CATALOGUE D’EXPOSITION

COMMISSAIRE - DOMINIQUE MOULON

©Juan Le Parc A PROPOS

Variation - Media Art Fair est une foire un également avec les artistes ou leurs peu particulière puisqu’elle est dédiée galeristes, agents ou producteurs. Une aux pratiques artistiques numériques d’art foire qui souhaite propulser les artistes aux contemporain. Ces mêmes pratiques ont pratiques émergentes sur marché de l’art émergées avec la démocratisation des contemporain. ordinateurs et des réseaux. Puis elles se sont développées au travers d’associations A Variation - Media Art Fair on croise et de festivals, trop souvent à l’écart du les collectionneurs, les responsables marché dont on sait la position dominante d’institutions muséales, les artistes et les dans le monde de l’art contemporain. galeristes, les critiques d’art, mais aussi le grand public guidé par des médiateurs à la Or le public est prêt à accueillir des découverte des œuvres et de l’univers des oeuvres qui participent des cultures artistes exposés. numériques que tous nous partageons. Il est même quelques collectionneurs comme Plus de 50 artistes ont répondu présent à Alain Servais, à Bruxelles, ou Hampus l’invitation de Dominique Moulon, com- Lindwall, à , qui se constituent des missaire de l’exposition. Ce commissariat collections résolument numériques. Sans reflète la diversité et la richesse de l’art omettre les galeries telle la Dam de Berlin numérique: par le biais d’œuvres his- ou la Bitforms de New York, qui présentent toriques, art vidéo, sculptures lumineuses, des artistes usant des technologies de leur stéréo-lithographies, tirages numériques, temps. dispositifs génératifs, installations interac- tives, art sonore, robotique, design, objets Mais elles sont trop peu nombreuses pour connectés. être rassemblées en stands classiques au sein d’une foire dédiée. C’est là qu’intervient Variation - Média Art Fair, une foire hors du commun où les pratiques s’entremêlent, car il y a du numérique dans la photographie, la vidéo, dans les installations, jusque dans les sculptures de prototypage. Une foire qui traite LES PRODUCTEURS

Art2M, Art to Machine est une start-up innovante fondée en 2009 et présidée par Anne-Cécile Worms, spécialisée dans la production et la diffusion d’oeuvres d’art numérique exclusives ou sur-mesure, de prototypes, d’objets connectés et de design innovant. Art2M est labellisée JEI – Jeune Entreprise Innovante). Nous travaillons depuis 2009 pour créer des installations et des événements liés à l’art et aux nouvelles technologies. Art2M est le producteur de Water Light Graffiti, une oeuvre d’Antonin Fourneau, dont le succès est aujourd’hui international.

MCD, Musiques Cultures Digitales est une association qui a pour objectif d’informer, promouvoir et accompagner la diffusion des cultures digitales, depuis 2003. Son activité s’articule autour de l’édition de la revue trimestrielle MCD, distribuée en kiosque, dédiée à la création numérique, de l’accompagnement des artistes et innovateurs, de la direction d’un lieu de fabrique culturelle et numérique – les Ekluz – (Paris 10ème), et de la production de projets, expositions et ateliers de création numérique.

Vanessa Quang, Galerie GVQ. Galeriste parisienne depuis quinze années, elle a co-fondé SHOW OFF en 2006 devenu VARIATION en 2014. De formation scientifique, elle a tout naturellement depuis le début de sa galerie intégré les oeuvres numériques dans sa programmation. Sa galerie située dans le Marais, représente des artistes émergents et confirmés.

NextDay! est une association qui a pour principal sujet la valorisation, en France et à l’international, des pratiques innovantes – technologiques, culturelles, économiques et sociales. Conçue comme un laboratoire composé d’experts et de structures investies, NextDay! est force de proposition pour accompagner tous les acteurs, publics et privés dans leurs projets opérationnels et réflexions de prospective positive. LE LIEU

HALLE DES BLANCS MANTEAUX Pierre-Charles Krieg 48 rue Vieille du Temple 75004 Paris

Dans une scénographie aérée à l’Espace des Blancs Manteaux, l’événément retrouve son esprit convivial et pionnier qui fait sa force. Des médiateurs culturels seront présents pour expliquer les œuvres et informer sur les artistes afin de privilégier la vente. Des visites guidées de collectionneurs et d’écoles s’organise tout le long de la semaine.Après l ‘espace Pierre Cardin (Paris 8) en 2013, c’est à l’espace des Blancs Manteaux, en plein cœur du Marais (Paris 4), que se tiendra une nouvelle fois Variation - Media Art Fair.

En 2014, VARIATION a ouvert avec près de 4 000 visiteurs présents au vernissage.

A l’espace des Blancs Manteaux, pendant 7 jours, près de 12 000 visiteurs, collectionneurs, professionnels, artistes, et amateurs d’art ont visité VARIATION. L’ÉDITO

Dominique Moulon Commissaire de l’exposition VARIATION - MEDIA ART FAIR

Dans le milieu des années soixante, l’artiste Robert Rauschenberg s’est associé avec l’ingénieur Billy Klüver pour organiser neuf soirées performatives dont l’une intitulée Variations VII par John Cage. C’est à cette effervescence que se réfère la foire Variation qui se focalise sur les pratiques émergentes. Variation est une foire à la scénographie ouverte. Cela lui confère des allures de salon des singularités contemporaines.

Les œuvres présentées ont des formes les plus diverses, mais elles ont en commun de documenter nos sociétés dans l’usage des technologies et médias d’aujourd’hui. Les artistes qui s’y rencontrent sont de toutes générations, de multiples origines géographiques. Et leurs œuvres contemporaines, qui nous disent le monde d’aujourd’hui, dialoguent ensemble. Les collectionneurs, tout comme les artistes, galeristes, curateurs et critiques, participent grandement à la reconnaissance de ces œuvres de pratiques singulières. Du temps de John Cage, nous étions dans une forme de l’avant des machines ou réseaux. Maintenant, nous serions plutôt dans un après des cultures numériques que nous avons tous intégrées. Le monde s’est virtualisé au point que nous en souhaitons aujourd’hui la rematérialisation. Or ce sont précisément ces transitions que documentent les œuvres singulières de Variation. www.mediaartdesign.net www.moocdigitalmedia.paris VARIATION - MEDIA ART FAIR 2014 LES ARTISTES

Donald Abad (FR) Jean-Benoit Lallemant (FR) Memo Akten (TR) Hee Won Lee (KR) Art Orienté Objet (FR) Joanie Lemercier (FR) Jean-Pierre Attal (FR) Juan Le Parc (FR) Cécile Babiole (FR) Julio Le Parc (AR) Marion Balac (FR) Selma Lepart (FR) (FR) Julien Levesque (FR) Samuel Bianchini (FR) LIA (AT) Matthew Biederman (CA) Christophe Luxereau (FR) Julien Borrel (FR) Laurent Mareschal (FR) François Brument (FR) Mazaccio & Drowilal (FR) et Michel Audrey Martin & Thomas Bret (FR) Rochon (FR) Luc Courchesne (CA) Albertine Meunier (FR) Michaël Cros (FR) Barnabé Moinard (FR) Enora Denis (FR) ORLAN (FR) Quentin Destieu & Sylvain Alejandro Otero (VE) Huguet (FR) Rolando Peña (VE) Côme di Meglio & Eliott Pascale Peyret (FR) Paquet (FR) Bertrand Planes (FR) Pascal Dombis (FR) Dani Ploeger (GB) Jan Domicz (PL) Olivier Ratsi (FR) Reynald Drouhin (FR) Théoriz & Pia MYrvoLD (NO) Fleury Fontaine (FR) Patrick Tresset (GB) Juliette Goiffon & Charles François Vogel (FR) Beauté (FR) Du Zhenjun (CN) Lia Giraud (FR) Shaun Gladwell (AS) Catherine Ikam & Louis Fléri (FR) Pascal Haudressy (FR) Claudia Hart (US) Eduardo Kac (US) Plateaux

2015 1,80x1,80 m Bois, métal, papier, plâtre, résine Installation de réalité augmentée Edition 1 Courtesy Donald Abad Prix sur demande

Centre Pompidou à Paris). Il a également DONALD récemment participé au META Festival à la galerie Laurent Mueller en avril 2015.

ABAD Les œuvres de Donald Abad font vivre une véritable aventure à celui qui les Depuis 2003 Donald Abad poursuit des contemple. Face à un environnement donné projets artistiques, enseigne à l’école et aux moyens de nouveaux médias et de supérieure d’art et de design d’Amiens, technologies nomades, il nous offre, avec aux ateliers du Carrousel du Louvre, à cette œuvre, un voyage pour la lune. Il l’Académie Charpentier ainsi qu’à l’université s’agit de la première installation réalisée Paris 8. Il est lui-même diplômé et post- par l’artiste. Le support constitue la pièce diplômé de l’école nationale supérieur des de collection et témoigne du surgissement Arts décoratifs de Paris. Donald Abad utilise du miracle qui est l’apparition de la réalité des moyens numériques tels que la vidéo, augmentée. Effectivement celle-ci apparaît pour témoigner d’une expérience, interactive grâce à un fragment de planète, posé sur et digitale (un voyage, une épreuve, un un socle. Cette installation est conçue dans miracle numérique). Ces aventures vidéo l’idée d’un plateau, comme celui d’un jeu évoquent souvent la dualité Technologie/ type wargame (appelé « jeu de plateau »), Nature et nourrissent une interrogation sur la ou d’un décor de cinéma (maquette pour un place de l’individu face à son environnement. film de SF pré-images de synthèse). L’action Il travaille également avec des matériaux de cadrer avec un appareil photo ou caméra, trouvés sur place, au gré de ses aventures, permet de neutraliser l’effet de perspective, et qu’il disperse à la fin d’une exposition. et de s’en servir comme d’un support visuel, L’art numérique doit être abordé selon lui en afin que le miracle survienne. termes d’évènements, de moments, plutôt que sous la forme de pièces permanentes et pérennes. Seule la capture du dispositif, l’interaction public/œuvre, la mise en abîme, les émotions et les réactions suscitent un intérêt pour l’artiste. Nombres de ses créations ont été présentées en France (Gaité Lyrique, Forum des images et Waves #3

2014 Vidéo numérique sans son 2’ Edition 6 + 1 EA Prix sur demande

MEMO Barbican Digital. La série Waves : Cette œuvre est une succession de trois vidéos différentes. AKTEN Chaque tableau présente une vague qui oscille et qui change de forme, de taille, de Memo Akten est un artiste et ingénieur matière et de couleur suivant les vidéos. turc né à Istanbul, vivant actuellement à Dans cette œuvre, Akten intègre la question Londres. Il utilise des algorithmes afin de du mouvement synchronisé ou aléatoire en développer des systèmes qui révèlent la s’inspirant de l’observation de la nature. Ici, confrontation entre l’Homme et la machine les observations scientifiques de la vague ainsi que ses répercussions sur la nature, sont le point de départ d’une écriture qui tient la science, la technologie, la culture et sa poésie du mystère de cette oscillation la tradition. Sa production artistique se millimétrée et chorégraphiée. Waves porte manifeste à travers différents médias et l’ambivalence de l’eau qui est à la fois signe supports tels que la vidéo, les effets sonores, de danger et de mort mais qui est aussi la lumière, la danse, les logiciels ainsi que porteur d’espoir, de vie, et de liberté. Il utilise des performances et des installations. des outils scientifiques ainsi qu’un support C’est au travers de la science qu’il tente de visuel et sonore afin de révéler et amplifier comprendre le monde et la nature humaine. la poésie de notre monde. Provoquant chez Il s’intéresse à la mécanique quantique nous un émerveillement propre à l’enfance, mais également aux neurosciences, à il nous initie de nouveau à la poésie du l’anthropologie et la philosophie. Memo monde qui nous entoure. Akten revisite les Akten combine donc un art conceptuel représentations traditionnelles, artistiques avec des formes concrètes et des éléments et scientifiques de l’Océan et nous offre une sonores qui offrent une lecture poétique du nouvelle expérience de l’observation de la lien entre machine et nature. En 2013 sa nature et en particulier ici, du mouvement collaboration avec Quayola, Forms, remporte des vagues. le Golden Nica décerné par le Prix Ars Electronica. Depuis 2009 ses œuvres Body Paint et Gold sont exposées au Victoria and Albert Museum dans le cadre de l’exposition Decode. En 2014, son œuvre Laser Forest est présentée dans le cadre de l’exposition QUE LE CHEVAL VIVE EN MOI : LA VISITATION

2011 100x150 cm Tirage lambda Edition 1/10 Prix sur demande

Durant la première phase Marion Laval- ART ORIENTÉ Jeantet est allongée sur une table ; elle se fait injecter du sang de cheval par son partenaire Benoit Mangin. Depuis 2009 OBJET l’artiste s’était préparée à recevoir la dose d’immunoglobines du cheval. Après injection Marion Laval-Jeantet fait ses études aux l’artiste se lève et chausse des prothèses Beaux-Arts de Paris. Elle étudie également afin que son regard croise celui du cheval les sciences et structures de la matière ainsi pour entrer complètement en fusion avec que l’éthologie et l’ethnopsychiatrie. Elle lui. Elle fait plusieurs tours de la salle avec s’associe avec Benoit Mangin, passionné le cheval qui est en confiance. S’allongeant d’astrologie et professeur universitaire. de nouveau, Benoit Mangin lui prélève du En 1991, ils créent ensemble le collectif sang 20 min après le début de l’expérience artistique Art Orienté Objet, qui devient le au moment où les marqueurs antigène premier expérimentateur artistique de la témoignent le plus de la présence d’un corps biotechnologie. Ils mettent en œuvre des étranger équin. A la fin de la performance projets surprenants et poétiques qui révèlent Marion revêt la blouse du scientifique et nos comportements face à l’existence, à observe le sang qui est en train d’être l’environnement et aux animaux. Ce collectif lyophilisé par Benoit Mangin. Il est ensuite Bio-Art, au travers de leurs expériences, transféré dans 8 boites métalliques. La repousse les limites de la « conscience magie se mêle alors au scientifique car le incarnée » et les limites entre art, biologie, sang contenu dans ces boites se trouve être et éthologie. En 2011 ils réalisent une en toute logique du sang de centaure. exposition intitulée La part de l’animal au centre d’art contemporain de Rurart à Autres oeuvres exposées à VARIATION : Venours. En 2012 ils participent au festival QUE LE CHEVAL VIVE EN MOI : ENSEMBLE du centre Georges Pompidou, Hors-Piste. 2011 Ils reçoivent également le Golden Nica 100x150 cm, Tirage lambda Edition 1/10 catégorie « art hybride » à l’Ars Electronica Prix sur demande 2011. QUE LE CHEVAL VIVE EN MOI : LA PART ANIMALE 2011 L’œuvre May the horse Live in me, est une 100x150 cm, Tirage lambda Edition 1/10 performance réalisée le 20 février 2012 à Prix sur demande la galerie Kapelica à Ljubljana en Slovénie. PAYSAGE ETHNOGRAPHIQUE #02

