheinlich nicht von Bach komponiert und dennoch DAS Orgelwerk Bachs. Ebenso Albinonis „Adagio“, das nicht mehr oder weniger als die Überarbeitung und romantische Ausarbeitung eines schlanken Themas von Albinoni durch Remo Giazotti ist.

Jedes Stück auf dieser umfassenden Einführung in die Orgelliteratur ist ein Fest für sich, und Hurford genießt gebührend alle Farben der Sydney-Orgel, indem er fast wörtlich alle Register im Verlauf des Albums zieht. In den Händen von Hurford ist Herbert Murrills „Carillon“ eine glänzende Vorstellung, und die mächtigen Zungenregister der Orgel von Sydney werden die anspruchsvollsten Audiogeräte hier und in der unvermeidlichen Schlußsteigerung des Albums, der Toccata aus Widors 5. Orgelsymphonie, auf ihre Leistungsfähigkeit testen.

Across the Isles Traditionals und Musik aus England, Irland und Schottland von O‘Carolan, Oswald, Gow, Geminiani, Purcell, Matteis, Händel Gentle Spirits: Elke Hardegen-Düker, Blockflöten Andreas Düker, Erzlaute, Barockgitarre Job Verweijen, Schlagzeug greensonic CD1841, PC: CE, VÖ: 8.5.2019, 0710535869613 3D Pantofonie Musik grenzenlos. Die Gentle Spirits schlagen Brücken zwischen Inseln, Ländern und musikalischen Genres. Das Ensemble interpretiert Alte Musik und Traditionelles aus Irland, Schottland und England mit frischen Schlagzeugklängen. Wie klingt Barockmusik, wenn deren Komponisten sich von Folkmusik inspirieren ließen? Barocke Werke verschmelzen mit Folk zu einer zeitlos schönen Musik. Eine Aufnahme in hochauflösender 3D-Audiotechnologie mit authentischem Klang und natürlicher Räumlichkeit. Selten klang Alte und traditionelle Musik so zeitgemäß und begeistert damit Klassik-Hörer genauso wie Folk-Fans.

Ein Erlebnis für Ohr und Seele, höchst aufwendig und liebevoll verpackt in ein Digipack mit zwei Booklets (englisch und deutsch) mit großartigen Fotos und ausführlichen Beschreibungen der Werke, der verwendeten Instrumente, natürlich des Ensembles und auch Erklärungen zur Aufnahmetechnik. Das Album wurde in PANTOFONIE® produziert: Ein Kunstkopf erzeugt einen 3D-Höreindruck, der die Musik räumlich und lebendig wie in einem Konzertsaal erscheinen lässt, ein eigens entwickelter Audiorecorder bietet die weltweit höchste Klangauflösung. Das Resultat: ein völlig neues Musikerleben – ein natürlicher, authentischer Klang mit einer Räumlichkeit und Auflösung, die mit feinsten Details berührt.

Ludwig van Beethoven 33 Veränderungen über einen Walzer von Anton Diabelli, op. 120 Gustav Piekut, Klavier Danacord DACOCD837, PC: CK, VÖ: 8.5.2019, 5709499837009 Gustav Piekut (*1995) etabliert sich als einer der interessantesten jungen Musiker in Skandinavien. Er wurde von der Westdeutschen Allgemeinen Zeitung als „Poet und Virtouso am Piano“ beschrieben und hat„das Hamburger Publikum mit seinem transparenten Spiel und seinem Gespür für das Timing verblüfft“, so das Hamburger Abendblatt. Nach seinem Debüt mit dem South Jutland Symphony Orchestra im Alter von 12 Jahren und zwei Jahre später als Solist beim Danish Radio Symphony Orchestra, reist Gustav Piekut regelmäßig für Konzerte, Konzerte und Festivalauftritte durch ganz Europa. Er gewann nicht nur vier Preise beim Internationalen Klavierwettbewerb von Aarhus im Jahr 2017, sondern auch beim Internationalen Klavierwettbewerb in Dublin, beim Klaviercampuswettbewerb Pontoise, bei der Astana Piano Passion, beim Internationalen Musikwettbewerb Balys Dvarionas, beim Internationalen Klavierforum Sanok und vielen anderen. Er hat auch den 1. Preis beim Danish National Steinway Piano Festival dreimal in Folge gewonnen. Gustav Piekut wird von der Augustinus-Stiftung unterstützt und erhielt den Talent Award 2018 der Sonning Music Foundation. Außerdem ist er Stipendiat der deutschen Studienstiftung. Er studiert bei Prof. Klaus Hellwig an der Berliner Universität der Künste und ist ein ehemaliger Student des Gradus in Aarhus. Dies ist die Debütaufnahme von Gustav Piekut.