2012 75x100 cm Tirage Lambda satiné Edition 1/5 Courtesy Galerie Olivier Waltman Prix sur demande

mosaïque, mais lorsque l’on s’approche, on JEAN-PIERRE se rend compte de l’infinité des détails qui la constitue. Des hommes et des femmes acteurs de la cité, sont sortis d’un contexte ATTAL urbain et dérivent au hasard dans un paysage naturel sans avoir conscience de Jean-Pierre Attal propose dans ses leur environnement. Jean-Pierre Attal extrait photographies un regard sur la place de ces individus de la mégalopole survoltée et l’individu dans la ville. Il est représenté à les place dans un paysage neutre, naturel. Paris depuis 2006 par la Galerie Olivier Enfin on ne peut nier qu’il s’agisse d’une Waltman et expose avec elle dans de œuvre digitale car les flous posés sur nombreuses foires d’art contemporain les visages assurent l’anonymat de ces internationales : Art Paris, London Art Fair, personnes mais rappellent également qu’il Art London, Art Miami, Art Wynwood, Pulse s’agit bien d’une photographie allégorique et New York. En 2008, Teymour Edition publie non de portraits. son livre: « Chroniques Urbaines ». Ces œuvres ont été acquises par des fondations et des collections publiques telles que la Autres oeuvres exposées à VARIATION : Bibliothèque Nationale de France ou Le musée Carnavalet. PAYSAGE ETHNOGRAPHIQUE #09 2012,120x160 cm Tirage Lambda satiné Cette série photographique s’inscrit dans Edition 1/5 Courtesy Galerie Olivier Waltman la thématique de la représentation de la Prix sur demande société urbaine que Jean-Pierre Attal aborde depuis une quinzaine d’années. L’idée de PAYSAGE ETHNOGRAPHIQUE #7 cette série survient en 2011, moment à 2012, 75x100 cm Tirage Lambda satiné partir duquel il rassemble des photographies Edition 1/5 de personnages sur l’Esplanade de la Courtesy Galerie Olivier Waltman Prix sur demande Défense puis cherche à les intégrer dans un paysage. Jean-Pierre Attal se place au niveau de l’ethnologue et de l’anthropologue afin d’explorer l’intimité anonyme de la société urbaine. Il utilise un grand format afin d’offrir une double lecture de l’image. Une vue de loin nous permet de distinguer une Copies non conformes

2013-2015 Dimensions variables 170 lettres en matière plastique en (ABS)et 10 perches en bois Impression 3D Courtesy Production Les Ondes avec l’aide de ENSBA Paris – Pôle Numérique (2013), Goldsmiths University of London – Depart- ment of Computing (2014) et de l’Espace Jean-Roger Caussimon (2015) Prix sur demande

consistaient à recopier manuellement des CÉCILE phrases sentencieuses 100 fois. Ici la phrase est recopiée en utilisant un procédé de fabrication numérique. Chacun des signes BABIOLE est modélisé et imprimé en 3D, puis l’objet résultant est numérisé grâce à un scanner Cécile Babiole est une artiste française 3D. Ce nouveau modèle est réimprimé, et qui vit et travaille à Paris. Elle associe arts ainsi de suite. Le résultat de cette opération visuels et sonores à travers des installations révèle que chaque nouvelle génération et des performances qui interrogent avec accentue la dérive de forme jusqu’à ce singularité et ironie nos systèmes de que les dernières sculptures reproduites représentations et nos technologies. Elle soient devenues méconnaissables. Selon explore les conséquences du passage répété l’interprétation de l’artiste, cette œuvre de l’analogie au numérique et vice versa constitue l’expression d’un des paradoxes et met ainsi en scène la dégradation de de notre culture numérique. Ce paradoxe l’information. Ses œuvres ont été exposées tient au fait que la possibilité de reproduire à au Centre Pompidou à Paris, à Mutek-Elektra l’infini des informations s’accompagne d’une de Montréal, à Beijing, à Lima et elle reçoit fragilité maximale des supports. Ainsi cette de nombreux prix qui récompensent ses œuvre est une forme de vanité numérique, installations et performances, notamment le de ruine numérique. Le titre de l’œuvre est prix Ars Electronica, Lacarno, le prix SCAM inspiré d’une nouvelle littéraire de Philip K ainsi qu’une bourse à la Villa Médicis hors Dick, Pay for the printer (1956), les murs.

Cécile Babiole signe ici une installation de petites sculptures qui subissent une érosion et une mutation à mesure de l’opération de reproduction. Chaque bloque est constitué de 17 caractères typographiques formant une phrase « JE NE DOIS PAS COPIER ». Mais à mesure que l’œuvre se constitue les caractères de la phrase sont de moins en moins lisibles. Dans cette œuvre, la phrase s’inspire des punitions de son enfance qui V. Murugan, Sao Francisco, Canindé, Ceara, Brasil (Série Anonymous Gods), 2014

40 x 22,25 cm Impressions pigmentaires sous diasec Courtesy Picture : Google Street View. Courtesy de Marion Balac Prix sur demande

éléments pour empêcher toute identification MARION de la personne ». Floutés par Google, tous les visages se valent. Ainsi ces grandes statues – religieuses ou commerciales – se BALAC dissimulent-elles de ceux qui les regardent, unilatéralement, depuis leur fauteuil. Son univers tourne généralement autour des thèmes de la jungle, des animaux, des Autres oeuvres exposées à VARIATION : végétaux, de la vie sauvage. Une exposition SPHYNX, LUXOR, LAS VEGAS, NEVADA personnelle a été réalisée à la galerie Le 2014, 40x22,25 cm Toutou Chic à Metz début 2015 puis elle Impression pigmentaire sous diasec. Courtesy Picture: Google Street View. Courtesy de Marion Balac a participé à une exposition collective à Pièce unique l’Abbaye d’Annecy-le-Vieux. Elle obtient Prix sur demande notamment la bourse de la Casa Velázquez qui lui permet de partir en résidence à MURUGAN, SAO FRANCISCO, CANINDE, CEARA, BRASIL 2014, 40x22,25 cm l’Académie de France à Madrid durant deux Impression pigmentaire sous diasec. Courtesy Picture: Google Street mois (Juin et Juillet 2015). View. Courtesy of Marion Balac Pièce unique Prix sur demande La série réalisée par Marion Balac réunit plusieurs photographies de statues religieuses SENDAI DAIKANNON, SENDAI, JAPAN ou commerciales qui ont été floutées par 2014, 40x22,25 cm Impression pigmentaire sous diasec. Courtesy Picture: Google Street erreur par l’algorithme de Google Street View. View. Courtesy de Marion Balac Son projet interroge deux thèmes majeurs de Pièce unique Prix sur demande notre société, l’intimité et la religion depuis le point de vue unique d’un robot. Elle montre MAZU, XINWU, TAOYUAN, TAIWAN que Google n’est pas infaillible et peut être 2014, 40x22,25 cm trompé. Cette série photographique porte en Impression pigmentaire sous diasec. Courtesy Picture: Google Street View.Courtesy de Marion Balac elle les limites de la protection de l’intimité Prix sur demande car flouter ces statues iconique n’a aucun effet, on peut tout de même les reconnaitre. Dans le Las Vegas de Google Street View, le Sphinx a troqué son flamboyant masque de Touthankhamon contre le visage érodé de son modèle égyptien. « Si l’une de nos images contient un visage identifiable […], notre technologie floute automatiquement ces Dildomatic Opera

2011 33x18 cm Etui en cuir et velours, Vibromasseur, Circuit Electronique, Godmichet « preparé » Courtesy Maurice Benayoun Moben Prix sur demande

à court-circuiter volontairement des MAURICE instruments de musiques électronique de faible tension électrique afin de créer de nouveaux générateurs de sons. Ainsi la BENAYOUN pulsion sadique se détourne de son véritable objet car c’est finalement la tentative de Maurice Benayoun est un artiste plasticien convertir sons, notes, voies, en bégaiements, en art numérique français. Il est considéré hurlements et autres borborygmes comme l’un des chefs de file de la création électroniques. Pour lui le référent absolu de numérique mais ses œuvres ne se limitent l’interaction est le dialogue or pour que le jeu pas aux pratiques technologiques. En effet « intéresse » il doit incarner cette interaction. ce qu’il nomme Open Art prend différentes L’art étant selon l’artiste une forme formes comme la photographie, les vidéos, d’onanisme narcissique et désespéré il place les installations, les performances, la fiction, le corps au centre de la manipulation. Ainsi la théorie de l’art, la réalité virtuelle, la réalité une femme ou un homme nu essaye, avec augmentée ou bien encore la scénographie l’enthousiasme que donne le plaisir extrême d’exposition. Il présente en 2008 son blog en teinté de désespoir, de tirer le maximum d’un tant que thèse de doctorat en Art et Science godemichet modifié. De l’objet, jaillissent de l’Art à l’université Paris 1, Panthéon des câbles qui suggèrent que la vibration Sorbonne. Il est actuellement Professeur à qu’il produit est immédiatement traduite en la School Creative Media de l’université de hauteur et intensité du son qui accompagne Hong Kong. Ses travaux artistiques sont les gestes et la progression du sujet. La largement exposés dans les grands musées voix qui ressort de l’objet oscille entre la internationaux : Centre Pompidou, musée tessiture d’une cantatrice proche de l’extase d’art contemporain de Lyon, Musée d’art et un ténor touchant au but. Les deux voies moderne de la ville de Paris, Musée d’art se mêlent aux sonorités instrumentales, contemporain de Montréal, eArts Shanghai, puissantes et déroutantes du godemichet en Ars Electronica Center, mais également dans action. plusieurs collections publiques et privées.

Dildomatic Opera est une performance musicale faisant appel à un godemichet. L’artiste détourne donc cet objet en utilisant le circuit bending, pratique qui consiste Pleureuses

2010 60x90 cm Serie photographique «rapport d’expérience» Dispositif élaborer avec CEA : Pascal Viel avec la collaboration de Bruno Coltrinari et Daniel Desforge. Ce projet est mené avec l’aide du Département de l’Essonne. Edition 7 + 2 EA Prix sur demande

sa thèse de doctorat au Palais de Tokyo SAMUEL avec une exposition personnelle, il est aujourd’hui enseignant-chercheur (Maître de conférences en Arts et Sciences de BIANCHINI & l’art) à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs (Paris) où il dirige le groupe de recherche Reflective Interaction (DiiP/ DIDIER EnsadLab) sur les dispositifs interactifs et performatifs. Il va soutenir prochainement BOUCHON une Habilitation à diriger des recherches (HDR) au croisement de problématiques artistiques, technologiques et politiques, Samuel Bianchini (1971) est artiste et intitulée Dispositifs artistiques, dispositifs enseignant-chercheur. Il vit et travaille politiques. à Paris. Ses œuvres sont régulièrement exposées en France et à l’étranger : Après des études de biologie et un diplôme Kunsthaus PasquArt (Bienne), Art Basel, d’arts appliqués à l’école Boulle, Didier Institut français de Tokyo, Centre Georges Bouchon se tourne, de façon autodidacte, Pompidou (Paris), Deutsches Hygiene- vers la programmation et le graphisme. Museum (Dresde), Musée national d’art Il développe un intérêt immédiat pour les contemporain d’Athènes, Jeu de Paume problématiques liées à la Vie Artificielle (Paris), etc. Ses réalisations mettent en et à l’Intelligence Artificielle. Dès lors, il œuvre des opérations physiques autant devient l’un des pionniers des jeux vidéo et que symboliques, en contexte, en public et des systèmes 3D. Développeur pour Cryo, en temps réel, nous incitant à contempler, Infogrammes, Virgin Games, et Mindscape, à réfléchir autant qu’à agir. Soutenant le on lui doit notamment, en collaboration avec principe d’une “esthétique opérationnelle”, Philippe Ulrich, L’arche du capitaine Blood Samuel Bianchini interroge les rapports (1988, Ère Informatique). entre nos dispositifs technologiques les plus prospectifs, nos modes de représentation, nos nouvelles formes d’expériences esthétiques et nos organisations socio- politiques. Pour cela, il collabore avec des scientifiques et des laboratoires de recherche en ingénierie. Après avoir soutenu Entre 2003 et 2015, Didier Bouchon a dans la Tombe de Ramose dans l’ancienne été directeur technique du pôle création Égypte – jusqu’à l’époque moderne, par au Cube, Centre de création numérique. exemple chez Picasso, avec la série des À ce titre, il a réalisé ou supervisé les femmes qui pleurent (1936-1937) ou même, développements des œuvres qui y ont été plus récemment, dans cette installation produites. Ainsi, que ce soit au Cube ou avec magistrale de Bill Viola, He weeps for you Music2eyes, il a collaboré avec des artistes (1976). Un tel sujet associe depuis toujours tels que Miguel Chevalier, Bernard Michel, sentiment profond et simulacre, affect et Bertrand Planes, Bertrand Lamarche, Anne représentation. Poursuivant cette tension, le Sarah Le Meur, Moebius, et des institutions sensible rencontre ici la technologie la plus comme le ZKM de Karlsruhe. Actuellement, évoluée pour nous prêter des sentiments, en il intervient dans le cadre du programme de creux ou en transparence. recherche Refective Interaction / DiiP de l’EnsadLab, laboratoire de l’École nationale Un cadre est accroché à un mur. Il est vide supérieure des Arts Décoratifs (EnsAD). Il et sobre aucun contenu, aucun fond, en bois co-signe l’œuvre Hors Cadre, avec Samuel brut, sans moulure ou autre ornement. Mais, Bianchini. par intermittence, il bouge, subtilement, se tord sur lui-même. Ponctuellement, ses Qui n’a jamais contemplé des gouttes mouvements se font plus brusques, violents d’eau cherchant leur chemin sur une vitre même. Le cadre est comme un corps, ? Le projet Pleureuses met en œuvre ce révélant des pulsions qui le dépassent, qu’il phénomène mais en contrôlant le parcours n’est pas en mesure de contenir, de cadrer, des gouttes tout comme leur production. La mais qu’il révèle par ses seuls mouvements vitre, subtilement éclairée, est positionnée et non par une quelconque représentation dans un espace favorisant des regards qu’il pourrait contenir. de part et d’autre de celle-ci : elle laisse ainsi entrevoir des visages, un visage de pleureuse à sa surface et aussi d’autres à travers elle, ceux des spectateurs, pour les habiller furtivement d’une expression qui les dépasse. Résolument prospectif dans les technologies qu’il met en œuvre, le projet Pleureuses dialogue en même temps avec l’histoire de l’art. Il adopte en effet un sujet maintes fois traité, de l’Antiquité – comme

Hors Cadre avec Didier Bouchon 2015 100x100x7cm Bois, Moteur Prototype Prix sur demande Substracting Color

2010 Vidéo HD, son Courtesy de l’artiste Edition 1/5 Prix sur demande

(BIAN, Montréal), à Artissima (Turin), à la MATTHEW biennale de Moscou. Cette pièce explore les notions et BIEDERMAN compréhension des couleurs à partir de deux points de vue – un point de vue depuis une Né en 1972 à Chicago Heights, Illinois, perspective purement phénoménologique et USA. Depuis 1990 le travail de Matthew un autre depuis une perspective scientifique Biederman mêle nouveaux médias, qui examine les tensions entre elles. La architecture, systèmes, communautés perception, dénomination, sentiment que et continents. Il crée des œuvres dans l’on ressent d’une couleur à une autre est lesquelles la lumière, l’espace, et le son se purement individuel -il ne croit pas en les reflètent dans les subtilités de la conscience. idées universalistes, tel que le discours Depuis 2008, il a cofondé Arctic Perspective porté par Kandinsky. Il y a de l’humour dans Initiative, projet dédié à la fusion des cette pièce – il soustrait les couleurs, ajoute connaissances traditionnelles grâce aux les couleurs, et met en place une tension nouvelles technologies afin d’avoir une plus de compréhension et de perception. Il est grande autonomie dans ces régions polaires très impliqué dans la conservation et la et une meilleure connaissance du monde. préservation d’un grand nombre d’œuvres Biederman s’est vu décerner le prix Bay électroniques anciennes, à la fois numérique Area Artist Award in Video par New Lagton et analogue. Il voit le futur comme un Arts. Il a gagné la première place dans la champ fracturé de distribution, réception, et catégorie des Arts Visuelles du Slovenia’s compréhension. Break21 festival et son travail avec API a été nommé par le site ARTFORUM dans le top 10 des meilleures expositions en 2010. Il fut artiste résident dans de nombreuses institutions et instituts, notamment le Center for Exeprimental Television, CMU’s CREATE lab, the Wave Farm et plus encore. Son travail fut exposé à la Biennal de Lyon, à la biennale d’Istanbul Design, au musée de la photographie de Tokyo, à ELEKTRA, à la Biennale de Montréal (Musée des Arts Contemporain), à la Biennale de Piles

2014 25x15x25 cm Faïence blanche Courtesy de l’artiste Pièce unique Prix sur demande

lui sont venues. Aussi le rapprochement avec JULIEN les « piles de données » en informatique l’a influencé sur la création de lois autour du rangement. Cette œuvre s’intéresse de BORREL façon peu commune à la vaisselle rangée. Durant cette vidéo, Julien Borrel commence Né à Noisy-Le-Grand en 1987, Julien Borrel par énumérer les définitions données par le vit et travaille à . Après avoir suivi dictionnaire, tandis qu’au fur et à mesure les une formation scientifique, Julien Borrel se définitions se complexifient en s’appuyant lance dans une carrière artistique. Empreint sur des théorèmes mathématiques et de culture scientifique et technique, il prend des concepts relatifs à la programmation acte de la présence des algorithmes dans informatique. Une fois le sujet largement nos existences et prolonge l’application encadré par la parole et la théorie, on assiste scientifique plus loin que nécessaire. Il à une chorégraphie dans laquelle chaque les applique à l’inutile, les laissant tourner geste est régi par cette logique scientifique et en boucle ou dérailler. Il pose un regard « rationnelle, il empile de La Vaisselle jusqu’au d’expert naïf » sur les objets qui l’entourent déraillement de son système. au quotidien, et essaie de les définir de manière rationnelle. Les objets se forment Après la réalisation de La Vaisselle, son désir dès que les limites de ces algorithmes était d’extraire une caractéristique sculpturale sont atteintes, ou lorsqu’un déraillement de la vidéo. Il souhaitait faire des vues en subvient. Parfois c’est une boucle vaine, coupe de piles de vaisselle, de trouver un sans but qui s’installe. Le travail de Julien geste naïf et simple, destructeur et créateur Borrel est de plus en plus reconnu, il a à la fois. Chaque pile est présentée de telle notamment été sélectionné pour le 60° salon sorte que l’on puisse observer comment elles de Montrouge, au Beffroi de Montrouge en sont construites. La coupe unifie les objets, 2015. Il a également présenté La Vaisselle, ils ne forment plus qu’un. Piles et Un parfait cercle lors de l’exposition itération organisée par la galerie Saint-Ravy Autre oeuvre exposée à VARIATION : à Montpellier en 2014. LA VAISSELLE 2013 C’est en faisant la vaisselle dans son Vidéo numérique Full HD 5min27sec appartement d’étudiant, que les questions de Courtesy de l’artiste Edition 1/3 + 1 EA gain de place et d’optimisation de l’espace Prix sur demande Vase #44

2008 Dimensions variables Frittage de poudre polyamide Programmation informatique et impression 3D Courtesy In-Flexions Prototypes Œuvre personnalisée sur commande Prix sur demande

imprimante 3D. Ses travaux sont exposés FRANÇOIS en France et à l’étranger depuis 2005 et figure dans les collections du Fonds National d’Art Contemporain, du Centre Pompidou, BRUMENT du musée des Arts Décoratifs du centre Canadien d’Architecture et du VIA. François Brument est un designer français, diplômé de l’ENCSI/Les Ateliers en 2004, il Le vase 44 est une série de 11 vases qui fait du numérique son médium de création. résulte d’une programmation informatique qui Ses recherches portent sur les potentiels combine l’analyse sonore et la modélisation de la création numérique dans le champ 3D. Chaque vase est unique car il est réalisé du design. Designer avant-gardiste, il fait à partir du son de la voix ou le souffle d’une figure de référence artistique aujourd’hui personne. Les vibrations modulent une notamment dans l’invention de la pratique phrase, cette phrase est ensuite analysée et numérique du design et des recherches encodée grâce à la technologie numérique de nouvelles voies de conceptions et de et restituée grâce au procédé de frittage de productions. Il conçoit le design numérique poudre polyamide en 3D en un objet incarné non plus comme la production d’un seul et sensible. François Brument exploite et même objet pour tous mais plutôt de les technologies numériques comme outil proposer des objets singuliers, voire paradoxal de réalisation d’un objet artisanal personnalisés et d’y ramener une forme complètement personnalisé. Le design de poésie. François Brument enseigne sa numérique permet à l’artiste d’innover de vision avant-gardiste du design à l’ENSCI / nouvelles formes d’objets qui avaient jusque- Les Atelier ainsi qu’à l’Ecole Supérieure d’Art là toujours la même forme. Il lui permet et de Design de Saint Etienne. François également de créer un lien sensible entre Brument enseigne sa vision avant-gardiste une personne et l’objet au moyen d’outils du design à l’ENSCI /Les Atelier ainsi qu’à numériques qui s’effacent au profil de l’objet. l’Ecole Supérieure d’Art et de Design de Saint Etienne. En collaboration avec Sonia Laugier, ingénieur et designer, diplômé de centrale Nantes et de l’ENSCI/Les Ateliers, ils réalisent différents projets et obtiennent la bourse Carte Blanche du VIA Design en 2013 et réalisent Habitat imprimé, une construction d’habitat à partir d’une DUAL PAINTINGS / GIOTTO / SAN FRANCESCO PREDICA AGLI UCCELLI, 1295-1300

2015 30x45 cm Technique mixte Pièce unique Prix sur demande

DUAL PAINTINGS / RYMAN / UNTITLED, 1964 2015, 21X30 cm CHRISTOPHE Technique mixte Pièce unique, A4 rééditable 30x45 cm BRUNO Prix sur demande DUAL PAINTINGS / VAN GOGH / LES TOURNESOLS, 1888 2015, 21X30 cm Technique mixte Christophe Bruno vit et travaille à Paris. Il a Pièce unique, A4 rééditable 30x45 cm démarré son activité artistique en Septembre Prix sur demande

2001. Son oeuvre polymorphe (installations, DUAL PAINTINGS / RICHTER / 4900 COLOURS VERSION II performances, travaux conceptuels…) PLATE 1 2007, 30x45 cm propose une réflexion critique sur les Technique mixte phénomènes de réseau et de globalisation Pièce unique dans les champs du langage et de l’image. Prix sur demande Primé au Festival Ars Electronica en 2003 SCORE-LANDSCAPE OF IMPROBABLE 2014, 24x32 cm pour le Google Adwords Happening, une Réalisé lors du workshop Improbable de l’ESCP, avec Sylvain performance globale sur le « capitalisme Bureau et Pierre Tectin- Mine de plomb sur papier, EA sémantique », et au Share Festival à Turin Prix sur demande pour Human Browser, il a aussi remporté EXTENDED BOW-TIE TOPOLOGY OF NETWORK CAPITALISM 2013, 21x30 cm le Prix ARCO nouveaux media 2007 de la Encre sur papier , EA Foire d’art contemporain de Madrid, avec son Prix sur demande oeuvre Fascinum. Il est lauréat de deux aides BOW-TIE 1 du DICREAM (Ministère de la Culture et de 2013, 15x21 cm Encre sur papier, EA la Communication – Centre National de la Prix sur demande Cinématographie) en 2004 et 2006, pour ses BOW-TIE 2 projets Dreamlogs et Logo.Hallucination. 2013, 21x30 cm Encre sur papier, EA Prix sur demande Autres oeuvres exposées à VARIATION : ART AS SCRUM 2015, 30x42 cm DUAL PAINTINGS / KLEIN / IKB 191, 1962 Encre sur papier, techniques mixte, EA 2015, 21X30 cm Prix sur demande Technique mixte Pièce unique, A4 rééditable 30x45 cm EXPANSION-RECESSION 1929-1979-2029 Prix sur demande 2015, 30x42 cm Encre sur papier, EA DUAL PAINTINGS / REMBRANDT / SELF-PORTRAIT, CIRCA 1665 Prix sur demande 2015, 21X30 cm Technique mixte Pièce unique, A4 rééditable 30x45 cm Prix sur demande Les Pissenlits

1990 Logiciel 3D temps réel Anyflo développé par Michel Bret Prix sur demande

EDMOND artificielle en relation avec l’art. En 1988 Edmond Couchot et Michel Bret COUCHOT & ont réalisé conjointement La Plume, puis Pissenlit en 1990. Tout deux mathématiciens, informaticiens et artistes ont réalisé ces MICHEL BRET dispositifs cybernétiques interactifs qui réagissent au souffle du spectateur. C’est Edmond Couchot est professeur émérite l’interaction entre le spectateur et l’œuvre qui des Universités. Il est cofondateur de la permet à cette dernière de prendre vie. Le formation de 2ème cycle Arts et Technologies principe consiste à souffler sur une image. de l’Image(ATI), qu’il a dirigée depuis sa Sur l’écran apparaissent plusieurs pissenlits, création en 1982 jusqu’en 2000. En tant que et lorsque l’on souffle sur les fleurs virtuelles, théoricien, Edmond Couchot s’est intéressé des multitudes d’akènes s’en détachent et aux rapports de l’art et de la technologie, s’en vont au hasard du vent. Ces images et plus particulièrement à celui des arts de sont le résultat d’une interaction entre les l’image et des techniques informatiques. objets virtuels, pissenlits, et un élément Depuis quelques années, il a réorienté extérieur, le souffle du spectateur. Pas de sa recherche et travaille sur l’impact des pissenlits en mouvement dans l’espace sciences et technologies de la cognition virtuel de l’ordinateur sans ce souffle réel, sur les théories de l’art et l’esthétique. Il a incitateur. Chaque expérience est unique. publié sur ces différents thèmes près d’une centaine d’articles et cinq livres. Autre oeuvre exposée à VARIATION :

La Plume Michel Bret est professeur honoraire des 1988-1990 universités et cofondateur de la formation Logiciel 3D temps réel Anyflo développé par Michel Bret Prix sur demande Arts et Technologies de l’Image à l’Université Paris 8. Dès 1975, il a commencé à développer des logiciels d’images de synthèse. Michel Bret est aussi l’auteur de nombreux films en images de synthèse et il a également publié de nombreux articles et plusieurs ouvrages d’infographie. Il mène actuellement des recherches dans le domaine de la vie et de l’intelligence Portrait n°1

1990 Installation interactive Courtesy Pierre-François Ouellette Art Contemporain Edition 1/5 Prix sur demande

C’est en 1980 que l’idée d’un visiteur LUC engageant une conversation avec l’œuvre elle-même lui est venue, et c’est en 1989 que les moyens de réaliser le projet sont COURCHESNE apparus. Marie est une montréalaise dans la trentaine (jouée par Paule Ducharne) Luc Courchesne vit et travaille à Montréal. Il et qui semble perdue dans ses pensées. est professeur honoraire de l’Université de Sélectionnez une question type qui va Montréal, membre fondateur de la société engager une conversation avec elle et qui des Arts technologiques et membres de se développera au fil de votre curiosité et l’Académie royale des arts du Canada des humeurs du personnage. Un manque depuis 2010. Né au Québec en 1952, il est de tact écourtera la rencontre qui autrement diplômé de la Nova Scotia College of Art pourra donner lieu, entre autres choses, and Design mais également d’un master of à un échange intime sur l’amour dans le Science in Visual Studies of Massachusetts contexte d’une rencontre virtuelle. Cette Institute of Technology (Cambridge). Sa installation vidéo interactive Portrait n°1 pratique artistique prend essor en 1984 explore le portrait à l’âge des technologies alors qu’il coréalise Elastic Movies, une de l’information et du cyberespace. Après le des premières œuvres utilisant la vidéo portrait peint et le portrait photographique, interactive. Il participe à l’émergence des arts le portrait hypermédia s’intéresse à la médiatiques et numériques en proposant personne en cherchant cette fois à capter des portraits interactifs aux systèmes des fragments de gestes. d’expérience immersive. Le portrait est en lui-même genre artistique traditionnel que Luc Courchesne veut moderniser en l’étudiant à travers le prisme des nouvelles technologies. Son travail fait partie de plusieurs grandes collections d’Amérique du Nord, d’Europe, et d’Asie, et a été présenté dans le cadre de plus de 100 expositions importantes à travers le monde. Il remporte notamment le Grand prix de la Biennale 1997 du InterCommunication Center à Tokyo ainsi que le prix d’honneur dans la catégorie arts interactifs des Prix Ars Electronica en 2002. DATASAUVAGES

2015 200 x 150 cm Installation comportementale interactive Edition 1/100 Courtesy La Méta- Carpe Prix sur demande

sons, textes et videos) autour du theme « MICHAËL sauvage ». Le visiteur est invite a s’assoir, observer, et repondre aux questions de la machine (avec la souris et le clavier). Un CROS paysage sonore accompagne l’experience. Il est constitue de differentes matieres sonores Michael Cros est un artiste pluridisciplinaire et voix de penseurs ou hommes politiques a la fois plasticien et choregraphe qui qui questionnent la frontiere entre l’homme travaille autour du corps, qu’il soit pris et l’animal. L’etat du systeme peut evoluer individuellement ou en relation avec son entre calme et nervosite, en fonction de la environnement. Diplome des Beaux-Arts presence du visiteur et de son propre etat. de et de Lyon, il a fonde en 2003 C’est une sorte de tete a tete qui se met en la Meta-Carpe pour produire promouvoir place progressivement, ponctue par des et diffuser son travail ainsi que celui de impressions de data sur feuilles A4. Mais ses proches collaborateurs. Depuis 2008, attention aux etats limites ! il met en place un univers a la fois etrange et inquietant constitue de corps hybrides, mecanises, sombres et de vegetaux. Ces creatures, ersatz d’une humanite « alteree» lui permettent de questionner notre condition humaine et ses frontieres (quelque part entre le regne animal et le monde des machines) ainsi que les liens qui nous poussent a vivre ensemble. Avec DATASAUVAGES, il choisit d’explorer la question de la domestication et du libre-arbitre au travers d’une installation comportementale interactive qui place a face a face un visiteur et un ordinateur.

DATASAUVAGES est une œuvre comportementale interactive : une application multi-fenetres tourne en permanence sur un poste de travail (ordinateur + imprimante + table de bureau + fauteuil). On voit un ensemble de donnees (dessins, photos, Game Girl

2013 105x70 cm Impression sur dibond Courtesy Enora Denis Edition 1/10 Prix sur demande

a egalement cofonde la revue Nichons-nous ENORA dans l’Internet. Son travail a ete expose lors du 60e Salon de Montrouge (selection 2015)

DENIS - Stephanie Vidal -

Nee en 1984 a Ploermel, vit et travaille a En detournant le nom de la celebre console Paris. Game Boy, Game Girl elle denonce l’invisibilite des femmes dans le monde de Le travail d’Enora Denis traite de la l’industrie des jeux video — qu’il s’agisse representation et de la representativite des des joueuses ou de la conception des jeux corps dans la societe contemporaine en se eux-memes —, le sexisme, voir la violence focalisant sur trois axes : la mise en scene dont les femmes sont victimes. Une etude du politique, la mise en image du sexisme, publiee par le Internet Advertising Bureau la scenographie des objets au quotidien. revele pourtant que 52 % des gamers sont Pour produire ses œuvres, a l’ironie sage des femmes. et serieuse, Enora Denis manipule images et objets trouves. Elle les detourne et s’approprie leurs codes pour devoiler le mecanisme des pouvoirs et les rituels sans lesquels ils ne s’exprimeraient pas. Elle interroge ainsi notre statut de producteur et de consommateur permanent dans la societe du tout media. Nourrie par les imaginaires issus de cette pop culture numerique et souhaitant questionner la construction et la circulation des images, Enora Denis utilise des techniques desormais democratisees (collages numeriques, archivage d’images, video, dessin). Les supports qu’elle choisit – qu’ils soient physiques (papiers-peints, cartes postales, posters) ou numeriques (Tumblr, animations, etc) –, laissent transparaitre la thétralisation des identites et des objets a l’ere mediatique. Enora Denis La refonte

2014 Technique mixte Courtesy Collectif Dardex Pièce unique Prix sur demande

majeur des arts numeriques, notamment QUENTIN grace aux residences proposees aux artistes tout au long de l’annee. Loin de se cantonner a cela, les deux artistes DESTIEU & presentent regulierement leurs travaux dans differentes expositions et festivals en France SYLVAIN et a l’etranger. Ils ont notamment participe a l’exposition Refonte titree a partir de leur œuvre presentee, a la friche La Belle de Mai HUGUET a Marseille, en 2015. Quentin Destieu et Sylvain Huguet sont Refonte est une serie de pointes de lances tous deux des artistes francais diplomes et d’armes rudimentaires realisees a partir de l’ecole superieure d’art d’Aix-en- de differents materiaux recuperes sur Provence ou ils vivent et poursuivent des dechets d’equipements electriques desormais une carriere artistique. Au et electroniques. Ces armes suggerent cours de leurs etudes en 2003, ils fondent un changement radical de direction, une le collectif Dardex. En collaboration refonte de nos societes industrielles. La avec differents artistes et chercheurs, ils transformation de notre technologie en un developpent au moyen des medias actuels outil primitif, placant l’homme devant sa des installations et des performances nature premiere, oppose l’etat de nature a multimedia, utilisant l’interactivite et le jeu. l’etat social, dans une « guerre technologique Leur strategie artistique est axee sur des » contemporaine feroce. Ils echappent au idees d’appropriation et de detournement role de leurs usages premiers, court-circuites de materiaux existants. Leur travail d’une voie toute destinee. Considere comme questionne un monde sature par les medias nocif, leur desamorcage passe par une et la technologie, explorant les frontieres deconstruction puis une reconstruction et les relations entre technologie et culture imaginative et survivaliste de ce qui les populaire. Ils sont egalement fondateurs de compose. l’associationM2F Creations/ Lab GAMERZ qui met en place des echanges culturels entre differentes structures europeennes et artistes internationaux. Un de leurs projets, le festival GAMERZ a Aix-en-Provence, est devenu au fil des annees un rendez-vous An Average Idea of The Sky

2014 160x80 cm Impression sur plexiglas Courtesy Eliott Paquet et Côme Di Meglio Edition 1/3 Prix sur demande

qu’en 2014 a la Galerie Vanessa Quang, « CÔME DI Archeologie du present » et a participe a la Art Paris Art Fair au Grand Palais. Come Di Meglio lui, a remporte le second prix du jury, MEGLIO du prix Dauphine pour l’art contemporain, Nef, sculpture.

& ELIOTT Le key-word « sky » est tape sur Google Image. Tous les resultats dont la resolution PAQUET est superieure a 4mpx (mega pixels) sont telecharges. Ces images sont superposees Ne en 1988 a Paris Come Di Meglio y mene grace a un systeme de calques de une carriere artistique. En 2009, il integre transparence. L’impression sur plexiglas l’Ecole Nationale Superieure des Arts permet une profondeur et une luminosite Decoratifs ce qui lui permet de confirmer qui accentue la dimension virtuelle de son attrait pour la sculpture comme moyen l’objet. Ces panneaux font partie integrante privilegie d’expression. Il y decouvre d’autres de l’installation Welcome Back Baby. mediums artistiques tels que le son et la L’experience de WBB prevoit une salle video. Eliott Paquet est un jeune artiste d’attente, melange d’esthetique corporate contemporain ne en 1990. Elliott s’inspire et salon de soin, techno-new age. An d’architectures ancestrales et monumentales, Average Idea Of The Sky, prend un caractere de litterature de science-fiction, des theories ambivalent, entre element decoratif de avant-gardistes contre les paradigmes scenographie et œuvre autonome selon scientifiques et de musique contemporaine. son dispositif d’installation. La surface Toutes ces inspirations constituent une facon reflechissante du plexiglas montre au de percevoir le monde qui l’entoure. Come regardeur son propre reflet dans cet espace et Eliott se rencontrent lors d’un cours aux flottant, ces travaux sont une extension ateliers de Sevres. Ils menent au moins un directe de l’experience WBB. projet ensemble par an en marge de leurs pratiques personnelles. Eliott Paquet a presente ses travaux lors d’une exposition personnelle en 2013 a Paris. Une exposition personnelle a aussi ete organisee a la galerie Geraldine Banier, Paris, France. Ainsi Blue Screen of Death

2015 95x55x10 cm écran lenticulaire, logiciel spécifique du son Courtesy Pascal Dombis / ADAGP 2015 Edition 1/3 Prix sur demande

cherche a developper des troubles visuels, PASCAL des accidents. Particulierement inspire par le manifeste futuriste de Russolo, L’art des bruits publie en 1913, il proclame que son DOMBIS travail se trouve dans la lignee de cette exploration artistique des bruits. A partir Pascal Dombis est un artiste plasticien d’un ensemble de donnees excessives, un qui travaille sur l’exces de processus bruit visuel de larges donnees, big data, est technologiques. Pascal Dombis exploite genere et il cherche a y faire apparaitre des la coexistence paradoxale entre controle formes, des structures ou des rythmes, qui ordonne et aleatoire plus ou moins ne sont pas initialement programmee, mais chaotique pour produire des formes visuelles qui emergent, qu’il selectionne ensuite afin imprevisibles, instables et dynamiques, de les developper. Son travail consiste a qu’il synthetise en impressions murales, provoquer les plus petites inexactitudes pour pieces lenticulaires ou bien en installations qu’elles entrainent le plus de distorsions. video. A partir d’un exces de processus Plus le nombre de donnees traitees est technologiques, Pascal Dombis cherche a important, plus le nombre de bruits et troubler le spectateur en le confrontant a « d’erreurs augmente. Le titre Bleu Screen son » irrationnel primitif. Parmi ses dernieres Of Death est une reference a l’expression expositions personnelles, en 2015 : The geek qui decrit les ecrans bleus affiches par End(less) a Budapest Art Factory, (HU) ainsi Windows apres avoir rencontre une erreur que Text(e)-Fil(e)s, Cite de la Mode et du irrecuperable avant de provoquer l’arret du Design, a Paris (FR), et The limits of Control systeme a la Galerie Pascal Janssens, a Gand (BE)

Blue Screen Of Death est une piece qui traite des formes de bruits et d’erreurs provenant d’un exces de donnees monochromes bleus. La piece fonctionne sur le principe d’un fondu tres lent entre les couleurs Bleu, Blanc et Noir. Les motifs changent selon la position du spectateur car la surface de l’ecran est realisee a partir d’un effet lenticulaire. Pascal Dombis privilegie ce materiau depuis une quinzaine d’annee. Il Elevator and a Kid

2015 Vidéo, son Courtesy Jan Domicz Edition de 5 Prix sur demande

JAN DOMICZ

Jan Domicz est un artiste polonais ne en La video met en scene une situation qui 1990 a Opole. Il travaille et vit a Frankfort. figure plusieurs personnages. La scene se Il est diplome de l’universite des Arts de passe dans un ascenseur d’un immeuble Pologne et a etudie a Stadelschule (dans residentiel. On demande a un adolescent la classe de Simon Starling / Peter Fischli). de bouger ses jambes derriere et devant. Il travaille actuellement sur des nouveaux Il provoque des bruits de detecteurs projets pour MMK Franckfort am Main et de mouvement, et provoque l’arret de pour la Galerie Spreez a Munich. Il a realise l’ascenseur. de nombreuses expositions personnelles et en groupe a Berlin, en Pologne, a Prague, en Republique Tcheque. Il a recu le premier prix de l’edition Polonaise Henkel Art. Il fut egalement nomine pour le Master d’Art de Samsung et fut dans les 6 premiers du prix Szpilman en 2011. Sans Titre n°20 (Série Message)

2015 54x36 cm Tirage lambda contrecollé sur aluminium sous diasec Courtesy Reynald Drouhin et Galerie Vanessa Quang Edition 1/5 + 2 EA Prix sur demande

géométrique est chez Reynald Drouhin au REYNALD départ un clin d’œil au skateboard, qu’il va rapidement utiliser pour traduire l’idée de paysage dans son travail. La problématique DROUHIN de l’archivage et de son inscription ou non est également un thème récurrent, ainsi cette Reynald Drouhin expérimente depuis œuvre interroge aussi bien la mémoire qui toujours le médium internet en cherchant s’efface, la capture du flux que la présence à le représenter. Au fil des avancées éphémère. Ces monolithes donnent à voir technologiques dans le domaine du un message à décoder, une énigme, le numérique, il détourne des données témoignage d’une présence. disponibles sur la toile, des logiciels et leur usage, expérimente les erreurs et les Autres oeuvres exposées à VARIATION : incidents. Ses œuvres résultent souvent de données codifiées ou d’un protocole SANS TITRE N°10, SERIE MESSAGE 2015 établi – parfois génératif – et révèlent une 54x36 cm profusion de représentations aléatoires Tirage lambda contrecollé sur aluminium sous diasec Courtesy Reynald Drouhin et Galerie Vanessa Quang et fragmentaires. Esthétiquement, c’est Edition 1/5 + 2 EA à travers les espaces monochrome et Prix sur demande minimaliste qu’il traduit sa perception du SANS TITRE N°5, SERIE MESSAGE monde contemporain, se détachant de plus 2015 54x36 cm en plus de la « matière » internet elle-même Tirage lambda contrecollé sur aluminium sous diasec pour représenter cet autre espace-temps. Courtesy Reynald Drouhin et Galerie Vanessa Quang Edition 1/5 + 2 EA Prix sur demande « Chaque tirage de la série représente SANS TITRE N°11, SERIE MESSAGE des ciels nuageux sur lesquels s’inscrit 2015 une forme géométrique renversée, parfois 54x36 cm Tirage lambda contrecollé sur aluminium sous diasec presque invisible. Cette permutation Courtesy Reynald Drouhin et Galerie Vanessa Quang représente un monolithe isométrique venant Edition 1/5 + 2 EA troubler la lecture frontale de l’image et en Prix sur demande donner une perspective étrange ». La série Message, s’inscrit dans une recherche plus large de l’artiste sur cette forme monolithe, apparaissant ici en transparence comme pour jouer sur avec nos sens. Cette forme I Need a Haircut, Vectorisation 1

2014 1,80x1,80 m Moteur de jeu vidéo, Oculus Rift, Impression sur verre Courtesy des artistes Installation et impression : Prix sur demande

FLEURYFONTAINE

Le duo d’artistes parisiens laquelle le spectateur peut observer ce « Fleuryfontaine » est forme par Galdric qui l’entoure grace a un peripherique de Fleury et Antoine Fontaine. Tous deux realite virtuelle et un casque audio. Dans nes en 1985, sont diplomes de l’Ecole cet environnement ou seul le regard est Nationale Superieure d’Arts de Paris-Cergy. libre, un data center et un salon de coiffure Ce duo s’interesse aux interactions entre cohabitent. Un poste de radio diffuse l’Introit l’homme et son environnement en faisant et le Kyrie du Requiem de Verdi, l’un des des technologies de l’information et de la morceaux que Gerardo Gentilella avait pour communication son terrain d’experimentation. habitude de diffuser dans son salon de La restitution de son travail prend aussi bien coiffure du New York Stock Exchange ou la forme d’installations, de performances depuis 43 ans, il coupait les cheveux des que d’images generees numeriquement. traders, avant de le fermer le 30 Juin 2006. Fleuryfontaine a realise une residence En mars de la meme annee, Archipelago en Coree au Gyeonggi Creation Center Holdings, firme specialisee dans le trading a du 31 août au 15 octobre 2015. Ils seront haute frequence, avait fusionne avec le New egalement representes a l’exposition Jeune York Stock Exchange pour former NYSE Creation de la galerie Thaddaeus Ropac a Arca, societe “for-profit”. Paris, du 17 au 24 janvier 2016.

Une camera stereoscopique explore un environnement numerique, au travers de ALGAEGRAPHIES : ENTROPIE I

2015 33x58 cm Images vivantes formées par des Micro-algues Algaegraphies, impressions numériques, double encrage sur plexiglas Courtesy Lia Giraud Edition 1/8 Prix sur demande

LIA Autres oeuvres exposées à VARIATION :

ALGAEGRAPHIES : CANOPEE 2015, 65x300 cm GIRAUD Images vivantes formées par des Micro-algues Algaegraphies, impressions numériques, Courtesy Lia Giraud Edition 1/3 Nee en 1985 a Paris, Lia Giraud est une Prix sur demande artiste representative du bioart, courant de ALGAEGRAPHIES : ENTROPIE II l’art contemporain theorise depuis les annees 2015, 33x58 cm 2000. Diplomee de l’ecole nationale d’art Images vivantes formées par des Micro-algues Algaegraphies, impressions numériques double encrage sur de Cergy, et passionnee de photographie, plexiglas Lia Giraud se tourne vers le milieu de la Courtesy Lia Giraud, Edition 1/8 biologie lorsqu’elle se rend compte que Prix sur demande l’image de par son utilisation sur Internet ALGAEGRAPHIES : ENTROPIE III 2015, 33x58 cm est devenue mobile, variable et ephemere. Images vivantes formées par des Micro-algues L’artiste a invente pour ce projet un procede Algaegraphies, impressions numériques double encrage sur plexiglas unique de fixation, qui est maintenu secret, Courtesy Lia Giraud, Edition 1/8 meme si toute image est amenee un jour a Prix sur demande

disparaitre, et c’est egalement le propos de ALGAEGRAPHIES : ENTROPIE IV ses algaegraphies qui montre que malgre 2015, 33x58 cm Images vivantes formées par des Micro-algues nos efforts, les images ont un temps de Algaegraphies, impressions numériques double encrage sur vie limite et que de toute maniere elle sont plexiglas Courtesy Lia Giraud, Edition 1/8 amenees a voir leur forme changee. Ainsi Prix sur demande ces algae-graphie sont une transcription ALGAEGRAPHIES : ENTROPIE V de ses connaissances photographiques 2015, 33x58 cm dans le domaine biologique. Placant les Images vivantes formées par des Micro-algues Algaegraphies, impressions numériques double encrage sur micro-algues comme support d’une reflexion plexiglas Courtesy Lia Giraud technique et symbolique de l’image, le Edition 1/8 projet Algaegraphique questionne la Prix sur demande nature des representations issues de notre sphere technoscientifique. Il s’attache plus particulierement a explorer les zones d’interdependances existant entre une entite biologique et son environnement technique. Interceptor Deluge

2015 Vidéo sans son Courtesy Shaun Gladwell Edition 1/3 Prix sur demande

Shaun Gladwell a represente l’Australie a SHAUN la 53e Biennale de Venise et s’est rendu en Afghanistan en tant qu’« Official Memorial GLADWELL War Artist » en 2009. Interceptor Deluge Sequence (2015) evoque Shaun Gladwell est ne en 1972 a Sydney, un lien symbolique fort : le lien etabli entre Australie. Il vit et travaille a Londres, le corps de l’homme qu’il est et l’uterus de Grande- Bretagne. Diplome de l’Universite la femme qu’il a habite. Dans cette œuvre des Arts de Sydney, d’une maitrise du recente de l’artiste australien, on voit la figure College of Fine Arts de NouvellesGalles typique de Gladwell, un homme habille et du Sud et du Goldsmiths College de casque de noir, sortir et tourner autour d’une Londres, Shaun Gladwell est avant tout voiture a l’allure speciale mais familiere: un videaste. Le ralentissement apparait la voiture de MAD MAX, l’interceptor. dans le travail de Shaun Gladwell comme Gladwell a eu recourt a la symbolique un element essentiel dans la maitrise du forte de l’interceptor, symbole d’un monde temps, placant d’emblee l’artiste parmi les post-apocalyptique et d’une societe a bout grands romantiques d’aujourd’hui. Debut de souffle, qui est ici ‘lavee’, ‘purifiee’ par 2015, une double exposition majeure a Max, dans l’espoir que l’espece humaine ne l’UNSW (universite de Nouvelles-Galles du causera pas sa propre perte. Sud) et SCAF (Sherman Contemporary Art Foundation) lui est consacree a Sydney. En 2011, l’artiste realise une exposition personnelle au musee Schunck a Heerlen, Pays-Bas et en 2013 au De La Warr Pavilion, UK. Son travail a ete presente dans des expositions collectives importantes: « The Power of Doubt », organisee par Hou Hanru, Museo Colecciones ICO, Madrid, 2011 ; « Paradise Lost », Istanbul Musee d’Art, 2011 ; « Panoramas Sud », 17e Festival international d’art contemporain SESC Videobrasil, São Paulo, Bresil, 2011 ; et dans la collection de la famille John Kaldor, galerie d’art de Nouvelles-Galles du Sud, 2011. Top 100

2015 100 plaques de laiton gravées 22x30 cm Pièces uniques Prix sur demande

a la confrontation du papier et des donnees JULIETTE virtuelles, de la matiere physique et du numerique. Ils seront exposes en Janvier 2016 a la galerie Thaddeaus Ropac a Paris GOIFFON & Pantin. Ainsi qu’en Mars 2016 pour un solo- show a la galerie Eva Meyer a Paris et en CHARLES août 2016 lors d’un solo-show au Centre d’art contemporain La Halle des Bouches, a BEAUTÉ Vienne. Successivement en 1972 et en 1973, les Charles Beaute est ne en 1985. Il est plaques de Pioneer, deux plaques en or, diplome des arts-decoratifs de Strasbourg. sont gravees d’un resume dessine de Juliette Goiffon est nee en 1987. Elle est l’humanite et envoyees dans l’espace : diplomee des arts-decoratifs de Strasbourg un temoignage de l’existence de la Terre et des beaux-arts de Paris. Menant et des Hommes pour de potentiels etres conjointement des activites d’exploration, extraterrestres. Ce fait historique alimente de recherches, d’experimentation, l’elaboration de Top 100, serie de gravures de documentation, et de graphisme, des cents sites Internet les plus visites ils melent technologie de pointe et dans le monde en 2015. Entre la trouvaille profonds archaismes, en adoptant une archeologique et l’objet du futur, les cent approche poetique, a travers des gestes plaques gravees qui constituent le Top 100 volontairement absurdes, consciemment oscillent entre differentes temporalites. desesperes : des tentatives. Une grande Future trace du passe, ce classement figure partie de leurs sources viennent d’Internet se pose comme temoin, trace physique car c’est surtout l’aspect generationnel de l’existence d’Internet, et de son etat qui les interesse et qu’ils appliquent a leur en 2015. Mais aujourd’hui, le Top 100 se travail. L’innovation des outils et le libre fait aussi revelateur de faits societaux, partage d’informations font d’Internet un des demographiques, sociologiques, et deborde enjeux centraux de leur travail. Ils puisent tres largement du simple portrait d’Internet et egalement leur inspiration dans des œuvres, des geants qui le composent. des livres mais egalement des forums de discussion. Revelant les complexites de notre societe a l’ere de sa dematerialisation, tous deux collaborent depuis plusieurs annee Digital Death

2013 Animation 3D, en boucle Courtesy Claudia Hart Edition de 3 Prix sur demande

CLAUDIA HART vie digital est marquee par une multitude de Claudia Hart poursuit une carriere d’artiste, myriades et devient rapidement obsolete. Par de commissaire d’exposition et de critique, consequent la vie digitale n’est rien de plus depuis 1988. Elle cree des representations qu’une simple illusion pour obtenir une realite virtuelles qui prennent la forme d’images encore plus basique, c’est ce qu’incarne 3D integrees a la photographie, aux Digital Death. installations d’animation multi-chaines, a des performances, et a des sculptures, utilisant des productions techniques evoluees telle que Rapid Prototyping, CNC routing et des applications utilisant la realite augmentee. Son travail aborde des problematiques liees a la representation, au role de l’ordinateur au sein des valeurs contemporaines de detournement de l’identite, et a la realite et plus precisement, ce qui peut etre considere comme « naturel ». Son projet est de feminiser la culture a tendance masculine dans le monde de la technologie en y injectant une subjectivite emotionnelle dans le monde cartesien du design numerique.

La vie digitale est en fin de compte imparfaite et insaisissable, encore plus que la vie biologique. Depuis le moment de creation, la Pierre

2015 Vidéo Edition 1/5 Prix sur demande

PASCAL HAUDRESSY

Apres dix annees passees a l’Unesco en tant que responsable de projets culturels Le “Pierre” de Pascal Haudressy revisite et de nombreuses realisations impliquant la peinture de Filippino Lippi. Dans sa des artistes de notoriete internationale, fixite, l’œuvre est toutefois anime d’infimes Pascal Haudressy decide de se consacrer vibrations par l’instabilite des myriades de pleinement a son travail artistique personnel. segments de droites qui en composent les Ses premieres œuvres datent de 2005. contours. » Des le depart, ses sculptures, installations et videos se caracterisent par leur exceptionnelle technicite et par l’utilisation de materiaux et de technologies de pointe. Le caractere esthetique du travail clairement assume par l’artiste ne se departit jamais d’une forte dimension symbolique et d’un questionnement existentiel sur le devenir de l’homme. Virus, clonage, nanotechnologies, robotique, realite virtuelle : les mutations du reel et la pluralite des experiences qui en decoulent constituent le point nodal de la reflexion et de la pratique artistique novatrice de Pascal Haudressy. Autoportrait Digital

2006 70 cm de hauteur Résine epoxy Installation de réalité augmentée Fraisage numérique d’après modèle 3D Courtesy des artistes Pièce unique Prix sur demande

en France et a l’etranger. Elle a ete artiste CATHERINE invitee au BanffCentre for the Arts au Canada en 2000 et au Studio National des Arts contemporains du Fresnoy pour l’annee IKAM & 2005/2006. ou elle a realise Digital diaries. Louis Fleri aborde les nouvelles technologies au debut des annees 80. Journaliste LOUIS FLÉRI independant specialise dans les nouvelles images, il est devenu producteur audiovisuel Catherine Ikam travaille depuis 1980 sur en 1987 et a realise plusieurs videogrammes le concept de l’identite a l’age electronique dans le domaine de l’art contemporain. Il a et plus particulierement sur les themes de obtenu le grand Prix IMA- GINA categorie Art l’identite et de l’apparence, du vivant et de en 1992. l’artificiel, de l’humain et du modele. Elle est consideree comme l’une des artistes Cette sculpture est issue d’une saisie « pionnieres dans le domaine des nouvelles Cyberware » de Catherine realisee en technologies en Europe. En 1980 elle 1991 a Jussieu. Les artistes possedent de cree au Musee National d’Art Moderne nombreux polaroids de cette epoque. A du Centre Georges Pompidou un par- partir de cette base de donnees en 3D (20 cours sur le theme de l’identite, itineraire a 000 polygones), ils ont realise en 1991 six travers les accidents de la representation autoportraits, » Cet autoportrait digital a ete de soi ; avec Fragments d’un Archetype et presente pour la premiere fois en 2007 lors Identite III, elle introduit la fragmentation de l’exposition « DIGITAL DIARIES » a la dans les installations video (Nam june Paik Maison Europeenne de la Photographie a Videocryptography 1980). Catherine Ikam Paris. a ete Research Fellow au Massachussett’s Institute of Technology, auteur-producteur de programmes sur Antenne 2 consacres aux nouvelles technologies, co- auteur avec Tod Machover d’un opera video Valis, coproduit par l’IRCAM et le Musee National d’Art Moderne pour le 10e anniversaire du Centre Georges Pompidou. Elle a recu le prix Arcimboldo 2000 de la creation numerique et ses œuvres sont presentees largement AMALGAM

1990 10cmx7,5 cm Hologramme Courtesy Rolando Carmona et Henrique Faria, NYC Edition 1/3 Prix sur demande

arte contemporáneo, Badajoz, Espagne. EDUARDO On retrouve ses oeuvres dans plusieurs collections d’entreprises privées. Il est membre du comité rédactionnel de la revue KAC Leonardo, une publication du MIT. Les écrits de Kac sur l’art électronique ainsi que des Eduardo Kac est internationalement reconnu articles consacrés à son oeuvre ont paru pour ses oeuvres interactives sur le Net et dans de nombreux ouvrages, magazines et sa pratique en bio art. Dans les années 80, journaux un peu partout dans le monde. Il fait pionnier de l’art des télécommunications pré- intervenir les participants dans des situations Internet, Eduardo Kac est reconnu au début comprenant des éléments comme la lumière, des années 90 avec ses oeuvres radicales le langage, des lieux éloignés les uns des dans le domaine de la téléprésence. autres, la télérobotique, la vidéo conférence, Eduardo Kac propose un « art transgénique les éléments biologiques, la video, l’échange » à base d’organismes génétiquement et la transformation de l’information au modifiés à des fins artistiques. Après avoir travers des réseaux. défrayé la chronique avec le projet d’un lapin fluorescent vert (GFP Bunny (2000), Autre oeuvre exposée à VARIATION : ensuite nommé Alba), il s’interroge, dans ses installations Genesis (1999), Le Huitième REABRACADABRA 1985 Jour (2001), et Move 36 (2002/2004), sur 24,5x25x24,5 cm les croyances modernes. Dans Genesis, Oeuvre sur Minitel Courtesy Rolando Carmona Henrique Faria, NYC Kac incite les participants à provoquer Pièce unique + 2 EA des mutations génétiques en temps réel, Prix sur demande proposant un perfide et déstabilisant jeu par internet. Son oeuvre a été l’objet de nombreuses expositions aux Etats-Unis, en Europe , en Amérique du Sud, et en Asie. Des oeuvres de Kac ont été acquises par les collections permanentes de nombreux musées, entre autres les Musées d’Art Moderne de New York et de Rio de Janeiro, ZKM Museum, Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe, Allemagne, et Museo extremeño e iberoamericano de Trackpad, US drone strikes, Yemen

2014 350x170 cm Technique mixte (série Trackpad) Edition 1/1 Courtesy Jean-Benoît Lallemant Prix sur demande

temps dit reel, produit par les nouvelles JEAN-BENOÎT technologies d’une part, et cette maniere artisanale, le fait main, qui caracterise sa methode d’autre part. C’est en cela que LALLEMANT reside sa singularite et plus encore son efficacite. Ne en France en 1981, Jean-Benoit Lallemant est un artiste qui interroge la La serie Trackpad, sont des toiles de representation a l’heure d’Internet, du lin brut tendues sur chassis, derriere temps reel et des nouvelles technologies lesquelles un mecanisme reporte les points de communication. Plus particulierement d’impacts d’une guerre telecommandee : son attention se porte sur la position la deformation ciblee de la toile figure les de la peinture dans ce contexte et plus frappes aeriennes des drones americains precisement de la peinture d’histoire. Ainsi au Wasiristan et au Yemen. A l’aune de la Jean-Benoit Lallemant propose un sujet guerre chirurgicale, la peinture d’histoire qui se trouve etre l’histoire, un medium, la revise sa technique et son mode d’apparition peinture traditionnel c’est a dire toile/chassis/ : le pinceau s’y abstient, aucune image couleur, et une strategie : rendre compte ne demeure a sa surface tandis que d’un certain etat du monde en croisant les derriere elle se produit un evenement possibilites de la peinture et celles du Web. fugace et monstrueux – qui denature la L’artiste s’est egalement interesse a la bidimensionnalite du tableau – et ne laisse question des constituants materiologiques aucune trace. Texte redige par Julie Portier, de la peinture et du tableau, plus largement Critique d’art et commissaire d’exposition. aux ecrans (comme obstacle du regard) et a Ecrit regulierement pour le quotidien de l’art la visibilite, en des temps ou tout se montre et d’autres revues specialisees. mais ou rien ne se voit. La confrontation des modes d’expression a occupe l’essentiel de ses recherches. Selon Jean-Marc Huitorel, critique d’art, commissaire, enseignant, et collaborateur de la revue ArtPresse, l’un des traits caracteristiques de son œuvre, est la strategie de ralentissement. En effet une tension se creer entre des problematiques liees a l’acceleration du temps jusqu’a son absorption et son annulation dans le Infinity IV

2014 Vidéo Camera phantom Remerciements Dom Perignon Courtesy Hee Won Lee Edition 2/10 Prix sur demande

Internationale des Arts, la ville de Paris. HEEWON Elle fut recompensee pour son travail de la part de la direction Regionale des Affaires Culturelles d’Ile-de-France ainsi que du LEE Centre National des Arts Plastiques, la production grant, Arcadi, et production grant Ne en 1978 en Coree du Sud, HeeWon de Dicream (CNC) Paris. Lee vit et travaille a Paris. Apres le lycee, HeeWon Lee integre une ecole de design Infinity IV nous absorbe dans un temps specialisee dans la mode avant de quitter limite, a la latence permanente, ou Seoul pour voyager en France en 2002. tout pourrait advenir dans cette lenteur Elle va suivre des cours de francais a surnaturelle. Une suspension tout en tension l’universite tout en poursuivant son activite dans un noir et blanc intemporel. Objet quasi artistique. Elle entre ensuite a l’Ecole monolithique, au magnetisme incantatoire Nationale Superieure d’Art de Nancy en qui nous entraine dans l’antichambre communication d’art visuel, avant de suivre d’une dimension parallele ou d’une forme un troisieme cycle a Le Fresnoy-le studio chamanique. National d’Arts Contemporain a Tourcoing. HeeWon Lee est une artiste multimedia qui developpe une pratique artistique autour de la video, du graphisme, du son, et des installations. HeeWon Lee realise un grand nombre d’exposition en 2015, Hors les murs-Infinity II, Artup, Le Fresnoy, studio des arts contemporain, Grand palais, Lille, Le Fresnoy, Memoire de l’imagination, Bibliotheque Nationale de France, Paris, Interstice, Eglise du vieux St-sauveur, Cean, Paysage, corps : Contemplation, LUX Scene Nationale de Valence, France, Polytech Science Art, Polytechnic Museum, Moscow, Russie, Variation, Espace des Blancs Manteaux, Paris. Elle realise un grand nombre de residences, notamment a la Gaite Lyrique en 2013, et a la Cite Motif, 218 cubes

2015 100x61 cm Impression sur dibond Vidéo projection 5’18 Courtesy Joanie Lemercier Prix sur demande

simples, avec une ombre delicate qui JOANIE souligne les qualites structurantes de la composition. Se concentrant principalement sur des illusions d’optique, il montre ainsi LEMERCIER la facon dont la perception des spectateurs peut etre déue et il interroge les fondements Joanie Lemercier est un artiste francais de la perception de la realite. qui realise des projections de lumiere dans l’espace et etudie leur influence sur notre Tesselation : Contrairement a un video perception. Des le debut de ses creations projecteur qui animerait une impression artistiques, il a commence a jouer avec de loin, un papier riche en mineraux, lisse ces structures concretes notamment leur et au motif d’une mosaïque, est fixe tel materialite, ainsi qu’avec l’utilisation de la un ecran au moniteur puis est illumine a lumiere pour manipuler la perception de la l’arriere. Tandis que la lumiere LCD suit la realite. Joanie Lemercier travaille avec la forme des motifs, la mosaique prend vie et lumiere projetee depuis 2006 et a cofonde la profondeur ainsi que le mouvement se un label d’art visuel « AntiVJ » en 2008, developpent. avec Yannick Jacquet, Romain Tardy et Olivier Ratsi. Il a travaille sur le design de Autres oeuvres exposées à VARIATION : nombreuses scenes, notamment pour des Tessellation 67P festivals comme Mutek (Montreal, Mexico) et 2014 100x61 cm a travaille en collaboration avec des artistes Impression sur papier, bright screen, 3’ tels que Flying Lotus (show a la Roundhouse Courtesy Joanie Lemercier Prix sur demande London), avec le groupe Portishead (Olympiade culturelle de Londres 2012), et Motif, 232 octaèdres 2015 sur des video-projections architecturales, 100x61 cm de par le monde. Son travail fut expose Impression sur dibond Vidéo projection, 3’ au musee chinois de l’art digital a Pekin, Courtesy Joanie Lemercier a la foire Art Basel a Miami et au festival Prix sur demande du film Sundance 2013. Il est actuellement represente par la Galerie Muriel Guepin a New York.

Motif : Cette serie presente des motifs repetitifs constitues de formes geometriques Manipuler la chance

2014 Tirage numérique 35×50 cm Edition 1/10 Prix sur demande

numériquement ordinairement sûre – il est SELMA donc l’occasion pour la machine d’exprimer une impensable individualité sous la forme d’un rendu visuel inventé de toute pièce. LEPART La deuxième étape de Manipuler la chance reprend les mêmes fichiers informatiques, Selma Lepart est une artiste plasticienne, ouverts selon une technique différente – et diplômée de l’École Supérieure des Arts chaque nouvelle lecture de ces fichiers Décoratifs de Strasbourg. Elle utilise créera une interprétation différente de la pour ses créations des matériaux ou des machine, un rendu inédit, une réinvention techniques issues de l’informatique, de complète. L’absolue clarté du code devient la physique et de la chimie ou encore les toute relative, la machine, lorsqu’elle se parle nanotechnologies. Elle a pu bénéficier ces à elle-même, semble capable d’inventer des dernières années de temps de travail au marges, des images fantômes, des rêves de sein même de l’Université des Sciences pixels – l’ébauche d’une conscience formelle de Montpellier Ce contexte lui a permis de (ses propres gravures rupestres). réaliser notamment les créations Mercure Noir et Esquive présentées dans différents Autres oeuvres exposées à VARIATION : contextes en France (Fondation Vasarely, 2014 Année de la chimie – CCSTI Espace 35x50 cm Mendès-France à Poitiers, Exposition Tirage numérique Edition 1/10 Immersions Digitales, société Accenture Prix sur demande à Paris, festival Ososphère à Strasbourg, 2014 OBORO à Montréal…). 30x30 cm Ready-Made informatique, Manipuler la Tirage numérique Edition 1/10 chance dans sa première étape ,a été obtenu Prix sur demande en récupérant des fichiers informatiques 2014 endommagés au cours des diverses 30x30 cm manipulations que la machine effectue en Tirage numérique Edition 1/10 interne. Un ordinateur (et par extension, Prix sur demande un programme, un robot, etc.) doit suivre des instructions pour fonctionner, ce qui le rend intégralement prédictible. Le fichier abîmé survit comme l’expression d’une défaillance, d’une brèche dans la mémoire CERCLE EN CONTORSIONS SUR TRAME

1966 123x123x20 cm Technique mixte Courtesy de l’artiste Edition 1/9 Prix sur demande

JULIO Les experiences avec les « contorsions », ont pour origine quelques-uns des themes des ensembles de » mouvement surprise LE PARC « . Et, comme dans d’autres cas, ils ont ete developpes independamment. Les » Precurseur de l’art cinetique et de l’Op Art, contorsions « , par exemple, utilisent des il participe en 1960 a la fondation du groupe rubans flexibles de rhodoïd blanc formant GRAV (groupe de recherche d’art visuel) des cercles places sur un fond noir, devant qui concretise, donne forme, organise et lequel ils se deforment lentement, actionnes developpe la confrontation d’experiences et par deux manettes commandant des vitesses d’idees. En 1966, est organisee sa premiere differentes (moteurs de 5 t/min et 4 t/min). exposition personnelle a la Howard Wide Le meme principe utilise par ailleurs des Gallery a New York. La meme annee, il rubans d’acier inoxydable poli. Places devant gagne le Grand Prix de la peinture a la un fond raye, ils recueillent et deforment les Biennale de Venise. Artiste engage, c’est raies dans leur mouvement. Places parfois en mai 1968 que sa participation active a « sur un fond blanc, l’incidence evidente de l’atelier populaire » des Beaux-Arts mene la lumiere s’ajoute aux deformations des a son expulsion de France. Il lutte aussi rubans, ce qui l’amena logiquement aux contre les dictatures en Amerique latine. recherches avec la lumiere artificielle dirigee. Julio Le Parc fut egalement laureat du grand prix international de peinture de la Autre oeuvre exposée à VARIATION : biennale de Venise. A travers ses œuvres, PROJECTION Le Parc privilegie « le rapport direct avec 1966 Technique mixte le public sans explication ni commentaires Courtesy de l’artiste ». Il veut trouver avec le public les moyens Edition 1/9 de « combattre la passivite, la dependance Prix sur demande ou le conditionnement ideologique, en developpant les capacites de reflexion, de comparaison, d’analyse, de reaction et d’action ». Julio Le Parc est une figure emblematique de l’histoire de l’art qui lui vaudra de nombreuses expositions dediees a son travail, notamment au palais de Tokyo en 2013. Kajiroa I

2015 60x60 cm Tirage lambda sous plexiglas Courtesy Juan Le Parc Edition 1/9 Prix sur demande

Actuellement il developpe des travaux JUAN sceniques, sonores et plastiques sur les interfaces homme-machine en temps reel.

LE PARC Juan Le Parc consacre son travail la sculpture digitale en 3D, a la realite virtuelle Ne en 1960 a Paris, Juan Le Parc travaille et au machinima. Entre art et science, depuis plusieurs annees sur les formes il interroge sur le statut du vivant, sur de representation du corps humain en la modification du concept de beaute, associant dans sa demarche les pratiques sur la politique du sexe. « Kajiroa » artistiques et scientifiques. En reprenant Soumission a l’autorite, s’interroge sur la les modifications scientifiques, il cree des statuaire de la soumission a travers des univers plastiques remplis d’etres hybrides, positions corporelles et comportementales chimeriques sortis d’imaginaires mythiques. emblematique. La ou le corps s’envisage Il deploie une tetralogie artistique basee comme territoire de resistance aux sur une esthetique de la monstruosite qui predations ideologiques et commerciales. lui permet de dissequer les contradictions ideologiques qui soutendent les discours Autres oeuvres exposées à VARIATION : univoques sur la perfection du corps humain KAIJIROA II contemporain. Il tente d’apporter une 2015, 60x60 cm alternative a la procreation medicalement Tirage lambda sous plexiglas Courtesy de l’artiste assiste en proposant une procreation Edition 1/9 assiste par l’imaginaire, s’inspirant des Prix sur demande mythes de fecondite et des rites erotiques. KAIJIROA III Il est cofondateur du « Laboratoire des Arts 2015, 60x60 cm Tirage lambda sous plexiglas Cognifits » et de la compagnie de theâtre Courtesy de l’artiste d’intervention urbaine « Conspiration Edition 1/9 Publique » avec laquelle il cree des Prix sur demande spectacles multimedias etranges sur le corps humain et ses modifications corporelles et psychiques tels que Chaosmose ou Suspension Cube. Il travaille regulierement avec des institutions medicales et scientifiques sur des projets ayant train aux problematiques de l’art et la science. Books Scapes

2012-2015 20x29x2 cm Impression numérique Courtesy Julien Levesque Edition 1/6 + 1 EA Prix sur demande

experience visuelle fragmentee, composee JULIEN pour chaque paysage de 100 petites images piochees dans differents livres numerises et accessibles en ligne (libres de droits) issues LEVESQUE de Google books. Ces collages numeriques font echos a nos souvenirs de lectures. Ne en 1982, l’artiste vit et travaille a Paris. Ces images etreintes flottent comme une Issu d’une formation multiple, il est diplome nebuleuse dans le cadre nous laissant croire des Beaux-Arts de Paris tout en etudiant a un mirage de nos pensees. en parallele a l’universite Paris 8 en Arts plastiques avec une specialisation dans les nouveaux medias. Il a egalement mene Autres oeuvres exposées à VARIATION : le post diplome de l’Ensad Lab et fut a un moment donne dans les trois ecoles en BOOKS SCAPES 2012-2015 meme temps. Depuis plusieurs annees, 20x29x2 cm il integre regulierement Internet dans son Impression numérique Courtesy Julien Levesque travail inventant des dispositifs interactifs, Edition 1/6 + 1 EA des sites et des objets questionnant d’une Prix sur demande maniere ludique et poetique notre realite BOOKS SCAPES contemporaine. Les themes recurrents a 2012-2015 20x29x2 cm son travail sont l’identite, la reappropriation Impression numérique de l’image, les paysages, les liens entre Courtesy Julien Levesque Edition 1/6 + 1 EA reel et virtuel, en general. Le reseau est la Prix sur demande source d’inspiration, le stimuli qui declenche le processus creatif. Venant s’introduire dans ces espaces communautaires, Julien Levesque exploite les outils de notre quotidien comme un immense terrain de jeu. Un jeu parfois absurde et non denue d’une certaine ironie dans nos societes en proie a des mutations rapides et des rituels automatises. Books Scapes nous rappellent les gravures du XVIIIe siecle. Ces paysages a la fois oniriques et singuliers nous invitent a une Three Suns

2012 Vidéo Code Génératif Courtesy LIA Edition de 5 + 1 EA Prix sur demande

Mais egalement au Musee Autrichien des LIA Arts Appliques, Contemporary Art Vienna en 2014. Au victoria & Albert Museum en LIA est une artiste autrichienne qui vit et collaboration avec onedotzero, a Londres en travaille a Vienne. Elle est consideree 2009. En Israel en 2012 au Design Museum comme l’un des pionniers du software et Holon. Au Garage Centre for Contemporary du net art et poursuit une carriere artistique Culture, Moscou, 2011 etc. L’artiste a depuis 1995. Elle developpe sa pratique egalement recu un certain nombre de prix, artistique sur tout type de support tel que dont le Digital Graffiti Curator’s Choice la video, la performance, le software, les Award en 2014 ; le Prix Ars Electronica, avec installations, la sculpture, les projections, Mention Honorable en 2007. et les applications digitales. Le codage est sa matiere premiere. LIA transpose un Avec son œuvre « Three Suns », LIA invite le concept en une structure formelle ecrite spectateur à un voyage à travers un univers qui peut etre utilisee pour creer une « de superformules et de sons hypnotisant. machine » qui genere des effets multimedia Trois objets noirs partagent l’espace avec en temps reel. Puisque son concept est des rayons lumineux orange. Générant un fluide – contrairement a l’ecriture formelle son continu qui dépends de leur position du code qui requiere la precision d’un relative par rapport aux autres, ils sont ingenieur- la traduction du processus constamment en mouvement et changeant entre machine et artiste peut etre vue de taille, s’encerclent les uns les autres. comme une conversation. Le processus Tandis qu’ils voyagent seul, ils laissent est repete jusqu’a ce que LIA soit satisfaite des traces, qui sont au-dessus du temps, de l’interpretation de la machine et que le au-dessus de l’écriture, et qui évoquent une cadre, dans lequel l’œuvre se developpe, vision d’infinité. soit considere comme fini. Combinant les traditions du dessin et de la peinture avec l’esthetique des images digitales et des algorithmes, les œuvres de LIA presentent des qualites minimalistes ainsi que des affinites avec un art conceptuel. Les travaux de LIA ont ete exposes a l’international notamment, Poetic Codings, a Sans Jose Institute of Contemporary Art, en 2014. Vanité jaune or

2009 100x100 cm Tirage lambda sous diasec Courtesy Christophe Luxereau, Galerie Vanessa Quang Edition 2/5 Prix sur demande

encore de l’œuvre de Rothko. C’est une CHRISTOPHE proposition née de l’accident, de l’incertain, composant fondateur de l’art sensible. Son utilisation de l’argentique s’est arrêtée, LUXEREAU comme pour de nombreux photographes professionnels,au milieu des années 90. Il a Diplômé de l’école des Beaux-Arts et vu le vent du numérique se lever, annonçant de l’école d’architecture en ingénierie l’obsolescence de la chimie et la nostalgie civile. Christophe Luxereau compte prévisible de l’aléatoire déjoué désormais par parmi les artistes dont les territoires la facilité technique. Il n’en reste aujourd’hui d’expérimentation se situent dans cet qu’un souvenir suranné de décors capturés entredeux de l’hybridation, entre réel et dont l’émotion reste la seule trace. virtuel. Il augmente, par l’image, les êtres, les corps ou seulement les membres, pour Deuxième volet faisant suite aux mieux nous évoquer un monde à l’ère des psychotropes, Vanités s’inscrit dans une biotechnologies. De l’histoire de l’art, il réflexion sur la virtualité et ses sources dans retient les thématiques universelles tandis l’art. La série de crânes nous renvoie à cette que sa pratique se situe dans un « après nécessité de possession même au sein des la photographie ». Et c’est finalement communautés virtuelles telle que Second par la mise en scène qu’il sollicite notre life. Ces crânes nous rappellent aussi que la imaginaire en attirant notre attention sur des virtualité est associée à cette idée de survie problématiques sociétales et philosophiques. sous forme désincarnée, de corps sans organe qu’est le réseau (Internet). Chemical Sunset, est une série de 36 vues, ready-made photographique évoquant Autre oeuvre exposée à VARIATION : la fin annoncée de l’image argentique. Ces photographies évoquent le moment CHEMICAL SUNSET (SERIE DE 36) 2015 de bascule entre l’image physique et sa 70x50 cm dématérialisation numérique. Un dernier Tirage lambda sous diasec Courtesy Christophe Luxereau, Galerie Vanessa Quang hommage à la matière, texture et aux Edition 1/5 codes de la photographie argentique. Ses Prix sur demande vues s’inscrivent dans une réflexion sur la lumière, une histoire de l’art dans la lignée des vues de la cathédrale de Rouen de Monet, du mont Fuji par Hokusaï ou Le trio (Jules, Catherine et Jim)

2011 120x60x90 cm Carte Arduino, servomoteurs, composants électroniques, métronomes, bois Installation sonore Courtesy Laurent Maureschal Edition 3 + 1 EA Prix sur demande

LAURENT catalogue monographique. Le Trio (Jules, Catherine et Jim) raconte l’histoire d’un trio amoureux par le MARESCHAL truchement du rythme joue par trois metronomes… Ces trois comparses qui Laurent Mareschal est ne a Dijon en 1975. s’agitent s’appellent Jules, Catherine et Jim, Il vit et travaille a Paris et y poursuit une nommes ainsi en hommage aux heros du carriere d’artiste plasticien. Il fit ses etudes roman d’Henri Pierre Roche et du film de aux Beaux-Arts de Paris (2000-2002) puis Francois Truffaut « Jules et Jim ». Les trois devient resident au studio national des metronomes battent au rythme du cœur arts contemporains. Dans ses videos, de ce fameux trio amoureux, ensemble a installations et performances, Laurent deux, les uns contre les autres, etc. Cette Mareschal recourt a des moyens inattendus. piece raconte une histoire d’amour, avec Au cours de deplacements de contextes ses moments de beatitude et ses tragedies, symboliques, un geste simple devient le mais d’une maniere abstraite a travers cette support a une confrontation politique, un jeu courte choregraphie rythmique. se transforme en lutte desesperee contre le temps, une rencontre conviviale autour d’une installation ephemere fait emerger les recits historiques. Entre l’engagement et la subtilite, ses projets trouvent leur force dans l’experience de ceux qui les partagent. (Anna Olszewska, commissaire d’exposition independante)Laurent Mareschal expose regulierement en France et a l’etranger, son travail a notamment ete montre au Victoria & Albert Museum (Londres, Angleterre), au Van Abbe Museum (Eindhoven, Hollande), au CAPC (), au Grand Palais (Paris), au Manege (Moscou, Russie), au Fresnoy (Tourcoing), a BPS 22 (Charleroi, Belgique) a la Fondation Ecureuil (Toulouse), au Musee d’art d’Ashdod (Israel). En 2011, le musee d’Art d’Ashdod a publie son premier Global Damage #1

2015 62,8x43,2 cm Film plastique blanc ABS et contreplaqué Imprimante 3D et découpe laser Courtesy Audrey Martin & Thomas Rochon Edition 1/25 + 2 EA Prix sur demande

typographie, signaletique…). En 2011, il AUDREY fonde avec Audrey Martin et Muriel Joya le collectif la Glaciere dans lequel il multiplie les MARTIN & collaborations. Cette serie de cartes postales numerotees retranscrit des simulations de catastrophes THOMAS naturelles liees a l’impact d’une meteorite avec la Terre. Chaque personne peut ROCHON modifier ses donnees scientifiques (poids, masse, vitesse) pour faconner sa propre Audrey Martin est une artiste qui vit et fin du monde sur le site www.purdue.edu/ travaille a Montpellier. Elle est diplomee de impactearth. Grace au site cré par des l’Ecole Superieure des Arts Decoratifs de scientifiques, l’homme peut mettre au point Strasbourg. Son travail aborde l’idee du hors et assister a sa catastrophe en rentrant champ a la fois spatial et temporel. A partir toutes les donnees scientifiques de la de zones oubliees ou abandonnees, elle fait meteorite. Il est l’instigateur de sa propre fin apparaitre des images qu’elle s’applique a et peut la maitriser devant son ordinateur. deconstruire aussitot. En 2015, elle presente Ce geste presque ironique nous donne un une exposition au Cafe Europa a Mons en pouvoir virtuel inconditionnel, nous pouvons Belgique. Elle participe a l’exposition « Avoir a present commander l’univers a la maniere des yeux au bout des doigts » au centre d’art de Dieu. La destruction de la terre devient L’œil, le Pompidou. Elle travaille actuellement un jeu, un acte banal. Chacun peut choisir sur des projets a l’etranger et participe a et decider de sa fin du monde. Derriere cette differentes residences, et est egalement simulation, les scientifiques nous proposent membre du collectif La Glaciere. Ne en des resultats concrets, comme si ce genre 1984, Thomas Rochon vit et travaille a Lyon. de catastrophe rentrait dans l’ordre naturel Graphiste diplome de l’Ecole Superieure des des choses. Arts Decoratifs de Strasbourg, il a travaille trois ans a Barcelone au sein du studio RunDesign. Depuis 2012, il est installe a Lyon ou il travaille comme graphiste independant. Il intervient dans tous les domaines de design graphique (web, edition, FONT DU SURF (GOING SURFING)

2014 67x87 cm Impression jet d’encre sur papier satiné 260g Courtesy Mazaccio & Drowilal Edition 2/3 Prix sur demande

court-circuitent les representations qui nous MAZACCIO & entourent, et offrent une reflexion sur les modes de circulation et de consommation ROBERT des images. Les collages de cette serie intitulee « DROWILAL Paparazzis », rassemblent sur une meme image des celebrites prises en photo Elise Mazac dit Mazaccio nee en 1988. par des paparazzis dans leurs activites Robert Drowilal ne en 1986. Des leur favorites : a la plage, jouant au golf, allant au rencontre en 2006, leur complicite a ete supermarche… L’accumulation desamorce immediate. Inspires tous deux par l’art le cote exceptionnel, et les stars retournent a conceptuel, le cinema, la photographie l’anonymat d’une foule. americaine et japonaise, ils prennent un vrai plaisir a concevoir ensemble leurs œuvres et s’associent. Ils pratiquent la photographie Autre oeuvre exposée à VARIATION : en duo, autant pour la prise de vue que pour la selection des images. Leur photographie JOUENT AU GOLF (PLAYING GOLF) 2014 ne s’attache pas seulement a decrire un lieu 67x87 cm ou des sujets specifiques, elles sont aussi un Impression jet d’encre sur papier satiné 260g Courtesy Mazaccio & Drowilal mode d’ecriture qui leur permet de semer le Edition 2/3 trouble entre le reel et sa representation. Les Prix sur demande cultures numeriques ont largement influence leur approche du medium photographique. Leur association a genere de nombreuses œuvres comme Paparazzia 2012, Wild Style 2014, et Champagne 2015. En parallele de leur pratique de la photographie ils ont toujours collectionne beaucoup d’images et pratique le photomontage. Les deux pratiques se nourrissent mutuellement; L’association, la confrontation, l’edition et le montage d’images constituent pour eux une partie importante du travail. D’une maniere generale leur travaux artistiques Internet, est-ce que tu m’aimes?

2015 Chien à la tête qui bouge, arduino yun, internet Pièce unique Prix sur demande

mouvante vous ecoutent en permanence et ALBERTINE vous rassurent si vous leur posez la bonne question: Est-ce-que tu m’aimes ? Cette piece, connectee a Internet, peut se jouer MEUNIER de n’importe quel endroit dans le monde, comme une piece en duo, une personne Albertine Meunier pratique l’art dit numerique dans un lieu dialogue avec une personne depuis 1998 et utilise tout particulierement dans un autre lieu. Internet comme materiau. Elle se definit elle-meme comme une net artiste, artiste Jour apres jour, les donnees de pas nette. Cette expression bien que mouvements sont capturees et s’inscrivent legerement desuete – un net artiste etant sans fin dans des fermes de serveur. tout simplement un artiste de son temps – Couches sur le papier, les mouvements contribue a lui conferer un visage humain, d’Albertine se reperent tres facilement… bien loin de la froideur des machines succession de 1, de 2, de 3, de 4 ou de 5. Au numeriques. Ses travaux questionnent, premier coup d’œil, on repere le symptome autant de maniere critique que ludique, les des temps modernes, Etre immobile, soit grands acteurs de l’Internet tel que Google, a dormir soit souvent le nez colle a l’ecran. Twitter ou Facebook et le nouveau monde Ineluctablement le papier listing imprime tous qui nous entoure, nouveau monde, qui, les gestes d’Albertine. rempli de transistors et microprocesseurs, vit a la vitesse de la lumiere des reseaux. Autre oeuvre exposée à VARIATION : Elle tente dans ses recherches et dans ses

œuvres a reveler l’invisible ou la poesie MLPL – 64 / xx des choses numeriques. Ainsi, elle travaille 2015 Imprimante, papier listing, google activity api plus particulierement autour des grands Mouvement’s life paper listing themes suivants : l’esthetique de l’Internet, la Pièce unique materialite et la materialisation de l’Internet Prix sur demande mais explore aussi l’accumulation infinie que provoque la forme numerique.

Dans notre temps, ou ego et amour de soi sont largement ancres, ou « liker » devient le mode d’appreciation immediat, une question devient centrale. Cinq petits chiens a la tete L

2015 50x70 cm Tirage jet d’encre Courtesy Barnabé Moinard Edition 1/5 Prix sur demande

Harun Farocki est au cœur de ce travail qui BARNABÉ a vu le jour suite a un workshop a l’ENSP d’Arles. Ces images sont des detournements technologiques. Un programme inspire des MOINARD moyens de reconnaissance lit et interprete une image donnee (couleurs, formes et lignes). Or, il n’y a rien a savoir dans ces images, il est vain d’y chercher des Barnabe Moinard est un artiste francais ne informations. De plus le resultat est souvent en 1990. Il vit et travaille entre Arles et Paris. errone ou du moins inutile. Mais tant pis, Diplome d’histoire de l’art a la Sorbonne, il puisque s’ouvre alors un champ intriguant integre ensuite l’Ecole Nationale Superieure qui voit l’objectivite de la machine rencontrer de la Photographie d’Arles dont il poursuit la subjectivite de la creation, l’espace se actuellement la derniere annee du cursus. modifier, la figuration devenir geometrie. Selon Banarbe Moinard, la grande force de l’art numerique est tres clairement celle de Autres oeuvres exposées à VARIATION : la possibilite de dialogue entre l’œuvre et le visiteur. En interrogeant la technologie Reconstruction 2015 par l’art, Barnabe Moinard assure permettre 50x40 cm de mieux se rendre compte des enjeux et Tirage jet d’encre Courtesy Barnabé Moinard des problematiques que celle-ci implique. Edition 1/5 Lorsqu’il travaille, il essaye de suivre son Prix sur demande travail la ou il l’emmene jusqu’a le faire Camille #1 derailler en quelque sorte. Il s’agit pour lui 2015 50x50 cm d’etre en permanence a la limite. Il aime Tirage jet d’encre chercher a derouter le regard, a ne pas Courtesy Barnabé Moinard Edition 1/5 donner ce qui est attendu. Prix sur demande

L’imagerie numerique, du smartphone au drone de combat, est devenue independante de l’œil humain. Le numerique peut creer une image de la meme facon qu’il peut la lire voire meme – parfois pour le pire – l’interpreter. La question de l’image operatoire dont a parle mieux que quiconque -Refiguration / Self-Hybridation n°14

1998 Self-hybridation precolombienne

Image : 150x100 cm Tirage lambda couleur, encadré, sous plexiglas Edition de 3 + 1 EA Prix sur demande

les frontieres de l’art contemporain en ORLAN utilisant les biotechnologies pour creer une installation intitulee Manteau d’Arlequin, faite ORLAN est une artiste s’exprimant a travers a partir de cellules de l’artiste et de cellules differents supports : peinture, sculpture, d’origines humaine et animale. installations, performance, photographie, images numeriques, biotechnologies. C’est Autres oeuvres exposées à VARIATION : une des artistes francaises de l’art corporel Masque Janus Ekoi Nigeria et visages de femmes les plus connues au monde. Des les annees Euro-Forezienne 2003 1960, ORLAN interroge le statut du corps et 124x155,5 cm les pressions politiques, religieuses, sociales Tirage lambda couleur, encadré, sous plexiglas Edition 1/7 + 1 EA qui s’y inscrivent. Son travail denonce la Prix sur demande violence faite aux corps et en particulier aux Masque heaume Suku avec oiseau et visage de femme corps des femmes, et s’engage ainsi dans Euro-Stephanoise un combat feministe. Elle fait de son corps 2000 124x155,5 cm l’instrument privilegie ou se joue notre propre Tirage lambda couleur, encadré, sous plexiglas rapport a l’alterite. Le travail d’ORLAN sur Edition 1/7 + 1 EA le corps se fait egalement par le biais de la Prix sur demande photographie : ainsi trouve-t-on ce medium dans la photographie-sculpture du Baiser de l’artiste, mais aussi des photographies d’ORLAN en madone, dans le dispositif scenique des operations chirurgicales – performances, photographies-affiches de cinema, etc. ORLAN explore egalement l’utilisation des nouvelles technologies dans le domaine des arts. Dans son travail de la fin des annees 1990 et du debut des annees 2000, les Self-Hybridations, l’artiste, par le biais de la photographie numerique et des logiciels de retouches infographiques, hybride des visages de cultures differentes (amerindiens, precolombiens, africains). ORLAN tente ensuite d’elargir encore SERIE « SALUDO AL SIGLO XXI »

1986 100x100 cm développé avec logiciel CADAM, metod « Ray Tracing » impression numérique Courtesy Rolando Pena Edition 1/3 Prix sur demande

alors au point de vue de l’ordinateur, c’est ALEJANDRO ainsi que ses sculptures sont devenues particulierement esthetiques et pertinentes pour le design automatique en raison de leur OTERO nature geometrique. Dans la pratique, le travail est programme pour resoudre les problemes de design conceptuel des modules qui sont stockes Alejandro Otero est un artiste Venezuelien dans la base de data et utilises dans la ne en 1921 et decede en 1990. Otero construction de differentes sculptures. travaille les formes basiques, abandonnant la forme reelle des objets pour n’en faire Autres oeuvres exposées à VARIATION : ressortir que leur essence plastique. Ce SERIE « SALUDO AL SIGLO XXI » style se retrouve par exemple dans ses 30x30 cm Cacerolas (casseroles) 1946, et dans ses Courtesy Rolando Pena Pièce unique Cafeteras (cafetieres) 1947. Il initia en 1951 Prix sur demande un nouveau style non figuratif : des lignes de SERIE « SALUDO AL SIGLO XXI » couleur sur fond clair. En 1956, le Museum of 30x30 cm Modern Art de New York acheta le Coloritmo Courtesy Rolando Pena Pièce unique n°1. Otero rentra a Caracas en 1964. A partir Prix sur demande de la, l’interet qu’il portait a la technologie SERIE « SALUDO AL SIGLO XXI » determine une grande partie de son œuvre. 30x30 cm En 1973, Otero commenca a travailler sur Courtesy Rolando Pena Pièce unique la serie de tableaux Tablones, variante des Prix sur demande lignes de couleur sur fond clair de 1951. Apres sa mort, par decret presidentiel, la Fundación Museo de Arte La Rinconada vit son nom change en Fundación Museo de Artes Visuales Alejandro Otero.

Cette œuvre est le resultat d’une recherche menee pendant plus d’un an par Alejandro Otero. Il a commence en Mai 1986, a IBM au centre scientifique venezuelien en tant que chercheur invite. Otero s’interesse Or Noir

2014 6min30 Vidéo Courtesy Rolando Carmona Prix sur demande

a cette substance noire (appelee Mene pour ROLANDO les indiens qui l’utilisaient simplement pour impermeabiliser leurs pirogues.)

PEÑA « Mene digital » (1990) est une des premieres œuvres numeriques au Rolando Pena est un artiste venezuelien Venezuela. ne en 1943. Il est l’un des pionniers de la scene underground latino-americaine des Autres oeuvres exposées à VARIATION : annees 60, et une figure majeure de l’art contemporain venezuelien. Surnomme MENE DIGITAL le « Prince noir », Pena a ete forme a la 1987-1990, 1x1 m danse et au thétre. Il a cré de nombreux Tirage Lambda Courtesy Rolando Carmona happenings, projets de cinema expansif, Edition 1/3 projets multimedia et performances entre Prix sur demande Caracas et NY depuis 1964. Il fait partie MENE DIGITAL de cette generation de pionniers qui 1987-2015, 30x30 cm arriverent a la technologie en partant de Tirage Lambda l’art conceptuel, dans l’intention de creer Courtesy Rolando Carmona Pièce unique un espace de dialogique entre l’œuvre d’art Prix sur demande et le spectateur. Il developpe d’abord ses « experiences » en utilisant les technologies analogiques, jusqu’aux annees 80, quand il integre les laboratoires d’IBM a Caracas. Depuis ce moment jusqu’a aujourd’hui il elabore une vaste production d’œuvres multimedia, generant des espaces virtuels, animations digitales ou sculptures 3D afin de reflechir sur son obsession : « l’or noir » (Le petrole). Il a fait du baril dore a la fois une icone et une allegorie de notre epoque. Depuis plus de quarante ans, il s’est identifie a la fois personnellement et artistiquement au seul theme du petrole. Il reconnait la puissance presque divine que l’on accorde Incunable Digital (serie) 2014-2015 36x46 cm Photogramme Courtesy Pascale Peyret – Incunable Digital 2014 Pièce unique Prix sur demande

peut d’ores et deja parler d’une archeologie PASCALE numerique. Incunable Digital s’inscrit dans cette observation. A travers des installations, des photographies, des videos, son travail PEYRET questionne la memoire du regne vegetal, et celle des hommes a travers leurs productions Pascale Peyret, photographe et plasticienne industrielles. La serie Incunable Digital met vit et travaille a Paris. Installations, en œuvre la technique photographique « photographies, videos, son travail interroge pauvre » du photogramme pour reveler un notre perception du monde et l’ambiguite negatif de l’image fossile, un tirage unique a des liens qui unissent l’homme a la nature l’ere de l’image multiple. et aux produits manufactures. Elle participe actuellement aux Photaumnales de Beauvais ou elle presente DesAssemblage(s) une serie de travaux qui associent les outils numeriques d’aujourd’hui aux techniques anciennes de photographie.

Cette image petrifiee abstraite et onirique qui s’immobilise sur les ecrans d’ordinateur brises ou ont defile des millions d’informations. Le flux des donnees s’enraye, le temps se fige sur ces epanchements de cristaux liquides. Elle y voit une forme d’archeologie digitale. Incunable Digital donne une lecture singuliere de ces icones numeriques. Pascale Peyret utilise la technique « pauvre » du photogramme pour enregistrer la lumiere qui emane des ecrans casses. Dans l’obscurite du laboratoire se revele l’empreinte fossile de formes quasi organiques. Pascale Peyret explore le materiau informatique au rebus depuis une dizaine d’annees; Chaque creation est une sorte de temoin temporel precis. On The Place We’ve Been-Genève 20+1V2

2014 40x60 cm Emulsion photosensible sur peinture Courtesy Laurence Bernard Pièce unique Prix sur demande

leur passe fonctionnel le temps de l’image de BERTRAND leur matiere projetee. Il est co-auteur d’articles scientifiques. Ses dernieres expositions se sont tenues PLANES a Berlin, Saint-Petersbourg, Copenhague, Paris, Singapour, Bresil, Moscou. Bertrand Planes est ne a Perpignan en 1975. Il vit et travaille actuellement a Paris. Initie Apres avoir enduit d’emulsion photosensible au codage et aux arts visuels, il est diplome la toile et le cadre, l’image du tableau est des Arts Decoratifs de Paris (ENSAD) et de projetee sur le tableau lui-meme a l’aide d’un l’Ecole Superieure des Arts de Grenoble. Il video projecteur, puis l’image est revelee est notamment connu pour ses reflexions dans un bain de chimie argentique. sur la finalite de l’art. Il cree des videos, met en place des processus techniques Autre oeuvre exposée à VARIATION : complexes en collaboration avec les The Place We’ve Been GENÈVE 21+1V2 chercheurs du CNRS et creer de nouveaux 2014 68x47 cm outils a partir de mecanismes preexistant. Emulsion photosensible sur peinture Une des pratiques artistiques de Bertrand Courtesy Laurence Bernard Pièce unique Planes consiste a alteres les imperatifs Prix sur demande fonctionnels et commerciaux d’une serie d’objets standards. Tout en conservant leurs qualites esthetiques, il le garde eloignes de ces fonctions premieres afin d’en apporter, d’en creer de nouvelles, pouvant etre parfois en complete contradiction avec leur fonction d’origine. Bertrand Planes s’est installe au revers du reel, tout contre lui, pour mieux le tirailler. Sculpture constructiviste blanche metamorphosee par le truchement d’une projection video en ode consumeriste : Planes navigue en surface pour mieux percer son illusionnisme. Aux meubles qu’il recupere, il donne une nouvelle existence. Peints en blanc comme une empreinte fantomatique, les mises en scenes revetent VIRT1210

2015 25x18x2 cm Technique mixte Courtesy Dani Ploeger Edition 6/10 Prix sur demande

l’utilisation d’appareils electroniques, qui DANI sont souvent trompeusement percus comme immateriels a travers une focalisation sur leur design agreable, une obsolescence PLOEGER rapide, et des concepts comme le « Cloud », la « realite virtuelle », et « village global Dani Ploeger est un artiste et theoricien ». La couche de metal reduit les appareils a vivant actuellement a Londres. Dani Ploeger leur seule operation la plus basique, c’est- est doctorant de l’University of Sussex, a-dire le chargement de batterie. Ainsi, ils UK, et Professeur, il preside notamment deviennent des objets individualises qui le cours sur les Arts de la Performance sont principalement experimentables au a la Royal Central School of Speech niveau de la matiere et qui survivront a leurs and Drama, University of London. Il est homologues ordinaires. VIRT1210 (iPad egalement chercheur en charge d’un projet mini), est une tentative de reaccommodation arts-science AHRC-funded, portant sur de la poussiere obtenue lors du traitement la performance digitale et les politiques du gaspillage electronique et qui provient de gaspillage electronique. Sur le plan d’une usine de recyclage en Grande- artistique, ses travaux actuels portent sur la Bretagne. Le materiel toxique, qui reste materialite des appareils electroniques. Il est apres que toutes les ressources recyclables particulierement interesse par la decadence en ont ete extraites est presente dans un des nouveaux medias, dans un contexte emballage blister de vente au detail standard museal et plus largement au sein de la (VIRT1210) pour les accessoires d’iPad Mini. culture. Autre oeuvre exposée à VARIATION : Depuis deux ans, il voyage a travers la Charging Grande-Bretagne, les Etats-Unis, Hong 2014-2015 Kong, Nigeria et Egypte pour suivre les 70x30x110 cm Technique mixte traces de la consommation electronique Courtesy Dani Ploeger depuis les centres commerciaux et le centre Edition 1/1 + 1 EA de la culture consommatrice jusqu’a sa Prix sur demande vie apres utilisation, dans les poubelles et les lieux de traitements pour le gaspillage electronique qui sont caches de notre experience quotidienne. Interesse par la rematerialisation de l’experience faite par RCTNGL

2015 Dimensions variables Technique mixte Courtesy Olivier Ratsi Edition 1/3 + 1 EA Prix sur demande

RCTNGL est une œuvre issue d’un projet OLIVIER global appele Echolyse. Ce projet questionne notre apprehension de l’espace sous differentes formes : installation autonome RATSI et in situ ou realisation de modules sous la forme d’objets. RCTNGL se compose d’un Olivier Ratsi vit et travaille a Paris. Le travail support en angle droit sur lequel est projete d’Olivier Ratsi pose la realite objective, le un contenu generatif. Ce dispositif utilise temps, l’espace et la matiere comme autant la technique de l’anamorphose permettant de notions d’informations intangibles. Se de reveler au spectateur, lorsqu’il se situe basant sur l’experience de la realite et de ses a une distance precise, une nouvelle representations ainsi que sur la perception approche du dispositif. Depuis des annees, de l’espace, il concoit des œuvres qui son travail est base sur des dispositifs amenent le spectateur a se questionner melangeant differentes techniques, utilisees sur sa propre interpretation du reel. Son principalement lors de performances travail a ete presente dans le New York mapping : l’anamorphose, l’utilisation de la Times Magazine pour lequel il a realise un perspective et du principe du point de fuite… travail de commande, ainsi que dans des Ces techniques poussees d’une maniere festivals d’arts numeriques tels qu’Elektra radicale ont forme le noyau du projet et Mutek au Canada, en Suisse au Mapping Echolyse en aboutissant sur une serie de Festival, en Coree, a Taiwan, au festival travaux de tailles differentes ; RCTNGL etant Croisement en Chine, au Mexique, au le projet le plus petit et le plus adapte pour Bresil, Videoformes, et Bains Numeriques… etre presente en configuration « galerie ». Olivier Ratsi a cofonde ANTIVJ en 2007, un «label visuel» specialise dans les projections audiovisuelles, les performances architecturales et les installations lumineuses. En 2015, il a participe a l’exposition Cinetique Numerique Aujourd’hui / Galerie Denise Rene, Paris, France, ainsi qu’a l’exposition Anarchitecture Tokyo / Atsuko Gallery, a Tokyo. Au festival Mutek a Barcelone, ainsi qu’a la Media Ambition Tokyo a Tokyo. Hybrid Love I

2015 120x100x300 cm Technique mixte Courtesy Pia MYrvoLD & Théoriz Pièce unique Prix sur demande

nous eprouvons au contact des nouvelles PIA technologies, questionnant la science par l’Art.

MYRVOLD & Avec cette œuvre, ils ont enquete sur le lien entre la machine et l’humain THÉORIZ et notre faculte a les aimer si rapidement, et de nous rapprocher d’eux au point meme Pia MYrvoLD : est une artiste nee en de les toucher. Interagir et experimenter Norvege en 1960. Elle vit et travaille a la vie d’un robot est un debut a notre Paris et a New York depuis 1992. Avec comprehension de leur futur. Fascine la philosophie d’un art interdisciplinaire, par notre relation avec les technologies depuis les annees 80, Pia MYrvoLD explore innovantes d’aujourd’hui, Theoriz a et combine en meme temps les media commence a travailler avec des robots, : la peinture, le son, la video, le design, experimentant l’attraction speciale que l’on l’urbanisme et les nouvelles technologies. La a pour ces creatures, et nos sentiments recherche experimentale de Pia MYrvoLD speciaux pour eux. sur les media visuels a tisse un pont entre la mode et les nouvelles technologies, Autres oeuvres exposées à VARIATION : le monde de l’art et du design dans ses projets hybrides. Dans le catalogue “Works Hybrid Love II 2015 in motion” la philosophe Christine Buci- 120x100x300 cm Glucksmann ecrit : “Pia MYrvoLD inscrit Technique mixte Courtesy Pia MYrvoLD & Théoriz dans l’art une complexite pensee et multi- Pièce unique sensorielle, ou elle se revendique comme Prix sur demande peintre dans les images flux qui captent le Hybrid Love III temps et l’ambivalence de toute culture de 2015 120x100x300 cm plus en plus hybridee.” Technique mixte Courtesy Pia MYrvoLD & Théoriz Pièce unique THEORIZ est un collectif d’artiste et un Prix sur demande studio de creation Art et technologie specialise dans la conception d’experiences interactives et de spectacles audiovisuels innovants. Porte par David- Alexandre CHANEL et Jonathan RICHER, artistes et ingenieurs dans les nouveaux medias, THEORIZ s’interesse aux emotions que C3PO by PAUL-D

2015 25x30 cm Acrylique sur toile Courtesy de l’artiste Pièce unique Prix sur demande

5 Robots Named Paul est une installation PATRICK thétrale dans laquelle l’humain devient un acteur. A travers une scene qui nous rappelle le cours de dessin de modeles vivants, TRESSET l’humain prend place afin d’etre dessine par 5 robots. Patrick Tresset est un artiste francais qui vit et travaille a Londres. Il pratique depuis Autres oeuvres exposées à VARIATION : toujours l’informatique, la peinture, le NAO by PAUL-D dessin ainsi que la sculpture. Fascine par le 2015 25x30 cm comportement humain, son attention se porte Acrylique sur toile plus specifiquement sur la façon dont on Courtesy de l’artiste Pièce unique percoit le monde. De ce fait la representation Prix sur demande de l’Artiste est egalement sous entendue a PINOCCHIO travers ces robots. Son but artistique est de 2015 creer des systemes autonomes capables de 25x30 cm Acrylique sur toile produire des images qui ont une similitude Courtesy de l’artiste emotionnelle et un impact esthetique aussi Pièce unique fort qu’une œuvre produite par la main de Prix sur demande l’Homme. La machine n’a donc pas vocation a dessiner aussi bien que l’humain mais a avoir un effet esthetique sur le spectateur. Le travail de Patrick Tresset connait un large succes, de nombreux musees exposent ses œuvres, notamment le Victoria and Albert Museum (UK), le Centre Pompidou (FR). Sa derniere exposition de avril a juin 2015 a eu lieu au musee d’Art Moderne et Contemporain de Seoul en Coree du Sud. En tant que chercheur, il publie des articles sur l’intelligence artificielle, l’esthetique et la creativite numerique, la robotique, le dessin, l’art digital ainsi que sur le graphisme numerique. Cloud Gate Variation #18

2012 176,46x150 cm Tirage numérique monté sur dibond Courtesy François Vogel Prix sur demande

metrages. Il s’agit de deux autoportraits, l’un FRANÇOIS photographie dans un escalier d’immeuble a Sao Paulo, l’autre devant le « Cloud Gate » de Chicago. Ces photographies que VOGEL l’on pourrait qualifier de selfies deformes, presentent un personnage posant devant un Francois Vogel est ne et a grandi a Meudon espace qui se courbe, se replie sur lui-meme en banlieue parisienne. Il commence des et se multiplie. Mais a l’inverse du selfie dont etudes scientifiques tout en pratiquant le le message est : « regardez, j’etais ici ! » et dessin, la peinture et le cinema d’animation. qui ancre le personnage dans un lieu, ces Apres des etudes d’arts plastiques, il part autoportraits envisagent un lien different faire son service militaire comme tambour entre le sujet et le decor qui l’entoure. Dans en Nouvelle Caledonie. De retour a Paris, ces autoportraits, le sujet se retrouve en il partage son temps entre la photographie apesanteur dans le decor plutot que d’y (experiences avec le stenope, fabrications etre pose et le monde autour de lui semble d’appareils photographiques, de camera), et vivant, presque menacant, au point de la video (assiste l’artiste videaste Dominik vouloir l’engloutir. Barbier, realise des truquages au studio Mikros image). C’est ainsi que depuis une Autre oeuvre exposée à VARIATION : vingtaine d’annees, il combine son poste de CLOUD GATE Variation #18 directeur (publicites) et son travail d’auteur 2012 (court metrages). Ses court metrages ont 176,46x150 cm Tirage numérique monté sur dibond remporte de nombreux prix dans les festivals Copyright ©François Vogel et ont fait l’objet de plusieurs retrospectives Edition 1/5 + 2 EA (Clermont-Ferrand, Dubaï, Sofia, Sapporo, Prix sur demande Milan, Vendome et Valence). Inventeur d’appareils photo, fabricant de cameras virtuelles, Francois Vogel est a la fois artiste et chercheur. Depuis ses experiences photographiques jusqu’a ses creations cinematographiques, il joue avec notre regard, manipule notre perception du reel et nous plonge dans un univers unique. Il cree en 2008 la societe Drosofilms, avec laquelle il produit aujourd’hui ses courts REGLEMENT DE JEU SERIE COLOSSEUM

2014 120x160 cm Tirage C-print sous Diasec Courtesy Du Zhenjun, Galerie RX France Edition de 6 Prix sur demande

DU Le projet de la tour de Babel a commence en 2008 avec la creation de 6 photos representant un nouveau pays imagine ZHENJUN par l’artiste. Chaque photo correspond a un evenement particulier qui se deroule Ne en 1961 a Shanghai, Chine. Il vit dans ce pays, au pied d’une tour, crée de et travaille entre Paris et Shanghai. De toute piece par un assemblage de photos formation classique, Du Zhenjun est numeriques. Cette serie s’articule autour un artiste pluridisciplinaire qui mene un du theme du langage numerique donc travail singulier au sein duquel il utilise le universel. En 2011 sont apparues d’autres multimedia. Dans son travail de video, il photographies centrees davantage sur impulse une interactivite pour quiconque le bas de la tour, ou les humains et leurs s’approche de ses installations et utilise comportements passent au 1er plan. La serie l’informatique comme vecteur de messages Coloseum est la seconde partie du projet. actuels afin de reveler les pouvoirs de la Elle represente egalement l’univers d’Internet societe de l’information et sa capacite a ou sevit une competitivite cruelle ou chaque integrer quiconque, a manipuler l’individu. individu mene un combat permanent sur une Transformant l’espace, il offre divers niveaux scene mondialisee. de lecture dans des creations de grande amplitude qui oscillent entre un rendu Autre oeuvre exposée à VARIATION : ludique et un contenu tragique. Tout comme sa premiere serie photographique « Tour de DISTRESS : TOUR DE BABEL SERIE COLOSSEUM Babel » debutee en 2010, temoignant – entre 2014 l’ironie et le questionnement – d’un monde 120x160 cm Tirage C-print sous Diasec contemporain apocalyptique ou l’humanite Courtesy Du Zhenjun, Galerie RX France affronte des catastrophes qu’elle a auto- Edition de 6 generees. En 2015, il propose une exposition Prix sur demande personnelle a la Pearl Lam Gallery a Shanghai et se trouve etre l’affiche officielle de Roland Garros. En 2014, il presente son travail au Chateau de Chambord en France. Son travail est egalement largement presente a l’international (Allemagne, Espagne, Japon etc…). NOS PARTENAIRES

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